RZ-PP_Jahrbuch_KUN_ST_2018

Jahrbuch 2018 

Kunst Stuttgart International e. V.

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Liebe Kunstfreunde, 

Kunst Stuttgart International e.V. mit Sitz in Stuttgart ist ein in 2015 gegründeter, 

gemeinnütziger, internationaler Kunstverein, der es sich zum 

Ziel gesetzt hat, seinen Mitgliedern auf überregionaler, nationaler und 

internationaler Ebene Ausstellungsmöglichkeiten zu verschaffen und 

gleichzeitig jedem einzelnen Mitglied Unterstützung in seiner persönlichen 

und künstlerischen Weiterentwicklung anzubieten. 

In der kurzen Zeit seines Bestehens hat [KUN:ST] International für seine 

Mitglieder Galerieausstellungen in Deutschland, Österreich und der 

Schweiz organisiert, eine gemeinsame Ausstellung mit einem Kopenhagener 

Kunstverein in der Helligåndshuset in Kopenhagen (DK), eine Austauschausstellung 

mit dem Elizabethtown College in Elizabethtown, Pennsylvania 

(USA) und Kunstmesseteilnahmen in Stuttgart, Miami, Turin, Paris 

und Köln. Daneben hat der Verein eine professionelle Webseite zur Präsentation 

seiner Künstler und ihrer Werke mit einem integrierten [KUN:ST] 

Webshop aufgebaut, jährlich einen [KUN:ST] Preis ausgeschrieben und 

betreibt seine Juni 2018 eine eigene Galerie in Leonberg bei Stuttgart. 

Unsere derzeit 275 Mitglieder kommen aus oder sind beheimatet in 

Australien, Dänemark, Deutschland, Finnland, Frankreich, Italien, Indien, 

Luxemburg, Niederlande, Österreich, Polen, Russland, Schweiz und den 

Vereinigten Staaten von Amerika. Wir zählen nicht nur Künstler zu unseren 

Mitgliedern, sondern haben auch Fördermitglieder und Galeristen in 

unseren Reihen. 

Dieses Jahrbuch 2018 ist die künstlerische Visitenkarte unseres Vereins. 

Mit den jeweiligen Mitgliederveränderungen wird dieses Buch jedes Jahr 

neu aufgelegt. Es eröffnet Ihnen einen Einblick in die hohe künstlerische 

Qualität der Werke und Aktivitäten unserer Mitglieder. Sie sind gerne 

eingeladen, sich bei Interesse direkt an die Künstlerinnen und Künstler 

zu wenden oder auch an unser Büro unter kun-st@web.de. Ich wünsche 

Ihnen viel Freude mit unserem Jahrbuch 2018. 

Dear art collectors, 

Kunst Stuttgart International e.V. is an international non-profit art association. 

It was founded in 2015 and is headquartered in Stuttgart, 

Germany. [KUN:ST] International has set itself the objective to provide 

its members with opportunities to exhibit at national and inter-national 

levels while providing each member support in their personal and artistic 

development. 

In the short period of its existence [KUN:ST] International organized for 

its members gallery exhibitions in Germany, Austria and Switzerland, a 

joint exhibition with a Copenhagen art association in the Helligåndshuset 

in Copenhagen (DK), an exchange exhibition with the Elizabethtown 

College in Elizabethtown, Pennsylvania (USA) and art fair participations 

in Stuttgart, Miami, Torino, Paris and Cologne. We also developed a 

professional website to present our artists and their artworks including 

a web shop and we launched an annual [KUN:ST] Art Prize. Since June 

2018 the association has its own gallery space in Leonberg close to 

Stuttgart 

In April 2018 our association counts 275 active or supportive members 

coming from countries such as United States of America, Australia, India 

and European countries such as Austria, Denmark, Finland, France, 

Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Switzerland and Germany. 

This yearbook is the artistic reference card of our association and it 

offers you insight into the high artistic quality of the artistic work of 

our members and it invites you as well to turn directly to the artists if 

you‘re interested in their artworks or you may also contact our office at 

kun-st@web.de. I hope you enjoy reading our yearbook 2018. 

Stuttgart, April 2018 

Andreas Kerstan | Erster Vorsitzender | Chairman 

[KUN:ST] International 

Kunst Stuttgart International e. V. 

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www.kun-st-international.de 

2. Auflage 2018 

© Copyright: 2017 Kunst Stuttgart International e. V. 

Layout und Gestaltung: Katharina Bühler 

Schillstraße 14, 90491 Nürnberg 

Verlag: Kunst Stuttgart International e.V. 

Breitscheidstraße 48, 70176 Stuttgart 

Druck: Wir machen Druck, Backnang 

ISBN: 978-3-947408-00-9 

Das Werk, einschließlich seiner Teile, ist urheberrechtlich 

geschützt. Jede Verwertung ist ohne 

Zustimmung des Verlages und des Autors unzulässig. 

Dies gilt insbesondere für die elektronische oder 

sonstige Vervielfältigung, Übersetzung, Verbreitung 

und öffentliche Zugänglichmachung. 

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Vorstand | Board 

Andreas Kerstan 

Vorsitzender | Chairman 

Andreas@kun-st-international.de 

+49 (0)152 547 698 49 

Petra Schmidt 

Stellvertretende Vorsitzende 

Petra@kun-st-international.de 

+49 (0)7151 152 03 

Birgit C. Schryvers 

Vorstand Fort- und Weiterbildung 

Birgit@kun-st-international.de 

+49 (0)172 836 065 3 

Dr. Rudi Worofka 

Vorstand Schriftführer 

Rudi@kun-st-international.de 

+49 (0) 172 32 44145 

Dietmar Schönherr 

Ordentlicher Vorstand 

Dietmar@kun-st-international.de 

+49 (0)173 530 606 7 

Michael Weick 

Vorstand Finanzen 

Michael@kun-st-international.de 

+49 (0)176 725 673 86 

Inge Louven 

Stellvertretender Vorstand 

Fort- und Weiterbildung 

Inge@kun-st-international.de 

+41 (0)552 443 011 

Kunstbeirat | Art Advisory Board 

Jörg Kraus 

Jörg@kun-st-international.de 

Thea Bayer-Rossi 

Thea@kun-st-international.de 

Dr. Marion Vogt 

Marion@kun-st-international.de 

Ruth Schleeh 

Ruth@kun-st-international.de 

Michaela Lucie Dassow 

Milu@kun-st-international.de 

Günther Sommer 

Günther@kun-st-international.de 

Unterstützung | Support 

Susanne Fornasier | Social Media 

Soussen@kun-st-international.de 

Betty Schmidt | Webmaster 

Betty@kun-st-international.de 

Elke Gaertner 

Kassenprüferin | Auditing 

Elke@kun-st-international.de 

Wolfgang Haack 

Kassenprüfer | Auditing 

Wolfgang@kun-st-international.de 

Länderbotschafter | Country Ambassadors 

Archana Aneja 

USA | USA 

Archana@kun-st-international.de 

Italo Cammarata 

Italien | Italy 

Italo@kun-st-international.de 

Helle Rask Crawford 

Dänemark | Denmark 

Helle@kun-st-international.de 

Catharina de Rijke 

Niederlande | Netherlands 

Catharina@kun-st-international.de 

Anya Lauchlan 

Frankreich | France 

Anya@kun-st-international.de 

Inge Louven 

Schweiz | Switzerland 

Inge@kun-st-international.de 

Veronika Munin-Glück 

Argentinien | Argentina 

Veronika@kun-st-international.de 

Johann Resch 

Österrreich | Austria 

Johann@kun-st-international.de 

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A 

Abuchaibe, Myriam (DE) 

Adamiak, Steffi (DE) 

Adams-Steegmaier, Monika (DE) 

Albrecht, Marion (DE) 

Alex-Lambrinos, Manfred (DE) 

Amann, Tom (CH) 

Aneja, Archana (US) 

B 

Bartolomaeus, Anne (DE) 

Batzill, Irene (DE) 

Bäuerle, Petra (DE) 

Bayer-Rossi, Thea (DE) 

Beckh, Susanne (DE) 

Bendner, Monika (DE) 

Benz, Daniela (CH) 

Berger, Margret (DE) 

Berger, Rosemarie (DE) 

Berger, Sandra (DE) 

Bergmann, Astrid (DE) 

Berndt, Olga (DE) 

Besuden, Eckhard (DE) 

Bieberich, Iris (DE) 

Birschmann, Alexandra (DE) 

Blank, Jürgen (DE) 

Block, Dominka (DE) 

Blum, Andrea (DE) 

Bogisch, Reinhard (DE) 

Bojé, Berndt (DE) 

Bolduan-Schlenk, Pia (DE) 

Bordich, Geert (DE) 

Börschig, Ilona (DE) 

Brachtl, Stephanie (DE) 

Brauburger, Lucia (DE) 

Brandenburg, Sabine (DE) 

Bremer, Britta V. (DE) 

Brose, Silke (DE) 

Buch, Gabi (DE) 

Buck, Ulrike (DE) 

Buehler, Elmar Maria (DE) 

Burmester, Elisabeth (DE) 

C 

Cammarata, Italo (IT) 

Cerny, Jochen (DE) 

Choma, Uschi (DE) 

Christen, Martin (CH) 

Christen-Dürig, Irene (CH) 

Cocks, Christopher (DE) 

Conte-Sansi, Petra (DE) 

Crawford, Helle Rask (DK) 

D 

Dassow, Michaela Lucie (MIILU) (DE) 

De Mont, Milanda (AU) 

de Rijke, Catharina (NL) 

Deubelbeiss, Jonas (CH) 

Dönicke Walder, Evelyn (CH) 

Dold, Monika (DE) 

Donabauer, Bernd (DE) 

E 

Echle, Astrid (DE) 

Edwards, Cheryl (US) 

Eisl, Sylvio (FR) 

Elwert, Jürgen (DE) 

Enzmann, Fred (DE) 

Enzmann, Roswitha (DE) 

Ernst, Anita (DE) 

Esslinger, Monika (DE) 

Esslinger, Silvia (DE) 

Etter, Stefanie (DE) 

F 

Fahrig-Holm, Christel (DE) 

Fallak-Odenkirchen, Christa (DE) 

Fazakas, Csaba (AT) 

Fecht-Nischak, Margret (DE) 

Flohr, Inge (DE) 

Frank, Thorsten (DE) 

Franke, Corinna (DE) 

Freile, Heidemarie (DE) 

Freiler-Höllinger, Susanne (DE) 

Frey, Gabriele (DE) 

Fried, Anita (DE) 

Friedmann, Christel (DE) 

Frischherz, Judith (CH) 

Frotscher, Reinhard (DE) 

Fruth, Heidemarie (DE) 

Führer, Edeltraud (AT) 

9

10

G 

Gaertner, Elke (DE) 

Geddert, Christian (DE) 

Geddert, Sabine (DE) 

Geiger, Erich (DE) 

Gemein, Waltraud (DE) 

Gempe, Stephanie (DE) 

Ginter, Josiane (LU) 

Girschewski, Petra (DE) 

Goerger, Thomas (DE) 

Goertz, Barbara (DE) 

Gräf, Edith (DE) 

Grandpierre, Katja (DE) 

Grell, Helmut (DE) 

Grünling, Gisela (DE) 

Günther, Maike (DE) 

H 

Haack, Christa (DE) 

Hammer, Gisela (DE) 

Hampp, Sabine (DE) 

Hedwig, Petra (DE) 

Heffler, Ilse (DE) 

Heiland, Uta (DE) 

Heinrich, Mariola (DE) 

Heitmar, Nadia (CH) 

Helmle, Christa (DE) 

Hiddemann-Holthoff, Claudia (DE) 

Hirschfeld, Gabriele (DE) 

Hirth, Gila (DE) 

Hodel, Sussi (Hodelart) (CH) 

Hohaus, Kirsten (DE) 

Hoppert, Eva (DE) 

Horn, Andreas (DE) 

Horn, Birgit (DE) 

Horn, Jutta (DE) 

Houlmann, Jean-Claude (DE) 

Hübsch, Alfred (DE) 

Hunger, Jens (DE) 

Huober, Ingrid (DE) 

Hürlimann, Andreas (CH) 

Hussong-Renz, Pascale (DE) 

I 

Ihme, Barbara (DE) 

Ilge, Dr. Hans-Dieter (DE) 

Israel, Dietmar (DE) 

J 

Jarkikh, Youri (Jarki) (RU) 

Jastorff, Gunda (DE) 

Jellinghaus, Annette (DE) 

John, Waltraud (DE) 

JOHannaS (CH) 

K 

Kalbhenn, Karl-Heinz (DE) 

Kamin, Heidi (DE) 

Karcher-Rollwage, Dr. Käthe (DE) 

Kasper, Ruth (DE) 

Kaufmann, Walter (CH) 

Kazda, Lucie (DE) 

Kersha (DE) 

Kerstan, Andreas (DE) 

Kilchenmann, Kathleen (DE) 

Kirschner-Liss, Kornelia (DE) 

Klawitter, Beatrice (DE) 

Klebor, Christa (DE) 

Kleindorp, Corinna (DE) 

Koch, Erika (DE) 

Kohlen, Bettina (DE) 

Kolmeder, Suzanne (DE) 

Kranz, Michelle (DE) 

Kraus, Jörg (DE) 

Krautscheid-Bosse, Monika (DE) 

Kroese, Carmen Heidi (CH) 

Kruchkova, Ekaterina (DE) 

Kugele, Margit (DE) 

Kupferschmidt, Margot (DE) 

Kuznetzoff, Jorge (DE) 

L 

Labüsch, Chris Pierre (CH) 

Lämmle, Karin (DE) 

Lämmlin, Gerhard (DE) 

Läpple-Schryvers, Birgit (DE) 

Lauchlan, Anya (FR) 

Lemke, Ingrid (DE) 

Lenartz, Stefanie (DE) 

Lenz, Susanne (DE) 

Liedl, Dr. Philipp (DE) 

Lindenberger, Andreas (DE) 

Louven, Inge (CH) 

11

12

Lücke, Petra (DE) 

Ludwig-Loster, Vera (DE) 

Lüth, Uli (DE) 

Lutz, Manuela (DE) 

Lyoubi-Burk, Susanne (DE) 

M 

Mägerle, Sigrid (DE) 

Matthes, Ute (DE) 

Maurer, Alfred (DE) 

May, Klaus (DE) 

Mayer, Verena (DE) 

Meffert-Schmengler, Beate (DE) 

Meyer, Ute (DE) 

Mierniczak, Richard (DE) 

Mittermeier, Ilse (DE) 

Munín-Glück, Verónica (DE) 

Munz, Angela (DE) 

N 

Nagel, Elisabeth (DE) 

Naumann, Ulrich (DE) 

Neuhaus, Ulla M. (DE) 

Niemeläinen, Päivyt (FI) 

Noeske, Doris (DE) 

O 

Ochoa, Molano (DE) 

Odischo, Simon (DE) 

Oecking, Sabine (DE) 

Oppelt, Magdalena (DE) 

Östermann, Hans-Peter (DE) 

Otto, Bruno S. (DE) 

p 

Pachner-Bauer, Andrea (DE) 

Pape, Ingrid (DE) 

Paskali, Irena (DE) 

Passarge, Ildiko (DE) 

Pfeffer, Ingrid (DE) 

Podvorec, Karmen Kozar (DE) 

Pròkai, Gabriella (CH) 

Prünster, Florian (IT) 

Pühmeyer, Gaby (DE) 

R 

Radermayr, Brigitte (DE) 

Rassow, Sabine (DE) 

Rathert-Schützdeller, Andrea (DE) 

Reichle, Helga (DE) 

Reinhardt, Heidi (DE) 

Resch, Johann (AT) 

Rick, Martina (DE) 

Ricklefs-Bahr, Bärbel (DE) 

Rieder, Ute (DE) 

Röder, Elisabeth (DE) 

RoFabér (DE) 

Roim, Ute (DE) 

Rostan, Gabriele (DE) 

Ruffert, Anne (DE) 

Ruhl, Ingrid (DE) 

Rupp, Heinz (DE) 

Ryba, Anke (DE) 

S 

Schankweiler, Kirsten (DE) 

Schattel, Gudrun (DE) 

Schenk, Christine (AT) 

Schepmann, Renata (DE) 

Schiffers, Andrea (DE) 

Schill, Marlis G (DE) 

Schleeh, Ruth (DE) 

Schlüter, Henny (DE) 

Schmid, Elke (DE) 

Schmidt, Betty (DE) 

Schmidt, Brigitte (DE) 

Schmidt, Petra (DE) 

Schmidt, Elena (DE) 

Schneider, Gertrud (DE) 

Schoch, Petra (DE) 

Schoch, Rainer (CH) 

Schönherr, Dietmar (DE) 

Schuh-Wibmer, Monika (DE) 

Schwarz, Ingrid (DE) 

Schweinsberg, Daniela (DE) 

Schwery, Andrea (CH) 

Seitz, Gabriele (DE) 

Seiz, Max (DE) 

Sharma, Kalpana (IN) 

Sich, Oliver (DE) 

Siegler, Grete (DK) 

Silber, Prof. Dr. Gerhard (DE) 

Simonenko, Natalia (DE) 

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Smoltczyk, Maja (DE) 

Snyers, Bernadette (LU) 

Sommer, Günther (DE) 

Soussen (DE) 

Specht, Eva (DE) 

Stahl, Hans-Werner (DE) 

Steegmaier, Hartmut (DE) 

Stemmer, Anja (DE) 

Stephens, Margrit (DE) 

Struck, Anja (DE) 

Struif, Brigitte (DE) 

Sylvester-Resch, Monika (AT) 

T 

Taffet, Dalya (DE) 

Thiel, Klaudia (DE) 

Thomann, Helga (DE) 

Titscherlein, Andrea (DE) 

Tobner, Marita (DE) 

U 

Unterharnscheidt, Martina (DE) 

V 

Van Grädde (DE) 

van Iersel, Angela (NL) 

Varese, Carmen (DE) 

Veith, Andre (CH) 

Venturi, Sabrina (DE) 

Vermaaten, Dorothee (DE) 

Verney, Loz (DE) 

Vetter, Ellen (DE) 

Vogt, Anja (DE) 

Vogt, Eva (DE) 

von der Linden, Ellen (DE) 

W 

Walter, Sandra (DE) 

Washington, Magdalena (DE) 

Weber, Carmen (DE) 

Weick, Michael (DE) 

Welman, Yvonne (NL) 

Wenski-Hänisch, Petra (DE) 

Werner, Irmgard (DE) 

Wespe, Raphaela (CH) 

Wewers, Birgit (DE) 

Wichmann, Peter (DE) 

Wilhelm, Marlies (DE) 

Will, Sibylle (DE) 

Wölfl, Dietmar (DE) 

Wolfert, Verena (DE) 

Wolfrat, Friedhelm (DE) 

Woop, Ralph D. (DE) 

Worofka, Dr. Rudi (DE) 

Wubneh-Mogessie, Ketsela (AT) 

Wünsche, Karin (DE) 

Würtinger, Andrea (DE) 

Z 

Zangarinin, Nadine (LU) 

Zerweck, Günter (DE) 

Ziegler-Selle, Irene (DE) 

Mitglieder Stand 1. Juni 2018 

(Members as of June 1 st , 2018) 

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Manfred Alex-Lambrinos 

Manfred Alex-Lambrinos 

Manfred Alex-Lambrinos wurde 1950 im Erzgebirge 

geboren. Er lebt seit 1990 im Enzkreis und arbeitet 

seit 2011 in Weil der Stadt / Merklingen, wo er in 

einem ehemaligen Bauernhaus seine „MAL- Werkstatt“, 

sein Atelier mit Ausstellungsräumen, hat. 

Manfred Alex-Lambrinos, ein gelernter Maschinenbautechniker, 

arbeitete 35 Jahre in verschiedenen 

Justizvollzugsanstalten des Landes Baden-Württemberg, 

zuletzt als Technischer Leiter in der 

Justizvollzugsanstalt Heimsheim. 

Sein künstlerisches Arbeiten wurde durch diese 

Tätigkeit, welche durch die intensive Auseinandersetzung 

mit den unterschiedlichsten Menschen 

charakterisiert wird, stark beeinflusst. Auch Fernreisen, 

vornehmlich nach Asien und neuerdings 

nach Afrika, prägen sein Werk, wie auch das Leben 

zwischen zwei Kulturen, der eigenen und der seiner 

ausländischen Ehefrau. 

In allen Fällen steht für ihn der Mensch mit seiner 

Kultur, seiner Persönlichkeit, seinerAusstrahlung 

und seinem Charakter im Mittelpunkt. So werden 

die Personen aus dem Kontext herausgelöst und 

dem Blick des Betrachters präsentiert. 

Grundlage für die Ausarbeitung der Linolplatten 

dienen Motive, die der Künstler überwiegend auf 

seinen Reisen selbst fotografiert hat. 

Iraner 

Linolschnitt 

42 x 30 cm 

2016 

16

Mönsheim / Deutschland 

alex-lambrinos.de 

Joe Quakam 

Linolschnitt 

42 x 30 cm 

2017 

Laotin 

Linolschnitt 

42 x 30 cm 

2014 

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Archana Aneja 

Archana Aneja 

was born in the picturesque Kashmir valley in 

India, located at the foothills of Himalayas and well 

known for its stunning natural beauty, exquisite 

handicrafts and ancient spiritual history. With an 

extremely strong creative persona and interest in 

art, sketching and history, she decided to pursue 

a five year bachelor’s degree in architecture 

from Bangalore University, followed by a master’s 

degree in architecture from Lawrence Technological 

University. Subsequent to her graduation, 

she continued her love affair with architecture by 

practicing as an architectural designer in the metro 

Detroit area for nearly a decade. 

Having had the unique opportunity to live, study 

and/or work in the United States, Germany and India, 

Archana was able to experience and learn from 

diverse and enriching inter-cultural experiences. 

And, despite the diversity of these salad bowl and 

melting pot experiences, she observed a universal 

binding thread for most people – the pursuit of 

happiness, love and peace. 

Archana uses the universal language of art and music 

to express her emotions and feelings, without 

any constraints. Grooving to her favorite music, she 

uses bright, bold palettes, heavily textured layers, 

acrylic colors and medium to create contemporary 

art representing life itself. 

Archana Aneja’s motto for life and career - “Push 

your boundaries and Let Life Flow!” – is reflected 

in her artwork. 

Heartache 

and Hope 

Acryl auf 

Leinwand 

80 x 60 cm 

2016 

18

Novi / USA 

www.archanaaneja.com 

Moondance 

Acryl auf Leinwand 

3 x 51 x 41 cm 

2015 

Walking on Sunshine 


3 x 76 x 38 cm 

2015 

Steampunk Dreams 

Red 


31 x 23 cm 

2016 

19

Peace, Love and Understanding 

Archana Aneja 


90 x 60 cm 

2015 

Can´t Stop 

Dancing 


90 x 60 cm 

2015 

20

Novi / USA 

Wildfire 

Mixed Media auf Leinwand 

9 x 36 x 28 cm 

2015 

Dance with 

me Tonight 

Mixed Media 

auf Leinwand 

31 x 23 cm 

2016 

21

Irene Batzill, 

Irene Batzill 

geboren in Stuttgart, lebt und arbeitet in Neuhausen 

auf den Fildern, in der Nähe von Stuttgart. 

Zur Entstehung ihrer Bilder passt ein Zitat von 

Pablo Picasso „Ich suche nicht, ich finde“. 

Das bedeutet, ihre Bilder entstehen nicht nach 

einem vorher festgelegten Konzept, sondern die 

Gestaltung entwickelt sich im Laufe des Arbeitsprozesses. 

Dieser Vorgang wird zwar geleitet von 

kompositorischen Zielvorstellungen, doch Farben 

und Formen werden zu autonomen Bildmitteln. 

Farbauftrag und Farbgebung werden von inneren 

Stimmungen und Impulsen geprägt. 

Irene Batzill denkt sich das Bild nicht vorher aus 

oder stellt es sich vor, sondern es entsteht nach 

und nach in einem Malprozess, der durch emotionale 

und rationale, spontane und reflexive Momente 

bestimmt ist. 

Splash 

Mischtechnik auf 

Papier 

14 x 19 cm 

2013 

Die Bilder sind frei von thematischen Inhalten, sie 

haben keine symbolische Bedeutung, sondern der 

Betrachter kann frei assoziieren und das Bild mit 

eigenen Gefühlen und Vorstellungen füllen. Sie ist 

Mitglied im BBK und [KUN:ST] International 

Öffentliche Ankäufe: KSK Esslingen-Nürtingen, 

Landratsamt Tübingen, KSK Tübingen, SSB, Landratsamt 

Böblingen, Stadtwerke Ulm, Gemeinde 

Murr und Telma Retarder. 

Hideout 

Mischtechnik 

auf Papier 

16 x 19 cm 

2013 

22

Neuhausen / Deutschland 

www.irene-batzill.de 

Trace 

Mischtechnik 

auf Papier 

16 x 11 cm 

2013 

Blotches 

Mischtechnik 

auf Papier 

19 x 14 cm 

2013 

23



lebt und arbeitet im Raum Heilbronn und Bad 

Rappenau. Mit einem mehrjährigen Studiengang 

„Bildende Kunst“ in Nürnberg konnte sie sich nach 

ihrer Manegement Tätigkeit in einem großen Unternehmen 

einen Herzenswunsch erfüllen. Diesen 

lebt sie in ihren großzügigen Atelier-und Galerieräumen 

in vollen Zügen und mit Leidenschaft aus. 

Ihr Credo lautet: „Suche, finde,lebe, liebe, genieße 

Deine Leidenschaft. Ich lebe meine Leidenschaft 

und spüre dabei das volle Leben.“Die Künstlerin 

experimentiert gerne mit verschiedenen Materialien 

und kombiniert unterschiedliche Techniken. 

Sie hat eine große Bandbreite an künstlerischen 

Ausdrucksmitteln; z.B. Acryl-/Ölmalerei, digitale 

Kunst, Druckgraphik und Objektkunst (Skulpturen 

für innen und außen). Ihre Bildwelten sind Auseinandersetzungen 

mit Gesehenem und Erlebtem. 

Die Künstlerin ist Mitglied in verschiedenen Kunstvereinen 

und präsentiert ihre Kunst regelmäßig national 

und international sowie in der eigenen Galerie. 

Musik im Körper 

Digitaldruck auf Forex 

40 x 60 cm 

2017 

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Bad Rappenau / Deutschland 

www.atelierbonarthe.de 

Zeit für Musen 

Digitaldruck auf Forex 

40 x 60 cm 

2017 

25


Warten auf die Stille 

Digitaldruck auf Papier 

20 x 20 cm 

2017 

Verweilen in der Wärme 


20 x 20 cm 

2017 

26

Bad Rappenau / Deutschland 

www.atelierbonarthe.de 

Voller Energie 


20 x 20 cm 

2017 

Zuversichtlich nach vorne blicken 


20 x 20 cm 

2017 

27

Susanne Beckh, 

Susanne Beckh 

geboren in Düsseldorf, lebt und arbeitet in 

Esslingen am Neckar. 

Nach dem Studium und Tätigkeit als Realschullehrerin 

u.a. für Kunst ist sie heute als freischaffende 

Künstlerin tätig. 

Ihre Bilder werden von der Leuchtkraft der Farbe 

dominiert, sie sind spontane und sehr farbkräftige 

Schöpfungen, die zwischen abstraktem Spiel und 

Bilderfindung hin- und herpendeln. 

Oft finden sich in ihren Bildern Dinge, die nur angedeutet 

sind und unterschiedliche Assoziationen 

hervorrufen können - seien es Figuren, Gesichter 

oder Szenen. Häufig tauchen diese erst nach längerer 

oder mehrmaliger Betrachtung auf - um 

beim nächsten Mal wieder im Abstrakten zu verschwinden. 

Dadurch erreicht Susanne Beckh, dass 

der Betrachter sich mit ihren Bildern beschäftigt 

und nicht satt wird, sie anzuschauen. 

Mädchenkopf 

Acryl und Öl auf Leinwand 

40 x 30 cm 

2015 

Abgesehen von den völlig abstrakten Kompositionen 

lassen ihre Bilder meist Landschaften oder 

Landschaftsszenen, aber auch Figürliches oder 

Pflanzenmotive erkennen oder zumindest erahnen. 

Die in Acrylmalerei ausgeführten Arbeiten werden 

gelegentlich um Collage-Techniken ergänzt. 

Darüber hinaus befasst sich Susanne Beckh mit 

der Portraitmalerei in Öl. 

Abendröte 

Collage, Acryl 

auf Leinwand 

80 x 100 cm 

2016 

28

Esslingen / Deutschland 

susanne.beckh@onlinehome.de 

Seensucht 


80 x 150 cm 

2016 

Küste III 


80 x 100 cm 

2016 

29

Susanne Beckh 

Birkenlicht 


100 x 180 cm 

2011 

Geheimnisse 

Collage, Acryl auf 

Leinwand 

60 x 60 cm, 2016 

Schwebendes Rot 


80 x 100 cm 

2016 

30


Blaues Wasser 

Collage, Acryl auf Leinwand 

80 x 100 cm 

2015 

Bacchus 


120 x 80 cm 

2016 

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Monika Bendner 


wurde in Berlin geboren. 

Bereits in jungen Jahren setzte sie sich mit der 

Malerei auseinander, bevorzugt unter Verwendung 

landschaftlicher und figuraler Motive. 

Ihre künstlerische Kompetenz auf dem Gebiet der 

Malerei baute sie durch mehrere Kunstkurse an 

privaten Kunstschulen in München aus und erweiterte 

ihr Spektrum durch die Bereiche Radierung 

und Zeichnung. 

Seit 2007 arbeitet sie aktiv in einem Kreativteam 

mit gestaltender Fotografie, manueller Bildbearbeitung, 

mit Acrylfarben und anderen bildnerischen 

Mitteln. 

Im Jahr 2014 schloss sie in Hamburg ein Fernstudium 

in Fotodesign mit dem Abschluss als 

Dipl. Fotodesignerin ab. 

Eiskristalle schwarz – weiß 

32

Kronberg / Deutschland 

www.monikabendner.com 

Auf diesen Seiten präsentiert Monika 

Bendner Werke aus ihrer Serie 

Gegenüberstellung, Schwarz Weiß 

liebt die Farbe. 

Alle 6 Bilder 50 x 70 cm, echter 

Fotoabzug unter Acrylglas 

2016 

Eiskristalle Farbe 

33


Intrige schwarz – weiß 

34


Intrige Farbe 

35


Visuell schwarz – weiß 

36


Visuell Farbe 

37

Margret Berger 


absolvierte von 2004 – 2009 ihr fünfjähriges Kunststudium 

an der Freien Kunstakademie Nürtingen 

(FKN), u.a. bei Doz. Hilmar Braun, Prof. Ulrich 

Wegenast, und dem Philosoph Harry Walter. Ihre 

Schwerpunkte waren Malerei und Medienkunst, 

aber auch die philosophische Auseinandersetzung 

mit Ästhetik und Wahrnehmung. 

Der experimentelle Umgang mit Farbe als Material 

und ihrer vielfältigen Eigenschaften, sind Grundlage 

ihrer meist großformatigen, farbintensiven 

Bilder. Malen ist für die Künstlerin ein offener Dialog 

mit dem Bild und die damit verbundene Suche 

nach Neuem, Unbekanntem und Überraschendem. 

Ihr achtjähriger Aufenthalt in der Südsee, das Leben 

in einer völlig anderen Kultur und Landschaft, 

hat ihre Malweise entwickelt und tiefgehend geprägt. 

Die Konfrontation mit dem Unbekannten 

und Fremden als Herausforderung die eigene 

Wirklichkeit zu hinterfragen. Meist arbeitet sie mit 

vielen Lasuren, Schichten aus verdünnter Ölfarbe, 

um Farbintensität, Vielschichtigkeit und Dichte zu 

entwickeln. Schüttungen und pastoser Farbauftrag 

mit bewußten Malspuren stehen im Kontrast 

zu weichen Übergängen. Der „gesteuerte“ Zufall, 

aber auch gründliche Reflexion sind wichtige Elemente 

ihrer Bildfindung. Dichtester Urwald, Intensität 

in jeder Form, leuchtende Farben, unmittelbare 

Naturgewalt – diese tiefen Eindrücke beeinflussen 

die Farbwahl, die Themen und auch den Versuch, 

über das Malen neue Sichtweisen zu finden. 

