Yumpu_Merry_Christmas_Katalog_2017_Softcover

Merry Christmas 2017 

Galerie Kerstan im Galerienhaus | Stuttgart 

17. November 2017 bis 14. Januar 2018 | Vernissage: 17. November 2017 | 19.00 Uhr 

Galerie Forum Türk | Nürtingen 

19. November 2017 bis 17. Dezember 2017 | Vernissage: 19. November 2017 | 11.30 Uhr

© Copyright: 2017 Andreas Kerstan 

Umschlaggestaltung, Illustration: Andreas Kerstan 

Lektorat, Korrektorat: Andreas Kerstan 

Verlag: Kunst Stuttgart International e.V. 

Breitscheidstraße 48, 70176 Stuttgart 

Druck: Wir machen Druck, Backnang 

ISBN Paperback: 978-3-947408-01-6 

ISBN Hardcover: 978-3-947408-02-3 

Das Werk, einschließlich seiner Teile, ist urheberrechtlich 

geschützt. Jede Verwertung ist ohne Zustimmung 

des Verlages und des Autors unzulässig. 

Dies gilt insbesondere für die elektronische oder 

sonstige Vervielfältigung, Übersetzung, Verbreitung 

und öffentliche Zugänglichmachung.

Merry Christmas 2017 

In 2017 findet dieses besondere Format der 

Weihnachtsausstellung bereits zum vierten 

Mal in Folge und im zweiten Jahr in Kooperation 

mit der Galerie Forum Türk statt. 

Die Ursprungsidee hat sich nicht verändert. 

Künstler wählen für diese Ausstellung 

hochwertige Kunstwerke aus ihrem Portfolio 

aus und sagen damit ihren Kunstfreunden 

und allen Kunstinteressierten 

Danke für die Treue und Unterstützung, die 

diese im Verlauf des vergangenen Jahres 

den Künstlern gegeben haben. 70 bildende 

Künstlerinnen und Künstler zeigen in diesem 

Katalog 224 ausgewählte Kunstwerke, 

von denen jedes als Weihnachtsgeschenk 

an Kunstfreunde und Kunstinteressierte für 

nur 300 € pro Kunstwerk verkauft wird. 

Mit diesem besonderen Angebot wollen die 

Künstler und auch die beiden Galerien 

nicht nur Danke sagen, sondern wir alle 

wünschen uns auch, mit dieser Idee Menschen 

für Kunst und Kunstwerke zu begeistern, 

die vielleicht sonst nicht den Weg in 

eine Galerie finden. 

Und wir hören auf Sie. Es war die Anregung 

einiger unserer treusten Ausstellungsbesucher, 

in diesem Katalog mehr Platz den 

Künstlern und ihren Werken zu geben. 

Und so finden Sie in dem diesjährigen Katalog 

zu jedem der ausstellenden Künstler 

ein kurzes Künstlerporträt und jeder Künstler 

ist mit mindestens drei seiner Werke 

Andreas Kerstan 

ganzseitig vertreten. Noch nie war dieser 

Katalog so umfangreich und so aufwendig, 

wie in diesem Jahr. Auch in diesem Jahr 

können ab sofort Kunstwerke aus diesem 

Katalog bestellt werden. Die Bestellungen 

werden in der Reihenfolge ihres Eingangs 

ausgeführt. 

Bestellungen bitte einfach per Email unter 

Angabe des Künstlers und des Werkes an 

300@galerie-kerstan.de oder an unsere 

Postanschrift: Galerie Kerstan, Breitscheidstraße 

48, 70176 Stuttgart. Telefonische 

Bestellungen bitte unter +49 (0) 152 547 69 

849. 

Es freut sich auf regen Zuspruch auch zu 

der diesjährigen Aktion und es wünscht 

Ihnen jetzt schon Merry Christmas 

Ihr Andreas Kerstan.

Galerie Kerstan 

Vernissage am 17. November | 19.00 Uhr 

Ausstellung vom 18. November 2017 bis 

14. Januar 2018 

Öffnungszeiten 

Dienstag - Freitag | 14.00 - 19.00 Uhr 

Samstag | 11:00 -16:00 Uhr 

Galerie Kerstan 

Breitscheidstraße 48 

70176 Stuttgart 

Galerie Forum Türk 

Vernissage am 19. November | 11.30 Uhr 

Ausstellung vom 19. November bis 

17. Dezember 2017 

Öffnungszeiten 

Samstag und Sonntag | 14:00 -18:00 Uhr 

Galerie Forum Türk 

Sigmaringer Straße 14 

72622 Nürtingen

Wieder haben sich viele Künstlerinnen und 

Künstler bereit erklärt, auch an unserem 

diesjährigen gemeinsamen Kunstmarkt 

Merry Christmas teilzunehmen: 38 Künstler 

in der Galerie Kerstan und 32 Künstler in 

der Galerie Forum Türk verzichten auf das 

ihnen angemessene Honorar und stellen 

uns ihre Werke für 300 Euro je Exponat zur 

Verfügung. 

Wir danken allen Beteiligten herzlich für 

ihr Entgegenkommen! So können Sie, lieber 

Kunstfreund, aus der großen Zahl der angebotenen 

Exponate – mindestens 3 Werke je 

Künstler – preisgünstig ein Bild oder ein 

plastisches Objekt erwerben, das vielleicht 

Ihr Interesse erweckt. 

Die Galerie Forum Türk schließt sich gern 

dieser Gemeinschaftsausstellung an, zumal 

wir vom letzten Jahr wissen, wie reizvoll 

die unterschiedlichsten Werke durch die 

Petersburger Hängung miteinander interagieren. 

Der aufwendige, von Andreas Kerstan 

großzügig gestaltete Katalog kann 

Ihnen diesen Eindruck allein nicht vermitteln. 

Deshalb – kommen Sie in die Kunststadt 

Nürtingen (Zwei Kunsthochschulen und 

mehrere Galerien, darunter die berühmte 

Sammlung Domnick) und erleben Sie die 

vorweihnachtliche Stimmung. 

Prof. Dr. Albrecht Leuteritz 

Stellvertretender Vorsitzender 

Forum Ilse und K.H. Türk | Nürtingen 

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL 

THORSTEN FRANK CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN 

ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS LINDENBERGER ULI LÜTH 

ALFRED MAURER UTE MEYER INGEBORG MÜLLER SABINE NASKO ULRICH NAUMANN SABINE OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL 

CHARLOTTE SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA TOBNER DOROTHEE 

VERMAATEN LOZ VERNEY SABRINA VENTURI EVA VOGT MICHAEL WEICK PETRA WENSKI-HÄNISCH JUDITH WERMTER UTE WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI SANDRA BERGER 

ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF 

ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN 

DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED MAURER UTE MEYER INGEBORG MÜLLER SABINE 

NASKO ULRICH NAUMANN SABINE OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL CHARLOTTE SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH 

SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ VERNEY SABRINA VENTURI EVA VOGT MICHAEL 

WEICK PETRA WENSKI-HÄNISCH JUDITH WERMTER UTE WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG 

HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE 

HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN 

CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS LINDENBERGER ULI 

LÜTH ALFRED MAURER UTE MEYER INGEBORG MÜLLER SABINE NASKO ULRICH NAUMANN SABINE 

OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID 

POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL CHARLOTTE SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G 

SCHILL RUTH SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH DIETMAR 

SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA 

TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ VERNEY SABRINA VENTURI EVA VOGT 

MICHAEL WEICK PETRA WENSKI-HÄNISCH JUDITH WERMTER UTE WILDE- 

REGEL KETSELA WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI 

SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH 

ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS 

JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN 

FRANK CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA 

HELMUT GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA 

HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN- 

CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL- 

HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE 

KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH 

CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS 

LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED MAURER UTE MEYER 

INGEBORG MÜLLER SABINE NASKO ULRICH NAUMANN 

SABINE OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE 

PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID 

POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL CHARLOTTE 

SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH 

SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH 

DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER 

STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA 

TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ VERNEY 

SABRINA VENTURI EVA VOGT MICHAEL WEICK 

PETRA WENSKI-HÄNISCH JUDITH WERMTER 

UTE WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH- 

MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI 

SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER 

ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH ILONA 

BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS 

DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE 

EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK 

CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA 

GRAURE-MANTA HELMUT GRELL MIRELA 

HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA 

HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT 

JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE 

KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR 

SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS 

LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED 

MAURER UTE MEYER INGEBORG 

MÜLLER SABINE NASKO ULRICH 

NAUMANN SABINE OECKING HANS- MERRY CHRISTMAS 2017 

PETER ÖSTERMANN UTE PALMER 

IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE 

INGRID POHL GABY PÜHMEYER INGRID 

RUHL CHARLOTTE SAILER GUDRUN 

SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH 

SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA 70 KÜNSTLER 

SCHOCH DIETMAR SCHÖNHERR 

SOUSSEN HANS-WERNER STAHL ANJA 

STEMMER ANJA STRUCK MARITA 

TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ 

VERNEY SABRINA VENTURI EVA VOGT 

MICHAEL WEICK PETRA WENSKI- 

224 KUNSTWERKE 

HÄNISCH JUDITH WERMTER UTE 

WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH- 

MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER- 

ROSSI SANDRA BERGER ROSEMARIE 

BERGER ANDREA BLUM REINHARD 

BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS 

JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER 

FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK 

CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF 

ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL 

MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT 

CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA 

HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE 

HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS 

KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS 

KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA 

KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS 

ANDREAS LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED 

MAURER UTE MEYER INGEBORG MÜLLER 

SABINE NASKO ULRICH NAUMANN SABINE 

OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE 

PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID 

POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL CHARLOTTE 

SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH 

SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH 

DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER 

STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA 

TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ VERNEY SABRINA 

VENTURI EVA VOGT MICHAEL WEICK PETRA WENSKI- 

HÄNISCH JUDITH WERMTER UTE WILDE-REGEL KETSELA 

WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI 

SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM 

REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK 

CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE 

EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK CHRISTEL 

FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL 

MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ 

HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN 

ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE 

KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE 

KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS 

LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED MAURER UTE MEYER INGEBORG MÜLLER 

SABINE NASKO ULRICH NAUMANN SABINE OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN 

UTE PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID POHL GABY PÜHMEYER 

INGRID RUHL CHARLOTTE SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH 

SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS- 

WERNER STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA TOBNER DOROTHEE VERMAATEN 

LOZ VERNEY SABRINA VENTURI EVA VOGT MICHAEL WEICK PETRA WENSKI-HÄNISCH JUDITH 

WERMTER UTE WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI 

SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK CHRISTEL 

FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS 

KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED MAURER UTE MEYER 

INGEBORG MÜLLER SABINE NASKO ULRICH NAUMANN SABINE OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL CHARLOTTE SAILER GUDRUN 

SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER PETRA SCHOCH DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ VERNEY 

SABRINA VENTURI EVA VOGT MICHAEL WEICK PETRA WENSKI-HÄNISCH JUDITH WERMTER UTE WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM 

REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA HELMUT 

GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE 

KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR SONJA KÖRNER JÖRG KRAUS ANDREAS LINDENBERGER ULI LÜTH ALFRED MAURER UTE MEYER INGEBORG MÜLLER SABINE NASKO ULRICH NAUMANN SABINE 

OECKING HANS-PETER ÖSTERMANN UTE PALMER IRENA PASKALI ILDIKO PASSARGE INGRID POHL GABY PÜHMEYER INGRID RUHL CHARLOTTE SAILER GUDRUN SCHATTEL MARLIS G SCHILL RUTH SCHLEEH GERTRUD SCHNEIDER 

PETRA SCHOCH DIETMAR SCHÖNHERR SOUSSEN HANS-WERNER STAHL ANJA STEMMER ANJA STRUCK MARITA TOBNER DOROTHEE VERMAATEN LOZ VERNEY SABRINA VENTURI EVA VOGT MICHAEL WEICK PETRA WENSKI-HÄNISCH 

JUDITH WERMTER UTE WILDE-REGEL KETSELA WUBNEH-MOGESSIE VIKTOR BAYER THEA BAYER-ROSSI SANDRA BERGER ROSEMARIE BERGER ANDREA BLUM REINHARD BOGISCH ILONA BÖRSCHIG HELLE RASK CRAWFORD JONAS 

DEUBELBEISS JÜRGEN ELWERT CHRISTINE EUCHNER FRITZ FINKEL THORSTEN FRANK CHRISTEL FRIEDMANN EDITH GRÄF ELENA GRAURE-MANTA HELMUT GRELL MIRELA HALITZKI SUSANNE HELMERT CHRISTA HELMLE HEINZ 

HERMENTIN EVA HOPPERT BIRGIT HORN JEAN-CLAUDE HOULMANN ISABELLE HUPPERT JOHANNAS KARL-HEINZ KALBHENN DR.KÄTHE KARCHER-ROLLWAGE KASLOVSKI ANDREAS KERSTAN CHRISTINE KIEDAISCH CHRISTA KLEBOR

Viktor Bayer 

Geboren 1948 in Sigmaringen, lebte Viktor 

Bayer zwar immer wieder während seines 

Studiums in München in unterschiedlichen 

Wohngemeinschaften mit Künstlern zusammen, 

arbeitete aber nach Abbruch des 

Studiums bis zu seiner Rente als kaufmännischer 

Programmierer. 

Seit 1975, als er eine gebrauchte Revueflex 

mit drei Objektiven kaufte, hatte er immer 

eine Kamera als Begleiter dabei. Er dokumentierte 

seine Spaziergänge in und um 

München, seine Bergfahrten, das Aufwachsen 

seiner Kinder. 

Erst als er 2010 nach Nürtingen zog, bekam 

er über seine Partnerin wieder Zugang 

zur Kunst. Er engagierte sich, wie sie, im 

Vorstand des Forum Ilse und K.H.Türk und 

arbeitet bis heute aktiv bei der Planung 

und Durchführung von Ausstellungen des 

Forums mit. 

Erst 2016 motivierten ihn Freunde und Bekannte, 

sich an der Ausstellung Unterwegs 

in der Galerie Forum Türk zu beteiligen 

und seine Werke damit erstmalig der 

Öffentlichkeit zu präsentieren. 

Er selbst sagt über seine Fotografie: „Für 

mich ist die Kamera ein Begleiter, mit der 

ich meine Wahrnehmung meiner Umwelt 

dokumentiere. Das kann der Blick in die 

Unendlichkeit des Himmels, so wie der auf 

ein rotes Bonbonpapier im Straßenstaub 

sein. Ich freue mich, anderen meinen Blick 

zeigen zu können. Die Aufnahmen passieren 

im Vorübergehen, sind abhängig von 

Wetter oder Sonnenstand. Ich fotografiere 

intuitiv aus der Hand.“ 

www.viktorbayer.de

Spiegelung I 

Druck auf Hahnemühle Papier 

40 x 60 cm | gerahmt im Passepartout 

2016

Spiegelung II 



2016

Spiegelung III 



2017

Die Künstlerin beherrscht eine Methodenund 

Materialvielfalt. Ihre künstlerische 

Bandbreite geht vom prozesshaften, 

experimentellen Arbeiten, bei dem das 

expressive Element dominiert bis zum 

planerischen, gezielten Arbeiten, bei dem 

das monochrome Element Bild bestimmend 

ist. 

Die Künstlerin arbeitet in Serien. Thematisch 

ist sie inspiriert von der Natur, von 

Alltagssituationen, von Begegnungen mit 

Menschen oder durch Lesen von Büchern. 

Eine abstrakte Serie ist z.B. durch Lesen 

des Romans "Madame Picasso" von Anne 

Girard entstanden, in dem es um leidenschaftliche 

Liebe geht. 

Thea Bayer-Rossi 

Thea Bayer-Rossi lebt und arbeitet im 

Raum Bad Rappenau. Mit einem mehrjährigen 

Studiengang Bildende Kunst in 

Nürnberg konnte sie sich nach ihrer Managementtätigkeit 

in einem großen Unternehmen 

einen Herzenswunsch erfüllen. 

Diesen lebt sie in ihren großzügigen 

Atelier- und Galerieräumen in vollen Zügen 

und mit Leidenschaft aus. Ihr Credo lautet: 

"Suche, finde, liebe, lebe und genieße 

Deine Leidenschaft und spüre dabei das 

volle Leben." 

Diese Leidenschaft kommt in den kraftvollen 

abstrakten Kunstwerken der Künstlerin 

zum Ausdruck. Auch bei der hier 

gezeigten Serie geht es um Weiblichkeit 

und Sinnlichkeit. Mit der Reduzierung der 

Farbpalette und der Fokussierung auf "Rot" 

und "Grün" wird der Betrachter inhaltlich 

an das Thema herangeführt. 

Die Künstlerin präsentiert ihre Werke 

regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen 

an verschiedenen Orten in 

Deutschland und in Frankreich sowie in der 

eigenen Galerie. 

www.atelierbonarthe.de

Ewig lockt 5 

Mischtechnik auf Leinwand 

60 x 80 cm 

2015

Ewig lockt 4 | Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2015

Ewig lockt 1 | Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2015

In ihren Fotografien findet der Betrachter 

oft die Thematik „Sein und Vergehen“ - immer 

mit dem Bezug zu Empfinden, 

Schaffen und Werden der Menschen 

vergangener Zeiten. Der Reiz ihrer Arbeiten 

liegt auch darin, dass in ihren Motiven 

Gedanken und Emotionen eingefangen 

werden, diese aber unter Nutzung der 

Techniken von heute gerade keine 

nostalgische Betrachtung, sondern moderne 

Zeitkunst darstellen. 

Rosemarie Berger 

Rosemarie Berger wurde in Dresden geboren, 

absolvierte eine Berufsausbildung im 

Bereich Grafik-Design und studierte in 

Berlin Kommunikationsmethodik. Sie arbeitete 

bis 1989 als Werberegisseurin, später 

als Mode-Grafikerin, und von 1996 bis 2005 

als Abteilungsleiterin für Grafik im Versandhandel. 

Seit 2005 ist sie freiberuflich als Grafik- 

Designerin tätig und seit 2008 außerdem 

als Fotokünstlerin mit internationaler Ausstellungstätigkeit 

(z.B. 2013 Art Karlsruhe, 

2014/15 Art Straßburg, 2015/16 Art Innsbruck, 

2016 ARTe u.v.m). 

Um neue Bilder zu kreieren, spürt Rosemarie 

Berger ihre Lokationen auf, ob im 

Badischen oder irgendwo in Deutschland. 

Fährt dort hin, setzt sich aus, kriecht 

durch die Gemäuer, findet manche Stelle, 

die ein anderer übersehen würde. Sie 

arbeitet nur mit dem natürlichen Licht, 

und es werden keinerlei andere Hilfsmittel 

eingesetzt wie z.B. Requisiten. 

Alles bleibt so, wie es irgendwann einmal 

verlassen wurde. Das künstlerische Bearbeiten 

dieser Bilder vollzieht Rosemarie 

Berger am Computer etwa wie ein Maler, 

der mit dem Pinsel mehrere Ebenen aufträgt. 

Sie legt mehrere Ebenen übereinander, 

vergleichbar mit einer Collage. 

www.rb-fotokunst.de

Toscana 5 


auf Alu-Dibond 

40 x 60 cm 

2016

Toscana 4 



40 x 60 cm 

2016

Toscana 6 



40 x 60 cm 

2016

Klassischer Malerei und Fashionstyle zu 

phantasievollen Werken vereint. 

Durch ihre Studienzeit, die sie größtenteils 

in Großstädten wie Stuttgart, Karlsruhe 

und Aachen verbrachte, kam sie mit der 

Streetart in Berührung. Beeindruckt von 

der rebellischen Ausdrucksform mittels 

Schriftelementen, Markern und Spray, 

bindet sie diese Elemente auch in ihre 

Werke ein. 

Sandra Berger 

Sandra Berger, geboren 1988 in Böblingen, 

lebt und arbeitet heute in St. Leon Rot. 

Schon als Kind begann die Faszination für 

menschliche Facetten und Ausdrücke. Im 

Alter von 15 Jahren hatte sie bereits ihre 

erste Einzelausstellung. 

