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Fr | 30. April 2010 | 20:00 

Kölner Philharmonie 

Zerstörte Heimat 

Claudia Barainsky | Sopran 

Niclas Oettermann | Tenor 

WDR Sinfonieorchester Köln 

Emilio Pomàrico | Dirigent

Fr | 30. April 2010 | 20:00 


Großes Abonnement 11 

Musik der Zeit 

Zerstörte Heimat 

Claudia Barainsky | Sopran 

Niclas Oettermann | Tenor 


Emilio Pomàrico | Dirigent 

Michael Struck-Schloen | Moderation 

19:00 Mark Andre im Gespräch mit Michael Struck-Schloen 

Pause gegen 20:52 

Ende gegen 21:50 

Im Radio: 

live | WDR 3 Konzert | Stereo und 5.1 Surround Sound 

2. Mai | 20:03 | Deutschlandradio Kultur Konzert 

Westdeutscher Rundfunk

Luigi Nono 1924 – 1990 

Canti di vita e d’amore: Sul ponte di Hiroshima (1962) 

für Sopran, Tenor und Orchester 

I. Sul ponte di Hiroshima 

II. Djamila Boupachà 

III. Tu 

ca. 17 Min 

Mark Andre *1964 

hij (2009) 

für Orchester 

Kompositionsauftrag des WDR 

Uraufführung 

ca. 22 Min 

Pause 

Karl Amadeus Hartmann 1905 – 1963 

Symphonie L‘Œuvre (1936 – 1938) 

für Orchester 

Toccata variata. Introduktion – Thema mit Variationen 

Adagio 

ca. 22 Min

Die Gesangstexte 

Luigi Nono 

Canti di vita e d’amore 

für Sopran, Tenor und Orchester 

I. Sul ponte di Hiroshima 

essi 

non devono giacere 

e basta. 

la loro 

non è 

una morte abituale. 

ma 

un monito 

un avvertimento 

su un ponte di Hiroshima 

un uomo 

pizzica le corde di uno strumento 

e canta. 

dove vi aspettate di trovare il volto, 

non troverete un volto, 

ma una cortina: 

perchè non ha più volto, 

dove vi aspettate di trovare la mano, 

non troverete una mano, 

ma un artiglio ha d‘acciaio: 

perchè non ha più mano. 

finchè non avremo 

esorcizzato il pericolo, 

che alla sua prima 

manifestazione portò via 

200.000 uomini, quell‘automa 

sarà su quel ponte 

e 

canterà la sua canzone. 

sarà su tuiti i ponti 

che conducono al nostro 

futuro comune 

come atto di accusa 

come messagero, 

facciamo quanto occorre 

per potergli dire: 

non sei più necessario, 

puoi lasciare il tuo posto. 

Nach: Günther Anders: Essere o non essere, 

Diario di Hiroshima e Nagasaki. Italienisch 

von Renato Solmi. Turin 1961. 

I. Auf der Brücke von Hiroshima 

die anderen 

dürfen nicht 

einfach 

herumliegen. 

ihr tod 

ist kein tod 

im üblichen sinne, 

sondern 

eine warnung, eine 

warnungsaufgabe. 

auf einer der Hiroshimabrücken 

steht einer, 

der singt 

und in die saiten greift. 

wo ihr sein gesicht erwartet, 

da werdet ihr kein gesicht finden, 

sondern einen Vorhang: 

weil er kein gesicht mehr hat. 

und wo ihr seine hand erwartet, 

da werdet ihr keine hand finden, 

sondern eine stählerne klaue: 

weil er keine hand mehr hat. 

solange es uns nicht gelingt, 

die gefahr zu bannen, 

die, als sie zum ersten male losbrach, 

zweihunderttausend mit sich nahm, 

so lange wird dieser roboter 

auf der brücke stehen 

und 

singen. 

so lange wird er auf allen brücken stehen, 

die in unsere gemeinsame Zukunft führen 

sollen, 

als Schandfleck. 

und als bote. 

tun wir das nötige 

um ihm sagen zu können: 

du bist überflüssig geworden, 

du darfst abtreten. 

02 | 03


Quitadme de los ojos 

esta niebla de siglos. 

Quiero mirar las cosas 

como un nmo. 

Es triste amanecer 

y ver todo lo mismo. 

Esta noche de sangre, 

este fango infinite. 

Ha de venir un día, 

distinto. 

Ha de venir la luz, 

creedme lo que os digo. 

Nach: Jesús López Pacheco: Esta noche 

III. Tu 

Sarà un cielo chiaro. 

S‘apriranno le strade 

sul colle di pini e di pietra. 

Il tumulto delle strade 

non muterà quell‘aria ferma. 

(Il fiori spruzzati 

di colore alle fontane 

echeggeranno come donne 

divertite.) Le scale 

le terrazze le rondini 

canteranno nel sole. 

S‘aprirà quella strada, 

le pietre canteranno, 

il cuore batterà sussultando 

come l‘acqua nelle fontane – 

sarà questa la voce 

che salirà le tue scale. 

(Le finestre sapranno 

l‘odore della pietra e dell‘aria 

mattutina.) S‘aprirà una porta. 

Il tumulto delle strade 

sarà il tumulto del cuore 

nella luce smarrita. 

Sarai tu - ferma i chiara 

Cesare Pavese: 

Passerò per Piazza di Spagna. 


Nehmt mir von den Augen 

diesen Jahrhundertnebel. 

Ich will die Dinge schauen 

wie ein Kind, 

Es ist traurig aufzustehen und 

immer das gleiche zu sehen. 

Diese Nacht des Blutes, 

diesen endlosen Morast. 

Ein anderer Tag 

wird kommen. 

Das Licht wird kommen, 

glaubt mir, was ich euch sage. 

III. Tu 

Ein klarer Himmel wird sein. 

Die Straßen werden sich öffnen 

auf den Hügeln der Pinien und Steine. 

Das Getümmel der Straßen 

wird jene unbewegliche Luft nicht trüben. 

(Die farbsprühenden Blumen der Brunnen 

werden blinzeln 

wie belustigte Frauen.) Die Treppen, 

Terrassen, die Schwalben 

werden im Sonnenlicht singen. 

Jene Straße wird sich öffnen, 

die Steine werden singen, 

schwirrend wird schlagen das Herz 

wie die Wasser der Brunnen - 

dies wird die Stimme sein, 

die deine Treppen ersteigt. 

