reViews 30 - Noisy-neighbours.com

30 

reViews 

AMPL:TUDE - 

DER IGEL AN DER ORGEL 

(Sinnbus/Alive) 

Ein Homerecording-Studio in 

Berlin-Neukölln, 2006: Vier jugendliche 

Tüftler-Nerds machen 

es sich vor dem Rechner gemütlich, drehen 

an Knöpfchen und hauen in die Tasten. Sie sind 

Teil einer Generation, die schon im Kindesalter 

ganz selbstverständlich mit Videospiel-Soundtracks 

aufwuchs und so schon früh mit Beats, Bits 

und Bytes Bekanntschaft machte. Hier hören wir 

das Resultat, quietschbunt wie sein Cover. Von jeglicher 

partieller Rockband-Vergangenheit hat sich 

das sinnbussche Eigengewächs Ampl:tude gemäß 

der Maxime „digital ist besser“ getrennt, nur selten 

verirrt sich noch eine Gitarre ins Klangbild. Nein, 

„Der Igel an der Orgel“ (sic!) ist der mittlerweile 

dritte Entwurf von C64-Elektrodance-Indietronics 

und dabei DIY in Reinkultur. Wenn andere Bands 

Soundtracks für Filme konzipieren, muss das verrückte 

Computerspiel, das „Der Igel an der Orgel“ 

untermalen soll, noch erfunden werden. Abgedreht 

wäre es ganz sicher, quietschbunt und vergnüglich. 

Ein bonbonfarbenes Jump'n'Run in 4D, mit einem 

Protagonisten aus dem Tierreich - vielleicht ja 

„Die kleine Katze“? Mit Casio-Keys und Spielzeugklavier 

basteln sich Matti, Phil, Conrad & Jo eine 

Gameboy-Soundästhetik zusammen, die sehr eigen 

klingt und uns fern von hippen Dance-Trends 

und sterilen Elektro-Konventionen mit lässiger 

Gute Laune-Attitüde quirlig vergnügt. Putzig und 

naiv pluckert und fiept der Brotkasten, er funkt, 

zischt und steht ständig unter Strom - und spuckt 

dennoch immer wieder maximal poppige Melodie 

und schräge Tanzbeats aus. Computermusik mit 

warmem Herz und analoger Seele, eine „Revolution 

zum Selberkochen“, die kühler Kybernetik auf 

den elektrischen Synapsen ein Spiegelei brät. Vergleiche 

fallen schwer. Ein abwegiger: Man stelle 

sich vor, Horse The Band würden ihre Saiteninstrumente 

wegschmeißen, auf jegliche Metal-Hampeleien 

verzichten und ohne Machismo zu ihrem Nintendo-Nerdtum 

stehen. Und dann auch noch 

freundliche Tiere gut finden. Höchstens Console 

taugt vielleicht als entfernter Cousin im Geiste als 

Anhaltspunkt, zumindest ist Martin Gretschmann 

bekennender Hornbrillenträger. Vielleicht treffender 

ist das Bild, das der Plattentitel evoziert: Nicht 

selten klingt das tatsächlich so wuselig, als hätte 

sich der kleine Racker in der elektronischen Orgel 

verfangen und würde beim Fluchtversuch über die 

Tasten huschen und dabei sämtliche Knöpfe auf 

einmal drehen. Eine hohe Toleranzgrenze ist für 

derlei Eskapaden vonnöten, denn oftmals treibt es 

„Der Igel an der Orgel“ ziemlich bunt, sprich: nervenbelastend. 

Und für viele mag das gar schon von 

Anfang an nur ein Gedudel ersten Grades sein, 

kindlich und albern noch dazu. Aber trotz Stellen 

hoher nervlicher Belastung: diese Platte entschädigt 

mit vielen großartigen Momenten. Spätestens 

beim Hidden Track, der das alte „Ich packe meinen 

Koffer…“-Spiel reanimiert, ist man sich 

schließlich sicher: Das hier ist Musik von Nerds, 

für Nerds. 

9 Punkte 

Patrick Agis-Garcin 

elektro-on.de 

Alles neu macht der Mai. Oder auch das neue Jahr. Zeit für Veränderung. Zeit, unsere reViews-Flut ein bisschen 

zu strukturieren. Und da in mancher Leben die Schulzeit noch sehr präsent ist („hach, damals, weißt Du noch?“), 

haben wir uns für ein 15-Punktesystem entschieden. Da gibt’s nicht viel mehr zu erklären... außer vielleicht noch: 

0-3 Punkte: irgendwo da unten. 4-6 Punkte: „Nicht Fisch, nicht Fleisch“, aber „essbar“. 7-9 Punkte: Mittelfeld. 

10-12 Punkte: gut! 13-15 Punkte: Supergutes Schätzchen!!! 

ANAJO - 

HALLO; WER KENNT HIER 

EIGENTLICH WEN? 

(Tapete/Indigo) 

Meine erste Begegnung mit 

dem Phänomen Anajo hatte ich, noch bevor ich 

auch nur eines ihrer Lieder gehört hatte - in einem 

Münchner Platten-Discounter tauchten während 

meines halbstündigen Stöberns nach interessanten 

Neuerscheinungen eine Dame mittleren Alters 

und ein Girlie auf. Sie erkundigten sich beide nach 

Platten einer Band, von denen es noch keine einzige 

Scheibe im Handel gab und die Tags zuvor einen 

ihrer allerersten Münchner Auftritte absolviert 

hatte: Sie sprachen von ganz niedlichen Jungs aus 

Augsburg und der tollen Partymusik. Es ging um 

Anajo - nach den im Möchtegern-Major-Rohr krepierten 

Nova International und Roman Fischer der 

nächsten großen Hoffnung der selbsternannten 

Popcity Augsburg. Und sie machten ja auch richtig 

Freude, die drei Jungs aus der knallbonbonbunten 

Tralala-Abteilung, in der scheinbar nur harmlos 

hübsche Unterhaltung ohne jegliches schlechtes 

Gewissen feilgeboten wurde. Doch das Witzige 

waren die stets präsente Selbstironie und eine nie 

zur Pose degenerierende Teenager-Frische, die 

Songs wie „Monika-Tanzband“ zu echten Kleinoden 

machten - und jedem, der es nicht hören wollte, 

raunte ich zu, dass ich auf den Erfolg dieser Jungs 

gerne Wetten anböte. Nur - niemand wettete dagegen. 

Nun also die Neue - erst Jahre später. „Wir lassen 

uns gehen und machen uns frei“ singen sie am Anfang, 

unsere drei Spaßpopper. „Alles, was da ist, 

und alles, was war: Wir werden es toppen, wir werden 

zum Star.“ Sie wären nicht die ersten Musiker, 

die in leicht schief liegender Grammatik den eigenen 

Aufstieg zutreffend besingen, auch, wenn der 

Gag einen weit in die Musikgeschichte zurück reichenden 

Bart hat. Es klingt ja so naiv, so - irgendwie 

- richtig, so schön leicht schräg und echt authentisch. 

Und von Anfang an entsteht das Bild 

weich gespülter Sportfreunde. (Doch, das geht!) 

Auch hier der Gesang, der sich nicht um seine Lehrer 

schert, die völlige Hinwendung zum Privaten 

und Unpolitischen. Eine fruchtgummi-süße Welt 

ohne Probleme. Da besingt man den Hotelboy, den 

mit Wasser in den Augen, weil man ihn halt gesehen 

hat, und vielleicht noch ein bisschen einen auf 

schwul macht, dann eine liebevolle Begegnung in 

Norddeutschland, das Mädchen im Fenster gegenüber 

- all die matt aufscheinenden, niemals ausgeleuchteten 

Projektionsflächen von Teenagerliebe 

und gymnasiastischen Allerwelts - Verblasenheiten. 

Und je länger das weiter dudelt, desto sicherer 

bin ich mir, dass das wirklich das nächste 

große Ding ist. Dass es mich immer mehr langweilt. 

Dass hier aus Ironie wirklich Pose wurde. 

Dass die Readers - Digest - Kopie harmloser 

Scherze flach werden muss. So flach, dass sich 

die Masse endlich davon träumen kann, in ein Zukkerwatte-Land 

ohne Alltagsdramen und existenzielle 

Unsicherheit. Dieser musikalische Lollipop 

ist eine Designer - Droge - auch, wenn Anajo ihr 

angebliches Indie - Bewusstsein so gerne betonen, 

dass sie wahrscheinlich selbst - noch! - dran glauben 

- independent ist hier nur die Freiheit zum Geld 

verdienen. Späßchen und Worte ohne Bedeutung 

gibt es ja auch in Zukunft ohne Ende. Also wird dieses 

Konzept fast ewig funktionieren - in all seiner 

kalkulierten Beliebigkeit. Und so mancher Intellektuelle 

mag dabei fröhlich und folgenlos mitwippen. 

So, wie in den Fünfziger - Jahren zu dümmlichen 

Schlagerliedchen in der Musiklandschaft das dösende 

Publikum auch um die Wette zum Verdrängen 

verführt wurde. 

Nette Liedchen also zwischen Schlager und Pop, 

zu denen Mutti mit ihrer Tochter tanzen kann. Mutti 

träumt von `nem jungen Lover und hofft, dass ihre 

Kleine mal so einen abkriegt, nicht so `nen Revoluzzer 

oder armen Arbeiter. Töchterchen möchte 

mit so `nem lieben Mittzwanziger schmusen, nachdem 

er von den Musikertantiemen die Champagnerrechnung 

gezahlt hat. Vorsicht, Mädel: Nicht 

jede nette Fassade bleibt beim besser Kennen lernen 

auch so nett. Von wegen: alles ist gut. Blablabla. 

Tralala. 

„Bunte Lichter, dunkle Wolken, ohne Bedeutung, 

denn dein Geheimnis liegt darin, dass Du keins 

hast.“ Das ist die ungewollte Selbstbeschreibung 

einer Erfolgsband von gleich morgen, die schon 

heute keine Eigenschaften mehr hat und hübsche 

Liedchen perfektioniert, die niemandem wehtun 

und völlig folgenlos bleiben. Opium fürs Volk? Aber 

sicher. Die (Platten-) Industrie freut das. Karl Marx 

hatte Recht. Ihrem häufig so mutigen, feinen Label 

gönne ich die garantiert fette Beute! Und die 

Jungs sollen von dem Geldregen, der jetzt auf sie 

niedergehen wird, das tun, was sie schon immer 

wollten, aber sich in ihren Liedern nicht auszusprechen 

trauen. Dann haben sie uns beim nächsten 

Mal vielleicht wieder Relevantes zu berichten. 

Die mir noch allzu gut erinnerliche Band Münchner 

Freiheit hat jedenfalls unerwartet Erben bekommen. 

Schlimm genug. 

5 Punkte 

Andrasch Neunert 

anajo.de 

BEEHOOVER - 

THE SUN BEHIND THE DUSTBIN 

(Exile On Mainstream Rec / Soulfood) 

Mit Beehoover bekommt der derzeit so beliebte 

Club der trauten Zweisamkeit ein neues Mitglied. 

Diesmal aus Deutschland. Drums, Bass und Gesang 

sind die Mittel mit denen C.-P. Hamisch und 

I. Peterson ihre Version des Stoner-Doom-Metal 

zum Besten geben. Anfangs klingt „The Sun Behind...“ 

dann auch ziemlich interessant, weil es 

schon überrascht, wie mächtig und druckvoll das 

Duo zu Werke geht. Aber jedes Mal, wenn das Album 

etwa zur Hälfte durchgelaufen ist - so etwa ab 

Break Nummero 1093 also - kann ich mir einen 

verstohlenen Blick auf das CD-Player-Zählwerk 

nicht mehr verkneifen. Irgendwie zieht sich das Album 

mit seinen gut 63 Minuten Gesamtspielzeit 

nämlich sehr in die Länge - obwohl Beehoover alles 

daran setzen, anders und „besonders“ zu klingen. 

Wahrscheinlich ist es aber genau dieser eigene, 

etwas zu verkopft wirkende Anspruch, der 

dem Album die Leichtigkeit nimmt und die Band 

letztendlich schlechter wegkommen lässt, als sie 

es eigentlich verdient hat. Live in einem kleinen, 

stinkenden Club oder auf EP-Länge sicherlich eine 

Macht. Abendfüllende Unterhaltung bieten Beehoover 

aber leider (noch) nicht. 

8 Punkte 

Jochen Wörsinger 

mainstreamrecords.de

BODI BILL - NO MORE WARS 

(Sinnbus/Alive) 

Es ist eine Krux mit dieser Platte! Die so gut und einzigartig 

hätte werden können und das nicht nur andeutet, sondern 

zeitweise auch konsequent in die Tat umsetzt, was 

man sich von ihr erwartet. Man muss nämlich wissen: Hinter 

Bodi Bill, diesem geheimnisvollen, körper- und gesichtslosen Konstrukt in 

50er-Jahre-Schwarzweiß-Ästhetik, verstecken sich Alex Amoon, vormals bei 

den Postrockern von Nonostar aktiv und der Elektronik/Laptop-Tüftler Pantasz 

alias Fabian Fenk. Auf dem Papier verspricht das eine Fusion aus verquerem 

Schöngeist und warmen Beats, auf dem Platz ist das zunächst sogar noch 

besser. Denn der Beginn von „No More Wars“ hat es in sich: Das ist smarter 

Indie-Elektro-Pop mit Köpfchen, leicht neben der Spur und im unterkühlt sterilen 

Gewand aus Querdenkerbeats stets aufgewärmt von einer unperfekten 

Stimme, der ganz viel Seele innewohnt - die Anglophilen unter euch könnten 

das auch beruhigt Soul nennen. Doch irgendwann passiert es dann unvermittelt: 

Die Stimmung kippt, kompakte Kleinode weichen ausufernden, monotonen 

Club-Beats und das intime Wohnzimmerkonzert wird in die anonyme, 

unpersönliche Großraumdisko verlegt. Dass Herr Pantasz mitten im Aufnahmeprozess 

seinen Kollegen kurzerhand aus dem Studio verbannte, ist höchst 

unwahrscheinlich, aber doch klingt es so. Der permanent uninspirierte Ausflug 

auf den instrumentalen Techno-Tanzflur langweilt jedenfalls zutiefst und will 

auch mal so gar nicht recht in den Kontext dieser so vielversprechend gestarteten 

Scheibe passen. Nichts gegen eine ordentliche Portion Bodi-Moving, in 

Trance verfallen will man bei dieser besseren Hintergrundbeschallung aber 

nicht. Nach quälend langem Ausharren auf Erlösung verpassen uns Bodi Bill 

dann mit dem finalen Track, der Single „Willem“, den finalen Schmerzenshieb. 

Denn dieser beste Song auf „No More Wars“ führt in knapp drei Minuten und 

mit charmanter Klavier-Begleitung nochmals deutlich vor Augen, was vorher 

in viel zu langen, abstrakten Dance-Exkursionen versäumt wurde: Wie ein guter 

Song auszusehen hat. Was hier hätte gehen können, wäre da nicht auf halber 

Strecke der böse Clubberwolf im Schafspelz aufgetaucht. Die Kriege können 

uns Bodi Bill zwar weiterhin gerne verbieten - aber nicht die Tränen für 

diese verpasste Chance. 

6 Punkte 


bodibill.de 

BOMBEE+ - BEACHBOYS BACK FROM ANCHORAGE 

RADAR - ROLLSPLITT 

(beide Sweet Home Records/Poordog) 

Und wieder mal tritt ein neues, interessantes Label auf den Plan. Diesmal beheimatet 

in Sachsen, genauer Hohenstein-Ernstthal. Der Grundgedanke dahinter 

ist so einfach wie löblich: DIY, enge, auf Gleichberechtigung basierende 

Zusammenarbeit mit den Bands, eine eigenständige Plattform für Eigenständigkeit 

liebende Bands bieten, Netzwerke gründen und aufrecht erhalten und 

nicht zuletzt ein hohes Maß an Idealismus. 

Die beiden aktuellen Veröffentlichung des Labels spiegeln dann auch genau 

diese Haltung wieder. Da wären zunächst mal BOMBEE+ mit einem Album, 

das man schon alleine wegen des absolut genialen Titels „Beachboys Back 

From Anchorage“ mögen muss. Auf solche Ideen kommt man wohl nur, wenn 

man sich wie die Herren De Flander, Roeder und ein junger Mann, genannt 

der Kaiser, eine Woche einsperrt und zehn Songs wachsen lässt, wo vorher 

noch keine waren. So klingt alles auch sehr frisch und spontan und obwohl lediglich 

Stimme, Gitarre und Cajón (peruanisches/kubanisches Percussioninstrument) 

zum Einsatz kommen, lassen die rein akustisch gehaltenen Songs 

nichts vermisst. Im Gegenteil: Erst durch diese Freiraum lassende Instrumentierung 

entfalten sie eine angenehme Tiefe, und vor allem wenn das Trio in 

Richtung Blues und Country im Cash'esken Stil schielt, kann das Ganze auch 

latent ins Rocken kommen. Insgesamt also ein recht eigenständige, leicht verstrahlte 

Platte, die mit sehr viel liebe zum Detail daher kommt. 

Ein etwas anderes Feld beackern RADAR, die mit „Rollsplitt“ den zweiten aktuellen 

Sweet Home-Release liefern. Der Infoschreiber scheut sich ein wenig 

die Schublade Post-Rock aufzumachen und ich frage mich warum! Ist die denn 

mittlerweile denn auch schon wieder so uncool geworden? Klar. Klassischer 

Post-Rock geht schon ein wenig anders, als es Radar vormachen, aber eine 

gewisse Verwandtschaft lässt sich sicherlich nicht verleugnen. Und damit 

meine ich nicht nur den lediglich rudimentär eingesetzten Gesang, sonder vielmehr 

die verschachtelten, auf Repetition und geschickte Verzögerung basierenden 

Songstrukturen, die dem ganzen Album einen leicht psychedelische 

Anstrich verleihen. Am Besten lässt sich das hier wohl als (neuere) The Sea 

And Cake mit weniger Zuckerguss oder (ältere) Trans Am mit mehr Liebe zum 

Song beschreiben. Positiv fällt zudem auf, dass hier nicht nur auf das alte 

Laut/Leise/Steigerung/Eruption-Spiel vertraut wird, sondern vor allem im Bereich 

Rhythmus immer wieder Modernismen, sprich Club-Beats, eingestreut 

werden und auch die stets vorhandenen Keys und Orgeln für zusätzliche Abwechslung 

und einen leicht krautig-avantgardistischen Anstrich sorgen. 

Bombee+: 11 Punkte 

Radar: 10 Punkte 


sweethomerecords.com 

BOUND STEMS - APPRECIATION NIGHT 

(Flameshovel/Alive) 

reViews 31 

Wie klingt es, wenn ein ehemaliger Geschichtslehrer, ein 

Comic Art-Director und ein Techniker eine Band gründen? 

Richtig: intellektuell, künstlerisch wertvoll und frickelig. Die 

Bound Stems knallen uns mit ihrem Debüt einen ganz schönen Brocken vor 

den Latz. Eine mit 15 Songs prall gefüllte Wundertüte, auf der musikalischen 

Landkarte irgendwo zu verorten zwischen pavementschem Indierock und dem 

Emo des amerikanischen Mittelwestens. „Appreciation Night“ ist schräg und 

neben der Spur, zerrissen, konfus und anstrengend, wirkt zerstreut und macht 

doch Sinn. Die Bound Stems sind stolz auf ihre chaotische Ader, die sich in 

collagenartigen, komplett zerwürfelt wirkenden Songstrukturen niederschlägt. 

An Conor Obersts Rockband Desaparecidos muss man da denken, an deren 

Saddle Creek-Labelmates von Cursive und vor allem an Modest Mouse. Frontmann 

Bobby Gallivans Stimme klingt wie ein Hybrid aus den Sängern dieses 

Band- Trios. Vor allem die stimmliche Ähnlichkeit zu Brock ist fast schon beängstigend 

- bei jedem Imitationswettbewerb würde Galligan die Konkurrenz 

gnadenlos in Grund und Boden singen. Und hier wie da denkt man, dass dem 

getriebenen Wahnsinnigen am Mikro eine Teufelsaustreibung nur helfen 

könnte, um von seinen Dämonen loszukommen. Für ein wenig liebliche Wärme 

sorgt sein charmanter weiblicher Counterpart Janie Porche, zum Beispiel im 

sich stellvertretend für die ganze Scheibe unberechenbar wandelnden „Excellent 

News, Colonel“, das sich von lieblichem, fröhlichem Indie-Pop über nachdenkliche 

Schwermut bis hin zum triumphierenden Gesangsduett im Wechselbad 

der Gefühle einer beachtlichen Transformation unterzieht. Thematisch 

befasst man sich auf der abenteuerlichen Reise durch „Appreciation Night“ 

von Geschichten über die Namensgebung von Säuglingen bis hin zur Historie 

des amerikanischen Bürgerkriegs mit einem weiten Spektrum. Im Grunde 

genommen ist die geballte Lyrikansammlung eine Hommage an den Alltag in 

der Heimatstadt Chicago, Illinois, ergänzt durch Zitate aus der Literatur von 

James Joyce und Kurt Vonnegut Jr. Auch textlich also schwerer Stoff. „pretty 

/ complex / music“ steht im Booklet dieser Scheibe geschrieben. Kann man 

unterm Strich so stehen lassen. Wenn man sich auch oft noch mehr Dominanz 

des Schönklangs gegenüber der oft übertriebenen Komplexität wünscht. Langweilig 

wird es in dieser langen Nacht jedenfalls so schnell nie. Allein das ist 

schon bemerkenswert. 

9 Punkte 


boundstems.com

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BROMHEADS JACKET - 

DITS FROM THE COMMUTER BELT 

(Pias) 

Oh dear! This is very british! Wild, schnell, jung, 

nervös, ein wenig punky und - Achtung, jetzt kommt 

die einzige Überraschung der nächsten gut 20 

Textzeilen - NICHT durch das Internet bekannt und 

berühmt geworden. Zumindest steht davon nichts 

im Info. Vielmehr hat sich die Band wohl auf konventionellem 

Wege einen Plattenvertrag erspielt - 

sprich einfach Singles veröffentlicht und so viel wie 

möglich Live gespielt. Das macht sie sympathisch, 

scheint aber auch schon der einzige wirklich erwähnenswerte 

Unterschied zwischen den drei 

Jungs von Bromheads Jacket und den derzeitigen 

Platzhirschen des neuen Brit-Pops zu sein. Im Großen 

und Ganzen ist „Dits From The…“ nämlich lediglich 

ein lauwarmer Aufguss von „Whatever People 

Say I Am,....“ der Arctic Monkeys. Das fängt 

mit der ach so rebellisch-wilden Haltung an, zieht 

sich weiter zur stimmlichen Phrasierung und findet 

seine Vollendung in der exakten Kopie einzelner 

Gitarren- und Bass-Sounds. Der Gipfel des Plagiats 

ist jedoch „Fight Music For The Fight“, bei dem 

sich Sänger Tim Hampton wahrscheinlich regelmäßig 

auf der Bühne anstrengen muss, damit er 

nicht aus Versehen „I Bet You Look Good On The 

Dancefloor“ trällert. Komplett machen dieses Bild 

die zwei bis drei ruhigeren Songs, die - wer hätte 

es gedacht - natürlich nach B-Seiten der Kooks 

klingen. 

Insgesamt also eine Platte mit dem Coolnessfaktor 

eines Milhouse van Houten und eigentlich keiner 

Bewertung würdig. Die Punkte gibt es nur für 

den Mut der Band, die es sich wohl tatsächlich 

traut, diesen absolut überflüssigen Rip-Off zu veröffentlichen. 

Punkte: 3 


bromheadsjacket.com 

CANCER BATS - 

BIRTHING THE GIANT 

(Hassle/Full Time Hobby/PIAS/ 

Rough Trade) 

Gegen Ende des letzten Jahres 

konnte man die Cancer Bats aus Toronto noch im 

Vorprogramm ihrer kanadischen Landsmänner 

von Alexisonfire auf deutschen Bühnen wüten sehen; 

eine Paarung, die ganz offensichtlich eher aus 

freundschaftlichen Banden entstanden ist als 

durch gemeinsame musikalische Bezugspunkte. 

Denn „Birthing The Giant“ ist als Bastard aus Hardcore, 

Punk, Metal und Rock mit Betonung auf den 

ersteren Spielarten ein ganz schön fieses Ding. Die 

Rhythmussektion macht ordentlich Dampf und griffige 

Riffs werden reihenweise mit großem Knall 

vom Stapel gelassen. Nur selten schafft man es 

allerdings, diese vielversprechenden Ingredienzen 

zu einem ebenso griffigen und vor allem schlüssigen 

Song zu vermengen. „French Immersion“, 

„Grenades“ und „100 Grand Canyon“ schaffen es 

und paaren die straighte Punkrock-Energie von 

The Bronx mit der energischen Hardcore-Wut von 

Everytime I Die, brachialem Southern-Metal in 

Pantera-Manier und einem Quentchen Melodik - 

das den meisten anderen Stücken völlig abgeht - 

zu einer krachend explosiven Mischung. Doch sind 

das nur 3 von 11 Tracks - eine Quote, die in hohem 

Maße verbesserungswürdig ist. Genau so wie 

das scheinbar nur in einer Tonlage vorrätige, auf 

Dauer extrem monotone Gekeife von Sänger Liam. 

Gerade vom Gesang her hätte ein wenig mehr Melodie 

und Wiedererkennungswert dieser Scheibe 

sicherlich gut getan - und sei es nur zur besseren 

Unterscheidung der doch sehr ähnlich und stets 

ziemlich eindimensional gestrickten Songs. Es 

fehlt „Birthing The Giant“ einfach an Abwechslung 

und auch in Sachen Songwriting müssen die Cancer 

Bats nachsitzen, denn da bleibt „Birthing The 

Giant“ pures Stückwerk. Ein guter Song besteht 

nun mal aus mehr als einem feschen Riff. So ist 

hier entgegen des Albumtitels ganz und gar nichts 

Gigantisches entstanden, sondern eher eine kleinwüchsige 

Zwergengestalt geschlüpft. 

5 Punkte 


cancerbats.com 

Claudius - angel for us 

(Triple Eggs/RADAR Music) 

Ein relaxtes Stück Musik. Mit 

dem nötigen Drive an den nötigen 

Stellen. Nach den ersten 

Tönen wähne ich mich im 

elektrointelligentem Universum von Lali Puna, MS 

John Soda, Console und all den Verwandten. Die 

Clique um die Mannen von Notwist eben. Weilheim. 

Kollaps. Hausmusik. All diese mächtigen und 

so musikrelevanten Begriffe spielen auch hier eine 

Rolle. Claudius atmet diese Atmosphäre. Und 

schwitzt intelligenten modernen Pop aus. Schräge 

Arrangements. Wohlige zweistimmige Gesangsharmonien 

führen durch die Stücke, relaxtes Sich- 

Treibenlassen wechselt mit mehr oder minder derben 

Parts; die können durchaus auch mal das Nervenkostüm 

strapazieren. Da wird man schon mal 

von überraschendem Noise heimgesucht. Erwähnte 

ich schon Jazz? Jener schlägt sich nicht 

nur im schlagenden Besenrhythmus nieder, nein, 

mit „Tranquilidad“ stoßen wir auch auf ein Monster 

von Instrumental-Song, den Tied & Ms. Puna nie 

geschrieben haben. Aber hätten können. Dieser 

trifft uns auch im denkbar richtigsten Moment, genau 

dann, wenn wir eine kleine Auszeit von der melancholisch-hauchenden 

Doppelstimme brauchen. 

Da ist das Stichwort gefallen. Die Platte ist 

von einer höchstpräsenten Melancholie durchzogen. 

Kein Wunder, wenn man den Hintergrund der 

Entstehung kennt; dient sie doch als Verarbeitungshilfe 

und -ventil zum Tode des Vaters. Die 

Therapie zum Voranschreiten, zum Weitermachen. 

Melancholie ist die neue Hoffnung. Als leidenschaftlich 

agierende Shoegazer tragen wir dieses 

Wissen schon auf urnatürliche Weise in uns. 

Zurück zur Musik, zurück zum Endspurt. Naked 

Lunch wäre auch noch ein Name, der fallen müsste. 

Intelligenter melancholischer Pop in Schräglage. 

So wie Claudius. Mit dem Ideenreichtum, 

dem Experimentellen und der Gewitztheit der alten 

Soulwax. Huch, da war ja noch ein Name. Und 

selten habe ich so eine coole wenn auch ziemlich 

freche Hommage an „Plush“ von den Stone Temple 

Pilots gehört. Genau, Track 11: „Don't look 

around“. Die Gitarren. Cool. Und frech. Und cool. 

11 Punkte 

Matthias Horn 

CLOWN ALLEY - 

CIRCUS OF CHAOS 

(Southern Lord/Soulfood) 

Crossover hatte ganz früher, 

bevor es zu einem Schimpfwort 

für Funk-Metal und ähnliches wurde, einmal 

eine andere Bedeutung. Es war u. a. die Bezeichnung 

für die Verbindung zwischen Hardcore und 

Heavy/Thrash-Metal, seinerzeit zwei eher konträre 

Lager, nicht aber unbedingt auf musikalischer 

Ebene. Es wurden damit aber auch Bands etikettiert, 

die man nicht so recht einordnen konnte, da 

sie neben den härteren Rockeinflüssen auch mit 

Jazz oder Reggaekomponenten spielten. Minutemen 

oder Bad Brains seien hier stellvertretend genannt. 

Zur erstgenannten Hardcore/Thrash-Fusion 

kann man die ganz frühen Anthrax („Among 

The Living“), Nuclear Assault, SOD oder auch Sacred 

Reich nennen. Clown Alleys „Circus Of 

Chaos“ ist ein Re-Release von 1986, also der Kernzeit 

der „Bewegung“, und jetzt erstmals auf CD er- 

hältlich. Anfänglich gibt es auch recht guten Uptempo 

Hardcore/Thrash, der wirklich ein wenig an 

die sehr frühen Anthrax erinnert. Im Laufe der Zeit 

geht dem Album aber, gerade in den langsameren 

Tracks, die Energie verlustig. Überdies ist die Produktion 

nach heutigen Maßstäben nicht besonders 

(um das mal euphemestisch zu sagen), sie liefert 

aber ein authentisches Soundbild dieser Zeit. Wer 

Clown Alley nicht mitbekommen hat, der könnte 

zumindest ihren Track „Theme“ kennen, der von 

den Melvins öfter gecovert und aufgenommen 

wurde. Lori Black und Mark Deutrom waren 

zwischendurch übrigens auch bei den Melvins aktiv 

und letzterer tourt immer wieder mit SunnO))). 

Für Sammler sicherlich eine interessante Sache, 

da neben einem Radiopromotiontrack noch vier Livetracks 

zu hören sind. 

ohne Wertung 

Christian Eder 

CLUTCH - From Beale Street to Oblivion 

drt Entertainment / Soulfood 

Wer hätte gedacht, dass sich Clutch noch mal so 

kraftvoll zurückmelden? Ich persönlich war schon 

versucht, die Jungs unter „Früher wichtig - heute 

ein Schatten ihrer selbst“ abzulegen. 

Von Geniestreichen wie „Transnational Speedway 

League“ und „Elephant Riders“ angefixt, musste 

ich mir die letzten Veröffentlichungen erst schönhören. 

Ganz anders jetzt! „From Beale Street“ zündet 

sofort, groovt wie Hölle und die seit dem letzten 

Album fest integrierte Orgel klingt mittlerweile, 

als ob sie schon immer dabei gewesen wäre. 

Konnte man früher Stoner-Rock-Affinität bescheinigen, 

klingen Clutch 2007 nach klassischem 

Hard-Rock im besten Sinne des Wortes. 

Referenz für die alten Säcke: Deep Purple, Atomic 

Rooster, etc. / Referenz für die jungen Hüpfer: Spiritual 

Beggars, Wolfmother, etc. 

Um mal philosophisch zu enden: Vergänglichkeit 

ist, wenn man die Originale mit den Kopien erklären 

muss. 

12 Punkte 

Mike Maisack 

CONEY NOISE/AM YETO - 

THE BROTHER AND SISTER JAM III (Split) 

(12 Pylons) 

Die Geschwister-Session geht in die dritte Runde. 

Den Einstieg bilden CONEY NOISE - eine 12 Pylons-Band 

der ersten Stunde, die jedoch leider viel 

zu wenig von sich hören lässt. So ist das letzte Lebenszeichen 

nun schon gut vier Jahre her. Und 

auch jetzt beglücken sie uns gerade mal mit drei 

Songs. Die jedoch - und das lässt sich mit Fug und 

Recht behaupten - sind das Beste, was man je von 

Coney Noise gehört hat. Noch nie war die Band so 

nah an Nirvana's „Bleach“ und den frühen Sonic 

Youth. Noch nie hat sie es geschafft, diese Einflüsse 

so homogen in die eigene Klangvision, bestehend 

aus Noise und regelmäßig in Destruktion 

endenden Brachial-Parts, einzubauen. Im Vergleich 

dazu kommen AM YETO zwar etwas popiger, 

aber sicherlich nicht minder interessant daher. 

Auf fünf Songs zeigen sie, wie man Einflüsse aus 

fast allen Ecken und Dekaden des Indie-Rock in 

kompakte, nach vorne gehende Songs packt und 

dabei dennoch nicht plakativ klingt. Vielmehr verstehen 

es Am Yeto, allen Einflüssen neue Seiten 

abzugewinnen. Sie überraschen mit abrupt einsetzenden 

Dreampop-Parts, wo vorher noch ein nach 

vorne gehender, riffbasierter Rocksong war („Uniform“), 

oder sie legen die Stimme gleich ganz ad 

acta und wagen so einen Blick in Richtung Post- 

Rock („Trans RAF“). 

Insgesamt also eine Splitt-CD, die zwei Band vereinigt, 

die Unterhaltung auf allerhöchstem Niveau 

bieten. 

Punkte: 12 

Jochen Wörsinger

CORNUCOPIA - BREATH 

(12 Pylons) 

Rasend schnelle Recherchen 

im Google-Zeitalter ergeben: 

Das Füllhorn (lat.: cornu copiae) 

ist das in der griechischen 

Mythologie verwendete Symbol für Glück, Fruchtbarkeit, 

Reichtum und Überfluss. Unglaubliche 

sechs Jahre hat das gleichnamige Quartett aus dem 

Raum Rothenburg ob der Tauber benötigt, um sein 

zweites Album fertigzustellen, das nun aber mit 

mächtigem Heavy Rock im Überfluss zu beglücken 

und die lange Wartezeit durchaus zu rechtfertigen 

weiß. In bester Black Sabbath-Tradition animieren 

Cornucopia mit elektrisierenden Stromgitarren zum 

Schütteln des Haupthaars. Der ein oder andere 

Schlenker über die Landstraße wird dabei gerne in 

Kauf genommen, nur um dann doch wieder mit voller 

Wucht wie ein schwer beladener Monster-Truck 

über den Highway zu brettern. Cornucopia lieben 

das Spiel der Kontraste, ohne sich allzu sehr in psychedelischen 

Zwischenmomenten zu verlieren. In 

den meditativen Momenten der Ruhe wird zumeist 

nur kurz Atem geholt, bevor man abermals mit voller 

Kraft voraus weiterstürmt. Breitbeinig und majestätisch 

münden die Refrains mit zunehmender 

Spielzeit im Hymnischen. Ein wenig lang ist die 

Scheibe dann in Analogie zum nie versiegenden 

Füllhorn aber doch geraten, zum Ende hin franst 

„Breath“ aufgrund mangelnder Abwechslung ein 

wenig aus. Dennoch eignet sich diese hervorragend 

druckvoll inszenierte Ladung Heavy Rock dank der 

Betonung des Rock-Faktors mit derben Stoner- 

Grooves, eingängigen Leads und melodischem Gesang 

gerade für Genre-Neulinge ganz vorzüglich 

als Einstiegsdroge. 

11 Punkte 


myspace.com/cornucopiarocks 

CULM - 

LIFE IN A STEEL CAGE 

IS NO LIFE AT ALL 

(Miyagi) 

Irgendetwas muss richtig gelaufen 

sein bei der musikalischen 

Sozialisation im Hause Schulte, gelegen in Rheine 

nahe Münster. Michael, der ältere beider Brüder, 

steht mit seiner Band A.M. Thawn schon seit gut 12 

Jahren für Experimente im Spannungsfeld zwischen 

Indierock und Postpunk. Und auch Christoph, 

der jüngere, hat seitens des Elternhauses vermutlich 

so einige Fugazi-Platten geerbt. „Life In A Steel 

Cage Is No Life At All“ heißt das zweite Album seiner 

Band Culm: 14 mal sperriger Postcore, der auf 

den ersten Blick mit Dynamik und Drive überzeugt, 

mit Melodien aber geizt. Diese erschließen sich erst, 

wenn man ihre spröde Außenschicht durchdringt. 

Bleiben anfangs nur markante Gitarrenläufe wie der 

aus dem tollen „Time And Thoughtless“ hängen, ergeben 

die Puzzlestücke mit wachsender Beschäftigung 

ein zusammenhängendes Bild aus schneidenden 

Gitarrenriffs und verspielter Rhythmik. In ihrer 

vertrackten, aber dennoch eruptiv Emotionen 

ausstoßenden Art erinnern Culm an die viel zu früh 

verschiedenen The Ghost aus Chicago, zumindest 

wenn man sich mal den ziemlich arg durchscheinenden 

deutschen Akzent wegdenkt. Trocken und 

authentisch in DIY-Manier im eigenen Tanztee-Studio 

produziert, lenken keine Effekte vom wahren 

Kern der knackig kompakt gehaltenen Songs ab. 