Als gelernte Modedesignerin ist die 

Beschäftigung mit Figürlichem in ihren 

Bildern Hauptthema. Schwerpunkt ihrer 

Arbeiten ist der Ausdruck von Charakteren 

und Emotionen, die sie in einem Mix aus 

Über ihre Kunst sagt sie selbst: "Es ist mir 

ein Anliegen meine Generation zu inspirieren 

sich nicht von Konventionen und Erwartungen 

der Gesellschaft einengen zu 

lassen. Das ist auch der Grund warum mir 

Urbanart so gut gefällt. Träumen darf erlaubt 

sein und ich versuche mit meiner 

Arbeit mehr Schönheit und Mut in unseren 

doch hin und wieder tristen Alltag und 

unsere graue Realität zu bringen." 

www.sandra-berger-art.de 

Rechte Bildseite: 

Der Eine 

Acryl, Öl und Rostmischung auf Leinwand 

50 x 50 cm 


Das Eine | Acryl, Öl und Rostmischung auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2017

Die Meine | Acryl, Öl und Rostmischung auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2017

Andrea Blum 

1956 in Reinfeld/Holstein geboren, widmete 

sich zuerst Beruf und Familie, bevor sie 

2010 Freie Kunst an der Freien Kunstschule 

Stuttgart, Akademie für Kunst und Design 

studierte. Die Malerei und Bildhauerei waren 

dort ihre Schwerpunkte, die sie durch 

Workshops bei verschiedenen Künstlern 

und Handwerkern in der Stein- und 

Holzbildhauerei sowie z.B. dem Schweißen 

noch intensivierte. 

Zuletzt fokussierte sie sich speziell auf die 

Herstellung von Glas, sowohl in der Nähe 

ihrer Wahlheimat Backnang, als auch in der 

Sommerakademie Frauenau im Bayerischen 

Wald. 

In der Malerei befasste sie sich schon von 

Anfang an mit dem Aquarell, dessen 

spezielle Techniken sie seit einiger Zeit 

auch auf die Ölmalerei anwendet. Die 

Farbe fließen lassen und doch beherrschen 

ist ihre Spezialität. 

Als Sujets bearbeitete Andrea Blum bisher 

hauptsächlich phantastische Landschaften 

und Seestücke, die, als Orte und Ereignisse 

zusammengebracht, ganz neue Blickwinkel 

ergeben. In den letzten Arbeiten weicht sie 

jedoch hiervon ab und beschäftigt sich mit 

den Menschen und ihrer Beziehung zueinander, 

wie sie es schon seit jeher im 

dreidimensionalen Bereich macht. 

Sie sagt: „Ganz besonders im Tanz offenbart 

sich die ganze Palette menschlicher 

Emotionen. Fühlen sich die Menschen 

zueinander hingezogen oder möchten sie 

lieber auf Abstand gehen. Verschmelzen 

sie gar zu einer Einheit, die ohne den 

anderen nicht lebensfähig wäre.“ 

Das ist vor allem erkennbar bei den 

Tänzern, die sie in Bronze- oder Aluguss, in 

Holz, Stein oder Glas arbeitet. Dort kann 

es durchaus vorkommen, dass jeder der 

Tänzer nur ein Bein besitzt, sie zusammen 

jedoch eine Einheit bilden. Eine logische 

Folge ist die Vereinfachung und Abstraktion 

der Formen, die Interpretationen mehr 

Raum geben. 

www.blum-art.de

Impuls 

Öl auf Leinwand 

50 x 60 cm 

2016

Output 


40 x 60 cm 


Input 


40 x 60 cm 


Reinhard Bogisch 

Reinhard Bogisch wurde 1966 in Stuttgart 

geboren. Sein künstlerischer Ansatz hat 

seine Wurzeln in der Zeit nach seinem 

Abitur, als ihn eine Aussage Sartres 

beeindruckte: "Es kommt nicht darauf an, 

was aus einem gemacht wurde (durch die 

Gesellschaft / Lebensumstände) sondern 

was man aus dem macht, was aus einem 

gemacht wurde." Zeitgleich beschäftigte 

ihn das Konzept der Koinzidenz. Um den 

ersten Teil Sartres Aussage zu simulieren 

schloss er die Augen und ließ den Bleistift 

frei über das Papier gleiten. Die daraus 

entstandenen Formen sollten künstlerisch 

als das gelten, was einem das Leben 

vorgibt. 

Dies gilt es dann zu gestalten, indem er 

diese Formen flächig ausmalte und sie 

durch spezifische Farbzuweisungen neu in 

Beziehungen setzte. So entstand sein 

flächiger Stil, den er stetig weiterentwickelte. 

Ihn zog es nach Berlin, um Kunst zu studieren. 

Statt dessen führte ihn sein Weg 

aber in eine andere Richtung, und so 

absolvierte er eine Ausbildung zum Heilpraktiker 

und malte viele Jahre nicht. 

Schließlich aber griff er den Faden wieder 

auf und suchte neben seinem Beruf als 

Schmuckverkäufer seinen Stil zu finden und 

entwickeln, der geprägt ist von 

buddhistischer Philosophie und Naturwissenschaft. 

In den drei ausgestellten Werken verwendet 

er die aus dem philosophischen 

Konzept entstandenen künstlerischen 

Elemente freier als gewohnt, um sich 

formal weiterentwickeln zu können, um 

nicht Gefangener des eigenen Konzeptes zu 

sein. 

www.reinhardbogisch.com

Ohne Titel 001 

Acryl auf Leinwand 

70 x 90 cm 




60 x 90 cm 




60 x 90 cm 


Die Künstlerin, 1964 in Serbien geboren, 

lebt seit 1976 in Deutschland. Ihr Wohnund 

Arbeitsort ist Fichtenberg im Landkreis 

Schwäbisch Hall. 

Kreativität und Gestaltung gehören seit 

früher Kindheit zu ihrem Alltag. Sie malt 

nicht nur, sondern arbeitet ebenso gern mit 

Stoff- und anderen Naturmaterialien. Vor 

16 Jahren hatte sie die Malerei für sich 

entdeckt. Am Anfang waren es florale, 

gegenständliche, später eher abstrakte und 

moderne Motive. Sie malt mit Acrylfarben 

und Ölpastellkreiden, benutzt auch mal 

Acrylspray. Als Bildträger dienen Leinwand, 

Malkarton und Papier. 

Ilona Börschig 

"Bei der Arbeit den Gedanken und 

Gefühlen freien Lauf lassen, eintauchen in 

eine andere Welt, mit ihr Eins sein beim 

Malen und Übermalen, und schließlich die 

Einzigartigkeit eines Bildes erfahren." So 

beschreibt Ilona Börschig, was sie an der 

Welt der Farben, Formen und Techniken so 

sehr fasziniert. 

Sie unterrichtet an der Volkshochschule, 

gibt Unterricht im eigenen Atelier und 

betreut künstlerische Projekte. Außerdem 

kann sie auf zahlreiche Einzel- und 

Gruppenausstellungen verweisen. 

ilona.boerschig@gmx.de

Drang nach Freiheit | Acryl auf Papier | 57 x 48 cm | gerahmt | 2013

Kreation | Acryl auf Papier | 65 x 55 cm | gerahmt | 2013

Schwer beladen 

Acryl auf Papier 

53 x 73 cm 

gerahmt 

2014

ihren expressiven und emotionalen Werken 

sofort erahnt. 

„Obwohl Helle Crawford in ihren Skulpturen 

oft einen Bezug zu den klassischen 

Mythen herstellt, wäre es falsch, sie einen 

klassischen Bildhauer zu nennen. Man 

könnte Helle Crawford eher eine antiklassische 

Künstlerin nennen. 

Ihre Skulpturen sind ausdrucksstark, dynamisch, 

sinnlich und humorvoll. Sie sind 

voller Geschwindigkeit, Phantasie und einfallsreiche 

Erzählungen. Der Ton kann 

ernsthaft und existenziell sein, wie in „Die 

abgeschlossene Tür“ aus 2014. Starke 

potente Stiere, wunderbare, temperamentvolle 

Pferde, kraftvolle Raben und 

zärtliche Schwäne charakterisieren Helle 

Crawford als Bildhauerin. 

Helle Rask Crawford 

Helle Rask Crawford wurde 1964 in Dänemark 

geboren. Sie studierte Bildhauerei bei 

Keld Moseholm und Malerei bei Ulrik Hoff. 

Helle hat einen weiteren beruflichen, nämlich 

einen medizinischen Hintergrund, der 

ihr eine nahezu vollständige Kenntnis der 

menschlichen Anatomie gibt, die man in 

Zusammen mit dem expressiven Ausdruck, 

mit den deutlichen Spuren ihrer Finger 

vom Formen der Figur, der oft heftigen 

Dynamik der Komposition, den sensitiven 

und oft originellen Inhalten der Gesamtkomposition 

machen Helle Rask Crawford 

zu einer traditionsbewussten und doch 

wirklich originellen Künstlerin unserer 

Zeit.“ 

Zitat: Tom Jorgensen, Kunstkritiker 

www.helleraskcrawford.dk

Kleine Nike | Bronze, Gold, Marmor | 4 x 5 x 7 cm | 2017

Bockspringen | Bronze, Gold, Granit | 15 x 7 x 7 cm | 2017

Das Rosenmädchen | Bronze | 12 x 5 x 7 cm | 2017

er bereits im Berufsleben eine Leidenschaft 

für die Natur empfand, entstanden 

erste Werke von Landschaften und 

Assoziationen. Das Farbenspiel in seinen 

Werken ist fröhlich, kraftvoll und intensiv. 

Das reale Farbmuster wird dadurch 

gebrochen. 

Später befasste er sich auch mit Porträtmalerei, 

wobei er das Abstrakte weiter 

verfeinert hat. Auch bei diesen Werken soll 

der Betrachter einen eigenen Bezug zum 

Werk aufbauen können. 

Jonas Deubelbeiss 

1991 in Aarau (Schweiz) geboren, absolvierte 

Jonas Deubelbeiss mit 19 Jahren 

eine Berufslehre als Landschaftsgärtner. 

2017 schloss er das einjährige Gestalterische 

Propadeutikum Aargau ab. 

Bereits im jungen Alter faszinierte ihn 

street art. Daraufhin entdeckte er die 

Leidenschaft für die Malerei. Auf Papier 

und auf der Straße. Das Malen mit anderen 

Künstlern motivierte und inspirierte ihn 

immer wieder aufs Neue, weiterzumachen. 

Er selbst sagt über seine Kunst: "Die Art 

und Weise so zu malen, bewirkt, dass man 

sich im nicht sofort Erkennbaren verlieren 

kann. Als Betrachter soll man sich dabei 

frei fühlen, was man erkennen kann und 

dabei die Möglichkeit haben, einen 

eigenen Bezug zum Werk aufzubauen. 

Auch den Betrachter über mein Werk nachdenken 

und selber empfinden lassen, das 

fasziniert mich, da ich als Künstler 

möglicherweise anders darüber denke und 

empfinde." 

www.jonasdeubelbeiss.ch 

Das Gestalterische Propadeutikum weckte 

sein Interesse für die Abstrakte Kunst. Da

flower bouquet | Acryl auf Leinwand | 120 x 100 cm | 2017

Der Pollenschwarm | Acryl auf Leinwand | 60 x 60 cm | 2017

Rosengarten | Acryl auf Leinwand | 80 x 80 cm | 2017

Spielwiese der schrägen Ideen. Roboter, 

Superhelden im Wald, Frauenakte kombiniert 

mit rosa Pudel und Rosendornen. 

Die Faszination der Menschen im Guten 

oder Bösen bilden die thematische Mitte 

seines Schaffens. Liebe, Freude, Schauplätze 

des Unbehagens zwingen ihn zum 

Malen. 

Durch seine Arbeit in einer in Stuttgart 

ansässigen Chemie Firma, bei der er in der 

Forschung mit Pigmenten und Ölen 

gearbeitet hat, lassen ihn bis heute seine 

Ölfarben selbst herstellen. 

Jürgen Elwert 

Jürgen Elwert geboren in Schwäbisch Hall, 

lebt und arbeitet heute in Möglingen. Vor 

30 Jahren studierte er bei Helga Wagner in 

Stuttgart die Lasurtechnik, ein Farbverlauf 

setzt sich aus unzähligen Schichten 

zusammen, die jede für sich trocknen muss 

über Tage und Wochen. 

An Ausstellungen hat er schon vielfach im 

Raum Ludwigsburg und Stuttgart teilgenommen. 

Ab April 2017 und über den 

Sommer hinweg waren seine Werke in einer 

Dauerausstellung im Kunsthof in Hochdorf 

zu sehen. 

juergenelwert.wixsite.com/atelier 

Zeitgleich ließ er sich in der Kunstschule 

von Aino Andressen in die traditionelle 

Malerei einführen und dem Kopieren von 

alten Meistern. Auf Anraten seiner russischen 

Lehrerin wechselte er in die 

Kunstakademie zu Professor Kast nach Esslingen. 

Sein Atelier in Möglingen wirkt wie eine

Der Waffenlecker | Öl auf Leinwand | 80 x 60 x 8 cm | 2016

Ohne Titel I | Öl auf Leinwand | 80 x 60 x 8 cm | 2016

Ohne Titel II | Öl auf Leinwand | 80 x 60 x 8 cm | 2016

Christine Euchner 

Christine Euchner wurde 1965 geboren und 

ist aufgewachsen in Karlsruhe. Nach zwei 

medizinischen Ausbildungen studierte 

Christine Euchner Kunsttherapie am Institut 

für Humanistische Kunsttherapie in 

Zürich bei Bettina Egger und Jörg Merz. 

Die Malerei, oder besser der Ausdruck mit 

künstlerischen Mitteln, ist schon seit ihrer 

Kindheit ein Teil von ihr. 

Sie schreibt über ihre Arbeit: „Unsere 

Worte allein sind nicht unsere Sprache. 

Die nonverbalen Möglichkeiten vergessen 

wir leider viel zu häufig. So kam ich von 

dem was mir selbst Kraft und Halt gibt, 

der Malerei, zu meiner Arbeit als Kunsttherapeutin. 

Einige Menschen schreiben Tagebuch. Ich 

male und lasse meine Gedanken in Form 

eigener Texte als Botschaft im Bild 

sichtbar werden.“ 

Die Bilder von Christine Euchner sind 

untrennbar mit ihren Texten verbunden. 

Ihr Werkstoff ist Papier, welches mit 

unterschiedlichen Oberflächen und Texturen, 

immer gerissen, in Schichten auf 

verschiedene Untergründe gebracht wird. 

Verbindendes ist Kleister, Leim und Acrylfarbe. 

Gestalterische Elemente sind der 

Druck und der Stift. 

Sie schreibt weiter: „Für mich ist mein 

Atelier ein Ort der Stille, ein Raum, der 

den Unruhen des Tages entgegenwirkt. 

Gleichzeitig ist es ein Ort der Begegnung 

und des Austausches – mit mir und mit den 

Menschen die zu mir kommen.“ 

Die hier gezeigten Mixed Media Arbeiten 

sind jeweils unter Verwendung von 

Collage- und Drucktechniken entstanden. 

Jedes Werk besitzt Texte der Künstlerin. 

www.mal-atelier.eu

Räume 1 | Mixed Media auf Leinwand und Text | 120 x 100 cm | 2016


Räume 2 

Mixed Media auf Leinwand und Text 

100 x 100 cm 

2016 

Links: 

Von der Freundschaft 

Mixed Media auf Leinwand und Text 

150 x 70 cm 

2012

Er kombinierte seine künstlerische Arbeit 

mit Meditationen, um seinen Bildern eine 

tiefere Ausdruckskraft und Farbenvielfalt 

zu geben. 

Seine Spontanität und Expressivität zeigen 

eine große Lebensfreude, die sich in seinen 

Arbeiten widerspiegeln. Seine abstrakten 

Bilder zeigen seine ihm eigene Handschrift. 

Fritz Finkel ist Mitglied bei ARTTRA - Im 

Spiegel der Kunst e.V., Esslingen, und stellt 

seine Arbeiten dort regelmäßig aus. 

www.arttra.de/galerie fritz finkel.htm 

Fritz Finkel 

Fritz Finkel wurde 1962 in Kempten 

geboren. Nach seinen Ausbildungsjahren 

arbeitete er als Zahntechnikermeister in 

Liechtenstein, England und Irland. 

Neben seinem Beruf konzentrierte er sich 

schon fürh auf die Malerei und auf das 

Plastizieren, das er in verschiedenen 

Kursen bei Prof. Marburg, Ursula Andres 

und Andrew Ward intensivierte. 


Das Auge 


120 x 120 cm | 2014

Der Drink | Acryl auf Leinwand | 120 x 100 cm | 2014

Das Paar | Acryl auf Leinwand | 120 x 100 cm | 2012

Angelehnt an den abstrakten Expressionismus 

ist Thorsten Frank (ToRos) in seiner 

künstlerischen Tätigkeit seit seinen 

Aufenthalten in Österreich auf die 

sogenannte „Pan-Art“ (griechisch Panta- 

Rhei – alles fließt) spezialisiert. 

„Sich frei von jeglichen Gedanken“ in der 

Malerei zu bewegen, ist sein Anliegen. Er 

entwickelte mit PanResina einen neuen Stil 

innerhalb dieser Malerei. Den Pan-Art- 

Farben werden Gele, Harze und weitere 

Substanzen hinzugefügt, wodurch der 

Künstler einen vielschichtigen Farbauftrag 

erzielt, dessen tiefenräumliche Wirkung 

den Betrachter in die Bilder hineinzieht. 

Thorsten Frank 

Thorsten Frank wurde 1971 in Frankfurt am 

Main geboren. Er absolvierte zunächst eine 

Ausbildung zum Offsetdrucker, bevor er ab 

1996 Kommunikationsdesign an der AVA 

Academy of Visual Arts in Frankfurt auf 

Diplom studierte. 

Seit 2001 ist er freischaffender Künstler 

mit zahlreichen Ausstellungen im In- und 

Ausland, z.B. China, USA, Österreich, 

Schweiz und Deutschland. 

Intensive Farbkompositionen mit feinen 

Nuancen machen den Reiz seiner Bilder 

aus, die Natürlichkeit der Strukturen weckt 

im Betrachter die eigene individuelle 

Assoziationskraft. 

www.frank-design-bv.de 


White Passion I 

Pan-Art auf Leinwand 

50 x 50 cm| gerahmt 


Verspielte Augenblicke I | Pan-Art auf Leinwand | 50 x 50 cm | gerahmt | 2017

Verspielte Augenblicke II | Pan-Art auf Leinwand | 50 x 50 cm | gerahmt | 2017

Foto © K. Friedmann 

Christel Friedmann 

Christel Friedmann ist in Lich in Hessen 

geboren und lebt und arbeitet heute in 

Asperg und Weissach. 

Nach einer kaufmännischen Ausbildung erfolgte 

als Schwerpunkt Textiles Gestalten 

im Unternehmen der Eltern. 

Von 1991 bis 1995 studierte die Künstlerin 

an der Freien Kunstakademie Nürtingen. 

Danach folgten Studienaufenthalte in verschiedenen 

Institutionen und ein Stipendium 

an der Sommerakademie Salzburg. 

Seit 1995 nationale und internationale 

Ausstellungen, Symposien, Messebeteiligungen 

sowie Ankäufe für öffentliche und 

private Sammlungen. 

"Linie und Struktur sind die zentralen 

Elemente meiner künstlerischen Sprache. 

Inspirationsquelle ist für mich die Natur in 

ihren verschiedensten Ausprägungen wie 

Ackerfurchen, Wattformationen oder Eisschichten. 

Der künstlerische Schritt besteht darin, 

Materialien wie Papier, Draht, Kunststoff, 

Leinwand und Farbe zwingend und direkt 

einzusetzen und dennoch schlichte Natürlichkeit 

zu erzeugen. 

Bilder, Objekte und Plastiken in zwei- und 

dreidimensionalen Formen sind das Resultat 

dieser Prozesse." 

Silikon, der Kunststoff für Hohlräume und 

Fugen, ist bei Christel Friedmann von 

seiner Funktion als Füllmasse befreit und 

wird selbst zum formgebenden Material mit 

ästhetischer Qualität. 

Im Spannungsfeld zwischen Materialität 

und dem optischen Erscheinungsbild eröffnet 

sich die Möglichkeit der Assoziation von 

Licht, Farbe und Sinnlichkeit. 

