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ennpunkt 

3/2011 4,00 Euro Magazin für Fotografie 

Juli 2011 bis September 2011 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Frank Silberbach

2 brennpunkt 3/2011 

FÜR ORIGINALE 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-buehrer.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

Helmut Newton, Thierry Mugler. 

Monte Carlo 1998, Polaroid 

© Helmut Newton Estate 

Galerien 

� Jörg Rüger »the beauty of ruins« ........................................................... 5 

� Nicola Cioni »ein Überblick« ................................................................ 6 

� Valentina Strada »36 Stunden in Berlin« ................................................. 7 

� Helmut Newton Polaroids ...................................................................... 8 

� Daniel Schwartz »Schnee in Samarkand ...« ........................................... 10 

� BERLIN, Blicke - Ein Fotopreis ................................................................ 11 

� HERB RITTS ........................................................................................... 12 

� ARNOLD CRANE .................................................................................. 13 

� André Kertész »Fotografien« ................................................................... 14 

� BLUMEN ............................................................................................... 16 

� Thomas Hoepker »DDR Ansichten« ....................................................... 18 

� Joby Hickey »Heliotropes« ..................................................................... 19 

� Thomas Hoepker, Daniel Biskup »ÜBER LEBEN« .................................... 20 

� Anna Yve N. Meyer ................................................................................ 21 

� Greg Bannan »Somewhere in Hollywod« ............................................... 22 

� Novelle .................................................................................................. 23 

� Sasha Stone, Cami Stone »Berlin in Bildern« ........................................... 24 

� Gábor Kerekes »Serien« ......................................................................... 25 

� The Browse Fotofestival - von allen Sinnen ............................................. 26 

� Arno Fischer, Nicole Woischwill, Olle Fischer »Leere Stunden ...« ......... 28 

� La Magnolia – Rom in Berlin »File urbani« .............................................. 29 

� Ulrich Hartmann »Beyond Make Up« ..................................................... 30 

� DS Allen »Night Shift« ............................................................................ 31 

� Max Scheler »Vom Müggelsee bis Hollywod« ........................................ 32 

� Günter Bersch, Johannes Heisig »Übergänge« ........................................ 33 

� Gina Lopez »Spielend, spielend entdecke ...« ......................................... 34 

� Andreas Fahr »Zeitblicke–Bilder aus vier Jahrzehnten« ............................ 35 

Galeriebesprechungen 

� Schießen Sie auf den Fotografen! (Klaus Rabien) ................................... 36 

Galerien in Berlin ....................................................................................... 40 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................... 43 

Ausstellungen 

� Elliot Erwitt »Fotografie« ......................................................................... 44 

� Ingrid Amslinger ..................................................................................... 45 

Fotoszene 

� Blick Dich um ........................................................................................ 39 

� DVF Klaus Rabien .................................................................................. 47 

� Sind Foto-Verbände noch zeitgemäß? (Manfred Kriegelstein) .................. 60 

Portfolio 

� Frank Silberbach .................................................................................... 48 

Buchbesprechungen 

� James Clancy »BORDER COUNTRY« .................................................... 46 

� LUMIX G ............................................................................................... 61 

� Photoshop Ebenen ................................................................................ 61 

� Fotografieren mit dem Nikon-Blitzsystem ............................................... 61 

Vorschau 4-2011 ......................................................................................... 62 

brennpunkt 3/2011 

3

Jörg Rüger 

»the beauty of ruins« 

»Türen, Fenster, Treppen, Licht. Hier 

und dort ein Detail. Und immer wieder 

die Spuren, die die Zeit hinterlassen hat. 

Alles liegt ruhig. Und man spürt, dass hier 

Menschen gelebt, gelacht und vielleicht 

auch gelitten haben. Doch die Menschen 

sind gegangen, wie der Schnee 

des letzten Winters. Zurück bleibt nur 

die Erinnerung. Und der Charme vergangener 

Tage. 

Aber die Erinnerung und der Charme 

sind flüchtig. Vieles von dem, was auf 

meinen Bildern zu sehen ist, ist schon 

nicht mehr. Ist der Abrissbirne oder der 

Zerstörungswut von blindem Vandalismus 

zum Opfer gefallen. Dazu nagt 

der Zahn der Zeit unaufhörlich und die 

Natur holt sich mit Macht zurück, was 

ihr einst entrissen wurde«. 

Die Fotografien von Jörg Rüger ziehen 

den Betrachter mit Ihrer Farbigkeit und 

der besonderen Weise, wie das Licht 

„eingefangen“ wurde, in seinen Bann. 

Jörg Rüger pflegt hierbei keinen dokumentarischen 

Ansatz, die Orte sind 

vielmehr austauschbar. Es geht ihm 

nicht um das große Ganze sondern oftmals 

um das eine entscheidende oder 

die vielen zu entdeckenden Details in 

den Aufnahmen, die den Betrachter in 

ihrer atmosphärischen Dichte immer 

wieder überraschen. 

Jörg Rüger 

Fotografie ist für mich ein weites Feld, 

mit vielen Themen und ebenso vielen 

Möglichkeiten, diese umzusetzen. 

Konventionen sind wichtig, aber kein 

Selbstzweck. Im Vordergrund steht für 

mich die Bildaussage, die die Wahl der 

Gestaltungsmittel vorgibt. Mich interessieren 

viele Bereiche der Fotografie und 

Bildbearbeitung, sowohl inhaltlich als 

auch die verschiedenen Möglichkeiten 

der technischen Umsetzung. Beim Fotografieren 

kann ich meine eigene Sicht 

der Dinge entwickeln und mit anderen 

teilen. Mir ist es dabei wichtig mit den 

Betrachtern meiner Bilder ins Gespräch 

zu kommen. 

© Jörg Rüger 

Da ich die Fotografie nicht zum Broterwerb 

betreibe, kann ich mir den Luxus 

erlauben, dass zu Fotografieren, was 

mich interessiert und muss keine (kommerziellen) 

Erwartungen erfüllen. 

Ich bin Autodidakt und als solcher erst 

spät zur Fotografie gekommen. Ich bin 

46 Jahre alt und lebe in Berlin. 

Website: 

www.sichtbarkeiten.de 

bis 8. Juli 2011 

Caritas Galerie 

Residenzstraße 90 

13409 Berlin-Reinickendorf 

Mo – Fr 8 – 18 Uhr 


Galerien 

5

Galerien 

Nicola Cioni 

»ein Überblick« 

Der Architekt Nicola Cioni, geboren 

1965 in Livorno, fotografiert seit 20 

Jahren. Fast ebenso lange ist er an Ausstellungen 

zeitgenössischer Kunst, Fotografie 

und anderen kulturellen Veranstaltungen 

beteiligt sowie, und das gleich 

mehrfach, prämiert worden. 

Die professionelle Auseinandersetzung 

mit dem Raum, dem Individuum und 

seiner Bewegung bestimmt Cionis kreatives 

Denken und Arbeiten. Immer 

wieder drängt sich eine Vorstellung der 

4. Dimension, die Zeit, in sein fotografisches 

Werk und bestimmt dessen filmischen 

Ausdruck. 

In den frühen Einzelaufnahmen und 

Serien der 1990er Jahre – SW-Fotografien, 

deren Protagonist oft der Künstler 

selbst ist – überlagern sich Gedanken, 

Erinnerungen, Visionen und Träume. 

Existentielle Fragen übersetzt er in Metaphern, 

die den Betrachtern subtil vermittelt 

werden. 

Als Vorarbeit seiner Inszenierungen legt 

Cioni häufig Skizzen an, so auch für die 

Serie der Farbaufnahmen »Realtà di Plastica« 

(Plastikrealitäten), in denen Spielzeugsoldaten 

in Kriegs- bzw. Kampfsituationen 

nachgestellt und so nah 

fotografiert sind, dass man sie auf den 

ersten Blick für echte Menschen hält. 

Auf diese Mini-Szenen folgen Maxi- 

Installationen; um 2005 gestaltet Cioni 

metergroße Fotografien, indem er einzelne 

Orte mit ihrer Geschichte verbindet. 

Für die Serie »Site specific« in der 

Medici-Villa bei Florenz, reflektierte er 

beispielsweise die Beziehung zwischen 

Isabella de’ Medici und Troilo, ihrem 

Liebhaber und Cousin ihres Ehemannes, 

in Fragmenten und Bewegungsspuren. 

In den Folgejahren lotet Cioni die Möglichkeiten 

der digitalen Fotografie und 

Bildbearbeitung für sich aus: in der Serie 

»Transiti« setzt er Schrift ins Bild. Hier 

dirigiert der Künstler das optisch Erfassbare 

durch ein verbales Medium. Konsequenterweise 

kulminiert 2007 in der 

Installation »My Land« die Wort-Bild- 


© Nicola Cioni 



Kombination, bei denen Menschenmengen 

auf öffentlichen Plätzen gezeigt 

werden, zu einer audio-fotografischen 

Komposition. 

Der Serie »Frames« liegen Reportagefotografien 

zugrunde, die Cioni digital 

bearbeitet, auf transparentes Material 

überträgt und mit den schwarzen Rändern 

eines Filmstreifens versieht, so dass 

sie filmisch wirken; die neuen Inhalte 

der Einzelaufnahmen sind zusätzlich 

durch eingeblendete Untertitel forciert. 

– Fazit: Von der nachgestellten Realität, 

den »Soldatini«, zur Umkehrung realistischer 

Bilder in einen erfundenen 

Kontext schließt sich damit der Kreis in 

Cionis bisherigem fotografischen Werk. 

Dieses umfangreiche Schaffen mit allen 

seinen medialen und kreativen Aspekten 

präsentiert die Ausstellung der Galerie 

ratskeller in Lichtenberg. 

Katharina Hausel 


bis 12. August 2011 

galerie ratskeller 

Galerie für zeitgenössische Kunst 

Möllendorffstraße 6 

(im Rathaus Lichtenberg) 

10367 Berlin-Lichtenberg 

www.kultur-in-lichtenberg.de 

Mo–Fr 10–18 Uhr

Valentina Strada 

»36 Stunden in Berlin« 

August 1972. Die ganze Aufmerksamkeit 

der Welt ist auf München gerichtet 

für die 20. Olympiade. Eine gute 

Gelegenheit auch für eine touristische 

Promotion. Viele Journalisten ausländischer 

Zeitungen und Zeitschriften 

werden deshalb für 4 Tage nach München 

und Berlin eingeladen. In Mailand, 

in der Redaktion von Panorama, erstes 

italienisches News Magazin, entscheidet 

sich der Chefredakteur Lamberto 

Sechi für Valentina Strada, damals noch 

Praktikantin. Anbei der Beweis mit einer 

Auswahl der Bilder, die in einer Tour de 

Force von 36 Stunden in der damaligen 

noch ex Hauptstadt Deutschland entstanden 

sind. Bilder die uns an die Situation 

vor fast 40 Jahren erinnern. Diese 

Arbeit ist die ganze Zeit in der Schublade 

geblieben, bis Edith Pichler, Politologin 

und Migrationssoziologin an der 

Humboldt Universität, die Idee für eine 

Ausstellung bekam. 

»Während dieser kurzen Reise versuchte 

ich im Kopf und mit der Kamera 

festzuhalten, was ich alles sah, besonders 

den Kontrast zwischen dem ordentlich 

und tüchtigen Westteil der Stadt zu den 

grauen, runtergekommenen Farben 

der auch fleißigen Ostseite. Schon als 

Kind hatte mich die Mauer Geschichte 

interessiert. In meiner Fantasie war sie 

wie eine lange offene Wunde unter 

dem Himmel, eine Wunde aus Steinen, 

Zement, Stacheldraht und Blut. Ich 

sah die Mauer die Berlin durchquerte, 

zwischen Straßen, Häusern, Gefühlen 

und menschlichen Beziehungen. Ich 

hatte von urplötzlich getrennten Familien 

gelesen, Häuser, die von der Mauer geteilt 

wurden, Fenster mit Blick in den Westen 

mit Ziegelsteinen zugemauert, um den 

Blick zu der anderen, nicht immer 

besseren, aber freien Welt zu verhindern. 

Und natürlich zwei verschiedene 

Lebensstile, die letzten Modelle Opel 

oder Mercedes der einen Seite und 

der Trabbi aus Pappe auf der anderen, 

Straßenleben, Kaufhäuser, Cafés, Licht 

im Westen, Leere und Tristesse, fast 

© Valentina Strada, »Europa-Center« 

© Valentina Strada, »Chitarrista« 

ein Ausgangsverbot im Osten. Einige 

Bilder sind in Bewegung gemacht, kein 

Stop für uns West-Journalisten!! Das 

waren die Sicherheitsbestimmungen 

in bestimmten Situationen und an 

bestimmten Orten. An Bord eines 

Mercedes Cabrios der 50er Jahre im 

amerikanischen Sektor, mit dem Schiff 

an der Glienicker Brücke, wo oft Spione 

ausgetauscht wurden. Und dann über 

den Checkpoint Charlie, die großen 

Denkmäler und die neuen Gebäude 

der sozialistischen Wohnarchitektur. 

Vor der Abreise konnte ich auch das 

Axel Springer Gebäude besuchen, in 

der Nähe der Mauer. Und ganz oben 

in der letzten Etage, alles war ganz 

schön mit Holz verkleidet, wo es nach 

Pfeife gerochen hat, waren die RAF- 

Plakate der Polizei zu sehen. Manche 

Bilder waren gekreuzt, Zeichen einer 

Festnahme. Auch West-Deutschland 

war in den bleiernen Jahren«. 

Valentina Strada 


Galerien 

Valentina Strada, 1947 in Mailand 

geboren. Promovierte Sozialwissenschaftlerin, 

arbeitet als Journalistin seit 

1973. Als Redakteurin hat sie für mehrere 

Zeitschriften und Zeitungen gearbeitet 

wie »Panorama« und »Corriere 

della Sera«. Kulturchefredakteurin für 

die Wirtschaftstageszeitung »Il Sole 

24 Ore« sowie verantwortlich für die 

Redaktion Gesellschaft und Familie bei 

»Oggi«. Chefredakteurin in der Design- 

Einrichtung-Architektur Monatszeitschrift 

»Casamica« und zuletzt auch für 

»L’Europeo«, heute thematische Zeitschrift 

von Kultur, Politik und Aktualität, 

in den 70ern voller Reportagen, die die 

Autorin ganz schön geprägt haben. Das 

Interesse und die Leidenschaft für die 

Fotografie hat viel mit den Fotoreportern 

von damals zu tun. Besonders aber mit 

Giuseppe Pino, Fotoreporter von »Panorama« 

und international renommierter 

Porträtist, von ihm hat Valentina Strada 

ihre ersten Kenntnisse bekommen. 

bis 18. September 2011 

Cafe Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 18–24 Uhr 

Sa – So 14–24 Uhr 

und nach Vereinbarung 

7

Galerien 

Helmut Newton 

Polaroids 

Anhand von über 300 Photographien 

wird erstmals ein repräsentativer 

Überblick von Newtons legendären 

Polaroids gezeigt. Seit den 1970er Jahren 

hatte er diese Technik intensiv genutzt, 

insbesondere während der Shootings 

für seine Modeaufträge. Dahinter stand, 

wie Newton es selbst einmal in einem 

Interview nannte, das ungeduldige 

Verlangen, sofort wissen zu wollen, 

wie die Situation als Bild aussieht. Ein 

Polaroid entspricht einer Ideenskizze 

und dient zugleich der Überprüfung 

der konkreten Lichtsituation und 

Bildkomposition. 

Helmut Newton, Focus Magazine, Milan 1997, 

Polaroid © Helmut Newton Estate 

1992 veröffentlichte Helmut Newton 

»Pola Woman«, ein ungewöhnliches 

Buch, das ausschließlich seine Polaroids 

vorstellte. Die Publikation lag ihm, 

wie er sagte, »besonders am Herzen«, 

gleichzeitig wurde sie kontrovers 

diskutiert. Den Vorwurf, dass die 

Bilder darin nicht perfekt genug seien, 

konterte er mit dem Argument: »Doch 

das war ja gerade das Spannende – die 

Spontaneität, das Schnelle«. 

Das Polaroid-Verfahren selbst hat die 

Photographie revolutioniert. Wer diese 

Kamera jemals benutzt hat, wird den 

Geruch der Entwicklungsemulsion und 

die Faszination für das Sofortbild nicht 

vergessen. Beim Polaroid handelt es 


Helmut Newton, Thierry Mugler. Monte Carlo 1998, Polaroid © Helmut Newton Estate 

sich stets um ein Unikat. Polaroids sind 

deshalb häufig als vorbereitende Studien 

und als eigenständiges Medium 

verwendet worden. Das begann bereits 

kurze Zeit nach der Präsentation der 

Sofortbildphotographie vor der »Optical 

Society of America« 1947 durch ihren 

Erfinder Edwin Land – und vor allem, 

nachdem dieser 1972 das legendäre 

SX-70-System, eine zusammenklappbare, 

simple und preiswerte Kamera, 

vorstellte. In nahezu allen photographischen 

Bereichen – Landschaft und 

Genre, Porträt und Selbstporträt, Mode 

und Akt – und überall auf der Welt fand 

die ungewöhnliche Bildtechnik begeisterte 

Anwender. Aufschlussreich sind 

Newtons handschriftliche Ergänzun- 

gen an den Bildrändern der Polaroids: 

Kommentare zum jeweiligen Modell, 

Auftraggeber oder Aufnahmeort. Diese 

Anmerkungen, die Unschärfen und 

Gebrauchsspuren finden sich auch 

auf den Vergrößerungen der Polaroids 

innerhalb der Ausstellung; sie zeugen 

von einem pragmatischen Umgang mit 

den ursprünglichen Arbeitsmaterialien, 

die inzwischen jedoch einen eigenen, 

autonomen Wert besitzen. 

Insbesondere die eigene, unvergleichliche 

Ästhetik der Polaroids, die die Farbigkeit 

und die Kontraste des photographierten 

Gegenstandes geradezu unvorhersehbar 

verändert, macht die experimentelle 

Technik auch für den heutigen 

Betrachterblick interessant.

Helmut Newton, Paris Match, Monte Carlo 1985, Polaroid © Helmut Newton Estate 

Helmut Newton, French Vogue, Paris 1981, 


Insofern kommt die Ausstellung einem 

Blick ins Skizzenbuch eines der einflussreichsten 

Photographen des 20. Jahrhunderts 

gleich. Viele der ikonischen Aufnahmen, 

die bereits zuvor in den Ausstellungsräumen 

der Helmut Newton 

Stiftung gezeigt wurden, werden durch 

die jetzige Ausstellung in ihrer Entstehung 

präsent. 

Matthias Harder 

bis 20. November 2011 

Helmut Newton Stiftung 

Jebensstraße 2 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di – So 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 


Galerien 

Helmut Newton, Yves Saint Laurent, Paris 1991, 


9

Galerien 

Daniel Schwartz 

»Schnee in Samarkand 

Ansichten aus dem 

Hinterland der 

Kriege«. 