Christophs Gesang ist rau und ungekünstelt, hin 

und wieder klingt sein melancholisch ungeschliffenes 

Timbre tatsächlich wie zufällig nach dem jungen 

Robert Smith. An anderer Stelle wiederum werden 

die Parolen dringlich und atemlos wie ein Manifest 

hinausgeschleudert. Ein Manifest der personal 

politics, bestehend aus explizit hoffnungslosen, 

desillusionierten Phrasen über zwischenmenschliche 

Desaster, Sehnsucht, Selbstbild, Orientierungslosigkeit 

und unverortbare Zweifel. Selbst ein 

Abschiedsbrief wird vertont. Schwere Kost, aber gerade 

die macht bekanntlich satt und zufrieden. Das 

Album ist beim frisch gegründeten Label Miyagi Records 

übrigens als Vinyl-LP mit beiliegender CD- 

Fassung plus Aufnäher für einen glatten Zehner erhältlich. 

Das heimst zusätzliche Sympathiepunkte 

ein, die diese Platte aber gar nicht nötig hat, kann 

sie doch für sich allein bestehen. 

11 Punkte 


culm.de 

DAATH - THE HINDERERS 

(Roadrunner/Universal) 

Schon seit Wochen, besser Monaten, wird über 

diese Band gemunkelt, die es da geschafft hat, als 

Newcomer beim nun nicht gerade kleinen Label Roadrunner 

unterzuschlüpfen. Erinnerungen werden 

da schnell wach an all jene Bands, die das Kultlabel 

einst bereits frühzeitig entdeckte und ganz nach 

vorne brachte, Machine Head beispielsweise, Fear 

Factory oder Life Of Agony. Nach zwischenzeitlicher 

kreativer Durststrecke der A&R-Abteilung zeigt sich 

das 1979 ins Leben gerufene Label in letzter Zeit 

mit Bands wie Trivium oder Killswitch Engage auf 

der Höhe der Zeit. 

Die Erwartungen, die an das Sextett aus Atlanta, 

Georgia geknüpft werden, sind damit, gefördert 

noch durch das massive Rühren der Werbetrommel, 

fast schon übermäßig groß - und werden dementsprechend 

enttäuscht. Entpuppt sich „The Hinderers“ 

doch keineswegs als ein innovatives Album, 

das in der Lage wäre, Metal-Geschichte zu schreiben, 

sondern vielmehr als eine schlichte Mischung 

klassischen Death-, Black- und Thrash-Metals. 

Doch dieser erste Moment der Enttäuschung sollte 

keinesfalls dazu führen, Daath und „The Hinderers“ 

zu unterschätzen. Denn dass mit Kevin Talley ein 

Mann in die Band eingestiegen ist, der schon für 

Chimaira und Dying Fetus am Schlagzeug saß, 

kommt nicht von ungefähr: das Talent, das in Daath 

schlummert, ist mehr als ausreichend, um die Band 

wahrhaftig weit nach vorne zu bringen. Was sich im 

ersten Augenblick nach einer wilden Mischung der 

weiter oben genannten Stile darstellt, offenbart sich 

nach ausführlicherer Auseinandersetzung mit dem 

Debütwerk als äußerst intelligent durchgeplante 

Kombination. Denn nicht nur, dass sich der Sechser 

musikalisch äußerst versiert zeigt, muss man 

sich, was das Songwriting anbelangt, kaum vor weitaus 

größeren Bands, die seit Uhrzeiten ihr Geschäft 

betreiben, verstecken. Denn wenn auch der Vergleich 

ob der fehlenden symphonischen Momente 

fehlt, erweisen sich Daath Black Metal-Größen wie 

Dimmu Borgir oder Cradle Of Filth durchaus als 

ebenbürtig, wissen mit Thrash-Riffs mindestens 

ebenso gut umzugehen wie manche Legende der 

Bay Area und können auch als Death Metaller 

100%ig überzeugen. Dass ihr Label dafür gesorgt 

hat, dass dabei garantiert nichts schief geht, versteht 

sich von selbst: Mit James Murphy (Produktion, 

ex-Death, Testament, Obituary), Colin Richardson 

(Mix, Fear Factory, Bullet For My Valentine, Machine 

Head) und Andy Sneap (Technik, Soulfly, Nevermore, 

Opeth, Kreator) wurde Daath ein Produzententeam 

verpasst, wie es für den Old-School- 

Sound der Band, der natürlich perfekt in die aktuelle 

Retrowelle des Metal passt, wie es kein besseres 

geben kann. Trotz Anlaufschwierigkeiten: ein Debüt 

für die Ewigkeit. 

13 Punkte 

Arnulf Woock 

daathmusic.com 

myspace.com/daath 

DAKOTA SUITE - 

WAITING FOR THE DAWN TO CRAWL 

THROUGH AND TAKE AWAY YOUR LIFE 

Glitterhouse / Indigo 

Jau, er hat's noch mal geschafft!! Der dauerdepressionsgeplagte 

Chris Hooson - besser bekannt unter 

dem Pseudonym Dakota Suite - hat entgegen 

aller selbst geäußerten Schwarzmalerei - von 

wegen, er würde es psychisch nicht mehr schaffen, 

weiterhin Musik zu veröffentlichen… - ein neues Album 

aufgenommen. 

Wäre auch zu schade gewesen, wenn dieser Ausnahmekünstler 

sich seinen Dämonen ergeben hätte 

und verstummt wäre. 

Das aktuelle Werk bringt kaum Überraschungen. 

Wieder werden traurige Melodien zart interpretiert, 

Schwermut vertont und Weltschmerz in Noten gegossen. 

Trotz der wehmütigen Grundstimmung der 

Platte könnte ich mich wegschmeißen vor Lachen, 

wenn ich dran denke, dass die Inspiration für diese 

frisch veröffentlichten Musik-Dramen nicht etwa aus 

dem Scheitern einer großen Liebe oder dem 

Schmerz über den Verlust eines geliebten Menschen, 

sondern aus den häufigen Niederlagen seiner 

Lieblings-Fußballmannschaft (dem FC Everton) 

entspringt. Da behaupte doch noch mal jemand, 

Fußball habe nichts mit Kunst zu tun. Komische 

Käuze, die Engländer. 

Im direkten Vergleich mit dem 2002 veröffentlichten 

Meilenstein „This River Only Brings Poison“ muss 

die aktuelle Scheibe sich zwar knapp geschlagen 

geben, wer aber schnell zugreift, kann in der Erstauflage 

neben der CD noch eine interessante Dokumentation 

zweier Schweizer Filmemacher über 

Hooson und seine Musik auf einer beigelegten DVD 

abgreifen. Und das ohne Aufpreis! 

Natürlich hat der sensible Künstler wiederum angekündigt, 

dies sei seine definitiv letzte Platte. Er habe 

nicht die Kraft, weiterhin Musik aufzunehmen. 

Hoffentlich täuscht er sich. Wenn es zum Wecken 

seiner Kreativität der Niederlagen des FC Everton 

bedarf, könnte man ja mal eine Sammlung unter den 

Dakota Suite - Fans veranstalten. Mit dem gespendeten 

Geld würden Schiedsrichter bestochen, die 

im entscheidenden Moment für den uns genehmen 

Ausgang der FC Everton - Spiele sorgten. Was tut 

man nicht alles für gute Musik? Ich würde spenden! 

12 Punkte 

Mike Maisack 

hooson.demon.co.uk 

DÄLEK - 

ABANDONED LANGUAGE 

(Ipecac/Soulfood) 


Auf ihrem letzten vollwertigen Album 

„Absence“ hatten Dälek das 

mit seinem Vorgänger „From Filthy 

Tongue Of Gods And Griots“ aufgestellte Prinzip 

der Mischung aus HipHop und Noise - gerne im 

recht radikalen Sinne - konsolidiert und eventuell 

sogar auf die Spitze getrieben. Man ertappte sich 

dabei das Wort „krass“ plötzlich nicht mehr mit dem 

inflationären neudeutschen Klang zu denken, sondern 

wieder als das althergebrachte Adjektiv etwas 

wirklich Extremen. Eindeutig eine musikalische 

Ausnahmeerscheinung. Naturgemäss ist man mit 

einem wirklichen Extrem am Ende einer Ausdrukksform 

angekommen und so gibt es mit dem neuen 

Album Däleks eine Art Bruch, der nur in der Umsetzung 

des Prinzips nicht aber in seiner Wirkung einer 

ist. Deutet der Titel „Abandoned Language“ diesen 

Abschied eventuell sogar direkt an? Eine Sprache 

aufgeben heisst ja nicht, dass der Ausdruck an 

sich aufgegeben wird. Den Krach haben Dälek 

größtenteils abgeschaltet bzw. in ein durchbrochenes 

und variierendes Dröhnen hineinkomprimiert; 

mit dem Effekt, dass ihre Musik zwar „leichter“ hörbar, 

aber zu keiner Zeit weniger bedrohlich geworden 

ist. Im Gegenteil: eine sehr düstere Platte. Die

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Soundkollagen, die dieses Mal den Rap und die 

Beats begleiten, wirken aufgeräumter und (in der 

Regel) auf den ersten Blick friedlicher als die älteren. 

Man kann aber sicher sagen, dass die Kompositionen 

eigentlich komplexer sind als je zuvor, 

aber eben so subtil, dass sie dem Hörer eben nicht 

ins Gesicht schlagen, sondern langsam an der Gesichtshaut 

schaben. Schubladenmässig hat man 

es jetzt eher mit Avantgarde zu tun als mit Noise, 

was wie gesagt der Wirkung der Musik keinerlei 

Abbruch tut; es steht der Band sogar sehr gut zu 

Gesicht. Da Dälek auch bei den „Refrains“ weiterhin 

auf jede Eingängigkeit verzichten, wird die im 

Promoinfo erwähnte Mainstream HipHop-Audience 

auch weiterhin ausbleiben. Der in dieser 

Hinsicht stärkste Song ist ausgerechnet der letzte 

„(Subversive Script)“. Wohin die drei Finsterlinge 

gehen, bestimmen sie offensichtlich auf sehr geschmackssichere 

Weise selber. Mit diesem Album 

haben sie sich wahrscheinlich noch keine neue 

Türe geöffnet, aber sie haben die Klinke in der 

Hand - und es liegt bei ihnen, was sie damit machen. 

12 Punkte 

Marcel von der Weiden 

deadverse.com 

ipecac.com 

DAVID CELIA - 

THIS ISN'T HERE 

(Finest Noise/Radar) 

David Celia kommt aus Toronto, Canada und zeigt 

uns mit „This Isn't Here“ sein Herz. Dieses besteht 

größtenteils aus beschwingtem Singer/Songwriter-Pop-Folk, 

der mit eingängigen Hooks und Melodie 

nicht geizt und vom Leben, der Liebe und all 

den Sachen dazwischen erzählt. Was? Ihr habt das 

schon mal so oder so ähnlich gelesen? Das kann 

gut sein, denn David Celia hat mit „This Isn't Here“ 

sicherlich das musikalische Rad nicht neu erfunden, 

sondern ganz einfach eine grundsolide Genreplatte 

abgeliefert, die - wenn - dann vor allem 

durch ihr vergleichsweise sonniges Gemüt auffällt. 

Genrefans werden hier also ein mollig warmes zu 

Hause und auch einige wirklich tolle Songs finden; 

alle anderen können natürlich auch mal anchecken, 

sind aber mit Genregrößen wie Howie Beck, 

Gus Black, Ben Folds, Ron Sexsmith oder auch 

Kristofer Aström auf jeden Fall auf der sichereren 

Seite. 

Punkte: 8 


davidcelia.com 

DELILAH - 

SAME 

(Zach Records) 

In Österreich gärt schon seit 

längerer Zeit ein interessanter 

Noise(rock)-Subkultursumpf. Bul Bul, Bug, Sensual 

Love, Men Killing Men, Azeotrop und noch einige 

die mir gerade entfallen sind. Mit Deliahs 

selbstbetitelter Debüt-EP ranzt sich ein weiterer 

Release an die räudigen Kadaver des Undergrounds 

ran. Verkopft-verquerer Noiserock in permanenter 

Überlänge meuchelt hier kommerzstrangulierend 

vor sich hin. Atonalität und Distortion sind 

die Hormonbasis für diesen Bastard, der breaklastig 

vor sich hin taumelt. Manchmal ist der stumpfe 

Fuß wund und der Bastard jault in trockenschmerzhaften 

Gitarrentönen, um sich dann in 

weidwunden Noiseeruptionen am Boden zu wälzen. 

Immer wieder irrt er jedoch orientierungslos 

von schräg bis seltsam und verirrt sich im Versuch 

möglichst anders zu sein. Aber jetzt mal Klartext. 

Deliah schaffen es innerhalb ihrem komplexen Noisesound 

immer wieder, gute Gitarrenwände zu 

schaffen, wobei sie sich meiner Meinung nach ge- 

legentlich zu sehr auf die eruptive Energie konzentrieren 

und zu wenig auf den Aufbau des Stückes. 

Es gibt viele interessante schräge Noten und gute 

Einfälle, doch auf dieser EP - die immerhin knapp 

29 min. lang ist - wirkt einiges noch etwas zusammengewürfelt. 

Vor allem, wenn sie gute intensive 

Noiseparts, die durch den spärlichen Gesang 

noch an Intensität gewinnen, durch mühselige, polterhafte 

Breaks zerstören, möchte man sie gerne 

am Krawattl packen. Aber hey, das hier ist eine 

wirklich interessante EP für Noise Fans der komplexeren 

Schule. Und die ist hoffentlich erst der Anfang. 

Da steckt viel Potential drin! Man möge beim 

Folgerelease bitte unbedingt an mich denken. 

8 Punkte 


delilah.popfakes.com 

zach-records.com 

DO MAKE SAY THINK - 

YOU, YOU'RE A HISTORY IN RUST 

(Constellation/Southern/Alive) 

Do Make Say Think zählen bekanntlich zu den Wenigen 

ihres Labels, die sich zumindest ansatzweise 

von bewährten Constellation-Konzepten zu 

entfernen wissen. 

Dabei wirkt „You, you're a history in rust“ weder gestellt 

noch abgehoben, gibt sich durchweg natürlich, 

glaubwürdig und hält mit „A With Living“ ein 

wirklich schönes Stück bereit. Das Instrumentarium 

bleibt dabei wie immer breit gefächert. Die Eröffnung 

„Bound To Be That Way“ mit seinen von 

Trip Hop und Drum'n'Bass beeinflussten Schlagzeugeskapaden 

driftet über sieben Minuten vor 

sich hin, „The Universe!“ und „A Tender History In 

Rust“ schleppen sich noch über die Runden, bis 

spätestens nach halber Spielzeit Schluss ist, „You, 

You're A History In Rust“ sichtlich abflacht und Do 

Make Say Think in Belanglosigkeit verfallen. Was 

soll's… 

7 Punkte 

Torge Hüper 

southern.net 

DOMINICI - 

O3 A TRILOGY - PART 2 

(Inside Out/SPV) 

Spricht man von Dominici, 

kommt man an Dream Theater 

nicht vorbei: Deren Jahrhundert-Debüt „When 

Dream And Day Unite“ wurde 1989 von Charlie Dominici 

eingesungen. Was anschließend aus den 

New Yorker Ausnahmetalenten (und deren neuem 

Frontmann James LaBrie) wurde, ist jedem Prog 

Metal-Fan bekannt. Zu einer derartigen Weltkarriere 

wird Herrn Dominici allerdings „O3 A Trilogy 

- Part 2“ kaum verhelfen. Denn obwohl er sich mit 

seiner (ziemlich tighten) Band recht nah am „Großen 

Bruder“ bewegt - ganz so 'nen dicken Strahl, 

wie ihn die ehemaligen Kumpels pissen, bekommt 

der Ami hier nicht hin. Proggies und Metaller bekommen 

zwar reichlich Breaks und Riffs für's Geld 

- aber erst, wenn's beim abschließenden dritten 

Teil noch ein, zwei Killer-Refrains mehr sind, gibt's 

das Extralob. 

9 Punkte 

Heavy 

insideout.de 

DRAGONTEARS - 

2000 Micrograms From Home, CD 

(Bad Afro/Cargo) 

Die Tatsache, dass es - wie auf dem beiliegenden 

Info vermerkt - keine Bandfotos von „Dragontears“ 

gibt, könnte darauf zurückzuführen sein, dass die 

Herren aus Kopenhagen ähnlich verkorkste Frisu- 

ren haben wie die Labelmacher. Wir wissen es 

nicht und wollen auch nicht rumunken. Gemessen 

an dem, was man auf „2000 Micrograms …“ hören 

kann, darf ein „Afro“ als bevorzugte Frisur jedoch 

ohnehin ausgeschlossen werden; bei den Dragontears 

ist die Matte eher lang, und vielleicht ist sogar 

die ein oder andere Blume ins Haupthaar geflochten; 

es kreist der Joint, die Zauberpilze (Psilocybe 

Cubensis) wachsen, die Duftkerzen glühen 

und Rosentee wird gereicht. Da passt es auch ins 

Bild, dass der Abstand von daheim in Gewichtseinheiten 

gemessen wird. Eine hypnotisch-postrokkige-Drone-Tripp-Reise, 

die den Hörer in einen 

„einzigartigen psychedelischen Kosmos entführt“. 

Wasserpfeifchen raus und zugelauscht! Große 

Platte! 

12 Punkte 

Kai 

Badafro.dk 

DORRN - 

Oversexed And Underfucked, CD 

(STF-Records/M-System) 

Auf dem Plattecover räkelt sich eine laszive Schönheit, 

blond natürlich, über und über mit Hautbildchen 

ausgestattet; und immer wenn die Weiblichkeit 

derart vorangestellt wird, drängt sich leicht der 

Eindruck auf, dass vom inhaltlichen Gehalt abgelenkt 

werden soll. Ich kann den Leser beruhigen, 

denn sobald der Abtaster die diversen Nullen und 

Einsen auf der Silberscheibe zu Musik umgeformt 

hat, macht sich Erleichterung breit; nein, derlei Ablenkungsmanöver 

haben „Dorrn“ definitiv nicht nötig; 

zum einen kann die blonde Dame, Jackie mit 

Namen, nicht nur hübsch dreinschauen, sie kann 

auch richtig! gut singen. Ohne Übertreibung darf 

festgestellt werden, dass derlei stimmliche Begabung 

in diesen Landen eher rar gesät ist. Und da 

auch der Rest der Truppe ein durch und durch stimmiges 

Bild abgibt, kann man hier, ohne gleich wieder 

einen Fünfer ans Phrasenschwein loszuwerden, 

von „Geheimtipp“ sprechen. Hut ab! „Dorrn“ 

haben mit „Oversexed And Underfucked“ ein ganz 

feines Teil rausgehauen. Die Mischung aus Crossover 

und Rock, „die auch vor Sequenzerlinien“ 

nicht halt macht“ (Bandinfo), hat extrem viel Potential 

und wird ihren Weg machen. 

11 Punkte 

Kai 

stf-records.de 

EARTHBEND - 

YOUNG MAN AFRAID 

(Rookie/Cargo) 

Verkneifen wir uns Witze über 

Manfred Mann und kommen direkt 

zur Sache: „Young Man Afraid“ ist nicht etwa 

der Ausdruck einer wie auch immer gearteten 

Teenage Angst, sondern vielmehr des ewig währenden 

Kampfes des ambitionierten Rockmusikers, 

sich aus der Liebe zur Musik knapp überm 

Existenzminimum durchs Leben zu schlagen. Ausgefochten 

wird dieser von drei gestandenen Männern 

aus dem beschaulichen Fleckchen mit dem 

düsteren Namen Finsterwalde, gelegen eine Autostunde 

von der hippen Großstadt Berlin. In dieser 

Abgeschiedenheit haben Earthbend ein Debütalbum 

aufgenommen, das man je nach Gusto für 

zeitlos oder für unzeitgemäß halten kann. In jedem 

Fall widmet man sich auf „Young Man Afraid“ Rokksongs 

gänzlich unmodernen Charakters, fern von 

jeglichem Spektakel, rockhistorisch einzusiedeln 

irgendwo zwischen 60s und 70s. Hans-Dampf-inallen-Gassen 

Kurt Ebelhäuser hat mal wieder 

seine Finger im Spiel bzw. am Produzentenpult gehabt 

und der Platte einen trockenen Sound verpasst, 

auf dass der Wüstenstaub auch so richtig 

zwischen den Zähnen knacke. Ohne Fehl und Ta-

del geraten eingängige, aber dennoch clever arrangierte, 

klassische Rocksongs Songs wie „Ready 

To Revolt“, „Hula Road“ oder auch „Traveller“, 

die mit straight bratenden Powerchords und Bilderbuch-Refrains 

hängen bleiben. Leider wird man 

nicht immer wird man auf der Suche nach dem großen 

Chorus fündig, denn der Rest fällt leider etwas 

ab. Egal, ob das Trio die Slide-Gitarre ansetzt oder 

das Klavier stimmt, die Abkehr vom Rock führt unweigerlich 

zu Einbrüchen in der werkimmanenten 

Spannungskurve. Ob das neben dem üblichen Gitarrenschwall 

von einer stets präsenten Fußorgel 

dominierte Klangbild mit einer Dosis getragener 

Psychedelik eingefärbt oder beschwingt countryfiziert 

wird - so lobenswert der Versuch, ein wenig 

Abwechslung hereinzubringen, auch sein mag, so 

durchwachsen fällt das Resultat bis auf wenige 

Ausnahmen aus. Letztlich kann „Young Man 

Afraid“ so wegen unbestreitbarer Längen nicht 

eben begeistern, geht aber als solides Debüt 

durchaus in Ordnung. Beim nächsten Anlauf gilt es 

dann, vorhandene Baustellen zu beseitigen. 

8 Punkte 


earthbend.de 

EL*KE - 

WIR MÜSSEN HIER RAUS 

(EMI/it-sounds) 

Noch härter, schneller, weiter, 

heiserer. Rocken und rollen die 

Herren der EL*KE mit Stern in der Mitte auf ihrer 

neuen Platte. Am Anfang. So dahin. 

Was die Stärke ihres Erstlings ausmachte, war die 

Tiefe ihrer Empörung, eine Welt von Bedeutungen, 

Konnotationen hinter den scheinbar einfachen 

Chiffren. Chauvi-Musikanten mit Charme und Biss 

auf der Handwerkswalz. Arbeiter mit Stil und Tiefgang. 

Doch was leider immer wieder mit Überraschungsmannschaften 

nach der ersten Veröffentlichung 

geschieht, es passiert im verschärften Maß auch 

hier. 

Was da handwerklich ordentlich über den Rock`n 

Roll - Parcour rumpelt, erweist sich bei genauerem 

Hinhören als leere Pose. Ich skippe mich von Song 

zu Song und finde nur noch hohle Pseudo-Emotionen 

(„ Ich schau nach vorne, nie zurück. Warum 

kommst Du nicht mit? Es ist doch nie zu spät, du 

weißt schon lang, wie`s geht, es ist noch nie zu 

spät…“) und nach den ersten nett vorwärts peitschenden 

Premiumrockern bleiben auch musikalisch 

eine Menge Wünsche offen. Nein, dieses Gewäsch 

und Betroffenheitsgedusel im Fragen-Sie- 

Dr.-Sommer-Format, dass das Lied „Sonne“ nun 

wirklich ungenießbar macht („Ich muss, ich will Dir 

was sagen, ich lass alles stehn, ich schließ meine 

Augen, ich kann Dich immer noch sehn, an manchen 

ruhigen Tagen kann ich die Stille verstehn, 

und ich lass mich in die Wolken falln, bis die Sonne 

untergeht, und ich lass mich wieder auf dich ein, 

weil die Sonne dann aufgeht.“) 

DAS geht nun einfach nicht. Bei aller Liebe. Es ist 

okay, gegen Hamburger Schule und kompliziertes 

Abiturientengefasel anzurocken - doch das muss 

nicht enden in kalkulierter doofer, sinnentleerter 

Beliebigkeit. 

So lass ich die Berliner fürderhin von tollen Frauen 

und einer Welt ohne Geld und Angst träumen, lass 

sie ordentlich beliebig bedeutungslos vorwärts rokken 

und denk mir mal, dass denen eh bald das 

Benzin ausgeht. 

„Du bist die Traumfrau, der ich in die Augen schau. 

Du bist die Traumfrau, ich weiß es ganz genau.“ 

Immer wieder. Hää? 

Überholspuren fühlen sich anders an. Und die hier 

müssen dringend an die Ideen-Tanke. 

4 Punkte 


alleselke.de 

EVILSONS - Cooking With … Evilsons, CD 

(Nordic Notes/Broken Silence) 

Die kommen aus Finnland? Der Name klingt aber 

schwedisch, was mir nun irgendwie wieder spanisch 

vorkommt ... Auf jeden Fall kenne wir uns ja 

nun wirklich mit finnischem Ska aus, inzwischen, 

und unser Urteil, dass hier die „Verschmelzung von 

Punk, Reggae und Ska zu einem kurzweiligen Vergnügen“ 

wird, darf als „fundiert“ betrachtet werden 

- und ganz nebenbei steht das ja auch so im Info! 

Aber mal im Ernst: Ska geht mir immer dann irgendwie 

etwas auf den Zeiger, wenn die Reggae-Anteile 

überwiegen (und dies, man konnte es ahnen, 

weil mir Reggae halt irgendwie irgendwann mächtig 

auf den Wecker geht). Bei „Evilson“ ist der Anteil 

Reggae für meineneinen exakt richtig dosiert; 

es überwiegt der Punk und auch der Rock. Man 

kann sich jetzt natürlich die Frage stellen, ob es 

überhaupt „geht“, dass jemand, der Reggae nicht 

mag, Ska hören kann, und, ja, sogar richtig lieb hat; 

ist das nicht so, als wenn ein Vegetarier zwar kein 

Fleisch ist, aber auf Muttis Buletten einfach nicht 

verzichten mag? Mit diesen Zwiespalt muss ich leben 

und mit dieser Platte auch. Wobei letzteres 

kein Problem ist, denn neben den guten Songs hat 

es mir die mächtig fette Produktion dieser Scheibe 

angetan - was für ein Gitarrenbrett! Naja, und zuviel 

Reggae ist eben auch nicht drin … 

10 Punkte 

Leo 

nordic-notes.de 

EXPLOSIONS IN THE SKY - 

ALL OF A SUDDEN I MISS EVERYONE 

(Bella Union/Cooperative Music/Rough Trade) 

Explosions In The Sky haben ein einfaches Problem: 

Seit Jahren nehmen sie die gleichen Platten 

auf. Mal besser, mal schlechter, nie wirklich daneben. 

Kommentiert wird das Ganze dann meist mit 

einer Mischung aus Ungreifbarkeit, passionierter 

Selbstverwirklichung und magischem Soundwellen-Geschwafel. 

Nichtsdestotrotz: „All Of ASudden 

I Miss Everyone“ ist in der Tat ein dramatisches Album. 

Und nicht einmal ein Schlechtes. Schließlich 

bieten EITS wie immer einige nette, wenn auch 

nicht wirklich unbekannte Geräusche, eine Menge 

minimalistische Melodien zwischen leise und laut 

und den wohl ranzigsten Schlagzeugsound weit 

und breit. Hinzu kommt eines der ansehnlichsten 

Plattencover seit Jahren. Und zu guter Letzt die Erkenntnis, 

bei dieser Band wohl keine musikalische 

Revolution mehr erwarten zu dürfen. 

8 Punkte 

Torge Hüper 

bellaunion.com 

FONODA - EVENTUALLY 

(Büro/Hausmusik) 

Fonoda müssen nette Jungs sein. Umso schwerer 

fällt es dabei, „Eventually“ als Mittelmaß abzutun. 

Abgesehen von einigen Gesängen, die letzten Endes 

deutlich an Jimmy Lavalles Ausflüge erinnern, 

bleiben sich Fonoda mit ihrer Post-Rock geprägten 

Interpretation in Manier der klassischen Mogwai 

trotzdem treu. Und doch funktioniert das Ganze 

auf „Eventually“ eben nicht in so eindringlicher und 

geschliffener Form, wie es noch beim Vorgänger 

„Blinker:Farben“ der Fall war. Bleibt das sich aufbäumende 

„Not Dead, Just Sleeping (They Are)“, 

das zweifelsohne als wunderbares Stück durchgeht, 

im Zusammenhang mit „Eventually“ jedoch 

nur ansatzweise zu seiner vollständigen Wirkung 

gelangt. 

Schwamm drüber, erinnern wir uns weiterhin an 

das großartige „Blinker:Farben“ von 2002. Und 

hoffen. 

7 Punkte 

Torge Hüper 

fonoda.de 

FROM A,UTUMN TO ASHES - 

HOLDING A WOLF BY THE 

EARS 

(VAGRANT) 

Urgewalt und Gebrüll vermitteln 

das Leid und den Aufschrei 

gequälter Kreaturen. Trommelwirbel, Gitarrensalven. 

Wir sind im Emocore. Hier wird das Metallgewitter 

zwischendurch durch poppige Vocallines für 

sensible Seelen aufgelockert. Die Zutaten sind seit 

Jahren bekannt und im Wesentlichen unverändert. 

Und From Autumn To Ashes machen da keine Ausnahme. 

Das Songwriting solide, die Technik überragend, 

sogar die Schreie sind korrekt intoniert - 

und selbst gramgebeugte Altmetaller können hier 

ihre Scheuklappen ablegen und nach Herzenslust 

mitmoshen. Eine Gratwanderung zwischen New 

Metal und Hardcore mit Popappeal in den Softie- 

Breaks. Eine Band, der offensichtlich auch Alkoholexzesse 

weniger ausgemacht haben, als ihren 

angeknockten Roadies. Ein Produzent (Brian 

McTernan), der auch bei Thrice seine Emoklasse 

(„fett“ !!!) unter Beweis gestellt hat. Ein Drummer, 

der zum Klasse-Frontmann wurde und dessen 

Nachfolger an den Schlegeln die anspruchsvollen 

Vorgaben mindestens erfüllt. Gute Chorgesänge, 

ein Gitarrero, der auch beim klassischen Gniedelmetall 

jede Chance hätte. 

Also alles da für unsere Hüftstretchhosen- 

Schwarzträger. Ab vor die Bühne. Der Rest darf 

gern auch mal seine Aggressionen in die Menge 

werfen. Fliegende Schweißströme in jedem Song. 

Das hat befreiende Wirkung. Egal, wie abgegriffen 

das Genre sonst so ist - und auch, wenn man die 

ohnehin nur in den seltensten Passagen verständlichen 

Lyrics als weitgehend uninteressant vernachlässigen 

kann - die New Yorker verstehen ihr 

Handwerk und liefern wirklich gute Arbeit ab. Respekt. 

11 Punkte 


fromautumntoashes.com 

GODS OF BLITZ - 

REPORTING A MIRAGE 

(BPF1992/Sony/BMG) 


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Hätte man, ja hätte man in 

Deutschland die entsprechende 

Radiolandschaft, dann 

könnte „ALife Repilca“ vom neuen Album der Gods 

Of Blitz zum Hit, zum rauf und runter gespielten 

Dauerbrenner werden. Da sich hierzulande allerdings 

nur noch wenige Inseln mit hörbaren Radiosendern 

finden, werden wohl allenfalls Hörer von 

Freien Radios oder MotorFM in den Genuss dieses 

Songs kommen. Da wäre natürlich noch die 

Alternative, sich den zweiten Langspieler des Vierers 

von Kreuzberg einfach zuzulegen. Und das ist 

eine Lohnende, keine Frage, hat „Reporting A Mirage“ 

vielleicht auch kein zweites Stück von der 

Großartigkeit des genannten im Programm, ist der 

Rest des Albums trotzdem angefüllt mit äußerst 

starken dreiminütigen Rockkrachern. Wer den Erfolg, 

den die Gods Of Blitz mit ihrem Debüt „Stolen 

Horse“ noch ein auf den ersten Blick für einen 

zufälligen, für manchen kaum fassbaren hielt, dem 

beweist die Band mit ihrem Zweitwerk, dass Ehren 

wie die Eröffnungsposition bei Touren von Maximo 

Park oder Wolfmother durchaus berechtig 

waren. „Reporting A Miracle“ jedenfalls ist von 

vorne bis hinten höchst unterhaltsam, abwechslungs- 

wie ideenreich und in keinem Moment berechenbar. 

11 Punkte 

Arnulf Woock 

godsofblitz.com

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GRAND ISLAND - 

SAY NO TO SIN 

(Haldern Pop/Cargo) 

„Say No To Sin“ raten uns die 

fünf Norweger, obwohl man 

beim Hören ihres Debüt Albums 

den Eindruck gewinnen will, dass die Buben nicht 

gerade die strengsten Neinsager, die man sich 

denken kann sind. Musikalisch schon gar nicht. Die 

Unbekümmertheit und Gedankenlosigkeit im positiven 

Sinne mit der hier mit Bluegrass, Rock mit einer 

punkigen Attitüde, einem Sprengsel Banjo und 

einem Sprengsel Wurlitzer jongliert wird, erinnert 

schon an gewisse Phasen von gewissen grossen 

amerikanischen Freaks, zumal man sich auch gesanglich 

Eskapaden leistet, die sich zum Beispiel 

auch auf Captain Beefheart And His Magic Bands 

„Safe As Milk“ sehr gut machen würden. Rock-Vocals 

unterbrochen von animalischem, (liebes-?) 

trunkenem Lallen, mal Mars Volta-hoch jauchzend, 

mal jammernd mit einer gehörigen Portion Selbstironie. 

Da trifft es sich natürlich nicht schlecht, dass 

sich diese Art Sound im Moment einer grossen Beliebtheit 

erfreut. Ein direkter musikalischer Vergleich 

mit den Kings of Leon oder dem Kaizers Orchestra 

wäre sicher unsinnig, da man Grand Island 

einen eigenen Stil bescheinigen kann - es ist eher 

diese allgemeine frische Energie und das musikalisch 

vom Neunziger-Schubladen-Trauma Befreite, 

was hier eine Gemeinsamkeit wäre. Gerne 

lehnt man sich beim Ausleben dieser neuen Freiheit 

an die Vorbilder der sechziger, siebziger Jahre 

an, die ja eh schon gemacht haben was sie wollten. 

Da es neben der aktuellen Single „US Annexed“ 

noch mindestens eine weitere Single gibt (Wie 

wär's mit „Vanity“?) und es mit dem Teufel zugehen 

müsste, wenn das live nicht funktioniert, dürfte 

es ganz gut aussehen für Grand Island. Schade, 

dass es nicht so mein Ding ist. Darum „nur“ 

9 Punkte 


grandisland.no 

haldern-pop.de 

Green Frog Feet - 11 Ways To Kill Your Idols 

(Modernnoise/Cargo) 

Wie? Wer wird denn gleich seine Idole umbringen? 

Die Herren mit den grünen Schenkeln gewiss nicht, 

denn dafür sind sie, mit Verlaub, zu brav - was nun 

wiederum mitnichten despektierlich gemeint ist. 

Denn mit nachgerade kalifornischem Sonnenscheingemüt 

knallen sie uns elf Emo-Punk-Kracher 

um die Ohren, die nicht nur in einem mehr als 

anständigen Soundgewand daherstolzieren, sondern 

auch so einige Ohrwurm-Hooks zu bieten haben. 

Ach jaaaa - ich höre sie schon wieder meckern, 

die Nörgler, die ewigen „da-fehlt-es-an-Eigenständigkeit“- 

oder „das-kennen-wir-alles-vonden-Ami-Bands-besser“-Meckerer. 

Es sei ihnen 

ein herzhaftes Schieß-Dir-Doch-Ins-Knie entgegengeschleudert, 

denn natürlich wollen 

Green.Frog.Feet (nur echt mit den drei Punkten!) 

nicht den tönenden Faustkeil neu schaffen - Spaß 

haben und Spaß machen wolln's, die Reg'nsburger, 

nicht mehr - und gewiss nicht weniger. Hört 

auf zu meckern und habt endlich Spaß! 

11 Punkte 

Leo 

HEIDEROOSJES - 

CHAPTER EIGHT: THE GOLDEN STATE 

(U Sonic/Cargo Records) 

Es scheint eine Ewigkeit, die die Heideroosjes in 

der Punk-Szene aktiv sind. Und tatsächlich, satte 

18 Jahre hat die Band aus Holland mittlerweile auf 

dem Buckel. In einem Land, in dem Punkrock an- 

sonsten nicht allzu viel zu melden hat, ist das an 

sich schon mal eine Besonderheit. Völlig aus der 

Masse der Allgemeinheit aber erhebt die Heideroosjes 

ein ganz anderer Umstand: Seit Anbeginn 

der Tage und über 1.500 Konzerten hat die 

Band nicht ein einziges Mal ihr Lineup verändert - 

Respekt. Hört man sich das achte Album der Band, 

die natürlich schon mit allen Punkgrößen der letzten 

Dekaden von Bad Religion über Pennywise bis 

The Offspring die Bühne geteilt hat, steigt dieser 

noch um eine gehörige Portion. „Chapter Eight: 

The Golden State“ nämlich klingt alles andere als 

nach einer Band, die schon seit annähernd zwei 

Dekaden den Proberaum teilt, sondern macht viel 

mehr den Eindruck, von einer Gruppe junger wie 

heißer Punkrocker eingespielt worden zu sein, die 

von der unbändigen Energie Pubertierender angetrieben 

werden. Lediglich beim Songwriting wird 

deutlich, dass man es hier mit einer Band zu tun 

hat, die durchaus ihre Erfahrungen gemacht hat 

und genau weiß, wo und wie welcher Effekt zu setzen 

ist - was „Chapter Eight: The Golden State“ natürlich 

nur zu Gute kommt. Wie gesagt: Respekt! 