Rainforest 1 

Öl auf Leinwand 

105 x 150 cm, 2016 

38

Tübingen-Bühl / Deutschland 

www.margret-berger.de 

Hibiskus 


95 x 145 cm, 2016 

39

Onedayparadise 8 


150 x 170 cm, 2009 

40


Tübingen-Bühl / Deutschland 

Wilderness 


100 x 100 cm, 2016 

Power of Eve 


100 x 100 cm, 2015 

41

Rosemarie Berger, 

Rosemarie Berger 

geboren in Dresden. Berufsausbildung in Grafik- 

Design, bis 1989 Werberegisseurin, ab 1985 Studium 

Kommunikationsmethodik in Berlin, ab 1991 

Mode - Grafikerin im Versandhandel, 1996 bis 2005 

Abteilungsleiterin Grafik im Versandhandel und 

seit 2005 freiberufliche Grafik-Designerin. 

Rosemarie Berger ist gelernte Grafik-Designerin 

und arbeitet seit 2008 als aktive Fotokünstlerin mit 

internationaler Ausstellungstätigkeit. 

Bei dieser Entwicklung kam ihr die jahrelange professionelle 

Arbeit mit Fotografie aus ihrer Berufstätigkeit 

in der Werbung zugute. Sie interessiert 

sich vor allem für die Thematik „Sein und Vergehen“ 

mit Bezug zu Empfinden, Schaffen und Werden 

der Menschen vergangener Zeiten - erkennbar 

in einer unverwechselbaren Handschrift, die ihren 

Bildern eigen ist. 

Sie ist Mitglied in namhaften Kunstvereinen in 

Baden-Württemberg, Urheberin des Bildbandes 

„Wandel - Neues Schloss Baden-Baden“ sowie 

Gründungsmitglied der Künstlergruppe Kunst7 

Baden-Baden. 

Auberge 1 

Fineartprint auf Leinwand 

70 x 105 cm, 2016 

42

Rastatt / Deutschland 

www.rb-fotokunst.de 

Auberge 2 


105 x 70 cm, 2016 

Auberge 3 


105 x 70 cm, 2016 

Auberge 4 


105 x 70 cm, 2016 

43

Astrid Bergmann, 

geboren 1968 in Kiel, wuchs in Deutschland, 

Belgien und den USA auf. Heute lebt und arbeitet 

sie in Bad Schönborn (Deutschland) und Vigole 

(Gardasee / Italien). 

Der Mensch mit seiner Gefühlswelt steht im 

Vordergrund der Arbeiten von Astrid Bergmann. 

Seit 2008 hat sie sich diesem Thema verschrieben 

und bringt es dem Betrachter in unterschiedlicher 

Präsenz nahe. Ihre Bildideen entstehen oft in 

alltäglichen Situationen, in denen ein Gesichtsausdruck, 

eine Bewegung oder die Ausstrahlung einer 

Person das Interesse der Künstlerin weckt. Flüchtige 

Skizzen oder gezielt vorbereitete Fotosessions 

helfen, das Wahrgenommene festzuhalten, um es 

später im Atelier in teilweise aufwendigen Arbeitsprozessen 

zu einer überzeugenden Form zu 

gestalten. 

Mit Weißtönen, einem grazilen Federstrich – verbunden 

mit Licht und Transparenz – erzählen die 

Bilder ihre Geschichten. Der Ausnahmekünstlerin 

und studierten Mathematikerin Astrid Bergmann 

gelingt es, schwere Themen mit Leichtigkeit darzustellen. 

Schicht auf Schicht auf Schicht: behutsam nähert 

sie sich ihren Portraits. Durch die unterschiedliche 

Materialzusammensetzung in jedem Bild verbindet 

die Künstlerin Altes, Neues, Vordergründiges und 

Hintergründiges, um regelrechte Seelenräume für 

ihre Figuren zu schaffen. Aktuell beschäftigt sich 

Astrid Bergmann auch mit den Themen Weite und 

Stille: Landschaften, mit oder ohne Figur, führen 

den Betrachter in seine eigenen Seelenräume. 

EASE - oder - 

Auf der Suche 

nach der Leichtigkeit 

des Seins 


150 x 100 cm 

2012 

44

Astrid Bergmann 

Bad Schönborn / Deutschland 

www.astrid-bergmann.de 

Ich bind doch 

keine Vögel an 

Leinen 1 

Acrylglas, Acryl 

auf Leinwand 

120 x 50 cm 

2013 

Ich bind doch 

keine Vögel an 

Leinen 3 

Acrylglas, Acryl 

auf Leinwand 

120 x 50 cm 

2013 

45

Astrid Bergmann 

Ich kann die Stille riechen 

Acryl, Acrylglas auf Leinwand 

30 x 31 cm 

2014 

Ich kann die Stille schmecken 

Acryl, Acrylglas auf Leinwand 

30 x 31 cm 

2014 

Windstille 


30 x 30 cm 

2015 

46

Bad Schönborn / Deutschland 

Landschaft ohne Frau XI 


140 x 180 cm 

2016 

47

Eckhard Besuden, 

Eckhard Besuden 

geboren am 27.01.1964 in Oberhausen, lebt und arbeitet 

in Allensbach nahe Konstanz am Bodensee. 

Er bezeichnet sich selbst als Autodidakt, was man 

aber in Frage stellen darf, denn ab dem 6. Lebensjahr 

wurde er von seiner Mutter (Hochschule der 

Künste in Düsseldorf) in Malereitechniken unterrichtet. 

Er widmet sich seit 2003 dem erstmals von 

der Transition gallery London (UK) propagierten, 

aber nach wie vor völlig unbekannten Malstil der 

„Antideterministischen Malerei“, die dem Künstler 

ein Maximum an Stilvielfalt und Technik zubilligt 

aber auch abverlangt. Diese „dogmatische Malerei“ 

stellt laut Besuden „sowohl das lineare als 

auch das zyklische Kunstverständnis“ in Frage. Sie 

überdenkt die professionellen Qualitätsmerkmale 

an moderne Malerei und ihre Künstler wie „neu“, 

„authentisch“, „undekorativ“ sowie „rein künstlerische 

Vita“, die Besuden Determinismus nennt. 

Durch den Antideterminismus werde, so Besuden, 

„das malerische Sujet beliebig, ja sogar bewusst 

profanisiert, aber im Gegenzug der Malakt dogmatisch 

streng vorsätzlich“. „Durch den Antideterminismus 

gewinnt der Künstler gegenüber den 

stilistischen und dogmatischen Vorgaben des 

deterministischen 1. Kunstmarktes erheblich an 

Gestaltungsfreiheit“. 

Ausstellungen (Auswahl): 

2015 Studio 26 gallery New York USA 

2015 Hans Alf gallery, Kopenhagen, Denmark 

2016 Galerie Katapult Basel CH 

2016 SCOPE Basel 

Hannes Seehas phthaloblau (9 von 10) 


130 x 120 cm, 2016 

48

Allensbach / Deutschland 

www.eckhard-besuden.de 

Vito Schnabel 

Öl auf Holz 

30 x 50 cm 

2016 

Three studies of Zwei 

Freundinnen (3 von 3) 


130 x 150 cm 

2015 

Frühling in Berlin 

(Hinweg) 


100 x 200 cm 

2014 

49

Iris Bieberich, 

Iris Bieberich 

geboren in Pforzheim, lebt und arbeitet seit 30 

Jahren in der Südpfalz in Berg, einem schön 

gelegenen Dorf zwischen Rhein und Bienwald in 

unmittelbarer Nähe zu Frankreich. 

Über eine berufliche Veränderung in den Bereich 

der Maltherapie, in der sie seit 2001 mit eigenem 

Malatelier tätig ist, vertiefte sie eigenes Schaffen 

im Bereich Malerei und Holzarbeiten. 

Großformatige Acrylbilder entstehen oftmals in 

einem langen Prozess, bei dem Übermalungen 

und Mut zur Veränderung die treibende Kraft sind. 

Die entstandenen Bilder sind Ausdruck innerer 

Welten und ganz persönlicher Themen. Daneben 

finden sich auch immer wieder Themen der Natur 

und der Landschaft, die allerdings keinen konkreten 

Orten entsprechen. 

Eigene Symbolik und Formensprache finden sich 

auch in ihren Holzskulpturen, die ganz bewusst 

aus alten Hölzern gearbeitet sind. 

Eichen, Robinien oder Douglasien werden in vielen 

Arbeitsstunden mit scharfem Schnitzwerkzeug 

bearbeitet. Linien, Formen und Figuren zeigen 

sich und altes Holz erwacht zu neuem Leben mit 

mystischer Ausstrahlung. 

Alle Skulpturen und Bilder sind Unikate. 

Engel 

Holzskulptur 

120 cm 

2014 

50

Berg / Deutschland 

Der Eisberg schmilzt 

ww.malatelier.com 


100 x 80 cm 

2013 

Berge und See 


100 x 80 cm 

2014 

Pferdefrau 

Holzskulptur 

160 cm 

2015 

51

Alexandra Birschmann 

Alexandra Birschmann 

Menschen stehen im Mittelpunkt der großformatigen 

Arbeiten von Alexandra Birschmann. Die 

Künstlerin richtet den Blick nach innen, zeigt kleine 

Handlungen und Gemütszustände, die unter der 

Oberfläche stattfinden. Augenblicke, die nachhaltig 

unser Leben beeinflussen und dazu führen, dass 

wir die Routine verlassen, um uns selbst zu erleben. 

Mit zwei Techniken erreicht Alexandra Birschmann 

ihr Ziel: Ein in sich abgeschlossenes abstraktes 

Werk in kräftigen Acryl-oder Ölfarben, pastos 

gespachtelt, entsteht intuitiv. Ein Muster von 

horizontalen oder vertikalen Bewegungen, die 

auch innerhalb der Gesichter nicht ihre Richtung 

ändern, taucht wiederkehrend in den Werken auf. 

Darüber erschafft die Künstlerin aus klaren Linien 

ein Porträt, das Transparenz zulässt, wodurch ein 

ganz eigener Ausdruck entsteht. Farbe und Form 

ziehen sich in spannendem Kontrast an und ergänzen 

sich zu einem lebendigen Werk. 

Alexandra Birschmann ist 1966 in Bückeburg in 

Niedersachsen geboren. Sie arbeitete zunächst als 

Goldschmiedemeisterin und Schmuckdesignerin. 

Von 2009 bis 2013 studierte sie in Mainz Malerei 

und ist seitdem freischaffend in ihrem Atelier in 

Rheinhessen tätig. Ihre Arbeiten sind in wechselnden 

Ausstellungen sowie auf nationalen und 

internationalen Messen zu sehen. 

Picasso 


120 x 140 x 3 cm 

2016 

52

Alzey / Deutschland 

www.alexandra-birschmann.de 

Sonnenstrahlen 


120 x 160 x 3 cm 

2017 

53

Andrea Blum 

ist in Schleswig-Holstein geboren und aufgewachsen, 

arbeitet nun schon seit vielen Jahren in Backnang 

bei Stuttgart. Der Schwerpunkt ihrer Arbeit 

ist die gegenständliche, phantastische Malerei und 

die Bildhauerei. 

Die Beziehungen und der Umgang der Menschen 

miteinander inspirieren sie zu ihren Plastiken, die 

sowohl in aufbauender, als auch in abschlagender 

Technik z. B. Gips, Bronzeguss, aber vorzugsweise 

Alabaster umgesetzt werden. 

In ihren Bildern herrschen die Landschaften vor, 

Orte und Ereignisse zusammengebracht, ergeben 

einen ganz neuen Blickwinkel. Die Aquarellmalerei 

war ihr erstes Medium und bis heute experimentiert 

sie mit diesen Techniken ebenfalls gern in der 

Ölmalerei. Die Farbe laufen lassen, begrenzen und 

damit das Bild der eigenen Phantasie entstehen 

lassen ist ihre Spezialität. 

Inspiration für diese Bilder und Plastiken bekommt 

sie auf diversen Malreisen durch Deutschland und 

England. Die daraus resultierenden Arbeiten sind 

seit 2010 regelmäßig auf Ausstellungen in Backnang 

und Stuttgart zu sehen. 

Schon vor dem Abschluss des Studiums an der 

Freien Kunstschule Stuttgart im Januar 2015 

begann sie an der VHS Backnang und im eigenen 

Atelier zu unterrichten. Viele Projekte der Backnanger 

Schulen, wie Musicals, die Backnanger Litera- 

Tour sowie besondere Kunsttage werden von ihr 

künstlerisch betreut. 

dreamscapes 

Lindisfarne Castle 


100 x 70 cm 

2012 

54

Andrea Blum 

Backnang / Deutschland 

Manipulation Erde 

www.blum-art.de 


100 x 100 cm 

2013 

Rheinreise 

Rheinfall 


80 x 120 cm 

2015 

55

Andrea Blum 

Dialog 

2 Keramiktorsi 

54 x 26 x 24 cm und 59 x 30 x 29 cm, 2013 und 2014 

Seite an Seite 

Bronzeguss auf Granitsockel, 45 x 24 x 13 cm, 2012 

56


Tanzendes Paar 

Aluguss 

70 x 55 x 32 cm 

2015 

Der Ammonit 

Blauer Alabaster 

21 x 39 x 25 cm 

2015 

57

Pia Bolduan-Schlenk 

ist in Hamburg aufgewachsen und hat dort auch 

ihr Studium abgeschlossen. Nach Stationen in 

Toronto, Los Angeles, Frankfurt, Basel, New York, 

Wien, Sao Paulo und Freiburg hat sie derzeit ihre 

Arbeitsstätte in Büdingen, in der Nähe von 

Frankfurt. 

Pia Bolduan-Schlenks bevorzugte Arbeitsthemen 

sind der Mensch, Landschaften und Strukturen. 

Bei der malerischen Umsetzung ergänzen sich 

Gegenständlichkeit und Abstraktion. 

Die Porträtmalerei, jahrelang mit dem Thema 

„Wahl-Heimat“ bearbeitet, ist ein zentrales 

Interesse der Künstlerin. Jedoch auch ihre abstrakten 

Arbeiten mit den speziellen Farbkompositionen 

und der großer Leichtigkeit sind ihr als 

weiterer Themenschwerpunkt wichtig. 

Schwarzwaldmädel 7 

Acryl auf Holz 

40 x 40 cm, 2011 

Die Künstlerin arbeitet mit kraftvollem Duktus und 

strahlenden Farben in Acryl und Öl auf Leinwand 

sowie auf Papier und nutzt verschiedene Drucktechniken. 

Ihre Bilder wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen 

in den USA, Brasilien, Frankreich, Italien, 

Österreich, Schweiz und Deutschland ausgestellt, 

Studien der Malerei bei der AASA in Sao Paulo, 

Brasilien und der Freien Hochschule für Grafik- 

Design und Bildende Kunst in Freiburg. 



40 x 40 cm, 2011 

58


Büdingen / Deutschland 

www.pia-art.de 


(Ausschnitt) 


50 x 60 cm, 2013 

59


My Colours 42 

Acrylmischtechnik auf Leinwand 

60 x 60 cm 

2016 

60

Büdingen / Deutschland 

My Colours 19 


100 x 100 cm 

2015 

61

Geert Bordich, 

Geert Bordich 

geboren in Kiel, sucht den Dialog zwischen 

Mensch und Umwelt, zeigt die Probleme der sich 

ständig veränderten Gesellschaft und versucht, 

diese mit den Mitteln der Kunst zu verarbeiten und 

weiterzugeben. 

Er zeigt die Schönheiten der Natur auf, weist aber 

auch auf die negativen Folgen der Umweltzerstörung 

hin. 

Seine farbenprächtigen Arbeiten in Öl und Acryl 

sind in vielen privaten und öffentlichen Einrichtungen 

im In- und Ausland vertreten. 

Geert Bordich lebt und arbeitet in Baden Baden. 

„Kunst besitzt eine universelle Sprache, 

die die Menschen über die Kontinente hinweg 

verbindet.“ 

One Way Ticket 


80 x 100 cm 

2014 

62

Baden-Baden / Deutschland 

www.atelierbordich-art.de 

Fisherman´s Proud 

Portocolom I - 

Mallorca 


70 x 90 cm 

2016 


60 x 80 cm 

2014 St. Peter-Ording 

zeigt Flagge 


80 x 120 cm 

2014 

63

Ilona Börschig, 

Ilona Börschig 

geboren in Serbien, seit 1976 in Deutschland, 

lebt und arbeitet in Fichtenberg, in der Nähe von 

Schwäbisch Hall. 

Gestaltung und Kreativität gehören seit früher 

Kindheit zu ihrem Alltag. Waren es früher Stoffreste, 

später Haare und Blumen haben sich nun 

Farben neu dazugesellt und sich in den Vordergrund 

gestellt. Ilona Börschig ist eine Autodidaktin. 

Sie entdeckte das Malen vor 15 Jahren für sich. 

Am Anfang waren es florale, gegenständliche, 

später eher abstrakte und moderne Motive. 

Sie malt mit Acrylfarben und Ölpastellkreiden auf 

Leinwand oder Malkarton und integriert Strukturpaste, 

Sand, Karton und andere Materialien in ihre 

Werke. Dabei ist ihr die Zeit, die sie für die Bildgestaltung 

braucht, nicht wichtig. Für sie stehen die 

Harmonie der Farben und die Einzigartigkeit des 

Bildes im Fokus. 

Die Künstlerin blickt auf zahlreiche Einzel- und 

Gruppenausstellungen zurück. 

Ohne Titel 

Mischtechnik auf Leinwand 

70 x 120 cm 

2016 

64

Fichtenberg / Deutschland 

Ohne Titel 

Mischtechnik, Sand, Strukturpaste 

und Verpackungsmaterial 

auf Leinwand, 70 x 50 cm 

2016 

ilona.boerschig@gmx.de 

Ohne Titel 

Mischtechnik mit Perlen, 

Holz und andere Materialien 

auf Leinwand, 70 x 50 cm 

2016 

Ohne Titel 


70 x 120 cm 

2016 

65

Stephanie Brachtl, 

Stephanie Brachtl 

geboren in Halle/Saale, lebt und arbeitet in 

Herrenberg, in der Nähe von Böblingen. 

Das künstlerische Schaffen umfasst Malerei, Grafik, 

Aktionskunst, Installationen, Objekte und Objektbilder, 

sowie Texte, Gedichte und Fotografie bis 

hin zur Kunst im öffentlichen Raum, Logos für Gemeinde 

und Privatpersonen, Benefizunterstützung, 

Gedicht- und Buchillustrationen. 

Denkbezüge, die ins Mehrdimensionale führen, 

entsprechen in den Arbeiten der Vielfalt der verwendeten 

Materialien. Mal- und Zeichenmittel 

aller Art einzusetzen ist längst nicht mehr ungewöhnlich. 

Die besondere Originalität und unverbrauchte 

Frische liegt jedoch im Verwenden von 

Fertigteilen aus Glas, Kunststoff, Metall, sowie 

Bohnen oder Nudeln, die teils verfremdet, teils 

als erhabene und bewegliche Teile in einen 

Grund eingefügt werden. 

Zufälle können entstehen, so dass sich eine 

erdachte Idee verselbständigt. Dadurch bleibt 

der Prozess der Entwicklung immer spannend. 

Der eigene Blickpunkt muss somit jedes Mal 

neu überdacht werden. 

Das Motto lautet: Einen Weg zu sehen und nicht 

zu gehen, ist nicht möglich. 

Der Angler 

Objekt, Stein, Kupfer und Hanf, 25 x 25 x 32 cm, 2015 

66

Herrenberg / Deutschland 

www.stephanie-brachtl.de 

Schwarzlicht 

Installation 

Mixed Media 

2014 

67

Lucia Brauburger 

Lucia Brauburger 

Jahrgang 1965, hat die Malerei erst vor einigen 

Jahren für sich entdeckt. Seitdem lässt sie das 

kreative Schaffen nicht mehr los. Als Dozentin und 

Inhaberin einer Consulting-Agentur setzt sich die 

in Mainz lebende Künstlerin intensiv mit den Themen 

Zukunft und Innovation auseinander. 

Ihre Bilder, allesamt Acryl auf Leinwand, bezeichnet 

sie als „zeitlose Refugien“. Sie schaffen den 

erwünschten Kontrast zum Tempo getriebenen 

Alltag. 

Auf Basis gekratzter Linien und mutwillig aufgetragener 

Flächen schafft Lucia Brauburger abstrakte 

Landschaften und Figurenkonstellationen, die auf 

archaisch anmutenden Formen aufbauen und zeitgenössische 

Bezüge bewusst aussparen. 

„Was mich bannt, ist das Zusammenspiel zwischen 

Farbe, Linie und Struktur. Mal dominiert das 

Figurative, mal das Lineare, mal Flächen, die eine 

Art Landschaft bilden. Ich gehe nicht mit einem im 

Kopf vorgefertigten Bild ins Atelier und setze das 

um. Im Gegenteil: Meine Bilder entstehen in einem 

völlig unberechenbaren Prozess – aufgetragen in 

mehreren Schichten, die ich partiell wieder abtrage, 

auskratze, manchmal komplett übermale um 

nochmals von vorne zu beginnen. Alles ist intuitiv.“ 

Ariel 

Acryl auf 

Leinwand 

150 x 200 cm 

2018 

68

Mainz / Deutschland 

www.artandbuilding.de 

Ich weiß nur, 

was ich tue… 

Acryl auf 

Leinwand 

150 x 200 cm 


…wenn ich bei 

mir bin! 

Acryl auf 

Leinwand 

150 x 200 cm 


69

Gabi Buch 

Gabi Buch 

wurde 1966 im Ruhrgebiet geboren. Ihre künstlerische 

Ausbildung absolvierte sie an verschiedenen 

Kunstakademien im Ruhrgebiet, in Bayern und 

Baden-Württemberg. Sie spezialisierte sich auf die 

experimentelle, informelle und abstrakte Malerei. 

Ihren Meisterkurs beendete sie 2008 erfolgreich 

bei dem Maler Marc Safan (New York City). 

Seit 2001 organisiert Gabi Buch regelmäßig öffentliche 

Ausstellungen, ihre Werke werden national 

und international angekauft. Seit einigen Jahren 

unterrichtet sie in ihrem Atelier in Marbach am 

Neckar bei Stuttgart abstrakte Malerei und führt 

kreatives Coaching durch, bietet kreative „Aussteigertage“, 

Teamentwicklung und Workshops an. 

Bei den Kunstwerken aus der Serie „Gel(i)ebte Freiheit“ 

des Jahres 2016 handelt es sich um abstrakte, 

absolut gegenstandslose Malerei, expressive Farbexplosionen 

in Mischtechnik mit Acryl, Ölfarben, 

Sand, Asche, Metallspänen. Die Werke sind auf 

dem Boden liegend und an der Wand entstanden, 

strahlen Kraft, Willkürlichkeit und Schnelligkeit aus 

und sind dennoch analytisch und kontrolliert in 

vielen Schichten räumlich entwickelt. 

Gel(i)ebte Freiheit 

„harmony“ 


140 x 90 x 5 cm 

2016 

70

Marbach am Neckar / Deutschland 

www.gabi-buch.de 

Gel(i)ebte Freiheit 

„ocean“ 

Gel(i)ebte Freiheit „joy“ 

Acryl, Eisenspäne auf Leinwand, 140 x 90 x 5 cm, 2016 

Acryl, Eisenspäne 

auf Leinwand 

140 x 90 x 5 cm 

2016 

71


was born in Marina di Massa, Italy, in 1947. Today 

he lives and works in Turin, Italy. Italo began his 

professional career at some of the best advertising 

agencies in Turin. Later, after 1980, he moved to 

the field of design, and he applied the combination 

of his experience in advertisement and his design 

skills to industrial projects for companies such as 

Yamaha, Subaru, Piaggio, JVC, Seiko, Barilla or 

Porsche. 

These activities earned him, in 1984, the prestigious 

international prize “Compasso d‘Oro” conferred 

by ADI (Industrial Design Association). 

Since the beginning of 2005 he has been devoting 

himself full time to painting, developing an introspective 

analysis of the common practices of human 

existence. Italo is exhibiting his artwork on national 

and international art fairs - e.g. in 2014 at Paratissima, 

Turin, Italy and Spectrum Miami, Florida, USA, 

in 2015 at ArtPalmBeach in Palm Beach, USA and 

ArtExpo New York, USA and in 2016 at ARTe Sindelfingen, 

ART Sylt and Paratissima, Turin, Italy. 

Il Giulietta 


70 x 70 cm, 2015 

72


Pino Torinese / Italien 

www.italocammarata.it 

Indisciplinat 


70 x 70 cm, 2014 

73


Passato Prossimo 


70 x 70 cm, 2014 

Sui gradini della Chiesa 


100 x 100 cm, 2014 

74


Sangone 


70 x 70 cm, 2014 

75


Beautiful Mind Oriental 


100 x 100 cm, 2014 

Beautiful Mind African 


100 x 100 cm, 2014 

76


Beautiful Mind Peruvian 


100 x 100 cm, 2014 

77

Petra Conte-Sansi 

Petra Conte-Sansi 

Inspiriert durch den Kreislauf der Natur, der auch 

die Menschen in ihren Stimmungen und Gefühlen 

beeinflusst, nimmt Petra Conte-Sansi den Betrachter 

ihrer Werke mit auf eine Phantasiereise durch eben 

dieses „Farbenmeer“. Ihr Ziel ist nicht ein reales Abbild 

der Natur zu schaffen, sondern deren abstrakte, 

ganz individuelle und expressive Umsetzung. 

Sowohl durch ihre Werke, als auch durch parallel 

dazu entstandene lyrische Texte, versucht die 

Malerin und Autorin Gefühle, Träume und Sehnsüchte 

der Menschen darzustellen. Hierbei ist 

Petra Conte-Sansi der Einklang von Farbe und 

Form besonders wichtig. Durch feine Nuancen 

und Abstufungen setzt die Künstlerin besondere 

Akzente in ihren Werken. Unter Einsatz verschiedenster 

Malmittel trägt sie die Farben aufwändig in 

diversen Stärken und Schichten auf. Somit entstehen 

aus sich selbst herausgewachsene, natürliche 

Formen und Formfelder, welche sich gegenseitig 

beeinflussen, Mehrdimensionalität schaffen und, 

trotz der Bewegung und Lebendigkeit der Farben, 

harmonisch in sich selbst wirken. 

Petra Conte-Sansi arbeitet seit Abschluss ihres 

Studiums als Dozentin und ist freiberuflich als Malerin 

und Autorin tätig. Ihre Werke sind seit 2009 in 

wechselnden Ausstellungen, Museen oder Privatbesitz 

im In- und Ausland zu sehen. 

Ruhe und Bewegung 

Acrylmix auf Leinwand 

100 x 180 cm 

2016 

78

Gemmrigheim / Deutschland 

www.petraconte-sansi.de 

Homöostase 

Acrylmix auf Leinwand 

80 x 160 cm 

2015 

79


wurde 1964 in Dänemark geboren. Sie studierte 

Bildhauerei bei Keld Moseholm und Malerei bei 

Ulrik Hoff. Helle hat einen weiteren beruflichen 

Hintergrund: die Medizin. Er gibt ihr eine nahezu 

vollständige Kenntnis der menschlichen Anatomie, 

die man in ihren expressiven und emotionalen 

Werken sofort erahnt. Helle Rask Crawford beteiligt 

sich häufig an Ausstellungen in Museen, Galerien 

und Kunstmessen im In- und Ausland – unter 

anderem in den letzten drei Jahren in Dänemark, 

Deutschland, Schweden, Italien, Großbritannien, 

den USA und Australien. 

„Obwohl Helle Crawford in ihren Skulpturen oft 

einen Bezug zu den klassischen Mythen herstellt, 

wäre es falsch, sie einen klassischen Bildhauer zu 

nennen. Man könnte Helle Crawford eher eine 

anti-klassische Künstlerin nennen. Ihre Skulpturen 

sind ausdrucksstark, dynamisch, sinnlich und 

humorvoll. Sie sind voller Geschwindigkeit, Phantasie 

und einfallsreicher Erzählungen. Der Ton kann 

ernsthaft und existenziell sein, wie in » Die abgeschlossene 

Tür « aus 2014. Starke potente Stiere, 

wunderbare, temperamentvolle Pferde, kraftvolle 

Raben und zärtliche Schwäne charakterisieren 

Helle Crawford als Bildhauerin. Zusammen mit dem 

expressiven Ausdruck, mit den deutlichen Spuren 

ihrer Finger vom Formen der Figur, der oft heftigen 

Dynamik der Komposition, den sensitiven und 

oft originellen Inhalten der Gesamtkomposition 

machen Helle Rask Crawford zu einer traditionsbewussten 

und doch wirklich originellen Künstlerin 

unserer Zeit.“ Zitat: Tom Jorgensen, Kunstkritiker 

Die Wasserträgerin 

Bronze, Beton, Kupfer, Stein, 100 x 70 x 70 cm, 2016 

80


Græsted / Dänemark 

www.helleraskcrawford.dk 

Raben Reiter 

Bronze, Granit 

75 x 50 x 50 cm 

2013 

Metamorphosis 

Bronze 

25 x 20 x 20 cm 

2016 

81

Catharina de Rijke, 

*1957 in Rotterdam, Niederlande, lebt und arbeitet 

in Köln und Brüssel. Designstudium in Delft und 

Paris, Abschluss mit Diplom. Seit 1990 als professionelle 

Bildende Künstlerin Mitglied bei der Internationale 

Gesellschaft der bildenden Künste. 

Catharina de Rijke 

Fukushima, mon amour 

Mischtechnik auf Segeltuch, 160 x 170 cm, 2011 

„Die im Rheinland lebende niederländische Malerin 

Catharina de Rijke ist weit über Ihr Herkunftsland 

und Wahlheimat hinaus bekannt. Ihr vielbeachtetes 

bisheriges Oeuvre zeigt die Lust am 

Experiment ebenso wie die konsequente Auseinandersetzung 

mit malerischen Formprozessen. 

Ihre künstlerische Entscheidung ist die eines meisterlichen 

Schwebezustands. Das Meer und die 

Weite des Raumes umkreisen in vielen ihre Bilder 

das Verhältnis von Wasser und Land. Das Licht 

spielt in ihrem Werk eine wichtige Rolle. 

Ihre Landschaften haben mittels des ungewöhnlichen 

Farbauftrags auch einen poetischen Charakter 

und laden mit ihrer Balance von Ruhe und 

Bewegung zur inneren Betrachtung ein. 

Ihre Werke sind in der musealen Schirmer- 

Sammlung vertreten sowie in Privatsammlungen in 

Belgien, Deutschland, Frankreich, Kuwait, Niederlande 

und den USA.“ 

Prof. Dr. F.G. Zehnder 

Direktor a.D., Rheinisches Landesmuseum Bonn 

82

Köln / Deutschland 

(T)Raumlandschaften V 

www.catharina-de-rijke.de 

Acryl auf Segeltuch, 100 x 300 cm, 2005 

83

Jürgen Elwert, 

Jürgen Elwert 

geboren in Schwäbisch Hall, lebt und arbeitet in 

Möglingen. 

Vor 30 Jahren studierte er bei Helga Wagner in 

Stuttgart die Lasurtechnik, ein Farbverlauf setzt 

sich aus unzähligen Schichten zusammen, die jede 

für sich trocknen muss über Tage und Wochen. 

Zeitgleich ließ er sich in die traditionelle Malerei, 

kopieren von alten Meistern, in der Kunstschule 

von Aino Andressen einführen. Auf Anraten seiner 

russischen Lehrerin wechselte er in die Kunstakademie 

zu Professor Kast nach Esslingen. 

Sein Atelier in Möglingen wirkt wie eine Spielwiese 

der schrägen Ideen. Roboter, Superhelden im 

Wald, Frauenakte kombiniert mit rosa Pudel und 

Rosendornen. Die Faszination der Menschen im 

Guten oder Bösen bilden die thematische Mitte 

seines Schaffens. Liebe, Freude, Schauplätze des 

Unbehagens zwingen ihn zum Malen. 

Durch seine Arbeit in einer ansässigen Chemie 

Firma wo er in der Forschung mit Pigmenten und 

Ölen gearbeitet hat, lassen ihn bis heute seine 

Ölfarben selbst herstellen. 

