reViews 30 - Noisy-neighbours.com

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reViews 

Madsen - 

Goodbye Logik 

(Universal) 

Erinnerungsarbeit. 

Selig waren 

eine saustarke 

Neuentdeckung. 

Sie erzählten von sich als Brüder im musikalischen 

Geiste, auf einem eigenen 

Planeten, beschrieben die Band als Ort 

einzigartiger Energie, ihre Konzerte waren 

Feste ungehemmter Ekstase, ihre 

Plattenfirma Sony sah sie auf Ewigkeit 

auf dem Deutsch-Rock-Olymp. Also 

wurde die Band durch die Konzerthallen 

gejagt, im Tourbus mussten die neuen 

Songs entstehen. Ergebnis: Die zweite 

Platte wurde zur Readers-Digest-Ausgabe 

der ersten. Livestyle ersetzte Substanz. 

Die Euphorie wurde zur müde 

nachgeäfften lächerlichen Pose und es 

machte mich zunehmend traurig, miterleben 

zu müssen, wie die Industrie eine 

junge, tolle Band kaputtmachte, statt auf 

die anfangs besinnungslos euphorisierten 

Jungs ein wenig aufzupassen und 

sie durch intensive Begleitung einzunorden. 

Daran musste ich denken, als ich 

die erste Madsen-CD rezensierte. Denn 

das war genau so toll, unverkrampft, direkt 

und gut, ehrlich und ohne erkennbare 

Kalkulation generationstypisch. 

Post-Grunge ohne Depri, subjektive Authentizität 

und knuddelige Sachlichkeit. 

Der Verzicht auf jegliches Sendungsbewusstsein. 

Trotzdem inhaltliche Anmerkungen 

aus eigenem Erleben. Stark. Erster 

Eindruck der neuen Scheibe: „Du 

schreibst Geschichte“ als Hymne derer, 

die noch an eine Chance für ein gutes 

Morgen glauben. Denn wir sind Subjekte, 

nicht Objekte des eigenen Lebens. 

Einfach so als Behauptung in den 

Raum gerockt. Möchte ich auch dran 

glauben und tu es auch die meiste Zeit. 

Schöne Nummer. Track 2: „Ein Sturm“ - 

die Antithese, in der „unsichtbare Ketten 

unsere Neugier lahm legen“. Eher unentschlossen 

im üblichen Madsen-Style 

nach vorne rumpelnd, nett, unangreifbar 

und eben deshalb langweilig. Danach 

ein öder Schmuserocker, der über einen 

vagen Vergleich zwischen einem Bonnie-and-Clyde-like-Liebespaar 

und 

`nem Geister-Piratenschiff ohne Ziel 

hinaus schlicht nichts anzubieten hat. 

Der Titeltrack des Albums beweist dann 

wieder mehr Punch, auch, wenn schon 

im Refrain der Eindruck wieder aufgewärmter 

Erstlings-Zutaten aufkommt. 

Tja, und dann retten Madsen eben mal 

so die Welt und da gefällt mir die Chose 

wieder - sie sind da stark, wo ihre demonstrative 

Naivität ungehemmt nach 

vorne rockt, wo sie ohne schlechtes Gewissen 

im ungebremsten Schaum die 

doofen Fragen stellen. Unzerbrechlich 

also die Grundsubstanz der Jungs aus 

dem Wendland, deren positivere Stimmungslage 

dem eigenen Erfolg geschuldet 

sein dürfte. Der wird sich mit 

dieser Platte verstetigen. Sie haben nun 

ihre Fans, die im richtigen Moment bereitwillig 

mitklatschen und ansonsten 

das Forum ihrer Homepage mit verliebten 

Kommentaren voll schreiben. Alles 

ist gut, sagt mir die neue Platte, dreht 

sich ohne schlechtes Gewissen fröhlich 

und beliebig um sich selbst, hinterlässt 

weniger Spuren in meinem Gedächtnis, 

als ich gehofft hatte. Tja, und da fällt mir 

Selig wieder ein. Spätestens beim 

„Happy End“, das in seiner substanzlosen 

Beliebigkeit nun doch den ersten 

Ärger auslöst, bevor 2 feine Rocksongs 

den Verriss verhindern. Von „neuem Mut 

und neuen Ideen“ schreiben sie, die sausympathischen 

Jungrocker aus Castorland. 

Hoffentlich haben sie vor der nächsten 

Platte mehr Zeit, um sich für diese 

Ideen ausreichend Zeit zu lassen. 

Liebe Freunde bei Universal, ich gebe 

zu, es war kaum möglich, den tollen Erstling 

zu toppen. Und der schnelle komplette 

Erfolg der Band verführt, gleich einen 

drauf setzen zu wollen. Ohne Rükksicht, 

und die Jungs glauben Euch 

wahrscheinlich sowieso alles, sind vielleicht 

sogar selbst der Motor beim sichselbst-überhitzen. 

Aber, wo ist das kritische 

Korrektiv? Denn gemessen am Potential 

der Gruppe ist das hier einfach zu 

wenig. Die Jungs brauchen nicht fette 3- 

Gang-Menus in überteuerten Hotelzimmern, 

sondern den direkten Kontakt zu 

Schichtarbeitern und Kuhscheiße und 

Milchmann. Sonst wird aus anarchischer 

Kraft eine doofe arrogante Neureichenpose. 

Und die Luft ist schneller 

raus, als ihr ahnt. Und dann wird gecancelt 

und die Band war schuld. Von 

wegen. Das ginge auf Euer Konto! Also: 

Lasst es das nächste Mal bitte bleiben. 

Lasst die Fünfe ihren Skat dreschen und 

gepflegt einen saufen, lasst sie in Feuerland 

abkühlen und Urlaub machen, 

sonst brennen sie wie einst die SELIGen 

Hamburger wie Wunderkerzen von 2 

Seiten ab. Und das wäre doch wirklich 

schade. Die Platte ist schon okay. Traurig, 

dass so sagen zu müssen. Weil, die 

Jungs rocken live wie Sau. Ohne Druck. 

Dem müssen sie schnellstmöglich entfliehen. 

Bevor es zu spät ist. 

Andrasch Neunert 

www.madsenmusik.de 

The Matches - Decomposer 

(Epitaph/SPV) 

Was hier zunächst fast wie Wiener Kaffeehaus-Musik 

beginnt, wird dann doch 

noch zu einem höchst abwechslungsreichen 

Rockmusik-Album. Einem Album 

im wahrsten Sinne, denn „Decomposer“ 

ist eine Zusammenstellung unterschiedlicher 

Stilistiken, wobei der einzige rote 

Faden, den man zu erkennen glaubt, zunächst 

nur die markante Stimme von 

Shawn Harris zu sein scheint. Dass sich 

hier straight rockende Songs („What Katie 

Said“) mit zerhackten Tunes („Papercut 

Skin“), nervig-nervösen Arrangements 

(„Lazier Than Furniture“), schönen 

Melodic-Rockern („My Soft And 

Deep“) und hymnischen Klängen („The 

Barber's Unhappiness“) abwechseln, 

kann nach mehrmaligem Hören allerdings 

nicht davon ablenken, dass es 

THE MATCHES geschafft haben, ein 

beachtliches weil trotz aller Stilvielfalt in 

sich stimmiges Scheibchen moderner, 

zeitloser Rockmusik abzuliefern. Bei 

neun verschiedenen Produzenten ist 

das wahrlich nicht selbstverständlich. 

Angenehmerweise erinnert mich „Decomposer“ 

zudem u.a. wegen Shawn 

Harris' Organ häufig an die Coheed And 

Cambria. Wer darüber hinaus noch einen 

Hit wie das völlig The Darkness-mäßige 

„Didi (The Doe, Part 2)“ im Gepäck 

hat, kann unterm Strich nur gewinnen. 

Heavy 

Matou - Home Alone 

(Sameway Music Records/M-System) 

Matou, über den wir in der vom Label 

beigelegten „Gebrauchsinformation“ 

nur erfahren, dass er mit bürgerlichem 

Namen Mathias Pokorny heißt, wandelt

mit seiner - rein akustischen - CD „Home Alone“ an der 

Schnittstelle von Pop, Folk und Alternative. Auf den sieben 

Tracks zeigt er ohne Einschränkung, dass er nicht 

nur ein hervorragender Songwriter, sondern auch ein 

vorzüglicher Vocalist ist, dessen Nasal mich ab und an 

den von mir hochgeschätzten Kanadier David Celia erinnert. 

Aber mit den Vergleichen ist das ja immer so eine 

Sache … Dem Interessierten sei angeraten, sich die 

„Home Alone“ zuzulegen; die Songs - sicher nicht immer 

ganz klischeefrei - liegen deutlich über dem Niveau 

des öffentlich-rechtlichen Radiostandards. Tolle 

Scheibe - allein: Sie ist mit 22 Minuten etwas kurz geraten 

- da sollte Herr Pokorny dringend nachlegen. 

Leo 

www.samewaymusic.de 

Melvins - 

Houdine live…A live history of gluttony and lust 

(Ipecac / Soulfood) 

Dieses Album der Melvins ist wahrscheinlich - mir sind 

nicht alle bekannt - das erste, auf dem sich diese Kultband 

nicht mehr oder weniger neu erfindet. Liegt kurz 

und klar daran, dass dies eine Live-Aufnahme darstellt. 

Im Rahmen der „Don´t look back“-Serie von All Tomorrow 

Parties, bei der auch andere Bands wie The Stooges, 

Gang Of Four oder Dinosaur Jr. eines ihrer wegweisenden 

Alben nochmals komplett live spielten, ist 

diese Aufnahme entstanden. Von daher gibt es nicht 

allzu viel zu dieser Scheibe zu sagen. Zu hören ist das 

komplette „Houdini“-Album mit etwas anderer Reihenfolge 

und gewissen anderen Parts. Die Aufnahmequalität 

ist dabei relativ gut. Als Bassist fungiert Trevor Dunn 

von Fantomas (auch ex Mr. Bungle). Houdini ist und 

bleibt ein wichtiger Meilenstein im (Noise)Rock Genre. 

Ob man diese Aufnahme braucht, soll dabei jede/r für 

sich selbst entscheiden. Nach der Wiederveröffentlichung 

ihres ersten vergriffenen Albums (wenn auch mit 

vielen Bonustracks), einem Melvins Buch, den Liverecordings 

der FantomasMelvins Big Band, der vorherigen 

zwar interessanten Resteverwertung „Mangled Demos 

From 1983“ und der jetzigen Live-Aufnahme 

wünscht man sich aber mal wieder richtig aktuelles Material 

von den Melvins. Sonst kommt man noch auf 

dumme Gedanken über das Alter und sonstiges. 

Christian Eder 

www.southern.net 

No-Neck Blues Band und Embryo - 

Embryonnck 

(Staubgold) 

Eine der vormals innovativen Psychedelic-Kraut Bands 

Embryo, die inzwischen aber sehr worldmusic sind, und 

die aus der Free-Folk Szene Amerikas stammende No- 

Neck Blues Band kollaborieren hier auf diesem 

Release. Und man bekommt in etwa das, was man erwartet, 

wenn man beide Bands kennt. Frei improvisierte 

Proberaumjams, die eben zwischen World Music und 

Free Folk angesiedelt sind. Mal als interessanter sich 

steigernder Track wie der Opener, öfter aber leider als 

eher uninspirierte Improvisationen, die nur auf sich 

selbst verweisen und sich manchmal in endlosen 

Klangspielereien verlieren ohne eine wirkliche Dynamik 

oder besondere Stimmung aufzuweisen. Von dieser 

Kollaboration hat man sich doch mehr erwartet. Vor allem 

live waren sie wesentlich spannender. Im Zweifelsfall 

lege man sich lieber das „Qvaris“ Album der NNCKs 

zu. 


www.staubgold.com 

OOIOO - Taiga 

(Thrill Jockey / Rough Trade) 

Mit überraschend punkig rotzigem 

Charme eröffnen OOIOO 

ihr aktuelles Album „Taiga“. Zu 

treibenden Drums shouten die 

vier Japanerinnen fast schon in 

GI-Manier Parolenhaftes dem 

Hörer entgegen, während im Hintergrund Elektronik 

zirpt und Trillerpfeifen agieren. Der Folgetrack lebt anfangs 

von jazzigen Drums und Bongos, die dann von 

monotonen Bläsern und einem recht eigenwilligen Gesang 

begleitet werden, bis er sich nach einiger Zeit wie 

eine augenzwinkernd-ironische Barjazz-Version anhört, 

bevor er noch ins psychedelisch schräge kippt. 

Und so geht es allenthalben weiter auf. Jazzig, elektronisch, 

funkig, krautig und immer leicht verschroben kollidieren 

und interagieren hier wieder mal eine Vielzahl 

an Stilen und Stimmungen, Rhythmiken und Instrumentierungen. 

„Taiga“ ist Avant-Pop mit onomatopoetischen 

Vocals, Spaceworlddancemusic, hypnotischer Ethnojazz, 

Freefunkjazzelektro, Abstractmultisoundpop und 

noch viel mehr. Unglaublich ausgetüftelt und feinsinnig 

in Rhythmiken und Sounds ist „Taiga“ das wohl zugleich 

mannigfaltigste, verquerste und dennoch zugänglichste 

und organischste Album, das OOIOO bisher produziert 

haben. 


www.ooioo.jp 

Over The Atlantic - 

Junica 

(Carpark / Cargo) 

Abhängen, Akkorde schrubben, 

Endachtziger Indie hören und 

nebenbei am PC fummeln. Heraus 

kommt dabei post-adoleszenter 

Indiesound, der zwar gelegentlich rückwärts 

blickt, aber immer wieder neue Elemente bereichernd 

integriert. Over The Atlantic ist das Duo Bevan Smith 

und Nik Brinkman, das zweieinhalb Jahre lang immer 

wieder zwischen Couch, Bett und PC Songs aufgenommen 

hat. Diese ureigentliche Low-Fi Attitüde ist der Produktion 

allerdings nicht anzuhören. Melancholisch abgehangen, 

mit angenehmen Vocals und Sound, der 

zwischendrin etwas an Spacemen 3, Yo La Tengo und 

Co. erinnert, schaffen die Neuseeländer mit „Junica“ ein 

entspanntes Indietronik-Album, das allerdings ein wenig 

unter seinen meist recht simplen Beats leidet. Wen 

das nicht stört, der findet hier eine charmante Symbiose 

zwischen Hang zu Plusquamperfekt-Indie und modernen 

Soundelementen. Unaufdringlich schön, aber auch 

etwas unspektakulär. „Kick your shoes off on the old 

couch and settle in, there´s a groove worn in it for you.“ 


www.myspace.com/overtheatlanticband 

Oxo86- 

10 Jahre - 

So beliebt Und So Bescheiden 

(Pukemusic/ 

BrokenSilence) 

Selbst für Weinfreunde ist das 

Motto „Bierchansons aus Bernau“, 

so steht's auf der Homepage 

von „Oxo86“, charmant. Und besser kann man die 

Band nicht beschreiben. Wer aber auf „So Beliebt“ ausschließlich 

alkoholfetenkompatible Mitgröhl-Mucke erwartet, 

dem sei versichert, dass die Band zwar nicht 

das musikalische Rad neu erfindet, aber durchaus mit 

witzigen Texten aufwarten kann: Wenn die Helden der 

Arbeiterschaft zu „Walking-Class Heroes“ werden, 

wenn man in „Super-Hyper-Gummigut“ philosophiert 

(„Was kümmert Dich der Regenwald, Du wirst sowieso 

nicht alt“) oder - gar nicht „pc“ - das Frühableben adeliger 

Damen („Lady Diana“) kommentiert: „Zusammen 

mit dem Kaufhausscheich fliegt sie jetzt in's Himmelreich 

… ja, ich versteh' es einfach nicht - warum hat es 

nur Dich erwischt - und nicht den George aus Amerika 

- wo der doch längst schon fällig war“ - das hat echt 

Kultpotential, aber: Kult - das sind OXO86 ja schon 

lange; und auch Platten wie „Helden Wie Wir“ oder 

„Fröhlich Sein Und Singen“, nur zwei von denen, die in 

den letzten 10 Jahren veröffentlicht wurden, haben 

längst Kultstatus. Und wer sich bei „Oxo86“ ernsthaft 

über die Tatsache mokiert, dass sie selten die drei-Akkord-Grenze 

sprengen, den kann man doch eh nicht 

ernst nehmen, oder? Bin sicher, dass auch „So Beliebt 

und So Bescheiden“ bald Kultstatus haben wird und 

freue mich auf zehn weitere Jahre. 

Nico 

www.oxo86.de 

Paper Chase - 

Now you are one of us 

(Southern / Soulfood) 

Carla Bozulich - 

Evangelista 

(Constellation / Alive) 

reViews 31 

Paper Chase und Carla Bozulich - zwei Alben, die auf 

den ersten Blick vielleicht wenig miteinander zu tun haben. 

Zweifelsohne sind es aber wohl die eigenständigsten, 

die in diesem Heft besprochen werden, damit aber 

auch nicht einfach zugänglich und Abgründe auslotend. 

Die Alben treffen sich in ihrer düster-beklemmenden 

Atmosphäre. Paper Chase üben gleich auf dem Cover 

ätzende Gesellschaftskritik. Zum Titel „Now you are one 

of us“ sieht man einen erhängten Mann in einem kahlen 

Zimmer, in dem nur ein Fernseher steht. Auch ein 

Songtitel wie „The kids will grow up to be assholes“ lässt 

nicht unbedingt auf eine freundliche Message schließen. 

Angst ist dabei das emotionale Grundthema des 

Albums. Der charismatische Sänger und Hauptsongwriter 

John Congleton untersucht auf „Now you are…“ 

die Möglichkeiten, Angst als Kontrollinstrument zu verwenden. 

Paranoia und abgründige Emotionen spiegeln 

sich auch im Sound, des recht trocken aber passend 

produzierten Werks wieder. Ein prägnantes, mal stoisches, 

mal treibendes Schlagzeug, Piano, Violine, Gitarre 

bilden hier eine dissonante Einheit, wobei die Gitarre 

nur gelegentlich und minimal ausbricht. Zwischendurch 

wird die Paranoia immer wieder durch sehr fragile 

Momente reduziert, nur um danach noch seltsamer 

zu agieren. Und über allem mahnt, predigt, würgt und 

ätzt Congletons einzigartige Stimme. Absolute Empfehlung. 

Auch Carla Bozulich ist eine Predigerin und überrascht 

auf „Evangelista“ mit einem sehr eigenen Album. Hatte 

sie unlängst noch mit „Red Headed Strangers“ ein countrifiziertes 

Album u. a. mit Coverversionen von Willi Nelson 

aufgenommen, ist sie hier nach einer völligen Metamorphose 

anzutreffen. Ein überlanger Opener mit enervierenden 

zerrenden Violinen gibt eine völlig neue Richtung 

vor. Carla Bozulich erzählt, predig, gleitet in 

Schreie ab. Man fühlt sich an Diamanda Galas erinnert. 

Das folgende „Steal Away“ ist ein etwas versöhnlicherer, 

aber immer noch dunkel-brüchiger Song: „I ain´t got 

love to stay here“ singt sie und man fühlt sich an das 

Cover von Paper Chase gemahnt. Später gibt es eine 

wunderschöne und absolut gelungene Coverversion 

von Lows „Pissing“, die die charismatisch-melodiöse 

Stimme Bozuchs aufzeigt. Auch hier eine eher untypische 

Instrumentierung mit Cello, Violine, Kontrabass, 

Orgel, Samples und Loops. Es wurde z. B. auch ein Piano 

im Regen aufgenommen. „Evangelista“ ist ein 

schwieriges düsteres und emotional abgründiges, äußerst 

eigenwilliges Werk von Carla Bozulich, das aber 

gerade deswegen auch eine unglaublich authentische 

Künstlerin zeigt, die einfach ihren Emotionen folgt, ohne 

sich um irgendwelche Erwartungshaltungen zu kümmern. 

Respekt! 


www.southern.net 

www.cstrecords.com 

Pendikel - 

Don`t cry, Mondgesicht 

(BluNoise / Alive) 

„Was soll ich denn hier schreiben? 

Mir fällt nichts ein.“ „Schreib 

doch einfach: Vier Tage ohne 

Schnupftabak verschmachten 

auf dieser Insel.“ So waren sie, vor 10 Jahren, noch zu 

viert… fröhlich sinnentleertes Geplapper von Pippi 

Langstrumpf und ihren Freunden als Intro zu schräg 

verschachteltem Indierock mit Lust an zappaesker Planung 

und kreativer Improvisation. Feedbackorgien und 

kleine Zauberkunststücke. 

10 Jahre später sind die Osnabrücker nur noch zu zweit, 

und ihre vierte Scheibe schleicht sich an mit scheinbar 

depressiven Klavierklängen, die den Geist von Erik Satie 

atmend (Anm. d. Korr.: Bruder Jakob und Satie haben 

sicherlich nichts gemein), uns doch allen Ernstes 

mitteilen wollen, „alles was wir tun ist sinnlos.“ 

Sowas hatte ich befürchtet. Auf der 2004 aufgetauchten, 

als Signal für Kontinuität trotz Mannschaftsverkleinerung 

schlicht „3“ betitelten Platte waren sie leise ge-

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worden, fast retrospektiv, gut noch, ja - aber hörbar älter. 

Und jetzt? 

Kaum haben die leicht ergrauten Herren den Kassandragesang 

der ewig deutschen depressiven Verstimmung verklingen 

lassen - und im Nachgang meint man, schon da 

die pure Ironie durchleuchten gehört zu haben, werden wir 

aufgefordert: Heul doch! 

Gitarrensalve! Von wegen alt und milde vor sich hin trauerndes 

Moll. Hier wehren sich zwei mit textlicher Verve, 

Selbstironie und musikalischer Klasse gegen die kampflose 

Aufgabe der eigenen Träume, die zur Zeit in Feuilletons, 

Leitartikeln und peinlichen Mottoshows zu beobachten 

ist, wenn die Revolutionäre von einst mit nationalistischen 

Symbolen schmusen und frühere Gitarrentiger die 

Castingvorlagen für die TV-Clonefabriken des Privatfernsehens 

entwerfen. 

Schöne neue Welt. Arrangier Dich. Und alles wird gut? 

Hier nicht. Pendikel schmeißen schon mit der ersten Nummer 

eine achtminütige Hymne gegen die so vielen von uns 

innewohnende Verzweiflung auf ein mildrot beleuchtetes 

Parkett. 

Dabei sind nicht nur die Texte sperrig und schön, kalkuliert 

und doch sauehrlich. Eine nur alle JUBELjahre bei anderen 

deutschtextenden Gruppen erlebte reflektierte Einheit 

zwischen Phonetik und Aussage erlaubt mir, den Begriff 

Kunstwerk zu verwenden. Musik für alle von Genesis bis 

Postcore, von Regener bis Zappa. 

Ruhig in sich hineinhorchendes Innehalten, eine zornige 

Zitatmaschine als nicht mal verzerrender Spiegel alltäglicher 

Beliebigkeit hinter Buffetbarrikaden. Von einer Steuererklärung 

bis zur nächsten endlich den alten Zorn wieder 

entdeckt, ohne sich so unfehlbar zu fühlen, wie einst 

in den Nächten der ewigen WG-Diskussionen. Die Ismen 

längst aus den Köpfen verabschiedet. Der Wunsch nach 

Veränderung wird wieder größer. Ein Hauch von musikalischem 

Morgenrot nach vermutlich unzähligen im Übungsraum 

durchwachten Nächten. Musik wie ein guter Freund. 

Blunoisige Arschtritte zum Abtanzen und dann doch noch 

gestreichelt beim Mitdenken. Eine große Platte. 


www.pendikel.de 

Powerman 5000 - Destroy What You Enjoy 

DRT / Soulfood 

Sie wurden einst als die legitimenen Nachfolger der dahingeschiedenen 

White Zombie gehandelt: Powerman 5000. 

