GoodTimes - Music from the 60s to the 80s Jeff Beck (Vorschau)

INHALT 

Ausgabe 130 · Juni/Juli 2014 

12 Jeff Beck 

Die frühen Jahre 


Stil ohne Grenzen 


Interview & Statements der Kollegen 

18 Nazareth 

Schwere Zeit für Dan, den Kämpfer 

20 Fabulous Poodles 

Auf den Hund gekommen 

21 California Breed – Glenn Hughes 

Endlich " 

Vater" – ohne Funk 

22 Rolling Stones 

Stunk um Steine – Teil 1 

24 Stig Edgren 

Elvis, Clinton und der Papst 

25 Kenny Wayne Shepherd 

Blues mit Relevanz 

26 Ian Anderson 

Der ewige Geschichtenerzähler 

27 Doro 

Neue Songs & Tipps für Jogi 

28 Byrds 

50 Jahre – Teil 2 

30 Abba 

Ein Waterloo für den Rest der (Pop-)Welt 

74 GoodTimes-Tipp 

Michael Lee Firkins – Bryce Janey 

76 Viva Mexico! 

South of the border 

80 Kolumne Christian Simon 

Mick Fleetwood: "Not Fade Away" & die Ghana-Connection 

81 Albert Hammond 

Wie der Vater, so der Sohn, so der Vater 

81 GoodTimes-Newcomer 

Alise Joste – Holy Mountain 

82 Smokie 

Vielleicht bleibt nur " 

Alice" 

85 Smokie 

Discographie 

87 Dukes Of September 

Donald F. – ein fauler Sack 

88 Rainbirds 

Häutungen 

89 Peter Urban 

Von Ray Davies zum ESC 

90 Live 

Rock Meets Classic – Status Quo – Helter Skelter 

Chi Coltrane – Rother Bluestage 

94 Stilkunde (Folge 6) 

Punk (UK/USA) – Drei Jahre, die die Welt erschütterten 

98 Karussell 

Leipziger Allerlei 

100 Rares aus den 60s: Pop-Stars singen Werbung 

Joghurt, Deo, Coca-Kohle 

103 Circa Zero 

Rockender Ex-Polizist 

103 Feelsaitig 

Aus dem Brutkasten bis Moskau 

104 Es war einmal ... 

Ein Blick zurück auf Denkwürdiges 

110 Blondie 

Ein Puzzle zum Jubiläum 

111 Andy Scott 

Kreuzverhör 

112 Cyril Neville / Royal Southern Brotherhood 

Blues-Porträt No. 44 

114 ... zuguterletzt 

Chris Farlowe – Space Debris – Walter Trout 

Jeff Beck, S. 12 

Ian Anderson, S. 26 

RUBRIKEN 

6 Aktuell – Neues aus der Szene 

32 CD/Vinyl-Vorstellungen 

66 DVD/Blu-ray-Vorstellungen 

68 Buch-Vorstellungen 

70 GoodTimes-Shop 

72 Kleinanzeigen 

Editorial 

Nazareth, S. 18 

S. 94 

Rolling Stones, S. 22 

Blondie, S. 110 

73 Abo-Bestellschein 

87 Charts 

106 Konzertkalender 

113 Leserbriefe 

114 Impressum 

Musik dient vor allem dem Vergnügen, sie soll Hörer unterhalten. 

Musiker, vor allem die jungen, wollen sich mit 

ihr selbst verwirklichen oder/und (auch) für das andere 

Geschlecht interessanter werden – und Geld darf die 

ganze Geschichte ebenfalls einbringen. Ganze Geschäftszweige 

sind in den letzten Jahrzehnten entstanden, um 

mit Tönen und ihrer Präsentation zu verdienen. Musik bestimmt 

bei vielen Menschen mehr oder weniger das Leben 

– und das hat bekanntlich nicht nur Sonnen-, sondern 

auch Schattenseiten. Was das bedeutet, erlebt derzeit die Familie Trout. Noch vor 

einem Jahr war Gitarrist Walter Trout vor Kraft strotzend durch Deutschland getourt, 

hatte mit GoodTimes gesprochen. Seit kurzem nun steht ein Foto von ihm 

online, das zweifeln lässt, ob er es überhaupt ist: Durch seine Krebserkrankung ist 

er massiv abgemagert, braucht in den nächsten Wochen unbedingt ein Transplantationsorgan, 

sonst wird er seinen 64. Geburtstag nicht mehr erleben. Wir haben 

mit seiner Ehefrau Marie gesprochen (siehe „…zuguterletzt"). 

Zu Erfreulicherem: Unser GoodTimes-Sonderheft „Edition" – randvoll 

mit Discographien – stößt auf große Nachfrage. Offenbar haben 

wir damit einen Nerv getroffen. Die zweite Ausgabe ist bereits in 

Arbeit. Zu Irritationen hat vielleicht die Tatsache geführt, dass das 

Heft nicht über den Zeitschriftenhandel erhältlich ist, sondern nur 

über den Verlag. Sorry, unser Versäumnis, wir hätten deutlicher darauf 

hinweisen müssen. Und noch ein Thema mancher Anfragen: Einige 

Leser hätten gern Poster in GoodTimes, die gibt es aber bereits im GoodTimes- 

Schwesterblatt kult! – und dort in jeder Ausgabe! Machen Sie sich bitte selbst ein 

Bild davon – nähere Informationen dazu gibt es auf Seite 93. 

Ich wünsche Ihnen auch mit dieser Ausgabe viel Vergnügen. 

Fabian Leibfried 

-Herausgeber/Chefredakteur- 

MUSIK-STILE 

NEU 

Nr. 10 

jetzt erhältlich! 

GoodTimes 3/2014 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 3

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Über 

100 Artikel ! 

DVD 

Tina Turner – One Last Time 

The Cure – Trilogy 

Live In Berlin 

Diana Krall – Live In Paris 

The Rolling Stones – Ladies & 

Gentlemen 

Jethro Tull – Live At Montreux 2003 

Jeff Beck – Performing This 

Week ... 

The Rolling Stones – Stones In Exile 

Supertramp – Live In Paris 1979 

ZZ Top – Double Down Live 

Live Rockpalast 

Herbert Grönemeyer 

Live At Montreux 2012 

Bruce Springsteen – 

Springsteen & I 

Peter Gabriel – New Blood 

Live In London 

Eric Clapton 


Phil Collins – Going Back – Live 

Queen – Rock Montreal & Live Aid 

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Blu-ray 

Bee Gees – One Night Only 

Herbert Grönemeyer 


Gary Moore & Friends – One Night 

In Dublin – A Tribut To Phil Lynott 

Queen – Rock Montreal & Live Aid 

The Rolling Stones 

Sweet Summer Sun 

Santana – Greatest Hits 


Bruce Springsteen – Springsteen & I 

Supertramp – Live In Paris 1979 

Toto – Live In Amsterdam 

Slash – Made In Stoke 24/7/11 

Santana – Hymns For Peace 



Live In Texas ‘78 

The Doors – Live At The Bowl ‘68 

Alanis Morissette 


Placebo – We Come In Pieces 

CD 

Toto – Falling In Between – Live 

ZZ Top – Live From Texas 

Johnny Cash – Concert Behind 

Prison Walls 

Gary Moore 


Jethro Tull – Nothing Is Easy 

Live 

www.facebook.com/DerRockschuppen

News 

Aktuell News Aktuell 

Die Veteranen können es nicht lassen 

– und haben es aber auch immer noch 

drauf: Uriah Heep bringen drei Jahre 

nach INTO THE WILD ein neues, ihr dann 

24. Studio-Album heraus: Es wird den Titel 

OUTSIDER tragen und am 6. Juni erscheinen. 

„Wir sind sehr stolz auf unsere 

Geschichte, aber genauso wichtig ist es, 

neues Songmaterial zu produzieren. OUT- 

SIDER ist ein kraftvolles Rockalbum im 

wahren Heep-Stil und zeigt, g, dass wir immer 

noch dieselbe 

Leidenschaft 

und Energie wie 

früher haben", 

kommentierte 

Gitarrist und 

Bandleader Mick 

Box das neue 

Album schon mal vorab. Sein Si Debüt Dbüt am 

Bass gibt Davey Rimmer, der im letzten 

Sommer den verstorbenen Trevor Bolder 

ersetzte. „Dafür hat uns Trevor noch seinen 

Segen gegeben", sagte Box+++ 

Zum 25-jährigen Jubiläum der Erstveröffentlichung 

von MYSTERY GIRL von Roy 

Orbison veröffentlicht Legacy das Werk 

in verschiedenen neuen Konfigurationen: 

als CD/DVD Deluxe Edition, als Expanded 

Edition mit 15 Titeln oder als Download. 

Zudem erscheint am 6. Juni auch noch 

eine Deluxe Doppelvinyl Version (audiophile 

180g-Doppel-LP). Die Deluxe Edition 

präsentiert neben den zehn Originalsongs 

(darunter "You Got It") neun bislang unveröffentlichte 

Studio- und Arbeitsdemos 

sowie den 60-minütigen Film „Mystery 

Girl: Unraveled" auf DVD. Der Film doku- 

Unsere Gewinner aus Heft 1/2014 

– Detlef Haßmann, Werther 

– Uli Lerch, Graz (Österreich) 

– Klaus Exner, Egelsbach 

– Uwe Lambek, Berlin 

Gewinner 5 x 2 Tickets zur Mega 

Platten & CD Börse in Holland 

– Karlheinz Mönch, Pforzheim 

– Jürgen Schneider, Hannover 

– Günter Engels, Krefeld 

– Erwin Schwitzer, Lindau 

– Mandy Huckauf, Berlin 

Gewinner Sweet-Konzert 

aus Heft 2/2014 

– Volker Heitz, Mannheim 

– Joachim Dunger, Würzburg 

– Iris Wagner, Stuttgart 

mentiert Song für Song die Entstehung des 

Albums anhand privaten Archivmaterials 

und Kommentaren von Zeitzeugen+++ 

Die Bacon Brothers Feat. Kevin Bacon 

überraschen mit einem neuen Studio-Album, 

für das die Band durchgängig frische 

Songs geschrieben hat, die mehr songwritermäßig 

orientiert sein sollen. Zu hören 

sein wird 36 CENTS bereits im Juni, inklusive 

eines Duetts mit Daryl Hall+++ 

FRAGILE wird das erste Album von Midge 

Ure mit neuen Songs seit zwölf Jahren heißen. 

Es beschert eine Rückkehr zum klassischen 

Ultravox-Stil. Eine Nummer hat Ure 

gemeinsam mit Moby inszeniert, außerdem 

gibt's seine Version von "Rise Again", der 

Zusammenarbeit mit Schiller. Der für Juni 

angepeilte Veröffentlichung (auch auf 

Vinyl) lässt Ure dann im November neun 

Shows in Deutschland folgen, bei denen er 

die Songs live vorstellen wird+++ 

Im Gewandhaus zu Leipzig wird Bryan 

Ferry am 9. Juni als erster Künstler mit 

dem „A Life In Voice"-Award ausgezeichnet. 

Die Laudatio wird Bernd Dinter, Direktor 

Kultur und Stiftung Sal. Oppenheim 

Privatbank und persönlicher Freund 

Ferrys, halten. Geehrt werden mit dem 

neuen Preis künftig Musiker von internationalem 

Weltruhm, die nach über vier 

Dekaden immer noch im Musikbusiness 

tätig sind. Ferry wird im Rahmen der Ehrung 

zweimal live mit dem Symphonieorchester 

Leipzig auftreten: am 8. und 

9. Juni, jeweils im Gewandhaus. Und die 

Kunst hat ihren Preis: Die Tickets kosten 

132, 152, 182 und 192 Euro. Die ausgezeichneten 

Künstler werden jeweils mit 

einer eigenen Konzertreihe und einer vom 

Leipziger Kunstdesigner Rudolf Kocéa geschaffenen 

Skulptur gewürdigt+++ 

Nach längerer Solo-Funkstille meldet sich 

Meistergitarrist Rick Vito (Fleetwood Mac, 

Bob Seger Band) im Sommer mit einem 

Rock + Pop 

Memorabilia 

Wall Of Fame • P.O. Box 1950 • 48580 Gronau 

Tel.: 0171/7412584 • eMail: info@wall-of-fame.de 

Internet: www.wall-of-fame.de 

Goldene Schallplatten, Signaturen etc. von Abba 

bis Zappa. Das weltweit größte Angebot an Raritä ten 

aus dem Bereich Rock+Pop Memorabilia. 

Anfragen bitte telefonisch. 

© Pressefoto 

neuen Album zurück: Die Veröffentlichung 

von PRETTY WOMAN verbindet er gleich 

mit einer Tour im September. Dabei will er 

sein neues musikalisches Konzept („Blues- 

Rock mit Swingansätzen") konzertant vorstellen. 

Und er wird wieder Charlie Harrison 

(Poco) mitbringen+++ 

Unvergessene Vokalaufnahmen großer 

amerikanischer Sängerinnen und Sänger 

wie Marvin Gaye, Billie Holiday, Aretha 

Franklin, Nina Simone, Bill Withers, Sly & 

The Family Stone (und viele mehr) mit neuen 

Samba-und Bossa-Nova-Arrangements 

präsentiert die Compilation STUDIO RIO 

PRESENTS: THE BRAZIL CONNECTION. 

Hinter dem Projekt stehen die Berman 

Brothers, realisiert wurde es unter Mitwirkung 

namhafter brasilianischer Musiker, 

darunter Grammy- 

Preisträger Roberto 

Menescal und die 

brasilianische Musiklegende 

Marcos 

Valle. Das Album 

wird ab dem 23. 

Mai, also noch vor 

Eröffnung der Fußball-Weltmeisterschaft in 

Brasilien, als Download und CD erhältlich 

sein, die Vinylversion ab 6. Juni. Verwendet 

wurden die originalen Mehrspurbänder 

der Songs, aus denen mit Hilfe modernster 

Technologie die Gesangsspuren extrahiert 

und zu neuen Arrangements gemischt 

wurden+++ 

Nach seinem konzertanten Kurzbesuch in 

Deutschland im Juni wird Albert Hammond 

im Vorfeld seiner großen Herbst- 

Tournee noch im Juli eine Single herausbringen. 

Die enthält drei neue Songs, 

darunter ein Duett mit Sohn Albert Jr. (The 

Strokes) – die erste Zusammenarbeitung 

der beiden Hammonds. Außerdem konnte 

der Senior Hannes Rossacher dafür gewinnen, 

eine Live-DVD und eine Dokumentation 

zu produzieren+++ 

Zum 40. Jahrestag der Veröffentlichung 

legt Legacy/Sony Music BRAIN SALAD 

SURGERY von Emerson Lake & Palmer 

(ELP) als Super Deluxe 

Edition mit 

eigens gefertigten 

5.1- und High- 

Resolution-Mixen 

und bislang unveröffentlichtem 

Material (mit ein 

wenig Verspätung) neu auf. Erhalten bleibt 

das originale Artwork von HR Giger+++ 

Roger Chapman überarbeitet derzeit 

sein letztes Studio-Album HIDE GO SEEK 

(inklusive Remastering) und wird es mit 

neuen Stücken erweitern. Das „Reformwerk" 

soll mit dem Titel NEW PEACE erscheinen, 

der VÖ-Termin ist allerdings noch 

offen, da „Chappo" nicht unbedingt der 

schnellste Arbeiter im Studio ist+++ 

Abba, ESC-Jubiläum und kein Ende: Das 

schwedische Quartett feiert das 40-jährige 

Jubiläum des "Waterloo"-Erfolgs mit 40 

Singles, die zwischen 1972 und 1982 erschienen 

sind. Als nächstes einnahmeträchtiges 

Fan-Kultobjekt erscheint das limitierte 

THE SINGLES BOXSET, eine 40 x 7” Vinylbox 

mit dem Originalartwork. 31 der kleinen 

schwarzen Scheiben waren von Abbas 

schwedischer Plattenfirma Polar Music konzipiert 

und in Schweden und/oder dem restlichen 

Skandinavien veröffentlicht worden, 

angefangen mit der Debütsingle "People 

Need Love". Die übrigen neun waren nur 

bei lokalen Plattenfirmen erschienen. Zum 

Beispiel die deutschen Versionen von "Ring 

Ring" und "Waterloo", die französische Fassung 

von "Waterloo" sowie die spanischsprachigen 

Ausgaben von "Chiquitita" und 

"I Have A Dream". Außerdem die portugiesische 

Single "Happy New Year", die britische 

12" "Lay All Your Love On Me" (hier als 7”) 

und die australische Single "When All Is Said 

And Done". Der Ladenpreis für die Box liegt 

bei etwa 200 Euro+++ 

Die Mojo Makers, die dänische Bluesentdeckung 

des vergangenen Jahres, veröffentlichen 

nach ihrem erfolgreichen 

Debütalbum WAIT TILL THE MORNING 

demnächst den Nachfolger DEVIL HANDS 

und werden damit auch auf Tour nach 

Deutschland kommen+++ 

Im Oktober startet Joan Armatrading 

ihre große Farewell-Tournee im UK, um 

dann im Januar 2015 auch live von ihren 

Fans in Deutschland Abschied zu nehmen. 

Sie kündigte an, dabei solo nur mit 

ihrer Akustikgitarre aufzutreten – und sie 

will auch erstmals wieder auf der Bühne 

Klavier spielen. Das Ganze soll in Form 

eines Storyteller-Programms ablaufen+++ 

Foto: © Joel Anderson 

Zwar hatte er sich eigentlich schon als Bühnenkünstler 

verabschiedet, doch inzwischen 

geht es Chris Rea gesundheitlich offenbar 

wieder besser. Und so kommt er mit seinen 

größten Hits zur „Last Open Road Tour 

2014" zu 15 Konzerten nach Deutschland. 

Auftakt ist am 31.10. in Nürnberg+++ 

Interessierte Fans können das Fanmagazin 

„Beatlemania – Made in DDR" aus dem 

„Beat Archiv Glauchau" kostenfrei als PDF- 

Datei per E-Mail anfordern. www.beatarchiv.de+++ 

Die Library Of Congress hat weitere 25 

Aufnahmen in ihre National Recording Registry 

aufgenommen, die damit inzwischen 

400 Titel enthält. Darunter waren diesmal 

"Cathy's Clown” der Everly Brothers, "Fortunate 

Son "(CCR's ), Isaac Hayes' "Theme 

From Shaft” und Linda Ronstadts Album 

HEART LIKE A WHEEL. Die jeweiligen 

Songs/Alben werden nach ihrer kulturellen, 

historischen oder ästhetischen Bedeutung 

gewählt und gewürdigt+++ 

Seite 6 ■ GoodTimes 3/2014 ■ Music from the 60s to the 80s

News Aktuell News 

Aktuell 

Mit intelligenten politischen Texten und 

eingängigen Songs zwischen Synthie-Pop 

und New Wave gelang John Watts mit 

seiner Band Fischer-Z um 1980 der internationale 

Durchbruch. Inzwischen hat der 

Multi-Instrumentalist mehr als 20 Alben 

veröffentlicht. Diese 

Reihe hat er nun 

mit der vier Songs 

umfassenden 

10”-Vinyl-EP „My 

Heart’s Too Big For 

My Body" erweitert. 

Die limitierte 

Vinyl-EP wird nur bei seinen anstehenden 

Konzerten verkauft und ist auch als digitaler 

Download bei allen gängigen Onlinestores 

sowie über seine Homepage http:// 

fischer-z.com erhältlich. Bei dem Werk 

handelt es sich um eine Vorabveröffentlichung 

aus dem im August kommenden 

Album THIS IS MY UNIVERSE. Um die Verwirrung 

der verschiedenen Namen (Fischer- 

Z, John Watts, J.M. Watts, Watts oder The 

Cry) künftig zu lösen, erscheinen nun alle 

Veröffentlichungen unter dem Banner John 

Watts/Fischer-Z+++ 

Ein Brief, den John Lennon an seinen damaligen 

Produzenten Phil Spector schrieb, 

aber nie abschickte, ist bei einer Versteigerung 

für 88.000 Dollar unter den Hammer 

gekommen. In dem Schreiben beschwerte 

sich der Ex-Beatle darüber, dass Harry 

Nilsson und Keith Moon im Studio auf ein 

Mischpult gepinkelt hätten+++ 

Ungeahnte besondere Brisanz durch 

die Entwicklungen in der Ukraine gewinnt 

die überarbeitete Wiederveröffentlichung 

von Billy Joels A MATTER 

OF TRUST – THE BRIDGE TO RUSSIA. 

Dokumentiert ist dabei Joels historische 

1987er Tour in Russland. Die 

Deluxe Edition bietet als Boxset einen 

Konzertfilm in voller Länge („The Concert") 

auf DVD/Blu-ray, ein Doppelalbum 

inklusive bisher unveröffentlichter 

Tracks und Bonus-Material auf CD 

(„The Music") und einen exklusiven 

„Showtime"-Dokumentarfilm. Regie 

führte der vierfache Emmy-Preisträger 

Jim Brown („Pete Seeger: The Power 

Of Song", „American Roots Music", 

„An Evening With Henry Belafonte"). 

Zusätzlich enthält die Deluxe Edition 

ein Buch mit seltenen Fotos und neuen 

Liner-Notes sowie Augenzeugenberichten. 

„The Music" erweitert den 

1987er originalen Live release um zwölf 

bisher unveröffentlichte Performances. 

DVD/Blu-ray und Doppel-CD sind auch 

einzeln erhältlich+++ 

Um in Russland zu bleiben: STEELHAM- 

MER – LIVE FROM MOSCOW ist die neue 

DVD von U.D.O betitelt, die die besondere 

Ost-West-Beziehung der Band um Sänger 

Udo Dirkschneider aufleben lässt. Das 

Konzert, das dafür aufgezeichnet wurde, 

fand im Sommer 2013 im Rahmen der 

„Steelhammer"-Welttour statt+++ 

Es ist nichts Neues, dass Gregg Allman 

gesundheitlich angeschlagen ist. Sowohl 

am 21. als auch 22. März fehlte er wegen 

einer Bronchitis, als die Allman Brothers ihr 

alljährliches Gastspiel im New Yorker Beacon 

Theatre gaben, außerdem verschob die 

Band deshalb vier im Anschluss geplante 

weitere Gastspiele an dieser Stelle. Als Gäste 

an den beiden Abenden ohne Allman waren 

dabei: Sänger Jimmy Hall (Wet Willie), 

Ex-ABB-Keyboarder Chuck Leavell, Gitarrist 

Bernie Marsden, Susan Tedeschi, Sänger 

Jimmy Vivino, Greggs Sohn Devon Allman, 

Cyril Neville (beide Royal Southern Brotherhood) 

und Saxofonist Bill Evans. Da sich 

die Geschichte der Band nach dem Ausstieg 

der beiden Gitarristen Derek Trucks und 

Warren Haynes offenbar ihrem Ende entgegenneigt, 

sollten Hardcore-Fans die Gelegenheit 

nutzen, sie beim Mountain Jam 

Festival (5.-8. Juni) in Hunter Mountain, 

New York, noch einmal live zu erleben. Dort 

ebenfalls dabei sein werden Gov't Mule, die 

Tedeschi Trucks Band, Bob Weir & Ratdog 

und die Avett Brothers+++ 

Bernie Marsden hat ein neues Solo-Album 

fertig, auf dem sein früherer Boss bei 

Whitesnake, David Coverdale, zu hören sein 

wird. Die Scheibe soll im Sommer herauskommen+++ 

Steven Tyler und Joe Perry haben ihrem 

Aerosmith-Hit "Dream On” ein neues 

Arrangement verpasst und die Nummer zu 

Ehren der Opfer des Bombenanschlags auf 

den Boston Marathon 2014 für ein Special 

des TV-Sender ESPN noch einmal aufgenommen. 

Mit im Studio war der Southern 

California Children's Chorus. Im Anschluss 

an ihre aktuelle US-Tour werden Aerosmith 

neben Stevie Wonder Ende Juni als Headliner 

beim „2014 London Calling Festival" 

auftreten+++ 

Jon Hiseman, der nun 70-jährige Bandleader 

und Drummer von Colosseum ist im 

Vorfeld der Deutschland-Tour ab Ende Oktober 

schwer beschäftigt. Bis zum Sommer 

will er neue Alben seiner Gruppe sowie von 

Paraphernalia, der Band seiner Sax spielenden 

Ehefrau Barbara Thompson produzieren. 

Außerdem ist für den 17. Juli ein 

einmaliges Reunionkonzert mit Wolfgang 

Dauner und dem United Jazz & Rock Ensemble 

New Generation im Mercedes Museum 

in Stuttgart angesetzt+++ 

Tom Petty ist mit dem ASCAP Founders 

Award des US-Musikverleger-Verbands ausgezeichnet 

worden. „Durch meine Helden 

Jackson Browne und Bob Dylan habe ich 

gelernt, wie ein guter Song klingen könnte", 

sagte Petty bei der Verleihungszeremonie 

in Hollywood. Lucinda Williams spielte 

mit ihrer Band bei der Veranstaltung zu 

Ehren Pettys dessen Song "Rebels" in ei- 

ner verlangsamten Version, während sie bei 

"Running Down A Dream" mehr Gas gab, 

als es beim Original der Fall ist+++ 

Das neue Judas-Priest-Album ist laut 

Sänger Rob Halford fertiggestellt. „It's 

fucking heavy!”, sagte Halford, ließ sich 

aber sonst keine weiteren Details ent locken. 

Angepeilt ist offenbar eine Veröffentlichung 

im August+++ 

Ein 18-Song-Demo-Album haben die Altpunker 

von Green Day für den diesjährigen 

„Record Store Day" herausgebracht, darunter 

ein unveröffentlichter Track ("State Of 

Shock”) sowie eine Akustikversion von "Stay 

The Night". Die Demos stammen aus den 

Sessions für die 2012 erschienenen Alben 

UNO, DOS und TRÉ und sind auf buntem 

Vinyl, CD und sogar in Cassetten-Form mit 

dem Titel DEMOLICIOUS erschienen+++ 

David Bowie hat offenbar wieder Spaß an 

der Arbeit im Studio. Obwohl sein jüngstes 

Album THE NEXT DAY erst ein Jahr alt 

ist, bastelt er bereits an einem Nachfolger. 

Produzieren wird wieder Tony Visconti, und 

der verriet, dass möglicherweise zwei oder 

drei „erstaunlich starke Songs", die von 

den 2013er Sessions übriggeblieben waren, 

diesmal mitgehen werden+++ 

THE COMPLETE STUDIO ALBUMS (1970- 

1978) heißt ein neues 8-CD-Boxset von 

Black Sabbath aus dem Hause Rhino/ 

Warner. Enthalten sind die in den 70er 

präsentiert das 

23. 

Jahren entstanden Alben von Ozzy Osbourne, 

Tony Iommi, Geezer Butler und 

Bill Ward: BLACK SABBATH, PARANOID 

(beide 1970), MASTER OF REALITY (1971), 

VOL. 4 (1972), SABBATH BLOODY SAB- 

BATH (1973), SABOTAGE (1975), TECHNI- 

CAL ECSTASY (1976) und NEVER SAY DIE! 

(1978)+++ 

Der ewige Rebell John Lydon alias 

Johnny Rotten, Ex-Frontmann der Sex 

Pistols, will das Musical „Jesus Christ Superstar” 

in einer Neuinszenierung auf eine 

50 Städte umfassende US-Tour schicken. 

Er selbst spielt in dem von Andrew Lloyd 

Webber und Tim Rice geschaffenen Werk 

den König Herodes. Brandon Boyd (Incubus) 

gibt den Judas, während Michelle 

Williams (Destiny's Child) die Maria und 

JC Chasez ('N Sync) den Pontius Pilatus 

verkörpern werden. Daneben ist Lydon 

mit dem Abfassen einer neuen Autobiografie 

beschäftigt, die noch in diesem 

Jahr erscheinen soll. Dabei hilft ihm der 

Musikjournalist Andrew Perry+++ 

Blues 

Festival 

Schöppingen 

Münsterland 

live dabei: 

Joe Louis Walker & Band (USA) 

North Mississippi Allstars (USA) 

Mike Zito & the Wheel (USA) 

Delta Saints (USA) 

Jonathon „Boogie“ Long & 

The Blues Revolution (USA) 

Mason Rack Band (AUS) 

Mr. Sipp 

„The Mississippi Blues Child“ (USA) 

Lisa Doby (USA) 

Frankie Chavez 

(PT) 

Mountain Men 

(F) 

and more... 

Sa 7. und So 8. Juni 2014 

Das 2-Tagesticket (begrenztes Kontingent) wird im Vorverkauf nur 55,- € 

(inkl. Vvk-Gebühr) kosten. 

Es kann nur über die Homepage „www.kulturring-schoeppingen.de“ 

gebucht werden. 



News 

Aktuell News Aktuell 

Die ersten drei Alben von Led Zeppelin 

werden Anfang Juni (teils mit Bonus-Material) 

wieder einmal neu aufgelegt. Sie werden 

als normale, remasterte CD erhältlich 

sein, als Deluxe Editions (Doppel-CD mit 

einem Bonus-Silberling voller unveröffentlichtem 

Material) sowie als Super Deluxe 

Boxed Set (neben den CDs gibt es auch 

180g-Vinylausführungen, eine High-Definition-Audio-Download-Card, 

ein Hardcover-Buch 

sowie das originale Atlantic Press- 

Kit in Replica-Form+++ 

Paul McCartney kriegt nicht genug 

und hat seine „Out There"-Tour durch die 

USA um einige Gigs ergänzt. So wird er 

am 14. August im Candlestick Park in San 

Francisco auftreten, in dem die Beatles 

am 29.8.1966 ihr letztes Konzert gegeben 

hatten. Die einstige Heimstätte der 

Baseballer der SF Giants und der Footballer 

49ers wird nach dem Konzert abgerissen. 

Angeblich hat Bürgermeister Ed Lee 

höchstpersönlich McCartney eingeladen, 

den bedeutungsschwangeren Abschluss 

der Stadiongeschichte zu gestalten. Ein 

weiterer Auftritt steht im Dodgers Stadium 

von Los Angeles auf dem Plan, in 

dem der Ex-Beatle seit 1966 nicht mehr 

gastierte+++ 


Glen Campbell ist in ein auf Alzheimer 

spezialisiertes Pflegeheim verlegt worden, 

kurz bevor der Dokumentarfilm „Glen 

Campbell ... I'll Be Me" über seine letzte 

Tour beim Nashville Film Festival Premiere 

hatte. Der 78-Jährige hatte 2011 öffentlich 

erklärt, an der Krankheit zu leiden+++ 

Düster-Songschmied Ronnie Earl ist mit 

seinen Broadcasters dabei, letzte Hand an 

sein neues Album zu legen. Es soll im Juni 

herauskommen+++ 

Das kanadische Label Stony Plain bringt 

eine neue Serie zum Günstigpreis heraus, 

die als „The Best Of The Stony Plain Years 

firmiert. Die ersten beiden Releases stammen 

von Joe Louis Walker und Long 

John Baldry (bei ihm mit einigen unveröffentlichten 

Aufnahmen)+++ 

Duke Robillard scheint den Bruch seines 

Arms überwunden zu haben, der sein Gastspiel 

bei den diesjährigen Rother Bluestagen 

verhindert hat (soll 2015 nachgeholt 

werden). Jedenfalls arbeitet er schon wieder 

an einem neuen Projekt, das seiner Vollendung 

entgegengeht+++ 

Rory Block ist derzeit mit der Fortsetzung 

ihrer „Mentor Series" beschäftigt, in deren 

Rahmen sie den großen Blueskünstlern der 

Vergangenheit durch eigene Interpretationen 

von deren Vorlagen Tribut zollt. Wer 

diesmal dran ist, wollte sie aber noch nicht 

verraten+++ 

Fast schon heimlich ohne vorherige Ankündigung 

hat Neil Young ein neues Album 

mit Cover-Versionen veröffentlicht. Der 

12"-Vinylrelease A LETTER HOME erschien 

einen Tag vor dem alljährlichen „ Record 

Store Day”. Zu hören sind darauf seine Fassungen 

einiger Klassiker unter anderem von 

Bob Dylan ("Girl From The North Country”), 

Willie Nelson ("On 

The Road Again”), 

Gordon 

Lightfoot 

("Early Morning 

Rain”), Bruce 

Springsteen 

("My 

Home Town”) und 

der Everly Brothers 

("I Wonder If I Care As Much”). Das Album 

soll auch noch als Deluxe Edition mit einer 

CD, einer Download-Card, einer „Making 

Of”- DVD sowie zwei Vinylscheiben in limitierter 

Auflage zugänglich gemacht werden 

und dann 109,98 Dollar kosten. Eine simple 

CD-Version wird deutlich billiger erhältlich 

sein+++ 

UK-Akustikgitarren-Meister Gordon Giltrap 

nimmt sein Klassiker-Album HEART- 

SONG mit einigen Gästen neu auf. Mit dabei 

sind u.a. Oliver Wakeman sowie Craig 

Fletcher (b)und Kevin Whitehead (dr) von 

John Lees' Barclay James Harvest+++ 

Barry Gibb und Gattin Linda haben das 

frühere Heim von Johnny Cash und June 

Carter Cash in einem Vorort von Nashville 

verkauft. Die Gibbs nahmen dabei dem Vernehmen 

nach einen Verlust von 300.000 

Dollar in Kauf: Sie hatten das Gebäude 

2005 für 2,3 Millionen erworben, das Cash- 

Home dann bis 2007 fast fertig renoviert, 

als ein Feuer ausbrach und nahezu die gesamte 

Holzkonstruktion zerstörte+++ 

Im New Yorker Barclays Center ist die 

diesjährige Show über die Bühne gegangen, 

bei der die 2014er Neuzugänge in 

die Rock'n'Roll Hall Of Fame aufgenommen 

wurden. Dabei waren der heute 

als Yusuf Islam firmierende Cat Stevens, 

Peter Gabriel, Kiss, Linda Ronstadt, Hall 

& Oates und die noch lebenden Nirvana- 

Mitglieder. Peter Gabriel präsentierte seinen 

1992er Song "Digging In The Dirt", 

die Laudatio auf die nicht live spielenden 

Kiss hielt ihr Superfan Tom Morello 

(Rage Against The Machine), ehe Gene 

Simmons, Ace Frehley, Paul Stanley und 

Peter Criss ihre Dankesrede anstimmten. 

Art Garfunkel würdigte Cat Stevens, der 

mit einer Akustikgitarre und begleitet von 

Waddy Wachtel "Father And Son" darbot. 

Glen Frey war für Linda Ronstadt zuständig, 

die aus gesundheitlichen Gründen 

nicht selbst singen konnte. Diese Aufgabe 

übernahm Carrie Underwood mit einer 

Interpretation von "Different Drum" 

der Stone Poneys. Hall & Oates sangen 

"She's Gone”, "I Can't Go For That” und 

"You Make My Dreams Come True”. Die 

E Street Band wurde mit einem Special 

Award For Musical Excellence geehrt 

(Laudator: Bruce Springsteen), die Ahmet 

Ertegun Awards gingen posthum an 

Beatles-Manager Brian Epstein und den 

frühen Rolling-Stones-Impresario Andrew 

Loog Oldham+++ 

Mick Fleetwood wird den Gastgeber in 

der TV-Serie „24 Hours With Mick” geben. 

Dafür verbringt er einen ganzen Tag mit 

einem Gast und wird „dessen Gedanken, 

Interessen und Ideen teilen”. Dafür, so 

Fleetwood, werde er die Gäste selbst auswählen, 

gedreht wird auch in Fleetwoods 

Heim auf Hawaii. Derweil haben die Verkaufszahlen 

von Fleetwood-Mac-Alben in 

den USA im Schnitt um 33 Prozent angezogen 

– und zwar seit dem Zeitpunkt, 

als Christine McVie mitteilte, dass sie ab 

September wieder mit der Band auf Tour 

gehen werde, die sie 1998 verlassen hatte. 

Den größten Schub verzeichneten die 

GREATEST HITS von 1988, die wieder 

in die Billboard-Top-200 sprangen. Die 

digitalen Verkaufszahlen von einzelnen 

Fleetwood-Mac-Songs stiegen sogar 

um 52 Prozent – am besten lief das von 

Stevie Nicks gesungene "Landslide". Ob 

sich die Wünsche der Fans nach einem 

neuen FM-Album erfüllen, ist derzeit allerdings 

offen, auch wenn Bassist John 

McVie sich gut von seiner Krebstherapie 

erholt hat+++ 


King King, die neuen Könige des britischen 

Blues-Rock, haben ihr nächstes 

Album weitgehend im Kasten und wollen 

damit weiter an ihrem Angriff auf die europäische 

Spitze des Genres arbeiten. Bei 

den jüngsten Gastspielen in Deutschland 

ernteten Alan Nimmo & Co. jedenfalls erneut 

durchweg Begeisterungsstürme+++ 

Das Burg Herzberg Festival steht ins 

Haus und in diesem Jahr unter dem Motto 

„Perfect Days". Zwischen dem 31.7. und 3.8. 

gibt es wieder mal ein höchst interessantes 

wie kontrastreiches Programm: Patti Smith 

steht ganz oben auf dem Plakat, gefolgt 

von JJ Grey & Mofro, Moe, The Crimson 

Verlosung 

3x Buch 

Beat in Baden 

ProjeKCt und Billy Bragg. Weiter sind dabei: 

Kraan, Orchid, Tamikrest, Martin Barre, 

RPWL, Blues Pills, Habib Koite, Al Jawala 

und viele mehr. Sie dürften dabei sowohl 

unterschiedliche Generationen wie auch 

verschiedenste Geschmäcker ansprechen 

und zu einem friedlichen „Come Together" 

vereinen. Über 100 Bands und Solokünstler 

stehen auf dem Programm. Das 2014er 

Motto des „Nostalgie-Trips mit Zukunft im 

Hippie-Mekka" – so wurde das traditionsreiche, 

seit 1968 stattfindende Festival von 

Medien gewürdigt – wurde in Erinnerung 

und Anlehnung an Lou Reed und dessen 

gleichnamigen Song gewählt+++ 

Zu 60 Tagen Haft, die auf zwei Jahre 

zur Bewährung ausgesetzt werden, ist 

ein Mann verurteilt worden, der zugegeben 

hatte, im vergangenen Jahr auf dem 

Denver International Airport das Gepäck 

von Peter Frampton geklaut zu haben. 

Außerdem muss er 8884 Dollar Schadenersatz 

zahlen. Die Tat war von einer Überwachungskamera 

festgehalten worden, als 

Frampton in Denver landete, um zu einer 

Show in Beaver Creek weiter zu reisen+++ 

In der Vorweihnachtszeit werden The Who 

ihre „50th Anniversary Tour” im UK starten, 

die sie 2015 auch in die USA führen 

wird. „Ich bin zwar nicht sonderlich scharf 

darauf, on the road zu gehen, aber ich bin 

in guter Form, und wenn ich erst einmal 

losgelegt habe, wird sich der Spaß auch 

einstellen", sagte Gitarrist Pete Townshend. 

„Die Tour wird um die Welt gehen." Ob 

und wann Deutschland dabei an die Reihe 

kommt, war bei Redaktionsschluss noch 

nicht bekannt. Townshend wollte auch 

nicht ausschließen, dass es in absehbarer 

Zeit ein neues Studio-Album von The Who 

geben wird. „Ich versuche gerade, meine 

20.000 Stunden an mehr oder weniger organisierter 

Musik zu sichten, um dann Roger 

Daltrey einige Entwürfe zu geben, und 

dann werden wir sehen, ob wir genug gutes 

Material für ein Album haben." Außerdem 

hat Townshend einen Song mit dem Titel 

"It Must Be Done” für die Fernsehshow 

„The Americans" geschrieben+++ 

Die Premiere des Off-Broadway-Musicals 

über das Leben von Janis Joplin ist „wegen 

Produktionsproblemen" verschoben 

GoodTimes verlost unter allen Teilnehmern! 

Stichwort: Verlosung GoodTimes 3/2014 

Einsendeschluss ist der 18.07.2014! 

1x 18-CD-Package 

Nazareth 

Die Gewinner werden schriftlich benachrichtigt. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

NikMa Verlag · Eberdinger Str. 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42/37660-188 

E-Mail: goodtimes@nikma.de 


News 

Aktuell 

News 

Aktuell 

worden. Es war im Oktober vom Broadway 

ins kleiner Gramercy Theatre in Chelsea verlegt 

worden, wo es ursprünglich im April 

mit Mary Bridget Davies als Joplin starten 

sollte. Ein neuer Termin steht noch nicht 

fest, es wird aber wohl 2015 werden+++ 

500 Exemplare umfasst die limitierte Auflage 

des Albums DIFFERENT STAGES von 

Nattefrost in durchsichtigem 180g-Vinyl. 

Dabei handelt es sich um ein Elektronik- 

Projekt des Dänen Björn Jeppesen, das 

bei Sireena erscheint, klanglich ist es eine 

Mischung aus Kraftwerk, Tangerine Dream 

der 80er Jahre und des jungen Jean Michel 

Jarre. Die acht Songs wurden live in Skandinavien 

mitgeschnitten+++ 

Der Blues(-Rock) erfreut sich in Deutschland 

weiter großer Beliebtheit, doch die 

Festivals, die ihn zelebrieren, werden aus 

wirtschaftlichen Gründen weniger. Zu 

denen, die das Genre-Banner hochhalten, 

gehört das „Grolsch Blues Festival 

Schöppingen", das am 7./.8. 

Juni 2014 zum 23. Mal im Münsterland 

stattfindet. Die Macher ließen sich auch 

nicht dadurch entmutigen, dass wegen 

der Fußball-Weltmeisterschaft zahlreiche 

Künstler und Agenturen ihre Tourneen 

verlegt haben. Vielmehr ist es ihnen erneut 

gelungen, ein vielfältiges Programm 

zusammenzustellen – auch mit Künstlern, 

die noch nie in Deutschland aufgetreten 

oder sehr selten in hiesigen Breitengraden 

zu sehen sind. Das Motto des diesjährigen 

Programm lautet: „Jung, vielschichtig, 

rauh, fein und emotional – die Lust 

auf Blues!" Mit dabei sind am Vechtebad 

in Schöppingen u.a.: Joe Louis Walker & 

Band, die North Mississippi Allstars, Delta 

Saints, Mike Zito & The Wheel, Jonathon 

„Boogie" Long & The Blues Revolution, 

The Mason Rack Band, Mr. Sipp „The 

Mississippi Blues Child” und Lisa Doby 

(alle USA), Frankie Chavez (Portugal), 

Mountain Men (Frankreich) sowie Jo Harman 

& Company (GB) mit ihrem Deutschlanddebüt+++ 

Nummer mit Titel "Silas And Jerome" in 

rockiger Manier, ehe Glenn Hughes und 

Bruce Dickinson für einen weiteren Höhepunkt 

sorgten: Gemeinsam intonierten sie 

"Burn", und das vokal erstaunlich harmonierend! 

Zum Abschluss kamen Lords einstige 

Mitstreiter Deep Purple für fünf Songs 

auf die Bühne – als Zugabe gab es nicht 

(sic!) das obligatorische "Smoke On The 

Water", sondern "Hush" –, unterstützt von 

Rick Wakeman, Micky Moody und Dickinson. 

Auf die DVD-Doku darf man wahrlich 

gespannt sein+++ 

Schon öfter hat der französische Chansonnier 

Charles Aznavour seinen Abschied 

von der Bühne bekanntgegeben, kehrte 

aber immer wieder zurück. An seinem 90. 

Geburtstag am 22. Mai gibt der „Napoleon 

des Chansons" (so pries ihn in den 60 

Jahren seine Agentur an) im Rahmen einer 

30 Daten umfassenden Tour ein großes 

Konzert in Berlin. Und der Mann ist immer 

noch unglaublich aktiv: Aktuell arbeitet Aznavour 

an einem Stück für den Broadway, 

einem Musical und einem neuen Album. Er 

präsentiert zur Feier seines Geburtstags und 

als Würdigung seiner über 70-jährigen Karriere 

live sein neues Album FORMIDABLE 

– DAS BESTE. Zwei Tage nach dem Berliner 

Auftritt ist er auch in der Frankfurter Festhalle 

zu erleben+++ 

Mit einem Empfang hat die Stadt Birmingham 

die Aufnahme von Jeff Lynne 

in den „Walk Of Stars" gewürdigt – unter 

reger Anteilnahme des britischen TV. 

Der Zeremonie war eine Woche zuvor die 

Verleihung der Ehrendoktorwürde durch 

die Universität von Birmingham vorausgegangen. 

Am Rande der Feierlichkeiten 

erfuhr GoodTimes im Gespräch mit dem 

anwesenden Bryan Adams, dass Lynne 

dessen neues Album produzieren wird 

und die beiden bis dahin an sechs Stükken 

gearbeitet hatten. Lynne selbst wird 

nächstes Jahr ein neues Album herausbringen 

und hat zudem Ideen für eine 

neue Traveling-Wilburys-Aktion. Und: 

Ihm wurden sechs aufeinanderfolgende 

Auftritte in der o2 Arena in London als 

ELO in Aussicht gestellt. Lynne zögert 

aber noch+++ 

"Hard To Say I'm Sorry”, "Look Away”, 

"Saturday In The Park”, "You're The Inspiration” 

oder "25 Or 6 To 4” werden dabei 

die Gründungsmitglieder Robert Lamm, Lee 

Loughnane und James Pankow samt jüngeren 

Kollegen anstimmen. Aus gesundheitlichen 

Gründen fehlen wird allerdings 

Walter Parazaider, teilte das Management 

mit, um Enttäuschungen bei den Fans vorzubeugen+++ 

Das verspricht ein vergnüglicher Abend zu 

werden, wenn Pete York am 25.5. zum 

„Sunday Night Jazz" nach Ellwangen in 

die Schlossschenke einlädt, um seine Mischung 

aus Boogie Woogie, Rock'n Roll, 

R&B und Swing zu servieren. Mit dabei 

sind Christoph Steinbach (voc/p) und Nina 

Michelle (voc) sowie als Special Guest Gitarrist 

Siggi Schwarz. Tickets sind unter 

07961-569038 oder bei xaverticketshop 

erhältlich+++ 

Im Mai 2013 hat Ex-CCR-Boss John 

Fogerty mit WROTE A SONG FOR EVE- 

RYONE sein neuntes Solo-Album veröffentlicht, 

das zwei neue Stücke enthielt, 

ansonsten aus Neuinterpretationen seiner 

Klassiker zusammen mit Freunden wie den 

Foo Fighters, Bob Seger, Keith Urban, Jennifer 

Hudson, Kid Rock und Brad Paisley 

bot. Jetzt kommt Fogerty wieder einmal 

nach Deutschland, um die Nummern live 

zu spielen – allerdings leider nur zu einem 

einzigen Auftritt (8.7. in München)+++ 


Die erste Stunde der Benefiz-Gedenkveranstaltung 

„Celebrating Jon Lord" am 

4. April in der Londoner Royal Albert Hall 

war dem klassischen Schaffen des 2012 

verstorbenen Musikers gewidmet. Allerdings 

ohne eine Aufführung von Teilen des 

„Concerto For Group And Orchestra". Dafür 

las Jeremy Irons ein Gedicht von Thomas 

Hardy, begleitet von einer Pianokomposition 

Lords. Den zweiten, den rockigen Teil 

des Abends eröffnete Paul Weller, der zwei 

Songs der frühen Lord-Band The Artwoods 

anstimmte. Phil Campbell und Bernie Marsden 

präsentierten eine Paice-Ashton-Lord- 


Im 47. „Dienstjahr" kehren Chicago nach 

dreijähriger Abstinenz zurück auf deutsche 

Bühnen. Vom 6. bis 15. Juli geben sie unter 

dem Motto „An Evening With Chicago 

2014" sechs Konzerte (Bonn, Frankfurt, 

Berlin, Leipzig, München, Stuttgart). Ihre 

Klassiker wie "If You Leave Me Now”, 

EVENTFABRIK 

„I WALKED IN, I SAW ME“ Robert Plant 

13.07. WEERT (NL) Bospop Festival 

12.11. MÜNCHEN Circus Krone 

18./19.07. LOSHEIM AM SEE Festival 

21.11. COTTBUS Gladhouse 

25.07. BORNA Volksplatz 

22.11. MERKERS Erlebnisbergwerk 

26.07. PLAUEN Parktheater 

28.11. KAISERSLAUTERN Fruchthalle 

31.07. WACKEN W:O:A 

29.11. ESCH (L) Rockhal 

23.08. DORMAGEN Freilichtbühne Zons 

contact: 

www.letzzep.com 

agentin@kultopolis.com 


Verstorben 

Rolf Fraedrich gehörte zu den ersten 

deutschen Blueskünstlern, war in den 

frühen 70er Jahren solo akustisch unterwegs 

und nahm mit der Bluegrass & Blues 

Company zwei LPs auf. Der Oldenburger 

trat bis 1990 auf, zog sich dann aber aus 

gesundheitlichen Gründen zunehmend 

zurück. Am 21.2. verstarb er im Alter von 

67 Jahren an Herzversagen. 

Rudolph " 

Chip" Damiani (*16.6.1945) 

trommelte bei den Bostoner Garagen- 

Rockern The Remains, die auf der letzten 

US-Tour der Beatles als Vorgruppe dabei 

waren und auch auf den NUGGETS-Compilations 

vertreten sind. Er starb am 23.2. 

Kelly Holland sang bei der Mitte der 

90er Jahren angesagten US-Band Cry Of 

Love, stieg allerdings nach einem Album 

schon wieder aus, weil er ungern tourte. 

Er war danach in lokalen Bands in seiner 

Heimatstadt Raleigh, North Carolina aktiv. 

Eine Unterleibsinfektion kostete ihn 

52-jährig am 24.2. das Leben. 

Philip Smart (aka Prince Philip, 

*9.4.1960) arbeitete als Produzent mit 

Augustus Pablo, Lee „Scratch” Perry und 

zahlreichen Reggaekünstlern. Bauchspeicheldrüsenkrebs 

raffte ihn am 25.2. dahin. 

Peter Callander (*10.10.1939) war als 

Produzent (Paper Lace, Tony Christie) und 

Songschmied (Cilla Black, Tom Jones, Tremeloes, 

Cliff Richard, Manfred Mann, Tony 

Christie) tätig. Seine erfolgreichsten Lieder 

waren Georgie Fames "The Ballad Of Bonnie 

And Clyde” und Vanity Fares "Hitchin' 

A Ride”. Der Engländer starb am 25.2. 

Frankie Sardo (*1939) stand Anfang 

1959 bei der schicksalsträchtigen „Winter 

Dance Party"-Tour, die Buddy Holly, Ritchie 

Valens und The Big Bopper das Leben 

kostete, ebenfalls auf der Performerliste. 

Nachdem Hiterfolge ausblieben, verlegte 

sich der Sänger aufs Produzieren von Musik 

und Filmen sowie die Schauspielerei. 

Starb am 26.2. an Krebs. 

Frank Reed (*16.9.1954) sang bei Michigan 

Avenue und The Chi-Lites Soul. 

Verstummte am 26.2. für immer. 

Ralf Schulz (*21.1.1965) saß am Schlagzeug 

der deutschen Metalbands Sinner, 

Tyran' Pace und Vinder, starb am 1.3. an 

einem bakteriellen Infekt. 

David John Dave" Sampson 

" 

(*9.1.1941) schaffte es 1960 mit "Sweet 

Dreams" in die UK-Charts (#29). Er wurde 

von The Hunters begleitet, die auch als 

Instrumentalcombo erfolgreich waren. Der 

Sänger verstummte am 5.3. für alle Zeiten. 

Charles Love war als Leadsänger und 

Gitarrist bei der Gründung der Doo-Wopund 

R&B-Truppe Bloodstone dabei, die 

aus The Sinceres hervorgegangen war. Die 

Band gilt als Wegbereiter des „Black Rock" 

und der Funk-Bewegung. Sie war 1975 

auch im Movie „Train Ride To Hollywood" 

zu sehen. Komplikationen nach einer Lungenentzündung 

verursachten seinen Tod 

am 7.3. 

Buren Fowler (*29.6.1959) gehörte als 

Leadgitarrist Drivin' n' Cryin' an, auch 

R.E.M. nahmen seine Dienste bei Tourneen 

zunächst als Gitarrentechniker, dann als 

Rhythmusgitarrist in Anspruch. Hatte schon 

länger gesundheitliche Probleme, ehe er am 

8.3. verstarb. 

Michael Jagosz (*13.12.1965) war der 

Nachfolger von Axl Rose als Sänger bei 

der L.A.-Glam-Metalband L.A. Guns und 

sang auf deren erstem Demo sowie ersten 

4-Song-EP „Collector's Edition No. 1". Er 

verabschiedete sich am 9.3. für immer. 

Jerry Corbitt spielte 1965–1969 und 

1984–1995 bei den Youngbloods Gitarre, 

war eine Hälfte des Duos Corbitt & 

Daniels, arbeitete (auch als Produzent) mit 

Don McLean, Pete Seeger, Buffy St. Marie, 

Ramblin' Jack Elliot, Janis Ian, Felix Pappalardi, 

Brownie McGee und Sonny Terry. 

Starb 71-jährig am 9.3. an Lungenkrebs. 

Iola Brubeck war nicht nur mit Dave Brubeck 

verheiratet und managte ihn, sondern 

arbeitete auch als Songtexterin. 90-jährig 

ging sie am 12.3. für immer. 

Gary Burger (*1942) betätigte sich als 

Sänger und Gitarrist, unter anderem bei 

The Five Torquays, aus denen The Monks 

hervorgingen. Der zeitweilige Bürgermeister 

von Turtle River, Minnesota, litt an Bauchspeicheldrüsenkrebs 

– bis zum 14.3. 

Scott Asheton (*16.8.1949, Spitzname: 

Rock Action) trommelte bei den Detroiter 

Garagen-Rockern The Stooges. Nach deren 

Ende 1974 war er 

bei/mit der Scott Morgan 

Band, Scots Pi rates, 

Sonic's 

Rendezvous 

Band, Destroy All Monsters, 

Captain Sensible 

und Sonny Vincent zu 

erleben. Mit Bruder Ron (†2009) und Iggy 

Pop war er bei der 2003er Reunion dabei. 

Obwohl er nach einem Schlaganfall 2011 

zwar nicht mehr mit den Stooges tourte, 

trug er 2013 noch zum Album READY TO 

DIE bei. Starb am 15.3. 

Cees Veerman (alias Poes, *6.10.1943) 

sang und spielte Gitarre, war solo unterwegs 

und gehörte der holländischen Popband 

The Cats ("One Way Wind") ebenso 

an wie The Mystic Four und The Blue Cats. 

Verstummte am 15.3. für immer. 

Joe Lala (*3.11.1947) wirkte als Sänger, 

Drummer und Schauspieler, war Mitglied 

von Blues Image, arbeitete mit den 

Bee Gees, Byrds, Eagles, Allman Brothers, 

Eric Clapton, Rod Stewart, Neil Diamond, 

Kenny Rogers, Manassas, Poco, Spirit, 

John Mellencamp, Ringo Starr, Whitney 

Houston, Barbra Streisand, Rick Derringer, 

Dolly Parton, Grace Slick und Crosby, Stills, 

Nash & Young. Lungenkrebs stand in seinem 

Totenschein vom 18.3. 

Rob Rose (*1956) führte als singender 

Gitarrist die britischen Rock/Soulbands The 

Romantix, Red For Go, die Rob Rose Band, 

King Cats, Chain Gang und Get Rhythm an. 

Erlag am 19.3. einem Krebsleiden. 

Dave Brockie (alias Oderus Urungus, 

*30.8.1963) spielte Bass und sang bei der 

kanadischen Metal-Shockrockgang GWAR 

und betrieb seine Dave Brockie Experience, 

bis er am 23.3. tot in seinem Heim aufgefunden 

wurde. 

Bill Merritt war nicht nur Mitbegründer 

des legendären Winnipeg Folk Festival, 

sondern auch als Bassist/Sänger aktiv. Unter 

anderem für Mood Jga Jga, Fabulous 

George & The Zodiacs und Prairie Dog. Bis 

zum 25.3. wurde er 66 Jahre alt. 

Joe Frazier (*1939) war langjähriges Mitglied 

des in Folkzirkeln überaus geschätzten 

Chad Mitchell Trio. Er starb am 28.3. 

Bernd Wippich (*13.1.1950) sang und 

spielte Gitarre, Schlagzeug und Saxofon 

bei den Petards, Odin und Randy Pie. Mit 

Ehefrau Freya nahm er 1978 am deutschen 

Vorentscheid des Grand Prix Eurovision mit 

dem Lied "Ich trag' deinen Namen" teil 

und veröffentlichte mit ihr zwei Alben. Seit 

Mitte der 1980er Jahre arbeitete er für den 

privaten Rundfunk und als Produzent – bis 

zum 31.3. 

Arthur " 

Guitar Boogie" Smith komponierte 

„Dueling Banjos”, das 1972 im Kinofilm 

„Deliverance” zu erleben war und Eric 

Weissberg & Steve Mandell einen #2-Hit 

bescherte. Die Creditbescheinigung musste 

sich der am 3.4. Verstorbene aber erst vor 

Gericht erkämpfen. 

Lee Black Childers (*24.7.1945) arbeitete 

als Tourmanager für Iggy Pop, David 

Bowie und Johnny Thunders. Machte sich 

auch einen Namen als Fotograf, als er Debbie 

Harry, Wayne County und die Sex Pistols 

porträtierte. Der einstige Assistent von 

Andy Warhol ging am 6.4. für immer. 

Rick Condrin spielte kurzzeitig Gitarre 

bei Metal Church (1980) und Leviathan, 

starb am 6.4. 

Gil Askey (*9.3.1925) blies auf vielen 

Motown-Produktionen in seine Trompete, 

so auch für die Supremes, Diana Ross, 

die Temptations und Four Tops. Spielte 

in Jerry Steinholtz' Band und ist auch 

auf Alben von Donald „Duck" Dunn oder 

Andrew Love zu hören. Er verließ diesen 

Planeten am 9.4. 

Jesse Winchester (*17.5.1944) war als 

Singer/Songwriter 

vor allem in den 70er 

Jahren erfolgreich, mehr 

Anerkennung erfuhr 

er allerdings als Songschmied 

für Elvis Costello, 

George Strait, Jimmy 

Buffet, Joan Baez, Emmylou 

Harris, die Ever- 

ly Brothers, Ronnie Hawkins, Tim Hardin, 

Fairport Convention, Reba McEntire oder 

Wilson Pickett. War aber bis zu seinem 

krebsbedingten Ableben am 11.4. auch immer 

wieder live unterwegs. 

Dave Innes (*1961) trommelte bei der 

Gerry Jablonski Electric Band, seine Dienste 

mit den Sticks wurden aber auch von Bryan 

Adams und Status Quo in Anspruch genommen. 

Magenkrebs beendete am 11.4. 

sein Erdendasein. 

Armando Peraza (*30.5.1924) mischte 

als Perkussionist bei Santana mit, ebenso 

bei John McLaughlin, der Alice Coltrane 

Band, Wayne Shorter und vielen anderen 

Größen. Er ging am 14.4. für immer. 

Shane Gibson (*21.2.1979) spielte bei 

den Metal/Alternative-Bands Korn und 

stOrk Gitarre und Bass. Eine Störung bei 

der Blutgerinnung kostete ihn am 15.4. 

das Leben. 

Little" Joe Cook (*29.12.1922) wurde 

vor allem durch den Song "Peanuts” 

" 

bekannt, der ihm mit seiner Doo-Wop- 

Gruppe The Thrillers 1957 einen #22-Erfolg 

bescherte und vielfach gecovert 

wurde. Er lehnte es 1956 ab, als Nachfolger 

von Sam Cooke bei den Soul Stirrers 

einzusteigen. Hatte später mit seinen 

Töchtern Dinell und Delfine die Combo 

The Sherrys (#35 mit "Pop Pop Pop- 

Pie"). Ging 2007 in den Ruhestand und 

verstarb am 15.4. 

James Knowles war einer der dynamischsten 

US-Schlagzeuger und genoss in 

Blues-, Funk-, Rock-, Gospel und Jazzkreisen 

Anerkennung. Er wirbelte für Bernard 

Allison, Sugar Blue, Tyrone Davis, R Kelly, 

Jimmy Johnson, Melvin Taylor und die 

Chicago Cats – bis zum 17.4. (Krebs). 

Deon Jackson (*26.1.1946) schaffte 

1966 mit seinem #11-Pop-Hit "Love 

Makes The World Go Round” den Durchbruch 

und blieb lange vor allem live aktiv, 

obwohl er früh auf Beratungslehrer umgesattelt 

hatte und in Wheaton, Illinois, arbeitete. 

68-jährig starb er am 19.4. 

Rubin Hurricane" Carter (*6.5.1937) 

" 

war ein Boxer, dessen Verurteilung wegen 

Dreifachmordes 1966 

ein Fehlurteil war. Der 

Fall wurde neu aufgerollt 

und Carter nach 

19 Jahren Haft freigelassen, 

nachdem sich 

zahlreiche Promis für 

ihn eingesetzt hatten und Bob Dylan 

beispielsweise sein Lied "Hurricane” 1976 

über ihn veröffentlicht hatte. Carter starb 

am 20.4. 

Paul Goddard (*1945) war als Bassist 

Gründungsmitglied der Atlanta Rhythm 

Section. Der „Rolling Stone" kürte sein 

Solo in "Another Man's Woman" (1979) 

zu einem der fünf besten Basssolos aller 

Zeiten. Am 29.4.verlor er den Kampf gegen 

den Krebs endgültig. 

Hilario " 

Larry" Ramos (*1942) spielte 

Gitarre und sang zunächst bei den New 

Christy Minstrels, von denen er 1966 zu 

The Association wechselte und dort bei 

Hits wie "Windy" (#1/1967) und "Never 

My Love" (#2/1967) mitmischte. Er musste 

aus gesundheitlichen Gründen früh in 

den Ruhestand, war aber beim Abschiedskonzert 

der Gruppe im Februar 2014 noch 

dabei. Ein Malinom kostete ihn schließlich 

am 30.4. das Leben. 


BCM 

Deutschland 

PRÄSENTIEREN 

Remember 

The Good Times 

Christie 

Albert Hammond & Band 

Night Fever The Very Best Of The Bee Gees 

Samstag, 18. Oktober 2014 

in der Stadthalle Offenbach 

Beginn: 19.00 Uhr, Einlass: 17.30 Uhr 

Ermäßigter Eintrittspreis für GoodTimes-Leserinnen und -Leser 25,– € 

(einschl. Versandkosten). Abendkasse: 33,– € 

Alle Interpreten und Bands haben jede Menge Hits im Gepäck und werden sicher für eine Superstimmung sorgen. 

Im Foyer der Stadthalle findet ein Schallplattenmarkt statt, wo für Sie die Möglichkeit besteht, 

Ihre Plattensammlung mit interessanten Raritäten zu ergänzen. 

Am GoodTimes-Stand werden Ihnen viele der Künstler für Autogrammwünsche zur Verfügung stehen. 

Sichern Sie sich schnell Ihre Tickets zum ermäßigten Preis für GoodTimes-Leserinnen und -Leser 

von 25,– E (einschl. Versandkosten). Bestellungen: Telefon 07042/37660-160, email: goodtimes@nikma.de 

Stadthalle Offenbach · Waldstraße 312 · 63071 Offenbach 

in Kooperation mit BCM Deutschland

JEFF BECK 

70 

Am 

24. Juni wird 

wieder ein ganz Großer 

der Rockmusik 70: Jeff Beck. 

Alan Tepper präsentiert Karrierestationen 

des so vielseitigen Gitarristen. 

Bernd Matheja erinnert 

an das schmale Frühwerk des 

Engländers. Und Philipp Roser 

lässt den Meister selbst 

und Musikerkollegen 

sprechen. 

Die frühen Jahre 

Von Bernd Matheja 

PLAY, BECK! 

Beste Kumpels/Kollegen seit fast 50 Jahren – 

und doch sooo verschieden, was ihre ersten 

Karrierejahre betrifft: Während Jimmy Page in 

den frühen 60s gefühlte 27 Stunden pro Tag 

als Sessiongitarrist in Studios malochte, hielt 

Jeff Beck sich spürbar zurück. Dennoch hat 

auch er hörenswerte Jobs im ansonsten eher 

schmalen Arbeitsnachweis. 

Jeff Becks Spiellaune befeuerten seit ca. 1957 vor 

allem seine ältere Schwester Annetta und sein 

Freund John Owen. Doch bevor es handfest(er) 

wurde, durchlief der Teenager etliche Bands. Denn 

nach nur acht Monaten hatte Geoffrey Arnold Beck 

im Mai 1961 die Kunstschule in Wimbledon wieder 

verlassen – Musik war angesagt. 

Schon 1960 gehörte er den Deltones an, die Instrumentales 

in Shadows-Machart probierten. Im Herbst 

1961, jetzt als „Jeff Mason", begleitete Beck den 

Rock'n'Roller Gordon Patterson (alias „Cal Danger"), 

danach Alan Hope („Kerry Rapid") und dessen Bandits. 

1962 hüpfte er zu den Crescents, Brian Howard & The 

Silhouettes, zu 'Im & The Uvvers und Rodney Walsh – 

Zweitliga-Nobodys mit begrenzter Reputation. 

Einen Dämpfer erhielten Becks Ambitionen, als er 

nach einem Vorspielen von Sänger Neil Christian 

für nicht gut genug für dessen Crusaders befunden 

wurde – da nutzte selbst eine Empfehlung von 

Jimmy Page nichts. Auch The Roosters wollten den 

Aufstrebenden nicht, sie entschieden sich für den 

nicht minder talentierten Jungspund Eric Clapton. 

Zu Becks Bekanntenkreis zählte inzwischen auch der 

spätere Stones-Keyboarder Ian Stewart. Er vermittelte 

ihn 1963 zur ersten Band, die halbwegs Nachhaltigkeit 

erreichte – The Nightshift. 

Noch bevor das Quartett um den Sänger Brian Wiles 

Töne zu Vinyl brachte, zahlten sich die Verbindungen 

von Kumpel Page zu diversen Studios aus. 

Beck konnte erstes Geld mit Sessionjobs verdienen 

– und wer einmal positiv in den Mietmucker-Kreisen 

Jeff Beck (r.) 

mit The Deltones 

aufgefallen war, erhielt Anschlussaufträge. Wie für 

"Rinky Dink"/"Java" (Decca, 6/64), ein Doppel-Instrumental 

der eher biederen Johnny Howard Band; 

die A-Seite, immerhin, wurde zur Erkennungsmelodie 

des Piratensenders Radio Caroline. Auch auf den 

schon 1964 aufgenommenen JHB-Titeln "Tomboy" 

und "A Tune Called Harry"/"El Pussy Cat" (alle Decca) 

klingen die Soli so wild wie Beck-verdächtig. 

Wenig später erschien noch Deftigeres: Beck langte 

auf "Come Back Baby" mächtig hin, der B-Seite von 

Screaming Lord Sutchs Single "Dracula's Daughter" 

(Oriole, 10/64). Eher gemächlich – es musste Kohle 

her – ließ er es auf "Mary, Don't You Weep"/"Yes, 

I Will" (Parlophone, 11/64) angehen: Phil Ryan & 

The Crescents aus Cheshire waren generell eher 

Schwachtöner. Auch Fitz 'N Startz (Manchester) nahmen 

Becks Hilfe in Anspruch – auf "I'm Not Running 

Away"/"So Sweet" (Parlophone, 12/64). 

Zu jener Zeit stand Beck weiter in Diensten von The 

Nightshift, zwei 

ihrer Titel mit 

ihm ("That's My 

Story"/"Stormy 

Monday"; Piccadilly) 

erschienen 

erst im September 

1965 – da 

hatte sich die 

„Nachtschicht" 

längst in Tridents 

umbenannt. Jeff 

ersetzte den Gitarristen 

Mike 

Jopp und stand 

mit den Brüdern 

John (g, voc) 

und Paul Lucas 

(b, voc) sowie Drummer Ray Cook monatelang 

auf Brettern im ganzen Land, mit konstantem Zuspruch 

für ihren gepfefferten Rhythm & Blues. Eine 

Plattenfirma wollte jedoch partout nicht anbeißen 

– auch nicht, als das Quartett mit zwei Demosin- 


gles hausieren ging. Zwei 

der darauf verewigten Nummern, 

"Troub le In Mind" und 

"Wandering Man Blues", haben 

die Jahrzehnte halbwegs 

gut konserviert überstanden 

– sie kamen auf der 3-CD- 

Box BECKOLOGY (Epic, 1991) 

erstmals offiziell ans Tageslicht. 

Extra-Bonbon dort: Bo 

Diddleys "Nursery Rhyme". 

Das (leider qualitativ schrabbelige) 

5:50-Live-Getöse 

aus dem Eel-Pie-Island-Club 

lässt zumindest erahnen, was 

Beck schon damals Aufmerksamkeit 

von Fans, Kollegen, 

Nachtschicht: Beck (r.) & The Nightshift 

Spähern und Medien 

bescherte. 

Noch vor Ende 1964 kamen 

zwei weitere Titel 

aufs Band, die bis heute 

x-fach verwurstet wurden 

– eingespielt von 

Ex-Mitgliedern der Cyril 

Davies All Stars; an den 

Rohbauten "Chuckles" 

und "Steelin'" (Vorläufer 

des "Steeled Blues") waren 

Jeff Beck (g), Jimmy 

Page (g), Cliff Barton (b), 

Nicky Hopkins (p) und 

Carlo Little (dr) beteiligt. 

Den Tridents, weiterhin 

ohne Vertrag, gingen inzwischen Lust und Laune 

aus; und als im März 1965 der Gitarrist Eric Clapton 

seine Band verließ, war der Weg frei für eine 

Weltkarriere in spe: Beck wurde ECs Nachfolger und 

wegweisendes Mitglied der Londoner Yardbirds. 

Nachtrag. Bis Ende der 60s war Beck noch auf weiteren 

Platten britischer Kolleg(inn)en als Gast zu hören: 

"Gotta See My Baby Every Day" (Sandie Shaw; 

1/66), "But She's Mine" (John's Children; 2/67), "I 

See Love In You" (John Walker; 10/67), "The Dog 

Presides" (Paul Jones; 10/67), "Goo Goo Barabajagal", 

"Bed With Me", "The Stromberg Twins" (Donovan; 

6/69). Sein Mitwirken als Sessiongitarrist auf 

Chris Andrews' "Too Bad You Don't Want Me" (9/65) 

und "Utterly Simple" von The Smoke (7/68) gilt dagegen 

als umstritten. 

STIL OHNE GRENZEN 

Von Alan Tepper 

Bei den Yardbirds gab es Anfang 

1965 mächtig Knatsch, denn die 

aktuelle Single-A-Seite "For Your 

Love" passte Gitarrist Eric Clapton nicht 

– zu poppig! Er warf hin, pausierte wenige 

Wochen und machte sich dann auf, 

um mit John Mayall’s Bluesbreakers die 

Szene zu bereichern. Die verbliebenen 

Yardbirds Chris Dreja, Keith Relf, Jim 

McCarty und Paul Samwell-Smith baten 

Jimmy Page einzusteigen – doch der 

lehnte ab und empfahl Jeff Beck, von 

dem die anderen bis dahin nichts gehört 

hatten. Nach der ersten Probe, bei der 

ein langhaariger Typ mit Schrauberschmierigen 

Fingern jedes nur erdenkliche 

Solo abfeuerte, war klar: Dieser in 

allen Stilen sattelfeste Klampfer soll es 

sein! 

Am 5. März 1965 lief das Livedebüt 

in der Fairfield Hall in Croydon. Nach 

wenigen Songs dachte niemand mehr 

an Clapton, denn Beck attackierte die 

Fans mit Verzerrern, verrückten Halleffekten 

und Gitarrenlicks aus der Kategorie 

„Stuntman": Der riskierte alles, 

Feuertaufe bestanden! Im April ging 

es zur Aufnahme von "Heart Full Of 

Soul", wegen seiner „esoterischen" Gitarrenmelodie 

der Zeit um Jahre voraus. 

Nachdem Beatles und Stones die „British 

Invasion" in den USA angestoßen 

hatten, eroberten auch die Yardbirds 

das Land der vermeintlich unbegrenzten 

Möglichkeiten und ließen sich von der 

aufblühenden Musikszene San Franciscos 

inspirieren. Nach weiteren Singles 

folgte im Juli 1966 der Longplayer 

YARDBIRDS, wegen des auf dem Cover 

karikierten Produzenten auch ROGER 

THE ENGINEER genannt. "The Nazz Are 

Blue" und "Hot House Of Omagarishid" 

waren mehr als Songs, die Becks fantastisches 

Spiel dokumentierten (nicht zu 

Foto: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 

vergessen "Jeff’s Boogie"), 

sie läuteten zugleich die 

Psychedelic-Ära ein. 

Bald nach den Aufnahmen 

verließ Bassist Paul 

Samwell-Smith die Band, 

woraufhin Jimmy Page für 

kurze Zeit den Viersaiter 

übernahm und ihn dann an 

Chris Dreja weiterreichte. 

Nun konnten die Yardbirds 

zwar eine erstklassige 

Gitarrenfront präsentieren 

– sie handelten sich damit 

aber auch Spannungen 

zwischen Beck und Page 

ein. Motto: Wer übertrumpft 

wen? Ein Auftritt 

in Michelangelo Antonionis 

Film „Blow Up" rückte 

Beck ins Rampenlicht – 

und zwar beim Gitarrezerschmettern 

während 

des Songs "Stroll On" (ein 

"Train Kept A-Rollin’ " mit neuem Text). 

Doch Jeffs Tage waren gezählt, denn er 

gab sich immer launischer, pochte auf 

Perfektion und schleuderte auch mal einen 

Verstärker durch ein Club-Fenster. 

Folge: Die Yardbirds entschieden sich 

für den umgänglicheren Jimmy Page. 

Produzent Mickie Most witterte Becks 

Potenzial und griff sich den aufstrebenden 

Gitarristen als Solokünstler. Zusätzlich 

wurde die Jeff Beck Group formiert, 

Management: Simon Napier-Bell 

und das künftige Led-Zeppelin-Ultraschwergewicht 

Peter Grant. Die erste 

Single "Hi Ho Silver Lining"/"Beck’s Bolero" 

entwickelte sich für Jeff zu einem 

Trauma, denn er musste die A-Seite 

singen. „'Silver Lining' gab mir das Gefühl, 

als würde ich für den Rest meines 

Lebens mit einer rosa Klobrille um den 

Sixties-Legende: The Yardbirds 

Hals herum rennen", kommentierte „El Becko" Jahre 

später. Die Lösung für das Sängerproblem kam 

mit Rockedelröhre Rod Stewart, der u.a. schon mit 

Steampacket gespielt hatte. Die erste Show am 3. 

März 1967 im Londoner Finsbury Park Astoria entwickelte 

sich zu einem Quasi-Desaster, da ein Musiker 

der Small Faces (vermutlich Ian McLagan) der 

Band den Saft abdrehte, wodurch eine peinliche 

Pause entstand. Nach einigen Besetzungswechseln 

und sporadischen Tourneen vermittelte Peter Grant 

der Band eine US-Tour, beginnend im New Yorker 

Fillmore East (14. Juni 1968), wo sie wie eine 

Bombe einschlugen. Das kurz zuvor während einer 

„Blitzkrieg-Session" (so die Musiker über den Aufnahmestress) 

hingedonnerte Album TRUTH kletterte 

in den USA bis auf Platz 15 der Charts. 

TRUTH wurde zwar viele Jahre als erstklassiges Einzelalbum 

eingestuft, doch aus heutiger Sicht sind 

sich alle einig: Hier begann der Hard Rock (und 

nicht erst mit dem ein halbes Jahr später veröffent- 



lichten Led-Zepplin-Debüt)! Warum? Becks harter 

und fetter Gitarrenton, Rod Stewarts druckvoller 

Gesang und das punktgenaue Zusammenspiel von 

Ron Wood am Bass und Micky Waller an den Drums 

ergaben eine massive Klangwand – durch sie verloren 

auch Bluesnummern wie "You Shook Me" 

und "Blues Deluxe" ihre Unschuld und wurden zu 

hocheffektiven Energiezäpfchen. Der zweite Longplayer 

BECK-OLA (1969, mit Tony Newman auf dem 

Drumhocker) war nicht mehr ganz so stark, aber immer 

noch wegweisend. Aus dem geplanten Auftritt 

beim Woodstock-Festival wurde nichts, bandinterne 

Spannungen drehten der ersten JBG den anfangs 

überschäumenden Saft ab. 

Da stand Beck schon das nächste Angebot ins Haus: 

Carmine Appice und Tim Bogert, die mächtige 

Rhythmusmaschine von Vanilla Fudge, reisten nach 

Großbritannien, 

um die Gründung 

einer neuen Band 

zu besprechen. Am 

2. November 1969 

geschah jedoch 

Unvorhersehbares: 

Beck geriet mit seinem 

aufgemotzten 

Ford T-Bucket 1923 

auf die Gegenfahrbahn 

und verunglückte 

schwer. 

Medizinische Prognose: 

Genesung in 

Monaten möglich, 

aber wahrscheinlich 

erst in Jahren! Doch 

Beck hatte Glück, 

schon nach einigen 

Wochen konnte er 

wieder spielen, wenn auch nur mit halber Leistung. 

Peter Grant stellte ihm daraufhin Cozy Powell vor, 

schon damals ein Meistertrommler. Mit Producer 

Most ging es im Sommer 1970 in die Motown- 

Studios in Detroit, in denen Beck/Powell mit Unterstützung 

des Bassisten James Jamerson und seiner 

Clique einige härtere Fassungen von Klassikern des 

Soul-Labels einspielten, die aber nicht Becks Vorstellungen 

entsprachen. Die nicht fertig gestellten Aufnahmen 

wanderten ins Archiv. 1971 lief es besser. 

Mit dem erstklassigen Sänger und Gitarristen Bobby 


Beck, Bogert & Appice – Schwergewichte des Blues-Rock 

Tench, Keyboarder Max 

Middleton und Bassist 

Clive Chaman spielte die 

neue Jeff Beck Group 

ROUGH AND READY 

ein – Prädikatsware 

zwischen Fusion, 

Soul, Rhythm & 

Blues und hartem 

Rock auf hohem, 

aber nicht überkandideltem 

Niveau. 

Auch die 

Folge-LP – wegen 

der auf dem Cover 

abgebildeten 

Südfrucht auch 

„Orange Album" 

genannt – punktete 

trotz der 

Unkenrufe vieler 

Kritiker bei den 

Fans. Becks gefühlvolles Gitarrenspiel ist speziell 

bei "I Can’t Give Back The Love I Feel 

For You" und "Definitely Maybe" exemplarisch, 

während er beim Blues-Rockkracher 

"Going Down" Gitarrenakrobatik pur bietet. 

Spätestens jetzt war klar: Egal, was der Mann 

spielt, man identifiziert seine Saitenkünste sekundenschnell. 

Dessen war sich auch Stevie Wonder bewusst, 

der Beck & Co. zur Aufnahme von TALKING 

BOOK einlud. Resultat: ein jazziges Solo auf 

dem Track "Lookin For Another Pure Love". Die 

Musiker baten danach die Ikone der Black Music, 

ihnen einen Song zu schreiben. Wonder schickte 

die Jungs in eine Kneipe, griff in die Tasten und schon 

erklang das Riff zu "Superstition" – entstanden war 

ein Klassiker in spe, den Wonder für sich selbst behielt. 

Foto: © Jim Summaria 

Das zuvor angedachte Projekt mit Tim Bogert und 

Carmine Appice folgte 1972. Bassist und Drummer 

hatten die letzten drei Jahre mit den Heavy Rockern 

Cactus verbracht. Jetzt entstand die Blues-getränkte 

LP BECK, BOGERT & APPICE (1973); gefolgt von 

zahlreichen Gigs, darunter ein legendäres Konzert im 

Londoner Rainbow Theatre – Beck besitzt die Bänder, 

bewahrt sie aber „für schlechte Zeiten" auf ... 

Einen Eindruck von der hohen Improvisationskunst 

des Trios gab die 1973 mitgeschnittene BBA LIVE 

IN JAPAN. Anfang 1974 spielte Appice während einer 

Autofahrt Jeff Beck ein Tape mit dem brandaktuellen 

Fusion-Album SPECTRUM von Billy Cobham 

vor, das auf den Gitarristen wie hochoktaner 

Treibstoff wirkte. Da bei Beck, Bogert & Appice der 

Kreativfunke erloschen war, brach man die Aufnahmen 

für eine weitere Studio-LP ab. Beck: „Irgendwo 

in meinem Haus liegt ein zweites Album, das vor 

sich hinschimmelt. Mittlerweile wächst sogar schon 

ein Büschel Gras drauf." Fusion lautete das Gebot 

der Stunde, und der Brite begann mit der Arbeit an 

BLOW BY BLOW (1975), produziert von George Martin 

(Beatles): eine hochkomplexe, innovative aber 

dennoch gut konsumierbare Platte mit dem genialen 

Instrumental "Cause We’ve Ended As Lovers" – Becks 

musikalische Verbeugung vor dem Gitarristenkollegen 

Roy Buchanan (#4, US-LP-Charts). 

Kurzfristig ließ sich Beck zu einer Session mit den 

Rolling Stones verführen, die einen Nachfolger für 

Mick Taylor suchten. „Wer will keinen Privatjet mit 

eingebautem Kamin?", witzelte Jeff Jahre später gegenüber 

einem Journalisten. Allerdings waren ihm 

Jagger & Co. – gemessen an eigenen künstlerischen 

Höhenflügen – zu erdig, es blieb bei Demo-Aufnahmen 

in Rotterdam. Vom Fusion-Trip ließ sich Beck 

nicht so schnell abbringen, er formierte mit Keyboarder 

Jan Hammer (später Komponist der Titelmelodie 

zur TV-Serie „Miami Vice") eine neue Band. 

Auf den Alben WIRED (1976) und JEFF BECK WITH 

THE JAN HAMMER GROUP LIVE (1977) zelebrierten 

beide feinsten Jazz-Rock. Nach Tourneen u.a. mit 

Stanley Clarke und Tony Hymas beendete Beck seine 

Experimente mit dem spacigen Album THERE & 

BACK (1980), wobei er sich einmal mehr als völlig 

außergewöhnlicher Gitarrist inszenierte. 

Dann genehmigte er sich eine Pause. Statt glänzender 

Griffbretter standen nun Oldtimer und ölige 

Schraubenschlüssel auf dem Programm: kein Stress 

mehr mit nörgelnden Musikern, sondern Restaurieren 

von uralten Blechlauben, was für Beck nach eigenen 

Aussagen so kreativ war wie Musik. Zwar ließ 

er hin und wieder von sich hören, zum Beispiel bei 

den so genannten Arms-Benefiz-Konzerten und auf 



dem Album BOX OF FROGS der ehemaligen Yardbirds-Kumpel 

Chris Dreja, Paul Samwell-Smith und 

Jim McCarty. 

Die nächste Solo-LP folgte erst 1985: FLASH, 

die – auf Drängen der Plattenfirma CBS – 

„modern" und eingängig klingen musste. Es 

ist (mit Ausnahme des von Rod Stewart gesungenen 

Curtis-Mayfield-Covers "People 

Get Ready") die wohl schwächste Platte von 

Jeff Beck: zu kalt, zu steril, zu wenig Gitarre. 

Das belegen auch die schwachen Chartsplatzierungen. 

Es war eine Lektion für Beck, 

der von nun an immer darauf pochte, „sein 

Ding" durchzuziehen. Im GUITAR SHOP 

(1989) – auf dem witzigen Cover pimpt ein 

Schrauber eine überdimensionale Gitarre auf 

– war er wieder ganz der Alte: abgedrehte 

Gitarrensoli, ungewöhnliche Rhythmen und 

die für ihn charakteristischen, wunderschönen 

Melodien machten eine neue Generation auf 

Beck aufmerksam. Sein geringer Achtziger- 

Output ist nicht auf mangelnde Kreativität 

zurückführen, denn Beck hatte damals extreme 

Probleme mit einem penetranten Tinnitus 

– einer fiesen Ohrenkrankheit, die ihn 

auch später immer wieder behinderte. 

Die Neunziger begannen viel versprechend, denn 

die Compilation BECKOLOGY (1991) war eine optimale 

Visitenkarte und bot gleichzeitig Futter für 

die Fans: zum Beispiel das unveröffentlichte "Jizz 

Whizz" von BBA und eine lustig-kitschige Version 

von "Sleepwalk", einer Rock’n’Roll-Schmalzballade, 

ursprünglich auf dem Soundtrack PORKY’S 

REVENGE (1985) zu hören. Nächster Stop: Vietnam 

– oder zumindest bei einem Soundtrack zum 

Antikriegsfilm FRANKIE’S HOUSE (1992), auf dem 

Beck exotische und surreale Klanglandschaften aus 

seiner Gitarre zauberte. Ein Jahr später verblüffte 

er mit dem Tribute-Album CRAZY LEGS, gewidmet 

seinem Vorbild, dem famosen Gene-Vincent-Gitarristen 

Cliff Gallup. Hier klingt er wie ein authen- 

tischer Rock’n’Roll-Saitenquäler, ohne dabei auch 

nur für Sekunden seine Authentizität zu verlieren. 

Brian Wilson schlägt Beck 2014 zum Beach Boy 

Nach einigen Ehrungen – die Yardbirds wurden 

1992 in die Rock'n'Roll Hall Of Fame aufgenommen, 

Beck erhielt den Award für sein Lebenswerk 

von der amerikanischen Fachzeitschrift „Guitar Player" 

– tauchte er mit verschiedensten Aktivitäten 

kurz auf, ohne aber einen eigenen Longplayer 

einzuspielen. Mit WHO ELSE! (1999) startete 

Beck dann seine Techno-Trilogie, ergänzt um 

YOU HAD IT COMING (2001) und JEFF (2003). 

Futuris tische Klänge, abgedrehte Gitarrenlicks 

und schräge Rhythmen charakterisieren die innovativen 

Alben, die sich an eher abenteuerfreudige 

Hörer richten und darum so manchen 

Beck-Begeisterten zögern ließen. 

Kein Einzelfall, denn er hatte nie den Willen, 

den Mainstream zu bedienen: Beck blieb 

Beck – kaum Hits, dafür stilübergreifend, unberechenbar, 

experimentierfreudig! Nächster 

Schachzug? Unvorhersehbar. Und so kam es 

nie zu einer übermäßig breiten Popularität – 

anders als bei seinem Kollegen Eric Clapton, 

obwohl (oder weil) dessen Gesamtwerk längst 

nicht Becks Variantenreichtum und stilistische 

Vielfalt aufweist. 

Ausgerechnet auf (und mit) dem von Clapton 

initiierten „Crossroads Guitar Festival" 2007 

katapultierte sich Jeff wieder nachhaltiger 

ins öffentliche Bewusstsein. Seine traumhafte 

Fassung von "Cause We’ve Ended As Lovers" 

verzauberte die Hörer, ganz zu schweigen von 

den sensationellen Bassparts der blutjungen 

Bassistin Tal Wilkenfeld, die dem Publikum 

den Atem raubten. Mit JEFF BECK: PERFOR- 

MING THIS WEEK ... LIVE AT RONNIE SCOTT’S 

(2008) und ROCK’N’ROLL PARTY HONOU- 

RING LES PAUL (2010), einem Tribut (mit Sängerin 

Imelda May) für den Gitarristen und Klampfenbauer 

Les Paul, legte er nach; nicht zu vergessen das melodiöse 

Album EMOTION & COMMOTION (2010), 

ein weiterer Beleg für seine prägnante Tongestaltung. 

Ferner erwähnenswert: die Live-Alben JEFF 

BECK LIVE AT BB KING BLUES CLUB (2006), JEFF 

BECK OFFICIAL BOOTLEG USA ’06 (2007) und JEFF 

BECK: LIVE AND EXCLUSIVE FROM THE GRAMMY 

MUSEUM (2010), auf denen er Querschnitte seines 

Schaffens präsentierte. 

Foto: © Willi Kuper 

In die Rock And Roll Hall Of Fame wurde Jeff Beck 

2009 aufgenommen, und die Universität von Sussex 

ehrte ihn im Juli 2011 

für seine „außergewöhnliche 

Karriere als 

Musiker". 

Jeff Beck hat über Jahrzehnte 

ein Gesamtwerk 

geschaffen, das unter 

kreativem Aspekt 


seinesgleichen sucht. 

2014: Ein neues Album 

steht an und eine Welttournee 

mit Konzerten 

in Deutschland – in 

der vierköpfigen Begleitband 

stehen laut 

Ankündigung die Violinistin 

Lizzie Ball, der 

Schweizer Akustikgitarrist 

Nicolas Meier sowie 

Rhonda Smith (Bass) 

und Drummer Jonathan 

Joseph. Und wenn es 

ihm trotz aller Aktivitäten 

doch mal langweilig werden sollte, stehen da 

ja noch einige Oldtimer bei ihm herum, die dringend 

restauriert werden müssten ... 

Helfende Hände 

Einige Eskapaden aus Yardbirds-Tagen verschafften 

Jeff Beck den Stempel „Egomane". Wer ihn 

persönlich kennen gelernt hat, berichtet dagegen 

von einem äußerst freundlichen, höflichen und 

auch witzigen Zeitgenossen. Immer wieder hat 

er Kolleg(inn)en bei deren Arbeiten geholfen. Ein 

Auszug: Für Frank Zappas schrille Groupie-Band 

GTOs (Girls Together Outrageously) steuerte er drei 

Nummern auf dem Album PERMANENT DAMAGE 

(1969) bei; ein Erlebnis, das nur von der Session mit 

Screaming Lord Sutch überboten werden konnte 

(ein Track auf LORD SUTCH AND HEAVY FRIENDS 

von 1970). Beck veredelte den Titelsong des Albums 

WHITE LADY der Progressive-Band Badger, 

gefolgt von einem Song auf PANIC (1975) von den 

Afro-Rockern ZZebra. Für die beiden von ihm produzierten 

Upp-Alben UPP (1975) und THIS WAY 

(1976) schnallte er sich die Gitarre für sieben Nummern 

um. Beck ist auf mehreren Alben von Stanley 

Clarke zu hören, u.a. MODERN MAN (1978), auf 

Cozy Powells TILT (1981), Vanilla Fudges MYSTE- 

RY (1984), Mick Jaggers SHE’S THE BOSS (1985), 

Rod Stewarts CAMOUFLAGE (1984), Jan Hammers 

DRIVE (1994) und George Martins IN MY 

LIFE (1998). Auf Robert Plants Rock’n’Roll-Projekt 

THE HONEYDRIPPERS VOLUME I (1984) klampfte 

Beck sogar Jimmy Page an die Wand (die beiden 

können's nicht lassen!). Ganz entspannt spielte er 

auf sechs Tracks von Roger Waters’ AMUSED TO 

DEATH (1992). Auch Tina Turner (PRIVATE DAN- 

CER, 1984), Diana Ross (SWEPT AWAY, 1984), Kate 

Bush (RED SHOES, 1993), Cyndi Lauper (THE BODY 

ACOUSTIC, 2005) und Joss Stone (COLOUR ME 

FREE, 2010) konnten schon auf ihn zählen. Aktuellstes 

Beispiel für einen gefühlvollen Beck-Beitrag: 

"Say It’s Not True" auf FUN ON EARTH (2013) von 

Queen-Drummer Roger Taylor. 


INTERVIEW 

Interviews mit Jeff Beck waren und 

sind rar gesät, der Mann scheut die 

Öffentlichkeit. In den letzten 25 Jahren 

hat GoodTimes-Mitarbeiter Philipp 

Roser Beck mehrfach getroffen und 

mit ihm telefoniert. Und er bekam " 

El 

Becko" im Vorfeld seines 70. Geburtstages 

an die Strippe, als der Gitarrist 

in Japan tourte. Morgens um sechs 

Uhr MESZ erreichte er ihn, in Tokio opferte 

Beck einen Teil seines täglichen 

Mittagsschlafs. 

Du warst schon sehr oft in Japan – was ist 

dort so besonders? 

Ich muss wohl schon zehn- oder zwölfmal hier gewesen 

sein, vielleicht auch 14 Mal. Die Veranstalter 

wollen inzwischen, dass man mit zweijährigem 

Abstand kommt, damit man nicht überpräsent ist! 

Früher war es so, dass englische Bands auch deshalb 

gern anreisten, weil sie mit neuem Material 

experimentieren konnten, ohne dass es der Rest 

der Welt richtig mitbekam. Aber im digitalen Zeitalter 

kann man nichts mehr verbergen (lacht). 

Hattest du je Probleme mit dem Jetlag? 

Die Tatsache, dass ich gerade geschlafen habe, als 

das Telefon klingelte, spricht doch Bände (lacht)! 

Man verändert sich bei der ersten Reise in eine andere 

Zeitzone. Aber wenn man es so oft tut wie ich, 

lässt das Erinnerungsvermögen nach, verändert sich 

der Geist. Was genau das bedeutet, weiß ich nicht. 

Ich empfinde es nur so. 

Wie wirst du den 70. Geburtstag begehen, 

spielt er überhaupt eine Rolle? 

Nein, ich nehme ihn einfach hin, weil ich ihn ja 

nicht umgehen kann. Ich mache das Beste aus diesem 

Jahr, toure viel. Ich hatte eigentlich vor, den 

Tag mit einer großen Show im Hollywood Bowl in 

Los Angeles zu zelebrieren. Aber da war ich zu spät 

dran, ich hätte es letztes Jahr angehen müssen, 

nicht erst Anfang 2014. Jetzt gab es keine Termine 

mehr – vielleicht hole ich es nächstes Jahr nach. 

Aber dieser Geburtstag hat für mich keine größere 

Bedeutung. 

Er ist aber Anlass, zurückzuschauen – welche 

Karrierehöhepunkte hat es gegeben? 

Schwierige Frage! Spontan würde ich sagen, einer 

der Höhepunkte war die Jeff Beck Group, weil 

wir neues Territorium erschlossen. Dann der Versuch, 

ein Album ohne Sänger zu machen: BLOW 

BY BLOW ging dennoch hoch in die Charts, kam 

also gut an. Außerdem war da ja auch die tolle Zusammenarbeit 

mit George Martin! Und dann war 

da noch die Kooperation mit Jan Hammer 1976, 

die ich sehr genossen habe. Dass so viele Menschen 

diese anspruchsvolle, extravagante Musik mochten, 

war ein zusätzlicher Bonus. 

Heißer Draht nach Tokio 

Du spielst in Japan mit neuer Band, die auch Außerdem kann ich ein bisschen kürzertreten und 

mit nach Deutschland kommt: Rhonda Smith mich auf der Bühne erholen, wenn die Geige im Mittelpunkt 

steht. 

am Bass, Jonathan Joseph am Schlagzeug, 

dazu Lizzie Ball als Geigerin und Nicolas Meier 

an der zweiten Gitarre; du hast immer wieder Du arbeitest an einem neuen Album. Welche 

gern mit Musikerinnen wie Jennifer Batten Rolle werden indische Einflüsse darauf spielen, 

die dich von jeher faszinieren? 

und Tal Wilkenfeld gearbeitet ... 

Ja, weil sie einfach gut waren und sind! Das Geschlecht 

hat nie eine Rolle gespielt. Jennifer hatte östliche Einflüsse dabei, diesen Desert-Blues. Au- 

Diesmal ist's eher die Türkei (lacht), wir haben nah- 

mich kontaktiert, als sie noch bei Michael Jackson ßerdem gibt es dort unglaubliche Vokalsounds! Eigentlich 

hätte das Album jetzt 

war. Ich konnte es kaum glauben, 

dass jemand derart Profiliertes 

was von mir will! Die 

Grunde fertig damit. Aber als 

erscheinen sollen, ich war im 

Bassistin Tal Wilkenfeld hatte 

ich es den Verantwortlichen 

mein Drummer Vinnie Colaiuta 

meiner Plattenfirma vorspielte 

angeschleppt. Es hat sich immer 

und es dabei zum ersten Mal 

wieder so ergeben, ich habe nie 

am Stück hörte, habe ich festgestellt, 

dass irgendetwas doch 

gesagt: Ich brauche jetzt unbedingt 

eine Geigerin oder 

noch nicht passte. Also habe ich 

eine Schlagzeugerin. Ich wollte 

ein paar zusätzliche Parts aufgenommen. 

Wenn ich aus Ja- 

schon immer guten Leuten die 

Möglichkeit geben, sich zu präsentieren 

– und wenn sie gut 

Arbeit daran ab, so dass es wohl 

pan zurück bin, schließe ich die 

aussehen, kann es ja nicht schaden. 

Außerdem sehen sie ohne- 

im Juli herauskommen wird. 

hin besser aus als ich (lacht)! 

In deinem musikalischen 

Kontext ist die Geige eher 

ungewöhnlich … 

Stimmt, aber mir schwebte 

ursprünglich vor, eine Art moderne 

Version des Mahavishnu 

Orchestra zu kreieren. Schnelle 

Läufe von Gitarre und Geige 

unisono zu spielen, das hat John McLaughlin in den 

70er Jahren demonstriert, und das hat mich gereizt. 


Stichwort Plattenfirma: Wie 

sehen da deine Erfahrungen 

aus? 

Im Grunde gut. Ich war eigentlich 

immer so etwas wie 

das künstlerische Aushängeschild 

für Epic. Sie haben mich 

künstlerisch nie unter Druck 

gesetzt, allenfalls mal gedrängt, 

wann denn das nächste Album 

komme. Sie nahmen höchstens dann Einfluss, wenn 

ich sie darum bat. 



KOLLEGENLOB Von Philipp Roser 

Revoluzzer, 

Gentleman, Genie 

Albert Lee 

Wir sind gleichaltrig und haben früher dieselbe Musik 

gehört. Aber er spielte Rock'n'Roll und orientierte 

sich dann in Richtung Blues. In den 

letzten rund 20 Jahren hat er seinen 

ganz eigenen Stil im Umgang mit 

dem Tremolohebel entwickelt – und 

er ist einfach ein wahrhaft empfindsamer 

Gitarrist. Er gehört zu meinen 

Lieblingsgitarristen und, was sehr wichtig ist: Man 

erkennt ihn und sein Spiel sofort! Es gibt viele große 

Techniker, die aber längst nicht über die Individualität 

verfügen wie Jeff. Hin und wieder laufen wir 

uns über den Weg, aber ich würde nicht unbedingt 

sagen, dass wir uns besonders gut kennen. 

Dave Kelly 

Ich kann mich an Jeff Beck noch aus den Zeiten von 

The Tridents erinnern, seiner Band vor den Yardbirds. 

Ich habe ihn nur kurz getroffen, als 

wir vor ein paar Jahren mit der Blues 

Band bei einem Festival auftraten, 

bei dem er auch dabei war. Er hat 

sehr großzügig mit meinem 21-jährigen 

Sohn für ein Foto posiert, der 

ein großer Fan von ihm ist. Jeff ist einer der größten 

Gitarristen dieser Welt, absolut wunderbar, brillant, 

anders – unverwechselbar. Er ist der Meister! 

Ich kann aber nicht sagen, dass er mich besonders 

beeinflusst hätte – er ist viel zu clever dafür! Besonders 

in Erinnerung geblieben ist mir eine Yardbirds- 

Platte, "Steeled Blues” (die B-Seite von "Heart Full 

Of Soul”), auf der er Slide spielte. 

Sam Andrew (Big Brother & The Holding Company) 

Ich liebte Jeff Becks Spiel, als er bei den Yardbirds 

war. Er hatte schon immer und hat weiterhin einen 

großartigen Gitarrenton und tolle 

Ideen. Am 20. Oktober 1968 spielten 

wir bei einem Festival in Alexandria, 

Virginia. Ich fragte mich, was er denn 

für ein Typ sei, denn damals hatte er 

den Ruf eines temperamentvollen, 

hitzköpfigen und schwierigen Zeitgenossen. Er kam 

damals auf mich zu, wir sind über das Gelände gewandert 

und haben uns bestens unterhalten. Er war 

ein Gentleman, sagte ein paar freundliche Dinge über 

Big Brother und wusste, was wir machten. Wir haben 

uns damals angefreundet – und er spielte an diesem 

Tag wirklich superb. 

Gordon Giltrap 

Jeff Beck ist für mich der großartigste 

lebende E-Gitarrist! Ich habe THERE 

AND BACK geliebt, vor allem "The 

Final Peace”. Ich bekomme heute 

noch eine Gänsehaut, wenn ich den 

Song höre! Ich habe 

sein Werk sehr spät 

entdeckt, aber was er 

mit dem Tremolohebel 

anstellt, ist unvorstellinalbar! 

Ein wahres Original, 

ein Innovator – bei ihm 

kommt mir immer sofort das 

Wort Genie in den Sinn. Er hat 

mich nicht beeinflusst, weil ich 

nie vorrangig ein elektrischer Gitarrist 

war – aber wenn ich das wäre und mir 

ein Vorbild suchen müsste, könnte es nur er 

sein. Leider habe ich ihn nie getroffen, wünsche ihm 

zum 70. alles Gute. Möge er noch lange seine Magie 

über uns ausschütten! 

Bernie Marsden 

Ich habe Jeff vor kurzem in Frankfurt bei der Musikmesse 

getroffen, wir waren beide 

gut drauf. Es war einfach schön, 

ihn wieder mal zu treffen und zu 

sehen, dass es ihm gut geht. Er ist 

ein wahres Genie, he is the man! Ich 

habe ihn vor über 40 Jahren kennen 

gelernt, als ich in der Band von Cozy Powell spielte 

– und er war immer sehr nett zu mir, kommt immer 

auf mich zu und begrüßt mich, wenn wir uns 

irgendwo begegnen. Er ist ein ganz normaler Typ. 

Und musikalisch hat er sich immer wieder neu erfunden, 

ist ständig auf der Suche nach Neuem – ein 

großartiger Gitarrist, ein großartiger Musiker mit viel 

Geschmack und Power. 

Aynsley Lister 

Jeff Beck ist ein sehr innovativer Gitarrist, 

hat seinen ganz eigenen, einzigartigen 

Stil und stellt Sachen mit 

dem Instrument an, die man sich 

nicht vorstellen oder gar erklären 

kann. Sein Spiel hat etwas Mystisches, 

er ist einfach ein Innovator! 

Alan Nimmo 

Jeff Beck hat das Gitarrenspiel revolutioniert, vor 

allem damals, als er von den Yardbirds 

kam – ähnlich wie Eric Clapton. 

Beide hatten etwas Eigenes zu 

bieten. Dabei hat Jeff Beck neue 

Türen geöffnet, was das Experimentieren 

und neue Sounds angeht. Es 

wirkt bei ihm auch nicht besonders technisch – auch 

wenn es technisch sicher sehr herausfordernd ist –, 

aber immer energiegeladen. Er ist ein energetischer 

Performer, und man spürt, dass es von Herzen 

kommt, was er spielt. 

Glenn Hughes 

Ich kenne Jeff seit langem – er ist einzigartig, wie 

von einem anderen Planeten. Es gab 

und gibt viele, die versucht haben, 

ihn zu kopieren, was unmöglich ist. 

In seinem Spiel steckt so viel Herz 

und Seele, er ist brillant. Was er 

spielt, überschreitet jegliche Vorstellung! 

Das hat eine so unglaubliche Ausdruckskraft 

und eigene Handschrift. Für das, was er mit einer 

einzigen Note ausdrückt, brauchen andere Gitarristen 

tausende! Ich habe leider nie mit ihm gespielt, 

aber kurz bevor ich bei Deep Purple einstieg, hat er 

mal angefragt, ob ich nicht mit ihm was machen 

wolle. 

Mick Box 

Jeff Beck war und ist für mich „the man”, seit ich 

sein TRUTH-Album zum ersten Mal 

gehört habe. Er war immer auf dem 

neuesten Stand, was das Gitarrenspiel 

angeht, immer vorneweg. Er stellt mit 

einer Gitarre an, wovon andere Leute 

nur träumen können. Er ist der komplette 

Gitarrist schlechthin, hat dabei wirklich einen 

unglaublichen Stil und Geschmack! 

Mick Ralphs 

Richte Jeff bitte aus, dass es gar nicht so schlimm 

ist, wie es aussieht, 70 zu werden 

– und ich weiß wirklich, wovon ich 

rede! Ich liebe Jeffs Spiel, es ist einfach 

großartig, fantastisch – wirklich 

absolut einzigartig! Jeff war und ist 

bis heute einer meiner Lieblingsgitarristen. 

Doch nicht nur das: Ich habe ihn in den 

letzten Jahrzehnten ein paarmal getroffen, und von 

daher weiß ich, dass er dazu auch noch ein umgänglicher 

Bursche ist! 