(Die Fenster kennen den frühen 

Ruch von Gestein und Luft.) 

Eine Tür wird aufgehn. 

Das Getümmel der Straßen 

wird sein des Herzens 

Aufruhr im bleichen Licht. 

Du wirst es sein – wirklich und hell.

Zu den Werken des heutigen Konzerts 

Engagierte Musik 

Wäre dieser Text vor vierzig Jahren geschrieben worden, so hätte der Autor 

vielleicht dazu geneigt, dieses Programm unter der thematischen Klammer von 

»engagierter Musik« zu untersuchen. Er hätte den Kern damit getroffen, denn die 

Komponisten des heutigen Konzerts schreiben Musik, die ihren Gehalt nicht bloß 

an ihren ästhetischen Eindruck, sondern auch an ihre soziale, religiöse oder politische 

Wirksamkeit knüpft. In solchen Fällen, wo Komponisten durch ihre Haltung 

ihre Karriere, die Musik, ja, sich selbst aufs Spiel setzen, gerät der Begriff »engagierte 

Musik« jedoch zum Euphemismus. Auf der anderen Seite wird er schnell 

zur Übertreibung. In jenen Fällen, wo weltanschauliche Selbstzufriedenheit über 

ästhetische Mittelmäßigkeit hinwegtäuschen soll, wird der Begriff »engagierte 

Musik« zum Etikett, dessen Klebereste auch über anders engagierte Musik den 

Hautgout des gutmenschhaft-betulichen legt. Letztes trifft auf keines der heute 

gespielten Werke zu. Im Ringen um die große Form ist anhand der Symphonie 

L‘Œuvre des Komponisten Karl Amadeus Hartmann (1905 – 1963) zugleich 

die Suche nach einer Identität im inneren Widerstand gegen die Nazi-Regierung 

nachzuerleben. Mark Andre (*1964) eröffnet kompositorische Räume, die den 

Hilferuf eines Gläubigen vergrößern. Und Luigi Nonos (1924 – 1990) »Gesänge 

von Leben und Liebe« treten ein gegen unmenschliche Verbrechen. Engagierte 

Musik, wie sie in diesem Programm zu hören sein wird, fordert nicht zuletzt Engagement 

vom Hörer. Sie fordert ihn auf, aus der Unverbindlichkeit des »bloßen« 

Zuhörens herauszutreten und eine Haltung gegenüber der Musik einzunehmen. 

Ein sozialer und kommunikativer Akt, der über die ritualisierte Beifallsbekundung 

des gewöhnlichen Konzerts hinausgeht. 

Vereintes Engagement: Luigi Nono, Karl Amadeus Hartmann und Bruno Maderna 

anlässlich der Musiva viva-Aufführung der Canti di vita e d‘amore 1962 

04 | 05

Stil und Mensch 

Die Vorstellung rührt aus dem 18. Jahrhundert, dass der Stil eines Menschen seinem 

Wesen entspräche. Jean-Louis Leclerc, Comte de Buffon, der diese Ansicht 

in die Welt setzte, münzte seine Aussage auf den sprachlich-künstlerischen Stil. 

Doch ist es fraglich, ob man noch von Stil sprechen kann, wenn es in der Musik 

um so existenzielle Dinge geht, wie Völkermord, Verfolgung oder Glauben. Der 

musikalische Stil der Komponisten des heutigen Abends ist von ihrer Person und 

Persönlichkeit in keinem Fall abzulösen. Das hat zunächst Karl Amadeus Hartmann 

betont, der anlässlich der Aufführung von Nonos Canti di vita e d’amore 

im Rahmen der von ihm begründeten Musica viva-Konzerte schrieb, dass diese 

Lieder »Nono selbst sind.« Hartmanns »Ja zu Luigi Nono« ist das Ja zu einem 

Künstler, der aufgrund seines politischen Engagements nicht unumstritten war 

und von vielen Veranstaltern in Westeuropa zeitweise nicht mehr aufgeführt 

wurde. Die Canti di vita e d’amore zählen zu den Hauptwerken seiner ersten 

Schaffensphase – sie entstanden nach der Kantate auf Briefe zum Tode verurteilter 

Widerstandskämpfer Il canto sospeso und seiner ersten Oper Intolleranza 

(1960). In drei Teilen entfaltet Nono seine Gesänge von Leben und Liebe. 

»Warum dieses Stück, wird man mich fragen, warum diesen Nono, 

müsste man fragen. Weil diese Lieder Nono selbst sind, in Form und 

Inhalt tiefstes künstlerisches Bekenntnis des Menschen Luigi Nono, des 

jungen Menschen, der sich engagiert, der sich empört, der kämpft gegen 

die Bedrohung des Lebens durch die Gewalt des Krieges, der Partei 

ergreift für die Kreatur im Kampf gegen die Unmenschlichkeit. 

Nono klagt an, und seine Sprache ist Feuer. In der Bombe, der größten 

Gefahr der Menschheit, bekämpft er Not und Pein, Hunger und Krankheit, 

Zerstörung und Krieg. Er ist unerbittlich und hart, denn die Bedrohung 

ist ungeheuer und bedroht ist der Mensch, der dem Künstler Nono, 

dem Menschen Nono einziger Sinn seines Schaffens ist.« 

Karl Amadeus Hartmann

Leben und Liebe 

Angesichts der Schicksale, die in dieser Kantate verhandelt werden, schiene 

ein Titel wie »Gesänge von Tod und Hass« ebenso passend. Sul ponte di Hiroshima 

– Auf der Brücke von Hiroshima, wollte Nono sein Werk auch ursprünglich 

überschreiben. Doch führt diese Brücke überraschenderweise nicht ins Jenseits, 

sondern ins Offene: Jene, die auf der Brücke ihren Tod gefunden haben, sind gestorben, 

um zu warnen, »ihr Tod ist eine Warnung«, heißt es im Text von Günther 

Anders, den Nono in einer italienischen Übersetzung verwendete. Und so bleibt es 

im Laufe des Werks. Die Gemarterten, die hier die Stimme erheben, träumen von 

Leben und Liebe. Der Orchesterteil, der sich an die emblemhafte Eröffnung von 

Sopran und Tenor anschließt, breitet in großen, unversöhnlichen Klangkomplexen 

gleichsam die Folie aus, vor der sich die individuellen Schicksale entfalten. Bereits 

hier – und nicht erst in seinem Streichquartett Fragmente – Stille, an Diotima – notiert 

Nono Fragmente des Textes in der Partitur und in den Stimmen der Musiker. 

