Andy Warhol - Museum für Moderne Kunst

Brillo-Packung mit weißem Fond. Die ausgewählten
Produkte sind sehr typisch für die amerikanische
Alltagskultur der 60er Jahre – eine Zeit
florierender Wirtschaft, des Überflusses und der
Konsumbegeisterung. Auf der weißen Brillo Box
leuchtet der blau-rote Schriftzug in den Farben
der amerikanischen Flagge. Sie erinnert an die
Ausstellung „The American Supermarket“, die am
6.10.1964 in der Bianchini Gallery in New York
eröffnet wurde, unter anderem mit Warhols Kisten.
Die treibende Kraft hinter diesem Happening, das
Shopping zur Kunstform erklärte, war der Künstler
Ben Birillo. Die Auswahl des im Vergleich zu Kellogg’s,
Campbell’s oder Mott’s Apple Juice nicht
ganz so alltäglichen Produktes der Brillo Soap Pads
war womöglich eine Anspielung auf ihn.
Im Sortiment der ausgewählten Produkte fällt die
grafische Modernität der Brillo Box auf. Sie wurde
in den frühen sechziger Jahren von James Harvey
entworfen, einem Maler des Abstrakten Expressionismus,
der tagsüber als Werbegrafiker sein Geld
verdienen musste. Als Harvey im Frühjahr 1964 in
der New Yorker Stable Gallery seinen Entwurf auf
120 hölzernen Simulationen sah, traf ihn die Ironie
des Schicksals. Harveys Androhung einer Strafanzeige
gegen Warhol war wohl eher ein Zeichen
einer künstlerischen Krise.
Andy Warhols Kisten sind eine Attacke auf den
herkömmlichen Begriff vom Kunstwerk mit seiner
Aura von Originalität und Individualität und auf
das „Märchen von der spirituellen Reinheit des
Künstlers“ (Allan Kaprow). Es geht Warhol nicht
mehr darum, ein neues Bild zu erfinden, statt dessen
benutzt er bereits vorhandene triviale Motive
aus der Warenwelt, die er im Siebdruckverfahren
auf Holzplatten überträgt. Dieses Medium schließt
die persönliche Handschrift des Künstlers aus und
negiert damit eine weitere traditionelle Maxime der
Kunstproduktion: Das Anfertigen der Drucke übernahmen
auch Andys Freunde aus der „Factory“ –
so nannte er sein Atelier ab 1963 –, so dass Warhol
selbst gar nicht mehr Hand anlegen musste. Die mit
dem Siebdruck möglich gewordene Fertigung von
hohen Stückzahlen verunglimpft die Idee vom
Kunstwerk als Unikat, als einzigartigem Original.
Warhol zeigte die Kisten schon bei der ersten Ausstellung
zu hohen Türmen aufgestapelt, eine im
Supermarkt auch heute noch übliche Form der
Warenpräsentation.
Der Aufruhr, den die Ausstellung der Kisten in der
Kunstwelt damals verursachte – immerhin 50 Jahre
nach Duchamps ersten Ready-mades – war enorm.
Dabei waren nur die Modelle der Kisten Objets
trouvés, aber die Objekte selbst nicht. Die Betrachter
ließen sich von einem dreidimensionalen Trom-
life in the 1960s – a time characterized by surplus
affluence and consumer enthusiasm. On the white
Brillo Box, the writing shines blue and red in the
colors of the American flag, reminiscent of the
exhibition “The American Supermarket” which
opened in the Bianchini Gallery in New York on
October 6, 1964 and which included, among other
things, Warhol's boxes. The driving force behind
the Happening, which described shopping as an art
form, was artist Ben Birillo. The choice of Brillo's
Soap Pads, which was not quite as everyday as
Kellog's, Campbell's or Mott's Apple Juice was
perhaps a play on Birillo.
The modern graphics of the Brillo Box is conspicious
in the selection of products. It was designed
in the early 1960s by James Harvey, an Abstract
Expressionist painter who was forced to earn
money during the daytime as a commercial graphic
artist. In the spring of 1964, when Harvey saw his
design on 120 wooden simulations he was hit by
how ironic fate can be. Harvey threatened to press
charges against Warhol, whereby this can be considered
more a sign of an artistic crisis than of
earnest litigation.
Andy Warhol's boxes are an attack on the conventional
ideal of the artwork with its aura of originality
and individuality and what Allan Karpow
has termed the “myth of the artist’s spiritual purity”.
Warhol is no longer concerned with creating
a new image; instead he uses trivial motifs that
already exist in the product world and then uses
a silk-screen to transfer them onto wooden boards.
This medium excludes any personal touch by the
artist and thus negates a further traditional maxim
of art production: Andy's friends from the “Factory”
(as he called his studio as of 1963) produced
the prints so that Warhol himself no longer had to
touch them. Silk-screening enabled high-quantity
production runs, denigrating the idea of the artwork
as a unique original. In the very first exhibition
of the boxes, Warhol displayed them stacked
into high towers, a form of product presentation
still common in supermarkets today.
The uproar the exhibition of boxes caused in the
art world at the time was enormous – although it
was 50 years down the road from Duchamp’s first
ready-mades. Yet it was only the models of the
boxes that were found objects, not the objects
themselves. The viewers allowed themselves to
be deceived by a three-dimensional trompe-l'oeil.
Warhol's stacked empty boxes are nothing other
than a simulation of a market still-life in the 20th
century that links the superficiality of the product
world with that of the world of art. What was and
still is really provoking is the way Warhol kindles