Sonntags um vier 4 Serge Zimmermann ... - Kölner Philharmonie

Sonntags um vier 4
Serge Zimmermann
Münchener Kammerorchester
Alexander Liebreich
Sonntag 20. April 2008 16:00

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Sollten Sie einmal das Konzert nicht bis zum Ende hören können, helfen
wir Ihnen gern bei der Auswahl geeigneter Plätze, von denen Sie den Saal
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Sonntags um vier 4
Serge Zimmermann Violine
Münchener Kammerorchester
Alexander Liebreich Dirigent
Sonntag 20. April 2008 16:00
Pause gegen 16:40
Ende gegen 17:45

Felix Mendelssohn Bartholdy 1809 – 1847
Die Hebriden oder Die Fingals-Höhle op. 26 (1829 – 30/1832)
Ouvertüre h-Moll für Orchester
Pause
Konzert für Violine und Orchester e-Moll op. 64 (1838 – 1844)
Allegro molto appassionato
Andante
Allegretto non troppo – Allegro molto vivace
Frank Martin 1890 – 1974
Passacaille (1952)
für Streichorchester
Franz Schubert 1797 – 1828
Sinfonie Nr. 5 B-Dur D 485 (1816)
Allegro
Andante con moto
Menuetto. Allegro molto – Trio
Finale. Allegro vivace
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Zu den Werken des heutigen Konzerts
Felix Mendelssohn Bartholdy: Ouvertüre »Die Hebriden« op. 26
Im April 1829 reiste der 20jährige Felix Mendelssohn Bartholdy erstmals
nach London und wurde dort enthusiastisch aufgenommen. Der
Besuch in England bildete den ersten Teil eines umfassenden Gastspielprogramms,
das ihn sein Vater in allen wichtigen Kunstzentren
Europas durchführen ließ. Nach dem Abschluss der Saison unternahm
Mendelssohn mit seinem guten Freund Karl Klingemann eine Bildungsreise
durch Schottland, und obgleich er von heftiger Seekrankheit
geplagt wurde, wagte er auch einen Ausflug zu den Hebriden,
jener der Nordwestküste Schottlands vorgelagerten Inselgruppe mit
ihren berühmten Basaltsäulen und den Naturwundern der Fingalshöhle.
Die Landschaft dort ist vielfältig und reicht von schroffen
Bergen bis zu flachen, von Mooren und Seen durchzogenen Torflandschaften.
Mendelssohn war beeindruckt und schrieb »auf einer Hebride,
den 7. August 1829« die ersten Takte jener Tondichtung nieder,
die später als »Hebriden-Ouvertüre« bekannt wurde. In einem Brief
schickte er das Notenzitat an seine Familie mit den Worten: »um euch
zu verdeutlichen, wie seltsam mir auf den Hebriden zumute geworden
ist«. Seinen Brief schließt er: »Ihr werdet mich entschuldigen, wenn ich
mich kurz fasse, auch steht das beste, was ich zu melden habe, genau
in den obigen Musikzeilen«. Der Kölner Konservatoriumsdirektor und
Gürzenich-Kapellmeister Ferdinand Hiller berichtete später, was ihm
Mendelssohn in Paris ausführlich über diese Komposition mitgeteilt
hatte: »wie ihm nicht allein Gestalt und Farbe des Stücks beim Anblick
der Fingalshöhle aufgegangen, sondern wie ihm auch die ersten Takte,
das Hauptmotiv enthaltend, eingefallen seien. Abends machte er mit
seinem Freunde Klingemann einen Besuch bei einer schottischen Familie.
Im Salon stand ein Piano – es war an einem Sonntag keine Möglichkeit
Musik zu machen – er wendete seine ganze Diplomatie auf, bis
es ihm gelang, das Instrument eine Minute lang zu öffnen, welche er
dazu anwendete, schnell sich und dem wissenden Freunde jenes
Thema vorzuspielen, aus welchem dann das originelle Meisterwerk
hervorgegangen.«
In besagtem Hauptthema illustrieren die tiefen Streicher und das Fagott
den bewegten Wellengang, hier und da aufgewühlt durch dumpfes
Donnergrollen der Pauken; darüber entspinnen sich weitere schlichte ge-

sangliche Themen, mit denen der Komponist die herbe Schönheit der
Hebriden-Landschaft nachzeichnet. Auch die innermusikalische Idee ist
bestechend: dem statischen Naturtableau entspricht das strukturelle Beharren
auf einem zentralen Motiv, demgegenüber die anderen thematischen
Gestalten (von denen etliche vorkommen) zurücktreten müssen.
