Internationale Gluck-Festspiele 2019 - Festspielmagazin

Internationale 

GluckFestspiele 

Nürnberg Bayreuth Berching Erlangen Fürth Lauf Neumarkt 

Neue Klänge für Europa 

27. Juni – 14. Juli 2019

Ganz viel Gluck für Sie. 

Die Internationalen Gluck-Festspiele vom 27. Juni bis 14. Juli 2019 – 

gefördert von der NÜRNBERGER Versicherung. 

www.nuernberger.de

DAS FESTSPIELMAGAZIN

Herzlichen Dank! 

Die Internationalen Gluck-Festspiele 2019 

danken ihren Förderern und Partnern! 

Förderer 

· Bayerisches Staatsministerium für Wissenschaft und Kunst 

· Stiftung NÜRNBERGER Versicherung 

· NÜRNBERGER Versicherung 

· Stadt Nürnberg 

· Europäische Metropolregion Nürnberg e.V. 

· IHK-Kulturstiftung der mittelfränkischen Wirtschaft 

· Lotto Bayern 

· Sellwerk Nürnberg 

· Freunde der Staatsoper Nürnberg e.V. 

· Stadt Bayreuth 

· Oberfrankenstiftung 

· Landkreis Neumarkt 

· IntercityHotel Nürnberg 

Kooperationspartner 

· Tafelhalle und St. Katharina Open Air im KunstKulturQuartier Nürnberg 

· Musica Bayreuth 

· Neumarkter Konzertfreunde e.V. 

· Gluck-Forschungsstelle der Paris-Lodron-Universität Salzburg 

· Freundeskreis Christoph Willibald Gluck e.V., Berching 

· Pocket Opera Company 

· gVe – Gemeinnütziger Theater- und Konzertverein Erlangen e.V. 

· Stadt Erlangen, Kulturamt 

· Philharmonie Nürnberg e.V. 

· klasse.im.puls, FAU Erlangen-Nürnberg 

· Die Jungen Fürther Streichhölzer 

· Nordbayerischer Musikbund e.V. 

· Willibald-Gluck-Gymnasium Neumarkt 

· Maritim Hotels 

Medienpartner 

· Nürnberger Nachrichten 

· Nürnberger Zeitung 

· BR Klassik 

· Bayerische Staatszeitung 

· Concerti

8

8 Orte und Veranstaltungen 

10 Zum Geleit 

16 HISTORISCHE JUWELEN 

18 Gluck ist wirklich ganz was Tolles – Ein Gespräch mit Max Emanuel Cencic zu 

Große Gefühle, Glück und Verhängnis 

23 Der Held und die Liebe – Heroes in Love 

28 Bläserklang und Klopstock-Oden – Harmonie 

29 Philippe Jaroussky & Ensemble Artaserse 

30 Vom Kampf um Macht, Erfolg und Liebe – Antigono 

36 Gleich und ungleich – Von Gluck zu Mozart 

42 In den Wäldern der Oberpfalz – L'ombra dell'amore – Orpheus und Eurydike 

44 DIE GLUCKWERKSTATT 

46 Fantasie- und Künstlerdrama – Ein Gespräch mit Dominique Horwitz und 

Norbert Nagel zu Ritter Gluck revisited 

50 Gluck und Jazz? – Gluck goes Bigband mit dem Sunday Night Orchestra 

52 Glucks Traum – Im Reich der Schatten (8+) 

56 Das geopferte Kind – Gesucht: Iphigenie (12+) 

58 Glasklang über fünf Oktaven – Ein Gespräch mit 

Anna Szafraniec von GlassDuo Danzig zu GLUCKVibration! 

62 Von der anderen Seite gesehen – Eurydike & Orpheus 

67 Das Leben des Filippo Balatri – Die Nachtigall des Zaren 

70 Der Gott des entfesselten Lebens – Don Juan Techno Club 

74 DIE ANDERE STIMME 

76 Von Stimmen, Moden und Glucks Sängern – Ein Gespräch mit Thomas Seedorf 

82 FREIER HIMMEL – FREIER EINTRITT 

84 Gluck in Berching – Ein Gespräch mit Rudolf Eineder zum Geburtstagsfest 

88 Gluck in Hollywood – Ein Gespräch mit Bernd Müller zum Open Air der 

Jungen Fürther Streichhölzer 

92 Unterwegs mit Gluck – Gluckliche Reise 

95 SPIELPLAN UND TICKETS 

102 Anhang 

9

Bayreuth 

Erlangen 

Lauf 

Fürth 

Nürnberg 

Neumarkt 

Berching 

10

06.07. Antigono Seite 30 

14.07. Große Gefühle, Glück und Verhängnis 18 

30.06. Im Reich der Schatten 52 

14.07. Gluckliche Reise 92 

07.07. Eurydike & Orpheus 62 

29.06. Heroes in Love 23 

06.07. Classic goes Hollywood 3 88 

27.06. Große Gefühle, Glück und Verhängnis 18 

28.06., 06.07. Ritter Gluck revisited 46 

30.06. Harmonie 28 

30.06. Gluck goes Bigband 50 

01.07. Im Reich der Schatten 52 

02.07. Gesucht: Iphigenie 56 

03.07. GLUCKVibration! 58 


05.07., 06.07. Die andere Stimme 76 

05.07. Die Nachtigall des Zaren 67 

07.07. Im Gespräch: Die andere Stimme 76 

11., 12., 13.07. Don Juan Techno Club 70 

12.07. Von Gluck zu Mozart 36 

09.07. Philippe Jaroussky & Ensemble Artaserse 29 


02.07. Das Geburtstagsfest 84 

13., 14.07. L’ombra dell’amore 42 

11

12

ZUM GELEIT 

Denique sit quodvis, simplex dumtaxat et unum. 

Horaz, epist. II, 3, V. 23 

Kurz, mache was du willst, nur, was du machst, 

sei mindestens eins und ganz! 

Paraphrase v. Chr. M. Wieland, 1782 

Werte Leserschaft, verehrtes Publikum! 

Wenn die siebente Ausgabe der Internationalen Gluck-Festspiele Neue Klänge für Europa 

erschallen lässt, geschieht dies ganz in der Nachfolge des großen Tonschöpfers, nämlich 

„die Musik auf ihr wahres Amt zurückzuführen“. In einer Zeit immer rascher 

werdenden Wandels scheint die Besinnung auf das vielgestaltige Werk Glucks, des 

großen Europäers, angezeigt – ist dieses doch in einer Phase sich anbahnender Umwälzungen 

entstanden und vermag uns Heutigen in seiner Ausrichtung allzu enge 

Blickwinkel derzeitiger Strömungen zu weiten. Treffend hat Joseph von Sonnenfels 

dies in seinem Eindruck von der Uraufführung der Alceste in Wien 1767 formuliert: 

„Seine Einbildungskraft ist ungeheuer: daher sind ihm die Schranken aller Nationalmusiken 

zu enge: er hat aus der wälschen, aus der französischen, aus den Musiken 

aller Völker eine Musik gemacht, die seine eigene ist: oder vielmehr: er hat in der 

Natur alle Töne des wahren Ausdrucks aufgesuchet, und sich derselben bemächtiget.“ 

Mit seismographischem Feinsinn in Töne gesetzt, hat Gluck das Musiktheater in neue 

Bahnen gelenkt, wusste in der Schönheit des Augenblickes ästhetischer Erfahrung 

Sinn und Geist für das Überzeitliche empfänglich zu machen. Verbrieft ist diese 

Wirkung auf Friedrich Schiller, der im Jahre 1800 an Christian Gottfried Körner über 

die Iphigenia auf Tauris schrieb: „Noch nie hat mich eine Musik so rein und schön 

bewegt als diese, es ist eine Welt der Harmonie, die geradezu zur Seele dringt und in 

süßer hoher Wehmut auflöst.“ 

Einem Paradigma gleich prangen die Worte des Horaz auf dem ersten Partiturdruck 

der Alceste – sie sollen sich in dieser Festspielzeit erfüllen: achtzehn Tage voller Kostbarkeiten 

aus dem Reich der Musik des 18. Jahrhunderts – sowohl im Originalklang als 

auch in aktueller Gestalt – übersetzt in frische, heutige musikalische Praxis. So mögen 

diese ewig neuen Klänge wie einst die Stimme des thrakischen Sängers Orpheus, die 

sogar Steine zu Tränen zu rühren vermochte, unsere Herzen erfreuen, betören und 

bewegen – nicht zuletzt für die Idee von Europa, die in Glucks Humanitätston anklingt. 

Martin R. Handschuh 

Vorsitzender des Aufsichtsrates 

der Internationalen Gluck-Opern-Festspiele gGmbH 

13

Sehr geehrte Damen und Herren, 

es ist mir eine Ehre und Freude zugleich, die Schirmherrschaft 

über die Internationalen Gluck-Festspiele 2019 zu übernehmen. 

Scheinbar passend zum Jahr der Wahl des Europäischen Parlamentes 

lautet das diesjährige Motto der Festspiele Neue Klänge 

für Europa. Tatsächlich ist dies jedoch ein wichtiger Beitrag zur 

Bewerbung Nürnbergs um den Titel der Europäischen Kulturhauptstadt 

im Jahr 2025. Ein klares Bekenntnis zu Europa ist in Zeiten 

von antieuropäischen und populistischen Strömungen wichtiger denn je. Der aus 

der Oberpfalz stammende Komponist Christoph Willibald Gluck gehört mit seiner 

völkerverbindenden Musik zu den großen Persönlichkeiten der Kulturgeschichte der 

Europäischen Metropolregion Nürnberg und zu den bedeutendsten Opernkomponisten 

der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. 

Vielen Dank für das großartige Engagement der zahlreichen Mitwirkenden vor und 

hinter der Bühne, ohne deren Mithilfe ein Ereignis dieser Größe undenkbar wäre. 

Denn nicht nur das Programm der Festspiele mit 30 Veranstaltungen, sondern auch 

die Veranstaltungsorte sind 2019 mit Nürnberg, Bayreuth, Berching, Erlangen, Fürth, 

Lauf und Neumarkt besonders breit gestreut. Glucks Musik verbindet auf diese Weise 

Menschen über Stadt- und Landkreisgrenzen hinweg und entfaltet ihre internationale 

Strahlkraft auch über die Europäische Metropolregion Nürnberg hinaus. 

Deshalb zählt dieses Fest für Oper, Literatur, Jazz, Konzert und Wissenschaft zu den 

kulturellen Highlights in unserer bayerischen Heimat. Die Internationalen Gluck-Festspiele 

setzen sich achtzehn Tage lang mit den künstlerischen und kulturellen Visionen 

von Gluck auseinander. Die einzigartige Mischung aus Tradition und Fortschritt ist 

eine wichtige Stärke des Freistaats und kommt auch hier zum Ausdruck: So kann 

man nicht nur den Originalklang der Musik des 18. Jahrhunderts live bei Konzerten 

erleben, sondern Glucks Hymnus Füllt mit Schalle jubelnd die Halle auch als eigens 

produzierten Klingelton für sein Smartphone herunterladen. Alt und Neu rufen bei 

uns in Bayern keine Dissonanz hervor, sondern bilden einen Gleichklang. 

Seit ihrer Gründung im Jahre 2005 begeistern die Festspiele mit ihrem abwechslungsreichen 

Programm, das eine weltweite Gluck-Renaissance initiiert hat und so 

die internationale Festival-Landschaft bereichert. Ich wünsche allen Gästen viel Spaß 

und besten Musikgenuss sowie den Mitwirkenden und Organisatoren erfolgreiche 

und besucherreiche Veranstaltungen bei den Internationalen Gluck-Festspielen 2019. 

Ihr 

Albert Füracker, MdL 

Staatsminister der Finanzen und für Heimat 

14

Sehr geehrte Damen und Herren, 

bekanntlich wird das künstlerische Wirken Christoph Willibald 

Glucks als ein Wendepunkt in der Musikgeschichte definiert. Die 

barocke Opera seria, die „Nummernoper“ wird mit der Uraufführung 

der Azione teatrale Orfeo ed Euridice abgelöst und leitet eine 

neue Phase der Operngeschichte ein. Dem durchkomponierten 

Musikdrama, in dem „die Musik der Dichtung dient, ohne ihre 

Aktionen zu hemmen oder zu durchbrechen“ sollte die Zukunft 

gehören. Ihm werden Mozart, Beethoven und Berlioz ebenso folgen wie Verdi und 

Wagner. Jenseits der Frage nach dem unglaublichen Erfolg, der Gluck und seinen 

Werken aus der Umsetzung der Reformideen erwuchs, jenseits der Fachdiskussionen, 

die sich daran entzündeten, wirft seine Behauptung, dass das künstlerische Schaffen 

„einzig den Fortschritt der Kunst zum Ziele haben müsse“ Fragen auf, die in der 

Kunsttheorie, der Musik- und Kunstgeschichte bis heute kontrovers diskutiert werden. 