© Pressefotos 


Schwere Zeit für 

Dan, den Kämpfer 


Seit 1968 hat Dan McCafferty mit Nazareth gesungen, tourte mit der Band durch die ganze Welt – und 

musste sich jetzt zwangsweise von der schottischen Rockinstitution verabschieden. Dies geschieht mit 

Stil, mit der ihm eigenen Größe. Wegen einer chronischen Lungenkrankheit kann er nicht mehr auf die 

Bühne, könnte keine Show mehr durchstehen. Als musikalisches Erbe hinterlässt der künftige (Un-) 

Ruheständler das Album ROCK ’N’ ROLL TELEPHONE – und verdammt große Fußstapfen. In die muss 

Linton Osborne (41) treten, der wie Dan aus Dunfermline stammt. GoodTimes fragte bei McCafferty 

nach seinem Befinden, Philipp Roser musste aber erst mal selbst antworten. 

McCafferty: Hast du einen Favoriten auf ROCK ’N’ 

ROLL TELEPHONE? 

Ja, "Back 2B4" und "Winter Sunlight". 

Aaah, ein Romantiker! 

Nicht unbedingt – mir gefallen vor allem die Akustikgitarren. 

Okay – ich gebe zu, die sind wirklich großartig! 

Dan, wie geht es dir bei dieser etwas anderen Farewell-Tour? 

Es ist ja keine richtige Tour, auch keine keine Farewell-Tour. 

Es ist einfach so, dass ich wegen meiner 

Lungenkrankheit nicht mehr so lange singen kann. 

Natürlich ist es traurig! Das einzig Gute daran ist, 

dass ich mich immerhin mit einem tollen Album verabschieden 

kann. Ich will mich nicht beklagen – es 

ist ein großartiges Album, und die Boys haben mich 

wirklich toll unterstützt. 

Wie schwer fällt es, dieses Schicksal zu akzeptieren? 

Es war und ist sehr schwierig (atmet tief durch). 

Ich war so glücklich bei Nazareth, und das über 40 

Jahre! Es ist wirklich verdammt hart – this sucks, 

wie es im Englischen heißt! Doch dann habe ich 

mir gesagt, dass ich irgendwie damit klarkommen 

muss – und das werde ich auch, irgendwann! Aber 

ich muss gestehen, gerade im Moment ist es schwer, 

weil die Jungs proben und bald losziehen, aber ich 

kann nicht dabei sein! Ich hoffe, dass es klappt, dass 

alles gut läuft, denn ich liebe die Band, ich liebe die 

Musik, die wir gemacht haben. 

Wie lief die Arbeit an ROCK ’N’ ROLL TELEPHONE? EPHONE? 

Ich war krank, und in dieser Zeit haben 

die Jungs angefangen, die Songs zu 

entwerfen. Lee (Agnew, dr) und Jimmy 

(Murrison, g) haben die Stücke komponiert, 

auch die Texte geschrieben. Alles 

wurde für mich maßgeschneidert, denn 

sie wussten, dass ich letztmals dabei 

sein würde. Im Studio war ich die ganze 

Zeit über wieder an Bord, habe meinen 

Senf dazu gegeben, noch ein paar 

Kleinigkeiten beigesteuert. Wir waren 

alle vier zusammen sechs Wochen im 

Studio und hatten viel Spaß dabei. Und dihd ich denke, 

das Ergebnis kann sich wirklich hören lassen. 

Welche Absicht steckt hinter dem Albumtitel? 

Wir waren in Russland auf Tour, hatten Probleme 

mit den Sicherheitsbestimmungen. Jimmy wollte 

irgendwann nach Hause telefonieren, bekam aber 

einfach keine Verbindung. Er drehte fast durch. Es 

ist schlimm, quasi von der Außenwelt abgeschnitten 

zu sein. 

Ihr wart in den letzten Jahren viel in Osteuropa unterwegs 

… 

Es ist ein guter Markt für Rock'n'Roll. In den Zeiten 

des Kommunismus hatten die Menschen kaum eine 

Chance, westliche Rockbands zu erleben. Als dann der 

Eiserne Vorhang fiel, konnten ältere Gruppen wie wir, 

Uriah Heep, Deep Purple und viele andere dort spielen, 

weil die Menschen hungrig auf Rock'n'Roll waren. 

Stichwort Deep Purple. Stimmt es, dass sie dir den Job 

anboten, als Ian Gillan ausstieg? 

Das ist ein Mythos, der sich verselbstständigt hat. Wir 

waren mit Deep Purple auf Tour, und eines Abends 

sah ich Ritchie Blackmore am Bühnenrand, wie er 

uns beobachtete. Hinterher kam er zu uns in die Garderobe, 

als wir alle noch völlig verschwitzt herumsaßen. 

Er fragte, ob ich mir vorstellen könne, bei ihnen 

zu singen. Ich habe dankend abgelehnt und sagte: 

Ich bin schon in einer Band! Ich weiß bis heute nicht, 

wie ernst er es damals wirklich 

gemeint hatte. 

Nazareth machen mit Linton 

Osborne weiter. Warst du in 

seine Wahl involviert? 

Gar nicht. Das habe ich 

den Boys überlassen. Ich 

dachte, dass das nicht meine 

Baustelle ist. Natürlich 

haben sie ihn auf Herz und 

Nieren gecheckt, kommen 

gut miteinander klar und 

proben inzwischen i auch schon mit ihm. Es ist toll, 

dass sie gleich in der Nachbarschaft fündig geworden 

sind. 

Wirst du irgendwann wieder ein Solo-Album aufnehmen? 

Es gibt ja nur zwei von dir, und das war 1975 

und 1987 ... 

Würde ich ja gern machen! Doch die Realität ist, dass 

niemand mit einem Angebot auf einen alten Sack 

wie mich zukommt (lacht)! 

Hast du denn irgendwelche anderen Hobbys, denen du 

dich jetzt widmen kannst? 

Nope! (Lacht) Ich habe in einer Rock'n'Roll-Band 

gespielt und bin dann zu meiner Familie heimgekommen, 

und damit hatte es sich! Sonst nichts. Ich 

höre jetzt Musik, statt Teil von ihr zu sein. Aber ich 

schreibe immer noch Songs. Vielleicht gefallen sie ja 

irgendjemandem. 


RAINBIRDS YONDER 

15 JAHRE NACHDEM DAS LETZTE STUDIOALBUM ERSCHIEN, ERFINDEN SICH RAINBIRDS NEU 

UND INTERPRETIEREN IHRE SONGS IM JAHR 2014 AUF ‚YONDER‘ ZU EINEM GANZ PERSÖN- 

LICHEN RÜCKBLICK AUF EINE BEWEGENDE ZEIT: HERAUS GEKOMMEN SIND DABEI SONGS, DIE 

DEN GEIST DER 80ER JAHRE ATMEN, ABER IM SOUND DER GEGENWART ANGEKOMMEN SIND. 

AB 2. MAI ÜBERALL IM HANDEL 

UND ALS DOWNLOAD! 

WWW.RAINBIRDS.COM

FABULOUS POODLES 

Auf den Hund 

gekommen 


Die Pub-Rocker waren zwar " 

durch", 

und große Labels hatten sich den 

anfangs alternativen Punk gekrallt und 

abgemolken. Immerhin, das popmusikalische 

UK atmete wieder. Dennoch 

fielen enorm viele neue Bands an der 

Jahrzehntwende von den 70ern auf die 

80er Jahre durch den Rost, sind heute 

fast vergessen. Die 

" fantastischen 

Pudel" gehören dazu – und hatten 

noch Glück: Zumindest einige ihrer Töne sind auf CD 

gespeichert. Manko: alles vergriffen und, wenn überhaupt, 

nur noch zu Gaga-Preisen im Angebot. 

Sie hatten genau diese Übergangsphase erwischt: 

Punkiger Krawall lag nicht auf ihrer Linie, selbst 

für die wachablösende New Wave waren sie zu 

konservativ – und das ganz gezielt. 1975 hatten sie 

sich in London als The Poodles formiert: Tony De 

Meur (voc, g, harp), Robert Beckingham alias Bobby 

Valentino (viol, mand), Bryn Burrows (dr) und Richie 

Robertson (b), der den Gründungspianisten Bob Suffolk 

ablöste. Dass sie „fabulous" waren, erkannten 

Späher der PYE-Marke und fischten sie 1977 aus 

einem Vertrag des Private-Stock-Labels. 

Der Dichter und Songtexter John Parsons lieferte 

– gern Verschrobenes – in Serie, er trat im Vorprogramm 

als Einradfahrer auf, vertickte Pudel-Poster 

und ließ seinen Mini-Fiffi „Nipper" auf der Bühne 

zur Musik jaulen. Korrekt – sie fielen auf, mit einem 

ansteckenden, clever verquirlten Gemisch, das an 

viele Vorgänger erinnerte: von 

Chuck Berry über die Kinks 

bis zur Bonzo Dog Doo Dah 

Band. Da gab es Rock'n'Roll, 

Pop, Country, Folk – und alles 

so „verrry British", wie es 

Großmeister Ray Davies kaum 

sezierender hätte basteln 

können. Dieses Potenzial erkannten 

auch John Entwistle 

von The Who 

und Muff Winwood (Ex-Spencer 

Davis Group), die sich in der 

Kurzkarriere der Fabulous 

Poodles je einmal als LP-Produzenten 

verdingten. 

Humorige Pudel: v.l. Bryn Burrows, Bobby Valentino (hinten), Richie Robertson (vorn), Tony De Meur 

Die Lichter standen auf grün. 

Entwistle, der fürs Debüt FABU- 

LOUS POODLES selbst Hand am 

Bass anlegte, leistete ganze Arbeit: 

Die hoffnungslos „altmodische" LP erhielt exzellente 

Kritiken – und das inmitten von Clash, Sex Pistols, 

Damned & Co. Wie also sollten die verantwortlichen 

PYEer da eine Schublade für diesen Haufen leicht 

abgedrehter Spaßvögel finden? Für eine Truppe, 

die augenzwinkernd über Arbeitsscheue, Biker-Blut, 

Selbstgedrehte und das gemalte Pinup-Girl auf einem 

Flipper sang? Kurz: Das 1A-Debüt 

riss nichts. 

Auftritt John Peel; ein 

Poodles-Fan, seit die sogar einen 

Haarschnitt zum Single-Thema 

verarbeitet hatten ("Chicago Boxcar 

[Boston Back]"). Der Kult-DJ 

mit dem super Sensor bat das 

Quartett gleich viermal ins Studio, 

die 20 Titel verstauben noch 

heute im BBC-Archiv. Auch die Folge-LP war offenbar 

„unpassend": UNSUITABLE bot den Mix des Vorgängers; 

handwerklich tadellos und von einer nasalen 

Ray-Davies-Stimme präsentiert, mit Songs über liebgewonnene 

Billigfilme, einen schmierigen "Tit Photographer" 

mit Hormonstau, den 

gemobbten Fußabtreter aus der 

Schulklasse ("Mirror Star"), die 

Stripperin ("Topless Go-Go") 

und den namenlosen Selbstmörder, 

der von der "Suicide 

Bridge" springt – Leben ringsum, 

wenngleich nicht alltäglich 

(und beim letztgenannten 

Beispiel samt Mega-Klau bei 

"Still I'm Sad" der Yardbirds). 

Immerhin ging es aufs Euro-Festland, mit Benelux 

und BRD als Tour-Hauptstationen. Und: Brian Lane, 

Yes-erprobt, hatte das Management übernommen. Er 

brachte die Skurrilen in den USA bei Epic unter. Dort 

erschien MIRROR STARS, ein Best-Of aus den UK-Alben; 

und mit dem Titellied – sowie Anheizergigs für 

die Ramones, Tom Petty, Sha Na Na und die J. Geils 

Band – schafften die Poodles 1979 ihre einzige Chartnotierung 

(US #81). Das Album verkaufte sich „drüben" 

besser als die Erstlinge von Clash und The Jam. 

Auch Muff Winwood machte als Produzent einen 

sauberen Job: LP Nr. 3, THINK PINK, setzte die Formel 

„gut, aber kaum verkäuflich" fugenlos fort. "Anna 

Rexia" (ironisch-böse Hymne an die Magersucht), der 

"Cossack Cowboy", die Schleppnetz-Mentalität in 

der Filmmetropole ("[Hollywood] Dragnet") – all das 

überzeugte, nur nicht an der Kasse. Die intelligente 

Crew schnüffelte das Dilemma, die Pudel waren auf 

den Hund gekommen – Abpfiff 1980. 

Tony De Meur ist noch heute als Standup-Comedian, 

Jingle-Komponist und Synchronisator aktiv, nennt 

sich als Musiker Ronnie Golden (CD: RETURN OF THE 

FABULOUS POODLE; 2003). Seit über 30 Jahren bestens 

im Geschäft: Top-Geiger Bobby Valentino. Nach 

der Zeit in der Hank Wangford Band spielte er auf 

Platten u.a. von den Knopfler-Brüdern, Style Council, 

Tom Petty, Bob Geldof, The Men They Couldn't Hang. 

Vier Solo-CDs (1991, 1996, 2001, 2011), letzte Band: 

Los Pistoleros. Bryn Burrows war bei Freur ("Doot- 

Doot", 1983) und der Folgeband Underworld, Richie 

Robertson spielte u.a. für Ron Kavana. 

Glückliche, die HIS MASTERS CHOICE (Sequel 

NEMCD 697; 1995) aufspüren, erhalten zumindest 

21 der rund 35 offiziellen Poodles-Songs (Vinyl ist 

wesentlich leichter/günstiger zu finden) – und damit 

eine konventionelle Musik zwischen vielen Stühlen, 

aber mit nur wenigen Schwächen. 


– Glenn Hughes 

CHRIS FARLOWE - BURSTING OVER BREMEN 

Never released before! Live 1985! 

Chris Farlowe And The New Thunderbirds 

in bestechender Form - Doppel-CD! 

Foto: © Joe Lester 

Sie liefern Powertrio-Rock vom Feinsten: 

(v.l.) Glenn Hughes, Jason Bonham 

und Andrew Watt 

Endlich Vater" – " 

ohne Funk 

California Breed nennt sich ein Powertrio, das 

wie ein Phönix aus der Asche der verblichenen 

Supergroup Black Country Communion 

emporstieg. Über die Hintergründe und das 

Debütalbum berichtet das 62-jährige Sprachrohr 

der Band, Sänger und Bassist Glenn Hughes 

(Ex-Deep Purple, Trapeze, Black Sabbath). 

Nach dem Ende von Black Country Communion 

ging es sehr flott weiter … 

Als Black Country zerbrach, war ich nicht wütend. Ich 

hatte schon länger ein Gefühl gehabt, dass es nicht 

mehr lange halten, dass Joe Bonamassa nicht live mit 

uns spielen würde. Ich wusste, dass unser Drummer 

Jason Bonham mit mir weitermachen würde, weil 

wir uns blendend verstehen und als Rhythmusgruppe 

perfekt zusammenspielen. Wir waren uns auch sofort 

einig, dass keine Black Country Communion II mit 

irgendeinem anderen etablierten Gitarristen in Frage 

kam – ich wollte etwas Neues, Organisches und ohne 

Keyboards. 

Jetzt habt ihr mit Andrew Watt (23) einen jungen 

Gitarristen dabei. 

Mein Freund Julian Lennon hat ihn mir bei einer Party 

vorgestellt. Andrew ist New Yorker, und wir plauderten 

über seine Bewunderung für Jimmy Page, John Frusciante 

und Jerry Cantrell. Er sagte, er sei ein Fan von 

Deep Purple, nicht aber der Stratocaster-Gitarre. Ich 

bat ihn, mir Musik von sich zu schicken. Das passierte 

ein paar Tage später – was ich hörte, gefiel mir, und 

ich lud ihn zu mir nach Los Angeles ein, um zusammen 

zu schreiben. Am ersten Nachmittag entstanden 

"Chemical Rain” und "Solo”, die jetzt auf der Platte zu 

hören sind. Jason, der in Florida lebt, war zufällig auch 

in L.A., wir gingen ins Studio und haben diese beiden 

Songs gleich eingespielt. Wir haben uns sofort verstanden, 

allerdings dauerte es noch ein paar Monate, bis 

wir loslegen konnten: Jason war mit der Led Zeppelin 

Experience beschäftigt, und ich war mit Slash und Duff 

Von Philipp Roser 

McKagan mit den Kings Of 

Chaos unterwegs. Wir trafen 

uns dann in Florida, schrieben 

weiter – und jetzt sind 

wir als neue Band hier. 

Andrew könnte dein 

Sohn, fast schon dein Enkel sein ... 

Du sagst es! Ich habe ja selbst keine Kinder, wollte 

aber immer gern Vater sein. Jetzt hat sich das ergeben. 

Andrew ist ein intelligenter und smarter Bursche, 

muss aber noch einiges lernen. Vor allem aber steht 

er ständig zur Verfügung, so dass wir viel live spielen 

können. Genau darum wollten wir keinen bekannten 

Gitarristen, der auch noch andere Verpflichtungen 

hat und nicht immer greifbar ist. Andrew ist unglaublich 

talentiert, spielt angriffslustig – der Sound dieser 

Band ist sehr viel aggressiver als der von Black 

Country – und beseelter. Und ich habe einfach Bock 

auf Rock! Natürlich könnte ich wie früher auch funky 

spielen, aber ich habe gerade nach BCC keine Lust, 

wieder mit so einem Stil durch die Clubs zu tingeln! 

Ihr habt in Nashville mit Dave Cobb aufgenommen? 

Ja, Dave ist der beste Produzent, mit dem ich je gearbeitet 

habe. Er hatte meine Freunde Rivals Sons produziert, 

und mir gefiel der Sound. Er hat uns auch 

dazu gebracht, im Studio mal ganz anders vorzugehen: 

Er ließ Jason und Andrew zusammenspielen 

und mich live dazu singen. Wir haben jeden der 13 

Songs zweimal gespielt, hatten alles in nur drei Tagen 

im Kasten! Am vierten habe ich meinen Bass hinzugefügt, 

und als ich dann den Gesang aufnehmen 

wollte, sagte David Cobb: Warum? Den haben wir 

doch schon – du hast so leidenschaftlich und elektrifizierend 

gesungen! Also ist jetzt das zu hören, was 

eigentlich nur als Führstimme gedacht war ... 

Und jetzt geht es bald auf Tournee? 

Ja, wir starten im September – es beginnt in Europa. 

MAGMA - ZÜHN WÖHL ÜNSAI, LIVE 1974 

Die französische Kultband mit einem herausragenden 

Konzert aus den 70ern. 

Atemberaubend und unverwechselbar! 

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Chris Farlowe 

The Voice & Hotel Eingang 

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And You Will Know Us By The Trail Of 

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Rolling Stones 


censored 

Stunk um Steine (1) 

Sie waren bekanntlich von Beginn an 

gut für Skandale, Skandälchen und solche, 

die es gern gewesen wären – und 

für mitreißend-attraktive Musik. Wenn 

dann beides auch noch irgendwie zusammengehörte, 

um so besser. Optisch und akustisch gab es 

in der Tat schon viel zu meckern, mehrheitlich für 

ängstliche Bosse und verkniffene Zensoren: „anstößige" 

Cover, „unflätige" Texte – immer wieder 

rappelte es schon seit den Sechzigern. Und 

oftmals galt die gar nicht neue Regel: je mehr 

Remmidemmi, desto größer das anschließende Interesse 

– PR geglückt. Zweiteilige Erinnerungen 

in Wort und Bild, an Ärgernisse, vorhersehbaren 

Stunk und dann und wann auch mal grollende 

Steine. 

Jaggers Kinder, Ronnies Damen, Richards' Knochen 

und so weiter – alles gut für den Boulevard, 

die Bunt-Journaille, Nachschub garantiert. 

Aber wer es eher mit der Musik hielt, konnte über 

Mangel an Zoff ebenfalls nicht klagen, weil's gerade 

mal wieder irgendwo gekracht hatte. Vom 

ersten Manager Andrew Loog-Oldham gezielt zu 

„bösen Buben" aufgebaut, wussten auch die Musiker 

selbst über kurz oder lang: lieber im Gerede 

als womöglich gar nicht im Gespräch ... 

1963 

Ein giftiges Efeu und der Blick in die 

Zukunft, damit begannen Stunk bzw. 

Ärgernisse rund um Veröffentlichungen der Stones. 

Nach dem etwas poppig geratenen "Come On" (Produzent: 

Michael Barclay) setzte die Band im Juli auf 

zwei erprobte US-R&B-Nummern, "Poison Ivy" und 

"Fortune Teller". Doch wieder legte Decca-Mann 

Barclay Hand an – und wieder 

passte es nicht. Jagger & 

Co., damals permanent hochexplosiv 

live unterwegs, hätten 

mit zwei halbgaren Weichspülern 

nachgezogen, die bereits 

im Tempo klemmten. Decca 

vergab zwar eine Nummer (F 

11742), presste auch an – und 

zog dann im August doch die Reißleine: Stop! Nur 

wenige Exemplare rutschten raus (Stones-Fachmann 

Felix Aeppli schätzt etwa 60), beide Tracks wurden 

auf der V.A.-Compilation SATURDAY CLUB verwurstet. 

Die Originalsingle zählt dementsprechend zu 

den Mega-Raritäten im Stones-Katalog und wurde 

durch den Heuler "I Wanna Be Your Man" ersetzt. 

1964 

Dumm gelaufen, ausgerechnet bei 

der Vinylpremiere für die erste zu 

veröffentlichende Jagger/Richards-Komposition. 

Teile der UK-Startauflage des LP-Debüts THE ROL- 

LING STONES enthielten eine 2:54 Minuten kurze 

Hauruck-Version von "Tell Me" – nicht auskomponiert, 

miserabel gemischt, schlecht gesungen. Ein 

Techniker (bis heute ungeklärt) hatte offenbar für 

die Überspielung das Demoband erwischt, die Endkontrolle 

versagte, und schon war versehentlich ein 

Stones-Top-Juwel in spe geschaffen. Der Murks 

wurde schnell gestoppt, innerhalb von Wochen erschien 

die korrigierte Ausgabe. 

1965 

Dass Mick Jagger vom gescheiterten 

Reinraus mit einem Mädchen ("to 

make some girl") gesungen hatte, gab zwar Rabatz 

bei den Zensoren; den getexteten Grund – nämlich 

ihre Regelblutung ("I'm on a losing streak") – hatten 

die Herrschaften aber offenbar gar nicht begriffen. 

Und so wurde "(I Can't Get No) Satisfaction" 

durchgewunken und zum Welthit. Für jahrzehntelanges 

Wegsperren sorgte 

dagegen die ultra-harmlose 

B-Seite der Single, ein herrlich 

schunkeliger Blues über 

den Hilfsmalocher einer 

Plattenfirma, "The Under 

Assistant West Coast Promotion 

Man". Eingespielt in 


Der mächtige Nixon-Clone Ed 

Sullivan setzte es durch: Schweinkram 

in seiner CBS-TV-Show? Niemals! Und daran 

mussten sich aus 

geschäftstaktischen tischen 

Gründen sogar die 

Stones halten. Als sie 

am 15.1.1967, nur 

einen Tag nach der 

US-Veröffentlichung, 

ihren neuesten Hitkandidaten 

präsen- 

tierten, sang Jagger 

live (zum Musikplayback k 

und 

mit verdrehten Augen) „Let's 

spend some time together". 

Den Beweis gibt's auf Youtube, 

ebenso wie das Video 

des Probe-Auftritts vor Publikum 

– hier mit einem Mix 

aus normalem, zensiertem und 

sogar weggelassenem Text. Al- 

les auf offizieller Audio-CD 

nicht erhältlich. Randnotiz: 

Die US-Bands The L.A. Power 

& Light Co. (Warner WB 

7087; 1967) und The Distortions 

(Capitol P 2223; 1968) 

brachten Cover-Singles als "Let's 

Spend Some Time Together" auf fden Markt ... 

den Chess Studios am 10.5. 1965; doch erst 1989 

– und bis dahin gekappt tausendfach wiedervereltöffentlicht 

– durften die Fans die ausgespielte 

Fassung kaufen (SINGLE COLLECTION). Am 

Ende des Songs hatte der Ich-„Erzähler" 

Details seines Knochenjobs in die Gegend 

gemurmelt, doch was erlauben Jagger?! „I 

break my ass everyday" war ihm entfahren, 

dass er sich also tagtäglich das Gesäß 

aufreißen müsse. Himmel, das war nun 

wirklich nichts für einen Liedtext ... Und 

so wurde einige Sekunden früher ausgeblendet, 

die entarschte Version blieb 24 Jahre 

lang im Giftschrank. 

1967 

1970 

Der Decca-Vertrag war beendet, doch 

ein Song noch abzuliefern. Mick Jagger, 

stinkig, griff sich im Frühjahr 

in seinem Haus in Newbury 

eine Akustische. Er schrammelte 

ein Demo des "Cocksucker 

Blues" (auch: "Schoolboy 

Blues" bzw. "Lonesome Schoolboy") 

runter – mit homosexuellen 

Gedanken eines Provinzpennälers; 

Hauptrolle: der 

gefühlsechte 

Gummiknüppel 

eines Jung-Cops. Kontrakt erfüllt, 

Ablehnung programmiert. 

Als offizielle Bonus-Single – 

das UK-Label drehte fast durch 

– lag der Notenporno 1983 der 

Erstauflage der deutschen LP- 

Box THE REST OF THE BEST 

bei. Eine Bandfassung existiert 

ebenfalls, eingespielt im Mai/ 

Juni 1978 bei Aufwärmsessions 

in den Bearsville Studios für 

eine US-Tour. Beide 

Versionen (3:38/6:58) gibt es 

auf diversen Bootlegs. 

1973 

Erst 

verbot 

Warner- 

Bros.- Ikone Ahmet Ertegun den Titel "Starfucker" 

(neu: "Star Star"), dann ging es dem Songtext über 

ein Groupie an den Kragen. Jagger, ganz Hygiene- 

Fan, teilte seine Überzeugung 

mit, die Dame 

würde – nach Lust 

spendendem Gebrauch 

länglicher Früchte – auf 

Reinlichkeit im südlichen 

Körperbereich setzen: "I 

bet you keep your pussy 

clean", Großalarm bei den 

Sittlichkeitswächtern! In Amerika wurde überblendet, 

ein Matsch aus zwei Texten erschien anfangs 

versehentlich auf dem US-Album GOAT'S HEAD 

SOUP (und auch noch auf einer internationalen 

CD-Ausgabe von 2010!). Klare Kante kam dagegen 

von der Südafrika-LP: Während weltweit der Refrain 

„Starfucker, starfucker, star" unbeanstandet blieb, 

wurde hier hinter jedem „Star ..." mit Schmackes 

auf eine Pauke gedonnert – ein ultimatives Überspielungs-Highlight! 

1980 

Nein, gute Menschen fluchen nicht, 

und schon gar nicht mit „ihm" ganz 

oben! Um bei der Vorabwerbung 

für die Single 

"She's So Cold" keine 

religiösen Gefühle von 

Millionen natürlich genau 

darauf achtender 

Stones-Fans zu verletzen, 

griff die US-Zensur 

ein: schnipp-schnapp bei 

ca. 2:45 Min. – nur für die Radio-Promo-45er (RS 

21001) wurde ein „goddamn" extra rausgefeuert. 

Die Albumversion – verdammt! – blieb ohne Schnitt. 

1994 Furchtbarer 

„Funkenflug": 

Auf der ansonsten 

identischen Promosingle mit 

"Sparks Will Fly" (VSCDT 

1524) gab's bei 1:35 Min. 

nur ein kurzes Gerumpel 

zu hören, dann waren die 

Fans vor abgründigem Gedankenunrat 

bewahrt – keine Spur mehr 

vom „Fuck your sweet ass". 

1997 

Ebenso technisch ausgereift wurde 

die Vorab-45er von "Flip The Switch" 

(DPRO-12784) bearbeitet. et. Gleich an zwei Stellen 

(1:34 und 2:00 Min.) 

musste der gar ungeheuerliche 

Sittenverfall 

„... all that shit" (!) mittels 

Überrumpelung unbedingt 

aus dem Verkehr 

gezogen werden 

– kapitaler Schwachsinn 

US-amerikanischer Resthirnträger t um einen Alltagsbegriff. 

Je oller, desto doller. Vom Spätwerk 

A BIGGER BANG erhielt "Oh 

No, Not You Again" 

eine Auskopplung – und 

gleich dreimal holten 

die Zensoren für die 

Promosingle-Ausgabe 

(0946 3 46493 2 2) das 

Schmirgelpapier aus dem 

Schrank: „Fucking up 

my life" (0:49 und 3:18 

Min.) wurde dabei doppelt rasiert; auch Jaggers 

2005 

abschweifender Blick „Staring down your tits" (bei 

2:30) hatte keine Chance. Alle drei verbalen Ungezogenheiten 

blieben ohne piependes oder kratzendes 

Überblenden einfach frei. 

2005 Radio- 

Promo- 

CD-Single mit "Rain 

Fall Down". Dass, wie 

dabei behauptet, alle 

Banker „Wichser" seien, 

durfte zumindest hier 

nicht verbreitet werden: 

„Bankers are (***)" kam 

es aus Jaggers Hals, das reimende „wankers" war 

verschwunden. Stummschaltung, Berufsstand gerettet 

... 

(Fortsetzung in der nächsten GoodTimes-Ausgabe) 


Stig Edgren 


Elvis, Clinton 

und der Papst 

Stig Edgren? Nie gehört! Dabei steckt der Mann hinter Mega-Events. Er hat 1993 die Amtseinführungsfeier 

von US-Präsident Bill Clinton organisiert, ebenso die Messen der Päpste Johannes Paul II. und Benedikt 

XVI. in New York und Los Angeles mit Hunderttausenden von Teilnehmern. Er hatte die Finger im Spiel bei 

Nelson Mandelas Rallye For Freedom" und der Abschlussfeier der Olympischen Spiele 1984 in Los Angeles. 

" 

Und er hat Innovationsreichtum im Musikbusiness bewiesen: Edgren kreierte Unforgettable", das posthume 

Duett von Natalie Cole mit ihrem verstorbenen Vater Nat King, ebenso eines von Nancy & Frank Sinatra. 

" 

Und er brachte Elvis Presley Jahre 

nach dessen Ableben mit dem 

Projekt In Concert" mit dessen 

" 

ehemaligen Mitstreitern Scotty 

Moore und James Burton auf die 

Bühne. Auch wenn Puristen die 

Nase rümpfen – der Erfolg beim 

Publikum gibt Edgren Recht. 

Elvis Presley – On Stage" ist sein 

" 

neuestes Projekt, das im Juni auf 

fünf deutsche Bühnen kommt. 


Fotos: © Louise Haywood-Schiefer/lhschiefer.com/2014 

Stig, ich erreiche dich bei Castings in London ... 

Wir suchen gerade die Beteiligten für die Elvis- 

Presley-Shows in Deutschland aus. Es sollen Top- 

Sessionmusiker und -sänger sein, die in perfekter 

Synchronisation live für und mit Elvis spielen werden, 

während er auf der Leinwand singt. Dafür verwenden 

wir so genannte isolated vocal-tracks, separate Gesangsspuren; 

sein Gesang bei Filmaufnahmen wurde 

mit einem Extra-Mikro festgehalten, ohne dass andere 

Instrumente auf dieser Spur zu hören sind. 

Es war wohl viel Arbeit, diese originalen Gesangsspuren 

zu finden? 

Richtig. Ich arbeite mit seinen Nachlassverwaltern 

Graceland zusammen, die diese Bänder an einem geheimen 

Ort aufbewahren. Wir sind diese Tapes schon 

vor ein paar Jahren durchgegangen, als wir „In Concert" 

machten. Sie ermöglichen ein echtes Konzerterlebnis 

– so, wie es wohl wäre, wenn Elvis heute auf 

der Bühne stünde. 

Elvis singt von einer Leinwand, und die Band 

auf der Bühne liefert die Livemusik dazu? 

Genau! Sie spielt gewissermaßen „mit" ihm. Wenn 

man heute in eine Arena-Show von Beyoncé geht, 

ist es ja nicht viel anders. Da sieht man sie auch nur 

auf der Leinwand, wenn man nicht gerade ganz vorn 

steht. 

Du hattest 1997 für " 

In Concert" 

James Burton, Scotty 

Moore, Ronnie Tutt und Glen 

Hardin dabei ... 

Ja, aber das war einmal ...! Scotty spielt nicht mehr. 

James hat bis Oktober 2013 mit uns gearbeitet, aber 

heute kann auch er nicht mehr. 

Was unterscheidet " 

Elvis – On Stage" von " 

In 

Concert"? 

Wir fokussieren uns darauf, eine Art „Abend in Las 

Vegas" zu präsentieren, als würde Elvis dort ein Konzert 

geben – nur eben mit jüngeren, energiegeladenen 

Musikern. 

Du organisierst viele unterschiedliche Events, 

aber Elvis zieht sich wie ein roter Faden durch 

deine Arbeit ... 

1997 ging 

es zunächst 

darum, seines 

20. Todestages 

zu 

gedenken. Es 

war dann so 

erfolgreich, 

dass wir weitermachten 

– 

16 Jahre lang! 

Ich hatte vorher das "Unforgettable”-Duett von Natalie 

und Nat King Cole organisiert. Zuvor war ich 

lange Jahre Organisator von Natalies Shows; als sie 

sich dann an das Projekt mit Nat heranwagte, bat sie 

mich um Hilfe. Danach fragten die Graceland-Leute, 

ob Vergleichbares mit Elvis möglich wäre. 

Es avancierte fast zu einem Trend ... 

Kann man so sagen. Natalie King, Elvis, außerdem 

habe ich ein Duett von Lisa-Marie Presley und ihrem 

Vater auf die Beine gestellt, "Don't Cry Daddy”. 

Du wolltest Ähnliches auch mit anderen verstorbenen 

Showgrößen machen ... 

Ja, die Nachlassverwalter von Liberace, Janis Joplin, 

Karen Carpenter und Judy Garland kamen auf mich 

zu. Das funktioniert bei diesen Leuten aber nicht, 

weil es zu wenige Film- oder Video-Aufnahmen mit 

separaten Gesangsspuren gibt. 

Du verzichtest bei Elvis auf andere visuelle Effekte? 

Es gibt keine Tänzer, keine Hologramme oder sonstigen 

visuellen Schnickschnack. Das wären nur Gimmicks 

– mir geht es aber um die Musik! Es soll ein 

authentisches Elvis-Konzerterlebnis sein! 

Du richtest musikalische, politische und sportliche 

Events aus. Worin unterscheiden die sich? 

Vor allem durch all die Sicherheitsbelange. Ansonsten 

sind das alles vor allem logistische Herausforderungen. 

Koordinierung des Verkehrs, die zeitlichen 

Abläufe – 1995 bei der Messe von Papst Johannes 

Paul II. im New Yorker Central Park war eine Viertelmillion 

Menschen versammelt! Da musste ich 

eng mit dem New York Police Department und 

der Feuerwehr zusammenarbeiten, auch mit dem 

Vatikan. Bei der Abschlussfeier der Olympischen 

Spiele von Los Angeles hatte ich erstmals mit Politikern, 

mit einem Präsidenten zu tun. Da rannten 

alle möglichen aufgescheuchten Leute rum und 

drehten fast durch. Ich habe die Ruhe bewahrt, kam 

so immer näher an den Präsidenten und die First 

Lady heran, und am Ende war ich es, der ihnen 

die Athleten vorstellte. Da ich offenbar einen ganz 

guten Job abliefere, werde ich häufig zu solchen 

Großveranstaltungen hinzugezogen. 


Kenny Wayne Shepherd 

Foto: © Mark Seliger 

BLUES MIT RELEVANZ 

Zuletzt war Gitarrist Kenny Wayne Shepherd, das einstige Blues-Wunderkind", mit Stephen Stills und Barry 

Goldberg als The Rides unterwegs. Jetzt meldet sich der 36-Jährige " 

mit GOIN' HOME zurück – das Album 

wird er im Mai live in Deutschland vorstellen. 

Wann hast du Zeit für GOIN' HOME gefunden? Hat sich das mit The Rides überschnitten? 

Ja. Ich spielte meine Platte bereits im September 2013 ein, bevor wir mit The 

Rides ins Studio gingen. Ich habe seither nur noch ein paar Kleinigkeiten überarbeitet, 

gemischt und gemastert. 

Welche Idee steckt dahinter, Songs deiner Vorbilder neu aufzunehmen? 

Für mich ist das Album eine Möglichkeit, meinen Respekt und meine 

Wertschätzung für die Musik zum Ausdruck zu bringen, die mich in meiner 

Kindheit und Jugend inspiriert und dazu gebracht hat, zur Gitarre zu greifen. 

Ich bin tief in die Kataloge meiner Helden und Vorbilder eingetaucht, um die 

passenden Songs auszusuchen. Es sind bewusst nicht die üblichen Nummern, 

die schon 1000 Mal nachgespielt worden sind. Für mich war entscheidend, dass 

die Songs heute noch Relevanz haben. Außerdem wollte ich erstmals in meiner 

Heimatstadt Shreveport in Louisiana aufnehmen und ein paar Leute dabei 

haben, die für mich in frühen Jahren wichtig waren. Wie etwa Bill Pfordrescher, 

der zu meinem Vater kam und sagte, er wolle mich aufnehmen, als ich 13 Jahre 

alt war. Oder mein Jugendfreund Brady Blade, in dessen Studio wir aufnahmen. 

Hast du die Songs selbst ausgewählt? 

Ja. Ich hab das allein gemacht. Die einzigen Ausnahmen sind die Mitglieder 

meiner Band – Drummer Chris Layton hatte ein paar Anregungen, Keyboarder 

Riley Osbourn machte einen Vorschlag. Und dann war da noch "Breakin' Up 

Somebody's Home” – ich war mit meiner Band mit Warren Haynes' Gov't Mule 

in den Staaten auf Tour, und da jammten wir diese Nummer – so lag es nahe, 

sie mit Warren zu machen. 

Es sind auch Gäste wie Joe Walsh und Ringo Starr dabei. Kamen die zu euch? 

Nein. Wir haben die Tracks zwar weitestgehend live eingespielt, nutzten aber 

auch die moderne Technik. Die Gäste nahmen ihre 

Tracks separat auf und schickten sie dann per Internet. 

So 

konnte ich meine Freunde Joe Walsh, Ringo Starr, 

Kim Wilson, Warren Haynes, Keb' Mo', Robert Randolph 

und die Rebirth Brass Band dabei haben. Sie alle haben 

eine große Wertschätzung für den Blues. 

Von Philipp Roser


IAN ANDERSON 

Ian Anderson (Mitte), 

umgeben von seinen aktuellen 

musikalischen Mitstreitern. 

Sein Alter 

(66) beeindruckt 

den Schot- 

ten nicht: Unermüdlich zapft 

Ian Anderson Kreativquellen für 

neue Alben an, scheint pausenlos 

auf irgendeiner Bühne dieser Welt zu 

stehen. Interessant: Nachdem 

der Jethro-Tull-Chef in den 

1980ern und 1990ern 

einige 

künstlerische 

Durststrecken 

durchmachte, 

strotzen 

die 

letzten Werke wieder vor Krea- 

tivität. Allen voran das aktuelle 

Meisterstück HOMO ERRATICUS. 

Es erscheint unter Andersons Namen, nicht 

unter dem der Band. Mit dem Tull-Gitarristen 

Martin Barre gäbe es weiterhin gewisse Unstimmigkeiten 

über die Nutzung des Namens, 

darüber will Anderson aber nicht sprechen. 

HOMO ERRATICUS zeigt den Sänger, Komponisten, 

Texter und Querflötisten einmal 

mehr als Geschichtenerzähler. Und darüber hinaus 

machen die Texte deutlich, dass Anderson weiterhin 

nicht mit seinem Schützling Gerald Bostock 

abgeschlossen hat. Wir erinnern uns: Das ist der 

Wunderknabe von Jethro Tulls 1972 erschienenem 

Konzeptalbum THICK AS A BRICK. 

Teil 1 war eine pfiffige und kuriose Burleske 

um das frühreife Genie Gerald, das bei einem 

Dichterwettstreit disqualifiziert wird – laut Jury zu 

frühreif für seine Texte ... Jethro Tull nahmen sich 

des kleinen Kerls an und ließen ihn die Texte für 

ihr neues Album schreiben. THICK AS A BRICK 2 

Der ewige Geschichtenerzähler 

von 2012 war anders konzipiert – ein ernstes Werk, 

denn Gerald hatte sich die Frage gestellt: Was wäre, 

wenn? 

Und jetzt Teil 3 der Bostock-Geschichte. Gera ld 

kramt ein Büchlein mit dem Titel „Homo Brittanicus 

Erraticus" von Ernest T. Parritt hervor. Eine 

Story der frühen Zivilisation Britanniens, angereichert 

mit diversen 

Prophezeiungen des 

Amateurhistorikers 

Parritt. Der ist (nach 

einem Sturz) überzeugt, 

verschiedene 

Existenzen 

durchlebt 

zu haben, vom 

Siedlernomaden aus 

der 

Jungsteinzeit 

bis hin zu Königin 

Viktorias Ehemann. 

Er sieht sich als 

Homo Erraticus, einen umher 

wandelnden Landstreicher. 

Eine sehr kauzige, urbritische Geschichte, 

die Anderson da auf seinem sechsten Solo-Album 

auftischt. 

Warum dieser Albumtitel? 

Letztlich geht es um Migration – und um all die 

Probleme, die in den letzten Jahrhunderten damit 

verbunden waren, die aber vor allem heute, im 

Zeitalter der Globalisierung, damit verknüpft sind. 

Früher war das Herumziehen eine menschliche, gelegentlich 

sogar poetische Sache. Heute ist es eine 

rein politische Angelegenheit. Politiker aus allen 

Richtungen gewinnen mit diesem Thema Stimmen. 

Doch um die Migranten selbst geht es gar nicht 

mehr. Ich finde das zutiefst erschütternd. 

Seite 26 ■ GoodTimes 3/2014 ■ Music from the 60s to the 80s 

Großbritanniens Geschichte der letzten Jahrhunderte 

spielt eine entscheidende Rolle. Woher 

kommt diese Faszination? 

Nur wer die Geschichte seines eigenen Landes 

kennt, kennt auch die dort herrschenden aktuellen 

Umstände, versteht sie besser. Nur durch dieses 

Wissen wird man tolerant und bekommt eine eigene 

Identität. 

Warum ist Ihnen Gerald Bostock so sehr ans 

Herz gewachsen? 

Auf den ersten beiden Alben mochte ich den Kerl 

gar nicht so sehr (lacht). Er war eine kauzige Kunstfigur, 

durch die ich kuriose Geschichten erzählen 

konnte. Doch auf HOMO ERRATICUS ist er eine 

Art zweites Ich von mir selbst. Er sagt frech provozierende 

Dinge, die ich mich selbst in der Öffentlichkeit 

nicht auszusprechen traue. Denn er ist 

ein pensionierter Politiker, der die Humanität in die 

politische Diskussion zurückbringen möchte. Ich 

identifiziere mich zwar nicht völlig mit Gerald und 

bin definitiv kein Autobiograf wie er. Aber ich lasse 

ihn sich mit Themen beschäftigen, die mich selbst 

stark interessieren. 

Warum wurde aus einem Album von 1972 jetzt 

eine Trilogie? 

Zumindest vage war THICK AS A BRICK spätestens 

ab 2011, als ich am zweiten Teil saß, als Trilogie 

konzipiert. Prog-Rock, in dem ich mich zu Hause 

fühle, bietet einem Musiker ja die einmalige Chance, 

ausufernde und fantastische Geschichten zu erzählen. 

Das macht diesen Stil ja so aufregend! Man 

bedenke, dass ich dieses Mal 1400 Jahre Historie in 

eine knappe Stunde Spielzeit packe. Das ist schon 

spannend. 

Michael Fuchs-Gamböck

D 

ORO 


Mit dem Album RAISE YOUR FIST 

– 30 YEARS ANNIVERSARY EDITION und zwei 

Jubiläumsshows in ihrer Heimatstadt Düsseldorf hat die deutsche Metal-Queen 

Doro (Pesch) Anfang Mai ihr 30-jähriges Bühnenjubiläum gefeiert. Vor den 

Festivitäten sprach GoodTimes-Mitarbeiter Philipp Roser mit der Sängerin, die 

am 3. Juni 50 wird. 

Die Bonus-CD „Powerful Passionate Favorites" 

der Jubiläumsveröffentlichung enthält Cover- 

Versionen und Unveröffentlichtes – neue oder 

alte Aufnahmen? 

Eine Mischung aus beidem! "Warfare" ist neu und der 

Titelsong des Films „Anuk III – Die dunkle Flut", der 

Ende des Jahres rauskommt. "Only You" hat Gene Simmons 

für das Kiss-Album THE ELDER geschrieben – 

den haben wir neu aufgenommen. "Nutbush City Limits" habe ich vor ein paar 

Monaten eingespielt, "Egypt" wurde vor längerer Zeit mal für ein Ronnie-James- 

Dio-Tribute-Album gemacht. "NYC Blues" ist die erste Demofassung, die ich in 

meinem Apartment in New York in einer einsamen Stunde aufnahm. Dann ist da 

noch "Babe, I'm Gonna Leave You" von Led Zeppelin – die erste Heavy-Band, die 

ich je gehört habe. Den Titel wollte ich schon immer mal singen. 

Motörheads Lemmy musste auch dabei sein? 

Ja, ja! Das ist ein anderer Mix als auf RAISE YOUR FIST von 2012. Damals habe 

ich mich für den etwas gefühlvolleren entschieden, jetzt ist der härtere Mix dabei. 

Du feierst dein Jubiläum mit zwei Shows ... 

Und es gibt an beiden Abenden unterschiedliche Programme. Es werden viele Gäste 

wie Udo Dirkschneider, Hansi Kürsch (Blind Guardian) und Mille Petrozza (Kreator) 

dabei sein. Biff Byford von Saxon hat zugesagt, Chris Caffery (Trans-Siberian Orchestra), 

Lordi – am ersten Abend wird das Classic Metal Night Orchester antreten. 

Auch ehemalige Warlock-Kollegen? 

Ein paar sagten, sie möchten keine Musik mehr machen. 

Ich habe Drummer Micha Eurich kontaktiert – er hat sich 

noch nicht gemeldet. Aber es ist wohl unmöglich, die 

Urbesetzung noch mal zusammenzubringen. 

Du warst gerade in Brasilien auf Tour, liebst als 

Sportfan Fußball. Hast du Tipps für Jogis Nationalelf 

während der WM? 

Vorsicht beim Essen und Trinken! Kein Leitungswasser, 

nur aus Flaschen trinken, bei den Salaten aufpassen! Ich 

habe mir auf der letzten Tour ein heftiges Virus eingefangen!

Teil II 

Von Hans-Jürgen Günther 

Foto: © INTERFOTO/Blackpool 

50 Jahre 

Einzelflieger 

Nachdem im letzten Heft der umfangreiche 

CD-Katalog der Byrds und das Soloschaffen 

von Roger McGuinn, David Crosby und Gene 

Clark vorgestellt worden sind, folgt nun der 

zweite Teil mit den Alben von Chris Hillman, 

Mike Clarke, John York und Skip Battin, vier 

ebenfalls fleißigen Musikern. 

Chris Hillman 

Mit den Flying Burrito Brothers, 

denen auch Gram Parsons angehörte, 

entstand in stilistischer 

Nachfolge von SWEETHEART 

OF THE RODEO 1969 das 

bahnbrechende 

Country- 

Rockalbum THE GILDED PA- 

LACE OF SIN (A&M) mit Top- 

Songs wie "Christine's Tune", 

"Sin City" und "Dark End Of 

The Street". 

Musikalischer Wert: sehr hoch 

Sammelwert: unverzichtbar 

Die beiden weiteren Burritos-Alben 

auf A&M, BURRI- 

TO DELUXE (noch mit Gram 

Parsons) und THE FLYING 

BURRITO BROS (nun ohne 

Parsons, aber mit Michael 

Clarke als neuem Drummer), 

konnten das Niveau 

nicht mehr ganz halten; 

sie setzten mit Songs wie 

"Cody, Cody", "Wild Horses" 

und "White Line Fever" aber 

immer noch Maßstäbe. 

Musikalischer Wert: hoch 

Sammelwert: hoch 

Die drei Studio-Alben – und 

der Konzertmitschnitt LAST 

OF THE RED HOT BURRITOS 

(A&M) – wurden mehrfach veröffentlicht. 

Die kompaktesten 

Editionen sind die Twofer-CDs SIN 

CITY – THE VERY BEST OF (A&M) 

und THE FLYING BURRITO BROS 

/ LAST OF THE RED HOT BURRI- 

TOS (mit zwei Gene-Clark-Bonus- 

Tracks; Raven). 

Verstreute Tracks mit 

Hillman (und anderen Ex- 

Byrds) finden sich auch auf 

den Samplern FLYING BUR- 

RITO BROTHERS (A&M), 

CLOSE UP THE HONKY 

TONKS (BGO) und DIM 

LIGHTS, THICK SMOKE AND 

LOUD, LOUD 

MUSIC (Edsel) sowie auf den Livescheiben 

DEVILS IN DISGUISE – 1971 LIVE BROADCAST 

(Smokin) und AUTHORIZED / FILLMORE EAST NEW 

YORK NOVEMBER 7 1970 (A&M). 

Musikalischer Wert: insgesamt hoch bis sehr hoch 

Sammelwert: hoch bis sehr hoch 

Nächste Hillman-Station: Die von Stephen Stills 

formierte, nur aus namhaften Musikern bestehende 

Gruppe 

p 

Manassas. s Ihr 

Debüt MANASSAS S S (Atlantic) 

tic) 

war gleich ein 

qualitativ 

hochwertiges Doppelalbum, 

das sich auch gut 

verkaufte, aber ebenso 

wie der Nachfolger DOWN 

THE ROAD (Atlantic) keine 

große Zukunft einläutete. 

2009 erschien noch der 

gute Nachschlag PIECES 

(Rhino). 



Nächste Episode: die kurzlebige Souther-Hillman- 

Furay Band mit den Alben THE SOUTHER-HILL- 

MAN-FURAY BAND und TROUBLE IN PARADISE 

(beide Wounded Bird), beide 

ordentlich, aber nicht berauschend. 

Musikalischer Wert: mittelhoch 

Sammelwert: mittelhoch 

Unter eigenem Namen spielte 

Hillman die solide-mainstreamigen 

Alben SLIPPIN' PIN AWAY 

(Elektra) 

und 

CLEAR 

SAILIN' 

(Woun- 

ded Bird) mit freundlichem California-Rock 

ein. Dabei profilierte 

er sich als Komponist, sang und 

spielte Gitarren, Bass und Mandoline. 

Musikalischer Wert: mittelhoch bis hoch 


MORNING SKY (Sugar Hill) 

läutete 1982 eine bis heute 

andauernde stilistische Wende 

ein: Country mit starker 

Bluegrass-Färbung statt gefälligem 

Rock. Spitzenmusiker 

standen Hillman dabei 

zur Seite. 1984 folgte DE- 

SERT ROSE (Sugar Hill), l) ein guter Nachzieher, ... 

... der zum Namensgeber der Hillman-Band wurde. 

Die Alben THE DESERT ROSE BAND, RUNNING, 

PAGES OF LIFE, TRUE LOVE, LIFE GOES ON und 

TRADITIONAL (alle Curb) bieten herrlich ausgereiften 

Country-Rock; er warf in den Achtzigern hohe, in den 

Neunzigern schwächere Chartnotierungen ab. 

Mit Dauerkumpel Herb Pedersen spielte Hillman 

die feinen Alben BAKERSFIELD 

BOUND (Sugar Hill, 1996) und 

AT ED- 

WARDS 

B A R N 

(Rounder, 

2010) ein. 


OUT OF THE 

WOODWORK; 

RICE, RICE, HILLMAN & 

PEDERSEN und RUNNING 

WILD (alle Rounder), drei 

Platten des Quartetts Rice, 

Rice, Hillman & Pedersen 

bieten guten bis exzellenten 

Country-Rock ohne übertriebene 

Neuerungstendenzen. n 

Musikalischer Wert: mittelhoch bis hoch 

Sammlerwert: mittelhoch bis hoch 

Als längst völlig ausgereifter Songschmied ("Second 

Wind", "I'm Still Alive", "Heaven Is My Home") stellt 

sich Hillman auf den Solo-Alben LIKE A HURRICANE 

(Sugar Hill, 1998) und THE OTHER SIDE (Cooking 

Vinyl, 2005) vor. Geboten werden auch Top-Versionen 

von Klassikern wie "Eight Miles High", "When 

You Walk 

In The Room" oder 

"Like A Hurricane". 

ri 

Michael Clarke 

Der einzige nicht-kreative Byrd 

spielte nach seinem Abgang 

1968 bei weiteren Byrds-Besetzungen 

und den Flying Burrito 

Oft zu Unrecht übersehen 

wird EVER CALL 

READY (Sierra), das einzige 

Album der gleichnamigen 

Gruppe, die Hillman 1985 

mit Bernie Leadon, Al Perkins, 

David Mansfield und 

Jerry Scheff betrieb. 



Brothers. Ansonsten besteht sein 

Schlagzeugerwerk g 

rk aus 

FIRE- 

FALL, 

UN- 

DER- 

TOW (beide Atlantic), LUNA 

SEA und ELAN (beide Collectables), 

den ersten vier 

Alben (1973–1980) der 

Band Firefall; sie spielte 

sehr gefälligen, lige 

aber nicht den Himmel stürmenden 

Country-Folk-Rock. Eine brauchbare Kopplung dieser 

Gruppe ist GREATEST HITS (Rhino). 



John York 

Bevor John York 1968/69 bei 

den Byrds Bass spielte, hatte er 

schon beim Album THE PAPAS 

& THE MAMAS PRESENTED 

BY THE MAMAS & THE PAPAS 

mitgemischt sowie mit dem 

Sir Douglas Quintet einige 

Sing les vorgelegt. Außerdem 

ist er auf Einspielungen 

der Gruppe Cry zu 

hören (siehe Heft 2/2014). 

Sein Solo-Ausstoß 

umfasst nur wenige Scheiben. Die „übliche Folk- 

Country-Rockmischung" 

findet sich auf CLAREMONT 

DRAGON (Taxim) und ARI- 

GATOU BABY (Global Rec./ 

Import) und auch auf FA- 

MILY TREE (Folkets Dischi), 

einem mit Ex-Byrd Skip 

Battin und 

den 

Italienern 

ern 

Ricky Mantoan, Beppe D' 

Angelo und Renata Borat- 

to 

entstandenen Album. 

Unklar, weil im CD- 

Beiblatt nicht erläutert, ist 

die Herkunft der sechs – 

recht ordentlichen! – Songs auf JOHN YORK (Sonic 

Wave International/Amazon). 

Musikalischer Wert: mittelhoch, teils besser 


1991 veröffentlichte York 

zuerst sein Buch „Sacred 

Paths Of Songs" und anschließend 

mit Jamie Sams 

aufgenommene Musik mit 

Stücken in der Tradition 

nordamerikanischer Indianermusik, 

die sich auf das 

Buch 

bezogen en (CD 

auf 

Taxim). 

1997 und 2004 folgte weitere Musik in diesem 

Genre mit den Alben THE 

LEGEND OF ENCHANTE- 

MENT und CLAN MOTHER 

SONGS (Rain Records). Mit 

dem Japaner Yokiko Matsuyama 

nahm York 2003 das 

Album KOTO auf. CD-VÖs 

ließen sich vom Autor nicht 

ermitteln. 

Musikalischer und Sammelwert: interessant für 

Komplettisten und Weltmusik-Erforscher 

Skip Battin 

Skip Battin (1934–2003) spielte 

vor seinen Byrds-Jahren mit und 

bei diversen Combos, allerdings 

ohne nachhaltige Plattenveröffentlichungen. 

Es gibt zwei Ausnahmen: 

Als Skip & Flip betrieb 

er 1956–1961 mit Gary Paxton 

ein Duo, dessen Essenz auf 

der CD IT WAS I – THE VERY 

BEST OF SKIP & FLIP (Collectables) 

vorliegt. Zu hören 

ist gefälliger Fifties-Pop mit 

Rock'n'Roll-Wurzeln. 

Musikalischer Wert: 

mittelhoch 


1967 gründete Battin mit Al Rosenberg die Evergreen 

Blues Shoes, die das starke Folk-Rockalbum 

THE BALLAD OF EVER- 

GREEN BLUESSHOES 

(Amos) veröffentlichten. Es 

erwies sich jedoch als kommerzieller 

Misserfolg und 

liegt offenbar darum bis 

heute nicht auf CD vor. 

Noch während der 

Byrds-Zeit erschien auf Signpost 1972 Battins erstes 

Solowerk SKIP (CD: Collectables) mit brillantem Country- 

und 

Folk-Rock aus 

eigener Werkstatt. Unter den 

Begleitmusikern: Roger Mc- 

Guinn und Clarence White! 

Mit weiteren Solotaten 

ließ sich Battin Zeit. Erst 

1981 kam NAVIGATOR und 

drei Jahre später DON'T GO 

CRAZY (beide Appaloosa, 

nur Vinyl). Auch hier gibt's 

unter Mithilfe ilfe 

von 

Top-Musikern wie Sneaky Pete 

e 

Kleinow und Greg Harris 

hochwertigen Folk-Rock, 

wobei die zweite Seite von 

DON'T GO CRAZY italienisch 

gesungene Songs enthält. 

Auch TOPANGA SKY- 

LINE (Sierra) enthält großartiges 

Material, das schon 

1973 eingespielt, aber erst 2010 veröffentlicht fent 

wurde. 



Von 1975 bis 1977 war Battin 

Mitglied der New Riders Of The 

Purple Sage. 

Die unter seiner Mitwirkung 

entstandenen Alben BRUJO und 

OH, WHAT A MIGHTY TIME 

(beide BGO) sowie NEW RIDERS 

(MCA; derzeit als First-Hand- 

CD schwer erhältlich!) bieten 

erstklassigen Westcoast-Country-Rock 

und gehören zu den 

besten Arbeiten der Gruppe. 

Musikalischer Wert: 

hoch bis sehr hoch 

Sammelwert: sehr hoch 

In der zweiten Seventies-Hälfte trieb sich Skip Battin 

bei den Flying Burritos Brothers herum, die zu dieser 

Zeit keine Country-Rockinnovatoren mehr waren, aber 

weiterhin technisch gut gespielte 

Musik dieses Genres lieferten. 

Das belegen die Original-Alben 

AIRBORNE (Acadia), LIVE IN TO- 

KYO und HEARTS ON THE LINE 

(Curb, nur Vinyl). 

Im Lauf der Jahre erschienen 

zudem mehrere Live-CDs 

der Burritos mit Battins Beteiligung. 

Sammler können sich an THE BICEN- 

TENNIAL FLYING BURRITO BROTHERS '76 (Relix), 

LIVE FROM AMSTERDAM 1985 (Relix), LIVE FROM 

EUROPE und THE LIVE COLLECTION (Castle) erfreuen. 



Im nächsten Heft folgen zum Abschluss die Solotaten 

von Gene Parsons, Clarence White, Gram Parsons 

und Kevin Kelley.

Ein Waterloo für den Rest der (Pop-)Welt 

Es war purer Zufall, dass Abba 1974 im englischen Seebad 

Brighton im dortigen Grand Hotel die Suite mit dem stolzen Namen 

Napoleon" bewohnten. Denn dem schwedischen Quartett wurden 

" 

beim 19. Eurovision Song Contest allenfalls Außenseiterchancen 

eingeräumt, als es am 6. April 1974 die Bühne betrat. 

Foto: © Bubi Heilemann/www.rockfoto.de 

Agnetha Fältskög, Anni-Frid Lyngstadt, Björn 

Ulvaeus und Benny Andersson rechneten selbst 

nicht mit einem Erfolg. Sie wetteten mit dem deutschen 

(„Bravo"-)Fotografen Wolfgang „Bubi" Heilemann, 

der eine Flasche Champagner auf einen Abba- 

Sieg mit "Waterloo" setzte – die vier Skandinavier 

hielten dagegen. „Ich hatte nicht gewagt, darauf zu 

hoffen. Ich dachte, dass wir zwar eine Chance hätten, 

nicht aber, dass wir siegen", sagte Anni-Frid 

Lyngstadt unmittelbar nach dem Gewinn des Wettbewerbs 

– nachzuhören auf der Bonus-DVD, mit der 

das Album WATERLOO – 40th ANNIVERSARY als Deluxe 

Edition jetzt in der Neuauflage angereichert ist. 

Augenzeuge Heilemann berichtete später im Good- 

Times-Gespräch, dass er bei den britischen Buchmachern 

viel Geld gewann – deren Abba-Quote war 

ausnehmend hoch (oder schlecht, je nach Sichtweise), 

weil die Zocker eher Gigliola Cinquetti mit "Si" 

oder das niederländische Duo Mouth & MacNeal ("I 

See A Star") vorn erwarteten. Doch die Italienerin 

wurde mit 18 Jury-Punkten Zweite, das optisch so 

kontrastreiche Holländerduo mit 15 Zählern Dritte – 

während die Schweden satte 24 Punkte einfuhren. 

Wobei nicht unterschlagen werden darf, dass der 

ebenfalls sehr aussichtsreiche französische Grand- 

Prix-Beitrag "La vie à 25 ans" von Sängerin Dani vier 

Tage vor dem großen Ereignis zurückgezogen wurde. 

Grund: der Tod von Frankreichs Staatspräsident 

Georges Pompidou. 

Es war nicht Abbas erster Anlauf beim Grand Prix 

Eurovision de la Chanson, der erst 1992 in Eurovision 

Song Contest (ESC) umbenannt wurde: Im 

Jahr zuvor hatte der flotte Vierer bereits mit "Ring 

Ring" an der schwedischen Vorentscheidung teilgenommen. 

Allerdings hatte die so genannte Expertenjury 

die Gruppe nur auf Rang drei gesetzt – was 

laut Medienberichten zu Proteststürmen geführt 

haben soll. Dies entmutigte das Komponistenduo 

Ulvaeus/Andersson und ihren Siegerliedtexter (und 

Manager) Stikkan „Stig" Anderson allerdings nicht, 

sondern stachelte es eher an – mit gehörgängigen, 

gravierenden Folgen: "Waterloo" wurde zum Welthit 

und Ausgangspunkt für eine kurze, heftige und 

unglaublich erfolgreiche Weltkarriere. „Wenn man 

für den ESC schreibt, passiert das nicht für den 

schwedischen Markt, sondern für Europa und den 

Rest der Welt. Erst muss man einen Titel haben, den 

jeder versteht – wir hatten denselben Titel in allen 

Sprachen", nannte Stig Anderson noch unter dem 

unmittelbaren Eindruck der Siegerkür in Brighton 

einen Grund für den umgehenden globalen Erfolg 

– für den Rest der (Pop-)Welt ein Waterloo der Extraklasse. 

Heilemann formulierte seine Einschätzung 

so: „Abba siegten, gerade weil sie so anders waren, 

so einen Schwung drauf hatten, weil sie so tolle Kostüme 

hatten und super Musik machten" – eben anders 

als die meisten anderen, eher betulichen Nummern, 

mit denen der Siegertitel konkurriert hatte. 

Das stets skandalfreie Quartett hatte die damaligen 

Trends gehört, sich bei anderen Stilen bedient und 

clever etwas Eigenes daraus gestrickt – eine Nummer, 

die bestens zum Mitsingen taugte. 

In über 50 Ländern wurde "Waterloo" unmittelbar 

nach dem Grand Prix veröffentlicht, in knapp 20 davon 

reichte es für die Top Ten – in Deutschland und 

Großbritannien sogar für die Spitzenpostion. Noch 

im selben Jahr wurde der Song, den Ulvaeus/Andersson 

auf der Insel Viggsö bewusst als „fröhliches und 

schnelleres" Lied komponiert hatten, als Titelmelodie 

in den Soundtrack der deutschen Kinokomödie 

„Auch ich war nur ein mittelmäßiger Schüler" integriert. 

Exakt 20 Jahre später war es im Kino in „Muriels 

Hochzeit" zu hören, ebenso bei den „Simpsons" 

(„Wer ist Mona Simpson?") – und als Gimmick am 

Ende des Musicals „Mamma Mia". Und: Anlässlich 

des 50. ESC wurde "Waterloo" 2005 zum „Besten 

Lied in der Geschichte des Wettbewerbs" gekürt. 

Weltweit feierten die Fans Abba bis zu ihren letzten 

Auftritten im Dezember 1982 – auch und gerade 

in Deutschland, mit dem das Quartett eine besondere 

Verbundenheit pflegte. Bereits 1972 waren alle 

vier Abba-Mitglieder auf der Single "Hey Musikant" 

zu hören gewesen, die Björn & Benny veröffentlichten. 

Zuvor hatte Agnetha 1968 sechs Monate lang 

in Berlin gelebt, (erfolglos) deutschsprachige Singles 

veröffentlicht und war im hiesigen TV aufgetreten. 

Stichwort Fernsehen: Ihren ersten deutschen 

TV-Auftritt absolvierten Abba am 6. Januar 1973 

in Ilja Richters „Disco" – allerdings ohne die hochschwangere 

Agnetha, die von Inger Brundin vertreten 

wurde. Im selben Jahr gab es auch Abba auf 

Deutsch: "Wer im Wartesaal der Liebe steht" hieß 

die deutsche Fassung von "Another Town, Another 

Train" und war auf der 

B-Seite von "Ring Ring" zu 

hören. Doch das war nur ein 

Vorgeschmack auf all das, 

was noch kommen würde ... 

Philipp Roser 


warner music präsentiert 

Die ersten 3 Alben als ultimative Re-issues! 

mit unveröffentlichten Aufnahmen – remastered by Jimmy Page 

Super Deluxe Box Set, 2CD Deluxe Edition, vinyl Deluxe Edition, 

CD, LP & diverse Download-Formate 

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! REVIEWS 

HIGHLIGHTS 

CD 

NAZARETH 

ROCK ’N’ ROLL TELEPHONE 

Wer ihn je live auf der Bühne hat toben und 

röhren erlebt, mag es kaum glauben, dass diese 

Ära wirklich vorbei sein soll. Doch es ist so: 

Dan McCafferty (*14.10.1946 in Dunfermline), 

seit 1968 ununterbrochen Frontmann 

von Nazareth, wird nicht mehr konzertant mit 

der schottischen Rockformation zu erleben 

sein. Nachdem er im August vergangenen 

Jahres bei einem Gig in der Schweiz auf der 

Bühne zusammengebrochen war und sich 

Ähnliches bereits einen Monat zuvor in Kanada 

ereignet hatte, ließ 

er sich eingehend medizinisch 

durchchecken. 

Dabei stellte sich heraus, 

dass er an einer chronischen 

Lungenkrankheit 

(COPD = Chronisch obstruktive 

Bronchitis) leidet. 

Was den 67-Jährigen 

nicht davon abhielt, mit 

seinen Kollegen Pete Agnew 

(b, Gründungsmitglied), d), Lee Agnew (dr, 

seit 1999) und Jimmy Murrison (g, seit 1994) 

noch einmal ins Studio zu gehen, um ROCK 

’N’ ROLL TELEPHONE einzuspielen – ehe 

er das Gesangsmikro an seinen Nachfolger 

Linton Osborne (ebenfalls aus Dunfermline) 

weiterreicht. 

© Marc Marnie 

Es ist das 24. Nazareth-Album mit McCafferty, 

und dessen Kraftanstrengung im Studio hat 

sich gelohnt. Die Songs stammen weitestgehend 

aus der Feder der „Youngster” Murrison/ 

Agnew Jr. Zugleich verdeutlicht die Scheibe 

noch einmal nachdrücklich, was die Band mit 

ihm verliert: einen kraftvollen wie beseelten 

Vokalisten mit unverkennbarer Raspelröhre. 

Er packt die hohen Noten immer noch genauso, 

wie er dreckig abgehen oder einfühlsam 

schmachten kann. ROCK ’N’ ROLL TELE- 

PHONE präsentiert 

Nazareth so, wie 

man sie kennt: erdig, 

kantig, geradeaus, 

eben zeitlos gut. 

Der Opener “Boom 

Bang Bang” lebt 

vom Gitarrenriff, 

groovt schwerbütig 

und mit dezentem 

funky Einschlag 

bei Gitarre und Bass; die Nummer geht ins 

Ohr und stimmt passend auf das Folgende 

ein. Wuchtig und eine Spur härter geht 

es mit “One Set Of Bones” weiter, wobei 

McCafferty aufhorchen lässt, weil er sich 

zwischendurch in fast ungewohnte Höhen 

emporschwingt. “Back 2B4” weist reich- 

lich Akustikfeeling und durch die Melodiebetonung 

ein erhöhtes Quantum an Gehörgängigkeit 

auf, während das getragenere 

“Winter Sunlight” atmosphärische Wirkung 

besitzt und auch mit Akustikgitarreneinsatz 

die sanftere und deutlich 

ruhigere Seite der Band 

repräsentiert. Den perfekt 

passenden Kontrast hierzu 

beschert dann die sich anschließende 

Titelnummer: 

Sie besitzt fast schon metallischen 

Charakter, und 

Pete Agnew konnte hier die 

für ihn typischen markanten 

Fuzz-Bassanklänge einsetzen, die dem 

Stück zusätzlichen Pep verleihen. Und dann 

geht die Uptempo-Post ab: “Punch A Hole 

In The Sky” ist eine gelungene Verbeugung 

vor einigen eigenen Klassikern der Vergangenheit. 

Etwas aus dem gewohnten Klangrahmen fällt 

“Long Long Time”, wo es sich die Band nicht 

verkneifen konnte, auch mal programmierte 

Sounds einzustreuen (bei Nazareth eher Geschmacksache 

des einzelnen Hörers), während 

das folgende “The Right Time” wieder 

mehr in die Kategorie balladesk und ruhiger 

fällt und vorsichtig countryeske Tupfer hören 

lässt – schließlich haben die Schotten auch 

Anhänger jenseits des Atlantiks. Danach 

muss es natürlich heavier weitergehen – das 

tut die Band mit dem kompakt-wuchtigen 

und riffschwangeren “Not Today” in eher 

getragenem Tempo. “Speakeasy” 

kontrastiert spannend, 

ehe “God Of The Mountain” 

noch einmal rockt und zum 

Abschluss einen Höhepunkt 

beschert: Die zuvor für das 

österreichische Team bei den 

Olympischen Winterspielen 

bereits hörbar gemachte 

Nummer donnert kraftvoll 

und zugleich sehr eingängig in die Gehörgänge, 

so dass man geneigt ist, gleich noch mal 

auf die Wiederholungstaste zu drücken. Der 

Song belegt, dass die Band es immer noch 

versteht, manchmal knapp an der Grenze 

zum Metal abzurocken. Abgerundet wird das 

Deluxe-Paket mit einer Bonus-CD, die fünf 

Livenummern sowie zwei weitere Studiotracks 

enthält. 

Mr. McCafferty, ROCK ’N’ ROLL TELE- 

PHONE ist ein würdiges wie gelungenes Abschiedsgeschenk 

für die Fans. 

(Unionsquare/Soulfood, 2014, 

11/44:17, 7/32:39) pro 

di d d l ih h 

DVD 

VARIOUS ARTISTS 

INSIDE LLEWYN DAVIS / 

ANOTHER DAY, ANOTHER TIME 

BOX 

RUSH 

RUSH 

Als Ende 2013 der Film „Inside Llewyn 

Davis” in die US-Kinos kam, waren einige 

Vertreter der New Yorker Folkszene, 

darunter Suzanne Vega, schwer erbost, 

welches Bild er von einem ihrer großen 

Säulenheiligen der 60er Jahre zeichnet. 

Zum einen beruht der Streifen jedoch 

nur sehr lose auf der Autobiografie des 

Sänger/Songschreibers 

Dave Van Ronk, zum anderen 

handelt es sich um eine 

Satire der Coen-Brüder, 

die schon mit Filmen wie 

„The Big Lebowski” und 

„O Brother Were Art Thou” 

zeigten, dass man nicht alles 

so ernst nehmen sollte. 

Und eigentlich würdigt der 

Film, obwohl der titelgebende 

Protagonist ein ziemlicher 

Snob – aber auch ein 

liebenswerter Loser – ist, durchaus die 

Verdienste der Folkszene des New Yorker 

Greenwich Village, die in den Sixties 

Stars wie Bob Dylan, Tom Paxton 

und Phil Ochs hervorbrachte. Zahlreiche 

Songs aus dem damaligen Repertoire 

sind live und in voller Länge zu hören (in 

welchem Musikfilm gibt es das schon?), 

darunter “The Last Thing On My Mind” 

und “Five Hundred Miles”. Für die Neu- 

Interpretationen zeichneten führende 

Neo-Folker wie Marcus Mumford (Mumford 

& Sons) und The Punch Brothers sowie 

Produzentenlegende T Bone Burnett 

verantwortlich; den Songs ihre Stimmen 

gaben u.a. Hauptdarsteller Oscar Isaac 

und Popstar Justin Timberlake, der in 

dem Film in einer Nebenrolle zu sehen 

ist. Die Handlung von „Llewyn Davis” 

kreist um einen zwar talentierten, jedoch 

mittellosen Folksänger, der im Jahr 1961 

durch New York streift, immer auf der 

Suche nach einem Engagement. 

Während er erfolglos 

bleibt, ernten später andere 

die Lorbeeren: am Ende 

sieht man im Hintergrund 

einen Sänger die Bühne betreten, 

der unverkennbar an 

Bob Dylan erinnert ... Der 

Film erscheint nun zusammen 

mit einem rund 40-minütigen 

Making-of auf DVD 

und Blu-ray. Musikfans 

sollten gleich zur Special 

Edition greifen: Denn auf einer zweiten 

Scheibe findet sich mit dem Konzertfilm 

„Another Day, Another Time” ein wahres 

Schmankerl – ein Mitschnitt des von T 

Bone Burnett kuratierten Tribute-Gigs in 

der New Yorker Town Hall, der die Songs 

der Greenwich-Village-Folkszene feierte. 

Neben Joan Baez und Patti Smith treten 

darin zahlreiche jüngere Künstler auf, 

darunter Marcus Mumford, Jack White, 

The Milk Carton Kids und die Punch 

Brothers. 

(Arthaus/Studiocanal, 2014, 

142 Min. + 97 Min.) frs 

RUSH erschien im März 1974 über das bandeigene 

Label Moon Records. Schnell waren 

alle 3500 Exemplare verkauft, wer heute 

eine jener LPs sein Eigen nennt, darf sich 

glücklich schätzen. Für alle anderen gibt es 

nun (nach diversen CD-Versionen) wieder 

einmal die Chance, sich das Debüt der gleichnamigen 

kanadischen Rockband zu sichern. 

Doch statt einer profanen 

LP-Wiederveröffentlichung 

sorgt der 40. Geburtstag 

des Albums 

für eine wunderschön 

gestaltete Box. Doch 

nicht nur bei der Aufmachung 

wurde zuge- 

legt, auch klangtechnisch 

wurden weder Kosten noch 

Mühen gescheut, um das 

Bestmögliche aus den originalen 

Stereo-Masterbändern herauszuholen. Von 

Terry Brown wurden die Tonspuren in Toronto 

behutsam neu abgemischt, das Remastering 

erfolgte in den Londoner Abbey Road 

Studios, den dezenten Hinweis „For best 

results play at maximum volume” auf dem 

Backcover sollte man dennoch beherzigen. 

Denn dann spielt das dicke 200g-Vinyl seine 

Stärken erst so richtig aus, mit unglaublicher 

Dynamik powert Geddy Lees Bass aus den 

Boxen, brachial die Riffs von Gitarrist Alex 

Lifeson. Am Schlagzeug saß damals noch der 

inzwischen verstorbene John Rutsey, der sich 

aufgrund seiner Diabetes-Erkrankung nicht 

dem Tourstress aussetzen wollte und so, kurz 

nach der Veröffentlichung des Albums, von 

Neil Peart ersetzt wurde. Welchen Einfluss 

dessen Einstieg hatte, zeigt nicht zuletzt der 

musikalische Kurswechsel, den Rush mit ihm 

vollzogen. Oder anders gesagt: Die Musik, 

mit der Rush vor 40 Jahren ihr Debüt bestückten, 

hat nur wenig mit dem harten Prog-Rock 

zu tun, mit dem sie 

später zu einer der erfolgreichsten 

Bands 

dieses Genres wurden. 

Mit Cover-Versionen 

von Jeff Beck, 

The Who, Cream und 

Jimi Hendrix starteten 

sie 

ihre Karriere, kein 

Wunder fielen die acht RUSH- 

Tracks, allesamt selbst kompo- 

niert, so bluesig riff-orientiert 

aus, wie Blues-Rocktrios in den 

70ern eben klangen – nicht mehr, aber auch 

nicht weniger. Wenngleich, kennt man den 

Fortgang der Geschichte, dann lassen sich 

schon hier die spätere Perfektion, das untrügliche 

Gespür für tragende Melodien sowie 

ein gehöriger Schuss Individualität erkennen 

– alles Dinge, die Rush später auszeichneten. 

Neben der LP liefert die Box eine verkleinerte 

Reproduktion des ersten Promo-Posters, 

einen Rush-Stammbaum in Postergröße, 

Fotokarten der Bandmitglieder sowie einen 

Download Code für mp4-Files, direkt vom 

Vinyl auf 320kbps gerippt. 

(Universal, 1974, 8 Tracks) 

us 


TOP 5 – Live-Doppelalben 

1. Neil Young – Live Rust 

2. Ian Hunter – Welcome To The Club 

3. Crosby, Stills, Nash & Young – 4 Way Street 

4. Deep Purple – Made In Japan 

5. Bob Seger & The Silver Bullet Band – Live Bullet 


1. Queen – Live Killers 

2. Ramones – It’s Alive 

3. Styx – Caught In The Act 

4. Thin Lizzy – Life – Live 

5. Kiss – Alive II 

Jens-Uwe Berndt 

1. Little Feat – Waiting For Columbus 

2. Van Morrison – It’s Too Late To Stop Now 

3. Eric Clapton – Just One Night 

4. B. B. King & Bobby Bland – Together For The First Time ... Live 

5. Bob Dylan – At Budokan 

Rüdiger Bloemeke 

1. Deep Purple – Made in Japan 

2. Jimi Hendrix – Concerts 

3. Gentle Giant – Playing The Fool 

4. Doors – Absolutely Live 

5. Genesis – Seconds Out 

Lothar Brandt 

1. Genesis – Seconds Out 

2. Renaissance – Live At Carnegie Hall 

3. Camel – A Live Record 

4. David Bowie – Stage 

5. Yes – Yesshows 

Michael Fuchs-Gamböck 

1. Talking Heads – The Name Of This Band Is Talking Heads 


3. Jimi Hendrix – Concerts 

4. Thin Lizzy – Live And Dangerous 

5. Paul McCartney & Wings – Wings Over America 

Hans-Jürgen Günther 

1. Gentle Giant – Playing The Fool 


3. Colosseum – Live 

4. Allman Brothers Band – Live At Fillmore East 

5. Konstantin Wecker – Live 

Ralf Günther 

1. Puhdys – Live im Friedrichstadtpalast 

2. Depeche Mode – 101 

3. Peter Gabriel – Plays Live 

4. Led Zeppelin – The Song Remains The Same 

5. Pink Floyd – Delicate Sound Of Thunder 

Christian Hentschel 


2. Supertramp – Paris 

3. Kiss – Alive! 

4. Keith Jarrett – The Köln Concert 

5. Peter Frampton – Frampton Comes Alive 

Tino Krauter 

1. Hawkwind – The Space Ritual 

2. Pink Floyd – Delicate Sound Of Thunder 

3. Eloy – Live 

4. Omega – Live At The Kisstadion 

5. Blue Öyster Cult – On Your Feet Or On Your Knees 

Frank Küster 


2. Paul McCartney & Wings – Wings Over America 

3. Led Zeppelin – The Song Remains The Same 

4. Alexis Korner & Friends – The Party Album 

5. Various Artists – Waahnsinn 

Helmut Ölschlegel 

1. Status Quo – Live 


3. The Band – The Last Waltz 



Philipp Roser 

Mitarbeiter 

1. Earth, Wind & Fire – Gratitude 

2. Renaissance – Live At Carnegie Hall 


4. Peter Gabriel – Plays Live 

5. Elton John – Live In Australia With The Melbourne Symphony Orchestra 

Oliver Schuh 

1. Crosby, Stills, Nash & Young – 4 Way Street 

2. Grateful Dead – Live / Dead 


4. Joe Jackson – Live 1980/86 

5. Talking Heads – The Name Of This Band Is Talking Heads 

Frank Schuster 

1. Bap – Bess demnähx 

2. Wolfgang Ambros – Live ... Auf ana langen, fi nster’n Stross’n 

3. Bob Dylan – Before The Flood 


5. Marillion – The Thieving Magpie 

Ulrich Schwartz 


2. Humble Pie – Rockin’ The Fillmore 

3. Eric Clapton – Just One Night 

4. Joe Cocker - Mad Dogs And Englishmen 

5. Man – Back Into The Future 

Alan Tepper 

1. Humble Pie – Rockin’ The Fillmore 

2. Peter Frampton – Frampton Comes Alive 


4. 10cc – Live And Let Live 

5. Everly Brothers – The Reunion Concert 

Uli Twelker 


2. Joni Mitchell – Shadows And Light 

3. Todd Rundgren – Back To The Bars 

4. Grateful Dead – Dead Set 

5. Kraan – Live 74 

Thomas Wachter 

Rick Vito 

1. Police – Live 

2. Who – Greatest Hits Live 

3. Ten Years After – Live At Fillmore East 

4. George Harrison – Live in Japan 

5. Beach Boys – The 50 Anniversary Tour 

Foto: © Fotex/Rainer Drechsler 


CD 

REVIEWS 

JULIE’S HAIRCUT 

ASHRAM EQUINOX 

Musik aus Italien? Wem fallen da nicht 

zuerst Celentano, Ramazzotti & Co. ein! 

Hier zu Lande immer noch wenig bekannt 

ist, dass die Nation zwischen Riviera und 

Adria eine lange und große Tradition an 

psychedelischem und progressivem Rock 

besitzt. Eine der Bands, die diese aufrechterhalten, 

ist Julie’s Haircut. Mit ASHRAM 

EQUINOX bringt die Formation ihr sechstes 

Studio-Album heraus, ihr erstes rein instrumentales 

seit dem 1999er Debüt. Darauf 

lebt das Quintett, das schon mit Can-Sänger 

Damo Suzuki und mit Sonic Boom (Spacemen 

3) kollaborierte, neben Psychedelia 

auch seinen Hang zu elektronischen Trancesowie 

World- und Krautrock-Klängen aus. 

Die acht ineinander verwobenen Tracks, zu 

denen die Band trippige Kurzfilme collagierte 

(u.a. auf Youtube zu sehen), oszillieren 

zwischen sanften Schwebeklängen und 

mitunter harten Techno-Einsprengseln. Ein 

43-minütiger Space-Ritt, garantiert! 

(Woodworm/Rough Trade, 2014, 

8/42:37) frs 

DIETER MEIER 

OUT OF CHAOS 

Yello-Sänger Dieter 

Meier auf Solopfaden, 

und das mit 

69 Jahren und zum 

ers ten Mal in seiner 

30-jährigen Musikerkarriere. 

Doch 

wer das Yello-Werk und Meier kennt, muss 

eigentlich immer mit Überraschungen rechnen, 

denn keineswegs ist die Schweizer 

Formation auf das durch die Musiksendung 

„Formel Eins” bekannt gewordene “The 

Race” zu reduzieren. Eingespielt unter anderem 

mit Thomas Wydler, dem Schlagzeuger 

von Nick Caves The Bad Seeds, sorgt 

auch OUT OF CHAOS für einige Überraschungen. 

Chansonesker Tango (“Paradise 

Game”), Dub (“Night Porter”), Electronica, 

Techno, traurige Blues-Oden an Verflossene 

und Post-Punk (“Fat Fly”), mal der 

Zeit entrückt, dann wieder sehr zeitgemäß 

– alles kein Problem für Herrn Meier. Sogar 

ein Stück in Schweizerdeutsch gibt es 

(„Schueffele”), und natürlich darf Meiers 

Stakkato-Sprechgesang nicht fehlen. Eine 

abwechslungsreiche Überraschung, die 

viele Hörer verdient. 

(Staatsakt/Rough Trade, 2014, 

12/42:14) an 

NEVILLE SKELLY 

CAROUSEL 

Englands Pop-Durchstarter des Jahres 2011 

hat für sein neues, leider sehr kurzes und 

arg informationsloses Album CAROUSEL 

den klassischen Crooner-Touch à la Frank 

Sinatra nicht völlig aufgegeben, aber zu 

90 Prozent zurückgedrängt zugunsten von 

Klangidealen, wie sie Ende der 60er/Anfang 

der 70er Jahre ihren Höhepunkt hatten, 

aber bei vielen Fans noch immer gültig 

sind. Zu hören sind intensive, emotional 

nie an der Oberfläche bleibende Balladen, 

die Parallelen zu Fred Neil und Nick Drake 

aufweisen. Partiell sind auch Einflüsse aus 

neuerer Zeit, speziell der Gruppe Blue Nile, 

zu orten. Skelly thront mit abgeklärtem Bariton 

über einem ruhig pulsierenden Klangbild, 

getragen von akustischer Gitarre, 

Keyboards und Orchesterklängen, das zwischen 

leicht jazzig (“Catherine’s Song”), 

einem Hauch Flamenco (“White Roses”) 

und munter ohrwürmig (“Walking In The 

Shadows”) changiert. Wieder ein Klasse- 

Album, bei dem die Gefahr besteht, dass es 

in der Fülle neuer Veröffentlichungen untergeht, 

was nicht passieren sollte ... 

(Skeleton Key Records/Bertus Import 

2014, 9/28:10) hjg 

HARRY BELAFONTE + 

CYNDI LAUPER + DIONNE 

WARWICK + CESARIA 

EVORA 

ALL TIME BEST – RECLAM 

MUSIK EDITION 

Zweimal Folk, einmal R&B und einmal 

Pop, damit warten die nächsten vier Ausgaben 

der typisch gelben „Reclam Musik 

Edition” auf. Natürlich wäre eine Rückschau 

auf Harry Belafontes (16/54:10) 

Karriere nicht vollständig ohne seine großen 

Hits wie “Angelina”, “Day-O (Banana 

Boat Song)” und “Matilda!”, dazu liefert 

ALL TIME BEST aber auch noch klasse 

Songs wie “Mr. Bojangles”, “Scarlet Ribbons 

(For Her Hair)”, “Scarborough Fair 

(Canticle)” oder “Island In The Sun”. 

Längst verdient hat diese Rückschau auf 

ihr Werk auch die kapverdische Sängerin 

Cesaria Evora (17/73:07). Wenn man 

ihren vom Musikjournalisten Ernst Hofacker 

im Booklet geschilderten Werdegang 

nachliest, wird einem wieder einmal 

klar, welch unglaubliche Geschichten das 

Leben schreibt, vor allem wenn es dazu 

Lieder wie “Sodade”, “Besame Mucho” 

und “Miss Perfumando” zu hören gibt, 

wenn man dieser Frau andächtig dabei zuhören 

kann, wie sie, Zitat „Billboard”-Magazin, 

„den Blues mit so viel Grazie und 

emotionaler Intensität auflädt, dass Billie 

Holiday stolz gewesen wäre”. Fehlendes 

Bluesfeeling kann man auch der nächsten 

Künstlerin nicht nachsagen, Dionne 

Warwick (14/57:32) gehört ohne Zweifel 

zu den erfolgreichsten Sängerinnen 

im Bereich R&B und Soul. “That’s What 

Friends Are For”, “Heartbreaker”, “I’ll 

Never Love This Way Again”, “Take Good 

Care Of You And Me” oder “Déjà Vu” heißen 

die bekanntesten Stücke, die es hier 

zu hören gibt. Auch bei der Auswahl der 

Songs für die ALL TIME BEST von Cyndi 

Lauper (15/60:45) wird auf Experimente 

verzichtet, von “Girls Just Want To Have 

Fun” geht es über “She Bop”, “I Drove All 

Night”, “Time After Time” und “True Colors” 

bis zum 1994er “Hey Now (Girls Just 

Want To Have Fun)”. Wie gewohnt liefern 

auch die neuen Ausgaben der „Reclam 

Musik Edition” ein 16-seitiges Booklet 

mit Karriere-Überblick, den wichtigsten 

Alben der jeweiligen Künstler sowie den 

detaillierten Trackinfos. 

(Sony Music, 2014, 4 CDs) 

us 

FOX 

IMAGES ‘74–‘84 

Auf zwei Discs liefert 

IMAGES ‘74– 

’84 insgesamt 35 Titel 

der erfolgreichen 

70er-Band Fox, die 

vom amerikanischen 

Songwriter und Produzenten 

Kenny Young gegründet wurde 

und sich auf die vokalen Fähigkeiten ihrer 

australischen Sängerin Susan Traynor (aka 

Noosha Fox) stützte. Auf CD 1 sind nun 

zum ersten Mal alle A- und B-Seiten der 

sieben Singles der Band zusammengefasst 

(darunter mit “S-S-S-Single Bed” sowie 

“Only You Can” ihre beiden erfolgreichsten 

Titel, die es bis auf Platz 3 bzw. 4 der 

UK-Charts brachten), dazu noch mit dem 

von Young produzierten “Georgina Bailey” 

das 1977er Solodebüt von Noosha Fox. CD 

2 bietet einen Streifzug durch die drei Fox- 

Studio-Alben FOX, TAILS OF ILLUSION 

und BLUE HOTEL, liefert den für Fox so 

typischen, rhythmisch verspielten Pop an 

der Grenze zu amerikanischem New Wave 

à la Blondie. Die ausführlichen Liner-Notes 

stammen von Kenny Young, dazu gibt es 

noch die komplette Fox-Discographie. 

(Cherry Red/Rough Trade, 2014, 

16/58:16, 19/72:34) tk 

YANN TIERSEN 

∞ (INFINITY) 

In Frankreich hat Yann Tiersen den Status 

eines Superstars, hier zu Lande wurde der 

Bretone vor allem durch die Filmmusik 

für „Die fabelhafte Welt der Amélie” bekannt, 

in deren Folge der Künstler es zu 

Kooperationen mit beispielsweise Neil 

Hannon (The Divine Comedy) und Stuart 

Staples (Tindersticks) brachte. Tiersens reguläre 

Alben sind zumeist eine Mischung 

aus französischer Folkmusik, Chanson sowie 

Rock- und Popmusik; letztlich ist das 

Gesamtgebilde genau das, was moderne 

Soundtracks und Filmmusiken ausmacht. 

Das gilt auch für das neue, durch einen 

Island-Besuch inspirierte Werk ∞ (INFI- 

NITY), dessen Titel in nahezu sämtlichen 

Stücken seine Entsprechung findet. Durch 

ihren minimalistischen, repetitiven und 

auch ineinander übergreifenden Charakter 

gibt es keinen Anfang und kein Ende. 

Am besten ist es da, einfach auf die Wiederholungstaste 

zu drücken und sich von 

bretonischen, färöischen und isländischen 

Stimmen betören zu lassen, die den dunkel-atmosphärischen 

Klängen mal mehr, 

mal weniger Struktur geben. 

(Mute/GoodToGo, 2014, 10/49:31) an 

CONOR OBERST 

UPSIDE DOWN MOUNTAIN 

Seine Band Bright Eyes hat Conor Oberst 

vorerst auf Eis gelegt und sich alleine in 

den Süden, nach Nashville, aufgemacht. 

Die Country-Metropole in Tennessee hat 

schon so manchem verlorenen Popstar zu 

einem Karriereneustart verholfen. Doch 

keine falschen Erwartungen, Obersts neues 

Pop 

Solo-Album UPSIDE DOWN MOUN- 

TAIN ist ebenso wenig ein Country-Album 

geworden wie Bob Dylans erstes Nashville- 

Album BLONDE ON BLONDE – auch 

wenn die Songs des jungen US-Sänger/ 

Songschreibers so folkig grundiert sind wie 

schon lange nicht mehr und ab und an gar 

eine Steelguitar zu hören ist. Ähnlich wie 

zuletzt etwa Beck steckt Oberst knietief in 

den US-amerikanischen Roots – und hat 

das sehr viel bessere Album der beiden geschaffen. 

Das Songwriting ist famos wie zu 

den besten Tagen von Bright Eyes, der Gesang 

packt einen direkt am und im Herzen. 

(Nonesuch/Warner, 2014, 13/54:10) frs 

SEBASTIAN KRUMBIEGEL 

EIN MANN, SEIN KLAVIER 

UND IHR 

Man erkannt es 

schon am Titel, 

Sebastian Krumbiegels 

neues Album 

EIN MANN, 

SEIN KLAVIER 

UND IHR ist 

die logische Fortsetzung t seines 2012er 

Werkes SOLO AM PIANO. Denn das 

Konzept des Prinzen-Sängers, pointierte 

Texte über sich, seine Musik, seine Befindlichkeiten, 

Ängs te, Lieben und Innenansichten 

in Musik umzusetzen, 

geht weiterhin auf. Musikalisch zieht er 

die Kreise auf seinem neuen Werk wesentlich 

weiter, von Pianochansons bis 

zu fein arrangierten Popsongs erinnern 

seine neuen Lieder (vor allem durch den 

Prinzen-typischen Chorgesang) auch oft 

an seine Hauptband. Mit Brechts “Mackie 

Messer” (bei dem Queens “Bohemian 

Rhapsody” zitiert wird), Sillys 

“Liebeswalzer” (mit Silly-Gitarrist Uwe 

Hassbecker an der Dobro) und Udo Lindenbergs 

“Lady Whiskey” greift Krumbiegel 

auch auf Fremdkompositionen 

zurück, macht seine Sache aber auch hier 

ausgezeichnet. Ein bisschen wie Billy 

Joel auf Deutsch ... 

(Große Freiheit/Indigo, 2014, 12/47:04) us 

JF ROBITAILLE 

RIVAL HEARTS 

JF Robitaille scheint nicht umsonst in Kanada 

geboren worden zu sein – schließlich 

stammt daher auch der Mann, der 

dem Anfang-30er das große Vorbild sein 

dürfte: Leonard Cohen. Der junge Bursche 

aus Montreal besitzt eine ähnliche 

Herangehensweise wie der Großmeister 

des Singer/Songwritings, mit ihm teilt 

er auch das Mysteriöse, Schwermütige, 

gelegentlich Hoffnungslos-Existenzialistische 

in den Texten. Nur klingt Robitaille 

vom Gesang her wie ein Lennie vor dem 

Stimmbruch. Doch auch der lässige Stoizismus 

eines Lou Reed schimmert bei 

Robitailles zweitem Werk durch, ebenfalls 

das Empathisch-Verhuschte von Nick 

Drake. RIVAL HEARTS ist ein durchgehend 

angenehmes Werk geworden, das 

den dramaturgischen Spannungsbogen 

vom ersten bis zum (letzten) elften Song 

durchhält. Der privat scheue Zeitgenosse 

ist ein geborener Geschichtenerzähler. So 

wie Cohen. 

(G-Records/Rough Trade, 2014, 

11/35:40) mfg 


CD 

REVIEWS 

EELS 

THE CAUTIONARY TALES 

OF MARK OLIVER EVERETT 

Das elfte Album von Mark Oliver Everett 

unterscheidet sich deutlich vom 

Anfang 2013 erschienenen Vorgänger 

WONDERFUL, GLORIOUS. Zeigte 

sich der auch E genannte Songwriter 

damals von seiner ruppig-rockigen Seite, 

geht es auf den „Lektionen” des neuen 

Werks eher intim und persönlich zu. 

Unterstützt wird das durch das verwendete 

Instrumentarium aus Orchesterinstrumenten 

wie Cello, Bratsche Geigen, 

Fagott, Hörnern, durch Exotika wie Celesta, 

singender Säge und Glockenspiel, 

durch die viele Songs einen verträumten 

oder sinfonischen Charakter erhalten. 

Man darf hier nicht den Fehler machen, 

die CAUTIONARY TALES des Herrn 

Everett einfach so nebenbei zu hören. 

Erst durch das intensive Studium werden 

die 13 Lieder zu Perlen. Herausragend 

ist vielleicht “Agatha Clang”, das 

an die frühen Meisterwerke von Tom 

Waits heranreicht. 

(E Works/Pias, 2014, 13/41:03) an 

RUFUS WAINWRIGHT 

VIBRATE – THE BEST OF 

Seit 1998 hat 

Rufus 

Wainwright 

insgesamt 

sieben, 

von der Kritik 

teils 

überschwänglich 

gelobte lbt Stdi Studio-Alben veröffentlicht. 

Mit VIBRATE legt der talentierte Sohn 

des Singer/Songwriters Loudon Wainwright 

III. und der Folksängerin Kate 

McGarrigle nun erstmals eine Karriere-umspannende 

Best-Of-Anthologie 

vor. Für Einsteiger bietet schon die 

1-CD-Standardversion einen guten 

Überblick über das Werk eines der derzeit 

wohl interessantesten kanadischen 

Popmusikers, der gekonnt Songwritertum 

mit Folk, Cabaret und Kammermusik 

verbindet. Eingeweihten hat vor 

allem die schön aufgemachte 2-CD- 

Deluxe-Ausgabe etwas zu bieten, auf 

der sich mit dem Liza Minelli gewidmetem 

“Me And Liza” und “Chic And 

Pointless” zwei neue Songs sowie das 

bislang nur digital erhältliche “WWW 

III” befinden. Hinzu kommen einige 

Raritäten, darunter Live-Aufnahmen, 

Cover-Songs (John Lennons “Across 

The Universe”, Leonard Cohens 

“Hallelujah” und “Chelsea Hotel No. 

2”) sowie “The Maker Makes” und 

“La Complainte de la Butte” von den 

Soundtracks zu den Filmen „Brokeback 

Mountain” und „Moulin Rouge”. 

(Interscope/Universal, 2014, 

18/76:59, 16/57:58) frs 

RAINBIRDS 

YONDER 

Das neue Album von Katharina 

Francks Rainbirds ist Rückbesinnung, 

zugleich soll es aber auch ein 

Neustart sein. Denn YONDER versammelt 

zwölf überarbeitete, mehr 

oder minder bekannte Songs der 

Berliner Formation. Dazu kommt 

ein Remix eines Stückes aus Francks 

Solo-Album ON THE VERGE OF 

AN AUTOBIOGRAPHY (2008). Neu 

eingespielt wurde auch der frühere 

Hit “Blueprint”, doch weiß der nun 

im 80er-Disco-Sound gebotene Song 

nicht zu überzeugen. Allzu schmerzlich 

wird das einprägsame Gitarrenriff 

von damals vermisst. Das früher 

chansoneske “Jamais Jamais” ist sogar 

nahe am Franco-Pop à la Vanessa 

Paradis. Überzeugen können hingegen 

“Love Was Already There To 

Be Found”, “Seven Compartments” 

und “Last Bus Out”, denen die Neubeziehungsweise 

Über-Produktion 

nicht geschadet hat. Was im Positiven 

bleibt, ist, dass man sich wieder mal 

an der unverändert schönen Stimme 

der Sängerin erfreuen kann. 

(Universal, 2014, 13/51:30) an 

BERLIN COMEDIAN 

HARMONISTS 

DIE LIEBE KOMMT, 

DIE LIEBE GEHT 

Schon oft wurde 

versucht, die 

unbeschreibliche 

Magie 

der 

Comedian 

Harmonists neu 

zu entfachen. 

Bisher erfolglos, l und auch DIE LIEBE 

KOMMT, DIE LIEBE GEHT gelingt 

dies nicht. Doch was dem Sextett, 

das sich Berlin Comedian Harmonists 

nennt und ursprünglich für ein Theaterstück 

anlässlich des 70. Geburtstages 

ihrer berühmten Namensvettern 

gegründet wurde, gelingt, ist dass ihre 

Interpretationen den Originalen verdammt 

nahekommen. Dass sie Lieder 

wie “Veronika, der Lenz ist da”, “Ohne 

Dich”, “Liebling mein Herz lässt dich 

grüßen”, “Wochenend’ und Sonnenschein” 

oder “Mein kleiner grüner 

Kaktus” einerseits so eng wie möglich 

an die Originalarrangements anlehnen, 

andererseits aber nicht den Fehler 

machen, in diesem Zuge ihre eigene 

klangliche Identität aufzugeben. Und 

auch wenn ihre Stimmen zu Beginn der 

CD noch etwas fremd klingen – man 

hat bei den Comedian Harmonists ja 

immer den alten Schellack-Sound im 

Ohr –, mit der Zeit lässt dieses Gefühl 

nach, und man hört dieses Album mit 

immer größerer Freude. Wie gesagt: 

keine „neuen” Comedian Harmonists, 

aber verdammt nah dran! 

(Deutsche Grammophon/ 

Universal, 2014, 19/58:37) us 

POP FOLLY & 

THE HUNTER 

TRAGIC CARE 

Seit das wunderbare Kollektiv Fleet 

Foxes mit grandiosem mehrstimmigem 

Gesang weltweit einen Siegeszug startete 

und seit die etwas burschikoseren 

Mumford & Sons mit ähnlichem 

Sound gar die Top Ten erobert haben, 

gibt es geradezu eine Epidemie von 

psychedelisch angehauchten Neo- 

Folk-Rockbands. Das Trio Folly & 

The Hunter aus Montreal schlägt in 

Pop 

eine ähnliche musikalische Kerbe, ihr 

Sound kommt elegisch, weltfern, dabei 

unerschütterlich daher. Alle drei 

Mitglieder singen, wobei Nick Vallee 

Hauptfrontmann ist, alle drei spielen 

jede Menge unterschiedlicher Instrumente. 

Damit nicht genug – um einen 

besonderen Sound zu erzeugen, hat 

man zusätzlich einen Violinisten, einen 

Cellisten und einen Klarinettisten an 

Bord geholt. Herausgekommen ist ein 

schlichterhand betörendes Werk, übrigens 

das zweite des Dreiers. 

(Outside Music/Cargo, 2014, 

10/43:09) mfg 


UNCHAINED MELODY 

“Unchained 

Melody” 

gehört ohne 

Frage zu den 

berühmtesten 

Liebesliedern 

der 

WltW Welt. Wer, wenn nicht ihtdie Archivjäger 

von Bear Family, wäre besser dafür 

geeignet, einen Sampler prallvoll mit 

bekannten und unbekannten Versionen 

dieses von Alex North und Hy 

Zaret geschriebenen Titels zu füllen? 

Beginnend mit der 50er-Jahre-Originalversion 

von Roy Hamilton und 

der wohl berühmtesten Interpretation 

der Righteous Brothers aus dem 

Jahr 1965 zeigt UNCHAINED ME- 

LODY zahlreiche Facetten dieses 

Liedes. Klasse, mit welch Wärme 

Marty Robbins seine Stimme für seine 

“Unchained Melody” ausstattete, 

wie Harry Belafonte den Song 1955 

auf Stimme und Gitarre reduzierte. 

Gleich zweimal ist Chet Atkins zu 

hören, einmal mit einer 1956er Soloversion, 

einmal 1964 zusammen 

mit Hank Snow. Dazu Elvis, Willie 

Nelson, Eddy Arnold, Gene Vincent, 

Diana Ross & The Supremes und 

Ricky Nelson, für Raritätensammler 

sind die Versionen von Max Greger, 

Ray Conniff, Todd Duncan, der New 

Yorker Doo-Wop-Band Vito & The 

Salutations oder der Lettermen wohl 

am interessantesten. Klasse auch das 

dicke Booklet mit ausführlichen Infos 

zu allen hier vorgestellten Versionen. 

(Bear Family, 2014, 31/88:39) us 

LAKE STREET DIVE 

BAD SELF PORTRAITS 

In den USA hat sich das Quartett Lake 

Street Dive bereits einige Bekanntheit 

erspielt. Es trat in großen TV-Shows 

auf und stand im Dezember 2013 neben 

Künstlern wie Joan Baez, Patti Smith 

und Marcus Mumford (Mumford & 

Sons) auf der Bühne der Town Hall 

in New York City bei der von T Bone 

Burnett organisierten Show „Another 

Day, Another Time” – einem Tribut an 

die Greenwich-Village-Folkszene der 

60er Jahre anlässlich des Films „Inside 

Llewyn Davis” (siehe DVD-Highlight 

in dieser Ausgabe). In Deutschland war 

die Musik der 2004 gegründeten Band 

bislang noch nicht auf physischen Tonträgern 

erhältlich, was sich nun mit ih- 

Im Sommer 2013 waren Toto auf 

ausgedehnter Europa-Tour anlässlich 

ihres 35-jährigen Bandjubiläums. 