Mit Alben wie „Mega!! Kung Fu Radio“ und vor allen Dingen 

„Transform“ sowie Touren mit Korn, Marilyn Manson 

und dem Ozzfest schien die Band auch auf dem besten 

Wege, genau dieses zu werden. Die Nähe zu White Zombie 

aber liegt nicht nur im teilweise ähnlichen Stil, sondern 

schlichtweg in den verwandtschalftlichen Beziehungen 

beider Bands: Sänger Spider ist der jüngere Bruder von 

Rob Zombie, der ehemalige Gitarrist M33 alias Mike Tempesta 

der des White Zombie-/Rob Zombie-Gitarristen John 

Tempesta. 

Nach der Auflösung ihres einstigen Labels Dreamwork Records 

allerdings stand die Band zwischenzeitlich vor einem 

Trümmerhaufen, Zukunft ungewiss. So überrascht es fast 

für einen Moment, dass es man überhaupt wieder ein 

neues Album zustande gebracht hat. Stilistisch setzt sich 

dabei die Entwicklung der vorhergehenden Alben fort: wo 

zu Beginn zahlreiche Spielereien lockten, geht es nun deutlich 

erdiger, straighter und klarer zur Sache. Rock'n'Roll mit 

mehr als nur einem Schuss Alternative, der teilweise ist 

man sich sogar für ein wenig Stadionrock nicht zu schade. 

Übersteht man diese, dankbarerweise rar gesäten, Momente 

allerdings glücklich, dann ist „Destroy What You Enjoy“ 

eine durchaus unterhaltsame Angelegenheit, die aber 

nur noch inn der Stimme von Sänger Spider, die große Ähnlichkeit 

zu der seines Bruders hat, Parallelen zu White Zombie 

aufweist, von deren songwriterischen Intelligenz aber 

meilenweit entfernt ist. 

Arnulf 

Radio Birdman - Zeno beach 

(Stickman Records) 

Anfang (ohne Vorkenntnisse): 

Ganz spontan? Jetzt? Also ich? Na 

hörnsemal...! Okay, ich versuchs. 

Rock. Ja. Mit so'nem Retroeinschlag. 

Das war jezz gut, nich? Und 

das? Eine Orgel! So eine Retroorgel! Hah! Irgendwo zwi- 

schen The Blue Van (gerade „You Just Make It Worse“), 

Jet und... komm noch drauf. Na ja, die Ecke halt. Oh. Zumindest 

die ersten zwei Songs. Dann wird's ein bisschen... 

düster? Wavig? Vom Gesang her? Ja, das ist gut: Vom Gesang 

her. Fast ein Tacken zu viel. Aber Moment! Später 

geht das wieder weg. Tut gut. Mir zumindest. Wie heißen 

die noch gleich...? 

Mittelteil (ins Info gelugt): 

Oha. Da hab ich eine Legende im Player. 1974 wohl ins 

Leben gerufen war Radio Birdman eine der ersten Punkbands 

Down Under. Stark beeinflusst von den MC5 und 

den Stooges. Wobei immer mehr Garage als Punk. Und 

das nach wie vor. Räudig, laut, schnell. „Zeno Beach“ ist 

seit 25 Jahren das erste neue Studioalbum. Fette Rockgitarren, 

leicht retroangerifft. Ziemliche Brecher. Und bis auf 

obengenannten leichten Wavetouch in der Stimme - das 

aber nur ab und an- gefallen mir die Vogelmannradios gut. 

Ziemlich gut sogar. Ihr Alter merkt man Ihnen zumindest 

nicht an... und wegen schon zweimal erwähntem Einschlag 

klingt alles doch sehr sehr frisch. 

Endteil (mit einer spürbaren Begeisterung): 

Das Gute darin/dabei/dahinter: Sie kommen da her. Machen 

das schon lange. Keine kleinen schwedischen Buben, 

die vorgeben, diese oder jene Musik mit der Muttermilch 

aufgesaugt zu haben, neeeee, die Männers wissen 

wohl, von was sie sprechen. Und waren Pioniere. Sind da 

durchgegangen. Wegweisend. Mitgemacht. Und vor allem 

mitgerockt. Alles DIY. Schon immer gewesen. Independent 

as shit! Das ist ancheckungswürdig. Und auf Europatour 

sind sie auch! 

Matthias Horn 

www.radio-birdman.com 

Rossenbach, Sven & Florian Van Volxem - 

Dominik Graf Filmmusik 

(Rent A Dog/Alive) 

Die CD „Dominik Graf Filmmusik“ ist ein repräsentativer 

Auszug der Arbeiten des Düsseldorfer Autorenteams Sven 

Rossenbach und Florian Van Volxem zu einigen TV-Produktionen 

von Dominik Graf. Unter anderem sind dies die 

Filme „München - Geheimnisse Einer Stadt“, „Die Freunde 

Der Freunde“ und „Hotte Im Paradies“. Das Infoblatt des 

Labels bietet interessante Details zur Vorgehensweise der 

beiden Musiker; so wurde die Musik „nie zum Bild oder zum 

fertigen Film“ komponiert. Ein Ansatz, der schon allein aufgrund 

der zeitlichen Probleme - man stelle sich vor, der 

Film müsse erst komplett abgedreht, dann erst die Musik 

komponiert werden - vernünftig klingt, der den Leihen aber 

doch etwas verblüfft. Außerdem - ein weiterer Vorteil - ist 

die Musik so wenig bis gar nicht abhängig vom visuellen 

Background - sie „funktioniert auch allein“, der Film kann, 

muss aber nicht „mitlaufen“. Aber auch das Problem liegt 

auf der Hand: wenn der Bezug zum Bild fehlt und ihm auch 

kein besonderes Gewicht beigemessen wird, dann ist die 

Musik austauschbar. Das waren noch Zeiten, in denen Musiker 

wie Bernhard Herman oder Miles Davis ihre Filmmusik 

komponierten, in dem der Film im Hintergrund auf einer 

großen Leinwand ablief; das hatte dann eine „dramaturgische 

Tiefe“, die heute nur noch selten erreicht wird. 

So geht das eben heutzutage nicht mehr, leider. Im Ergebnis 

besteht die CD aus guten („God Bless You“, Dubb“) bis 

großartigen Tracks („Wachet Auf“, „Tempeltanz“, „Passage“, 

„K Rain Due“), aber eben leider auch aus recht 

Nichtssagendem und, mit Verlaub: Banalem („Bossa“, 

„Spacelblues“). Der positive Eindruck überwiegt dennoch 

deutlich, und auf gut 75 Minuten zeigen Rossenbach und 

Van Volxem, dass es eben auch seine Vorteile hat, wenn 

der Zuschauer selbst entscheiden kann „was man jetzt zu 

fühlen hat“ und Filmmusik ohne dramaturgischen Zeigefinger 

komponiert. 

Schaffrath - Weg Aus Dornen 

(STF/M-Systems) 

Neues aus dem Hause STF! „Schaffrath“ heißt die Band 

um den gleichnamigen Sänger Martin Schaffrath, und gesungen 

wird deutsch. Zu Hause fühlt sich der Vierer im 

eher traditionellen Metal der Herren Dio und Dirkschneider. 

Klischee, also? Nix da! Dafür sorgen zum einen die 

interessante Stimme des Frontmannes, die sehr guten Lyrics 

und die hervorragende Gitarrenarbeit der Gitarristin (!) 

Christina Schleicher. Ganz nebenbei sorgt die Rhythmustruppe 

um Basser Mario Bansleben und Drumer Markus

Schleicher für die nötige Tightness. Lediglich der etwas 

die Frequenzen unter 250 Hertz betonende Sound des 

Werkes ist nicht restlos überzeugend, da hätte das 

Handtuch über den Boxen noch weg gedurft. Ansonsten 

aber ein äußerst vielversprechendes Klangwerk, 

das glücklicherweise und wie oben andeutet, ohne genretypische 

Klischees auskommt. 

Leo 

www.stf.de 

Otto von Schirach - Maxipad Detention 

(Ipecac / Soulfood) 

Der kubanisch/deutsche Otto von Schirach, geadelter 

Sonicsoundmaniac und diplomierter Beatterrorist, veröffentlicht 

nach diversen mir unbekannten Releases auf 

Pattons Ipecac sein neuestes Album „Maxipad Detention“. 

Mit einem unglaublich fetten Bass eröffnet dann 

auch „Toma Liquido de Ballena“ dieses sicke Electronicalbum. 

Ein kompakter, drückender abgehackter 

Bassbeat trifft sich hier mit wirren Elektronikspielereien 

und mixt Blast-Speed-Attacken und strange 

(Sprach)Samples mit Deathgrunts. Als ob man Kid 606, 

Atari Teenage Riot, Mr. Bungle und Venetian Snares 

zusammen an die Wand wirft und sieht, was soundtechnisch 

kleben bleibt. „Bling gore & diamond soaked kick 

drums for the reptilian women“. Schirach bringt nach 

anfänglicher relativer (stolpernd technoider) Stringenz 

im Verlauf immer weiter gestückelte Klänge. Und hier 

ist auch das Manko dieses Albums zu sehen. Es verliert 

leider an Spannung. Weder kann es eine herrlich 

irre Illbreakbeat Tanzbarkeit von Kid 606, noch ein energetisches 

Aggressionspotential a la Atari Teenage Riot 

aufbauen. Sicher sind hier tausend kleine und feine 

Ideen verwoben worden, doch auf Albumlänge wirken 

sie allzu bruchstückhaft und teilweise sogar etwas überladen. 

Trotzdem bleibt es eine interessante Scheibe für 

Leute mit dem Hobby „Soundsickness“. 


www.ottovonschirach.com 

Schtimm - Time, Pace and other stories 

(Make My Day) 

Das schöne, düstere Artwork lässt interessiert aufblikken. 

Der alternative Dark Pop von Schtimm bietet aber 

leider um sehr vieles weniger für die Ohren als für die 

Augen. Nur wenige Male lässt einen eine Musik an sich 

zumindest ein wenig aufhorchen. Sehr getragener, reduzierter, 

öfter theatralischer dunkler Pop-Sound mit 

wechselnden male/female vocals, der aber aufgrund 

des Ideenmangels und unzureichender Dynamik 

einfach zu sehr vor sich hin plätschert. Auch 

wenn es Herbst wird. Muss nicht. 27 haben 

schon länger bewiesen, dass so etwas 

besser und interessanter geht. 


www.schtimm.com 

Schweisser - Pororoca 

(Südpol Records / Alive) 

„Verlegt und verloren, verraten 

und verkauft“ fühlten sich die 

Schweisser aus Ex-Weilheim, 

insbesondere Frontmann 

Tommy Böck, nachdem der 

einst zornbebende Bürgerschreck 

den Metalcore gegen 

sanftere Töne eingetauscht 

hatte. Dabei geschah diese 

Umorientierung seinerzeit ein 

wenig halbherzig und die verlorenen 

Mähnenschüttler vor der 

Bühne wurden zahlenmäßig 

nicht durch die Popgemeinde 

wettgemacht, der das Ganze 

damals immer noch zu aggressiv 

klang. Es folgte ein schier 

endloser Streit mit EMI Publishing, 

dessen Ende trotz erstinstanzlicher 

Erfolge nicht absehbar 

ist. Ein Weltkonzern gegen 

einen deutsch textenden Rok- 

ker, der einst an das Gute im Menschen glaubend vorzugsweise 

Lyrikparties in der eigenen WG feierte und 

sich dann von vermeintlich guten Freunden im Stich gelassen 

fühlte. Auch mich rief er nicht mehr zurück. Stattdessen 

ging er seinem neuen Job in der Werbebranche 

nach und schrieb zornige Songs für eine Wiederkehr. 

Die wagt er jetzt mit Martin Messerschmid, Ex- 

Banknachbar und bekannt als Schlagzeuger von The 

Notwist und den Bolzplatz Heroes und Fabian Exter, 

Produzent, Gitarrist und Basser. Und gleich zu Beginn 

gibt es die Breitseite gegen die bösen Bosse. Mehr 

Punkrock als Noise. Mehr Faust in die Magengrube als 

stilvolles Florett. Strassenkampflyrik gegen Merkel, Agitation 

gegen Atomstaat und Plattenindustrie, Polizei 

und Parasiten. Das ist grundehrlich. Textlich wie musikalisch 

gekonnt und weitgehend berechenbar. Doch in 

Zeiten, die noch immer Rinnsteinlyrikbombastcore mit 

Hans Albers - Timbre und Riefenstahl-Filmchen inklusive 

Versatzstücken brauner Ideologie abfeiern, weil 

das in den USA dank David Lynch seit geraumer Zeit 

als musikalisches Synonym für Deutschland gehalten 

wird, allemal sympathisch. Für Freunde harter Rockmusik 

und alle, die Lust empfinden, an der Wiederentdekkung 

alter neu formulierter Feindbilder, für die, die Lust 

haben, politisch mal wieder Klartext zu hören und sich 

im gemeinsamen Schrei die nächste Revolution vorzustellen, 

allemal ein guter Vorschlag. Und im Übrigen ist 

es einfach schön, dass er wieder da ist, der Schreck 

oberbayerischer Vorgärten, auch wenn Mother EMI darüber 

not amused sein dürfte. Sie haben es sich verdient. 


www.suedpolmusic.de 

2nd District - Emotional Suicide 

(PeopleLikeYou/SPV) 

Gibt es die „Revolvers“ eigentlich noch? Oder ist „2nd 

District“, das Side-Project um Drummer Tobbe und 

Sänger Marc Ader, der einzig überlebende? Würde 

mich interessieren, da ich sowohl die „Revolvers“-Sachen 

immer ziemlich geil fand, aber auch vom letzten 

District-Album „Don't Mess With The Hard Punx“ ziemlich 

begeistert war. Vielleicht kann mich mal jemand aufklären 

… Die „Emotional Suicide“ jedenfalls lässt hören, 

wie es zu klingen hat, wenn „Old School“ Punk auf 

den „Glam“ der Siebziger trifft: auf den Punkt komponierte 

Tracks mit großartigen Hooks (hört Euch nur mal 

den ultimativen Sommer-Punkhit „19th Soldier“ oder 

„Opportunist“ an), das Ganze mit einem klaren, transparenten 

Sound und mit viel „Schub nach vorne“ ausgestattet. 

Eine absolut gelungene Darbietung der vier 

33 

Herren aus Dortmund! Die kommen natürlich bald auf 

Tour, und wenn sie die Leute auch nur halbwegs so begeistern, 

wie es ihnen bei mir gelungen ist, dann könnten 

die den kommenden dunklen Winter mächtig aufhellen. 

Große Klasse, das! 

Nico 

www.myspace.com/seconddistrict 

Sigurd - Doppelgänger 

(Gentlemen Records / Alive) 


Es gab da mal eine Band namens Chewy. Diese war 

so etwas wie der Benjamin Lauth des Schweizer Indie- 

Rock - DIE große Hoffnung im Sturm der jungen Szene, 

die sich in Lausanne entwickelte. Aber wie es mit jungen 

Talenten so oft ist, wechseln sie viel zu früh zu einem 

großen Verein, halten dort dem Erwartungsdruck 

nicht stand, werden verheizt und irgendwann spricht 

dann keiner mehr von ihnen. So auch geschehen mit 

Chewy, die sich vor gut zwei Jahren auflösten. Nun hat 

sich die Hälfte der Band, in persona Mathieu Ufer und 

Sebastien Altevogt, wieder zusammengetan und kurzerhand 

die Zwei-Mann-Band Sigurd ins Leben gerufen. 

Bei deren Debüt hat man das Gefühl, als hätten die zwei 

Freunde vor den Aufnahmen beschlossen, dass einfach 

alles geht und nichts unmöglich ist. So paaren sie 

teils sehr harte Gitarrenriffs mit epischen Songstrukturen 

und unterstützen das Ganze ab und an mit seltsamen 

Sounds und des Öfteren mit verqueren, nicht selten 

überraschenden Songstrukturen. Im Ergebnis klingt 

das, als würden Fugazi zusammen mit Mogwai, Sonic 

Youth, Modest Mouse und Pinback versuchen, so etwas 

wie Hardcore mit leichten Metal-Einflussen zu spielen 

- oder so ähnlich zumindest. Man merkt: hier wird 

eigenständig, um nicht zu sagen, eigenbrödlerisch, zu 

Werke gegangen. Und das ist gut so, weil es eben genau 

so klingt, wie es klingen soll: erfrischend, neu, spontan 

und nicht immer leicht zugänglich - Letzteres aber 

nur auf den ersten, flüchtigen Blick. Nur einen Kritikpunkt 

müssen sich Sigurd gefallen lassen: Den selten 

einsetzenden Gesang hätten sie sich gleich lieber sparen 

sollen. Der stört nämlich oft mehr, als dass er die 

Songs bereichert. Ansonsten aber unbedingt hörenswert. 

Jochen Wörsinger 

www.sigurd.ch

34 


Slightly Stoopid - Closer to the sun 

(Stoopid / Rough Trade) 

Beknackter Bandname, noch schlimmeres Cover mit 

einem Skelett, das an einem morschen Surfbrett lehnt, 

die Band aus Ocean Beach California und fertig ist das 

perfekte Vorurteil. Doch - Heureka! - es kommt anders. 

Akustik Rock kombiniert mit Reggae dominiert den 

Sound. Dazu kletten sich alldieweil mal ein Hip-Hopoder 

Bluesversatzstück. Insgesamt ist das Soundbild 

von einem prägnanten melodischen - fast etwas aufdringlichen 

- Bass, entspannter Reggae-Rhythmik, 

Congas, Perkussion und den in diesem Genre marginalisierten 

Gitarren bestimmt. Wie das bei Reggae dann 

oft so ist, wird es auf Dauer dann doch zuuu entspannt. 

Wenn man nicht gerade THC-geschwängert bei 38 

Grad in einer jamaikanischen Hängematte liegt, hängt 

„Closer to the sun“ doch etwas arg durch. Da nützt es 

auch nicht viel, dass sie bei „Nothing over me“ und einem 

weiteren Track mal ordentlich aufs Calipunk-Pedal 

(Vorurteil ich hör dir trapsen…) treten. Homer Simpson 

kam ja schon zu Wort. 


www.slightlystoopid.com 

Slimboy - Anthems 

(ModernNoise/Cargo) 

Was tut man, wenn man Emo macht und möglich amerikanisch 

klingen will? Man fliegt nach LA und mietet 

sich in ein Studio vor Ort ein. So ist es gelaufen, damals 

2004, als „Slimboy“ ihr „No Fires On Beach“ aufnahmen, 

und die Resonanz auf das Album muss - laut 

Bandhomepage - ziemlich enthusiastisch gewesen 

sein. Ok, ich habe mal wieder nix davon mitbekommen, 

was mich aber wundert, ist, dass die Jungs ihr aktuelles 

Album im vergleichsweise beschaulichen Berlin aufgenommen 

haben. Keine Ahnung, ob diesmal schlicht 

die Kohle gefehlt hat oder ob man inzwischen einen 

neuen Bandkollegen hat, der unter Flugangst leidet. 

Fakt ist, dass „Anthem“ der beste Beweis dafür ist, dass 

man nicht in die Ferne schweifen muss, um amtlich, ja, 

und meinetwegen: amerikanisch zu klingen. Doch nicht 

nur beim Sound stimmt beinahe alles; auf den insgesamt 

elf Tracks beweisen die vier Jungs, dass der Titel 

des Werkes Programm ist: alles Hymnen, halt. Schöne 

Scheibe. 

Kai 

www.slimboy.info 

Spellbind - cocoon 

(Modern Noise/Radar Music) 

Holy alternative cow! Das ist 

catchy und alternativ. Hymnenhaft 

schon erwähnt? Und ziemlich 

modern. Also moderne rokkige 

alternative Musik. Die 

Songs sind im Midtempo angesiedelt. Ab und an gibt 

es Ausbrecher. Dieser Pfad wurde zwar schon das eine 

oder andere Mal (zu oft) beackert und betrampelt, aber 

mit Spellbind weht ein kühler frischer Wind. Auf er einen 

Seite zumindest. Man wird an viele Bands dieses 

Genres angenehm erinnert. Wobei es auch daran liegen 

könnte, dass ich vor einiger Zeit ein bisschen die 

Interesse an diesem Sektor verloren habe. Wie kann 

man die Musik auf einen Punkt bringen? Alternative- 

Guitar-Pop? Yo, denke, das isses. Aber ein bisschen 

rund für meinen Geschmack. Und ziemlich professionell... 

die andere Seite daran. Ist ja nix verkehrtes, aber 

ein bisschen mehr ungeschliffene Ecken und Kanten... 

sind auch nix verkehrtes. Im Gegenteil. Aber nicht falsch 

verstehen: Die Platte ist ziemlich gut, kein Thema. Und 

Leute, die auf Musik aus dem Hause Modern Noise stehen, 

ein Muss, auch klare Sache. Nur für mich... da fehlt 

so der letzte Zacken, die letzte Kante, die die Platte für 

mich richtig interessant machen würde. 

Aber sehr schön: „Day After Day“! Macht Lust auf mehr! 

Bin gespannt auf weiteres! 

Matthias Horn 

www.spellbind.de 

Spookey Ruben - Ausfahrt Walsrode EP 

(Lamm / Universal) 

Enervierend-knödelig, jaulend- poppiger und für Ruben 

erstaunlich einfallsloser Sound, der seinen traurigen 

Kulminationspunkt im deutschsprachigen Titeltrack hat, 

welcher - nach den „blablas“ im Opener - mit seinen 

„miaumiaus“ selbst die 2:10 Länge schier endlos erscheinen 

lässt. Der Herr war schon mal interessanter 

und scheint hier gar völlig zu regredieren. Auf dem nächsten 

Album rhaberberbabbelt er dann wohl „Beim Wullacken 

niemals mit dem Mottek wackeln“. 


www.spookeyruben.com 

S.P.Q.R.T. - Record 

(Rakete / Rough Trade) 

Schon vor anderthalb Dekaden 

begann die musikalische Kreativzelle 

aus Carl Blend und Howard 

Lespie Funken zu schlagen - damals 

noch als H.Oilers, später als 

Dandruff Deluxe. Nun steht uns mit S.P.Q.R.T. ihre neueste 

Inkarnation ins Haus. Der unangepasste Spaß am 

Spielen steht heuer im Vordergrund, Grenzen setzt man 

sich höchstens selbst. Vom elektrisch pluckernden Ambient-Störgeräusch 

über per Dampfwalze stoisch und 

nüchtern auf den Punkt getriebene Riffrocker, krachighandfeste 

Grooves oder verqueren Balladenstoff, zu 

dem psychedelische Räucherstäbchen herumgereicht 

werden, ist dem Duo aus New England eine variantenreiche 

Angelegenheit geglückt, die in etwa so klingt, als 

würde Kurt Ebelhäuser mit Urlaub in Polen den neuesten 

Teil der Desert Sessions veranstalten - und sich 

dabei selbst nicht allzu Ernst nehmen, scheint bei 

S.P.Q.R.T. doch stets ein ziemlich durchgeknallter, kaputter 

Humor das trockene Riff-Fundament zu stützen. 

Sie sind schon zwei eigenbrötlerische Weirdos, diese 

beiden und machen deshalb auch ganz einfach nur, was 

gerade so an- und einfällt. Das ist im Fall von „Lipstick“ 

ein Hit, wie ihn auch die Queens Of The Stone Age besser 

kaum hingekriegt hätten oder haben (siehe auch 

die Ähnlichkeit zu deren „Little Sister“). Schade nur, 

dass diesem famos tanzbaren Highlight, beispielhaft für 

die ganze Platte, beim instrumentalen „Eastern Action 

Hero“ fünf Minuten uninspirierter Monotonie gegenüber 

stehen. Oder dass man sich durch sechs quälende Minuten 

des Nichts „Alpengluehn“ kämpfen muss, bevor 

man mit dem kranken Abschluss „The Angels Choir“ für 

seine Mühen entlohnt wird. „Record“ ist eine durchwachsene 

Angelegenheit, die oft zu gefallen weiß, aber 

in gleichem Maße auch zu nerven wie einzuschläfern 

vermag. Eine durch und durch seltsame wie unberechenbare 

Platte. 