Der Gehalt des Textes wird hier gleichsam zur »Spielanweisung«, die der Musiker 

während des Spiels nicht ausblenden kann. Im zweiten Teil tritt die algerische 

Studentin Djamila Boupachà ins Zentrum. Boupachà hatte sich am Kampf gegen 

die französische Kolonialmacht beteiligt 

und wurde daraufhin von den »Paras« – 

dem Regime der »Parachutistes«, der 

französischen Fallschirmjäger – sadistisch 

gefoltert. Ihr Schicksal erlangte 

Bekanntheit, da Picasso ein Porträt von 

ihr malte und zahlreiche französische 

Intellektuelle, unter ihnen Simone de 

Beauvoir, sie unterstützten und dafür 

Sorge trugen, dass die Geschichte ihrer 

Misshandlung öffentlich wird. Als Grundlage 

für sein Stück verwendete Nono 

ein Gedicht von Jesús López Pacheco, 

einem spanischen Autor, der als Sympathisant 

der Kommunisten selbst vor dem 

Franco-Regime fliehen musste. 

Mit dem solistischen Einsatz Djamilas 

schweigt das Orchester und lauscht 

ihrem monodischen Part. Wie so häufig 

bei Nono trägt der Gesang der Sopra- 

Das Antlitz der Unterdrückten: 

nistin mit seinem großen Ambitus und Djamila Boupachà (1972) 

06 | 07

großen Ausdrucksspektrum utopische Züge und verleiht ihren Worten damit eine 

adäquate musikalische Gestalt: »Ein anderer Tag / wird kommen. / Das Licht wird 

kommen, / glaubt mir, was ich euch sage.« Als Einzelne ist sie zugleich eine Vereinzelte 

und doch ist ihr Gesang »Symbol des Lebens, der Liebe und der Freiheit 

gegen jegliche neue Form der Unterdrückung und der neonazistischen Tortur«, 

wie Nono schreibt. Ein Schlagzeugeinsatz beendet ihr Solo, das Schlagwerk 

leitet über zum dritten Abschnitt Tu. Hier ereignet sich der Umschlag von Revolution 

in Liebe, vom Kampf in Leben. »Eine Tür wird aufgehn. / Das Getümmel 

der Straßen / wird sein des Herzens / Aufruhr im bleichen Licht. / Du wirst es sein 

- wirklich und hell.« Der Text stammt von Cesare Pavese, und Nono bezeichnete 

diesen Abschnitt selbst als »alleluja-ähnlichen Gesang auf eine Möglichkeit und 

neue Notwendigkeit der Liebe«. Wenn sich die Stimmen von Sopran und Tenor 

zum Unisono vereinigen, scheint ein Weg auf, den Abstand zwischen Liebe und 

Leben aufzulösen. 

Glocken und Gestalt 

Ein kompositorisches Detail aus den Canti di vita e d’amore gehört zu den Lieblingsbeispielen 

des Nono-Schülers Helmut Lachenmann, mit dem er zeigt, wie 

sich in Nonos Werk Struktur und Ausdruck miteinander verbinden. »Glocken, 

magische Mittel des Rufes zur kollektiven Besinnung auf eine andere, bessere 

Welt und so unzählige Male in symphonischer Musik nach Mahler benutzt und 

vernutzt, erscheinen darin […] zu Beginn des dritten Teils […] gebündelt […]. 

[A]ls Varianten der früheren Klangblöcke, werden sie ihren ursprünglichen Konnotationen 

entfremdet, und sie zeigen sich als das, was sie eben auch sind: 

als Metallstangen, Surrogate echter Glocken nebenbei, Industrieprodukte. Im 

Zusammenwirken mit anderen Metallschlaginstrumenten […], aber auch den 

gleichfalls […] abgestuften Einsätzen auf Fellinstrumenten und geräuschhaft 

gehandhabten Streichern verwandeln sie sich gewissermaßen in symbolisch 

beschworenes Urelement, Erz, bloßes Metall, Materie schlechthin, und sind, zusammen 

mit all den anderen Klangquellen, […] magische Rufe und zugleich Angebot 

an die strukturelle Beobachtung. Es gibt kein Wort für diesen unerhörten 

Ausblick auf einen virtuellen Reichtum an Ausdruck und Gestalt in einem.«

Bild der Zerstörung. Hiroshima nach dem Abwurf der Atombombe 1945, 

der 140000 Tote zur Folge hatte. 

Auf einer der Hiroshimabrücken steht einer, der singt und in die Saiten 

greift. Blickt ihn an. Wo ihr sein Gesicht erwartet, da werdet ihr kein 

Gesicht finden, sondern einen Vorhang: Weil er kein Gesicht mehr 

hat. Und wo Ihr seine Hand erwartet, da werdet Ihr keine Hand finden, 

sondern eine stählerne Klaue: Weil er keine Hand mehr hat. 

Solange es uns nicht gelingt, das zu erreichen, was zu erreichen wir 

hier zusammengekommen sind: Die Gefahr zu bannen, die, als sie zum 

ersten Male losbrach, zweihunderttausend mit sich nahm, so lange wird 

dieser Roboter auf der Brücke stehen und singen. Und solange er auf 

dieser Brücke stehen wird, so lange wird er auf allen Brücken stehen, 

die in unsere gemeinsame Zukunft führen sollen. Als Schandfleck. Und 

als Bote. 

Aus: Günther Anders: Der Mann auf der Brücke. Tagebuch aus Hiroshima 

und Nagasaki. München 1959. 

08 | 09

Atem und Transparenz 

Auch in der Musik des Wahlberliners Mark Andre gibt es gleichermaßen »magisch« 

aufgeladenes Material: Das Geräusch von Alufolie, die mit sachtem Knistern 

von der Zerbrechlichkeit spricht. Seit seinem Triostück …durch… ist es 

zu einem Kennzeichen seiner Musik geworden und markiert häufig den nach 

Fl. 1-3 

Bassfl. 

Ob. 1-3 

E. H. 

Kl. 1 

Kl. 2-3 

Basskl. 

Fag. 1-3 

Kfag. 

Hrn. 1-2 

in F 

Hrn. 3-4 

in F 

Hrn. 5-6 

in F 

Trp. 1-2 

in C 

Trp. 3-4 

in C 

Pos. 1-2 

Pos. 3 

Tuba 

Schlagz. 1 

Schlagz. 2 

Schlagz. 3 

Hf. 1 

Hf. 2 

Klav. 

