Andy Warhol - Museum für Moderne Kunst

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Brillo-Packung mit weißem Fond. Die ausgewählten Produkte sind sehr typisch für die amerikanische Alltagskultur der 60er Jahre – eine Zeit florierender Wirtschaft, des Überflusses und der Konsumbegeisterung. Auf der weißen Brillo Box leuchtet der blau-rote Schriftzug in den Farben der amerikanischen Flagge. Sie erinnert an die Ausstellung „The American Supermarket“, die am 6.10.1964 in der Bianchini Gallery in New York eröffnet wurde, unter anderem mit Warhols Kisten. Die treibende Kraft hinter diesem Happening, das Shopping zur Kunstform erklärte, war der Künstler Ben Birillo. Die Auswahl des im Vergleich zu Kellogg’s, Campbell’s oder Mott’s Apple Juice nicht ganz so alltäglichen Produktes der Brillo Soap Pads war womöglich eine Anspielung auf ihn. Im Sortiment der ausgewählten Produkte fällt die grafische Modernität der Brillo Box auf. Sie wurde in den frühen sechziger Jahren von James Harvey entworfen, einem Maler des Abstrakten Expressionismus, der tagsüber als Werbegrafiker sein Geld verdienen musste. Als Harvey im Frühjahr 1964 in der New Yorker Stable Gallery seinen Entwurf auf 120 hölzernen Simulationen sah, traf ihn die Ironie des Schicksals. Harveys Androhung einer Strafanzeige gegen Warhol war wohl eher ein Zeichen einer künstlerischen Krise. Andy Warhols Kisten sind eine Attacke auf den herkömmlichen Begriff vom Kunstwerk mit seiner Aura von Originalität und Individualität und auf das „Märchen von der spirituellen Reinheit des Künstlers“ (Allan Kaprow). Es geht Warhol nicht mehr darum, ein neues Bild zu erfinden, statt dessen benutzt er bereits vorhandene triviale Motive aus der Warenwelt, die er im Siebdruckverfahren auf Holzplatten überträgt. Dieses Medium schließt die persönliche Handschrift des Künstlers aus und negiert damit eine weitere traditionelle Maxime der Kunstproduktion: Das Anfertigen der Drucke übernahmen auch Andys Freunde aus der „Factory“ – so nannte er sein Atelier ab 1963 –, so dass Warhol selbst gar nicht mehr Hand anlegen musste. Die mit dem Siebdruck möglich gewordene Fertigung von hohen Stückzahlen verunglimpft die Idee vom Kunstwerk als Unikat, als einzigartigem Original. Warhol zeigte die Kisten schon bei der ersten Ausstellung zu hohen Türmen aufgestapelt, eine im Supermarkt auch heute noch übliche Form der Warenpräsentation. Der Aufruhr, den die Ausstellung der Kisten in der Kunstwelt damals verursachte – immerhin 50 Jahre nach Duchamps ersten Ready-mades – war enorm. Dabei waren nur die Modelle der Kisten Objets trouvés, aber die Objekte selbst nicht. Die Betrachter ließen sich von einem dreidimensionalen Trom- life in the 1960s – a time characterized by surplus affluence and consumer enthusiasm. On the white Brillo Box, the writing shines blue and red in the colors of the American flag, reminiscent of the exhibition “The American Supermarket” which opened in the Bianchini Gallery in New York on October 6, 1964 and which included, among other things, Warhol's boxes. The driving force behind the Happening, which described shopping as an art form, was artist Ben Birillo. The choice of Brillo's Soap Pads, which was not quite as everyday as Kellog's, Campbell's or Mott's Apple Juice was perhaps a play on Birillo. The modern graphics of the Brillo Box is conspicious in the selection of products. It was designed in the early 1960s by James Harvey, an Abstract Expressionist painter who was forced to earn money during the daytime as a commercial graphic artist. In the spring of 1964, when Harvey saw his design on 120 wooden simulations he was hit by how ironic fate can be. Harvey threatened to press charges against Warhol, whereby this can be considered more a sign of an artistic crisis than of earnest litigation. Andy Warhol's boxes are an attack on the conventional ideal of the artwork with its aura of originality and individuality and what Allan Karpow has termed the “myth of the artist’s spiritual purity”. Warhol is no longer concerned with creating a new image; instead he uses trivial motifs that already exist in the product world and then uses a silk-screen to transfer them onto wooden boards. This medium excludes any personal touch by the artist and thus negates a further traditional maxim of art production: Andy's friends from the “Factory” (as he called his studio as of 1963) produced the prints so that Warhol himself no longer had to touch them. Silk-screening enabled high-quantity production runs, denigrating the idea of the artwork as a unique original. In the very first exhibition of the boxes, Warhol displayed them stacked into high towers, a form of product presentation still common in supermarkets today. The uproar the exhibition of boxes caused in the art world at the time was enormous – although it was 50 years down the road from Duchamp’s first ready-mades. Yet it was only the models of the boxes that were found objects, not the objects themselves. The viewers allowed themselves to be deceived by a three-dimensional trompe-l'oeil. Warhol's stacked empty boxes are nothing other than a simulation of a market still-life in the 20th century that links the superficiality of the product world with that of the world of art. What was and still is really provoking is the way Warhol kindles
pe-l’oeil täuschen. Warhols gestapelte, hohle Kisten sind nichts anderes als die Simulation eines Marktstilllebens im 20. Jahrhundert, das die Oberflächlichkeit der Warenwelt mit der Kunstwelt verbindet. Die Assoziation von Supermarkt, industrieller Warenherstellung und den „heiligen Hallen“ des Kunstmuseums, wo man in einem Prozess der Kontemplation vor handgefertigten Unikaten nach dem Sinn des Lebens suchen wollte, war und ist das eigentlich Provokante. Doris Schmidt associations linking the supermarket, industrial production and the “holy halls” of the art museum where one hopes to find the meaning of life by contemplating unique handmade works. Doris Schmidt Translation: Jeremy Gaines, Frankfurt am Main
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