Selbst der große Klangzauberer Richard Wagner, der ja ansonsten wegen
seiner antisemitischen Ressentiments für den aus jüdischer Familie stammenden
Kollegen kein gutes Wort übrig hatte, lobte Mendelssohn für dieses
Werk als »erstklassigen Landschaftsmaler«.
Felix Mendelssohn Bartholdy: Violinkonzert e-Moll op. 64
Auf einer weiteren Englandreise dirigierte Mendelssohn 1843 in London
Ludwig van Beethovens Violinkonzert. Solist war der damals erst
zwölfjährige Joseph Joachim. Der heranreifende Jahrhundertgeiger,
dem die bekanntesten Komponisten der Zeit später zahlreiche Werke
widmen sollten, führte vor dem begeisterten Londoner Publikum einen
Geigenpart aus, der zu Beethovens Zeit noch als unspielbar gegolten
hatte. Aber nicht für Joseph Joachim, sondern für den langjährigen
Freund Ferdinand David schrieb Mendelssohn sein Violinkonzert.
Erste Hinweise auf die Entstehungsgeschichte des Werkes gehen
in das Jahr 1838 zurück. In einem Brief vom 30. Juli des Jahres hatte
der Komponist an seinen Geiger-Freund geschrieben: »Ich möchte Dir
wohl auch ein Violinkonzert machen für nächsten Winter; eines in e-
Moll steckt mir im Kopfe, dessen Anfang mir keine Ruhe lässt.« Aber
erst sechs Jahre später vollendete er die Partitur. Dabei ist mit Sicherheit
davon auszugehen, dass David auf die Gestaltung des Soloparts
Einfluss genommen hat.
Mendelssohn rückte mit dem Violinkonzert in mehrfacher Hinsicht
von gängigen Konventionen ab. So verzichtete er im ersten Satz
auf die typische Orchestereinleitung. Stattdessen setzt der Solist
schon in den ersten Takten mit dem Hauptthema ein, das dem Komponisten
ja schon so lange »im Kopfe steckte« (ebenso wie vormals das
erste Thema der Hebriden-Ouvertüre). Ein weiteres Novum ist die auskomponierte
große Solokadenz, die bereits in der Mitte und nicht erst
am Schluss des Kopfsatzes erklingt. Ebenso ungewöhnlich für das da-
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malige Konzertpublikum war der Verzicht auf Satzpausen: die einzelnen
Sätze gehen unmittelbar ineinander über. Gleichwohl sind aber
deutlich die Einschnitte des dreisätzigen Werkes zu hören, denn Mendelssohn
lässt auf den lebendig prickelnden Expositionssatz im Andante
eine wunderbar innige Kantilene von ergreifender Melodik folgen,
ein weiteres »Lied ohne Worte« gleichsam, von höchstem
Ausdrucksgehalt, bevor dann Trompetenstöße zum Finalsatz überleiten.
In schönster konzertanter Ausgewogenheit zwischen Solist und
Orchester atmet dieses sonatenartige Rondo den für Mendelssohn
typischen, elfenhaft leichten Ton und besticht durch seine in manchen
Passagen fast übermütige, aber stets vollkommen instrumenten -
gerechte Virtuosität.
Bereits ein Jahr nach der Uraufführung mit dem Widmungsträger
nahm der inzwischen zum weltberühmten Geiger gereifte Joseph Joachim
das Werk in sein Repertoire auf und machte es schnell einem breiten
Publikum bekannt. Bis heute zählt dieses Meisterwerk zu einem
gerne gespielten Repertoirestück, kann der Solist doch hier gleichermaßen
seine technische Virtuosität und seine musikalische Ausdruckskraft
unter Beweis stellen.
Frank Martin: Passacaille
Die musikalische Form der Passacaglia hat ihren Ursprung im Spanien
des 16. Jahrhunderts. So leitet sich die Bezeichnung wohl von dem
spanischen Wort passacalle oder dem Terminus »pasar una calle«
(»eine Straße entlang gehen«) ab. Stücke also, die das Volk auf den Lippen
hatte, Gassenhauer mit eingängiger Melodie und von einfacher
Grundstruktur.
