Kunstpreis_2018

© Copyright: 2018 Andreas Kerstan
Umschlaggestaltung, Illustration: Katharina Bühler
Lektorat, Korrektorat: Andreas Kerstan
Verlag: Kunst Stuttgart International e.V. | Breitscheidstraße 48 | 70176 Stuttgart
Druck: Wir machen Druck, Backnang
ISBN: 978-3-947408-08-5
© Copyright Fotos: liegen beim jeweiligen Künstler des abgebildeten Werkes
Das Werk, einschließlich seiner Teile, ist urheberrechtlich geschützt. Jede Verwertung ist ohne Zustimmung
des Verlages und des Autors unzulässig. Dies gilt insbesondere für die elektronische oder sonstige Vervielfältigung,
Übersetzung, Verbreitung und öffentliche Zugänglichmachung.

[KUN:ST] Preis 2018
Kunst Stuttgart International e.V. mit Sitz in Stuttgart ist ein 2015 gegründeter gemeinnütziger,
internationaler Kunstverein mit rund 250 Mitgliedern aus 15 Ländern (Stand 1.
März 2018).
Es gehört zu den wichtigen Zielen des Vereins, den Mitgliedern auf nationaler und internationaler
Ebene Ausstellungs- und Präsentationsmöglichkeiten zu verschaffen, jedem
einzelnen Mitglied Unterstützung zur persönlichen und künstlerischen Weiterentwicklung zu
bieten und damit in Summe die Künstler bei ihrer professionellen Selbstvermarktung zu
begleiten.
Zur Unterstützung dieser Ziele veranstaltet [KUN:ST] International in 2018 seinen zweiten
Kunstwettbewerb unter dem Thema Alles Illusion. Während der erste Wettbewerb im Jahr
2017 ein offener Wettbewerb für alle Künstler aus dem In- und Ausland war, ist die
Teilnahme an dem Wettbewerb 2018 auf Mitglieder des Vereins beschränkt.
Der [KUN:ST] Preis 2018 wurde in drei Kategorien ausgeschrieben: Malerei, Grafik / Digitale
Medien / Fotografie und dreidimensionale Arbeiten. In diesem Ausstellungskatalog sind die
66 eingereichten Arbeiten der teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler aus [KUN:ST]
International mit Hinweisen zu den Künstlern selbst und deren Kommentaren zu ihren
Arbeiten zu finden. Alle 66 Kunstwerke wurden in einer Kunstpreisausstellung auf der ARTe
2018 in Sindelfingen gezeigt. In jeder der drei Wettbewerbskategorien wurde durch die Jury
ein [KUN:ST] Preis 2018 vergeben.
Der Vorstand von [KUN:ST] International und die Jury beglückwünschen die Teilnehmer zu
dieser besonderen Kunstpreisausstellung und wünschen Ihnen für ihren weiteren künstlerischen
und persönlichen Weg alles erdenklich Gute.
Stuttgart | März 2018
Andreas Kerstan
Erster Vorsitzender
Kunst Stuttgart International e.V.

TEIL 1
DIGITAL / FOTOGRAFIE / GRAFIK
CHAPTER 1
DIGITAL / PHOTOGRAPHY / GRAPHIC

Ihr Credo lautet: "Suche, finde, lebe,
liebe, genieße Deine Leidenschaft. Ich
lebe meine Leidenschaft und spüre dabei
das volle Leben."
Thea Bayer-Rossi
Thea Bayer-Rossi lebt und arbeitet im
Raum Heilbronn und Bad Rappenau. Mit
einem mehrjährigen Studiengang "Bildende
Kunst" in Nürnberg konnte sie sich nach
ihrer Management Tätigkeit in einem
großen Unternehmen einen Herzenswunsch
erfüllen. Diesen lebt sie in ihren großzügigen
Atelier- und Galerieräumen in
vollen Zügen und mit Leidenschaft aus.
Die Künstlerin experimentiert gerne mit
verschiedenen Materialien und kombiniert
unterschiedliche Techniken. Sie hat eine
große Bandbreite an künstlerischen Ausdrucksmitteln;
z.B. Acryl- und Ölmalerei,
digitale Kunst, Druckgraphik und Objektkunst
(Skulpturen für innen und außen).
Ihre Bildwelten sind Auseinandersetzungen
mit Gesehenem und Erlebtem.
Die Künstlerin ist Mitglied in verschiedenen
Kunstvereinen und präsentiert ihre Kunst
regelmäßig national und international sowie
in der eigenen Galerie.
www.atelierbonarthe.de

Frau mit Illusionen
Fotografie, digital bearbeitet
45 x 80 cm | 2017

und anderen bildnerischen Mitteln. Im Jahr
2014 schloss sie in Hamburg ein Fernstudium
in Fotodesign mit dem Abschluss
als Diplom Fotodesignerin ab.
Ihre Technik besteht aus abstrakter, kreativer
Fotografie, verbunden mit Malerei,
Scherenschnitten, Folien und Lichtquellen
und Themen aus dem täglichen Leben. Um
zu einer entsprechenden Bildaussage zu
kommen, arbeitet sie in Zyklen.
Monika Bendner
Monika Bendner wurde in Berlin geboren.
Bereits in jungen Jahren setzte sie sich mit
der Malerei auseinander, bevorzugt unter
Verwendung landschaftlicher und figuraler
Motive.
Ihre künstlerische Kompetenz auf dem
Gebiet der Malerei baute sie durch
mehrere Kunstkurse an privaten Kunstschulen
in München aus und erweiterte ihr
Spektrum durch die Bereiche Radierung
und Zeichnung.
Seit 2007 arbeitet sie aktiv in einem
Kreativteam mit gestaltender Fotografie,
manueller Bildbearbeitung, mit Acrylfarben
Seit 1998 stellt Monika Bendner ihre Arbeiten
regelmäßig national und international
aus. In 2016 u.a. mit der LDX Galerie,
Berlin, auf der LA Art Show Los Angeles
(USA) und der Art Fair Shanghai (China) und
mit der Galerie Kerstan, Stuttgart, auf der
ART Expo New York (USA).
In 2014 gewann Monika Bendner den Internationalen
Prijs Gemeente Tervuren, Belgien
und in 2017 den [KUN:ST] Preis 2017 von
[KUN:ST] International in dem Bereich Grafik,
Fotografie, Digital Composing.
„Meine Vorstellung zum Thema Alles Illusion
ist die, dass es Stationen im voll erblühten
Rosen-Leben gibt, die nicht mehr
zurückkehren, aber auch aus einer verblühten
Rose kann noch etwas Schönes
werden.“
www.monikabendner.com

Rose 1
Echter Foto-Abzug hinter Acrylglas Metallic
50 x 60 cm | 2017

künstlerischen Fähigkeiten sowie seine Leidenschaft
für die Fotografie. Nach seinem
Jurastudium versuchte er sich zunächst als
Fotograf, entschied sich aber für eine
Karriere als internationaler Banker in
London und New York. Erst vor Kurzem entdeckte
er seine Passion für die Fotokunst
wieder, inspiriert durch ein Wiedersehen
mit dem weltbekannten Fotografen
Andreas Gursky, einem Freund aus seiner
Jugendzeit.
Jochens Fotokunst basiert darauf, Objekte
aus verschiedenen Winkeln aufzunehmen
und die Bilder dann mittels Computer-Software
zu bearbeiten, ohne ihr Wesen und
ihre Vielschichtigkeit zu verfremden. Der
Betrachter seiner Bilder soll stets das abgelichtete
Objekt wiedererkennen können.
Neue, kreative post-production Techniken
wie Blur und Pixsort, die er zum Teil selbst
entwickelt hat, sind ein bedeutender Bestandteil
seiner Arbeit geworden, verbunden
mit lebhaften Farbmanipulationen.
Die Werke von Jochen Cerny wurden
bereits in unterschiedlichen Ausstellungen
in London, Hongkong und in Deutschland
gezeigt.
Jochen Cerny
Jochen Cerny, geboren in Düsseldorf, entdeckte
bereits in jungen Jahren seine
www.cerny-photography.com
Stuttgart II
Fotografie
100 x 100 cm | 2017

Seit 1997 kreiert sie Farb- und Formstrukturen
und setzt dabei musikalische
Merkmale bildhaft um.
2006 begann sie mit Acrylglas zu arbeiten
und entwickelte neuartige Formen von
Objekten und Bildern. Diese zeigen durch
die Bearbeitung des Materials individuelle
Wirkungen, die auch von wechselnden
Spiegelungen der Umgebung abhängig sind
und den Ausdruck von »Musik im Raum«
vergegenständlichen. Formen, Strukturen
verdichten sich und lösen sich schwebend,
mit dem Licht, Schatten und dem Betrachtungswinkel
spielend, wieder auf. Außerdem
beschäftigt sie sich auch mit künstlerischer
Fotografie.
Heidemarie Fruth
Heidemarie Fruth wurde in Böblingen geboren
und lebt und arbeitet seit 1985 in
Echterdingen. 1987 begann ihre intensive
Beschäftigung mit Malerei und Radiertechnik
und von 1995 bis 2004 folgten
Studien in Malerei, Zeichnen, Drucktechniken
und Holzbildhauerei an der
Städtischen Kunstschule Filderstadt u.a.
bei Hannes Steinert, Christian Wulffen,
Thomas Ruppel, Ingo Hoffmann, HWP
Diedenhofen.
Sie ist seit 2003 Mitglied bei den Künstlern
der Filder, seit 2016 in [KUN:ST] International
und seit 1999 Vorsitzende des
Fördervereins der Städtischen Kunstschule
Filderstadt. Seit 1990 zeigt sie ihre Arbeiten
in regelmäßigen Einzel- und Gruppenausstellungen
auf nationaler und internationaler
Ebene, u.a. in Stuttgart, Mainz,
Berlin oder Kopenhagen. Ihre Arbeiten befinden
sich in privaten Sammlungen und im
öffentlichen Raum.
www.fruth-le.de

l'usine fuyante | Fotografie auf Aludibond | 90 x 60 cm | 2017

Mit Geduld, Genauigkeit und vor allem
Experimentierfreude öffneten sich für die
Künstlerin neue Wege im Bereich Holzschnitt.
Die Holzschnitte von Josiane
Ginter überraschen schon auf den ersten
Blick durch ihre beeindruckende Größe.
Das einzige Motiv darauf sind überwiegend
Frauengestalten mit stark gestreckten Proportionen,
die eine spröde Eleganz ausstrahlen.
Die Monumentalität der schönlinigen,
fast ornamentalen Darstellung wird
unterstützt durch die farbige Behandlung
der Flächen. Durch eine besondere Technik
beim mehrfachen Einwalzen der Druckstöcke
entstehen vielfältige Strukturen, die
den Druck in die Nähe der Malerei bringen.
Josiane Ginter
Josiane Ginter hat erst vor einigen Jahren
den Weg zur Kunst gefunden. Sie schrieb
sich im Jahr 2013 im berufsbegleitenden
Kunststudium an der Kunstakademie Trier
ein und wollte ihre Maltechniken verbessern.
Doch während des Studiums stellte
sich schnell heraus, dass die Malerei nicht
ihre Bestimmung war. Anstelle dieser trat
der Holzschnitt immer mehr in den Vordergrund
und wurde zur Passion.
Die Künstlerin arbeitet mit der Positiv- und
der Negativform der ausgesägten Holzplatte
und sie fertigt nur Unikate an. Der
intensive Arbeitsprozess fordert ihren ganzen
mentalen und körperlichen Einsatz,
der sich in der intensiven Wirkung der
Großformate zeigt.
Josiane Ginter stellt ihre Werke auf
nationalen und internationalen Ausstellungen
und Kunstmessen aus. Sie ist die
Besitzerin einer alten Kirche, die sie sowohl
als Atelier als auch als Ausstellungsraum
nutzt.
www.artistinderkirche.com

„Im Laufe des Studiums lernte ich Holzschnitt
kennen und schätzen.
Die Werkstücke wurden immer größer und
immer bunter, schlussendlich kommen sie
der Malerei gleich. Kopflastigkeit mag ich
nicht, aber Bodenständigkeit, weshalb
meine Figuren kleine Köpfe aber große
Füße haben, manchmal auch große Hände.
Wegen dem Gleichgewicht der Gesamtkomposition
auch lange Beine. Ich finde
meine Inspiration beim Yoga, Ballett und
Tanz.“
Josiane Ginter
Die Aufwärmung
Holzschnitt, Druck auf Holz
200 x 60 cm | 2017

Landschaft, Architektur, der Mensch und
auch der abstrahierte Zusammenhang sind
seine Sujets.
Zu dem eingereichten Werk kommentiert
der Künstler: „Die Faszination der großen
Stadt, die Wirkung der Architektur, die
gewissermaßen ihr Atmen bestimmt,
lassen mich immer wieder dieses Thema
aufgreifen.
Dr. Hans-Dieter Ilge
Dr. Hans-Dieter Ilge ist Textilfärber und
Photochemiker. Seine Faszination für Farbstoffe
hat sowohl sein wissenschaftliches
als auch sein künstlerisches Tun getragen.
Sein erster Mal-und Zeichenlehrer war der
Glauchauer Spätexpressionist Fritz Keller.
Später eignete er sich autodidaktisch verschiedene
Techniken an. Die Druckgrafik
hat es ihm angetan, und hier besonders das
alte Verfahren der Aquatintaradierung sowie
die Lithografie und der Holzschnitt.
Mit der Aquatinta-Technik besteht ein hervorragendes
Mittel, verschiedene Architektur-Bestandteile
verallgemeinernd miteinander
wirken zu lassen. Neben anderen
Terror verwundeten Städten ist sowohl
Paris, Brüssel und nun auch Berlin
zuzurufen: "La consternation et la chagrin,
faites la paix!“.
www.artoffer.com/hans-dieter-ilge
Im Druckgrafik-Atelier Berlin Prenzlauer
Berg sowie in der Radierwerkstatt Freilassing
konnte er intensiv experimentieren.
Seit 2006 stellt er regelmäßig expressivrealistische
Druckgrafik, Mischtechnik mit
Pastellkreide und Acryl und Ölbilder
national und international aus.