Die Ausstellung konfrontiert mit brisanter 

Gegenwart. Sie führt nach Afghanistan 

und Zentralasien und zeigt Geschichte, 

Geografie und Gegenwart einer Region, 

die vom Kaspischen Meer bis über die 

Wüsten Westchinas hinausreicht und 

von Kasachstan im Norden bis Pakistan 

und Iran im Süden. Diese Region ist in 

den Nachrichten als Herd andauernder 

Kriege und latenter Konflikte präsent. 

Der international renommierte Schweizer 

Fotograf und Autor Daniel Schwartz 

untersucht in seinem Werk das geografisch 

heterogene und machtpolitisch 

komplexe Gebilde Zentralasien, sowohl 

von innen her, als auch aus europäischer, 

chinesischer und persisch-arabischer 

Perspektive. 

Die Vermittlerrolle Zentralasiens zwischen 

Ost und West reicht bis in die prähistorische 

Zeit zurück. Schon immer 

war sie ein entscheidender machtpolitischer 

Faktor. 

Und nicht erst seit 9/11 und der darauf 

folgenden militärischen Intervention in 

Afghanistan, besitzt diese Region geostrategische 

und geo-ökonomische 

Bedeutung. 

Der ausgestellte Werkzyklus entstand 

zwischen 1995 und 2007 in den fünf 

zentralasiatischen Republiken sowie 

in Afghanistan und den angrenzenden 

Regionen. Seit 14 Jahren bereist 

Schwartz dieses Gebiet und hat dabei 

ebenso betörende wie bestürzende 

Bilder geschaffen – etwa die zeitlos 

anmutende Aufnahme afghanischer 

Flüchtlinge aus dem Hungergebiet 

oder das Bild der iranischen Ruinenstadt 

Bam. 

Die Fotografien bilden eine humanistische 

Sichtweise innerhalb der Tradition 

der Dokumentarfotografie ab. Angesiedelt 

in der Schnittmenge zwischen 

Dokumentar- und Kunstfotografie, sind 

sie gekennzeichnet durch ein feines 


Unter den Augen der Taliban. 

Kabul, Afghanistan 1998. 

© 1998 Daniel Schwartz / ProLitteris / VG Bild- 

Kunst, Bonn 2011 

Gespür für soziopolitische Zusammenhänge 

sowie für besondere visuelle 

Momente. Das Ergebnis sind relevante 

Bilder. 

Zeit und Erinnerung, Gegenwart und 

Vergangenheit sind Gegenstände des 

Werkes von Daniel Schwartz. Sie thematisieren 

den Dialog von Geografie 

und Geschichte, von nachwirkender 

Vergangenheit und herrschenden 

Entwicklungen. Die Fotografien sind 

Momentaufnahmen und gleichzeitig 

Geschichtsbilder. Sie führen an entlegene 

und vermeintlich bekannte Orte 

und beleuchten Asymmetrien und tradierte 

Missverständnisse innerhalb der 

Begegnung der Kulturen. 

Die erstmals in Deutschland präsentierte 

Ausstellung zeigt die Bilder nicht 

chronologisch oder geografisch geordnet, 

sondern assoziativ gruppiert. 

Die Ausstellung und die beiden begleitenden 

Bildbände eröffnen Perspektiven 

und Zusammenhänge, die auch Historiker, 

Geografen und Militärstrategen 

überraschen. 

Daniel Schwartz, 1955 in Olten in der 

Schweiz geboren, besuchte von 1977 

bis 1980 die Fachklasse für Fotografie 

an der Schule für Gestaltung in Zürich. 

Von 1990 bis 2005 war er Mitarbeiter 

der Kulturzeitschrift »du«. 1987/88 

dokumentierte er die Architektur der 

Großen Mauer in China und die sich 

verändernde Landschaft. In den 1990er 

Jahren arbeitete er in den ökologischen 

Notstandszonen und Konfliktgebieten 

Süd- und Südostasiens, danach in 

Zentralasien und Afghanistan. Zeugnis 

Das Lamm. Sary Tash, Kirgistan 2004. 

© 2004 Daniel Schwartz / ProLitteris / VG Bild- 

Kunst, Bonn 2011 

dieser Arbeit gibt die fast tausendseitige 

historische Reportage »Schnee in 

Samarkand. Ein Reisebericht aus dreitausend 

Jahren« (2008) und das Künstlerbuch 

»Travelling Through the Eye of 

History« (2009). 

Schwartz hatte zahlreiche Einzelausstellungen 

unter anderem im Kunsthaus 

Zürich, Imperial Palace Museum, Beijing, 

Kunstmuseum Solothurn und im 

Rahmen des Billboard-Programms des 

Kunsthaus Bregenz. Zweimal wirkte er 

bei Gruppenausstellungen bei der Biennale 

Venedig mit. Im Sommer 2011 zeigt 

das San Francisco Museum of Modern 

Art eine Serie von Afghanistan-Bildern. 

Zur Ausstellung ist das Buch »Travelling 

through the Eye of History« mit 

165 Fotografien bei Thames & Hudson, 

London, erschienen. 

Preis: 39,80 Euro 

ISBN: 978-0-5005-4290-3 

Es ist auch in einer auf fünfzig Exemplare 

limitierten und nummerierten Sonderausgabe 

mit einer schwarz-weißen 

Originalfotografie erhältlich. 


Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 

10963 Berlin-Kreuzberg 

Mi – Mo 10–20 Uhr 

Dienstags geschlossen

BERLIN, Blicke 

– Ein Fotopreis 

schreibt subjektive 

Stadtgeschichte 1990 

– 2010 

Die Ausstellung versammelt Foto-Serien 

von Preisträgerinnen und Preisträgern 

eines Fotopreises in Schöneberg und 

Tempelhof, der seit 20 Jahren ausgeschrieben 

wird. Dieser in Berlins Bezirken 

einmalige Preis eröffnet eine sehr 

subjektive Sicht auf 20 Jahre Bezirks- 

Geschichte und spiegelt zugleich 20 

Jahre Stadtfotografie in Berlin wider. Die 

Fachjury – zusammengesetzt aus Experten 

von Fach- und Hochschulen, Kunstvereinen, 

Museen sowie aus Fotohistorikern 

und Journalisten – hat auf zwei 

Dinge geachtet: Erstens, dass in den prämierten 

Fotoserien etwas Allgemeines 

über das urbane Leben am Beispiel von 

Schöneberger und Tempelhofer Motiven 

zum Ausdruck kommt. Zweitens sollte 

das Niveau der Arbeiten »eigensinnig« 

sein und zugleich auch die aktuellen 

Debatten zur Fotoästhetik und über das 

gewandelte Selbstverständnis der Fotografen 

als Künstler aufnehmen. Die 

Themen haben die Foto-Künstlerinnen 

und -Künstler selbst gewählt und über 

längere Zeit als Projekte realisiert. Auf 

diese Weise ist eine Sammlung zusammengekommen, 

deren Spektrum von 

der klassischen Autoren- und Architekturfotografie 

bis zur konzeptuellen Fotografie 

reicht. 

Diese Ausstellung ist zugleich die letzte, 

die von der langjährigen Leiterin des 

Hauses am Kleistpark, Katharina Kaiser, 

kuratiert wird. Exemplarisch wird hier 

das Konzept sichtbar, mit dem sie seit 

1982 das Haus am Kleistpark geprägt 

hat: Künstler vorzustellen, die sich auf 

die Gesellschaft einlassen, genau hinsehen 

und damit den Betrachtern etwas 

über die Zusammenhänge der Welt und 

sich selbst vermitteln. 

Die beteiligten Fotografinnen und Fotografen: 

Karine Azoubib, Peter Bajer, Ute und 

Bernd Eickemeyer, Ludovic Fery, Fred 

© André Kirchner, 2006 

© Thomas Leuner (O.i.F.), 1992 

Hüning, André Kirchner, Wolf Klein, 

Hans-Peter Klie, Natalie Kriwy, Karl- 

Ludwig Lange, Thomas Leuner, Winfried 

Mateyka, Michael Nager, Ildar Nazyrov, 

Jens Oliver Neumann, Lothar M. Peter, 

Nelly Rau-Häring, Florian Rexroth, Wolfgang 

Ritter, Orit Siman-Tov, Arnd Weider, 

Janina Wick. 

Aus Anlass dieser Ausstellung erscheint 

im Berlin Story Verlag das Buch »BERLIN, 

Blicke – Ein Fotopreis schreibt subjektive 

Stadtgeschichte 1990–2010«, mit 

Texten von Katharina Kaiser, Enno Kaufhold 

und Barbara Lauterbach. 

Mit zahlreichen Farbabbildungen, 152 

Seiten, Hardcover. 

»... Die Voraussetzung für das Begreifen 

der Welt besteht im Erfassen und Miterleben 

des Nächstliegenden. Die Welt ist 

auch nur ein Konglomerat aus Provinzen«. 

Janos Frecot, 1996 

© Nelly Rau-Häring, 1980 


HAUS am KLEISTPARK 

Grunewaldstraße 6/7 

10823 Berlin-Schöneberg 

Di – So 10–19 Uhr 


Galerien 

11

Galerien 

HERB RITTS 

Die Photographien geben einen 

umfangreichen Einblick in das Werk 

des im Jahr 2002 verstorbenen Photographen. 

Alle ausgestellten Arbeiten 

sind zu Lebzeiten des Künstlers unter 

seiner Aufsicht geprintet worden. 

Der Autodidakt hat in den 1980er 

und 1990er Jahren mit nahezu jedem 

Superstar gearbeitet. Unter den ausgestellten 

Porträtaufnahmen finden sich 

Namen wie Madonna, Mick Jagger, 

Dustin Hoffman, David Bowie, Philip 

Seymour Hoffman, Jack Nicholson 

oder Cindy Crawford. Seinem einzigartigen 

Blick sind sowohl unverwechselbare 

Porträts als auch sehr 

ästhetische Aktaufnahmen zu verdanken. 

Mit großem Einfühlungsvermögen 

und seiner stilistischen Sicherheit 

im Einsatz von strengen Formen, die 

eine monumentale Sinnlichkeit bewirken, 

schuf Herb Ritts zeitlose Ikonen 

und beeinflusste mit seiner innovativen 

Bildsprache eine ganze Generation 

von Photographen. 

Sand, Meer, Himmel und oftmals 

unheilvolle, dramatische Schatten sind 

die Hintergründe vor denen Herb Ritts 

seine perfekten Lichtskulpturen inszeniert. 

Häufig sind seine Aufnahmen in 

der Umgebung von Los Angeles entstanden, 

wo er im Nachbarhaus des 

Schauspielers Steve McQueen aufgewachsen 

ist. Mit formaler Strenge 

sowie subtiler Erotik komponierte der 

»Meister der lasziven Pose« Schwarzweiß-Aufnahmen 

von unverwechselbarer 

Eleganz. 

Als Mode-, Celebrity-, Porträt- und 

Aktphotograph erlangte Herb Ritts 

innerhalb kürzester Zeit Legendenstatus. 

Seine zunächst privaten Aufnahmen 

des jungen vor, Kraft strotzenden, 

aber noch relativ unbekannten Richard 

Gere beim Reifenwechsel, begründen 

seine Karriere als Ikonenphotograph 

der Popkultur. Als Gere durch den Film 

»In der Glut des Südens« im Jahr 1978 

der internationale Durchbruch gelingt, 

werden die Bilder von der Vogue und 

der Mademoiselle angefordert und 


© Herb Ritts Foundation, »Male Nude with Tumbleweed«, Paradise Cove, 1986 

gedruckt. Die Bilder sind eine Sensation 

und lösen auf Grund ihrer kraftvollen 

Ästhetik vielfache Begeisterung aus. 

Dies sollte der Grundstein seiner internationalen 

Karriere sein. 

Herb Ritts hat mit seinen Modestrecken 

in den 1980er und 1990er Jahren entschieden 

die Ästhetik von Zeitschriften 

wie Vogue, Vanity Fair oder Interview 

geprägt. Seine Werbekampagnen für 

Unternehmen wie Calvin Klein, Armani 

oder Gap prägten sich unmittelbar ein. 

Aber auch Musikvideos für Madonna, 

Michael Jackson, Janet Jackson, Shakira 

oder insbesondere Chris Isaak’s legendäres 

Video zu »Wicked Game« gehören zu 

seinem beispiellosen Werk 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11–18 Uhr

ARNOLD CRANE 

CAMERA WORK freut sich, eine Ausstellung 

von bedeutenden Photographen-Porträts 

des US-amerikanischen 

Photographen Arnold Crane zu präsentieren. 

Die Ausstellung beginnt am 16. 

Juli und wird bis zum 3. September 2011 

gezeigt. Die jeweiligen Porträts werden 

durch Werke der abgebildeten Künstler 

aus der umfangreichen Photo-Sammlung 

von CAMERA WORK ergänzt. 

© Arnold Crane »Edward Steichen«, 1969 

Arnold Crane genoss einen einzigartigen 

Zugang zu den berühmtesten Photographen 

unserer Zeit. Er nutzte seine 

Kamera, um die Ikonen der Photographie 

des 20. Jahrhunderts einzufangen 

– Man Ray, Walker Evans, Ansel Adams, 

Bill Brandt, Brassaï, Edward Steichen 

und viele andere – in intimen Umgebungen 

wie deren Wohnungen und Studios. 

Über zwei Jahrzehnte schuf Crane 

eine Werksammlung von unermesslichem 

Wert und historischer Bedeutung. 

Ob er nun mit Paul Strand im Auto sitzt, 

Imogen Cunningham in ihrer Küche 

ablichtet oder Ansel Adams bei einem 

Point Lobos Shoot auf Schritt und Tritt 

photographisch begleitet – Arnold Crane 

zeichnet stets empfindsame Bilder, in 

denen das Subjekt zugleich enthüllt als 

auch verehrt wird. 

© Arnold Crane, »Brassaï«, 1968-1970 © Arnold Crane, »Ansel Adams beim 

© Arnold Crane, »Paul Strand in seinem Auto«, 

Verneuil-sur-Seine, 1968 

Bereits in seiner Jugend arbeitete Arnold 

Crane als Journalist und dokumentierte 

Ereignisse wie Schwerverbrechen, Erdbeben, 

Feuer oder politische Ereignisse. 

Zudem wurden seine Werke in verschiedenen 

US-amerikanischen Magazinen 

veröffentlicht. Nach einem Studium 

der Rechtswissenschaften unterbrach 

er zunächst seine Karriere als 

Photograph, um diese im Jahr 1983 

wieder aufzunehmen, inspiriert durch 

eine Freundschaft mit dem Photographen 

Man Ray. In seiner bereits vergriffenen 

Monographie »On the other 

side of the camera« sind alle Künstlerporträts 

zusammengefasst, die Arnold 

Crane über die Jahre gemacht hat. Das 

Buch hat im Erscheinungsjahr 1995 den 

renommierten KODAK Photobuch Preis 

erhalten. Cranes Photographien sind in 

zahlreichen Büchern erschienen. 

16. Juli bis 3. September 2011 

Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11–18 Uhr 


Galerien 

Fotografieren am Point Lobos« Kalifornien, 1969 

© Arnold Crane, »Arnold Crane with mirror« 

So wurde beispielsweise sein Porträt von 

Walker Evans für das Cover der Publikation 

»Walker Evans. Decade by Decade« 

genutzt, welche 2010 erschien. Er wurde 

weiterhin als einer von 100 New Yorker 

Photographen in einem 2009 erschienenen 

gleichnamigen Buch (»100 New 

York Photographers«) gelistet. Arnold 

Cranes Bilder wurden bislang in diversen 

Einzelausstellungen in internationalen 

Galerien und Museen präsentiert. . 

Regelmäßig leitet er Seminare und Vorlesungen 

über Photographie. Der Künstler 

lebt in Chicago und Paris. 

13

Galerien 

André Kertész 

»Fotografien« 

Der Berliner Martin-Gropius-Bau präsentiert 

mit über 300 Fotografien eine 

große Retrospektive von André Kertész. 

Kertész, der in Ungarn geboren wurde 

und später in Budapest, Paris und New 

York lebte, hat mit Aufnahmen wie 

Schwimmer unter Wasser (1917), Chez 

Mondrian (1926) oder Gabel (1929) 

einen festen Platz in der Fotogeschichte 

des 20. Jahrhunderts eingenommen. Es 

sind nicht nur seine formal herausragenden 

Kompositionen, die ihm große Wertschätzung 

einbrachten, sondern auch 

seine surreal inspirierte Poesie, mit der 

er scheinbar einfache Dinge und Situationen 

erfasst. Sein innovatives fotografisches 

Gespür hat viele seiner Kollegen 

inspiriert, die zu den bedeutendsten 

Fotografen des 20. Jahrhunderts zählen: 

Brassaï hat bei ihm gelernt, Henri Cartier- 

Bresson und der junge Robert Capa 

wurden von ihm beeinflusst. 

Der Martin-Gropius-Bau präsentiert 

nun, nachdem 2004 Cartier-Bresson, 

2005 Capa und 2007 Brassaï mit großem 

Publikumserfolg gezeigt worden sind, 

den großen Vorreiter Kertész. Die Ausstellung 

André Kertész – »Fotografien« 

ist thematisch ausgerichtet und folgt den 

großen Leitmotiven seines Schaffens, 

wie der immer wiederkehrenden Beobachtung 

von Schatten, Dächern und 

Schornsteinen oder der metaphorischen 

Darstellung von Gefühlen wie Melancholie. 

Darüber hinaus rückt sie bisher 

weniger bekannte Werkgruppen ins 

Blickfeld: Frühe Aufnahmen, die während 

seines Militärdienstes im Ersten 

Weltkrieg entstanden und die Polaroids 

der letzten Jahre in New York. Besondere 

Aufmerksamkeit wird Kertészs Einfluss 

auf die Entstehung der Foto-Reportage 

in Paris ab 1928 gewidmet. Mehrere 

Ausgaben von VU, Art et Médecine, 

Paris Magazine sowie verschiedene 

Ausgaben seiner Reportage über 

das Kloster der Trappisten in Soligny-la- 

Trappe werden in der Ausstellung zu 

sehen sein. 


Distortion n° 41, 1933, [mit Selbstportrait von André Kertész], Silbergelatine-Abzug, 

Späterer Druck, Sammlung Maison Européenne de la Photographie, Paris 

Biografie und Laufbahn: André Kertész, 

der am 2. Juli 1894 in Budapest als Andor 

Kertész in einer bürgerlichen jüdischen 

Familie geboren wurde, träumte schon 

als Kind davon, zu fotografieren. 

Mit 18 Jahren kaufte er seine erste 

Kamera, eine ICA Box, die mit 4,5 x 6 

cm Platten zu bedienen war. Aus dieser 

Frühphase stammt das Foto eines schlafenden 

Jungen. Während seiner Militärzeit 

bei der österreichisch-ungarischen 

Armee, dokumentierte er in lakonischen 

Bildern den Alltag des Soldatenlebens, 

die langen Märsche, das Warten in den 

Schützengräben, die Verlorenheit des 

Einzelnen. Im September 1915 verwundet, 

entstand während seiner Genesung 

in Esztergom 1917 das berühmte Foto 

Schwimmer unter Wasser. In ihm scheint 

er mit dem von Lichtreflexen überzogenen, 

optisch verzerrten Körper spätere 

Arbeiten vorwegzunehmen. Die Ästhetik 

der Reflexion sollte erst ein Jahrzehnt 

später am Bauhaus populär werden. 