Wenn die Internationalen Gluck-Festspiele 2019 unter dem Motto Neue Klänge für 

Europa stehen, fällt das Schlaglicht bei einem Musikfestival zuvorderst selbstverständlich 

auf die intellektuelle und künstlerische Leistung des Schöpfers. Darüber hinaus 

werden die Veränderung der künstlerischen Vermittlung oder die Rezeptionserwartungen 

im Mittelpunkt des Interesses stehen. Dennoch liegen bei diesem Thema 

auch die politischen, ja tagespolitischen Implikationen auf der Hand. Nicht nur, weil 

diese siebte Auflage der Festspiele weit in die Europäische Metropolregion Nürnberg 

strahlen wird, sondern auch deshalb, weil im politischen Europa, nicht nur in Anbetracht 

der Wahlen, die „neuen Klänge“ mehr als ernüchternd, ja bedrohlich sind. Wie 

wünschens- und erstrebenswert ist es, dass, was im Bereich der Kultur, manchmal 

durchaus auch mit „Theaterdonner“, zu neuen, zukunftsweisenden Entwicklungen 

führt, im politischen Bereich ebenso möglich wäre, dass Kultur die Gräben überbrücken 

könnte, die die Politik aufreißt. 

Wir dürfen uns jedenfalls erwartungsvoll auf wunderbare und beglückende Gluck-Tage 

im Kultursommer 2019 freuen. Mit einem dichten Programm werden Kennerinnen 

und Kenner, Neugierige und auch neue Besucherinnen und Besucher umworben, 

sich in die Welt dieser Musik locken zu lassen. Gedankt sei allen herzlich, die die 

Gluck-Festspiele 2019 weit im Vorfeld, vor, auf und hinter der Bühne ermöglichen 

und mit deren finanzieller Unterstützung wesentlich dazu beigetragen wird, dass in 

jeder Hinsicht musikalische Brücken gebaut werden können. 

Prof. Dr. Julia Lehner 

Kulturreferentin der Stadt Nürnberg 

15

Sehr verehrte Damen, sehr geehrte Herren, 

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) würde das heurige 

Programm der Festspiele Neue Klänge für Europa gefallen. Als 

Reformator der Oper hat er Musik zu neuer Ausdruckskraft gebracht. 

Seine großartigen Kompositionen begründeten ein neues 

Musikverständnis. Voraus gingen, wie in Europa üblich, Auseinandersetzungen 

mit Zeitgenossen. Viele seiner Nachkommen 

aber, so auch Wolfgang Amadeus Mozart, Richard Wagner und 

Richard Strauss, haben sich von Gluck inspirieren lassen. Der Begriff „Urheberrecht“ 

war damals noch nicht geprägt: Kreative Aneignungen, schöpferische Bearbeitungen 

waren an der Tagesordnung und legen bis heute Zeugnis ab von Rezeption und Neu-Erfindungen 

im Geiste Glucks. Sein bekanntestes und am meisten aufgeführtes Werk 

ist seine erste Reformoper: Orpheus und Eurydike, uraufgeführt in Wien. Es bildet die 

Grundlage für gleich zwei Neuinterpretationen im Rahmen der Festspiele. 

Unentwegt war Gluck auf Reisen zwischen Prag, Wien, Mailand, Venedig, Rom, 

London, Kopenhagen, Paris und vielen anderen Orten europäischer Musikkultur. 

Die Internationalen Gluck-Festspiele schlagen 2019 wieder einen großen Bogen von 

Nürnberg über Fürth, Erlangen, Lauf, Berching und Neumarkt nach Bayreuth. Die 

Festspielleitung hat bewusst verschiedene Spielorte aufgenommen, um den Musikinteressierten 

der Europäischen Metropolregion Nürnberg entgegenzukommen, und 

an Christoph Willibald Glucks Reisefreudigkeit zu erinnern. 

Dreißig Aufführungen mit internationalen Stars vielfältiger Genres bieten ein 

großartiges Programm für verschiedenen Musikgeschmack, vom glamourösen 

Barock mit der deutschen Erstaufführung von Antigono bis hin zur elektrisierenden 

Uraufführung Don Juan Techno Club. 

Der Festspielleitung, allen Künstlerinnen und Künstlern, Mitwirkenden und Förderern 

danke ich dafür sehr herzlich. 

Ihnen als Besucherinnen und Besuchern der Festspiele wünsche ich erlebnisreiche 

Stunden im Kreise vieler Musikbegeisterter. 

Hans-Peter Schmidt 

Vorsitzender des Stiftungsrats 

Stiftung NÜRNBERGER Versicherung 

16

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Veranstaltungstickets unter: 

0911 / 216-2777 

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Schwabach: 09122/93800 · Treuchtlingen: 09142/966110 · Weißenburg: 09141/859090 

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18

HISTORISCHE JUWELEN 

Seit 2005 haben die Internationalen Gluck-Festspiele regelmäßig Kostbarkeiten 

angeboten, die den musikalischen Alltag – wenn es denn so etwas gibt – ein Stück 

weit hinter sich ließen. Interpretinnen und Interpreten von Weltrang brachten Glanz 

und Profil für Konzerte, Opern-Arienabende, Recitals und szenische Aufführungen. 

Auch bei den diesjährigen Festspielen mangelt es nicht an großen Namen, wobei die 

Auswahl der Programme im Sommer 2019 eine deutlichere Konzentration auf Werk 

und Wirken des Meisters aus der Oberpfalz mit sich bringt. 

Wenn die Barocksopranistin Karina Gauvin und der Countertenor Max Emanuel 

Cencic gemeinsam mit dem Orchester Armonia Atenea unter George Petrou am 

Eröffnungsabend Große Gefühle, Glück und Verhängnis vor uns ausbreiten, wenn die 

Altistin Sonia Prina zwei Tage später mit dem Mailänder Ensemble LaBarocca Heroes 

in Love besingt, haben wir außergewöhnliche Erlebnisse klanglicher Schönheit zu 

erwarten: Konzerte, die zum Kennenlernen und Wiedererkennen der Farben und 

Facetten Gluck‘scher Musik einladen, im festlichen Rahmen der Nürnberger Staatsoper 

und des neobarocken Stadttheaters Fürth. 

Inmitten des Festspielkalenders erstrahlt im Markgräflichen Opernhaus Bayreuth, 

2012 von der UNESCO zum Weltkulturerbe erhoben, der Glanz einer echten Rarität: 

die deutsche Erstaufführung einer Gluck-Oper aus dem Jahr 1756, die exemplarisch 

alle Qualitäten vereint, die der Komponist meisterhaft beherrschte und zu überhöhen 

verstand. Kolportagehafte Macht- und Ränkespiele, angetrieben von herzzerreißenden 

Leidenschaften – wie in Dampfkesseln aufgestaut entladen sich die Emotionen 

in ebenso zarten wie aufwühlenden, ja stürmischen Arien. Die Besetzung der sechs 

zentralen Figuren vereint die denkbar schönsten Stimmen, und mit dem Händelfestspielorchester 

Halle unter Michael Hofstetter musiziert ein renommiertes, auf 

Originalklang spezialisiertes Ensemble. 

Wenn an weiteren Abenden außerdem Weltstars wie Philippe Jaroussky oder Daniel 

Hope (Von Gluck zu Mozart) die Musik Glucks, seiner Epoche, seiner Vorläufer und 

unmittelbaren Nachfolger anstimmen, dann dürften die Festspiele 2019 ihre intensivsten 

Momente erleben – doch auch im Harmonie-Nachmittag des Kammermusikvereins 

Philharmonie Nürnberg und in der berühmten Berchinger Landpartie stecken 

überraschende, anrührende und bezaubernde Original-Klänge. Jeder einzelne dieser 

Abende und Konzerte verspricht inspirierte Vergegenwärtigung des historischen Ideals. 

„Ich betrachte die Musik nicht nur als eine Kunst, 

das Ohr zu ergötzen, sondern als eines der größten Mittel, 

das Herz zu bewegen und Empfindungen zu erregen.“ 

Christoph Willibald Gluck 

19

Max Emanuel Cencic 

20

GLUCK IST WIRKLICH GANZ WAS TOLLES 

Ein Gespräch mit Max Emanuel Cencic 

Wie kam es zu Ihrem Konzert-Programm, das ja eigens für die Internationalen 

Gluck-Festspiele 2019 erarbeitet wurde? 

Ich habe mich ganz einfach auf die Opern fokussiert, die Gluck 

für Altisten geschrieben hat, und dabei ist dieses Programm 

entstanden. Der Komponist ist ja ein treuer, wunderbarer Wegbegleiter 

meiner Laufbahn. Diese Erfahrungen sind natürlich 

auch eingeflossen. 

Weshalb ist die Barockoper bis hin zu Gluck zurzeit so stark in Mode? 

Nicht nur berühmte Festivals, große Opernhäuser, selbst kleinere stellen 

inzwischen diese Werke neu zur Diskussion. 

Die Barockoper ist für viele Musikliebhaber eine Neuigkeit, die 

sie zunächst einmal zu einer Entdeckungsreise einlädt. Dann – so 

denke ich zumindest – ist es wahrscheinlich relativ unaufwändig, 

Barockopern zu produzieren. Es gibt darin weniger Solisten als 

in der Oper des 19. Jahrhunderts zum Beispiel. Oft braucht es 

keinen Chor. Also ist es für viele Opernhäuser, vor allem auch für 

die kleineren, aufgrund der kammermusikalischen Besetzungen 

ziemlich attraktiv, Barockopern aufzuführen. Abgesehen von den 

herrlichen Klängen... 

Die Gewissensfrage nach historischer Aufführungspraxis spielt sicher 

eine Rolle bei der Auswahl des Orchesters. Der instrumentale Partner 

ist immer häufiger ein spezialisiertes Barockorchester. Bei Ihrem Konzert 

ist es das Orchester Armonia Atenea mit dem Dirigenten George 

Petrou, mit dem Sie immer wieder zusammenarbeiten... 

Ich arbeite mit einer ganzen Reihe von Orchestern zusammen, 

und es ist immer ein bisschen so wie ein Würfelspiel... Bestimmte 

Beziehungen werden mit der Zeit intensiver, wie beispielsweise 

die zur Armonia Atenea, der ich mich künstlerisch inzwischen 

stark verbunden fühle. Das hat sich so ergeben. Ich denke, im 

Leben kann man nicht alles selbst bestimmen, manches ist auch 

Schicksal. So ist es auch mit Orchestern, manchmal klappt es, 

manchmal nicht. 

Hier scheint es ja besonders gut zu klappen… Hat denn der Dirigent 

bei der Zusammenstellung des Programms ein Mitspracherecht? Oder 

darf er nur die orchestralen Nummern auswählen? 

Also ich würde das ungern so nennen: Mitspracherecht. Eine 

künstlerische Zusammenarbeit ist ja kein Parlament, wo verschiedene 

Fraktionen gegeneinander antreten. Musik hat so 

GROSSE GEFÜHLE, 

GLÜCK UND VERHÄNGNIS 

Gluck-Operngala mit Karina 

Gauvin, Max Emanuel Cencic 

und dem Orchester Armonia 

Atenea (GR), 

Leitung George Petrou 

Arien und Sinfonien aus 

Armide, Alceste, Ezio, 

Ifigenie en Aulide und Orfeo 

ed Euridice von Christoph 

Willibald Gluck 

Do, 27. Juni, 19.30 Uhr, 

Staatstheater Nürnberg, 

Opernhaus 

Das Konzert wird 

aufgezeichnet von 

So, 14. Juli, 18.00 Uhr, 

Markgräfliches Opernhaus 

Bayreuth 

In Kooperation mit Musica 

Bayreuth 

Obwohl Karina Gauvin als 

Interpretin von Barockmusik 

bekannt wurde, umfasst ihr 

Repertoire auch Mozart und 

eine Reihe von Komponistinnen 

und Komponisten des 20. 

Jahrhunderts. Eine langjährige 

Zusammenarbeit verbindet die 

Sopranistin mit dem Theater 

an der Wien und Il Complesso 

Barocco unter Alan Curtis, 

mit dem sie auch auf weiteren 

bedeutenden europäischen Konzertpodien, 

wie dem Théâtre des 

Champs-Élysées in Paris, dem 

Barbican Centre in London und 

dem Concertgebouw in Amsterdam 

zu sehen und zu hören 

war. Gauvin wurde von zahlreichen 

Symphonieorchestern 

21

eine Art innere Wahrheit, und wenn man sich musikalisch gut 

versteht, dann muss man nicht viel reden. Dann musiziert man 

zusammen. Musik ist eine Frage des Gehörs und weniger des 

darüber Sprechens. 