La consternation...
Aquatinta Radierung, 3 Platten
45 x 70 cm | 2017

Studienreisen in Ländern wie Iran, Japan,
Asien, USA, Australien und Länder Mittelund
Südamerikas. Einzel- und Gruppenausstellungen
in Galerien, Teilnahme an Kunstmessen
weltweit (Art Miami, Art Shanghai),
Museumsausstellungen unter anderem im
Frauenmuseum Bonn, 6th Goyang Festival
Seoul oder im MOCA Museum of Contemporary
ART, Peking.
Ihre Inspiration schöpft sie aus dem
Weltgeschehen. Durch das Spiel mit den
Farben, Techniken und Materialien kommunizieren
ihre Bilder auf einer gefühlvollen
und philosophischen Ebene mit dem
Betrachter und laden ihn zu eigenen Assoziationen
und Träumen ein.
JOHannaS
JOHannaS war bis 2003 selbstständige
Unternehmerin sowie in verschiedenen
Führungspositionen bei internationalen Unternehmen
tätig. Seit 1994 befasst sie sich
mit Kunst, Schwerpunkt Experimental-Art,
Mediale Kunst und Konzeptkunst. Ihr persönlicher
Stil basiert auf verschiedenen,
künstlerischen Studiengängen in Malerei,
Druckgrafik und experimenteller Kunst.
Fremde Länder und Völker sind ihr großes
Interesse und haben auch in ihren Bildern
ihren Ausdruck gefunden. Kultur- und
JOHannaS ist Mitglied in zahlreichen Kunstvereinen
und -verbänden, so u.a. im SGBK
(Schweiz Gesellschaft Bildender Künstlerinnen),
Swissart.net, IG Archiv Ostschweizer
Kunstschaffen, St. Gallen, SIKART, Schweiz
und [KUN:ST] International.
„Schmetterlinge suchen das Licht, immer
der Sonne entgegen. Aus Abertausenden
von kleinen Schmetterlingsbildern entsteht
mosaiksteinartig ein Gesamtbildnis.
Dieses zeigt die Sonne, Himmel, Erde und
Wurzeln auf dem Weg zur Freiheit. Oder
ist alles Illusion?“
www.johanna.ch

Der Sonne entgegen - Schmetterling Mosaik Unikat | Photopainting Mosaik, Plexiglas | 120 x 80 cm | 2017

wie „vom Urknall bis zum Weltuntergang“
auseinander. Parallel dazu setzte er die
Themen in Projektwochen mit Kindern und
Jugendlichen um.
Aus gesundheitlichen Gründen musste er
das Arbeiten mit Farben aufgeben und
setzte von nun an wieder mehr die Kamera
ein, mit der er sich den Zugang zur digitalen
Kunst verschaffte.
Ein Markenzeichen des Künstlers sind seine
aufwendigen Städtecollagen, die als Gastgeschenke
auf der ganzen Welt in den
Partnerstädten zahlreicher Metropolen
Deutschlands bewundert werden können.
Karl-Heinz Kalbhenn
Karl-Heinz Kalbhenn wurde 1950 in Langen
bei Frankfurt am Main geboren, er zeichnete
mit fünf Jahren schon Gesichter, mit
zehn Jahren konnte er schweißen. Auf
Pressspanplatten entstanden erste Ölgemälde
und im Alter von 15 Jahren nahm er
erstmalig an einer öffentlichen Ausstellung
teil.
Die Kunst begleitet ihn bis heute. Er suchte
und sucht immer wieder die Herausforderung.
In den 90iger Jahren setzte er
sich auf Ausstellungen immer wieder in
Form von Aktionen und mit Installationen
Seit 2010 erstellt er am PC komplette
dreidimensionale Bilder, die durch den
Direktdruck auf Alu-Dibond dann auch
fühlbare Konturen erhalten. Karl-Heinz
Kalbhenn präsentiert seine Kunst regelmäßig
in Einzel- und Gruppenausstellungen
auf nationaler und internationaler
Ebene.
Nebenbei organisiert er städtische Kulturevents,
zu denen er Einzelhandel, Gastronomie,
Künstler und Vereine zusammenbringt.
Unter anderem wurde ihm auch für
dieses Engagement die Auszeichnung
Kulturpreisträger der Stadt Rodgau verliehen.
www.kalbhenn-info.de

Motiv 16 | digital Art auf Aludibond | 100 x 70 cm | 2016

zur Verwendung unterschiedlichster Materialien.
Thematisch hat sie sich in der
Anfangszeit, angeregt durch ihr Studienfach
Physik, noch mit einer Vielfalt von
Themen beschäftigt.
"Vor ca. zehn Jahren kam das erste selbstgewählte
Thema: der Kosmos. Dieses
Thema beschäftigte mich mehrere Jahre,
denn die Darstellung von Licht auf schwarzem
Untergrund stellte eine große Herausforderung
dar. In jüngster Zeit arbeite ich
mit einem PC-Programm, was technisch
andere, neue Werkzeuge bietet und nur
erfolgversprechende Ergebnisse bringt,
wenn man malerische Erfahrung hat."
ka.rol@t-online.de
Dr. Käthe Karcher-Rollwage
Dr. Käthe Karcher-Rollwage ist schon seit
ihrer Studienzeit nebenher künstlerisch
tätig. Es begann mit Kursen in Zeichnen
und Aquarell malen, dann verschiedene
Drucktechniken ( Hoch-, Tiefdruck sowie
Lithografie), später Malerei und Skulptur.
Seit etwa 10 Jahren ist sie Mitglied in einer
Ateliergemeinschaft und seitdem selbstständig
künstlerisch tätig. Ihre Freude am
Experimentieren führte sie zu verschiedensten
Techniken der Acrylmalerei und
Eden
Direktdruck auf Alu-Dibond
Unikat | 100 x 100 cm | 2017

Mit der Lichtmalerei hat sie den Pinsel mit
der Kamera vertauscht. Die Kamera dient
als Malmittel, das an Aquarell-, Pastell-,
Pop- und abstrakte Malerei bis hin zur
Tuschemalerei erinnert.
Die Grenzen von Fotografie und Malerei
verschmelzen. Jedes Werk ist ein Unikat,
denn es lässt sich nicht wiederholen. Es
gibt nur den einzigen unwiederbringlichen
„Klick“! An ihren Arbeiten ist alles pure
Fotografie.
Christa Klebor
Die freischaffende Künstlerin Christa
Klebor lebt und arbeitet in Stuttgart. Von
Kindheit an malt und fotografiert sie. Ihre
Weibs-Bilder wurden national und international
ausgestellt und haben bereits
deutschlandweit, in Spanien und Australien
ein neues Zuhause gefunden. Bei
unterschiedlichen Institutionen und an der
Kunstschule in Stuttgart hat sie ihre fotografischen
und malerischen Kenntnisse vertieft.
Ihre Lichtmalerei zeigt die tiefen Schichten
des Moments unserer Realität auf. Jeder
Moment ist anders, auch wenn es uns nicht
so erscheint, weil wir oft nur auf die
großen, groben Dinge achten. Ihre Arbeiten
zeigen auf, das alles fließt, sich bewegt,
pulsiert - von einem Moment zum anderen.
Das ist Leben, das ist lebendig - wie die
Künstlerin selbst.
Die Lichtmalerei ist ein fotografischer
Augenöffner, vor dem der Betrachter Abstand
von der Bilderflut gewinnt, vor dem
man eine Pause einlegt - und vielleicht
durch eine neue Sichtweise anders auf die
Dinge schaut.
www.ck-fotoladen.de

Es ist nicht das, was du denkst
Lichtmalerei, Kaschierung unter Acrylglas
50 x 70 cm | 2017

aufzuschwingen, alles entgleitet. Goethe
schuf damit ein starkes Sinnbild und eine
für viele Kontexte zutreffende Redeweise:
„Die ich rief, die Geister, werd ich nun
nicht los.“
Jugendlicher Übermut und anmaßende
Überschätzung führen immer wieder zur
Illusion der Beherrschbarkeit. Schnell entwickelt
das einmal in die Welt Gesetzte
sein Eigenleben und nicht immer eilt ein
Meister herbei, der das böse Ende abwendet.
Jörg Kraus
Jörg Kraus ist in Rottweil aufgewachsen
und lebt heute in Heidelberg. Schon in
jungen Jahren war er an Ausstellungen
beteiligt, wandte sich dann aber in
Studium und Beruf zunächst der Kulturwissenschaft
zu.
Das Bild konzentriert sich auf die
Ambivalenz des Zauberlehrlings, dessen
Haltung sowohl befehlend als auch
huldigend interpretiert werden kann. Kaum
erkennbar ist am Besen noch ein Schild von
Amazon erkennbar, ein versteckter Hinweis
darauf, welche Geister hier gerufen wurden.
www.joerg-kraus.com
In dem breiten Themenspektrum das er
bearbeitet, sind die Aspekte des Austausches
an Grenzen und Übergängen
immer wieder erkennbar.
Der Zauberlehrling erzählt die Geschichte
eines Lehrlings, dem beim Versuch, sich
zum Meister eines dienstbaren Besens
Der Zauberlehrling
Fotografie
60 x 60 cm
2017

Das Interesse für die Fotografie begleitet
sie zwar schon viele Jahre, wobei erst die
experimentelle oder besser gesagt gestische
Fotografie auch bekannt als „camera
painting“ sie wirklich in ihren Bann gezogen
hat.
Susanne wurde 1959 in Bad Harzburg in
Niedersachsen geboren wo sie auch heute
wieder in der Nähe von Göttingen lebt. Sie
wuchs im Rhein-Main-Gebiet auf und lebte
und arbeitete später sowohl in Frankfurt
am Main als auch in München und mehrere
Jahre an der Ostküste in den USA. Sie war
während ihrer beruflichen Laufbahn bis
heute in unterschiedlichen Bereichen der
Wirtschaft tätig, angefangen mit ihrer Ausbildung
zur Fremdsprachenkorrespondentin
über die Weiterbildung zur Fachwirtin
Tagungs-, Kongress- und Messewirtschaft
bis hin zum Fachhochschulstudium Tourismusbetriebswirt.
Susanne Lyoubi-Burk
Susanne Lyoubi-Burk ist Autodidaktin und
setzt sich erst seit einiger Zeit intensiv mit
dem Thema „künstlerische Fotografie“
auseinander.
Nicht zuletzt inspiriert durch das Thema
ihrer Abschlussarbeit „Kulturtourismus“ begann
Susanne sich vor nicht ganz eineinhalb
Jahren mehr und mehr für ihr unmittelbares
kulturelles und künstlerisches
Umfeld zu begeistern.
Sie selbst sagt: „Viele der spannenden und
kreativen Werke, die ich immer wieder
entdecke, regen mich zu meinen eigenen
fotografischen Arbeiten an“.
kunst-scheune.de/photo-gallery-susannelyoubi-burk

World Trade Centre Oculus | Fotografie | 120 x 80 cm | 2017

Nach mehrjährigem Studium an Freien
Kunstakademien, u.a. im Meisterstudiengang
bei Professor Jo Bukowski, arbeitet
die Künstlerin heute überwiegend im Bereich
der Druckgrafik, wobei sie sich dem
Holzschnitt und der Radierung gleichermaßen
widmet. Dazu sagt sie:
„Holzschnitt und Radierung, also Hochdruck
und Tiefdruck, stellen zwar unterschiedliche
Anforderungen an die Herstellung,
aber das Druckergebnis ist bei
beiden stets auch für mich als Künstlerin
überraschend. Jede meiner Arbeiten entsteht
als einmaliger Handabzug und ist ein
Unikat. Insofern sind meine grafischen
Arbeiten mit meiner Malerei verwandt.“
Marlis G Schill
Marlis G Schill, geboren 1947 in der
DOCUMENTA Stadt Kassel, kommt nach
Studien- und Arbeitsaufenthalten in Frankfurt
/ Main, Paris und Straßburg 1990 nach
Stuttgart, wo sie bis heute lebt und als
freiberufliche Künstlerin arbeitet.
Marlis G Schill stellt ihre Arbeiten seit
vielen Jahren regelmäßig auf internationalen
Kunstmessen und in Galerien aus,
u.a. Art Karlsruhe (2018), ARTe Sindelfingen
(2018), Luxemburg ART Fair (2017),
Art Market Budapest (2017) oder Art Fair
Milano (2016).
In 2017 nahm sie erfolgreich an jurierten
Ausstellungen zum Thema FRIEDEN (Galerie
Kerstan) und zum Thema WASSER (Galerie
Dengler und Dengler) teil.
Die Erlöse ihrer Arbeiten spendet Marlis G
Schill regelmäßig an Kinderhilfsprojekte im
In- und Ausland.
www.marlisgschill.de

Schöne neue Welt No 2
Holzschnitt Unikat
40 x 62 cm | 2017

Movement aber auch der Pictorialismus,
alles künstlerische Ausdrucksmittel der
Fotografie, nahmen sie in ihren Bann. Seit
2012 ist die Fotografie für Betty Schmidt
eine Art Sprache, mit der sie ihre
Gedanken und Gefühle zum Ausdruck
bringen will und weniger die äußere
Wirklichkeit.
Reales, Gegenständliches verbannt ihre
Phantasie. Alle Erinnerungen an allzu
Konkretem sind ausgelöscht, sobald sie den
Auslöser der Kamera drückt. Den Bruchteil
einer Sekunde nutzt sie, um mit vollem
Körpereinsatz zu fotografieren. Körper und
Kamera sind eine Einheit und ihre Werkzeuge,
ein neues Abbild des Gesehenes zu
schaffen, etwas was zwischen den
Augenblicken liegt, etwas, was nie wieder
kommt.
Betty Schmidt
Betty Schmidt ist zeit ihres Lebens Autodidaktin.
Nach langjähriger Arbeit im EDV-
Bereich, der nur durch Wahr-Falsch,
Schwarz-Weiß oder Eins-Null geprägt ist,
sehnte sie sich nach Farbe. Dies war der
Beginn ihrer künstlerischen Tätigkeit.
Durch Zufall entdeckte sie, dass es möglich
ist, auch mit der Kamera „zu malen“.
Gestische Fotografie, Intentional Camera
Um den malerischen Charakter der Fotografien
zu verstärken, werden die Arbeiten
auf Leinwand mit einer edlen, matt seidig
glänzenden Oberflächenstruktur ausgedruckt
und auf Keilrahmen aufgezogen.
Betty Schmidt wird seit 2015 ständig durch
die Galerie TonArt AG, Hombrechtikon,
Schweiz, vertreten.
betty-schmidt.de

Der rote Briefkasten
Gestische Fotografie
Intentional Camera Movement
Print auf Leinwand
53 x 80 cm | 2017

TEIL 2
MALEREI
CHAPTER 2
PAINTINGS

Ihre Bilder werden von der Leuchtkraft der
Farbe dominiert, sie sind spontane und
sehr farbkräftige Schöpfungen, die zwischen
abstraktem Spiel und Bilderfindung
hin- und herpendeln. Oft finden sich in
ihren Bildern Dinge, die nur angedeutet
sind und unterschiedliche Assoziationen
hervorrufen können - seien es Figuren,
Gesichter oder Szenen. Häufig tauchen
diese erst nach längerer oder mehrmaliger
Betrachtung auf - um beim nächsten Mal
wieder im Abstrakten zu verschwinden.
Dadurch erreicht Susanne Beckh, dass der
Betrachter sich mit ihren Bildern
beschäftigt und nicht satt wird, sie
anzuschauen.
Abgesehen von den völlig abstrakten
Kompositionen lassen ihre Bilder meist
Landschaften oder Landschaftsszenen,
aber auch Figürliches oder Pflanzenmotive
erkennen oder zumindest erahnen.
Susanne Beckh
Susanne Beckh wurde in Düsseldorf
geboren und lebt und arbeitet heute in
Esslingen am Neckar. Nach dem Studium
und Tätigkeit als Realschullehrerin u.a. für
Kunst, ist sie heute als freischaffende
Künstlerin tätig.
Zur eingereichten Arbeit kommentiert die
Künstlerin: „So eine schöne Landschaft!
wird mancher beim ersten Anblick des
Bildes ausrufen. Schaut man aber genauer
hin, wird man feststellen, dass der Schein
trügt.
Man entdeckt überall die Verschmutzung
von Land, Wasser und Luft.“
www.susannebeckh.de

So eine schöne Landschaft!
Acryl mit Collage auf Leinwand
35 x 70 cm | 2017

jedes einzelnen Gesichtes. Kleine Gesten,
Augenblicke des Innehaltens faszinieren die
Künstlerin.
Ein Muster von horizontalen Bewegungen,
die auch innerhalb der Gesichter nicht ihre
Richtung ändern, tauchen wiederkehrend
in den Werken auf. Darüber erschafft
Alexandra Birschmann aus klaren Linien ein
Porträt, das den jeweiligen Farbkanon
aufnimmt und Transparenz zulässt,
wodurch ein ganz eigener Ausdruck
entsteht. Farbe und Form ziehen sich in
spannendem Kontrast an und ergänzen sich
zu einem lebendigen Werk.
Alexandra Birschmann
Was ist real? Wir sehen unsere Welt mit
unserem persönlichen Filter. Empfindungen
beeinflussen unsere Entscheidungen und
unser Handeln. Es entstehen eigene
Wahrheiten, die doch nur Illusion sind?
Alles ist möglich, eine Täuschung oder der
Antrieb für Veränderung?
Menschen stehen im Mittelpunkt der
Arbeiten von Alexandra Birschmann. Nicht
die Interaktion mit der Gesellschaft oder
außergewöhnliche Ereignisse sind ihr
wichtig. Sie interessiert sich für die Mimik
Alexandra Birschmann ist in Bückeburg in
Niedersachsen geboren. Sie arbeitete
zunächst als Goldschmiedemeisterin und
Schmuckdesignerin im In- und Ausland.
Nach Abschluss eines vierjährigen Kunststudiums
in Mainz ist sie als freischaffende
Künstlerin in Rheinhessen tätig.
www.alexandra-birschmann.de
Only in my mind
Acryl auf Leinwand
100 x 80 cm | 2017