Nach dem Krieg fotografierte Kertész, 

der an der Börse arbeitete, in seiner Freizeit 

vor allem Alltagsmotive wie seinen 

Bruder Jenö beim Sport, doch bot Budapest 

nicht das geeignete Umfeld für seine 

künstlerischen Ambitionen. 1925 entschloss 

er sich, nach Paris zu gehen und 

reiht sich damit in eine große Gruppe 

ungarischer Künstler und Fotografen 

Melancholische Tulpe, New York, 1939 

Silbergelatine-Abzug, Gedruckt ca. 1980 

Courtesy Bruce Silverstein Gallery 

ein, die nach dem Zerfall der Österreichisch-Ungarischen 

Monarchie und 

der niedergeschlagenen Räterepublik in 

den zwanziger Jahren Ungarn verließen 

und - wie László Moholy-Nagy, Robert 

Capa, Germaine Krull und Brassaï - entweder 

nach Paris oder nach Berlin auswanderten.

Schwimmer unter Wasser, Esztergom, 1917, Silbergelatine-Abzug, 

Gedruckt in den 1980-ziger Jahren, Bibliothèque nationale de France 

Zerbrochene Scheibe, Paris, 1929 [printed for 

the first time by André Kertész in 1964], 

Silbergelatine-Abzug, 

Gedruckt in den 1970-ziger Jahren, 

Courtesy Attila Pocze, Vintage Galéria, Budapest, 

Hungary 

In Paris knüpfte Kertész bald Kontakte zur 

künstlerischen Avantgarde am Montparnasse: 

zu Piet Mondrian, Fernand Léger, 

Ossip Zadkine und Alexander Calder. 

In dieser Zeit nahm er zahlreiche Portraitaufnahmen 

in der Art der carte postale 

auf. Als Flaneur durchstreifte Kertész 

die große Metropole und fotografierte 

in den Straßen und Parks, auf den 

Dächern und am Seine-Ufer von Paris. 

Er verstand Fotografie als visuelles Tagebuch, 

als Instrument, um das Leben zu 

beschreiben: »Ich interpretiere meine 

Empfindung in einem bestimmten 

Augenblick. Nicht, was ich sehe, sondern 

was ich empfinde.« 

Verlorene Wolke, New York, 1937 

Silbergelatine-Abzug 

Gedruckt in den 1970-ziger Jahren 

Courtesy Sarah Morthland Gallery, New York 

Mit seinen Aufnahmen aus der Nah- und 

Vogelperspektive und seinem Blick für 

die geometrische Struktur des Raumes, 

aber auch für Schatten, Reflexionen und 

Silhouetten fand er bald Anerkennung. 

1927 zeigte die Galerie Au Sacre du 

Printemps eine erste große Werkbilanz 

und 1929 nahm er an der internationa- 



Niederkirchnerstraße 7 


Mi – Mo 10–20 Uhr 

Dienstags geschlossen 


Galerien 

len Ausstellung »Film und Foto« in Stuttgart 

und in Berlin teil. Ab 1928 arbeitete 

Kertész mit einer Leica, der ersten 

Kleinbildkamera. 

In den folgenden Jahren wurden bei VU 

mehr als 30 Fotoessays von ihm veröffentlicht. 

1933 entstand die ungewöhnliche Serie 

»Distortions« – hier führen durch Spiegel 

verzerrte weibliche Körper ein Eigenleben 

zwischen Karikatur und Erotik. 

Außerdem erschienen Bücher wie 

Enfants (1933), Paris vu par André Kertész 

(1934) und Nos amies les bêtes 

(1936). Im selben Jahr folgte Kertész 

einem Angebot der Keystone Agentur 

und siedelte nach New York über, doch 

kündigte er den Vertrag bald und wurde 

freischaffend. 

Die Zeit in den USA war zunächst von 

existentiellen Schwierigkeiten geprägt 

und 1949 nahm er eine Arbeit (bis 1962) 

für das Magazin House and Garden an. 

Auf einer Reise nach Paris 1963 entdeckte 

er einen Großteil seiner Negative 

wieder, die ihn zu neuer künstlerischer 

Arbeit inspirierten und internationale 

Anerkennung brachten. 

1964 stellte er im Museum of Modern 

Art in New York aus. In seiner letzten 

Schaffensphase und vor allem, als er 

seine Wohnung nicht mehr verlassen 

konnte, fotografierte er vom Fenster 

seines Apartments aus den Washington 

Square. In dem Buch From my Window 

(1981) veröffentlichte er Polaroidaufnahmen 

von fein komponierten Stillleben 

– sie zeigen ihn erneut als Meister 

des Lichts mit den einfachsten Mitteln. 

Als André Kertész am 28. September 

1985 starb, hinterließ er ein Archiv von 

100.000 Negativen. 

Katalog: 

Hatje Cantz Verlag 

Buchhandelsausgabe: 49,80 Euro 

Museumsausgabe: 25,00 Euro 

ISBN: 978-3-7757-2630-6 

15

Galerien 

BLUMEN 

Schönheit und Vergänglichkeit, Liebe 

und Tod. Kein Lebewesen findet in 

der Symbolik häufiger Verwendung 

als die Blume, und kaum ein Thema 

ist aus kunsthistorischer Sicht so komplex 

wie die Geschichte des Blumenbildes 

– auch zeitgenössische Fotografen 

wenden sich immer wieder diesem 

jahrhundertealten Bildmotiv zu. Dies ist 

der Grund für eine erste Übersichtsausstellung 

zum Thema mit unterschiedlichen 

formalen und inhaltlichen Ansätzen. 

Die Geschichte der Fotografie kennt 

bereits seit ihrer Pionierzeit Aufnahmen 

von Blumen, angesiedelt meist 

zwischen Systematik und Erotik, Naturkontext 

und Materialstudie. In jüngster 

Zeit ist das Motiv Ausgangspunkt neuer, 

experimenteller Betrachtungen: Blumenvasen 

werden zerschossen und im 

Moment der Zerstörung dokumentiert, 

Blüten werden mit Farbe übermalt, Blütenstängel 

und Staubblätter für sexuelle 

Anspielungen verwendet, Blumen werden 

beim Vertrocknen, Verblühen oder 

Verwesen beobachtet, gescannt oder als 

überbordende Bouquets inszeniert. 

Das Schweizer Künstlerduo Fischli/ 

Weiss beispielsweise paraphrasiert mit 

ihren doppelt belichteten Blumenbildern 

althergebrachte Schönheitsvorstellungen 

bis hin zum Kitsch. Wilfried Bauer 

hingegen verwandelt verblühte und vertrocknete 

Sonnenblumen in Todesmetaphern. 

So spartanisch die Blumen bei 

ihm in Szene gesetzt werden, so opulent 

arrangiert die holländische Fotografin 

Margriet Smulders ihre Blumenstillleben 

– auch als Referenz an die flämische 

und holländische Barockmalerei; 

der bürgerliche Wohlstand fand dort im 

17. Jahrhundert bekanntlich unter anderem 

in den sogenannten Blumenstücken 

seinen Ausdruck. Die Rose, von 

Smulders in Bloody Roses eindrucksvoll 

enigmatisch dargestellt, steht wie 

kaum eine andere Blume für den Dualismus 

von Liebe und Tod. Thomas 

Florschuetz fotografierte die Blütenblätter 

einer Rose aus nächster Nähe; 

die für sein Werk so typische motivische 

Verdoppelung wirkt hier fleischlich-barock. 

Michael Wesely wiederum 


© Holger Niehaus, »o.T.«, 2009, (O.i.F.) © Martin Klimas, »o.T.«, 2008, (O.i.F.) 

hält in seinen Langzeitaufnahmen den 

Prozess des Verblühens fest. Wir sehen 

dabei zu, wie die Blumenstängel und - 

blätter der Tulpen während der mehrtägigen 

Belichtung ihre Spannkraft verlieren. 

Hier steckt noch eine große Portion 

Schönheit im Prinzip der Vergänglichkeit. 

Bei Amin El Dib sind wir hingegen 

mit einem anderen Aspekt des Verfalls 

konfrontiert: er fotografiert u.a. die aufgequollenen 

Schnittkanten der Blumen, 

die zu lange in der Vase standen. Vanitas 

hat mehrere Gesichter, hier zeigt sie 

sich als Fratze. 

Der selbst gepflückte Wiesenstrauß entspringt 

freilich einem anderen, naturnahen 

Grundverständnis. Dies bringt 

Sofia Koukoulioti prägnant zum Ausdruck: 

Sie pflückt in naturbelassenen 

Brachen Griechenlands gewissermaßen 

mit der Kamera wild wachsende 

Blumen und andere Pflanzen, die sie 

im Nebeneinander der Bilder zu einem 

großen Strauß arrangiert. Hier wähnt 

man sich der naturgegebenen Liebesbeziehung 

zwischen Blumen und Insekten 

auf der Spur. Vera Mercer reduziert in 

ihren Stillleben die Farbigkeit mit Hilfe 

späterer Bildbearbeitung zu einem kolorierten 

Schwarzweiß: Mal sind es einzelne 

Blumen, etwa eine Amaryllis, mal 

sind es Blumenpaare, etwa zwei weiße 

Rosen, deren große Blüten so schwer zu 

sein scheinen, dass sie sich am Rand der 

Vase herunter biegen. Miron Schmückle 

wiederum inszeniert sich in seinen Blumenbildern 

gleich mit: er hält sich in 

seinen Selbstporträts eine einzelne 

Blüte oder einen Blütenstrang vor den 

eigenen nackten Körper – das Präsentieren 

der Blüte zwischen den abgespreizten 

Fingern gerät zu einer religiös-symbolischen 

Geste. 

Manche Blumensträuße dieser Ausstellung 

hat man selbst beim Floristen so 

noch nie gesehen, etwa diejenigen von 

Holger Niehaus; er wählt ungewöhnliche 

Versuchsanordnungen, wenn er 

beispielsweise ein Blumenarrangement 

so in eine geometrische Form 

schneidet, dass dieses der Außenform 

der Vase entspricht. Einen ebenfalls irritierenden 

Ansatz wählt Martin Klimas: 

Sein Bildgegenstand sind in einer Vase 

arrangierte Schnittblumen, einzeln oder 

im Paar. Mit Hilfe eines Hochdruckschussgeräts 

lässt er die Vase zerbersten 

und fotografiert exakt den Moment 

bevor die Blumen zur Seite wegkippen 

und ins Bodenlose stürzen. Schönheit 

und Vergänglichkeit, Statik und Bewegung 

finden in einem Bild zueinander, 

einem Sinnbild des Vergehens alles Irdischen. 

Makellose Schönheit und zeitlose 

Eleganz begegnen uns demgegenüber 

in den Blumenbildern von Jean- 

Baptiste Huynh. Er beschäftigt sich in 

seinem Werk intensiv mit Materialität 

und Oberfläche und demaskiert den 

Gegenstand im Hinblick auf eine hinter 

aller Sachlichkeit verborgenen Sinnlichkeit, 

so auch eine einzelne, puristisch 

inszenierte Blüte vor dunklem Grund. 

Christian Rothmann dagegen vermeidet

© Vera Mercer, »o.T.«, Ohama 2008, (Original in Farbe) 

mit bewusst gesetzten Unschärfen eine 

konkrete Beschreibung des Gegenstandes. 

Er fotografiert Blumen auch in Nahansicht 

oder durch Milchglasscheiben 

– und reduziert die Pflanzen so zu tagtraumhaften 

Erscheinungen ihrer selbst. 

Das gleiche gilt für Stephan Erfurt, der 

im Auftrag des FAZ-Magazins auf der 

Blumeninsel Mainau mit seiner Polaroidkamera 

Blüten in Nahansichten fotografierte. 

Luzia Simons verwendet für 

ihre Tulpenarrangements keine Kamera, 

sondern einen modifizierten Scanner, 

mit dem sie eine unvergleichliche 

räumliche Tiefe und Präzision erzielt. 

Die Blumen werden zur schwebenden, 

skulpturalen Form. 

Das Blumenmotiv findet aber auch indirekt, 

als alltägliches Muster auf Tapeten, 

Matratzen und Kleiderstoffen Verwendung, 

etwa im Werk von Andrea Baumgartl 

oder Jessica Backhaus. Erstere fängt 

mit der Aufnahme des blumengemusterten 

Vorhangs gewissermaßen die 


Galerien 

Zeitlosigkeit des Lebens in einem kleinen 

Dorf bei Berlin ein und verweist 

subtil auf die geradezu inflationäre 

Verwendung der Blume als Schmuckform. 

Backhaus arbeitet stets in größeren 

Werkkomplexen, in denen sie ihr 

unmittelbares Umfeld poetisch befragt, 

und so rücken auch Blumenmotive in 

ihren Fokus. Frauke Eigen schließlich 

fotografierte 2009 einen Strauß japanischer 

Stoffblumen und zeigt jenseits 

von Natur und Naturalismus deren Stilisierung. 

Blumen und Blüten, auch diejenigen 

von Gräsern und Bäumen, tauchen in 

der zeitgenössischen Fotografie in den 

unterschiedlichsten Kontexten auf: in 

essentiellen Formen, als klassische 

Arrangements von Schnittblumen im 

Atelier oder ungepflückt in der Natur, 

als abstrakte und reduzierte Form oder 

als schlichtes Vorhangmuster. 

Die christliche Symbolik ist den meisten 

Blumenstillleben fremd, doch es existieren 

mitunter kunsthistorische oder allegorische 

Bedeutungsbezüge, und im allgemeinen 

Kulturverständnis steht die 

Blume zwischen Orient und Okzident 

weiterhin für Lebenskraft und Lebensfreude. 

Eine zarte Wucht der fotografischen 

Inszenierungen besticht mit Narzissmus 

und Verletzlichkeit, mit Reduktion 

und Üppigkeit, mit erhabener 

Schönheit und Vanitas, mit einer Millisekunde 

und einigen Tagen Belichtungszeit. 

Sie führt uns vor Augen, was wir zu 

sehen und zu schätzen verlernt haben: 

das Naturschöne und seine bildmächtigen 

Darstellungen. 

Matthias Harder 

Begleitend zur Ausstellung erschien 

bereits 2010 die Publikation »Flower 

Power« im Dumont-Verlag, hrsg. v. 

Matthias Harder. 

bis 2. Oktober 2011 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 

10117 Berlin-Mitte 

Di–So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

17

Galerien 

Thomas Hoepker 

»DDR Ansichten« 

Hoepker, 1936 in München geboren, 

begann bereits mit 14 Jahren die ersten 

Versuche mit einer Plattenkamera. Nach 

einem Studium der Kunstgeschichte 

und Archäologie in München und Göttingen 

intensivierte er seine Aktivitäten 

als Fotograf, um ab 1959 regelmäßig für 

Zeitschriften und Jahrbücher zu arbeiten. 

Sein festes Engagement bei der Illustrierten 

»Stern« führte ihn in alle Kontinente; 

immer wieder war er in Elendsgebieten 

der Welt im Einsatz und arbeite 

über die Jahre seine subtile, humanitisch 

gefärbte Bildsprache heraus, die 

später unter dem Begriff »concerned 

photography« etabliert wurde. 

Trotz künstlerischer Qualität und einer 

unverkennbaren Narration innerhalb 

seiner Serien, blieb Hoepker jedoch 


all die Jahrzehnte hindurch dem klassischen 

Fotojournalismus treu. 1964 gipfelte 

dies in seiner Ernennung als erstes 

deutsches Mitglied der berühmten Foto- 

Agentur Magnum, dessen Vizepräsident 

und Präsident er in den darauffolgenden 

Jahren werden sollte. 

Stolze Paraden der FDJ, organisiertes 

Volksgetümmel und stramme Soldaten 

formen ein »lebendiges Sittenbild der 

DDR«. 

Als Gegenpol findet und setzt Hoepker 

scheinbar alltägliche Szenen des Alltags 

ins Bild: Kinder, die zwischen verrotteten 

Häuserfluchten mit Spielzeuggewehren 

spielen; ein ehemaliger Funktionär 

inmitten eines Panzerfriedhofs 

und desolat-wirkende Menschen, die 

ihren neuen Platz zwischen dem Gestern 

und der neugewonnenen Freiheit 

im gewohnten Umfeld zu suchen scheinen. 

Auch werden immer wieder typische 

Markenzeichen der DDR, wie der Trabant, 

die Fahne mit Hammer & Sichel 

© Thomas Hoepker »Trabant«, Berlin (Ost), 1974, © Thomas Hoepker / Magnum 

oder das Bildnis Honekers aufgegriffen 

und mit der unverkennbaren Stil- und 

Treffsicherheit Hoepkers fotografisch in 

Szene gesetzt. 

Thomas Hoepker lebt und arbeitet in 

South Hampton / New York. 

Zur Ausstellung »DDR Ansichten« 

erscheint im Mai eine gleichnamige 

Publikation mit einem Text von Wolf 

Biermann bei Hatje Cantz. Hardcover, 

Preis: 35,00 Euro, 

ISBN: 978-3-7757-28-13-3 


galerie hiltawsky 

Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14–18 Uhr

Joby Hickey 

»Heliotropes« 

Vom deutschen Mathematiker und 

Astronom Carl Friedrich Gnauss im 

19. Jahrhundert erfunden, erlaubte das 

Heliotrop den Landvermessern weit 

entfernte Vermessungspunkte während 

der Messung zu beobachten. Damit war 

eine genaue Landvermessung möglich, 

was die Grundlage genauer Karten ist. 

Die optische, lichtbasierte Technologie, 

aus der das Heliotrop entsprang, 

verbindet sich konzeptionell mit einer 

weiteren bahnbrechende Erfindung mit 

wissenschaftlichen und künstlerischen 

Implikationen - der Camera Obscura. 

Die Theorie zur Schaffung einer Lochkamera 

hat bereits im 4. Jahrhundert v. 

Chr. der griechische Philosoph Aristoteles 

beschrieben. Die Camera Obscura 

ist zentrales Element in Joby Hickey‘s 

Arbeit. Sie bewirkt einige der wichtigsten 

Effekte, die sein Werk so einzigartig 

machen. Diese alten Instrumente 

sind auch eine passende Metapher für 

die Arbeiten von Joby Hickey. Der Einsatz 

einer Camera obscura prägt seinen 

Stil. Deren Brechung und Streuung des 

Lichtes fängt eine geheimnisvoll dunkle 

Atmosphäre ein, monochrom, schwarz 

und weiß, und hält den Augenblick eindrucksvoll 

fest. 