12 Punkte 

Arnulf Woock 

HELLA - THERE'S NO 666 IN 

OUTER SPACE 

(Ipecac/Southern/Soulfood) 

Alles neu im Hause Hella: Nach 

sechs Jahren und über zehn 

Veröffentlichungen als multi-instrumentalistisches 

Duo sind die durchgeknallten Spackos plötzlich 

zum Quintett gewachsen, zu einer richtigen Band 

im klassischen Line-Up. Vor allem durch die Integration 

von Gesang öffnet man sich fortan die 

Pforte zu ein wenig mehr Eingängigkeit - so unpassend 

dieses Wörtchen im Kosmos dieser positiv 

Verrückten auch sein 

mag, die auch im neuen 

Gewand noch immer 

ziemlich weit entfernt von 

der Norm ihr alles andere 

als leicht verdauliches 

Süppchen kochen. Aaron 

Ross, der neue Mann 

am Mikro, klingt wie eine 

Kreuzung aus einem der 

Blood Brothers-Schreihälse 

und Cedric Bixler- 

Zavalas. Doch nicht nur 

aufgrund der stimmlichen 

Nähe fühlt man 

sich bei den neuen Hella 

öfters mal an The Mars 

Volta erinnert, auch in 

Punkto Haken schlagen 

und der Verweigerung 

von konventionellen 

Songstrukturen würden 

beide Bands vermutlich 

hervorragend im Proberaum 

miteinander harmonieren. 

Die oftmals 

unterkühlte Technikdemonstration 

der Kollegen 

aus El Paso geht den ansonsten 

ähnlich abgedreht 

zu Werke gehenden 

Hella allerdings ab. 

Spielfreudig gibt man 

sich auf „There's No 666 

In Outer Space“ und beweist 

nicht nur wegen 

blöden, aber trotzdem 

irgendwie coolen Songtiteln 

wie „The Ungrateful 

Dead“ oder „Anarchists 

Just Wanna Have Fun“ 

Sinn für Humor. Der Einstieg in den undurchsichtig 

komplexen Soundkosmos wird mit ständiger 

Gesangsuntermalung als rotem Faden erleichtert. 

Die aber auch, und das ist vielleicht das größte 

Manko dieser Platte, gerade wegen ihrer penetranten, 

pausenlosen Dauerbeschallung auf die Nerven 

gehen kann. Und trotz der Hilfestellung des 

Gesangs bei der Orientierung bleibt die Musik im 

höchsten Maße zerfahren und schwer greifbar. Mit 

der Präzision einer für Normalsterbliche kaum 

nachvollziehbaren mathematischen Formel zerhackstückelt 

Drummer Zach Hill den Rhythmus 

stets bis zur Unkenntlichkeit und gibt mit ständigen 

rhythmischen Verschiebungen die Richtung für die 

restlichen Instrumente vor. Tempi wechseln Hella 

wie andere Bands Akkorde, Breaks erfolgen so regelmäßig 

wie bei anderen der Schlag auf die Bassdrum. 

Und dennoch: „Hand That Rocks The 

Cradle“ ist funky wie Prince in der imaginären 

Zwangsjacke. In „World Series“ brechen urplötzlich 

und nur für wenige Sekunden Jazz-Trompeter 

in den Raum. Dann taucht in all dem Chaos und 

hinter all den rhythmischen Verwirrungen eine saubere, 

klare Gitarrenmelodie auf („Dull Fangs“). 

Doch sind das nur kurze Strohfeuer, nicht mehr als 

falscher Alarm, bewusst ausgelöst von diesen 

hinterlistigen Muckibuden-Musikern. Denn natürlich 

ist das hier irgendwie auch musikalisches Muskelmessen, 

das auditive Äquivalent zum Fitnesstraining. 

Natürlich holen sich Hella hier öfters mal 

einen auf sich selbst runter. Das beruhigende 

daran: Diese Platte macht dennoch nicht nur den 

Musikern selbst Spaß, sondern auch dem offenen, 

nervlich belastbaren Hörer. 

9 Punkte 


hellaband.com

HORE - CHEAP LUXURY BOMB 

(Swamp Room) 

Man könnte an dieser Stelle sehr gut einen Lückentext 

präsentieren, in dem die Querverweise selbst 

eingetragen werden können, so sehr drängen sie 

sich auf. Man kann auch einfach eine Liste mit sämtlichen 

guten Stoner-Bands, die einem gerade so einfallen 

anfertigen, und man bekommt brauchbare Anhaltspunkte 

für „Hangover Rock Explosion“. Ungewöhnlich 

ehrlich wird die Tatsache, das Hore (steht 

für Hangover Rock Explosion) nicht unbedingt das 

Stoner-Rad neu erfinden im Info thematisiert. Aber, 

und auch das ist Thema und Fakt, es ist in diesem 

Fall wirklich egal, dann Hore rocken einfach mit viel 

Energie und vor allem Leidenschaft, dass man eigentlich 

jedem Stoner Fan, der nicht auf Innovation 

insistiert, dieses Album empfehlen kann. Fu Manchu, 

QOTSA, Pothead, Colour Haze, Nixon Now… 

Bitte selbst vervollständigen. Was Hore dennoch in 

ihrem Stil auszeichnet ist der melancholische 

Grunge Einschlag, der in vielen Stücken mitschwingt 

und ihnen zu einer gewissen Eigenständigkeit 

verhilft. Wie gesagt, nichts wirklich neues, 

aber ein Album, das Spaß macht, abwechslungsreich 

ist und konventionelle Qualität im besten Sinne 

bietet. 

8 Punkte 


hore-rock.de 

swamp-room.de 

ICH JETZT TÄGLICH - ALLEE SORGENLOS 

(Popup Records/Cargo) 

Ich Jetzt Täglich haben einen wirklich guten Schlagzeuger. 

Und letztendlich war's das auch schon. Instrumental 

wäre „Allee Sorgenlos“ über weite Strekken 

zumindest besser zu ertragen. Dabei hatte der 

Vorgänger „Stilfragen“ mit einer zwar besorgenden 

Mischung aus wirklich guten Liedern wie „Mein Therapeut“ 

oder „Januarsonne“ und allerlei Peinlichkeiten 

Anlass für berechtigte Hoffnung gegeben, mit 

gutem Willen irgendwann mit einem durchweg ordentlichen 

Album in voller Länge rechnen zu können. 

Davon scheinen sich Ich Jetzt Täglich mit „Allee 

Sorgenlos“ nun ein für allemal zu verabschieden. 

Und obwohl die Funktionsweise mit viel Liebe 

zum Detail und einer Menge an Einfällen wie beim 

Debüt „Stilfragen“ genauso sperrig wie filigran 

bleibt, ist „Allee Sorgenlos“ zu einem großen Teil 

einfach völlig bescheuert. 

6 Punkte 

Torge Hüper 

popup-records.de 

KARL SEGLEM - URBS 

JAKE PLAYMO FEAT. DAS BÖSE DING - MY FA- 

VOURITE TOYS 

(beide Ozella/In-Akustik) 

Sehr schönes und liebevoll gemachtes Digipack, in 

dem „Urbs“ daherkommt. Die Promo ist hier keine 

räudige CD-R mit kopiertem Cover, sondern ein 

schmuckes Original. Gefällt! Der norwegischeTenorsaxofonist 

und Ziegenhornbläser Karl Seglem 

nimmt uns auf „Urbs“ mit auf eine weltmusikalische 

Reise und bringt uns seine vertonten Landschaftsbeschreibungen 

näher. Norwegische Folklore trifft 

hier auf zeitgenössischen Jazz, die den Begriff 

Worldmusic im besten Sinne interpretieren. Kein 

New Age Lamento, sondern ausgetüftelte und sehr 

ideenreiche Songs, die von rhythmisch treibend 

(wie der Opener als bester Song) bis versunkenmeditativ 

reichen. Eine visionäre Klangreise zeitgenössischer 

Wordmusic norwegischer Prägung, für 

Leute mit einem sehr offenen Musikverständnis (8). 

Mit mit Jake Plymo (alis Jan Klare) habe ich dagegen 

ein grundlegendes Problem, beziehungsweise 

an dieser Stelle hat erstgenannter eines mit mir. Ich 

kann Synthpopelemente partout nicht ausstehen, 

noch nie und wahrscheinlich für immer. Von daher 

ist dieses Album einfach nicht beim richtigen Redakteur 

gelandet. Jake Playmo spielt eine Art Synthpopjazz, 

der musikalisch und kompositorisch gut 

gemacht und ideenreich arrangiert ist, nur sind mir 

diese Keyboards und sülzigen Melodien absolut unerträglich. 

Da hilft auch kein Auflockern durch Sampling 

oder quengelige Saxophone. Sorry. 

ohne Wertung 

norcd.no/seglem 

janklare.de 

ozellamusic.com 

KOLPORTEURE - 

LEINEN LOS 

(Nix Gut Rec.) 


Ich erwartete Punkrock. Einen 

Start mit Rums und Humtata. 

Stattdessen überraschen die Berliner Urgesteine 

anfangs ihrer Leinen Los - CD mit einem etwas unsicher 

vor sich hin swingenden Titelsong, der sich 

in kryptischen Bildern den missglückten Versuch einer 

grundsätzlichen inhaltlichen Verortung vornimmt. 

Und dann doch noch losrumpelt. Geht so. 

Hatte mir mehr erwartet. Song zwo. „Häuser mussten 

wir besetzen, Schwarz-Rot wedeln, dabei 

brülln, Ánarchie`, ´Gerechtigkeit`, und zeigen, wer 

sich Taschen füllt, weil's Land ja auch ein Feindbild 

braucht, gibt es zum Dank, ein bisschen Punk!“ 

Das hat Stil. Die einstigen Schwarz-Weiss-Maler haben 

ihre Entschiedenheit 

nicht verloren, 

aber sie beherrschenmittlerweile 

die Kunst der 

ironischen 

Distanz, ohne die 

Selbsterkenntnis 

nur sehr selten anzutreffen 

ist. 

Auch, wenn die 

Kolporteure in so 

manchem Song 

als Referenz an 

alte Fans mit eingeschränktemHorizont 

zu den alten 

simplen Mitsing- 

Gewissheiten greifen, 

die so viele 

Punkrockbands so 

bedauerlich austauschbar 

machen 

in ihrer musikalisch 

begrenzten 

Uniformität, hier 

wird wirklich gekonnt 

Gas gegeben 

und die linke 

Faust gereckt, bis 

die Schweißtropfen 

fliegen. Natürlich 

eine selbstreferentielle 

Hymne 

an die Mithoppser 

(„Tanzen“), damit 

die scheintherapeutische 

Wirkung 

im Konzert im 

Massenerlebnis 

möglich bleibt. Mit 

„Heul nicht“ folgt 

eine der schwächsten 

Nummern der 

Platte, wenn zu All- 


gemeinheiten über Generationskonflikte weder eine 

konkrete Geschichte, noch eine stimmige Atmosphäre 

entstehen und der schwach intonierte Refrain 

im Beliebigkeitssumpf versinkt. Es folgt eine 

echte Überraschung aus Wien. Georg Danzer 

grüsst - sein alter, schöner Gassenhauer „Freiheit“ 

(„… denn nur in Freiheit kann die Freiheit Freiheit 

sein…“) wird von den Kolporteuren - tja, leider gnadenlos 

verhunzt. Ein schönes Stück Rock über unerwiderte 

Liebe („Muse“), ein guter Song zum Wochenende, 

der unter zuviel Pathos beim mäßigen 

Gesang leidet („Freitag Nacht“), undsoweiter undsofort. 

Die Platte ist grundsympathisch, pure Punk- 

Attitüde mit schönen Elementen von Volxmusik, 

handwerklich im Grossen und Ganzen okay - ein 

guter Tipp für Genrefans. Mehr aber nicht. 

7 Punkte 


kolporteure.de 

nix-gut.de 

LITTLE BARRIE - 

STAND YOUR GROUND 

(PIAS/Genuine) 

Woher kommen die? Mitten aus 

den Arbeitervierteln Birminghams? 

Und sind gerade mal zu dritt und - im Schnitt 

Anfang bis Mitte Zwanzig? Und hübsch? Und machen 

derart reifen puren Bluesrock mit Soul in der 

Stimme und den raffiniert treibenden Beats? Und 

dieser famose Sänger mit den exakt temperierten 

und korrekt intonierten kleinen sexy Screams spielt 

auch noch derart versiert Gitarre? Mit schönem 

Gruß von Jimi Hendrix… und dann noch dieser Bas-

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ser, woher nimmt der diese stoische elegante Ruhe 

her, diese seltene Tightness? 

Warum will ich gerade zu dieser Scheibe sofort aufstehen 

und lostanzen, warum macht mich das hier 

eigentlich so rallig? 

Keinen Bock mehr, weiter zu schreiben. Bock auf 

einen Abend mit Plänen zur Revolution, ein paar 

Biers zu Rock`n Roll, und wenn`s mit der Revolution 

nicht klappt, ersatzweise ein guter Fick und 

schöne gemeinsame Träume tuns auch schon. Die 

hier grooven dann garantiert wieder dazu, wenn`s 

bei mir zuhause sein sollte. Der Staub der englischen 

Arbeiterstrasse und der hart erkämpfte Optimismus, 

den Rockmusiker in ihren Songs nur abbilden 

können, wenn der Weg nach oben verdammt 

hart erkämpft war. Oder das Leben, die 

Kindheit. Weitgehend ein Scheiß. Der Übungsraum 

zur letzten Zuflucht wurde. Diese Bluesakkorde, 

dieses Bottleneckriff, hey, sagen sie mir, enjoy 

the moment, enjoy this night, just that. 

Was singt dieser abgefahrene junge Typ da? 

„Hit my bunk about my world past ten, felt like 

skunks until I don`t know when, got my bottle and 

I got my bags, so hit that throttle, so the road don`t 

drag...“ 

Kleine Bilder mit großer Wirkung, rationelle Arrangements 

mit Blick auf das Wesentliche, eine feine, 

höchst unerwartete Platte einer sehr, sehr aussichtreichen 

Truppe - mit einem überragenden Talent 

an den Drums, der Ruhe selbst am Bass, und einem 

formidabel Gitarre spielenden Sänger, in dessen 

spitzen Shout-Outs so unglaublich viel Soul 

steckt. 

„…you wanna know the future, my answer wouldn`t 

suit ya, so, I`d better be a charmer, cause I didn`t 

mean to harm ya.“ 

Okay, kleiner Gitarrero. But give me more of those 

shouts, please. Give me more, more, more! 

13 Punkte 


www.littlebarrie.com 

LOCKJAW - LOCKJAW 

(Consolidate/Rough Trade) 

Nein, nicht die Hardcorebolzer- 

Schrägstrich-New Metaller aus 

den USA sind gemeint. Wir beschäftigen 

uns an dieser Stelle mit Lockjaw aus Solingen, 

deren Krawall-Attitüde nur eine Seite der 

Medaille darstellt. Auf der anderen Seite hätten wir 

die Lust am Gefrickel, an überraschenden Attacken, 

an hypnotischen Wiederholungen in den Gesangslines, 

an Stakkato-Geschrei, an merkwürdigen 

Breaks, die Lust daran, das Unerwartete genau 

dann zu tun, wenn man glaubt, den Song zu 

kennen. So sind wir also hier auf einmal bei Referenzbands 

wie Mars Volta angekommen - oder, 

besser gesagt, At The Drive-In - weil die Herren 

aus dem deutschen Westen nämlich auch im 

schrägsten Dornengestrüpp nie die Power und 

Catchyness der Grundidee liegen lassen, weil sie 

mit Vorliebe im High-Temp vorwärts heizen. 

Das ist gut gemacht und rockt auf spielerisch, wie 

kompositorisch verdammt hohem Niveau. Auch, 

wenn ich mir den Sänger zuweilen eine Oktave tiefer 

wünschen würde, weil sein permanent eher hoher 

Gesang auf die Dauer auf mich etwas eintönig 

wirkt und so mehr Dynamik in die Spannungsbögen 

kommen würde - auch, wenn sie sich bisweilen 

auch mal verzocken - und für mein Gefühl in 

Deutsch mehr drin wäre. 

Sie gehören in einem Atemzug mit Bands aus dem 

Neurot-Umfeld genannt und eine Tour mit Envy 

wäre musikalisch sicher nicht verkehrt, oder noch 

besser, mit Oxbow. Und wenn sie jetzt live noch 

mehr Mut zur Anarchie, zu lustvoller Selbstinszenierung 

und -entäußerung entwickeln, dann kann 

das Kult werden. Feinschmeckerkost ist es allemal. 

10 Punkte 


www.lockjaw.de 

THE LOCUST - NEW ERECTIONS 

(Epitaph) 

Es ist billig und es ist verlogen. Erst über die Verhältnisse 

hadern und dann doch irgendwie mitmachen. 

Mit „New Erections“ wiederholt sich das 

Stammtischplädoyer. Ambivalenztoleranz ist gefragt. 

Es gibt Geschäfts-/Promotaktiken von Plattenfirmen, 

die man eigentlich nicht hinnehmen 

sollte, einfach ignorieren. Also kein Review zu The 

Locust? Dazu ist dieses Album zu gut und darüber 

hinaus müht sich diese Band seit Jahren mit radikalem 

Außenseitersound in der Szene ab, was 

überaus sympathisch ist… Was ist eigentlich los? 

„New Erections“ gibt es - zumindest für uns - nicht 

als Promo-CD (die ja teils auch immer übler/billiger 

aussehen), sondern nur noch als Link und diesen 

auch noch mit wechselndem Passwortzugang. 

Das ist gelinde gesagt einfach Scheiße. Zumindest 

aber besser als bei den Beatsteaks, wo man nur 

vor dem Interview in das Album hätte reinhören 

können, sonst erstmal nicht. Und dann soll man 

gleich Fragen stellen. Von Epitaph - wir sind wieder 

bei Locust - hätte man solcherlei Praktiken eigentlich 

nicht erwartet. Und kurioserweise ist es 

auch nicht der Firmenpolitik geschuldet, sonder 

rein der Paranoia der Band. Konsequent gedacht 

hätte man nicht eine Leerzeile für eine Review darauf 

verschwenden sollen, wenn The Locust nicht 

ein wirklich interessantes Album eingespielt hätten. 

Sie klingen ein wenig gemäßigter als in ihren 

radikalsten Grindnoisetagen, ein wenig „songorientierter“. 

Sie knüppeln und schrägen zwischendurch 

immer noch wie in alten manischen Tagen, 

sind aber diesmal durchdachter im Sound. Das 

klingt immer noch wie eine sehr eigene Melange 

aus Mathcore, Dillinger Escape Plan, Industrialsprenkeln, 

Grind, Experimentalhardcore, sicken 

Soundscapes und Noise. Fans der „good old days“ 

mögen die durchgängig extrem radikale Energie 

ein klein wenig vermissen, die hier zugunsten von 

mehr Struktur im Sound (und somit Nachvollziehbarkeit) 

eingetauscht wurde, was für Normalkonsumenten 

nicht weniger Wahnwitz bedeuten soll. 

Nichtsdestotrotz sind sie immer noch eine der besten 

und interessantesten Bands in diesem Sektor, 

die wirklich mehr Aufmerksamkeit verdient hat. 

Die Veröffentlichungspraktik der Band ist und bleibt 

dabei unwürdig übel. Kurve gekriegt? Der Ambivalenztoreranzkönig 

schmunzelt eineinhalb Lächeln. 

10 Punkte 


thelocust.com 

LOGH - NORTH 

(Bad Taste/Soulfood) 

Nachdem die sympathischen 

Schweden zuletzt ihre Songs 

in einer Parforce-Tour in Nullkommanix 

einspielten, haben 

sie diesmal lange herumgetüftelt. Und der große 

Aufwand war nicht umsonst. In epischen Bögen 

beschreiben sie die Widrigkeiten des Lebens und 

in präzisen Bildern suchen sie nach Trost, angesichts 

bitterer Wahrheiten und kalter Wohlstandsfassaden 

und dem Spießertum der Provinz. Doch 

dort, wo einst noch Slowcore die passende Bezeichnung 

war, ist das neue Logh-Universum ein 

schwebendes, filigran irrlichterndes, Logh heute 

sind stilvoller Indiepop für Freunde progressiv spielerischer 

Elegien, die ansonsten Coldplay zu routiniert 

finden und Snowpatrol zu berechenbar. 

Einfach schön, was ich da höre. Musik, die zum 

Herbst und Winter besser gepasst hätte, als zum 

herandrängenden Frühling. Am Fenster stehen mit 

diesem Sound hinter Dir. Draußen Menschen, die 

von Stürmen getrieben vorwärts hasten, während 

wir die Authentizität unseres Ausgeschlossenseins 

von Ruhm und Ehre in einer Umarmung genießen. 

In einem Lächeln. In geteilter Trauer. 

Logh sind kunstvoll, dabei aber immer sehr nahe, 

warm, voller Liebe, auch, wenn sie ihrer Heimatstadt 

den Tod andichten. 

Sie brechen nicht mehr aus in das früher so große 

fragile Geschrei, das schon zu viel früheren Tagen 

dieser von manchem Popconnaisseur schier geliebten 

Band „The Raging Sun“ zu einem Song für 

die Ewigkeit machte. Logh sind nun bei sich selbst 

und in ihren Gewissheiten angekommen und zelebrieren 

diese Selbstsicherheit in ähnlicher Weise 

wie The Notwist an ihren besten Tagen. Und auch 

die stilistische Unsicherheit von „A Sunset Panorama“, 

die in nicht nur geglückten, aber charmanten 

Experimenten mündete, haben sie selbstbewusst 

ad acta gelegt. 

Grosse Popsongs, elegisch, schlicht, schön, tröstend, 

mitfühlend. Manchmal einfach nur Wohlklang. 

Manchmal vermisse ich ein ganz klein wenig 

die alten Widerhaken. Musik wie über Fjorde 

schweben, Wälder, ab und zu ein Windstoß. Pure 

Schönheit und Nähe, was will ich denn eigentlich 

mehr? Ich darf Logh weiter lieb haben, wie einen 

richtig guten Freund. 

13 Punkte 


logh.se 

P. W. LONG - 

GOD BLESS THE DRUNKARD'S DOG 

(Black Diamond/Cargo) 

Mule waren eine verschrobene Indie-Band, die ich 

seinerzeit etwas verpasst bzw. noch nicht ganz verstanden 

hatte. P. W. Long war seinerzeit bei diesen 

aktiv, kennen könnte man ihn auch noch von 

Wig, die mir allerdings unbekannt sind. Auf „God 

Bless The Drunkard´s Dog“ widmet sich P. W. Long 

seiner Version des Blues, die eine gute Portion 

Southern Einschlag hat. Dafür hat er sich noch Taylor 

Young (Polyphonic Spree, Young Heart Attack) 

in die Plantage geholt. Das Duo zelebriert raubeinigen 

Blues mit geschrabbter Southern Gitarre, die 

den Großteil des Albums ausmachen. Zwischendurch 

besinnen sie sich auch auf recht traditionelle 

Bluesformen bzw. Schemata. Für Bluesfans oder 

Leute die Sister Double Happiness mochten, ist die 

Scheibe sicherlich eine interessante Sache, mir 

allerdings ist das in vielen Fällen zu gewöhnlich, 

auch wenn Long eine coole Stimme hat. Da hat 

William Elliot Whitmore in diesem Metier vor einiger 

Zeit ein wesentlich spannenderes Werk abgeliefert. 

7 Punkte 


www.southern.net/southern/band 

MARYSLIM - A PERFECT MESS 

(Wild Kingdom) 

Normalerweise sind Peter Tägtgrens musikalische 

Vorlieben etwas anders gelagert: Seine Band Hypocrisy 

zählt zu den Urgesteinen des skandinavischen 

Death Metal-Lagers, mit Pain hat er sich einer 

Elektro-Metal-Melange verschrieben, die 

gleichermaßen auf hartes Riffing wie tanzbare Beats 

setzt. Als Produzent versorgte er schon die ungekrönten 

Fürsten des Black Metal, Dimmu Borgir, 

mit dem richtigen Sound, zählt Marduk zu den regelmäßigen 

Gästen seines in den tiefen Wäldern 

Schwedens gelegenen Studios The Abyss, wo er 

auch schon mit der deutschen Thrash Metal-Legende 

Destruction das eine oder andere Album 

eingespielt hat. 

So verwundert es denn im ersten Moment ein wenig, 

seinen und den Namen seines Studios auf dem 

aktuellen Album der Stockholmer Maryslim zu lesen. 

Tatsächlich aber zeichnete sich Tägtgren 

schon für das 2004 erschienene „Split Visions“ als 

Produzent verantwortlich - seinerzeit seine erste 

Begegnung mit dem Genre Rock'n'Roll.

Ob die Konstellation nun wirklich eine gute ist, 

stellte schon „Split Visions“ ein wenig in Frage - wie 

nun auch „A Perfect Mess“. Dass Tägtgren seinen 

Landsleuten einen perfekten Studiosound verpasst 

hat, steht zwar außer Frage, eine allzu glatte 

Behandlung tut dem Songmaterial der Band allerdings 

eigentlich gar nicht so gut. Um gegen einen 

perfekten Klang zu bestehen, haben die Songs der 

Schweden letztendlich zu wenig Potential und arten 

in manchen Fällen („Part Of Me“) durch diese 

Behandlung in äußerst radiotaugliche Mainstreamlangweiler 

aus. Das mag im Sinne aller Beteiligten 

sein, Fans der ersten Stunde werden sich trotzdem 

die etwas erdigeren, dreckigen und rotzigen Maryslim 

zurück wünschen. Mit „A Perfect Mess“ jedenfalls 

hat sich die Band eigentlich genau jenes 

geschaffen. 

7 Punkte 

Arnulf Woock 

maryslim.com 

modernnoise.de 

MONKEY 3 - 39 LAPS 

(Buzzville/Soulfood) 

Bei Monkey 3 muss ich immer 

unwillkürlich an meine letzte 

Prag-Reise denken, da mir dort 

deren feines Debüt gestohlen wurde, inklusive dazugehörigem 

Auto meines Freundes. Auto gibt es 

jetzt ein besseres neues und auch die Schweizer 

legen mit „39 Laps“ gewaltig nach. 

Konnte man das Debüt noch in etwa in die Heavy- 

Stoner Ecke stellen und Vergleiche zu Sons Of Otis 

ziehen, tut man sich jetzt ungleich schwerer mit 

solch leidigen Kategorisierungen. Und genau das 

zeichnet gute, innovative Alben ja aus. Monkey 3 

haben sich selbst neu erfunden und spielen jetzt 

in einer anderen Soundliga. Weniger Stoner, mehr 

Psychedelic, Prog und Post-/Spacerock. Ergo, 

überlange Instrumentalsongs, die mit ausgefeilten 

epischen Arrangements glänzen, Gitarrenwände, 

die monohaft geschichtet werden, melancholischflirrende 

Keyboardteppiche. Manche Parts sind jedoch 

sehr zerdehnt, hier verliert sich die Idee gelegentlich 

im outta space. Vor allem gegen Ende 

des Albums scheinen ihnen etwas die Ideen ausgegangen 

zu sein. Am Ende steht auch das Ennio 

Morricone Cover „Once Upon ATime In The West“, 

das vielerorten hochgelobt wurde, mir persönlich 

aber nicht allzu zusagt. Trotz der Längen am Ende 

ein überaus empfehlenswertes Album, in das Stonerrockfans, 

die Loose (35007) schätzen, genauso 

reinhören sollten wie Fans von Tool oder den neueren 

Isis. Und wenn sie noch mehr so Wahnsinnssongs 

wie „Xub“ und „Last Moulinao“ schreiben, ist 

ihnen die Highlight Position beim nächsten Mal sicher. 

11 Punkte 


monkeythree.com 

NEAL MORSE - 

SOLA SCRIPTURA 


Es gibt nicht wenige Stimmen, 

denen die ewige Religions- 

Leier des Herrn Morse inzwischen einigermaßen 

auf den Zwirn geht. Zu den Texten (diesmal inspiriert 

durch Martin Luther) kann man stehen, wie 

man Kleingeld hat - Fakt ist, dass Neal Morse auch 

auf „Sola Scriptura“ musikalische Gourmetkost 

serviert. Zwar hätte ich mir hier und da ein, zwei 

Überraschungsmomente mehr gewünscht, aber 

auch so wuchtet der ehemalige Spock's Beard- 

Fronter seinen neuen Solo-Output wieder locker 

über Durchschnittsniveau. Unterstützung erfährt er 

dabei u.a. von Saitenhexer Paul Gilbert (Mr. Big) 

und Fellverdrescher Mike Portnoy (Dream Theater), 

denen es gelingt, feinsten Bombast-Prog 

Rock ohne den Hauch einer Staubschicht wuchtig 

und teils erstaunlich heavy in Szene zu setzen. 

Amen! 

12 Punkte 

Heavy 

insideout.de 

NORWAY - 

RISING UP FROM THE ASHES 

(MTM/SPV) 

Der mächtig mit Pathos belegte 

Titel lässt Gewaltiges erwarten - 

was dann aber aus den Boxen schallt, ist eher bieder. 

Nichts gegen AOR/Melodic Rock, aber etwas 

mehr Schmackes und weniger Vorhersehbarkeit 

darf das Ganze dann doch haben. Der Opener 

„Save Me“ wäre Ende der Achtziger mit einer fetteren 

Produktion wohl noch als recht amtlicher Stadionrocker 

durchgegangen. Wenn aber bereits der 

zweite und dritte Track beides Balladen sind, bleibt 

der Gewaltigkeits-Faktor irgendwie auf der 

Strecke... Wer auf die üblichen Verdächtigen aus 

dem Hause Def Leppard, Bon Jovi & Co. steht und 

kein Soundfetischist ist, kann hier mal reinhören. 

Unterm Strich aber ziemlich beliebiger Stoff aus 

New Jersey. Nicht Norwegen. 

6 Punkte 

Heavy 

mtm-music.com 

OPHYDIAN - The Perfect Symbiosis, CD 

(Dioxzion Records/Twilight) 

Jaja, die Italiener! Den ganzen Tag in der Sonne 

liegen, Espresso saufen und den lieben Gott einen 

guten Mann sein lassen. Zu diesem Klischees 

passt irgendwie auch, dass man den Jungs „da unten“ 

solche Mucke, mit der beispielsweise Bands 

wie „Ophydian“ aufwarten, schlechterdings nicht 

zutraut; die nämlich stimmen die Gitarren runter, 

hauen clever durchdachte Metal-Riffs raus und basteln 

einen Sound, den man irgendwie eher jenseits 

des Atlantiks als jenseits der Alpen vermuten 

würde. Die getriggerte Bassdrum nervt zwar ohne 

Ende, dennoch ist der Sound ein echter Schlag in 

die Fresse und Fundament eines überaus kreativen 

Outputs, der gerne für ein paar weitere Umdrehungen 

im Player verweilen darf. Ein weiteres 

Plus ist der abwechslungsreiche Gesang, der in 

seiner hart-zart-Dynamik eine - eben - perfekte 

Symbiose mit der Restruppe eingeht. Hinsichtlich 

des Songwritings gibt es natürlich beim ein oder 

anderen Track noch ein wenig Luft nach oben - 

aber wenn dieses Schiff hier Kurs hält, dann können 

wir uns zukünftig auf einiges gefasst machen. 

11 Punkte 

Leo 

PAIN OF SALVATION - 

SCARSICK 


Pain Of Salvation waren noch 

nie Easy Listening. Dass sie im 

Vergleich zum doch leicht überladenen Vorgänger 

„Be“ etwas abgespeckt haben, steht den Jungs 

also gut zu Gesicht. „Scarsick“ benötigt zweifellos 

ein paar Durchläufe, dann aber zünden die zehn 

Tracks ohne Zweifel. Der moderne, nur vordergründig 

unzugängliche Metal der Schweden wirft 

zwischen den streckenweise strapaziösen Strophen 

stets rechtzeitig akustische Anker aus, an denen 

der Orientierungslose zurück zum Grundgerüst 

des jeweiligen Songs findet. Zusätzlich bieten 

Pain Of Salvation in regelmäßigen Abständen 

kleine Verschnaufpausen in Form von verhältnismäßig 

unkomplizierten Tracks an. So kann der geneigte 

Break-Aficionado z.B. nach dem anstrengenden 

Eröffnungsdoppel „Scarsick“ und „Spitfall“ 

39 

beim anschließenden „Cribcaged“ durchatmen. 

Dieser Aufbau zieht sich sinnvollerweise komplett 

durch dieses empfehlenswerte Album, und so kann's 

weitergehen für die Männer um Daniel Gildenlöw. 

Pain Of Salvation are not easy, but worth listening 

to! 

12 

Punkte 

Heavy 

insideout.de 

PALEHORSE - 

AMONGST THE FLOCK 

(Bridge Nine Rec.) 

Dabei soll es in Connecticut 

eher beschaulich sein. Rums, 

Krach, Schepper, Empörung. Muss man zwischen 

bibelbewehrten Landkundschaftsspießern aufwachsen, 

um soviel Wut zu entwickeln, wie die 

hier? Doublebase, Gebrüll, die Welt eine Bedrohung 

im Allgemeinen und die Neue-Welt-Ordnung 

im Besonderen. 

Keine Gefangenen auf der schwarz-roten Lärminsel 

im Meer der ahnungslosen, betrogenen, saudummen 

Schaafe. Das ist der Kern der Botschaft. 

Ich will jetzt nicht diskutieren, ob die Herren da nicht 

doch ein wenig Recht haben. Hatte ja gerade den 

Emocore von From Autumn To Ashes gehört, der 

technisch etwas versierter war, aber in seinen 

Emotionen weniger ehrlich und authentisch wirkte. 

Die hier zelebrieren ihre echte Wut - vorzugsweise 

white-angry-young-men-on-the-highway-kompatibel. 

Für den Aufstand in den Vorstädten. Für den 

Bleifuss bei getunten 180, wenn die Frau vorher 

am Telefon Schluss gemacht hat. Solider Hightemp-Hardcore 

ohne größere Schwächen oder 

Höhepunkte. Keine Überraschungen, zu wenig Varianten. 

Echte Empörung und Gewalt in den Riffs. 

Sound gewordene Gegengewalt also. Die Fans 

wird's freuen. 

8 Punkte 


myspace.com/palehorse 

PERLE° KOMMT - s/t 

(Triple Eggs/Radar Music) 


Perle° kommt. Und wird spalten. 

Spaltet. Kanalisiert. Spaltet 

mich. Was soll ich da schreiben? 

Wenn ich Perle nicht ganz begreife? Ratlos. 

Hmmm. Erinnert mich ein bisschen an Blumfeld. 

Hasst ihr mich jetzt? Lieg ich völlig daneben? Ich 

weiß nicht. Perle° kommen aufjedenFall auf 

deutsch. Beispiel gefällig? „Ich küsse Dich wach 

mein Engel. Und schmiege mich an Dein Ohr. Die 

Sonne geht auf am Himmel. Ich hab heut viele 

schöne Dinge mit Dir vor...“. 

Psychopathisch? Unbedingt. Dazu ist das auch 

noch gehaucht. Oder bin ich versaut? Ist meine 

Gedankenwelt so neben der Spur? Das ist eine 

unterschwellig-bedrohliche Atmosphäre. Für mich 

zumindest. Hat irgendwas vom Schlaflied der 

Ärzte. Man wartet die gesamte Spielzeit des Songs 

auf eine eventuelle grausame Auflösung des ganzen. 

Aber. Man. Kriegt. Nichts. Und so fängt Perle° 

an. Ok, weiter im Text. Perle° sind Pop. Und sehr 

versierte Musiker. Ob Gitarre, Piano oder Stimme. 

Offener Pop. Spielfreudiger Pop. Offen für alles. 

Und das Bedrohliche sinkt so langsam mit Fortschreiten 

der Platte. Das ist alles sehr auf den 

Punkt gebracht. Die Sterne fallen mir auch ein, aber 

nur kurz. Aber Perle° sind eines. Eigenständig. Die 

Texte sind manchmal einen Tacken zu banal für 

mich, ein anderes Mal aber doch wieder hochkomplex 

miteinander verwebt. Lebenstexte, die 

manchmal aber ganz schön schmerzen. Ein Kandidat 

ist „ich möchte nur Freundschaft“, bei dem 

eine Frauenstimme duettmäßig aushilft. Der Text! 

Aua, schon erlebt. Hach, wir sind immer noch bei

40 


Perle°. Die Jungs sind im Booklet leicht überbelichtet 

verewigt. So ein bisschen Weichzeichnerweichspüler. 

Und manchmal plätschert die Musik 

auch so in etwa vor sich hin. Dann aber wieder 

doch nicht... Schöne Momente und Momente, bei 

denen ich mich fragen muss, ob das überhaupt 

geht. Dass die das einfach so machen. Und ob ich 

so etwas gut finden kann. Darf. Es aber auch tue. 

Whatever. Erwähnte ich schon, dass Perle° polarisieren? 

Zumindest geben sie viel Stoff für Partydiskussionen. 

Schon geschehen. Auf langen Autofahrten 

zu zweit. Schon geschehen. Nur hassen 

oder lieben. Es gibt kein Zwischendrin. Aber genau 

da stehe ich. Zwischendrin. Nochmal anhören? 

Hmmm. Perle° kommen spaltend. Ich bleib 

dabei. 

Mittendrin heißt wohl 8 Punkte oderso. 

Oder 9? Ach, ich weiß nicht. 

Matthias Horn 

Triple-eggs.de 

Perlekommt.de 

Pirate-smile.de 

REDHANDED - CLOSER 

Das ist gut. Fängt an an Tool 

erinnernd und steigert sich in 

ein Riffgewitter mit nettem 

kräftigem Shouten. Der zweite Song erinnert mich 

so was von an Slutgitarren. Und das dritte Stück 

reißt mit. Auch hier Slutgitarren im Spiel. Plus Redhanded 

stehen auf und streuen sozialkritische Lyrics 

unters Volk. Sind die gar politisch? Songtitel 

wie „scapegoat“, „freedom“, „world in your hand“ 

und „army walk“ lassen die Vermutung aufkommen. 