Berndt Bojé geht davon aus, dass das Geheimnisvolle
im Sichtbaren und nicht im
Unsichtbaren liegt. Er sieht etwas in der
Natur oder von Menschen Geschaffenes und
durch seine Inspiration, im Unterbewußtsein,
entsteht ein sich langsam ordnendes
Chaos. Der Künstler fühlt, wie sich ein Bild
entwickelt, wie es sich langsam ordnet.
Dieses Gefühl nun auf die Leinwand in Öl
festzuhalten ist schwer für den Künstler,
soll doch die ursprüngliche Vitalität und
Lebendigkeit erhalten bleiben. Der Künstler
selbst sagt: „...wenn man eine Wand
streichen will und den ersten Pinselstrich
ausführt, von dieser Vitalität dieses
Pinselstriches spreche ich; und nicht von
der fertigen, in gleichmäßigem Farbauftrag
fertigen Wand, denn diese besitzt
keine Lebendigkeit mehr. Also muss ein
Künstler kämpfen, dass diese Vitalität
dem Bild bis zum finalen Pinselstrich erhalten
bleibt.“
Berndt Bojé
Berndt Bojé erblickte am 16. Juli 1953 in
Hohenlimburg das Licht der Welt. Dieses
Licht mit all seinen Farben hat ihn so
beeindruckt, dass er beschloss, Maler zu
werden. Nach vielen Irrwegen hat er es
letztendlich geschafft, dieser Berufung
nachgehen.
Und zu dem Werk: „Schaut man lange
genug in die Blüte, den Blütenkelch, mit
den langen Reihen von gelben Fingern,
welche aus dem bleichbläulichen Boden zu
sprießen scheinen, und dem lichten Weg
hinein in den Kelch, ahnt man ein dunkelblauviolettes
Geheimnis.“ (nach Hermann
Hesse)
berndtart.de

Geheimnis der Lilie | Öl auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2017

Mohrer lernt zaubern“ oder 2004 Illustrationen
für Kindergeschichten in dem Onlineprojekt
Bücherwürmchen.
Neben der Familie und Beruf als Fachinformatikerin
widmet sie sich seit 2014
ganz intensiv der Malerei. Mit großer Begeisterung
entwickelt sie bis heute ihre
künstlerischen Fähigkeiten und Techniken
auf Kursen und Kunstreisen bei regionalen
und überregionalen Künstlern weiter.
Sabine Brandenburg
Sabine Brandenburg ist 1964 in Laupheim
geboren und lebt seit fast 30 Jahren in
Ehingen bei Ulm.
Seit 1995 beschäftigt sie sich mit der
Malerei. Es entstanden erste Kinder- und
Tierporträts, und sie entwickelte Illustrationen
für Buchprojekte, so z.B. 1996
Buchillustration für das Kinderbuch „Herr
Sabine Brandenburg engagiert sich aktiv im
Tierschutz und dieses Engagement bestimmt
die Sujets ihrer künstlerischen Arbeit:
„Meine Bilder entstehen meist nach
eigenen Fotografien, da ich als Hundebesitzer
viel in der Natur unterwegs bin. Ich
liebe die Natur, bin ehrenamtlich im
Tierschutz tätig und Mitglied in mehreren
Tierschutzorganisationen. Tiere liegen mir
sehr am Herzen, darum findet man sie oft
in meinen Bildern, aber auch das, was ich
verabscheue, wie mit Lebewesen und der
Natur umgegangen wird, kommt bei mir
auf die Leinwand.“
sbrandenburg.de
Blue
Mischtechnik auf Leinwand
80 x 80 cm | 2017

leichte Aquarelle bis hin zu Ölmalerei.
Aber eines war schon immer da, die
Faszination für die Porträt- und Kirchenmalerei
alter Meister und die Liebe zur
Fantasy Literatur. Also verlieh sie ihren
ersten Protagonisten Flügel aus Glas oder
in Pastellnebel gekleidet und so schickte
die Künstlerin sie nach Mittelerde.
Elisabeth Burmester
Die Künstlerin wurde 1974 in Isny im Allgäu
geboren und lebt dort mit ihrer Familie.
Malen ist für Elisabeth Burmester das
Hinübergleiten in eine andere Welt, eine
Seelenwelt, eine Traumwelt. Es ist wie das
Lesen eines Buches, bei jedem Bild entsteht
eine Geschichte.
Als sie sich 1998 entschloss das Malen zu
einem Teil ihres Lebens zu machen, wusste
sie noch nicht, wohin der Weg sie führt.
Deshalb stand am Anfang das Experimentieren
mit den verschiedensten Materialien
und Farben im Vordergrund. Ob Glas, Gips
oder Holz alles kam zum Einsatz. Auch mit
Spraydosen und Airbrush wurde experimentiert.
So entstanden die unterschiedlichsten
Kunstwerke von Glasarbeiten über
Pastellmalerei, Acryl-, Strukturarbeiten,
Heute, fast 20 Jahre später, ist es immer
noch der Mensch der Elisabeth Burmester
fasziniert und immer wieder zu neuen
Bildern inspiriert. Sie sind immer noch
voller Fantasy, aber leidenschaftlicher,
farbiger und lebendiger geworden. Der
Mensch verwoben im kühlen Blau eines
Schmetterlings oder gefangen im feurigen
Rot der Abendsonne.
In jüngster Zeit bevorzugt die Künstlerin
als Technik die Ölmalerei und ihre Sujets
sind Menschen in Verbindung mit der Natur.
Seit 1999 folgten zahlreiche Einzel- und
Gemeinschaftsausstellungen in Isny, Wangen,
Bad Waldsee, Wolfegg, Aulendorf,
Leutkirch, Bad Wurzach, Innsbruck und
Stuttgart. Sie ist Mitglied in [KUN:ST]
International und Kitz Art, Kunst- und
Kulturverein Kitzbühel.
www.burmester-art.de

Traumwind | Öl auf Leinwand | 120 x 80 cm | 2017

Unser Gehirn schafft es ein Bild unserer
Außenwelt herzustellen, aber auch eine
ganz eigene Vorstellung von uns selbst als
Individuum zu erzeugen. Ist das Ich nur
eine Illusion, welches sich aus neuronalen
Netzwerken, Dendriten, Axonen und
Synapsen zusammensetzt? Oder gibt es
noch eine andere Seite?
In „Imagination“ beschäftigt sich Petra
Conte-Sansi mit dem Menschen an sich,
seiner individuellen Wahrnehmung der
Außenwelt, seiner Gefühls- und Traumwelt
und der Reaktionen auf bestimmte
(Lebens)ereignisse.
Petra Conte-Sansi
Inspiriert durch den Kreislauf der Natur,
der auch die Menschen in ihren
Stimmungen und Gefühlen beeinflusst,
nimmt Petra Conte-Sansi den Betrachter
ihrer Werke mit auf eine Phantasiereise
durch eben dieses "Farbenmeer".
Ihr Ziel ist nicht ein reales Abbild der Natur
zu schaffen, sondern deren abstrakte, ganz
individuelle und expressive Umsetzung.
Sowohl durch ihre Werke, als auch durch
parallel dazu entstandene lyrische Texte,
versucht die Malerin und Autorin Gefühle,
Träume und Sehnsüchte der Menschen
darzustellen.
Die Malerin möchte mit ihrem Bild bewusst
auf eine andere Seite des Menschen
aufmerksam machen. Hierbei hat sie
eigene Textsequenzen, die sich mit diesem
Thema beschäftigen, eingearbeitet. Der
Mensch ist eben nicht nur ein rationales
Wesen!
Petra Conte-Sansi arbeitet seit Abschluss
ihres Studiums als Dozentin und ist
freiberuflich als Malerin und Autorin tätig.
Ihre Werke sind seit 2009 in wechselnden
Ausstellungen, Museen oder Privatbesitz im
In- und Ausland zu sehen.
www.petraconte-sansi.de

Imagination | Mischtechnik auf Leinwand | 120 x 60 cm | 2017

oder als eigenständiges künstlerisches
Medium und vermittelt für die Betrachter
stets einen ganz besonderen, eindrucksvollen
Glanz.
Stefanie Etter
Geboren 1969 in Stuttgart ist Stefanie
Etter seit 2009 ausgebildete Kunsttherapeutin
und als Künstlerin im Bereich
der freien Malerei tätig. In diversen Ausstellungen
im In- und Ausland überzeugt sie
regelmäßig ihre Besucher. Sie ist als Dozentin
freier Workshops und in renommierten
Kunstakademien in Deutschland, Schweiz
und Österreich tätig.
Ihre Liebe gilt der Strukturmalerei in allen
Facetten. Aktuell konzentriert sich
Stefanie Etter auf die innovative Resin-
Technik und eröffnet sich ein neues
Experimentierfeld. Dieses moderne Polymermaterial
(Gießharz) lässt sich kongenial
mit vielen Techniken verbinden. Resin
dient entweder als optische Veredelung
Zu ihren Werk sagt die Künstlerin:
„Illusionen – Vorhandenes, Reales, zusammen
mit eigenen Sinneseindrücken anders
interpretieren. Das geschieht sehr oft in
uns bei der Konfrontation mit abstrakter
Kunst, bei einer sich nicht sofort
erschließenden Bildaussage – das ist aber
auch oft die gewünschte Wirkung von
Kunstwerken. „Man sieht nur, was man
kennt oder erinnert“, das ist die
Schwierigkeit im Umgang mit unseren
eigenen „Bildillusionen“. Daher ist es
wichtig, sich diesen Illusionen hinzugeben,
die wir im ersten Eindruck von einer
Abstraktion erhalten – und sich dann mit
dem Gesehenen auseinandersetzen.“
Sind das kauernde Gestalten, uns den
Rücken zukehrend, verhüllt? Beduinen? Suchen
sie Schutz? Vor was? Sehen wir da
eine illusionäre Figur, eine Figur in der
Figur? Das wäre eine wunderbare Interpretation
des Schutzgedankens? So könnte
sich das Werk von Stefanie Etter erschließen,
doch aufgrund hoher Abstraktion
bleibt am Ende dennoch offen, was der
Betrachter sehen kann.
stefanieetter.de

JUST AN ILLUSION
Mischtechnik, Kunstharz auf Styrodur
126 x 60 cm | 2018

Das zentrale Thema ihrer Malerei ist der
Mensch in all seinen Facetten, auf all
seinen Entwicklungsebenen. Die Fragen zur
menschlichen Existenz, die Gabriele Frey
dabei in ihrer vieldimensionalen Kunst zum
Ausdruck bringt, beinhalten ebenso zeitgenössische
wie sozialkritische Themen.
Dabei bewegen sich die sichtbar gemachten
Visionen, Imaginationen und Träume
der Künstlerin zwischen Realität und Symbolismus.
„Der Rausch der Malerei besteht für mich
darin, beide Gegenpole gleichzeitig zu
erleben: Macherin zu sein und zugleich
Werkzeug in völliger Hingabe“ so beschreibt
die Künstlerin den Malprozess.
Gabriele Frey
Gabriele Frey wurde 1966 in Stuttgart geboren.
Sie wuchs in Süddeutschland und in
Graz/Österreich auf. Heute lebt und arbeitet
die Künstlerin in Biberach/Riß, Nähe
Bodensee.
Auf die Interpretation ihrer Bilder möchte
sich Gabriele Frey nicht festlegen. Zwar
geht mit dem ersten Auftauchen eines
Bildes die Botschaft einher, es gibt
sozusagen eine Richtung der Interpretation.
Alles weitere ist und bleibt jedoch
offen und dem Betrachter bei der Kommunikation
mit dem jeweiligen Bild überlassen.
Zum Bild sagt die Künstlerin: „Ich erlebe
die Deutung des Bildes „Geburtswehen“ in
der Begegnung mit Betrachtern als sehr
vieldimensional. Mir selbst drängte sich
beim ersten Wahrnehmen dieses Bildes
„Unabhängigkeit“ und „Selbstbestimmung“
auf, weshalb ich den Bildtitel auch
gerne, und wie ich finde passenderweise,
auf „Europa zwischen Ost und West“
ausdehne …“
www.gabriele-frey.de

Geburtswehen – Europa zwischen Ost und West | Öl auf Leinwand | 100 x 95 cm | 2017

auch mit verschiedenen Brenntechniken,
wie Raku und Rauchbrand. Aber, sie stellt
auch die Verbindung mit diversen anderen
Materialien, z.B. Holz oder Metall, her.
Mit ihrer experimentellen Acrylmalerei hat
sie eine weitere Möglichkeit gewonnen,
sich künstlerisch auszudrücken. Die vielfältigen
Gestaltungsmöglichkeiten mit
Acrylfarben und das experimentieren mit
verschiedenen Materialien begeistern und
inspirieren sie immer wieder aufs Neue.
Leichtigkeit, Farbenreichtum und Lebensfreude
bestimmen ihre Arbeiten. Somit
erzielt sie ein äußerst variantenreiches
Spektrum. Ihre Bilder bewegen sich in
einem Spannungsbogen von gegenständlicher
bis hin zu abstrakter Malerei.
Elke Gaertner
Die künstlerische Tätigkeit von Elke
Gaertner umfasst die Malerei sowie die
Objektkunst. Objektkunst ist für Elke
Gaertner Experimentierfreudigkeit, suche
nach Neuem durch Veränderung und Anpassung
verschiedener Materialien. Hauptsächlich
arbeitet sie mit dem Material Ton,
Einzel- und Gruppenausstellungen in privaten
und öffentlichen Räumen, Firmen,
Galerien sowie Kunstvereinen. Ihre Werke
sind in öffentlichen und privaten Sammlungen
vertreten. Ihr eingereichtes Werk
kommentiert die Künstlerin: „Aus spontan
neben- und übereinander gelegten Farbschichten
entwickelten sich schräge Typen!
Ist das Wirklichkeit oder nur Illusion?“
www.elke.gaertner-online.net
Ist dort jemand
Acryl auf Leinwand
80 x 80 cm | 2018

Erst im Jahr 2003, nach einem Umzug ins
Allgäu, widmete sie sich wieder der Malerei.
Zahlreiche Teilnahmen an Kunstseminaren
begleiteten diesen Entschluss.
Nach Beschäftigung mit vielen unterschiedlichen
Maltechniken ist nun die
Pigmenttechnik favorisiert. Pigmentfarben
werden auf die unbehandelte Leinwand
aufgetragen und mit den unterschiedlichsten
Materialien verarbeitet.
So hat sich die Malerin, mit Vorliebe für die
warmen Farben und einer gewissen Harmonie
in ihren Bildern, einen eigenen Stil
geschaffen. Es spielt immer wieder der
Zufall eine Rolle, ob es eine abstrakte oder
gegenständliche Komposition wird.
Ingrid Huober
Ingrid Huober wurde in Wiener-Neustadt
(Österreich) geboren und ist in Berlin aufgewachsen.
Nach einer Übersiedlung nach
Baden-Württemberg, wo sie viele Jahre
lebte und ein zweijähriges Kunststudium in
Stuttgart absolvierte, zwangen letztendlich
Familiengründung, Kindererziehung und
berufliche Veränderung zu einem Abbruch
des Studiums.
Mit über 120 Ausstellungen im südlichen
Raum und im benachbarten Ausland und als
1.Vorsitzende des Künstlerkreises Oberstaufen
seit 15 Jahren, kann sie auf eine
breite künstlerische Erfahrung zurückblicken.
www.ingrid-huober.de

