LOVE A - Noisy-neighbours.com

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matt pryor.
juli kapelle.
niels frevert.
el bosso.
affairs of the heart.
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bonsai kitten.
radiozeug.
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Eur
nO35
2012

2
vorWort I #35 I März 1/2012
Jetzt ist es also fast soweit:
Am 21.12. diesen Jahres geht die Welt unter. Das sagen zumindest
die Mayas – und die müssen es wissen, die haben nämlich vor tausenden
von Jahren einen Kalender entworfen, der dies’ Jahr, kurz vor
dem Christfest, endet. Zu dumm. Aber mal ehrlich: So richtig schade
ist es ja nun auch wieder nicht um uns, oder?! Haben wir nicht
inzwischen unsere Erde ganz schön runtergewirtschaftet? Und alles,
was da so „kreucht und fleucht“ - vor allem in den letzten 100 Jahren
- ziemlich mies behandelt? Ok, der ein oder andere mag sagen: Das
war ja wohl auch der Deal - hat uns der liebe Gott nicht gesagt „macht
Euch die Erde untertan“? Und brav und folgsam wie wir nun mal
sind haben wir einfach nur genau das gemacht? Wie dem auch sei: In
diesem Jahr nicht in den Genuss des Festtagschmauses von Mama,
Oma und Tante zu kommen, nur weil drei Tage vorher die apokalyptischen
Reiter auf der Matte stehen und meinen, wir könnten uns den
Weihnachtseinkauf sparen? Schöne Scheiße, das.
Apropos. Das gilt auch für die „Kandidatenfindung Bundespräsident“;
von der Leyen, Töpfer, Schwarzer, Netzer & Delling – erst will keiner
oder wird nicht gewollt und am Ende ist die Liste derart ausgedünnt,
dass ich schon Sorge hatte, die würden jetzt unseren Andrasch fragen
– und gutmütig wie der Kerl ist, hätte er bestimmt zugesagt … und
was wäre dann aus uns geworden? SO! weit geht die Vaterlandsliebe
dann auch nicht. Jetzt wird’s der konservative Pfarrer Gauk, der
die Ergüsse von Guido, dem alten Sar(r)azinen, schon mal ebenso
„mutig“ findet wie die Diskussion um die Geldgeilheit der Banken
„unsäglich naiv“. Da wäre mir Klarsfelds Bea doch lieber; klar, die hat
zwar mal einem Bundeskanzler eine gescheuert - und so was tut
man hierzulande einfach nicht! - aber zum einen ist das lange her und
außerdem würde ihre Wahl doch beweisen, dass ein Volk, welches
manchmal auf dem rechten Auge blind ist, mit dem linken umso
schärfer sieht, oder?! Ha!
Ach ja, apropos „Vaterlandsliebe“.
Neulich hat’s da irgendwo eine interessante Umfrage
gegeben, so unter Jugendlichen und nach dem Motto „Bist Du stolz
darauf, ein Deutscher zu sein?“ … die Hälfte soll mit „ja“ geantwortet
haben. Hey – ob diese Dumpfbacken mal irgendwer gefragt hat,
was eigentlich IHR Beitrag dazu gewesen ist, HIER geboren worden
zu sein und worin eigentlich die „Leistung“ ihres Heimatlandes besteht??
Nee, mankannsichaberauchaufregen …
Egal, zum Heft jetzt; ihr seid ja hoffentlich nicht nur deshalb hier,
um Vorworte frustrierter Mittvierziger zu lesen. Neben den obligatorischen
Rezis aus den Themenbereichen Buch, Musik und Film gibt
es diesmal Interviews mit NILS FREVERT, LOVE A, den Münchner
Alternativrockern EXCUSE ME FIRE, BONSAI KITTEN, der Ska-Ikone
El Bosso & Die Ping Pongs, mit „The Get Up Kids“-Fronter MATT
PRYOR, der auf Solopfaden unterwegs ist und Jan Schewe, dem
Macher von AFFAIRS OF THE HEART; außerdem rücken wir dem
Thema „Charts“ noch mal zu Leibe, indem wir mal schauen, ob es
da nicht halbwegs vernünftige Alternativen gibt. Noch was vergessen?
Und gebt die Hoffnung nicht auf, dass der alte Maya-Weise nur
deshalb am 21.12.2012 mit dem Kalender Schluss gemacht hat, weil
er uns entweder einfach mal richtig den Arsch auf Grundeis setzten
wollte – oder weil seine Ölsche ihn noch kurz vor’m Feierabend zum
Einkaufen geschickt hat. Ich schätze: genau so war’s.
In diesem Sinne: Euer Keule für’s noisy-Team
– – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – –
**Schickt uns Demos! Erwünscht und gerne gesehen bzw. gehört!
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4 ______________________Love A
8 ____El Bosso
10 ______________________Affairs Of The Heart
12 ____literaTur ...Bücher, Tipps, Verrisse.
17 ______________________Hörbücher
18 ____Excuse Me Fire
20 ______________________Radiozeug
22 ____Highlights ...Schätzchen der Ausgabe.
24 ______________________Niels Frevert
26 ____ reViews ...wir wildern quer durch die Veröffentlichungslandschaft.
42 ______________________Juli Kapelle
46 ____comiCorner ...alles um die comiKunst.
49 ______________________Matt Pryor
50 ____gayGlotze ...von seicht bis leicht, zart bis hart.
56 ______________________Bonsai Kitten
58 ____Im Himmel, Unter Der Erde
60 ______________________videoThek ...von seicht bis leicht, zart bis hart. Neue Filme. Auch alte.
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2012 I #35 I Inhalt
Inhalt Ausgabe 35 * März * 2012
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No Life Lost I #35 I 2012

LOVE A
GESANGS-
STUNDEN
SIND WIE
ZAHNARZT!
nN: … ist das eigentlich, wenn man die
Chance hat und sie nutzt, bei einem Fanzine
über sich selbst zu schreiben und
so Promo in eigener Sache zu machen.
Überwiegen da rundherum die Bedenkenträger,
oder findet man das um Dich
rum, weil Du das offen spielst, eher cool?
KK: Das war immer so, auch in jüngeren
Jahren, wo man ja nicht nur über sich selbst,
sondern über Freunde geschrieben hat.
Oftmals war es doch so, dass man dadurch
den Fanzine-Gedanken weitergetragen hat.
Es geht ja da auch darum, das Lokale zu
fördern, das, was man sieht und das ist ja
nun oft das, was die Menschen machen, die
einen umgeben, und so ist dieser Vorwurf
einer Vetternwirtschaft eigentlich so ein
bisschen ein Oxymoron (Tipp von Wikipedia:
Ein Oxymoron ist eine rhetorische Figur, bei
der eine Formulierung aus zwei gegensätzlichen,
einander (scheinbar) widersprechenden
oder sich gegenseitig ausschließenden
Begriffen gebildet wird), weil so
funktioniert ja Fanzine im Grundgedanken.
Und so sollte der Text in dem Lied, auf das
Du jetzt anspielst, auch klingen, dass man
diese Strukturen auch mal offenlegt. Klarmacht,
dass man sich eben besser kennt,
dass das nicht läuft, wie Redakteur hier, und
anonyme Redaktion dort, sondern man sich
kennt, auseinandersetzt...
Siehst Du Dich noch eher auf der Seite
des jugendlichen, kompromisslosen
Sturm und Drangs, so zum Beispiel
in der Kritik, wenn Du den Reichen
vorwirfst, dass sie nicht genug von
ihren Kindern in ihren Swimmingpools
versenken, und zwar so, dass sie nicht
wieder auftauchen. Oder ob es doch
eher schon das Relativierende ist, weil
Du ja zwischen den beiden Polen mit
Deinen Texten hängst. Auf der einen
Seite die Wut, auf der anderen Seite aber
auch Deine Skepsis gegenüber platter
Schwarz-Weiß-Malerei!
Als Berufsjugendlicher bin ich natürlich auf
der Seite der Jugend, auch wenn ich sie
oft scherzhaft verdamme. Aber: Sie sind ja
wichtig und sie sind unser aller Fortkommen,
in Zukunft! …
...schaumamal...
Ich bilde mir das immer noch ein. Ich bin
nun mal ein hoffnungsloser Optimist. Das
ist ja das Schöne. Man hat selbst ein bisschen
ausgedient als Frontsoldat, aber kann
sich für seine Männer (Anm.: und Frauen!),
die vorne kämpfen, einsetzen...
...das finde ich ja ganz klasse, hinter den
Reihen stehen und brüllen, „Kämpft mal
schön!“, das ist wie der, der im Mittelfeld
einen weiten Pass spielt, selber
stehenbleibt und ruft, „Gute Reise!“
KK (lachend): Genau. In den Tod schicken.
Ich fühl mich da eher wie der Ausbilder, der
seine Ehre daraus bezieht, dass er versucht,
seine Jungs (Anm.: und Mädels!) so gut wie
möglich auf den Kampf vorzubereiten. Ich
2012 I #35 I Love A
Trier. Das hatten wir noch gar nicht, oder?
Egal. Andrasch freute sich vor einem Dreiviertel-Jahr
so sehr über die damalige EP
von der Love Academy, die er wähnte, eine
Berliner Band zu sein, dass er so lange rumtelefonierte
und mailte, was mit der nun
inzwischen passiert war, bis er sie gefunden
hatte, unter verkürztem Namen, aber mit
neuer Platte, nachzulesen bei unseren Reviews.
Und weil er das Ganze so spannend
fand, rief er Jörkk, den mit dem Doppel-K,
Sänger und Texter im Büro an. Im Ox-Büro,
da wirkt er nämlich. Womit wir schon beim
Einstieg wären... Also, wie …
erlaube mir das noch, weil ich eben auch
weiß, wie man da dachte und denkt und
versuche dann auch tatsächlich, ein wenig
plakativ, übertrieben das Ganze darzustellen.
Also, man kann uns jetzt kein stumpfes
Parolengedresche vorwerfen, wobei ich ja
dann doch manchmal mit solchen Dingen
spiele. Ohne jetzt politisieren zu wollen:
So ähnlich ist es ja.... Also, ich habe einen
klaren politischen Standpunkt, will uns aber
nicht als politische Band verstanden wissen.
Nachdem ich den zweiten Song gehört
hatte, hab ich mir hingeschrieben:
Abgesang auf den ruhiggestellten
Mittelstand, stand unterstrichen, denn
deshalb heißt das so, weil sie eben
ruhiggestellt sind, also Mittelstand, der
sich die Chance auf Belohnung nur noch
selbst vorlügt.
Oh! (denkt nach) Ich glaub, das würde ich
unterschreiben.
Dieser Mittelstand, dem es eigentlich
immer ganz gut ging, der franst ja aus,
aber die Leute sind immer noch mit
den alten Gewissheiten unterwegs und
haben noch nicht kapiert, dass sie das
Lumpenproletariat von morgen sind.
ehe ich auch so.
Dann kann man doch eigentlich, wenn
man eh abstürzt, auch NEU anfangen!
Ja, man soll ja auch aus Fehlern lernen.
5

6 Love A I #35 I 2012
Ist das die Traurigkeit, die Du beschreibst,
„es macht mich traurig, was
Ihr Leben nennt“?
Das sind durchaus Beobachtungen von
Menschen … also, man erwischt sich ja selber,
wenn man Menschen diesen Vorwurf
macht, z. B. Wegbegleitern von früher, die
ein sogenanntes normales Leben führen,
keinen Bezug mehr haben zur Subkultur,
aber das muss man ja schon auch bei sich
selbst erkennen, dass man da auch ein bisschen
herausrutscht, man sich unweigerlich
mehr zur Mitte hin bewegt. Das macht einen
natürlich traurig, wenn man sieht, dass die
Kampfeslust versiegt, persönlich ist man
aber schon manchmal auch des Kämpfens
müde.
Diese „Normalität“, die da auf einmal
entsteht als Bollwerk gegen die eigenen
unerfüllten Wünsche, die wird ja dann
von vielen später auf sehr aggressive
Weise verteidigt: DAS ist dann die Aggression
des Spießertums!
Durchaus, die immer strampeln und dann
treten, wenn sie Kritik erfahren in ihrem
gesättigten Vor-Sich-Hin-Dümpeln.
Wer sie dran erinnert, dass da noch ’ne
Menge offene Rechnungen in Ihnen drin
stecken, der ist gefährlich für sie.
Mag ja sein. Aber: Es gibt auch Leute, die
DIESES Leben ANDERS führen!!! Nur, in
den Texten soll ja der Bilderbuchspießer
beschrieben werden.
Ich habe die Erfahrung gemacht, dass
die totalen Dogmatiker von früher auch
die Spießerdogmatiker von heute sind.
Das ist richtig: Die am lautesten schreien.
Genau! Um mal ein Name-dropping anzubringen:
Was mich oft gestört hat, bei der
Wandlung von But Alive zu Kettcar...
...Kettcar hast Du Dir auf dem Album ja
gleich persönlich vorgeknöpft...
Das war ein Beispiel, dass auch die Fans beschreiben
sollte, oder die Fans, die sie dann
im Endeffekt hatten, also, da lässt sich drüber
streiten, ob die Band die Fans verdient
hat, sprich, zu Recht damit gestraft war....
Also, Kettcar seh’ ich ja völlig anders. Ich
kenne kaum eine Band, die ihre eigene,
persönliche Veränderung so genau, teils
so unbarmherzig genau reflektiert und
dargestellt hat, wie Kettcar.
Ich weiß nicht, ich hab das ja als Konsument,
als Verbraucher wahrgenommen.
In den Texten... und Liedern selbst! Sie
haben halt auch abgerechnet mit einem
Teil der Fans, die ihnen wütend wegliefen,
als sie Kettcar wurden. Und haben
darunter viele dogmatische Linksspießer
gesehen.
… stimmt! …
...das wurde Kettcar dann ausgelegt als
der treulose Abschied von der eigenen
Identität, war es aber nicht. Was sollen
sie denn anders machen? Anderes Beispiel:
Metallica! Würde es denn überzeugend
wirken, wenn die Swimming-
Pool-Besitzer noch immer einen auf
Street-Fighting-Men machen würden?
Über Metallica haben wir grad gestern noch
in der Bandprobe gelacht, dieses „Tourverschieben
wegen des Dollarkurses“... Wir
wissen kollektiv nicht, was wir davon halten.
Also, wenn man schon ein Arschloch ist, ist
man doch sympathischer, wenn man der
Welt auch erzählt, dass man ein Arschloch
ist.
Nur, wenn ich mir gerad den Euro
angucke, dann weiß ich ja nicht, ob sie
damit nicht ganz schön daneben...
KK: (lacht schallend) … Aber die Idee war
doch großartig, dass dann auch noch zu
erzählen...!
So ein klein wenig neidisch bist Du auf
die Schwarz-Weiß-Maler mit den einfachen
Feindbildern doch schon noch!
Motto: Wenn ich daran noch glauben
würde, wäre doch vieles einfacher.
Ja, das ist richtig. Oft bin ich fasziniert
davon – und schüttle oft den Kopf, wie man
die Welt immer noch so wahrnehmen kann.
Aber es ist doch tatsächlich dann viel, viel
leichter.
Vielleicht sind wir mit unseren ganzen
Relativierungen nur schon den Feuilletonisten
vom Spex, die sind ja auch
nur Überbau, auf den Leim gegangen.
Vielleicht leben wir längst schon wieder
in einer Gesellschaft von Opfern, und
Tätern, und sonst nix! Wenn ich sie mir
angucke, die Favelas auf der einen Seite,
die Elendsviertel in den ganzen Südmetropolen
und mitten drin Stacheldraht
und Selbstschussanlagen, und Mauern
um die Siedlungen der Reichen. Die
gesicherten Reichenbezirke mitten in
der Armut (Anm.: Siehe Spielfilm „La
Zona“!). Im Grunde steuern wir doch auf
einen Bürgerkrieg Reich gegen Arm zu.
Weltweit.
Ja, absolut. Das ist so eine düstere Vision,
die ich auch teile. Und das ist ja auch Grund
für Verzweiflung und auch für den Wunsch,
noch mal den Schritt zurück zu machen und
sich in diese dogmatischen Strukturen noch
mal reinzubewegen. Quasi der Wunsch,
noch mal wenig überlegt genug zu handeln,
einfach damit wenigstens irgendwas
passiert.
Schnitt. Und wer von Euch war früher
immer der Freibadheld, oder ist es heute
noch?
Ich glaube, da haben wir keinen dabei!
Ach komm, Dein Freibadsong, wenn der
nicht selbst erlebt ist...
Ja, klar! Aber das hat doch mit Helden nix zu
tun. In meinem Fall geht es um den kleinen
Dicken, der keine abbekommen hat...
Was mir in Euren Songs gefällt, ist unter
anderem auch, dass Du immer mit ganz
konkreten Bildern und Geschichten
arbeitest, zum Beispiel singst über Absurditäten
des Alltags, wenn sich einem
in der U-Bahn Jesus in den Weg stellt.
Dieser Blick für den Alltagswahnsinn,
auch Poesie, die sich in kleinen Gesten
zeigen, gefällt mir gut bei Dir... Ist das
so, dass Du beim Warten an der Haltestelle
ganz bewusst noch wach bist?
Viele sind das ja nicht.
Durchaus, ja, da passieren ja die Geschichten
und da schnappt man etwas auf,
auf der Fünf-Minuten-Busfahrt zum Proberaum...
Gerade auch die Geschichte mit dem
Wal, da muss ich an den Marten denken von
Turbostaat. Ich hab damals ja mein erstes
Interview für’s Ox mit den Jungs machen
dürfen und ich fragte ihn, wo hast Du
eigentlich diese Texte her und er sagte so
scherzhaft, „Aus der Zeitung!“. Und es ist
ja tatsächlich so, ob es die Zeitung ist oder
die Straße, das Eine ist ja ein Spiegel des
Anderen, so dass man da schon sehr viel
aufschnappen kann, wenn man beobachtet.
Siehe Max Goldt & Co.

Du kannst Dich aber gleichzeitig
ungeheuer freuen darüber, dass in all
der Scheiße immer noch auch so viel
Menschlichkeit existiert.
Ja, absolut. Diese ganze Rumhackerei auf
irgendwas ist ja einfach die Hilflosigkeit,
dass ich es eigentlich nicht bringe, eigentlich
ein Philanthrop und Optimist bin und mich
halt tagein tagaus darüber ärgere. Weil ich
glaube, dass die Welt um mich herum das
einfach nicht verdient hat!
Klar bist Du zu intelligent, um verlogene
Scheinidyllen abzufeiern. Auf der
anderen Seite: Schloss Neuschwanstein
abzubrennen, macht die Landschaft
dann auch nicht schöner.
KK (lachend): Es gibt Hinweise! Das Bild
im Anschluss ist wahrscheinlich nicht so
schön zu betrachten, aber das Bild, das man
mit der Tat zeichnet, es kann durchaus zum
Nachdenken anregen.
Du, übrigens, eines, was Ihr wirklich
immer habt: Ihr habt immer den steady
vorwärtstreibenden Beat. Ohne Uptemp
macht Ihr’s nicht. Ist das nur auf der
Platte so, oder ist das in Euren Genen
eingemeißelt?
Ich glaub, der Charly kann sonst nix.
(lachend) Nee, der kann nur den Einen und
dann ist man ganz schnell bei diesem treibenden
Beat...
… zu dem „kann sonst nix“ kommen wir
noch, weil ich glaube, dass das bei Euch
wirklich noch ein wenig zu einförmig ist.
Obwohl’s mir ja gleichzeitig auch saugut
gefällt.
Wir witzeln da ja manchmal drüber, zum
Beispiel so: `Komm, ich hab hier ’ne schöne
Popbridge`, oder `wir machen jetzt mal ’ne
schöne Midtemponummer!`
Nein! Ich mein, wenn Ihr zwischendurch
mal zwei Minuten ausbrechen würdet
und reine Poplicks spieltet, um sie dann
aber brutal zu brechen, fänd’ ich das ’ne
spannende Variante, die von der Aussage
kein bisschen wegnimmt!
Ja, steh ich auch drauf! Das ist teilweise bei
uns auch Thema, dass man mal sagt, lass
uns da mal was Schrägeres machen, um
dann wieder so ’nen verzuckerten Refrain
hinterherzuschieben zur Entschädigung. Der
Versuch ist schon da und da wird man auch
mit Sicherheit noch dran wachsen! Das ist
ja nun mal unser Debüt und dann möchte
ich doch mal immer wieder auch die Presse
daran erinnern, dass sie da vorsichtig mit
uns umgehen sollen, mit dem zarten Pflänzchen...
(lacht selber) …
Entschuldige mal, ich messe Euch doch
nur an der Champions League! Was
willst Du denn?
KK: (Gelächter) - Ist aber schon so, wenn es
mal zu zuckerig wird, dann muss einer mit
den Stiefeln reintreten.
Ich weiß ja auch nicht, was mit Dir und
Deiner Stimme passiert, wenn Du Dich
außerhalb dieser einen Oktave begibst...
Das ist durchaus schwierig. Ich bekomm ja
immer vorgeworfen zu singen.
Sing ruhig, aber atme richtig!
Ja, der Charly meint immer, ich soll doch
nicht so knödeln. Wobei: Ich schrei absichtlich,
überfordere meine Stimme auch
absichtlich!
Schon klar, aber man kann das bewusst
einsetzen, oder es passiert mit Einem.
Und bei Dir bin ich mir nicht immer
sicher, was von beidem der Fall ist.
Also, das ist in dem Fall schon bewusst! Ich
könnte auch sauberer!
Das aggressiv Gellende, das drüberliegt,
das ist Absicht, das ist schon klar. Ich
mein da eher den unteren Bereich, dass
Dir in den tieferen Lagen manchmal der
Atem fehlt.
Absolut. Was diese Techniken angeht, da
bin ich Dilettant.
2012 I #35 I Love A
Dein Gestaltungsspielraum wär’ halt
noch größer, wenn Du ein paar Gesangsstunden
nehmen würdest...
Das ist so eine Geschichte wie zum Zahnarzt
gehen... da fällt einem immer noch
etwas ein, was man vorschiebt....
Aber jetzt ist es öffentlich. Du kommst
nicht mehr raus aus der Nummer.
Das ist richtig. Da hab ich mir auch schon
Gedanken drüber gemacht. Mich würde das
auch wirklich interessieren, selbst wenn es
nur Atemtechniken, nur ganz einfache Dinge
sind. Und man holt sich da ja auch immer
wieder mal Rat bei erfahrenen Freunden
und Kollegen, aber da gebe ich Dir absolut
Recht.
Was macht Ihr nun weiter, die ersten
Reaktionen auf das Album sind ja gut...
Absurd gut und wohlwollend, man kann das
noch gar nicht glauben. Wir nehmen jetzt
erst mal alles mit, freuen uns über jeglichen
Zuspruch, und vor allem freuen wir uns,
dass wir spielen können und dürfen.
7
Nik Freitas
Wann tourt Ihr, mit wem tourt Ihr, wisst
Ihr’s schon?
Wir haben viele selbstorganisierte und viele
mit Hilfe von Jürgen zustandegekommene
kleine und Einzel-Gigs, oder Wochenenden,
und haben im April ’ne Tour mit Frau Potz
aus Hamburg, da singt der letzte Sänger
von Escapado, um mal ’nen Namen fallen zu
lassen.
Wie genial, ich liebe Escapado.
Die Frau Potz find ich jetzt wiederum NOCH
besser! Die haben uns gefragt, ob wir bei
ihrer Releaseparty mitspielen wollen, so fing
das an.
Ich hoffe für Dich, sie spielen demnächst in
Deiner Nähe. ... Und warum steht noch kein
Termin in München??? Muss ich etwa mit
meiner Bahncard in der Gegend rumgurken?
Fragt mal ganz egoman der
Andrasch

8 No Life Lost I #35 I 2012
nN: Nachdem ich zum ersten mal in Eure
aktuelle Scheibe gehört habe, meine ich
festgestellt zu haben, dass das gar nicht
unbedingt nach „Ska“ klingt ... Irrtum
meinerseits, oder bemüht Ihr Euch
tatsächlich um größtmögliche „Vielseitigkeit“?
Marcus: Richtig ist, dass einige Songs
wirklich einen sehr „funky-“, rockigen- oder
beatlastigen Einschlag haben und nur im
weitesten Sinn etwas mit Ska zu tun haben.
Nichtsdestotrotz war es uns schon wichtig,
auch Songs auf der Platte zu haben, die
schon „sehr Ska“ sind beziehungsweise die
typischen Ska-Elemente enthalten. Insgesamt
ist das Album musikalisch aber schon
weit gefächert. Aber so haben wir uns als
Band eigentlich schon immer verstanden:
Durchaus mal andere Einflüsse mit aufnehmen.
Roots-Rocksteady-Ska haben wir noch
nie gemacht, das spannende für uns war
es immer, zu schauen, wie man Off-Beat-
Musik noch umsetzen, mit anderen Stilen
vermischen kann. Die Musikwelt ist so bunt,
warum nicht gut gelaunt mit allen Farben
malen?
Schönes Bild. Ein bisschen brennt mir
die Frage unter den Nägeln. Die vorletzte
Scheibe habt Ihr 1995 gemacht – was ist
denn dazwischen passiert?
Korrektur: Unsere vorletzte Platte ist von
1991 „Ich bin Touri“. Zwei Jahre später
haben wir uns aufgelöst und dann ein paar
Jahre nix gemacht. 1995 wurden dann beide
Alben noch mal über „Pork Pie“ neu veröffentlicht.
Ein Jahr danach gab’s eine Revivalshow,
und dann war wieder erstmal lange
Pause. 2003 haben wir in Münster zwei
Revivalshows gespielt, und weil es allen
Beteiligten so viel Spaß gemacht hat, haben
wir weitere Shows angehängt und seitdem
immer mal wieder mit dem alten Programm
und ein paar neuen Songs Konzerte gespielt.
Unsere DVD kam dann 2007 - und kurz danach
stand für uns fest: entweder gibt’s ein
neues Album mit frischen neuen Songs oder
wie lassen es ganz sein, bevor wir zu unserer
eigenen „Top-40 Band“ mutieren. Nun
ja, das hat dann noch mal knapp vier Jahre
gedauert. Aber nun ist es so weit: „El Bosso
& Die Ping Pongs“ are back in the ring!
Zwischen 1996 und 2003 also erneut eine
lange Pause, und während dessen lief
nichts?
So weit ich mich erinnern kann, war da
Funkstille. Richie (aka „Dr. Ring-Ding“
– Anm. d. Verf.) hatte genug mit seinen
„Senior Allstars“ zu tun, Bosso absolvierte
eine Schauspielausbildung und ich tobte
mich an der Gitarre in diversen Grunge- und
Stonerrockbands aus.
Ich habe irgendwo mal gelesen, die
„Hütten“ wären nach der „Reunion“
gleich „wieder voll“ gewesen – erstaunlich
– die Leute haben Euch die lange
Pause in keiner Weise übel genommen,
oder? … Etwas anderes - mir fällt der,
sagen wir, „bruchstückhafte“ Titel Eures
Albums auf, „Tag Vor Dem Abend“ …
Richtig, irgendwie war es auf den Konzerten
unverändert. Beziehungsweise interessant
zu beobachten, dass wir scheinbar, während
wir „live“ von der Bildfläche verschwunden
waren, so eine Art „Kultstatus“ bekamen.
Immer öfters las man von „El Bosso & Die
Ping Pongs“ – die „Kultband“, die „erste
Skaband mit deutschen Texten“ und so.
Die Pause hat unserem Status beziehungsweise
Standing wohl ganz gut getan. Zum
Albumtitel … „Tag vor dem Abend“ ist aus
dem gleichnamigen Song. Und da heißt
es im Refrain „Wir loben den Tag vor dem
Abend“ und ist die Umkehrung der bekannten
Spruchs oder besser der typischen
Mahnung aller Zögerer und Zauderer „Man
soll den Tag NICHT vor dem Abend loben“.
Doch genau dazu rufen wir in dem Song auf!
Das Jetzt ist entscheidend! Genieße den
Augenblick! Das Glas ist halbvoll! Duck Dich
nicht verstohlen in der Ecke rum, nur weil
Du nicht weißt, was später sein wird. Eigentlich
kein neuer Gedanke, nur mit dieser
Verkehrung des Spruchs noch mal anders
auf den Punkt gebracht.
Wobei ich jetzt irgendwie die Überleitung
zu Euren Texten hinbekommen
hätte … In „Metallica“ scheint ihr Euch
darüber zu freuen, dass wenigstens

einiges so bleibt, wie es ist, und bei
„Mann Von Nebenan“ beschwert ihr
Euch allen ernstes über die zu lauten
Nachbarn … interpretiere ich hier fehl?
Nee, ist schon ganz richtig. Wobei „Mann
von nebenan“ im weitesten Sinne einfach
ins deutsche übersetzt und kein eigener
Text ist. Aber Nachbarn die nur nerven sind
ja auch wirklich schlimm. Und „Metallica“
ist eine kleine Homage an Beständigkeit
und Verlass. Wobei es unterm Strich egal
ist, ob es die Platten von „Metallica“ oder
„AC/DC“ sind, auf die „Verlass“ ist, die
Glücklotterie, die jeden zweiten Mitwoch
im Fernsehen ausgestrahlt wird oder das
regelmäßige Tretbootfahren auf dem Münsteraner
„Aasee“. Tradition und Beständigkeit
sind nicht immer scheiße.
Nicht unbedingt, da gebe ich Dir recht;
„Mädchenmusik“ ist dann aber schon
arg ironisch, oder?!
Mmmh … der kleine, verschmitzte Seitenhieb
auf die Armada von Singer/
Songwritern, die uns mit Ihrem dauernden
Herzschmerzgesäusel und selbstmitleidigen
Tralalla tagtäglich weiß machen wollen, dass
uns Ihr Leid oder die große Selbsterkenntnis
brennend interessiert. Nix gegen die Vertextung
tiefer Sehnsüchte, aber bitte doch
nicht immer gleich sich selbst so fürchterlich
ernst nehmen …
Wenn Du jetzt gesagt hättest, dass Du
„Mädchenmusik“ ganz erst meinst …
dazu noch die Sache mit der Tradition
und Beständigkeit“ – ich hätte mir ernsthaft
Sorgen gemacht … Aber verglichen
mit so manch schärferen Texten aus
Eurer Vergangenheit – seid Ihr „altersmilde“
geworden?
Altersmilde? Vielleicht entspannter oder
abgeklärter was die Sicht auf manche Dinge
betrifft. Ich meine die großen Rockrebellen
waren wir ja eh nie und den Revoluzzer hat
man bei uns auch schon immer vergeblich
gesucht. Mehr als mal auf einem „Ostermarsch“
spielen gab es eigentlich nicht. In
erster Linie standen wir schon immer für
Spaß mit Augenzwinkern … und das hat
sich nicht geändert.
Wobei Du mir wieder einen Steilpass
schlägst … Ihr seid ja nun auch nicht
mehr 18 oder 20 … wie lange wollt Ihr
das Ganze noch betreiben? Ist das nur
eine Frage des „Bocks“?
Gegenfrage, ist das eine Frage des Alters?
Ich denke nicht. So lange es allen Beteiligten
Spaß macht und es Menschen gibt, die sich
für das alles interessieren, brauch man über
einen musikalisch geruhsamen Lebensabend
nicht nachdenken. Ich meine, keiner
von uns möchte als Berufsjugendlicher
rüberkommen. Und darum klingt die Platte
wie sie klingt und darum sind die Texte
ja auch, wie sie sind. Auch wenn einige
sagen werden, dass sind gar nicht mehr
EL BOSSO gelten als die erste
deutschsprachige Ska-Band, und
schon 1991 brachten die Band
um Gitarrist Marcus „Skacus“
Diekmann und Sänger Markus
„El Bosso“ Seidensticker eine erste
Scheibe heraus. Obwohl zwischen
damals und heute gerade mal drei
Longplayer erschienen sind, besitzt
die Band aus Münster längst Kultstatus.
„Skacus“ war so freundlich,
uns ein paar Fragen zu beantworten
…
die „El Bosso“ von früher oder so. Richtig,
die „Bossos“ von früher sind ja nun auch
20 Jahre her. Und in 20 Jahren passiert ne
Menge und wenn’s nur das Älterwerden ist.
Naja, „Frage des Alters“ – im Grunde
gebe ich Dir recht … und bei „Saitenschwingern“
auch weitestgehend egal
- aber wenn man singt?? … Bleiben wir
aber in der Gegenwart – was geht „live“
in naher Zukunft?
Hier und da mal nen Ostermarsch … nee,
Spaß …Wir gucken gerade, wie wir alle
terminlich zusammenkommen - und das ist
keine Frage des Spaß, sondern ein Frage der
vielen anderweitigen Verpflichtungen, die jeder
einzelne mehr oder weniger hat. Ist halt
so in der „Ü 35“, da gibt’s Familie, Beruf,
einige zocken auch noch in anderen Bands
und und und … das will alles berücksichtigt
werden. Wir haben aber schon den ein oder
anderen Livetermin für 2012 „save“, auch
das ein oder andere schöne Festival. Nur
die fette Livepromopower können wir nicht
fahren. Also drei Wochen am Stück touren
und etliche dicke Sommerfestivals, das wird
leider nicht gehen. Jeder, der uns live sehen
will: Immer mal wieder über unsere Homepage
oder „Facebook“ updaten.
Keule
9

10 Affairs Of The Heart I #35 I 2012
Tim Kasher
nN: Erst mal war’s doch nur ’ne Agentur,
oder?
JS: Angefangen hab ich als Promoagentur,
2004. Und Saddle Creek war mein erster
Kunde.
Womit Du unzweifelhaft nicht nur Glück,
sondern ’ne gute Nase hattest.
Richtig, genau. (lacht) Nach einigen Jahren,
2007 war das, hab ich dann das Label
gegründet und meinen ersten Künstler unter
Vertrag genommen, das war David Dondero.
In der Anfangszeit, wo Du ein Einmann-
Unternehmen warst, da warst Du doch
auch mit den Saddle Creek–Musikern
unterwegs.
Nein, ganz so weit ging das nicht, aber bei
Presseterminen, Interviews...
Und wie oft war Conor Oberst in Deinem
Beisein betrunken?
JS (schallendes Gelächter): Ich schweige zu
dem Thema.
nN (schallendes Gelächter) …
Ich glaub, wir waren BEIDE oft betrunken.
Wie siehst Du die Entwicklung bei
Saddle Creek? Dass das nicht ewig
das kleine, süße, von purer Harmonie
geprägte Label bleiben konnte, das war
doch klar!
Ja. Genau. Und die Karrieren haben sich
unterschiedlich entwickelt. Da gibt es den
Conor Oberst, The Saints, Tim Kasher,
Cursive, The Good Life – klar hat sich das
David Dondero
Zwischen Folk, Postfolk, Indie, Avantgarde, Rock mit Fuzz-Gitarre und was Dir jetzt sonst
noch einfällt in Sachen Americana mit eindeutigem Schwerpunkt, das „andere Amerika“,
nix Bible Belt-Stumpfsinn und vergesst auch ganz schnell die in Nashville ansässige
Country-Musikerpolizei, es geht um Freiheit, Weite in Hirnen und Herzen. Würde uns Labelmacher
Jan Schewe garantiert bestätigen. Der darf nachher auch noch sagen, was seine
persönliche amerikanische Eskapisten-Obsession ist. Doch gemach, erst mal die Geschichte
in Stichworten...
auch auseinandergelebt. Dann sind Leute
auch weggezogen, nach New York, oder Tim
wohnt jetzt in Atlanta...
Und dann gibt’s noch meine Lieblingsjungs,
die Two Gallants. Verrätst Du mir,
was mit denen jetzt los ist?
Kann ich Dir verraten, die sind im Studio und
nehmen ihr neues Album auf!
Diese zwei Jungs, die ewigen Tramps,
die haben mit ihrer Schnoddrigkeit,
dem Sowohl-Als-Auch zwischen weit
ausgreifend elegischen Stücken, die
diese Eisenbahnromantik des Tramps
einbegreifen...
...Richtig!...
Unbunny
...und gleichzeitig aber auch der gezielten
Zertrümmerung der alten
Country-Gewissheiten unheimlich vielen
Kids, auch hierzulande, Mut gemacht,
sich diese Americana-Geschichten anzueignen
und da mehr Selbstbewusstsein
zu entwickeln.
Das hoffe ich sehr, denn es ist ein sehr
interessantes Genre und wie Du sagst, die
zerlegen das tatsächlich und das finde ich
sehr, sehr spannend.
Würdest Du vom Label leben wollen –
würdest Du am Hungertuch nagen, oder
wärst Du schon tot?
Was heißt „wollen“ - Können ist doch die
Frage...
John Vanderslice
Jan Schewe
Es ist Nischenmusik!
Richtig. Hinzu kommt, dass es nicht nur ’ne
Nischenmusik ist, sondern dass es eine
Nischenindustrie geworden ist. (lacht) Keine
Ahnung, wie sich das weiter entwickeln
wird, ich beobachte das.
Ich hab ja mehr und mehr die Sorge,
dass wir uns auf einen gesellschaftlichen
Zustand zu entwickeln, wo Musik vor
allem wieder im streng marxistischen
Sinn Überbau wird, nämlich nach dem
Motto, wenn die Wirklichkeit schon so
ätzend und kompliziert und scheiße ist,
dann will ich mich durch die Musik einfach
nur noch komplett wegdröhnen.
Ja, das macht auch mir Sorge. Wobei – ich
flüchte schon auch gerne mal.
In was flüchtest Du denn?
JS (bockt)
Sag’s mir!
Serien.
Lindenstraße guck ich auch.
Nein, da bin ich wieder mehr amerikanisch
geprägt. Die „Raising Hope“ finde ich ganz
große Klasse.
Wie eng ist die Bindung an die USA? Wie
oft bist Du drüben?
Ich war gerade erst vor ein paar Wochen in
den Staaten, es war mein erster Urlaub drüben.
Zwar war ich vorher schon mal dort in
Omaha und Chicago, aber die zwei Wochen
jetzt in New England, das war der erste
Urlaub. Ich bin da zwei Wochen rumgereist.

Maria Taylor
Und, klar, ich romantisiere das schon, sehe aber auch
die Probleme, die die Staaten haben. Es ist ein Land, das
mich sehr fasziniert. Das spielt schon eine sehr große
Rolle, ganz klar.
Gibt’s irgendjemanden, wo Du sagst, ich hätte den
sooo gern, ich find den sooo toll, aber Scheiße,
Wunschträume, no chance, den krieg ich einfach
nicht?
Ja, den gibt es, da wiederhole ich mich auch gern öffentlich,
das ist Jeff Tweedy von Wilco. Den hätte ich gern,
egal, ob Wilco, oder Tweedy solo, egal, wie auch immer,
nur: Jeff Tweedy, bitte!
Was wünscht Du Dir für die nächsten fünf Jahre?
Dass ich weiter glücklich bin mit dem, was ich tue und
ich damit über die Runden komme, das ist alles. Und
weiter interessante Menschen kennenzulernen, Musik
mit Menschen teilen zu dürfen. Denn das muss man
wirklich sagen, so cheesy das auch klingt: DAS ist wirklich
ein großes Privileg!
Geht mir genau so. Ich find das Kennenlernen
manchmal fast wichtiger als das Hören. Gab es
Momente mit einem bestimmten Musiker, die Dir
besonders nahe sind, wo Du sagst, das werde ich
nie vergessen?
Klar. Unbunny war so ’ne Sache. Es ging um die Tour
zum Album. Was tun? Kommt er alleine rüber? Macht
er es solo? Können wir es uns leisten, eine ganze Band
einzufliegen? Da haben wir festgestellt, das können wir
nicht. Und dann habe ich ihm eine Band zusammengestellt
– und da war ich dann selbst der Gitarrist und durfte
ihn da begleiten, auf zwei Touren durch Europa und
das war natürlich ganz spannend! So sind wir auch enge
Freunde geworden, ja, ist wirklich eine irre Geschichte!
Wow, wie schön! Und nun touren sie also so als Familie,
wo sich Maria Taylor, Unbunny und die Flare Acoustic
Arts League gegenseitig instrumentell unterstützen,
ganz familienlike, so wie in den Anfängen von Saddle
Creek. Womit sich der Kreis schließt. Und dann sagte
ich noch aus voller Inbrunst einen Satz zum Jan: „Schön,
dass es Dich gibt.“
Andrasch Neunert
The Dead Trees
Wye Oak
Flare
Acoustic
Arts
League
11
Nik Freitas

12 literaTur I #35 I 2012
TOM ANGLEBERGER –
DARTH PAPER
SCHLÄGT ZURÜCK
BASTEI LÜBBE/
BAUMHAUS 2011
169 Seiten
ISBN:
978-3-8339-0075-4
Richtig, es handelt sich
bei dieser Veröffentlichung
um den Nachfolger
des im letzten Heft besprochenen Buches
„Yoda ich bin! Alles ich weiß!“. Im zweiten Teil
der Origami-Reihe bekommen der kauzige
Dwight und seine papierne, weise Yoda-Fingerpuppe
ernsthafte Konkurrenz, denn sein
größter Widersacher, der großmäulige Harvey,
will den Erfolg des Origami-Yoda-Orakels
im neuen, siebten Schuljahr stoppen, indem
er sich kurzerhand einen Origami-Darth Vader
auf den Finger steckt und die Mitschüler auf
die dunkle Seite ziehen will. Intrigant, wie er
ist, versucht er alles, um Dwight als Unruhestifter
hinzustellen und den Schulausschuss
so dazu zu bewegen, ihn von der Schule
werfen zu lassen. Dwights Freunde allerdings
wollen das nicht einfach so geschehen lassen.
Und so machen Tommy, Kellen und Co. sich
erneut an eine Akte mit neuen Fallstudien,
denn sie sind sich sicher: Egal, wie seltsam
Dwight sein mag – ein schlechter Kerl ist er
mitnichten! Ihre Erfahrungen und Erlebnisse
schildernd reden sie, wie ihnen der Schnabel
gewachsen ist, und natürlich hat Harvey nichts
Besseres zu tun, als diese Schilderungen mit
seinem verbalen Senf zu beschmieren.
Wie schon beim Vorgängerbuch lebt auch
„Darth Paper schlägt zurück“ von einem lebendigen
Layout mit vielen vom Autoren gezeichneten
Illustrationen, ohne allerdings den
Text in den Hintergrund zu schieben. Im Gegenteil,
denn im Vergleich zu „Yoda ich bin!
Alles ich weiß!“ ist dieses Schriftwerk um einiges
textlastiger und auch komplexer ausgedrückt.
Eine clevere Sache, denn schließlich
wachsen die Kids, die in diesem ärgerlichspaßigen
Gezanke mitwirken, ja nicht nur
physisch, sondern auch, was ihre Ausdrucksweise
und ihren Wortschatz angeht.
Autor Tom Angleberger hat mit dieser neuen
Episode einen würdigen Nachfolger zum Debüt
der „Krieg der Sternchen“-Reihe erschaffen
und verzichtet auf pädagogische Gehirnwäsche,
wie sie in Kinder- und Jugendliteratur
leider immer wieder in übertriebenem Maße
zu finden ist. Der Spaß steht hier an erster
Stelle, und dies hat der Erschaffer dieser
oftmals verschrobenen Charaktere hervorra-
gend gemeistert. Da darf man ja fast schon
ungeduldig auf Nachschub warten...
Chris P
TOM ANGLEBERGER
– HORTON HALFPOTT
ODER DAS TEUF-
LISCHE GEHEIMNIS
VON SCHLOSS
EIGENBRÖTL ODER
WIE SICH LADY
LUGGERTUCKS
KORSETT LOCKERTE
KNESEBECK VERLAG
2011
206 Seiten, ISBN: 9-783-868-73381-5
Der US-amerikanische Autor ist nicht nur in der
Lage, zeitgenössische Kinder- und Jugend-
bücher über schrullige Schüler mit seltsamen
Freunden und widerwärtigen Nichtfreunden
zu schreiben. In diesem wie immer von Angleberger
selbst äußerst geschmack- und
liebevoll illustrierten, qualitativ hochwertig
verarbeiteten 206-Seiter findet sich der Leser
nämlich auf dem Anwesen der Luggertucks,
dem Schloss Eigenbrötl (im Englischen
„Smugwick Manor“) wieder, auf welchem die
herrische Lady Luggertuck streng die Fäden
zieht – wer nicht spurt, bekommt durchaus
mal eins mit dem Kochlöffel auf die Rübe.
Doch an einem bestimmten Tag bittet Mylady
ihr ältestes Dienstmädchen Crottie, ihr
das Korsett dieses Mal nicht ganz so eng zu
schnüren – und es scheint ganz so, als stünden
hierdurch auf dem Schloss die Sitten und
das ganze Leben Kopf. Arbeiten werden nicht
mehr ordentlich erledigt, Diener essen Kuchen,
statt der ihr zustehenden Brotkruste,
und die wunderschöne Celia wird zum Ball
auf Eigenbrötl eingeladen. Zu allem Überfluss
verschwindet dann auch noch der ach
so wertvolle „Luggertuck’sche Klumpen“. Hat
ihn etwa der Küchenjunge Horton gestohlen?
Oder war es doch jemand anderes? Was hat
es mit diesem hässlichen Ding auf sich?
In einer herrlich antiquierten, geschwollenen
Sprache geschrieben, wie man sie aus uralten
britischen Kriminalgeschichten kennt, entsteht
zusammen mit der zeichnerischen Komponente
ein herzlicher, kindgerechter, aber
auch für Erwachsene enorm unterhaltsamer
Roman, in welchem man sich die reichlich
vorhandenen Figuren anhand sehr bildhafter
Beschreibungen lebhaft vorstellen kann – ein
wenig überdreht, aber nie effekthaschend
wird der Spannungsbogen bis zum Schluss
straff gespannt. Und nicht nur die kriminologische
Ader des Lesers wird angesprochen,
nein, auch eine kleine Romanze findet in „Horton
Halfpott“ ihren Platz. Schön an dieser Geschichte
ist, dass sich der Autor immer wieder
direkt an den Leser wendet, so als wäre dieser
derjenige, dem er die Story brandheiß als Allererstem
erzählen möchte, und so fühlt man
sich als „Zuschauer“ richtiggehend involviert
und ganz furchtbar wichtig. Und diese Wärme
ist etwas, was vielen an junge Leser gerichteten
Büchern fehlt. Sehr empfehlenswert.
Chris P
DOUGLAS COUPLAND
– JPOD
KLETT-COTTA/TROPEN
2011
520 Seiten
ISBN: 978-3-608-50103-2
Mit „jPod“, dem elften
seiner insgesamt vierzehn
Romane, entführt
der in Deutschland auf einem NATO-Stützpunkt
geborene, in Vancouver aufgewachsene
Kanadier endlich auch die Leser des deutschsprachigen
Raumes in eine Bürowabe einer
riesigen Spieledesignfirma. Eine dieser Waben,
„Pods“ genannt, wurde aufgrund eines
Fehlers mit sechs jungen Geeks besetzt,
deren Nachnamen allesamt mit dem Buchstaben
J beginnen. Ständig werden von oben
Änderungen delegiert, die Protagonist Ethan
Jarlewski und seine KollegInnen Bree, Kaitlin,
John, Mark und Cowboy bitteschön zu realisieren
haben. Das treibt die sechs an den
Rand ihres Verstandes, was zur Folge hat,
dass sie – mit massiver Angenervtheit, die
zu Kurzschlüssen in der biologischen Hauptplatine
führen – so langsam eine Scheißegal-
Einstellung entwickeln. Etwas Sabotage bei
der Spieleentwicklung darf da natürlich nicht
fehlen. Abseits dieses Höllenjobs plagt sich
Ethan zudem mit menschlichen Katastrophen
herum: Ein gescheiterter, dauerfremdkopulierender
Schauspieler als Vater, der verzweifelt
auf der Suche nach einer Rolle – wenigstens
einer Sprechrolle – ist und sich von einer
Peinlichkeit in die nächste reitet. Eine ähnlich
promiske Mutter, die Cannabis anbaut und
einen Rocker „aus Versehen“ tötet. Ein Vorgesetzter,
der nach China entführt wird. Und
dann taucht auch noch der Autor selbst in der
Story auf.
Optisch arbeitet der seit zwei Dekaden Romane
verfassende Zeilenzauberer wie gewohnt
eigenwillig. Ähnlich wie in „Generation A“ nutzt
Coupland in diesem eigenwilligen, mit zackigen
Dialogen und großartigen Gedanken-

spielen gespickten Roman internettypische
Elemente wie etwa Spammails, Requester
und dergleichen. Nach dem Lesen des über
500-seitigen Schmökers, ja eigentlich schon
währenddessen, kratzt man sich erst mal am
Kopf, doch Stück für Stück fallen die Papiergroschen
und man kommt so langsam hinter
das, was der heute 50-jährige Schriftsteller
mit diesem Werk sagen möchte. Interessant
ist auch dieses Mal wieder das wechselhafte
Tempo dieses vielschichtigen Buches, dessen
Ereignisse mitkriegen zu wollen, ein wenig
ist, wie das Schauen der DVD-Box einer
Lieblingsserie: Man hat noch so viel anderen
Kram zu tun, aber man möchte unbedingt wissen,
was als nächstes passiert. Zack, hat man
wieder vierzig Seiten weiter gelesen. Sicherlich
kann man der Abgefahrenheit von „jPod“
kritisch gegenüberstehen, doch Couplands
schreiberisches und kreatives Agieren ist nie
selbstzweckhaft oder selbstgefällig, sondern
hat stets einen Hintergedanken, den es zu
entschlüsseln gilt. Natürlich spielt der Nordamerikaner
hierbei auch mit der Geduld und
dem Verstand des den Wälzer blätternden
Buchstaben-Pac-Mans und man muss durchaus
eine Ader für progressive, unkonventionelle
Schreibkunst haben. Bringt man diese
mit, erntet man tütenweise geistiges Saatgut,
das seine Triebe tief in die neuronale Masse
hinein bohrt. Die Taktfrequenz des menschlichen
Hauptprozessors wird praktisch auf natürliche
Weise erhöht.
Chris P
CARIN GERHARDSEN
– UND RAUS BIST DU
BASTEI LÜBBE 2011
350 Seiten
ISBN: 978-3-404-16593-3
Der dritte Kriminalroman
der Hammarby-
Serie – meine Erstkonfrontation
mit
Letzterer – beginnt wie
ein typischer Schwedenkrimi: Catherine Larsson
und ihre beiden Kinder liegen in Södermalm,
Stockholm mit aufgeschlitzter Kehle
im Bett, und anfangs deutet alles darauf hin,
dass Christer, ihr nicht mehr bei der Familie
lebender Noch-Ehemann, diese furchtbare
Tat begangen hat. Doch innerhalb kurzer Zeit
verlieren sich all die Gedankenpfade ins Leere
und das Team um Kriminalkommissar Conny
Sjöberg weiß kaum noch Rat. Kurz darauf verschwindet
der Kollege Einar Eriksson spurlos
und das führt das Ermittlerteam an das Limit
seiner Fähigkeiten. Hängen diese beiden Fälle
zusammen?
Genau ab diesem Gabelungspunkt nimmt der
Roman unerwartet Fahrt auf und signalisiert
mit lauten Sirenen, dass wir es hier doch nicht
mit einem Krimi auf „Tatort“-Niveau zu tun haben.
Eine aufwühlende Reise in die Vergangenheit
und in die Köpfe vieler beteiligter Personen
beginnt und bringt einige „Leichen im
Keller“ zutage. Neben den Ermittlungen kommen
viele Wahrheiten ans Licht, die durch ihre
Verborgenheit fast vergessen waren, jedoch
die Leben vieler Einzelner in all den Jahren
deformiert haben. Carin Gerhardsen versteht
es hierbei brillant, den Leser in den Strudel
des irrsinnig spannenden Geschehens hineinzuziehen,
denn sie meistert es nicht nur, ein
verworrenes, komplexes, clever verwobenes
Drama zu stricken, das die Filmspulen des
Kopfkinoprojektors zum Rattern bringt, sondern
auch, ihren Roman mit sehr starken Persönlichkeiten
zu besetzen, deren Gefühle präzise
zu beschreiben, jedem ein glaubwürdiges
Schicksal auf den Leib zu schneidern und in
die tiefsten Winkel der Psyche der einzelnen
Figuren hervorzudringen.
Während viele etablierte genreverwandte
Autoren sich noch von den Nachwirkungen
der hohen Wellen ihrer Erfolge in Sicherheit
wiegen und zum Teil ganz schön halbgare
Kost abliefern, ist es an der Zeit, dass diese
schwedische Autorin an ihnen vorbeizieht und
ihnen so bald durch den Rückspiegel zuwinken
kann.
Chris P
AGNES HAMMER –
HERZ, KLOPF!
SCRIPT5 2009
275 Seiten
ISBN: 978-3-839-00104-2
Vom im letzten Heft
besprochenen, edlen
2010er Roman
„Dorfbeben“ begeistert
gewesen, galt es zu
ergründen, ob die anderen beiden Bücher der
Nordrhein-Westfälin genauso packend sind.
Eines vorweg: Es ist so – da mag der etwas
profan anmutende Buchtitel durchaus ein
wenig täuschen und auf die falsche Fährte
locken.
Karneval in Düsseldorf. Eines Tages wird
die literaturbesessene Außenseiterin Franka
entführt und die Eltern sind in völliger Panik,
aber auch Frankas Freundin Lissy ist kurz
davor abzudrehen. Lissy selbst stammt aus
Hartz IV-Verhältnissen, hat eine Mutter, die ihr
ganzes Geld mit Internet- und Teleshopping-
Bestellungen verpulvert und ihr Vater ist obdachloser
Säufer. Während die Ermittlungen
der Polizei ins Leere laufen, geht Lissy eigene
investigative Wege und findet bald heraus,
dass Franka einen gewissen „Erlkönig“ im
Chat kennengelernt hat. Der bildet sich ein,
dass das Gefangenhalten und Quälen doch
nur das Beste für Franka sei. Für seinen Engel.
Für Franka – ein Teil seiner sauberen,
reinen Welt. Für sie, die nicht so dreckig, so
widerlich, so verdorben ist wie dieser ganze
Absud da draußen. Sowohl Lissy als auch
Franka und der Erlkönig erleben ihre ureigenen
Formen der Angst und dies sorgt dafür,
dass sich die Situation dramatisch zuspitzt.
Agnes Hammer erzählt in einer schonungslosen,
realistischen Sprache, welche einem
häufig ein Gefühl der Beklemmnis verleiht.
Hierbei arbeitet sie oft mit Widersprüchen,
beispielsweise: Als Lissy mit ihrer Freundin
Milena erst eine junge Türkin an der Bushaltestelle
verprügelt und hinterher im Kaufhaus
mit den erbeuteten 50 Euro erst mal Engelsflügelchen
einkauft, die ja „total süß“ sind – oder
der Moment, in dem für den Besuch erst mal
Fertigschnitzel aus dem Gefrierfach geholt
werden. Das schicksalsschwangere Leben in
sozialen Brennpunkten ist nicht einfach und
der Autorin gelingt es fantastisch, dem Leser
einen Einblick dorthin zu gewähren. Ein tolles
Stilmittel ist hier, wie Hammer die Gefühlswelt
Lissys mit einem „Tier“, welches in ihr lebt und
sich den Situationen entsprechend verhält,
widerspiegelt. Viele solcher Details sind edles
Gut in „Herz, klopf!“.
Chris P
AGNES HAMMER –
NACHT, KOMM!
SCRIPT5 2011
283 Seiten
ISBN: 978-3-839-00125-7
Wie man schon anhand
des Titels vermuten
kann, schließt Agnes
Hammers dritter Roman
an den Erstling „Herz,
klopf!“ an. Es ist an der Zeit für Lissy, endlich
ihre Sozialstunden abzuarbeiten und so wird
sie dazu verdonnert, diese in einem städtischen
Altenheim abzuleisten. Ihren Job erstaunlich
gut meisternd, gerät sie mit einer
Pflegerin, mit der sie sich im Grunde bestens
versteht, in einen Streit, und kurz darauf wird
Nele, so deren Name, tot aufgefunden. Dank
Lissys Polizeiakte und mangels Alibi ist die
Verdächtige schnell ausgemacht, und es war
nicht schlau, sich in genau dieser Nacht mit
Neles Immer-mal-wieder-Freund Daniel zu
treffen. Die Gefühle für ihn sind in heftigem
Zwist mit ihrem Misstrauen gegen ihn, so dass
Lissy bald gar nichts mehr versteht. Doch
wenngleich sie und ihr inneres Tier gepeinigt
werden, da kein Mensch Lissy Glauben schenken
mag, bleibt ihr nichts anderes übrig, als die
Sache selbst in die Hand zu nehmen, was sie
nicht selten an den Rand der Selbstzerstörung
bringt.
Um es kurz zu machen: „Nacht, komm!“ ist
ein mehr als ebenbürtiger „Herz, klopf!“-Nachfolger,
der unverkrampft geschrieben wurde,
ohne „heftiger, krasser, schlimmer“-Motiv, sondern
genau so grundehrlich und ungeschönt,
wie es in Hammers vorhergehenden Büchern
bereits der Fall war. Absolute Empfehlung, am
besten im Doppelpack mit dem 2009er Debüt.
Chris P
ALLGRÍMUR
HELGASON –
EINE FRAU BEI 1000°
KLETT-COTTA/
TROPEN 2011
400 Seiten
ISBN: 978-3-608-50112-4
2012 I #35 I Literatur
So skurril und lustig wie
dieses Buch mancherorts
angepriesen wird,
ist es keinesfalls – und auch das Cover dieses
400-Seiters mag irreführend sein, denn „Eine
Frau bei 1000°“ ist nur oberflächlich mit Humor
gespickt – der nämlich fußt auf der imposanten
Lebenserfahrung der 80-jährigen
isländischen Protagonistin Herbjörg María
Björnsson, die völlig verkrebst auf ihre Einäscherung
wartet. Nur noch via Laptop und
Internet mit der Außenwelt verbunden und
von zwei Pflegern versorgt, lebt sie in einer
13