Wie kam es denn zur Zusammenarbeit mit Karina Gauvin? 

Karina Gauvin ist eine hochgeschätzte Kollegin, mit der ich vor 

Jahren schon viel musiziert, CDs produziert und Konzerte gegeben 

habe. Karina war zum Glück frei – und da dachten wir, 

machen wir das Konzert doch zusammen! Das ist doch toll! Wir 

haben schon viel zu lange nicht mehr gemeinsam auf der Bühne 

gestanden, und ich freue mich darauf, dass wir uns bei Gluck 

wieder treffen... 

Wie ist Ihr Verhältnis zu Gluck und zu seinem Opernschaffen grundsätzlich? 

Orfeo und Ezio sind definitiv meine Lieblingsopern von Gluck. 

Vor allem Ezio finde ich absolut fantastisch. Ich habe das Glück 

gehabt, dieses Werk zweimal aufnehmen und szenisch an der 

Frankfurter Oper singen zu dürfen, in unterschiedlichen Rollen, 

das erste Mal als Valentiniano und dann in der Wiederaufnahme 

als Ezio. Das heißt, ich kenne diese Oper wirklich inund auswendig. 

Sie fasziniert mich einfach unglaublich, weil die Geschichte 

so spannend ist, weil sie so revolutionär ist für die Zeit. Aber ich 

liebe auch Glucks Orfeo wegen seiner spirituellen Thematik. Ja, 

Gluck ist wirklich ganz was Tolles. Schade, dass er nicht viel mehr 

für Altisten geschrieben hat... 

Wenn Sie Gluck jetzt vor sich hätten, was würden Sie ihm gern sagen 

und was gern fragen? 

Warum hast du all deine frühen Opern bloß nicht drucken lassen? 

So vieles ist verloren. Schrecklich. Demofoonte ist unvollständig 

und so vieles sonst. Das ist wirklich wahnsinnig schade. 

Wenn Gluck eine Oper für Sie hätte komponieren sollen, welches Sujet 

hätten Sie ihm vorgeschlagen, weil es Sie besonders gereizt hätte? 

Definitiv eine Metastasio-Oper – Catone in Utica! 

Was ist für Sie an der Thematik Die andere Stimme (siehe S. 76 ff.) 

von Interesse? Welchen Aspekt der sich in weiblichen Stimmlagen bewegenden 

männlichen Gesangskunst sollte man näher untersuchen? 

unter Leitung so bedeutender 

Dirigenten wie Kent Nagano, 

Yannick Nézet-Séguin, Sir 

Roger Norrington oder Michael 

Tilson Thomas eingeladen. 

Auch war und ist sie in Opernpartien 

an bedeutenden Häusern 

zu hören: als Armide in 

der gleichnamigen Oper von 

Gluck an der Nederlandse Opera 

in Amsterdam, als Giunone 

und L‘Eternità in Cavallis La 

Calisto an der Bayerischen 

Staatsoper oder aktuell als 

Armida in Händels Rinaldo 

beim Glyndebourne Festival. 

Bereits mit sechs Jahren beeindruckte 

Max Emanuel Cencic 

das Publikum, als er in einer 

Fernsehshow die berühmt-berüchtigte 

Arie der Königin der 

Nacht sang. In Kroatien, seiner 

Heimat, wurde er daraufhin 

schnell ein Star. Cencic war 

Mitglied der Wiener Sängerknaben 

und singt seit Jahren weltweit 

an bedeutenden Opernhäusern 

wie der Wiener Staatsoper, 

dem Theater an der Wien, dem 

Opernhaus Zürich, der Bayerischen 

Staatsoper, der Staatsoper 

Unter den Linden Berlin und 

Barcelonas Gran Teatro del 

Liceu. Konzerte führten ihn 

unter anderem in die Laeiszhalle 

Hamburg, die Carnegie 

Hall (New York), das Barbican 

Center (London), Amsterdams 

Concertgebouw und den Wiener 

Musikverein. Er wurde bereits 

mit dem ECHO Klassik, dem 

Preis der deutschen Schallplattenkritik 

sowie dem Diapason 

d‘Or ausgezeichnet und zwei 

Mal für den Grammy nominiert. 

Inzwischen arbeitet Max 

Emanuel Cencic zunehmend 

auch als Regisseur. 

22

Kurz gesagt: Countertenor ist in etwa der Begriff für einen 

männlichen Sänger, der Falsett singt. Zunächst gibt es auch hier 

Stimmlagen wie bei den Frauen: Sopran, Mezzosopran, Alt. Und 

in der Zeit des Barock bis hin zu Gluck, im 18. Jahrhundert, lag 

auf dieser Kunststimme sozusagen das Hauptaugenmerk der 

italienischen Oper. Wobei sich Gluck in seinen späteren Werken 

zunehmend davon absetzte. Nicht, weil er generell keine Kastraten 

mochte, sondern weil seine Bestrebungen dahin gingen, den 

natürlichen Ausdruck zu suchen. Die Kastratensänger stilisierten 

die Oper damals aber mehr und mehr zu ihrem eigenen Zirkus, 

in dem sie sich selbst vokal präsentierten, in dem die eigentliche 

Handlung aber ins Abseits rückte. Das gilt natürlich nicht für alle 

Sänger. Es gab auch Kastraten, die sehr wohl einen starken und 

guten Ausdruck hatten und von den Opernreformatoren gern 

und weiterhin eingesetzt wurden. 

Für jeden Gesangsstudenten ist es schwer, den richtigen Lehrer zu 

finden. Gilt das für Ihren Bereich der anderen Stimme besonders, ist 

es da noch schwerer? 

Ja, ich denke, dass es für Countertenöre etwas komplizierter ist, 

weil es schwierig ist, eine Counterstimme zu unterrichten. Aber 

Gesangsunterricht ist generell etwas Kompliziertes. Es gibt kein 

fixes Lehrbuch dafür, wie man es macht, sondern es geht um 

Intuition, um individuelle Wahrnehmung. Und mancher Lehrer, 

der für einen selbst gut ist, ist für jemand anderen schlecht. 

Aufgrund dieser Diskrepanz, der man nicht wirklich Kriterien 

zuordnen kann, ist es besonders schwer, einen Gesangslehrer zu 

finden. Nicht nur für die andere Stimme übrigens… 

Es gibt eine Aufnahme von Anfang des 20. Jahrhunderts mit einem der 

letzten echten Kastraten: Hört man da als Fachmann einen Unterschied 

zwischen der in diesem Fall ja wirklich noch operativ erzeugten 

und einer durch Gesangstechnik erlangten hohen Männerstimme? 

Also meiner Meinung nach nicht. Als diese Aufnahme gemacht 

wurde, war der Kastrat Alesandro Moreschi bereits über 60 

Jahre alt. Und das vermittelt nicht wirklich einen erhellenden 

Eindruck davon, wie gut oder schlecht Kastraten waren. Was 

damals fasziniert hat und sicher von größerer Bedeutung war, 

ist das Material an sich, dieser Anschlag, dieser Ton, den sie 

produzierten. Das ist leider nicht so richtig nachvollziehbar auf 

dieser historischen Scheibe. Man kann Countertenöre nicht mit 

Kastraten vergleichen, man muss sich die gegenwärtig besten zehn 

Countertenöre aussuchen und die untereinander vergleichen. Die 

Der in Griechenland geborene 

George Petrou machte vor seiner 

internationalen Dirigentenlaufbahn 

bereits als Konzertpianist 

Karriere. Seit 2012 ist er Künstlerischer 

Leiter des renommierten 

Orchesters Armonia 

Atenea. Gemeinsam gehen sie 

regelmäßig auf Europatournee 

und gastieren unter anderem 

bei den Händelfestspielen Halle, 

der Opéra Royal Versailles, 

in der berühmten Wigmore 

Hall London und bei den 

Salzburger Pfingstfestspielen. 

Für seine Aufnahmen erhielt 

Petrou bereits den Gramophone 

Editor’s Choice, den Diapason 

d’Or und den ECHO Klassik. 

Ab der Saison 2021/22 wird er 

die Leitung der Internationalen 

Händel-Festspiele Göttingen 

übernehmen. 

Armonia Atenea wurde 1991 

von der „Gesellschaft der 

Freunde der Musik“ in Verbindung 

mit der Eröffnung der 

Athener Konzerthalle Megaron 

gegründet. Seitdem fungiert 

die Armonia Atenea als deren 

Hausorchester. Es setzt sich mit 

einem weitgefächerten Konzertrepertoire 

von der Barockmusik 

23

Karina Gauvin 

Tendenz geht heute dahin, dass wir viele Sänger haben, die in 

hohen Lagen singen können. Aber die sind nicht alle gut. Man 

kann ja auch nicht sagen, jede Sopranistin, die singt, sei toll. Es 

gibt schon viele tolle Sopranistinnen, aber auch viele schlechte. 

Bei Countertenören ist das nicht anders. 

Es gibt einige Hosenrollen in der Oper wie zum Beispiel Octavian 

(Strauss, Der Rosenkavalier). Da taucht oft die Frage auf, ob das 

nicht ein Mann singen sollte, der in dieser Stimmlage singt. Würde 

Sie das reizen? Wäre das überhaupt technisch möglich? Bei Strauss 

ist ja schon ein ganz anderes Orchester als im Barock vorhanden. 

bis hin zur zeitgenössischen 

Musik des 21. Jahrhunderts 

ernsthaft und erfolgreich auseinander, 

wie auch mit Opern 

und Balletten, und ist auf den 

berühmtesten Bühnen der Welt 

ein willkommener Gast, wie 

beispielsweise beim Wiener 

Musikverein, dem Théâtre des 

Champs-Élysées in Paris und 

bei den Innsbrucker Festwochen 

der Alten Musik. 

Technisch ist es möglich. Für mich nicht, aber vielleicht für andere 

Sänger. Ob das unbedingt sein muss, weiß ich nicht. Aber das ist 

diskutabel. Ich würde nicht grundsätzlich sagen, das muss so und 

nur so gemacht werden. Es ist wichtig, dass wir begreifen, dass 

die Musik, generell die Kultur, die uns umgibt, etwas ist, was im 

Moment entsteht. Immer nur traditionell, so funktioniert das nicht. 

Das Gespräch führte Anja Weigmann. 

24

DER HELD UND DIE LIEBE 

Heldenfiguren in der Oper des 17. bis 19. Jahrhunderts 

Im Kino der Gegenwart wimmelt es nur so von Superhelden wie 

den Fantastic Four, die mit besonderen Fähigkeiten ausgestattet 

sind und diese einsetzen, um die Welt gegen die Machenschaften 

diverser Bösewichte zu verteidigen. Viele dieser Superhelden 

sehen im Kampf gegen dunkle Mächte den wesentlichen Sinn 

ihres Daseins. Für Liebesbeziehungen bleibt in ihrem Leben 

entweder kein Raum oder sie scheitern wie Spiderman daran, 

dass die Aufgabe, die zu erfüllen ein Held sich vorgenommen 

hat, eine geliebte Frau in Gefahr bringt, vor der selbst er sie nicht 

beschützen kann. 

Der eroe amante 

Helden früherer Zeiten waren ohne Beziehung zu einer Frau, 

die der Held liebt, beschützt und rettet, kaum vorstellbar. Zu 

James Bond gehört neben der coolen Attitüde, mit der er seine 

Aufträge erledigt, und den raffinierten Gadgets wie schießenden 

Kugelschreibern oder mit allerlei Sonderzubehör ausgestatteten 

Autos stets auch ein Bond-Girl. Geht man in der Geschichte etwas 

weiter zurück, trifft man im deutschsprachigen Theater auf 

das Rollenfach des „Jugendlichen Helden und Liebhabers“, in 

dem das Heroische und das Erotische ebenfalls zu einer Einheit 

verbunden sind. 

Auch in der Oper treten Helden auf. Von den Anfängen der 

Gattung im 17. Jahrhundert bis zum frühen 19. Jahrhundert bezogen 

die Textdichter zumal der italienischen Oper ihr Heldenpersonal 

oft aus dem Überlieferungsschatz der griechischen und 

römischen Antike wie Herakles (Ercole), Odysseus (Ulisse) oder 

Aeneas (Enea). Weitere wichtige Stoffe bot die antike Geschichte 

mit Figuren wie Julius Caesar (Giulio Cesare), dem Feldherrn 

Flavius Aëtius (Ezio) oder Alexander dem Großen (Alessandro). 