Assoziation einer Stadt | Mischtechnik auf Leinwand | 100 x 50 cm | 2016

Seit 1990 ist Dietmar Israel Dozent an der
Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe. Er absolvierte
eine Ausbildung zum Gestaltungstherapeuten
und arbeitet nebenberuflich
als Gestaltungstherapeut in der Jugendeinrichtung
Schloss Stutensee.
Dietmar Israel
Dietmar Israel wurde 1948 in Oederan,
Sachsen, geboren, lebt und arbeitet heute
in Stutensee (bei Karlsruhe) und im Trentino.
Er erlernte zunächst das Handwerk des
Malers und Lackierers und schloss dieses
mit einem Gesellenbrief ab. Dabei begleitete
ihn immer der Wunsch sich bildnerisch
kreativ auszudrücken, nicht Künstler
zu sein und doch werden zu wollen.
Dietmar Israel wurde 1988 Schüler und
später Assistent des Karlsruher Malers und
Grafikers Theo Sand. Danach folgten eine
Ausbildung an der Freskoschule Bozen bei
Professor Scherer, Italien und Professor
Löb in Amsterdam. Weitere Studienaufenthalte
führten ihn zu Professor Uecker,
Professor Opalka, Corneille und Markus
Lüpertz.
Er lotet in seinen Arbeiten immer wieder
sein inneres Befinden aus. Das sichtbare
seiner Malerei dient auch der Erkundung
des seelisch Ahnbaren. Er ist Maler des
inneren Lebens und seine Bilder sind
Landstriche der psychischen Erinnerung.
Räume und Körper in seinen Bildern
werden durch Farbe oft mehr geformt als
gemalt.
Dietmar Israels Bilder befinden sich unter
anderem in der Städtischen Galerie Karlsruhe,
im Regierungspräsidium Karlsruhe, im
Landgericht und im Forschungszentrum
Karlsruhe. In zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen
präsentierte er seine
Werke im In – und Ausland, so z.B. im
Musée Departemental, St Riquier, Frankreich,
in der Städtischen Galerie Mogilev,
Weißrussland, in der Galerie Pietrze, Lodz,
Polen, Shanghai Art Fair, CIGE Peking,
Scuola Grande, Venedig und Briolge Art
Fair, New York, USA. Er erhielt Preise und
Auszeichnungen in Deutschland und Frankreich.
Dietmar Israel ist Mitglied beim BBK
Karlsruhe.
www.dietmarisrael.de

Kraftfeld
Mischtechnik auf Leinwand
120 x 100 cm
2018

Seine Kunstwerke befinden sich im Staatlichen
Russischen Museum in Sankt Petersburg,
im Nationalmuseum in Armenien, im
Museum d´Art Moderne de la Ville in Paris,
im Museum Toulouse-Lautrec a Albi und der
Collection Seres Franko in Frankreich, im
Museum Haus Beda in Bitburg, in Deutschland,
in der Collection Dr. Norton Dodge in
den USA.
Youri Jarkikh (Jarki)
Youri Jarkikh (Jarki), ein französischrussischer
Maler, wurde 1938, in Tichorezk,
Region Krasnodar, UdSSR, geboren.
In den 70er Jahren studierte Youri Jarkikh
(russisch Юрий Жарких) Kunst an der Akademie
Vera Muchina in Leningrad. In der
Sowjetunion kämpfte er mit anderen Nonkonformisten
für die unabhängige Kunst. So
war er einer der Organisatoren der
Bulldozer-Ausstellung in Moskau und der
Gazanewskij-Ausstellungen in Leningrad.
Für seine Aktivitäten wurde er von der
damaligen Regierung verfolgt. Im Jahre
1977 emigrierte Youri Jarkikh nach
Deutschland und kurz danach, 1978, nach
Frankreich, wo er bis heute wohnt und
arbeitet.
Er präsentierte seine Arbeiten in über 150
Ausstellungen in Russland, Deutschland,
England, Österreich, USA, Frankreich,
Italien, Japan, Monaco, Belgien und der
Schweiz.
Youri Jarkikh`s Kreativität entwickelte sich
unter dem starken Einfluss der Traditionen
der russischen Avantgarde und des deutschen
Expressionismus. Sein Kunststil bezeichnet
Jarkikh selbst als Stil von Eidos.
„Illusionen sind Träume, die nie verwirklicht
werden, sind Pläne, die nicht
mehr realisierbar sind. Im Zufall kommen
unvorhergesehene Umstände zusammen.
So wird der Zufall zum Herrn unseres
Lebens und macht aus unseren realistischen
Plänen eine Illusion.“
Jarki.info

Am Scheideweg | Mischtechnik auf Leinwand | 92 x 73 cm | 2016

Nach Experimenten mit verschiedenen
Techniken und Materialien arbeitet sie seit
2002 ausschließlich mit Acrylfarbe auf
Leinwand, Acrylglas und Glas.
Kolmeders abstrakte Bilder entstehen unter
anderem durch das Auftragen unzähliger
Schichten aus Acryl und es entsteht
immer erst ein Bild hinter dem Bild,
bevor die eigentliche Bildvision Gestalt
annimmt.
Suzanne Kolmeder
Geboren 1962, arbeitete Suzanne Kolmeder
neben ihrer künstlerischen Tätigkeit u.a.
als Texterin in einer Agentur und war Chefredakteurin
eines Verlages, bevor sie sich
schließlich 2011 in Stuttgart als freischaffende
Künstlerin selbständig machte.
Mit der Serie "Networks 2015" begann Kolmeder
die aufgetragenen Acrylschichten
mit einer von ihr entwickelten Spachteltechnik
weiterzubearbeiten. Die in dieser
Technik entstandenen Bilder betonen formal
deutlich den Kontrast zwischen sanft
wirkender Helligkeit und dem schon fast
brachial wirkenden Einsatz dunkler
Brechungen. Diese Technik setzt sie auch in
ihren aktuellen Bildern der Serie „Deep
Networks. Matrix“ ein. An die Stelle von
begrenzten Netzwerken mit starren
Verbindungswegen tritt bei Kolmeder die
Erkenntnis, Verbundenheit als grenzenlos
zu begreifen und Verbindungen universell
erfahren zu können.
www.kolmeder.com
Deep Networks. Matrix No.10
Spachteltechnik, Acryl auf Leinwand
70 x 70 cm | 2016

Mehrheitlich bleibt sie aber doch der
figurativen Malerei treu. Ihre hauptsächlichsten
Motive sind: Architektur, Technik,
Tiere und immer wieder Menschen. Bewegung,
Kraft, Unübliches aber auch Emotionen,
Farbklänge und Licht faszinieren
sie immer wieder von Neuem. Ihre Bildersprache
variiert zwischen Detailtreue,
Reduktion und Abstraktion in ungemischten
leuchtenden Farben.
Carmen Kroese stellt kontinuierlich im Inund
Ausland aus, nimmt an Messen und
Ausstellungen teil und erhielt schon diverse
Auszeichnungen.
Carmen Kroese
Geboren 1949 in Stein am Rhein, Schweiz.
Schulbildung in Schaffhausen. In Zürich im
Anschluss an die Ausbildung zur Innenarchitektin
studierte sie Malerei Kunst- und
Stilgeschichte und bildet sich ständig
weiter in neuen Techniken.
Im Jahr 2000 erfolgte der Schritt in die
Selbstständigkeit, wodurch der Malerei
mehr Zeit eingeräumt wurde. Sie ist stets
auf der Suche nach dem perfekten Bild. In
ihrem Atelier entstehen Bilder in unterschiedlichsten
Techniken wie Aquarell, Öl,
Acryl und abstrakte Malerei. Die Neugierde
auf Neues und die Experimentierfreudigkeit
beflügeln stets ihre Kreativität.
Emotionen und Gefühle auf Leinwand
ausdrücken ist immer wieder eine große
Herausforderung. Bilder sollten den
Betrachter zum Stillstehen anregen, sollten
ihn ansprechen. In ihm Emotionen
auslösen. Was will der Maler mitteilen. Wie
und warum ist gerade dieses Bild entstanden?
Die Malerin versucht den Wunsch nach dem
perfekten Bild auszudrücken. Die Freude
am Malen, aber auch die Ängste und
Zweifel. Wann ist ein Bild fertig, wann
beginnt es zu „sprechen“? Ist es eine
Illusion?
www.carmen-kroese.ch

Die Malerin | Acryl auf Leinwand | 80 x 60 cm | 2016

Hell-Dunkel-Kontrasten und gezielten
Farbdialogen interessiert sie dabei. Trotz
des bewegten und zum Teil energischen
Farbauftrags halten sich Figuration und
Abstraktion in den Bildern durchaus die
Waage.
Stefanie Lenartz
In der Vulkaneifel ist Stefanie Lenartz zu
Hause. Dass ihre Heimat ihrem eigenen
Werk stets neue Impulse gibt und Zeichen
setzt, zeigen ihre künstlerischen Arbeiten.
Dichte Strukturen, eng miteinander verwobene
Schichten und Übermalungen in
unterschiedlich starker Farbkonzentration
machen die Vielfalt der Gesamtwirkung
aus. Das Malerische und Zeichnerische, das
Transparente und Geschlossene sind
Positionen zwischen denen die Motive und
Themen „stattfinden“.
Stefanie Lenartz` Werke reflektieren ihren
unglaublichen Enthusiasmus für das Detail
und das Atmosphärische. Auch das Schaffen
variationsreicher Farbkompositionen mit
Das Resultat daraus ist auf keinen Fall ein
naturalistisches Bild, sondern eine aufs
Wesentliche konzentrierte, überlegte Komposition,
in der es um das Miteinander von
Farbe und Form geht, um die Wiedergabe
von Farbe, Licht und Raum innerhalb der
Natur. Verinnerlichte Details der Landschaftsorganismen
und Strukturen der
Vegetation kombiniert Stefanie Lenartz im
Bild zu einem neuen vielgestaltigen Farbund
Formgefüge.
Uns als Betrachter begegnen diese farbintensiven
Bilder als wogender Rhythmus, als
scheinbar zufällig gestaltete Arbeit oder
als beschwingter Farbklang.
Textauszug von Eike Oertel-Mascioni
Kunsthistorikerin
www.lenartz-stefanie.de
Reise in die Welt der Illusion I
Acryl auf Leinwand
80 x 80 cm
2017

Susanne Lenz beteiligt sich regelmäßig an
Einzel- und Gruppenausstellungen.
Über ihre künstlerische Arbeit sagt sie
selbst: „Malen ist für mich wie Eintauchen
in eine andere Welt! Ich experimentiere
mit Farben, Formen und Materialien. Ich
abstrahiere und reduziere, lasse einen
vielschichtigen, lebendigen Untergrund
entstehen. Dieser entwickelt sich abstrakt
oder gegenständlich.
Meine Werke beinhalten abstrakte Bilder,
die durch den Einsatz ungewöhnlicher
Materialien wie Rostelemente, Bitumen,
Schellack und Wachs kombiniert werden.“
Susanne Lenz
www.sulemal.de
Susanne Lenz lebt und arbeitet in Lahr.
Von 2008 bis 2012 Studium an der
Kunstschule in Offenburg, weitere Kurse an
verschiedenen Kunstakademien.
Sie hat sich der experimentellen und
abstrakten Malerei verschrieben und
arbeitet überwiegend auf Leinwand in
Acryl-Mischtechnik, aber auch großformatige
Spachtelbilder. Der Betrachter wird
immer wieder zur Entdeckungsreise in die
Welt der Phantasie eingeladen.

Schöpfung
Acryl Mischtechnik auf Leinwand
70 x 100 cm
2016

Zu seinen Werken zählen sowohl gegenständliche
Motive als auch abstrakte Bilder.
Die individuelle Handschrift des Künstlers
ist in jedem seiner Bilder durch deren
kraftvolle Ausdrucksstärke und einer leuchtend,
strahlenden Farbigkeit erkennbar.
Der Zusammenklang zwischen Motiv und
Technik spielt bei ihm eine zentrale Rolle.
Entsprechend vielseitig setzt er seine
malerischen Techniken ein. Die Ideen und
Vorlagen seiner Bilder holt sich der
Künstler hauptsächlich aus Beobachtungen
und Fantasien. Mit innerlicher Freude geht
er seine Werke in der Malerei sowie bei der
Gestaltung von Skulpturen an und genießt
deren Entstehung. Dabei ist die Gabe der
Fantasie sehr wichtig. Am Ende steht das
Werk und eine Ausstellung für Liebhaber
seiner Kunst.
Alfred Maurer
Alfred Maurer wurde 1952 in Mannheim geboren
und lebt als Künstler in Mannheim.
Er studierte in Frankfurt Architektur mit
entsprechender Kunstausbildung. Nach
zwei Berufsausbildungen und der Tätigkeit
als Architekt widmete er sich, anfänglich
noch sporadisch, in den 80iger Jahren der
bildenden Kunst und baute diese ab 2003
verstärkt aus.
In mehreren Einzel- u. Gruppenausstellungen
konnte er seine Fähigkeiten und
Werke der Öffentlichkeit präsentieren. Mit
der Künstlerin Thea Bayer-Rossi fand er
eine sehr angenehme, vielseitige Künstlerin
auf Augenhöhe, mit der er gemeinsame
Kunst erarbeitet und Kulturevents ausrichtet.
Ein ständiger konstruktiver Austausch
der beiden Künstler ist dabei von
großer Bedeutung.
al.mau@gmx.de

Jugendliebe
Acryl auf Leinwand
60 x 80 cm | 2016

Sie malt im Freien an der dänischen Ostseeküste,
den britischen Shetlandinseln
oder im eigenen Garten.
Pastoser Farbauftrag, zügige Pinselstriche
und kräftige Farben mit Öl auf Leinwand
kennzeichnen ihren Stil. Makrostudien vom
Strand oder Vogelstudien von Seevögeln
werden im Atelier gemalt.
Aus Fundstücken vom Strand, Alltagsgegenständen
aus Glas, Metall, Keramik, Holz,
die vom Meer verformt wurden, entstehen
Treibgutobjekte und Bilder in Kombination
mit diesen Materialien. In der abstrakten
Malerei sind Ausgangspunkte Erlebnisse und
Erfahrungen aus dem täglichen Leben.
Seit 2007 stellt Ute Meyer ihre Bilder national
und international aus.
Ute Meyer
„Ich male am liebsten draußen. Wetter
und Wind, Licht und Luft sind in meinen
Bildern spürbar.“
Ute Meyer, geboren 1957, arbeitet seit
1999 als freischaffende Künstlerin mit
eigenem Atelier in Flensburg. In den
Achtziger Jahren beendete sie ihr Kunstpädagogikstudium
mit dem 2. Staatsexamen
und 2006 schloss sie eine Ausbildung
zur Kunsttherapeutin ab.
„Die Spiegelung in der Pfütze vermittelt
die Illusion von der Weite des Himmels und
der Struktur der Pflanzen, aber die
kleinste Bewegung der Wasseroberfläche
lässt diese Illusion zerfließen.“
www.farblandschaften.de