14
literaTur I #35 I 2012
Garage und hütet eine Handgranate wie ihren
Augapfel, welche ihr Vater ihr als Kind gegeben
hatte. Nun ist es an der Zeit, mit der
Vergangenheit abzurechnen und hierbei lässt
Herbjörg ihr Leben Revue passieren. Beinahe
biographisch geht sie bis zu ihrer Kindheit in
Island zurück, erzählt von ihrer Familie, von
ihren Erlebnissen, ihren Erfahrungen, ihrem
Erwachsenwerden. Vor allem aber schildert
sie in unglaublich bewegenden und erschütternden
Wortbildern, wie sie den II. Weltkrieg
am eigenen Leib miterlebt hat und von Island
nach Dänemark, Deutschland, Polen, Russland
und weißgottwohin geschoben wurde.
Wertverluste, Tode, Vergewaltigungen, Hunger
und die Ungewissheit, was am nächsten
Tag geschehen mag, pflasterten den harten
Weg, den die damals Heranwachsende gehen
musste – oft allein, verloren in der großen,
weiten Welt, ganz auf sich gestellt. Und
auch nach dem Krieg, in ihrer Zeit in Argentinien
und der Rückkehr nach Island, hat es
die Frau im weiteren Leben nicht einfach. Gesegnet
mit einer scharfen Beobachtungsgabe,
entgleitet der alten Dame oftmals derbster
Galgenhumor und immer wieder finden sich
in diesem Buch wertvolle, kleine große Weisheiten
– hierbei verwundert es nicht selten,
wie der Autor, der schon das legendäre „101
Rejkjavík“ sowie „Zehn Tipps, das Morden zu
beenden und mit dem Abwasch zu beginnen“
geschrieben hat, zu so viel Weisheit und Lebenserfahrung
gekommen ist – hier übertrifft
er sich selbst und hat mal eben einen der
aufrüttelndsten, zerwühlendsten, intensivsten
Romane geschrieben, die in der zweiten Jahreshälfte
2011 erschienen sind. Starker Tobak,
an welchem man noch viele Tage später
zu knabbern hat.
Chris P
WOLFGANG
HERRNDORF – SAND
ROWOHLT BERLIN
475 Seiten
ISBN: 978-3-871-34734-4
Wenn es bei Herrndorfs
Werken einen gemeinsamen
Nenner gibt,
dann ist es der der Unberechenbarkeit,
denn
einem Genre oder dergleichen lässt sich der
gebürtige Hamburger absolut nicht zuordnen.
Schrieb er mit „In Plüschgewittern“ noch eine
Art popliterarischen Roman, war der darauf
folgende Sammelband ein in Nihilismus mündendes
Konvolut aus fünf Kurzgeschichten,
die anfangs zusammenhanglos erscheinen
und zu einem Mobile der Sinnfragen zusammenlaufen.
In beiden dieser... Romane?...
spielten teils sehr sonderbare Figuren die
Hauptrollen, wobei man sich nach der Lektüre
fragen musste: Sind sie eigentlich nicht völlig
normal, gar ein wenig wie Du selbst? Und
dann kam „Tschick“, ein Zwischending aus
literarischem Roadmovie und Jugendroman,
fast „easy reading“.
Spulen wir vor ins Jahr 2011. „Sand“. Ein
Roman, beinahe dicker als alle drei Vorgänger
zusammen. Ein Buch mit Irrungen. Wirrungen.
Enden und Wendungen. Ein Labyrinth,
das gleichermaßen ein bis zum Horizont
wand-, grenzen- und menschenloser Ort ist.
Ein Werk, bestehend aus 69 von Zitaten flankierten
Kapiteln voller bildhafter Wortgewalt,
die einen auf überwältigende Art und Weise
fast zu erdrücken droht. Mit entwaffnend
niedergeschriebenen Gedankengängen, die
einem anhand ihrer schonungslosen Wahrheit
Tränen der Überraschtheit ob der fassungslosen
Übereinstimmung in die Augen treiben.
Messerscharfe Präzision und eine selbstverständliche,
nie prätentiös demonstrierte Intelligenz
als steter Begleiter. Und Feingeist als
das Gewürz, welches für den zerebralen Gaumenorgasmus
sorgt.
Nordafrika, Sahara, wir schreiben 1972. Eine
haarblonde Amerikanerin. Ein gehirnblonder
Ermittler. Ein Atomspion, dessen Hirnwindungen
wohl durch Strahlungen etwas zu
sehr durcheinander geraten sind. Ein Mann,
der nach einem gewaltsamen Überfall sein
Gedächtnis verloren hat und auf der Suche
nach seiner Identität ist. Ein Kriminalfall wartet
auf seine Auflösung. Hippie-Kommunen
im Sandmeer. Zur gleichen Zeit herrscht in
München der „Schwarze September“, Palästinenser
überfallen das olympische Dorf.
Wie hängt das alles zusammen? Bestehen
überhaupt Kohärenzen? Wenn ja: Wo? Wenn
nein: Wo nicht? Was ist, was nicht? Und: Was
ist überhaupt von Relevanz? Existiert eine
solche denn überhaupt? „Protagon-“ oder
„Stat-“ - wer ist welcher „-ist“? Herrndorf strickt
mit „Sand“ eine Story, die einem undurchsichtigen,
komplexen Irrgarten gleicht, durch welchen
verschiedene Figuren wandeln, wobei
man nicht weiß, welche Figuren nun von Bedeutung
sind und welche nicht. Der Leser fühlt
sich fast ein wenig wie der Mann, dessen Erinnerungen
ausgelöscht sind – letzterer sucht
in einem Kapitel mitten in der sengenden
Wüste nach Gegenständen, die er verloren
zu haben meint, und lässt Handvoll für Handvoll
den Sand durch ein sehr grobes Sieb in
Form seiner Finger rieseln, in der Hoffnung,
ein Ergebnis zu erzielen. Jedes Sandkorn ein
Unikat, jedes so einzigartig und doch bedeutungslos,
und irgendwo zwischen all diesen
Körnern muss doch etwas sein. Findet der
Leser das Etwas? Findet es der Mann ohne
Gedächtnis? Ist er nun der, der von einem
Szenario ins nächste irrt, oder ist es der sich
durch das Buch Grabende, der immer wieder
lose Fäden findet, aufgreift, verknüpft, dabei
verheerend-zwirnverheddernd kurz vor der
Verzweiflung steht, einen Moment der Klarheit
erlebt und doch wieder vom Alles ins Nichts,
vom Nichts ins Alles taumelt? Von der Komik
in das Lebensverneinende. Von Depression
gen Sanguinismus. Von faszinierender Buntheit
ins Dunkelgrau. Von - nach.
„Sand“ ist beinahe wie ein Geheimnis, das es
zu ergründen gilt, und es dürfte wohl kaum
verwundern, dass der ein oder andere Leser –
mich eingeschlossen – dieses Buch nochmals
lesen müssen wird, um Schicht für Schicht
hinter das zu kommen, was dort zu finden ist.
Oder nicht zu finden ist. Ein Irrgang ohne oder
mit Ziel. Einen, den man gerne geht, wenn
man sich Herausforderungen gerne stellen
möchte. „Sand“ ist ein Buch, das die Termini
„Literatur“ und „Kunst“ ernsthaft verdient
und für welches die Begriffe „Roman“ und
„Belletristik“ beinahe schon eine Beleidigung
darstellen. Die Antwort auf alle Lateralfragen,
die sich zu diesem Werk stellen, lautet: Jein.
Denn: Die Ratlosigkeit und die offenen Fra-
gen tanzen einen wilden Tanz mit der Zufriedenheit
und der Gewissheit. Verwirre nun ich
Dich, den Leser dieses Magazins? Möglicherweise.
Oder auch nicht. Lies und geh deinen
eigenen Weg. Taste Dich selbst voran. Suche.
Chris P
RICK PARFITT, FRANCIS ROSSI,
INHOFFEN, ANGELIKA –
DIE STATUS QUO AUTOBIOGRAFIE
HANNIBAL-VERLAG 2011
384 Seiten, Broschur
ISBN 978-3-85445-365-9
Die Ü-40-Generation kennt Status Quo in
erster Linie nur noch als mehr oder minder
seichte Bierzelt-Rocker mit schunkeligen Hits
wie “Rockin’ All Over The World“ oder „In The
Army Now“. Dabei waren die Briten nicht nur
musikalisch mal deutlich heftiger drauf, sondern
auch außerhalb der Bühne. Diese offizielle
Biographie der beiden Hauptakteure
Francis Rossi (der mit dem Zopf) und Rick
Parffit (die Löwenmähne) zeichnet davon ein
gutes Bild: Sex, Drugs, zerstörte Hotelzimmer
und Sportwagen – das ganze Rockstar-Programm
gab es auch bei SQ, zumindest zirka
drei Jahrzehnte in der bald 45 Jahre (!) dauernden
Karriere. Eingefleischten Quo-Fans
werden manche Anekdoten bekannt sein,
interessant sind die Einblicke in das Innenleben
dieser Band aber allemal. Und auch mal
unfreiwillig komisch: Rossi behauptet etwa
allen Ernstes, er habe Groupies eher aus
einem Pflichtgefühl und „Höflichkeit“ gebumst.
Parfitt hingegen hat in den Anfangstagen der
Band rosa Lippenstift gekauft und Herzchen
mit seinem eigenen Namen an die Scheiben
des Tourbusses gemalt – weil sich bis dato
schlicht kein Schwein, geschweige denn Mädel,
für ihn interessierte.
Weniger spaßig ist das Thema Drogen, insbesondere
Kokain. Offenbar konsumierten
die Herren zeitweilig tonnenweise. Eines Tages
hatte Rossi dann beim Popeln unter der
Dusche die Reste seiner Nasenscheidewand
am Finger – hm, lecker. Er selbst sagt dazu:
„Ich war wie ein Hund. Ein Straßenköter. Ich
robbte auf allen Vieren durch die Gegend
und bettelte mit heraushängender Zunge Tag
und Nacht um Stoff.“ Die Schattenseite des
Ruhmes, die sich auch auf die persönlichen
Beziehungen der Musiker auswirkte. Auch
zum Erfolgsgeheimnis der Band gibt es eine
Erkenntnis: Die Gegensätzlichkeit von Rossi
und Paffit: Rossi der ruhige und vorausschauend
handelnde ergänzt sich musikalisch wie
menschlich offenbar perfekt mit dem spontanen
und stets im Hier und Jetzt lebenden
Parfitt. Und da die Drogen aus dem Leben
der beiden verschwunden sind, darf man gespannt
sein, wie lange sie Quo-Geschichte
fortschreiben.
JOBRY

BIRGIT QUERENGÄSSER –
DIE FEINE ART DES VÖGELNS
(EIN HANDBUCH FÜR DEN
MODERNEN BEISCHLAF)
TROPEN SACHBUCH/KLETT-COTTA
2011
Zweihundertsex Seiten
ISBN: 978-3-608-40304-3
Die Ex- und Noch-Redakteurin solcher
Zeitungen und Zeitschriften wie Maxim, Playboy, Jolie, Welt am
Sonntag und FAZ versucht sich nun auch als Buchautorin, wobei
dieses rosaseitige, stark chemisch duftende Buch natürlich nicht
ornithologischen Themen gewidmet ist. Anstatt allerdings mit dem
Zeigefinger eine Erektion zu simulieren und dem Leser zu demonstrieren,
wie „es“ nun geht, packt Querengäßer das Thema
auf satirisch-humorvolle Weise an und holt dafür gerne mal den
Holzhammer raus.
Klar, beim Thema Sex schaltet das Gehirn auf Minimalfunktion
um, doch es wäre durchaus wünschenswert gewesen, wenn
manches etwas feingeistiger formuliert worden wäre. Es ist nicht
so, dass das Buch unlustig wäre, aber oftmals wird die Wirkung
des Witzes verfehlt. Pointen werden häufig gesetzt wie vorzeitige
Samenergüsse, oder der Text nimmt hin und wieder auch eine
unerfreuliche Wendung ein – so wie ein Stellungswechsel des
Partners, wo es sich doch gerade bis zu diesem Wechsel so fantastisch
angefühlt hat. Das heißt beileibe nicht, dass „Die feine
Art des Vögelns“ minderqualitativ ist, vielmehr fällt es unter die
Kategorie „Ganz nett, aber die Autorin muss noch üben!“.
Für zwischendurch ganz in Ordnung, aber nicht essenziell.
Chris P
BENEDICT WELLS – FAST GENIAL
DIOGENES 2011
322 Seiten
ISBN: 978-3-257-06789-7
New Jersey. Der etwa 18 Jahre alte Francis
Dean lebt mit seiner Mutter unter finanziell
schwierigen Bedingungen in einem abgeranzten
Trailerpark und es scheint ganz so, als
ob dieser Platz auf ewig für ihn, den Loser,
bestimmt sei. Eines Tages erfährt er jedoch,
dass er ein Retortenkind ist. Francis’ Mutter nahm zur „Zeugungszeit“
an einem fragwürdigen Experiment teil, in welchem ausschließlich
das Sperma von Genies schockgefrostet wurde, um
auf diese Weise extrem intelligente Nachkommen zu züchten.
Durch eine undichte Stelle im Netz der Verschwiegenheit kommt
er Schritt für Schritt an die Information, dass sein Dad ein genialer
Harvard-Wissenschaftler sei.
Seine Mutter landet – wie schon so oft – in der Psychiatrie und
unternimmt dort einen Selbstmordversuch. Die Katze beißt sich in
den Schwanz, denn so bleibt Francis weiter in diesem Teufelskreis
gefangen – just an diesem Tag lernt er die drei Zimmer weiter stationierte,
schwer durchschaubare, labile, unstete Anne-May kennen,
für die er mehr und mehr empfindet. Sie hält dieses Leben
zwischen Psychiatrie und dem strengen Elternhaus nicht mehr
aus und möchte einfach nur noch weg. Raus dort. Aus dem alten
Leben ausbrechen. Schnell ist Francis klar, dass er zwei Fliegen
mit einer Klappe schlagen kann: Wenn sein Vater kein Loser ist,
kann er unmöglich selbst einer sein. Er muss ihn finden, und das
so schnell wie möglich. Im selben Zug kann er auch Anne-May
eine große Hilfe sein.
Grover, ein leicht nerdiger, verschrobener, aber hochintelligenter
Querkopf, unterstützt die beiden und so begeben sich die drei auf
die Suche nach Francis’ Erzeuger – und nach ihrem eigenen Ich.
Mit dramatischen Wendungen und emotionalen Achterbahnen
gespickt, weiß der 1984 in München geborene Autor mit seinem
dritten Roman unglaublich spannende Szenen zu schreiben, und
dies tut er in einer dermaßen lebensnahen, ungeschönten, direkten
Art, die unter die Haut geht. Kein unnötiges Geschwurbel,
keine grammatischen Mäander, einfach nur klare Worte – diese
allerdings werden so clever und geschickt miteinander verwoben,
2012 I #35 I Literatur
15

16 literaTur I #35 I 2012
dass man zu dem Schluss kommen muss, dass Genialität nicht zwangsläufig mit
einer gehobenen Ausdrucksweise zusammenhängen muss. Die Bilder, die Wells
erschafft, nehmen dem Leser stellenweise regelrecht die Luft und man hat die
ganze Zeit das Gefühl, man befände sich mitten in der Story – als unsichtbarer
Begleiter. „Fast Genial“ ist auf anspruchsvolle Weise roh und unverfälscht, und
das ist eine Begabung, mit der nur wenige Autoren gesegnet sind. Mir behagt
es kaum, diesen Terminus zu benutzen, aber dieses Buch ist schlichtweg ein
Must-have.
Chris P
BRENNA YOVANOFF – SCHWEIGT STILL DIE NACHT
SCRIPT5 2011
367 Seiten
ISBN: 978-3-8390-0127-1
Wer ist Mackie Doyle? Oder besser: Was ist er?
In einer amerikanisch-provinziellen Kleinstadt namens
Gentry wächst dieser junge Mann auf, und er war schon
immer etwas anders. Seine schwarzen Augen.
Seine körperlich extremen Reaktionen auf Metall und auf
Blut. In seiner Schule hat er schon früh den Ruf eines
Freaks und der verfolgt ihn auch weiterhin. Es dauert nicht lange und Mackie erfährt,
dass er nicht aus dieser Welt stammt, sondern aus der Unterwelt, tief unter
der Erde, wo wandelnde Tote, nach Verwesung stinkend, ihr „Leben“ leben. Diese
Unterwelt wird von einer grausamen Herrscherin angeführt und diese ordnete
an, in regelmäßigen, großen Abständen ein Baby zu opfern und dieses durch ein
Kind aus der Unterwelt der bodenlosen Tümpel zu ersetzen.
Angetrieben vom Drang, einfach nur ein normaler Mensch zu sein, muss sich
Mackie dem Abenteuer unter der Erde stellen und erfährt Dinge, die so nicht
zu erwarten gewesen wären. Zudem stellt sich bei dem Wandeln dieses neuen
Pfades auch die Frage, wer nun Freund oder Verbündeter und wer das genaue
Gegenteil ist.
Nun mag der Leser denken, dass es sich bei „Schweigt
still die Nacht“ um einen profanen Urban-Mystery/Fantasy-
Roman für Jugendliche handelt, doch die Befürchtung zerschlägt
sich. Klar, ein bisschen Romanze ist auch in diesem
Buch zu finden, doch das war es dann auch schon mit Klischees,
denn diese Story ist sehr häufig um einiges gruseliger,
ekliger und blutiger als das Gros der derzeit beliebten
Genrevertreter – und anstatt Hochglanz-Schlüpferstürmer-
Bilder in den Kopf zu transportieren, arbeitet die junge
Schriftstellerin mit deutlich anderen Stilmitteln. So sind die
Charaktere um einiges merkwürdiger, cooler, sonderbarer;
und das ist letztendlich authentischer und „glaubwürdiger“
(ja, ich weiß, ein Widerspruch bei dieser Romansparte...)
als so manches, was derzeit unter anderem auch das audiovisuelle
Licht der Welt erblickt hat. Trotz aller Bildhaftigkeit
und vieler Verflechtungen meistert Yovanoff es sehr gut,
das Ganze flüssig lesbar zu halten. Und trotz aller Spannung
lässt sich „Schweigt still die Nacht“ sehr entspannt
lesen – immer mit kleinen Pausen zwischendrin, damit man
das bisher Gelesene sich erst mal auf den Boden setzen
lassen kann.
Chris P
JODI PICOULT –
IN DEN AUGEN DER ANDEREN
Diverse Sprecher (2011)
(Lübbe Audio)
Ein Autist unter Mordverdacht?
Der hochintelligente Jacob Hunt, der
ein Faible für Kriminaltechnik hat, leidet unter dem Asperger-Syndrom
und seine Mutter Emma tut alles Erdenkliche
für ihn, damit sein routinierter Tagesablauf nicht gestört wird
und dass alles, was er hasst – wie zum Beispiel die Farbe
orange – vermieden wird. Selbst die Speisen folgen einem
Schema: Sie müssen montags grün sein, dienstags rot. Alle
haben sich nach seinen „Macken“ zu richten, und das sorgt
natürlich für einige Reibereien. Jacobs Sonderstellung ist
besonders für seinen Bruder Theo kaum zu ertragen, da dieser
hierdurch häufig in den Hintergrund gedrängt wird. Aber
letztendlich akzeptiert sein Umfeld ihn, denn schließlich
kann er ja nichts für seine Krankheit.
Seine Erzieherin Jess wird eines Tages tot aufgefunden und
Jacob gerät durch eine undurchsichtige und extrem schlechte
Beweislage in das Visier der Ermittler. Mit Hilfe seiner
Mutter kämpft er gegen die Mühlen der Justiz und für die
Rechte andersartiger Menschen.
Grundsätzlich ist dies nicht Picoult’s bester Roman und in
Druckform mag er vielleicht gar nicht mal so prickelnd beim
Leser ankommen. Aber das Entscheidende ist oftmals das
„Wie“, und dieses wertet den Roman in Hörbuchform irrsinnig
auf: Fünf verschiedene Sprecher (Nicolas Artajo als Jakob,
Maximilian Artajo als Bruder Theo, Irina Scholz als Mutter
Emma, Philipp Schepmann als Anwalt Oliver sowie Rolf
Berg als Detective Rich) bringen die Ineinanderverzahntheit
und den Multiperspektivismus der fünf Erzählebenen grandios
zur Geltung, so dass man recht bald in den Bann der einzelnen
Charaktere gezogen wird, zumal die Stimmen kaum
besser hätten gewählt werden können. Eine imaginäre Visualisierung
des Geschehens und der einzelnen Figuren wird
hierdurch extrem vereinfacht, man ist sofort „drin“, und gerade
das ist ja oftmals der Knackpunkt bei Hörbüchern. Der
Erfolg, den das Hörbuch derzeit zu haben scheint, ist also –

zumindest aus subjektiv empfundener Position
– gerechtfertigt.
Chris P
RALF SCHMITZ –
SCHMITZ’ MAMA
(ANDERE HABEN
PROBLEME, ICH HAB’
FAMILIE)
Autorenlesung (2011)
(Argon Hörbuch)
Komiker und (Hör-)Bücher. Das geht oftmals
gnadenlos in die Hose. Dass Ralf Schmitz diesbezüglich
eine rühmliche Ausnahme ist, bewies
er bereits mit „Schmitz’ Katze – Hunde haben
Herrchen, Katzen haben Personal“ nachhaltig.
In jenem Buchdebüt erzählte der offensichtlich
dauergutgelaunte, 1,68 m große Turbo-Flummi
herrlich unterhaltsam und beinahe in Form
einer Biographie seines Lebens mit all seinen
flauschigen, scharfkralligen Hausraubtierchen.
Doch erst in Hörbuchform macht das Ganze so
richtig Spaß, denn man merkt förmlich, wie der
gebürtige Leverkusener voll in seinem Element
ist und in seinen Erzählungen aufblüht. Man
kann sich lebhaft vorstellen, wie er auf seinem
Stuhl, auf und ab hüpfend, wild gestikulierend
und grimassierend seine Erzählungen wiedergibt.
Nun legt der umtriebige, auch als Schauspieler
und Synchronsprecher aktive Sympath mit
„Schmitz’ Mama“ eine weitere, 272 Minuten
lange Semibiographie vor, in der er von sich
und seiner Familie, besonders aber von Mutti
erzählt. Es ist fast überflüssig zu erwähnen,
dass dem Autor und Vorleser auch dieses Mal
ein herrlich gefühlvoll vorgetragenes Werk gelungen
ist, in dem sich ein Lacher an den nächsten
reiht. Und man kann beinahe mitfühlen,
wie Klein Ralfi, beziehungsweise der später
(geringfügig) größere Ralf in sämtlichen Situationen
unter seiner Familie „leidet“, inklusive
Situationskomik und Peinlichkeiten. Denn
sind wir mal ehrlich: Irgendwie hat man all diese
Erfahrungen doch selbst auch machen dürfen.
Nicht selten muss man augenrollend und
grinsend energisch Luft einsaugen, langsam
nicken und sich sagen: „Hach ja... genau so.
Ge-nau so!“. Die streitenden Eltern im Auto,
während man auf der Rückbank tausend Tode
stirbt. Oder man war krank und Mama schaute
alle zehn Minuten am Bett vorbei, ob denn
wirklich alles in Ordnung sei. Oder: „Holst
du mal eben bitte den Dingens aus der Dingens?“...
Oder die hoffnungslosen Versuche,
Muttern die moderne Technik zu erklären. Oder
das erste Mal woanders schlafen. Oder Mamas
sechster Sinn. Ihre Umräumaktionen. Ihre
Lebenshilfe. Ihre kulinarischen Unfälle. Oder
Weihnachten. Oder, oder, oder. Hierbei ist es
einfach zu köstlich, wie Schmitz sich bei alledem
aufregt, so dass man glauben könnte, der
Arme sei im Tonstudio mehrmals dem Herzinfarkt
nahe gewesen, und das setzt der ohnehin
schon enorm spaßigen Angelegenheit das berühmte
Sahnehäubchen auf. Besser geht audioliterarische
Unterhaltung kaum noch.
Chris P
ANTHONY E. ZUIKER
& D. SWIERCZYNSKI –
LEVEL 26
(DARK ORIGINS)
Gelesen von
Udo Schenk (2009)
(Lübbe Audio)
Serienfans und -junkies dürften beim Lesen
des Namens des erstgenannten Autoren bereits
interessiert die Stirn in Falten legen, wenn
sie nicht eh schon vertraut mit seinen Kriminalromanen
sind, denn der US-Amerikaner hat
sich durch zahlreiche Drehbücher für sämtliche
drei CSI-Ableger sowie als Produzent dieser
Serien Kultstatus erarbeitet. Nun möchte Zuiker
wohl auch den Literaturdschungel aufrütteln
und präsentiert sein Romandebüt „Level
26 – Dark Origins“:
Seit fast zwei Dekaden treibt der brutale Serienmörder
Sqweegel, dessen Name er dem
Geräusch seines Ganzkörper-Latexanzugs
verdankt, sein Unwesen. Die Art und Weise,
wie der irre Psychopath seine Opfer hinrichtet,
ist grausam und extrem blutig. In den USA
werden Gewaltverbrecher und Mörder in 25
verschiedene Level kategorisiert, wobei Level
eins für Zufallstäter gilt, Level 25 für Schlächter
und Folterer. Doch Sqweegel ist brutaler
als alles Dagewesene – für ihn wird Level 26
definiert. Lange wird erfolglos Jagd auf ihn gemacht,
doch nachdem die Bestie einen Menschen
zur Strecke bringt, der Geheim-Connections
zum Oval Office hat, entscheidet
der Verteidigungsminister der Staaten, den
früheren Geheimagenten Steve Dark zu reaktivieren.
Diesem nahm das Latexmonster
vor vielen Jahren das Leben seiner Pflegeeltern,
wodurch Darks Fall der wohl emotionalste
seiner gesamten Karriere ist. Eine erbitterte
Jagd – seine zweite auf Sqweegel – beginnt
und selbst herbe Rückschläge und persönliche
Verluste halten ihn nicht von seiner Mission ab,
diesen kranken, hochcleveren und angstfreien
Wahnsinnigen auszuschalten.
Die beiden Autoren wortzeichnen die Figuren
der Story sehr präzise und plastisch auf die
innere Leinwand und lassen den Rezipienten
nicht nur die blutigen Szenarien betrachten,
sondern gewähren ihm auch Einblicke in die
Gedankenwelt der verschiedenen Charaktere.
Ergänzt wird diese Story durch sogenannte
„Cyberbridges“, die das Werk noch einmal
vertiefend beleuchten, wobei im Internet unter
www.level26.com Kurzfilme, Audioclips oder
interaktive Inhalte mittels Code freigeschaltet
werden müssen.
Die Idee ist große Klasse, nur gelingt es Zuiker
nicht ganz, die Spannung so sehr aufrecht zu
erhalten, wie es ihm in seinen CSI-Serien gelingt,
und auch die Story ist weniger originell, als
man es eigentlich erwarten würde. Wenngleich
„Level 26 – Dark Origins“ solide Krimi-Kost
ist, mag sich keine grenzenlose Begeisterung
einstellen, da vieles trotz spürbar herzblutgetränkter
Details und Mini-Cliffhanger ein wenig
profan erscheint. Da auch die filmischen Internetbeiträge
(unter anderem besetzt mit Daniel
Buran, Michael Ironside, Ava Gaudet, Tauvia
Dawn, Bill Duke und Daniel Browning Smith)
bei weitem nicht die Qualität des „Originals“
erreichen, bleibt ein wenig Enttäuschung zurück
– was aber anhand der außerordentlich
hohen CSI-Standards fast abzusehen war. So
kann man dieses Hörbuch, das hervorragend
von Synchronsprecher und Schauspieler Udo
1717
2010 I #31 2012 I Edition I #35 I PaperONE Hörbuch 17
Schenk vorgetragen wird, nicht unbedingt im
Hörkrimi-Olymp verorten. Da ein verständlicher
Stil und eine überwiegend lineare Storyline
vorliegen, verarbeitet sich das sechs CDs
starke Konglomerat aus Gemetzel und Wahnsinn
allerdings sehr leicht, wodurch der Hörer
eher unterhalten als gefordert wird. Und letztendlich
muss so etwas auch mal sein. Daumen
zu 45° nach oben.
Chris P
ANTHONY E. ZUIKER
& D. SWIERCZYNSKI –
LEVEL 26 (DUNKLE
PROPHEZEIUNG)
Gelesen von
Udo Schenk (2011)
(Lübbe Audio)
Es ist unschwer zu erkennen, dass dieses (Hör-)
-Buch gewissermaßen die Fortsetzung von
„Level 26 (Dark Origins)“ ist. Nachdem Ermittler
Steve Dark den grausamen Killer Sqweegel
stoppen konnte und ihn, nachdem ihm die
Sicherungen durchgebrannt sind, aufs Grausamste
hinrichtete, fällt er in ein psychisches
Tief. Dark quittiert den Dienst. Doch es dauert
nicht lange, und ein neuer Killer ist unterwegs.
Einer, der seine Opfer nach Tarot-Motiven tötet.
Der eigentlich darauf angesetzte Hüter des
Gesetzes gerät schnell an seine Grenzen, und
das bemerkt Steve Dark. So bleibt diesem gar
nichts anderes übrig, als einmal mehr wieder
selbst aktiv zu werden und den Serienmörder
auszuschalten. Ihm fehlen allerdings die finanziellen
Mittel. Eines Tages nimmt eine eigenartige
Frau Kontakt zu ihm auf, die von ihm verlangt,
exklusiv für sie Serienkiller zu jagen; und
zwar ohne Budgetbegrenzung und ohne Respekt
vor Moral und Justiz. Eine gefährliche,
ereignisreiche Jagd beginnt und für Dark wird
diese zu einem wahren Spießrutenlauf, während
welchem auch er selbst in das Fadenkreuz
der Ermittlungen gerät.
Diejenigen, die erwarten, dass der zweite „Level
26“-Teil noch brutaler, noch heftiger, noch
höher/schneller/weiter als der erste ist, werden
eventuell etwas enttäuscht sein. Denn es
ist eher das Gegenteil der Fall – der Fokus ist
nicht mehr ganz so sehr auf das Blutige gerichtet,
bestimmten anderen Faktoren werden
hingegen höhere Prioritäten zugeordnet. Stellenweise
werden zum Beispiel die Psyche von
Dark sowie die diverser anderer Charaktere intensiver
beleuchtet. An sich haben wir es hier
mit einem wirklich guten Hörbuch-Thriller zu
tun, der schlichtweg einen anderen Weg einschlägt
als man eventuell vermutet hätte. Doch
während Sprecher Udo Schenk auf dem vorangegangenen
Werk richtige Klasse abgeliefert
hatte und seine Stimme wie ein Sog wirkte,
scheint er bei „Dunkle Prophezeiung“ mit nicht
ganz so viel Leidenschaft an die Arbeit gegangen
zu sein, denn hin und wieder fällt das kontinuierliche
Zuhören ein wenig schwer. Daher
erschlafft der Daumen im Vergleich zum ersten
„Level 26“-Roman ein wenig und neigt sich um
5-10° nach unten. Was allerdings nicht heißen
soll, dass Zuikers zweiter Roman, der ebenfalls
durch Cyberbridges auf www.level26.com
ergänzt wird, nicht von überdurchschnittlicher
Qualität ist. Da wäre schlichtweg mehr drin gewesen.
Chris P

18 Excuse Me Fire I #35 I 2012
EMF: „Wir hatten eigentlich entschieden, auf
Wettbewerbe künftig zu verzichten, nachdem
wir bei Emergenza mitgemacht haben...
nN: ...pfui Deibel...!!!
Leider wussten wir das erst danach, nachdem
man Perlen vor die Säue geworfen
hatte, dass das vielleicht nicht die richtige
Entscheidung war. (Lachend) Laut Stimmenanzahl
waren wir zweitschlechteste Band
Münchens.
Also habt Ihr Euch geweigert, als Versicherungs-
bzw. Eintrittskartenvertreter in
eigener Sache tätig zu werden. Ihr habt
nicht in deren Sinn funktioniert!
Ja, genau. Unser Schlagzeuger Julian ist dann
drauf gekommen, dass es noch einen weit
besseren Wettbewerb gab...
Ich würde Euch ja zum Sprungbrett im Feierwerk
raten, der von der Stadt München
getragen wird, das ist dann auch seriös.
Emergenza, das geht ja gar nicht.
Ja, solche Überlegungen haben wir nun auch.
Band des Jahres in München 2012 würde
sich doch cool anhören. Und, also, wie lief
das jetzt?
Es waren drei Clubs, u. a. das Village in
Habach...
...der alte Blueserschuppen.
EMF: Genau.
Ach, und da habt Ihr dann als Sieger auch
aufgenommen? Da haben doch bestimmt
die Blueser um Euch rumgesessen und
Euch erklärt, wie Musik geht.
EMF: Ja, einer! Aber man hat sich da auch
wirklich toll um uns gekümmert!
Ganz ordentlich vorbereitet kamen sie zu den
Takes, So nahmen sie nicht nur ’ne EP auf,
wie eigentlich beabsichtigt, nein, sie haben in
4 Tagen eine Full-Length-Scheibe reingeklopft.
Auf den Punkt! Abweichungen vom Plan allerdings
und so ganz grundsätzliche Entscheidungen,
die brauchen bei den Indierockern.
Man entscheidet nämlich streng basisdemokratisch,
auch wenn das Zeit kostet. Die
Macht des Vetos. Siehe EU. Und jeder soll
sich auch in jedem Song wiederfinden, wobei
inzwischen die verschiedenen Ansätze nicht
mehr durch die unterschiedlichen Songs nur
nebeneinander stehen, sondern – auch in
längeren Kompositionen – die verschiedenen
Pole aufeinander zu entwickelt werden. Die
Experimentierfreude gehört hier zur Grund-

Excuse Me Fire I #35 I 2012 19
EXCUSE ME FIRE –
DIE ANGESCHRÄGT ROCKENDE BASIS-
DEMOKRATIE
Ich hab mich mal wieder in ‘ne Band verknallt.
Und wenn das so ist, dann muss geredet werden. Vier Jungs aus
dem Münchner Indie-Vorgarten, alle aus dem gleichen Kaff, in
dem nach langem Kampf kein Platz für ein autonomes Jugendzentrum
mehr war. Außer dem Drummer waren alle da.
Vorgeschichte des Albums: Sie gewannen einen südbayerischen
Bandwettbewerb und konnten es sich so leisten, einige Tage in
einem professionellen Studio aufzunehmen...
ausstattung. Und der Widerwillen gegenüber
zu gerade-berechenbaren Songs... Aber,
Hand aufs Herz...
Wie viel Prozent der Schrägen klingen
so, weil es gewollt war, und wie viel ist
passiert?
Das ist unglaublich schön, dass Dir das aufgefallen
ist. Ich mach gerade das Info zur Platte
und das hat vor allem auch mit Ecken und
Kanten zu tun... Die schrägen Töne, Disharmonien,
die brauchen wir!!! All die normalen,
klaren, reinen Töne, wenn da nichts mehr
hakt, knallt, das kennt man doch aus den
ganzen 08/15-Radiosendern, die spielen doch
diese ganze überproduzierte triviale Musik.
Nönönö, trivial sind Excuse Me Fire nun wirklich
nicht, Und so mutig es ist, die Abweichler
zu geben und das auch noch neu zu definieren
und das nicht kopfgesteuert zu machen,
sondern garagendancegroovekompatibel,
und das in dem zarten Twenty-and-a-bit-Alter,
ja, ich komm wieder ins Schwärmen. Siehe
oben. Wir verfolgen das für Euch weiter.
Andrasch Neunert

20 Radiozeug I #35 I 2012
Michael
Klein
Bojan
Wilytsch
DIE CHARTS -
SELBSTGEMACHT
In der letzten Ausgabe unseres Heftes hatten wir uns bereits mit dem Thema
Charts beschäftigt, also mit den Charts, die man „so kennt“ und kamen zu der
Erkenntnis, dass die eigentlich keiner braucht, weil die eh nicht die Realität
im Sinne von „Beliebtheit“ abbilden. RADIOZEUG bietet nun „automatische
Playlisten durch die Auswertung von im Radio gespielter Musik“ – guter Ansatz,
die Charts zeigen hier schließlich genau das, was die Leute hören, respektive
mögen, oder?! Wir haben mal bei Michael Klein, dem Initiator von RADIOZEUG,
nachgefragt, was es mit der ganzen Sache denn auf sich hat …

nN: Was machst Du mit Deinen Charts,
die ja zunächst mal reine Radiocharts
sind, anders und warum macht das aus
Deiner Sicht Sinn?
Michael: Wir versuchen zunächst, durch
die gezielte Auswahl von Radiosendern
für junge Leute eben genau diese Klientel
anzusprechen. In Zukunft erweitern wir auch
die Anzahl der aufgenommenen Sender, also
derjenigen Stationen, deren Airplays in unsere
Charts mit einfließen sollen, sukzessive.
Der Besucher kann mit ein paar Werkzeugen
die Charts sogar weiter individualisieren. Ein
paar dieser Funktionen gibt es bereits, so
kann er „seine“ Charts in Bezug auf seinen
Lieblingssender, Lieblingsinterpreten und
Lieblingssongs einerseits, aber auch nach
Genre und Musikrichtung auswählen.
Wie muss man sich das technisch vorstellen,
wie funktioniert das?
Bei der Web-App, also der Software „Radiozeug“,
laufen mehrere Prozesse gleichzeitig
ab, die regelmäßig wiederholt werden.
Einer der wichtigsten ist es, herauszufinden,
welcher Track aktuell bei den Radiosendern
läuft. Songname und Interpret werden dann
gespeichert, mit Datum und Uhrzeit versteht
sich. Dadurch können wir natürlich feststellen,
wann welche Songs wie oft gespielt
werden. Gleichzeitig versuchen wir, sinnvolle
Informationen im Netz zu finden, wir schauen,
was auf Musik-Plattformen wie „last.
fm“, „Soundcloud“, „Youtube“, „Tape.tv“
und ähnlichen Seiten so zu finden ist und verbinden
diese Informationen mit dem Song.
All das findet der Besucher dann gesammelt
und ganz bequem auf unserer Plattform vor.
Wenn die Software den Track selbst
„entdeckt“, dann sollten zum Beispiel
„Rechtschreibfehler“ ja unbedingt vermieden
werden …
Ja, das ist unter anderem ein wichtiger
Punkt. Noch nicht alles funktioniert perfekt,
alles befindet sich in einem ständigen
Entwicklungsprozess. Man muss letztendlich
sagen, dass sich die Web-App noch im
Anfangsstadium der Entwicklung befindet,
daher wird der Besucher auch hier und da
noch ein paar Fehler bemerken. Hier haben
wir ein eigenständiges Feedback-System
entwickelt, dort können Besucher anonym,
direkt und öffentlich Verbesserungsvorschläge
einreichen und somit am Portal mitwirken.
Bitte erkläre mal kurz „Web App“ ...
Eine Web-App wird vom Benutzer mittels
seines Browser aufgerufen und soll sich wie
ein installiertes Programm beziehungsweise
eine „App“ auf dem eigenen Gerät – dies
kann zum Beispiel ein „Smartphone“ sein
– bedienen und nutzen lassen. Diesen Weg
wollen wir mit „Radiozeug“ gehen.
Welche Radiostationen sollen denn letztlich
in die Chart-Ermittlung einbezogen
werden und welche nicht?
Momentan sind es noch recht wenige Radiostationen.
In Zukunft wird die Anzahl noch
weiter wachsen. Die konkrete Auswahl hängt
davon ab, ob sich hinter dem Radiosender
eine weitgehend professionelle Redaktion
befindet und ob diese mit ihrer Musikauswahl
eine Zuhörerschaft gewinnen konnte.
Dabei ist es dann auch fast unerheblich, ob
es sich um ein Web-Radio, Podcast oder ein
anderes Format handelt. „Radiozeug“ versteht
sich als „Musikportal zum Entdecken
und Hören“. Daher gehen wir bereits jetzt
einen Schritt weiter und versuchen, andere
Charts – wie solche von „Soundcloud“ oder
die der „Itunes-Podcasts“ – mit einzubeziehen.
Ich muss nochmal auf die Auswahl derjenigen
Sender zurück kommen,
die in die Ermittlung der Charts einfließen
sollen? Kann sich beispielsweise ein
Sender auch bei Dir „bewerben“?
Momentan handelt es sich noch, wie gesagt,
um eine Auswahl von Radios, welche weitgehend
junge Leute anspricht. Natürlich kann
jeder sein Lieblingsradio einreichen oder aber
die Radios wenden sich direkt an uns. Doch
versprechen können wir momentan nichts,
da es noch ein paar technische Herausforderungen
gibt, bevor wir eine größere Zahl an
Sendern aufnehmen können.
Was genau verstehst Du unter „weitgehend
professionelle Redaktion“,
diese Formulierung hattest Du gerade
gewählt …?
Damit meine ich eine ein- oder mehrköpfige
Redaktion, welche sich ernsthafte Gedanken
darüber macht, wann welche Musik gespielt
wird, welche in das Programm aufgenommen
und welche aussortiert wird. Es gibt
ja viele Web-Radios, die einen Großteil der
Sendezeit eine einzige Playlist immer wieder
durchlaufen lassen.
... was, zugegebenermaßen, das Bild
nicht unerheblich verzerren würde.
Denkst Du da eventuell auch an eine „Gewichtung“,
also das Airplay im „öffentlich
rechtlichen“ Radio wird beispielsweise
höher bewertet als das irgendeines
„Onliners“?
Ich denke nicht, dass das genutzte „Sendemedium“,
also Funk oder Internet, etwas
über die Wertigkeit der von der Redaktion
getroffenen Auswahl der Musik aussagt. Vielmehr
ist es denkbar, die Radiostationen nach
der Anzahl ihrer Zuhörer einzuordnen. Denn
scheinbar findet ja ein populärer Sender mehr
Anklang bei den Musikfans als ein anderer.
Darin sehe ich aber auch eine gewisse
Gefahr; so glaube ich, dass große „öffentlich-rechtliche“
Sender über das normale
„Ätherradio“ vor allem auch deshalb
gehört werden, weil sie, je nach Sendegebiet,
einfach besser zu empfangen sind.
Ich höre beispielsweise lieber WDR 5 als
Radiozeug I #35 I 2012
WDR 2, bekomme letzteres aber einfach
besser rein …
Da stimme ich dir zu – der gefürchtete Mainstream,
der auch dadurch zustande kommt,
dass ihn die Masse hört, und dies wiederum
oft nur deshalb, weil er auf gut empfangbaren
Sendern läuft und daher ständig präsent
ist. Das objektive Bewerten von Inhalten
ist keine einfache Herausforderung. Genau
da sollen unsere Werkzeuge greifen, das
Individualisieren der Charts ist ein wichtiger
Punkt. Denn durch das Auswählen eines bestimmten
Interpreten oder Genres „taucht“
man sozusagen in eine Unterkategorie ab
und bekommt „seine“ Charts zu „seiner“
persönlichen Auswahl.
„Radiozeug“ könnte also durchaus auch
den kleineren Indie-Bands die Chance
bieten, ein Chart-Feedback zu bekommen.
War das Dein Motiv für die Gründung
von „Radiozeug“?
Ich höre zu jeder Tages- und Nachtzeit
Musik, und in jedem Zimmer meiner Wohnung
habe ich Lautsprecher meiner Anlage
hängen. Ich hörte im Laufe einiger Tage
immer wieder die gleichen, neuen und interessanten
Sachen, hatte aber mein Handy
mit „Shazam“ (ein Musik-Erkennungsdienst
für „Smartphones“, die Red.) nicht immer zur
Hand. Da wurde die Idee geboren – und heute
haben wir bereits mehr als nur die „Top-
Neueinsteiger der Woche je“ Radiosender.
Gibt es die Idee, die Sache so zu „professionalisieren“,
so, dass Du auf Dauer
selbst davon leben kannst?
Ich gehe nicht unbedingt davon aus, dass
auf Anhieb bei uns so alles klappt. Vielmehr
betrachten wir das Ganze zunächst als ambitioniertes
Projekt, welches weiter verfeinert
werden und reifen muss. Mit ausreichend
Geschick wird es dann sicher auch finanziell
Früchte tragen.
Keule
www.radiozeug.de
21

22
Highlights I #35 I 2012
ARARAT - II
(Elektrohasch)
Sergio Chotsourian, Alfredo
Felitte, Santiago Chotsourian
und Haien Qiu sind anders.
Ein Nebenprojekt zu Los
Natas: Die waren ja schon bekannt in der Elektrohasch-Stonerfamilie,
die sich zum internationalen
Netzwerk entwickelt hat. Und das hier ist nun eine
wirklich allertiefste Psychedelic-Sause für Fortgeschrittene,
für die man keine Drogen braucht, weil
sie die Droge ist. Verrätselt, lakonisch, in Zeitlupe
implodierende Klangkörper, und doch noch
Rock. Aus Granit. Dazu muss als Bild Gebirge
her, ganz kitschig, mit Hilfe vom alten Carlos Casteneda.
Die Musiker, die im strömenden Regen
El Ninos auf den Bergen stehend die Arme ausbreiten,
sich verwandeln und talwärts fliegen, sich
in den Sturmwolken treiben lassen, sich mit ruhig
schwingenden Bewegungen dem Wind anpassen,
mit ihm zu fließen scheinen.
Oder wir da unten, die wir im Regen den Adler
doch zu spüren glauben, da ganz oben, die wir
unsere Hände in der Quelle waschen, zueinander
finden ohne Hintergedanken in kühlen Nächten.
Wie viel Verzweiflung steckt in dieser Raum
schaffenden Musik? Wie viel Eskapismus? Oder
geht es darum, auch musikalisch Orte der Kraft
zu erschaffen, wenn sie den Indios schon in den
Regenwäldern die heiligen Orte nehmen? Quellen
der Kraft, Spaceclouds der Unangreifbarkeit?
Ist das, was so eskapistisch daherkommt, also alles
andere als das? Ist es die nötige Verortung widerständiger
Identität, ein musikalisch definierter
Kraftraum, ein Mysterium, ein Talisman aus Tönen,
ist es zu Klang verdichtete Hoffnung?
Klagelieder, Lowtemp-Härteriffs, Rückkopplungen,
verhallte Pianoschönheiten und drohende
Geräusche als Antithese zu purer Schönheit als
Möglichkeit von Wahrheit. Kontrapunkte und doch
die Chance zur Poesie – nie mehr störungsfrei
denkbar, im Angesicht der weltweit täglichen Toten
auf unserer Rechnung.
Diese Musik ist tief, schön, sperrig, eine Zumutung.
Und doch wirkt sie auf mich heute Abend
wie die Einladung zu einem universal gestrickten
Netzwerk gegen die Vereinsamung derer, die die
Zeichen an den Wänden zu deuten verstehen.
Für mich die wichtigste Platte des noch jungen
Jahres. Für die ich dankbar bin.
Andrasch Neunert
BOY ANDROID –
WALK / RUN / FLEE
(Stickman Records/ Indigo
Ach, ist das verdient. Haben die
liebevollen Münchner das genau
richtige Label gefunden, die gern
mal klingen wie die selige dem Mond zugewandte
Seite der Smashing Pumpkins an den sanfteren
Tagen, wenn sie Gas geben - inzwischen. Gefühlvoll,
aber nie pathetisch. Intim, aber nie privatistisch.
Mit dem alten Mut zu großen Spannungsbögen,
aber neuer kluger Selbstbeschränkung
in der Ausformulierung. Kraftvoll und zugleich filigran.
Jetzt noch ein bisschen Glück und einen
fetten Promo-Etat und aufmerksame Hörer unter
den Multiplikatoren, die die witzig versteckten
Stolpersteine in Uptemp-Schlagzeugparts als
schrullig-pfiffige Eigenheit deuten, denen musikalische
Umarmungen mit Widerhaken mehr bedeu-
ten, als hohle Emo-Popbehauptungen von Gefühlen,
die doch nur aus Schminke bestehen und
mehr und mehr die Regale füllen. Ach Leute, was
soll ich da sagen, das hier ist einfach scheißeschön
und ich hör das noch x-mal und das solltet
Ihr eigentlich auch tun, es macht Tage und Nächte
fast aller Art ein bisschen besser. Und jetzt will
ich in Ruhe dahinschmelzen. Nein, dieser Anschluss
ist vorübergehend nicht erreichbar.
Andrasch Neunert
THE BUYABLE
SLUTS WANTED
FOR STEALING
VIRGINITY –
ANTACIDS
(Sweet Home Records/
Brokensilence)
Es ist schon erstaunlich mit welcher traumwandlerischen
Sicherheit es das Chemnitzer Label
Sweet Home Records von Ausgabe zu Ausgabe
schafft, mit immer neuen, jungen Bands zu überzeugen.
Diesmal sind es drei Herren aus Zwickau,
die mit einem Bandnamen zum Auswendiglernen
und großen Indierockmelodien die große Sause
machen. Alles fußt in den Neunzigern - der Dekade
also, in der die Gitarren noch quietschen durften,
das Experimentieren mit Stimmungen und
Sounds noch nicht zu einem blindwütigen Plug In-
Massaker verkommen war und Vieles noch aus
dem Bauch heraus passierte. Die Dekade also, in
der wir (mehr oder weniger) alle unsere musikalische
Sozialisation erfahren durften. Vielleicht ist
es gerade deshalb so erfrischend, den käuflichen
Schlampen dabei zuzuhören, wie sie all das, was
eigentlich von gestern ist, wieder neu beleben
und mit einer provokanten Note aus Garage und
Noise aufhübschen. Heraus gekommen ist ein
Debüt, das – wie es bei käuflicher Liebe schließlich
auch sein sollte - keine Wünsche offen lässt
und das bedient, was der „Kunde“ wünscht. Seien
es nun die abseitigen Vorlieben von Sonic Youth
oder die derben Liebkosungen von Bands wie Dinosaur
Jr., Sebadoh, Nirvana, Guided By Voices
oder Pavement – all‘ die alten Helden haben hier
ihren Platz in der Schlange und geben brav ihren
Obolus ab. Bitte mehr davon. Bald!
Jochen Wörsinger
DEL MOE –
DIE HIGH BUTTERFLY
(Kahunah)
Was da so klingt wie der
nächste Hype von der Insel
oder dem Land der tausend
Unmöglichkeiten, wurde überraschenderweise von
drei Südhessen fabriziert. Und selten gab es ein
Album, das gleichzeitig so voller Hits und so voller
Sperrigkeit ist. Beginnt der Langspieler noch
mit einem widerlich-eingängig-schweinegeilen
Sing-a-long-Song wie „Yeah“, tönt das folgende
„Knew your Name“ erst wie
Motörhead auf rückwärts gebürstet
plus Stoner, um dann, nach kurzer
Disco-Einlage wüstenkompatibel
weiterzurocken. „Soju“ nach Pop
und Groove, dann wieder Dreck unter
den Nägeln. „Carousel“ erfindet
den fröhlichen Grunge, bei „Without
Guns“ mutiert Ozzy zum totalen Hippie,
so richtig mit Blümchen im Haar,
„Hancock“ hingegen ist dann wieder
Lynyrd Skynyrd mit Eiern und
die Überraschungskiste ist auch
erst mit dem letzten Song vollständig
geplündert. Aber nun
alles zu verraten, wäre ja
auch doof... Chris P
KEVIN DEVINE
– BETWEEN THE
CONCRETE AND
CLOUDS
(Arctic Rodeo
Recordings/Alive!)
S
Kevin Devine ist zurück! Und er hat
uns eine Riesenwundertüte Musik
mitgebracht! Mit neuem Ansatz,
bei dem seine Begleitband auch im
Songwriting eine größere Rolle spielt,
weg vom lone wolf und „Band-Diktator“,
wandelt er hier auf definitiv pompöseren
Pfaden und räubert zudem
auch mal unverblümt in Indie-Gefilden
auf der guten Seite der Macht; darf er
auch. Gehört da ja ebenso hin. Kostprobe?
„The First Hit“, vor allem „Between
The Concrete And Clouds“ oder
„Wait Out The Wreck“ hätten auch
wunderbar auf eine Nada Surf-Platte
gepasst, „Awake In The Dirt“ schielt
sogar nostalgisch gen selige Pavement,
die sich ja jüngst zu einzwei
Reunionskonzerten (ohne erneute gemeinsame
Bandzukunft?) zusammenfanden...
Das mit Nada Surf ist schnell
erklärt, war Kevin doch mit den Jungs
auf Tour und guckte sich sicher das
eine oder andere Riff und die eine
oder andere Melodieführung ab. Dazu
äußert er sich selbst, dass er aufgehört
hat, krampfhaft anders zu sein
und auch Songs zulässt, die an andere
erinnern – denn seine persönliche
Note kommt so oder so durch, findet
man so oder so in jedem Song.
Gut, namedropping erledigt, zurück
zum Wesentlichen. Herr Göttlich (mit
Schreibfehler) ist nun mal mit einem
ausgesprochen treffsicheren Händchen
gesegnet, was hymnenhafte
Melodien mit ganz großem Gefühl
angeht. Dazu versteht er es vortrefflich,
nach einem Midtempo-Rocker eine
eher ruhigere Nummer oder ein 60s-
Stück zu bringen, um die

Spannungskurve des gesamten Werkes zum
einen ausgeglichen, zum anderen auf Anschlag
zu halten.
Am Anfang war ich eher skeptisch ob des
ganzen Pomps und der Klang-Dichte – schielt
er doch in ein paar Passagen definitiv gen
Stadion-Rock – jetzt kann ich gar nicht genug
davon kriegen. Mehr davon!
Matthias Horn
FLARE ACOUSTIC ARTS
LEAGUE - BIG TOP /
ENCORE (Doppel-EP)
(Affairs Of The Heart/Indigo)
Wieder so ein schwieriges
Thema, für das unser Label-Geburtstagskind
(es sind nun 5 Jahre, siehe Artikel) nun
mal ein besonderes Herz hat. Mr. LD Beghtol
eignet sich nun mal nicht fürs große Medienspiel,
für grellbunte Überschriften. Er schreibt
einfach gute, unspektakulär schöne Songs
mit Hirn, die sich auf sehr ähnliche Form in
die Gehirnwindungen einnisten, wie kompliziertere
Beatles-Songs. Und - besonders
schön - Dana Kletters glockenhelle Stimme
(einst sang sie für Hole die Parts, die für
Courtney Love zu hoch waren, nur kriegte sie
bis heute leider nichts von den Tantiemen ab,
da konnte die verliehene Schallplatte für Hole
noch so Gold sein..., pfui Spinne!) erklingt
hier gern auch mal, schließlich ist die Arts
League hier keine Konkurrenzveranstaltung,
sonder ein kunterbuntes Künstlerkollektiv.
Und so viele KollegInnen wissen auch, was
gut ist und machen hier mit, von der Cellistin
Julia Kent (Anthony & The Johnsons & Devendra
Banhart) über Jon DeRosa von Aarktika
bis hin zum Spanier Remate und die von
Sparklehorse und Mascott bekannte Kendall
Jane Meade. Auch textlich ist das hier Referenzmaterial,
entdeckt Beghtol doch immer
wieder das Politische (die Morbidität scheinbar
wohlanständiger bürgerlicher Fassaden)
im Privaten und, seltener, das Private im Politischen.
Wenn er halt ein bisschen eitler
NEUES VON NOISOLUTION
ANTLERED MAN – GIFTES 1 AND 2
THIS LOVE IS DEADLY - SAME
(beide Noisolution/Indigo)
Was ist denn das? Gefährlich schlängelt sich
eine Gitarre heran, der Bass schüttet Sandberge
auf, dann bricht der Donner los, fast
schon orientalische Rhythmen hüpfen irrlichternd
durch die Luft und plötzlich wieder
Stille. Der Break, der retardierende Moment,
der alles auflöst, wieder auf Anfang setzt und
den Wahnsinn anschließend erst so richtig
freien Lauf lässt. Alles das kann man hören.
Auf einer Länge von genau fünf Minuten
und sechsundvierzig Sekunden. Wo? Beim
Opener des Debütalbums von ANTLERED
MAN – gegründet anno 2009, jedoch schon
zuvor seit Ewigkeiten unter anderem Namen
gemeinsam musikalisch unterwegs. Wer
sich auf dieses Quartett aus London einlässt,
wird sein wahres Wunder aus wilden Breaks,
wär’. Mehr Gedöns um sich machen würde.
Will er aber nicht. Noch ein Album mehr mit
Geheimtippstatus? Er hätte doch mehr verdient...
Die Welt ist ungerecht. Ein bisschen
eitler nur. Ein bisschen sexier. Ja, ja, ich hör
schon den Einwand, von wegen, auf Kosten
der authentischen Vielgestaltigkeit, der Variabilität,
und gerade das Uneitle und Markenzeichen
und überhaupt, gut, ja, und das man
schon zuhören muss, um die Tiefe erkennen
zu können und im Autoradio wären das Perle
vor die Säue. Und wenn schon: Einen vordergründigen
Sergeant Pepper-Hit. Einen nur,
damit der Rest mehr Aufmerksamkeit erfährt.
Nur einen. Er kann es doch. Wie, den gibt es
schon mit „Hideous Ethnic Stereotype“? Ach,
ja. Ach, hör’s Dir doch selbst an, wie rätselhaft
ungerecht die Welt ist.
Andrasch Neunert
MATT PRYOR – MAY DAY
(Arctic Rodeo Recordings/
Alive!)
Wieder Arctic Rodeo Recordings!
Und wieder ein Kandidat
für die Highlights-Ecke. Kaum ein Label
steht für einen treffsichereren Output, kaum
ein Label hält das Qualitätsversprechen so
konsequent ein, kaum ein Label hat in den
den letzten Jahren die Nachfrage nach Singer/Songwriter
und alten DIY-Helden in solch
hohem Maße bedient.
Jetzt also Matt Pryor - seines Zeichens Frontmann
von The Get Up Kids. Die Platte weiß
am besten in den ruhigen brüchigen Momenten
zu gefallen, Anchecktipps hier: der
Opener „Don‘t Let The Bastards Get You
Down“ setzt gleich mal Maßstäbe deluxe –
oder „Like A Professional“, wenn es sich so
anfühlt, als ob Herr Pryor des Nächtens alleine
in seinem Kämmerchen saß und sein Begleiter,
eine volle Flasche Rotwein, gerade
eben erst gegangen ist. Das Diktiergerät ruht
auf einem Tisch im Kerzenschein und läuft
einfach mal so in Aufnahme vor sich hin. Die-
derben Rhythmuswechseln, noisigen Achterbahnfahrten
und abgefahrenen Sounds erleben.
Sie klingen nach Progressive Metal ohne
wirklich Progressive Metal zu sein, sie klingen
nach Industrial ohne wirklich Industrial zu sein,
sie klingen nach Punk ohne wirklich Punk zu
sein, sie klingen nach Psychedelic Rock ohne
wirklich Psychedelic Rock zu sein. Ein Band
zwischen allen Stühlen und dort fühlt sie sich
sichtlich wohl; kann machen was sie will und
jeder Hörerwartung genüsslich vor den Kopf
stoßen. Die Band selbst spricht von einem
Aufbrechen stilistischer Grenzen, die man sich
einst selbst auferlegt hatte. Und so nahm man
nach und nach verschiedene, selbstveröffentlichte
Singles auf, die nun auf „Giftes 1 and 2“
zusammen mit einigen zusätzlichen Tracks via
Noisolution geballt auf uns losgelassen werden.
Eine Songsammlung also, entstanden
über mehrere Jahre. Vielleicht auch deshalb
diese Vielfalt, dieses Sammelsurium an Ideen
und Stilen. Man darf also gespannt sein, wie
sich Antlered Man anhören, wenn sie mal „ge-
2012 I #35 I Highlights 23
se Purheit, das Rohe an für sich, bezeugt das
große Talent, alleine schon mit dem Klang der
Stimme ausschweifende Geschichten erzählen
zu können, die so voller Emotionen sind,
dass man aufpassen muss, bei sich zu bleiben
und nicht in ferne entrückte Klanggebilde
abzutauchen.
Mit „Band“ im Rücken und Klavier im Kreuz
klingt er teilweise wie eine verschollene „I am
Kloot“-Session („Polish The Broken Glass“),
und wenn er dazu noch die 60s/70s-Keule
auspackt („Where Do We Go From Here“),
erinnert er auf ganzer Linie an den genialen
Brendan Benson zu dessen bester Zeit. Auch
hier musste kurz das Namenwerfen stattfinden!
Mit seinen Nebenprojekten (u.a.
„The New Amsterdams“) wollte sich
Matt schon immer mal vom Austoben
seiner Hauptband austoben.
In ruhigeren Klanggefilden. Mission
succeeded! Als Randschlussnotiz
sei noch darauf verwiesen, dass
die gesamte Platte durch dieses
moderne Crowdfunding finanziert
wurde – komplett von Fans übernommen!
Und dass Matt ein Mann
der Fans ist, das ist hinlänglich bekannt!
Jetzt bleibt nur noch, auf den Artikel
über Matt in diesem noisy zu verweisen
und das Fazit wirken zu lassen: Toll toll toll!
Matthias Horn
zielt“ (sic!) an einem Album arbeiten. Aber bis
dahin bietet „Giftes 1 and 2“ noch genug Stoff
für wirre Träume.
Etwas getragener kommen da THIS LOVE IS
DEADLY aus Berlin – die zweite Noisolution-
Veröffentlichung des noch jungen Jahres – daher.
Elegische Gitarrenteppiche, kleine elektronische
Pinselstriche, wechselnder weiblich/
männlicher Gesang, eine gehörige Portion
Distortion-Rock mit einem Schlag Pop („Everything,
Everything“) und fertig ist der Shoegazer-Traum
aus Melodie und
Krach, aus Dreampop-Passagen und rotziger
Gitarrenverzerrung. Hier wird der Zwiespalt
zur Eintracht, der Gegensatz zum Einklang gebracht
und in Stahlwatte gepackt. Wie schon
Herr von Lowtzow singt: Im Zweifel für den
Zweifel, das Zaudern und den Zorn. So zerrissen
das klingen mag. THIS LOVE IS DEADLY
bringen es zusammen und binden eine dicke,
rosa Schleife drum.
Jochen Wörsinger