Die meisten Helden, die die Opernbühne betreten, sind Krieger, 

deren Heldenstatus bereits an heroischen Attributen wie Rüstungen 

oder Waffen zu erkennen ist. In einer Zeit, in der die 

mythologischen oder (pseudo-)historischen Figuren einer Oper 

den meisten Opernzuschauern vertraut waren, genügten ohnehin 

Andeutungen, um den Heldenrang eines Perseus oder eines 

Alexander auf dem Theater zu vergegenwärtigen. Heroisches 

Agieren auf offener Bühne, etwa in Gestalt eines Kampfes, ist 

gelegentlich Teil der Handlung, nie aber deren Hauptgegenstand. 

In allen Opern kommt hingegen dem Thema „Liebe“ eine große, 

in den meisten sogar eine zentrale Bedeutung zu. Der Held der 

italienischen Oper ist in der Regel noch bis Giacomo Puccini 

HEROES IN LOVE 

Arien und Sinfonien aus frühen 

Opern von Christoph Willibald 

Gluck 

Konzert mit Sonia Prina und 

dem Orchester LaBarocca, 

Leitung Ruben Jais 

Mit freundlicher Unterstützung 

von Lotto Bayern. 

Sa, 29. Juni, 19.30 Uhr, 

Stadttheater Fürth 



Die Italienerin Sonia Prina 

studierte am Konservatorium 

Giuseppe Verdi in Mailand 

Trompete und Gesang. Nachdem 

sie beides abgeschlossen 

hatte, widmete sie sich dem 

Gesang. Ihre große, bewegliche 

Altstimme erwies sich als 

ideal für das von ihr geliebte 

Barock-Repertoire. Heute gehört 

sie zu den führenden Interpretinnen 

auf diesem Gebiet, und 

sie gastiert an vielen internationalen 

Opern- und Konzertbühnen. 

Höhepunkte ihrer Karriere 

waren bisher die Titelrollen 

in Händels Rinaldo an der 

Mailänder Scala, Tamerlano 

an der Bayerischen Staatsoper 

München oder Mozarts Ascanio 

in Alba bei den Salzburger 

Festspielen. Für die Einspielung 

des Ezio in der Vertonung von 

Gluck erhielt sie den ECHO 

Klassik. 

25

Sonia Prina 

26

ein eroe amante, ein liebender Held. Für den römischen Dichter 

Ovid zeigte sich in der Verführung der Deidamia durch Achilleus 

sogar, „dass ein Mann nur dann ein wahrer Held im Kampf sein 

könne, wenn er’s auch im Bett ist“ – drastischer lässt sich das 

Wesen eines hero in love kaum fassen. 

Hohe Heldenstimmen 

In der italienischen Oper wurden die Heldenpartien seit der 

Mitte des 17. bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts überwiegend 

mit einem besonderen Sängertypus besetzt. Im heute geläufigen 

Ausdruck „Kastrat“ ist bereits eine körperliche Besonderheit 

dieser Sänger benannt. Voraussetzung für eine Laufbahn als 

Sängerkastrat war eine Operation, die vor Eintritt der Pubertät 

ausgeführt werden musste, um den Stimmwechsel zu verhindern. 

Über Art und Weise dieses Eingriffs kursieren unterschiedlichste 

Vermutungen und Hypothesen. Sicher ist lediglich, dass durch 

den chirurgischen Eingriff die Funktion der Keimdrüsen (Testikel), 

die für die Produktion des männlichen Sexualhormons 

Testosteron zuständig sind, außer Kraft gesetzt und damit unter 

anderem das für die Pubertät charakteristische Wachstum des 

Kehlkopfs stark eingeschränkt wurde. Anatomische Studien an 

einigen Kastraten belegen, dass deren Kehlköpfe ungefähr die 

Größe von jenen älterer Knaben oder von Jugendlichen in der 

Wachstumsperiode entsprachen, aber deutlich kleiner waren als 

die Kehlköpfe erwachsener Männer. 

Der Testosteronmangel wirkte sich auch auf andere Bereiche 

aus: Kastraten hatten keinen Bartwuchs, auch andere Partien 

des Körpers, mit Ausnahme des Schädels, blieben unbehaart, die 

Muskulatur entwickelte sich nicht in der für Männer typischen 

Weise. Für viele Kastraten sind zudem überlange Extremitäten 

belegt, was darauf zurückführen ist, dass sich bei ihnen im 

Unterschied zum normalen körperlichen Reifungsprozess die 

Wachstumsfugen nicht schlossen, so dass die Knochen länger 

als üblich weiterwachsen konnten. 

Der italienische Dirigent 

Ruben Jais absolvierte parallel 

zu seinem Medizinstudium ein 

Studium am Konservatorium 


(Chormusik und Chorleitung, 

später Komposition und Orchesterdirigieren). 

Er war von 1998 bis 2007 

Leiter des Symphonischen 

Chores Giuseppe Verdi (Mailand). 

Im Jahr 2008 gründete 

er LaBarocca. Seit 2005 ist er 

außerdem künstlerischer Leiter 

der Mailänder Kantorei. Ruben 

Jais dirigiert Instrumental-, 

Chor- und symphonische Musik 

für verschiedene italienische 

und internationale Institutionen 

wie die Biennale di 

Venezia, die Mailänder Scala, 

das Teatro Real de Madrid und 

internationale Orgelfestivals. 

Woher die Faszination für Kastratenstimmen? 

Da die Kastration (mit Ausnahme von Eingriffen, die man als 

medizinisch notwendig erachtete) nach weltlichem Recht offiziell 

verboten und die Position kirchlicher Institutionen zur Kastration 

von Kindern ambivalent war, blieben Details der Operation im Ver- 

27

orgenen; auch aus Selbstzeugnissen von Kastraten ist nichts zu 

erfahren, was Aufschluss böte. Die Neigung zum Obskuren zeigt 

sich selbst auf der Ebene der Sprache: Seit dem 17. Jahrhundert 

waren „musico“ oder „virtuoso“ im öffentlichen Sprachgebrauch 

übliche Synonyme für „castrato“ oder „evirato“ (der Entmannte) – 

es war nicht schicklich, die Gewalt offen anzusprechen, die 

man Jungen antat, um ihre Knabenstimme zu erhalten und zu 

einem außerordentlichen Gesangsinstrument heranbilden zu 

können, in der Bezeichnung, die man in Gesellschaft für diese 

Sänger verwendete. 

Die Frage, warum es gerade die Sängerkastraten waren, die man 

über einen Zeitraum von anderthalb Jahrhunderten bevorzugt für 

die Darstellung der Heldenrollen in der italienischen Oper einsetzte, 

ist unterschiedlich beantwortet worden. Die einen suchen 

den Grund für die besondere Faszinationskraft der Kastraten, 

die sie zur Verkörperung von Heldenfiguren prädestinierte, vor 

allem im Bereich des Ästhetischen. Es sei „die Vorliebe des späten 

16., des 17. und 18. Jahrhunderts für rare, stilisierte, unwirkliche 

Klangfarben“ gewesen, meinte der Gesangshistoriker Rodolfo 

Celletti. Die Musikwissenschaftlerin Silke Leopold sieht dagegen 

in der hohen Stimmlage der Helden eine Parallele zu einem 

wichtigen Aspekt des aristokratischen Verhaltenskodex. Die hohe 

Stimme des Opernhelden ist als klangliche Entsprechung für 

die Annäherung des Mannes an die weiblich definierten Codes 

außerhalb männlich geprägter Kontexte wie insbesondere dem 

Schlachtfeld zu verstehen. 

LaBarocca ist ein italienisches 

Ensemble, das sich der Aufführung 

von barockem und 

klassischem Repertoire auf 

historischen Instrumenten 

widmet. LaBarocca wurde 2008 

von Luigi Corbani und Ruben 

Jais gegründet. Seit 2009 spielt 

LaBarocca fest im Auditorium 

di Milano. Zum Repertoire des 

Ensembles gehören geistliche 

Werke, wie die Kantaten von 

Johann Sebastian Bach, die 

Oratorien von Georg Friedrich 

Händel und zu Unrecht vergessene 

italienische Meisterwerke 

wie das Te Deum von Francesco 

Antonio Urio. Aber auch 

die Violinkonzerte von Antonio 

Vivaldi, die Brandenburgischen 

Konzerte und Suiten von 

Johann Sebastian Bach werden 

von LaBarocca aufgeführt. 

Die vielfach dokumentierte sinnliche, ja sexuelle Wirkung, die 

Kastraten auf Frauen, aber auch auf Männer hatten, beruhte auf 

einem Stimmspektrum, das Gegensätze in sich vereinigte: das 

Timbre eines Jugendlichen, das sich mit der künstlerischen Reife 

eines Erwachsenen verband, die Aura der Unschuld, die zugleich 

von stark sinnlicher Anziehungskraft war, sowie eine Klangin- 

28

tensität, die als akustische Entsprechung zu körperlicher Kraft 

verstanden werden konnte, die Möglichkeit zu zarter und intimer 

Tongebung aber einschloss. Mit anderen Worten: Die Stimme der 

Kastraten war eine vollkommene Klangchiffre des eroe amante. 

Frauen als Männer – Geschlechterrollen im Tausch 

Kritiker warfen den Kastraten zwar vor, sie würden sich über die 

Tatsache hinwegsetzen, dass Helden Männer sind und sich nach 

den Geboten von Vernunft und Erfahrung mit einer männlichen, 

das heißt tiefen, vielleicht auch lauten oder rauen Stimme äußern. 

Dass es zu den Eigenheiten der Gattung Oper gehört, die Realität 

mit Mitteln der Kunst zu überhöhen, wollten ihre Kritiker nicht 

akzeptieren. Von den Anhängern der italienischen Oper hingegen 

wurde die Besetzung der Heldenpartien mit Kastraten nicht in 

Frage gestellt, ja sie wurde nicht einmal als Problem thematisiert. 

Dass Kastraten in einer Tonlage sangen, die identisch mit jener 

von Altistinnen und Sopranistinnen war, machte es möglich, 

dass Frauen an die Stelle von Kastraten treten konnten. Seit den 

1670er Jahren sind Frauen in Männerrollen belegt; im 18. Jahrhundert 

gehörten Sängerinnen, die en travesti (in Verkleidung) 

oder da uomo (als Mann) agierten, zu den Selbstverständlichkeiten 

des Opernbetriebs. Ihre Kennzeichnung als männlicher Held 

erfolgte wie im Fall der Kastraten nicht über die Stimme, bzw. 

die Stimmlage, sondern über äußere Merkmale wie Kleidung, 

Requisiten (zum Beispiel Waffen) oder Gesten. Begünstigt wurde 

das Agieren von Frauen als Männer durch die Affinität der Oper 

zur Verkleidung, dem Annehmen anderer Rollen, wie sie auch 

für den Karneval typisch ist. In der künstlichen Welt der Oper 

konnte ein solcher Geschlechterrollentausch mühelos gelingen, 

da die Übereinstimmung von biologischem und dargestelltem 

Geschlecht noch ohne Bedeutung für die Glaubwürdigkeit der 

Rolle war. In der Gegenwart gibt es für die Besetzung der ursprünglichen 

Kastratenpartien im Wesentlichen zwei Optionen: 

Countertenöre oder Sängerinnen. Die Besetzung mit Countertenören 

kann sich allerdings nicht auf historische Vorbilder berufen, 

da Sänger dieses Stimmtyps im 17. und 18. Jahrhundert 

nur in wenigen Ausnahmefällen führende Partien sangen. Frauen 

in Männerrollen entsprechen hingegen der vielfach belegten 

historischen Praxis. 

„Wenn ich mir von 

Gluck noch etwas 

wünschen könnte, 

dann wäre es eine 

Carmen... Ganz 

sinnlich mit einem 

herzzerreißenden 

Lamento am Schluss, 

wenn Don José 

sie tötet.“ 

Sonia Prina 

„Wenn ich die Gelegenheit 

hätte, Gluck 

etwas komponieren 

zu lassen, würde ich 

natürlich um ein Klarinetten-Solo 

bitten.“ 

Norbert Nagel 

Thomas Seedorf 

29

BLÄSERKLANG UND KLOPSTOCK-ODEN 

Die Begeisterung für die Opernmusik brachte, da nicht immer 

ein volles Orchester zu haben oder zu finanzieren war und ein 

Opernhaus nicht überall zur Verfügung stand, noch zu Lebzeiten 

Glucks ein ganz eigenes kammermusikalisches Genre hervor: die 

Harmoniemusik. Ensembles von bis zu zehn Bläsern entwickelten 

mit Neuarrangements beliebter Ouvertüren, Arien und Liedern 

ein neues, reizvolles Klangbild und spielten bei Serenaden in 

Parks und Ballsälen auf. So wurden die Werke des 17. und 18. 