336 

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sehr hoch; fluktuierende Klänge 

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innen gewendeten Höhepunkt eines Werkes. Mark Andre ist bereits einer der 

bekanntesten Komponisten seiner Generation, der in seiner Musik formale Eleganz 

französischer Schule und kritische Arbeit mit dem Tonmaterial, die ihm sein 

Lehrer Helmut Lachenmann eingeimpft hat, miteinander verbindet. Seinem Lehrer 

Lachenmann ist das Orchesterstück hij anlässlich seines 75. Geburtstages 

gewidmet. »Es war entscheidend, dass ich bei ihm studieren konnte«, sagt Mark 

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345 

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Andre. »Dass er mir so viel Aufmerksamkeit, Zärtlichkeit und Strenge gewidmet 

hat, das war für mich das Wichtigste, was ich erlebt habe – nicht nur in pädagogischer, 

auch in menschlicher Hinsicht.« Helmut Lachenmann hat in seinen 

Orchesterkompositionen das »Instrument Orchester« gleichsam neu erfunden. 

Mark Andre baut auf dieser Arbeit auf und führt sie weiter. In seiner Orchestertrilogie 

…auf… hat Andre sich den Apparat erschlossen. »Es geht um einen 

wunderbaren Klangkörper. Selbstverständlich bewundere auch ich die Kunst von 

Richard Wagner oder von Gustav Mahler. Was mich zum Beispiel bei Mahler 

interessiert: Selbst bei einer großen Besetzung schafft er Klangsituationen, die 

mit fragmentarischen Besetzungen zu tun haben. Darum geht es mir auch: Wie 

weit kann man durch eine Transparenz, eine Form von Durchsichtigkeit, andere 

kompositorische Räumen öffnen und hören lassen? Die für den Zuhörer im Innersten 

als Atmen wahrzunehmen sind?« 

Situation und Raum 

»Klangsituation« ist ein Schlüsselbegriff für die Musik Mark Andres, die nicht 

mehr über eine musikalische Grammatik definiert ist. Seine Werke sind Erkundungen 

einer Klanggestalt – ein Detail wird so zur Landschaft, ein Atmen zum 

Umriss der großen Form. Mark Andre verbindet damit durchaus die Vorstellung 

der »Entfaltung« eines Materials. Dieses Material kann beispielsweise harmonischer 

oder geräuschhafter Natur sein, seine Texturen werden im Prozess 

sichtbar. Häufig setzt Andre seine Klanggestalten 

durch außergewöhnliche Klangmischungen von 

Instrumenten zusammen – eine Idee seines Lehrers 

Lachenmann schimmert hier durch, der gesagt 

hat, »Komponieren bedeutet, ein Instrument 

bauen.« Mark Andre baut in seinen Werken gleich 

viele »Meta-Instrumente«. Für den Komponisten 

spielt dabei auch die Erfahrung des elektronischen 

Studios eine große Rolle. »Am wichtigsten 

ist die Idee, dass das kleinste Material nicht etwas 

Anekdotisches oder Dekoratives ist, sondern eine 

Klangsituation mit einer Gestalt und diese Gestalt 

hat einen Atem und dieses Atmen kann entfaltet 

werden. Technischer ausgedrückt geht es dabei 

Schafft existenzielle 

Klangsituationen: 

um die Beziehung zwischen Material und Zeitor- 

Mark Andre 

ganisation des Stückes.«

Glaube und Erfahrung 

Eine weitere wichtige Vorstellung für Mark Andre ist der kompositorische Raum. 

Auch im Sinne des Zwischenraumes, der Kommunikation, die seine Musik herstellen 

möchte. Ein solcher liegt auch in der Appellstruktur des Titels: Die drei 

Buchstaben hij stehen als Abkürzung für »Hilfe Jesus«, im Niederländischen bedeutet 

hij ganz einfach »er«. Mark Andre, ein gläubiger Protestant, thematisiert in 

seinen Werken seinen Glauben. Nicht im Sinne einer hymnischen Feier, wie sie 

in vergangenen Zeiten zu Ehren von Gott und Kirche vielfach komponiert worden 

ist. Mark Andre sucht nach existentiellen Situationen, die dem Hörer gerade den 

Prozess der Suche, der genauen Befragung, des Zweifelns vor Auge führen. 

»Glauben ist nichts Stabiles. Es ist nicht leichter zu glauben als nicht zu glauben, 

meiner Erfahrung nach. Die Botschaft Christi ist komplex, auch kryptisch, 

und deswegen wäre es aus meiner Perspektive nicht denkbar, sie affirmativ 

hören zu lassen. Als Komponist frage ich mich, wo es existenzielle Situationen 

gibt, die auch jenen, die nicht glauben, die Möglichkeit bieten auf metaphysische 

Fragen zu reflektieren. Andererseits muss man den Glauben mit Erfahrungen 

konfrontieren. Es gibt für mich immer beides: Einerseits diese metaphysischen 

Räume. Und andererseits die konkrete organisatorische, strenge, akkurate 

Strategie: kompositorische Arbeit.« Für einen Komponisten wie Mark Andre ist 

beides untrennbar miteinander verbunden: Die Selbsterkundung im kompositorischen 

Prozess und die suchende Befragung des Glaubens. Sein Erfolg als 

Komponist hat aber vielleicht auch damit zu tun, dass sich seine Werke auch 

für jene, die nicht den letzten Schritt gehen und die Glaubensbotschaft in dieser 

Musik suchen, als Abenteuer darstellt: »Man hört eine Art von Klangroadmovie«, 

konzediert der Komponist. Was nicht ausschließt, dass der Roadtrip zu einer 

existenziellen Erfahrung wird. 

Voraussicht und Isolation 

Gelegentlich wird übersehen, dass auch der Dadaismus eine künstlerische Reaktion 

auf den ersten Weltkrieg war. So gesehen, war Karl Amadeus Hartmann 

zeitlebens ein politischer Künstler, auch in jener Zeit, in der seine Werke mit Witz 

und Ironie an Dadaismus oder Neue Sachlichkeit anschlossen. Ab 1933 änderte 

sich sein musikalischer Ausdruck so radikal wie die politischen Verhältnisse – 

ein Trauerton durchzog fortan seine Werke. Für den, der diesen Ton vernehmen 

mochte, war Hartmanns Haltung offenbar. Auf die Machtergreifung der Nazis 

reagierte er mit einem Streichquartett (1933), das sich demonstrativ auf ein jü- 

12 | 13

disches Elias-Lied bezog. Bald darauf schrieb er 

ein Miserae (1933 – 34), gewidmet den in Dachau 

Inhaftierten. Auch sein Lamento (1935 – 36), der 

Versuch eines Requiems, hätte aufhorchen lassen 

– wenn es in Deutschland gespielt worden 

wäre. Hartmann hatte bereits früh die verheerenden 

Folgen der Nazi-Herrschaft vorausgeahnt. 