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Niels Frevert I #35 I 2012
NIElS FREvERT: lIEDER, DIE BEGlEITEN
Ach, der einstige Frontvorsteher der Nationalgalerie, der Prince Charming des Hamburger Schule-Chanson-
traktes, guter Freund von Koppruch und Knyphausen, hat wieder eine neue Platte rausgebracht, die im Blätterwald
mit bemerkenswerter Einigkeit über den vierblättrigen Klee gelobt wurde, da war das Lob vom Andrasch,
nach zu lesen bei den Reviews, nur eines von vielen, aber dass er mit ihm sprechen wollte, als sich die Gelegenheit
bot, na klar...
nN: Du hattest ja einst in „Gemeinsame
Sache“ die Chance, das Suchen miteinander
zu teilen, als einen Sinn von Beziehung
beschrieben. Inzwischen versprichst
Du sogar, die Leichen gemeinsam zu
verscharren. Solang’s nicht Deine ist, klar.
Geht’s da um ’ne konkrete Beziehung, die
es schon gibt, oder um eine, die Du Dir
wünschst?
NF: Weder noch. Du, das ist natürlich nur so
halb aus dem eigenen Leben gegriffen. Klar
spielen Themen, mit denen ich persönlich in
Berührung komme, auch eine Rolle, aber 1:1
könnte ich die niemals darstellen in meinen
Texten. Da würde ich verkrampfen, da wäre
ich ja befangen. Und zu der Zeile „Ich würde
Dir helfen, eine Leiche zu verscharren...“, das
hat Udo Lindenberg mal früher so formuliert:
„Ich geh mit Dir durch dick und dünn, aber
nicht durch dick und doof!“
Ich hatte mir da noch dazu geschrieben:
Wieso verscharren, nichts schweißt ’ne
Beziehung so zusammen, wie gemeinsame
Leichen im Keller. Und sei es nur das
gemeinsame Bewusstsein, dass von der
einstigen revolutionären Attitüde nichts
übrig geblieben ist.
(lacht): Das lass ich mal so stehen.
Du warst aber auch schon mal ein
bisschen kämpferischer, als Du es heute
bist, auch wenn Du nie den Revoluzzer
gegeben hast.
Ich bin kein politischer Künstler, ich bin ein
politisch denkender Mensch. Ich denke, dass
man schon immer sehen konnte, dass ich
vielen Dingen kritisch gegenüber stehe. Ich
würd’ sogar eher sagen, dass ich mit der Zeit
etwas kritischer geworden bin!
Ich hab eher das Gefühl, dass so ’ne leise,
ironische Wut immer mehr bei Dir hochkocht.
Ich beschreibe Situationen, bin aber nicht der,
der dann noch die Moralkeule rausholt.
Und deckst den Mantel des Schweigens
nicht mehr über das, was Du siehst!
Nein, das seh’ ich ganz genauso, das ist das
Album mit den Geschichten! Das hab ich
auch gemerkt, nachdem ich so die ersten
fünf, sechs Lieder für das Album geschrieben
hatte... ‚Moment mal, die sind ja alle adressiert!’
Dadurch bin ich auch auf den Titel des
Albums gekommen, Zettel Auf Dem Boden
– eben diese Nachrichten. Die man so hinterlässt.
Wo so kleine, kurze Sätze drauf stehen,
die manchmal lebensverändernd sind.
Und dann wär’ da noch die Kiste Mineralwasser,
die angeblich einen Quadratmeter
Regenwald rettet. Deine Distanz zum ökologisch
korrekten Gutmenschentum, oder?
Du sprichst das Lied „1 qm Regenwald“ an,
da geht es aber tatsächlich um den Besuch
bei einem, fiktiven, Freund, der in die Hartz
IV-Falle reingeraten ist, aber auch da gibt es
nicht die Moral von der Geschichte, sondern
es soll durch die Beschreibung der Situation
rüberkommen, Mensch, Hartz IV ist kein
Netz, das ist ’ne verdammte Falle.
Die Menschen, die Du beschreibst,
kämpfen fast immer darum, ihre Würde zu
bewahren...
Das ist ganz wichtig, heutzutage. Ob wirklich
so viele Lieder von mir davon handeln, weiß
ich nicht. Aber es geht im Leben wirklich
in vielen Bereichen darum, seinen Stolz zu
bewahren, Stolz nicht auf etwas Bestimmtes,
sondern Stolz darauf, das eigene Selbstwertgefühl
zu behalten. Das ist auch ein wichtiger
Punkt in meinem Leben.
Du hast ja auch nicht so ein starkes Sendungsbewusstsein,
wie zum Beispiel ein
Konstantin Wecker, der dann nach dem
Motto von Günter Eich vorgeht, „Seid
Sand, nicht Öl im Getriebe der Welt!“
Du, Konstantin Wecker ist natürlich ’ne ganz
andere Generation als ich. Ich denke ja, dass
man beim modernen Liedermacher, den
nenne ich mal so, dass man bei dem auch
neben den Liedern sehr gut ablesen kann,
wo steht der, wie kritisch ist der. Was für
Ansichten hat der. Ich weiß nicht, ob man das
dann auch noch 1:1 in den Liedern singen
muss, mir wäre das zu klar, zu eindeutig. Wobei,
ich hab jetzt aber mit den letzten beiden
Platten gemerkt, dass ich wohl auch auf dem
richtigen Weg bin. Die letzten beiden Platten
sind einfach sehr gut gelaufen...
Ist da der Weg das Ziel, oder hat der Horizont,
auf den Du da zugehst, schon ’ne
Überschrift?
Es ist nicht nur der Weg, es geht auch darum,
wie man ihn beschreitet. Dass man am Ende
des Tages auch noch in den Spiegel gucken
kann. Ich bin natürlich nicht der, der jetzt Platz
1 in den Charts will
Ich fühl mich ja immer, wenn ich Deine
Lieder hör, ein bisschen angekuschelt....
Ich hätte jetzt umarmt besser gefunden. Aber
wenn ich ein Ziel benennen kann, dann dass
meine Lieder begleiten.
Wie kam es eigentlich zu dem Herman van
Veen-Cover auf der Platte?
Das war so eine Art Mutprobe. Mich hat interessiert,
wie klingt ein Lied von Herman van
Veen, wenn man das rollende R weglässt.
Ich hab mehrere Songs von ihm durchgehört
und bin dann bei dem Lied „Bis jemand mich
hört“ hängengeblieben. Das Lied hat immer
noch so eine Relevanz zu heute. Man kann
es fast so ein bisschen übertragen. Wobei,
als Heranwachsender … Leute, die damals
Herman van Veen hörten, die waren mir nicht
so grün, muss ich sagen …
Und ich fand ihn immer toll und die Leute
um mich rum meinten, „Sonst hast aber
einen guten Geschmack!“
Ich fand’s ja interessant, aber seine spezielle
Art zu singen, hat mich ein bisschen abgehalten.
Den Meisten damals war es zu pathetisch.
Ja, eben, und dieser Bildungsauftrag schimmerte
immer durch.
Hattest Du Kontakt zu ihm, bevor Du das
Cover gemacht hast?
Nein, gar nicht, wir haben nur einfach beim
Verlag nachgefragt.
Und dann ratschten wir noch über die anstehende
Tour, über leicht angejazzte Arrangements,
die Gäste auf der Platte... nur, so ganz
in die Karten gucken lässt unser Hamburger
Chansonnier sich ja nicht... Sei’s drum, das
ist ja sein gutes Recht. In diesem Sinne:
Dank für das Interview!
Andrasch Neunert

Niels Frevert I #35 I 2012
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reViews I #35 I 2012
THE 4 EVAS – BREAK OUT
(FinestNoiseReleases/Radar)
Uninteressant ist das, was die
vom Kalifornier Austin Angels
gefrontete Ösi-Ami-Band so
verbricht, nämlich einen
Bastard aus Alternative, Glam, Sleaze, Wave,
Pop und Hard Rock, mitnichten, zumal sich Eingängigkeit
und Innovation auf „Break Out“ nicht
den Platz streitig machen wollen. Eine recht entrückte
Note lässt das Ganze dann mitunter noch
etwas psychedelisch durch das Kopfkino kaleidoskopieren,
und das macht Freude. Internationales
Format hat die Kapelle zwar noch nicht so
ganz, aber das liegt eher an der manchmal noch
etwas unrunden Produktion, der hin und wieder
déjà-vu-artigen Momente oder manchen instrumentalen
Stolperern, aber da schlummert ein
kleines Tier, das vielleicht schon bald aus seinem
Käfig springt. Starke...
9 Punkte
Chris P
5 POUNDS A HEAD –
MAXIMUM CREDIBLE
ACCIDENT
(District 763 Records/
New Music)
Hektischer Hardcore aus
Thüringen: 5 Pounds A Head existieren seit
2005, stehen aber auf old school-Hardcore anno
1985 folgend. Das wäre auch okay, wenn die
Kerle a) nicht immer hart am Durchschnitt langkomponieren
würden, b) die Produktion nicht so
dumpf wie meine Waschmaschine klänge und c)
einer der beiden (?) Sänger nicht so schrill bellen
würde, wie Omas Asthma-Pudel Pfiffi. Wie ich
es drehe und wende: Das ist trotz brauchbarer
Ansätze ein Minuspunkt zu viel. Eine Empfehlung
für die knapp 32 Minuten kann ich daher
auch nur für Hardcore-Allessammler aussprechen.
Der Rest lässt sich lieber von Discolate
(Review siehe diese Ausgabe) verkloppen.
5 Punkte
JOBRY
ADOLESCENTS –
THE FASTEST KID ALIVE
(Concrete Jungle/Edel)
Die “Heranwachsenden” sind
inzwischen alte Männer:
1979 vom ursprünglichen
Agent-Orange-Bassisten Steve Soto und dem
Sänger Tony Cadena gegründet, veröffentlichten
sie 1981 ihr selbstbetiteltes Debüt-Album. Es
avancierte zu einem der wichtigsten Punkrock-
Alben aus Kalifornien. Lange ist es her, aber
musikalisch haben sich die Kerle ein bisschen
von ihrer Jugend bewahrt – nicht nur im CD-Titel:
Die 15 Stücke kommen im klassischen 80er-
0–3 Punkte: Irgendwo da unten
4–6 Punkte: „Nicht Fisch, nicht Fleisch“,
aber essbar
Stil daher und textlich geht es meist gehaltvoll
sozialkritisch zu. Die 40 Minuten bestehen aus
melodisch-treibenden Nummern irgendwo zwischen
frühen Bad Religion, den Stadtnachbarn
Social Distortion und gebremsten Dead Kennedys.
Das ist ’ne kurzweilige Angelegenheit, allerdings
fehlen dem Album die drei, vier richtigen
Killersongs. Am ehesten kommen an diesem Anspruch
noch „Serf City“ und „No Child Left Behind“
heran. In Summe aber eine ordentliche Sache
und der Beweis, dass Punkrocker auch in
Würde altern können.
9 Punkte
JOBRY
DIE AERONAUTEN –
TOO BIG TO FAIL
(Rookie Records/
Ritchie Records/Cargo)
Einst als Punkkapelle mit
einem Hauch Mittsiebziger
Londoner Luft gestartet, war die musikalische
Evolution der größtenteils in deutscher Sprache
textenden Aeronauten mehr als nur interessant.
Jetzt, nach zwei Dekaden, ist man stilistisch im
Alles-ist-möglich-Genre angelangt. Da ist von
Pop, Rock, Swing und Country über Wave, Jazz,
offbeatfreiem Ska, Blues, Dixieland, Folk und
Beat bis hin zu fast progressiven Ausflügen so
ziemlich alles gegeben, sodass man glaubt, man
hätte einen Karton voller Ü-Eier vor sich, von denen
jeder ein Song mit ungewissem Inhalt ist.
Und natürlich möchte man dann auch gleich wissen,
was in der nächsten gelben Kapsel ist. Gewürzt
mit intelligentem Humor und der lässigen
Stimme Olifrs, die gelegentlich an einen jungen,
einst unpeinlichen Prä-Sonderzug-Lindenberg
erinnert, wird auf der Haupt-CD entspannt
eingängige und doch kunstvolle Musik mit Grips
dargeboten. Auf der zweiten Scheibe dieses
minimalistisch layouteten Digipaks gehen die
sechs Schweizer allerdings deutlich weiter und
loten die Genregrenzen konsequent aus – doch
damit nicht genug, denn diese Scheibe soll gewissermßen
einen Quasi-Soundtrack zu einem
(noch?) nicht existenten Film darstellen, obendrein
garniert mit interessanten Samples und viel
Sonderbarem. Experiment gelungen.
11 Punkte
Chris P
ALCATRAZ –
SMILE NOW CRY LATER
(Demons Run Amok/Soulfood)
Hierzulande ist Bay Area um
San Francisco ja als Wiege
des Thrash Metals um Bands
wie Metallica, Testament, Exodus oder Death
Angel bekannt. Alcatraz hingegen zocken Hardcore
– und der klingt zudem nach Ost- und nicht
nach Westküste. Also: Schnell, rabiat und me-
7–9 Punkte: Mittelfeld
10–12 Punkte: Gut!
13–15 Punkte: Das so richtig toll!!!
tallisch sind sie. Das Debüt der Amis fällt mit 20
Stücken üppig aus, Quantität ist aber bekanntlich
nicht alles. Handwerklich ist alles im grünen
Bereich, in puncto Eigenständigkeit hapert es allerdings.
Da schimmern immer wieder Terror und
ganz besonders Madball durch. Das ist natürlich
keine Schande, dürfte es Alcatraz aber nicht unbedingt
leichter machen, eine eigene Duftmarke
zu setzten. Zudem mangelt es der Band an Variabilität.
Spätestens nach zehn Stücken ist die
Sau durchs Hardcore-Dorf getrieben und man
weiß, was kommt. Und da kommen weder potenzielle
Szene-Hits, noch überdurchschnittliche
Riffs. Durch und durch solide – nicht mehr, nicht
weniger.
7 Punkte
JOBRY
ALLTAGSDASEIN –
TRASHGOURMET
(Setalight/Rough Trade)
Sie wollen alles auf einmal.
Sie wollen Lebendige
Hosen sein und Emopunker,
sie wollen dreckigen Anarchorock verkörpern
und schnittige Popchöre trällern, wollen mächtig
rough klingen und doch nicht anecken, wollen
krass Metalgekreisch und gaaanz gefühlvollen
Sprechgesang kombinieren, sie wollen massenkompatiblen
Stadionrock machen, aber ganz doll
individuell authentisch.
Sie sind drei Musiker mit mächtig viel vor. Sie
versuchen, überall anzukommen und bleiben
auf der Strecke hängen. Sie entscheiden sich für
und gegen nichts, sie wollen eben alles. Und erreichen
nix.
Zurück auf Los. Macht Euch mal klar, was Ihr eigentlich
wollt und macht nicht Musik, um Anderen
zu gefallen, sondern das, was Ihr selbst zum
Atmen braucht. Wenn’s das gibt.
Handwerklich ist es ganz gut, klar. Aber es
rauscht identitätslos in den Äther. Und wenn Ihr
mir jetzt zuruft, Alter, fick dich! – dann ist das der
erste Schritt zur Besserung!
5 Punkte
Andrasch Neunert
ANGELIC UPSTARTS/
CRASHED OUT –
THE DIRTY DOZEN SPLIT-CD
(I Hate People Records/Edel)
Zwei Bands, zwölf Stücke und
’ne gute Zeit für Freunde des
britischen Punk/Oi! Die Urgesteine der Angelic
Upstarts aus South Shields melden sich neun
Jahre nach „Sons Of Spartacus“ mit geschmeidig-melodischem
Oi! zurück. Die Kerle sind ja
bereits seit 1977 aktiv und lassen nix anbrennen,
ohne deshalb zu routiniert oder lieblos zu
klingen – besonders schick: „King Of The Rats“.
Teil zwei übernehmen die ebenfalls aus Nord-
England stammenden Crashed Out. Die gehören
mit dem Baujahr 1995 zu einer deutlich jüngeren
Punk-Generation und gehen etwas streetpunkiger
zu Werke. Dabei wildern sie reichlich ungeniert
im Revier von The Anti-Nowhere League,

The Last Resort und Co. Machen sie aber so clever,
dass es nicht nach reiner Kopie klingt. Mit
„Get A Life“ gibt es auch hier ein Stück, das etwas
mehr hervorsticht als der Rest. Rohrkrepierer
liefert das Quartet um die Brüder Chris und
Lee Wright aber auch nicht ab. Von daher, eine
runde Sache.
10 Punkte
JOBRY
ARMS LIKE SNAKES –
WE HAVE MET THE ENEMY
AND HE IS US
(Rookie/Toxic Toast)
Stuttgart und Punk ist ja ein
Widerspruch in sich (never
fucking ever!!! – Anm. d. Layouters)
– Arms Like Snakes machen ihre Sache
dennoch anständig. Spaß beiseite: Die Schwaben
präsentieren auf dieser 20-minütigen EP
sieben Mal eine Mischung aus (Post-)Punk und
’ner Prise Hardcore, irgendwo zwischen Anti-
Flag, Rise Against und AFI. Das geht zumeist ordentlich
ins Ohr – das Trio bewegt sich mit den
genannten Platzhirschen zuweilen auf Augenhöhe,
in Bedrängnis bringt man sie nicht. Wer auf
die erwähnten Bands steht, kann ALS jedoch bedenkenlos
anchecken. Aber der Soundtrack zur
Kehrwoche sind sie nun auch nicht…
Keine Wertung
JOBRY
ATOM NOTES –
SPARE PARTS
(Combat Rock Industry/
Flight 13)
Da versuchen sie fast alle,
einen auf Rock ’n’ Roll zu
machen, dann kommt die aus den Ruinen von
Manifesto Jukebox und Endstand auferstandene
finnische Kapelle Atom Notes daher und IST
Rock ’n’ Roll. Frechheit! Diese Halunken! Im Infoschreiben
wird von den Hot Snakes, FRTC und
den Wipers schwadroniert, was ja nicht ganz unwahr
ist. Aber die Jungs um Sänger Antti sollte
man nicht unter der Kategorie „Sound-a-likes“
ablegen, denn inmitten all der Retrobands verfügt
dieser Fünfer über einen sehr hohen Individualitätsfaktor.
Ach so, das sagen die Promoter
ja ebenso. Wofür red’ ich denn dann, ’zefix?
Jedenfalls macht das Teil richtig Bock, zumal die
Schnuckis uns auch noch die „Hockey Champ“-
Single und ihre erste 7“ hintendran gepappt haben.
Ich schenk’ euch ein Ü-Ei, wenn ich euch
mal seh’.
11 Punkte
Chris P
THE BABOON SHOW –
PUNKROCK HARBOUR
(Kidnap Music/Cargo)
Dass Punk nicht immer testosteronhaltige
Rüpelei, Singsang
mit Zuckerguss und
Chucks oder Huldigungen der 77er bedeuten
muss, beweist das von Cecilia Boström gefrontete
XX-XX-XY-XY-Gespann aus Schweden, das
auf seinem vierten Langdrehdingsbums eine
starke Affinität zu Wave demonstriert. Auch mit
nicht ganz so aufgerissenen Verstärkern kann
man nämlich wunderbar druckvolle, rotzige, An-
archie-bejahende Songs fabrizieren, die mächtig
schieben. Und wenn dann auch noch das lecker
schmackofatz dirty sexy Organ von Frau Boström
über allem thront und für eine zusätzliche
Schippe wütender Energie sorgt, lässt der Pogo-
Impuls nicht lange auf sich warten. Innovation, ja
scheiß doch der Hund drauf, dann treten wir mit
den Doc Martens noch mal rein, dass es schön
schmatzt!
11 Punkte
Chris P
BEEN OBSCENE –
NIGHT O’MINE
(Elektrohasch)
Tja. Österreichischer Stonerrock
wiederholt sich endlos
selbst. Das rumpelt und pumpelt
mal recht, mal eher berechenbar
dahin und verursacht bei mir gerad
innerlich ein immer größerwerdendes Fragezeichen
mit anschließender Leerstelle. Vielversprechend
sind einige Passagen, aber unter dem
Strich gebricht es den Vocals an Schärfe und
Akzentuierung, und vor allem gebricht es dem
Album an zündenden Ideen. Wiederholungen
können ja gerade im Stonerrock magische Qualität
haben, ja, Ekstase erzeugen. Hier dominiert
eher mäßig temperierte Bravheit und die Gitarrenausbrüche
wirken auch eher ratlos, weil einfach
die Grundspannung fehlt. Schade. Aber das
ist überwiegend Gedudel.
4 Punkte
Andrasch Neunert
BLACKUP –
EASE & DELIGHT
(Screaming Mimi/Cargo)
Egal, ob man die Chose nun
Postpunk oder Indie-Rock
nennt – sie nervt. Die Belgier
haben wirklich einen Mix aus gezielten Disharmonien
und unmotiviertem Geschrei drauf, dass
mir jedes der neun Stücke spätestens nach zwei
Minuten verleidet. Die 35 Minuten von „Ease &
Delight“ werden so ganz schön lang. Blackup erinnert
an ein hyperaktives Kind, das seine Energie
einfach nicht in die richtigen Bahnen lenken
kann. Zwischendurch schimmern zwar immer
mal wieder brauchbare Ansätze durch, scheinbar
aber nur, um wieder von der nächsten Disharmonie
in Grund und Boden getrümmert zu werden.
Es soll Leute geben, die das cool finden. Cool
finde ich in diesem Fall nur die Stop-Taste.
3 Punkte
JOBRY
BUNGALOW 7 –
WE ARE HERE
(Rookie Records/Cargo)
Welch Düfte. Staubiges
Beatles-, Blondie-, Doors-,
Stooges- und Suzy Quattro-
Vinyl inklusive Kellermuff. Schmutzige Polyester-
Strick-Streifenpullis. Aroma frisch praktizierter
freier Liebe. Feuchte Backenbärte. Speckige
Schlaghosen. Bac-Deo. Ein nach Hundespeichel
riechendes, angeknabbertes Monchichi.
Ja, das Debüt der Band um den Ex-Spermavogel
und Jones-Kicker Frank Rahm und Goldkehlchen
Katrin Bärmann macht Spaß mit sei-
nem cool-schrulligen Wirrwarr aus 80er-Indie,
70er-Rock und 60er-Beat, aus Pop, Psychedelic,
Folk, Rock ’n’ Roll und Punk, zumal Bungalow 7
ihre Songs dermaßen charming darbieten, dass
Mundwinkel und Krähenfüße unübersehbar Gefühle
der Sympathie signalisieren. Tanz!
12 Punkte
Chris P
BUSINESS AS USUAL –
SAME
(Demons Runamok
Entertainment/Soulfood)
Hardcore aus Hessen.
Die vier Kerle und eine Frau
machen es einem stilistisch leicht: Wer an Hardcore
mit leichtem Post hängt, kann die Band
aus Wetzlar antesten. Die Vorbilder jedenfalls
lassen sich glasklar heraushören: Bane, Have
Heart, Comeback Kid und Ruiner. Folgerichtig
gibbet „echte“ Hardcore-Riffs, aber auch melancholisch
anmutende Melodien und angezogene
Handbremse. Zehn Stücke in 22 Minuten
sprechen dafür, dass die Truppe auf den Punkt
kommt. Der ist zwar nicht unbedingt ein Unikat –
wie der Querverweis zu den genannten Einflüssen
belegt – man kann diese Art von Hardcore
aber ganz sicher auch schlechter spielen als
BAU. Unter dem Strich also kein übermäßig originelles,
aber dennoch gefälliges Debüt.
8 Punkte
JOBRY
CATHEDRAL –
ANNIVERSARY
(Rise Above/Soulfood)
Sag zum Abschied lange
Servus: Die englischen
Doomster nehmen sich zwei
CDs und fast 140 Minuten Zeit. Mitgeschnitten
wurde dafür das Londoner Konzert zum 20.
Bandjubiläum im Dezember 2010. CD 1 liefert
das “Forest of Equilibrium”-Album in voller Länge
und das Original-Line-up. CD 2 bietet insgesamt
zwölf weitere Stücke aus den restlichen
Schaffensphasen der Band. Dazu gehören Szene-Hits
wie „Midnight Mountain“, „Vampire Sun“
oder „Hopkins“. Solche Stücke haben nichts von
ihrem Reiz verloren – anderes Liedgut, vor allem
das über zehn bis zwölf Minuten gestreckte,
wirkt da zuweilen schon etwas …äh zäher und
nicht ganz so zwingend. Fans – und vor allem
für die dürfte der Doppeldecker interessant sein
– ist das vermutlich schnuppe. Sie kriegen zum
Abschied noch einmal ganz viel Cathedral – im
authentisch rohen Klanggewand.
Keine Wertung
JOBRY
CLOSE YOUR EYES –
EMPTY HANDS AND
HEAVY HEARTS
(Victory/Soulfood)
2012 I #35 I reViews
Die Texaner zocken auch auf
Album Nummer zwei so eine
Art Handbremsen-Hardcore.
Wie das geht? Man nehme die wütenden Genre-
Bestandteile (Gangshouts, Beatdowns) und addiere
zuweilen fast schon zuckersüße Refrains
und Clean-Voclas hinzu. Hmmm, durchwachsene
Geschichte, im Prinzip ein Widerspruch in
27

28 reViews I #35 I 2012
sich. CYE klingen dann auch wie ein wütender
Typ, der anstatt die Tür einzutreten, höflich anklopft
und fragt, ob er reinkommen darf. Würden
sie besser öfter treten – denn die teilweise rasanten
Passen in den 43 Minuten zeigen, dass
die Kerle das im Prinzip können. Klar ist es legitim,
seine Wut in Zuckerwatte zu packen, aber
diese Zuckerwatte sollte dann auch richtig gut
schmecken. Daran hapert es, denn die Melodien
sind einfach nicht eingängig genug, um gänzlich
zu überzeugen und harmonieren überdies nur
bedingt mit der harten Seite der Band. Mehr was
für Freunde von Rise Against, A Day To Remember
oder Comeback-Kid, als für Fans ”echter”
HC-Bands wie Terror und Co. Dessen Fronter
lobt das Quintett zwar als potente Live-Band, für
die Konserve teile ich dieses Urteil aber nicht.
7 Punkte
JOBRY
CIGARETTE CROSSFIRE –
IN BETWEEN THE CURE
AND THE DISEASE
(Combat Rock Industry/
Flight13)
Würden Smokeblow auf intellektuell
machen, klängen sie vielleicht wie Cigarette
Crossfire. Die Finnen, u. a. mit Ex-Musikern
von Endstand und Life Giving Waters, haben vor
allem dank Sänger Jere Lehmus einen gewissen
Dreck im Sound, gehen aber deutlich verkopfter
und gebremster zu Werke, als die norddeutschen
Vollassis. Wer jetzt in Richtung Leatherface
oder Hot Water Music denkt, denkt richtig:
Postpunk mit einem Schuss Melancholie. Nicht
übel, aber auch nicht mehr als Szene-Nische,
zumal man die großen Melodien auf „IBTCATD“
vergeblich sucht.
7 Punkte
JOBRY
COUNTERPARTS –
THE CURRENT WILL
CARRY US
(Victory/Soulfood)
So, so – “es gibt sie noch: Die
“richtigen” Hardcorebands”,
behauptet der Waschzettel. Counterparts gehören
entgegen dieser Ankündigung nicht dazu:
Die Kerle stehen sich und ihrer grundsätzlich
vorhandenen Energie auf Album Nummer zwei
dermaßen selbst im Weg, dass es fast weh tut.
Die gerade mal 34 Minuten ziehen sich wie Kaugummi
und das liegt 1. am total durchschnittlichen
Liedgut, 2. an den absolut nervtötenden
Disharmonien und 3. am gnadenlos monotonen
Geschrei von Fronter Brendan Murphy. Beschönigend
spricht man in dieser Kombination gerne
von Post-Hardcore, am besten noch mit Metalcore-Riffs.
Auch Bands wie Bane oder Defeater
spielen in ähnlicher Liga. Aber hier gilt: Nö,
die elf Stücke haben wirklich nicht viel mit „richtigem“
Hardcore zu tun, sondern eher mit Rohstoffverschwendung.
2 Punkte
JOBRY
THE DANGEROUS
SUMMER – WAR PAINT
(Hopeless Records/Soulfood)
Band-Name und das Frisurenproblem
der Herren lassen
mühelos auf eine Emo-Alternative-Kapelle
schließen. Bingo: Das Quartett aus
Maryland (USA) findet die Blink 41s und weltfressenden
Jimmys dieser Welt gut, wäre zugleich
aber auch gerne U2. Hm, schwieriges Unter-
fangen. Die Mischung aus fröhlichem Pop-Punk
und eher depressiv-disharmonisch angehauchten
Gitarrenharmonien führt zu einer fast neutralen
Schnittmenge. Sprich: Die 44 Minuten plätschern
höhepunktlos vor sich hin, sind weder Fisch noch
Fleisch. Dabei glaube ich den Kerlen ja sogar,
dass sie mehr können, als sie in den elf Stücken
zeigen. Aber zumindest im Punk-Bereich kommen
Song-Längen von 3:30 bis 5 Minuten gar
nicht gut. Und der U2-Fraktion braucht man mit
Pop-Punk-Quatsch wohl gar nicht erst zu kommen.
Insofern sollten sich TDS erstmal klar darüber
werden, wohin die Reise gehen soll und sich
dann auch darauf konzentrieren, anstatt sich in
(zu) verschiedenen Stilrichtungen zu verzetteln.
Muss ja nicht zwingend Fisch oder Fleisch herauskommen,
kann ja auch mal ein leckerer Gemüseeintopf
werden…
4 Punkte
JOBRY
DANNY AND THE
WONDERBRAS –
ROCKABILLY PARTY
(DMG/Broken Silence)
Danny und seine zwei Kumpels
spielen klassischen Rockabilly.
Und wenn ich klassisch meine, dann reden wir
vor allem von den 50er Jahren und Künstlern wie
Buddy Holly, Pat Boone, Bill Haley, Elvis Presley
oder Jerry Lee Lewis. Das ist dermaßen oldschool,
dass es schon wieder mehr rockt, als so
manche digital hochgezüchtete „moderne“ Rockplatte
dieser Tage. Die Karlsruher bedienen sich
am reichen Fundus jener Zeit gütlich, packen
aber hörbar viel Spaß und Spielfreude in die
gut 50 Minuten. Unter den 15 Stücken befinden
sich auch diverse Coversongs, etwa „You Made
A Boo Boo“, das berühmte „Runaway“ oder der
Tanzflächenfeger „Bird Dog“. Kurzum: Wer auf
Pomade und Petticoats steht, wird Danny and
the Wonderbras lieben
10 Punkte
JOBRY
THE DEAD HANDS – S/T
(Eigenverlag)
Aus Balingen kommen die
Dead Hands, zwei Überlebende
der Stereo Satanics, nun
aber nicht mehr im Punkgenre
unterwegs, sondern, Überraschung,
mit schönen, mystisch verhallten Wave-
Postfolkrock-Spielereien beschäftigt, die allemal
eine tolle Athmo ausstrahlen und ein gutes Setting
für durchquatschte Nächte und träge Liebesspiele
garantieren. Nicht alle eingestreuten
kleinen Disharmonien klingen dabei folgerichtig,
manche lakonische Gesangsline könnte doch
mehr Variationen vertragen und eine ausgeklügeltere
Technik wär’ manchmal auch schön.
Doch andererseits atmet das ruhige Versenkung,
ist echt, liebevoll, nah und wirklich tief empfunden.
Nicht das Schlechteste, was man über einen
Neubeginn sagen kann. Und für die nächste
Scheibe wünsch ich mir einen fragil und leise
beginnenden, mindestens zwölf Minuten kunstvoll
sich steigernden epischen Kracher. Wetten,
die können das? Die emotionale Kraft ritualisierter
Wiederholungen haben sie ja eh schon
längst kapiert. Sie dürfen sich auf der Erkenntnis
nur nicht ausruhen. Jedenfalls mag ich das,
eindeutig!
10 Punkte
Andrasch Neunert
THE DEAD NOTES –
ENTERTAINMENT IS
THE PURPOSE
(My Redemption Records/
Cargo)
Ganz schön großspurig werden
die fünf Bayern als potenzielle Erben des
echten Rock angepriesen, und des weiteren darf
man von Vergleichen mit The Darkness, Gluecifer
und Airbourne lesen. Doch blicken wir der
Wahrheit ins Auge: Das Zweitwerk bietet eine
profane Mische aus Punk Rock, Hard Rock und
Rock‘n‘Roll, nach Schema F gestrickt, getöpfert
und geklöppelt, mit teils holprigen Übergängen,
banalen Texten und einem Tobias Wieser am
Gesangsplugin, der dringendst einen Englisch-
Phonetikkurs besuchen sollte. Klar, die Nummern
sind recht catchy, man kann sofort mitwippen,
und live knallt das bestimmt, wenn man als
lokaler Support unterwegs ist oder die Arnstorfer
Kirmes beschallen möchte. Das Kapitel Professionalität
gehört allerdings schlichtweg noch einmal
überarbeitet.
7 Punkte
Chris P
ANI DI FRANCO –
WHICH SIDE ARE YOU ON
(Righteos Babe/Tonpool)
Es ist inzwischen über drei
Jahre her, dass die Grammy-
Gewinnerin und Singer/Songwriterin
Ani Di Franco uns mit einem neuen Album
erfreute. Und nun also wieder, mit prominenter
Unterstützung von A wie Anais Mitchell
und Gitarrist Adam Levy (Tracy Chapman u. a.)
über die Neville Brothers bis hin zu einer ganzen
Armada von Hornisten aus New Orleans bis S
wie Skerik, dem Saxophonisten, der u. a. Pearl
Jam und R.E.M. unterstützte, wenn er nicht gerade
komplett avantgardistisch unterwegs war.
Hat irgendwie abgefärbt. Nein, immer noch sie,
aber vielgestaltiger, mutiger. Noch immer perlt
das wie ’ne Glaskette aus ’ner Boutique für den
gehobenen Anspruch, aber das verhallt düstere
Schlagwerk setzt Kontrapunkte und pfiffige
Breaks zerlegen den Flow, wo wir es eher
nicht erwarten, um ihn dann lässig perlend, siehe
oben, wieder aufzunehmen. Elegant und raffiniert.
Di Franco muss sich niemandem mehr
anpassen und wenn ich sage, dass Devandra
Banhart diese Platte lieben muss, dann ist es
die pure Wahrheit. Allein schon das formidabel
um eigene Textpassagen erweiterte Pete Seegers-Cover.
Klasse. Im Wechsel in ihrer Heimat
New Orleans und in New York eingespielt, besticht
die Platte durch ihre Buntheit. Die Widerhaken.
Den nun offen vorgetragenen Ärger über
die Dummheit der herrschenden Klasse. Lassen

wir die Dame doch selbst zu Wort kommen: „I’m testing
deeper waters with the political songs on this album.
I feel a little bit frustrated, politically desperate.
After havin’ written hundreds of songs over decades,
I think, now what? How far can I go with this? Can
you sing the word ‘abortion’, can you sing the word
‘patriarchy’ – what can you sing and get away with?“
Ein bisschen fremdelt sie in diesen politischen Liedern
noch mit sich selbst, ungläubig die neuen spitzen
Spielzeuge anfassend. Aber das wird auch noch,
keine Angst. Zieht Euch warm an, wenn die Lady
konsequent weitermacht, in der Richtung.
12 Punkte
Andrasch Neunert
DIRETONE – DIRETONE
(Gateways)
Die Dänen sind verliebt –
schwer verliebt in Metallica’s
“Black Album“. Dazu flirten sie
heiß und innig mit Down und
eine frühere Liaison mit Pantera ist den 42 Minuten
auch zu entnehmen. Aber Liebe macht bekanntlich
blind. Daher merken Diretone offenbar nicht, dass es
nicht reicht, exakt so zu klingen wie James Hetfield
und den wuchtigen Sound besagter Metallica-CD zu
imitieren (Diretone’s Bob Rock heißt allerdings Jacob
Hansen). Und auch die allzu offensichtliche Abkupferei
bei den anderen Bands führt nicht zu einer knistervollen
Atmosphäre. Ganz im Gegenteil. Das alles
klingt beeindruckend, aber eben auch komplett
einfallslos nach Kopie. Zumal Diretone die zeitweise
kompositorische Brillanz mancher Vorbilder nicht
ansatzweise erreichen. Daher sind die zehn Stücke
letztlich kalter Kaffee – und den soll man bekanntlich
nicht wieder aufwärmen – schon gar nicht, wenn es
um Liebe und Herzblut geht.
5 Punkte
JOBRY
DISLOCATE –
STOP THIS TRADITION
(District 763/New Music)
Year, so geht Hardcore.
Discolate aus dem Saarland verpassen
dir ’ne richtig schöne Abreibung.
34 Minuten gibt es schnell und aggressiv
auf die Zwölf. Kein Schnickschnack, kein Emo, kein
Gedöns. Gleich der Opener „Game of Dice” funktioniert
wie eine gerade Rechte direkt ins Gesicht. Die
fünf Kerle pöbeln, spucken und kratzen zwölf Stücke
lang schlicht, derb und vor allem angepisst, aber
eben auch extrem zielsicher. Stilistisch bewegt sich
die Chose irgendwo zwischen Pro-Pain, den sträflich
unterbewerteten Barcode und Bonehouse. Die Riffs
sitzen wie eine Eins und die metallische Produktion
drückt und schiebt. Kurzum: Discolate machen nicht
nur auf dicke Hose, „Stop this Tradition“ hat auch
mächtig dicke Eier.
11 Punkte
JOBRY
DIXIE WITCH – LET IT ROLL
(Small Stone Recordings)
Das Texas-Trio existiert seit zehn
Jahren und liefert hier bereits sein
viertes Album ab. Das bietet eine
gute Mischung aus (Southern-)
Hardrock, Blues, Country und Boogie.
Die zehn Stücke bieten kraftvolle Gitarrenarbeit, ein
angenehm raues Organ und jede Menge whiskey-
getränkte Atmosphäre. Stilistisch pendeln die Kerle
knapp 38 Minuten recht geschickt zwischen klassischen
Bands wie Blackfoot, ZZ-Top oder Lynyrd
Skynyrd, aber auch „modernem“ Kram wie Monster
Magnet oder Nickelback. Damit sollte sich nicht nur
in ihrem Heimatland etwas reißen lassen, sondern
auch in der alten Welt. So wie „Let It roll“ klingt, wären
Dixie Witch hierzulande in kleinen Clubs perfekt
aufgehoben, um die bereits auf Konserve spürbare
Energie ihrer Musik schön authentisch mit viel
Schweiß und Whiskey darzubieten.
9 Punkte
JOBRY
DO OR DIE –
THE DOWNFALL OF THE
HUMAN RACE
(Demons Run Amok
Entertainment)
Die Belgier knüppeln sich bereits
seit 1999 durch die Hardcore-Szene. Sonderlich unterscheiden
sie sich dabei nicht von diversen US-Vorbildern
wie Hatebreed oder Sworn Enemy. Soll heißen:
Die Kerle zocken aggressiven, metallischen
Boller-Hardcore, der eher das Testosteron, als die
grauen Zellen in Wallung bringt. Ist ja auch mal okay,
zumal das Sextett in den 13 Stücken das ein oder
andere überdurchschnittliche Riff verbrät. Auch zwei
Sänger, ein Instrumental und weibliche Backvocals
gehören zu den Besonderheiten dieses Albums. Allerdings
reichen die Zutaten nur bedingt, um einen
Originalitätszuschlag zu erhalten, denn vieles auf
„TDOTHR“ ist (solider) Szenestandard. Dieser Eindruck
entsteht sicher auch deshalb, weil DOD den
Bogen mit 52 Minuten schlicht überspannen und
sich die Chose über eine solche Spieldauer einfach
zu sehr abnutzt. Auch die Produktion hätte mehr
Wumms vertragen. Wieder einmal zeigt sich: Weniger
wäre mehr gewesen – für einen Platz im sicheren
Mittelfeld reicht die Leistung jedoch.
8 Punkte
JOBRY
EMANUEL AND THE FEAR –
HANDS (5-Track-EP)
(Haldern Pop/Cargo)
Emanuel And The Fear kommen
aus New York, spielen eine Art
Folkrock mit teils irischen, teils
amerikanischen Einschlag und präsentieren mit dieser
EP einen kleinen Vorgeschmack auf eine LP, die
Mitte des Jahres erscheinen soll. Soweit wäre alles
gesagt. Oder eben nicht. In der Info liest man vielsagend,
dass die Band schon mal 200 Bandmitglieder
auf die Bühne bringt und auch sonst mit allerlei illustren
Bands und Künstlern der Szene (The National,
From Autumn To Ashes, Sufjan Stevens etc.) verbandelt
ist. In der Tat ist die Herangehensweise auf
„Hands“ recht unkonventionell. So sind die Songs
oberflächlich gesehen genreüblich und eingängig,
unter dieser Schale erschließt sich jedoch nach und
nach eine Vielschichtigkeit, die nicht zuletzt dem Einsatz
zahlreicher Streich- und Blasinstrumente geschuldet
ist. Und obwohl es sich hier nur um knapp
25 Minuten Musik handelt, erzeugen Emanuel And
The Fear einen stimmungsvollen Spannungsbogen,
den manch andere Band nicht mal mit einer Doppel-
LP zustande brächte. Ich bin gespannt, ob die New
Yorker diesen guten Eindruck auch auf voller Länge
bestätigen können.
11 Punkte
Jochen Wörsinger
2012 I #35 I reViews
29

30
reViews I #35 I 2012
EMSCHERKURVE 77 – DAT
SOLL PUNKROCK SEIN?!
Sunny Bastards/Broken Silence
Punkrock aus dem Ruhrpott,
Klischee hin oder her, ist
ehrlich und direkt. Mach ja auch nix, wenn man
dazu steht, so wie die Emscherkurve 77. Die
Songs halten sich im simplen Drei-Akkorde-Ramones-Schema,
dem zumindest optisch nicht
wirklich schönen Ruhrgebiet wird gehuldigt und
die Texte pendeln zwischen plattem Humor und
durchaus hintersinniger Ironie. Dabei geht es
textlich neben lokalen Standards wie der A40
oder RW Oberhausen auch durchaus mal humoristisch-exotisch
zu. Ein Song wie „Sarrazin vs.
Guttenberg“ gehört genauso dazu wie „Louis De
Funès“, im dem der kleine Franzose kurzerhand
in den Rockerstand erhoben wird („Du warst
Rock ’n’ Roll auf Zelluloid“). Dazu gesellen sich
mitgröhlkompatible Refrains und meist einprägsame
Gitarrenarbeit. Stilistisch liegt das Quintett
zwischen Lokalmatadoren und Supernichts, lediglich
beim Abgang „Alles Gute und viel Glück“
geht es etwas zu Toten-Hosen-mäßig zu. Mit
„Zeit bleib stehen“ ist übrigens auch ein Cover
von Dritte Wahl am Start. In Summe ein schönes
deutsches Punkrock-Kleinod, das humoristisch
sicher nicht überall verstanden wird. Aber dann
wäre es wohl auch kein Punkrock – und den haben
EK 77 nach eigener Aussage nun mal verstanden.
11 Punkte
JOBRY
EXCUSE ME FIRE –
GLOW AND FLUTTER
(BSC-Music/Rough Trade)
Und noch eine ungewöhnliche
neue Attacke aus München,
die übliche Kompositionsprinzipien
und musikalische vermeintliche
Gewissheiten auf charmant rockende
Weise in Frage stellt...
Man nehme: Einen mit allen Jazzrock-Wassern
gewaschenen irrwitzig guten Schlagzeuger und
einen stoischen Basser mit sehr viel Funky Flow
im Arsch, die zusammen fast schon der Rhythmussektion
der Red Hot Chili Peppers das Wasser
reichen können, während ein zorniger Gitarrist
mit konternden fiesen Schrägen jeden Anflug
von zu viel Harmonie zerstört, dann noch ein
Sänger, der sich akustisch ebenso lasziv um seinen
Mikroständer wickelt, wie er bei Bedarf auch
Streetboy-Prollcharme versprühen kann, das ist
nun wirklich keine Mischung von der Stange.
Was ist bloß los in der einst eher glätteversiegelten
Münchner Soundwolke?
Ein Debüt jedenfalls, das noch einen Riesenspace
nach oben aufmacht, Indierock mit Schrägen
und Flow, ein Stück Wiedergeburt von Genres,
die einst im Crossovergenre auch nicht
überzeugender zusammengedacht wurden als
hier. Wenn jetzt auch noch alle Schrägen gewollt
klingen und die grundverschiedenen Pole des
Sounds noch selbstverständlicher zusammenwachsen
– wobei an der Stelle diese CD schon
ein Riesensatz im Vergleich zum ersten Demo
darstellt, wenn die in dem Tempo weiter wachsen,
dann macht schon mal die großen Hallen
frei – nun, dann reicht es auch für die Best Of-
Abteilung, noch sind sie nur ganz nah dran. Feines
Fulltime-Debut, Respekt!!!
12 Punkte
Andrasch Neunert
FALLEN CROWNED –
VERSUS TERMINUS
(Eigenverlag)
Langes Foreplay, Piano,
klassisches Spiel, wie früher,
wo dann die Metalbands
irgendwann mitten rein brachen, ohne die Harmonien
in irgendeiner Weise aufzugreifen. Zum
Glück machen unsere jungen Metaller aus Fürstenfeldbruck
bei München das etwas anders,
wenn auch nicht ganz überzeugend. Sie zitieren
zumindest die Harmonien im Ansatz. Ansonsten
– schwierig, Emocore meets Melodic Deathmetal
mit den üblichen Zutaten, furchtbar klinisch computerisiert
klingendes Schlagzeug (und der Kerl
kann was, das hört man ja und live ist‘s Bombe,
wie ich schon miterlebte), starke Vocals und
Shouts, gute Gitarren und Bassarbeit, trotzdem,
die Produktion klingt klinisch und dünnbrüstig.
Immerhin ist das ein echter Talentnachweis. Aber
für die nächste CD sparen wir für ’ne amtlichere
Produktion und ein geschmackvolleres Cover,
versprochen? Oder sollte jemand von ’ner Härtecompany
Lust auf ’ne sehr talentierte, fett abgehende,
variantenreiche, experimentierfreudige
junge südbayrische Band zwischen Emocore
und Death Metal haben, die schon über ein bemerkenswert
solides Handwerkszeug verfügt?
Hier würde sich ’ne Investition lohnen. Wetten?
9 Punkte
Andrasch Neunert
FIGHTBALL –
THE HYPERBOLE
OF A DEAD MAN
Wolverine Records/Soulfood
Schwere Bürde seitens des
Labels: Vom “Punkrock-Album
des Jahres” ist da die Rede
und von Vergleichen mit Pennywise oder Social
Distortion. Das schürt eine Erwartungshaltung,
die sich fast unmöglich einlösen lässt. Und wenn
man es denn mal nüchtern betrachtet, verhält es
sich eher so: Die Berliner haben sich mit neuem
Sänger zusammengerauft und liefern auf ihrem
zweiten Album gefälligen melodischen Punkrock
ab, dem aber ganz sicher die „Eier“ von Social
Distortion und die metallische Energie von Pennywise
fehlen. Auf der einen Seite führt das dennoch
zu einer Reihe eingängiger Refrains und
Melodien, auf der anderen Seite befinden sich
aber auch eine handvoll Durchschnittsnummern
unter den 14 Stücken, die so unauffällig und nett
sind, dass sie auch im Kaufhof-Fahrstuhl dudeln
könnten. Nicht missverstehen: „THOADM“ ist ein
nettes Scheibchen und hat mit „Jukebox“ auch
einen unglaublich hartnäckigen Ohrwurm am
Start, aber die Eintrittskarte für den Punkrock-
Olymp sind diese gut 40 Minuten mitnichten.
Kann ja noch werden…
9 Punkt
JOBRY
NIELS FREVERT –
ZETTEL AUF DEM BODEN
(Tapete Records/Indigo)
Manchmal passiert das, dass
Du ’ne Platte hörst und sofort
weißt, die wird Dich begleiten,
an guten wie an schlechten
Tagen, wie ein guter Freund. Hier ist das so.
Niels Frevert, einstiger Frontvorsteher der Band
Nationalgalerie, hat nun nach drei Jahren seit
seiner Letzten die bislang reifste Scheibe aufgenommen.
Und er singt gerade, er würde mir helfen, eine
Leiche zu verscharren, wenn’s nicht seine ist.
Geht mehr Freundschaft? Und ich sag Euch, der
meint das so... Und dass ich mich angesprochen
fühle, hat Gründe. Sie ist mir nah, die uneitle,
aber selbstbewusste Art Freverts, Geschichten
zu erzählen, die sich nun nicht mehr primär um
ihn selbst drehen müssen. Er hat seinen Kosmos
deutlich erweitert, inhaltlich, wie musikalisch. Frischer
Wind bläst uns hier sanft ins Gesicht, wird
auf die Dauer dann doch eine liebevoll formulierte
Herausforderung, das eigene Fenster zu
öffnen, den frischen Wind reinzulassen in all unsere
Riten und Rituale gegen die Erkenntnis unserer
Verstrickungen, verfrühten Kapitulationen,
gegen den inneren Schweinehund, den Anpassungsdruck.
Dabei ist so viel drin. Frevert spürt
die Chance zum Neubeginn, er wirkt als Tonikum
gegen Panikattacken ebenso, wie als kleiner
Stachel gegen zu viel Bequemlichkeit, scheint
grinsend dazustehen, wenn ich ihn morgens
höre, und vor dem Rausgehen noch zu sagen,
„Hey, komm ruhig mal hoch, lohnt sich!“ (Und sei
es nur, um Track 5 zu skippen, der grad ein wenig
abfällt in meinen Ohren).
So wirkt bei mir diese feine Platte, klingendes
Kompendium des tollen freundschaftlichen
Netzwerkes eines Poeten, der sich nie anbiederte
und gerade deshalb so stimmig rüberkommt,
so selbstverständlich und unaufgeregt.
Tolle Gäste hat er im Gepäck, wie Gisbert
zu Knyphausen, Nils Koppruch, die Brüder im
Geiste, und Martin Wenk von Calexico. Ein wenig
Herb Alpert – Gitarrenharmonien, ein wenig
chansoneske Pianoeskapaden, leicht ist das,
swingend, wenn er davon singt, dass jeder seinen
Untergrund hat, „Frustrationstoleranz, Herr
Frevert!“ So viel charmante Selbstironie ist ein
allzu seltenes Juwel. Und dann covert er auch
noch Herman van Veen, den mit dem zärtlichen
Gefühl, mit den großen epischen Betroffenheitsbögen,
der gleichzeitig immer so ein wunderbarer
Poet war und ist, ein Mutmacher, Kinderfreund,
Spaßvogel und einer, der in seinen leisen
Momenten am stärksten war, ich vergess’ es nie:
„Die echten Zeugen sind selten Helden...“ Frevert
schnappt sich das ebenso schöne „Bis jemand
mich hört“, nimmt es uptemp, nimmt ihm
mit dem flotten Tempo ein wenig Erdenschwere
und bleibt auch und gerade hier als Interpret hinter
dem Song, schaut höchstens verschmitzt um
die Ecke, guckt mal nach, ob ich jetzt aufgestanden
bin... Ich konnte nicht widerstehen. Auch
ohne zu skippen. Ich könnte ja was überhört haben.
Die Platte hier wächst nämlich stets ein wenig
weiter. In offene Räume.
13 Punkte
Andrasch Neunert
THE GENERATORS –
LAST OF THE PARIAHS
(I Hate People/Edel)
Keine andere Band platziert
sich so stilvoll und exakt in die
Schnittmenge aus Bad Religion
und Social Distortion wie die
kalifornischen Straßen-Punkrocker der Generators.
Das mag in puncto Kreativität mäßig wertvoll
sein, in Sachen Spaß funktioniert diese Mischung
auch auf dem achten Album der Mannen
um Melo-Kehlchen Doug Dagger ausgezeichnet.
Gleich der Opener „Angels looking down“ startet
mit beeindruckender Energie und festbeißenden
Gitarrenharmonien. So soll es in den insgesamt

34 Minuten, bzw. elf Stücken auch weitgehend
bleiben, einzig „Condition red“ scheitert ob des
etwas arg plumpen Refrains an der Qualitätshürde.
Insgesamt kokettieren die Herren zudem
stärker mit ihren 77er-Helden wie The Clash
oder Stiff Little Fingers. Kommt auch ganz gut.
Fazit: Für Fans des melodischen Punkrocks bleiben
die Generators weiterhin eine Pflichtadresse.
12 Punkte
JOBRY
GLAZED FINISH –
MANY FACES
(Antstreet/New Music)
„Many Faces“.
Aber kein eigenes, könnte ich
sagen, wenn ich böse wäre.
Okay, ich bin böse. Glazed Finish machen nämlich
alles richtig und doch alles falsch, denn sie
versuchen mit ihrem offen angelegten Alternative-Indie-Rock
das Beste vom Besten aus ihren
Plattenschränken miteinander zu verschmelzen.
Das mundet durchaus in eingängige, schmackhafte,
erstklassige Songs, doch so leicht sie ins
Ohr gehen, flutschen sie auch wieder heraus.
Die Saarländer „klingen nach“, vergessen sich
dabei aber selbst, so dass der Eindruck entsteht,
die Band wolle auf Teufel-komm-raus gefallen.
Meine Abwehr steht wie ’ne Eins.
7 Punkte
Chris P
GRAVEYARD JOHNNYS –
SONGS FROM BETTER
DAYS
(Wolverine Records/Soulfood)
Das Trio mit dem lustigen
Namen kommt aus South
Wales und spielt 50er-Rockabilly
mit einer ordentlichen Portion Punkrock garniert.
Das ist nicht unbedingt neu, aber auf jeden
Fall unterhaltsam. Stilistisch hängen die britischen
Burschen irgendwo zwischen den coolen
The Peacocks und The Living End. Die 32 Minuten
glänzen dementsprechend durch eine ausgewogene
Mischung aus Melodie und Tempo. Der
Großteil der elf Stücke kommt schön treibend
daher und lässt eher früher als später Beine
und/oder Nacken zucken. Dazu passt auch das
gelungene Cover von Golden Earing’s „Radar
Love“. Das macht sich im Rockabilly-Gewand erstaunlich
gut und ist der würdige Abschluss einer
durch und durch vitalen Vorstellung. Eine besondere
Qualität scheint der Band bei Live-Konzerten
innezuwohnen. Der Waschzettel jedenfalls
behauptet: „Die Graveyard Johnnys bringen
euren Club zum Bersten. Kein Loch bleibt unerforscht!“
10 Punkte
JOBRY
H20 –
DON’T FORGET YOUR
ROOTS
Bridge Nine Records
Cover-Alben gibt es wie
Sand am Meer – jetzt also
auch eines von den New
Yorker Hardcorelern H20. Die haben 15 Stücke
ihrer musikalischen Helden und größten Einflüsse
vertont und geizen dabei nicht mit groß-
en Namen und/oder echten Szeneschwergewichten,
wie etwa Ramones, Social Distortion,
7 Seconds, Sick Of It All, Gorilla Biscuits, The
Clash oder Warzone. Dass dabei keine wirklich
schlechte CD herauskommen kann, ist eigentlich
klar. Zumal es der Band gelingt, die Vorlagen
39 Minuten lang in ihren typisch positiven
Youthcrew-Sound zu packen. Andererseits ist es
gewagt, sich an zum Teil ausgesprochene Klassiker
heranzutrauen und diese mehr oder weniger
neu zu interpretieren. Bei manchen Stücken
kann man als Band nur verlieren. Von daher
bleibt zumindest bei einigen Neuinterpretationen
ein fader Beigeschmack und zudem der Eindruck,
dass sich H20 hier in erster Linie selbst
seinen Wunsch erfüllt haben. Als auflockernder
Einschub im eigenen Live-Set mögen manche
der hier servierten Nummern der Band überdies
noch gute Dienste leisten.
8 Punkte
JOBRY
HATESPHERE –
THE GREAT BLUDGEONING
(Napalm/Edel)
Erstaunlich: Obwohl es bei
Hatesphere in den letzten
Jahren gefühlt mehr Line-up-
Wechsel gab, als Spielerwechsel bei Schalke 04,
bleibt die Band ihrem Sound auf Album Nummer
sieben uneingeschränkt treu. Muss wohl an Gitarrist
Pepe Hansen liegen, der einzigen Konstante
und zugleich dem Hauptsongwriter der
Dänen. Wie auch immer: Die 37 Minuten, bzw.
neun Stücke bollern mal wieder mächtig aggro
und angepisst aus den Boxen. Klassischer Thrash
à la Slayer, Testament oder Pantera trifft auf neuere
Schule. Dazu gibt es die gewohnte Mischung
aus Gitarren-Keule, Grooves und Midtempo. So
ein bisschen avancieren Hatesphere damit zu
den AC/DC des Thrash-Death, aber vermutlich
gibt es auch und gerade im Knüppel-Genre weniger
ehrenvolle Vergleiche…
9 Punkte
JOBRY
HAVOK – TIME IS UP
(Candlelight/Soulfood)
Das Quartett aus Colorado
feuert auf seinem zweiten
Album zehn amtliche Thrash-
Songs ab. Roh und energisch
einerseits, ordentlich strukturiert
und mit einem ordentlichen Maß an Abwechslung
andererseits. Die Chose klingt wie
junge Exodus, Slayer zu Show-No-Mercy- und
Hell-Awaits-Zeiten plus ’ner Prise Demolition
Hammer. Oha, Szene-Fans wissen spätestens
jetzt: Reinhören ist Pflicht. Klar sollte allerdings
sein, dass die Amis das Rad in den 42 Minuten
nicht neu erfinden (können), aber die Unbekümmertheit
und Leidenschaft gleichen die zuweilen
mangelnde Originalität adäquat aus. Wüsste ich
es nicht besser, würde ich die Kerle direkt in die
Bay Area verorten. Abzug in der B-Note gibbet
einzig für das etwas zuuu thrashige Cover, ansonsten
sehr ordentlich.
11 Punkte
JOBRY
HEMENDEX – RESET 2
(Geenger Records)
2012 I #35 I reViews 31
Mit ihrer zweiten Studio-EP
wandeln die Kroaten unbeirrt
den seit der 2008er Gründung
gestarteten Trip weiter
und präsentieren eine neckische Mischung aus
Ladytron, Pouppée Fabrikk, frühen Young Gods
und gitarrenfreien Ur-Ministry, nehmen sich dabei
aber nicht allzu ernst. Der völlig unverkrampfte
Bastard aus Indie, New Wave, Post
Punk und analoger EBM erfrischt mit Nostalgie-Feeling.
Oft wohnt den Stücken eine Amiga
500-Atmosphäre inne, wie zum Beispiel in „Have
a nice Weekend“, und diese minimalistische Haltung
in Verbindung mit exzellentem Songwriting
tut gut im Mehrmehrmehr-Dschungel. A propos
mehr: Wenn man die CD in den Schacht des PC-
Laufwerks einlegt, darf man feststellen, dass die
gesamte EP sowie der Vorgänger „Reset 1“, die
Live-EP „Life is not a Soundcheck“ und so einige
visuelle Schmankerl aller Art auf ihr enthalten
sind. Ja sind die nicht lieb zu uns?
10 Punkte
Chris P
HERZPARASIT –
FROMME LÄMMER
(Echozone/Bobmedia/Sony)
Aus einem Text der Homepage:
„Zeige auch Du, wie
vergiftet Du bist und gewinne
ein exklusives Fanpaket + ein
einzigartiges Online-Liveinterview, bei dem Du
HERZPARASIT all Deine Fragen...“, und so weiter.
Schon klar. Mach Disch nackisch. Hast Du
Brustimplantate? Zeig mir, wie vergiftet Du...
Stopp, Herr Neunert. Das geht doch nicht.
Und ob, Klappe. Buuuuh, wie böse ist das
denn? Mädchen Angst machen, hab ja auch was
Schwarzes an, damit man mich satanisch –
Schluss! Aus! Es reicht völlig aus festzustellen,
dass dieses Machwerk aus brunftigem Schlagergewinsel
und schwachbrüstigen Hardrockvocals,
Electrogezicke von der Stange und maximalbanalen
Midtempheavygitarren in etwa so
spannend ist, wie eine Readers Digest-Ausgabe,
Gott oder wem immer sei Dank, nie veröffentlichter
Rammstein-Songs. „Ich bin das Alpha-
Tier!“, versucht der Herr hier gerade, böse zu
klingen. Selten so gelacht. Dieser böse Wolf ist
ein verkleidetes Schaf und wurde während Ihrer
Abwesenheit softlanweich gewaschen. Und jetzt
ab unter die Schermaschine, Böckchen.
2 Punkte für den Drummer.
Andrasch Neunert
HI-LO & INBETWEEN –
WE ARE NOT THE WIND
(Beste! Unterhaltung/
Broken Silence)
Was wäre der wilde Westen
wohl friedlich gewesen, wenn
die finnischen Hi-Lo & Inbetween damals existiert
hätten. Rauchende Kräuterzigaretten statt
Pistolen. Gespräche bei einem Tee zu zweit statt
Duelle. Gerechtes Teilen statt egoistischer Zockerei.
Große rosa Wattebäusche statt Tumbleweed.
Lieblich, heimelig und entspannt schmeichelt
das dritte Album der Nordeuropäer den
Ohren und dieser charmante Mix aus Folk, Americana,
Country und dem drolligen Akzent Juha
Mäki-Patola’s, der hier und dort auch von Liina