Jahrhunderts auch außerhalb der Opernhäuser weiter verbreitet. 

Harmoniemusik-Konzerte trugen zur Popularisierung der Opern 

von Gluck, Mozart, Salieri und vieler anderer bei – lange bevor 

die Schallplatte erfunden wurde... 

Zu den Internationalen Gluck-Festspielen präsentiert der Kammermusikverein 

Philharmonie ein erlesenes Programm, das dem 

Namensgeber seines Konzertsaals gewidmet ist. Es erklingen 

Werke von Gluck und Mozart – wobei zum Beispiel hörbar wird, 

wie sich Mozart für seine Entführung aus dem Serail von Glucks 

Die Pilger von Mekka inspirieren ließ. „Nur“ auf Blasinstrumenten 

gespielt, entfaltet auch Alceste einen ganz eigenen Reiz. Ein selten 

zu hörendes Kleinod bringen außerdem die Mezzosopranistin 

Ida Aldrian und die Pianistin Rita Kaufmann zur Aufführung, 

Glucks Klopstock-Oden und Lieder beym Klavier zu singen… 

„Aber wenn Mozart mit seinem göttlichen musikalischen 

Genie und vielleicht sogar Piccini mit reicheren musikalischen 

Gaben ihn als Musiker überflügelt haben, wenn Mozart ihn 

sogar als Dichter überflügelt hat, so wäre es doch nur gerecht, 

Gluck für einen Teil ihres Genies dankbar zu sein, da sie seine 

Grundsätze angenommen und seine Beispiele befolgt haben. 

Und in einer Sache bleibt Gluck doch der größte: nicht nur 

einfach, weil er der erste war und ihnen den Weg gewiesen 

hat, sondern weil er der edelste war. Er ist der Dichter des 

Höchsten gewesen, was es im Leben gibt. Nein, auch weil er 

sich zu jenen fast unerreichbaren und unzugänglichen Höhen 

erhoben hat, wo man kaum noch atmen kann, heraus aus dem 

metaphysischen Traum und aus dem Glauben, in dem sich die 

Kunst Wagners gefällt. Glucks Kunst ist tief menschlich. (…) 

Dadurch vor allem wird der Komponist den Menschen wertvoll 

sein, dadurch ist er wie Beethoven viel mehr als ein großer 

Musiker: er ist ein großer Mensch mit einem reinen Herzen.“ 

Romain Rolland 

HARMONIE 

8. Kammerkonzert 

Werke von Gluck und Mozart 

Ensemble des Kammermusikvereins 

Philharmonie Nürnberg 

Moderation Jörg Krämer 

So, 30. Juni, 15 Uhr, 

Staatstheater Nürnberg, 

Gluck-Saal 

In den Kammerkonzerten der 

Philharmonie präsentieren 

sich Musiker der Staatsphilharmonie 

abseits des großen 

Orchesterverbundes. Ausgesuchte 

Kammermusik auf hohem 

Niveau – das bieten 

die Konzerte, fernab vom normalen 

Orchesterdienst und in 

eigener künstlerischer Verantwortung 

der Musiker. 

Prof. Dr. Jörg Krämer ist studierter 

Musiker, Literatur- und 

Musikwissenschaftler. Seit 1986 

ist er Soloflötist der Staatsphilharmonie 

Nürnberg. Seit 2009 

ist er Professor an der FAU 

Erlangen-Nürnberg. Seine Forschungsschwerpunkte 

liegen in 

der deutschen Literatur, Musik 

und Theaterkultur des 17. bis 

19. Jahrhunderts. 

30

PHILIPPE JAROUSSKY & 

ENSEMBLE ARTASERSE 

Di, 9. Juli, 20 Uhr, 

Reitstadel Neumarkt 

Philippe Jaroussky gilt als strahlender 

Stern am Firmament der 

Barockmusik – und tatsächlich 

wurde ein Asteroid nach ihm 

benannt! Sein Sonderkonzert 

im Neumarkter Reitstadel 

mit Arien und Sinfonien aus 

Opern von Francesco Cavalli, 

dem gleich nach Monteverdi 

prägenden Opernkomponisten 

des 17. Jahrhunderts, gehört zu 

den Highlights der Festspiele 

2019 – dank der Neumarkter 

Konzertfreunde e.V. 

31

VOM KAMPF UM MACHT, ERFOLG UND LIEBE 

Glucks Antigono in Rom 

Eine Liebesbeziehung vor dem Hintergrund politischer Verwicklungen, 

Fürsten, die sich zwischen persönlichen Gefühlen 

und dazu im Widerspruch stehender Staatsraison entscheiden 

müssen, intrigante Widersacher, die konkurrierende Machtinteressen 

verfolgen – so präsentierte sich die italienische Opera seria 

des 18. Jahrhunderts. In ihr spiegeln sich die gesellschaftlichen 

Verhältnisse der Zeit: Mit großer Opulenz führte man dem Publikum 

vor Augen, dass die auf der Bühne agierenden Kaiser und 

Potentaten der Antike immer zum Wohl des Staates handelten 

und private Interessen zurückstellten – ebenso, so die Botschaft, 

wie die absolutistisch regierenden Herrscher in ihrer eigenen Zeit. 

Das absolutistische System verlangte aber auch, dass am Ende des 

Dramas die gesellschaftliche Ordnung wiederhergestellt wurde. 

Ein obligatorisches Happy End führte die Liebenden schließlich 

zusammen, durch gütiges, staatstragendes Verzeihen oder auch 

durch göttliche Fügung. Mit einem komplizierten Handlungsgeflecht, 

durch raffiniert gesponnene Intrigen und mit einer 

klar geregelten dramaturgischen Struktur, die Anlass zu vielen 

schönen Arien und somit zur Entfaltung hochartifizieller Gesangskunst 

bot, eroberte die Opera seria die Bühnen Europas, von 

Kopenhagen bis Neapel, von Sankt Petersburg bis Lissabon. Für 

den Musikdramatiker Gluck bildete sie das Sprungbrett für eine 

Karriere, die in den großen Reformopern an den Hoftheatern in 

Wien und Paris gipfelte und Glucks nachfolgende Rezeption als 

Reformator der Oper begründete. 

Alle Wege führen nach Rom... 

Als Gluck 1755 den Auftrag erhielt, eine Oper für das Teatro 

Argentina in Rom zu komponieren, hatte er bereits hinreichend 

unter Beweis gestellt, dass er das Opernhandwerk souverän beherrschte. 

Mit großem Erfolg hatte er etwa 1752 in Neapel das 

Dramma per musica La clemenza di Tito auf die Bühne gebracht. 

Schon damals fand er unkonventionelle Lösungen für seine Musik 

– besonderes Aufsehen erregte in diesem Fall die Arie des 

Sesto Se mai senti spirarti sul volto, die Gluck für den berühmten 

Kastraten Caffarelli geschrieben hatte. Wegen ihrer kühnen 

harmonischen Fortschreitungen und expressiven Dissonanzen, 

die als kompositorischer Regelverstoß betrachtet wurden, sorgte 

sie für lebhafte Diskussionen in der Musikszene vor Ort. Dass es 

zudem einem Komponisten nördlich der Alpen gelungen war, den 

großen Caffarelli mit einer maßgeschneiderten Arie zu bedienen, 

in der dieser das ganze Register seiner vokalen Ausdrucksqualitäten 

ziehen konnte, trug entscheidend zu Glucks steigendem 

ANTIGONO 

Dramma per Musica in drei 

Akten von Pietro Metastasio 

Deutsche Erstaufführung der 

Oper von Christoph Willibald 

Gluck in konzertanter Form 

Mit Anna Kasyan, Francesca 

Lombardi Mazzulli, Samuel 

Marino, Mauro Peter, Valer 

Sabadus, Terry Wey und dem 

Händelfestspielorchester Halle, 

Leitung Michael Hofstetter 

In italienischer Sprache 

mit deutschsprachigen 

Erläuterungen 

Sa, 6. Juli, 19.30 Uhr, 

Markgräfliches Opernhaus 

Bayreuth 

Eine Produktion der Internationalen 

Gluck-Festspiele mit 

freundlicher Unterstützung 

des Festspiel-Partners 

Musica Bayreuth. 



„Wenn ich jemandem 

Glucks Musik beschreiben 

müsste, 

der sie gar nicht 

kennt, würde ich 

sagen: schön traurig, 

traurig-schön…“ 

Robert Joseph Bartl 

32

Renommee bei und eröffnete ihm neue Perspektiven – in Wien, das inzwischen sein 

Lebensmittelpunkt geworden war, aber auch erneut in Italien, unter anderem in Rom. 

Römisches Theaterleben 

Rom, geistliches Zentrum der katholischen Kirche und Hauptstadt des Kirchenstaates, 

der sich damals über ein großes Gebiet in Mittelitalien bis in die heutige Region 

Emilia-Romagna erstreckte, konnte zwar im Hinblick auf musikalische Exzellenz im 

Bereich der Oper nicht mit Neapel mithalten, bot aber dennoch ein vielfältiges theatrales 

Angebot. Für die Opera seria standen zwei Theater zur Verfügung: das Teatro 

Alibert sowie das Teatro Argentina, eines der größten und prächtigsten Opernhäuser 

der Zeit. Es verfügte über sechs Ränge mit je 31 Logen, die jeweils für die gesamte 

Saison im Voraus verkauft wurden, und bot der Elite der römischen Gesellschaft – weltlichen 

wie geistlichen Standes – standesgemäße Unterhaltung. Man ging häufig ins 

Theater, doch nicht immer stand der Kunstgenuss im engeren Sinne im Mittelpunkt. 

Vielmehr wurden die Logen auch als exklusive Begegnungsstätten genutzt, in denen 

Fürsten und Prälaten, Reisende aus dem Ausland, Damen und Herren kulinarischen 

Genüssen frönten sowie Konversation und Glücksspiel pflegten – obwohl letzteres 

offiziell verboten war. 

Hohe Erwartungen 

Der Opernbetrieb selbst beruhte in Rom, wie an vielen anderen Orten auch, auf dem 

Scrittura-Prinzip: Der Impresario eines Theaters vergab Kompositionsaufträge an 

zumeist renommierte Opernkomponisten aus Italien, von denen er sich erfolgreiche 

Produktionen und entsprechende Einnahmen versprach – was nicht immer gelang. 

Gerade zur Zeit der Verpflichtung Glucks befand sich das Teatro Argentina in einer 

Krise, ausgelöst durch eine Serie von Misserfolgen. Dementsprechend stand der 

Impresario Carlo Francesco Mattei unter gewaltigem Erwartungsdruck im Hinblick 

auf die Premieren der kommenden Spielzeit, wollte er nicht den Verlust der Impresa 

und damit den finanziellen Ruin riskieren. 

Das Erfolgsrezept, das ihn aus der Krise führen sollte, war ebenso einfach wie riskant: 

Mattei setzte auf den Effekt des Neuen, Überraschenden und Unbekannten. Er entschied 

sich für Antigono, ein Drama des kaiserlichen Hofpoeten Pietro Metastasio, das 

in Rom noch nie zuvor gespielt worden war, und beauftragte einen vielversprechenden 

Komponisten aus dem fernen Wien mit der Vertonung, nämlich „den Herrn Gluck, 

einen jungen Mann von höchsten Fähigkeiten und feurigem Geist“, so Matteis Worte 

– in der Hoffnung, dass dieser dem Spielbetrieb des „unglücklichen Teatro Argentina“ 

zu neuem Glanz verhelfen könne. 

Von Seiten der Intendanz waren die Erwartungen also hoch – kein leichtes Unterfangen 

für Gluck, zumal seine Verpflichtung nach Rom von gleich mehreren hoch- 

33

gestellten Persönlichkeiten in Rom und Wien unterstützt worden war, vor allem von 

Kardinal Alessandro Albani, dem Gesandten des Hauses Österreich beim Heiligen 

Stuhl, sowie dem österreichischen Staatskanzler Kaunitz. Erschwerend kam für Gluck 

hinzu, dass ihm aufgrund vielfältiger Verpflichtungen in Wien nur wenig Zeit für die 

Komposition der Oper blieb – wohl ein Grund dafür, dass er bei Antigono besonders 

großzügig von der für seine Schaffensweise so charakteristischen Praxis der Entlehnung 

und Wiederverwendung schon vorhandener Musik Gebrauch machte: Rund 

ein Drittel der Musik des Antigono stammt aus früheren Kompositionen Glucks. Sie 

mussten für den neuen Werkkontext und die institutionellen Gegebenheiten vor Ort 

adaptiert werden – vor allem aber für die ausführenden Sänger. Sie und ihre sängerischen 

Leistungen entschieden in allererster Linie über den Erfolg oder Misserfolg 

einer jeden Produktion, weshalb es für die Opernkomponisten des 18. Jahrhunderts 

selbstverständlich war, dass sie ihre Musik sorgfältig auf die individuellen stimmlichen 

Möglichkeiten ihrer Interpreten abstimmten. „Unmöglich kann ein Komponist 

eine Arie setzen, ohne an die Talente und Fähigkeiten des Sängers zu denken, der sie 

singen soll, und ohne sie nach seinem besonderen Kaliber zu formen“, so formulierte 

Charles Burney 1785 diesen Grundsatz, dem selbstverständlich auch der versierte 

Musikdramatiker Gluck verpflichtet war. 