Christel Friedmann ist Mitglied im Bundesverband 

Bildender Künstler und im Bund 

für Bildhauer Baden Württemberg . 

www.christelfriedmann.de

Objekt Schneegarn 

Silikon 

38 x 38 x 9 cm 

2015 

Objekt Kissen 

Silikon 

42 x 42 x 8 cm 

2014

Objekt Linienwerk I 

Silikon 

50 x 80 x 6 cm 

2014 

Objekt red square I 

Silikon 

30 x 30 x 8 cm 

2014

Objekt vision rot 

Silikon 

45 x 45 x 10 cm 

2016 

Objekt red square II 

Silikon 

30 x 30 x 10 cm 

2014

in Acryl und Öl konfrontiert, aus denen die 

subtile Bedrohlichkeit in der einen oder 

anderen Form diffus herauswächst. 

Edith Gräf nennt ihre Kunst selbst transrealistisch 

und gibt zu: "Ich fische gern im 

trüben Teich der menschlichen Seele". 

Der menschliche Kern in seiner Zeitlosigkeit 

steht im Zentrum der transrealistischen 

Kunst. Der Mensch und sein Unterbewusstsein, 

sind die entscheidenden 

Elemente, die in realistischer Darstellungsweise 

verdichtet werden. 

Edith Gräf 

Edith Gräf wurde 1970 in Heilbronn geboren 

und besuchte bereits mit zwölf Jahren 

Kurse in Porträtmalerei in der ortsansässigen 

Volkshochschule. Während der Schulzeit 

sorgte sie immer wieder mit ihren in 

die Hefte gekritzelten Pferdeskizzen für 

Furore. 

Seit 2015 ist Edith Gräf Meisterschülerin 

von Nik Golder (Mitbegründer des Kunststils 

Transrealismus und Vorsitzender der antioffiziellen 

Kunstbewegung Vernissage aus 

der ehemaligen Sowjetunion) und nimmt 

mit ihren Arbeiten regelmäßig an professionellen 

Ausstellungen teil. 

2017 erstmals Teilnahme an der Kunstmesse 

Kunstschimmer in Ulm und Mitglied 

in [Kun:st] International. 

www.artoffer.com/edeldith 

Nach fast zwanzigjähriger Schaffenspause 

kehrte sie Anfang 2014 zur Malerei zurück. 

In ihren Bildinhalten spielt sie gern mit 

Überraschungsmomenten, indem sie den 

Betrachter mit oft düsteren Farbabgründen

Mädchen mit Zöpfen 


50 x 70 cm 


Der Geruch | Mischtechnik auf Leinwand | 100 x 80 cm | 2015

Altstadt | Acryl auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2016

In 1992 erhält sie die Anerkennung dieses 

Studiums und des Diploms der freien 

bildenden Künste Licenta in arte plastice 

si decorative auch in Deutschland durch 

das Ministerium für Wissenschaft und Forschung, 

Düsseldorf. 

Von 1981 bis 1991 war Elena Graure-Manta 

Leiterin Design und Entwicklung in einer 

Glasfabrik in Rumänien. Von 1994 bis 2005 

führte sie ihre eigene Glasmanufaktur in 

Avrig, Rumänien. 

Ab 1981 hat sie zahlreiche Beteiligungen an 

vielen Einzel- und Gruppenausstellungen in 

Galerien und Museen in Deutschland, Niederlande, 

Belgien, Frankreich, Rumänien, 

Japan, Taiwan und USA und mit ihrem 

Design Label Besuche von Fachmessen in 

Deutschland, Niederlanden und Belgien. 

Elena Graure-Manta 

Elena Graure-Manta studierte von 1977 bis 

1981 bei Ion Andreescu an der Akademie 

für Bildende Kunst in Klausenburg mit 

Diplomabschluss. 

Ab 1993 bis heute ist Elena Graure-Manta 

selbständig als freie Künstlerin und Inhaberin 

des Designlabels Elena. Sie ist Mitglied 

im Berufsverband bildender Künstler 

Köln, der Glaskünstlervereinigung NRW 

e.V., dem Frauenmuseum Bonn und dem 

Unternehmerinnen Treff Erftstadt. Ab 2013 

unterrichtet sie an der Volkshochschule 

Erftstadt. In 2016 eröffnet sie die Glaskunstschule 

Erftstadt. 

www.designelena.de

Alle Objekte 

Farbiges Floatglas geschmolzen 

mit Malerei | Unikat auf Holzsockel 

Rechts: 

Picasso Touch 01 | 43 x 12 x 12 cm | 2017 

Nächste Doppelseite links: 

Picasso Touch 02 | 47 x 12 x 12 cm | 2015 

Picasso Touch 05 | 47 x 12 x 12 cm | 2015 

Nächste Doppelseite rechts: 

Picasso Touch 04 | 47 x 12 x 12 cm | 2017 

Picasso Touch 03 | 43 x 12 x 12 cm | 2017

Während dieser Zeit setzte sich Grell autodidaktisch 

mit der Kunst auseinander. Seit 

2010 ist er Schüler von Renate Leidner und 

seit 2014 von Gabi Buch. Seine erste Ausstellung 

fand 2014 in Marbach statt. Es 

folgten Ausstellungen in Backnang, Sindelfingen, 

Berlin, Steinheim, Stuttgart, Nürtingen, 

Ludwigsburg und Kornwestheim. 

Nach anfänglicher gegenständlicher Acrylmalerei 

entstanden abstrakte Arbeiten in 

Verbindung mit Collagetechniken. Diese 

Bilder sind nicht von Farbtheorien beherrscht, 

sie gehorchen keiner technischen 

Vorschrift und folgen keiner doktrinären 

Definition, was Malerei zu sein hat. 

Helmut Grell 

Helmut Grell wurde 1952 in Kornwestheim 

geboren. Dort ist er auch aufgewachsen. 

Der Kunstunterricht bei Werner Stoller 

machte ihm Lust auf die Kunstakademie. 

Davon wurde ihm abgeraten wegen Broterwerb 

und Familienernährung. 

Die gewählten Bildformen, Farben, Kompositionen 

sollen in ihrer manchmal leisen 

ironischen Überspitzung berühren und 

erfreuen. Die Welt wird nicht abgebildet, 

sondern mit einem bunten Augenzwinkern 

serviert. Die Bilder sollen den Betrachtenden 

helfen, das manchmal Graue, Dissonante, 

Schreiende, ja Tumbe der Moderne 

ins Beglückende zu transformieren. 

www.grellkunst.de 

Also folgten das Studium des Bauingenieurwesens 

bei Professor Schlaich in Stuttgart 

und die langjährige Tätigkeit als Tragwerksplaner 

und Bausachverständiger.

Je ne l’ai jamais vu | Acryl auf Leinwand | 60 x 50 cm | 2016

Der Zitronensäurezyklus | Acryl auf Leinwand | 100 x 70 cm | 2016

Das Gedankenfenster | Collage und Ölkreide auf Karton | 70 x 50 cm | 2017 

50 x 70 cm 


Malerei und der Lyrik als Ausdrucksformen 

des kreativen Denkens. 

Ihre Arbeiten schließen die Ästhetik nicht 

aus, sondern befreien sie von der Idealsierung, 

indem der Fokus sich auf die inhaltliche 

Thematik und dessen Aussagekraft 

richtet. Ihr ist es wichtig, etwas zu erschaffen, 

das einen Sinn hat. 

„Kunst entsteht, wenn der Mut erlangt 

worden ist, die Perfektion aus unserem 

Erwartungsdenken zu degradieren, sie hier 

und dort, durch einen Riss zu drängen und 

den Durchgang zur Welt zu öffnen, um 

dadurch die Korridore zu der Sichtbarkeit 

der Dinge nicht spurlos, sondern ergebnisreich 

zu bestreiten. Den Mut, das zu 

ändern, was als nicht zu ändern gilt.“ 

Mirela Halitzki 

Mirela Halitzki wurde 1968 in Rumänien 

geboren. Sie machte dort ihr Abitur und 

war danach im kaufmännischen Bereich 

tätig. Seit 1995 lebt sie in Esslingen. 

Ausgeprägter Blick für Ästhetik und Gestaltung 

entwickelte sie permanent weiter. Sie 

befasst sich intensiv mit dem Zeichnen, der 

Der Mensch als Individuum in den gesellschaftlichen 

Kontext eingebunden und die 

existenziellen Fragen des Lebens prägen 

ihre künstlerische Arbeit. „Kunst ist keine 

Sache des Geschmacks, sondern eine des 

Begreifens. Sie ist nicht nur visuell gesteuert, 

sondern sie führt zu dem, was 

hinter den Dingen zu erspüren ist. Ich 

liebe und lebe die Kraft der Metaphern, 

trotzdem kann ich Pragmatismus begreifen, 

so lange man mich nicht dazu zwingt, 

so zu handeln.“ 

www.mirela-arte.de

Sommertraum 

Zeichnung Öl, Tusche, Aquarell auf Papier 

50 x 65 cm | gerahmt 

2016

Black Face | Zeichnung Öl, Bleistift auf Papier | 65 x 50 cm | gerahmt | 2017

Gespräch aus der Ferne | Zeichnung Öl, Bleistift auf Papier | 65 x 50 cm | gerahmt | 2015

sozialen und ästhetischen Aspekten der 

ihrem Schicksal überlassenen Orte, hält die 

Fotografin in ihren Bildern nicht nur fest, 

was sie sieht, sondern auch die Stimmung, 

die sie in diesen Gebäuden umgibt. 

Die Werkserie all they left is a chair ist 

eine Hommage an all die zurück gelassenen 

Sitzmöbel, die Susanne Helmert in den 

vergangenen Jahren auf ihren Reisen in 

vielen verlassenen Gebäude gefunden und 

fotografiert hat. Alte Stühle und Sessel, die 

auf dunklen Dachböden, in feuchten 

Kellern und verlassenen Ecken ihr letztes 

Dasein fristen - sie sind mehr als nur die 

zerfallenen Möbel einer vergangenen Zeit. 

Sie verweisen zugleich auf die Abwesenheit 

wie auch auf die Anwesenheit der Menschen, 

die auf ihnen gesessen haben. Sie 

lassen uns dem Leben nachspüren, welches 

sie einst umgeben hat. 

Susanne Helmert 

Susanne Helmert, Fotografin und Mixed 

Media Künstlerin, lebt und arbeitet in 

Hamburg. Nach ihrem Studium der Sozialpädagogik 

widmet sie sich intensiv der 

Fotografie mit einem Schwerpunkt in der 

Natur- und Landschaftsfotografie. 

Ab 2010 fotografiert die Künstlerin vermehrt 

verlassene Orte. Fasziniert von den 

Bei diesen Arbeiten handelt es sich um eine 

Kombination aus Fotografie und Malerei. 

Bei dieser Technik wird die Oberfläche der 

Fotografien mit einer Mischung aus heißem 

Bienenwachs, Baumharz und Ölfarbe behandelt. 

Die dadurch entstehende Struktur 

gibt den Fotografien eine einzigartige Wirkung 

und Tiefe und dient so als plastische 

Brücke zwischen dem Betrachter und den 

von ihr besuchten Orten. 

www.susannehelmert.com

waiting for your call | Fotografie, Bienenwachs, Dammar Resin, Ölfarbe auf Alu-Dibond | 50 x 50 cm | 2016

oom with a window | Fotografie, Bienenwachs, Dammar Resin, Ölfarbe auf Alu-Dibond | 50 x 50 cm | 2016

the cake is a lie | Fotografie, Bienenwachs, Dammar Resin, Ölfarbe auf Alu-Dibond | 50 x 50 cm | 2016

sich selbst durch Tanz, Gedichte oder 

geschriebene Erzählungen ausdrücken zu 

können. 

In ihrem künstlerischen Schaffen besann 

sie sich auf ihre Wurzeln und entdeckte im 

wahrsten Sinne des Wortes die Holzwurzel 

für sich. Sie begann mit Schwemmholz zu 

arbeiten. Das war ihr Material. Hier 

entwickelte sie ihre eigene künstlerische 

Sprache, konnte Ideen umsetzen und 

lernte mit Maschinen umzugehen. 

Christa Helmle 

Christa Helmle wurde 1959 auf der Ostalb 

geboren und kam sehr früh mit dem Werkstoff 

Holz in Berührung, da beide Großväter 

jeweils eine eigene Schreinerei besaßen. 

Wichtig waren für sie immer Geschichten, 

erzählte, gehörte, gelesene oder getanzte. 

In ihnen konnte sie sich verlieren. Je älter 

sie wurde, desto mehr strebte sie danach, 

„Wenn ich in meiner Werkstatt bin und am 

Holz arbeite, bin ich ganz bei mir. Vieles, 

das im Unterbewusstsein schlummert arbeite 

ich an die Oberfläche – an die Holzoberfläche. 

Das Holz steht für das gelebte 

Leben, mit all seinen Linien, Verwachsungen 

und Widerständen. So kann ich 

Gefühle, Träume und Sehnsüchte in eine 

Form bringen, die ich im Holz bereits 

spüre. So kann ich meine Geschichten 

erzählen. Und manchmal erzählt mir auch 

die fertige Figur etwas über mich.“ 

Christa Helmle arbeitet nicht abstrakt. Sie 

liebt die Figur. Nicht die reale. Sondern die 

Figur, die Kraft und Stärke ausstrahlt. 

www.charakterholz.jimdo.com

maskierte Windbraut | Fundholz, Mixed Media | ca. 57 x 25 x 40 cm | 2016

... wahrscheinlich ein König, 

denn er trägt eine Krone ... 

Fundholz, Mixed Media 

ca. 60 x 21 x 23 cm | 2017

Lady 

Fundholz, Mixed Media 

ca. 49 x 16 x 17 cm | 2016

Fasziniert von diesem Material absolvierte 

er mehrere Semester Figürliches Gestalten 

und begann danach erfolgreich menschliche 

Situationen, Zitate oder Redewendungen 

in Ton festzuhalten, wobei die metallenen 

Oberflächen seinen Plastiken eine 

ganz besondere Note verleihen. 

Und so sind Menschen der Kern der künstlerischen 

Arbeit von Heinz Hermentin 

geworden. Mit genauem Auge beobachtet 

er die Menschen seiner Umgebung. Seine 

Tonarbeiten zeigen sie uns in Alltagssituationen 

einer oft wörtlich genommenen 

Redewendung - mit einem Lächeln und 

einem Schuss Humor. 

Heinz Hermentin stellt regelmäßig in der 

Region um Backnang und in einem dort 

ansässigen, renommierten Einrichtungshaus 

aus, seine Werke werden dauerhaft durch 

die Galerie Kerstan vertreten und er 

beteiligt sich mit der Galerie Kerstan auch 

an Kunstmessen - so z.B. an der ARTe in 

Sindelfingen 2015 und 2016. 

Heinz Hermentin 

mhhermentin@gmail.com 

Heinz Hermentin, 1941 geboren, kam über 

sein langjähriges Hobby Bonsai zur individuellen 

Gestaltung von Tonschalen und 

dadurch über den Werkstoff Ton zur Bildhauerei.

Roter Ball | Schwarzer Ton, Glasur türkisgranit, Cu-Patina, roter Lack | Höhe ca. 50 cm | 2016

Lili Marleen einst | Schwarzer Ton, Glasur türkisgranit, Cu-Patina, roter Lack | Höhe ca. 40 cm | 2017

Lili Marleen jetzt | Schwarzer Ton, Glasur türkisgranit, Cu-Patina, roter Lack | Höhe ca. 40 cm | 2017

In ihrer Malerei bewegt sie sich zumeist in 

Naturräumen: aus der Vielfalt der Natur, 

aus den vegetabilen Formen, aus natürlichen 

Licht- und Farbspielen schöpft sie 

ihre Ideen und Vorstellungen. Sie ist 

zugleich weit blickend und nah sehend, sie 

lenkt den Betrachter gestisch und expressiv 

auf die in der Natur verborgenen Sinnbilder 

wie Verwurzelungen, Verflechtungen, Abdunkelungen, 

Farbnuancierungen und 

Überblendungen. 

Eva Hoppert 

Eva Hoppert wurde 1948 in Wien geboren. 

Sie studierte in den Jahren 1995 bis 1999 

an der Freien Kunsthochschule Nürtingen, 

von 1999 bis 2001 an der Internationalen 

Sommerakademie in Salzburg und von 2003 

bis 2005 an der Europäischen Kunstakademie 

Trier. Seit dem Jahr 2000 ist Eva 

Hoppert als freischaffende bildende Künstlerin 

tätig und lebt und arbeitet in Baden 

Württemberg. 

Ganz wichtig für Eva Hoppert ist es jedoch, 

mit jedem Bild auf den Bezug der äußeren 

Natur zur inneren Natur – zum Sein des 

Menschen – aufmerksam zu machen. Jedes 

Bild soll den Wunsch thematisieren, sich in 

schöner Umgebung ganz zu verlieren und 

doch zu der Erkenntnis zu kommen, dass 

der übergroße Reichtum der Natur an 

Farben und Formen, die ganze Fülle der 

Lebensmöglichkeiten für uns nur aus der 

Distanz unseres Selbstbewusstseins erfahrbar 

wird. Mit diesen Streifzügen durch 

reale und verinnerlichte Gärten begibt sich 

Eva Hoppert auf die Suche nach dem Paradiesischen. 

www.evahoppert-art.de 

Rechte Bildseite 

Gefühlte Landschaft I 

Mixed Media auf Leinwand 

80 x 80 cm | 2017

Gefühlte Landschaft II | Mixed Media auf Leinwand | 80 x 80 cm | 2017

Gefühlte Landschaft III | Mixed Media auf Leinwand | 80 x 80 cm | 2017

Wo früher der Schwerpunkt auf der Geschäftsführung 

des familieneigenen Betriebes 

im Bereich Kunststoffrecycling lag, ist 

diese nunmehr der Kunst gewichen. 

Wie der Mensch und die Dinge zueinander 

stehen ist ihr Thema. Zeitgeschehen, Umweltproblematik, 

das menschliche Miteinander 

drücken sich in ihrer Kunst aus und 

es soll Aufmerksamkeit erregen. Die Farben 

sind kräftig, die Aussagen klar, die 

Umsetzung manchmal eigenwillig. 

Ihr Motto: Die Dinge sind nicht so wie sie 

sind, sie sind immer das, was wir aus 

Ihnen machen – Jean Anouilh. 

Birgit Horn 

www.moebelart-horn.de 

Birgit Horn, geboren in Hamburg, arbeitet, 

sofern sie nicht auf Reisen ist, als freischaffende 

Künstlerin in ihrem Atelier in 

der Nähe von Lüneburg und bietet dort 

auch Siebdruck-Workshops an. 

Das Thema Kunst & Recycling beschäftigt 

sie schon seit ihrer Jugendzeit, was sich in 

zahlreichen Facetten in ihren Arbeiten 

widerspiegelt. Malerei & Collagen, Kunststoffrecycling, 

Siebdruck, Möbelrestaurierung 

und natürlich Assemblagen und Objektkunst 

sind Ausdruck und Ergebnis ihrer 

vielfältigen Interessen.

Playing Games 


60 x 80 cm 


Love Construction 


40 x 50 cm 


Digital Talking 


60 x 80 cm 


Bei der Realisierung seiner Werke steht ein 

aufwendiger, mehrstufiger Herstellungsprozess 

im Vordergrund. Die Transformation 

universeller Materialien und 

Farben, führt zu neuen komplexen 

Formstrukturen. 

Der Künstler erforscht und entwickelt 

ständig neue Formen mit der Neugier eines 

Wissenschaftlers und er lenkt mit seiner 

vorurteilsfreien Haltung der gestalterischen 

Welt gegenüber seine schöpferische 

Kraft zu klaren Linien und Formen, um 

neue Perspektiven des Denkens, Handelns 

und er sozialen Interaktion zu eröffnen. 

Jean-Claude Houlmann 

Jean-Claude Houlmann, geboren in Basel 

(Schweiz), lebt und arbeitet heute in 

Lörrach. Jean-Claude Houlmann bewegt 

die künstlerische Auseinandersetzung mit 

den Fragen der symmetrischen und unsymmetrischen 

Felder (Figur-Grund-Trennung), 

dem Simulationskontrast (der Wechselwirkung 

von nebeneinanderliegenden Farbflächen) 

sowie dem Moiré-Effekt. 