Durch die Bearbeitung erinnern Hickey‘s 

Fotografien in der Struktur an impressionistische 

Gemälde. Textur und Inhalt 

der Bilder stehen in einem gefühlten 

Widerspruch, der Eindruck sich in der 

Zeit zu verlieren kommt auf. Zeitlosigkeit 

in einer Zeit, in der nur die Veränderung 

Bestand hat. Hickey schafft mit 

seiner Methode die Verwirklichung der 

Ideen des Künstlers, die dem Betrachter 

eine eigene emotionale Reaktion des 

Betrachteten erlaubt. 

Joby Hickey besuchte das Dun Laoghaire 

College of Art and Design von 

1992 bis 1994. Im Laufe seiner achtzehnjährigen 

Karriere stellte er seine 

Arbeiten in zahlreichen Gruppen- und 

Einzelausstellungen aus, u.a. mit Organisationen 

wie dem Irish Cultural Center, 

© Joby Hickey, »Berlin« 

© Joby Hickey, »Plunket« 

der Barbara Dawson Gallery in London 

und der Royal Hibernian Academy of 

Ireland. Zuletzt war er als Teil Ausstellung 

zum 50. Jahrestag der Alliance 

Français und in der Green Lane Gallery, 

Paris, mit einer Einzelausstellung 

im Jahr 2009 präsent. Der Künstler lebt 

und arbeitet in Dublin. 

© Joby Hickey, »plane 4« 


G 11 Galerie Berlin 

Landsberger Allee 54 

10249 Berlin-Friedrichshain 

Mi – So 14–18 Uhr 


Galerien 

19

Galerien 

Thomas Hoepker 

Daniel Biskup 

»ÜBER LEBEN« 

2011 erinnert das Deutsche Historische 

Museum an die Teilung Europas, deren 

sichtbares Zeichen die 1961 errichtete 

Berliner Mauer war. Die Verkörperung 

des »Eisernen Vorhanges« und Mahnmal 

des Kalten Krieges spaltete nicht nur 

Berlin, sondern trennte auch Ost- von 

West-Deutschland und symbolisierte 

den weltweiten Ost-West-Konflikt. Als in 

Berlin am 9. November 1989 die Mauer 

fiel, begann damit nicht nur das Ende 

der deutschen Teilung; dieser Tag läutete 

auch das Ende der Sowjetunion und ihres 

kommunistischen Herrschaftsbereiches 

in Osteuropa ein. 1991 – 30 Jahre nach 

dem Mauerbau – zerfiel nach der UdSSR 

auch der Vielvölkerstaat Jugoslawien in 

blutigen Bürgerkriegen. 

Diesen Ereignissen widmet das Museum 

eine umfangreiche Fotoausstellung mit 

Werken von Thomas Hoepker und Daniel 

Biskup, die auf unterschiedliche Weise 

das Zeitgeschehen dokumentierten. 

Beide Fotografen zeigen den Umbruch 

in der DDR mit seinen Folgen, das 

Spektrum der ausgestellten Bilder ist 

jedoch breiter gefasst: Thomas Hoepker, 

geboren 1936, lebte von 1974 bis 1976 

im Auftrag des »Stern« in der DDR. 

Bereits seit 1959 fing er mit seinen 

Fotografien den Alltag in der DDR ein. 

Daniel Biskup, geboren 1962, bereiste 

ab August 1991 nicht nur die auseinander 

fallende Sowjetunion, sondern auch die 

Krisengebiete des Balkans. 

Erstmals präsentiert das Museum eine so 

noch nie gezeigte Auswahl bisher weitgehend 

unbekannter Fotografien aus 

dem Schaffen beider Bildjournalisten. 


Deutsches Historisches Museum 

Ausstellunghalle von I. M. Pei 

Unter den Linden 2 

Hinter dem Zeughaus 


täglich 10 – 18 Uhr 


© Daniel Biskup, »Junge beim Wasserholen«, Ost-Mostar, November 1995 

© Thomas Hoepker, »Nach einer Ehrung vor dem Staatsratsgebäude«, Berlin (Ost), 1975 

© Daniel Biskup, »Straßenszene in Sarajevo«, 

November 1996 

© Thomas Hoepker, »Neubaugebiet Halle- 

Neustadt«, 1975

Anna Yve N. Meyer 

Anna Yve N. wird im Mai 1969 in Thorn 

geboren. Die Autodidaktin beginnt Ihre 

Laufbahn als Photographin Mitte der 

80er Jahre. 

Im Jahre 1989 kommt sie nach Deutschland, 

lebt und studiert zunächst in Kiel, 

wo sie auch ihren zukünftigen Mann 

kennen lernt, mit dem sie 1999 nach 

Berlin geht. 

Zahlreichen Photoreisen nach Italien, 

Frankreich, Australien und in die USA 

folgen weitere Reisen nach Rom, Paris, 

London, Sydney und New York, um 

gezielt für die Serie »Metropolen« zu 

photographieren, die in den Jahren 

2000 bis 2006 in Kalenderreihen bei 

ARTeditions europe wie auch im Heye 

Verlag erscheinen und in den Medien 

viel Beachtung finden. 

Seit 2004 widmet sich Anna Yve N. 

wieder verstärkt der Portraitfotografie 

und richtet schließlich 2006 ihr Atelier 

in Berlin-Charlottenburg ein. 

Neben Arbeiten während der Fashion 

Weeks in Berlin, New York und Paris, 

den Filmfestspielen in Berlin und Cannes 

und der Darstellung des sportlichen 

Wettkampfes während der Leichtathletik 

Weltmeisterschaft in Berlin, der Extreme 

Sailing Series und der Formel 1 

beim Grossen Preis von Monaco, widmet 

sie sich gegenwärtig insbesondere 

in sehr persönlichen Arbeiten dem 

Portrait, wie auch derzeit dem aktuellen 

Projekt »Eleganz in Licht und Dynamik«. 

»Mit eindrucksvollen Schwarz-Weiß-Bildern 

gelingt es der Photographin immer 

wieder, dem Betrachter die außergewöhnliche 

und reizvolle Ästhetik ihres 

Werkes nahe zubringen«. 


imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Do – Sa 14–18 Uhr 

© Anna Yve N. Meyer, »Grace Jones«, 2009 

© Anna Yve N. Meyer, »Nadja Auermann«, 2009 

© Anna Yve N. Meyer, »Brad Pitt«, 2010 


Galerien 

21

Galerien 

Greg Bannan 

»Somewhere in 

Hollywood« 

Greg Bannan ist ein Künstler, der sich 

in den Bereichen Video, Musik und insbesondere 

Fotografie bewegt und diese 

Genre oftmals miteinander verbindet. 

Im Mittleren Westen der USA aufgewachsen, 

die letzten 20 Jahre in New 

York und Los Angeles verbracht, lebt 

und arbeitet er heute in Berlin. 

Hollywood, für die meisten Cinema und 

Glamour, wird man auf den Fotografien 

von G.B. vergeblich suchen. Hingegen 

das Hollywood, was man vielleicht 

durch Charles Bukowski, dem 

düsteren Dichter von Skid Row kennt, 

hat es dem Fotografen angetan. Die 

kleinen vergessenen Donutshops, die 

verlassenen Gebäude, die unsanierten 

Straßen und die leeren Swimmingpools 

eines Motels, sind Motive die 

dem Künstler sehr vertraut sind. Mittendrin 

wohnte und arbeitete er in seinem 

ersten Fotostudio. Schauspieler, Künstler 

und andere Träumer wurden dort von 

ihm porträtiert. 

Immer häufiger werden geschichtsträchtige 

Gebäude durch eine kühle Architektur 

ersetzt, viele der alten Plätze und 

die damit verbundenen Erinnerungen 

sterben nach und nach aus. Es ist eine 

drastische Veränderung, die G. B. in den 

letzten Jahren zu spüren bekommen hat. 

Dem entgegen wirkend, möchte der 

Künstler mit seinen Fotografien die Zeitlosigkeit 

eines noch bestehendes alten 

Hollywoods festhalten. 

Die Ausstellung ist aber nicht nur eine 

architektonische Beobachtung, sondern 

auch eine Begegnung mit Menschen, 

die wie so viele, nach Ihren Träumen 

in Hollywood suchen. 

G.B. wählt seine Kameras immer sehr 

bewusst und experimentiert gerne mit 

verschiedenen alten Apparaten. 

So fotografierte er die in der Ausstellung 

gezeigten Arbeiten mit einer alten Mittelformat 

-Sears-Kamera, welche aus 

dem Besitz seiner Großmutter stammt 


© Greg Bannan 

und den Charme und die Ausstrahlung 

der Bilder noch durch eine entsprechende 

Aufnahmetechnik verstärkt. 

Begleitend zur Ausstellung läuft eine 

Videopräsentation, die G. B. auf einer 

Fahrradtour durch seinen »Kiez« gefilmt 

hat und mit dieser dem Betrachter seine 

eigene Interpretation von den berühmten 

Boulevards anbietet. 





Do – Sa 14–18 Uhr 

© Greg Bannan

Novelle 

»Die Abschlussklasse der BEST-Sabel 

Berufsfachschule für Design in Berlin ist 

in ihren drei Jahren Ausbildung aneinander 

und miteinander gewachsen. Im 

Jahr 2008 begann die Reise der 16 Schüler, 

auf der sie die Bedeutung des Berufsbildes 

des Fotografen für sich und im 

Allgemeinen erkundeten. Unterschiedliche 

Hintergründe und Nationalitäten 

halfen Hindernisse zu überwinden und 

die Menschen näher zusammenzubringen; 

es gab anstrengende, aber auch 

viele gute Zeiten. 

Ihr Abschlussthema stellt die Novelle 

dar. Die Novelle ist eine literarische 

Gattung die sich genauerer Beschreibung 

entzieht. Oft sind Novellen nicht 

lang, dafür aber klar strukturiert und 

in sich geschlossen. Novellen sollten 

in einem Rutsch lesbar sein und eine 

deutliche Botschaft in sich tragen. Fotografen 

sind Geschichtenerzähler, die in 

einen Dialog mit dem Publikum treten. 

Das Foto bietet sich an, eine prägnante, 

simple Idee zu übermitteln. Eben solch 

eine Idee, die bei der Novelle im Vordergrund 

steht. © BEST-Sabel Berufsfachschule für Design 

webseite & mail-adresse 

www.f-08.de 

fotodesign2008@googlemail.de 

Wir, die Absoventen der Abschlussklasse 

F08, laden Sie am 29. Juli 2011 um 19 

Uhr recht herzlich zur Ausstellungseröffnung 

in der Gustav-Meyer Allee 25 

ein und freuen uns ihnen unsere Arbeiten 

präsentieren zu können. 

29. Juli bis 7. August 2011 

BEST-Sabel Berufsfachschule für 

Design 

Gustav-Meyer-Allee 25 

Haus 13 (Dachgeschoss) 

13355 Berlin-Wedding 

Mo – So 12 –19 Uhr 


Galerien 

23

Galerien 

Sasha Stone 

(1895-1940) 

Cami Stone 

(1895-1972) 

»BERLIN IN 

BILDERN« 

»Kann man heute noch photographieren? 

Meiner Ansicht nach kaum, weil alles, 

was geht und steht, bereits von oben 

nach unten, breit und schmal, quer 

und hoch photographiert worden ist. 

Zu diesem Zweck kommt alles mögliche 

zur Verwendung, wie hohle Spiegel, 

Prismen, Kurzfokus-Objektive usw.. 

Jeder verspricht sich eine besondere 

Wirkung, eine neue Erfindung. 

Die Experimente mit direktem Licht 

auf photoempfindlichem Papier sind 

auch nicht überzeugend. Es sind Photo- 

Kunstgewerbereien« .... 

Sasha Stone, Das Kunstblatt, 1928 

© Sasha Stone (1895-1940), Cami Stone (1895- 

1972), Berlin 1926 


© Sasha Stone (1895-1940), Cami Stone (1895-1972), Berlin 1926 

© Sasha Stone (1895-1940), 

Cami Stone (1895-1972), Berlin 1926 

Vernissage 

Freitag, den 26. August, 19-21Uhr 

© Sasha Stone (1895-1940), 

Cami Stone (1895-1972), Berlin 1926 

27. August bis 29. Oktober 2011 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Di – Sa 14 – 18 Uhr

Gábor Kerekes 

»Serien« 

Gábor Kerekes (*1945) lebt und arbeitet 

in Budapest, Ungarn. 

1971 begann er sein fotografisches 

Werk mit einer geschenkten Voigtländer-Kamera. 

Durch die Eigenständigkeit 

seiner fotografischen Position rückten 

die Arbeiten Kerekes schnell in den 

Mittelpunkt des Interesses, seine Ausstellungen 

wurden als Ereignis wahrgenommen 

und sein Werk beeinflusst bis 

heute die zeitgenössische ungarische 

Fotografie. 

Sein visuelles Konzept zeichnet sich 

durch Abstraktion und Wissenschaftlichkeit 

aus, Kerekes legt sehr viel Wert 

auf Perfektion und Qualität. Viele Arbeiten 

wirken fast wie gezeichnet. Inhaltlich 

setzt er sich mit den wichtigen 

Fragen des Lebens auseinander, es geht 

ihm um die Erkenntnis und Beschreibung 

der Welt, um eine Verbindung von 

Wissenschaft und Kunst. 

Die Galerie Hiltawsky zeigt Arbeiten 

aus Kerekes‘ wichtigsten Zyklen, so 

u.a. Werke aus den Serien »70‘s 80‘s«, 

»Alchimie«, »Over Roswell«, »Selfcloning« 

sowie »Electrocity«. Diese Ausstellung 

ist die erste Einzelausstellung 

seiner Werke in Deutschland. 

Seine Arbeiten befinden sich bereits seit 

zwei Jahrzehnten in den größten Sammlungen 

in Europa und Übersee. 

In Zusammenarbeit mit der Galerie 

Nessim, Budapest. 

© Gábor Kerekes, »CERN«, 1994 

Vernissage am 13. Juli 2011 

14. Juli bis 27. August 2011 


Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14–18 Uhr 


Galerien 

© Gábor Kerekes, »Electro city 2«, 2008 © Gábor Kerekes, »Augenlinse«, 1993 

© Gábor Kerekes, »Over Roswell 1«, 2002 

25

Galerien 

The Browse 

Fotofestival - 

von allen Sinnen 

70 Fotoausstellungen an 66 Orten 

Mit »The Browse Fotofestival« holt CII 

Fotografie aus der »Normalform« Kunstgalerie 

an lässigere Orte städtischer 

Kommunikation und Begegnung. Rund 

70 Fotografinnen und Fotografen zeigen 

ihre Werke an ebensovielen Orten - in 

Bars, Restaurants u.a. Locations rund 

um die Marheineke Markthalle. Das 

Viertel verwandelt sich in einen facettenreichen 

Ausstellungsraum, der zum 

Stromern, Stöbern, Entdecken einlädt. 

Das Spektrum der beteiligten Fotografinnen 

und Fotorafen reicht von prominenten 

Größen bis zu weniger bekannten, 

talentierten Fotografinnen und Fotografen, 

die es noch zu entdecken gilt. 

Die Galerie der Markthalle ist Hirn und 

Herz des Geschehens: 

Hier befindet sich die Festival-Zentrale 

(Meeting Point und Pressezentrum) und 

ein begehbarer Austellungskatalog: Hier 

wird von allen beteiligten Fotografinnen 

ein Bild gezeigt, dazu der Hinweis, wo 

weitere Fotografien der Künstler/innen 

zu finden sind. 

Zusätzlich präsentieren der Fotograf 

Sönke Tollkühn und der Autor Gerd 

Gdowiok auf der Galerie unter dem 

Motto »In Kreuzberg bin ich und hier 

bleib ich, Punkt« eine Reihe persönlicher 

Portraits von Menschen, die diesen 

Ort prägten. 

Mit der Bereitstellung eines weiteren 

Galerie-Raumes für den japanischen 

Fotografen Yuuichirou Yamanishi 

und eine Plattform zur Fortführung der 

Aktivitäten der Gruppe »Kreuzberg for 

Japan«, wollen wir die öffentliche Aufmerksamkeit 

für die Not der Menschen 

in Japan wachhalten und die bei der 

Mühlenhaupt-Eröffnung begonnene 

Spendenaktion fortführen. 


© Johannes Barthelmes, »La Habana Vieja Nr. 132« 

© Johannes Barthelmes, »La Habana Vieja Nr. 115« 

Johannes Barthelmes 

»8600 miles« 


Cafe Atlantic 

Bergmannstraße 100 


täglich 9–2 Uhr

The Browse 

Fotofestival 


© Falko Siewert 

»Coffee Cull«, Bergmannstraße 89 

© Ann Christine Jansson, »Heinrich Böll« 

»Austria«, Bergmannstraße 30 

© Jorinde Gersina 

»Im Mai«, Nostlitzstraße 33 

© Hinrich Schulze 

»Joe Peñas Cantina y Bar«, Marheinkeplatz 3 

© Wolfgang Krolow 

»Gesoplan gGmbH«, Arndtstraße 32, • »Da Enzo«, Willibald-Alexis-Straße 25 

© Günter Zint, »John Lennon« 

»Kollo«, Chamissoplatz 4 

© Jenny Posener 

»Brezel Bar«, Friesenstraße 2 


Galerien 

27

Galerien 

Arno Fischer 

Nicole Woischwill 

Olle Fischer 

»Leere Stunden volle 

Zeit« 

(Drei Serien Polaroids) 

Die Sofortbilderkundungen der drei 

Fotografen – Arno Fischers und zweier 

seiner Schüler – durchschneiden ein 

Spektrum mehr, als dass sie es umrissen. 

Nicht die Vielfalt, der Punkt ist es, 

der besondere Moment, den wir wiedererkennen 

unter wievielen, weil wir 

ihn noch nie gesehen haben: so. Die 

anthropomorphe Gestalt eines Steines, 

einer Ziegelmauer, eines Flecken an der 

Wand, wie wir sie mit Kinderaugen entdecken 

und den Rest unsre Leben lang 

suchen, sehen wir hier wieder. Dass ein 

Lied in allen Dingen schläft, sagt die 

Poesie; wie es aussehen kann, zeigt die 

Fotografie. Der Wert eines Fotografen 

liegt in der Tatsache, dass er ein Mensch 

ist, für den die sichtbare Welt existiert. 