32 reViews I #35 I 2012
Mäki-Patola unterstützt wird, hat schon etwas.
Schade nur, dass der Band im letzten Albumdrittel
ein klein wenig die schöpferische Puste ausgeht.
10 Punkte
Chris P
HORDE OF HELL – LIKDAGG
(Blooddawn/Regain Records)
Klar, wer sich Höllenhorde
nennt, muss infernalischen
Krach machen. Black Metal
also. Na ja, ein bisschen mehr
Struktur und Originalität
würden aber auch diesen Höllenhunden aus
Schweden gut tun. Dahinter steckt übrigens Eigenbrötler
Odhinn (u. a. In Battle) und eine Schar
anonymer Musiker. Die 58 Minuten bestehen
meist aus Marduk-Midtempo und Satyricon-Lava-Sound,
zwischendurch gibt es Höllen-Hörspiele
und das ein oder andere Bathory-Riff recyceln
die Kerle gleich mit. Abgesehen davon,
dass diese Mischung nicht gerade neu ist, stört
der massiv übersteuerte Sound. Der soll wohl
böse klingen, kommt aber ziemlich anstrengend.
Er führt auch nicht gerade dazu, dass die zwölf
Stücke des zweiten Schwedenhappens hängen
bleiben. Im Laufe der Spielzeit verkommt „Likdagg“
mehr und mehr zu einem Grundrauschen
zwischen Staubsauger und Wasserkocher. Vielleicht
ein Album für Menschen mit Haushaltsgerätegeräusch-Fetisch?
3 Punkte
JOBRY
ISOLATED – ANTISTYLE
(District 763 Records
/New Music)
„Die Musik ist beeinflusst von
Hardcore, Punk und ganz viel
Spaß“, heißt es schlicht im
Waschzettel zu dieser CD. Den Spaß nehme ich
den Kerlen aus Quedlinburg schon ab, allerdings
klingen die 15 Stücke auch ganz schön wütend.
Im Prinzip pendelt „Antistyle“ zwischen Agnostic
Front und Rawside. Passend dazu gibbet aggressiven
englisch- und deutschsprachigen
Hardcore zu Gehör. Der lässt sich bekanntlich
nicht neu erfinden, jedoch durchaus mal besser,
mal schlechter wiederkäuen. Isolated verrichten
hier absolut solide Arbeit und es verwundert wenig,
dass man sich seit der Gründung 1993 u.
a. im Vorprogramm von Sick Of It All, Agnostic
Front oder Madball verdingen durfte. Textlich gibt
es ’ne klare Position gegen Kommerz und Szenetrends
und für Offenheit und Toleranz. Ebenfalls
positiv: Trotz harter Töne lachen einen die
Musiker auf den Fotos entspannt an, zudem gibt
es mit „Where Eagles dare“ eine Misfits-Cover-
Version, die nicht ganz in die stilistische Ausrichtung
der Band passt, aber dennoch als gelungen
bezeichnet werden darf.
9 Punkte
JOBRY
JEALOUSY MOUNTAIN
DUO – NO. 1
(bluNoise/Alive)
Kurz vor Deadline rutscht mir
hier noch Neues vom Berufsverrückten
und Tausendsassa
Jörg A. Schneider rein. Nach Fischessen und
Tarngo wird nun also unter dem Namen Jealousy
Mountain Duo der Projektgedanke weitergelebt.
Diesmal mit dabei: Gitarrist Jens Berger.
Zu zweit werden Improvisationen geboten, die
ihre Wurzeln im Jazz haben und recht frickelig
daherkommen. Das große Plus der Platte ist dabei
ihre Unmittelbarkeit. Als würde man neben
den beiden Freigeistern im Aufnahmeraum sitzen,
meint man quasi live mitzuerleben, wie sich
die Songs aus dem Nichts aufbauen, die Musiker
die Improvisationen fließen lassen und sich
alles letztendlich immer wieder neu zusammenfügt.
Das muss man hören, um es zu verstehen.
entzieht sich jedweder Wertung
Jochen Wörsinger
JIM JEFFRIES –
COMING TO GET YOU
(I Sold My Soul/Edel)
Nimmt man nur die Bilder der
CD zum Maßstab, scheint Jim
Jeffries ein ganz schön eitler
Poser zu sein. Aber der 40jährige
Engländer kann mehr, als nur wichtig in
die Kamera zu glotzen: Nämlich Gitarre spielen
und singen. Und da JJ den Rockabilly quasi
mit der Muttermilch aufgesogen hat, gibt es
hier 43 Minuten lang 14 Stücke zwischen angecashter
Slideguitar-Wild-West-Romantik, klassischem
Rock ’n’ Roll im Elvis-Stil und eben treibendem
Rockabilly. Eine hübsche Mischung,
die Jeffries und seine Mannen mit viel Herzblut
und Liebe zum Detail vortragen. Klingt zudem
kein bisschen angestaubt, weil die Band nicht
mit der Brechstange dem Retro-Sound hinterher
hechelt. Und eine Rockabilly-Coverversion von
„Don’t Go“ (Vince Clarke, bzw. Yazoo) ist mir bislang
auch noch nicht zu Ohren kommen. Funktioniert
aber das Teil – genau wie das komplette
Album.
10 Punkte
JOBRY
KADAVRIK – N.O.A.H
(Sonic Attack/Soulfood)
Melodic-Death-Metal
aus Westfalen: Das Quartett
liefert sauber produzierte 45
Minuten zwischen Dark
Tranquility-Melodik, Sample-Teppichen, Cradle-
Of-Filth-Black-Metal und minimalen Morbid-Angel-Technikanleihen.
Zwischendurch recyceln die
Kerle auch mal ein Bathory-Gedächtnis-Riff. Es
steckt also relativ viel drin in den elf Stücken von
Kadavrik, übrigens vier Mal auch deutsche Texte.
Die sind aber bei der Art von Musik naturgemäß
nur bei konzentriertem Hören als solche zu verstehen.
Sänger Niklas Preach bezeichnet das
dritte Werk der Band als ein „vertontes, antiutopisches
Endzeitszenario“. Na ja, ganz so düster
geht es nun auch nicht zu, vielmehr ist N.O.A.H.
ein unterhaltsames Potpourri aus verschiedenen
etablierten Stileinflüssen harter Musik. Neu erfunden
wir das Rad in Westfalen nicht, aber es
rollt durchaus passabel und weitgehend rund.
9 Punkte
JOBRY
KIESGROUP –
SHANTYCHRIST
(Tumbleweed/Brokensilence)
Manchmal zählt ja der
Gesamteindruck. Da wäre
zunächst das absolut als
geschmacklos einzustufende Cover. Dann ein
Begleitschreiben, das auf einer Länge von gefühlt
1000 Wörtern (mir war’s ehrlich gesagt zu
blöd, genau zu zählen) nichts anderes ist, als
sinnentleerter, pseudointellektueller Dünnschiss.
Okay alles nur Oberflächlichkeit, lediglich Paratext
– es geht hier ja schließlich um die Musik!
Und naja, was soll ich sagen? Die kann sich
auch nicht wirklich entscheiden, ob sie nun Fahrstuhlpop
im Stile eines Peter Licht sein will oder
doch lieber die dunklen, düsteren und teils auch
absichtlich nervenden Elektroexperimente eines
Hans Platzgumer nachahmen möchte. Und zwischendrin
auch noch der ein oder andere Punk-
bzw. Hardcore-Song. Schingeling, schalala. Fertig
ist etwas, das manche sicherlich als Kunst
bezeichnen. Leider finde ich zu dieser persönlich
aber keinen Zugang. Ach, ist das herrlich, etwas
mal so richtig subjektiv scheiße zu finden.
1 Punkt (weil’s ja immerhin Musik ist)
Jochen Wörsinger
KOFFIN KATS –
OUR WAY AND THE
HIGHWAY
(I Hate People/Edel)
Gibt es so etwas wie
positiven Rockabilly?
Wenn ja, dann spielen ihn die seit 2003 aktiven
Koffin Kats aus Detroit. Das Ami-Trio überzeugt
auf seinem vierten Album mit einer tollen Mischung
aus Melodie und Energie. Die 36 Minuten
kommen mit Viel Schmackes, „“Ohhs und
„Ahhs“ sowie – der Abwechslung zuliebe – auch
zwei, drei gebremsten Nummern daher. Stilistisch
erinnert die Chose mehr als einmal an Rezurex.
Stimmlich erinnert Fronter und Upright-
Bassist Vic Victor ein wenig an Blitzkid. Letztlich
aber sind die Koffin Kats die Koffin Kats und die
leben ziemlich gut von der gleichermaßen melodischen
wie klaren Stimme Victors. Fast ebenso
wichtig: Der zumeist treibende, popotretende
Grundrhythmus der KK-Kompositionen. Die führen
dann zu Hits wie „Severing Ties“, Keep It Coming“
oder „Choke“. Kurzum: Ein ganz starkes
Album. Zu diesem rassigen Rockabilly-Rennpferd
kann man Andre von IHP wirklich nur gratulieren.
13 Punkte
JOBRY
LOADED –
BLOODSHOT FORGET-
ME-NOTS
(Rookie/Cargo)
Gute-Laune-Punkrock
mit Ska-Einflüssen.
Auf ihrem fünften Album zocken die Mannheimer
um Exil-Amerikaner Nick melodisch-schwungvollen
Punkrock im Stile von NUFAN, ein bisschen
The Clash und einem ordentlichen Schuss
Operation Ivy. Auch das The-Alarm-Cover „68
Guns“ kommt nicht von ungefähr. Hinzu gesellen
sich in den 36 Minuten neuerdings auch einmal
Western-, bzw. Rockabilly-Anleihen („Sons
of Lee Marvin“). Das verleiht dem Trio stilistisch

einen noch bunteren Anstrich und sorgt durchaus
für Kurzweil. Zuweilen driften die Dame
am Schlagzeug und die zwei Kerle zwar einen
Tick zu sehr ins Cheesige ab, andererseits bietet
„BFMN“ einen ganzen Sack voll eingängiger
Melodien, ganz vorneweg „Welcome To Calgary
Manor“ und „Rebel Romance“. Positiv ansteckend.
11 Punkte
JOBRY
LOS BASTARDOS
FINLANDESES –
SAVED BY ROCK N ROLL
(100% Record Company)
Ähnlich wie ihre Landsleute
von Lordi setzen die Helsinki
Headbanger auf einen bunten Rock-Cocktail mit
allerlei bekannten Zutaten, allerdings ohne Maskerade.
Die 39 Minuten bieten reichlich Déjàvus:
Bands wie Kiss, Twisted Sister, Van Halen,
ZZ Top, Lynyrd Skynyrd und Slade schimmern
in den elf Songs an allen Ecken und Enden
durch. Aber die Finnen sind pfiffig genug, dieser
Rock-Melange zumindest einen kleinen Eigenanteil
beizumischen, etwa durch das angenehme
kratzige Organ von Fronter El Taff. Das
Ergebnis pendelt irgendwo zwischen Party-Metal
und leichter Hardrock-Kost. Nicht ohne Charme,
wenngleich nicht jedes Stück so zielsicher den
Puls in die Höhe treibt wie etwa „Twin Sister“.
Sympathisch aber, dass die Band sich selbst
nicht allzu ernst nimmt und vor allem eines vermitteln
will: Den Spaß am (Hard)Rock. Mission
erfüllt, liebe Bastarde.
9 Punkte
JOBRY
LOVE A –
EIGENTLICH
(Rookie/Cargo)
Muss eine Oktave
reichen? Darf sie?
Wenn das einfach so
geil vorwärts rockt,
wie Dackelblut zu
seinen besten Tagen?
Wie die wüste
Anarchoversion der
Schneller Autos
Organisation, wie die
Indiepop-Variante der
Ton Steine Scherben
...
? Viel Sprachgesang,
viel gut temperierter
Ärger, nein, Traurigkeit
über das, was
manche Leben nennen,
viel Hoffnung
auf neue Perspektiven
und „alles, was
Ihr heute sagt, war
gestern schon gelogen...“.
„Was denkt
Ihr Euch?
Denkt Ihr denn überhaupt?“
Tja, gute Frage. Der nicht zu smart hervorsprudelnde
Ekel an der Realität der „Vegetables“
(Danke, Bernhard Vesper!), der spätkapitalistischen
Massenverblödung ist subjektiv und
selbstkritisch genug formuliert, um zu sitzen.
Und das, was Love A, die frühere Trierer Love
Academy, hier formulieren, ist natürlich mit der
Hamburger Schule verbunden, wenn man nicht
primär an Kettcar denkt, die hier ausdrücklich
gedisst werden, sondern eher Marr oder Escapado.
Das hat Haltung, ist echt und warm und
biestig und nett gemeint und doch kompromisslos
und immer gespannt auf die Story hinter der
nächsten Ecke, egal, ob in der U-Bahn oder an
der Supermarktkasse. Das ist wach und macht
wach. Und wenn jetzt, siehe oben, noch ein wenig
mehr Formenreichtum dazukommt, ohne von
einem Mehr an Möglichkeiten sich zu L’art pour
l’art verführen zu lassen – Jungs, da hab ich bei
Euch so gar keine Angst vor – wenn also das
Ganze noch’n Tick bunter wird, dann ist es Referenz
für mindestens eine Musikergeneration.
Oder wollt Ihr etwa Geld verdienen damit? Echt?
Kicher. Dabei hättet Ihr das echt verdient. Aber
welche Industrie lässt sich zu fröhlichem Garagenpoprock-Uptemp
den Ast absägen, auf dem
sie selber... Ach, das kommt erst noch? Und die
sollen es auch noch selbst... Hab ich jetzt zu viel
verraten? Macht Ihr jetzt auch noch ’nen Song
über uns, die Nachbarn auf der anderen Seite?
Wir legen auch kein Kettcar auf, bei der Hinterhofparty,
wenn Ihr vorbeikommt, obwohl wir die
mögen. Versprochen.
12 Punkte
Andrasch Neunert
MARVPAUL –
ES GIBT HIER NICHTS
ZU TUN, ABER ETWAS
ANDERES GIBT ES
AUCH NICHT
(Eigenverlag)
2012 I #35 I reViews
Sie sind ja noch so jung, und schon so gut. Im
Spannungsfeld zwischen Pianolyrik wechselweise
Keyboard-Retrospace mit kracherten Indierockgitarren
und Drums, die tendenziell immer
ein wenig schneller wollen als sie dürfen,
mäandert die ein wenig, aber nicht zu weinerlichwütende
Stimme eines früh Desillusionierten aus
meinen Boxen. Und hat offensichtlich zwischen
Sven Regeners balladesker Poesie und den ärgerlichen
Selbstbehauptungsattacken eines Rio
Reiser mit ’nem gehörigen Touch Kompromisslosigkeit
und selbstreferentieller Verliebtheit in epische
Verrätselungen ein sehr eigenes Plätzchen
entdeckt, in dem sich wiedererkennbar deutschsprachig
rocken lässt. Das ist ganz schön neu
und verträgt auch kleinere Stolpereien blendend,
stehen doch Echtheit und rotziger Charme
über allem. Ich empfehle, einfach weiter zu machen
und sich keinesfalls die Kanten abschleifen
zu lassen, nur halt durch technischen Fortschritt
die schon bemerkenswerte Flexibilität und
Bandbreite an Ausdrucksmöglichkeiten zu erweitern.
Sehr aussichtsreich sind die Jungs. Partyrock
mit Hirn. Selten. Nicht nur in dem Alter.
Sind ja noch so jung. Ganz schön frech. In der
Münchner Schule ist das Direktorat gefallen. Es
herrscht schwitzige Anarchie. Das sollte sich bis
nach Hamburg ’rumsprechen.
12 Punkte
Andrasch Neunert
33

34
reViews I #35 I 2012
MAUD – S/T
(Ampire/New Music)
Kennt Ihr noch North Of
America, die Indierocker, die
einst wüsten Stonerrock mit
Indieschrägen und bewusst
unperfekt gehaltenen Gesangslines zum Gegenentwurf
der gelackten Normierung austauschbarer
Massenprodukte entwickelten, die bei jedem
Song die Instrumente durchwechselten, um
jeglicher Entfremdung vorzubeugen, spontan und
unberechenbar zu bleiben, auch für sich selbst?
Und kennt Ihr noch den wüsten Noiserock von
Mars, die einst Versammlungen von Langhaarigen
in wilde Tanzsäle verwandelten, die hemmungslos
von einer krachigen Überraschung zur
nächsten getrieben wurden?
Verbindet das mal, von den Instrumentenwechseln
abgesehen. Maud sind eine angejazzte,
wütend gegen den Mainstream rockende Neuentdeckung
aus Bavaria, sind ein brachialer
und zugleich filigraner Angriff auf tradierte Hörgewohnheiten,
sind biestig und majestätisch zugleich.
Wie geil ist das denn. Sollte je ein Spielfilm
über einen liebevollen Kampfhund gedreht
werden, der ein ganzes Dorf aufmischt, ohne
dass Blut fließt, dann ist das hier dazu der passende
Soundtrack. Einfacher gesagt: Das atmet
Größe! Und, mal so am Rande bemerkt: Die Blu-
Noise-Abteilung sollte das mögen... Herr Lucas:
Übernehmen Sie!
13 Punkte
Andrasch Neunert
ANAЇS MITCHELL –
YOUNG MAN IN AMERICA
(Wilderland Records/Soulfood)
Wenn Dir für ’ne Folkoper im
Guardian, der Sunday Times
und im Observer gleichzeitig
die Ehre zuteil wurde, in den Jahresbestenlisten
Preise abzuräumen, was dann? Dich neu erfinden?
Kommt bei unserer Weltenbummlerin nicht
in Frage. Sie ist, wie sie ist, bringt Geschichten
mit nach Hause und erzählt. Nein, diesmal geht
es eher um „Back to the roots“, verzichtet Mitchell
zunächst auf die große Oper, geht mit kleinerem
Gerät zu Werke und – singt in einem kleinen,
feinen Epos alle Rollen selbst. Es geht diesmal
um einen jungen Mann, der, angeekelt vom Erfolg,
letztlich vergeblich nach Erfüllung sucht, den
nichts mehr wirklich kickt oder gar erfüllt... Anais
Mitchell über ihren tragischen Helden: „Alcohol,
fame, money, sex, – nothing satisfies him. He’s
desirous and very sad.“ Und mit all den Gastmusikern,
die auch dem Di Franco/Mitchell-Kosmos
entstammen, wird es dann doch recht bunt und
ein bisschen viel Geflirre macht sich breit, nur
wenige Minuten lang. Tolle Geschichte ist das,
was sie erzählt, und sie umschifft dann doch wieder
genial die Gefahr, durch zu viel Chichi ihrer
eigenen schönen Geschichte die Aufmerksamkeit
zu nehmen. Das hat dann wirklich Größe.
Wie schön das Banjo von Brandon Seabrook.
Und Todd Sickafoose, ihr treuer Produzent und
Pianist, er ist ihr mindestens ebenbürtig, ihm gehört
die Hälfte des Ruhms, wieder einmal. Nur
die Uptemp-Abteilung, da überfährt sie sich wieder
mal ein wenig selbst. Eine Rockerin muss ja
auch nicht mehr aus ihr werden. Sie hat andere
Stärken.
11 Punkte
Andrasch Neunert
MOSFET –
DEATHLIKE THRASH’N’ROLL
(Refused Records)
Diese Ösis aus Marchtrenk
wandeln schwer auf den
Spuren von The Crown, heißt:
Sie reichern zumeist schnellen Thrash mit Death
und Roll an – so gesehen trifft der Albumtitel
zu. Zwischendurch holen die Alpenstaatler mit
diversen Riffs und Soli auch Freunde älterer Slayer
und The Haunted ab. Ist nicht ohne Charme
diese Mischung, landet auf der Originalitätsskala
allerdings eher auf den hinteren Plätzen, auch
in puncto Langzeitgedächtnis. Daher sind diese
knapp 42 Minuten, bzw. 13 Stücke eine Frage
der Priorität: Wer sich bekannte Zutaten gerne
(mehr oder weniger) neu abschmecken lässt,
sollte „DTR“ mal auf dem Speisezettel notieren.
Für Freunde gehobener Gourmet-Küche mit innovativen
Ansprüchen dürfte das Album eher
Fastfood-Charakter besitzen.
7 Punkte
JOBRY
MOST WANTED
MONSTER – BIPOLAR
(District 763/Cargo)
Ich hab es ja schon nicht mehr
für möglich gehalten, dass da
Jungs daher kommen, die es
schaffen, dem guten alten
melodischen Powerheavy neues Leben einzuhauchen
und mal wirklich eine neue, innovative
Mischung zusammenzukomponieren. And here,
ein neues Label aus dem Südwesten der Republic
proudly presents: Feinen vorwärtstreibenden
Emo mit Powergeschrei, Hardrockrums in der
Rhythmik plus Hardcoregitarre (SEHR geil!),
Postrockteppiche, Popchoräle, Electro – und ein
gern mal kurz trillerndes Piano, das bisweilen ein
bisschen viel will, aber in den traurigen Passagen
wirklich schön ist, just that. Guter Gesang,
wichtig in dem Genre. Sehr gutes Handwerk,
und wenn das alles in seiner raffinierten Vielschichtigkeit
live genauso klappt, dann hat das
den Hard ’n’ Heavy-Innovationspreis verdient
und man könnte ähnlich Lustiges erleben, wie
einst bei Waltari-Konzerten: Indie- und Postcorefreunde,
die sich im Metalpublikum nicht unwohl
fühlen. Bei solchen Shouts, solchen pfiffigen
Klangüberraschungen in Serie, die nie Selbstzweck
sind, sondern ein berechtigtes ganz klein
wenig selbstverliebt und ganz schön soundsexy
ein Fest der Variabilität feiern, ohne je den
Grundrumms und vorwärtsweisenden Beat zu
verlieren, wenn man mal von ein, zwei etwas
holprigen Digital-Analog-Flows absieht. Tja, wären
auf der Meckerseite nur die reichlich ausbaufähigen
Englischkenntnisse. Falsche Lehrer?
Urlaub in den Staaten, Bay Area!!! Aber das
führt beim Erstling nicht zur Abwertung, ihr seid
in Karlsruhe ja schon gestraft genug mit dem
KSC...
Also, Freunde der Tonkunst: Das rockt fett, hat
Stil, ist Klasse und ich empfehle die Band mit
Entschiedenheit für höhere Aufgaben. Chapeau,
Jungs!
12 Punkte
Andrasch Neunert
MOTÖRHEAD –
THE WÖRLD IS OURS VOL.
1 – EVERYTHING FURTHER
THAN EVERYPLACE ELSE
DVD/2 CD
(Motörhead Music/UDR/EMI)
Dass Lemmy (66 Jahre…) und Co. unkaputtbar
sind, haben sie oft genug bewiesen. Und
wer es immer noch nicht glaubt, möge sich diese
Dreifach-Ladung zu Gemüte führen: Die DVD
dokumentiert das 35-jährige Jubiläum – aufgenommen
von Banger Films und Sam Dunn (Iron
Maiden, Flight 666, Rush, Beyond The Lighted
Stage) und gemixt vom langjährigen Motörhead-Produzenten
Cameron Webb. Es handelt
sich um ein komplettes, 90-minütiges Konzert
aus Santiago de Chile vom April 2011 – 17
Stücke, übrigens gefilmt in Schwarz-Weiß. Das
gibt der Sache eine gewisse Aura der Zeitlosigkeit
– der passende Rahmen für diese Rock ’n’
Roll-Urviecher. Dazu gibbet noch je etwa 25-minütige
Mitschnitte von Konzerten aus New York
und Manchester. Bei „Killed by Death“ taucht
Doro Pesch auf, die ja schon seit Jahren dicke
mit Lemmy ist. Neben Band-Klassikern wie
„Ace Of Spades“, „Overkill“ oder „Over The Top“
kommen auch Stücke vom letzten Album „The
Wörld is Yours“ und eher selten zu Gehör gebrachtes
wie „In the Name of Tragedy“ oder „Just
‚cos You got the Power“ zum Zuge. Die beiden
CDs bringen es jeweils auf eine knappe Stunde
Spielzeit und runden damit den ersten Teil des
Motörhead-wunschlos-glücklich-Pakets gewohnt
knarzig ab. Oder um es wie Lemmy zu sagen:
„We are Motörhead and we play Rock ’n’ Roll!“
Keine Wertung
JOBRY
NEMHAIN – THE MURDER MILE-EP
Download
Starke Zwischenmeldung der Rocker um Paradise-Lost-Drummer
Adrian Erlandsson und seiner
Amber: Als Vorgeschmack auf das nächste Album
funktioniert die 16-minütige EP vorzüglich.
Den Anfang macht eine kaputte Slidegitarrenversion
von „Bad Moon Rising“ – könnte auch von
Marilyn Manson stammen. Danach gibbet zwei
tighte Punkrocker um die Ohren und ein zäher
Bastard in bester Danzig-/Black Sabbath-Tradition
beschließt den Kurztrip düster. Eigentliches
Highlight ist aber das Rotzorgan von Amber, die
positiv an Nina von Skew Siskin erinnert. Das
Beste kommt wie immer zum Schluss. Das Teil
könnt ihr kostenlos unter www.tiefdruck-musik.
de herunterladen.
Keine Wertung
JOBRY
NITROGODS – NITROGODS
(Steamhammer/SPV)
Leute, was soll ich schreiben.
Das ist keine Motörhead--
Scheibe, auch wenn das an
manchen Stellen durchkommt.
Das sind NITROGODS – und die brauchen sich
vor niemandem zu verstecken. Gestandene Musiker
mit langjähriger Erfahrung lassen ein Teil
auf uns los, bei dem Schmidt‘s Katze sich aber
einen Düsenjet unter die vier Pfoten klemmen
müsste, um mithalten zu können. Zwölf Songs,
die dich an die intimste Zone packen und einen
Rock-Adrenalinschub nach dem anderen entfa

chen. Ob midtempomäßig wie bei „At Least I‘m Drunk“, wenn die
Slide-Gitarre ausgepackt („Lipsynch Stars“) oder man eine 3-Minuten-it‘s-only-rock-n-roll-Nummer
(„Gasonline“) zum Besten gibt
– hier wird klar: Das ist THE NEXT BIG THING! Und die kommen
aus good old Germany! Mehr gibt es nicht zu schreiben, das Teil
rockt die Sau in den Kuhstall!
14 Punkte
Carsten Klenke
NITROVOLT – ROCK ’N’ ROLL COMMANDO
(I Hate People/Edel)
Sie sind jung und brauchen den Rock ’n’ Roll:
Die Kölner Nitrovolt galoppieren in knapp
33 Minuten durch zwölf High-Energy-Songs.
Die Paten sind offensichtlich:
Peter Pan Speedrock, The Carburetors und The Chuck Norris
Experiment – Hauptsache flott also. Verschnaufpausen gibbet
auf „Rock ’n’ Roll Commando” folglich nicht, stattdessen regiert
chronisches Popo-Treten. Im Detail mangelt es den Rheinländern
allerdings (noch) an musikalischer Variabilität und den großen Mitgröhl-Refrains.
Fans genannter Bands dürfte die Mischung aus
treibendem Punk ’n’ Roll und Speedrock dennoch so gut einlaufen,
wie ein kühles Blondes an einem heißen Sommertag.
8 Punkte
JOBRY
PENCILCASE –
KANSAS CITY SHUFFLE
(Xochipilli/New Music Distribution)
Diese singenden Federmäppchen fühlen sich
von US-Melodic-Rockern wie den Foo Fighters,
Audioslave oder Puddle Of Mudd angespitzt,
öhm, angestiftet. Die Inspiration hat so gut geklappt, dass die Aachener
meist authentisch US-amerikanisch klingen, teils gar wie
eine unpeinliche Nickelback-Ausgabe. Man benannte sich nach
einem Zitat von Mr. Goodkat aus dem Gangsterthriller „Lucky #
Slevin“: „Ein Kansas City Shuffle ist, wenn alle Welt nach rechts
guckt, während du links rum gehst.“ Seither sind an die 400 Live-Auftritte
(z. B. bei Rock am Turm, eine Rockpalast Show oder
Support für Samiam) sowie aktuell das bereits zweite Album im
Kasten. Und Letztgenanntes macht rundum Laune: „Freaks“
ist ein punkig loslegender Kick-Starter, „Dig“ eine twangige Mischung
aus Radiorock und Hüpfcore mit tollem Intro und das Titelstück
„KCS“ hat „Rollin’“-Qualitäten, die selbst aus meinem
Daihatsu Curare fast eine V8-Stretch-Limo machen. „Memory
Milestones“ hat ein Southern Rock-Flair (doch keine Sorge: Wer
die Beatsteaks coverd, kann eigentlich kein Redneck sein), bei
„Faultline Stories“ kriegen 3DD die Tür nicht zu und „Say Goodbye“
schließlich erinnert sogar ein wenig an die sehr großen Tragically
Hip. Dazu kommt noch Lebenshilfe wie „How To Shit In
The Woods“, ein abgedrehtes Wald-Cover mit einem lang entbehrten
„Parental Advisory“-Sticker – Herz, was willst du mehr?!
11 Punkte
Klaus Reckert
THE PORTERS –
RUM, BUM & VIOLINA
(Cargo Records)
Wenn sich deutsche Bands an Folkrock/-punk
versuchen, geht das meistens ganz schön in
die Bux, aber, lieber Leser, sei beruhigt.
Diese Düsseldorfer Band zieht sich gar nicht mal so schlecht aus
der Affäre. Im Vergleich zu den beiden Vorgängerscheiben bewegen
sich die vier Herren und die Dame allerdings musikgeographisch
noch ein ganzes Stück weiter weg von Irland, stattdessen
werden die Country- und Rock-Territorien intensiver
beackert, gerne aber auch der des Punk. Gerade dann erinnern
The Porters nicht zuletzt auch wegen Volkers Stimme ein wenig
an eine Lightversion der Dreadnoughts. Doch „Rum, Bum & Violina“
ist nicht zum Dauerpogo und -schwof gedacht, denn es
finden sich viele entspannte Momente auf dem Album. Hat man
2012 I #35 I reViews
sich an ein paar marginale Unzulänglichkeiten hinsichtlich Timing, Tightness, Tuning
und Englischaussprache gewöhnt, wird dieses akustische Rund zu einem gern gesehenen
Gast im CD-Schacht.
10 Punkte
Chris P
PSYCHOLOVE –
HARDCORE ROCK N ROLL
(Idle Star Records/SecretHell)
Harrharr … ein musikakustisches Werk aus meiner alten Heimatstadt
Oberhausen. PSYCHOLOVE! Es muss mächtig was hergeben, das
Geschehen in der Ruhrpottstadt, um solche Song saus dem Ärmel
zu schütteln. Sänger Mirk und sein musikalischer Bruder Jimmy verdeutlichen schon
mit dem Albumtitel “Hardcore Rock’n‘Roll” worum es geht. Die zehn Songs strotzen
nur so vor Energie und Kick-Ass-Rock’n‘Roll. Begrüßt wird man mit einem deftigen
“Fuck”! Hey … was haut ihr uns da um die Ohren!? Puren Rock’n’Roll mir der obligatorischen
schnulzigen Ballade. Also für Euch da draußen sollte klar sein: PSYCHOLOVE
sind schon zu Lebzeiten Kult! Wer seinen Rockohren eine Menge spaßigen und erdigen
Rock’n‘Roll bieten möchte, sollte sich diese Scheibe besorgen. Den Rest erledigen
dann PSYCHOLOVE.
12 Punkte
Carsten Klenke
ROTOR –
FESTSAAL KREUZBERG
(Elektrohasch)
Das war ja mal fällig, Rotor live. Und in der Homebase fehlte es
weder an Tagesform, noch an der nötigen Stimmung. Also, fetter
Stonerrock mit Indiecore- und sogar Metaleskapaden und det
35

36 reViews I #35 I 2012
Janze auf damned hohem Niveau. Man könnte
die Berliner ja fast beneiden, die dabei waren,
aber ein wenig dürfen wir nun wenigstens posthum
mitfeiern, Haare schütteln, abfahren, uns
immer schneller um uns selbst drehen, in den
raffinierten Varianten der Themen versinken und
kein bisschen irgendwelche Vocals vermissen
und die tonangebende Präsenz des Bassers bewundern
und - laut machen. Jetzt. Muss ja nicht
gleich schade finden, dass sie nicht noch ein,
zwei unbekannte Stücke lebendig gemacht oder
alte Bringer in neues Gewand gepackt haben,
wär’ nur schön gewesen, für die Fans, die die
Studioalben schon haben. So, jetzt halt ich aber
mal die Klappe und hör zu. Lohnt sich.
11 Punkte
Andrasch Neunert
ROTZKOTZ – MUCH FUNNY
(Sireena Records/
Brokensilence)
Meistens sind Re-Releases ja
der Teufel, doch ab und zu gibt
es doch sinnvolle solche.
Zum Beispiel dieses kleine
Juwel aus dem Jahre 1979. Was duftet es hier
nach ollen Ramones, den Sex Pistols, den
Kinks, den Stooges und The Clash, jaaa, es ist
einfach ein Fest. Noch mal eine dicke Nase einatmen,
aaah! An der Vier-Spur-Eigenproduktion,
die seinerzeit gerade mal 300,- DM gekostet
hat und der Band den Ruf der ersten deutschen
Punkband, die eine selbstproduzierte Scheibe
auf den Markt gebracht hat, einbrachte, wurde
nix geschraubt, und doch schiebt das um drei
Live-Bonustracks erweiterte Kultdebüt der 1976
gegründeten Hannoveraner Wave-Punk-Legende
so manch aktuelle, sich „punk“ schimpfende
Hightech-Veröffentlichung mühelos gegen die
Wand. Es ist ja schon ein wenig ein Fluch, wenn
man wie ich zu spät geboren wurde, denn mit
damals fünf Jahren auf dem schmächtigen Buckel
und eher geschmacksverwirrten Geschwistern
gab es seinerzeit keine Gelegenheit, das
frische Vinyl mit der Nadel des Plattenspielers zu
entjungfern. Doch der Fluch ist nun gebrochen,
wenn auch „nur“ in digitaler Form.
12 Punkte
Chris P
CLAUDIA RUDEK – S/T
(Finest Noise/Radar Music)
Claudia wer? Frau Rudek
markiert mit ihrem Debüt am
Singer-Songwriter-Baum und
gibt dabei eine durchaus
passable Figur ab: Stimmlich an Suzanne Vega
erinnernd liefert Rudek zehn folkig angehauchte
Nummern ab, die sich grob zwischen Bob Dylan
und Joan Baez verorten lassen. Dabei pendelt
Rudek zwischen Pop, ein bisschen Kitsch, Melancholie
und zuweilen interessanter Rhythmik.
In Summe fallen die zehn Stücke recht unterschiedlich
aus. Dieses relativ großzügige Spektrum
macht in Verbindung mit den vielen kleinen
Details innerhalb der einzelnen Stücke den
Reiz der 37 Minuten aus. Auf jeden Fall ein Album,
das an kalten Winterabenden durchaus ein
bisschen gefühlte Wärme in die heimische Stube
bringt.
9 Punkte
JOBRY
THE SAINT
JAMES SOCIETY –
PRAY FOR US
(Tee Pee/Ada Global)
Die Hippies sind wieder da:
Die MusikerInnen von TSJS
glotzen einen nicht nur durch Puck-die-Stubenfliege-Gedächtnis-Sonnenbrillen
an, sondern
liebäugeln auch musikalisch den späten 60ern
folgend. Die vier Stücke, bzw. 17 Minuten lassen
gefühlt so manche Dope-Fahne durch die Boxen
wabern. Ist mir eine Spur zu retro aber Dauer-Hippies,
die sich musikalisch zwischen Doors
und Led Zeppelin wohlfühlen, dürfen sich das
Teil auf den Einkaufszettel notieren.
Keine Wertung
JOBRY
SAMIAM – TRIPS
„I’ve been awake so long“,
diese Zeile (s)kandiert Jason
Beebout im herrlich noisigen
Aufmacher „80 West“ so
lange, bis das Mantra tatsächlich
so eine Art Überklarheit erzeugt, wie sie
Übernächtigung (oder Plattenrezensionsmarathons)
manchmal mit sich bringen kann. Gut so,
denn für diese Scheibe können wir jedes bisschen
Aufmerksamkeit brauchen. Beispielsweise
für endgültige Hymnen wie „Demon“, „How
Would You Know“ oder das Liedgold „El Dorado“.
Hiermit geht Ihr auf einen 40-minütigen Trip
von Punk über Pop bis zu Emo, der übrigens mit
Billie Joe Armstrong im Green Day-Studio eingefangen
wurde. Samian rule. Alle anderen tun nur
so.
13 Punkte
Klaus Reckert
SATURNIA –
ALPHA-OMEGA-ALPHA
(2CD)
(Elektrohasch)
Krautrocker. Brain-Jünger.
Sinnsucher. Legale Drogen-
FreundInnen, Verschwörungstheoretiker ohne
Verfolgungswahn. LSD-Hängengebliebene mit
Angst vor zu bösen Tönen. Indienfahrer ohne
feste Hotelbuchung und Nepalreisende ohne
Rückfahrtticket. Freunde des Kosmos und des
Majakalenders in der alten Ausgabe. Philosophen
aus Atlantis. Ätherische Spinnenmädchen vom
Planeten Betageuze. Langhaar-Fetisch-Schwule
mit Sinn für Stromgitarren und flirrendes Gefiepe
aus Eurer Drogenexperimentalphase. Klaus
Schulze und der Rest von Tangerine Dream.
Eberhard Schoener. Mani Neumeier und die ganze
Guru Guru – Blase. Blumenmädchen aller Länder.
Rick van der Linden und Jon Lord, wenn Ihr
Euch mal kurz wiederbeleben würdet. Modedesigner
für Außerirdische Besucher ohne Bewaffnung.
Alle mal herkommen. Und hören.
P.S.: Wen wir morgen wieder aufwecken aus der
unweigerlichen Trance, das darf unser portugiesischer
Ausnahmekünstler Luis Simões dann
ganz frei selbst entscheiden. Bin dann auch mal
weit weg.
13 Punkte
Andrasch Neunert
SCHWARZ –
ESPIRITUS DEL DESIERTO,
YO OS INVOCO
(bluNoise/Alive)
Schwarz ist ein vom Spanier
Alfonso Alfonso (sic!) im
Jahre 1997 ins Leben gerufenes Projekt, das
seinen Namen seinerzeit per Zufallsgenerator
aus einer Krautrock-Enzyklopädie entnahm.
Nicht nur das, sondern auch die Tatsache, dass
das hier vorliegende siebte Album der Band Vinyl
only (weißes Vinyl!!) veröffentlicht wird, offenbart
einen gewissen Charme und zeugt von der Liebe
zu dem, was man macht. Mit dem Signing von
Schwarz geht bluNoise unterdessen entschlossen
den Weg weiter, der schon mit der Veröffentlichung
von Tomzack beschritten wurde. Wie diese
loten sich auch Schwarz im Spannungsfeld
zwischen Krautrock, Drone und experimenteller
Improvisation ein. In diesem Sinne eine echte
Genre-Platte für Liebhaber und Sammler.
13 Punkte
Jochen Wörsinger
SHIRLEY HOLMES –
HEAVY CHANSONS
(Setalight/Rough Trade)
Uptemp, Mädels am Rocken
und Reimen. Plus ein Männeken.
Fett forward. A weng auffällig
krawallig bunt, der flotte
Dreier betreibt Crying for Compliments, aber egal,
das ist ganz schön frech und sexy, hat hohen
Partyunterhaltungsfaktor, ist allemal selbstironisch
genug, um nicht zu selbstgerecht zu wirken,
alles andere als doof, die Sprachwechsel erhöhen
Hype- und Partyfaktor gleichermaßen – und
also ist das zwar nicht eben die Neuerfindung
des Garagenmädelsrrrrocks und irgendwie gibt’s
das alles schon, aber es macht halt god damned
fun, and that’s the point, so lange es noch ein
paar Widerhäkchen gibt. Sonst wär’s ja doch nur
Überbauscheiße. Passt da ein bisschen auf, Mädels.
Wenn Springer Euch liebt, ist der Krawall
Modekacke, ist die Rrrriot nur der Name eines
Parfums und die Veranstaltung bedarf der Redefinition.
Einstweilen geht’s noch.
10 Punkte
Andrasch Neunert
SICK OF IT ALL – NONSTOP
(Century Media/EMI)
Der Album-Titel passt:
Die NewYorker Hardcore-Posse
existiert seit mittlerweile
25 Jahren und hat sich in
ihrer Karriere durch nichts
aufhalten lassen. Das nötigt Respekt ab, zumal
die Band bis heute durch absolute Bodenständigkeit
glänzt. Zum Jubiläum belohnt sich das
Quartett mit einer Neueinspielung seiner 20 besten
Stücke – zumindest nach dem Geschmack
der Musiker. Klar ist, dass SOIA tatsächlich eine
ganze Reihe Szene-Hits zustande gebracht haben,
stellvertretend genannt seien hier „Injustice
System!“, „Scratch The Surface“, „Just Look
Around“ und „Locomotive“. Die 35 Minuten zu
füllen, gehörte damit zu der leichtesten Übung.
Fast mehr überrascht, dass der nicht gerade als
szeneaffin geltende Tue Madsen den vier Unkaputtbaren
tatsächlichen einen räudigen und doch
transparenten Sound gezimmert hat. Der verleiht

einem das Gefühl, dass die Kerle gerade im heimischen
Wohnzimmer aufspielen. Bleibt einzig
ein winziger Schönheitsfehler: Ihren vermeintlich
größten Hit „Step down“ haben sich die Geburtstagskinder
tatsächlich geknickt…
12 Punkte
JOBRY
SISTER SIN –
ROCK ’N’ ROLL (Single)
(Victory/Digital Release)
Year, die GöteborgerInnen
werden ihrem Ruf als R ’n’ R-
Säue gerecht und nehmen
sich stilecht ’ne Motörhead-Nummer vor. Die gilt
zwar nicht unbedingt als der große Band-Hit,
aber in diesem Fall entscheiden Botschaft und
Attitüde. Und die stimmen: Liv röhrt herrlich rockig
und ihre männlichen Sidekicks an den Instrumenten
lassen auch nix anbrennen. Dass
Lemmys Kumpeline Doro auftaucht, also zwei
Damen eine Motörhead-Nummer interpretieren,
verleiht der Chose einen zusätzlichen Reiz.
Mr. Killmister jedenfalls wird das gefallen. Noch
was? Höchstens das: “I am in love with Rock ’n’
Roll, it satisfies my soul, if that’s how it has to be,
it ain’t so bad!”
Keine Wertung
JOBRY
SKELETAL DAMAGE –
FIRE AND FORGET
(Rising Records/Cargo)
Bis jetzt hielt ich Reinkarnation
ja für Hokuspokus. Nach der
Einfuhr von „Fire and Forget“
komme ich allerdings ins Grübeln. Skeletal Damage
aus England? Nee, das sind doch die eigentlich
längst aufgelösten Sacred Reich, die
sich ein paar Slayer-Riffs ausgeliehen haben.
Exakt so nämlich klingen diese 49 Minuten. Erstaunlich,
verblüffend, unglaublich – zumindest
für mich als bekennenden Sacred-Reich-Fan.
Wer also auf Innovationen in Sachen Thrash Metal
aus ist, kann sich wieder schlafen legen – damit
kann das junge Quartett nicht dienen. Dafür
aber mit neun Mal klassischen Kompositionen,
die vor allem durch markanten Gesang und gekonnte
Midtempo-Passagen überzeugen. Zwar
ziehen die Kerle ihre Stücke mit 6 bis 8 Minuten
zuweilen etwas zu sehr in die Länge, grundsätzlich
jedoch beweisen sie ein gutes Händchen
beim Song-Aufbau und der Riff-Auswahl. Ein
tendenziell zeitloses Album, das vor allem Traditionalisten
und old-school-Verfechtern Freude
bereiten dürfte.
11 Punkte
JOBRY
SARAH SOPHIE –
LOOKING FOR
PERCEPTION
(Flowerstreet/Alive)
Eine der Stärken der Flowerstreet-Popblase
in München
besteht darin, frühzeitig zwischen Pop, Folk und
Retro jungen Talenten eine Plattform zu geben
und sie familiär zu binden. Da muss nicht immer
alles perfekt sein, wichtig ist Authentizität und Talent.
Sarah Sophie ist eine jener jungen Singer/Song-
writerinnen, die dadurch früh eine Chance bekommen.
Ihre Songs sind hübscher, spärlich arrangierter
Folkpop, teils ein wenig austauschbar
und „schon gehört“ wirkend, teils aber auch fragile
Schönheiten, vor allem im zweiten Teil der
Platte.
Da ist nach oben noch eine Menge Raum offen,
aber auch schon eine Menge Talent erkennbar.
Weitermachen!
8 Punkte
Andrasch Neunert
SOLITUDE –
BRAVE THE STORM
(Fastball Music/Megaphon)
Retrosounds sind im
Metalbereich ja gera
de wieder schwer in.
Fast könnte man die Japaner Solitude auch in diese
Schublade stecken. Doch hier haben wir es
mit ein paar alten Hasen zu tun. Die Hälfte des
Quartetts war in den 80ern in Sacrifice (den japanischen
natürlich) zu Gange. So weit, so gut.
Nach zwei Jahren hat ihr zweites Album „Brave
the Storm“ nun auch den Weg vom Morgen- ins
Abendland gefunden. Zu hören gibt es kraftvollen
und traditionellen Heavy Metal mit eindeutigen
Wurzeln in der New Wave of British Heavy
Metal – typische Riffs und Hoppel-Bass inklusive.
Dabei geht die Band nicht den einfachsten
Weg und breitet ihre Songs gerne etwas weiter
aus. Am packendsten ist es dann, wenn der
Härtezeiger Richtung Thrash ausschlägt, oder
man auch Tribal-artige Sounds im Intro verarbeitet
oder zeitgemäß groovt. Leider klingt alles
ein wenig austauschbar und kommt nicht immer
so richtig auf den Punkt. Für den Wiedererkennungswert
sorgt dafür der kräftig kratzende und
gar „unjapanische“ Gesang. Gut zu hören, aber
insgesamt nicht ganz so zwingend. Für Genrefans
trotzdem interessant.
9 Punkte
Mario Karl
STONECREEP –
THE DEATHMARCH
CRUSHES ON
(Old School Metal/H’art)
Ursprünglich in 2009 in den
USA als EP erschienen,
pimpen Stonecreep diesen Rundling für Europa
mit zwei weiteren Stücken zu ihrem zweiten
Album auf. Der martialische Albumtitel führt in
die Irre – hier gibt es weder Death- noch Black
Metal, sondern kraftvollen Power-Metal. Dabei
haben die vier Amis aus Portland, Oregon,
vor allem Iced Earth verinnerlicht. Aber auch
eine Truppe wie Brainstorm kommt einem bei
den knapp 40 Minuten in den Sinn. Meist geht
es flott zur Sache, die Gitarrensoli sind ausladend
und vom Einsatz der Doublebass macht
das Quintett reichlich Gebrauch. Die Gitarrenarbeit
erinnert in den melodischeren Momenten
an Iron Maiden, in den weniger melodischen Momenten
an Children Of Bodom. Der im Waschzettel
gezogene Vergleich zu Motörhead und Accept
ist hingegen Humbug. Für Fans genannter
Bands solides Nackenmuskel-Trainingsfutter.
8 Punkte
JOBRY
EINAR STRAY –
CHIAROSCURO
(Sinnbus/Rough Trade)
2012 I #35 I reViews 37
Gibt es das heute noch?
Könnt ihr euch an die Zeit erinnern,
als die größte Freude
war, mit dem selbstgebastelten Schiffchen den
nächsten Bach aufzusuchen und fasziniert zu
beobachten, wie sich das Gefährt – falls nicht
sofort untergegangen – seinen Weg durch die
ruhig dahinperlenden Gewässer suchte – und
teilweise mit „gefährlichen Riffen“ und „Stromschnellen“
zurechtkommen musste?
Was nebst Konstruktionsleidenschaft noch benötigt
wurde, waren die kostbaren Güter Ruhe und
Zeit. Am besten ging das natürlich im Kindesalter,
in dem der Faszinationspegel dementsprechend
meist noch auf Anschlag stand. Hachja.
Gute alte Zeit. Oder einfach nur verklärte Erinnerung
...
Kennt ihr noch? Einar Stray sicher auch, trotz
seiner erst 21 Lenze. Hört man ihm keine Sekunde
an. Ebenso wenig seiner Begleitband, niemand
hat die 21 überschritten. Die Mädels und
Jungs liefern Indie-Folk-Epen der fortgeschrittenen
Art ab – im Fahrwasser Post-Rock mit Hang
zur orchestralen Opulenz. Ihr Debutalbum „Chiaroscuro“
ist die perfekte Vertonung zu den mitreißenden
Bacherlebnissen der Kindheit. Perlendes
Piano, Songs, die sich langsam aufbauen,
unglaublich angenehme Stimmen, alleine, im
Duo oder auch im Chor, tolle Arrangements, Instrumentierung
ohne Scheuklappen und ebensolche
Melodien. Dazu Texte voller Natur, Leidenschaft
und reflektiertem Aufbegehren. Und
vier von sieben Songs, die die 7-Minuten-Marke
durchbrechen. Was will man mehr?
Und wie es sich für gestandenen – wenn auch
junge - Norweger gehört, gehört natürlich eine
straffe Brise von hoffnungsgebender Melancholie
dazu. Einfach nur magisch. Auf Anschlag.
Es gilt jedoch: Man braucht Ruhe und Zeit – Chiaroscuro
ist definitiv keine Platte für zwischendurch
oder den kleinen Hunger. Eher für eine
größere nachhaltigere Sättigung!
14 Punkte
Matthias Horn
SUBVASION –
LOST AT FUNFAIR
(Major Label/Broken Silence)
Was dabei herauskommen
kann, wenn zwei sich zuvor
kaum, beziehungsweise ganz
unbekannte Kapellen – hier die beiden Guts
Pie Earshot’ler Rizio (Cello) und Scheng-Fou
(Drums) und L.N/A, die man als Arapiatas Elena
kennt und die mit einem sogenannten ‚Electribe‘
werkelt – aufeinander treffen, kann oft spannend
sein. Ist es im Falle dieser Kollaboration
auch ansatzweise, denn die Mische aus Ambient,
Electro, Techno, Drum ’n’ Bass, Punkflair
und experimentellen Cello-Klängen ist eine coole,
atmosphärische Angelegenheit; ebenso sind
die Drei bemüht, die acht Stücke ereignisreich zu
gestalten. Vieles aber ist fast schon zu vorhersehbar,
gerade auch, weil alles eine Ecke zu logisch
komponiert wurde und das nimmt dem eigentlich
nicht uninnovativen 48-Minüter etwas
den Glanz und die Spannung.
8 Punkte
Chris P