Jean-Claude Houlmann stellt seine Werke 

regelmäßig national und international aus - 

so z.B. 2015 u.a. auf der ArtPalmBeach, 

Palm Beach, Florida, USA, ArtExpo, New 

York, USA oder Galerie Gunzoburg, Überlingen, 

Deutschland und in 2017 in der Ausstellung 

Dreiklang in der Galerie Kerstan, 

Stuttgart. In 2014 gewann er den Kunstpreis 

der RegioArt, Lörrach. 

www.jchoulmann.com

Ohne Titel I | Mischtechnik auf Baumwolle | 50 x 50 cm | 2017

Ohne Titel II | Mischtechnik auf Baumwolle | 50 x 50 cm | 2017

Ohne Titel III | Mischtechnik auf Baumwolle | 50 x 50 cm | 2017

In den Jahren 2000 bis 2003 lebte Isabelle 

Huppert in den USA, wo sie als Deutschund 

Kunstlehrerin an einer amerikanischen 

Privatschule unterrichtete. 

Parallel besuchte sie Kurse an der New York 

Art Student League, wo sie ihren Stil weiterentwickeln 

konnte. Nach weiteren Stationen 

in München sowie danach in Kiel an 

der Ostsee lebt sie seit 2009 mit ihrem 

Mann und zwei Söhnen in Esslingen am 

Neckar. 

Isabelle Huppert 

Isabelle Huppert wurde 1970 in Germersheim 

geboren und wuchs in Neustadt an 

der Weinstraße (Pfalz) auf. Sie studierte 

Kunst und Englisch als Lehramt an der Universität 

zu Köln. 

Ihre künstlerischen Schwerpunkte entwickelte 

Sie in der Porträtmalerei, Landschaftsdarstellungen 

und in der abstrakten 

Malerei, wobei das abstrakte Element auch 

in ihren Landschaften und Porträts eine 

wichtige Rolle spielt. 

Bei den hier gezeigten Werken kam es der 

Künstlerin in den Landschaftsdarstellungen 

vor allem auf das atmosphärische Element 

an. Aus ihrer Sicht kann auf die Darstellung 

von Konkretem verzichtet werden, womit, 

beabsichtigt, die Wirkung der Farbe vorrangig 

wird. Es sind meist beruhigende 

Momente, die dem Betrachter Freiraum für 

eigene Assoziationen bieten sollen. 

In Esslingen ist Isabelle Huppert Mitglied im 

Arttra Kunstverein. Sie unterrichtet Kunst 

an der Realschule RSO in Esslingen. 

i.loock@gmx.net

Ohne Titel II 


80 x 120 cm 


Ohne Titel I 


90 x 110 cm 

2016

Ohne Titel III 


80 x 100 cm 


Studienreisen in Ländern wie Iran, Japan, 

Asien, USA, Australien und in diverse 

Länder Mittel- und Südamerikas. Einzelund 

Gruppenausstellungen in Galerien, 

Teilnahme an Kunstmessen weltweit wie 

Art Miami, Art Shanghai sowie 

Ausstellungen in diversen Museen, unter 

anderem im Frauenmuseum Bonn, 6th 

Goyang Festival Seoul oder im MOCA 

Museum of Contemporary ART, Peking. 

Ihre Inspiration schöpft sie aus dem Weltgeschehen. 

Durch das Spiel mit den 

Farben, Techniken und Materialien kommunizieren 

ihre Bilder auf einer gefühlvollen 

und philosophischen Ebene mit dem 

Betrachter und laden ihn ein zu eigenen 

Assoziationen und Träumen. 

JOHannaS 

JOHannaS war bis 2003 selbstständige 

Unternehmerin sowie in verschiedenen 

Führungspositionen bei internationalen Unternehmen 

tätig. Seit 1994 befasst sie sich 

mit Kunst, Schwerpunkt Experimental-Art, 

Mediale Kunst und Konzeptkunst. Ihr persönlicher 

Stil basiert auf verschiedenen, 

künstlerischen Studiengängen in Malerei, 

Druckgrafik und experimenteller Kunst. 

Neben experimenteller Malerei, Collagen, 

Fotografie und Skulpturen befasst sie sich 

auch mit Konzeptkunst. Mit den Medienarbeiten 

„Digital Art Painting“ möchte sie 

dem Betrachter eine andere Seite der 

Kunst näher bringen. Ihre Devise: „ONE 

WORLD ONE LOVE“, davon lässt sie sich 

leiten. 

www.johanna.ch 

Fremde Länder und Völker sind ihr großes 

Interesse und haben auch in ihren Bildern 

ihren Ausdruck gefunden. Kultur- und

Flash 1 | Mixed Media auf Papier | 60 x 50 cm | gerahmt hinter Glas | 2015



wie „vom Urknall bis zum Weltuntergang“ 

auseinander. Parallel dazu setzte er die 

Themen in Projektwochen mit Kindern und 

Jugendlichen um. 

Aus gesundheitlichen Gründen musste er 

das Arbeiten mit Farben aufgeben und 

setzte von nun wieder mehr die Kamera 

ein, mit der er sich den Zugang zur digitalen 

Kunst verschaffte. 

Ein Markenzeichen des Künstlers sind seine 

aufwendigen Städtecollagen, die als Gastgeschenke 

auf der ganzen Welt in den 

Partnerstädten zahlreicher Metropolen 

Deutschlands bewundert werden können. 

Karl-Heinz Kalbhenn 

Karl-Heinz Kalbhenn wurde 1950 in Langen 

bei Frankfurt am Main geboren, er zeichnete 

mit fünf Jahren schon Gesichter, mit 

zehn Jahren konnte er schweißen. Auf 

Pressspanplatten entstanden erste Ölgemälde 

und im Alter von 15 Jahren nahm er 

erstmalig an einer öffentlichen Ausstellung 

teil. 

Die Kunst begleitet ihn bis heute. Er suchte 

und sucht immer wieder die Herausforderung. 

In den 90iger Jahren setzte er 

sich auf Ausstellungen immer wieder in 

Form von Aktionen und mit Installationen 

Seit 2010 erstellt er am PC komplette 

dreidimensionale Bilder, die durch den 

Direktdruck auf Alu-Dibond dann auch 

fühlbare Konturen erhalten. Karl-Heinz 

Kalbhenn präsentiert seine Kunst regelmäßig 

in Einzel- und Gruppenausstellungen 

auf nationaler und internationaler 

Ebene. 

Nebenbei organisiert er städtische Kulturevents, 

zu denen er Einzelhandel, Gastronomie, 

Künstler und Vereine zusammenbringt. 

Unter anderem wurde ihm auch für 

dieses Engagement die Auszeichnung zur 

Ernennung des Kulturpreisträger der Stadt 

Rodgau verliehen. 

www.kalbhenn-info.de

Aufschrei | Direktdruck auf Alu-Dibond | limitierte Auflage 1/16 | 60 x 60 cm | 2017

Farbkohle | Direktdruck auf Alu-Dibond | limitierte Auflage 1/16 | 60 x 60 cm | 2017

Kopf | Direktdruck auf Alu-Dibond | limitierte Auflage 1/16 | 60 x 60 cm | 2017

zur Verwendung unterschiedlichster Materialien. 

Thematisch hat sie sich in der 

Anfangszeit, angeregt durch ihr Studienfach 

Physik, noch mit einer Vielfalt von 

Themen beschäftigt. 

"Vor ca. zehn Jahren kam das erste selbstgewählte 

Thema: der Kosmos. Dieses 

Thema beschäftigte mich mehrere Jahre, 

denn die Darstellung von Licht auf schwarzem 

Untergrund stellte eine große Herausforderung 

dar. In jüngster Zeit arbeite ich 

mit einem PC-Programm, was technisch 

andere, neue Werkzeuge bietet und nur 

erfolgversprechende Ergebnisse bringt, 

wenn man malerische Erfahrung hat." 

ka.rol@t-online.de 

Dr. Käthe Karcher-Rollwage 

Dr. Käthe Karcher-Rollwage ist schon seit 

ihrer Studienzeit nebenher künstlerisch 

tätig. Es begann mit Kursen in Zeichnen 

und Aquarell malen, dann verschiedene 

Drucktechniken ( Hoch-, Tiefdruck sowie 

Lithografie), später Malerei und Skulptur. 

Seit etwa 10 Jahren ist sie Mitglied in einer 

Ateliergemeinschaft und seitdem selbstständig 

künstlerisch tätig. Ihre Freude am 

Experimentieren führte sie zu verschiedensten 

Techniken der Acrylmalerei und 


Überlagerung Blau 

Direktdruck auf Alu-Dibond 

Nr. 1 von 3 | 60 x 60 cm | 2017 


Überlagerung Gelb 


Nr. 1 von 3 | 60 x 60 cm | 2017 


Blaue und weiße Zellen 


Nr. 1 von 3 | 60 x 60 cm | 2017

KASLOVSKI 

KASLOVSKI, geboren in Bayreuth, ist ein 

Querdenker und Grenzgänger. Trotz oder 

gerade durch die lange Familientradition 

bedingt, die bis in das 18. Jahrhundert 

zurückgreift, ist Kunst für ihn ein Akt der 

Befreiung und eigener künstlerischer 

Bestimmung. Eine Vielzahl an Projekten, 

ob als teilnehmender Künstler oder als 

Ideengeber, zeugen von einer enormen 

Kraft, Energie und Konsequenz und dienen 

allein der Bestimmung seiner Kunst. 

In seinem neuen Ansatz verschmelzen alte 

Traditionen mit heutigen Sichtweisen und 

er vertritt als Grenzgänger zwischen den 

Kunstwelten eine kritische Denkweise, die 

sich eindeutig distanziert von oberflächlichen 

Kunstgebärden und Konformität des 

Marktes. 

Für KASLOVSKI ist ein Kunstwerk in letzter 

Konsequenz die informelle und immer 

wieder veränderbare Visualisierung all des 

gewonnen Wissens, Könnens und der 

eigenen Mythologien am persönlichen Limit 

im Augenblick des Geschehens. 

Seine energievollen Gemälde und Zeichnungen 

erreichen dadurch und aufgrund 

seines eigenen außergewöhnlich sicheren 

Duktus eine mysteriöse und nachhaltige 

Ausstrahlung. 

„Kunstwerke haben für mich erst dann 

Bedeutung, wenn sie fähig sind zu „reifen“ 

und auch nach längerer Zeit weiter an 

Bedeutung gewinnen können, erst dann 

sind sie echt.“ 

lothar-boehm.de

h 

Memento 

Ölfarbe auf Spachtelgrund 

Tabaksudlasur auf Sackleinen 


Transitus 




Vale! 




eginnen. Ich war in meinem Berufsleben 

immer eingespannt und hatte das Gefühl, 

wie ein Uhrwerk funktionieren zu müssen: 

immer dieselben Aktivitäten, im täglichen, 

wöchentlichen und monatlichen 

Rhythmus - fremdgesteuert, wie eine Maschine 

oder aufgezogenes Uhrwerk - man 

musste funktionieren und richtig ticken." 

In dieser Zeit wurde wohl die Idee 

geboren, die berufliche Monotonie, die 

Fremdbestimmung und die damit verbundenen 

wiederkehrenden Zwänge künstlerisch 

umzusetzen. 

Andreas Kerstan 

1957 in Ludwigsburg bei Stuttgart geboren, 

entdeckt er früh seine Leidenschaft für die 

Kunst. Als junger Vater im Alter von nur 19 

Jahren verfolgt Andreas Kerstan nach 

seinem Studium der Betriebswirtschaft 

allerdings eine internationale Karriere in 

der Wirtschaft. Zu Beginn des Jahres 2010 

zieht sich Andreas Kerstan in das 

Privatleben zurück, widmet sich seinem 

Lebenstraum an die künstlerischen Anfänge 

seiner Jugend anzuknüpfen und selbst 

wieder künstlerisch tätig zu sein. 

Und so entstanden im Jahr 2008 die ersten 

beiden Kopfskulpturen. Kerstan verarbeitet 

in seinen Werken Gebrauchsgegenstände 

der Vergangenheit und Gegenwart. Alte 

Perücken-köpfe, Uhren, Radios, Schreibmaschinen, 

Musikinstrumente oder Telefone 

werden zu einer neuen Einheit, einer 

modernen Kopfskulptur, verarbeitet. 

Im Mittelpunkt seiner Arbeiten steht dabei 

immer der heutige, industrialisierte 

Mensch der Gegenwart, der mit einem 

alten Uhrschlüssel “aufgezogen” wird und 

der dann im wahrsten Sinne des Wortes 

“tickt”, wie er soll. 

www.andreas-kerstan.de 

"Ich kann wirklich nur schwer sagen, wie 

es dazu kam, mit diesen Köpfen zu

Das BABYLON Projekt - 6 Generationsfarben | Print auf Alu-Dibond | 6 x 30 x 30 cm | 2017

DAS BABYLON PROJEKT | DIE IDEE 

Kunst als offenes Projekt, Kunst als Teilhabe, 

Kunst als verbindendes Element, als 

Social Media, als Band zwischen Kulturen 

und Menschen. Das Gemeinschaftsgefühl 

einer Gruppe, das Gefühl der Zugehörigkeit 

und damit Kunst als internationale, nonverbale 

Kommunikation und Zeichen der 

Verständigung und des Friedens. 

Das Gesamtkunstwerk BABYLON entsteht 

als Summe von 150 Kaufentscheidungen individueller 

Menschen, die als Käufer gleichzeitig 

zu Künstlern werden und so das 

Gesamtkunstwerk BABYLON erschaffen. 

Die Ausgangsbasis von BABYLON ist ein quadratisches 

Tableau im Format 150 x 150 cm 

bestehend aus 25 einzelnen Quadraten. 

Jedes einzelne Quadrat hat das Format 30 

x 30 cm und zeigt immer dasselbe Motiv 

(als Fine Art Print auf Alu-Dibond | Butlerfinish). 

Das Motiv ist der Ausschnitt einer Fotografie 

des Backnanger Fotokünstlers Christopher 

Cocks. Der Ausschnitt zeigt einen Teil 

der Arbeit Watchtower von Andreas Kerstan 

aus dem Jahr 2015. 

Es gibt insgesamt sechs verschiedene Generationen 

an Farben. Die Summe aller möglichen 

Farbkombinationen der sechs Farben 

verteilt auf die 25 Felder beträgt 625. Das 

ist eine 20-stellige Zahl, die es jedem 

Bürger der Erde ermöglicht, aus einer 

Auswahl von mehr als 10 Milliarden 

verschiedenen Kombinationen seine individuelle 

auszuwählen und egal welche Auswahl 

er trifft, immer noch ein Unikat zu 

erhalten. 

DAS BABYLON PROJEKT | DIE REGELN 

Doch tatsächlich wird BABYLON aus nur 150 

verschiedenen Tableaus bestehen, denn es 

folgt diesen einfachen Regeln: 

(1) Ausgangspunkt ist ein quadratisches 

Tableau von 25 Quadraten der Farbgeneration 

1. 

(2) Bei Verkauf eines der 25 Quadrate wird 

dieses Quadrat durch ein Quadrat der um 

eins höheren Farbgeneration ersetzt und 

damit entsteht auf dem Tableau jeweils 

eine neue der insgesamt 150 Farbkombinationen 

des Projektes. 

(3) Jede neue Farbkombination ist ein eigenständiges 

Kunstwerk und erhält als 

Werksbezeichnung den Vor- und Nachnamen 

des Käufers des letzten Quadrates mit 

der Nummer des Tableaus : VORNAME 

NACHNAME XXX. 

(4) Jeder Käufer ist frei in seiner Entscheidung, 

welches Quadrat er kauft. Ein Käufer 

kann mehrere Quadrate kaufen. Vor einem

erneuten Kauf wird zunächst entsprechend 

der Regel (2) verfahren. 

(5) Auf die Farbgeneration 6 folgt die Farbgeneration 

7, die farblich der Generation 1 

entspricht. Quadrate der Farbgeneration 7 

können nicht mehr erworben werden (und 

sind in dem Bild mit einem Kreuz gekennzeichnet). 

(6) Nach Erreichen des Ausgangszustandes 

ist das Projekt beendet. 

Als Teil der diesjährigen Weihnachtsausstellung 

kann der Kunstinteressent alle 

sechs Generationsfarben (zum Preis von 

300 €) durch Kauf eines der verfügbaren, 

noch roten Felder erwerben. Nach jetzigen 

Stand ist das noch in achtzehn Fällen 

möglich. 

Der aktuelle Stand des Projektes kann 

jederzeit hier eingesehen werden: 

http://www.galerie-kerstan.de/Babylon/Babylon_Status.html 

Der aktuelle Stand des Projektes ist in 

diesem Foto zu sehen und das Tableau 

trägt den Titel GÜNTHER SCHNEIDER 019.

Sie selbst sagt über ihre Kunst: "Verschiedene 

Lebensthemen wie Naturbetrachtung, 

Phantasien und Sehnsüchte 

faszinieren und steigern meine Antriebskräfte. 

Sie inspirieren meine Ausdrucksmöglichkeit 

in der Malerei mit Farbe, 

Sand, Textilien und Papier oder beim 

Gestalten mit Ton. Spuren in der Oberflächengestaltung 

geben mir zusätzlich die 

Möglichkeit endlose Variationen der 

Empfindung auszudrücken." 

Christine Kiedaisch 

Christine Kiedaisch wurde 1949 in Coburg 

geboren. Während ihres Studiums lebte sie 

10 Jahre in Berlin und zog danach im Jahr 

1979 nach Nürtingen 

. 

Über ihren Beruf als Ergotherapeutin kam 

sie mit Malerei und Keramik in Berührung. 

Über weiterführende Studien und vielfältige 

Weiterbildungungen in den unterschiedlichsten 

Mal- und Plastizierkursen 

haben der Künstlerin im Verlauf der Zeit 

eine ihr eigene Ausdrucksfähigkeit gegeben 

und dauerhaft motiviert, sich künstlerisch 

zu betätigen. 

Seit 2007 ist Christiane Kiedaisch im 

Vorstand der Galerie Forum Türk in 

Nürtingen, betreut neben anderen Vorstandsmitgliedern 

die dortigen Ausstellungen 

und die ausstellenden Künstler und 

erhält durch diese Tätigkeit eine große 

Bandbreite an Anregungen und Inspirationen 

für ihre eigene freischaffende Tätigkeit 

als Künstlerin. 

christine-kiedaisch@gmx.de

Versteckt | Mischtechnik auf Leinwand | 60 x 40 cm | 2016

Verbunden 


60 x 70 cm | 2016

Durchblick | Mischtechnik auf Leinwand | 70 x 50 cm | 2016

Christa Klebor von 2010 bis 2015 studiert 

und ihre fotografischen und malerischen 

Kenntnisse vertieft. 

Mit der Lichtmalerei hat sie den Pinsel mit 

der Kamera vertauscht. Die Kamera dient 

als Malmittel, das an Aquarell-, Pastell-, 

Pop- und abstrakte Malerei bis hin zur 

Tuschemalerei erinnert. Die Grenzen von 

Fotografie und Malerei verschmelzen. 

Es wird nicht mehr ein Abbild erzeugt, 

sondern ein neues Bild, das nicht darstellt, 

was man im Sucher sieht. Sie fotografiert 

quasi gegen die Wirklichkeit und hüllt den 

realen Gegenstand in ein neues Gewand. 

Christa Klebor 

Christa Klebor lebt und arbeitet als freischaffende 

Künstlerin in Stuttgart. Von 

Kindheit an malt und fotografiert sie. 

Ihre „Weibs-Bilder“ wurden national und 

international ausgestellt und haben bereits 

deutschlandweit, in Spanien und Australien 

ein neues Zuhause gefunden. 

Bei unterschiedlichen Institutionen und an 

einer freien Kunstschule in Stuttgart hat 

Durch das Nebeneinander von transparenten 

Flächen und Linien, verblüffenden 

Farbüberlagerungen und Strukturen, entstehen 

neue, spannende Kompositionen. 

Jedes Werk ist ein Unikat, denn es lässt 

sich nicht wiederholen. Es gibt nur den 

einzigen unwiederbringlichen „Klick“! 