Für den Rest der Menschheit existiert sie 

sicher auch, festhalten können sie nur 

wenige. Der Tiefenschnitt, den die Polaroidserien 

zeigen, rückt das Nebenbei 

der Existenz ins Zentrum. Das Verhältnis 

von Raumaufnahme und Porträt entspricht 

dem Verhältnis von einem Einzelnen 

zu einem Komplex Einzelner, sei 

er (oder es) Bewohner einer Landschaft 

oder ein Ding dort. Die Landschaft kann 

eine Großstadt sein oder die Oberfläche 

eine Stuhls, der (das) Einzelne ein 

Mensch am Abgrund oder ein Staubkorn 

auf dem Spiegelglas. Die Eigenart 

und Einzigartigkeit des Mediums 

Polaroid macht jede Aufnahme zum 

still, einem Film entnommen, der vor 

unsern Augen abzulaufen schien. Wir 

sind die Zeugen dessen, was geschehen 

sein muß, wie wir die Zeugen dessen 

sind, was geschieht und geschehen wird 

noch mit uns, die wir vor diesen Bildern 

stehen, oder sie in der Hand halten wie 

jetzt ich, der sie beschreibt. Der Autor, 

der ein Bild beschreibt, ist ein anderer, 

als der, der ein Bild aufnimmt mit 


© Arno Fischer, (Original in Farbe) © Nicole Woischwill, (Original in Farbe) 

© Olle Fischer (Original in Farbe) 

dem Apparat. Fotografen schreiben mit 

Licht über den Schatten, den die Dinge 

werfen, damit wir sie erkennen. Jede 

Fotografie ist eine Erzählung über das 

Vergangene; die hier gezeigten zeigen 

das Vergehen zugleich. Arno Fischers 

Triptychen: 7 mal 3 Polaroids, die ein 

Innen im Außen zeigen oder die Dialektik, 

die die kleinen Dinge eint mit 

den großen. Die Nachverfolgbarkeit des 

Blicks, die erhaltene Geste des Fotografierenden, 

macht die Qualität der Bilder 

aus: es ist ein Mensch, der sie macht, 

nicht ein Apparat. Nur ein Mensch 

kann die Schwermut und die Heiterkeit 

der Dinge bannen in ein Pappquadrat 

voll Technik und Chemie. In 

Nicole Woischwills Stadtraum-Reihen 

werden Innen und Außen im Verhältnis 

Mensch und Raum, Raum und Zeit 

definiert: Stillstand, wie er Bilder zeugt, 

nicht wie er nötig ist, um Bilder zu 

erzeugen. Olle Fischers Detailporträts 

sind close-ups von der Bestimmtheit 

wie sie der Sekundenzeiger hat: er ist 

einmal genau und immer wieder, keine 

Sekunde ist gleich. Dass wir Spuren hinterlassen, 

die eine Nachwelt auf Schöneres 

schließen lassen kann als Schönes 

war, zeigen die Bilder: Bestand der Welt, 

die wir formen, ohne wahrzunehmen, 

dass wir vergehen dabei. Wir werden für 

unsre Nachfahren sein, was wir sehen: 

Fotografien, die aus der Welt gerissen 

sind wie der Zeiger der Uhr aus dem 

Ablauf der Zeit. Wie der Zeiger, der die 

Zeit, die uns bleibt, zu Frist perforiert. 

Fotografen operieren in der Zeit an uns 

ohne Betäubung. Wir spüren den Schnitt 

nicht, nicht die Narbe, wir sehen die 

Wunde. Ruhe ist ein Bestand der Bewegung, 

die in Maßstäben von Zeit vergeht. 

Das zeigen zu können, hat die Erfindung 

der Fotografie ermöglicht. Dass wir es 

beinah schon vergessen haben, zeigen 

uns die Bilder hier. 

Thomas Martin 


exp12 / exposure twelve 

Senefelderstraße 35 

10437 Berlin – Prenzlauer Berg 

www.exp12.com 

Fr – So 14 – 20 Uhr

La Magnolia 

Rom in Berlin 

»File urbani« 

Im September sind sieben junge italienische 

Künstlerinnen bei exp12 zu Gast, 

die in den letzten Jahren im Projektraum 

»La Magnolia« der »Casa Internazionale 

della Donna« in Rom ausgestellt haben. 

Die Kuratorin der Ausstellung Tiziana 

Musi schreibt dazu: 

Der Titel »File urbani« umschließt die 

beiden Polaritäten, die kulturell und 

politisch unser Dasein in der heutigen 

Welt bestimmen: soziale Vernetzung 

und urbanes Netz, technologische 

Navigation und die Stadt als Labyrinth. 

Beide Netze ermöglichen außergewöhnlich 

zahlreiche, zugleich auch 

stark befremdliche und verstörende 

Verbindungen, denn mit der maximalen 

Möglichkeit hypothetischer Kontakte 

geht eine oftmals bedrohliche Einsamkeit 

einher. Die uneingeschränkten 

Möglichkeiten dieser Netze, sich geografisch 

auszudehnen, haben ein neues 

Verständnis von ‘Stadt’ zur Folge, nämlich 

als einen Ort, an dem sich Grenzüberschreitungen 

nicht mehr in Bezug 

auf einen Organismus oder auf ein Projekt 

definieren, sondern sich als ein 

unendliches Netzwerk virtueller Beziehungen 

ohne Zentrum, ohne Stadtplan 

und ohne Koordinaten darstellen. 

In deren Mitte verbirgt sich eine komplexe 

Realität, ein Mosaik aus verschiedenen 

fragmentarischen Räumen, eine 

fließende Gesellschaft in einem einzigen 

großen Randgebiet. Alle hier ausgestellten 

Arbeiten setzen sich mit dem 

Verlust des Orientierungssinns – individuell 

und sozial gesehen – auseinander. 

Als Metapher können wir – im Sinne von 

Paul Virilio - von Tele-Objektivität sprechen, 

um die Unmöglichkeit des modernen 

Menschen zu beschreiben, über 

den objektiv begrenzten Schein hinaus 

etwas wahrzunehmen. Jede der Künstlerinnen 

hat in den verborgenen Furchen 

des Realen geforscht, um idealerweise 

die Dialektik aufzuzeigen, die zwischen 

dem urbanen Raum und der Innenwelt, 

zwischen der Identität und deren Verlust, 

zwischen Tradition und Gewalt, 

© Francesca Manzini 

zwischen Natur und Kultur herrscht. 

Allen Arbeiten gemein ist das Bedürfnis, 

diese Mechanismen der Nicht- / 

Anpassung der eigenen Innenwelt an 

jenen künstlichen Lebensraum sichtbar 

zu machen. Obwohl jede der Künstlerinnen 

ihren eigenen Weg gegangen 

ist, haben alle zu einem gemeinsamen 

Nenner gefunden: sie verstehen ihre 

individuelle Suche als Teil einer größeren 

ethischen Reflektion. 

Die weibliche Gestalt steht bei Danze 

urbane von Irene Iorno im Zentrum. 

Sie beschäftigt sich mit den Dynamiken 

des Körpers und vermag das Innere 

der Bewegungen einzufangen. Francesca 

Manzini beschreibt in Sketchbook 

die urbane Isolation anhand von 

New York – verstärkt durch Doppelbelichtungen 

und Entfernen jener Elemente, 

welche die Metropole erkennbar 

machen. In Polvere von Letizia 

Marabottini verschwindet der weibliche 

Körper in schon sehr abgenutzten 

vertrauten Räumen, die Erinnerung an 

Vergangenes höhlt die Gegenwart aus. 

Claudia Padoan wird ihre Werke Margine 

und Comprimida in einer Live-Performance 

präsentieren. Valentina Parisi 

interpretiert in Il Mondo alla roverscia 

Pieter Bruegels Werk Die niederländischen 

Sprichwörter (1559) neu, stellt die 

Welt förmlich auf den Kopf und präsentiert 

uns eine surreale Darstellung der 

Gegenwart. Wieder zurück zu einem 

2. bis 11. September 2011 


Senefelderstraße 35 

10437 Berlin – Prenzlauer Berg 

www.exp12.com 

Fr – So 14 – 20 Uhr 


Galerien 

antiken Thema: das Heilige in der italienischen 

Kultur. Rivka Spizzichino greift 

mit Guardia Sanframondi die christlichen 

Rituale der Reue und der Selbstgeißelung 

auf. Aus dem kleinen Dorf in 

Kampanien zeigt sie Bilder voll raffinierter 

Eleganz von den traditionellen siebenjährlichen 

Bußritualen. Sara Spizzichino 

kehrt noch einmal zum Thema 

Internet zurück. In Fere libenter homines 

id quod volunt credunt (Der Mensch 

glaubt gern das, was er sich wünscht) 

prüft die Künstlerin ihr eigenes Aussehen 

in Bezug auf das vorherrschende Schönheitsideal, 

das den ästhetischen Maßstäben 

des Internets entsprechen soll, und 

passt dabei die eigenen Gesichtszüge 

den äußeren Anforderungen an. Der 

einem Zitat von Julius Cäsar entnommene 

lateinische Titel unterstreicht das 

ironische Element dieser Poetik. 

29

Galerien 

Ulrich Hartmann 

»Beyond Make Up« 

Unter dem Titel »Beyond Make Up« 

zeigt der Berliner Fotograf Ulrich Hartmann 

in der aff-Galerie Mode- und 

Beautyfotografien. 

Make Up sieht der Fotograf immer als 

ein wichtiges Element, doch in Hartmanns 

Portfolio geht es um mehr. Es 

geht um die Geschichte in den Bildern, 

die der Betrachter in ihnen entdeckt, um 

Schönheit und Verzweiflung, Liebe und 

Vergänglichkeit. Das Make Up ist hier 

Mittel zum Zweck. Es verstärkt die Emotionen 

und beeinflusst die Bildsprache. 

So entstehen geheimnisvolle Inszenierungen, 

die viel Raum für Interpretationen 

lassen. 

Ulrich Hartmann, eigentlich gelernter 

Grafikdesigner, entdeckte seine Liebe 

zur Fotografie durch Zufall. Nach autodidaktischer 

Ausbildung und einem 

Fotopraktikum in Hamburg beschloss er 

sich selbständig zu machen. Seit 2006 

arbeitet Ulrich Hartmann in Berlin als 

freier Fotograf in den Bereichen Fashion, 

People und Beauty. Er hat bereits mit 

zahlreichen Magazinen und Kreativagenturen 

zusammengearbeitet. Seine 

Arbeiten werden durch seine Liebe zur 

Kunst inspiriert. 

Vernissage: 9. September 2011, 

20.00 Uhr 


© Ulrich Hartmann, (Original in Farbe) 

© Ulrich Hartmann, (Original in Farbe) 

10. September bis 2. Oktober 2011 

aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


So 14 –17 Uhr 

weitere Öffnungszeiten 

siehe www.aff-berlin.com

DS Allen 

»Night Shift« 

DS Allens unaufhörliche Suche nach 

ungewöhnlichen Ansichten des 

gewöhnlichen Berlin ist ein kontinuierlicher 

Prozess der Verfeinerung. Für 

seine zweite Ausstellung im Fenster61 

präsentiert er Fotografien aus einer aktuellen 

Serie von Bildern der Nacht. Was 

ist es, dass unsere Erfahrung in der Nacht 

vom Tag unterscheidet? Wenn uns visuelle 

Informationen fehlen, erfindet das 

Auge, was es nicht sehen kann. Parallel 

dazu zeigen Nachtaufnahmen stärker 

den zentralen Kern von DS Allen‘s 

Fotografie. Nämlich die große Kluft zwischen 

dem, wie das Auge die Welt sieht 

und dem Blick durch die Kamera. 

Mit sieben Jahren begann DS Allen 

zu fotografieren. Mit vierzehn wurde 

er Lehrer an der privaten Fotoschule 

seines Vaters Brian Allen, und im Alter 

von achtzehn war er bereits als kommerzieller 

Fotograf etabliert. In Kunstausstellungen 

zeigte DS Allen anfangs traditionelle 

Landschaftsaufnahmen, die 

mit der Großformatkamera entstanden 

waren. Während der 80er Jahre arbeitete 

er an industriellen und urbanen 

Landschaften und setzte sich auf diese 

Weise mit den grundlegenden Veränderungen 

der Thatcher-Zeit aus einander. 

1989 kam er über die Bermondsey 

Artists‘ Group und deren Projekt Kunstbrücke 

erstmals nach Berlin, zum Prenzlauer 

Berg. Schon bei seinem ersten 

Besuch wurde ihm klar, dass er hier 

gewissermaßen seine fotografische 

Heimat gefunden hatte. Hochleitungen, 

das Helldunkel über der Stadt und die 

einzigartiger Atmosphäre ermöglichten 

es ihm, verschiedene seine bisherigen 

Ansätze zusammenzuführen. Seither 

verfolgt DS Allen eine Reihe von 

parallel laufenden Serien, die immer 

wieder erweitert und neu zusammengestellt 

werden. Dabei ist er betständig 

auf der Suche nach dem Ungewöhnlichen, 

das bei genauer Betrachtung 

nicht zuletzt auch im Gewöhnlichen 

zu finden ist. Indem er radikale 

Ausschnitte und Standpunkte wählt, um 

einen völlig neuen Blick auf städtische 

© DS Allen, »Knaackstraße« 

© DS Allen, »Belforter, Ecke Prenzlauer Allee« 

Umgebungen zu werfen, schafft er neue 

Welten des Alltags und präsentiert seine 

Motive mit eine neuen oder andersartigen 

Identität. 

Virtuelle Ausstellung unter: 

www.german-fine-arts.com/berlin.html 


Galerien 

18. August bis 13. September 2011 

Fenster61 

Fenster für Fotoprojekte 

Torstraße 61 


31

Galerien 

Max Scheler 

»Vom Müggelsee bis 

Hollywood« 

Als unermüdlicher Förderer des fotografischen 

Werkes seines väterlichen Mentors 

und Freundes Herbert List, dem er 

die ersten Schritte in die Professionalität 

verdankte, hat Max Scheler (1928-2003) 

sich in den vergangenen Jahrzehnten 

mehr als verdient gemacht. Dabei ist 

weitgehend in Vergessenheit geraten, 

dass Max Scheler, wie der Publizist 

Fritz Kempe 1964 betonte, der international 

berühmteste deutsche Fotoreporter 

seiner Zeit war. Seine Bildreportagen 

finden sich in Heute, Look, Picture Post, 

Paris Match, Epoca, der Münchner Illustrierten 

und im Stern, für den er nahezu 

zwei Jahrzehnte auf allen Kontinenten 

unterwegs war. 

Ulrich Pohlmann 

Parallel zur Ausstellung zeigt der 

Freundeskreis Willy-Brandt-Haus e.V. 

bis zum 31. 7. 2011 die Retrospektive 

Max Scheler 

Von Konrad A. bis Jackie O. 

Fotografien aus Deutschland, China, 

USA 

Willy-Brandt-Haus, 

Stresemannstraße 28, 10963 Berlin 

© Max Scheler, »Fan Mail for the Dead James 

Dean«, Hollywood, USA, 1956 


© Max Scheler, »Elizabeth Taylor vor dem Graumans Chinese Theatre«, Hollywood, USA, 1956 

© Max Scheler, »Picknick am Müggelsee«, 

Ost-Berlin, 1963 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11–18 Uhr 

Sa 11–16 Uhr

Günter Bersch 

Fotografien 

Johannes Heisig 

Bilder 

»Übergänge« 

Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

e.V. zeigt die Ausstellung Übergänge 

mit Werken von Johannes Heisig und 

Günter Bersch anlässlich des Gedenkens 

des Mauerbaus vor 50 Jahren. 

Seit 2008 beschäftigt sich der Maler 

Johannes Heisig mit seinen Erinnerungen 

und Sichten auf das geteilte und wieder 

geeinte Berlin der letzten 30 Jahre, sei 

es in intimen Familienporträts, Stadtlandschaften, 

alptraumhaften symbolischen 

Szenen oder Darstellungen typischer 

Jugendkultur der Zeit. Im Dialog 

mit Heisigs Gemälden treten Bilder 

des renommierten Berliner Fotografen 

Günter Bersch, die u.a. den Abzug der 

Roten Armee aus Berlin dokumentieren. 

In dem morbiden realsozialistischen 

Alltag formten sich seine Sichtweisen. 

Befragte man Günter Bersch nach 

seiner künstlerischen Verwandtschaft, 

so nannte er Will McBride oder Barbara 

Klemm, beide wie er Einzelgänger im 

Suchen nach dem unbedingten Ausdruck. 

Bersch und Heisig eint eine künstlerische 

Komplizenschaft. Mit ihrem 

geschärften Blick spiegeln sie ein Stück 

kritischer Zeitgeschichte wider. Im dialogischen 

Miteinander von Wachheit im 

Beobachten und der Kraft des abstrahierenden 

Formens entsteht das spannende 

Resultat und in ihm eine Ambivalenz 

aus Erinnerungen und Erfahrungen. 

Beide gehen mit ihren Arbeiten in einer 

hochkomplexen Synthese von sozialer 

Verankerung und gestalterischem Eigenwillen 

den Spuren nach, die die letzten 

Fragen des Seins in Gesichtern, Blicken, 

Haltungen, Handlungen und Orten hinterlassen. 

© Günter Bersch, »Kasernengelände Hillersleben«, Sachsen-Anhalt, 1992 

© Günter Bersch, »Johannes Heisig«, Maler 

»Traumbild«, Berlin, 2001 

Johannes Heisig, 1953 einer Leipziger 

Künstlerfamilie entstammend, studierte 

Malerei und Grafik. Ausgebildet in der 

Werkstatt des Vaters, wurde er 1988 

Professor, 1989 Rektor der Hochschule 

für Bildende Künste Dresden; 1991 

folgten Rücktritt und Aufgabe der 

Lehrämter, seitdem freischaffend in Berlin. 

Günter Bersch, (1944 -2007) lebte 

und arbeitete als freiberuflicher 

Fotograf in Berlin. Er studierte an der 

Hochschule für Grafik und Buchkunst 

in Leipzig. Bis 1990 war er Fotograf bei 

der Illustrierten Zeitschrift »FÜR DICH«. 

Es entstanden Arbeiten mit seiner Leica 

für Zeitschriften, Bücher, Werbung 

und Fernsehen, vor allem Porträts und 

Reportagen. Teilnahme und Preisträger 

bei nationalen und internationalen 

Fotowettbewerben. 

Eröffnung am Dienstag, 

den 23. August 2011, um 19.30 Uhr 

24. August bis 16. Oktober 2011 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 


Di – So 12–18 Uhr 

Eintritt frei, Ausweis erforderlich 


Galerien 

© Günter Bersch, »Klubraum einer russischen 

Kaserne«, Eberswalde, Brandenburg, 1992 

© Günter Bersch, »Die Russen gehen«, 1992 

Die Ausstellung ist im Rahmen der 

29. Langen Nacht der Museen am 

Samstag, 27. August 2011, von 18.00 

bis 2.00 Uhr zu besichtigen. 

33

Galerien 

Gina Lopez 

»Spielend, spielend 

entdecke ich das Kind 

in mir« 

Gina Lopez’ fotografische Bilder sind 

Zeugnisse träumerischer Einfühlung in 

die kindliche Existenz. Sie legen verschüttete 

Möglichkeiten des inneren 

Kindes frei, die in ihrer verletzlichen 

Schönheit und Deformiertheit anrühren 

und den Betrachter selbst in seine Kindheit 

verführen. Der Thematik des Individuums 

und sein Inneres, widmet die aus 

Kolumbien stammende Gina Lopez ihre 

gesamte fotografische Arbeit als Künstlerin. 

Ob es sich um Porträts, Selbstporträts, 

Fingerabdrücke, Handflächenlinien 

oder Fragmente von Familienfotos 

oder Körpern handelt, es sind Bilder des 

Zurückkehrens. Sie verkörpern wie die 

Bilder der Erinnerung, Überreste eines 

Geschehens, die oft durch den emotionalen 

Akzent vage oder deformiert 

erscheinen, wie uns dies in Träumen 

begegnet. 