Gartenpfütze | Öl auf Leinwand | 100 x 80 cm | 2017

nie losgelassen. Und so hat er immer Wege
gefunden, seine Fähigkeiten auf diesem
Gebiet ständig zu vervollkommnen.
Seit 2006 arbeitet er wieder gestaltend als
Bildermaler, dann aber hauptberuflich
freischaffend selbständig. Seine Forscherseele,
die ihn in der wissenschaftlichen
Tätigkeit vorantrieb, lebt jedoch seither in
ihm fort. So sieht Bruno sein Kunstschaffen
als Objekt des Forschens und des Experimentierens
mit Farbe, mit Motiven, mit
Bildgestaltung, mit der Abstraktion, mit
dem Zufall und dem Unvorhergesehenen.
Ebenso nutzt er verschiedene Stilelemente
als „Verfremdungsmittel“, die er auch gerne
im Hinblick auf die Eigenwilligkeit
seiner für ihn typischen Bildsprache
einsetzt.
Bruno S. Otto
Er zeichnete von Kindesbeinen an sehr gerne,
porträtierte und malte voller Leidenschaft
immer und überall. Seine erste
künstlerisch kreative Phase war in den
1970er Jahren, in denen er beispielsweise
bei dem Künstler Ullrich Bewersdorff (dem
Zeichenlehrer der Universität Halle a.d.
Saale) und ebenso in Abendkursen an der
Kunsthochschule der Burg Giebichenstein in
Halle lernte. Danach widmete er sein
Leben der Forschung und Wissenschaft.
Doch die Liebe zum kreativen Tun hat ihn
„Ich bevorzuge die figurative Malerei mit
Acryl im Spannungsgefüge zwischen Realität,
Abstraktion, Fantasie und Erfindung.
Dabei versuche ich, das zu malen, was in
mir steckt, was ich empfinde und was ich
mir vorstelle. Weniger das zu malen, was
man ohnehin sieht, vielleicht mehr das,
was sich hinter dem Sichtbaren versteckt.“
www.atelier-bruno-s.com
Scheinwelten
Acryl auf Leinwand
80 x 70 cm | 2018

den unterschiedlichsten Techniken an
Kunstakademien im In- und Ausland.
Die Arbeiten der Künstlerin zeigen abstrakte
Bildräume in verschiedenen Schichtungen.
Der Anfangsimpuls wird dabei stellenweise
verdeckt, manchmal wieder frei
gelegt und gewinnt durch die sich
verändernde und teilweise beruhigte Umgebung
an Dynamik. Dabei verzichtet sie
bei ihren neueren Werke auf Titel, um zu
verdeutlichen, dass es sich um keine
abbildenden Gemälde handelt.
Ildiko Passarge
Ildiko Passarge lebt in Reichenbach und arbeitet
und unterrichtet in ihrem Atelier in
Esslingen am Neckar. Seit der Jugendzeit
beschäftigt sie sich mit Zeichnen, Malen,
Fotografie, absolvierte aber zunächst eine
kaufmännische Ausbildung. Ab 2000 folgt
für sie eine intensive Auseinandersetzung
mit der Aquarellmalerei und gleichzeitig
Beginn der künstlerischen Weiterbildung
mit zahlreichen Kursen und Seminaren in
"Ich arbeite gerne experimentell - selbst
dann, wenn ich ins Gegenständliche gehe.
Ich arbeite mit selbst hergestellten Spachtelmassen,
aus Marmormehl, Schiefermehle,
Sande. Hinzu kommen Beizen,
Tuschen, Pigmente und ein paar Geheimrezepte.
Das Material hat sein Eigenleben
wenn es auf die Leinwand kommt, sie
reagieren miteinander oder stoßen sich ab
und ergeben unerwartete Ergebnisse. "
Seit 2009 ist sie Dozentin für Malerei im
eigenen Atelier in Esslingen. Ihre Werke
stellt sie regelmäßig in Gruppen- und Einzelausstellungen
sowie Kunstmessen aus.
Sie ist Mitglied im Kunstverein ARTTRA im
Spiegel der Kunst, Esslingen und in
[KUN:ST] International.
www.ildiko-passarge.de

Arctic I | Mischtechnik auf Leinwand
30 x 90 cm | 2017
Arctic II | Mischtechnik auf Leinwand
30 x 90 cm | 2017

Gabriella Prokai, geboren 1973 in Kecskemet,
ist gebürtige Ungarin und hat sich der
Kunst verschrieben. In autodidaktischem
Studium erlernte die Künstlerin verschiedenste
Techniken und erarbeitete Ihren
persönlichen Stil. Sie hat sich bei Matthias
Ruf in Stuttgart in Abstraktion weitergebildet
und 1998 in Ditzingen ihr erstes
Atelier eröffnet. Heute arbeitet die
Künstlerin in ihrem Atelier in Küsnacht am
Zürichsee.
Die menschliche weibliche Figur steht im
Mittelpunkt des künstlerischen Schaffens
von Gabriella Prokai. Sie verwendet oft
geometrische Figuren, die das Objekt
"Frau" zusammensetzen und durch Farbe
und Technik einen ganz besonderen
Ausdruck findet. Durch markante und
aufgesetzte Flächen wird die Weiblichkeit
über die Farbwahl und die Kontraste
hervorgehoben. Durch gezielte Posen in
Kombination mit speziellen Farbnuancen
erhalten die Werke Sinnlichkeit und versprühen
einen Hauch von Erotik.
Mädchen mit Tasse
Gabriella Prokai
Strukturen, Farbschichten und Tonwerte
lassen den Moment und die Figur entstehen.
Durch Kontraste wie hell und dunkel,
weich und rau, wird die Eigenheit und
Schwingung des Moments erhöht und die
Besonderheit der Figur im Bild festgehalten.
Das Abstrakte und das Reale verbinden
sich harmonisch und unterstreichen
den emotionalen Ausdruck des Augenblicks.
Hinter Schichten und Ebenen verbirgt sich
die Wahrheit oder doch nur die Illusion.
www.prokai.ch

Mädchen mit Tasse | Spachtelmasse, Acryl, Öl auf Leinwand | 150 x 80 cm | 2018

Die Intention der Künstlerin liegt in ihrer
persönlichen Auseinandersetzung mit den
Erlebniswelten und Erfahrungen ihres
Unterbewusstseins und der Realität. Eine
starre, reglementierte Vorgehensweise
wird bei ihr durch einen „flow“ von ständig
erfolgenden Entscheidungsprozessen ersetzt
und führt zu Werken mit harmonischen
Farbklängen und symbolhaften Zeichen.
Im Duden finden sich zum Begriff "Illusion"
unter anderem folgende Bedeutungen:
Täuschung durch die Wirkung eines
Kunstwerks, das Darstellung als Wirklichkeit
erleben lässt sowie beschönigende,
dem Wunschdenken entsprechende Selbsttäuschung
über einen in Wirklichkeit
weniger positiven Sachverhalt
Andrea Rathert-Schützdeller
Freischaffende Künstlerin, Dozentin für
Freie Malerei a. d. Freien Kunstakademie
Gerlingen, Malreisen bei „artistravel“,
Kurse und Vorführungen bei „boesner“.
Gründung von „andreARS“ als Kreativpunkt
für Malerei und Projekte. Mitglied der
„Kreativen Klasse“ - Berufsverband Ruhr.
Im Werk begegnen wir einer Spiegelung,
die es in der Realität so nicht gibt. Im
oberen Bildteil offenbaren sich zwei
parallel angeordnete, schemenhafte
Figuren, deren Blickrichtung und Haltung
nicht eindeutig auszumachen sind.
Die Spiegelung suggeriert eine völlige
Verschmelzung der beiden Individuen und
lässt Spielraum für Spekulationen, ob es
sich um eine Illusion im Sinne der oben
aufgeführten Definition handelt.
www.rathert-schuetzdeller.de

Illusion | Acryl auf Leinwand | 150 x 80 cm | 2017

das Andere. Durch eine multiperspektivische
und ergebnisoffene Herangehensweise,
die den Zufall willkommen heißt,
entwickeln sich Bilder, die beim
Rezipienten Fragen und Assoziationen
auslösen. Der Entstehungsprozess eines
Kunstwerks wird als intermedial und
experimentell verstanden.
Die Künstlerin wurde 1974 in Horb am
Neckar geboren. Sie wohnt und arbeitet in
Sachsenheim. 1991 gewann sie den ersten
Preis im Rahmen der Ausstellung: "Bürger
malen ihre Stadt" beim Kulturverein
Zehntscheuer e.V. in Rottenburg am
Neckar.
Im Dialog mit dem Bild „Blauphase“ sind
folgende Zeilen entstanden:
Heidi Reinhardt
Heidi Reinhardt hat Ihr Leben lang gemalt,
gezeichnet und fotografiert. In ihren Werken
sind Fantasie, Realität und Imagination
wichtige Größen. Ihre Bilder erzählen
Geschichten aus der Welt, in der sie lebt.
In der Tradition der Surrealisten entstehen
die Werke aus sich selbst. Das Eine ergibt
Mehr Schein als Sein
Hinter den Dingen ist es oft anders
Es liegt darunter, darüber
Es ist da und doch unerreichbar
Es agiert im Verborgenen
Wie im Traum, man sieht es kaum
Das Meer und der Himmel gefrieren
Sie fließen dahin in den unendlichen
Vorhängen der Zeit
(von Heidi Reinhardt 27.1.2018)
www.heidi-reinhardt.de

Blauphase
Öl auf Leinwand
60 x 70 cm | 2017

In den Gemälden versucht sie intensiv
diese inneren Traumbilder für Andere darzustellen,
um sie an ihren Gefühlen
teilhaben zu lassen. Diese Leidenschaft ist
die treibende Kraft ihrer Kunst, ein
stetiger, spannungsvoller Dialog mit den
Farben, Formen und dem Licht.
Sie gibt sich keine Regeln für ihre Bilder,
diese entstehen immer direkt aus ihr
heraus. Alles ist für sie ständig in
Bewegung. Der Betrachter kann in ihren
Bildern nicht nur die ersehnte Freiheit, das
erhoffte Glück oder die Freude ihrer
Protagonisten und Figuren entdecken.
Manchmal schleichen sich auch in den
Abstraktionen negative Emotionen mit ein,
die sich in ihrer Darstellung auch kalt und
traurig anfühlen.
Ute Rieder
Seit ihrer Kindheit bewundert Ute Rieder
die Natur mit all ihren Farben und Formen.
Die Bewegungen von Wasser, Feuer und
auch der Wolken ließen sie nicht mehr los.
Dadurch inspiriert entstehen vor ihrem
inneren Auge Traumbilder, die sie nur
Bruchteile von Sekunden gigantisch groß
und unwahrscheinlich farbig sieht.
Ute Rieder, 1963 in Albstadt geboren, befasste
sich bereits in der Schulzeit intensiv
mit Literatur und Kunst. 1983 wurde ihr
eine private Förderung durch die Kunstlehrerin
zuteil. Es entstanden erste abstrakte
Tuschezeichnungen. Nach der
Ausbildung zur Entwurfsdirektrice arbeitete
sie in Deutschland und der Schweiz.
1989 studierte sie an der Freien Akademie
für Bildende Kunst & Grafikdesign. Freiburg.
Seit 1985 präsentiert sie ihre Arbeiten
im In- und Ausland.
ute-rieder.de

Dunkle Träume | Acryl auf Leinwand | 120 x 80 cm | 2018

2013 die Ateliergemeinschaft Raum3plus in
Korntal.
Malen bedeutet ihr in erster Linie mit
ihrem Selbst in Kontakt zu treten. Es ist
eine Annäherung an ihre eigene Seele. Ein
Weg nach der Suche des Selbstausdruckes.
Zu zeigen hier bin ich. Jede einzelne Geste
wird hier zum Lebenszeichen.
Gudrun Schattel
Gudrun Schattel wurde in Stuttgart geboren.
Farbgestaltung in Wohnräumen und in
der Natur haben sie schon immer
fasziniert.
Eine Feng Shui Ausbildung 2006 in Freiburg
gaben ihr den Impuls Ihre Malerei wieder
aufzunehmen und zu vertiefen. Durch
verschiedene Kurse an der Volkshochschule
und in einem renommierten Münchner
Atelier reifte in ihr der Wunsch, das Malen
von der Pike auf zu lernen.
Der Kampf, die korrekte Darstellung
hinter sich zu lassen und mehr und mehr zu
einer lockeren und abstrakteren Farbgebung
zu kommen, beschäftigt Gudrun
Schattel tagtäglich. Die Linien in ihren
Bildern sind Linien der Natur und Linien
des eigenen Lebens, Linien der Begegnungen
und Linien der ständigen Auf und Abs
im Leben.
gudrunschattel.de
Von 2008 bis 2012 studierte Gudrun
Schattel Malerei und Druckgrafik an einer
Freien Kunstschule in Stuttgart. Ihr
Studium hat Sie erfolgreich mit einem
Diplom abgeschlossen und gründete gemeinsam
mit zwei weiteren Künstlerinnen

Illusion 1 | Öl auf Leinwand | 110 x 50 cm | 2017

Ihre zumeist großformatigen Werke sind
eine Komposition aus Flächen, Farben und
Linien, die den Betrachter oft in das Bild
hineinziehen und ihn eher nachdenklich
stimmen. Über ihre Motivation zu malen,
sagt sie selbst:
"In vielen Schichten trage ich Farbe auf
und auch wieder ab, um dann in der
weiteren Bearbeitung wieder Ruhe in das
Bild zu bringen. Bilder als Spiegel
gelebten Lebens, nicht gefällig, sondern
vielschichtig."
In jüngster Zeit arbeitet die Künstlerin an
einer Serie expressiver, kontrastreicher,
farbgewaltiger Gemälde, die ein Beleg
ihrer Experimentierfreudigkeit und ihrem
Mut hin zu neuen Techniken und Ausdrucksformen
sind.
Ruth Schleeh
Ruth Schleeh ist bereits seit mehr als 30
Jahren als freischaffende Künstlerin tätig.
1986 markiert den Beginn ihrer künstlerischen
Arbeit. Damals verband sie ihren
mehrjährigen Aufenthalt in Belgien mit
ersten künstlerischen Studien in Kohle und
Aquarell. Zurück in Deutschland nahm sie
mehrjährigen Privatunterricht. Schnell
entwickelte sie ihre eigene, unverkennbare
Technik.
Ruth Schleeh stellt Ihre Werke seit vielen
Jahren auf nationalen und internationalen
Ausstellungen und Kunstmessen aus - so
z.B. in 2015 auf der Art Innsbruck, der
Berliner Liste, der Art International in
Zürich und in 2016 und 2017 auf der ARTe
Stuttgart und 2016 in der Galerie Kunstraum
Wien.
www.ruth-schleeh.com
Verwirrte Seele
Mischtechnik auf Malkarton
30 x 30 cm
gerahmt 50 x 50 cm im Passepartout | 2017

zukunftsweisend war. Immer wieder war
auch Papier im Spiel und durch intensives
Experimentieren entdeckte sie das
Potential, welches im Papier steckt, um es
für ihre künstlerische Arbeit zu verwenden.
Heute arbeitet sie ausschließlich mit
Papier als Malmedium. Die Bildsprache ist
abstrakt, die Farben intensiv. Hinzu kommen
neue Strukturen, die sich durch das
Papier ergeben. Diese Trilogie bestimmt
Henny Schlüters Arbeiten und den besonderen
Reiz ihrer Bilder.
Hot Summer
Henny Schlüter
Henny Schlüter, geboren in Neustrelitz,
studierte in München Betriebswirtschaft
und Architektur und begann parallel zum
Beruf mit der Malerei.
Sie befasste sich viele Jahre mit fast allen
Kunsttechniken, fand aber keine künstlerische
Ausdrucksweise, mit der sie sich
identifizieren konnte und die für sie
Auf den ersten Blick meint der Betrachter,
ein Aquarell vor sich zu haben, das mit herkömmlichen
Malmitteln gestaltet wurde.
Aber "Alles Illusion" - die Künstlerin hat
sich ausschließlich ihrer Methode mit
Papier zu malen bedient. Mit dieser Arbeit
bewegt sie sich im Rahmen der formalen
Vertrautheit, setzt aber andere Mittel ein
und führt den Betrachter an Neues heran,
was er so bisher nicht erfahren hat.
Das Bild enthält keine herkömmlichen
Malmedien wie Öl, Acryl, Aquarellfarbe
usw. sondern ausschließlich Papier mit der
Vielfalt seiner gestalterischen Möglichkeiten.
www.hennyschlueter.de