Die Lichtmalerei ist ein fotografischer 

Augenöffner, vor dem der Betrachter 

Abstand von der Bilderflut gewinnt und vor 

dem man eine Pause einlegt. 

www.ck-fotoladen.de

Himmelskreis 

Fotografie | limitierte Auflage 


2016

Hängender blauer Garten 




Die Orangerie 



2015

1992 Geburt ihres Sohnes und baldiger 

Umzug der Familie nach England – für 7 

Jahre. 2009 führten sie Zufälle in die 

Malgruppe von Sabine Vosseler-Waller nach 

Nürtingen. Durch das dortige Experimentieren 

fand sie ihren eigenen Zugang zum 

Malen. 

Sonja Körner 

1954 in Heilbronn-Sontheim geboren, verbrachte 

sie ihre Kindheit und Jugend in Bad 

Friedrichshall-Jagstfeld. In ländlicher Umgebung 

war sie so oft wie möglich draußen 

in der Natur. „Wir spielten am Fluss, 

bauten 'Lägerle' im Wald, ... Federball – 

bis zum Einbruch der Dunkelheit.“ 

„Zeichnen konnte ich wohl schon immer 

gut!“ Deshalb kam nach dem Schulabschluss 

nichts anderes in Frage als ein 

Fachlehrerstudium für Kunst und musisches 

Werken/Technik in Stuttgart. „Hier entstanden 

meine eigentlichen Wurzeln der 

Kunst.“ 

Sie kam in Kontakt mit Farben-lehre, 

Bildaufbau, Maltechniken, Ausstellungen, 

Museen und Kunstgeschichte. „Gelernt 

habe ich sehr viel – auch fürs Leben“, 

natürlich auch das pädagogische Gespür, 

die Kunst ihren Schülern nahe zu bringen. 

„Ich befinde mich wieder in der Natur! Da 

fühle ich mich wohl und frei – den Wind 

spüren – Regentropfen im Gesicht – jedes 

einzelne Blatt am Baum sehen – Grüntöne 

– Knospen, zum Blühen bereit – die Urgewalt 

eines Blitzes – Grollen – die Jahreszeiten 

– Farbenspiel im Tageslicht!“ 

„Flächen entstehen, werden übermalt – 

ein Kreis = Sonne; ein Strich = Horizont?“ 

Sie kratzt Oberflächenschichten weg und 

freut sich über die Farben, die aus dem 

Untergrund aufleuchten. Und schon taucht 

sie in eine Landschaft ein, die bereits ihren 

Zauber versprüht. Durch Linien und Striche 

kommt Bewegung ins Bild. 

„Jeder Strich birgt auch Veränderung, das 

Bild verändert sich immer und immer 

wieder, bis es im Einklang ist mit der 

Stimmung in mir selbst.“ Doch fertig ist es 

für sie erst in der Ausstellung – ganz nach 

dem Sinn: „Der Betrachter vollendet das 

Bild.“ 

www.sonjakoerner.de

Moorlandschaft | Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2017

Herbstwind | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | weiß gerahmt 54 x 54 cm | 2014

Frühlingsgruß | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | weiß gerahmt 54 x 54 cm | 2014

die Farben entfalten können. Die ausbalancierte 

Struktur zwischen bearbeiteten und 

nicht bearbeiteten Flächen wirkt beruhigend, 

ohne jedoch dem Betrachter einen 

einfachen Ruhepunkt anzubieten oder die 

Offenheit des Blickes zu begrenzen. 

Insbesondere in der Fotografie entsteht 

seit einiger Zeit ein Formenschatz von 

Figuren in Bewegung, sich auflösenden 

oder verschmelzenden Konturen, menschlichen 

Begegnungen die gerade dadurch 

transzendiert werden, dass sie nicht mehr 

als individuelle Begegnungen erkennbar 

sind. 

Jörg Kraus 

Jörg Kraus ist in Rottweil aufgewachsen 

und lebt heute in Heidelberg. Schon in 

jungen Jahren war er an Ausstellungen 

beteiligt, wandte sich dann aber in 

Studium und Beruf zunächst der 

Kulturwissenschaft zu. In dem breiten 

Themenspektrum das er bearbeitet, sind 

die Aspekte des Austausches an Grenzen 

und Übergängen immer wieder erkennbar. 

So sind zum Beispiel in der Malerei im 

Zyklus Windows die Assoziationen an 

Fenster und Durchblicke vorhanden, doch 

lässt die Abstraktion sehr viel Raum, in 

welchem sich die einfache Geometrie und 

In verschiedenen Serien werden unterschiedliche 

Akzente gesetzt: Denkbilder, 

Earth and beyond, Jahreszeiten, Begegnung-Beziehung 

und andere. 

Aus der Verbindung zwischen seiner 

künstlerischen Tätigkeit und seinem kulturwissenschaftlichen 

Hintergrund ergeben 

sich auch interessante Querverbindungen, 

die zum Teil in künstlerischen Arbeiten, 

mehr aber noch in einzelnen Vorträgen z.B. 

zu anthropologischen Grenzen und den 

damit verbundenen Herausforderungen des 

bildlichen Denkens ihren Niederschlag 

finden. 

www.joerg-kraus.com

Geht doch! | Fotografie auf Leinwand | 60 x 40 cm | 2016

Der Spielplatz von Madame 

Fotografie auf Leinwand 

130 x 50 cm 


Von Grenzen aus gehen | Fotografie auf Leinwand | 60 x 40 cm | 2016

deren Technik jedoch vom Künstler lange 

vorbereitet und experimentell erarbeitet 

wurde. 

Andreas Lindenberger 

Andreas Lindenberger wurde 1957 in Kornwestheim 

geboren, heute lebt und arbeitet 

er in Markgröningen. 

Seit seiner Ausbildung zum Buchdrucker 

beschäftigt sich Andreas Lindenberger 

autodidaktisch mit den verschiedensten 

Maltechniken. Im Vordergrund seiner dekorativen 

Acrylmalerei steht für ihn der Erlebnisakt 

des Malens, Ausprobierens und 

kreativen Schaffens. In den letzten Jahren 

entstanden viele Werke in Acryl, deren 

Marmoriercharakter zwar bekannt wirkt, 

Die in Schwingung versetze Farbe fließt 

und strömt einerseits organisch und somit 

den Fluss des Lebens beinhaltend und wird 

andererseits kompositionell gesteuert und 

aktiv von der Hand des Künstlers kontrolliert. 

Das verblüffend einfache Prinzip 

dieser Bilder besteht darin, dass verschiedene 

Farbpfützen auf dem flach ausgebreiteten 

Bildträger verteilt werden und 

diese sich dann durch Schaukelbewegungen 

auf der Bildfläche verteilen. Eine 

der Schwierigkeiten bei diesem Verfahren 

liegt darin, dass die Konsistenz der Farbsubstanzen 

ganz genau abgestimmt sein 

muss. Durch akribische Materialforschung 

und einem stetigen Prozess des Perfektionierens 

entstehen diese faszinierenden 

Resultate. 

In jüngster Zeit experimentierte Andreas 

Lindenberger häufiger mit Epoxidharzen. 

Die zwei Komponenten Harz und Härter 

werden in einem bestimmten Verhältnis 

miteinander in exakten Verhältnissen genau 

vermischt. Dazu kommen Pigmentpasten 

und Pigmente, die hochglänzende, 

faszinierende Werke entstehen lassen. 

www.aliart.de

Polyaddition | Epoxidharz auf Leinwand | 100 x 80 cm | 2016

Epoximeuterei 

Epoxidharz auf Leinwand 

80 x 100 cm 

2016

Zanaka 

Epoxidharz auf Leinwand 

80 x 100 cm 


Uli Lüth 

Uli (Ulrike) Lüth wurde 1956 in Wien geboren. 

Im Jahr 1995 hat sie damit begonnen 

sich mit den theoretischen und praktischen 

Grundlagen der Bildhauerei zu beschäftigen. 

Ihre Modelle fertigt sie aus Wachs, 

um sie dann in Bronze gießen zu lassen. Mit 

Hilfe ihrer Hände nehmen ihre Ideen 

Gestalt an. Ihre Figuren lassen sich 

betrachten und berühren. Zerklüftete 

Flächen, Kanten und Strukturen bilden die 

harte Schale ihrer doch so filigranen und 

anmutigen Plastiken. 

Ihre Werke haben eine Seele, sie sprechen 

und füllen den Raum - sie ziehen den Betrachter 

in ihren Bann. Uli Lüth kreiert Lebendiges, 

sie schafft es, Leben in Bronze 

zu verwirklichen. 

Uli Lüth beteiligt sich regelmäßig an nationalen 

und internationalen Ausstellungen 

und Kunstmessen, so z.B. 2016 an der Art 

Expo, New York, vertreten durch die 

Galerie Kerstan, Stuttgart oder die ARTe 

2017 vertreten durch die Galerie 116, 

Leonberg. Daneben unterrichtet die Künstlerin, 

sie gibt Kurse und bietet Kunstworkshops 

an. Seit 2012 ist sie Mitglied im 

Künstlerbund Stuttgart. 

Ständige Galerievertretungen sind die 

Galerie Bayer in Bietigheim-Bissingen, 

Kunstgalerie Arteg in Tegernsee, Kunsthaus 

Schill in Stuttgart und Galerie gräfe 

art.concept in Berlin. Ihre Werke können 

jederzeit in dem Ausstellungsraum ihres 

Ateliers in Bietigheim-Bissingen besichtigt 

werden. 

www.ulilueth.de

Eine Kuh! 

Wachsmodell 

11 x 25 x 5 cm 


Freundinnen | Wachsmodell und Acryl auf Holzsockel | 34 x 11 x 6 cm | 2017

Goldene Lady | Wachsmodell und Acryl auf Holzsockel | 42 x 12 x 10 cm | 2017

Zu seinen Werken zählen sowohl gegenständliche 

Motive als auch abstrakte Bilder. 

Die individuelle Handschrift des Künstlers 

ist in jedem seiner Bilder durch deren 

kraftvolle Ausdrucksstärke und einer leuchtend, 

strahlenden Farbigkeit erkennbar. 

Der Zusammenklang zwischen Motiv und 

Technik spielt bei ihm eine zentrale Rolle. 

Entsprechend vielseitig setzt er seine 

malerischen Techniken ein. Die Ideen und 

Vorlagen seiner Bilder holt sich der 

Künstler hauptsächlich aus Beobachtungen 

und Fantasien. Mit innerlicher Freude geht 

er seine Werke in der Malerei sowie bei der 

Gestaltung von Skulpturen an und genießt 

deren Entstehung. Dabei ist die Gabe der 

Phantasie sehr wichtig. Am Ende steht das 

Werk und eine Ausstellung für Liebhaber 

seiner Kunst. 

Alfred Maurer 

Alfred Maurer wurde 1952 in Mannheim geboren 

und lebt als Künstler in Mannheim. 

Er studierte in Frankfurt Architektur mit 

entsprechender Kunstausbildung. Nach 

zwei Berufsausbildungen und der Tätigkeit 

als Architekt widmete er sich, anfänglich 

noch sporadisch, in den 80iger Jahren der 

bildenden Kunst und baute diese ab 2003 

verstärkt aus. 

In mehreren Einzel- u. Gruppenausstellungen 

konnte er seine Fähigkeiten und 

Werke der Öffentlichkeit präsentieren. Mit 

der Künstlerin Thea Bayer-Rossi fand er 

eine sehr angenehme, vielseitige Künstlerin 

auf Augenhöhe, mit der er gemeinsame 

Kunst erarbeitet und Kulturevents ausrichtet. 

Ein ständiger konstruktiver Austausch 

der beiden Künstler ist dabei von 

großer Bedeutung. 

al.mau@gmx.de

Blütenbälle | Acryl, Spachteltechnik auf Leinwand | 70 x 50 cm | 2017

Gebirge | Acryl, Spachteltechnik auf Leinwand | 70 x 50 cm | 2017

Abgrund | Acryl, Spachteltechnik auf Leinwand | 70 x 50 cm | 2017

Sie malt in den wärmeren Jahreszeiten im 

Freien an der dänischen Ostseeküste, den 

britischen Shetland - Inseln oder im eigenen 

Garten. Pastoser Farbauftrag, zügige 

Pinselstriche und kräftige Farben mit Öl 

auf Leinwand kennzeichnen ihren Stil. 

Makrostudien vom Strand oder Vogelstudien 

von Seevögeln werden im Atelier gemalt. 

Aus Fundstücken vom Strand, Alltagsgegenständen 

aus Glas, Metall, Keramik, Holz, 

die vom Meer verformt wurden, entstehen 

Treibgutobjekte und Bilder in Kombination 

mit diesen Materialien. In der abstrakten 

Malerei sind Ausgangspunkte Erlebnisse und 

Erfahrungen aus dem täglichen Leben. 

Seit 2007 stellt Ute Meyer ihre Bilder national 

und international aus. 

Ute Meyer 

www.farblandschaften.de 

„Ich male am liebsten draußen. Wetter 

und Wind, Licht und Luft sind in meinen 

Bildern spürbar.“ 

Ute Meyer, geboren 1957, arbeitet seit 

1999 als freischaffende Künstlerin mit 

eigenem Atelier in Flensburg. In den 

Achtziger Jahren beendete sie ihr Kunstpädagogikstudium 

mit dem 2. Staatsexamen 

und 2006 schloss sie eine Ausbildung 

zur Kunsttherapeutin ab.

vom Strand I 


45 x 60 cm 

2016

Nachtkerzen | Öl auf Leinwand | 60 x 45 cm | 2015

Colchicum | Öl auf Leinwand | 60 x 45 cm | 2015

Ingeborg Müller 

1948 in Stuttgart geboren, wollte sie von 

Anfang an Kunst studieren, doch ihr Vater 

riet zu einer Ausbildung zur Technischen 

Zeichnerin. Erst nachdem ihre Kinder alt 

genug waren, gab sie dem lange schwelenden 

Wunsch nach, nahm Privatunterricht 

bei verschiedenen Künstlern und ist nunmehr 

seit mehr als 40 Jahren künstlerisch 

tätig. 

Ihre künstlerische Tätigkeit steht auf zwei 

Beinen: der Malerei und der Fotografie. 

Ihre gemalten Bilder sind Oasen der Ruhe. 

Für den Betrachter entstehen durch die 

horizontalen Linien ihrer Werke wie von 

selbst Visionen von Landschaften. 

Himmel, Wasser und Licht sind ihre bevorzugten 

Themen der Malerin. Ihre Arbeiten, 

die sie gerne mit großen und breiten 

Pinselstrichen anlegt und sanft ineinander 

übergehen lässt, zeigen sich als abstrakte 

Momentaufnahmen der Natur, die den 

Himmel und die Landschaft mit den ganz 

besonderen Lichtverhältnissen einfangen. 

Ihre Bilder schweben an der Grenze zur 

Abstraktion, sie übersetzt die Erfahrung 

verschiedener Landschaften in eine 

visuelle Sprache. Sie macht es wie die 

Zugvögel, reist in jedem Jahr im Sommer 

in den Norden und im Winter auf die 

Kanaren. Es ist hauptsächlich das spektakuläre 

Licht dieser Landschaften, das sie 

antreibt, diese Bilder zu malen. 

Ihre Fotografie ist für die Künstlerin malen 

mit Farbe, malen mit der Kamera, malen 

mit Technik. Es geht um den Ausdruck 

einer inneren Sicht auf die Dinge und nicht 

um das rein technische Optimieren, oder 

bloße Abbilden durch eine Kamera, ganz 

ohne Inhalt und Sinn. 

Ihre Werke werde öffentlich angekauft und 

im öffentliche Raum präsentiert, so zuletzt 

2015 die Gedenktafel für Konrad Zuse am 

Konrad-Zuse-Platz in Böblingen. 

www.digital-art-atelier-ingeborg-mueller.de

Blick auf die Ostsee | Acryl auf Leinwand | 110 x 90 cm | 2017

Dünenlandschaft 


50 x 100 cm 

2016

Watt 


80 x 100 cm 

2016

Sabine Nasko 

Geboren 1961 in Aurich lernt Sabine Nasko 

bereits während ihrer Jugendzeit intensiv 

Keramikarbeiten kennen. 

Von 2008 bis 2014 erhält sie regelmäßigen 

Unterricht im Atelier der Künstlerin Heidrun 

Kohnert, mit der sie seit 2014 eine 

Ateliergemeinschaft betreibt. Unter dieser 

professionellen Hilfe kann sie mit Brandtechniken 

experimentieren. Das chemische 

Grundverständnis hilft ihr beim Entwickeln 

neuer Engoben und Glasuren. 

Der Rakubrand, eine alte asiatische Brandtechnik, 

bei der reduzierend gebrannt 

wird, ist ihre favorisierte Brenntechnik. 

Durch den Sauerstoffentzug lagert sich 

Kohlenstoff in die Oberfläche ein, was zu 

wunderbaren, metallischen Schwarztönen 

führt und die glasierte Partien bekommen 

das unverwechselbare Krakelee. 

Ein Tauchkurs 2007 ist so inspirierend, dass 

für Sabine Nasko die Unterwasserwelt das 

ausschließliche Thema ihrer künstlerischen 

Arbeit wird. Sie gestaltet „Wasserwesen“ 

oder Formationen, die zukünftig auf dem 

Meeresboden existieren könnten, die der 

Fantasie entspringen und selbst Raum für 

alle erdenklichen kreatürlichen Freiheiten 

bietet. Eine geradezu idyllisch-kindliche, 

heile, weil Hoffnung verheißende Welt. 

So fremdartig ihre Schöpfungen sind, so 

unbekannt scheinen deren Herkunftsort 

und Entstehungszeit. Die Werke spiegeln 

eine große Freude am freien Spiel mit 

Lebensformen, die in unserer Welt kaum 

anzutreffen sind. Und nicht zu vergessen, 

der Schalk, der aus so mancher Pore oder 

Pocke dringt. 

www.sabine-nasko-keramik.de

Raupe | Raku | Höhe ca. 20 cm | 2016

Stacheligel | Raku | Höhe ca. 20 cm | 2013

Grundläufer | Raku | Höhe ca. 15 cm | 2017

Die Collagen basieren in der Regel auf 

eigenen Fotografien, die digital nachbearbeitet 

und auf die wesentlichen Aussagen 

reduziert werden. 

Ulrich Naumann 

Ulrich Naumannn wurde 1954 in Bitterfeld 

geboren. Kindheit und Schulzeit verbrachte 

er in Hannover. Er lebt und arbeitet heute 

in Hochheim bei Wiesbaden. 

Digitale Fotografie in Verbindung mit abstrakter 

Acrylmalerei oder alten Drucktechniken 

– diese spannende Kombination 

ist das Thema von Ulrich Naumann. Dabei 

hat der Künstler eigene Verfahren entwickelt, 

um hauchdünne, handgeschöpfte 

Papiere zu bedrucken und als Collage auf 

einem Acryluntergrund aufzubringen. Mit 

dieser Technik hat Ulrich Naumann eine 

unverkennbare Handschrift erlangt, die in 

jedem seiner Werke erkennbar ist 

Durch mehrmaliges, lasierendes Übermalen 

ergeben sich spannende, transparente 

Strukturen. 

Linien und Umrisse werden herausgearbeitet, 

Flächen transformiert oder gerastert, 

so dass eine abstrahierte Version des 

Bildes entsteht. In einem weiteren Schritt 

wird das digitale 'Restbild' auf hauchdünnes, 

handgeschöpftes Papier gedruckt 

und als transparente Collage in der oberen 

Lage eines abstrakten Acrylbildes verarbeitet 

– oder die Vorlage wird auf eine 

Druckplatte als Intagliotypie belichtet und 

im Tiefdruckverfahren gedruckt. 

Auch das alte Edeldruckverfahren Cyanotypie 

bietet sehr interessante Optionen zur 

Personalisierung von Kunst und wird von 

Ulrich Naumann zunehmend eingesetzt. 

Ulrich Naumann stellt regelmäßig seine 

Werke auf nationalen und internationalen 

Kunstmessen aus, seit 2015 unter anderen 

auf der Art Innsbruck, Atelierwochenende 

Graeger, kunst.genuss im Kelterhaus, Berliner 

Liste, Berlin, Art International, Zürich, 

Galerie Kerstan, Stuttgart, ARTe Sindelfingen, 

Art Week, Luxemburg, Galerie 

Beck, Homburg oder die Kunstmesse ART3f 

in Paris. 

www.art2you.de

Ma libertė | Acryl und Collage auf Leinwand | 80 x 80 cm | 2017

La nuit à Bordeaux 

Acryl und transparente Collagen 

auf Leinwand 


Coastal Love 

Acryl und transparente Collagen 

auf Leinwand 


Seit 2013 betreibt sie ihr eigenes Atelier in 

Dortmund und nahm ab 2013 Unterricht an 

der Kunstakademie in Bad Reichenhall. In 

den Jahren 2015 und 2016 belegt sie die 

Meisterklasse bei Professor Adam Jankowski. 