Meist als Lied mit Gitarrenbegleitung ausgeführt, fand diese ursprünglich
volkstümliche Form rasch Einzug in die Kunstmusik: über
einer vier- oder achttaktigen festen Basslinie, dem Basso ostinato, wird
ein Thema kunstvoll kontrapunktisch variiert. Die Passacaglia war
nicht nur im Barock eine der beliebtesten Instrumentalformen; sie kam
ab dem späten 19. Jahrhundert auch als Orchesterstück zu Ehren. Manche
Komponisten haben eine Passacaglia in ihre Sinfonien eingebaut,
andere haben die Form als selbständigen Satz ausgearbeitet.

So auch Frank Martin, ein ganz besonderer schweizerischer Komponist
der Moderne, der in den dreißiger Jahren des 20. Jahrhunderts
eine ausgedehnte Entdeckungsreise in die Zwölftonmusik unternommen
hatte, sich aber dann ganz bewusst von der Atonalität, dem
zwölftönigen und seriellen Komponieren abgrenzte, ohne dass seine
Werke jedoch deshalb neoromantisch, traditionell oder rückwärtsgewandt
wirken.
Vor allem Bach als seinem eigentlichen Lehrmeister fühlte er sich
verpflichtet – »nicht so sehr wegen seines herrlichen Kontrapunktes,
sondern eher wegen seiner harmonischen und tonalen Führung,
mehr noch vielleicht wegen seiner einzigartigen Weise, sich der unvorhergesehensten
und kühnsten Bässe zu bedienen.« Kein Wunder
also, dass die archaische aber sehr offene Form der Passacaglia mit
ihrem grundlegenden Bass Martin besonders entgegenkam. Einmal
berichtete er über sein Komponieren: »Dann geschieht es eines
Tages, dass man ein musikalisches Element findet, das sich als Anfang
eignet. Meistens ist es ziemlich kurz, kann aber bis zu einer Phrase
von ungefähr acht Takten gehen. Das ist wie ein unverdientes, sozusagen
blitzartiges Geschenk ...«. Genau das beschreibt wunderbar
den Basso ostinato, auf den eine Passacaglia aufbaut. Was also
konnte für Martin näher liegen, als sich eben dieser Form zu bedienen?!
In der Mitte des 20. Jahrhunderts, wo die Tonalität nicht mehr
die formbildende Rolle früherer Zeiten beanspruchen konnte, erwächst
plötzlich eine neue Bedeutung konstruktiver Formelemente.
So ist die Passacaglia eine ideale musikalische Form für einen Komponisten,
der einerseits die kompositorischen Stilmittel seiner Zeit
ausnutzen, andererseits aber auch die Wurzeln der abendländische
Musik nicht verleugnen will. Ursprünglich im Jahre 1944 für Orgel
entstanden, hat Martin das Werk später für Streichorchester instrumentiert.
Franz Schubert: Sinfonie Nr. 5 B-Dur D 485
Ein Musiker wie Frank Martin denkt, das zeigt nicht zuletzt seine Passacaille,
überzeitlich und würde sich wohl gegen eine strikte Einordnung
in eine stilistische »Schublade« verwahren – ist doch auch die de-
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finitive zeitliche Abgrenzung historischer Epochen immer problematisch.
Oft nennen verschiedene Gelehrte unterschiedliche Daten für
Beginn oder Ende der Antike oder des Mittelalters. In der Musikwissenschaft
ist das nicht anders. Markiert der Tod Johann Sebastian Bachs
wirklich das Ende der Barockzeit? Die Übergänge zwischen den (naturgemäß
erst von der Nachwelt systematisch eingeteilten) historischen
Zeitabschnitten sind ja auch in den seltensten Fällen »Brüche«
als meist vielmehr gewachsene Entwicklungen. Besonders deutlich
wird dieser Sachverhalt in der Zeitenwende zwischen Klassik und Romantik.
So sehr blüht die Romantik aus dem Keim der Klassik hervor,
dass einige Musikwissenschaftler die definitive Angabe einer Jahreszahl
dadurch zu umgehen suchten, dass sie schlichtweg nicht von
»Klassik« und »Romantik«, sondern von einer »klassisch-romantischen
Epoche« sprachen.
Auf dem Scheitelpunkt dieser Entwicklung steht der junge Franz
Schubert. Wenn er schlechthin der bedeutendste Komponist der Frühromantik
genannt wird, ist das sicherlich richtig. In seiner fünften
Sinfonie zeigt er allerdings darüber hinaus, dass er ebenso als »Spätklassiker«
apostrophiert werden könnte. In der B-Dur-Sinfonie, vom
19jährigen Schubert als eine Art Lehrstück verstanden, vereinigen
sich die Ideale der Klassik und der aufkommenden Romantik gleichermaßen.