An Ausstellungen hat er im Raum Ludwigsburg und 

Stuttgart teilgenommen. Ab April 2017 sind seine 

Werke in einer Dauerausstellung im Kunsthof in 

Hochdorf zu sehen. 

Der Waffenlecker 

Öl auf Leinwand, 

80 x 60 cm, 

2016

Möglingen / Deutschland 

Dornröschen 

www.juergenelwert.wixsite.com 

Dornröschen, Öl auf 

Leinwand, 140 x 70 

cm, 2016 

Pudel 

Öl auf Leinwand, 

120 x 120 cm, 

2016

Roswitha Enzmann, 

Roswitha Enzmann 

wurde 1943 in Klagenfurt Österreich geboren, lebt 

und arbeitet heute in Stuttgart und Ibiza (Spanien). 

Von 1992 bis 1999 Studium der Malerei an der 

Freien Kunstakademie Nürtingen, Abschluss mit 

Diplom. Weiterbildung an der Akademie Stuttgart 

in Wandmalerei, Fresko und Sgraffito bei Prof. 

Oskar Emmenegger sowie in Bad Reichenhall bei 

Elvira Bach und Markus Lüpertz. 

Ihre Bilder bestechen durch die Leuchtkraft der 

Farben. Die Formen sind der Flora und Fauna entnommen 

und durch Veränderung wiedergegeben. 

Die Fotografien sind Aspekte des Details wie sie 

in der Natur in kleinen und kleinsten Ausschnitten 

zu finden sind. Alle ihre Arbeiten sind abstrahierte 

Farb- und Formlandschaften und so lassen sich die 

Werke auch nicht verorten oder einklassifizieren. 

Roswitha Enzmann ist Mitglied im Württembergischer 

Kunstverein Stuttgart, [KUN:ST] International, 

Kunstverein Heilbronn und Kunstverein Schönaich. 

Fotografien: 

Serie Kiesel 

und Wasser 

70 x 50 cm 

86

Stuttgart / Deutschland 

www.roswitha-enzmann.de 

Fotografien: 

Serie Sinter 

70 x 50 cm 

Serie Petra 

50 x 70 cm 

87

Roswitha Enzmann 


Feigenblätter 


100 x 100 cm 

2014 

Strauch im Wind 


100 x 100 cm 

2012 

88

Sternenexplosion 


100 x 100 cm 

2014 

Kometenbahn 


80 x 80 cm 

2012 

Herbstfeuer 

Acryl auf 

Leinwand 

200 x 120 cm 

2012 

89

Silvia Esslinger 

Silvia Esslinger 

lebt und arbeitet in Böblingen. 

2001 begann sie mit der Acrylmalerei und nimmt 

seither mehrmals im Jahr an Fortbildungen bei 

namhaften Dozenten an verschiedenen Kunstakademien 

teil. 

Ihre abstrakte Malerei, manchmal übergehend in 

das Gegenständliche, wird inspiriert durch Farbspiele, 

Fotos oder Formen. Durch Auftragen der 

unterschiedlichsten Materialien wird die Struktur 

des Untergrunds geschaffen. 

alea iancta est 

Acryl auf Leinwand, 80 x 120 cm, 2015 

Die Risse, Brüche, Spalten und Erhebungen werden 

teilweise mit Text, Fotos und Zeichnungen 

ergänzt. Ihre Bilder werden mit Farbe, Pigmenten, 

Tusche, Lacke und Öl durch lasieren, schütten, 

malen, kleben, reißen bearbeitet und ergeben ein 

nicht vorhersehbares und nicht planbares Bild. 

Durch wochenlanges Betrachten, erneutem Zerstören 

und wieder Aufbauen, Entfernen und 

wieder Hinzufügen entwickelt sich am Ende das 

Kunstwerk, als Einheit. 

90

Böblingen / Deutschland 

son - auf - gan 


son - ut - gan 


www.silviaesslinger.com 

91

Inge Flohr, 

Inge Flohr 

geboren 1959 in Trier, lebt im rheinhessischen Heidesheim 

bei Mainz. 

Zur Gestaltung ihrer Papierobjekte verwendet sie 

ein außergewöhnliches Material. Der Werkstoff, der 

ihre Kunst so einzigartig macht ist das BLINDEN- 

SCHRIFTPAPIER, welches aus Büchern und Zeitschriften 

für erblindete und sehbehinderte Menschen 

stammt. Das mit der Brailleschrift bedruckte 

„Punktepapier“ fasziniert und inspiriert sie. Sie ist 

begeistert von der optischen und auch haptischen 

Beschaffenheit dieses Materials. Spielerisch, neugierig, 

frei und offen knickt, faltet, schneidet und formt 

sie es. Sie experimentiert und lässt die Entwicklung 

ihrer Werke ergebnisoffen. 

In diesem dynamischen Prozess entwickeln sich einzelne, 

kleine Papierelemente. Inge Flohr vervielfältigt 

diese und fügt sie zu einem Ganzen zusammen. Auf 

diese Weise entstehen filigrane, dreidimensionale 

Skulpturen, die auf bearbeiteten Stahl-, bzw. Zinkplatten 

befestigt oder an Metallträger und Drahtseile 

angebracht werden. Diese Metalle werden zuvor 

im Freien den Witterungseinflüssen ausgesetzt, damit 

sich Rost und Patina auf den Oberflächen bildet. 

Der Kontrast zwischen dem rauhen Material und 

dem feinen, überwiegend weißen Papier erzeugt 

Spannung und Ausdruckskraft in ihren Objekten. 

Werden diese mit einer Lichtquelle beleuchtet, 

entstehen interessante Schattenbilder. Alle Werke 

strahlen eine besondere Leichtigkeit und Lebendigkeit 

aus, die nach Wunsch der Künstlerin, auch für 

den Betrachter ihrer Kunst, erfahrbar werden soll. 

Papierobjekt auf bearbeitetem Stahlblech 

Blindenschriftpapier, 50 x 50 cm, 2017 

92

Heidesheim / Deutschland 

www.ingeflohr.de 

Papierobjekt kombiniert 

mit Profilstahl 

Blindenschriftpapier 

10 x 20 x 10 cm 


Papierobjekt auf bearbeitetem Zinkblech 


65 x 85 cm 


Kugel am Drahtseil 


30cm 

2017 

93

Thorsten Frank 

Thorsten Frank 

wurde 1971 in Frankfurt am Main geboren. Er 

absolvierte zunächst eine Ausbildung zum Offsetdrucker, 

bevor er ab 1996 Kommunikationsdesign 

an der AVA Academy of Visual Arts in Frankfurt 

studierte und mit einem Diplom abschloss. Seit 

2001 ist er freischaffender Künstler mit zahlreichen 

Ausstellungen im In- und Ausland, z.B. China, USA, 

Österreich, Schweiz und Deutschland. 

Angelehnt an den abstrakten Expressionismus ist 

Thorsten Frank (ToRos) in seiner künstlerischen 

Tätigkeit seit seinen Aufenthalten in Österreich auf 

die sogenannte „Pan-Art“ (griechisch Panta- Rhei 

– alles fließt) spezialisiert. „Sich frei von jeglichen 

Gedanken“ in der Malerei zu bewegen, ist sein 

Anliegen. 

Er entwickelte mit PanResina einen neuen Stil 

innerhalb dieser Malerei. Den Pan-Art-Farben 

werden Gele, Harze und weitere Substanzen hinzugefügt, 

wodurch der Künstler einen vielschichtigen 

Farbauftrag erzielt, dessen tiefenräumliche 

Wirkung den Betrachter in die Bilder hineinzieht. 

Intensive Farbkompositionen mit feinen Nuancen 

machen den Reiz seiner Bilder aus, die Natürlichkeit 

der Strukturen weckt im Betrachter die eigene 

individuelle Assoziationskraft. 

Whats behind 

the glamour II 

PanResina 

auf Leinwand 

100 x 80 cm, 2015 

94

Bad Vilbel / Deutschland 

www.frank-design-bv.de 

Whats behind the glamour I 

PanResina 

auf Leinwand 

100 x 70 cm, 2015 

Einfach sein... I 

Pan-Art 

auf Leinwand 

100 x 80 cm, 2014 

Einfach sein... II 

Pan-Art 

auf Leinwand 

100 x 80 cm, 2014 

95

Susanne Freiler-Höllinger 

Susanne Freiler-Höllinger 

feilt und arbeitet seit über 30 Jahren an ihrem Zeichen- 

und Malstil. Die Faszination der Malerei und 

die Auseinandersetzung mit zeitgemäßen Themen 

inspirieren die Künstlerin zu immer neuen Exponaten. 

Die filigrane Ästhetik von Elektronikteilen, 

wie auch deren bizarre Wunderwelt aus Chips, 

Platinen, Magnetspulen und Motherboards ziehen 

Susanne Freiler-Höllinger in ihren Bann. Die Symbiose 

von Kunst und Technik gelingt auf unkonventionelle 

und überraschende Weise. 

Elektrifizierte, im Meer lebende Fische, die sich in 

einem Datentransfer mit Quallen befinden, können 

genauso Subjekt ihrer Kunst werden, wie ein Planetengetriebe, 

dessen Zahnräder mit Festplattenlesearmen 

elektronisch kommunizieren. 

Unumgänglich ist für sie die Auseinandersetzung 

mit der „digitalen Transparenz“ im positiven wie 

negativen Sinne. „Wir dürfen uns nicht gegen das 

Unvermeidliche stemmen, sondern wachsam die 

Veränderung aus dem Miteinander von Mensch 

und Maschinen in einer neuen digitalen Welt konsequent 

zu Ende denken“. 

2016 wurden Susanne Freiler-Höllinger’s Exponate 

u. a. auf der ARTe-Sindelfingen, ART FAIR 

Hannover/Herrenhausen, ART SYLT, „Kunst direkt“ 

in Mainz, beim Kunstmarkt Deutschland in Berlin 

und in Freiburg bei ART-stages präsentiert. Ihre 

Elektronik KUNST unterstützte eine Kampagne 

von GREENPEACE „Repair Café für Smartphones“ 

in Hamburg-HafenCity. 

Skalar 

Assemblage 

auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2016 

96

Trippstadt / Deutschland 

Elektronik KUNST 

www.kunst-malerei.jimdo.com 

Elektronenfluß 


100 x 120 cm 

2016 

Qualle 


50 x 50 cm 

2016 

Planetengetriebe 

Assemblage 

auf Holz 

100 x 140 cm 

2015 

97

Gabriele Frey 

Gabriele Frey 

wurde 1966 in Stuttgart geboren. Aufgewachsen 

in Süddeutschland und Graz/Österreich lebt und 

arbeitet die Künstlerin in Biberach/Riß, Nähe 

Bodensee. 

“Werke, die einen zur Kommunikation zwingen“ 

(Kommentar einer Ausstellungsbesucherin) 

Das zentrale Thema ihrer Malerei ist für Gabriele 

Frey der Mensch auf all seinen Erfahrungsebenen. 

Dabei bewegen sich die sichtbar gemachten 

Imaginationen im Bereich zwischen Realismus und 

Symbolismus. Kritisch und kompromisslos durchbricht 

die Künstlerin die Oberfläche, wenn es gilt 

hinzusehen und empfindsam zu machen, denn 

es ist das Vorrecht der Kunst, Grenzen zu öffnen, 

aufzuwühlen und zutiefst ehrlich zu sein. 

“Meine Bilder sind keine Kopfgeburten,“ so 

Gabriele Frey, „sie tauchen vor meinem inneren 

Auge auf und ich male sie so, wie ich sie sehe.“ 

Das Übertragen des Gesehenen verlangt hohe 

Konzentration und je nach Bild können Elemente 

und Variationen hinzukommen oder wegfallen.“ 

Der Rausch der Malerei besteht für mich darin, beide 

Gegenpole gleichzeitig zu erleben: Macherin zu 

sein und gleichzeitig Werkzeug in völliger Hingabe“, 

beschreibt die Künstlerin den Malprozess. 

Gabriele Frey ist Mitglied des [KUN:ST] International 

und des Kunst-und Kulturvereins KITZ ART 

Kitzbühel/Tirol und wird seit Januar 2016 von der 

LDXArtodrome Gallery Berlin/Malta/Hong Kong 

international vertreten. 

Das fühlende Denken Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2015 

Das Bild erschien im diesjährigen Messekatalog der LA ART SHOW 2016 

98

Biberach (Riß) / Deutschland 

www.Gabriele-Frey.de 

Stillen 


80 x 105 cm, 2015 

„Gegensätze“ oder „Murillo heute“ 


95 x 90 cm, 2015 

99

Reinhard Frotscher 


ist 1939 in Chemnitz geboren und lebt und arbeitet 

heute in Langenfeld/Rheinland. 

Akademische Ausbildung: Architektur, Kunstgeschichte, 

Malen und Zeichnen an der Technischen 

Hochschule Darmstadt. Zur Weiterbildung nahm 

er regelmäßige an Seminaren von PENTIMENT in 

Hamburg und an den Kunstakademien Salzburg, 

Bad Reichenhall und Kolbermoor u.a. mehrfach 

bei Prof. Markus Lüpertz teil. 

Lebenskoordinaten-Brasilia 


100 x 100 cm 

2015 

Viele Jahre war sein Lebensmittelpunkt hauptsächlich 

in verschiedenen Ländern Lateinamerikas. Die 

in Lateinamerika entstandenen Arbeiten sind stark 

durch den Kontakt mit den indianischen Kulturen, 

ihrem Ursprung in der Natur und ihren ständigen 

Veränderungen im geschichtlichen Ablauf beeinflusst. 

Auch das soziale und politische Umfeld 

gewaltsamer Auseinandersetzungen der neueren 

Geschichte in der Region Lateinamerikas haben in 

sublimer Weise viele seiner Arbeiten geprägt. 

Seine Werke präsentierte er durch zahlreiche 

Einzel- und Gruppenausstellungen u.a. in Buenos 

Aires/Argentinien, Asunción/Paraguay (2 Kunstpreise), 

Guatemala, Tokyo/Japan, Kroatien und 

USA. Reinhard Frotscher ist Mitglied bei [KUN:ST] 

International e. V., bei der Interessengemeinschaft 

Kunst Literatur Musik (IG-KLM) FALTER in Langenfeld 

und Kurator der Künstlergruppe FALTER. 

Er blickt in den letzten drei Jahren auf 20 Ausstellungen 

zurück. 

Lebenskoordinaten- 

Guatemala 


100 x 100 cm 

2015 

100

Langenfeld / Deutschland 

www.Reinhard-Frotscher-Kunstwerk.de 

www.reinhardfrotscher.jimdo.com 

Migranten-Departure 


135 x 300 cm 

2009 

Migranten-Kuba 


135 x 300 cm 

2009 

101


Körperlicht 


130 x 100 cm, 2013 

Körperlicht (2) 


130 x 100 cm, 2013 

102


Sousse, Blumen am Strand 


135 x 100 cm, 2015 

Sousse, Blumen am Strand (2) 


135 x 100 cm, 2015 

103


Clone-Katalogseite 


70 x 50 cm, 2016 

Clone-Katalogseite (2) 


70 x 50 cm, 2016 

Clone-Produktübersicht 


135 x 100 cm, 2016 

104


Der Rote Wolf 


100 x 100 cm, 2015 

Der Rote Wolf 

Die Wölfinnen 


50 x 70 cm, 2015 

105

Heidemarie Fruth, 

geboren in Böblingen, lebt und arbeitet seit 1985 

in Echterdingen. 

1987 begann ihre intensive Beschäftigung mit 

Malerei und Radiertechnik und von 1995-2004 

folgten Studien in Malerei, Zeichnen, Drucktechniken 

und Holzbildhauerei an der Städt. Kunstschule 

Filderstadt und u.a. bei Hannes Steinert, Christian 

Wulffen, Thomas Ruppel, Ingo Hoffmann, HWP 

Diedenhofen. Seit 1997 kreiert sie Farb- und Formstrukturen 

und setzt dabei musikalische Merkmale 

bildhaft um. 

2006 begann sie mit Acrylglas zu arbeiten und 

entwickelte neuartige Formen von Objekten und 

Bildern. Diese zeigen durch die Bearbeitung des 

Materials individuelle Wirkungen, die auch von 

wechselnden Spiegelungen der Umgebung abhängig 

sind und den Ausdruck von »Musik im Raum« 

vergegenständlichen. Formen, Strukturen verdichten 

sich und lösen sich schwebend, mit dem Licht, 

dem Schatten und dem Betrachtungswinkel spielend, 

wieder auf. 

Sie ist seit 2003 Mitglied bei den Künstlern der 

Filder und seit 2016 Mitglied im [KUN:ST] International, 

sowie seit 1999 Vorsitzende des Fördervereins 

der Städt. Kunstschule Filderstadt. Seit 1990 

zeigt sie ihre Arbeiten in regelmäßigen Einzel- und 

Gruppenausstellungen auf nationaler Ebene, u.a. 

in Stuttgart, Mainz oder Berlin. Ihre Arbeiten befinden 

sich in privaten Sammlungen und im 

öffentlichen Raum. 

Visuelle 

Klangräume 

100 x 30 cm 

Acrylglas-Alu 

2013 

106

Heidemarie Fruth 

Leinfelden-Echterdingen / Deutschland 

Fragment II 

www.fruth-le.de 

75 x 81 x 30 cm 

Acrylglas-Holz 

2016 

Fragment I 

56 x 71 x 30 cm 


2016 

Fragment III 

56 x 72 x 45 cm 


2016 

107

Elke Gaertner 

Elke Gaertner 

kann auf mehr als 30 Jahre künstlerischen Werdegang 

zurückblicken und hat ihre Schwerpunkte 

sowohl im keramischen wie auch im malerischen 

Bereich gefunden. 

Das jahrelange Studium mit dem Material Ton – 

auch unter Anwendung verschiedener Brenntechniken, 

wie Raku und Rauchbrand, sowie mit den 

vielfältigen Verarbeitungsmöglichkeiten, befähigte 

sie immer neue keramische Objekte und Plastiken 

zu schaffen, die teilweise auch abstrakt sind. Ihre 

Experimentierfreudigkeit und die Suche nach Neuem 

lässt ein Zusammenspiel mit unterschiedlichen 

Materialien, wie z.B. Keramik mit Holz oder Metall, 

zu. Seit mehr als 10 Jahren gibt sie ihr Wissen weiter 

und leitet Keramikkurse. 

Mit ihrer experimentellen Acrylmalerei hat sie eine 

weitere Ausdrucksmöglichkeit gewonnen. Die vielfältigen 

Gestaltungsmöglichkeiten mit Acrylfarben 

und das experimentieren mit verschiedenen Materialien 

begeistern und inspirieren sie immer wieder 

aufs Neue. Ihre Bilder, die ein äußerst variantenreiches 

Spektrum aufweisen, bewegen sich in einem 

Spannungsbogen von gegenständlicher bis hin zu 

abstrakter Malerei. Es ist spannend für sie, immer 

wieder Neues zu tun und zu erfinden, denn „Routine 

ist die größte Gefahr für die Kunst“ ( Zitat von 

Winand Victor). 

Elke Gaertner stellt ihre Werke regelmäßig in privaten 

und öffentlichen Räumen, Firmen, Galerien 

sowie Kunstvereinen aus. 

Alles hat 

seine Zeit 

Mixed Media 

auf Leinwand 

70 x 50 cm 

108

Möglingen / Deutschland 

Getrennt 

www.elke.gaertner-online.net 


60 x 40 cm 

Dame mit Hut 

Keramik auf Holz, Höhe 45 cm 

Vertrauen 

Keramik-Rakubrand, Höhe 25 cm 

109

Erich Geiger 

Erich Geiger 

ist 1954 in Reutlingen geboren, lebt und arbeitet in 

Riederich bei Metzingen. 

Nach lehrreichen Jahren bei namhaften Metallgestaltern 

war er einige Zeit als Ausbilder und Lehrer 

tätig. 1982 fasste er den Entschluss, sich im Bereich 

Gestaltung selbständig zu machen. 

Die Schwere des zu bearbeitenden Materials Stahl 

faszinierte ihn. Aufgrund gesundheitlicher Probleme 

beschäftigte er sich mit experimenteller Malerei, 

Metaphysik, Kristallsteinen und bis heute mit 

der angewandten Kinesiologie. Damals entdeckte 

er die „Leichtigkeit des Seins“ und ab diesem Zeitpunkt 

entwarf er leichte, beschwingte Formen. 

Seine Objekte werden heute überwiegend aus 

Edelstahl gefertigt. Dauerhafte Härte, kantige 

Schärfe und flächige Ebenen stehen im Gegensatz 

zu Leichtigkeit, Spannung und tänzerischer 

Bewegung, die man nur aus der Natur kennt. Dies 

spiegelt für ihn gleichzeitig ein Stück Freiheit des 

Menschseins wieder. 

Ein Kunstfreund aus der Schweiz schrieb über ihn: 

„Er drückt in seinen Kunstwerken sein Denken 

und Fühlen in Form metallener Visionen geradezu 

greifbar aus. Dabei ist die Natur sein Vorbild. Seine 

Werke vereinen Schönheit, Eleganz und Muskelkraft, 

aber auch Musikalität zu einer Lebensmelodie 

und Lebensharmonie. Er weiß nur zu gut, dass 

es in der Kunst nur eine Wahrheit gibt, nämlich das 

Streben nach Vollkommenheit“. 

Globaler 

Tanz 

Edelstahl 

ø 60 cm 

2012 

110

Riederich / Deutschland 

Ohne Titel 

www.metallgestaltung-geiger.de 

Edelstahl 

ø 50 cm 

2011 

Windobjekt 

Edelstahl 

ø 200 cm 

Höhe 500 cm 

2014 

Rhythmus 

Edelstahl 

ø 60 cm 

2016 

111

Waltraud Gemein 

Waltraud Gemein 

wurde geboren am 22.06.1951 in Green, einem 

kleinen Dorf in Deutschland. Nach dem Abitur 

ging sie zum Studium nach Göttingen. Während 

des Studiums (Mathematik) war sie mehrere Jahre 

Privatschülerin bei dem Maler und Bildhauer Henry 

Hinsch (1909-1979). Danach hat sie sich 40 Jahre lang 

autodidaktisch neben dem Beruf weiter gebildet 

und immer wieder gezeichnet. 

Henry Hinsch, selber ein Künstler, bestärkte sie darin, 

ihre eigenen Figuren zu zeichnen, ohne sich rationale 

Grenzen aufzuerlegen. Und dabei ist es geblieben: 

Es entstanden und entstehen Figuren über Figuren, 

aus denen sie dann neue Welten zusammenbaut, 

Welten, die – ihrer Meinung nach – die innere Realität 

unserer Welt zeigen: das Verbundensein aller 

Lebewesen. 

Sie hat immer zusammen mit Tieren und Pflanzen 

gelebt und geredet, sie hat nie eine essentielle Trennung 

der Lebewesen gesehen. Aus dieser Lebenshaltung 

heraus enthalten und vermitteln ihre Figuren 

und Bilder immer Menschliches, Tierisches und auch 

Pflanzliches, oft von allen 3 Daseinsformen etwas. 

Fussel-tanzend 

30 x 40 cm 

Tuschezeichnung 

2016 

112

Annweiler / Pfalz / Deutschland 

Fussel-hüpfend 

30 x 40 cm 


2016 

Fussel mit Lolli 

30 x 40 cm 


2016 

www.waltraudgemein.eu 

Fussel- träumend 

durch die Welt 

30 x 40 cm 


2016 

113

Josiane Ginter 

Josiane Ginter 

Die Holzschnitte von Josiane Ginter überraschen 

schon auf den ersten Blick durch ihre beeindruckende 

Größe. Das einzige Motiv darauf sind 

überwiegend Frauengestalten mit stark gestreckten 

Proportionen, die eine spröde Eleganz ausstrahlen. 

Die Monumentalität der schönlinigen, 

fast ornamentalen Darstellung wird unterstützt 

durch die farbige Behandlung der Flächen. Durch 

eine besondere Technik beim mehrfachen Einwalzen 

der Druckstöcke entstehen vielfältige Strukturen, 

die den Druck in die Nähe der Malerei bringt. 

Die Künstlerin arbeitet mit der Positiv- und der 

Negativform der ausgesägten Holzplatte und sie 

fertigt nur Unikate an. Der intensive Arbeitsprozess 

fordert ihren ganzen mentalen und körperlichen 

Einsatz, der sich in der intensiven Wirkung 

der Großformate zeigt. 

Josiane Ginter stellt ihre Werke auf nationalen 

und internationalen Ausstellungen und Kunstmessen 

aus. Sie ist die Besitzerin einer alten Kirche, 

die sie sowohl als Atelier als auch als Ausstellungsraum 

nutzt. 

Das rote Haar 

Holzschnitt 

Druck auf Holzplatte 

200 x 125 cm 

2016 

114

Hunsdorf / Luxemburg 

artistinderkirche.com 

Die Träumerin in Rot 

Holzschnitt 

Druck auf Holzplatte 

200 x 122 cm 

2015 

La rueda 

Holzschnitt 

Druck auf Leine 

200 x 130 cm 

2015 

115

Barbara Goertz 

Barbara Goertz 

Die Münchner Malerin und Fotografin Barbara 

Goertz beschäftigt sich in ihren Werken mit dem 

visuellen Reiz von “Zeitspuren“. Ihr künstlerisches 

Anliegen ist es, auf die besondere Ästhetik und 

Ausdruckskraft von natürlicher Patina und Verwitterung 

hinzuweisen. In ihren reliefartigen von 

feinsten Materialrissen und Aufbrüchen geprägten 

Werken verleiht sie Alterungsspuren eine Wertigkeit 

und stellt damit deren übliche Wahrnehmung 

in Frage. 

In ihren Mixed Media Arbeiten vereint sie eine 

Morphologie vom Verbergen und Offenbaren: 

indem dreidimensionale Fotodrucke und Malerei 

auf einem Bildträger ineinander fließen, regt sie 

den Betrachter dazu an, die primäre Wahrnehmung 

zu hinterfragen. Das zerbrechliche und unvorhersehbare 

Moment der Veränderung und Vergänglichkeit 

soll über die spürbare Haptik des Bildträgers 

in die Fotografie getragen werden. 

So oszillieren die Bilder zwischen Abbildung und 

fühlbarer Materialität, sie sind Beides: Projektionsfläche 

und Reflexionsebene. 

broken love 

Fotografie 

und Malerei 

in Sandwich- 

Technik, Aluminiumdruck 

67 x 50 cm 

2017 

116

München / Deutschland 

www.barbaragoertz.de 

Regenwald 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

Triptychon 

100 x 150 cm 

2017 

117

Edith Gräf, 

Edeldith 

wurde 1970 in Heilbronn geboren und besuchte 

bereits mit zwölf Jahren Portraitkurse in der ortsansässigen 

Volkshochschule. 

Während der Schulzeit sorgte sie immer wieder mit 

ihren in die Hefte gekritzelten Pferdeskizzen für 

Furore. 

Nach fast zwanzigjähriger Schaffenspause kehrte 

sie Anfang 2014 zur Malerei zurück. In ihren Bildinhalten 

spielt sie gern mit Überraschungsmomenten, 

indem sie den Betrachter mit oft düsteren 

Farb(ab)gründen in Acryl und Öl konfrontiert, aus 

denen die subtile Bedrohlichkeit in der einen oder 

anderen Form diffus herauswächst. Sie nennt 

ihre Kunst selbst „transrealistisch“ und gibt zu: 

„Ich fische gern im trüben Teich der menschlichen 

Seele“. Der menschliche Kern in seiner Zeitlosigkeit 

steht im Zentrum der transrealistischen Kunst. Der 

Mensch und sein Unterbewusstsein, sind die entscheidenden 

Elemente, die in realistischer Darstellungsweise 

verdichtet werden. 

Seit 2015 ist Edith Gräf Meisterschülerin von Nik 

Golder (Mitbegründer des Kunststils „Transrealismus“ 

und Vorsitzender der antioffiziellen Kunstbewegung 

„Vernissage“ aus der ehemaligen Sowjetunion) 

und nimmt regelmäßig an professionellen 

Ausstellungen teil. 

2017 erstmals Teilnahme an der Kunstmesse 

„Kunstschimmer“ in Ulm und Mitglied in Kunst 

Stuttgart International e. V. 

Danae 

Öl auf 

Leinwand 

120 x 90 cm 

2017 

118

Bretzfeld / Deutschland 

Apokalypse 

Öl auf 

Leinwand 

100 x 160 cm 

2015 

www.artoffer.com/edeldith 

119

Edeldith 

Organisch 


50 x 70 cm 

2016 

Eva 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 100 cm 

2016 

120

Bretzfeld / Deutschland 

Das Wunder 

vom Josephspfennig 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 130 cm 

2017 

121

Maike Guenther 

Maike Guenther 

ist 1968 in Gaildorf/D geboren und arbeitet als 

ambitionierte, freischaffende Künstlerin in 

Baden-Baden. 

Ihre hochsensible Beobachtungsgabe, ihre Affinität 

zu den Farbspielen der Natur und ihr ausgeprägter 

Wille, sich mit Leib und Seele der Malerei zu verschreiben 

erlauben es ihr, solche „hochwertige 

Statements auf Leinwand“ abzugeben. Ohne 

Zögern nimmt man ihr ab, diese Intensität und 

intellektuell-querdenkerische Ausdruckweise so 

auszuleben, wie sie es erfolgreich tut. Die Bilder 

einfach nur als „bunt“ zu bezeichnen, würde ihrer 

Kunst in keinem Falle gerecht werden. „Lustig“ 

oder „fröhlich“ trifft den Kern ebenfalls nicht! 

Wenn schwarz nichts ist 

was ist dann weiss 


100 x 100 cm 

2014 

Wer sich mit den Bildern beschäftigt, findet ein 

Faszinosum an Figurativem, Dokumentarischem, 

Querdenkerischem, aber auch offene, menschliche 

Gefühlswelten von ungeahntem Reiz. Wir fühlen 

uns dabei einerseits in eine besondere Art der 

Poesie entführt, die ausdrucksvoll und dennoch 

verschlüsselt mögliche Deutungshinweise gibt. 

Andererseits versucht die Künstlerin durch ihre 

erstaunlichen Titelfindungen mit unserer Phantasie 

zu spielen und nimmt uns so erste, ins „märchenhafte“ 

gehende Assoziationen weg. Sie führt somit 

bewusst aber ohne Diktion Regie mit Blick auf ihre 

eigenen, subjektiven Betrachtungsweisen. Die 

Leichtigkeit ihrer Figuren und deren Anordnung 

überlassen uns jedoch teilweise die Interpretation 

dessen, was wir sehen (wollen). 

122

Baden-Baden / Deutschland 

Umarmungen geben 

und annehmen 


150 x 150 cm 

2013 

www.maikeguenther.com 

Gesellschaft oder 

Gemeinschaft? 


160 x 150 cm 

2013 

Was ist Faulheit oder wer 

entscheidet über Nichtstun 


80 x 130 cm 

2015 

123

Christa Haack 

ist in Norddeutschland geboren und wuchs im 

Saarland auf. Kunst war seit ihrer Kindheit schon 

immer ein Teil ihres Lebens. 

Sie studierte an der „Union Central des Arts Decoratifs“ 

– Paris. In London studierte sie von 2003 bis 

2006 an der „Hampsteadt School of Art - London“ 

Malerei. Sie besuchte jährlich Fortbildungsseminare 

an verschiedenen staatlichen Kunstakademien in 

Deutschland und Südtirol. 2010 nahm sie an einer 

Meisterklasse bei Alexander Jeanmaire, Zürich, teil. 

Seit 2014 hat sie in Freiburg ein Atelier in der alten 

Kollnauer Spinner- und Weberei in Waldkirch- 

Kollnau. 

Christa Haack 

Decision II 


60 x 60 cm 

2015 

„Meine Bilder sind abstrakte expressive Malerei. 

Ich lasse mich von meinen eigenen Gefühlen treiben. 

Es sind gerade diese eigenen Empfindungen, 

denen ich freien Lauf lasse, die es mir ermöglichen 

dem Bewußtseinsfluß freien Lauf auf der Leinwand 

zu geben. Mit dem Aufbau strukturgebender Materialschichten 

beginnt der Prozess des Werdens. 