Über ihre Kunst sagt sie selbst: "Mein Lebensmotto 

„lebe wild und gefährlich“ 

drückt sich auch in meinen Bildern aus. Ich 

liebe es mit Formen und Farben zu spielen. 

Ich bin neugierig und experimentiere 

viel. Ich möchte Gefühle festhalten, 

Momente konservieren und dabei dem 

Betrachter eine positive Atmosphäre übermitteln 

und ein Lächeln in sein Gesicht 

zaubern." 

Sabine Oecking 

Sabine Oecking wurde 1965 in München 

geboren und ist dort auch aufgewachsen. 

Die Kunst wurde ihr in die Wiege gelegt, ihr 

Vater, ein Maler, ihre Mutter eine Goldschmiedemeisterin. 

Seit ihrer Gymnasialzeit 

setzte sich Sabine Oecking mit Kunst, 

vornehmlich figürliches und abstraktes 

Malen, auseinander. 

Nach Ausbildung und einer internationalen 

Karriere in der IT Industrie kehrt sie ab 

2013 zu den künstlerischen Anfängen ihrer 

Jugendjahre zurück. 

Sabine Oecking ist Mitglied in mehreren 

Kunstvereinen, u.a. in Dortmund, München 

sowie bei [Kun:st] International. Seit 2014 

wird sie ständig durch die Galerie Arte 

Casa, Puerto d’Andratx, Mallorca, Spanien, 

vertreten. Man findet Ihre Kunst bei Artfinder 

und bei Saatchi Art. 

Sie stellt regelmäßig in Galerien und auf 

Kunstmessen aus, so zuletzt in 2017 auf der 

ARTe, Sindelfingen, der Art MUC, München 

und eine Einzelausstellung in der Galerie 

Altes Torfhaus, Dortmund. 

www.atelier-oecking.de

Das wilde Leben I | Mischtechnik auf Papier | 58,5 x 41,5 cm | gerahmt | 2016

Das wilde Leben II | Mischtechnik auf Papier | 58,5 x 41,5 cm | gerahmt| 2016

Das wilde Leben III | Mischtechnik auf Papier | 58,5 x 41,5 cm | gerahmt | 2016

Ich suche und probiere. Mit Marmor hatte 

ich meine Arbeiten begonnen und kehre 

immer wieder gerne zu diesem Material 

zurück - aber mich reizt das Vorwagen in 

noch unbekannte Bereiche: neue 

Materialien, Pappe oder Papier, neue 

Techniken, neue Werkzeuge, neue 

Gestaltungsprozesse. Das Beschreiten 

dieser neuen Wege ist für mich immer 

auch ein Prozess der Selbsterkenntnis, 

meiner Fähigkeiten und meiner Gefühle." 

Hans-Peter Östermann stellt seine Werke 

regelmäßig national, international und auf 

Kunstmessen aus, so. z.B. auf der ARTe 

2016 und 2017. 

Hans-Peter Östermann 

www.hpoestermann.de 

Seinen Weg zur Bildhauerei fand er 2007 

durch ein Seminar bei dem Bildhauer Axel 

Otterbach in Bad Waldsee, welche er bis 

heute, neben anderen Workshops und 

Seminaren, z.B. bei Michael Schützenberger, 

regelmäßig besucht. 

Hans-Peter Östermann selbst bezeichnet 

seine Arbeit als Bildhauer als einen Weg zur 

Selbsterkenntnis. 

"Das spielerische Arbeiten mit Materialien 

und Formen, die handwerkliche Tätigkeit, 

aber auch der Einsatz von kraftvollen 

Maschinen ist es, was mich begeistert.

Blumenwiese | Marmor | 98 x 53 x 2 cm | 2017

Brücke 

Marmor 

26 x 14 x 23 cm 


Große Ferien 

Marmor 

27 x 15 x 33 cm 


erfolgreichem Diplomabschluss bei den Dozent(inn)en 

G. Jäckle, C. Krause, R. Kilian, 

A. Dugin und O. Dugina und einem Rakukurs 

bei Joachim Lambrecht. 

Ute Palmer fokussiert sich in Ihren künstlerischen 

Arbeiten auf die menschliche 

Figur. Ausdruck, Haltung, Gestik und Blick 

der Menschen zu erspüren und in Keramik, 

Stein, Metall und Papier umzusetzen, ist 

ihre große Leidenschaft. 

Ihre Arbeiten zeigen ungeschminkt die Alltagsmenschen 

mit Ihren Macken und Eigenarten, 

es entstehen dabei keine perfekten 

Abbilder, sondern Figuren mit Arbeitsspuren, 

Kanten, Unvollkommenheiten und 

Brüchen. So stehen vor dem Betrachter 

Plastiken, die es je nach Standpunkt 

erlauben, den verschiedenen Lebens- und 

Stimmungslagen der Figuren selbst nachzuspüren 

und Ihre Eigenarten zu entdecken. 

Ute Palmer 

Ute Palmer wird 1963 geboren und setzt 

sich schon früh mit Kunst auseinander, 

während ihre beruflichen Entwicklung in 

einem Sozialberuf stattfindet. Sie beginnt 

2008 einen Mappenkurs an der Freien 

Kunstschule Stuttgart e.V. und studiert im 

Anschluss in den Jahren 2009 bis 2012 an 

der Freien Kunstschule Stuttgart e.V. mit 

Sie ist Mitglied im Kunstverein Remshalden 

und stellt dort regelmäßig aus. Darüber 

hinaus sind ihre Werke regelmäßig in 

Galerieausstellungen zu sehen, so in Jahren 

2014 bis 2016 in der Galerie Kerstan 

und 2016 in der Galerie Forum Türk, Nürtingen. 

www.upsart.de

Frau in Rot | Keramik, lasiert | Höhe ca. 78 cm | 2017

Weitsicht | Keramik, lasiert | Höhe ca. 20 cm | auf Stahlstele Höhe ca. 125 cm | 2017

Tüftler | Keramik, lasiert | Höhe ca. 20 cm | auf Stahlstele Höhe ca. 125 cm | 2017

Im Verlauf ihrer Ausbildung erhielt sie 

zahlreiche Stipendien, u.a. in 2004 Tirol, 

Österreich, Artist in Residence "Kulturlabor 

Stromboli Hall", 2007 in Paris, Frankreich, 

Cité Internationale des Arts, oder in 2008 

New York, USA , Center for the Holographic 

Arts. 

Sie ist Gewinnerin zahlreicher Preise, u.a. 

zuletzt in 2016 in Skopje, Mazedonien, 

Golden Osten Award, Osten, Bienniale of 

Drawing. 

Irena Paskali 

Irena Paskali wurde 1969 in Ohrid, Mazedonien 

geboren. Nach ihrer Ausbildung lebte 

und arbeitete sie zunächst in Skopje und 

siedelte 2004 nach Köln über, wo sie 

seitdem lebt und arbeitet. 

Ihre Werke sind im Museum of Contemporary 

Art Skopje, Mazedonein, im International 

Contemporary Art Center, CAM 

MUSEUM, Cardito, Neapel, Itlaien und in 

der National Gallery of Macedonia, Skopje, 

Mazedonien, zu finden. 

Zahlreiche Gruppen- und Einzelausstellungen 

des letzten beiden Jahrezehnte 

begleiten ihren Weg. 

www.paskali-i.de 

Sie verweist auf eine breite akademische 

Ausbildung und Abschlüsse, u.a. im Jahr 

2000 BFA, Akademie der Bildenden Künste, 

in Skopje, Mazedonien. In 2007 erlangt sie 

einen Abschluss der Kunsthochschule für 

Medien in Köln.

Horizont 2 

Zeichnung auf Karton 

mit mittelalterlicher, neuzeitlicher 

Holzkohle (vor dem 18. Jahrhundert) 


2014 - 2017

Am See 2 





2012

Horizont 1 





2014 - 2017

den unterschiedlichsten Techniken an 

Kunstakademien im In- und Ausland. 

Die Arbeiten der Künstlerin zeigen 

abstrakte Bildräume in verschiedenen 

Schichtungen. Der Anfangsimpuls wird 

dabei stellenweise verdeckt, manchmal 

wieder frei gelegt und gewinnt durch die 

sich verändernde und teilweise beruhigte 

Umgebung an Dynamik. dabei verzichtet 

sie bei ihren neueren Werke auf Titel, um 

zu verdeutlichen, dass es sich um keine 

abbildenden Gemälde handelt. 

Ildiko Passarge 

Ildiko Passarge lebt heute in Reichenbach, 

arbeitet und unterrichtet in ihrem Atelier 

in Esslingen am Neckar. Seit der Jugendzeit 

beschäftigt sie sich mit Zeichnen, Malen, 

Fotografie, absolvierte aber zunächst eine 

kaufmännische Ausbildung. Ab 2000 folgt 

für sie eine intensive Auseinandersetzung 

mit der Aquarellmalerei und gleichzeitig 

Beginn der künstlerischen Weiterbildung 

mit zahlreichen Kursen und Seminaren in 

"Ich arbeite gerne experimentell - selbst 

dann, wenn ich ins Gegenständliche gehe. 

Ich arbeite mit selbst hergestellten Spachtelmassen, 

aus Marmormehl, Schiefermehle, 

Sande. Hinzu kommen Beizen, 

Tuschen, Pigmente und ein paar Geheimrezepte. 

Das Material hat sein Eigenleben 

wenn es auf die Leinwand kommt, sie 

reagieren miteinander oder stoßen sich ab 

und ergeben unerwartete Ergebnisse. " 

Seit 2009 ist sie Dozentin für Malerei im 

eigenen Atelier in Esslingen. Ihre Werke 

stellt sie regelmäßig in Gruppen- und Einzelausstellungen 

sowie Kunstmessen aus. 

Sie ist Mitglied im Kunstverein ARTTRA im 

Spiegel der Kunst, Esslingen. 

www.ildiko-passarge.de

Blue | Mischtechnik auf Leinwand | 70 x 50 cm | 2017

Geheimnisse | Acryl auf Leinwand | 60 x 50 cm | 2015

Gipfel | Acryl Mischtechnik auf Leinwand | 60 x 50 cm | 2014

sie das im Dunkeln liegende Nicht- 

Bewusste und Unsichtbare erkundet und 

den Weg frei macht zum Erschaffen neuer 

Relationen, die zuvor nicht sichtbar waren. 

Mit Marcel Proust meint sie, man muss aus 

dem Schatten das wiedergewinnen, was 

man einst empfunden aber verloren hat. 

Ingrid Pohl 

ist Psychoanalytikerin in eigener Praxis und 

fotografiert seit einigen Jahren fast 

ausschließlich im Bereich der Abstrakten 

Fotografie. In ihren Fotoarbeiten bildet sie 

die Realität nicht ab, sondern bildet sie 

neu, um ihr Geheimnis im Enthüllen 

zugleich wieder zu verrätseln. In ihrer 

Arbeit als Psychoanalytikerin muss sie 

vertraute Verbindungen und eingefahrene 

Seh- und Erfahrungsgewohnheiten auflösen 

und zerreißen, um aus dem Dunkel des 

Unbewussten neue Bilder und Vorstellungen 

auftauchen lassen zu können. 

Als Fotografin arbeitet sie auf die gleiche 

Weise mit der Kamera in der Nacht, indem 

In diesen hier gezeigten neuen Bildern versucht 

Ingrid Pohl, wiedergefundene Gefühle 

der Kindheit umzusetzen in Bilder, die 

zwischen abstrakt und konkret angesiedelt 

sind. Die Glaswand zwischen Kind und Welt 

mahnt uns an existentielle Erfahrungen und 

Gefühle, nie wirklich gesehen werden zu 

können in unserem tiefsten Inneren. Damit 

zeigt sie eine Kindheit, die teilweise den 

gängigen und illusionären Vorstellungen 

von glücklicher Kindheit widerspricht. 

Kindheit bewegt sich unentwegt zwischen 

Angst, Schrecken, Schmerz und Ohnmacht; 

zwischen Lust und Unlust; zwischen 

Neugier und Rückzug; zwischen Abwarten 

und Abtasten, Erkunden, Annähern und 

Begreifen; zwischen ständig wechselnden 

Gefühlen von Alleinsein, Alleingelassensein 

und von glücklichen Momenten des Aufgehoben- 

und des Verbundenseins. 

www.ingrid-pohl.de 

Glaswand 1 - 9 

Fotodruck Photo Rag auf Alu-Dibond 


Glaswand 2 Glaswand 1 

Glaswand 3

Glaswand 6 

Glaswand 4 Glaswand 5

Glaswand 8 Glaswand 7 

Glaswand 9

egleiten. Als Material wählt sie Ton, da er 

wie kein anderes Material geeignet ist, sich 

auf vielfältigste Weise plastisch formen zu 

lassen. 

Alle Objekte sind aus grob schamottiertem 

Ton aufgebaut. Er verleiht der Oberfläche 

der Skulpturen und Objekte eine lebendige 

Struktur. 

Auch die Verwendung der Farben ist für sie 

von großer Bedeutung, vor allem verwendet 

sie Blau, Türkis und Weiß, die Farben 

des Himmels, in allen Schattierungen. 

Blau gilt als magische und zauberische 

Farbe und kann so am besten dazu 

beitragen, meine Ideen zu transportieren. 

Gaby Pühmeyer 

Gaby Pühmeyer wurde 1954 in Stuttgart 

geboren. 1996 bis 1998 Studium an der 

Fachhochschule für Kunsttherapie Nürtingen, 

1998 bis 2004 Studium an der Freien 

Kunstakademie Nürtingen im Bereich Figürliche 

Keramik bei Dora Vàrkonyi. Seit 2004 

Keramikatelier Terra Cara in Esslingen. 

Bei der Gestaltung ihrer Arbeiten lässt 

Gaby Pühmeyer sich von der Welt der 

Mythen und Träume und von der Natur 

inspirieren; ebenso von Symbolen, die seit 

Jahrtausenden die Menschheitsgeschichte 

Seit vielen Jahren beschäftigt sie sich mit 

dem Thema Tier und Mensch, wobei das 

Verhältnis des Menschen zu Tieren und zu 

seiner Umwelt ihre Werke gerade in letzter 

Zeit vermehrt beeinflusst hat. Tiere sind 

nicht nur im Außen für Menschen wichtige 

Symbole, sie können auch wie in Mythen 

und Märchen als Selbstdarstellungen seelischer 

Prozesse verstanden werden. 

objekte-aus-ton.de

Torso 

Keramik 

Höhe ca. 64 cm 

2014

Wie im Traum | Raku Keramik | 24 x 19 x 29 cm | 2015

Springtime | Porzellan | 33 x 20 x 15 cm | 2015

Collagen verarbeitet sie interessante 

Fundstücke die, wenn sie auf den Bildträger 

aufgebracht werden, in Kombination 

mit anderen Werkstoffen ihre Wirkung 

entfalten und dem Betrachter Spielraum 

für eigene Gedanken einräumen. 

Ihre Werke stellt sie regelmäßig in Einzelund 

Gruppenausstellungen aus und präsentiert 

ihre Kunstwerke regelmäßig auf 

nationalen Kunstmessen – so z.B. auf der 

Berliner Liste 2015, der ARTe 2016 und 

2017 oder auch in Galerien, wie 2017 in 

der Galerie TonART in Hombrechtikon bei 

Zürich, Schweiz. 

Ingrid Ruhl 

Ingrid Ruhl beschäftigte sich zu Beginn 

ihrer künstlerischen Laufbahn mit Aquarellen. 

Erst im Jahr 2001, während eines 

einjährigen USA Aufenthaltes, begann sie 

mit neuen Techniken und Materialien zu 

experimentieren und sich der Arbeit mit 

Collagen zuzuwenden. Heute hat sie ihre 

Collagetechniken perfektioniert und präsentiert 

ihre Werke in einer vielfältigen 

Verbindung aus Materialien wie Acryl, 

Pigment, Kohle, Pastellkreide, Wachs und 

Sand. 

Ingrid Ruhl ist Mitglied im Württembergischen 

Kunstverein, Kunstverein Fellbach, 

KunstWerk Fellbach, [Kun:st] International, 

Stuttgart und Kunstverein Ludwigsburg. 

Gerne empfängt sie kunstinteressierte 

Besucher in ihrem Atelier im KunstWerk, 

Fellbach. 

www.ingridruhl.de 

Die Schichtung von Farbflächen, die meist 

abstrakt angelegt sind, geben ihren Bildern 

die Farbigkeit und Tiefe. Bei den jüngeren

Ohne Titel I | Mischtechnik auf Leinwand | 100 x 100 cm | 2015

New York ... 53 | Mischtechnik auf Leinwand | 120 x 80 cm | 2017

In thought with you | Mischtechnik und Collage auf Malkarton | 50 x 50 cm | gerahmt | 2015

Charlotte Sailer 

Charlotte Sailer wurde 1958 in Tübingen 

geboren. Sie lebt und arbeitet heute in 

Rottenburg am Neckar. Zur ihren künstlerischen 

Arbeiten ist Charlotte Sailer über 

die Malerei gekommen. Seit 2008 ist sie als 

Malerin aktiv. 

Ihre Motive malt sie überwiegend in Acryl - 

teilweise gegenständlich, teilweise lösen 

sich die Formen auf. Immer kann man in 

ihren Arbeiten ihre Liebe zur und die 

Anlehnung an die Natur erkennen. 

In den frohen Farben, den Lichtakzenten 

und der Wahl ihrer Motive spürt man ihre 

Verbundenheit mit Flora und Fauna - aber 

viel mehr noch spürt der Betrachter 

förmlich physisch die lebensbejahende und 

positivistische Einstellung der Künstlerin 

zum Leben. 

Eine künstlerische Besonderheit sind Ihre 

Stuhlarbeiten. Aus einer spontanen Idee 

heraus, begann sie alte Sitzstühle nach 

ihren Vorstellungen, Intuition und eigenem 

Design umzuarbeiten. Die Techniken hierzu 

hat sie teilweise selbst entwickelt. Die 

Auswahl der richtigen Materialien, um ein 

altes Sitzmöbel dauerhaft in ein modernes 

Designerstück zu transferieren, war ein 

langwieriger autodidaktischer Prozess, der 

jede dieser Arbeiten zu einem unverwechselbaren 

Einzelkunstwerk werden lässt. 

Ihre Werke stellt Charlotte Sailer regelmäßig 

aus, so z.B. auf der ARTe 2017, vertreten 

durch die Galerie Kerstan. 

carlottavonfildern@web.de 


Tisch und Stühle von Charlotte Sailer als 

Teil der auf der ARTe 2017 gezeigten 

Installation Kafka at Home. 

Kafka Stuhl | Objekt Stuhl, Collage 

2 x ca. 105 x 55 x 55 cm | 2016 

Kafka Tisch | Objekt Tisch, Collage 

ca. 80 x 100 x 100 cm | 2016

Colour in the kitchen | Objekt Stuhl, Collage , Acryl | ca. 105 x 55 x 55 cm | 2017

Flower Power | Objekt Stuhl, Applikationen, Acryl | ca. 110 x 55 x 55 cm | 2017

2013 die Ateliergemeinschaft Raum3plus in 

Korntal. 

Malen bedeutet ihr in erster Linie mit 

ihrem Selbst in Kontakt zu treten. Es ist 

eine Annäherung an ihre eigene Seele. Ein 

Weg nach der Suche des Selbstausdruckes. 

Zu zeigen hier bin ich. Jede einzelne Geste 

wird hier zum Lebenszeichen. 

Gudrun Schattel 

Gudrun Schattel wurde in Stuttgart geboren. 

Farbgestaltung in Wohnräumen und in 

der Natur haben sie schon immer 

fasziniert. 

Eine Feng Shui Ausbildung 2006 in Freiburg 

gaben ihr den Impuls Ihre Malerei wieder 

aufzunehmen und zu vertiefen. Durch 

verschiedene Kurse an der Volkshochschule 

und in einem renommierten Münchner 

Atelier reifte in ihr der Wunsch, das Malen 

von der Pike auf zu lernen. 