Das find ich auch gut. Ein arges bisschen 

Crossover spielt hier keine minder Rolle. Tante 

Grunge schaut um die Ecke. Dann nette Hardcorelicks. 

Und ein Sänger, der das auch kann. Deftonesverwandt 

wechseln sich hier atmosphärische 

ruhigere schön gesungene Parts mit eben dem genauen 

Gegenteil ab. Alles im unteren bis oberen 

Midtempobereich gehalten. Geht ins Ohr. So. Melancholisch 

wachrüttelnd. Mit zwei Akustikschmankerln 

endet die Platte. Unplugged to an end. Ach, 

Redhanded sind schön. Und ich bin auf weiteres 

gespannt. Und raus. 

9,5 Punkte 

Matthias Horn 

redhanded.de 

insideout.de 

SLAVIOR - SLAVIOR 


Es schwirren eine ganze Menge Vibes durch die 

verqualmte Restluft, wenn Slavior das heimische 

Wohnzimmer beschallen: Seien es u.a. alte Alice 

In Chains- immergrüne Faith No More- bzw. Living 

Colour- oder aktuellere Disturbed-Referenzen - 

egal, Slavior rocken das Eigenheim facettenreich 

und verdammt heavy. Dass sich dabei sogar ein 

gewagter Ausflug in ferne Reggae-Gefilde noch 

cool ins Gesamtbild fügt (der potentielle Single-Hit 

„Dove“), spricht für die drei beteiligten Musiker und 

ihr Können, wobei Fates Warning-Drummer Marc 

Zonder, MSG-Sechssaiter Wayne Findlay und ex 

Trybe Of Gypsies-Röhre Gregg Analla zu gleichen 

Teilen zum Gelingen dieses Debüts beitragen. Modern? 

Zeitgemäß? Cool! 

9 Punkte 

Heavy 

insideout.de 

SINNER - MASK OF SANITY 

(MTM/SPV) 

Es gibt in der Hartwurst-Szene 

genügend namhafte Beweise 

dafür, dass man im Alter nicht 

unbedingt einen Gang zurück 

schrauben muss. Das war also nicht der Grund, 

dessentwegen die neue Sinner-Scheibe weniger 

Ecken und Kanten aufweist, als ihr Vorgänger. Fest 

steht jedefalls, dass Mat Sinner und die Seinen mit 

„Mask Of Sanity“ einen über weite Strecken lupenreinen 

aber unspektakulären Hardrock-Silberteller 

zusammengeschraubt haben. Überraschend ist 

an diesem Album bis auf das verstärkte Auftreten 

einschmeichelnder Ohrwürmeleien nicht viel - bis 

hin zum mauen Cover (bei Sinner ja schon Tradition…). 

Die Songs gehen zwar zügig in die Hirse, 

nur hat man sie eben auch genau so schnell wieder 

vergessen. Solide, nicht mehr. 

8 Punkte 

Heavy 

mtm-music.com 

SPLIT IMAGE - 

TOD UND TEUFEL 

(Broken Silence/Impact) 

Böser Sänger. Böse Motörhead-Riffs. 

„Ich glaub an Gott, 

glaubt er an mich? Verlorener Sohn, Engel des 

Lichts, Sehnsucht, Zweifel, Hass, so nennt Ihr 

mich!“ 

Da ist sie, die von dieser wieder auferstandenen 

Band vor circa zehn Jahren - wenn auch auf musikalisch 

weniger entwickeltem Niveau - zu Schrott 

gerockte Attitüde des unverstandenen Cowboys, 

der die Realität sauber in schwarz und weiß aufteilt 

und diese einfachen Antworten auf schwierige 

Fragen seinen pogenden, meist männlichen Fans 

und ihren aufmunternd gereckten Fäusten entgegenbrüllt. 

Schwarz und weiß, gut und böse. Hier 

ist die Dualität noch in Ordnung. Und diese zur 

Pose geronnenen Gewissheitshymnen werden 

durch die grenzenlose Selbstgerechtigkeit zum 

schwer genießbaren Teutonen-Core: „Ihr habt es 

so gewollt“ (wirklich?), „Na gut, hier bitteschön, 

doch was Ihr davon habt, Ihr werdet es 

noch sehn.“ Ja, was haben wir also davon? 

Immerhin Zeilen, die dann doch ein 

wenig mehr in die Tiefe gehen: „Punk 

sein, das ist in, wird Teil der Spaßkultur, 

von Rebellion und Aufruhr seh` ich keine 

Spur.“ 

Aha. Die rebellischen Helden von einst 

sind sauer. Nachdem ihre früheren musikalischen 

Taten weder zu nennenswerten 

Verkaufszahlen, noch zur Welt 

(respektive deutschen) -Revolution 

führten, haben die Nachwachsenden 

trotz fortwährender Unterdrückung die 

Freude am Leben entdeckt. 

Das ist für unsere teutschen Helden 

nicht denkbar. Mit heiligem Ernst politpoltern 

und rocken sie sich um den 

Rest ihres Verstands, wenn sie der 

muslimischen Hassprediger-Abteilung 

schon mal mitteilen, wo ihr Stern im eigenen 

Blut versinkt: „Ihr glaubt Euch 

gesegnet, doch Ihr seid gottverlassen, 

geheiligter Hass und Terrorkassen, 

bald ist es zu spät und Ihr seht, das 

Euer Mond im Westen untergeht.“ Na, 

das wird bei Bin Laden & Co. mächtig 

Eindruck machen. 

Wo einst Metallica & Co. rechtzeitig 

vermieden, am Rande ihrer Swimmingpools 

noch den Street-Fighting- 

Man zu mimen, gleitet diese Männermusik 

unfreiwillig ins Lächerliche ab, 

wenn sie zu - zugegebenermaßen handwerklich 

ordentlichem Hauruck-Rock ihre politische Nabelschau 

zum Ereignis erklärt: „Ich biete hier doch 

nicht Eure Parolen feil und zum Entsetzen aller ein 

freundliches Sieg Heil, in die andere Richtung, bevor 

der Jubel kommt, balle ich die Faust zum Gruß 

an die Rotfront“. 

Es folgt ein markiges Ostwestfalenlied für die Bierzelte 

ihrer Heimat - da habe ich schon kaum noch 

Lust, es ihnen zur Ehre gereichen zu lassen, dass 

sie im Lied „In Memoriam“ die trockene Skizze einer 

missglückten Alt68er-Vater-Sohn-Beziehung 

anlegen, in der zu mäßiger Intonation erfreulicherweise 

nicht nur Großbuchstaben und Ausrufezeichen 

gesungen werden. Stilistisch sowohl in den 

Arrangements, als auch im Textstil werden hier die 

Guten, Gerechten Onkelz gegeben - und genau 

deren Anhängern wird das wohl auch gefallen. 

Doch warum das dauernde allgemeine Gewäsch? 

Warum dieser Omnipotenzwahn? Warum nicht 

Selbstkritik versuchen, warum nicht ehrlich und ironisch 

Bilanz ziehen und nachprüfen, was aus den 

alten Schlachtruf-Gewissheiten wurde? 

Diese Herren haben noch immer die Weisheit in 

Hymnen gefressen: „Zweifel sind ein billiges, aber 

wirksames Gift, das sich langsam - unaufhaltsam 

- in unsere Herzen frisst.“ Schade, dass sie diese 

Zweifel demonstrativ verdrängen. 

Stattdessen wird es zum Schluss wirklich peinlich. 

„Sie erzählen Lügen über unseren Kult, an toten 

Asylanten gibt man uns die Schuld, die wichtigsten 

Maximen sind Éhre, Treue, Spaß`…“ 

Zum Würgen: Diese Sandkastenkrieger biedern 

sich mit ihrem Midtemp-Gegröhl doch noch den 

Rechten an, nachdem sie sich vorher ausdrücklich 

von Nazis distanziert hatten. Und offensichtlich begreifen 

sie das nicht einmal selbst. Grenzen sie 

sich doch auf ihrer Homepage mit wohltuender 

Klarheit von Dogmatismus und totalitärem Denken 

jeglicher Art ab. Während sie es selbst, und das ist 

hier die Krux, in ihren Liedern auch nicht besser 

machen. 

Anschließend folgt ein Hasslied auf „Verräter“, die 

noch die Rache unserer tapferen Westfalen gewärtigen 

müssen und schließlich wird noch mal kurz 

Gott für die eigenen Allmachtsphantasien in Anspruch 

genommen: „Gott, 

lass mich 

KURZ & KNAPP mit Torge Hüper 

REEL BIG FISH dürften inzwischen die besten Jahre hinter 

sich haben und präsentieren mit OUR LIVE ALBUM IS 

BETTER THAN YOUR LIVE ALBUM (Rock Ridge Music) 

ein Doppelalbum inklusive DVD. Der Titel sagt dabei eigentlich 

schon alles. Urkomisch, die Jungs. Musikalisch hält sich 

das Ganze äußerst klassisch zwischen Rock und Ska (3). 

Nicht weniger klassisch gibt sich DAMIERAs Kopie aus At 

The Drive-In und allerlei Emo-Kollegen. Mit M(US)IC (Equal 

Vision Records) liefern Damiera zwar zehn wirklich ordentliche, 

durchweg vertrackte Stücke, denen trotz außergewöhnlicher 

instrumentaler Fähigkeiten letztendlich jedoch 

nicht ein einziger fortführender Gedanke anzumerken ist (6). 

THE BRANDOS aus New York melden sich nach ziemlich 

genau acht Jahren mit OVER THE BORDER (Blue 

Rose/Soulfood) zurück. Ihr staubiger, teils gar mittelalterlicher 

Mexiko-Rock mit Anleihen aus Monster Magnet und 

traditionellem 70er Jahre Rock in seiner deutlich schmierigsten, 

geschmacklosesten und gleichzeitig widerwärtigsten 

Form würde dabei in rauchigen Bluesrock-Absteigen sicherlich 

auf uneingeschränkte Begeisterung treffen (2). Und 

auch NAKED LUNCH haben es nach dem wundervollen 

„Songs For The Exhausted“ mit THIS ATOM HEART OF 

OURS (Louisville/Universal) sichtlich vergeigt. Nicht nur, 

dass sie inzwischen auf dem vielleicht unsympathischsten 

Label weit und breit gelandet sind, fehlt „This Atom Heart Of 

Ours“ eben die ungreifbare Besonderheit des Vorgängers 

auf ganzer Linie. Dabei zählt das langatmige „Military Of The 

Heart“ neben dem Titelstück sogar noch zu den besten (6).

Dein Schwert sein, lass mich Deine Klinge führen, 

bestimme ihre…“ (gemeint ist die Amtskirche) 

„…Schuld, lass sie Dein Urteil spüren.“ Prost und 

Ende der Durchsage. 

Hier zeigt sich ein grundsätzliches Problem, das 

immer wieder sowohl im faschistischen - oder wie 

hier, selbstverliebt wertkonservativen, als aber 

auch im linken Oi-Punk-Rock feststellbar ist: Statt 

präziser Bilder und sorgfältiger Beobachtung findet 

man auch bei diesen selbsternannten Freibeutern 

der Töne nur Omnipotenzgegröhl und verworrene 

Allgemeinheiten. Hoch die Tassen! Ist Westfalen 

wirklich so trostlos? 

2 Punkte 


splitimage.de 

STEAKKNIFE - 

Parallel Universe Of The Dead 

(RookieRecords/Cargo) 

Seit der letzten LP, der „Plugged Into The Amp Of 

God“, sind sage und schreibe sechseinhalb Jahre 

ins Land gegangen; gut: es gab ein paar Seveninches 

und die „Stuff“-Compilation - mehr aber nicht. 

Vielleicht ließen die diversen Side-Projekte - allen 

voran die „Spermbirds“ um Sänger Lee Hollis und 

dessen diverse Spoken Word Performances - einfach 

keine Zeit; vielleicht war es aber auch eine gewisse 

Perspektivlosigkeit, entstanden durch Kritik 

am letzten Album, die auf durch „musikalische Einbrüche 

entstehende Unentschlossenheiten“ (Plattentests) 

abzielten und die letztlich die Kreativität 

der Truppe hemmten. Nun ist Gitarrist L. Demon 

wieder zurückgekehrt, und vielleicht ist er dafür 

verantwortlich, dass „das neue Album wieder ganz 

nah an den Wurzeln der Band“ (Label-Info) ist. Und 

diese Rückkehr zu den Wurzeln, zum Punk, tut Steakknife 

hörbar gut; nix „Perspektivlosigkeit“ - mit 

Leidenschaft, die an die guten alten „Black Flag“ 

erinnern, mit Spielfreude wie bei den „Dead Kennedys“ 

und einer enormen Portion Coolness haben 

sie diese Platte eingeprügelt. Vielleicht ist es 

im späten März 2007 noch zu früh, das zu sagen 

- aber „Parallel Universe Of The Dead“ könnte eine 

der Punkrock-Alben des Jahres werden. 

12 Punkte 

Kai 

steakknife.de 

SURROUNDED - THE NAUTILUS YEARS 

(Make My Day/Alive) 

Hört man diese Platte, meint man, die vier Schweden 

von Surrounded hätten sich während der Aufnahmen 

ihres zweiten Albums wirklich irgendwo 

20.000 Meilen unter dem Meer befunden - sich ungehemmt 

und frei in den endlosen Weiten des Ozeans 

verlierend. Eine gefühlte Ewigkeit ohne Kontakt 

zu dem, was sich da oben abspielt; völlig entrückt 

und auf sich selbst konzentriert. Und dann 

tauchen sie auf. Mit einem Album im Schlepptau, 

das mit ausladenden Popsongs aufwartet, die trotz 

opulenter Instrumentierung mit allerlei Samples, 

Streichern und Keys doch so zerbrechlich und feingliedrig 

wirken, wie frisch geschlüpfte Jungspinnen. 

Elf Songs, die ein stetiger Fluss an nachdenklichen 

Gefühlen und bittersüßer Traurigkeit durchzieht. 

Darüber schwebend eine stets verzerrte, 

mehr gehaucht als gesungene Stimme und die 

oben angesprochene, in warmen Tönen gehaltene 

Instrumentierung, die alles zusammenhält. 

Aber halt! Der aufmerksame Leser wird merken: 

All das kennt man doch schon seit Jahren von einem 

gewissen Mark Linkous, dessen Selbsthilfegruppe 

für akut Suizidgefährdete - auch Sparklehorse 

genannt - einem natürlich sofort in den Sinn 

kommt, wenn die ersten Töne von „The Nautilus 

Years“ ertönen. Und im direkten Vergleich können 

Surrounded dann leider auch nicht ganz bestehen, 

denn irgendwie fehlt da etwas. Ich kann nicht ge- 

nau beschreiben, was es ist, aber irgendetwas 

sträubt sich in mir, irgendetwas bäumt sich auf und 

verhindert, dass ich diese Platte hier hemmungslos 

über den Klee lobe. Obwohl sie so toll ist. Obwohl 

ich mich gerade in jeden Song verlieben 

möchte. Ist es die bei Sparklehorse einfach authentischer 

und konsequenter erscheinende Darstellung 

von schwer tragender Traurigkeit und Melancholie? 

Ist es die bloße Kenntnis, dass es da eben 

auch noch eine andere Band gibt, die genau so wie 

Surrounded klingt, aber halt schon sehr viel früher 

da war? Ich weiß es nicht und bin überfragt. Deshalb 

schnell zum Fazit: Tolle Platte für Leute, die 

Sparklehorse nicht kennen. Alle anderen müssen 

selbst entscheiden. 

9 Punkte 


MARIA TAYLOR - 

LYNN TEETER FLOWER 

(Saddle Creek/Indigo) 

Als ich Maria Taylor das letzte 

Mal traf zu einem Interview, 

sagte sie überraschend sofort ja: Zu der Frage, ob 

sie nicht eigentlich statt der Singer & Songwriter- 

Attitüde Musik mit `ner Big Band oder einem kompletten 

Symphonieorchester mit reserviertem rotem 

Teppich am Broadway machen würde, ihr 

Songwriting nicht eigentlich doch was für`s große 

Musikeraufgebot sei. Dann schwindelte sie mir 

noch vor, als erstes würde sie zuhause den TV einschalten 

und sich ne große Pizza bestellen, wenn 

sie nach einer Tour nachhause komme. Ausgerechnet 

sie, die Lofi-Diva. Mit einem irritierenden 

Maß an Kühle und geschäftsmäßiger Unnahbarkeit. 

Hier nun auf ihrer zweiten Solo-Scheibe fährt sie 

ganz, ganz vorsichtig größeres Geschütz auf, die 

Arrangements werden opulenter, und aus dem 

Freundeskreis und dem Saddle Creek-Umfeld darf 

alles mithelfen, was Rang, Namen oder den gleichen 

Nachnamen hat. Doch diesmal - stimmen die 

Songs teilweise nicht. Während ausgerechnet das 

Songwriterinnen-Kleinod „Clean Getaway“ noch 

so was wie zerbrechliche Nähe entwickelt, bleiben 

die meisten Tracks doch trotz aller handwerklichen 

Präzision - leblos, kühl, gesichtslos. 

Natürlich ist das gut gemacht und schön und liebevoll 

und alles…doch es bleiben letztlich Mitteilungen 

über behauptete Emotionen, die sich auf 

den Informationsgehalt der Botschaft selbst beschränken, 

ohne die Gefühle wirklich zu vermitteln. 

Hatte ich ihr auf dem ersten Album noch den Mut 

zum Orchester gewünscht, weil die Songs so 

schön und echt waren und mehr Ballaststoffe vertrugen 

- diesmal wünsche ich ihr weniger unbeschwerte 

Zeiten und weniger wohltemperiertes 

Geschwätz auf Cocktailparties, weniger Komplimente 

von allen Seiten - aus der Musikerfamilie, 

aus dem wunderbar gut situierten anerkannt tollen 

Indie-Label mit all den großartigen Kollegen, all 

den Journalisten, all jenen, die an der wohlbehüteten 

Dame aus New York abprallen. Die in weniger 

guten Zeiten gelernt haben mag, niemand zu 

nahe an sich ran zu lassen. Leider halten auch ihre 

neuen, sicherlich gut gemachten Songs keine 

Spannung aufrecht. Bis auf drei schöne, leise Nummern 

perlen sie hübsch und durchaus liebevoll gemacht 

aus meinen Boxen und halten mich - auf 

Distanz. 

8 Punkte 


saddle-creek.com 

TELE - 

WIR BRAUCHEN NICHTS 

(Vertigo/Universal) 

Es kommt, wie es zur Zeit bei 

Deutsch-Pop-Fröhlichkeiten 

41 

wohl kommen muss - da ist ein fröhlich quäkender 

Sänger und ne nette Hymne zu Beginn - da sind 

demonstrative Selbstironie, da wird niemandem 

weh getan, da dreht sich eine weitere Band ohne 

erkennbar schlechtes Gewissen um sich selbst, 

sympathisch und handwerklich auf hohem Niveau. 

„… Es geht ein Rest um die Welt und die Sonne 

scheint rein, es geht ein Lied um die Welt, und wir 

tanzen im Kreis,…“ 

Schon im zweiten Track, „Fieber“, liefern Tele einen 

fröhlichen Abgesang auf eine egozentrische 

Popwelt, die auf der Titanic dem eigenen Untergang 

entgegen feiert. Hier ist mehr zu finden, als 

das in der deutschsprachigen Schlager-Zu-E-Gitarren-Gilde 

verbreitete Kopulieren mit dem eigenen 

Spiegelbild. Dann wieder ein Song, der mich 

nicht im Mindesten berührt: Voll gepackt mit Referenzen 

an den Deutsch-Poprock der Achtzigerjahre 

lassen sie uns mit blass-sentimentalem Gestus 

an den genreüblichen Sehnsüchteleien unglücklich 

Verliebter teilhaben, recht schöne Zeilen 

und platten Refrain inklusive. 

Wie das also beschreiben? Als schlagerkompatible 

Refrains auf der Suche nach dem Evergreen? 

Angejazzte Chansons von ex-ewig Jugendlichen 

mit Angst vorm folgenlosen Älterwerden? In „Rio 

de Janeiro“ gehen Tele mit Swing einen Schritt weiter 

und beginnen, einen neuen musikalischen Horizont 

zu beschreiben - ein witziger, ironischer Text 

zum gekonnten Hüftwackel-Gebläse, Bigband-Referenzen 

mit Stil. Schluss mit Indie-Weinerlichkeit, 

keine Spur von Emo. Mal wird hier lasziv gerockt, 

mal melodramatisch mit der inzestuösen Selbstbeweihräucherung 

der angeblichen Popavantgarde 

- beispielsweise in Berlin -abgerechnet, 

während man sich von der Hauptstadt und ihrem 

selbstgerechten Lärm Um Nichts bis auf Weiteres 

verabschiedet. Doch all dies passiert gefällig, ohne 

Ausrufezeichen, Tele verweigern einen roten Faden 

und machen eine Platte ohne Plan. Auf dem 

Cover halten sie Nadeln in der Hand, um bunte 

Luftballons platzen zu lassen. Die bunten Versprechungen 

für das unkritische Funktionieren? Die 

selbstgerechten Gewissheiten derer, die sich für 

verkörperte Zukunft halten? 

Da geht ein Hans in die Welt, der Text bleibt beliebig 

und ersetzt Inhalt durch dramatisch anmutende 

Banalität. Der Song dudelt ebenso beliebig. Und 

die Waage meiner Rezeption neigt sich ins Soll, je 

länger ich dieser Scheibe zuhöre. Eine seichte 

Nummer ist „So Weit Weg“ - ohne jegliche Relevanz. 

„Wo Soll Das Hinführen?“, fragt ein Titel und 

führt nirgendwo hin. Tele beweisen noch mal 

schnell, dass sie auch rocken können und beim abschließenden, 

überlangen Titelsong fällt das Fazit 

auch eher bedauerlich aus: Das Cover hat nämlich 

Recht. Tele beschreiben Leere - und bringen 

die bunten Luftballons selbst nicht zum Platzen. 

Sie deuten an, dass sie könnten. Wenn sie wollten. 

Sie könnten bunt sein - und nicht folgenlos. 

Sie könnten lasziv sein - und glamourös swingend 

Gemeinheiten verbreiten. Diese Scheibe tut das 

noch nicht. Sie ist sympathisch, gut gemacht und 

entbehrbar. Wo Superpunk Mut bewiesen, bleiben 

Tele auf halbem Wege stehen. Schade. 

7 Punkte 


telemusic.de 

The Callahan - Hardpop 

(Modernnoise/Cargo) 


Zugegeben: Der Begriff „Hardpop“ erweckt bei mir 

nicht gerade positive Assoziationen. Ist hier der Album-Name, 

respektive der -Titel, Programm? Bin 

ich dann nicht der falsche Mann, um das aktuelle 

Album von „The Callahan“ zu beurteilen? Derlei 

Zweifel verfliegen beim Hören schnell. Zunächst 

erinnert Sänger Andy ein klein wenig an David Bowie, 

was meinereiner mit Sympathiepunkten vergütet. 

Der Sound, der durchaus als „Partyrock“ zu 

bezeichnenden Tracks, ist eher „Hard“ als „Pop“,

42 


was zusätzlich erfreut; und wenn dann noch zwölf mit reichlich Melodie 

und Abwechslung ausgestattete Songs aus den Boxen strömen, dann ist 

das Bild eines rundherum gelungenen Debuts vollkommen. Die schwedische 

Presse soll „The Callahan“ mit schwedischen 90s-Band wie „Wannadies“ 

oder „The Sounds“ verglichen haben. Und das ist durchaus zutreffend. 

Zwar wird „The Callahan“ mit seiner deutlichen Populärmusik-Attitüde 

nicht jeden „Indie“-Fan begeistern können, bei mir und anderen „für 

alles offene“ Wesen sind sie herzlich willkommen und müssen die garantiert 

offene Türen nicht einrennen. 

11 Punkte 

Leo 

modernnoise.de 

THE FLAMING SIDEBURNS - 

Keys To The Highway 

(Bitzcore/Ranch) 

„Hallelujah Rock`n`Rollah“ hieß vor acht Jahren die erste 

Hymne der finnischen Asphaltcowboys mit eingebauter 

Überholgarantie beim kracherten Vorwärtsgerumpel für alle Männer, 

die in jedem Riff und Chorgesang den Schweißgeruch echter Männer 

spüren wollen. 

Sie haben sich nicht verändert. Mit fröhlichem Krakeele zu purem dreckigem 

Rock`n Roll liefern sie ihren Fans, was sie wollen. Bevor sie mit dem 

Mädel auf der Rückbank auf den Highways dahin düsen. Oder davon träumen, 

vorzugsweise. 

Sogar für den Zwischenstopp an der Tankstelle gibt es hier was zu hören 

(„Slow Down“), die Rocker mit neuem, gutem Gitarristen (der alte ist Jungpapa 

und macht Vaterschaftsurlaub) spielen also nicht nur im Full-Speed- 

Format. Ist auch besser so, denn ob „Keys To The Highway“, „Cut The 

Crap“, hier wird Autobahnrock ohne Überraschungen genau innerhalb der 

sattsam bekannten Genregrenzen und Stereotypen zelebriert. „Keine Experimente“ 

- aber das immerhin mit Liebe zum dreckigen Detail. Für jeden 

Motorradfahrer und Hard-Rocker, der Zodiac Mindwarp verehrt eine gute 

Platte und die richtige Zutat zum nächsten Bikertreffen. Die anderen werden 

das reichlich berechenbar finden. Voll mit Klischees. Gibt es noch die 

Welt der Rockń Roll-Krieger, der heißblütigen Machos mit den vollbusigen 

Miezen, die die Welt dieser Herren ausmachen, wenn man ihrer Musik 

glauben soll? 

Die Erfahrung lehrt, dass die meisten dieser Herren schon bald zu tumben 

Spießern werden, deren Lebensinhalt sich außer der geheiligten 

Plattensammlung auf Big Macs, die sonntägliche Ausfahrt mit dem blank 

gewienerten Hobel und den Bausparvertrag beschränkt. 

Dagegen glauben die hier wenigstens an den Lärm und klingen immer 

noch ziemlich frisch in ihrer Stereotypenwelt. Wird Zeit, dass diese 

Sparte auch von ein paar Jungs aus `ner Garage aufgemischt wird. Warum 

nicht von den deutlich jüngeren deutschen Boozed, mit denen sie 

im gerade erwachenden Frühling durch unsere Lande touren werden? 

Aber was soll´s, die Rocker freut auch diese Scheibe und dem Rest 

kann´s furzegal sein. 

8 Punkte 


theflamingsideburns.com 

THE HIDDEN HAND - 

THE RESURRECTION OF WHISKEY FOOTE 

(Southern/Soulfood) 

Keine Frage, dieser Mann ist sowas wie unantastbar. 

Mit The Obsessed, Spirit Caravan und natürlich 

St. Vitus jedenfalls hat Scott „Wino“ Weinrich, nebenbei bemerkt einer 

der symphatischsten Musikerpersönlichkeiten, die man sich vorstellen 

kann, fraglos Musikgeschichte geschrieben. Sein aktuelles Projekt The 

Hidden Hand aber hinterließ von der ersten Veröffentlichung, dem 2003 

erschienenen „Divine Propaganda“, mindestens zwiespältige Gefühle. 

Denn bei aller Wertschätzung, die man dem großen alten Mann des 

Doom-Metals auch entgegenbringen musste und muss, waren „Divine 

Propaganda“ wie auch das folgende „Mother, Teacher, Destroyer“ und 

die Split-CD mit Wooly Mammoth nicht unbedingt dazu angetan, für Begeisterungsstürme 

zu sorgen. Daran ändert sich auch bedauerlicherweise 

mit „The Resurrection of Whiskey Foote“ nichts. Wie gehabt ist 

dieses weit entfernt davon, ein schlechtes Album zu sein, professionell 

umgesetzt und mit lässigem Können in Szene gesetzt. Das gewisse 

Extra, das für wirklich mitreißende Momente sorgen könnte aber geht 

auch dem dritten Album von The Hidden Hand ab. Ein wenig zu abgeklärt 

wirkt das Ganze, zu locker und leicht aus dem Ärmel geschüttelt, 

als dass man eine tatsächlich 100%ige Überzeugung hinter dem Tun 

der Band vermuten könnte. 

9 Punkte 

Arnulf Woock 

THE HOLD STEADY - 

BOYS AND GIRLS IN AMERICA 

(PIAS/Vagrant/Full Time Hobby) 

Was für ein großartiger Einstieg in eine Platte... 

„…boys and girls in America have such a sad time together, sucking off each 

other at demonstrations, making sure their makeup straight, crushing one another 

with colossal expectations, dependent, undisciplined, sleeping late...“ 

Die berühmte Zeile aus Jack Kerouacs Novelle „On The Road“ wird hier aufgegriffen, 

zeitadäquat weiter verarbeitet, und die Jungs aus Brooklyn und Minneapolis 

tun gut daran, gleich ganz oben bei den Zitaten einzusteigen. 

Wow! In jedem Song ein magnetisierender Gitarrenakkord zu Beginn, der Sänger 

mit Charisma als fröhlicher Verkünder bitterer Wahrheiten, kein Bagatellisieren 

oder Sich Wegducken kritischer Geister vor der scheußlichen nicht nur 

amerikanischen Wirklichkeit, aber auch kein demonstrativ depressives Betroffenheitsgewinsel. 

Kleine große Geschichten über Menschen werden zu allgemeingültigen Wahrheiten 

über uns, bei denen wir uns von fröhlich drängenden Songs blendend 

unterhalten fühlen. „How can any band be this good?“, fragte Rob Sheffield 

vom englischen Rolling Stone. Jetzt weiß ich, woher er diese großen Worte 

nahm. Solange Rock`n Roll pur derart phantasievoll und mit Lust am eigenen 

reflektierten Frohsinn lärmt, sich dann auch mal zwischen Dylan und Curry angesiedelte, 

countryeske Balladen mit pur gefühltem Weltschmerz erlaubt, ohne 

je dabei eine Spur Ehrlichkeit einzubüssen, - solange eben Rock`n Roll pur alles 

andere ist, als der eifersüchtig gehütete Spießertummelplatz verlogener 

Lederhosenträger, solange kann auch für die Tight-Jeans-Fraktion in verräucherten 

Kneipen der Sonnenaufgang noch gut werden. Solange gibt es für den 

Americano-Rock jenseits von Nashville noch Hoffnung. Große Orgel, großes 

Piano. Tolle Gastmusiker. Keine Einwände. 

Wie meinen? Die sind doch ein bisschen zu dick und tragen zum Teil Brille und 

sind unerotisch? Auch darin mag Hoffnung liegen. Wurden sie mit ihrem frischfröhlich-freien 

Retro-Rock doch in allen möglichen us-amerikanischen Jahrespolls 

zur Number One gewählt, obwohl sie nur von ńem kleinen Label stammten. 

Nun sind sie ńe Nummer höher eingestiegen, haben mit John Agnello 

(Sonic Youth, Dinosaur Jr., Drive By Truckers) den richtigen Produzenten an 

Bord gehabt. Wir erleben den Unterschied zum tumben Highway Rock: keine 

Pose, pure Wahrheit. Und die demonstrative Lust am Zelebrieren der eigenen 

Intelligenz. Fein, dass es solche Musiker gibt…

„…meet me right in the party city, that two sided 

tape, it gets way too sticky, I got a bad case of noisemaker 

blues.“ 

Wer immer diese Einladung nicht annimmt, ist 

selbst schuld. 

13 Punkte 


theholdsteady.com 

boysandgirlsinamerica.com 

THEE MERRY WIDOWS - 

Revenge Served Cold, CD 

(PeopleLikeYou/SPV) 

Dass Rache ein Gericht ist, das am besten kalt serviert 

wird, wissen wir nicht erst seit „Star Treck 2“. 

Die fünf Mädels behaupten von sich, die erste „all- 

Girl-Psychobilly/Horror/Surf-Punk-Band zu sein, 

was hier nicht wirklich überprüft werden kann; auf 

alle Fälle treffen die Begriffe Surf, Punk und 

„Psychobilly“ die Sache schon mal ganz gut. Die 

fünf mehr oder weniger durchgängig tätowierten 

Flintenweiber erfinden dabei das Genre nicht neu, 

setzen eher auf Altbewährtes und kommen dabei 

mitunter etwas arg betulich rüber. Auch erinnert die 

Stimme von Frontwitwe Miss Eva von Slut - ich 

vermute jetzt mal, dass das ein Künstlername ist - 

eher an Pop als Psychobilly. Sei's drum, vielleicht 

ist es ja gerade diese Mischung aus Surf- und Pop, 

die diese Scheibe interessant macht - von mir gibt 

es auf alle Fälle ein Küsschen. Das trau ich mich 

jetzt mal, denn ich glaube kaum, dass mir einer der 

Damen dafür aufs Maul haut. 

8 Punkte 

Leo 

merrywidowsmusic.com 

THUNDERBIRDS ARE NOW! 

- MAKE HISTORY 

(French Kiss/Alive) 

Ein Ausrufezeichen steht für 

Dringlichkeit. Wenn dieses 

dann auch nicht nur in vergänglichen Songtiteln, 

sondern im Bandnamen selbst fest verankert ist, 

scheint die Sache noch klarer zu sein: Die wollen 

was, die haben ein Anliegen. Thunderbirds Are 

Now! wollen in deine Gehörgänge fliegen. Jetzt! 

Nur ein Jahr nach „Justamustache“ wenden sich 

die Donnervögel auf ihrem neuen Album im Sturzflug 

mehr Geradlinigkeit zu und nähern sich dem 

Pop. Power-Pop wie Motion City Soundtrack, denen 

man die übertrieben kindischen Keyboard- 

Flausen ausgetrieben hat. Was nicht etwa heißen 

soll, dass Thunderbirds Are Now! auf Synthies verzichten, 

im Gegenteil: Im Klangbild stets präsent 

sorgen diese für die Extraportion Flippigkeit, durch 

die diese Art von Pop im günstigsten Fall zum rhythmischen 

Arschwackeln verleitet. Power-Pop ist 

das auch im Sinne der Brüder im Geiste von Piebald, 

die gleichermaßen den Schalk im Nacken mit 

einer ordentlichen Portion gewitzter Musikalität 

verbinden. „Make History“ ist eingängig und tanzbar 

genug, um selbst unbedarfte Party-Animals 

oberflächlich zu begeistern, fällt aber auch desöfteren 

in die Schräglage, um eine längere Halbwertszeit 

zu garantieren. Oft genug scheinen die 

Postpunk-Wurzeln durch, um die Veröffentlichung 

auf dem Les Savy Fav-Label French Kiss einleuchtend 

zu machen. Tiefgang braucht man hier aber 

dennoch erst gar nicht zu suchen, die Vorzeichen 

stehen ganz klar auf unbeschwertem Tanzspaß. 

Die dafür benötigten offensichtlichen Hits sind am 

Start: „The Veil Comes Down“ etwa, mit Kindergeburtstags-Strophe, 

lässigem Refrain und obligatorischem 

Breakdown-Part. Auch die elegante Dancefloor-Durchgeknalltheit 

von „Sound 

Issues/Smart Ideas“ nimmt einen im Sturm ein. 

Nicht alle Songs reichen an dieses äußerst kurzweilige 

Level heran. Die Geschichtsschreibung 

werden Thunderbirds Are Now! erst recht nicht be 

einflussen können. Aber ein in Akkorde gegossener 

Aufruf zur Lebensfreude wie „Shake Them 

Awake“ kann einem zumindest schon mal einen 

ganzen Tag retten. Ist ja auch schon mal was! Mit 

Ausrufezeichen! 

10 Punkte 


thunderbirdsarenow.com 

TRANSMISSION - 

BEYOND LIGHT 

(Malicious Damage Rec/Cargo) 

Ex-Killing Joke Bassist, Labelmacher 

und Produzent Martin 

„Youth“ Glover hörte auch nach Abschluss der „Urban 

Hymns“ Produktion von The Verve, für die er 

den Brit Award als bester Produzent des Jahres 

1998 verliehen bekam, nicht auf, mit deren Gitarrist 

Simon Tong, der zur Zeit wegen seiner Teilnahme 

bei Damon Albarns Projekt The Good, The 

Bad And The Queen in den Medien stark präsent 

ist, Musik zu machen. 2006 schien Land in Sicht 

zu kommen, und die beiden schnappten sich den 

Keyboarder Tim Bran (Dreadzone) sowie den 

Schlagzeuger und Mitbegründer von Killing Joke 

„Big“ Paul Ferguson, um ihre 75 Minuten an Musik 

an einem Wochenende einzuspielen. Diese Minuten 

vergehen wie im Fluge, obwohl es sich bei 

„Beyond Light“ um ein reines Instrumental-Album 

handelt. Umschreiben kann man die fliegenden 

Sound-Teppiche als durch die Achtziger geprägten, 

psychedelischen Post-Rock. Oder als Dance 

- bzw. forsche Chill out-Musik für Rockmusikhörer. 

Keine große Überraschung, hat Youth doch in seinen 

Killing Joke-Phasen stets für ein wuchtiges, 

monoton-hypnotisierendes Groove-Gerüst garantieren 

können. Seine diversen Trance und Dub Label 

kann man wohl als zweiten klanglichen Einfluss 

nennen. Die Kompositionen auf „Beyond light“, die 

auch Sessions sein könnten - es aber angeblich 

nicht sind - bieten sich mit ihrem mal euphorisch 

strahlenden, mal mondsüchtig schimmernden 

Charakter als Soundtracks für ekstatisches Tanzen 

inklusive dem sogenannten „Chillen“ ebenso an 

wie für eine Wanderung durch die Natur - mal ohne 

Vogelgesang. Ein sporadischer Gesang würde das 

Ganze sicher noch mal aufwerten. 