38 reViews I #35 I 2012
SUN GODS IN EXILE –
THANKS FOR THE SILVER
(Small Stone Records/Cargo)
Drei Jahre nach dem Debüt
„Black Light, White Lines“,
welches von der Fachpresse
mit Wohlwollen aufgenommen wurde, kommen
die 2008 gegründeten Sonnengötter aus ihrem
Exil zurück in den Fokus der Anbetenden. Geboten
wird klassischer Rock‘n‘Roll ohne Schnörkel,
dafür mit sehr viel ins Blut gehenden Gitarrenriffs
und zehn Songs voller Spielfreude. Keine Kompromisse
in Anbetracht dessen, was sie können.
Eingängige Melodien mit seelebehafteten Soli.
Schon der Opener „Hammer Down“ lässt das
Rockerherz der Lynyrd Skynyrd-, Molly Hatchet-,
The Cult- oder Black Crowes-Fans heftig schlagen
– und auch danach ebbt die Darbietung
nicht ab. Das Teil läuft und läuft ... Herrlich erfrischender,
typischer Staaten-Classic Rock mit
Suchtfaktor 1 plus!
12 Punkte
Carsten Klenke
TEODOR TUFF –
SOLILOQUY
(Fireball/Edel)
Progrocker mit Hang zum
Bombast – das ist euer Album.
Die Norweger mit dem
komischen Namen brennen auf Album Nummer
zwo jedenfalls ein ziemliches Feuerwerk aus
70er Progrock, Power Metal, Klassik, Rock-Oper
und Musical(-Anleihen) ab. Der opernhafte, disharmonische
Opener „Godagar” ist erst mal ein
ziemlicher Schock, aber im Laufe der 50 Minuten
(plus 28 Minuten Leerlauf) besinnen sich
die Herren dann doch auf nachvollziehbarere
Strukturen und nicht allzu komplizierte Musikmathematik.
Hinzu kommen diverse sinfonische
Elemente, die die durchaus vorhandenen Metal-Gene
meist dominieren und dem Ganzen ein
bisschen mehr Drama geben. Wer auf Künstler
wie Jorn, Kiske oder Avantasia steht, dürfte mit
den elf Stücken gut leben können. Wer zudem
noch eine Schwäche für Namedropping besitzt,
sollte spätestens jetzt wunschlos glücklich sein:
Neben Jeff Waters (Annihilator), Mattias IA Eklundh
(Freak Kitchen), Martin Buus (Mercenary)
und Eskild Kløften (Divided Multitude) lässt sich
Produzent Jacob Hansen (Volbeat, Mercenary,
Pestilence) als beteiligter Szene-Promi ins Feld
führen.
9 Punkte
JOBRY
THOUGHTS PAINT THE
SKY – NICHT MAL MEHR
WIR SELBST
(Midsummer Records/Cargo)
Die Überraschung vor etwas
mehr als sechs Jahren war
groß, als eine unbekannte deutsche Band die
elektrische Gitarre außen vor ließ und ihren eigenwilligen
Screamo quasi unplugged auf Konserve
transportierte. Das war neu, das war aufregend,
das war anders – doch heuer, auf dem
dritten Album und nach vielen Line-up-Wechseln
ist die Magie ein ganzes Stück weit verlorengegangen.
Einerseits liegt das wohl daran,
dass Thoughts Paint The Sky anno 2011 deutlich
routinierter zu Werke gehen, besonders aber
hat sich die Band ihrer Ecken und Kanten leider
selbst beraubt und sich so von einer unangepassten,
innovativen Truppe in eine angepasste
und bequemer zu konsumierende verwandelt –
und sich so Stück für Stück gen, nun ja, Albumtitel
bewegt. Schade.
7 Punkte
Chris P
THROWOUTS –
WORKING CLASS
TRADITION
(District 763 Records/
New Music)
Kurz und schmerzlos:
Diese Fünf-Track-EP dauert gerade einmal 13
Minuten und hängt stilistisch zwischen Punkrock
und Streetpunk. Gleich das erste Stück „interpretiert“
kackfrech den Refrain von Pennywise’s
“Bro Hym“ und das nachfolgende Titelstück
könnte glatt von Roger Miret & The Disasters
stammen. Alles nur geklaut? Na ja, zumindest
so einiges, auch bei den Dropkick Murphys und
Sick Of Society. Und doch wissen die Kerle aus
Saarlouis zu gefallen, weil sie – abgesehen vom
etwas zu starken deutschen Akzent und den etwas
zu schwachen Stimmchen – einen lockerleichten
Punkrock-Hardcore-Oi!-Cocktail mit melodischen
Gitarren zustande gebracht haben.
Darauf lässt sich aufbauen.
Keine Wertung
JOBRY
TOTAL CHAOS –
BATTERED AND SMASHED
(Conrete Jungle/Edel)
TC sind mittlerweile seit 22
Jahren im Geschäft – ihre
Helden sind aber noch älter:
UK-Punk anno 1982 heißt die Lösung. Diesen
Zeiten frönen die Kalifornier nicht nur optisch (Iro
und gaaaanz viele Nieten), sondern auch 33 Minuten
lang akustisch. Im Vergleich zu manchem
Vorgängeralbum gehen die Herren etwas melodischer
zu Werke, was ihnen erstaunlich gut bekommt.
Damit wandeln TC auf den Spuren ihres
bislang wohl besten Albums „Anthems from the
Alleyway“. Letztlich geben sich bei dem Oi!-
Streetpunk-Gebräu Sing-A-Longs, simple Hooks
und räudige Riffs die Klinke in die Hand. Auch
verbal ist auf TC Verlass: Titel wie „Hooligans
Holiday“, „Total Massacre“ oder „Political Repression“
wandeln auf dem schmalen Grad zwischen
platten Klischees und Szene-Authentizität.
Passend dazu auch das Cover: Es zeigt
Lead-Gitarristen Shawn Smash, der sich als junger
Kerl eine Abreibung von der kalifornischen
Polizei einfängt. Überraschung unter den zwölf
Stücken dürfte das plakative „Du siehst scheiße
aus“ sein. Englischer Text, deutscher Refrain
und dann auch noch eingängig…
11 Punkte
JOBRY
TOXPACK –
BASTARDE VON MORGEN
(Sunny Bastards/
Broken Silence)
Ja klar, deutscher Straßenköter-Rock
müffelt fast immer
noch zwangsläufig nach Böhsen Onkelz.
Gerecht, geschweige denn gerechtfertig ist das
nicht, denn die besagten Herren hatten vielleicht
ein Monopol auf zuweilen dümmliche Texte
und Attitüde, ganz sicher aber nicht auf deutsche
Texte in Verbindung mit harter Rockmusik.
Dass es auch besser geht, zeigen z. B. Toxpack,
die stilistisch ähnlich agieren wie etwa Kärbholz
oder die Troopers. Harter, zuweilen metallischer
Sound trifft auf deutsche Texte, die ab
und zu vielleicht etwas zu sehr das Underdog-
Motiv strapazieren, in Gänze aber weitaus weniger
dumpf daherkommen als „Onkelz wie wir,
die fantastischen Vier“. Die Berliner verbinden
schlicht eine gewisse Popo-Treter-Energie mit
verdammt eingängigen und mitgröhltauglichen
Refrains. Ein, zwei Nummern hängen zwar im
Durchschnitt und ein Intro hätte es auch nicht
wirklich gebraucht, der Rest der insgesamt 44
Minuten hat aber das Zeug zum Szene-Highlight.
Fürs Namedropping sorgen als Gäste Roi
Pearce (Last Resort) und Paul Bearer (Sheer
Terror).
11 Punkte
JOBRY
TRI STATE CORNER –
HISTORIA
(Fastball Music/Sony Music)
Bei all den neuzeitlichen austauschbar
klingenden und
nicht selten mit Pathos überladenen
Rockbands ist man mit Recht froh, wenn
mal eine dabei ist, die so etwas wie ein Alleinstellungsmerkmal
besitzt. Tri State Corner sind
eine dieser positiven Ausnahmen. Die Band steht
klanglich zu ihren griechischen Wurzeln, was
sich in der Melodieführung (ein wenig) und dem
Einbinden einer Bouzouki (sehr viel), anstatt
der handelsüblichen E-Leadgitarre, bemerkbar
macht. Dabei schafft man auch auf dem zweiten
Album das Kunststück, dass es nicht wie eine
übers Knie gebrochene Ethnokiste, sondern richtig
natürlich und sinnig klingt. Das Grundgerüst
bleibt dabei immer noch zeitgemäßer Hard Rock
mit Wumms und kräftigen, unkitschigen Melodien.
Der Fünfer hat ein gutes Händchen für feine
Hooks, die von packenden Riffs umgarnt werden.
Der originell klingende Parforceritt über die
Saiten der Langhalslaute ist am Ende bei Songs
wie „Historia“, „Katastrophy“ oder „Sleepless“
nur das Tüpfelchen auf dem I. Das Debüt „El Na
This“ war ja schon nicht von schlechten Eltern,
doch mit „Historia“ (übrigens ein Konzeptalbum
mit einem wieder recht aktuellen Thema) legt
man noch mal was oben drauf. Sollte man mal
reinhören!
12 Punkte
Mario Karl
THE TURBO A.C.’s –
KILL EVERYONE
(Concrete Jungle Records/
Edel)
Rückmeldung nach fünf
Jahren Pause. Die Punk ’n’
Roller haben sich Zeit gelassen für Studio Album
Nummer sieben. Dafür gibbet gleich 17 Kompositionen.
Zieht man Intro und Zwischengeplänkel
ab, bleiben 13 vollwertige Songs. Die bieten
einerseits zwar die gewohnte Rotzig- und Speckigkeit
des Quintetts, lassen echte Widerharken-Qualitäten
allerdings vermissen. Zudem haben
die Kerle um Frontsau KC die Surfgitarren

dieses Mal fast gänzlich außen vor gelassen.
Warum bloß? Nach dem fünften Durchgang beschleicht
mich langsam aber sicher das Gefühl,
dass der Knoten hier nicht mehr platzt. Live funktionieren
die neuen Stücke wahrscheinlich ganz
gut, auf Konserve fehlen den 39 Minuten in Summe
trotz langer Anlaufzeit die besonderen Momente
und hartnäckigen Melodien. Das können
die Kerle besser.
7 Punkte
JOBRY
VA – AGGROPUNK VOL. 2
(Aggressive/Edel)
29 Deutschpunk-Bands in fast 80 Minuten zum
kleinen Preis. Das ist definitiv ein fairer Gegenwert,
zumal sich unter den 29 Stücken ein paar
unveröffentlichte, bzw. zum Erscheinungszeitpunkt
des Samplers neue Tracks befinden. Mit
an Bord sind u. a. namhafte Szenevertreter wie
Dritte Wahl, Kotzreiz, Fahnenflucht, Pestpocken,
Hass, Knochenfabrik, Lokalmatadore, Troopers,
Rawside, Supernichts oder Popperklopper. Ob
„Aggropunk Vol. 2“ damit, wie vom Label behauptet,
die derzeit härteste Deutschpunk-Compilation
auf dem Markt ist, sei mal dahingestellt.
Fakt ist, dass sich vom klassischen Sauf-Punk-
Stück über Stücke mit 80er-NDW-Einschlag bis
hin zum fett produzierten Metal-Punk alle derzeit
gängigen Stoßrichtungen finden. Zusätzlich gibt
es zehn weitere Bonus-Songs als kostenlosen
Download sowie eine limitierte Auflage mit Sticker.
Reicht also locker für ein bis zwei Paletten
Hansa-Pils, das Teil…
Keine Wertung
JOBRY
VA – FREE ROCKSTAR COMPILATION
(Rockstar Records/Download)
Das Aachener Label Rockstar Records hat
aus seinem Programm einen 14-Song-Label-
Sampler zusammengestellt, den es gratis zum
Download anbietet. Stilistisch reicht die Chose
von Integrity-ähnlichem Krach (Trainwreck)
über 77er-Schule (Bad Luck Charms) bis hin zu
Country-Punk (Chip Hanna, Crosstops). Angenehm
fallen u. a. Sommerset und The Pricks auf.
Feine Sache, nicht nur, weil es für lau ist: www.
rockstarrecords.de/compilation.
Keine Wertung
JOBRY
VOLBEAT –
LIVE FROM BEYOND HELL/ABOVE HEAVEN
(Universal/Vertigo)
Wie man’s dreht und wendet – Volbeat sind ein
Phänomen. In welch relativ kurzer Zeit die Band
relativ groß geworden ist – erstaunlich. Diesen
Eindruck bestätig auch die erste Live-CD, die
parallel zur Live-DVD erscheint. Hier ist so ziemlich
alles perfekt: Der Sound, die Aufmachung,
die Stimmung. Ein Mega-Konzert vor 10.000 begeisterten
Landsleuten im Kopenhagener Forum.
Aber halt: Zumindest Fans der ersten Stunde
wird das vermutlich zu viel des Guten sein.
So enthält die 18 Stücke umfassende Playlist mit
„Pool Of Booze“ z. B. gerade einmal ein Stück
vom guten Debüt. Andererseits sind Live-Alben
stets eine Momentaufnahme. Daher stehen in
den knapp 79 Minuten vor allem Stücke des letzten
Albums und damit auch kommerzielle Zugeständnisse
wie „Heaven Nor Hell“ oder das unsägliche
„Fallen“ im Vordergrund. Andererseits
präsentieren sich die Dänen nach wie vor absolut
sympathisch. Dazu gehört auch, dass sie ein
latentes Knüppelstück wie „Evelyn“ und das Misfits-Cover
„Angelfuck“ im Set haben, oder mal
gepflegt Slayers’ „Raining Blood“ in „The Human
Instrument“ einbauen. Und eines bleibt, wie es
ist: „Sad Man’s Tongue“ oder „Still Counting“ sind
Hits für die Ewigkeit und bleiben das Bindeglied
für alte und neue Fans des Quartetts.
Keine Wertung
JOBRY
WALKING WITH
STRANGERS – HARDSHIPS
(Panic & Action/Soulfood)
Beruhigend zu hören, dass
selbst in Schweden –
in Sachen harter Musik oft weit
vorne – manche Band hinterm Mond lebt. Dieser
Fünfer aus Trollhättan hat wohl noch nicht
mitbekommen, dass eine Mischung aus Metalcore,
Mathcore, Breakdowns und melodischen
Refrains längst zum musikalischen Auslaufmodell
verkommen ist. Erst recht, wenn man, so wie
WWS, Genrevorreiter wie As I Lay Dying, Bring
Me The Horizon, Architects oder Meshuggah in
einen Topf schmeißt, umrührt und das Ergebnis
als Eigenleistung ausgibt. Die 33 Minuten bieten
– denn auch handwerkliche, okay – Langeweile
ohne nennenswerte Impulse. Die im schicken
Digipak mitgelieferte 2010er-Bonus-EP „Buries,
Dead And Alone“ kann den gnadenlos überproduzierten
Karren auch nicht aus dem Dreck ziehen.
3 Punkte
JOBRY
WARBRINGER – WORLDS TORN ASUNDER
(Century Media/EMI)
Year, Warbringer sind und bleiben auch mit Album
Nummer drei die legitimen Nachfolger der
leider viel zu früh verblichenen kultigen Demolition
Hammer. Wie einstweilen die Amis Anfang
der 90er-Jahre zelebrieren auch deren
Landsleute Warbringer simplen, aber effektiven
Thrash-Metal, der sich insbesondere durch zwei
Details vom Gros der Szene unterscheidet: 1.
durch geil groovende Midtempo-Passagen und
2. durch gute (!) melodische Gitarrensoli. Die
stehen in angenehmem Kontrast zu der ansonsten
recht derben Mucke, die aber bei aller Energie
stets gut nachvollziehbar bleibt und auch
nie zum Egotrip eines einzelnen Musikers verkommt.
Die zehn Stücke bewegen sich auf konstantem
Niveau – einzig das Instrumental „Behind
The Veils Of Night“ wirkt etwas deplatziert.
Ansonsten aber gilt: Warbringer sind eine New-
School-Thrash-Metal-Band, die den Old-School-
Sound verdammt gut drauf hat.
12 Punkte
JOBRY
WASTED – OUTSIDER BY CHOICE
(Combat Rock Industries/Flight 13)
Die Finnen krebsen seit 15 Jahren in der D.I.Y.-
Punkrock-Szene herum. Das wird wohl auch mit
dem aktuellen Album so bleiben. Das passend
betitelte „Outsider By Choice“ bietet treibenden,
melodischen und zugleich leicht melancholischen
Punkrock. Die 13 Stücke gehen zeitweilig
gut und simpel nach vorne, wirken zuweilen
aber auch ein bisschen ungehobelt und unzureichend
kanalisiert. Stilistisch geht’s in Richtung
2012 I #35 I reViews 39
Descendents, Dead Boys und Spermbirds, die
ja auch immer einen Hauch von Hektik verbreiten.
Dazu kommt ein guter Schuss 77er-Schule.
Alles okaye Zutaten, allerdings machen Wasted
daraus eine gut hörbare, in Summe jedoch auch
recht durchschnittliche 37-minütige Mixtur, deren
Wiedererkennungswert zu gering sein dürfte, um
das selbstgewählte Außenseiter-Dasein zu beenden.
7 Punkte
JOBRY
WILDFYRE –
... REVISIT SPIKE’S ROCKIN 4
(I Hate People Records/Edel)
Lutz Vegas ist ja bislang eher als Frontsau der
Schweinerocker V8 Wankers in Erscheinung getreten.
Erstaunlicherweise füllt den Kerl das nicht
aus. Bei Wyldfyre lässt er die Petticoats fliegen
– es geht um Neo Rockabilly – und der kommt
erstaunlich überzeugend daher. Hintergrund: Bei
SPIKE’S ROCKIN 4 war Vegas Ende der 80er
in einer Rockabilly-Band aktiv. 1991, zwei Jahre
nach ihrer Auflösung, fand sich die Band noch
einmal im Studio zusammen, um sieben ihrer
Kompositionen aufzunehmen. Vier dieser sieben
Stücke wurden noch im selben Jahr auf Crawfishin
Records als „Finally EP“ veröffentlicht. Und
jetzt juckt’s Vegas wieder in den Fingern: Gemeinsam
mit Gitarrist Sudi (Sixes And Sevens),
Kontrabasser Marco (Rampires) und Drummer
Rockin’ Reject (Frantic Flintstones) reanimiert er
im Sommer 2011 die ursprünglich 2006 gegründeten
Wyldfyre. Das Album enthält daher sieben
neue und sieben alte Stücke: Die erstmals remasterten
Stücke von 1991 sowie neue Songs von
Wyldfyre. Obwohl zwischen den Songs kompositorisch
zwei Jahrzehnte liegen, weisen die gut
40 Minuten keinen immensen stilistischen Bruch
auf. Der Neobilly kommt melodisch und angenehm
treibend daher. Wyldfyre werden ganz sicher
nicht die Szene revolutionieren, aber Spaß
macht die Chose allemal. Von daher sollten auch
skeptische Fans dem Quer-, bzw. Wiedereinsteiger
Vegas ruhig eine Chance geben.
10 Punkte
JOBRY
XCLAYM –
PREMIUM ASSKICKING SPEEDROCK
(Fastball Music/Megaphone)
Zumindest die Schreibweise des Bandnamens
ist mal ein klassisches Eigentor, ansonsten aber
stellen sich die Ingolstädter auf ihrem Debüt
recht geschickt an – sehr sogar: Wer sein Album
selbstbewusst „Premium Asskicking Speedrock“
nennt, muss dann aber auch einige Popo-Treter-Riffs
raushauen und ordentlich Tempo machen.
Machen die vier Kerle in den gut 30 Minuten:
Stücke wie „Attention“, „Ink And Blood“ oder
„Ride The Bullet“ finden den direkten Weg ins
Großhirn und stimulieren umgehend Bein- und
Nackenmuskulatur. Hinzu kommt eine leicht dreckige,
aber dennoch druckvolle Produktion, die
den zwölf kurzen Stücken das passende knackige
Gewand verleiht. Der vielleicht größte Pluspunkt:
Obwohl das Genre ja nun weiß Gott keine Neuerfindung
ist, klingen Xclaym erstaunlich frisch und
unverbraucht. Sollten sich die Ingolstädter diese
Fähigkeit bewahren, steht der internationalen
Wettbewerbsfähigkeit nichts im Wege.
12 Punkte
JOBRY

ZIS
40 reViews I #35 I 2012
KURZREZIS – KURZREZIS
Von A WHISPER IN THE NOISE – TO FORGET
(Exile On Mainstream/Soulfood) hat man schon seit
einiger Zeit nichts mehr gehört, 2007 kam die „Dry
Land“, schön, dass die Jungs um West Thordson
mal wieder was von sich hören lassen. Und gut für
das Label, entpuppte sich das letzte Album der Band
doch als absoluter Verkaufsschlager. Musikalisch gibt
es „schöne, melancholische Tunes“ (Waschzettel),
die der ein oder andere Zeitgenosse gewiss als „langweilig“
abtun wird; für den aufmerksamen Zuhörer erschließt
sich aber eine äußerst interessante Klangwelt,
und man könnte sich vorstellen, dass das hier
die Musik ist, die wir Menschen im nächsten Jahrtausend
hören werden, wenn „Hooks“ oder „Strophe-Refrain-Strophe“-Muster
ausgestorben sind (11).
ARSTIDIR – SVENFS OG VÖKU SKILL (BesteUnterhaltung/Broken
Silence) singen in einer Sprache,
der sicherlich nicht jedermann mächtig ist, isländisch
nämlich. Umso erstaunlicher, dass die Sprachbarriere
(es gibt nur zwei Tracks in englischer Sprache) keinesfalls
hinderlich zu sein scheint; man hat das Gefühl,
alles bestens zu verstehen. Wie die Band aus
Reykjavik das schafft? Vielleicht dadurch, dass diese
Musik Gefühle und Stimmungen erzeugt, die universell
sind, da ist Sprachverständnis unnötig, stört
vielleicht sogar. Arstidir, was wohl soviel wie „Jahreszeiten“
bedeutet, machen einfach wunderbare Musik,
zum Heulen schön (12).
So eine Kneipenschlägerei kann mächtig daneben
gehen – das wissen BARFIGHT – BARFIGHT MU-
SIC (AntstreetRecords/NewMusic) ziemlich gut, und
so klingen sie auch ein bisschen, als hätte es neulich
nach ein paar Drinks zuviel mächtig auf die Fresse
gegeben. Ich würde das Ganze als Hardcore mit
ein paar Metal-Einflüssen bezeichnen, die Songs
kommen – gewohntermaßen – nach stets ähnlichem
Schema beim Hörer an, aber der geneigte solche will
natürlich auch genau das, da will ich mal nicht meckern;
außerdem klingt die Schoße ziemlich amtlich,
und wenn nun Sänger Ralle noch ab und an die Tonlage
wechseln würde, könnte das die Band über den
Genredurchschnitt heben (9).
BURNING JACKS – GENERATOR PARTY kommen
aus Dortmund und machen, so sagen sie, schlicht
und einfach, „Rock’n’Roll“, was es tatsächlich ganz
gut trifft. Dabei entwickeln die Jungs ein gutes Gespür
für Melodie und Drive; ok – wer meckern will, der moniert
wahrscheinlich, dass die „Jacks“ das Rad nicht
erfunden haben - aber das dürfte den Burschen herzlich
egal sein, zeigen sie doch auf „Generator Party“,
dass es einzig und allein darauf ankommt, Spaß an
der Sache zu haben – und eben der wird sich, da bin
ich sicher, auf ihr Publikum übertragen. (9)
Die „Provinz“ lebt; dass nicht nur Berlin, Köln, Hamburg
und München musikalisch angesagt sind – oder
sagen wir: sein sollten - zeigen BURN PILOT – BO-
HEMIAN TRAUMA (Setalight). Eine solche Entdeckung
hätte ich, man verzeihe mir meine Worte, in
Bielefeld nun wirklich nicht erwartet. Irgendwo zwischen
„Stoner“ und „Hard Rock“ würde ich den Dreier
einordnen, es grooved und rockt „like hell“, besonders
Sänger und (!) Drummer Sidney, dessen Organ
an keinen geringeren als Robert Plant erinnert, hat es
mir angetan; dazu gesellen sich Basser Joel, der –
im positiven Sinne – die Finger einfach nicht stillhalten
kann und ein großartiger Gitarrist namens Jonas
– und jetzt muss mir bitte mal einer erklären, warum
kein Arsch diese Jungs kennt – ändern wir das! (12)
Besonders Fans von David Bowie und Ray Davies
werden bei JAMES COOK – ART & SCIENCES (Deepsee
Records/ough Trade) auf ihre Kosten kommen,
dies weniger, weil er seinen Altvorderen stimmlich
nahe stünde, sondern vielmehr deshalb, weil es
vor allem kompositorische Ähnlichkeiten gibt. Gitarren,
Synthesizer und Streicher stehen im Mittelpunkt
der musikalischen Ergüsse, die allesamt von einer
ausgeprägten musikalischen Reife zeugen. Fazit: Immer
überzeugend, mitunter gar beeindruckend (11).
Mit der Besprechung von CHRYSAL PASTURE –
GESCHICHTEN VON HABICHT & HOLUNDER
gehen wir mal „back to the roots“, denn das hier ist
KURZREZIS – KURZREZIS
KURZREZIS – KURZREZIS
eigentlich genau das, dem wir uns immer sehr verpflichtet
fühlen. Liebevoll gemachte, handwerklich
mehr als nur solide Musik, „auf dem Kornboden in
Bardüttingdorf“ aufgenommen von einer Band, die
sich selbst, etwas uncharmant, als „Dorfkapelle“ bezeichnet.
Aber genau das, mit Verlaub, ist sie - und
das im allerbesten Sinne: Vor Jahren als ein-Mann-
Projekt gestartet, scheint heute die komplette Dorfjugend
(ich zähle dreizehn Personen auf dem Bandfoto!)
involviert. Dargeboten wird Musik „zwischen
Polka, Kirmessounds, Ska, Indiefolk, Dorfmusik &
Rock“ und das in erstaunlicher Qualität – von denen
werden wir noch hören! (10)
DIGGER BARNES – EVERY STORY TRUE (Hometown
Caravan/Cargo)? War das nicht dieser sympatische
Looser aus “Dallas”? Aber nicht alle Digger
Barnes sind Verlieren, dieser hier ist richtig gut, ganz
wohlfeil kommt das zunächst rüber, lullt den Hörer ein
und entpuppt sich als wesentlich vielschichtiger als
man zunächst annehmen durfte; Digger scheint Spaß
daran zu haben, sein Publikum in die Irre zu führen,
dekonstruiert auch gerne mal den eigenen Wohlklang
durch a-rhythmische Handclaps oder sinistre
Lyrics, bei denen es nicht selten um Mörder, Verbrecher
und gesellschaftliche Außenseiter geht. Erinnert
an die großartigen „Hemlock Smith“ und muss dem
geneigten Musikkonsumenten nicht nur deshalb an’s
Herz gelegt werden (12).
Interessante Idee: Warum nicht mal eine Compilation
mit den musikalischen Einflüssen der „Ramones“
zusammenstellen, wie bei DEEP ROOTS - OF
THE RAMONES (Sireena/Broken Silence) geschehen.
Gene Vincent wird hier musikalisch erwähnt,
die „Stooges“, natürlich, auch Roy Orbison und Link
Wray. Spannend also allemal – wenn man nicht übel
nimmt, dass die „Beach Boys“ fehlen, also ein rundum
gelungener Blick auf diejenigen Großen, die den
Großen ein Vorbild waren (ohne Wertung).
Kurz vor Toresschluss erreicht uns das Vinyl von DER
HERR POLARIS – DREHEN UND WENDEN (Schaf
Records), ein mit viel Liebe gemachtes, wunderschönes
„Singer/Songwriter“-Album, auf dem man den
einzelnen Instrumenten noch Raum zum atmen lässt.
Dabei versteht es der Vierer aus Augsburg ganz ausgezeichnet,
Stimmungen in Musik umzusetzen und
entfacht dabei, auch mit Hilfe der schönen Texte, genau
das, was man wohl mit dem neudeutschen Wort
„Vibes“ bezeichnet. Ganz feine Teil, das! (12)
EHRENMORD – WOLFSCHNAUZE (Millionaires
Club/Cobayn) – klingt hart, ist hart! Deutsche Texte,
ultrabrutale Riffs, mitunter trashig– „Ich hab’ keine
Freunde – ich wohn’ noch bei Mama“ (Textauszug)
meets überraschende Breaks – puuh, nix für Hörer,
die auf eher Radiokompatibles stehen, und das, obwohl
sich das Duo aus Frankfurt das Statement abringen
lässt, man wolle „eine Brücke zwischen Subkultur
und Radiotauglichkeit schlagen“. Aber die
beiden hauen nicht nur auf die Fresse, sondern beweisen
auch, dass sie anders können: „Hey“ ist ein
gutes Beispiel und auch eher punkig ist drin („Stolpern“).
Vielseitigkeit ist also angesagt, und insgesamt
haben die Frankfurter eine hoch-interessante Scheibe
am Start, die massig Fans finden sollte. Aber: Es
wäre schön, mal in die Texte schauen zu können,
denn der Gesang ist oft hart am Rande der „Hörbarkeit“
(11).
Düster ist die Grundstimmung auf der aktuellen CD
von ELECTRIC MOON (NasoniRecords/Nasoni/
ClearSpot), was beim Titel THE DOOMSDAY MA-
CHINE, die auch als doppel-Vinyl erhältlich zu sein
scheint, auch kein Wunder ist. „Musik und Bilder“ sollen
hier „verschmelzen“, mit geschlossenen Augen
kann der Hörer seinen eigenen kleinen Film drehen.
Ob dabei am Ende albtraumhafte Szenarien oder
himmlische Engelscharen zu sehen sind, liegt wohl
nicht zuletzt im Wesen des Konsumenten. Schön laut
aufgedreht könnte sich „Doomsday Machine“ aber
vor allem für diejenigen als echtes Hörerlebnis entpuppen,
die sich furchtlos musikalischen Randgebieten
nähern und auch sonst für alles offen sind. Für
diese könnte das alles sogar ein ganz besonderes
Erlebnis werden (10).
KURZREZIS – KURZREZIS
EMERGE – PERCEPTION ONE (ASR/Soulfood)
machen straighten Hard Rock, den wir so aus den
späten Achtzigern kennen und sicher schon öfter so
oder ähnlich gehört haben. Vor allem Sänger Thomas
Darscheidt, der offenkundig bei den „Regensburger
Domspatzen“ in Ausbildung war (keine Sorge, davon
hört man nichts) vermag der ganzen Sache jedoch
einen guten Funken Individualmerkmal einzuimpfen,
was die Band deutlich über die im Genre so weit verbreitete
Durchschnittlichkeit hebt. Hier darf man gespannt
sein, was da noch so kommt (10).
FRAU POTZ – LEHNT DANKEND AB (Delikatess
Tonträger/BrokenSilence) machen sowas wie Punkrock
mit deutschen Texten, und es ist es ist ein bisschen
schade, dass man, die wirklich guten Texte, nur
zum Teil versteht – ein vollständiges Cover – und ich
gehe mal davon aus, dass hier die Texte abgelichtet
gewesen sind – wäre schon schön gewesen …
Dennoch hat das kleine Hamburger Label hier einen
noch nicht ganz fertig geschliffenes Edelsteinchen
am Start, das man im Auge behalten sollte. Erinnert
in seiner Kompromisslosigkeit übrigens an die Würzburger
Band „Malm“ (10).
MONT GO – ODYSSEE (ES&L/ÜBER) sind wohl
das „next big thing“, zumindest kann man auf der
Label-(?)/Vertriebs-(?) Homepage das Statement
„Man spricht jetzt schon von dem besten Debüt Album
des Nordens“ vernehmen. Zunächst fühlt man
sich aber eher an einen Wolle-Petry-Klon erinnert,
ein Eindruck, der sich dann aber – gottseidank – bald
verflüchtigt. Sauber und glasklar produziert, setzten
die Jungs auch textlich ein Ausrufezeichen - schön
wäre in diesem Zusammenhang übrigens ein Booklet,
in welchem man eben diese Texte auch wirklich
LESEN! könnte. Ansonsten aber eine Band, die irgendwo
zwischen „Madsen“ und „Selig“ anzusiedeln
ist und mit der man definitiv eine „Odyssee“ wagen
kann (11).
Ist es nicht merkwürdig, eine Besprechung zu einer
Platte zu schreiben, die MR. REVIEW heißt. “So
ist das Leben, da musst Du durch“, hätte Oma gesagt.
„XXV“ (PorkPie/Broken Silence) heißt das neue
Werk, und auch jemandem, der sich nicht alltäglich
im Ska-Revier tummelt, dürfte der Name bekannt vorkommen,
sind die Jungs um Sänger Dr. Rude und Gitarrist
Arne Visser doch schon seid - na eben: 25 Jahren
im Geschäft! Wer wird sich da wundern, dass der
Neuner aus dem Land an der Nordsee seinem Sound
treu geblieben ist: Ohrwurmhafter „2Tone Ska“ mit
krachigen Bläsersätzen – das funktioniert heute noch
genauso gut wie 1985. (11)
NAPE – SYNTHETIC UNITY (Setalight/RoughTrade)
erinnern zunächst mal an die guten alten „Nirvana“.
Die Cottbuser machen also „Grunge“, und da
dieses Genre ja eigentlich schon längst tot ist, heißt
das jetzt „Post-Grunge“. Und auch der Genre-Nachzügler
funktioniert noch ganz hervorragend, was das
Trio beweißt – ob’s daran liegt, dass das Teil in Brasilien
gemastert wurde? Gewiss nicht – ich weiß auch
nicht, warum das im Info so hervorgehoben wird –
vielleicht schon eher an der Leidenschaft, mit welcher
die Band an den Schrauben dreht. Obwohl mir
persönlich die Vocs von Sänger und Gitarrist Steve
Gerisch nicht immer zusagen und der Platte gerade
zum Ende hin mitunter zu deutlich anzuhören ist, wer
die Vorbilder sind, haben die Burschen hier ein richtig
gutes Album an den Start gebracht, welches nicht nur
Grunger-Herzen höher schlagen lassen dürfte (10).
Bei O EMPEROR – HITHER THITHER (K&FRecords/
BrokenSilence) gibt es irgendwas zwischen Folkrock,
Pop und Rock zu hören, sehr angenehm und äußerst
atmosphärisch. Und dabei wäre die Platte fast an uns
vorüber gegangen, denn nur dem kleinen, aber umtriebigen
Dresdner Label „Kumpels And Friends“ ist
es zu verdanken, dass man die Scheibe auch hierzulande
hören kann. Well done und Lob dafür, dass
man uns diese schöne Scheibe zur Ohren gereicht
hat. Bei den fünf Iren wechseln sich die Songwriter
gerne mal ab, vielleicht ist dies das Geheimnis ihrer
Vielseitigkeit. Ich bin mir ziemlich sicher, dass die
Jungs aus Waterford eine große Karriere vor sich haben
(12)
KURZREZIS

– KURZREZIS
KURZREZIS – KURZR
Nein, das Rad haben die POOBALLS – STILL BUR-
NING (FNR/Radar) nicht neu erfunden, das wollen
sie auch ganz gewiss nicht; sie wollen es krachen
lassen, Spaß haben und eben den an ihr Publikum
weitergeben. Ihre Vorbilder sind die „Pixies“ und „Sonic
Youth“ und vor allem ihre Live-Darbietungen haben
ihnen eine stetig wachsende Fanbase eingebracht.
Warum sie ihre CD im Info „Demo“ nennen,
wird ihr Geheimnis bleiben, wertet es die Darbietung
auf „Still Burning“ doch letztlich etwas ab, aber egal:
Hier gibt es mächtigen Alternative Rock mit einer Prise
Punk – die nächste Uni-Party ist gerettet (10).
Schon erstaunlich, aber SAMAVAYO – COSMIC
KNOCKOUT (Setalight/RoughTrade) klingen zunächst
wie eine dieser guten, alten „AOR“-Bands á
la „Toto“ oder „Foreigner“, um dann doch plötzlich die
Kurve in die frühen Siebziger zu kriegen und nach
amtlichem „Alternative-Rock“ zu klingen. Coole Sache,
wusste gar nicht, dass es derlei überhaupt noch
gibt. Auch im Metal ist man daheim, sogar – Achtung
Wortwitz! – die FUNKen fliegen ab und an, bin erstaunt
ob der diversen und gut heraushörbaren Einflüsse
– und dass so was aus Deutschland kommt?!
Und als wäre das noch alles nix, kommt das Teil auch
noch im schicken Pappschuber. Meine vorzügliche
Hochachtung, die Herren! (11)
Eher schwer zugänglich scheint SAM GRAY SING-
ING – SONGS ABOUT HUMANS (FürRecords/Soulfood).
Das ist allerdings noch lange kein Grund, sich
naserümpfend abzuwenden, denn wenn man sich
ein bisschen Zeit nimmt und dem Neuseeländer mit
Ruhe zuhört, entdeckt man eine ungeheure Intensität
und ein „Feuerwerk an Sounds“ (Beipackzettel). Seine
Stimme ist und bleibt gewöhnungsbedürftig, aber
auch sein sehr „eigenes“ Stimmchen darf in Zeiten
immer gleichen und wohl kalkulierten Songwritertums
durchaus als Bereicherung verstanden werden. Mehr
davon! (11)
SCHLAGWERK – s/t (Golden Core RecordsZyx) machen
Metal mit tiefer gestimmten Gitarren, singen
deutsch und klingen dabei irgendwie nach „Oomph“
und/oder „Rammstein“. Dabei machen sie ihre Sache
ganz ordentlich, das Ganze ist mit fettem Sound ausgerüstet,
die Musiker, immerhin Ex- „Ufo“, - „Annihilator“
und „Helloween“-Mitstreiter, machen ihre Sache
ordentlich. Das Ganze hat man dann nur doch schon
ein bisschen zu oft gehört, als dass mehr als zustimmendes
Kopfnicken und Tanzbein-Wippen ausgelöst
werden könnte (8).
SEID – AMONG THE FLOWERS AGAIN (Sulatron/Cargo)
müssten inzwischen auch schon deutlich
zehn Jahre auf dem Buckel haben, die Norweger
sind einfach nicht totzukriegen. Und auch auf
dem aktuellen Longplayer zeigt man, dass man musikalisch
tief in den Siebzigern steckt, die „Beatles“
ebenso kennt, wie David Bowie“, „Led Zepplin“, Marc
Bolan und ähnliche. Mit dem, was da am Ende rauskommt
und die Trondheimer selbst „multi-layered
psychedelic-Rock“ nennen, kann man ganz prima leben,
weil sie die vielen Komponenten eines im Grunde
abgelutschten Genres geschickt neu stylen und
ihm so überaus geschickt neuen Wert verleihen (11).
Und noch so ein „Frickelbruder“. SPARKY QUA-
NO – JENGA (FNR/Zimbalam) spielt die Gitarre selten
auf „normale“ Art, er klopft auf Ihr herum, tappt,
schlägt, wütet, streichelt, zitiert dabei sowohl „ZZ Top“
also auch klassische Komponisten, nutzt Unmengen
von Effekten, um seiner siebensaitige „Fender“-Bariton-Gitarre
die merkwürdigsten Sounds abzujagen –
vorsicht Avantgarde, also?! Ganz so arg ist es dann
doch nicht, denn der Mann aus der Nähe von Tokyo
kriegt immer wieder die Kurve und sorgt durch
eine stets durchdachte Vorgehensweise immer dafür,
dass die Sache nicht in wilde Soundorgien ausufert.
Für manch einen schlicht zu „strange“, für die
offeneren Zeitgenossen eine hochinteressante Geschichte,
die man sich unbedingt mal live geben
IS – KURZREZIS
sollte. Auf was man sich bei Sparky einlässt? Watch:
http://www.youtube.com/watch?v=k_k5LF0IEh0 (10).
TALKING PETS – CITIES (Redwinetunes/PIAS) zeigen
sich “vom Westcoastsound inspiriert” (Bio), und
tatsächlich findet man hier und da Anleihen an die
“Beach Boys” und entdeckt die ein oder andere Blume
im Haar; richtig schöne Hooks sind dabei, und so
richtig gibt es nichts zu meckern, vielleicht mal abgesehen
davon, dass das Ganze ab und an ein bisschen
kalkuliert und etwas glatt rüberkommt – ein paar
Ecken und Kanten darf es dann schon noch haben.
Ansonsten aber: Well done, erste Erfolge in Form von
TV-Auftritten und Besprechungen in Gazetten, die
sich ansonsten dem Indie-Bereich eher verschließen,
können als Indiz dafür gewertet werden, dass diese
Band es weit bringen könnte (10).
Für eine Band wie THE AGGROLITES – UNLEAS-
HED LIVE (Brixton/Cargo) scheint eine live-Scheibe
nach acht Jahren und fünf Studioalben ein logischer
Schritt, gilt die Band aus L. A. doch als einer der Top-
Bühnen-Acts des Genres. Aufnahmetechnisch gelingt
es ganz prima, Atmosphäre rüberzubringen, und mit
Tracks wie „Funky Fire“, „Banana“ und einem coolen
„Beatles“-Cover von „Don’t Let Me Down“ bieten „The
Aggrolites“ nicht nur dem eingefleischten Fan was
das Herz begehrt – „Dirty Reggae“ at its best! (11).
THE COLORADAS – s/t (Hometown Caravan/Cargo)
sind äußerst fleißige Musiker, haben dem Publikum
drei Alben in fünf Jahren und jede Menge Gigs
zwischen San Francisco und New York beschert. Stilistisch
darf man das Ganze als „Country“ mit einem
Spritzer Bluegrass bezeichnen, schön, dass es auch
hierzulande noch Labels gibt, die sich dieser nordamerikanischen
Tradition widmen. Macht Spaß, wer
allerdings teilhaben möchte, muss schnell zugreifen,
die Auflage dieses schnörkellosen akustischen Kleinods
ist auf 300 Silberlinge begrenzt (11).
THE CONVOIS – OCEAN’S TALES (AntstreetRecords/NewMusic)
– das ist amtlicher “Emo“ mit Metal-
Einschlägen oder anders “einmalig eingängige Melodien
mit einem Hauch von Brutalität“, um mal aus
dem Info zu zitieren. Die Konzer Band macht ihren
Job ausgesprochen gut, kein Wunder stand sie bei
über 70 Shows mit Szenegrößen wie „NUFAN“ oder
„Lagwagon“ auf der Bühne. Bleibt den vier Herren
zu wünschen, dass sie nunmehr zu ihrem wohl verdienten
Siegeszug antreten – und beim nächsten mal
ein Booklet konzipieren, auf dem man auch etwas lesen
kann (11).
THE SPIRIT OF SIREENA – VOL. 6 (Sireena/Shack-
Media), nagelneuer Samper aus dem Hause des beliebten
Hamburger Labels. Mit von der Party – nein,
kein Rechtschreibfehler - sind „Atomic Rooster“, Octopus“,
„Grobschnitt“, „Frank K.“, „Kraan“ und viele
andere. Hier zeigen die Elbestädter, wie variantenreich
ihr Label-Oevre ist. Fazit: Besonders gelungen
(keine Wertung).
DIE TÜREN – ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVW-
XYZ (Staatsakt/RTD) machen es mir mit dem Titel
ihrer aktuellen CD recht schwierig, hier die gebotene
Kürze walten zu lassen und die „zulässige Zeichenzahl“
nicht zu überschreiten. Da kommt der Inhalt,
drei CD-große Papierchen mit coolen Stickern, schon
besser, und - schließlich und endlich – ist ja auch die
Mucke nicht schlecht. Denn die münsterländischen
Wahl-Berliner befinden sich, nach den eigenen Worten
ihrer offenbar liebevoll gefälschten Bio in einer
„Überbegabungshölle“, die immerhin dazu führt, dass
sie ihre Hörer mit wohlfeil abgestimmter Musik und
Texten, die irgendwo zwischen „Dada“ und tieferer
Sinnhaftigkeit chargieren, verzücken. Musik kann
auch heutzutage noch überraschen. (12).
Das letzte, was ich von TOMMY TORNADO – COOL
DOWN (PorkPie/Broken Silence) gehört habe, war
sein inzwischen drei Jahre altes Album “Sunrise”,
was ich seinerzeit zur Besprechung vorliegen hatte.
KURZREZIS – KURZREZIS
Geändert hat sich seither nicht viel: Der coole Tommy
macht da weiter, wo er seinerzeit aufgehört hat:
Er vermischt coole Ska-Roots mit Rocksteady und jeder
Menge modernem Reggae; noch öfter als früher
ist er hier allerdings rein instrumental unterwegs, was
der Sache durchaus zuträglich ist und nicht nur sein
Saxophon sondern auch die großartige Trompete von
Ruud „Trompie“ Kleiss noch mehr in den Vorgrund
schiebt. Fazit: Cooooool! (11)
Dass VIBRAVOID – GRAVITY ZERO (Sulatron/Cargo)
ihre großen Vorbilder im „Psychedelic Rock“ der
ausgehenden Sechziger haben, weiß man schon
nach dem ersten Track der aktuellen CD der Düsseldorfer;
aber nicht nur hier fühlen sich die drei Rheinländer
daheim, auch Acid- und Spacerock ist ihnen
geläufig, wobei sie es verstehen, die Mixtur mit einer
guten Portion eigener Note zu versehen, das Ganze
mithin geschickt modernisieren – die Geschichte wiederholt
sich eben doch, aber wenn sie das so tut wie
bei „Vibravoid“, dann darf man rundum zufrieden sein
(11).
WINO AND CONNY OCHS – HEAVY KINGDOM
(Exile On Mailstream) ist, das schon mal vorab, ein
ziemlich geiles Teil geworden. Labelmacher Andreas
Kohl schätzt sich glücklich, Musiker zusammengebracht
zu haben, die sich „ohne diese Label niemals
getroffen hätten“ – und wir erst! Robert Scott
Weinrich („Saint Vitus“, „The Obsessed“) meets Conny
Ochs, da trifft Topf auf Deckel, Arsch auf Eimer!
Ochs, der wahrscheinlich eher den eingefleischten
Nerds bekannt ist, dürfte mit dieser Scheibe dort hin
treten, wo Kollege Weinrich schon lage ist: in’s Rampenlicht!
WOW! Hammerscheibe, irgendwo zwischen
Folk, Americana und Blue und vielleicht das Beste,
was ich dieses Jahr bis dato gehört habe (13).
Bei ZOSCH – Birds Don’t Lie (Contraszt!Records/Diyordie)
trifft „New Wave“ auf „Guts Pie Earshot“ und
„Bikini Kill“. Der hohe Widererkennungswert kommt
nicht zuletzt durch die eindringliche Stimme von Sängerin
Martina (den Nachnamen erfährt man nicht) zustande.
Schön auch, dass die drei Mädels und die
beiden Jungs nicht nur elektropunkig unterwegs sind,
sondern ab und an auch die Gitarren auspacken.
Und mindestens genauso schön: Das Ganze kommt
auf fette, 180-Gramm-Vinyl UND CD im Digipack! Zugreifen!
(11)
KURZREZIS – KURZREZIS
41
KURZREZIS – KURZREZIS

42
Von rechts unten nach oben auf der Treppe: Stefan David Wehner (Wena), Olly Opitz, Achim Sauer (Kapellmeister). Foto: HERZSCHWESTER
Psalter und Harfe wacht auf !
Noch jeder Tonträger der Juli Kapelle überraschte,
widerborstete und faszinierte letztlich
wie sonst kaum eine neu einlaufende
CD. Auch jetzt war das tatsächlich wieder so.
Diesmal wählte die Formation um Kapellmeister
Achim Sauer („as“) einen „Unplugged“-
Ansatz. Sie tat dies mit besonderem Erfolg,
denn das suchtbildende Gift steckte wohl
Die neue Scheibe heißt „Alchemie“ – was wird hier in was verwandelt?
Und handelt es sich dabei um „weiße“ oder um „schwarze“
Künste?
Im Grunde werden Erfahrungen und helle Momente im Leben, die ja
zuweilen in düsteren Augenblicken aufblitzen, in Musik verwandelt.
Der Strom des Unterbewusstseins zum Klingen gebracht. Die Künste
flippern dabei immer so zwischen „schwarz“ und „weiß“ herum...
Das Artwork Eurer Veröffentlichungen ist ja stets ein echtes zusätzliches
Kaufargument. Diesmal hat V.B. Kühl (vgl. http://www.
myspace.com/vonkbee, d. Red.) Besonderes geleistet, finde ich.
Was siehst Du in diesem Lichterspiel – das Entstehen von Gold?
Eine andere (chemische oder emotionale) Reaktion?
V.B. KÜHL ist ein fantastischer Grafiker! Fürs Julikapelle Artwork ist er
beratend tätig und macht den Endschliff. Heisst, er sorgt dafür dass
das, was man ihm vorlegt, gescheit zusammengefügt wird. Tatsächlich
stammt die Grundlage für das aktuelle Artwork, also die Bilder von
Cover und Booklet, von der Fotokünstlerin HERZSCHWESTER (siehe
immer schon primär in den mit der Präzision
eines meisterlichen Kurzgeschichtenerzählers
aufgespießten Texten und der schamanischen
Rhythmik. Und just diese beiden Stärken kommen
in diesen Akustik-Arrangements mit u. a.
Dobro, Mandoline, herrlich singendem Fretless
Bass, „Fiddel“, Cello u. a. womöglich noch
besser über den Kapellengraben. Drum nichts
wie hin, als der Maestro eine seiner seltenen
Audienzen gab…
auch Fotocredits; vgl. https://www.facebook.com/pages/Herzschwester/152300808183203,
d Red.). Seltenes Glück, denn sie macht nicht
allzu oft Auftragsarbeiten. Aber auf diese hat sie sich eingelassen da sie
die Musik liebt und einen unlösbaren Pakt mit mir geschlossen hat.
Wie jetzt das Bild auf dem Cover entstanden ist, das ist geheim. Man
kann aber sagen dass es definitiv eine Mischung aus chemischer und
emotionaler Reaktion ist. Und dass es gut ist, dass keiner weiss, was
das ist. Für mich jedenfalls ists die treffendste Interpretation von Alchemie
in Bezug Mensch/Seele überhaupt.
„In Klammern“ klinge so, als hätte Morricone einen Endzeit-Fantasy-Film
vertont, hatte ich andernorts behauptet – nachvollziehbar?
Magst Du Filmmusiken? Welche?
Hast Du die Raben im Text je wirklich gesehen (habt Ihr noch
Kolkraben in Hildesheim?!?), oder gaben die Galgenvögel halt ein
stärkeres Bild ab als beispielsweise schnöde Krähen?
Ich habe Filmmusik immer sehr geliebt, schon als ich klein war. Ich hatte
nen Umhängekassettenrekorder, in Mono, und mir auf Kassette die
komplette Musik von „Jäger des verlorenen Schatzes“ draufgespielt,

die ich voll aufgedreht laufen ließ während ich samstags den
Hof und die Gasse kehrte. John Carpenter, Bernard Herrmann,
Morricone, Henry Mancini, Lalo Schifrin, John Williams
usw., ja, Filmmusik mag ich.
Die Raben sind klaro Krähen. Ertappt. Ich wohne im Industriegebiet
eines kleinen Städtchens, und im Herbst kommt
zuverlässig ein Riesenschwarm dieser Wesen pünktlich
zwischen 17.00 und 17.30 Uhr und besetzt das Hausdach des
Hotels gegenüber. Ich mag dieses Volk. Aber das gilt auch für
andere Vögel. Für Vögel generell, eigentlich. Erst lange, nachdem
ich das Stück fertig hatte, wurde mir bewusst dass die
„Raben“ ja eigentlich Krähen sind. Das Wort Krähen jedoch
ist in meinem Sprachgebrauch nie wirklich regulär geworden.
Rabe klingt besser und krähen tut der Hahn.
Das Gitarren-Instrumental „Feuerstelle“ hat zwar nichts
vom Marlboro-Mann, aber doch definitiv Lagerfeuer-
Romantik – was steckt dahinter?
Dahinter steckt ne traurige Geschichte von einer Feuerstelle
im Garten die nie so recht gezündet hat ... ich saß nen
sommerlang immer wieder auf einer Holzbank an dieser
Feuerstelle und spielte mir auf der Gitarre den Kopf leer. So
entstand dies Instrumental.
„Vampirella“ – was sind die „Welten, in die wir nicht gehörn“,
in denen wir uns aber dennoch bewegen?
Du erkennst den Schatten der Angesungenen, „auch dann
wenn du keinen hast“ – Hast Du denn Blutsaugerinnen in
Deiner Bekanntschaft?
Das Lied schrieb ich –wie alle diese Lieder- zu Beginn der
00er Jahre. Damals, als dieses Casting-Ding grad aufkam.
Heute muss ich nur durch ne samstägliche Innenstadt gehen
um das Gefühl zu haben, mich in einer Welt zu bewegen, in
die ich nicht gehör‘ ... Aber das Stück bezieht sich ursprünglich
auf die Medien und die Bilder/Welten, die sie kreieren.
Und mit denen sie gerne diktieren wollen, wem oder was wir
entsprechen müssen. Während sie uns gleichzeitig um die
Ohren hauen, dass wir diesen Bildern niemals entsprechen
können. Und so ein Verlangen hervorrufen, das unstillbar
ist. Sie installieren in den Köpfen und Herzen grade junger
Menschen eine Sehnsucht danach, etwas anderes zu sein,
als sie selbst. Und bereichern sich daran, sie brauchen ja das
Publikum. Es sind Vampire, die uns aussaugen. Und wir sind
Vampire, die ebenfalls Durst haben nach etwas von Wert.
Etwas, das unser Herz erfüllt. Oder schlicht Beachtung. Die
haben keinen sichtbaren Schatten, und trotzdem liegt er auf
der Straße, in der Stadt, im Büro, im Jugendhaus oder im
Kinderzimmer... Vampire, die Vampire jagen, quasi. Vampirella
spielen.
Wie schon berichtet: der u.a. aufgrund von Teufelsgeiger
Manfred Pietrzok enorm abgehende „Krebstanz“ begeistert
ausgerechnet unser mit weitem Abstand jüngstes
Familienmitglied am meisten. Was bedeutet Rhythmus
für die Juli Kapelle? Hast Du andere Rückmeldungen
dazu, wie Kinder Eure Musik finden?
Eine der wichtigsten Lektionen die ich lernte – ganz vorzüglich
lernte durch V.B. KÜHL und nochmal bestätigt bekam von
einem Mann der ein ganz anderes Genre reitet, nämlich besagtem
Manfred Pietrzok, ist: Das wichtigste ist der Groove.
2012 I #35 I Juli Kapelle 43
Es gibt ja viele solche Musikerweisheiten. Und alle stimmen.
Z.B. „Das wichtigste sind die Pausen“. Aber der Groove, der
Rhythmus, ist eben auch das Wichtigste. Egal ob du Glitchhop
machst oder im Mandolinenorchester Hösbach spielst.
Wenn‘s nicht groovt, ist‘s scheiße. Kinder sind an diesen
ursprünglichen Wahrheiten viel näher dran als „Erwachsene“.
Sie müssen sich das nicht erst bewusst machen oder so.
Jedenfalls bekomme ich oft rückgemeldet dass meine Musik
von Kindern sehr positiv aufgenommen wird.
Warum ist „Dezembernacht“ so leise?
Damit man den Schnee rieseln hört.
„Geisterzähler“ ist in diesen Post-Fukushima-Tagen ja
ein sehr spezielles Wortspiel. Ich hab in dem starken,
poetischen Text keine Geister entdeckt, jedenfalls nicht an
der Oberfläche?
Die Geister sind die der Jugend. Und es ist ja eine Eigenart
von Geistern, sich nicht entdecken zu lassen.
Toll, dass „die gms“ wieder dabei ist! Mein persönlicher
Favorit „Gefährten“ bringt ihr Klavier an den Start, das
klingt, als ob es mit einem darin stehenden Grundig-
Cassenrecorder aufgenommen worden wäre. Dazu noch
Deine melancholische Steel Drums-Begleitung! Die
geheimnisvolle Dame hat hier auch Songwriter Credits
– wenn sie schon keine eigenen Platten macht, vielleicht
könntet Ihr ja irgendwann mal auf voller Albumlänge
kooperieren?
Das ist ein sehr schönes Bild, mit dem Grundig-Kassettenrekorder.
Viel von dem Sound liegt am Klavier selbst, es ist ja
fast 100 Jahre alt und hat nicht diese kristallene Brillanz neuer
oder künstlicher Klaviere.
Die gms, diese vorzügliche Person, ist schrullig und wunderlich.
Sie zu solcherlei Projekten zu bewegen ist uneinfach.
Aber ich werde ihr diese exquisite Idee mal auf die Tapete
schreiben, an mir soll‘s nich liegen…
Die Aufzählung der in der Juli Kapelle gespielten Instrumente
gerät leicht abweichend von anderen Bands… Die
„Udu“ hab ich ja noch gefunden. Und sehr schön, dass
man hier die so gern gehaltene Standpauke endlich mal
in ihrer wahren Bestimmung belauschen kann. Auch der
Lachsack oder das Harmonium sind zwar exotische, aber
nicht völlig unbekannte Tonquellen. Doch was bittschön
sind, nur als Beispiele, „Herr Im Frack“, „Topfgitarre“ - und
besitzt jemand von Euch wirklich einen „Psalter“?
Ich besitze einen Psalter! Einen Streichpsalter. Auf nem
Mittelaltermarkt gekauft, einem beruflichen Psalterbauer
persönlich abgehandelt. Ist ne Art Geige für nicht-Geiger. Die
Topfgitarre heisst so, weil mir der afrikanische Originalname
entfallen ist und ich ihn auch nirgends auftreiben konnte.
Und der „Herr im Frack“ ist die Gitarre, die meinem Vater
gehörte. Lag jahrelang auf dem Dachboden rum, war nahezu
unspielbar. Ich hab sie wiederbelebt. Es ist der Nachbau einer
Hoyer „Herr im Frack“. Einer Jazz- bzw. Schlaggitarre aus den
50/60er Jahren. Das Modell heisst wirklich so. Ich glaub die
werden auch wieder gebaut. Damals hatten Gitarren halt noch
wirklich abgefahrene Namen. Und so treffend. Sie schaut ja
auch ein bisschen aus wie ein Herr im Frack.