Die nun vorliegende Live-Veröffentlichung bietet alles 

was das Herz begehrt. Mit den Hits: »Africa« »Rosanna«, 

»Hold The Line«, »I Won’t Hold You Back«, u.v.m.. 

als 2-CD, DVD, Blu-ray 

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CD 

REVIEWS 

rem dritten Album BAD SELF PORTRAITS 

ändert. Das Quartett – zur Hälfte weiblich 

und männlich besetzt – glänzt mit wunderbarem 

Harmoniegesang, die beschwingte 

Musik ist von 60s-Brill-Building-Pop und 

Soul, von Bands wie The Ronettes, The Mamas 

& The Papas und Fleetwood Mac inspiriert. 

Wird Zeit, dass diese talentierte Combo 

nun endlich auch Mitteleuropa entert! 

(Signature Sounds/Cargo, 2014, 

11/39:22) frs 

SOPHIE ZELMANI 

GOING HOME 

Auf der Innenseite 

ihrer neuen CD 

sieht man Sophie 

Zelmani 

entspannt 

mit ihrer Gitarre auf 

dem Schoß in einem 

gemütlichen 

Sessel 

sitzen, Strohhut t und ein halbvolles Glas 

Rotwein auf dem Tisch daneben. Dieses 

Bild ist symptomatisch für die musikalische 

Stimmung, die auf GOING HOME 

vorherrscht. Langsam und bedächtig gibt 

sie ihren Songs sowohl ausreichend Zeit als 

auch genügend Luft zum Atmen, verpasst 

es dabei aber nicht, das Tempo und die Intensität 

im richtigen Moment anzuziehen. 

Wer sie also „nur” noch aus ihrer Anfangszeit 

kennt, als sie vor rund 20 Jahren mit 

sonnigem Singer/Songwriter-Pop von ihrer 

Heimatstadt Stockholm aus die Welt eroberte, 

wird hier so manche Überraschung 

erleben. Vor allem Country- oder Americana-Fans 

sollten hier die (Pop-)Scheuklappen 

ablegen, hier gibt es wunderschön 

entspannte, melancholische Musik zu hören 

– ganz egal, wie man das dann nennen mag. 

(Oh Dear Recordings/Cargo, 

2014, 13/56:27) us 

ROGER GLOVER 

MASK 

Vor exakt 30 Jahren überraschte Roger 

Glover, der Deep-Purple Bassist und Nebenerwerbsproduzent 

(Nazareth, Judas 

Priest, Gillan), mit MASK, seinem dritten 

Solo-Album. Das hatte kaum etwas mit 

dem zu tun, was seine Hauptband fabrizierte, 

auch wenn Nummern wie “Dancing 

Again” (klasse Saxsolo) oder “Hip Level” 

kraftvoll abgingen. Vielmehr ließ sich Glover 

von Acts wie Peter Gabriel und Police, 

aber auch Devo oder Kraftwerk inspirieren, 

experimentierte mit synthetischen Klängen, 

Reggae (“Fake It”) und gelegentlich auch 

mit Prog-Momenten (“Divded World”, 

“Getting Stranger”), die er mit Anleihen 

beim Synthie-Pop vermengte. Und wer hätte 

Kate McGarrigle auf einer Glover-Scheibe 

als Gastsängerin erwartet? Ohrwürmer 

gibt es kaum, dafür entfalten die durchweg 

beachtlichen Songs ihren beträchtlichen 

Charme auch heute erst nach mehrfachem, 

intensivem Lauschen. 


8/41:12) pro 

nen, in Kneipen und kleinen Clubs in Dänemark, 

Finnland und Frankreich zu spielen, 

und legt jetzt, mit STRONGER HIGHER 

FASTER, auch bei uns sein erstes Album 

vor. Bestückt hat er es mit einer Auswahl 

von Songs seiner drei kanadischen Alben, 

was einerseits natürlich dazu führt, dass 

man staunend vor diesem qualitativ hochwertigen 

Streifzug steht, andererseits auch 

die musikalische Ausrichtung äußerst vielseitig 

ist. Sonniger Pop, bei dem Blair immer 

wieder ins Falsett wechselt, rhythmisch 

vertrackte Ohrwürmer à la Jack Johnson, 

offen und ehrlich vorgetragene Innenansichten 

eines hoffnungslosen Optimisten – 

alles in allem eine klasse Pop-Entdeckung! 

(7us Music/Membran, 2014, 18/54:31) tk 

JEAN MICHEL JARRE 

OXYGENE + EQUINOXE + 

MAG NETIC FIELDS + THE 

CONCERTS IN CHINA + CITIES 

IN CONCERT HOUSTON LYON 

+ DESTINATION DOCKLANDS 

Sechs Alben des französischen Synthesizer- 

Klangspezialisten Jean Michel Jarre werden 

nun neu aufgelegt. Mit OXYGENE (1976, 

6/39:44), EQUINOXE (1978, 8/39:09) 

und MAGNETIC FIELDS (1981, 5/36:06) 

sind seine ersten drei Studio-Alben dabei, 

eine wahrhaft außergewöhnliche Trilogie, 

mit der er sich seine weltweite Reputation 

erworben hat. Auch wenn man ihn oft 

auf sein erstes Album reduzieren möchte 

(interessanterweise eine Parallele zu Mike 

Oldfield), stehen die beiden Folgewerke 

der musikalischen Qualität des Erstlings 

in nichts nach. Melodien wie in “Equinoxe 

Part 4” und “Equinoxe Part 7” sowie die 

ersten drei Teile “Magnetic Fields” zeigen 

dies eindrucksvoll. Die nächsten drei Alben 

sind Livemitschnitte, THE CONCERTS IN 

CHINA (1982, 6/40:32, 9/38:28), als CD 

zwischenzeitlich auf einer Disc erschienen, 

wurde jetzt wieder wie auf der originalen 

Doppel-LP auf zwei Tonträger aufgeteilt. 

Jean Michel Jarre war 1981 der erste westliche 

Musiker, der in der Nach-Mao-Zeit 

Chinas auftreten durfte. Bei den beiden 

Konzerten in Peking und Shanghai wurde er 

vom Beijing Oriental Symphony Orchestra 

unterstützt, alleine für diese Auftritte komponierte 

Jarre sechs neue Stücke. CITIES 

IN CONCERT HOUSTON LYON (1987, 

10/48:11) und DESTINATION DOCK- 

LANDS (1989, 12/53:42) sind beides Live- 


Pop 

DAVID BLAIR 

STRONGER HIGHER FASTER 

Wie kaum ein anderer Künstler lebt David 

Blair seinen Traum. Hat in seiner kanadischen 

Heimat Vancouver Haus und Hof 

verkauft, sich seine Gitarre geschnappt und 

ist nach Europa geflogen. Hat damit begondokumente 

von Veranstaltungen, bei denen 

als reine Audiokonserve die mindestens 

gleich wichtige, visuelle Komponente fehlt. 

Denn sowohl bei den beiden Konzerten in 

Houston und Jarres Heimatstadt Lyon als 

auch in London waren Jarres Klänge eher 

Unterstützung für gigantische Lightshows, 

so dass die CDs hier etwas hilflos wirken 

und nur Komplettisten zu empfehlen sind. 

(BMG/Sony Music, 6 CDs) 

us 

ABBA 

GOLD 

1992 erschien die 

„Greatest Hits”-CD 

ABBA GOLD von 

Abba, MORE GOLD 

folgte bereits ein Jahr 

später – und jetzt gibt 

es beide in der Zwischenzeit 

mehrfach h wiederveröffentlichten 

Scheiben als „40th Anniversary Edition” 

in Form eines 3-CD-Packs. Wobei sich das 

40-jährige Jubiläum natürlich auf den ESC- 

Erfolg von “Waterloo” vor vier Dekaden 

bezieht, der reichlich ausgeschlachtet wird. 

Der dritte Silberling enthält 20 Songs, die 

einst als B-Seiten im Hit-Feuerwerk der 

schwedischen Pop-Könige untergingen. 

Sieht man die Fülle aller hier erneut zu hörenden 

Hitparadenstürmer, mag man kaum 

glauben, dass Abba gerade zehn Jahre aktiv 

waren – und welche popstilistische Bandbreite 

sie in ihrem so gehörgängigen Oeuve 

abdeckten! Eine preisgünstige Gelegenheit 

für alle Nicht-Abba-Hardcorefans, ihre 

Sammlung zu ergänzen. 

(Polar/Universal, 2014, 19/79:09, 

20/78:57, 20/73:52) pro 

VERONIKA FISCHER 

DIE AMIGA-HITS 1973–1981 

Den Schubladendenkern hatte es die gebürtige 

Thüringerin von Anbeginn schwer 

gemacht. Für eine Schlagersängerin war 

sie viel zu anspruchsvoll, für eine Chansonsängerin 

wiederum viel zu rockig, und 

für eine Popsängerin hatten ihre Songs zu 

viel vom Jazz und von Singer/Songwriter- 

Elementen. Mit der vermeintlich kruden 

Mischung wurde sie in den Siebzigern zur 

erfolgreichsten Sängerin der DDR. Auch 

nach der Übersiedlung in die BRD konnte 

sie ihre Karriere fortsetzen, die wirklich 

großen Konzerthallen wurden es aber erst 

wieder im vereinigten Deutschland. Seit 

1975 hat Vroni, wie die Sängerin von ihren 

Fans genannt wird, 41 Alben veröffentlicht, 

diverse Hitkopplungen nicht mitgezählt. Zu 

letzteren zählt die neue CD, sie beschränkt 

sich auf ihre künstlerische Laufbahn im 

Osten, bietet jedoch reichlich Schmankerl: 

Neben vielen Hits gibt es Nummern des 

Karat-Vorgängers Panta Rhei (bei denen 

Fischer sang), zwei Songs aus einer Defa- 

Dokumentation über Ost-Berlin sowie zwei 

bisher noch nie veröffentlichte Lieder, die 

sie 1974 mit der Theo-Schumann-Combo 

einspielte. 

(Amiga/Sony Music, 2014, 20/79:30) che 

DRIVING MRS. SATAN 

POPSCOTCH 

Bekannte Heavy-Metalstücke als intime 

Popsongs zu interpretieren, diese Idee ist 

beileibe nicht neu. In Konkurrenz zu treten 

mit Könnern wie Mark Kozelek (Red

CD 

REVIEWS 

House Painters, Sun Kill Moon) oder 

der schwedischen Band Hellsongs, 

da haben sich Driving Mrs. Satan mit 

POPSCOTCH einiges vorgenommen. 

Doch schon mit Auswahl der Vorlagen, 

mit “Hells Bells” von AC/DC, 

Metallicas “Battery”, Iron Maidens 

“2 Minutes To Midnight” oder “Never 

Say Die” von Black Sabbath, beweist 

das britisch/italienische Trio – bestehend 

aus Claudia Sorvillo (voc), Ernesto 

Nobili (g, voc) und Giacomo 

Pedicini (b) – Geschmacksicherheit. 

Auch sonst schlagen sie sich beachtlich, 

nicht zuletzt durch die Unterstützung 

von einer ganzen Schar befreundeter 

Musiker, die den luftigen 

Poparrangements mit Schlagzeug, 

Streichern, Vibrafon, Piano, Trompete 

und Flügelhorn den letzten Feinschliff 

verpasst haben. 

(Agualoca Records/Indigo, 

2014, 11/40:22) us 

JOAN OSBORNE 

LOVE AND HATE 

Mit dem unwiderstehlichen 

“One Of Us” 

begann 

für 

Joan 

Osborne 

Mitte der 90er 

Jahre 

eine 

mit Highlights ht gespickte Karriere. 

Sie stand schon mit Künstlern wie 

Bob Dylan, Emmylou Harris, Stevie 

Wonder und Luciano Pavarotti 

auf der Bühne, ihr 2012er Album 

BRING IT ON HOME war im letzten 

Jahr für einen Grammy in der Kategorie 

„Best Blues Album” nominiert. 

Blues ist ihrem neuen Werk LOVE 

AND HATE nur noch in Spuren anzuhören, 

vielmehr ist es ihr zusammen 

mit Co-Produzent Jack Petruzzelli 

(Rufus Wainwright, Patti Smith) 

gelungen, ihre allesamt selbst (mit-) 

verfassten Songs stark in Richtung 

urbaner Pop zu trimmen. Natürlich 

hat sie auch dem rootsigen Rock ihrer 

frühen Werke noch nicht ganz Lebewohl 

gesagt, hat sie die Fähigkeit, 

Stimmungen, textliche Inhalte und 

Botschaften in Musik umzusetzen, 

nicht verloren. Unter dem Strich ein 

Album mit Tiefgang, das aber einige 

Durchgänge braucht ... 

(Membran/Sony Music, 2014, 

12/49:36) us 

SIVERT HÖYEM 

ENDLESS LOVE 

Mit seiner charakteristischen Stimme 

war Sivert Höyem prägend für den 

Sound der norwegischen Düster-Rocker 

Madrugada, mit dem tragischen 

Tod ihres Gitarristen Robert Buras 

endete vor gut sechs Jahren auch die 

Existenz dieser Band. Seither hat 

Höyem zwei Solo-Alben veröffentlicht, 

mit ENDLESS LOVE ist Mitte 

Mai das dritte Nach-Madrugada-Werk 

erschienen. Der größte Unterschied 

zu früher ist die Stimmung, die Produzent 

Ulf Ivarsson den neuen Songs 

verpasst hat. Düster-melancholisch 

geht es da nur selten zu, sonnig-abgehoben 

aber auch nicht - es regiert eher 

eine ernsthafte Tiefe. Musikalisch 

geht es nur selten in Richtung Rock, 

Singer/Songwriter-Pop mit Tiefgang 

bestimmt die Szenerie. Verstärkt wurde 

die skandinavische Studioband 

vom früheren Opeth-Keyboarder 

Per Viberg sowie von Gitarrist Stian 

Westerhus. 

(Hektor Grammofon/ 

Rough Trade, 2014, 10/44:15) us 

MICHAEL BOLTON 

A TRIBUTE TO HITSVILLE 

U.S.A. 

„Hitsville 

U.S.A.”, so 

wurde das Gebäude 

genannt, 

in dem Motown-Gründer 

Berry Gordy 

1959 das Büro seiner Plattenfirma 

eröffnete. Kurz darauf war auch das 

Aufnahmestudio von Motown dort 

untergebracht, mit ihrem Mix aus 

Pop und Soul trafen Gordy und seine 

Mitstreiter in den 60er und 70er Jahren 

den Nerv der Zeit, so dass Motown 

schnell zu einem der führenden 

amerikanischen Labels wurde. Mit A 

TRIBUTE TO HITSVILLE U.S.A. 

erinnert Michael Bolton nun an zahlreiche 

erfolgreiche Titel aus dieser 

Ära, wandelt zusammen mit Leona 

Lewis mit “Ain’t No Mountain High 

Enough” auf den Spuren von Marvin 

Gaye und Tammi Terrell, die diesen 

Song 1967 veröffentlichten, bevor 

er drei Jahre später von Diana Ross 

an die Spitze der Billboard-Charts 

geführt wurde. Auch das 1968 von 

Gaye/Terrell gesungene “Ain’t 

Nothing Like The Real Thing” erfährt 

– dieses Mal zusammen mit 

Melanie Fiona – eine Neuauflage, 

ebenso wie “You Keep Me Hanging 

On” (The Supremes, 1966), “Tracks 

Of My Tears” (The Miracles, 1965) 

oder “Signed, Sealed, Delivered I’m 

Yours” (Stevie Wonder, 1970). Dabei 

führt Bolton die Songs ein gutes 

Stück weg von den souligen Originalen, 

richtet seine Interpretationen 

sehr viel stärker in Richtung Adult- 

Pop aus. 

(Ear Records/edel, 2014, 

12/39:41) tk 

REINHARD LAKOMY 

DIE GRÖSSTEN HITS 

Der im März 2013 verstorbene Wahl- 

Berliner Reinhard Lakomy gehört zu 

den populärsten Musikern Ostdeutschlands, 

allein seine 1980er Kinderplatte 

TRAUMZAUBERBAUM hat sich bis 

heute über 4 Millionen Mal verkauft. 

In seiner langjährigen Karriere wechselte 

Lakomy immer wieder konsequent 

die Musikrichtung, jedoch hatte 

er jedesmal die Nase vorn. Er war der 

erste DDR-Sänger, der (irr)witzige 

Alltagsgeschichten in Pop sang. Keine 

Blödeleien, aber dennoch herrlich komisch 

und tiefgrund-sympathisch. Später 

widmete er sich der elektronischen 

Instrumentalmusik, und mit seiner 

Pop 

Popmusik für die Kleinsten hielt er 

Einzug in alle Kinderzimmer zwischen 

Rostock und Suhl. Die vorliegende 

Best Of widmet sich größtenteils seiner 

ersten Karriere mit den schnoddrig und 

mit Reibeisenstimme interpretierten 

Liedern. Im letzten Viertel gibt es zwei 

Kinderlieder-Klassiker und drei Raritäten, 

etwa die 1996er Unicef-Single 

“Brücken wie ein Regenbogen”. 

(Amiga/Sony Music, 2014, 

20/65:01) che 

JOHN LODGE 

NATURAL AVENUE 

Als die Moody 

Blues in den 

70er 

Jahren 

eine 

Schaffenspause 

einlegten, 

nutzte 

die 

Multi-Instrumentalist 

t tJohn Lodge, um Freunde 

wie Chris Spedding, Kenny Jones, 

Mel Collins und Mike Weaver im 

Studio zusammenzutrommeln. Den 

leicht ätherischen Flair seiner Hauptgruppe 

wollte er damals offenbar gar 

nicht verbannen, doch unter dieser 

Klangglocke schuf er überaus abwechslungsreiche 

Pop’n’Rock-Songs, 

die mal geschmeidig und orchestriert 

dahinschwebten (“Carry Me”), sich 

wie das Titelstück eher mit Uptempo-Kraft 

vorwärts bewegten, wie die 

trefflich betitelte Ballade “Summer 

Breeze” stimmungsschwanger die 

Hörerfantasie anregten. Lodge vaiierte 

zwischen leichtfüßig und schwermütig 

und hätte mit seinem einzigen 

Solowerk mehr Aufmerksamkeit verdient. 

Als Bonus gibt’s jetzt die Single 

“Street Café”/”Threw It All Away”, 

die das immer noch hörenswerte Werk 

abrundet. 

(Esoteric/Rough Trade, 1977, 

12/53:47) pro 

BLONDIE 

BLONDIE 4(0) EVER 

Blondie bringen musikalische Welten 

und Generationen zusammen, erforschen 

einmal mehr neue Territorien 

– auch durch die Zusammenarbeit mit 

allerlei Gästen. Neben der typischen 

Pop-Note tauchen diesmal Elemente 

aus dem Bereich Electronica auf – vor 

allem im Duett von Debbie Harry mit 

Beth Ditto (Gossip) auf der ersten 

Single “A Rose By Any Name”. Es 

wird (spanisch) gerappt (Los Rakas). 

Die kolumbianische HipHop/R&B- 

Truppe Systema Solar bringt sich bei 

“Sugar On The Side” ein. Reggae- 

Grooves sorgen für entspannte Stimmung 

(“Drag You Around”, “Backroom”), 

und die Neuversion von 

“Relax“ ist ebenfalls gelungen. Die 

Bonus-CD GREATEST HITS DE- 

LUXE REDUX beschert viele erfreuliche 

Wiederhörensmomente – allerdings 

hätte ein Schuss mehr Wagemut 

gut getan, so sind die Neuaufnahmen 

der Blondie-Klassiker zu brav, zu 

dicht an den Originalen. 

(Universal, 2014, 13/53:04, 

11/42:09) pro 


CD 

REVIEWS 

JERRY LEE LEWIS 

JERRY LEE LEWIS / JERRY 

LEE’S GREATEST! 

Diese remasterte Reissue-CD vereint die ersten 

beiden 1958 bzw. 1961 erschienenen LPs 

der als „The Killer” in die Annalen der Musikgeschichte 

eingegangenen Rock’n’Roll- 

Ikone, erweitert um sechs Bonus-Tracks aus 

eben jener frühen Schaffensphase. Vertreten 

sind damit auch seine beiden in die Grammy 

Hall Of Fame aufgenommenen großen 

Klassiker ”Great Balls Of Fire” und ”Whole 

Lotta Shakin’ Goin’ On”, mit denen er 1957 

in allen drei US-Charts – Pop, Country 

und R&B – Top-Platzierungen verbuchen 

konnte. Das reichlich bebilderte 16-seitige 

Booklet enthält neben aktuellen auch die 

jeweiligen Original-Liner-Notes, die im Fall 

des Debüt albums aus der Feder von Sun-Labelboss 

Sam Phillips höchstselbst stammen. 

Erfreulich auch die – soweit verfügbar – präzisen 

Angaben zu den Aufnahmedetails der 

einzelnen Songs. 

(Hoodoo Records/inakustik, 2014, 

30/70:32) ms 

THE ALAN PARSONS 

PROJECT 

THE COMPLETE ALBUMS 

COLLECTION 

Mit den geheimnisvollen 

TALES OF 

MYSTERY AND 

IMAGINATION ED- 

GAR ALLEN POE 

tauchte 1976 zum 

ersten Mal das Alan 

Parsons Project auf der Rock- und Poplandkarte 

auf. Dieses „Project” speiste sich aus 

zwei ergiebigen Quellen, einmal aus Alan 

Parsons Fähigkeiten als Arrangeur und Produzent 

(die er sich als Toningenieur in den 

Abbey Road Studios bei Alben der Beatles 

und Pink Floyd erworben hatte) und einmal 

aus Eric Woolfsons Können als Songwriter. 

Zusammen gelang es ihnen, ein magisches 

Dreieck aus klassischem Bombast, poppiger 

Leichtigkeit und rockigen Klängen zu erschaffen 

– einen Sound, den man so bisher 

noch nicht gehört hatte. Sowohl das 1977er I 

ROBOT als auch das ein Jahr später entstandene 

PYRAMID brillieren heute noch durch 

ihren Mix aus eingängigen Rocksongs und 

instrumentalen Geniestreichen, unterstützt 

von einer Schar an Top-Musikern wie Ian 

Bairnson (g), Colin Blunstone (The Zombies, 

voc), John Miles (voc), Stuart Elliott (dr) 

und David Paton (Pilot, Camel, b). Dass man 

als Musiker schon damals nicht vom Kritikerlob 

alleine leben konnte, zeigten dann 

EVE (1979), THE TURN OF A FRIEND- 

LY CARD (1980) und EYE IN THE SKY 

(1982). Auf diesen drei Alben sorgten sie mit 

Titeln wie “Lucifer”, “Time” oder “Eye In 

The Sky” für poppige Ohrwürmer, die auch 

im Radio gespielt wurden und so die Chance 

hatten, in die Charts zu kommen. Auch die 

beiden 1984 veröffentlichten Alben AMMO- 

NIA AVENUE und VULTURE CULTURE 

lieferten mit “Don’t Answer Me” und “Let’s 

Talk About Me” erfolgreiche Einzeltitel, bevor 

dann mit STEREOTOMY (1985) und 

GAUDI (1987) zwei schwächere Werke das 

Ende der Zusammenarbeit von Parsons und 

Woolfson einläuteten. Neu in THE COM- 

PLETE ALBUMS COLLECTION findet 

sich mit THE SICILIAN DEFENCE ein bisher 

unveröffentlichtes Album aus dem Jahr 

1979. Dieses schwer verdauliche Werk kam 

damals zustande, weil Parsons und Woolfson 

zwar vertraglich gezwungen waren, ein Album 

abzuliefern, durch einen Streit mit der 

Plattenfirma aber nicht gewillt waren, etwas 

anderes als experimentelle Instrumentalstücke 

zur Verfügung zu stellen. Alle Alben 

kommen im Original-LP-Artwork (teilweise 

im Klappcover), bis auf TALES OF MYS- 

TERY ..., das in der 1987er Remix-Version 

dabei ist, gibt es keinerlei Anzeichen für ein 

etwaiges Remastering – was bei Alan Parsons 

aber auch nicht notwendig erscheint. 

(RCA/Sony Music, 2014, 11 CDs) us 

T. REX 

TANX / ZINC ALLOY DELUXE 

EDITION 

Mit dieser Ausgabe in 

Buchform (LP-Format) 

hat sich das britische 

Reissue-Label Edsel 

selbst übertroffen. Schon 

in der Vergangenheit 

stießen ähnliche Editionen 

auf großen Zuspruch, aber mit dieser 

Deluxe-Ausgabe werden alle Wünsche erfüllt, 

da zudem Bolan-Produzent Tony Visconti 

das Material der Alben und der Singles 

(allerdings nicht der Outtakes) transparent 

und warm remasterte. Die erste CD enthält 

die komplette TANX-LP, ein Album, auf 

dem sich Marc Bolan zwischen Glam (“Born 

To Boogie”, “Rapids”) und souligem Material 

bewegte (“Highway Knees”). Auf der 

zweiten CD sind die damals erschienenen 

Singles zu hören und sage und schreibe 17 

Demos und Alternativfassungen, die den 

Entstehungsprozess dokumentieren. Die 

dritte CD enthält ZINC ALLOY AND THE 

HIDDEN RIDERS OF TOMORROW. Das 

Album klingt durch das Remastering viel 

durchsichtiger als vorhergehende Versionen, 

wodurch Bolans Soulausflug logischer 

erscheint, wohingegen die vierte CD mit 

Sing letracks und 20 Outtakes aufwarten 

kann. Die DVD versammelt Auftritte aus 

verschiedenen Fernsehshows und den bekannten 

Promofilm zu “The Groover”. Im 

Gegensatz zu diversen anderen Ausgaben 

sind alle Demos allgemein von akzeptabler 

klanglicher Qualität. Das Buch an sich ist ein 

wahres Schmuckstück. Neben Liner-Notes 

von Visconti enthält es einen langen Text 

des Bolan-Experten Mark Paytress, der die 

Ära in seinem Schaffensprozess erläutert. 

Hinzu kommen Abbildungen der Plattencover, 

Singles, Zeitungsausschnitte und Notenblätter. 

Gedruckt wurde auf festem, nicht 

glänzendem Papier, was der Qualität der 

Edition entspricht. Fast 40 Jahre nach seinem 

tragischen Tod halten Marc Bolan und seine 

T. Rex die Fans immer noch in Atem – und 

das soll ein anderer Künstler erstmal nachmachen. 

Tipp! 

(Edsel/Soulfood, 2014, 13/34:57, 

24/58:54, 14/46:18, 27/66:07, 

DVD: 20 Min.) 

fl 

VDELLI 

LIVE & ON FIRE 

Die Zeiten, als die nach dem Bandleader 

benannte Formation aus „down under” auf 

der Bühne Bluesklassiker interpretierte, 

sind schon länger vorbei. Und so erweisen 

sich denn auch die 15 an Allerheiligen 2013 

in einem Hotel in ihrer westaustralischen 

Heimat mitgeschnittenen Eigenkompositionen 

als druckvoll treibende, riffbetonte 

Rockkracher, bei denen letztlich nurmehr 

der gelegentliche Einsatz des Slideröhrchens 

an die Blueswurzeln des Powertrios 

erinnert. Mit Ausnahme des Openers 

”Newtown” und des gut viertelstündigen 

Bonus-Tracks ”Tapestry Of Random- 

Jams” gibt es dabei Songmaterial von den 

drei Jazzhaus-Studio-CDs AIN’T BRIN- 

GING ME DOWN, TAKE A BITE sowie 

NEVER GOING BACK, und wer’s gern 

hard’n’heavy mag, ist mit diesem Live- 

Album, auch angesichts der Spieldauer, 

sicherlich nicht schlecht bedient. 

(Jazzhaus Records/inakustik, 2014, 

15/70:05) ms 

ELVIS PRESLEY 

ELVIS RECORDED LIVE ON 

STAGE IN MEMPHIS 

Ursprünglich 

im 

Sommer 1974 veröffentlicht, 

erscheint 

ELVIS RECORDED 

LIVE ON STAGE 

IN MEMPHIS nun 

zum 40. Geburtstag 

mit zehn zusätzlichen ätlih Tracks, die damals 

nicht auf das Vinyl gepasst haben. Weiterhin 

liefert eine zweite Disc den bisher unveröffentlichten 

(Mono-)Testlauf des kompletten 

Konzertes, zwei Tage vor Memphis 

in Richmond aufgenommen, sowie fünf 

akustische Tracks, mitgeschnitten im August 

1974, als Elvis und seine Begleitband 

für ihre herbstlichen Las-Vegas-Auftritte 

probten. Durch die Bank zeigt er sich dabei 

in Top-Form, konnte problemlos vom kraftvollen 

Rock’n’Roller zum lässigen Crooner 

wechseln, war hörbar in bester Laune, was 

sich sowohl in seinen Ansagen („Those 

binoculars look like a buncha frogs”) als 

auch in immer wieder von Lachen unterbrochenen 

Texten zeigte. Auch seine Band 

– und hier besonders Gitarrist James Burton 

und Drummer Ronnie Tutt – zeigte sich 

bei beiden Auftritten in Bestform, so dass 

hier einmal mehr klar wird, warum dieser 

Musiker für so viele für immer der Größte 

bleiben wird. 

(RCA/Sony Music, 1974, 

25/69:25, 27/74:20) us 

KROKUS 

LONG STICK GOES BOOM 

– LIVE FROM DA HOUSE OF 

RUST 

Im heimischen Solothurn, wo ihre Karriere 

1971 begann, standen die Schweizer Riffrocker 

Krokus auf der Bühne, um mit ihren 

Fans eine Party zu feiern, ein wenig Glam- 

Flair zu verbreiten. Sie donnerten durch 

ein Greatest-Hits-Programm, bei dem er 

reichlich Songs aus den frühen Jahren gab 

(“Easy Rocker”, “Heatstrokes”, “Tokyo 

Nights” oder “Screaming In The Night”) 

aber auch vier Nummern vom letzten Studiowerk 

DIRTY DYNAMITE – und die ergänzen 

sich homogen und hochenergetisch. 

Nicht zu vergessen die klasse Version von 

“American Woman” von Guess Who, die 

Krokus kräftig anhärteten und sich quasi 

aneigneten. Das Geschehen des Abends 

bringt die noch junge, aber auch knochentrocken 

abrockende Hymne “Hallelujah 

Rock 

Rock’n’Roll” treffend auf den Punkt! Perfekt 

nicht nur für alte Krokus-Fans. 

(Sony Music, 2014, 14/70:24) pro 

ENO – HYDE 

SOMEDAY WORLD 

Roxy-Music-Mitbegründer 

und Innovator 

Brian Eno hat 

sich für diese CD mit 

dem nicht minder 

interessanten 

Querdenker 

Karl Hyde zusammengetan. 

Hyde hat sich als Frontmann 

der Band Underground, die seit 1988 durch 

Genres wie House und Techno wandelt, hier 

immer wieder neue und progressive Ansätze 

suchend, einen Namen gemacht. Als Basis 

dienten Enos polyrhythmische Experimente, 

„Reickuti” benannt – ein Kunstwort aus 

Steve Reich und Fela Kuti. Diese Namen benennen 

schon den Mix aus Minimal-Music- 

Elementen (u.a. repetitive Strukturen, kaum 

wahrnehmbare Phasenverschiebungen) und 

tanzbaren Afro-Beats-Ingredienzien. Sänger 

und Gitarrist Hyde brachte hierzu eigene 

Ideen ein, Gastmusiker steuerten weitere 

Klangfarben (Bläser, Backgroundgesang) 

bei, so dass zum guten Schluss statt kopflastig-verschrobener 

Avantgarde ein durchaus 

tanzbarer, immer wieder auch an Kraftwerk 

gemahnender Sound entstand. 

(Warp Records/Rough Trade, 2014, 

9/44:36) rg 

CAROL OF HARVEST 

CAROL OF HARVEST 

Dieses Album erschien 1978 zum absolut 

falschen Zeitpunkt. Punk regierte und 

drängte progressiven Folk-Rock (noch dazu 

aus Deutschland) in die Bedeutungslosigkeit. 

But you can’t keep good music down. 

Die Gruppe veröffentlichte ihre LP auf dem 

kleinen Label Brutkasten und verkaufte sie 

tapfer bei ihren raren Konzerten, wodurch 

sie letztlich die Aufmerksamkeit von Sammlerkreisen 

erregte. Und erregend ist CAROL 

OF HARVEST noch heute! Das Album enthält 

das 16-minütige Wunderwerk “Put On 

Your Nightcap”, wo die famose Sängerin 

Beate Krause und ihre vier männlichen Begleiter 

sich als perfekte Mixtur aus stilistisch 

verwandten Gruppen wie Pentangle, Mellow 

Candle und Emtidi erweisen. Aus zarten Tönen 

und purem Wohlklang entwickelt sich 

organisch ein toller Progressiv-Einschub, der 

es in sich hat. “Try A Little Bit” ist ähnlich, 

aber konventioneller aufgebaut und mit 9:46 

Minuten auch überdurchschnittlich lang. 

Die restlichen Studiostücke sind von perfekt 

kristalliner Klarheit, und drei ordentliche 

Bonus-Livetracks vom März 1978 runden 

einen großartigen Meilenstein ab. 

(Aepi Prog Temple/Soulfood, 2014, 

8/50:10) hjg 

DEATH 

III 

Auf das 1976 eingespielte, aber erst 2008 erschienene 

FOR THE WORLD TO SEE und 

SPIRITUAL, MENTAL, PHYSICAL von 

2011 folgt mit III schon das dritte aus den 

Archiven hervorgezauberte Death-Album. 

Das Trio aus Detroit, das seit einigen Jahren 

wieder aktiv ist, nahm Anfang der 70er Jahre 

wie die Stooges, MC5 und Grand Funk Railroad 

den Punk der späten 70er prototypisch 


CD 

REVIEWS 

vorweg. Die neun Stücke auf der neuen 

Compilation stammen aus den Jahren 

1975, 1976, 1980 und 1992. Sie zeigen, 

dass Death aber keineswegs nur 

Meister der lauten Töne waren, sondern 

sich auch in anderen Genres zu Hause 

fühlten. So groovt “Open Road” selten 

schräg wie später nur noch Public 

Image Limited. “First Snowfall in Detroit” 

ist verträumt und erinnert an Jimi 

Hendrix’ “The Cry Of Love”. Auch das 

mehr als acht Minuten lange “We Are 

Only People” träumt lange vor sich hin, 

ehe es durch mächtige Akkordfolgen 

fast schon Protestcharakter annimmt. 

Einzig das banale Schlusslied “We’re 

Gonna Make It” will so gar nicht passen. 

Die restlichen Songs sind die (Wieder-)Entdeckung 

allesamt wert. 

(Drag City/Rough Trade, 

2014, 9/37:33) an 

POCO 

LEGACY 

Die 

komplette 

1968er 

Originalbesetzung, 

also Richie Furay, 

Jim Messina, 

Randy 

Meisner, George 

Grantham und Rusty Young, war dabei, 

als Poco 20 Jahre nach ihrem LP-Debüt 

PICKIN’ UP THE PIECES 1989 mit 

Gästen wie Richard Marx, Bill Payne 

und Jeff Porcaro LEGACY einspielten. 

Und die Band schuf dabei einige echte 

Country-Rockperlen wie “Nothin’ To 

Hide”, “Call It Love” und “When It All 

Began”. An den (Chor-)Gesangsqualitäten 

wie auch dem handwerklichen 

Können der Gruppe, die es nicht aus 

dem Schatten der Eagles her ausschaffte, 

gab es nie etwas zu deuteln – im Falle 

LEGACY ist allenfalls zu bekritteln, 

dass man einen Tick zu viel poppige 

Wohlfühl-Zuckerwatte im Studio und 

Zugeständnisse an den damaligen 

Sound-Zeitgeist zuließ. Ansonsten kann 

man den Erwerb der mit informativen 

Liner-Notes bestückten Neuauflage (Bonus-Track: 

“Look Within”) nahelegen. 

(BGO/H’Art, 1989, 11/43:46) pro 

TIM GRIMM 

THE TURNING POINT 

Der Amerikaner Tim Grimm war ursprünglich 

Schauspieler, macht aber 

seit 15 Jahren feine Singer/Songwriter- 

Alben, die alle in den Top Five der Folkund 

Americana-Charts landeten. Seine 

neunte Arbeit THE TURNING POINT 

ist eine Platte, die wiederum sein hochentwickeltes 

Gefühl für präzise Nuancen 

unter Beweis stellt. Grimm kennt 

sich im Grenzdreieck von Country, Folk 

und dosiertem Rock bestens aus und 

singt mit einer auffällig angenehmen, 

Wärme und Intimität beschwörenden 

Stimme, die an Uraltmeis ter Woody 

Guthrie, Altmeister Johnny Cash und 

den Bruce Springsteen der „Nebraska- 

Zeit” erinnert. Eine ideale Mischung, 

die prachtvollen Liedern wie “King Of 

The Folksingers”, “Anne In Amsterdam” 

(entstand nach einem Besuch 

des dortigen Anne-Frank-Hauses), dem 

munteren “The Lake”, “Blame It On 

The Dog” und der Mörderballade “Turning 

Point” bestens bekommt. Grimm 

kommt im Juni/Juli für Konzerte nach 

Deutschland. Höchste Zeit, einen der 

besten aktuellen US-Liedermacher näher 

kennen zu lernen! 

(Cavalier/Fenn 2014, 11/49:06) hjg 

ERIC CLAPTON 

BEHIND THE SUN 

Mit 

diesem 

Album 

wandte sich 

Eric Clapton 

dem 

Kommerz 

zu. Es 

ist sicherlich 

nicht so hanebüchen h wie das von Phil 

Collins produzierte AUGUST, denn 

mit Songs wie “Same Old Blues” oder 

“For ever Man” erreichte er noch sein 

altes Publikum. Jedoch zeigen Weichspüler 

wie “It All Depends” oder “See 

What Love Can Do” eine klare Anbiederung 

an den Mainstream, die Clapton 

aufgrund des Drucks seitens der 

Plattenfirma durchziehen musste. Ein 

Album für Fans und Komplettisten, 

das allerdings durch das Mastering gewinnt, 

denn gegenüber der „normalen” 

CD klingt die Gold-Disc nicht mehr so 

80er-lastig, was einen neuerlichen Anlauf 

durchaus rechtfertigt. Die aktuelle 

Ausgabe erscheint in einer limitierten, 

nummerierten Edition als 24-KT-Gold- 

Disc und wurde von Steve Hoffman 

remastert. 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound, 

1985, 11/50:15) at 

CALIFORNIA BREED 

CALIFORNIA BREED 

Mann, oh Mann, die Drei-Generationen-Combo 

California Breed versteht 

es, zu rocken und den Terminus 

Powertrio neu zu definieren. Die 

Led-Zeppelin-eske Wucht des Schlagzeugs 

von Jason Bonham (47) treibt 

unaufhaltsam vorwärts, begleitet von 

den unwiderstehlichen Bassgrooves 

Glenn Hughes’ (62). Dazu schmettert 

Youngster Andrew Watt (23) wuchtige 

Riffbretter heraus, versteht es aber 

auch, moderne Gitarrensounds mit 

eingängigen Melodien zu verbinden. 

Und über allem thront Hughes’ expressive 

Stimme, die (ohne Kreischen) 

alle Rockvokalfacetten abdeckt und 

zusätzliche Songdynamik entwickelt. 

Inhaltskräftige Texte verstärken den 

positiven Eindruck, den majestätische 

Balladen oder “All Falls Down” wie 

energiegeladene Rocker (das leicht 

psychedelisch angehauchte “Chemical 

Rain”, “Midnight Oil”, “Invisible” 

oder das dezent punkige “The Grey”) 

hinterlassen. Ein starkes Debüt! 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 

14/60:20) pro 

ECHO & 

THE BUNNYMEN 

METEORITES 

Wie schön, dass sich die Band um 

Frontmann Ian McCulloch allen Umbesetzungen, 

längeren Schaffenspau- 

Rock 

sen und Comebacks zum Trotz auch 

beim neuen Album treugeblieben ist. 

Vielleicht ist das auch ein Grund, dass 

die finanzielle Unterstützung des Albums 

nie gefährdet war, die die Band 

über PledgeMusic dank einer treuen 

interessierten Fanbasis einholen konnte. 

Ihr psychedelisch gefärbter New- 

Wave-Rock ist auf METEORITES 

sogar richtig gut tanzbar, so dass Erinnerungen 

an den Manches ter-Rave 

von Happy Mondays, Charlatans und 

Primal Scream wachwerden. Im Zentrum 

stehen immer noch McCullochs 

charismatische Stimme und die durch 

zahlreiche Effektgeräte gestützte Gitarrenarbeit, 

die Echo & The Bunnymen 

auch nach drei Dekaden düster, pathetisch 

und melancholisch klingen lässt 

wie einst bei “The Killing Moon”. 

(429 Records/ 

Universal, 2014, 10/49:09) an 

STATUS QUO 

PILEDRIVER 

Für viele Fans 

ist 

PILEDRI- 

VER von 1972 

eines der besten 

Alben der Frantic 

Four – eines 

der wichtigsten 

war es allemal, l da es für Status Quo 

endgültig die Weichen weg vom psychedelischen 

Pop hin zum legendären 

Boogie-Shuffle-Rock stellte. Vor 

allem mit den Dauerbrennern “Paper 

Plane”, “Don’t Waste My Time” und 

dem “Roadhouse Blues” – der Doors- 

Vorlage verpassten Quo mit Alan Lancaster 

als Sänger und Bob Young an 

der Mundharmonika eine ganz eigene 

Note. Die 2014er Deluxe Edition hat 

durch das Remastering im Vergleich zu 

früheren Neuauflagen in Sachen Dynamik 

und Klang enorm gewonnen und 

bietet auf der Bonus-CD reichlich willkommene, 

teilweise unveröffentlichte 

Zusatznummern: den BBC-Mitschnitt 

des Konzerts im Londoner Paris Theatre 

1971, Auszüge aus John-Peel- 

Sessions (1973) sowie weitere BBC- 

Live-Aufnahmen von 1972 – und ein 

höchst informatives Booklet. Nicht 

nur etwas für Komplettisten und Quo- 

Beinhartfans. 

(Universal, 1972, 8/40:10, 

15/79:11) pro 

BRANDY ZDAN 

LONE HUNTER 

Die Kanadierin Brandy Zdan, einst 

weibliche Hälfte des Duos Twilight 

Hotel, verfügt über eine recht fesselnde 

Stimme, mit der sie folkig 

und countryesk geprägte, gut gebaute 

Singer/Songwriter-Kost intoniert. 

Die intensiv-ruhige Gitarrenarbeit, 

dezentes Schlagzeug und clever platzierte 

Elektroniktupfer sowie der 

haargenau passende Einsatz einer 

Pedalsteelguitar wissen zu gefallen. 

Die Mischung stimmt, aber an Temperament 

und Druck könnte Brandy 

Zdan noch zulegen. Beste Songs und 

daher Anspieltipps: “Blood As The 

Ink”, “Lone Hunter” und der Eröffner 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


REVI 

CD 

REVIEWS 

Rock 

“Mourning Dove”. Aber auch von den übrigen 

Tracks langweilt keiner, denn es gibt 

auch beim dritten Hören immer noch feine 

Details zu entdecken. Im November 2014 

kommt Brandy Zdan zu Konzerten nach 

Deutschland. Man darf gespannt sein. 

(Cavalier/Fenn 2014, 6/21:12) hjg 

ROOMERS 

FEELINGS 

Aus Düsseldorf kommen 

die Roomers, 

die mit FEELINGS 

Ende April ihr drittes 

Album vorgelegt haben. 

Pluspunkte der 

Musik auf dieser CD 

sind ohne Frage die stilistische Offenheit, 

mit der das Quintett gekonnt zwischen Rock, 

Soul und Pop pendelt, die klasse Stimme 

ihres Sängers Marcel Lauterborn sowie der 

knackige Sound der Produktion, deren Mastering 

von Soundtüftler Eroc übernommen 

wurde. Auch dass mit Chris Schmidt nun das 

ansonsten nur bei Live-Auftritten zu hörende 

Saxofon den Weg auf die Studioproduktion 

geschafft hat, tut dem Bandsound gut. Woran 

noch gearbeitet werden muss, sind die 

Kompositionen, deren temporäre Durchhänger 

immer wieder durch starke instrumentale 

Einzelleistungen ausgeglichen werden. 

Auch an den stimmigen Arrangements gibt 

es nichts auszusetzen, doch unter dem Strich 

bleibt (noch) zu wenig ihrer Musik in den 

Gehörgängen hängen. 

(7us Music/Membran, 2014, 11/59:21) tk 

MICK HARVEY 

INTOXICATED MAN / PINK 

ELEPHANTS 

Als Mick Harvey vor nahezu 20 Jahren erstmals 

mit Veröffentlichungen unter eigenem 

Namen in Erscheinung trat, war er – wenn – 

nur als Musiker von Boys Next Door, Birthday 

Party, Nick Cave & The Bad Seeds und 

Crime & The City Solution bekannt. Mit 

INTOXICATED MAN (1995) und PINK 

ELEPHANTS (1997) gleich zweimal Serge 

Gainsbourg zu würdigen, war sicherlich keine 

naheliegende und einfache Wahl für ein 

Debüt und ein Zweitwerk, zumal Harvey die 

Texte der französischen Chanson-Ikone ins 

Englische übersetzte. Die Arrangements der 

32 Songs modernisierte er dezent, blieb aber 

weitgehend nah am Original. Den Part der 

Duettpartnerin übernahm Anita Lane kongenial; 

zusätzliche Gäste waren unter anderem 

Bertrand Burgalat, Nick Cave und Warren 

Ellis. Selten sind Gainsbourgs Originale so 

gut adaptiert worden. Umso schöner, dass 

Mute Records nun beide Werke auf einer 

Doppel-CD gebündelt und um zwei bisher 

unveröffentlichte Songs ergänzt hat. 

(Mute/Goodtogo, 1995/1997, 

16/44:50, 18/52:28) an 

CURRENT SWELL 

ULYSSES 

Auch mit dem fünften Album ULYSSES 

positionieren sich Current Swell als eines 

der hellsten Lichter in der bekanntlich hochwertigen 

kanadischen Musiklandschaft. Das 

Quartett aus Vancouver kann gegenüber dem 

tollen Vorgänger LONG TIME AGO (siehe 

GT 3/2013) sogar noch zulegen, denn die 

Qualität der Songs stieg hörbar an. Bisher 

schrieben die singenden Gitarristen Scott 

Stanton und Dave Lang die Lieder meist getrennt 

und arbeiteten nur im Tandem, sobald 

die Band ins Studio ging. Diesmal setzten 

sie sich schon im Vorfeld zusammen, was zu 

noch runderen Resultaten führte. “Keys To 

The Kingdom”, “Who’s With Us”, “One Day 

I’ll Be Rich” (Mitsing-Hymne!), “Flesh And 

Bone” und der Titelsong sind Meisterwerke 

in Sachen unaufdringlicher Brillanz. Songs, 

die spontan ins Ohr gehen, ohne krampfhaft 

auf Hitparadentauglichkeit getrimmt zu sein. 

Aber auch die etwas druckvolleren Tracks 

“Rollin’”, “Man Of Maps” und “Sideways” 

heben sich deutlich aus jedweder Durchschnittlichkeit 

heraus. Es liegt der Verdacht 

nahe, dass ULYSSES zu den besten Alben 

des Jahres gehören wird. Sicheren Anteil 

daran hat auch, dass Current Swell für die 

Studio-Arbeit nur 20 Tage benötigten! 

(Nettwerk/Soulfood, 2014, 12/46:12) hjg 

ROD STEWART 

LIVE 1976–1998: TONIGHT’S 

THE NIGHT 

Die Qualität von 

Rod Stewarts Studio-Aufnahmen 

zwischen 1976 

und 1998 mag 

– freundlich ausgedrückt 

– wechselhaft 

sein, doch auf eines konnte er sich 

in dieser Zeit immer verlassen: seine Top- 

Qualität auf der Bühne. Davon zeugt jetzt 

ein voluminöses Boxset mit vier CDs, LIVE 

1976-1998: TONIGHT’S THE NIGHT bietet 

58 bisher unveröffentlichte Livetracks 

aus 22 Jahren. Chronologisch geht es dabei 

durch Stewarts (Solo-)Karriere, anfangs 

mit rockigen Stücken wie “Maggie May” 

noch deutlich hörbar vom Stil seiner alten 

Band, den (Small) Faces, bestimmt, dann 

aber stilistisch immer ausgreifender. Wie 

gemacht war Stewarts Reibeisenstimme natürlich 

für Balladen wie Danny Whittens “I 

Don’t Want To Talk About It” oder für “Sailing” 

der Sutherland Brothers, doch auch 

Bluesheuler wie Willie Dixons “I Just Want 

To Make Love To You”, Souliges wie Otis 

Reddings “(Sittin’ On) The Dock Of The 

Bay”, Bruce Springsteens “Hungry Heart” 

oder Tom Waits “Downtown Train” waren 

bei ihm in guten Händen. Was aber nicht 

darüber hinwegtäuschen darf, dass sich 

auch Stewarts Eigenkompositionen wie 

“Hot Legs” – hier im Duett mit Tina Turner 

–, “Every Picture Tells A Story” oder “Baby 

Jane” ohne Qualitätsverlust in diese Reihe 

einfügen und diesen (Live-)Rückblick zu 

einer lohnenden Geschichte werden lässt. 

(Warner, 2014, 4 CDs) 

us 

WOVEN HAND 

REFRACTORY OBDURATE 

David Eugene Edwards macht da weiter, 

womit er 2012 begonnen hatte. Waren die 

ersten fünf Alben des früheren 16-Horsepower-Frontmanns 

noch ruhigem, elegischem 

Alt-Country, Neo-Folk und Americana 

verhaftet, hatte er auf dem sechsten Werk 

LAUGHING STOCK die Rockgitarre ausgepackt, 

die auch auf REFRACTORY OB- 

DURATE dominiert. Diese Metamorphose 

verdeutlicht gleich der Auftakt (“Corsicana 

Clip”), der anfangs an beste 16-Horsepower-Zeiten 

erinnert und dann zu einem epochalen 

Punkmonster wird. Wahrlich keine 

leichte Kost, zumal auch danach alles immer 

intensiv daherkommt. Dafür braucht es 

einen versierten Soundtüftler wie Edwards, 

der zugleich ein Meister an der Rockgitarre 

ist, wie auf der Tour von Crime & The City 

Solution im Herbst 2012 zu bewundern war 

und der für Mai angekündigten Woven- 

Hand-Tour zu bestaunen sein wird. 

(Glitterhouse/Indigo, 2014, 

10/43:00) an 

RUSS BALLARD 

BARNET DOGS / INTO THE FIRE 

Nach dem Ende von 

Argent veröffentlichte 

Russ Ballard zwar 

einige eigene Alben, 

doch 

erfolgreicher 

war er in den 80er 

Jahren vor allem 

als Songlieferant für Rainbow und viele 

andere. Dabei bot BARNET DOGS 1979 

ansprechenden Rock, der zwar zeitgeistig 

AOR-, Pop- und Reggae-mäßig angehaucht 

war, aber hörbar machte, dass Ballard nicht 

nur ein exzellenter Songschmied, sondern 

auch ein starker Interpret war, der knackige 

Gitarrenriffs ebenso in petto hatte 

wie gehörgängige Melodien. Man lausche 

mal “René Didn’t Do It”, “On The Rebound”, 

“Riding With The Angels” sowie 

“Rock&Roll Lover”, “Breakdown” oder “I 

Will Be There” und den Balladen “Strangers” 

und “Where Do We Go From Here” 

vom Nachfolge-Album INTO THE FIRE 

von 1980, das zugegebenermaßen ein wenig 

geglättet ausfiel. Schade, dass das auf 

einer CD zusammengefasste Reissue-Doppel 

ohne Bonus-Tracks daherkommt. 

(BGO/H’ Art, 1979/1980, 19/76:18) pro 

COMET CONTROL 

COMET CONTROL 

Sänger Chad Ross und Gitarrist Andrew 

Moszynski haben ihre Neo-Psychedelia- 

Band Quest For Fire erst mal auf Eis gelegt 

– und gleich eine neue Gruppe gegründet, 

die schwer von Hippie-Combos der späten 

Sixties und frühen Seventies beeinflusst ist. 

Mit Comet Control surfen die Kanadier weiter 

auf den Wellen, die einst Bands wie die 

Doors und 13th Floor Elevators angestoßen 

haben. Wobei das Quintett aus Toronto nicht 

in der Retro-Falle feststeckt, sondern dem 

Genre einige Modernisierungsschübe verleiht. 

Da gibt es düsteres Georgel wie beim 

achtminütigen Opener “Blast Magic” und 

beim finalen “Master”; da geht es zwischenzeitlich 

auch mal hardrockig zur Sache wie 

in “Century” und “The Soft Parade”; oder 

man zückt mit “Fear The Haze” oder “Hats 

Off To Life” den Hut vor Pink Floyd. Nach 

diesem tollen Debüt freut man sich schon auf 

das, was da noch kommen könnte! 

(TeePee/Soulfood, 2014, 8/39:41) frs 

UNHEILIG 

ALLES HAT SEINE ZEIT – BEST 

OF 1999–2014 

Goldene Kamera, Bambi, sechs Echos, dazu 

mehr als drei Millionen verkaufte Alben, 

Vierfach-Platin für LICHTER DER STADT, 

gar siebenfach für GROSSE FREIHEIT, man 

muss lange zurückdenken, bis man Künstler 

findet, die in so kurzer Zeit einen so kometenhaften 

Aufstieg wie Unheilig erleben 

durften. Denn obwohl der Graf sein Bandprojekt 

schon seit gut 15 Jahren betreibt, 

kamen die oben genannten, ganz großen 

Erfolge erst in den letzten vier Jahren zustande, 

so richtig durchgestartet wurde 2010 mit 

dem Song “Geboren um zu leben”. ALLES 

HAT SEINE ZEIT – BEST OF 1999–2014 

bietet neben den bekannten Hits aber auch 

den hymnischen Rock mit leichtem Gothic- 

Einschlag, mit dem Unheilig zuvor schon in 

Fankreisen äußerst beliebt waren, man kann 

so der musikalischen Entwicklung über die 

Jahre folgen. Abgerundet wird diese Best 

Of mit zwei neuen Liedern, mit “Als wär’s 

das erste Mal” und “Wir sind alle wie eins”, 

mit denen Unheilig beim deutschen Vorentscheid 

zum diesjährigen Eurovision Song 

Contest bis auf den zweiten Platz kamen. 

(Vertigo/Universal, 2014, 19/71:29) tk 


SLITHERAMA – PSYCHEDELIC 

TOKYO 1966–1969 

Wer mit dem SIX- 

TIES 

JAPANESE 

GARAGE-PSYCH 

SAMPLER 

(siehe 

GT 1/2014, Seite 

39) etwas anfangen 

konnte, wird auch 

SLITHERAMA in sein Herz schließen. 

Erneut ist zu erleben, mit welchem Enthusiasmus 

garagige Japaner sich über internationale 

Top-Songs wie den Animals- 

Hit “Inside Looking Out” (The Spiders), 

Ray Charles’ “What I’d Say” (The Sharp 

Hawks), Eddie Floyds “Knock On Wood” 

(The Voltage) oder den Spencer-Davis- 

Klassiker “Gimme Some Lovin’” (The 

Savage) hermachten, wobei sie trotz aller 

Freude am Kopieren und Imitieren durchaus 

auch kleine eigene Einfälle einfließen 

ließen. Die mutigeren Bands komponierten 

freilich selbst munter drauflos und lieferten 

ordentliche Garagenware wie “Yo 

Sa Bi Da” (The Mops) oder “Zen Blues” 

(The Golden Cups). Die beiden wohl besten 

Tracks des insgesamt vergnüglichen 

Samplers sind das Instrumental “Comin’ 

Home Baby” (The Sharp Five) und “Blue 

Feeling” von The Jaguars. Informationen 

zu den bei uns praktisch unbekannten Interpreten 

enthält das zwölfseitige Booklet. 

(Bamboo/Soulfood, 2014, 11/43:02) hjg 

SHEL SILVERSTEIN 

FREAKIN’ AT THE FREAKERS 

BALL 

Shel Silverstein (1930–1999) war ein 

multimedial aktiver Humorist, Cartoonist, 

Geschichtenerzähler, Filmmusikkomponist 

und Musiker der Hippie-Gegenkultur. Er 

pflegte Ironie bis hin zum Zynismus, die 

er musikalisch oft mit Hilfe von Dr. Hook 

& The Medicine Show umsetzte – denen 

er Erfolgsnummern wie “Silvia’s Mother” 

oder “Cover Of The Rolling Stone” lieferte. 

Auch Johnny Cash, Marianne Faithfull, 

Emmylou Harris, Gordon Lightfoot, Waylon 

Jennings, Bobby Bare oder The Irish 

Rovers bedienten sich aus seinem Fundus. 

Dr. Hook begleiteten ihn auch 1972, als 

er FREAKERS BALL aufnahm, eine Ansammlung 

verrückter Nummern, bei denen 

nicht immer die Melodien im Vordergrund 

standen, sondern schräge, humorvollbissige 

Perfomances. Clever, innovativ, 

eigenwillig, kurzweilig – Songtitel wie “I 


EWS 

CD 

REVIEWS 

Got Stones And I Missed It”, “Masochistic 

Baby”, “Thumbsucker” sagen alles. 

(BGO/H’Art, 1972/12/37:22) pro 


THE SEARCH FOR SURF 

Surf-Sampler 

gibt 

es unzählige. Nicht 

alle haben Relevanz, 

manche 

vereinen 

Goldstaub. Besoffen 

vor 

Begeisterung 

wird der beinharte 

Fan bei iTHE SEARCH 

FOR SURF sicher 

nicht, die Idee, die Entwicklung der Musik 

mit Beispielen aus den Jahren 1959 bis 

1962 chronologisch zu dokumentieren, ist 

allerdings sehr gut. Dabei wird nicht nur 

die Veränderung des Sounds vom saxofonlastigen 

Rock’n’Roll-Ableger bis hin zum 

eigenständigen Instrumentalstil deutlich. 

Besonders aufregend sind auf SEARCH... 

frühe Hinweise auf das, was später Punk 

hieß. Der Ramones-Schlachtruf “Hey Ho, 

Let’s Go” stammt von den Routers und 

ihrem “Let’ Go (Pony)” (1961), The Tuffs 

And Kay Bell klingen mit “Surfer’s Stomp” 

(1960) 1:1 wie die X-Ray Spex, und “Headache” 

von Angie And The Citations (1961) 

diente lediglich dazu, damit die Fans hysterisch 

dazu schreien konnten. Bekanntes und 

Rares halten sich auf der CD die Waage. 

(Righteous/H’Art, 2014, 26/63:15) jub 

YESTERDAY’S CHILDREN 

YESTERDAY’S CHILDREN 

Vielleicht kamen sie den berüchtigten 

Moment zu spät ... Yesterday’s Children 

aus dem US-Staat Connecticut existierten 

schon seit 1966, veröffentlichten ihr einziges 

Album aber erst im September 1970, 

als superrauer Psychedelic-Hard-Rock gerade 

aus der Mode geriet. Und genau den 

spielten Sänger Dennis Croce, sein Bruder 

Richard (g), Reggie Wright (g), Chuck 

Maher (b) und Ralph Muscatelli (dr) nun 

mal mit Herz & Seele. In selbst verfassten 

Songs wie “Paranoia”, “Sad Born Lover” 

oder “Providence Bummer” agierten sie 

primär knüppelhart garagig und nur selten 

einfühlsam balladesk. Dennis Croce zerriss 

sich fast die Stimmbänder, und Leadgitarrero 

Wright setzte sich als Saitenwüterich 

gekonnt in Szene. Mit einer formidablen 

Cover-Version des Troggs-Songs „Evil 

Woman” und dem alle Qualitäten der Band 

nochmals zusammenfassenden Sechsminüter 

“Hunter’s Moon” klingt ein Album 

aus, das noch heute für Fans des Berserker- 

Rock wie geschaffen ist. 

(Aurora/Soulfood, 2014, 8/40:43) hjg 

SWANS 

TO BE KIND 

Das letzte Swans-Album THE SEER gehörte 

für viele Musikjournalisten zu den 

besten Veröffentlichungen des Jahres 2012. 

Warum sollte also Michael Gira, der Kopf 

der New Yorker Avantgarde-Band, die ihre 

Anfänge schon 1982 hatte, die musikalische 

Richtung ändern? Furios geht es mit dem 

Opener “Screen Shot” los, der alles vereint, 

was die Formation auszeichnet: repetitive 

Grooves, treibendes Gitarrenpicking, verstörende 

Keyboard- und Streicherpassagen und 

eine sonore anklagende Indie-Stimme. Klassisches 

Songwriting ist nicht erwünscht. Was 

beschwörend-ruhig beginnt, wird zunehmend 

bedrohlich lauter, ehe alles nach rund zehn 

Minuten mit einem Soundgewitter endet. 

Das ist dann die Blaupause für die anderen 

neun Stücke der Doppel-CD. Konventionelle 

Songstrukturen schätzende Musikfreunde 

werden schnell wegschalten, Experimentierfreudige 

im Sinne von Terry Riley, Faust, 

Velvet Underground und Sonic Youth werden 

hingegen TO BE KIND lieben. 

(Young God Records/Mute, 2014, 

5/67:08, 5/54:11) an 

TYLA GANG 

LIVE IN STOCKHOLM 

Ex Ducks-de-Luxe- 

Frontmann 

Sean 

Tyla, der in England 

als „Godfather 

Of Boogie” gilt, ist 

nun auch schon 66. 

„Pate des Pub-Rock” 

würde wohl eher passen. Die Band, die mit 

“Styrofoam” den legendären Sampler LIVE 

AT THE HOPE & ANCHOR 1978 mit 

prägte, hat Tyla tatsächlich wiederbeleben 

können, mit zwei weiteren Originalmitgliedern: 

Bruce Irwin brilliert als auch für schöne 

Twinleads geeigneter Gitarrenpartner, 

dazu brennt Drummer Michael Demarais. 

Der privat unpässliche Brian Turrington 

wurde durch Gillan- und Mammoth-Bassmonster 

John McCoy ersetzt. Dazu kommt 

Max Lorentz an Slide, Piano und Hammond. 

Die Attacken klingen gefährlich, dabei 

melodisch wie eh und je: “The Young 

Lords” und “Dust On The Needle” vom Albumprimus 

YACHTLESS bleiben unsterbliche 

Endsiebziger-Ohrwürmer, und mit 

“Willin’” von der tragischen Little-Feat-Figur 

Lowell George kommt eine kongeniale 

Cover-Version ins Spiel. Die Oberkracher 

“Suicide Jockey”, “Hurricane”, das besagte 

“Styrofoam” und dessen Rückseite, das Finale 

“Texas Chainsaw Massacre Boogie”, 

sind klar mit von der Live-Partie/Party, die 

hervorragend abgemischt wurde. 

(Angel Air/Fenn, 2014, 12/49:02) utw 

NATALIE MERCHANT 

NATALIE MERCHANT 

Nach 13 Jahren ohne neue Songs erscheint 

endlich NATALIE MERCHANT, das sechste 

Solo-Album der Eighties-Indie-Ikone gleichen 

Namens. Noch immer verfügt Natalie 

Merchant über eine klare, unverwechselbare 

Stimme; noch immer schreibt sie intensive 

Songs über verlorene und gefundene Liebe, 

Gier, Zerstörungswut, Niederlagen und 

Triumphe; noch immer überlässt sie bei der 

Realisierung nichts dem Zufall. Das um sie 

gescharte Top-Ensemble unverbrauchter 

Musiker(innen), das die komplexe Musik 

mit Hingabe und viel Fingerspitzengefühl 

für feinste Nuancen gestaltet, reicht von 

John Medeski und Shawn Pelton über Uri 

Sharlin und Erik Della bis zu den Gastsängerinnen 

Simi Stone und Elizabeth Mitchell 

sowie der Gospelsängerin Corliss Stafford. 

Elektrische Gitarren und Hammondorgel 

treffen auf wohltemperierte Streicher und 

(Holz-)Bläser, so dass eine wohlig-warme, 

aber nie aggressiv heiße Atmosphäre entsteht. 

Keine Frage, dies ist sehr erwachsene 

Musik im Grenzland von softestem Rock 

und anspruchsvollstem Pop, die lieber zu 

oft in die Tiefe geht, als auch nur einmal in 

Rock 

Oberflächlichkeiten zu verharren. NATALIE 

MERCHANT ist kein Album fürs Nebenbeihören, 

etwas Zeit und Aufnahmebereitschaft 

sollte man schon investieren. Zur Belohnung 

gibt es Musik mit langer Halbwertzeit! 

(Nonesuch/Warner, 2014, 11/49:15) hjg 

STUD 

STUD 

1970 brachten die 

beiden 

vormaligen 

Taste-Mitglieder 

Richard McCracken 

(b) und John Wilson 

(dr) gemeinsam mit 

dem singenden Gitarristen 

it Jim Cregan (Ex-Blossom Toes, später 

Family, Cockney Rebel, Rod Stewart) das 

allerdings nur kurzlebige Trio Stud an den 

Start. Mit dem verschrieben sie sich einer 

Mischung aus sanftmütigen Akustikballaden 

(“Song”, “Turn Over The Pages”), Prog- und 

Jazzelementen, epischen wie zugleich langatmigen 

Nummern (“1112235”, “Horizon”) 

und Blues-Jazz (“Harpo’s Head”). Die stilistische 

Vielseitigkeit war zugleich die große 

Stärke wie Schwäche der selbst betitelten 

Debüt-LP von 1971 – die Unentschlossenheit 

oder auch Orientierungslosigkeit ließ 

das Gesamtwerk ausfransen, so dass es nicht 

allzu viel Anklang, geschweige denn Käufer 

fand – nach nicht einmal einem Jahr waren 

Stud schon wieder Geschichte. 


6/42:03) pro 

MARKUS HOOK ROLL 

BAND 

TALES OF OLD GRAND-DADDY 

Die Geschichte dieser australischen Band 

ist schnell erzählt: Im Sommer 1973 gingen 

George Young und Harry Vanda – zuvor mit 

den Easybeats und danach mit Flash & The 

Pan erfolgreich – zusammen mit Georges 

jüngeren Brüdern Angus und Malcolm – 

später mit AC/DC weltweit bekannt – ins 

Studio, um dort einige (eher mittelmäßige) 

Pub-Rocksongs aufzunehmen, großzügig 

unterstützt von zollfrei eingekauftem „Jim 

Beam Old Grand-Dad”-Bourbon, der dem 

dabei entstandenen Album zu seinem Titel 

verhalf. Auf Tour ging die Markus Hook 

Roll Band nie, auch Promo-Auftritte gab es 

keine, so dass TALES OF OLD GRAND- 

DADDY kommerziell ziemlich unterging. 

Zur jetzigen Wiederveröffentlichung wurden 

noch zwei bisher unveröffentlichte 

Stücke sowie drei Single-B-Seiten hinzugefügt. 

Wer wann welchen Gitarrenpart 

gespielt hat, daran können sich die Protagonisten 

nach eigenem Bekunden beim besten 

Willen nicht mehr erinnern, also bietet 

dieses Album für Kenner genau die richtige 

Herausforderung! 

(Parlophone/Warner, 2014, 15/55:50) tk 


LOU ADLER – A MUSICAL 

HISTORY 

Der aus einer jüdisch-mexikanischen Familie 

stammende Lou Adler (*13.12.1933) 

gehört als Komponist, Gründer des Labels 

Dunhill und vor allem Produzent edelster 

Pop- und Rockohrwürmer, die ihn 

zu einem der Architekten des California 

Sounds gemacht haben, zu den eindrucksvollsten 

Persönlichkeiten des Rock-Biz. 

GoodTimes 3/2014 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 41 

CHÂTEAU DE BEAUFORT 

BEAUFORT / LUXEMBURG 

25.07. MANFRED MANN’S EARTH BAND 

J. LEES’ BARCLAY JAMES HARVEST 

26.07. DORO 

27.07. TEN YEARS AFTER 

KANSAS 

30.07. REVOLVERHELD 

31.07. KLAUS DOLDINGER’S PASSPORT 

& KHALIFÉ-SCHUHMACHER-TRISTANO 

01.08. JAMES BLUNT 

03.08. PATTI SMITH AND HER BAND 

08.08. AMY MACDONALD 

09.08. CHRIS DE BURGH 

INFOS: WWW.BEAUFORT.LU 

EVENTS 

VOR EINER 

SPEKTAKULÄREN 

KULISSE! 

09.05. AFFALTER Zur Linde 

10.05. LAUFEN Salzachhalle 

24.05. KÖLN Harley Dome 

30.05. HALLE/SAALE Händelsche Halle 

04.06. RUBIGEN (CH) Mühle Hunziken 

26.07. TUTTLINGEN Honberg-Sommer 

27.07. BEAUFORT (L) Château Beaufort 

31.07. ROMANSHORN (CH) 

09.08. FRIEDRICHSHAFEN Kulturufer 

04.07. Luxembourg Rockhal 

www.kultopolis.com | info@kultopolis.com

CD 

REVIEWS 

A MUSICAL HISTORY umfasst die Jahre 

1958 bis 1974 und bietet ein Spektrum 

vom Fifties-R&B (Sam Cookes “Wonderful 

World”) über Sixties-Pop (“Crying 

In The Rain”, Everly Brothers), Sixties- 

Rock (Spirits “I Got A Line On You”) und 

Protestsongs (Barry McGuires “Eve Of 

Destruction”) bis zum Seventies-Glam- 

Rock (Tim Currys “Sweet Transvestite”). 

Auch Carole King (“It’s Too Late”) und 

die berühmte Stones-Vokalhelferin Merry 

Clayton (mit ihrer Spitzenversion von 

“Gimme Shelter”) begaben sich unter Adlers 

Fittiche. Seine nachhaltigsten Arbeiten 

glückten ihm Mitte der 60er Jahre, als er 

Scott McKenzie mit “San Francisco” einen 

Dauerbrenner verpasste und The Mamas & 

The Papas gleich ein ganzes Bündel von 

Klassikern wie “California Dreamin’” und 

“Go Where You Wanna Go”. Alles hier zu 

hören. Dazu kommen mit schönen Cover- 

Versionen von Dylans “The Times They 

Are A-Changin’” und Donovans “Wear 

Your Love Like Heaven” auch Aufnahmen 

weniger bekannter Acts zum Zuge. 

(Ace/Soulfood, 2014, 25/71:24) hjg 

HEART 

MAGAZINE 

Die beiden Wilson-Schwestern 

hatte sich mit ihren 

ersten drei Alben 

eine große Fanbasis 

erarbeitet, die 

auch dieses Album 

begeistert t annahm, obwohl bei der Produktion 

schnell gearbeitet werden musste, denn 

die Plattenfirma übte immensen Druck auf 

die Band aus. Trotz aller Widrigkeiten hört 

man hier soliden Mainstream (“Heartless”), 

eine pompöse Ballade mit geschickten 

Streichersätzen (“Just The Wine”), eine 

Nummer, bei der ihr großer Einfluss Led 

Zeppelin im Klangbild auftaucht (“Here 

Song”), und ausgearbeiteten AOR (“I’ve 

Got The Music In Me”). Die Titel haben den 

Test der Zeit gut überstanden. Die Edition 

erscheint als limitierte und nummerierte 24 

KT-Gold-CD und wurde von Mike Fisher 

in Kooperation mit der Band meisterhaft 

remastert, da der eher dünne Klang des Originals 

eindeutig abgemildert ist. 


1978, 8/39:09) at 

THE PEARLFISHERS 

OPEN UP YOUR COLOURING 

BOOK 

Die Rückkehr der schottischen Perlenfischer 

nach sieben Jahren. Das Warten hat sich gelohnt, 

denn solch herrlich realisierten softrock-poppigen 

Ohrwürmer auf hohem kompositorischem 

Niveau, die noch dazu clever 

instrumentiert und arrangiert wurden, haben 

immer Konjunktur! Mastermind David Scott 

erweist sich immer mehr als kluger Architekt 

von zu Songs geformten Klanglandschaften 

im Spannungssechseck von Paul McCartney, 

Jimmy Webb, Brian Wilson, Paddy Mc- 

Aloon, Van Dyke Parks und Michel Legrand 

– eine Mischung, die theoretisch vielleicht 

schwer vorstellbar ist, praktisch aber fulminant 

überzeugt. Songs wie “The Way My 

Father Talked About Vincent”, “The Last 

Days Of September”, “Gone In The Winter” 

und “When Love Was A River” sind beste 

Beweise, aber auch alle anderen Tracks sind 

mängelfrei. Alles klingt hier beschwingt, bewusst 

niemals eckig, stattdessen wundervoll 

elegisch und im Endergebnis sehr erwachsen 

– wozu natürlich auch die literarisch ausgefeilten 

Texte ihren Anteil beisteuern. 

(Marina/Indigo, 2014, 16/65:42) hjg 

MICK POINTER BAND 

MARILLION’S “SCRIPT“ 

REVISITED 

2008 feierte Marillions 

Debütalbum sein 

25-jähriges 

Jubiläum, 

was den nach 

diesem Album geschassten 

Drummer 

Mick Pointer veranlasste, 

mit einer hochkarätigen h Band alle 

mit ihm eingespielten Marillion-Songs live 

zu präsentieren. War das Interesse anfänglich 

(der Rezensent erlebte im Januar 2009 

mit wenigen Getreuen eine Aufführung) 

eher verhalten, steigerte sich dies im Laufe 

der Jahre, so dass nun ein 2013er Mitschnitt 

veröffentlicht wird. Das Publikum erfreute 

sich lautstark an dem recht originalgetreu 

präsentierten Debütalbum plus weiteren 

fünf Songs (u.a. “Grendel”). Brian Cummings 

erfüllte die nicht einfache Aufgabe 

als Fish-Ersatz prächtig, Pendragons Nick 

Barrett brillierte mit sensiblen Gitarrensolos. 

Das etwas lieblos gestaltete Album 

(keinerlei Liner-Notes) richtet sich eher an 

den nostalgischen Fan, der kommt jedoch 

voll auf seine Kosten. 

(Verglas/Soulfood, 2014, 6/51:36, 

5/45:38) rg 

REA GARVEY 

PRIDE 

Nach seinem Rückzug aus dem Jurorenund 

Coaching-Team von „The Voice Of 

Germany” hat sich Rea Garvey lange Zeit 

genommen um sein neues Album anzugehen. 

Er hat sich für das Songwriting seiner 

irischen Wurzeln besonnen, hat sich für die 

Aufnahmen nach Island, ins Studio von 

Sigur Rós, begeben. Und tatsächlich, zu 

Beginn kommt einem PRIDE wie der ganz 

große Wurf vor, ganz stark der fast nur von 

Garveys Stimme und einer akustischen 

Gitarre getragene Opener “It’s A Good 

Life”. Ungewöhnlich, aber fast auf gleichem 

Niveau, das darauf folgende, Banjogetriebene 

“Can’t Say No”, gleichzeitig die 

erste Single-Auskopplung. Doch ebenso 

stark wie das Album beginnt lässt es dann 

Song für Song nach, werden die Refrains 

immer nichts sagender, werden fein beginnende 

Stimmungen viel zu schnell wieder 

zerstört. Ein paar Lichtblicke dann wieder 

gegen Ende des Albums, und mit dem zusammen 

mit Heather Nova geschriebenen 

und gesungenen “All That Matters” wird 

zumindest wieder kurzfristig der hohe Eingangslevel 

erreicht. 

(Polydor/Universal, 2014, 11/42:13) tk 

RUN RIVER NORTH 

RUN RIVER NORTH 

Irgendwann musste ja Kaliforniens Bevölkerungsteil 

mit ostasiatischem Migrationshintergrund 

mit einer eigenen Band 

Aufmerksamkeit erregen. Run River North, 

bestehend aus dem Frontmann und Singer/ 

Songwriter Alex Hwang (voc, g), Daniel 

Chae (g), Jennifer Rim (vio), Joseph Chun 

(b), John Chong (dr), and Sally Kang (voc, 

keys), legen mit ihrem Debütalbum RUN 

RIVER NORTH ein bereits erstaunlich 

reifes Werk voller packender Songs vor, die 

von Immigrationserfahrungen, dem Suchen 

nach Heimat in der Fremde und auch dem 

klassischen Thema unerwiderter Liebe handeln. 

Produzent Phil Ek, bekannt für seine 

Arbeit außerhalb von Schubladen (Fleet 

Foxes, Band Of Horses), inszenierte einen 

schillernden Sound aus zarten und vorwärtsstürmenden 

Gitarren, marschierenden 

Rhythmen, kontrastierenden Streichern 

und Hwangs kräftiger, aber nicht kraftmeierischer 

Stimme. Die in sich plausible, 

durchaus subtile Mischung aus amerikanischem 

und asiatischem Folk wird auf eine 

stabile Rockbasis gestellt und funktioniert 

auch bei recht hymnischen Sequenzen ganz 

famos. 

(Nettwerk/Soulfood, 2014, 11/43:49) hjg 


BOB DYLAN – THE 30TH 

ANNIVERSARY CONCERT 

CELEBRATION 

Es ist kaum zu glauben, 

dass inzwischen 

schon wieder 

22 Jahre vergangen 

sind, seit Bob Dylan 

mit zahllosen Kollegen 

am 16. Oktober 

1992 sein 30-jähriges Bühnenjubiläum 

und dabei eine Sternstunde der Rockhistorie 

feierte. Ab dem krachenden Powerstart 

von John Mellencamp (mit dem schon an 

der Aufnahme des Originals beteiligten Al 

Kooper!) mit “Like A Rolling Stone” jagte 

ein Höhepunkt den nächsten, gaben sich 

Interpreten unterschiedlicher Musikergenerationen 

und Genres das Mikro in die Hand. 

Stevie Wonder, Lou Reed, Eddie Ved der & 

Mike McCready, Tracy Chapman, June 

Carter Cash & Johnny Cash, Willie Nelson, 

Kris Kristofferson, Johnny Winter, 

Ron Wood, Richie Havens, Mary Chapin 

Carpenter, Rosanne Cash & Shawn Colvin, 

Neil Young, Chrissie Hynde, Eric Clapton, 

The Band, The O’Jays, George Harrison, 

Tom Petty samt Heartbreakers, Roger Mc- 

Guinn, weitere Kollegen und der Maestro 

selbst – selten sah man so viele Größen 

auf einem Fleck versammelt und inspiriert 

performen, sprich Dylan-Songs vortragen. 

Und mit der Neuauflage gibt es gleich auch 

noch zwei Bonus-Tracks von damals (Clapton, 

Sinead O’Connor von den Proben). 

(Columbia/Sony Music, 1993, 

18/79:03, 15/79:28) pro 

EDGUY 

SPACE POLICE – DEFENDERS 

OF THE CROWN 

Tobias Sammets Heavy-Metal-Baby Edguy 

hat auch längst die Volljährigkeit erreicht 

– lebt aber immer noch den Spaß 

und die Direktheit des harten Rock. Wuchtige 

Drums, wieselflinke Gitarrensoli, eine 

Helden-Tenorstimme – im Falsett meint 

man die Halszäpfchen vibrieren zu hören –, 

riffartige Keyboards, in den Rockballaden 

auch stimmungsvoll eingesetzt, eingängige 

Melodiebögen und dramatische Hymnen 

– alles, was der melodiöse Heavy-Metal 

braucht, wird hier in Reinkultur geboten. 

Rock 

Sammet nimmt das nicht zu ernst, wagt sich 

an eine rockige Version von Falcos “Rock 

Me Amadeus”, streut etwas Glam-Rockelemente 

dazu und knallt zum Schluss der 

Scheibe noch ein neunminütiges Rockepos 

raus. Die Fans wird es freuen! 

(Nuclear Blast/Warner, 2014, 

10/54:15) rg 

TEN YEARS AFTER 

POSITIVE VIBRATIONS 

Nach 

RECOR- 

DED LIVE kommt 

nun auch das letzte 

Studio-Album 

des 

britischen Quartetts 

vor seiner Trennung 

Mitte der 1970er 

Jahre Jh in einer 2CDEd 2-CD-Edition auf den Markt. 

Die zehn Tracks der Original-LP von 1974 

werden dabei ergänzt um fünf bislang unveröffentlichte 

Mitschnitte von der für 

RECORDED LIVE aufgezeichneten Europatour 

vom Januar 1973, einen weiteren 

von einem undatierten Gig in Atlanta sowie 

einen kurzen Radiospot, mit dem das 

Album seinerzeit beworben wurde. Bis 

auf Little Richards ”Going Back To Birmingham” 

(CD 1) sowie die Livecuts von 

Chuck Berrys ”Sweet Little Sixteen” und 

Willie Dixons ”Spoonful” (CD 2) stammen 

die Songs sämtlich aus der Feder von Alvin 

Lee, doch während sich die Band auf 

der Bühne gewohnt druckvoll präsentiert, 

kommt das Studiomaterial zum Teil nachgerade 

kraftlos daher. Dies wiederum wird 

in den mit Äußerungen von Leo Lyons und 

Ric Lee gespickten Liner-Notes auf veränderte 

musikalische Vorlieben des Bandleaders 

zurückgeführt, wie er sie in jenen Tagen 

auch mit seinen Soloprojekten pflegte. 

(Chrysalis/Warner, 2014, 10/40:51, 

7/42:14) ms 

OASIS 

DEFINITELY MAYBE 

(REMASTERED) 

Es gibt einige Alben, die sind stilprägend 

für ein ganzes Genre. Oasis’ Debüt DEFINI- 

TELY MAYBE gehört sicherlich dazu. Auf 

der Band aus Manchester und den einst rivalisierenden 

Blur baute die Musikbranche 

die Marke Brit-Pop auf, wobei Oasis ganz 

klar die rockigste Ausprägung darstellten. 

Das ist nun genau 20 Jahre her, und da ist 

es an der Zeit, den Erstling mit unterschiedlichen 

Neuausgaben (CD, 3-CD, LP, Deluxe 

Boxset) zu würdigen. Zusätzlich zum 

Originalalbum bekommen Fans 33 weitere 

Stücke präsentiert, die sich aus B-Seiten, 

Extratracks sowie bislang unveröffentlichten 

Demos, Outtakes und Live-Aufnahmen 

zusammensetzen. In der Summe verdeutlicht 

das Paket, dass die Brüder Gallagher 

und ihre Mitstreiter ihre beste Zeit gleich zu 

Anfang hatten, getoppt wurde das Album 

nur noch vom Nachfolger (WHAT’S THE 

STORY) MORNING GLORY?, der übrigens 

schon bald ähnlich gewürdigt werden 

soll. Danach führten Überproduktion und 

schwächeres Songmaterial dazu, dass Oasis 

künstlerisch belanglos wurden. Erfolgreich 

waren aber die fünf weiteren Alben allemal 

– dank der mit den frühen Alben erarbeiteten 

Fanbasis. 

(Big Brother/Indigo 1994/2014, 

11/52:05, 16/78:21, 17/74:01) an 


CD 

REVIEWS 

THE KING 

RETURN TO GRAVELANDS 

Mit seiner Elvis-Stimme war es für 

James Brown klar, dass er sein erstes 

Album Ende der 90er Jahre unter dem 

Künstlernamen „The King” herausbrachte. 

Auf seinem Debüt GRAVE- 

LANDS beeindruckte der Postbote 

aus Belfast mit Cover-Versionen von 

Songs, deren Spektrum von John 

Lennon (“Working Class Hero”) bis 

zu Nirvana (“Come As You Are”) 

reichte. Jetzt gibt es mit RETURN 

TO GRAVE LANDS einerseits eine 

Rückschau auf sein bisheriges Schaffen 

als auch drei neue Titel, die er als 

Soundtrack für den Elvis-Film „Lonely 

Street” aufgenommen hat. Wer 

also Songs wie “Sympathy For The 

Devil”, “Love Will Tear Us Apart”, 

“Voodoo Chile”, “Whole Lotta Rosie”, 

“Crazy Little Thing Called Love” oder 

“King Of The Road” im Rock’n’Roll- 

Gewand mit verblüffend authentischer 

Elvis -Stimme hören möchte – RE- 

TURN TO GRAVELANDS bietet genau 

das, nicht mehr und nicht weniger. 

(Jazzhaus/inakustik, 2014, 

15/76:28) tk 

VIBRAVOID 

MINDDRUGS 

Mit ihrer aktuellen 

Compilation 

beweisen 

Vibravoid 

erneut 

ihren Ansatz, 

die Welt 

ein wenig bunter 

zu machen. Hier „psycht’s” wie die 

Hölle! Coole Sixties-Sounds (“What 

You Want”), heftiger Space-Rock mit 

Stoner-Einflüssen (“You Keep On 

Falling”) und eine über 20-minütige, 

höchst transzendentale Fassung des 

Pink- Floyd-Klassikers “Set The Controls 

For The Heart Of The Sun” waren 

schon auf der offiziellen CD MIND- 

DRUGS zu hören. Dazu erscheinen 

noch unter anderem zwei clever arrangierte 

weitere Floyd-Cover, Live-Aufnahmen 

und Tracks von Radiosessions, 

bei denen die Düsseldorfer ihre individuelle 

und moderne Interpretation des 

Psychedelic Rock vermitteln. Orgel, 

in unterschiedlichen Härtegraden verzerrte 

Gitarren, hypnotische Rhythmen 

und „trippy” Vocals laden zum Abflug 

ein. Die beiden schön gestalteten Picture-CDs 

entsprechen der Qualität der 

Zusammenstellung. 

(Stoned Karma/Cargo, 2014, 

10/73:13, 13/74:36) at 

THE AMAZING SNAKE- 

HEADS 

AMPHETAMINE BALLADS 

Das aus Schottland kommende Trio 

ist auf seinem Debütalbum ganz der 

Tradition von Blues-Punkformationen 

wie Beast Of Bourbon und John Spencer 

Blues Explosion verhaftet. Mancherorts 

schimmern auch AC/DC, 

Morphine, The Drones und vor allem 

der leider zu früh verstorbene Rowland 

S. Howard durch. Und wahrlich, 

dermaßen hat den Blues schon lange 

keiner mehr durchgepeitscht. Doch 

hier wird nicht nur durchgeknüppelt, 

die Amazing Snakeheads wissen an 

den richtigen Stellen zu reduzieren, 

so dass die Lieder vom aufgeräumten 

Klang des Trios profitieren. Doch balladesk 

ist da nicht viel. Vielmehr ist zu 

vermuten, dass die im Titel erwähnten 

oder andere psychedelische Drogen 

als Inspiration für das Soundgewitter 

und die Dynamik Pate gestanden haben, 

durch die sich die Formation in 

ihrer Heimat durch intensive Live- 

Auftritte schon eine treue Fangemeinde 

erarbeitet hat. Und es ist zu hoffen, 

dass die Band schon bald in die Clubs 

unserer Region besuchen wird. Das 

Debüt des Jahres! 

(Domino Records, 2014, 

10/48:55) an 

LUKA BLOOM 

HEAD & HEART 

Luka Bloom 

hat 

wieder 

mal eine CD 

mit reichlich 

Cover-Version 

bestückt. 

Und wer den 

irischen ii Singer/Songwriter kennt, 

weiß, dass er in solchen keine Standardware 

liefert. So ließ er sich bei 

seiner Interpretation von “My Wild 

Irish Rose” von Keith Jarretts Fassung 

inspirieren. Und für die Hälfte 

des Albums tat er sich dem Phil Ware 

Trio zusammen, einer Jazztruppe. 

Das Resultat: inspiriertes, fein abgestimmtes 

Ensemblespiel, mit dem 

Bloom seine Klangmöglichkeiten interessant 

erweitert hat. Aber auch die 

Solonummern überzeugen, wie bei 

dem Iren nicht anders zu erwarten. Er 

hat sich Vorlagen von Songschmieden 

wie Don McLean, Bob Dylan, John 

Martyn, Ewan MacColl vorgenommen 

und neben zwei Eigenbauten 

gestellt. Das Resultat klingt entspannt, 

poetisch und weist dabei viel Substanz 

(Blooms Gitarrenspiel!) auf. 

(Skip/Soulfood, 2014, 12/48:20) pro 

RICHIE ARNDT 

AT THE END OF THE DAY 

Auch mit seiner eigenen Studio- und 

Roadband The Bluenatics begibt sich 

Richie Arndt nun auf die Unplugged- 

Pfade, die er mit Arndt, Gross & Conti 

und davor mit Hilden, Arndt & Gross 

eingeschlagen hatte. Drummer Frank 

Boestfleisch und (hier Kontra-)Bassist 

Jens-Ulrich Handreka werden mit dem 

Münsteraner „Rückkauf” Gregor Hilden 

zur Richie Arndt Acoustic Band. 

Sie liefern griffige Eigenkompositionen 

– oft mit Arndts langjährigem Poeten 

Felix Janosa und nun auch Doreen 

Gussek –, beschwörerische Shuffles 

wie “Stop That Spell On Me” oder die 

bewegende Beziehungsballade “How 

Can I Win (Your Love Again)”. Virtuosität 

und Sensibilität funktionieren aber 

auch bei Cover-Entscheidungen: Rory 

Gallaghers “Can’t Believe It’s True” ist 

ein dynamisch-perkussiver Nachtrag 

zu Arndt & Contis RORYMANIA, mit 

Rock 

“My Brother Jake” wird ein unsterblicher 

Free-Klassiker womöglich einer 

neuen Generation vorgestellt, und mit 

“Take Me As I Am” lässt sich Arndts 

von seiner Ex-Bandpartnerin Kelly 

Rucker porträtieren. Ein Genuss auf 

vielen Ebenen, und Klang ist King. 

(Fuego, 2014, 10/44:44) utw 

SPUTNIKS 

GITARRENTWIST 1964 / 

ROCK TO ROCK 2014 

Genaugenommen 

ist das Ost- 

Berliner Quartett 

Sputniks 

nur ein kurzes 

Kapitel in der 

Geschichte der 

populären Musik der DDR. 1964 aus 

den Telstars hervorgegangen, waren 

die Sputniks die Band der Stunde, als 

die Beatles des Ostens machten sie 

DDR-weit Beatschuppen und Twistkeller 

unsicher. Amiga schnitt Konzerte 

mit und veröffentlichte zwei 

Singles mit (Warn-)Hinweisen auf dem 

Cover wie „Rhythmus für junge Leute” 

und „... mit dem modernen Gitarrensound”. 

Als man die Band 1967 verbieten 

wollte, hatten sich die Sputniks 

längst aufgelöst. Sputniks-Kopf Henry 

Kotowski machte mit Rock, Schlager 

und Country weiter, bis er 1984 nach 

München übersiedelte. 1996 zog er 

nach Berlin zurück und reanimierte die 

nach wie vor legendären Sputniks, die 

nun – die langen Pausen mitgerechnet 

– ihr 50-jähriges Jubiläum feiern. Amiga 

würdigt den Geburtstag mit einem 

Doppelalbum. Während CD 1 die 

lässigen Instrumentals aus den Jahren 

1964/65 vereint, präsentiert CD 2 14 

neue Songs, die zuweilen an die frühen 

Jahre erinnern, aber ebenso Queens Of 

The Stone Age zitieren. 


13/36:12 + 14/52:35) che 

CIRCA ZERO 

CIRCUS HERO 

Hinter Circa Zero stehen Police-Gitarrist 

Andy Summers und Rob Giles 

von der Band The Rescues. Summers 

zeichnet auf der ersten Kooperation 

der beiden für die Gitarrenarbeit 

verantwortlich, Giles übernimmt auf 

CIRCUS HERO sämtliche anderen 

Instrumente. Es trifft ein wahrlich 

exzellenter Gitarrist auf einen im 

klassischen Songwriting erprobten 

Multi-Instrumentalisten. Nahe an 

Police sind die beiden dann, wenn 

sie von treibenden Gitarrenbreitseiten 

zu off-beatigen Reggae- oder 

Ska-Rhythmen wechseln. Das sind 

dann auch die überraschendsten und 

besten Momente des Albums, und 

davon gibt es leider zu wenige. Das 

Gros der Stücke ist konventionell 

arrangiert, weiß immer wieder auch 

zu gewinnen. Leider fehlt ihnen etwas 

an Eigenständigkeit, allzu oft 

hat man das Gefühl, dass man das so 

oder so ähnlich schon mal gehört hat, 

so klingen Simple Minds, Live, vor 

allem aber klassischer US-Rock der 


The Guitarevent of the Year 

JOE BONAMASSA 

14.06.2014 · 25.09. – 29.09.2014 

‘Breakfast in America’ – Open Airs 2014 

ROGER HOGDSON & BAND 

28.08. – 03.09.2014 

Acoustique-Tour 2014 

FOREIGNER 

14.10. – 04.11.2014 

‘Til your river runs dry – Tour 2014 

ERIC BURDON &The Animals 

22.04. – 07.05.2014 · 28.08. – 30.08.2014 

Homo Erraticus – Tour 2014 

JETHRO TULL’S IAN ANDERSON 

28.06. – 26.07.2014 · 19.11. – 30.11.2014 

Sagacity – Tour 2014 

SAGA & MAGNUM 

25.04. – 25.05.2014 

Greatest Hits – Tour 2014 

MANFRED MANN’S EARTHBAND 

11.04. – 22.11.2014 

Tournee 

MOTHER’S FINEST 

28.04. – 07.05.2014 · 12.07. – 19.07.2014 

Festivals 

KANSAS 

01.08. – 02.08.2014 

Festivals 

BLACKMORE’S NIGHT 

06.08. – 21.08.2014 

Festivals 

URIAH HEEP 

14.06. – 30.08.2014 

Festivals 

NAZARETH 

30.07. – 16.08.2014 

Festivals 

PROCOL HARUM 

29.05. – 05.07.2014 

Festivals 

LENINGRAD COWBOYS 

26.06. – 13.09.2014 

Festival 

10cc 

05.07.2014 

Tournee 

SIMON PHILLIPS 

14.10. – 27.10.2014 

AKTUELLE TOURNEEN: 

Termine & Tickets: www.dmc-music.de 

DMC Musikmarketing GmbH München

CD 

REVIEWS 

80er durch. Wer am Mainstream-Rock seine 

Freude hat, ist aber bei Circa Zero nicht 

falsch. 

(Caroline/Universal, 2014, 12/57:57) an 

LIZARD 

BIG ROAD 

Schon vom ersten Ton an sind die musikalischen 

Koordinaten klar gesteckt: Lynyrd 

Skynyrd, Allman Brothers, Black Oak Arkansas 

– alles, was das Southern-Rockherz 

begehrt! Lizard heißt die Combo, die dahintersteckt, 

BIG ROAD ist mittlerweile 

das fünfte Studio-Album des Septetts, das 

seinem Stil seit Gründung Ende der 1980er 

stetig treu geblieben ist. Man würde meinen, 

Lizard stammen irgendwo aus dem tiefen 

Süden der Vereinigten Staaten und sind 

die besten Kumpels oben genannter Koryphäen. 

Aber weit gefehlt: Der Siebener 

kommt aus dem kleinen baden-württembergischem 

Ort Abstatt nahe Heilbronn. 

Gut, der Frontmann ist gelegentlich etwas 

schwach auf der Brust, der Sound klingt ab 

und an brav, bieder, zu nahe am Original. 

Trotzdem bleibt unterm Strich saftiger Southern 

Rock, der sich vor den Idolen kaum 

zu verstecken braucht. 

(Phoenix Records/Soulfood, 2013, 

12/59:52) mfg 

ASIA FEATURING JOHN 

PAYNE 

RECOLLECTIONS 

Als Nachfolger von 

John Wetton fungierte 

Sänger und 

Bassist John Payne 

von 1991 bis 2005 

zusammen mit Geoff 

Downes als Zentrum 

von Asia. Ai Da Payne ebenfalls Rechte am 

Bandname innehat, tritt er parallel zur reformierten 

Originalbesetzung als Asia Featuring 

John Payne auf. Auf diesem neuen 

Album präsentiert Payne elf ihn prägende 

Songs unter dem Motto „A Tribute To British 

Prog”. Bands wie Yes oder Genesis 

zählen natürlich zur Speerspitze des Prog, 

allerdings die ausgewählten Songs “It Can 

Happen” und “Land Of Confusion” nicht. 

Der keyboardlastige Sound verkleistert die 

fragilen Originalvorlagen oft zu stark, so 

dass die Version von “In The Court Of The 

Crimson King” nicht den Reiz des Originals 

erreichen kann – allerdings kleben seine 

Interpretationen nicht sklavisch an der 

Vorlage, so dass sie im besten Falle einen 

anderen Charakter bekommen (“Locomotive 

Breath”). 

(inakustik, 2014, 11/58:34) 

rg 

LOS LOBOS 

KIKO 

Bei dem Album KIKO schrieben sich die 

Los Lobos Vielfältigkeit auf die Fahne, da 

der Hörer von Song zu Song mit Überraschungen 

rechnen muss. Es beginnt mit 

einem zünftigen, aber zurückhaltenden 

Rock’n’Roll (“Dream In Blue”) und einer 

Nummer, bei der moderne Rhythmuselemente 

des HipHop behutsam verarbeitet 

werden (“Angels With Dirty Faces”). Danach 

stehen Tex-Mex auf dem Programm 

(“Saint Behind The Glass”), eine wunderschöne 

Ballade (“Arizona Skies”) oder 

auch ein Akustikrocker (“Short Side Of 

Nothing”). KIKO zählt zu den Alben, bei 

denen sich immer wieder neue Facetten und 

Nuancen erkennen lassen – nicht zuletzt 

wegen der erdigen Einspielung. Hohe Halbwertszeit! 

Die aktuelle Ausgabe erscheint 

in einem ausgewogenen Mastering, bei dem 

die Höhen leicht angehoben wurden. 

(Mobile Fidelity/Sieveking Sound, 

1992, 16/52:36) at 

NEAL SCHÖN 

SO U 

Welch ein Luxus: 

Neal Schon (diesmal 

mit einem „ö” im 

Namen) muss längst 

keine Erwartungshaltungen 

mehr bedienen. 

Ist er solo unterwegs, 

macht er meist das, wonach ihm der 

Sinn steht. Und auf SO U ist das vom Melodic 

Hard Rock über Funk und Blues bis hin 

zum Psychedelic Rock und Jazz ein wahrhaft 

bunter Stilmix. Es ist schon kurios, einen 

radiotauglichen Rocker wie “Serenity” 

neben das vertrackten Jazz instrumental 

“Exotica” zu stellen. Aber Schon darf das – 

weil er es kann. Denn der Journey-Gitarrist 

klingt immer perfekt und liefert nur allererste 

Güte ab. Eingespielt hat er das Album 

mit Marco Mendoza (b, voc – Black Star 

Riders) und Journey-Kollege Deen Castronovo 

(dr, voc). Beiden gesteht er eine 

Nennung auf dem Frontcover zu, was nicht 

wundert. Auf SO U wächst das Rhythmusduo 

praktisch über sich hinaus. 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 9/49:59) jub 

THE CHARLIE DANIELS 

BAND 

OFF THE GRID – DOIN’ IT 

DYLAN 

Das alte Country-Rockschlachtross Charlie 

Daniels hat in den Seventies einige der allerbesten 

Alben dieses Genres abgeliefert, 

sich dann aber die Sache fast immer zu 

leicht gemacht; er driftete ins Langweilige 

ab. Nun jedoch hat der immer noch zügig 

fiedelnde 76-Jährige mit seiner top eingespielten 

Mannschaft eine prächtige Platte 

mit Dylan-Songs zustandegebracht, die zu 

den besten Dylan-Tributalben überhaupt 

zählt. Natürlich ging man bei der Songauswahl 

auf Nummer sicher: “Mr. Tambourine 

Man”, “The Mighty Quinn”, “I Shall Be Released”, 

“Just Like A Woman”, “Tangled Up 

In Blue”, “Gotta Serve Somebody” ... und 

selbstverständlich gibt es auch keine überambitionierten 

Versuche, diese Klassiker 

neu und kühn umzudeuten. Daniels’ kerniger 

Gesang und die ungekünstelte Spielfreude 

aller Beteiligten sind die Trümpfe, die hier 

stechen. Sie sorgen für eine feine Platte, die 

ganz einfach Spaß macht, ohne dass man viel 

nachdenken und analysieren muss. 

(Blue Hat Records/Bertus Import, 2014, 

10/40:43) hjg 

G.O.D. 

BACK TO THE 80’S 

UNPLUGGED 

Garden Of Delight, kurz G.O.D., sind seit 

über 15 Jahren eine feste Größe in der 

deutschen Celtic-Rockszene. Mit einer 

Mischung aus eigenen Titeln und fetzigen 

Rockversionen von irischen Traditionals, 

Seeräuber-Shantys und Mittelaltertänzen 

haben sie bisher ihrer zahlreichen Alben 

bestückt. Mit BACK TO THE 80’S UN- 

PLUGGED haben sie nun zum ersten Mal 

ein reines Cover-Album aufgenommen, 

bei dem sie – der Titel sagt es ja schon 

– zurück in die 80er reisen. Haben sich 

ebenso Blondies “Call Me” wie “Cambodia” 

von Kim Wilde vorgenommen, wie 

sie “Mad World” von Tears For Fears und 

Depeche Modes “Stripped” als keltisch angehauchte 

Unplugged-Versionen angerichtet 

haben. Für das Salz in der Suppe sorgen 

lange nicht mehr gehörte 80er-Perlen 

wie “What’s The Colour Of Money” von 

Hollywood Beyond, “My Soul Unwraps 

Tonight” von Savage Progress oder “In 

The Dutch Mountains” der Nits. Cooles 

Wiederhören! 

(DMG Records/Broken Silence, 2014, 

15/60:36) us 

PIXIES 

INDIE CINDY 

Ist ein neues Pixies- 

Album im Jahre 

2014 noch eine Sensation? 

Vor zehn 

wäre es wohl so gewesen. 

Die zu den 

wichtigsten 

Alternative-Bands 

der End-80er und Früh-90er 

zählende Formation darf zur maßgeblichen 

Inspirationsquellen für den ach so erfolgreichen 

Grunge zählen. Doch als dieser 

seinen Höhepunkt hatte, waren die Pixies 

schon Geschichte. Zwar ist die Band um 

Sänger und Gitarrist Black Francis (aka 

Frank Black) seit 2003 wieder on Tour, 

ein komplettes Studio-Album, das erste 

seit 1991, sprang aber erst jetzt heraus. 

Highlights früherer Jahre wie “Where Is 

My Mind” oder “Debaser” sind auf INDIE 

CINDY nicht zu finden. Dafür kommen 

die Songs stilistisch aus einem Guss daher, 

mehr Song als Experiment heißt hier 

die Devise. An manchen Stellen schlägt gar 

Frank Blacks Roots- und Country-Rock’n’- 

Roll durch. Während auf den früheren 

Alben eine abenteuerliche, innovative Mischung 

unterschiedlicher Alternative-Stile 

gegeben wurde, präsentieren sich die Pixies 

25 Jahre später als reife Indie-Rocker – 

keineswegs schlecht, aber neues Publikum 

wird die mittlerweile als Trio agierende 

Band wohl nicht dazugewinnen. 

(Piexiesmusic/Pias, 2014, 12/45:22) an 

Rock 

NEIL INNES FATSO 

FAREWELL POSTERITY TOUR 

Neil Innes, da war doch was. Die Setlist dieser 

launigen Tour macht klar, was da war: 

Aha-Erlebnis 1: “I’m The Urban Spaceman”, 

ursprünglich 1968 produziert von 

Paul McCartney, sang Innes mit der Bonzo 

Dog Do Dah Band. Aha 2: mit “Ouch” persiflierte 

er zehn Jahre später “Help!” mit der 

Beatles-Parodie The Rutles, zu der auch der 

Ex-Beach-Boy und Teilzeit-Rolling-Stone 

Ricky Fataar gehörte. Bonzo-Boss Vivian 

Stanshall und Rutle Ollie Halsall sind nicht 

mehr unter uns, aber die Reanimation der 

Siebziger-Jahre-Band Fatso funktioniert 

dank Phil-Collins-Vorbild John Halsey und 

dem Zugang von Billy Bremner, der das 

Rock’n’Roll-Element schon in Dave Edmunds’ 

Rockpile mitgestaltete. Innes’ irrer 

Humor kann schmerzen, wie die Mundharmonika 

auf dem Dylan-Singer/Songwriter- 

Spott “Protest Song”: „rain on a tin roof 

sounds like a drum”, oder hölzern-zotigem 

Medieval-Folk “Bold Sir Robin”, bei der 

nur englische Sprachroutine für allerlei 

Chaos entschädigt. Die Fluchorgie “Charlie 

Big Potatoes”, Evergreen-Einlagen wie 

“I’m Walking”, viele Rutles-Kleinode wie 

“Living in Hope (zur Vorsicht mit Lennon/ 

McCartney-Credit) und Georgie Harrisons 

“Beware Of Darkness” bestechen aber neben 

den “Spaceman” und “Ouch!”-Hits. 