Hot Sumer | Malerei mit Papier auf Leinwand | 68 x 48 cm | 2017

Ihre aus der Natur gewonnen Eindrücke
werden weder naturalistisch noch bildhaft
auf Leinwand oder Papier gebracht, sondern
formen sich aus inneren Bildern, geleitet
von Erinnerungen und Gefühlen, die
sich beim Malen einstellen. Dies geschieht
in einem Schöpfungsprozess, der nicht
vorher bestimmbar ist. „Ich arbeite mich
vom sichtbaren Bekannten zum verborgenen
Unbekannten vor.“
Ingrid Schwarz
„Beim Malen versuche ich, es der Natur
gleich zu tun: wachsen lassen, Schichten
übereinander legen, zerstören, abwaschen,
umwandeln, immer wieder neu
beginnen“.
In diesem Prozess der vielen Schichtungen
und Übermalungen bleiben Spuren, es
entstehen Räume und eine visuelle Tiefe.
Ingrid Schwarz verwendet vorzugsweise
Materialien erdgeschichtlichen Ursprungs:
Pigmente aus der Natur, Erdfarben, Steinund
Schiefermehle, Kreide, Kohle. Linien
und Kratzspuren durchziehen die zum Experimentierfeld
gewordene Bildoberfläche.
Ingrid Schwarz lebt und arbeitet in
Stuttgart, ist Mitglied der Künstlergruppe
„Atelier am Westkai“, und sie ist Dozentin
an verschiedenen Kunstakademien.
Zu dem ausgestellten Werk sagt Ingrid
Schwarz: „Die Illusion der Schwere: eine
rätselhafte Oberfläche suggeriert ein
Abbild von schwerem Material. Ein fragiles
Papier mutiert zur rostigen Eisenplatte.
Die Strategie der Verrätselung eröffnet
andere Gedankengänge und schafft die
Illusion von Schwere. Leicht und schwer
verschwimmt.“
www.westkai-art.de

Die Illusion der Schwere I | Mischtechnik auf Papier | 64 x 50 cm | 2017

Soussen
„DAS GEHEIMNIS DER KUNST LIEGT DARIN,
DASS MAN NICHT SUCHT, SONDERN
FINDET.“ Kein anderes Zitat als dieses von
Pablo Picasso beschreibt den Werdegang
von Soussen besser. So vielfältig ihre bisherigen
beruflichen Stationen waren, so
vielfältig entwickelte sich ihr kreatives
Potential. Soussen faszinieren Strukturen.
Haptische Oberflächen. Alte Wände. Der
Querschnitt von Steinen und Edelsteinen.
Der Zerfall, aus dem was Neues entstehen
kann, ohne den traditionellen Charakter zu
verlieren. Mit Marmormehl, Sumpfkalk und
Beton kann sie diese reliefartigen Oberflächen
kreieren. Sie entscheidet sich lediglich
welche Farbpalette sie nutzen möchte,
der Rest entsteht im Dialog mit dem
Material.
Wo und wie entstehen Risse? Was bleibt
haften, was sprengt ab, wie entwickeln
sich Farben im Schaffensprozess? All das
kann sie nur bedingt beeinflussen. Dadurch
bleibt das Arbeiten spannend.
Die Technik der Intuitiven Prozessmalerei
(entwickelt von Ihrer Lehrerin Gabriele
Musebrink) gibt Soussen die nötige Basis
um das Gespürte umzusetzen.
Geboren 1967 in Mülheim an der Ruhr als
Susanne Iris Fornasier lebt Soussen zurzeit
mit ihrer Familie in Schwaig bei Erding.
Von 2010 bis 2014 war sie abwechselnd in
Schwaig und in Doha, Qatar, am arabischen
Golf ansässig.
Zu sich und ihrer Kunst sagt sie selbst: "Ich
sein. Mich wiederfinden in meinen Bildern.
Mit all seinen Gegensätzen und Widersprüchen.
Mal auf den Punkt gebracht
hervorragend, mal chaotisch unerklärbar.
Aber immer ich.“
www.soussen.de
Feuer
Mixed Media auf Leinwand
60 x 60 cm | 2017

Schon als junge Frau war sie fasziniert von
der Porträtmalerei. Heute verleiht sie
ihren Porträts mit spannendem Licht- und
Schattenspiel eine faszinierende Lebendigkeit.
Dies gilt auch für ihre Werke, in
denen sie Mensch und Landschaft zusammenbringt.
Das Auflösen von Grenzen, das
Verwischen der Motive und das Entstehen
von Unschärfe verleiht den Bildern etwas
Geheimnisvolles, es weckt Erinnerungen
und verführt den Betrachter zum Träumen.
Als Norddeutsche liebt Anja Struck das
Meer. So hat sie es sich in zahlreichen
Werken zum Thema gemacht. Auch in
diesen Werkreihen nutzt sie die Technik
des Verwischens. Es entstehen Bilder mit
großer atmosphärischer Dichte.
Anja Struck
Geboren 1961 in Hamburg, studierte Anja
Struck Freie Malerei an der Muthesius
Kunsthochschule Kiel, anschließend Kunstpädagogik
in Lüneburg und Grafik und
Design in Hamburg. Später vervollkommnete
sie ihre Malerei durch ein zweijähriges
Studium bei Prof. Dr. Markus
Lüpertz.
Sie selbst sagt über Ihre Kunst: "Der
Mensch - seine Mimik, seine Gestik, der
Blick, die Stimmung, die ihn umgibt. Gefühle.
Gedanken. Das ist es, was mich
fasziniert. Die Welt, in der wir leben,
verändert sich in rasender Geschwindigkeit.
Klar geglaubte Grenzen befinden
sich in Auflösung. So auch in meiner
Malerei. Der Mensch in Bewegung ist ein
weiterer Schwerpunkt in meinen Arbeiten.
Als Resultat der künstlerischen Studien erleben
die Betrachter, wie Grenzen im Bild
verschwimmen, Unschärfen entstehen,
Motive verwischen, Momente verfliegen."
www.anja-struck.de
tatjana
Öl auf Leinwand
70 x 70 cm
2016

Brigitte Struif ist in Osterode geboren, lebt
und arbeitet heute in Hachenburg. Sie ist
Mitglied im BBK RLP Mainz und BBK Bonn,
Rhein-Sieg, im Frauenmuseum Bonn und
Kunstforum Westerwald (1. Vorsitzende).
Sie stellt regelmäßig ihre Werke in Ausstellungen
in Galerien und auf Kunstmessen
im In- und Ausland aus: in Deutschland u.a.
in Berlin, Bonn, Frankfurt, Hachenburg,
Lahnstein, Ludwigshafen, Mainz, Marktheidenfeld,
Merseburg, Meersburg, München,
Aachen, Koblenz, Köln, Schwetzingen oder
Stuttgart.
Im Ausland sind Beispiele in Belgien (Brüssel),
China (Shanghai), Frankreich (Paris,
Strasbourg), Italien (Mailand, Verona, Neapel),
Lettland (Riga), Luxemburg, Österreich
(Innsbruck), Polen (Warschau) oder
USA (New York).
Brigitte Struif
www.brigitte-struif.de

Anstieg des Meeresspiegels ( → KLIMAWANDEL ??!! alles Illusion ??) | Acryl auf Leinwand | 110 x 90 cm | 2017

In ihren abstrakten Bildern verwendet sie
Acrylfarben in Verbindung mit vielen anderen
Materialien (Sand, Asche, Baumwolle,
Papyrus- und Japanpapiere, etc.). Inspiriert
von realen Dingen, Stimmungen,
Klängen, Landschaften und der Natur setzt
sie Farben, Formen, Linien und Texturen
im Wechselspiel zwischen kreativem Handeln
und analytischer Betrachtung in
abstrakte Kompositionen um.
Das Nebeneinander und Miteinander von
opulenten Farbflächen, die oft auf mehreren
Malschichten aufgebaut sind, von dynamischen
Linien und vibrierenden Texturen
ordnet sich nach und nach durch die
Beherrschung des Materials in eine ästhetische
ausbalancierte Form.
Klaudia Thiel
Klaudia Thiel ist in Gernsbach bei Baden-
Baden geboren, lebt und arbeitet heute in
Aspach bei Stuttgart. Sie studierte Kunst in
Karlsruhe und ging verschiedenen Lehrtätigkeiten
nach. Seit 2011 ist sie freischaffende
Malerin. Nach ihrer ersten
Ausstellung 1984 in der Weißenhofsiedlung
in Stuttgart hatte sie zahlreiche Ausstellungen
in Baden-Württemberg, vor allem
im Raum Stuttgart. 2016 /2017 zeigte sie
ihre Arbeiten auch international, so in
Kopenhagen und Elizabethtown, USA.
Parallel widmet sie sich dem Bearbeiten
von Papier. Mit diesem Material äußert sich
die Künstlerin über Ruhe, Zyklus und Zeit
der Natur als Widerspiegelung des Lebens.
Haptisch werden die Papiere erkundet und
durch Faltung und Verformung in eine
kreative Gestaltung gebracht. Das oft
störrische, manchmal aber auch sehr
empfindliche Material legt letztendlich die
Gestaltung fest. So sind die überwiegend
weißen Papierarbeiten auf das Wesentlichste
reduziert und zeigen zur Orientierung
lediglich ein kleines Farbfeld.
klaudiathiel@t-online.de

Der Geschmack von Kirschen | Acryl auf Karton | 54 x 40 cm | 2017

Grundthema ihrer Malerei ist die Liebe zum
Leben. So entstehen Momentaufnahmen
vor dem Hintergrund gesammelter Erlebnisse
und Erfahrungen aus dem Alltag, dem
Banalen und verdichten sich zu Geschichten.
Die Arbeiten thematisieren die vielfältigen
Aspekte des menschlichen Seins,
ihr Wesen und deren Beziehungen und
Ambivalenzen zu- und untereinander. Die
Umgebung, der Bildraum lässt sich nicht
einfach Stereotypen zuordnen, abstrakte
und gegenständliche Elemente durchdringen
den Bildraum und geben in diesem
Spannungsfeld den Blick frei auf inneres
und äußeres Erleben.
Marita Tobner
1961 in Ulm geboren und aufgewachsen,
hat Marita Tobner die Kunst in jeder
Lebensphase begleitet. Über die Zeichnung
und Fotografie ist sie schließlich zur
Malerei gekommen. Von 2005 bis 2015 hat
sie an zahlreichen Kunstkursen und Workshops
Freie Malerei der Ulmer Schule
(Künstlergilde) und der Kunstakademie Esslingen
teilgenommen.
Eine kraftvolle Farbgestaltung, die Verwendung
verschiedenster stilistischer Mittel
und Techniken, sowie die Dynamik der
Grafik erzeugen neue vielschichtige Geschichten
mit Details, die anderen verborgen
bleiben. Die Arbeiten entstehen seriell
in Mischtechnik (Acryl, Öl, Holz- oder
Linolschnitt, Collage, Malerei und Zeichnung).
Marita Tobner ist Mitglied in den
Kunstvereinen Neu-Ulm, Senden, Künstlergilde
Ulm, KUN:ST International Stuttgart,
Crossart International Köln, sowie der
Freien Künstlergruppe Ulm/Neu-Ulm.
www.marita-tobner.de
UMA III 2
Mixed Media auf Leinwand
60 x 60 cm | 2016

immer wieder als Lernende. Am Anfang
meines Weges stand das Beherrschen
bestimmter Handwerke im Mittelpunkt,
um aus textilem Material etwas zu gestalten,
in Form zu bringen, so zu bearbeiten,
dass ein „Stück Werk“ entstand.
Martina Unterharnscheidt
Textilien gehören zu den ältesten Artefakten
der Menschheit. Wir finden sie in
allen Bereichen des Lebens - auch und immer
schon unter künstlerischen, kunsthandwerklichen,
kulturellen und kulturgeschichtlichen
Aspekten. Die Textilkünstlerin
Martina Unterharnscheidt steht in mehrfacher
Hinsicht in dieser Traditionslinie.
Mit der Verwendung von zum Teil „uralten“
Naturmaterialien, durch die Art und Weise
der Erlernung spezieller handwerklicher
Fähigkeiten auf meist autodidaktischem
Wege, in der Weiterentwicklung der Formbarkeit,
Gestaltung und Transformation des
Materials - singulär und in Kombination mit
anderen Materialien.
Heute strebe ich darüber hinaus. Das
textile Material ist nunmehr mein Bodenstoff,
auf dem und aus dem heraus Kunst
geboren wird. Kunst, wie ich sie in mir
trage, begreife, visualisiere, sinnbehafte…
Somit arbeite ich als Konzeptkünstlerin
mit einer speziellen und hartnäckigen
Materialvorliebe. Meine Werke sind
Rundum-Textil-Werke. Was auf den ersten
Blick wie eine klassische Leinwand daherkommt,
ist immer ein eigens für dieses
Werk konzipierter und in vielschichtiger
Näh- und anderweitiger Techniken erstellter
Untergrund; ein Werk für sich.
Auf diesem Untergrund experimentiere ich
mit Farbe, Objekten, Stempel- und Drucktechniken
und erforsche dabei, wie weit
Werk und Untergrund ineinander übergehen
können.“
www.martina.unterharnscheidt.com
Sie selbst sagt zu ihrer Kunst: „Ich arbeite
seit vielen Jahren künstlerisch mit textilen
Materialien und begreife mich dennoch

Ein Schiff wird kommen
genähte Leinwand
maschinenbestickt, übermalt
Häkelquadrate, mit Wachs bearbeitet
70 x 80 cm | 2017

Eva Vogt entwickelt und sucht immer
eigene, neue Wege. In der abstrakten
Malerei experimentiert sie mit den
unterschiedlichsten Materialien und gibt
jedem ein Mitspracherecht.
"Realität, Traum und Experiment treffen
aufeinander in ewiger Suche nach mir
selbst. Im Zentrum meiner Bilder steht
der Mensch im Vordergrund, seine Gefühle,
seine Schicksale, seine Schmerzen,
seine Erfahrungen, Hoffnungen, Träume,
Emotionen, die sich in dem Gesichtsausdruck
und der Körperhaltung spiegeln.
Eva Vogt
Eva Vogt ist 1954 in der ehemaligen Tschechoslowakei
geboren, aufgewachsen in Bratislava
und seit 1989 lebt sie in Deutschland.
Talent, Interesse und Leidenschaft
zur Malerei bekam sie von ihrem Vater. Ihre
frühe künstlerische, akademische Ausbildung
musste Eva Vogt durch den plötzlichen
Unfalltod beider Eltern unterbrechen.
Sie studierte in der Folge Mathematik und
Informatik und arbeitete jahrelang als
Softwareentwicklerin. Erst seit 2011 kann
sich Eva Vogt wieder der Kunst und ihrem
Traum widmen.
Diese Bilder zeigen nicht nur das Positive,
Schöne, Harmonische, sondern provozieren
oft, zwingen zum Nachdenken, schockieren,
bewegen, bedrücken. Es faszinieren
mich die Kontraste und Spiele zwischen
Licht und Schatten, zwischen Helligkeit
und Dunkelheit, zwischen Realität, Traum
und Experiment."
Eva Vogt ist seit 2013 freiberufliche Künstlerin,
Mitglied im Badischen Kunstverein
in Karlsruhe, Galerie Alpha7 in Weisweil,
[KUN:ST] International in Stuttgart, KITZ
ART, Kunst- und Kulturverein Kitzbühler in
Österreich, Kunstraum Neureut in Karlsruhe
und Artoffer. Sie stellt regelmäßig
national und international aus.
www.art-eva-vogt.de

NEEIIIN | Mischtechnik auf Leinwand | 120 x 80 cm | 2017

Idee unterstützend für ihre Exponate sind
die ursprünglichen Dinge des Lebens aus
der Natur, die uns meist profan erscheinen.
Beim genauen Hinsehen erkennt man wunderbare
ausdrucksstarke Farb- und Formenvielfalten.
Mit Feingefühl bettet die
Künstlerin Petra Wenski-Hänisch alltägliche
bildliche Eindrücke konzeptionell in surreale
Fantasielandschaften ein.
Die Edelmetall-Arbeiten, die im Ursprung
aus Mutter Erde stammen, wurden im
Wachsausschmelzverfahren von der Künstlerin
hergestellt und spiegeln die sensibel,
emotionale Kontaktaufnahme der Menschen
zueinander und zum Betrachter
wider.
Petra Wenski-Hänisch
Seit ihrer Kindheit pulsiert die kreative und
ideenreiche Ader der Diplom Designerin
(FH), freischaffenden Künstlerin, Dozentin
und Konzeptkünstlerin.
4 1/2 Jahre lernte sie im kreativen Studium
in Trier talentiert und intensiv die
Grundkenntnisse und den Umgang mit
verschiedenen Materialien in den Kunstund
Theoriefächern. Ihre Schaffensfelder
sind im Bereich Design und Kunst. Sie
wurde Artdirektorin und Atelierleiterin in
verschiedenen Werbeagenturen.
Das 925er Silber ist ein Geschenk der Natur,
welches ihrer Kunst dient, um die Wertigkeit
der menschlichen Emotionen anhand
der Wertigkeit des natürlichen Materials
auszudrücken. Im Schaffensprozess
der Strukturbilder und der Skulpturen
reflektiert die Künstlerin durch die Kraft
der figürlichen und malerisch bildlichen
Ausdrucksformen die gefühlsbetonten Kommunikationen.
www.Atelier-Regenbogenkunst.de
CONCORDIA - Vereinbarung
925er Silberguss koloriert, Acrylfarbe auf
Leinwand | 80 x 80 cm | 2017