Formell in Orchesterbesetzung, Satzfolge, Satzstruktur und
Tempobezeichnungen streng am klassischen Vorbild orientiert, findet
Schubert hier gleichwohl zu einem ganz und gar eigenen Ton. Insofern
trifft es sicherlich nicht zu, wenn der scharfzüngige Musikkritiker Eduard
Hanslick, dem Richard Wagner in den Meistersingern von Nürnberg
als »Beckmesser« ein spöttisches Denkmal setzte, das Werk lediglich
als »einen schwachen Abguss von Mozart« bezeichnete. Hanslick
hatte offenbar nicht begriffen, dass hier, auf der Grundlage des formal
in sich geschlossenen klassischen Formprinzips (Streben nach fester
Ordnung, Klarheit, Maß und Harmonie) bereits in die Romantik verwiesen
wird. Mit diesem frühen Meisterwerk leistete der junge Schubert
einen richtungsweisenden Beitrag zur»Grundlage für die weitere Entwicklung
der sinfonischen Form«, wie der Dirigent Hartmut Haenchen
kürzlich dazu bemerkte.
Dem Allegro des Expositionssatzes ist keine langsame Einleitung
vorangestellt. Damit wird der sinfonische Gedanke gestrafft und der

Weg ins aufwendige Pathos der großen Gattung vermieden. Grazie,
Beschwingtheit und eine gewisse Natürlichkeit können den Satz so
vom ersten Takt an dominieren, ohne dass freilich auch ernstere Töne
aus dem Werk ausgeschlossen wären, wie das folgende Andante zeigt.
Das Menuett ist trotz tänzerischer Grundstimmung keine oberflächliche
Unterhaltungsmusik: schon die Tonart (g-Moll) lässt an Mozarts
vorletzte Sinfonie denken und steht der Kompositionstechnik des großen
Vorbildes in nichts nach. Das Finale dann krönt die Sinfonie mit
einem schlichten aber geistvollen Thema, das ganz nach der Manier
Joseph Haydns die tänzerische Beschwingtheit des Menuetts noch
übertrifft.
Entgegen dem Urteil des zeitgenössischen Rezensenten hat sich
die B-Dur-Sinfonie in den Konzertsälen der Welt durchgesetzt und ist
von den frühen Schubertsinfonien sicherlich die bekannteste. Ihre
heutige Beliebtheit verdankt sie nicht so sehr einem inneren Gewicht,
als vielmehr ihrer unbeschreiblichen Leichtigkeit und Heiterkeit.
Dominiert in den Werken des späten Schubert oft das Melancholisch-
Abgründige, so ist die B-Dur-Sinfonie durchdrungen von jugendlicher
Lebenslust. Damit steht dieses Musikstück am Beginn des 19. Jahrhunderts
freilich allein auf weitem Felde, denn in der aufkommenden
Romantik findet sich kaum ein weiteres Werk, das sich so zum leichten
Ton bekennt. Schubert wagt hier entgegen dem herrschenden
Zeitgeist den Ausdruck individueller Fröhlichkeit. Das hat ihm damals
ein abwertendes Urteil eingebracht; 200 Jahre später bewundern wir
aber rückblickend den Mut des jungen Komponisten zum subjektiven
Ausdruck – denn auch das war doch ein Ideal, dem die aufkommende
Romantik Bahn brechen wollte.
In der B-Dur-Sinfonie erklingt, quasi als klassische Reminiszenz am
Beginn der großen romantischen Epoche, zum letzten Mal »eine ganz
besondere Heiterkeit«, die wir später so niemals wieder in Schuberts
Werk finden werden. Zum Abschluss seiner ausführlichen Werkanalyse
der fünften Sinfonie fasst der Musikschriftsteller Arnold Feil mit poetischen
Worten zusammen: »Und nun wissen wir plötzlich von Schuberts
Heiterkeit als von einer ganz besonderen: von der klassischen
nämlich, wie wir sie vom Lächeln auf den Zügen antiker griechischer
Jünglingsstatuen kennen.«
Bernhard Distelkamp
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Serge Zimmermann
Serge Zimmermann, 1991 in Köln als Sohn einer Musikerfamilie
geboren, erhielt mit fünf Jahren den ersten Geigenunterricht von
seiner Mutter. Seine musikalische Entwicklung ging schnell voran,
und so gab er bereits im Jahr 2000 sein Orchester-Debüt mit einem
Violinkonzert von Mozart. Mittlerweile hat er mit einer Reihe von
namhaften Klangkörpern musiziert, darunter u.a. das Helsinki
Philharmonic Orchestra, das Orchestra della RAI Turin, das Orquestra
Sinfònica de Barcelona, die Tschechische Philharmonie und die
Bamberger Symphoniker. Im Dezember 2005 spielte der junge
Künstler in Essen sein erstes Rezital. Für seine Interpretation des
Violinkonzerts von Bruch im April 2006 erntete er begeisterte Pressestimmen. Im Sommer
2007 gastierte er beim Kissinger Sommer und bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern.