»Mit dem schwarzen Blick erwiesenermaßen 

Recht behalten zu haben, beschert freilich kein 

Erfolgserlebnis, sondern fördert vor allem Außenseitergefühle 

gegenüber der breiten Masse der 

Andersgesinnten«, analysierte der Musikwissenschaftler 

Ulrich Dibelius. »Genau darunter, dem 

wachsenden Abstand und unabwendbarem Kontaktverlust 

zu seinen Mitmenschen, litt Hartmann 

besonders in dieser sich zuspitzenden Situation. 

Seine Musik sollte sich ja eben an sie wenden, 

Musik als Zuflucht und Austausch und Verständigung herstellen, von 

Einspruch: Karl Amadeus 

anderen aufgenommen werden können.« In sei- 

Hartmann um 1962. 

ner misslichen Lage fühlte sich Hartmann an die 

Hauptperson des Romans L’Œuvre von Émile Zola erinnert. Der junge Maler 

Claude Lantier gerät darin in immer größere Isolation, während er, geplagt von 

Selbstzweifeln, seinen Vorstellungen nachspürt. Er überwirft sich mit seinen geschickter 

taktierenden Freunden und wird aus den Kunstsalons ausgeschlossen. 

Hartmanns Isolation war tiefgreifender: In einem Land, das mit großen Schritten 

der totalen Gleichschaltung entgegen marschierte, wurde es ihm zunehmend 

schwierig, überhaupt zu kommunizieren. Der Titel seiner Sinfonie – die Hartmann 

während der Entstehung auch als Esquisses symphoniques bezeichnete – ist 

deshalb noch nicht programmmusikalisch zu verstehen: »Ich wollte kein Symphonisches 

Gedicht schreiben, sondern nur den Eindruck den ich nach dem 

Lesen des Buches empfing, musikalisch festlegen. Ich habe versucht, die dunkle 

Tragödie mit all den Schönheiten und besonders mit all den Schrecklichkeiten, 

die allen wahrhaften Künstlern widerfahren, darzustellen.« Hartmanns Weg zur 

Sinfonie war auch ein Prozess der Selbstfindung, zu einem Zeitpunkt, da er zweifelte, 

in welchem Maße sein künstlerisches Medium, die Musik, sich eignete, 

Einspruch zu erheben gegen die soziale und politische Realität.

Einspruch und Trost 

Die Symphonie L’Œuvre wurde 1939 im Umfeld der Lütticher Weltausstellung 

in Belgien gespielt und war bald darauf – nach der missglückten Uraufführung – 

noch einmal in Brüssel zu hören. Erst 2008 erfolgte die deutsche Erstaufführung 

im Rahmen des Festivals musica viva in München; es war die dritte Aufführung 

der Symphonie überhaupt. Teile des Werks hat Karl Amadeus Hartmann in veränderter 

Form in seine sechste Symphonie übernommen. 

Der erste Satz ist eine Toccata variata. Nach einer Introduktion wird ein 

Thema in drei Variationen durchgeführt. Die Variationen folgen einer Steigerungsdramaturgie: 

zunächst wird das Thema von einem Solostreichquartett mit 

zwei Solo-Kontrabässen vorgestellt und von Holzbläsern mit Harfe und Celesta 

fortgeführt. In der zweiten Variation treten Blechbläser sowie Pauke und Schlagzeug 

hinzu, die vollbesetzten Streichergruppen vervollständigen das Klangbild 

in Variation Nummer drei. Auch das sich anschließende Adagio wird von einer 

Introduktion eröffnet, die zwischen der Erregtheit des ersten und der Innerlichkeit 

des zweiten überleitet. Tritonus-Wendungen steigern die Spannung im melodischen 

Material, eine von Taktwechseln beförderte Unruhe führt in einen bewegten 

Agitato-Teil, der »die wachsende Spannung auffängt und über eine schnell 

aufwirbelnde Kaskade auch wieder zum Adagio mit leicht verwandelter Thematik 

zurückkehrt.« Doch, so Ulrich Dibelius, »die einmal aufgetretenen Energien lassen 

sich nicht so ohne weiteres beschwichtigen. Nach einem Beinahe-Verklingen 

mit mahnenden Paukenschlägen brechen sie nochmals in der Coda mit sich steigernder 

Lautstärke hervor, ehe verstummende Streichertöne einen nachdenklich 

schattenhaften Schluss setzen.« Die Symphonie L’Œuvre ist ein Zeugnis von der 

politischen und sozialen Macht, die Musik zukommen kann: Individuelles Empfinden 

wird zur geteilten ästhetischen Erfahrung, Einspruch artikuliert sich nicht in 

Parolen sondern darin, dass das »Andere« geschaffen und für andere Menschen 

erfahrbar wird. Musik ermöglicht in der Aufführung genau das, was Hartmann 

vermisste: Kommunikation. Sie ist gelegentlich schmerzhaft. Doch sie ist Trost. 

Patrick Hahn 

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Biografien 

Mark Andre 

Geboren 1964 in Paris. Studierte von 1987 bis 1993 Komposition bei Claude 

Ballif und Gérard Grisey am Pariser Conservatoire National Supérieur de Musique. 

Daneben Promotion über die Musik der Ars subtilior. 1995 Stipendium des 

französischen Außenministeriums zur Fortsetzung des Studiums bei Helmut Lachenmann 

in Stuttgart und im SWR Experimentalstudio bei André Richard. 2002 

Förderpreis der Ernst von Siemens Musikstiftung, 2005 Stipendiat des DAAD 

in Berlin. Seit 2009 Mitglied der Akademie der Künste Berlin und Professor für 

Komposition an der Hochschule für Musik Dresden. Werke (Auswahl): … als… für 

Bassklarinette, Violoncello und Klavier (2001), … 22,13 … Musiktheater-Passion 

(1999 – 2004), durch für Sopransaxophon, Schlagzeug und Klavier (2004 – 05), ni 

für Kammerensemble (2006), … auf… für Orchester (2005 – 07), üg für Ensemble 

und Elektronik (2008). 