Premiere mit Hindernissen 

Glucks römisches Engagement allerdings stand in dieser Hinsicht unter keinem guten 

Stern, denn er musste sich in Rom mit einem Ensemble zufriedengeben, das sich, 

mit Ausnahme des Soprankastraten Ferdinando Mazzanti, aus eher zweitrangigen 

Sängern mit lediglich regionaler Reputation zusammensetzte. Mit keinem von ihnen 

hatte Gluck zuvor schon gearbeitet, und vor Ort in Rom blieb nur wenig Zeit, die 

Gesangspartien auf die jeweiligen Interpreten abzustimmen. 

Am 9. Februar 1756 fand die mit Spannung erwartete Premiere statt. Wie Mattei 

seinem Kollegen Gaetano Grossatesta in Neapel berichtete, „begab man sich ins 

Theater, das sich bald mit der Noblesse, den Bürgern füllte, um [Glucks] Komposition 

zu hören, die alle in große Erwartung versetzt hatte.“ Dennoch blieb der von 

Mattei erhoffte Sensationserfolg des „feurigen Geistes“ Gluck insgesamt wohl aus, 

was allerdings weniger auf Glucks Musik denn auf die allgemeine Stimmungslage 

im Publikum, die mäßigen Leistungen der Sänger und bühnentechnische Mängel 

zurückzuführen ist. Glucks Antigono-Vertonung nämlich erweist sich als insgesamt 

routinierte Komposition eines aufstrebenden Musikdramatikers, aus der einige Nummern 

ihrer besonderen musikalisch-dramaturgische Qualitäten wegen herausragen. 

Dazu zählen das Duett des Protagonistenpaares Berenice und Demetrio am Schluss 

des zweiten Aktes (Non temer, non son più amante), besonders aber die Szenen 6 und 

7 im dritten Akt. Die Handlung strebt hier ihrem Kulminationspunkt zu: Demetrio 

ist bereit, für seine Liebe zu Berenice in den Tod zu gehen und nimmt in der Arie 

Già che morir degg’io Abschied von der Welt – sechs Jahre später wird Gluck einen Teil 

34

der ausdrucksstarken, berührenden Musik zu dieser Arie in seine erste Reformoper 

Orfeo ed Euridice übernehmen (Che puro ciel). 

Ritter vom Goldenen Sporn 

Spätestens Ende Februar 1756 kehrte Gluck nach Wien zurück. Trotz der geteilten 

Reaktionen auf seine Oper konnte er sein kurzes Intermezzo in der Ewigen Stadt als 

beruflichen Erfolg verbuchen, wurde ihm hier doch eine Ehre zuteil, die im Hinblick 

auf seinen weiteren Werdegang wohl höher eingeschätzt werden muss als die vergängliche 

Begeisterung eines verwöhnten Opernpublikums: Vermutlich auf Empfehlung 

Kardinal Albanis wurde Gluck zum Ritter vom Goldenen Sporn ernannt, eine ehrenvolle 

päpstliche Auszeichnung und ein Titel, den der Ritter Gluck fortan mit Stolz trug. 

Irene Brandenburg 

Händelfestspielorchester Halle 

35

Der gebürtige Münchner 

Michael Hofstetter begann seine 

Karriere an den Theatern in 

Wiesbaden (Kapellmeister) und 

Gießen (Generalmusikdirektor) 

und war außerdem Professor 

für Orchesterleitung und Alte 

Musik an der Universität Mainz. 

Als Chefdirigent prägte er von 

2005 bis 2012 die Ludwigsburger 

Schlossfestspiele, von 2006 bis 

2013 war er Chefdirigent des 

Stuttgarter Kammerorchesters. 

Seit Herbst 2012 ist er erneut 

Generalmusikdirektor des Stadttheaters 

Gießen. Er dirigiert an 

vielen renommierten Opernhäusern, 

bei Orchestern und Festivals: 

Dazu zählen unter anderem die 

Bayerische, die Hamburgische, 

die Stuttgarter und die Berliner 

Staatsoper, ferner die königliche 

Oper in Kopenhagen, das Gran 

Teatre del Liceu Barcelona und 

die Salzburger Festspiele. Im 

Fachmagazin Opernwelt wurde 

Michael Hofstetter in der jährlichen 

Kritikerbefragung mehrmals 

als Dirigent des Jahres 

nominiert. Für sein Engagement 

im Bereich Operette erhielt er 

die Robert-Stolz-Medaille, seine 

Arbeit bei den Ludwigsburger 

Schlossfestspielen wurde mit dem 

Horst-Stein-Preis gewürdigt. 

Die Sopranistin Anna Kasyan 

wurde in Georgien geboren. Nach 

ihrem Studium am Konservatorium 

in Tiflis (Violine und 

Gesang) führte sie ihr Weg ans 

Conservatoire de Paris, wo sie 

Meisterkurse unter anderem bei 

Tom Krause, Raina Kabaivanska 

und Nicolau de Figueiredo absolvierte. 

Inzwischen hat Anna 

Kaysan ein breites Repertoire in 

den Bereichen Oper und sakrale 

Musik sowie Kammermusik (von 

Barock bis zeitgenössisch). Einem 

breiteren Publikum wurde sie 2012 

bekannt, als sie in der Opernverfilmung 

La Cenerentola von 

Andrea Andermann die Rolle der 

Clorinda in sang; der Film wurde 

live in über 150 Länder übertragen 

und erschien auf DVD. 

Francesca Lombardi Mazzulli 

studierte Gesang am Konservatorium 


und am Konservatorium Girola- 

mo Frescobaldi in Ferrara bei 

Mirella Freni. Sie absolvierte 

Meisterkurse bei Luciano Pavarotti, 

Alessandra Molinari und Sonia 

Prina. Sie sang bereits die Hauptrollen 

in zahlreichen Opern, darunter 

die Susanna in Le nozze 

di Figaro und Dido in Dido and 

Aeneas. Sie ist bereits bei vielen 

klassischen Festivals in Europa 

aufgetreten, unter anderem beim 

Festival d’Ambronay, beim Schleswig-Holstein 

Musik Festival, beim 

Viotti Festival in Vercelli und bei 

der Styriarte in Graz. Sie hat 

mit Dirigenten wie Alan Curtis, 

Ottavio Dantone, Christophe 

Coin und Claudio Osele gearbeitet 

sowie mit namhaften Ensembles 

wie beispielsweise der Accademia 

Bizantina, Il Complesso Barocco 

und La Venexiana. 

Samuel Marino, geboren in 

Caracas, Venezuela, absolvierte 

sein Studium an der Universidad 

Nacional Experimental de las 

Artes in Caracas und am Conservatoire 

Régional de Paris. In 

seiner Heimat erhielt er Klavierunterricht 

am Simón Bolívar 

National Conservatory, studierte 

Ballett am Teresa-Carreño-Theater 

und sang in mehreren Chören. 

Sein Interesse am Operngesang 

und seine Liebe zur Barockmusik 

entdeckte er als Mitglied der 

Camerata Barroca in Caracas. 

36

Dort sang Marino, der über eine 

natürliche Sopranstimme verfügt, 

erstmalig als Sopranist. Er 

konnte in zahlreichen Rollen in 

Opern von Monteverdi, Mozart 

und Händel Bühnenerfahrung 

sammeln. Seit er in Europa lebt, 

tritt er regelmäßig in Konzerten 

in Frankreich und Spanien auf 

und erhält Unterricht bei Nicole 

Fallien und Barbara Bonney. 

Der aus Luzern stammende Tenor 

Mauro Peter studierte Gesang 

an der Hochschule für Musik 

und Theater München bei Fenna 

Kügel-Seifried. 2012 gewann er 

den ersten Preis sowie den Publikumspreis 

beim Internationalen 

Robert-Schumann-Wettbewerb 

in Zwickau. Seit der Spielzeit 

2013/14 ist Mauro Peter Ensemblemitglied 

des Opernhauses Zürich. 

Darüber hinaus sang er an der 

Bayerischen Staatsoper München, 

am Royal Opera House Covent 

Garden, an der Opéra National 

de Paris, an der Komischen Oper 

Berlin und bei den Salzburger 

Festspielen. In der Saison 2018/19 

arbeitet Mauro Peter im Konzertbereich 

unter anderem in Calgary 

mit Trevor Pinnock sowie mit 

Riccardo Muti an der Mailänder 

Scala. Er veröffentlichte mehrere 

Alben bei SONY Classical. 

Valer Sabadus hat 2003 mit 

siebzehn Jahren an der Münchner 

Hochschule für Musik und 

Theater einen Weg eingeschlagen, 

der ihn innerhalb von gut zehn 

Jahren an die Weltspitze des 

Countergesangs geführt hat. 

Nicht von Ungefähr gehörte er 

(wie auch Max Emanuel Cencic 

und Philippe Jaroussky) schon 

2011 zu dem furiosen Sängersextett, 

das mit Leonardo Vincis 

Oper Artaserse das europäische 

Barockpublikum zu Jubelstürmen 

hinriss. Es folgten Engagements 

unter anderem an die Deutsche 

Oper am Rhein, das Theater an 

der Wien und die Opéra National 

de Paris, und auch das Oratorien- 

und Konzertrepertoire liegt 

dem Countertenor am Herzen. 

Sabadus wurde mehrfach mit 

Schallplattenpreisen wie dem 

ECHO Klassik ausgezeichnet. 

Terry Wey hat bei den Wiener 

Sängerknaben begonnen – und es 

innerhalb weniger Jahre bis zum 

Prädikat „Einer der Besten seines 

Fachs“ gebracht (Fono Forum). 

Er ist auf diversen wichtigen 

Barockfestivals zuhause, arbeitet 

an bedeutenden Opernhäusern 

in ganz Europa. Aber er ist nicht 

allein auf Barockmusik festgelegt. 

Er singt auch Werke von Benjamin 

Britten und zeitgenössische 

Opernmusik. Letzteres führte ihn 

unlängst als ersten Countertenor 

überhaupt ins Programm der 

Bayreuther Festspiele: Er sang 

den Fremden in Klaus Langs 

Kammeroper Der verschwundene 

Hochzeiter. Im Februar 2017 

erschien seine erste Solo-CD Pace 

e Guerra mit dem Bach Consort 

Wien unter Rubén Dubrovsky. 

Das Händelfestspielorchester 

Halle musiziert seit 1993 auf historischen 

Instrumenten und hat 

in dieser Zeit das Musikleben in 

Halle mit Konzerten und Opernvorstellungen 

bereichert. Seine 

Zugehörigkeit zu einem auf modernen 

Instrumenten spielenden 

Konzert- und Opernorchester ist 

in der deutschen Musikszene einzigartig. 

Das Spezialensemble für 

Alte Musik setzt die Tradition der 

Händel-Pflege in Halle fort und 

repräsentiert die Stadt auf Gastspielreisen 

in der ganzen Welt. 

Seit 2007 ist Bernhard Forck dem 

Orchester als künstlerischer Leiter 

eng verbunden. Mehrere CD- und 

DVD-Einspielungen liegen vor. 

37

GLEICH UND UNGLEICH 

Die Zeitgenossen Gluck und Mozart 

Von 1781 bis zu Glucks Tod 1787 haben sie beide in Wien gewohnt. 

Die Stadt bot ein anregendes gesellschaftliches und musikalisches 

Leben, nicht zuletzt Posten und Aufträge. Wann sie sich 

kennengelernt haben, ist unklar – aber ihre Wege kreuzten sich 

verschiedentlich – und wohl nicht per Zufall. Natürlich kannte 

man sich. Der berühmte Hofkapellmeister Maria Theresias war 

nicht mehr der Jüngste, der Mittzwanziger Mozart nach zahlreichen 

Reisen, Erfolgen und Rückschlägen bereits arriviert und 

in aller Munde. In diese Jahre fielen die Uraufführungen von 

Mozarts Idomeneo, Die Entführung aus dem Serail und schließlich 

Le Nozze di Figaro – während „Papa Gluck“ als Persönlichkeit und 

mit seinem späten Repertoire absolut präsent – aber in seiner 

Gesundheit geschwächt war und keine Opern mehr schrieb... 