Im Oktober 2007 konzertierte er erneut mit dem Helsinki Philharmonic Orchestra. Zukünftige
Engagements werden ihn unter anderem nach Madrid und zum NHK Symphony Orchestra nach
Tokio führen. Serge Zimmermann spielt auf einer Geige von Jean-Baptiste Vuillaume aus dem
Jahr 1839. In der Kölner Philharmonie war er zuletzt im September 2007 zu Gast. Mit dem
Gürzenich-Orchester Köln gab er damals sein Debüt in unserem Haus.

Münchener Kammerorchester
Das Münchener Kammerorchester hat sich mit seiner besonderen Programmatik in den
letzten Jahren international einen Namen gemacht. In seinen Konzertprogrammen
kontrastiert das Orchester zeitgenössische Musik – teilweise in Uraufführungen – mit
klassischen Werken. Zahlreiche Auszeichnungen bestätigen dieses Konzept: der Preis des
Deutschen Musikverlegerverbandes für das beste Konzertprogramm in der Saison 2001/02
und erneut in 2005/06, der Preis der Europäischen Wirtschaft (1998), der Musikpreis der
Landeshauptstadt München (2000), der Cannes International Classical Award (2002), der Preis
der Christoph und Stephan Kaske-Stiftung (2002) sowie der Förderpreis der Ernst von Siemens
Musikstiftung (2001 – 03). Seit 1995 trat das Münchener Kammerorchester nicht nur in
Deutschland und Westeuropa auf, sondern auch in den Vereinigten Staaten, in China und
Japan sowie in den Musikzentren Osteuropas und Zentralasiens. Einige Konzertreisen fanden
in enger Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut statt, zuletzt eine Tournee mit fünf
Konzerten in Südkorea im Frühjahr 2007. Das Orchester gastiert regelmäßig in den
europäischen Musikzentren Paris, Berlin, Köln, Frankfurt, Wien, Amsterdam und Zürich sowie
bei den wichtigen Festivals. Das Münchener Kammerorchester wurde 1950 von Christoph
Stepp gegründet und 1956 von Hans Stadlmair übernommen. Dieser leitete und prägte es bis
in die neunziger Jahre hinein. 1995 übernahm Christoph Poppen als Nachfolger von Stadlmair
die künstlerische Leitung des Orchesters und verlieh ihm innerhalb von wenigen Jahren ein
neues, unverwechselbares Profil. Seit der Saison 2006/07 ist Alexander Liebreich
Künstlerischer Leiter und Chefdirigent. Im Zentrum des künstlerischen Wirkens des Orchesters
stehen die Abonnementkonzerte in München, die seit der Saison 2004/2005 im Prinz -
regenten theater beheimatet sind und in jeder Saison unter einem thematischen Leit faden
stehen. Das Orchester arbeitet regelmäßig mit Gastdirigenten wie Heinz Holliger, Dennis
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Russell Davies, Juha Kangas, Hans Zender, Anu Tali, Giovanni Antonini und Reinhard Goebel
zusammen; eine enge künstlerische Zusammenarbeit verbindet das Münchener Kammer -
orchester mit Solisten wie Kim Kashkashian, Sabine Meyer, Juliane Banse, Viktoria Mullova,
Heinrich Schiff, Lisa Batiashvili, François Leleux, Isabelle Faust, Christian Tetzlaff, Janine
Jansen, Lars Vogt, dem Hilliard Ensemble und vielen anderen. Das Orchester vergibt
regelmäßig Kompositionsaufträge, so in jüngster Zeit an Jörg Widmann, Erkki-Sven Tüür,
Samir Odeh-Tamimi, Nikolaus Brass, Tigran Mansurian, Thomas Larcher, Georg Friedrich Haas,
Bernhard Lang und Roland Moser. Komponisten wie Iannis Xenakis, Wolfgang Rihm und Jörg
Widmann haben Werke für das Münchener Kammerorchester geschrieben. Mit der Saison
2003/04 hat das Münchener Kammerorchester mit der »Nachtmusik der Moderne« in der
Pinakothek der Moderne eine neue Konzertreihe etabliert. Als erfolgreich erwiesen sich