Claudia Barainsky 

Die Sopranistin Claudia Barainsky studierte Gesang an der Hochschule der 

Künste in Berlin bei Ingrid Figur, Dietrich Fischer-Dieskau und Aribert Reimann. 

1994 gab sie mit der Titelpartie in Reimanns Melusine ihr Debüt an der Sächsischen 

Staatsoper Dresden, dem sich eine erfolgreiche internationale Karriere 

anschloss: Sie gastierte an diversen Opernhäusern in Amsterdam, Avignon, 

Berlin, Brüssel, Dresden, Hamburg, Köln, München und Tokio. 1998 trat sie 

erstmals bei den Bayreuther Festspielen auf. Claudia Barainsky gestaltete viele 

bekannte Titelpartien, etwa in Reinhard Keisers Die römische Unruhe oder die 

edelmütige Octavia, oder Alban Bergs Lulu. Besonders hervorzuheben ist aber 

ihre Interpretation der Marie in Bernd Alois Zimmermanns Oper Die Soldaten, 

die unter anderem im Rahmen eines Gastspiels der RuhrTriennale im Lincoln 

Centre in New York zur Aufführung kam. Die auf DVD veröffentlichte Produktion 

wurde 2007 in die Bestenliste der Deutschen Schallplattenkritik aufgenommen. 

Claudia Barainsky pflegt in vielen Solo-Auftritten den Konzert- und Liedgesang. 

Mozarts Konzertarien etwa oder die großen Orchesterlieder des Repertoires stehen 

ebenso auf ihrem Programm wie zeitgenössische Werke, die Komponisten 

wie beispielsweise Aribert Reimann immer wieder auch speziell für sie komponieren. 

Ihre musikalischen Partner sind international angesehene Orchester und 

Dirigenten, und auch bei renommierten internationalen Festivals ist sie stets gern 

gesehener Gast. 

www.claudiabarainsky.de

Karl Amadeus Hartmann 

Geboren 1905 in München, gestorben 1963 ebenda. 1919 – 21 abgebrochene 

Ausbildung zum Lehrer, studierte 1924 – 29 an der Staatlichen Akademie der 

Tonkunst in München Posaune und Komposition bei Joseph Haas, während des 

Krieges weitere Studien bei Anton Webern. Zwischen 1933 – 45 keine Aufführung 

seiner Werke in Deutschland. 1945 Dramaturg der bayerischen Staatstheater. 

Gründung der Konzertreihe Musica viva, 1948 übernommen vom beim Bayerischen 

Rundfunk, bis 1963 deren künstlerischer Leiter. Ausgezeichnet u. a. mit 

dem Musikpreis der Stadt München (1949), Kunstpreis der Bayerischen Akademie 

der Schönen Künste (1950), die Arnold-Schönberg-Medaille der IGNM 

(1954), der Große Kunstpreis des Landes Nordrhein-Westfalen (1957), 1962 

Ehrendoktorwürde der Spokane University, Washington. Mitglied der Akademie 

der Schönen Künste Münchens (1952) und Berlins (1955). Werke (Auswahl): Jazz- 

Toccata und Fuge für Klavier (1928), Tanz-Suite für Bläser (1931), Kammerkonzert 

(1930/35), Miserae Sinfonische Dichtung(1933 – 34), Simplicius Simplicissimus 

(Oper, 1934 – 36), Lamento (Kantate, 1955), 2 Streichquartette, 8 Sinfonien. 

Luigi Nono 

1924 in Venedig geboren, dort 1990 gestorben. Ab 1944 Kompositionsstudien 

bei Gian Francesco Malipiero, Bruno Maderna und Hermann Scherchen. Kompositionskurse 

und Vorträge u. a. in Darmstadt, Dartington, Buenos Aires und 

Berlin. 1982 – 87 Leiter des Experimentalstudios der Heinrich-Strobel-Stiftung in 

Freiburg. 1986 – 88 Stipendiat des DAAD und Fellow des Wissenschaftskollegs 

in Berlin. Werke (Auswahl): Variazioni canoniche für Orchester (1950), Il canto 

sospeso für Soli, Chor und Orchester (1956), Intolleranza 1960, szenische Aktion 

(1961), Per Bastiana - Tai-Yang Cheng für Tonband und 3 Instrumentalgruppen 

(1967), Y entonces comprendió für Tonband, Stimmen und Chor (1969 – 70), Ein 

Gespenst geht um in der Welt für Sopran, Chor und Orchester (1970), Al gran 

sole carico d‘amore, szenische Aktion (1972 – 74), …..sofferte onde serene… 

für Klavier und Tonband (1976), Fragmente - Stille, An Diotima für Streichquartett 

(1979 – 80), Caminantes … Ayacucho für Alt, Flöte, Chöre und Orchester 

(1986 – 87), No hay caminos, hay que caminar … Andrej Tarkowskij für Orchester 

in sieben Chören (1987), La lontananza nostalgica utopica futura für Violine 

und acht Tonbänder (1988 – 89), »Hay que caminar« soñando für zwei Violinen 

(1989). 

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Niclas Oettermann 

Der deutsche Tenor Niclas Oettermann absolvierte sein Gesangsstudium unter 

anderem bei Julia Hamari, Franco Corelli und Ion Buzea. Noch als Student debütierte 

er 1993 in der Hauptpartie der europäischen Erstaufführung von Philip 

Glass‘ Orphée. 1995 erhielt er den Ersten Preis beim Sylvia-Geszty-Wettbewerb. 

