Andy Warhol - Museum für Moderne Kunst

Andy Warhol
White Brillo’s Soap Pads Box, Yellow Brillo’s Soap Pads Boxes,
Kellogg’s Corn Flakes Box, Mott’s Apple Juice Box, 1964
„Der Grad, um den diese Schachteln von den wirklichen
Schachteln abweichen, macht sie zu Gegenständen,
die nicht wirklich Schachteln sind, und so
sind sie in gewissem Sinne die Illusion von Schachteln,
und das erhebt sie in den Bereich der Kunst.“
(Claes Oldenburg)
Um den von Oldenburg bemerkten Grad der Abweichung
festzustellen, muss man erst einmal
beschreiben, welche „Schachteln“ Warhol simulieren
wollte: Die Objekte erwecken den Eindruck
von handelsüblichen Umverpackungen aus Pappkarton,
die vor allem für Transport und Lagerung
von kleineren Produkten benötigt werden. Auf den
Seiten dieser Kartons befinden sich die Markenzeichen,
Mengenangaben und Werbeslogans der darin
verpackten Waren. Diese Verpackungskartons sind
reine Wegwerfprodukte, die nur für die kurze Phase
der Distribution im Supermarkt wichtig sind. Ihre
Funktion ist die einer Hülle, reine Oberfläche also –
ein Thema, das Warhol als Abgrenzung zum Abstrakten
Expressionismus besonders faszinierte.
Aber die hier ausgestellten Kisten sind nicht aus
Wellpappe, sondern aus 6-8 Millimeter starkem
Sperrholz. Sie sind auch nicht ordentlich und sauber
bedruckt, wie man es von einem Industrieprodukt
erwarten würde, sondern tragen die für
Warhols künstlerische Siebdrucke üblichen Verwischungen,
Farbflecken und Passungenauigkeiten.
Es waren die ersten Arbeiten mit zwei übereinander
gelegten Sieben. Auf den Kisten finden sich die oft
versetzten Passkreuze, die auf einem normalen
Pappkarton nach dem Druck weggestanzt werden.
Warhol ließ die Holzkisten erstmals anfertigen,
um das Motiv der Campbell’s Soup Cans darauf
zu drucken. Mit dem Ergebnis war er jedoch nicht
zufrieden, denn es sah in seinen Augen komisch
aus. Er beschloss, ganz gewöhnliche Pappkartons
zu machen und schickte seinen Assistenten Nathan
Gluck in den Supermarkt, um passende Modelle zu
holen. Glucks Auswahl war ihm jedoch zu „künstlerisch“,
und so ging er schließlich selbst, um sie
gegen alltäglichere, populäre Produkte auszutauschen:
Heinz Tomato Ketchup, Mott’s Apple Juice,
Kellogg’s Corn Flakes und zwei Versionen von
Brillo’s Soap Pads, die hellgelb grundierte, die
als auffällige Umverpackung ein Sonderangebot –
„3 cents off“ – signalisierte und die klassische
“The degree to which these boxes depart from real
boxes makes them objects which are not really
boxes, and thus in a certain sense they are an illusion
of boxes and this elevates them to the status
of art.” (Claes Oldenburg)
In order to determine the degree of departure in
line with Oldenburg’s remarks, we must first describe
which “boxes” Warhol wanted to simulate.
After all, the objects appear to be the usual retail
cardboard containers which are above all used to
transport and store smaller products. On the side
of these boxes we can see the trademarks and
brands, the respective volumes and advertising
slogans of the goods within. These cardboard
packages are purely disposable products, important
merely for the short phase of distribution in
the supermarket. Their function is to contain –
in other words they are nothing more than a surface.
This is a theme which particularly fascinated
Warhol for it marked a boundary to Abstract Expressionism.
However, the boxes on show here are not made
of corrugated cardboard but of 6-8mm plywood.
They are also not printed in a neat and tidy way
as you would expect of an industrial product but
feature the usual smudges, color splotches and
discrepancies typical of Warhol’s silk-screens.
These were the first works he made with two
superimposed screens. On the boxes you can often
see staggered alignment marks, which on a normal
cardboard box disappear when it is printed.