auch zwei neue, von Alexander Liebreich initiierte Konzertformate: das Münchener Aids-
Konzert und das »concert sauvage«, bei dem weder das Programm noch die Solisten vorweg
angekündigt werden. Ein weiterer Schwerpunkt ist das »Projekt München«, das eine
Vernetzung des Orchesters am Standort München und eine Zusammenarbeit mit Institutionen
im Jugend- und Sozialbereich zum Ziel hat. So wurde die Zusammenarbeit des Orchesters mit
Kindern mit Down-Syndrom bei einem Kinderkonzert im Herbst 2006 vom Bayerischen
Rundfunk mit einer – inzwischen preisgekrönten – Dokumentation begleitet. Auf CD
erschienen Aufnahmen mit Werken von Karl Amadeus Hartmann, Sofia Gubaidulina, Johann
Sebastian Bach, Anton Webern, Tigran Mansurian, Barry Guy sowie Giacinto Scelsi. Außerdem
erschien ein CD-Porträt des ukrainischen Komponisten Valentin Silvestrov, und eine erste CD
unter der Leitung von Alexander Liebreich mit Werken von Joseph Haydn und Isang Yun
wurde Anfang 2008 veröffentlicht. Das MKO hat 25 fest angestellte Musiker und wird von der
Stadt München, dem Land Bayern und dem Bezirk mit öffentlichen Zuschüssen gefördert. Seit
der Saison 2006/07 ist die European Computer Telecoms AG (ECT) offizieller Hauptsponsor des
Orchesters. In der Kölner Philharmonie war das Münchener Kammerorchester zuletzt im
März 2006 zu Gast.

Die Besetzung des Münchener Kammerorchesters
Violine
Barbara Doll Konzertmeisterin *
Michaela Buchholz
Mario Korunic
Gesa Harms
Romuald Kozik
Christiane Plath
Max Peter Meis
Viktor Konjaev
Bernhard Jestl
Ulrike Knobloch-Sandhäger
Mary Mader
Viola
Igor Budinstein *
Nancy Sullivan
Maria Hristova
Stefan Berg
Violoncello
Bridget MacRae
Peter Bachmann
Michael Weiss
Benedikt Jira
Kontrabass
Onur Özkaya
Flöte
Andrea Oliva *
Philipp Jundt *
Oboe
Pavel Sokolov *
Carlos del Ser Guillen *
Klarinette
Stefan Schneider *
Zoltan Kovacs *
Fagott
Nicola Fioravanti *
Tonia Solle *
Horn
Mahir Kalmik *
Alexander Boruvka *
Trompete
Rupprecht Drees *
Thomas Marksteiner *
Pauke
Raymond Curfs *
* Gast
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Alexander Liebreich
Alexander Liebreich, seit Herbst 2006 Künstlerischer Leiter und
Chefdirigent des Münchener Kammerorchesters, wurde 1968 in
Regensburg geboren und studierte zunächst romanische Sprachen
und Musikwissenschaft in seiner Heimatstadt; daneben leitete er
den Regensburger Kammerchor, den er bereits mit 17 Jahren
gegründet hatte. Er setzte seine Studien an der Hochschule für Musik
und Theater in München fort und beschloss sie 1996 mit Aus -
zeichnung in den Fächern Dirigieren und Gesang. In München
arbeitete er als Assistent von Sir Colin Davis und Roberto Abbado.
Wesentliche künstlerische Impulse erhielt er von Michael Gielen
und Claudio Abbado, der ihn zur Teilnahme an Opernprojekten mit den Berliner Phil -
harmonikern bei den Salzburger Festspielen einlud. Seit dem Gewinn des Kondraschin-
Wettbewerbs 1996 stand er am Pult zahlreicher bedeutender Orchester, darunter das
Königliche Concertgebouworchester Amsterdam, das niederländische Radio Filharmonisch
Orkest, das Orchestre National de Belgique, das BBC Symphony Orchestra, das Orchestre
Philharmonique de Strasbourg, das National Polish Radio Symphony Orchestra, das
Mozarteum Orchester Salzburg und die Münchner Philharmoniker. Liebreich ist Initiator des
Korea-Projekts, das in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut und dem DAAD entstand.