In der Spielzeit 1996/97 wurde er in das Ensemble der Oper der Stadt Bonn 

und danach bis 2001 an das Staatstheater Meiningen engagiert. Er trat in den 

beiden Opernhäusern sowie als Gastsänger bei anderen Produktionen in über 

25 Hauptpartien auf, etwa als Alfredo in La Traviata, als Rodolfo in La Bohème, 

als Cavaradossi in Tosca, und als Hans in Die verkaufte Braut. Seit 2005 tritt er 

als ständiger Gast des Royal Philharmonic Orchestra unter anderem in London, 

Wien, Paris, Zürich, Hamburg und Köln auf. Niclas Oettermann ist Autor von 

szenischen Musikwerken. Seine Werke Visione und Nordlichter wurden in Zürich 

und am Schloss Sanssouci in Potsdam aufgeführt. 

www.niclasoettermann.com 

Emilio Pomàrico 

Der Dirigent und und Komponist Emilio Pomàrico wurde 1954 in Buenos Aires 

geboren, studierte in Mailand und besuchte Meisterklassen bei Franco Ferrara 

in Siena sowie bei Sergiu Celibidache in München. Seit dem Beginn seiner Karriere 

wurde er regelmäßig als Gastdirigent von bedeutenden Orchestern eingeladen, 

etwa der Filarmonica della Scala, dem Orchestre Philharmonique de Radio 

France, dem BBC Scottish Symphony Orchestra und dem Radio-Symphonieorchester 

Wien. Emilio Pomàrico ist Gast bei bedeutenden Festivals, etwa den 

Salzburger Festspielen, den Wiener Festwochen, den Donaueschinger Musiktagen 

und der Biennale Musica di Venezia. Durch seine eigene Tätigkeit als Komponist 

ist er auch sehr um die Aufführung zeitgenössischer Musik bemüht. Dabei 

arbeitet er mit den wichtigen europäischen Ensembles dieses Fachs zusammen, 

etwa dem Klangforum Wien, dem ASKO Schönberg Ensemble aus Amsterdam, 

der musikFabrik Köln, dem Ensemble intercontemporain aus Paris und dem ensemble 

recherche aus Freiburg.

Michael Struck-Schloen 

1958 in Dortmund geboren. Studierte Musikwissenschaft, Germanistik, Kunstgeschichte 

an der Kölner Universität und Posaune bei Antoine Duhamel und 

Mark Tezak. An den Universitäten Köln und Heidelberg leitete er Seminare zur 

Operngeschichte und für Musikjournalismus. Seit 1990 Autor und Moderator für 

den Rundfunk, Operndramaturg und freischaffender Journalist für die Süddeutsche 

Zeitung, Fachblätter und Konzertreihen. Seit 1996 Moderator bei wdr 3. 


Das 1947 gegründete WDR Sinfonieorchester Köln zählt zu den international 

renommierten Sinfonieorchestern. Seinen hervorragenden Ruf erwarb es sich in 

seiner Zusammenarbeit mit Dirigenten wie Christoph von Dohnány, Gary Bertini, 

Claudio Abbado, Lorin Maazel oder Zubin Mehta. In erfolgreichen Konzertreisen 

sowie regelmäßigen Radio- und Fernsehübertragungen und zahlreichen CD- 

Produktionen stellte das WDR Sinfonieorchester Köln seinen außerordentlichen 

Rang und seine stilistische Vielseitigkeit unter Beweis. Unter dem gegenwärtigen 

Chefdirigenten Semyon Bychkov wurde das Profil mit Aufführungen und Produktionen 

von Werken Schostakowitschs, Strauss‘, Wagners und Rachmaninows 

weiter geschärft. Neben der Pflege des klassisch-romantischen Repertoires hat 

sich das Orchester vor allem auch der Interpretation zeitgenössischer Musik verschrieben. 

Komponisten wie Luciano Berio, Hans Werner Henze, Mauricio Kagel 

oder Karlheinz Stockhausen haben ihre Werke mit dem WDR Sinfonieorchester 

Köln uraufgeführt. Mit Beginn der Saison 2010/11 übernimmt Jukka-Pekka Saraste 

die Position des Chefdirigenten. 

www.wdr-orchester.de 

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Die Besetzung des WDR Sinfonieorchesters Köln 