Der Kampf, die korrekte Darstellung 

hinter sich zu lassen und mehr und mehr zu 

einer lockeren und abstrakteren 

Farbgebung zu kommen, beschäftigt 

Gudrun Schattel tagtäglich. Die Linien in 

ihren Bildern sind Linien der Natur und 

Linien des eigenen Lebens, Linien der 

Begegnungen und Linien der ständigen Auf 

und Abs im Leben. 

gudrunschattel.de 

Von 2008 bis 2012 studierte Gudrun 

Schattel Malerei und Druckgrafik an einer 

Freien Kunstschule in Stuttgart. Ihr 

Studium hat Sie erfolgreich mit einem 

Diplom abgeschlossen und gründete gemeinsam 

mit zwei weiteren Künstlerinnen

Lebenslinien 3 | Eitempera, Öl auf Holz | 61 x 40 cm | Schattenfugenrahmen | 2016

Lebenslinien 2 

Öl auf Holz 

61 x 40 cm | Schattenfugenrahmen 

2016 

Lebenslinien 1 

Öl auf Holz 

61 x 40 cm | Schattenfugenrahmen 

2016

Lebenslinien 4 | Eitempera, Öl auf Holz | 61 x 40 cm | Schattenfugenrahmen | 2016

Nach mehrjährigem Studium an Freien 

Kunstakademien, u.a. im Meisterstudiengang 

bei Professor Jo Bukowski, widmet sie 

sich heute überwiegend dem Holzschnitt, 

von dem sie sagt: 

„Im Gegensatz zur Malerei stellt der 

Holzschnitt sowohl eine hohe geistige als 

auch eine große körperliche Herausforderung 

an seine Bearbeitung. Ich finde es 

absolut faszinierend zu sehen, welche 

Wirkung das Übereinanderdrucken unterschiedlicher 

Druckstöcke entfaltet und wie 

sich aufgrund verschiedener Drucktechniken 

die Farben vermischen und neue nicht 

vorhersehbare Töne entstehen.“ 

Zwei scheinbar diametral entgegen gesetzte 

Themen ziehen sich durch das Leben 

und das Werk der Künstlerin: zum einen 

das Thema VERWURZELT SEIN und zum 

anderen UNTERWEGS SEIN. Für sie ist das 

eine ohne das andere nicht denkbar. 

Marlis G Schill 

Marlis G Schill, geboren 1947 in der DOCU- 

MENTA Stadt Kassel, kommt nach Studienund 

Arbeitsaufenthalten in Frankfurt/Main, 

Paris und Straßburg 1990 nach Stuttgart, 

wo sie bis heute lebt und als freiberufliche 

Künstlerin arbeitet. 

Seit vielen Jahren arbeitet die Künstlerin 

in ihrem eigenen Atelier mit Druckwerkstatt 

in Stuttgart und stellt national wie 

international erfolgreich in Galerien und 

auf Messen aus. 

Die Erlöse ihrer Arbeiten spendet Marlis G 

Schill regelmäßig an Kinderhilfsprojekte im 

In- und Ausland. 

www.marlisgschill.de

Paradies No 10 

E.A. Holzschnitt 



Monte Scherbelino 




Selbstbehauptung 




Ihre zumeist großformatigen Werke sind 

eine Komposition aus Flächen, Farben und 

Linien, die den Betrachter oft in das Bild 

hineinziehen und ihn eher nachdenklich 

stimmen. Über ihre Motivation zu malen, 

sagt sie selbst: 

"In vielen Schichten trage ich Farbe auf 

und auch wieder ab, um dann in der 

weiteren Bearbeitung wieder Ruhe in das 

Bild zu bringen. Bilder als Spiegel 

gelebten Lebens, nicht gefällig, sondern 

vielschichtig." 

In jüngster Zeit arbeitet die Künstlerin an 

einer Serie expressiver, kontrastreicher, 

farbgewaltiger Gemälde, die ein Beleg 

ihrer Experimentierfreudigkeit und ihrem 

Mut hin zu neuen Techniken und Ausdrucksformen 

sind. 

Ruth Schleeh 

Ruth Schleeh ist bereits seit mehr als 25 

Jahren als freischaffende Künstlerin tätig. 

1986 markiert den Beginn ihrer künstlerischen 

Arbeit. Damals verband sie ihren 

mehrjährigen Aufenthalt in Belgien mit 

ersten künstlerischen Studien in Kohle und 

Aquarell. Zurück in Deutschland nahm sie 

mehrjährigen Privatunterricht. Schnell 

entwickelte sie ihre eigene, unverkennbare 

Technik. 

Ruth Schleeh stellt Ihre Werke seit vielen 

Jahren auf nationalen und internationalen 

Ausstellungen und Kunstmessen aus - so 

z.B. in 2015 auf der Art Innsbruck, der 

Berliner Liste, der Art International in 

Zürich und in 2016 und 2017 auf der ARTe 

Stuttgart und 2016 in der Galerie Kunstraum 

Wien. 

www.ruth-schleeh.com

Nr. 71 


80 x 100 cm 

2012

Nr. 45 | Mischtechnik auf Leinwand | 120 x 80 cm | 2015

Nr. 174 | Mischtechnik auf Leinwand | 120 x 80 cm | 2012

der unterschiedlichsten Art formen das Bild 

und spannen den Bogen zwischen vermeintlicher 

Realitätsspieglung und purer 

Imagination. 

Das Wechselspiel zwischen physischem Malvorgang 

und Emotionen sowie die eigene 

sinnliche Wahrnehmung sind wesentlicher 

Bestandteil im Entstehungsprozess eines 

Bildes. Es sind dynamische Prozesse in 

denen Gertrud Schneider ihren Bildern 

Energie und Spontaneität verleiht. Verschiedenste 

bildnerische Techniken, wie 

Acryl- oder Ölfarben, als Lasur oder in 

pastoser Form werden mit zum Teil natürlichen 

Materialien verarbeitet. 

Gertrud Schneider 

Gertrud Schneider wurde geboren in 

Hermannstadt, Rumänien, Siebenbürgen 

und lebt und arbeitet seit über 30 Jahren 

in Stuttgart. 

Ihre Bilder offenbaren Motive in einem 

Grenzbereich zwischen gerade noch Erkennbarem 

und dem weiten Feld des 

Irrationalen. Greifbar nahe ist die erinnerte 

und gefühlte Natur. 

Den Zauber der Natur hervorzuheben 

schafft sie durch Überlagerungen von Farbflächen 

in miteinander harmonierenden 

Farbtönen. Das Einarbeiten von Strukturen 

Seit 2007 zahlreiche Einzelausstellungen 

und Ausstellungsbeteiligungen im In- und 

Ausland. 

Kunststudien u.a. an der Kunstschule 

Filderstadt, Internationale Dresdner Sommerakademie 

für bildende Kunst und Akademie 

am Bodensee für zeitgenössische 

Kunst. 

www.gertrud-schneider.de 

Rechte Bildseite 

Growth I 


80 x 80 cm | 2016

Growth II | Mixed Media auf Leinwand | 80 x 80 cm | 2015

Growth III | Mixed Media auf Leinwand | 80 x 80 cm | 2015

In ihrem 'Zentrum für kreative Lebensgestaltung' 

begleitet Petra Schoch die Teilnehmer 

durch einen intuitiven Malprozess. 

Dieser ist geprägt von Stimmungen und 

Gefühlen jedes einzelnen Teilnehmers. Die 

Künstlerin genießt selbst diese freie Ausdrucksmöglichkeit. 

Wie ein Neubeginn, eine Geburt, eine tiefe 

Verbundenheit mit dem eigenen Sein, folgt 

sie in ihren Werken dem, was sich im 

Entwicklungsprozess zeigt. Emotionen und 

Gedanken spiegeln sich in ihren Bildern 

wider. 

Petra Schoch 

Seit über 20 Jahren setzt sich Petra Schoch 

in der Kunst mit verschiedenen Techniken 

und Materialien intensiv auseinander. 

Seit 1999 nimmt die Künstlerin regelmäßig 

an Einzel- und Gruppenausstellungen teil. 

Darüber hinaus fertigt sie Auftragsarbeiten 

von Firmen und Privatkunden aus dem Inund 

Ausland an. 

www.kreativraum-nordheim.de 

Auf der Leinwand entstehen Werke experimenteller 

Acrylmalerei zwischen leuchtender 

Farbigkeit und bewusster Reduktion. 

Durch Weiterbildungen bei namhaften 

Künstlern und in freien Kunstakademien 

sowie durch Autodidaktik erlernte die 

zertifizierte Mal- und Ausdruckstherapeutin 

neue Sichtweisen expressiven Schaffens. 

Zahlreiche Schichten von Farbkombinationen 

bis hin zum pastosen Materialauftrag 

prägen ihre Bilder.

Bild oben: 

Point Zero 


80 x 120 cm | 2015 


Was sein darf I 


60 x 60 cm | 2017 


Was sein darf II 



nah sind und innerlich doch weit weg, sich 

fremd sind oder entfremdet haben, gefangen 

sind in Beziehungen, Konventionen 

oder der eigenen Fantasie. Ihn inspirieren 

Gesichter, Gesichter aus der Straßenbahn 

oder beim Einkaufen, aus Illustrierten oder 

Filmen und meist sind es die ungewöhnlichen, 

auffallenden, nicht gängig schönen 

Gesichter, die ihn zu einem Bild anregen. 

Dietmar Schönherr 

Dietmar Schönherr ist 1960 in Weingarten 

geboren, lebt und arbeitet in Hechingen. 

Dort betreibt er sein Atelier mit Galerie, 

ein ehemaliges Ladengeschäft als Werkstatt 

und Ausstellungsraum. 

Seit 25 Jahren ist er künstlerisch tätig, 

zunächst mit Zeichnungen und Aquarellen, 

später mit Acryl, experimenteller Malerei 

und Druck. Schwerpunkt seiner aktuellen 

Arbeiten ist Malerei zum Thema Köpfe und 

Körper, entfremdet, skurril, teils surrealistisch, 

teils expressiv. Es sind Bilder mit 

Köpfen von Frauen und Männern, von 

Paaren, die sich lieben, sich suchen, sich 

Die Köpfe sind unter den Aspekten Liebe, 

Verträumtheit und Intimität, Sehnsucht 

und Suche nach Wärme versus Schuldzuweisung 

und Anklage, Resignation und Abwehr, 

gar Verachtung und Geringschätzung 

des Partners oder Distanz zu betrachten. 

Die dazugehörigen Titel der Bilder verstärken 

diesen Eindruck und hinterlassen Fragen 

beim Betrachter oder lösen diese auf. 

Die neuen Arbeiten sind überwiegend expressiv 

gehalten. Dabei wird der ungebundene 

Umgang mit Formen und Farben deutlich. 

Es geht ihm nicht um wahrheitsgetreue 

Nachbildung von Köpfen und 

Menschen, sondern im Vordergrund steht 

der subjektive Eindruck des Künstlers. 

Seine Bilder waren bereits in zahlreichen 

Ausstellungen deutschlandweit zu sehen. 

Öffentliche Aufkäufe von seinen Arbeiten 

erfolgten durch das Regierungspräsidium 

Tübingen, die Bundesanstalt für Digitalfunk 

Berlin und den Landkreis Zollernalb. 

www.schoenherr-kunst.com

Sunny | Mischtechnik auf Holz | 80 x 60 cm | 2016

Crazy Woman | Mischtechnik auf Kaffeesack | 50 x 50 cm | 2017

Raining Man | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2017

Soussen 

„DAS GEHEIMNIS DER KUNST LIEGT DARIN, 

DASS MAN NICHT SUCHT, SONDERN 

FINDET.“ Kein anderes Zitat als dieses von 

Pablo Picasso beschreibt den Werdegang 

von Soussen besser. 

So vielfältig ihre bisherigen beruflichen 

Stationen waren, so vielfältig entwickelte 

sich ihr kreatives Potential. Soussen 

faszinieren Strukturen. Haptische Oberflächen. 

Alte Wände. Der Querschnitt von 

Steinen und Edelsteinen. Der Zerfall, aus 

dem was Neues entstehen kann, ohne den 

traditionellen Charakter zu verlieren. Mit 

Marmormehl und Sumpfkalk kann sie diese 

reliefartigen Oberflächen kreieren. Sie entscheidet 

sich lediglich welche Farbpalette 

sie nutzen möchte, der Rest entsteht im 

Dialog mit dem Material. 

Wo und wie entstehen Risse? Was bleibt 

haften, was sprengt ab, wie entwickeln 

sich Farben im Schaffensprozess? All das 

kann sie nur bedingt beeinflussen. Dadurch 

bleibt das Arbeiten spannend. 

Die Technik der Intuitiven Prozessmalerei 

(entwickelt von Ihrer Lehrerin Gabriele 

Musebrink) gibt Soussen die nötige Basis 

um das Gespürte umzusetzen. 

Geboren 1967 in Mülheim an der Ruhr als 

Susanne Iris Fornasier lebt Soussen zurzeit 

mit ihrer Familie in Schwaig bei Erding. 

Von 2010 bis 2014 war sie abwechselnd in 

Schwaig und in Doha, Qatar am arabischen 

Golf ansässig. 

Zu sich und ihrer Kunst sagt sie selbst: "Ich 

sein. Mich wiederfinden in meinen Bildern. 

Mit all seinen Gegensätzen und Widersprüchen. 

Mal auf den Punkt gebracht 

hervorragend, mal chaotisch unerklärbar. 

Aber immer ich.“ 

www.soussen.de

Travelling Elephant | Mixed Media Collage auf Papier | 60 x 50 cm | gerahmt im Passepartout | 2017

You've been watched! 

Mixed Media Collage auf Papier 



Gloria | Mixed Media Collage auf Papier | 60 x 50 cm | gerahmt im Passepartout | 2017

Seit 2000 umfangreiche Aus- und Weiterbildungen 

zum Bildhauer bei verschiedenen 

Künstlern und renommierten Kunstschulen. 

Sein künstlerisches Betätigungsfeld sind 

Groß- und Kleinskulpturen aus Holz, Bronze 

und Kunststoff, Raum-Installationen und 

Malerei in Acryl und Mischtechniken. 

Seit 2009 Atelier im Künstlerhof Rottenburg. 

Ausstellungen im In- und Ausland. 

Mehrfach auf internationalen Kunstmessen 

vertreten. 2014 Bundesverdienstkreuz für 

soziales Engagement. 

Hans-Werner Stahl 

Hans-Werner Stahl wurde 1943 geboren, 

studierte Betriebswirtschaft mit Abschluss 

als Diplom-Kaufmann und Promotion. Er 

hatte verschiedene Führungspositionen in 

der Industrie und wurde als Professor für 

Rechnungswesen an die European School of 

Business Reutlingen (ESB Reutlingen) 

berufen. Nebenbei studierte er Kunstgeschichte. 

Sein Leitsatz ist: „Dem Leben Form geben“ 

und er selbst sagt weiter: „Ich möchte 

Situationen, Emotionen und Eindrücke des 

Lebens so einfangen dass der Betrachter 

davon berührt wird und bei meinen Werken 

verweilen möchte. Meine Skulpturen 

aus Holz, Bronze und Kunststoff und auch 

meine Gemälde beziehen sich daher 

immer auf einen konkreten Ausdruck, 

seien es z.B. Freude, Angst, Berühren, 

Ruhen, Träumen oder auch Verzweiflung. 

Eben alles, was das Leben bietet.“ 

Die hier gezeigten Werke entstammen aus 

einer breit angelegten Serie, die in den 

unterschiedlichsten Ausführungen im Atelier 

des Künstlers zu bewundern sind. 

www.bildhauer-stahl.de

Auge 52 

Acryl auf Kunststoff 

35 x 24 x 11 cm | 2017

Blick ins Atelier Hans-Werner Stahl

Lippe 5 


35 x 24 x 11 cm | 2010 

Lippe 35 



In expressiv-abstrakten, meist informellen 

Arbeiten – oft mit kraftvoller Gestik – 

fokussiert sie auf die Farbe, aus der heraus 

sich spannungsvolle Kompositionen entwickeln. 

Mit ihren leuchtenden Farben üben die 

meist großformatigen Werke eine starke 

Anziehungskraft auf den Betrachter aus. 

Anja Stemmer 

Anja Stemmer lebt und arbeitet freischaffend 

in München. 

Die Materialität der Farbe und die Dynamik 

des Farbauftrags sind die beiden Dimensionen, 

die ihr Arbeitsgebiet in der Malerei 

abstecken. Als Gegenpol zur Dynamik der 

Algorithmen, die den digitalen, oft virtuellen 

Raum prägen, setzt sie in ihrer Malerei 

Bilder voller physischer Präsenz und haptischer 

Qualität. 

Anja Stemmers Werke sind in privaten 

Sammlungen in Deutschland und Österreich, 

der Schweiz, Großbritannien sowie 

in den USA und Costa Rica zu finden. 

Die Künstlerin stellt ihre Werke regelmäßig 

auf nationalen und internationalen Ausstellungen 

und Kunstmessen aus: 2017 u.a. auf 

der Visions /Anima Mundi, Venedig, 2016 

im Kunstraum Wien, der „Underwater 

Worlds“ in London, die Affordable Art Fair 

Brüssel sowie Galeria Gaudi, Madrid. 

www.stemmer.info

Blue Window | Acryl auf Leinwand | 60 x 50 cm | 2016

Bright Landscape 


50 x 60 cm 

2016

Mystic Landscape 


50 x 60 cm 

2016

Dies gilt auch für ihre Werke, in denen sie 

Mensch und Landschaft zusammenbringt. 

Das Auflösen von Grenzen, das Verwischen 

der Motive und das Entstehen von 

Unschärfe verleiht den Bildern etwas 

Geheimnisvolles, es weckt Erinnerungen 

und verführt den Betrachter zum Träumen. 

Als Norddeutsche liebt Anja Struck das 

Meer. So hat sie es sich in zahlreichen 

Werken zum Thema gemacht. Auch in 

diesen Werkreihen nutzt sie die Technik 

des Verwischens. Es entstehen Bilder mit 

großer atmosphärischer Dichte. 

Anja Struck 

Geboren 1961 in Hamburg, studierte Anja 

Struck Freie Malerei an der Muthesius 

Kunsthochschule Kiel, anschließend Kunstpädagogik 

in Lüneburg und Grafik- und 

Design in Hamburg. Später vervollkommnete 

sie ihre Malerei durch ein zweijähriges 

Studium bei Prof. Dr. Markus 

Lüpertz. 

Schon als junge Frau war sie fasziniert von 

der Porträtmalerei. Heute verleiht sie 

ihren Porträts mit spannendem Licht- und 

Schattenspiel eine faszinierende Lebendigkeit. 

Sie selbst sagt über Ihre Kunst: "Der 

Mensch - seine Mimik, seine Gestik, der 

Blick, die Stimmung, die ihn umgibt. Gefühle. 

Gedanken. Das ist es, was mich 

fasziniert. Die Welt, in der wir leben, 

verändert sich in rasender Geschwindigkeit. 

Klar geglaubte Grenzen befinden 

sich in Auflösung. So auch in meiner 

Malerei. Der Mensch in Bewegung ist ein 

weiterer Schwerpunkt in meinen Arbeiten. 

Als Resultat der künstlerischen Studien erleben 

die Betrachter, wie Grenzen im Bild 

verschwimmen, Unschärfen entstehen, 

Motive verwischen, Momente verfliegen." 

www.anja-struck.de

spaziergang mit hund 


40 x 100 cm 

2014

osa horizont 


100 x 40 cm 

2014

luftsprung 


40 x 100 cm 

2015

Grundthema ihrer Malerei ist die Liebe zum 

Leben. So entstehen Momentaufnahmen 

vor dem Hintergrund gesammelter Erlebnisse 

und Erfahrungen aus dem Alltag, dem 

Banalen und verdichten sich zu Geschichten. 

Die Arbeiten thematisieren die vielfältigen 

Aspekte des menschlichen Seins, 

ihr Wesen und deren Beziehungen und 

Ambivalenzen zu- und untereinander. Die 

Umgebung, der Bildraum lässt sich nicht 

einfach Stereotypen zuordnen, abstrakte 

und gegenständliche Elemente durchdringen 

den Bildraum und geben in diesem 

Spannungsfeld den Blick frei auf inneres 

und äußeres Erleben. 