(Angel Air/Fenn, 2014, 

12/44:34, 11/49:12) utw 

RICK WAKEMAN 

OUT THERE 

Rick Wakeman, einer 

der drei großen 

Rockkeyboarder 

der 70er Jahre, veröffentlichte 

eine 

Unmenge von unsäglichen 

Scheiben. 

Im Jahre 2003 besann er sich dann einmal 

wieder seiner großen Zeiten und spielte 

dieses Konzept-Prog-Album ein. Für sein 

English Rock Ensemble sicherte sich 

Wakeman den durch sein Mitwirken bei 

Threshold bekannten Sänger Damian Wilson. 

Lee Pomeroy (b), Tony Fernandez (dr), 

Ant Glynne (g) sowie der English Chamber 

Choir vervollständigen das Line-Up. Die 

Wakeman-typischen Soundberge aus Kirchenorgel, 

Synthesizern und Chorgesang 

kratzen ab und an hart an der Kitschgrenze, 

die E-Drums nerven heute eher. Flinke Gitarrensoli 

bringen willkommene Abwechslung. 

Die bis zu 13-minütigen rockig-bombastischen 

Songs entführen die geneigten 

Fans auf eine Reise durch Raum und Zeit. 

(Esoteric/Rough Trade, 2003, 

6/50:59) rg 

PETER MURPHY 

LION 

Peter Murphy, Gründer und Frontmann der 

unvergessenen Post-Punkgruppe Bauhaus, 

ist auch nach 35 Jahren noch ein hungriger 

Wolf, der hier eines der besten Alben seiner 

Karriere vorlegt. Im Infozettel seiner 

Plattenfirma heißt es etwas kryptisch „... 

er steht wie zwei Kühltürme in der Landschaft 

und wirft dabei einen erhabenen 

und einen bösartigen Schatten, wie es auch 

seine Musik erneut tut ...”. Gemeint sind 

damit basslastige, zum Symphonischen 

und Hymnischen tendierende Klänge, die 

von leeren, stillen Fabriken angeregt wurden, 

gekennzeichnet von brutalen Gitarren 

und irrlichternden Synthesizern. Der ganz 

spezielle Murphy-Power-Rock klingt 2014 

bei Stücken wie “Hang Up”, “Low Tar 

Stars” oder “Holy Clown” wie eine Melange 

aus alten Bauhaus-Errungenschaften, 

Aerosmith-Härte und Giorgio Moroders 

Tanzflächentauglichkeit. Es gibt aber auch 

die wunderschöne, höchst melancholische 

Kraftballade “Loctaine” und den dramatisch 

glühenden Titeltrack als Abschluss. 

Das Album hält über die volle Distanz eine 

gefangennehmende Spannung durch und 

beweist, dass kaum ein heutiger Sänger 

Schmerz und Freude so anschaulich vermitteln 

kann wie Peter Murphy. 

(Nettwerk/Soulfood, 2014, 

11/56:16) hjg 


CD 

REVIEWS 

THE COSMIC ARC 

FEED YOUR HEAD 

Hinter The Cosmic Arc verbirgt sich 

der Münchner Musiker Tibor Fredmann, 

der als Multi-Instrumentalist 

sein komplettes neues Album fast im 

Alleingang eingespielt hat, lediglich 

unterstützt von Michael Hornstein am 

Saxofon sowie der britischen Sängerin 

Mia. Stark beeinflusst von Krautrock- 

Bands wie Tangerine Dream, Can, 

Kraftwerk, Popol Vuh und Amon Düül 

hat sich Fredmann mit FEED YOUR 

HEAD für ein Song-basierendes, von 

Melodien lebendes Album entschieden. 

Seine Kompositionen gehorchen 

aber noch nicht den typischen Popsong-Regeln 

aus Strophen, Bridges 

und Refrains. Vom an Roxy Music/ 

Brian Eno erinnernden, Synthie-lastigen 

Opener “Feed Your Head” geht 

die Reise über den dunkel-psychedelischen 

Ambient-Track “When Days 

Get Dark” und den scheinbar aus Pink 

Floyds Syd-Barrett-Phase stammenden 

Siebenminüter “Into The Matrix” 

bis zum Schlusssong “Transmission 

Love”, der mit Sitar, Saxofon, Fuzz- 

Gitarre und Gospelchor dann etwas aus 

der Reihe tanzt. 

(Hypefactory Records, 

2014, 9/53:06) tk 

TOTO 

35TH ANNIVERSARY TOUR 

– LIVE IN POLAND 

Veröffentlichten 

Toto zum 

25-jährigen 

Bandjubiläum 

eine Live-CD 

aus Amsterdam, 

fanden 

die amerikanischen i AOR-Giganten 

nun in Lodz ein dankbares und prächtig 

mitgehendes Publikum, um das 

35-Jährige gebührend zu feiern – diesmal 

sogar auf zwei Scheiben. Wie 

vor zehn Jahren sind die Originalmitglieder 

Steve Lukather, David Paich 

und Steve Porcaro an Bord, ebenso 

Drummer Simon Phillips, der zusammen 

mit Studioprofi Nathan East (b) 

eine perfekte Rhythmusgruppe bildet. 

Sänger Bobby Kimball steht seit 2009 

nicht mehr am Mikro, hier hat wieder 

einmal Joseph Williams übernommen. 

Natürlich liefert die Band wieder alles 

von “Hold The Line” über “Africa” 

bis “Rosanna”. Somit kommt es zu 

vielen Redundanzen zu älteren Livescheiben, 

die engagierte und kraftvolle 

Spielfreude begeistert jedoch – 

Toto sind live immer eine Bank! 

(Eagle/edel, 2014, 12/66:40, 

9/59:17) rg 


ABSOLUTELY LIVE IV 

Der „Wallbreaker” hat wieder zugeschlagen: 

Hochwertige Mikrofone ersetzen 

oft Pultmixe, lassen aber (zum 

Glück) keine After-Show-Mogeleien 

zu. Diesmal regieren geniale Frauen: 

Akustisch Slide-verliebt gibt sich Caroline 

Aitken mit Rei Satoshi bei “Come 

See Me Baby”; die Australierin Minnie 

Marks pickt sich durch “Thief In The 

Night” und “Little People”. Dazu die 

legendäre einstige Atlantis- und Frumpy-Frontfrau 

Inga Rumpf. Sie zeigt 

mit ihren Friends, dass es bei “Undercover 

Agent For The Blues” von Tony 

Joe White auch beim 1000. Mal keine 

Routine gibt. Womit wir bei den harten 

Jungs wären: Mauerstürmer Gallus hat 

tatsächlich Whitesnake gewinnen können. 

Dass Blondinen-Dandy David Coverdale 

nicht dabei ist, geschenkt: M3 

Classic Whitesnake präsentieren “Slow 

An’ Easy” absolut souverän, eingeleitet 

von einem Micky-Moody-Slide-Solo 

intensivster Güte. Bob Segers “Turn The 

Page” von M & M Unplugged Dreams 

sowie der Niederländer Ed Vanderveen, 

Weinhold und Rob Tognoni runden eine 

überzeugende Rock-Revue ab. Limitiert 

auf 500. Erhältlich bei webmaster@ 

wallbreaker.de 

(Wallbreaker Records, 2014, 

10/64:49) utw 


ALL YOU NEED IS ... 

BEATLEMANIA 

Dass die Außenwirkung 

der Beatles bis 

in die DDR 

reichte, 

ist 

hinlänglich 

bekannt. 

Im 

Fundus des einzigen i DDR-Unterhaltungsmusiklabels 

Amiga sind 30 

Cover-Versionen der Fab Four zu finden. 

Die vorliegende Kopplung bringt 

21 Stücke davon. Der Großteil mit 14 

Songs stammt aus den Achtzigern, 

jeweils drei sind aus den Sechzigern 

bzw. Siebzigern, die jüngste Aufnahme 

ist von 1992. Die CD eignet sich 

nur schwer zum kompletten Durchhören 

und Genießen, eher dient sie 

informierenden Zwecken, zu welchen 

Stilblüten die Liverpooler die Musikschaffenden 

im Osten Deutschlands 

trieben. Dabei sind alle, die Rang und 

Namen haben, wie die Puhdys, Silly, 

Manfred Krug und Pascal von Wroblewsky. 

Historisch spannend wird es, 

wenn die Amigos (nicht zu verwechseln 

mit dem heutigen Schlagervolksmusikduo) 

und die Schumann-Combo 

Beatles-Klassiker mit deutschen Texten 

singen. Nicht unerwähnt bleiben 

dürfen die Beiträge der Herzbuben, 

aus denen 1990 die Prinzen wurden, 

und von Deka Dance, mit dem Comedian 

Olaf Schubert am Schlagzeug. 


21/79:30) che 

THE AFGHAN WHIGS 

DO THE BEASTS 

Die Band aus Ohio gehörte zur zweiten 

Garde der im Zuge von Nirvana, Pearl 

Jam und Soundgarden populär gewordenen 

Grungebewegung. Anfangs war 

auch sie beim stilprägenden Sub-Pop- 

Label unter Vertrag, die richtig guten 

Alben waren jedoch die stärker vom 

Soul beeinflussten BLACK LOVE 

(1995) und 1965 (1998). Nachdem 

2001 die Auflösung bekanntgegeben 

Rock 

worden war, knüpft die Band um Sänger 

Greg Dulli nach über einer Dekade 

mehr oder minder Pause mit DO THE 

BEASTS da an, wo sie einst aufgehört 

hatte. Zwar ist der Opener “Parked 

Outside” eine rockige Grungenummer, 

die meisten anderen Stücke kommen 

hingegen elegisch, zuweilen melancholisch 

daher, oder sie ufern in Pathos 

aus – wie das durch Streicher gestützte 

grandiose “Lost In The Woods” oder 

das bombastische “The Lottery”. Als 

Fazit bleibt, dass Dulli in den vergangenen 

Jahren bei den Projekten Twilight 

Singers und Gutter Twins beileibe 

keine schlechten Platten abgeliefert 

hatte, aber sein wahres Zuhause die Afghan 

Whigs sind. 

(Sub Pop/Cargo, 2014, 10/40:51) an 

CHRIS SPEDDING 

BACKWOOD PROGRES- 

SION + THE ONLY LICK I 

KNOW 

Als das legendäre Harvest-Label blden 

als Sessiongitarristen vielgefragten 

Chris Spedding 1970 unter Vertrag 

nahm, hatte der gerade sein Gastspiel 

bei Pete Browns Battered Ornaments 

beendet. Statt auf eine avantgardistische 

Jazz-Bluesmischung setzte 

Spedding auf eingängige Songs im 

Grenzgebiet zwischen Rock und Pop. 

Die fielen ganz nett und angenehm zu 

hören aus, aber noch fehlte ihnen der 

spezielle Kick, der später seine Hits 

wie “Motorbikin’” auszeichnen sollte. 

Gitarristisch war es damals schon 

erste Sahne, was er vom akustischen 

Strummen bis zum elektrischen Riffing 

sowie Melodiefluss zu bieten hatte. 

Nett, aber ohne größeren Erinnerungswert. 

Ähnliches gilt für das zwei Jahre 

später veröffentlichte, selbstironisch 

betitelte Album THE ONLY LICK I 

KNOW – beide LPs waren im Grunde 

Blaupausen dafür, was er ein paar 

Jahre später mit Mickie Most als Produzent 

liefern würde. Irgendwie fehlten 

Spedding, der zu sehr mit angezogener 

Handbremse unterwegs war, zu 

Beginn seiner Solokarriere der Punch 

und die Aggressivität. Die holte er sich 

offenbar bei den Sharks, die er noch 

1972 mit Andy Fraser (Free) startete. 

Bei den Esoteric-Neuausgaben (ohne 

Bonus-Tracks) aber in jedem Fall empfehlenswert: 

die neuen Liner-Notes! 

(Esoteric/Rough Trade, 1970 + 1972, 

13/37:03 + 9/33:13) pro 

RETO BURRELL 

LUCKY CHARM 

Reto Burrell, Schweizer mit Amerika-Erfahrungen 

und Americana-Feeling, 

legt bereits sein siebtes Album 

vor. Zentrale Triebfeder seiner Songs 

ist diesmal das Streben nach Glück, 

ein nur allzu menschliches Thema. 

Wozu eine sorgfältig erdachte Mixtur 

Bisher unveröffentlichtes 

Konzert von DIO! 

Mit vielen Hits aus der 

Rainbow-, Dio- und 

Black Sabbath-Ära! 

Line-Up: 

Ronnie James Dio Gesang 

Vinnie Appice Drums · Jeff Pilson Bass 

Tracy G Gitarre 

Ab sofort 

auf 2CD, DVD 

& Blu-ray! 

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CD 

REVIEWS 

aus Rock, Folk und Country traditionell 

gut passt. Das weiß natürlich auch Burrell, 

doch da er ehrgeizig ist, hat er – mit 

einigem Erfolg – einen Sound kreiert, der 

nicht von der Stange kommt. Burrell hat zu 

diesem Zwecke die Musik von Vorbildern 

wie Bob Dylan, Bruce Springsteen, Tom 

Petty und auch den Jayhawks in ihre Einzelteile 

zerlegt, analysiert, mit einem eigenen 

Anstrich versehen und neu zusammengefügt. 

Dass LUCKY CHARM dennoch 

kein Top-Album ist, sondern nur ein recht 

ordentliches Werk, liegt einfach daran, 

dass die stilistische Bandbreite im Detail 

zu gering ist; es gibt zu viele musikalisch 

ähnliche Songs, die sich im Wesentlichen 

nur durch die Texte unterscheiden. In dieser 

Hinsicht sollte – und kann – Burrell 

bestimmt noch zulegen. 

(Blue Rose/Soulfood, 2014, 10/31:49) hjg 


SON OF KRAUT 

„The Next Generation 

Of Krautrock” 

lautet der Untertitel 

des jüngsten 

Labelsamplers aus 

dem Hause Sireena, 

der nahtlos 

an LIVE KRAUT und JAZZ KRAUT anschließt 

und ob seiner stilistischen Bandbreite 

wie Qualität des Angebotenen uneingeschränktes 

Lob verdient. Natürlich 

ist Labelboss Tom Redecker mit The Perc 

Meets The Hidden Gentleman dabei, daneben 

aber eben auch die jüngere Generation 

von Psychedelic-, Prog- und Krautrockern 

wie RPWL, Electric Moon (sphärisch minimalistisch), 

Sankt Otten (mit Tangerine- 

Dream-Einflüssen), Fantasyy Factoryy 

(floydig-verspielt), Space Debris, Electric 

Orange, Tarwater, Le Mur, Level PI (härtere 

Gitarrentöne brechen die schwebende sphärische 

Atmosphäre clever auf) oder dem 

Panzerballett (mit seinem Mix aus Jazz, 

Hard Rock und Experimentellem ein passender 

Abschluss). Die deutsche (Kraut-) 

Rockszene lebt und blüht fernab des Mainstream, 

von Sireena bestens dokumentiert. 

(Sireena/Broken Silence, 2014, 

12/77:46) pro 

THE ROARING 420s 

WHAT IS PSYCH? 

WHAT IS PSYCH? fragen The Roaring 

420s auf ihrem Debüt und liefern gleich 

mal elf deutlich hörbare Antworten auf 

diese Frage. Schon mit dem Opener “Bury 

My Burden” legt das Quartett aus Dresden 

druckvoll los, mit gehörig Hall auf der 

Gitarre und hämmernder Orgel wird dem 

60er-Garagen-Rock gehuldigt. Aber auch 

das mit Lou-Reed-Stimme gesungene, lakonische 

“Hey Hey Rider”, die bittersüße, 

Country-infizierte Drogenballade “Pill Hill”, 

das fuzzige Orgelmonster “Tourist” oder das 

von einer Sitar dominierte “These Woods 

Of Stone” zeigen weitere Facetten von psychedelischem 

Rock. Es ist selten geworden, 

dass eine junge Band heutzutage noch solche 

Sounds im Programm hat, doch in diesem 

Falle scheint klar zu sein, dass hier die 

Leidenschaft für Psychedelia, Garagen-Rock 

und Surf an allererster Stelle steht. 

(Stoned Karma Records/Cargo, 

2014, 11/44:46) tk 

JOE NOLAN 

TORNADO 

CanAmericana haben clevere Marketingexperten 

oder Medienvertreter, die nach knappen 

Schubladenbezeichnungen suchten, ein 

keineswegs neues Genre benannt: Damit 

werden Roots- oder Americana-Singer/Songwriter 

bezeichnet, die aus Kanada stammen. 

Einst wären Joni Mitchell oder Neil Young 

so eingeordnet worden, heute gehört Joe Nolan 

zu den jungen Exponenten. Er stimmt auf 

TORNADO leidenschaftliche, aber Pathosfreie 

Songs mit Folk- und Bluesspuren an, 

die atmosphärisch dicht und oft sehr subtil 

gestaltet sind (produziert hat Colin Linden). 

Und Nolan kann sowohl melancholisch-verletztlich 

als auch energisch, bewältigt vokal 

diverse Lagen – und vor allem hat er für sein 

erst zweites Album sehr ansprechende Songs 

verfasst und mit engagierten Studiokönnern 

eingespielt. Das Resultat: kurzweilige Unterhaltung 

mit Niveau. 

(Blue Rose/Soulfood, 2014, 11/45:56) pro 

KEIMZEIT & DAS DEUT- 

SCHE FILMORCHESTER 

BABELSBERG 

ZUSAMMEN 

Keimzeit, die brandenburgische 

Kultband, 

deren Song 

“Kling Klang” kürzlich 

von Heino auf 

seinem Rockalbum 

interpretiert wurde, 

hb haben sich mit dem Filmorchester aus Babelsberg 

zusammengetan. Das Orchester 

macht neben dem Einspielen von Soundtracks 

oft Ausflüge ins Popgewerbe, es wurde 

z.B. von Celine Dion, Rammstein sowie 

kürzlich von Hape Kerkeling engagiert. 

Doch meist bleiben die Sinfoniker nettes 

Beiwerk, I-Tüpfelchen oder Aufplusterer 

eines Breitwandsounds. Bei der Kollaboration 

mit Keimzeit ist es anders, sie haben 

sich zusammen mit der Band deren Songs 

vorgenommen (darunter zwei neue) und 

überraschende Ansätze gefunden, als hätte 

man Rohdiamanten den nötigen Feinschliff 

verpasst. Trotz großem Orchester bleibt alles 

transparent und filigran, die 15 Stücke 

umfassende CD (die es auch auf 180g Doppelvinyl 

gibt) ist ein großer Wurf. Zu Band 

und Orchester gesellen sich noch illustre 

Gäste: Singer/Songwriter Felix Meyer singt 

“Singapur”, “Die drei ???”-Stimme Oliver 

Rohrbeck liefert einen Sprechbeitrag. 

(Comic Helden/edel, 2014, 15/61:46) che 

GOTTHARD 

BANG! 

Das elfte Studiowerk von Gotthard, des 

zweiten Schweizer Rock-Aushängeschilds 

neben Krokus, ist das zweite mit Steve- 

Lee-Nachfolger Nic Maeder am Gesangsmikro. 

Es überzeugt musikalisch mehr als 

der klischeehafte Titel und das comicartige 

Cover. Angesagt ist klassischer Hard 

Rock, streckenweise mit hymnischem 

Mitsingcharakter, stellenweise angenehm 

retromäßig (Led Zeppelin lassen bei “I 

Won’t Look Down” grüßen). Mit gehörgängigen 

(Gitarren-)Melodien, die auch 

mal bluesige Untertöne durchklingen lassen, 

Boogie-Anleihen (Titelsong) – und 

durchaus mit der einen oder anderen Überraschung, 

vor allem bei der wunderschönen, 

mit Akkordeon und Frauenstimme 

(Melody Tibbits) angereicherten Ballade 

“C’est La Vie”! Da nimmt den zu glatt geratenen 

Mainstream-Ausreißer “Feel What 

I Feel” gerne in Kauf. Weiter so, meine 

Herren! 

(G-Records/Pias, 2014, 13/62:26) pro 

WILKO JOHNSON / ROGER 

DALTREY 

GOING BACK HOME 

Die Idee, ein Album 

mit rauem, 

britischem 

R&B 

aufzunehmen, 

hatten die Beiden 

schon längere 

Zeit, doch 

ltt letztendlich war der Auslöser hierzu eine 

überaus traurige Nachricht: In Januar 

2013 wurde bei Wilko Johnson Bauchspeicheldrüsenkrebs 

diagnostiziert, Lebenserwartung 

nur noch wenige Monate. 

Zusammen mit Roger Daltrey (sowie 

Johnsons formidabler Tourband) ging es 

im November 2013 für eine Woche in ein 

britisches Studio. Um neue Songs zu erarbeiten, 

blieb da natürlich nicht genügend 

Zeit, doch konnten sie sich für GOING 

BACK HOME aus genügend Glanzstücken 

aus Wilkos Dr.-Feelgood-Zeit bedienen. 

Und mit welch bewundernswerter 

Kraft der legendäre Gitarrist der Pub- 

Rockpioniere seiner Krankheit ins Angesicht 

schaut, mit welcher Courage er sich 

diesem Schicksal stellt, zeigen klasse Versionen 

von Songs wie “All Through The 

City”, “Keep It Out Of Sight” oder der 

programmatische Titeltrack des Albums 

“Going Back Home”. Dass Roger Daltrey 

für diese Tracks der ideale Shouter ist, 

versteht sich von selbst ... 

(Chess/Universal, 2014, 11/34:41) us 


THE REBEL KIND – GIRLS WITH 

GUITARS 3 

Folge drei der liebevoll gestalteten Reihe 

mit Aufnahmen selbstbewusst rockender 

Frauen aus den USA, dem UK, Italien, 

Neuseeland und Japan. Das Hauptaugenmerk 

liegt auf den Jahren 1959 bis 1968, 

aber mit The Delmonas von 1984 ist auch 

ein Trio dabei, das „Peter Gunn Locomotion” 

im Frischegriff hat. Das Programm 

ist natürlich bunt gemixt und wartet mit 

etlichen Höhepunkten auf: Gleich der 

Starter “A Ladies Man” von Colette & 

The Bandits stimmt prächtig ein. Jean & 

The Statesides bleiben bei “Putty In Your 

Hands” nur knapp hinter den Yardbirds 

zurück. The Debutantes drücken “Love 

Is Strange” den eigenen Stempel auf. Der 

berühmten Brenda Lee gelingt das Gleiche 

bei Ray Charles’ “What’d I Say”. Ein 

Gitarrensound sehr hoher Qualität prägt 

“Stones” von The Ace Of Cups, und The 

Honeybeats bringen mit “Fa Cone Vuoi” 

eine muntere japanische Fassung von 

Dylans “If You Gotta Go, Go Now”. Schöne 

Leistungen kommen auch von Jackie 

DeShannon, Dana Gillespie und Genya 

Ravans früher Gruppe Goldie & The Gingerbreads. 

Murksmacherinnen sind überhaupt 

nicht dabei. Diese CD-Reihe sollte 

unbedingt fortgesetzt werden! 


Rock 

IAN ANDERSON 

HOMO ERRATICUS 

Mit HOMO ERRATICUS liefert Ian Anderson 

nach THICK AS A BRICK I & II 

eine weitere Fortsetzung seiner Geschichten 

über sein musikalisches Alter Ego 

Gerald Bostock. Erneut ein ambitioniertes, 

spiel- wie experimentierfreudiges und narratives 

Konzeptalbum, das musikalisch 

natürlich wie Jethro Tull klingt, auch wenn 

Anderson längst mit neuen Musikern solo 

unterwegs ist. Mit denen vermengt er in gewohnter 

Klasse Elemente aus (Prog-)Rock, 

Folk, (orchestralem) Pop, Klassik und Jazz, 

wobei er Ideen in den einzelnen Stücken 

immer wieder (in Sachen Dynamik) variiert, 

neu aufgreift und umgewandelt umsetzt 

– er greift des Öfteren zur Flöte und 

macht zudem hörbar, wie wichtig ihm eingängige 

Melodien und Songatmosphären 

sind. Ein absolut ausgereiftes Alterswerk, 

bei dem vieles vertraut und zugleich doch 

neu klingt. 

(K-Scope/edel, 2014, 15/51:55) pro 


LOOKING INTO YOU: JACKSON 

BROWNE TRIBUTE 

Ben Harper, Don 

Henley, Lyle Lovett, 

Keb’ Mo’, Bonnie 

Raitt, Bruce Springsteen 

& Patti Scialfa, 

die Indigo Girls und 

Lucinda 

Williams 

sind nur einige i der großen Namen, die hier 

ihrem ebenso großen Kollegen Jackson 

Browne Tribut zollen. Sie alle teilen David 

Crosbys Meinung, der ihn in den Eighties 

einmal als den „verdammt besten Songwriter 

im heutigen Amerika, bei dessen Songs 

man eine Gänsehaut bekommt”, lobte. Was 

Millionen Fans in aller Welt genauso sehen, 

weil bekannte Songs wie “Jamaica Say You 

Will”, “Before The Deluge”, “The Pretender”, 

“Late For The Sky”, “These Days” 

oder “Running On Empty” ein anderes Urteil 

kaum zulassen. Und auch weniger geläufige 

Lieder wie “Barricades Of Heaven”, 

“Something Fine” oder “Call It A Loan” liegen 

ganz deutlich über dem Durchschnitt. 

Sie alle sind hier in ebenso respektvollen 

wie respektablen Versionen zu hören, wobei 

sich viele Acts viel Zeit nehmen – sechs Tribute 

dauern sechs bis knapp acht Minuten, 

fünf weitere um die fünf Minuten. Dass dies 

den Interpreten relativ leicht fiel, ist unmittelbare 

Folge der Klasse der Vorlagen. 

(Music Road Records/Rough Trade, 

2014, 12/61:32 + 11/53:20) hjg 

LINDA RONSTADT 

DUETS 

Das frischgebackene Rock’n’Roll-Hall-Of- 

Fame-Mitglied Linda Ronstadt startete bei 

The Stone Poneys, sang im Trio mit Dolly 

Parton und Emmylou Harris. Und die inzwischen 

an Parkinson Erkrankte veredelte 

als Chorsängerin die Scheiben vieler Kollegen. 

Klar, dass sie die perfekte Duettpartnerin 

ist – und für solche Unternehmungen 

suchte sie Songs wie auch Mitsänger 

höchstpersönlich mit viel Geschmack aus. 

14 bereits erhältliche Kollaborationen, die 

zwischen 1974 und 2006 entstanden, hat 

sie für DUETS zusammengestellt. Plus das 

bislang unveröffentlichte, mit LaurieLewis 


16 von pro noch offen 

us 2? 

CD 

REVIEWS 

gesungene “Pretty Bird”. Balladen dominieren, 

es gibt den für sie typischen Mix 

aus Folk, Country und Pop. Man täte allen 

anderen Songs Unrecht, würde man einzelne 

hervorheben. Deshalb hier nur die zwölf 

Gesangspartner, die alle des Lau schens 

wert sind: Parton, Harris, Lewis, Bette 

Middler, Ann Savoy, Don Henley, James 

Taylor, Aaron Neville, J.D. Souther, James 

Ingram, Frank Sinatra, Carl Jackson. 

(Rhino/Warner, 2014, 15/50:09) pro 

RICK SPRINGFIELD + 

CHEAP TRICK + BILLY 

JOEL + STRAY CATS 

ORIGINAL ALBUM CLASSICS 

Um Sammlungslücken lü zu schließen, ist die 

Original-Album-Classics-Reihe von Sony 

Music bestens geeignet. Vor allem, wenn 

sie sich Künstlern wie dem Australier Rick 

Springfield oder der US-Band Cheap Trick 

widmet, von denen die meisten Rockfans sicher 

einzelne Tracks wie “Celebrate Youth”, 

“Jessie’s Girl” oder “I Want You To Want 

Me” auf irgendeinem Sampler haben, der 

Plattenschrank aber mit kompletten Alben 

eher dünn bestückt ist. Noch dazu sind viele 

der ursprünglich nur als LP erschienenen 

Werke schon länger nicht mehr (oder nur 

als Import) erhältlich, so wie Rick Springfields 

COMIC BOOK HEROES aus dem 

Jahr 1973. Über WORKING CLASS DOG 

(1981), SUCCESS HASN’T SPOILED ME 

YET (1982) und LIVING IN OZ (1983) geht 

es bis zu TAO (1985), dem Album, mit dem 

er in unseren Breiten seine höchsten Plätze 

in den Charts erreichte. Ähnliches gilt auch 

für die fünf Alben von Cheap Trick. Auch 

hier beginnt die Auswahl mit IN COLOR 

Mitte der 70er Jahre und geht über HEAVEN 

TONIGHT (1978), ALL SHOOK UP (1980) 

und NEXT POSITION PLEASE (1983) bis 

zu LAP OF LUXURY aus dem Jahr 1988. 

Im Falle von Billy Joel liefert der Fünferpack 

mit den Vinyl-Replica-CDs die drei 70er- 

Alben STREETLIFE SERENADE (1974), 

TURNSTILES (1976) und 52ND STREET 

(1978), bevor dann mit STORMFRONT 

(1989) sowie dem aus klassischen Klavierkompositionen 

bestehenden FANTASIES & 

DELUSIONS (2001) ein Zeitsprung erfolgt. 

Mit drei LPs aus den frühen 80ern, also der 

Frühzeit ihrer Karriere, kommt der Pappschuber 

der Stray Cats daher, in dem Brian 

Setzer (voc, g), Lee Rocker (b) und Slim Jim 

Phantom (dr) mit STRAY CATS, GONNA 

BALL und RANT N’ RAVE WITH THE 

STRAY CATS 50er-Jahre-Rockabilly mit 

einer Prise Punk und New Wave neu anrichteten 

und so dieser Musik zu einem bis heute 

andauernden Revival verhalfen. 

(Sony Music, 2014, 3 x 5 CDs, 

1 x 3 CDs) tk 

SWEET 

SWEETLIFE 

Bei den Aufnahmen für SWEETLIFE bestanden 

Sweet 2002 neben dem letzten 

verbliebenen Originalmitglied Andy Scott 

(g) aus Jeff Brown (voc, b), Steve Grant 

(keys, Co-Produzent) und Bruce Bisland 

(dr). Die Band hatte damals den Glam- 

Rock weitgehend ad acta gelegt, konzentrierte 

sich stattdessen durchaus auf Radio- 

Airplay schielend sehr viel intensiver auf 

melodischen Rock, der als AOR im besten 

Sinne durchgeht. Die Songs überzeugten 

mit anständigen Chorgesängen, ansprechenden 

Gitarrensolos des Chefs sowie 

auch reichlich Synthie- und Streichereinsatz. 

SWEETLIFE dürfte heute noch über 

die eigenen Fans hinaus auch solche von 

Foreigner, ELO oder Asia erfreuen. “Do 

It All Over Again” geht wie einst ins 

Ohr, während bei “Everybody Wants To 

Be Some one” die Metalriffs aufhorchen 

lassen und “Leap Of Faith” zum Dahinschmelzen 

verführt. 

(Angel Air/Fenn, 2002, 11/51:55) pro 

RAY WILSON 

GENESIS VS STILTSKIN – 

20 YEARS AND MORE 

Schon 

interessant, 

was Ray Wilson aus 

seiner gerade mal 24 

Monate andauernden 

Mitgliedschaft 

bei 

Genesis macht, mit 

welcher Chuzpe er 

sich ihin seinem Liveprogramm Songs wie 

“Carpet Crawlers” aneignet, zumindest für 

den harten Kern der Genesis-Fans eigentlich 

ein absolutes No Go. Wie gut dies aber 

klappt, von anderen Genesis-Stücken wie 

“That’s All”, “Mama” oder “No Son Of 

Mine” mal ganz abgesehen, spricht ohne 

Zweifel für Wilsons Klasse als Sänger. 

Und wer spätestens jetzt die Nase rümpft, 

ist freundlichst dazu aufgefordert, sich mit 

dem Doppel-CD/DVD-Pack GENESIS VS 

STILTSKIN – 20 YEARS AND MORE 

selbst einen Eindruck von Ray Wilsons Fähigkeiten 

zu verschaffen, denn sowohl bei 

den Songs, die er mit seiner Band Stiltskin 

veröffentlichte, als auch bei den Liedern vom 

Genesis-Album CALLING ALL STATIONS 

(bei denen er 1997 den Job am Mikrofon von 

Phil Collins übernommen hatte) zeigen vor 

allem eines: Ray Wilson und seine Band liefern 

hier einen richtig guten Job ab! 

(Jaggy D/Soulfood, 2014, 11/58:43, 

10/61:06) us 

Rock 

DORO 

RAISE YOUR FIST – 30TH 

ANNIVERSARY EDITION 

Warum gerade das 2012er Album RAISE 

YOUR FIST (GoodTimes 6/2012) zum 

30-jährigen Bühnenjubiläum der Düsseldorfer 

Metal-Queen Doro (Pesch) neu 

aufgelegt wurde? Ist egal, interessanter ist 

ohnehin die Bonus-CD mit dem Untertitel 

„Powerful Passionate Favorites”. Die enthält 

Doros durchweg gelungene Interpretationen 

von “Nutbush City Limits” (Ike 

& Tina Turner, bislang unveröffentlicht), 

“Only You” (Kiss), Metallicas “Nothing 

Else Matters”, Dios “Egypt”. Dazu gibt es 

das intime Demo ihres “NYC Blues”, der 

sie in ihrem Apartment gepackt hatte (unveröffentlicht); 

eine Mixvariation ihres bekannten 

Duetts “It Still Hurts” mit Lemmy 

sowie “Raise your Fist” auf Französisch 

und die neue Nummer “Warfare”. Fehlt eigentlich 

nur etwas aus den Anfangszeiten 

mit Warlock – ansonsten nicht nur Doro- 

Fans zu empfehlen. 

(Nuclear Blast/Warner, 2014, 

13/54:08, 9/43:39) pro 

ALLAN CLARKE 

SIDESHOW: SOLO 

RECORDINGS 1973–1976 

Natürlich wird der 

Name Allan Clarke 

immer mit den Hollies 

verbunden bleiben, 

war doch dessen 

Leadstimme prägend 

für den Sound der 

Band aus Manchester. 1971 verließ er die 

Hollies, ein Jahr später legte er mit MY 

REAL NAME IS ‘AROLD sein Solodebüt 

(auf Epic) vor. Mit HEADROOM wechselte 

er 1973 zu EMI, wo er ein Jahr später AL- 

LAN CLARKE und 1976 I’VE GOT TIME 

veröffentlichte. Diesen drei EMI-Alben gibt 

es jetzt zusammen auf SIDESHOW: SOLO 

RECORDINGS 1973–1976, ergänzt um 

zwei 1975er Non-Album-Singles, das von 

Clarke geschriebene “Why Don’t You Call” 

und “Born To Run” von Bruce Springsteen. 

Nicht die einzige Vorlage, mit der er sich 

beim „Boss” bediente, sein komplett aus 

Cover-Versionen bestehendes I’VE GOT 

TIME eröffnet mit “Blinded By The Light”, 

führt über Dan Fogelbergs “The Long Way” 

und Chinn/Chapmans “If You Think You 

Know How To Love Me” bis zu “Living In 

Love” der Sutherland Brothers. 


18/80:00, 13/53:16) us 

PUHDYS 


Die Macher des ehemaligen DDR-Labels 

Amiga, mittlerweile ein kleines Team im 

Hause Sony Music, bringen gemeinsam 

mit einer großen Boulevardzeitschrift innerhalb 

des Jahres zwölf Best-Of-CDs erfolgreicher 

Bands und Interpreten aus dem 

Osten heraus. Lässt man sich nicht vom Sticker 

„Die Musik unserer Generation” sowie 

vom großen „25 Jahre Mauerfall”-Logo 

auf der Rückseite beeindrucken und akzeptiert 

außerdem, dass von acht Bookletseiten 

beinahe die Hälfte ein Abo-Coupon 

ist, entdeckt man mitunter viele Hits und 

einige Raritäten. Natürlich können in so 

einer Serie auch die Puhdys nicht fehlen, 

wenngleich es schon unzählige Hitkopplungen 

der Ost-Berliner Kultband gibt. Der 

neue Sampler hat trotzdem seinen Reiz. 

Die Songs wurden mit Bedacht ausgewählt, 

von frühen Hits wie “Türen öffnen sich zur 

Stadt” bis hin zu “Wut will nicht sterben”. 

Die ursprüngliche Version des letztgenannten 

Titels ist aber auch hier nicht zu finden. 

Zunächst war die erste Single-Auskopplung 

aus dem 1999er Album WILDER FRIE- 

DEN ein Duett mit Rammstein-Frontmann 

Till Lindemann. Kurz nach Auslieferung in 

den Handel fand man das bei der Plattenfirma 

Universal (bei denen Rammstein unter 

Vertrag sind) überhaupt nicht lustig, die 

Single ist heute eine teure Rarität. 



CD 

REVIEWS 

TWISTED SISTER 

YOU CAN’T STOP 

ROCK’N’ROLL / COME OUT 

AND PLAY / LOVE IS FOR 

SUCKERS 

Unter dem Namen „Armoury Classics” hat 

Atlantic drei Twisted-Sister-Alben vereint, 

die das Schaffen der US-amerikanischen 

Band in den 80ern zwar gut umreißen, allerdings 

unglücklich zusammengestellt wurden. 

YOU CAN’T STOP ROCK’N’ROLL 

von 1983 gehört zum Klassiker-Trio mit 

dem Debüt UNDER THE BLADE (1982) 

und STAY HUNGRY (1984) und ist ein 

rifflastiges Werk mit enormem Wiederkennungswert, 

starken Songs zwischen Partyhymne 

und Heavy-Metal-Großtat. CD zwei 

beinhaltet die umstrittene Veröffentlichung 

COME OUT AND PLAY, die seinerzeit 

mit grandiosem Gimmick-Cover aufwartete 

(Sänger Dee Snider sprang beim Öffnen 

eines Gullideckels aus dem Frontcover), hatte 

mit Synthies und Saxofon die natürlichen 

Feinde des Heavy-Metal-Fans im Sound. Im 

Bemühen um kommerzielle Halbwertzeit 

fielen einige Songs merklich ab. Dafür ist 

mit “The Fire Still Burns” eine der besten 

Sisters-Kompositionen enthalten. Abgesang 

LOVE IS FOR SUCKERS (1987) war 

ebenfalls radiotauglich gedrosselt, hatte aber 

einen größeren Anteil guter Nummern. Alle 

drei CDs kommen mit Bonus-Tracks, die interessant, 

aber verzichtbar sind. 

(Atlantic/Warner, 1983, 1985, 1987, 

3 CDs) jub 

LOU REED 

WINTER AT THE ROXY – 

THE L.A. BROADCAST 

Es gibt wohl einige 

besser klingende 

Bootlegs von Lou 

Reeds Gastspiel im 

Roxy in Los Angeles. 

Dort gastierte der 

New Yorker, als er 

1976 sein damaliges Album ROCK AND 

ROLL HEART tourend promotete. Der 

seinerzeit angefertigte Radiomitschnitt ist 

heute noch von Interesse, auch weil Reed 

damals den Saxofonisten Marty Fogel dabei 

hatte, dazu mit Michael Fonfara (später 

Foreigner) einen Keyboarder – und der legendäre 

Jazzer Don Cherry zwischendurch 

dazustieß. Natürlich fehlte “Walk On The 

Wild Side” (zehn Minuten lang!) nicht, 

dazu gibt’s “Sweet Jane” und “I’m Waiting 

For The Man” und “Lisa Says” aus Velvet- 

Underground-Zeiten”. Die Stimmung auf 

und vor der Bühne war bestens, es wurde 

reichlich improvisiert – die späte offizielle 

Veröffentlichung ist keineswegs Archivfledderei, 

sondern erfreut auch Nicht-Hardcore-Fans. 

(Gold Fish/inakustik, 2014, 8/58:06) pro 

THE JEFFREY LEE PIERCE 

SESSIONS PROJECT 

AXELS & SOCKETS 

Die etwas andere Art Würdigung des 1996 

verstorbenen Jeffrey Lee Pierce nahm 2008 

ihren Anfang, als Cypress Grove, ein ehemaliger 

Mitbewohner des Gun-Club-Frontmanns, 

auf alte, gemeinsam eingespielte 

Cassettenaufnahmen stieß und Freunde, 

Weggefährten und Bewunderer von Pierce 

bat, die unfertigen Songskizzen, Demo-Auf- 

nahmen und Riffs zu finalisieren. Das Ergebnis 

WE ARE ONLY RIDERS war begeisternd, 

umso schöner, dass es 2012 mit THE 

JOURNEY IS LONG eine fast noch bessere 

Fortsetzung gab. Dass es sich tatsächlich um 

eine lange Reise handelt, verdeutlicht nun 

die dritte Compilation. Auf ihr wirken – wie 

schon vorher – unter anderem Nick Cave, 

Debbie Harry, Mark Lanegan, Kid Congo 

Powers und Hugo Race mit. Hinzukommen 

einige andere mehr, etwa Iggy Pop, Primal 

Scream, Thurston Moore und Lydia Lunch – 

quasi ein Who’s who bekannter Alternative- 

Musiker. Wurden bei den ersten beiden CDs 

Pierce’ ruhige Momente gewürdigt, wird es 

auf AXELS & SOCKETS etwas ruppiger. Es 

werden sich also dieses Mal die Fans der frühen 

punkigen Gun-Club-Alben freuen. Und 

die Reise geht wohl weiter, eine vierte Compilation 

soll das große Finale des Jeffrey Lee 

Pierce Sessions Project werden. 

(Glitterhouse/Indigo, 2014, 

18/75:59) an 

RUFF AS STONE 

RUFF AS STONE 

Entstanden 

aus 

einer nachmittäglichen 

Jamsession, 

hört man dieser 

Band aus London 

ihre pure Lust an 

Musik zu jeder Sekunde 

an. Bekanntestes t Mitglied von Ruff 

As Stone dürfte Schlagzeuger Tobias Künzel 

sein, der Prinzen-Sänger hat seit einigen 

Jahren seinen Zweitwohnsitz in der 

Hauptstadt Englands. Dazu gesellen sich 

mit Austin Howard (voc), Rob Tree (b) und 

Tom E Morrison (g) drei Rock’n’Roll-erprobte 

Recken. Vor allem Sänger Howard, 

einigen vielleicht noch von der 80er-Jahre-Band 

Ellis Beggs & Howard bekannt, 

prägt den Powersound dieses Quartetts. 

Das Fundament für seine vokalen Höhenflüge 

liefert eine äußerst druckvolle Bass/ 

Schlagzeug-Kombination, und wenn Howard 

mal kurz Atem holt, springt Gitarrist 

Morrison mit einem wilden Solo in die 

Bresche. Starker britisch geprägter Rock 

zwischen Blues und Glam! 

(shop@brotmannundtoechter.de, 

2014, 5/17:57) us 


BOB DYLAN IN THE 80s 

VOLUME 1 – A TRIBUTE TO 

BOB DYLAN 

Die Eighties sind nach allgemeiner Einschätzung 

nicht gerade das Jahrzehnt, in 

welchem Dylan seine allerbesten Werke 

verfasste. Alben wie SAVED, SHOT OF 

LOVE, EMPIRE BURLESQUE, DOWN 

IN THE GROOVE oder KNOCKED OUT 

LOADED rangieren weiter hinten. Folglich 

dienen die Songs auch nur recht selten 

als Vorlage für Cover-Versionen. Dass die 

besten Lieder aber durchaus ihre Qualitäten 

haben, zeigt hier eine bunte Truppe 

von Interpreten mit Bonnie „Prince” Billy, 

Elvis Perkins, Slash und Built To Spill an 

der Bekanntheitsspitze, die alle noch populärer 

werden möchten. Das Spektrum des 

Gebotenen reicht vom rockig- druckvollen 

“Got My Mind Made Up” (Langhorne Slim 

& The Law) über recht bizarr arrangierte 

Tracks (“Waiting To Get Beat” von Tea 

Leave Green; “Wiggle Wiggle” von Aaron 

Freeman & Slash) bis zur etwas schüchtern 

vorgetragenen Ballade “Death Is Not The 

End”, die Carl Broemel singt, als glaube 

er an den Wahrheitsgehalt des Songtitels 

selbst nicht so ganz. Auch die meisten anderen 

Titel, wie zum Beispiel “Covenant Woman” 

(Hannah Cohen), “Sweetheart Like 

You” (Craig Finn) oder “Night After Night” 

(Deer Trick) gehen in Ordnung, und mit 

“Congratulations” von Elvis Perkins gibt es 

sogar eine Leis tung auf Weltklasseniveau! 

(Ato Records/Import, 2014, 17/72:06) hjg 

RONNIE LANE 

OOH LA LA: AN ISLAND 

HARVEST 

Eines vorweg: Der 

Rezensent ist unheilbarer 

Ronnie-Lane- 

Fan und hält ihn 

für den am meisten 

unterschätzten 

Musiker 

des UK seit 50 

Jh Jahren. Udd Und das bezieht ih sich nicht nur auf 

seine gloriosen Tage mit den Small Faces 

und Faces, sondern primär auf sein Soloschaffen 

mit und ohne die prachtvolle, 

spannend und zugleich entspannt spielende 

Slim Chance Band. Der Grund ist leicht 

zusammengefasst: Lane verstand es megameisterhaft, 

aus formal simpel wirkenden 

Songs aus den Bereichen „Normal-Rock”, 

runderneuertem Rock’n’Roll, Brit-Folk, 

Vaudeville, Pub-Rock und mutiertem Blues 

mittels traumhafter Mischverhältnisse und 

betont lässigem – aber nie nachlässigem – 

Gestaltungswillen Lieder für die Ewigkeit 

zu machen. Den Vorwurf der vermeintlichen 

Unvollkommenheit nahm er in Kauf 

in der Gewissheit, zutiefst menschliche Musik 

zu machen. Der vorliegende Doppeldecker 

bietet haufenweise Beweise für Lanes 

Sonderklasse: “Ooh La La”, “One For The 

Road”, “Give Me A Penny”, “You Never 

Can Tell”, “Country Boy”, “Stone”, “Bottle 

Of Brandy”, “Blue Monday” ... alles hier 

zu hören. Altbekannte Klassiker, irre gute 

Cover-Versionen, einiges auch in unveröffentlichten 

Alternativversionen; hinzukommen 

acht Tracks eines BBC-Konzertes 

vom 23.4.1974. Diese unzerstörbare Musik 

sollte man jeden Tag hören! 

(Island/Universal 2014, 18/74:50 + 

19/75:40) hjg 

IQ 

THE ROAD OF BONES 

Alle fünf Jahre melden sich die Neo-Prog- 

Veteranen mit einem neuen Studio-Album 

zurück. Dabei erfinden sie sich nicht neu, 

sondern pflegen ihren Sound aus melodiösatmosphärischem 

Neo-Prog, mal düsterverhangen, 

dann mit rockigen und krummtaktigen 

Breaks aufrüttelnd. Die Solobeiträge 

von Gitarrist und Bandzentrum Mike Holmes 

sowie Neu-Keyboarder Neil Durant sind 

nicht virtuos-frickelnd, sondern songdienlich, 

melodiös integriert. Der Gesang von Peter Nicholls 

fügt die charakteristische Note hinzu. 

Somit schließt das reife Album nahtlos an den 

Vorgänger FREQUENCY an, erreicht aber 

nicht ganz die Klasse von DARK MATTER. 

Hoffentlich muss man nicht weitere fünf Jahre 

auf das nächste Album warten! 

(Rsk Entertainment/Soulfood, 2014, 

5/53:21) rg 

Rock 

JEFF BUCKLEY 

DREAMS OF THE WAY WE 

WERE 

1997 schon ist der Singer/Songwriter 

Jeff Buckley (*1966) verstorben, doch 

von kaum einem Künstler gibt es so viele 

posthume Veröffentlichungen. Jetzt also 

DREAMS OF THE WAY WE WERE. Dabei 

handelt es sich um den bislang offiziell 

nie veröffentlichten Mitschnitt einer solo 

akustisch gespiel ten Show des Radiosenders 

WFMU in New Jersey. Cover-Versionen 

dominieren, darunter die grandiose 

“Hallelujah”-Übernahme von Leonard Cohen 

sowie Songs von Elton John, Bob Dylan, 

Leiber/Stoller, Van Morrison oder Curtis 

Mayfield. Dazu mit “Unforgiven” und 

“Eternal Life” zwei starke Eigenbauten. 

Alles klingt eindringlich, intensiv wie intim 

und emotional (das Tradional “Corpus 

Christi Carol” a-cappella!) mit ordentlichem 

Sound. Dazu ist ein informatives Interview 

mit Buckley zu hören. Gelungener 

Versuch, an einen Großen zu erinnern. 

(Iconography/inakustik, 2014, 

14/70:30) pro 

THE BYRDS 

STRAIGHT FOR THE SUN 

Natürlich 

kann 

man über die 

Soundqualität 

streiten. Aber dank 

einer Radio-Aufzeichnung 

klingt 

es okay, was die 

Byrds am 12. September 1971 in Washington 

ablieferten – also die Besetzung mit 

Roger McGuinn, Gene Parsons, Skip 

Battin und Clarence White. Das Quartett 

servierte einen eklektischen Querschnitt 

der bis dahin veröffentlichten Alben mit 

einer dynamischen Version von “Lover Of 

The Bayou”, aber natürlich auch ihren unverkennbaren, 

von Dylan übernommenen 

“Mr. Tambourine Man”, “So You Want To 

Be A Rock’n’Roll Star” und “Eight Miles 

High”. Neben dem allseits geschätzten Mix 

aus Country-Folk-Rock gab’s auch Andeutungen 

von Bluegrass (mit McGuinn am 

Banjo) – und am Ende noch Chuck Berrys 

“Roll Over Beethoven”. Nicht nur unter 

historischen Gesichtspunkten relevant und 

für Byrds-Liebhaber geradezu ein Muss. 

(All Access/inakustik, 2014, 14/51:29) pro 

PAUL STAUNTON & 

THE CHARMERS 

PAUL STAUNTON AND THE 

CHARMERS 

Nach seinem Umzug von Dublin nach 

New York musste der irische Songwriter, 

Gitarrist und Sänger Paul Staunton in der 

neuen Heimat erst einmal neue Mitmusiker 

finden. Mit dem Sänger und Bassisten 

Shane Visbal (Mercury Pills) und 

dem Schlagzeuger Michael Galante (Felony 

Bebop Club), beide aus New York, 

stimmte die Chemie auf Anhieb so gut, 

dass sie gemeinsam die Band Paul Staunton 

And The Charmers aus der Taufe hoben. 

Auf seinem jetzt veröffentlichten, 

selbstbetitelten Debüt bietet das Trio tiefgründigen 

Indie-Folkrock, bei dem vor 

allem Stauntons Gesang sowie seine über 

weite Strecken ziemlich ruppig eingesetzte 

elektrische Gitarre im Vordergrund ste- 


CD 

REVIEWS 

hen. Anspieltipp: das lässige “You 

Had It All”, einer der ruhigeren 

Tracks des Albums. 

(Anagnina Records/Import, 2014, 

12/47:51) us 

SANTANA 

CORAZON 

Hä? Wie bitte? 

„The very first 

Latin 

inspired 

album” ist auf 

dem Sticker zu 

lesen, der die 

neue Santana- 

CD CORAZON ziert. Was hat denn 

der Gitarristenveteran jahrzehntelang 

gemacht? Man kann sich jedenfalls 

des Eindrucks nicht erwehren, dass 

Carlos Santana eine Frischzellenkur 

hinter sich hat: Es klingt meist 

peppig, vorwärts drängend, auch die 

Neufassung von “Oye Como Va” als 

“Oye 2014”, die gemeinsam mit dem 

Rapper Pitbull entstand. Dass Santana 

auch verhaltener kann, demonstriert 

er auf der von Lila Downs und 

Nina Pastori spanisch gesungenen, 

akustisch eingespielten Nummer 

“Una Noche En Napoles”. Stets sind 

Vokalgäste dabei: Ziggy Marley hat 

“Iron Lion Zion” reggaefiziert, Gloria 

Estefan ist ebenso zu hören wie 

Diego Torres, dazu trommelt Gattin 

Cindy Blackman Santana auch mal. 

Santanas Gitarrenspiel betört einfühlsam 

wie eh und je – und ja, die Latin- 

Dominanz war selten so ausgeprägt 

wie hier. 

(RCA/Sony Music, 2014, 

12/45:26) pro 

THE BONNIWELL 

MUSIC MACHINE 

THE BONNIWELL MUSIC 

MACHINE 

Dieser Doppeldecker ist die Fortsetzung 

der Doppel-CD THE MUSIC 

MACHINE (Big Beat CDWIK2-271 

von 2006). Das Werk des Garagen- 

Rockhelden Sean Bonniwell (1940 

– 2011) liegt damit bis auf “No Girl 

Gonna Cry” (zu hören auf der Sundazed-CD 

BEYOND THE GARAGE) lückenlos 

vor; sein Solo-Album CLOSE 

enthält keinen Garagen-Rock. Die ganz 

harten Garagentage von 1966 mit Klassikern 

wie “Talk Talk” und “The People 

In Me” waren 1968 zwar vorbei, aber 

Bonniwells Mainstream-ferner Rock 

klang noch immer prächtig gegen den 

Strich gebürstet und hatte genügend 

psychedelisches Feuer zu bieten. CD 

1 enthält das Warner-Album mit fantastischen 

Songs wie “Soul Love”, 

“I’ve Loved You”, “Discrepancy” und 

“Astrologically Incompatible” sowie 

zeitgleiche Singles, darunter Treffer 

wie “In My Neighborhood” und “Tin 

Can Beach”. CD 2 bringt Raritäten wie 

die Flexi-Disc “Point Of No Return”; 

Homedemos, die nur Komplettsammler 

brauchen, und „richtige Demos” wie 

“Dark White” und “King Mixer”, die 

jede Garagen-Rocksammlung bereichern. 

Außerdem gibt es Aufnahmen 

des 1965er Vorläufertrios The Ragamuffins 

und einige Solowerke von Sean 

Bonniwell. Extrapunkte für das 28-seitige 

Booklet. 

(Big Beat-Ace/Soulfood, 2014, 

25/59:00 + 24/63:02) hjg 

DEEP PURPLE 

MADE IN JAPAN – 40TH 

ANNIVERSARY EDITION 

Als „40th Anniversary Edition” wird 

die jüngste Neuauflage von Deep 

Purples MADE IN JAPAN angepriesen 

– nach immerhin 42 Jahren. 

Mit MACHINE HEAD befand sich 

die Mk-II-Besetzung mit Ian Gillan, 

Ritchie Blackmore, Jon Lord, Roger 

Glover und Ian Paice künstlerisch 

wie erfolgsmäßig im Zenit – und 

live legte das Quintett unglaubliche 

Power und inspirierte Spielfreude 

an den Tag. Die erneute Wiederveröffentlichung 

von MADE IN JAPAN 

präsentiert die bislang umfassendste 

Dokumentation der drei Shows dort. 

Die „normale” Doppel-CD-Edition 

enthält das Gastspiel vom 16. August 

1972 in der Festival Hall Osaka, der 

zweite Silberling bietet die Zugaben 

aller drei Konzerte. Das 4-CD/1- 

DVD-Boxset macht alle drei Gigs 

(15.+16.8. Osaka/17.8. Tokio) plus 

die Zugaben hörbar – und verdeutlicht, 

dass stets das gleiche Set angestimmt 

wurde. Aber auch, dass die 

Band innerhalb der Songs durchaus 

variierte. Und die Soli/Jams nahmen 

viel Zeit in Anspruch. Bis dahin, 

dass vor allem Blackmore (hier und 

da auch Lord) „Tonkonstruktionen 

schufen, die keine Harmonien aufweisen, 

sondern an Lärm erinnern”, 

wie die von der Klassik geprägte 

Rezensentengattin kritisch anmerkte. 

Was ein Rockfan nicht unbedingt 

stört. In Fanforen wird heftig gestritten, 

ob der Bass im neuen Remix zu 

leise, die Bassdrum zu laut und die 

Gitarre zu weit nach hinten gemischt 

ist – ebenfalls Geschmacksache. 

Hauptsache, JAPAN ist nun stundenlang 

(samt einer DVD über Mk II 

plus zusätzliche Livetracks) wiederzuerleben. 

(Universal, 2014, 

4 CDs + 1 DVD) pro 

Rock 

FEELSAITIG 

FEELSAITIG 

Was die Großen können, kriegen 

wir auch locker hin. Mag sich Sandy 

Wolfrum gedacht haben und hat 

das selbst betitelte Debüt seiner 

Band Feelsaitig als remasterte „30th 

Anniversary Deluxe Edition” neu 

aufgelegt. Angereichert mit zwei 

neuen Songs und fünf 1987 mitgeschnittenen 

Livetracks. Feelsaitig, 

das waren 1983 Wolfrum (voc, g), 

Robert Wachsmann (voc, g, mandoline) 

und Hanzie Scharrer (b, voc, 

†2006). Sie machten Liedermacher- 

Folk mit Rock-, aber auch dezenten 

Mittelalteranleihen (lange vor dem 

späteren Boom). Sie sangen deutsch 

(auch fränkisch) und englisch über 

politische wie alltägliche Themen, 

oft mit einem Augenzwinkern – 

vieles hat weiter Aussagekraft. Ihr 

Markenzeichen waren der Harmoniegesang 

und filigranes (Akustik-) 

Gitarrenspiel – die beeindrucken immer 

noch, auch wenn manches aus 

heutiger Sicht ein wenig altbacken 

wirkt. 

(Intraton, 1984, 19/66:50) pro 

NICK MAGNUS 

N’MONIX 

Von 1978 

bis 1989 war 

Nick Magnus 

Keyboarder 

in Steve Hacketts 

Tourund 

Studioband, 

seit Anfang der 90er ist er auf 

Solopfaden unterwegs, mit N’MONIX 

ist er mittlerweile bei Album Nummer 

Fünf angekommen. Geboten wird darauf 

klassischer britischer Prog-Rock, 

der mit seinem Hang zur Theatralik 

und zu symphonischen Klängen fest in 

den 70ern verwurzelt ist. Für die Vertonung 

seiner Songs hat Magnus Tony 

Patterson, James Reeves, Tim Bowness, 

Pete Hicks, Andy Neve sowie die 

Sopranistin Kate Faber ans Mikrofon 

geholt, dazu konnte er im Studio noch 

die Gäste Rob Townsend am Saxofon 

und Steve Hackett an der Gitarre 

begrüßen. Schönes Album, Freunden 

von frühen Genesis oder von Steve 

Hacketts 80er-Solo-Werken wärmstens 

empfohlen. 

(Cherry Red/Rough Trade, 

2014, 8/46:54) us 

SE DELAN 

THE FALL 

Für das im März dieses Jahres veröffentlichte 

Werk seiner Band Crippled 

Black Phoenix (WHITE LIGHT 

GENERATOR, siehe GoodTimes 

2/2014) hat Frontmann Justin Greaves 

Belinda Kordic fest an Bord geholt. 

Bei Se Delan stellt er die Stimme der 

Schwedin, die man bisher vor allem 

unter ihrem Künstlernamen Killing 

Mood kannte, in den Mittelpunkt. 

Klassisch die Arbeitsteilung des 

Duos: Sängerin Kordic sorgt für die 

Texte, Mastermind Greaves für die 

Musik. Diese ist größtenteils eher ruhig 

und sich langsam entwickelnd angelegt, 

erinnert an Gothic, Acid-Folk 

und Shoegaze, doch ab und zu werden 

die Zügel auch angezogen, und es geht 

in Richtung düsterer Prog-Rock. Wer 

die eher verspielten Crippled-Black- 

Phoenix-Songs liebt, wem das letzte 

Album der Briten gefiel, der wird auch 

mit THE FALL bestens bedient. 

(kScope/edel, 2014, 10/46:45) us 


LP 

REVIEWS 

SPACE DEBRIS 

PHONOMORPHOSIS 

Mit dem aktuellen 

Longplayer 

haben 

sich Space Debris 

selbst 

übertroffen 

– und das ist keine 

leere Floskel, sondern 

schlichtweg Tatsache. 

Tommy Gorny an der Gitarre, Mitja 

Besen am Bass, Christian Jäger (Drums) 

und Winnie Rimbach-Sator an den Keyboards, 

nicht zu vergessen Magic Petra, 

die für stimmungsvolle Gesangspassagen 

sorgt, erspielen sich einen atmosphärisch 

dichten Sound, bei dem das Feeling im Vordergrund 

steht. Es ist Musik, die aus den 

Siebzigern stammen könnte und das Songformat 

weit überschreitet, was allein schon 

mit der Spiellänge von 18 bis 20 Minuten 

je Titel belegt werden kann. “Colossus 

Stranded” beginnt als floydiges Klangbild, 

steigert sich zu feurigen Improvisationen, 

wird von einem ruhigen Part abgelöst, wonach 

wieder expressive Gitarren- und Keyboardsoli 

die Aufmerksamkeit erhöhen, 

und schließt mit einem Teil, der von Deep 

Purple circa 1971 stammen könnte. Fein! 

Während der Titeltrack offensiver und experimenteller 

klingt, bestimmen leicht jazzige 

Klänge und Soli von Gorny, der sich 

hier selbst übertrifft, “Cat Flow Deluxe”. 

“Journey Back To The Moon” hingegen 

wandelt sich von einem kernigen Space- 

Rocker zu floydigen Soundscapes und beschließt 

das Album so wie es angefangen 

hat. Im Grunde genommen symbolisiert das 

knallig-bunte Cover den Ansatz der Band: 

Sie bezieht sich auf eine längst vergessene 

Ära, kreiert aber einen hochindividuellen 

Sound, der sich deutlich von Plagiat-Psychedelikern 

abhebt und bei dem Vergleiche 

eben nur Vergleiche sind. Empfehlung. Neben 

der Vinylausgabe erscheint eine CD in 

einem schmucken Digipak. 

(Green-Brain, www.green-brainkrautrock.de, 

4 Tracks) 

at 

RYAN ADAMS 

LOVE IS HELL 

Der inoffizielle Titel 

des GoodTimes- 

LP-Highlights 

geht 

klar an diese schöne 

Schatulle. Sie liefert 

auf den ersten beiden 

Longplayern die 

so genannten EPs “Love Is Hell Part I & 

II”, die Ryan Adams (bitte nicht mit Bryan 

verwechseln) im Jahr 2003 herausbrachte. 

Schwere, zarte, melancholische, dunkle 

Lieder aus der damals fast unerschöpflichen 

Feder des Singer/Songwriters aus Jacksonville, 

North Carolina. Obwohl nur als Extended 

Plays bezeichnet, waren die beiden 

Scheiben vollwertige Veröffentlichungen, 

die der Ex-Whiskeytown-Sänger bei seiner 

äußerst unwilligen Plattenfirma durchsetzte. 

Natürlich erwartete man von dem Mann, 

der einst die Americana-Wundertüte GOLD 

bescherte, mehr in der kommerziellen Art 

des Vorgängers ROCK’N’ROLL, doch 

der Multistilist wollte und musste einem 

schweren Herzen Luft machen. Diese wunderschönen, 

öfter auch mal mit Geige und 

Cello arrangierten Schmerzensgaben aus 

der Liebeshölle plus einer reduzierten, packenden 

Version von Oasis’ “Wonderwall” 

hat MFSL auf seinem Silver Label nun 

kombiniert mit sieben Songs, die es bislang 

nur auf einer schwer erhältlichen Japan- 

Bonus-CD gab. Okay, musikalisch fallen 

diese, ähem, geräuschvollen Lieder mit 

Titeln wie “Fuck The Universe” deutlich 

hinter die in Würde gereiften Juwelen der 

anderen Scheiben zurück, wo übrigens auch 

mal keine Geringere als Marianne Faithful 

im Background zu hören ist. Doch den 

Sammlerwert dieser einzeln nummerierten 

Ausgabe, blitzblank gepresst und erstklassig 

von den wohl digitalen Mastern analog 

aufbereitet, hebt die Zugabe nochmals an, 

ebenso wie das 20 Seiten starke Booklet mit 

allen Texten und Besetzungen. 

(MFSL/Sieveking Sound, 2003, 

3 LPs 23 Tracks) lbr 

GRACE JONES 

NIGHTCLUBBING 

Neben der Wiederveröffentlichung 

als 

Standard-CD 

erscheint 

Grace 

Jones’ 1981er Album 

NIGHTCLUBBING 

auch als Deluxe- 

Doppel-CD (mit einer zweiten CD voller 

Bonus-Tracks sowie erweitertem Booklet) 

und als hochwertige Doppel-LP. Die erste 

der beiden exzellent klingenden 180g- 

Scheiben liefert die neun Tracks des Originalalbums, 

auf den Seiten drei und vier 

gibt es dann noch acht zusätzliche Songs, 

12”-Remixe, Long- und Extended Versions. 

Gerade in diesen langen Fassungen 

können Stücke wie das Police-Cover “Demolition 

Man”, “Walking In The Rain” 

von Flash & The Pan oder Bill Withers’ 

“Use Me” ihre wahre Pracht entfalten, 

doch auch die von Grace Jones selbst verfassten 

Titel wie “Pull Up To The Bumper” 

oder “Feel Up” können dieses Niveau locker 

halten. Kein Wunder, mit Musikern 

wie Robbie Shakespeare (b), Sly Dunbar 

(dr), Mickey Chung (g), Barry Reynolds 

(g) und Tyrone Downie (keys) hatten die 

Island-Hausproduzenten Chris Blackwell 

und Alex Sadkin auch erlesenes Studiopersonal 

zur Verfügung. 

(Island/Universal, 1981, 17 Tracks) tk 

GRAM PARSONS / 

THE FLYING BURITO 

BROTHERS 

SLEEPING NIGHTS 

1976, drei Jahre 

nach Gram Parsons’ 

Tod, wurde diese 

Compilation-LP veröffentlicht. 

Drei der 

zwölf Tracks stammen 

von Parsons Album 

GRIEVOUS ANGEL, die restlichen 

neun wurden in den frühen 70ern zusammen 

mit den Flying Burito Brothers eingespielt, 

also mit Chris Hillman (b, mand, 

voc), Bernie Leadon (g, banjo, voc), Sneeky 

Pete Kleinow (pedalsteel) und Michael 

Clarke (dr). Auf von Parsons geschriebene 

Songs wurde aus rechtlichen Gründen für 

SLEEPING NIGHTS komplett verzichtet, 

vielmehr hat sich Produzent Jim Dickson 

bei der Auswahl auf Country-Rockstandards 

konzentriert: Merle Haggards “Tonight 

The Bottle Let Me Down” und “Sing 

Me Back Home”, Buck Owens’ “Together 

Again”, dazu die “Honky Tonk Women” 

der Rolling Stones, das zusammen mit 

Emmylou Harris gesungene “The Angels 

Rejoiced Last Night” der Louvin Brothers 

und Standards wie “Green Green Grass Of 

Home”. Und auch wenn dies eine wild zusammengewürfelte 

Mischung ist, Parsons 

und seine Begleiter machten selbst daraus 

Gold ... 

(Music On Vinyl/Cargo, 1976, 

12 Tracks) us 

CHET BAKER 

EARLY CHET – CHET BAKER IN 

GERMANY 1955–1959 

Die im Albumtitel 

genannte 

Zeitspanne 

umfasst entscheidende 

Jahre 

des wohl lyrischsten 

Jazztrompeters 

seiner Zeit. 1955 

kam er frisch verliebt und als Vorjahres- 

Jazzpoll-Gewinner nach Deutschland, wo 

ihm das Orchester Kurt Edelhagen musikalisch 

schon mal für einen Titel den roten 

Teppich auslegte. Wie auch im Folgejahr, 

wo es unter anderem sogar eine Nummer 

“Baker ‘56” abzufeiern galt. Und für zwei 

traumhaft schöne Duette trat damals eine 

multitalentierte Sängerin ans Mikrofon: 

Caterina Valente. 1959 kam Baker wieder, 

an der Nadel hängend, aber noch immer 

einzigartig poetisch blies er die Solos zu 

vier Balladen, die ihm das Tanzorchester 

des Südwestfunks (das hieß wirklich so) 

unter der Leitung von Rolf-Hans Müller in 

Baden-Baden eingerichtet hatte. Ein Riesendank 

an das Jazzhaus für diese erstaunlich 

frisch klingende Monoschallplatte mit 

Voucher zum digitalen Download. 

(Jazzhaus/Naxos, 1955–1959, 

11 Tracks) lbr 

WILSON PICKETT 

THE SOUND OF WILSON 

PICKETT 

Beim Namen Wilson 

Pickett 

erklingen 

vor dem „geistigen 

Ohr” 

augenblicklich 

seine Megahits 

“In The Midnight 

Hour”, “Mus tang 

Sll” Sally” oder auch h“Land Of 1000 Dances”. 

Allerdings lohnt sich eine nähere Beschäftigung 

mit den Einzelalben, denn der 

charismatische und hart agierende Sänger 

hat zahlreiche hochinteressante Werke 

hinterlassen. THE SOUND OF WILSON 

PICKETT erschien 1967 auf Atlantic und 

wurde vom Produzentenass Tom Dowd in 

den Fame Recordings Studios aufgenommen. 

Zwar beginnt der Einstieg “Soul 

Dance Number Three” noch im mittleren 

Tempo, aber schon bei “Funky Broadway” 

rocken die Musiker im Soulkontext. 

Während die beiden Parts von “I Found 

A Love” die ruhige und expressive Seite 

Picketts verdeutlichen, lässt er bei “Mojo 

Mamma” mit Unterstützung seiner Bläser 

die Funken fliegen. Klassiker in gewohnter 

Speakers-Corner-Qualität. 

(Speakers Corner Records, 1967, 

11 Tracks) at 

Vinyl 

ROY ORBISON 

SINGS LONELY AND BLUE 

Ein schöner wie für 

die Fans kostspieliger 

Trend zeichnet 

sich immer stärker 

ab: Meisterwerke der 

Popgeschichte, teilweise 

schon vorher 

auf audiophilen Speziallabeln wiederveröffentlicht, 

nun auf zwei mit 45 Umdrehungen 

pro Minute rotierende Scheiben zu pressen 

– um das Letzte aus den alten Masterbändern 

rauszuholen. Auch von Roy Orbisons LO- 

NELY AND BLUE gab es schon eine hochwertige 

Fassung auf Classic Records – doch 

die Original Recordings Group um Soundguru 

Bernie Grundman wollte es nochmal 

wirklich wissen. Der wohl beste Tenor der 

Rock- und Pop-Sängerschar zeigte seine 

grandiose Klasse in einer musikalisch eher 

leichtgewichtigen Kollektion von Schlagern 

und Popliedchen, die aber Produzent Fred 

Foster bis ins letzte Background-„Uhuhu” 

perfektionierte. Unfassbar, was an Dynamik 

und Nuancen schon damals auf die Zweiund 

Dreispur-Bandmaschinen passte. Die 

Evergreens wie der Titelsong oder der Heuler 

“Cry”, aber auch eher vergessene Perlen 

wie “Raindrops” begeistern wie nie. Man 

will die feinst gefertigten Scheiben gar nicht 

vom Teller nehmen – da hätte es gar nicht 

mehr der Enge des Klappcovers bedurft, in 

die man sie kaum zurückzwängen kann. 

(ORG/Sieveking Sound, 1960, 

2 LPs 45 rpm, 12 Tracks) lbr 

NEKTAR 

SUNDAY NIGHT AT LONDON 

ROUNDHOUSE 

Schon alleine dass 

sich eine britische 

Prog-Rockband 

in 

Deutschland 

zusammenfand, 

war 

Ende der 60er Jahre 

reichlich ungewöhnlich, 

auch ihre ersten, reichlich obskuren 

Psychedelic-Alben waren alles andere als 

einfache Kost. Einen relativ guten Eindruck 

der Musik, mit der Nektar damals langsam, 

aber sicher vom Geheimtipp zur gefeierten 

Rockband wurde, liefert ihre erste Live-LP 

aus dem Jahr 1974 mit dem Titel SUNDAY 

NIGHT AT LONDON ROUNDHOUSE. 

Die ersten gut zehn Minuten können noch 

unter „Warmspielen” verbucht werden, 

doch mit “Desolation Valley” nimmt der 

Nektar-Zug so langsam Fahrt auf, das die 

komplette zweite Seite der Doppel-LP 

einnehmende “A Day In The Life Of A 

Preacher Featuring The Birth Of Oh Willie” 

führt schließlich zu einem der besten 

Livelongtracks aller Zeiten, zum knapp 

18-minütigen “Remember The Future Part 

One”, hier die komplette dritte LP-Seite 

einnehmend. Auch die vierte Seite mit drei 

kürzeren Stücken liefert progressiven Rock 

der Extraklasse, immer wieder getragen von 

langen Solos. Der Sound der 180g-Vinylscheiben 

ist absolut okay, dass vor allem die 

Bässe und die Mitten mehr Präzision vertragen 

könnten und der Klang ab und zu etwas 

dumpf daherkommt, liegt wohl nicht an der 

Überspielung, sondern an der damaligen 

Aufnahmetechnik. 

(Bellaphon/Cargo, 1974, 7 Tracks) us 


LP 

REVIEWS 

SHAKTI WITH JOHN 

McLAUGHLIN 

NATURAL ELEMENTS 

Das dritte Album 

von Shakti, 

einer Band, 

der neben John 

McLaughlin 

nur 

indische 

Musiker 

angehörten, 

ist sicherlich ih hder am leichtesten 

zugängliche Longplayer. Ihn 

kennzeichnet eine durchgehend positive, 

lebenslustige und beschwingte 

Atmosphäre, die das Genre Ethno 

übersteigt, da hier auch westliche 

Elemente zu hören sind. Neben 

Ethno-Rock mit ausgezeichneter 

Perkussion (“Mind Ecology”) und 

dem leicht süßlichen und von einer 

Violine bestimmten “Happiness Is 

Being Together” steht ein schnelles 

“Come On Baby Dance With Me” im 

Mittelpunkt des Geschehens. Aufgenommen 

im Juli 1977 in den Aquarius 

Studios in der Schweiz, dokumentiert 

die Scheibe (180g-Pressung, tolles 

Cover) das Bestreben, den Menschen 

durch die Musik ein Geschenk zu machen. 

Konsumdenken – keine Spur! 

So waren die Siebziger. Macht Spaß. 

(Speakers Corner Records, 1977, 

8 Tracks) at 

BOB DYLAN 

THE TIMES THEY ARE 

A-CHANGIN’ 

Die Mobile Fidelity 

Sound 

Labs schreiten 

munter 

voran 

mit den 

ultimativen 

Ausgaben 

des 

Dylan’schen Frühwerks. Füh Nun kommt 

der dritte Longplayer des Helden, 

1963 aufgenommen und im Januar 

1964 veröffentlicht, in der klanglich 

unschlagbaren Fassung auf zwei LPs, 

die mit 45 Umdrehungen pro Minute 

rotieren. Da haben die gerade mal 

zehn Songs reichlich Platz, ihre CD- 

Pendants in Sachen Dynamik und 

Nuancen in die Schranken zu weisen. 

Mal ganz davon abgesehen, dass man 

die „11 Outlinded Epitaphs”, die Dylan 

damals noch schriftlich zugab, 

endlich ohne Lupe lesen kann. Mit 

dem Titelsong schuf Dylan natürlich 

einen Klassiker, doch noch mehr lyrische 

und anklagende Klasse zeigte 

er mit dem Siebenminüter “With 

God On Our Side”. Damals war Dylan 

wirklich noch Protestsänger, sang 

mit noch erstaunlich wandlungsfähiger 

Stimme gegen Kriegstreiber, 

Rassisten und Kapitalisten an. Auch 

wenn er mit “Boots Of Spanish Leather” 

auch schon mal sehr persönlich 

wurde. Wenn sich die Spätgeborenen 

in den letzten beiden Dekaden immer 

mal wieder gefragt haben, was zum 

Teufel an diesem krächzenden Kauz 

eigentlich dran ist: Hier sind definitive 

Antworten. 


2 LPs 45 rpm, 10 Tracks) lbr 

BILLY JOEL 

THE STRANGER 

Ein 

bisserl 

deppert 

reduzieren 

manche 

Musikjournalisten 

die Jahre 

1975–1977 nur 

auf die ach so 

dll dolle Punk-Revolte. kR Und überhören, 

dass die wahren Meis terwerke meist 

aus anderen Genres stammten. Wie das 

Opus Magnum des US-Singer/Songwriters 

Billy Joel, der damit zwar „nur” 

auf Platz zwei der Charts vorrückte, 

sich aber in „ewigen” Bestenlisten locker 

in die Top Hundred einreiht. THE 

STRANGER strotzt vor First-Class- 

Songs; es fällt schwer, da einen herauszuheben. 

Die unvergleichlich schöne 

Ballade “She’s Always A Woman” 

huldigt dem anderen Geschlecht fast 

noch intimer als “Just The Way You 

Are”, und die epischen “Scenes From 

An Italian Restaurant” markieren einige 

der stärksten siebeneinhalb Minuten 

der Popgeschichte. MFSL schnitt die 

gleichfalls meisterliche Produktion von 

Phil Ramone jetzt auf vier schnell rotierende 

180-Gramm-Vinyls um – und die 

Kinnlade klappt ehrfürchtig runter. Dem 

Autor liegen vier Vergleichs-Versionen 

vor – auflegen wird er in Zukunft wohl 

nur noch diese. 

(MFSL/Sieveking Sound, 

1977, 2 LPs 45 rpm, 9 Tracks) lbr 

OSCAR PETERSON 

EXCLUSIVELY FOR MY 

FRIENDS 

Jazzfans 

würden 

den „LP- 

Highlight”-Titel 

na tür lich nicht 

an Ryan Adams 

(siehe 

oben) 

vergeben, 

sondern 

ebenso nachdrücklich an diese 

prachtvolle Box. Die Musikgeschichte 

kennt etliche grandiose Jazzpianisten 

– und einige wenige Giganten. 

Einer davon war der Kanadier Oscar 

Peterson (1925–2007). Der spielte 

nicht nur unglaublich versiert und variabel, 

sondern hatte auch ein Faible 

für guten Sound. Und den konnte ihm 

der gleichfalls legendäre Hans-Georg 

Brunner-Schwer (HGBS) mit seiner 

Musik Produktion Schwarzwald 

(MPS) in den 60ern bieten. In Wohnzimmer 

seiner Villa machte der angeschwärmte 

Pianist dann vor wenigen 

erfreut applaudierenden Gästen mit 

wechselnden (Trio)-Besetzungen immer 

wieder höchstkarätige Hausmusik. 

Die durfte freilich bis 1968 nicht 

veröffentlicht werden, da das Genie 

zuvor noch exklusiv an Verve gebunden 

war. Schon damals machte die 

Serie „Exclusively For My Friends” 

Furore. Das Label MPS und seine 

Produktionen wanderten seither durch 

einige Hände – jetzt hat edel den Katalog 

der Schwarzwälder gekauft. Und 

damit den Zugriff auf die originalen 

Master. Die Wiederaufforstung läuft 

unter dem schönen Namen „Reforest 

Vinyl 

The Legend”. Zum Auftakt gibt es 

die Peterson-Prachtbox mit den Alben 

ACTION, GIRL TALK, THE WAY 

I REALLY PLAY, MY FAVORITE 

INSTRUMENT, MELLOW MOOD 

und TRAVLIN’ ON – würdiger hätte 

man nicht starten können. Zumal 

edel die Bänder vier ausgemachten 

Gold-Ohren fürs – selbstverständlich 

pur analoge – Remastering überließ: 

Dirk Sommer (Sommelier du Son) 

und Christoph Stickel (u.a. ECM) 

kümmerten sich um jedes kleinste 

Detail. Gegenüber vorliegenden Digitalversionen 

kommen die Becken 

etwas entschärft, die Bässe etwas 

markiger und der Steinway des Meisters 

fülliger daher – aber insgesamt 

bleibt das alles grandios unspektakulär. 

Keine klinischen Studiosounds, 

sondern atmosphärische, sehr lebensnahe 

Klänge holt die Nadel da aus tadellos 

gefertigten Rillen. Jazzjuwelen 

ohne Verfalldatum. Jede der LPs der 

Schatulle steckt für sich im original 

reproduzierten Klappcover, die Texte 

dazu sind noch heute ein Lesegenuss. 

Nachdrücklichst empfohlen. 

(MPS/AAA/edel, 1963–1968, 6 LPs 

37 Tracks, auch als 4-CD-Set) lbr 

THE SPACELORDS 

SYNAPSE 

Mit ihrem nunmehr 

dritten 

Longplayer steigen 

die Spacelords 

aus dem 

süddeutschen 

Reutlingen in 

die nächste Dimension i auf. Vier lange 

Tracks statt mehrerer kurzer Titel machen 

aus SYNAPSE einen spacigen 

Trip in psychedelische Gefilde. Dabei 

dröhnen die Sounds des Trios ungewohnt 

klar und präzise aus den Boxen, 

wild verwaschenes Gezirpe und Geflirre 

bleiben hier über weite Strecken außen 

vor, klar zuordenbare Töne und straighte 

Rhythmen werden hier Schicht für 

Schicht aufgetragen, angetrieben von 

kraftvoller Dynamik. Immer wieder 

übernehmen wechselnde Sounds die 

Führung, mal ein wummernder Bass, 

mal heftige Riffs, mal flächige Synthies; 

das ist abgefahrener Space-Rock, wie 

man ihn so nur selten von aktuellen 

Bands zu hören bekommt. Die analoge 

Ausgabe des Albums ist auf 500 Stück 

limitiert und kommt in schwerem, blauen 

180g-Vinyl. 

(Sulatron Records/Cargo, 2014, 

4 Tracks) us 

STEPPENWOLF 

STEPPENWOLF LIVE 

Bei 

diesem 

ursprünglich 

im April 1970 

veröffentlichten 

Album 

gibt es einen 

Mix aus Live- 

Aufnahmen Af eines Konzertes im kalifornischen 

Santa Monica mit Studiotracks, 

die durch nachträgliches 

Hinzumischen des Publikums und 

Welcome To His Nightmare. 

SUPER DUPER 

 

 

Die ungeschönte Story 

zum Mythos Alice Cooper. 

Von Banger Films, den Machern von 

„Iron Maiden: Flight 666” und 

„Rush: Beyond The Lighted Stage” 

Erhältlich ab 23.05.2014 

als DVD, Blu-ray und limitierter Deluxe Edition 

im großformatigen Boxset 


LP 

REVIEWS 

gehörig Hall auf der Gesangsspur auf „live” 

getrimmt wurden. “Hey, Lawdy Mama”, 

“Twisted” sowie das Blues-Traditional 

“Corrina, Corrina” wurden damals ohne 

Zustimmung der Band auf diese Weise hinzugefügt, 

damit die Plattenfirma genügend 

Material für eine Doppel-LP erhielt. Den 

Plattenkäufern war das egal, mit Platz 7 in 

den USA und mit Gold ausgezeichnet ist 

STEPPENWOLF LIVE immer noch das 

kommerziell erfolgreichste Live-Album der 

Band, bietet neben den Hits “Born To Be 

Wild”, “Magic Carpet Ride” und “The Pusher” 

auch heavy rockende Liveversionen 

von Titeln wie “Monster”, “Power Play” sowie 

das von Don Convay und Steve Cropper 

geschriebene “Soo kie, Sookie” – auf der 

Plattenhülle als “Sooki, Sooki” gelistet. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1970, 12 Tracks) us 

TOTO 

MINDFIELDS 

Wie so oft scheiden 

sich auch an diesem 

Album die Geister. 

Während die Kritiker 

Ende der 90er Jahre 

kaum ein gutes Haar 

an diesem „überlangen, 

überreizten und gesichtslosen” Album 

fanden, gibt es nicht wenige Toto-Fans, 

die MINDFIELDS immer noch mit für 

das Beste halten, was diese Band zu bieten 

hat. Nicht zuletzt deshalb, weil mit diesem 

Album der nach TOTO IV (1982) ausgestiegene 

Sänger Bobby Kimball wieder zurückkehrte, 

damals (zumindest aus Sicht der 

Fans) ein herber Verlust. Auch dass sich Toto 

mit diesem Album stilistisch weit öffneten, 

dass sie weitaus Gitarren-orientierter als 

zuvor agierten (und damit lange nicht mehr 

so Keyboard-lastig klangen), dass sie sich 

in Stilen wie Blues oder Akustik-Pop versuchten, 

kam bei vielen Musikfreunden sehr 

gut an. Worüber es aber keinen Zweifel gibt, 

ist die ausgezeichnete Tonqualität der beiden 

180g-Vinylscheiben, besser als in der jetzt 

erschienenen Doppel-LP-Ausführung hat 

MINDFIELDS nie geklungen. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1999, 

13 Tracks) us 

THE ROPESH & TOBIAS 

BECKER BIGBAND 

STUDIO KONZERT 

Respekt vor und 

Dank an die Bauer 

Studios und das Label 

Neuklang: Unverdrossen 

machen die 

Idealisten mit ihrem 

live direkt analog auf 

Zweispur geschnittenen LPs weiter – und 

sie wagen immer mehr. Ein Quintett – und 

sogar eine Bigband! Schließlich wächst das 

Risiko von Misstönen und Sicherheitsmucke 

mit jedem beteiligten Musiker exponential. 

Keine Rede davon bei The Ropesh, die zum 

Teil richtig rockig groovend ihre gekonnte 

Mischung aus Elektronik und akustischem 

Jazz abgehen lassen. Sogar ein geiles Basssolo 

lässt die Abtastnadel tanzen. Auch die 

17 Bigband-Profis um Pianist Tobias Becker 

meistern ihr Programm bewundernswert souverän. 

Bei zwei angejazzten Popnummern 

– “50 Ways” von Paul Simon und “People 

Get Ready” von Curts Mayfield – verstärken 

Vinyl 

sie sich noch mit der unprätentiösen, großartigen 

Sängerin Verena Nübel. Dass die TBB 

unter diesen verschärften Aufnahmebedingungen 

ohne alle Korrekturmöglichkeiten 

keine Hochgeschwindigkeitsnummern abfetzen, 

sondern überwiegend mittlere Tempi 

fahren, mindert die musikalische Qualität 

keinen Deut. Und an dem fantastischen, natürlich 

ausgewogenen Klang gibt’s eh nichts 

zu deuteln. Tonmeister Philipp Heck machte 

in beiden Studiokonzerten mal wieder einen 

Super-Job. 

(Neuklang-Bauer/edel, 2014, 6 Tracks 

+ 7 Tracks) lbr 

SANTANA 

III 

Für sein drittes Band- 

Album holte sich 

Carlos Santana einen 

damals 

17-jährigen 

Saitenhexer mit ins 

Boot, der später mit 

Journey noch Karriere 

machen sollte. Neil Schon erwies sich 

als echter Glücksfall – der groovende Latin 

Rock Sound der Combo gewann ein weiteres 

virtuos-melodisches Moment. Und dass Don 

Carlos für “Everbody’s Everything” noch die 

knackige Tower Of Power Horn Section mitpusten 

ließ, gab weitere Pluspunkte. THREE 

(der Titel kam später, offiziell hieß es wie 

das Debüt nur SANTANA) stürmte die Pole 

Position der US-Charts, war lange der kommerziell 

erfolgreichste Longplayer der Latino-Kalifornier. 

CBS/Sony hat ihn unzählige 

Male selber wiederaufbereitet und lizenziert, 

MFSL fügt nun in seiner „Silver Line” eine 

sehr gut gefertigte, wohl vom jüngsten Digital-Remaster 

gezogene, sehr gut klingende 

Fassung im originalen Klappcover hinzu. 


7 Tracks) lbr 

FRANK SINATRA 

POINT OF NO RETURN 

Einen hübsch zwiespältigen 

Titel wählte 

Frank Sinatra für 

seinen endgültigen 

Labelabschied von 

Capitol Records. 

Aber auch die bittersüße, 

tiefmelancholische li h Stimmung des ausschließlich 

mit Balladen bestückten Albums 

fängt er gut ein. POINT OF NO RETURN 

bildet den Abschluss der Sinatra’schen 

„Tristesse-Tetralogie”, zu der auch die 

Schmachtfetzen ONLY THE LONE LY, NO 

ONE CARES und WHERE ARE YOU gehören. 

Ein bisschen Selbstmitleid des alten 

Schwerenöters Frankie Boy schwingt da mit, 

Swing bleibt außen vor in den streicherlastigen 

Arrangements von Axel Stordahl (übrigens 

ein früher Wegbegleiter von FS). Genau 

diesen hellweißen Blues konnte Sinatra aber 

auch wie kaum ein anderer Crooner umsetzen 

– und Produzent Dave Cavanaugh fing 

Können und Atmosphäre gewohnt stilsicher 

ein. MFSL-Mastermind Krieg Wunderlich 

transferierte den exzellenten Sound der 

Original-Master nahezu unangetastet in die 

Rillen der 180-Gramm-Scheibe. Ein Genuss 

auch für Hifi-Fans – aber nichts für Suizidgefährdete. 


12 Tracks) lbr 

CD 

REVIEWS 

BLACK SYMBOL 

JOURNEY 

Der eine oder andere Reggae-Fan kann sich 

vielleicht noch an Black Symbol erinnern. 

In den 70er und 80er Jahren veröffentlichte 

die von jamaikanischen Immigranten im 

nordenglischen Birmingham gegründete 

Formation um den Sänger und Produzenten 

Fatman drei Alben und mehrere Singles. 

Nun, nach mehr als 30 Jahren, gibt es mit 

dem von Paul Horton (Steel Pulse u.a.) 

produzierten JOURNEY überraschend 

ein Comebackalbum. Und das klingt – im 

besten Sinne –, als wäre die Zeit stehengeblieben, 

und zwar mitten in der Reggae- 

Blütezeit der Mittsiebziger. Fans des klassischen 

Roots-Sounds werden ihre wahre 

Freude haben an der von Off-Beat-Gitarrenschlägen, 

tiefen Plucker-Bassläufen und 

Call-and-Response-Gesängen (großartig: 

Backgroundsängerin Empress Bev) vorangetriebenen 

Musik. Textlich gleicht JOUR- 

NEY einer spirituellen Reise, mit “Mama 

Africa” (Songtitel) als stetem Sehnsuchtsort. 

Roots, Reggae, Rastafari! 

(Sugar Shack/Broken Silence, 2014, 

14/56:17) frs 

WALTER TROUT 

THE BLUES CAME CALLIN’ 

Er sei nur mehr 

„ein Schatten seiner 

selbst”, wird Walter 

Trouts Frau Marie 

im Release-Info zitiert, 

und auch der 

krankheitsbedingt 

stark abgemagerte Musiker selbst macht 

seine gesundheitliche Situation zum Thema, 

wenn er etwa im Opener ”Wastin’ Away” 

davon singt, dass er beim Blick in den Spiegel 

nicht mehr wisse, wen er da sehe. Wie 

dieser Song stammen noch neun weitere der 

insgesamt zwölf Titel aus Trouts eigener 

Feder, der bei zweien davon im Übrigen 

auch zur Blues-Harp greift, und musikalisch 

hat der 63-Jährige zum einen riffbetonten 

Blues-Rock im Angebot, schlägt aber auch 

traditionellere Töne an. So z.B., wenn er mit 

”Take A Little Time” Chuck Berry seine Reverenz 

erweist oder bei dessen Instrumental 

”Mayall’s Piano Boogie” mit seinem Mentor 

und ehemaligen Bandleader jammt, dem 

es, so Trout in seinen Liner-Notes, zudem zu 

verdanken sei, dass mit ”The Whale Have 

Swallowed Me” auch ein Titel von J.B. Lenoir 

seinen Weg auf die Tracklist gefunden 

habe. Bleibt zuletzt zu hoffen, dass dieses 

auf Trouts ausdrücklichen Wunsch wie geplant 

veröffentlichte Album, mit dem eigentlich 

das 25-jährige Jubiläum seiner Solokarriere 

zelebriert werden sollte, nicht zugleich 

sein musikalisches Vermächtnis darstellt. 

(Provogue/Rough Trade, 2014, 

12/57:47) ms 

ZED MITCHELL 

AUTUMN IN BERLIN 

Die Beschreibung des Herbsts in Berlin ist 

Teil drei in der Jahreszeiten-Serie des Gitarristen 

und Songschmieds Zed Mitchell 

(bürgerlich: Zlatko Manojlovic) und schließt 

qualitätsmäßig voll an SPRINGTIME IN 

PARIS und SUMMER IN L.A. an. Der im 

Ruhrgebiet lebende Musiker kreiert mit 

seinem elegant fließenden Saitenspiel gefangennehmende 

Stimmungen. Natürlich 

sind Einflüsse von Mark Knopfler, Roy 

Buchanan, Andy Powell oder Gary Moore 

herauszuhören, aber Mitchell kopiert nicht, 

sondern hat daraus seinen eigenen Stil entwickelt. 

Ob er entspannt zupft, rockig groovt 

oder einen Boogie tanzen lässt, es wird nie 

langweilig. Alles hat einen bluesigen Unterton, 

oft unterstützt von seinem nicht weniger 

filigran spielenden Sohn Ted. Bedenkenlos 

zu empfehlen – zumal man schnell vergisst 

zu fragen, was eigentlich den Herbst in Berlin 

ausmacht. 

(Eigenverlag, www.zedmitchell.com, 

2014, 12/51:04) pro 

T-BONE WALKER 

EVERY DAY I HAVE THE BLUES 

Vielleicht liegt’s ja 

doch an den Genen: 

Nicht nur Jimi 

Hendrix 

stammte 

aus einer afro - 

-amerikanischindianischen 

Familie, 

sondern auch der Texaner Aaron Thibeaux 

„T-Bone” Walker, schon in den Vierzigern 

Wegbereiter der elektrischen Bluesgitarre 

und somit einer der einflussreichsten Blueser 

aller Zeiten. Auch als 1969 dieses Album 

entstand, hatte der Titel EVERY DAY I 

HAVE THE BLUES für den Routinier volle 

Gültigkeit. Geboten wird ein Bündel gut 

gebauter Songs aus den Federn von Walker, 

seines Gitarristen Louie Shelton und seines 

Produzenten Bob Thiele, ergänzt durch 

Standards wie den Titelsong aus Memphis 

Slims Katalog, John Lee Hookers “Shake 

It Baby” und Jessie Mae Robinsons “Cold 

Cold Feeling”. Die klug gewählten Übernahmen 

gehören hier zu den Höhepunkten, 

werden aber von Walkers “T-Bone Blues 

Special” noch in den Schatten gestellt, denn 

in diesem Achtminüter kann der Maestro 

seine Mixtur aus technisch perfekter Fingerfertigkeit 

und gehöriger Gefühlstiefe am 

intensivsten ausbreiten. Selbst seinem unvermeidbaren 

“Stormy Monday Blues”, in 

einer Livefassung angeboten, bleibt hier nur 

der Status eines Bonus-Tracks. 

(Flying Dutchman Bluestime/ 

Ace/Soulfood, 1969, 9/39:00) hjg 

THE IMPRESSIONS 

THE IMPRESSIONS 

(DEBUT ALBUM) 

Wie schon der – warum auch immer – angefügte 

Titelzusatz signalisiert, findet sich auf 

dieser remasterten Reissue-CD das 1963 lediglich 

unter dem Bandnamen erschienene 

Debütalbum der Chicago-Soul-Formation 

um den damals noch jungen Curtis Mayfield, 

dessen Tracklist für diese Edition um 

elf Bonus-Titel erweitert wurde. Während 

dabei die zwölf Songs der Original-LP – davon 

allein zehn aus Mayfields Feder – zwischen 

Juli 1961 und März 1962 eingespielt 

wurden, stammt das zusätzliche Material 

mit Ausnahme der 1963er Hitsingle ”It’s All 

Right” (die wiederum auf anderen Ausgaben 

von THE IMPRESSIONS auch als regulärer 

Opener Verwendung fand) aus früheren 

Aufnahmesessions. Ergänzt wird das 

Ganze durch Informationen zur Geschichte 

der Gruppe sowie die ursprünglichen Liner- 

Notes im 16-seitigen Booklet. 

(Soul Jam Records/inakustik, 1963, 

23/58:23) ms 


CD 

ARETHA FRANKLIN 

ARETHA’S GOLD 

Die zweite in den USA offiziell erschienene 

Compilation der „Queen Of Soul” eignet 

sich hervorragend zum Einstieg, da hier 

alle bis 1969 aufgenommenen legendären 

Titel zu finden sind. Das unvergessliche 

und trotz der langsamen Geschwindigkeit 

aufpeitschende “I Never Loved A Man 

(The Way I Love You)”, das unvergessliche 

“Respect”, das groovige “Baby, I Love 

You” und nicht zu vergessen ein melancholisches 

und packendes “(You Make Me 

Feel Like) A Natural Woman” haben sich 

im Laufe der Jahre zu Klassikern des Soul 

entwickelt. Beeindruckend ist immer noch 

die ausdrucksstarke und eigenständige 

Stimme, mit der Aretha Franklin die Stücke 

verwandelt und zugleich ihre Mitmusiker 

anstachelt. Das Remastering der aktuellen 

Edition fällt sehr warm aus, wobei der untere 

Bassbereich behutsam angehoben wurde. 

(Mobile Fidelity/Sieveking Sound, 1969, 

14/40:19) at 


ONE IN A MILLION – THE 

SONGS OF SAM DEES 

Obwohl Sam Dees 

auch als Interpret 

– 

sein Album THE 

SHOW MUST GO 

ON ist ein Meisterwerk 

auf Augenhöhe 

mit den besten Taten 

von Marvin Gaye in den Siebzigern! –, primär 

aber als Komponist zweifellos ein „Master 

Of Soul Music” ist, ist er nicht annähernd 

so bekannt wie seine Kollegen Holland/Dozier/Holland, 

Gamble/Huff oder Dan Penn. 

Der Grund ist simpel, aber tragisch: Seine beste 

Zeit hatte Dees in den Jahren 1971–1981, 

in denen es um den Soul – trotz zahlreicher 

individueller Glanztaten – schleichend immer 

„irritierender” bestellt war, weil vor allem die 

weltweiten Hits seltener wurden und fast 

alle stilistischen und produktionstechnischen 

Neuerungen zwar auf dem zukunftsorientierten 

schwarzem Markt kaum Schaden anrichteten, 

wohl aber auf dem weit konservativeren 

weißen. Lange Rede, kurzer Sinn: 

Sam Dees war ein Meister der Zwischentöne 

– längst nicht so erdig wie die Jungs in 

Memphis, aber deutlich zupackender wie 

die Samt & Seide-Meister des Philadelphia- 

Sounds, andererseits nicht so offensiv-poppig 

wie Tamla-Motown. So reichte es immerhin 

noch zu zeitresistenten Songs wie “Your 

Love Is Like A Boomerang” (Corey Blake), 

“Changes” (Clarence Carter), “Spoiled By 

Your Love” (Anita Ward) oder “Seconds Of 

Your Love” (Johnnie Taylor). Kompiliert 

wurden hier 22 Tracks, die fast alle nicht unvergesslich 

sind, aber jeder sinnvollen Soulsammlung 

gut zu Gesicht stehen. 


THE KENNY WAYNE 

SHEPHERD BAND 

GOIN’ HOME 

Ein Album mit Musik von einigen seiner 

größten Einflüsse habe er aufnehmen 

wollen, schreibt Shepherd im Booklet, 

und dafür auf Songmaterial aus den Katalogen 

seiner „heroes” zurückgegriffen, 

als da u.a. wären die drei Kings, Muddy 

Waters, aber auch Stevie Ray Vaughan. 

Blues – R&B – Soul – Funk – Reggae 

Mit Letzterem hat der Gitarrist und Sänger 

aus Louisiana hier in der Person von 

Chris Layton nicht nur den Drummer gemein, 

sondern auch das Gespür für jene 

Balance von Tradition und Moderne, die 

das Subgenre des Blues-Rock eben nicht 

allein auf dessen zweiten Wortbestandteil 

reduziert. Unterstützt wurde Shepherds 

Band bei einzelnen Tracks von illustren 

Gästen wie Warren Haynes, Keb’ Mo’ 

oder Ringo Starr sowie einer Horn Section 

und drei Backgroundladies. Eine gelungene 

Verbeugung vor den Gro ßen des 

Genres, mit der Shepherd zu den Wurzeln 

seiner Musik zurückkehrt. 

(Provogue/Rough Trade, 2014, 

15/68:08) ms 

LEON RUSSELL 

LIFE JOURNEY 

Anfang April feierte 

Leon Russell seinen 

72. Geburtstag, mit 

LIFE 

JOURNEY 

blickt er sowohl in 

die Vergangenheit als 

auch in die Zukunft. 

Glih Gleich zu Beginn erweist er mit “Come 

On In My Kitchen” Blues-Altmeister Robert 

Johnson die Ehre, geht dann über den 

von Hoagy Carmichael und Stuart Gorrell 

geschriebenen Klassiker “Georgia On My 

Mind” und Duke Ellingtons “I Got It Bad 

& That Ain’t Good” bis zu Billy Joels “New 

York State Of Mind”, bevor ein programmatisches 

“Fool’s Paradise” das Album beschließt. 

Dazwischen eingestreut sind auch 

zwei neue Lieder: “Big Lips” ist ein wilder, 

Piano-getriebener Ritt, “Down In Dixieland” 

eine Bläser-befeuerte Hommage an den Louisiana-Dixieland-Jazz. 

Neben zahlreichen 

Top-Sessionmusiker konnte Produzent Elton 

John auch auf prominente Studiogäste 

zurückgreifen, Robben Ford an der Gitarre, 

Greg Leisz an der Pedalsteel, Larry Goldings 

an der Hammond B3, und auf drei Stücken 

wurde Russell vom Clayton Hamilton Jazz 

Orchestra aus Los Angeles begleitet. Keine 

Neuerfindung des Blues, aber ein sehr schönes, 

altersweises Werk. 

(Universal, 2014, 12/48:20) 

us 

BIG DADDY WILSON TRIO 

LIVE IN EUROPE FROM 

BREMEN TO PARIS 

Mitgeschnitten bei drei Clubgigs in Bremen 

und in der Nähe von Paris, präsentiert der 

in Norddeutschland lebende US-amerikanische 

Sänger Wilson Blount mit seinen aktuellen 

Triopartnern Roberto Morbioli (g, 

voc) und Paolo Legramandi (b, voc) hier 13 

Tracks, für die er bis auf die Traditionals 

”I Got To Move” und ”John The Revelator” 

auch sämtlich als (Co-)Autor verantwortlich 

zeichnet. Dabei vermag Blount 

seine Gospel-geschulten Gesangsqualitäten 

live ebenso eindrucksvoll unter Beweis zu 

stellen wie zuletzt auf seinem exzellenten 

2013er Studio-Album I’M YOUR MAN, 

und an Stelle eines zweiten Gitarristen nunmehr 

einen Bassisten an Bord zu haben, tut 

dem Soundkostüm des Big Daddy Wilson 

Trios hörbar gut. Ein entspannt groovendes 

und bestens produziertes akustisches 

Blues album, dem absolut nichts Verstaubtes 

anhaftet. 

(Phamosa Records, 2014, 13/72:59) ms 

RAY CHARLES 

THE ESSENTIAL 

Anthologien des großen Soul-, Jazz-, 

Blues- und Gospelkünstlers Ray Charles 

(1930–2004) gibt es wie Sand am Meer. 

Warum also die Compilation THE ES- 

SENTIAL? Zum einen bietet diese 2-CD- 

Best-Of in klanglich guter Qualität einen 

ausgewählten 40-Song-Querschnitt durch 

Charles’ Blütezeit der Jahre 1951 bis 1962, 

mit Erfolgen wie “What’d I Say”, “Georgia 

On My Mind”, “Let The Good Times 

Roll” und “Hit The Road Jack”. Zum 

anderen kommt die preiswerte Ausgabe 

zusammen mit einer DVD, dem eigentlichen 

Highlight: „Live in France 1961”, 

einem Mitschnitt vom Antibes Jazz Festival, 

erstmals 2011 als DVD veröffentlicht. 