44
Juli Kapelle I #35 I 2012
„ich mach jeden fehler nochmal | solang bis er perfekt ist“
behauptest Du im letzten Lied. Ist das mehr lebensführungstechnisch
gemeint? Oder auch musikalisch?
Ist so ne Art Haltung die in vielerlei Hinsicht in allen möglichen
Bereichen nützlich sein kann. Vielleicht nicht unbedingt im Krankenhaus...
aber ich schätze das kreative Potential, das in Fehlern
steckt. Der Titel kommt übrigens daher: In der Grundschule,
im Deutschunterricht, stand regelmäßig in rot am Rand meiner
Schreibübungen: „Fehler, nochmal!“
Ich kenne nicht viele deutschsprachig singende Bands bzw.
Projekte, deren Texten man mit so viel Lustgewinn und so
wenig Peinlichkeiten lauschen kann wie bei Juli Kapelle oder
kühl&sauer. Hast Du immer schon deutsch gesungen oder gab
es Versuche mit englischen oder noch anderssprachigen Texten?
Ich wuchs auf mit der ausklingenden NDW, die hinterließ zwar
Spuren aber es kam zunächst eine lange Zeit nix Deutschsprachiges
mehr in mein kleines Universum. Ich schrieb, wie jene,
die ich bewunderte, in Englisch. Mit Mitte 20 –ich brauch oft ein
bissel länger- machte es zong (nicht zoom) und mir wurde klar:
All diese Songwriter, die ich gut finde, schreiben in ihrer Muttersprache.
Ich beschloß, das von nun an auch zu tun und schrieb
von da an nix Englisches mehr. Und andere Sprachen kann ich
blöderweise nicht.
Du hast mit dem 7V-Studio ein eigenes Musiklabor.
Wird das auch vermietet? Würdest Du auch andere Bands
produzieren? Wovon lebst Du eigentlich?
Das Studio vermiete ich auch, klar. Es hat inzwischen Ausmaße
angenommen, die erfordern, dass ich regelmäßig auch Geld
reinhole um die Wartung des ganzen alten Gerümpels zu finanzieren.
Ich bin ja kein Musikelektroniker. Oder Instrumentenbauer.
Ich lebe davon, dass ich an der A7 Zimmer an Reisende
vermiete. Bands produzieren – hmm. Käm‘ auf die Chemie an.
Wenn ich produziere, bin ich nicht unbedingt der Typ, der Bock
auf Kompromisse oder „lass ma´ ausdiskutieren“ hat. Das saugt
mir zu sehr Energie. Die Juli Kapelle ist ja nicht umsonst ne
1-Mann-Band ... insofern sollte das „chemisch“ und geschmacklich
schon passen. Aber das ist ja eh klar.
Du hast mir schon in anderem Zusammenhang von Deiner
Freude berichtet, bei Live-Auftritten auch Menschen im
Publikum vorzufinden, die wegen der Musik da sind. Gleichzeitig
gab es grad die Premiere von Solo-Auftritten. Wie
klappt das überhaupt mit dem Live-Spielen: Wer bucht die,
auf welches Publikum und welche Clubs zielt Ihr und wie
sind die Erfahrungen? Für wen würdest Du am liebsten mal
die Vorgruppe geben?
Gebucht werden wir durch Vermittlung von Freunden oder durch
Individualisten, denen die Musik gefällt und die drauf scheissen,
wenn´s sonst keiner kennt. Aber das passiert selten, es ist
schon ein Kampf, an Gigs zu kommen. „Kennt keiner, kommt
keiner“ ist so der Tenor. Als deutschsprachige Truppe mit nem

eigenen Stil, noch dazu unbekannt, sind wir halt nicht grade ne
Garantie für nen vollen Laden. Ich hoffe immer auf Publikum, das
musikinteressiert ist, unvoreingenommen und nicht festgefahren
in den Hörgewohnheiten. Die auch kein Vorurteil gegen deutschsprachigen
Kram haben.
Am liebsten spielen wir in kleinen Clubs oder schrulligen Läden,
wie in der Braunschweiger Kaufbar. Da hatten wir zusammen mit
dem Hamburger Jürgen Ufer ein wundervolles Konzert. Das Publikum
war zwischen 19 und 69 Jahre alt, lauschte andächtig und
ich verkaufte mehr CDs als bei sämtlichen bisherigen Konzerten
überhaupt. Ich war ziemlich baff. Warum das so war, weiss ich
nicht. Vermutlich war das eben genau jenes Publikum, das ich mir
wünsche. Mein Vorgruppentraum... Würd gern mal auf dem OBS
in Beverungen spielen. Egal vor wem. Ansonsten hätt ich nichts
dagegen, mal für Bob Dylan zu eröffnen. Harrr. Oder fürs Kammerflimmer
Kollektief.
Ihr habt schon so viel gemacht: Experimente mit tanzbaren
„Beatz“, psychedelischen Stoner Rock („Brandung“), Monsters
Of Stimmensampling (für das Du vermutlich leider
Deine Quellen immer noch nicht offenzulegen bereit bist?),
Kollaborationen mit remixenden Muckerkollegen, Lautstärkeschablonen,
Branded Brustbeutel (bildhübsch), jetzt das
Unplugged-Album. Und noch vieles mehr. Was kann da noch
kommen? Welche Pläne wurde noch nicht realisiert?
2012 I #35 I Juli Kapelle45
Seit 2005 arbeite ich mit dem Dichter und Filmwissenschaftler
Roman Mauer an einem Album dass Musik und Hörspiel
vermischt. So grob gesagt. Das wird nächstes Jahr fertig, mit
nem Haufen Gastmusikern wie Katharina Franck (ehem. Rainbirds),
Bobo (in white wooden Houses), Textor (ehem. Kinderzimmer
Productions) und vielen mehr.
Ein weiteres musikalisches Projekt steht mit der vorhin schon
erwähnten HERZSCHWESTER an, besagter Pakt... das wird recht
elektronisch. Und die neue kühl & sauer atmet den Geist des
Postrock und dürfte kommendes Frühjahr gemastert sein. In einer
nie dagewesenen Verpackungsform welche Kunst und Protest
vereint!
Darüber hinaus gibt´s noch Stoff für mehrere Ewigkeiten in den
Schubladen... Ach, hätt ich doch 1.000 Jahre!
Möge er die bekommen. Wir jedenfalls wollen dem Kapellmeister
nicht noch mehr Zeit rauben und empfehlen uns jetzt.
Fotos auf der linken Seite:
Dorit Schulze * livegesehen.de
Black border: sxc.hu
Klaus Reckert

46 comiCorner I #35 I 2012
comiCorner
comiKunst im ComiCorner.
Männerehre, eine Beziehung über alle Grenzen
hinaus, die lieben Kleinen, Kleidungsstücke und
Nahrungsmittel in einer WG zusammen und der
neue Leowald! Viel Spaß!
Und wie immer nicht vergessen: reprodukt.com,
avant-verlag.de, editionmoderne.de – da Pflichtlektüre!
MERVAN & VIVÉS – FÜR DAS IMPERIUM
Band I: Ehre & Band II: Frauen
Reprodukt
Man stelle sich vor: Eine Spezialeinheit von Römern,
die in geheimer Mission über die Grenzen
des Reiches in unbekanntes Land vordringt, um
zu kartographieren und auf einer Art Vorhut-
Himmelfahrtskommando herauszufinden, was in
diesen vorher nie betretenen Gebieten alles so
kreucht und fleucht, dazu, welch glorreiche Taten
oder todbringendes Getier auf den Kaiser und
sein Heer warten mögen.
Quasi die Inglorious Basterds zur Blütezeit des
Römischen Reichs. Bastarde stimmt dann auch
wieder. Harte Gesellen, jeder Meister seines
Metiers, sei es als Späher, Kämpfer (auch gerne
mal mit einem „Berserker-“ vorne dran), Pfeilschütze
oder Führer. Ein kleiner zusammengerotteter
Haufen, der nicht gerade sehr zimperlich
ist, geht es um Gewalt, Feinde, Tatendrang,
Furchtlosigkeit, Beutegut, um zu nehmende
Jungfrauen, oder um ein Gelage generell. Wo
gehobelt wird, fallen eben Späne. Und vor allem
geht es bei den rauen Burschen um eines:
Ehre. In männlicher Reinform. Allseits beliebt,
unbedingt ein zu erreichendes Gut – gerne auch
durch absoluten Gehorsam gegenüber seinen
Befehlshabern in die Tat umgesetzt. Man wird
eingangs sehr stimmig und schnell mit den
Charakteren vertraut gemacht, taucht ebenso
schnell in die fesselnde Story ein. Die Auserwählten
nehmen den Auftrag von ganz oben
dankbar an und brechen in die große Unbekannte
auf; im Kopf Schwindel voller Ruhm und Ehre,
im Nacken anfangs noch uneingeschränkter
Gehorsam. Band 1 handelt von eben diesem
großen Aufbruch.
Die Farbgebung ist schmutzig – jedoch wunderschön,
der Zeichenstil erinnert an sanft
dahingeworfene Striche zum Zwecke einer
Studie. Diese sind jedoch viel zu präzise und definiert,
um „nur“ als Fingerübung durchzugehen.
Teilweise erinnern die Panels an Szenen aus
einem düsteren und gleichermaßen kunstvollen
Sandalen-Animationsfilm voller Gewalt und
Schlachtengemetzel. Klar definierte Linie trifft
auf vermischt verschwommene Farbe.
Bastien Vivès hat auch schon in seinen anderen
Werken gekonnt aufgezeigt, wie er mit Strichen
und Farbgebung umzugehen weiß, vor allem
auch, dass er ein Meister der Beobachtung und
Darstellung von Körperhaltungen sowie auch
vor allem -bewegungen ist; man denke nur an
das mit Wort sparende „In meinen Augen“ oder
„Der Geschmack von Chlor“ - beide ebenso
bei Reprodukt erschienen. Hier stellt er erneut
unter Beweis, dass er zu den ganz großen der
Comicszene gehört – und das mit seinen 28
Lenzen. Auch sein vielseitiges Oeuvre weiß
einfach nur zu verblüffen. Von seinem Mitstreiter
Merwan (Designer für Storyboard/Videospiele
und eher im Trickfilm-Metier unterwegs – das
erklärt einiges!) gab es bis dato in den hiesigen
Gefilden noch nicht zu bewundern. Da sich die
beiden Szenario, Story und Zeichnungen via
kongenialer Kollaboration teilen, bleibt doch sehr
zu hoffen, dass es auch von Herrn Merwan in
Zukunft mehr zu sehen gibt.
In Band 2 gelangt unser „Helden“-Trupp in
eine Art Garten Eden, um dort u. a. auf ein Volk
von Amazonen zu stoßen, das es – sehr zum
Leidwesen und absoluten Verwirrung der harten
Burschen – mehr als nur ganz schön in sich hat.
Somit haben unsere Legionäre alle Hände voll
zu tun, um ihre Haut zu retten. Abschließender
Teil 3 der Mini-Serie müsste jetzt im Moment
bei Reprodukt erschienen sein. Er soll nochmals
einen zusätzlichen Paukenschlag oben drauf
geben. Ich bin gespannt!

MIKE VAN
AUDENHOVE – KIDS
Edition Moderne
Ein geniales Buch
vom leider viel zu früh
von uns gegangenen
Schweizer Illustrations-
und Comic-Künstler
Mike van Audenhove.
Am besten für Menschen,
die a) Eltern sind, b) sich ernsthaft aktuell
mit dem Gedanken an Kinder auseinandersetzen,
c) die sich in irgendeiner Zukunft mit einem
Kinderwunsch auseinandersetzen wollen, d) die
einfach nur die lieben Kleinen mögen oder auch
misstrauisch beäugen, was in Kinderköpfen so
vor sich geht, und e) alle restlichen Großeltern,
Tanten, Onkel, Urgroßeltern und der sonstiger
Rest vom Fest.
Im schönen geskribbelten und farbenfroh
colorierten Stil setzt sich van Audenhove mit
den Logiken, alltäglichen großen und kleinen
Aufgaben, Streichen, Sorgen, Problemen und
dem Ticken der lieben „kleinen“ Menschheit
auseinander – ebenso mit denen der Eltern
und anderen Menschen in deren Umfeld. Und
es ist einfach nur so witzig witzig witzig. So
echt. So voller Wahrheit und Erfahrung! Kriegt
man ja täglich mit, wenn man mit offenen
Augen durch‘s Leben generell oder auch eigene
Familienleben tappt. Diese grundunschuldige
Ehrlichkeit, das verschwurbelte Denken und
die absurden – oft entlarvenden - Kausalzusammenhänge,
die in solch kleinen Köpfchen ticken
… einfach nur herrlich, einfach zu köstlich!
Dazu der ganze Sinn, Unsinn und die grandiose
Verspieltheit... hachja!
Ein ideales Geschenk für alle Vertreter der
oben aufgeführten Zielgruppen-Liste. Und tolle
Leistung, Herr van Audhoven! Diese Beobachtungsgabe.
Und vor allem auch das Talent, diese
Beobachtungen auch noch so brillant und nachvollziehbar
zu Papier zu bringen und somit zu
verewigen! Und das ist dann auch schon wieder
ein bisschen traurig... Denn viel mehr wird es
wohl nicht mehr von ihm geben. Ist „Kids“ sein
Vermächtnis? Wenn ja, dann ist jenes ein
wunderbar leises, subtiles, feinhumoriges
und grenzschönes. Danke.
JUDITH
VANISTENDAEL –
KAFKA FÜR AFRIKA-
NER – Sofie und der
schwarze Mann.
Reprodukt
„Diese Geschichte
ist eine Geschichte
über Liebe.
Ich widme sie Kerim.
Und allen Flüchtlingen auf dieser Welt, die auf
der Suche nach einem menschlichen Dasein
sind.“
Judith Vanistendael hat sich in ihrer semiautobiographischen
Premiere die Liebe als
Hauptthema auserkoren. Nur eben nicht die
unkomplizierteste Liebe, zumindest wenn
man ihre Familie fragen sollte. Oder die Behörden.
Oder die Öffentlichkeit generell. 1994
verliebt sich die 19-jährige Belgierin Sofie in
Abou – einen Flüchtling aus Togo, der illegal
ins Land kam und in dem bekannten Asylzentrum
Klein Kasteeltje untergebracht wurde.
Damit konfrontiert reagieren die Eltern
erst einmal nicht ganz so locker und lässig,
ihre Tochter lässt sich aber definitiv nicht
von ihrem Vorhaben abbringen, mit Abou
zusammen sein und auch mit ihm zusammen
ziehen zu wollen; so fügen sie sich und überlassen
den zwei Liebenden den ungenutzten
Dachboden. Natürlich auch, um ein Auge auf
die noch zarte Beziehung zu werfen.
Ab jetzt gilt es natürlich, einige Vorurteile und
kulturelle Hürden zu überwinden und sich
mit außer-belgischen Bräuchen, Geschichten,
der Politik und Gepflogenheiten auseinanderzusetzen.
Ebenso mit der bürokratischen
Willkür, die zu dieser Zeit noch um einiges
willkürlicher in belgischen Ämtern gewütet
haben dürfte (wobei uns die letzten Seiten des
2012 I #35 I comiCorner 47
Buches darüber aufklären, wie die Asylverfahren
auch aktuell in Belgien und Deutschland
aussehen, sogar eine Verschlechterung der
Lage der Asylanträger blieb leider nicht aus …
permanentes Kopfschütteln ist die Folge bei
Lektüre der Infoseiten.). Dazu noch die unerfahrenen
und vorsichtig ausgeführten ersten
Schritte der beiden, verknüpft mir Verlustängste
und all den Gedanken, Konflikten und
Sorgen, die im Fahrwasser einer Beziehung
mitkommen könnten.
Alles gipfelt in einer gemeinsamen Hochzeit,
damit Abou nicht abgeschoben werden
kann. Es folgt ein Zeitsprung und Kapitel
2, in dem wir erfahren, wie es bis zur und
nach der Hochzeit weiterging und warum
die Beziehung scheiterte – kongenial in der
Rahmenhandlung und im Dialog zwischen
der jetzt sehr erwachsenen Sophie und ihrer
kleinen Tochter eingebettet. Judith Vanistendael
hat ein enormes Gespür für Storytelling,
die Geschichte vorantreibende und Spannung
erzeugende Zeitsprünge und Szenarien.
Der geskribbelte Stil ihrer Zeichnungen
verstärkt den autobiographischen Charakter;
ebenso die via Freihand erstellten Panels und
das eigens in geschwungener Schreibschrift
ausgeführte Lettering. Intensiv, tiefgehend,
sozialkritisch, mitreißend, ganz nahe.
LEOWALD – STOPPTANZ
Reprodukt
Der sagenhafte Leo
Leowald ist zurück!
Und hat mal wieder einige
Alltagsabsurditäten,
Verschwörungstheorien
und Lebensratgeber auf Tasche. Allesamt in
Strips verpackt. Dazu einzwei ganzseitige
Cartoons und fertig ist das geschmackvolle
und überaus wichtige „A Teenage Guide To
Surviving Life – Adults Welcome, Too“. 192
Seiten. Schickes fast quadratisches Format.
Heißt jedoch jetzt „Stopptanz“. Geht trotzdem
klar. Natürlich. Und natürlich hat er auch

48 comiCorner I #35 I 2012
wiederum von seinem überaus empfehlenswerten Webblog zwarwald.de geklaut, ist ja
auch einfach. Und dann noch in Guttenberg-Manier einzwei Sachen ergänzt, neu dazugepinselt.
Um zu vertuschen, eben. Auch bekannt. Wäre er nicht so subtil, leisetreterisch
und feinhumorig, er würde im großen Presserampenlicht gnadenlos zerfetzt werden.
Dazu gibt sich Leowald bewusst als Meister der Reduktion, schon fast zu gewollt abgebrüht
und auch berechnend. Nicht nur in den Zeichnungen. Er fordert den Leser dazu auf
– nein, er zwingt ihn sogar, durch wegrationalisierte Auflösungs-Bilder oder gar dazwischen
eingestreute Nachdenk-Panels in seine höchst verschwurbelt-philosophische Gehirnwindungen
einzutauchen, um diesen die Essenz heraus zu pressen. Nebenwirkungen:
regelmäßig auftretendes unkontrolliertes Kichern, Lachen und Sabbern. Schmunzeln ist
natürlich erlaubt.
Er lässt Undinge einfach auch mal so stehen. Mittendrin. Bricht ab. Lässt uns alleine.
Mit der Pointe. Oder mit etwas ähnlichem.
Genauso ähnlich habe ich letztens eine Rezi über Nicolas Mahler‘s aktuelles Werk
eingeleitet... Ähnlichkeiten sind bewusst platziert und auf jeden Fall gewollt. Die beiden
könnten ruhig mal zusammen auf Lesereise gehen. Haben sie doch die eine oder auch
andere Gemeinsamkeit. Unter anderem eine nicht zu unterschätzende Genialität. In Tun,
Humor, Zeichnung und Reduktion. So, den Rest lass ich auch mal weg.
AUSSERDEM
Matthias Horn
HANNES NEUBAUER - DAS KLEINE SCHWARZE
Edition Moderne
Eine Stripsammlung in Buchform mit guter Hintergrundidee: ein kleines Schwarzes,
eine Krawatte und eine Couch-Kartoffel plus Katze teilen sich eine Wohnung und
erleben absurde Alltäglichkeiten einer Kleidung-Nahrungsmittel-WG.
Schön im reduzierten Pop-Art-Stil und Duplexton umgesetzt, voller Wortspielereien
und Reminiszenzen an bekannte Motive der politischen, sozialen und kulturellen
Geschichte. Einseitige Cartoons wechseln sich mit mehrbildrigen Stories ab, manche
zum Schreien komisch, andere zum Schmunzeln, dritte wiederum, um müde
zu lächeln. Alles in allem jedoch kurzweilig und witzig; das Gute daran überwiegt.
Lustich!

Matt Pryor, seines Zeichens Frontmann
der GET UP KIDS, macht
schon merkwürdige Sachen; bis
vor kurzem sammelte er Spenden
für sein neues Solo-Album und bot
demjenigen, der die Spendierhosen
besonders weit trägt, auch schon
mal an, gleich einen Song für ihn
zu schreiben. Das mag in Zeiten
sinkender Absatzzahlen ein probates
Mittel sein, die Kohle für seine
Produktion zusammenzubekommen,
löst aber bei Musikliebhabern
beiderseits des großen Teichs auch
gerne mal Kopfschütteln aus. Ob
nun, wie bei Matt, das Fanportal
„Kickstarter“ hilft oder das Geld
durch harte Arbeit auf den Bühnen
oder an den Fließbändern dieser
Welt zusammenkommt – letztlich
zählt doch die Mucke. Und die auf
„May Day“ ist wieder so richtig
schön amtlich geworden, die Texte
scheinen allerdings sehr nachdenklich,
beinahe pessimistisch,
besonders wenn man sich Tracks
wie „Don‘t Let The Bastards Get You
Down” oder “The Lies Are Keeping
Me Here” anhört. „In er Tat - zu
der Zeit, zu der ich diese Songs geschrieben
habe, war ich besonders
pessimistisch, man kann sagen:
zynisch“. Hat sich das inzwischen
geändert? „Tatsächlich ist das alles
seitdem schon etwas besser geworden,
aber seinerzeit hat es hat mir
geholfen, die Songs zu schreiben.
Ein paar der Dämonen, die mich
damals gequält haben, bin ich seitdem
losgeworden“. Beim Lesen der
Texte begegnet mir immer wieder
das Wort „Lüge“ oder „lügen“, ist
ihm das irgendwie wichtig? „Nein,
ist mir eigentlich egal, Lügner sind
mir wurscht – das gilt auch für mich“,
sagt er verschmitzt. Scherzkeks.
Manche Dinge sind, was auch immer
man in sie hineininterpretieren
möchte, genau das, was sie sind:
bedeutungslos. Ich möchte wissen,
wie genau die Songs auf „May Day“
entstanden sind. „Ich habe daheim
in meiner Garage aufgenommen, da
habe ich ein komplettes Studio. Viele
Instrumente gibt es dort nicht, und
so wurden ein Karton zur Bassdrum
und meine Schreibtischplatte zur
Snare“, erzählt er. „Die Songs hatte
ich weitestgehend schon während
der „The Get Up Kids“-Tour 2010
geschrieben, aber es war schwierig,
sie fertig zu bekommen. Ich habe
mir dann selbst ein Limit gesetzt
und einfach für mich festgelegt,
dass die Sache bis Mai 2011 stehen
muss.“ Ohne ein bisschen Druck
geht es also auch bei den talentiertesten
Musikern nicht. „Daher
auch der Titel „May Day“ führt er
fort. Was, so möchte ich wissen, hat
einen Typ wie Matt Pryor, Sänger
eine ausgesprochen erfolgreichen
Band wie „The Get Up Kids“, überhaupt
dazu bewogen, Solopfade zu
betreten? „Naja, ich habe eigentlich
nebenbei immer schon akustische
Musik gemacht, und 2000 habe ich
mein Side-Project „The New Amsterdam“
aus der Taufe gehoben. Ich
habe mich seinerzeit auch sehr mit
Musikern wie Steve Earle beschäftigt,
ich wollte irgendetwas machen,
das etwas „ruhiger“ ist, als das
was ich mit „The Get Up Kids“ am
Start hatte …“. Earle, fällt mir dabei
ein, hatte damals gerade das Album
„Transcendental Blues“ herausgebracht,
seinerzeit vom US-amerikanischen
„Magnets“-Magazin zu
den Top 20-Alben des Jahres 2000
gekührt; als „Alternative Country“
wurde das Album bezeichnet, und
diese Bezeichnung passt irgendwie
auch auf das, was Matt musikalisch
so macht. Auffällig ist eine gewisse
Nähe zu Nick Drake, ok, ich als
2012 I #35 I Matt Pyor 49
LASST EUCH
NICHT UNTERKRIEGEN!
„Die-Hard“-Drake-Fan neige vielleicht dazu, hier gerne
mal die „Flöhe husten“ zu hören, aber vor allem das
Picking … „Ja, vielen Dank für den Vergleich, ich mag
Nick Drake tatsächlich sehr, das ehrt mich“. Aber auch
darüber hinaus wird es gewiss Einflüsse geben, oder?!
„Da sind bestimmt Bon Iver und die Avett Brothers zu
nennen.“ Und was bewegt ihn inhaltlich? „Die Familie,
Bücher, das Leben, die Amerikaner, ihre Ignoranz“. Natürlich
hat nicht jeder seine aktuelle Platte, ich empfehle
aber, das Teil unbedingt man anzutesten. Und obendrein
gibt’s ein extra-Schmankerl für Vinyl-Fetischisten:
rot, 180 Gramm! Soviel Schleichwerbung darf,
muss sein. Ach ja, „antesten“ … am besten hier:
http://soundcloud.com/matt-pryor
Keule
Bild gesehen auf planetlyrics.co

50 gayGlotze I #35 I 2012
•
ANARCHIE GIRLS
Pro Fun Media
R: Saullus Drunga
LIT 2010, 90 Min., FSK 12
Lit. OF mit dt. UT
Gleich der Beginn dieses kompromisslosen Beispiels
für baltisches Autorenkino zeigt, wo es lang
geht. Da treibt eine junge,
burschikose Vermieterin mit
Hilfe ihres geschwungenen
Nietengürtels bei ihrer Mieterin
die überfälligen Zahlungen
ein. Anarchie in Vilnius?
Schnitt. Im Zug sitzt ein vergleichsweise
biederes Mädel
aus der Provinz. Sie
fährt in die Hauptstadt, während
man um sie herum davon
spricht, dort herrsche -
na? - richtig: Anarchie!
Ein bisschen dick aufgetragen dieser Beginn,
und das ist die einzige Schwäche des sympathischen
Films, der nicht immer den eigenen Bildern
so ganz trauen mag. Nun, was bringt das
Blondchen, sie will in Vilnius Pädagogik studieren,
außer Träumen, Naivität und selbstgekochter
Marmelade in rauen Mengen schon mit? Jedenfalls
bleibt sie nicht wie vorgesehen bei ihrer
biestig kontrollsüchtigen Geizkragentante, sondern
bezieht in einer heruntergekommenen Plattenbausiedlung
eine kleine Wohnung, mit oben
erwähnter Krawalllady als Vermieterin, die einen
Schlüssel zur Wohnung hat und den auch
exzessiv benutzt, auch um ihre Mieterin zu verführen
und sie in ihre täglichen kleinkriminellen
Machenschaften und Besorgungsgänge einzubeziehen.
Dass dieser Film trotz des doofen, plakativen
Titels nicht misslingt, liegt nicht an der reichlich
spekulativen Story, die immerhin mit einer
sehr pfiffigen Pointe überrascht. Faszinierend
ist vor allem das Setting, die Schilderung der
Umgebung, der Nebenfiguren, der schonungs-
lose Blick auf die Nachwende-Realität der litauischen
Metropole. Aufeinanderkrachende Milieus
und Lebensentwürfe, der krasse Gegensatz der
Generationen, von Vergangenheit und Moderne,
Land und Stadt, wird ebenso knapp und kühl wie
überzeugend auf den Punkt gebracht. Faszinierend,
an welchem Punkt sich fast alle hier einig
zu sein scheinen: Sie wollen einfach nur weg.
Gerade in der beengten Wohnung der Studentin
wird das klaustrophobisch eingeengte Lebensgefühl
der alten Plattenbaurealität durch anarchistische
Vorstellungen und Wut gesprengt,
verdichtet sich gewalttätiges Aufbegehren zum
logischen Destillat paranoider Spießbürgerlichkeit.
Doch was steckt wirklich hinter dem aggressiven
Auftreten der scheinbar autonomen Vermieterinnen-Kampflesbe?
Und ist unsere Pädagogikstudentin
so naiv, wie es anfangs scheint?
Am Ende des Films wirken auch die anarchistischen
Punkparolen seltsam schal, nur ein
Spiegelbild des Spießertums, eine Art pseudorevolutionärer
Trachtenverein. Auch nur Losungen
und Parolen. Und die wahre Autonomie
finden wir am Ende dieses Films da, wo
wir sie lange Zeit am wenigsten vermutet hätten.
Ein starkes Stück.
AUGUST
Pro Fun Media
USA 2011, 100 Min.,
FSK 12
OF mit dt. UT
Der Stoff, aus dem das
Drama ist: Junger, exzentrischer,
muskulöser
Karrierist, schwul, kehrt
zurück aus Madrid an
den Ort seiner letzten
Beziehung und seine alte Heimat im sonnigen
amerikanischen Süden. Dorthin, wo er reichlich
Porzellan zerschlagen und ein zerbrochenes
Herz zurückgelassen hatte, das er nun prompt
wieder mit Beschlag belegt. Obwohl sein Ex gerade
kurz davor steht, mit seinem neuen Freund
(sexy und nuanciert: Adrian Gonzalez) zusammenzuziehen,
einem Latino-Bartender, der lange
versucht, im Angesicht des Ex seines Freundes
das eigene Vertrauen aufrecht zu erhalten, während
Troy seinen Ex Jonathan ins Bett zerrt und
sich halt nimmt, was er zu brauchen glaubt, ein
im Grunde beziehungsunfähiger Jäger, den die
Beute primär nur interessiert, so lange sie sich
entzieht. Doch was wird bei dieser bitteren Gemengelage
aus der Beziehung von Jonathan
und Raul? Bricht die hinter der verständnisvollliebevollen
Fassade lauernde Wut Rauls noch
hervor? Oder schlägt er den Eindringling mit
dessen eigenen Mitteln? Hat die Beziehung der
beiden jungen Männer unter diesen Umständen
überhaupt eine Chance?
Intelligentes Dreiecksdrama mit überraschender
Auflösung, konventionell erzählt und bei allem
Pathos doch sehr lohnenswert.
BREAK MY FALL
Pro Fun Media
R: Kanchi Wichmann
GB 2010, 105 Min.,
FSK 16, dt. UT
Zwei Band-Mädels aus
London im Beziehungsclinch.
Lesbische Liebe
im Endstadium, drei
Tage und Nächte stehen
ihre Beziehung und ihre
Freundschaften auf einem dramatischen Prüfstand.
Das auch. Indieszene, Intimität, Irrsinn.
Doch eigentlich geht es hier um Grundsätzliches:
Die Regisseurin und Drehbuchautorin zeigt, wie
Abhängigkeit Liebe zerstört, Gewalt erzeugt, Sadomasochistische
Psychospiele, Kontrollzwang
und -verlust, bis hin zur Existenzbedrohung. Das
gegenseitige Wissen um Schwachstellen und
Narben des anderen macht verletzbar, das Wissen
darum erzeugt ängstliche Vorwärtsverteidigung,
wüste Angriffe, wo Hinhören und Innehalten
nötig wäre.
Als Spiegel des wachsenden Wahnsinns zwischen
den zwei Mädels fungieren hier zwei ihrer
Freunde, einer davon zwar Stricher, jung und
asiatischer Immigrant, aber wenn er nicht gerade
eine Koksline zieht, noch der Rationalste der
Clique, während der Vierte im Bunde, proletarisch
geprägt, aus Sicherheitsgründen gelernt
hat, etwas mehr Distanz zum Geschehen rundum
zu halten. Doch der Dreh- und Angelpunkt
ist die berstende Abhängigkeit der Frauen voneinander,
sind die bitteren Dialoge, das blitzartige
Wechseln in den Kampfzustand. Kanchi Wichmann
zeigt dies geradezu in Zeitlupe, seziert die
lauernde Gewalt in der engen Chaosbude der
Musikerinnen wie in einem Chemiebaukasten,
klaustrophobisch und furchteinflößend. Doch es
sind doch nur Liebe suchende, die Mädels, keine
Monster... Sie machen sich gegenseitig dazu,
das ist die bittere Wahrheit. Liebende wie Du und
Ich, die sich verirrt zu haben scheinen in ihren
Verlustängsten und Vernarbungen, vielleicht rettungslos
verirrt.
Die authentischen tollen Dialoge, das genaue
körperliche Spiel bis über die Grenzen der Zumutung
hinaus, der Film Wichmanns ist radikal,
weil er nichts ausspart, nichts überhöht, einfach
nur draufhält und dabeibleibt, immer noch verzweifelt
bemüht, einen Rest an Hoffnung für seine
ProtagonistInnen aufzuspüren. Die zwei jungen
Männer kommentieren das Ganze auf dem
Dach eines Wohnhauses... „Hältst Du uns für
normal, Vin? Die Welt da draußen ist ganz anders.
Eine Welt mit Leuten, die nachts schlafen
und morgens zur Arbeit gehen.“ Von der sind unsere
jungen, gar nicht so Erwachsenen weit entfernt.
Und die Mädels? Das Ende einer Beziehung
kann auch eine Erlösung sein. Immerhin.
Toller Soundtrack!

BRUDERSCHAFT
Pro Fun Media
R: Nicolo Donato
DEN 2009, 97 Min., FSK 16
Dän. OF mit dt. UT
Warum wird einer Nazi... Gibt es dafür eine
spezielle Disposition? Muss man dafür besonders
dämlich sein? Besonders unsensibel? Und
wenn einer gleichzeitig schwul ist,
braucht es da zur Naziwerdung einen
Uniformfetisch? Die Geilheit darauf,
dominiert zu werden?
All diese Fragen beantwortet dieser
verstörende, mutige Film des dänischen
Regisseurs Nicolo Donato
über schwule Liebe in einer Neonazibande
mit - Nein.
Doch von vorne: Ein blonder junger
Mann fliegt aus dem Militär, weil er
sich einem Kameraden zu sehr genähert
hatte. Rumschwulen in der
Armee, geht gar nicht. Wenn es auffliegt.
Zuhause gibt es keine Unterstützung,
sondern nur Sinnsprüche satt und Angebote
aus dem Fertigbaukasten bürgerlicher Karriereplanung,
die mit seinen eigenen Wünschen
rein gar nichts zu tun haben. Angewidert von
der häuslich vermeintlichen Sinnentleertheit füllt
er den Mangel an Thrill, Identität und Anerkennung,
indem er bei der lokalen Naziclique andockt,
die vorzugsweise säuft oder Schwule
verprügelt. Und nach anfänglichem Widerstand
feuert er als Mutprobe einen Molotovcocktail auf
ein Immigrantenheim und entwirft erste Propagandatexte,
wobei er das Ganze immer noch
als Spiel betrachtet. Doch der Anführer sieht in
ihm ein schlaues Kerlchen mit Potential und so
wird er zum ersten Anwärter auf eine Karriere in
der Nazipartei und tauscht die Existenz zu Hause
endgültig gegen eine Koje im Haus des lokalen
Führers, das er mit einem Kameraden renoviert.
Und die beiden jungen Männer entdecken
nach erster Antipathie nach und nach ihre Liebe
zueinander. Bis das heimliche Verhältnis durch
den eifer- und drogensüchtigen Bruder des Geliebten
enttarnt wird, da ist Schluss mit lustig
und es fließt reichlich Blut.
Dieser Film ist mutig, echt, riskant. Er zeigt,
dass Nazis als Gruppe widerwärtige Monster
sind, die man nur mit den nötigen Gewaltmitteln
stoppen kann und muss. Doch auch diese Menschen
sind, so weit sie sich noch nicht schuldig
gemacht haben, als Individuen auch Verführte,
fehlgeleitete Männer und Frauen, von denen
einzelne sogar, so schmerzhaft das auch sein
mag, sympathisch sein können, fast schon zufällig
durch das jeweilige Umfeld braun geprägt.
Denn auch das gehört zur braunen Wahrheit:
Da zogen Punks in Magdeburg von der Alt- in
die naziverseuchte Neustadt, schnitten sich die
Haare ab und wurden zu Nazimitläufern, an-
satzlos. Hauptsache, die Welt ist einfach erklärt,
die Schwarz-Weiß-Bilder stimmen, eine Welt
aus Freunden und Feinden und sonst nichts ist
nämlich bequem. Solange die Feindbilder klar
sind, ist die eigene mickrige Identität nicht im
Fokus. So funktioniert das, von eiskalt kalkulierenden
machtgeilen Opportunisten an der Spitze
mal abgesehen, die die Parteileitung eher
als Karrierechance betrachten und sich selbst
die Finger nicht schmutzig machen. Nicht morden,
höchstens morden lassen,
um die Jungs, die das gemacht
haben, im Knast verrecken zu
lassen, so lange das politisch
opportun ist.
Solche Innenverhältnisse zeigt
dieser Film, Prekariatsopfer
und gelangweilte Bürgerkinder
ohne Perspektiven, die aus der
Sucht nach Anerkennung, dem
Wunsch nach Gruppensolidarität
und der männerbündlerischen
Wärme zu leichten Opfern
der Verführer werden.
Es ist schlicht sensationell, dass Donato das
zeigt, damit die übliche Braun-Weiß-Malerei
verlässt, ohne dabei zu vergessen, wer die Täter
und wer die Opfer sind. Eine Meisterleistung
ist das ohnehin, hier nur noch getoppt durch
zwei Hauptdarsteller, die eine wirklich überragende
Leistung abliefern: Thure Lindhardt und
David Denck.
Die schmerzhaften Fragen, die dieser Film
stellt, die gehen uns alle an. Sind Sie, Sie ganz
persönlich! Sind Sie sich denn sicher, mal angenommen,
Sie sind Mann, stehen auf Männer,
verknallen sich in einen und erfahren erst später,
der ist Nazi. Würden Sie ihn nicht zu verstehen
suchen? Würden Sie nicht bei ihm bleiben,
wenn er Ihnen Ihre Sicherheit garantieren
würde? Was er eigentlich gar nicht könnte? Und
wären Sie nicht auch für ihn ein Risiko? Würde
er also zu Ihnen stehen? Und würden Sie einen
Moment lang auch daran denken? Und was würden
Sie sagen, davor und danach? Schatz, sag
Deinen Jungs nie wieder, dass man Schwulen
den Schwanz abhacken sollte. Sag das nie wieder!
Und jetzt, lass es uns noch mal genießen?
Was würden Sie sagen?
EATING OUT 4 – DRAMA CAMP
Pro Fun Media
R: Allen Brocka
USA 2010, FSK 16, 90 Min.
dt. synchronisierte Fassung
Drama-Camp? Die rosarote Disney-Variante?
Die Jonas Brothers in schwul? Leider nicht.
Aber gemach, wer die ersten drei Folgen mochte,
wird hier keinesfalls enttäuscht: Die Teilnahme
am ersehnten Schauspielercamp, in dem
die leitende Drama-Queen jeglichen Sex ver-
2012 I #35 I gayGlotze
bietet, weil sie in ihrer Unerfülltheit den Anblick
nicht ertragen könnte, ist immer noch besser, als
die Home-Video-Versuche an schwulen Splattermovies.
Da haben unsere jungschwulen Filmer und
Schauspieler ja völlig Recht, die sich mit unverbesserlichem
Optimismus die Professionalisierung ihrer
Fertigkeiten erhoffen. Und geilen Spaß, na klar,
den haben sie dann auch, viel nackte Haut inklusive,
und nach einem Beginn voller Drive und guter
Gags werden letztere erst im zweiten Teil ein wenig
berechenbar und fad. Doch auch das kannten
wir ja schon von den ersten drei Folgen. Hübsch,
nett, unterhaltsam ist das hier, nicht mehr und nicht
weniger.
FJELLET - DER BERG
Edition Salzgeber
Regie: Ole Glaever
NOR 2011, 70 Min.,
FSK 0
norweg. OF mit dt. UT
Zwei Bergwanderinnen
machen sich
auf zu einer Bergtour
in arktischer Kälte.
Diese Tour ist das Ergebnis
einer Erpressung. „Wenn
Du nicht mitkommst, ist es zu
Ende.“ Die beiden haben ein
gemeinsames Trauma: Bei der
gleichen Tour, zwei Jahre vorher,
starb ihr Sohn bei einem
Sturz am Berg. Er war fünf Jahre
alt. „Weißt Du, was Dein Problem ist? Du kannst
nicht offen über Valle sprechen!“ „Dieser Trip bringt
ihn uns nicht zurück.“ „Bald wird es schneien.“
In der winterlichen Kälte wird jede Frage zum
schneidenden Angriff, die erstarren lässt, was so
lange Liebe war. Zwei lesbische junge Frauen mit
gemeinsamem Kinderwunsch, nur noch nachts im
Zelt aneinandergekuschelt unbewusst die einstige
Nähe findend, kämpfen um - ihre Liebe? Oder doch
zu aller erst um sich selbst? Und - ist das vielleicht
doch noch das Selbe? Da sind ja Momente von
Zärtlichkeit, gemeinsamer Freude und Trauer.
„Wovor hast Du so große Angst? Er war Dein
Sohn!“ „Er war auch Dein Sohn!“ „Wie meinst Du
das?“ „Es war so steil. Ich versteh’s nicht!“
Lakonische, bittere Dialoge in einer archaischen
Landschaft. In eisiger Kälte suchen zwei mit aller
Konsequenz eine Klärung, um neu beginnen zu
können. Ob miteinander, gegeneinander, oder für
sich. Ob durch Rache oder Vergebung, das erzählt
der von zwei großen Schauspielerinnen getragene
Film genau, nah, zutiefst berührend.
Fjellet ist nicht in erster Linie ein Film über eine lesbische
Beziehung, sondern ein phänotypisches
Drama um Trauer, Rache und Vergebung.
Als ob das die DVD nicht schon lohnen würde, gibt
es als Extra noch einen tollen Bonusfilm: „Kurzatmig“
erzählt von der Annäherung zweier sehr unterschiedlicher
Frauen, die sich als Nachbarinnen auf
dem Lande nur für einige Wochen begegnen. Mystisch,
lakonisch, schön.
51

52 gayGlotze I #35 I 2012
THE FOUR-FACED-LIAR –
LIEBE FINDET IHREN WEG
Edition Salzgeber
R: Jakob Chase
USA 2010, 87 Min., dt. UT, FSK 12
West Village, New York. Eine lesbisch - heteromännliche
Zweier-WG und ein frisch aus der
Provinz nach New York gekommenes Stino-Pärchen
mischen sich gegenseitig und ihre Umgebung
ganz schön auf. Jeder ist dabei irgendwie
bewusst oder unbewusst damit beschäftigt, alle
gefestigten Beziehungsstrukturen in der Umgebung
möglichst ins Wanken zu bringen. Die
Kneipe „Four-Faced Liar“ wird dabei zum Dreh-
und Angelpunkt der amourösen Verstrickungen
und Wirren, einem tragikomischen Bäumchenwechsle-dich-Spiel,
das teils slightly overplayed
und reichlich melodramatisch, aber durchweg
sympathisch sämtliche Weltbilder ringsherum
atomisiert. Das hat Charme und Witz, auch
wenn dieses Twenty-something-auf-und-ab dem
„Liebeswirren in Invierteln westlicher Großstädte“
-Genre letztlich nichts Neues hinzuzufügen vermag
und vor allem deshalb verpufft, weil es sich
bis zum Schluss zwischen Romantikklamotte
und Persiflage nicht entscheiden will.
IN THEIR ROOMS (San Francisco/Berlin)
Edition Salzgeber
Bonus-Kurzfilm: I Want Your Love
R: Travis Mathews
USA 2009, ca. 100 Min., FSK 18, dt. UT
Das sitzt. Verdichtet auf gerade mal 20 Minuten
Länge reflektieren völlig unterschiedliche schwule
Kerle und Kerlchen über die intimsten Details
ihrer Obsessionen, spielen auch mal an sich rum,
in Berlin bis hin zum Wichsen und offenem Sex.
Doch die in San Francisco klare Struktur wird im
weitaus längeren und expliziteren Berlinabschnitt
unverständlicherweise aufgeweicht. Warum auf
einmal Kamerafahrten durch Straßen und Untergrund
Berlins? Warum Pärchen und nicht nur,
wie ursprünglich, einzelne Männer, ihre Beziehung
zu Körper und Raum und Sinnlichkeit?
Stark ist das, neu und so was wie Indieporno,
klar. Gerade auch im Bonusfilm „I Want You“, der
klarer die Begegnung im Fokus hat und deshalb
auch wieder mehr überzeugt.
Mathews ist einer, der versucht, Porno jenseits
vom oft peinlichen Zentimeterfetisch und den
ewig gleichen Traumtyp-Fixierungen neu zu
denken, und das allein ist schon mal verdienst-
voll. Seine Männer müssten noch ein wenig
verschiedener sein. Man denke an die porträtierten
Männer bei Herlinde Koelbl. Seine Vorgaben
müssten klarer umgesetzt werden, formal
strenger. Doch er ist auf diesem Weg in eine
lustvoll-bunte Körperbezogenheit ohne Konsumentia-geprägte
Normierungen weiter als viele
andere, die sich hoffentlich der Abteilung „Indie-
Porno“ noch anschließen werden...
JUDAS KISS
Pro Fun Media
R: J. T. Tepnapa
USA 2011, 91 Min., FSK 16
OF/ dt. UT
Schwule Time-Traveller-Variante mit verworren
konstruierter, abstruser Geschichte, die nur als
Vorwand dient, erotische Verwirrungen von Film-
Highschool-Eleven als nicht enden wollende Parade
charakterlos verzeichneter Schönlinge zu
inszenieren, glatt und ohne jede Tiefe, kitschig
und ohne Glaubwürdigkeit, mit gestelzten Dialogen,
die schon am Anfang klarmachen, worum es
eigentlich gehen soll: „Das sind hautenge Jeans
tragende Burschen, die denken, dass die Welt ihnen
was schuldet.“ Genau das ist das Problem.
LIEB MICH! GAY SHORTS VOL. 3
Pro Fun Media
USA/DEN/BRD 2008-10, 138 Min., FSK 16
Orig. mit dt. UT, außer dt. OF
Zwei der insgesamt acht Kurzfilme handle ich
erst mal kurz ab. In „CURIOUS THINGS“ und
THE IN-BETWEEN quatschen junge schwule
Männer über diverse Varianten des Sehnens
und Begehrens, Treffens, Verliebens und Verlassens,
aus dem Off über schnell geschnittene Alltagsbilder.
Ich würde mir den Cut Up-Style riskanter,
provokativer und frecher wünschen, so
ist das eher eine halbe Sache.
Ansonsten aber herrscht sehr hohes Niveau vor.
Im beeindruckenden Kurzdrama „HINTERBLIE-
BENE“ trifft ein junger Mann nach dem Tod des
Vaters an der Haltestelle einen älteren schwulen
Mann, eine Begegnung mit Zunder, die ihm
zu wertvollen Einsichten verhilft und durch die
er auch der kleinen Schwester gegenüber eine
neue, angemessenere und liebevollere Rolle findet.
Ein von einem Topcast souverän gestaltetes
Glanzstück von Alexander Peufer.
„WE ONCE WERE TIDE“ zeigt dann eine psychisch
kranke Mutter, ihren ratlosen schwulen
Sohn und dessen Freund - und eigentlich die
bittersüß verrätselte Chronologie eines erzwungenen
Abschieds, der neues Verstehen gebiert.
Stark! Sexy und genau zeigt dann „EL RELOJ“
zwei Jungs, einen brunftigen Bruder, eine verhinderte
Übernachtung, eine missglückte Annäherung.
Und Blicke. Solche Blicke... Dann wird
es lustig und boshaft: „SMALL TIME REVOLUTI-
ONARY“ porträtiert einen jungschwulen queeren
Politkämpfer im Spannungsfeld zwischen der
Queer-Clique und den von ihm gestalteten Flugblättern
– und seiner eigenen ahnungslosen Familie.
Denn hinter der biederen Fassade gibt’s
nur den Papa-Whimp, der sich hinter seiner
Briefmarkensammlung vor dem Leben versteckt
und die kontrollsüchtig-dominante Mutterfurie,
deren Autorität vom Vater nur in winzigen Momenten
hinterfragt wird, der kurz vor einem
Amoklauf zu stehen scheint. Da gibt es doch nur
Eines: Come Out, Boy! Oder?
Ein ganzes Stück weiter sind die sechs dänischen
Jungs, die in „XY ANATOMY OF A BOY“ unter der
Dusche, der Umkleidekabine
und in der Wanne
von sich und ihren Erfahrungen
erzählen, unaufgeregt,
selbstverständ-
lich authentisch, natürlich
sexy, toll. Und mit einem
Lehrstück in Sachen Body
wahn und Muckifetisch
geht die Sammlung zu
Ende, witzig und auf den
Punkt gebracht: Boy, der
gern Gogo-Dancer wäre,
hat dafür leider nicht die
angeblich genremäßig
unabdingbaren Muckis, und entdeckt so in „GOGO
REJECT“ eine Marktlücke. Nachahmenswert!
MARY LOU
Pro Fun Media
R: Eytan Fox
ISR 2009, 90 Min., FSK 12
Isr. OF mit dt. UT
Mama schwärmt für Schlagerstar, prägt damit
Sohnemann zur Dramaqueen. Und verschwindet
spurlos, Tränen und Traumata zurücklassend.
Sohn flieht vor manisch-depressivem alleinerziehenden
Papa nach Tel Aviv und macht
dort Karriere als Travestiestar in einer bunt-sympathisch-schrägen
Truppe. Während er einen armen
jungen Kollegen und dessen Leidenschaft
für ihn leider gänzlich übersieht, überlebt dieser
das nicht. Am Ende wird sogar die verschwundene
Mama nach einer Odyssee des Suchens
wieder entdeckt, womit sich all die erfundenen
Geschichten des jungen Mannes komplett erledigen,
der nun den Mut fasst, eigene Lieder zu
singen. Hach, wie romantisch. Und sogar Papa
kommt wieder auf die Reihe. Alles wird gut.

Das Ganze passiert wie schon früher
(„The Bubble“) bei Eytan Fox mit reichlich
pfiffiger Situationskomik - die Tiefe
früherer Arbeiten allerdings vermisse
ich hier schmerzlich, bade stattdessen in
überbordender Pathetik, von der es deutlich
weniger auch getan hätte. Und der
Kunstgriff, unsere Hauptfigur als Erzähler
einzusetzen, der uns auf einem Stuhl
im Düstern hockend von Kapitel zu Kapitel
geleitet, bricht den fragilen Drive der
Komödie vollends. Da retten die schönen
Showeinlagen und Lieder die Chose
auch nicht mehr. Zu viel Glitter und Dramatik
verderben einen im Ansatz netten
Filmplot, weil Zwischentönen kaum
eine Chance gegeben wird und der Zwitter
aus Komödie und Melodram einfach
nicht funktioniert. Nur wer auf Travestie-
Schmonzetten grundsätzlich steht, könnte
das mögen, ich schau mir lieber die gute
alte Priscilla an.
SASCHA
Edition Salzgeber
Regie: Dennis Todorovic
D 2010, FSK 12, 101 Min., dt. OF
Man nehme:
Eine aus Monte-
negro (nicht: Mazedonien,
da legt
Mutti Wert drauf)
stammende Immigrantensippe,
wohnhaft in Köln,
deren versteckt
schwuler Sohn
(hinreißend zerbrechlich
und tap-
sig: Saša Kekoz)
von der überfürsorglichen
Mutter
und Heimarbeiterin für eine Karriere als
Starpianist fest eingeplant ist, während
der Kneipier und Papa (großartig in seiner
Kauzigkeit und Vielschichtigkeit: Pedja
Bjelac!) ihn lieber in der alten Heimat verheiraten
würde. Dazu nicht zu vergessen
der Bruder, der die chinesische Immigrantentochter
= Violinistin aus der Nachbarschaft
anschmachtet, die aber gleichzeitig
dem Jungschwulen als Alibifreundin dient,
nachdem sie dessen Geheimnis mühsam
verkraftet hat, weil sie ja selbst in ihn verschossen
war. Ich beginne abzuschweifen,
back zur Sippe: Also, der Bruder, der
was ahnt und noch ein komplett unnützer
Bruder oder Cousin des Papas, der die
Renovierung eines Bades herauszögert,
um länger Speis, Trank und Unterkunft
zu genießen. Und dann wäre da noch das
Ziel der Begierde, der von Tim Bergmann
ebenso arrogant, wie muskelbepackt gegebene
Klavierlehrer-Schönling, der sich
im Wesentlichen für sich selbst und angesagte
Parties interessiert. So, all die netten
schrägen Vögel, mehr oder weniger
friedlich eingebettet ins Leben der Kölner
Multi-Kulti-Straßenrealität. Hach, was ein
schönes Setting für ’ne geile Komödie, die
sich aber so was von gewaschen hat. All
die kleinen Bosheiten und Gags, die schon
gleich beginnen mit der Familientragödie
am Grenzzaun, bzw. am Zollhäuschen.
Einfach treffend und komisch ist das und
das Beste: Keine billigen Gags, niemand
wird vorgeführt. Nein, voller Sympathie für
alle Protagonisten reiht sich ein blendend
getimeter Gag an den anderen, leichtfüßig
und genau bastelt der hochtalentierte
Regisseur an pfiffigen Überraschungen in
Folge, jagt die bunte Mischpoke durch ein
sehr spezielles Wechselbad an Herausforderungen
und erzwungenen Einsichten.
Wer nicht hören will, muss fühlen. Und
gefühlt wird hier reichlich. Reichlich komisch.
Wir erleben Dramen menschlicher
Leidenschaft und montenegrinischer Passion,
und eigentlich schlicht und einfach
die beste deutsche Coming-Out-Komödie
ever. Und für das Genre der Multi-Kulti-
Comedy auch einen Film für ganz oben
auf der ewigen Bestenliste, vergleichbar
allenfalls mit den ebenso frischen Pakis/
Inder-In-London Komödien eines Damien
O’Donnell („East Is East“) oder von Kurinder
Chadha („Kick It Like Beckham“). Tiefe
Verbeugung und jetzt seh’ ich ihn mir ein
drittes Mal an.
SEA PURPLE
Pro Fun Media
R: Donatella Maiorca
ITA 2009, 105 Min., FSK 12
Ital. OF mit dt. UT
Während das Leben von heutigen Schwulen
und Lesben im queeren Film schon
lange von diversen Seiten ausgeleuchtet
ist - und doch auch hier noch viele Wege
ungegangen sind - ist die Vergangenheit
schwulen und vor allem lesbischen Lebens
in früheren Jahrhunderten ein weitgehend
unbesprochenes, erst recht unbespieltes
Thema. Erfreulicherweise rückt
dieses Melodram
2012 I #35 I gayGlotze 53
nach einer wahren Geschichte das harte, kaum glaubliche
Los zweier lesbischer Frauen im ländlichen Italien Mitte des
19. Jahrhunderts in den Fokus.
Eine der beiden Frauen wird von ihrem brutalen Gutsverwalter-Vater
quasi von Beginn an permanent misshandelt, sogar
eine eigentlich tödliche Zeit lang in einem kleinen Kellerverließ
eingesperrt. Ein Sohn hätte sie sein sollen, das ist
ihr Vergehen.
Ihre Freundin Sara ahnt nichts von ihrer Marter im Kellerloch,
wähnt sich im Stich gelassen und lässt sich einem
Nachbarssohn versprechen. Doch die Eingesperrte wird befreit
- und schließlich zum Sohn und Nachfolger des Gutsbesitzers
umgestaltet. Aus Angela wird Angelo. Zwar weiß
das Jeder im Dorf, aber der Gutsverwalter hat die Autorität,
die Spötter zum Schweigen zu bringen. Angelo-la und Sara
heiraten, später kommt ein Kind zur Welt, der Skandal ist
perfekt.
Mit sprichwörtlicher italienischer Dramatik
wird dieser atemberaubende Plot
umgesetzt - archaisch und romantisch
- doch diese wahre Begebenheit
verträgt alles Pathos und ist
auf ergreifende Art konsequenter
Ausdruck jener barbarischen Unmenschlichkeit,
mit der gerade im
Wirkungsfeld des organisierten
Katholizismus mindestens in der
Vergangenheit Minderheiten und
Normabweichler durch die Dörfer
getrieben wurden. Für Individualität
und Selbstverwirklichung
war da kein Platz und die Saat, die
von den vatikanischen Pfaffen gesät
wurde, ging auf in der sadistischen Gewalt jener, die den
Verrat an ihren eigenen Schattenseiten und Begierden als
Teil eines gewalttätigen Mobs wegzuprügeln suchten, die
für ihre eigenen unterdrückten Zweifel und erlebte Gewalt
an solchen Abweichlern tödliche Rache nahmen. So wurden
sexuelle Abweichler und sogenannte Ketzer zu Opfern faschistischer
Raserei. Die Erinnerung an solch unchristliche
Gnadenlosigkeit im Namen des Herrn in Rom wachzuhalten,
ist alle Mal verdienstvoll, erst recht wenn dies filmisch auf so
überzeugende Weise geschieht, wie in diesem Drama, das
einen Ehrenplatz nicht nur in queeren Filmarchiven verdient.
EIN SOMMER DER LIEBE
Edition Salzgeber
Drehbuch, Regie: Edwin Oyarce
CL 2010, 107 Min., FSK 12
Orig. mit dt. UT
Ein junger, hübscher Latino, der den Sommer beim Vater
verbringt, Scheidungskind, sammelt Sperrmüll, um damit
sein kleines Zimmer etwas persönlicher gestalten zu können
und begegnet dabei seinem alten Kumpel, Sohn einer
alleinerziehenden Alkoholikerin, der für sein Leben gern filmt
- bald auch ihn, scheinbar spaßeshalber gerne mal in sexy-

54 gayGlotze I #35 I 2012
anzüglichen Posen. Dessen schwules Begehren
nimmt er nicht wirklich wahr, während sich beim
Gegenüber zwischen Indierock, Joints, Suff und
gemeinsamem Träumen Schritt für Schritt das
dramatische innere Coming Out seinen Weg ins
Bewusstsein bahnt...
Dass dieser Film dabei die meisten Coming Out
& Of Age-Filme weit überragt, liegt am brillanten
Spiel der gesamten Darstellerschar, an der wunderbar
genauen, nahen Kamera, an den behutsam
und genau geschilderten Randgeschichten.
Da wäre die Freundin, die zunächst im Koma
liegt und nach Kameraexperimenten unserer
zwei Halodris auf wundersame Weise erwacht.
Da wäre die fast ständig alkoholisierte Mutter,
die den Freund des Sohnes ob seiner Sexiness
hemmungslos angräbt. Und da wäre die Dreier-Bettszene,
die dann doch eine völlig andere
Richtung nimmt, als wir vermuten mögen, und
einen dramatischen Bruch bedeutet. Da wären
die scheuen, heimlichen Berührungen in heißen
Nächten, da ist ein geheimnisvoller Schöner am
Strand. Da sind die authentischen, frischen Dialoge,
das spontane, völlig natürliche Spiel, echt,
unverfälscht, ohne jedes Pathos, weitab von jeglichen
Klischees. Und ein ebenso beiläufig wie
logisch konstruiertes Ende. Ein rundum gelungener,
toller Ausnahmefilm, den man so manchem
jungen queeren Filmer
hierzulande zu Lernzwecken
empfehlen kann - und der
nicht nur für schwules Publikum
ein echter Volltreffer ist.
VAMPIRE BOYS
Queer Films
R: Charlie Vaughn
USA 2011, 70 Min., FSK 16
OF/ dt. UT
Caleb, jung, schwul, sehr unsicher
und naiv, zieht zu Paul,
jung, schwul, hübsch, in dessen schönes Häuschen.
Doch statt sich dem in Leidenschaft für
ihn, warum auch immer, Entflammten hinzugeben,
wird er zum Toyboy der in der Stadt tätigen
Vampir-Viererbande, die auch einen schwulen
Blut- und was-auch-immer-noch-Sauger in ihren
Reihen hat. Leider wird Paul, für mich der ein-
zige Protagonist mit
echtem Sexappeal,
von den Vampirmuckiträgern
als potentieller
Störfaktor früh
dahingemeuchelt, damit
Caleb, unser blonder
Azubi, Zeit für die
dramatische Entscheidung
hat, ob er auch
ein Vampir werden
und mit dem Anführer
der Bluttrinker für immer
und ewig verbandelt
sein will.
Gnadenlos hölzerne
Dialoge, schauspielerischer
Dilettantismus,
eine grausige Filmmusik
und die amateurhafte,
schlampige
Regie qualifizieren dieses furchtbare Machwerk
zum ersten Anwärter für die peinlichste cineastische
queere Posse seit Jahren. Das Gute daran:
Schlechte Filme sind nicht ansteckend und
wer den Kontakt vermeidet, lebt völlig safe.
VIOLET ... SUCHT MR. RIGHT
Pro Fun Media
R: Casper Andreas
USA 2010, 105 Min., FSK 16, dt. UT
Es ist toll, Fag Hag zu sein. Will heißen: Die
Lieblingsmutti einer lokal ansässigen Clique von
Schwulen, genauer: Eines Gay-Hofstaats. Star
zu sein im Schwulenclub, wandelnder Kummerkasten,
bei dem sich die Boys ausheulen können...
Toll!? Eine Weile lang schon. Nur. Solcherart
geliebt, aber eigentlich komplett alleine
zu sein, verführt nämlich dazu, das eigene innere
schwarze Loch, die Einsamkeit nicht mehr
wahrnehmen zu wollen, dieses Manko zu ignorieren
und darob auch Möglichkeiten zu affektiven
Bindungen nicht mehr an sich heran zu lassen.
Wer so unterwegs ist, bleibt chronisch solo. Violet
ist genau so drauf, sagt dem glamourösen Leben
als Schwulenmama „Good-Bye“ und landet
- leider nicht bei demjenigen, der sie tatsächlich
anschmachtet und der wohl auch der Richtige
wäre, sondern ausgerechnet bei einem engstirnigen
Pedanten, dessen persönlicher Horizont
reichlich überschaubar und berechenbar ist. Stoff
genug für eine leichtfüßige, witzige Komödie, die
blendend unterhält, quietschbunt zutreffend die
Szene karikiert und dabei doch nicht im Klischee
steckenbleibt, eine reife Leistung. Für das queere
Partyevent ein cineastischer Burner. Und nicht
nur für Marianne Sägebrecht ein queeres Geschenk,
mit dem man nichts falsch machen kann.
VORSTADTGEHEIMNISSE
Queer Films
R: Cheetah Gonzalez
USA 2010, 70 Min., FSK 16
Original mit dt. UT
Einer der most sexy schwulen Streifen seit langem,
low budget und ziemlich verwegen, aber
auch hochgradig raffiniert - aber der Reihe nach:
In der Vorstadt ist die Hölle los. Junger schwuler
Latino wird auf offener Straße abgeknallt. Wer war
das? Etwa sein Monsta-Macho-Gangsta-Brudah?
Der böse Drogendealer und Mädchenversteher,
angeblich? War’s’n Mord? Oder ’n Unfall? Unser
Erschossener erzählt die Story selbst, per Rückblende
und wir lernen seinen exquisiten, durchgeknallt-sympathischen
Freundeskreis kennen.
Da ist sein vermeintlich bester Freund, der voyeuristisch
arrogante, angeblich total heterosexuelle
Emoboy Jake, nie ohne Kamera unterwegs
und mit den engsten Jeans der Kinogeschichte
ohne Riesenprügel ever. Dann hätten wir eine
Lehrerin, die mit ihrem schönen Nachhilfeschüler
vögelt, was Jake natürlich beweisen kann, der
aus ähnlichen Gründen schon einen Sportlehrer
den Job kosten ließ. War am Ende der hübsche
Emoschönling das Ziel des Mordanschlags?
Dann hätten wir noch eine hübsche blonde
Freundin namens Anybody und sein nun wirklich
bester Kumpel Michael, der wenigstens nicht mal
zu 91 % hetero ist, wie sich
noch herausstellt. Ein echt
niedlicher, treuer Asiaten-
Bro. Leider ist die einzig
schwule Verbindung zwischen
ihm und unserem
hübschen Latino der gemeinsam
gedrehte Safer-
Sex-Spot, aber das ist ja
noch ausbaufähig.
Ansonsten im Spiel: Die
Gang des MothaFucka
Gangstahs, ein Swimmingpool
als Exilheimat, ein inter-
rumpierter Dreier, ein instruktives Abschlussfilmprojekt
und weitere Kameras, ein düsterer Park,
mindestens eine vertauschte Patrone, ein abgeblitzter
Emoboy und jede Menge witzige Pointen.
Und das Beste dran: Das funktioniert so was
von: Hinreißend.