Was verbindet den „Herkules der Musik“ (wie Berlioz Gluck 

später nannte) mit dem einer neuen Generation angehörenden 

Schöpfer eines musikalischen Kosmos, der das Werk des Opernreformators 

schließlich überstrahlte? Was trennt sie? 

VON GLUCK ZU MOZART 

Konzert mit Daniel Hope und 

dem Zürcher Kammerorchester 

Christoph Willibald Gluck: 

Furientanz und Reigen seliger 

Geister, Joseph Haydn: Violinkonzert 

G-Dur (Hob. VIIa: 4), 

Wolfgang Amadeus Mozart: 

Divertimento F-Dur (KV 138), 

Violinkonzert Nr. 3 G-Dur 

(KV 216), Sinfonie Nr. 29 

A-Dur (KV 201) 

Fr, 12. Juli, 19.30 Uhr 

Kleine Meistersingerhalle 

Nürnberg 

Gegenseitige Wertschätzung 

Am 7. August 1782 schrieb Mozart: „...Meine Oper ist gestern 

wieder und zwar auf Begehren des Glucks gegeben worden. 

Gluck hat mir viele Complimente darüber gemacht. Morgen 

speise ich bey ihm...“ Man schätzte sich also ganz offensichtlich, 

was auch in Mozarts Kompositionsarbeit seinen Niederschlag 

fand. Für seinen Idomeneo beispielsweise ließ er sich von den 

französischen Musikdramen des gestandenen Meisters inspirieren. 

Und 1784 schrieb er zehn Variationen für Klavier über ein 

Thema von Gluck aus der komischen Oper Die Pilger von Mekka. 

Überhaupt war diese burleske Geschichte inspirierend für Mozart, 

zeigen sich doch – mehr als der damaligen Türkenopern-Mode 

geschuldete – motivische Verknüpfungen zu Die Entführung aus 

dem Serail. Niemand kann sagen, ob das erste Handlungsballett 

der Musiktheatergeschichte, das Gluck 1761 mit seinem Don Juan 

kreierte, Auslöser für Mozarts 23 Jahre später entstandenen Don 

Giovanni wurde. Allerdings kannte er die Musik sehr wohl, hat 

er doch daraus 1786 den Fandango für Le nozze di Figaro übernommen. 

Das Verhältnis der beiden war also von professioneller 

Nähe (Mozart besuchte Proben zu Glucks Neueinrichtung der 

Iphigenie in Tauris in deutscher Sprache) und allem Anschein nach 

von Respekt, ja Wohlwollen geprägt. Übernahmen aus Werken 

anderer Komponisten waren damals nämlich an der Tagesordnung 

und keineswegs Plagiate im heutigen Sinn. Es mag Gluck sogar 

gefreut haben, von dem jungen musikalischen Tausendsassa in 

Mit vier Jahren begann der in 

Südafrika geborene Musiker, 

Autor und Orchesterleiter 

Daniel Hope das Violinspiel. 

Entdeckt und gefördert durch 

Yehudi Menuhin begann er 

eine Weltkarriere als Solist. Seit 

2004 ist er Associate Artistic 

Director des Savannah Music 

Festival in den USA. 2016 trat 

er sein Amt als Musikdirektor 

des Zürcher Kammerorchesters 

an. Seit September 2017 ist er 

zudem Artistic Partner des New 

Century Chamber Orchestras 

38

dieser Form wahrgenommen, geehrt zu werden. Beide trieb das 

Interesse an und um, in Zeiten geistiger, philosophischer, politischer 

Aufbrüche auch der Musik neue Perspektiven zu eröffnen 

– wenn auch ihr Leben und Wirken unterschiedliche Züge trug. 

Überwindung der Tradition 

Gluck war kein Wunderkind. Er hatte keinen Vater, der frühzeitig 

sein Talent erkannte und ihn als Kind schon fordernd voranbrachte 

wie Leopold Mozart seinen Sohn. Im Gegenteil war Gluck völlig 

auf sich allein gestellt. Er musste ausbrechen aus den engen väterlichen 

Grenzen, sich nach und nach finden und durchsetzen, 

schrieb erst mit 27 seine erste Oper. Beide zogen wie viele ihrer 

Zeitgenossen in jungen Jahren durch Italien, das gelobte Land 

der Opera seria, die das Ideal der hohen Unterhaltungskunst 

in ganz Europa vorgab. Mozart erlebte sie auf Konzertreisen, 

Gluck als Schüler bei Sammartini in Mailand, später im Dienst 

höfischer Auftraggeber für neue Produktionen. Beide knüpften 

an die Tradition der Opera seria an – und gewannen ihre größten 

Erfolge letztlich aus deren Überwindung. Der impulsivere Mozart 

mit genialer Sprunghaftigkeit, der beharrlich und reflektiert, 

bisweilen auch ungestüm konsequent agierende Pragmatiker 

Gluck aus seinem Unbehagen am betriebsamen Stillstand der 

Opernästhetik seiner Zeit. 

Unterschiedliche Perspektiven 

Gluck entdeckte für sich und die Welt einen Weg, der aus der 

zunehmend in virtuoser Künstlichkeit erstarrenden barocken 

Tradition herausführte, in dem er der Handlung, dem Wort, der 

Wahrhaftigkeit und den Charakteren seiner Opern mehr Gewicht 

beimaß, als das vor ihm je ein Komponist getan hatte: „Die wahre 

Aufgabe der Musik ist, der Dichtung zu dienen, ohne ihre Aktionen 

zu unterbrechen oder zu hemmen.“ Aus späteren Jahren wird 

sein Statement kolportiert, dass er nie wieder eine Note schreiben 

wolle, wenn sie nicht dem Fortgang der Handlung diene... 

Indem er es aufgab, Libretti des bis dahin Maßstäbe setzenden 

Pietro Metastasio zu vertonen und sich mit dem gleichaltrigen, 

umtriebigen Poeten Ranieri de’ Calzabigi zusammentat, setzte 

er entscheidende Schritte auf dem Weg zu einer neuen Form des 

musikalischen Dramas. 

in San Francisco. Als Musikvermittler 

baut Daniel Hope 

Brücken zwischen den verschiedenen 

künstlerischen Welten 

sowie zwischen Generationen, 

Nationen und Religionen. 

Ein wichtiges Anliegen ist ihm 

dabei das Musizieren gegen 

das Vergessen. So gab er Gedenkkonzerte 

für die Opfer des 

Holocaust und machte mit 

seiner Kampagne Tu was! gegen 

Rassismus mobil. 2015 wurde 

er für sein Engagement in der 

Dresdner Frauenkirche mit 

dem Europäischen Ehrenkreuz 

Pro Arte für Musik 

geehrt. 2017 wurde Hope das 

Verdienstkreuz am Bande der 

Bundesrepublik Deutschland 

verliehen. 

1945 durch Edmond de Stoutz 

gegründet zählt das Zürcher 

Kammerorchester heute zu den 

führenden Klangkörpern seiner 

Art. Regelmäßige Einladungen 

zu internationalen Festivals wie 

den BBC Proms in der Londoner 

Royal Albert Hall, Gastspiele 

in bedeutenden Musikzentren, 

Konzerttourneen durch 

europäische Länder, die USA, 

Asien und Südafrika sowie 

zahlreiche, von der Fachpresse 

gefeierte Tonträger belegen das 

weltweite Renommee des Orchesters. 

2017 wurde es für zwei 

CD-Produktionen mit dem 

ECHO Klassik in der Kategorie 

Klassik ohne Grenzen ausgezeichnet. 

Die Vermittlungsarbeit 

mit Kindern und Jugendlichen 

sowie die Förderung 

junger Instrumentalisten sind 

dem Zürcher Kammerorchester 

ebenso wichtig wie die kontinuierliche 

Zusammenarbeit mit 

weltweit gefeierten Solisten. 

39

Mozart hatte andere Vorstellungen: „Bey einer Opera muß schlechterdings 

die Poesie der Musick gehorsame Tochter seyn.“ Was ihn 

nicht hinderte – mit Beaumarchais und Da Ponte etwa – literarische 

Partnerschaften einzugehen, die seiner Musik entscheidende 

Impulse, inhaltlichen Zündstoff gaben. Mozarts Kreativität 

basierte auf fänomenaler Inspiration, auf Formbewusstsein und 

Gestaltungswillen bis ins Detail – womit er die zugleich planvollsten 

und phantastischsten Erfindungen machte. In einem 

Aufsatz zu Gluck und Mozart bringt es Gerhard Croll wie folgt 

auf den Punkt: „Intellekt und Gefühl, durchdachte Ordnung und 

fantasievolle Schöpfungskraft, sie sind in Mozarts Schaffen eine 

wunderbare Einheit. Bei Gluck obsiegte schließlich die Kraft des 

ordnenden, logisch-kritischen Verstandes. Alles, was im Plan, 

was gegenüber der Idee des Ganzen nebensächlich, was zufällig 

war, bleibt fort. Alles muss so und nicht anders sein, ist ganz auf 

die ‚Wahrhaftigkeit der Natur‘ aufgebaut.“ Insofern waren Gluck 

und Mozart Wanderer in verschiedenen Welten. 

Verbindende Themen 

„Glucks Botschaft ist 

sehr klar: Hier sind 

Menschen 

auf der Bühne, die 

einfach und ausdrucksstark 

singen, 

die man verstehen 

soll, die sich wie Menschen 

bewegen, voller 

extremer Emotion 

ohne jeglichen 

Manierismus.“ 

Valer Sabadus 

Und doch agierten sie als Zeit- und Arbeitsgenossen in der 

europäischen Kulturszene des 18. Jahrhunderts, was manche 

Gemeinsamkeit und Übereinstimmung mit sich brachte: nicht 

ungewöhnlich, dass beide hier und da dieselben Texte vertont 

haben. Gluck hat zum Beispiel seine Oper La clemenza di Tito in 

Neapel herausgebracht, noch bevor Mozart zur Welt kam. Dieser 

griff nach demselben Libretto, als er seine letzte Oper schrieb. 

Schon eigenartiger: Beide schätzten ein heute fast vergessenes 

Instrument, die Glasharfe, auf der Gluck begeistert spielte, für 

die Mozart sogar speziell komponierte. Exklusiv geradezu: Beide 

wurden in Rom zum Ritter vom Goldenen Sporn ernannt, Gluck 

in Mozarts Geburtsjahr 1756, schon 42 Jahre alt, Mozart als 

14-Jähriger 1770. Gluck trug den Titel mit Stolz – und wohl unter 

dem Gesichtspunkt seiner geschäftsfördernden Auswirkungen 

gerne auch öffentlich. Mozart war er offenbar einerlei, er machte 

jedenfalls keinen Gebrauch davon. Schließlich waren beide höchst 

erfolgreich auch im kommerziellen Sinn. Gluck gehörte zu den 

bestverdienenden Komponisten der Epoche. Und er verstand, mit 

seinen Mitteln zu haushalten – im Gegensatz zu Mozart. Nachdem 

Gluck 1787 seinem dritten Schlaganfall erlegen war, ernannte 

Kaiser Joseph II. wenig später Salieri zu seinem Nachfolger als 

königlicher Hofkapellmeister, Mozart wurde Hofkompositeur – 

bezeichnenderweise mit deutlich geringeren Bezügen... 

Rainer Mennicken 

40

VON GLUCK ZU MOZART... 

In der Zeit der Wiener Klassik begannen die Komponisten, bildenden 

Künstler und Intellektuellen, sich zu emanzipieren und 

aus den herrschenden hierarchischen Strukturen, dem Dienst 

bei Königen und Fürsten, auszubrechen. Der Stil der Klassik, 

der von den Regeln der Musik und in gewissem Maße auch der 

Etikette bestimmt war, wurde zu einem Lebensstil. Aus diesem 

Konzept heraus entstand die Vorstellung vom virtuosen Künstler, 

der Beginn der Art und Weise, wie wir heute über Musik denken. 