11 Punkte 


myspace.com/transmissionofficial 

maliciousdamage.co.uk 

TRENCHER - LIPS 

(Southern/Soulfood) 

Casio-Grind, wird Trencher gelablet. Das weckt Assoziationen 

zu den seligen Lawnmower Deth, die 

ich früher sehr „verehrt“ habe. Mit Grind hatten sie 

zwar nichts zu tun, aber Keyboardkindermelodien 

gehörten zu ihrem Repertoire genauso wie rude 

Hardcore-Punksounds. Diese kuriose Verbindung 

hatte großen Charme. Trencher sind im Vergleich 

dazu einige Stufen hochgetaktet und bringen Death/Thrash/Grind, 

der immer wieder mit billigen 

Casiomelodien versehen sind. Inwieweit das jetzt 

ironisch zu verstehen ist, bleibt unklar. „Hung, 

Drawn Yet Shorter“ ist beispielsweise keine clowneske 

Reverenz zu Deicides „Hung, Drawn, Quartered“. 

Irgendwie ironisch klingt das aber allemal. 

Kaufhauskeyboardsounds jaulen zwischen brachialem 

Deathgrind, was dem Geist der Platte in etwa 

entspricht. Der Sound ist recht klassisch, den Genres 

entsprechend, birgt gute Ideen. Sie transportieren 

auch die nötige Wut und Aggression. Immer 

wieder wird das aber mittels der kruden Casiosounds 

konterkariert. Vielleicht die Lawnmower 

Deth des 21. Jahrhunderts. 

8 Punkte 


trencher.tk 

TYPE O NEGATIVE - 

DEAD AGAIN 

(Steamhammer/SPV) 


Schon der Opener und Titelsong 

„Dead Again“ stellt das 

Meiste dessen, was ich von 

Type O Negative in den letzten Jahren gehört habe, 

in einen tiefschwarzen Schatten - endlich rocken 

und grabschänden die Brooklyn-Diplom-Asis wieder 

schaurig schön über den städtischen Friedhof. 

Auch das anschließende „Tripping A Blind Man“ 

lässt die Tendenz der Amis erkennen, anno 2007 

wieder verstärkt auf Nachvollziehbarkeit und 

Songstruktur statt ewig waberndes Slomo-Gedröhne 

zu setzen - und warum auch nicht, sie können's 

schließlich. Alleine wegen des frechen Voice-Overs 

der Promo könnte ich zwar ausrasten, 

die konstant aufblitzenden Highlights dieser zehn 

Grusel-Garstigkeiten stimmen mich allerdings 

schnell wieder versöhnlich. Fieser Goth-Rock-Metal 

auf Referenz-Klasse-Niveau. 

anonymus 

V.A. - BATSCHKAPP - 

76-06, 30 Jahre Hörgenuss 

(EMI) 

V.A. - POP OFF THE TOPS 

(Little Teddy Recordings) 

V.A. - THE DEAD PILOTS 

(Daredevilrecords/Heckspoilermusic) 

V.A. - FRISCH GEPRESST 2 

(Redwinetunes/PIAS/Rough Trade 

43 

Die Sampler im Schnelldurchlauf - und einen Glükkwunsch 

zu dreißig Jahren Batschkapp in Frankfurt 

vorneweg. In einer kunterbunten Zusammenstellung 

auf zwei CDs werden drei Jahrzehnte Popund 

Rock-Geschichte lebendig und damit Bands, 

die sich im Frankfurter Popular-Musikschuppen ein 

Stelldichein gaben - von Faith No More bis Fehlfarben, 

von Moby über Nightwish bis The Kooks. 

Längst den Anfangstagen der „Bier und Hanf gehört 

zum Kampf“ - Streetfighter-Cliquen entwachsen, 

hätte ich mir zum Geburtstag eine DVD mit alten 

Bild- und Tondokumenten gewünscht, oder 

auch Live-Mitschnitte aus der alten Clubtante am 

Eschersheimer Bahnhof. Oder junge Bands im 

Wechsel mit den Erfolgreichen, denen nach Meinung 

der Clubmacher die Zukunft gehört. Die mittlerweile 

mainstreamige Auswahl entspricht leider 

der Clubpolitik neuerer Tage. Doch auch so - macht 

die Doppelscheibe Spaß und die Gratulation 

kommt von Herzen. Schließlich ist wenigstens die 

Hausband mit von der Partie… (8 Punkte). 

Schon sehr viel eher genreimmanent kommt „Pop 

Off The Tops“ als Compilation daher, die eine vor 

allem noch im deutlich jüngeren Münchner Club 

„Prager Frühling“ stattfindende Reihe mit international 

(noch) weniger bekannten Garagen- und Indiepop-Bands 

illustriert. Das poltert fröhlich und 

geht in die jungen Tanzbeine. Und es sind ungeschliffene 

Edelsteine dabei: Fury Of The Headteachers 

(!!!), The Hells (!!), The Movements (!), This 

Et Al, Kill The Young, The Homewreckers Club, 

Gem, Them Nudes, Cazals, Humanzi, The Voom 

Blooms, Linear… Das macht uneingeschränkt 

Spaß und bietet guten Partysound für alle, die gern 

auf britisch/skandinavisch geprägten Power-Indie- 

Garagen-Pop abgehen. Fein! (11 Punkte) 

Eher für Hartgesottene empfehlenswert ist die 

„The Dead Pilots“ - Compilation aus den Häusern 

Daredevil Records und Heckspoliermusic - Hardcore 

pur - für Genrefans sicher eine Alternative auf 

der Suche nach neuem Namen im lärmenden 

Untergrund, mit massiven Qualitätsschwankungen 

allerdings (7 Punkte).

44 


Der zweite vom Münchner Veranstaltungsmagazinin-muenchen 

herausgegebene „Frisch 

Gepresst“ - Sampler schließlich 

vereinigt 40 Bands aus völlig 

gemischten Genres, die deutlich 

machen, dass die Qualität 

der Münchner Bands jener anderer deutscher Großstädte 

in Nichts nachsteht. Für Nicht- und Neumünchner 

ein Pflichtkauf, für andere aus der Region 

in schöner Überblick, bei dem allerdings Augsburg 

mal frech eingemeindet wird und Schwachheiten 

a la Tip Top leider nicht ausbleiben, an deren 

Stelle es genügend interessanten Nachwuchs aus 

den Münchner Übungskellern gegeben hätte 

(9 Punkte). 

Bliebe noch „Genug Gelabert“ - der Punkboard- 

Benefiz-Sampler zugunsten eines privaten Waisenhauses 

auf Sri Lanka. Wir erleben von Punkrock a 

la „Wir sind der Asoziale Widerstand“ bis hin zu 

Punkcore - eine eher eindimensionale Veranstaltung, 

die mich leider zu der Anmerkung zwingt, dass 

auch die gute Absicht keine musikalische Qualität 

ersetzen kann. Und an der gebricht es hier ganz 

entschieden. Die einzigen positiven Ausnahmen: 

Gottkaiser sowie Verlorene Jungs. Wer gerne 

Schunkelrock hört, bei dem er bierselig mitgröhlen 

kann und bei dem die Guten noch eindeutig die Guten 

und die Bösen noch die Bösen sind, der mag 

ein Ohr riskieren. Doch mit den Samplern der gängigen 

Punkrockmagazine ist man entschieden besser 

bedient (3 Punkte). 


batschkapp.de 

myspace.com/topoffthepops 

daredevilrecords.de 

in-muenchen.de 

punkboard.de 

V./A. - BOUND FOR THE BAR 

(People Like You/SPV) 

Natürlich, die Verbindung der mittlerweile zum Kult 

erwachsenen Plattenfirma und Spezialisten für Rokk'n'Roll 

People Like You und der Klamottenfirma 

Lucky Thirteen ist eine durchaus konsequente. Ob 

das wirklich Anlass gibt, ein Zusammengehen 

mittels einer Compilation zu feiern, sei dahin gestellt 

- dass es in der Vergangenheit schon schlimmere 

Aufhänger gegeben hat, um schnell einen Sampler 

zusammen zu stellen, ist jedenfalls nicht zu leugnen. 

Um es kurz zu machen: „Bound For The Bar“, so 

der Name des Projektes, versammelt mit The Bones, 

The Generators, The Disasters oder The Stone 

Cutters nicht nur die etwas andere Variante der 

‚The'-Bands, sondern mit 2nd District, US Bombs, 

Demented Are Go oder Born To Lose sicherlich die 

feinsten Bands, die das Label aus Dortmund zu bieten 

hat. Die Songauswahl lässt zudem keinerlei 

Wünsche offen, so dass das 13 Stücke umfassende 

„Bound For The Bar“ der ideale Partysampler einerseits 

und die ideale Möglichkeit, sich eine Überblick 

über das Wirken des Labels zu verschaffen andererseits 

ist. 

ohne Wertung 

Arnulf Woock 

peoplelikeyourecords.com 

VOODOSHOCK - MARIE SISTER'S GARDEN 

(Exile On Mainstream) 

Neben Shepherd sind Voodooshock die einzige 

Doom Band aus Deutschland, die mir bekannt ist. 

Bereits 1998 gegründet, haben sie diverse Besetzungswechsel 

verkraften müssen, von denen nur 

noch Uwe Gröbel (Ex-Naevus) im jetzigen Line Up 

verblieben ist. Nach einem Album auf Lee Dorians 

Label Rise Above hier also das zweite Album innerhalb 

von neun Jahren. „Marie´s Sister´s Garden“ ist 

sehr klassischer Doom im Sinne von Count Raven, 

Candlemass, Pentagramm oder Saint Vitus. Die 

Produktion könnte etwas mehr Fette und Dichte vertragen, 

wird dem Sound im Großen und Ganzen 

aber qualitativ gut gerecht. 

Gegenüber den Vorbildern vermisst man bei Voodooshock 

allerdings etwas das eigene Profil, den 

Mut mehr zu wagen und den Doom etwas weiter zu 

denken. Aber das wollen sie vielleicht auch gar nicht 

und das ist völlig in Ordnung. Genrefans bekommen 

hier alles, was man am Doom liebt. Voodooshock 

setzen das mit gutem Händchen für klassische 

Strukturen und Gespür für den Song ohne größere 

Durststrecken um. 

8 Punkte 


WELCOME - SIRS 

(Fat Cat/Namskeio) 

Nochmal von vorne starten. Ich 

wollte mir alle Überraschungen 

en passant einprägen. Sind 

aber zu viele. Die Nummer vier, 

„First“, habe ich mir immerhin als Anspieltipp gemerkt. 

Ansonsten: eine Platte, definitiv nicht !!! für 

alle Gelegenheiten, aber eine, bei der ich jedes Mal 

was Anderes neu entdecke. Anfangs waren sie mir 

eher zu chaotisch verworren: die Verschrobenheiten, 

die kleinen Nischen und großen Schrägen (insbesondere 

von der großartigen Basserin und Sängerin 

Jo Claxton), die liebevollen Männchen-Weibchen-Chorgesänge 

zu Gitarrenausbrüchen im angejazzten 

Freestyle-Pop-Format. 60ies-Revival in 

der musikalischen Anarchie-Werkstatt. Was weiß 

ich wieviel merkwürdige Gitarreneffekte. Eine feine 

kunterbunte Platte. Indie pur. Und kaum verlangt der 

Wohlklang eine Popklassifizierung, schon hauen 

Sie mir schon wieder flatternde Free-Jazz-Noise- 

Einbauteile um die Ohren. Also gut, komm ich dann 

zum Leisermachen der Fernbedienung näher: 

freundliches Mädelgesäusel. Leg sie wieder weg. 

Krach. Aber mit Stil. Ist irgendwo in der Nähe ein 

Freibeuter-des-Pops-Treffen? Oder eine anarchistische 

Zukunftswerkstatt? Nimm diese tolle mutige 

Platte mit und Du wirst zu ihren Klängen 

nachts der freien Liebe frönen. Oder einfach 

der Star der Abschlussparty sein. Unangefochten. 

Nie das erwartete. Und nie 

ist das nur Pose. Nie ein Effekt als Selbst- 

zweck. Und eine Menge davon. 

Wirklich abgefahren. Man nehme North 

Of America und kreuze sie mit den Beatles. 

Die Blumenkinder der 60ies sind 

per Zeitreise in einem amerikanischen 

Undergroundkeller aufgewacht und 

bringen auf die Noiseparties lauter 

bunte Blumen und ein hintergründigseliges 

Grinsen mit. Sind die auf 

Droge? Ist doch so was von egal. 

Hauptsache, sie sind. 

12 Punkte 


yrwelcome.com 

WOO - MOBI ROCK 

(rx-tx/A-Musik) 

WoO ist einer der Begründer der 

Belgrad Noise Society, entstammt 

der dortigen Szene und 

betreibt Herbarium Records. In 

früheren Tage war er Mitglied 

der Noise-Rock Band Off, jetzt 

konzentriert er sich nach diversen 

CD-Rs auf freie, psychedelischeGitarren-Improvisationen. 

Neben zwei Gitarren 

und diversen, wahrscheinlich 

unüberschaubaren Effektpedalen, 

nutzt WoO die 

Klänge von Mobiltelefonen, Magneten, Fernbedienungen, 

Radio, TV und elektrischen Gitarrensignalen 

für seine psychotronische Soundforschung. Auf 

„Mobi Rock“ finden sich entgegen der semantischen 

Erwartungshaltung eher flächige Sounds ohne 

Drums und mit nur sehr wenigen perkussiven Elementen, 

die aber durchaus rhythmisch durchgestaltet 

sind. Feinsinnige Soundstapeleien, die sich 

manchmal sanft und warm mäandernd verlieren, immer 

wieder pulsieren und auf eine etwas abstrakte 

Weise psychedelisch sind. Ein Rauschen, Flirren, 

Fiepen, alles hat hier seinen besonderen Klanplatz 

und füllt ihn aus. Dabei verliert sich WoO nie in 

avantgardistische Experimente, sondern gibt den 

Klängen den Raum, den sie brauchen. Er schafft es 

auf eine sehr eigensinnige Art, einen äußerst interessanten 

flirrenden Soundteppich zu weben, der 

warme Sounds und Melodien nicht missen lässt. Abstrakt 

schön! 

9 Punkte 


belgradnoise.com 

VOLT - RÖRHAT 

Exile On Mainstream / Soulfood 

Da haben die Jungs in der BluBox mal wieder ein 

grooviges Noise-Süppchen zusammengebraut. 

Trockene Drums und schön sumpfige Saiten, wobei 

sumpfig nicht matschig heißen darf. Die Musik 

erinnert an Vorbilder wie die alten Harmful oder Unsane, 

manchmal blitzt auch die Brutalität der alten 

Ulme auf. 

Melodien sind rar gesät, Volt beeindrucken mit Stakkatoriffs 

und Dampfwalze. Die Laufzeit ist mit 35 Minuten 

zwar etwas knapp bemessen, dafür gibt es 

aber auch ein wirklich schickes Digipack zu bestaunen. 

Fans des Genres sollten mal ein Ohr riskieren, 

man könnte neue Helden entdecken. Wer die „Romeo 

K.O.“ Mini-LP kennt und schätzt, darf bedenkenlos 

zugreifen. 

10 Punkte 

Mike Maisack 

volt-music.de 

KURZ & KNAPP mitt Jochen Wörsinggerner 

DUSTER 69 - ANGEL KING (DecibellRecords/Radar): Das 

nenne ich mal puren Rock! Duster 69 hämmern immer mitten 

auf die Zwölf und das so straight und erfrischend, dass 

es eine wahre Freude ist. Riff-Rock, Metal, HC und eine kleine 

Portion Stoner - da bleibt keine Zeit für Geplänkel oder ausschweifende 

Gesten. Und all das braucht es auch nicht, denn 

den Lederjacken wird's gefallen. Und von mir gibt es den Purismuspreis.(9) 

DUSTIN KENSRUE - PLEASE COME HOME 

(Cargo Records): Waren wir eben noch beim Rock, heißt die 

Schublade nun Pop. Diesmal von Dustin Kensrue, von Beruf 

Singer/Songwriter. Der hat eine nette, leicht nörgelnde 

Stimme mit der er nette Pop-Songs singt. Aber leider klingt 

dabei vieles etwas zu brav, radiotauglich und konventionell. 

Schade eigentlich, denn mit etwas mehr Mut hätte daraus 

durchaus mehr werden können. (8) MADELEINE - THE CITY 

IS A STORYABOUT PEOPLE (www.madeleine-music.com): 

Leute, lasst die Geldbörsen stecken! Das hier gibt es für lau 

als freien Download unter der oben genannten Adresse. Und 

das Anwerfen der Kiste lohnt wirklich, denn Madeleine aus 

Bonn liefern astreinen Indie-Pop, der produktionstechnisch 

absolut dem kommerziellen Standard entspricht und in Sachen 

Melodie und Songwriting so manch andere Band gleichen 

Schnittmusters alt aussehen lässt. Der Platte merkt man 

zu jedem Zeitpunkt an, dass hier Leute am Werke sind, die 

einfach nur Spaß am Musikmachen haben. Als einziges 

Manko könnte man vielleicht anführen, dass der Platte die 

wirklichen Hits fehlen und alles auf etwa gleichem Level abläuft. 

Aber warum immer das Haar in der Suppe suchen!? (10)

Balzac - Deep Blue/Chaos FromDarkism II (GForce/BrokenSilence) Bei denen wusste ich 

nie so recht, was die Band wirklich ausmacht - ist es die Musik oder ist es ihr Image als Horror-Punker? 

So konnten mich die bisherigen Veröffentlichungen nie so wirklich überzeugen. 

Vielleicht liegt es schon am falschen Etikett, denn zumindest die aktuelle Scheibe hat mit Punk 

in den seltensten Fällen zu tun. Das ist schlicht schnell gespielter Hardrock, mit passablen 

Hooks und vielen neckischen Riff-Ideen. Und wenn der Sänger nicht immer so klingen tät, als 

hätte er die Vocals in einer Großraumtoilette eingesungen, dann wäre meine Freude noch ungetrübter. 

So gibt es leider ein paar Abzüge in der B-Note (08).Creeks - s/t (Dirty Faces) Von 

den 15 Songs, die die „Creeks“ auf ihrem aktuellen Album zum besten geben, fällt besonders 

„Freiheit Der Wahl“ ins Auge - respektive: ins Ohr: die Jungs aus Dresden offenbaren hier ihren 

Hang zum Wave und zum Powerpop, der sich als roter Faden durch die komplette Platte 

zieht. Dennoch bleibt das ganze sehr rotzig und Garagen-punkig. (08) Dallax - Core Color + 

Bonus, CD (Pork Pie/Broken SiIence) Ska-aaa Banzai! Der Ska hat nun also auch die ferne 

Insel im Pazifik erobert. Und die Jungs aus Tokyo „knallen“ mal eben „alles nieder“ - so steht 

es im Info, auch wenn es als Motto alter Eastwood-Filme durchgehen könnte. Feuerpausen 

gibt es ab und an in Form hübscher Melodien. Die elf besten Songs der Truppe sind als Bonus 

gleich mit auf dem Scheibchen. Besonders gelungen ist eine Cover-Version des Billy Joel- 

Klassikers „Honesty“. (10)Disconvenience - Umea Punk City (Dirty Faces) klingen ein bisschen 

wie die guten alten „Partisans“ - schneller Insel-Punk mit Hardcore-Einflüssen von jenseits 

des großen Flusses. Interessanterweise bekommen die Stockholmer bei all dem Getöse 

immer wieder die Kurve und ballern nicht nur, sondern (er)finden auch die ein oder andere hübsche 

Melodei. (09) Fedchenka - Mary & Other Assorted Lovesongs (Pitar/CMS SONY) Klingt 

russisch, sind aber Niederländer, vier an der Zahl, rocken munter und soundtechnisch fit drauflos. 

Nicht viel zu meckern, wenn auch anzumerken bleibt, dass „Fedchenka“ ihre ganz großen 

Momente eher dann haben, wenn das Tempo deutlich zurückgenommen wird („Two People“, 

„Hard Times“). Ich würde das gerne mal live sehen! (09).Front - Bitte Recht Freundlich (Dirty 

Faces) machen recht wave-lastigen Punkrock, der vor 25 Jahren gewiss auch als Beitrag zur 

Neuen Deutschen Welle durchgegangen wäre - die Humpe-Schwestern lassen grüßen, und 

auch „Fehlfarben“ haben die Wiesbadener schonmal gehört; runde Sache, nicht zuletzt wegen 

der sehr guten Texte (09). Handsome Hank & His Lonesome Boys - Live At Murmansk 

(RookieRec/Cargo) Dass man Klassiker wie „Back In The USSR“ oder „Ra-Ra-Rasputin“ in 

Country-Kleider stecken kann, hätte ich vielleicht noch für möglich gehalten; dass HH & HLB 

das auch mit Popschleudern wie „Thriller“ und Metalsägen wie „Highway Star“ und - sic! - „Ace 

Of Spades“ hinbekommen, nötigt mir eine gehörige Portion Respekt ab; so stelle ich denn fest, 

dass mir mein „das-kenn-ich-doch“-Grinsen über knapp fünfzig Minuten nicht mehr aus dem 

Gesicht weichen will; das Ganze ist in eine wunderbar ge-fake-te live-Atmo getaucht. Leute - 

Das hier ist DAS Teil für die nächste Fete, wenn es nach vier Kisten Bier mal wieder heißt: „Erkennen 

Sie die Meldodie?“ (12) Kuersche - Oxygene Overdose, CD (NTL Records/CMS 

Sony) Zwei Mann Band, die sich dem Singer/Songwriter-Genre verschrieben hat; die 14 Tracks 

schwanken zwischen wunderschön (Love Is A River, Room With A View) und belanglos, wobei 

glücklicherweise diejenigen Tracks überwiegen, die ersterer Kategorie zuzuordnen sind. 

Die Produktion ist leider etwas steril geraten; überdies wird Kuersche Mühe haben, sich als 

Deutscher in einem Genre durchzusetzen, in den Amis und Kanadier die Majorität stellen. Ungerecht? 

Schon.(9) 

Mainline - From Oblivion To Salvation (Dioxzion Records/Twilight) Die Mannen um Sänger 

Stinking Lizaveta - 

Scream Of The Iron Iconoclast 

(Monotreme/Cargo) Nach drei Alben 

in zehn Jahren kehrt einer der „Institutionen 

des US-Underground“ (Cargo) mit neuem Album zurück. Metal 

meets Prog meets Post. Cooler, bisweilen etwas dumpfeliger Sound (vor allem die Snare tönt 

geil, der etwas näselige Gitarrensound nervt bisweilen) - na ja, es kann ja auch nicht immer 

Herr Albini hinter den Reglern sitzen. Nette Platte, etwas kopflastig, vielleicht (09) The Cretins 

- s/t (Dambuster/Cargo) „Gimme, Gimme“ - da hüpfen sie wieder und powerpop-punken 

sich den Arsch ab. Die vier Jungs sind halt ausgezogen um zu schauen, ob „mit echtem, 

straighten Punk“ noch eine Nietenmaus hinter dem Ofen hervorzulocken ist. Und selbst, wenn 

das hier vom Urpunk soweit entfernt ist, wie der FC von der Bundesliga - den Cretins ist eine 

frischfreche Homage an den Funpunk der Ramones gelungen, der viele Fans finden soll und 

- definitiv - wird (11). The Defectors - Bruised And Satisfied (BadAfro) „Dänen lügen nicht“ 

- zugegeben abgeschmackt, der Spruch. Aber es stimmt, weitestgehend: eine „Unmenge morbide 

Riffs, bluttriefende Hooklines“ von mächtiger Farfisa-Schweineorgel getragen - „nie war 

greifbarer, was Horror-Psychobilly ausmacht“, aber - ein bisschen flunkern tun sie dann doch, 

die Nordmänner: „Punkrock“, wie sie das selbst nennen, ist das nicht wirklich, auch wenn 

Songs wie „Lose It“ den Eindruck erwecken mögen. Aber egal, und ich sachma: Fuck You‚ 

Cause You Looking Good (10). The Grit - Shall We Dine? (PeopleLikeYou/SPV) Blick ich 

aufs Cover, dann ist die Sache klar: Rockablly-Tolle, Kontabass und Halbakustische - so klingt 

es dann auch, und dennoch (?) bin ich positiv überrascht: Punk- und Rockabilly, eine Prise 

Surf und natürlich Rock'n'Roll - geht fröhlich ab wie das viel zitierte Zäpfchen. Herausragend 

in einer ohnehin guten Truppe ist übrigens Little Man Kurt am Upright. Ja, ok, mit Euch würd' 

ich gerne mal essen gehen! (11) Yellow Umbrella - Little Planet, CD (Rain Records/Broken 

Silence) Viel gelernt, in den letzten drei Monaten, zum Beispiel dass der Ska im Prinzip irgendwie 

aus dem Reggae kommt oder so … Wenn es eines Beweises hierfür bedurfte - Yellow 

Umbrella treten ihn an: herzerfrischende Synthese aus beidem, groovig, schweißtreibend, rasend. 

Das hier habe ich schnell ins Herz geschlossen. (11) 


Maurizio Lazzaroni wandeln auf den Spuren von „Opeth“ und „A Perfect 

Circle“ und damit auf eingeschlagenen Pfaden; „nicht viel Neues“ 

kann man meckern, „Altbewährtes“ kann man loben; keine Offenbarung, 

aber solide gemachter Crossover, sage ich (08). 

Mary-Jane - What I Came Here For (Chocolate Fireguard/Our) 

Bei der Band aus dem englischen Huddersfield trifft Punk auf Rokk'n'Roll, 

und Sängerin Rachel Goulding sorgt dafür, dass sich die 

Truppe deutlich von der Masse der vielen Gleichgesinnten abhebt. 

Produziert wurde das Ganze von keinem geringeren als 

Geordie Walker (Killing Joke), der meines Erachtens jedoch 

eine etwas eigensinnige Auffassung von „Sound“ hat. Sei's 

drum - geschadet hat er der Band, die es leider nur ganze siebenmal 

kräftig krachen lässt, nun auch wieder nicht (10). 

Perfect Daze - Five Years Scratch (RookieRec/Cargo) Boss 

Tuneage goes Retro - und Rookie geht mit. Diesmal haut man 

eine inzwischen gut 20 Jahre alte Platte raus, die seinerzeit 

auf dem legendären Vinyl-Solution-Label rausgekommen ist; 

sagt mir gerade nüscht, aber - hey! Kids! - wenn Ihr wissen 

wollt, was Mutti und Vati in den 80ern gehört haben, und 

wenn Ihr schon eine Gitarre halten könnt und wissen wollt, 

wie man einen ordentlichen Punksong komponiert, ohne 

eben diese Eltern aus dem Haus zu treiben, dann könnt Ihr 

hier was lernen (09) Second Monday - Imagery (Lockjaw 

Records) Die Herren kommen aus Winchester, USA, und 

irgendwelche Kalauer, die einen Zusammenhang zwischen 

der Herkunft und dem präzisen, durchschlagskräftigen 

Sound herstellen, sind bei Strafe verboten. „Quicksand“ 

oder „Waterdown“ sei demjenigen an den Kopf geworfen, 

der wissen will, wie es klingt. Ist ok, reißt mich 

aber nicht vom Sitzmöbel (09) Spontane - Good Is Dead 

In Good Luck City (Dad Records/Our) - sind eine französisch-amerikanische 

Formation, die sich an der 

Schnittstelle von HipHop, Electronic und Rock'n'Roll bewegen; 

selbst wer jetzt meint, mit „sowas eigentlich we- 

nig am Hut“ zu haben, wird zugeben müssen, dass sich „Spontane“ 

fernab vom Klischee bewegen und mit ihrer Bereitschaft, immer über den Tellerrand 

zu schauen, viel Spaß machen. Kein Wunder also, dass so unterschiedliche 

Künstler und Bands wie „V2“ und „Buena Vista Social Club“ die Truppe gerne mit auf Tour 

nehmen (10). 

45

46 


13 SANE - 

DER ANFANG VOM BEGINN 

Fürther Alternative Rock-Combo, die 

sich mit schweren Metalriffs, Pop- 

Parts, exaltiertem Gesang und Hardcore-Einsprengseln 

mutig und experimentell 

zeigt. Technisch versiert versucht 

man sich am künstlerischen 

Overdrive - und manches Mal wäre weniger 

mehr gewesen. Nicht jedes Break 

ist nachvollziehbar, die überwiegend 

deutschen Texte sind reichlich pathetisch 

und unkonkret, teilweise bleibt der 

Spannungsbogen auf der Strecke. 

Trotzdem sehr achtbar und insbesondere 

in der Gitarrenarbeit hoch veranlagt. 

8 Punkte 


myspace.com/13sane 

Acoustic Club - s/t 

Ziemlich abgehangener Akustik-Rock 

der Marke 90er schallt mir da aus meinen 

Autoboxen entgegen. Yeah, fahr mit 

mir, Baby! Und alles so luftig, locker und 

mit ausgeprägtem Hang zu perkussivem 

Schlagwerk, erinnert mich an Calypso, 

an karibische Klänge. Soweit zur Rhythmusfraktion, 

wobei Latin auch immer 

mal wieder im Rest wiederzufinden ist. 

Junge Männer sind hier am Werk. Und 

haben jeglichen „elektronischen“ Instrumenten 

abgeschworen, der Name ist 

Programm... Die können spielen. Jeder 

Ton sitzt hier an der richtigen Stelle. Zwei 

Sänger sind Mitglied der Akustischen. 

Die eine Stimme eher ein bisschen college-rockig, 

die andere erdiger-grungig 

orientiert. Und wohl auch zwei Hauptsongwriter. 

Somit gehen die Songs in 

zwei verschiedene Richtungen, Hauptnenner 

bleibt aber derselbe, der Akustik- 

Rock. Bei der „Grungefraktion“ z.B. klingen 

für mich da ab und an die Steintempelpiloten 

durch. Stimmt das? Helden 

der Jugend? 

Aber zurück zu den Songs: die sind nämlich 

ziemlich komplex und dürfen auch 

mal verkopft sein; dazu kaum welche unter 

der 4-Minuten-Marke. Bis Song vier 

reißt die Platte was und mit. Zu erwähnen 

ist auch, dass die Hauptvokalisten 

durch einen netten Männerchor im 

Hintergrund Unterstützung finden. Dann 

wird's aber ein bisschen beliebig, man 

möge mir verzeihen. Aber mit Stück 6 

(„coral reef“) schleicht sich wiederum ein 

kleiner Hit in die Hörgänge und weckt 

auf... Mit dem Rest der Spielzeit dünnt 

sich bei mir jedoch wieder die Aufmerksamkeitsspanne 

aus, ab und an wird 

dennoch verharrt und aufgehorcht. Auch 

nach dem dritten und vierten Mal lässt 

sich jener eben geschilderte Ablauf nicht 

abschütteln. Was jedoch unweigerlich 

passiert: man wird immer mehr der Professionalität 

gewahr, die mit im Spiel ist; 

hier haben wir dann auch die Crux am 

Club: Jeder Ton sitzt. Das eine oder auch 

öftere Mal ein bisschen „zu“ perfekt. Da 

passt alles. Rund. Harmonisch. Dann 

aber plätschert es. Ich vermisse ein bisschen 

rauen Wind. Hier und da mal eine 

Kante. Eine ungeschliffene Ecke. Ein Atmen. 

Aufatmen. Aus- und Aufbrechen. 

DEMO's 

Acoustic-club.de 

Die Grenzen sprengen. 

Den cleanen 

Moment vertreiben. 

Die Ketten ablegen. 

Das ist gut, ohne 

Frage. Und der Club 

wird seine Zuhörer 

finden. Idealerweise 

an einer Strandbar, 

mit Sonnenuntergang 

im Rücken und 

Cocktail in der 

Flosse. Ich für meinen 

Teil wünsche 

mir für die nächste 

Platte all die aufgezählten 

missing 

parts und das für 

mich so essentielle 

more storm - less 

breeze. Oderso. Bis 

dahin verbleibe ich 

mit 8 Punkten. 

Matthias Horn 

KAELTELOESUNG - 

BY ACCIDENT AND SURPRISE 

Der Münchner Soundtüftler legt hier 

schon den zweiten, witzigen und gekonnt 

gemachten Output seiner experimentellen 

Elektropop-Spielereien vor, 

bei dem man sich fragt, warum das noch 

kein Label entdeckt hat. Hübsch arrangierte 

Schrägen zu quirligen Beats, die 

Vocals dazu manchmal eher unfreiwillig 

knapp neben der Spur, was aber zumeist 

auf charmante Weise gewollt klingt. Es 

knarzt, rummst und fiept ebenso vergnügt, 

wie raffiniert - der Herr von der 

Seifenblasen-Tankstelle nimmt 

sich ne Menge vor - und meist 

löst er ein, was er verspricht. Hat 

was. 

10 Punkte 


kaelteloesung.de 

MISSENT TO DENMARK - 

A CLUE, A HINT, A LOVE 

Aus dem Umfeld der Indie-Poprocker 

Conic kommt dieses 

neue Bandprojekt, das den 

Fokus deutlicher auf den Pop 

legt und gerne auch mal 

sphärisch dahinschwebt, 

bevor Druck gegeben wird. 

Toller, charismatischer Gesang 

zu britisch geprägtem 

Pop mit Radiohead meets 

Oasis-Appeal. Einige auffallend 

hypnotische Gitarrenriffs, 

stoisch treibende 

Beats, stilsichere Melodien, 

die hängen bleiben, 

kalkulierte kleine Disharmonien 

zwischen Gesangslinie 

und Gitarren. 

Ein schwärmerisches Intro 

scheint grundsätzlich 

dazu zu gehören, man 

bedient sich auch mal 

der Streicher-Abteilung 

und scheut sich zum 

Glück nicht vor großen 

ausholenden Popgesten. Die Songs entwickeln sich ruhig und 

selbstverständlich, das Songwriting wirkt souverän, die Arrangements 

dienen dem Song und überfrachten die kleinen, hübschen 

Melodien nicht. Die Balladen wirken nah, liebevoll, authentisch, 

nie gestelzt. Ziemlich reif und ein guter Tipp für den Indiepop- 

Connaisseur in eher anspruchsvoll signenden Häusern. Fehlt nur 

noch ein Kick Hysterie und eine Portion gelebter Optimismus. 

Die deutet sich aber immer wieder bereits an. Ein Touch Fröhlichkeit. 

Ist allemal drin. Das wird. Ein ernsthafter Anwärter auf 

die deutsche Pop-Bundesliga. 

11 Punkte 


missenttodenmark.de 

Nichts - Nichts 

„Grüß Gott und herzlich Willkommen bei N I C H T S“, steht auf 

der Homepage, auf der man irgendwie - aber doch nahe liegend 

- nichts findet, und wenn man auf eines der Bilder klickt, zum Beispiel 

auf das vom Gitarristen mit der Schweinemaske, dann passiert 

- natürlich - nichts. Würde es sehr überraschen, wenn auf 

dem aktuellen Demo der Band - Achtung! Kalauer! - NICHTS 

drauf ist? Schon, oder? Also: Kein Thema. Vier Songs haben uns 

David, Jonas, Toni und Schweinekopfmann Mobertsen eingespielt, 

und DIE sind wirklich alles andere als NICHTS! Feine Indiepop-Perlen, 

mit viel Postpunk und viel NDW drin; man greift 

auf altbewährte Musikalien wie Gitarre, Bass und Drumset zurück 

und garniert die Songs mit ein paar kleinen elektronischen 

Spielereien. Und die Texte! Wie wohltuend für denjenigen, der 

der Gemanistik-Student-im-dritten-Semester-Lyrik á la Kante 

und Hamburger Schule überdrüssig ist. Freilich: Oberflächlich 

betrachtet könnte man „Nichts“ verdächtigen, heftig in den Revieren 

von „Trio“ und „Hubert K“ gewildert zu haben, lauscht man 

aber genauer hin, dann erkennt man ein mächtig eigenes Profil! 

Gut so, weiter so! Ich drücke Euch die Daumen, dass es bald mit 

dem Deal klappt; ich muss jetzt aber los, ich muss „zum ich bin 

doch nicht blöd Markt mir einen Farbfernseher kaufen, denn um 

20:15 beginnt meine Wirklichkeit“. 

Keule 

nichtsfuereuch.de 

KURZ & KNAAPP mit AAndrasch NNeunert 

CHAPEAU CLAQUE - HAND AUF`S HERZ (1STDECADERECORDS) 

- Thüringer Sängerin, die Northern Lite in deren Vorprogramm so sehr 

überzeugte, dass sie in deren Company landete. Hübsche Songs mit 

annehmbaren Lyrics, für Freunde der besonders in Berlin gehypten 

Elektropop-Tänzerei zu netten Liedern mit lasziven Weibchen-Vocals 

inklusive kleinen kalkulierten Text-Frechheiten eine echte Alternative. 

Hübsch und reichlich kalkuliert, besonders, wenn es auf einmal mit Blick 

auf Björk in völliger Selbstüberschätzung um Reykjavik geht. Für diesen 

Fehlgriff Punktabzug (6). PHIL VETTER - SAY GOODBYE TO THE 

MOMENT (Redwine/PIAS) - Aus München kommt Phil Vetter, inzwischen 

nicht mehr ganz so junger Singer, Songwriter, der sich schon an 

diversen Bandprojekten versuchte, von denen Big Jim das Bekannteste 

war. All seinen Projekten gebrach es jedoch an Charisma, so hübsch 

und absolut sympathisch das auch immer war. Leider gilt das auch für 

seine Singer & Songwriterplatte. Sie ist schön, abwechslungsreich, doch 

bleibt letztlich blass in den Vocals. Tolle Songs, leider ohne große Ausstrahlung 

(8). ALUMINIUM BABE - SMOKE IN CHINATOWN (Netmusiczone/ 

Rough Trade) - New Yorker Uptemp-Beat-Garagen-Band mit 

schnellen, knurrigen Beats des Bassers, mit unterdimensioniertem Gitarreneinsatz 

und Piepsstimmen-Vocals. Klingt sehr modern und ist bei 

genauerem Hinhören ebenso beliebig, wie überflüssig. Ein Fake (4). 