Patrick Agis-Garcin 

www.spqrt.com 

www.raketemusik.de 

Stream Of Passion - Live In The Real World 

(Inside Out/SPV) 

In für Arjen Lucassen geradezu spartanischer Aufmachung 

liegt die aktuelle Stream Of Passion-DVD „Live 

in the real world“ vor. Hatte der ehemalige Vengeance- 

Sechssaiter und geistige Vater teils bahnbrechender 

Progressive-Highlights wie Ayreon, Star One oder Ambeon 

bisher bei jeder DVD-Veröffentlichung u.a. durch 

eine unglaubliche Masse an Begleitmaterial beeindruckt, 

so scheint er bei „Stream Of Passion“ eher die 

Musik für sich sprechen lassen zu wollen und verzichtet 

auf haufenweise Beiwerk. Kernstück des Silberlings 

ist dementsprechend der Konzertmitschnitt vom 17. Februar 

2006 aus dem holländischen Rijssen, wo die Band 

den Abschlussgig ihrer Tour feierte. Sound und Bild genügen 

dabei erwartungsgemäß höchsten Ansprüchen, 

so dass die ca. 140 Minuten nicht nur deshalb Spaß 

machen, weil mit den Sängerinnen Marcela und Diana 

Bovio sowie Gitarristin Lori Linstruth drei äußerst attraktive 

Musikerinnen am Start sind. Ganz nebenbei kommt 

der geneigte Prog Metal-Fan in den Genuss der ein oder 

anderen bombastisch-beeindruckenden Liveversion 

etablierter oder neuerer Ayreon-Hits, einer netten Diashow, 

des „Out In The Real World“-Videoclips inklusive 

Making-Of, einer Tour Diary sowie eines Blicks hinter 

die Kulissen. Fazit: Der DVD gelingt es zu jeder Zeit, 

den Spaß und die Spielfreude dieser bunt zusammen 

gewürfelten Band zu dokumentieren - und darum ging 

es offenbar in erster Linie. Mission erfüllt! 

Heavy 

www.streamofpassion.com 

Strike Anywhere - Dead FM 

Fat Wreck 

Machen wir es kurz: über diese Platte gibt es nicht viel 

zu sagen. Was im Allgemeinen aber eher auf die unterdurchschnittliche 

Qualität einer Veröffentlichung hindeutet, 

hat bei Strike Anywhere ganz andere Gründe. 

Hat sich der 1999 in Richmond, Virginia gegründete 

Fünfer doch schon mit nur zwei Alben den Ruf erarbeitet, 

eine der verlässlichsten Bands im Hardcore/Punk- 

Bereich zu sein. Ein Ruf, den „Dead FM“ nur untermauert: 

eine gute halbe Stunde Punk-Rock und Hardcore 

der unterhaltsamsten wie abwechslungreichsten Sorte, 

der sich seiner politischen Bedeutsamkeit zudem äußerst 

bewusst ist. Um es in einer Vokabel zusammen 

zu fassen: großartig! 

Arnulf 

Team Rockit - 

The Lowest Point In Rock'n'Roll History 

(FiretoneRecords/www.firetonerecords.com) 

Als ich vor zwei Jahren die „Duck, Duck Goose“, die erste 

Mini-LP der Jungs aus den USA, gehört hatte, hatte 

ich meinem Wunsch nach einem neuen und „ganzen“ 

Longplayer Ausdruck verliehen. Und mit „The Lowest 

Point …“ haben Matt Friscia (Drums), Mark Zalewski 

(Bass) und Joe Sanzeri (Gitarre und Vocs) nun tatsächlich 

ihren ersten LP seit „Hell On Wheels“ an den Start 

gebracht. Und die Jungs haben mich nicht enttäuscht: 

Die „Lowest Point“ ist keineswegs das geworden, was 

man bei diesem Titel befürchten müsste; ganz im 

Gegenteil bietet uns der Dreier zwölf Tracks feinsten 

Punk'n'Rolls. Highlight ist die ACDC-Hommage „Know 

What I Mean“ und die eher klassische Ska-Nummer 

„Hillbilly Hot Rod“ - was aber nun keineswegs heißen 

soll, dass der Rest der Scheibe negativ aus dem Rahmen 

fiele. Wenn es etwas zu meckern gibt, dann dass 

der Sound nicht immer voll überzeugen kann: Die Gitarre 

ist mir etwas zu überbetont und klingt etwas „bratzig“; 

auch fehlt dem Sound eine klare Linie, und ab und 

an muss der Hörer an der heimischen Stereoanlage ein 

wenig nachregeln. Aber wollen wir mal nicht allzuviel 

rumnörgeln: Die neue „Team Rockit“ ist ein geiles Album 

geworden. 

Nico 

www.teamrockit.com 

The 101 - Numbers 

(riptide recordings/cargo records) 

Heyheyhey! Das hier rockt! Zwar ein bisschen melodycorig 

das eine oder andere Mal, aber Rock! Und das 

mit einer ordentlichen Portion Pop versehen! Ich weiß 

zwar nix über die Backgrounds und kann auch mit den 

„für das moderne Emo-Genre wegweisenden Christie 

Front Drive“ (Info) vom Namen her nichts anfangen, 

aber der Herr Richter, Bandkopf hie rund ehemals Sänger 

bei den Wegweisern, scheint doch schon eine Art 

Kultstatus zu genießen! Mir fällt als erstes die seligen 

„Shades Apart“ ein (ob's die noch gibt...?) und aber auch 

die Klitsche um Nada Surf, Youth Group, Seachange... 

aber alles mit einem stärkeren Hang Richtung Melody- 

PunkcoreRock schielend. Und das sind immerhin 

schon tolle Namen! Gerade „Part I“, aber auch „Numbers“ 

und „Part II“ erinnern mich an jene NadaSurf- 

Szene. Sind für mich auch die Songs von ganz vorne. 

Ansonsten bringt der Rest nur gute Laune! Das Info faselt 

noch was von „Catchy as hell“ und „...der perfekte 

Soundtrack für einen perfekten Sommer“. Meine Meinung 

dazu? Stimmt!!! Und zwar „as hell“! Für mich aber 

eher der perfekte Soundtrack für einen perfekt ausgehenden 

Sommer. Und unbedingt die Regler aufreissen 

und die schöne (Gitarren)Stimmung genießen! Prädikat 

wertvoll! 

Matthias Horn 

www.riptiderecordings.de

Total Chaos - 17 Years Of Chaos 

(Peolple Like You) 

Jubiläen sollten man feiern wie sie fallen, vor allem die 

runden; nun kann man ein siebzehnjähriges solches 

zwar nicht gerade als „rund“ bezeichnen, aber sei's 

drum; die chaotischen Polit-Punks aus Amiland, von denen 

jeder Punk, der etwas auf sich hält, mindestens ein 

Album im Schrank stehen haben sollte, werkeln seit 

1989 in der Szene und haben seitdem ichweißnichtwieviele 

Alben aufgenommen, von denen mir zumindest 

keines als wirklich schlechtes in Erinnerung geblieben 

ist. Der heiser-kratzige Gesang von Rob Chaos - nur 

Lemmy singt schöner - und der garagenlastige fuck- 

High-Fidelity-Sound sind ebenso zum Markenzeichen 

geworden wie die Kampfansagen an das Polit-Establishment 

- „Total Chaos“ lassen sich von keinem das 

Maul verbieten. Eine Platte für all diejenigen, die die 

Band nicht kennen und die mal reinriechen möchten. 

Und natürlich für alle Fans, die sich die Blöße einer 

Lücke in ihrer Sammlung nicht geben wollen. 

Kai 

www.peoplelikeyou.de 

Ty Tabor - Rock Garden 

(Inside Out / SPV) 

Jau! Nice one. Den letzten Longplayer seiner Hauptband 

Kings X musste ich mir streckenweise erst schön 

hören. Aber das hier geht sofort in's Ohr. Böse Zungen 

mögen fragen, was Ty Tabors aktuellen Output von 

Mainstream-Rock à la Bon Jovi (fröstel!) oder Brian 

Adams (würg!) unterscheidet? Mir fällt da so einiges 

auf. Zunächst ist die Produktion zu erwähnen, die das 

Raue zulässt und nicht glatt bügelt. Dann sind da noch 

die großartigen Melodien, die catchy, aber niemals 

cheesy sind, und last but not least gehen Bass und 

Schlagzeug so was von funky und präzise zu Werke, 

dass mir teilweise die Spucke wegbleibt. Tight is' gar 

kein Ausdruck! Richtige Aussetzer gibt es keine, ein, 

zwei Songs wären verzichtbar, weil sie so oder so ähnlich 

schon hundertmal geschrieben und aufgezeichnet 

wurden, aber egal. Hört mal rein, und wenn Euch der 

erste Titel zusagt, gefällt auch der Rest. 

Etwas seltsam ist das Covermotiv. Sieht aus wie das 

erste billige Pressefoto des Gitarristen einer Band frisch 

aus dem Proberaum. So nach dem Motto „ungesignt 

und hoffnungsvoll“. Auch den Namen Ty Tabor liest man 

erst mal nicht, weil zu klein gedruckt. Ich dachte zunächst, 

ich hätte hier das Debüt einer Band mit dem 

wenig originellen Namen „Rock Garden“ vor mir. Habe 

sogar in der Red. angerufen und gefragt, warum man 

mir das Labelinfo der neuen Ty Tabor Scheibe zusendet, 

aber die Platte selbst nicht. Sorry, soll nicht wieder 

vorkommen… 

Mike Maisack 

Trashmonkeys - Favourite Enemy 

(Lado) 

Ich habe mir fast eine zweite Öffnung in den Hintern gefreut, 

als ich „Favourite Enemy“, das neue Album der 

Bremer Trashmonkeys, in den Händen hielt. Der Vorgänger 

„The Maker“ war nämlich vor gut zwei Jahren 

DAS Sommeralbum für mich, denn hier war nahezu jeder 

Song ein kleiner Hit. Sixties, Pop, Hammond-Orgeln, 

Druck, Schmutz und Melodien für die Ewigkeit - 

das Album hatte einfach alles, was man aus der musikalischen 

Dekade der Sechziger kennt und an ihr so 

sehr liebt. Aber das Beste an „The Maker“ war, dass 

man nie das Gefühl hatte, dass hier geschickt auf Trittbretter 

aufgesprungen wurde; nein, alles klang authentisch 

und echt, schließlich feilt die Band ja schon seit 

Mitte der 90er an ihrem Sound - und damals sprach ja 

bekanntermaßen noch keiner von Retro. 

Nun jedoch zum großen Aber, das nach einer derartigen 

Einleitung ja irgendwie unvermeidlich erscheint. 

„Favourite Enemy“ muss sich nämlich an der ein oder 

anderen Stelle genau den oben angesprochenen Vorwurf 

der Trend-Hascherei und Verkrampftheit gefallen 

lassen. All das, was auf „The Maker“ noch locker flockig 

'rüberkam und echt klang, erscheint nun teilweise 

seltsam angestrengt und gezwungen. Man merkt der 

Band förmlich an, wie sie versucht auf „Favourite 

Enemy“ irgendwie anders zu klingen, sich dabei aber 

in ein Terrain begibt, das die ein oder andere Fußschlinge 

bereithält. So ist der Beginn des Albums vom 

unbedingten Willen, einen ‚Clubhit' zu landen, be- 

stimmt. Ein Unterfangen, das mit dem profillosen Titelstück 

„Favourite Enemy“ oder dem von viel zu viel Hall 

in der Stimme verhunzten „Attitudes in Stereo“ wohl 

auch geglückt sein sollte. Auch im Folgenden klingt alles 

eher nach zwar gut gemachtem, aber dennoch 

irgendwie wenig mitreißendem Punkrock als nach rotzigem 

Sixties-Garagebeat-Pop, und man hört das ein 

oder andere ‚Ohoh', ‚Ah', ‚Yeah' und ‚Hey' zuviel. Mit 

den Ausnahmen „My Way“ und „Around The World“ gestaltet 

sich die erste Hälfte des Albums also eher hölzern 

und fad. Erst mit dem Violent Femmes-Cover 

„Gone Daddy Gone“ und dem lässigen „Got Something“ 

kommt so etwas wie Lockerheit und Charme ins Spiel, 

und man muss nur noch das absolut überflüssige „Simple 

Story“ überstehen, bevor „Favourite Enemy“ endlich 

richtig in Fahrt kommt. Hier gefallen vor allem das 

tragisch-opulente „Outside“, der mit cooler Elektronik 

angereicherte und überaus tanzmotivierende Remix 

des „The Maker“-Openers „Song No. 1“ und der leicht 

beschwipste Ausklang „Silver Sun“. 

Alles in Allem also eine durchaus solide Platte mit Höhen 

und Tiefen, die man sich aber mit zunehmender 

Spielzeit irgendwie ‚schön hören' kann. Im Vergleich zu 

„The Maker“ jedoch sicherlich ein Schritt in die falsche 

Richtung. 


www.trashmonkeys.com 

Unavoidable - s/t 


Neuestes Release des umtriebigen Linzer Punk-/Hardcore-Labels 

„Dambuster-Records“ um Labelchef Christian 

„Kobi“ Koblinger. Und dass „Unavoidable“, die 

übrigens Auflösungsgerüchte jüngst glaubhaft dementiert 

haben, „Punkrock of mass destruction“ machen, 

sollte uns auch nicht weiter stören, scheinen die Jungs 

das alles doch eher nicht so eng zu sehen und ihre 

Mucke ohnehin mit einer guten Portion Sarkasmus zu 

würzen. Auf der aktuellen LP geben die Jungs das zum 

Besten, was man lupenreinen „old-School-Punk“ nennen 

könnte. Da wird ohne Schnickschnack gebolzt, da 

scheppern die Becken, es kreischen die Klampfen. Das 

wird ganz ohne Zweifel viele Freunde finden, vor allem 

dann, wenn die fünf Männer aus dem oberösterreichi

36 


schen Grein baldigst tourend die Bühne entern. Darauf 

dürfen wir uns schonmal freuen - und bis dahin können 

wir ja die Platte hören. 

Kai 

www.dambusterrecords.com 

United - Slick 

(Noisedeluxe Rec. / Broken Silence) 

Wieder eine neue Band aus Schweden. Und diesmal 

sogar mit ordentlich Vorschusslorbeeren ausgestattet, 

wurden United seinerzeit doch von Placebo entdeckt, 

welche die Band - obwohl damals noch ungesignt - kurzerhand 

in das Vorprogramm ihrer Europa-Tour 

2003/2004 steckten. Mit dem Sound der mittlerweile leider 

weit über ihren Zenit geschrittenen Briten haben 

United jedoch nur entfernt Gemeinsamkeiten - obwohl 

die musikalischen Wurzeln beider Bands augenscheinlich 

gleich verortet sind. Diese liegen im Sound der Rokkbands 

der frühen 80er Jahre. Alles also etwas tiefer, 

melancholischer und düsterer als es zu dieser Zeit üblich 

war. Joy Division, The Cure und so, ihr wisst schon... 

Kann man sich als Hörer mit derlei Reminiszenzen anfreunden, 

so ist „Slick“ sicherlich ein nicht zu unterschätzender 

Hörgenuss. Durchaus gekonnt schlängelt sich 

die Band durch elf dunkle Pop-Epen, die vollgesogen 

von mäandernden Gitarren, glasklaren Melodien und 

leicht (an)klagender Wehmut, fast mantra'eske Züge 

annehmen - vor allem dann, wenn man der CD erlaubt, 

im Repeat-Modus zu laufen. Aber vielleicht ist es gerade 

diese eingängige Gleichförmigkeit, diese sich 

ständig in sich selbst kreiselnde Stimmung - immer zwischen 

den Polen Pathos und Resignation schwankend 

-, die es mir schwer macht, diese Platte wirklich zu mögen 

und nicht nur okay zu finden. Auch jetzt nach dem 

x-ten Durchlauf mag ich eigentlich nur ein Mal so richtig 

aufhören. Bei „Made For Us“ nämlich, das in Sachen 

Rhythmus und Vibe aus dem oben beschriebenen Gesamtbild 

ausbricht und für mich den Glanzpunkt des Albums 

setzt. 

Insgesamt ist United mit „Slick“ also ein durchaus ansprechendes 

Debütalbum gelungen, dem man die Professionalität 

und den Willen zur Authentizität durchaus 

anhören kann. Und wer mit den oben angesprochenen 

Bands konform geht, liegt ohne Zweifel sowieso richtig. 

Ich für meinen Teil greife bei entsprechender Stimmung 

aber trotzdem immer noch lieber auf Interpol zurück, 

die mir doch irgendwie substanzieller erscheinen. 


www.united-band.com 

Urlaub in Polen - Health & Welfare 

(Tomlab / Rakete) 

Die Tage scheinen gezählt, und vielleicht kommt es für 

Urlaub in Polen zur rechten Zeit. Weiterentwicklung, 

neue Ufer, Experimente, … Okay. Aber bitte nicht bei 

Urlaub in Polen! Sind sie doch eine der ganz wenigen 

Bands, die sich eben wiederholen darf. Vielmehr: soll. 

Gefreut hätte ich mich über eine ordentlich stampfende 

Walze, ein kompromissloses Noiserockbrett, vielleicht 

eine handvoll lässig dahingerotzter, durch den Pitchshifter 

gedrehte Gesangsfetzen. Nichts zum Denken. 

Aber das hier… Urlaub in Polen waren immer grobmotorisch 

und klotzig. Und das gehörte so. Bei „Health & 

Welfare“ mangelt es jedoch an allen Ecken. An Inspiration, 

Qualität und letzten Endes gesundem Menschenverstand. 

Denn so etwas geht einfach gar nicht. 

Torge Hüper 

www.tomlab.com 

Vito - 

Make good areas disturbed 

(Flower Shop / Rough Trade) 

Vito könnte man von der letzten 

Sophia Tour kennen, auf welcher 

sie als Support sowie als 

Backing-Band für deren Mastermind 

Robin Poper-Shephert (ex God Machine, ex May 

Queens) fungierten. Dieser hat sie auch gleich noch auf 

sein eigenes Label Flowershoprecordings geholt. Wie 

Sophia haben sich auch Vito melancholischen Sounds 

verschrieben, jedoch mit anderen Mitteln. Der Opener 

„Ultimate shame“ gibt die grundlegende Richtung vor. 

In über fünf Minuten schwillt der Track von einer ruhiganmutigen 

Melancholie sich steigernd zu fast monohaften 

schönen Melodiebögen an, um in einem kurzen Ausbruch 

zu enden. Und schon hat man sämtliche expansive 

Gitarrensoundpräferenzen und marginal auch 

noch Radiohead Querverweise - ob des theatralischen 

Gesangs - an der Hand. Bei den ersten beiden Tracks 

funktioniert diese einfache Katalogisierung noch relativ 

gut, bis es in „Arrested by these phenomena“ neue 

Klänge zu hören gibt. Hier wird es einem aber ob des 

Glockenspiels und der violingetragenen Popschwülstigkeit 

und der Bläsersätze fast zu viel. Nach sechseinhalb 

Minuten erfolgt dann doch noch der erlösende 

Bruch. Vito wollen sich augenscheinlich nicht ausschließlich 

auf das inzwischen recht ausgetretene Post- 

Gitarrenfeld festlegen lassen, strapazieren damit aber 

gerne mal nicht nur das Genregemüt. Vito unterscheiden 

sich vom Post-Indie insofern, als dass sie Vocals 

relativ häufig einsetzen und vor allem durch ein größeres 

Maß an Pathos und Theatralik, sowohl beim Gesang, 

als auch in der Musik. In „Washaway“ schaffen 

sie mit dieser Herangehensweise sogar eine recht interessante 

Stimmung, wenn sie elektronische Spielereien 

und Pathos miteinander verquicken und am Ende doch 

noch die Gitarren auspacken (gut gut, kennt man auch 

von Radiohead, siehe oben). Im Verlaufe des Albums 

werden sie stellenweise allerdings etwas banal, was sie 

aber mit guten Breaks aufzulösen wissen („Across the 

rubicon“). Insgesamt ist „Making good areas disturbed“ 

ein schönes, durchdachtes Album, ruhiges Gitarrenalbum, 

bei dem man aber öfter an Pathos und Theatralik 

aneckt. 


www.vitomusic.co.uk 

Volt - Rörhät 

(Exile On Mainstream / 

Southern) 

Volt haben die Erwartungshaltungen 

an diesen Release mit ihrer 

derartig fetten und brachialen 

Debüt EP „Romeo k. o.“ verdammt 

weit in die Höhe geschraubt. Das Intensitätslevel 

darauf bleibt bis dato von neueren Produktionen 

auch international unerreicht. Auf „Rörhät“, der Titel ist 

kleine Remiszenz an die Roerheadds, aus denen die 

Band hervorgegangen ist, hat man sich dagegen einer 

trockeneren und auch weniger drucklastigen Aufnahme 

(Guido Lucas/bluBox) verschrieben. Diese ist erstmal 

etwas gewöhnungsbedürftig, aber eben wirklich sehr 

eigenständig im Sound. Vielleicht hat deshalb dieses 

Album eine lange Entwicklungszeit hinter mir. Nachdem 

es mich nicht sofort ob dieser unglaublichen Energie - 

wie die EP - völlig umgeblasen hat, war es einer gewissen 

Inkubationszeit ausgesetzt. Umso nachhaltiger und 

mit einer umso konsequenteren Vehemenz tritt einem 

nun „Rörhät“ zwar nicht vors Schienbein, aber linkisch 

hinterrücks in die Wade. Über mehrere Jahre absorbierten 

Volt anscheinend sämtliche Noise/Gitarrensounds, 

um am Ende neben Todd als die neuen Noisephoenixe 

zu erstehen. Die lärmigen intensiven Gitarrenparts von 

Jesus Lizard und alter AmpRep Schule, die Brachialität 

und Psychosis von Unsane, die trockenen Grooves von 

Fugazi und die sägende Monotonie Shellacs, die doomigen 

Parts von Melvins und Ulme - all das wird umgelegt 

auf eine feine Volt-Version mit hyperaggressiven 

Vocals am absoluten Endpunkt. „Rörhät“ ist ein unbequemes, 

aber eben sehr eigenständiges und fabulöses 

Noise-Album. Am Schluss ein monoton dröhnendes, 

bassdunkel vibrierendes, überlanges Stück, das eine 

unangenehme Spannung aufbaut, um am Ende nur 

kurz auszubrechen und mit geflüstertem „Unsane“ zu 

enden. 


www.volt-music.de 

Walls Of Jericho - 

With Devils Amongst Us all 

(Roadrunner Records/Roadrunner) 

Candace Kucsulain scheint eine schlimme Kindheit gehabt 

zu haben. Wie sonst ließe es sich erklären, dass 

die Frau ausgerechnet im Dicke-Hosen-Genre Hard- 

core die Frontposition einer Band einnimmt, die uns dieser 

Tage mit „With Devils Amongst Us All“ einen wirklichen 

Kotzbrocken um die Ohren haut. Und mein Gott, 

was brüllt die Frau sich ihre Seele aus dem zarten Leib! 

Mit diesem mittlerweile dritten Album bewerben sich die 

Herrschaften aus Detroit um die Position der härtesten 

Scheibe dieser nN-Ausgabe - wer auf deftiges Hardcore-Geknüppel 

steht, hat hier seinen Monatstipp gefunden 

- da „stört“ dann auch die gefühlvolle und gute 

Ballade(!) „No Saving Me“ nicht weiter. Ein kleines Bisschen 

mehr Melodie und weniger eindimensionales 

Gekloppe hätte „With Devils Amongst Us All“ dennoch 

gut getan. Drauf hätten Walls Of Jericho das nämlich. 