Warhol first had the wooden boxes made so that
he could print the Campbell's Soup Cans logo on
them. However, he was not satisfied with the result
because to his mind it looked odd. He decided to
make normal cardboard boxes and sent his assistant
Nathan Gluck off to the supermarket to fetch
the appropriate models. But Gluck's choice was
too “artistic” for Warhol and so in the end he went
there himself and swapped them for more everyday
products: Heinz Tomato Ketchup, Mott's Apple
Juice, Kellog's Corn Flakes and two versions of
Brillo's Soap Pads with their striking bright yellow
box, which was supposed to signalize a special
“3 cents off” offer, not to mention the classic Brillo
package with the white background. The products
he chose were very typical of American everyday

Brillo-Packung mit weißem Fond. Die ausgewählten
Produkte sind sehr typisch für die amerikanische
Alltagskultur der 60er Jahre – eine Zeit
florierender Wirtschaft, des Überflusses und der
Konsumbegeisterung. Auf der weißen Brillo Box
leuchtet der blau-rote Schriftzug in den Farben
der amerikanischen Flagge. Sie erinnert an die
Ausstellung „The American Supermarket“, die am
6.10.1964 in der Bianchini Gallery in New York
eröffnet wurde, unter anderem mit Warhols Kisten.
Die treibende Kraft hinter diesem Happening, das
Shopping zur Kunstform erklärte, war der Künstler
Ben Birillo. Die Auswahl des im Vergleich zu Kellogg’s,
Campbell’s oder Mott’s Apple Juice nicht
ganz so alltäglichen Produktes der Brillo Soap Pads
war womöglich eine Anspielung auf ihn.
Im Sortiment der ausgewählten Produkte fällt die
grafische Modernität der Brillo Box auf. Sie wurde
in den frühen sechziger Jahren von James Harvey
entworfen, einem Maler des Abstrakten Expressionismus,
der tagsüber als Werbegrafiker sein Geld
verdienen musste. Als Harvey im Frühjahr 1964 in
der New Yorker Stable Gallery seinen Entwurf auf
120 hölzernen Simulationen sah, traf ihn die Ironie
des Schicksals. Harveys Androhung einer Strafanzeige
gegen Warhol war wohl eher ein Zeichen
einer künstlerischen Krise.
Andy Warhols Kisten sind eine Attacke auf den
herkömmlichen Begriff vom Kunstwerk mit seiner
Aura von Originalität und Individualität und auf
das „Märchen von der spirituellen Reinheit des
Künstlers“ (Allan Kaprow). Es geht Warhol nicht
mehr darum, ein neues Bild zu erfinden, statt dessen
benutzt er bereits vorhandene triviale Motive
aus der Warenwelt, die er im Siebdruckverfahren
auf Holzplatten überträgt. Dieses Medium schließt
die persönliche Handschrift des Künstlers aus und
negiert damit eine weitere traditionelle Maxime der
Kunstproduktion: Das Anfertigen der Drucke übernahmen
auch Andys Freunde aus der „Factory“ –
so nannte er sein Atelier ab 1963 –, so dass Warhol
selbst gar nicht mehr Hand anlegen musste. Die mit
dem Siebdruck möglich gewordene Fertigung von
hohen Stückzahlen verunglimpft die Idee vom
Kunstwerk als Unikat, als einzigartigem Original.
Warhol zeigte die Kisten schon bei der ersten Ausstellung
zu hohen Türmen aufgestapelt, eine im
Supermarkt auch heute noch übliche Form der
Warenpräsentation.
Der Aufruhr, den die Ausstellung der Kisten in der
Kunstwelt damals verursachte – immerhin 50 Jahre
nach Duchamps ersten Ready-mades – war enorm.
Dabei waren nur die Modelle der Kisten Objets
trouvés, aber die Objekte selbst nicht. Die Betrachter
ließen sich von einem dreidimensionalen Trom-
life in the 1960s – a time characterized by surplus
affluence and consumer enthusiasm. On the white
Brillo Box, the writing shines blue and red in the
colors of the American flag, reminiscent of the
exhibition “The American Supermarket” which
opened in the Bianchini Gallery in New York on
October 6, 1964 and which included, among other
things, Warhol's boxes. The driving force behind
the Happening, which described shopping as an art
form, was artist Ben Birillo. The choice of Brillo's
Soap Pads, which was not quite as everyday as
Kellog's, Campbell's or Mott's Apple Juice was
perhaps a play on Birillo.