MSTRKRFT - THE LOOKS (Different/PIAS) - Die Torontoer Dance- 

Groove-Beatniks Jesse F. und AI-P bitten streng elektronisch zum euphorisierenden 

Tanztee, das tun sie mit Stil, Frische, Klasse - wer sich 

so richtig durchschütteln will, kann dies hier ohne schlechtes Gewissen 

tun. Musik, die trotz der Kühle des Sounds Lust und Wärme transportiert, 

die ass-kickin ist und sexy, so bunt wie das wunderhübsche Coverinnenleben. 

Dem Lieblings-DJ in der E-Disko mitbringen, er wird Euch 

dafür lieben. Oder selbst auflegen (11).

AEREOGRAMME - MY HEART HAS A WISH 

THAT YOU WOULD NOT GO 

Chemical U / Rough Trade 

Musikalische Großtaten sind wir von den fünf 

Schotten ja gewohnt, dass sich Aereogramme aber 

dermaßen weiter entwickeln - fast neu erfinden - 

hätte ich nicht erwartet. 

Mittlerweile spielt man in einer eigenen Post-Rock- 

Liga, in der von arabischen Rhythmen über fetten 

Streicherschmonz bis hin zum Walzertakt alles 

möglich ist. Was sich zunächst nach heillosem 

Durcheinander und nervigem Chaos anhört, wird 

geschickt mit großartigen Melodien und dem sensiblen 

Gesang von Craig B. vermengt. 

Die Glasgower schaffen den Spagat zwischen Pop 

und Relevanz mit diesem Meisterwerk in wirklich 

beeindruckender Weise. Aereogramme lassen das 

von den bisherigen Alben bekannte Dynamikpendel 

in Ruhestellung und konzentrieren sich auf den 

Song und seine Melodie. Sie schwanken nicht 

mehr zwischen laut und leise, Wimmern und Brüllen, 

spielen stattdessen lieber mit breiten Soundflächen, 

in die sich der Hörer entspannt fallen lassen 

kann. 

Nie waren Aereogramme so zugänglich wie heute. 

Dass sie dabei vollkommen unpeinlich geblieben 

sind, rechne ich dieser Band hoch an. 

Mike Maisack 

aereogramme.co.uk 

LOCAS IN LOVE - SAURUS 

(Sitzer/Virgin/EMI) 

Was ist in der Flut der in unserer 

Mütter- und Vätersprache 

poppenden und rockenden Veröffentlichungen das 

besondere Etwas, das diese wunderbare Platte 

von der blubbernden Masse so sehr unterscheidet? 

Ist es die Selbstverständlichkeit und Präzision 

der Bilder? Der Mut zum musikalisch Unerwarteten? 

Die Konsequenz der Nabelschau bis hin zur 

demonstrativen Selbstschädigung? Die Relevanz 

der Beobachtungen? Die Lust an kurzzeitigen, 

ganz und gar nicht verschämten Lärmeuphorien? 

Die Wärme des Gesangs und die stets spürbare 

liebevolle Nähe zu Fans und Musikkollegen? Die 

skandinavisch anmutende Frische ohne erkennbares 

Verfallsdatum? Die Stilsicherheit der Folkund 

Countryanleihen? Die Atemlosigkeit des 

ebenso charismatischen wie lakonischen großen 

Jungens am Mikro? 

Von all dem etwas. Hier ist eine weitere wirklich 

wichtige deutschsprachige Veröffentlichung nach 

Pendikel im letzten Jahr. Locas In Love rocken und 

schrubben ebenso gut, wie sie reimen. Sie schmeicheln 

uns mit Widerhaken, wenn sie uns leise kommen. 

Sie pfeifen auf das sonst stets so gleiche Verhältnis 

zwischen Silben- und Taktzahl, indem sie 

hier mühelos berechtigt Rekorde aufstellen. Sind 

dabei stets selbstverständlich ungekünstelt lieb im 

allerbesten Sinn, gerade dann, wenn sie im amerikanischen 

Folk-Wald Setzlinge klauen und sie als 

große kleine Gesten in ihren Indie-Schönheiten so 

stimmig einpflanzen, wie es sonst hierzulande nur 

Fink je hinbekamen. Was singt da die Co-Sängerin 

Stefanie? „Ich war es nicht, es war Mabuse. Er 

benutzte mein Gehirn.“ Im Wechsel mit „Das verdammte 

Deutschland hat mich dazu getrieben!“ im 

Hintergrund. Toller Kanon. Auch hier offenbart sich 

das Geheimnis dieser über viele Jahre harmonisch 

s 

gewachsenen und immer wieder von Kollegen liebevoll 

ergänzten Gruppe: in der Einfachheit guter 

Ideen und der Gewissheit ihrer Weiterentwicklung. 

In der kompromisslosen Subjektivität. In der rationellen 

Selbstbeschränkung bei den phantasievollen 

Arrangements. Nie wird die Idee hier zum 

Selbstzweck. Diese Lieder sind unaufdringlich und 

intensiv. Fordernd und beschützend. Zweifelnd 

und motivierend. Was singt er da gerade nach dem 

Nachhausekommen und meint es tatsächlich genau 

so? „Wir fragen uns, ob wir was machen aus 

der Zeit, die uns bleibt.“ Nur keine Angst, Freunde. 

Ihr habt doch schon so viel geschafft. Eine Platte 

für alle unsere Tage. Viel mehr geht nicht. 


locasinlove.com 

FISCHESSEN - SUICIDE IS MUCH TO BLONDE 

(bluNoise/Alive) 

Fischessen ist ein offenes Band-Projekt, das Jörg 

A. Schneider - eigentlich Drummer von LHQWE - 

ins Leben gerufen hat, um in ständig wechselnder 

Besetzung seine eigenen musikalischen Visionen 

umsetzen zu können - und das genau zwei Jahre 

nachdem die Hommes eine Pause auf unbestimmte 

Zeit eingelegt haben. Soweit so gut. Das 

Verwunderliche daran ist aber, dass sich Schneider 

- neben wenigen anderen Gastmusikern - mit 

Yvonne Nussbaum und Mark Kreutzer ausgerechnet 

die alte LHQWE-Mannschaft an Bord geholt 

hat, um das Debut „Suicide Is...“ aufzunehmen. Ist 

das hier also eine Espandrillo-Platte unter dem 

Deckmantel eines anderen Bandnamens? Mitnichten, 

denn schon nach den ersten Tönen wird 

klar, dass bei Fischessen eine ganz andere Herangehensweise 

zu erkennen ist: Weniger Struktur, 

dafür mehr Improvisation, weniger Interesse an 

gängigen Songformaten, dafür viel Freiraum, in 

dem sich die Songs entfalten können. Diese taumeln 

zwischen zwei Extremen: Meandernde, fast 

meditative Ruhe einerseits; andererseits laute, 

wilde, grenzauslotende Ausbrüche, bei denen sich 

Soundschicht auf Soundschicht türmt und die regelmäßig 

sehenden Auges in die unausweichliche 

Explosion rasen. Gesang bleibt da gleich (fast) 

ganz außen vor. Diesen vermisst man auch nicht, 

denn auf musikalisch-instrumentaler Ebene passiert 

so vieles, werden so zahlreiche Ideen verarbeitet 

und Nuancen eingestreut, dass man sich 

irgendwann in der Musik verliert, sich treiben lässt 

vom ständigen Wechselspiel zwischen melodiöser, 

fast schmeichelnder Eingängigkeit und rohen, 

nervenzerrenden Noise-Attacken. Angetrieben 

und zusammengehalten wird das Ganze vom gewohnt 

einzigartig dynamischen Drumspiel Schneiders', 

der hier auch erstmals selbst produzierte und 

dabei auch immer wieder elektronische Elemente 

Einfluss nehmen ließ. Das größte Plus der Platte 

ist jedoch sicherlich, dass sie - obwohl vor allem 

auf dem Mist des Individualisten Schneider gewachsen 

- nie zur Nabelschau verkommt und somit 

stets für den Hörer nachvollziehbar bleibt. Ein 

Punkt, der bei Projekten mit ähnlichem Ansatz ja 

oftmals aus den Augen verloren wird... 


fischessen.net 

IAN LOVE - s/t 

(arcticrodeorecordings/AL!VE) 

Kurzer Blick ins Info - und schon 

bereut. Zwei Seiten mit gefühlter 

Schriftgröße von 5 Punkten! Und es geht um 

ein Leben. Um Ian Love's Leben. Da steht viel. 

Über Drogensucht, ehemalige Bands wie Rival 

Schools und dementsprechend dicke Kumpels wie 

Walter Schreifels, von Erfolgen und immer wieder 

Scheitern, von erfreulichen wie auch sehr unerfreulichen 

Dingen. Und wieder von Drogensucht. 

Eigentlich too much. Für ein Info. Eine komplette 


Biografie? Vielleicht aber auch traurig, dass jene 

„nur“ zwei Seiten füllt. Wobei, was mir unters Auge 

gerät, könnte auch locker mal ein mehrhundertseitiges 

Buch in Beschlag nehmen. Also nur mal eben 

die Essenz hier und jetzt... Rival Schools, cool... 

Dann aber die Überraschung. Klingt ja gar nicht so 

danach. Eher sehr reduziert. Akustisch. 

Singer/Songwriter. Einzuordnen zwischen Denison 

Witmer, Sufjan Stevens, Eliott Smith, die reduzierteren 

Grandaddy-Songs und José Gonzalez. 

Vor allem José Gonzalez. Da Herr Love das perkussive 

Moment liebt. Ob mit der Gitarre erarbeitet 

oder auch wirklich mit Schlagwerk veredelt. 

Treibend. Immer nach vorn. Und teilweise mal so 

wirklich noisig, wenn auch „noisig-unplugged“. So 

geschehen bei „black diamonds“ oder „turn off“ (so 

Sparklehorse. So was von Sparklehorse!!)... Gut! 

Sehr gut! Dann wieder ruhige Momente. Innehaltende 

Momente. Und wieder Ausbrechen. Wir blikken 

tief. Nicht nur anhand des Infos, auch musikalischer 

Art vollführt Ian Love ein Offenbaren, Blankliegen, 

Bloßstellen und einen Seelenstriptease, 

der manchesmal fast einen Tacken zu viel ist. Aber 

nur fast. Jener kommt mit allerhand Akzenten im 

Schlepptau: mehrstimmiger Gesang, allerlei Geräusche, 

auch mal gerne schräger Natur, Piano, 

Mundharmonika, Pedal Steel undsoweiterundsofort. 

Dazu noch ein schön designter Pappschuber. 

Herz, was brauchst Du mehr? Genau. Liebe. Noch 

genauer: Ian Liebe. Schön! Wie auch der unbedingte 

Anspieltipp „Don't let go“! 

Matthias Horn 

Ianlove.com 

Arcticrodeorecordings.com 

MAGICRAYS - OFF THE MAP 

(Gentlemen/Alive) 

47 

Da meint man alles zu kennen und dann flattert eines 

schönen Tages das Album einer Band ins 

Haus, das anscheinend schon deren viertes ist. 

Man ist hin und weg und stellt sich die Frage, wie 

es sein kann, dass man von dieser Band bisher 

noch nie etwas gehört hat. Aber einfach mal von 

Anfang an: Magicrays kommen aus der Schweiz, 

sind - wie es sich für eine anständige Gitarren-Band 

von dort gehört - bei Gentlemen-Records und machen 

Musik, die schlichtweg unter die Haut geht. 

Dabei ist „Off The Map“ eines der wenige Alben, 

das das Feld von hinten aufräumt. Denn anstatt 

dass es - wie bei einzigartigen Platten eigentlich 

üblich - anfangs sperrig und undurchdringlich erscheint 

und sich erst von Hördurchgang zu Hördurchgang 

mehr und mehr erschließt, wird hier der 

umgekehrte Weg gegangen. Der Einstieg in „Off 

The Map“ fällt nämlich relativ leicht und man meint 

schon nach kurzer Zeit die Marschrichtung zu erkennen: 

Nachdenkliche, verzaubernde Popmusik, 

die Tiefgang hat, an vielen Stellen ausbricht und 

immer wieder ausufernde Gitarrenintermezzi einstreut. 

Man kennt das ja von Bands wie Grandaddy, 

Flaming Lips oder auch den Decemberists, die allesamt 

in ähnlichen Fahrwassern umherschiffen. 

Jetzt aber, nach zwei Wochen, in denen ich diese 

Platte unentwegt gehört habe, erscheint sie mir 

seltsam verschlossen, irgendwie unergründlich. 

Immer wenn ich den Startknopf drücke, bin ich 

überrascht, meine diesen oder jenen Song gar 

nicht zu kennen, frage mich, welcher Song das nun 

schon wieder ist. Der Vierte? Der Achte? Der Erste? 

Habe ich diesen Song überhaupt schon mal 

gehört? Das sind dann die Momente, in denen ich 

mich verliere, eintauche in die Gitarrenwände und 

Melodien, die fein gewoben ihr Netz über mich fallen 

lassen. Die Stimme von Raphael Enard liegt 

irgendwo zwischen Thom York und Tim Smith von 

Midlake, die mit ihrem zweiten Album „The Trails 

Of Van Occupanther“ einen ähnlichen Effekt auf 

mich hatten, wie nun die Magicrays. Aber „Off The 

Map“ wäre nur halb so gut, wäre da nicht dieser 

warme und intime Sound, für den sich John Parish 

(u.a. Eels, Sparklehorse) verantwortlich zeichnet,

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der die Band in seinen Toy Box Studios der Legende 

nach mit allerlei angestaubtem Equipment 

bekannt machte. Aber was soll ich hier noch weiter 

über etwas schreiben, was eigentlich unbeschreib-bar 

ist!? Einfach anhören!! 


magicrays.com 

MANATEES - UNTITLED 

MT. - LETHOLOGICA 

(beide Motivesounds Recordings/Indigo) 

Dieses Promo-Paket ist kurz nach Redaktionsschluss 

reingehuscht und eigentlich heißt das 

dann „ab in die nächste Ausgabe.“ Aber was uns 

hier das kleine und mir bisher völlig unbekannte 

englische Zwei-Mann-Indielabel Motivesounds 

kredenzt, ist so besonders, dass man es niemanden 

vorenthalten sollte. 

Die Einzigartigkeit fängt schon bei dem wunderbaren 

Artworks an. So kommt das Debut-Album der 

MANATEES im Digi-Pack mit mantra'esk-komplexen 

Design, das mehrere Lackschichten mit einer 

metallischen Kupfer-Folie kombiniert. Wunderschön 

und so bisher höchst selten gesehen. Aber 

nicht nur die Verpackung überzeugt. Manatees 

sind gewaltig, walzend, düster und hell, noisy und 

brachial und an anderer Stelle wiederum so fragil 

und melodiös. Stark perkussive Soundwände, Trible-Parts, 

eindringliche Vocals und ausbrechende 

Gitarren lösen sich kurz vor Überschreitung des 

„point of no return“ in zarte, fast dahingehauchte 

Bitterkeit auf. Eine Bitterkeit, die mich irgendwie einen 

leicht lakonischen Blick auf das Morgen werfen 

lässt. Das Info nennt unter anderem Neurosis, 

Pink Floyd und King Crimson als Vergleich. Das 

stimmt ohne Zweifel, aber das hier geht noch viel, 

viel weiter. Diese Platte ist so vielschichtig, so reich 

an Entdeckenswertem, aber gleichzeitig auch so 

kryptisch und verschlossen, dass man sie wohl nie 

in ihrer ganzen Pracht erschließen wird. Leute, allein 

das wuchtige Finale sucht seinesgleichen! 

Der vom Label eingeschlagene Weg, Musik und 

Design zu kombinieren und in künstlerischen Einklang 

zu bringen, wird auch mit dem zweiten vorliegenden 

Motivsounds-Release von MT. weiter 

verfolgt. Zwar etwas weniger aufwendig in punkto 

Verpackung aber dennoch sehr schön aufgemacht, 

entführt „Lethologica“ im Vergleich zu „Untitled“ 

von den Manatees in etwas ruhigere, aber 

nicht minder aufwühlende Gefilde. Man ist versucht, 

den Begriff Post-Rock in die Runde zu verwerfen 

- und irgendwie liegt man damit auch nicht 

ganz falsch. Denn hier wird das Beste von Giardini 

di Miro, Mono, Ostinato, Trans Am, Mogwai, Aerogramme 

und auch ein wenig von Sigur Rós zu einem 

Extrakt aus Ruhe und Sturm, aus Innehalten 

und Ausbrechen vermengt. Vor allem aber die 

Dream-Pop-Anleihen sowie die teils messerscharf 

gesetzten Breaks, die ab und an zwischen dem 

wogenden Auf und Ab hervorblitzen, machen „Lethologica“ 

zu einer musikalischen Reise, die sehr 

viel Interessantes und Neues entdecken lässt. Einfach 

Fahrkarte lösen, noch mal tief Luft holen, fallen 

lassen und eintauchen! 


motivesounds.com 

Ox - Dust Bowl Revival 

(arcticrodeorecordings/AL!VE) 

Heyhey, wieder Arcticrodeorecordings! 

Die ersten Töne von 

dem Kollektiv Ox und gleich ein Zuhausewohlfühlen. 

Countryesk does nunmal fu**in' rule! Ältere 

Calexico. OP8. Mazzy Star. Iron&Wine. My Morning 

Jacket. Mehr Namen gefällig? Irgendwo dazwischen, 

ganz vorne mit dabei! Teilweise ziemlich 

traditionell. Wie die genialen Soggy Bottom 

Boys (you remember? Das unwiderstehliche Stück 

bei O Brother, Where Art Thou?) und vor allem auch 

jenes coole „Örrr“ - slangbedingt - ist vorhanden. 

Alternative Country at its best. Americana. LoFi. 

Whatever. Passt alles. Hier gilt ein Auf und Ab auf 

und ab der Gefühlsskala. Ruhigere Stücke vertreiben 

treibende Songs. Treibende Songs lassen sich 

ruhigere Töne durch den Kopf gehen. Und natürlich 

sind Ox auch offen für allerlei anderes Instrumentarium. 

Auch hier Piano, Steel, Viola undundund. 

Geht ja auch nicht anders. Für mich ein wunderschönes 

und warmes Album. Dazu ein Glas 

Wein oder von mir aus auch 'n Whiskey, und das 

Schicksal im Lehnstuhl ist für erst mal besänftigt. 

Es zieht sich den Hut zurecht, fixiert mich mit einem 

Zwinkern durch weise ältere Augen, sieht zufrieden 

in das eben von mir eingeschenkte Glas 

edlen Rachenputzer, und tönt unter seinem weißem 

Schnauzer - jener muss schon viele Schimpfwörter 

umrandet haben - hervor: „Siehste. Geht 

doch.“ Morgens von der Sonne wachgeküsst werden, 

in den warmen Tag blinzeln, barfuss über kühles 

Parkett Richtung helle großzügige Wohnküche, 

den Kaffee aufsetzen, sich am Tisch niederlassen 

und erst mal eine Kippe. Und im Hintergrund läuft 

sich Ox warm für den Vordergrund. Mit „Carolinah“ 

und allem, was da noch so folgt. Wie z.B. gleich 

darauf „weaving“. Der erste Kaffeeschluck lässt 

aufblühen. Hinreißend. 

Matthias Horn 

Oxmusic.ws 

Arcticrodeorecordings.com 

POLARKREIS 18 - S/T 

(Motor/Edel) 

Es ist die Ausnahme, dass ein 

Newcomer wie Polarkreis 18 

schon jetzt so viel richtig macht. 

Dass ein Debüt so überwältigend schön und einzigartig 

gerät wie dieser entrückte, mystische Ort. 

Der unendliche Weiten ausstrahlt, unberührte, in 

gleißend hellweißes Licht getauchte Winterlandschaften, 

wie sie es nur im Kopf(-kino) geben kann. 

Ein klirrend kalter Wind bläst über diese Eiswüste, 

die jegliche Form von Vegetation umhüllt wie ein 

frostiger Schutzmantel. Als Soundtrack dazu spielen 

Polarkreis 18 ihre Version schlafwandlerischer 

Popmusik für Tagträumer, mit tanzbaren Beats, 

klassischen Symphonie-Streichern und flächigen 

Synthies. Doch ist es vor allem der unnachahmliche 

Gesang Felix Räubers, der diese Platte in einem 

anderen Licht dastehen lässt - diese androgyne 

Kopfstimme, dieses himmelsstürmende Falsett 

voll überschäumender, exaltierter Emotion. 

Sein Organ entführt uns in eine andere Welt, deren 

Tor mit einem Rausch in hellen Farbtönen geöffnet 

wird: Hyperventilierend tänzelt der „Dreamdancer“, 

als wäre er von Sinnen. Zur Erholung wird 

in den sanften Gleitflug geschaltet, gemächlich 

schwebt man erhaben in ungeahnten Sphären, 

dem Wolkenbett so nah, allem irdischen so fern. 

Im intensiven „Look“ pulsieren flirrende Elektro-Beats 

wie ein rasender Herzschlag, während sich 

Räuber hysterisch in ungeahnte Höhen schraubt. 

„Stellaris“ lebt vom stets präsenten, aber nie aufdringlichen 

Streichorchester, „Somedays Sundays“ 

vom überraschenden Jazzbass. Eine surreale 

Traumskizze wird abrupt durch den Verzerrer 

gejagt und mutiert zum rhythmusbetont pumpenden 

Drum'n'Bass-Entwurf, plötzlich marschiert ein 

vielstimmiger Männerchor im Gleichschritt ins 

Rampenlicht. All das gilt es zu entdecken. Jetzt. 


polarkreis18.de 

UNSANE - VISQUEEN 

(Ipecac/Southern/ Soulfood) 

Auf dem Cover sieht man eine 

Leiche fein säuberlich in Plastikfolie 

eingepackt auf einem 

Feld liegen. Was vorher geschah, bleibt mysteriös. 

Wurde sie plattgewalzt von der unsaneschen Noiserock-Dampfwalze? 

Nur der Soundtrack zur mörderischen 

Tat ist bekannt: Auf dem mittlerweile 

sechsten Unsane-Album „Visqueen“ fegt ein tonaler 

Orkan über einen hinweg, der ein solches Feld 

innerhalb von Sekunden umpflügen kann. Unsane 

hatten schon immer ein Faible für gewalttätige Cover-Artworks 

und auch „Visqueen“ ist pure Gewalt: 

Der Bass ist heavy as fuck, die Gitarre wird gewetzt 

wie ein übergroßes Küchenmesser und jeder 

Schlag auf die Drumfelle ist auch einer in die Magengrube. 

Dabei fungiert der Opener „Against The 

Grain“ noch als geschicktes Täuschungsmanöver, 

denn selten hörte man bei dieser Band derart melodische 

Gitarren, eingängiges Liedgut gar. Das 

geht dieses Mal seltener rasant auf die Zwölf, sondern 

entwickelt meist einen schwer schleppenden 

Kopfnicker-Groove, ist aber in jedem Fall immer 

eins: unbarmherzig und brutal. Der Mördergroove 

von „Last Man Standing“ erinnert an Helmet in ihrer 

„Meantime“-Bestform, im Gegensatz zu alten 

Weggefährten wie eben Page Hamilton haben Unsane 

aber über die Jahre nicht an kompromissloser 

Härte eingebüßt. Selbstredend wird die berühmt-berüchtigte 

Wall Of Sound von ihren Mitbegründern 

in selten erreichter Perfektion aufgefahren: 

Tight wie eh und je, dreckig, böse und lauter 

als laut hämmern, lärmen, dröhnen und kratzen die 

Instrumente, immer wieder kurz unterbrochen von 

abgefahrenen Soli von Meister Chris Spence, dessen 

fatalistisch aggressives, schmerzverzerrtes 

Gebrüll zur verstörenden Intensität nur weiter beiträgt. 

Und als man ohnehin schon völlig abgekämpft 

zu Boden geht, gibt einem der abschließende 

Neunminüter „East Broadway“ als Abfahrt 

in die dissonante Störgeräusch-Liga endgültig den 

Rest. Im nächsten Jahr feiert das Powerhouse-Trio 

aus New York City sein 20-jähriges Bestehen, 

Grund zur Gratulation besteht allerdings schon 

jetzt: Unsane verteidigen ihre Vormachtstellung 

eindrucksvoll und sind auf diesem Sektor noch immer 

die unangefochtene Nummer eins. Schön 

auch, dass sich mit den ungekrönten Königen des 

Noiserock-Genres und dem seit jeher für extreme 

Sounds bekannten Ipecac-Label ein perfektes 

Paar gefunden hat. Von dem wünschen wir uns 

schon jetzt weiteren Nachwuchs. 


theunsane.com 

SHINING - GRINDSTONE 

(Rune Grammofon/Cargo) 

Kaum ist Prog wieder en vogue, tauchen auch 

schon die musikalischen Halbirren aus dem Sumpf 

auf. Meshuggah meets Jethro Tull? Progjazz im 

Acidwirbel? Mars Volta auf Elektrotrip? Neue Musik 

meets Weltraumsoundtrack? Captain Future dirigiert 

ein Orchester? Jazz Version 3.0? Surrealistischer 

Hoppy Kamiyama? Zappa im digitalen 

Avantgardegewand? Hilflose Assoziationsketten 

um diesen unglaublichen Hybrid an faszinierender 

Musik. Und wer jetzt noch nicht aufgehört hat zu 

lesen, der wird diesen famos-genialen Bastard lieben, 

der von durchgeknallten, aber äußerst versierten 

Musikern geschaffen wurde. Auch wenn 

hier Prog, neben Metal, Experimental zwischen 

Jazz und Bossa Nova steht, Klavier auf Elektronik 

trifft, Saxophon auf Tribalrhythmik, Soundtracks 

neben noisigen Bassläufen koexistieren müssen, 

schräge Avantgarde Nachbar von Synthpopmelodien 

ist. Auch wenn hier die Soundebenen öfter bis 

zum Kulminationspunk dicht geschichtet werden,

nur um sie wieder in einem einzigen Ton zusammenfallen 

zu lassen. Es ist das kompositorische 

Genie, das „Grindstone“ zusammenhält 

und es nie willkürlich oder gar eklektizistisch 

wirken lässt. Dieses Genie hört auf den 

Namen JØrgen Munkeby, der ein äußerst gutes 

Gespür für Dynamiken und Stilkonglomerate 

hat. Er gönnt uns nach gut der Hälfte musikgeschichtlicher 

Komprimierung innerhalb 

des Albums eine kurze Ruhepause, nur um auf 

der anfänglichen Stille Stück für Stück und 

Schicht für Schicht einen dichten, fast noisigen 

Soundtrack aufzubauen. Unglaublich geniale 

Musik, die sprachlos macht. 


shining.no 

SCRAPS OF TAPE 

THIS IS A COPY IS THIS 

A COPY 

(Tender Version/ Hausmusik) 

Meine Güte, ist das gut. Hatte gerade die neue 

Logh gehört und höchstens ein wenig die alten 

Widerhaken und Ausbrüche vermisst. Und 

jetzt das. Songs, die scheinbar ziellos um sich 

selbst perlen, und dann werden wir aus unserem 

lethargisch besänftigten Mitwippen gerissen, 

wenn wir eben nicht mehr damit rechnen. 

Oder auch nicht. Es passiert das Unerwartete, 

die Musik ist im stetigen Fluss, nie berechenbar, 

immer wieder entdecke ich neue kleine 

Überraschungen. Längst nicht alles mag da 

folgerichtig sein, und ab und zu landet ein 

Song auch mal in einer Sackgasse. Um sich 

dann frech grinsend zu mir hin zu 

drehen und mich mit lustvollem 

Lärm doch noch zu überrollen. 

Oder auch nicht. Die Lust an der 

musikalischen Freiheit ist diesen 

Schweden ein offensichtlicher 

Selbstzweck und dadurch sind 

sie an Bands wie Godspeed You 

Black Emperor oder den Liars näher 

dran als an Bands des Indiepopgenres, 

die sich stets bereitwillig 

an die ungeschriebenen 

Gesetze des Songwritings halten. 

Pure Ironie, soviel Originalität 

auf einer Platte auch noch 

„This Is A Copy Is This A Copy“ 

zu nennen. Ach ja, das sind fast 

Instrumentals. Der Gesang ist 

nur eine spärlich eingesetzte 

Klangfarbe. Aber wenn, dann 

lohnt die Beschäftigung mit tollen, 

lakonischen Lyrics. 

Dann wieder leise, aber kraftvoll 

kontrastierende Disharmonien, 

Instrumente übereinander geschichtet, 

Instrument für Instrument, 

jedoch nicht grundsätzlich 

final zur lauten Apotheose getürmt, 

sondern auch mal lustvoll 

sich verlaufend frei variiert. Wer 

macht so was, macht diese 

enorme innere Freiheit derart 

hörbar, ohne sie je eitel zur Schau 

zu stellen? Zum poppolitischen 

Statement zu 

degradieren? In den lauten Entladungen, 

aber auch in der 

Grundstruktur einiger Songs 

Mono aus Japan als Anhaltspunkt. 

Bei aller Lust am laufenden Experiment: 

It`s still only the song. 

Sie klingen jung, suchend, dabei 

sehr viel ahnend. Sie sind jung. 

Pendeln zwischen großen elegischen 

Bay-Area-Türmen und 

Free-Jazz-Indie-Pop-Gefrickel. 

Kennen weder Limits, noch Tabus. 

Klingen wie der anarchistische 

kleine Bruder von Logh. Ich 

freu mich, diese Band weiterempfehlen 

zu dürfen. 

PS: Mein Gott, die machen mich 

wirklich fertig. Jetzt blasen und 

fiepen sie auch noch rum und 

kommen mir im Ausklang einer 

angejazzten Freecore-Attacke 

kammermusikalisch orientalisch. 

Und dann wieder implodieren sie 

in leiser Wehmut. Was um alles 

in der Welt werden uns diese jungen 

schwedischen Genies erst 

mal dann einschenken, wenn sie 

wissen, was sie tun? 


scrapsoftape.com 

KURZ & KNAPP mit Patrick Agis-Garcin THE DOPE - TIME TO. EP 

(Pretty Pink): Schon im zarten Alter 

von 13 Jahren fanden sich Gitarrist/Sänger Rudi und Drummer Klaus in einem niederbayerischen Gymnasium 

zum Duo The Dope zusammen. Drei Jahre später hat man sich vom pubertären Punkrock der Anfänge 

emanzipiert: In der Minimalbesetzung aus Gitarre & Drums bemüht man sich um Abwechslung und pendelt zwischen 

neugewonnener Indierock-Attitüde, wütender Teenage Angst und alter Punk-Leichtigkeit. Nett, aber noch 

nicht wirklich ausgereift. Aber das kann ja noch werden, schließlich sind The Dope noch jung, sehr jung sogar. 

Und dafür schon jetzt durchaus talentierte Songwriter. Dranbleiben! (6) V/A - 8 YEARS OF 12 PYLONS RE- 

CORDS (12 Pylons): Seit acht Jahren steht das Winz-Label und über die gesamte Landkarte der Nation verstreute 

Freunde-Kollektiv 12 Pylons nun schon für zumeist roh tönenden, komplexen Sound im Spannungsfeld 

von brachialem Noise- und kaputtem Indie-Rock. Zeit und Anlass für einen Querschnitt des sowohl aktuellen als 

auch die letzten vier Jahre umfassenden Geschehens. Der erfolgt hier über 16 Tracks, sowohl mit bereits veröffentlichtem 

als auch exklusivem Material. Sicherlich nicht essentiell, aber Highlights wie der Party-Postrock von 

Am Yeto oder die entspannten, unerwartet poppigen Beiträge von Laszlo Juri oder Useless Wooden Toys lassen 

das Fazit „entdeckenswert“ allemal zu. (8) TARENTATEC - BARACKE 5 EP (12 Pylons): Und noch einmal 12 

Pylons: Die „Baracke 5“-EP zeigt die Thüringer Tarentatec beim Siebenkampf live aus dem Proberaum. Und so 

klingt's dann auch: wie eine Freistil-Übung mit interdisziplinärem Schwerpunkt. Zwischen (gerne auch mal instrumentaler) 

krachiger Noise-Vertracktheit, minutenlang regungslosen Ambient-Passagen, Gitarrensoli aus dem 

Classic Rock-Katalog und räudiger Punk-Rasanz mit Anti-Gesang ist alles drin. Ebenso vielfältig fällt allerdings 

auch das Ergebnis aus: Zwischen dem herausragenden, dynamischen Opener und einem zwar enorm wuchtigen, 

letztlich aber richtungslosen Ausbruch wie „The Queen“ herrscht ein großer Graben. Da wünscht man sich 

fürs nächste Mal einen eindeutigeren Fokus. (7) FRANKY LEE - CUTTING EDGE (Burning Heart/SPV): Nach 

den folkigen Singer/Songwriter-Soloausflügen von Millencollin-Frontmann Nikola Sarcevic tobt sich nun auch deren 

Gitarrist Mathias Färm auf einem Nebenschauplatz aus. Dem Vernehmen nach aus einer Trinklaune heraus 

gründete er mit dem Drummer von Randy und dem ehemaligen Gitarristen der Peepshows eine kleine schwedische 

Allstar-Group, bleibt aber dem Sound seiner Hauptband im Großen und Ganzen treu. „Cutting Edge“ ist 

oft schneller, stets eingängiger Punkrock mit Punch; melodieselig, aber nicht zu glatt. Ein Projekt, das Spaß 

macht, aber kein Spaßprojekt. Natürlich wird hier nicht auch nur der geringste Aufwand betrieben, um sich von 

längst gesetzten Genre-Standards abzusetzen, aber weil hier dennoch mit genug frischer Power und stellenweise 

gar euphorisch gezockt wird: ein netter Zeitvertreib. (8) NERVOUS CABARET - S/T (Naive/Indigo): Ein 

schauerhaftes Kammerspiel vom jämmerlich gescheiterten Künstler, ganz ohne Publikum. Ein düsteres Bild ist 

es, das vom Sextett Nervous Cabaret aus Brooklyn gezeichnet wird - keine göttliche Komödie, sondern ein Trauerspiel 

mit Pauken und Trompeten, das auf Dauer schwer zu ertragen bleibt. Eine große Mitschuld daran trägt 

die an den Nerven zehrende, heisere Stimme von Sänger Elyas Khan, der wie ein Hund zum obskur-verqueren 

Indie-Theater-Entwurf seiner Backingband leidet. Die Mischung aus geballtem Seelenschmerz-Blues und Big- 

Band-Sound hat tatsächlich etwas kabarett-haftes an sich. Nun ersetze man das“nervous“ im Bandnamen noch 

durch „nervig“ und man kommt der Sache schon ziemlich nah. Da helfen auch gleich zwei Drummer nicht. (3) 


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50 

Anna Ternheim 

Von Fledermausflügeln davongetragene P0esie 

Anna Ternheim -Hmmm, wie zu erklären? Sie ist aus Schweden. Hat gerade ihre neue 

Platte „Separation Road“ veröffentlicht. Und trifft einfach. Mitten ins Herz durch den 

Kopf durch den Gehörgang -mit verstörenden Lyriks über die Liebe, sich finden, verlieren, 

für einen Tag, eine Nacht, das ganze Leben. Hinreißende Songs. Einst folkiger und 

reduzierter unterwegs (auf ihrer letzten Platte „Somebody outside“ von 2004), jetzt orchestraler, 

pompöser, soundtrack'esker. Sie ist Pop. Indie-Pop. Singer/Songwriter-Pop. Folk- 

Pop. Großer Pop eben. Mit unglaublich klarer Stimme und Poesie in ihren Geschichten. 

Nah dran an uns allen. Der Soundtrack zum Leben. Vorhang auf. 

Wir befinden uns in der schönen Daimlerstadt Schorndorf 

bei Stuttgart, in unserem Lieblingsclub „Manufaktur“, meist 

fünfte und letzte Station hochkarätiger Bands auf ihrer 

Deutschlandtour - nach Hamburg, München, Köln, Berlin. 

Namen gefällig? Yo La Tengo, Low, Kings of Convenience, 

G!YBE, Feist, Mogwai, I am Kloot, Soulwax….im April 

gastieren die Melvins und Built to Spill schaut auch mal 

eben vorbei. Und heute Abend die von uns herbeigesehnte 

Anna Ternheim. Wir treffen sie im Hinterhof neben einem 

riesigen Ungetüm von Tourbus und machen es uns auf 

einer Gittertreppe bequem; drinnen werden geschäftige 

Vorkehrungen zum Soundcheck 

getroffen, draußen begrüßen 

die Vögel zwitschernd den 

Frühling. Wir bitten 

Anna, sich so uns vorzustellen, 

als ob wir uns 

eben zufällig ohne Vorwissen 

getroffen hätten. 

A: „My name is Anna, and I'm 

just as old as I look, 28 years. I'm 

a fanatic when it comes to my work, 

right now I think my life is not that interesting, 

I play a lot of music, basically the 

whole time, I'm on tour, for 2 weeks in Germany, 

the future is like a white sheet of paper, 

what else should I say?“ 

nN: White sheet of paper? 

A: Ja... ich arbeite jetzt sehr viel, werde 

im Sommer viel spielen und vermutlich 

in Schweden auf Festivals auftreten, 

hoffentlich auch auf einigen in 

Deutschland, aber danach - 

... ich weiß es noch nicht haargenau, 

aber sicherlich werde ich an etwas 

arbeiten... 

nN: ...z.B. am 3. Album...? 