So bleibt's halt ein Kotzbrocken. 

Heavy 

Weiherer - Wia Nix 

(Conträr Musik/Indigo) 

Das dritte Album des bayrischen 

Grantlers, des „Bavarian Singer/Songwriter“ 

in Mundart, des 

Hinterfragers, Entlarvers, Sympathen 

und Kritikers, des von 

manchen als legitimen Sohn von Hans Söllner (möchte 

er jetzt bestimmt nicht hören, also der Weiherer... ich 

schreib's trotzdem) Deklarierten - ist ein Livealbum. Wer 

ihn einmal gesehen hat, weiß, was es bedeutet, wenn 

Christoph Weiherer auf der Bühne steht, welch Ausstrahlung 

plötzlich vorherrscht und welch Humor/Ironie/Sarkasmus 

im Spiel ist. Der eher schüchtern wirkende 

Songwriter blüht im Eifer des Gefechts so richtig 

auf. Seine Ansagen zwischen den Songs - unschlagbar, 

sein Charme - unübertrefflich, seine Texte - Treffer! 

Versenkt! Die Alltagsbeobachtungen, die Gabe des 

Filterns von möglichst skurrilen Begebenheiten und das 

Aufdecken von solchen, der Sinn fürs Wesentliche, einfach 

grandios. Sein PC-Bewusstsein, so was von herrlich 

unkorrekt! Spontan und unberechenbar. Wie schafft 

er es nur, so scheinbar einfach die Schwächen der 

menschlichen Fassade aufzudecken und vor allem zu 

verbalisieren. „Des bissal Leben“, „Wia Nix“, „Verliebt“, 

Anspieltipps! Ganz zu schweigen von den Textbeiträgen. 

Besser als jegliche Was-bin-ich-witzisch-Comedian-TV-Show. 

Erstaunlich auch, dass der abgebrühte Weiherer erst 

26 ist. Weniger erstaunlich, dass er schon einige Preise 

gewonnen hat und doch relativ präsent in der Szene 

vertreten ist. Das ist auch gut so! Weiherer ist darüber 

hinaus purstes DIY. Kein Plattenvertrag, eigenes Management, 

alles selbst gemacht. So muss das sein, 

sehr geehrte Damen und Herren. Was ist Weiherer nur? 

Liedermacher, klar. Gleichzeitig aber Politikkritiker, Kabarettist, 

Protestsänger, Folkmusiker. Aber das beste: 

er ist einer von uns. Dem gönnt man das! Weiter so! Da 

genial! 

Matthias Horn 

www.weiherer.com 

Waltari - Early Years 

Nordic Notes / Broken Silence 

Anfang bis Mitte der Neunziger gehörten sie ohne Zweifel 

zu den innovativsten Vetretern ihrer Zunft: die 1986 

in Finnland gegründete Waltari. Sich in allen Bereichen 

der Rockmusik zu Hause fühlend und der Fähigkeit, 

nicht nur über den Tellerrand hinaus zu schauen, sondern 

auch mit dem Mut ausgestattet, sich in unkonventioneller 

Art und Weise in anderen Genres zu bedienen, 

zählte die Band zu den Vorreitern des mittlerweile zum 

Unwort verkommenen Crossover. Ihr 1992 veröffentlichtes 

Album „Torcha!“ und vor allen Dingen die drei 

Jahre später auf CD gebannte Kollaboration mit dem 

Helsinki Symphonieorchester „Yeah! Yeah! Die! Die! 

(Death Metal Symphony in Deep C“ machten Waltari 

über einige Jahre zu Szenelieblingen, „Lights On“ und 

„So Fine“ wurden sogar zu Singlehits. 

Über die vergangenen Jahre aber wurde es etwas ruhiger 

um die Band, ließ die Strahlkraft ihrer Alben nach 

und machte auch der eine oder andere Besetzungswechsel 

die Situation nicht gerade leichter. 

Mit „Early Years“ blickt die Band nun auf zwei ihrer ganz 

frühen Release zurück - das 1991 veröffentlichte Debut 

„Monk Punk“ (mit der Death-Metal-Coverversion 

von „Help!“) sowie der Single-Kollektion „Pala Leipää“.

Neu gemastered und mit einem knappen Dutzend zusätzlicher Tracks versehen ist 

die Zusammenstellung mehr als nur eine schöne Erinnerung für Nostalgiker. Zeigt 

doch schon „Monk Punk“ mit seiner Mischung aus Punk, Metal, Funk und Elektronik, 

welche Kreativität in dieser Band steckte. Altbacken klingt dabei überraschenderweise 

kaum eines der Stücke, sondern im Gegenteil immer noch überraschend 

zeitgemäß, ja modern. 

Arnulf 

Wolfen - The Truth Behind 

(SinSinRecords/Alive) 

Wenn ich nicht irre müssten „Wolfen“ gerade ihr zehnjähriges 

Bestehen feiern, denn das erste Demo der Band, „No Sleep 

Til Blindfold“ stammt aus dem Jahre 1996. Der aktuelle Longlayer 

ist der dritte „echte“, und mit „The Truth Behind“ haben 

die fünf Kölner eine „lupenreine Metalscheibe eingehämmert“ 

(Labelinfo). Tatsächlich hat auch der unbarmherzigste Kritiker nicht viel auszusetzen: 

Guter, nie eindimensionaler Gesang, klasse Gitarrenarbeit und treibende Rhythmusfraktion. 

Dazu ein in jeder Hinsicht satter Sound - fertig ist ein astreines Metalalbum, 

welches man nun gerne herumzeigen möchte. Besonders im Ohr verheddern 

sich der Opener „The Last Chance“, das leicht „IcedEarth“-mässige „Raisin' 

Hope“, „Y 2 K“, dessen opening-Riff auch von Glen Tipton und K. K. Downing stammen 

könnte, und „Wolfpack“; Vorteil der Band ist ein hoher Grad ein Eigenständigkeit, 

und selbst wenn man - wie beim Intro von „Signs“ - fast meinen könnte, dass 

nun doch der Epigone die Oberhand behält - „Wolfen“ verstehen es, geschickt abund 

mit einem völlig anderen Riff aufzutauchen und fortzufahren. Wirklich gute Performace, 

das. 

Nico 

www.sinsin-music.com 

Wovenhand - Mosaic 

(Glitterhouse) 

Es ist zu schade. Veröffentlichten Wovenhand vor ein paar Jahren mit „Consider the 

birds“ ein wunderbar eng geknüpftes Album, konzentriert sich David Eugene Edwards 

inzwischen mehr und mehr auf vergangene Jahrhunderte, wirkt verbraucht und bemüht 

und kramt regelmäßig die fiese Mittelalter-Geige hervor. Mosaic plätschert langsam 

und leise dahin, als wäre nichts gewesen, regt sich kaum und berührt in 

gewohnt predigender Manier nur in den seltensten Fällen. Bleibt zu hoffen, 

dass sich Edwards für den Nachfolger wieder richtig ins Zeug legt. 

Torge Hüper 

www.glitterhouse.com 

Yakuzi -One To All! 

(RookieRecords/Cargo) 

Punkrock mit Posaune und Trompete aus Pforzheim. Na, das passt ja schonmal 

wie die Faust auf's Auge, oder? Ganz so abgefahren ist es nun aber auch 

wieder nicht. Der Sechser um Sänger Oli Dieterle bringt zwar neben dem oben 

schon zitierten Blaseblech eine ganze Menge Lateinamerika in die Songs, 

richtet sich ansonsten aber doch am traditionellen Liedgut des Punk und Ska 

aus. Die vierzehn Songs schlängeln sich liebevoll in die Hörgänge und verharren 

dortselbst. Monotonie ist ein Fremdwort, hier „ruled“ die Abwechslung. 

„Yakuzi“ geben mächtig Gas und können bis auf zwei, drei etwas durchschnittliche 

Songs, voll überzeugen. Und selbst da bitte ich zu bedenken: Ist das Niveau 

hoch, gerät man leichter mal drunter. Well done, Folks! 

Leo 

www.rookie-records.de 

James Yorkston - The Year Of The Leopard 

(Domino Records / Rough Trade) 

Warum nennt so ein Gitarrensoftie wie James Yorkston sein Album „The Year 

Of The Leopard“? Weil er sich leise anschleicht? Doch nicht wirklich, er fährt 

ja auch dann nicht die Krallen raus, wenn wir nicht mehr damit rechnen, dass 

er überhaupt welche hat. Er ist einfach so was von lieb. Singt darüber, dass 

es ihm besser geht als vorher. Über einen verloren gegangenen Puma in der 

Nähe des Hauses seiner Eltern. Hallo, Freud! Ein Fest für alle Analytiker… 

der Songwriter, der so aussieht, wie der Herr von der Versicherung mit Doppelnamen, 

sucht in seiner Kindheit nach möglicher Gegenwehr. Das illustriert 

er musikalisch, ganz softielike, wie gesagt, mit Unterstützung einiger Freunde, 

als tastende Folkpopelegie. Wie schreibt er selbst über das Thema des vierten 

Tracks: „It`s about that time, still up at dawn, drinking, talking about everything 

and nothing.“ Genau so hört es sich auch an. Das ist liebevoll gemacht, 

hübsch orchestriert, bescheiden, sympathisch und folgenlos. 

Erst im fünften Song bleibt etwas hängen, wenn er zur im Background angedeuteten 

Popgeste zum Storytelling ansetzt, klar, präzise, selbstbewusst und 

ganz in seiner mitleidlos genauen Beobachtung zuhause. Der Blick aus dem 

Hotelzimmer wird zum Blick hinaus in die Gesellschaft, Yorkston wird zum Adler, 

der mit wachem Auge über der Masse kreist. Spoken Words mit sehr viel 

Stil: als Autor ist er Klasse. 

Auch danach bleibt es dabei: Seine Stärke ist nicht der auf diesem Album favorisierte 

stille, intime „Songwriter-spielt-Freunden-neue-Lieder-in-der-Kü- 


37 

che-vor-Moment“. Seine Stärke ist eher die große Geste, das Erwachen des Chansonniers 

ist ihm zu wünschen und in einigen Liedern findet das schon andeutungsweise 

statt. Bloß gut, das Jacques Brel zu seinen Favoriten zählt. Wenn Yorkston in 

„The Brussels Rambler“ ein kleines Akustik-Orchester im Hintergrund weiß, wird seinen 

leisen, präzisen Bildern der Glanz verliehen, den Stimme und Gitarre alleine nicht 

erzeugen können. Dann bekommt sein Songwriting die fehlende Farbe. 

Ach ja, die Platte macht Hoffnung auf viel, viel mehr. 

Und wenn er weiterhin den Puma sucht oder den Leoparden, dann richtet ihm doch 

bitte aus: Er versteckt sich im Konzertsaal. Bei den Instrumenten. 


www.jamesyorkston.co.uk 

Your Ten Mofo - 

Things change while helium listen to everyone 

(Wohnzimmer Records / Broken Silence) 

Was soll das jetzt? Waren Your Ten Mofo noch vor ein paar Jahren auf einem recht 

anständigen Weg, zwar nicht gerade die musikalische Revolution zu beschwören, 

sich aber trotzdem mit minimalistischer Elektronik und charmanter Eigenwilligkeit 

ernsthaft festzusetzen, bringt das Debütalbum „Things change while helium listen to 

everyone“ schlichtweg Enttäuschung. Mit „Are you sleepy“, „Things change while helium 

listen to everyone“ oder „In the waiting line“ machen Your Ten Mofo abgesehen 

von einem Haufen übel synthetischer Streichersamples gewiss nichts falsch… Nur 

eben auch nichts richtig. Denn, sind wir ehrlich, alles in allem bringt es „Things change 

…“ auf nicht einmal einen eigenen Ton. Große Melodiebögen, Kopfstimmen, Glokkenspiele, 

fein säuberlich im gewohnten Laut-Leise-Prinzip eingeschnürt und unverschämterweise 

äußerlich mithilfe der Takk-Vögel verziert, bleibt lediglich die Frage, 

welchen Sinn Your Ten Mofo eigentlich verfolgen: Denn zu mehr als einer peinlich 

genauen Abbildung von Sigur Rós bringen es die Österreicher einfach nicht. Frechheit. 

Torge Hüper 

www.yourtenmofo.com

38 


4 Ohren 

hören mehr als 2 

Alarma Man - s/t 

(Sinnbus Records / Alive) 

Eine Lektion in Sachen "Alarm Machen" erhalten wir 

von den vier jungen Schweden Alarma Man aus Göteborg 

- und das mit ausschließlich instrumentalen Mitteln. 

Unübersichtlich wie in einem Ameisenhaufen geht 

es auf ihrem Debüt mitunter zu: Zwei Gitarren und ein 

Bass schießen unzählige Frickel-Riffs durch den Verstärker, 

der diese in mächtig verzerrter Form scheinbar 

konfus durch den Raum schwirren lässt, bis sie sich alsbald 

gegenseitig in die Quere kommen. Es kommt zum 

Aufprall, alles scheint aus dem Ruder zu laufen, doch 

plötzlich löst sich das Chaos in seine Bestandteile auf. 

Schnell wird wieder aufgestanden und weiter geht's: Action-Hey-Ho, 

Atempausen not included! "Alarma Man" 

wirkt auf den ersten Blick wie ein hyperaktives Kind mit 

ADS-Syndrom, ist aber im Kern doch ein Chaos der 

strukturierten Sorte, weiß die Band doch stets genau, 

was sie da tut. Der vertrackte Dischord-Sound steht 

ebenso Pate wie die eigene, schwedische Hardcore- 

Schule, so dass die zehn Energiebrocken konstant ein 

ebenso intensives wie wahnwitzig hektisches Level halten 

können, ohne dabei nach bloßem Krach zu klingen. 

In Schweden erschien dieses Album ursprünglich 

schon im letzten Jahr und es verwundert kaum, dass 

Sinnbus mit dieser Lizensierung für den europäischen 

Markt zugeschlagen hat, passt diese gelungene, unkonventionelle 

Scheibe doch 1A ins Aufgebot der Berliner 

Schmiede mit dem Faible fürs Abseitige. 


Was haben die Augen begeistert geleuchtet. Enthusiasmierte 

Sinnbus-Jungs, die mit den tollen mutigen Veröffentlichungen, 

hatten ein neues Baby entdeckt, ein 

skandinavisches Findelkind im extrem lauten, chaotisch 

verschachtelten Instrumental-Format und sprachen 

mit mir über das Risiko und die Begeisterung am 

neuen Thema. Schuß Postrock meets Noise-Gewitter. 

Keine Kompromisse. Zweimal Gitarre, Bass, Schlagwerk. 

Autistisch anmutender Lärm. Viele Wiederholungen, 

die einander halt so abwechseln. Zorniges Beben ohne 

roten oder sonst wie nachvollziehbaren Faden. Ging 

ein Hardcoremusiker ins Bett und träumte schlecht von 

Frank Zappa. Traf dann auf seine Musiker am nächsten 

Morgen und außerdem wollten sie dem spießigen 

Nachbarn einen Schreck einjagen. 

Was mir leider auch beim dritten Durchgang fehlt, ist 

die Erkenntnis, wozu das Ganze gut sein soll. Zwar ist 

das hier weniger besinnungslos und grundlos selbstverliebt 

als das komplett abgehobene Gewichse auf der 

neuen Mars Volta, doch auch hier offenbart sich kein 

Spannungsbogen, der den großen Aufwand rechtfertigen 

würde. Bei aller Kraftmeierei: das hier dudelt. Amigamäßige 

Tonfölgchen werden zu apokalyptisch arrangierten 

Wutsuppen uminterpretiert. Ich bin mir sicher, 

ohne jazzig überzeichnenden, charismatischen Shouter 

mit harlekinesker Attitüde werden die in der skandinavischen 

Provinz hängen bleiben. Denn angedeutete 

Abgründe werden niemals ausgelotet, heiliger Zorn 

bleibt unausgesprochen und so verdampft das Ganze 

ohne Rückstände. 

Ziemlich originell, die Platte. Wirklich gut gemacht. 

Mehr nicht. 


http://www.alarmaman.com 

http://www.sinnbus.de 

Joyce Hotel - Limits 

(Make My Day Records / Alive) 

Düstere, industrielle Kälte fließt aus den Boxen und 

passt von der Stimmung her in die New Wave der New 

Wave. Das Songwriting ist recht eigenständig. Mir fällt 

jedenfalls keine „Klingt wie“-Referenz ein, die mit weniger 

als fünf Zutaten auskommt. Ein Versuch der Einordnung: 

Joy Division, Chameleons, deus, Radiohead 

und Interpol. 

Dieses Zweitlingswerk der dänischen Joyce Hotel wäre, 

käme es aus dem Vereinigten Königreich, wahrscheinlich 

der nächste Hype des Tages. Da die Jungs aber 

nicht aus Great Britain stammen und die üblichen Verdächtigen 

der „hochjubeln und schnell wieder fallen lassen“-Gazetten 

Bands aus Dänemark nicht wirklich auf 

ihrem Radar haben, besteht die Chance des kontinuierlichen 

Wachsens. 

Wenn Musik für Euch ein eher dunkles Universum ist, 

Euer persönlicher Soundtrack zur Apokalypse aber 

nicht zwingend aus Düster-Industrial und Black Metal, 

sondern zur Abwechslung auch mal aus windschiefen 

Melodien und schräger Indie-Mucke besteht, dann 

könnte eine neue Lieblingsband auf Euch warten. 

Ich persönlich kann damit zurzeit weniger was anfangen, 

das liegt aber an der Stimmung. Der nächste dunkle 

Winter kommt bestimmt und dann werde ich diese 

Platte gern und oft hören. Glaube ich jedenfalls. 

Mike Maisack 

Die Dänen tun es wieder! Als ich ihre letzte Platte besprach, 

war das für mich ein absolutes Highlight der 

Ausgabe. Bedrohlich, Indie, voller verschrobener Parts, 

hinreissender Melodien und unglaublicher Atmosphären. 

dEUS, weitere verschrobene belgische Kreativitätsband 

& Radiohead mussten damals als Anhaltspunkt 

herhalten. Und was weiß ich noch, was so alles. 

AufjedenFall war Begeisterung vorherrschend und gewiss. 

Jezz würde ich auch noch Depeche Mode und 

Interpol zitieren... ich hab's ja erkannt. Letztere werden 

auch überall erwähnt, wenn es um Joyce Hotel geht; 

man geht ja nicht blind durch die Welt... Was ja auch 

nicht verkehrt ist, also beides, die sehende Interpol- 

Welt. Aber wie soll ich mit dieser Platte durch dieses 

Jahr kommen? Gerade jetzt, wenn es Herbst wird? Die 

haben das extra gemacht, das ist Kalkül. Frech. Den 

perfekten Herbstplattenstatus gleich mal für sich beanspruchen, 

alle anderen noch folgenden Herbstplatten 

aus dem Rennen werfen. Die müssten sich nämlich 

ganz schön ins Zeug legen und wir uns warm anziehen. 

Ich spüre gerade eben schon die heraufziehende 

nicht unbedingt unangenehme Kühle, sehe die bunten 

Blätter vor mir, die langen Waldspaziergänge durch den 

Indian Summer, abendliches Teetrinken in der Küche, 

Kerzen und Zwei- oder auch Einsamkeit. Und was läuft 

da im Hintergrund? Genau, die Dänen. An ihrem musikalischem 

Rezept haben sie nichts geändert. Sind nur 

gewachsen, sicherer, reifer geworden. Man könnte ihnen 

aber auch Stillstand vorwerfen. Kann ich aber nicht. 

Zu melancholisch, leicht windschief, vertrackt und eindringlich 

ist „Limits“. Einlullend, aber gefährlich. Ruhiger 

sind sie geworden. Dadurch hat aber auch das Brodeln 

unter der Oberfläche zugenommen. Wieder das 

gesamte Instrumentenspektrum über den Vulkan gesetzt; 

jener diesmal nicht ausbrechen darf. Piano? Na 

logo! Klassische Rockinstrumentalisierung? Ham'wa 

auch. Allerlei organisches Orgelkroppzeuch und 

strange Be- und Vertonungen? Alles an Bord. Und eine 

unglaublich präsente Stimme? War das eine rhetorische 

Frage? Was soll ich noch hinzufügen? Highlight. 

Und noch: unglaublich, Song Nummer sechs… unter 

anderem. 

Matthias Horn 

www.joycehotel.com 

www.makemydayrecords.de 

In letzter Minute 

Now It`s Overhead - Dark Light Daybreak 

(Saddle Creek / Indigo) 

Andy LeMaster hat es also wieder getan. Wieder in 

Träumen geschwelgt. Wieder hypnotische Mitsinghymnen 

im Cinemascopeformat entwickelt. Die perfekte 

Musik für die Scheibe danach. Ein Arrangement-Fetischist 

mit U2 und Pink Floyd ganz vorne im Plattenschrank. 

Hat sich mit Orenda Fink und Mariah Taylor 

die tollsten Mädels des Labels in den Übungsraum bestellt. 

Um seinen leisen, Horizonte hauchenden Songideen 

noch ein bisschen mehr Punch und Glamour zu 

verpassen, vermute ich mal. Doch die berührende Intimität, 

subjektive Kompromisslosigkeit um ihrer selbst 

Willen, ist diesmal nicht das Saddle-Creek-Keyword 

zum vermutlich sicheren, verdienten Erfolg. Der Multiinstrumentalist 

verliert sich bisweilen ein wenig in der 

teigigen Fläche seiner Synthesizer und erliegt dabei der 

Gefahr, Banalitäten zu Scheingröße aufzuplustern. 

Dies gilt gerade dann, wenn die schräg versetzten Beats 

den Track drei, „Walls“, nicht davor bewahren können, 

ein nur knapp überdurchschnittlicher Wave-Pop- 

Song zu sein, der immerhin gut Zwischengas gibt. Aber 

lassen wir Herrn LeMaster nicht über das alte Argument 

von der Produzentenkrankheit springen. Denn hier finden 

sich so viele Momente purer Schönheit - und, by 

the way, der seit langer Zeit raffinierteste und schönste 

Chorgesang (danke, Mädels!), so dass das Album weit 

mehr ist, als eine nette musikalische Zwischenmahlzeit. 

Hier geht ein Indiemusiker, der mit REM`s Michael Stipe 

so gut befreundet ist, dass auch dessen Lust am Midtempo-Thema 

und dessen schrittweiser Steigerung zur 

Hymne des Öfteren durchscheint, konsequent den Weg 

in Richtung Mainstream Success, ohne dabei die eigene 

Identität des schwärmerischen, sentimentalen 

Softies an gesichtslose Popnormierungen zu verraten. 

Er ist allerdings nahe dran. Am schönsten ist seine Musik 

für mich immer noch beim beseelten Gesang zur Gitarre, 

wie im wunderschönen Song „Let Up“ anfangs zu 

hören und thematisch ebenso raffiniert, wie sensibel 

weiterentwickelt. Da ist er auf einmal ganz nah. Ich kann 

ihn spüren. Mehr davon. 


www.saddle-creek.com 

www.nowitsoverhead.com 

Das Hörspiel 

Drizzt - Die Saga vom Dunkelelf 1: Der dritte Sohn 

(Lausch/Alive) 

R. A. Salvatores Romane um die "Saga vom Dunkelelf" 

hat bereits Millionen Fantasy-Begeisterter in ihren Bann 

gezogen. LAUSCH legt nun die Umsetzung der Geschichten 

um den Dunkelelfen Drizzt Do'Urden in Hörspielform 

vor. In der Hauptrolle - Tobias Meister. Und 

wer den nicht kennt, der kennt zumindest seine Stimme: 

denn diese lieh er als Synchronsprecher bereits Brad 

Pit, Sean Penn oder Kiefer Sutherland. Zur Story: Das 

Unterreich. Die geheimnisvolle Welt unter der Oberfläche 

der Vergessenen Reiche. Hier herrschen die Drow, 

die Dunkelelfen, in ihrer prunkvollen Stadt Menzoberranzan 

über das Unbeherrschbare. In der Nacht, als 

das Haus Do'Urden gegen das sechste Haus von Menzoberranzan 

marschiert, soll Drizzt, der dritte Sohn des 

Hauses Do'Urden der grausamen Spinnenkönigin geopfert 

werden. Der Tod seines Bruders rettet ihm das Leben, 

doch ist es ein Glück, in der glücklosen Welt der 

Drow zu überleben? Die Saga besteht in der Hörbuch- 

Version aus insgesamt drei Teilen, die ab dem 29.09. 

im Monatsrhythmus erscheinen werden. Und: Wehe denen, 

die nur über den ersten Teil verfügen - denn die 

Spannung bis zum nächsten ist kaum auszuhalten: In 

Lausch-typischer Manier, keine Kosten und Mühen 

scheuend, ist die perfekte Umsetzung eines Stoffes gelungen, 

der wahrlich nicht einfach wiederzugeben ist. 