Die eher melancholische Ausstrahlung ihrer
Werke rührt von der Erkenntnis, dass Ideal
und Wirklichkeit niemals zusammen kommen,
dass es das Paradies nicht gibt. Aber
weil sie den Traum davon nicht aufgeben
will, bleibt der Blick nach vorne gerichtet.
Sibylle Will
Sibylle Will wurde 1963 geboren, landete
nach einigen Umwegen in der Modebranche
und führte ihr eigenes, individuelles Geschäft.
Heute lebt und arbeitet sie in
Kuchen bei Göppingen.
Über ihren künstlerischen Werdegang sagt
sie selbst: „Gemalt habe ich eigentlich immer
schon und auch immer nur Gesichter
oder Figuren. Seit 2003 beschäftigte ich
mich intensiv mit der Malerei, studierte
Kunst an der FKN Nürtingen und nahm an
vielen Kursen an der EKA Trier teil.“
„Wie ein nach verbindlichen Regeln arrangiertes
Pflanzenwerk füllen Sibylle Wills
androgyne Menschenfiguren die Leinwand.
Die Kunst dieses Arrangements setzt in der
japanischen Fertigkeit des Blumenordnens
Ikebana (wörtlich belebte Pflanzen )
paradoxerweise zunächst die endgültige
Trennung vom natürlichen Lebensfluss
voraus, und so tragen sie in ihrer
bestechenden Ästhetik bereits den Keim
allzu rasch vergehender Schönheit in sich.“
(Text (Auszug) von Ling Wang und Uwe
Hohmann, Galerie Wanghohmann, Wiesbaden).
Seit 2007 stellt Sibylle Will regelmäßig im
In- und Ausland aus und arbeitet seit 7
Jahren mit der Galerie Oisterwijk, Niederlande,
zusammen. Sie nimmt an zahlreichen
Kunstmessen und Ausstellungen
teil, so z.B. die Karlsruher Künstlermesse,
ARTMUC, Contemporary Art Ruhr oder Ausstellungen
im Frauenmuseum, Bonn.
www.sibyllewill.de

Bar-Fly | Mischtechnik auf Leinwand | 110 x 63 cm | 2016

„Zu Beginn eines künstlerischen Prozesses
kann für mich im Grunde alles zum Thema
werden. Neben dem visuellen Reiz muss
mich ein Motiv jedoch vor allem emotional
in seinen Bann ziehen. Nur dann trägt es
eine Geschichte, ein Geheimnis in sich,
auf dessen Spur ich mich mit meiner
Malerei begebe. Während des Malens entstehen
neue Gedankenstränge, die sich
verknüpfen oder verzweigen. Sie werden
in dünnen Schichtungen, pastosem Farbauftrag
und linearen Zeichen zur wahrnehmbaren
Realität. Eingearbeitete Kollagen
schaffen neue Ebenen und sind eine
wichtige Stimme in meiner malerischen
Erzählung.“
Verena Wolfert arbeitet überwiegend auf
Leinwand mit Acrylfarben in Verbindung
mit Kreiden, Tuschen, Pigmenten und
Sanden. So unterschiedlich die Motive, so
verschieden sind auch Technik und Farben.
Verena Wolfert
In Freiburg geboren und aufgewachsen,
lebt und arbeitet Verena Wolfert heute als
freischaffende Künstlerin und Dozentin in
Weinstadt. Ihre künstlerische Ausbildung
erlangte sie an verschiedenen Kunstschulen
und freien Akademien.
Berechnung der Zukunft
„Eine der wichtigsten Bestrebungen des
menschlichen Geistes ist es, die Zukunft
zu berechnen, vorherzusagen und dadurch
zu beeinflussen. Er weilt mit seinen
Gedanken und Vorstellungen weniger im
Hier und Jetzt, sondern vielmehr in der
Voraussage zukünftiger Ereignisse.
Hierfür werden immense Bestrebungen
und Kosten aufgebracht. Aber bei allem
Fortschritt von Wissenschaft und Technik
wird uns doch die Bestimmung und Beeinflussung
der Zukunft nie ganz gelingen –
letztendlich ist dies ALLES ILLUSION!“
www.verena-wolfert.de

Berechnung der Zukunft | Acryl Mischtechnik auf Leinwand | 80 x 70 cm | 2017

"Für den Maler Friedhelm Wolfrat ist die
Leinwand ein Erlebnisfeld, ein Ort an dem
die Dinge sich entwickeln dürfen. Mit
großem Wurf und viel Leichtigkeit gelingt
es ihm, fröhliche Kompositionen zu zaubern.
Ihm gelingt eine stimmige, zusammenhängende
Harmonie von Farbe und
Form mit einer außerordentlichen Präsenz,
die den Betrachter gänzlich beflügelt."
(Textauszug: Ingrid Gardill, INTERNATIONA-
LE KUNST HEUTE 2016)
Friedhelm Wolfrat
„Die Leinwand ist für mich ein großes
Abenteuer, das mich immer wieder neu
herausfordert, unwissend wo mich Farben
und Formen hinführen. Reine Impulsivität
– Emotionen. Dem Aufbau von mehreren
Schichten von Farben, Acryl/Sand Gemisch
folgen die finale Inszenierung der letzten
Schicht, von einer harmonischen.
Die Farben können nicht kräftig und
fröhlich genug sein. Eine Ode an das
Leben.Voller Hingabe und Zuneigung fühle
ich mich als abstraktes Expressionist.
Kontinuierliches arbeiten bei verschiedenen
Meistern hat mich in die Meisterklasse
von Prof. Dr. Markus Lüpertz geführt.“
"Du beleidigst alles was ich unter Malerei
verstehe. Es geht gegen alles was ich mir
vorstelle. Das ist spannend. Das fasziniert
mich. Das gefällt mir. Ich habe eine
Schwäche dafür."
(Zitat: Prof. Dr. Markus Lüpertz zu den Arbeiten
von Friedhelm Wolfrat im Dezember
2017)
www.wolfrat-art.de

Die Begegnung der Farbe | Acryl auf Leinwand | 100 x 80 cm | 2017

und Mischtechnik hat sie in Kursen und
Workshops bei unterschiedlichen KünstlerInnen
absolviert. Sie malt gerne in
verschiedenen Techniken und mit unterschiedlichen
Materialien. Den Schwerpunkt
ihrer Arbeit hat sie in Landschaften, Berge
zu allen Jahreszeiten und im Bereich der
abstrakten Darstellungen gefunden. Diese
sind durch harmonische Farbauswahl und
deren Komposition geprägt.
In ihrer Arbeit lässt sie sich häufig von der
persönlichen fotografischen Momentaufnahme
inspirieren. Häufig spiegeln sich
aktuelle Themen in den Motiven der
abstrakten Bilder wider.
Ketsela Wubneh-Mogessie
Ketsela Wubneh-Mogessie, geboren in Addis
Abeba, Äthiopien, lebt und arbeitet heute
in Graz, Österreich. Nach ihrem Studium
der Betriebswirtschaftslehre begann sie
sich intensiver mit der Malerei zu
beschäftigen. Ihre malerische Ausbildung in
den Bereichen Aquarelle, Öl, Acryl, Collage
"Mich faszinieren die sich ständig sichtbaren
Veränderungen der Natur. Sie geben
mir viele Gestaltungsmöglichkeiten und
inspirieren mich dadurch zu neuen Arbeiten.
Als Künstlerin gehe ich an verschiedene
Orte. Ich denke nach, beobachte
Landschaften sowie Menschen und
deren Kultur. Meine künstlerische Arbeit
ist für mich ein Ausdrucksmittel meiner
Gedanken- und Gefühlswelt."
Sie stellt ihre Werke seit vielen Jahren in
Einzel- und Gruppenausstellungen im Inund
Ausland aus.
africacuisine.wordpress.com

„Die Stationen eines Menschenlebens bewegen
sich zwischen Sonnen- und Schattenseite.
Über Ecken und Kanten findet
der Mensch den Weg.“
Im Schatten des Lebens
Mischtechnik auf Leinwand
60 x 80 cm
2017

Sie experimentiert mit unterschiedlichen
Materialien und gestaltet ihre Bilder mit
Acrylfarben in Verbindung mit Beizen,
Kreiden, Sanden, Marmormehl und Sumpfkalk
auf Leinwand, Papier und Holz.
Karin Wünsche
Karin Wünsche wurde in Schorndorf (Rems-
Murr-Kreis) geboren und lebt und arbeitet
heute in Lorch (Ostalbkreis), umgeben von
herrlicher Natur. Einen Teil des Jahres
verbringt die Künstlerin in Norddeutschland,
direkt an der Küste.
Die unterschiedlichen Eindrücke, das Spiel
der Gezeiten, die Stimmungen und Gefühle
sind Mosaiksteine für das entstehende Bild
im eigenen Atelier - Malerei intuitiv und
kraftvoll.
Schicht für Schicht wird aufgetragen,
teilweise wieder abgetragen: Zerstörung
und Neuanfang, Leichtigkeit und Schwere,
Höhen und Tiefen, sind Facetten der Bildaussage.
So wie das Leben die Menschen
prägt, zeigen sich in ihren Arbeiten Risse,
Spuren, Licht und Schatten, mal mehr und
mal weniger Farbigkeit.
"Trenne dich nicht von deinen Illusionen.
Wenn sie verschwunden sind, wirst du
weiter existieren, aber aufgehört haben
zu leben." (Zitat Mark Twain)
www.karin-wuensche.de
Seit einigen Jahren bildet sich Karin
Wünsche an diversen Kunstakademien bei
namhaften Künstlern weiter. Mit viel Freude
und Engagement erweitert sie ständig
ihr künstlerisches Spektrum und verfeinert
ihre Techniken.

Zyklus Strukturen und Spuren (2)
Mischtechnik auf Leinwand
50 x 100 cm
2016

TEIL 3
DREIDIMENSIONALE ARBEITEN
CHAPTER 3
THREE DIMENSIONAL ARTWORKS

und konnte und dort am Istituto Statale
d’Arte ihre gestalterischen Kompetenzen
vertie-fen. Seit langem lebt und arbeitet
sie in Regensburg und hat dort ihre neue
Heimat gefunden.
Gestalten mit Papier
Zu ihren Arbeiten sagt Ulrike Buck: „Papier
als Material fasziniert mich immer wieder
durch seine große Vielfalt und das Aufspüren
von Gegensätzen.
Papier kann so viel sein:
weich und hart
glatt und rau
filigran und kompakt
leicht und schwer
empfindlich und robust
Papier ist ein natürliches Material, gewonnen
aus Holz und Pflanzen, es ist recycelbar
und kann eine ganz alltägliche und
ganz exquisite Rolle spielen.“
Ulrike Buck
Ulrike Buck ist geboren und aufgewachsen
in Stuttgart, also eine Schwäbin, die das
Leben über einige wichtige Stationen nach
Regensburg gespült hat.
www.buck-unikate.de
Nach dem Studium der Innenarchitektur in
Rosenheim war sie ein Jahr lang in Florenz

Illusion der Schwere N° M 25
Doppelwandschale, Seidenpapiere,
Pigmentwachs Kupfer, Oberfläche gewachst
Durchmesser 16 cm, Höhe 6 cm | 2017

heute mit der angewandten Kinesiologie.
Damals entdeckte er die „Leichtigkeit des
Seins“ und ab diesem Zeitpunkt entwarf er
leichte, beschwingte Formen.
Seine Objekte werden heute überwiegend
aus Edelstahl gefertigt. Dauerhafte Härte,
kantige Schärfe und flächige Ebenen
stehen im Gegensatz zu Leichtigkeit,
Spannung und tänzerischer Bewegung, die
man nur aus der Natur kennt. Dies spiegelt
für ihn gleichzeitig ein Stück Freiheit des
Menschseins wider.
Erich Geiger
Erich Geiger ist 1954 in Reutlingen
geboren, lebt und arbeitet heute in
Riederich bei Metzingen. Nach lehrreichen
Jahren bei namhaften Metallgestaltern war
er einige Zeit als Ausbilder und Lehrer
tätig. 1982 fasste er den Entschluss, sich
im Bereich Gestaltung selbständig zu
machen. Die Schwere des zu bearbeitenden
Materials Stahl faszinierte ihn.
Aufgrund gesundheitlicher Probleme beschäftigte
er sich mit experimenteller
Malerei, Metaphysik, Kristallsteinen und bis
Ein Kunstfreund aus der Schweiz schrieb
über ihn: „Er drückt in seinen Kunstwerken
sein Denken und Fühlen in Form metallener
Visionen geradezu greifbar aus.
Dabei ist die Natur sein Vorbild. Seine
Werke vereinen Schönheit, Eleganz und
Muskelkraft, aber auch Musikalität zu
einer Lebensmelodie und Lebensharmonie.
Er weiß nur zu gut, dass es in der Kunst
nur eine Wahrheit gibt, nämlich das Streben
nach Vollkommenheit.“
Die Wortassoziationen des Künstlers zu
dem gezeigten Werk: “Suche, Durchbruch,
Gravur, Licht, Vision, Leichtigkeit, Form,
Distanz, Windung, Ich, Spiegelung, Durchsicht,
Farbe, Konstruktion, Illusion und
Erzählung.“
www.metallgestaltung-geiger.de

Sinn I | Edelstahl, Spiegelglas, LED | 60 x 60 x 12 cm | 2018

Ihr eigener Weg in die Kunst war ein
anderer. Er führte spielerisch über Geschichten,
die erzählt, gelesen, geschrieben
oder gestaltet wurden. Sie begann
selbst zu schreiben, umzusetzen und aufzuführen,
um schließlich bei der bildenden
Kunst zu landen. Aus dem gegebenen
Material, häufig Fundstücke aus der Natur
wie z.B. Schwemmholz, entstanden erste
Figuren und Objekte. Der Kreis schloss
sich, als sie das Holz für sich selbst
entdeckte, das ja schon immer eine Rolle
gespielt hatte. Sie entwickelte ihre eigene
künstlerische Sprache, konnte Ideen umsetzen
und lernte mit Maschinen umzugehen.
Christa Helmle
1959 auf der Ostalb geboren, kam sie sehr
früh mit dem Werkstoff Holz in Berührung,
da beide Großväter jeweils eigene Schreinereien
besaßen.
„Wenn ich in meiner Werkstatt bin und am
Holz arbeite, bin ich ganz bei mir. Vieles,
das im Unterbewusstsein schlummert, arbeite
ich an die Oberfläche, im wahrsten
Sinne des Wortes an die Holzoberfläche.
Das Holz steht für das gelebte Leben, mit
all seinen Linien, Verwachsungen und Widerständen.
So kann ich Gefühle, Träume
und Sehnsüchte in eine Form bringen, die
ich im Holz bereits spüre. So kann ich
meine Geschichten erzählen.“
In einem nächsten Schritt kamen noch
Fundstücke vom Flohmarkt dazu, oder aus
dem eigenen Keller. Eine neue Dimension
tat sich auf, und so sind die aktuellen
Arbeiten immer auch eine Mischung aus
Schwemmhölzern und alten Gebrauchsgegenständen.
Zusammengefügt erzählen sie
als Assemblage neue Geschichten.
www.charakterholz.jimdo.com

„wann ist integration gelungen:
nach einer genau bemessenen zeit von
9,2345 generationen?
wenn sich ein ochse findet der den karren
zieht?
oder das fahrzeug zur karosserie noch
einen motor bekommt?
wenn die alte kultur mehr und mehr
verschwindet bis nur noch leitkultur übrig
bleibt?
wenn aus den abgetrennten gliedern neue
wachsen und die menschen wieder selber
laufen können?
wenn sich die hautfarben mischen und aus
dem bunten vielerlei ein einheitsgrau
geworden ist?
vielleicht der neue mensch?
wenn die sehnsucht nach zuhause nicht
mehr die träume flutet weil das fremde
heimat geworden ist.“
christa helmle
Integration
Objekt | Mixed Media
ca. 15 x 37 x 10 cm | 2017

Früher lag ihr Schwerpunkt eindeutig auf
der Geschäftsführung des familieneigenen
Betriebes im Bereich Kunststoffrecycling,
jetzt steht die Kunst im Vordergrund.
Wie der Mensch und die Dinge zueinander
stehen ist ihr Thema. Zeitgeschehen, Umweltproblematik,
das menschliche Miteinander
drückt sich in ihrer Kunst aus und
es soll Aufmerksamkeit erregen. Die Farben
sind kräftig, die Aussagen klar, die Umsetzung
manchmal eigenwillig.
Ihr Motto: "Die Dinge sind nie so, wie sie
sind. Sie sind immer das, was wir aus
ihnen machen." (Jean Anouilh).
Birgit Horn
Birgit Horn, geboren in Hamburg, arbeitet
als freischaffende Künstlerin in ihrem Atelier
in der Nähe von Lüneburg, in dem sie
auch Siebdruck-Workshops anbietet.
Zu dem Objekt sagt die Künstlerin: „action
or no action? Setzen oder lieber nicht?
Muss ich Aktion zeigen oder muss ich
nicht?“
www.moebelart-horn.de
Das Thema Kunst und Recycling beschäftigt
sie schon seit ihrer Jugendzeit, was sich in
zahlreichen Facetten in ihren Arbeiten widerspiegelt.
Malerei, Assemblagen, Kunststoffrecycling,
Siebdruck sowie Objektkunst sind Bestandteil
und Ergebnis ihrer vielfältigen Interessen.