»Diese Bilder sind in meiner Wahrnehmung, 

Gedächtnis, das eine Welt 

erschaffen kann, die das Innere eines 

Individuums abbildet und sein Äußeres 

prägt. Als Äußeres verstehe ich die Körperformen 

und die Haut, beides besitzt 

Spuren von Erlebnissen, die in Form von 

Linien, Falten, Ritzen oder Narben eingezeichnet 

wurden, die wiederum den 

Zugang zum Inneren darstellen«. 

Gina Lopez 


Brotfabrik Galerie 

Caligariplatz 

13086 Berlin-Weissensee 

täglich 16 – 21 Uhr 


© Gina Lopez 

© Gina Lopez 

© Gina Lopez 

© Gina Lopez

Andreas Fahr 

»Zeitblicke – 

Bilder aus vier 

Jahrzehnten« 

Nach den Ausstellungen von Peter 

Woelck (2007) und Ulrich Burchert 

(2010) präsentiert die Brotfabrik Galerie 

in der dritten Ausstellung mit dem 

Titel »Zeitblicke« einen repräsentativen 

Einblick in das Werk des Berliner Fotografen 

Andreas Fahr - ein fotografischer 

Rückblick in die Zeit der DDR und ein 

aktueller Einblick in das jetzige Deutschland. 

Fahr gelingen präzise Alltagsbilder, 

Schwarzweiß-Fotografien von großer 

Unmittelbarkeit und mit genauestem 

Gespür für die Bildkomposition - Studien 

über das Stillstehen des Moments 

zwischen Zufall und Selbstpräsentation. 

Momente, in denen die Realität 

von sich selbst erzählt. Fernab propagandistischen 

Pathos und mit distanziertem, 

aber liebevollem Blick, erzählen 

seine Aufnahmen vom »entscheidenden 

Augenblick« in der Fotografie, vom Festhalten 

einmaliger Zeitdokumente, die 

so nicht wieder kommen. Es sind Bilder 

aus dem prallen Menschenleben, live 

und in Schwarz-Weiß. 

Mit der Zeitblicke-Präsentation von 

Andreas Fahr macht die Brotfabrik Galerie 

eine weitgehend noch unentdeckte 

Handschrift der ostdeutschen Fotografie 

der Öffentlichkeit sichtbar. 

Eröffnung: 2.September, 19.00 Uhr 

© Andreas Fahr, »Kirchgängerinnen«, 1986 

© Andreas Fahr, »Spremberg«, 2010 


Galerien 



Caligariplatz 


Di – So 16 – 21 Uhr 

35

Galeriebericht 

Schießen Sie auf den 

Fotografen! 

Mit der Ausstellung »Shoots« hat uns c/o 

Berlin einiges zugemutet. Die begrifflichen 

Parallelen der Fotografie zur Waffe 

sind zwar vertraut, aber heute, wo doch 

Pazifismus Ehrensache ist, kann man 

nicht ohne ein sehr ungutes Gefühl 

Fotos von auf sich gerichteten Schießeisen 

betrachten, mit einem grimmig zielenden 

Konterfei dazu. Dieses ungute 

Gefühl ist den Begleiterinnen der ballernden 

Männer von damals schon 

anzusehen. Jean-Paul Sartre lässt 1929 

allerdings Simone Beauvoir ballern und 

schaut gelassen zu, mit der unvermeidlichen 

Pfeife im Mundwinkel. 

Vor 70 Jahren konnte der Heering- 

Verlag noch ein populäres Lehrbuch 

betiteln: »Kleinbildjagd auf Dinge und 

Menschen«. Der Schnappschuss ist in 

Verruf gekommen. Er kollidiert mit dem 

Recht am eigenen Bild. Kaum einer traut 

sich noch, spontan ein Stück Leben festzuhalten 

oder gar zu veröffentlichen. 

Um so kostbarer sind uns die »Schüsse« 

der Meister des moment décisif, des entscheidenden 

Augenblicks, die mit Henri 

Cartier-Bresson sagen: »Photographieren 

heißt den Atem anhalten, wenn sich 

angesichts der flüchtigen Wirklichkeit 

alle unsere Fähigkeiten vereinigen. Das 

Einfangen des Bildes in diesem Augenblick 

bereitet physische und geistige 

Freude. Photographie ist eine Möglichkeit 

zu schreien, sich zu befreien, sie ist 

eine Art zu leben«. 

Diese Freude überträgt sich auf den 

Betrachter, der die ungestellten Szenen 

nach eigenem Gusto deuten kann. 

Einer, der auch heute scheinbar bedenkenlos 

draufdrückt, ist Boris Mikhailov. 

Aber er misstraut dem Einzelbild, arbeitet 

in wilden Serien, die in bunter Reihe 

als Street-Panorama die hellen Wände 

der großen Galerie Barbara Weiss 

säumen, nahe der Kottbusser Brücke. 

Mitten im Berliner »Istanbul« erzählt 

er vom gesellschaftlichen Umbruch in 

seiner ukrainischen Heimat, in Kiew 

und Charkow, und ist dabei nicht zimperlich 

in der Wahl der Motive. Sein 

Stil wandelt sich mit den Verhältnis- 


© Boris Mikhailov 

© Fritz Eschen 

sen. Die älteren SW-Arbeiten sind poetischer, 

weniger zufällig. Boris ist brutaler 

geworden. 

Das zwanzigste ist das Jahrhundert 

der großen erzählenden Bildreportagen, 

denen zwar Film und Fernsehen 

den Rang abgelaufen haben, ohne 

sie jedoch zu erreichen in eindringlicher 

und nachhaltiger Zeugenschaft. 

Die neuen Medien, das Internet zumal, 

kommen bewegter daher, oft auch 

bewegender, aber ihr Informationswert 

verfliegt allzu schnell. Wenn wir 

im Willy-Brandt-Haus dem Lebenswerk 

des israelischen Fotografen Micha Bar- 

Am gegenüberstehen, der 81-jährige 

war zur Eröffnung anwesend, werden 

wir hineingezogen in das dramatische 

Schicksal der Menschen im jungen Staat 

Israel, wie sie der Wüste Boden abringen 

für die Landwirtschaft, Städte gründen, 

Not und Krieg erleiden, Leid zufügen. 

Auch das Leben der Araber in den 

Grenzregionen stellt Bar-Am dar, und 

die Hoffnungen der Einwanderer, die 

kleinen Glücksmomente in ständiger 

Bedrohung. Er kehrt mit dieser Ausstellung 

in seine Geburtsstadt zurück, die 

er 1936 verlassen musste. 

Was von dieser Stadt nach dem 2. Weltkrieg 

übrig war, zeigte uns c/o Berlin 

mit der erschütternden Bestandsaufnahme 

in hoher fotografischer Qualität 

von Fritz Eschen. Der von den Nazis verfolgte 

Chronist hatte einen distanzierten 

Blick auf das wieder aufkeimende Leben 

in den Ruinen, mit Sinn für das Skurrile, 

Hintergründige, was sich nicht immer 

sofort erschließt. Das spricht sehr an. 

Sein Sohn Klaus Eschen, selbst Fotograf 

(und Rechtsanwalt) pflegt das Andenken. 

Es ist ein kaum fassbares Wunder, dass 

sich eine Stadt, ein Land, nach einer solchen 

Katastrophe jemals erholen konnte. 

Die Kultur hatte viel Anteil daran. Schon 

im Juli 1945 gaben die Berliner Philharmoniker 

wieder ein Konzert, unter Wilhelm 

Furtwängler. Ihn und 99 andere 

kluge Köpfe hatte Fritz Eschen im Laufe 

von 25 Jahren ganz zauberhaft porträtiert, 

oft in ihrem beruflichen Umfeld. 

Bei Ullstein erschien 1956 ein schöner 

Bildband, der noch heute zu meinen 

Lieblingsbüchern gehört. Friedrich Luft 

zitiert im Vorwort Lichtenberg: »Des 

Menschen Antlitz ist die lebendigste, 

die tiefste, die erregendste Landschaft 

der Erdoberfläche«. 

Das mag der Grund sein für Birgit Kleber, 

sich ganz auf das Gesicht zu konzentrie-

© Micha Bar-Am 

ren und es dazu noch an der Stirn anzuschneiden. 

Diese enge Form, in edlem 

Schwarzweiß, wendet sie so konsequent 

an, dass man die Fotos sofort als 

die ihren erkennt. Für Johanna Breede 

hat sie eine selten fotografierte Spezies 

aufs Korn genommen, die Fotografen. In 

ihren Selbstporträts verstecken die sich 

ja gern hinter ihrer Kamera oder in totaler 

Verfremdung. Hier mussten sie Farbe 

bekennen, wenn auch monochrom. 

Durch die Beschränkung des Bildfelds 

unterschlägt uns Birgit Kleber jede Körpersprache 

des Gegenübers und seine 

Emotionen. Die müssen sich beim Studium 

der Gesichtslandschaften bei uns 

einstellen. 

Herb Ritts, bis 9. Juli bei Camera Work, 

macht uns das leichter. Er kommt, wie 

fast alle Künstler dieser Galerie, aus der 

Modebranche. Seine großen SW-Porträts 

und Körperbilder sind spektakulär, 

aber ohne doppelten Boden. Man 

sieht, was man sieht. Mehr nicht. Das 

vierfache Bildnis von Jack Nicholson 

als Clown (1988) füllt eine ganze Wand. 

Umwerfend. Madonna, schwarzweiß 

kariert, greift sich gschamig zwischen 

die Schenkel und Oscar-Preisträger 

Sean Penn pinkelt in die Landschaft. 

Vier Mal verkauft. Neben der Auftragsarbeit 

versucht sich Herb Ritts auch an 

mystischen Motiven, Körperskulpturen 

unter düsteren Wolken an der kalifornischen 

Küste. Aber das Gruseln lehrt 

er uns nicht. 

In der erzählenden Fotografie, in einer 

vorurteilslosen Reportage oder einem 

engagierten Langzeitprojekt, liegt eine 

der reizvollsten Möglichkeiten des 

Mediums. Norbert Bunge hat für seine 

Galerie argus fotokunst die Serie »Country 

Road« von Clemens Kalischer entdeckt. 

Der Zeitschrift PHOTONEWS 

war sie eine Doppelseite wert. In den 

50er Jahren ist der Autor durch die Apalachen 

im Süden der USA gereist und 

hat den Alltag der ländlichen Bevölkerung 

in schönen, kraftvollen Bildern 

festgehalten. Schon 1955 war er beteiligt 

an der legendären MOMA-Ausstellung 

»The Family of Man«. Der 90-jährige 

ließ es sich nicht nehmen, zur Vernissage 

nach Berlin zu kommen und 

hellwachen Geistes mit den Besuchern 

zu plaudern. Die waren hingerissen von 

seiner jugendlichen Energie. 

Obwohl solche Bilder Zeugnisse einer 

bestimmten Zeit sind, ist die Art der Darstellung 

des Menschen in seiner alltäglichen 

Umgebung zeitlos. 

Martin Rosswog, Jahrgang 1950, Meisterschüler 

von Bernd Becher, war in 

Irland unterwegs. Der Photoplatz im 

Hotel Bogotá präsentierte seine sehr 

lebendigen Szenen, meist spontan 

erwischt, bei Porträts behutsam Regie 

geführt, nach bester Becher-Tradition 

schwarzweiß, aber ungleich spannender 

als die Fördertürme, weil belebt. 

Sehr gut! 

© Clemens Kalischer 

© Birgit Kleber 


Dieses Prädikat gebührt nun ganz 

besonders einem unermüdlichen Chronisten 

unserer Zeit, dessen Lebenswerk 

vor allem »Im Land der Mulde« (Buchtitel) 

gewachsen und erblüht ist. Es ist 

Gerhard Weber (Jahrgang 1940) aus 

Grimma in Sachsen. Eine kleine Auswahl 

der wunderbaren Milieustudien 

aus seiner Heimat war gerade bei Schuster 

am Berliner Hauptbahnhof zu sehen. 

Seit 1968 hat er für die Leipziger Volkszeitung 

zusammen mit seiner Frau Brigitte 

(Texte) einfühlsame Reportagen aus 

450 Dörfern der Region erstellt. Sozialfotografie 

im besten Sinne, nicht unbedingt 

in dem der Einheitspartei. Seit 18. 


37


© Annette Hauschild, »Die Tänzerin Oxana Chi«, 2008 

Juni ist eine sehr ungewöhnliche Freiluftausstellung 

zu sehen, 250 großformatige 

Nachwendebilder entlang 

der Dorfstraße und an den Gebäuden 

und Geräten der Schiffsmühle in Höfgen. 

Info über www.schiffsmuehle.de. 

Das läuft bis 28. August. Weber war 

auch bei den »100 Bildern des Jahres« 

immer wieder erfolgreich und heimste 

2010 den Hauptpreis ein. Sein Lebenswerk 

ist dem von Roger Melis vergleichbar, 

der Ähnliches in Mecklenburg vollbrachte. 

Der Lehmstedt-Verlag in Leipzig 

hat sich vor allem der ostdeutschen 

Chronisten angenommen und schöne 

Bildbände zu günstigem Preis aufgelegt. 

(www.lehmstedt.de). 

Matthias Harder und Ulrich Pohlmann 

haben uns im letzten brennpunkt den 

Fotojournalisten Max Scheler (1928- 

2003) vorgestellt. Zu sehen bis 31. 

Juli im Willy-Brandt-Haus und bis 20. 

August bei Johanna Breede. Er war seit 

1959 beim Stern und »den dramatischen 

Ereignissen auf der Spur, der Emotion, 

der Freude, Trauer, Begeisterung, Hysterie, 

Gläubigkeit und Verzweiflung«. 

Doch seine Bilder sind merkwürdig 

unterkühlt, routiniert, man wird nicht 

angemacht, nicht hineingezogen in die 

Ereignisse. Er hat seinen Job gemacht. 

Von Konrad A. bis Jackie O. heißt die 

Show im Willy Brandt-Haus reißerisch. 

Das A und O ist sie nicht. 


Was für ein Unterschied zu den Kollegen 

Thomas Hoepker und Daniel Biskup mit 

der Ausstellung »Über Leben«. 

Bis 3. Oktober zu bewundern, zu genießen 

im Pei-Bau des Deutschen Historischen 

Museums. Der eine ist 1936 geboren, 

der andere 1962. Sie sind sich ganz 

und gar ebenbürtig in der packenden 

Bildgestaltung (Weitwinkel) und einer 

Dramatik, die trotz großer Nähe nicht 

verletzt, die wirklich Emotionen rüberbringt 

und dabei immer eine Ebene 

»hinter dem Bild« hat, eine symbolische 

Dimension, die sich mit einfachen 

Mitteln erreichen lässt, wenn man sie 

beherrscht. Bei Hoepker kommt noch 

eine Ironie dazu, die im kalten Krieg 

fast so etwas wie eine Waffe war. Das 

Augenzwinkern wurde in West und Ost 

von der Basis eher verstanden als von 

den Stasileuten. 

Biskup war vor allem in Osteuropa 

unterwegs und hat sehr bewegende 

Bilder aus Russland und vom Bürgerkrieg 

in Jugoslawien mitgebracht. Immer 

steht der Mensch im Mittelpunkt, nie 

drückt der Fotograf dem Bild sein Markenzeichen 

auf. Er bleibt im Schatten 

und verrät doch seine warme Anteilnahme 

im Detail. 

Wenn sich junge Leute fotografieren, 

sind sie cooler. Sie verbergen ihre 

Gefühle unter einer gewissen Schnoddrigkeit. 

Das kann sehr erfrischend sein. 

Unter dem Titel »Träum schön weiter« 

hingen im Saalbau die flott betexteten 

Schnappschüsse von 13 Neuköllner 

Jugendlichen, angeleitet von 2 Autoren 

und 2 Fotografen. Mitten in der Karl- 

Marx-Straße hatten sie auch das richtige 

Publikum. Eine Textprobe: »3 crossies 

für een Euro ? krichste nur in Neukölln«. 

Ähnlich ist ein Projekt der Berliner Stadtmission, 

noch bis Oktober im Foyer des 

Museums für Verkehr und Technik zu 

sehen. In einem Workshop haben Berliner 

Fotografen, darunter Kai-Uwe Heinrich 

vom Tagesspiegel, Schülern zwischen 

8 und 14 Jahren das Know-How 

beigebracht und dann von 600 entstandenen 

Werken 30 ausgewählt und 

schön geprinted und gerahmt. Entstanden 

ist ein Bild der Stadt von unten, aus 

kindlicher Perspektive, auch der angebissene 

Döner auf dem Stehtisch. Fantasie 

haben die Gören allemal. Aus ein 

paar Kleidungsstücken zaubern sie ein 

Phantom. 

Diese kleinen Events gehen in der 

Hauptstadt leicht unter. Perlen entdeckt 

man eher zufällig. So zum Beispiel 

eine kleine Hommage, nein, es 

ist eine »Femmage«, werde ich belehrt, 

an die lettisch-jüdische Tänzerin Tatjana 

Barbakoff, 20er Jahre, iniziiert von der 

ihr seelenverwandten Oxana Chi, mit 

Fotos von Layla Zami und Annette Hauschild. 

Die Bilder sind in selbstgebastelten 

Holzrahmen liebevoll präsentiert, 

in der Galerie Gondwana in Schöneberg. 

Das geförderte Projekt soll den 

Austausch mit interkulturellen Gruppen 

aller Nationen unterstützen. 

Und noch ein beglückendes Erlebnis: »3 

Sekunden Gegenwart«, eine Abschlussarbeit 

von Melanie Wiener mit einer 

fantastischen Idee. In 3 Sekunden nimmt 

sie 5 Fotos auf von einem bewegten 

Motiv. Sie belichtet oder druckt sie auf 

5 Folien und montiert diese auf Abstand 

hintereinander in einen Guckkastenrahmen. 

Sie nennt das Tempografie und es 

ist verblüffend, wie der Faktor Zeit in 

den Bewegungsphasen zum Ausdruck 

kommt, in Verbindung mit plastischer 

Tiefe. Vielleicht hätte ich den Trick nicht 

verraten sollen? 

Klaus Rabien

BLICK DICH UM 

war der Titel einer kleinen, feinen Ausstellung 

in der Caritas-Klinik Maria 

Heimsuchung, auch als Dankeschön 

gedacht an die Klinik, in deren »Kavalierhaus 

Pankow« sich der Freundeskreis 

Foto an jedem zweiten Mittwoch 

im Monat trifft, und das seit 2003. Inzwischen 

hat sich ein Stamm herausgebildet, 

zu dem sich immer wieder andere 

Fotointeressierte gesellen, denen die 

Offenheit und Toleranz gefällt, mit der 

die mitgebrachten Bilder besprochen 

werden. Der Gründer und Moderator 

des Kreises, Dietrich Eckhardt, erstellt 

danach jeweils ein bebildertes Protokoll 

des Treffens und verschickt es per Mail. 