ZURÜCK INS GLÜCK
Pro-Fun-Media
Regie: Malu De Martino
BRA 2010, 96 Min., FSK 6
Port. OF mit dt. UT
Nach dem Zusammenbruch
ihrer Beziehung wegen
einer Ingenieurin gibt
sich die Literaturprofessorin
Julia ganz ihren Depressionen
hin - und glücklicherweise schließlich
dem Drängen ihres ebenfalls beziehungsgeschädigten
schwulen Freundes Hugo nach, mit der gemeinsamen
Hippie-Freundin Lisa, die eine Abtreibung
zu verkraften hat, gemeinsam vor den Toren
der Stadt einen neuen Anfang als 3er-WG zu versuchen.
Bald stößt auch Lisas Kusine Helena zum
sympathisch chaotischen, traumatisierten Dreigestirn
hinzu, die für Julia zur amourösen Herausforderung
avanciert. Und da wäre noch die provozierende,
pfiffige Studentin Carmem Lygia, deren
Avancen Julia ebenso brüsk, wie arrogant zurückweist,
weil sie Angst vor deren demonstrativer Lebendigkeit
hat, wobei die junge Hochbegabte sich
aber nicht wirklich abschütteln lässt.
Den Kampf um eine Neuwerdung, den Abschluss
der eigenen Trauerarbeiten erzählt dieser sympathische
Film mit viel Situationskomik, charmanter
Leichtigkeit und viel südamerikanischem Temperament.
Der gut gelaunte Cast und die poetische Kamera
erzählen die Story geradlinig auf den Punkt.
Und die pointierten Dialoge tun ihr Übriges zu einem
launigen cineastischen Vergnügen mit Hirn. Insbesondere
die beeindruckende Wandlungsfähigkeit
der Hauptdarstellerin Ana Paula Arosio liegt weit
über Durchschnitt. Tolles südamerikanisches Erzählkino,
ein echtes Kleinod für ein Publikum, das
ebenso bunt sein sollte, wie dieser tolle Film!
Andrasch Neunert
55

56
Bonsai Kitten I #35 I 2012
nN: Der Begriff „Killbily“, der als „Schublade“ für das,
was Bonsai Kitten macht, dient, war mir so noch
nicht untergekommen ... Kannst Du das mal erklären?
Tiger Lilly Marleen: „Killbilly“ verkörpert für uns mehr
als „nur“ eine Musikrichtung. „Killbilly“ ist eine Lebensphilosophie,
ähnlich einer Religion. So wie es kein Genre
gibt, in das man unsere Musik und unseren Style
stecken kann, so wenig gibt es eine Lebensweise, die
man uns vorschreiben kann. Wir machen, jeder für sich,
sein eigenes Ding im Leben. Aber zum Musikmachen
kommen wir zusammen und lassen unserer Kreativität
gemeinsam freien Lauf. Dabei entstehen witzige und
gute Sachen. Uns geht es auch darum, dass unsere Musik
genau das aussagt und dass man uns das ansieht.
So wie jeder Song für sich alleine stehen kann, so wie
jeder Text in jedem Song eine eigenen Message hat, so
möchten wir auch im Ganzen auch einzeln wahr genommen
werden.
Leute, die in irgendeiner Form mit „Rockabilly“ zu
tun haben, erkennt man oft sofort, da scheint es so-
was wie eine „Uniform“ zu geben. Wie wichtig ist
das?
Tiger Lilly Marleen: Also es gibt in jeder Subkultur ja
Merkmale, die jemanden zu der einen oder anderen zugehörig
erscheinen lassen, klar. Das scheint den Leuten
auch wirklich wichtig zu sein. Daraus entwickeln sich
aber auch wieder „Uniformen“, die dann wieder wie eine
große Masse wirken, in der jeder Einzelne untergeht. Ich
persönlich bediene mich gerne aus den verschiedensten
Stilen der letzten 100 Jahre, denn jedes Jahrzehnt
hatte seine interessanten Seiten und das kann man
gut mischen und so wieder seinen eigenen Stil daraus
entwickeln.
MADE IN JAPAN
Nicht nur, dass die BONSAI KITTEN mit
„Welcome To My World“ eine brandaktuelle Platte
am Start haben, auch über die Entstehungsgeschichte
der Band gibt es Interessantes zu berichten. Aber
nicht nur darüber, sondern auch über „Uniformen“,
Subkulturen und Lebensphilosophien konnten wir
mit Sängerin Tiger Lilly Marleen und Drummer
Alexx DeLarge angenehm plauschen.
Alexx DeLarge: Stellst Du die Frage auch Punks, Metalheads,
Skinheads und anderen Subkulturen?
Schon – das liegt daran, dass ich ein gewisses Problem mit
„Uniformen“ habe, ich hätte schon Skrupel, mit dem Trikot
meines „Lieblingsvereins“ irgendwo rumzulaufen …
Alexx: Irgendwo stellt sich doch jeder selbst dar, und einem Großteil
scheint es auch wichtig zu sein, sich mehr oder weniger einer bestimmten
Subkultur zugehörig zu fühlen und das auch zum Ausdruck
zu bringen. So eben auch bei den ...Billys.
Vor fünf Jahren habt Ihr Euer Debüt bei einem japanischen Label
herausgebracht - wie kam die Verbindung zustande – seid Ihr dort
jemals getourt?
Tiger Lilly Marleen: Wir haben uns ja alle in Japan kennengelernt.
Das wusste ich nicht, erzähl mal …
Tiger Lilly Marleen: Wir haben gestaunt, dass sich Musiker aus Berlin
erst in Tokio kennen lernen müssen, um in Berlin Musik zu machen.
Alexx DeLarge kannte Tetsuya, der das Label „On The Hill“ Records in
Japan hat, und so war der auch bei unserem ersten Treffen dabei. Als
Tetsuya mitbekommen hat, dass wir alle zusammen Musik machen
wollen, hat er gesagt: „Wenn ihr mal ein Album macht, dann bringe
ich das sofort hier in Japan raus“. So geschehen ist es dann auch ein
Jahr später - und der Rest ist Geschichte! Wir haben nach dem Album
überlegt, ob wir überhaupt weiter machen.
Wieso das?
Tiger Lilly Marleen: Es war ja am Anfang ein reines Spaßprojekt, und
wir hatten alle noch unsere anderen Projekte am Laufen. Jeder ist
dann tatsächlich erstmal seines Weges gegangen. Ein paar Konzerte
haben wir hier und da gespielt, haben uns aber nicht weiter um irgend-
was gekümmert. 2009 kam es dann, dass wir uns wieder zusammengefunden
und uns ans Songschreiben gemacht haben.

Wir hatten eine ziemlich kreative und intensive Phase, so dass
sehr viele Songs entstanden sind. Auch unsere Zusammenarbeit
mit Mark „Mad Dog“ Cole von „The Krewmen“ und Köfte
von „Mad Sin“ hat uns großen Spaß gemacht. Also haben wir
überlegt, weiterzumachen und diese Songs in zwei Etappen,
auf zwei Jahre verteilt, herauszubringen.
Das neue Bonsai Kitten Album „Welcome To My World“ gibt es
seit dem 24. Februar 2012 über Wolverine Records / Soulfood.
Mehr Infos gibt es hier:
www.bonsai-kitten.de
www.facebook.com/bonsaikittenband
Und auf Tour:
30.03.2012 D Ludwigstr. 37, Halle
31.03.2012 D L.A., Cham
07.04.2012 D 59to1, München
08.04.2012 D Tattoo Convention, Hamburg
09.04.2012 D Tattoo Convention, Hamburg
14.04.2012 D Record Release Party Festsaal
Kreuzberg, Berlin
28.04.2012 D Kantine, Augsburg
04.05.2012 CH Kofmehl, Solothurn
05.05.2012 D Cafe Central, Weinheim
06.05.2012 BE Studio On Air, Mons
19.05.2012 CZ Rock´n`Roll Cirkus, Praque
Keule
2012 I #35 I Bonsai Kitten 57

58 Im Himmel, Unter Der Erde I #35 I 2012
IM HIMMEL , UNTER DER ERDE -
DER JÜDISCHE FRIEDHOF WEISSENSEE
A N M E R k U N g E N z U E I N E R W I C H T I g E N D O k U M E N T A T I O N

Ein alter Rabbiner wacht mit verschmitztem
Grinsen über den jüdischen Friedhof in
Weißensee. William Wolff. Uneitel schildert
der alte Mann seine Aufgaben: Er habe nur
eine Funktion - zu sehen, dass der Sarg
entweder ins Feuer kommt oder in die Erde.
Er dürfe sich da mit nörgelnden Angehörigen
bei der Umsetzung des Willens der Verstorbenen
nicht zu sehr aufhalten und müsse
schauen, dass der Sarg in sein Grab kommt.
„Hab ich bis jetzt geschafft.“
Uneitel, wie der Rabbiner, wirkt weitgehend
der ganze Friedhof, ein riesiger, völlig unüber-
sichtlicher Park voller Gräber, die auf reichlich
chaotische Weise, aber sauber registriert
geordnet sind. Über 115.000 Menschen wur-
den hier bestattet, eine grüne Totenstadt.
115.000 Geschichten, mindestens. Berliner
Geschichte. Jüdisch-deutsche Geschichte,
die diese schöne und lehrreiche Dokumentation
auf fröhlich-sanfte Weise ertastet
und aufspürt. Geschichten und Bilder von
umherirrenden Familien, immer wieder, auf
der Suche nach den Gräbern ihrer Angehörigen.
Schulklassen, die von Grabsteinen
für ein Kunstprojekt Schriftzüge abpausen,
Grabsteine entwerfen. Geschichten von
protzigen Familienmausoleen, von Friedhofs-
inspektoren, Parkwächtern und ihren spielenden
Kindern. Auch in der Zeit der Nazis,
die sich an diesen sagenumwobenen Ort
damals nicht herantrauten, Angst hatten,
schlafende Dämonen zu wecken, das böse
Wort von einem Golem machte seiner
Zeit die Runde bei den mordlüsternen Vertretern
der Parteielite. Überraschend spät
ist in diesem Film von der braunen Diktatur
die Rede, vom Holocaust, der natürlich den
entscheidenden Einschnitt darstellte.
Geschichten von Angehörigen, die ihren
Gott heute an Gräbern in Weißensee
weinend fragen, warum ausgerechnet sie
überlebten.
Seit 1880 schon wird in Weißensee bestattet
und getrauert, vor den Toren Berlins.
„Da, wo ich oft gewesen bin, zwecks Trauerei,
da kommst Du hin, da komm ich hin, [...]
Du liebst, Du reist, Du freust Dich, Du, Feld U,
es wartet in Absentia, Feld A. Es tickt die
Uhr, Dein Grab hat Zeit, drei Meter lang, ein
Meter breit... Du siehst noch drei, vier fremde
Städte, Du siehst noch eine nackte Grete,
noch zwanzig, dreißig Mal den Schnee und
dann Feld P, in Weißensee, in Weißensee.“
(Kurt Tucholsky)
Nachkommen erzählen ihre Geschichten,
die ihrer Vorfahren, deutsch-nationalistischen
Juden in Berlin zum Beispiel, hoch dekoriert
im Ersten Weltkrieg, voller Überzeugung
kämpfend für Kaiser und Vaterland, zweiein-
halb Jahrzehnte, bevor man sie in die Gaskammern
schickte... In Weißensee liegen
nicht Blumen, sondern Kieselsteine auf den
Gräbern, nach alter jüdischer Tradition.
Wir erfahren mehr über die Praxis jüdischer
Beerdigungen, über offizielle Kranzniederlegungen,
Delegationen auch aus Israel.
Wir erfahren nichts über mehrfache Grabschändungen
durch neue Nazis, die dadurch
begründete Erhöhung der Friedhofsmauer,
warum nur? Dies ist der einzige echte Faux-
pas dieser Dokumentation, wenn auch leider
ein sehr schwerwiegender. Hat man da ver-
gessen nachzufragen, schlampig recherchiert?
Glaubt man etwa, ausgerechnet an diesem
Ort durch Schweigen den Schändungen Auf-
merksamkeit verweigern zu können,
Gewicht zu nehmen? Verschweigen hilft den
Holocaustleugnern und Mordbrennern von
heute nur, so viel muss doch mittlerweile klar
sein...!
Statt dessen lernen wir die Kleinfamilie
Poppig-Schulz kennen, die ein Häuschen
mitten auf dem Gelände bewohnt.
Leben im Grünen, neben Grünfinken, Staren,
Eichelhähern. Füchsen, die nachts laute
Schreie ausstoßen. Die drei Großstädter füh-
len sich hier wie Förster, wollen nicht mehr
weg hier.
Der alte Friedhofsgärtner, der einst in den
engen Kurven des Friedhofs als 14-Jähriger
Autofahren lernte, hier Räuber und Gendarm
spielte und die in der Friedhofsgärtnerei
geklauten Gurken verputzte. Sein Vater, der
aus Palästina wieder zurückkehren musste,
um sein Erbe nicht, wie durch den Familienpatriarchen
angedroht, zu verlieren, der
Friedhofsmaurer wurde, Fundamente für die
Gräber anlegte. Der Sohnemann und heutige
Gärtner hatte dagegen Stolz.
Über die arischen Kinder sagt er, dass er kein
Interesse gehabt habe, mit ihnen zu spielen.
„Wenn die nicht mit mir spielen, mit’m
Judenkind, warum sollte ich dann mit ihnen
spielen?“ In Weißensee fühlten sich die
Kinder der Friedhofsangestellten sicher.
Bis 1939 lebten noch ca. 180.000 Juden in
Berlin. Jüdische Kinder, zwangsverpflichtet,
unter der Aufsicht eines fröhlichen Rabbiners,
sah man sie ab da beim Gräberausheben
und Fußballspielen. Noch 1942 lebte
die Freundin unseres Gärtners unbehelligt in
Weißensee, um dann doch deportiert zu
werden, nach Auschwitz. In dieser Zeit werden
in Weißensee täglich ca. 100 Selbstmörder
aufgebahrt, die durch den Freitod
ihrer Ermordung zuvorkamen, nachdem sie
den Deportationsbefehl erhalten hatten.
Die Grabsteine, die sie alle damals nicht be-
kamen, werden heute aus Spendengeldern
nach und nach ergänzt. Jeder Jude hat tradi-
tionell das Recht auf einen eigenen Grabstein.
Da nach den Massendeportationen Richtung
Auschwitz, Treblinka und Majdanek in Weißensee
die Toten ausbleiben, werden Ende
1942 dort die Arbeiten eingestellt. Zweieinhalb
Jahre später erlebt Rabbi Riesenburger,
der bis zum Ende in Weißensee den Familien
beistand, den Nachmittag des 23. April
1945 in Weißensee, es ist genau 15:00 Uhr.
„Da durchschritt das Tor unseres Friedhofs
der erste sowjetische Soldat. Aufrecht und
gerade war sein Gang. Ich hatte das Gefühl,
als ob er mit jedem Schritt ein Stück des
Hakenkreuzes zertrat.“
Schon in den Tagen darauf schien die Welt
wie ausgewechselt, rund um rauchende
Trümmerfelder sprach man wieder mit den
Juden, die eine ganze Weile brauchten,
sich daran zu gewöhnen, auf einmal wieder
„normale Menschen“ zu sein. Viele waren
freilich nicht übrig geblieben, nur wenige
kehrten zurück.
Nach dem Mauerbau 1961 braucht man
zwei jüdische Gemeinden in Berlin.
Die jüdische Gemeinde in Ostberlin hat in
den Siebzigern weniger Mitglieder, als der
jüdische Friedhof in Weißensee vor den
Wahlsiegen der Nazis Angestellte hatte.
In der Zeit der DDR wird der Friedhof
zum verwildernden Park, zum Regenwald
der Gräber. Erst ab 1988 helfen FDJ und
Schulklassen beim Ordnungschaffen.
Ein wilder, wenn auch nun wieder gezähmter
Park ist Weißensee bis heute. Und es
wird fleißig weiter saniert. Grab für Grab.
Und weiter suchen Angehörige Gräber auf
den Buchstabenfeldern, stehen vor ihnen,
weinen, tauschen sich aus. Auffällig viele
heutzutage in russischer Sprache. Berliner
gehen wieder in Weißensee spazieren, viele
junge unter ihnen.
Es liegen wieder mehr Kieselsteine auf den
Gräbern in Weißensee. Gut so.
Andrasch Neunert
Infos zum Film:
Hrsg.: Edition Salzgeber
Regie: Britta Wauer
FSK 6, 90 Min., dt. OF, D 2011
59

60
videoThek I #35 I 2012
THE BIG WHITE –
IMMER ÄRGER
MIT RAYMOND
USA 2005
R: Mark Mylod
3L Homevideo
100 min.
FSK: 12
Paul steht mit dem
Rücken zur Wand:
Sein Reisebüro in einer
Kleinstadt in Alaska ist so
gut wie bankrott. Und seine Frau Margaret leidet an
einer psychischen Störung, deren Behandlung die
Krankenkasse nicht bezahlt. Verzweifelt greift Paul
nach dem letzten Strohhalm: Er will an die Lebensversicherung
seines verschwundenen Bruders Raymond.
Das Problem: Ohne Raymonds nachweisbaren
Tod zahlt die Versicherung nicht. Durch Zufall
stößt Paul jedoch gerade jetzt auf eine Leiche und
beschließt, diese als seinen toten Bruder auszugeben.
Doch der karrieregeile Versicherungsagent Ted
riecht den Braten und setzt alles daran, Paul auffliegen
zu lassen. Zu allem Überfluss kreuzen auch
noch zwei Killer auf, die ihre verschwundene Leiche
suchen. Und noch eine Überraschung erwartet Paul:
Raymond – der ist quicklebendig und sehr, sehr wütend.
Eine gute Geschichte ist eben die halbe Miete
und wenn man dann noch mit Herzblut castet und
Stars wie Robin Williams und Oscar-Preisträgerin
Holly Hunter („Das Piano“) an Bord hat, kommt dabei
fast zwangsläufig ein guter Film heraus. „The Big
White“ ist eine köstliche, rabenschwarze Komödie,
die verdammt viel Spaß macht. Viel Fantasie gehört
zudem nicht dazu, sich vorzustellen, wie viel Spaß
die Dreharbeiten auch den Beteiligten gemacht haben.
Regisseur Mark Mylod liefert eine ebenso sarkastische
wie warmherzige Komödie voller skurriler
Charaktere, absurder Verwicklungen und aberwitziger
Wendungen. Insbesondere Holly Hunter als
schräge Margaret weiß dabei zu begeistern. Klasse
hat aber letztlich der ganze Streifen, vor allem, wenn
man Filme wie „Fargo“ mag…
JOBRY
CAIRO TIME
Alamode/Alive
R: Ruba Nadda
Kanada 2009
90 min.
Zeit für Cairo Time muss
einfach sein!
Denn solche Filme gibt
es nicht mehr oft.
Das Prachtstück kommt
ohne billige (bzw. teure,
aber doch nur nervende)
Effekte aus, ohne Verfolgungsjagden, Bruce Willis in
Feinripp, brennende Autos und vordergründig sogar
ohne Midlife Crisis. Seine Dramatik erzeugt der Film
von Regisseurin Ruba Nadda (u. a. Lost Woman
Story, Interstate Love Story, So Far Gone, Damascus
Nights, I Always Come to You, Unsettled oder
Sabah) anders. Er erzählt die Geschichte vom Erwachen
einer Liebe, die nicht sein darf oder soll. Daher
auch wird diese von den zusehends Verliebteren
kaum thematisiert - also auch nicht totgeredet – und
schon gar nicht vollzogen. Juliette (hinreißende Mischung
aus Helen Mirren u. Meryl Streep: Patricia
Clarkson) ist erfolgreiche Redakteurin einer Modezeitschrift
und hat drei Wochen Urlaub genommen,
um sich mit ihrem Mann Mark in Kairo zu treffen.
Der organisiert für die Vereinten Nationen in Gaza
ein Flüchtlingslager und wird dort überraschend
und für eine unabsehbare, immer wieder verlängerte
Frist festgehalten. An seiner statt kümmert sein
ägyptischer Freund Tareq (Alexander Siddig) sich
um die Angekommene… Platt, vorhersagbar? Hätte
diese Geschichte leicht werden können, stimmt.
Doch sie wird es nicht, schon aufgrund des umwerfenden
Spiels der beiden Hauptdarsteller. Die Kulisse
einer der schönsten Metropolen der Welt tut ein
Übriges, weil sie – verblüffend für einen Liebesfilm –
mit fast dokumentarischer Akkuratesse eingefangen
ist: Man erkennt die Nilinsel Zamalek, ohne dass sie
genannt wird. Man fühlt die Morgenfrische und die
abendliche Glut der weißen Wüste, glaubt, den Nil
bei einer Felucca-Fahrt zu riechen… Wenn Juliette
im Souq von Männern nachgestellt wird oder sie
ein Kaffeehaus betritt, schlägt das Stimmengewühl
schmerzlich laut über uns zusammen und übertönt
zunächst jeden Dialog. Letzter Perfektionspunkt:
Der Soundtrack des Iren Niall Byrne (u. a. „Amongst
Women“) unterstützt die vorzügliche Kameraführung
durch wunderbare Akzente, insbesondere ein
magisches Klaviermotiv. Cairo Time ersetzt kein eigenes
Verlieben und/oder eine eigene Kairo-Reise,
ist aber definitiv ein Anfang. Sehr empfehlenswert!
Klaus Reckert
CARLTON MINE –
SCHACHT DER VER-
DAMMTEN
USA 2006
R: J.S. Cardone
3L Homevideo
90 Minuten
FSK: 18
Karen Tunney zieht mit
ihren zwei Töchtern Sarah
und Jenny in ein ver-
schlafenes Nest in den Bergen Pennsylvanias. Doch
die Ruhe trügt: Ganz in der Nähe des Hauses liegt
der Zugang zu einer fast vergessenen Mine, die
nach einem schrecklichen Unglück stillgelegt wurde.
Dutzende Kinder, die dort arbeiteten, wurden damals
lebendig begraben… doch ihre untoten Seelen
dürsten noch heute nach Rache. Tja, was soll man
dazu sagen? Die abstruse Geschichte lässt es ahnen:
„Carlton Mine“ ist ein Zombie-Film der durchschnittlichen
Art. Das liegt neben der eher mäßig
originellen Story und dem vorhersehbaren Handlungsverlauf
schlicht daran, dass eine Horde Dreikäsehochs
mit Spitzhacke nicht gerade furchteinflößend
wirken. Zwar spritzt im Laufe des Films
verdammt viel Kunstblut, aber echter Nervenkitzel
oder gar Abscheu wollen in der (vermutlich stark gekürzten)
deutschen Fassung zu keiner Zeit aufkommen.
Zu harmlos die Inszenierung, zu einfältig die
Charaktere.
JOBRY
CHANSON DER LIEBE
Pro Fun Media
Regie: Christoph Honoré
FRA 2007, FSK 6,
92 min., frz. OF mit dt. UT
Ein Unikat ist dieser Film.
Nennen wir ihn die chansoneske
Variante einer
cineastischen Popoperette.
Da wird nämlich ebenso
(gut und viel) gesungen,
wie (schön) gespielt
und gesprochen. Gelacht und geweint. Zum Mitheulen
schön bisweilen. So etwas ohne Peinlichkeit
auch auf musikalisch so hohem Niveau hinzubekommen,
das ist nun wirklich formidabel.
Die Story: Junges Paar, das von der Frau um eine
Freundin zum Dreier erweitert wurde, wird durch ihren
plötzlichen Tod auseinandergerissen. Die beiden
Liebenden, die zurückbleiben, funktionieren als
Paar alsbald auch nicht und das gute Verhältnis des
jungen, hübschen Ismaels (beeindruckend als poetisch-pfiffiger
Filou: Louis Garrel) zur Mutter der Verstorbenen
gibt ihm etwas Halt. Nachdem er keine
Beziehung mehr wirklich an sich heran lässt, gibt es
dann doch noch eine - sehr überraschende - Begegnung,
auf die vorher nichts wirklich hindeutete... Wie
die Verwandten und hinterbliebenen Freunde Julies
mit ihrem Tod umgehen, das ist das Thema der cineastischen
Chansoneske, bittersüß und federleicht
zugleich inszeniert von Christoph Honore, für
den Leben offensichtlich ein Tanz ist, auf den immer
wieder neu sich einzulassen unser aller Aufgabe ist.
Eine tröstliche Sichtweise, ein wunderschöner Film.
Andrasch Neunert

CODENAME: FOX
Japan 2011
R: Hideyuki Hirayama
Sunfilm Entertainment
124 min.
FSK: 16
Heldenverehrung auf Japanisch:
Im Jahre 1944, während
der Schlacht im Pazifik,
wurde ein Soldat von den amerikanischen
Truppen besonders gefürchtet: Captain Sakae
Oba, genannt Fox. Mit nur 47 Mann konnte er
auf einer kleinen Insel im Pazifik 16 Monate lang
den US-Truppen standhalten und damit manchen
Zivilisten vor dem sicheren Tod retten. Sein
Mut und sein Kampfgeist beeindruckten nicht nur
sein eigenes Volk, sondern auch die verfeindeten
Amerikaner. Genau darum drehen sich die rund
120 Minuten: Mal rührselig, oft pathetisch und
selten so dreckig, brutal und menschenverachtend,
wie Kriege letztlich sind. Handwerklich hat
Regisseur Hirayama die historischen Ereignisse
solide in Szene gesetzt. Die Spannung allerdings
hält sich in Grenzen, denn es ist ja von vornherein
klar, wer den Krieg gewinnt. Allzu oft bestimmen
zudem eher wirre Ehrbegriffe das Handeln
der Soldaten und es fällt zumindest aus westlicher
Sicht schwer, dieses gefühlt übersteigerte
Ehrgefühl als authentisch zu empfinden. Der Film
basiert übrigens auf einem Buch des ehemaligen
US-Marine-Soldaten Don Jones und ist mit
Sean Mc Gowan („Star Trek: Enterprise“), Daniel
Baldwin („Paparazzi“) und Treat Williams („127
Hours“) in den Hauptrollen besetzt.
JOBRY
CRY WOLF
USA 2005
R: Jeff Wadlow
3L Homevideo
87 min.
FSK: 16
Owen ist neu an der Westlake
Preparatory Academy,
einem traditionsreichen, privaten
Internat, irgendwo im Nirgendwo. Durch
seinen Zimmergenossen Tom und die attraktive,
wie auch intelligente Dodger gerät er an
den geheimen „Liar’s Club“, die coolste Clique
der Schule. Gelangweilt vom Schulleben versuchen
sich diese Kinder reicher Eltern die Zeit mit
einem Lügenspiel, bei dem sie intrigieren, manipulieren
und sich gegenseitig aufeinander hetzen,
zu vertreiben. Als eine Frauenleiche in der
Nähe des Internats aufgefunden wird, beschließen
sie, dem Rest der Schülerschaft einen perfiden
Streich zu spielen: Sie verbreiten per E-Mail
das Gerücht, es ginge ein Serienkiller namens
„Wolf“ um. Was als vermeintlicher Spaß beginnt,
schlägt unvermittelt in tödlichen Ernst um und die
Dinge laufen komplett aus dem Ruder.
Mit Cry Wolf ist Regisseur Jeff Wadlow ein spannender
Thriller gelungen, vor allem deshalb, weil
er die Zuschauer immer wieder aufs Glatteis
führt. Indem er seine Akteure tief eintauchen lässt
in eine Atmosphäre voller Misstrauen, Neid und
Missgunst, verblassen die Grenzen zwischen
Schein und Sein, Realität und Spiel bis zur Unendlichkeit.
Erfreulicherweise fällt dann auch die
Auflösung clever aus. Und: Rockstar Bon Jovi
schlägt sich als Schullehrer durchaus achtbar.
Insgesamt packend und raffiniert.
JOBRY
DER DÄMON –
IM BANN DES GOBLIN
USA 2010
R: Jeffery Scott Lando
Sunfilm Entertainment
88 min.
FSK: 16
Im Jahre 1831, am Vorabend
von Halloween, werfen die Einwohner
von Hollow Glen bei ihrem alljährlichen Fest
ihre schlechte Ernte in ein loderndes Feuer, in der
Hoffnung, dadurch im nächsten Jahr ein fruchtbares
Feld zu haben. Doch als ein Paar bei dem Ritual zu
weit geht und ein krankes und behindertes Kind in
die Flammen wirft, beschwört dessen Mutter einen
teuflischen Dämon herauf. 2011: Der junge Familienvater
Neil Perkins zieht mit Frau und Baby nach Hollow
Glen, ohne zu wissen, dass der Jahrestag des
Goblins gekommen ist. Der Dämon hat es vor allem
auf das Baby der Familie abgesehen… Klingt fast
wie eine Auftragsarbeit für RTL II, stammt aber aus
den USA. Geht trotzdem stark in Richtung Horror-
Trash, allerdings ohne Kult-Faktor. Flache Charaktere
und wüster digitaler Mummenschanz sind die beherrschenden
Faktoren dieser zuweilen unfreiwillig
komischen 90 Minuten. Allein der Dämon: Der sieht
aus wie der uneheliche Sohn von Gollum und einem
Gremlin, ts ts ts. Am Ende gibt es zwar viele Tote,
aber auch ein Happy-End. Spannung kommt dabei
nur selten auf, denn zumeist ahnt der geneigte Zuschauer
was kommt. Möglicherweise wäre ja etwas
zu retten gewesen, wenn wenigstens die Computeranimationen
gelungen wären. Aber so bleibt der fade
Nachgeschmack nach einer lustlosen Fastfood-Produktion.
JOBRY
DOC WEST –
NOBODY IST ZURÜCK
SUNFILM
R: Terence Hill
Italien/USA 2011
ca. 93 min.
FSK: ab 12 beantragt
Tatort Stuttgart:
Hackstrasse,
die WG-Video-Couch.
Drei Jungs, manchmal
auch nur zwei, mittlerweile
mehr oder minder im „Mittelalter“ angekommen, die
gerne gute Filme sehen. Das Diktiergerät läuft, O-
Töne sind wichtig und werden unzensiert wiedergegeben.
Regelunmäßig wird die Couch ab und an in
kommenden noisys auftauchen.
Terence Hill ist zurück!!!
Und was habe ich für meinen Teil gezweifelt... wird
das was? Kann er‘s noch? Wird das ein billiger
Comeback-Versuch mit hohem Peinlichkeitsfaktor?
Zumal zusätzlich als Regisseur? Erlebt man ja leider
immer wieder, dass sich Helden der Jugend selbst
demontieren (Oh Gott, „Winnetous Rückkehr“ z. B.
war solch ein Trauma!). Aber der gute und vor allem:
alte (er wird dieses Jahr 73!) Terence scheißt auf solche
Demontagen, sieht unglaublich jung und fit für
sein Alter aus (nachgeholfen?) und sitzt im Sattel wie
eh und je. Lediglich die Hose ist waaay zu hoch angesetzt...
Mr. Hill verkörpert einen
alten ehemaligen
Profizocker und Arzt,
der nach einem Trauma
- eine junge Patientin
kam aufgrund seiner
Trunksucht bei einer Kugelentfernung
ums Leben
– durch die Lande
zieht. Mit regelmäßigen
Geldsendungen ermöglicht
er der hinterbliebenen
Tochter, um die er
sich seit dem Unglück
kümmert, eine sehr gute
Ausbildung in einem Internat.
Seine Filmeingangs
getätigte Zahlung
wird von ein paar miesen
Gangstern geraubt,
auf deren Fährte er sich
setzt – und in ein kleines
Kaff kommt, in dem sich
die Fehde zweier Clans
um ein Stück Land immer
mehr zuspitzt. Natürlich
gerät er sofort zwischen
die Fronten...
Der Film kann was! Fernab
von jeglichen Plattitüden und Peinlichkeitsfallen
weist er mit einer soliden Story, einer dichten Atmosphäre
und überaus herrlichen Dialogen auf, dazu
schauspielerische Leistungen deluxe in sehr guter
Charakterausarbeitung - und auch das eine oder andere
bekannte Gesicht darf auftauchen, bis auf Bud
Spencer. Was zum einen sehr schade ist, dessen
Part zum anderen aber kongenial durch Paul Sorvino
als trocken-humoriger Sheriff mit zweifelhafter Vergangenheit
verkörpert wird. Lediglich den guten alten
schäbigen, abgefuckten und trostlosen Look der
alten Nobody-Filme und Italo-Western gilt es zu vermissen
… aber das ist so was von verschmerzbar,
denn: Siehe, dieser Film rockt!
O-Töne von der Couch:
Uwe: „In die Rolle des Sheriffs hätte unserer Ansicht
nach ganz super der Buddy von Terence Hill
– eben Bud Spencer – reingepasst. Aber der jetzige
Schauspieler ist auch in Sympathie und schauspielerischem
Können alles andere als verkehrt. Die Synchronstimmen
sind super und Matthias hat festgestellt,
dass er wieder Terence Hill-Fan ist.“
Matthias: „Terence Hill ist zurück. Und er kann‘s immer
noch. Er kann‘s. Er kann‘s! Wir wussten gar
nicht, wie sehr wir ihn vermisst hatten.“
U: „Ja, du schon, ich nicht. Ich nicht!“
M: „Aber der größte Teil der Menschheit sicherlich.“
U: „Er hat immer noch dieses Lächeln, diesen strahlenden
Blick.“
M: „Terence Hill, ich will ein Kind von Dir!“
U: „Es fehlt lediglich der typische Italo-Western-
Soundtrack von damals“
M: „Einfach ein feel-good-Movie mit so einem „Robert
Redford“-Ende. Super!“
Uwe Koch, Matthias Horn
DOG BITE DOG
HONGKONG 2006
R: Pou-Soi Cheang
KonoKontrovers/Bavaria
108 min.
FSK: 18
2012 I #35 I videoThek
Pang ist ein Killer. Auf den Straßen
von Kambodscha hat er zu
überleben gelernt. Ohne Gnade und ohne Schmerz
tritt er seinen Gegnern entgegen und prügelt sie zu
Tode. Für seine Mafiabosse kaum mehr als ein Tier
wird der junge Mann unter menschenunwürdigen
Bedingungen nach Hongkong verschifft, um einen
Auftragsmord zu erledigen. Doch als sich die Cops
nach dem Blutbad an seine Fersen heften, ist Pang
61

62 videoThek I #35 I 2012
völlig auf sich allein gestellt. Fast instinktiv zieht es
ihn zu Hongkongs gigantischen Müllfeldern. Denn
Schmutz und Tod – das sind die Dinge, die Pang unausweichlich
umgeben. So ist es wohl eher Schicksal
als Zufall, dass er dort auf die von ihrem Vater
vergewaltigte Yue stößt und das Mädchen, gerührt
von ihrem Leid, vom sadistischen Peiniger befreit.
Vielleicht zum ersten Mal in seinem Leben spürt der
gefühllose Pang eine Perspektive - und tatsächlich
kommen sich die beiden vorsichtig näher. Aber Polizei
und Mafia sind dem Jungen unerbittlich auf der
Spur, und der Tod bleibt seine Bestimmung. (Inhalt
nach SPLATZGORE.DE) – Hong Kong-Kino mal anders,
nix „Martial-Arts“ oder sonst etwas, was man
als „irgendwie typisch“ bezeichnen könnte; bei „Dog
Bite Dog“ glaubt sich der Zuschauer knapp zwei
Stunden auf der Überholspur, die Protagonisten
brüllen hysterisch durcheinander und prügeln immer
dann wild aufeinander los, wenn zur Klärung der
Sachlage auch ein kurzes Gespräch gelangt hätte.
Die Gewalt, die in Pou-Soi Cheangs Streifen dargestellt
wird, ist immer exzessiv, und auch dem, der
von sich behaupten mag, er sei „einiges gewohnt“,
stockt ab und an der Atem. Wer hier im klassischen
Sinne „unterhalten“ werden will, ist fehl am Platze:
das Ganze tut beinahe schon körperlich weh und
dennoch: Diese gelungene Mischung aus Sozialkritik,
Action und Dokumentation, die auch durch das
extrem überzeichnete Ende nicht entwertet wird, ist
grandioses Kino!
Sven
DRAMA –
KANN DAS LEBEN
EINE BÜHNE SEIN?
Pro Fun Media
R: Matias Lara
CHI 2010, 80 min.,
FSK 16
Span. OF/ dt. UT
Dieser vielfach prämiierte
chilenische Skandalfilm –
der katholische Klerus
Lateinamerikas kochte förmlich vor Wut – testet
Grenzen aus. Nein, besser: Seine Figuren tun das,
als Mitglieder einer Theaterkompanie, deren Leiter
seine Schauspieler ohne Rücksicht auf die darin liegenden
Gefahren ungeschützt den eigenen Schattenseiten
aussetzt, sie dazu treibt, im Alltag die
Situationen eigener Traumatisierungen wiederherzustellen
und erneut zu erleben, koste es, was es
wolle. Dies ist ebenso dogmatisch, wie voyeuristisch
und verantwortungslos. Seine Schauspieler überschreiten
denn auch folgsam die Grenzen der Entblößung,
Entwürdigung, jeglicher Scham.
Drogen, Sex, Gewalt bestimmen die Stadtlandschaft
seiner Eleven. Also ob nur darin Wahrheit liegen
würde. Diese Geschichte soll ja auf einer echten
beruhen, die wirklich passierte. Jedenfalls wirft vor
allem die Story eines seiner Schüler einen bitteren,
kritischen Blick auch auf die Geschichte Chiles.
Man muss das nicht im Detail immer nachvollziehen
können, denn auch ohne politische Querverweise
ist dieser Film ein radikaler Abgesang auf jeglichen
Dogmatismus, gleichzeitig eine Hommage an alle,
die sich auf die Suche nach Veränderung machen,
auch und vor allem in sich selbst. Und er erklärt auf
mitreißende Weise, wie Emanzipation und Revolution
sich gegenseitig bedingen, wie gesellschaftliche
alte Verkrustungen ohne individuelle Veränderung,
nur unter neuen Vorzeichen restauriert.
Im schlimmsten Fall wird sie ein Höllentrip, wie jene
armen Schauspieler, getrieben von ihrem fanatischen
Lehrer, hier erleben müssen. In einem von
ihnen explodiert das Trauma der familiären Tragödie
aus der Zeit der faschistischen Militärdiktatur
und zwingt ihn in einen kaum noch kontrollierbaren
gewaltigen Mahlstrom. „Mein Schwanz ist das Sauberste
an mir!“, meint er. In Wirklichkeit ist er ein Opfer,
auf ganz andere Art und Weise, als er selbst aus
der Erinnerung heraus glaubt. Mateo heißt er, großartig,
nuanciert und radikal zugleich dargestellt von
Eusebio Arenas, den man sich unbedingt merken
sollte.
Wie meint sein gewissenloser Antreiber immer wieder?
„Geht Eurer Herkunft, Euren Traumata auf den
Grund. Rekonstruiert den Tatort!“ Dass der Lehrer
plötzlich selbst in den Strudel gerät, den er entfesselte,
ist nur gerecht.
Mateo gewinnt auf diese Weise nichts dazu, außer
neuer Angst und muss schließlich feststellen, „Um
ehrlich zu sein: Ich habe nicht den leisesten Schimmer,
wer ich eigentlich bin. Ich bin wohl einfach niemand.“
Das ist die Saat, die die Schergen der Diktatur in
den Kindern der Verhafteten säten. Sie verwandelten
sie in leere Hüllen, die die vermissten Heroen
stets idealisierten, ohne sie an der Realität messen
zu können, die ihnen zum unerreichbaren und unerfüllbaren
Maßstab wuchsen, an dem sie selbst nur
scheitern konnten, dem gegenüber sie winzig klein
blieben, eben niemand.
Was dann dieses großartige Drehbuch noch für eine
weitere Drehung bereithält, davon schweige ich hier
besser. Eine wahnwitzige Auflösung. Was für ein
Erstlingswerk! Was für ein Film!
Andrasch Neunert
GANDU – WICHSER
INDIEN 2010
R: Kaushik Mukherjee
Bildstörung
85 min.
FSK: 18
Gandu (Anubrata) ist
arbeitslos, er hat nichts
gelernt und keine Freunde.
Mit seiner Mutter lebt
er im Haus von Dasbabu,
einem Café-Besitzer, der sich seine Hilfsbereitschaft
mit Sex bezahlen lässt. Auf seinen Streifzügen
durch Kalkutta lernt er Rikscha (Joyraj) kennen, einen
Rikscha-Fahrer und Bruce-Lee-Fan, der Gandu
mit der Sinnlosigkeit dessen Lebens konfrontiert.
Ein Ausweg aus der Leere sind Drogen und Sex …
(Inhalt, gekürzt, nach FILMGAZETTE.DE) – Bollywood
mal anders? Hat gar nichts mit Bollywood zu
tun? Doch, zumindest in dem Sinne, dass auch hier
kräftig „gesungen“ wird; zwar erscheinen dabei keineswegs
makellos gekleidete und hübsch gestylte
Damen und Herren, um uns mit ihren Tanz- und Gesangsvorführungen
den letzten Nerv zu rauben –
aber es wird gerappt! „Gandu“, was bengalisch übrigens
„Wichser“, „Penner“, „Versager“ oder „Arsch“,
bedeutet, ist der Protagonist, der aufgrund seiner
Perspektivlosigkeit „mächtig angepisst“ (Infotext) ist.
An Kohle kommt er nur dadurch, dass er dem Lover
seiner Frau Mutter heimlich Geld aus der Tasche
stiehlt - und dann ist er auch noch „Jungfrau“ … Regisseur
Kaushik Mukherjee, der Insidern auch unter
dem Alias „Q“ bekannt sein dürfte, ist mit „Gandu“
mehr als nur ein simpler Zeitgeist-Film über die
Frustration eines Jugendlichen gelungen. Stilistisch
spannend und mit einem äußerst coolem Soundtrack
versehen, hat er einen höchst authentischen
Film gedreht, bei welchem dem Betrachter am Ende
zwar der Schädel brummt, dieser sich aber auch sicher
sein kann, einen brandaktuellen Top-Streifen
des Indie-Kinos gesehen zu haben. Unbedingt empfehlenswert.
Sven
HENRY & JULIE
(DER GANGSTER
UND DIE DIVA)
USA, 2010
R: Malcolm Venville
Sunfilm Entertainment
112 min., FSK: 12
Henry (Keanu Reeves) ist ein
ziemlich biederer, aber freundlicher
Typ, der in einer recht einfach gestrickten
Vorstadt lebt. Er könnte niemandem etwas zuleide
tun, seine Weste ist weiß. Eines Tages verwickeln
ihn ein paar Freunde in einen Banküberfall, wodurch
Henry erst mal ins Kittchen wandert. Drei Jahre
später, wieder in Freiheit, beschließt er, mit Max
(James Caan), seinem ehemaligen Zellengenossen,
der sich bestens mit krummen Dingern auskennt,
die Bank tatsächlich auszurauben. Dummerweise
stellt sich Henry nicht gerade geschickt an, seine
alten Kumpels bekommen Wind von diesem Coup,
und dann verliebt sich der Ex-Langweiler auch noch
in die Schauspielerin Julie (Vera Farmiga). Sowohl
Henrys Pläne, als auch sein emotionales Innenleben
werden hierdurch zu einem Gedankensalat.
Bei einer solch hochklassigen Besetzung könnte
man eigentlich davon ausgehen, dass der Streifen
exzellente Kost ist, doch die Erwartungen werden
leider herb enttäuscht, denn bis auf James Caan’s
Figur als gewiefter alter Gangster Max wirken sämtliche
Schauspieler so, als würden sie ihre Rolle oftmals
halbherzig spielen. Die Charaktere wirken hölzern
und beinahe lustlos gespielt, und irgendwie
mag durch diese hohlen bewegten Hüllen nicht das
beim Zuschauer ankommen, was die Macher des
Films beabsichtigt zu haben scheinen. Auch sonst
scheint bei diesem Film vieles nur sparsam angewendet
worden zu sein, alles wirkt trotz hollywoodreifer
Produktion lieblos und beinahe schon billig
inszeniert. Und genau diese Umstände lassen „Henry
& Julie“ recht frühzeitig in Richtung Langeweile
und Belanglosigkeit kippen. Wieso haben Reeves,
Caan und Farmiga nicht schon beim miesen Drehbuch
nein gesagt?
Chris P
I SPIT ON YOUR GRAVE
USA 2010
R: Steven R. Monroe
Sunfilm Entertainment
93 min., FSK: 18
Schriftstellerin Jennifer Hills
mietet sich eine einsame
Blockhütte im Wald, um in
Ruhe ein neues Buch schreiben
zu können. Doch die junge Frau ahnt nicht,
dass eine Gruppe sadistisch veranlagter Einheimischer
ein Auge auf sie geworfen hat. Eines Nachts
überfallen sie Jennifer in ihrer Hütte, quälen und vergewaltigen
sie. Bevor die Kerle die Frau zu Tode
quälen können, fällt sie kraftlos in einen reißenden
Fluss und wird weggespült. Entgegen aller Wahrscheinlichkeit
überlebt Jennifer und hat nur noch ein

Ziel: Rache!
Das Remake des 1978 erschienen Originals ist ein
knallharter Auge-um-Auge-Zahn-um-Zahn-Horrorthriller
und ganz sicher nichts für Zartbesaitete. Brutal
und doch gut nachvollziehbar zeigen die Akteure die
menschlichen Abgründe zwischen Folterlust und Rachedurst
auf. Der geneigte Betrachter leidet zunächst
mit der übelst malträtierten Hauptdarstellerin, wendet
sich aber zuweilen aber auch mit Grausen von ihr
ab, wenn sie ihren nicht minder radikalen Rachefeldzug
durchzieht. Sagen wir mal so: Weder so einer Folterbande,
noch so einer Frau möchte man(n) im wahren
Leben begegnen. Wer auf harte Schockszenen, viel
(Kunst-)Blut und eine dennoch stimmige Story steht,
dem ist der Film zu empfehlen. Mit dabei sind übrigens
Chad Lindberg („The Last Samurai“ & „The Fast and the
Furious“) und Tracey Walter („Das Schweigen der Lämmer“
& „Trailerpark of Terror“).
JOBRY
ICH BIN NEUGIERIG –
GELB/BLAU
SCHWEDEN 1967
R: Vilgot Sjöman
KonoKontrovers/Bavaria
222 min., FSK: 16
Verboten, zensiert und immer wieder
Gegenstand hitziger Diskussionen:
Vilgot Sjömans „Ich bin
neugierig“ ist ein Schlüsselfilm des jungen Kinos der
68er-Bewegung und wurde weltweit zu einem Massenphänomen.
„Ich bin neugierig – Gelb“ erzählt die Geschichte
der rebellischen Lena (Lena Nyman) auf ihrer
Suche nach Antworten. Die kritische junge Frau hinterfragt
die gesellschaftlichen und politischen Zustände in
ihrem Heimatland Schweden. Auf der Suche nach ihrer
eigenen sexuellen Identität wird sie selbst zur Botschafterin
für die beginnende Revolution der freien Liebe.
Obszön, fieberhaft, mutig und visionär durchbricht
„Ich bin neugierig – Gelb“ die Grenze zwischen Fiktion
und Wirklichkeit und zeichnet das scharfsinnige Sittengemälde
einer ganzen Epoche. Mit „Ich bin neugierig
– Blau“ drehte Vilgot Sjöman eine alternative Version
seines Skandalwerks, die sich (mit denselben Charakteren)
anderen Themen widmet und die Grenze zur Realität
noch stärker verwischt. (Inhalt nach EUROVIDEO.
DE) – Zugegeben: Besonders „obszön“ oder „revolutionär“
wirkt „Ich bin neugierig“ heute nicht mehr; dass
der Streifen seinerzeit, in den späten Sechzigern also,
auf dem Index stand, kann man allerdings auch heute
noch nachvollziehen, und vor allem die Freizügigkeit
des Filmchens dürfte den ein oder anderen Zensurbeamten
aus der Fassung gebracht haben. Heutzutage
zwar eher harmlos, darf man das Frühwerk des großen
schwedischen Autorenfilmers Vilgot Sjöman aber mit
Fug und Recht als hochinteressantes Zeitdokument betrachten,
welches auch in voller Länge nicht langweilig
wird; allein die Interviews mit Olof Palme, Martin Luther
King und anderen Zeithelden sind absolut sehenswert.
Auch nach über 40 Jahren kann man sich auf den
abendfüllenden Streifen ohne Angst vor aufkommender
Langeweile gut einlassen.
Sven
IM HIMMEL, UNTER DER ERDE -
DER JÜDISCHE FRIEDHOF WEISSENSEE
Edition Salzgeber
Regie: Britta Wauer
D 2011, 90 Min., FSK 6, Dt. OF
siehe Extra-Artikel in diesem Heft!
JEDEM SEINE NACHT
R: Pascal Arnold
& Jean-Marc Barr
FRA 2008, FSK 16,
95 min., dt. UT
Vier Jungs und ein Mädchen sind
eine französische Indieband, sowohl
musikalisch, als auch sexuell
ebenso spontan wie variabel
auf der Suche, wobei Lucie’s Bruder Pierre, charismatischer
Frontmann, in seiner Freizeit auch mal gegen
Geld Sex mit deutlich älteren Männern hat. Der überlebt
den Plot nicht, wir ahnen lange Zeit nicht, warum.
In diesem Film werden Teenies letztlich präsentiert als
haltlos Suchende, denen jegliche Werte am Knackarsch
vorbeigehen, die sich nur in Rausch, Ekstase zu spüren
scheinen, die sie in immer extremeren Formen suchen.
Dass das auch die Möglichkeit zu Gewalt einschließt,
ist bei dieser Sichtweise nur logisch, und so
wird aus dem Teenie-Sittengemälde nach Pierres rätselhaftem
Verschwinden ein Kriminalfall, der alle Beteiligten
auf schmerzhafte Weise mit der eigenen Realität
konfrontiert. Eine Schlüsselrolle spielt dabei der etwas
zurückgebliebene Nachbar, der das Treiben der Youngsters
gern beobachtete und der ihrem frivolen Nihilismus
kontrastierend gegenübergestellt wird.
Wie entsteht die rohe Gewalt von Teenagern, die dann
gern als „grundlos“ bezeichnet wird? Letztlich verweigert
das Drehbuch von dea Filmes dafür eine Antwort,
die über Überschriften und eindimensionale Verurteilung
hinausgeht. Dennoch überzeugt der Film durch
das frische, spontane Agieren der jungen Schauspieler,
durch Sexiness und Spannung. Leider kann die Auflösung
letztlich durch ihren Mangel an Tiefenschärfe nicht
ganz das hohe Niveau halten. Man hätte doch noch
mehr erfahren wollen über die Hintergründe eines wahren
Verbrechens, das dieser Film u. a. auch in der offiziellen
Sektion des Filmfestivals von Toronto spiegeln
durfte.
Diese französische Reifeprüfung wird von unseren Teenagern
jedenfalls nicht bestanden, auf bitter-blutige
Weise. Und jugendliche Unschuld ist eine sehr relative
Behauptung, die sich hier auf dramatische Weise selbst
ad absurdum führt.
Andrasch Neunert
LARGO WINCH II -
DIE BURMA-VERSCHWÖRUNG
Sunfilm
R Jerome Salle
F 2010/11, 113 min.,
FSK 16
Was für ein Action-Kino-
Popcorn-Fest!
In einem Dorf des Bergvolkes der
Karen in Burma (nicht Myanmar, das ist nur der offizielle
Name der Militärjunta, im Volk aber ein verhasster Begriff!)
lebt der aus Teil I (muss man aber nicht gesehen
haben, um diesen Film genießen zu können!) bekannte
Adoptivsohn eines Konzerntycoons und dessen Alleinerbe,
Largo Winch. Als der sein Erbe antritt, verkündet
er, das Erbe zu verkaufen und davon eine Stiftung
für humane Ziele aufzubauen, viele Milliarden schwer.
Gleichzeitig bricht er mit der russischen Mafia, mit der
sein Adoptivvater noch gekungelt hatte. Folge: Bedrohungen,
Feuer aus allen Richtungen, Mordversuche.
Doch dann trifft ihn ein Pfeil aus dem Hinterhalt wirklich
hart: Es wird von einer UN-Ermittlerin behauptet,
sein Vater und er selbst seien verwickelt in dreckige Geschäfte
mit den blutigen Machthabern von Rangun. Um
seine Unschuld zu beweisen und sein Image zu retten,
muss er, stets bedroht von dunklen Mafiosi und Hintermännern
der Macht, nun im burmesischen Dschungel
versuchen, seine Unschuld zu beweisen und den Vorwürfen
gegen seinen Vater auf den Grund zu gehen.
Das First-Class-Filmteam mit einigen der besten Effektspezialisten
der Welt garantiert großartige Actionszenen,
die den Vergleich mit Bond-Filmen nicht zu
scheuen brauchen. Und en passant liefert der Film eine
2012 I #35 I videoThek
63