Unregelmäßige Farb – und Materialschichten 

folgen. Die Schichten werden wieder und wieder 

übermalt. Das Ende des Prozesses ist nicht absehbar. 

Wenn die Kräfteverhältnisse stimmen, erst 

dann ist ein Bild fertig. Das heißt, wenn die Kraftfelder 

ausgeglichen sind und der Dialog fortdauert. 

Der Betrachter hat Teil an diesem Dialog, indem er 

seine eigene Wirklichkeit assoziiert und den Dialog 

mit seiner eigenen Imagination ergänzt.“ 

Decision I 


60 x 60 cm 

2015 

124

Freiburg / Deutschland 

Explosive I 

www.christahaack.com 


100 x 100 cm 

2016 

Explosive II 


100 x 100 cm, 2016 

125

Sabine Hampp, 

Sabine Hampp 

geboren in Überherrn (Saar), lebt und arbeitet in 

Ilsfeld, in der Nähe von Heilbronn. 

Seit 1995 intensive Auseinandersetzung mit der 

Malerei, insbesondere mit verschiedenen Techniken 

und Materialien. Die Freiheit im Umgang mit 

Acrylfarben und selbsthergestellten Struktur- und 

Spachtelmassen aus Sanden, Erden, Steinmehlen 

und Asche, unter Einbindung von leuchtenden 

Pigmenten, Bitumen/Dachlack und diversen Collagen 

fasziniert ebenso wie die Dynamik von Form 

und Farbe – mal lieblich und ruhig – mal expressiv 

und spannungsgeladen. 

Seit vielen Jahren Dozentin für Malerei im eigenen 

DachARTelier und freien Kunstakademien. 

Seit 2006 regelmäßige Ausstellungstätigkeiten und 

Messebeteiligungen. 

Sie betreibt eine eigene Galerie in Ilsfeld, Kreis 

Heilbronn. 

Ohne Titel 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2015 

126

Ilsfeld / Deutschland 

Ohne Titel 

www.sabinehampp.de 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 100 cm 

2016 

Ohne Titel 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 120 cm 

2016 

Ohne Titel 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

90 x 130 cm 

2015 

127

Ilse Heffler 

Ilse Heffler 

Gedanken werden zu Bildern, Verborgenes wird 

sichtbar. Für den Betrachter wird Leben, Kraft und 

Phantasie spürbar. So in etwa kann man die Kunst 

Ilse Hefflers in aller Kürze beschreiben. Ihr künstlerisches 

Talent hat sie schon sehr früh festgestellt, 

drängte schon in der Kindheit zur bildnerischen 

Darstellung, verfolgte das aber nicht weiter. Erst 

nach vielen Jahren die sie ausschließlich der Familie 

und ihrer beruflichen Verwirklichung widmete, 

findet sie zurück zur bildenden Kunst. Inzwischen 

bezeichnet sie sich als Malerin mit Leidenschaft. 

Ihre Art zu malen hat für Außenstehende etwas 

Geheimnisvolles: Sie liebt das Detail, hat dann 

eine ausgesprochene, absolut spürbare Hinwendung 

und Liebe zu den erdachten, aus dem Leben 

gegriffenen Motiven, der Basis ihres Malprozesses. 

Das neue, das noch nicht Entdeckte, das Tiefgründige 

entwickelt sich aber erst im Dialog mit dem 

Betrachter. Sie malt einfach das, was sie antreibt, 

was sie erinnert und was sie zeigen möchte. Und 

überlässt es dem Betrachter, dass ihm Passende, 

vielleicht für ihn Angenehme, dabei zu denken. 

Diese Vibration von Seelischem, von realistischer 

Impression und vertrauten Empfindungen macht 

die Kunst Ilse Hefflers interessant. 

Über viele 

Brücken 

musst du 

gehen 

Acryl auf 

Leinwand 

60 x 80 cm 

2017 

128

Hornberg / Deutschland 

ilsehd-art.jimdo.com 

Gedankenstränge I – 

Traum einer Ikone, ihre kleine Welt spiegelt die große Welt 


60 x 80 cm 

2017 

129

Claudia Hiddemann-Holthoff, 

Claudia Hiddemann-Holthoff 

geboren in Dortmund, lebt und arbeitet in 

Dortmund. 

Für Projekte und Aufgaben in der Kunst geht die 

Künstlerin vorab viele gedankliche Wege, arbeitet 

an Entwürfen mit Skizzen, um letztendlich zum 

Ziel zu kommen. Hierbei ist die Malerei wie eine 

Geschichte, die Dritten offenbart wird. 

Music with us - 

MJ you are not alone 


100 x 100 cm, 2014 

Die Rückbesinnung auf Natur und Stadtlandschaft 

ist ein Thema, mit dem die Künstlerin sich ein 

Leben lang auseinandergesetzt hat. In den mit 

den Jahren entwickelten „Drops“ werden Kreise 

und Wellen ausgelöst, in denen Veränderungen in 

Raum und Zeit angedeutet werden. 

Der Ölmalerei in der modifiziert abstrakt realistischen 

Interpretation geht die Künstlerin seit 2003 

nach. In der Kunst wird auch eine soziale Aufgabe 

gesehen, die nach Gegenkultur strebt. In der besonderen 

Serie der Musikbilder werden Zeitepochen 

sowohl kritisch als auch aus der Zeit 

der Musiker interpretiert. 

130

Dortmund / Deutschland 

Music with us - 

Billy Holliday 


70 x 70 cm 

2011 

Drops Ammonit 


100 x 120 cm 

2013 

www.hiddemann-holthoff.eu 

www.atelier-azra.de 

Drops Harbour 


100 x 120 cm 

2011 

131

Gabriele Hirschfeld 


ist in Stuttgart geboren und aufgewachsen. 

Nach Berufstätigkeit und Kindererziehungsphase 

hat sie sich die Welt der Kunst durch Mal- und Zeichenkurse 

erschlossen. 

Unterricht erhielt sie von Hans Köhler und Sylvia 

Faragó; aktuell besucht Gabriele Hirschfeld die 

Kurse von Michael Lesehr. 

Durch die Bekanntschaft mit Ilka-Maria Benesch 

und deren Werkstatt „Werapflege“ wendet sie sich 

der Keramik zu. Dort erlernt sie die technischen 

Grundlagen, um die Vielseitigkeit des Materials 

Ton ausschöpfen zu können. Vertiefende Studien 

folgen durch Fortbildungen bei Karin Stegmaier, 

Margarete Stolz und Harald Jegodzienski. 

Gabriele Hirschfelds künstlerischer Schwerpunkt 

liegt in der Ausarbeitung der menschlichen Figur 

in allen ihren Facetten. In letzter Zeit entstehen 

Experimente mit abstrakten Formen, die Hinwendung 

zur menschlichen Figur bleibt aber weiterhin 

ihr zentrales Thema. 

In den vergangenen Jahren hat sie sich an einigen 

Ausstellungen beteiligt und war Mitglied der 

Botnanger Künstlergruppe „Botnanger stellen aus“. 

Seit 2011 betreibt Gabriele Hirschfeld die Galerie 

„Kunst im Hinterhaus“ im Stuttgarter Westen. 

Der Weg nach oben 

Tonplastik, Acryl, 

ca. 52 x 50 x 23 cm 

2017 

132


Drunter und drüber 

Tonplastik, Acryl 

ca. 32 x 30 x 15 cm 

2016 

Vereinbarung, 

Tonplastik, Acryl 

ca. 31 x 27 x 20 cm 

2016 

www.kunst-im-hinterhaus.de 

133


Alhena 

Tonplastik, Engobe, Metall, ca. 48 cm, 2017 

Bella 


134


Mondriana, stehend 


Mondiana, liegend 

Tonplastik, Engobe, ca. 32 cm, 2016 

135

Gila Hirth, 

Gila Hirth 

geboren in Nürnberg, drei Kinder, lebt in Esslingen 

am Neckar und arbeitet dort seit 2004 im gemeinschaftlichen 

Atelier Terra Cara zusammen mit Gaby 

Pühmeyer. Nach dem Kunst- und Pädagogik Studium 

in Würzburg und Esslingen studierte sie bei 

Dora Várkonyi an der Freien Kunstschule Nürtingen 

bildhauerische Keramik. 

Teilnahme an zahlreichen Ausstellungen, Märkten 

und Projekten, z.B. bei „Stadt im Fluss“in Esslingen, 

Objekte in Berlin und Leipzig. Die Begegnung 

mit archäologischen Funden, archaischen Tänzen 

und Musik verschiedener Kulturkreise von Britannien 

über Nordafrika und Mexico bis Japan begleiten 

die Künstlerin seit ihrer Kindheit. Sie führten 

sie auch zu einem der ältesten Ausdrucksmittel 

der Menschheit, dem formbaren Ton. Ihre anmutig 

scheinenden Figuren sind Ausdruck der Verehrung 

des ewigen Naturkreislaufs von Leben, Tod und 

Wiedergeburt - der Einheit von Mensch und Natur. 

Die rissige Oberflächenbearbeitung lenkt den Blick 

ins Innere und symbolisiert zugleich Vergänglichkeit, 

in ihren Raku-Objekten wird diese Wirkung 

noch verstärkt. 

Gelegentlich verbindet Gila Hirth ihre Werke mit 

anderen Aktionen wie Musik, Tanz oder Theater. 

Die Tonobjekte werden in der Plattentechnik 

hergestellt, mit Engoben und Glasuren bearbeitet 

und bei 1000° - 1200 °C im Raku- oder Elektroofen 

gebrannt. 

Begegnung 

Keramik 

Raku-Brand 

25 x 37 x 30 cm 

2015 

136


Masken 

www.artgila.de 

Keramik 

Raku-Brand 

20 x 24 x 5 cm 

2016 

Sphinx 

Keramik 

45 x 30 x 20 cm, 2014 

Gepard 

Keramik, Raku-Brand 

30 x 25 x 16 cm, 2016 

137

Kirsten Hohaus, 

Kirsten Hohaus 

geboren 1969, lebt und arbeitet in Waldenbuch, wo 

im eigenen Atelier der buchstäbliche Stoff für ihre 

Werke entsteht. Die Inspiration für ihren künstlerischen 

Werdegang entwickelte sie in den Sommerateliers 

bei Elena Schmidt in Hildrizhausen. 

Es sind Textilien, die Kirsten Hohaus als gelernte 

Damenschneidermeisterin die wohlvertraute Basis 

für ihr künstlerisches Schaffen geben. Groben 

Stoffen und alten Fäden haucht sie neues Leben 

ein, indem sie sie mit Asche, Ruß und Pigmenten 

zu abstrakten, faszinierenden Bildern werden lässt. 

Scheinbar zufällig begegnen sich dabei die Elemente 

auf selbst hergestellten Leinwänden. Intuition? 

Oder doch bewusst inszenierte Begegnung? 

Kirsten Hohaus lässt die Elemente wie Fremde 

aufeinander treffen und miteinander kommunizieren; 

spielerisch, wild, chaotisch - um schließlich 

doch in die Begegnung einzugreifen, zu bewegen, 

zu vernetzen, zu überlagern und zu ordnen. So entstehen 

lebendige und ausdrucksstarke Arbeiten, 

die dem Betrachter die Inspiration der Künstlerin 

offenbaren. 

Salome 

Leinen, Asche und Acryl, 130 x 130 cm, 2016 

138

Waldenbuch / Deutschland 

www.kirho.de 

Nebel 

Jeansstoff lasiert, 100 x 150 cm, 2016 

Steppgeist 

Stoffe, Acryl und Asche 

auf Leinwand 

150 x 50 cm, 2014 

139

Eva Hoppert 

Eva Hoppert 

wurde 1948 in Wien geboren. Sie studierte in den 

Jahren 1995 bis 1999 an der Freien Kunsthochschule 

Nürtingen, von 1999 bis 2001 an der Internationalen 

Sommerakademie in Salzburg und von 

2003 bis 2005 an der Europäischen Kunstakademie 

Trier. Seit dem Jahr 2000 ist Eva Hoppert als freischaffende 

bildende Künstlerin tätig und lebt und 

arbeitet in Baden Württemberg. 

In ihrer Malerei bewegt sie sich zumeist in Naturräumen: 

aus der Vielfalt der Natur, aus den vegetabilen 

Formen, aus natürlichen Licht- und Farbspielen 

schöpft sie ihre Ideen und Vorstellungen. Sie 

ist zugleich weit blickend und nah sehend, sie lenkt 

den Betrachter gestisch und expressiv auf die in 

der Natur verborgenen Sinnbilder wie Verwurzelungen, 

Verflechtungen, Abdunkelungen, Farbnuancierungen 

und Überblendungen. 

Ganz wichtig für Eva Hoppert ist es jedoch, mit 

jedem Bild auf den Bezug der äußeren Natur zur 

inneren Natur – zum Sein des Menschen – aufmerksam 

zu machen. Jedes Bild soll den Wunsch 

thematisieren, sich in schöner Umgebung ganz 

zu verlieren und doch zu der Erkenntnis zu kommen, 

dass der übergroße Reichtum der Natur an 

Farben und Formen, die ganze Fülle der Lebensmöglichkeiten 

für uns nur aus der Distanz unseres 

Selbstbewusstseins erfahrbar wird. Mit diesen 

Streifzügen durch reale und verinnerlichte Gärten 

begibt sich Eva Hoppert auf die Suche nach dem 

Paradiesischen. 

Ohne Titel 

Mixed Media auf Leinwand, je 100 x 70 cm, 2015 

140

Nürtingen / Deutschland 

www.evahoppert-art.de 

Ohne Titel 

Mixed Media auf Leinwand, je 100 x 70 cm, 2015 

141

Birgit Horn 

geboren in Hamburg, arbeitet als freischaffende 

Künstlerin in ihrem Atelier in der Nähe von Lüneburg, 

in dem sie auch Siebdruck-Workshops anbietet. 

Das Thema Kunst & Recycling beschäftigt sie 

schon seit ihrer Jugendzeit, was sich in zahlreichen 

Facetten in ihren Arbeiten widerspiegelt. Malerei, 

Assemblagen, Kunststoffrecycling, Siebdruck sowie 

Objektkunst sind Bestandteil und Ergebnis 

ihrer vielfältigen Interessen. 

Früher lag ihr Schwerpunkt eindeutig auf der Geschäftsführung 

des familieneigenen Betriebes im 

Bereich Kunststoffrecycling, jetzt steht die Kunst 

im Vordergrund. Wie der Mensch und die Dinge 

zueinander stehen ist ihr Thema. Zeitgeschehen, 

Umweltproblematik, das menschliche Miteinander 

drückt sich in ihrer Kunst aus und es soll Aufmerksamkeit 

erregen. Die Farben sind kräftig, die Aussagen 

klar, die Umsetzung manchmal eigenwillig. 

different 

worlds I 

Acryl auf 

Leinwand 

80 x 60 cm 

2017 

Ihr Motto: „Die Dinge sind nicht so wie sie sind, sie 

sind immer das, was wir aus Ihnen machen.“ 

Jean Anouilh 

different 

worlds II 

Acryl auf 

Leinwand 

80 x 60 cm 

2017 

142

Birgit Horn 

Lüdershausen / Deutschland 

www.moebelarthorn.de 

digital talking 

Assemblage 

43x92x40 

2017 

digital king 

Assemblage 

47x102x47 

2017 

143

Jean-Claude Houlmann, 

Jean-Claude Houlmann 

geboren 1972 in Basel (Schweiz). 

Er ist ein zeitgenössischer Schweizer Künstler. Er 

arbeitet am Rande dessen, was annähernd noch als 

Malerei durchgeht. Die Auflösung und Neuschaffung 

von Formen und Strukturen, welche mit Lack 

in einem mehrstufigen Prozess auf MDF-Patten 

übertragen werden, wie auch die konstruktive Rasterung 

der Reliefs - aus Styropor gefertigte Formen 

– sind ein wesentlicher Teil seiner Arbeiten. 

Die Transformation universeller Materialien und 

Farben führt zu neuen komplexen Formstrukturen. 

Der Künstler erforscht und entwickelt ständig neue 

Formen mit der Neugier eines Wissenschaftlers. 

Jean-Claude Houlmann stellt seine Werke national 

und international aus - so z.B. 2015 u.a. im 

Kunstraum Florenz, Basel, auf der ArtPalmBeach, 

Palm Beach, Florida, USA, ArtExpo, New York, USA 

oder Galerie Gunzoburg, Überlingen, Deutschland. 

Lack auf MDF, ø 150 cm, 2014 

144

Lörrach / Deutschland 

www.jchoulmann.com 


Lack auf MDF, 2015 


145

Ingrid Huober 

Ingrid Huober 

wurde in Wiener Neustadt (Österreich) geboren 

und ist in Berlin aufgewachsen. 

Nach einer Übersiedlung nach Baden-Württemberg, 

wo sie viele Jahre lebte und ein zweijähriges 

Kunststudium in Stuttgart absolvierte, zwangen 

letztendlich Familiengründung, Kindererziehung 

und berufliche Veränderung zu einem Abbruch 

des Studiums. 

Erst im Jahr 2003, nach einem Umzug ins Allgäu, 

widmete sie sich wieder der Malerei. Zahlreiche 

Teilnahmen an Kunstseminaren begleiteten diesen 

Entschluss. Nach Beschäftigung mit vielen unterschiedlichen 

Maltechniken ist nun die Pigmenttechnik 

favorisiert. Pigmentfarben werden auf die 

unbehandelte Leinwand aufgetragen und mit den 

unterschiedlichsten Materialien verarbeitet. So hat 

sich die Malerin mit Vorliebe für die warmen Farben 

und einer gewissen Harmonie in ihren Bildern 

einen eigenen Stil geschaffen. Es spielt immer 

wieder der Zufall eine Rolle, ob es eine abstrakte 

oder gegenständliche Komposition wird. 

Mit über 120 Ausstellungen im südlichen Raum und 

im benachbarten Ausland und als 1. Vorsitzende 

des Künstlerkreises Oberstaufen seit 14 Jahren 

kann sie auf eine gewisse künstlerische Erfahrung 

zurück blicken. 

Nach dem Bade 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

70 x 50 cm 

2015 

146

Oberreute / Deutschland 

Geheimnisvolles Bali 

Pigmente auf Leinwand 

50 x 70 cm 

2015 

www.ingrid-huober.de 

Der Tradition verpflichtet 


60 x 80 cm 

2016 

Auf der Suche nach 

dem inneren Frieden 


50 x 100 cm 

2015 

147

Ingrid Huober 

Impression 

einer Stadt 

Pigmente 

auf Leinwand 

60 x 40 cm 

2015 

Ohne Titel 

Pigmente 

auf Leinwand 

60 x 40 cm 

2015 

148

Oberreute / Deutschland 

Nestflucht 

Acryl auf Papier 

40 x 50 cm 

2016 

Florale Impression 


80 x 80 cm 

2015 

Verpuppung 


80 x 80 cm 

2015 

149

Andreas Hürlimann, 

Andreas Hürlimann 

Jahrgang 1960, Schweizer, lebt und arbeitet in der 

Nähe von Zürich, reist durch die ganze Welt. 

Andreas Hürlimann fotografiert seit über dreißig 

Jahren. Bereits ab Beginn interessierte er sich 

besonders für die grafische Wirkung der Motive. 

Der Künstler fängt mit dem Auge seiner Kameras 

ungewöhnliche Ansichten von Steinen ein. Die 

Werke entführen den Betrachter in eine geheimnisvolle 

Welt. Es sind eher mal Gesamteindrücke, 

mal besonderes Licht oder grafische Formationen, 

Oberflächen, Formen und Farben, die uns in ihren 

Bann ziehen. 

Valley_of_fire 1 

Fotografie, 2012 





Auf weltweiten Reisen findet Andreas Hürlimann 

seine Motive. Grandiose Strukturen der Natur, 

Licht, Formen und Farben – das sind die Bestandteile 

seiner Kunst. Was es genau ist, wo es fotografiert 

wurde, soll eher in den Hintergrund treten. 

Entscheidend ist, was der Betrachter in diesen 

Bildern sieht. Der Betrachter sollte sich etwas Zeit 

nehmen, um die Steinsichten auf sich wirken zu 

lassen. Vielleicht bekommt er Lust, sich mit dem 

eigenen Bedürfnis nach schönen Eindrücken, 

Eleganz und Spannung auseinander zu setzen. 

Oder er findet dabei einfach Ruhe und Besinnung. 

150

Zürich / Schweiz 

www.steinsichten.ch 

Corkscrew_canyon 


Chishui 


151


Coyote_buttes 3 




152






153


Dunhuang 2 


Dunhuang 1 


154






155

Barbara Ihme, 

Barbara Ihme 

geboren in Bad Cannstatt, lebt und arbeitet in 

Gengenbach im Kinzigtal. 

Zeitgenössische Farbmalerei mit graphischen und 

dynamischen Akzenten, Farb- und Formharmonie, 

aus dem Wesen der Farbe heraus gemalt, durchkomponiert 

mit malerischer Sicherheit. Formen 

und Bewegungen wie das Leben sie schreibt, Themen 

und Texte, welche Fragen stellen zum Wesenhaften 

und Wesentlichen. 

Barbara Ihmes Aquarelle, oft umschrieben als 

„schwebende Lyrik“, „gemalte Poesie“, „europäische 

Abwandlung chinesischer Tuschmalerei“, 

geben Raum und verdichten zugleich - bringen 

das, was in und zwischen uns lebt, in eine lebendige 

Präsenz und auf den Punkt. 

Studium Kunstgeschichte, Malerei, Pädagogik, DiplomKunsttherapie 

/ tätig als Künstlerin, Therapeutin, 

Dozentin, Autorin und Coach / Kunstprojekte 

mit Managern, Kunstunterricht an Fachschulen, 

Gymnasien und Akademien / u.a. viele Jahre Vorstand 

Forum Künstlerinnen e. V. / seit 1981 zahlreiche 

Ausstellungen in Deutschland und Europa 

/ vertreten in Privatsammlungen, Die Sammlung 

Künstlerinnen, Museum Köln; Sammlung Galerija 

SUG, Cavle b/Rijeka/HR. 

Buchveröffentlichung „Spirale oder panta rhei“ – 

ein Kompendium über das Zeichen und Phänomen 

Spirale. 

Kraft 

macht Sinn 

Aquarell 

56 x 42 cm 

2012 

156

Gengenbach / Deutschland 

Wasser für Alle 

www.ihme-art.com 

Aquarell 

30 x 30 cm 

2014 

Blaupause 

BAZAAR 

Aquarell 

70 x 100 cm 

2010 

Aquarell 

50 x 70 cm 

2010 

157

JOHannaS 

JOHannaS 

war bis 2003 selbstständige Unternehmerin sowie 

in verschiedenen Führungspositionen bei internationalen 

Unternehmen tätig. Seit 1994 befasst 

sie sich mit Kunst, Schwerpunkt Experimental-Art, 

Mediale Kunst und Konzeptkunst. Ihr persönlicher 

Stil basiert auf verschiedenen, künstlerischen 

Studiengängen in Malerei, Druckgrafik und experimenteller 

Kunst. 

Fremde Länder und Völker sind ihr großes Interesse 

und haben auch in ihren Bildern ihren Ausdruck 

gefunden. Kultur- und Studienreisen in Ländern 

wie Iran, Japan, Asien, USA, Australien und in 

diverse Länder Mittel- und Südamerikas. 

Gesicht-B 

Mosaik, Photopainting, Acrylglas 

30 x 30 cm, 2014 

Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien, 

Teilnahme an Kunstmessen weltweit wie Art Miami, 

Art Shanghai sowie Ausstellungen in diversen 

Museen, unter anderem im Frauenmuseum Bonn, 

6th Goyang Festival Seoul oder im MOCA Museum 

of Contemporary ART, Peking. 

Ihre Inspiration schöpft sie aus dem Weltgeschehen. 

Durch das Spiel mit den Farben, Techniken 

und Materialien kommunizieren ihre Bilder auf 

einer gefühlvollen und philosophischen Ebene 

mit dem Betrachter und laden ihn ein zu eigenen 

Assoziationen und Träumen. Neben experimenteller 

Malerei, Collagen, Fotografie und Skulpturen 

befasst sie sich auch mit Konzeptkunst. Mit den 

Medienarbeiten „Digital Art Painting“ möchte sie 

dem Betrachter eine andere Seite der Kunst näher 

bringen. Ihre Devise: „ONE WORLD ONE LOVE“, 

davon lässt sie sich leiten. 

158

St. Gallen / Schweiz 

Blickfang 

www.johanna.ch 

Mosaik, Photopainting, Acrylglas 

120 x 80 cm, 2014 

Elemente der Erde 

Univers-Mosaik, Photopainting, Acrylglas 

70 x 127 cm, 2014 

159

JOHannaS 

smile – 14 / smile – 19 (aus Serie smiles) 

Mosaik, Photopainting Acrylglas 

46 x 35cm 

2015 

160


smile – 9 / smile – 24 (aus Serie smiles) 

Mosaik, Photopainting Acrylglas 

46 x 35cm 

2015 

161

JOHannaS 

Cow 53 darkblue / Cow 1-66 pink (aus Serie Cows) 

Photopainting auf Acrylglas oder Leinwand 

Variable Grössen 

30 x 30cm, 50 x 50cm, 100 x 100cm 

162


Cow 26 white / Cow 1-6 white (aus Serie Cows) 

Photopainting auf Acrylglas oder Leinwand 

Variable Grössen 

30 x 30cm, 50 x 50cm, 100 x 100cm 

163

Dr. Käthe Karcher-Rollwage 

Dr. Käthe Karcher-Rollwage 

ist schon seit ihrer Studienzeit nebenher künstlerisch 

tätig. 

Es begann mit Kursen in Zeichnen und Aquarellmalen, 

im Laufe der Jahre kamen verschiedene 

Drucktechniken dazu (Hoch-, Tiefdruck, sowie 

Lithografie), etwas später Malerei und Skulptur. 

Sie ist Mitglied der Ateliergemeinschaft No.2 sowie 

beim Kultur-und Kunstverein Ditzingen. Dort ist sie 

auch für die Sparte „Bildende Kunst“ zuständig. 

An Ausstellungen hat sie sowohl in Ditzingen, in 

Stuttgart und in der näheren Umgebung mehrfach 

teilgenommen, ebenso in der Partnerstadt 

Rillieux-la-Pape Lyon. 

In jüngster Zeit beschäftigt sie sich thematisch mit 

dem Mikrokosmos. 

Goldregen 

Acryl auf 

Leinwand 

200 x 140 cm 

2016 

164

Ditzingen / Deutschland 

Verdichtung 

Dispersion und Acryl 

auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2014 

ka.rol@t-online.de 

Grüne Zellen 


80 x 80 cm, 2016 

165

Lucie Kazda, 

geboren in Tschechien, lebt und arbeitet heute in 

Bayreuth. Vor Kazdas großformatigen Arbeiten stehend, 

ist einem die ‚Pergamenthaut‘, die die Bilder 

mit einem nebulösem Schleier umschließen, nicht 

bewusst. Denn im Moment des Betrachtens eröffnet 

sich die Erscheinung eines hellen Lichtkegels, 

der das jeweilige Farbspektrum aufnimmt, abstößt 

und zu einer Einheit verschmelzen lässt. Es ist hier 

die semipermeable Membran, die in der Lage ist, 

das Licht durchzulassen, ebenso zu reflektieren, 

um Licht und Schatten zu verdeutlichen sowie 

als künstlerisches Mittel aufzufassen. Lucie Kazda 

hat für sich eine künstlerische Herangehensweise 

entwickelt, die das konzeptuelle Arbeiten mit dem 

experimentierfreudigem Gestalten verbindet. Mit 

Ölmalereien benetzt Kazda das Pergamentpapier 

und lässt ein zufällig entstandenes Farbspiel zu, 

welches sie im nächsten Moment wieder verwirft, 

um Buntheit und Gefälligkeit zu vermeiden. Für Lucie 

Kazda ist diese Möglichkeit an Dekonstruktion 

belebend und birgt künstlerische Freiheiten in sich, 

die für ihre Arbeiten existentiell sind. Denn das 

unvermittelte Aufeinanderstoßen unterschiedlicher 

Materialien sowie verschiedene künstlerische 

Techniken bilden andersartige Räume und Linienführungen 

aus, welche das ausbalancierte Konzept, 

bestehend aus klaren Strukturen und frei aufgefassten 

Farbwerten, charakterisiert und dadurch 

eine sublime Ästhetik aufweist. Es sind „zur Ruhe 

finden“ auffordernde Gemälde, die sowohl anmutende 

Tagträume als auch seelische Verfassungen 

darstellen. 

Lucie Kazda 

Verborgen 

Fotografie, Öl gemalt auf transparentem Papier 

100 x 100 cm, 2015 

166

Bayreuth / Deutschland 

Begegnung 

Öl gemalt auf transparentem Papier 

100 x 100 cm, 2015 

www.luciekazda.de 

Brandung 

Öl gemalt auf transparentem Papier 

40 x 40 cm, 2016 

167


wurde 1957 in Ludwigsburg geboren. Im Jahr 2008 

schuf Andreas Kerstan seine ersten Kopfskulpturen. 

Er verarbeitet in seinen Werken Gebrauchsgegenstände 

der Vergangenheit und Gegenwart. 

Alte Perückenköpfe, Uhren, Radios, Schreibmaschinen, 

Musikinstrumente oder Telefone werden zu 

einer neuen Einheit, einer modernen Kopfskulptur, 

verarbeitet. Im Mittelpunkt seiner Arbeiten steht 

dabei immer der heutige, industrialisierte Mensch 

der Gegenwart, der mit einem alten Uhrschlüssel 

“aufgezogen” wird und der dann im wahrsten 

Sinne des Wortes “tickt”, wie er soll. Die Köpfe von 

Andreas Kerstan symbolisieren die Mechanisierung 

unseres täglichen Handelns. Der Tagesablauf wird 

bestimmt durch den gleichmäßigen wiederkehrenden 

Fluss ewiger Wiederholung – im Rhythmus des 

Ticken einer Uhr, alle 24 Stunden beginnt alles von 

vorn. 

Seit 2012 stellt Andreas Kerstan regelmäßig aus, in 

Galerien und auf zahlreichen nationalen und internationalen 

Kunstmessen, so zuletzt in 2016 auf der 

ARTe Sindelfingen, ArtExpo New York, USA und 

Parattissima, Turin, Italien. 

Seit Januar 2014 betreibt er eine eigene Galerie in 

Backnang, seit 2016 auch im Galerienhaus in Stuttgart. 

Anfang 2015 übernimmt Andreas Kerstan die 

künstlerische und inhaltliche Verantwortung für die 

ARTe, einer Kunstmesse für zeitgenössische Kunst 

in der Metropolregion Stuttgart. 

Wächter der Zeit, 

Rebirth 

Objekt 

Holz, Metall, 

Mechanik 

20 x 20 x 60 cm 

2014 

168


Althütte / Deutschland 

www.andreas-kerstan.de 

Gefangener der Zeit 

Objekt 

Holz, Metall, Uhrwerk 

20 x 20 x 60 cm 

2014 

169


Die eiserne Lady 

Objekt 

Holz, Metall 

Höhe 80 cm 

2014 

AFN (American Forces Network) 

Objekt 

Holz, Metall, Radio 

Höhe 55 cm, 2014 

170


Der Junge mit den 

blauen Haaren 

Objekt 

Holz, Metall, Porzellan 

20 x 25 x 30 cm 

2014 

171


Head V 

Objekt 

Holz, Telefon 

Höhe 45 cm 

2010 

172


Watchtower 

Objekt 

Holz, Metall, Backsteine 

25 x 25 x 80 cm 

2015 

173

Kathleen Kilchenmann, 

geboren in Zürich, Schweiz, lebt und arbeitet in 

Horb a. N., Kreis Freudenstadt. 

Die Inspirationen zu ihren Bildern bezieht sie durch 

die Natur, Landschaften und Architektur, die sie vor 

Ort fotografiert. Zusätzlich dienen Fundstücke aus 

der Natur (Rinden oder Geflechte) asiatische Papiere, 

sowie Ausschnitte aus Magazinen und Zeitungen 

zu ihren kreativen Quellen. Alle diese Materialien 

werden mit verschiedenen Farbschichten auf 

Leinwand, Papieren und Holzkörpern kombiniert. 