Der Schwarzweiß-Film zeigt den blinden 

Sänger und Pianisten auf der Höhe seiner 

Kunst, mit einer fantastischen Backingband 

im Rücken, darunter David „Fathead” 

Newman (Tenor-Sax) und Hank Crawford 

(Alto-Sax), und begleitet von dem charmanten 

Sängerinnenquartett The Raelettes. 

Zwar fehlen auf den CDs einige Songs der 

Frühphase, die durchaus dazugehört hätten 

(z.B. “Unchain My Heart”), und sorgt die 

Schwerpunktsetzung dafür, dass gute spätere 

Songs fehlen (etwa die Beatles-Interpretationen). 

Aber Komplettisten sollten eh 

zu den Originalalben greifen. 

(Metro/Soulfood, 2014, 20/58:58, 

20/56:31, DVD 87 Min.) frs 

THE PAUL BUTTERFIELD 

BLUES BAND 

EAST WEST 

Herrlich! 

Zu 

den 

essenziellen 

Platten des USamerikanischen 

Blues der Sixties 

zählen auf jeden 

Fall das Debüt der 

Paul Butterfield Blues Band aus dem Jahr 

1965 und der ebenbürtige, wenn auch experimentellere 

Nachfolger EAST WEST. Der 

beseelte Gesang Butterfields, verknüpft mit 

seinem unglaublich intensiven Mundharmonikaton, 

der ihn in einer Reihe mit schwarzen 

Künstlern stellte, haben den Test der Zeit 

unbeschadet überstanden (Die Scheibe hat 

tatsächlich fast 50 Jahre auf dem Buckel!). 

Neben Klassikern wie “Walkin’ Blues” und 

dem auch von Jimi Hendrix gecoverten “Get 

Out Of My Life, Woman” überzeugt das 

luftige, über 13-minütige “East-West”, das 

seinem Titel vollend gerecht wird. Gehört in 

jede Bluessammlung. Die aktuelle Ausgabe 

erscheint als 24-KT-Gold-Disc (limitiert, 

nummeriert), wurde von Kevin Gray remastert 

und klingt im Vergleich mit dem Original 

nicht mehr so dünn. 


1966, 9/45:01) at 

BLUE RIBBON 

LET IT ROLL 

Eine „musikalische Zeitreise in die 60er 

Jahre” verspricht Jan Hirte auf der dem 

Bandprojekt Blue Ribbon gewidmeten Unterseite 

seiner Homepage und meint damit 

jenen Traditionsstrang aus dieser stilistisch 

vielfältigen Dekade, der mal unter R&B, 

mal unter Soul firmiert. Folglich findet sich 

neben überwiegend eigenem Songmaterial 


Ausgabe Nr. 10 

kult! 

Kommen Sie 

mit auf einen 

weiteren Trip 

in die goldene 

Vergangenheit 

Alle Hefte zu bestellen 

im Shop Seite 71 

oder unter: 

www.goodtimes-magazin.de 

CD 

auf der Tracklist auch – so Henry Heggen in 

seinen Liner-Notes – „some good old stuff” 

wie etwa das gern gecoverte ”Breaking Up 

Somebody’s Home”, und mit Elen Wendt 

hat man eine Gastsängerin an Bord, die das 

Blue-eyed-Soulmetier ebenso gekonnt beherrscht 

wie Hirte das unaufgeregte und stets 

songdienliche Gitarrenspiel nach dem Motto 

„Weniger ist mehr”. Abgerundet wird das 

Ganze durch eine bestens aufspielende Band, 

zu der neben den üblichen Verdächtigen auch 

ein zweistimmiger Bläsersatz zählt. 

(Stormy Monday Records/ 

Mäule & Gosch, 2014, 12/42:02) ms 


LET THE MUSIC PLAY – BLACK 

AMERICA SINGS BACHARACH 

& DAVID 

Über die Sonderklasse 

des Komponisten- 

Teams Burt Bacharach 

& Hal David sind keine 

Ausführungen mehr 

zu machen. Auch dass 

ihre Lieder – speziell 

in den Sixties und Seventies – eine enorme 

Anziehungskraft auf die besten schwarzen 

Stimmen der USA hatten, ist allgemein bekannt. 

Die vorliegende Kollektion rennt somit 

offene Türen ein und sorgt zugleich für eine 

gute Stunde höchster Vergnüglichkeit. Vor 

allem die holde Weiblichkeit ist mit Aretha 

Franklin (“I Say A Little Prayer”), Gloria Gaynor 

(“Walk On By”), Patti LaBelle (“Always 

Something There To Remind Me”), Mavis 

Staples (“A House Is Not A Home”), Gladys 

Knight (“One Less Bell To Answer”), Nina 

Simone (“The Look Of Love”) und – allen voran 

– durch die ideale Bacharach-Interpretin 

Dionne Warwick (“Make It Easy On Yourself”) 

bestens vertreten. Da haben die Herren 

doch etwas Mühe, voll mitzuhalten. Was ihnen 

aber dank Marv Johnson (“Another Tear 

Falls”), Jerry Butler (“Message To Martha”), 

James Carr (“What The World Needs Now Is 

Love”) und Roy Hamilton (“Let The Music 

Play”) letztlich doch noch (fast) gelingt. Die 

meisten der 24 Tracks kennt man auch durch 

die Versionen anderer Interpreten (u.a. Walker 

Brothers, Sandie Shaw, 5th Dimension), aber 

zumeist sind die hier versammelten Fassungen 

den berühmten Tick besser ... 


MARTINA McBRIDE 

EVERLASTING 

Dass ein Superstar der amerikanischen Country-Szene 

hier in der Soul-Rubrik auftaucht 

ist selten, doch Martina McBride hat sich 

mit ihrem neuen Album einen lang gehegten 

Herzenswunsch erfüllt. Mit Produzent Don 

Was hat sie endlich den aus ihrer Sicht richtigen 

Mann gefunden, mit dem sie das Projekt 

„Soul und R&B” angehen konnte. Natürlich 

durfte man im Vorfeld gespannt darauf sein, 

wie sie sich im Vergleich zu so großen Künstlern 

wie Aretha Franklin, Elvis Presley oder 

Van Morrison schlagen würde, doch relativ 

schnell wird klar, dass es hier nicht darum 

geht, wer welchen Song wie gut interpretiert, 

nein, EVERLASTING zeigt von Beginn an, 

dass es hier schlicht und einfach um eines 

geht: klasse Soul- und R&B-Songs darzubieten! 

Hits wie “Do Right Woman, Do Right 

Man”, “If You Don’t Know Me By Now”, 

“Suspicious Minds” und “To Know Him Is To 



Love Him”, dazu noch zwei Duette, “In The 

Basement” mit Kelly Clarkson, “Bring It On 

Home To Me” mit Gavin DeGraw. 

(Kobalt Label Services/Rough Trade, 

2014, 12/39:09) tk 

MEENA CRYLE & THE 

CHRIS FILLMORE BAND 

TELL ME 

Nachdem sie ihre 

ers ten beiden Ruf- 

Alben TRY ME 

und FEEL ME lediglich 

unter ihrem 

Künstlernamen 

Meena veröffentlichte, 

hat die österreichische Sängerin Martina 

Kreill diesem nun wieder die anglisierte 

Form ihres Familiennamens angefügt, und 

entsprechend ihrer Aussage im Release- 

Info, dass man inzwischen „eine taffe, tighte 

Band geworden” sei, wird diesmal auch ihre 

Begleitformation, die dreiköpfige Chris Fillmore 

Band, auf dem CD-Cover gefeatured. 

Unterstützt wurde Cryle bei den Aufnahmen 

zu den zwölf mit unterschiedlichen Facetten 

des Blues jonglierenden Eigenkompositionen 

aus ihrer und Fillmores Feder dazu von 

diversen Studiogästen, die mit zu einem abwechslungsreichen 

modernen Bluesalbum 

beitrugen, dessen stilistische Bandbreite von 

der akustischen Ballade über soulige bis zu 

rockigen Tönen reicht. 

(Ruf/inakustik, 2014, 12/52:04) ms 

B.B. KING 

B.B. KING WAILS / EASY 

LISTENING BLUES 

Zwei Studio-LPs aus den Jahren 1959 und 

1962 plus sieben zusätzliche Titel aus jenen 

Tagen, so gestaltet sich die Tracklist dieser 

remasterten Reissue-CD. Dabei kommen die 

zehn Songs des ersten Longplayers in bester 

B.B.-King-Manier samt dreiköpfigem Bläsersupport 

daher, wohingegen die gleichfalls 

zehn Tracks des zweiten, rein instrumentalen 

Albums kaum zu den Highlights der langen 

Plattenkarriere des „King Of The Blues” zählen 

dürften. Deutlich interessanter dann wieder 

die Bonus-Tracks, und hier vor allem die 

mit dem Count Basie Orchestra eingespielte 

Bigband-Version des Memphis-Slim-Klassikers 

“Everyday I Have The Blues”. Dazu gibt 

es ein 16-seitiges Booklet mit einem Beitrag 

zu Kings Biografie und seiner spezifischen 

Stilistik sowie Infos zu dem für diese Edition 

ausgewählten Songmaterial. 

(Soul Jam Records/inakustik, 1959/1962, 

27/76:01) ms 

NEAL BLACK & THE 

HEALERS 

BEFORE DAYLIGHT 

Neal Black versteht es gleichermaßen, locker 

aus dem Handgelenk blues-rockig mit 

Swamp-Flair zu grooven wie auch härtere 

Töne anzuschlagen (“Dead By Now”). Seine 

Herkunft aus der texanischen Szene (Stevie 

Ray Vaughan!) wird auf seinem neuesten 

Werk BEFORE DAYLIGHT ebenso hörbar 

(“Mama’s Baby”), wie er auch mal akustisch 

balladierende Wege geht (“The Peace Of 

Darkness”). Dazu hat er es mitreißend drauf 

zu sliden (“Hangman’s Tree”), seine raue 

Stimme sorgt für eine weitere ganz eigene 

Klangnote. Mit all diesem Abwechslungsreichtum 

und intelligenten Texten zwischen 

melancholisch-düster und bitter-zynisch gelingt 

es dem Amerikaner mit Zweitwohnsitz 

Frankreich, dass keine Sekunde lang Langeweile 

aufkommt. Vielmehr sorgt er immer 

wieder für Gänsehautfeeling in einem eigentlich 

reichlich ausgelutschten Genre. 

(Dixiefrog/Fenn, 2014, 10/45:53) pro 


STEP INSIDE MY SOUL 

Im Gegensatz zu 

anderen 

großen 

Plattenfirmen wie 

Atlantic, Epic oder 

Capitol, die in den 

70er Jahren in den 

USA schwarze Musik 

veröffentlichten, ging Polydor einen komplett 

anderen Weg. Sie lizenzierten Singles 

von kleinen Labels und von unabhängigen 

Produzenten und ließen davon – um vorab 

die Verkaufschancen einschätzen zu können 

– oft nur eine sehr kleine Menge pressen. 

Im Nachhinein alles andere als ein Erfolgsmodell, 

nur wenige der so eingekauften Titel 

wurden zu Hits. STEP INSIDE MY SOUL 

bietet nun einen Streifzug durch diesen Katalog, 

nur eine der hier vorgestellten Bands 

– Creative Source – kam über das Single-Dasein 

hinaus und erhielt später einen regulären 

Polydor-Vertrag, andere wie Enchantment 

oder Debbie Taylor wurden erst bei anderen 

Firmen zu Stars. Den Rest der Bands dürften 

nur absolute Spezialisten kennen, oder wer 

erinnert sich noch an Jules Johnson & The 

Dynamics, Alvarez, Moorish Vanguard oder 

The Reason Why? Egal, vor allem da diese 

Veröffentlichungspolitik nun für eine Vielzahl 

an hochwertigen und gleichzeitig überaus 

seltenen Soulaufnahmen sorgt, von denen 

einige hier sogar ihre CD-Premiere erleben. 

Dickes Extralob auch für das Bear-Familytypische 

Booklet, mit gewohnt ausführlichen 

und fundierten Infos zu allen Bands. 

(Bear Family/Delta Music, 2014, 

18/70:27) us 

OTIS SPANN 

SWEET GIANT OF THE BLUES 

Dieses Album entstand im August 1969, 

nur wenige Monate vor Otis Spanns Tod am 

24.4.1970. Auch 44 Jahre später ist es ein 

überzeugendes Beweisstück für die These, 

dass Spann zu den erstklassigen Pianisten 

des Chicago-Blues zählte. Er steuerte nicht 

nur beste Klaviertöne zu zahlreichen Aufnahmen 

von Muddy Waters bei, sondern 

glänzte auch auf eigene Rechnung mit souveräner 

Tastenbeherrschung, ebenso abgeklärter 

wie ausdrucksvoller Stimme und als 

findiger Komponist. Fünf der acht Tracks 

hier stammen aus Spanns Feder, und von 

denen sind “Sellin’ My Thing”, “I Wonder 

Why” und “Bird In A Cage” eindeutige 

Schwergewichte, stehen auf Augenhöhe 

mit dem Eröffner “Got My Mojo Working”. 

Wie so oft beim Blues entscheiden Details 

über den endgültigen Stellenwert eines Albums, 

und auch da kann SWEET GIANT 

OF THE BLUES tüchtig punkten. Denn 

die ungemein dichten, durch aufregende 

Verzahnungen von Spanns Piano, Louie 

Sheltons Gitarre und Tony Scotts seelenvollem 

Tenorsax veredelten Arrangements 

sind alles andere als alltäglich und lassen an 

Spannung nichts zu wünschen übrig. 

(Soulfood, 1969, 8/38:36) 

hjg

CD 

TOM PRINCIPATO 

ROBERT JOHNSON TOLD 

ME SO 

Als Slidegitarrist mag Blues-Urvater 

Robert Johnson den US-Blues-Rocker 

Tom Principato beeinflusst, vielleicht 

einst auch als Vorbild inspiriert haben. 

Doch anders, als es der Titel des neuen 

Albums des 61-Jährigen nahelegt, 

covert er keineswegs Johnsons Vorlagen. 

Vielmehr hat sich Principato dem 

rockigen Blues oder bluesigen Rock 

(je nach Betrachtungsweise) verschrieben, 

den er mit Boogie, R&B, 

Roots, Rock’n’Roll und Reggae anreichert, 

dabei auch mal gerne auf 

eine Hammond zurückgreift, für die er 

sich Chuck Leavell und Tommy Lepson 

dazugeholt hat. Am prägendsten 

wirkt aber sein flüssiges, manchmal 

auch passend reduziert-sparsames Gitarrenspiel 

in den sämtlich selbst geschriebenen 

Songs. Principato braucht 

nichts zubrettern, er setzt lieber auf 

Gefühl, selbst wenn er immer wieder 

kraftvoll zur Sache geht. 

(Dixiefrog/Fenn, 2014, 8/37:38) pro 

COCO MONTOYA 

SONGS FROM THE ROAD 

Mittlerweile gehört auch der kalifornische 

Blueser Coco Montoya (*1951) 

schon zu den alten Meistern. Folglich 

hatte er null Probleme, für sein Live- 

Doppelalbum 14 Songs verschiedenen 

Zuschnitts auszuwählen und kernig 

singend und ebenso Gitarre spielend 

mit Hilfe versierter Helfer zu einem 

runden Konzert zu formen. “Gotta 

Mind To Travel” groovt herrlich. “Too 

Much Water” überzeugt besonders 

durch seine ergreifende Stimmung. “I 

Won’t Beg” wurde mit Funk gewürzt, 

und “Hey Senorita” kommt gar mit 


JOHN MAYALL 

A SPECIAL LIFE 

Anlässlich 

sonnigen Rhythmen, während “Good 

Days, Bad Days” eine tadellose große 

Ballade ist. Prima Mischprogramm 

seines 80. auf hohem Niveau. 

Geburtstags 

gönnte sich der 

Altmeister des 

Brit-Blues ein 

paar Tage im 

(Ruf/inakustik, 2014, 7/54:59 + 

7/65:26) 

JIM BYRNES 

ST. LOUIS TIMES 

hjg 

Studio und spielte mit seiner aktuellen 

Tourband elf Tracks ein, die fast sämtlich 

Als Hommage 

an seine Ge- 

im klassischen 12-Takt-Gewand 

burtsstadt 

will 

daherkommen. Vier davon stammen 

Jim 

Byrnes 

dabei aus seiner eigenen Feder, einen 

weiteren steuerten Gitarrist Rocky 

Athas und Bassmann Greg Rzab bei, 

und für den Rest griff man auf Songs 

von Genregrößen wie Albert King 

oder Zydeco-Legende Clifton Chenier 

zurück, inklusive Gastauftritt von 

dessen Sohn C.J. Das alles gestaltet 

sich wenig spektakulär, und A SPE- 

CIAL LIFE ist sicherlich auch nicht 

„one of John’s best albums ever”, 

wie es im üblichen Promo-Sprech im 

Release-Info heißt. Dass Mayall für 

diese grundsolide Scheibe zunächst 

aber nicht einmal ein Label fand, wirft 

schon ein bezeichnendes Licht auf das 

heutige Musikbusiness. 

(Forty Below Records/Rough Trade, 

sein neues Album 

verstanden 

wissen, und da 

passt tWC W.C. Handys “St. Louis Blues” 

natürlich ins Konzept. Von den übrigen 

Tracks stammen vier aus der Feder von 

Byrnes und seines Gitarristen/Produzenten 

Steve Dawson, denen neben 

einer exzellenten Band bei den Aufnahmen 

einige Studiogäste zur Seite 

standen, darunter John Hammond an 

Harp bzw. Resonatorgitarre. Hinzukamen 

diverse Bläser, deren Beitrag 

sich bei besagtem Handy-Klassiker mit 

Klarinette und Sousafon zudem recht 

stilecht gestaltet, was jedoch mitnichten 

bedeutet, dass ST. LOUIS TIMES 

auch nur ansatzweise verstaubt klingt. 

2014, 11/48:44) ms Vielmehr ist dem in Kanada lebenden 

Schauspieler und Musiker hier ein fein 

austarierter Mix aus Tradition und Moderne 

gelungen, der obendrein durch 

beste Klangqualität besticht. 

(Black Hen Music/inakustik, 2014, 

12/48:57) ms 

DELTA MOON 

LIFE’S A SONG + TURNA- 

ROUND WHEN POSSIBLE 

Wer auf elektrisch befeuerten, sumpfigen 

Blues steht, der dürfte Delta 

Moon schon längere Zeit auf der Beobachtungsliste 

haben. Neben ihren 

starken Studioscheiben zeigt diese 

Band aus Atlanta, Georgia, vor allem 

auf der Bühne ihre Klasse. Gleich 

auf zwei Livemitschnitten, LIFE’S 

A SONG als Volume 1, TURNA- 

ROUND WHEN POSSIBLE als Volume 

2, kann man sich aktuell selbst 

von diesen Qualitäten überzeugen. 

Volume 1 wurde im Herbst/Winter 

2012 bei unterschiedlichen Konzerten 

im Süden der USA aufgenommen, Volume 

2 im Mai 2013 in Bremen. Überschneidungen 

gibt es nur bei zwei 

Songs, diese stören aber nicht, denn 

exzellente Liveversionen wie die von 

R.L. Burnsides “Goin’ Down South” 

oder dem von Delta-Moon-Frontmann 

geschriebenen “Get Gone” kann man 

gar nicht oft genug hören. 

(Delta Moon/Import, 2013 + 

2014, 14/74:48, 10/54:21) us 

ELI PAPERBOY REED 

NIGHTS LIKE THIS 

Es sei an der Zeit gewesen, „aus der 

Nische auszubrechen”, die er sich geschaffen 

habe, verkündete Eli Husock 

Anfang des Jahres in einem Interview. 

Ergo sind bei seinem vierten Album 

seine Soulwurzeln zwar noch präsent, 

anders als beim Vorgänger COME 

AND GET IT geht es hier jedoch nicht 

länger auf eine bläsergesättigte Quasi- 

Zeitreise in die Hoch-Zeit von Stax 

und Motown. Stattdessen markiert 

NIGHTS LIKE THIS einen Paradigmenwechsel 

hin zu einem Ansatz, der 

statt auf mit vielköpfiger Band eingespielte, 

handgemachte Old-School- 

Sounds auf reduzierte Manpower und 

moderne Studiotechnik inklusive Programming 

setzt. Her ausgekommen 

sind dabei elf Tracks aus eigener Feder, 

mit denen der „Zeitungsjunge” 

in der Tat neue Wege beschreitet und 

sich nachhaltig aus der Retro-Ecke 

verabschiedet. 

(Warner, 2014, 11/35:45) ms 

VARGAS BLUES BAND 

HEAVY CITY BLUES 

Der 

spanischargentinische 

Blues-Rockgitarrist 

und 

Bandleader 

Javier 

Vargas 

hat sich wieder 

Mit Meistertrommler t Carmine Appice und 

Sänger Paul Shortino (Rough Cutt, 

King Kobra) ins Studio geholt, dazu 

als neuen zusätzlichen Vokalisten 

Bobby Alexander (Delta Mudcats). 

Einmal mehr vermengt Vargas Eigenbauten 

und Cover-Versionen (“Love 

Hurts” kommt durchaus mit eigener 

Prägung und ähnlicher Getragenheit 

nahezu an die Nazareth-Fassung heran). 

Insgesamt grundsolider, vertraut 

klingender, meist treibender, nicht 

übermäßig experimentierfreudiger 

Blues-Rock (mit Betonung zweiterer 

Komponente), geprägt von Vargas’ inspiriertem 

Gitarrenspiel und den beiden 

überzeugenden Vokalisten. Doch: 

Vielleicht sollte Vargas künftig nicht 

nur die Songcredits angeben, sondern 

auch seinen Stilrahmen weiter fassen, 

um neue Fans dazu zu gewinnen. 

(Off Yer Rocka Recordings/ 

Cargo, 2014, 11/48:09) pro 

HANS THEESSINK 

65 BIRTHDAY BASH 

Mit vielen Gästen und einem großen 

Konzert im Wiener Metropol hat der 

gebürtige Niederländer Hans Theessink 

im April 2013 seinen 65. Geburtstag 

in seiner langjährigen Wahlheimat gefeiert. 

Der „Eurobluesman” bekam auf 

der Bühne Besuch von Willi Resetarits, 

Meena Cryle & Chris Fillmore, Schiffkowitz 

(STS), Ernst Molden, den Holländern 

Champagne Charlie und vielen 

anderen Freunden wie Weggefährten, 

schwerpunktmäßig aus seiner Wahlheimat. 

Es war eine großartige Lehrstunde 

in Sachen Blues und Roots-Music, bei 

der Theessink Eigenes und teils eingedeutschte 

Cover-Songs (Kristofferson, 

Stones, Woody Guthrie) zu Gehör 

brachte. Ein Sahnehäubchen folgte 

dem nächsten, mal in größerer, mal in 

kleinerer Besetzung – bis zum finalen 

Höhepunkt des vielstündigen Abends 

mit den Hymnen “May The Road” und 

Johnny Cashs “Ring Of Fire”. 

(Blue Groove, 2014, 15/71:54) pro 

Mascot / 1/3 hoch 


CD REVIEWS Country & Folk 

NICKEL CREEK 

A DOTTED LINE 

Einer der wichtigsten Vorreiter des derzeitigen 

US-Bluegrass-Booms ist zurück: Nickel 

Creek. 2007 hatte sich das Trio Chris 

Thile (Mandoline/Gesang), Sara Watkins 

(Fidel/Gesang) und Sean Watkins (Gitarre/ 

Gesang) aufgelöst und ging in andere Formationen 

auf, darunter die Punch Brothers 

und Fiction Family. Nun, zum 25. Bandjubiläum, 

haben sich die Drei wieder zusammengetan 

und bringen mit A DOTTED 

LINE ein neues Album heraus. Ob es angesichts 

all der neuen erfolgreichen Projekte 

eine Reunion auf Dauer wird, bleibt abzuwarten. 

A DOTTED LINE zeigt alle Stärken 

von Nickel Creek. Es ist ein sehr rootsiges 

Album, das sich frei von modernem Studioschnickschnack 

auf den schönen Solo- wie 

Chorgesang der Drei und deren trickreiches 

Instrumentenspiel konzentriert. Abgesehen 

von der bittersüßen Ballade “Where Is 

Love” (Sam Phillips) und dem spleenigen 

“Hayloft” (Ryan Guldemond) präsentiert es 

nur Eigenkompositionen, darunter einige 

virtuose Instrumentals (“Elephant In The 

Corn”) sowie mal zarte (“Christmas Eve”), 

mal treibende Songs (“Destination”). 

(Nonesuch/Warner, 2014, 10/37:52) frs 

BEN & ELLEN HARPER 

CHILDHOOD HOME 

“Songs My Mummy 

Taught Me” könnte 

man Ben Harpers 

jüngstes, 13. Studio- 

Album in Anlehnung 

an eine berühmte 

Everly-Brothers-LP 

nennen. Ganz im Geiste der Everlys und 

zuletzt Norah Jones und Green-Days- 

Sänger Billie-Joe Armstrong, die SONGS 

OUR DADDY TAUGHT US Lied für 

Lied coverten, wendet sich Ben Harper, 

der jüngst eher als Bluesman unterwegs 

war, darauf einem altmodischen, einfach 

gehaltenen Folk im zarten Close-Harmony-Gesang 

zu. Harpers Duettpartnerin ist 

dabei niemand Geringeres als seine Mutter 

Ellen. Musik war ihr und ihrem Sohn quasi 

in die Wiege gelegt, hatten doch Bens 

Großeltern mütterlicherseits das Folk Music 

Center & Museum in Claremont, Kalifornien, 

ins Leben gerufen, wo er schon 

als Kind an Workshops mit Taj Mahal, 

David Lindley und Ry Cooder teilnahm. 

Auch wenn die Lieder auf CHILDHOOD 

HOME ausnahmslos Eigenkompositionen 

sind – sechs stammen aus der Feder von 

Ben, vier von Ellen –, klingen sie doch 

wie uralte Folksongs aus dem entlegenen 

Appalachen-Gebirge. Wehmütig behandeln 

sie Themen wie Kindheit, Familie und 

Zuhause. Und sie sind, wenn auch mitunter 

haarscharf an der Kitschgrenze, einfach allesamt 

traumhaft schön. 

(Universal, 2014, 10/33:46) 

frs 

MIDWINTER 

THE WATERS OF SWEET 

SORROW 

Diese englische Acid-Folkformation aus 

Norfolk ist der Vorgänger der etwas berühmteren 

Gruppe Stone Angel und genießt 

deshalb in kenntnisreichen Sammlerzirkeln 

hohes Ansehen. THE WATERS 

OF SWEET SORROW ist kein reguläres 

Album, sondern eine im Sommer 1973 

endstandende Sammlung von herrlichen 

Demos, ergänzt um eine rare Single, die 

Mastermind Ken Saul (Gesang, Gitarre, 

Dulcimer, Banjo) 1970 einspielte. Mit 

Paul Corrick, Dick Cadbury und Mick 

Burroughs an zweiter Gitarre, Mandoline, 

Blockflöte, Bass, Perkussion und Jews 

Harp sowie der fähigen Sängerin Jill Child 

(eine Mischung aus Sandy Denny und 

Vashti Bunyan) kreierte Saul ein schlagzeugloses, 

überaus luftiges Klangbild, das 

bestens zu den zerbrechlich wirkenden 

Eigenwerken und einer toll-zarten Version 

des Klassikers “Scarborough Fair” passt. 

Anspieltipps: “Sanctury Stone”, “To Find 

A Reason”, “Winter Song” und “Warm 

Summer Rain”. Eine extreme lohnende 

Ausgrabung! 

(Prog Temple/Soulfood, 2014, 

13/43:07) hjg 

CARLENE CARTER 

CARTER GIRL 

Wer bislang noch 

nichts von Carlene 

Carter, 

der Tochter 

von June Carter 

(später Carter Cash) 

gehört hat, hat tatsächlich 

etwas verpasst. 

In den Carter-Klan geboren zu 

werden, bedeutet gleichzeitig, ein gewaltiges 

Erbe fortzuführen, denn die Familie 

hat sich um Country als eigenständiges 

Genre mehr als verdient gemacht. Ihr 

aktuelles und von Don Was produziertes 

Album fällt ungewöhnlich vielschichtig 

aus. Outlaw-Country-Rock (“Little Black 

Train”), ein sehr ruhiges Duett mit Willie 

Nelson (“Troublesome Waters”), Country 

mit einer deftigen Prise Blues-Rock (“Tall 

Lover Man”), traditionelles Material 

(“Gold Watch And Chain”) oder ein hochmelodische 

Duett mit Kris Kristofferson 

(“Back Jack David”) klingen verdammt 

ehrlich und authentisch. Klasse Vocals, 

tolle Songauswahl und Musik, die auch 

von Genre-Fremden gerne gehört wird. 

Das hat die volle Punktzahl verdient! 

(Rounder/Universal, 2014, 12/46:15) at 

PAUL STEPHENSON 

GIRL WITH A MIRROR 

Auf THESE DAYS, vor zehn Jahren auch 

schon vom wunderschönen, akustischen 

Stockfisch-Klang veredelt, klang Paul 

Stephenson noch wesentlich leichter und 

sonniger. Doch weil das Älterwerden eben 

auch Enttäuschungen, Härten und Verluste 

mit sich bringt, hat der in Frankreich lebende 

britische Singer/Songwriter sein 

neues Werk nun um einiges ernster ausgerichtet. 

Aus den letzten 20 Jahren hat sich 

Stephenson in der Auswahl seiner Lieder 

für GIRL WITH A MIRROR bedient, er 

erzählt Geschichten über Menschen, die 

er wirklich oder fiktiv kennen gelernt hat, 

wie den Priester, der seine Religion verloren 

hat, den Seemann, der ziellos über 

die Ozeane driftet, den “Rainy Day Man”, 

den “Mountain Man” und den “Midnight 

Swimmer”. Wunderschön begleitet 

wird er dabei von den Musikern aus dem 

Stockfisch-Umfeld, die seit langen Jahren 

für höchste musikalische Qualität bürgen, 

von Ian Melrose (g), Beo Brockhausen (fl), 

THE EVERLY BROTHERS 

SONGS OUR DADDY TAUGHT 

US / INSTANT PARTY! 

Diese remasterte Reissue-CD vereint das 

jüngst unter dem Titel FOREVERLY von 

Billie Joe Armstrong und Norah Jones neu 

interpretierte zweite Album der Brüder Phil 

und Don Everly von 1958 mit ihrer IN- 

STANT PARTY! betitelten LP von 1962. 

Dabei ist es im Fall von SONGS OUR 

DADDY TAUGHT US nicht der Sound ihrer 

großen Hits, den es hier zu hören gibt, 

sondern ein Mix aus Traditionals, Country- 

und Folksongs, den die beiden lediglich 

von einem Bassisten begleitet zum Vortrag 

bringen. Mit voller Band unter Beteiligung 

von Nashville-Soundlegende Chet Atkins 

eingespielt, gehen die Songs des zweiten Albums 

wie auch die vier Bonus-Titel hingegen 

schon einmal eher in die Richtung dessen, 

was in einem Abriss der Karriere der Everlys 

im 16-seitigen Booklet mit dem schönen 

Begriff „domestizierter White-Boy-Rock” 

umschrieben wird. 

(Hoodoo Records/inakustik, 1958/1962, 

28/77:10) ms 


THE FINAL EMBRACE 

SONGS FOR LOVERS 

Mit SONGS FOR LOVERS veröffentlichen 

die Flötistin Heidrun Menzel und der Gitarrist 

Friedhelm Schöck unter dem Namen 

The Final Embrace ein Herzensprojekt. Mit 

ihrer Art-Folkband Tänzers Traum haben 

die beiden schon eine gute Handvoll Alben 

gemacht, bei dem sie Musik zum Tanzen, 

Entspannen und Meditieren erschufen. Jetzt 

gehen sie zurück zu ihren Wurzeln, zu alten 

klassischen Folksongs wie “Black Is The Co- 

Grischka Zepf (b), Hans-Jörg Mauksch 

(b) und Lea Morris (voc). Ein Album, das 

ebenso mit erhabener Gelassenheit wie 

ernster Tiefe glänzt. 

(Stockfisch Records/inakustik, 2014, 

lour” und “Springtime”, zu Robin Williamson 

(“October Song”), Donovan (“Lullaby 

Of Spring”) und Bob Dylan (“Girl Of The 

North Country”), haben aber auch einige 

selbst verfasste Songs und Melodien ausgesucht. 

15/57:48) us 

Auch stilistisch gibt es hier keine Ex- 

perimente zu hören, sparsame, aber durchweg 

HANK SNOW 

HANK SNOW’S MOST 

REQUESTED OF ALL TIME 

ausreichende Arrangements, getragen 

von Schöcks akustischer Gitarre, punktuell 

von Bass, Flöte, Mandoline und Perkussion 

In Hank Snows unterstützt, dazu gemeinsamer oder einzelner 

Heimat Kanada, in 

Gesang der beiden Protagonisten – so 

Liverpool, 

Nova einfach kann schöne Folkmusik sein! 

Scotia, steht das 

Hank Snow Home 

(Timezone, 2014, 16/68:20) 

us 

Town 

Museum. EMMYLOU HARRIS 

Am 9. Mai wäre der WRECKING BALL 

legendäre Countrysänger 100 Jahre alt geworden, 

Emmylou 

Harris’ 

aus diesem Grund ließ das Museum seine 

Fans die besten Hank-Snow-Songs auswählen. 

WRECKING 

BALL gilt neben 

Mit HANK SNOW’S MOST REQUESTED 

Marianne 

Faithfulls 

OF ALL TIME liegt nun das Ergebnis vor, bei 

BROKEN 

dem neben naheliegenden Hits wie “I’m Movin’ 

ENGLISH 

als 

On”, “(Now And Then There’s) A Fool 

Such As I” und “Green Green Grass Of Home” 

eines der großen 

Alben, das die Karriere einer Sängerin 

auch Fanfavoriten wie “Black Diamond” und 

“A Daisy A Day” sowie eng mit Kanada verbundene 

Lieder wie “My Novia Scotia Home” 

und “Squid Jiggin’ Ground” zu finden sind. 

Neben dem ausführlichen Booklet haben die 

Bear-Family-Spezialisten auch beim Remastering 

einen klasse Job gemacht, in so glasklarem 

Sound konnte man diese Songs bisher noch nie 

hören – und mit dem instrumentalen “Am I Losing 

You” gibt es als Bonus sogar noch einen 

bisher unveröffentlichten Track dazu. 

(Bear Family, 2014, 19/55:43) us 

neu definierte. Das 1995 erschienene Studiowerk 

kehrte die zuvor eher unbekannte 

düstere Seite der Interpretin hervor. Auch 

wenn Harris bereits zuvor ab und an die 

Countrypfade verlassen und sich Rock 

und Pop angenähert hatte, bedeutete das 

nach einem Song von Neil Young benannte 

und von Daniel Lanois (U2, Peter 

Gabriel) produzierte WRECKING BALL 

einen noch größeren Schwenk. Neben 

Youngs fragilem Titelstück interpretiert 

sie darauf noch weitere Songs, die man 

kaum in einem Nashville-Kontext verortet, 

darunter Jimi Hendrix’ “May This 

Be Love”. Mit seinen atmosphärischen, 

außerweltlichen Sounds trägt es deutlich 

die Handschrift Lanois’. Die Songs wurzeln 

zwar im Country und Folk, die ausgefeilte 

Produktion überführt sie jedoch 

in ganz andere Sphären. Das mit Gästen 

wie Steve Earle, Lucinda Williams und 

Neil Young eingespielte Album wurde zu 

einem Kritikerliebling und Verkaufserfolg, 

erhielt einen Grammy. Nachdem es 

auf dem europäischen Markt für ein paar 

Jahre nicht mehr erhältlich war, erscheint 

es nun in einer aufwändigen 2-CD/1- 

DVD-Deluxe-Ausgabe. Neben dem remasterten 

Original enthält diese eine weitere 

CD mit bislang unveröffentlichten Outtakes, 

darunter sehr gute Songs, die es 

trotzdem nicht auf das Original geschafft 

haben (was die Qualität des Albums verdeutlicht), 

darunter Interpretationen von 

Leonard Cohens “The Stranger Song” und 

Richard Thompsons “How Will I Ever 

Be Simple Again” sowie Harris’ Eigenkomposition 

“Gold” und Lanois’ “Still 

Water”. Anhand zweier alternativer Versionen 

von “Deeper Well” kann man nachverfolgen, 

wie die Crew im Studio an den 

Stücken bastelte, einmal gibt es den Song 

als manischen Akustik-Blues, einmal als 

furiosen Wah-Wah-Funk. Auf Platte landete 

schließlich eine ruhigere, wavige 

Fassung. Nachvollziehen lässt sich der 

Arbeitsprozess auch an der als DVD beiliegenden 

Filmdoku „Building The Wrecking 

Ball”, in der die wichtigsten beteiligten 

Künstler zu Wort kommen. 

(Nonesuch/Warner, 1995, 

12/53:06, 13/46:52, DVD 49 Min.) frs

CD 

REVIEWS 

THE DESOTO CAUCUS 

THE DESOTO CAUCUS 

Seit Jahren ist The Desoto Caucus als Begleitband 

von Howe Gelb unterwegs, kein 

Wunder hat der trockene Arizona-Wüsten- 

Sound Gelbs auf dieses dänische Quartett 

abgefärbt. Sie bei ihrem eigenen Werk 

dennoch „nur” auf eine „Begleitband ohne 

Frontmann” reduzieren zu wollen, greift 

natürlich zu kurz. Denn ihr Ansatz „to play 

with anyone interesting around” hat sie 

nicht nur zu Jobs für Künstler wie Mark 

Lanegan, Kurt Wagner, Isobell Campbell 

oder Scout Niblett geführt, sondern auch 

ihren musikalischen Horizont gewaltig erweitert. 

Auch der konsequente Verzicht auf 

die ansonsten so oft praktizierte, reine Zur- 

Schau-Stellung instrumentaler Fähigkeiten 

fällt positiv auf, wenn es hier um Virtuosität 

geht, dann immer im Dienste der Songs. 

Diese grooven lässig vor sich hin, selten 

geht es über Midtempo hinaus, coole Gitarren 

duellieren sich mit atmosphärischen 

Soundscapes, also genau die richtige Musik, 

um den Tag entspannt ausklingen zu 

lassen ... 

(Glitterhouse/Indigo, 2014, 11/37:52) us 

RUNRIG 

PARTY ON THE MOOR – THE 

40TH ANNIVERSARY CONCERT 

Von einer Folkband, 

die zu Beginn ihrer 

Laufbahn ihre Songs 

noch größtenteils in 

Gälisch sang, wuchsen 

Runrig im Laufe 

von vier Dekaden zu 

einer weltweit erfolgreichen Folk-Rockband. 

Bei einer „Party im Moor” feierten 

die Schotten nun ihren Vierzigsten, spielten 

im Laufe des Abends Lieder aus allen 

Karriere-Abschnitten, und wie es sich für 

eine zünftige Geburtstagsparty gehört, kamen 

auch massenhaft Gäste. Neben den 

17.000 Zuschauern bereicherten Gastauftritte 

wie der von Sängerin Julie Fowlis 

oder der von Geiger Duncan Chisholm das 

stilistische Spektrum, konnten dazu noch 

frühere Bandmitglieder begrüßt werden: 

Neben Drummer Ian Bayne, Keyboarder 

Brian Hurren und Gitarrist Malcolm Jones 

sorgte vor allen die kurzzeitige Rückkehr 

des langjährigen Sängers Donnie Munro 

für Begeisterung im Publikum. Mit “The 

Cutter”, “Edge Of The World” und dem 

wunderschönen “An Ubhal As Airde” 

ließen sie alte, längst vergangene Zeiten 

wieder lebendig werden, doch auch der aktuelle 

Runrig-Sänger Bruce Guthro zeigte 

bei Stücken wie “Dance Called America”, 

“Going Home” oder dem obligatorischen 

“Loch Lomond” seine Klasse. Mit knapp 

drei Stunden mitreißendem Folk-Rock 

der Spitzenklasse liefert PARTY ON THE 

MOOR den besten Beweis dafür, warum 

diese Band auch nach dieser langen Zeit 

noch immer so erfolgreich ist. 

(RCA/Sony Music, 2014, 7/43:14, 

11/50:06, 11/67:11) us 

PETER, PAUL & MARY 

PETER, PAUL & MARY 

Peter, Paul & Mary hatten zwar nicht so einen 

großen Einfluss auf die Folkbewegung 

zu Beginn der Sechziger wie ein Pete Seeger 

oder ein Woody Guthrie, aber sie halfen, den 

Stil international zu popularisieren, nicht zu 

vergessen die vielen schönen Stunden, die 

sie den Hörern bereiteten. Mit ihrem tollen 

Debüt sorgten sie schon für Furore, denn 

bedächtiger Folk (“500 Miles”), brillanter 

Satzgesang beim unvergesslichen “If I Had A 

Hammer” oder das friedensbewegte “Where 

Have All The Flowers Gone” stehen für 

sparsame, aber effektive Arrangements und 

gesangliche Harmonieschichtungen, die man 

so heute nicht mehr hört. Die aktuelle Ausgabe 

erscheint in einer limitierten, nummerierten 

Edition als 24-KT-Gold-Disc (Hybrid 

SA-CD), wurde von Albert Grossman remastert 

und klingt gegenüber der „normalen” 

CD wärmer und erdiger, was sich besonders 

bei dem Gesang bemerkbar macht. 


1962, 12/33:45) at 

HERRN STUMPFES ZIEH & 

ZUPF KAPELLE 

OGOTTOGOTT 

Wenn aus den “Dead 

Flowers” der Rolling 

Stones “Henige 

Bloama” 

werden, 

wenn The Lovin’ 

Spoonfuls “Daydream” 

zum “Dagdiab” 

umgedeutet ttwird idoder Carl Douglas’ 

Kulthit “Kung Fu Fighting” als “Kung Fu 

Feigling” daherkommt, wenn eigene Songs, 

Traditionals oder Volkslieder wahlweise im 

Jugband-Sound, im Blasmusikgewand, als 

Skiffle oder a-capella dargeboten werden, 

dann kann man mit ziemlicher Sicherheit 

davon ausgehen, dass hier Herrn Stumpfes 

Zieh & Zupf Kapelle ihre Finger im 

Spiel hat. Auch auf ihrem zehnten Album 

– mit dem überaus programmatischen Titel 

OGOTTOGOTT – zeigen die vier Schwaben 

von der Ostalb, wie „skrupellose Hausmusik” 

klingt, haben sie wieder einmal 

Gitarre, Mandoline, Tuba, Kontrabass, Akkordeon, 

Lapsteel, Dobro, Posaune, Pfeifsäge 

und Waschbrett ausgepackt, um ihrer 

überbordenden Musikalität ein Ventil zu geben. 

Anspieltipp: “Cooler Trompeter”, im 

Original auch als “Smooth Operator” von 

Sade bekannt ... 

(Spion Music/inakustik, 2014, 12/41:02) us 


HOME IS WHERE THE HEART IS 

Bei diesem Projekt steht die schwedische 

Stadt Boras im südschwedischen Bezirk 

Västergötland im Mittelpunkt. Mit ihren 

Textilfabrikruinen und einer Autobahn, 

die den Ort in zwei Hälften teilt, ist es 

(vor allem für Außenstehende) alles andere 

als erstrebenswert, dort zu leben. Also 

braucht diese Stadt vor allem eines: gute 

Musik, das sagt zumindest Stefan Eklund, 

Chefredakteur von Boras’ größter Tageszeitung, 

„Boras Tidning”. Für die Umsetzung 

des Projektes HOME IS WHERE 

THE HEART IS wurden zahlreiche lokale 

Künstler angesprochen, die ihrer 

Heimatliebe mit je einem Song Ausdruck 

verleihen durften. Und wer die Nähe von 

schwedischem Bands und Künstlern zu 

amerikanischem Country-Rock kennt, 

der wird auch kaum davon überrascht 

sein, dass die reichlich unbekannten Acts 

wie Pontus Swanberg, Pelle Johanson, 

Mudfish, Filip und Berra Karlsson hier 

lupenreine Americana-Qualitätsware präsentieren. 

(Paraply Records/Hemifran, 

2014, 17/70:22) us 

DOLLY PARTON 

BLUE SMOKE 

Auch auf ihrem – nach 

offizieller Zählung – 

42. Album geht Dolly 

Parton keine Kompromisse 

ein. Das „Blue” 

im Titel BLUE SMO- 

KE ist schon ein erster 

Fingerzeig, i und spätestens t nach den ersten 

paar Songs ist klar, dass hier nichts anderes 

als guter alter Bluegrass im Vordergrund steht. 

Allenfalls “From Here To The Moon And 

Back”, das sie zusammen mit Willie Nelson 

singt, sowie “You Can’t Make Old Friends”, 

das Duett mit Kenny Rogers, könnte man als 

Nashville-Country durchgehen lassen. Für 

den Rest hat sie sich die Crème der amerikanischen 

Bluegrass-Szene eingeladen, hat 

neben eigenen Songs alte Traditionals wie 

“Banks Of The Ohio” ausgegraben, macht 

aus Bon Jovis “Lay Your Hands On Me” ein 

mitreißendes Gospelstück, lässt Bob Dylans 

“Don’t Think Twice” wie ein Volkslied aus 

den Smoky Mountains in Tennessee erklingen. 

Immer noch konkurrenzlos gut! 

(Masterworks/Sony Music, 2014, 

12/58:23) us 

GRAM PARSONS 

THE EARLY YEARS VOL. 1 & 2 

Auch „Wunderkinder” wie Gram Parsons, 

der wichtigste „Erfinder” des Country- 

Rock, hat mal kleiner angefangen, aber bei 

exaktem Anhören seiner EARLY YEARS 

wird schon deutlich, dass Gigantisches 

durchschimmert. Vol. 1 der vorliegenden 

Frühwerkschau gab es ab Ende der 70er 

Jahre schon in verschiedenen Editionen. 

Zu hören sind – noch halb amateurhaft 

klingende – Folkaufnahmen der Jahre 

1963–1965 von Parsons’ Frühgruppe The 

Shilohs, wobei “Mary Don’t You Weep”, 

“Goin’ Away, Don’t You Wanta Go” und 

vor allem die eindrucksvolle Fassung von 

Pete Seegers “Bells Of Rhymney” aufhorchen 

lassen. Und mit dem Spiritual “Oh, 

Didn’t They Crucify My Lord” zeigt Parsons, 

dass er schon damals über den Tellerrand 

blickte. Vol. 2 bringt acht bislang nie 

veröffentlichte schlichte Solo-Aufnahmen 

ohne Besonderheiten und als Ergänzung 

fünf Tracks der Universitätsband Gram 

Parsons & The Like, die sich als Backingband 

des Liedermachers Brandon de Wilde 

verdingte. Bei musikalisch gelungenen 

und historisch bedeutsamen Tracks wie 

“November Nights”, “Together Again”, 

“Do Right Woman” und “Hickory Wind” 

manifestiert sich schon der aufkommende 

County-Rock. 

(Retroworld/H’ Art, 2014, 23/70:52) hjg 

Country & Folk 

BAREFOOT JERRY 

WATCHIN’ TV (WITH THE 

RADIO ON) / YOU CAN’T GET 

OFF WITH YOUR SHOES ON 

Barefoot Jerry waren in den 70er Jahren 

eine Ansammlung profilierter Nashville- 

Sessionmusiker, deren Zusammensetzung 

sich mehrfach veränderte, die sich aber stets 

der Auslotung aller möglichen und unmöglichen 

Facetten der Countrymusik fernab 

des Mainstreams verschrieb. WATCHIN’ 

... (1974) und YOU CAN’T GET OFF 

(1975) waren das dritte und vierte Studio- 

Album und die erfolgreichsten Aufnahmen 

der Band um die beiden Konstanten Wayne 

Moss (voc, g, keys) und Russ Hicks (g, 

pedalsteel, voc). Grandioses Instrumentalhandwerk 

ergänzte sich mit Songs mittelmäßiger 

bis bester Güte. Die (Southern-) 

Rockelemente waren mal stärker, mal 

weniger deutlich ausgeprägt. Musikalisch 

wie textlich saß der Schalk den Musikern 

ständig im Nacken – und stets dominierte 

die Freude an der Musik. Beide Alben seien 

auch heutigen Saitenkünstlern ans Herz gelegt, 

die sich in Sachen Picking fortbilden 

wollen. Löbliche Wiederveröffentlichungen 

einer stets unterschätzten Band. 


1975, 10/38:11, 10/37:01) pro 

BOB DYLAN 

THE SPIRIT OF RADIO – 

LEGENDARY BROADCASTS 

FROM THE EARLY 1960s 

In den frühen 60ern 

war Bob Dylan regelmäßig 

zu Gast in 

US-Radio-Shows. Er 

plauderte mit Moderatoren 

und sang, 

nur mit Akustikgitarre 

und dMundharmonika ausgerüstet, seine 

Songs live ins Mikro. Einer seiner ersten 

Auftritte war am 11. März 1962 in der 

Sendung „Folksinger’s Choice”, acht Tage 

vor Erscheinen seines Debütalbums. Der 

legendäre Gig und Talk mit Moderatorin 

und Folkinterpretin Cynthia Gooding, die 

Dylan kompetent interviewte, wurden erst 

Jahrzehnte später auf CD veröffentlicht. Für 

Fans und Sammler ist FOLKSINGER’S 

CHOICE ein wahres Nugget, befinden sich 

doch darauf Preziosen wie die einzigen bekannten 

Dylan-Interpretationen von “Hard 

Travelin’” (Woody Guthrie), “Smokestack 

Lightning” (Howlin‘ Wolf) und des Traditionals 

“Roll On, John”. Die Scheibe ist 

nun mit zwei weiteren bereits veröffentlichten 

CDs mit Radio-Shows zur mit THE 

SPIRIT OF RADIO betitelten Box zusammengepackt. 

Auch die anderen beiden, 

STUDS TERKEL’S WAX MUSEUM und 

LIFE AND LIFE ONLY, sind Fundgruben 

für Dylanologen. Die im April 1963 

ausgestrahlte Sendung mit Terkel, einem 

Grandseigneur des US-Radios, besticht 

mit guten Livedarbietungen von Klassikern 

wie “Boots Of Spanish Leather” und Raritäten 

wie “Who Killed Davey Moore?”, 

vor allem aber mit ausgiebigen, beinahe 

freundschaftlichen Gesprächen zwischen 

den Interviewpartnern. Die beiden über 50 

Jahre alten Sendungen sind klanglich einigermaßen 

gut konserviert. Gleiches kann 

man nicht von jedem Schnipsel auf LIFE 

AND LIFE ONLY behaupten, das fünf zwischen 

Juli 1961 und Februar 1965 ausgestrahlte 

Kurzauftritte versammelt. Dennoch 

sei auch diese CD Fans ans Herz gelegt, 

steckt sie doch voll rarer Aufnahmen, etwa 

des Traditionals “Handsome Molly” oder 

einer Frühfassung von “It’s Alright Ma (I’m 

Only Bleeding)”. 

(Leftfield/Soulfood, 2014, 11/57:32, 

13/65:18, 16/78:26) frs 


CD REVIEWS Jazz & World Music 

SONIDO GALLO NEGRO 

SENDERO MISTICO 

Latin-Percussion, Surf-Gitarren und Psych 

edelic-Orgel, passt das zusammen? Ja 

– und wie! Bei der neunköpfigen mexikanischen 

Formation Sonido Gallo Negro 

(„Der Laut des schwarzen Hahnes”) ist so 

manches möglich. Die Band kreuzt auf 

ihrem zweiten Album SENDERO MISTI- 

CO („Der mystische Pfad”) traditionelle 

lateinamerikanische und afro-karibische 

Rhythmen wie Cumbia und Boogaloo mit 

Rock-, Electro- und Italowestern-Klängen 

– und das auf einem Sammelsurium an Instrumenten, 

darunter Conga, Bongo, Timbales, 

Farfisa-Orgel, Flöten, E-Gitarren 

und Theremin. Mal klingt der heiße Instrumentalmix 

wie Manu Chao im Weltall, 

mal wie Santana in der Zeitmaschine. 

Oder wie es ein Titel kurz und treffend 

sagt: “Inca-a-delic”! 

(Glitterbeat/Indigo, 2014, 10/35:13) frs 

MILES DAVIS 

MILES AT THE FILLMORE – 

MILES DAVIS 1970: 

THE BOOTLEG SERIES VOL. 3 

Auf LIVE IN EU- 

ROPE 1967: THE 

BOOTLEG SERIES 

VOL. 1 und LIVE 

IN EUROPE 1969: 

THE BOOTLEG 

SERIES VOL. 2 

folgt nun ein drittes Bootleg-Paket aus 

dem Jahr 1970, dessen Stücke teilweise 

schon auf MILES DAVIS AT THE FILL- 

MORE von 1970 als Doppelalbum veröffentlicht 

worden waren. Von den nun 

über vier CDs verteilten 31 Tracks sind 

28 zwischen dem 17. und 20. Juni im Fillmore 

East aufgezeichnet, drei weitere, als 

Bonus-Tracks gekennzeichnete Stücke 

stammen vom 11. April aus dem Fillmore 

West. Die Setliste der vier Konzerte in 

New York besteht vorrangig aus Stücken 

von Davis’ kurz zuvor erschienenem, 

epochalem Fusion-Jazzwerk BITCHES 

BREW. An der Seite des berühmten 

Trompeters musizieren Steve Grossman, 

Chick Corea, Keith Jarrett, Dave Holland, 

Jack DeJohnette und Arturo Moreiro. 

Mal abgesehen davon, dass die natürlich 

experimentell gehaltene Musik und das 

Ensemble aus Jazzgrößen erster Güte 

für sich sprechen, weiß die keineswegs 

teure Veröffentlichung auch durch eine 

ansprechende Aufmachung zu überzeugen. 

Neben einem schön bebilderten und 

informativen 36-seitigen Booklet gibt es 

noch ein aufklappbares DIN-A3-Poster, 

das Davis in Aktion zeigt und auf dessen 

Rückseite sich eine Collage damaliger 

Zeitungsartikel befindet. 

(Sony Music, 2014, 8/58:01, 7/68:57, 

8/66:16, 8/57:28) an 

NILS PETTER MOLVAER 

SWITCH 

Der Norweger Nils Petter Molvaer ist 

schon seit rund drei Jahrzehnten im Geschäft 

und hat sich längst als führender 

Vertreter der typisch skandinavischen 

Symbiose aus kühlem Jazz und elektronischer 

Musik etabliert. Sein neues 

Album SWITCH ist erneut von der Suche 

nach der optimalen Balance zwischen 

synthetischen und organischen 

Elementen gekennzeichnet. Diese Suche 

ist eine durchweg komplexe Übung und 

gelingt nur, weil die beteiligten Musiker 

technisch perfekt sind und engagiert, 

aber nicht hektisch agieren. Das Quartett 

Nils Petter Molvaer, Erland Dahlen, 

Geir Sundstol und Morten Qvenild erzeugt 

mit Trompete, Schlagzeug, Bass, 

Piano, Synthesizer und – einer im Jazz 

selten eingesetzten – Steelguitar sowie 

einigen speziellen Instrumenten wie National 

Resophonic Guitar, Blossom Bells 

und Marxophone verzahnte Klangwelten, 

die meist entspannter Natur sind und die 

bei früheren Arbeiten Molvaers anzutreffende 

mentale Zerrissenheit überwunden 

haben. Der Klangmaler Molvear ist offenbar 

endgültig auf dem besten Weg in die 

vorderste Reihe europäischer Jazzer. 

(Okeh/Sony Music, 2014, 10/44:52) hjg 

MANFRED KRUG 


Immer noch nicht 

jedem 

bekannt, 

aber in jedem Fall 

immer wieder eine 

Entdeckung: Der 

Schauspieler Manfred 

Krug war in 

den 70er Jh Jahren auch ein gefeierter Sänger. 

Geschickt kombinierte er die Möglichkeiten 

des Jazz mit der Leichtigkeit 

eines Schlagers. Die Kompositionen lieferte 

meist Jazz ikone Günther Fischer, 

die charmant-witzigen Texte ein gewisser 

Clemens Kerber – ein Pseudonym, hinter 

dem der Schauspieler selbst steckt. Neben 

den eigenen Liedern gibt es Standards wie 

“Es steht ein Haus in New Orleans” und 

“Guantanamera”, Klassiker von Cole Porter 

und George Gershwin sowie von Krug 

eingedeutschte Burt-Bacharach-Stücke. 

Letztere stammen von dem von Till Brönner 

produzierten Album SCHLAFSTÖ- 

RUNG aus dem Jahr 2000. In den Liner- 

Notes gibt es allerdings einen Fehler. 

Es wird behauptet, dass Krug nach dem 

Weggang aus der DDR lange Zeit keine 

neuen Songs aufnahm. Was nicht stimmt, 

denn für Intercord sang er 1979 das Album 

DA BIST DU JA ein, sieben Jahre 

später folgte eine gemeinsame Single mit 

Gunter Gabriel. 


FRANK SINATRA 

A SWINGIN’ AFFAIR 

Frank Sinatra nahm dieses Album mit 

dem Dirigenten Nelson Riddle auf. Aufmerksam 

wurde er auf ihn durch die 

Arbeiten mit Nat King Cole. Die Kooperation 

der beiden hielt einige Jahre, in 

denen Alben entstanden, die sich maßgeblich 

auf Sinatras Karriere auswirkten. 

A SWINGIN’ AFFAIR zählt zu diesen 

Klassikern, da sich beide Künstler vor 

dem Hintergrund kunstvoller Arrangements 

hörbar inspirieren. Neben wenigen 

langsameren Tracks (“It Got It Bad 

And That Ain’t Good”, “No One Ever 

Tells You”) dominieren die swingenden 

Midtempo-Songs. Eine unaufdringliche, 

aber dennoch klar erkennbare Dynamik, 

Sinatras zu der Zeit facettenreiche Vocals 

und das „Fingerschnipsen”-Swinggefühl 

entführen in eine Zeit der Könner, in 

der der emotionale Ausdruck noch von 

„echten Menschen” transportiert wurde. 

Das Remastering von Mobile Fidelity ist 

warm und vermittelt den Eindruck eines 

Konzertsaals. 

(MFSL/Sieveking Sound, 

1957, 15/45:28) at 


ATLANTIC JAZZ LEGENDS 

1947 gründeten Ahmet 

Ertegun und 

Herb Abramson die 

Atlantic Recording 

Corporation, 

und 

schon relativ schnell 

nach der Gründung, 

ab Mitte der 50er Jh Jahre, nahmen sie auch 

Jazz mit in das Atlantic-Repertoire auf. 

Dabei konzentrierten sie sich auf moderne 

Vertreter dieser Gattung wie Lennie Tristano 

und Shorty Rogers, kurz darauf gefolgt 

von Charles Mingus sowie dem Modern 

Jazz Quartet. Auch Thelonious Monk 

nahm 1957 ein Album für Atlantic auf, 

als er mit seinem Pianospiel Art Blakeys 

Jazz Messengers verstärkte. Baugleich 

wie der im Oktober 2012 veröffentlichte 

Soulwürfel liefert auch ATLANTIC JAZZ 

LEGENDS mit 20 Vinyl-Replica-CDs einen 

Querschnitt durch die wichtigsten 

Alben des Labels. Mit John Coltranes GI- 

ANT STEPS (1960), Keith Jarretts LIFE 

BETWEEN THE EXIT SIGNS (1968), 

Chick Coreas INNER SPACE (1973) und 

Billy Cobhams SPECTRUM (1973) sind 

hier zahlreiche inzwischen zu Klassikern 

avancierten Alben mit dabei, doch auch 

der Rest der Beteiligten wie Charles Mingus 

(BLUES & ROOTS, 1960), Ornette 

Coleman (CHANGE OF THE CENTU- 

RY, 1959), The Modern Jazz Quartet (PY- 

RAMID, 1960), Joe Zawinul (MONEY 

IN THE POCKET, 1966) oder Roy Ayers 

(VIRGO VIBES, 1967) gehören ohne 

Zweifel zu den ganz Großen des Jazz. 

Womit allerdings auch klar sein dürfte, 

dass für viele Jazzfans diese Box wohl 

uninteressant sein dürfte, da sie den Großteil 

dieser Alben schon im Schrank stehen 

haben. Andererseits ist diese Box aber 

für Seiteneinsteiger oder Spätgeborene 

nahezu ideal, mit einem unschlagbaren 

Preis-Leistungs-Verhältnis (und vor allem 

mit zeitloser Musik in dieser Qualität!) ist 

sie ein Angebot, das man sich keinesfalls 

entgehen lassen sollte ... 

(Atlantic/Warner, 2014, 20 CDs) us 

STEVE GRAY & GEORGIE 

FAME FEATURING MADE- 

LINE BELL 

SINGER – THE MUSICAL 

Der britische Komponist, Arrangeur und 

zeitweilige Berliner/Hamburger Jazz- 

Professor Steve Gray (1944 –2008) hatte 

die Idee zu diesem Musical über eine fiktionale 

Sängerin, The Singer eben, bereits 

1984: „Sie” kommt aus der Provinz in 

die große Stadt, lebt ihren Traum, gerät 

aber durch Drogen und „Leer-Verkäufe” 

von Platten rein kommerzieller Art vom 

Wege ab. Melodien und Story wurden 

durch Georgie Fames Texte mit Leben 

gefüllt, die gesangliche Realisierung 

übernahm Fame mit seiner langjährigen 


Weggefährtin Madeline Bell – Debüt im 

niederländischen Radio 1985. Fragmente 

des Musicals wurden immer wieder auf 

Fame-Alben zu Gehör gebracht – nun 

endlich ist ein gro ßer Teil des Werkes auf 

CD zu haben; in einer brillanten Konzertversion 

von 2004 mit dem Metropole 

Orchestra. Bigband, die Streicher, ein 

brillanter Chor und vor allem die beiden 

Vokalisten präsentieren sich in Top-Form, 

die Aufnahme besticht in ihrer Klarheit 

und Dynamik: ob “My Second Home” 

über die Kraft der kirchlichen Gospelmusik, 

welche die Wahl-Britin Madeline Bell 

in ihrer Heimat Newark, New Jersey, kennen 

lernte, Drama in “Where Do You Go 

From Here” oder das wilde “Big Town”, 

beide Protagonisten auf dem Weg nach 

London, das Jazz-Musical lebt. 

(Proper Records, Rough Trade, 

2014, 13/53:43) utw 

ANDY PFEILER 

FUTUREMAN 

Im Hauptberuf ist 

der Schwede Andy 

Pfeiler 

Gitarrist 

bei Nils Landgrens 

Funk Unit. 

FUTUREMAN ist 

sein viertes Solo- 

Album und stilistisch kaum zu fassen. Er 

pflegt gekonnt die Jazznote, versteht sich 

aber auch blendend auf funky Riffs, unterlegt 

seine Kompositionen auch mal mit 

Afro-Grooves. Und obwohl sich zwischendurch 

hier und da durchaus Retro-Feeling 

breitmacht, hat Pfeilers Fortentwicklung 

des Funk durchaus etwas Futuristisches, 

ohne dass dieses exakt in Worte zu fassen 

wäre. Und was – neben seiner samtigen 

Stimme – vor allem überzeugt, ist, wie er 

kompositorische Qualität mit Tanzbarkeit 

und eingängigen Melodien unter einen Hut 

bringt. Das hat schlicht Klasse! Mit FU- 

TUREMAN passt Andy Pfeiler so recht 

in keine der gängigen Genre-Schubladen. 

Wozu auch zahlreiche Gäste ihren Beitrag 

geleistet haben. 

(Skip/Soulfood, 2014, 10/55:19) pro 


GIPSY RHUMBA 

Die Gipsy Kings machten einen Stil international 

populär, den in Spanien lebende 

Roma in den 60er Jahren entwickelten: 

die Rumba Gitana. Diese Spielart des 

Flamenco ist nicht puristisch, sondern 

absorbiert freizügig und feierlaunig karibische 

Rhythmen und Popsounds. Auf der 

iberischen Halbinsel feiert sie in Clubs 

und Diskotheken derzeit ein Revival. Das 

Londoner Label Soul Jazz hat tief in den 

Archiven gewühlt und für die Anthologie 

GIPSY RHUMBA einige der Perlen des 

Genres aus den Jahren 1965 bis 1974 ans 

Tageslicht geholt. Da gibt es unwiderstehlich 

tanzbare, Salsa-infizierte Stücke wie 

Changos “El Guapo”, Soul-getränkten 

Disco-Funk wie “Anana Hip” von Dolores 

Vargas oder auch Junal Y Sus Calistros’ 

wild-feuriges Flamenco-Cover von “Tequila”, 

mit dem die Surf-Popgruppe The 

Champs 1958 einen Welthit landete. Der 

Sommer kann kommen – hier ist schon mal 

der richtige Soundtrack! 

(SoulJazz/Indigo, 2014, 20/49:42) frs

CD 

REVIEWS 

CURTIS STIGERS 

HOORAY FOR LOVE 

Eine jazzige Ode an die Liebe, nichts anderes 

hat Curtis Stigers im Sinn, wenn 

er – frisch verliebt – sein neues Album 

HOORAY FOR LOVE nennt. Dabei hat 

sich der Jazzsänger und Saxofonist neben 

einigen selbst geschriebenen Stücken mit 

“Love Is Here To Stay” bei den Gebrüdern 

Gershwin bedient, natürlich nicht auf Jerome 

Kerns Klassiker “The Way You Look 

Tonight” und das durch Frank Sinatra bekannt 

gewordene “You Make Me Feel So 

Young” verzichtet, und er hat sich für den 

besten Song des Albums mit “Valentine’s 

Day” eine eher unerwartete Vorlage von 

Steve Earle ausgesucht. 

(Concord/Universal, 2014, 10/39:34) us 

PAT TRAVERS 

HOT SHOT 

Als der Kanadier Pat Travers Anfang der 

80er Jahre in Finanzproblemen steckte, 

war es wohl nicht zu schwer, ihn dazu zu 

animieren, statt der gewohnten härteren 

(Blues-)Rockklänge vermeintlich verkaufsträchtigere 

Töne anzuschlagen. HOT 

SHOT orientierte sich am damals angesagten 

Melodic Rock – mit einigen netten 

Nummern, doch meist zu glatt und kaum 

originell. Kein Wunder, dass Travers bald 

zu gediegenem Hard Rock zurückkehrte. 


9/38:55) pro 

BEE GEES 

THE WARNER BROS. YEARS 

1987–1991 

Schöne Box mit den 

drei 

Warner-Alben 

E.S.P., ONE und 

HIGH 

CIVILIZA- 

TION, 

entstanden 

zwischen 1987 und 

1991. So richtig interessant 

t dürfte THE WARNER BROS. 

YEARS 1987–1991 aber vor allem durch 

die ebenfalls enthaltene Doppel-CD ONE 

FOR ALL sein. Mit Songs aus allen Epochen 

ihrer Karriere, von den späten 60ern 

(“I Started A Joke”) über die 70er (“Stayin’ 

Alive”) bis zu damals aktuellen Titeln 

(“You Win Again”) war der Auftritt in Melbourne 

ein Höhepunkt ihrer 1989er One- 

For-All-World-Tour, von der immer wieder 

einzelne Ausschnitte auf unterschiedlichen 

Veröffentlichungen zu finden waren. Jetzt 

kann man dieses Konzert erstmals zusammenhängend 

und in voller Länge genießen. 

(Warner, 1987-1991, 5 CDs) 

tk 

PETER AUTSCHBACH 

YOU AND ME 

Gut durchhörbare Kollektion von ruhigen 

Songs bekannter Autoren wie Elton John, 

Eric Clapton, Carole King, Harold Arlen 

und Lennon/McCartney, weniger prominenter 

Komponisten wie Rik Emmett und 

Jack van Poll plus vier qualitativ gleichwertiger 

Stücke aus Autschbachs Feder. Der 

spielt mit viel Feingefühl eine unspektakuläre, 

aber ungemein präzise Akustikgitarre 

und singt dreimal, allerdings ohne besondere 

Ausstrahlung. Die beiden Vokalbeiträge 

von Samira Saygili gerieten besser! 

(Acoustic Music/Rough Trade 2014, 

13/51:24) hjg 

MORGAN FISHER 

MINIATURES ONE + TWO 

1980 und 2000 bat Morgan Fisher (Ex-Mott 

The Hoople, Love Affair, Third Ear) Kollegen 

um einminütige Kompositionen, die 

er editierte (Teil eins umfasst zwölf Gruppen 

mit 53 Tracks). Kontrastreiche, teils 

verrückte Klänge lieferten: Thunderclap 

Newman, Robert Wyatt, die Residents, Kevin 

Coyne, Michael Nyman, das Penguin 

Cafe Orchestra, um nur wenige zu nennen. 

Herrlich unkonventionell (und auch anstrengend). 


2000, 12/50:50, 60/67:20) pro 

JOHN MAYALL & 

THE BLUESBREAKERS 

STORIES / ROAD DOGS / 

IN THE PALACE OF THE KING 

Immer noch, im 

immerhin 81. 

Lebensjahr, 

ist 

John Mayall vom 

Blues-Virus 

infiziert, 

am besten 

live bei einem 

seiner aktuellen Deutschland-Auftritte 

zu überprüfen. Wer ihn (und seine aktuellen 

Alben) anfangs der 2000er zeitweise 

aus den Augen verloren hatte, mit dem 

Dreierpack aus STORIES (2002), ROAD 

DOGS (2005) und IN THE PALACE OF 

THE KING (2007) gibt es jetzt die Chance, 

sich diese drei Blues-Rockalben in einer 

Sammelbox zuzulegen. 

(Eagle/edel, 2002/2005/2007, 3 CDs) us 

DRAKE BELL 

READY STEADY GO! 

Produziert von Rockabilly-Ikone Brian 

Setzer zeigt der aus der US-Serie „Drake 

& Josh” bekannte Schauspieler und Musiker 

Drake Bell mit READY STEADY GO! 

sein großes Herz für Rock’n’Roll. Neben 

eigenen Stücken gibt es mit “Crazy Little 

Thing Called Love” ein relativ originalgetreues 

Queen-Cover, dazu noch ein Wiederhören 

mit “California Man” von The Move 

sowie zwei Rockabilly-Versionen von Ray 

Davies’ “Sunny Afternoon” und “It’s Still 

Rock And Roll To Me” von Billy Joel. 

(Surfdog/Sony Music, 2014, 12/38:58) tk 

WINGER 

BETTER DAYS COMIN’ 

Hui, da haben Winger mal wieder mächtig 

in den Kreativtopf gegriffen. Von ihrem 

Glam-Metal-Schaffen der Spät-80er ist bei 

Kip Winger und seinen Mitstreitern schon 

lange nichts mehr zu hören. Die Band bewegt 

sich mit BETTER DAYS COMIN’ 

erneut gekonnt zwischen elegischem Rock 

und aufgedonnertem Progressive Metal. 

Diese Scheibe braucht mehrere Durchläufe, 

um zu zünden. Dann hinterlässt sie aber tiefe 

Brandwunden. 


MAYRA ANDRADE 

LOVELY DIFFICULT 

Mayra Andrade stammt von den Kapverdischen 

Inseln, singt in mehreren Sprachen 

vor allem über die Liebe und hat es weltmusikalisch 

faustdick hinter den Ohren. 

Afrikanische, brasilianische, europäische 

und pop-jazzige Einflüsse bündelt sie zu 

einer geschmeidigen, eleganten Musik, die 

für subtropische Cocktail-Abende ebenso 

geeignet ist wie für besinnliche Winterstunden 

am gemütlichen Kamin. Denn die 

von Musikern aus aller Welt flüchtigkeitsfehlerfrei 

gespielte Musik swingt gehörig, 

ist einerseits persönlich ausgeprägt und 

bedient andererseits eine breite Skala von 

Emotionen. 

(Sony Music, 2014, 13/49:07) hjg 

GEORGE MICHAEL 

SYMPHONICA 

Etwas ratlos lässt einen George Michaels uninspiriertes, 

neues Album SYMPHONICA 

zurück, interessant dürfte es wohl nur für diejenigen 

sein, die ihn auf seiner 2011/2012er 

Tour live gesehen haben und dort schon 

Bekanntschaft machen durften mit dem behäbigen 

Orchester-unterstützten Mix aus 

eigenen Songs und Vorlagen von Elton John 

(“Idol”), Terence Trent D’Arby (“Let Her 

Down Easy”), Ewan MacColl (“First Time 

Ever I Saw Your Face”) und Nina Simone 

(“My Baby Just Cares For Me”). 

(Virgin/Universal, 2014, 14/64:22) tk 

CHARLES AZNAVOUR 

FORMIDABLE – DAS BESTE 

Am 22. Mai wird 

Charles Aznavour 90 

Jahre alt. Und noch 

immer ist er produktiv 

und geht auf Tour. 

Zum 

Geburtstag 

erscheint die Best- 

Of-Anthologie FORMIDABLE, die eine 

zweite CD mit deutschen und englischen 

Versionen seiner Chansons enthält, darunter 

“La Bohème” und “Tu t’laisses aller (Du 

lässt dich geh’n)”. Auf CD eins gibt es zum 

Abschluss ein Duett mit Édith Piaf (“Plus 

bleu que tes yeux”) und auf Nummer zwei 

eines mit Herbert Grönemeyer [“Als es mir 

beschissen ging (Mes emmerdes)”]. Formidabel! 

(Barclay/Universal, 2014, 22/78:03, 

18/66:00) frs 

TRIGGERFINGER 

BY ABSENCE OF THE SUN 

Jaulende Gitarre, kraftvoll donnernde 

Drums, fett pumpender Bass, dann verzerrter 

Macho-Gesang – so steigt das belgische 

Powertrio ins neue Album ein – und 

bläst dem Hörer vehement die Gehörgänge 

frei. Der Blues-basierte, harte Rock bedient 

sich zwar bei bekannten Vorlagen, 

klingt aber frisch, dynamisch und mitreißend. 

Große Gesten, na klar, doch immer 

mit einem ironischen Unterton und äußerst 

sympathisch. 

(Island/Universal, 2014, 12/49:30) rg 

PETER KRAUS 

ZEITENSPRUNG 

Auweia! Wer auch immer Peter Kraus dazu 

geraten hat, sich mit ZEITENSPRUNG im 

50er-Jahre-Rock’n’Roll-Stil an Vorlagen 

von Culcha Candela (“Hamma!”), Marteria 

(“Lila Wolken”) und Tim Bendzko (“Nur 

noch kurz die Welt retten”) zu versuchen, 

hat ihm einen Bärendienst erwiesen. Denn 

auch wenn die Absicht, neue Lieder in alten 

Gewändern zu präsentieren, sicher gut gemeint 

war, in der Umsetzung ist dies dann 

gehörig schiefgegangen, da retten auch ein 

Kurzvorstellungen 

Duett mit Helene Fischer oder eine rockige 

Umdeutung von Peter Alexanders “Sag 

beim Abschied leise (jetzt: rockig) Servus” 

nichts mehr, dieser Zeitensprung ging nach 

hinten los! 

(Electrola/Universal, 2014, 12/39:40) us 

POLIS 

SEIN 

Ein erstaunliches Werk, das dieses Quintett 

aus dem westsächsischen Plauen mit 

seinem zweiten Album vorgelegt hat. Die 

Stimme des Sängers changiert waidwund 

und dennoch kraftvoll zwischen Rio Reiser, 

Norbert Leisegang von Keimzeit und 

Selig-Frontmann Jan Plewka. Die Musik 

ist kaum kategorisierbar – mal schwülstig 

und abgrundtief traurig, mal psychedelisch 

und hart rockend. Die Texte sind Drama 

pur, völlig aus der Zeit gefallen, Rilke 2.0. 

Beinahe erschreckend romantisch. 

(www.stadtundbuerger.de, 2014, 

8/48:59) mfg 

DEEP PURPLE 

THE BATTLE RAGES ON... 

Wie ein letztes 

Aufbäumen 

mutet 

aus heutiger Sicht 

das 1993er Deep- 

Purple-Album THE 

BATTLE 

RAGES 

ON... an. Es war der 

ltt letzte Longplayer der klassischen Mk II 

Besetzung, also mit Ian Gillan (voc), Ritchie 

Blackmore (g), Jon Lord (keys), Roger 

Glover (b) und Ian Paice (dr) und liefert 

schnörkellosen Hard Rock. Für die Wiederveröffentlichung 

wurde das 1994er Live- 

Album COME HELL OR HIGH WATER 

mit dazugepackt, das ein Jahr zuvor bei 

den beiden Auftritten in Stuttgart und Birmingham 

mitgeschnitten wurde. Schönes 

doppelt aufklappbares Digipak mit neuem 

Booklet. 


10/50:17, 9/68:15) us 

TIMBER TIMBRE 

HOT DREAMS 

Wahrlich wohlig-warm kommt das fünfte 

Album HOT DREAMS der kanadischen 

Band Timber Timbre daher. Selten wurden 

in letzter Zeit die Sounds der 50er, 

60er und frühen 70er so gekonnt zusammengemischt. 

Italo-Western à la Ennio 

Morricone, Psychedelic Folk, das Klangkabinett 

früherer Horrorstreifen und ein 

croonender Elvis – alles und noch einiges 

andere mehr Überraschende wird geboten. 

Glücklicherweise bleiben Timber 

Timbre bei alledem reduziert, so dass sich 

HOT DREAMS als spannendes Meisterwerk 

und großes Klangkino heraus kristallisiert, 

das eine Zierde für jedes Plattenregal 

darstellt. 

(Full Time Hobby/Rough Trade, 

2014, 10/43:05) an 

JIMI GOODWIN 

ODLUDEK 

Nachdem sich seine Band Doves eine 

temporäre Auszeit genehmigt hat, Frontmann 

Jimi Goodwin jedoch voller Ideen 

und Tatendrang steckt, hat der charismatische 

Mann aus Manchester kurzerhand 

sein erstes Solo-Album eingespielt. Das 


CD 

REVIEWS 

ist ähnlich elegisch und kraftvoll ausgefallen 

wie die Werke der Doves. Goodwins 

Stimme besitzt etwas Treibendes, 

Majestätisches, gelegentlich Schneidendes, 

dann wieder Lockendes. Hier 

herrscht derselbe Hang zum Drama vor 

wie bei Deacon Blue oder The Blue Nile. 

Groß! 

(Heavenly/Pias, 10/42:36) 

mfg 

JOHNNY GUITAR WATSON 

THE VERY BEST OF – THE 

GANGSTER OF LOVE MEETS 

THE SUPERMAN LOVER 

Nach den Wiederveröffentlichung 

zahlreicher 

seiner 

regulären 

Alben 

gibt es nun mit THE 

VERY BEST OF 

JOHNNY GUITAR 

WATSON auch einen komprimierten Karriererückblick. 

Natürlich mit dabei seine 

großen Hits wie “Superman Lover”, “I 

Need It” und “Ain’t That A Bitch”, dazu 

noch Underground-Klassiker wie sein 

grooviges “I Don’t Want To Be A Lone 

Ranger” sowie zwei Tracks von The Watsonian 

Institute, einem seiner zahlreichen 

Seitenprojekte. 


16/78:27) us 

TOMMY SCHNELLER 

CREAM OF THE CROP 

„Soul Funk & Blues” steht auf dem Sticker 

auf der neuen CD des Osnabrückers 

Tommy Schneller. Und das trifft’s 

genau – aus diesen Ingredienzien hat er 

mit seinem Saxofon und seiner Stimme 

dank reifer Songs eine fein abgestimmte 

Klangmischung hergestellt. Erste Sahne, 

auch dank der Produktion von Labelboss 

Henrik Freischlader, der zu diesem superben 

akustischen Blues-Dinner Gitarre, 

Bass und Drums beisteuerte. 

(Cable Car/Alive, 2014, 10/52:34) pro 

MATT ANDERSEN 

WEIGHTLESS 

Mit soulig rauer Stimme und zupackendem 

Americana, bei dem immer wieder kerniger 

R&B, gefühlvoller Blues und eine gehörige 

Prise Rock’n’Roll durchscheinten, 

damit hat sich der Kanadier Matt Andersen 

zu Beginn dieses Jahres in die Herzen 

(& Charts) seiner Landsleute gespielt. Mit 

einer ganzen Schar nordamerikanischer 

Top-Musiker und dem Produzenten Steve 

Berlin (Los Lobos) hat er WEIGHTLESS 

zu einem richtig guten Album gemacht, 

auch für Bluesfreunde definitiv eine Entdeckung 

wert! 

(True North/Alive, 2014, 12/47:34) us 

THREE LIONS 

THREE LIONS 

Fantastisch! Mit ihrem selbst betitelten Debüt 

haben Three Lions ein Melodic-Metal- 

Sahnestück abgeliefert, wonach man sich 

sämtliche Finger leckt. Ob balladesk oder 

voll Kraft nach vorn gespielt – hier zündet 

jedes Stück. Hammerriffs, traumhafte Melodien, 

fette Produktion. Mit Vinny Burns 

(g) und Greg Morgan (dr) gehören gleich 

zwei Ex-Ten-Mitglieder zu dem Trio, das 

von Nigel Bailey (voc, b) vervollständigt 

wird, der als Sänger einen vortrefflichen 

Job macht. 


VÄÄRT 

DET KOMMER ETT SKALV 

In Schweden ist nicht alles Bullerbü. Auch 

das Land im europäischen Norden ist eine 

moderne Industrienation, mit allen Problemen, 

die daraus erwachsen. Das Rock/ 

Popsextett Väärt besingt in den kunstvoll 

arrangierten Songs seines dritten Albums 

DET KOMMER ETT SKALV (“Ein Beben 

kommt”) einige davon. Mal aufrüttelnd, 

mal resignierend, immer sehr schön. 

(Westpark/Indigo, 2014, 10/39:37) frs 

RIVAL SONS 

GREAT WESTERN VALKYRIE 

Nach Punk-infiziertem Indie-Rock sind 

die Rival Sons mit ihrem neuesten Werk 

bei psychedelisch angehauchtem Garagen- 

Rock angekommen. Bluesrhythmen vorangetrieben 

von fuzzigen Gitarren, noisige 

Soundscapes, Sänger Jay Buchanan 

shoutet sich die Seele aus dem Leib – so 

wild, ungestüm und unberechenbar wie auf 

GREAT WESTERN VALKYRIE hat man 

das kalifonische Quartett bisher noch nicht 

gehört. 

(Earache/Soulfood, 2014, 10/47:46) us 

LITTLE FEAT 

LIVE IN HOLLAND 1976 

Nur ein Jahr vor 

ihrem 

legendären 

Live-Doppelalbum 

WAITING FOR CO- 

LUMBUS entstand 

dieser Mitschnitt. Es 

kommt daher natürlich 

zu manchen Songdopplungen, doch 

hing die Band um Slidemaestro Lowell 

George nie sklavisch an einer Songvorlage, 

sondern glänzte durch Improvisation 

und Inspiration. Daher ist diese Veröffentlichung, 

fast alle Songs können auf der 

beiliegenden DVD auch visuell genossen 

werden, eine schöne Ergänzung zum unerreichten 

Klassiker. 

(Eagle/edel, 1976, 11/63:13 + DVD) rg 

MILOW 

SILVER LININGS 

Nach seinem kometenhaften Aufstieg und 

dem damit verbundenen, fast ununterbrochenen 

Touren war es für Milow an der 

Zeit, sich auszuruhen. Nach Los Angeles 

zog er sich zurück, es ging ums Ausschlafen, 

um Zeit ohne Druck und Deadlines 

zu verbringen, aber auch um neue Lieder 

zu schreiben. Dementsprechend gelassen 

sind diese dann auch ausgefallen, nur selten 

wird auf SILVER LININGS das Tempo 

angezogen, etwas mehr Abwechslung hätte 

dem Ganzen aber dennoch irgendwie gut 

getan ... 

(Island/Universal, 2014, 10/34:37) tk 

RODDY FRAME 

SEVEN DIALS 

Schon nach den ersten Tönen, nach den 

ersten Textzeilen, nach den ersten Gitarreneinsätzen 

ist alles wieder da. Das 

Süßliche. Das Bewegende. Das Schmerzhafte. 

Vor rund 30 Jahren erschien HIGH 

LAND, HARD RAIN, das Album, mit 

dem die schottische Band Aztec Camera 

Unsterblichkeit erlangte. Deren Frontmann 

Roddy Frame beendet mit SEVEN 

DIALS eine gut achtjährige Auszeit, hat 

aber, siehe oben, absolut nichts verlernt. 

Herrlich! 

(AED Records/Rough Trade, 2014, 

10/37:13) tk 

ALESSANDRO RINELLA 

CANTERO PER TE 

Diese Vermischung von E- und U-Musik ist 

Geschmacksache. Produziert von Michael 

Soltau, lässt Alessandro Rinella Opernarien 

neben eingängigen Rocknummern ertönen. 

Die Stimme des Tenors aus Rom ist ja in 

der Tat beeindruckend, doch diese beiden 

musikalischen Welten erklingen eher neben- 

als miteinander, wie auch das Duett 

mit Chloe Agnew (Celtic Woman). Muss 

jeder für sich selbst entscheiden. 

(Art Music/Sony Music, 2014, 

14/50:54) pro 

SILVER CONVENTION 

SAVE ME 

Wer wie Silver Convention 

mit einem 

Text aus sechs Worten 

– „Fly Robin fly, 

up up to the sky” – 

einen Nummer-1-Hit 

in den USA landet, 

ht hat für immer Kultstatus Klt verdient. Der 

Münchner Produzent Michael Kunze stand 

hinter diesem Bandprojekt, sein 1975er Album 

SAVE ME liefert herrlich pumpende 

Discosongs, mit den 12”-Versionen von 

“Fly, Robin, Fly” und “Tiger Baby” bietet 

die remasterte Wiederveröffentlichung 

auch noch zwei Bonus-Tracks. 


11/56:43) us 

THE ARKANES 

W.A.R. 

Aus Liverpool kommt diese junge Band, deren 

vier Mitglieder von der Leidenschaft für 

herzhaften Rock zusammengehalten werden. 

2007 gegründet, zeigt auch ihr neues Album 

W.A.R., dass sie zwar mit Grunge und Alternative 

Rock groß geworden sind, aber dennoch 

gute alte britische Blues-Rocktradition 

mit der Muttermilch aufgesogen haben. So 

wechseln sich heftige Gitarrenriffs mit bluesigen 

Rhythmen ab, leben ihre Songs von 

roher, erdverbundener Energie. 

(SPV, 2014, 12/47:16) 

tk 

ANTOINE 

ÉLUCUBRATIONS: ANTOINE 

ON 45 1965–1966 

Als „französischer Bob Dylan” wurde er 

Mitte der 60er Jahre bezeichnet, und tatsächlich 

war dieser junge, langhaarige 

Hippie, der in New York zusammen mit 

Velvet Underground abhing, alles andere 

als ein normaler Künstler. Pointiert und 

frech hielt er seinen Landsleuten in seinen 

Texten den Spiegel vor, was Johnny Halliday 

zu seinem Song “Cheveux longs, idées 

courtes” (Langes Haar, kurzer Verstand) 

inspirierte. ÉLUCUBRATIONS liefert 

sein gleichnamiges Album aus dem Jahr 

1966, ergänzt um seine 1965er EPs. 


20/58:00) us 


9BACH 

TINCIAN 

Wer Gälisch singt, muss nicht immer traditionellen 

Folk machen. Die Band 9Bach 

aus Nord-Wales um die Sängerin Lisa Jen 

spielt auf ihrem zweiten Album TINCIAN 

einen herrlich melancholischen Pop-Folk, 

der auch bei Peter Gabriel Gefallen gefunden 

hat, so dass dieser sie für sein Label 

Real World unter Vertag nahm. Kristallklare 

Sounds, träumerisch schöne Stimme. 

Songs, zu denen man an Regentagen die 

Gedanken treiben lassen kann. 

(Real World/Indigo, 2014, 10/52:01) frs 

THE STRANGLERS 

ABOUT TIME / WRITTEN IN 

RED / COUP DE GRACE 

Mit 

GIANTS 

AND 

GEMS 

konnte man sich 

erst vor kurzer 

Zeit dem Frühwerk 

der Stranglers 

widmen, 

sozusagen als Ergänzung hierzu gibt es 

nun in der Eagle-Classics-Reihe einen 

Dreierpack mit den beiden 1997er Alben 

ABOUT TIME und WRITTEN IN RED 

sowie dem ein Jahr später erschienenen 

COUP DE GRACE. Von gelassenen Alterswerken 

keine Spur, das ist beherzter 

Rock, der sich an keine Konventionen 

hält – und ein Blatt vor den Mund nahmen 

die Stranglers auch noch nie. 

(Eagle/edel, 1997/1998, 3 CDs) us 

DAVID PACKS 

NAPA CROSSROADS 

In Songform hat US-Musiker David Pack 

seine Oden an den Wein verpackt. Dabei bilden 

Westcoast- und Pop-Rock die Basis für 

die eingängigen Nummern. Die nahm Pack 

mit ausgefuchster Hilfe von Bela Fleck, 

Todd Rundgren, Doyle Dykes, Larry Carlton, 

Alan Parsons sowie Doors-Keyboarder 

Ray Manzarek kurz vor dessen Tod 2013 auf. 

Das nicht ganz neue, aber immer noch originelle 

Konzept haben sie gelungen umgesetzt. 

(Concord/inakustik, 2014, 14/67:10) pro 

FIREBEATS INC. 

FIREBEATS INC. 

Als die norwegische Beatband Firebeats 

Inc. 1966 ihr Debüt veröffentlichte, war 

der Verkaufserfolg äußerst bescheiden, 

heute ist diese selbst betitelte Platte ein 

rares Sammlerstück. Für die aktuelle 

CD-Wiederveröffentlichung wurden ihre 

Non-Album-Singles sowie ein damaliges 

Outtake hinzugefügt, so dass auf FIRE- 

BEATS INC. ihre kompletten Aufnahmen 

von 1964–1968 zu hören sind. Fast alle 

Songs wurden von Sänger und Gitarrist 

Yngve Bjerke geschrieben, dazu gibt es 

Gecovertes von Neil Sedaka (“Oh Carol”) 

und den Ronettes (“Be My Baby”). 


23/60:09) us 

BILLY BRANCH 

BLUES SHOCK 

Harp-Virtuose Billy Branch ist auf über 

200 Alben zu hören, doch es dauerte eine 

Dekade, bis er wieder Eigenes hören ließ. 

Er covert auf BLUES SHOCK originell 

(u.a. seinen Förderer Willie Dixon und 


CD 

REVIEWS 

John Lee Hooker) und hat selbst clevere 

Songs verfasst, lässt es (teils mit Bläsern) 

satt grooven; er vermengt Klänge seiner 

Heimat Chicago mit denen aus New Orleans, 

lässt es swingen – ungezwungener, 

zeitlos guter Blues. 

(Blind Pig/Fenn, 2014, 11/51:51) pro 

THE ACCIDENTALS 

BITTER SWEET 

Zwei junge amerikanische Musikerinnen, 

jede von ihnen fähig eine Unzahl an Instrumenten 

zu spielen, klasse Songs zu 

schreiben und dazu noch herrlich einzeln 

oder gemeinsam zu singen, das sind die 

Accidentals. Mit BITTER SWEET haben 

Savannah Buist und Katie Larson jetzt ihr 

zweites Album veröffentlicht, das mit wunderschönem, 

größtenteils akustischem Folk 

zum Träumen, Schwelgen und Entspannen 

einlädt. 

(Savage Kittens/Import, 2014, 15/51:23) us 

ZIGGY MARLEY 

FLY RASTA 

Mit dem letztjährigen 

Grammy für 

das beste Reggae- 

Album (ZIGGY 

MARLEY IN CON- 

CERT) im Rücken, 

hat Ziggy Marley 

mit FLY RASTA Mitte April sein fünftes 

Solo-Album vorgelegt. Es entfernt sich 

ein gutes Stück vom klassischen Reggaesound, 

der älteste Sohn von Bob 

Marley unternimmt darauf immer wieder 

Ausflüge in Richtung Rock, Funk, Soul 

und Blues. Für jeden einzelnen Song betrachtet 

kein Problem, doch insgesamt 

sind diese Wechselspiele dann doch zu 

sprunghaft, leidet der Gesamteindruck 

des Albums darunter. 

(V2 Benelux/H’Art, 2014, 10/35:58) tk 

AXXIS 

KINGDOM OF THE NIGHT II – 

BLACK & WHITE EDITION 

KINGDOM OF THE NIGHT war vor 25 

Jahren das erfolgreichste Album der Dortmunder 

Melodic-Rockveteranen Axxis. Daran 

erinnert die Combo um Originalsänger 

Bernd Weiss mit einer doppelten Fassung 

von KINGDOM OF THE NIGHT II, wobei 

die Jubiläumsscheibe als Inspirationsquell für 

gelungene neue Songs diente. BLACK betont 

die härtere, riffigere Seite der Band, WHITE 

setzt auf die melodischere Komponente. 

(Phonotraxx/Soulfood, 2014, 

11/43:01 + 11/43:17) pro 

ANDREAS KÜMMERT 

HERE I AM 

Eine Casting-Show zu gewinnen und langfristig 

Erfolg im Pop-Business zu haben, 

das sind zwei komplett unterschiedliche 

Dinge. Das erste Ziel hat Andreas Kümmert 

als Sieger von „The Voice Of Germany” erreicht, 

beim zweiten Thema ist er jetzt mit 

HERE I AM bei Album Nummer zwei angekommen. 

Natürlich ist der soulige Background, 

den ihm Produzent Justin Stanley 

(Beck, Eric Clapton) dafür auf den Leib 

geschneidert hat, genau der richtige, ist er 

dann am stärksten, wenn er seine unbändige 

Stimme in den Mittelpunkt der Songs stellt. 

(Polydor/Universal, 2014, 12/47:27) tk 

THE GHOST ROCKETS 

GOODBYE UTOPIA 

Aus dem unterfränkischen Schweinfurt 

kommen die Ghost Rockets, die mit GOOD- 

BYE UTOPIA nun ihr zweites Studiowerk 

vorlegen. Harte Riffs, treibende Rhythmen 

und starke Melodien zeigen, dass die fünf 

Musiker mit Bands wie Soundgarden, Faith 

No More oder Pearl Jam großgeworden 

sind. Dennoch kupfern sie den Stil ihrer 

Vorbilder nicht einfach ab, schon nach dem 

ersten Durchlauf des Albums erkennt man, 

dass diese Band ihre eigene Identität, ihren 

eigenen Stil hat. 

(Dancing in the Dark Records/ 

Broken Silence, 2014, 12/51:41) tk 

KEITH EMERSON 

CHANGING STATES 

Die 1995 veröffentlichte 

CD enthielt 

Aufnahmen aus dem 

Jahr 1990, darunter 

drei Songs, die 1992 

unter anderen Namen 

auf dem ELP Album 

BLACK MOON wieder id auftauchten, sowie 

eine etwas brave 1976er Orchesteradaption 

von ELPs “Abaddon’s Bolero”. Somit fällt 

die Mischung aus Solo-Pianoballade, jazzigem 

Klaviertrio, rockiger Klassikadaption, 

straighten Rocksongs mit fauchenden 

Hammondsounds und der besagten Orchestereinspielung 

sehr inhomogen aus, man 

könnte es aber auch abwechslungsreich 

nennen. Fazit: eine interessante Neuauflage, 

wobei klar bleibt: An Nice oder ELP 

kam Emerson solo nie heran. 

(Eagle/edel, 1995, 10/46:09) 

rg 

JOLIE HOLLAND 

WINE DARK SEA 

Unterstützt von Musikern aus der New Yorker 

Experimental-Jazzszene erinnert Jolie 

Hollands neues Album nur noch in Spuren 

an die Alben zwischen Country und Folk, 

mit denen sie nach dem Ausscheiden aus der 

Americana-Band The Be Good Tanyas ihre 

Solokarriere startete. Von wohlklingenden 

Melodien keine Spur, Tom Waits, Captain 

Beefheart oder Sandy Dillon kommen einem 

in den Sinn, wenn man die abgewrackten 

Songs von WINE DARK SEA hört. 

(Anti/Indigo, 2014, 11/54:55) us 

COLLECTIF TRICOLETTE 

3901 M 

Das Trio Collectif Tricolette besteht aus 

Bela Brauckmann (dr, programming/Cultured 

Pearls), Gunter Papperitz (g, b, keys, 

programming/Peter Fox) sowie Sängerin 

Colette Serreau und hat seine Debüt-CD 

nach dem 3901 Meter hohen Schweizer 

Berg Piz Palü benannt. Musikalisch liefert 

es anspruchsvolle Easy-Listening-Songs 

mit Klassikelementen, einem Ambient- 

Teppich und betörend schwebendem Gesang 

und sorgt so für gute Laune. 

(Content/edel, 2014, 10/44:51) pro 

PANAMA LIMITED JUG 

BAND 

PANAMA LIMITED JUG BAND + 

INDIAN SUMMER 

Aufgrund der Fürsprache des britischen 

DJs John Peel war die Panama Limited Jug 

Band eine der ersten Acts, die vom EMI- 

Ableger Harvest unter Vertrag genommen 

wurden. Reichlich obskur ging es 1969 auf 

ihrem selbst betitelten Debüt zu, von typischer 

Jugband-Musik war darauf so gut 

wie nichts zu hören, das war eher psychedelischer 

Folk-Rock. Das sahen sie auch 

selbst so, für ihr 1970er Zweitwerk INDI- 

AN SUMMER strichen sie das „Jug Band” 

aus ihrem Namen, formierten sich um und 

änderten dazu noch ihren Stil in Richtung 

Underground-Rock. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1969 + 

1970, 17/52:38 + 12/45:45) us 

BLACK LABEL SOCIETY 

CATACOMBS OF THE BLACK 

VATICAN 

Auch bei seinem neuen Werk kennt Zakk 

Wylde, der ehemalige Gitarrist von Ozzy 

Osbourne, keine Gnade. CATACOMBS 

OF THE BLACK VATICAN liefert harten 

Heavy Metal mit düsteren Texten, 

bei dem sich das amerikanische Trio, das 

neben Wylde aktuell noch aus John De- 

Servio (b) und Chad Szeliga (dr) besteht, 

nur selten eine Auszeit gönnt. Doch wenn, 

wie beim akus tisch bluesigen “Scars”, 

dann zeigen sie auch in dieser Hinsicht 

ihre Klasse. 

(Mascot/Rough Trade, 

2014, 11/44:41) us 

ERRORHEAD 

EVOLUTION 

Die fünfte Studio- 

CD zeigt die Band 

als kompakte Einheit, 

Basser Frank 

Itt bringt jazzige 

und funkige Grooves 

ein, Drummer Zacky 

Tsoukas beherrscht ht die ganze Palette von 

Heavy bis Ballade, und mit dem neuen Sänger 

Karsten Stiers haben die Jungs einen 

guten Fang gemacht. Im Mittelpunkt steht 

das virtuose Gitarrenspiel Marcus Demls, 

wie er Heavy-Licks und High-Speed-Läufe 

einerseits, andererseits butterweiche und 

bluesige Läufe aus dem Ärmel schüttelt, 

hat Klasse. Da dabei auch die kompositorischen 

Ideen nicht untergehen, liegt hier 

eine tolle und abwechslungsreiche Rockscheibe 

vor. 

(Lighthouse/H’Art, 2014, 12/48:44) rg 

BLANCMANGE 

HAPPY FAMILIES TOO 

Mit HAPPY FAMILIES legten die britischen 

Synthie-Rocker Blancmange 1982 

ein Debüt für die Ewigkeit vor, und als sie 

letzten Herbst wieder in ihrer Heimat auf 

Tour waren spielten sie dieses Album in 

kompletter Länge. So erfolgreich, dass sie 

die aktuelle Version des Albums jetzt mit 

HAPPY FAMILIES TOO neu aufgenommen 

haben, ergänzt um vier Remixe, darunter 

ihr Hit “Living On The Ceiling” im 

Vince-Clarke-Mix. 


15/70:42) us 

DAMON FOWLER 

SOUNDS OF HOME 

Gitarrist Damon Fowler stammt aus Florida, 

leugnet seine Southern-Roots nicht. 

Er vermengt funky Swamp-Blues mit 

Gospel, Country-Momenten sowie auch 


Rockabilly-Tupfern. Energiegeladen lässt 

er es zwischendurch rocken und hält sich 

in der Regel fern von den üblichen Klischees; 

Produzent Tab Benoit steuerte 

auch mal eine Pedalsteel bei. Wieder ein 

überzeugendes, spannendes Bluesprodukt 

aus dem Hause Blind Pig. 

(Blind Pig/Fenn, 2014, 11/50:13) pro 

HERMAN VAN VEEN 

HIN UND WIEDER 

Vor 40 Jahren, im 

Mai 1974, bezauberte 

der niederländische 

Chansonnier, 

Komponist, Sänger, 

Maler, Clown und 

Violinist 

Herman 

van Veen zum ersten Mal ein deutsches 

Publikum. Dieses Jubiläum begeht van 

Veen nicht nur mit der „Wunschkonzert- 

Tournee” (auf der er ausschließlich Lieder 

singt, die sich das Publikum wünscht), 

sondern auch mit einem neuen Album. Für 

HIN UND WIEDER hat er ausgewählte 

Wunschlieder neu aufgenommen und mit 

ein paar neuen Stücken ergänzt. 

(Boutique/Universal, 2014, 12/41:28) tk 

ROY ROGERS / BOB NOLAN 

HAPPY TRAILS TO YOU / 

THE SOUND OF A PIONEER 

Zwei späte Solo-Alben von Roy Rogers und 

Bob Nolan – beides Gründungsmitglieder 

der legendären Sons Of The Pioneers – auf 

einer CD. Beide LPs wurden Mitte/Ende 

der 70er Jahre von Snuff Garrett produziert, 

der sich von Johnny Burnette über 

Ray Conniff bis zu Sonny & Cher in zahlreichen 

Stilen tummelte. Hier sorgt er für 

opulent süßlichen Breitwand-Country, den 

die Altstars aber mit ihrer Routine retten. 

(Cherry Red/Rough Trade, 

1975/1979, 21/62:51) us 

REVEREND ROBERT 

WILKINS 

PRODIGAL SON 

Knapp zehn Minuten dauert Reverend Robert 

Wilkins’ “Prodigal Son” aus dem Jahr 1929, 

basierend auf der biblischen Geschichte vom 

verlorenen Sohn. Mitte der 60er Jahre wurde 

Wilkins im Zuge des Bluesrevivals wiederentdeckt, 

eine junge Rockband namens Rolling 

Stones adaptierte seinen Song für ihr 1968er 

Album BEGGARS BANQUET. Unglaublich 

wie kraftvoll und überzeugend diese alten 

Aufnahmen immer noch klingen, unverständlich 

warum sie – nach zwei LPs in den 60ern 

– erst jetzt wieder ans Tageslicht kommen. 

(Bear Family/Delta Music, 2014, 

13/56:19) us 

17 HIPPIES 

BIESTER 

Durch den Titel BIESTER sollte man sich 

nicht abschrecken lassen, auch auf ihrem 13. 

Album liefern die 17 Hippies wieder bes te 

Songware. Für ihre Instrumentals, Folksongs 

und Cover-Versionen (“In Memory Of Elizabeth 

Reed” der Allman Brothers, “Peaches 

En Regalia” von Frank Zappa, Bill Laswells 

“Worksong”) hat sich die Berliner Band jede 

Menge Gäste eingeladen, wird das neue 

Werk zur bunten Weltreise. 

(Hipster Records/Soulfood, 

2014, 12/46:28) us 


DVD 

REVIEWS 

ERIC CLAPTON 

THE 1970s REVIEW 

Bevor diese nicht autorisierte 

Doku einen 

in jene Dekade entführt, 

in der Clapton 

sich als Solokünstler 

etablieren 

konnte 

und nach überwundener 

Heroinsucht 

in den Alkoholismus 

abdriftete, gibt es 

zunächst äht einen kurzen Rückblick auf die 

Sixties, von seinen Anfängen bei den Yardbirds 

bis hin zum Einstieg als Sideman bei 

Delaney & Bonnie. In den Fokus gerückt 

werden sodann u.a. das Bandprojekt Derek 

& The Dominos und die LAYLA-Sessions 

mit Duane Allman, das von Pete Towns hend 

organisierte „Rainbow Concert”, die zweite 

Solo- und zugleich Comeback-LP 461 

OCEAN BOULEVARD, aber auch Claptons 

Flirt mit dem Rassismus eines Enoch Powell. 

All dies wird in einem Mix aus Dokumentarmaterial 

und Interviews präsentiert, in denen 

auch Zeitzeugen wie Bonnie Bramlett oder 

Bobby Whitlock zu Wort kommen und sehr 

sporadisch gar Mr. Slowhand himself. Und 

auch wenn das Filmmaterial nicht immer 

von bester Qualität und die Bebilderung von 

Songauszügen gar eher misslungen ist, interessant 

ist diese filmische Zeitreise allemal. 