Wie gesagt: Die Zeit bis zum 20. Oktober, dann soll "Die 

Saga Vom Dunkelelf 2" erscheinen, dürfte nicht leicht 

werden; aber das Warten lohnt sich. (Spieldauer: 70 Minuten) 

Leo 

www.merlausch.de

KURZ 

UND 

KNAPP 

mit Carsten 

Antifamily - s/t (Difficult Fun/Broken Silence) ist das 

fünfte Album des Londoner „Difficult-Fun“-Labels, welches 

als Heimat vieler „interessanter und zukunftsweisender 

Künstler im Elektronik- und Underground-Popbereich“ 

(Rough Trade Counter Culture-Compilation) 

gilt. In der Tat könnte man das, was „Anti-Family“ machen, 

als „Avantgarde“ des E-Pop bezeichnen, denn 

ohne Kompromisse zieht die Band ihre Vorstellung von 

Eno-esker Klangentwicklung durch, sogar Vergleiche 

mit „Neu!“ scheinen da legitim. Interessantes Projekt, 

aber definitiv nichts zum „eben mal reinlauschen“; wer 

sich aber die Zeit nimmt, wird es nicht bereuen. 

Fony - Mercy After Fiction (HeadroomRec/Rough- 

Trade) kommen aus dem englischen Surrey, und die 

2002 veröffentlichte CD „Routine Irregular“ dürfte vielen 

noch in bester Erinnerung sein. Nicht? Dann mal 

nachgekauft, denn nicht umsonst galten „Fony“ damals 

als eine der besten Newcomerband Englands. Mit dem 

aktuellen Album „Mercy After Friction“ schließt die Band 

nahtlos an das zuvor Gebotene an: Komplexe Songstrukturen 

á la „Radiohead“ treffen auf den „Noise- 

Rock“ der 90er; das ist aber alles andere als kopflastig, 

sondern höchst eingängig und manchmal sogar tanzbar. 

Klasse Platte. 

Frau Doktor - Wer Mich Leiden Kann Kommt Mit 

(RookieRecords/Cargo) - kommt aus Wiesbaden und 

hat dort eine gut gehende „Rocksteady-Ska-Soul“-Praxis; 

Patienten, die an „schweren Tanzbeinen“ leiden, 

sind hier bestens aufgehoben: die freundliche Ärztin 

empfiehlt zwölf extrem tanzbare, groovige und sauber 

produzierte Nummern, die auch den hoffnungslosesten 

Kranken kurieren dürften (www.rookie-records.com). 


Fuckuismyname - Stay Gold, Falconass (X-Mist), Vinyl. 

Nicht eben radiokompatibel, was die Trierer Jungs 

auf ihrer aktuellen LP machen. Mit dem meines Wissens 

ersten „richtigen“ Longplayer - nach einer Seven- 

Inch vor gut drei Jahren - bieten „FuckuIsMyName“ eine 

ziemlich energiegeladene Postpunk-Mischung aus „Le 

Savy Fave“ und „Craving“, die ziemlich gut reinläuft. Für 

Leute, die Ihren Ohren einmal wieder etwas jenseits der 

abgelatschten Lauschpfade bieten möchten. 

Klasse Platte. Unbedingt auch mal auf 

www.fuckuismyname.de klicken - tolle Homepage. 

Funeral March - s/t (No Solution Records/Cargo) stammen 

aus dem Sauerländischen, und die am 20. Oktober 

erscheinende CD mit demselben Titel bietet eine 

„knallige Kombination“

John: Mein Bruder und ich, vor allem aber mein Bruder, 

waren damals totale Ramones-Fans; wir haben die Jungs 

schon gehört, als noch keiner sie kannte, als die ersten 

Platten rauskamen, sozusagen… 

nN: Man kann also sagen, dass Ihr als Punks angefangen 

habt? 

John: Ja, genau; wenig später fing mein Bruder dann an, 

Gitarre zu spielen und erste Songs zu schreiben; irgendwann 

hat er sich so ein altes Vier-Track-Tapedeck 

besorgt, ein TEAC, und damit war man damals seiner Zeit 

voraus… Wie sich die Zeiten geändert haben… Ich hatte 

in der Schule angefangen, Schlagzeug zu spielen. Wir 

begannen dann, gemeinsam Musik zu machen, was ja 

nahe lag und ziemlich aufregend war; außerdem stellten 

wir bald fest, dass uns das Aufnehmen als solches ziemlich 

viel Spaß machte … 

"Wir mochten also dieses ganze Punkrock- 

Zeugs was Ende der 70er rauskam und das 

hat uns sehr inspiriert." 

nN: Zwei Dutzend Platten sind Beweis genug - und ihr 

habt immer noch Spaß daran? 

John: Ja, es ist auch heute noch so, dass uns die Aufnahmesessions 

viel Freunde machen. Die Anfänge lagen 

irgendwann im Jahr 1978, meine ich. Seit dieser Zeit also 

machen mein Bruder und ich Musik. Wir mochten also 

dieses ganze Punkrock-Zeugs was Ende der 70er rauskam 

und das hat uns sehr inspiriert. Tatsächlich haben 

wir es sogar auf die Reihe bekommen, 1980 eine Single 

aufzunehmen, eine Split-Single zusammen mit einer 

befreundeten Truppe … 

nN: … das muss dann das "legendäre" "Look Here 

Come The Wormies" gewesen sein … 

John: … Genau so hieß der Song (bekommt einen mittleren 

Lachanfall ...). Nein, nicht wirklich ein Meilenstein der 

Rockgeschichte, aber eben unser erster Tonträger. 

nN: Gibt es den noch …? 

John: Tatsächlich habe ich gerade gestern eine Email 

bekommen, wonach in Polen jemand diese Single für 650 

Seit reichlich 25 Jahren nehmen die Brüder 

John und Rob Wright nun schon Platten 

auf, und seit der ersten Single "Look, Here 

Come The Wormies" - nach John's eigener 

Aussage nicht unbedingt ein "Meilenstein 

der Rockgeschichte" - haben NO 

MEANS NO inzwischen 

Dollar bei Ebay ersteigert haben soll - albern, total albern 

(lacht) … 

"Die Leute hier bei uns in Kanada sind 

ziemlich tolerant, musikalisch kann man 

sich hier austoben, die hören sich einfach 

alles an" 

nN: Ihr seid also als Punkband gestartet? 

John: Ja, schon, aber sozusagen "rein musikalisch". Ich 

meine, ich hatte weder Sicherheitsnadeln im Ohr noch 

jemals einen "Iro" oder sowas; Punkrock war einfach 

unsere musikalische Inspiration, auf den Zug sind damals 

ja viele Bands aufgesprungen. Und bei uns in Kanada - 

oder genauer in Victoria - gab es jede Menge gute Bands, 

von denen es aber letztlich nur zwei oder drei geschafft 

haben. Victoria hatte eine sehr umtriebige Szene und die 

Insellage hatte zusätzliche Vorteile: Wir waren ziemlich 

abgeschnitten vom Festland, viele Bands von dort trauten 

sich aufgrund der hohen Fährkosten nicht, zu uns rüberzukommen, 

wir blieben also weitestgehend unter uns, 

konnten spielen wo immer wir wollten und die Leute 

kamen auch immer brav, so dass die Clubs meist voll 

waren. Die Leute hier bei uns in Kanada sind ziemlich 

tolerant, musikalisch kann man sich hier austoben, die 

hören sich einfach alles an - manchmal vielleicht auch 

nur, weil sie Teil der Party, die da gerade abgeht, sein wollen, 

aber egal: Sie kommen und hören. So können sich 

hier Bands unterschiedlicher musikalischer Spielarten 

bestens entwickeln … 

NN: Wie ging es mit der Band weiter? 

John: Zu dieser Zeit hatten wir in der Band das Problem, 

dass wir keinen Gitarristen hatten, auch keinen kannten, 

der hätte einspringen können … Da wir natürlich auch live 

spielen wollten, schrieb Robbie Songs für Bass und 

Drums - viele dieser Sachen, die Du dann auch auf 

"Mama" hören kannst. 

nN: Das war aber nicht unbedingt von Nachteil … 

John: Eben! Unser Sound war ziemlich "klischeefrei", 

denn ohne Gitarre klingst Du einfach anders, die Songstrukturen 

kreisen meist um sich wiederholende Bassund 

Drum- 

Patterns und es blieb viel Energie für die Vocals und die 

Lyrics übrig. So entwickelten wir einen sehr eigenen Stil 

und dann lernten wir ja Andy Kerr kennen…

NOmeansno 41 

24 Tonträger veröffentlicht… 24 Platte in 25 Jahren also. Was will uns das Altherren-Trio damit eigentlich 

beweisen? Dass man, obwohl der Arsch langsam Falten wirft und man auf die Fünfzig zugeht, 

immer noch saucoolen und enorm tighten Hardcore machen kann? Wenn das so ist, dann hat die 

Band mit "All Roads Lead To Ausfahrt" den Beweis erbracht … Doch wie ging es damals vor gut 25 

Jahren eigentlich los? John, Drummer der Band und wahrscheinlich der letzte lebende Musiker, der 

noch älter ist als der Verfasser dieser Zeilen, zeigt sich während unseres knapp einstündigen Interviews 

nicht nur bestens gelaunt, sondern auch sehr auskunftsfreudig… 

nN: … der bis 1991 in der Band war. Was wurde aus ihm? Habt Ihr noch Kontakt? 

John: Ja, er lebt mittlerweile in Amsterdam; schon seit 1988 hatten wir übrigens Kontakte dorthin, er ist sozusagen dort 

"hängen geblieben"; die niederländische Regierung sponserte seinerzeit ein paar Festivals, auf eines wurden wir auch 

eingeladen. Haben übrigens recht ordentlich Kohle bekommen, damals. Sie reichte aus, um die Flugtickets zu bezahlen, 

und es blieb sogar noch was übrig - ich sollte mich wohl noch mal bei der holländischen Regierung bedanken, dass 

sie damals unsere Karriere in Europa angeschoben hat … 

"ich mag jede Art von - sagen wir - "aufregender" Musik! 

Swing zum Bespiel liebe ich" 

nN: Wie würdest Du eigentlich Deine Musik beschreiben? Ich meine, in welche Schublade passt es? 

Viele nennen es schlicht "Hardcore" oder sogar "Jazzcore"... 

John: Bei uns gibt es extrem unterschiedliche Einflüsse. Das geht von Pop-Musik über Jazz, Funk, Hardcore und 

70er-Jahre-Rock… Und auf meinem Bruder, der noch mal acht Jahre älter ist (Anm. der Redaktion: John ist 44, sein 

Bruder 52 ...), hatten zunächst die Beatles einen ziemlichen Einfluss, auch Black Sabbath, 

Jimmy Hendrix, Hard Rock überhaupt … Anfang der 70er entdeckte er dann seine Vorliebe 

für Jazz; und seit dieser Zeit hört er privat fast ausschließlich diese Musik - vor allem Miles 

Davis. Ich war jünger und fühlte mich natürlich eher zu den damals aktuellen "populären" 

Sachen hingezogen… Und bei No Means No verschmelzen wir alle diese Einflüsse - ich 

mag jede Art von - sagen wir - "aufregender" Musik! Swing zum Bespiel liebe ich. Anyway: 

Das alles war und ist ein Riesenspaß für uns, wir konnten völlig stressfrei aufspielen, das 

tun wir ja auch heute noch. Wir sind und waren einfach auf nichts festgelegt, einfach Power 

machen, pure Energie rüberbringen. Wichtig ist halt eine "tighte" Rhythmusabteilung, ohne 

diese "Tightness" kommt eben diese Energie nicht rüber; und ich glaube man kann sagen, 

dass NoMeansNo eine sehr "tighte" Band sind … Energie und Spaß - das ist das Wichtigste! 

"Musik ist eine Möglichkeit solche 

Gefühle zu kommunizieren, die nicht 

gerade leicht auszudrücken 

sind."

42 

NOmeansno 

NN: Viele Eurer Texte, vor allem die älteren, sind zum Teil 

sehr politisch; glaubst Du, dass man mit einem politischen 

Song etwas verändern kann? 

John: Nein, natürlich kannst du die Welt nicht ändern. Aber Du 

kannst in Deinen Songs Deine Ansichten verkünden; und wenn 

sich Menschen Musik anhören, besonders solche, in der die 

Musiker etwas über sich selbst sagen und Ihre Meinung zu 

irgendwas ausdrücken, kann das dem Hörer die Chance geben, 

mal einen Blick auf sich selbst zu werfen. Wir alle sehen uns ja 

selbst auch durch die Augen Anderer und Musik gibt Dir die 

Chance, etwas über dich selbst zu lernen;. Wir sind natürlich 

nicht auf einer "Mission" aber wir versuchen die Leute durch 

unser Songs und deren Texte dazu zu bringen, über sich nachzudenken. 

Das ist unter anderem vielleicht auch das, was unsere 

Musik für viele Leute so anziehend macht, es geht also auch 

über die Texte… Mag schon sein, dass wir eine ziemlich "intellektuelle" 

Band sind, aber es geht uns nicht um irgendeine Ideologie; 

Musik ist eine Möglichkeit solche Gefühle zu kommunizieren, 

die nicht gerade leicht auszudrücken sind. Wenn bei einer 

Show viele Leute sind, alle sind gut drauf, alle sind "in Stimmung", 

dann sind alle im gleichen "Geisteszustand"; alle sind im 

besten Sinne miteinander verschmolzen…. "That's, when music 

is really at ist very best"! 

nN: Nun zum aktuellen Album… Der Titel "All Roads Lead To 

Ausfahrt". Gibt es, außer dem "Sound" des Wortes, 

einen bestimmten Grund für das Wort "Ausfahrt"? 

John: Wir haben uns natürlich viele Gedanken gemacht… 

Na ja, ich bin auch nicht mehr so ganz sicher, aber wir wollten, 

dass das Cover aussieht wie eine Anzeige; wir wollten etwas, 

dass das Auge "anzieht". Ich wollte zunächst den Titel "Some 

Conditions May Apply", dann wollten wir das Album "Nihilism 

For Dummies" nennen. 

Irgendwie hat sich das am Ende aber nicht durchgesetzt, vor 

allem auch, weil wir befürchteten, mit dem behelmten Dinosaurier 

und dem Titel ein Warenzeichen zu verletzen - wir hatten 

schon in der Vergangenheit viel Ärger zum Beispiel mit den 

Microsoft-Anwälten…. Am Ende hat sich das aktuelle Cover 

dann durchgesetzt. Vorher hatte ich mir in einem Buch Verkehrszeichen 

angesehen, und dabei stieß ich auch auf diese 

"Ausfahrt"-Schilder in den drei Farben; ich war total fasziniert und 

habe nur gedacht: "Wow, DAS wäre doch ein tolles Cover". Und 

"Ausfahrt", der Begriff, also "the way out", das traf sich irgendwie 

mit dem Grundton unserer Platte. Außerdem erinnert uns das 

immer an unseren Busfahrer, der in Deutschland ständig nach 

dem Ort "Ausfahrt" suchte, für den doch schließlich überall Schilder 

standen… "Ausfahrt" musste also die größte Stadt Deutschlands 

sein… "Ausfahrt" - beziehungsweise die englische Übersetzung 

- traf genau den Ton unserer Texte, passte perfekt - und 

wenn nicht: die Deutschen zumindest würden es verstehen können 

(lacht). 

"HipHop scheint der Punkrock dieser Tage zu 

sein; da gibt es viele Leute, die sehr interessante 

Dinge zu sagen haben" 

nN: Welche Beziehung hast Du zu den "zeitgemäßen" 

Musikformen? 

John: Ehrlich gesagt höre ich nicht viel Musik, ab und zu mal, 

eher zufällig, selten etwas Gutes. Ich kann mir aber meist nicht 

mal dann den Namen der Band merken. Interessant sind für 

mich Musiker, die mehr als "Sound und Image" ausdrücken, die 

sich selbst über ihre Musik ausdrücken. Ich mag Musik nicht deshalb, 

weil sie eine ganz bestimmte Musik ist, ich mag sie, weil der 

Künstler interessant ist. Ich bin auch kein Plattensammler, ich 

folge nicht den letzten Trends, ich höre mir so ziemlich alles an. 

HipHop scheint der Punkrock dieser Tage zu sein; da gibt es 

viele Leute, die sehr interessante Dinge zu sagen haben… Wenn 

Musik zu einem Gebrauchsgut wird, dann ist sie für mich uninteressant. 

nN: Was gibt es Neues von den Hanson Brothers? 

John: Zur Zeit nicht viel, also keine neue Platte; das SPIN-Magazin 

hat uns neulich in die Top-Ten der "Pop-Punk"-Alben gewählt. 

Da waren Greenday, die Ramones und viele andere namhaften 

Bands dabei - meine Güte, da war ich schon verwundert. Auch 

wenn mich das SPIN mit seiner sehr kommerziellen Ausrichtung 

nicht wirklich interessiert - was mich gefreut hat, dass ist die Tatsache, 

dass die Hansons offenbar wahrgenommen werden und 

wurden. Ich kann behaupten, dass mindestens acht dieser zehn 

Scheiben (unter anderem die RAZILLOS) zu meinen persönlichen 

"all time faves" gehören - und das ist schon irgendwie 'ne 

tolle Sache, wenn man dann mit der eigenen Scheibe auch dabei 

ist … 

nN: Es gibt also Shows, aber keine neue Scheibe? 

John: Nein, Pläne zu einer neuen Scheibe gibt es zur Zeit nicht 

- aber Live spielen wir viel, gerade auch in Verbindung mit der 

Eishockey-Saison; bei den PlayOffs waren wir oft Live mit den 

Hansons dabei. Also: Live schon, aber Platte erstmal nicht. 

Bis zur nächsten Deutschland-Tour werden wir wohl alle noch ein 

wenig ausharren müssen und uns mit dem aktuellen, jawohl: 

Meisterwerk ALL ROADS LEAD TO AUSFAHRT das Warten versüßen. 

Und bis dahin sollte man 

sich vielleicht auch mal mit dem 

Busfahrer unterhalten haben. 

Keule 

www.nomeanswhatever.com 

Photos: John Chedsey

De Rosa - Mend 

(Chemikal Underground / Rough Trade) 

Mit der Veröffentlichung von De Rosa's Debüt 

"Mend" zeigt Schottlands Vorzeige-Label Chemikal 

Underground einmal mehr sehr guten 

Geschmack und unübertrefflichen Feinsinn für 

das Besondere. Der Glasgower Vierer um 

Mastermind und Kunststudent (Ach, wer hätte 

das gedacht... Anm. d. Verf.) John Henry klingt 

dabei auf den ersten Blick und vor allem bei 

den etwas temporeicheren Stücken wie eine 

weniger aufgeregte und etwas folkigere Version 

der Figurines, reichert die Stücke jedoch immer 

wieder mit kleinen, oft subtilen Noise-Einlagen 

und einer tiefgehenden Melancholie an - etwas, 

das man so von den oben genannten Dänen ja 

nicht unbedingt kennt. "Mend" atmet eine 

Schwermütigkeit, die trotz aller Ecken und Kanten 

wie aus einem Guss daherkommt, irgendwie 

ungreifbar ist und sich schwerlich in Worte 

fassen lässt. Alleine im getragenen "Eveline" 

und dem abschließenden, ausladend arrangierten 

"The Engineer" (meine beiden Lieblingsstücke) 

steckt unsagbar viel Traurigkeit, Wut 

und Tragik, aber auch Hoffnung und Optimismus 

- und das alles in jeweils nur knapp vier 

Minuten. Die beiden Songs stehen dabei durchaus 

repräsentativ für das ganze Album, denn 

wirklich sicher und geborgen kann man sich 

hier nie fühlen. Ständig zaubern De Rosa neue 

Instrumente, Melodien, Einflüsse und Nuancen 

aus dem Ärmel, zerlegen den klassischen 

Indie-Rock in seine Bestandteile, fügen Folk, 

Weilheim-Wehmut, Slow-Pop und elektronische 

Versatzstücke hinzu, puzzeln alles wieder 

fein säuberlich zusammen und schlagen dann 

unvermittelt mit der Keule drauf. Für alle, die 

auch nur eine Scheibe einer Chemikal Underground-Band 

im Regal haben ein absolutes 

Muss. Und für alle anderen eigentlich auch. 


www.wearederosa.com 

Emirsian - A Gentle Kind Of Disaster 

(Noise-O-Lution / Indigo) 

So. Das übliche über diese Platte gleich zu 

Anfang: Ja, Aren Emirze verarbeitet hier den 

Tod seines Vaters. Ja, er singt ein Duett mit 

ihm, das auf alten, wiedergefundenen Kassettenrekordermitschnitten 

basiert. Und ja. Genau 

in diesem Moment ist die Platte am ergreifendsten 

und auch der abgestumpfteste Charakter 

muss merken, wie viel Herzblut, Trauer und 

Schmerz in dieser Musik liegt, mit welcher Hingabe 

Emirze jeden einzelnen Song arrangiert 

und zu einer Einheit zusammengefügt hat. Was 

bleibt aber, wenn man diesen traurigen Hintergrund 

von "A Gendle Kind Of Disaster" außer 

Acht lässt, der dieses Album nahezu unangreifbar 

macht, es wie ein Schutzwall umgibt und so 

außerhalb jeder Kritik stellt? Ein (nur) gutes 

Singer/Songwriter-Album? Auf den ersten Blick 

vielleicht. Denn subtiler und fragiler als Emirze 

es tut, lassen sich Songs nicht arrangieren und 

so kann ein erster flüchtiger Höreindruck 

sicherlich täuschen, da er den Einblick in die 

wirkliche Tiefe dieser Platte nicht sicherstellen 

kann. Soll heißen, dass man hier sicherlich Zeit 

braucht und unbedingt die richtige Stimmung. 

Ich, beispielsweise, schiebe dieses Review nun 

schon seit Wochen vor mir her, weil ich mich 

bisher einfach noch nicht in der Lage für diese 

Platte fühlte. Bei Lichte betrachtet schreitet 

Emirze hier auf Solopfaden entschlossen den 

Weg weiter, den er mit seiner Band Harmful 

nun schon seit Jahren verfolgt. Weg vom wilden 

Noise der Anfangstage, immer weiter hin 

zum Pop und zu emotionaler Tiefe - obgleich 

beides in der Wall of Sound Harmful's natürlich 

nicht immer gleich offensichtlich zu Tage tritt. In 

den akustischen, nur ganz selten mit Schlagzeug 

untermalten Stücken auf "A Gentle 

Kind..." sind so viele Momente erkennbar, die 

auf ganz schlüssige Art und Weise an Ansätze 

anknüpfen, die Emirze mit Harmful schon auf 

den letzten Alben der Band zeigte - nur eben 

mit anderen Mitteln dargestellt und umgesetzt. 