Durch das Wechselspiel von Collagieren, Decollagieren 

und Farbschichtungen gelingt es ihr diese 

stark abstrahierten Farbräume mit Licht und Schatten 

zu füllen. 

Die Arbeiten stellen dabei eine besondere Form 

des Umgangs dar, zum einem in der Hingabe an 

den malerischen Prozess, zum anderen in der 

Reflexion 

über Ursprung und Gestalt der Form. In 

ihnen spiegelt sich die Liebe zur Natur ebenso wie 

Irrwege ökologischer Zerstörungen durch gegenwärtige 

Gesellschaftsmodelle. Seit 2014 entstehen 

dreidimensionale Bilder und Objekte, die mit der 

gleichen Technik bearbeitet werden. Die bemalten 

Holzkörper und Würfel können spielerisch verschoben, 

gewendet oder neu angeordnet werden, so 

dass sich immer wieder neue Aspekte des Werkes 

ergeben und der Betrachter Teil des Kunstwerkes 

wird. Sie stellt Ihre Werke regelmäßig in Galerien, 

öffentlichen Institutionen, sowie nationalen und 

internationalen Kunstmessen aus. Ihre Werke 

befinden sich in Institutionen in U.S.A., Schweiz, 

Deutschland und Niederlande. 

Kathleen Kilchenmann 

Wechselspiel-I 

Collage 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

110 x 80 cm 

2014 

174

Horb a. N. / Deutschland 

C´est-la-vie 

Collage 

Mischtechnik auf Holzwürfel 

Kantenlängen 10 cm, 15 cm, 20 cm 

2015 

www.kathleen-kilchenmann.de 

La-Vie-est-Belle-IV 

Collage 

Mischtechnik auf Holzkörper 

Leinwand 

30 x 40 cm, 2016 

175

Kathleen Kilchenmann 

Art of Nature III 

Collage 


80 x 80 cm, 2014 

Art of Nature I 

Collage 


80 x 80 cm, 2014 

176

Horb a. N. / Deutschland 

Im Fluss aufwärts 

Collage 


80 x 80 cm, 2014 

Im Fluss I 

Collage 


80 x 80 cm, 2014 

177

Christa Klebor 

Christa Klebor 

lebt und arbeitet als Malerin und Fotografin in 

Stuttgart und malt sowohl mit dem Pinsel als auch 

mit Licht. 

Spontanität, Leichtigkeit, Farbenfreude und positive 

Mitteilungen bestimmen ihre Arbeiten. Ihr 

künstlerisches Ausdrucksmittel mit dem Pinsel ist 

die expressionistische Malerei. Farbige Fragmente 

prallen aufeinander und sie schafft neue Zusammenhänge 

und Stimmungen von Formen und Farben 

in Kombination mit verschiedenen Materialien. 

Lange beschäftigt sie sich schon mit dem Thema 

„Frauen“. Augenzwinkernd verbildlicht sie in der 

Serie Shopping-Glück nicht perfekte Alltagswesen, 

die aber Stolz und Würde ausstrahlen. 

Bei ihrer Lichtmalerei stehen sowohl alltägliche 

Gegenstände, als auch Menschen oder Architektur 

im Fokus. Mit einem Klick entsteht ein völlig 

neues Bild mit kreativen Mustern, verblüffenden 

Farbüberlagerungen oder atmosphärischen Strukturen 

– ohne weitere Bearbeitung. Nichts ist im 

nächsten Augenblick so, wie es gerade noch gesehen 

und wahrgenommen wurde. Die Bilder laden 

zum Spekulieren ein und lassen virtuelle Pinselstriche 

erahnen – Lichtspuren, die ihre Malerei gut 

ergänzen. Die filigranen Licht-Gemälde mischen 

Moment und Vergangenheit in eine poetische 

Geste. 

Die Künstlerin blickt auf zahlreiche Ausstellungen 

im In- und Ausland zurück. 

Sophie im 

Glück 

Mixed Media 

auf Papier 

60 x 49 cm 

2015 

178


www.ck-kreativwerkstatt.de 

www.ck-fotoladen.de 

Wilhelma 

Lichtmalerei 

50 x 70 cm, 2015 

Fliegende 

Elemente 

Lichtmalerei 

50 x 70 cm, 2015 

Finish zum Outfit 

Mixed Media auf 

Leinwand 

120 x 40 cm, 2015 

179

Corinna Kleindorp 

Corinna Kleindorp 

wurde 1964 im Spreewald (Brandenburg) geboren. 

Im Jahr 1994 hat sie begonnen, sich mit der Malerei 

zu beschäftigen. Es folgten kontinuierliche und 

intensive Studien und Kunstseminare bei namenhaften 

Künstlern und Dozenten. 

Sie lebt mitten in der Landschaft des Nordschwarzwaldes 

und bereist aber auch seit Jahren die Welt. 

Die Schönheit, Verschiedenheit und Einzigartigkeit 

der Natur fasziniert sie dabei immer wieder aufs 

Neue und berührt sie zu tiefst. Diese bleibenden 

Eindrücke sind in ihr tief verankert und hinterlassen 

Spuren- Spuren, die sie mit ihren Bildern zeigen und 

nach außen tragen möchte. 

Dabei ist es ihr nicht wichtig, das Bekannte und 

Reale des Gesehenen abzumessen und so wiederzugeben. 

Vielmehr möchte sie mit ihren Bildern 

zeigen, wie sie die Natur fühlt und welche Wirkung 

diese auf sie hat. Ihre Arbeitsweise ist deshalb intuitiv, 

nichts ist vorherbestimmt. Die Farbe mit ihren vielen 

Schichten und Verläufen sowie die Materialien weisen 

ihr Schritt für Schritt den Weg. Am liebsten malt 

sie auf Leinwand und benutzt überwiegend Acrylfarben 

und Pigmente, verwendet unterschiedliche 

Papiere und Materialien für Collagen und Strukturen 

und sie nutzt verschiedenste Techniken. 

Corinna Kleindorp lebt und arbeitet heute im 

Nordschwarzwald als freischaffende Künstlerin und 

betreibt Ausstellungen im In- und Ausland. 

abstrakte Landschaftsimpressionen 095 


80 x 100 cm 

2017 

180

Seewald / Deutschland 

www.cor-art.de 

abstrakte Landschaftsimpressionen 

472 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 60 cm 

2017 

181

Erika Koch, 

geboren in Bad Liebenzell, lebt und arbeitet, nach 

Zwischenstationen in Stuttgart und München, wieder 

in Bad Liebenzell. 

Ihr Talent für grafisch-technisches Zeichnen wurde 

zu ihrem Beruf. Mehr und mehr entwickelte sich 

aber auch ihr Interesse am künstlerischen Wirken. 

Fortbildungskurse, Kontakt mit anerkannten Künstlern 

sowie ein Studium an der FKS Stuttgart mit 

Abschluss in freier Malerei im Januar 2016 bezeugen 

ihren weiteren Werdegang. 

Es finden sich bei ihren Arbeiten Natur in Reinkultur 

aber auch farbig-kreative und intuitive Kompositionen, 

die einem eindeutig grafischen Verständnis 

folgen. Beginnend mit experimenteller Malerei 

werden nun auch immer mehr malerische Komponenten 

beigefügt. 

Entfaltung 

Acryl und Öl 

auf Leinwand 

100 x 70 cm 

2015 

182

Erika Koch 

Bad Liebenzell / Deutschland 

Vegetation II 

www.erikakoch.de 


100 x 100 cm 

2015 

Vegetation I 


100 x 100 cm 

2015 

183

Bettina Kohlen 

lebt und arbeitet in Korntal und unterrichtet in 

ihrem Atelier Gestaltung mit Ton, Oberflächenbearbeitung 

und unterschiedliche Brenntechniken. 

„Die menschliche Figur in Zeit und Raum“ beschäftigt 

Bettina Kohlen bereits von Beginn an 

ihrer Arbeit. In ihren Bronzen fasziniert sie zum 

einen das Studium des Bewegungsapparates des 

menschlichen Körpers. In Zeit und Raum setzt sie 

die verschiedenen Lebensphasen des Menschen 

um. Es gilt, die eigene „Balance“ des Lebens zu 

finden. Die Darstellung erfolgt naturalistisch bis 

abstrakt. 

Im keramischen Bereich arbeitet sie figürlich und 

objektbezogen. Hier stehen mehr das Experimentieren 

mit den verschiedenen Brandtechniken sowie 

die technische Bearbeitung der Oberflächen 

im Fokus. Auch Fundstücke, wie Eisen oder Stein 

werden gern mit Keramik kombiniert. 

Bettina Kohlen 

Schaukel 

Bronze, Stahl 

60 x 135 x 15 cm 

2016 

Sie hat verschiedene Lehraufträge u.a. bei der 

Handwerkskammer Stuttgart. Mitgliedschaften 

bestehen seit 2012 bei der GEDOK, Stuttgart, 

seit 2016 bei Sculpture Network und [KUN:ST] 

International. 

184

Korntal / Deutschland 

Klimmzug 

www.artwork-kohlen.de 

Bronze, Stahl 

60 x 100 x 15 cm 

2016 

Blüte 

Steinzeug, Keramik 

im Tonnenbrand 

32 x 17 x 32 cm 

2016 

185

Monika Krautscheid-Bosse 

Monika Krautscheid-Bosse 

Die international bekannte Künstlerin Monika 

Krautscheid-Bosse lebt und arbeitet in Neustadt 

- Wied. Sie absolvierte an der Bundeskunstakademie 

Wolfenbüttel bei Prof. Thiele und Prof. Dr. 

Markus Lüpertz den Meisterkurs in Freie Malerei. 

Meereswind 

Öl und Acryl auf Leinwand 

100 x 100 cm, 2016 

Ausstellungstätigkeiten im In- und Ausland sowie 

zahlreiche Künstlerporträts in der Presse und den 

Medien machten sie bekannt. Seit 1980 konkreter 

Aufbau und Zuwendung zum expressiven Malstil. 

Auch die traditionelle Kunstrichtung ist in ihren 

Kunstwerken sichtbar. Die Gestaltungsarten und 

technischen Ausdrucksmittel der Künstlerin spannen 

sich über die klassischen Techniken wie Mischtechniken 

bis hin zu Öl- und Acrylmalerei und collagierten 

Exponaten. 

Die malerischen Prozesse der Künstlerin beeindrucken 

auf anziehende Weise und lassen den 

Betrachter dieser Naturvisionen in frei komponierte 

Bildwerke eintauchen, um zu verweilen. Das 

Oeuvre der Künstlerin ist vielfältig angelegt und 

gekonnt wiedergegeben. Expressionistische Tendenzen 

vermischen sich mit symbolischen Elementen 

und farbigen Kompositionen. Ihre Bildsymbolik 

beschäftigt sich mit dem Gesehenen und Erlebten, 

sowie den inneren Eindrücke von Träumen. 

Im November 2011 erhielt Sie die Ernennung 

zur Europa-Künstlerin von der Europa-Union. 

Im Januar 2013 bekam Sie den Internationalen 

Syrlin Kunstpreis. 

186

Neustadt / Deutschland 

Im Bann der Zeit 

www.art-moro.de 

Wege-Ansichten 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2015 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2016 

Gedankengänge 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 100 cm 

2011 

187

Gerhard Lämmlin, 

Gerhard Lämmlin 

geboren in Lörrach, lebt und arbeitet in Neustadt 

an der Weinstraße. 

Er bezieht seine Ideen und Bildkompositionen häufig 

aus Impressionen und Eindrücken, die er von 

seinen vielfältigen Reisen mitbringt. Dabei entstehen 

Werke, die nicht die Realität abbilden, die vielmehr 

Ausdruck seiner Gedanken, Stimmungen und 

Erinnerungen sind. Lichteinfälle auf bizarre Landschaften 

und ungewöhnliche Farbkombinationen 

exotischer Gesteinsformationen werden ebenso 

„verarbeitet“ wie die nachhaltigen freundschaftlichen 

Begegnungen mit Einheimischen. 

Moniz 28 


90 x 90 cm, 2015 

Lämmlins Bilder entstehen aber auch „Just for 

fun“, wenn er, einem inneren Drang folgend, zu 

Pinsel, Spachtel und Farbe greift und in einem 

häufig emotionalen Prozess energie- und spannungsgeladene 

abstrakte Gemälde erzeugt. 

Vielschichtig trägt er Acrylfarbe in kraftvollen, 

meist leuchtenden Farben auf. Durch Beimischung 

unterschiedlicher Materialien, wie Schellack, Sand, 

Marmormehl u.a. gibt er den Flächen eine haptische 

Struktur, die zusammen mit gezielt eingesetzten 

Gestaltungsmitteln den Bildern eine spürbare 

Spannung verleiht. Weniger das fertige Bild als 

vielmehr der Prozess des Entstehens, die andauernde 

Auseinandersetzung zwischen kopfgesteuerten, 

geplanten Aktionen und bauchgefühldominierten 

Spontanaktionen sind für ihn emotional 

bedeutsam. 

188

Neustadt a. d. Weinstraße / Deutschland 

Morteratsch, ein Gletscher 

zieht sich zurück I 

www.gerhard-laemmlin.de 

Acrylmischtechnik 

auf Leinwand 

90 x 90 cm 

2015 

Morteratsch, ein Gletscher 

zieht sich zurück II 


auf Leinwand 

90 x 90 cm 

2015 

Ist der Weg wirklich 

das Ziel ? 


auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2015 

189

Anya Lauchlan, 

Anya Lauchlan 

eine Künstlerin in der Tradition der Schule von 

Paris trainiert durch M. Khazanov, selbst ein 

Schüler von Marc Chagall. 

Mitglied von La Maison des Artistes & Künstler 

in Frankreich. 

Russell & Chapple, Erster Preis für „Daydreamer“. 

Fellow Free Artists & Sculptors, London 

Mitglied der DACS UK. 

Etruscan Summer Sun 


100 x 100 cm 

2009 

190

Frankreich / Großbritannien 

www.anyalauchlan.com 

Etruscan Summer Water 


100 x 100 cm 

2009 

191

Anya Lauchlan 

Etruscan Summer Earth 


100 x 100 cm 

2009 

192

Frankreich / Großbritannien 

Papillon Du Mai 


150 x 150 cm 

2001 

193

Philipp Liedl, 

Philipp Liedl 

geboren in Esslingen am Neckar, ist promovierter 

Physiker und arbeitet auch als freischaffender 

Künstler in Stuttgart. 

In seinen abstrakten Werken experimentiert er 

als Autodidakt mit Farben und Formen auf Leinwand. 

In die Bilder werden neben Acrylfarben 

auch metallische Elemente und andere Materialien 

einbezogen. Seine Formensprache hat sich in den 

vergangen Jahren von sehr dynamischen hin zu 

formal stark reduzierten Bildinhalten entwickelt. 

Die Reduktion der Inhalte auf ihre wesentliche Wirkung 

steht in seinen jüngeren Werken im Vordergrund. 

Auf diese Weise verbindet Philipp Liedl die 

analytische Vorgehensweise in der Physik, die Welt 

nach formalen Gesetzen zu beschreiben, mit den 

gestalterischen Freiheiten der Kunst und versucht 

damit die Grenzen zwischen diesen beiden Disziplinen 

aufzulösen. 

Infinity 

Acryl auf 

Leinwand 

60 x 60 cm 

2012 

Seine Arbeiten sind seit 2008 auf zahlreichen nationalen 

sowie internationalen Ausstellungen und 

Messen zu sehen, darunter: Wahrnehmung, Idee, 

Umsetzung: Kunst und Innovation im Dialog, Steinbeis-Stiftung, 

Haus der Wirtschaft Stuttgart 2015 

- Fine Art Fair, Houston 2013 - Galeria Mazowiecka, 

Warschau 2011 - Galleria Poliedro 2010, Triest - Red 

Dot Art Fair und Select Art im Rahmen der Art 

Basel Miami Beach 2012 - Farbwelten, Algordanza 

Young Art Plattform, Chur 2009 - Galerie Lutz, 

Stuttgart 2008. 

Sand Lines 

Acryl auf 

Leinwand 

100 x 80 cm 

2010 

194


Copper Fire 

www.philipp-liedl.de 


150 x 80 cm, 2015 

Rot Blau 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 80 cm 

2014 

195

Andreas Lindenberger 

wurde 1957 in Kornwestheim geboren, heute lebt 

und arbeitet er in Markgröningen. Seit seiner Ausbildung 

zum Buchdrucker beschäftigt sich Andreas 

Lindenberger mit den verschiedensten Maltechniken. 

Im Vordergrund seiner Acrylmalerei steht für 

ihn der Erlebnisakt des Malens. 

In den letzten fünf Jahren entstanden viele Werke 

in Acryl, deren Marmoriercharakter zwar bekannt 

wirkt, deren Technik jedoch vom Künstler lange 

vorbereitet und experimentell erarbeitet wurde. 

Die in Schwingung versetze Farbe fließt und strömt 

einerseits organisch und somit den Fluss des Lebens 

beinhaltend und wird andererseits kompositionell 

gesteuert und aktiv von der Hand des 

Künstlers kontrolliert. 

Das verblüffend einfache Prinzip dieser Bilder 

besteht darin, dass verschiedene Farbpfützen auf 

dem flach ausgebreiteten Bildträger verteilt werden 

und diese sich dann durch Schaukelbewegungen 

,,eigenständig“ auf der Bildfläche verteilen. 

Was so einfach klingt, ist in der Praxis vertrackt und 

im visuellen Ergebnis komplex. 

Eine der Schwierigkeiten bei diesem Verfahren 

liegt darin, dass die Konsistenz der Farbsubstanzen 

ganz genau abgestimmt sein muss. Die Farbe darf 

nicht zu dünnflüssig, aber auch nicht zu zäh sein. 

Sie darf nicht zu schnell trocknen, vor allem aber 

dürfen die unterschiedlichen Farben sich nicht 

zu einem grauen oder braunen Einerlei mischen. 

Durch akribische Materialforschung und einem 

stetigen Prozess des Perfektionierens entstehen 

diese faszinierenden Resultate. 

Joshua tree 

Acryl auf 

Leinwand 

100 x 140 cm 

2015 

Aufgerissen 

Acryl auf 

Leinwand 

100 x 150 cm 

2014 

196


Markgröningen / Deutschland 

www.aliart.de 

Blood sweat 

and tears 

Acryl auf 

Leinwand 

140 x 100 cm 

2012 

Californication 

Acryl auf 

Leinwand 

120 x 100 cm 

2014 

197


Every picture 

tells a story 

Chao Phraya 

Acryl auf 

Leinwand 

150 x 100 cm 

2015 

Epoxidharz 

und Farbpaste 

auf 

Leinwand 

100 x 80 cm 

2016 

198

Markgröningen / Deutschland 

Painted Black 

Epoxidharz 

und Farbpaste 

auf Leinwand 

80 x 60 cm 

2016 

Pink Fluid 

Acryl auf 

Leinwand 

100 x 80 cm 

2015 

199

Inge Louven, 

geboren in Aachen, lebt und arbeitet seit 25 Jahren 

in der Nähe von Zürich, seit 2011 in Hombrechtikon. 

Inge Louven 

Zyklus heimliche Welten 0601 

Mischtechnik auf Leinwand, 90 x 90 cm, 2014 

Die bewegte Landschaft des Zürcher Oberlandes 

hat sie dazu angeregt, Ihre Wahrnehmung mit 

künstlerischen Mitteln zu erweitern. 

Beim Malen vermischen sich innere Bilder mit den 

Formen und dem Spiel der Farben in ihrer Umgebung. 

In ihren Werken schimmern Stimmungen, 

Freuden und Erlebnisse durch. Durch mannigfaltige 

Schichtungen und Überlappungen des Materials 

und der Farbe erreicht sie, dass sich dem 

Betrachter dreidimensionale Bewegungsräume eröffnen, 

in denen er innere Räume entdecken kann. 

Ausserdem liebt sie das Pendeln zwischen Materialien 

und den unterschiedlichen Herausforderungen 

von Malerei und Gestalten. Die Arbeit mit verschiedenen 

Ton- und Holzarten ist für sie ein sinnliches 

Vergnügen, bei dem Sehen und Fühlen intensiv 

verschmelzen und „greifbare“ Ästhetik entsteht. 

Mit der 2013 gegründeten Firma Atelier TonArt 

AG, Kunst | Galerie | Consulting verbindet sie ihre 

Berufung Kunst mit dem Beruf Consulting. Bei den 

Workshops „Erfolgreich Kunst verkaufen“ unterstützt 

sie auch junge Künstler, sich im Kunstmarkt 

zu etablieren. In Ihrer Galerie Atelier TonArt AG 

bietet sie etablierten Künstlern wie Newcomern 

eine Ausstellungsplattform. 

200

Hombrechtikon / Schweiz 

www.ateliertonart.ch 

www.ilou-art.ch 



im Eisenrahmen 

120 x 140 cm, 2015 



100 x 80 cm, 2014 



120 x 60 cm, 2015 

201

Uli Lüth 

wurde 1956 in Wien geboren. Im Jahr 1995 hat sie 

damit begonnen, sich mit den theoretischen und 

praktischen Grundlagen der Bildhauerei zu 

beschäftigen. 

Ihre Modelle fertigt sie aus Wachs, um sie dann 

in Bronze gießen zu lassen. Mit Hilfe ihrer Hände 

nehmen ihre Ideen Gestalt an. Ihre Figuren lassen 

sich betrachten und berühren. Zerklüftete Flächen, 

Kanten und Strukturen bilden die harte Schale 

ihrer doch so filigranen und anmutigen Plastiken. 

Ihre Werke haben eine Seele, sie sprechen und 

füllen den Raum - sie ziehen den Betrachter in 

ihren Bann. Uli Lüth kreiert Lebendiges, sie 

schafft es Leben in Bronze zu verwirklichen. 

Uli Lüth 

Elli 

Bronze bemalt 

45 cm 

Sockel 18 x 18 x 8 cm 

2016 

Uli Lüth beteiligt sich an nationalen und internationalen 

Ausstellungen, gibt Kurse und bietet 

Kunstworkshops an. Seit 2012 ist sie Mitglied im 

Künstlerbund Stuttgart. Man findet sie in der 

Galerie Bayer in Bietigheim-Bissingen, in der 

Galerie 116 in Leonberg, in der Kunstgalerie 

Arteg in Tegernsee sowie in der Galerie Gräfe 

art.concept in Berlin. Ständiger Ausstellungsraum 

ist ihr Atelier in Bietigheim. 

202

Sachsenheim / Deutschland 

www.ulilueth.de 

Drei tanzen 

Bronze 

40 cm 

2015 

203

Uli Lüth 

Frauenstudie 

Bronze 

75 cm 

2016 

204

Sachsenheim / Deutschland 

Ziegenstolz 

Bronze 

49 cm 

2015 

205

Sigrid Mägerle, 

Sigrid Mägerle 

geboren in Nendingen, einem kleinen Vorort von 

Tuttlingen, wo sie lebt und arbeitet. Seit geraumer 

Zeit wird sie von der Malerei in den Bann gezogen. 

Ihrer malerischen Hand lässt sie überwiegend bei 

Landschaftsbildern in Verbundenheit mit Abstraktion 

freien Lauf. 

Ihre Leidenschaft wird von ihrem Inneren befeuert: 

Kraft – Schwäche, Wut – Liebe, Licht – Schatten, 

Wärme – Kälte, Angst – Freude, Egoismus – 

Freundschaft, Lob und Tadel, Neugier auf das, 

was entsteht. 

Inspirationen für die schöpferische Kraft bekommt 

Sigrid Mägerle auch auf ihren zahlreichen Reisen 

durch die geheimnisvolle Welt, aber auch durch 

ihre Familie und ihr Zuhause mit einem wundervollen 

Garten. Häufig vermischen sich verschiedene 

charakteristische Züge, wodurch die oft einfache 

Realität zur abstrakten mystischen Landschaft verzaubert 

wird. Auch aus selbstgeschossenen Fotos 

werden kreativ veränderte Landschaften. 

Die Bilder der Malerin Sigrid Mägerle sind Unikate 

und werden meist auf Leinwänden mit verschiedenen 

Materialien aufgetragen. Der Hauptbestandteil 

der Werke besteht meist aus Acrylfarbe. 

Die Leidenschaft des Geistes, der Hände und des 

Herzens » wherever you go, whatever you do « 

schlägt sich in ihren Bildern nieder. 

Traum I 


206

Tuttlingen / Deutschland 

www.simalt.de 

Ausblick 


4 x 80 x 80 cm, 2016 

Lila Land 


Kraterlandschaft I 


207

Klaus May, 

geboren in Heidenheim, lebt und arbeitet in 

Allmersbach im Tal, in der Nähe von Stuttgart. 

Schriftlithograph – ein Berufsbild aus vergangenen 

Tagen. Aber, gute Schriftästhetik ist zeitlos. 

Kalligraphie und Schriftästhetik integrierte er 

schon früh in seinen Bildern. Bild/Text-Spannung 

stand somit lange Zeit in seinem Fokus. 

Alle Macht ist in Dir! 

Kalligrafie mit Japan-Pinsel 

Fotografie, Digital-Painting 

38 x 52 cm 

2014 

Beeinflusst durch die Bilderstellung und Bildbearbeitung 

für die Werbebranche veränderte sich 

sein Stil. Heute fließen Fotografie, digitale Dunkelkammerarbeit, 

Digi-Painting, Body-Painting, gezeichnete 

und gemalte Bildelemente, Typografie 

und Kalligrafie oft gemeinsam in seine Bilder 

mit ein. 

Eine seiner Leidenschaften, über viele Jahre 

hinweg, war der Budo-Sport. Die Ästhetik der 

Bewegung und das Gedankengut des Bushido 

faszinierten ihn. Aus diesen Neigungen heraus 

entstanden Bilder wie »Die rote Geisha« oder 

»Frau mit Katana«. 

Seine Liebe zum Wald dokumentiert er nicht nur 

mit seinen Bonsais, sondern auch in seinen Bildern. 

Und - jede Gegend hat ihre Geschichten und 

Mythen - auch das sind Inhalte seiner Werke. 

208

Klaus May 

Allmersbach / Deutschland 

Frau mit Katana 

Fotografie, Composing, Digital-Painting 

58 x 88 cm, 2014 

www.may-fotografik.de 

Rote Geisha 

Fotografie, Composing 

Digital-Painting 

60 x 90 cm 

2014 

209

Klaus May 

Allmersbach / Deutschland 

Verführung / Nachtfee 

Fotografie, Composing, Body-Painting, Digital-Painting 

60 x 90 cm, 2015 

210

Badender Engel 

Fotografie, Digital-Painting 

Tusche-Zeichenfeder 

55 x 40 cm 

2015 

Die Falknerin 

Fotografie, Composing 

Digital-Painting 

100 x 70 cm 

2015 

211

Verena Mayer 

Verena Mayer 

ist in Stuttgart geboren, lebt und arbeitet als freie 

Künstlerin mit eigenem Studio in Karlsruhe. Geboren 

als Tochter einer Gärtner-Familie, liegt die 

Achtung vor der Schönheit der Natur seit Generationen 

in ihrer Familie: Pflanzen, Blumen und die 

Weite der Natur sind der Dipl.-Designerin eine 

stete Inspirationsquelle. 

Schicht für Schicht bauen sich ihre Bilder auf, die 

– mal informell, mal expressiv – ihre Geschichten 

erzählen, Welten, Emotionen und Situationen entstehen 

lassen. Schichten überlagern sich, scheinbar 

fertige Motive werden übermalt oder zerstört, 

um eine neue lasierende Dimension entstehen zu 

lassen. Das Zusammenspiel von deckenden und 

lasierenden Farben und Flächen sowie gestischen 

Linien sind Ihre Ausdruckmittel. 

Im Zentrum der Arbeiten von Verena Mayer steht 

häufig die Blumen- und Pflanzenwelt, neuinterpretiert 

durch eine Balance aus geplanten Studien 

und zufälligen Momenten. Verena Mayer arbeitet 

zyklisch an drei Motivreihen: Abstrakt, Blüten und 

Wolken/Himmel. Ihre Werke befinden sich in privaten 

Sammlungen und wurden in Ausstellungen in 

Europa und USA gezeigt. 

Beginnings 

Acryl und Öl 

auf Leinwand 

120 x 80 cm 

2017 

212

Karlsruhe / Deutschland 

www.verenamayer.de 

Die Knospe 


70 x 50 cm 

2016 

Vergiss mich nicht 


70 x 60 cm 

2016 

213

Ute Meyer, 

Ute Meyer 

geboren im Dezember 1957 in Oldenburg/Niedersachsen, 

Atelier in Flensburg. 

Landschaften von Gärten, Küsten und Inseln werden 

draußen direkt vor Ort mit Öl auf Leinwand 

oder als Aquarell gemalt. Bevorzugte Landschaften 

sind die britischen Shetland Inseln und die dänische 

Insel Ærø in der Ostsee. Die schnell wechselnden 

Licht- und Wetterbedingungen dort bieten 

spannende Herausforderungen. 

Feder IV 


70 x 90 cm 

2014 

Im Atelier werden Vogel- und Strandstudien nach 

eigenen Fotografien und Beobachtungen in Öl 

auf Leinwand umgesetzt. Aus Fundstücken vom 

Strand, Alltagsgegenständen aus Glas, Metall, 

Keramik, Holz, die vom Meer verformt wurden, 

entstehen Objekte und Bilder in Kombination mit 

diesen Materialien. In der abstrakten Malerei sind 

Ausgangspunkte Erlebnisse und Erfahrungen aus 

dem täglichen Leben. 

Die künstlerische Arbeit mit Kindern und Jugendlichen 

in einem Jugendzentrum seit Ende der 

Achtziger Jahre beeinflusst den eigenen künstlerischen 

Ausdruck, fördert die Spontanität und 

Direktheit im Umgang mit Farbe und Form. 

214

Flensburg / Deutschland 

www.utemeyer.de 

Mohn und Iris 


90 x 70 cm 

2014 

Höckerschwan 


70 x 90 cm 

2013 

Mavis Grind / Shetland 


45 x 55 cm 

2014 

215

MILU 

MILU – Michaela Lucie Dassow 

wurde 1963 in Schwaben geboren und kam über 

Israel, Belgien und Nordrhein-Westfalen nach 

Endingen am Kaiserstuhl. 

Ihre Bilder zeigen in abstrakter Form die verschiedenen 

Stimmungen und Strömungen des 

(Er-)Lebens. Daraus entstand auch ihr Leitmotto: 

„Individuelle Bilder für individuelle Menschen“. 

Hintergrundinformationen erhält der Betrachter 

durch die das jeweilige Bild begleitende 

Entstehungsgeschichte. 

MILU arbeitet ausschließlich mit Acrylfarbe, denn 

sie korrespondiert am besten mit ihrer impulsiven 

und spontanen Arbeitsweise und unterstützt ihre 

Kreativität. Die von ihr verwendeten kräftigen Farben 

sind vielfach gemischt. 

Ihre Bilder, wie auch sie selbst, verweigern sich 

einer schnellen Einordnung in bestimmte Kategorien 

und Schubladen mit stiller Beharrlichkeit. Auf 

einen einzigen Stil lässt sich die Künstlerin nicht 

festlegen. Der Betrachter kann eintauchen in einen 

weiträumigen, kontrastreichen Bild- und Figurenraum, 

wie in eine unbekannte äußere und zugleich 

innere Landschaft. Je nach den Lichtverhältnissen 

und dem Standort des Betrachters verändern sich 

Perspektive, Farbe und Gestalt. Der Betrachter ist 

eingeladen, in einen intimen Dialog mit dem Werk 

zu treten, um das Bild immer wieder neu zu finden 

und zu entdecken. 

Aufbruchstimmung 

Acryl, Sand und 

Spachtelmasse 

auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2016 

216

Lebensabenteuer 

Endingen am Kaiserstuhl / Deutschland 

Acryl, Kreide, Sand, Pigmente auf Leinwand 

100 x 80 cm, 2015 Reflexion 

Acryl, Sand, Pigmente und 

Spachtelmasse auf Leinwand 

100 x 100 cm, 2016 

www.art-milu.de 

217

Ulla M. Neuhaus 

Ullanaeus 

In Dortmund geboren, lebt Ulla M. Neuhaus heute 

nach vielen Haltepunkten in ganz Deutschland 

als freischaffende Künstlerin in Husum nahe der 

Nordsee. Ihre künstlerische Ausbildung fand in 

der Techniken der Öl- und Aquarellmalerei in der 

Kunstschule der Ulmer Künstlergilde statt. 