(Chrome Dreams/inakustik, 2014, 

151 Min. + Extra Features, 

ohne Untertitel) 

ms 

HELGE SCHNEIDER 

JAZZCLUB 

Dass Helge Schneider 

ein versierter 

Jazzmusiker 

ist, 

dürfte sich herumgesprochen 

haben. 

2003 tourte er als 

Pianist im Trio mit 

Pete York (dr) und 

Jimmy Woode (b). 

Mit den beiden Musikgrößen 

drehte er dann auch zusammen 

seinen vierten Kinofilm „Jazzclub – Der 

frühe Vogel fängt den Wurm” (2004). Damit 

erfüllte sich der Komiker einen lange 

gehegten Wunsch: einen am Jazz orientierten 

Musikfilm, gedreht in seiner Heimatstadt 

Mülheim an der Ruhr, mit autobiografischer 

Färbung. Schneider spielt 

darin Teddy Schu, der am liebsten nachts 

mit seinen beiden Freunden Howard (Pete 

York) und Steinberg (Jimmy Woode) in 

einer Kneipe jammt. Davon kann man allerdings 

nicht leben, so dass er sich u.a. 

als Fischverkäufer, Zeitungsausträger und 

Callboy verdingt. Als der Kneipenbesitzer 

überraschend stirbt, stehen die Drei vor 

dem Nichts. Doch Rettung naht in Form 

eines UFOs ... „Jazzclub” ist nicht ganz 

so klamaukig wie etwa „Praxis Dr. Hasenbein”, 

wenngleich viele Szenen den typisch 

anarchistisch-dadaistischen Helge-Humor 

aufweisen, etwa wenn Howard sich seine 

Schlagzeugstöcke erst schnitzen muss, 

sich die ausgetragenen Zeitungen im strömenden 

Regen zu einem Klumpatsch verwandeln 

oder der UFO-Kommandant als 

Udo-Lindenberg-Imitat auftritt. Tee? „Nee, 

ich bin Atheist.” 

(Senator, 2004/2014, 80 Min. + Bonus) frs 

BRIAN MAY & KERRY 

ELLIS 

THE CANDLELIGHT CONCERTS 

Eigentlich ist die 

DVD/CD-Ausgabe 

(erscheint in einem 

sechsseitigen 

Digipak) 

einfach zusammenzufassen: 

magisch, 

sympathisch 

und 

hochgradig 

emotional. Die DVD 

dokumentiert 

den 

Auftritt Aftittvom 19. Juli Jli2013 auf dem Montreux-Festival, 

bei dem Brian May Kerry Ellis 

auf der Akustikgitarre begleitet, aber für 

einige Songs auch seine E-Klampfe nutzt. 

Sehr ruhige und verträumte Fassungen von 

“Dust In The Wind”, “Somebody To Love” 

und ein faszinierendes “Love Of My Life” 

werden von “We Will Rock You” gekrönt, bei 

dem das Publikum nach Kräften mitmacht. 

Der letzte Song “Crazy Little Thing Called 

Love” – wiederum ein Queen-Klassiker – ist 

Claude Nobs gewidmet, dem Initiator der 

Montreux-Festivals. Die 15 Tracks der CD 

wurden auf einer Tournee 2012 aufgezeichnet 

und entsprechen der hohen Qualität des 

Montreux-Konzerts. Diese erstklassige Ausgabe 

wird ihre Kreise ziehen. Empfehlung! 

(Eagle Vision/edel, 92 Min., 

CD: 15/64:30) 

at 

DAVID ESSEX 

THE SECRET TOUR LIVE 

Nicht gerade üppig ist 

das Angebot an neueren 

Livemitschnitten 

von David Essex, so 

dass dieser 2009er 

Tourmitschnitt hochwillkommen 

sein 

dürfte. Sowohl als 

DVD als auch als 

CD (18/75:00) gibt 

es THE SECRET TOUR LIVE, zeigt den 

britischen Sänger und Schauspieler zusammen 

mit Ian Wherry (keys), Dave Needham 

(g), Gerry Moffett (b), Dave Wallace (dr) und 

Fergus Gerrand (perc) bei einem kompletten 

Konzert im britischen Bournemouth. Kein 

Problem war es, eine ansprechende Setlist zusammenzustellen. 

Wer wie Essex aus 19 Top- 

40-Sing les und 16 Top-40-Alben auswählen 

kann und sein Programm mit Hits wie “Stardust”, 

“Rock On”, “Silver Dream Machine” 

und “Imperial Wizard” bestreiten kann, wird 

zu Recht vom Publikum gefeiert. Und ebenso, 

wie seine Bühnenshow ohne große Mätzchen 

auskommt, bleibt auch die DVD bodenständig 

und verzichtet auf irgendwelche Extras. 

(Wienerworld/H’Art, 2014, 77 Min.) tk 

THE ROLLING STONES 

IN THE 1970s 

„Das beste Rolling- 

Stones-Line-Up 

war das zwischen 

1969 und ’74 mit 

Mick Taylor”, resümiert 

der Journalist 

und Autor Nigel 

Williamson 

am 

Ende von DVD 1, 

und dies ist nur ein 

Beispiel Bi i dafür, dfü dass die für diese englischsprachige 

Doku befragten Musikkritiker 

neben der Weitergabe ihres Faktenwissens 

stets auch eine Bewertung des musikalischen 

Outputs der Stones zwischen 1969 

und 1983 im Blick haben. Thematisch geht 

es dabei erwartungsgemäß um Albumklassiker 

wie STICKY FINGERS oder EXILE 

ON MAIN ST., das während der Steuerflucht 

der Stones nach Südfrankreich entstand, 

Keith Richards’ Drogenprobleme, 

Mick Jaggers High-Society-Ambitionen 

und die zunehmende Entfremdung der beiden 

„Glimmer Twins” sowie die Rolle des 

Taylor-Nachfolgers und Richards-Kumpels 

Ronnie Wood. Dass trotz der vielen Wortbeiträge 

beim Schauen keine Langeweile 

aufkommt, ist nicht zuletzt dem Kaliber 

der Interviewpartner geschuldet, zu denen 

neben besagten Musikjournalisten u.a. auch 

Taylors früherer Chef John Mayall sowie 

Harper Sugar Blue gehören. 

(Chrome Dreams/inakustik, 2014, 

2 DVDs, 214 Min. + Extra Features, 

ohne Untertitel) 

ms 

ZZ TOP + LYNYRD 

SKYNYRD + LOU REED 

LIVE IN GERMANY 1980 + 

SWEET HOME ALABAMA + 

A NIGHT WITH LOU REED 

Zwei „Rockpalast”- 

Auftritte von 

zwei legendären 

amerikanischen 

Bands, dazu ein 

1983er Auftritt 

Lou Reeds in New 

York, das sind drei 

der Wiederveröffentlichungen 

der 

Eagle-Vision-Classics-Reihe. i i 1980 gelang 

ZZ Top der Durchbruch in Europa, Grund 

hierfür ihr inzwischen legendärer Auftritt in 

der Essener Grugahalle. Dabei bietet LIVE 

IN GERMANY 1980 gut 90 Minuten knochentrockenen 

Texas-Blues-Rock, gestützt 

von Songs wie “I Thank You”, “Cheap 

Sunglasses”, “Tush” und “La Grange”. 

1996, als Lynyrd Skynyrd im Rahmen des 

„Rockpalasts” auf dem Loreley Festival 

auftraten, hatte die Band aus Jacksonville, 

Florida, ihr Line-Up aus den unterschiedlichsten 

Gründen schon mehrfach geändert, 

was sie aber nicht daran hinderte dem Publikum 

eindrucksvoll zu beweisen, dass sie 

immer noch zu besten Southern-Rockbands 

gehörten. Raritätenjäger aufgepasst, als 

Bonus gibt es auf SWEET HOME ALA- 

BAMA einen Mitschnitt aus der Hamburger 

Musikhalle, in dem sie in Originalbesetzung 

mit “Workin’ For MCA”, “Free 

Bird” und “Sweet Home Alabama” drei 

ihrer größten Hits zum Besten geben. Auf 

A NIGHT WITH LOU REED wird der im 

Oktober letzten Jahres verstorbene Sänger 

und Gitarrist nur von Robert Quine (g), 

Fernando Saunders (b) und Fred Maher 

(dr) unterstützt. Reed nutzte dieses intime 

DVD – Blu-ray 

Konzert mit außergewöhnlichen Versionen 

von Songs wie “Sweet Jane”, “Satellite Of 

Love” und “Walk On The Wild Side” für 

eine Reise zurück ins Greenwich Village, 

wo er Mitte der 60er Jahre mit der Gründung 

von Velvet Underground seine eindrucksvolle 

Karriere startete. 

(Eagle Vision/edel, 2014, 

93 Min. + 119 Min. + 60 Min.) us 

BILLY BRAGG 

LIVE AT THE UNION 

CHAPEL LONDON 

Im Juni 2013 trat Billy 

Bragg in der Londoner 

Kirche Union Chapel 

auf. Im Gepäck hatte er 

sein gerade veröffentlichtes, 

von der Kritik 

wohlwollend aufgenommenes 

Album TOOTH 

& NAIL (UK #13). Vor 

beeindruckender neugotischer Kulisse geriet 

der Abend zu einem Karriere-umspannenden 

Set. Der Sänger/Songschreiber und 

Gitarrist, mittlerweile grau und vollbärtig, 

spielte sich mit seiner gut aufgelegten 

Band durch ein Repertoire aus 30 Jahren. 

Unter der Regie von Jack Lilley wurde der 

grandiose Gig mitgefilmt und liegt nun auf 

DVD vor. Neben einigen Woody-Guthrie- 

Vertonungen interpretiert der sozialkritische 

Sänger größtenteils eigene Songs, 

darunter Klassiker wie “Valentine’s Day 

Is Over” und „Waiting For The Great Leap 

Forwards”. Als Zugabe spielt er anlässlich 

des 30. Jubiläums seiner Debüt-EP solo alle 

sieben Songs von LIFE’S A RIOT WITH 

SPY VS. SPY, inklusive “A New England”. 

Als Bonus enthält die DVD Interviews, Videoclips 

sowie eine CD mit der Musik des 

Konzerts. 

(Cooking Vinyl/Indigo, 2014, 

98 Min. + Bonus) frs 


ALL MY FRIENDS: 

CELEBRATING THE SONGS & 

VOICE OF GREGG ALLMAN 

Als Tribute-Konzert 

unter 

Beteiligung 

des dabei Geehrten 

und mit einem 

kaum minder breit 

aufgestellten 

Line- 

Up als bei Claptons 

„Crossroads-Guitar- 

Festivals”, so präsentiert 

sich dieser 

DVD-Mitschnitt aus dem Fox Theatre von 

Atlanta, der (wie die DVD-Version inklusive 

Doppel-CD) auch als Blu-ray Disc 

sowie in einer reinen Audio-Variante auf 

den Markt kommt. Dabei reicht der Reigen 

der beteiligten „Friends” von Dr. John über 

Keb’ Mo’ bis zu Susan Tedeschi, und bei 

den 26 Tracks handelt es sich um Songs, 

die von Gregg Allman geschrieben oder 

im Laufe seiner Karriere eingespielt wurden, 

wie etwa der zusammen mit Taj Mahal 

dargebotene ”Statesboro Blues” oder seine 

im Duett mit Jackson Browne vorgetragene 

Komposition ”Melissa”. Und bevor alle 

Beteiligten sich zu ”Will The Circle Be 

Unbroken” noch einmal zum gemeinsamen 

Finale auf der Bühne einfinden, dokumentieren 

die Titel ”Dreams” und ”Whipping 


DVD 

REVIEWS 

Post” den möglicherweise letzten Auftritt 

der Allman Brothers Band in ihrer aktuellen 

Besetzung. 

(Rounder/Universal, 2014, 

161 Min. + Extra Features) ms 

JONI MITCHELL + LOU 

REED + TINA TURNER 

WOMAN OF HEART & MIND / 

PAINTING WITH WORDS AND 

MUSIC + TRANSFORMER / 

LIVE AT MONTREUX 2000 + 

ONE LAST TIME LIVE IN 

CONCERT / CELEBRATE! 

Mit jeweils zwei 

bisher einzeln erhältlichen 

Videos 

auf einer Blu-ray 

startet Eagle Vision 

eine neue Reihe von 

Wiederveröffentlichungen. 

Besonders 

zu empfehlen dabei 

der 

Doppelpack 

von Joni Mitchell, der aus der 2003 entstandenen, 

immer noch äußerst sehenswerten 

Biografie WOMAN OF HEART 

& MIND besteht, angereichert durch 

PAINTING WITH WORDS AND MU- 

SIC, dem 1998er Livemitschnitt eines 

ebenso intimen wie eindrucksvollen Konzerts 

Mitchells in Los Angeles, bei dem 

die kanadische Songwriterin von Greg 

Leisz, Larry Klein, Brian Blade und Mark 

Isham unterstützt wurde. Ähnlich auch 

das Konzept bei den beiden Lou-Reed- 

Filmen. Auch hier gibt es mit TRANS- 

FORMER einen ebenso ausführlichen wie 

aufschlussreichen Blick hinter die Kulissen 

eines seiner wichtigsten Alben zu 

sehen, bei dem Lou Reed den Zuschauer 

zusammen mit seinem damaligen Toningenieur 

Ken Scott durch die Entstehungsgeschichte 

von so zeitlosen Songs wie 

“Vicious”, “Satellite Of Love” und “Walk 

On The Wild Side” führt. Dazu gibt es 

den kompletten Auftritt von Lou Reed 

beim 2000er Montreux Jazz Festival, bei 

dem er neben Songs aus seinem damals 

aktuellen Album ECSTASY natürlich 

auch Klassiker wie “Romeo Had Juliette”, 

“Dirty Blvd.” und “Perfect Day” im Programm 

hatte. Zwei Livemitschnitte sind 

auf der Blu-ray von Tina Turner zu sehen. 

ONE LAST TIME LIVE IN CONCERT 

wurde 2000 im Londoner Wembley Stadion 

aufgezeichnet, CELEBRATE! ein Jahr 

zuvor, als sie ihren 60. Geburtstag live 

auf der Bühne feierte. Neben dem Geburtstagsgast 

Bryan Adams gibt es noch 

frühere Duette mit Cher, Rod Stewart, 

David Bowie und Mick Jagger zu sehen, 

dazu Glückwunsch-Clips von Bono, Paul 

McCartney, Ricky Martin, Sting, Mariah 

Carey und Al Green. 

(Eagle Vision/edel, 2014, 3 Blu-rays, 

204 Min. + 206 Min. + 235 Min.) tk 

ALICE COOPER 

SUPER DUPER ALICE COOPER 

Ganz klar, eine „normale” 

filmische Biografie 

hätte dem 

Phänomen 

Alice 

Cooper nie gerecht 

werden können. Daher 

hat Banger Films 

(die auch schon Iron 

Maiden mit FLIGHT 

666 und Rush mit BE- 

YONDTHE LIGHTED STAGE ziemlich außergewöhnliche 

Doku-Denkmäler setzten) für 

SUPER DUPER ALICE COOPER eine ganz 

besondere Art der Darstellung ausgewählt. Als 

„Doku-Oper” bezeichnen die Macher ihren 

Film, in dem sie die unglaubliche Geschichte 

des Pfarrersohnes Vincent Furnier erzählen, 

der als Kunstfigur Alice Cooper direkt aus der 

Hölle zu stammen scheint. Mit einer Mischung 

aus realen Interviews, Animationen sowie Material 

aus Konzerten, TV-Shows und Filmauftritten 

werden sämtliche Stationen seiner Karriere 

detailliert beleuchtet, nicht zuletzt durch 

Einbeziehung von so namhaften Kollegen wie 

Iggy Pop, Elton John, John Lydon oder Dee 

Snider. Als Bonus gibt es nicht verwendete 

Szenen sowie Interviews mit Alice Cooper. 

(Eagle Vision/edel, 2014, 127 Min.) tk 

THE FIXX 

LIVE AT ROCKPALAST 

Auf Wave- und 

Synthie- 

oder 

Electro-Pop 

setzten The Fixx 

in der Zeit, als 

sie in Hamburgs 

Markthalle auf der 

„Rockpalast”-Bühne standen (22.2.1985). 

Was Cy Curnin (voc), Jamie West-Oram 

(g), Rupert Greenall (keys), Dan Brown (b) 

und Adam Woods (dr) damals konzertant 

inszenierten, wirkt heute etwas unterkühlt 

– aber es groovte durchaus, die eine oder 

andere Melodie setzt sich immer noch im 

Ohr fest. Aber es fehlten, das wird in überzeugender 

Ton- und Bildgüte wieder deutlich, 

der letzte Biss und die ganz eigene 

Note, die The Fixx von den anderen damals 

angesagten Acts dauerhaft abgesetzt hätten. 

Alles war clever durchdacht und konstruiert, 

auch facettenreich arrangiert, aber ein 

Hauch mehr Seele hätte dem durchaus Hitgespickten 

Konzertprogramm gutgetan. 

Aber der Zeitgeist war eben ein anderer. 

(Repertoire/Sony Music, 2014, 

DVD: 82 Min, CD: 17/79:34) pro 

RICK WAKEMAN 

LIVE IN LUGANO 

Schwarzer Anzug, weiße Schuhe und ein 

imposanter (Steinway-)Flügel, so erlebten 

die Besucher Rick Wakeman am 2. Juli 

2009 beim Lugano Estival Jazz (gemeinsam 

mit Ochester und Chor). “The King 

Arthus Suite”, “Merlin The Magician”, 

“Journey To The Centre Of The Earth” 

gab’s (ohne Elektronik, aber nichtsdestotrotz 

hochspannend) ebenso wie eine Verbeugung 

vor den Beatles mit ”Help/Eleanor 

Rigby” und einiges mehr. Wakeman weiß 

auch ohne Band im Rücken zu überzeugen, 

gewinnt bei dieser musikalischen Herausforderung, 

der er sich ja schon öfter stellte – 

auch weil er den Orchestermitgliedern zwi- 

DVD – Blu-ray 

schendurch durchaus Raum zum Solieren 

gibt. Überzeugende Dokumentation eines 

gelungenen und komplett wiedergegebenen 

Konzertabends, der die klassische Seite des 

Musikers hervorhebt. 

(Esoteric/Rough Trade, 2009, 90 Min.) pro 

ROGER CHAPMAN & 

THE SHORTLIST 

LIVE AT ROCKPALAST 

Jeweils mit einer 

DVD und zwei 

CDs sind die 

Gastspiele 

Roger 

Chapmans 

mit 

The Shortlist im 

„Rockpalast” dokumentiert, 

sowohl 

„Markthalle Hamburg 1979” als auch „Live 

At Grugahalle Essen 1981”. Beim Hamburger 

Line-Label stand „Chappo” damals unter 

Vertrag und schaffte nicht zuletzt dank des 

„Rockpalast” seinen Durchbruch hier zu Lande. 

Beim Hamburg-Auftritt war gerade mal 

sein Debüt CHAPPO erschienen, so dass er 

auch Songs seiner vorherigen Bands Family 

und Streetwalkers sowie Cover-Versionen 

einstreute. Chapman röhrte sich die Seele aus 

dem Leib, Shortlist stimmte die Melange aus 

Rock, Blues und R&B feurig und intensiv, geradezu 

enthusiastisch an, allen voran Gitarrist 

Geoff Whitehorn und Saxer Nick Pentelow. 

Und davor ein ungemein spontaner, geradezu 

animalischer Sänger. Zwei Jahre später 

in Essen war das eigene Repertoire deutlich 

umfangreicher, so dass es in zwei Stunden 

nur acht Überschneidungen gab – und selbst 

die machen in ihrer Unterschiedlichkeit einen 

gewissen Reiz aus. Ton und Bild überzeugen 

trotz einiger Schwächen insgesamt – und die 

einzigartige Musik von Chapman & Co. sowieso. 

Zugreifen! 

(Repertoire/Sony Music, 2014, DVD: 98 Min, 

CD: 7/50:35, 6/42:14 + DVD: 122 THE FIXX 

Min., CD: 11/62:40, 13/56:22) pro 

DIE TOTEN HOSEN 

DER KRACH DER REPUBLIK – 

DAS TOURFINALE 

Der riesige technische/personelle 

Aufwand bei der 

Aufzeichnung 

der zwei Tourfinale-Shows 

im 

heimischen 

Düsseldorf 

hat sich 

gelohnt: Allein die 

Optik haut einen 

um, zieht ihtman sich ihdie 

ersten Minuten der 

neuen und inzwischen x-ten Live-DVD 

der Toten Hosen rein. Natürlich kennt man 

viele Songs schon von früheren Livemitschnitten, 

aber jede Hosen-Show ist eben 

doch anders, dazu gibt’s ein paar Songs 

von BALLAST DER REPUBLIK, ebenso 

das live selten angestimmte “Helden 

und Diebe”, ein paar frühe Klassiker aus 

anderer Bühnenperspektive, auf einem 

speziellen Podest. Dazu hat Starregisseur 

Paul Dugdale (Regie bei Filmen der Stones 

und von Coldplay) einfallsreich gearbeitet. 

Mal ganz abgesehen davon, dass die Band 

beim Heimspiel in Bestform lostobte. Wer 

es sich leisten kann, sollte sich das aufwändige 

Earbook zulegen! 

(JKP/Warner, 2014, 125 Min.) pro 


MFPConcerts GmbH & Co. KG 

 

Der Gitarrist der Erfolgsalben von Ozzy Osbourne 

- Bark at the Moon & Ultimate Sin - 

live on Stage! 

27.05. Aschaffenburg 

30.05. Wien (A) 

31.05. München 

01.06. Hannover 

Abschieds 

tournee 

TANGERINE DREAM 

Phaedra Farewell Tour 2014 

22.05.2014 Paris (F) 

23.05.2014 London (GB) 

24.05.2014 Nijmegen (NL) 

26.05.2014 München 

 

28.05.2014 Nürnberg 

30.05.2014 Berlin 

 

mfp (1/4-hoch) 

01.06.2014 Köln 

02.06.2014 Köln 

JEFF 

BECK 

02.06.2014 

München 

03.06.2014 Wien (A) 

04.06.2014 Warschau (PL) 

09.06.2014 Turin (IT) 

Festival Tour 2014 

ZUSATZSHOW 

New CD 

out now! 

15.07. München (Tollwood) 

16.07. Crailsheim • 17.07. Loreley 

18.07. Tuttlingen 

08.08. Schwetzingen 

09.08. + 11.08. Calw 

15.08. Hamburg • 16.08. Nürnberg 

22.08. Wiblingen/Ulm 

HERMAN RAREBELL‘s 

Acoustic Fever Tour 2014 

feat. 

Bobby Kimball • John Parr 

Michael Voss • Jose Antonio Rodriguez 

special guest: Beggar‘s Jam 

20.10. Zürich (CH) 

21.10. Steinegg/Bozen (I) 

22.10. Nürnberg 

23.10. Hannover 

24.10. Mannheim 

25.10. Baden-Baden 

20.11.2014 München Tonhalle 

www.MFPConcerts.com 

Hotline 08450 300 20 22

Books For You 

The Beatles: It Was 50 Years Ago Today 

The Story Of Pop 

Von Terry Burrows 

2014, Edition Olms, Zürich 

ISBN 978-1-78097-110-0 

132 Seiten (engl.) 

59,95 € 

Terry Burrows arbeitete früher in der IT- 

Branche, aber konnte seine Passion für 

das geschriebene Wort nicht ignorieren. 

Seitdem sind von ihm zahlreiche Bücher zu 

den unterschiedlichsten Themen erschienen, 

von denen dieser Band sicherlich 

für Furore sorgen wird, 

denn neben sauber recherchierten 

Infos punktet vor 

allem die Aufmachung. Die 

Edition erscheint in einer 

Hardcover-Box, der ein großformatiges 

Poster beiliegt. Das 

Buch an sich ähnelt einem 

der alten Foto-Alben aus 

den Sieb zigern und wurde 

auf qualitativ hochwertigem 

Papier gedruckt. Die Karriere der 

Fab Four wird auf 132 Seiten abgehandelt, 

was auf den ersten Blick als viel zu wenig 

erscheint, doch im Gegensatz zu einer regulären 

Bio liegt hier ein anderes Konzept 

zu Grunde, denn mit 30 Faksimiles wird ein 

Gesamteindruck erzeugt, der – besonders 

für jüngere Leser – das anhaltende Phänomen 

der Beatles erläutert. Nach einer kurzen 

Einleitung des Autors werden die Jugend- 

jahre der vier Musiker auf knappem Raum 

dokumentiert, gefolgt von dem Karrierebeginn 

auf der Reeperbahn. Besonders hübsch 

sind Nachdrucke von Werbeflyern, einem 

Vertrag und einer Konzertankündigung. Zur 

Beatlemania wird natürlich auch PLEASE 

PLEASE ME besprochen (wie auch alle 

folgenden Alben), unterstützt von einem 

kultigen Miniposter. Zum Thema „Beatles 

in den USA” finden sich Nachdrucke von 

Handzetteln und einer Autogrammkarte, 

wohingegen die Tourneen wiederum 

mit schmucken Flyern dargestellt sind. 

Für den optischen Sinnesreiz 

sorgen darüber hinaus Nachdrucke 

von einer Einladung 

zur MAGICAL MYSTERY 

TOUR und der Banderole 

einer Japan-Ausgabe, 

auf deren Rückseite 

eine Dame wahrscheinlich 

ein Deodorant (oder 

Mundwasser?) anpreist. 

Im Endkapitel geht Burrows kurz auf die 

Nachhaltigkeit der Jahrhundertmusiker ein. 

Neben zwei weiteren Riesenpostern liegt der 

Ausgabe eine DVD mit Interviewschnipseln 

bei, deren Spielzeit bei unter zehn Minuten 

liegt. The Beatles: „It Was 50 Years Ago Today” 

ist natürlich ein Sammlerstück, doch 

bietet darüber hinaus viel Zeitgeist und 

Flair. Empfehlung! 

fl 

Von Karl Bruckmaier 

2014, Murmann Verlag, Hamburg 

ISBN 978-3-86774-338-9 

348 Seiten, Leinen, gebunden 

29,99 € 

Pop-Historien gibt es wie Sand am Meer. 

Was kann eine weitere Darstellung der 

Geschichte der Rock- und Popmusik noch 

allem bereits Gesagten und Geschriebenen 

hinzufügen? Karl Bruckmaier, 

Moderator des Bayerischen 

Rundfunks („Zündfunk”) und 

Kritiker der „Süddeutschen 

Zeitung”, beschreitet mit „The 

Story Of Pop” sehr unkonventionelle 

Wege und kommt 

dadurch zu verblüffenden 

Ergebnissen. Er erzählt nicht 

zum zigsten Male nach, wie 

sich Elvis Presley und Sam 

Philips oder John Lennon und 

Paul McCartney erstmals begegneten. 

Er nimmt nicht den 

geraden Weg, sondern wandelt 

abseits der Hauptstraßen, des Mi Mainstreams 

und der ausgetretenen Pfade auf 

den vielen verschlungenen Seiten- und Nebenwegen 

der Pop-Historie und schildert 

sie in subjektiv ausgewählten Episoden mit 

großem Mut zur Lücke. Statt Elvis, Stones 

und Beatles begegnen einem eher Typen 

wie Bert Williams, Irving Berlin, John Ham- 

mond, Ahmed Ertegun und Charlie Haden. 

Bruckmaier fasst seinen Popbegriff sehr 

weit: So beginnt etwa seine Geschichte 

mit dem sagenumwobenen Sänger und 

Lautenspieler Ziryab am Hofe des Kalifen 

von Córdoba im Jahr 822. Bevor er die 

1950er Jahre erreicht, schildert er erst mal 

über viele Seiten die Lebensumstände der 

nach Amerika verschifften Sklaven, wie sie 

ihre Musik und Traditionen, 

ihre Instrumente und Trommeln 

aus Afrika mitbrachten 

und somit die Grundlagen 

für fast alle späteren populärmusikalischen 

Strömungen 

schufen, ob Blues, Jazz, 

Swing, Rock’n’Roll, Soul oder 

Funk. Sein Buch ist, wie der 

Titel schon sagt, eher Story 

denn History; Erzählen und 

Auswählen stehen stärker im 

Vordergrund als die bloße Aneinanderreihung 

von musikhistorischen 

Fakten. Sein Stil 

ist it ausgefeilt, filt er schreibt auf hohem Reflexionsniveau 

– man muss schon einiges 

an Vorkenntnissen und starkes Interesse 

für den Stoff mitbringen. Auch wenn das 

Zitat- und Namedropping mitunter etwas 

ausufern und die Gedanken teils sehr 

sprunghaft sind, ist „The Story Of Pop” 

eine sehr anregende Lektüre. frs 

The Great Illustrated British Rolling Stones Discography 

1963 –2013 

Von Julian Hardiman 

2014, Maus Of Music, Hamburg 

ISBN 978-3-9809137-8-2 

Sprache: englisch 

444 Seiten; 48,00 € 

Wer wissen möchte, wie es aussieht, 

wenn sich zwei absolute Profis mit 

höchster Leidenschaft und mit tiefster Fachkenntnis 

um eine Discographie kümmern, 

der sollte sich dieses Buch zulegen. Geschrieben 

von Julian Hardiman, einem der 

führenden Rolling-Stones- 

Sammler Großbritanniens, 

bebildert von Christoph 

Maus, dessen Anthologie 

„Rolling Stones World wide” 

nun schon bei Ausgabe IV 

angekommen ist, bleibt 

„The Great Illustrated British 

Rolling Stones Discography 

1963–2013” natürlich immer noch nichts 

anderes als eine Discographie. Doch wie die 

beiden Autoren in diesem dicken Wälzer die 

Veröffentlichungen der letzten 50 Stones- 

Jahre chronologisch aufbereitet haben, wie 

sie Singles, EPs, LPs, CDs, DVDs, Kassetten, 

Promo-USB-Sticks, Sammelboxen und vieles 

mehr durch Text und Bild zum Leben erwecken, 

wie sie selbst eingefleischten Fans der 

Band immer wieder Neues und bisher Unbekanntes 

präsentieren, das ist ebenso ein- 

malig wie großartig. Von der 1963er Single 

“Come On/I Want To Be Loved” bis zum 

2013er Live-Dreier-Pack SWEET SUMMER 

SUN reicht das Spektrum, selbst Exkursionen 

zu Tribute-Alben, obskuren Samplern und 

Reissues werden unternommen, auch hier 

bleibt kein Wunsch offen, auch hier gibt es 

alle notwendigen Veröffentlichungsinfos, 

Abbildungen der Front- und Backcover, der 

Label, Innenhüllen und Booklets. Ein Buch, 

das sich aufgrund seiner Vielfalt, seiner Farbenpracht 

und seiner enormen 

Detailtiefe nicht nur an 

Sammler richtet, neben akribischem 

Durcharbeiten ist 

hier auch zielloses Blättern 

ein Genuss, am besten natürlich, 

wenn man dabei den 

einen oder anderen abgebildeten 

Tonträger auflegt und 

so nicht nur visuell in die Welt der Rolling 

Stones eintaucht. Neben einer ausführlichen 

Einleitung, in der sich sowohl eine Auflistung 

aller vorgestellten Veröffentlichungen 

als auch eine Erklärung der wichtigsten Begriffe 

finden, gibt es am Ende des Buches 

noch Abbildungen von Promo-Postern von 

1965 bis 2005 sowie sechs leere Seiten für 

den Selbsteintrag der kommenden Stones- 

Veröffentlichung von 2014 bis 2063 – ob 

diese wohl ausreichen? 

us 

Wild Tales – Ein Rock’n’Roll-Leben 

Von Graham Nash 

2014, edel, Hamburg 

ISBN 978-3-8419-0250-4 

382 Seiten 

22,95 € 

Dass Graham Nash auf dem Titel seiner 

Autobiografie „Wild Tales – Ein 

Rock’n’Roll-Leben” mit der Kamera in der 

Hand abgebildet ist, das ist kein Zufall. Denn 

auch wenn es der Titel des Buches mit seinen 

„wilden Geschichten” und 

einem „Rock’n’Roll-Leben” 

so suggeriert, ist der 1942 in 

Blackpool geborene Brite weit 

davon entfernt, aus seinem 

Blick zurück auf sein musikalisches 

Leben eine simple 

Aneinanderreihung von wilden 

Storys über „Sex, Drugs 

& Rock’n’Roll” zu machen. 

Natürlich gibt es diese auch, 

wer wie Graham Nash über 

so lange Zeit im wohl verrücktesten 

Business der Welt 

tätig war, wer von britischem Beat über 

ur-amerikanischen Folk bis zum Aufstieg 

in höchste Pop-Sphären alles miterlebt hat, 

der kann ohne Zweifel einiges erzählen. 

Doch immer wieder gelingt es Nash, auch 

über sein Musikerdasein hinauszublicken, 

als Fotograf, als Kunstliebhaber, als Freund, 

als sozial engagierter Mäzen, als warmherziger 

Mensch. Wunderbar flüssig zu lesen 

geht es chronologisch durch sein Leben, 

beginnend mit seiner Zeit bei den Hollies 

über die Jahre mit David Crosby, Stephen 

Stills und/oder Neil Young bis zu seinen Solozeiten. 

Auch die Westcoast-Hippieszene 

im Laurel Canyon, seine tiefe Beziehung zu 

Joni Mitchell oder der CSN&Y-Auftritt beim 

legendären Woodstock-Festival werden zum 

Thema, ebenso wie die Zeit in 

den 80ern, als Nash im Kampf 

gegen die Atomenergie zum 

Protestkämpfer wird oder sich 

mit Benefizkonzerten gegen 

den Irak-Krieg engagiert. Mit 

rein privaten Einblicken geht 

er in „Wild Tales” eher sparsam 

um, dennoch reichen die 

wenigen von ihm geschilderten 

Erlebnisse aus, um Nash auch 

in 

dieser Hinsicht zu einem 

authentischen Chronisten zu 

machen. Dies ist unter dem 

Strich gesehen 

wohl auch das größte Lob, 

das man einer Autobiografie ausstellen kann, 

authentisch, ehrlich und emotional zu sein; 

Graham Nash ist dies mit „Wild Tales – Ein 

Rock’n’Roll-Leben” hervorragend gelungen. 

Feiner Service: Im Buch gibt es einen kostenlosen 

Download-Code für E-Reader. us 


Rocklexikon der DDR 

Holtmanns Erzählungen – Porsche, Pop und Parkinson 

Von Götz Hintze 

2014, tredition GmbH, Hamburg 

ISBN 978-3-8495-7804-6 

402 Seiten; 24,90 € 

15 Jahre nach der Erstveröffentlichung 

legt Götz 

Hintze nun eine großflächig 

überarbeitete und erweiterte 

Auflage seines „Rocklexikons 

der DDR” vor. Rund 40 neue 

Stichworte kamen hinzu, au- 

ßerdem wurde das Buch um ein rund 3500 

Einträge umfassendes Interpretenregister 

ergänzt, was die Suche nach bestimmten Personen 

natürlich enorm erleichtert. Auch die 

im vereinigten Deutschland veröffentlichten 

Tonträger der jeweiligen Künstler sind nun 

zusätzlich in den Discographien berücksichtigt. 

Was sich im Vergleich zur ersten Auflage 

nicht geändert hat, ist die ungebrochen hohe 

Relevanz dieses Lexikons, denn der Ansatz 

von Götz Hintze – von 1983 bis 1991 Musikdokumentar 

beim DDR-Rundfunk und dort 

zuständig für Pop-, Rock- und Schlagermusik 

– die Bands, Interpreten, Sänger und Texter 

der DDR-Rockgeschichte nicht in Vergessenheit 

geraten zu lassen, ist heute mindestens 

noch genauso wichtig wie 1999. Sehr interessant 

sind auch die im Anhang zu findenden 

DDR-Jahreshitparaden von 1975 bis 1990, in 

denen man die Top-50-Songs der einzelnen 

Jahre findet. 

tk 

Von Matthias Holtmann 

2014, Klöpfer und Meyer, Tübingen 

ISBN 978-3-86351-065-7 

350 Seiten; 25 € 

ollage eines so nicht geplanten 

Lebens”, so lautet C„ 

der Untertitel von „Holtmanns 

Erzählungen”. Was es damit 

auf sich hat, dafür genügt ein 

Blick auf die bewegte Vita von 

Autor Matthias Holtmann, der 

nach dem Studium an der Musikhochschule 

Köln Schlagzeuger der deutschen Progressive 

Rockband Triumvirat war, es dann über 

Autotester bei Porsche, Jobs als Comedian 

und Journalist bis zum Moderator (mit eige- 

ner Autogrammkarte!) und Musikchef beim 

Stuttgarter Südwestrundfunk gebracht hat. 

Wer seine Live- und Radiomoderationen 

kennt, der wird sich schnell heimisch fühlen 

in der trocken-witzigen, manchmal auch 

selbstironischen Art, in der Holtmann seine 

Erinnerungen, Eingebungen, Glücksmomente, 

Visionen, Abschweifungen und Niederlagen 

erzählt. Gerade diese Art, mit sich 

selbst und mit Schicksalsschlägen wie seiner 

Parkinson-Erkrankung offen umzugehen, 

hebt dieses Buch über eine „normale” Promi- 

Biografie hinaus. Zusätzlich enthält das Buch 

noch eine CD, auf der Holtmann einige Abschnitte 

seiner „Erzählungen” als Hörbuch 

präsentiert. 

us 

Beat in Baden 

Von Uwe Menze 

2014, BadnerBuch-Verlag, Rastatt 

ISBN 978-3-94463-505-7 

170 Seiten; 19,90 € 

it Uwe Menze, Jahr- 

1954 und im 

badischen Rastatt aufgewachsen, 

hat sich ein absoluter 

Kenner des „Beat 

in Baden” angenommen. 

Mit ein paar alten Schall- 

Mgang 

platten der Rocking Stars - einer badischen 

Beatband, die er bis dahin gar nicht kannte 

- wurde in ihm der Wunsch geweckt, sich 

statt um die populären britischen und amerikanischen 

Bands der 60er und 70er um die 

(mehr oder weniger) längst in Vergessenheit 

geratenen Gruppen aus der Heimat zu kümmern. 

Dass dort neben den Ghostmen, Firestones, 

Sunbeams oder den Beethovens auch 

die weltweiten Karrieren der Flippers, von 

Ricky King, Joy Fleming und Tony Marshall 

ihren Anfang nahmen, wo die Moonlights, 

die Skippies oder der Saxofonist Pete Tex 

auftraten, wer wann welche Single oder LP 

veröffentlichte – Uwe Menze hat alles bestens 

recherchiert, mit vielen Fotos und Coverabbildungen 

aufbereitet und das alles in 

diesem klasse Nachschlagewerk äußerst einladend 

in Szene gesetzt. Dickes Kompliment, 

so macht musikalische (Heimat-)Geschichte 

richtig Laune! 

us 

Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich – Diskografie, Story 

Von Heinz Dietz 

eine schriftliche Auflistung der verausgabten 

2014, Eigenverlag 

Platten vorangestellt. Die Lis te ist chronologisch 

134 Seiten, deutsch 

und nummeriert. Die folgenden Co- 

40,00 € (+ Versand 3 €, Ausland-Europa 7 €) verabbildungen sind ebenfalls nummeriert, so 

Die Diskografie über dass man diese schnell den jeweiligen Veröf- 

Dave Dee, Dozy, Beaky, 

Mick & Tich zeigt, 

dass nicht nur deren 

fentlichungen zuordnen kann. Dietz hat auf 

Wertangaben für Plattensammler verzichtet, 

was zu begrüßen ist, denn die Singles dieser 

Bühnenkleidung bunt Band sind – wohl wegen ihrer hohen Aufla- 

und schrill war, sondern 

auch die Plattencover 

gen – fast durchweg im unteren Preissegment 

angesiedelt. Eine stattliche Anzahl schöner 

farbenprächtige und seltener Fotos und die Abbildungen ei- 

Gestaltung aufwiesen. niger „Sheet Music”-Titelblätter aus England 

Der Herausgeber hat für dieses Buch sein 

übliches Konzept geändert, was sich positiv 

auswirkt. So ist dem jeweiligen Ausgabeland 

ergänzen das interessante Buch. 

Bezug: www.beat-band-books.de oder 

E-Mail: heinz-dietz@t-online.de 

p 

Abba Backstage 

Ein Blues für die Lady 

Von Ingmarie Halling 

2014, Heel Verlag, Königswinter 

ISBN 978-3-86852-878-7 

80 Seiten; 40 € 

er wie Ingmarie Hal- 

heute Kuratorin Wling, 

des Stockholmer Abba- 

Museums, die schwedische 

Band ab 1977 als Kostümbildnerin 

auf ihren Welt- 

tourneen begleitet hat und bis heute 

mit allen vier Abba-Mitgliedern befreundet 

ist, der darf sein Buch ohne Zweifel 

„Abba Backstage” nennen. Wie nahe sie 

Anni-Frid, Benny, Björn und Agnetha in 

dieser Zeit war, zeigen nicht zuletzt die 

zahlreichen exklusiven Privatfotos, die 

es hier in Hülle und Fülle zu sehen gibt; 

auch die Anekdoten, die sie am Rande der 

Reisen zu Auftritten in alle Welt miterleben 

durfte, sind herrlich kurzweilige Unterhaltung. 

Daneben gibt es immer wieder 

zahlreiche O-Töne von damals Beteiligten 

zu lesen, auch die vier Bandmitglieder 

schildern ausführlich ihre Sicht der Dinge. 

Dazu gibt es – in eingeklebte Umschläge 

verpackt – Reprints von handgeschriebenen 

Notizen, Briefen, Songlisten und 

Kalendern sowie die 1977er „Tour-Bibel” 

mit allen Namen, Titeln und Auftrittsorten, 

Backstage-Pässen, Gepäckanhängern, 

Bühnenskripten und vieles mehr. 

Tolles Buch! 

tk 

Von Volker Erbes 

2014, Mainbook, Frankfurt/M. 

ISBN 978-3-94412-409-4 

219 Seiten; 10,90 € 

eit den 70er Jahren hatte 

SVolker Erbes mit Büchern 

wie „Die blauen Hunde” und 

„Die Spur des Schwimmers” 

auf sich aufmerksam gemacht. 

1994 zog er sich vorübergehend 

aus der Literatur 

zurück, um sich mit östlichen Weisheitslehren, 

Malerei und Musik zu beschäftigen. Nun 

kehrt der in Frankfurt am Main lebende Autor 

mit einem Roman zurück, in dem er auch 

seine Liebe zum Jazz und Blues verarbeitet: 

„Ein Blues für die Lady”. Die Handlung kreist 

um einen Trompeter, der seine Erinnerung 

verloren hat und durch die Mainmetropole 

streift. Er bekommt ein Engagement bei 

einem steinreichen Clubbesitzer und begegnet 

Musikern, Frauen, Szenegängern 

und der mysteriösen Sängerin Echo. Nach 

und nach muss er sich seiner Vergangenheit 

stellen. „Ein Blues für die Lady” ist ein 

labyrinthischer, geheimnisvoller Roman, der 

an Werke der Romantik, Frühmoderne oder 

Julio Cortázar erinnert. Wie bei jedem gut 

improvisierten Jazzstück ist eine Handlung 

weniger wichtig als vielmehr der Augenblick, 

der Klang. Und der Sound von Erbes‘ Sprache 

ist wunderschön, berauschend. frs 

Dancing Queens: Alle Wege führen nach Waterloo 

Bowie Treasures 

Von Jana Fuchs 

2014, Knaur 

ISBN 978-3-42651-491-7 

316 Seiten 

9,95 € 

D 

ie beiden Autorinnen 

Heike Abidi und Tanja 

Janz haben unter dem 

Pseudonym Jana Fuchs 

einen witzigen Zeitgeistroman 

verfasst, der 

den Abba-Kult und zwei 

in die Jahre gekommene 

„ehemalige” Teenager thematisiert. Frida4Ever 

und BlueEyedDarling, zwei recht 

unterschiedliche Frauen, lernen sich in 

einem Internetforum kennen und beschlie- 

ßen, gemeinsam nach Schweden zu reisen, 

um ihre Faszination für die Band beim 40. 

Grand-Prix-Jubiläum auszuleben, auch 

wenn die Jeans von damals – verdammt! – 

enger geworden ist. Die mit Anspielungen 

auf Abba gespickte Erzählung ist nicht nur 

ein schriller Roadmovie, sondern zugleich 

ein Porträt der Siebziger im Kontrast zur 

Neuzeit. Natürlich erhebt der Roman keinen 

Anspruch auf literarische Höchstleistungen, 

sondern soll locker-flockig-frech 

unterhalten (was durchaus schwierig ist). 

Ein Waterloo? Nein, denn den Unterhaltungsfaktor 

hat „Jana Fuchs” mit Bravour 

erreicht. Also volle Punktzahl – auch für 

das Cover, bei dem der Titel im Glitzer- 

Prägeaufdruck erscheint! 

at 

Von Mike Evans 

2014, Edition Olms 

ISBN 978-1-78097-309-8 

62 Seiten 

39,95 € 

Edition „Bo- 

Treasures” 

fällt in die Kategorie 

„Erlebnisliteratur”, da 

hier ein lebendiger 

Gesamteinruck ver- 

Dwie 

mittelt wird, der trotz 

der geringen Seitenzahl 

überzeugt. Das Buch wird in einem 

Hardcover-Schuber geliefert und dokumentiert 

die Karriere des charismatischen 

und experimentierfreudigen Musikers. Von 

seinem ersten Album bis hin zu REALITY 

sind alle Tonträger aufgeführt und werden 

verknüpft mit biografischen Details 

besprochen. Dazu erscheint jedesmal der 

Kasten „Fact File”, in dem die wichtigsten 

Fakten zusammengetragen sind. Auch die 

Auswahl der Fotos stimmt, denn neben 

den bekannten Aufnahmen hat der Autor 

auch seltenes Material berücksichtigt. Die 

Würze des Bandes machen die 20 Faksimile-Beilagen 

aus. Neben einem gefärbten 

Poster aus der Ziggy-Stardust-Ära gefällt 

ein weiteres aus dem Jahr 1983, das damals 

einem Video-Tape beilag. Hinzukommen 

zum Beispiel ein Tourheft, eine 

Postkarte, ein Vertrag aus dem Marquee 

1965, die das grandiose Werk optimal abrunden. 

Top! 

fl 


Heft 4 1995 Heft 5 1995 Heft 1 1996 Heft 2 1996 Heft 3 1996 Heft 4 1996 Heft 6 1996 

Heft 5 1997 

Heft 6 1997 

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TIPP 

MICHAEL LEE FIRKINS 

Ausgegniedelt?! 

Hoch leben die Vorurteile! Wer 

Anfang/Mitte der 1990er Jahre Bilder 

von Michael Lee Firkins anschaute, sah 

sich automatisch gewarnt: US-Schönling, 

blonde Mega-Mähne mit einer 

Fantastilliarde Korkenzieherlocken, das 

Hemd geöffnet bis zu den Hühneraugen. 

Gedruckte Hinweise auf einen „neuen 

Gitarrengott" sorgten für automatische 

Rückführung der CDs in die passenden 

Regalfächer; das metallisch-seelenlose 

Hochgeschwindigkeitsgekreische 

der Klampfe war hörbar, ohne 

dass die Disc überhaupt im 

Schacht lag. Und so ganz falsch 

war das nicht ... 

Der Mann aus Omaha, 

Nebraska – dort geboren 

am 19.5.1967 – lieferte auf 

seinen ersten drei Alben 

(MICHAEL LEE FIRKINS, 

CHAPTER ELEVEN und 

CACTUS CRÜZ) in der Tat 

manch wilde, verwegene 

Jagd nach dem vorherrschenden 

Motto „schneller 

& greller" ab, wobei seine 

angestrebte Zielsetzung nie 

so ganz klar wurde. Will 

sagen: Der konnte – auf 

hohem Niveau – offenbar 

alles von Metal, Rock, 

Jazz, R&B etc. –, und so 

fanden sich auf den genannten, rein 

instrumentalen Solo-CDs immer wieder 

auch echte Einzelperlen, die 

noch an das absolut Gute 

in diesem Flinkfinger und 

Gitarrenlehrer glauben ließen; 

zumal Firkins 1994 auch 

als Bandmitglied auf einer LP 

mit dem Titel THE HOWLING 

IGUANAS (mit Gesang) zu 

hören war und er dort angenehmeren, 

gebremsten 

Schaum schlug. 

DECOMPOSITION (1999) erwies 

sich als weiterer Schritt ans 

Licht: Ein ausgetüftelter Cover- 

Versionen-Mix bot teils hochspannende 

Bearbeitungen 

u.a. von Jimi Hendrix 

(2), Duke Ellington, Rick 

Derringer und sogar 

von Henry Mancinis 

Filmmusik „Pink 

Panther". Danach 

war Firkins funkig 

zumute, er gehörte 

für zwei Alben (ONE 

NATION UNDER 

A RE-GROOVE/ 

TAKE YOU HIGHER; 

2003/2004) dem 

Oktett The Clinton 

Administration an 

(womit eher George als Ex-Präsi Bill 

gemeint war). Erst 2007 kehrte er auf 

„seinen" Kurs zurück: Die 

BLACK LIGHT SONATAS enthielten 

Bodenständiges und 

harte Rocker ("Two Guns 

Left", "One Big Punch", 

"Black Betty", "Now's Your 

Time Blues") und vorzügliche 

Gitarrenexkursionen wie die 

lange "Black Light Sonata"). 

Und: Schon hier gastierten 

sporadisch drei namhafte 

Kollegen, die 

– sämtlich bestens 

in vollem Saft – auf 

Firkins' aktueller 

Scheibe YEP durchgehend 

am Werke sind; 

sie machen selbige zu 

seiner mit Abstand 

besten, gniedelfreien 

Arbeit: Drummer Matt 

Abts und Andy Hess 

(Bass) u.a. von Gov't 

Mule als Rhythmusduo 

und der bei den 

Stones nicht unumstrittene 

Keyboarder Chuck Leavell, der 

hier vor allem an der schwurbelnden Orgel 

blendend eingepasst hantiert. Michael 

Lee Firkins scheint (daumendrück!) endlich 

„angekommen": YEP läuft geradezu 

ENTDECKT – EMPFOHLEN 

über vor feinsten Spuren der Allman 

Brothers, von Lynyrd Skynyrd, brodelndem 

Südstaaten-Feeling, einem geradezu 

exzeptionell guten Bandverständnis und 

Solopassagen – und all das auf über 65 

Spielminuten. 

Wahre Slide-Exzesse hat's hier in allen 

Variationen ("Cajun Boogie", "The Cane"), 

gern auch mal dreilagig ("Standing 

Ovation"), mal mit J.J. Cale-Verschnitt 

und – in "Wearin' Black" – als habe man 

Anton Karas' "Der dritte Mann" durch 

den Wolf gedreht. 

Es gibt Schunkler 

wie "Take Me Back" 

und Gebremstes mit 

Dröhnungsbeilage der 

Hausmarke Firkins 

("Long Day", "Out 

Of Season"). Die elf 

Songs kommen wie 

aus einem Guss, 

ohne Schwachstellen, 

Ruhepausen entfallen. 

YEP ist ein einziger 

atemloser Block, mit 

Sicherheit eines der 

attraktivsten Jam/- 

Southern-Alben der letzten Jahre. Möge 

diese Besetzung bleiben, nachlegen, mal 

zu Besuch kommen! Und: Hat da irgendwer 

behauptet, Mr. Firkins könne nicht (so 

gut) singen? Ohrenarzt! 

bm 

BRYCE JANEY 

Abgenabelt, losgebluest 

Vati hat's geschafft, immerhin: Billy 

Lee Janey, Baujahr 1953, kam in 

Form von zwei CD-Reviews bereits 2007 

und 2009 in GoodTimes vor. Doch dass 

da auch noch ein Saiten rupfender 

Sohnemann ist – und was für einer! 

–, blieb bislang unbeachtet. Papa Billy 

hatte zur Zeit der British Invasion um 

1964 die Arbeit in Marion, Iowa, aufgenommen; 

das Familientrio 

The Janeys (nebst Gattin und 

dem aufstrebenden Filius) folgte, 

dann ging es separat weiter 

– immer auf einem deftigen 

Blues(Rock-)Fundament und 

mit viel Beachtung im allerdings 

eher begrenzten regionalen 

Dunstkreis. 

Mitte der Neunziger war es dann 

soweit: Der explosive Gitarrist 

Bryce Janey nabelte sich, weiter 

unterstützt vom Erzeuger, 

von selbigem ab und stellte 

sich auf eigene Füße. Bis 2006 

erschienen – in Europa kaum 

bis überhaupt nicht wahrgenommen 

– fünf Alben auf 

Kleinlabels wie Hot Fudge und 

Blue Sunday (alle sind zumindest 

als Downloads noch erhältlich): 

PRACTICE WHAT YOU PREACH, SWEET 

BABY JANE, BARE WIRE, der Mitschnitt 

LIVE AT J.M. O'MALLEY'S und HEAL 

THE NIGHT; durchweg solide, attrakti- 

ve Blues-Rockaufwärmübungen mit 

punktuellen Highlights, aber trotz 

Intensivumsetzung noch längst 

nicht ausgereift. 

In Eigenregie folgte DOWN HOME 

BLUES, ein rein akustischer Versuch, 

der Song für Song unterstrich, 

dass hier nicht etwa ein reiner 

Krachmacher am kreativ-diffizileren 

Werk ist (Empfehlungen: Willie Dixons 

"Little Red Rooster", "Country Fever", 

"Gamblin' Man's Blues"). Dann die entscheidende 

Weichenstellung: Bryce Janey 

kam in Kontakt mit Grooveyard Records, 

dem New Yorker 

Retro-Label und 

Tummelplatz für 

70s-„Old School"- 

Fans mit inzwischen 

über 100 

Veröffentlichungen 

(unter anderem 

nordamerikanische 

Wertarbeit von den 

Buddaheads, Craig 

Erickson, Dave Osti, Guitar Pete, Greg 

Koch, Lance Lopez, Henrik Freischlader). 

Seit etwa 2010 ist Bryce Janey nun 

„angekommen" und damit hoffentlich 

endgültig auf Kurs. BLUES IN MY SOUL 

– mit Johnny Winters "Medicine Man" 

und einer stromfreien Version von Robin 

Trowers "In This Place" – und GAME 

OF LIFE (inklusive des "Come And Go 

Blues" der Allmans und "Waitin' For The 

Bus"/ZZ Top) gelangen zu 100 Prozent 

ausfallfrei, sind in sich geschlossen und 

abgerundet: Wer auf die Herren Hendrix, 

Trower, Vaughn, Gibbons & Co. steht, 

erhält hier wuchtige, hochqualitative 

Variationen und Fortführungen, 

ohne einem schnöden Abkupferer 

auf den Leim zu gehen. 

Janeys schroffer, bäriger Gesang 

kommt aus der Kniekehle, eine 

seltene Gurgelmixtur aus James 

Dewar und dem späten Johnny 

Cash – wie maßgeschneidert für 

den gern verschleppten und bleischweren 

Stratocaster-Sound dieses 

Prädikatsgitarristen, der niemals 

billig-plakativ seine Profession 

„vorführt". Und sein Gitarrenton 

(immer leicht brutzelig, integrierte 

Slidepartien inklusive) spricht ganz 

einfach an. Mit BURNING FLAME 

(2013) steht der Amerikaner auf seinem 

bislang höchsten Podestplatz – 

wie immer mit begrenzter Begleitung 

(Dan „DJ" Johnson, bass; Eric Douglas, 

drums; Tommy T-Bone Giblin, organ), die 

Überfrachtung und Selbstzweck-Firlefanz 

kategorisch ausschließt. Mit dem nicht 

eben häufig bearbeiteten Free-Klassiker 

"The Stealer" und dem "Special Ryder 

Blues" (Altmeister Skip James) gibt es die 

obligatorischen Cover-Versionen, der Rest 

sind trocken-gewichtige Eigenbauten 

(top: "The Revenuers", "Stone Cold 

Killer", "Chrome Horse", "Long Ways 

Home") auf 55:22 Min. Länge. Fazit in 

neudeutschem Werbe-Sprech: So muss 

Blues-Rock! 

bm 


Viva 

u v i ] 

Mexico! 

Die Popmusik liebt Sehnsuchtsziele und 

Traumlandschaften. Amerikanische Songs schwelgen 

in grenzenloser Begeisterung für den südlichen 

Nachbarstaat. Ein zwiespältiges Verhältnis. 

Von Rüdiger Bloemeke 

(„ se 

Sie kommen so sicher wie der Frühling: amerikanische 

Jugendliche, die wie die Heuschrecken 

in Mexiko einfallen, um „Spring 

break" zu feiern, die Frühjahrsferien an den Universitäten. 

Im Schlaraffenland „south of the border" 

kennen sie keine Grenzen für ihre Vorstellungen 

von „Party". Das südliche Nachbarland 

bietet dem Gringo seit jeher alles, was ihm in 

der puritanischen Heimat fehlt. „All the women 

are crazy and they like to party till daylight" 

(„Alle Frauen dort sind irre, und sie feiern bis 

Tagesanbruch"), heißt 

es in "Clean Shirt" von 

Waylon Jennings und 

Willie Nelson über einen 

Ausflug nach Mexiko. Und 

das bleibt nicht ohne Folgen: 

Am nächsten Morgen 

wachen beide in desolater 

Verfassung auf – der 

eine 

mit 

bescheuertem eu 

erte 

Tattoo, der andere mit 

Dauerwelle. Und auch Bob Dylan hat schon die 

Grenze überschritten: „When you’re lost in the 

rain in Juarez and it’s Eastertime too" („Wenn du 

im Regen in Juarez am Ende bist, und es ist Ostern"). 

Sein "Just 

Like Tom Thumb’s 

Blues" lässt ihn 

den Abend mit 

Burgunder beginnen, 

ehe er härtere 

Sachen nimmt. Und 

bevor dort die „hungry 

women ... make a mess outa 

you" („die hungrigen Frauen ... 

dich fertigmachen"). Schließlich 

l war schon in "Goin’ To Acapulco" 

sein einziger Wunsch: „goin’ 

to have some fun". Thema Nr. 

1: 

die Senoritas. Drei Beispiele: ele: 

e: James 

Taylor, eher der coole Typ, konnte in 

"Mexico" ein 

Lied von 

der 

Attraktivität tivi 

tät der tempe- 

e- 

ramentvollen Mexikaneerinnen 

singen: n: „Sleepy 

senorita with the eyes 

es 

on 

fire". Feurig ging 

es 

auch bei Hank Snow zu. 

Die Frau, die ihm mit dem 

Rhythmus hmus 

ihrer Hüften und ihren rubinroten Lippen 

den Verstand raubte, nannte er "Spanish Fireball". 

Selbst die Drifters hatten "Down In Mexico" 

in einer Bar in Mexicali einschlägige Erfahrungen 

mit einer Senorita gemacht. 

Suff, Sex und Drogen 

Die Wechselbeziehung zwischen Mexiko und den 

USA hat sich nicht nur in Kriegen („The Alamo", 

Amerikanisch-Mexikanischer Krieg), in Handel (Tequila, 

Corona), Literatur (Oscar Lewis, Don Winslow) 

und Filmen („Bandido", 

„Die glorreichen Sieben") 

niedergeschlagen 

– vor allem die US-Mu- 

sik 

wurde davon nachhaltig 

geprägt. In ihr ließ 

sich 

alles auf emotionale 

Weise ausdrücken, was Nordamerikaner 

aner 

mit 

dem sonnigen 

Land 

im Süden verbinden. Für sie 

gibt’s dort im 

Übermaß, was der 

simple Yankee mit Freiheit verbin- 

det: Suff, f, Sex 

und 

Drogen. Mit anderen 

Worten: Da kann man die Sau 

rauslassen ss 

– 

das Nachbarland als 

Bordell des Nordens. Das war allerdings 

nicht immer so. Angefangen 

hat das Verhältnis als romantische 

Beziehung: e Mexiko als Sehnsuchtsziel, 

als Traumlandschaft, an in der 

man die Liebe findet, etwa bei "Mexicali 

Rose", die schon in einem em 

Schlager von 1923 

besungen wurde. Gleich in zwei Filmen („South Of 

The Border" von 1939 und „Down Mexico Way", 

1941) trug Gene Autry sein "South Of The Border" 

vor, eine Ballade unerfüllter 

Liebe: „South of the border, 

down Mexico way, that’s 

where I fell in love, when 

the stars above came out to 

play" („Südlich der Grenze, 

in Mexiko, verliebte ich 

mich, als die Sterne aufgingen"). 

Beide Liebenden 

flüstern „manana", als das Paar sich 

trennt, aber das 

Manana kommt für sie nicht. Im 1941er Film „Down 


c l 

Mexico Way" heißt eine Protagonistin Maria Elena, 

im selben Jahr schaffte Jimmy Dorsey die Spitzenposition 

der Charts mit dem 

Song "Maria Elena", in dem 

eine Mexikanerin angebetet 

wird: „Maria Elena, you’re 

the answer to a prayer" 

(„Maria Elena, du bist die 

Erfüllung meines Gebetes"). 

Noch 1963 hatte die dermaßen 

Angebetete das Zeug 

zu einem em 

Top-Ten-Hit: Ten 

in 

einer Instrumentalversion 

von Los Indios Tabajaras. 

Einer der meist gecoverten Songs der 50er Jahre 

hieß "Vaya Con Dios". Er bescherte Les Paul und 

Mary Ford 1953 ihren größten Erfolg. Mit dem 

Titel („Auf Wiedersehn") war die Szenerie der unglücklichen 

Liebesgeschichte vorgegeben: „Now 

the hacienda’s dark, the town is sleeping. Now 

the time has come to part, the time for weeping. 

Vaya con dios, my darling, vaya con dios my love" 

(„Die Hazienda liegt im Dunkeln. Die Stadt schläft 

schon. Und wir müssen jetzt auseinandergehen, die 

Tränen werden fließen"). Es gibt eine frappierende 

Parallele zu diesen mexikanischen Liebesliedern der 

Amerikaner: Der deutsche Schlager der Adenauer- 

Ära schwelgte in sentimentalen Italienklischees – 

von den "Capri-Fischern" über "Arrivederci, Roma", 

"Veni, vidi, vici" und "Es war in Napoli" bis zu 

"Mandolinen und Mondschein". Wie einst Goethe 

verherrlichte man „das Land, wo die Zitronen 

blühn, im dunklen Laub die Gold-Orangen glühn, 

ein sanfter Wind vom blauen Himmel weht". Aber 

das war eine vorübergehende Mode. In den USA 

dagegen dauert die Mexikoliebe bis heute an: Von 

Acapulco bis Tijuana erstreckt sich eine Landschaft, 

die lange als Paradies vergoldet wurde. Was den 

Wirtschaftswunder-Deutschen „bella, bella Marie" 

war, war den Nordamerikanern "Maria Elena"; was 

den einen „amore" war, war den anderen „amor" – 

in den Worten von Roy Orbison "Yo Te Amo Maria". 

Jeden Tag Siesta, 

jeden " Abend Fiesta" 

Maria Muldaur bringt den Traum vom besseren Leben 

im Süden in "Gringo In Mexico" auf den Punkt: 

„But now you will find me out here every morning, 

out on the beach or else down in the square ... Bananas 

and coconuts, fish from the ocean, sun in the 

morning and music at night, everyone seems to pass 

by in slow motion" („Jetzt bin ich hier jeden Morgen 

am Strand oder auf dem Marktplatz ... Bananen, 

Kokosnüsse, Fisch vom Ozean, Sonne am Morgen, 

Musik zur Nacht. Jeder scheint sich in Zeitlupe zu 

bewegen"). Dieser Wunschvorstellung 

ist ein ganzer 

Elvis-Presley-Film 

(„Fun 

In Acapulco") gewidmet. 

Motto: „Life begins, when 

you’re in Mexico!" Auch 

hier die Gegenwelt zum 

„American way of life": 

„Your troubles like bubbles will soon disappear in 

the air ... No one’s in a hurry, no one seems to worry, 

why they’re all so happy is very clear, every day 

siesta, every night fiesta" („Deine Sorgen werden 

bald wie Seifenblasen in der Luft verschwinden ... 

niemand hat es eilig, niemand sorgt sich, warum sie 

alle so glücklich sind, ist völlig klar"). Songtitel: "I 

Think I’m Gonna Like It Here". Spanische Gitarren 

und Mariachi-Trompeten sorgen bei Elvis und Maria 

Muldaur und unzähligen anderen Aufnahmen für 

stimmungsvolle Untermalung. US-Studiomusiker 

haben den Mexiko-Sound längst wie selbstverständlich 

in ihrem Repertoire. 

Bei einer Spaßband aus Texas wie dem Sir Douglas 

Quintet gehörte der mexikanische Einschlag zum 

guten Ton, besonders schön zu hören auf "Nuevo 

Laredo", einer typischen „South Of The Border"- 

Geschichte. "Fun" südlich der Grenze suchten nicht 

nur die Baby-Boomer und Spring-Breaker. Schon 

Frank Sinatra forderte in "Come Fly With Me" seine 

Geliebte auf, mit ihm „down to Acapulco Bay" zu 

fliegen. Solch kleine Fluchten aus dem Alltag ließen 

sich mit einem Bündel 

Dollarscheine leicht verwirklichen. 

Aber auch für 

Gangster war der Süden 

ein beliebter Fluchtpunkt, 

um 

unterzutauchen. Das 

kalte Kanada im Norden 

kam dagegen g nur für Viet- 

nam-Kriegsdienstverwei- 

enst 

rw 

eigerer 

in Frage, die dort 

Unterschlupf fanden. 

Wer wie Merle Haggard 

das Gefängnis in Tucson 

vermeiden wollte, peilte 

als Befreiung am besten 

die "Seashores Of Old 

Mexico" an. Bei Hank Thompson kam ein Mörder 

bei seinem Absetzversuch nicht weiter als Juarez. 

Er hatte seine Frau umgebracht 

– im Rausch aus einer 

Mischung von Whiskey 

und Kokain. Der Countrystar 

konnte 1959 im "Cocaine 

Blues" offen von Kokain 

singen, Johnny Cash 

titelte den Song ein Jahr 

später vorsichtshalber zum 

"Transfusion sion 

Blues" um, aber auch seinen Killer ereilte 

dasselbe Schicksal: „They overtook me down in 

Juarez, Mexico" („Sie erwischten mich unten in Juarez"). 

Denn auch jenseits 

der Grenze kannte man 

eine Einrichtung namens 

„prisión". Und so lande- 

te 

so manch ein Gringo 

hinter Gittern wie das 

Kingston Trio im 

"Tijuana Jail" oder Webb 

Pierce im "Tijuana County 

Jail". Ob Joe, den u.a. 

Jimi Hendrix und Willy 

DeVille mit "Hey Joe" unsterblich gemacht haben, 

tatsächlich im Nachbarland dem Henker entging, ist 

nicht überliefert. 

Tequila allerorten 

In die meisten Mexiko-Lieder fand die brutale 

Realität des Lebens in dem mittelamerikanischen 

Staat jedoch keinen Eingang. Besonders die Drogen, 

die für die Süchtigen Amerikas durch das 

Land und über die Grenze geschmuggelt werden 

und die mexikanische Gesellschaft an den Rand 

des Chaos bringen, werden elegant ausgeklammert. 

Ausnahme: J.J. Cale, der in "Bringing It 

Back (From Mexico)" mit Stoff geschnappt wird, 

den er über die Grenze schmuggeln will. Bei anderem 

Stoff sieht es anders aus: Tequila galt für 

die Songtexter quasi als Synonym für das Land im 

Süden. Ein großer Hit war Ende der 50er Jahre das 

Instrumental 

"Tequila" 

der Champs, die darauf 

noch "Too Much Tequila" 

nachfüllten. "Mas Tequila" 

(„Mehr Tequila") 

wollte auch Sammy Hagar 

und erklärte den Schnaps 

gleich zum "Vitamin T", 

das man auf einem Wochenendtrip 

endt 

zur Baja 

California „mit Salz und 

Limonenscheibe" einnehmen sollte. Der Rocker 

besitzt dort einen Nachtclub 

und vertreibt eigene 

Tequila-Marken ... Doch 

das Gesöff scheint nicht 

das richtige Rezept für 

Jim Reeves gewesen zu 

sein, der in "Drinking Tequila" 

über Kopfschmerzen 

klagt „from drinking 

Tequila and teasing the girls". Da 

konnte nte es nicht 

ausbleiben, dass eine der Senoritas als "Tequila 

Sheila" (Texter: Mac Davis, Sänger: Bobby Bare) 

verewigt wurde. Und bei dem Namen ist auch 

schon klar, mit welcher Sorte Frau der von der Polizei 

gesuchte Gringo sich da eingelassen hat. Sie 

hat ihn längst verpfiffen – und während beide sich 

noch unter anderem mit Tequila im Bett vergnügen, 

rücken schon die Federales an. 

Die Bundespolizisten sind den amerikanischen 

Outlaws in „Old Mexico" oft auf den Fersen – verständlich, 

wenn man hört, was die sich in ihrem 

Gastland alles geleistet haben. Je näher dem Äquator, 

desto lockerer die Sitten. "Pistolero" (Roy Orbison) 

wurde der junge Cowboy genannt, der Vieh 

über die Grenze in den Süden getrieben hat und 

dort einen Mann erschoss. Auf seinen Kopf wurden 

5000 Pesos Belohnung ausgesetzt. Das Drama 

stammt aus dem Film „The Fastest Gun Alive", in 

dem Orbison sich als Schauspieler versuchte. Und 

wie Filmhandlungen muten viele der Balladen an, 

die „south of the border" spielen. In "Poncho And 

Lefty" (Emmylou Harris, Willie Nelson) entkommt 

Poncho den Federales in der mexikanischen Wüste. 

Dramatisch auch die Flucht, die Bob Dylan in 

"Romance In Durango" beschreibt: „Hot chili peppers 

in the blistering sun, dust on my face and on 

my cape. 

Me and 

Magdalena 

on the 

run, I think 

this time 

we shall 

escape" 

(„Scharfe 


Chilischoten unter brennender Sonne, Staub in 

meinem Gesicht und auf meinem Umhang. Magdalena 

und ich auf der Flucht, diesmal werden wir 

wohl entkommen"). Nicht viel anders ergeht es 

dem fliehenden Liebespaar in Ray Charles’ "Seven 

Spanish Angels". 

In jedem Lied spanische 

Brocken 

Die romantische Beziehungsgeschichte zwischen 

Amerikaner und Mexikanerin endet selten gut. In 

"Matamoros" (Billy Walker) wirft sich die schwarzhaarige 

Schönheit schützend vor ihren Liebhaber 

aus dem Norden und stirbt durch das Messer 

eines eifersüchtigen Mexikaners. "No Mas Amor" 

(„Keine Liebe mehr") von Willie Nelson wäre da 

ein passender Kommentar. Es gibt eigentlich kein 

Mexikolied, in dem nicht mehr oder weniger radebrechend 

spanische Brocken eingefügt sind. Von 

Jefferson Airplanes "Mexico" bis zu Bob Dylans 

"Spanish Is The Loving Tongue" sind den Spanischzitaten 

keine Grenzen gesetzt. "Adios Amigo" 

heißen zwei unterschiedliche 

Lieder von 

Jim Reeves und Marty 

Robbins. Selbst Altrocker 

Bill Haley reihte sich bei 

den Sprachgenies ein. Als 

seine US-Karriere stockte, 

setzte er sich einen Sombrero 

auf und versuchte 

sein Glück beim mexikanischen Orfeon-Label. 

Bill Haley y sus Cometas importierten den Twist 

("Twist Espanol") nach Lateinamerika – was Phonetik 

und musikalische Darbietung betrifft, nicht 

gerade eine Glanzleistung. Aber die Richtung 

stimmte. Der Yankee bedachte den Latino schon 

immer mit den Segnungen des „American way of 

life". Geradezu selbstkritisch klingt da der Text von 

"Gringo", den Bill Payne für Little Feat schrieb: 

„Drink Coca-Cola says the sign there, America has 

made it’s mark" („Trink Coca-Cola, sagt dort eine 

Reklame, Amerika hat sich einen Namen gemacht 

– ein Zeichen gesetzt"). 

Lieder mit " 

Mexico" im Titel 

(Auswahl) 

Dallas Frazier: "Border Of Mexico", 

"I Hope I Like Mexico Blues" 

Steve Miller: "Going To Mexico" 

Bob Moore: "Mexico", "Mexican Wedding", 

("Mexicali Rose") 

Elvis Presley: "Mexico" 

John Prine: "Mexican Home" 

Santana: "They All Went To Mexico" 

Eddy Raven: "I Got Mexico" 

Jim Reeves: "Mexican Joe" 

ZZ Top: "Going Down To Mexico" 

Neueres & Übersee 

Das Thema „Mexiko" hat auch in der jüngeren (Musik-)Vergangenheit 

nichts an Beliebtheit eingebüßt. 

Interpreten wie Morrissey, The Refreshments und 

Katrina & The Waves haben jeweils ihr „Mexico" eingespielt; 

von Robin Hitchcock gibt es den "Mexican 

God", Wall Of Voodoo drehten am "Mexican Radio", 

eine "Mexican Postcard" besangen die Go-Betweens, 

Robert Earl Keen erkannte "New Life In Mexico". 

Wie die ganze Veranstaltung immer schon auch von 

Europäern aufgegriffen wurde: Bad Company ("Old 

Mexico"), Thin Lizzy ("Mexican Blood"), Chris Rea 

("Weekend Down Mexico"), Smokie ("Mexican Girl"), 

Brinsley Schwarz ("Down In Mexico"), Kevin Ayers 

("Fake Mexican Tourist Blues") waren – neben vielen 

anderen – dabei. Und Long John Baldry besorgte 

1968 mit seinem "Mexico" (UK #15) sogar den Motto-Song 

für die britischen Sportler, die zu den Olympischen 

Spielen nach Mittelamerika aufbrachen. 

Die Hegemonialmacht USA wies Mexiko gern die 

Rolle der kulturellen und wirtschaftlichen Kolonie 

zu. Entsprechend überheblich ist der Ton mancher 

Songs. "Speedy Gonzalez", den Pat Boone herablassend 

als trinkenden Fremdgeher porträtierte, 

wohnte in einer Lehmhütte mit leckendem Dach 

und Kakerlaken als Untermietern. Was ihn begeisterte: 

„Down at the cantina they’re giving green 

stamps with Tequila" 

(„In der Cantina gibt’s 

Rabattmarken mit Tequila"). 

Und wer hat nicht 

noch den grellen Gesang 

von "Juanita Banana" 

der Peels im Ohr? Man 

kam als Eroberer über die 

Grenze und 

benahm sich 

so. Wenige Sänger würdigen 

den Staat jenseits 

des Rio Grande wie etwa 

Marty Robbins, der sich in 

"Bound For Old Mexico" 

zu Land und Liebe ("Girl 

With Gardenias In Her 

Langspielplatten 

mit " 

Mexico" als Thema 

(Auswahl) 

Herb Alpert: SOUTH OF THE BORDER 

Chet Atkins: THE OTHER CHET ATKINS 

Percy Faith: MUCHO GUSTO 

Don Gibson: WITH SPANISH GUITARS 

Bill Haley: TWIST ESPANOL 

Dean Martin: DINO LATINO 

Elvis Presley: FUN IN ACAPULCO 

Marty Robbins: BOUND FOR OLD MEXICO 

Hair") bekennt. In "Jimmy Martinez" singt er sogar 

ein Loblied auf einen mexikanischen Soldaten, der 

in der historischen Alamo-Schlacht fiel – für viele 

Amerikaner ein Affront. Die andere Seite zu sehen 

kam für die Mehrheit der Texter nicht in Frage. 

Wiederum eine Ausnahme: die Kalifornier Little 

Feat. In ihrer Fernfahrer-Ballade "Willin’" erwähnen 

sie die Armutsflüchtlinge, die aus dem Süden 

über die Grenze geschmuggelt werden. „Hey Gringo, 

can you take us across the border?" („Kannst 

du uns über die Grenze mitnehmen?"), fragen die 

Mexikaner auch in J.J. Cales "Tijuana". Ry Cooder 

und John Hiatt haben sich ihrer in "Across The 

Borderline" (Aufnahmen unter anderem von Freddy 

Fender, Willie Nelson 

und Willy DeVille) voller 

Empathie angenommen: 

„Up and down the Rio 

Grande a thousand footprints 

in the sand" („Entlang 

des Rio Grande tausend Fußspuren im Sand"). 

Und sollten sie es tatsächlich in das gelobte Land 

geschafft haben, müssen 

sie feststellen, dass 

die Straßen „north of the 

border" nicht mit Gold 

gepflastert sind. Im Gegenteil: 

Wenn die Illegalen 

auf den Feldern der US- 

Farmer als Erntehelfer ihre 

Schuldigkeit getan haben, 

werden sie gnadenlos abgeschoben. Das wusste 

schon Woody Guthrie: „They’re flying ’em back to 

the mexican border to pay all their money to wade 

back again" ("Sie fliegen sie zurück zur mexikanischen 

Grenze, wo sie all ihr Geld ausgeben, um 

wieder zurückzuwaten"). "Deportee" (Deportierte) 

heißt das Lied aus dem Jahr 1948. Seitdem hat sich 

daran nichts geändert. 

Texmex-Musiker 

in den USA 

(Auswahl) 

Freddy Fender 

Flaco Jimenez 

Los Lobos 

The Texas Tornados 

Ritchie Valens 

Sir Douglas Quintet

deep purple 

In concert ’72 (2012 Mix) 

Das fantastische Live-Album von 1972 

mit Aufnahmen aus dem Paris Theatre 

in London 

Ab dem 13.06. erhältlich 

als CD und Download 

Jethro tull 

A passion play 

an extended performance 

Das legendäre Konzeptalbum als 

Extended Performance-Edition inkl. 

der Originalversion des Albums, 

einem neuen Mix von Steven Wilson 

sowie verworfenen Aufnahmen aus 

dem Château d’Hérouville 

2CD/2DVD, Vinyl und Download 

Erhältlich ab dem 27.06. 

Marcus Hook Roll Band 

tales of old grand-daddy 

Das einzige Album der Band um George Young, 

Harry Vanda sowie Malcom und Angus Young 

von AC/DC – jetzt mit unveröffentlichten Songs. 

als CD, Vinyl und Download erhältlich 

Ab dem 

30.05. 

www.warnermusic.de – www.parlophone.co.uk 

R.E.M. Unplugged: 

The Complete 1991 and 2001 Sessions 

Beide Auftritte aus der MTV-Serie plus 11 ungesendete Performances 

erstmalig als 2CD und als Download erhältlich 

OUT NOW! 

Morrissey 

Vauxhall and I 

20th Anniversary Definitive Master 

Remaster seines vierten Soloalbums 

mit einem bisher unveröffentlichten 

Live-Konzert aus dem Jahr 1995 

Ab 30.05. als CD, Vinyl 

und Download erhältlich 

Emmylou 

Harris 

The Wrecking Ball 

DELUXE REISSUE 

Remaster plus CD mit bisher 

unveröffentlichten Aufnahmen 

plus DVD mit der Dokumentation 

„Building the Wrecking Ball“. 

2CD/DVD und Download 

Out Now 

www.warnermusic.de – www.rhino.com – www.parlophone.co.uk – www.nonesuch.com

Kolumne Christian Simon 

– Folge 15 – 

Mick Fleetwood 

"Not Fade Away" 

& die Ghana- 

Connection 

In der Besetzung mit Christine McVie und Stevie 

Nicks waren Fleetwood Mac 1980 eines der absoluten 

Highlights unserer „Rockpop"-Produktionen 

im ZDF, zumal die Band mit "Don’t Stop" 

live gesendet wurde. Schon damals wurde gemunkelt, 

dass Mick Fleetwood ein Soloprojekt plante. 

Ein solches Vorhaben bedeutet immer auch Promotionaktivitäten 

in Europa. Also sofort eine Anfrage 

ans Management schicken: wann, was, und 

wäre ein TV-Auftritt möglich?! Eine Anfrage mit 

Spätfolgen ... 

Mick Fleetwood liebt afrikanische Musik und 

wollte sein erstes Solo-Album in Ghana aufnehmen. 

Darum heißt es wohl auch THE VISITOR, 

denn Mick sah sich als Besucher und Gast in Afrika 

und war sehr dankbar, dass man ihn dort sehr 

herzlich willkommen hieß. „Ich reiste mit einem 

portablen Tonstudio in die Hauptstadt Accra und 

nahm dort mit meinen Musikern und Einheimischen 

in den Film Industries Studios meine erste 

Solo-LP auf. Als Gastmusiker 

waren Peter Green(baum) 

und George Harrison dabei", 

erzählte er mir später; denn 

es klappte tatsächlich: Mick 

Fleetwood sagte einen Live- 

Auftritt für Juni 1981 in 

„Rockpop" fest zu. 

Es war weltweit der einzige 

Fernsehgig in dieser Besetzung, 

denn Mick brachte außer 

der Band noch vier Kinder 

aus Ghana mit, die ihn mit Perkussioninstrumenten 

begleiteten. Doch fast wäre sein Auftritt 

im Münchner Studio noch geplatzt. Der Nachwuchs 

benötigte nämlich für die deutschen Behörden 

eine schriftliche 

Genehmigung 

der Eltern. Per Daumenabdruck 

unterzeichneten 

die 

„Erziehungsberechtigten" 

in Afrika die 

wichtigen Formulare 

– die wurden dann 

auch in der Sendung 

gezeigt. Soweit, so 

gut. Doch als die Musiker mit den Kindern am Auch Mick war sehr froh, endlich im Studio zu 

Münchner Flughafen ankamen, hatten zwei Begleiter 

der Kleinen kein Visum. Und die bayerische probt werden musste. Zwei Songs sollten gesendet 

sein, zumal noch zwei Tage für den Livegig ge- 

Staatsgewalt hatte kein Erbarmen. Die Begleiter werden. Mick entschied sich für den Buddy-Hollywurden 

von der Grenzpolizei unter vorläufigen Klassiker "Not Fade Away" und für "You Weren't 

Arrest gestellt. Und mit ihnen saß gleich noch jemand 

hinter Gittern: Mick Fleetwood ... 

rison noch Zeit gehabt hätte", sagte Mick, „dann 

In Love". „Wäre toll gewesen, wenn George Har- 

hätten wir auch noch 'Walk A Thin Line' gebracht. 

George spielt dabei eine zwölfsaitige Gitarre und 

singt die Backing Vocals." Schade, aber man kann 

eben nicht alles haben ... 

Er erklärte den Beamten unmissverständlich: 

„Wenn die Begleiter nicht einreisen dürfen, müssen 

auch die Kinder wieder zurück 

nach Ghana. Und dann werde ich 

ebenfalls abreisen und die ZDF- 

Show aus Solidarität zu den Afrikanern 

platzen lassen. Die Gründe 

dafür wird man im Fernsehen darstellen!" 

Mittlerweile waren Mitarbeiter 

des ZDF und der Redaktion 

am Flughafen, und Pressevertreter 

hatten ebenfalls schon Wind von 

der Geschichte bekommen. Es wurde 

viel diskutiert, erklärt, geprüft 

und beraten. Schließlich gaben die 

Polizisten grünes Licht für den „Rockpop"-Auftritt. 

Dieses unbürokratische Verhalten habe ich 

dann in der Sendung gelobt, und die Beamten 

erhielten einen Sonderapplaus! 

Die Proben gestalteten sich etwas schwierig, da 

die technischen Anforderungen immens waren 

und weil die Kinder sich lange gedulden mussten. 

Aber Mick meisterte die Arbeit mit einer solchen 

Gelassenheit und Fröhlichkeit, dass wir alle letztlich 

sehr viel Freude an dieser Produktion hatten. 

Auch Mick – er schenkte mir ein Foto mit Widmung: 

„Vielen, vielen Dank für diese großartige 

Show!" 

Die beiden Takes sind bei YouTube zu sehen (Eingabe: 

Mick Fleetwood plus den jeweiligen Songtitel). 

Sie transportieren sehr gut die hier erwähnte 

Atmosphäre im Studio. 


Foto: © Albrecht Schmidt 

Albert Hammond ist ein Phänomen: Er erreichte nicht 

nur mehrfach selbst die Charts ("It Never Rains In 

Southern California", "I'm A Train", "Free Electric 

Band", "Down By The River"), sondern belieferte Kollegen 

wie Whitney Houston, die Hollies, Julio Iglesias, 

Starship, Tina Turner, Willie Nelson, Johnny Cash, Roy 

Orbison, Diana Ross, Steppenwolf, Aretha Franklin, 

Art Garfunkel und Leo Sayer mit Hits. In seinem Alter 

– der gebürtige Londoner, der in Gibralter aufwuchs 

und heute meist in Kalifornien lebt, wird am 18. Mai 

70 – sind viele Kollegen schon im Ruhestand. Doch 

ALISE JOSTE 

Albert Hammond 

Hammond wagte Anfang dieses Jahrzehnts 

einen Neuanfang. 2013 tourte er erstmals 

seit drei Jahrzehnten wieder durch Deutschland, 

dokumentiert auf SONGBOOK 2013 – 

LIVE IN WILHELMSHAVEN. Im Juni kommt 

er erneut zu einigen Gigs her, ehe im Oktober 

eine große Deutschland-Tour folgt inklusive 

eines Auftritts beim GoodTimes-Festival am 

18. Oktober in der Offenbacher Stadthalle. 

TV-Auftritte und Pressegespräche im Vorfeld 

gehören dazu, um die Ticketverkäufe anzukurbeln. 

Doch Hammond wäre nicht Hammond, ginge 

er nicht auch hier eigene Wege. So reiste er nach der 

Aufzeichnung der Carmen-Nebel-Show (ZDF) in Halle 

nach Nürnberg weiter und spielte dort 

vor Krebspatienten einige seiner Klassiker 

live, nur mit der Akustikgitarre. „Es 

war traurig, soviel Leid zu sehen, aber es 

war auch wunderbar, diesen leidgeprüften 

Menschen ein paar schöne Momente 

zu bescheren", sagte Hammond hinterher, 

nachdem er geduldig zahllose Autogrammwünsche 

erfüllt hatte. „Ich hoffe, 

dass zu meinem Konzert in Nürnberg am 

6. Juni möglichst viele Menschen kommen, 

weil der Erlös diesen Krebs- und 

New 

comer 


Wie der Vater, so der 

Sohn, so der Vater 

Foto: © Roland Fengler 

Mukoviszidose-Patienten zugute kommt. Ich habe mir 

gedacht, dass es sinnvoll wäre, die Patienten und Ärzte 

vorher zu treffen und mich vor Ort umzuschauen." 

Hammond wird meist in bestuhlten Hallen auftreten, 

„aber es tut der Stimmung keinen Abbruch, wenn 

die Leute sitzen! Als ich letztes Jahr unterwegs war, 

hat das Publikum auch gesessen, und die Stimmung 

war großartig – die Menschen sind trotzdem toll mitgegangen!" 

„70, aber kein bisschen leiser", so lautet Hammonds 

Motto. Schließlich hat er großen Nachholbedarf: 

„Ich hatte aufgehört zu touren, als mein Sohn 

Albert jr. zur Welt kam. Ich war für meine beiden älteren 

Töchter ein schlechter Vater gewesen, weil ich 

dauernd unterwegs 

war. Eines Tages sah 

ich dann Albert jr. 

mit seiner Band The 

Strokes auf der Bühne 

und dachte mir: Sohn, 

das habe ich für dich 

aufgegeben, und jetzt 

stehst du da oben! Da 

beschloss ich, meine 

Songs wieder live zu 

präsentieren." 

HOLY MOUNTAIN 

Feenhaftes aus Lettland 

Wenn ich Musik mache, schaffe ich mir eine ganz eigene Realität”, behauptet 

„ Alisa Joste mit leiser Stimme. „Das Spielen, Singen und Komponieren hilft 

mir, vor einer Realität zu fliehen, die ich nicht wirklich begreife – und die ich 

in all ihrer Komplexität und Gefühllosigkeit auch gar nicht begreifen will. Ich 

bin ja ein äußerst scheuer Mensch. Manchmal nervt mich diese Schüchternheit, 

vor allem auf der Bühne, wenn ich jedesmal totales Herzrasen 

habe. Aber ich kann nicht viel dagegen tun. Ich bin wie eine 

Art Fee, die ziellos durch die Gegend flattert.” Kuriose Sätze der 

26-Jährigen gleich zu Beginn des Gesprächs. Joste stammt aus 

Lettland, sie wirkt irgendwie verschwurbelt, gleichzeitig aber in 

ihrer naiven Aufrichtigkeit angenehm authentisch. Gerade ist 

ihr bezauberndes Debüt ALISE JOSTE erschienen, das in seiner Verhuschtheit an 

andere „Feen" wie Kate Bush, Suzanne Vega und vor allem Vashti Bunyan erinnert. 

„Vashtis Musik habe ich erst kennen gelernt, als meine Platte schon fertig war”, 

erklärt die zierliche Lettin, „aber es stimmt, ihre Lieder ähneln meinen. Wobei 

ich privat derzeit am liebsten hektischen Electro höre. Was mir das wohl sagen 

mag? Ich habe keine Ahnung”, lacht sie. Aufgenommen hat Joste ihren Erstling in 

einem einsamen lettischen Haus tief in der Pampa. Einziger Ansprechpartner war 

der große Bruder, der sie für einen Produktionsmonat dorthin begleitete. „Außer 

meinem Bruder hatte ich nur ein Mikrofon, eine Gitarre und einen Computer dabei. 

Das genügte – zumindest für die Art Sound, wie ich ihn entwickle.” mfg 


Riff-Trip ins All 

Wie ein Raumschiff hebt ein Maya-Tempel ab in den Orbit. Statt Feuer und 

Rauch stößt das seltsame Flugobjekt verschnörkelte Schrift aus: ANCIENT 

ASTRONAUTS – „Astronauten des Altertums". Nein, es handelt sich nicht um die 

Buchdeckel-Illustration des neuesten Ufo-Esoterik-Wälzers Erich von Dänikens. 

Das Covergemälde, das zu besten Flower-Power-Zeiten so manchen Hippie angetörnt 

hätte, ziert das Debütalbum der schottischen Band 

Holy Mountain. Auch wenn das Trio um den Gitarristen Andy 

McGlone härteren Klängen zugeneigt ist, passt der Kosmos- 

Trip doch ganz gut. Zwar treiben dröhnende, erdenschwere 

Hard-Rockriffs die Musik voran, aber sie steckt auch voller 

abgespaceter Soundexperimente à la Hawkwind und Hendrix. 

ANCIENT ASTRONAUTS ist nach der 2012 veröffentlichten Sechs-Song-Mini- 

LP EARTH MEASURES das erste „richtige" Album der Glasgower Band; sie hat 

sich nach dem Surreal-Epos „La Montana Sagrada" des u.a. von John Lennon 

verehrten Filmregisseurs Alejandro Jodorowsky benannt. McGlone, Pete Flett (dr) 

und Allan Stewart (b) zapfen wie andere Powertrios der Rockhistorie (The Experience, 

Nirvana etc.) die kraftvolle Energie an, die aus der intensiven Begegnung 

einer reduzierten Dreierbesetzung fließt – was besonders live ein Ereignis ist. Ein 

wenig einhören muss man sich zwar schon in die weitgehend instrumentalen, 

lediglich mit Stimmfetzen verfremdeten Stücke. Doch sitzt man einmal im Raumschiff 

drin, gibt es keinen Halt mehr – bis zur Sonne. 

frs 



Vielleicht 

bleibt nur " 

Alice" 

Fotos: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 

Wird von ihnen im kollektiven Bewusstsein mehr bleiben als " 

Alice"? Als 1995 das 

holländische Produzenten/Labelboss-Duo Gompie ein " 

Who The Fuck ...?" in den Refrain 

des von ihnen grauenvoll interpretierten Liedes schreien ließ, waren Smokie 

plötzlich wieder in aller Munde. Teenager von einst erinnerten sich mit Wehmut, der 

partysüchtige Nachwuchs hatte einen neuen Fetenhöhepunkt. Und Smokie sangen 

ihren größten Hit in TV-Oldie-Shows jetzt auch mit dem " 

geistreichen" Gang-Shout. 

es ist jetzt tatsächlich 40 Jahre her, 

dass die gerade frisch in Smokie 

(davor noch Smokey) umbenannten 

Kindness unter ihrem neuen Namen in 

den Londoner Audio International Studios standen 

und eine Langspielplatte aufnahmen. Federführend: 

Mike Chapman und Nicky Chinn. Smokies neuer 

Manager Bill Hurley hatte die aus Bradford stammende 

Gruppe dem Songwriter- und Produzenten- 

Duo empfohlen, das sofort mit seiner Glam-Rock- 

Brille auf die attraktiven Boys schaute. Lederkluft? 

Glitzerbodys? Chris Norman (voc, g), Alan Silson 

(g, voc), Terry Uttley (b, backvoc) und Pete Spencer 

(dr) bewiesen gegenüber den scheinbar unfehlbaren 

Musikgenies Stehvermögen und bewahrten sich vor 

dem womöglich größten Fehler ihrer Karriere. Smokie 

blieben bodenständig, zeigten sich auf dem LP- 

Debüt PASS IT AROUND (1975) mit einem Hauch 

Westernromantik sogar im Stile rauer Burschen vom 

Lande. 

Der Titelsong, gleichzeitig die erste Single, klang 

als Produkt aus der Chinnichap-Schmiede wie eine 

Sweet-Nummer. Inklusive spitzem Harmoniegesang 

und brettharter Gitarre. Die extrem kratzige Stimme 

von Chris Norman gab dem Stück allerdings eine 

eigene Note, auch die eher trockene Produktion hob 

sich von den fetteren Heavy-Rockern der Gruppe 

um Andy Scott deutlich ab. "I Do Declare" – Song 

Nummer zwei aus der Feder der Produzenten – war 

ein treibender Rock’n’Roller, der sich auch auf einer 

Suzi-Quatro-Scheibe gut gemacht hätte. Der Rest 

der LP – immerhin elf von der Band selbst komponierte 

Songs – hatte weniger mit dem Fremdmaterial 

zu tun. Bestenfalls noch "Goin' Tomorrow", 

das als zerlumpter Bruder von "Declare" erscheint 

und unbestritten besser ist als die auf Hit gebürstete 

Spende der Mentoren. Auf jeden Fall machte PASS 

IT AROUND nur allzu deutlich, dass es sich bei Smokie 

nicht etwa um eine Gruppe handelte, die auf der 

Suche nach einer eigenen Handschrift unbedingt 

des Schliffs durch externe Fachleute bedurft hätte. 

Dass die Band bereits als Kindness für sich den 

so typischen Satzgesang kultiviert hatte, ist auf der 

ersten Single "Light Of Love" (RCA, 1970, noch mit 

Drummer Ron Kelly) zu hören. Auch die später zum 

Markenzeichen avancierenden Balladen sind keine 

Erfindung von Chinnichap: Smokie zeigten schon 

auf PASS IT AROUND mit "Daydreamin'" und "My 

Woman" viel Gespür für sanfte Töne. Im Gegensatz 

dazu sind sie in "Don’t Turn Out Your Light" progressiv, 

machen Hard Rock bei "Will You Love Me" 

und erinnern an die 60s mit dem ulkigen "A Day At 

The Mothers-In-Law's". 


Auch in der Ausrichtung der Kompositionen 

war eine klare stilistische Anpassung 

zu erkennen: Smokie sollten nicht 

klingen wie all die anderen Chinnichap- 

Protagonisten. 

Die Härte wurde abgesaugt, Chris 

Norman durfte nicht mehr schreien, und 

der Sound erhielt mehr und mehr eine 

Akustikgitarren-Basis. Die erste Single 

der neuen LP, "If You Think You Know 

How To Love Me", war eine sanfte Ballade 

mit einer wunderschönen Melodie, 

die sich einfach nicht abzunutzen schien. 

Das Stück kann praktisch als Blaupause 

für viele weitere Mega-Hits betrachtet 

werden, die nicht nur in ihren Arrangements 

ähnlich gestrickt waren, sondern 

auch wieder durch gestreckte Titelzeilen 

auffielen: "Something’s Been Making Me 

Blue", "Living Next Door To Alice" (beide 

1976) und "Lay Back In The Arms Of 

Some one" (1977). 

Chris Norman und Alan Silson 

haben Spaß beim Playback im TV. 

So verdammt gut dieser Einstand (nach drei 

weiteren gescheiterten Kindness-45ern für Decca 

1972/73) auch gewesen sein mag – Erfolg war 

Smokie erneut nicht beschieden. Auch die Single 

floppte. Wohl auch wegen eines Radioverbots durch 

die BBC, die in "If you turn onto something good/ 

pass it around" die Verherrlichung von Drogenkonsum 

vermutete. Material gab es allerdings genug, so 

dass es nur knapp ein halbes Jahr dauerte, bis mit 

CHANGING ALL THE TIME die zweite LP (immer 

noch als Smokey) in den Läden stand. Diesmal waren 

Chinn/Chapman mit vier beigesteuerten Songs 

(fast die Hälfte) auf Nummer sicher gegangen. Und 

nicht nur die höhere Anzahl perfekt gestylter Single- 

Aspiranten machte deutlich, dass das Schreiberteam 

große Stücke auf die neuen Schützlinge hielt. 

"If You Think …" landete in Großbritannien 

auf Platz drei der Charts. Und 

erstaunlicherweise blieb diese Position 

trotz des erst mit "Alice" einsetzenden 

internationalen Durchbruchs die höchste 

Hitparaden-Notierung im Vereinigten 

Königreich. 

Smokie trennten sich dann von ihrer alten 

Schreibweise wegen einer möglichen Verwechslung 

mit Smokey Robinson. Warum sie nicht zu einem 

reinen Mädchen-Phänomen wurden und auch nach 

diversen Schmusesongs eine beachtliche Fanbasis 

unter den Jungs besaßen? Dies mag mit der Coolness 

der Musiker zu tun gehabt haben, die diese 

vor allem in den TV-Auftritten zur Schau trugen. 

Lässige Nummern wie "Don’t Play Your Rock’n’Roll 

To Me" unterstützten die Wirkung. Mal kaute Chris 

Norman während seines Gesangsparts abgeklärt 

Kaugummi, bewegte zum Playback an anderer 

Stelle einfach nicht den Mund, wenn ihm danach 

zumute war, klemmte für einen Moment mit ar- 

Die Band von nebenan: Smokie im Freizeitlook.

Fotos: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 

Fotoshooting im Wind: Die Gesichter verraten, 

dass es kalt war. 

rogantem Blick das Plektrum zwischen die Zähne, 

lächelte spöttisch. Silson gefiel sich in Posen, die er 

im Verbund mit dem Sänger zu Aufstellfiguren perfektionierte, 

und Pete Spencer (seit 1973 im Team) 

erweckte hinter seinem Schlagzeug bewusst den 

Eindruck völligen Desinteresses. Allein Terry Uttley 

wirkte immer etwas überkonzentriert – aber Bassisten 

waren für junge Rockfans bekanntlich noch 

nie ausschlaggebend. 

Als feste Bank erwies sich für Smokie von Anfang 

an der deutsche Markt. Single Nummer vier, 

das wirklich großartige "Wild Wild Angels" (1976), 

kam hier auf Rang 15, während es in allen anderen 

relevanten Ländern die Charts verfehlte. Von einer 

geradezu bestechenden Qualität war auch die Nachfolge-45er, 

"I’ll Meet You At Midnight". Mit einer 

Streicherarmada unterfüttert, wurde dieses Midtempostück 

zu einem Fan-Favoriten, der für die dritte 

LP, MIDNIGHT CAFÉ (1976), gar nicht geplant 

war. Die Original-UK-Version hat nur neun Songs in 

den Rillen. Erst die Wiederveröffentlichung kam mit 

Song Nummer zehn. Und das war dann "I’ll Meet 

You …". Die etwas später erschienene USA-Ausgabe 

berücksichtigte bereits den ganz neuen Hit: Die B- 

Seite startet mit "Living Next Door To Alice" (New- 

World-Cover-Version). Geopfert wurde dafür "What 

Can I Do", eine der stärksten Silson-Kompositionen 

überhaupt. Auch "Little Lucy" wurde entfernt, um 

Platz für den ersten Single-Hit "If You Think …" 

zu schaffen. Der laxe Umgang in den Vereinigten 

Staaten mit Smokies Output hängt eng mit deren 

Erfolglosigkeit jenseits des Atlantiks zusammen: Lediglich 

"Alice" setzte mit Rang 25 ein Achtungszeichen. 

"If You Think …" verhungerte auf Position 96, 

und das Searchers-Cover "Needles And Pins" wurde 

von ein paar Nostalgikern auf den 68. Platz hochgekauft. 

Ansonsten: Pustekuchen. 

In der Bundesrepublik wurden Smokie geliebt 

(in der DDR übrigens auch, hier konnte sich das aber 

nicht in Verkaufszahlen niederschlagen). Spätestens 

seit "Alice" konnte das britische Quartett machen, 

was es wollte – die Fans rannten in die Plattenläden 

und kauften alles, wo Smokie draufstand. Bis 

1978 kam jede veröffentlichte Single in die Top 

drei. "Mexican Girl" – ein schwacher Aufguss des 

Balladen rezeptes im eigenen Schaffen 

– führte sogar noch einmal die 

Hitlisten an. Smokie verschwanden 

in ihrer Heimat nach dem Latino- 

Schleicher und "Take Good Care Of 

My Baby" (#34, 1980) aus der öffentlichen 

Wahrnehmung; in den 

deutschen Wertungslisten hielten 

sich Chris Norman & Co. noch bis 

1981 in den Top 30. 

Natürlich widerfuhr dem britischen 

Quartett beim Album-Umsatz 

ein ähnliches Schicksal wie 

den meisten Single-Bands der 70er 

Jahre: Während einzelne Songs monatelang 

in den Charts blieben und 

fast täglich in der Radio-Rotation 

liefen, fristeten die LPs ein Dasein 

als Dreingabe: Die ersten drei – 

durchweg gute Rockscheiben, die 

kaum Füller aufwiesen – fanden 

vergleichsweise wenige Kaufinteressenten. 

Als sich Smokie auf ihrem 

Popularitätszenit befanden, liefen 

auch die Longplayer besser: BRIGHT 

LIGHTS & BACK ALLEYS (1977) und 

THE MONTREUX ALBUM (1978) 

stießen erstmals in relevante Absatzzahlen 

vor (UK: Silber, Deutschland: 

Gold). Künstlerisch markiert BRIGHT 

LIGHTS ... den Höhepunkt. Kreativer, abwechslungsreicher 

und vor allem besser waren Smokie danach 

nie wieder. "It’s Your Life", "Sunshine Avenue", 

"Baby It’s You" und "Walk Right Back" gehören zur 

Sahne aus dem musikalischen Fundus der Gruppe. 

Auch MONTREUX ... ist brillant, hat mit "Mexican 

Girl", "Oh Carol" und "For A Few Dollars More" aber 

zu viele Songs, die auf Nummer sicher gingen. Wie 

schnell sich Ende der 70er die Musikwelt veränderte, 

bekamen auch Smokie zu spüren: THE OTHER SIDE 

OF THE ROAD (1979), das die Erfolgsmasche 

des Vorgängers noch einmal strickte, fand 

schon weitaus weniger Nachhall, obwohl es 

drei annehmbare Hitsingles in Deutschland 

abwarf. 

Nette Onkels fürs Kaffekränzchen? 

Das Dinosauriersterben ging auch an 

Smokie nicht vorüber. Medial spielten sie 

längst keine Rolle mehr. In Pop und Rock 

dominierten neue Namen. Was tun, wenn 

es eigentlich egal ist, was man macht? 

Smokie beantworteten diese Frage zunächst 

mit künstlerisch ernstzunehmendem 

Material. SOLID GROUND (1981), erstmals 

ganz ohne Chinn/Chapman, bot eine Menge 

– Hard Rock, Funk, Pop, Soft Rock –, 

trotzdem blieb es wegen des strikten Festhaltens 

am typischen Smokie-Sound eine 

homogene Veröffentlichung. Völlig am 

Zeitgeist vorbei klimperte dann aber der 

Nachfolger, STRANGERS IN PARADISE 

(1982). Außer bei "Long Way From Home" 

wurde auf der LP nur balladiert. Doch wer 

wollte in der Zeit von Post-Punk, New 

Wave und Synthie-Pop noch Stehblues mit 

Reibeisenstimme und Schmeichelchören? 