2002 reiste er erstmals mit der Jungen Deutschen Philharmonie nach Nord- und Südkorea,
um dort in Erstaufführungen Bruckners achte Sinfonie zu dirigieren. Fasziniert von der
Musikalität und Begeisterungsfähigkeit der Koreaner, führte Liebreich die kulturelle
Vermittlungsarbeit zwischen Deutschland und Korea mit weiteren Reisen fort. Im Frühjahr
2005 hatte er eine Gastprofessur des DAAD in Pyongyang inne; sein Erfahrungsbericht über
die Arbeit mit koreanischen Studenten an Werken von Mahler und Hartmann ist in dem Band
Deutschland, Korea – geteilt, vereint (2005) erschienen. Erstmals konnte im Zuge dieses
Aufenthalts ein Filmteam den Dirigenten nach Nordkorea begleiten; dabei entstand der
abendfüllende Dokumentarfilm Pyongyang Crescendo. Eine erste, für Liebreichs spannungs -
volle Programmierung bezeichnende CD-Produktion mit Werken von Joseph Haydn und Isang
Yun erschien Anfang 2008. Alexander Liebreich dirigiert heute zum ersten Mal in der Kölner
Philharmonie.

KölnMusik-Vorschau
Donnerstag 24.04.2008 12:30
PhilharmonieLunch
Gürzenich-Orchester Köln
Markus Stenz Dirigent
KölnMusik gemeinsam mit dem
Gürzenich-Orchester Köln
Sonntag 27.04.2008 18:00
Kölner Sonntagskonzerte 5
Bastian Fiebig Altsaxophon
Henning Sieverts Jazzbass
Bochumer Symphoniker
Steven Sloane Dirigent
Dmitrij Schostakowitsch
Moskva, Cheryomushki op. 105
Suite für Orchester bearbeitet
von Andrew Cornall
Moritz Eggert
Number Nine VI: A Bigger Splash
für Altsaxophon, Jazzbass und großes Orchester
Sergej Rachmaninow
Sinfonie Nr. 2 e-Moll op. 27
Donnerstag 01.05.2008
ab 11:00 Maifeiertag
Kindertag in der Philharmonie
Konzerte, Instrumente und Aktionen in der
ganzen Philharmonie bietet dieser Tag der
offenen Tür speziell für Kinder und ihre Familien.
Zuhören, Mitmachen, Musik entdecken!
Donnerstag 01.05.2008 20:00
Maifeiertag Filmforum
Stummfilm mit Live-Musik
Charlie Chaplin
The Kid (Tragikomödie, USA 1920)
Wilfried Kaets Klavier
Präsentiert von Choices
KölnMusik gemeinsam mit
Kino Gesellschaft Köln
Freitag 02.05.2008 20:00
Alban Berg Quartett | Quartetto 5
Alban Berg Quartett
Joseph Haydn
Streichquartett G-Dur op. 77, 1 Hob. III:81
Alban Berg
Streichquartett op. 3
Ludwig van Beethoven
Streichquartett Nr. 15 a-Moll op. 132
Sonntag 04.05.2008 20:00
Fokus Finnland | Baroque … Classique 5
Pauliina Fred Flöte
Teunis van der Zwart Horn
Helsinki Baroque Orchestra
Aapo Häkkinen Cembalo und Leitung
Johan Helmich Roman
Ouvertüre g-Moll BeRI 30
Sinfonie e-Moll BeRI 22
Johan Joachim Agrell
Konzert für Traversflöte, Cembalo und Streicher
h-Moll op. 4, 2
Georg Philipp Telemann
Konzert für Horn und Orchester D-Dur
TWV 51:D8
Carl Heinrich Graun
Konzert für Horn und Orchester D-Dur
Georg Friedrich Händel
Ouvertüre F-Dur HWV 342
u. a.
Gefördert durch das Kuratorium KölnMusik e.V.
Dienstag 06.05.2008 20:00
Montserrat Caballé Sopran
Montserrat Martí Sopran
Marika Gulordava Sopran
Takesha Meshé Kizart Sopran
Nikolai Baskov Tenor
Manuel Burgueras Klavier
Arien, Duette und Zarzuelas
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Donnerstag 08.05.2008 12:30
PhilharmonieLunch
WDR Sinfonieorchester Köln
Semyon Bychkov Dirigent
KölnMusik gemeinsam mit dem
WDR Sinfonieorchester Köln
Donnerstag 08.05.2008 20:00
Die Kunst des Liedes 7
Olivier Messiaen zum 100.