Und ich denke genau das ist es, was dieses 

Album so einzigartig macht. Ich wünsche mir, 

dass Emirze mit dieser Platte einiges an seelischem 

Ballast abgeworfen und dabei auch 

genug Kraft geschöpft hat, um möglichst viel 

der Stimmung von "A Gentle Kind..." für das 

nächste Harmful-Album zu nutzen. Dann erhält 

nämlich hoffentlich auch diese Band endlich die 

Aufmerksamkeit, die ihr eigentlich schon seit 

Jahren gebührt. 


www.noisolution.de 

Miss Violetta Beauregarde - 

Odi Profanum Vulgus Et Arceo 

(Temporary Residence / Cargo) 

"Ich hasse das gemeine Volk und halte es fern" 

lautet übersetzt der Titel von Miss Violetta 

Beauregardes neuem Album. Sie ist die neue 

Elektro Punk-Diva im Macho-Femme Universum 

und nimmt hier keine Gefangenen. Die 

seichte Peaches darf jetzt erst mal am Katzentisch 

Platz nehmen. Wobei der Vergleich sowieso 

hinkt und sich Miss Violetta eher - zumindest 

musikalisch - in der Nähe von Hanin Elias wohlfühlen 

wird. Miss Violetta bringt hier in knapp 20 

Minuten 16 Tracks rasenden femme Knob- 

Punk Irrsinn mit aggressiv-hyperventilierenden 

Vocals. Experimenteller Elektropunk, der mit 

der eisernen Aggrolunge von Atari Teenage 

Riot atmet, von kaputten Industrial Beats mit 

technoidem Charakter lebt und auch gern mal 

kurz in einen Sampleirrsinn a la Negativland 

abdriftet. Hier stolpert und gabbert es so was 

von radikal energetisch, wunderbar. Die Italienerin 

kotzt, erzählt und klagt dazu mit sich teils 

überschlagender Stimme, wie sie nicht besser 

zum digitalen experimentalpunksound passen 

könnte. Grind-Hop, Elektronoisedance, Gabberdigipunk, 

nennt es wie ihr wollt. Exzellent! 


www.violettasucks.com 

The Pleasure - The Pleasure 

Doppel-CD 

(Rookie Records/Cargo records) 

Schön. Mit den richtigen Instrumenten. Schöner 

Pop. Relaxt wie ein Sonntagnachmittag, 

vorzugsweise sonnig und angenehm warm, die 

Lieblingsmenschen um einen versammelt, 

einen Kaffe, später ein kühles Bier im Garten; 

kann auch ruhig Herbst sein. Der weiße Zaun 

ist zwar schon ein bisschen vergilbt, blättert 

Highlights 43 

hier und da in Stückchen ab, alles bewegt sich 

aber noch im Rahmen. Vielleicht nächsten 

Sommer mal wieder streichen? Gute Idee. Aber 

eben herrschen warme Gedanken vor. Die Blikke 

streifen die Anwesenden, die hier im Garten 

am Tisch versammelt sind; elegante Möbelstücke, 

verschlungene grazile Stuhllehnen. Das 

Anwesen ist weitläufig, großzügig mit Grund 

und Boden bedacht, offen. Man spürt eine 

gewissen mild stimmende Freiheit. Eine leichte 

Brise Wind prickelt herausfordernd im Gesicht. 

Elegante Menschen, ja sicher, ein bisschen 

unangepasst, Individualisten, bestimmt auch 

ein paar Künstler dabei, aber elegant, auf ihre 

Art und Weise. Aber man weiß es ja, schließlich 

kennt man sie. Und Morgen, ja Morgen muss 

man nicht zur Arbeit. Man wird wieder hier sitzen, 

die ergreifende und beschützende Atmosphäre 

einatmen, sich einfach wohl fühlen. Im 

Radio spielen sie jede Menge FabFour-Songs. 

Genial. Einfach genau richtig. Und da ist der 

Moment, auf den man sein ganzes Leben lang 

gewartet hat. Einiges geben würde, um ihm 

einmal begegnet zu sein. Zum Greifen nah, 

man müsste nur die Hand ausstrecken, um ihn 

zu berühren. Aber wieso sollte man? Gerade ist 

es genau richtig... genug. Schön. Bunt. Weich. 

Sanft. Das Radio hat inzwischen auf andere 

Vertreter der besseren 60s gewechselt. Und 

dann wiederum die FabFour. Verdammt, fast zu 

perfekt. Aber dann konzentriert man sich wieder 

auf die bekannten und wärme- und geborgenheitausstrahlenden 

Blicke der Anwesenden. 

Der Gedanke verschwimmt. Wieso sollte 

hier auch etwas nicht stimmen? An diesem 

wunderschönen Sonntagnachmittag. Im Hintergrund 

kommt gerade "Uncommon Man" von 

The Pleasure. Und alles ist perfekt. So 

unglaublich perfekt. "What have you done? - 

destroyed your solitary sun - inexpressibility - 

you'll see" - noch nie so dargebracht. Mein 

Gott. Du merkst auf einmal, dass die ganze Zeit 

eine Band lief, all diese unglaublichen Gefühle 

von einer Band ausströmen. Und Du hast einen 

neuen Lieblingssong. In dem Moment, als eine 

wunderschön-brüchige Stimme, nicht zu clean, 

nicht zu sloppy, dich fragt, was du getan hast... 

Matthias Horn 

www.thepleasure.de und absolutes Highlight.

44 

Klez.E - Flimmern 

(Loob Musik) 

Highlights 

Das wäre ja noch schöner. Erst so ein wegweisendes 

und hoffnungsvolles Debut veröffentlichen 

("Leben daneben"), einem das 

gesamte Musikverständnis durcheinanderwirbeln, 

den Startschuss geben, so unglaublich 

Hoffnung auf mehr wecken, Trost geben, aufbauen 

und niederreißen, Freiräume und 

unentdeckte Welten gestalten, Brücken bauen 

und Mauern hochziehen, und dann so was? 

Stillstand. Ersticktes Herzblut. Enttäuschung. 

Niedergang. Flimmern. Einst Indiehoffnung im 

allgemeinen und privater Fav im persönlichen, 

dümpeln Klez.E dahin. Wo ist der Glanz des 

Erstlings? Die Rohheit der ersten Ausgabe? 

Das Unerhörte? Das Engagement vergangener 

Tage? Ach kommt! Wo ist das alles? 

Es ist da. Vertieft. Gereift (Schweißwort, passt 

aber). Aufgesogen. Gefestigt. Und bewiesen. 

Diese Platte knüpft nahtlos am Vorgänger an. 

Sie sind zurück. Endlich. Die, jene sich eine 

eigene Nische schufen. Die dachten, "Geht 

nicht gibt's nicht". Die einfach machten. Wie 

sie wollten. Und trafen. Oh ja, sie trafen. Mit 

unglaublicher Experimentierfreudigkeit, einer 

Leichtigkeit, wahren Texten und unerschöpflichen 

verschrobenen Ideenreichtum und 

Instrumentarium. Alles ist wieder vertreten. 

Der Rocker ("Standard"), die hinterfragende 

Vertonung der Gefühle ("hellgelb", "Mein 

Geschenk", "Strandlied"), die Kritik (ebenso 

"Standard", so genial, so mächtig, Text und 

drumherum. Oder aber erst "Werbeflaeche 

Mond"), die Überraschung ("Surfen im Wahnsinn", 

"Tag wie im Fall"), undsoweiterundsofort. 

Texte über Zweisamkeit und all ihre Tükken, 

Alltag im rasenden Zeitalter und die brüllenden 

Medien. Schmerzlich präsent, 

schmerzlich wahr. Gefühlsachterbahn und 

vertonte Leidenschaft. Atmen, sich zurükknehmen, 

Ausbruch und sich fallen lassen. 

Mag sein, dass diese Platte ein bisschen Zeit 

und Aufmerksamkeit in Anspruch nehmen 

könnte. Wenn sie nicht sofort gezündet hat. 

Dann wird sie aber später aber um so heftiger 

zünden. Und das Wahnsinnsbooklet, Origami 

at its best. Die textliche Ebene! Was ein 

Umgang mit der deutschen Sprache, welch 

subtiles Einstreuen von Anspielungen, Seitenhieben 

und Ironie. Mit unbedingtem Identifikationspotential. 

Eigentlich geht das gar nicht. 

Ne, geht nicht. Ist aber so. 

Matthias Horn 

Und das Digiüpack erst! 

Faltkunst at its best! 

www.loobmusik.de 

Denison Witmer - Are You A Dreamer? 

(Bad Taste Records) 

Are You A Dreamer? Der Titel ist Programm! 

Hier ist ein wunderschönes Stück Musikgeschichte. 

So zart, fragil, so unglaublich intim. 

Und hinreißend. Ja, ich weiß, diese Worte 

benutze ich schon ab und an in diesem 

Zusammenhang, aber wie könnte es auch 

anders sein? Das ist Pop, Folk, akustische 

Verkörperung all jener Gefühle, die das Leben 

ausmachen. Hier ist Hoffnung, Liebe, Melancholie, 

Zerfall, Ursprung, Wissen, Glück, Verzweiflung, 

Geburt und Vanitas. Klingt 

zusammengewürfelt? Folgt aber einfach dem 

Plan des Lebens. Beschreibt, vereint und verkörpert. 

Und kurz im Web getippelt bringt 

zutage, dass Mr. Witmer schon einige Platten 

auf dem Buckel hat. Und mittlerweile eine 

beachtliche Anzahl von Buddies um sich 

geschart, die ihm natürlich bei seiner Gefühlsvertonung 

ordentlich unter die Arme greifen. 

Als da wären: Sufjan Stevens (yeah!!!), The 

Innocence Mission, My Morning Jacket, Rosie 

Thomas und ein paar mehr. Deswegen auch 

ab und an Frauenunterstützung am Gesang 

und Banjounterstützung am -ähm nun- Banjo 

undso. Wem eben aufgeführte Namen etwas 

sagen und munden, dem sei bedenkenloses 

Zugreifen versichert! Allen anderen sei 

gesagt: ihr lebt? Ihr atmet? Ihr liebt? Und leidet 

auch manchmal? Dann auch zugreifen! 

Oder unbedingt mindestens aber anchecken. 

Es gibt zwar schon mittlerweile soooo viele 

Singer/Songwriter und natürlich sind nicht alle 

derdiedas Nonplus. Aber hier muss 

Mann/Frau einfach aufhorchen. Und hinhören. 

Am besten zusammen. Eng. Wenn man 

sich näher kommt. Wenn diese Magie da ist. 

Aber auch sonst. Natürlich. "Are You A Dreamer" 

eignet sich für so viele Situationen und 

Lebenslagen. Anspieltipps: "Little Flowers", 

"Are You A Dreamer", "East From West" und 

alle anderen sieben weiteren Titel der Platte! 

So einfach ist das! Highlight? Aber absolut!!! 

Matthias Horn 

www.densionwitmer.com

N 

N 

Fortsetzung! 

Fortsetzung! 

Nakamura, Dan „The Automator“. Gast bei Peeping Tom und 

Produzent des „Loveage“ Albums von - Nathaniel Merriweather. 

- Fantômas steuern auch ein Intro für dessen erstes offizielles 

Mix-Album „Wanna buy a monkey?“ bei. Nakamura nutzte eine 

Sequenz des Fatômas´ Stücks „Investigation Of A Citizen Above 

Suspicion“ (von - „Directors Cut“) als Loop für das Intro 

Naked City. Fabelhafte radikale Grind-Jazz Band um - John 

Zorn und mit u. a. - Yamataka, Eye. Patton ist auf dem Track 

„Grand Guignol“ des aktuellen „Complete Studio Recordings“ 

Box-Set zu hören 

Nosdam Odd. Bürgerlicher Name David Madson. Der MC hat 

diverses auf dem - Anticon Label veröffentlicht und wirkt auf zwei 

Tracks auf dem - Peeping Tom Album mit 

O 

Obituray. Legendäre Deathmetal Band. Siehe - Tardy, John 

O P 

Osbourne, Buzz. Gitarrist bei - Fantomas, - Fantomas Melvins 

Big Band und Gründungsmitglied der - Melvins 

Ostertag, Bob. O. steuert Samples beim Noiseprojekt - House 

Of Discipline, P. Vocals auf zwei Songs von Ostertags - „Fear No 

Love“ Album bei 

OU818. Titel des vierten und letzten - Mr. Bungle Demo-Tapes 

1989 

Peeping Tom 

kleinesPattonABC 3/3 45 

P 

Painkiller. 

Ursprünglich ein 

Deathgrindjazz- 

Projekt von Bill 

Laswell und - John 

Zorn. Patton wirkt 

auf dem aktuellen 

Painkiller Livealbum „50th Birthday Celebration Volume Twelve“ 

zum 50. Geburtstag von Zorn mit Patton. (1) P. Michel, Allen der 

volle Geburtsname von dem um den es hier geht. (2) P. George 

S., General des 2. Weltkrieges (3) Nach - (2) benannter Panzertyp 

(4) Film über - (2) von 1971 (5) P. Harvey. Deutscher Schriftsteller 

(6) Stadt in Texas 

Peeping Tom. (1) Aktuelles, relativ kommerzielles Projekt mit 

vielen GastmusikerInnen. Hier kehrt Patton etwas zum Sound 

von Faith No More zurück, erweitert diesen aber um mehr 

elektronische und Hip-Hop lastige Elemente. (2) Film des Regisseurs 

Michael Powell, der 1959 diesen Psycho-Klassiker über 

einen geisteskranken Kameraassistenten, der seine weiblichen 

Opfer filmt, während er sie mit einem ans Stativ montierten Bajonett 

ermordet, abdrehte. (3) In Amerika Synonym für einen Voyeur. 

Perfect Victim. Live-Projekt mit - David Slusser und - Han Bennink 

Phono Sanjo. Auch ein reines Live-Projekt mit Patton, - DJ 

Eddie Def und - William Winant. Sind anscheinend nur einmal 

1998 in San Francisco aufgetreten 

Pinion. Für den gleichnamigen Film wurde Patton als Soundtrackkomponist 

engagiert. Er ist allerdings noch in der Produktionsphase. 

Es ist P. Debüt als Komponist für einen amerikanischen 

Film 

Political correctness. P. steht im Ruf nicht allzuviel darauf zu 

geben. Laut MTV.de hat er auf Bühnen im deutschsprachigen 

Raum „im Affekt schon mal den Arm zu Adolfs Gruß“ gereckt. 

Auch das Cover zu - General Patton zeugt nicht gerade von politischer 

Sensibilität. Eine Diskussion, die noch kaum geführt 

wurde 

Pranzo Oltranzista. Titel von P. Soloalbum von 1997 auf - Tzadik. 

Die Stücke darauf, und auch die von - Adult Themes For Voices, 

konzentrieren sich um die Idee einer „Musik für Liebhaber 

hörsturznaher Klänge“. 

Prince Paul. - Handsome Boy Modelling School 

Teil2

46 

kleinesPattonABC 3/3 

Q 

RT Q 

Quote Unquote. Song vom - Mr. Bungle Debüt zu dem sogar ein 

Video gedreht, das aber von MTV niemals gesendet wurde. 

Steht hier eigentlich nur, damit auch das Q etwas vorhalten kann 

R 

Rise Above: 24 Black Flag Songs to Benefit the West Memphis 

Three. Auf diesem Black Flag Tribute Sampler ist P. beim Track 

„Six Pack“ zu hören. 

Romances. Titel des - Kaada/Patton Albums 

Rota, Nino (1911-1979). Der vor allem als Verfasser von Filmmusiken 

für Regisseure wie Federico Fellini, Luchino Visconti, 

Francis Ford Coppola bekannte Kompositeur gilt als weiterer 

Parameter im Patton-Kosmos. Rota schrieb überdies, weniger 

bekannt, auch diverse Opern, Symphonien, Klavier- und Violoncellokonzerte 

Rova Saxophone Quartet. Laut dem - Zorns Label Tzadik hat P. 

mit dem Quartet gearbeitet. In welcher Form war nicht zu eruieren 

Rutmanis, Kevin. Bassist bei - Tomahawk. War auch bei den 

Noiserockern Cows und Melvins zeitweise aktiv. 

S 

San Francisco. Derzeitiger Wohnort Pattons. 

Sardonischer Humor. Experten sagen jenen P. nach. Sardonisch 

= boshaft, hämisch, fratzenhaft verzerrt 

Schott, Mike. Virtuoser Gitarrist u. a. von Junk Genius und T. J. 

Kirk. Schwirrt auch als Kooperationspartner im Patton-Universum 

rum. Weiter leider nichts zu erfahren 

Sepultura. Früher Legendäre Thrash-Band und mit ihrem 

„Roots“-Album als innovative Grenzensprenger bekannt. Inzwischen 

leider zur absoluten Farce verkommen. P. wirkt auf dem 

Sepultura-Album „Attitude“ bei den Tracks „Lookaway“ (Monster 

Vibe Mix) und „Mine“ mit sowie beim Track „The Waste“ vom 

„Against“ Longplayer. Angeblich ist er auch Autor von Sepultura- 

Lyrics. Einer der Songs ist auch auf dem Freddy Vs. Jason- 

Soundtrack zu hören. 

Slayer. Ex- und jetzt wieder Mitglied von S., Dave Lombardo, ist 

Drummer von - Fantomas. 

Slusser, David. Spielt Electronics beim Live-Projekt - Perfect 

Victim. Siehe auch - Bacharach, Burt 

Song Drapes - Hunt, Jerry 

Sparks. Auf dem S. Album „Plagiarism“ wirkt P. mit - Faith No 

More bei den Titeln „This Town Ain't Big Enough For Both Of Us“ 

und „Something For The Girl With Everything“ mit 

Spruance, Trey. Gitarrist von - Mr. Bungle. 

Stanier, John. Drummer bei - Tomahawk. Vormals bei den famosen 

Helmet 

Stimme. „Ich empfinde die Stimme bei Fantômas als zweite 

Gitarre. Es sollte nicht sein wie üblich: hier die Band, dort der 

Sänger. Besonders in Rockbands herrscht die Auffassung vor, 

der Sänger stünde wie auf einem Podest, vor der Band, die ihn 

nur begleitet. Mit dieser Band wollte ich verdeutlichen, dass die 

Stimme einfach Teil der Musik ist. Deswegen auch keine Texte: 

Sie hätten die Musik ruiniert (Tagesspiegel). Vgl. - Tardy, John 

Stanier, John. Schlagzeuger von - Tomahawk. Vormals bei Helmet. 

Auch bekannt als DJ Big Bad John. 

Suspended Animation. Aktuelles - Fantômas Album 

T 

Taboo and Exile. Noch ein Album von - John Zorn bei dem P. 

mitwirkt 

Team Sleep. Projekt um Deftones Sänger Chino Moreno, das 

nach urlanger Zeit 2005 ein gleichnamiges Album veröffentlicht 

hat. Patton fungiert hier wieder mal als Gastsänger 

Tardy, John. Sänger der legendären Deathmetal Band Obituary. 

Sein Gesangsstil bzw. seine Art zu „texten“ waren eine Einflussgröße 

für Mike Patton. 

Tardy hatte auf den 

ersten Obituary Alben 

keinerlei Text, nur 

Shouts und Growls bzw. 

wenige Phrasen. Insbesondere 

bei - Fantomas, 

bei der Patton auch keinerlei 

Text verwendet, 

ist Tardys Einfluss zu 

hören 

The Big Gundown - 

15th Anniversary Special 

Edition. Und noch 

eins von - Zorn 

The Complete Studio 

Recordings. Titel einer 

neuen 5 CD-Box von - 

Naked City, auf der Patton 

den 18minütigen 

Track „Grand Guignol“ 

mitvertont 

The Gift. Titel eines weiteren 

- Zorn Albums mit 

Beteiligung von Patton.

The Raging Wrath of the Easter Bunny. Titel des ersten - Mr. 

Bungle Demo-Tapes 1986. 

Tin Hat Trio. Patton ist auf dem versteckten Bonustrack (der 

möglicherweise den Titel „Infinito“ trägt) der Tin Hat Trio Scheibe 

„Memory Is An Elephant“ zu hören 

Tobin Amon alias Amon Adonai Santos de Araujo Tobin. Musiker 

und DJ, der für seine Klanggebäude aus Jazz-, Samba- und 

Drum & Bass-Fragmenten bekannt ist. Wirkt auf dem - Peeping 

Tom Album mit 

Tomahawk. (1) 2000 gegründete 

Band mit Ex- 

Mitgliedern von Helmet 

und Jesus Lizard. Haben 

zwei Alben namens 

„Tomahwak“ und „Mit 

Gas“ auf - Ipecac veröffentlicht. 

(2) Titel des 

ersten Tomahawk (1) Albums 

(3) Eine von nordamerikanischenIndianern 

ursprünglich für die 

Jagd entwickelte Axt- 

Waffe, später auch als 

Nah- oder Wurfwaffe eingesetzt 

(4) US-amerikanischen 

Marschflugkörper 

BGM-109 Tomahawk (5) 

Amerikanische Höhenforschungsrakete 

(6) Stadt 

Tom ahawk im US-Bundesstaat 

Wisconsin (7) Im Basketball 

ein einhändiger Slam-dunk. Dabei wird der Ball mit einer 

schneidenden Bewegung über den Kopf hinweg in den Korb 

geworfen (8) Ein Motorrad der Marke Dodge (9) Ein Flugzeug 

der Marke Piper 

Tzadik. Label von - John Zorn 

U 

U 

Universell. Trotz des fast universellen Kosmos von Patton war 

zu diesem Buchstaben nichts zu finden 

V 

Violent Onsen Geisha. Band um Nakahara Masaya aka Boryoku 

Onsen. Gerüchteweise sind Mike Patton und Bill Gould (ex- 

Faith No More) auf dem „Otis“ Album des Japaners mitvertreten. 

W 

Vlac Drac. Pattons „Pseudonym“ auf dem - Mr. Bungle Debüt 

W 

Watts, Jed. Drummer und Gründungsmitglied von - Mr. Bungle 

Weird Little Boy. Projekt und gleichnamiges Album mit - John 

Zorn von 1995. 

White People. Titel des Albums von - Handsome Boy Modelling 

School auf dem Patton mitgewirkt hat. 

William Winant. Percussionist beim - Weird Little Boy Projekt 

und Gast Perkussionist auf einer - Mr. Bungle Tour, dem - Disco 

Volante Album sowie Drummer beim Live-Projekt - Phono Sanjo 

Y 

kleinesPattonABC 3/3 47 

X 

X 

X-Ecutioneers - General Patton 

Y 

Yamataka Eye. Vocalist der Japanoiser Boredoms und Berufsverrückter. 

Sein hektischer, überdrehter Vocalstyle ist eine Einflussgröße 

neben - Obituarys John Tardy gewesen 

Yoshihide, Otomo. Der Japaner hat mit P. zusammen das Projekt 

- House Of Discipline 

Yoshimoto Nara, hat das Cover zur aktuellen Suspended 

Animation CD von - Fantomas designt 

Z 

Zappa, Frank. Dürfte auch weithing bekannt sein. Patton adaptierte 

nach Expertenmeinungen Zappas parodistische Soundideen 

zu Disco, Punk und Doo-Wop 

Zorn, John. Musikalischer Mentor, guter Freund, Kollaborateur 

Pattons. Spielt Saxophon und Klarinette und arbeitet als Produzent. 

Er ist Gründer und Inhaber des Labels Tzadik und hat mit 

vielen ExperimentalmusikerInnen, überwiegend aus den Bereichen 

Jazz und Neue Musik zusammengearbeitet. Zorns Musik 

ist charakterisiert durch die Verarbeitung zahlreicher musikalischer 

Stile aus verschiedensten Quellen, wie etwa Filmmusik zu 

Zeichentrickfilmen, Free Jazz, Hardcore oder jüdischer Folklore. 