1. Violine 

Nikolai Mintchev* 1. Konzertmeister 

Susanne Richard 2. Konzertmeisterin 

Alfred Peter Lutz Vorspieler 

Christine Ojstersek Vorspielerin 

Faik Aliyev 

Hans-Reinhard Biere 

Andreea Florescu 

Sang-Meeh Huh 

Caroline Kunfalvi 

Pierre Marquet 

Emilia Mohr 

Dilyana Slavova 

Cristian-Paul Suvaiala 

Jerzy Szopinski 

2. Violine 

Brigitte Krömmelbein Stimmführerin 

Lucas Barr 

Adrian Bleyer 

Pierre-Alain Chamot 

Agnes Farkas 

Ea Jin Hwang 

Jürgen Kachel 

Keiko Kawata-Neuhaus 

Johannes Oppelcz 

Friedemann Rohwer 

Johanne Stadelmann 

Joana Becker * 

Rainer Schmude * 

Viola 

Stephan Blaumer Solo 

Junichiro Murakami stellv. Solo 

Gaelle Bayet 

Jens Domeyer 

Stephanie Grohs 

Hedwig Liers 

Miriam Manasherov 

Klaus Nieschlag 

Sophie Pas 

Kai Stowasser 

Cosima Nieschlag * 

Iryna Bayeva * 

Violoncello 

Oren Shevlin Solo 

Simon Deffner stellv. Solo 

Susanne Eychmüller stellv. Solo 

Anne-Sophie Basset 

Yi-Ting Fang 

Gudula Finkentey-Chamot 

Bruno Klepper 

Frank Rainer Lange 

Juliana Przybyl 

Leonhard Straumer 

Kontrabass 

Yasunori Kawahara Solo 

Michael Peus stellv. Solo 

Raimund Adamsky 

Damien Eckersley 

Michael Geismann 

Jörg Schade 

Christian Stach 

Jakub Fortuna *

Flöte 

Jozef Hamernik Solo 

Martin Becker 

Leonie Brockmann Piccolo 

Katja Schulte-Bunert * 

Oboe 

Maarten Dekkers Solo 

Bernd Holz 

Sabine Rapp * 

Ikuko Yamamoto * Englischhorn 

Klarinette 

Harald Hendrichs* Solo 

Uwe Lörch 

Paul-Joachim Blöcher 

Wolfgang Raumann Bassklarinette 

Fagott 

Henrik Rabien Solo 

Ernst Hubert Betz 

Kathrin Mayer * 

Stephan Krings Kontrafagott 

Horn 

Andrew Joy Solo 

Ludwig Rast stellv. Solo 

Christoph Brandt 

Hubert Stähle 

Rainer Jurkiewicz 

Joachim Pöltl 

Trompete 

Peter Mönkediek Solo 

Friedrich Steinle stellv. Solo 

Daniel Grieshammer 

Peter Roth 

Posaune 

Hendricus Ries Solo 

Frederik Deitz 

Johann Schmitz 

Michael Junghans Bassposaune 

Tuba 

Johannes Nickel Solo 

Harfe 

Sabine Thiel Solo 

Constanze Jarczyk * 

Pauke/Schlagzeug 

Werner Kühn Solo-Pauke 

Peter Stracke, Solo-Pauke 

Stephan Möller * Pauke 

Thomas Steimer * Pauke 

Johannes Steinbauer 1. Schlagzeuger 

Camillo Anderwaldt * 

Sven Forker * 

Peter Hänsch * 

Stefan Hüge * 

Norbert Krämer * 

Michiaki Kunigo * 

Falko Oesterle * 

Johannes Wippermann * 

Frank Zschäbitz * 

Klavier/Celesta 

Michael Graubner * 

Mandoline 

Stefan Prophet * 

*Gäste 

Stand: 28.4.2010 

20 | 21

Vorschau MusikTriennale Köln 

So | 2. Mai | 20:00 


Tanzsuite mit Deutschlandlied 

Till Fellner | Klavier 

Arditti Quartet: 

Irvine Arditti | Violine 

Ashot Sarkissjan | Violine 

Ralf Ehlers | Viola 

Lucas Fels | Violoncello 

SWR Sinfonieorchester Baden-Baden 

und Freiburg 

Roland Kluttig | Dirigent 

Claude Debussy / Hans Zender 

Fünf Préludes, instrumentiert für kleines 

Orchester 

Wolfgang Amadeus Mozart 

Konzert für Klavier und Orchester Nr. 18 

B-Dur KV 456 

Claude Debussy 

Rondes de printemps 

Helmut Lachenmann 

Tanzsuite mit Deutschlandlied 

MusikTriennale Köln 

Mo | 3. Mai | 20:00 

KOMED-Saal 

Heimatszenen 

Ensemble 20/21 

David Smeyers | Leitung 

Oliver Kloeter | Szenische Realisierung 

Georg Katzer 

Szene für Kammerensemble 

nach Goethe-Eckermann 

Nan Zhang 

Heimat, Baustelle 

Uraufführung 

Mauricio Kagel 

Divertimento? – Farce für Ensemble 

MusikTriennale Köln gemeinsam mit der 

Hochschule für Musik und Tanz Köln 

Sa | 8. Mai und 

So | 9. Mai | 12:00 – 24:00 

WDR Funkhaus Wallrafplatz 

(Klaus-von-Bismarck-Saal und 

Kleiner Sendesaal) 

Praetorium 

Domforum 

KOMED-Saal 

Studio der musikFabrik 

St. Andreas 

Christuskirche 

musikFabrik und Gäste 

Karlheinz Stockhausen 

KLANG, die 24 Stunden des Tages 

Uraufführung des Gesamtzyklus 

Ein gemeinsames Projekt von 

MusikTriennale Köln und musikFabrik. 

MusikTriennale Köln 

So | 9. Mai | 20:00 


Heimat Messiaen 

Sébastien Vichard | Klavier 

Ensemble intercontemporain 

Susanna Mälkki | Dirigentin 

Tristan Murail 

Serendib, für 20 Musiker 

Christophe Bertrand 

Scales, für Ensemble 

Kompositionsauftrag des Ensemble intercontemporain 

und der »Zaterdagmatinee« 

(Concertgebouw Amsterdam) 

Deutsche Erstaufführung 

Olivier Messiaen 

Oiseaux exotiques op. I/41, 

für Klavier und kleines Orchester 

George Benjamin 

At First Light 

MusikTriennale Köln

koelner-philharmonie.de 

Roncalliplatz 

50667 Köln 

Philharmonie 

Hotline 

0221.280 280 

in der Mayerschen 

Buchhandlung 

Neumarkt-Galerie 

50667 Köln

Bitte beachten Sie: Ihr Husten stört Besucher und Künstler. Wir halten daher für Sie an den 

Garderoben Ricola-Kräuterbonbons bereit und händigen Ihnen Stofftaschentücher des Hauses 

Franz Sauer aus. 

Sollten Sie elektronische Geräte, insbesondere Handys, bei sich haben: Bitte schalten Sie 

diese zur Vermeidung akustischer Störungen aus. 

Wir bitten um Ihr Verständnis, dass Bild- und Tonaufnahmen aus urheberrechtlichen Gründen 

nicht gestattet sind. 

Wenn Sie einmal zu spät zum Konzert kommen sollten, bitten wir Sie um Verständnis, dass 

wir Sie nicht sofort einlassen können. Wir bemühen uns, Ihnen so schnell wie möglich Zugang 

zum Konzertsaal zu gewähren. Ihre Plätze können Sie spätestens in der Pause einnehmen. 

Sollten Sie einmal das Konzert nicht bis zum Ende hören können, helfen wir Ihnen gern bei der 

Auswahl geeigneter Plätze, von denen Sie den Saal störungsfrei (auch für andere Konzertbesucher) 

und ohne Verzögerung verlassen können. 

Impressum 

MusikTriennale Köln GmbH | Herausgeber 

Louwrens Langevoort | Gesamtleitung, 

Geschäftsführer der MusikTriennale Köln 

GmbH und Intendant der Kölner Philharmonie 

Louwrens Langevoort, Siegwald Bütow, 

Prof. Karl Karst, Dr. Hermann-Christoph 

Müller, Thomas Oesterdiekhoff | Künstlerische 

Leitung der MusikTriennale Köln 2010 

Huub van Riel | Kurator Jazzkonzerte 

Bischofsgartenstraße 1 

50667 Köln 

MusikTriennale.de 

Produktion / Redaktion: 

Harry Vogt, PG Musik WDR 3 

Sachbearbeitung: Beate-Neumann Holste, 

PG Produktion Musik 

Orchestermanagement: Siegwald Bütow 

Orchesterdisposition: Susanne Heyer, 

Rafaela Weinz 

Sebastian Loelgen, Patrick Hahn | 

Programmheftredaktion 

Textnachweis: Der Text von Patrick Hahn 

ist ein Originalbeitrag für diese Publikation. 

Foto- und Abbildungsnachweise: IMAGO/ 

imago/ZUM S. 7; Werner Neumeister, 

München S. 5 und 14; picture alliance / 

dpa S. 9; C. F. Peters Musikverlag Frankfurt 

S. 11; timecaps.net Cover abbildung 

Hida-Hadra Biçer | Covergestaltung und 

Art Direction 

adHOC Printproduktion GmbH | 

Gesamtherstellung, Satz und Lithographie

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