Seit 1991 jährliche mehrmalige Ausstellungen im 

In- und Ausland. 

Ein Hauptaugenmerk ihrer Kunstwerke liegt in der 

Bearbeitung ungewöhnlicher Untergründe, so erstellte 

sie Ölgemälde auf Plotter, Aquarellmalereien 

führte sie auf Seide durch, die zuvor auf einer Leinwand 

aufgezogen wurde und somit ein Bild darstellen, 

ebenso zeigt sie Aquarellbilder auf Folie. 

Die dabei entstehenden surrealistisch abstrakten 

Werke vermischen Gegenständliches mit dem Diffusen 

und laden den phantasiebegabten Betrachter 

immer wieder aufs Neue zu Entdeckungsreisen 

ein. Die Betrachtung ihrer Bilder regen die eigene 

Phantasie zu einer Fahrt ins Innere ein. Sie geben 

damit Raum zu immer wieder neuer Wahrnehmung 

dieser Bilder. 

Ihre Kunstwerke vermitteln absolute Eigenständigkeit, 

so dass ein jeglicher Vergleich zwangsläufig 

ins Leere führt. Vermittelt werden hier auch eine 

spezifische Dynamik sowie ein eigener erkennbarer 

Entwicklungsprozess bis zur Perfektion. 

Geschieden - 

von Stuhl und Bett 

Öl auf Plotter 

90 x 60 x 2 cm 

2016 

218

Husum / Deutschland 

www.nordsee-atelier.com 

Verbotene Stadt 


90 x 60 x 2 cm 

2016 

Schöne Aussicht 


90 x 60 x 2 cm 

2015 

219

Sabine Oecking 

Sabine Oecking 

wurde 1965 in Muenchen geboren und ist dort 

aufgewachsen. Die Kunst wurde ihr in die Wiege 

gelegt, ihr Vater, ein Maler, ihre Mutter eine Goldschmiedemeisterin. 

Seit ihrer Gymnasialzeit setzte 

sich Sabine Oecking mit Kunst, vornehmlich figürliches 

und abstraktes Malen, auseinander. 

Nach Ausbildung und einer internationalen Karriere 

in der IT Karte sie ab 2013 zu den kuenstlerischen 

Anfaengen ihrer Jugendjahre zurueck. Seit 2013 

betreibt sie ihr eigenes Atelier in Dortmund und 

nahm ab 2013 Unterricht an der Kunstakademie 

in Bad Reichenhall. In den Jahren 2015 und 2016 

belegte sie die Meisterklasse bei Professor Adam 

Jankowski. Ueber ihre Kunst sagt sie selbst: „Mein 

Lebensmotto „lebe wild und gefährlich“ drueckt 

sich auch in meinen Bildern aus. Ich liebe es mit 

Formen und Farben zu spielen. Ich bin neugierig 

und experimentiere viel. Ich moechte Gefuehle 

festhalten, Momente konservieren und dabei dem 

Betrachter eine positive Atmosphaere uebermitteln 

und ein Laecheln ins Gesicht zaubern.“ 

Sabine Oecking ist Mitglied in den Kunstvereinen 

Dortmund und Muenchen sowie bei [KUN:ST] 

International. Seit 2014 wird sie durch die Galerie 

Arte Casa in Puerto d’Andratx, Mallorca, Spanien 

vertreten. Ausgewählte Werke findet man auch bei 

Artfinder und bei Saatchi Art. 

Sie stellt regelmäßig in Galerien und Kunstmessen 

aus. 

Glück und Leben 6 

Sprühlack auf Leinwand 

120 x 100 cm 

2016 

220

Dortmund / Deutschland 

Glück und Leben 7 

Sprühlack auf Leinwand 

120 x 100 cm 

2016 

Leben in der Natur 

Acryl und Sprühlack auf Leinwand 

120 x 100 cm 

2016 

www.atelier-oecking.de 

221

Päivyt Niemeläinen 

Helsinki in Finland is her home town. Nowadays 

she makes paintings, mixed media works, and 

installations. She likes to use different materials. 

Cool Evening (diptych) 

Mixed Media on Board, 72 x 67 cm, 2010 

From the year 2000 solo exhibitions in Finland, 

Belgium, France, Germany, Portugal and the USA. 

Participations in collective exhibitions and art fairs 

in Finland, Australia, Bulgaria, China, England, 

France, Denmark, Germany, Italy, Japan, Malta, 

Portugal, Russia, Slovakia, Spain, Sweden and the 

USA. Notable participation in Biennale di Venezia 

2014, in Southern Nevada Museum of Fine Art 

Las Vegas USA 2013, Museo d’Arte di Chianciano, 

Triennale Internationale d’Art Contemporain de 

Paris, Cité International des Arts 2013, Höstsalong 

and Edsvik Konsthall Sollentuna Sverige 2009. 

Artworks are published in international art publications 

in Finland, Bulgaria, China, England, 

France, Germany, Italy, Portugal, Russia and the 

USA. Paintings in public and private collections 

in Finland, Austria, Bulgaria, Denmark, Egypt, 

France, Germany, Italy, Malta, Portugal, Russia 

and the USA. 

Impressions and phenomenons of nature are sources 

of her working. Also human life – ingood and 

bad – is in the focus of her art. Over the past few 

years she has made anti-war art against greediness 

for money and violent oppression. These artworks 

act as a comment on behalf of peace. 

222


Helsinki / Finnland 

www.paivytniemelainen.fi 

Birds had flown away 

Mixed Media on Board 

96 x 100 cm 

2010 

223



Stream 

Mixed Media on Board, 48 x 96 cm 

2012 

224

Misty Morning 

offshore 

Mixed Media 

on Board 

59 x 79 cm 

2016 

225


Morning 


80 x 95 cm 

2016 

226


Autumn 


79 x 94 cm 

2016 

227

Andrea Pachner-Bauer 

Andrea Pachner-Bauer 

beschäftigt sich seit 2004 sowohl mit gegenständlicher 

Malerei als auch überwiegend mit der 

abstrakten Acrylmalerei. Seit 2010 arbeitet sie ausschließlich 

im Bereich der abstrakten Acrylmalerei. 

Über ein Jahrzehnt hinweg, von 2004 bis 2014, 

hatte sie Privatunterricht bei namhaften Dozenten 

und sich intensiv mit der Materie auseinandergesetzt 

und so ihren Malstil gefunden und die damit 

verbundenen Techniken erlernt. 

Abstrakt I 


80 x 80 cm, 2012 

Seit 2006 stellt sie regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen 

aus. In den Jahren 2015 und 2016 

belegte Andrea Pachner-Bauer bei der Art Company 

einen einjährigen Intensivkurs in den Bereichen 

Skulptur, Zeichnung, Druckgraphik, Kunstgeschichte 

und Malerei mit erfolgreichem Abschluss an der 

Freien Kunstakademie Esslingen. 

Neben ihrer Mitgliedschaft im [KUN:ST] International 

ist sie auch Mitglied in der Künstlergruppe 

Palette Schramberg. 

228


pachner-art@web.de 

Abstrakt III 


80 x 80 cm, 2013 

Abstrakt IV 

Abstrakt II 


80 x 100 cm, 2013 


60 x 80 cm, 2013 

229

Ingrid Pfeffer, 

geboren 1967 in Mosbach (Baden) - dort hat sie 

auch ihr Atelier und ihren Wohnsitz. Sie arbeitet 

als freischaffende Künstlerin und im Bereich Grafik 

und Werbung in einer Teilzeittätigkeit. 

Rebecca 


100 x 80 cm 

2015 

Ingrid Pfeffer hat ihr Schaffen den „Farben der 

Seele“ und der „Seele der Farben“ gewidmet. 

Leuchtende, heitere Transparenz wechselt mit 

dunklen, deprimierenden Tiefen. Ihre Farbexplosionen 

sprengen das enge Korsett gängiger Malerei. 

Mit Pinsel, Kohle und Kreide schaut sie ins Herz 

des Dargestellten. Ihre Gemälde sind spannungsgeladen 

und emotional, verbinden Gegensätze 

zur Einheit. Durch kontrastreiche Farbgebung 

erreicht sie Bildeindrücke, die magisch in ihren 

Bann ziehen. Fotorealistische Details werden durch 

Abstraktionen verstärkt. Es ist „das Bild hinter dem 

Bild“, das Empfinden des Betrachters, „da ist noch 

so viel mehr“. Es sind Geheimnisse, die sich offenbaren 

und trotzdem unerklärbar bleiben. 

Regelmäßige Mal-Aufenthalte im In- und Ausland 

(Italien, Spanien, Portugal, Frankreich, Peru, Mexiko, 

Kuba, China) sowie die Begegnung mit Menschen, 

Natur und Kultur sind ihre Inspiration. Die 

Künstlerin hatte bereits zahlreiche Ausstellungen 

im In- und Ausland. 

Flamenco 


100 x 80 cm 

2015 

230

Ingrid Pfeffer 

Mosbach / Deutschland 

Siesta bei der Klippenkapelle 

Senhora da Rocha 

www.ingrid-pfeffer.de 


80 x 100 cm 

2015 

Havanna 2013 

Acryl und Kreide auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2015 

231


Trinidad de Cuba I 


Trinidad de Cuba II 


232


La cerámica de México 


80 x 40 cm, 2015 

Mexikanischer Teller 

mit Früchten 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 80 cm, 2015 

233


Terrakotta in Mexiko 


120 x 90 cm, 2013 

Zitronen auf Isola Bella 


60 x 80 cm, 2015 

234


Casa Azul 


120 x 100 cm, 2011 

Paradies der Farben 

Acryl, Kreide und Lack 

auf Leinwand 

90 x 120 cm, 2010 

235

Gaby Pühmeyer, 

Gaby Pühmeyer 

geboren 1954 in Stuttgart. 

1996 bis 1998 Studium an der Fachhochschule für 

Kunsttherapie Nürtingen, 1998 bis 2004 Studium 

an der Freien Kunstakademie Nürtingen im Bereich 

Figürliche Keramik bei Dora Vàrkonyi. Seit 2004 

Keramikatelier Terra Cara in Esslingen. 

Bei der Gestaltung ihrer Arbeiten lässt Gaby Pühmeyer 

sich von der Welt der Mythen und Träume 

und von der Natur inspirieren; ebenso von Symbolen, 

die seit Jahrtausenden die Menschheitsgeschichte 

begleiten. Als Material wählt sie Ton, da 

er wie kein anderes Material geeignet ist, sich auf 

vielfältigste Weise plastisch formen zu lassen. Alle 

Objekte sind aus grob schamottiertem Ton aufgebaut. 

Er verleiht der Oberfläche der Skulpturen 

und 

Objekte eine lebendige Struktur. 

Auch die Verwendung der Farben ist für sie von 

großer Bedeutung. Vor allem verwendet sie Blau, 

Türkis und Weiß, die Farben des Himmels, in 

allen Schattierungen. Blau gilt als magische und 

zauberische Farbe und kann so am besten dazu 

beitragen, ihre Ideen zu transportieren. 

Seit vielen Jahren beschäftigt sie sich mit dem 

Thema Tier und Mensch, wobei das Verhältnis 

des Menschen zu Tieren und zu seiner Umwelt ihre 

Werke gerade in letzter Zeit vermehrt beeinflusst 

hat. Tiere sind nicht nur im Außen für Menschen 

wichtige Symbole, sie können auch wie in Mythen 

und Märchen als Selbstdarstellungen seelischer 

Prozesse verstanden werden. 

Seelenfischerin 

Keramik 

94 cm, 2014 

236


Standing 

Keramik, 95 cm, 2013 

Der goldene Fisch 

Keramik 

44 cm, 2016 

www.objekte-aus-ton.de 

237

Gaby Pühmeyer 

Dreamer Girl 

Raku Keramik, 29 cm, 2015 

Träumende 

Keramik, 40 cm, 2016 

238


Der Zauberhut 


A Girl´s Phantasy 


239

Brigitte Radermayr 

wurde in Potsdam geboren, ging in Detmold 

zur Schule und absolvierte ein Sprachstudium in 

England. Ihre künstlerische Ausbildung erfolgte bis 

zur Meisterklasse an der Kunstschule Khan-Leonhard, 

Schluchsee, und über gezielte Fortbildungen 

an den Kunstakademien Trier, Bad Reichenhall 

und Geras, sowie in Spezialseminaren im In- und 

Ausland. 

Brigitte Radermayr ist seit 1999 freischaffend 

künstlerisch tätig und leitet unter anderem das 

Maisenbacher Atelier in Bad Liebenzell, das 1999 

gegründet wurde. Das Atelier vermittelt in Kursen 

und Workshops die Grundpositionen malerischer 

Formensprache unter Einsatz verschiedenster Materialien 

und Maltechniken. 

Die Künstlerin verfolgt keine spezielle Richtung, ist 

aber mehr der abstrakten Verfremdung zugeneigt 

als der realistischen Umsetzung ihrer Impressionen, 

die vornehmlich der Natur entspringen. Sie schafft 

eigene Wirklichkeiten, die über vielfältige Techniken, 

die sie zu nutzen weiß, ganz nach Stimmungslage 

entstehen. Aber auch sprichwörtlich Figuratives 

lässt sie immer wieder mal mit einfließen 

und zeigt damit auf, dass Mensch und Natur eng 

zusammen wirken. 

Nirgendwo 

(Bild links) 

Collage 

Acryl und Öl 

auf Leinwand 

150 x 50 cm 

2016 

Irgendwo 

(Bild rechts) 

Collage 

Acryl und Öl 

auf Leinwand 

150 x 50 cm 

2016 

240

Brigitte Radermayr 

Bad Liebenzell / Deutschland 

radermayr@online.de 

Refugium 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

70 x 100 cm, 2016 

241

Andrea Rathert-Schützdeller 


Freischaffende Künstlerin, Dozentin für Freie 

Malerei a. d. Freien Kunstakademie Gerlingen, 

Malreisen bei „artistravel“, Kurse und Vorführungen 

bei „boesner“. Gründung von „andreARS“ als 

Kreativpunkt für Malerei und Projekte. Mitglied der 

„Kreativen Klasse“ - Berufsverband Ruhr. 

Die Intention der Künstlerin liegt in ihrer persönlichen 

Auseinandersetzung mit den Erlebniswelten 

und Erfahrungen ihres Unterbewusstseins und der 

Realität. 

Eine starre, reglementierte Vorgehensweise wird 

bei ihr durch einen „flow“ von ständig erfolgenden 

Entscheidungsprozessen ersetzt und führt zu Werken 

mit harmonischen Farbklängen und symbolhaften, 

gestischen Zeichnungen. 

Deutlich figurativ zeigt sich Andrea Rathert-Schützdeller 

in den Zyklen „FRAU/SEIN“ und „Begegnungen“, 

da bei diesen Themen der für sie übliche 

Ausdruck über Farbe, Form und Linie an die Grenzen 

der eindeutigen Aussage stößt. 

Der Satz „Bilder haben ein Äußeres und ein 

Inneres, sie bergen Geschichten und geben der 

Phantasie Raum“ beschreibt die Werke und die 

Einstellung der Künstlerin und erklärt deren breiten 

künstlerischen Ausdruck. 

Grenzgänger 1 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 70 cm 

2016 

242

Essen / Deutschland 


Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 70 cm 

2016 

www.rathert-schuetzdeller.de 

www.andrea-rs.de 


Mischtechnik 

auf Leinwand 

70 x 70 cm 

2016 

243


FRAUSEIN Nr.4 


100 x 100 cm, 2015 

FRAUSEIN Nr.5 


100 x 100 cm, 2015 

244

Essen / Deutschland 

FRAUSEIN Nr.6 


100 x 100 cm, 2015 

FRAUSEIN Nr.11 


80 x 120 cm, 2015 

245

Martina Rick, 

geboren und aufgewachsen in Düren in NRW, lebt 

sie mit ihrer Familie seit 1994 in Nordstemmen im 

Landkreis Hildesheim. Seit 2004 arbeitet sie als 

freischaffende Künstlerin und seit einigen Jahren 

auch als Dozentin in der Erwachsenenbildung der 

VHS Hildesheim. Im Juni 2014 gründete sie das 

„Kunsthaus Nordstemmen“ und 2015 den gleichnamigen 

Kunstverein. 

Martina Rick 

Impulse 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 80 cm 

2016 

Martina Ricks Bilder werden in einem intensiven 

und spontanen Prozess erarbeitet. Sie wachsen 

quasi Schicht für Schicht und es entsteht eine 

Tiefe, ähnlich einer dritten Dimension, die auch 

haptisch erfassbar ist. Die entstandenen strukturellen 

Farbinformationen kommunizieren auf mehreren 

Ebenen und sind doch mit den momentanen 

Gedanken und Emotionen prall gefüllt. 

Jedes Bild, jede aufgetragene oder wieder abgetragene 

Farbschicht, spiegelt das Leben mit all 

seinen Facetten wider. Schicht für Schicht „wachsen“ 

spannungsgeladene und kraftvolle Bilder. 

Dabei wird auch mit stark abstrahierten Schemen 

und „Zeichen“ gearbeitet, die immer nur Spuren 

ans Tageslicht kommen lassen. 

246

Nordstemmen / Deutschland 

Shadows on the wall 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 100 cm 

2015 

www.mrick-art.de 

Ohne Titel 

Ohne Titel 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 120 cm 

2016 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

100 x 120 cm 

2016 

247

Elisabeth Röder 

Elisabeth Röder 

lebt und arbeitet in Augsburg als freie Künstlerin, 

ist Mitglied im BBK-Schwaben-Nord und Augsburg, 

[KUN:ST] International, KV Aichach und KV 

Bobingen. 

Landmanalaugar 


90 x 90 cm, 2016 

Seit 2000 stellt sie ihre Werke in Einzel- und Gruppenausstellungen 

in Deutschland, im europäischen 

Ausland und USA aus. Mehrfach Ankauf von 

Arbeiten durch die öffentliche Hand. 

„Mein kreatives Arbeiten gibt mir die Freiheit, das 

zum Ausdruck zu bringen, was ich mit meiner Seele 

höre, mit meinem Herzen denke und mit meinen 

Augen fühle. Leben eben! 

Durch die langjährige Erfahrung habe ich mir die 

Fähigkeit erarbeitet, mich und meine künstlerische 

Position zu begreifen und immer wieder neu zu 

finden. Farbe ist der direkte Weg zu Gemüt und 

Emotionen und ein unverzichtbares Medium sowohl 

in meiner Malerei als auch in der Druckgrafik“. 

Der Bildraum auf Leinwand wird zur Bühne von 

bewusstem Dasein, Veränderung, Werden und 

Wachsen und geheimnisvoller Wirklichkeit. Im 

Malprozess verwandeln sich Erlebnisse und Erinnerungen 

in facettenreiche neue Farbräume, die 

sowohl an gewaltige als auch an stille Naturereignisse 

erinnern und in neue Welten entführen. 

Dabei entstehen Arbeiten, die etwas Rätselhaftes 

enthalten, das dem Betrachter viel Raum für seine 

persönlichen Interpretationen lässt.“ 

248

Augsburg / Deutschland 

Sulfatar 


70 x 60 cm, 2016 

www.elisabeth-roeder.de 

Floating lava 


90 x 90 cm, 2016 

249

RoFabér, 

gebürtiger Arnstädter (Thüringen), studierte an 

der School of Applied Arts Heiligendamm, an der 

Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig - Academy 

of Visual Arts und war Gaststudent an der 

Burg Giebichenstein University of Art and Design 

Halle. Seit seiner freischaffenden Tätigkeit beteiligte 

er sich an Ausstellungen im In- und Ausland 

und wurde durch Preise und Stipendien gefördert. 

Seine Werke befinden sich in privaten Sammlungen, 

Institutionen, Unternehmen, Konzernen und 

Museen. RoFabér ist kein Künstler im konventionellen 

Sinn. Er unterwirft sich keinem Stil, keinem 

Markenzeichen. In seinen Arbeiten, die immer eine 

Gratwanderung zwischen Abstraktem und Konkretem 

sind, bleibt er frei und unabhängig. So sucht 

er ständig nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten 

und Techniken in den Bereichen der Zeichnung, 

der Grafik, der Malerei und der Fotografie. Um 

Geschehnisse, Empfindungen und Beobachtungen 

aus dem Unterbewusstsein freizusetzen, dienen 

Filme, Bücher, Fotos, Dinge der Werbebranche, 

des täglichen Lebens und Eindrücke von Reisen 

sowie die Begegnung mit Menschen als Inspirationsquelle. 

Seine künstlerischen Werke faszinieren 

den Betrachter, vermitteln Spannkraft, Expressivität, 

psychologische Tiefe und Nachdenklichkeit. 

Trotz aller Widersprüchlichkeit sind seine Werke 

im Grundgedanken inhaltlich und technisch durch 

eine Geschichte vereint - die des komplizierten 

Umwegs, einer Mehrdeutigkeit und Wiederholung 

der Geschichte der Welt - einer Welt, in der Nichts 

endgültig ist. 

The flight of the sun 

Implikationscollage, Giclée Fine Art Print KODAK 

Photopapier, AluDibond, 120 x 100 cm, 2016 

250

RoFabér 

Leipzig / Deutschland 

info@rofabeer.com 

The lady of the dictator 

Implikationscollage, Giclée Fine 

Art Print KODAK Photopapier, 

AluDibond, 120 x 100 cm, 2016 

Broadway-Melody 

Implikationscollage, Giclée Fine 

Art Print KODAK Photopapier, 

AluDibond, 120 x 100 cm, 2016 

251

RoFabér 

Quinceañera 

Fotografie, Diasec Face Art, Fuji Crystal DP 

LIMITED EDITION, 

100 x 150 cm, 2016 

Oublier 

Fotografik, Giclée Fine Art Print Bütten-Kupferdruckkarton 

LIMITED EDITION, 60 x 81 cm, 2016 

252

Leipzig / Deutschland 

La escalera mexicana 

Wet Plate Damaged, C-Print, 40 x 60 cm, 2016 

Xochimilco 

Fotografie, Diasec Face Art, Fuji Crystal DP 

LIMITED EDITION, 100 x 150 cm, 2016 

253

Gabriele Rostan 

Gabriele Rostan 

Malen ist für mich Kreativität mit allen Sinnen, 

ein Spiel mit Form und Farbe, Neugierde auf das 

Abenteuer mit bildnerischen Techniken und experimentelle 

Lust. Nach Jahren der gegenständlichen 

Malerei bevorzuge ich nun die Abstraktion, immer 

auf der Suche nach neuen Wegen beim freien 

Gestalten. 

Nicht eingeengt sein, mich einlassen auf verschiedene 

Techniken und Materialien, Fragmente und 

Teile zusammenfügen zu einem sinnvollen Ganzen 

- wenn das Ziel unbekannt ist, bin ich frei für 

Überraschungen. Ausprobieren, Neues hinzufügen 

und wieder wegnehmen, spielerisches Gestalten 

im Dialog mit meinem Bild bis zur Fertigstellung. 

Spannend sind für mich ungewöhnliche Kombinationen 

ganz verschiedener Materialien wie Erden, 

Asche, Zement, Rost, Bitumen, handgeschöpfte 

Papiere, Stoffe, Naturfarben. 

Was vermag Abstraktion heute noch zu leisten? 

,, ...Wir werden keine Welt gestalten und wollen es 

auch nicht direkt. Sich gestalterisch denkend zu 

bewegen genügt fürs Erste, vielleicht wird etwas 

Neues daraus ... als Selbstläufer, in der Hoffnung, 

dass es auch schön aus dem Ruder läuft und wunderbare 

Bastarde bildet.“ 

Zitat: Bernd Ribbeck, Berlin 

Das Eis wird 

schmelzen 

Mischtechnik 

Acryl, Zement, 

Sand, Bitumen 

100 x 80 x 4 cm 

2015 

254

Untereisesheim / Deutschland 

www.gabriele-rostan.de 

Deep Blue 

Mischtechnik 

Acryl, Sand, 

Asche, Bitumen 

120 x 100 x 4 cm 

2015 

255

Kirsten Schankweiler 

Kirsten Schanklweiler 

Die Natur in ihrer unendlichen Vielfalt ist für Kirsten 

Schankweiler Inspiration und Ideengeber für ihre 

abstrakten Arbeiten. In einem intuitiven Prozess 

entstehen ihre Werke: Schicht für Schicht aufgebaut, 

umgewandelt, experimentiert und abstrahiert. Mit 

Collagen, flüssigen und pastosen Acrylfarben in 

Kombination mit Materialien wie Sand, Nussschalen, 

Lacke, Steinmehle, Pigmente entstehen vielschichtige 

Kompositionen mit Struktur und Tiefe. 

Die Künstlerin über ihre Werke: 

„Bilder zu malen, die Harmonie und eine angenehme 

Atmosphäre mit positiver Energie ausstrahlen 

ist mein Bestreben. Mein Ziel ist ausdrucksstarke 

Werke zu schaffen, die den Betrachter berühren 

und ihn auch noch nach langer Zeit Neues entdecken 

lassen. Kompositionen, die die Fantasie 

anregen, dem Betrachter Raum für eigene Interpretation 

lassen.” 

Kirsten Schankweiler wurde 1975 in Limburg/Lahn 

geboren. Das Interesse an der Malerei und der 

Kunst an sich begleitete sie schon von Kindesbeinen 

an. Von 2009 bis 2013 studierte sie in Mainz 

Malerei. Seit dem ist sie als freischaffende Künstlerin 

tätig und nimmt regelmäßig an Workshops 

zur Weiterbildung teil. Seit 2013 präsentiert sie ihre 

Werke in ihrer eigenen Galerie, der galerie mainz 

(www.galeriemainz.de) in der Mainzer Altstadt. 

Herbstliche Landschaft 


100 x 100 cm 

2017 

256

Mainz / Deutschland 

Swing of Nature 


100 x 200 cm 

2015 

www.kirstenschankweiler.de 

257

Christine Schenk 

wurde in Graz geboren, studierte in Wien Handelswissenschaften 

(seit 2014 in Graz Jus) und führte 

eigene Unternehmen. Gleichzeitig pflegte sie ihre 

musische Begabung (mit 7 Jahren 1. Solo- u. Orchester-Konzert 

unter Prof. Liebminger, ab 15 unter 

Prof. Leo Preis, Prof. Sophie Roler, Univ. Prof. Dr. Sir 

Karl Haidmayer) sowie ihre gestalterische Begabung 

intensiv und hatte 1995 über den international 

anerkannten Grazer Maler Prof. Peter Richard 

Oberhuber ihre ersten Kontakte mit expressionistischer 

Kunst. In praktisch zwei Leben mussten auf 

der einen Seite immer wieder wechselnde existenzille 

Anforderungen bewältigt werden, dazu das 

Familienleben, das u. a. auch aufs diplomatische 

Parkett führte, während auf der anderen Seite die 

Vita ein ebenso engagiertes künstlerisches Engagement 

und spannende Entwicklungen aufzeigten. 

Christine Schenk lebt und arbeitet in Graz und 

temporär immer wieder in Wien. 

Die Künstlerin dokumentiert auf ihre ganz eigene 

Weise zeitkritische, aber auch sehr subtile, intime 

Lebensumstände, die ihren expressionistischen Arbeiten 

mit surrealen Elementen einer besonderen 

Dramaturgie unterwerfen. Das Auf- und Ab unseres 

Lebens prägt uns, verändert uns. Das tragende 

Element aber bleibt eine letztlich positive Sichtweise, 

die es uns möglich macht mit allen Lebensumständen, 

wie sie auch sein mögen, umzugehen. 

Christine Schenks Arbeiten sind neben Österreich 

weitläufig international vertreten. Sie hat zwischen 

1995 und 2011 an vielen TV-Präsentationen in 

Österreich und Serbien mitgewirkt. 

Christine Schenk 

Seeteufel 


50 x 60 cm, 1997 Alle Fotos ®Kipper 

258

Graz / Österreich 

christinemschenk@gmail.com 

Kopflos mit Klopfkopfgangart 


80 x 60 cm, 2016 

African-Life 


80 x 60 cm, 1996 

Verhinderung 


120 x 80 cm, 2000 

259

Marlis G Schill 


geboren 1947 in der DOCUMENTA Stadt Kassel, 

kommt nach Studien- und Arbeitsaufenthalten in 

Frankfurt/Main, Paris und Straßburg 1990 nach 

Stuttgart, wo sie bis heute lebt und als freiberufliche 

Künstlerin arbeitet. 

Nach mehrjährigem Studium an Freien Kunstakademien, 

entdeckt sie im Meisterstudiengang 

bei Professor Jo Bukowski ihre Leidenschaft für 

den experimentellen Holzschnitt. 

Paradies No.5 

Holzschnitt 

50 x 70 cm 

2017 

„Im Gegensatz zur Malerei stellt der Holzschnitt sowohl 

eine hohe geistige als auch eine große körperliche Herausforderung 

an seine Bearbeitung. Ich finde es absolut 

faszinierend zu sehen, welche Wirkung das Übereinanderdrucken 

unterschiedlicher Druckstöcke entfaltet und 

wie sich aufgrund unterschiedlicher Drucktechniken die 

Farben vermischen und neue nicht vorhersehbare Töne 

entstehen.“ 

Zwei scheinbar diametral entgegen gesetzte 

Themen ziehen sich durch das Leben und das Werk 

der Künstlerin: zum einen das Thema VERWURZELT 

SEIN und zum anderen UNTERWEGS SEIN. Für sie 

ist das eine ohne das andere nicht denkbar. 

Seit vielen Jahren stellt die Künstlerin national wie international 

erfolgreich in Galerien und auf Messen aus. 

Die Erlöse ihrer Arbeiten spendet Marlis G Schill 

regelmäßig für Kinderhilfsprojekte. 

260


www.marlisgschill.de 

Wüstenbäume 

Holzschnitt 

40 x 40 cm 

2017 

Island I 

Holzschnitt 

40 x 40 cm 

2017 

Oben auf 

Holzschnitt 

40 x 40 cm 

2017 

Paradies No. 4 Holzschnitt | 47 x 61 cm | 2017 

261


Verwurzelungen 1 

Acryl-Mischtechnik | 95 x 185 cm | 2016 

262


Schwemmholz 

Acryl-Mischtechnik | 80 x 100 cm | 2016 

263

Ruth Schleeh 

ist bereits seit mehr als 25 Jahren als freischaffende 

Künstlerin tätig. 1986 markiert den Beginn ihrer 

künstlerischen Arbeit. Damals verband sie ihren 

mehrjährigen Aufenthalt in Belgien mit ersten 

künstlerischen Studien in Kohle und Aquarell. Zurück 

in Deutschland nahm sie mehrjährigen Privatunterricht. 

Schnell entwickelte sie ihre eigene, 

unverkennbare Technik. 

Nr. 95 


Ihre zumeist großformatigen, unverkennbaren Werke 

sind eine Komposition aus Flächen, Farben und 

Linien, die den Betrachter oft in das Bild hineinziehen 

und ihn eher nachdenklich stimmen. 

Über ihre Motivation zu malen, sagt sie selbst: 

„In vielen Schichten trage ich Farbe auf und auch 

wieder ab, um dann in der weiteren Bearbeitung 

wieder Ruhe in das Bild zu bringen. Bilder als Spiegel 

gelebten Lebens, nicht gefällig, sondern vielschichtig. 

Vielschichtig wie das Leben selbst. Jede 

Übermalung stellt die vorangegangene Schicht in 

Frage, was eine ständige Auseinandersetzung zur 

Folge hat. Großflächige Formen stehen in Kontrast 

zu kleinteiligen Linien.“ 

Ruth Schleeh stellt Ihre Werke seit vielen Jahren 

auf nationalen und internationalen Ausstellungen 

und Kunstmessen aus - so z.B. in 2015 auf der Art 

Innsbruck, der Berliner Liste, der Art International 

in Zürich und in 2016 auf der ARTe Stuttgart und in 

der Galerie Kunstraum Wien. 