Das Ende der Band war praktisch besiegelt. 

Auch, weil man sich vom Habitus einer Rockband 

verabschiedet hatte und offenbar in der Beschallung 

von Hausfrauen-Kaffeekränzchen die kommerzielle 

Zukunft sah, denn MIDNIGHT DELIGHT 

(1982) geriet noch zahnloser. Chris Norman ging, 

wurde der „Mann mit ,Midnight Lady'", Smokie 

starteten mit neuem Sänger Ende der 80er Jahre 

noch einmal durch und sind heute, nach einigen 

Umbesetzungen, Oldie-Party-Gäste. Gefragt sind 

auf solchen Feten die Hits – und unbedingt "Alice". 

Am besten mit „Who The Fuck ...?" 

Jens-Uwe Berndt 


Discographie 

Singles: 

Kindness 

1970 Light Of Love / Lindy Lou RCA Victor RCA 1942 

1972 Let The Good Times Roll / Oh Yea Decca F 13318 

1972 Oh, Julie (Oh, Oh, July) / I Love You, Carolina Decca F 13338 

1973 Make It Better / Lonely Long Lady Decca F 13429 

Smokey 

Von Frank Küster 

1975 Pass It Around / Couldn't Live RAK 1 C 006-96 513 

1975 If You Think You Know How To Love Me / 'Tis Me RAK 1 C 006-96 685 

1975 Don't Play Your Rock 'n' Roll To Me / Talking Her Round RAK 1 C 006-96 936

Singles: 

Smokie 

1975 Something's Been Making Me Blue / Train Song RAK 1 C 006-97 325 

1976 Wild Wild Angels / The Loser RAK 1 C 006-97 668 

1976 I'll Meet You At Midnight / Miss You RAK 1 C 006-98 156 

1976 Living Next Door To Alice / Run To You RAK 1 C 006-98 451 

1977 Lay Back In The Arms Of Someone / Here Lies A Man RAK 1 C 006-98 774 

1977 It's Your Life / Now You Think You Know RAK 1 C 006-99 189 

1977 Needles And Pins / No One Could Ever Love You More RAK 1 C 006-99 588 

1977 For A Few Dollars More / Goin' Tomorrow RAK 1 C 006-60 259 

1978 Oh Carol / Will You Love Me RAK 1 C 006-60 762 

1978 Mexican Girl / You Took Me By Surprise RAK 1 C 006-61 616 

1979 Do To Me / Cryin' RAK 1 C 006-62 747 

1979 Babe It's Up To You / Did She Have To Go Away RAK 1 C 008-63 338 

1980 San Francisco Bay / You're You RAK 1 C 008-63 644 

1980 Take Good Care Of My Baby / I Wanna Kiss Your Lips RAK 1 C 008-63 795 

1980 Run To Me / Look What You're Doin' RAK 1 C 008-64 065 

1981 Little Town Flirt / I'm In Love With You RAK 1 C 008-64 637 

1981 Jet Lagged / Your Love Is So Good For Me RAK 1 C 008-64 688 

1982 Don't Throw It Away / Warm Nights With You Repertoire RR 171 011 

1982 Number On My Wall / Hiding From The Night Repertoire 6.13 574 

1982 Looking Daggers / Hiding From The Night Mean Records MEAN 101 

1987 Cry In The Night / Working For The Weekend WAG Records WAG 4 

Alben: 

1975 Pass It Around RAK 1 C 062-96 204 

1975 Changing All The Time RAK 1 C 062-96 832 

1976 Midnight Café RAK 1 C 062-97 547 

1976 Bravo präsentiert: Smokie RAK 1 C 038-98 457 

1977 Smokie's Greatest Hits RAK 1 C 064-98 751 

1977 Bright Lights And Back Alleys RAK 1 C 064-99 584 

1978 The Montreux Album RAK 1 C 064-61 505 

1980 The Other Side Of The Road RAK 1 C 074-63 337 

1980 Greatest Hits Volume 2 RAK 1 C 074-64 051 

1981 Solid Ground RAK 1 A 064-64 502 

1981 The Very Best Of Smokie Arcade ADE G143 

1982 Strangers In Paradise RAK 1 A 064-64 743 

1982 Midnight Delight Repertoire RR 331 005 / 6.25 197 

1990 Forever – Ihre 32 größten Hits (2-CD) Ariola 353 923 

1992 The Collection Ariola 262 538 

1995 The Best Of 20 Years Ariola 74321 30799 2 

1996 Premium Gold Collection EMI 7243 8 53261 2 7 

1999 18 Carat Gold CMC EMI 724352 161324 

2000 Best Of The Rock Songs And Ballads (2-CD) Ariola 74321 76754 2 


THE DUKES OF SEPTEMBER 

Donald F. – ein fauler Sack 

Im November 2012 fand im Lincoln Center, 

dem bedeutendsten Kulturzentrum von New 

York City, für einen Abend ein Spitzentreffen 

statt. Der Vorhang ging auf für ein 

Trio: The Dukes Of September. Kein Begriff? 

Kenner exklusiver Rock- und Jazz-Rockmusik 

wissen Bescheid, wenn die Namen der Beteiligten 

fallen: Donald Fagen (Steely Dan), Michael 

McDonald (vor allem als Frontmann der 

Doobie Brothers bekannt) und Boz Scaggs, 

Grammy-Gewinner und seit Jahrzehnten 

ein smarter Jazz- und Blues-Crooner mit 

Top-Ruf. Diese drei Koryphäen – samt einer 

prächtig groovenden Band aus acht männlichen 

und weiblichen Profis – erhoben den 

Michael McDonald 

Abend zu einem prächtigen Nostalgie-Highlight: 

jetzt zu genießen auf einer gerade erschienenen 

DVD. 

Ja, das war eine lustige Sause! Wir sind ja alte 

„ Kumpel, haben als The Dukes Of September seit 

2010 schon einige Male live zusammengespielt, es 

ist ein loser Verbund alter Knaben”, meint Donald 

Fagen – und klingt dabei eher nüchtern und ohne 

sonderliche Euphorie. Doch das will nichts heißen 

bei diesem Chefzyniker vor dem Herrn. Der Steely- Donald Fagen 

Dan-Lenker ist bekannt für seine Wortkargheit und 

bitterböse Ironie. Und bleibt doch als sympathische, 

unerschrockene und authentische Person in Erinnerung. 

SINGLES 

VOR 50 JAHREN 

18. Mai 1964 

Four Pennies 

Juliet 

Millie 

My Boy Lollipop 

Searchers 

Don’t Throw Your Love Away 

Bachelors 

I Believe 

Cilla Black 

You’re My World 

Roy Orbison 

It’s Over 

Fourmost 

A Little Loving 

Gerry & The Pacemakers 

Don’t Let The Sun Catch You Crying 

Cliff Richard 

Constantly 

Dionne Warwick 

Walk On By 

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10 

LPs 

VOR 50 JAHREN 

18. Mai 1964 

Rolling Stones 


Beatles 

With The Beatles 

Dave Clark Five 

A Session With The Dave Clark Five 

Shadows 

Dance With The Shadows 

Soundtrack 

West Side Story 

Dusty Springfield 

A Girl Called Dusty 

Hollies 

Stay With The Hollies 

Les Swingle Singers 

Jazz Sebastian Bach 

Beatles 

Please Please Me 

George Mitchell 

On Tour With The George Mitchell Minstrels 

Ein Telefonat mit Donald Fagen kann darum vertrackt 

sein. Er ist weithin bekannt als spleeniger Exzentriker 

und mürrischer Zeitgenosse. Bei aller Knappheit 

der Antworten 

auf nicht wenige 

GB-CHARTS 

SINGLES 

VOR 45 JAHREN 

18. Mai 1969 

Beatles 

Get Back 

Clodagh Rodgers 

Come Back And Shake Me 

Mary Hopkin 

Goodbye 

Herman’s Hermits 

My Sentimental Friend 

Who 

Pinball Wizard 

Fleetwood Mac 

Man Of The World 

Isley Brothers 

Behind A Painted Smile 

Frank Sinatra 

My Way 

Desmond Dekker & The Aces 

The Israelites 

Simon & Garfunkel 

The Boxer 

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9 

10 

der Fragen: Wenn 

den 66-Jährigen 

ein Thema interessiert, 

kann man 

selbst über mehrere 

tausend Kilometer 

Luftlinie „hören", 

wie er seine 

Stirn in Falten legt. Fagen verliert kein Wort zu viel 

– doch was er zu sagen hat, bringt seine originelle 

Lebens- und Denkweise auf den Punkt. 

LPs 

VOR 45 JAHREN 

18. Mai 1969 

Moody Blues 

On The Threshold Of A Dream 

Bob Dylan 

Nashville Skyline 

Seekers 

Best Of The Seekers 

Elvis Presley 

Elvis: NBC TV Special 

Cream 

Goodbye 

Leonard Cohen 

Songs From A Room 

Soundtrack 

Oliver! 

Hollies 

Hollies Sing Dylan 

London Cast 

Hair 

Led Zeppelin 

Led Zeppelin 

Der Amerikaner ist neben seinem Langzeit- 

Buddy Walter Becker Mitbegründer der kultisch 

verehrten Jazz-Pop-Formation (Betonung auf 

Jazz!) Steely Dan, die er 1970 ins Leben rief, 1981 

auflöste und 1993 reanimierte. Steely Dan wurden 

und werden heiß verehrt für ihre wahrhaft minutiös 

ausbalancierten Kompositionen auf höchstem 

Niveau – angesiedelt irgendwo zwischen Funk, 

Blues, Soul, Rock, Pop und mit jeder Menge Jazz, 

eleganten Arrangements sowie meist bitterbösezynischen 

Texten. 

Gern hat Fagen sich in früheren Interviews als 

„typischen Amerikaner" bezeichnet ... Und 

schon blafft er dazwischen: „Das habe ich nie getan, 

ich habe mich höchstens als typischen New Yorker' 

' 

bezeichnet. Doch New York ist nicht die USA, wir 

sind eine Enklave für uns. Im Rest des Landes fühle 

ich mich häufig wie ein Außerirdischer. Und auch 

meine Grundidee der USA – diese Idee absoluter 

Freiheit und unerschöpflicher Kreativität – ist eine 

andere als die der meisten US-Bürger. Die Vereinigten 

Staaten von heute sind trotz eines schwarzen 

Demokraten als Präsident ausgesprochen reaktionär. 

So ein Land kann nicht wirklich meine Heimat 

sein.” 

weil er wesentlich pes- 

Boz Scaggs 

SINGLES 

VOR 40 JAHREN 

18. Mai 1974 

Rubettes 

Sugar Baby Love 

Abba 

Waterloo 

Bay City Rollers 

Shang-A-Lang 

Peters & Lee 

Don’t Stay Away Too Long 

Wombles 

Remember You’re A Womble 

Chi-Lites 

Homely Girl 

Wizzard 

Rock’n’Roll Winter 

Alvin Stardust 

Red Dress 

Paper Lace 

The Night Chicago Died 

Stevie Wonder 

He’s Misstra Know It All 

Auch simistischer als die meisten 

Bürger dieses Landes denkt, dessen 

Großteil der Bevölkerung 

sich ja die Lebensumstände gern 

schönredet? Fagen: „Das mag 

durchaus sein, eigentlich ist in 

den ach so optimistischen Vereinigten 

Staaten kein Platz für einen 

Miesepeter wie mich. Außerdem 

singe ich gern Lieder über 

ein Thema, das in Amerika weitestgehend 

ein Tabu ist: den Tod. Ich stelle mich 

diesem Phänomen. Tag für Tag nähere ich mich 

ihm an. Und werde hoffentlich alt genug, damit ich 

ihm am Ende mit einem Lächeln auf den Lippen 

begegnen kann.” 

Audienz beendet. Bis auf die zaghafte Nachfrage, 

wie es mit den Dukes Of September und 

Steely Dan weitergeht: „Keine Ahnung”, murmelt 

Fagen, „vielleicht gar nicht? Denn im Grunde bin 

ich ein fauler Sack.” 


1 

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10 

LPs 

VOR 40 JAHREN 

18. Mai 1974 

Carpenters 

The Singles 1969–1973 

Elton John 

Goodbye Yellow Brick Road 

Cat Stevens 

Buddah And The Chocolate Box 

Paul McCartney & Wings 

Band On The Run 

Mike Oldfield 

Tubular Bells 

Diana Ross & Marvin Gaye 

Diana And Marvin 

Charlie Rich 

Behind Closed Doors 

Soundtrack 

The Sting 

Status Quo 

Quo 

Queen 

Queen 


RAINBIRDS 

Häutungen 

Ganz gleich, in welchem musikalischen Gewand sich diese Stimme präsentiert – sie bleibt unverwechselbar: 

Katharina Franck klingt kraftvoll, melancholisch, auch mal zickig bis hysterisch, doch in erster Linie 

steckt sie voller Leidenschaft. Und wird stets sofort wiedererkannt. Dies muss man wissen, wenn es 

um die Rainbirds geht – Francks Band seit 1986. Es gibt ein " 

neues" Album der Gruppe, gespickt mit " 

alten" 

Liedern. Auf YONDER sind Klassiker wie "Seven Compartments", "Paperchase" oder der Monsterhit 

"Blueprint" enthalten. Und obwohl viele diese Melodien aus dem Stand nachsummen könnten, werden 

sie sich bei den angebotenen Versionen erst mal schwertun: Die Elektronik fordert ihren Tribut. Wäre da 

nicht diese Stimme! Sie ist das große Plus der 50-Jährigen, was diese im Gespräch bestätigt. 

Welche Beziehung hast du zu deiner Stimme? 

Ich weiß um diesen Wert, der tief in meinem Inneren 

steckt. Dadurch habe ich die Pflicht, das Außenrum – 

also meinen Körper – möglichst pfleglich zu behandeln, 

damit mir nicht eines Tages dieses wundervolle 

Geschenk entgleitet. 

Was ist die Idee hinter YONDER – dieser 

alten neuen Rainbirds-Arbeit? 

Ich verfolgte schon seit einigen Jahren vage die Idee, 

alte Lieder der Rainbirds, aber auch welche aus meiner 

Solokarriere in anderem Gewand 

zu präsentieren. Ich fand aber 

den richtigen Dreh dafür nicht. 

Während ich an meinem letzten 

Solo-Album mit dem Bassisten der 

Cultured Pearls im Studio arbeitete, 

schaute auch deren Schlagzeuger 

Bela Brauckmann ab und zu vorbei, 

um einige Loops für mich aufzunehmen. 

Wir kamen uns musikalisch 

rasch näher, und er machte 

sich Gedanken, wie man meine 

Vorstellung umsetzen könnte, in 

einem ungewohnten Gewand. Bald 

darauf zog ich eine Solotournee 

durch, bei der Gunter Papperitz 

Keyboards spielte. Der Bursche ist 

ein wahrer Elektronik-Guru! Irgendwann kamen wir 

zusammen, um ernsthaft über das YONDER-Projekt 

zu diskutieren. Wir wurden uns rasch einig. Der große 

Vorteil: Bela und Gunter sind gut zehn Jahre jünger 

als ich, haben somit zu meinen alten Stücken einen 

ganz anderen Zugang als ich selbst. 

Wie lief die Produktion ab? 

Als erstes haben sie mir im Studio die Gitarre weggenommen 

(lacht). Das fand ich zuerst dreist, denn 

das Instrument ist mein Baby. Aber ich habe mich 

schnell, voll und ganz auf diese neue Situation eingelassen. 

Und danach habt ihr die alten Stücke 

dechiffriert? 

Nein, das habe ich hauptsächlich den anderen über- 

lassen. Sie brachten dann ihre Elektronik mächtig ins 

Spiel, ohne dabei 

meinen 

Songs 

die ursprüngliche 

Seele 

auszutreiben. 

Zunächst 

war ich skeptisch, 

danach 

neugierig, 

und schließlich 

brachte ich 

mich voll und 

ganz in die Vorgehensweise 

ein. 

Das ganze Projekt 

hing stark von 

gegenseitigem 

Vertrauen ab. 

Alter Wein in neuen musikalischen Schläuchen: 

die Rainbirds zwischen gestern und morgen. 

Du sagst, das Trio sei keine Übergangslösung, 

sondern es seien die Rainbirds von heute. Was 

heißt das konkret? 

Dieses Bandgefüge ist sehr organisch, sehr demokratisch 

und in relativ kurzer Zeit gewachsen. Die 

Ausgangsposition war das neue Interpretieren alter 

Kompositionen. Dafür braucht es aber ein modernes 

Instrumentarium, teilweise veränderte Arrangements, 

leicht aktualisierte Texte. Ich war stets 

eine Künstlerin der Häutungen, ohne dabei auf 

meine kreative Authentizität zu verzichten. Zum 

Glück entwickelte sich während der Aufnahmen 

ein stetig wachsender Enthusiasmus. Die Freude 

an der Weiterentwicklung war immens! 

Und wenn Rainbirds-Fans von Entweihung 

sprechen und sich abwenden? 

Damit muss ich natürlich rechnen! Aber ich fühle 

mich musikalisch nach wie vor nicht fertig. Da gibt 

es noch so viel, das es auszuprobieren gilt. Ich 

habe mir diesen Beruf ausgesucht, weil ich mich 

darin jeden Tag neu erfinden kann. Ich habe nie 

etwas getan – und werde nie etwas tun –, hinter 

dem ich nicht stehe. Darum kann ich auf solche 

möglichen Vorwürfe keine Rücksicht nehmen, 

denn sonst stagniere ich. 

Wofür steht eigentlich YONDER? 

Das ist ein Gospel-Begriff für das Jenseits, ohne sich 

auf einen bestimmten Ort festlegen zu wollen. Für 

mich ist das ein sehr tröstlicher Gedanke. Ich hoffe 

nur, dass es dort Musik gibt! 


Fotos: © Katja Kuhl 


Peter Urban 

Von Ray Davies zum ESC 

Die Stimme aus dem TV-Off kennen nicht nur alle, die sich jedes Jahr die Übertragung 

des Eurovision Song Contest im Fernsehen anschauen: Sie gehört Peter Urban, und der 

moderiert seit Jahrzehnten auch anspruchsvolle Musiksendungen des NDR. Er macht 

selbst als Keyboarder Musik – unter anderem mit Bad News Reunion –, ist inzwischen 

im Ruhestand, dennoch hat er am 10. Mai wieder das ESC-Finale aus Kopenhagen 

kommentiert. Und vorher mit GoodTimes-Mitarbeiter Philipp Roser gesprochen. 

Sie sind 2013 in den Ruhestand gegangen ... 

Ich war bis letzten Sommer NDR-Redakteur, mache 

aber meine Sendungen alle weiter. Ich darf nur nicht 

weiter als Festangestellter arbeiten, das heißt, ich bin 

nicht mehr Leiter der Redaktion „Nachtclub". 

Ein " 

Meckerbrief" verhalf 

Urban zum Moderatorenjob. 

den Songs von Ray Davies auseinandergesetzt. Mein 

Professor meinte, ich solle das erweitern und eine 

Doktorarbeit daraus machen. 

hatte viele Gelegenheiten, Leute etwas näher kennen 

zu lernen, weil auch nach den Interviews Begegnungen 

beim Essen oder im Hotel möglich waren. 

Das Loslassen war gar kein so großes Problem? 

Nein, überhaupt nicht. Ich mache das gern, und ich 

mache auch gern die ESC-Sendungen weiter. 

Sie arbeiten seit 1971 für den NDR. 

Da habe ich beim Fernsehen angefangen. Es wurde 

eine Sendereihe 

„Sympathy For 

The Devil" von 

Horst Königstein 

konzipiert, 

und ich stieß als 

freier Mitarbeiter 

dazu. Als der zuständige 

Redakteur 

Klaus Wellershaus 

1974 

Livemoderatoren 

für Musiksendungen 

suchte, begann ich mit dem Radio. 

Wie kam der Kontakt zum legendären, inzwischen 

verstorbenen Königstein zustande? 

Als Student hatte ich Wellershaus als zuständigem 

Redakteur für Musiksendungen beim NDR einen Brief 

geschrieben, in dem ich irgendwas bemängelte. Er 

meinte, wir sollten uns treffen. Dann war ich einige 

Male zu Gast in seinen Sendungen, weil ich ein Jahr 

lang in England gelebt und sehr viel Musik hautnah 

erlebt hatte – das war 1968/69. Er stellte den Kontakt 

zu Königstein her, und ich war bei den Dreharbeiten 

mit in England, habe Kontakte vermittelt und die Interviews 

gemacht. 

Sie haben nach dem Studium promoviert. Ihre 

Doktorarbeit erschien auch als Buch, " 

Rollende 

Worte – Die Poesie des Rock" ... 

In meiner Abschlussarbeit 1973 habe ich mich mit 

Das Gespräch mit Yoko Ono zählt 

Urban zu Highlights seiner " 

Karriere". 

1988 sind Sie dann fest zum NDR gegangen? 

Ich hatte viele Sendungen gemacht und Serien geschrieben, 

auch für andere Sender wie den WDR. 

1988 wurde ich gefragt, ob ich eine freigewordene 

Redakteursstelle annehmen wolle. Das habe ich nicht 

bereut, denn man kann viele Sachen doch besser 

mitbestimmen, wenn man im 

Haus ist, in den Gremien sitzt 

und Entscheidungsbefugnis 

bekommt. 

Sie haben viele Künstler 

getroffen – Keith Richards, 

Harry Belafonte, Eric Clapton 

und Yoko Ono nannten 

Sie bei Ihrer Verabschiedung 

als Highlights ... 

Ja, es waren schon einige 

Große dabei. Joni Mitchell 

würde ich noch nennen, Bonnie Raitt, zu der ich immer 

noch ein sehr freundschaftliches Verhältnis pflege. 

Das Ganze war früher vielleicht einfacher als heute, 

wenn man zu sechst beim Interview-Roundtable 

sitzt. Ich habe eine zweistündige 

Keith-Richards-Sendung 

gemacht, in der er von 

seinem ersten Solo-Album 

erzählte und dem Disput mit 

Jagger – das war sehr intensiv 

und persönlich. Mit Rod 

Stewart hatten wir für „Sympathy 

For The Devil" eine 

Szene aufgenommen, als er 

noch Sänger der Faces war, 

in einem Hinterhof in Hamburg 

im Schanzenviertel. Er stand zwischen Ruinen 

und Altbauten und sang Stücke seiner damaligen 

Soloplatten a-cappella. Es war eine gute Zeit, man 

Mit Bad News Reunion steht Keyboarder 

Urban regelmäßig auf der Bühne. 

Was hat Sie am Eurovision Song Contest gereizt, 

was reizt Sie heute noch? 

Mit dem Redakteur Jürgen Meier-Beer hatte ich die 

„Live Aid"- und „Konzert für Mandela!"-Übertragungen 

fürs Radio und Fernsehen gemacht. Als er 

beim NDR für den ESC verantwortlich wurde, fragte 

er mich. Der erste ESC, den ich kommentierte, war 

in Dublin. Es war zwar nicht so mein Metier, aber 

dann habe ich überlegt: Das ist eine spannende 

Sache, fast eine kleine Europameisterschaft, ein 

spannender Live-Event. Natürlich reizt es, Fernsehen 

zu machen, wenn viele Leute zuschauen – und 

man lernt viel Neues kennen, erlebt fremde Länder 

zumindest an der Oberfläche, viele verschiedene 

Musikkulturen und Nationalitäten, mit denen man 

sonst nie in Kontakt gekommen wäre. Das fand und 

finde ich spannend. 

Und Sie machen selbst Musik ... 

Ich habe zur Gymnasialzeit in einer Jazzband gespielt, 

den Quaktown Rhythm Kings in Quakenbrück. Mit 

den Beatles fing dann ein ganz anderes Leben an 

(lacht)! Ich habe in einer Popband mitgemacht, The 

Moody Section. Als ich als 

Student nach Hamburg 

kam, lernte ich 1968 Abi 

Wallenstein kennen, wir 

gründeten 1973 die Band 

Pussy, zu der 1975 Caro 

als Sängerin stieß. Wir 

waren praktisch die Hausband 

des Onkel Pö, trafen 

uns mit anderen Musikern 

dort oder im Logo 

zu Jamsessions, woraus 

Bad News Reunion entstanden. Wir haben erst vor 

kurzem eine Platte veröffentlicht und spielen auch 

wieder verstärkt live. 


Live in Concert 

Rock Meets Classic 

Klassischer Rock in Classic Symphony 

„The Show Must Go On!": Mit spektakulärem Orchesterintro plus sechsköpfigem 

Chor startete Rock Meets Classic 2014 das vielversprechende Programm – ein 

Queen-Klassiker. Freddie 

Mercury war vor 30 Jahren 

in Würzburg mit Queen aufgetreten. 

Mächtige Rockhymnen mit 

Streicherakzenten standen 

auch dieses Jahr wieder im 

Mittelpunkt. Die Sänger 

und Gitarristen bewiesen, 

dass die früheren Top-10- 

Hits immer noch im musikalischen 

Gedächtnis abgerufen 

werden können, 

sobald nur die ersten Takte 

erklingen. 

Das diesjährige Angebot mit 

Midge Ure (Ultravox, Visage), Joe Lynn Turner (Rainbow, Deep Purple), Mick Box 

und Bernie Shaw (Uriah Heep), Kim Wilde und Headliner Alice Cooper (mit der 

jungen Star-Gitarristin Orianthi) sorgte für ausgelassene Stimmung in der restlos 

ausverkauften Arena. 

Da alle Musiker nur ihre bedeutendsten Songs präsentierten, dominierte der 

Mainstream. Dies gehört zum Konzept, das Publikum will genau diese Megahits 

hören, die zum Mitsingen und -klatschen animieren. Midge Ure, ganz Gentleman 

in Anzug und Krawatte, zählte da mit seinen elegischen Electro-Pop-Hymnen 

eher zu den Ausnahmen. Stimmlich verlangten ihm besonders "Vienna" und 

"Dancing With Tears In My Eyes" alles ab. 

Joe Lynn Turner, klein mit großer Rockstimme, sorgte dann mit Rainbow-Klassikern 

für gesteigerte Stimmung. Und per eingeschobenem Schmachtfetzen "Love 

Würzburg, S.Oliver Arena, 14. März 2014 

Conquers All" (mit Streicher-Zuckerguss; aus seiner Deep-Purple-Zeit) setzte er 

dann zum absoluten Rockhighlight "Since You Been Gone" an: Niemanden hielt 

es mehr auf den Sitzen, die Halle war im Ausnahmezustand! 

Nach einem Orchesterzwischenspiel ("Theme Of Pirates") sorgte 

die junggebliebene Kim Wilde für Glamour. Sehr präsent, bestens 

aufgelegt und stimmlich sicher intonierte sie ihre Welthits 

und Mitsing-Klassiker "Cambodia", "You Keep Me Hanging On" 

und "Kids In America". Pause, Run auf die Getränkebar. 

Auf die Einleitung zum zweiten Teil mit dem abgenudelten 

"Another Brick In The Wall" hätte man gern verzichtet; doch 

"Easy Livin'" vom quirligen Heep-Shouter Bernie Shaw und 

dem Original-Bandgitarristen Mick Box half darüber hinweg. 

"Free Me" und die unvermeidliche "Lady In Black" stellten dann 

wieder auf unverbindlichen Mitsing-Pop; "July Morning" in 

v.l.: Mick Box, 

Alice Cooper, Bernie 

Shaw, Orianthi 

Orches terfassung hingegen kam stark rüber. 

Vor dem Headliner musste Beethovens Sinfonie Nr. 5 als Puffer 

herhalten. Das "House Of Fire" von Alice Cooper 

fiel im Rahmen der Klassikshow dann eher bescheiden 

aus. Ohne Guillotine gab es nur wenig 

Grusel. Cooper ließ sich eher als "Nice Guy" von 

einer Sado-Maso-Vampirette zärtlich in den Arm 

beißen. Auch die hochgepriesene Gitarristin Orianthi 

(bekannt aus Michael Jacksons Abschiedsfilm 

„This Is It") blieb neben Alex Beyrodt und 

Oliver Hartmann aus der Begleitband unter ihrem 

Hütchen eher blass. Der Kracher "Poison" riss 

Kim Wilde 

dann aber doch noch von den Sitzen. Coopers 

Klassiker "School's Out" wurde mit allen beteiligten Musikern des Abends zum 

großen Finale angestimmt – was für ein Rausschmeißer! 

Text & Fotos: Helmut Ölschlegel 

Status Quo 

Legende im Original 

Stuttgart, Schleyerhalle, 21. März 2014 

Francis Rossi, längst mit Kurzhaarfrisur statt Matte bzw. Pferdeschwanz, ist auch 

„oben gekürzt" ein Ausbund an ungebremster Energie. Dasselbe gilt für seinen 

Bruder im Geiste, Rick Parfitt – einziger Unterschied: Hier fliegt noch die blonde 

Mähne (an dem Geschüttel lässt er sich auch 

durch mehrere Herz-Bypässe nicht hindern). 

Beide haben's geschafft, Status Quo in wechselnden 

stark an ihren Werkzeugen, ebenso stark bei Stimme! Und Drummer John Coghlan 

schlug für seine drei Frontleute präzise den Boogie auf die Felle. Kleine Schrecksekunden: 

Lancaster schwächelte offenbar gesundheitlich, beim Abgang von der 

Bühne musste er sogar gestützt werden. 

Die Songauswahl beschränkte sich auf den 

Boogie & Roll der frühen Quo-Jahre, natürlich 

Besetzungen zusammenzuhalten. 

im Verbund mit den Wiegeschritten und dem 

Anlässlich des Dokumentarfilms „Hello Quo" 

gelang es ihnen 2013 sogar, die frühe Besetzung 

mit Drummer John Coghlan und Bassist 

Alan Lancaster für eine Abschiedstour zu reaktivieren. 

Und wer jetzt einen dieser Termine 

miterleben konnte, dufte einen historischen 

Rock abend genießen, emotional tief zurückreichende 

Nostalgie inklusive. 

Wer allerdings auf den Sixties-Hit "Pictures Of 

Matchstick Men" gewartet hatte, wurde enttäuscht. 

Kopfnicken zum typischen Fender-Telecaster- 

Sound. Grundlage für alle Titel ist und bleibt 

das Bluesschema in seiner verschärften Form 

zum Mitgrölen ("Roadhouse Blues") oder mit 

Parfitts voller Power ("Rain"). Bei "Railroad" 

wurde Bob Young mit seiner Blues-Harmonika 

hinzugezogen. Die Lautstärke, logo, kam aus 

der obligatorischen Marshall-Wand, der großen 

Portion. 

Als Zugaben gab es "Caroline" mit Rossi als 

Status Quo knüpften bewusst mit ent- 

v.l.: Rick Parfitt, Alan Lancaster, Francis Rossi, John Coghlan 

routiniertem Frontmann, der die Massen bewegte 

und den Rausschmeißer "Bye, Bye, 

sprechender Lautstärke an die wilden Tagen der 

Wandlung von der Pop- zur Boogie-Hard-Rockband d an. Immerhin: Die erhofften 

Johnny" – dreistimmig i i geschmettert und von einem Massenchor enthusiastisch 

„Streichholzmännchen" präsentierte Carl Carlton im Vorprogramm. 

Status Quo überzeugten mit Urgestein Alan Lancaster (Bass, Leadgesang) bei 

Songs wie "Backwater" und "Just Take Me"; dessen erdige Bluesstimme wurde seit 

seinem Abgang am 13. August 1985 beim „Live Aid Concert" schmerzlich vermisst. 

Jetzt war das einstige Feeling sofort wieder da! Fazit: Rossi/Parfitt/Lancaster – 

beantwortet. „Bye Bye", Stuttgart, das war's! 

Volltreffer-Auftritt einer echten Rocklegende, die auf ihrer aktuellen Live-CD/DVD 

BACK2SQ.1 – THE FRANTIC FOUR REUNION 2013 weiterlebt und in aktueller 

Besetzung schon im Herbst wieder auf Tour geht: "Rockin' All Over The World"! 

Text & Foto: Helmut Ölschlegel 



Helter Skelter 

Zeitreise einer Cover-Band 

Vom Band erklang George Martins "Get Back"-Bearbeitung für das Beatles- 

Musical „Love", als die Mitglieder der deutschen Cover-Band Helter Skelter 

aus Bay ern die Bühne in der FILharomie betraten. Das musikalische Motto 

des Abends – das Zurück in die gute alte Rock-Zeit! Bandchef Peter Schreiner 

versprach dem Publikum „Drei Stunden Songs aus den 60er, 70er und Anfang 

80er Jahren" – nach seinem Verständnis „war mit MTV alles vorbei", die gute 

Rockmusik am Ende. Die Mehrzahl der gut gelaunten Zuschauer quittierte 

diese Ansage lautstark 

mit Applaus. 

Helter Skelter haben 

sich nach dem Beatles- 

Song aus dem WHITE 

ALBUM benannt, für 

viele ein Grundstein 

des Hard Rock und 

mit Sicherheit die 

härteste Komposition 

Paul McCartneys für 

die Fab Four. Da die 


siebenköpfige Band 

viele Kracher der Hard- 

Rock-Urgesteine Deep 

Purple, Led Zeppelin, 

Black Sabbath, Thin Lizzy, Uriah Heep oder Blue Öyster Cult im Repertoire 

hat, passt der Name: Es macht öfter „Holterdiepolter" (Helter Skelter) … 

Die Crew präsentierte 33 Rockklassiker voller Herzblut und Leidenschaft. 

Dan Lucas und Peter Schreiner teilen sich den Leadgesang; Lucas' flexible 

und punktuell heldenhafte Tenorstimme eignet sich dabei bestens für 

die großen Hard-Rock-Meilensteine. Blockbildung ist bei Helter Skelter ein 

sinnvolles Verfahren, Lucas stürmte atemberaubend durch Purple-Hits wie 

"Black Night" und "Highway Star", und vor allem "Child In Time" meisterte 

er bravourös. Stark auch das Led-Zeppelin-Set mit "Black Dog", "Whole Lotta 

Filderstadt, FILharmonie, 22. März 2014 

Love" und "Stairway To Heaven" als fulminante Adaption, von Peter Kockert 

stilecht mit Doppelhalsgitarre veredelt. Auch andere Balladen wie "Dust In 

The Wind" kamen gut, einzig mit der eine Spur zu forcierten Interpretation 

von "Help" lag Lucas leicht daneben. Leider legte Andrea Emser zu viel Janis 

Joplin in "Me And Bobby McGee" und "Mercedes Benz", sie rutschte damit 

in die Nähe einer spöttischen Nachahmung. Deutlich besser gelang "Because 

The Night" (Patti Smith), ebenso lockerten ihre Saxo fonparts die Umsetzung 

auf. Peter Schreiner 

nahm sich mit sonorer 

Stimme Songs wie 

"Wish You Were Here" 

(Pink Floyd), "Break 

On Through" (Doors; 

inklusive der gesprochenen 

Ödipus-Zeilen 

aus "The End"), "Dancin’ 

In The Dark", 

"Jumpin’ Jack Flash" 

und "Sultans Of Swing" 

(mit schönem Fingerpicking 

à la Mark Knopfler) 

vor – gelungen! 

Bassist Udo Funk und 

der neue Drummer Oliver Dumin lieferten von Beginn an ein stabil-flexibles 

Rhythmusgerüst, Keyboarder Sascha Waibel integrierte sich mit flinken Soli 

ins abwechslungsreiche Geschehen. 

Nach drei Stunden war die Zeitreise einer bestens gelaunten Band mit der 

Bandkonserve "All You Need Is Love" beendet. Helter Skelter kündigten ihre 

Rückkehr für den Herbst oder das nächste Frühjahr an – die Mehrzahl der 

tanzfreudigen Zuschauer dürfte dann erneut dabei sein. 

Text: Ralf Günther 

Chi Coltrane 

Urgewalt an den Tasten 

Die Konkurrenz war übermächtig: Fußball, 

Champions League, Madrid – Dortmund. Wohl 

mit ein Grund dafür, dass lediglich rund 70 

Besucher die 65-jährige Amerikanerin sehen 

wollten. Oder der platinblonde 70s-Star ist 

ganz einfach in Vergessenheit geraten. 

Entschlossen stapfte die Lady auf die Bühne, 

setzte sich hinter den Flügel aus edelstem Holz, 

neben ihr drei junge Mitstreiter: Bass/Gitarre, 

Drums, sporadisch ein Backing-Sänger. Fest 

steht sofort: Chi Coltranes noch immer mächtiger 

Gesang dominiert wie eh und je. 

Los ging's für zwei Stunden (mit Pause) und 

19 Titel plus zwei Zugaben mit dem fordernden 

"What’s Happening To Me” vom 

1977er Album ROAD TO TOMORROW; Beginn 

eines Wechselspiels aus älteren und relativ 

neuen Songs aus den letzten Jahren – in Dur 

und Moll, mal als Rocker, mal als Ballade. Basis: 

meist der Blues, auch Gospels, gern mit einer 

Prise Rock befeuert. Coltranes charmante 

Zwischenansagen kamen dann und wann in 

– laut Chi – „kalifornischem Deutsch”. Grund: 

Augsburg, Spectrum, 2. April 2014 

Sie lebt in den Hollywood Hills, wohnte aber 

Anfang der 1990er zwei Jahre in Zürich. 

Was Chi Coltrane und ihr Werk singulär macht: 

Urgewalt, Leidenschaft und auch mal Flehentliches 

in der Stimme, immer wieder gepaart 

mit diesem gehämmerten Klavier. Die Ballade 

"Ooh Baby” klang nie ergreifender und Gänsehaut 

erzeugender, "Go Like Elijah” nie hymnischer. 

Und kurz vor den Zugaben wurde den 

euphorisierten Hörern der langersehnte, große 

Coltrane-Hit "Thunder & Lightning” vom Debütalbum 

1972 kredenzt – in kompromissloser, 

beinahe grimmiger Interpretation. Ehe die tiefgläubige 

Christin noch "Come Together” und 

"Hallelujah” schmachtete, kündig te sie ein 

neues Album für den Herbst an. 

Chi Coltrane mag nicht mehr als „Queen Of 

Rock” und „Nachfolgerin von Janis Joplin” (wie 

in den 1970ern) gehandelt werden; als „Schöne 

mit dem harten Anschlag” geht sie weiterhin 

locker durch. Fazit: ein großer Abend, vor leider 

viel zu kleiner Kulisse. 

Text & Foto: Michael Fuchs-Gamböck 



Rother Bluestage 

Top-besetzt, vielschichtig, erfolgreich 

Zwei Premieren bescherten die 23. Rother Bluestage, und 

beide ließen aufhorchen. So standen die „neuen" British 

Blues All Stars (BBAS) zum ersten Mal überhaupt 

auf einer Bühne, hatten nur während des Soundchecks 

kurz zu fünft geprobt, weil Gitarrist Bernie Marsden 

(Ex-Whitesnake) direkt aus New York eingeflogen kam; 

dort hatte er bei den Allman Brothers bei deren traditionellem 

Beacon-Theatre-Gastspiel mitgemischt. Doch 

mit Dave Kelly (voc, g) und Gary Fletcher (b, beide Blues 

Band), Keyboarder-Altmeister Zoot Money (vor drei Jahren 

mit dem Jon Lord Blues Project schon mal in Roth) 

und Drummer Pick Withers (Ex-Dire Straits) legte er ein 

blitzsauberes Blues-Rockset hin. Das 

ging angesichts der Umstände beim 

Repertoire auf Nummer sicher, doch 

für die geplante Herbsttour durch 

Deutschland machte das Gastspiel 

schon mal Appetit. Und obwohl 

Marsden wegen seiner anstehenden 

Soloveröffentlichung dafür eigentlich 

schon abgesagt hatte, bereitete 

ihm das Zusammenspiel mit den 

Kollegen so viel Spaß, dass er versucht, 

sich für die Tour terminlich 

Gary Fletcher 

(r.) und Bernie 

Marsden (BBAS) 

Dave 

Kelly 

(BBAS) 

zu Lister auf die Bühne kam – beide lieferten sich ein 

feinfühliges Gitarrenduell und präsentierten zudem eine 

inbrünstige Version von Princes "Purple Rain". 

Die zweite Premiere in Roth bescherte das künstlerisch 

anspruchsvollste Konzert der diesjährigen Bluestage: 

Ruthie Foster spielte erstmals in Deutschland, zelebrierte 

phasenweise eine regelrechte Gospelmesse, bot 

eine stilistisch begeisternde Blues-Folk-Soul-Bandbreite. 

Nur mit Stimme und 

Ruthie 

Foster 

Akustikgitarre (plus eine 

mitreißende Schlagzeugerin 

und Bassist) zauberte 

sie ein Strahlen in 

die Gesichter aller Zuschauer. 

Was ihr mit eigenen 

Songs, aber auch 

teilweise kaum mehr 

wiederzuerkennenden 

Cover-Versionen gelang 

– wie sie etwa "Ring Of Fire" von Johnny 

Cash verfremdete und es sich zueigen 

machte, hatte große Klasse. 

Und sonst? Popa Chubby zündete auf 

seiner verschrammten Stratocaster zweieinhalb 

Stunden lang Gitarrenfeuerwerke, 

Popa Chubby 

Edo Zanki wurde als zurückhaltender, 

aber vielseitiger Performer seinem Ruf des 

„deutschen Soul-Papstes" gerecht. Und zum Abschluss rockten Uriah Heep 

ohne viel Rücksichtnahme auf den Blues das ausverkaufte Haus – laut, aber mit 

gut ausgesteuertem Sound und spürbarer Spielfreude und der unverwüstlichen 

„freizuschaufeln". 

„Auf Sicherheit" galt auch für die Mick Ralphs Blues Band, die 

erstmals durch Deutschland unterwegs war: Zwei Bad-Company- 

Nummern, reichlich Standards, die eine oder andere neue Eigennummer mit 

Blues-Rock der britischen Spielart stimmte das Quintett um den namensgebenden 

Gitarristen an, der mit Bad Co. und Mott The Hoople berühmt wurde und 

sich mit Harpspieler Son Maxwell einen charismatischen Sänger an 

Bord geholt "Lady In Black" als letztem Song der 23. Rother Bluestage. Dazu beleuchtete 

Lisa Doby mit ihrem Akustik- 

hat. Was auch für Siggi Schwarz 

Mick 

King 

Edo 

gilt: In intimer Clubatmosphäre Ralphs 

King 

Zanki 

trio eine weitere Facette des Genres, 

schäkerte Sänger André Caswell 

während der ehemalige Westernhagen-Sideman 

Nick Woodland sein 

mit dem Publikum und sang beeindruckend, 

während Schwarz demonstrierte, 

dass er nicht nur zu den 

zu Gehör brachte. 

eigenwilliges Verständnis des Blues 

technisch beschlagensten deutschen 

Nach den Shows gab es kaum kritische 

Besucherstimmen zu hören, 

Gitarristen gehört, sondern seinem 

Spiel auch viel Seele einimpft. 

Festivalleiterin Monika Ammerer-Düll 

Für die rockige Seite des Blues standen 

auch King King und Aynsley 

– „so viele wie letztes Jahr bei drei 

war mit rund 4000 Festivalgästen 

Lister, die am selben Abend nacheinander 

auf der Bühne standen. 

Zahlen zufrieden. Sie lag richtig, als 

Konzerten weniger" – und schwarzen 

Das schottische Quartett um Frontmann 

Alan Nimmo (im unvermeid- 

sprach. Und auch die Künstler selbst 

sie von begeisternden Darbietungen 

lichen Kilt) heizte ein, bot die spannendste Konzertdramaturgie der 23. Auflage 

der Bluestage – mit Spannungsbögen von mucksmäuschenstill bis brachial laut. 

King King untermauerten so, warum sie 2013 als die Entdeckung der Bluestage 

gefeiert worden waren. Da hatte es Lister anschließend zunächst schwer, das Publikum 

auf seine Seite zu ziehen, was ihm aber mit starken Songs und intensiver 

Performance gelang. Und die rund 600 Besucher tobten, als Nimmo zweimal 

Bernie 

Shaw 

Mick 

Box 

Roth, 30. März bis 6. April 2014 

André Caswell & Siggi Schwarz 

Aynsley Lister & Alan Nimmo (King King) 

waren mit der Rother 

Rundumversorgung zufrieden, wie sie mit Dankesmails, entsprechenden Einträgen 

ins Gästebuch und auch in ihren Ansagen zum Ausdruck brachten. Einen 

Eindruck des diesjährigen Festivals vermitteln die Videodokumentationen auf 

www.bluestage.de oder www.goodtimes-magazin.de 

Text: Philipp Roser, Fotos: Roland Fengler 


kult! 

kult! Nr. 6 (2-2012) 

kult! Nr. 3 (1-2011) 

kult! Nr. 9 (1-2014) 

kult! Nr. 5 (1-2012) 

kult! Nr. 5 (1-2012) 

kult! Nr. 7 (1-2013) 

kult! Nr. 7 (1-2013) 

kult! Nr. 4 (2-2011) 

kult! Nr. 8 (2-2013) 

kult! Nr. 9 (1-2014) 

kult! Nr. 10 (2-2014) 

Alle Poster inklusive Heft sind nach wie vor 

erhältlich im Shop Seite 71 oder unter 

www.goodtimes-magazin.de

Folge 6 

PUNK (UK/USA) 

Von Jens-Uwe Berndt 

VITAMINSTOSS 


Drei Jahre, 

die die Welt 

erschütterten 

Traue nie einem Punk über 30! Oder war’s 

25? Vielleicht sogar noch fünf Jahre weniger? 

In der Szene gehörte der Spruch in 

der zweiten Hälfte der 70er Jahre jedenfalls 

Eigentlich zum Standardvokabular. Mit den Jahren wur- 

de er hinsichtlich des kritischen Alters bekanntlich 

nach hinten raus modifiziert. Auf dem Höhepunkt war es der aus einer Vielzahl von 

der Welle 1976 gaben sich die Punks selbst nur Aufnahmen zusammengeschusterte 

eine sehr kurze Halbwertzeit. „Die meisten über 21 

verstanden ihn nicht", schreiben Stephen Cole grave 

und Chris Sullivan in ihrem Buch „Punk". Und damit 

ist klar, ab wann gesundes Misstrauen angebracht 

war. 

Vorabsoundtrack des ein Jahr später in 

den Kinos anlaufenden gleichnamigen 

Films. Die Pistols existierten Anfang 

1979 schon nicht mehr. Was da auf 

dem Doppelalbum von ihnen zu hören 

hat sich daran nichts geändert, denn 

Punk raste nur so durch die Musikgeschichte. 

Das Ende der Bewegung wird meist auf das Erscheinen 

des Albums THE GREAT ROCK’N’ROLL SWIND- 

LE im Februar 1979 datiert. Unter dem 

Namen The Sex Pistols vertrieben, 


Sex Pistols 

Rock, Pop, Beat, Punk usw. – die Geschichte der 

modernen " 

Unterhaltungsmusik" ist reich an Facetten. 

Stilbezeichnungen überfluten spätestens 

seit den 60er Jahren den medialen Raum. Manchmal 

sind Begriffe aus einer Jugend-Subkultur 

heraus entstanden, manchmal spontan bei einem 

Interview von Musikern erfunden worden. Verstärkt 

seit den 80ern haben Kategorisierungen 

allerdings häufig ihren Ursprung in Verkaufsstrategien 

von Plattenfirmen oder entspringen 

der Phantasie von Musikjournalisten, die sich 

lange Beschreibungen ersparen wollten oder 

einfach nach Synonymen suchten. Einige dieser 

Musikstile, die manchmal nur für kurze Zeit 

zum Hype wurden oder es nie zum Massenphänomen 

brachten, stellt GoodTimes in einer Serie vor. 

ist, stammte von Demobändern oder war von den 

vier Musikern in den unterschiedlichsten Konstellationen 

eingezimmert worden. Die Beiträge illustrer 

Gäste machten die Veröffentlichung nicht besser 

und sorgten für ein zusätzliches musikalisches 

Desaster. Logisch, dass die dazu 

passenden Bilder kaum geordneter waren. 

„Der Film geriet total chaotisch" , sagte 

Regisseur Julien Temple später über sein 

Werk, das Aufstieg und Untergang 

einer Punkgruppe beschreibt. 

„Die Pistols waren sowieso 

eine chaotische Gruppe. Sie

t 


sahen die ganze Welt in Fragmenten. Sie wollten sie 

vor ihren Augen zersplittern sehen." 1979 fiel alles 

in Scherben. Frank Zieger von der deutschen Punkinstitution 

Abwärts sagte Anfang der 90er in einem 

Interview: „Alles, was nach 1980 kam, war nur noch 

eine Abschiss-Szene." Medial nannte sich das damals 

Post-Punk. Zumindest galt die Bezeichnung für jene 

Protagonisten, die weiter dem alten Spirit anhingen 

oder neue extreme musikalische Ausdrucksformen 

suchten. Der Rest war New Wave, was auch immer 

darunter zu verstehen war. Doch dazu später. 

Im Gegensatz zu der Blitzartigkeit, mit der Punk 

zum Hype wurde, kommen Einflüsse auf Musik 

und Szenen aus allen möglichen Richtungen und 

Epochen. Dada und Surrealismus waren für das Erscheinungsbild 

des Genres ebenso maßgeblich wie 

die literarische Beatbewegung und Andy Warhols 

Factory für Inhalte und Ideologie. Die Hippies und 

die Elterngeneration lieferten das Feindbild, und es 

galt, die gesamte etablierte Rockmusik ins Nichts zu 

pulverisieren. „Punk war eine heterogene Sammlung 

individueller Freigeister" , heißt es bei Colegrave und 

Sullivan. „Und diese Individualität macht die Definition 

des Punk so schwierig." 

Das Einreißen von 

Mauern, das Überschreiten 

von Grenzen, Destruktion, 

Resignation bis hin zum 

Selbsthass, die Ablehnung 

von Autoritäten, Anarchie 

und Aufruhr bildeten das 

Feld für das Gedeihen einer 

Jugendbewegung, die 

im Auftreten und in ihren 

kreativen Ergüssen eine 

Kompromisslosigkeit offenbarte, 

die es so vorher 

noch nie gegeben hatte. 

Fakt ist, dass es in den 

Clubs englischer Vorstädte 

brodelte. Die seit 

Ende der 60er existierende 

Skinhead-Subkultur unterbreitete 

dem Genre im 

Vereinigten Königreich anfangs nicht nur musikalische 

Angebote, sondern lieferte teilweise Steilvorlagen 

für Outfits und Szene-Attitüde. Bevor allerdings 

die britischen Punkbands die Musikwelt auf 

den Kopf stellen konnten, bekamen sie Starthilfe aus 

Amerika. Velvet Underground, MC5, Stooges 

und schließlich die New York Dolls – Dilettantismus 

und die Freiheit uneingeschränkter Selbstverwirklichung 

brachten Klänge hervor, denen selbst 

©Pr 

esse 

s 

foto 

Blondie 

mutige Musiker aus der schon ziemlich abgedrehten 

Psychedelic-Szene nur noch schwer Achtung entgegenzubringen 

vermochten. Velvet Undergrounds 

Alben überforderten die meisten Zeitgenossen der 

Band gnadenlos, blieben Ladenhüter – sorgten im 

Nachklang aber dafür, dass unzählige Bands entstanden, 

die sich künftig einen Dreck um musiktheoretische 

Gesetzmäßigkeiten scherten. Die MC5 

schockten mit Lärmattacken wie beim Landeanflug 

eines Düsenjets und provozierten in ihren Konzerten 

mit unchristlichen Redebeiträgen. Iggy Pop & The 

Stooges zelebrierten die Selbstzerstörung und ließen 

Rocksongs wie das Entladen eines Schrottcontainers 

klingen. Und die Dolls erhoben das Unvermögen, 

Lieder zu schreiben, erstmalig zur Kunst. 

Während üblicherweise die Gründung von Gruppen 

andere Musiker inspirierte, den Idolen 

nachzueifern, geschah 1975 in New York das genaue 

Gegenteil. Es war das Verschwinden der Dolls, das 

ehemalige Fans dazu trieb, selbst zu Instrumenten zu 

greifen. Epizentrum des neuen Kunstverständnisses 

wurde der CBGB's-Club in Manhattan. Hier sagte 

Patti Smith Gedichte auf, bespuckten Suicide zu 

bizarren Elektronikklängen 

ihre Anhänger, schwelgten 

Blondie im kitschigen 

Sound des 60s-Pop und 

versuchten die Ra mones 

Geschwindigkeitsrekorde 

aufzustellen. Einen übergeordneten 

Begriff hatte 

all das nicht. Bis der Autor 

Roderick Edward „Legs" 

McNeil mit seinem Kumpel, 

dem Cartoon-Zeichner 

John Holmstrom, ein neues 

Underground-Magazin herausbrachte 

und es „Punk" 

nannte. „Die Bezeichnung 

stammt von mir", sagte 

Sex Pistols 

McNeil. „John wollte 

die Zeitschrift ,Teenage 

News' nennen. Das 

hielt ich für dämlich." 

Blondie-Sängerin Debbie 

Harry erinnert sich 

in „Please Kill Me – die 

unzensierte Geschichte 

des Punk" daran, dass 

die beiden Herausgeber 

sich 

wie zwei Beses- 

Foto: © GoodTimes-photo.de 

Patti Smith 

Iggy Pop 

sene aufgeführt 

hätten: „Sie beklebten 

die ganze 

Stadt mit Postern, 

auf denen stand: 

,Punk is coming!' Wir haben nur gedacht, das 

ist bestimmt schon wieder so eine beschissene 

Band mit einem noch viel beschisseneren Namen." 

In den Punk-Heften geschah neben 

Skurrilem, Subversivem und Krachlustigem 

oft einfach nur Abscheuliches. Handelnde 

Personen waren meist die Gruppen aus dem 

CBGB's, was sie schnell zu Punkbands werden 

ließ. Dass ganz am Anfang der neuen Bewegung 

allerdings gar nicht klar war, um was es sich 

eigentlich handelte, machte der Umgang der Mainstream-Rockmagazine 

mit dem Phänomen deutlich. 

John Holmstrom: „Ich kann mich an ,NME'-Hefte 

erinnern, in denen 1975 AC/DC, die Bay City Rollers 

und Eddie & The Hot Rods als Punk-Rock bezeichnet 

wurden … Und ,Creem' nannte jede härtere Musik 

,Punk'. Darunter Alice Cooper, die MC5 und die 

Dictators." 

Punk war von Beginn an mehr als nur 1:50 

Minuten kurze Drei-Akkord-Songs. Die Rollers 

und Alice Cooper gehörten sicher nicht dazu. 

Dann schon eher Spoken-Words-Acts wie Patti 

Smith, die zu Beginn ihrer Karriere auf der Bühne 

selbst verfasste Texte rezitierte. Die hatten es ausnahmslos 

in sich. Als sie begann zu singen, hieß 

ihre erste Single "Hey Joe" (1974) und war 

eine Mischung aus Gedicht und einer psychedelischen 

Pianoversion des häufig gecoverten 

Standards. Im Dezember 1975 veröffentlichte 

die immer leicht zerwühlt wirkende Frau ihre 

erste LP, HORSES. Eine maßgebliche Scheibe 

für den US-Punk. Die erste 45er daraus war 

1976 wieder ein Cover: "Gloria" von Them. 

Respektlos, eigenwillig und neu. Man erinnere 

sich an den Auftritt der Patti Smith Group 

im „Rockpalast" von 1979. Damals veranstaltete 

die Band mit "Gloria" einen wilden, 

zehnminütigen Gang Bang, in dem der 

Song im wahrsten Sinne des Wortes nach 

Strich und Faden 

durchgebürstet wurde. 

Merkwürdig: HORSES 

tauchte 2011 in den „Top 

50 der wichtigsten Punkalben" 

des „Rolling Stone"-Magazins nicht auf. 

Stattdessen waren solche Kuriositäten wie NEVER- 

MIND von Nirvana oder OPEL GANG von den Toten 

Hosen zu finden. 



Die überaus bedeutende Rolle, 

die schließlich die Ramones 

mit ihrem Debüt RAMONES für die 

Entwicklung der Punkmusik spielten, 

kann gar nicht genug hervorgehoben 

werden. Im April 1976 erschienen, 

hatten jetzt plötzlich alle – ob Musikkonsumenten 

oder Kritiker – einen 

klanglichen Prototypen, nach dem 

sie alles Nachkommende definieren 

konnten. Der 4. Juli desselben Jahres 

wurde dann für Großbritannien 

ein denkwürdiger Tag. Die Ramones 

supporteten die Flamin' Groovies im 

Londoner Roundhouse, mit auf dem 

Billing – die Stranglers. Mit ihren 

hektischen Zwei-Minuten-n- 

Tornados ließen sie den vor 

allem den 60s verhafteten 

Headliner völlig alt aussehen. 

Was nach diesem epochalen 

Gig stadtweit in Probe- 

Bruchbuden wirklich passierte, 

ist heute nicht mehr 

exakt nachvollziehbar. Dass 

jeder Zweite, der am 4. Juli 

im Roundhouse war, danach eine Punkband gründete, 

darf gern angenommen werden. 

Dabei darf nicht übersehen werden, dass sich in 

Englands Hauptstadt bereits eine sehr aktive Undergroundszene 

entwickelt hatte, die sich später von 

den doch eher etwas intellektuell verbrämten New 

Yorkern vor allem durch gnadenlose Brutalität unterschied. 

Die die Elterngeneration schockierenden 

Bilder der zur Schönheit deklarierten Selbstverstümmelungen 

kamen erst mit der Punkbewegung in 

den Zentren Großbritanniens auf. Den Kids auf der 

Insel genügte es nicht, orkanartige Musik zu hören, 

Klamotten aus der Kleiderkammer zu tragen oder 

wortreich den Untergang der Gesellschaft zu proklamieren 

– durch Ohren, Augenbrauen, Lippen oder 

Wangen gestochene Sicherheitsnadeln gehörten bald 

ebenso zum Erscheinungsbild des hippen Punks wie 

aufgeschlitzte Haut an Armen und Beinen. Sexuelle 

Äußerlichkeiten dienten nicht mehr der Stimulation, 

sondern wurden als zusätzlicher Schockeffekt 

eingesetzt, und selbst Accessoires und Schmuck 

sprengten sämtliche Grenzen des allgemein gültigen 

guten Geschmacks. Colegrave und Sullivan 

bemühen sich in „Punk" geradezu rührend darum, 

der von ihnen über alles geliebten Szene 

einen dauerhaft intellektuellen Anspruch zuzugestehen. 

Exzesse, Gewalttätigkeiten, Rassismus, 

Gleichgültigkeit, Drogenmissbrauch, Sexismus – 

das alles versuchen sie mit dem Abstand von über 

25 Jahren (das Buch erschien 2001 im Londoner 

Verlag Cassell & Co) mehr oder weniger zu Randerscheinungen 

herunterzuschreiben. Die Wirklichkeit 

sah anders aus. Der gemeine Fan interessierte 

sich weder für die kulturellen Hintergründe von 

Mode und Musik, noch war er offen für Botschaften, 

die über sein soziales Umfeld hinausgingen. Nur allzu 

oft wurden Punkkonzerte von heftigen Schlägereien 

begleitet. 

Ohne Zweifel wurde in den Mainstream-Medien 

rund um die Sex Pistols eine Artikel-Serie gebastelt, 

die sich im Zusammenhang mit der Band 

ausschließlich jener Ereignisse bediente, die die Pistols 

in die negativen Schlagzeilen brachten. Allerdings 

führten sich Johnny Rotten (voc), Paul Cook 

(dr), Glen Matlock (b) und Steve Jones (g) zu keiner 

Zeit auch nur annähernd gesellschaftsfähig g auf. Und 

mit Sid Vicious war Anfang 1977 

für Matlock ein weiterer Radaubruder 

hinzugekommen, der im 

September des Vorjahres bei einem 

Punkfestival im Londoner 100 Club 

einem Mädchen mit einer Bierflasche 

ein Auge ausgeworfen hatte. 

Die Konzerte der Sex Pistols 

waren bereits ein Jahr nach 

ihrer Gründung 1975 legendär. Man konnte aus 

den unterschiedlichsten Gründen zu den Londonern 

gehen: Einige wollten die Typen ausrasten sehen 

oder sich über das chaotische Zusammenspiel lustig 

machen. Andere ergötzten sich daran, wie Rotten 

den Mädchen in der ersten Reihe in die Gesichter 

spuckte oder sie an den Haaren zerrte. Und ein paar 

Leute mochten sogar die Musik. Die war anders als 

das hektische Gedresche der Ramones und ihrer 

Nachahmer. Die Sex Pistols waren eigentlich eine 

Hard-Rockband, was bei dem wüsten Getöse auf 

der Bühne, dem bewusst miesen Timing und dem 

durchgeknallten Gehabe allerdings kaum jemand 

registrierte. In der kollektiven Erinnerung stehen die 

Siouxsie & The Banshees 

Pistols für das ten des an Wahnsinn 

Verbreigrenzenden 

Punkimages. 

Allerdings 

haben sie garantiert 

mehr junge Leute in 

Großbritannien zur 

Gründung einer eigenen 

Band veranlasst 

als die Ramones mit 

ihrem Kurztrip. 

Buzzcocks 

Sid Vicious 


Auf jeden Fall schoben die Sex Pistols 

dem Versuch einer intellektuellen 

Elite endgültig einen Riegel vor, 

Punk einen tieferen kulturellen Anspruch 

zu verleihen. „Gewalttätigkeit auf einem 

Konzert der Sex Pistols wird nicht nur 

akzeptiert, sondern erwartet" , notierte 

George Gimarc im Buch „Punk Diary 

1970–1979" . Und der spätere Pet-Shop- 

Boys-Sänger Neil Tennant schrieb an den 

„NME" in einem Brief vom 16. April 1976: 

„Was tun die Pistols, wenn ihre Musik 

nicht ankommt? Das Publikum verdreschen, 

was sonst?" Im Gefolge der 1976 

eindeutig gefährlichsten Band der Welt 

bewegten sich mehr und mehr diejenigen, 

die dann schon 1977 zu den Punkstars 

Großbritanniens zählten. Dazu gehörten 

neben The Clash auch die Buzzcocks 

– und Siouxsie & The Banshees. Nils Stevenson, 

1976 Tourmanager der Rotten-Gang, erinnerte 

sich an einen Gig im Sommer des Jahres: „Siouxsie 

erschien super aufgestylt – mit Hakenkreuz 

und heraushängenden Titten: Es 

war ein geiler Event." 

Politische Symbole waren für die 

Punks Schmuck. Natürlich wurden 

bewusst Hakenkreuze oder Zeichen 

kommunistischer Staaten verwendet, um 

die Erwachsenengeneration abzustoßen. 

Vor allem das Nazi-Symbol wurde zum 

Schlager. Bei den Pistols war es besonders die Band- 

Muse Jordan, die als Dauertänzerin an und auf der 

Bühne mit Hakenkreuzarmbinde aufmarschierte oder 

Titten und Vagina ins Scheinwerferlicht hielt. Bassist 

Sid Vicious (Drogentod im Februar 1979), der das 

Kreuz häufig auf dem T-Shirt zur Schau trug, erhielt 

auf seinem postumen Solodebüt SID SINGS (1979) 

von Virgin auf dem Label vier zu einem Hakenkreuz 

zusammengelegte Gitarren spendiert. Und auch bei 

The Damned gehörte das Nazi-Zeichen zum Standard 

am Lederjackenkragen. Deutlich macht diese Art 

der Provokation vor allem, dass Punk keiner Ideologie 

folgte. Wenn es etwas gab, womit Bands und Fans 

1976 unter einen Hut gebracht werden konnten, 

dann war es Nihilismus, gepaart mit dem uneingeschränkten 

Ausleben jeglicher Gelüste und Triebe. Der 

Schrei nach Anarchie war der Schlachtruf der Stunde. 

„ 

Anarchy In The U.K." hätte die erste Punksingle 

des UK werden können, nachdem die Sex 

Pistols bei EMI untergekommen waren. Allerdings 

erschien die Scheibe einen Monat zu spät. Denn das 

Underground-Label Stiff hatte bereits am 22. Oktober 

mit "New Rose" von The Damned vorgelegt. 

Gewiss ist deren Song inhaltlich nicht so bedeutungsschwanger 

wie "Anarchy…" , als musikalisches 

Erdbeben hatte sich das Stück allerdings ganz hervorragend 

geeignet. "New 

Rose" lärmt, donnert, rast. 

Und ist dabei obendrein 

von einer bestechenden 

Musikalität. 

Ramones 



„ 

Anarchy In The U.K." 

brüllt. Es ist der 

akustische Umsturz. Im Gegensatz 

zu "New Rose" vom 

Tempo her fast lahm, wur- 

de 

das Stück trotzdem zur 



Hymne der gesamten Bewegung – die sich 

schon 1977 aufzusplitten begann. 

In Elvis Presleys Todesjahr erfuhr die gesamte 

populäre Musik eine Wachablösung. 

Was einmal zählte, wurde kurz und 

klein geschlagen. Glück hatten jene Künstler, 

die unter den überheblichen Punk-Protagonisten 

Fürsprecher fanden. Und so wurden 

zum Beispiel The Who zu Punk-Vorreitern 

erklärt (sicher auch wegen ihrer gewalttätigen 

Bühnenpräsentation). Generell erhielt 

die Mod-Szene neuen Aufwind, deren Anhänger 

mit den Punks praktisch gleichgesetzt 

wurden. So avancierten die populärsten 

Mod-Vertreter The Jam, die 1977 mit IN THE CITY 

und THIS IS THE MODERN WORLD gleich zwei Alben 

veröffentlichten, gleichzeitig zu einer der angesagtesten 

Punk-Bands. Ähnlich The Stranglers. Ihr 

Stil war für Punk wegen der vielen unterschiedlichen 

Einflüsse eigentlich zu abgehoben. Ihre Texte galten 

als verquast. Trotzdem sind die beiden 77er-Werke 

RATTUS NORVEGICUS und NO MORE HEROES ganz 

klar Meilensteine des Genres. 

The Clash wurden durch 

ihr Debüt THE CLASH 

im April des Jahres neben den 

Sex Pistols in Großbritannien 

zu den wichtigsten Gesichtern 

des Punk. Im Unterschied zu 

den meisten ihrer Szenekollegen 

positionierten sie sich 

frühzeitig links. Spätestens 

mit LONDON CALLING (1979) 

und dem Dreifachalbum SAN- 

DINISTA! (1980) wurden Joe 

Strummer & Co. zu linken Agitatoren. 

Vom Punk hatten sie 

sich da aber schon musikalisch 

weitestgehend verabschiedet. 

Die späteren New-Romantic- 

Pioniere Ultravox standen 

1977 mit Ausrufezeichen im 

Namen und zwei LPs noch mit beiden Beinen mit- 

ten im Punktumult: ULTRAVOX! und HA!-HA!-HA!. 

The Drones veröffentlichten FUR- 

THER TEMPTATIONS, The Damned 

kamen mit DAMNED DAMNED 

DAMNED und MUSIC FOR PLEA- 

SURE, mit NEVER MIND THE BOL- 

LOCKS, HERE’S THE SEX PISTOLS 

erschien das skandalumwitterte, 

einzige echte Studio-Album eben jener 

Sex Pistols, die unvergleichlichen 

999 machten mit ihrem Erstling auf sich 

aufmerksam, Skrewdriver legten (noch 

völlig Nazi-frei) mit ALL SKREWED UP 

los, The Vibrators betitelten ihren 77er- 

Beitrag PURE MANIA, The Boys blieben 

auf Vinyl THE BOYS usw. 

An den USA war die Entwicklung in 

Großbritannien irgendwie vorbeigerauscht. 

Die großen Namen aus dem 

CBGB's waren noch größer geworden, 

eine explodierende Punkszene gab es 

in Amerika allerdings nicht. Zu elitär 

gebärdeten sich jene, denen man nachsagte, 

das Genre miterfunden zu haben. 

Einzig die Ramones blieben bodenständig. 

Ihr Look, der immer etwas von einer Heavy-Metalband 

besaß, prägte bei den Amis bis weit in die 

80er den Blick auf die Punkmode. Und Blondie, die 

schon 1976 eine stilprägende Premiere in die Läden 

gestellt hatten, kokettierten auf ihrem zweiten Album 

PLASTIC LETTERS (1978) mit dem Pop. 

Aus den USA kamen ab 1977 nicht viele echte Punkbeiträge. 

Einige wenige hatten es allerdings wirklich 

in sich: die Dead 

Boys mit YOUNG 

LOUD AND SNOTTY 

(1977) und WE HAVE 

COME FOR YOUR 

CHILDREN (1978), 

Richard Hell & The 

Voidoids' 

BLANK 

GENERATION (1977), 

Wayne County & 

The Electric Chairs 

mit THE ELECTRIC 

CHAIRS (1977) und 

MAN ENOUGH TO BE A WOMAN (1978; als Hinweis 

auf seine geplante Geschlechtsumwandlung – später 

firmierte er unter Jayne) oder halt die Ramones, die 

1977 ihren Ruf als unangefochtene Meister des 

Zwei-Minuten-Quickies mit LEAVE HOME und 

ROCKET TO RUSSIA untermauerten. 

H 

The Clash 

Aber selbst die Skandale wurden 

schnell zur Marketingstrategie, 

weshalb schon 1978 seitens der Firmen- 

Scouts begonnen wurde, systematisch 

nach Bands zu suchen, die „klangen 

wie" … Auch sorgten bewusst beförderte 

Popeinflüsse dafür, dass Punk sein für 

die meisten Ohren abstoßendes Klangbild 

einbüßte. Gruppen wie die Buzzcocks oder 

die irischen Undertones wurden für diesen 

Trend unwissentlich Steigbügelhalter. 

Ihr schmissiger Pop-Punk, der hier und da 

etwas von Glam-Rock hatte, konnte auch 

Leuten gefallen, die bisher mit harter Gitarrenmusik 

weniger am Hut hatten. Aber 


immer noch rückten essenzielle Bands nach: X- 

Ray Spex, Cockney Rejects, Cock Sparrer, 

Stiff Little Fingers, The Lurkers, Siouxsie 

& The Ban shees kamen ebenfalls erst 1978 zu 

Album-Ehren, ähnlich wie Sham 69. Die Band 

um Sänger und Charismatiker Jimmy Pursey wurde 

mit TELL US THE TRUTH und THAT’S LIFE zur 

Speerspitze des Oi-Punks. Diese simple Form des 

Punk – häufig mit Refrains ausgestattet, die an 

Fußballgesänge erinnern – zog auch wegen ihrer 

Beliebtheit in der Skinheadszene vor allem ein extrem 

gewaltbereites Publikum an. Prügelexzesse 

während der Konzerte führten schließlich sogar 

zum Auseinanderbrechen von Sham 69, die selbst 

mit Schlägereien nichts am Hut hatten. 

Während Punk in Resteuropa für Eruptionen 

sorgte, sich nationale Szenen etablierten, die 

Rock-Dinos hinweggefegt wurden, zerfiel in Großbritannien 

die Bewegung. Aus Amerika drängte mehr 

und mehr New Wave ins öffentliche Bewusstsein. Dieses 

Genre war nicht ohne Experimente, einige davon 

sogar musikalisch äußerst gewagt und zukunftsweisend 

– allerdings wurde der Sound im Wesentlichen 

gefälliger. Selbst jene, die sich eben noch in stinkenden 

Klubs bei Krachorgien gegenseitig die Schädel 

eingeschlagen hatten, machten jetzt auf Kunst. 

Synthesizer wurden immer dominanter für die Hörgewohnheiten. 

Alles Lüge also? Der große Rock’n’Roll-Schwindel, 

wie der Punkfilm mit den Sex Pistols 1980 

titelte? Viele Musiker beantworteten diese Frage damals 

mit einem klaren Ja. Die Fans waren da flexibler. 

Sie ließen sich schnell neu begeistern. Und der Punk, 

der die Selbstzerstörung in sich trug, war ohnehin 

nicht länger als ein, zwei Jahre durchzustehen, wollte 

man nicht ausgebrannt elendig verrecken. Sid Vicious 

er wischte es 1979. Johnny Thunders (US-Punk-Ikone 

und New-York-Dolls-Mitstreiter) verabschiedete sich 

1991 drogenbedingt mit 38 

Jahren von der Bildfläche, GG 

Allin – US-Punk, tabulos und 

stilprägend – wurde nur 36, er 

atte das Business anfangs noch vehement 

trat nach einer Überdosis 1993 

versucht, sich gegen die neue Welle zu 

ab. Ian Curtis (23), Frontmann 

wehren, wurde 1977 alles unter Vertrag 

der Post-Punk-Band Joy Divisi- 

genommen, was bunte Haare und kaputte 

on, nahm sich 1980 das Leben, 

Hosen trug und hyperhektische Kurzkra- 

von den Ramones lebt nur noch 

cher im Repertoire hatte. So schnell wie 

Schlagzeuger Marky – und 

die meisten Bands ins Studio geschickt wurden, 

selbst Joe Strummer von The Clash hielt nicht durch. 

so 

schnell verloren sie meist auch wieder ihre Er starb 2002 mit 50 Jahren. Immerhin ... 

Label-Partner. Selbst die Pistols bekamen das 

zu spüren, als EMI die Band nach einem skandalösen 

TV-Auftritt feuerte. 

The Jam 

Johnny Thunders 

Es ist müßig, darüber zu debattieren, wie sich 

denn das nennt, was nach 1980 alles als „Punk" 

verscherbelt wurde. Anfangs bemühten sich selbst Musikjournalisten 

um begriffliche Unterscheidungen. Es 

war von Post-Punk die Rede, Hardcore Punk machte 

die Runde, ein Ableger davon wurde Speedcore, der 

Metal Punk war angesichts der ab 1980 boomenden 

New Wave Of British Heavy Metal ebenfalls unvermeidlich, 

Cow-Punk wurde erfunden, Surf-Punk. 

In den 90ern, als die populäre Musik in der Post- 

Grunge-Ära völlig durchs Klo ging, fielen schließlich 

sämtliche Hemmungen. Plötzlich war Punk wieder in 

aller Munde. Green Day und The Offspring sollten ihn 

verkörpern. Alle machten mit und heute – da selbst 

die Kaufhauskette H&M mit Punk-Look-Kollektionen 

wirbt – ist es praktisch völlig egal, welche Band man 

als Punk bezeichnet. Allerdings hat diese „Freiheit" 

nichts mit dem Freigeist von einst zu tun.

KARUSSELL 

Karussell 2014, v.l. Hans Graf (g), 

Wolf Rüdiger Raschke (keys, voc), 

Benno Jähnert (dr), Joe Raschke 

(voc, keys, harp), Reinhard Huth 

(voc, g) und Jan Kirsten (b, voc). 

W.D. Raschke und R. Huth sind seit 

1976 dabei. 

Foto: © Thomas Nitz 

LEIPZIGER ALLERLEI 

Von Beginn an war der Zulauf für die im Zum ersten großen Break in der Bandgeschichte Die Leipziger durften ihr aktuelles Album auch in 

April 1976 gegründete Rockband Karussell 

gigantisch. Für viele galten die setzung die Frontmann-Position: Cäsar hatte sei- 

nutzten die Chance und kehrten nicht in die DDR 

kam es 1983. Bei Karussell betraf eine Umbe- 

der BRD präsentieren. Leonhardt und Salzwedel 

Leipziger als legitime Erben der kultig ne eigene Band gegründet. Mit den Neuzugängen zurück, blieben der Musik jedoch treu. Leonhardt 

verehrten und verbotenen Klaus-Renft- Tom Leonhardt (g) und Lutz Salzwedel (voc) gab arbeitete mit Michael Cretu sowie Angelo Branduardi 

Combo. Die Puhdys in Ost-Berlin, die Renft- 

Combo in Sachsen – das waren die damaligen 

Ost-Rockriesen. Bei Karussell, hervorgegangen 

es jedoch ebenbürtigen Ersatz. Der große Hit "Wie 

ein Fischlein unterm Eis" von WAS KANN ICH 

TUN (1984) steht für diese nur kurze Ära. Grund: und schrieb etliche Filmmusiken. Salzwedel 

sang zunächst bei der West-Berliner Mainstream- 

Metalband Karo und begann anschließend eine 

aus der Amateurband Fusion, gab es nun 

ein Wiedersehen mit den Renft-Musikern 

Peter „Cäsar" Gläser (voc, g) und Jochen 

Hohl (dr). Zudem erinnerten einige Songs 

der neuen Gruppe stark an Renft-Material. 

Mit Kurt Demmler stand ferner derselbe Tex- 

Solokarriere unter dem Pseudonym Dan Lucas. 

Mit der Musik "Heart Of America" für 

einen McDonald's-Werbefilm gelang ihm ein 

kleiner Hit. Heute zählt Salzwedel als Dan 

Lucas zur Besetzung der gut gebuchten Coverband 

Helter Skelter. 

ter zur Verfügung – der große Karussell-Hit 

"Wer die Rose ehrt" (1980) war eigentlich 

Für die damaligen DDR-Kollegen bedeutete 

der überraschende Ausstieg jedoch 

eine erfolgreiche Renft-Nummer. Doch die 

Formation um Keyboarder und Bandchef 

Wolf Rüdiger Raschke weichte den „Renft- 

Vertreter-Status" geschickt auf, ihre ersten 

drei Alben ENTWEDER ODER (1979), DAS 

EINZIGE LEBEN (1980) und SCHLARAFFEN- 

BERG (1982) zeigen eine ernstzunehmende 

Band mit großartigen Songs und einem eigenständigen 

beinahe das Aus. Bandchef Raschke zog einmal 

mehr los, um adäquaten Ersatz zu suchen. 

Und wurde in einem kleinen Berliner 

Club fündig: Er sah den damals 24-jährigen 

Sänger Dirk Michaelis, der mit Gitarre und 

Drumcomputer durch die Botanik tingelte. 

Der Neuzugang steuerte auch Eigenkom- 

Umgang mit Rock, Folk und 

Karussell 1979/80, v.l.: Peter Cäsar" Gläser, 

" positionen bei – ein Glücksfall für Karussell, 

Singer/Songwritertraditionen. 1980 erschien 

Reinhard Huth, Jochen Hohl, Wolf Rüdiger denn Michaelis bescherte seiner ersten Profiband 

ihren bis heute größten Hit "Als ich 

auch in der BRD eine LP (bei Pool Music), 

Raschke und Claus Winter. Gläser und Winter 

verstarben 2008 bzw. 2006. 

gekoppelt aus Liedern der ersten zwei Alben. 

fortging". Dirk Michaelis und auch Karussell 


Foto: © Archiv Raschke

haben hb den Titel noch himmer in ihren Repertoires. 

Rosenstolz, Matthias Reim, Adoro und die Puhdys 

haben die Nummer gecovert. 

Die Zusammenarbeit von Michaelis und Karussell 

dauerte sechs Jahre, zwei LPs entstanden 

in dieser Zeit: CAFÉ ANONYM (1987) und SOLCHE 

WIE DU (1990). Das zweite Album war nicht mehr 

beim DDR-Label Amiga erschienen, sondern nur 

im Westen. Trotz qualitativ guter Songs blieb diese 

Arbeit ohne größere Resonanz, denn in den Wirren 

Karussell 1988: Dirk Michaelis 

sang von 1984 – 1991 in der Band 

und bescherte ihr den größten Hit 

"Als ich fortging". Neben ihm der 

neue Bassist Jan Kirsten. 

von Wende und Wiedervereinigung 

war alles 

andere interessanter als 

Ost-Rock. Wie die meisten 

DDR-Bands 

registrierten 

auch Karussell, dass sie 

zu Beginn der Neunziger 

kaum noch interessierten. 

Dirk Michaelis begann 

wieder – im Alleingang 

bzw. mit Berliner Kollegen 

– zu arbeiten, bereits 

1992 erschien sein erstes 

Solo-Album ROCKCHAN- 

SONS. Raschke, nach wie 

vor ein Machertyp, rekrutierte 

1994 eine bis auf 

den Bassisten Jan Kirsten 

komplett neue Besetzung; 

darunter Michael Brödel 

als Sänger, der später 

zu einer anderen 

gestandenen Ost- 

Rockband wechselte: 

Von 2008 bis 2012 

war er Frontmann der 

Stern Combo Meißen. 

Foto: © Archiv Michaelis 

Das 14 Titel umfassende Karussell-Lebenszeichen 

SONNENFEUER (1994) war im 

Vergleich zu den Vorgängeralben kein großer 

Wurf, die Band löste sich auf. Vergessen 

wurde sie aber nie. Cäsar (2008 nur 59-jährig 

verstorben) und Dirk Michaelis präsentierten t in 

ihren Konzerten immer wieder Karussell-Songs – 

und jede Cover-Version von "Als ich fortging" erin- 

nerte ebenso an die einstige Kultband. Sporadisch 

wurden Hitkopplungen veröffentlicht. Den Vogel 

schoss dabei das Kölner Label Delta Music ab, das 

2002 SOLCHE WIE DU unter dem Titel EIGENT- 

LICH GEHT’S UNS GUT als Wühltischvariante auf 

den CD-Markt warf. 

Jetzt dauerte es nur noch fünf Jahre, bis Karussell 

ein bemerkenswertes Comeback starteten. 

Der Gitarrist und Sänger Reinhard Huth, Gründungsmitglied 

und bis 1984 dabei, initiierte den 

Neustart. Zur aktuellen Besetzung zählen – neben 

Huth und Raschke – Bassist Jan Kirsten, Schlagzeuger 

Benno Jähnert, Gitarrist Hans Graf und 

Raschkes Sohn Joe als Sänger. Inzwischen touren 

Karussell wieder erfolgreich zwischen Ostseeküste 

und Erzgebirge, 2011 gab es nach zwei Maxis mit 

LOSLASSEN ein neues Album – kein Meilenstein, 

aber ein handfestes Statement, dass mit den Leipziger 

Kultrockern weiterhin zu rechnen ist. Auch 

eine weitere „Best Of"-Ausgabe ist erschienen, im 

Rahmen einer Kooperationsserie 

des Amiga-Labels 

(heute bei 

Sony Music) und einer 

Boulevardzeitschrift. 

Es ist die erste Zusammenstellung, 

die das 

Schaffen von den Anfangsjahren 

bis in die 

Gegenwart 

würdigt. 

"Als ich fortging" ist 

natürlich dabei, hier in der 2011er-Version, gesungen 

von Reinhard Huth. 

Christian Hentschel 

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ERHÄLTLICH! * 

DISCOGRAPHIEN ZU: 

Alice Cooper, David Bowie, Cluster, 

Deep Purple, Eloy, Frijid Pink, 

Hawkwind, Jigsaw, Kraftwerk, 

Udo Lindenberg, Lords, Mud, 

Novalis, Pink Floyd, Runaways, 

Shocking Blue, Slade, String 

Driven Thing, Uriah Heep sowie 

Label-Discographien von CCA 

(Metronome), Pilz (BASF) und 

Ohr (Metronome) 

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Rares aus den 60s: 

Pop -Stars 

singen Werbung 

Joghurt, 

Deo, 

Coca-Kohle 


Da ist diese unverwechselbare, leicht nasale 

Seidenstimme zu einer gedämpft-gebremst 

schrammelnden Zwölfsaitigen. Ein Mellotron 

wabert. Alles in diesem wohlig-trägen 

Rhythmus, klar, das muss "Nights In Whi ..." – nein, 

ist es natürlich NICHT, und das ist genau so gewollt: 

die Moody Blues – ja! Justin Hayward – ja! Doch 

dass der Mann aus Birmingham sich fast melancholisch 

über die Freuden brauner Brause auslässt, 

dürfte überraschen. Zu Gehör bringt der Sänger 

einen Songschnipsel 

aus einem mächtigen 

popmusikalischen 

Parallelkosmos, in 

dem – abseits der 

Charts und doch abermillionenfach 

vernommen 

und ebenso 

viele Dollar schwer – die Trommel gerührt wurde. 

„Reklame" ist das Stichwort, „Jingles", „Commercials". 

Wir befinden uns im ultimativen Aufbruchund 

Veränderungsjahrzehnt, den 1960er Jahren. 

Auch in der Zeit zuvor hatte es schon klingende 

Verbrauchertipps gegeben, allerdings eher sporadisch. 

1962 passierte es dann, der US-„Werber" 

Bill Backer (*1926) von McCann Erickson hörte den 

Sänger Freddy Cannon mit seinem Nr.-3-Erfolg 

"Palisades Park". Textinhalt unter anderem: das 

Hotdog-Futtern auf einem Rummelplatz als leckere 

Partnerschaftsanbahnung. Initialzündung bei Ba- 

cker: Wenn's um die Wurst geht und ein 

Hit daraus wird, warum sollte das nicht auch 

mit Sprudel klappen? Und zwar mit dem immerhin 

berühmtesten der Welt, für den seit 1886 bis 

dahin 36 (Print-)Slogans erfunden worden waren. 

Also textete Backer Version Nr. 37 und komponierte 

dazu. Resultat: "Things Go Better With Coke", bis 

heute ein kreativer Geniestreich. Er bestellte die 

Folkies The Limeliters in eine New Yorker Studioklitsche, 

am Ende ging ein Mix aus vielen halbgaren 

Demos aufs Band – und schlug ein. 

Nach endloser Überzeugungsarbeit hatte Backer 

die Cola-Verantwortlichen auf Kurs, 1965 

startete auch die Radiokampagne zum Spruch. Er 

brauchte jetzt Künstler für die Umsetzung und 

machte ihnen Neues schmackhaft: Es ging nicht 

länger um halbherzig-anonyme 08/15-Jingles herkömmlichen 

Strickmusters. Was sie jetzt aufzunehmen 

hätten (30, 60 oder 90 Sekunden lang), würde 

erkennbar an prominenten Melodien aus ihrem 

eigenen Repertoire zumindest orientiert sein; die 

Musikanten wurden sogar ermutigt, Frisches aus 

eigenem Anbau mit erforderlichem Coke-Anteil 

im Text zu liefern – und fühlten sich so als Kreative 

zusätzlich gebauchpinselt. Unterm Strich: eine 

geradezu revolutionäre Umwälzung – der Begriff 

„Werbe-Songs" hatte sich, Bill Backer sei Dank, 

massiv verändert. Dass auf diese Weise auch akustische 

Raritäten für Fans und Sammler entstanden, 

dürfte damals noch völlig sekundär gewesen sein. 

Die Interpreten erkannten: Intensive Kooperation 

mit einer Weltmarke besorgte, im Verbund 

mit eigenen Songs (auch wenn es „nur" verfremdete 

Schnipsel waren), massive Popularität; und da 

der Getränke-Multi seine Partner gewiss nicht mit 

Pfandflaschen oder Kronenkorken entlohnte, konnten 

beide Parteien zufrieden an- und mit Sicherheit 

auch befreiend aufstoßen. Die Ausgangslage hatte 

sich dann bald gedreht: Nicht Backer musste nach 

Interessenten suchen, sondern Solisten und Bands 

bzw. deren Managements rückten dem Konzern auf 

die Pulle, um auf dessen gigantischen, mit braunem 

Gold gepflasterten Abfüllstraßen mitfahren zu 

können. 

Zu Beginn der „Unternehmung 'Things go better 

with Coke'" setzten die Macher aus Atlanta 

auf amerikanische Stars. Die Four Seasons waren 

dabei, The Shirelles, Jan & Dean, Roy Orbison. Zügig 

erfolgte auch der Griff über den großen Teich 

Richtung Alte Welt, Tom Jones, Petula Clark und 

Lulu wurden verpflichtet. Innerhalb kürzester Zeit 

spürten die Verkaufsstrategen dann, dass gewisse 

„Verjüngungen" angebracht waren: Beat, Pop & 

Verwandtes aller Schattierungen erhielt grünes 

Licht – The Who, Bee Gees, Troggs, Freddie & The 

Dreamers, Tremeloes, Wayne Fontana & The Mindbenders, 

Fortunes, Moody Blues, die Box Tops, Jay 


& The Americans, Left Banke, 

Nancy Sinatra, American 

Breed, Vanilla Fudge kamen 

ins Boot; aus „Downunder" 

gesellten sich u.a. die 

Easybeats, Valentines (mit 

AC/DCs Bon Scott), The 

Executives, John Rowles, 

die Seekers, John(ny) Farnham, The Twilights, The 

Groove und Ronnie Burns von The Flies dazu. Euro-Nicht-Briten 

wie die Los Bravos, 

Golden Earrings (noch 

mit „s") und German Blue 

Flames wurden angeheuert, 

und Dave Dee & Co. 

bastelten für den hiesigen 

Markt sogar eine über zehn 

Minuten laufende EP mit 

Zwischentexten: Darauf stellte 

der Chef in deutscher Sprache Koryphäen wie Ray 

Charles und die Supremes mit integrierten Beiträgen 

vor. Die Coke-Interpretenriege – längst schon erweitert 

um Namen wie Otis Redding, Aretha Franklin, 

Neil Diamond, die Everly Brothers, Jerry Lee Lewis, 

Marvin Gaye, Janis Ian und andere – las sich wie 

ein Who's who? der internationalen Popmusik aus 

nahezu allen stilistischen Ecken; viele der Beteiligten 

waren sogar mit mehreren unterschiedlichen Commercials 

vertreten. Ebenfalls für Coke unterwegs: 

Lee Dorsey, Carla Thomas, Joe Tex, Lulu, Gladys 

Knight & The Pips, The New Vaudeville Band, Jerry 

Butler, die Drifters, Lesley Gore, Sandy Posey, B.J. 

Thomas, Fontella Bass, The Vogues und und und ... 

Völlig klar, dass bei einem so generalstabsmäßig 

durchgezogenen Getöse die Konkurrenz sämtliche 

Antennen ausgefahren hatte – und natürlich 

nicht nur die aus dem Erfrischungsbereich mit Kohlensäure. 

Vielleicht mit eher geringerer logistischer 

und finanzieller Potenz ausgestattet, aber mit dem 

Wissen, wie's gemacht wird. Dass es dabei schon 

mal zu eher ungewöhnlichen Kombinationen aus 

Künstlern und beworbenen Produkten kam – wen 

interessierte das? Ein ausschnittartiger Überblick 

wie, von und mit wem reagiert wurde: 

Bereits vor der Cola-Springflut waren die Rolling 

Stones am 6.2.1964 in die Londoner PYE-Studios 

bei Toningenieur Glyn Johns und Hausproduzent 

Jonathan Rollands eingerückt. Einzuspielen war ein 

30-Sekunden-Jingle, 

der als "Wake Up In 

The Morning" geführt 

wird – Komponisten: 

Brian Jones und „J. 

Thompson", dies steht 

für die seit 1864 aktive 

Werbeagentur 

JWT (James Walter Thompson). Im Schweinsgalopp 

rumpelte die Band – zu Jagger-Gesang und schriller 

Harmonika – für 400 Pfund durch 

die halbe Minute und warb für 

knusprige „Rice Krispies" aus dem 

Haus Kellogg's. Beim Cornflakes- 

Klassiker bissen außerdem die 

Monkees an, deren mehrjährige 

Dauerpräsenz in bzw. auf audiovisuellen 

Medien als Werbeträger 

wie geschaffen war. 

Fernab von Hochprozentigem lag ein rund um den 

Globus erhältliches Schluckprodukt des US-Herstellers 

General Food. Über 150 verschiedene Sorten 

gab es davon, zum Selbstanrühren in Exklusiv-Bechern 

– ein millionenfach konsumiertes Highlight 

bei den Teens & Twens der 

leckeren Sixties. 

" Great 

Shakes" hieß das Pampige 

mit Soda, von dem auch der 

Autor 1968 in London erst 

nicht so genau 

wusste: 

essen 

oder trinken? Dusty Springfield 

(zusätzlich für „Mothers Pride"- 

Weißbrot aktiv) erläuterte immerhin 

vorab korrekt: „... so dick, dass 

der Strohhalm drin steckenbleibt!" Auch The Who 

und die Blues Magoos aus der Bronx empfahlen 

diese Geschmack-Sache – 

und die „Shakes"-Werbe- 

Aufnahme der Yardbirds 

(20.10.1966, New York City) 

ist sogar eines der wenigen 

Beispiele für das Zusammenwirken 

von Jeff Beck und Jimmy Page. Beide 

Londoner Bands 

fuhren zweigleisig. 

Inzwischen zum 

Quartett geschrumpft, unterschrieben die Yardbirds 

1967 einen Vertrag über ein Jingle bei „Macleans" 

und priesen dessen Tubenpaste zur Aufhellung der 

Kauleiste an. Fast skurril 

erscheint, wofür sich Pete 

Townshend zu ein paar Takten 

von "Happy Jack" engagierte: 

Um „nach dem Mond 

zu greifen und die Sterne 

zu berühren" – so ein Teil 

des von ihm gesprochenen 

Textes – redete er dabei 

natürlich keinen verbotenen 

Substanzen das Wort. 

Nein, junge Menschen mit 

diesen Wünschen würden 

woanders eine schöne Heimat 

finden, nämlich in der 

US Air Force – was aus Richtung Detroit auch Bob 

Seger zu Klängen von "Rambling Gambling Man" 

unterstützte ... Schon schmackhafter kam da ein 

cremiger 30-Sekunden-Gesang für „Look"-Schokolade. 

Am Mikrofon für den japanischen Markt: The 

Walker Brothers, während Kollegin Cilla Black es 

lieber mit Tafeln von „Cadbury's" hielt. 

Wer es lieber im Vollkopf statt nur an den Plomben 

mochte, war beim Alk sicherer aufgehoben: 

zwei Marken, zwei Sorten, zwei Britentrios, die 

unterschiedlicher 

nicht 

sein konnten. 

The Scaffold 

aus Liverpool, 

generell einem 

Trinkliedchen 

nicht abgeneigt, passten maßgeschneidert zu einem 

Gröler für das traditionsreiche „Watneys Ale". Mitbewerber 

„Falstaff Beer" hingegen 

schickte einen „thirst slaker" ins 

Rennen. Dieses „Durstlöschers", 

seit ca. 1840 in St. Louis gebraut, 

nahm sich im Oktober 1968 ein 

gefeierter Dreier an; doch nicht 

etwa dessen vermeintlich passendes 

"Strange Brew" wurde als 

Vorlage verbraut, sondern "Sunshine 

Of Your Love". Es 

blieb das einzige 60s- 

Commercial von Cream. 

In der Zwischenzeit 

waren die Troggs umgeschwenkt: 

Nach Coke 

hatten sie mittlerweile bei 

„Miller Beer" angedockt. 

Gleich an mehreren 

grundverschiedenen 

Reklamefronten arbeitete 

Manfred Mann. Er befand 

sich am Ende der Sixties zwischen seiner erfolgreichen 

R&B- bzw. Popband und Chapter Three. 

Die Zeit bis zum Jazzigen überbrückte er u.a. mit 

Jingle-Jobs. Als Mann-Hug (nur 

mit „g") nahm die Crew 

das "Ski 'Full Of Fitness' 

Theme" (3:04) für gesunden 

„Ski Jog hurt" von 

Nestlé auf, außerdem je 

ein Jingle für "Max well 

House Coffee" (0:47) und 

Auto- 

reifen: 

"Go 

Radial – Go Michelin" (3:03). 

Alle drei kamen 1969 aufs Band, 

wurden teils aber erst Monate 

später gestartet. Gleich 

zwei Versionen gibt es vom 

„5-4-3-2-1"-Schnipsel für den 

gleichnamigen 

Schokoriegel: 

Hier sang Paul Jones 

zunächst „First bite into 

real milk chocolate", dies 

wurde in einer viel 

späteren Fassung geändert 

in „Chocolate 

flavour coating comes 

first and ..." – die darbende 

Industrie war gestiegen von echter Schoki auf Überzug mit verumgleichbarem 

Geschmack. 

Noch weitere Kolleg (inn)en machten „in 

Getränken". The 

Litter, Garagenrocker 

aus 

Minneapo- 

lis, 

verdingten 

sich 

für „7Up"- 

Limonade 

(Sub-Bezeichnung: 

„The Un- 

Cola") wie schon zuvor das Kingston 

Trio; Trini Lopez animierte im bekannten 

"La Bamba"-Rhythmus zum 

Genuss von „Fresca"-Brause, die Carpenters 

priesen "Suntory Soda Pop" 

(geeignet u.a. nach dem Verzehr von 

„Mortens" Kartoffelchips). Ihre Landsleute 

Del Shannon und die Turtles – genau wie 

später P.P. Arnold (& Jeff Wayne) – favorisierten 


statt „Coca" die „Pepsi"-Konkurrenz aus New York. 

Die spendierte den Berliner Lords 

im April 1967 eine Single mit dem 

Titel "Five Or Six" – heute eine extrem 

rare und teure deutsche 45er 

mit attraktiver 

Bildhülle. ll 

Nancy Sinatra 

war die Geschmacksrichtung 

völlig schnuppe: Sie 

lieh ihre Stimme doppelgleisig 

der „Royal Crown Cola" 

und dem Coke-Original 

aus Georgia. Für „Strike Cola" 

hatten sich hingegen die 

schottischen Poets entschieden 

und dies in 

Form der jeweils über 

zweiminütigen Jingles 

"Heyla Hola" und "Fun 

Buggy" umgesetzt. 

Natürlich war in den USA 

auch Fortbewegung 

ein Thema. Johnny Cash empfahl neben „Amoco"- 

Benzin zusätzlich Spielzeugeisenbahnen und -Trucks 

(„Lionel"), Kollege 

Waylon 

Jennings (neben 

Coke und 

„Sunbeam"- 

Brot) den 

Fahrradhändler 

„Roberts" in 

Lubbock und 

Petula Clark den „Ford Plymouth Fury". Für einen 

audiovisuellen Clip – Szene: Blödel-Gerichtsverhandlung 

– traten Paul Revere & The Raiders 1969 vor 

Kameras und Mikrofone. Der Kadi-Hintergrund war 

kein Zufall; das Modell, das auf diese Weise an US- 

Daddys gebracht werden sollte: ein „Pontiac GTO 

Judge". Die 

Band bewarb 

außerdem einen 

„Chevrolet 

SS 396"; für 

denselben Anbieter, 

aber das 

Modell „Camaro" 

drückten The Cyrkle aufs PR-Pedal. 

Starthilfe kam außerdem aus 

dem fernen Adelaide: 

Die hochpopulären 

Masters 

Apprentices es 

setzten sich singend für den 

„Ford Cortina" ein. Nicht nur dessen attraktive Optik 

brachte Interessenten ins Schwitzen. Schon seit 

1884 vertreibt darum u.a. der asiatische Kao-Konzern 

Körperpflege-Artikel, u.a. 

„Ban", ein Deo zur Drainage 

müffelnder Achselhöhlen. 

Und weil auch – und gerade 

– Rockmusiker heftig 

transpirieren, nahmen 

Iron Butterfly 

gern ein paar 

Extra-Dollar für 

ein Spray-Commercial mit: „Pfffft, pfffft" 

im Progressive-Sound. Mit ähnlichen Duftnoten 

seiften Richie Havens („Dial") und 

Sandie Shaw (nur gesprochener Text zu 

Säuselsound) die Verbraucher ein. Shaw gab – gewiss 

auch geeignet für die stets unverhüllten Mauken – 

„Lux" den Vorzug. Lulu musste sich solche Gedanken 

nicht machen, sie trat mit Schuhen auf, und zwar in 

denen der Marke „Happy". 

Bevorzugte Branchen gab es schon lange nicht 

mehr, es ging weltumspannend kreuz und quer. 

Die Electric Prunes lobten das „Vox Wah Wah 

Pedal", und 1967 schob der New Yorker Werbefilmer 

Ed Seeman 2000 Dollar rüber: Frank Zappa 

nahm an, fertig war das Hustenbonbon-Jingle für 

„Luden's Cough Drops". Im selben Jahr setzte sich 

Doors-Ikone Jim Morrison für das neue Popmagazin 

„Cheetah" ein, Löhnung unbekannt. Genau wie 

1968, als erneut Zappa im Duett mit Linda Ronstadt 

(!) für Elektrorasierer (!!) von „Remington" warb. Die 

Garagenrocker Shadows Of Knight aus Chicago besangen 

"Fairmont Potato Chips", UK-Orgelstar Wynder 

K. Frog alias Mick Weaver gab seinen Namen 

für die Tierzeitschrift „Dog's Life", und der frühe 

David Bowie mischte 

für „Luv"-Eis-Lollys 

von „Lyons" mit. Thema 

Sprit: The Shanes 

aus Schweden lieferten 

„Extra Kick!!!" und „No- 

Nox" für „Gulf"-Benzin, 

die holländischen Shoes 

spritzten den „Esso Mix" 

ein; für eben jenen Geldgeber arbeiteten auch die 

Rocking Ghosts aus Dänemark: Unter dem Pseudonym 

The Tigers boten sie "Esso Extra"/"Kom en 

tiger i tanken" an. Die „Algemene Bank Nederland" 

(ABN) beauftragte Ekseption mit einem Instrumentalsong, 

lange zuvor hatte sich die US-Girl Group 

The Majorettes (Sheila, Joanna & Rebecca Page, g, 

Susie Kaykendall) schon in 

"White Levi's Jeans" gezwängt 

– sicher auch leger 

zu tragen in einem „Ford 

TC – Taunus/Cortina", für 

den Samantha Jones (= 

Jean Owen aus Liverpool) 

zum Backing des Larry Page 

Orchestra die Stimmbänder anfuhr. Ihre Landsfrau 

Jane Relf (Renaissance), begleitet von Chris Spedding 

(g), propagierte „Findus Fish" aus dem Kühlregal 

("Gone Fishing"); Jeff Wayne und Sänger David 

Essex verkündeten ein ausgespiel- 

tes "You're Okay With Us" 

und meinten damit das 

gleichnamige Deodorant. 

Ein Commercial-Abo hatte 

Hit-Sänger Rolf Harris aus Perth, 

der ab 1967 mehrfach für den Heim-Mini-Synthesizer 

„Stylophone" der Firma Dubreq Lehrvideos und 

gesungene Spots auf die Spulen brachte. Erwähnenswert 

auch die deutsche Werbesingle für die „C&A 

Trendboutique"; Band: 

Appleton, deren Herkunft 

in Auktionen gern das 

zweifelhafte Teuermacher- 

Prädikat „obskur" erhält: 

„Wo Teens und Twens 

sich jede Woche treffen/ist ohne 

Zweifel immer schwer was los/ 

Wenn man versucht, nicht jeden 

nachzuäffen/dann braucht man 

Auswahl, doch für wenig Moos/ 

Für diese Wünsche gibt es ja/ 

die Trendboutique von C&A." 

Obskur? Es sangen und spielten im Humpta-Sound: 

John (p), Chris (b) und Stephen (dr) Brenninkmeijer, 

Ableger aus der Firmenbesitzer-Großfamilie im Jahr 

1969. Darauf eine Coca ... 

Der Slogan „Things go better with Coke" war bis 

zum Ende des Jahrzehnts von rund 100 (!) internationalen 

Musikacts besungen worden, als 1969 

die Ablösung durch „It's the real thing" und bereits 

1971 ein weiterer Wechsel zu „I'd like to buy the 

world a Coke" (New-Seekers-Hit: "I'd Like To Teach 

The World To Sing") erfolgte. Die lange Laufzeit von 

„Things ..." und seine noch immer vorhandene Gegenwärtigkeit 

unterstreichen das Außergewöhnliche 

der ursprünglichen Bill-Backer-Idee. Seit etwa Mitte 

der 70er Jahre verzichtete der Konzern dann auf die 

Fortführung des Formats mit Popstars als „Werbe- 

Sängern" – um 1968 hatte es ihm ein Anwachsen 

der Markenwahrnehmung um prickelnde 40 Prozent 

(!) beschert. 

Viele der damaligen Einspielungen 

sind heute Raritäten. 

Ganz wenige wurden überhaupt 

auf Vinyl gepresst – und wenn, 

dann gingen diese Platten entweder 

gezielt limitiert lediglich 

an Werbepartner, Verkaufsstellen 

oder an Sender. Andere kamen 

über den Status als beigefügte 

(und meist längst defekte) Flexi- 

Singles und -EPs zum Beispiel in 

Printerzeugnissen nicht hinaus, 

oder sie gelangten ohnehin nur 

als Bandaufnahmen zu Radiound/oder 

Fernsehstationen und 

somit nie in den standardmäßigen 

Handel. Und wer hatte vor rund 

50 Jahren schon solche Jingles 

mitgeschnitten oder besaß überhaupt 

die Möglichkeit dafür? Drei Coke-CDs 

Die gelisteten Commercials sind nicht zu verwechseln 

mit „Selbstreklame" der Künstler (Originalsongs 

als Werbe-Untermalung für eigene Tonträger, 

Konzerte, Filme, Bücher) oder mit „Fremdreklame": 

Originalsongs als Hintergrund für artfremde 

Produkte, wie "Picture Book" (Kinks) für Hewlett- 

Packard-Drucker, "Purple Haze" (Jimi Hendrix/Pepsi 

Cola), "She's A Rainbow" (Rolling Stones/Sony-LCD- 

Fernseher), "Fortunate Son" (CCR, Dodge Challenger/Auto), 

"Love Sick" (Bob Dylan/Reizwäsche von 

„Victoria's Secret") und zahllose andere. Rar hingegen 

blieben „Aufrufe" wie der von Otis Redding: 

"Stay In School" empfahl er singend dem Nachwuchs, 

um nicht im Arbeitslosenheer zu landen. Und Mitch 

Ryder (!) forderte Noch-Halbstarke zu gutem Benehmen 

in der Familie auf ... 