A: (lacht) Ja, genau, aber ich weiß noch nicht wo, möglicherweise 

gehe ich woanders hin, einfach um aus einem anderen Fenster herauszuschauen, 

ich fühle mich sehr inspiriert weiterzugehen. Dieses 

Album war wirklich sehr schwierig in seiner Entstehung, ich musste 

hart arbeiten, jedoch standen gefühlsmäßig viel mehr Türen offen als 

bei der letzten Platte, bei der habe ich mich sehr eingepfercht gefühlt. 

Sie wurde zu einer Art Baby, das man 10 Jahre lang umsorgt hat und 

dann verlässt man es, damit die 

Welt es sehen kann.

Man erkennt, dass man niemals etwas Vergleichbares wieder 

tun kann und dann muss man neue Sachen finden; was Spaß 

macht! Aber es ist immer etwas komplett anderes, bei meinem 

neuen Album ist das genau so. Es findet sein eigenes Leben 

und versucht nicht, irgendetwas zu wiederholen - ich wollte 

das auch auf jeden Fall anders machen. 

nN: Was sind die größten Veränderungen 

zur alten Platte? 

A: Vor allem eben gerade nicht 

zurück zu der alten Bar (dort 

wurde die erste Platte aufgenommen 

- Anm. d. Verf. ) und versuchen, dieselben Stimmungen 

und Atmosphäre aufzugreifen. Im Gegenteil: ich war in 

sehr guten Studios, habe mit anderen Musikern zusammen 

gearbeitet und immer eine genaue Vorstellung davon, was ich 

machen wollte. 

Das Album wurde größer, manchmal „more popy“, gleichzeitig 

aber sehr nackt und bloß. Ich musste nicht diese Richtung 

einschlagen, aber ich wollte es! Vielleicht gehe ich demnächst 

wieder zurück zu etwas Akustischem oder ich finde eine Art 

Mischung aus beiden Alben... vielleicht aber auch etwas völlig 

anderes. Bei dieser Platte hatte ich alles um mich herum verändert, 

das war etwas ganz Neues für mich, ähnlich wie neue 

Songs zu schreiben, alleine der Fakt, 4 Jahre älter zu sein. Die 

Stimme ist ein klein bisschen tiefer (lacht) wirklich, es fühlt sich 

für mich wie ein sehr großer Schritt an, ich weiß nicht, ob das 

jeder hören kann. 

„...sometimes you’re lucky / 

sometimes you’re not...“ 

Anna Ternheim 51 

nN: Die Platte ist ein wenig düsterer... 

A: Ja, vielleicht, nicht mehr so naiv und vielleicht auch nicht 

mehr so „girl-like“, ich denke, man kann dieses Mal hören, dass 

ich vorher genaue Vorstellungen davon hatte, wie alles werden 

sollte. Ich hab es gemacht. Entweder man mag es oder eben 

nicht. Gerade kann ich aber die Songs nicht mehr hören, bin 

ihnen ein bisschen überdrüssig...(lacht über sich selber). 

nN: Ist es dann schwer für dich, diese jeden 

Abend zu singen? 

A: Nein, überhaupt nicht! (sehr begeistert und nachhaltig) 

Denn das ist was total anderes! Schreiben ist 

die eine Sache, Aufnehmen eine andere... und Performen ist 

dann die dritte Art, Musik zu erleben! Ich liebe es rauszugehen 

und aufzutreten, denn es ist so direkt und hat soviel mit der 

Band zu tun; alles klingt so anderes als auf Platte. Diese nehmen 

wir als eine Art Start-Plattform, von der wir dann ausgehen. 

Auftreten ist eine explosive Energie, ich mag das Publikum da 

draußen, beim Auftreten kann man kleine neue Dinge entdecken, 

andere Menschen, andere Länder, einfach alles ist unterschiedlich. 

Nach ein paar Wochen braucht man aber eine Auszeit, 

um sich anderen kreativen Dingen zu widmen. 

nN: Hast Du eine bestimmte Mission? 

A: In Kontakt kommen mit den Menschen da draußen. Sie 

bewegen! Wenn man nur in emotionslose fahlglatte Gesichter 

schauen würde, dazu ohne Inspiration spielen...? 

Ich meine, man nimmt einen so langen Weg auf sich, man fährt

52 

Anna Ternheim 

viele Stunden irgendwo hin, man plant das ganze über Wochen 

und Monate hinweg, die Crew arbeiten einen halben Tag hinter 

der Bühne und dann hat man 1 ½ Stunden auf der Bühne... Da 

muss dass dann einfach gut werden! Und das ist der springende 

Punkt. Das ist der Höhepunkt vom Tag! 

Und beim Tourleben geht es aber unter anderem auch darum, 

Stunden verstreichen zu lassen, denn man hat sehr viel Zeit. 

Für einige Leute ist es der blanke Horror, denn wenn man nichts 

zu tun hat, kann man müder und müder werden, sehr destruktiv 

für manche...Ich denke aber, ich habe für mich einen Rhythmus 

gefunden: ich bin hier heute herumgeschlendert, habe die Kühe 

gerochen (alle lachen), ein nettes Omelett heut in der Stadt 

gegessen (von glücklichen Hühnern - Anm. d. Verf.), in Berlin 

hatten wir z.B. einen fetten dekadenten Sonntagsbrunch, sind 

nur relaxt in der Sonne herumgesessen... es ist manchmal so 

wie auf einem Schulausflug! Wir sind 14 Jahre alt, weit weg von 

Zuhause und man muss sich für nichts verantwortlich fühlen... 

ich kann Leute verstehen, die ihr ganzes Leben auf Tour sind, 

weil es eine ganz spezielle Art zu leben ist. 

nN: Du musst auf Tour also nichts arbeiten oder managen? 

Du kannst dich ganz neuen Songs widmen? 

A: Nein, überhaupt nicht, wir leben 

gerade so eng zusammen... da 

kann ich keine Songs schreiben. 

Ich bin niemand, der 360 Tage im 

Jahr auf Tour sein kann, das 

würde ich nicht aushalten. Wobei ich 

das Auftreten mag. Für eine Weile ist 

Touren gut, aber dann... Irgendwann 

ist die Energie aufgebraucht. Auf der 

einen Seite verlängern viele Ortwechsel 

und Veränderungen das 

Leben irgendwie. Wenn man 10 

Jahre am selben Fleck wohnt, geht 

alles irgendwie ineinander über. 

Wenn man z.B. einfach mal sein 

Bett woanders hinstellt, kann man 

die Zeit etwas verlangsamen, vielleicht 

lieg ich auch falsch (lacht). 

Songwriting 

Halfwway to fivepointss 

How to get to fivepoints 

Make the wrong turn you know 

If you're thinking of going 

Think no more 

Who's taking you down there 

What's his name 

Let me know 

The price he offers 

Round the corner of love 

Halfway to fivepoints 

Is as far as you come 

Halfway with high hopes 

Of love 

(...) 

(...) who could possibly save / Save us from 

madness / Love is the common name / Again, we 

depend / On the one to blame (...) 

nN: Was ist zuerst da? Musik oder Text? 

A: Ziemlich oft zuerst die Musik mit ein paar wenigen Worten 

und dann ein Gefühl oder eine Idee, irgendwo versteckt. Ich 

liebe Melodien und Musik, ich habe Millionen von Ideen, könnte 

den ganzen Tag dasitzen und einfach nur spielen, ohne zu 

wissen, was ich sagen möchte. Aber wenn es dann zum Songwriting 

kommt, sind die Wörter meist ziemlich schnell da, ebenso 

die Melodie dazu. Aber es gibt keine konkrete Methode oder 

Regel... jedes Mal anders. 

nN: Welche Rolle spielt die Band? 

A: Es waren schon immer meine Songs, ich schreibe sie und 

präsentiere sie dann der Band. Aber das bedeutet nicht, dass 

sie nicht wichtig für mich wäre... 

Kerstin's Lieblingsstück von Anna Ternheim 

nN: ...Du bist kein Diktator... 

A: Doch genau, das bin ich! Und 

das ist vielleicht ein Problem für 

mich, denn ich bin kein Bandmitglied, 

bin es auch nie gewesen und 

wenn ich es doch mal gewesen bin, 

wurde es zum Problem, denn ich 

bin der Diktator... 

nN: ...Du bist der Bandleader. 

A: Genau! Eine Band ist eine besondere 

Art von Chemie; wenn jeder 

seine Rolle findet, ist es das allerschönste 

auf der Welt. Ich bin sehr 

abhängig von meinen Musikern, 

denn wenn ich mit den falschen Leuten 

spiele, die die falschen Sachen 

mit einbringen, wäre das ein Desaster.

Mentor 

nN: Hast du einen Mentor, der dich weiterbringt? 

A: Mein Produzent Andreas Dahlbäck, der heute Abend Schlagzeug 

spielen wird. Das passt einfach mit ihm auf eine ganz besondere 

Weise. Wir pushen uns gegenseitig, ein wenig weiter zu 

gehen: niemand weiß, wie lange so etwas funktioniert oder was 

dabei herauskommt. Vielleicht wird er mein neues Album gar nicht 

produzieren... aber ich hoffe wirklich, dass es jemand sein wird, den 

man einfach anrufen kann, wenn man ihn braucht. Komplett isoliert 

zu sein, das kann nicht gut sein. 

Anna Ternheim 53 

Das große Ding an dieser Produktion war eigentlich nicht die 

Produktion selber, sonder viel mehr die Musiker. Das letzte 

Album war komplett anders, mehr „Indie“, wir haben in dieser 

alten Bar aufgenommen ohne ein fettes Label im Rücken, 

aber unsere eigenen Sachen reingestellt, soviel Zeit investiert, 

es war eigentlich eine Riesen-Produktion! 

Dieses Mal wurde einfach nur gespielt, die Musiker haben 

ihre Melodien eingebracht, es ging alles viel schneller. Ich 

mag beide Arten! Die langsame und die schnelle. 

Coversongs 

nN: Wie findest du deine Coversongs, oder finden sie 

dich? 

A: Ich finde die Songs und anschließend finde ich eine Art, 

sie zu spielen. Es gibt ein Haufen guter Stücken, die ich niemals 

machen könnte, die einfach schon komplett magic sind 

wie z.B. der „Hallelujah Song“ von Jeff Buckley, oh wow! Es 

hat mit „shoreline“ angefangen (auf dem 1. Album - Anm. d. 

Verf.) , ich habe schon immer Broder Daniel gemocht und bin 

von seiner Art, wie er mit Melodie und Texten umgeht, sehr 

angetan. Die Songs auf der Cover EP sind allesamt große 

80er Jahre Produktionen, wirklich gute Popsong, Songs, mit 

denen ich arbeiten wollte. Ich liebe es, sie sehr einfach zu 

halten. Wenn man keine eigenen Idee zu einem Coversong 

hat, macht das keinen Sinn. 

Anna findet es sehr spannend, wie z.B. auch beim Cover 

„China girl“ ein von einem Mann gespieltes Stück aus der 

Sicht einer Frau zu singen, was dem ganzen eine ganz neue 

Bedeutungsebene hinzufügt. Gleichzeitig betont sie auch, 

dass sie es jedem offen halten möchte ihre Songs zu 

deuten, damit sich jeder seine eigenen Geschichten 

dazu interpretieren kann. 

Artikulation 

nN: Was mich bei deinem Gesang sehr 

angezogen hat, war die Tatsache, 

dass du jeden Laut, jede Silbe so 

deutlich bringst. 

A: Meinst du meinen Akzent? 

nN: Nein, du sprichst sehr klar und direkt. 

A: Ich glaube, wir Schweden sprechen alles 

sehr deutlich aus. Ich bin eigentlich kein 

Sänger, ich singe einfach. Es gibt Sänger 

wie Mariah Carey, die packen all diese 

Sachen rein (macht Schnörkelbewegungen 

mit der Hand), aber ich halte es sehr klar und 

straight. Es funktioniert für mich; ist irgendwie 

mehr wie Geschichtenerzählen, ich bin mehr 

ein Geschichtenerzähler denn Sänger.

54 

Artwork 

Anna Ternheim 

nN: Erzähl uns was zu deinem Artwork. 

A: Unser Studio war sehr nahe am abgebildeten Ort. Das Bild 

kann eigentlich gar nicht die Landschaft zeigen, wie sie wirklich 

ist, es ist unglaublich riesig 

dort! Das lässt sich mit 

nichts vergleichen, das ich 

kenne. Deswegen kommt 

das alles ein wenig surreal 

rüber, es könnte die 

Zukunft und die Vergangenheit 

sein. Diese Jungen, 

die Jungen-Armee 

schaut auch furchterregend 

aus. Sie ist beides: 

unschuldig und gefährlich. 

nN: Ich muss da an David 

Lynch denken...die Atmosphäre. 

A: Ich liebe seine Filme, sie können genau so eine Atmosphäre 

an sich haben. Was macht sie aus? Die Bilder? Die Musik? 

...Schwer herauszufinden, was es ist. Und schwierig, genau dort 

hin zu kommen. Es ist zumindest aufregend, sich darauf einzulassen. 

Jeder kann sich was dazu ausdenken. 

nN: ...Eine Spezialität in Schweden? 

A: Ich denke der Rollenunterschied zwischen Mann und 

Frau besteht in Schweden kaum mehr, je weiter man 

aber in Europa nach Süden kommt, desto größer wird er. 

Was folgt, ist ein aufregendes Gespräch zwischen Frauen: 

über Gesellschaftssysteme, Kinder, Beruf, Rollen, 

Unterschiede. 

nN: Jetzt zum Schluss: Dein Motto oder eine Weisheit 

an unsere Leser! 

A: „No, maybe in 20 years, I made mistakes all the 

time… maybe, „don't be too hard to yourself.“? 

Zum Schluss gibt es 5 kleine Schokohäschen für Anna 

und Band, wir bedanken uns für das nette Gespräch und 

freuen uns auf die Show, die wie erwartet voll und vor 

allem wundervoll 

war! In einigen 

Publikationen 

konnte man etwas 

von einem „Nonnenkostüm“, 

in das 

Frau Ternheim auf 

der Bühne angeblich 

gehüllt war, lesen. 

Mitnichten! Der 

Kapuzenumhang, 

den Anna während 

ihrer Show trug, 

war eher eine Anspielung 

auf das 

Matthias' Lieblingsstück von Anna Ternheim 

Feeellss lliikee ssaannd 

I know you have no place left to go 

I'm your last escape 

So I've been told 

You get paranoid 

Drinking on your own 

I've been replaced by you before 

I'm just another corpse along your road 

No regretful eyes 

Can win my sympathy this time 

Halo, halo 

Above your head today 

Saying you're a changed man now 

(...) 

dunkle Genre der alten Grusel- und Horrorklassiker, der ihrer 

Leidenschaft hierzu programmatisch Rechnung trägt. Vielleicht 

waren jene Schreiberlinge besagter Zeitungen enttäuscht 

gewesen ob dem Mangel an brachialem Männerklischee bedienendem 

Sexappeal auf der Bühne... Vielleicht aber auch nicht. 

Eines steht für uns jedenfalls fest: Ihre Musik wirkt! Und ist ohne 

tiefen Ausschnitt sehr sehr sexy! 

Text/Fotos 

Kerstin Wahl und Matthias Horn 

annaternheim.de

JOHNOSSI -s/t 

(V2 Music Scandinavia) 

War ich doch letztens aufm Mando Diao Konzert, nä? 

War ganz schön voll. Und wie standen wir da noch im Vorraum 

rum, tranken Bier, schäkerten und beobachteten die 

ganzen vielen jungen hübschen Menschen. Wobei, auch 

ich war ja mit ein paar jungen hinreißenden Menschen vor 

Ort. Nehmen wir z.B. Uwe, meinen Mitbewohner: Knapp 18 

Lenze und denkt, er sei'n ganz großer... Auf jeden Fall 

ertönte plötzlich ein Grummeln aus dem Inneren des Veranstaltungsortes 

und es kam Bewegung in die junge große 

(Einheits-)Masse. Die Vorbands mussten begonnen haben, 

die Spiele waren eröffnet. Das Grummeln stieb zu einem 

Grollen heran und dann war da ein Mann mit einer Gitarre, 

der nach einem kurzen ruhigen Part und unglaublich genialem 

Gesang seiner Band für ein fettes Rockgewitter Platz 

machte - zumindest kam es mir so vor. Bis ich bemerkte, 

dass die Band nur aus zwei Menschen bestand. John und 

Ossi. Ganz einfach Johnossi. Unglaublich. Purer reduzierter 

Rock, so emotional zum besten gegeben, als würde am Tag 

danach die Welt untergehen. So präsent, dass es schmerzt. 

So vom Leben erzählend. Und sofort in einem drin. Unter 

dem Herzen, im Magen, im Kopf. Vor allem im Kopf. Elf 

Songs, 35 Minuten. Keine Zeit für unwesentliche Dinge verschwendet. 

Alles sagen, was gesagt werden muss. Keine 

Zeit verschwenden. Purismus. Reduziertheit. Wesentlich. 

Auf den Punkt gebracht. Und schmerzhaft. Unbedingt nachvollziehbar, 

textlich wie musikalisch. Johnossi kommen aus 

Schweden und sind das unglaublichste Duo seit den Two 

Gallants und den Black Keys (und weil's ja fallen muss: 

auch seit den White Stripes... zufrieden?). So energisch und 

energetisch wie auf der Bühne kommen Johnossi auch in 

Dein Zimmer; da wird gesäuselt, musiziert und geschrieen, 

als wenn es das letzte wäre, das man je machen könnte. 

Als würde es kein Morgen geben. Dazu ist die Platte heftig 

nah und präsent produziert! So retro im positiven Sinn, so 

emotional weit vorne, wohin das Gros der doch zahlreich 

vorhandenen Emo-Bands nie nie nie kommen wird. Ein 

unglaubliches Rock-Singer/Songwritertum voller Überraschungen. 

Und unglaublich muss nochmals fallen. Eine 

unglaubliche Platte. Meine des Jahres. Und "Press Hold" ist 

mein neuer Lieblingssong auf Lebenszeit. 

Matthias Horn 

Johnossi.com 

Ride - Going Blank Again 

auchSchoen 55 

Manchmal wird man ja ganz unverhofft auf alte Lieblingsscheiben 

gestoßen. Eine Situation, die einen an eine alte Schlüsselszene 

erinnert, beim Kramen in alten Zeit- oder Tagebuchschriften, 

beim Gedankensortieren. Es bleibt dann oft ein Gedankensplitter 

der sich festsetzt, der musikalisch absolutiert werden will. 

Diesmal war es eine einfache, nichtsdestoweniger sehr schöne 

und vor allem unerwartete SMS eines alten Freundes, die mich 

wieder auf ein langjähriges Lieblingsalbum hingewiesen hat. 

"Tut echt gut diese Platte", stand an deren Ende und schon ging 

an einem trüben Montagvormittagscheißverregnettag die Assoziationskette 

los und ließ mich lächelnd im Arbeitschaos stehen. 

Sämtliche Erinnerungen zu dieser Platte im Sekundenszenario 

abgerufen. Für kurze Zeit haben wieder alle Ausblendungsmechanismen 

wunderbar funktioniert. "Never been so far away". 

Genauso wie damals am Sonnenbalkon - mann, das war wirklich 

1992, also vor knapp 15 Jahren - als wir zwei schweigend, 

fast weltentrückt nebeneinander liegend dieses Album gehört 

haben. Im Hintergrund "Leave Them All Behind". Verträumte 

Indiegitarren mit einem unglaublich vielseitigen Schlagzeugfundament 

und einem drückend-melodiösen Bass, die Musik trotz 

aller mehrstimmigen Vocalmelancholie nach vorne treibend. 

Immer wieder chantend "Leave Them All Behind". Ride sind in 

erster Linie Melodie, in zweiter Stimme. Akustik- und Distortion- 

Gitarre jagen sich dann gegenseitig in den Melodienhimmel und 

heruntergetunte Mollsounds bringen sie manchmal wieder down 

to earth. Orgel und Echos weben ein leicht psychedelisches 

Fundament. Mit Britpop hat das alles überhaupt nichts zu tun, 

dafür ist es zu fein. Es ist auch nicht einfach nur ein schönes 

Indiealbum. Diese Platte atmet und lebt so viel unglaubliche 

juvenile Energie, Melancholie und Kreativität. "Going Blank 

Again" ist immer noch ein sich fallen lassen und fortgespült werden. 

Die Realität ausspielen, ihr mehr als nur zwei, drei kurze 

Schnippchen schlagen, aber trotzdem Pläne schmieden.1992, 

da waren wir teils noch ganz schön naiv, irgendwie war das aber 

auch schön. Und manchmal kann es einem das Gemüt falten, 

wenn man merkt, wie begeisterungsfähig man damals war. Wie 

lange man sich wegträumen konnte. Einfach so am Nachmittag, 

in der Sonne. Womit man jetzt gelinde Probleme hat, über die 

man nicht so viel nachdenken möchte. Ride haben nie wieder 

ein annähernd so gutes Album herausgebracht. Das ist auch 

egal, denn dieses hier ist eines für die Ewigkeit. Auch die grandiosen 

Momente lassen sich nicht mehr wiederholen. Aber vielleicht 

können wir uns ab und an wieder etwas auf diese träumerische 

Naivität konzentrieren, ihr mehr Nischen bieten, mehr 

Leichtigkeit zulassen. 

Christian Eder

B Fuoco 

56 

ericht aus Feuerland 

nN: Flo, auf eurer Homepage fuoco-noise.com ist ein „Travelogue“ 

- also ein Reisebericht - zu finden, der die 

Songs und vor allem die Songtexte auf der Platte in 

einen prosaischen Kontext einbettet.... 

Flo: Ja, der Travelogue ist quasi die Geschichte zum Album, in 

dem die Songs und ihre Texte in einen unmittelbaren 

Zusammenhang gestellt werden. Die Songs hängen nicht nur 

akustisch aneinander, sondern ergeben auch zusammen eine 

Geschichte, einen Inhalt, die der Travelogue auf unserer Website 

erzählt. Ich denke durch diesen Bericht erhält die Platte für 

den Hörer einen Rundum-Zusammenhang und ist nicht nur ein 

Mobile aus einzelnen Fragmenten. 

Viele Bands separieren ihr Album in verschiedene Moment - beispielsweise 

bezüglich Textinhalt, musikalische 

Umsetzung und optische Gestaltung. Das 

sind dann alles in sich stimmige Fragmente, 

aber ich möchte mit dem 

Album „A Travelogue“ eine ganze, 

aufeinander aufbauende Geschichte 

erzählen, die beim 

ersten Song beginnt und 

beim Letzten endet. Ich 

habe über 60 Minuten Zeit 

so ein Album mit Inhalt zu 

füllen, alles reinzupacken. 

Eine einsame Akustikgitarrenmelodie, 

gepickt, gezogen, leicht 

mit Hall unterlegt; dann ein tiefes, bassreiches Grollen und eine Stimme, die im Nirgendwo zu schweben 

scheint. „Spaceship On The Back Of My Acoustic Guitar“ - das Intro von „A Travelogue“ zeigt 

schon an, wohin uns das zweite Album der Frankfurt/Mannheim/Wien-Connection FUOCO (dt.: Feuer) 

entführen will: in vernebelt-psychedelische Gefilde, angereichert mit alten Analogsynthesizern, ebensolchen 

Orgeln und unbedingt locker aus dem Handgelenk gespielten Gitarren. Die Band selbst nennt 

das Space-Vintage-Rock, der die „Klangkultur der 70er-Jahre“ neu belebt. Das würde ich auch so unterschreiben. 

Das wirklich tolle an „The Travelogue“ ist aber, dass wir es hier nicht nur mit einem wirklich 

erstklassigen Stück Musik zu tun haben - Flo Baum, Songschreiber, Produzent und Mastermind von 

Fuoco, hat zusammen mit seinen vier Mitstreitern vielmehr versucht, eine Art „Gesamtwerk“ aus Musik, 

Text und Prosa zu schaffen. 

Man kann so viel mehr erzählen, so viel transportieren, anstelle 

der allgemeinen 3:30 Minuten-Weisheiten. Wie spannend ist es, 

permanent Neues an einem Album zu entdecken, Zusammenhänge 

und Geschichten zu begreifen!? Zu bemerken, dass sich 

da jemand viele Gedanken gemacht hat, viel Zeit und Liebe investiert 

hat, um nicht einfach ‚nur' nett Musik auf CD zu pressen!? 

Ich persönlich habe diesen Anspruch und es war mein Ziel, mit 

„A Travelogue“ ein so rundes „Gesamtwerk“ zu erschaffen, wie 

nur möglich. 

nN: Als ich „A Travelogue“ das erste Mal hörte, war ich mir 

sicher, dass da eine Band am Werke ist, deren Mitglieder 

schon das ein oder andere Jahr über die 30 hinausgeschritten 

sind und die vielleicht auch schon einige 

Jahre in anderen Bands Erfahrungen 

sammelten. Ihr seid nun aber alle 

Mitte 20.

Wie kommt es, dass man sich in diesem Alter ausgerechnet 

psychedelisch-epischen Prog-Kraut-Rock mit klaren 70er- 

Reminiszenzen verschreibt? 

Flo: Ich liebe einfach die Musik, den Zeitgeist, und das Musikverständnis, 

wie es sich in den 70er Jahren entwickelte. Für mich ist 

das der Zenit der „Popmusikgeschichte“ und verkörpert eine Leidenschaft 

und Ambition, die heute nicht mehr existiert. Leider. 

Die 70er sind vor allem in Soundkultur und Songwriting meine 

großen Vorbilder und transportieren den ehrlichen, menschlichen 

Musikcharakter. 

Für mich ist dies das Ideal, und aus diesem Grund erkennt man 

in unserer Musik gewisse Formen und Silhouetten, die der Musik 

aus den 70ern ähneln. 

Die gegenwärtige Musiklandschaft langweilt mich zunehmend. 

Zu vieles dreht sich in meinen Augen um die „fette Produktion“, 

die Marktfähigkeit der Songs und um glamouröse Verpackung. 

Leider dominiert aufgrund dieser Kriterienverschiebung zu viel 

Scheiße die derzeitige Musiklandschaft... 

nN: Dennoch ist eine gewisse Rückbesinnung auf diese, 

von dir angesprochenen ‚alten Ideale' in der gegenwärtigen 

Musiklandschaft nicht zu überhören. Was hältst du 

generell von diesem Retro-Trend? 

Flo: Ich habe das Gefühl, dass der Retro-Trend schon wieder 

abklingt. Das Ganze fing in meinen Augen 2001 mit dem ersten 

Album der Strokes an, das auch medial ein riesiges ‚Hurra Hurra' 

entfachte. Secondhand-Läden wurden (und sind bis heute) unverschämt 

teuer und einschlägige Konsum-Klamottenhäuser 

machten mit ausgewaschenen Shirts von den Ramones oder 

Iron Maiden bei den Kids Furore. Allerdings meine ich zu beobachten, 

dass diese mittlerweile auch aus 

den Re-galen wandern, um am 

nächsten Tag auf der 

Schnäppchen-Stange 

zu landen. 

Mittlerweile ist 

der Trend 

Fuoco 57 

eher auf ‚Jeder-kann-Popstar-sein' gekippt. Das wird uns ja auch 

ständig durch all die beknackten Privatsender dieses Landes eingeimpft. 

nN: Hast du nicht Angst, dass Fuoco auch in diese kommerziell 

ausgeschlachtete ‚Retro-Ecke' gestellt wird? 

Flo: Angst vor der Retro-Ecke? Beziehungsweise Angst als 

„Trend-Band“ abgestempelt zu werden? Habe ich absolut nicht. 

Aus dem einfachen Grund, weil unsere Band sich nicht bemüht 

so zu klingen, weil's gerade hip ist. Das ist nicht unser Antrieb. 

Für mich kommt Musik aus dem Bauch und „A Travelogue“ ist 

genau so entstanden. Mein Ziel war es, die Songs so zu gestalten 

und zu bearbeiten, dass sie sich für MICH richtig anhören 

und das Maximum an Gefühl in mir wecken. Ziemlich egoistisch 

also, und so gar nicht die Art einer Band, die krampfhaft einem 

Trend nacheifert! 

nN: Fuoco steht musikalisch in der Tradition von Bands, die 

sehr viel experimentierten - mit Sounds, Instrumenten 

und nicht zuletzt Drogen. Wie wichtig ist dir dieser experimentelle, 

bewusstseinserweiternde Ansatz beim Musik 

machen und im Leben generell? 

Flo: Du meinst konkret in Bezug auf Drogen? Obwohl wir - 

anscheinend - so klingen, sind wir alle fünf völlig drogenfrei! 

Ohne Quatsch. Bene und Oli rauchen sogar beide nicht und trinken 

selten Alkohol. 

Ich persönlich habe ziemlichen Respekt vor Drogen und kann es 

mittlerweile überhaupt nicht mehr leiden, nach Alkoholkonsum 

nicht mehr Herr meiner Sinne zu sein. Von daher kommen andere 

‚Mittelchen' bei mir gar nicht erst in Frage. Ich persönlich 

bastele an der Rezeptur, wie meine Musik zu meiner Droge wird 

und mich gnadenlos in den Orbit jagt. Und zum Entwickeln dieser 

Rezeptur brauche ich einen klaren Kopf. Anders kann ich 

nicht arbeiten. Ich möchte permanent durch Musik mein 

Bewusstsein erweitern 

und mich berauschen 

lassen.

58 

Fuoco 

Auf der Bühne klappt letzteres mittlerweile schon ganz gut. Beim 

Musikrausch bin ich dann jederzeit in der Lage meinen Rausch 

zu steuern, kann mich entscheiden, wo der Trip hingehen soll, 

oder lasse mich von der Band mitnehmen. Und ich kann auch 

runterkommen, wenn ich das möchte. Der Drogenrausch birgt 

immer die Gefahr, dass die Droge komplett das Steuer übernimmt. 

Diese Vorstellung mag ich nicht. Ich 

bin gerne in der Lage zu entscheiden, 

ob ich hoch oder runter schalten will. 

nN: Die Bandmitglieder von Fuoco 

leben sehr weit voneinander 

entfernt - genauer gesagt 

in Wien, Frankfurt und 

Mannheim. Wie kam 

es eigentlich überhaupt 

zu dieser 

Konstellation? 

Flo: Ich bin gebürtig 

aus dem Frankfurter 

Raum - genauso 

wie mein Bruder 

Bene (Bassist) und 

Oli (Orgel-und 

Synthiespieler). Ich 

habe zwei Jahre in 

Wien gelebt und 

gearbeitet. Dort lernte 

ich Alex und Ludwig 

(Drummer und 

Gitarrist) kennen. Seit 

2005 lebe und studiere ich 

in Mannheim...Und das ist 

auch schon die ganze Geschichte! 

nN: Wie „funktioniert“ die Band angesichts dieser großen 

räumlichen Distanz? 

Flo: Ich schreibe die Songs alle selber. Ich habe ein kleines Studio, 

wo ich die Songs dann aufnehme, alles selber einspiele und 

an die Jungs schicke - meistens per e-Mail. In gemeinsamen 

Proben tüfteln wir noch ein wenig an den Songs rum und spielen 

sie dann live. 

nN: Was sind Vor- aber auch Nachteile dieser Vorgehensweise? 

Flo: Für mich ist klar der Vorteil, dass ich den Song nach meinen 

Vorstellungen ‚erstellen' kann und quasi fertiges Material weitergebe. 

Jeder Musiker verleiht dem Song durch seine Eigenart 

wiederum eine gewisse Note, die aus dem Song dann einen 

Fuoco-Song macht. Eiserne Regel ist dabei natürlich: Jeder 

neue Song muss auch der ganzen Band gefallen!! 

Nachteile hatten wir bisher noch nicht wirklich. Dass die Jungs 

einen Song zum Beispiel gar nicht mochten oder abgelehnt 

haben, kam Gott sei Dank noch nicht vor. 

nN: Wünschst du dir trotzdem nicht ab und an eine Band 

„vor Ort“? Hierdurch ließen sich Ideen und Ansätze 

eventuell spontaner und dynamischer umsetzen... 

Flo: Eine Band lebt davon, letztendlich gemeinsam zu musizieren. 

So gesehen wäre es natürlich klasse, Leute vor Ort zu 

haben, mit denen man regelmäßig proben kann. Mittlerweile 

habe ich mich aber so daran gewöhnt, selten zu proben, dass 

mir regelmäßige Proben auf den Sack gehen würden. Zu oft 

werden die Songs wieder und wieder gespielt, man doktert 

eventuell endlos dran rum und verliert natürlich 

seine Objektivität. 

Für uns funktioniert unserer Arbeitsweise sehr gut, 

und wir laufen durch seltenes Proben auch nicht 

Gefahr, unsere Songs tot zu spielen bis sie uns langweilen. 

Voraussetzung ist natürlich immer, dass sich 

jeder selbständig vorbereitet und für die Probe die 

Songs auf dem Kasten hat. In der gemeinsamen 

Probe müssen die einzelnen Fragmente dann nur 

noch zusammengesetzt werden. Wenn wir uns 

sehen, ist alles auf die Probe und den bevorstehenden 

Gig konzentriert - das ist auch ein Vorteil. 

Außerdem sehen wir uns selten und dadurch wird 

jeder gemeinsame Gig in seiner Art zelebriert. Wir 

genießen es in dem Moment miteinander Musik zu 

machen. 

Andererseits liegen 780 Kilometer zwischen uns 

und wir mussten aus diesem Grund schon den ein 

oder anderen Gig ablehnen - natürlich ein großer 

Nachteil!! 

nN: Zum Schluss: wieso eigentlich ein italienischer Bandname...? 

Flo: Ich mag die italienische Sprache und ihren Klang sehr gerne. 

Daher habe ich mich auch gezielt nach etwas Italienischem 

umgeschaut. Ich war nicht wirklich scharf auf einen englischen 

Namen. Ich stehe dann doch eher auf etwas unkonventionellere 

Bandnamen... 

nN: Vielen Dank! 

Flo: Wir haben zu danken! 

fuoco-noise.com * Fotos: Fuoco 

Jochen Wörsinger

60 

Dälek 

Düsterer ist eine HipHop-Platte wohl seltener ausgefallen: 

Mit "Abscence" sorgten DÄLEK vor knapp zwei Jahren für 

einen der wohl schwärzesten Momente in der Geschichte 

des Sprechgesangs. Mit dem aktuellen Album "Abandoned 

Languages" arbeitet sich das Projekt um MC Will Brooks aka 

Dälek zwar wieder ein wenig aus den ganz morbiden Tiefen der 

drückenden Bässe heraus, um dabei sogar so etwas wie ein paar 

positive Momente zu schaffen, fröhlich aber, und damit können 

"Abscence"-Fans beruhigt werden, ist das vierte Studiowerk Däleks 

garantiert nicht geworden. 

"Wir haben einfach einen Abschnitt hinter 

uns gelassen und uns neu orientiert", 

erklärt Haven die nicht mehr ganz so 

schwermütige Prägung der neuen Veröffentlichung: 

"Das letzte Album ist ein in 

sich abgeschlossenes, das einfach für 

eine gewisse Phase in der Band steht, 

die aber mittlerweile beendet ist. Das 

heißt mitnichten, dass ich nicht mehr 

stolz auf "Absence" wäre. Aber zu versuchen, 

ähnlich klingende Stücke einzuspielen, 

wäre einfach sinnlos gewesen - 

unkreativ und langweilig." So spielt denn 

"Abandoned Languages" mit weitaus 

wärmeren Sounds, ist eingängiger ausgefallen 

und bietet damit fast schon 

Hörern gewöhnlichen HipHops eine Einstiegsmöglichkeit, 

ohne die eingeschworene 

Anhängerschaft vor den Kopf gestoßen. 

Überraschenderweise handelt es 

sich bei den darauf zu findenden 

Songs nicht 

direkt um brandneues 

Material, 

sondern um Stükke, 

die zu einem 

Großteil während 

der Aufnahmen 

von 

"Abscence" 

entstanden. 

"Man kann nicht einfach nur einen Zyklus 

düsterer Songs schreiben - da ist 

immer wieder etwas dabei, das aus 

dem Rahmen fällt. So war es in 

dem Moment, als wir vor zwei 

Jahren am letzten Album gearbeitet 

haben. Eine Menge der 

dabei entstandenen Stücke 

haben einfach von ihrer Grundausrichtung 

nicht zusammen 

gepasst, so dass wir schließlich 

entschieden haben, den 

eher schweren Teil auf einer 

Platte zusammen zu fassen 

und bei der kommenden auf 

das andere Material zurück 

zu greifen." 

Live werden Dälek daher 

verstärkt auf die gerade veröffentlichten 

Stücke zurückgreifen: 

"Wahrscheinlich werden 

wir sogar das komplette 

Album vorstellen, allerdings natürlich 

nicht in der Reihenfolge 

der Stücke, wie sie auf "Abandoned 

Languages" zu finden ist. Das wäre dann 

doch etwas sehr langweilig. Daran 

anschließend wird es wohl so etwas wie 

einen ‚Best Of'-Block geben, der dann 

auch älteres Material enthält. Wenn man 

Stücke jahrelang live gespielt hat, ist es 

manchmal etwas schwierig, die dafür 

nötige Energie noch aufzubringen. Daher 

ist es auch für uns ganz spannend, uns 

größtenteils auf Neue zu konzentrieren." 

Elf Monate werden MC Dälek, The Okto- 

pus und wechselnde Gäste auf Tour sein 

- mindestens: "Das ist eine lange Zeit, 

keine Frage. Aber ich bin jetzt Anfang 

Dreißig, da stellt sich die Frage, wie 

lange man das überhaupt noch machen 

kann. Und da es mir unheimlich Spaß 

macht, unterwegs zu sein, möchte ich 

das noch so lange wie möglich genießen. 

Dazu kommt, dass wir mit einem wech-

selnden Line-Up unterwegs sein werden, 

und je nachdem, wo wir gerade sind, mit 

unterschiedlichen Musikern touren werden. 