264

Ruth Schleeh 

Renningen / Deutschland 

www.ruth-schleeh.com 

Nr. 79 


100 x 120 cm, 2016 

265

Henny Schlüter 

wurde in Neustrelitz geboren. Sie studierte in München 

Betriebswirtschaftslehre und Architektur und 

begann parallel zum Beruf mit der Malerei. Nachdem 

sie sich viele Jahre mit fast allen Kunsttechniken 

befaßt hatte, arbeitet sie heute ausschließlich 

mit Papier als Malmedium. Maluntergrund ist die 

Leinwand, weil sie Festigkeit gibt und die Farben 

strahlen läßt. 

Papier erscheint zunächst profan, offenbart aber 

bei intensivem Arbeiten mit ihm vielfältigste Eigenschaften, 

die der Künstlerin völlig neue Möglichkeiten 

für ihre Kunst eröffnet haben. 

B-1 (Serie Galaxy) 

Malerei mit Papier 

auf Leinwand 

80 x 80 cm 

2016 

Henny Schlüter 

Sie entwickelte besondere Techniken für die Behandlung 

und Anwendung der Papiere und hatte 

so eine neue Bildsprache zur Verfügung. Durch die 

Verwendung eines gewöhnlichen Materials für einen 

ungewöhnlichen Zweck kann sie sich auch ihr Anliegen 

erfüllen, mit ihrer Kunst neue Wege zur Befreiung 

von konventionellen Sehweisen aufzuzeigen. 

Seit 2009 stellt Henny Schlüter regelmäßig national 

und international aus. Ihre Arbeiten wurden u. a. 

bereits präsentiert in London, Wien und Barcelona, 

auf der ART Innsbruck, 2017 auf der XI. Florence 

Biennale in Florenz, 2018 im Salon d‘Art Caroussel 

du Louvre in Paris. 

B-3 (Serie Galaxy) 


auf Leinwand 

80 x 80 cm 

2016 

266

Planegg / Deutschland 

www.hennyschlueter.de 

Japanese Affairs 

Cai Piranha 

Malerei mit Papier auf Leinwand 

100 x 50 cm, 2017 


auf Leinwand 

100 x 80 cm 

2017 

267

Elena Schmidt 

studierte Malerei an der Freien Kunstschule 

Stuttgart und an der EKA Trier. Seit 2004 arbeitet 

sie mit benutzten Teebeuteln und Teefiltern - 

einem Abfallprodukt. Man kann die Arbeiten von 

Elena Schmidt als „Upcycling-Kunst“ bezeichnen. 

Elena Schmidt 

Cheryl 

Teefiltercollage 


60 x 60 cm, 2016 

Tee findet sich in allen Weltkulturen, ist Heil- und 

Gesundheitsmittel und sorgt für Wohlbefinden an 

Körper und Geist. Jeder benutzte Filter zeigt in 

sich ein Wechselspiel von Entstehen und Vergehen, 

Veränderung und Altern auf. Jeder Filter ist 

ein Unikat in Farbe, Struktur und Transparenz. Bei 

den Portraits bildet die Teefiltercollage eine Art 

„Schutz-Haut“, die dem jeweiligen Portrait Identität 

und Einzigartigkeit verleiht. Die Werkreihe 

„Let‘s play together“ vereint etwa 30 Portraits von 

Kindern unterschiedlichster ethnischer und religiöser 

Herkunft. Die Werkreihe „Emotionen“ verfolgt 

die Frage nach der Würde im Alter. 

Elena Schmidt arbeitet als Dozentin für Kinder und 

Erwachsene. 2014 und 2015 wurde sie im Rahmen 

des Ezbet Community Centre Development 

Project (DAAD gefördert) nach Kairo/Ägypten 

eingeladen um Kinderkunst-Projekte zu planen und 

durchzuführen. 

Regelmäßige Einzelausstellungen, Ausstellungsbeteiligungen 

und Teilnahme an Kunstmessen im 

In- und Ausland seit 1996. 2005 erhielt sie den 

Kunstpreis der Herrenberger Kunsttage, 2013 den 

Publikumspreis der Ausstellung „Auferstehung“ 

im Kloster Hegne in Allensbach. 

268

Hildrizhausen / Deutschland 

Fatma 



60 x 60 cm, 2016 

Maha 



60 x 60 cm, 2016 

www.elena-schmidt.de 

269

Elena Schmidt 

Ella 



60 x 60 cm, 2015 

Hermann 



60 x 60 cm, 2015 

270

Hildrizhausen / Deutschland 

Träume 



60 x 60 cm, 2015 

Nelson 



60 x 60 cm, 2014 

271

Gertrud Schneider, 

geboren in Hermannstadt, Rumänien, Siebenbürgen, 

lebt und arbeitet seit über 30 Jahren in Stuttgart. 

Gertrud Schneider 

www.gertrud-schneider.de 

Ihre Bilder offenbaren Motive in einem Grenzbereich 

zwischen gerade noch Erkennbarem und dem 

weiten Feld des Irrationalen. Greifbar nahe ist die 

erinnerte und gefühlte Natur. Die Ruhe und Friedfertigkeit, 

den Zauber der Natur hervorzuheben schafft 

sie durch Überlagerungen von Farbflächen in miteinander 

harmonierenden Farbtönen. Das Einarbeiten 

von Strukturen der unterschiedlichsten Art formen 

das Bild und spannen den Bogen zwischen vermeintlicher 

Realitätsspieglung und purer Imagination. 

Die eigene sinnliche Wahrnehmung des Erlebten 

und Gesehenen, durch positive Energien getragen, 

fließt in die Bildgestaltung mit ein. 

Die Arbeiten entwickeln sich im Laufe ihres Entstehungsprozesses. 

Es sind dynamische Prozesse in 

denen Gertrud Schneider ihren Bildern Freiheit und 

Spontaneität verleiht. Verschiedenste bildnerische 

Techniken, wie Acryl- oder Ölfarben, als Lasur oder 

in pastoser Form werden mit zum Teil natürlichen 

Materialien zusammenführt. Jeder Moment wird an 

der Leinwand ausgelebt und eingefangen. Eine generierte 

Ästhetik des Lebendigen und Assoziativen 

offenbaren dem Betrachter ein Erlebnis emotionaler 

Ungebundenheit. Das Figürliche, Wirkliches und 

Unwirkliches können entdeckt, gespürt und durch 

die eigene Wahrnehmung erklärt werden. Seit 2007 

zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen. 

Konnex I 


80 x 120 cm 

2015 

272


Im Fluss I 


40 x 40 cm 

2016 

Nordsee I 


50 x 100 cm 

2016 

Strömungen 


50 x 70 cm 

2016 

273

Gertrud Schneider 

Magic Moment IV 


80 x 120 cm 

2014 

Nordsee II 


50 x 100 cm 

2016 

Im Fluss III 


40 x 40 cm 

2017 

274


www.gertrud-schneider.de 

barn - storming 

sunlight 


70 x 50 cm 

2017 


80x120 

2016 

275

Rainer Schoch, 

Rainer Schoch 

geboren in Öhningen (Deutschland), lebt und arbeitet 

in Kaltenbach/ Thurgau Schweiz, in der Nähe 

von Stein am Rhein. Seine Malerei ist zunächst in 

erster Linie Selbstzweck, Ausdruck divinen Egoismus. 

Mit jahrelanger Übung und meisterlicher 

Hand schafft er ein Bilduniversum von großer Vielfalt, 

in welchem er zeigt, was ohne Vorstellung in 

der Welt außen und innen zu sehen ist: Eros und 

Thantos, Schönheit, Salonstillleben, Übernatürliches, 

alles mit der gleichen obsessiven Hingabe 

und Farbe, mit Lust gemalt. Schoch braucht man 

nicht die Renaissance der Figuration anzukündigen, 

er praktiziert verschiedene figurale Stilnuancen, 

von Fotorealismus, Surrealismus, bis zu 

expressiver Wiedergabe schon seit jeher, ohne sich 

zu rechtfertigen, weil das figürliche als Erzählung 

mit Zeichnen und Malen seit Kindheit ein natürliches 

Phänomen ist, präzis, ohne die Typisierung 

der Abstraktion. Rainer Schoch schlug mit seiner 

Porträt-Werkreihe ,,Lebenslinie-geliebtes und 

gelebtes Leben“ einen Weg ein, der eine entgegengesetzte 

Richtung führen soll. In seinen Porträtgemälden 

betagter Personen wird nichts verwischt 

sondern freigelegt. Das, was auf den ersten Blick 

wie ein Porträtfoto anmutet, ist fotorealistische 

Malerei mit der sorgfältigen Überbetonung des 

Sichtbaren. Aus Falten werden erzählerische 

Lebenslinien. Seine Porträtmodelle besitzen einen 

Schatz, über den sie auf Grund ihres hohen Alters 

verfügen: Lebenserfahrung. So schafft Schoch eine 

neue visuelle Realität, geprägt im Geist der größten 

Maler der Renaissance verbunden mit zeitkritischer 

Symbolik und Thematik. 

Frisch gestrichen 

Werkreihe Illusion in Form und Farbe 

Öl auf Leinwand, 160 x 160 cm, 2014 

276

Kaltenbach / Schweiz 

www.art-schoch.ch 

Geburt der Venus 

Werkreihe Renaissance 

Öl auf Leinwand, 210 x 240 cm, 2012 

277

Rainer Schoch 

Hanna 

Werkreihe Lebenslinie 


100 x 100 cm, 2014 

Ein Stück Brot 



90 x 145 cm, 2014 

278

Kaltenbach / Schweiz 

Lebenslinie 



160 x 160 cm, 2013 

Havanna Man 



160 x 160 cm, 2013 

279

Petra Schoch 

Petra Schoch 

Seit über 20 Jahren setzt sich Petra Schoch mit 

verschiedenen Techniken und Materialien intensiv 

auseinander. 

Auf der Leinwand entstehen Werke experimenteller 

Acrylmalerei zwischen leuchtender Farbigkeit und 

bewusster Reduktion. Durch Weiterbildungen bei 

namhaften Künstlern und in freien Kunstakademien 

sowie durch Autodidaktik erlernte die zertifizierte 

Mal- und Ausdruckstherapeutin neue Sichtweisen 

expressiven Schaffens. Zahlreiche Schichten von 

Farbkombinationen bis hin zum pastosen Materialauftrag 

prägen ihre Bilder. 

Der Tag...Du bist erwacht 


120 x 40 cm 

2017 

In ihrem ‚Zentrum für kreative Lebensgestaltung‘ 

begleitet Petra Schoch die Teilnehmer durch einen 

intuitiven Malprozess. Dieser ist geprägt von Stimmungen 

und Gefühlen jedes einzelnen Teilnehmers. 

Die Künstlerin genießt selbst diese freie Ausdrucksmöglichkeit. 

Wie ein Neubeginn, eine Geburt, eine 

tiefe Verbundenheit mit dem eigenen Sein, folgt sie 

in ihren Werken dem, was sich im Entwicklungsprozess 

zeigt. Emotionen und Gedanken spiegeln sich 

in ihren Bildern wider. 

Seit 1999 nimmt die Künstlerin regelmäßig an Einzel- 

und Gruppenausstellungen teil. Darüber hinaus 

fertigt sie Auftragsarbeiten von Firmen und Privatkunden 

aus dem In- und Ausland an. 

280

Nordheim / Deutschland 

www.kreativraum-nordheim.de 

Morgentau 


120 x 80 cm 

2017 

281


ist 1960 in Weingarten geboren, lebt und arbeitet 

in Hechingen, am Westrand der Schwäbischen Alb, 

rund 60 km südlich von Stuttgart. Dort betreibt 

er das Atelier am Turm, ein ehemaliges Ladengeschäft, 

das als Werkstatt und Ausstellungsraum 

dient. 


Nach dem Kuss 


60 x 60 cm, 2016 

Seit 1992 ist er wieder künstlerisch tätig, zunächst 

mit Zeichnungen und Aquarellen, später mit Acryl, 

experimenteller Malerei und Druck. Schwerpunkt 

seiner aktuellen Arbeiten sind Malerei und Druckgrafik 

zum Thema Köpfe und Körper, entfremdet, 

skurril, teils expressiv, teils surrealistisch. 

Es sind Bilder mit Köpfen von Frauen und Männern, 

von Paaren, die sich lieben, sich suchen, sich nah 

sind und innerlich doch weit weg, sich fremd sind 

oder entfremdet haben, gefangen sind in Beziehungen, 

Konventionen oder der eigenen Fantasie. 

Ihn inspirieren Gesichter, Gesichter aus der Straßenbahn 

oder beim Einkaufen, aus Illustrierten 

oder Filmen und meist sind es die ungewöhnlichen, 

auffallenden, nicht gängig schönen Gesichter, 

die ihn zu einem Bild anregen. Die Köpfe sind 

unter den Aspekten Liebe, Verträumtheit und 

Intimität, Sehnsucht und Suche nach Wärme versus 

Schuldzuweisung und Anklage, Resignation und 

Abwehr, gar Verachtung und Geringschätzung des 

Partners oder Distanz zu betrachten. 

Die dazugehörigen Titel der Bilder verstärken 

diesen Eindruck und hinterlassen Fragen beim 

Betrachter oder lösen diese auf. 

282

Hechingen / Deutschland 

Gras drüber 


90 x 60 cm, 2015 

www.schoenherr-kunst.com 

Augenmaß 

Acryl auf Holz, Tapete 

74 x 94 cm, 2014 

Das doppelte 

Lottchen 


60 x 80 cm, 2013 

283

Andrea Schwery 

Kunst mal anders 

wurde 1984 in Wilhelmshaven geboren. 

Sie malt schon seit ihrer Kindheit. Jedes bisschen 

Taschengeld trug sie in den nächsten Laden der 

Malutensilien führte. 

Seit 2013 lebt und arbeitet sie als freischaffende 

Künstlerin in Wil SG. 

Seit Oktober 2017 kann sie im eigenen Atelier 

arbeiten. 

Sie hat schon auf einigen Ausstellungen mit ihren 

Werken glänzen können. Einzusehen auf ihrer 

Website. 

Ihr Motto lautet: Kunst ist Ansichtssache. 

Im privaten Leben ist sie verheiratet und hat vier 

Kinder. 

Ausser-Irdisch 

Künstlerstift auf Aquarellpapier 

50 x 65cm 


284

Wil SG / Schweiz 

Offengelegter Verrat 

Warum Anders? 



50x65cm 

40,6 x 50,8 cm 

2018 2018 

www.kunstmalanders.wordpress.com 

285

Gabriele Seitz 

Gabriele Seitz 

geboren 1951 in Furth im Wald, lebt in Radebeul. 

Nach einer Lehre als Zahnarzthelferin, den Studien 

der Wirtschafts- und Erziehungswissenschaften 

und der Religionspädagogik arbeitet sie vorrangig 

als künstlerische Fotografin. Sie ist Gründungsund 

Vorstandsmitglied des Radebeuler Kunstvereins, 

Mitglied im BBK, in der VG BILD-KUNST, in 

Foto-Foren und KünstlerInnengruppen wie der 

GEDOK Leipzig. Sie hat Einzel-, Gruppen- und Preisausstellungen 

im In- und Ausland ausgerichtet, 

bzw. daran teilgenommen. Ihre Arbeiten hat sie in 

Bildbänden publiziert, wie in „Dresdner Künstler 

im Blick. In 190 + 9 Ateliers“. 

Die Porträtaufnahmen von Gabriele Seitz leuchten 

klar in einem altmeisterlichen Hell-Dunkel. Sie sind 

„wie ein Zugang zur Welt hinter den Dingen … Die 

Atmosphäre gewinnt eine geistige, zeitlose Dimension. 

Es ist die Aufforderung zum Dialog“. 

L. Rojas Sanoja, Galeristin 

Gabriele Seitz fotografiert auch Moorlandschaften 

und drückt ihre Erlebnisse in Haiku-Lyrik aus. „Sie 

lädt den Betrachter auf eine poetische Wanderung 

durch die Natur ein, zeigt Bilder einer faszinierenden 

Landschaft und schenkt so eine kostbare Stille …“ 

Heinz Weißflog, Kunstkritiker 

Malgorzata Chodakowska, 

Bildhauerin 

Fotografie 

Ursula Güttsches, 

Bildhauerin 

Fotografie 

286

Radebeul / Deutschland 

gabrieleseitzfoto.de 

Moorlandschaft 

Fotografie 

287

Max Seiz 

Max Seiz 

wurde 1927 in Schwäbisch Gmünd geboren und 

arbeitet seit 1953 als freischaffender Künstler in der 

Stilrichtung der klassischen Moderne. Mit seinem 

Gesamtwerk und der überwiegenden Darstellung 

des Menschen in seinen künstlerischen Arbeiten 

gehört er weit über die Landesgrenzen hinaus zu 

den bedeutenden, lebenden Bildhauern und 

Malern. 

Wichtige Ausstellungsorte waren mitunter das 

Haus der Kunst München, die Piccadilly Gallery 

London, das Bundesfinanzministerium Bonn, die 

Living Art Biennale Johannesburg und Kapstadt, 

die Academie des Beaux Arts Paris, die FIDEM 

Weltausstellung der Modernen Kunstmedaille 

Paris, Köln, Bremen und Nürnberg, das Museum 

Sammlung Hurrle Durbach und zahlreiche internationale 

Kunstmessen wie die ART Basel, Schweiz, 

die St`ART Straßburg, Frankreich und die ART 

Luxemburg. 

Die Werke von Max Seiz befinden sich weltweit in 

privaten und öffentlichen Sammlungen, so in den 

USA, Kanada, Südafrika und vielen europäischen 

Ländern. In Baden-Württemberg sind seine Werke 

unter anderen in der Staatsgalerie Stuttgart, 

dem Kunstmuseum Stuttgart, der Kunsthalle 

Würth in Schwäbisch Hall und in dem Museum im 

Prediger in Schwäbisch Gmünd zu finden. 

Internationale Standorte seiner Werke sind das Königliche 

Museum in Antwerpen, Belgien, oder das 

Denkmal des Kaisers Haile Selassi in Äthiopien. 

Hoffnung 

Bronze 

48 x 42 x 31 cm 

1978 

288

Schwäbisch Gmünd / Deutschland 

www.g-v-n.de 

Abendstimmung 

Bronze 

40 x 25 cm 

2012 

Also sieht 

der Mensch 

Bronze 

29 x 22 cm 

1967-2007 

Der Freiheit 

freier Geist 

Bronze 

117 x 44 x 54 cm 

1986 

289

Auf der Bank 

Max Seiz 

Bronze 

15 x 11 cm, 1986 

Wohlstandsgeiger 

Bronze 

14 x 9 cm und 35 x 23 cm 

1975 

Esther 

(Strahlende) 

Bronze 

72 x 18 cm, 2008 

290

Eudämonie 

(Glückselige) 

Schwäbisch Gmünd / Deutschland 

Bronze 

56 x 40 cm 

1989 

Freier Mensch 

Bronze 

100 x 90 cm 

2005 

291

Natalia Simonenko 

Natalia Simonenko 

ist in St.Petersburg geboren, lebt und arbeitet in 

Stuttgart. 

Ausgebildet an der Kunstakademie Ilya Repin in 

St. Petersburg widmet sie sich dem Genre der 

Porträt-, Stillleben- und Landschaftsmalerei. Die 

Themen dafür entdeckt sie auf Reisen, beim Besuch 

im Zirkus und Theater oder der Arbeit mit 

einem Modell. 

Die intensiven Ausdrucksfarben der Bilder, sowohl 

der Personendarstellungen als auch der 

Landschaftsbilder, entsprechen dem Naturell der 

temperamentvollen Malerin und übersetzen ihr 

emphatisches Weltempfinden unmittelbar in Farben. 

Die Künstlerin bearbeitet die Leinwand nicht 

nur mit dem Pinsel, sondern auch mit in Farbe 

getunkten Stofffetzen, um weichere Übergänge 

zu erzielen und einzelne Nuancen besser herauszuarbeiten. 

Unabhängig von den Moden des Kunstmarktes 

bekennt sich Natalia Simonenko zu einem Realismus, 

der in der Nähe der Licht- und Luftmalerei 

des Impressionismus angesiedelt ist. Obwohl sie 

in manchen ihrer Bilder partiell an die Grenze zur 

Abstraktion vorstößt, bleibt das Gegenständliche 

immer erhalten. Ein Bild sollte etwas erzählen und 

nicht nur eine schöne Farbfläche sein. Daher sei es 

nötig, auch realistische Elemente ins Bild zu bringen, 

betont die Künstlerin. Mein Ziel, erzählt sie, 

sei es, eine Mischung aus einer realistischen Genremalerei 

und einer impressionistischen Maltechnik 

und Bildatmosphäre zu erschaffen. 

Zwielicht 


100 x 160 cm, 2013 

292


Der Träumer 


120 x 50 cm, 2016 

www.natalia-simonenko.com 

Schlafende Flamingos 


150 x 50 cm, 2016 

Mondzeit 


100 x 160 cm, 2015 

293

Maja Smoltczyk 

Der Mensch in all seinen Facetten und Stimmungen 

ist das Hauptthema der Berliner Bildhauerin 

Maja Smoltczyk. Das Faszinierende an ihren Arbeiten 

ist vor allem deren besondere Lebendigkeit, 

die zu einem starken emotionalen Ausdruck führt, 

in dem sich der Betrachter wiederfinden kann. 

Egal, ob Porträtbüsten, Ganzkörperfiguren oder 

abstrahierende Darstellungen – sie schafft es auf 

besondere Weise, aus der Einmaligkeit des Naturbildes 

das Allgemeingültige herauszuarbeiten und 

das Augenmerk der Betrachter auf das Wesentliche 

der dargestellten Figur zu lenken. Ihre Porträts 

idealisieren nicht, sondern machen sich auf die Suche 

nach dem Kern der jeweiligen Persönlichkeit. 

Die prägenden Regungen und Gemütsverfassungen 

der Dargestellten werden über eine Momentaufnahme 

hinaus zusammengefasst und reflektiert. 


Alter Sitzender oder 

Was rennt ihr ? 

Bronze 

129 x 70 x 91 cm 

2003 

Ihre Werke sind regelmäßig in Ausstellungen zu 

sehen. Seit dem Jahr 2013 auch international mit 

der Teilnahme an einer internationalen Skulpturenausstellung 

in Schweden. Es folgten Ausstellungsund 

Messebeteiligungen in den USA, der Schweiz 

und 2016 auch in Österreich. 2013 wurde ihr der 

Auftrag erteilt, den ehemaligen regierenden 

Bürgermeister von Berlin, Herrn Walter Momper, 

zu porträtieren. 

Die gebürtige Berlinerin Maja Smoltczyk lebt und 

arbeitet, nach mehrjährigen Aufenthalten in Hamburg, 

Baden-Württemberg, Amsterdam, Brüssel, 

Bielefeld und Frankfurt a. M., wieder in Berlin. 

294

Berlin / Deutschland 

Walter Momper 

Bronze 

39 x 19 x 26 cm 

2013 

www.bildhauerin-berlin.de 

www.bildhauerin.berlin 

295


Kleine Sitzfiguren 

Kleine Sitzfigur 

Terrakotta, Acryl 

jeweils 25 x 15 x 9 cm 

2015 


25 x 15 x 9 cm 

2015 

296





2015 




2015 

297


Blaue Stunde I 

Bronze 

17 x 12 x 17 cm 

2007 

Blaue Stunde II 

Bronze 

14 x 12 x 16 cm 

2007 

Für sich oder 

What‘s up, Tiger Johnny ? 

Bronze 

21 x 23 x 16 cm 

2008 

298


Modell für 

Schweineskulptur 

Bronze 

12 x 7 x 19 cm 

2015 

299

Hans-Werner Stahl 

Hans-Werner Stahl 

ist in Stuttgart geboren und arbeitet in seinem 

Atelier innerhalb des „Künstlerhof“ in Rottenburg 

am Neckar. 

Für ihn soll Kunst das Leben darstellen. Entsprechend 

lautet der Leitsatz für seine Arbeit: 

„Dem Leben Form geben.“ 

Er will Situationen, Emotionen und Eindrücke so 

einfangen, dass der Betrachter davon berührt 

wird und bei seinen Arbeiten verweilen möchte. 

Seine Skulpturen aus Holz, Bronze und Kunststoff 

und auch seine Gemälde beziehen sich immer auf 

konkrete Gefühle oder einen bestimmten Ausdruck, 

seien es z.B. Freude, Angst, Berühren, Ruhe, 

Träume oder auch Verzweiflung. Eben alles, was 

das Leben bietet. 

Hans-Werner Stahl begann mit Holzbildhauerei, 

um sich anschließend mit Bronzeskulpturen zu 

beschäftigen. Parallel dazu entwickelte er Gemälde, 

die je nach Beleuchtungsart, Tageslicht oder 

UV-Licht völlig andere Eindrücke entwickeln. Der 

Betrachter wird damit in eine geradezu mystische 

Welt entführt und erlebt intensive Farbeindrücke, 

die weder mit Acryl oder Öl entstehen können. 

Sehnsucht 

Bronze 

34 cm 

2014 

300

Rottenburg / Deutschland 

Konvektion 6 

www.bildhauer-stahl.de 

Mischtechnik, 120 x 100 cm, 2015 

Objekt Ooohh2 

Mischtechnik, 100 x 120 cm, 2014 

301

Anja Stemmer 

Anja Stemmer 

ist in Konstanz geboren, lebt und arbeitet freiberuflich 

in München. 

Farb-Materie und Dynamik sind die beiden Dimensionen, 

die ihr Arbeitsgebiet in der Malerei abstecken. 

Ungebremster Tatendrang und Optimismus 

finden sich wieder in informellen Kunstwerken, die 

den Mut zu kraftvoller Gestik und lebhafte Farbgebung 

in einen dynamischen künstlerischen Prozess 

einbringen. So entstehen Bilder voller physischer 

Präsenz und haptischer Qualität. In expressiv-abstrakten 

Arbeiten fokussiert die Künstlerin auf die 

Farbe und auf deren materielle Qualitäten, um den 

Betrachter in den Bann zu ziehen. 

Farbe transportiert Emotion – doch Emotionen 

sind flüchtig, wie auch manche Schichten auf ihren 

Bildern transparent und andere fast überdeckt 

sind. Durch die Überlagerung entstehen Spuren 

und Strukturen, Farbklänge, Bildelemente kristallisieren 

sich heraus. Diese Anspielungen laden den 

Betrachter zum Verweilen ein und dazu, immer wieder 

neue Zugänge zu einem Motiv zu entdecken. 

Das gekonnte Spiel mit dem Zufall, basierend auf 

der Beherrschung der Materie und einem letztlich 

zielgerichteten, wenn auch nicht vollständig planbaren 

Vorgehen macht den Reiz der Werke aus. Mit 

ihren leuchtenden Farben verführt die Malerei den 

Betrachter dazu, Schicht für Schicht in die Tiefe zu 

gehen, die Bilder so zu entschlüsseln und den eigenen 

Assoziationen freien Lauf zu lassen. Anja 

Stemmers Werke sind in privaten Sammlungen in 

Deutschland und Österreich, der Schweiz, Großbritannien 

sowie in den USA und Costa Rica zu finden. 

Confluences III 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

120 x 90 cm 

2015 

302


Butterfly 

www.stemmer.info 


100 x 70 cm, 2016 

Sonnenklar 

Collage, Mischtechnik auf Leinwand 

70 x 130 cm, 2015 

303

Anja Stemmer 

Canaries 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

70 x 50 cm, 2015 

Gewittertag 


100 x 140 cm, 2015 

304


Nachtgestalt 

Collage, Mischtechnik auf Leinwand 

100 x 80 cm, 2014 

Frühling 


100 x 80 cm, 2016 

305

Richard E. Stephens 

Richard E. Stephens 

war Amerikaner und lebte in Deutschland, hatte 

Ateliers in Esslingen und Meßkirch in der Nähe 

des Bodensees. 

Er studierte Kunst und Psychologie an der Universität 

Nebraska und hatte einen Abschluss als 

Bachelor of Fine Arts und Bachelor of Science. 

Seine künstlerischen Schwerpunkte waren Malerei, 

Fotografie und Skulptur. Zahlreiche Ausstellungen 

im In- und Ausland. Er war Gewinner des 1. Preises 

in Malerei beim 11. Internationalen Syrlin-Kunstpreis 

2012. Im Jahre 2013 erhielt er den 2. Preis 

für Fotografie bei der 12. Syrlin-Kunstpreis-Ausschreibung. 

2014 wurden seine Werke in dem Buch 

„International Contemporary Artists“ Bd. 8, ICA 

Verlag in New York veröffentlicht. 

Expression of Gold 


100 x 100 cm, 2013 

Richard Stephens wurde am 23.2.1953 in Beatrice, 

Nebraska, geboren und ist am 8.2.2017 in Esslingen 

verstorben. 

306


www.stephens-art.de 

Alchemy 


80 x 100 cm, 2014 

End of days 

Acryl und Öl 

auf Leinwand 

100 x 140 cm, 2009 

Magical Beginning 


100 x 140 cm, 2010 

307

Anja Struck, 

Anja Struck 

geboren in Hamburg, lebt und arbeitet in 

Lüneburg. Der Drang zur Malerei und Kreativität 

ist ihr ständiger Begleiter. 

Nach dem Abitur studierte Anja Struck zuerst 

Freie Kunst an der Muthesius Kunsthochschule 

Kiel, anschließend folgte Kunstpädagogik an der 

Universität Lüneburg. Nach dem Referendariat 

in Barendorf bei Lüneburg beschloss sie als freie 

Künstlerin zu arbeiten und zu lehren. Aus dem 

Wunsch heraus neben Zeichenstift und Pinsel 

auch mit technischen Mitteln umgehen zu können, 

folgte das Grafik- und Designstudium an der 

Hamburger Technischen Kunstschule. Zur Vertiefung 

der malerischen Fähigkeiten ließ sie sich 

im Rahmen des Studiengangs Malerei bei Prof. 

Markus Lüpertz an der Kunstakademie Bad Reichenhall 

inspirieren. 

2013 erhielt Anja Struck den Kulturförderpreis 

des Landkreises Lüneburg. 

„Der Mensch - seine Mimik, seine Gestik, der Blick, 

die Stimmung, die ihn umgibt. Gefühle. Gedanken. 

Das ist es, was mich fasziniert. Die Welt, in der wir 

leben, verändert sich in rasender Geschwindigkeit. 

Klar geglaubte Grenzen befinden sich in Auflösung. 

So auch in meiner Malerei. Der Mensch in Bewegung 

ist ein weiterer Schwerpunkt in meinen 

Arbeiten. Als Resultat der künstlerischen Studien 

erleben die Betrachter, wie Grenzen im Bild verschwimmen, 

Unschärfen entstehen, Motive verwischen, 

Momente verfliegen.“ 

im flug 


100 x 60 cm 

2017 

308

Lüneburg / Deutschland 

www.anja-struck.de 

gesprächsfetzen im wind 


40 x 100 cm 

2015 

I see myself 


120 x 160 cm 

2014 

309

Brigitte Struif 

Brigitte Struif 

ist in Osterode geboren, lebt und arbeitet in 

Hachenburg. Sie ist Mitglied im BBK RLP Mainz 

und BBK Bonn, Rhein-Sieg, im FrauenMuseum 

Bonn und Kunstforum Westerwald (1. Vorsitzende). 

Ausstellungen in Galerien u.a. und Beteiligung 

an Kunstmessen im Inland, z.B. Berlin, Bonn, 

Frankfurt, Hachenburg, Lahnstein, Ludwigshafen, 

Mainz, Marktheidenfeld, Merseburg, Meersburg, 

München, Pulheim bei Köln, Schwetzingen, 

Stuttgart u.a. 

INTERIMISTISCH 


80 x 120 cm 

Der Begriff „Interimistisch“ kann vielfältig Verwendung 

finden: als Übergangssituation im politischen 

Bereich, als kurzzeitiges Provisorium bei Vakanzen, 

als kommissarischer Zustand im Wirtschafts- oder 

Verwaltungsbereich oder als temporärer Zustand 

vielleicht auch in einer privaten Beziehung … 

Im Ausland, z.B. Belgien (Brüssel), China (Shanghai), 

Frankreich (Paris, Strasbourg), Italien (Mailand, 

Verona, Neapel), Lettland (Riga), Luxembourg, 

Österreich (Innsbruck), Polen (Warschau), USA 

(New York) u.a. 