Christine Schäfer Sopran
Eric Schneider Klavier
Henry Purcell
»Music for a while« Z 583
aus: Orpheus Britannicus, Bd. 2
»If music be the Food of Love« Z 379
»Ah! How sweet it is to Love« Z 613
»An Epithalamium« Z 629
»Sweeter than roses« Z 585, 1
aus: Pausanias, the Betrayer of his Country Z 585
Tragische Oper nach einem Libretto von Richard
Norton
George Crumb
Night
aus: Three Early Songs (1947)
Henry Purcell
»From Rosy Bowr’s« Z 578
»Not all my Torments« Z 400
George Crumb
»Let it be forgotten«
aus: Three Early Songs (1947)
Henry Purcell
Crown the Altar
George Crumb
Wind Elegy
aus: Three Early Songs (1947)
Henry Purcell
»Thy hand, Belinda« – »When I am Laid«
aus: Dido and Aeneas Z 626
Dramatische Oper in drei Akten nach einem
Libretto von Nahum Tate
Olivier Messiaen
Poèmes pour Mi (1936)
Ihr nächstes Abonnement-Konzert
Sonntag 25.05.2008 16:00
Sonntags um vier 5
Maite Beaumont Mezzosopran
Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen
Giovanni Antonini Dirigent
Franz Schubert
Sinfonie Nr. 1 D-Dur D 82 (1813)
Gioachino Rossini
»Una voce poco fa«
Arie der Rosina aus: Il barbiere di Siviglia (Der
Barbier von Sevilla) (1816)
»Nacqui all’affanno« – »non più mesta«
Szene und Ronde der Angelina aus: La
Cenerentola (Aschenputtel) (1817)
»Bel raggio lusinghier Cavatine«
aus: Semiramide
Franz Schubert
aus: Rosamunde, Fürstin von Zypern D 797 (1823)
Musik zum gleichnamigen Schauspiel von
Helmina von Chézy
Ouvertüre
Nr. 2 Ballett
Nr. 6 Hirtenmelodien
Nr. 5 Entre-Act nach dem 3. Aufzug
Nr. 3b Romanze
Nr. 3a Entre-Act nach dem 2. Aufzug
Nr. 9 Ballett

Philharmonie Hotline +49.221.280280
www.koelner-philharmonie.de
Informationen & Tickets zu allen Konzerten
in der Kölner Philharmonie!
Kulturpartner der Kölner Philharmonie
Herausgeber: KölnMusik GmbH
Louwrens Langevoort
Intendant der Kölner Philharmonie und
Geschäftsführer der KölnMusik GmbH
Postfach 102163, 50461 Köln
www.koelner-philharmonie.de
Redaktion: Sebastian Loelgen
Textnachweis: Der Text von Bernhard Distelkamp
ist ein Originalbeitrag für dieses Heft.
Fotonachweis: Lukas Beck S. 10; Franz Hamm S. 9
Corporate Design: Rottke Werbung
Umschlaggestaltung: Hida-Hadra Biçer
Gesamtherstellung:
adHOC Printproduktion GmbH

Roncalliplatz
50667 Köln
Philharmonie
Hotline
0221/280 280
www.koelner-philharmonie.de
in der Mayerschen
Buchhandlung
Neumarkt-Galerie
50667 Köln
Matthias Pintscher
L’Espace dernier
Sonntag 18.05. 2008 20:00
Marisol Montalvo Sopran
Alexandra Lubchansky Sopran
Barbara Zechmeister Sopran
Claudia Mahnke Mezzosopran
Peter Marsh Tenor
Ashley Holland Bassbariton
Isabell Menke Sprecherin (La Femme)
Christoph Waltz Sprecher (L’Homme)
SWR Vokalensemble Stuttgart
Frankfurter Museumsorchester
Paolo Carignani Dirigent
Christian Cluxen Live-Elektronik
Matthias Pintscher
L’Espace dernier
Musiktheater en quatre parties sur des textes et images
autour de l’œuvre et de la vie d’Arthur Rimbaud
Konzertante Auführung
KölnMusik gemeinsam mit der Oper Frankfurt
€ 25,– zzgl. Vorverkaufsgebühr
Foto: Klaus Rudolph