Manche Abende stehen unter einem 

Thema. Das klingt nach einem normalen 

Fotoklub. Aber es ist anders, weil 

hier kein Wettbewerb stattfindet und 

weil nicht organisierte Teilnehmer und 

solche aus den beiden Landesverbänden, 

GfF und DVF, sowie des Kulturrings 

Berlin zusammen kommen. Zur 

Vernissage am 24. Mai trafen sich denn 

auch die beiden Vorsitzenden, Dr. Hans- 

Joachim Kühn und Helmut Friebus, und 

hatten Gelegenheit zu einem Gedankenaustausch. 

Unermüdlich in beiden 

Verbänden aktiv ist Peter Kaiser, jetzt 

Vize im LV des DVF. Was auf Bundesebene 

nicht so recht funktioniert, wird in 

Berlin längst praktiziert, auch mit dem 

jährlichen Foto Klub Forum im Rathaus 

Köpenick, einst geleitet von Dietrich 

Eckhardt. Es war heuer das siebzehnte. 

Interessenten für die Treffen wenden 

sich bitte an Dietrich Eckhardt, 

Tel. 030-47559751, 

Mail: eckhardt-berlin@online.de © Dietrich Eckhardt, »Berliner Hauptbahnhof« 

© R. Hofmann, »Skyline von Berlin-Lichterfelde« © Hans-Joachim Severin, »Rheinfall« 

© Felix Sieber, »Verblichen« 

Fotoszene 


39

Galerien 



Auguststraße 75, 


Telefon: 030 / 200 953 33 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de 

info@alfred-ehrhardt-stiftung.de 

Di-So 11-18, Uhr, Do 11-21 Uhr 

aff Galerie 

atelier freier fotografen 

Kochhannstraße 14, 


Telefon: 163 446 59 51 (O. Jacob) 

www.aff-berlin.com 

oliverjacob@aff-berlin.com 

So 14–17 Uhr 

Berlinische Galerie 

Landesmuseum für Moderne Kunst, 

Fotografie und Architektur 

Alte Jakobstraße 124-128, 


Telefon: 030 / 789 026 00 

www.berlinischegalerie.de 

bg@berlinischegalerie.de 

Mi-Mo 10-18 Uhr 

BrotfabrikGalerie 

BrotfabrikGalerie 

Caligariplatz 1, 

13086 Berlin-Weißensee 

Telefon: 030 / 473 708 57 

www.brotfabrik-berlin.de 

info@brotfabrik-berlin.de 

Mo-So 16-21 Uhr 


C/O Berlin 

C/O Berlin 

Oranienburger Straße 35/36, 


Telefon: 030 / 280 919 25 

www.co-berlin.com 

info@co-berlin.com 

Täglich 11-20 Uhr 

Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8, 

10829 Berlin- Schöneberg 

Telefon: 030 / 782 58 21 

www.cafe-aroma.de 

info@cafe-aroma.de 

Mo-Fr 18-24 Uhr, Sa + So 14-24 Uhr 

Camera Work 

CAMERA WORK 

Kantstraße 149, 


Telefon: 030 / 310 07 73 

www.camerawork.de 

info@camerawork.de 

Di-Sa 11-18 Uhr 

Caritas-Galerie 

Residenzstraße 90, 

13409 Berlin-Reinickendorf 

Telefon: 030 / 666 331 044 

Mo-Do 8-17 Uhr, Fr 8 -16 Uhr 

CONTRIBUTED - Studio for the Arts 

Strausberger Platz 16, 


Telefon: 030 / 847 123 910 

www.contributed.de 

contact@contributed.de 

Di-Fr 14-19, Uhr, Sa 12-16 Uhr 

Das Verborgene Museum 

Schlüterstraße 70, 


Telefon: 030 / 313 36 56 

www.dasverborgenemuseum.de 

berlin@dasverborgenemuseum.de 

Di, Fr 15-19 Uhr, Sa + So 12-16 Uhr 

DHM Deutsches Historisches 

Museum 

Ausstellungshalle von I. M. Pei 

Unter den Linden 2 

Hinter dem Zeughaus, 


Telefon: 030 / 203 040 

www.dhm.de 

info@dhm.de 

Täglich 10-18 

Carpentier-Galerie 

Meinekestraße 12A-13, 


Telefon: 030 / 548 444 94 

www.carpentier-galerie.de 

info@carpentier-galerie de 

Geöffnet nach Vereinbarung 


Senefelderstraße 35, 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

Telefon: 0176 /657 811 48 

www.exp12.com 

presse@exp12.com 

Di-Fr 16-20 Uhr, Sa + So 14-20 Uhr 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26, 


Telefon: 030 / 283 59 01 

www.argus-fotokunst.de 

mail@argus-fotokunst.de 


Galerie der Kunststiftung Poll 

Gipsstraße 3, 


Telefon: 030 / 284 96 20 

www.poll-berlin.de 

kunst@poll-berlin.de 

Di-Sa 15-18 Uhr

Galerie Dittmar 

Auguststraße 22, 


Telefon: 030 / 280 985 40 

www.galerie-dittmar.de 

edition@galerie-dittmar.de 


Galerie für Moderne Fotografie 

Schröderstraße 13, 


Telefon: 030 / 275 810 33 

www.galeriefuermodernefotografie. 

com 

mail@galeriefuermodernefotografie.com 


Fenster 61 

Fenster 61 

Fenster für Fotoprojekte 

Torstraße 61, 


www.fenster61.de 

mail@fenster61.de (Christian Reister) 

Galerie Hiltawsky 

Tucholskystraße 41, 


Telefon: 0171 / 813 45 67 

www.hiltawski.com 

mail@hiltawski.com 

Mi-Sa 14-18 Uhr 

Galerie zone B 

Brunnenstraße 149, 


Telefon: 0170 / 463 09 53 

www.zone-b.info/ 

kwm@zone-b.info 


galerie:pixelgrain 

Rosenstraße 16/17, 


Telefon: 030 / 308 78 70 

www.pixelgrain.com 

mail@pixelgrain.com 

Mo-Sa 10-19, Uhr, So 14-19 Uhr 

Museum für Fotografie 

Helmut Newton Stiftung 

Jebensstraße 2, 


Telefon: 030 / 318 648 56 

www.helmutnewton.com 

info@helmut-newton-stiftung.org 

Di-So 10-18, Uhr, Do 10-22 Uhr 

imago fotokunst (Ausstellungsraum) 


Linienstraße 145, 


Telefon: 030 / 280 459 99 

www.imago-fotokunst.de 

galerie@imago-fotokunst.de 

Di-Fr 12-19, Uhr, Sa 14-18 Uhr 

Jiri Svestka Berlin 

Zimmerstraße 90-91, 


Telefon: 030 / 347 276 42 


Johanna Breede PHOTOKUNST 

Johanna Breede PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69, 


Telefon: 030 / 886 831 23 

www.johanna-breede.com 

kunsthandel@breede.de 

Di-Fr 11-18 Uhr, Sa 11-16 Uhr 

Kicken Berlin 

Linienstraße 155, 


Telefon: 030 / 288 778 82 

www.kicken-gallery.com 

kicken@kicken-gallery.com 


loftgalerie 

Peter Gregor 

Friesickestraße 18, 


Telefon: 030 / 923 723 25 

www.loftgalerie.de 

info@loftgalerie.de 

Di-Fr 14-19 Uhr, Sa 12-16 Uhr 


Galerien 

Loris - Galerie für zeitgenössische 

Kunst 

Gartenstraße 114, 


Telefon: 030 / 275 955 79 

www.lorisberlin.de 

mail@lorisberlin.de 

Mi-Fr 14-19 Uhr, Sa 12-17 Uhr 


Niederkirchnerstraße 7, 


Telefon: 030 / 254 86 0 

www.gropiusbau.de 

post@gropiusbau.de 


41

Galerien 

Monochrom-Berlin 

Ackerstraße 23-26, 


Telefon: 030 / 246 320 50 

www.monochrom.com 

info@monochrom.com 

Mo-Fr 10.30-19.30, Sa 10.30-18 Uhr 


Jebensstraße 2, 


Telefon: 030 / 318 648 25 

http://www.smb.museum/mf 

mf@smb.spk-berlin.de 

Di-So 10-18, Uhr, Do 10-22 Uhr 

Museum THE KENNEDYS 

Pariser Platz 4a, 


Telefon: 030 / 206 535 70 

www.thekennedys.de 

info@thekennedys.de 


ONLY PHOTOGRAPHY Roland Angst 

Niebuhrstraße 78, 


Telefon: 030 / 847 202 91 

www.only-photography.com 

info@only-photography.com 

Mi-Fr 14-19 Uhr, Sa 11-16 Uhr 

PHOTO EDITION BERLIN 

Ystaderstraße 14a, 

10437 Berlin-Prenzlauer Berg 

Telefon: 030 / 417 178 31 

www.photo-edition-berlin.com 

contact@photo-edition-berlin.com 

Mi 14-18 Uhr, Sa 12-16 Uhr 

Pavlov´s Dog 

Raum für Fotografie 

Bergstraße 19, 


Telefon: 030 / 531 629 78 

www. pavlovsdog.org 

iwan@pavlovsdog.org 

Do-Sa 16-20 Uhr 

photoplatz 

c/o Hotel Bogota 

Schlüterstraße 45, 


Telefon: 030 / 881 50 01 

www.bogota.de 



21galleries by udo walz 

fine art photography & illustrations 



Telefon: 030 / 889 292 03 

www.21galleries.com 

office@galleries.com 

Mo-Sa 18-02 Uhr 

Robert Morat Galerie - Projektraum 

Berlin 

Kleine Hamburger Straße 2, 


Telefon: 0172 / 434 87 81 

www.robertmorat.de 

kontakt@robertmorat.de 

Sa 12-16 Uhr 

Swedish Photography 

Oranienburger Straße 27 Kunsthof, 


Telefon: 0170 / 547 07 07 

www.swedishphotography.org 

press@swedishphotography.org 

Mi-Sa 13-18 Uhr 

Galerie Schuster Photo 

Heidestraße 46, 

10557 Berlin-Tiergarten 

Telefon: 030 / 323 042 00 

www.galerie-schuster.de 

info@galerie-schuster.de 


LUMAS Editionsgalerie 


Rosenthaler Straße 40/41, 

Hackesche Höfe 


Telefon: 030 / 280 403 73 

www.lumas.de 

info@lumas.de 

Mo-Sa 11-20, So 13-19 Uhr 





Telefon: 030 / 886 276 01 

www.lumas.de 

info@lumas.de 

Mo-Sa 10-20, So 13-18 Uhr 

LUXAD 

Mommsenstraße 42 (rechts), 


Telefon 030 / 397 469 01 

www.luxad.de 

info@luxad.de (Andreas David) 

Mo–Fr 10–19 Uhr 

Sa 12–18 Uhr 

Wagner + Partner 

Karl-Marx-Allee 87, 


Telefon: 030 / 219 601 37 

www.galerie-wagner-partner.com 

mail@galerie-wagner-partner.com 


Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28, 


Telefon: 030 / 259 937 85 

www.willy-brandt-haus.de 

presse@freundeskreis-wbh.de 

Di-So 12-18 Uhr 

ZAK I BRANICKA 

Lindenstraße 35, 


Telefon: 030 / 611 073 75 


Fortsetzung folgt (Stand Juni 2011)

C/O Berlin 


Sibylle Bergemann 

»Polaroids« 

Gregory Crewdson 

»On a Lonely Place« 

10. September bis 4. Dezember 2011 

»Bilder der Ohnmacht« 

Oranienburger Straße 35/36 


Täglich 11–20 Uhr 

Collection regard 


Friedrich Seidensücker, Hein Gorny, 

Adolph Byers 

»Hommage á Berlin« 

Marc Barbey 

Steinstraße 12 


Fr 14–18 Uhr 

Haus am Waldsee 


Mette Tronvoll 

»Auf Augenhöhe« 

Argentinische Allee 30 

14163 Berlin-Zehlendorf 

Mo–So 11–18 Uhr 



Abisag Tüllmann 

»Bildreportagen und Theaterfotografie« 

Jebensstraße 2 


Di–So 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 



Andreas Fahr 

»Begegnungen/Fotografien aus vier Jahrzehnten« 

Caligariplatz 


täglich 16–21 Uhr 

Galerie 

argus fotokunst 


Die Mauer / The Wall / Le Mur 

»Leben mit der Mauer« 

Marienstraße 26 


Di–Sa 14–18 Uhr 

Kicken Berlin 


André Kertész 

»Vint« 




Aktgalerie 


Freie Ausstellung 

Independent Group Exhibition 

5. bis 28. August 2011 

Manfred Fuchs / Jochen Deckert 

»Fantastic Real & Akt-Panoramen 


Ekkehard Gollner 

»Sinnliche Momente« 

Krossener Straße 34 


Fr, Sa, So 16–20 Uhr 


Ausstellungen 


Abschlussarbeiten 

Fotoklasse 26 

(Künstlerische Leitung: 

Oliver Scholten) 



Di–Fr 12–19 Uhr 

Sa 14–18 Uhr 



Matthew Pillsbury 

29. Oktober bis 23. Dezember 2011 

Susan Burnstine 

Tucholwskystraße 41 


Mi–Sa 14–18 Uhr 

galerie ratskeller 

Galerie für 

zeitgenössische Kunst 

25. August bis 31. September 2011 

Frank Silberbach 

»Berliner Panoramafotografien 

2004-2011« 

Möllendorffstraße 6 

(im Rathaus Lichtenberg) 

10367 Berlin-Lichtenberg 

Mo–Fr 10–18 Uhr 

Fotogalerie 


Varda Carmeli 

»Indien – Ansichten« 

Helsingforser Platz 1 



Do 10–18 Uhr 


43

Ausstellungen 

Elliott Erwitt 

»Fotografie« 

Der bekannte Magnum-Fotograf, 

Jahrgang 1928, zeigt in der Ludwig 

Galerie einen Überblick über 

sein Schaffen. Hunde und Kinder, 

Gruppen und Nackte, Museen und 

Landschaften - niemand ist vor seinem 

augenzwinkernden und humorvollen 

Blick sicher. 

»I am serious about not being serious« 

sagt Erwitt über sich selbst. Der Mensch 

bzw. das Tier stehen bei ihm im 

Mittelpunkt. Seine Reisen brachten ihn 

um die ganze Welt, die Reportagefotos 

prägen zum Teil bis heute unser Bild von 

den historischen Vorgängen. 

New York, USA, 2000 

© Elliott Erwitt/Magnum Photos 

Bereits auf Edward Steichens legendärer 

Fotoausstellung »The Family of Man« 

1955 im Museum of Modern Art New 

York vertreten, hat der Amerikaner 

mit russischen Eltern neben freier 

Fotografie und zahlreichen Reportagen 

auch die Mode- und Werbefotografie 

beeinflusst. 

In Zusammenarbeit mit Magnum 

Photos. 


Kent, England, 1984 © Elliott Erwitt/Magnum Photos 


Ludwig Galerie 

Schloss Oberhausen 

Konrad-Adenauer-Allee 46 

46049 Oberhausen 

Di – So 11–18 Uhr

Ingrid Amslinger 

Die Fotogalerie in Wasserburg zeigt freie 

Arbeiten der Künstlerin, die sowohl mit 

ihren Architekturfotografien als auch 

über die fotografische Dokumentation 

der Kunstprojekte von Hannsjörg Voth 

bekannt geworden ist. 

Die lichtbildnerischen Gegensätze von 

Weiß und Schwarz, von gelegentlich 

gleißend hellem Licht und tiefen schwarzen 

Schatten inmitten differenzierter 

Grautöne, lassen hier den dokumentarischen 

»entscheidenden Augenblick« 

der Aufnahme unwesentlich erscheinen. 

Vielmehr vermitteln sich dem Betrachter 

eine gewisse Zeitlosigkeit und transzendente 

Stimmung, vielleicht die eigene 

Begegnung mit archaischen inneren Bildern. 

© Ingrid Amslinger, Jugoslawien 1987 

24. Juli bis 25. September 2011 

Fotogalerie Karin Schneider-Henn 

Schmidzeile 12 

83512 Wasserburg am Inn 

Sa + So 14–18 Uhr 

und nach Vereinbarung 

© Ingrid Amslinger, Stilleben, Italien 1984 

© Ingrid Amslinger, Türkei 1966 

Vernissage: 23. Juli 2011, ab 16 Uhr 

Dieter Hinrichs stellt die Arbeiten vor; 

die Künstlerin wird anwesend sein. 

Ausstellungen 


45

Buchbesprechung 

James Clancy 

»BORDER COUNTRY« 

Bei »Border Country« handelt es sich um 

keine reale Landschaft, sondern um die 

»Abbilder« einer inneren Landschaft des 

Fotografen James Clancy. Im Außen ist er 

auf der Suche nach Bildern, die seinen 

für andere unfassbaren emotionalen 

Zuständen entsprechen. In seinen teilweise 

mystisch anmutenden Schwarzweißfotografien 

zeigt Clancy einsame 

Waldlichtungen, verfallene Behausungen, 

die noch Überreste menschlichen 

Daseins beherrbergen, Wege mit ungewissem 

Ziel. Eigentümliche pflanzliche 

Strukturen, Spuren von Schmutz, Rost 

und Staub, sowie das Spiel zwischen 

Licht und Schatten machen Clancys 

Aufnahmen zu spannenden Bildwelten, 

verschmelzen Innen und Außen. Border 

Country hat eine Ausstellungstournee 

durch zahlreiche europäische Städte 

hinter sich und wird 2011 in Finland 

und Berlin gezeigt. 

© James Clancy 

Herausgegeben von / Edited by 

James Clancy 

Text von / Text by James Clancy 

Festeinband / Hardcover 24 x 17 cm 

48 Seiten / pages 

38 Duoton / duotone ills. 

DEUTSCH / ENGLISCH 

ISBN 978-3-86828-193-4 

Euro 19,80,– / Sfr 29,90 


© James Clancy 

© James Clancy

Hohe Ehrung für 

Klaus Rabien 

Im Rahmen der Ausstellungseröffnung 

zum Themenwettbewerb »Momente« 

am 2. April 2011erhielt Klaus Rabien 

für seine Verdienste um den DVF von 

Präsident Willy Borgfeldt die Verdienstmedaille 

in Gold überreicht. 

Klaus Rabien kam 1976 zur fotografen-vereinigung 

kreuzberg und war seit 

1981 Vorsitzender dieses Clubs. Während 

dieser Zeit lag sein fotografischer 

Schwerpunkt auf der Tanzfotografie. Ein 

Vierteljahrhundert lang schrieb Klaus 

Rabien als Redakteur für die Zeitschrift 

»brennpunkt« Galerieberichte. Seit der 

Wende suchte Fotofreund Rabien Kontakte 

zu den Clubs im Ostteil der Stadt; 

daraus entwickelten sich vielfältige 

Kontakte und gemeinsame Ausstellungen, 

insbesondere zum Fotoclub Köpenick 

und zum Fotoclub Potsdam. Zu 

den Europäischen Monaten der Fotografie 

2008 und 2010 stellte Klaus Rabien 

»seine Kreuzberger« einer breiteren 

Öffentlichkeit vor. 