Stuhl "ACT" | Assemblage, Acryl, Siebdruck | 82 x 42 x 43 cm | 2016

Abschlüssen legten die Basis im Bereich
der Geistes-, Betriebs- und Ingenieurswissenschaften.
Nach 32 jähriger Berufstätigkeit
in verschiedenen Managementpositionen
einer internationalen IT Firma
folgt er seiner inneren Notwendigkeit und
setzt eigen erfahrene zeitgenössische
Situationen in die Bildersprache der Kunst-
Installationen mit den Genres von
Skulpturen, Bildern und Lichttechnik um.
Ihm ist wichtig, dass das Ziel seiner
Arbeiten „Schöne Kunst“ zu machen, eine
notwendige Bedingung, jedoch keine hinreichende
ist. Das Ziel seiner Kunst muss
auch den Geist und die Seele berühren und
eine Vision für jeden ausstrahlen. Der
Betrachter sollte sich als Protagonist in die
Themen seiner Kunstinstallation einfühlen
können.
Alfred Hübsch
Geboren wurde Alfred Hübsch in Ulm und
absolvierte hier seine Schulausbildung.
Sehr früh hatte er die Möglichkeit mit
Studenten und Dozenten der damaligen
Hochschule für Gestaltung im Bereich
Lichttechnik zusammenzuarbeiten. Studien
an den Universitäten Stuttgart und
Karlsruhe (KIT) mit den entsprechenden
In symbolhafter Bilddarstellung zeigt die
Installation Ambivalenz zum Einen mit der
Skulptur die Darstellung des Gleichgewichtes
von ewigem Wirtschaftswachstum und
Nachhaltigkeit auf der Erdkugel zum
Anderen. Im darüber präsentiertem Bild
das Inferno, falls zwischen Wirtschaftswachstum
und Nachhaltigkeit ein Ungleichgewicht
auf der Erde entstehen sollte.
www.ah-galerie.de

Installation „Ambivalenz“
Skulptur Sockel Edelstahl Höhe 95cm
· Granitkugel Durchmesser 45 cm
Bild Acryladhäsion auf Leinwand
· Hinterlegte LEDs | 80 x 80 cm | 2017

eginnen. Ich war in meinem Berufsleben
immer eingespannt und hatte das Gefühl,
wie ein Uhrwerk funktionieren zu müssen:
immer dieselben Aktivitäten, im täglichen,
wöchentlichen und monatlichen
Rhythmus - fremdgesteuert, wie eine Maschine
oder aufgezogenes Uhrwerk - man
musste funktionieren und richtig ticken."
In dieser Zeit wurde wohl die Idee
geboren, die berufliche Monotonie, die
Fremdbestimmung und die damit verbundenen
wiederkehrenden Zwänge künstlerisch
umzusetzen.
Andreas Kerstan
1957 in Ludwigsburg bei Stuttgart geboren,
entdeckt er früh seine Leidenschaft für die
Kunst. Als junger Vater im Alter von nur 19
Jahren verfolgt Andreas Kerstan nach
seinem Studium der Betriebswirtschaft
allerdings eine internationale Karriere in
der Wirtschaft. Zu Beginn des Jahres 2010
zieht sich Andreas Kerstan in das
Privatleben zurück, widmet sich seinem
Lebenstraum an die künstlerischen Anfänge
seiner Jugend anzuknüpfen und selbst
wieder künstlerisch tätig zu sein.
"Ich kann wirklich nur schwer sagen, wie
es dazu kam, mit diesen Köpfen zu
Und so entstanden im Jahr 2008 die ersten
beiden Kopfskulpturen. Kerstan verarbeitet
in seinen Werken Gebrauchsgegenstände
der Vergangenheit und Gegenwart. Alte
Perückenköpfe, Uhren, Radios, Schreibmaschinen,
Musikinstrumente oder Telefone
werden zu einer neuen Einheit, einer
modernen Kopfskulptur, verarbeitet.
Im Mittelpunkt seiner Arbeiten steht dabei
immer der heutige, industrialisierte
Mensch der Gegenwart, der mit einem
alten Uhrschlüssel “aufgezogen” wird und
der dann im wahrsten Sinne des Wortes
“tickt”, wie er soll.
www.andreas-kerstan.de

Meyers Enzyklopädie Band 5 | Objekt Buch und Metall | 22 x 16 x 6 cm | 2017

die technische Bearbeitung der Oberflächen
im Fokus. Auch Fundstücke, wie Eisen
oder Stein, werden von der Künstlerin gerne
mit Keramik kombiniert.
Sie hat verschiedene Lehraufträge u.a. bei
der Handwerkskammer Stuttgart. Mitgliedschaften
bestehen seit 2012 bei der
GEDOK, Stuttgart, seit 2016 bei Sculpture
Network und [KUN:ST] International.
Bettina Kohlen
Bettina Kohlen lebt und arbeitet in Korntal
und unterrichtet in ihrem Atelier Gestaltung
mit Ton, Oberflächenbearbeitung und
unterschiedliche Brenntechniken.
Die menschliche Figur in Zeit und Raum beschäftigt
Bettina Kohlen bereits von Beginn
ihrer Arbeit an. In ihren Bronzen fasziniert
sie zum einen das Studium des Bewegungsapparates
am menschlichen Körper.
In Zeit und Raum setzt sie die verschiedenen
Lebensphasen des Menschen um. Im
keramischen Bereich arbeitet sie figürlich
und objektbezogen.
Hier stehen mehr das Experimentieren mit
den verschiedenen Brandtechniken sowie
„Die Selbsttäuschung beherrscht der
Mensch noch sicherer als eine Lüge“
Dieses Zitat von Fjodor Dostojewski hat
mich auf die Idee eines Janus-Kopfes gebracht,
der als Symbol der Zwiespältigkeit
gilt (sich von zwei entgegengesetzten
Seiten zeigend).
Wie meine ich mich zu geben in der Eigenund
Fremdwahrnehmung? Wie „verstelle“
ich mich, um dem Gegenüber zu gefallen?
Kann ich meinem Gegenüber (ver-)trauen?
Janus symbolisiert die Dualität in den ewigen
Gesetzen, wie etwa Schöpfung/Zerstörung,
Leben/Tod, Licht/Dunkelheit, Anfang/Ende,
Zukunft/Vergangenheit, Links/
Rechts. Er ist die Erkenntnis, dass alles
Göttliche immer einen Gegenspieler in
sich birgt. Beide Seiten der Dualität entziehen
sich dabei immer einer objektiven
Wertung und sind damit weder gut noch
schlecht.
www.artwork-kohlen.de

Der Schalk im Nacken | Keramik, Holz und Stahl | 125 x 25 x 25 cm (auf Holzstele) | 2017

"In der Seele des Menschen liegt der Ursprung
seines Handelns. Die Seele verbirgt
ihren Schatten über sich immer wiederholende
Abläufe. Das Streben nach Sicherheit
und Glück vereiteln zuweilen individuelle
Freiheit. Möchtest du im Licht
stehen, betrachte deinen Schatten." Nach
diesem Motto bearbeitet die Künstlerin
Themen des Alltags ernst, heiter, verspielt
in den Materialien Ton, Bronze und Stein.
1993 brachte die Auseinandersetzung am
Stein ihre künstlerische Entwicklung rasant
voran. Mehrere öffentliche Auftragsarbeiten
in Stein und Bronze stehen im Köln
/Bonner Raum.
Beate Meffert-Schmengler
Beate Meffert-Schmengler wurde 1963 in
Troisdorf geboren. Parallel zur Berufstätigkeit
als Physiotherapeutin, stand eine
künstlerische Ausbildung in diversen Ateliers
und Akademien stetig im Vordergrund
der heute freischaffenden Bildhauerin. Seit
1996 ist Beate Meffert-Schmengler ausschließlich
künstlerisch tätig, 2003 eröffnete
sie ihr eigenes Atelier in Meckenheim.
Seit 1997 regelmäßige Ausstellungstätigkeit
Altenkirchen, Bayern, Bonn, Bergneustadt,
Bad Honnef, Brühl, Darscheid, Heidelberg,
Hennef, Koblenz, Kronenburg, Rheinbach,
Rheine, Rheinbreitbach, Sindelfingen, Sylt,
Zürich in der Schweiz, Slowakei, Südtirol
und Schloss Oidonk, Niederlande.
www.artebeate.de
Das Spiel mit dem Spiel | Arbeit in 3 Akten
Ich will nur spielen
Es wollte nur spielen
Komm spiel mit
Ton, Polimentvergoldung, Rostauftrag,
Fundholz in Schweberahmen
3 Rahmen je 27 x 23 x 5 cm | 2017

Der Mensch als einzigartiges Wesen, in
seiner Zerbrechlichkeit oder auch in seiner
kraftvollen Vitalität und seine Gesamtkomplexität
faszinieren Carmen Varese immer
wieder.
Die Wurzeln Ihrer Kreativität und Quellen
Ihrer Inspiration, findet Sie in Ihrer
Umgebung und in vielen Ihrer Auslandsaufenthalte.
Die Eindrücke Südeuropas,
Süd- und Ostafrikas verstärkten Ihren Blick
auf die Wahrnehmung von Strukturen und
Oberflächen.
Carmen Varese
Carmen Varese ist stets auf der Suche nach
neuen Impulsen im Hinblick auf eine
innovative Lebenskunst und Wohnkultur, in
Verbindung von organisch gewachsenen
Strukturen und ästhetischen Ansprüchen.
Zunehmend rückte für sie der Werkstoff
Ton in den Vordergrund, sowie die intensive
Auseinandersetzung mit der menschlichen
Gestalt und dem Figurativen. Ihre
Arbeiten zeichnen sich durch ästhetisch,
realistische Körperlichkeit aus.
Der Blick für das Detail und das Erkennen
eines größeren Ganzen, bewirken bei
Carmen Varese die Freisetzung Ihrer Kreativität
und deren Umsetzung.
Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin,
Salzburg und Suditalien.
Für Carmen Varese ist: „Illusion, die
falsche Deutung von sinnlichen Wahrnehmungen.“
carmenvarese.com

Illusion | Gebrannter Ton, Metall | 70 x 43 x 43 cm | 2017

er beschloss, sich intensiv damit zu beschäftigen.
Mitten in den Weinbergen von
Fellbach konnte Wichmann in einem verwilderten
Garten seinen eigenen Brennplatz
errichten. Dort werden seine Objekte
hauptsächlich im Holzkohlebrand veredelt.
Seit 2013 bietet er dort auch Kurse zum
Thema Holzkohlebrand an. Er beteiligt sich
an Ausstellungen mit nationalen und
internationalen Keramikern und reicht
seine Arbeiten mit Erfolg bei nationalen
und internationalen Wettbewerben ein.
Peter Wichmann
Peter Wichmann wurde 1949 in Oberhausen
(Rheinland) geboren. Zum Studium der
Architektur ging er nach Stuttgart und lebt
seit 1972 hier. Diesen Beruf übte er bis
2012 teilweise als freier und angestellter
Architekt aus.
2004 lernte er die Raku-Keramik kennen,
jene spezielle Brenntechnik, die im 16.
Jahrhundert in Japan entwickelt wurde.
Von diesen ursprünglichen, archaischen
Brennmethoden war er so fasziniert, dass
Das Thema von Peter Wichmann ist die
Darstellung der menschlichen Gestalt.
Einzelne Personen oder Gruppen werden in
verschiedenen Posen dargestellt. Gefühle,
Regungen, Verhaltensweisen sollen in den
bildhauerischen, plastischen Arbeiten
sichtbar gemacht werden. Das Material ist
weißer Ton mit hohem Schamotteanteil und
unterschiedlicher Körnung. Vereinfacht und
grob gearbeitet, werden die Arbeiten im
Holzkohlebrand oder im Kapselbrand mit
Salzen und anderen Mineralien veredelt.
Zu der eingereichten Arbeit kommentiert
der Künstler: „Mit dieser Arbeit wird das
Ungeheuer Minotaurus als Metapher verwendet.
Hinter der Maske des Minotaurus
steckt das eigentliche Ungeheuer, der
Mensch.“
www.peter-wichmann.de

Under the mask 1 | Raku Ton im Holzkohlebrand | 80 x 12 x 12 cm | 2016

Zwar genoss sie das Studium der theoretischen
Grundlagen, doch ihr fehlte das
praktische Arbeiten. Aus diesem Grund absolvierte
sie mehrere Praktika, die sie die
Bildhauerei entdecken ließen.
Fortan wurde die Bildhauerei zu ihrer Vorliebe,
denn durch diese kann sie am besten
ihre Gefühle zum Ausdruck bringen.
Wenn Nadine ein Thema behandelt, dann
nimmt sie sich einer serienmäßigen Arbeit
an. Zurzeit sind es die abstrakten, ovalen
Formen mit verschiedenen Innenräumen,
die sie inspirieren. In Räumen verbirgt sich
ein Geschehen. Es gibt den Innen- und den
Außenraum, die Innenwelt und die Außenwelt.
Manchmal sind beide Welten voneinander
durch Grenzen getrennt, es
kommt aber auch vor, dass diese Grenzen
nur ein Übergang sind, der bereichernd und
angenehm ist.
„Ist unsere Innenwelt eine Illusion, die mit
der Außenwelt in Verbindung steht oder
ist die Außenwelt eine Illusion, mit der
wir uns verbinden wollen?“
Nadine Zangarini
nadinezangarini.com
Nadine Zangarini begann ihre künstlerische
Laufbahn mit ihrem theoretischen und konzeptuellen
Kunststudium in Straßburg.
Offenes Walten
Zederholz - Holzbildhauerei mit
Kettensäge, Hammer und Meißel
35 x 40 x 31 cm | 2017