Zorn kombiniert dabei oft kurze musikalische Sequenzen in collagenartiger 

Form, teilweise in rasanter Abfolge. Er bekennt sich 

explizit zu seiner jüdischen Herkunft und verarbeitet in einigen 

seiner Projekten traditionell jüdische Elemente. Weiterhin formulierte 

Zorn eine neue sogenannte „Radical Jewish Culture“ und 

verabschiedete ein Manifest über das radikale Judentum seiner 

Musik (vgl. Wikipedia). Zorn hat das erste - Mr. Bungle Album coproduziert. 

Er ist auch 

die erste Person mit 

der Patton improvisiert 

hat und mit ihm 

auf Plattenkauftrips 

nach Japan geflogen. 

Wirkt u. a. beim - 

Weird Little Boy Projekt 

mit. Patton ist auf 

Z 

folgenden Alben von 

John Zorn mitbeteiligt: 

„Elegy“, „IAO“, „Masada 

Anniversary Edition 

Vol. 2: Voices in the 

Wilderness“, „Masada 

Anniversary Edition 

Vol. 3: The Unknown 

Masada“, „Moonchild“, 

„Taboo and Exile“, 

„The Big Gundown - 

John, Zorn 

15th Anniversary Special 

Edition“, „The Gift“ 

Zorn/Douglas/Patton/Laswell/ Burger/Perowsky. Gemeinsames 

Benefizprojekt vorgenannter Musiker, welches 2006 ein 

Album namens „The Stone: Issue One“ veröffentlicht haben 

Zucatosta, Titi. Pattons Ehefrau 

Christian Eder

48 

Alarma Man 

ALARMA MAN 

ein selbstbewußter Ameisenhaufen 

Höchst selten kommt es vor, dass das Berliner Sinnbus-Kollektiv Platten veröffentlicht, die nicht dem eigenen Künstler- 

kreis entspringen. Bei den schwedischen Genossen Alarma Man aus Göteborg konnte man aber gar nicht anders als zu sagen: 

"Das ist toll, das muss auch hierzulande gehört werden." Mit ihrem wahnwitzig hektischen, intensiven Instrumentalnoisemath- 

rockindiegitarrenhardwhateverschubladenverweigerungscore und einem Debüt, das einer aufregenden, ungestümen Energie-Lektion 

in zehn Kapiteln gleicht, passt das Quartett aber auch ganz vortrefflich ins Aufgebot des Konventionen weitläufig umschiffenden 

Labels. Ungeachtet der wenigen Worte auf ihrer unbetitelten Debütscheibe, standen uns Drummer Andreas, Bassist Niklas 

und die beiden Gitarristen Calle und Viktor für ein paar Fragen bereitwillig zur Verfügung. 

nN: Die Art von Musik, die ihr spielt - 

ob man das nun Mathrock, Post- 

Hardcore oder was auch immer 

nennt - verbindet man üblicherweise 

eher mit einem Sinn für trokkene 

Rationalität und einer mathematisch 

anmutenden Geometrie 

aus Songstrukturen. Ihr dagegen 

lasst mit Songtiteln wie "Cheese 

My Dad", "Fell In Love With A 

Woman Twice My Size" oder "I Am 

Eleven Years Old, I Have No 

Animals" und selbstironischen 

Musikvideos offensichtlich auch 

eine Menge Humor in eurer Musik 

zu. Ist das eine beabsichtigte Positionierung 

oder einfach nur ein 

Spaß? 

Viktor: Nun ja, es ist in gewisser Hinsicht 

schon ziemlicher Nonsense, mehr Blödsinn 

als alles andere. 

Calle: Unsere Songs müssen einen 

Namen tragen. Da wir keine Lyrics benutzen, 

müssen wir andere Bezugspunkte 

schaffen - nicht nur für den Hörer, sondern 

auch für uns selbst, wenn wir im 

kreativen Prozess über die Songs diskutieren. 

Einige dieser Arbeitstitel haben es 

tatsächlich auch auf die fertige Platte 

geschafft. Das ist die ganze Wahrheit. 

nN: In einem Alarma Man-Song passiert 

meist unheimlich viel auf 

einmal. Es ist meist ein hektisches 

Treiben, das in Sachen Unübersichtlichkeit 

an einen Ameisenhaufen 

erinnert. Viele kleine Elemente 

kommen zusammen, formieren 

sich gemeinsam zu einer kompakt 

ausgetüftelten Komposition und 

machen erst als Ganzes wirklich 

Sinn. Strukturiertes Chaos könnte 

man das wohl nennen. Mich würde 

deshalb interessieren, wie bei 

euch der Songwriting-Prozess abläuft. 

Niklas: Wir sind ziemlich chaotische 

Typen, glaube ich. Ich mag es, wenn in 

einem Song ziemlich viel im gleichen 

Moment passiert, alles aus dem Ruder 

zu laufen scheint und sich das große 

Chaos urplötzlich in seine Bestandteile 

auflöst und etwas klares, simples folgt. 

Für das Songwriting sind Viktor, Calle 

und ich verantwortlich. Fast immer 

denkt sich einer von uns ganz allein 

beide Gitarrenparts, den Bass und 

skizzenhaft auch die Drums aus, bevor 

wir uns alle zusammen im Studio treffen 

und langsam Songs daraus entstehen 

lassen. Im kreativen Prozess hantieren 

wir viel mit Computern herum, aber 

letztlich spielen wir doch immer alles 

live ein. 

Viktor: Es braucht eine ganze Weile 

und eine Reihe von Ansätzen für verschiedene 

Arrangements, bis wir mit 

einem Song zufrieden sind. Wenn er 

aber dann fertig ist, haben wir absolut 

nichts mehr daran zu mäkeln - dann 

ist er zur Perfektion getrieben worden! 

nN: Eure Songs sind ziemlich komplex 

und brauchen einige Durchgänge, 

bis sich dem Hörer ihre Struktur 

erschließt und man sie allmählich 

durchschaut. Deshalb hätte ich 

gerne einen Rat: Was wäre ein perfektes 

Setting, um sich die Platte 

reinzuziehen und was muss man 

als Hörer mitbringen, um sich in 

den labyrinthartigen Songkonstrukten 

zurechtzufinden? 

Andreas: Ich würde empfehlen, eine 

Prügelei anzuzetteln oder sich direkt vor 

dem voll aufgedrehten Verstärker der 

Stereoanlage deiner Wahl hemmungslos 

zu besaufen. 

Niklas: Da stimme ich zu, ein gesteigerter 

Alkoholpegel ist ein gutes Setting. 

Viktor: Ich meinerseits höre mir das 

Album am liebsten an, wenn ich mit 

Kopfhörern durch die Stadt laufe. 

Man kann auch gut dazu Auto fahren. 

Was deine zweite Frage betrifft: Um 

mit unserer Musik klarzukommen, muss 

man wohl eine gewisse musikalische 

Offenheit und ein wenig Geduld mitbringen. 

So sollte man sich einen Weg 

durch unseren Irrgarten bahnen können, 

ohne die Orientierung zu verlieren. Aber 

die Frage ist doch, ob man sich nicht 

lieber darin verlieren sollte! Es macht 

doch eigentlich viel mehr Spaß, sich 

komplett in der Musik zu verlieren, 

oder? 

nN: Die meisten Instrumentalplatten 

leben vom Gegensatz zwischen 

Laut und Leise und beinhalten 

Parts, in denen zugunsten eines 

langsamen Aufbaus von Atmosphäre 

und Spannung auch mal

auf Lautstärke verzichtet wird. Ihr 

dagegen behaltet den Fuß ständig 

auf dem Gaspedal. Der hohe Energie- 

und Noise-Level eurer Platte 

wird konstant aufrechterhalten. So 

verhalten sich Alarma Man-Songs 

bildhaft gesprochen wie hyperaktive 

Kinder mit ADS-Syndrom. Eine 

Atempause gönnt ihr dem Hörer 

nicht. 

Viktor: Bei Alarma Man geht es um energetische 

Musik. Für atmosphärische, 

stimmungsvolle Parts haben wir keinen 

Platz in unseren Songs - bisher zumindest. 

Mal schauen, ob sich da in Zukunft 

noch etwas ändert. 

Andreas: Eigentlich hatten wir anfangs 

sogar nur eine einzige Ruhepause auf 

dem Album eingeplant, und zwar eine 

exakt eine Sekunde andauernde Stille 

zwischen zwei Songs in der zweiten 

Albumhälfte. Einige unserer Freunde 

beschwerten sich allerdings, nachdem 

wir ihnen das Album in dieser Fassung 

vorgespielt hatten. Es war ihnen einfach 

zu stressig. Also haben wir uns dazu 

entschieden, vereinzelt Ruhepole wie 

"Signed Up For Games And Theory" 

und "Illuminati" einzubauen. 

nN: In fast jeder Rezension, die ich zu 

eurem Album gelesen habe, taucht 

der Vergleich mit euren legendären 

Landsmännern von Refused 

und Breach auf. Sind das Bands, 

die tatsächlich einen Einfluss auf 

Alarma Man ausgeübt haben? Ich 

würde tippen, dass ihr euch eher 

Bands aus dem Dischord-Umfeld 

zum Vorbild genommen habt. 

Viktor: Sowohl Refused als auch Breach 

waren außergewöhnliche Bands, die in 

jedem Fall einen Einfluss auf uns gehabt 

haben, den ich allerdings nicht als maßgeblich 

bezeichnen würde. Mich stört 

es nicht, dass diese Namen in Reviews 

immer wieder auftauchen, diese Vergleiche 

dienen den Leuten einfach als Fixpunkte 

zur leichteren Kategorisierung 

unserer Musik. Ich persönlich stehe 

übrigens tatsächlich total auf den DC- 

Sound und die Dischord-Szene. 

Calle: Ich könnte gar nicht sagen, was 

ich als Einfluss ansehe. Alarma Man wird 

wohl nur von sich selbst beeinflusst. 

nN: Warum habt ihr euch entschieden, 

als Instrumentalband ohne Gesang 

zu agieren? Gab es überhaupt 

einen Zeitpunkt, an dem ihr 

das bewusst entschieden habt 

oder hat sich das in den Anfangstagen 

der Band ganz natürlich 

ergeben? 

Niklas: Für uns ist es überhaupt keine 

große Sache, ob die Songs nun Gesang 

beinhalten oder nicht. Es gibt ebenso 

viel großartige instrumentale Musik wie 

es tolle Bands gibt, die auf das Element 

der Stimme zurückgreifen. 

Viktor: Wir wollen einfach coole Rockmusik 

spielen, ohne dabei zu sehr den 

üblichen überstrapazierten Rock ´n´ Roll- 

Klischees anheim zu fallen. Es hat sich 

ganz einfach aus dem natürlichen Verlauf 

der Dinge ergeben, dass wir als 

instrumentale Band angefangen haben. 

Eine ganze Weile lang waren wir damit 

zufrieden, mittlerweile allerdings arbeiten 

Alarma Man 

wir schon im Proberaum öfters auch mal 

mit Vocals. 

49 

nN: Um den Werdegang von Alarma 

Man mal ein bisschen genauer zu 

veranschaulichen: Wann und wie 

habt ihr als Band zusammengefunden? 

Calle: Niklas und ich haben angefangen 

zusammen zu spielen, nachdem wir 

2001 unseren Schulabschluss in der 

Tasche hatten. Mit unserem damaligen 

Drummer gab es Probleme, woraufhin 

Andreas auf den Plan trat und zur Band 

hinzustieß. Eine ganze Weile lang war 

das unser Line-Up, doch plötzlich entschied 

sich unser Gitarrist dazu, die 

Brocken hinzuschmeißen. Also überredeten 

wir Viktor dazu, der Band beizutreten. 

Er war es auch, der das Klangbild 

von Alarma Man entscheidend veränderte. 

Plötzlich hatten wir mehr Tempo drin 

und alles klang viel chaotischer. Erst zu 

diesem Zeitpunkt waren Alarma Man 

wirklich geboren. 

nN: Welcher Szene in Göteborg fühlt 

ihr euch zugehörig - wenn überhaupt 

einer? Ich könnte mir vorstellen, 

dass es schwierig ist, 

gleichgesinnte Bands zu finden, 

die wie ihr nicht wirklich einem 

spezifischen Genre angehören 

und sich zwischen alle Stühle setzen. 

Andreas: Wir gehören eigentlich zu gar 

keiner Szene. 

Viktor: Hmm…vielleicht die "Wirklich gute 

Liveband"-Szene?

50 

Alarma Man 

Calle: Alarma Man ist nicht Teil von 

etwas anderem. Alarma Man ist Alarma 

Man. 

nN: Ursprünglich erschien euer Album 

in Schweden auf dem kleinen 

Label Car Crash Records schon im 

letzten Jahr, Sinnbus hat die Veröffentlichung 

nun für den deutschen 

Markt lizenziert. Wie kam es zu der 

Zusammenarbeit? 

Andreas: Der Ausgangspunkt war unsere 

Zusammenarbeit mit Björn Bauch von 

"Under The Stars, Me!", unserer Booking- 

Agentur. Durch diesen Kontakt wurden 

wir eines Tages gefragt, ob wir nicht 

Interesse an einer Kooperation mit Sinnbus 

hätten. Nun, wir dachten, das wäre 

ganz cool. Und schau an, das ist es tatsächlich. 

Viktor: Sinnbus wollten uns, weil wir eine 

fantastische Band sind. So leicht ist das. 

nN: Was denkt ihr darüber, dass die 

Platte außerhalb von Schweden 

nun ein zweites Mal veröffentlicht 

wird? Ist das nicht eine Art Déjà-Vu 

für euch, eine Wiederholung eines 

abgeschlossenen Kapitels eurer 

Band-Historie? 

Niklas: Nein, eigentlich nicht. Ich finde 

das wundervoll! Wir sind noch immer 

stolz auf das Album und es macht auch 

noch immer viel Spaß, diese Songs live 

zu spielen. Da wir in der Zwischenzeit 

auch schon an neuem Material werkeln, 

fühlt es sich für uns auch nicht wirklich 

wie ein Rückschritt an. 

Viktor: Es ist doch einfach toll, dass sich 

überhaupt jemand für unsere Musik interessiert! 

Ich sehe die erneute Veröffentlichung 

einfach als kostenlosen Bonus für 

uns an. 

nN: In Schweden habt ihr dieses Jahr 

eine Twelve-Inch mit euren Car 

Crash-Labelmates Knife And Ape 

veröffentlicht, auf der ihr eure 

Songwriter-Palette erstmals um 

Vocals ergänzt habt. Ist das die 

Richtung, die ihr auch in Zukunft 

verfolgen werdet? Was steht als 

nächstes an im Alarma Man-Kosmos? 

Andreas: Unser Ziel wird es sein, ein 

noch besseres Album zu machen und 

den Vorgänger zu übertreffen. Sicher ist, 

dass einige der neuen Songs Gesang 

beinhalten werden und andere wiederum 

instrumental bleiben. Es wird eine gute 

Mischung sein. 

nN: Was versprecht ihr euch von der 

Deutschland-Tour im November? 

Im Mai wart ihr schon mal hier, was 

für Erfahrungen habt ihr da 

machen können? 

Niklas: Ich bin mir ziemlich sicher, dass 

es fabulös werden wird. Wir lieben es, 

auf Tour zu sein. Im Rahmen unseres 

Mai-Besuchs haben wir vor allem gelernt, 

auf deutschen Fußböden zu schlafen. 

Viktor: Ich bin schon ziemlich aufgeregt 

und freue mich total auf Deutschland. 

Hoffentlich werden wir vor mehr 

Zuschauern und in größeren Clubs spielen 

können als bisher. Es ist ein gutes 

Gefühl und eine Art Belohnung, wenn 

sich dein Publikum von Tour zu Tour kontinuierlich 

vergrößert. 

nN: Letzte und vielleicht schwierigste 

Frage: Was glaubt ihr, wäre ein 

angemessener Tanzstil im Rahmen 

eines Alarma Man-Konzerts? 

Andreas: Macht einfach, was ihr wollt. 

Calle: Ihr solltet uns imitieren! 

Viktor: Frag mal Napoleon Dynamite… 


http://www.alarmaman.com 

http://www.sinnbus.dea 

Photos im Streifen:rotea FLora Hamburg

1.Tag / Donnerstag, 03.08.06 

Nach einer gemütlichen Zugfahrt, in der ich 

das tolle Steinbeck (Lest auch die Früchte 

des Zorns oder Tortilla Flat) Buch "Jenseits 

von Eden" fertig lesen konnte, kam ich voller 

Vorfreude am Halderner Bahnhof an. Dort 

hatten Mitarbeiter einer regionalen Biermarke 

einen Shuttle für das Gepäck eingerichtet, 

von dem ich aber keinen Gebrauch machte. 

Etwas überrascht kam ich dann am Zeltplatz 

an, denn dieser war für Donnerstagfrühnachmittag 

ordentlich gefüllt. Meine ersten Begleiter 

waren auch schon da und so ging es an 

den Zeltaufbau. Danach wurde noch ein 

großer, kleiner Abstecher ins kulinarische 

Haldern gemacht. Wieder zurück gingen wir 

direkt über Los und zogen uns im wundervollen 

Spiegelzelt die ersten fünf Bands rein. 

Den viel versprechenden Auftakt machten 

die dreckig-rockenden Kanadier The Waking 

Eyes. Leider kämpften die nachfolgenden 

Mystery Jets trotz guter Songs mit der richtigen 

Mischung, so dass mich Vater und Sohn 

Harrison samt Mitstreiter nicht so überzeugen 

konnten. Als Martha Wainwright nur mit 

einer Akustikgitarre die Bühne enterte, war 

ich noch gespannt. Diese positive Interessiertheit 

sollte sich schnell in eine extreme 

Verspanntheit verwandeln. Ich bekam richtig 

gehend Angst vor ihrer Stimme. So müssen 

sich die Normannen bei dem Konzert 

von Troubadix gefühlt haben. Leider 

wurde es danach mit dem affig-affektierten 

Melancholiker Joos Zweegers und seiner 

Band Novastar nicht viel besser. Aus Angst 

wurde Genervtheit an dem belanglos elegischen 

Gedudel. 

Glücklicherweise wussten Lambchop diese 

negativen Gefühle vollkommen zu löschen. 

Immer wieder eine Freude, Herrn Wagner 

(bei dem selbst ein Soundcheck kurzweilig 

wird) bei der Arbeit/Muße zu sehen. Ein 

einfach schönes Betthupferl. 

2.Tag / Freitag, 04.08.06 

Die Hollywood Porn Stars machten den 

Auftakt ohne mich, die Dänen Utah hörte ich 

zu kurz, um mir eine Meinung zu bilden. Aber 

ich wollte ja auch vor allem Daniel Benjamin 

sehen, dessen gleichnamiges Debütalbum 

einige Indiepopperlen ( "Beautiful") enthält. 

Doch der hatte heute jedenfalls seinen 

koketten Tag und seine Band war leider 

nicht wirklich gut. Ich bin jedenfalls froh für 

ihn, dass er das ganze Konzert überstanden 

hat und nicht aus lauter Bescheidenheit im 

Boden versunken ist. Schade, da hätte ich 

doch lieber Anna Ternheim gesehen und 

gehört. Dafür lieferten die jungen Briten von 

Mumm- Ra mit ihrem Mix aus Beach Boys, 

Kinks und Beta Band eine wirklich gute Leistung 

ab. Vor allem der sehr energiegeladene 

Sänger zog in seinen Bann. Vom Zelt ging es 

nun an die Freiluftbühne, und am Himmel 

braute sich Ungemütliches zusammen. Ich 

hörte Jochens Stimme im Ohr gleichwie Elias 

Warnung vor Ahab. Zunächst war zwar nicht 

alles klar, doch regnete es auch nicht und 

Morning Runner gefielen. Die Zutons wirbelten 

dann mit ihrem späten 60er Repertoire 

über die Bühne und überzeugten durch große 

Harmonie und Spielfreude. Leider konnten 

auch sie die Regenwolken hinweghuhuen 

(vielleicht hätten sie "Pressure point" spielen 

müssen), und so nahm das Unheil dann bei 

We Are Scientists seinen Lauf, so dass ich 

nach 2 Songs klatschnass Richtung eigenes 

Luxus-Igluzelt waten musste. Da dieses auch 

schon 20 Jahre auf dem Buckel hat und nicht 

mehr ganz dicht ist, war dort Wasser schöpfen, 

warten und hoffen angesagt. So spielten 

auch The Cooper Temple Clause ohne 

mich, wobei ich die eh nicht so toll finde. 

Doch meine Helden Motorpsycho wollte 

ich auf keinen Fall verpassen. So packte ich 

mich unwetterfest ein, schwankte wie ein 

Michelinmännchen durch den Matsch und 

blieb erst direkt vor der Bühne stehen, wo 

die Herren Saether und Ryan ein psychedelisches 

Soundgewitter aufziehen ließen, um 

das Reale in seine Schranken zu weisen. 

Homöopathisches Prinzip erfolgreich, und 

nach einer Reise durch die letzten 20 Bandjahre 

wich das Lächeln nicht mehr aus meinem 

Gesicht und ich konnte plötzlich auf dem 

Wasser gehen. Die Haldern- Dinosaurier 

(bereits Anfang der 90er Headliner) Element 

of Crime konnten mit ihrer romantischen Art 

Pluspunkte sammeln und bereiteten das Feld 

für mein persönliches Festival- Highlight: 

Mogwai. Wieviel hatte ich zuvor schon von 

den Live-Auftritten der Glasgower gelesen. 

Nun kamen sie mit Reiserucksäcken beladen 

auf die Bühne und ich dachte noch..., doch 

die Band spielte schon und ich dachte gar 

nichts mehr. Mogwai tauchen tief, fliegen 

hoch und nehmen einen mit auf eine Reise 

vom Beginn der Erde bis zu ihrem Untergang 

liveDabei: Haldern Special 51 

Haldern - Pop Festival 

03.08.06 - 05.08.06 

(dem vierten laut den Hopis). Einzig und 

allein Godfrey Reggios großartiger Film 

"Koyaanisqatsi" kam mir in den Sinn. 

Für die Revs und Final Fantasy, die noch 

im Zelt spielten, war kein Platz mehr im 

Kopf, doch der kanadische Violinist Owen 

Pallett, der die letzte Fantasie verkörpert, 

zog wie aus zuverlässiger Quelle zu erfahren 

war die Haldern Gemeinde noch sehr in 

seinen Loop-Bann. 

3.Tag / Samstag, 05.08.06 

Die erste Band, die ich heute zu hören 

bekam waren die guten, pop-punkigen Rifles, 

als ich im Halderner See schwamm. Hernach 

überraschte mich mit den Islands erneut eine 

kanadische Combo äußerst positiv, was ich 

von den Guillemots mit ihrem nervig sophisticatetem 

Mix aus Hippie- Appeal und lärmigen 

Ethnoeinflüssen nicht behaupten kann. 

Leider musste ich wegen Schmerzen in meinem 

Fuß das Gelände verlassen und konnte 

die fantastische Live- Show der Wrens, den 

Urgesteinen New Jerseys, nicht mitverfolgen. 

Diese hatten zwei Wochen zuvor in Heidelberg 

so dermaßen das Karlstor gerockt, na, 

ich kann Euch sagen. Bei den Kooks war ich 

dann wieder da, doch die arrogante Art des 

Sängers ließ durchaus vorhandenen Spaßfaktor 

sinken. Der gefällige Paolo Nutini 

spielt auch auf dem New Pop Festival - 

keine Kanten, alles glatt. Dies kann man 

von James Dean Bradfield, dem Mann, 

der sich selbst gern als "kleinen walisischen 

Schlumpf, der auf der Bühne versucht, 

Gitarre zu spielen" und Kopf der Manic 

Street Preachers ist, wahrlich nicht behaupten. 