© Ricardo Jose, 

»Willy Borgfeldt, (DVF-Präsident), Klaus Rabien, 

Helmut Friebus (Landesvorsitzender)« 

Wenn Herr Rabien einmal nicht fotografiert, 

widmet er sich seiner Tätigkeit 

als selbständiger Konditormeister, 

und das mit großem Erfolg - Handwerk 

hat eben goldenen Boden. An diesem 

Erfolg hat er die Fotofreunde des 

DVF Landes 1 teilhaben lassen, indem 

er über 25 Jahre lang durch Sponsoring 

den Bezug der Zeitschrift »brennpunkt« 

möglich machte. Und so war es 

seitens des DVF-Präsidiums nur konsequent, 

Klaus Rabien etwas Gold zurückzugeben: 

in Form der DVF-Verdienstmedaille 

in Gold. 

-hwf- 

DVF-Verbandstag 

2011 

Am 16. April 2011 fand der Verbandstag 

des DVF-Landes Berlin/Brandenburg/ 

Mecklenburg-Vorpommern statt. 

Der Landesvorsitzende Helmut Friebus 

sowie der Schatzmeister Horst Scheider, 

berichteten über die Aktivitäten 

des zurückliegenden Jahres und über 

die finanzielle Entwicklung des Landes. 

Dabei ging Fotofreund Friebus auf die 

Wettbewerbe sowie Workshop-Angebote 

ein, die zu organisieren waren. 

Insbesondere wegen möglicher Steuerbelastungen 

ist die weitere finanzielle 

Planung des Landes nur unter Vorbehalt 

möglich. 

Es wurde einstimmig beschlossen, einen 

Antrag an den Gesamtvorstand zu richten, 

mit dem Ziel, den Beschluss von der 

Herbsttagung 2010 - die Änderung des 

Ehrenkodex betreffend - rückgängig zu 

machen. Der Beschluss sagte aus, dass 

ein Bild, welches bereits IRIS-Punkte 

erhalten hat, nicht mehr zu einem DVF- 

Wettbewerb, bei dem es IRIS-Punkte 

gibt, eingesandt werden kann. Darüber 

hinaus kann ein Bild, welches bereits 

RETINA-Punkte erhalten hat, zu keinem 

weiteren DVF-Wettbewerb mehr eingesandt 

werden. 

Bei den Wahlen wurde Helmut Friebus 

als Landesvorsitzender wiedergewählt. 

Fotofreund Peter Kaiser wurde 

zum stellvertretenden Landesvorsitzenden 

gewählt. Als Schatzmeister wurde 

Horst Scheider in seinem Amt bestätigt 

und Gerd Weber ist neuer Pressereferent 

des DVF-Landes und gleichzeitig 

für die Webseite zuständig. 

-hwf- 

Mitglieder gesucht 

Fotoszene 

Das Atelier Freier Fotografen (aff) in 

Berlin sucht neue Mitglieder: Angesprochen 

sind engagierte Fotograf(inn)en 

aus Berlin, die sich aktiv an einer jungen, 

aufstrebenden Fotogalerie beteiligen 

wollen. Veraussetzung sind Kreativität, 

künstlerische Gestaltungsfähigkeit und 

Teamfähigkeit. 

Die aff-Galerie ist eine Galerie an der 

Grenze Friedrichshain/Prenzlauer Berg, 

die neben Berliner Künstlern vor allem 

unbekannten Fotografen aus Osteuropa 

und den USA eine Plattform bietet. 

Schwerpunktthemen sind Menschen in 

ihrem soziokulturellen Umfeld sowie 

freie Arbeiten, die in Gruppen- und 

Einzelausstellungen präsentiert werden. 

Interessenten wenden sich bitte an 

folgende Kontaktadresse: Jörg Rubbert 

c/o aff-Berlin, Kochhannstr. 14, 

10249 Berlin, oder per Mail direkt an: 

joerg.rubbert@web.de 


Die Vernissage der Ausstellung Frank 

Silberbach, »Berliner Panoramafotografien 

2004-2011« findet am 24. August 

2011 um 19 Uhr statt. Eröffnungsredner 

ist Dr. Enno Kaufhold; die Ausstellung 

geht bis zum 31. September 2011. 

Ausstellungsort ist die »Galerie ratskeller-Galerie 

für zeitgenössische Kunst« in 

der Möllendorffstraße 6 in 10367 Berlin- 

Lichtenberg. Die Öffnungszeiten sind 

von Montag bis Freitag 10 –18 Uhr. 

Am 13. September 2011 führt Frank Silberbach 

durch die Ausstellung, bei der 

er sowohl über seine eigene Arbeit reden 

wird, als auch über die Geschichte der 

Straßenfotografie in Berlin. 

Der Beginn ist 19.00 Uhr. 

Siehe auch Portfolio in dieser Ausgabe 

ab Seite 48. 


47

Portfolio Frank Siberbach 


Seit den Jahren, in denen Frank 

Silberbach (*1958) seine fotografierten 

Panoramen allwöchentlich in den 

Magazinbeilagen der Samstagsausgaben 

der Berliner Zeitung veröffentlichte, 

gehört die Panoramafotografie ganz 

wesentlich zu seinen Aktivitäten. Als 

Berliner und mithin Großstädter richtet 

sich sein fotografischer Fokus auf die 

Menschen in dieser Stadt. Dabei folgt er 

der Straßen- und Lifefotografie, nur mit 

dem entscheidenden Unterschied, dass 

die Panoramaform noch schwieriger zu 

bewältigen ist. Denn die Breite dieses 

Formats will gefüllt werden, damit wirkliche 

Bilder entstehen. Frank Silberbach 

hat sich dafür über Jahre einen Blick 

angeeignet, der bewusst wie intuitiv das 

Alltagsgeschehen danach ausspäht, ob 

sich solch komplexe Szenarien anbahnen, 

um sie dann im entscheidenden 

Moment festzuhalten. Mit ausgeprägtem 

Gespür für das Situative zeigen uns 

Frank Silberbachs Bilder authentische 

Alltagsszenen, nie denunzierend, aber 

nicht selten mit ironischem oder humorvollem 

Unterton. 

© Frank Silberbach 


© Frank Silberbach


Portfolio Frank Silberbach 


49



50 brennpunkt 3/2011



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59

Fotoszene 

Sind Foto-Verbände 

noch zeitgemäß? 

Diese Frage war das Thema einer 

Podiumsdiskussion anlässlich der 

Laupheimer Fototage in diesem Jahr, zu 

der auch ich eingeladen war. Die von 

Detlev Motz organisierte Veranstaltung 

konnte verständlicherweise in den 

vorgegebenen 45 Minuten nicht 

sämtliche Aspekte dieser Fragestellung 

aufgreifen - und schon gar nicht 

beantworten. Im Kern fand ich das 

Thema aber so interessant, dass ich im 

folgenden noch einige Gedanken dazu 

äußern möchte. 

Der Fotograf an sich ist eher ein 

einsamer Wolf - mindestens während 

der Aufnahme. Für Kritik und fachlichen 

Austausch bedarf es aber immer einer 

Gruppe oder eines fotografischen 

Netzwerks. 

Natürlich gibt es auch Fotogruppen, die 

gemeinsam fotografieren gehen und 

wo gewissermaßen einer dem anderen 

»das Rohr auf die Schulter legt«. Na gut, 

das gehört dann wohl aber eher in den 

Bereich sozialen Entertainments als zur 

ernsthaften Fotografie. 

Die Aufgabe der fotografischen Treffen 

- seien sie real, oder virtuell - fängt 

also an, wenn das fertige Bild auf dem 

Tisch liegt, respektive auf dem Monitor/ 

Beamer erscheint. 

Also, eigentlich könnte man die eingangs 

gestellte Frage abschließend mit 

einem klaren Ja beantworten. 

Stellt man aber die Frage etwas erweitert 

- zum Beispiel in der Form »sind Fotoverbände 

in der jetzigen Form noch zeitgemäß?« 

- wird die Beantwortung schon 

wesentlich spannender. 

Neben den großen Berufsverbänden 

wie zum Beispiel Bund Freischaffender 

Foto-Designer (BFF), Brandenburgischer 

Verband Bildender Künstlerinnen 

und Künstler (BVBK), und als Mischverband 

die Deutsche Gesellschaft für 

Fotografie (DGPh), gibt es drei allgemeine 

Amateurverbände die eine Rolle 

spielen: Deutscher Verband für Fotografie 

(DVF), Bundesbahnsozialwerk 

(BSW), und Gesellschaft für Fotografie 


(GfF) und letztlich als digitale Sonderform 

das Internetportal Fotocommunity, 

die als jüngste dieser »Verbände« die 

höchste Erfolgsquote hinsichtlich Mitgliederzuwachs 

verzeichnen kann. 

Da ich nur die Verbände DVF, BSW, und 

GfF aus eigener Erfahrung kenne, will 

ich an diesen einmal exemplarisch aufführen, 

mit welchen Problemen sie zu 

kämpfen haben. 

Allen gemeinsam ist, dass führende 

Funktionen und die Hauptarbeit auf 

wenigen ehrenamtlichen Schultern 

ruhen. 

BSW und DVF haben ja noch den Vorteil, 

dass durch die föderalen Strukturen 

es zusätzlich eine Stütze durch die 

souveränen Länder gibt, so bleibt nicht 

alles am Präsidium hängen. 

Ganz anders bei der GfF, gewissermaßen 

der kleinen Schwester des DVF, hier 

ruht fast alles auf den Schultern des Präsidenten. 

Allein die Wettbewerbe »100 

Bilder« und »Barnack« sind eine Institution 

in Deutschland geworden und 

laufen recht reibungslos (na ja, fast reibungslos 

- bei der Auswahl der »Juroren« 

wäre gelegentlich etwas sachkundige 

Unterstützung vielleicht hilfreich...). 

Aber allein die Tatsache, dass die »100 

Bilder« regelmäßig in der gesamten 

Republik gezeigt werden, ist schon toll 

- das hat der DVF mit seiner Bundesfotoschau 

noch nicht geschafft. Ein weiteres 

Highlight ist der Katalog dieser Veranstaltung, 

der seit vielen Jahren in hoher 

Qualität herausgegeben wird. 

Und last but not least,sind es die Preise, 

die seit Jahren von Sponsoren für diesen 

Wettbewerb zur Verfügung gestellt 

werden. Sich immer wieder darum zu 

bemühen ist eine Leistung, die man dem 

Organisator nicht hoch genug anrechnen 

kann. 

Diese »one man show« der GfF hat 

natürlich auch Nachteile - die Mitgliederbetreuung 

bleibt auf der Strecke und 

die Unzufriedenheit über die schlechte 

Kommunikationsstruktur wächst... 

Der DVF hat zehnmal so viel Mitglieder, 

aber durch die separate Länderführung 

eine vorbildliche Betreuung der Fotografen, 

egal ob als Einzelmitglieder oder 

als Club. 

Die Angebote an Fortbildung und Seminaren 

in den einzelnen Ländern und 

Regionen sind optimal. 

Die dezentralen Strukturen führen aber 

häufig zu einer Verlangsamung von Entscheidungsprozessen 

- insbesondere bei 

der Umsetzung von neuen Ideen. 

Das »rotierende« Ausrichterverfahren 

bei den jährlichen Bundesfotoschauen 

hat zur Folge, dass jedes Mal das Rad 

neu erfunden werden muss - also ein 

neues Team sich immer wieder einarbeiten 

muss. Es fehlt dann auch an einer 

stetigen Verbindung zur Industrie, die 

man für eventuelles Sponsoring gewinnen 

könnte. 

Die BSW-Fotogruppen sind strukturmäßig 

eher mit dem DVF, als mit der GfF 

zu vergleichen, obwohl sie durch die 

Anbindung an ein Unternehmen schon 

eine gewisse Zentralisierung, aber auch 

Unterstützung, erfahren. 

Sie können zumindest auf bestehende 

Strukturen bei der Durchführung von 

Veranstaltungen zurück greifen. 

Was könnte man denn nun ändern um 

die fotografischen Amateurverbände für 

künftige Anforderungen zu wappnen? 

1. Es muss Geld zur Verfügung stehen 

um spezielle Arbeitsgruppen, aber 

auch Funktionsträger, zu bezahlen. 

Das sollte sowohl durch höhere Beiträge, 

als auch durch höhere Teilnahmegebühren 

bei den Wettbewerben 

geschehen. 

2. Zyklische Veranstaltungen sollten 

von immer den gleichen Teams 

(Honorar!) ausgerichtet werden. 

3. Die fotografische Leistung der Mitglieder 

sollte besser verkauft werden 

- wir bitten nicht, wir bieten! 

4. Fördern und fordern. Die Weiterbildung 

über Seminare und Workshops 

sollte weiter gefördert und die 

Anforderungen an die Bilder erhöht 

werden. Nur wenn wir ein hohes 

fotografisches Niveau dauerhaft 

erreichen können, werden wir von 

der Kunstwelt und etwaigen Sponsoren 

auch ernst genommen. 

Und eine Bemerkung zum Schluss. Ich 

erwähnte ja anfangs die GfF als »kleine 

Schwester« des DVF. Wie wäre es denn 

mal mit einer längs überfälligen »Familienzusammenführung« 

im einundzwanzigsten 

Jahr der Einheit... 

Manfred Kriegelstein

LUMIX G 

System Fotoschule 

Frank Späth 

Verlag: Point Of Sale Verlag 

ISBN: 978-3-941761-05-6 

28,00 Euro 

Der Erfolg der spiegellosen Systemkameras 

ist kaum mehr aufzuhalten - die 

Speerspitze dabei ist sicherlich das 

LUMIX G-System von Panasonic. Der 

Autor dieser Zeilen zählt selbst zu den 

euphorischen Umsteigern (vom Vollformat!) 

und ist von der Qualität insbesondere 

im Weitwinkelbereich begeistert. Es 

gibt wenige Nachteile der Kamera, einer 

ist sicherlich die kryptische Bedienungsanleitung. 

In diese Lücke stößt genau 

das Buch von Frank Späth, vielen sicherlich 

bekannt als Chefredakteur der Zeitschrift 

»PHOTOGRAPHIE«. 

Sein Werk ist kurzweilig, umfassend 

und verständlich und bringt einen auch 

die letzten Geheimnisse dieses modernen 

Kamerasystems nahe. Kurzum es ist 

der ultimative Ratgeber für Besitzer der 

Lumix G. 

Für Umsteiger ist insbesondere das Kapitel 

über die problemlose Adaptation vorhandener 

Objektive interessant. 

Einsteiger werden in mehreren Kapiteln 

auch mit grundlegenden Aspekten der 

Fotografie vertraut gemacht. 

Sehr Empfehlenswert ist auch das spezielle 

Lumix Forum welches von Frank 

Späth betreut wird: 

www.lumix-forum.de 


Photoshop Ebenen 

Das wichtigste Werkzeug aktuell 

erklärt 

Matt Kloskowski 

Verlag: ADDISON-WESLEY 

ISBN: 978-3-8273-3059-8 

320 Seiten, 4-farbig, Bilderdruck 

29,80 Euro 

Es ist wohl unbestritten, dass die Ebenenfunktionen 

der zentrale Bereich von 

Photoshop ist. 

Wer nicht mit Ebenen arbeitet, braucht 

Photoshop nicht! 

Natürlich beschäftigt sich jedes Buch 

über den Platzhirsch der Bildbearbeitungsprogramme 

mit diesem Thema, 

aber Matt Kloskowski hat ein ganzes 

Buch nur diesem Aspekt gewidmet - und 

das ist wirklich beeindruckend. 

Ich muss zugeben, dass ich bei der Lektüre 

dieses Buches erst mal gemerkt 

habe, wie viel ich nicht wußte - bin 

aber froh, dass ich einige Lücken jetzt 

geschlossen habe. 

Der Stil erinnert gelegentlich an Scott 

Kelby, also kurzweilig und leicht verständlich 

werden auch komplizierte 

Sachverhalte vermittelt. 

Wer mit Photoshop - oder auch Photoshop 

Elements - arbeitet, sollte diese 

Abhandlung unbedingt in seinem Regal 

stehen haben! 


Buchbesprechung 

Fotografieren mit dem 

Nikon-Blitzsystem 

Das Nikon CLS in der Praxis 

Benedict Frings-Neß, Heike Jasper 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1499-5 

332 Seiten,komplett in Farbe 

39,90 Euro 

Das Buch widmet sich schwerpunktmäßig 

natürlich dem Nikon Systemblitzen, 

aber auch die anderen Hersteller 

werden nicht vergessen, was sicherlich 

ein positiver Aspekt ist. 

Etwas gewöhnungsbedürftig sind ständige 

Querverweise auf Erklärungen in 

späteren Kapiteln - eine Abhandlung in 

kompakteren Blöcken wäre sicherlich 

didaktisch günstiger gewesen. 

Die Bebilderung der Beispiele ist, 

gerade für Anfänger, sehr anschaulich 

und informativ. 

Gerade im Blitzbereich herrscht bei 

vielen Fotografen noch ein erheblicher 

Informationsbedarf, insofern schließt 

das Buch sicherlich eine Lücke im Angebot 

der Literatur zur Kameratechnik. 

Für die angepeilte Zieltruppe also durchaus 

eine Empfehlung. 



61

Vorschau 4/2011 

brennpunkt 4-2011 

erscheint am 

2. Oktober 2011 

Leserfotos 

© Reinhard Wulff, Flensburg © Reinhard Wulff, Flensburg 

Portfolio 

Ulrich Burchert 

Bildjournalismus fixiert weder Vergangenheit 

noch Zukunft, nur die Gegenwart; 

nach der Belichtung ist das Foto 

durch den Druck auf den Auslöser der 

Kamera, gleich ob analog oder digital, 

Geschichte. 

Hierbei ist das Ziel, semiotisch formuliert, 

im Foto neben dem Objekt- den 

Metacharakter treten zu lassen. Das 

ist das eigentliche Problem des Bildjournalismus, 

um nicht Abbilder, sondern 

Bilder zu produzieren. Zwischen 

beiden ist das oft eine Gratwanderung. 

Mit diesen Eigenschaften des Bildjournalismus 

auf der Grundlage der Fotografie, 

zeichnet sie sich als ein einzigartiges 

Bildverfahren mit der so genannten 

»Gewalt des Augenblicks« gegenüber 

dem der Malerei und dem der Grafik 

aus. Unter diesem für mich spannendem 

Aspekt fotografierte ich zwanzig 

Jahre in der DDR und fotografiere in 

dieser gleichen Zeitspanne in der BRD. 

Von den in diesen Jahren entstandenen 

Fotos wird ein Bruchteil im nächsten 

»brennpunkt« zusehen sein. 


© Ulrich Burchert

ennpunkt 3/2011 

63

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Vorschau 4/2011 

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brennpunkt 3-2011 .indd - Edition dibue

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