64 videoThek I #35 I 2012
zutreffende Beschreibung des Wahnsinns der Minderheitenverfolgungen
in Burma, die längst einen
Ethnozid bedeuten, weitab von der Aufmerksamkeit
der Weltöffentlichkeit, auch wenn die zivilen Marionetten
der alten Militärs gerade neue Liberalität mimen.
Und wir bekommen die Hintermänner des internationalen
Business des militärisch-industriellen
Komplexes so gezeigt, wie sie leider überwiegend
wirklich sind. Grimmige Charakterzeichnungen mit
Tiefenschärfe und ein herausragender internationaler
Cast, ein raffinierter Handlungsstrang mit brillanter
Auflösung und eine Liebesgeschichte im Hintergrund
als Bonus, was will man vom Popcornkino
mehr? Chapeau! James Bond hat tatsächlich aus
Frankreich ernstzunehmende Konkurrenz bekommen.
Andrasch Neunert
LASS IHN NICHT REIN
GB 2011
R: Kelly Smith
Sunfilm Entertainment
77 min.
FSK: 18
In einer verschlafenen Gegend
in England treibt ein Serienkiller
sein Unwesen. Der
sogenannte „Baumchirurg“ schlachtet seine Opfer
ab und hängt ihre abgehackten Körperteile an
Bäumen auf. Ausgerechnet in dieser Gegend machen
die zwei Paare Calvin, Paige, Mandy und Tristan
nichts ahnend Urlaub. Schon bald jedoch merken
sie, wo sie gelandet sind. Zu allem Überfluss
entpuppt sich Tristan, der frische Freund von Mandy,
als ziemlich zwielichtiger Typ. Als die Vier in der
Nacht auf einen schwer verwundeten Mann treffen,
beginnen sie erst recht misstrauisch zu werden. Als
dann auch noch Calvin verschwindet, steigert sich
ihr Misstrauen in panische Angst.
Regisseur Smith nutzt den minimalen Handlungs-
und Personenrahmen mit scheinbar diebischer
Freude, um den Zuschauer in die Irre zu führen. Wenig
ist, wie es scheint und am Ende kommt es anders,
als man vermuten würde. Darin liegt eine Stärke
des Films: Gekonnt falsche Fährten und deren
Auflösung sind der eigentliche Horror. Zwar gibt es
auch ein paar unappetitliche Blutszenen, aber zwingend
nötig sind diese nicht. Ein kleiner gemeiner
Schocker also.
JOBRY
LIFE IN A DAY –
EIN TAG AUF UNSERER
ERDE
GB 2011
R: Kevin Macdonald
Rapid Eye Movies
95 min., FSK: 6
Eigentlich war es nur eine
Frage der Zeit, bis es einen
ersten Kinofilm geben würde, der von Internet-Usern
selbst gedreht wurde. Nun ist es also soweit: „Life
In A Day“ ist das Ergebnis eines globalen Filmprojektes,
er bringt über YouTube hochgeladene Privatvideos
verschiedenster Kulturen zusammen,
zeigt Schicksale und Alltagssituationen, fängt unterschiedlichste
Perspektiven und Stimmungen ein.
Zusammengestellt von Oscar-Preisträger Kevin Madonald
(„Der letzte König von Schottland“), bieten
die 95 Minuten letztlich ein Kaleidoskop des Lebens,
mal belanglos, manchmal schockierend, mal ergreifend,
mal komisch. Erstaunlich ist es schon, wobei
sich Menschen alles filmen, z. B. bei der „Morgensitzung“
auf dem Klo… Dokumentiert ist der 24.
Juli 2010 – zufällig auch der Tag des Loveparade-
Unglücks in Duisburg. Das spielt hier aber nur eine
untergeordnete Rolle. Vielmehr gibt es einen zuweilen
voyeuristischen Blick auf alle Kontinente, in 190
Länder und unzählige Leben: Letztlich ein interessantes
Experiment, ein faszinierender Ausschnitt
des menschlichen Alltags.
LEARNING FROM LIGHT –
DER ARCHITEKT I.M.PEI
Edition Salzgeber
R: Bo Landin/
Sterling van Wagenen
11/2011, FSK 0, 84 min.,
OF/dt. UT
JOBRY
Licht und Schattenspiele im
grellen Licht der Wüste sind
der Einstieg zu diesem Film über den chinesischstämmigen
Stararchitekten I. M. Pei aus den USA,
der sich spätestens mit dem Museum für Islamische
Kunst in Doha ein beeindruckendes Denkmal setzte.
Um diesen Auftrag erfüllen zu können, bereitete er
sich durch das Studium islamischer Kunst und Architektur
viele Monate lang vor, ließ sich tief beeindrucken
von der hier typischen geometrischen
Vielfalt. Pei ist 93, wirkt immer noch sehr abenteuerlustig
und vital, fordert von sich und anderen stets
das Maximum. Er ist ein absoluter Stararchitekt und
weiß das nur zu genau. „Meine Bauwerke stehen
überall. So habe ich das gewollt.“ Der immer wieder
grundverschieden bauende Wanderer zwischen
den Welten kennt in seiner Arbeit nur wenige Konstanten,
ist alles andere als ein Dogmatiker: Er reflektiert
in seinen Bauwerken primär den jeweiligen
Standort, Set und Setting. Die kulturelle Geschichte
und die lokalen Traditionen, in Doha sind es kubische
Formen, die kalligraphische Geometrie, zurückgeführt
auf ihre Basis im Dialog mit dem harten
Licht des Wüstenstaates und des Wassers rund um
den Standort. In einer Kairoer Moschee hatte Pei die
wesentliche Vorlage gefunden, islamische Baukunst
in ihrer reinsten, klarsten, ursprünglichen Form. „Architektur
ist nichts weiter als Leben gewordene Geometrie.“
So denkt der pragmatische Künstler, der
aber, wenn er sich mal etwas in den Kopf gesetzt
hat, ein legendäres Beharrungsvermögen entwickelt.
Seine raffinierte Flexibilität und sein gleichzeitiger
visionärer Mut sind bei Bauwerken für die
Kunst am besten nachvollziehbar, neben dem Museum
in Doha ganz besonders im Louvre in Paris
bei der sensationellen Glaspyramide, die die ursprüngliche
erhabene Starre des Ortes bricht.
Nun also will Pei in Doha keine Stadtsilhouette voller
Wolkenkratzer als Hintergrund für sein Museum, er
will einfachste Flächen und Formen, und wenn das
mit dem puren Himmel oder der Wüste aus Mangel
entsprechender Grundstücke schon nicht geht, dann
muss es das Wasser sein: Er fordert eine künstlich
zu bauende Insel, und Doha ist noch Boomtown:
Der Stararchitekt kriegt, was er will. Ein einmaliger
Akt. Geld spielt keine Rolle. Pei ist in der Arbeit mit
seinem bewusst klein gehaltenen engsten Team ein
freundlicher Diktator, der aufmerksam zuzuhören
weiß, sich selbst aber grundsätzlich das Recht zur
endgültigen Entscheidung sichert.
Dieser Film ist ein Film über sein wohl letztes großes
Bauwerk, eine Eloge auf ihn, den philosophischen
Pragmatiker, das architektonische Chamäleon, ihn,
der in Doha den Kern und Ursprung islamischer Architektur
sichtbar machte, ihm eine moderne, aber
unverfälschte Form verlieh, der in Doha und Paris
Bauwerke ewig bleibender Größe geschaffen hat.
Das ist beeindruckend und inspirierend, nicht nur für
Architekten.
Andrasch Neunert
MEGA MONSTER MOVIE
USA 2010
R: Bo Zenga
Sunfilm Entertainment
92 min., FSK: 16
Sicher, schlimmer geht immer,
aber MEGA MON-
STER MOVIE ist schon
ziemlich schlimm. Gegen
die vermeintliche Horror-
film-Parodie ist „Scary Movie“
(produzierte übrigens
MMM-Regisseur Bo Zenga)
reinstes Intellektuellen-Kino.
Die Story ist total konfus, völlig
konzeptlos und vor allem
unlustig. Darum geht es: Der
Video-Verkäufer Stan Helsing
macht in der Halloween-
Nacht gemeinsam mit seiner
Ex-Freundin, seinem besten
Kumpel und dem Gogo-Girl Mia einen Abstecher
in eine verfluchte Stadt. Dort treiben sich Parodien
der sechs grausigsten Monster der Filmgeschichte
herum: Freddy („A Nightmare on Elm Street“), Jason
(„Freitag der 13.“), Pinhead („Hellraiser“), Leatherface
(„Das Kettensägen-Massaker“), Chucky
(„Chucky – Die Mörderpuppe“) und Michael Myers
(„Halloween“). Als Stan herausfindet, dass er ein
direkter Nachkomme des Monsterjägers Van Helsing
ist, müssen die Vier eine Nacht mit den Mon-
stern, mörderischen Trampern und Vampir-Stripperinnen
überleben. Man ahnt schon: Da kann nichts
Gutes bei herauskommen. Der Humor ist gröber als
jeder Dampfhammer und lustig ist, wenn man trotzdem
lacht. Selbiges bleibt einem spätestens im Halse
stecken, wenn man sieht, wie sich der 2010 verstorbene
Leslie Nielsen („Die nackte Kanone“) hier
in einem Drag Queen-Gastauftritt als Bardame genauso
niveaulos wie der Rest der Akteure zum Affen
macht. Klare Sache: Monster Mega Müll.
JOBRY
DIE MISSION
Pro Fun
R: Peter Bratt
USA 2009, FSK 16,
116 min.
Engl.spr. OF/ dt. UT
Ein alleinerziehender Ex-
Knacki, Busfahrer, Autobastler
aus Passion, Latinoking
seiner Straße,
hemdsärmeliger Charmeur
mit dem Prollcharme eines Pitbulls und demonstrativer
100-Volt-Macho, dem nichts ferner liegt, als
lauwarm duschen, hat, oh Maria hilf, einen schwulen
Sohn und eine nachbarliche Emanze, die zu allem
Überfluss auch noch großartig aussieht. Er fühlt sich
doppelt gestraft, schmeißt den Schwuchtelfilius,
dem er zuvor noch einen tollen Oldtimer hergerichtet
hatte, ohne viel Federlesens aus der gemeinsamen
Wohnung, poliert dessen weißen Oberschichtenlover
mal so richtig ordentlich die Weichei-Fresse
und der knackig-vorlauten Schönheit von nebenan
drückt er bei Gelegenheit auch noch ein paar passende
Sprüche rein, die ein für alle Mal klar machen
sollen, wer in seinem Viertel das Sagen hat.
Was sich nun wie ’ne doofe Prollklamotte anhört, ist
in Wirklichkeit ein mit viel Liebe, Witz und Phantasie
gedrehter Cross-Culture-Movie, randvoll mit spritzigen
Dialogen, bis in die kleinsten Rollen toll besetzt
und beseelt vom kauzigen Charme von Hauptdarsteller
Benjamin Bratt. Und je länger der Film
dauert, der als Coming-Out-Tragikkomödie zu starten
schien, desto mehr rückt der knarrige Papa mit
seiner Identitätskrise in den Mittelpunkt, dessen Macho-Innenwelt
sich als ebenso antiquiert erweist,

wie seine mit Hingabe zusammengeschraubten Oldtimer-Schlitten,
mit denen der Held der Straße an
Feiertagen protzig die Straßen des Viertels auf- und
abparadiert, begleitet von all den gealterten Vorstadtdjangos,
die ebenso unterwegs sind.
Die Überwindung klischeetriefender Rollenbilder,
hier des Latino-Machismo, das ist das Hauptthema
dieses pfiffigen, herzerweichenden Streifens, der
auf intelligente Weise blendend zu unterhalten versteht.
Dass bei dieser Versuchsanordnung das übliche
Happy End alles andere als selbstverständlich ist,
macht den Filmgenuss nur noch lohnender...
Andrasch Neunert
MURAT B. –
VERLOREN IN
DEUTSCHLAND
Milestone Film
R: Bijan Benjamin
D 2008/9, 93 Min., FSK 0
Murat Bektas, der fiktive
Held dieses Streifens, ist
Hartz IV-Empfänger. Dieser
Film soll sein Leben
zeigen. Das scheint eine
Reality-TV-Doku zu sein, doch hier wirken Schauspieler
mit, die einen auf echt machen, ganz wie bei
den Reality-TV-Soaps von RTL und SAT1. Leider ist
auch das Niveau nur geringfügig höher.
Die Filmemacher, gefördert u. a. von der Kölner
Kunsthochschule wollten Großes, Verdienstvolles
leisten: Die Realität des Prekariats einfangen,
die Hartz IV-Realität, fernab der Soap-Vereinfachungen
und Ideologien. Ich zitiere den Prolog zum
Film: „Deutschland 2008, 82 Mio. Einwohner, ca. 3
Mio. offiziell ohne Arbeit, 75.000 allein in Köln. Immer
mehr Menschen leben von Arbeitslosengeld
2“ (Anm.: Stimmt heute in absoluten Zahlen jedenfalls
nicht mehr!). „Ein Thema, das in den Medien
für hohe Aufmerksamkeit sorgt. Es wurde unzählige
Male aufgegriffen und uns in unterschiedlichster
Form präsentiert. Viele Vorurteile und Klischees sind
dabei entstanden. Wir wollten zeigen, wie sich das
Leben mit Hartz IV wirklich anfühlt ...“
Nun, ich habe selbst eine Weile Hartz IV erhalten
und für mich gelten die „Wahrheiten“ dieses Filmes
nicht. Nicht jeder Hartz IV-Empfänger ist ein betrogener
Vollchaot, der keinerlei Plan hat, der aber
auch keinerlei strukturierte Hilfe angeboten be-
kommt, um sein Leben in den Griff zu bekommen,
der völlig überschuldet ist, der von so gut wie jedem
Menschen beschissen wird, dem er begegnet.
Falsche Fakten, eine Arbeitsagentur, bzw. ARGE,
die nicht einmal nach ihren eigenen Regeln handelt,
und Widersprüche zuhauf schon in den Fakten der
Story; von den schauspielerischen Leistungen mit
nur einer positiven Ausnahme (Larissa Aimee Breidbach
als Freundin Murats) ganz zu schweigen. Fakten...
Wieso brabbelt Murat in seinem charmanten
Offenbacher Dialekt etwas von einem chronischen
Bandscheibenschaden, wenn er das bei der Arbeitsagentur
nie wirklich geltend macht mit einem Attest?
Wieso entschuldigt er damit seine permanenten
schnellen Abbrüche angebotener Beschäftigungen,
wenn ihm ein Facharzt gleichzeitig volle Arbeitsfähigkeit
bescheinigt und er täglich in einem Fitnessstudio
Gewichte stemmt? Wieso verschweigt das
Drehbuch, dass es für Führerscheininhaber ohne
Vorstrafen in deutschen Großstädten nun wirklich
kein Problem ist, Jobs zu finden, jedenfalls bei eigenem
Engagement? Warum ist in Sachen Schulden
beim Rechtsanwalt weder von der Möglichkeit der
Kostenübernahme durch Prozesskostenhilfe, noch
vom Schuldnerberater die Rede? Nein, hier erleben
wir den Gegenentwurf zu den peinlichen SAT.1- und
RTL-Possen: Diesmal ist der Hartz IV-Empfänger
das arme, gejagte Opfer, „verloren in Deutschland“
und alle, die um ihn herum an seine Verantwortung
erinnern und seiner Weigerung, wirklich seine Situation
zu verbessern, Grenzen setzen, sind die Monster.
Dieser Film mag als Trigger für gemeinsames Weinen
in Charity-Veranstaltungen funktionieren, deren
BesucherInnen von Hartz IV-Realitäten so weit
entfernt sind, wie offensichtlich die Schreiber dieser
hanebüchenen Dialoge, dieses komplett realitätsfremden
Drehbuchs. Als Vorlage für die überfällige
Überprüfung der Hartz IV-Gesetzgebung,
insbesondere was tatsächliche Härtefälle, Wartezeiten
bei Schuldnerberatungen, Eingliederungshilfen
und ihren notwendigen Ausbau, Altersarmut, die
Gnadenlosigkeit raffgieriger Banken und das Verhalten
mancher BeraterInnen - die aber die Ausnahme
darstellen! - angeht, taugt er nicht das Mindeste.
Er ist kontraproduktiv, schlecht recherchiert,
völlig unglaubwürdig und teilweise sogar unfreiwillig
komisch. Noch mal zum besseren Verständnis:
Nicht alle in sozialen Schieflagen Kämpfende sind
so verpeilte Hans-guck-in-die-Lufts, wie unser sympathischer
junger türkischer Immigrant, der hier
das männliche Pechmariechen und Daueropfer mimen
muss, der, damit die Story so richtig betroffen
macht, am Ende auch noch darauf kommen muss,
dass er nicht der Vater seiner Tochter ist und im Übrigen
auch noch impotent. „Ein halber Mann“: Die
Realität der Hartz IV-Empfänger, wie im Vorspann
dreist behauptet? Alle impotent, oder so ähnlich, jedenfalls
die Türkenjungs? Wieso stattdessen kein
Wort darüber, dass Hartz IV-Bezug laut Gesetzestext
schon Grund zur Ausweisung sein kann, nur
mal so am Rande gefragt? Aber das hätte ja sorgfältige
Recherche vorausgesetzt, statt billiger Klassenpropagandaklischees.
Nein, das hier ist einfach von
vorne bis hinten: Schade um das verdrehte Material.
Andrasch Neunert
NICHTS ZU VERZOLLEN
Frankreich, 2010
R: Danny Boon
Prokino
103 min.,
Extras 20 Minuten
FSK: 12
Mit dem Quasi-Nachfolger
von „Willkommen bei
den Sch’tis“ hat sich Regisseur
Danny Boon keinen
Gefallen getan. Das die dreistellige Minutenzahl
knackende Werk spielt in Courquain, einem kleinen
Grenzort an der französisch-belgischen Grenze.
Dort soll natürlich alles seine Ordnung haben, findet
der Belgier Zollbeamte Ruben, doch der franzö-
sische Kollege Ducatel möchte natürlich ebenfalls,
dass alles „sauber“ bleibt, und so lassen sich die
beiden auch nicht vom Schengener Abkommen beirren,
das beide ihren Job kosten wird. Immer verbitterter
und letztendlich eigeninitiativ beharrt jeder
auf seinem Recht und auf klare Fronten. Richtig interessant
wird es allerdings erst, als herauskommt,
dass Ducatel mit Rubens Schwester ein Techtelmechtel
hat.
So weit, so schön – wie die meisten modernen
französischen Komödien ist die Produktion professionell,
liebevolle Details bereichern „Nichts zu
verzollen“ obendrein, doch viel in diesem Semi-Culture-Clash-Film
ist einfach dermaßen overacted,
sprich übertrieben, was zur Folge hat, dass sich
sehr schnell Abnutzungserscheinungen bemerkbar
machen. Boon hat man schon deutlich besser und
vielseitiger gesehen und Zoll- und Schauspielkollege
Benoît Poelvoorde versucht leider viel zu häufig
in die Fußstapfen der fragwürdigen Legende Louis
de Funès zu treten, die Slapstick-Situationen amortisieren
sich gegenseitig, beim Geballer herrscht bald
„Alarm für Cobra 11“-Alarm, sodass man wirklich
Kondition mitbringen muss, um bei diesem einfach
nur anstrengenden, anspruchsarmen audiovisuellen
Pamphlet bis zum Schluss durchzuhalten. Etwas
weniger überzogene Action und mehr Glaubwürdigkeit
der Akteure sowie eine etwas gehaltvollere
Handlung hätten dem 103-Minüter bestimmt gut getan,
doch hiernach braucht man erst einmal eine
Wetter-Cam zum Herunterfahren. „Nichts zu verzollen“
ist eine ärgerliche Angelegenheit, denn gerade
aus Frankreich kam zuletzt so viel Besseres.
Chris P
PINGUINE –
KÖNIGE DER
ANTARKTIS 2
Neuseeland 1993
R: Max Quinn
3L Homevideo
53/52 min.
FSK: 0
Auch wenn es sich bei
dieser Doppel-DVD ganz
offensichtlich um eine Adaption aus dem neuseeländischen
Fernsehen handelt, die bereits 19 Jahre auf
dem Buckel hat, lohnt sich die Anschaffung – vorausgesetzt,
man interessiert sich für Pinguine. DVD
1 konzentriert sich ganz auf die Kaiserpinguine in
der Arktis. Die Tiere sind wahre Überlebenskünstler
in einer massiv lebensfeindlichen Landschaft.
Also haben die Tiere einige erstaunliche Strategien
entwickelt. Man erfährt zum Beispiel, dass sie entgegen
anderer Vogelarten auf feste Reviere verzichten
und sich stattdessen zu Rudeln zusammenschließen,
um bei Temperaturen von Minus 50 Grad
und weniger zu überleben. DVD 2 hält viele grundlegende
Informationen und Filmaufnahmen zu Pinguinen
aus der ganzen Welt parat: Erstaunlich zum
Beispiel, dass es auch Tiere in 40 Grad heißen Regionen
gibt, die zwischen Kakteen herumstolpern.
Ungewöhnliche Aufnahmen zu einer ungewöhnlichen
Tierart.
JOBRY
POOLBOY –
DROWNING OUT THE
FURY
Senator Home
Entertainment
R: Garrett Brawith
USA, 2011
ca. 86 min.
FSK: 18
2012 I #35 I videoThek
Neeee. Das geht leider
gar nicht. Wobei: nicht mal
„leider“. Nur „gar nicht“.
Allerorten liest man über dieses Machwerk,
dass es polarisieren würde.
65

66 videoThek I #35 I 2012
Grottiger Produzentenplan, grottige Story, grottige
Synchro, grottige Schauspieler. Einzig Danny „Machete“
Trejo und einzwei anderen merkt man an,
dass sie durchaus auch so richtig anders könnten
bzw. können. Im Original-Ton ist das Machwerk immerhin
marginal netter.
Der Film kokettiert so was von kaum auszuhalten
mit seinem hohen gewollten Trashgehalt, schielt zu
unverschämt berechnend in Richtung Kultstatus,
persifliert das 80er-Jahre-Action-Kino, mixt Stories
aus bekannten anderen Filmen auf „Scary Movie
und Konsorten“-Niveau, zeigt jede Menge digitales
Blut und analoge Titten und scheitert kläglich. Der
will so unbedingt und kann es einfach nicht.
Definitiv nur nervigstes youTube-Geflimmere der
„Haha, sind wir lustig und machen Filme“-Sparte.
Anyway, in einem sind die Schöpfer von Poolboy
doch richtig erfolgreich gewesen: es gut zu meinen.
Und das ist bekannterweise ja das Gegenteil von …
- richtig! - gut.
Wenigstens eine Empfehlung für einen Trash-Abend
mit Kumpels, Bier, Tüten und Fritten? Weitaus besseres
auf dem Markt... Wir haben es probiert. Ehrlich.
Sind gar nicht soooo sanft im Nehmen. Wir haben
mittendrin den Kill-Button betätigen müssen.
Ging nicht anders. Nein. Und aus. Schon viel zu viel
dazu geschrieben. Welch doppelte Zeitverschwendung.
Würde es hier Punkte geben: im Minusbereich.
Matthias Horn
RICHARD HASENFUSS
GB 2008
R: Vito Rocco
Sunfilm Entertainment
87 min.
FSK: 6
Sympathisch-schrullig
können sie, die Briten:
„Richard Hasenfuss“ ist ein weiterer Beweis dafür.
Die Story: Richard ist ein eher unbeholfener Verkäufer
eines Baumarktes. Sein Chef hat ihn auf
dem Kieker. Auch privat gibt es Stress. Seine Frau
trennt sich von ihm, seinem Sohn ist der eigene
Vater peinlich, u. a. weil dieser zusammen mit ein
paar freakigen Freunden gerne Schlachten der Wikinger
nachstellt – dann als tapferer Readmund der
Gerechte. Die harte Lebensrealität weckt in dem eigentlich
schlaffen Richard einen hart um Frau und
Sohn kämpfenden Kerl – wenngleich dieser dabei
in so manches Fettnäpfchen tritt… Liebenswert machen
diese Komödie vor allem die gut gecasteten
Charakterköpfe – allen voran der glänzende Hauptdarsteller
Eddie Marsan als Richard, der sich letztlich
rührend bemüht, die Herzen seiner Lieben zurückzuerobern.
A propos Herz: Für genau jenes ist
dieser Film etwas, denn hier geht es auch um Romantik,
Liebe und Wahrhaftigkeit. Glücklicherweise
endet das nur ganz selten im Kitsch und viel häufiger
in humorvollen Situationen. Ebenfalls sympathisch:
Der Soundtrack u. a. mit Madness, MSG, Human
League, Saxon oder The Proclaimers.
JOBRY
SAMSON & DELILAH
Rapid Eye Movies
Regie, Drehbuch, Kamera:
Warwick Thornton
AUS 2009, 101 Min., FSK 12
Original mit dt. UT
Die Maori Neuseelands und
die Aborigines Australiens gehören
zu den Ausgestoßenen,
über die wir hier am wenigsten wissen. Dieser Film
ändert das - auf ebenso tief beeindruckende, wie radikale
Weise - und wurde auf insgesamt 15 Filmfestivals
dafür völlig zu Recht mit Preisen überhäuft -
vom Award for Indigenous Script Writing bis hin zur
Camera d’Or in Cannes.
Mitten auf dem Land leben die Aborigines meist in
isolierten, verarmten kleinen Gemeinschaften. Suff
und Drogen, Gewalt und Perspektivlosigkeit kennzeichnen
dort ihren Alltag. Sie sind der Normalfall.
An einen solchen heillosen Ort entführt uns der Film
und konzentriert sich auf zwei Teenies, die dem
Film seinen Titel geben. Samson hat kaum gelernt
zu sprechen, schnüffelt permanent Benzin, vermisst
seinen Vater, der im Knast sitzt und wird vom älteren
Bruder drangsaliert. Er wird nach einer gewalttätigen
Auseinandersetzung ebenso heimatlos wie
Delilah, die, eigentlich ein fürsorgliches, liebes Mädchen,
von der Verwandtschaft für den Tod ihrer mit
Hingabe gepflegten Oma verantwortlich gemacht
wird. Beide suchen nun ihr Heil in der großen Stadt,
um im Beisein eines alkoholsüchtigen Penners unter
einer Brücke scheinbar endgültig ins Bodenlose
abzustürzen.
Radikal dicht und intim verfolgt die Handycam des
Regisseurs seine zwei verlorenen Helden, über
viele Minuten des Schweigens, des puren Elends,
die sich zur Ewigkeit auszudehnen scheinen. Wir
freuen uns über jedes so seltene Lächeln, jeden
Anflug von Kommunikation zwischen den von der
Wohlstandsgesellschaft nie angenommenen, ausgespuckten,
weggeworfenen Kindern, deren leere
Blicke nicht nur einen Kontinent anklagen.
Doch dieser wichtige Film zeigt noch mehr: Die
Unberührbaren, denen von der Mehrheit jegliches
Menschsein abgesprochen wird, erleben vor unseren
Augen eben auch Momente von Nähe, Sehnsucht.
Ein Lächeln für eine Dosensuppe zeigt uns,
dass auch in der Hölle Freude existiert, für Momente
immerhin. Zeigt, dass Liebe und Freundschaft Wege
aus dem Wahnsinn zeigen können, auch wenn die
wenigsten Betroffenen diesen Horizont für sich je
wahrnehmen werden. Vor allem aber zeigt dieser
von zwei jungen Laiendarstellern auf überragende
Weise getragene Film nicht nur den Einwohnern
Australiens: Die Hölle ist mitten unter uns. Da, wo
wir alle wegsehen. Weil das bequemer ist.
Sie sollten sich diesen Film keinesfalls entgehen
lassen: Er könnte ihr Denken und Sehen tiefgreifender
verändern, als sie jetzt ahnen...
Andrasch Neunert
SAO PAULO –
NACHT DER GEWALT
USA 2006
R: Eric Eason
3L Homevideo
88 min., FSK: 16
In einem Nachtclub mitten in
Sao Paulo wird ein russischer
Drogenkurier erschossen und
hinterlässt einen Koffer voller
Kokain. Nachtclubbesitzer Rosso und sein Sohn
Paul wittern das große Geschäft und wollen mit
dem Verkauf der Drogen in ein neues Leben starten.
Dummerweise haben die beiden völlig unterschiedliche
Absichten und so entwickelt sich der der
Deal zu einem Fiasko. „Sao Paulo“ ist ein düsterer
Cocktail aus Drogen, Sex und Gewalt. Eric Eason
hat den Film so dicht inszeniert, dass man zuweilen
Blut, Schweiß und Schmauch zu riechen glaubt.
Das Moloch Sao Paulo bildet dafür die passend kaputte
Kulisse. Zudem kaschieren Inszenierung und
Setting manche Schwäche im Drehbuch. Die Story
ist zwar nicht unlogisch, wirkt aber zuweilen etwas
unschlüssig und zufällig. Ohne zu viel zu verraten:
Nach dem großen High Noon rundet ein bittersüßes
Ende die Geschichte passend ab. Überraschend:
Brendan Fraser, bislang eher durch Weichspüler
wie „Die Mumie“ oder „Die Reise zum Mittelpunkt
der Erde“ auffällig geworden, spielt den brutalen und
skrupellosen Paul Rosso richtig schön asozial überzeugend.
JOBRY
SWANS
Edition Salzgeber
R: Hugo Vieira Da Silva
D/PT 2010, 120 min.,
FSK 0, dt. OF
Viel wird nicht gesprochen in
diesem ambitionierten Drama.
Nicht verbal. Vater und Sohn
landen, aus ihrer langjährigen
Heimat Portugal kommend, in Berlin, wo die Exfreundin
des Vaters und Mutter des Halbwüchsigen
im Koma liegt. In deren Wohnung treffen sie auf deren
Freundin, eine ebenso rätselhafte wie geheimnisvolle
asiatische Immigrantin.
Doch Vater und Sohn verstummen nicht erst im An-

gesicht der Komapatientin an deren Krankenbett in
der Intensivstation. Sie sind in ihrem Binnenverhältnis
längst verstummt und durch die Situation überfordert.
Das Schweigen zwischen ihnen ist Routine
und atmet dennoch verdrängte Gefühle und unterdrückte
Wut. Während der Sohn mehr und mehr
versucht, hinter Masken versteckt zur Mutter körperlichen
Kontakt mit ihrem komatösen Körper zu suchen,
den er nach und nach bei seinen Besuchen
entdeckt und seine Aggressionen ansonsten beim
Skateboarden und bei Sprayeraktionen ausagiert,
kann sein Vater die Erstarrung nicht lösen, ist unfähig
zu trauern.
Dieser Film ist eine leise Zumutung, seinen Protagonisten
weit über Scham- und Schmerzgrenzen
nahe. Er ist letztlich zu sehen als Studie über
den Zusammenbruch aller Kommunikation und Bindungen,
pessimistisch, kompromisslos, herausfordernd.
In düsteren, sparsamen Farben zeichnet er
das grausige Bild von Protagonisten im emotionalen
Ausnahmezustand, deren Verstummen nach dem
Zusammenbruch aller bindenden Strukturen normal
ist, die das rätselhafte Angebot zu Kommunikation
und Verarbeitung, verkörpert durch die Lebensfreude
der vitalen Asiatin, nicht mehr erkennen können
oder wollen. Das ist schwer zu ertragen, denn so
schildert da Silva das neurotische Schweigen als eigentliche
Norm einer sich und ihren Möglichkeiten
komplett entfremdeten Gesellschaft.
Am Ende sehen wir den Sohn auf der Couch neben
seinem Vater sitzen, der vor der Glotze eingeschlafen
ist, in der noch ein Tennismatch läuft. Wir hören
nichts, als das Stöhnen der Spielerinnen. Lakonisch,
wie er begann, geht dieser bittere Film auch
zu Ende. Da wirkt das vergleichsweise fröhliche portugiesische
Lied zum Abspann wie pure Ironie.
Andrasch Neunert
TIGER & DRAGON
RELOADED
Sunfilm Entertainment
R: Clement Sze-Kit Cheng,
Derek Kwok
Hong Kong, 2009
94 mon.
Name-dropping galore:
„Die Macher von Jon Woos
„Red Cliff“, „Warlords“ und „House Of Flying Daggers“
vereinen […] zum ersten Mal die größten
Stars der goldenen Ära der Kung-Fu-Filme“. Das
kann man nun so oder so sehen... Nicht diskutabel
aber ist, dass „Reloaded“ nichts, aber wirklich
gar nichts mit Ang Lee’s mehrfach preisgekrönter
(4 Oskars, 2 Golden Globes) Romanverfilmung von
2000 zu tun hat, die ein mythisches Heldenepos von
Ruhm und Ehre um die Geschicke eines legendären
grünen Schwertes gesponnen hatte. Nichts davon
in „Reloaded“. Der unentschlossen zwischen
Klamauk und Kampfkunst-Action dümpelnde Streifen
kann wahrlich keinen Anspruch auf das noble
Genre Wǔxiá („ritterliche Kampfkunst“) erheben.
Nachdem er über 30 Jahre im Koma gelegen hat,
erlangt der Kung-Fu-Meister Law während eines
Überfalls in einer üblen Slapstick-Szene wieder das
Bewusstsein. Einen zufällig anwesenden hühnerbrüstigen
Tollpatsch verwechselt er abwechselnd
mit seinen ehemaligen Meisterschülern Tiger (Siu-
Lung Leung; u. a.: Kung Fu Powerhouse, D-Day
At Macao, The Dragon Lives Again, Ten Tigers Of
Shaolin, Enter Three Dragons, Kung Fu Hustle) und
Dragon (Kuan Tai Chen), die ihn und seine unterdes
zum Teehaus gewordene Kampfkunstschule
drei Dezennien lang bewacht haben. Natürlich gibt
es auch einen rivalisierenden Meister und dessen
Gang sowie ein alles entscheidendes Turnier, für
das nun Jung und (ganz) Alt trainieren. Als Running
Gag stinkt eine gepökelte Ente durch das Filmchen,
dessen Niveau damit leider ganz gut beschrieben
ist. Auch die immer noch beeindruckende Budo-
Klasse eines Siu-Lung Leung bewahrt „Reloaded“
nicht vor einem tief gesenkten Daumen.
Klaus Reckert
TIM UND STRUPPI –
TIM UND DAS GEHEIMNIS
UM DAS GOLDENE VLIES
F, 1961
Regie: Jean-Jacques Vierne
Sunfilm Entertainment
96 min., FSK: 6
Während die Masse sich von
dem derzeitigen Animationsfilm
„Die Abenteuer von Tim & Struppi – Das Geheimnis
der Einhorn“ blenden lässt, bei dem unter anderem
– Achtung, Big-Names-Onanie! – Steven Spielberg,
Peter Jackson und Harry Potter-Scorekomponist
John Williams ihre Finger im Spiel hatten, kann sich
der Freund „echter“ Filmkunst an dieser Neuauflage
der herrlich uralten französischen Produktion erfreuen,
die noch gänzlich ohne Special-Effects auskam
(den rosa Rauch mal außen vor gelassen) und unter
anderem in einer aufwändigen Special Collector’s
Edition veröffentlicht wird, welche den Originalfilm
in restaurierter Fassung auf DVD und Blu-ray in Full
HD sowie ein mehrseitiges Filmbooklet im Comicstil
enthält.
Großartig auf die Handlung des Films einzugehen,
wäre in etwa so, als müsse man eine Inhaltsangabe
von „Dinner For One“ oder der Weihnachtsepisode
der „Familie Heinz Becker“ vortragen, nämlich überflüssig.
Richten wir den Fokus also auf das Wie. Zuerst
fällt auf, dass die Produktion für damalige technische
Gegebenheiten hervorragend gelungen ist
– da gibt es weitaus erfolgreichere, größere Filme,
die bei weitem nicht diesem Level entsprechen. Die
Charaktere werden zudem wunderbar übertrieben
und überzeichnet dargestellt, ganz egal, ob es Professor
Bienlein (Georges Loriot), Kapitän Haddock
(Georges Wilson) oder Tim (Jean-Pierre Talbot) ist.
Jede Figur besticht durch ihre Echtheit.
Das Angenehmste allerdings ist, dass nicht alles
so glatt geleckt und perfekt ist, wie in den meisten
modernen Streifen. Denn genau das ist es, was
vielen modernen Kinder- und Familienfilmen fehlt:
Eine schöne, spannende Geschichte zu sein, die
so schön ist, weil sie einfach so ist, wie sie ist - unpoliert,
ungeschönt, schrullig und vor allem nicht an
den absatzorientierten Markt angepasst, stattdessen
mit liebevollen Details ausgeschmückt, bei denen
man teilweise an die Grenzen des Machbaren
gegangen ist. Dieser Film hat es ins 50. Jahr seiner
Existenz geschafft und geht nun also erneut über
die Ladentheken. Da sind wir doch mal gespannt,
ob man von dem eingangs genannten Pixelwahn
im Jahre 2061 auch noch reden wird, oder ob er im
audiovisuellen Fast-Food-Wahn nicht schon vor Anbruch
des nächsten Jahrzehnts in der Bedeutungslosigkeit
versumpft.
Chris P
DAS TRAURIGE LEBEN
DER GLORIA S.
Edition Salzgeber
R: Christine Groß
& Ute Schall
D 2011. 75 min.,
dt. OF, FSK 12
„Kommt, wir kommen
alle mal zusammen.
Lasst alles raus.
Alles Negative!“
Die SchauspielerInnen-Truppe, die sich aus sehr
unterschiedlichen Motiven am Thema des Deutschen
RAF-Herbstes verhebt, ist ja an sich schon
eine Schau. Schon bevor die minderbegabten, aber
von sich überzeugten DarstellerInnen nach und
nach, da gibt’s nämlich wenigstens ordentlich Kohle
für, zu ProtagonistInnen einer Reality-TV-Doku werden,
in der sie für die ahnungslose TV-Redaktion in
der Staffage einer Plattenbauwohnung die Komparsen
im Leben der vermeintlichen Ex-Terroristin und
Hartz IV-Bezieherin geben, die einst angeblich zugunsten
des politischen Kampfes ihre Tochter verließ,
um deren Wiedereinzug sie sich jetzt angeblich
bemüht. So entsteht, mit grimmigem Humor hautnah
geschildert, ein Film im Film, eine beißend-komische
Groteske zwischen Tabori und Fassbinder
mit anarchistischem Witz satt.
Selten sah ich zugleich den real existierenden pseudointellektuellen,
von der eigenen behaupteten
Großartigkeit besoffenen elitären Kunstbetrieb und
den völlig hohlen, etablierten, gewissenlosen realen
Kulturkommerz so genau karikiert. Dieser tolle
Film hat alles, um schnell in der Nische derer zu verschwinden,
die die Exponate aus ihren persönlichen
schwarzen Löchern in muffigen Schubladen verstecken,
um sich selbst ja nicht hinterfragen zu müssen:
Er hinterfragt mit hinterfotziger Boshaftigkeit
nämlich alles und jeden. Das mag einigen oder auch
ziemlich vielen Angehörigen der Kulturszene so richtig
wehtun... Dennoch oder grad deshalb - nie war
deutsches AutorInnenkino so saukomisch: Ansehen!
Andrasch Neunert
TRUST
Koch Media
R: David Schwimmer
(genau! Der aus „friends“.)
USA, 2011
101 min.
FSK: 16
2012 I #35 I videoThek
Vorab: guter Film, der ein
paar Tage im Gedächtnis
bleibt, da mit sehr aufreibendem
und leider auch aktuellem Thema besetzt:
Ein 14-jähriges Mädchen lernt einen charmanten
Chat-Partner in der großen Welt der sozialen Netzwerke
kennen, der sich nach und nach als immer älter
und älter outet. Als es dann auch noch zu einem
Treffen zwischen den beiden kommt und er nochmalig
eine Schippe älter als zuletzt preisgegeben
67

68 videoThek I #35 I 2012
ist, geht sie trotz großer Irritation und Enttäuschung
mit ihm auf sein Hotelzimmer – und erlebt dort die
Hölle. Sie verdrängt jedoch das Geschehene und
steht zu ihrem Peiniger, bis zu dem Punkt, als Videos
im Web auftauchen und der Konflikt mit ihren
Freunden, dem Bruder und den Eltern – vor allem
mit dem Vater – immer heftiger wird. Dessen Handeln
kennt eh nur noch eines: Rache. Und hier sind
wir auch schon bei der Problematik angelangt. Der
Film ist einfach eine unverschämte Mogelpackung,
der auf der DVD-Verpackung etwas ganz anderes
vorgaukelt. Man stelle sich vor – und siehe das Cover:
Ein Mädchen auf ein Kissen gebettet mit unglaublich
zerbrechlich-traurigem Blick. Oben drüber
der Vater Clive Owen – sichtlich aufgewühlt, verzweifelt,
zu allem bereit... und - jetzt‘s kommts! - mit
einer fetten Wumme in der Hand. Dazu Slogans wie
„Die Spur führt ins Netz“, „Was ihre Familie jahrelang
aufgebaut hat, hat ein Fremder in einem Moment
gestohlen.“. Auf der Rückseite noch schlimmer:
Zwei Szenenbilder, in denen eben jener Vater
mit der Knarre einen Mann in die Fresse drischt und
dazu noch einen auf dem Boden Liegenden verprügelt.
Bei sieben Bildern eine gute Quote. Dazu
Sätze wie „[...], scheint es nur noch einen Ausweg
für ihn zu geben: Rache.“. Was denkt der geneigte
Zuschauer? Genau. Hier kriegen wir einen Reißer
im Stile von „96 Hours“ oder „Gesetz der Rache“,
vielleicht sogar „Payback“! Aber mitnichten...
ein ähnliches Symptom wie seinerzeit „Ghost Dog“:
genialer - aber unbedingt nicht massen- oder gar
mainstreamtauglicher – Film. Und damals sehr verstörend,
dass er ruck-zuck ganz oben auf den Verleih-
und Kaufcharts stand. Kurze einleuchtende Er-
klärung meiner damaligen Videothekarin: das Cover.
Darauf Forest Whitaker als Samurai samt Schwert,
das er auch noch actionreich in Szene gesetzt
schwingt. Lauter enttäuschte Kunden, die mit Kritik
nicht sparten, als sie den Film zurückbrachten. Und
warum? Weil die Erwartungshaltung durch eben jenes
Cover mal ganz doll anders geschürt wurde als
es letztendlich war. Das setzt den Film keineswegs
herab, lässt aber auf schmerzhafte Weise die Dis-
krepanz zwischen Cover und Inhalt spüren.
Fazit: Ziemlich gelungener Film, schauspielerische
Leistungen auf Anschlag, krasses aber wichtiges
Thema über Missbrauch physischer wie auch psychischer
Art, bleibt unangenehmerweise noch Tage
später im Kopf... nur die Mogelpackung, die geht gar
nicht. Da kommt zum unangenehmen Gefühl auch
noch ein fader Beigeschmack der Verarsche. Die
amerikanische Covergestaltung soll anscheinend
nicht so mogeln. Aber hier in Deutschland... Geht
nicht!
Matthias Horn
TWENTYNINE PALMS
FRANKREICH 2004
R: Bruno Dumont
KonoKontrovers/Bavaria
114 min.
FSK: 18
Der Fotograf David
(David Wissak) und sein
Modell Katia (Yekaterina Golubev) fahren durch die
kalifornische Wüste. In diesem endlos leeren Land
suchen sie einen Hintergrund für ihre Fotos. Sie
streiten sich, sie versöhnen sich, sie haben Sex.
Dann beginnt der Zyklus von vorne ... Ein irritierendes
Meisterwerk von Bruno Dumont. Die Welt
um das kleine Wüstenstädtchen Twentynine Palms
ist feindlich: Wenn das Pärchen über die Straße
geht, wird es bereits von vorüberfahrenden Rednecks
beschimpft. Und tatsächlich scheinen der
coole Fotograf und das filigrane Model im Kapuzen-
Shirt so gar nicht in diese erstarrte Umgebung zu
passen. Doch meist sind die Straßen menschenleer
und niemand stört sich daran. Neben dem Nichts
steht der Untergang: Immer wieder taucht ein mysteriöser
Van auf. In der Einsamkeit der Wüste wird
jedes Wesen unvermittelt zum potenziellen Feind,
und so mündet die Bedrohung in einem Inferno der
Angst. (Info nach DVD FORUM) – Schon ein merkwürdiger
Streifen, den uns Bruno Dumont („The Life
Of Jesus“) da auftischt. Bei der Beobachtung des
Pärchens, welches entweder streitend oder Liebe
machend durch den Plot mäandert, kommt nach einer
guten Stunde reichlich Langeweile auf; nun gut,
man kann hier, wie einst ein Feuilletonist der FAZ,
argumentieren, diese - nennen wir es: „Sperrigkeit“
sei notwendig, um darzustellen, dass menschlicher
Gewalt und Leidenschaft etwas quälend Unausweichliches
innewohnt“; aber es bleibt dabei: „29
Palms“ ist nichts für Ungeduldige. Ist man dann irgendwann
mehr oder weniger entnervt kurz davor,
den Film abzuschalten, bleibt einem in der letzten
Viertelstunde vor allem aufgrund der Darstellung exzessiver
Gewalt beinahe der Atem stehen. Ist das
hier ein guter Film? Keine Ahnung, „kontrovers“ aber
allemal. Und wer die 114 Minuten durchhält, der
steht erstmal nicht einfach auf, kocht sich einen Kaffee
und geht zur Tagesordnung über – dafür würde
ich mich verbürgen.
Sven
UNMORALISCHE
GESCHICHTEN
FRANKREICH 1974
R: Walerian Borowczyk
Bildstörung
99 min.
FSK: 18
Vier Episoden, vier Epochen,
vier sexuelle Spielarten: in
UNMORALISCHE GESCHICHTEN, seinem größten
Filmerfolg, lässt Walerian Borowczyk (LA BÊTE
– Die Bestie) seinen erotischen Phantasien freien
Lauf. Mit gewohnt fetischistischem Blick für erotische
Details erzählt er diesmal Geschichten über
Fellatio, die verführerische Anziehungskraft von Gemüse,
den Reiz jungfräulichen Blutes und von inzestuösen
Ausschweifungen im Vatikan – vier Episoden,
in denen jede Geste, jeder Gegenstand – ein
Mund, ein Finger, eine Perle – vor erotischer Aufladung
Funken sprühen … Nach 25 Jahren auf dem
Index wird Borowczyks legendärer erotischer Vignettenfilm,
der 1974 mit dem Prix de l‘Âge d‘Or
ausgezeichnet wurde und im selben Jahr als zweiterfolgreichster
Film in den französischen Kinos lief,
nun wieder ungekürzt in Deutschland veröffentlicht.
(Inhalt, gekürzt, nach CINEFACTS.DE) – Schonmal
über den Unterschied zwischen Pornographie
und Erotik sinniert? Oder sich gefragt, was genau
„Erotik“ eigentlich ausmacht? Vielleicht kann man
sich dem Thema nach dem Betrachten von „Unmoralische
Geschichten“ besser annähern, denn Walerian
Borowczyk hat in diesem, aus vier Episoden
bestehenden Film, unter Beweis gestellt, dass man
hocherotisches Kino ohne Schmuddelimage machen
kann. Zwar sind die eben erwähnten vier Teile
von sehr unterschiedlicher Qualität, aber die Leichtigkeit,
die über den Filmen schwebt, sucht ihresgleichen
– nicht einmal der Regisseur selbst, der später
auch für „Softpornos“ á la „Emmanuelle V“ verantwortlich
zeichnen sollte, hat sie konservieren können.
Freilich kann uns das, was 1974 „provokant“
war, heute nur noch ein Lächeln abringen, dennoch
ist „Unmoralische Geschichten“ ein Highlight des
erotischen [sic!] Films – vielleicht auch deshalb, weil
es so wenige davon gibt.
Sven
VIRIDIANA
Mexiko/Spanien, 1961
R: Luis Buñuel
Pierrot Le Fou
90 min., FSK: 12
Der verwitwete Don Jaime
lebt auf seinem Landgut,
eines Tages beschließt
seine Nichte Viridiana, eine
junge Novizin, ihn zu besuchen, und ihm gefriert
beim ersten Anblick fast das Blut in den Adern, denn
ihre Ähnlichkeit mit seiner verstorbenen Frau ist
frappierend. Sehr schnell realisiert Viridiana, dass er
in ihr einen Ersatz für die Gattin sieht, zumal er ihr
mehrfach Avancen macht. Sie lehnt ihn ab und verlässt
ihn; und das treibt Don Jaime zum Suizid.
Sie ist fortan voller Schuldgefühle, die sie zu kompensieren
versucht - und so verlässt sie das Kloster
und nutzt das geerbte Landgut dafür, um Kranke,
Landstreicher und Arme einzuladen und für sie zu
sorgen. Ihre Selbstlosigkeit wird gnadenlos ausgenutzt
und alles endet in katastrophalen Zuständen,
die die Existenz bedrohen. Szenarien von Sex und
Gewalt – im Film meist symbolisch dargestellt – zeigen
tiefe menschliche Abgründe auf und so „ganz
nebenbei“ versucht Don Jaime’s verhasster Sohn
Jorge, Modernisierungen anzubringen.
Dieser vor fünf Dekaden produzierte Schwarzweiß-
Streifen wurde seinerzeit nicht umsonst in einigen
Ländern verboten, denn in seiner Radikalität, in seiner
subtilen und doch gnadenlos direkt die Doppelmoral
der ach so christlichen Katholiken und die
Regierung kritisierenden, ja entlarvenden Art und
durch die Tabubrüche fiel er mit der Tür regelrecht
ins Haus, und das war in der „heilen Welt“ der Sechziger
vielerorts nicht erwünscht. Der Regisseur und
Atheist Luis Buñuel legte den Finger tief in die Wunde
und die Neuauflage, die rund eine halbe Stunde
Bonusmaterial beinhaltet, streut noch einmal Salz
in dieselbe. „Viridiana“ ist, ganz plump gesagt, ein
wertvoller Film, den man gesehen haben sollte, gerade
wenn man der Kirche kritisch gegenübersteht.
Chris P
THE WALKING DEAD
STAFFEL 1
WVG Medien GmbH
R: Frank Darabont
USA, 2010
ca. 400 min.
FSK: 18
Angucken!

Darüber muss man kein Wort mehr verlieren. Ein
absolutes Meisterwerk! Die ebenso meisterhafte
Comic-Serie übergenial verfilmt. Absolute Erfrischung
im Horror-Genre, Abteilung Endzeit, Untergruppierung
Zombie. Technik: super. Atmosphäre:
super. Spannung: super. Umsetzung: super. Schauspielerische
Leistungen: superer. Gott sei Dank hat
das lange Warten über Weihnachten und Neujahr
jetzt dann ein Ende! Die zweite Season geht endlich
endlich weiter und hat doppelt so viele Folgen wie
die Pilot-Test-Season 1! Und die letzte Folge vor der
Pause endete mit einem Millenium-Knall. Oh yes!
Keine weiteren Worte notwendig. Fuckin‘ A+++!
Matthias Horn
WAR REQUIEM
Edition Salzgeber
R: Derek Jarman
Musik: Benjamin Britten
GB 1989, Engl. OF/Dt. UT,
FSK 16
Benjamin Britten widmete den
Opfern der beiden Weltkriege
sein War Requiem. Eine von
ihm selbst dirigierte Version aus dem Jahr 1963 bildet
den Background für diese Verfilmung des Oratoriums
in erlesen-kitschigen Bildern, wie wir es von
Jarman gewohnt sind. Wobei der Hinweis erlaubt
sein muss, dass es aus Anlass des Falklandkrieges
eine weit besser gelungene Einspielung unter Sir
Simon Rattle gab, just by the way. Der pathetische
Kostümfilm zeigt das Leid der Kriege nicht wirklich.
Stattdessen regiert selbstverliebte Opulenz, Monstrosität,
ein wenig schwule Soldatensinnlichkeit,
immerhin erlebt man einen letzten Auftritt von Sir
Laurence Olivier. Jarman schwelgt in seinen Stilisierungen,
statt den Krieg unverfälscht zu zeigen.
Ich empfehle ein anderes Vorgehen: Besorgen Sie
sich eine radikal-kompromisslose Kriegsdoku mit
Bildern aus Vietnam, Afghanistan, den Weltkriegen,
dem Irak, Tschetschenien, Bildern aus Lagern, von
Gefangenen und spielen Sie dazu diese herzzerreißende
Musik.
Sollten Sie freilich auch die anderen Werke Jarmans
und seinen speziellen Stil mögen, dann greifen Sie
hier ohne Bedenken zu.
Wer mit Jarman beginnen will, der sollte freilich dafür
Derek Jarman’s Film Sebastiane und in Sachen
Klassikverfilmung Ken Russel’s Tchaikovsky - Genie
und Wahnsinn vorziehen.
Andrasch Neunert
WERWÖLFE
Als Werwolf-Fan hat man es heutzutage nicht einfach.,
stolpert man doch über ziemlich viel Dünnes,
sucht man im Genre heutzutage nach guten Filmen.
Wobei... Fan. Eher eine Hass-Liebe. Von all den
Filmmonstern sind mir die Menschwölfe am liebsten,
gleichzeitig fürchte ich mich vor ihnen auch
so dermaßen, dass ich sicherlich sofort tot umfallen
würde, wäre ich bei Vollmond auf einem weiten
Acker, dessen Ende man nicht erkennen kann, und
dessen tiefe Furchen groteske Schatten werfen. Irgendwo
steht ein kahler Baum, der mit dicken Wolken
behangene Himmel lässt jedoch immer genug
Platz für den Mond, damit dieser alles in sein Unglück
verheißendes Licht tauchen kann. Und irgendwo
in der Ferne hört man Geheul. Oder zumindest
verrückt werden. Würde ich. Sicherlich. Alle anderen
Monsterchen sind wirklich nur Monsterchen. Bis
auf dieses possierlichen Burschen eben... Und was
man da alles an Psychologie hineininterpretieren
könnte... aber genug, jetzt nicht Thema.
Bester Film ist und bleibt „An American Werewolf in
London“, dann noch in loser Reihenfolge auch definitiv
nicht verkehrt, ohne Gewähr für Vollständigkeit:
„The Howling“, „Dog Soldiers“, „Ginger Snaps“, „Bad
Moon“ und „Silver Bullit – Der Werwolf von Tarker
Mills“. „Van Helsing“ war nur wegen der reißenden
alles platt machenden Bestien angenehm, ähnlich
einzwei Szenen aus der „Underground“-Reihe. Die
Neuverfilmung von „Wolf Man“ oder „Wolf“ mit dem
ollen Nicholson gingen auch noch klar ... ansonsten
wird es finster. Und das trotz Vollmond.
BLUE MOON –
ALS WERWOLF
GEBOREN
Sunfilm
R: JoeNimziki
USA, 2011
ca. 92 min.
FSK: ab 12 beantragt
Okay. Ein Remake. Mal
wieder. Von „The Howling“?
Der war ja nicht gerade
von schlechtesten Eltern, siehe oben. Notwendig?
In den Zeiten des Remake-Wahns wohl schon.
Aber letztendlich hat „Blue Moon“ mit seinem Remake-Opfer
nicht allzu viel zu tun, bis auf das mit
den Werwölfen eben. Er darf eher als Fortsetzung
der „Howling“-Reihe gesehen werden, dessen Vertreter
ja auch mehr oder minder lose miteinander
verknüpft sind. Also, dann „Howling“ Nummero sieben...?
Let‘s go.
Die Story: Ein schüchterner „graues kleines Küken
und Nerd“-Typ steht kurz vor dem Highschool-
Abschluss und traut sich nicht, seinen großen
Schwarm anzusprechen. Dazu von Haus aus eh
schon mal traumatisiert, da er in ganz jungen Jahren
unter mysteriösen Umständen seine Mutter verlor.
Bei einer Party kommt er seiner Angebeteten tatsächlich
näher, plötzlich geht das Licht aus... und
alle Anwesenden werden von etwas Unbekanntem
angegriffen. Gerade noch mal so mit dem Schrecken
davongekommen spürt Will – unser Küken –
jedoch kurze Zeit später, dass sich sein Körper innen
wie außen seltsam verändert. Irgendetwas
stimmt ganz und gar nicht mehr. Die Werwölfe indes
haben seine Witterung schon aufgenommen...
So weit so gut.
Abschreckend waren nur solch Info-Hinweise wie
„Ein Muss für alle Fans der Twilight-Trilogie“ oder
„[...] vermischt gekonnt ein spannendes Werwolf-
Abenteuer mit einer romantischen Liebesgeschichte
zwischen zwei Teenagern“.
Aber alles gar nicht so schlimm! Der Romanzenpegel
hält sich auf ertragbarem Niveau, hingegen
ist die Coming-Of-Age-Komponente (weitaus wichtiger!)
erstaunlich präsent. Dazu noch ein paar ge-
lungene spannende Momente und der Film darf
durchaus als gut durchgehen! So einfach ist das!
Und tat nicht mal weh. Kurzweilig, die schauspielerischen
Leistungen sehr ordentlich und auch die
Story keineswegs schlecht!
Was lediglich noch gegen dieses Fazit aufbegehren
könnte: der Film ist ab 12 beantragt, lag jedoch in
der „nicht endgültigen 12er-Fassung“ vor. Es bleibt
nur zu hoffen, dass die große böse Schere ihn nicht
nachträglich noch so zu krass verstümmelt und zu
immense Löcher in den Handlungsverlauf reißt … –
alles schon mal erlebt. Leider. Also: unter Vorbehalt
empfehlenswert. Ohne Schere: sehr, mit Schere: …
we‘ll see.
DIE NACHT DER WÖLFE
Sunfilm
R: Philippe Gagnon
Kanada, 2010
ca. 88 min.
FSK: ab 12
2012 I #35 I videoThek
Toll, gleich zwei Werwolf-
Filme zur Sichtung!
Hat ja mit „Blue Moon“
einen guten Einstand
gefunden, man darf gespannt
sein. Auch der Inhalt liest sich sehr nach
Heisa! - Im Jahre 1665 in Quebec flieht der Betrüger
und Schwerenöter Joseph vor dem Galgen in
die Lordschaft de Beaufort und nimmt die Identität
eines ermordeten Priesters an. Jener war jedoch ein
berühmter Werwolfjäger, dementsprechend herzig
wird er in einem Dorf empfangen. Denn irgendwas
stimmt in diesen Breitengraden nicht … nachts ver-
69

70 videoThek I #35 I 2012
nimmt man entferntes Heulen, einige Dorfbewohner sind verschwunden,
zudem ist auch noch Josephs Liebste in Gefahr...
Klingt schon mal sehr gut! Lediglich und wiederum stutzig machen
so Infos wie „Werwolf-Horror“ im gleichen Atemzug genannt
mit „ab 12“ (beißt sich ja schon ein bisschen, haha!)
und „Das Werwolf-Abenteuer im Stile von „Pakt der Wölfe“
wurde als Highlight auf dem Fantasy Film Fest 2011 gefeiert.“
- Hmmmm, mittlerweile habe ich schon verdammt viele Filme
kennengelernt, die als „Highlight auf dem FFF 2011“ gefeiert
wurden... ein ganzes Festival voller Highlights? Ist zwar definitiv
eines von den Guten, aber „schön wär‘s“. Und mit „im
Stile von ...“ lehnen sich die Infoschreiber ganz schön verdammt
weit aus dem Fenster. Das wird natürlich gecheckt!
Anfangs ist die Wolfsnacht sehr stimmig, spannungsreich,
auch in der Einführung der Charaktere zeigt sie durchaus Potential.
Zudem gibt es ein paar Male gut platzierte Situationskomik
und die Synchro stimmt in ihrer Besetzung – bis hierhin
passt alles. Dann jedoch, kurz vor Beginn des Showdowns,
geht alles nur noch sehr schnell. Zu schnell. „Ähm? War das
nicht gerade noch das Einläuten zum Finale? Und jetzt schon
aus? Was zur Hölle...?“
Und ruckzuck fallen Story und Stimmung leider in sich zusammen.
Quasi auf der Zielgerade schlapp gemacht. Schade.
Dennoch gibt es in der Wolfsnacht streckenweise diebische
Spaßmomente!
Zum Abschluss noch kurz was zum „Pakt der Wölfe“-Vergleich.
Einzig Zeit, Schauplatz und eventuell noch die Kostüme
lassen sich mit diesem Genre-Meilenstein vergleichen.
Aber der Rest: Bitte was? Da wir doch wohl jemand nicht ein
Mogelpäckchen wie bei „Trust“ schnüren wollen? Ne ne ne.
Matthias Horn
ZEITSCHLEIFEN –
IM DIALOG MIT CHRISTA WOLF
Edition Salzgeber
R: Daniela Dahn/ Karlheinz Mund
D 1990/91 FSK 0, dt. OF, 101 min.
Mahnende Worte zum Zeitpunkt
schwarz-rot-goldener Glückseligkeit
stehen am Beginn dieses neu editierten
Films der DEFA aus den Jahren
1990/91. Worte, die gerade nachdenkliche Frauen wie Bärbel
Bohley oder Christa Wolf gegen die Vereinigungshysterie
richteten, in der sie schon deutlich die Brüche, ja, den Zusammenbruch
der Bewegungen und Netzwerke erkannten, die
den Volksaufstand erst hervorgebracht hatten.
„Keineswegs leichter erträgt man die Folgen von Fehlentwicklungen,
wenn man selbst vor ihnen gewarnt hat. Unglückliches
Bewusstsein ist ja nicht falsches Bewusstsein.
Und um keinen Deut fröhlicher wird dieses
Bewusstsein von Unglück bei den ewigen
Minderheiten, wenn zugleich daneben die
Massen in einem glücklichen Bewusstsein
schwelgen“:
Hilflos muss Christa Wolf mit anschauen,
wie die fragilen Strukturen des Widerstands
in der DDR von der Einheitsbesoffenheit
der Masse überrollt wurden. Das
Verschwinden der Utopien nach der Kapitulation
der Funktionärsdiktatur, die große
Leere der Widerständigen nach dem ihnen
geklauten Sieg: Der Sozialismus ist tot, auch als Alternative komplett diskreditiert, seine humane
demokratische Verwirklichung kann nicht mehr probiert werden, die Runden Tische des Aufbruchs
weichen den Bankettbarrikaden, hinter denen die Aufkäufer aus dem Westen ihre Schnäppchen
mit Champagner begießen.
Christa Wolf, lange Zeit Stachel im Fleisch der DDR, reflektiert hier tastend, klug und genau zu
Ausschnitten aus kontemporären Dokumentationen und Rückblenden ihre eigene Rolle im Widerstand,
ihre Reaktionen auf Kritik, Verleumdung, Verrat, Verbot. Und macht ebenso klar, dass
sie auch dem neuen D-Mark-Establishment kritisch gegenüber steht, auch wenn sie zwischen Polithaft
à la Bautzen und offener Diskursmöglichkeit sehr wohl zu unterscheiden weiß. Und viele
dieser zeitlos gültigen Einsichten hat sie schon sehr früh gewonnen: „Aber auch die Fähigkeit, in
einem Rausch zu leben, ist Dir abgegangen. Die heftigen, sich überschlagenden Worte, die geschwungenen
Fahnen, die überlauten Lieder, die hoch über unseren Köpfen im Takt klatschenden
Hände. Sie hat gefühlt, wie sich die Worte zu verwandeln beginnen. Wenn nicht mehr guter Glaube
und Ungeschick und Übereifer sie hervorschleudern, sondern Berechnung, Schläue, Anpassungstrieb“
(Aus „Nachdenken über Christa T“, 1968).
Dieser wichtige, lehrreiche Dokumentarfilm bietet uns weit mehr, als halt Gespräche mit einer
wichtigen Autorin. Er trägt uns mitten hinein in Aufbruch und Volkserhebung, ist ein Stück lebendiger,
authentischer Zeitgeschichte jenseits der Deutungshoheit sogenannter Eliten, er ist beste
deutsch-deutsche Geschichte von unten.
„Der Umkreis der Zerstörung um einen Schreibenden: Wie oft habe ich ihn beobachtet, wie oft gefürchtet.“
Christa Wolf ist schonungslos - auch sich selbst gegenüber, in ihrem Ringen um unangepasste
Wahrhaftigkeit, das erst mit ihrem Tode ein Ende fand und hier zeitlos weiterlebt.
Andrasch Neunert