The modern graphics of the Brillo Box is conspicious
in the selection of products. It was designed
in the early 1960s by James Harvey, an Abstract
Expressionist painter who was forced to earn
money during the daytime as a commercial graphic
artist. In the spring of 1964, when Harvey saw his
design on 120 wooden simulations he was hit by
how ironic fate can be. Harvey threatened to press
charges against Warhol, whereby this can be considered
more a sign of an artistic crisis than of
earnest litigation.
Andy Warhol's boxes are an attack on the conventional
ideal of the artwork with its aura of originality
and individuality and what Allan Karpow
has termed the “myth of the artist’s spiritual purity”.
Warhol is no longer concerned with creating
a new image; instead he uses trivial motifs that
already exist in the product world and then uses
a silk-screen to transfer them onto wooden boards.
This medium excludes any personal touch by the
artist and thus negates a further traditional maxim
of art production: Andy's friends from the “Factory”
(as he called his studio as of 1963) produced
the prints so that Warhol himself no longer had to
touch them. Silk-screening enabled high-quantity
production runs, denigrating the idea of the artwork
as a unique original. In the very first exhibition
of the boxes, Warhol displayed them stacked
into high towers, a form of product presentation
still common in supermarkets today.
The uproar the exhibition of boxes caused in the
art world at the time was enormous – although it
was 50 years down the road from Duchamp’s first
ready-mades. Yet it was only the models of the
boxes that were found objects, not the objects
themselves. The viewers allowed themselves to
be deceived by a three-dimensional trompe-l'oeil.
Warhol's stacked empty boxes are nothing other
than a simulation of a market still-life in the 20th
century that links the superficiality of the product
world with that of the world of art. What was and
still is really provoking is the way Warhol kindles

pe-l’oeil täuschen. Warhols gestapelte, hohle Kisten
sind nichts anderes als die Simulation eines Marktstilllebens
im 20. Jahrhundert, das die Oberflächlichkeit
der Warenwelt mit der Kunstwelt verbindet.
Die Assoziation von Supermarkt, industrieller
Warenherstellung und den „heiligen Hallen“ des
Kunstmuseums, wo man in einem Prozess der Kontemplation
vor handgefertigten Unikaten nach dem
Sinn des Lebens suchen wollte, war und ist das
eigentlich Provokante.
Doris Schmidt
associations linking the supermarket, industrial
production and the “holy halls” of the art museum
where one hopes to find the meaning of life by
contemplating unique handmade works.
Doris Schmidt
Translation: Jeremy Gaines, Frankfurt am Main

White Brillo Box, 1964
Acryl und Liquitex im Siebdruckverfahren auf Holz
Acrylic and Liquitex, silk-screen on wood
43,4 x 43,4 x 35,7 cm
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main
Ehemalige Sammlung Karl Ströher, Darmstadt
Former Karl Ströher Collection, Darmstadt
(Inv. 1981/78)
Yellow Brillo Boxes, 1964
Acryl und Liquitex im Siebdruckverfahren auf Holz
Acrylic and Liquitex, screen print on wood
je 33,3 x 40,7 x 29,4 cm
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main
Ehemalige Sammlung Karl Ströher, Darmstadt
Former Karl Ströher Collection, Darmstadt
(Inv. 1981/79.1-5)
Kellogg’s Corn Flakes Box, 1964
Acryl und Liquitex im Siebdruckverfahren auf Holz
Acrylic and Liquitex, silk-screen on wood
63,7 x 53,4 x 43,4 cm
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main
Ehemalige Sammlung Karl Ströher, Darmstadt
Former Karl Ströher Collection, Darmstadt
(Inv. 1981/80)
Mott’s Apple Juice Box, 1964
Acryl und Liquitex im Siebdruckverfahren auf Holz
Acrylic and Liquitex, silk-screen on wood
46 x 76,3 x 56 cm
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main
Ehemalige Sammlung Karl Ströher, Darmstadt
Former Karl Ströher Collection, Darmstadt
(Inv. 1981/81)
Museum für Moderne Kunst
Frankfurt am Main
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