Marita Tobner 

1961 in Ulm geboren und aufgewachsen, 

hat Marita Tobner die Kunst in jeder 

Lebensphase begleitet. Über die Zeichnung 

und Fotografie ist sie schließlich zur 

Malerei gekommen. Von 2005 bis 2015 hat 

sie an zahlreichen Kunstkursen und 

Workshops Freie Malerei der Ulmer Schule 

(Künstlergilde) und der Kunstakademie Esslingen 

teilgenommen. 

Eine kraftvolle Farbgestaltung, die Verwendung 

verschiedenster stilistischer Mittel 

und Techniken, sowie die Dynamik der 

Grafik erzeugen neue vielschichtige Geschichten 

mit Details, die anderen 

verborgen bleiben. Die Arbeiten entstehen 

seriell in Mischtechnik (Acryl, Öl, Holzoder 

Linolschnitt, Collage, Malerei und 

Zeichnung). 

Marita Tobner ist Mitglied in den Kunstvereinen 

Neu-Ulm, Senden, Künstlergilde 

Ulm, Kun:st International Stuttgart, 

Crossart International Köln, sowie der 

Freien Künstlergruppe Ulm/Neu-Ulm. 

www.marita-tobner.de

Schwäbische Alb I | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2015

Schwäbische Alb II | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2015

Schwäbische Alb III | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2015

Über ihre Kunst sagt sie selbst: „Wenn 

Menschen meine Kunst sehen, möchte ich, 

dass Sie Glück, Harmonie und eine 

Leichtigkeit fühlen. Ich möchte, dass sie 

träumen…“. 

Ihre Gemälde, Collagen und Fotografien 

entstehen überwiegend in der einzigartigen 

Atmosphäre auf Santorini: Umgeben von 

Sonne, Wind, Licht und kristallklarem 

Wasser der Ägäischen Inseln. Dabei lässt sie 

sich von der Natur, der Witterung ausgesetzten 

Wänden, Steinen und Altmetallen 

oder Büchern inspirieren. Das Auge des 

Betrachters kann über das Bild gleiten, um 

zu entdecken, welche Farben, Strukturen 

und Rhythmen in ihm Emotionen wecken. 

Sabrina Venturi 

1957 in Stuttgart geboren, absolviert 

Sabrina Venturi ein Textildesignstudium bei 

Prof. Leo Wollner an der Staatlichen Akademie 

der Bildenden Künste Stuttgart. 

Anschließend arbeitet sie mehrere Jahre 

als Designerin und Coloristin. Seit 2009 ist 

sie als freie Künstlerin tätig. Sie lebt und 

arbeitet in ihrem Atelier in Sindelfingen 

und auf Santorini, Griechenland. 

Die hier präsentierten Werke zeigen nicht 

die für die Künstlerin sonst kennzeichnenden 

pastelligen Farbverläufe und die 

sonst zarten grafischen Strukturen, sondern 

hier weicht die Künstlerin ab zugunsten 

einer kräftigen ausdrucksstarken Formensprache. 

Inspiriert von den Steinen, 

der Lava und der Erde der Insel Santorini 

arbeitet sie hier mit erdigen Farbtönen und 

konzentriert sich auf die Reduktion von 

verbindenden Strukturelementen. 

www.sabrinaventuri.com 


Connection 1 

Mixed Media auf Holzkasten 


Connection 2 | Mixed Media auf Holzkasten | 50 x 50 x 3 cm | 2017

Connection 3 | Mixed Media auf Holzkasten | 50 x 50 x 3 cm | 2017

emotionale Reisen, lebendig und vital. Die 

konsequente Titelgebung selbst bei den 

hochabstrahierten Werken ermöglicht Zugang 

im ästhetischen, emotionalen und 

intellektuellen Bereich. 

„Von Bedeutung für meinen sehr persönlichen 

Zugriff auf Kunst ist sicherlich 

auch, dass ich nach meinem Kunststudium 

in Siegen und Neuß viele Jahre als 

Kunsterzieherin gearbeitet habe. Etwas zu 

vermitteln erfordert eine ganz besondere 

Form der Verinnerlichung, es ist ein 

eigenständiger Prozess der Erkenntnis!“ 

Dorothee Vermaaten 

Für Andy Warhol ist „die abstrakte Malerei 

die schwierigste Form der Malerei!“ 

Mit Ausnahme von Australien sind die 

Werke von Dorothee Vermaaten in allen 

Kontinenten ausgestellt worden, mit 

Schwerpunkt Europa. 

www.dorothee-vermaaten.de 

Für Dorothee Vermaaten ist abstraktes 

Malen erst einmal eine besondere Form der 

künstlerischen Herausforderung. 

„Bleibt alles anders“ war also nicht nur 

der Titel ihrer ersten Einzelausstellung, es 

ist ihr ganz persönliches und künstlerisches 

Credo: Bekanntes fremd und Fremdes 

kenntlich machen! 

Malen in diesem besonderen Spannungsfeld 

aus Licht und Farbe: Farb.Licht.Bilder,

Katharsis | Acryl Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2015

Blaumann | Acryl Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2012

Andy W | Acryl Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2014

Das Fehlen fester sozialer Strukturen und 

seine direkte Umgebung, die von Selbstzerstörung 

und Aussichtslosigkeit geprägt war, 

nutzt Loz Verney als Antrieb und Inspiration 

für seine künstlerische Arbeit bis 

heute. 

Seine Sujets sind geprägt von der Umgebung, 

in der er aufgewachsen ist. Er 

verarbeitet die urbanen Eindrücke seiner 

Kindheit. 

Der erste Eindruck der Kälte und Bedrohlichkeit 

wird von seinen Bildern provoziert. 

Er bietet zweidimensionale Betrachtungsmöglichkeiten 

seiner Bilder: vordergründig 

durch bedrohliche Hochhäuser und 

dunkle Gestalten mit fratzenähnlichen 

Gesichtern wird die Sicht der Außenstehenden 

und der öffentlichen Meinung, 

geprägt durch Vorurteile, gespiegelt. 

Loz Verney 

Loz Verney wird 1973 in London geboren 

und wächst in Roehampton im Londoner 

Süden auf. Eine Gegend, die auch heute 

noch zu den sozialen Brennpunkten dieser 

Metropole gehört. Als Erstgeborener unter 

vier Geschwistern trägt er früh Verantwortung 

für seine Familie und sich. 

Tatsächlich aber ermöglichen diese Werke 

dem Betrachter einen sehr persönlichen 

Einblick in die Wahrnehmungen, Erfahrungen 

und Erlebnisse von Loz Verney. Werte 

wie Freundschaft, Zusammenhalt und 

Glaube, sowie die Unterschiedlichkeit der 

Menschen und Kulturen waren zentrale 

Themen seines sozialen Mikrokosmos. 

www.lozverney.com

Bad girls give me a hard on | Öl auf Leinwand | 60 x 40 cm | 2017

Honesty | Öl auf Leinwand | 60 x 40 cm | 2017

I'm hard to live with | Öl auf Leinwand | 60 x 40 cm | 2017

Eva Vogt entwickelt und sucht immer 

eigene, neue Wege. In der abstrakten 

Malerei experimentiert sie mit den 

unterschiedlichsten Materialien und gibt 

jedem ein Mitspracherecht. 

"Realität, Traum und Experiment treffen 

aufeinander in ewiger Suche nach mir 

selbst. Im Zentrum meiner Bilder steht 

der Mensch im Vordergrund, seine Gefühle, 

seine Schicksale, seine Schmerzen, 

seine Erfahrungen, Hoffnungen, Träume, 

Emotionen, die sich in dem Gesichtsausdruck 

und der Körperhaltung spiegeln. 

Eva Vogt 

Eva Vogt ist 1954 in der ehemaligen Tschechoslowakei 

geboren, aufgewachsen in Bratislava 

und seit 1989 lebt sie in Deutschland. 

Talent, Interesse und Leidenschaft 

zur Malerei bekam sie von ihrem Vater. Ihre 

frühe künstlerische, akademische Ausbildung 

musste Eva Vogt durch den plötzlichen 

Unfalltod beider Eltern unterbrechen. 

Sie studierte in der Folge Mathematik und 

Informatik und arbeitete jahrelang als 

Softwareentwicklerin. Erst seit 2011 kann 

sich Eva Vogt wieder der Kunst und ihrem 

Traum widmen. 

Diese Bilder zeigen nicht nur das positive, 

schöne, harmonische, sondern provozieren 

oft, zwingen zum Nachdenken, schockieren, 

bewegen, bedrücken. Es faszinieren 

mich die Kontraste und Spiele zwischen 

Licht und Schatten, zwischen Helligkeit 

und Dunkelheit, zwischen Realität, Traum 

und Experiment." 

Eva Vogt ist seit 2013 freiberufliche Künstlerin, 

Mitglied im Badischen Kunstverein 

in Karlsruhe, Galerie Alpha7 in Weisweil, 

[Kun:st] International in Stuttgart, KITZ 

ART, Kunst- und Kulturverein Kitzbühler in 

Österreich, Kunstraum Neureut in Karlsruhe 

und Artoffer. Sie stellt regelmäßig 

national und international aus. 

www.art-eva-vogt.de

Gemeinsam 



2016

Sinnlichkeit mit rotem Hut | Mischtechnik auf Leinwand | 50 x 50 cm | gerahmt | 2015

Schau mich an | Mischtechnik mit Paraffin auf Leinwand | 80 x 60 cm | gerahmt | 2016

Michael Weick 

1951 in Ulm an der Donau geboren, aufgewachsen 

in Freiburg und seit 1975 in 

Backnang zu Hause. Schon im Schul- und 

Jugendalter gehörte künstlerisches und 

handwerkliches Arbeiten zu seinen Hobbys. 

Anfang der 90er Jahre entstanden aus 25 

Fichten auf dem Grundstück seines Hauses 

die ersten Skulpturen. In mehreren Schulungen, 

Kursen und Workshops unter 

anderem bei der Firma Hiss, bei Edwin Karl 

und bei Reiner Anwander eignete sich 

Weick die verschiedenen Fertigkeiten und 

Techniken der Gestaltung von Skulpturen 

aus Baumholz an. 

Michael Weick ist heute als freischaffender 

Künstler tätig. Seine Skulpturen stehen im 

öffentlichen Raum unter anderem auf dem 

Skulpturenpfad in Weissach im Tal und im 

Biergarten Hofgut Hagenbach in Backnang. 

Er selbst sagt über sein Arbeiten: "Kreatives 

Schaffen am Holz bringt ein Höchstmaß 

an innerer Zufriedenheit mit sich. 

Ideen entwickeln sich, reifen, werden über 

die Zeit zu konkreten Projekten. Immer 

spannend, besonders am Anfang, wenn die 

ersten Schnitte mit der Kettensäge ins 

Holz angesetzt werden." 

Michael Weick nimmt regelmäßig an Kunstmessen 

teil und zeigt seine Werk mehrfach 

im Jahr in Gruppen- und Einzelausstellungen. 

2013 und 2016 war Weick erfolgreicher 

Teilnehmer beim Internationalen 

Holzbildhauer Symposium in St. Blasien im 

Schwarzwald. 

Arbeiten von Weick werden dauerhaft in 

Galerien in Deutschland und in der Schweiz 

vertreten. 

www.kunst-am-holz.de

Verdrehung | Kirsche | Höhe ca. 122 cm | 2016

Apfel 

Esche, bemalt Acryl 

ca. 40 x 40 x 90 cm 

2017 

Lilie 

Kiefer, bemalt Acryl 

Höhe ca. 185 cm 

2016

Fusilli | Esche | Höhe ca. 131 cm | 2017

Nach der Gründung der eigenen Werbeagentur 

widmete sie sich stark der Kunst 

und trat in Kunstvereine ein. Ideeunterstützend 

für ihre Werke sind oft die Dinge 

aus der Natur, die uns meist profan 

erscheinen, beim genauen Hinsehen 

erkennt man wunderschöne Farb- und Formenspiele. 

Petra Wenski-Hänisch 

Seit ihrer Kindheit pulsiert die kreative und 

ideenreiche Ader der Diplom Designerin 

(FH), freischaffenden Künstlerin, Dozentin 

und Konzeptkünstlerin. 

4 1/2 Jahre lernte sie im kreativen Studium 

in Trier talentiert und intensiv die 

Grundkenntnisse und den Umgang mit 

verschiedenen Materialien in den Kunstund 

Theoriefächern. Ihre Schaffensfelder 

sind im Bereich Design und Kunst. Sie 

wurde Artdirektorin und Atelierleiterin in 

verschiedenen Werbeagenturen. 

Im Schaffensprozess reflektiert sie gefühlsbetonte 

Momentaufnahmen der emotionalen 

Kommunikationsformen zum Betrachter. 

Die einzigartigen Silberguss-Skulpturen 

wurden im Wachsausschmelzverfahren hergestellt, 

wobei das Material Silber die Wertigkeit 

der menschlichen Emotionen anhand 

der Wertigkeit des Materials, aus natürlicher 

Herkunft, in ihren Kunstszenerien 

zum Ausdruck bringen. Im Aluminiumguss 

versinnbildlicht sie die Synthese aus allem 

und verschmilzt es zu einem Ganzen. 

Petra Wenski-Hänisch präsentiert ihr kreatives 

Schaffen auf den unterschiedlichsten 

Ausstellungen und Kunstmessen, wie z. B. 

die ARTe Kunstmesse, Sindelfingen, die 

Biennale Sindelfingen und Mitgliederausstellungen 

ihrer Kunstvereine [KUN:ST] 

International, Kunstverein Böblingen und 

Kunstverein Herrenberg. Darüber hinaus 

organisiert sie „Schüler-Ausstellungen“ resultierend 

aus ihrer Dozententätigkeit. 

www.Atelier-Regenbogenkunst.de

cogitantium - nachdenklich | Aluguss, coloriert | 18 x 15 x 10 cm | 2017

amandi - liebend 

Silberguss, coloriert auf Schieferstein 

27 x 12 x 8 cm 

2017 

simul - zusammen 

Silberguss, coloriert auf Schieferstein 

19 x 4 x 10 cm 


ascendentes - aufsteigend | Silberguss, coloriert auf Schieferstein | 23 x 23 x 9 cm | 2017

Hierbei arbeitet sie mit einer speziellen 

App. Diese erzeugt einen Retroeffekt, der 

mit Fotografie auf Film im Sinne der 

Vintage-Art vergleichbar ist. 

Die Künstlerin sieht den resultierenden 

Effekt beim Blick durch den Sucher der 

Kamera noch nicht und muss den Moment 

abwarten, bis die Bilder quasi entwickelt 

sind. 

Es gibt keine nachträgliche Möglichkeit der 

Bildmanipulation bei diesem Prozess. Die 

ausgewählten Arbeiten von Judith Wermter 

lassen drei Vorlieben ihrer Motivauswahl 

erkennen: Perspektiven, Strukturen und 

Spiegelungen. 

Die Komposition hat in der Regel eine 

strenge Anordnung. Die subjektive Wahrnehmung 

in Kombination mit dem Verfremdungseffekt 

bestimmt die Wirkung ihrer 

Kunst. Die Künstlerin verbindet hier 

moderne Technik mit traditioneller, analoger 

Fotografie – Neues mit Vergangenem. 

Judith Wermter 

Judith Wermter lebt und arbeitet im Ruhrgebiet. 

Nachdem sie sich langjährig mit der 

klassischen Fotografie beschäftigt hat, spezialisierte 

– und reduzierte – sie sich vor 

fünf Jahren ausschließlich auf die iPhone- 

Fotografie/AppKunst und entdeckte das 

optimale Ausdrucksmittel ihrer Kunst. 

Alle hier gezeigten Werke sind Teil einer 

auf jeweils 10 Stück limitierten Edition. 

www.judith-wermter.de

Spiegelung 2 | Echter Fotoabzug auf Alu-Dibond hinter Acryl | 60 x 60 cm | 2015



Ihr ehemaliger Kunstlehrer erkannte und 

förderte ihr künstlerisches Talent. Nach der 

Schulzeit intensivierte Ute Wilde-Regel ihre 

künstlerische Ausbildung und absolvierte 

Praktika und belegte Schulungen an unterschiedlichen 

Lehreinrichtungen. 

Vor einigen Jahren wurde sie durch den 

Münchner Galerist M. Maulberger motiviert, 

mehr in die Öffentlichkeit zu gehen 

und ihre Kunstwerke auch zu präsentieren. 

Seitdem stellt die Künstlerin ihre Werke 

regelmäßig aus. 

Ute Wilde-Regel 

Ute Wilde-Regel wurde 1971 in Essen geboren. 

1984 zog sie mit ihrer Familie nach 

Bayern. Nach dem Realschulabschluss absolvierte 

sie erfolgreich eine Ausbildung 

zur Schauwerbegestalterin, in der ihre 

Kreativität gefordert und gefördert wurde. 

Ihre künstlerische Ader wurde ihr schon 

durch ihre Eltern, die beide Goldschmiedemeister 

sind, in die Wiege gelegt. Gestalten, 

malen und zeichnen waren von 

daher in ihrem elterlichen zu Hause eine 

Selbstverständlichkeit. 

Zunächst waren die von ihr genutzten 

Werkstoffe Acrylfarben auf Holz, inzwischen 

ist die Leinwand zu ihrem bevorzugten 

Untergrund geworden, wobei sie 

sich dabei nicht mehr nur auf Acrylfarben 

beschränkt. Ihre Experimentierfreudigkeit 

hat sie die verschiedensten Techniken 

austesten lassen und im Zuge dessen hat 

sie ihre Liebe zu intensiven, lebensbejahenden 

Farben entdeckt. 

Unterstützung, Inspiration und Rückhalt 

hat sie dabei immer durch ihre vier Männer 

(drei Söhne und ihr Mann) erhalten. Sie 

ermöglichten ihr auch Aufenthalte im Ausland, 

die ihrem künstlerischen Schaffen 

neue Kraft und Inspiration gaben. 

www.ute-wilde.de

Blumenstrauß | Acryl auf Leinwand | 40 x 40 cm | 2016

Mosaik | Acryl auf Leinwand | 50 x 50 cm | 2016

Papageienfedern | Acryl auf Holz | 77 x 77 cm | 2016

und Mischtechnik hat sie in Kursen und 

Workshops bei unterschiedlichen KünstlerInnen 

absolviert. 

Sie malt gerne verschiedene Techniken und 

Materialien. Den Schwerpunkt ihrer Arbeit 

hat sie in Landschaften, Berge zu allen 

Jahreszeiten und im Bereich der abstrakten 

Darstellungen gefunden. Diese sind 

durch harmonische Farbauswahl und deren 

Komposition geprägt. 

In ihrer Arbeit lässt sie sich häufig von der 

persönlichen fotografischen Momentaufnahme 

inspirieren. Häufig spiegeln sich 

aktuelle Themen in den Motiven der 

abstrakten Bilder wider. 

Ketsela Wubneh-Mogessie 

Ketsela Wubneh-Mogessie, geboren in Addis 

Abeba, Äthiopien, lebt und arbeitet heute 

in Graz, Österreich. Nach ihrem Studium 

der Betriebswirtschaftslehre begann sie 

sich intensiver mit der Malerei zu 

beschäftigen. Ihre malerische Ausbildung in 

den Bereichen Aquarelle, Öl, Acryl, Collage 

"Mich faszinieren die sich ständig sichtbaren 

Veränderungen der Natur. Sie geben 

mir viele Gestaltungsmöglichkeiten und 

inspirieren mich dadurch zu neuen 

Arbeiten. Als Künstlerin gehe ich an 

verschiedene Orten. Ich denke nach, 

beobachte Landschaften sowie Menschen 

und deren Kultur. Meine künstlerische 

Arbeit ist für mich ein Ausdrucksmittel 

meiner Gedanken- und Gefühlswelt." 

Sie stellt ihre Werke seit vielen Jahren in 

Einzel- und Gruppenausstellungen im Inund 

Ausland aus. 

africacuisine.wordpress.com

Explosiv II 


50 x 70 cm 


Memory 


50 x 70 cm 

2011

Harmonie 


50 x 70 cm

Yumpu_Merry_Christmas_Katalog_2017_Softcover

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