So werden wir bei einer Reihe Termine 

mit größerer Besetzung unterwegs 

sein, unterstützt beispielsweise von 

einem Saxophonspieler, während bei 

anderen auch mal nur drei Leute auf der 

Bühne stehen werden. Das bringt eine 

Menge Abwechslung 

mit sich, kaum eines der 

Konzerte wird daher wie 

das andere sein." 

Anders als in früheren 

Tagen können sich 

Dälek mit steigendem 

Bekanntheitsgrad auf 

einen vollen Tourkalender 

verlassen. Bei ihren 

ersten Touren in Europa 

sah das noch ganz 

anders aus. "Das war 

fast schon ein Desaster, 

die Agentur, die die Tour 

gebucht hat praktisch völlig unfähig. Sie 

waren nicht in der Lage, zusammenhängende 

Termine zu buchen. So ist es 

immer wieder vorgekommen, dass wir bis 

zu sechs Tage Pause zwischen zwei 

Shows hatten. Da wir dabei auch noch 

kaum Geld verdient haben, sind wir teilweise 

tagelang irgendwo rumgehangen 

und waren froh, wenn wir uns überhaupt 

etwas zu Essen kaufen konnten. Am liebsten 

hätten wir irgendwann die ganze 

Tour abgebrochen - aber wir konnten uns 

ja nicht mal die Flüge zurück leisten!" Für 

einen bleibenden Eindruck hat diese Tour 

aber nicht nur aus genannten Umständen 

heraus gewonnen, sondern auch durch 

eine ganz besondere Konstellation, die 

sich in ihrem Verlaufe ergab. So ist ihr 

letztendlich die EP "Faust vs. Dälek" zu 

verdanken, eine Kooperation, die man 

sich so wohl kaum ausgemalt hätte. "Das 

war wirklich eine interessante Geschichte. 

Ich war schon seit früheren Tagen ein 

großer Anhänger der Band, und in einem 

Song auf "Negro, Necro, Nekros" beziehen 

wir uns sogar auf Faust. Keine 

Ahnung, wie sie letztendlich auf uns 

gekommen sind (von dem Track jedenfalls 

wussten sie nichts), aber irgendwann 

kam die Anfrage, ob wir nicht etwas 

zusammen machen können. Wow, eine 

Band, die du schon immer bewundert 

hast, von der du dir aber nicht mal vorstellen 

kannst, dass sie deinen Namen 

kennt, kontaktiert dich plötzlich und will 

etwas mit dir zusammen machen. Das 

war schon ein toller Moment. Nun ja, und 

da wir ja in dem Moment etwas mehr Zeit 

hatten, sind wir einfach zwischen zwei 

Konzerten für ein paar Tage zu ihnen ins 

Studio, um die Songs einzuspielen. Es 

gibt sogar noch ein paar mehr, als dann 

letztendlich veröffentlicht worden sind. 

Vielleicht bringen wir die zu einem späteren 

Zeitpunkt auch noch mal raus." 

Abgesehen von der Grundkonstellation 

Dälek und Oktopus erlebt das Projekt 

Dälek beständige Besetzungswechsel, 

die auf das Arbeiten der Band allerdings 

offensichtlich relativ wenig Einfluss 

haben. "Schon klar, worauf Du hinaus 

willst: auf unsere Trennung von DJ Still. 

Ja, das war schon eine etwas schwierige 

Entscheidung und ein harte Phase. Der 

Mann ist wirklich gut, ein Künstler am 

Plattenteller und es war wirklich großartig, 

mit ihm zusammen zu arbeiten. Von 

irgendeinem Moment an aber hat seine 

Begeisterung beständig nachgelassen. 

Zum Schluss hatte er kaum noch Lust, 

auf der Bühne zu stehen, und auch wenn 

er dabei meistens noch seinen Job 

gemacht hat, hat sich das einfach 

bemerkbar gemacht. Zudem hat er nicht 

immer alles so wirklich im Griff und 

irgendwann allzu häufig zu Sachen 

gegriffen, die seiner Leistungsfähigkeit 

nicht gerade zuträglich waren. Es kam so 

weit, dass wir uns ernsthaft fragen mussten, 

ob unsere Liveshows durch seine 

Anwesenheit jetzt eigentlich an Qualität 

gewinnen oder nicht. Immerhin haben wir 

ja zu früheren Zeiten auch immer wieder 

zu Zweit gearbeitet bzw. wechselnde 

Gäste mit dabei gehabt. Wir haben uns 

dann entschieden, es einfach mal zu probieren, 

und siehe da, die Shows wurden 

wirklich wieder besser. Natürlich lag das 

einfach daran, dass wir wieder mehr 

Spaß daran hatten, auf der Bühne zu stehen, 

die Lust wieder richtig da war. Wenn 

du jemanden im Hintergrund hast, der 

dich runterzieht, leidet auch deine Sache 

Dälek 

61 

darunter. Und letztendlich ist das auch 

mein Job, den ich gut machen will. Auch 

die Arbeiten am neuen Album liefen 

plötzlich wieder so locker, problemlos 

und mit soviel Spaß, dass wir es keinen 

Moment bereut haben, diese Entscheidung 

zu treffen." 

Im Gegensatz zum letzten Album wird 

"Abandoned Languages" den Ankündi- 

gungen zufolge nicht in einer Vinyl-Version 

erscheinen. Ein Sakrileg für eine 

Band, die sich dem klassischen HipHop 

verschrieben hat? "Wäre es, ganz klar. 

Aber zur Beruhigung aller: Wir haben mit 

einem kleinen Label aus New York, das 

sich auf solche Sachen spezialisiert hat, 

einen Vinyl-Deal abgeschlossen. Soweit 

ich weiß, haben sie auch ganz gute Verbindungen 

nach Europa, so dass das 

Album auch dort als LP problemlos 

erhältlich sein sollte!" 

Arnulf Woock 

Bilder (in Reihenfolge): 

Cindy Frey, Paul Romano, Herve Baudat 

www.deadverse.com 

www.ipecac.com

62 

Polarkreis 18 .. 

Klang Uber Inhalt 

ostdeutsche Sozialisation und ihre Folgen 

Auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum verzaubern fünf Jungs 

aus Dresden mit traumhaft schönem Pop mit isländischem 

Gestus. Ein musikalisch mehr als interessanter Nebenschauplatz, 

zu dessen Entstehung wir Frontmann Felix Räuber 

befragt haben. 

Sprechstimme ist nicht gleich Singstimme. 

Eine These, die durch ein 

Gespräch mit Felix Räuber, seines 

Zeichens Sänger und Gitarrist bei 

Polarkreis 18, untermauert wird. Denn 

statt einem androgynen, körperlosen 

Elfenwesen spricht da ein ganz normaler 

junger Mann mit minimal sächselndem 

Dialekt aus der Leitung. Für 

die ziemlich einzigartige Klangästhetik 

seiner Band eignen sich als Referenzen 

allenfalls Ausnahmekünstler wie 

wahlweise Sigur Rós (im druckvollen 

Rockformat) oder Radiohead (mit 

jugendlichem Ungestüm). Dass dafür 

letzten Endes die ostdeutsche Sozialisation 

eine gewisse Mitschuld trägt, 

überrascht dann doch: "Zu unserer Schulzeit haben wir Musik immer 

nur nach ihrem Klang geordnet, Texte sind nie wirklich wichtig für uns 

gewesen. Das liegt vermutlich daran, dass in Ostdeutschland ein ganz 

anderer Umgang mit einer ausländischen Sprache herrscht als beispielsweise 

in Dänemark, wo viele Filme im O-Ton gezeigt werden 

und man so schon im Kindesalter mit der englischen Sprache vertraut 

gemacht wird. Das war im Osten einfach nicht so gegeben und deshalb 

war der Klang für uns schon immer wichtiger als die Vermittlung 

von irgendwelchen politischen Botschaften." 

Klang über Inhalt lautet also die Maxime, die die ungewöhnliche Reife 

des Polarkreis 18-Debüts im Ansatz erklärt. Die Konzentration auf ein 

unbestimmtes Gefühl zählt im Polarkreis mehr als die Vermittlung 

eines konkret fassbaren Inhalts. So paart sich nun zu tanzbaren 

Elektrobeats, aufwändigem Symphonie-Orchester und flächigen Synthies 

eine Form lautmalerischen Gesangs, der in seiner extravaganten 

Andersartigkeit keine uns bekannte Sprache zu sprechen und 

nicht von dieser Welt zu stammen scheint. Über Jahre hinweg reiften 

am Rechner aus skizzenhaften Ideen klammheimlich Songperlen von 

unwirklicher Brillanz. Derer elf gibt es nun auf dem gleichnamigen 

Debüt zu hören. Auch deshalb, weil die Band trotz gewisser Bedenken 

bei einem Newcomer-Wettbewerb antrat und in Folge dessen die 

Aufmerksamkeit des renommierten Indie-Labels Motor Music auf sich 

zog: "Wir haben ziemlich lange diskutiert, ob wir das überhaupt 

machen wollen, ob so ein Bandwettbewerb überhaupt zu uns passt. 

Letztlich haben wir's dann einfach als einmalige Auftrittsmöglichkeit 

wahrgenommen, bei der wir aufgrund der professionellen Rahmenbedingungen 

auch erstmals live mit einem Streichorchester zusammen 

auf der Bühne stehen konnten. Das war schon ein riesen Moment für 

" Im Grunde genommen 

hinterfragen wir alles, 

was wir machen. Total." 

uns, noch dazu in dieser riesigen Halle vor soviel Publikum. 

Große Chancen haben wir uns aber nie ausgerechnet, 

da solch experimentelle Randgruppenmusik, wie wir 

sie spielen, bei einem Bandwettbewerb ohnehin selten 

bestehen kann." 

Von wegen. Polarkreis 18 landen auf dem zweiten Platz, 

bald darauf klopft Motor Music unter der Führung von 

Indie-Guru Tim Renner an und zeigt fortan großes Interesse 

an der Band. "Irgendwann kam dann sogar die 

Ansage von Motor, dass sie uns gerne in Dresden besuchen 

würden. Das war völlig überraschend für uns, gerade 

wo normalerweise immer wir den Weg von Dresden 

nach Berlin antreten mussten, um musikalische Kontakte 

zu knüpfen. Nun war es umgekehrt. In dem Moment realisierten 

wir, dass sich das Label wirklich sehr um uns 

bemühte."

" "Ein Klang war fur uns schon 

.. 

immer wichtiger als die Vermittlung 

von irgendwelchen 

politischen Botschaften."l." 

Doch immer wieder 

scheint auch im 

Gespräch durch: Die 

wissen schon ganz 

genau, worauf sie sich 

eingelassen haben. 

Trotz eines blutjungen Altersdurchschnitts - keiner in der Band 

ist älter als 21 Jahre - sind Polarkreis 18 keine Anfänger, die 

Gefahr laufen, vom urplötzlich erwachten öffentlichen Interesse 

an ihrer Band übermannt zu werden oder gar abzuheben. "Wir 

sehen das eigentlich ziemlich nüchtern. Natürlich beflügelt uns 

das Medieninteresse sehr, aber es ist schon so, dass wir an der 

Platte über viele Jahre hinweg gearbeitet haben. Das war ein 

schleichender Prozess im stillen Kämmerlein und das jetzige 

mediale Drumherum ist von daher nun auch die logische Konsequenz, 

die wir uns erhofft hatten. Dass die Resonanz aber so 

positiv ausfällt, hätten wir nie gedacht." 

Auch dank ihrer ebenso perfektionistischen wie autonomen Haltung 

könnte man Polarkreis 18 gut und gerne für alte Hasen halten. 

Die Veröffentlichung des Albums etwa wurde um mehrere 

Monate verschoben, da die Band mit dem finalen Mix nicht 

zufrieden war. Dass sich für diesen mit Chris von Rautenkranz 

(Lado-Hausproduzent, u.a. Blumfeld, Franz Ferdinand) ein 

bekannter Name verantwortlich zeichnete, machte da keinen 

Unterschied. Schließlich nahm sich die Band selbst den Mix vor, 

genauso übrigens wie die Produktion an sich und die Gestaltung 

des Artworks. Selbst ein eigener Animationsfilm zur visuellen 

Untermalung der Liveshows wurde in mühevoller Kleinstarbeit 

entworfen: "Vor zwei Jahren hatten wir eine Phase, in der wir so 

etwas einfach mal ausprobieren wollten. Drei Monate lang 

haben wir ausschließlich Fotos geschossen, bis wir am Ende ca. 

80.000 Einzelfotos hatten, die wir dann alle zu einem Film 

zusammengefügt haben. Am Ende ist das allerdings gescheitert, 

weil wir noch viel mehr Arbeit hätten investieren müssen, damit 

das Ganze wirklich professionell und ausgereift ausgesehen 

hätte. Doch darüber hätten wir wohl zwangsweise die Musik vernachlässigt 

und das wollten wir vermeiden." 

So gibt man sich trotz hohem Selbstbewusstsein auch durchaus 

selbstkritisch: "Früher haben wir eher so in der Metal- und Punk- 

Richtung herumgeschrammelt, was ja fast jede Band am Anfang 

so macht. Im Grunde genommen hinterfragen wir aber alles, 

was wir machen. Total. Deshalb haben wir irgendwann auch 

unser damaliges Schaffen sehr kritisch gesehen und gemerkt, 

dass dieses ziellose Herumgeschrammel nie das war, was wir 

eigentlich gesucht haben. So haben wir halt über die Jahre hinweg 

versucht, unseren Horizont zu erweitern." 

Was als gelungen bezeichnet werden muss, denn viel weiter 

weg von Metal oder Punk könnte der ätherische Dreampop von 

Polarkreis 18 kaum sein. Doch die jahrelange Phase der musikalischen 

Selbstfindung hatte einen positiven Nebeneffekt: 

"Dadurch, dass wir in leicht wechselnder Besetzung mittlerweile 

schon neun Jahre lang existieren, konnten wir uns über diesen 

langen Zeitraum hinweg langsam aber stetig eine Fanbase aufbauen. 

Die ist ursprünglich aus unserem Freundeskreis entstanden 

und hat sich mittlerweile so weiterentwickelt, dass wir in 

Dresden mittlerweile wirklich Publikum ziehen." 

So eröffnete sich der Band auch die einmalige Möglichkeit, noch 

vor regulärer Veröffentlichung des Albums ein Konzert im Dresdner 

Schauspielhaus vor ca. 1000 Zuschauern zu spielen, kom- 

plett begleitet von Streichorchester und Bläsersektion. Auch für 

die Releaseparty zum Longplayer hat man sich eine ungewöhnliche 

Location ausgesucht: Das Dresdner Rundkino. "Das ist ein 

riesiger Kinosaal, der 900 Leute fasst, so etwas gibt es heutzutage 

eigentlich gar nicht mehr. Das ist so ein typisches Ostding, 

ein vollkommen übertriebener Bau, der aber gerade dadurch 

ziemlich geil ist." 

Aber auch auf den üblichen Konzertbühnen wird man das Quintett 

ab Mitte März zu sehen kriegen - dort allerdings als Sextett. 

"Die Live-Umsetzung sieht so aus, dass wir einen Trompeter als 

ständigen Gastmusiker dabei haben und versuchen werden, die 

Streicher-Melodien mit anderen Instrumenten umzusetzen, entweder 

mit Gitarren oder mit dem Synthesizer. Die melodische 

Vielfalt soll auf jeden Fall erhalten bleiben." Mit dem aufregendsten 

Debüt seit langer Zeit in der Hinterhand sollten so auch die 

anstehenden Konzerte zum außergewöhnlichen Ereignis werden, 

bei dem sich für den Besucher das Tor zu einer surrealen 

Parallelwelt auftut. Ganz in weiß und ideal für Tagträumer und 

solche, die es werden wollen. 


polarkreis18.de 

motormusic.de 

Polarkreis 18 63

64 

videoThek 

ART BRUT - TALKING TO THE KIDS 

(Cargo) 

Mehr Phänomen als Band, so muss man den 

Erfolg von Art Brut wohl werten, der britischdeutschen 

Band, die nie in Anspruch nahm, 

künstlerisch innovativ zu sein - und es dennoch 

auf subtil-revolutionäre Weise ist, indem sie an 

die Stelle artifizieller Innovationen die unmittelbare 

Wucht der sich selbst feiernden Kopulation 

von Spaßcombo und Publikum zum Gesamtkunstwerk 

macht, das so manche Anforderungsprofile 

vermeintlich progressiver Poprezipienten 

mühelos zum Anachronismus macht. Junge, 

von sich selbst unaufgeregt überzeugte Musiker von beiden Seiten des 

Kanals, für die immer der Kontakt zu den Fans an erster Stelle steht, ob live 

oder nach den schwitzigen Auftritten. Art Brut arbeiten Musik - und sie tun dies 

mit dem knurrigen Charme englischer Arbeiter, die mit sich, nicht aber mit der 

Welt einverstanden sind. 

Selbstinszenierung ist das Stichwort, und wo dies mit derart gutem Gewissen 

passiert, mit solcher Dichte und so stimmig, wie hier, hat dies stilbildende Qualität. 

Das wird auch auf dieser DVD deutlich, in deren Zentrum der Liveauftritt 

der Jungs plus Mädel im Stollwerk auf ihrer letzten Tour steht, eine knappe 

Stunde bekommen wir in guter Sound- und Tonqualität geboten, die Kamera 

stets dicht an Musikern und Fans. Die Beschränkung auf nur einen Auftritt in 

einem Ambiente an einem Abend ist ja DVD-üblich, wenn auch nicht überzeugend 

- mehr Orte, unterschiedliche Stimmungen und Dokumente auch aus 

verschiedenen Zeiten wären entschieden mehr gewesen. 

Die Interviews sind teilweise arg berechenbar und ein wenig flach, die vier 

Videos sind natürlich auch dabei, dazu TV - Show - Auftritte (nett) und nach 

einem Konzert die Musiker im direkten, spassigen Fankontakt, offensichtlich 

alkoholtechnisch angeschickert und sausympathisch. Da kommen sie uns 

näher, sind nicht länger nur (immerhin !!!) Ikonen des fröhlichen Pop-Anarchismus, 

in dem alles geht. Das nämlich sind sie ohne Zweifel - und die gut 

eineinhalb Stunden auf dieser DVD lassen das jedenfalls erahnen. Aber: Was 

ist mit dem Bandumfeld? Wie werden sie dort wahrgenommen? Was ist mit 

befreundeten Musikern, Clubmachern, Wegbegleitern, anderen Aktivitäten? 

Wie werden diese lakonischen, genial simplen, wirkungsvollen Texten von 

anderen musizierenden Dichtern wahrgenommen? Es wäre viel mehr drin 

gewesen - und diese DVD ist eine mäßig liebevoll arrangierte Pflichtveranstaltung, 

die Kür findet nicht statt. Zu viele Fragen bleiben offen - aber Spaß, 

Spaß macht diese DVD allemal. 


artbrut.org.uk 

SPECTRE 

SPANIEN 2006 

REGIE: MATEO GIL 

e-m-s.de 

Nach dem Selbstmord seiner Gattin 

hat sich Tomás in sein selbst gewähltes 

Exil zurückgezogen. Erstmals 

seit 40 Jahren kehrt er in sein Heimatdorf 

zurück. Eines Tages erhält 

er eine alte Tarot-Karte, die "Karte 

der Liebenden". Er ist beunruhigt, 

denn es handelt sich um eine Nachricht 

aus der Vergangenheit. Als 

Junge war er einst unsterblich in eine 

geheimnisvolle Frau verliebt, von der 

die Einwohner des Ortes glauben, 

sie stehe mit dem Teufel im Bunde. 

Nur von ihr konnte diese Karte stammen. 

Tomás macht sich auf in die 

Heimat, um sich seinem Dämon zu stellen. Mateo Gil, den aufmerksame 

Abspannverfolger schon als Drehbuchautor für 

"Open Your Eyes" und "Tesis" ausgemacht haben dürften, 

scheint sich zunächst nicht so ganz entscheiden zu können, ob 

er lieber einen "Liebes-" oder einen "Horrorfilm" drehen will. Gut, 

Filme wir "Frankenstein" oder auch das Genre des Vampirfilms 

legen nahe, dass beide Topoi ohnehin nicht wirklich ganz und 

gar voneinander getrennt werden können; bevor man dem Film 

aber seine "Horror-Seite" anmerken kann, ist Gil recht lange 

unterwegs. Sein Handwerk versteht er; wunderschöne Landschaftsbilder, 

erotische Akte und effektvolles Hell-Dunkel-Spiel - 

alles hübsch in Szene gesetzt; der "Grusel" indes macht sich nur 

ganz langsam breit, kommt dann eher gediegen daher und dürfte, 

mit Verlaub, keinem Kleinkind schlaflose Nächte bereiten. 

Und dennoch: SPECTRE ist ein schöner Film, ein Film über 

eine unerfüllte, romantischen Liebe - und eher etwas für's Herz 

als für den Adrenalinwert. 

Kai 

STRANGE CIRCUS 

JAPAN 2005 

REGIE: SION SONO 

Wwwrapideyemovies.de 

Die Story: Taeko (Masumi MIYAZAKI), eine erfolgreiche, aber an 

den Rollstuhl gefesselte Bestsellerautorin, arbeitet an einem 

Roman über den Leidensweg der 12-jährigen Mitsuko (Rie 

KUWANA), die in einer durch Inzest und Missbrauch zerstörten 

Familie aufwächst. Eingesperrt in einen Cellokasten muss Mitsuko 

ihre Eltern beim täglichen Akt beobachten. Bald werden 

gar die Rollen getauscht und nun ist es die Mutter, die aus dem 

Instrumentenkoffer heraus zusieht, wie Mitsuko von ihrem Vater 

vergewaltigt wird. Taekos Assistent Yuji (Issei ISHIDA) ahnt 

Schlimmes: Ist Mitsuko tatsächlich nur eine fiktive Figur oder 

beschreibt Taeko in ihrem Roman die eigene, 

entsetzliche Kindheit? Die Japaner sind 

schon ein skurriles Völkchen, mithin deren 

Filme; an das Thema "Inzest", hier noch 

dazu mit recht freizügigen Bildern unterlegt, 

würde sich hierzulande und in dieser Deutlichkeit 

keiner herantrauen - Tabuthema, 

halt. Und auch ich muss zugeben, dass ich 

nach der ersten halben Stunde nicht wirklich 

sicher bin, ob es nicht besser wäre, einfach 

den "Aus-Knopf" zu drücken - zu befremdlich

sind die Bilder, die der ehemalige Experimentalfilmer 

Sino da serviert. 

Um was geht es dem Regisseur? Um die "Darstellung 

von Kindesmissbrauch und die daraus resultierenden 

familiären Katastrophen"? Das mag sein, 

aber der Untertitel "Ein perverses Fest der Liebe", 

den der Verleiher, Rapid Eye Movies, dem Film auf 

seiner Homepage verpasst, lässt da ganz andere 

Assoziationen aufkommen … Ist "Strange Circus", 

ein handwerklich perfekter, bildgewaltiger 

Film, tatsächlich ein "spannender und 

schockierender Film über Kindesmissbrauch 

und Inzest, der allein wegen der 

Bearbeitung des Themas Aufmerksamkeit 

verdient" (Filmstarts.de) - 

oder bietet er einfach nur eine heftige 

Portion Voyeurismus - ich bin mir 

da bei aller Offenheit gegenüber 

dem "asiatisches Extremkino" 

nicht sicher - da bleibt ein etwas 

fader Beigschmack. 

Keule 

WITHNAIL AND I 

GB 2005 

REGIE: BRUCE ROBINSON 

sunfilm.de 

"Genie und Wahnsinn liegen nah beieinander. 

Manchmal fahren sie auch gemeinsam in Urlaub.... 

London 1969: Der manische Withnail und der 

ängstliche Marwood hausen zusammen in einer 

versifften Wohnung und kennen nur ein Rezept 

gegen den drögen Alltag - ausgiebigen Drogen- und 

Alkoholkonsum. Den Nerven der beiden Schauspieler 

bekommt das auf Dauer nicht und so beschließen 

sie, dass man auch als verkanntes Genie einen 

Anspruch auf Urlaub hat. Sie machen sich auf den 

Weg zum Landhaus von Withnails Onkel, wo das 

Landleben mit ungeahnten Gefahren auf sie wartet..." 

(Sunfilm). "British Kult Commedy" steht auf 

dem Umschlag; und es mag sogar sein, dass dies 

1987, als der Film in England erschien, der Fall war. 

Verglichen mit Filmen wie "Trainspotting" oder 

"Snatch" ist "Withnail And I" aber viel zu behäbig 

inszeniert; noch dazu leidet der Film unter seiner 

schlechten Synchronisation, und wer der englischen 

Sprache mächtig ist, der sollte sich den Film 

besser gleich im Original anschauen. Aber egal in 

welcher Sprache: zündende Gags sind eher rar 

gesät, und wirklich 

schotig ist 

n u r 

Withnails 

schwuler Onkel 

Monty, der den beiden Jungs in sein Landhaus folgt 

und nicht aufhört, Marwood massiv anzubaggern; 

Fazit: Die englische Fassung ist durchaus passabel, 

insgesamt ist das hier vom "Kult" aber ungefähr so 

weit entfernt wie Dieter Bohlen vom "Wort zum 

Sonntag". 

Keule 

videoThek 

65

66 

Lude2 (Director’s Cut) 

JOE BOYD: "White 

Bicycles. Making 

music in the 1960s" 

Gleich zu Anfang: Nick Drake und Guido Lucas. Was 

für ein Impact. Natürlich nicht für Nick Drake, wohl 

aber für Vorletztgenannten, also für mich. Nachzulesen 

lustigerweise auch bei Wolf Kampmann und seinem 

Poplexikon, der mich doch tatsächlich in seinem 

Nick-Drake-Artikel zitiert (S. 170) - als wäre ich schon 

damals dabei gewesen - when the day is done, jump 

the gun... 

Mir war es ja seinerzeit vergönnt, Nick Drake einzuführen 

in die geheime Gesellschaft meiner Musikfreunde, 

die ihn allesamt noch nicht kannten. Ganz 

normale Audiokassetten musste ich damals mit der 

Post verschicken (die Älteren unter Euch werden es 

noch wissen: Es war einmal ein analoges Zeitalter, 

ohne Internet, ohne CDs, ohne MP3 und ohne DFÜ. 

Es war die Zeit der analogen Mixtapes: 

"Sorry, ich hab nicht alles auf eine C90 Chromdioxid 

bekommen, dafür aber per Hand ausgefadet und auf 

der anderen Seite den Song dann wieder kurz vorher 

eingefadet...". 

Ich hatte zu der Zeit, Mitte der 80iger Jahre des letzten 

Jahrhunderts, meinen bevorzugten New-Wave- 

Plattenladen, in dem abwechselnd zwei schwule Verkäufer 

tätig waren, die in meiner Erinnerung mehr und 

mehr verschmelzen mit Grant Hart und Bob Mould, 

vielleicht weil ich in diesem Plattenladen meine erste 

Hüsker-Dü-Platte gekauft habe, was für mich einen 

lang anhaltenden und heilsamen Kulturschock darstellen 

sollte. 

Aber das ist eine andere Geschichte. 

In diesem New-Wave-Plattenladen also hatte ich nun, 

entweder von Grant Hart oder Bob Mould, ich weiß es 

nicht mehr so genau, eine 4-LP-Vinylbox mit den 

gesammelten Werken Nick Drakes ergattert, nachdem 

ich bei John Peel (oder war's Alan Bangs?!?) in 

einer nachmitternächtlichen Radiosendung zum 

ersten Mal Musik von Nick Drake gehört hatte. Üblich 

war es damals, nächtelang mit Kopfhörer in stockdunklen 

Kinderzimmern unter der Decke heimlich Radio 

zu hören - heute vollkommen lächerlich und unvorstellbar; 

damals ein Abenteuer auf fernen Kontinenten: 

eine Reise ins Herz der Finsternis. Die einzige 

Möglichkeit, neue Musik zu entdecken. 

Der Welten Schmerz gehörte damals einzig und allein 

mir, und ich bestand darauf, mich in ihm zu suhlen. 

Das Universum war noch grenzenlos, ich von aller 

Schuld bar und nahezu unsterblich. Ich kannte zwar 

schon Bob Dylan, aber ich hatte noch keine Drogen 

genommen und so blieb er mir fern, schillernd, letztendlich 

unbekannt; mein musikalisches Australien, 

terra incognita, meine Berge des Wahnsinns - zu weit 

entfernt und auch erst viel später unter großen Gefahren 

zu entdecken... 

Natürlich erzähle ich dies alles, wie der geneigte 

Leser sicherlich ahnt, nicht, um über meine eigene 

Jugend zu schwadronieren oder meine musikalische 

Stilsicherheit hervorzuheben - zumindest nicht ausschließlich. 

Sondern um Euch den Yankee vorzustellen, 

der Nick Drake damals für die Welt entdeckt hat. 

Von ihm soll hier die Rede sein. 

Nick Drake, wir bleiben noch etwas bei ihm, um die 

Spannung zu steigern, war auf der Rückseite des 

Cover meiner LP "Five Leaves Left" der Typ, der so 

unglaublich relaaaaaaxed vor einer typisch britischen, 

arbeiterstädtischen Ziegelwand steht, das linke Bein 

gaaaaaanz locker um das rechte gewunden, beide 

Daumen lässig hinter die Gürtelschnalle geklemmt. 

Zufälligerweise vorbeigeeilt kommt, ich habe es 

schon in Dutzenden Prosaversuchen zu beschreiben 

versucht, ein ebenfalls typisch britischer, herausgeputzter 

Sesselfurzer (wie wir uns so jemanden halt 

denken), mutmaßlich auf dem Weg zur Arbeit. Natürlich, 

technisch auf der Höhe der Zeit, (wir schreiben 

das Jahr 1970), ist der Sesselfurzer sehr, sehr verschwommen 

fotografiert (Fußnote: sehr eilig, hohe 

Belichtungszeit, ohne eigene Identität, sehr starkes 

Klischee). Daneben steht, quasi besides, Nick Drake, 

wie gesagt, gaaaanz lässig an die Mauer gelehnt 

(Fußnote: sehr scharf belichtet, klare Identität), und 

beobachtet die Szenerie ganz entrückt quasi als 

Unbeteiligter, als allwissender Boheme, der er doch 

niemals war. Perfekte Imageinszenierung einer großen 

Plattenfirma - Platten hat Nick Drake damals übrigens 

so gut wie keine verkauft... 

Fame is but a fruit tree, so very unsound. 

It can never flourish, till its stalk is in the ground. 

Don't you Worry. 

Es geht mir gut. So gut es halt geht. 

Saturday Sun. Came without warning… 

(Wie sehr mich dieser englische Jüngling in Strumpfhosen 

beeinflußt hat, merke ich gerade wieder, während 

ich seine Platten NOCH EINMAL höre, nach so 

vielen Jahren. Ohnehin konnte ich seine Platten nur 

sehr selten hören: nur in Momenten vollkommener 

Selbstsicherheit oder totaler Verzweiflung. Beide 

Zustände sind natürlich sehr selten, dafür um so willkommener 

in ihrer unschlagbaren Kombination.) 

Jedenfalls, weiter im Text: 

Eigentlich. 

Eigentlich wollte ich ja über diesen Yankee schreiben, 

der nicht nur Nick Drake, sondern auch The Incredible 

String Band, John Martyn, Fairport Convention, 

Richard Thompson, Sandy Denny, The Move, Vashti 

Bunyan und, ja unglaublich aber wahr, Pink Floyd 

wenn nicht entdeckt, so auf jeden Fall gefördert und 

produziert hat. 

Joe Boyd hat seine Geschichte nun aufgeschrieben, 

die zugleich auch eine Geschichte der 60iger und 

deren Musik ist: "White Bicycles" heißt das Buch, 

erschienen schon 2005 bei Serpant's Tail in London. 

"White Bicycles" war aber auch ein Song von Tomorrow, 

jener Hausband des legendären Londoner 

Psych-Clubs UFO, den Boyd zusammen mit seinem 

Kumpel Hoppy Mitte der 60iger gestartet hatte. Dort 

spielten außer Tomorrow eben auch noch Pink Floyd 

oder Soft Machine, als die wirklich außerhalb von 

London noch kein Schwanz kannte. "White Bicycles" 

nannte man übrigens noch die für alle zur freien Verfügung 

stehenden Fahrräder der revolutionären Provos 

in Amsterdam (diese weißen Fahrräder gibt es 

übrigens schon lange nicht mehr, die wurden natürlich 

sofort von irgendwelchen Asseln entweder geklaut 

oder zerstört…). Parallel zum Buch gibt es einen gut 

aufgemachten CD-Sampler gleichen Namens bei 

Fledg'ling Records, London. 

ACHTUNG: Anekdote! 

Überschrift: "Joe Boyds erste Begegnung mit Bob 

Dylan, lange bevor Bobby die Popikone des 20. Jahrhunderts 

wurde." 

Untertitel: „Wie die Rockmusik ihre Unschuld verlor, 

noch bevor sie geboren wurde.“ 

Als Boyd eines Abends als mittelloser naiver Folknick 

eine Studentin aufreißt (ich weiß es natürlich nicht, 

Boyd hat es nicht erwähnt, aber sie hieß bestimmt 

Johanna, es muss so gewesen sein!!!) und ihr für die 

Nacht das Sofa abschwatzt, steht er später doch vor 

verschlossener Tür. Sofa und Studentin waren schon 

besetzt. Am nächsten Morgen beim gemeinsamen 

Frühstück lernt Boyd seinen Nebenbuhler kennen: es 

ist Bob Dylan. 

In dieser kleinen Anekdote wird das Phänomen Dylan 

wie in einer Epiphanie schlagartig klar: mit welcher 

Arroganz, Strebsamkeit, aber auch Unschuld sich 

Dylan später unaufhaltsam in unser kollektives 

Bewußtsein eingeschrieben hat, ohne dass er oder 

wir eine Wahl gehabt hätten. Und dann, die Geburtsstunde 

der Rockmusik. Datum: 25.7.1965. Uhrzeit: 

21:30. Ort: Newport Folk Festival. Protagonist: Bob 

Dylan. Augen- und Ohrenzeuge: Joe Boyd: 

„It was like being in the eye of a hurricane. All around 

us, people were standing up, waving their arms. 

Some were cheering, some booing, some arguing, 

some grinning like madman. A Bloomfield guitar solo 

screamed through the night air. Dylan's voice took up 

the last verse, hurling the words out into the night air: 

'Now the wintertime is coming, the windows are filled 

with frost.' (…) There are many accounts of what happened 

next. Dylan left the stage with a shrug as the 

crowd roared. Having heard only three songs, they 

wanted 'mooooooooooore', and some, certainly, were 

booing. They had been taken by surprise by the volume 

and aggression of the music. Some loved it, some 

hated it, most were amazed, astonished and energized 

by it. It was something we take for granted now, 

but utterly novel then: non-linear lyrics, an attitude of 

total contempt for expectations and established 

values, accompanied by screaming blues guitar and a 

powerful rhythm section, played at ear-splitting volume 

by young kids. The Beatles were still singing love 

songs in 1965 while the Stones played a sexy brand 

of blues-rooted pop. This was different. This was the 

Birth of Rock. So many taste crimes have been committed 

in rock's name since then that it might be questionable 

to count this moment as a triumph, but it certainly 

felt like one in July 1965. (…) Dylan had left the 

didactic world of political song behind. He was singing 

now about his decadent, self-absorbed, brilliant internal 

life. Anyone wishing to portray the history of the 

sixties as a journey from idealism to hedonism could 

place the hinge at around 9.30 on the night of 25 July, 

1965.“ 

Das hat jetzt aber mal gesessen: die Geburtsstunde 

des Rock auf die Minute genau benannt und zugleich 

mal als Anfang vom Ende prophezeit; vom Idealismus 

zum Hedonismus am Beispiel Bob Dylans, der Ikone 

der intellektuellen Popwelt schlechthin. Da sollten 

sich ein paar Poser mal so ihre Gedanken machen, 

wenn es denn noch geht. Von nun an heißt es nicht 

mehr, we shall overcome - es geht jetzt viel tiefer und 

diesmal tut es richtig weh; nichts ist mehr wie es vorher 

war und keiner bringt es dir zurück: 

The fiddler, he now steps to the road 

He writes everything's been returned which was owed 

On the back of the fish truck that loads 

While my conscience explodes 

The harmonicas play the skeleton keys and the rain 

And the visions of Johanna are now all that remain 

Das konnte dann nur noch Bob Dylan singen, in aller 

Unschuld, und es zeigt auch den Vorsprung, den 

Dylan gegenüber Nick Drake schon hatte, bevor dieser 

überhaupt eine Platte aufnehmen konnte. Nick 

Drake - ein weiteres Opfer der unaufhaltsamen, blinden 

Rockwalze, wie auch Jimi, Janis, Jim und all die 

anderen. Das Wunderbare an Joe Boyds Buch ist 

aber, dass er niemandem eine Schuld daran geben 

mag - die Unschuld haben wir damals spätestens am 

25. Juli 1965 alle kollektiv verloren. Boyds Buch ist 

weder konservativ noch nostalgisch. Es ist durchdrungen 

von einer großen Menschlichkeit, Würde und 

Respekt gegenüber den Künstlern und dem festen 

Glauben an die spirituellen Kraft der Musik. So. 

Joe Boyd war bei all dem dabei. Und er kann sich 

noch dran erinnern. Wie schön für uns. 

Guido Lucas 2/2007 

JOE BOYD: „White Bicycle. Making music in the 1960s“ 

Taschenbuch: 304 Seiten 

Verlag: Serpent's Tail (April 2007) 

Sprache: Englisch 

ISBN-13: 978-1852429102 

und: 

CD (Various Artists): 

„White Bicycles - Making Music In The 1960s - 

The Joe Boyd Story“ 

Proper Rec (Rough Trade)

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