310

Hachenburg / Deutschland 

„Stimmlos“: Die Gleichberechtigung der Frau wird 

in unserer Gesellschaftsstruktur zu einem Großteil 

„gelebt“, ist gesetzlich verankert und wird mit weiteren 

Postulaten vorangebracht. Das ist in vielen 

anderen Ländern und Kulturkreisen mitnichten der 

Fall. 

www.brigitte-struif.de 

Die installative Arbeit zeigt nur den Unterkörper 

einer Frau - mit der Bedeutung, dass sie mitunter 

reduziert wird auf ihre „Verpflichtung“ als hörige 

Ehefrau, dem Mann zur Verfügung zu stehen, als 

dienende Familienangehörige und auf die Rolle 

der Mutter. Die obere Körperhälfte ist nicht 

greifbar, ohne feste Substanz, diffus. Dies führt die 

Stimmlosigkeit und Unselbständigkeit vor Augen. 

Die Füße sind im Boden versunken, gleichsam 

„nicht auf eigenen Füßen stehend“. 

Die Frau – reduziert auf Pflichten, umgeben von 

Symbolen ihrer täglichen Arbeit: Brot (Backen/ 

Haushalt), Steine und technisches Gerät (Steineschleppen, 

Fabrikarbeit). Gleichzeitig ist hiermit 

die Forderung verbunden, „Licht“ in diese Situation 

hinein zu bringen, ebenso wie die Bereitschaft 

zur Wahrnehmung neuer Lebensumstände und der 

Entwicklungen der Lebensräume, der Chancen in 

Ausbildung und Beruf – unter Berücksichtigung 

der jeweiligen Tradition: der Wandel der Rolle der 

Frau. 

STIMMLOS – 

Unterleib und oben Luft 

Keramik, Koralle, Brot, Metall, 

Vulkangestein, 

ca. 48 x 28 x 28 cm, 

(Höhe mit Säule und 

Acrylhaube 151,5 cm) 

2014 

311

Monika Sylvester-Resch 

Monika Sylvester-Resch 

ist 1962 geboren, wohnt und arbeitet in Nestelbach 

bei Graz, Österreich. Als Künstlerin ist sie Autodidaktin 

und seit 2000 freischaffend als Malerin tätig. 

Ihre Werke, die sie in zahlreichen Ausstellungen 

bereits weltweit präsentierte, befinden sich in vielen 

privaten und öffentlichen Kunstsammlungen, 

wie z. B. auch der öffentlichen Kunstsammlung 

ihrer Heimatstadt Graz. Ab 2012 erfolgreiche Teilnahme 

an internationalen Kunstwettbewerben und 

Kunstpreisen. 

»Meine Werke heben die Natur als ultimative Inspirationsquelle 

zu einer neuen Dimension empor. 

Es geht nicht um das Wiedererkennen, sondern 

das Innehalten, um Stille, Bewunderung und die 

Verschmelzung von Natur, Künstler und Betrachter 

zu einem geheimnisvollen Ganzen«. Ihre Werke 

stellen bewusst einen Gegenpol zu oftmals belastenden, 

schockierenden und desillusionierenden Inhalten 

von Kunstwerken dar. Die Künstlerin ist im Gegensatz 

dazu mit ihren Werken motiviert, eine positive 

Wirkung auf die Emotionen der Menschen und 

deren Wohlbefinden und Harmonie auszuüben. 

Monika Sylvester-Resch ist die Gründerin einer 

neuen Kunstrichtung. Neben Farbe und Form 

überträgt ein Künstler noch einen weiteren Informationsgehalt 

in ihre/seine Werke. Dieser hängt 

vom aktuellen emotionalen Zustand während des 

Malens und vom Wollen des Künstlers ab und 

trägt erheblich zur Kommunikationstiefe mit dem 

Betrachter bei. Monika Sylvester-Resch nennt diese 

neue Qualität: Universeller Energetizismus. 

Into the Light 


100 x 70 cm, 2016 

312

Nestelbach / Österreich 

www.sylvester-resch.at 

Sehnsucht 


70 x 70 cm, 2012 

Forest Clearing 


100 x 150 cm, 2015 

Africa 


70 x 120 cm, 2013 

313

Dalya Taffet 

Dalya Taffet 

wurde 1965 in Kronstadt, Rumänien geboren. 

Seit 1991 lebt und arbeitet sie im Hegau am 

Bodensee. 

Besonders wichtig ist ihr die Auseinandersetzung 

mit Menschen und deren Gefühlen, die individuelle 

Darstellung des Ausdrucks, das Verlassen von 

vorgegebenen Grenzen, frei und intuitiv sein. 

Ob in Öl, Acryl oder Kohle, ob Zeichnung oder 

Malerei, stellt sie dabei durch spontane Lineaturen 

oder mehrschichtige Bildebenen und vor allem mit 

wenigen Farbflächen lebendige und aussagekräftige 

Kompositionen dar. 

Dalya Taffet beteiligt sich an Einzel- und Gruppenausstellungen. 

Sie ist Mitglied der Künstlergruppe 

„Singener Maler“ in Singen am Hohentwiel. Ihre 

Arbeiten befinden sich national und international 

im privaten und öffentlichen Besitz. 

Akt männlich 

Acryl, Ölpastell auf 

Papier aufgezogen 

100 x 70 cm 

2013 

314

Singen (Hohentwiel) / Deutschland 

www.dalya-taffet.de 

Augenblick 

des Glücks 


105 x 150 cm 

2013 

315

Klaudia Thiel 

ist in Gernsbach bei Baden-Baden geboren, lebt 

und arbeitet heute in Aspach bei Stuttgart. Sie 

studierte Kunst und Deutsch in Karlsruhe und ging 

verschiedenen Lehrtätigkeiten nach. Seit 2011 ist sie 

freischaffende Malerin. 

Nach ihrer ersten Ausstellung 1984 in der Weißenhofsiedlung 

in Stuttgart hatte sie zahlreiche Ausstellungen 

in Baden-Württemberg, vor allem im Raum 

Stuttgart. 2016 /2017 zeigte sie ihre Arbeiten auch 

international, so in Kopenhagen, Elizabethtown 

(USA) und 2018 auf der art3f in Paris. Auf der ARTe18 

Sindelfingen gewann sie den [Kun:st] Preis 2018 des 

Kunst Stuttgart International e. V. in der Wettbewerbskategorie 

Malerei. 

In ihren abstrakten Bildern verwendet sie Acrylfarben 

in Verbindung mit vielen andere Materialien 

(Sand, Asche, Baumwolle, Papyrus- und Japanpapiere, 

etc.). Inspiriert von realen Dingen, Stimmungen, 

Klängen, Landschaften und der Natur setzt sie 

Farben, Formen, Linien und Texturen im Wechselspiel 

zwischen kreativem Handeln und analytischer 

Betrachtung in abstrakte Kompositionen um. 

Parallel widmet sie sich dem Bearbeiten von Papier. 

Mit diesem Material äußert sich die Künstlerin über 

Ruhe, Zyklus und Zeit der Natur als Widerspiegelung 

des Lebens. Haptisch werden die Papiere 

erkundet und durch Faltung und Verformung in eine 

kreative, auf das Wesentlichste reduzierte Gestaltung 

gebracht. Das oft störrische, manchmal aber 

auch sehr empfindliche Material legt letztendlich 

die Gestaltung fest. 

La coquille 

Herbstlicht 

Papier bearb. auf Karton 

70 x 90 cm 


Papier bearb. auf Holz 

47 x 57 cm 

2017 

316

Klaudia Thiel 

Aspach / Deutschland 

klaudiathiel@t-online.de 

Rough 

Acryl, Pappe und 

Tusche auf Karton 

31 x 46 cm 

2015 

317

Klaudia Thiel 

Emotion 

Acryl Sand 

120 x 100 cm 

2017 

318

Aspach / Deutschland 

Walpurgisnacht 

Acryl auf Karton 

41 x 57 cm 

2016 

319

Marita Tobner 

Marita Tobner 

Die freischaffende Künstlerin Marita Tobner ist 

1961 in Ulm geboren und aufgewachsen; die Kunst 

hat sie in jeder Lebensphase begleitet. Über die 

Zeichnung und Fotografie ist sie schließlich zur 

Malerei gekommen. Von 2005 bis 2015 hat sie an 

zahlreichen Kunstkursen und Workshops Freie 

Malerei der Ulmer Schule (Künstlergilde) und der 

Kunstakademie Esslingen teilgenommen. 

Grundthema ihrer Malerei ist die Liebe zum Leben. 

So entstehen Momentaufnahmen vor dem Hintergrund 

gesammelter Erlebnisse und Erfahrungen 

aus dem Alltag, dem Banalen und verdichten sich 

zu Geschichten. Die Arbeiten thematisieren die 

vielfältigen Aspekte des menschlichen Seins, ihr 

Wesen und deren Beziehungen und Ambivalenzen 

zu- und untereinander. Die Umgebung, der Bildraum 

lässt sich nicht einfach Stereotypen zuordnen, 

abstrakte und gegenständliche Elemente 

durchdringen den Bildraum und geben in diesem 

Spannungsfeld den Blick frei auf inneres und äußeres 

Erleben. 

Eine kraftvolle Farbgestaltung, die Verwendung 

verschiedenster stilistischer Mittel und Techniken, 

sowie die Dynamik der Grafik erzeugen neue 

vielschichtige Geschichten mit Details, die anderen 

verborgen bleiben. Die Arbeiten entstehen seriell 

in Mischtechnik (Acryl, Öl, Holz- oder Linolschnitt, 

Collage, Malerei und Zeichnung). 

all that she wants 


Ulmer Holzgrund 

80 x 80 cm 

2016 

320

Ulm / Deutschland 

www.marita-tobner.de 

Frida 


Leinwand 

70 x 100 cm 

2017 

Nora´s Albtraum 


Ulmer Holzgrund 

70 x 100 cm 

2017 

321

Dorothee Vermaaten 


was born in Kleve. She studied Art in Siegen with 

Professor Krahl and with Professor Waßermé in 

Neuss. Today she lives and works in Stolberg and 

frequently exhibits her artwork in international 

exhibitions in Europe, USA, Africa and Asia. 

Dorothee Vermaaten‘s abstract artistic vision 

invites viewers on an emotional journey of color, by 

exploring experiences of the world and transcribes 

them into painted compositions. Boldly expressive, 

with a rich and tactile surface alive with pigment, 

her dynamic brushstrokes morph into gestural suggestions 

of semi-abstract figures, offering a sense 

of memory and narrative. As she builds her acrylic 

on canvas oeuvre, her work synthesizes into personal 

emotional prisms which explode into a blend 

of abstract movement and texture. The artist’s 

process is at once intuitive and spontaneous as 

she draws upon internal inspirations and carefully 

reworks each detail to reflect her unique inner 

vision. 

Dorothee Vermaaten demonstrates a diversity 

of emotional experiences in each of her abstract 

works by creating her own reality that it unconstrained 

by rules or conventions. The recipient of 

various awards in Europe, Dorothee Vermaaten has 

been showcased in several solo and group exhibitions 

in her native country, as well as abroad. 

(Extracts of text from Ruthie Tucker, gallery owner 

of Amsterdam Whitney Gallery, New York) 

Blaumann 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 60 cm 

2012 

322

Stolberg / Deutschland 

ABSOLUT Icebar 

www.dorothee-vermaaten.de 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

70 x 50 cm, 2016 

Lichtregen 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 120 cm, 2015 

323


Fata Morgana 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

60 x 60 cm, 2015 

Mona Lisa 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

30 x 24 cm, 2004 

324

Stolberg / Deutschland 

eBike 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 100 cm, 2012 

Highcross Kilgobbin 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 100 cm, 2015 

325

Eva Vogt 

wurde in Bratislava geboren und lebt seit 1989 

in Deutschland. Sie lebt und arbeitet in Kronau. 

Neben einem Studium der Wirtschaftsinformatik 

und Mathematik an der Universität Bratislava und 

der Privaten Deutschen Akademie für Wirtschaft 

in Stuttgart war Eva Vogt jahrelang als Softwareentwicklerin 

tätig. 

Eva Vogt 

Dum spiro spero - 

Solange ich atme, hoffe ich 


100 x 100 cm, 2016 

Ihre künstlerische Ausbildung begann in frühester 

Jugend: 1962 – 1973 Kunstkurse und Kunstausbildung 

an der Mittelschule und Gymnasium, 

Bratislava. Von 1965-1969 Kunstschule für Kinder 

und Jugendliche im Jugend-Zentrum Bratislava, 

Fachrichtung Bildende Kunst und von 1970 bis 

1975 Künstlerische Ausbildung beim akademischen 

Maler Prof. Josef Ilecka, Prof. Ján Želibský 

und Prof. Peter Matejka Bratislava von der Hochschule 

für Bildende Künste Bratislava. 

In der Zeit von 2013 bis 2015 widmete sie sich der 

Acrylmalerei bei Deborah Wulff. Parallel dazu 

arbeitete sie an Skulpturen in Ton und Keramik 

bei Petra Jung. 2015 - 2016 Seminare und Kurse 

bei renommierten Künstler: Gabriele Musebrink, 

Ute Hoeg, Bettina Hachmann, Ines Hildur, Conny 

Niehoff, Iris Lehnhardt, Isolde Folger, Ilona Griss- 

Schwärzler, Friederike Meintke, Ulla Schönhense, 

Alfred Hansl. 

Seit 2013 ist sie freiberufliche Künstlerin und 

betreibt in Kronau eine eigene Kunstschule. Sie 

ist Mitglied im Kunstkreis Karlsdorf-Neuthard, 

2. Vorsitzende, Kunstraum Neureut, Syrlin, 

Galerie Artoffer, [KUN:ST] International. 

326

Sehnsucht 


120 x 40 cm, 2016 

Kronau / Deutschland 

www.Art-Eva-Vogt.de 

Das Leben in mir 


100 x 60 cm, 2016 

Trennung 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

70 x 70 cm, 2016 

327

Ellen von der Linden 

Ellen von der Linden 

thematisiert individuelle Charakterdarstellungen 

von Personen, Landschaften, Natur, Architektur, 

Stillleben, Akt und auch die Umsetzung von aktuell 

kritischen Themen – alles in eigener Farbgebung 

und gefühlvoller Empfindung. 

Sie ist immer offen für Neues, wagt sich gerne 

auf unbekanntes Gebiet und sucht förmlich die 

Herausforderung. Aquarell, Zeichnung, experimentelles 

Arbeiten, Acryl- und Ölmalerei, Plastiken 

in Ton und Bronze kennzeichnen ihre wichtigsten 

Schaffensperioden. 

Im Gegensatz zu ihrem Naturell bleibt sie künstlerisch 

unruhig. Es hält sie nicht an einem Ort und 

schon gar nicht in geschlossenen Räumen. Sie 

drängt nach draußen, muss sehen, fühlen, neue 

Eindrücke aufnehmen und verarbeiten, Bilder 

verinnerlichen. 

Erkennbar ist, dass Ellen von der Linden sich nicht 

festlegt, sondern stets aufgeschlossen ist für 

neue Sujets und vor allem ungewöhnliche Blickwinkel. 

Zahlreiche Studienaufenthalte in Italien, 

Niederlande und der Schweiz vermitteln ihr neue 

Themen und Sehweisen und festigen die ihr eigene 

unverkennbare Handschrift. 

Ihre Gemälde laden ein, sich in das Bild hinein zu 

versetzen, es zu verinnerlichen und sich darin wohl 

zu fühlen – in einer Welt des Alltags. 

Sie war wiederholt auf zahlreichen Ausstellungen 

im In- und Ausland vertreten, namentlich in 

Deutschland, Schweiz, Italien, Polen und den 

Niederlanden. 

Herbst 

Acryl auf 

Leinwand 

110 x 90 cm 

2014 

328

Willich / Deutschland 

Forest 

Öl auf Leinwand (6-teilig) 

100 x 210 cm, 2013 

www.ellenvonderlinden.de 

329

Michael Weick 

wurde 1951 geboren. Seine Jugend und Ausbildung 

erlebte er in Freiburg. Nach einem Ingenieurstudium 

arbeitete er in verschiedenen Positionen 

im mittleren Management eines großen Elektronik 

Konzerns. Seit 1975 wohnt er in Backnang. 

Schon als Schüler hatte er Neigungen zu künstlerischer 

Betätigung. In den 90’er Jahren gestaltete 

Michael Weick erste Holzskulpturen mit Kettensägen. 

Seit 2010 intensivierte er seine Beschäftigung 

mit der Holzbearbeitung und der Gestaltung 

von Skulpturen mit Kettensägen. Michael Weick ist 

freischaffend künstlerisch tätig und sehr vielseitig. 

2013 war er Teilnehmer beim 18. Internationalen 

Bildhauersymposium in St. Blasien im Schwarzwald. 

Seine dort in einer Arbeitswoche geschaffene 

Skulptur erzielte bei der abschließenden Auktion 

den höchsten Erlös für die Stadt St. Blasien. Seit 

Mai 2015 ist Michael Weick mit einer Skulptur auf 

dem Skulpturenpfad in Weissach im Tal bei Backnang 

im öffentlichen Raum für drei Jahre vertreten. 

Im Januar 2016 war er Teilnehmer an der Kunstmesse 

ARTe in Sindelfingen. 

Er hatte verschiedene Einzelausstellungen, unter 

anderen bei der Kreissparkasse in Backnang. Weiter 

nimmt er regelmäßig an Gruppenausstellungen 

teil. Seine Arbeiten befinden sich im öffentlichen 

Raum, in privaten Sammlungen und in verschiedenen 

Geschäften und Kunstgalerien im Raum 

Stuttgart und in der Schweiz. 

Winterjacke 

Buche, 80 x 60 cm, 2015 

330

Michael Weick 


www.kunst-am-holz.de 

Elfriede 

Kiefer 

180 cm 

2015 

Note 

Buche 

150 cm 

2013 

331

Michael Weick 

Schlingel 

Buche 

60 cm 

2015 

Mäanderkugel 

Douglasie 

50 cm 

2014 

332


Nachtgestalt 

Kirsche 

180 cm 

2015 

Diskus 

Buche 

50 cm 

2015 

333

Petra Wenski-Hänisch 

hat in Trier studiert und ist Diplom Designerin (FH), 

freischaffende Künstlerin sowie Dozentin und 

Konzeptkünstlerin. 


BlattWerk - 

die Unvollkommene 

Aluguss 

45 x 33 x 10 cm, 2016 

Ideeunterstützend für ihre Exponate sind die 

ursprünglichen Dinge des Lebens aus der Natur, 

die uns meist profan erscheinen. Beim genauen 

Hinsehen erkennt man wunderbare ausdrucksstarke 

Farb- und Formenvielfalten. Mit Feingefühl 

bettet die Künstlerin Petra Wenski-Hänisch alltägliche, 

bildliche Eindrücke konzeptionell in surreale 

Fantasielandschaften ein. 

Die Liebe zum Ursprünglichen stellt sie im Thema 

„BlattWerk“ mit explizit zum Einsatz gebrachten 

Materialien dar, die im Ursprung aus der Erde 

stammen. Ein Geschenk der Natur, welches ihrer 

Kunst dient, um die Wertigkeit der menschlichen 

Emotionen an Hand der Wertigkeit des Materials 

auszudrücken. 

Die Edelmetall-Arbeiten zum Thema „Blattwerk“ 

wurden im Wachsausschmelzverfahren von der 

Künstlerin hergestellt und spiegeln die sensible, 

emotionale Kontaktaufnahme der Menschen zueinander 

und zum Betrachter im Schutze der Natur, 

eingehüllt in Blätter, wieder. Im Schaffensprozess 

der Strukturbilder und der Skulpturen reflektiert 

die Künstlerin durch die Kraft der figürlichen und 

malerisch bildlichen Ausdrucksformen die gefühlsbetonte 

Kommunikation. 

334


www.atelier-regenbogenkunst.de 

BlattWerk - die Liebenden 

925er Silberguss, Stein 

8 x 13 x 6 cm, 2016 

BlattWerk - die Beschützten 

925er Silberguss, Leinwand im Rahmen 

22 x 22 x 3,5 cm, 2016 

335


PACEM/FLUCTUS - Frieden/Welle 

925er Silberguss koloriert, Stein, Acrylfarbe, Leinwand 

40 x 40 x 8 cm, 2017 

FLORIDUS - blumig 

Acrylfarbe, Leinwand 

80 x 120 x 1,5 cm 

2017 

PACEM/COLUMNAE - Frieden/Säule 

925er Silberguss koloriert, Stein 

21 x 10 x 5 cm, 2017 

336


NARURALIS - natürlich 

Acrylfarbe, Leinwand 

89 x 230 x 2 cm 

2016 

www.atelier-regenbogenkunst.de 

337

Marlies Wilhelm 

ist seit ihrer Kindheit von der Malerei begeistert. 

Seit 2003 ist sie als Künstlerin im Bereich der freien 

Malerei tätig. Bei verschiedenen Malkursen lernte 

sie die Acrylfarben kennen und lieben, es folgten 

Weiterbildungen bei diversen freien Kunstakademien 

bei namhaften Künstlern. 


Irgendwo in Afrika 

Acryl-Mischtechnik-Collage 

30 x 140 x 4 cm 

2015 

Marlies Wilhelm bereitet es viel Freude und sie ist 

immer wieder fasziniert, wenn sie durch die Vielfalt 

der Möglichkeiten mit und durch die Farben 

kreativ sein kann! Ihre Acrylbilder gestaltet sie 

überwiegend mit Spachtelarbeiten sowie mit den 

unterschiedlichsten Materialien, Mischtechniken 

von Formen und Farben sowie unterschiedlichsten 

Strukturen. Während der Entstehung des Bildes 

inspiriert sie der zunächst geistige Entwurf, der 

sich dann stufenweise bis zum endgültigen Bild 

manifestiert. 

Vor allem die abstrakte, experimentelle Malerei 

hat es ihr angetan. Viele Ideen und Motive hierzu 

sammelt sie meistens in der Natur sowie in der 

Umgebung oder auf Reisen und lässt sich von 

der Vielfalt der Farben und Motive inspirieren. So 

manches abstrakte Acrylbild war ursprünglich eine 

Fotografie. 

Bei zahlreichen Ausstellungen im Inland waren ihre 

Bilder schon zu betrachten. 

338


marlies-acryltechnik.de 

339


Impressionen am Wegesrand I 

Acryl-Mischtechnik, 80 x 100 x 4 cm, 2015 

Impressionen am Wegesrand III 


340


Impressionen am Wegesrand IV 


341

Friedhelm Wolfrat 

Friedhelm Wolfrat 

„Du beleidigst alles was ich unter Malerei verstehe. 

Es geht gegen alles was ich mir vorstelle. Das ist 

spannend. Das fasziniert mich. Das gefällt mir. Ich 

habe eine Schwäche dafür.“ 

Zitat Prof. Markus Lüpertz zu den Arbeiten 

von Friedhelm Wolfrat Dezember 2017 

Korallen 

Acryl auf Keilrahmen 

30 x 30 x 4 x cm 

2017 

„Für den Maler Friedhelm Wolfrat ist die Leinwand 

ein Erlebnisfeld, ein Ort an dem die Dinge sich 

entwickeln dürfen. Mit großem Wurf und viel Leichtigkeit 

gelingt es ihm, fröhliche Kompositionen zu 

zaubern. Ihm gelingt eine stimmige, zusammenhängende 

Harmonie von Farbe und Form mit einer 

außerordentlichen Präsenz, die den Betrachter 

gänzlich beflügelt.“ 

Zitat INTERNATIONALE KUNST HEUTE 2016 

Ingrid Gardill 

342

Reutlingen / Deutschland 

www.wolfrat-art.de 

My Love – My Life 

Acryl auf Keilrahmen 

80 x 100 x 4 cm 

2017 

343

Ralph D. Woop 

Ralph D. Woop 

Am Anfang war das Wort! Mit der zunehmenden 

medialen Verbreitung in alle Welt verändert sich 

dieses in rasendem Tempo. Die analogen und 

digitalen Werkzeuge der Kommunikation bedeuten 

Entwicklung, bedeuten für den Künstler die 

unbedingte Herausforderung, Flüchtiges in einzigartiger 

Weise unvergesslich zu machen. Auf dem 

Kunstmarkt versteht man unter Vintage Prints 

Drucke, die mit heute nicht mehr gebräuchlichen 

Edeldruckverfahren, wie in diesem Fall der 

» Cyanotypie «, erzeugt wurden. Diese Werke 

sind allesamt Unikate. 

Die künstlerische Leidenschaft als Spiegel des 

Zeitgeistes: Fotografie, digitale Technik, verwoben 

mit einem kunsthandwerklichen Edeldruckverfahren 

aus »blauer« Vorzeit: die Cyanotypie. Diese 

»Vintage Prints« sind Kunstobjekte, Motive, Bilder, 

dargestellt auf handgeschöpftem Büttenpapier. 

Jedes ein Unikat, auserwählt aus der Flüchtigkeit 

unseres Daseins, um in die Beständigkeit einzugehen. 

Auf einzigartige Weise mit der Vergangenheit 

verknüpft, in den Anfängen der schwarzen Kunst, 

des Buchdrucks. So entstehen seine Kunstwerke, 

eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart 

für die Zukunft. Zeit-um-spannend. 

Ralph D. Woop, geboren 1957 – » Meister der 

Schwarzen Kunst «, Grafiker, Schriftsetzer, Buchdrucker, 

Buchbinder und gestaltender Künstler. 

Vergangenheit und Gegenwart in Momenten 

eingefangen, für die Zukunft edel mit einem 

historischem Druckverfahren konserviert. 

Mensch in der Maschine 

Digital-Collage, Vintage Print auf Bütten 

Spezialkupfertiefdruck-Karton 

74 x 108 cm, 2013 

344

Weissach im Tal / Deutschland 

Depression 

Digital-Collage 

Vintage Print auf 

Bütten, Spezial- 

kupfertiefdruck- 

Karton 

53 x 78 cm, 2016 

it´s me 

Fotografie, Digital-Collage 

Vintage Print auf Bütten 

Spezialkupfertiefdruck-Karton 

Blattgold, 50 x 50 cm, 2016 

www.graphische-manufaktur.de 

Hotel Underground 

Digital-Collage, Vintage Print auf 

Bütten, Spezialkupfertiefdruck- 

Karton, 53 x 78 cm, 2016 

345

Rudi Worofka 

Rudi Worofka 

wurde in Klagenfurt geboren, verbrachte lange 

Jahre in Wien und lebt und arbeitet heute in 

Nürtingen, Baden-Württemberg. 

Talent zum Zeichnen brachte ihn in erst späten 

Jahren zur Malerei. Seine künstlerische Ausbildung 

erhielt er an verschiedenen renommierten Kunstakademien 

in Österreich und in Deutschland. Neben 

nach wie vor bunten und figurativen Arbeiten auf 

Grundlage von Fotos oder Collagen entstehen aber 

auch abstrakte Arbeiten mit Freude an den Farben 

und deren Übergängen und Begrenzungen. 

So finden sich in seinen Arbeiten ebenso realistisch 

dargestellte Allegorien, Stillleben und Landschaften 

wie auch abstrakte, verinnerlicht farbig-kreative 

Kompositionen, die aber einem grafischen Verständnis 

und der Freude am Detail folgen. 

„Was ist ein Bild? Ein Bild von uns selbst. Ein Bild 

von der Welt. Ein Bild unserer Sehnsucht, oder ein 

aggressives? Ein Bild, das alles übersteigt. Vielleicht 

eins, das uns befreit. Ein Bild voller Geheimnis.“ 

Franz Hitzler 

Äpfelchen 

Acryl auf 

Leinwand 

80 x 60 cm 

2015 

346

Nürtingen / Deutschland 

Illusion 


80 x 80 cm 

2015 

Was ist morgen? 

Acryl auf Papier 

50 x 65 cm 

2017 

347

Ketsela Wubneh-Mogessie, 

geboren in Addis Abeba, Äthiopien, lebt und 

arbeitet in Graz, Österreich. 

In intensiven Farben beschreibt sie vor allem Natur 

und Landschaften. Dabei finden äthiopische und 

österreichische Berglandschaften immer wieder 

den Weg in ihre Kompositionen. 

Ihr Interesse liegt an der Vielfalt der malerischen 

Ausdrucksmöglichkeiten. Sie experimentiert mit 

verschiedenen Techniken und Materialien, wie 

Sand und Papier. So malt sie mit Aquarellfarben 

ebenso wie mit Acryl- und Ölfarben. Neben 

realitätsnahen Werken beschäftigt sie sich mit 

abstrakten Darstellungen. 

Ihr künstlerisches Spektrum erweiterte sie in 

verschiedene Stilrichtungen. Neben der Malerei 

gilt ihre Leidenschaft der Fotografie. Durch die 

Einarbeitung eigener Fotos in die gemalten 

Werke schafft sie es unterschiedliche Realitäten 

zu verbinden. 

Sie verarbeitet aktuelle Geschehnisse mittels ihrer 

malerischen Ausdrucksweise und integriert vielfältige 

Motive. Denn Kunst ist für sie auch dazu da, 

um auf diese Art und Weise auf aktuelle Themen 

Bezug zu nehmen. 

Kunst und Kultur spiegeln die Gesellschaft wider. 

Neben der Malerei verarbeitet sie daher kulturelle 

Aspekte auch in ihren Büchern. Zum einen in dem 

Kochbuch „Ostafrikanisch Kochen – Gerichte und 

ihre Geschichte“ sowie dem Sprachreiseführer 

„Deutsch – Amharisch“. 

Der Weg I 

Mischtechnik 

auf Leinwand 

80 x 60 cm 

2012 

348

Ketsela Wubneh-Mogessie 

Graz / Österreich 

https://africacuisine.wordpress.com 

Der Morgen 

im Gebirge 


50 x 100 cm, 2012 

Der Zustand 


60 x 80 cm, 2013 

Lalibela 

Mischtechnik auf 

Leinwand 

60 x 40 cm, 2013 

349

Irene Ziegler-Selle 

Irene Ziegler-Selle 

Vitalität und Leidenschaft Irene Ziegler-Selles 

finden ihren künstlerischen Ausdruck in vielgestaltigen, 

farbintensiven, geradezu eruptiven Bildern. 

Vulkanismus, so Prof. Helge Bathelt, Leiter des 

ältesten Stuttgarter Kunstvereins und Vorsitzender 

der europäischen Kulturgemeinschaft, wäre eine 

passende Stilbezeichnung für Ziegler-Selles künstlerisches 

Schaffen. Leider werde der Begriff schon 

anderweitig benutzt. 

Bei der Wahl der Werkstoffe und Werkzeuge 

nimmt die Künstlerin sich jegliche Freiheit. Sie 

mischt gerne verschiedenste Materialien und Techniken, 

am liebsten arbeitet sie in Multi-Mix-Technik. 

Der Farbauftrag ist dynamisch, malerisch hier, gespritzt, 

geschüttet dort. Spachteln, kratzen, ritzen 

und manch andere Technik mehr gehört für Ziegler-Selle 

zum künstlerischen Handwerk. Die schiere 

Experimentierfreude lässt die Künstlerin immer 

wieder Grenzen überschreiten. Den Rahmen versteht 

sie weniger als Begrenzung, vielmehr als 

integralen, individuell gestalteten Teil des Kunstwerks. 

Titel gibt Irene Ziegler-Selle ihren Arbeiten 

nicht. Das schränke die Wahrnehmung des 

Betrachters zu sehr ein, sagt sie. 

Ohne Titel 

Materialbild, Mischtechnik auf Leinwand 

60 x 60 cm, 2015 

Geboren 1946 in Arnsberg, examinierte Krankenschwester 

und diplomierte Sozialpädagogin, war 

Irene Ziegler-Selle fast 40 Jahre im Schuldienst 

tätig. Seit ihrer Pensionierung malt sie fast jeden 

Tag in ihrem Nufringer Atelier, gibt Kunstunterricht 

und hat jüngst eine Fortbildung zur Kunstassistentin 

abgeschlossen. 

350

Nufringen / Deutschland 

Ohne Titel 

Mischtechnik, Aero Color und Acryl 

auf Leinwand, gerahmt, 85 x 65 cm, 2015 

Ohne Titel 


gerahmt, 60 x 60 cm, 2015 

www.ziegler-selle.de 

351



ISBN 978-3-947408-05-4 

kun-st-international.de

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