Who thematisierten Commercials 1967 für eine 

The ganze LP, THE WHO SELL OUT. Sie integrierten 

Jingle-Parodien (u.a. „Odorono"-Deo, „Heinz"-Bohnen, 

„Medac"-Pickelsalbe) in eigene Songs – Beispiele 

für die Nähe von Kunst & Kommerz, dem sie 

selbst mit echten Spots für Coca-Cola (2) und Trinkpudding 

(s.o.) schon zugeliefert hatten. 

Einige der hier genannten Titel sind auffindbar: 

Sie wurden auf CD-Compilations der Künstler 

verbraten, so von Cream, Yardbirds, Bee Gees, Dusty 

Springfield. Andere finden sich in Auktionen, auf 

Plattenbörsen oder als Flohmarkt-Schnäppchen. 

Noch besser: bei YouTube eingestellte Audios. Auch 

drei reine Coke-CDs (siehe oben) lohnen die Suche, 

ihre Herkunft ist aber zweifelhaft – und für solche 

Produkte verbietet sich natürlich eines: Werbung ... 


CIRCA ZERO 

Rockender 

Ex-Polizist 

Von Michael Fuchs-Gamböck 

Let It Rock! Das war die eindeutige Devise 

für dieses Album”, freut sich Andy Summers, 

„ wenn er über das Debütalbum CIRCUS HERO 

seines aktuellen Projekts Circa Zero spricht. Ja, Andy 

Summers, der zwischen 1977 und 1984 Gitarrist des 

legendären Trios The Police war. Eine kurze Reunion 

des Dreiers gab es 2007 für eine Welttournee, die 

Idee dafür entstand bei der Verleihung des Grammys 

am 11. Februar 2007 in Los Angeles. Summers: 

„CIRCUS HERO ist meine erste Rockarbeit seit der 

Trennung von The Police – wobei ich mir nicht mal 

sicher bin, ob wir damals überhaupt 

Rockmusik gespielt haben. Jedenfalls 

weiß ich, dass Circa Zero eine lupenreine 

Classic-Rockcombo ist.” 

Damit hat der 71-Jährige aus dem englischen 

Blackpool, der seit Jahrzehnten 

in Kalifornien lebt, definitiv Recht. 

Tatsächlich erinnert das Debüt der Formation 

an AOR-Bands wie Toto oder 

Foreigner, stellenweise 

auch an 

REO Speedwagon. 

Das liegt vor allem 

am Frontmann 

des Duetts, Rob Giles – bis vor kurzem Sänger der 

habe hb mir die Rescues ein paarmal llive angesehen”, 

kaum bekannten Combo The Rescues. Giles' Gesang bekennt der Brite. „Ich wollte absolut sicher sein, 

weckt starke Assoziationen an Koryphäen wie Bobby ob Rob der richtige Mitstreiter für Circa Zero ist. 

Kimball und Lou Gramm. Summers lernte den über Nach jedem Gig war ich noch beeindruckter von 

40 Jahre jüngeren Giles 2012 nach einem Konzert seiner Stimme. Für mich ist sie technisch beinahe 

kennen. Sie verstanden sich auf Anhieb und verabredeten 

ein neues Projekt. Rock also – und Wie auch immer, nach dem vierten Auftritt knöpfte 

unschlagbar, sie besitzt eine immense Bandbreite. 

das, nachdem Summers in den letzten ich mir den Jungen vor”, lacht Summers. „Inzwischen 

sind wir trotz des nicht unbeträchtlichen Al- 

drei Jahrzehnten nahezu ausschließlich 

Jazz- und New-Age-orientierte Instrumentalalben 

eingespielt hatte. Doch der Frauen verstehen sich.” Beste Voraussetzungen für 

tersunterschieds richtig dicke Kumpel, auch unsere 

„Polizist” und der Sänger/Multi-Instrumentalist/Songwriter/Produzent 

nahmen haben schon um die 25 Ideen für neue Stücke. Falls 

eine Nachfolge-CD? Andy Summers bestätigt: „Wir 

ihren selbst gewählten Auftrag ernst und unser Debüt nicht komplett ignoriert wird, werden 

spielten ein Mainstream-Werk ein. „Ich wir diese schon bald umsetzen.” 


g 

Aus dem Brutkasten 

bis Moskau 



chung. 

Wohlwollendes 

Fazit für die 

Feelsatig 1987 Feelsaitig-Musik: 

„Eine Mischung aus 

Liedermacherei, Folk und Rock'n'Roll." Und das Fachmagazin 

„Folker" beschrieb ein Konzert des Trios so: 

„Man rückte zusammen, und auf ging's ohne Anlage, 

wirklich live und lebendig ... Man fühlte die Kälte der 

Nacht nicht mehr, man sang, machte 

mit, rückte noch näher zusammen." Gesungen 

wurde dabei deutsch (auch mal 

richtig fränkisch) und englisch. 

Die Feelsaitig-Qualitäten sprachen sich 

herum. Die Band teilte die Bühne mit 

Reinhard Mey und Fairport Convention, 

gastierte lange vor dem Fall des Eisernen 

Vorhangs in der Sowjetunion (zweimal 

im Kulturpalast Moskau), wurde vom Bund schutzmedaille mit dessen „Umweltmedaille" 

Naturausge- 

Songwriting – Liedermacherei – Musik ohne doppelten 

Boden", so beschreibt Alexander „Sandy" 

„ 

Wolfrum (Gesang, Gitarre) das, was er vor drei Jahrzehnten 

mit seinen Mitstreitern Robert Wachsmann 

(Gesang, Gitarre, Mandoline, Geige) und Hanzie 

Scharrer (Bass, Gesang) auf der Debüt-LP FEELSAI- 

TIG servierte. Handgemacht, weitestgehend auf Akustikinstrumenten, 

inhaltsschwanger, dabei durchaus 

dem Zeitgeist verschrieben. Nicht nur musikalisch 

(der mehrstimmige Gesang!) erspielte sich das fränkische 

Trio aus Nürnberg und Bayreuth schnell ein 

treues Publikum, es lieferte auch noch „geistige Nahrung", 

wie es ein Kritiker beschrieb. Sogar der „Musik 

Express", Akteuren aus der deutschen Provinz eher 

verhalten zugeneigt, veröffentlichte eine LP-Besprezeichnet 

und vom Bayerischen Rundfunk für preiswürdig 

befunden („Lieder für die Umwelt"). 

Als Wolfrum & Co. FEELSAITIG im längst nicht mehr 

existierenden, nicht nur in Süddeutschland, aber 

inzwischen kultartig verehrten Nürnberger Studio 

Brutkasten einspielten (für das gleichnamige Label) 

konnten sie nicht wissen, was noch alles auf sie zukommen 

würde: ein Dutzend Alben, diverse Sing- 

les und EPs, Tausende von Tourkilometern 

– und ein abruptes Ende, als Hanzie 

Scharrer 2006 überraschend verstarb. Von 

da an mussten Zuhörer auf den starken 

Chorgesang, gekonntes Saitenspiel, 

waches politisches Bewusstsein, Selbstironie, 

Augenzwinkern und konzertante 

Gemeinschaftserlebnisse 

verzichten. 

Nicht aber auf Solo-Aktivitäten der bei- 

den nicht nur in ihrer Heimat immer noch sehr aktiven 

Gründungsmitglieder. 


Es war einmal ... 


20.5. Joe Cocker, der Gasinstallateur 

aus Sheffield, sang als Vance Arnold 

1963 einmal als Opener für die Stones, 

wurde mit seiner Version von "With A 

Little Help From My Friends" in Woodstock 

unsterblich. Die inzwischen in den 

USA lebende Reibeisenröhre tritt mit 70 

zwar deutlich kürzer, macht aber noch 

Platten und tourt. 

26.5. Verden Allen war als Keyboarder 

Gründungsmitglied von Mott The Hoople, 

mit denen er im November 2013 eine 

umjubelte Reunion feierte. 

Spielte danach bei The Cheeks, 

Thunderbuck Ram und veröffentlichte 

solo. Tritt mit 70 

noch auf. 

28.5. Billy Vera (bürgerlich 

William Patrick McCord) pro- 

Edg 

gar 

Fro 

filierte sich als Sänger (Hit 

1967: "With Pen In Hand"; Band: The 

Beaters), Songschmied (für Fats Domino, 

The Shirelles, Ricky Nelson, Dolly 

Parton, Michael Bublé), Musikhistoriker, 

Autor und Schauspieler. Ist auch mit 70 

noch sehr rege und gewann 2013 einen 

Grammy. 

28.5. Gladys Knight veröffentlichte 

1957 erstmals mit The Pips. Die Sängerin 

belegte 1967 mit "I Heard It Through 

The Grapevine" #2 in den US-Charts, ehe 

Marvin Gaye mit dem Song abräumte. 

Die Gelegenheitsschauspielerin sang bei 

der Beerdigung von Michael Jackson und 

tourt mit 70 noch regelmäßig. 

4.6. Roger Ball war 1971 Gründungsmitglied 

der Average White Band, deren 

US-#1-Hit "Pick Up The Pieces" (1975) er 

komponierte. Als Saxofonist, Keyboarder, 

Arrangeur war der Schotte aktiv mit/für 

Vinegar Joe, Badfinger, Roxy Music, Kiki 

Dee. Ist nun auch ein „70er". 

4.6. Ricky Shayne kam als George Albert 

Tabett in Kairo zur Welt. Er feierte Mitte 

der 60er Jahre erste Erfolge als Sänger in 

Italien, dann in seiner Heimat Frankreich, 

nahm seinen deutschen Durchbruchssong 

"Ich sprenge alle Ketten" 1967 auf. 

Größter Erfolg: "Mamy Blue" (#7 1971). 

Er lebt heute in Düsseldorf, hat sich mit 

70 mehr aufs Malen verlegt 

und gibt laut Homepage noch 

Wohnzimmerkonzerte. 

Froese 

6.6. Gary U.S. Bonds sang 

zunächst in der Kirche, bei The 

Turks und verlegte sich auf 

Rock'n'Roll und R&B, schaff- 

Ric 

ky Sha 

y 

te es mit seiner ersten Single 

"New Orleans" auf #6 der US-Charts (UK 

#16), der Nach-Nachfolger "Quarter To 

Three" wurde zu einer #1 (UK #7), 1983 

tourte er erstmals in Europa. 1978 lernte 

er Bruce Springsteen kennen, der ihm "Dedication" 

schrieb und zu einem Comeback 

verhalf. Kurz vor seinem 75. Geburtstag 

hat er seine Autobiografie „That's My Story" 

veröffentlicht. 

yne 

6.6. Peter Albin startete nach Anfängen 

als Folkgitarrist 1965 mit Sam Andrew (g) 

und Chuck Jones (dr) Big Brother & The 

Holding Company, bei denen zeitweise 

auch Janis Joplin sang. Startete die Bay- 

Area-Band The Dinosaurs, tourt immer 

noch mit BBHC. 

6.6. Edgar Froese begann einst als Gitarrist, 

gab 1967 mehrere Privatkonzerte 

für Salvador Dali, war mit The Ones aktiv 

und avancierte zu einem der Pioniere 

der elektronischen Musik, feiert mit 

Tangerine Dream seit 1967 

weltweite Erfolge. Derzeit 

tourt er mit TD – an seinem 

70. Geburtstag gastiert die 

Band in Moskau. 

7.6. Miguel Rios landete 

1969 mit "A Song Of Joy” 

einen Welthit, veröffentlichte 

danach regelmäßig, ohne allerdings 

an diesen Erfolg anschließen zu können. 

Feiert nun auch schon sein 70. Wiegenfest. 

8.6. Boz Scaggs tourte mit The Wigs 

1964 durch Europa, war danach zwei 

Jahre als Straßenmusiker in der Alten 

Welt unterwegs und veröffentlichte in 

Schweden sein erstes Album, ehe er in 

die USA zurückkehrte, bei der Band seines 

Schulfreunds Steve Miller einstieg. 

Machte sich Ende der 60er Jahre selbstständig, 

veröffentlichte regelmäßig 

Blues-, Rock- und R&B-Alben. War zuletzt 

als Jazzcrooner zu hören, 

machte 2013 MEMPHIS 

und ist nun 70. 

10.6. Rick Price (nicht zu 

verwechseln mit dem australischen 

Singer/Songwriter) 

spielte Bass bei The Move, 

ELO und Wizard, bediente die 

Boz Scag 

agg 

ggs 

Pedalsteel bei der Wizzo Band, gründete 

Mongrel, tourt mit Gattin Dianne Lee als 

Duo sowie als 70-Jähriger mit The Rockin' 

Berries (seit 1990). 

17.6. Dickey Doo trommelte in Buddy 

Knox' Begleitband Rhythm Orchids, führte 

dann als Sänger seine eigene Combo 

Dickey Doo & The Don’ts an, arbeitete 

als Songwriter und feiert als 

Ruheständler seinen 75. 

17.6. Chris Spedding trat 

als vielgefragter Studiogitarrist 

gewissermaßen in die 

Fußstapfen von Jimmy Page, 

ist auf mehr als 250 Alben 

zu hören. Er gehörte Nucleus 

und Battered Ornaments an, gründete 

mit Andy Fraser 1972 The Sharks, 

veröffentlichte seit 1971 immer wieder 

Soloscheiben, landete mit "Motorbikin’" 

1975 einen Hit und produzierte die ersten 

Demos der Sex Pistols. Zuletzt war 

er mit Roxy Music und Jeff Wayne's War 

Of The Worlds unterwegs – kaum zu 

glauben, dass er nun auch schon 70 ist. 

Geburtstage 

19.6. Robin Box begleitete als Gitarrist 

Peter & Gordon und Paul Jones, gehörte 

der Band White Plains an, die aus den 

Flower Pot Men hervorgegangen war. Ist 

mit 70 auch immer noch solo 

aktiv. 

21.6. Ray Davies schrieb 

mit den Kinks (schon 1990 

in die Rock'n'Roll Hall Of 

Fame aufgenommen) Rockgeschichte 

(und sorgt seit 

deren Inaktivierung 1996 

Ray 

Davie 

vies 

für ständige Gerüchte über eine Reunion 

und musikalische Versöhnung mit 

Bruder Dave). Gilt als einer der bedeutendsten 

Rock-Songschmiede, veröffentlichte 

reichlich solo, kreierte 2008 

das Musical „Come Dancing", sang bei 

der Schlussfeier der Olympischen Sommerspiele 

2012 "Waterloo Sunset". Der 

Commander Of The British Empire gab 

zuletzt im März, drei Monate vor seinem 

70. Geburtstag, mehrere Shows im UK. 

21.6. Jon Hiseman gründete 

als Schlagzeuger 1958 mit 

Dave Greenslade ein Jazztrio, 

war ab 1964 bei New Jazz 

Orchestra dabei, ersetzte 

Ginger Baker bei der Graham 

Bond Organization, dann bei 

John Mayall's Bluesbreakers, 

ehe er 1968 die bis heute 

aktive Band Colosseum gründete, die 

sich zu einem der profiliertesten Jazz- 

Rockacts entwickelte. Arbeitete viel mit 

deutschen Jazzmusikern, ist 

seit 1967 mit der Saxofonistin 

Barbara Thompson verheiratet. 

Der 70. bremst Hisemann 

weder im Studio noch 

auf der Bühne. 

22.6. Peter Asher Gitarrist, 

Sänger, Manager (Vice- 

President Sony Music), Produzent (drei 

Grammys), bildete Peter & Gordon (Waller) 

und feiert nun seinen 70. 

24.6. Tony Campbell spielte Gitarre bei 

der britischen Band Mighty Avengers, 

war dann 1966 Gründungsmitglied bei 

Jigsaw (Hit: "Sky High” 1975, UK #9, US 

#3), gehörte Long Tall Ernie an, konzentrierte 

sich später auf die Arbeit im 

Studio und feiert nun seinen 70. 

24.6. John " 

Charlie" Whitney bediente 

die Gitarre bei The Roaring Sixties, 

die zu Family mutierten. Gründete nach 

deren Ende mit Roger Chapman die 

Streetwalkers, startete danach Axis Point 

(mit Eddie Hardin), Los Racketeeros und 

die Whitney-Roberts Combo. Hatte 2013 

keinen Bock auf die Family-Reunion. 

Begeht seinen 70. in seiner Wahlheimat 

Griechenland. 

30.6. Tony Hatch startete seines Sangeskarriere 

1959 im UK, konzentrierte 

sich aber zunehmend aufs Songwriting 

(auch unter dem Pseudonym Mark An- 


Jon 

Hi 

sem 

an 

thony) für Petula Clark (u.a. "Downtown");: 

arbeitete als Arrangeur, Produzent 

und gelegentlich noch als Sänger 

(auch als Fred Nightingal). Lebt mit jetzt 

75 in Spanien. 

30.6. Glenn Shorrock 

wanderte früh vom UK nach 

Australien aus, wo er The 

Twilights (mit Terry Britten), 

Axiom und die Little River 

Band (1975) mitbegründete, 

nachdem zwischendurch eine 

Solokarriere im UK nicht geklappt hatte. 

War in den 80er und 90er Jahren auch 

solo erfolgreich und tourt mit 70 noch 

down under. 

30.6. Gene Cotton landete als Singer/ 

Songwriter in den Segmenten Folk und 

Pop in der zweiten Hälfte der 70er Jahre 

vier Billboard-Top-40-Hits, fuhr seine 

Karriere allerdings zugunsten politischer 

Aktivitäten herunter, was ihn mit jetzt 

70 mit viel Befriedigung erfüllt. 

2.7. Tom Springfield war 

anfangs auch als Dion O'Brien 

in der UK-Pop und Folkszene 

aktiv, sang mit Schwester 

Dusty bei The Springfields 

(1960–1963), konzentrierte 

sich dann mehr aufs Produzieren 

und Songschreiben, 

v.a. für The Seekers, auch Jose Feliciano 

und The Casuals; veröffentlichte zwei 

Solo-Alben und feiert als Ruheständler 

nun seinen 80. Geburtstag. 

2.7. Alfie Khan (bürgerlich: Joachim 

Heider) schrieb Schlagerstars wie Marianne 

Rosenberg, Rex Gildo, Manuela, 

Christian Anders, Peter Maffay, Mary 

Roos die Hits auf die Stimmbänder, produzierte 

sie zum Teil auch; bildete ein 

Autoren/Produzententeam mit Michael 

Holm. Veröffentlichte selbst, u.a. LPs 

mit dem Alfie Khan Sound Orchestra. Ist 

nun 70. 

5.7. Rainer " 

Lord Gandy" Petry, ein 

gelernter Filmtechniker, war bei Ragtime 

Skiffler, dann den (Skiffle) Lords für die 

Rhythmusgitarre und die zweite Stimme 

zuständig. Arbeitete später als Betriebsleiter 

bei einem großen Autoverleiher 

und verbringt die Geburtstagsfeier zum 

70. als Ruheständler. 

8.7. Jai Johannson, besser bekannt als 

Jaimoe, spielte in Otis Reddings Tourband, 

ehe ihn Duane Allman als einen 

von zwei Drummern für die Allman 

Bro thers Band verpflichtete, mit der er 

immer noch unterwegs ist. Nebenbei betreibt 

der jetzt 70-Jährige eine eigene 

Jazz-Rockcombo. 

10.7. John Dymond mischte ab der Gründung 

1961 als Gitarrist Beaky mit bei Dave 

Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich, mit denen 

er erst kürzlich wieder auf Tour war, kurz 

vor seinem 70. Geburtstag.

Sie könnten mit 65 in den offiziellen f 

Ruhestand gehen: 

17.5. Bill Bruford profilierte sich als herausragender 

Schlagzeuger bei Yes, King Crimson, 

Gong, UK, Genesis, nahm vier Alben 

mit Bruford auf, führte später Earthworks 

an und arbeitete mit zahllosen (Jazz-)Musikern 

zusammen, ehe er sich 

2009 überraschend in den Ruhestand 

zurückzog. 

19.5. Dusty Hill spielte zunächst 

in der Band seines Bruders 

Rocky Bass, ehe er mit den 

Deadbeats (später umbe nannt 

Bil 

lB 

ruf 

ord 

in Warlocks und American 

Blues) Freddie King und Lightnin' Hopkins 

begleitete. Seit Ende 1969 ist er für Bass 

und Gesang bei ZZ Top zuständig. 

26.5. Hank Williams Jr., Sohn der gleichnamigen 

Country-Legende, trat erstmals 

mit acht Jahren auf, stieg später selbst zum 

C&W-Superstar auf. 

9.6. Francis Monkman war als Keyboarder/Gitarrist 

Gründungsmitglied bei Curved 

Air, spielte mit Camel, Sky, Phil Manzanera, 

auch als Studiomusiker und Filmmusikkomponist 

erfolgreich. 

11.6. Frank Beard spielte bei The Warlocks/American 

Blues als Drummer mit Dusty 

Hill, den er als Bassisten vorschlug, als er 

mit Billy Gibbons 1969 ZZ Top startete. 

13.6. Dennis Locorriere gründete 

1968 mit Co-Sänger Ray Sawyer Dr. 

Hook & The Medicine Show, arbeitete 

nach dem Ende der Band zunächst 

als Studiomusiker (John Hiatt, Kenny 

Rogers, Randy Travis), startete 2000 

eine Solokarriere, war mit Bill Wyman's 

Rhythm Kings unterwegs und 

beliefert(e) Kollegen wie Jerry 

Lee Lewis, Willie Nelson 

oder Olivia Newton-John mit 

Songs. 

14.6. James Whild " 

Jim" 

Lea schrieb einige der großen 

Hits von Slade (zunächst 

N'Betweens), bei denen er neben seinem 

Bass auch Piano- und Geigentöne beisteuerte. 

Zog sich nach der Auflösung 

1992 zurück, veröffentlichte aus der Obskurität 

heraus die Alben THERAPY und 

REPLUGGED – LIVE AT THE ROBIN 2" 

(beide 2007). 

14.6. Alan White trommelt(e) bei Yes, 

Plastic Ono Band, The Alan Price Set, 

XYZ sowie bei Circa und spielte im Studio 

für John Lennon, George Harrison, Joe 

Cocker, Ginger Baker und The Ventures. 

15.6 Russell Hitchcock ist Sänger des 

australischen Duos Air Supply und veröffentlichte 

drei Solo-Alben. 

16.6. Peppy Castro (bürgerlich: Emil 

Thielhelm) gehörte in den 60er Jahren 

als Sänger von The Blues Magoos zu den 

Pionieren des Psychedelic Garage Rock, 

spielte später in „Hair”, schrieb Songs für 

Kiss, Cher, Diana Ross, Werbe-Jingles, arbeitete 

als Studiomusiker, veröffentlichte 

2013 JUST BEGINNING. 

20.6. Lionel Richie machte sich einen 

Namen als Soul-Popsänger, Produzent 

und Songschmied, war 1968 Mitbegründer 

der Commodores, startete seine auch 

in Deutschland sehr erfolgreiche Solokarriere 

1982. 

22.6. Alan Osmond spielte Gitarre und 

sang bei der US-Familienband The Osmonds, 

führte sie lange an, zog sich aber 

schon vor Jahren von der Bühne zurück. 

24.6. Bruce Johnston spielte in der 

Ritchie Valens Band, war dann bei Little 

Cesar & The Romans, machte 

zwei Soloscheiben, ehe 

der Multi-Instrumentalist ab 

1965 Brian Wilson bei den 

Beach Boys live ersetzte. 

Studiomusiker, Produzent, 

schrieb "I Write The Songs" 

für Barry Manilow (#1) 1977, 

war bei Beach-Boys-Reunions 

Joh 

nFarn 

immer dabei, produzierte 2011 Doris Days 

Comebackalbum; diverse Soloplatten. 

26.6. Adrian Gurvitz war Sänger/Gitarrist 

bei The Gun ("Race With The Devil”), 

Three Man Army, der Baker Gurvitz Army, 

Graeme Edge Band, veröffentlichte solo 

und war/ist auch als Produzent, vor allem 

a nha 

ham 

aber als Songwriter höchst erfolgreich. 

Er steuerte reichlich zum „Bodyguard"- 

Soundtrack bei, schrieb für Eddie Money, 

Hot Chocolate, Youssou N'Dour, REO 

Speedwagon, Steve Perry. 

30.6. Andy Scott spielte 1967 mit seiner 

damaligen Band als Vorgruppe für Jimi 

Hendrix, ist seit 1970 mit Sweet unterwegs, 

arbeitet(e) auch als Produzent. 

1.7. John Farnham ist in seiner Heimat 

Australien ein Superstar, sang 

1981–1984 bei der Little River Band 

und feierte internationale Erfolge 

mit seiner Interpretation der Chris- 

Thompson Nummer "You're The Voice" 

("That's Freedom" war zudem 1990 ein 

Achtungserfolg in Deutschland) und 

den beiden damaligen Alben 

WHISPERING JACK und 

CHAIN REACTION. 

3.7. John Verity spielte Gitarre 

bei Argent, danach bei 

Phoenix und Charlie. Produzierte 

(Charlie, Saxon, Brian 

Connolly). Ist heute mit eigener 

Band unterwegs. 

10.7. Dave Smalley feierte 1971–1973 

Erfolge mit der US-Power-Popband Raspberries 

("Overnight Sensation"), formierte 

seine eigenen Gruppen Dynamite und The 

Secret, war bei diversen Raspberries-Reunions 

dabei. 

Gedenktage 

Bruce Fairbairn (*30.12.1949) trug als 

Produzent wesentlich zu den Erfolgen 

von Bon Jovi, Aerosmith, Blue Öyster 

Cult, Prism, Kiss, Yes, INXS, AC/DC, Scorpions, 

Cranberries, Van Halen, Chicago 

und vielen anderen bei. Starb am 

17.5.1999. 

Augustus Pablo alias Horace Swaby 

(*21.6.1954) war als Keyboarder, v.a. aber 

als Produzent an vielen erfolgreichen jamaikanischen 

Reggae- und 

Dub-Veröffentlichungen beteiligt. 

Lungenversagen kostete 

ihn am 18.5.1999 das 

Leben. 

Clint Warwick (*25.6.1940) 

war Originalbassist der Moody 

Blues. Ein Leberleiden 

raffte ihn am 18.5.2004 dahin. 

Rudy Lewis (*23.8.1936) war ab 1960 

Leadsänger der Drifters. Wurde just an 

dem Morgen tot in seinem Bett aufgefunden, 

als die Gruppe "Under The Boardwalk" 

aufnehmen sollte, am 20.5.1964. 

Duke Ellington (*29.4.1899) war einer 

der wichtigsten Pianisten, Bandleader 

und Songschmiede der Jazzgeschichte. 

Am 24.5.1974 erlag er einem Krebsleiden. 

Jay Walter Bennett (*15.11.1963) war 

als Singer/Songwriter, Multi-Instrumentalist 

und Produzent tätig. Spuren hinterließ 

er vor allem mit Titanic Love Affair 

und den Alternative Rockern Wilco. 

Er produzierte Blues Traveler, 

spielte mit Sheryl Crow, 

Allison Moorer, Billy Joe 

Shaver. Starb am 24.5.2009 

im Schlaf. 

Derek Frigo war Gitarrist 

bei den Heavy Rockern 

Jay Wa 

lte rBen 

enn 

ett 

Enuff Z'Nuff, bis er 36-jährig 

am 28.5.2004 eine Drogenüberdosis 

nicht überlebte. 

John Cipollina (*24.8.1943) startete 

als klassischer Gitarrist, ehe er umsattelte, 

1965 in San Francisco Quicksilver 

Messenger Service und später Copperhead 

gründete. Erlag am 29.9.1989 einem 

chronischen Emphysem. 

Robert Quine (*30.12.1942) veredelte 

mit seinem Gitarrenspiel die Songs von 

Richard Hell's Voidoids, nahm 

mit Lydia Lunch, Material und 

Lou Reed (THE BLUE MASK) 

auf, spielte mit Tom Waits, 

Marianne Faithfull, Brian Eno, 

Lloyd Cole und vielen anderen, 

ehe er infolge einer Heroinüberdosis 

am 31.5.2004 

Ray Ch 

arl 

es 

Selbstmord beging. 

Franklin 

" 

Junior" Braithwaite 

(*4.4.1949) war der erste Leadsänger der 

Wailers, wurde am 2.6.1999 in Kingston 

ermordet. 

Derek Leckenby (*14.5.1943) spielte 

Gitarre bei Herman's Hermits und arbeitete 

als Sessionsmusiker, erlag am 

4.5.1994 einem Krebsleiden. 

Hugh Hopper (*29.4.1945) gehörte 

als Bassist Soft Machine an, tourte mit 

Carla Bley und vielen anderen. Leukämie 

kostete ihn am 6.6.2009 das Leben. 

Ray Charles (*23.9.1930) wurde vom 

„Rolling Stone" dank seines Könnens 

als Sänger, Pianist und 

Komponist auf Platz 10 der 

„100 Greatest Artists Of All 

Times" und auf Rang 2 der 

„100 Greatest Singers Of All 

Times" gesetzt. Er starb am 

10.6.2004. 

Graeme Kelling (*4.4.1957) 

spielte Gitarre bei der schottischen Band 

Deacon Blue. Bauchspeicheldrüsenkrebs 

stand am 10.6.2004 im Totenschein. 

Barry Beckett (*4.2.1943) startete als 

Sessionkeyboarder beim Atlantic-Label, 

ehe er zur Muscle-Shoals-Crew wechselte 

und zu einem der gefragtes ten 

Sessioncracks und Produzenten avancierte. 

Die Liste seiner „Schützlinge" ist 

endlos lang. Ab dem 10.6.2009 mussten 

sie für immer auf seine Dienste verzichten. 


Konzertkalender 

ACOUSTIC FEVER 

www.mfpconcerts.com 

22.10. Nürnberg, Rockfabrik 

23.10. Hannover, 

Blues Garage 

24.10. Mannheim, Alte Seilerei 

25.10. Baden Baden, 

Rantastic 

ALICE COOPER 

www.kb-k.com 

31.05. Mainz, Phönixhalle 

02.06. Dortmund, 

Westfalenhalle 

BARCLAY JAMES HARVEST 

feat. Les Holroyd 

www.barclayjamesharvest.co.uk 

31.05. Schwarzenberg, Festival 

12.09. Bad Sooden, KuK 

JEFF BECK 

www.shooter.de 

29.05. Köln, E-Werk 

30.05. Berlin, Columbiahalle 

01.06. Offenbach, Capitol 

02.06. München, Circus Krone 

15.07. Hamburg, Stadtpark 

17.07. Freiburg, 

Zelt-Musik-Festival 

18.07. Stuttgart, Jazzopen 

19.07. Singen, Hohentwiel 

MARY BLACK 

www.lb-events.de 

präsentiert: 

22.02. Dortmund, Nicolaikirche 

23.02. Hamburg, 

Kleine Laeiszhalle 

BLONDIE 


23.06. Berlin, Tempodrom 


Große Freiheit 


CHICAGO 

www.kb-k.com 

06.07. Bonn, Kunstrasen 

07.07. Frankfurt, 

Jahrhunderthalle 

10.07. Berlin, Admiralspalast 

11.07. Leipzig, Parkbühne 

12.07. A-Wiesen, 

Ottakringer-Arena 

14.07. München, Tollwood 

15.07. Stuttgart, Liederhalle 

TONY CHRISTIE 

www.contrapromotion.com 

31.05. Berlin, C-Club 

01.06. Hamburg, Grünspan 

02.06. Köln, Gloria 

03.06. Mannheim, Capitol 

CHI COLTRANE 

www.chicoltrane.com 

12.09. CH-Wetzikon, Scala 

13.09. CH-Gilly, Festival 

ELVIS COSTELLO 

www.kb-k.com 


Große Freiheit 36 


10.10. Leipzig, Haus Auensee 

12.10. Mainz, Phönixhalle 


14.10. Stuttgart, Theaterhaus 

ERRORHEAD 

www.india-media.de 

16.05. München, 

Garage Deluxe 

22.05. Bad Salzufl en, Bahnhof 

23.05. Bocholt, Alte Molkerei 

24.05. Unna, Lindenbrauerei 

29.05. Nossen, Festival 

30.05. Görlitz, Kulturschmiede 

31.05. Torgau, Kulturbastion 

Torgau 

01.06. Reichenbach, 

Bergkeller 

11.07. Postbauer-Heng, 

Festival 

26.09. Bergheim, 

Medio-Rhein-Erft 

31.10. Schwerin, Speicher 

01.11. Halle, Objekt5 

06.11. Bruchsal, Fabrik 

07.11. Esslingen, Dieselstraße 

FOCUS 

www.hotellounge.de 

15.10. CH-Rubigen, 

Mühle Hunziken 


17.10. Kirchheim, Bastion 

18.10. Freising, Lindenkeller 

19.10. Metzingen, Hirsch 

21.10. Bremen, Meisenfrei 

22.10. Leverkusen, Scala 

23.10. Ansbach, 

Kammerspiele 

24.10. Dortmund, Piano 

FOREIGNER 

www.dmc-music.de 

14.10. Bonn, Beethovenhalle 



18.10. Halle, Händelhalle 

21.10. Nürnberg, 

Meistersingerhalle 

22.10. Baden-Baden, 

Festspielhaus 

24.10. Mannheim, 

Rosengarten 

25.10. Tuttlingen, Stadthalle 

26.10. Freiburg, Konzerthaus 

28.10. Frankfurt, Alte Oper 

29.10. Osnabrück, Stadthalle 

30.10. Bremen, Glocke 

02.11. Rostock, Stadthalle 

03.11. Berlin, 

Friedrichstadtpalast 

04.11. Hamburg, CCH 

FLOYD RELOADED 

www.solarpenguin.de 



15.09. Nürnberg, Hirsch 

17.09. Köln, Live-Music-Hall 


Backstage Werk 

21.09. Hamburg, Markthalle 

HAMBURG BLUES BAND & 

FRIENDS 

www.handmadeconcerts.de 

24.05. Schöneiche, 

Kulturgießerei 

07.06. Mützingen, Alte Ziegelei 

01.08. Gaildorf, Sommerfest 

02.08. Erftstadt, Zum Schwan 

05.09. A-St.Veit, 

Burgkulturfestival 

12.09. Oldenburg, Charlys 

13.09. Aukrug, Tivoli 

02.10. Lübeck, Sounds 

03.10. Berlin, Quasimodo 

04.10. Plauen, Ranch 

09.10. Regensburg, 

Alte Mälzerei 

10.10. Kaiserslautern, 

Kammgarn 

11.10. Meidelstätten, 

Adler Meidelstätten 

16.10. Leipzig, Spizz 

17.10. Braunschweig, 

Barnaby's 

28.11. Vechta, Gulfhaus 

04.12. Aschaffenburg, 

Colos-Saal 

06.12. Dortmund, Piano 

18.12. Rastatt, Reithalle 

19.12. Rheinberg, 

Schwarzer Adler 

20.12. Worpswede, 

Music-Hall 

ROGER HODGSON 

www.rogerhodgson.com 

28.08. Aurich, 

Sparkassenarena 

29.08. Leipzig, Parkbühne 

30.08. Alzey, Festival Aachen 

01.09. Aachen, Kurpark 

03.09. Hanau, Amphitheater 

HUNDRED SEVENTY SPLIT 

www.hundredseventysplit.com 

09.10. Bonn, Harmonie 

10.10, Berlin, Quasimodo 

11.10. Melle Buer, 

Kulturwerkstatt 

14.10. Augsburg, Spectrum 


15.10. CH-Aarlburg, 

Moonwalker 




JETHRO TULL'S 

IAN ANDERSON 


28.06. CH-Liestal, Open Air 

15.07. München, Festival 

25.07. Trier, Amphietheater 

26.07. Bad Krozingen, 

Open Air 


20.11. Aachen, Eurokongress 

22.11. Koblenz, 

Rhein-Mosel-Halle 


25.11. Magdeburg, Stadthalle 


27.11. Hamburg, CCH 2 


30.11. Wetzlar, Rittal-Arena 

BOBBY KIMBALL 

www.crushconcerts.com 

22.05. Buchholz, Empore 


Musiktheater Piano 


LENINGRAD COWBOYS 


27.06. Köln, Festival 

13.09. Jever, Brauhaus 

LEVELLERS 

www.fkpscorpio.com 

30.10. Köln, Luxor 

31.10. Frankfurt, Batschkapp 

02.11. Münster, Gleis 22 

MAINHATTAN DIESEL 

www.beizaras.wix.com/mainhattan-diesel 

29.05. Obertshausen, 

Remedy 

02.06. Offenbach, Offenbach 

Woche 

08.+09.06. Offenbach, 

Hessenstadion 

15.06 Bieber, Ostendplatz 

12.07. Mühlheim, Käfertreff 

19.07. Hausen, 

Zur Kreuzung 

07.08. Offenbach, Bierfest 

ELVIS PRESLEY ON STAGE 

www.kb-k.com 


04.06. Hamburg, CCH2 



07.06. Mainz, Rheingoldhalle 

SAGA & MAGNUM 


16.05. Filderstadt, Filharmonie 


19.05. Obertraubling, Airport 

20.05. Nürnberg, Rockfabrik 


23.05. CH-Pratteln, Z7 

24.05. Ravensburg, 

Oberschwabenhalle 

25.05. Augsburg, Spectrum* 

06.06. Fulda, Open Air* 

*Saga solo 

JOE SATRIANI 


25.06. Saarbrücken, Garage 

26.06. Ulm, Ulmer Zeit 

27.06. Karlsruhe, Tollhaus 

28.06. CH-Rapperswil, 

Festival 

SIMPLE MINDS 

www.noisenow.de 


LISA STANSFIELD 

www.kb-k.com 

19.05. Köln, Theater am 

Tanzbrunnen 




Rosengarten 

24.05. Bispingen, Festival 


STATUS QUO / LOU GRAMM 

www.kb-k.com 

09.08. Tettnang, 

Schlossgarten 

17.11. Dresden, Messehalle


18.11. Kiel, Sparkassenarena 

20.11. Magdeburg, Stadthalle 

21.11. Schwerin, Stadthalle 

22.11. Erfurt, Thüringenhalle 

24.11. Saarbrücken, 

Saarlandhalle 

26.11. Augsburg, 

Schwabenhalle 

29.11. Lingen, Emslandarena 

01.12. Mannheim, Mozartsaal 

02.12. Freiburg, Rothausarena 

TANGERINE DREAM 








01.+02.06. Köln, Theater am 

Tanzbrunnen 

03.06. A-Wien, Gasometer 

TEDESCHI TRUCKS BAND 




UFO 

www.crushconcerts.com 

23.05. Siegburg, Kubana 


Musiktheater 

26.05. Bremen, Meisenfrei 


Alte Seilerei 

ACCEPT 

www.twisted-talent.com 

04.10. Hamburg, Docks 

05.10. Osnabrück, Hyde Park 

18.10. München, Tonhalle 

20.10. Langen, 

Neue Stadthalle 

21.10. Berlin, Huxleys 


24.10. Erfurt, Stadtgarten 


29.10. Filderstadt, Filharmonie 

AEROSMITH 

www.wizardpromotions.de 

09.06. Berlin, o2-World 



BRYAN ADAMS 

www.mlk.com 

13.06. Bensheim, Hessentag 

15.06. Tüßling, Schlosspark 

20.06. Salem, Schloss 

22.06. Bad Kissingen, 

Luitpoldpark 

ALAN PARSONS 

LIVE PROJECT 


17.07. St. Goarshausen, 

Loreley 

18.07. Tuttlingen, Zeltfestival 

08.08. Schwetzingen, Schloss 

09.+11.08. Calw, Kloster Hirsau 


16.08. Spalt, Festival 

22.08. Wiblingen, Klosterhof 

TORI AMOS 

www.mlk.com 

19.05. Frankfurt, 

Jahrhunderthalle 


25.05. Hamburg, Laeiszhalle 


10.06. München, Philharmonie 

BLACK SABBATH 


08.06 Berlin, Wuhlheide 

13.06. München, Königsplatz 

25.06. Stuttgart, Schleyerhalle 

27.06. Essen, Stadion 

BLACKMORE'S NIGHT 

www.blackmoresnight.com 

01.08. Krefeld, Burg Linn 

03.08. Hanau, Amphiteater 

06.08, Calw, Kloster Hirsau, 

09.08. Magdeburg, 

Festung Mark 

16.08. Merseburg, Domplatz 

21.08. Wiblingen, Klosterhof0 

23.08. Erfurt, Zitadelle 

Petersberg 


JOE BONAMASSA 


14.06. St. Goarhausen 

Freilichtbühne 

25.09. Mannheim, SAP-Arena 

26.09. Leipzig, Arena 

27.09. Göttingen, Lokhalle 

29.09. Münster, 

Halle Münsterland 

GERRIT BROCKMANN & BAND 

www.hotstuffcds.de 

22.06. Bremerhaven, 

Thieles Garten 

20.09. Bremen, Fränkies 

Vogelnest 

ARTHUR BROWN 

www.kultopolis.de 

20.06. Dornstadt, Open Air 

ERIC BURDON & ANIMALS 


19.07. Pförring, Open Air 

28.08. Schwäbisch Gmünd, 

Landesgartenschau - 

gelände 

29.08. Mainz, Zitadelle 

30.08. Merkers, Bergwerk 

CAMEL 

www.contrapromotion.com 

01.08. Fulda, Festival 

CANNED HEAT 

www.kultopolis.com 

08.06. Torgau, Open Air 

ROGER CHAPMAN & 

THE SHORTLIST 


09.08. Landsberg, Open Air 

CITY 

www.city-internet.de 

10.10. Chemnitz, Arena* 

11.10. Leipzig, Arena* 

31.10.+01.11. Berlin, o2-World* 

07.11. Rostock, Stadthalle* 

22.11. Erfurt, Messe* 

* mit Puhdys und Karat 

ERIC CLAPTON 

www.united-promoters-ag.com 


26.06. A-Wien, Stadthalle 

ANNE CLARK 

www.maximumbooking.com 

22.06. Gelsenkirchen, 

Blackfi eld 

05.11. München, Ampere 


07.11. Erfurt, HsD 

08.11. Leipzig, Theaterfabrik 

09.11. Berlin, Postbahnhof 


Festung Mark 

12.11. Hamburg, Fabrik 

13.11. Bremen, Dete 

14.11. Bochum, 

Christuskirche 

15.11. Köln, Gloria 

16.11. Aachen, Musikbunker 


19.11. Pforzheim, 

Kulturhaus Osterfeld 

20.11. Marburg, KFZ 

COLOSSEUM 


25.10. A-Innsbruck, 

Treibhaus 

26.10. Karlsruhe, Tollhaus 

28.10. Hannover, Pavillon 

30.10. Wissen, Kulturwerk 

31.10. Barby, Rautenkranz 

01.11. Erfurt, 

Gewerkschaftshaus 

02.11. Mainz, Frankfurter Hof 


Bhf. Langendreer 

06.11. Berlin, Kulturbrauerei 




09.11. Göttingen, Musa 




Colos-Saal 

14.11. Bonn, Brückenforum 

18.11. Affalter, Zur Linde 

20.11. A-Wien, Metropol 

21.11. A-Salzburg, 

Rockhouse 

CHICK COREA & STANLEY 

CLARKE 



ROBERT CRAY 

www.assconcerts.com 


29.05. München, Muffathalle 

30.05. Karlsruhe, Substage 

16.10. Köln, Kantine 


Colos-Saal 

21.10. Osnabrück, Rosenhof 

CHRIS DE BURGH 

www.kb-k.com 

17.07. Emmendingen, 

Schlossplatz 

19.07. Nordkirchen, 

Schlosspark 

20.07. Beverungen, 

Weserufer 


Stadtgarten 

23.07. München, Festival 

25.07. Günzburg, 

Waldschwimmbad 

26.07. Loreley, Freilichtbühne 

BOB DYLAN 

www.mlk.com 

01.07. München, Tollwood 

03.07. Zwickau, Stadthalle 


08.07. Flensburg, Flens-Arena 

EAGLES 

www.musicpool-concerts.de 

28.06. Vechta, Open Air 

30.06. CH-Zürich, 

Hallenstadion 

MARIANNE FAITHFULL 

www.prknet.de 




Theater am Aegi 

20.10. Düsseldorf, Mitsubishi- 

Electric-Halle 




Kampnagelfabrik 

FANTASYY FACTORYY 

www.fantasyy-factoryy.com 

13.06 Geseke, Festival 

23.08 Lippstadt, 

Mango & Currywurst 

BRYAN FERRY 





29.11. Hamburg, CCH1 


Swiss-Life-Hall 

02.12. Bielefeld, Stadthalle 


06.12. Stuttgart, 

Porsche-Arena 

08.12. München, Kesselhaus 



FISCHER Z 


17.05. CH-Cham, 

Kreuzsaalpinselstrich01 

FOOLS GARDEN 

www.foolsgarden.de 

31.05. Pforzheim, PFestival 

10.06. Durlach, Festival 

04.07. Havetoftloit, Landart 

05.07. Hooge, Kultur auf den 

Halligen 

06.07. Oelixdorf, Amönenhöhe 

19.07. Merseburg, 

Schlossgraben 

01.08. Göllheim, Torbogenfest 

02.08. Glauburg, Keltenwelt 

06.08. Gammertingen, 

Klosterhof Mariaberg 

PETER GABRIEL 

www.prknet.de 

25.05. Berlin, Waldbühne 

GURU GURU 

www.guru-guru.com 

01.08. Mühlacker, Open Air 

16.08. Finkenbach, 

Finki-Festival 

STEVE HACKETT 




HAINDLING 

www.helloconcerts.de 

05.06. Germering, Stadthalle 

07.06. Nabburg, Nordgauhalle 

08.06. Tapfheim, 

Bäldleschwaige 

11.07. Perchting, Stadlhalle 

14.07. Weißenburg, 

Bergwaldtheater 

24.07. Nassenhausen, Zeltfest 

01.08. Weitramsdorf, 

Schloss Tambach 

HELTER SKELTER 

www.helter-skelter-live.de 

17.05. Memmingen, Stadthalle 

24.05. Aalen, Stadthalle 


30.05. Westernach, Festzelt 

06.06. Immenstadt, 

Sommerzelt 

27.06. Schopfl och, Festzelt 

18.07. Rosenheim, Festival 


Serenadenhof 

08.+09.08. Kreebronn, 

Brauerei Max & Moritz 

13.09. Uhingen, Uditorium 

In Zusammenarbeit mit 

Ihren Konzertbesuch. 

organisieren wir 

Gerne machen wir Ihnen dazu ein individuelles Komplettangebot: 

– Buchung Ihrer Anreise per Bahn, Bus, Mietwagen oder Flugzeug 

– Organisieren Ihrer Unterkunft und wenn gewünscht auch der 

Konzertkarten. 

Für Sie als Individualreisenden oder auch als Gruppe. 

Wir machen Ihren Konzertbesuch zu einem unvergesslichen Erlebnis. 

Wenden Sie sich gerne an uns unter: 

Heritage Reisen GmbH, Welle 5, 33602 Bielefeld 

Tel. : +49 (0) 521 260 555 0 

Fax: +49 (0) 521 260 555 30 

info@heritage-reisen.de 

www.heritage-reisen.de 



20.09. Ravensburg, Klub 

10.10. Neustädtlein, 

Tanzmetropole 

HOT'N'NASTY 

www.hot-n-nasty.de 

30.05. Oberhausen, Gdanska 

31.05. Kamen, Stadtfest 


Schlossplatz 

BILLY IDOL 

www.mlk.com 

13.06. Bensheim, Hessentag 

17.06. Berlin, Zitadelle 

Spandau 


03.07. Dresden, 


ELTON JOHN 

www.prknet.de 

06.07. Halle, 

Gerry-Weber-Stadion 

10.07. Fulda, Domplatz 

19.07. Mainz, Am Zollhafen 

20.07. Mönchengladbach, 

Warsteiner Hockeypark 

23.07. Lörrach, Festival 

24.07. Hannover, Tui-Arena 

29.07. Nürnberg, Arena- 

Nürnberger- 

Versicherung 


KARAT 

www.karat-band.de 

06.06. Steinitz, Frühlingsfest 

07.06. Torgau, Schloss 

Hartenfels 

28.06. Bad Elster, 

Naturtheater 

25.07. Pegau, Volkshaus 

26.07. Uder, Festzelt 

30.08. Kamenz, 

Hutbergbühne 

13.09. Eisenhüttenstadt, 

Wohnungsbau - 

genossenschaft 

02.10. Zwickau, Stadthalle* 

03.10. Schwerin, Sport- u. 

Kongresshalle* 

04.10. Cottbus, Stadthalle* 

10.10. Chemnitz, Arena* 

11.10. Leipzig, Arena* 

24.10. Dresden, Lukaskirche 

25.10. Halle, Steintorvarieté 

01.11. Berlin, o2-Arena* 

07.11. Rostock, Stadthalle* 


Getec-Arena* 

14.11. Neuruppin, Kulturkirche 

15.11. Greifswald, 

Kaisersaal 

21.11. Riesa, Erdgas-Arena* 

22.11. Erfurt, Messe* 

* mit Puhdys 

KROKUS 

www.bottomrow.com 

17.05. Lindau, Club Vaudeville 


20.05. Bremen, Aladin 


Colos-Saal 


Backstage Werk 

24.05. Burgrieden, Riffelhof 

25.05. Bochum, Zeche 

LAKE 


31.05. Berlin, Trabrennbahn 

06.09. Perleberg, 

Perleberg Festival 

12.09. Seidenroth, 

Eulenspiegel 


27.09. Ascheberg, Landgasthof 

Langenrade 

02.10. Vechta, Gulfhaus 

03.10. Wilhelmshaven, 

Pumpwerk 



29.12. Bordesholm, Savoy 

LETZ ZEP 


18.+19.07. Losheim, Festival 

25.07. Borna, Volksplatz 

26.07. Plauen, Parktheater 

31.07. Wacken, Festival 

23.08. Dormagen, 

Freilichtbühne Zons 


21.11. Cottbus, Gladhouse 

22.11. Merkers, 

Erlebnisbergwerk 


Fruchthalle 

LEVEL 42 

www.kb-k.com 


11.11. München, Theaterfabrik 

UDO LINDENBERG 

www.rt-konzerte.de 

07.+08.06. Düsseldorf, 

Esprit-Arena 

13.+14.06. Leipzig, 

Red-Bull-Arena 

WOLF MAAHN 

www.maximumbooking.com 

23.05. Kiel, Kieler Woche 

27.05. Wolfhagen, Kulturzelt 

16.08. Spalt, Lieder am See 

MANIC STREET PREACHERS 

www.mlk.com 

17.05. München, Backstage 

20.05. Frankfurt, Gibson 


MANFRED MANN'S 

EARTHBAND 


14.06. Rehau, Jahnstadion 

04.07. CH-Gossau, 

Bundwiese 

18.07. Calw, Marktplatz 

26.07. Göttingen, Open Air 

12.09. Kirchheimbolanden, 

Römerplatz* 




11.10. Krefeld, Kulturfabrik 

12.10. Wilhelmshaven, 

Pumpwerk 

17.10. Kitzingen, TBA 

18.10. Münnerstadt, TBA 

24.10. Randsbach-Baumbach, 

TBA 

25.10. Halle, 

Gerry-Weber-Event-Hall 

20.11. Heidelberg, 

Schloss Heidelberg 

21.11. Rheine, TBA 

22.11. Oldenburg, Kulturtage 

* mit Hooters 

NAZARETH 


11.07. A-Klam, Burg Clam 

12.07. A-Wiesen, Festival 

30.07. CH-Cevio, Festival 

16.08. Spalt, Lieder am See 

METALLICA 


04.06. Hamburg, Imtech-Arena 

NEW MODEL ARMY 

www.contour-music.de 

03.10. Lindau, Club Vaudeville 

04.10. Augsburg, Kantine 

05.10. Freiburg, Jazzhaus 


08.10. Saarbrücken, Garage 

09.10. Jena, F-Haus 

10.10. Coesfeld, Fabrik 

11.10. Kiel, Max 

12.10. Beverungen, 

Stadthalle 


19.10. Celle, CD Kaserne 


NIEDECKENS BAP 

www.semmel.de 

01.06. Göttingen, Lokhalle 


04.+05.06. Bad Hersfeld, 

Stiftsruine 

06.06. Hilchenbach, KulturPur 

08.06. Bensheim, 

Weststadthalle 

27.06. Salzkotten, Dreckburg 

30.06.+01.07. Köln, 

Musical Dome 

17.07. Heilbronn, Festival 

18.07. Tambach, Schloss 

19.07. Dresden, Konzertplatz 


Serenadenhof 

24.07. Trier, Amphitheater 

25.07. Dinslaken, Burgtheater 

01.08. Hanau, Amphitheater 

02.08. Calw, Kloster Hirsau 

03.08. Mainz, Domplatz Mainz 

14.08. Monschau, Burg 

16.08. Papenburg, 

Landesgartenschau 


Schloss Rheydt 

01.09. Bochum, Zeltfestival 

MOJO MAKERS 

www.hypertension-music.de 

23.05. Leverkusen, Topos 

24.05. Wessel, 

Jugendzentrum Karo 

08.06. Fürth, Festival 

MOTHERS FINEST 


12.07. Bad Rappenau, 

Open Air 

19.08. Pförring, Open Air 

DOLLY PARTON 

www.deag.de 

05.07. Köln, Lanxess-Arena 


AXEL RUDI PELL 

www.continental-concerts.de 

21.09. Köln, Essigfabrik 


Colos-Saal 


26.09. A-Wien, Szene 





SIMON PHILLIPS 


14.10. München, Ampere 

15.10. Bonn, Harmonie 

19.10. Dortmund, Domicil 


Colos-Saal 



27.10. Rheinbach, Bergkeller 

PLACEBO 

www.mlk.com 


Warsteiner Hockeypark 

ROBERT PLANT 



23.06. Köln, Tanzbrunnen 

16.07. Berlin, Zitadelle 

17.07. Dresden, Junge Garde 

PRETTY THINGS 

www.concertbuero-franken.de 

20.05. CH Pratteln, Z 7 

21.05. Köln, Yard Club 

22.05. Berlin, Frannz Club 



27.05. Zwickau, Lichtentanne 

Kulturkirche 

28.05. Bensheim, 

Musiktheater Rex 

29.05. Frankfurt, Nachtleben 

31.05. Hannover, Bluesgarage 

16.08. Finkenbach, Festival 

DIE PRINZEN 

www.dieprinzen.de 

21.+22.07. Wunsiedel, 

Festspiele 

27.08.– 05.10. Kirchentour 

PROCOL HARUM 


29.05. Freising, Luitpoldhalle 

05.07. CH-Gossau, 

Bundwiese 

PUHDYS 

www.puhdys.com 

30.05. Eberswalde, 


31.05. Warnemünde, 


07.06. Kamenz, 


05.07. Landsberg, 


15.07. Vellmar, Theaterzelt 

19.07. Klaffenbach, 

Wasserschloss 

26.07. Freital, Hains 

Freizeitzentrum 

02.08. Weißenfels, 


09.08. Rudolstadt, 

Residenzschloss 

23.08. Neuhausen, 


02.10. Zwickau, Stadthalle* 

03.10. Schwerin, Sport- und 

Kongresshalle* 

04.10. Cottbus, Stadthalle* 

10.10. Chemnitz, Arena** 

11.10. Leipzig, Arena** 

31.10.+ 01.11. Berlin, 

o2-World ** 

07.11. Rostock, Stadthalle** 


Getec-Arena* 

14.+15.11. Freiberg, Tivilo 

21.11. Riesa, Erdgasarena* 

22.11. Erfurt, Messe** 

* mit Karat 

** mit City und Karat 

RAMRODS 

www.concertbuero-franken.de 

21.05. Köln, Yard Club 

22.05. Berlin, Frannz Club 

24.05. Nürnberg, Hirsch* 

27.05. Zwickau, Kulturkirche 

St. Barbara 

19.07. Amberg, 

Kultursommerfest 

*mit Pretty Things 

CHRIS REA 

www.mlk.com 

29.10. A-Salzburg, 

Salzburgarena 







05.11. Dresden, Messehalle 

07.11. Leipzig, Arena 


Stadthalle 




Swiss-Life-Hall 



Rosengarten 


Porsche-Arena 


Olympiahalle 

19.11. Baden Baden, 

Festspielhaus 

26.11. Frankfurt, Festhalle 

CLIFF RICHARD 

www.deag.de 

16.05. Oberhausen, 

KöPi-Arena 

20.05. München, Olympiahalle 

30.05. Frankfurt, Festhalle 

ROLLING STONES 

www.rollingstones.com 

10.06. Berlin, Waldbühne 

19.06. Düsseldorf, 

Esprit-Arena 

KENNY WAYNE SHEPHERD 


17.05. Winterbach, 

Lehenbachhalle 

MICHAEL SCHENKER 



04.11. Bonn, Brückenforum 

05.11. Tübingen, Sudhaus 


Colos-Saal 

08.11. Bruchsal, Rockfabrik 

09.11. Ingolstadt, Eventhalle 

Westpark 


SILLY 

www.mlk.com 

06.06. Rügen, Rugard Bühne 

08.06. Gera, Veolia Bühne 

30.08. Rehna, Open Air Rehna 

05.09. Görlitz, 

Landskronbrauerei 

06.09. Halle, Peißnitzinsel 

12.09. Torgau, 

Schloss Hartenfels 

13.09. Potsdam, Lindenpark 

SLADE 


20.06. Rüdesheim, 

Magic Bike Week 

30.08. Stadtallendorf, 

Herrenwaldstadion 

PATTI SMITH 

www.pattismith.net 

01.08. Burg Herzberg, Festival 


Freilichbühne 

09.08. Haltern, Festival 

11.08. Mainz, Zitadelle 


Alte Kongresshalle 

SPACE DEBRIS 

www.spacedebrisprojekt.de 

16.05. Mannheim, Festival 

18.05. Stuttgart, Zwölfzehn 

09.08. Lorch, Festival 

15.08. Salzkotten, Festival 

06.09. Weinheim, Cafe Central 

SPENCER DAVIS GROUP 


09.08. Landsberg, Open Air 

SPIDER MURPHY GANG 

www.helloconcerts.de 

30.05. Ottobrunn, Zelt 

31.05. A-St. Johann, 

Festzelt 

07.06. Freystadt, Festzelt 

28.06. A-Linz, Ars Electronica 

Meindeck 

04.07. Apfeldorf, Festzelt 

10.07. Aidenbach, Open Air 

18.07. Scherneck, Open Air 

19.07. Kulmbach, Open Air 

28.07. Dexendorf, Open Air 

01.08. Erlabrunn, Festzelt 

03.08. Sulz am Neckar, 

Open Air 

22.08. Nagold, Open Air 

23.08. A-Euratsfeld, Festzelt 

30.08. Heidenheim, Open Air 

13.09. Celle, Open Air 

19.09. Gangkofen, Brauerei 

30.09. Warburg, Zelt 

11.10. Willingen, 

Schützenhalle 

31.10. Obertraubling, 

Eventhall-Airport 

STATUS QUO 

www.kb-k.com 

09.08. Tettnang, Open Air 

ROD STEWART 

www.united-promoters-ag.com 



29.06. München, Olympiahalle 


03.07. Köln, Lanxess-Arena 

STIFF LITTLE FINGERS 

www.target-concerts.de 

01.11. Düsseldorf, Zakk 

02.11. Hamburg, Knust 

13.11. Berlin, SO36 

14.11. Erfurt, Centrum 

18.11. Stuttgart, Universum 

CURTIS STIGERS 

curtisstigers.com 

19.09. Stuttgart, Bix 

20.09. Böblingen, Festival 

22.09. Berlin, Heimathafen 

Neukölln 

24.09. Hamburg, Mojo 

25.09. Herford, Marta 

26.09. Verden, Festival 


Himmelfahrtskirche 


09.11. Helmbrechts, 

Bürgersaal 

10.11. Nürnberg, Maritim 

11.11. Mainz, Frankfurter Hof 


Christuskirche 

SWEET 


31.05. Neuhaus, Festival 

05.07. Eckernförde, Open Air 

30.08. Stadtallendorf, Open Air 

TEN YEARS AFTER 


24.05. Köln, Harley Dome 

30.05. Halle, Händelsche Halle 



26.07. Tuttlingen, 

Honberg-Sommer 

31.07. CH-Romanshorn, 

Sommernachtsfest 

09.08. Friedrichshafen, 

Kulturufer 

CHRIS THOMPSON 

www.christhompson-central.com 

05.06. Wissen, Kulturwerk 

27.06. Kiel, Kieler Woche 

23.08. Datteln, Kanalfest 

TYGERS OF PAN TANG 

www.rockville-music.com 

06.11. Berlin, K17 

08.11. Essen, Turock 


13.11. Olching, 

Legends Of Rock 

14.11. CH-Uster, Starclub 

URIAH HEEP 


14.06. Hamminkeln, Open Air 

05.07. Potsdam, Open Air 

10.07. CH-Sierre, Festival 

18.07. Calw, Marktplatz 


Schloss 

30.08. Stadtallendorf, 

Herrenwaldstadion 

15.11. Schemmerhofen, 

Mehrzweckhalle 

HERMAN VAN VEEN 

www.kj.de 

22.05. Weimar, Weimarhalle 

23.05. Bamberg, Konzert- u. 

Kongresshalle 

24.05. Koblenz, 

Rhein-Mosel-Halle 

26.05. Bremen, Die Glocke 

27.05. Hamburg, Deutsches 

Schauspielhaus 

28.05. Essen, Philharmonie 

02.06. Berlin, 

Friedrichstadtpalast 



PAUL WELLER 

www.kj.de 


Alter Schlachthof 





TONY JOE WHITE 

www.modernewelt.de 


Colos-Saal 

11.07. Hamburg, Downtown 

RAY WILSON 

www.raywilson.net 

16.05. Dinslaken, Ledigenheim 

17.05. Ottmaring, 

Kulturwirtschaft 

23.05. Satrup, Landgasthof 

25.05. Hildesheim, Stadttheater 

06.06. Schafstedt, Kerzenhof 


Blues Garage 

05.07. Lichterfeld, 

Besucherbergwerk F60 

12.07. Bonfeld, Festival 

18.07. Duisburg, Open Air 

05.09. Langeness, Festival 

27.09. Hagen, Werkhof 

JOHNNY WINTER 


29.05. Berlin, Biesdorfer 

Parkbühne 

30.05. Halle, Händelsche Halle 

11.07. A-Klam, Open Air 

12.07. A-Wiesen, Festival 


Fruchthalle 



13.11. Dormagen, Kulturhalle 

15.11. Neuruppin, Kulturhaus 

20.11. Karlsruhe, 

Konzerthaus 

22.11. Buchholz, Stadthalle 

JOACHIM WITT 

www.extratours-konzertbuero.de 


Kammgarn 

17.05. Bochum, Matrix 

ALEXANDER WOLFRUM 

www.alexanderwolfrum.de 

23.05. Bindlach, Bärenbühne 

30.05. Bad Berneck, 

Kleines Rathaus 

18.06. Warmensteinach, 

Freilandmuseum 

28.06. Kasendorf, 

Blaues Haus 

03.07. Altdorf, Open Air 

19.07. Steinberg, Open Air 

26.07. Pegnitz, Schlossberg 

YES 

www.kb-k.com 

26.05. Mainz, Phoenixhalle 


28.05. Leipzig, Auensee 

NEIL YOUNG & CRAZY HORSE 


20.07. Ulm, Münsterplatz 



Warsteiner 

Hockeypark 

26.07. Dresden, Elbufer 

28.07. Mainz, Zollhafen 

ZZ TOP 

www.mlk.com 

20.06. Köln, Tanzbrunnen 


Schleyerhalle 


Saarlandhalle 

FESTIVALS 

Oldie-Festival 

www.german-entertainment.com 

31.05. Lübeck, Freilichtbühne 

Searchers, Sweet, City, 

Creedence, Clearwater 

Revisited, Marmalade 

Rock am Ring 

www.rock-am-ring.com 

05.– 08.06. Nürburgring, 

Festival 

u.a. Iron Maiden, Metallica 

Rock im Park 

www.rock-im-park.com 

05.–08.06. Nürnberg, 

Zeppelinfeld 

u.a. Iron Maiden, Metallica 

23. Grolsch Blues Festival 

www.kulturring-schoeppingen.de 

07.+08.06. Schöppingen, 

Festival 

u.a. Joe Louis Walker & 

Band, North Mississippi 

Allstars, Mike Zito & The 

Wheel, Delta Saints, 

Jonathon Boogie" Long 

" 

& The Blues Revolution, 

Mason Rack Band, Frankie 

Chavez, Lisa Doby, 

Mountain Men 

Celtic Summer Night 

www.prknet.de 

12.06. Bensheim, Festzelt 

Runrig, Sharon Corr, 

High Kings 

8. Classic Rocknacht 


14.06. St. Goarshausen, 

Loreley 

Joe Bonamassa, Joe 

Satriani, Bernie Marsden, 

Julian Sas, The Brew, 

Krissy Matthews 

Tollwood-Festival 

www.tollwood.de 

u.a mit: 

01.07. Bob Dylan 

15.07. Jethro Tull's 

Ian Anderson, 

Alan Parsons Live Project 

22.07. Niedeckens Bap 

23.07. Chris de Burgh 

Talents Meet Legends 

www.blacksheep-kultur.de 

10.–12.07. Bad Rappenau, 

Bonfeld 

u.a. Mother's Finest, 

New Model Army, Fairport 

Convention, Horslips, Bell, 

Book & Candle, Anyone's 

Daughter, Ray Wilson's 

Genesis Classics 

Rock Of Ages 

www.rock-of-ages.de 

25.+26.07. Seebronn, 

Festplatz 

u.a. Kansas, Dr. Feelgood, 

Wishbone Ash, Tokyo 

Burg Herzberg Festival 

www.burgherzberg-festival.de 

31.7.–3.8. Burg Herzberg, 

Festivalgelände 

u.a. Patti Smith, JJ Grey & 

Mofro, The Crimson 

ProjeKCt, Kraan 

Finki Festival 

www.fi nki-festival.de 

15.+16.08. Finkenbach, 

Sportplatz 

u.a. Guru Guru, Kraan, 

Pretty Things, Embryo 

Lieder am See 

www.liederamsee.de 

16.08. Spalt, Festival 

u.a. Alan Parsons Live 

Project, John Lees' Barclay 

James Harvest, Nazareth 

4. Beat Night 

www.beatmacher.de 

27.09. Oberursel, 

Stadthalle 

Tremeloes, 2nd Generation 

2. Sindelfinger Oldie Night 

www.eventim.de 

27.09. Sindelfi ngen, 

Glaspalast 

Lords, Equals, Chris 

Andrews, Pussycat, Harpo 

-Festival 


18.10. Offenbach, Stadthalle 

Albert Hammond, Christie, 

Night Fever 

Wichtiger 

Hinweis: 

Die Veröffentlichung 

der Konzerttermine 

erfolgt ohne Gewähr. 

Durch die zweimonatliche 

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ohne Internet-Seitenangaben 

und ohne 

genauen Veranstaltungsort 

werden 

nicht veröffentlicht. 

MAUS OF MUSIC 

LOUDLY PRESENTS: 

THE GREAT ILLUSTRATED BRITISH ROLLING STONES DISCOGRAPHY 

1963- 2013 

OUT NOW! 

„...ebenso einzigartig wie großartig!“ 

(siehe Rezension in diesem Heft) 

ISBN 978-3-9809137-8-2 

48 € 

„Eine Augenweide. 

Selbst auf chinesisch wär´das Ding noch Klasse!“ 

(begeisterte Leserzuschrift) 

www.rollingstones-worldwide.com 


444 Seiten - über 3000 Abb. - 21x 28 cm 

Hardcover mit Umschlag

Sie feiern 2014 ihr 40-jähriges Bestehen. 

Darum beschenken die Blondie-Bandgründer 

Deborah " 

Debbie" Harry und Chris Stein 

sich selbst und zugleich ihre Fans. Das Präsent 

heißt BLONDIE 4(0) EVER und besteht 

aus einer Doppel-CD. Teil eins, GHOSTS OF 

DOWNLOAD, beschert 13 neue Songs. Teil 

zwei, GREATEST HITS DELUXE REDUX, besteht 

aus Neuaufnahmen von elf Bandklassikern. 

GoodTimes fragte bei Sängerin Debbie Harry 

(68) nach. 

Foto: © Mark Weiss 

Ein Puzzle zum Jubiläum 

Foto: © Chris Stein 

Wie schwierig war es in den 40 Jahren, sich immer 

wieder neu zu positionieren? 

Ich würde sagen, das Fundament ist gelegt, und wir 

haben im Lauf der Jahre häufig mehr oder weniger 

große Kleinigkeiten verändert. Das Ganze macht 

Spaß und ist fast wie ein Puzzle. 

Es ist wie ein Spiel, und von daher 

passt es recht gut in unsere Philosophie, 

Psychologie, oder wie auch 

immer man es nennen will. Es hält 

im Kopf jung und ist eine Herausforderung, 

sich mit anderen Stilformen 

auseinanderzusetzen, neue 

Wege zu gehen. Wer sich heute 

manche Dinge aus unseren frühen 

Tagen anhört, die ersten Blondie- 

Alben, findet überall Hinweise darauf, was wir in 

den letzten Jahrzehnten erforscht haben. Nur war 

es damals noch nicht sonderlich klar oder entwickelt. 

Wer sich alle Alben anhört, mag kaum glauben, 

dass du in einer Folkband angefangen hast! 

(Lacht) Was soll ich dazu sagen? Das war zum Ende 

der großen Folkära. Die Band The Wind In The Willows 

spielte ja auch keinen puren Folk, es war fast 

schon orchestral, wir hatten ein Cello, Bazoo und 

Flöte dabei. Und ich trug keine Verantwortung, war 

nur eine Backgroundsängerin. 

Chris hat schon vor zwei Jahren damit begonnen, 

an den neuen Kompositionen zu arbeiten und die 

Songs zu entwickeln? 

Stimmt. Aber er hat nicht ununterbrochen daran 

gesessen, weil wir in den letzten zwei Jahren für 

unsere Verhältnisse sehr viel getourt haben. Die 

Arbeit wurde immer wieder unterbrochen. Und es 

war diesmal deutlich anders als früher, als wir uns 

ziemlich abgekapselt in unserer eigenen Welt bewegten. 

Wir hatten diesmal sehr viele externe Leute 

dabei, die mitwirkten. Unser Keyboarder Matt 

Kath-Bohen, der auch schon wieder 

vier, fünf Jahre dabei ist, hat Talent 

als Komponist und steuerte einiges 

bei. Ebenso unser Produzent Jeff 

Saltzman, der sehr viel mit Chris an 

den Songs gebastelt hat. Das Schöne 

ist ja, dass man übers Internet viele 

Ideen austauschen, Musik hin- und 

herschicken kann. Das lästige Herumreisen 

entfällt, niemand muss ewig 

im Studio herumhängen. 

Du hast die Texte 

geschrieben – wie 

lief der Arbeitsprozess 

mit Chris? 

Ich gab ihm ein 

paar Entwürfe als 

Inspiration. Aber in 

den meisten Fällen 

war es so, dass er 

mir mehr oder weniger 

ausgefeilte 

musikalische Ideen schickte, zu denen ich mir dann 

etwas einfallen ließ. 

Ihr habt – anders als früher – viele Gäste dabei ... 

Das hat sich einfach so ergeben, war nicht ge plant. 

Matt hat Beth Ditto von Gossip für "A Rose By 

Any Name” vorgeschlagen, und sie hat dann sofort 

mitgemacht. Auf Systema Solar aus Kolumbien ist 

Chris irgendwie gestoßen, hat sie dann über Twitter 

kontaktiert. Der Rapper Los Rakas stammt aus 

Panama und lebt inzwischen in Oakland – ihn hat 

Jeff angeschleppt. Miss Guy ist ein alter Freund von 

mir. Er hat ja als DJ gearbeitet und war zufällig im 

selben Studio wie wir. 

Ihr werdet die neuen Songs gewiss auch live spielen 

wollen – wie funktioniert das ohne die Gäste? 

Wir haben einige Titel ja schon gespielt, und es hat 

gut geklappt. Wir wollen die Songs nicht exakt so 

wie auf Platte reproduzieren! Bei Beth Ditto haben 

wir ihre Stimme gespeichert und spielen sie als 

Hintergrund zu "Rose By Any Name” ein. Systema 

Solar haben wir auch im Synthesizer, rufen ihre 

spanischen Rap-Parts ab. Dann kommen wir mit 

dem Chorus und wiederholen das, was sie rappen. 

Live ist eben doch live, auch wenn viele Leute ihre 

Studio-Aufnahmen speichern, sie dann auf der 

Bühne abrufen und ein bisschen dazu spielen und 

singen. Aber das kann es ja wohl nicht sein! Da 

habe ich ein anderes Verständnis von Live musik, 

sonst bräuchte ich ja gar nicht auf die Bühne 

gehen. 

Warum habt ihr eure größten Erfolge für die Doppel-CD 

neu aufgenommen? 

Die Rechte an den Songs sind an uns zurückgefallen, 

und das wollten wir einfach feiern. Außerdem 

hat es natürlich auch mit dem Jubiläum zu tun. 

Und nicht zuletzt ist es als Geschenk für unsere 

Fans gedacht. 

Wie seid ihr diese Songs angegangen? 

Wir haben versucht, uns möglichst eng am Original 

zu halten. 

Philipp Roser 


Foto: © NikMa Verlag / Fabian Leibfried 

Andy Scott (l.) mit GoodTimes-Herausgeber 


DIE ANDEREN … 

Bester Sänger? Tom Jones 

Beste Sängerin? Nina Simone 

Beste Band? Beatles 

Beste(r) Songschreiber(in)? Brian Wilson 

Unterschätzteste(r) Band/Solist? Vanilla Fudge/ 

John Mayer 

Überschätzteste(r) Band/Solist? U2/Morrissey 

Beste Single? "All Along The Watchtower" (Jimi 

Hendrix) 

Bestes Album? Alle Alben der Beatles und Beach 

Boys 

Bester Song? "God Only Knows" (Beach Boys) 

Deine Allstar-Band? Es wären so viele Gitarristen 

auf der Bühne, dass ich Bass spielen würde. 

... UND ICH 

Welche Cover-Version möchtest du mal aufnehmen? 

"To Love Somebody" (Bee Gees) 

Welchen Song hättest du gern selbst geschrieben? 

"God Only Knows" (Beach Boys) 

Wer sollte einen Song über dich schreiben? – 

Wie sollte der Song heißen? – 

Was war das Highlight deiner Karriere? 

Anerkennung und Awards für "Love Is Like Oxygen" 

Dein Lebensmotto? Sei dir selbst gegenüber 

ehrlich, höre nicht auf Zweifler und probiere es immer 

wieder. 

EINIGE W0RTE ZU ... 

Banken: Mir hat meine Arbeit in der Bank Spaß gemacht. 

Damals war Banker noch ein angesehener Job – 

heute halten die Leute Banker ja nur noch für morallose 

Geldraffer. 

St Peter's Hall, Wrexham: Dort habe ich wohl 

meinen ersten Gig gespielt. Es war bestimmt ziemlich 

grausam. 

Elastic Band / The Cool: The Elastic Band hätte 

erfolgreicher sein können, wenn wir zusammengeblieben 

wären. Die Musik klingt nach 47 Jahren gar nicht so 

schlecht. 

Glam Rock: Als Sweet, T. Rex, Bowie etc. in der 

Sendung " 

Top Of The Pops" kampierten, gab es den 

Begriff " 

Glam" noch gar nicht! Ich glaube, Marc Bolan 

verwendete ihn als erster in einem Interview. 

Brian Connolly, Mick Tucker & Steve Priest: 

Ich werde das Erbe nie vergessen, das die originale 

Band hinterlassen hat. Sweet heute gäbe es ohne die 

Vergangenheit nicht. So lange meine Band die Sweet- 

KREUZVERHÖR 


Andy Scott 

Unterschätzt: 

Vanilla Fudge! 

Seit 1970 ist Andy Scott als letztes verbliebenes 

Originalmitglied unverdrossen 

mit Sweet unterwegs. Dass er dabei weit 

über den eigenen Tellerrand hinausblickt, 

wurde deutlich, als er sich während 

der jüngsten Deutschland-Tour der 

Band dem Kreuzverhör stellte. 

Fans zufrieden stellt, geht es weiter. Wenn ich unsere 

Songs heute höre, klingen sie immer noch frisch und 

machen mich stolz. 

The Marquee: Fantastisches Venue! In den Sixties 

spielte dort jeder, auch The Elastic Band. 

Paddy Goes To Holyhead: Das Ganze begann 

als Spaß – ich erlebte die Band in meiner Produzentenzeit, 

stieg zu den Jungs auf die Bühne. Nach ein paar 

Monaten war ich Teil der Band, wir spielten jede Woche 

an mehreren Abenden. 

G.O.S.H.: Great Ormond Street Hospital ist das 

bekannteste Kinderkrankenhaus im UK. Als sie Geld 

brauchten, entstand die Stiftung GOSH Wishing Well 

Appeal. Ich hatte das Glück, dass ich dabei war, als für 

die Stiftung die Single "The Wishing Well" entstand. 

Deutschland: Die zweite Heimat von Sweet. Ich habe 

in den 70ern mal in Hamburg gelebt, in den 90ern in 

Hannover. 

"Famous Last Words": Als Chris Bradford und 

ich "Famous Last Words" schrieben, hatten wir keine 

Ahnung, wohin uns das führen würde. Eines Tages rief 

Greg Lake an, dem das Demo gefallen hatte, und fragte, 

ob wir ins Studio kommen und Chor singen würden, als 

er den Song aufnahm. Seitdem sind wir befreundet. 

Heavy Metal: William Burroughs hätte sich nicht 

vorstellen können, was passieren würde, als er in den 

frühen Sixties die Phrase " 

Heavy Metal Kid" in einem 

seiner Bücher verwendete. Ich glaube nicht, dass er die 

als Metapher für künftige Musik gedacht hatte. Sweet 

finden sich wohl irgendwo zwischen Pop/Rock und 

Heavy Metal wieder. 

PLEASE, ANSWER 

THE S0NG … 

Why Do Fools Fall In Love? 

(FRANKIE LYMON, 1963) 

Wenn man älter wird, kapiert man, dass Liebe nicht nur 

aus Lust besteht. 

Where Have All The Good Times Gone? 

(KINKS, 1965) 

Hängt davon ab, was man unter Good Times versteht. 

What Are You Doing Sunday? (DAWN, 1971) 

Normalerweise schaue ich Sport im Fernsehen und 

genieße ein gutes Mittagessen. 

Who's Gonna Rock You? (THE NOLANS, 1980) 

– 

Why Believe In You? (TEXAS, 1991) 

Wenn nicht du, wer dann? 

Di. 15.7.14 | Liederhalle Stuttgart 

An 

Evening 

with 

Di. 5.8.14 | SpardaWelt Freilichtbühne Killesberg Stuttgart 

AND HER BAND 

Sa. 11.10.14 | Liederhalle Stuttgart 

Di. 14.10.14 | Theaterhaus Stuttgart 

Do. 16.10.14 | Liederhalle Stuttgartttgart 

ACOUSTIQUE Tour 2014 

I Want To Know What Love Is, Urgent, 

Cold As Ice, Juke Box Hero, Say You Will 

and many more ... Unplugged! 

Mi. 29.10.14 | FILharmonie Filderstadt 

+ GUEST 

Mi. 19.11.14 | Liederhalle Stuttgart 

Homo Erraticus 

and The Best of Tull 

So. 23.11.14 | LKA Longhorn Stuttgart 

The Holy Trinity Tour 2014 

+ guest: 

Vorverkauf an der Konzertkasse im Saturn Stuttgart, Königsbau- 

Passagen sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen und bei: 

Music Circus Concertbüro GmbH Kartentelefon 0711 22 11 05

Blues-Porträt No. 44 

CYRIL NEVILLE 

Vom Schattenmann 

zur Lichtgestalt 

Ende 2013 tourte eine Band durch Deutschland, die ihrem superselbstbewussten 

Namen Royal Southern Brotherhood in jedem Konzert 

alle Ehre machte. Die 2010 gegründete schwarz-weiße Gruppe hat 

den Blues tief inhaliert, zelebriert ihn je nach Bedarf in klassisch reiner 

Manier oder lässt ihm in jeder erdenklichen Mutation seine Entfaltung. 

Der Blues füllt die Räume mit Namen wie New-Orleans-Funk, 

Rhythm & Blues, Reggae und Southern Rock – und nie klingt etwas 

unauthentisch. Ein kleiner, drahtiger Schwarzer führt diese wahrlich 

königliche Bruderschaft souverän an. Sein Name: Cyril Neville. 

Von Hans-Jürgen Günther 

Neville – da klingelt es bei den Fans schwarzer Musik ... Aaron Nevilles magischer 

Hit "Tell It Like It Is", die Neville Brothers und ihre (Kult-)Alben, eingespielt 

von Aaron, Art und Charles – und ihrem kleinen Bruder Cyril 

(*10.1.1948). Der arbeitete in den Sixties als Studiomusiker und startete 

seine Sängerkarriere als 19-Jähriger bei den brüderlichen Gruppen 

The Neville Sounds und Soul Machine. Ende 1969 erschien Cyrils erste 

Single "Gossip"/"Tell Me What's On Your Mind", produziert von Allen 

Toussaint. Begleitband waren The Meters, Art Nevilles neue Truppe. 

Die Soul Machine verlegte ihren Arbeitsplatz nach Nashville, dann nach 

New York, aber der Durchbruch glückte nicht, und so stieg Cyril 1974 

als Vokalist und Perkussionist bei den Meters ein, die als Vorband für die 

1974er-Welttournee der Stones auftraten. Trotzdem trennten sie sich 

1976; ihre sehr spezielle Musik stieß an die Grenzen der Entwicklungsmöglichkeiten. 

So war 1977 der Weg frei für die Gründung der Neville 

Brothers, denen ab 1979 alle vier Brüder angehörten. Ihr künstlerisch 

fast immer imponierendes Werk warf im bunten Wechsel manchen 

kommerziellen Erfolg ab, aber leider auch mäßig verkaufte Platten. 

Die wohl bes ten Arbeiten sind FIYO ON THE BAYOU (1981), UPTOWN 

(1987), YELLOW MOON (1989), BROTHER'S KEEPER (1990), FAMILY 

GROOVE (1992) und WALKIN' IN THE SHADOW OF LIFE (2004). 

Als Jüngster im Schatten von Aaron und Art fühlte sich Cyril berufen, 

parallel mit eigenen Bands ans Licht zu treten, darunter The Endangered 

Species Band und The Uptown Allstars Band. Außerdem fand er 

Zeit, sein eigenes Label Endangered Species zu betreiben. Cyril gründete 

auch The New Orleans Musicians Organized (Nomo), die Musikern in 

allen Karriere- und Business-Fragen Hilfe bietet. Ferner gastierte er auf 

Alben anderer Künstler wie Edie Brickell, Jimmy Buffett, Dr. John, Bob 

Dylan, Daniel Lanois und Willie Nelson. 

Cyril Neville veröffentlichte außerdem mehrere Solo-Alben: THE FIRE THIS TIME 

(1995), NEW ORLEANS COOKIN' und SOULO (beide 2000), FOR THE FUNK OF 

IT (2003) und THE HEALING DANCE (2007), die nur teilweise leicht zu finden 

sind und sämtlich in Europa 

kaum Wellen schlugen. 

Da kommt die Kompilation 

THE ESSENTIAL CYRIL 

NEVILLE 1994–2007 (MC 

Records/H'Art) sehr gelegen. 

Sie offenbart vorbildlich 

Nevilles enorme stilistische 

Spannbreite. Es gibt 

Royal Southern Brotherhood satten Blues ("The Blues 


Is Here To Stay"), New-Orleans-Delikatessen ("Tipitina"), eine genial umgeformte 

Version des Hendrix-Klassikers "Foxy Lady", eine nicht minder eindrucksvolle Fassung 

von Dylans "The Times They Are A-Changin'", die überkochende 

Nummer "Indians Got The Fire" und eine achtminütige Version des 

Standards "Fortune Teller" – vielleicht die beste weltweit! Große Klasse 

ist auch das 2009er Album BRAND NEW BLUES. 

Inzwischen ist Neville auf dem deutschen Qualitäts-Blueslabel Ruf gelandet. 

2013 erschien dort MAGIC HONEY, eine Hammer-Platte par 

excellence, die aus jeder Schublade ausbricht. Mit einem Fuß steht 

Neville stets in der Tradition des Blues, wie die 

rohen Emotionen bei "Something's Got A Hold 

On Me" und im langsamen "Blues Is The Truth" 

zeigen. Aber es gibt auch den Funk-gewürzten 

Song "Running Water", den großartigen Groove 

von "Invisible" sowie die eloquente Reggaemelodie 

von "Slow Motion" und den Dancefloorkiller 

"Swamp Funk". Und "Money And Oil" ist 

ein heißer satirischer Seitenhieb. Das Genreübergreifende 

Gumbo-Album entstand mit 

erstklassigen Sidemen wie Cranston Clements 

(g), „Mean" Willie Green (dr), Carl Dufrene (b) 

und Norman Caesar (keys). Punktuelle Hilfe 

kam von Koryphäen wie Allen Toussaint, Dr. 

John, Mike Zito und Walter Trout. 

Mike Zito ist auch Mitglied der Royal Southern 

Brotherhood, Cyril Nevilles aktueller Band. Dort 

teilt er sich die hitzige Gitarrenarbeit mit Devon 

Allman, dem hoffnungsvollen Spross der 

Allman-Sippe, der southern-rockige Akzente setzt. Am Bass 

steht ein langhaariger Blonder, Charlie Wooton, der neben 

perfekter Tiefton-Begleitung auch gern mal ein 15-minütiges 

(!) Solo abliefert. Schlagzeuger ist der präzise trommelnde 

Yonrico Scott, ein gemütlicher „Braunbär" mit 

Biss. Dieses Quintett hat 2013 die komplett gelungene CD 

SONGS FROM THE ROAD – LIVE IN GERMANY präsentiert, 

die die kochende Konzertatmosphäre bestens reproduziert. 

Gesteigerten Genuss bietet die beigelegte DVD. Cyril Neville 

ist ein exzellenter Frontmann. Er bearbeitet seine die Musik 

antreibenden Perkussionsinstrumente exakt und singt dazu 

mitreißend: Der 65-Jährige hat die volle Portion Blues-Feuer 

in den Adern. 

Foto: © Jerry Moran 


Leserbriefe 

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GoodTimes – Discographien-Sonderheft 

Sehr geehrter Herr Leibfried, 

Vol. 1 habe ich mir gleich bestellt. Einfach eine tolle Idee, und Sie werden 

damit sicher vielen Oldie-Fans eine große Freude bereiten. Weiter so. 

Mit freundlichen Grüßen, Wolfgang Berger 

Hallo Leute, 

habe das Heft heute bekommen und gleich durchgeblättert. Super Aufmachung 

und die Coverabbildungen – allererste Sahne. Auch die Einteilung 

bei Singles und EPs passt. Kleine Anregung für den LP-Teil: Greatest Hits 

und sonstige Sampler bitte getrennt von den Originalalben aufführen. Bei 

manchen Interpreten ist schlecht nachzuvollziehen, was Originalalben oder 

Zusammenstellungen sind. Freue mich schon auf die weiteren Ausgaben 

(hoffentlich öfter als kult!). 

Viele Grüße, Werner Korn 

Liebes GoodTimes-Team, 

ein ganz großes Dankeschön für die Edition Vol. 1. 

Es ist für mich, bestimmt auch für viele anderen Schallplattenfreunde, ein 

großer Genuss, die Zusammenstellung zu ergründen. Somit hat man einen 

sehr guten Überblick über das gesamte Schaffenswerk der Gruppen. Da 

ich selber eine sehr große Schallplattensammlung habe, ein Nachschlagewerk 

besonderer Art. Auch merkt man, dass doch die eine oder andere 

Schallplatte noch fehlt und damit ergänzt werden könnte. Sehr übersichtlich, 

guter Farbdruck und inhaltliche Angaben. Weiter so, und ich freue mich 

schon auf Heft 2. Herzlichen Dank und viel Erfolg. 

Ihr Heinz Tonndorf, Plauener Schallplattenclub HT Plauen 

GoodTimes – Allgemein 

Hallo GoodTimes-Team, 

als langjähriger GoodTimes-Abo-Bezieher freue ich mich jedesmal buchstäblich 

wie ein kleines Kind, wenn die neueste Ausgabe in meinem Postkasten 

liegt. Dann verziehe ich mich meistens sofort für zwei Stunden im Hause, 

und erst wenn meine Frau nach mir ruft und sucht, tauche ich wieder auf. 

Fröhlich, entspannt, glücklich und schwelgend in den Erinnerungen meiner 

Jugendzeit. Bestens zu empfehlen als positives Therapieprogramm für 

alle launischen Zeitgenossen, zu denen ich mich Gott sei Dank nicht zähle. 

Macht weiter so – eine bessere Zeitschrift für diese Musikära kenne ich nicht. 

Noch eine Bitte: Spencer Davis begeht am 17. Juli seinen 75. Geburtstag, er 

ist am 17.7.1939 in Swansea/'Wales geboren (und nicht 1941, wie vielfach 

angegeben) und lebt heute in Los Angeles. Seit 1966 bin ich ein Fan von 

ihm, besitze (fast) alle seine Platten/CDs und habe ihn schon mehrmals auf 

Konzerten auch persönlich getroffen. Über ein paar Zeilen in eurer Rubrik 

Es war einmal ... Geburtstage" in der nächsten Juni/Juli-Ausgabe würden 

" 

sich viele seiner treuen Anhänger freuen. 

Übrigens war euer Bericht über die Spencer Davis Group (The Winwood 

Years) in der Ausgabe Nr. 6/2013 ausgesprochen fundiert. 

Viele Grüße und ein Servus aus Niederbayern. 

Euer Bernhard Laugwitz (63), Straubing 

Hallo, 

großes Lob für ein sehr gelungenes Heft 2/2014, das mir beim Lesen viel 

Spaß bereitet hat. 

Warum? 

Besonders gelungen: 

- die Berichte zu den Byrds (tolle Discographie, war überrascht, was ich 

alles nicht kenne, obwohl ich sehr lange Byrds-Fan bin) 

- 1967 (Burdon/Ryder) ist zwar nicht so interessant, aber guter Bericht 

- Surf Music – sehr gut von den Anfängen bis heute dargestellt, auch mit 

vielen Bands, die ich nicht kannte 

- Bild der Frau – schöne Auswahl von Covern 

- " 

Danke Rock'n'Roll", auch hier einiges neu 

Sehr viele Hintergrundinformationen, geschrieben von Autoren, die sich 

sehr intensiv mit Musik/Künstlern beschäftigt haben und dies auch gut darstellen. 

Vor allem aber nicht die gängigen Mythen und PR/ " 

Bravo"-Stories 

bringen, sondern für Fans, Sammler und Interessierte was wirklich Neues 

berichten. Das macht echt Spaß zu lesen!! 

Viele Grüße, Fred Kauffmann, München 

Hallo liebes GoodTimes-Team! 

Ich lese im Abo immer wieder mit Begeisterung euer tolles Magazin, 

welches meiner Meinung nach eine sehr gelungene Mischung zwischen 

" Alt"- und Neu"-Acts beinhaltet. Jedes Heft ist immer schon spätestens 

" 

zwei Tage nach Eintreffen durchgelesen, und dann steigt schon die Vorfreude 

auf die nächste Ausgabe. Als alter und immer noch aktueller Vinyl-Liebhaber 

finde ich auch die LP-Rezensionen sehr fundiert. Insgesamt muss ich 

sagen, dass nach Lektüre einer Ausgabe meine Geldbörse bluten" muss 

" 

in Anbetracht der Menge an guten Rezensionen, bei denen man auf den 

Geschmack kommt. Ich kann nur sagen: weiter so! 

Herzliche Grüßen, Ralf Kopka, Essen 

Oh Mann, 

wie alt muss man werden, wie viel Zeit habe ich verpasst, bis ich eure Zeitschrift 

gefunden habe. Asche über mein Haupt. Nun bin ich schon im 60. 

Lebensjahr und sammle seit Anfang der 60er Vinyl und dann CDs. Habe 

mich immer durch sehr viele Zeitschriften Informiert, aber eine wie die 

GoodTimes kam mir leider nie unter. 

Als ich die GoodTimes-kult! ins Abo genommen habe, fand ich auch den 

Weg zur GoodTimes und habe auch diese sofort ins Abo genommen. 

Mein Glückwunsch für eine solche informative Musikzeitschrift. 

Einfach nur klasse und danke dafür 

Reiner Debernitz, Regensburg 

GoodTimes – The Byrds 

Lieber Herr Günther, 

alle Hochachtung zum ersten Teil der Byrds-Story. Auf den zweiten Teil bin 

ich schon sehr gespannt! Seit den sechziger Jahren befasse ich mich mit 

der Musik der Byrds und ihren zahlreichen Ablegern. Das Thema ist äußerst 

komplex und sicherlich schwer aufzubereiten. Dies haben Sie aber meines 

Erachtens sehr gut gelöst, zumal Sie sicherlich nur ein gewisses Platzvolumen 

zur Verfügung hatten. Dafür haben Sie es geschafft, alle wichtigen 

Dinge zumindest in Kurzform anzusprechen. Ein runder Überblick über die 

Schaffensphase ist deshalb auf alle Fälle garantiert. 

Eins möchte ich allerdings noch zu Gene Clark anmerken: Die CD UNDER 

THE SILVERY MOON auf dem Delta-Label war ursprünglich als Doppel-CD 

mit 29 Titeln angedacht, wurde aber aus urheberrechtlichen Gründen auf 14 

Titel und somit eine CD gekürzt. Dennoch gelangten einige Exemplare der 

schon gepressten Doppel-CD auf den Schwarzmarkt. Eine davon konnte 

ich ergattern! 

MfG, Manfred Paul, Emden 

Hallo zusammen, 

gratuliere für euren gut recherchierten Artikel über den langen Flug der 

Wundervögel aus Kalifornien. Die Band um Roger (Jim) McGuinn, David 

Crosby, Gene Clark, Chris Hillmann, Gram Parsons und Clarence J. White 

ist ein wenig in Vergessenheit geraten, obwohl sie einen maßgeblichen musikalischen 

Einfluss bis in die heutige Zeit hat und einzigartig die Dylan- 

Songs verrockt hat. 

Neben vielen guten Alben halte ich aber auch 5 D mit den Klassikern "Eight 

Miles High", "Mr. Spaceman" und einer rockigen (von David Crosby gesungenen) 

Version von "Hey Joe" JOE für empfehlenswert, auch wenn die 

bluesigere spätere Aufnahme von Jimi Hendrix natürlich bekannter ist. 

Ebenso halte ich THE NOTORIOS BYRD BROTHERS für ein durchaus gelungenes 

Konzeptalbum, auf dem teilweise Jim Gordon an der Schießbude 

saß, der drei Jahre später mit Eric Clapton "Layla" schrieb und dort das 

Klavier spielte. 

Die CD NEVER BEFORE enthält eine Stereoversion von "Mr. Tambourine 

Man" mit mittig abgemischtem, im Vordergrund stehenden Schlagzeug, die 

sich deutlich von dem späteren Stereomix (hier hört man das E-Piano von 

Leon Russel sehr gut heraus) unterscheidet. Leider konnte Columbia bis 

heute keine anständige Stereoversion von TURN! TURN! TURN! abliefern 

– schade. 

In der nächsten Ausgabe werdet ihr sicherlich neben Chris Hillman und 

Michael Clarke auch Interessantes zu Gram Parsons, John York, Clarence 

J. White, Gene Parsons und Skip Battin bringen. Hierzu empfehle ich die 

nicht autorisierte Doppel UNDER REVIEW. 

Macht weiter so – eure Fangemeinde nimmt ständig zu. 

Beste Grüße aus Aschaffenburg, Christoph Dannemann 


Foto: © John B. Henderson 

... zuguterletzt Impressum 

CHRIS FARLOWE SPACE DEBRIS WALTER TROUT 

Erst Bremen, 

bald Colosseum 

Vier Songs = Hilfe! Hilfe! 

ein Album Hilfe! 

Er war, ist und bleibt ein „Steher"; einer, 

der – kurios genug – läuft und läuft 

und läuft. Und singt und singt und singt. 

Der Londoner Sänger, inzwischen 73 Jahre 

jung, wird nicht müde zu betonen: „Alles 

in identischer Tonart wie damals!" So wird 

es auch sein, wenn er im Herbst mit einer 

Band erneut auf Tournee geht, der er 

seine unverwechselbare Stimme vor rund 

vier Jahrzehnten aufgedrückt hat: Colosseum, 

eine der Legenden des Progressive 

Rock. Trotz der Trennung 1971 hat dieses 

Sextett Chris Farlowe nie losgelassen – obwohl 

er parallel auf anderen, auch eigenen 

Gleisen fuhr. 

Der Jazz ließ ihn dabei ebensowenig los 

wie der Blues, mit dem er in den Frühsechzigern 

mit den Thunderbirds begonnen 

hatte. Seiner Mutter widmete er das Album 

AS TIME GOES BY. Der R&B prägte 

seine Gigs, wovon sich jeder in Form der 

aktuellen Live-Ausgrabung BURSTING 

OVER BREMEN (1985) überzeugen kann: 

Nie klangen "Stormy Monday Blues" oder 

"The Thrill Is Gone" 

besser! Bei unzähligen 

Auftritten mit 

der Hamburg Blues 

Band veredelte 

Farlowe die Musik 

Amerikas nachhaltig 

und ohne Stimmverlust. Der Mann, der 

1966 mit dem Top-Hit "Out Of Time" ins 

Popmetier eintauchte, pflegt auch diese 

Schiene: Aktuell tourt er mit Brian Poole & 

The Tremeloes, Chris Montez und Wayne 

Fontana durch britische Konzertsäle. 

Und nun schließt sich einmal mehr ein 

Kreis: „Für den Herbst steht eine weitere 

Colosseum-Tournee durch Europa an", 

bestätigt Hamburg-Blues-Band-Chef und 

Konzertagent Gert Lange: „Saxofonistin 

Barbara Thompson geht es gut – sie 

will unbedingt wieder auf die Straße. Und 

die Band hat bereits fünf Titel im Studio 

komplettiert, ein weiterer soll folgen. Wer 

die Musik von Colosseum kennt, der weiß, 

dass ein halbes Dutzend Nummern bereits 

mehr als ein ganzes Album ergeben!" 

An Shouter Farlowe wird's nicht scheitern, 

dass auch der Colosseum-Neustart 

zum Treffer gerät. Lapidare Feststellung: 

„Rausgehen und singen bleibt reinstes 

Vergnügen für mich." 

utw 


Mit ihrem neuen Album PHONOMORPHO- 

SIS haben Space Debris ihr Klangbild auf 

Breitleinwand vergrößert. Ungezwungen, 

abenteuerlustig und improvisierend bereichern 

sie die zeitgenössische Krautrockszene. 

Drummer Christian Jäger 

sprach mit Alan Tepper. 

Vier Songs, alle um 

die 20 Minuten – harte 

Arbeit? 

Wir bekamen die Anfrage, 

für die aktuell bei 

Sireena Records erschienene Compilation 

SON OF KRAUT einen Track beizusteuern, 

und konnten im Studio eines Freundes 

aufnehmen. Die Session lief so gut, dass 

wir insgesamt drei lange Tracks an einem 

Nachmittag einspielten. Der Tontechniker 

war verblüfft, denn so etwas hatte er zuvor 

noch nie erlebt. Aber wenn Improvisationen 

laufen, können schon erstaunliche 

Resultate dabei herauskommen. Der vierte 

Track stammt aus einer früheren Session. 

Die Musik klingt sehr offen und zugleich 

erdig ... 

Wir benutzen überwiegend alte Instrumente 

und halten uns mit Effekten zurück. Beim 

„Würzen" kommt es immer auf die richtige 

Dosierung an – dann schmeckt’s auch. 

Das Album erscheint als CD und Doppel- 

LP? 

Ja, Rudi Vogel, der den Internet-Shop 

Green Brain betreibt, ist ein Fan der Band. 

Er sicherte uns alle nötigen Freiheiten zu 

und unterstützt uns optimal. 

PHONOMORPHOSIS besticht durch ideenreiche 

Instrumentalbeiträge, die Dynamik, 

und es hat auch ein attraktives Cover ... 

Das Cover, eine Zusammenstellung aus 

mehreren Bildern, stammt von meiner 

Frau. Als „Magic Petra" singt sie auch auf 

einem Stück. Die optische Collage entwickelte 

sich aus dem Moment heraus und 

passt ideal zum Ansatz der Platte. 

Werdet ihr auch touren? 

In diesem Jahr spielen wir noch einige 

Konzerte. Wir sind keine Tourband im 

klassischen Sinn und setzen uns nicht unter 

Druck. Wenn sich ein angenehmer Gig 

anbietet, machen wir den. Mir ist es aber 

sehr wichtig, auf ein Publikum zu treffen, 

das wirklich zuhört und mit uns die Musik 

spürt. 

at 

Die nächste GoodTimes-Ausgabe erhalten Sie ab dem 18. Juli 2014. 

Foto: © Jeff Katz 

Danke für eure Mail, Anteilnahme und 

„ Unterstützung." Die Mail von Marie 

Trout kam postwendend, nachdem die 

Good Times-Redaktion der Ehefrau und 

Managerin von Walter Trout, aber natürlich 

auch ihrem Mann viel Kraft und 

vor allem Glück gewünscht hatte. Es geht 

um Leben und Tod! Der Musiker braucht 

dringend eine Spenderleber, um überleben 

zu können. Und er braucht Geld für 

die teure Behandlung nach dem Leberversagen 

– wie so viele Kollegen hat er keine 

Krankenversicherung. 

Natürlich kann man darüber streiten: 

War es richtig, dass die Trouts und ihre 

Freunde das Leiden des früheren Mayallund 

Hooker-Musikers und Ex-Canned- 

Heat-Mitglieds so in die Öffentlichkeit 

tragen? Aber wie sonst wäre es möglich 

gewesen, dringend nötige Hilfe zu initiieren? 

Die Hilfsbereitschaft jedenfalls ist 

gigantisch – aber auch nachzuvollziehen, 

wenn man das Foto des unfassbar abgemagerten 

63-Jährigen gesehen hat: eines 

Mannes, dessen kräftige Statur noch im 

vergangenen Jahr auf seiner Deutschland- 

Tour präsent war. 

Bei Redaktionsschluss waren knapp 

217.000 Dollar auf dem Spendenkonto 

eingegangen, das für Trout eingerichtet 

wurde; dringend benötigtes Geld, um die 

Untersuchungen und den Krankenhaus- 

Aufenthalt in Nebraska bezahlen zu können. 

Und viele Kollegen bekundeten nicht 

nur verbale Betroffenheit über das Schicksal 

des Blues-Rockers, sondern sie handelten: 

Überall wurden umgehend Benefizkonzerte 

organisiert – die Royal Southern 

Brotherhood, Danny Bryant, Roger Chapman, 

Bernie Marsden, Otis Grand, Walters 

Sohn Jon, Ian Parker, Mitch Laddie spielten, 

um Geld aufzutreiben. Andere appellierten 

über die sozialen Netzwerke und 

ihre Internetseiten, für Trout zu spenden. 

„Es ermutigt und gibt Kraft, diese Welle 

der Hilfsbereitschaft zu erleben“, zeigt 

sich Marie Trout gerührt. 

Walter Trout hatte Menschen, speziell seine 

Fans, vor und nach seinen Konzerten 

stets an sich herangelassen, ließ nie den 

Star heraushängen. Sie danken es ihm nun 

auf diese Weise, sie hoffen, beten, drücken 

ihm die Daumen. Natürlich auch die 

GoodTimes-Redaktion. 

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