Doch sein Auftritt war auch nicht mehr 

als gut. Er machte Platz für Neil Hannon 

(Divine Comedy), der sein Wohnzimmer 

betrat und mit dem Publikum zu spielen 

begann. Kaum jemanden hat das Publikum 

hier so ins Herz geschlossen wie den lässigen 

und humorvollen Briten, der dieses Jahr 

für seine Verhältnisse richtig auf die Tube 

drückte. Da der Fuß immer höllischer weh 

tat, sagte ich dem Haldern und seinen tollen 

Securitymen nach diesem gelungenen 

Abschluss leise Servus. Mit einer Träne 

im Knopfloch, denn Kante zu verpassen 

schmerzte auch ein wenig. 

Mario Kiermeier

52 

videoThek 

Sasori - Jailhouse 41 Vol. 2 

Japan 1972 

Regie: Shunya Ito 

89 Minuten 

Rapid Eye Movies (aus der Reihe Nippon Classics) 

www.rapideyemovies.de 

Wow. Was? Jetzt auch noch drüber schreiben? Okay... Nunja. Heftig? Heftig. 

Ersteinmal zu Beginn: Für den Westeuropäer ist das schon nicht ganz so leicht 

verdauliche Kost. Diese brutale Langsamkeit der Schnitte, der Kameraführung. 

Diese Totalen. Diese krasse Story. Moment, Story? Es gibt Vergewaltigungsszenen, 

Entmannungen (konsequenterweise auch dieses), viel (nicht ganz so realistisches) 

Blut, Brutalität, fiese Grimassen und all so'n Zeuch. Gespickt mit 

Mystischem und Mythischem, mit kulturellen Hintergründen, die wir gar nicht 

kapieren können, falls wir nicht (Hallo Carsten Collenbusch!) Japanologen sind. 

Auch für mich, der Takeshi Kitano zu einem seinen Lieblingsfilmmacher zählt - 

unvergessen das so gnadenlos geniale Hana Bi, Violent Cop, Brothers, und 

noch so viele Outputs, bei denen "Beat" seine Finger im Spiel hat - ist der Film 

erst mal nur heavy. Aber es gibt da wohl eine Story, basierend auf dem ersten 

Film der Sasuri-Reihe: Die Hauptakteurin ist in einem äußerst brutalen Gefängnis 

-wohl nicht ohne Grund- untergebracht, sadistische Spiele der Gefängniswärter 

natürlich an der Tagesordnung. Nach einer Flucht mit anderen weiblichen 

Gefangenen sehen sich jene einer Katz-und-Maus-Flucht ausgesetzt, in dem 

die Rollen der Jäger und Gejagten nicht ganz so fix 

festgelegt sind. Männer werden als bedrohliche 

sexualtriebgesteuerte (aber auch armselige und 

lächerliche) Wesen dargestellt, Frauen als Objekt der 

Begierde, die aber nicht weniger gefährlich sind. 

Grenzenlose Brutalität und Erniedrigung beider 

Lager bestimmen die Tagesordnung. 

Dazwischen immer wieder surreale 

mythische Sequenzen, wie eingangs 

schon berichtet. Das alles zieht sich 

durch bis zum gnadenlosen Ende... 

Ein Film des "Sexploitaion"-Genres 

der 70er. Nach dem 

Genuss bleibt der rezensierende 

Betrachter erst mal ratlos zurück. 

Das alles mutet teilweise sehr theater- 

, aber auch märchenhaft an; 

was ist Realität, was sind Traumsequenzen, 

was ist zu ertragen, was geht darüber hinaus, wird aber trotz krassüberspitzter 

Darstellung dennoch toleriert? Oft ertappt man sich dabei, zu überlegen, 

ob das jetzt gerade wirklich passiert ist, sein kann. Ähnliches ist mir nur 

bei Michael Hanekes "Funny Games" wiederfahren, in meinen Augen nebst 

David Lynch's "Lost Highway" einer der heftigsten Filme, die mein Leben bisher 

kreuzten... Dazu ein wunderschönes Lied, das nicht sehr schmeichelhaft mit 

Männern umgeht, aber mit traumhaft schönen Klängen die Flucht und Taten der 

Frauen untermalt, sich dabei auch genug Zeit und Wiederholungen nimmt, um 

sich in den Kopf zu bohren. Hier gibt es keine Opfer- und keine eindeutigen 

Täterrolle, jeder bzw. jede übernimmt diesen Part. Selber angucken? Ja, selber 

angucken. Ist natürlich nicht für Jedermann/Jedefrau, interessant zwar, aber 

nicht ganz unproblematisch. Für Gedankenwelt, inneren Frieden und moralische 

Instanzen. Aber wohl unbedingt notwendig??? 

Matthias Horn 

TNT - Live In Madrid 

(MTM/SPV) 

TNT sind - der Name lässt's vermuten 

- im klassischen Hartwurstsektor 

beheimatet und hier 

eine der besseren Bands. Mit 

vorliegender Live-DVD feiert 

sich die Band, die im Laufe ihrer 

inzwischen 24jährigen Karriere 

etliche Highlights des Melodic 

Hardrock-Sektors abgeliefert 

hat, zu guten Teilen auch selbst 

ab. Hierfür ließen sich Tony Harnell 

und seine Gefolgschaft am 

1. April 2006 in einem kleinen aber feinen Madrider Club nach 

allen Regeln der Kunst hoch leben. Apropos Harnell - der Mann 

am Mikro gab am Abend der Aufzeichnung sein TNT-Abschiedskonzert, 

was den Erwerb des Silberlings noch einmal interessanter 

machen dürfte. Die optische Umsetzung ist mit sechs 

Kameras ziemlich gelungen, und die Akustik entspricht dem, 

was das Auge tatsächlich sieht - abgesehen von den charakteristischen 

(und in der Tat schwer umsetzbaren) Chören. Die 

Stimmung im Publikum und auf der Bühne ist durchweg gut, die 

Songauswahl mit vielen Klassikern ebenfalls, Mr. Harnell's Stimme 

ist nach wie vor einfach beeindruckend und sogar das Solo 

von Saitenhexer Ronnie LeTekro fällt angenehm originell aus, 

so dass man sich als Hardrock-Freund am Ende nur noch fragen 

muss, ob man sich die DVD mit oder ohne der 82-minütigen 

Audio-Version des Gigs (mit identischer Setlist) besorgen 

soll. Einziges Manko: Es hätten sowohl ein paar Live-Tracks 

mehr als auch ein bisschen mehr "Bonus" sein dürfen - die zwei 

Mono-Livetakes aus Oslo und vom 2004er Sweden Rock sowie 

die Signing-Session vom 2004er Deep Impact Festival kommen 

gerade mal auf zehn Minuten. Dennoch ist "Live In Madrid" ein 

sehenswertes Dokument einer erstklassigen Melodic Hardrock- 

Band geworden, die es in dieser Konstellation bedauernswerter 

Weise wohl nicht mehr geben wird. 

Heavy 

Tokyo Drifter 

Japan 1966 

Regie: Seijun Suzuki 

Länge: 82 Min. 

Rapid Eye Movies (aus der Reihe Nippon Classics) 


Tetsu ist ein Yakuza-Killer, dessen Syndikat aufgrund eines perfiden 

Ränkespiels um Immobilien, Geld und Macht, angezettelt 

vom finster-stylischen Yakuzaboss Otsuka, in Trümmern liegt. 

Der herrenlose Tetsu muss flüchten, ständig verfolgt von den 

Schergen Otsukas. Seine Odyssee entwickelt sich zu einer tödlichen 

Reise ohne Wiederkehr, und wie es sich für den japanischen 

Yakuza-Film der 60er Jahre gehört, ist Tetsus langer Weg 

mit Leichen gepflastert. Soviel zur Story von Tokio Drifter, im 

Verlaufe derer der Zuschauer schon mal leicht den Faden verlieren 

kann. Bei genauerer Betrachtung erscheint die oberflächlich 

vorgetragene Geschichte von Tokio Drifter aber ohnehin 

zweitrangig, denn Regisseur Suzuki erweckt den Eindruck, als 

läge seine eigentliche Intention nicht in einer stringent und 

schlüssig vorgetragenen Handlung. Vielmehr legt er sein 

Augenmerk eher auf filmische Ästhetik und natürlich das Innenleben 

seiner Figuren, welches er mit filmeigenen Mitteln - so 

scheint es zumindest - nach außen zu kehren versucht. Her-

ausragendes Stilmittel ist dabei ein ungewöhnliches Spiel mit 

Farben. So ändert sich das Farbarrangement der Mise-en- 

Scène während einer Einstellung oftmals schlagartig und einigen 

Figuren sind bestimmte Farben zugeordnet. Hinzu kommt 

ein immer wiederkehrendes musikalisches Thema, das Tetsu 

auf seinem Weg begleitet. 

All das verleiht dem Film nicht nur eine ganz besondere Stimmung, 

sondern regt den Zuschauer natürlich auch zu wilden 

Interpretationen und Spekulationen über die Aussage und Intention 

einzelner Szenen an. Witzig erscheint in diesem 

Zusammenhang, dass der gealterte Suzuki im auf der DVD als 

Extra enthaltenen Interview leicht schmunzelnd zugibt, dass 

viele Farbkompositionen und -spielereien nur zufällig bzw. aufgrund 

spontaner Ideen am Set zustande kamen und er eigentlich 

nie eine bestimmte Aussageabsicht mit den Figurenfarben 

und farblichen Arrangements verfolgte... 

Insgesamt muss sich Tokio Drifter den Vorwurf gefallen lassen, 

dass auf den Style, der natürlich genretypisch eine wichtige 

Rolle spielt, etwas zu viel Gewicht gelegt wurde. Darunter leidet 

nicht nur - wie oben schon erwähnt - die Story, sondern mit 

zunehmender Filmdauer auch der Sehspaß. Denn irgendwie 

hat mich der Film trotz der zahlreichen visuellen Spielereien und 

der sich daraus ergebenden Vieldeutigkeit, trotz der teils beeindruckenden 

Einstellungen und trotz der dargebotenen Tragik 

der Figur des Tetsu nicht gepackt. Vieles war mir einerseits zu 

gewollt und an anderer Stelle dann auch wieder zu unmotiviert. 

Wohl eher was für Rezipienten, denen die Form wichtiger ist als 

die Funktion. 


Tokyo Fist 

Japan 1995 

Regie: Shinya Tsukamoto 

Länge: 87 Min. 

Rapid Eye Movies 


Tsuda und seine Freundin Hizuru führen eine tröge Alltagsbeziehung, 

in der jegliche Spontaneität und jedwedes (sexuelles) 

Verlangen über die Jahre verloren gegangen sind. Er arbeitet 

mehr oder minder desillusioniert als Versicherungsvertreter. Ihre 

größte Herausforderung ist es, pünktlich zu Tsudas Feierabend 

das in der Designerküche zubereitete Abendessen auf den 

Tisch zu stellen. In diese festgefahrene Eintönigkeit tritt unvermittelt 

der Profiboxer Kojima, der seinem alten Schulfreund 

Tsuda eines Tages zufällig über den Weg läuft. Zum Ungemach 

Tsudas häufen sich Kojimas unangemeldete Besuche zusehends 

und er merkt, wie seine Freundin Hizuru immer mehr von 

der testosterongetränkten Anziehungskraft des mysteriösen 

Schulfreundes fasziniert ist. Sie trennt sich schließlich von 

Tsuda, verfällt einem zerstörerischen Masochismuswahn, der 

bis zur Selbstverstümmelung reicht und zieht zu Koijma. Der 

gehörnte Tsuda, zutiefst gekränkt und angetrieben von blinder 

Wut, versucht Kojima mit seinen eigenen Waffen zu schlagen 

und stürzt sich seinerseits fast wahnhaft ins Boxtraining. Sein 

videoThek 

53 

einziges Ziel dabei: Rache an Kojima. Erst im weiteren Verlauf der Geschichte 

wird klar, dass Tsuda und Kojima eine dunkle Abmachung aus den gemeinsamen 

früheren Schultagen verbindet, an die sich aber offensichtlich nur Kojima 

gehalten hat... 

Was sich hier recht spannend und wie ein interessantes Psychogramm liest, ist 

filmisch leider oft nur reichlich halbgar umgesetzt. Einige Wendungen erscheinen 

ziemlich willkürlich und auch die wahnhafte Entwicklung der Charaktere 

sowie die damit verbundenen Handlungsmotive sind stellenweise nur schwerlich 

nachzuvollziehen. Dem Experimentalfilmer und Regisseur des bei Kritikern 

und Publikum umstrittenen Kunstfilms "Tetsuo: The Iron Man" Shinya Tsukamoto 

gelingt es trotz einer teils sehr symbolträchtigen Filmsprache (Farbfilter, 

Handkamera und starkes Gewicht auf deskriptive Montage) nur unzureichend, 

dass der Zuschauer den Protagonisten ihre fast schon pathologischen Obsessionen 

abnimmt und sich mit der düsteren, auf Perversion und körperliche Metamorphose 

referierenden Thematik identifiziert. Vieles 

erscheint seltsam unausgesprochen, und oft 

steht man vor einer dramaturgischen 

Lücke oder sucht den Missing Link. 

So steigert sich der Film zusehends 

in eine matschige Gewaltorgie, 

die zugegebenermaßen 

beeindruckend inszeniert ist 

und in ihrer Ästhetik an die 

surrealen (Körper-)Welten 

eines David Cronenberg 

erinnert. Als Zuschauer 

bleibt man aber seltsam 

unberührt zurück und fragt 

sich etwas ratlos, warum das 

denn nun alles so gekommen 

ist. Ich denke das muss man 

mögen, um es gut zu finden. 

Jochen Wörsinger

54 

terMine 

2nd DISTRICT 

20.10.06 Schwerte - Rattenloch 

27.10.06 Hannover - Chez Heinz 

03.12.06 Donauwörth - Juz tbc 

22.12.06 Bochum - Zwischenfall* 

28.12.06 Essen - Punk Im Pott Festival 

* + Heartbreak Engines 

AIDS WOLF 

11.11.06 Würzburg - Cafe Cairo 

13.11.06 Hamburg - Hafenklang 

14.11.06 Bremen - TBA 

17.11.06 Saarlouis - Juz Saarlouis 

18.11.06 Esslingen - Komma 

AMPERSAND 

07.12.06 Jena - Café Wagner 

08.12.06 Leipzig - Die Nato 

13.01.07 Essen - KKC 

JASON ANDERSON 

11.10.06 Berlin - Trompete 

13.10.06 Dresden - Art Der Kultur 

19.10.06 München - Kafé Kult 

20.10.06 Esslingen - Komma 

BLACKMAIL 

10.10.06 Konstanz - KuLa 

15.10.06 München - Feierwerk e.V. 

16.10.06 Regensburg - Alte Mälzerei 

17.10.06 Erlangen - E-Werk 

18.10.06 Würzburg - AKW! 

19.10.06 Leipzig - Conne Island 

20.10.06 Cottbus - Gladhouse 

21.10.06 Potsdam - Waschhaus e.V. 

27.10.06 Kaiserslautern - Kammgarn 

28.10.06 Köln - Gebäude 9 

BLUNOISE FESTIVALS 

09.10.06 Hamburg - Studio One 

Nova Drive & American Lead Guitar 

19.10.06 Osnabrück - Kleine Freiheit 

ULME, Pendikel 

03.11.06 Köln - Blue Shell 

Nova Drive, American Lead Guitar & 

Gästen 

BRATSCH 

14.10.06 Köln - Philharmonie 

01.12.06 Waiblingen - 

Kulturhaus Schwanen 

THE CLERKS 

31.10.06 Hürth - Bürgerhaus 

26.12.06 Bergheim - Medio 

DANKO JONES/GOGOL BORDEL- 

LO/BEDOUIN SOUNDCLASH 

08.11.06 Köln - E-Werk 

10.11.06 Filderstadt - Filharmonie 

21.11.06 Wiesbaden - Schlachthof 

22.11.06 Berlin - Columbiahalle 

23.11.06 Hamburg - Docks 

THE DRONES 

20.10.06 Freiburg - Rattenspiegel 

THOMAS DYBDAHL 

28.10.06 Hamburg - Molotow 

30.10.06 Köln - Studio 672 

31.10.06 Berlin - Lido 

FACE ABOUT FACE 

20.10.06 Bayreuth - Glashaus 

23.10.06 Erfurt - Jugendhaus Fritzer 

24.10.06 München - Sunny Red 

25.10.06 Hildesheim - 

Kulturfabrik Löseke 

26.10.06 Cottbus - La Casa 

27.10.06 Berlin - Antje Öklesund 

28.10.06 Halle - Reilstrasse 

GAGARIN 

10.10.06 München - Kranhalle 

11.10.06 Darmstadt - Centralstation 

15.10.06 Dortmund - FZW 

16.10.06 Bremen - Junges Theater 

17.10.06 Berlin - Quasimodo 

18.10.06 Dresden - Star Club 

19.10.06 Hamburg - Fabrik 

GOB SQUAD 

14.10.06 Hamburg - Planet Subotnik 

16.11.06 Kiel - Schaubude 

21.11.06 Bonn - Bla 

16.12.06 Lichtenau-Immeldorf - 

Weißes Roß 

PETER HAMMILL 


16.11.06 Erfurt - Museumskeller 

17.11.06 Halle - Objekt 5 

18.11.06 Auerbach - 

Göltzschtalgalerie Nicolaikirche 

19.11.06 Nürnberg - Hirsch 

20.11.06 Bonn - Harmonie 

MAXIMILIAN HECKER 

20.10.06 Magdeburg - Feuerwache 

21.10.06 Essen - Grend 


28.10.06 Aachen - Musikbunker 

29.10.06 Saarbrücken - Helmutt 

31.10.06 München - Orange House 

14.11.06 Hamburg - Uebel & Gefährlich 

15.11.06 Berlin - Roter Salon 

16.11.06 Dresden - Star-Club 

17.11.06 Bielefeld - Forum 

THE HIDDEN CAMERAS 

11.10.06 Dortmund - Pauluskirche 

12.10.06 Hamburg - Übel & Gefährlich 

25.10.06 Leipzig - Schaubühne 

27.10.06 München - Atomic 

28.10.06 Salzburg - Rockhouse 

02.11.06 Erlangen - E Werk 

03.11.06 Berlin - Volksbühne 

HOBOTALK 


04.11.06 Kempen - Kuba 

06.11.06 Hamburg - Knust 

11.11.06 Schwerin - Speicher 

JAPANTHER/THE GOOD GOOD 

10.10.06 Leipzig - Fruehauf 

11.10.06 Bielefeld - AJZ 

12.10.06 Mainz - KUZ 

LAMPSHADE 

17.10.06 Köln - Gebäude 9 

18.10.06 München - Feierwerk 

20.10.06 Hannover - Musikzentrum 

21.10.06 Kassel - Musiktheater 

22.10.06 Dresden - Scheune 

23.10.06 Berlin - White Trash 

24.10.06 Wetzlar - Franzis 

25.10.06 Jena - Rosenkeller 

26.10.06 Bonn - Mausefalle 


28.10.06 Erfurt - Museumskeller 

MIDLAKE/FIONN REGAN 

16.10.06 Dresden - Star-Club 

17.10.06 München - Orange House 

18.10.06 Stuttgart - Schocken / 


26.10.06 Berlin - Mudd-Club 

27.10.06 Hamburg - 

Uebel & Gefährlich 

NOVA DRIVE 

09.09.06 Frankfurt - Im Bett 

17.11.06 Berlin - Schokoladen 

PENDIKEL 

19.10.06 Osnabrück - 

Kleine Freiheit + ULME 

20.10.06 Hannover - 

UJZ Korn + Clara Motors 

21.10.06 Darmstadt - 

Oettinger Villa + ULME 

04.11.06 Aachen - JZ + Nicoffeine 

05.11.06 Münster - Gleis 22 + 

Don Caballero 

09.11.06 Jena - Rosenkeller + ULME 

10.11.06 Berlin - Magnet Club + ULME 

16.11.06 Frankfurt - Das Bett 

17.11.06 Marburg - Café Trauma (tba) 

23.11.06 Hamburg - Astra Stube (tba) 

PERE UBU 

10.10.06 München - 

Kranhalle/Feierwerk 




16.10.06 Bremen - Junges Theater 


18.10.06 Dresden - Starclub 

19.10.06 Hamburg - Fabrik 

THE POPZILLAS 

13.10.06 Stuttgart - Universum 

19.10.06 Hamburg - Studio One 

20.10.06 Emden - Alte Post 

13.01.06 Königshofen - Kulturschock 

LUKAS SIMONIS 

27.10.06 Bremen - Zakk 

28.10.06 Hamburg - Horbar 

29.10.06 Berlin - Ausland 

SOMETREE 

19.10.06 Würzburg - Cafe Cairo 

20.10.06 Donauwörth - Stellwerk 

21.10.06 Weinheim - Café Central 

26.10.06 Fulda - Kulturkeller 

27.10.06 Waldshut - Kornkeller 

28.10.06 Saarbrücken - Garage 

29.10.06 Gießen - MUK 

SPOKE 

27.10.06 München - Feierwerk 

TAPE 

20.10.06 Münster - Cuba 

TOOL 

18.11.06 München - Zenith 

03.12.06 Oberhausen - 

König-Pilsener ARENA 

04.12.06 Leipzig - Arena 

05.12.06 Stuttgart - Porsche Arena 

12.12.06 Mannheim - Maimarktclub 

TRANSMISSIONARY SIX 

13.10.06 Münster - Cuba 

16.10.06 Bonn - Mausefalle 33 1/3 

17.10.06 Halle - Saale, Objekt 5 

18.10.06 Frankfurt - Main, Das Bett 

19.10.06 Neu-Ulm - Café d'art 

26.10.06 Augsburg - Kerosin 

27.10.06 Berlin - Mudd Club 

28.10.06 Zossen - Energie Café 

29.10.06 Dresden - Dreikönigskirche 

02.11.06 Nürnberg - K 4 

ULME/GOODWITCH OF THE 

SOUTH*/PENDIKEL** 

19.10.06 Osnabrück - Kleine Freiheit** 

09.11.06 Jena - Rosenkeller** 

10.11.06 Berlin - Magnet Club** 

11.11.06 Spremberg - JC Erebos 

01.12.06 Dortmund - Soundgarden 


17.01.07 Heidelberg - Schwimmbad* 

19.01.07 Flensburg - Kühlhaus* 

20.01.07 Hamburg - Logo* 

03.02.07 Potsdam - Waschhaus* 

VOLT 

25.10.06 München - Kafe Kult 

WILLIARD GRANT CONSPIRACY 

(SOLO) 

17.10.06 Karlsruhe - Jubez 

18.10.06 Wetzlar - Franzis 

19.10.06 Kiel - Weltruf 

20.10.06 Hamburg - Hasenschaukel 

21.10.06 Dortmund - Pauluskirche 

WOVEN HAND 

16.11.06 A-Salzburg - Nonntal 

17.11.06 Geislingen - Rätschenmühle 

20.11.06 Frankfurt - Brotfabrik 

21.11.06 Essen - Zeche Carl 

Ansonsten 

Hausmusik Festival. 15 Jahre 

Hausmusik - 27./28.10.06 München - 

Feierwerk 

Tied and Tickled Trio, MS John Soda, 

Fred Is Dead (sic!), Couch, Squares 

On Both Sides, Spoke, A Million Mercies, 

ISO 68, Carlo Fashion, Fonoda. 

Plus Comicausstellung und Lesung. 

www.hausmusik.com/konzerte.html 

Music Unlimited - 10./11./12.11.06 

Wels (A) - Schlachthof 

The Ex, Mohammed Jimmy Mohammed, 

Attwenger feat. Fred Frith, Zeena 

Parkins, Thermal, Carla Kihlstedt & 

Stevie Wishart & Fred Frith, Charming 

Hostess, Iswhat?! u. a. 

www.musicunlimited.at 

American Music Club performs 

silent film "Street Angel" - 

22.11. Hamburg - Fabrik 

Die Band um Mark Eitzel und "spezial 

guests" (u.a. von The Residents fame) 

spielen live die Musik zum Stummfilm 

"Street Angel".

reViews 30 - Noisy-neighbours.com

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