Die Verbindungen zwischen Gluck, Haydn und Mozart sind vielfältig: 

Gluck zum Beispiel lobte den bemerkenswerten jungen 

Komponisten und lud ihn zum Essen in seine Wiener Wohnung 

ein. Mozart sah in Glucks Musik und Theorie den Beginn der 

modernen Bühnenmusik. Gluck galt, neben Händel, Rameau und 

Mozart, als der größte Opernkomponist des 18. Jahrhunderts. Sein 

Orpheus, Glucks erste, 1762 in Wien uraufgeführte Reformoper, 

prägte zwar das Bild vom empfindsamen und letztlich harmlosen 

Komponisten. Aber damit konnte Gluck leben, seine Eignung 

fürs Heroische wurde gemeinhin nicht angezweifelt, die veristischen 

Schreie des Orpheus pflegten das Publikum genauso zu 

schockieren wie das Höllenspektakel im Ballett Don Juan oder 

die Furien in der Iphigénie en Tauride… 

„Ich würde Gluck 

gerne mit in ein elektronisches 

Musikstudio 

nehmen. 

Die heutigen Möglichkeiten, 

Klänge zu erzeugen 

würden jeden 

klassischen Komponisten 

begeistern.“ 

Frieder Nagel 

Daniel Hope 

41

Daniel Hope und das Zürcher Kammerorchester 

42

43

IN DEN WÄLDERN DER OBERPFALZ 

Orpheus und Eurydike in Berching 

Die Berchinger Landpartie, eine Musiktheaterwanderung um 

Christoph Willibald Gluck, den berühmten Sohn der Gemeinde, 

avancierte in den letzten Jahren zum Publikumsmagneten und 

stellt innerhalb der Internationalen Gluck-Festspiele einen einzigartigen 

Programmpunkt dar. Gluck erleben, nicht in einem 

Opernhaus, sondern im lebendigen Wechselspiel zwischen 

Natur und seiner Musik, in der zauberhaften Umgebung seines 

Geburtsorts Erasbach. Hautnah sammelt der Besucher die Eindrücke, 

die Gluck selbst in früher Kindheit durch den Beruf des 

Vaters, der dort Förster war, in sich aufsog. 

Die Rückkehr zur Natur 

So verwundert es nicht, dass eben dieser Gluck sich als reifer 

Komponist zum Ausdruck der Natur hingezogen fühlte. Gemeinsam 

mit dem italienischen Dichter und Librettisten Ranieri de' 

Calzabigi (1714-1795), der als Geheimrat der niederländischen 

Rechnungskammer 1761 nach Wien kam und auf Empfehlung des 

Intendanten der Wiener Hofoper, des Grafen Giacomo Durazzo 

(1717-1794), Kontakt zu Gluck aufnahm, suchte er nach neuen 

Ausdrucksformen für seine Opern und verabschiedete sich mit 

Orfeo ed Euridice 1762 zunehmend von dem noch immer vorherrschenden 

barocken Manierismus. 

Gluck suchte Neues, das Natürliche im Menschen, das Natürliche 

in der Musik, und versuchte dies im Sinne des Gedankengutes 

der europäischen Aufklärung, dem Ideal der Einfachheit und der 

Natürlichkeit, des „retour à la nature“, in einer neuen, schlichten, 

aber klaren Weise zum Ausdruck zu bringen. So komponierte 

Gluck sich erstmals in diesem Werk nicht mehr von Arie zu Arie, 

unterbrochen von einzelnen Rezitativen, sondern schuf mit Orfeo 

ed Euridice einen neuen Kompositionsstil, der seinen Nimbus 

als Opernreformator begründete. Um den durchgehenden Fluss 

zwischen den „Nummern“ herzustellen, verband er die einzelnen 

Arien mit ausdrucksstarken und teilweise auskomponierten 

und emotionsgeladenen Rezitativen. Gleichzeitig entstand die 

einfache, quasi kunstlos-schnörkellose, ohne Koloraturen, ohne 

Wiederholungen (da capo), sich um das Wesentliche bemühende 

Arie, um die eigentlichen Emotionen des Dramas auszudrücken. 

Mit der Neubearbeitung des Opernstoffes von Orfeo ed Euridice 

suchte Gluck erstmals diesen neuen Weg, auf dem sich ihm, wie 

dem Wanderer im Walde, unterschiedlichste Sinneswelten und 

Stimmungen erschließen: das Eintauchen in die Schönheit des 

Einfachen, scheinbar immer Dagewesenen, des Meditativen, 

L’OMBRA DELL’AMORE – 

Orpheus und Eurydike 

Landpartie Berching 

Mit: Florian Neubauer (Orfeo), 

Anna Oswald (Euridice), 

Gertrud Demmler-Schwab 

(Amore), Marc Vogel (Feuerkünstler) 

und Chor 

Musikalische Bearbeitung 

und Leitung: Franz Killer 

Regie: Franz Killer und 

Florian Reichart Dramaturgie: 

Florian Reichart Technik: 

Stelian Pop, Max Mönch 

Orchester: Ensemble der 

Pocket Opera Company 

Sa, 13. Juli, 16 Uhr, 

Johannisbrücke 2 

So, 14. Juli, 11 Uhr, 

Johannisbrücke 2 

Der Tenor Florian Neubauer 

erhielt seine musikalische Ausbildung 

bei den Regensburger 

Domspatzen. Er erreichte 2010 

beim Bundeswettbewerb Gesang 

in Berlin die Finalrunden. Seit 

Herbst 2011 steht er regelmäßig 

bei Produktionen der POC auf 

der Opernbühne. Er arbeitete 

bereits mit namhaften Dirigenten 

und Orchestern wie den 

Bamberger Symphonikern 

zusammen. 

44

aber auch das Erleben des Abgründigen, des Unheimlichen, 

Unbekannten und Bedrohlichen der Schattenwelten, wie man 

sie in der Dämmerung im Walde erleben kann. 

Orpheus und Eurydike in den oberpfälzischen Wäldern 

Orpheus verliert seine geliebte Eurydike, die, auf der Flucht vor 

einem gewalttätigen Mann, von einer Schlange gebissen wird. 

Nur durch die übermenschliche Gabe seines Gesanges, mit der 

er Menschen und Tiere, aber auch Pflanzen, ja sogar Steine und 

Gewässer erreicht und beeinflusst, kann Orpheus seine Eurydike 

der Unterwelt entreißen. Auf dem Weg zum ersehnten Glück, zu 

neuem Leben, scheitern beide am eigenen Zweifel an ihrer Liebe. 

So erlebt man in Glucks Oper nicht nur das Schicksal zweier 

Liebender, sondern übergeordnet die Welten der Lebenden und 

der Toten. Und genau diese Unterschiede finden sich im Wald 

für die Augen des Wanderers wieder. Der Zuschauer taucht mit 

den Protagonisten in ihre Schicksalswelten, gelangt mit ihnen auf 

engem Pfade, von lichter Höhe hinabsteigend, in die unbekannte 

Höhlenwelt des oberpfälzischen Juras. Mystische und mythische 

Orte beleben die Handlung und werden zur unvergesslichen 

Kulisse, bis man sich schließlich am Ende der Wanderung, zum 

erhofften Happy End, im kulinarischen Elysium der unvergleichlichen 

Oberpfälzer Küche wiederfindet... 

Schon während ihres Studiums, 

in den Fächern Gesangspädagogik 

und Oper in Hannover war 

Anna Oswald in verschiedenen 

Inszenierungen zu sehen, unter 

anderem als Drusilla in Monteverdis 

L’incoronazione di Poppea. 

Nach dem Studium sang 

sie an verschiedenen Theatern 

die unterschiedlichsten Partien, 

unter anderem die Pamina 

in Mozarts Zauberflöte. Seit 

2015 arbeitet sie regelmäßig für 

die POC und ist als Lied- und 

Konzertsängerin tätig. 

Eine langjährige Zusammenarbeit mit der POC 

Die Inszenierung von Orfeo ed Euridice für die Landpartie 2019 

übernimmt die Pocket Opera Company aus Nürnberg, die mit 

Fantasie, Leichtigkeit, einem gewissen Augenzwinkern und voller 

Überraschungen den tragischen Stoff neu aufbereiten wird. Die 

POC, Deutschlands ältestes und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnetes 

freies Musiktheater, bereichert seit 1974 die nationale 

und internationale Opernszene, stellt die traditionelle Oper auf 

den Prüfstand und ist gleichzeitig Innovationsmotor für dieses 

Genre. Von der „Soap-Opera“-Travestie in den Anfangsjahren, über 

Bearbeitungen der „Großen Oper“, der Neubelebung unbekannter 

Barockopern bis zu minimalistischen High-Tech-Musikstücken 

und zahlreichen zeitgenössischen Uraufführungen, bewegt die 

POC sich immer zwischen den Genres, bricht Grenzen auf und 

hat ihre eigene Ausdrucksform geschaffen: die Pocket Opera. 

Franz Killer 

Gertrud Demmler-Schwab 

studierte Gesang in Augsburg 

und Würzburg. Im Rahmen 

der internationalen Orgelwoche 

Nürnberg ist sie bereits 

mit den Bamberger und den 

Nürnberger Symphonikern 

aufgetreten. Seit 2003 ist sie 

Mitglied der POC. Uraufführungen 

zeitgenössischer Musik 

mit dem Neuen Musiktheater 

Erlangen, Konzerte alter Musik 

und ausgesuchte Lieder und 

Arienabende komplettieren ihr 

umfangreiches Repertoire. 

Franz Killer, siehe Seite 85 

45

WEITERDENKEN, WEITERSPIELEN ... 

Annäherungen und Ausflüge in der GLUCKWerkstatt 

In E.T.A. Hoffmanns Erzählung Ritter Gluck sind die Notenblätter, aus denen der 

geheimnisvolle Gast des Dichters am Klavier seine Oper Armide vorspielt, zwar mit 

Notenlinien versehen – aber ansonsten vollständig leer. Es ist keine Note auf ihnen 

zu finden… Nichtsdestotrotz spielt der geisterhafte Gluck sein Werk perfekt aus dem 

Gedächtnis. Oder doch nicht? Der Dichter stellt fest, dass er sich zunehmend vom 

Original entfernt und frappierende neue Wendungen für den ursprünglichen Gedanken 

findet, das Werk in eine „verjüngte Gestalt“ überführt... 

Die Fantasie des Komponisten macht nicht halt, sie bleibt nicht stehen, wenn sein 

Werk vollendet ist. Sie begegnet der eigenen Schöpfung kreativ. Wenn es sein muss, 

bricht sie aus der selbstgefügten Partitur aus. In der Vergegenwärtigung des Erreichten 

steckt der Keim zur Intensivierung und Erweiterung. Stets auf der Suche nach dem 

authentischen, berührenden, erfüllenden Erlebnis geht der wahre Künstler jeweils 

neue Wege – so sieht es der Romantiker E.T.A. Hoffmann. Seine Verehrung für 

den Ritter Gluck kam nicht von ungefähr – galt der doch als großer Reformator auf 

der Suche nach Wahrheit und Einfachheit. Das waren Schlüsselbegriffe des neuen 

Denkens zur Zeit der Aufklärung. Gluck war zudem bekannt dafür, dass er seine 

Musik ständig an die Produktionsbedingungen der Opernhäuser anpasste, die ihn 

aufführen wollten, dass er neue Ideen einarbeitete und sich von den Talenten seiner 

Sänger inspirieren ließ, zugleich aber unnachgiebig seine künstlerischen Forderungen 

durchsetzte. Vielleicht war er der erste Regisseur des Opern-Theaters, war ihm 

doch kein Aufwand zu groß, seinen Sängern abzuverlangen, lebendige Figuren darzustellen 

und deren Gefühle überzeugend zum Ausdruck zu bringen. Erstaunlich 

und ermutigend erscheint Hoffmanns Interesse an der Grenzüberschreitung durch 

Neu-Interpretation in geradezu magische Dimensionen – stehen wir doch auch heute 

noch im Spannungsfeld zwischen der originalklanglich orientierten „werkgetreuen“ 

Aufführungspraxis und dem freieren Umgang mit dem Erbe – von der Nutzung 

moderner Stahlsaiten auf Streichinstrumenten bis zur freien Bearbeitung alter oder 

klassischer Musik in musikalischen Genres, die zu Glucks und Hoffmanns Zeiten 

noch gar nicht erfunden waren... 

Folgerichtig und exemplarisch eröffnet das Fantasiestück Ritter Gluck revisited die 

GLUCKWerkstatt – in Gestalt einer freien Lesung mit Musik. Ein Schauspieler und 

ein Musiker besuchen gemeinsam den „Ritter vom Goldenen Sporn“, wie E.T.A. 

Hoffmann ihn geisterhaft beschrieben hat, allerdings mit ihren heutigen Mitteln und 

Möglichkeiten. Im Lauf der darauffolgenden Woche erlebt die GLUCKWerkstatt ein 

Bigband-Konzert und zwei speziell für junges Publikum entwickelte Annäherungen 

an Gluck-Opern-Geschichten. Es folgt ein Abend besonderer Hörerlebnisse durch die 

Kombination eines modernen Kammerensembles mit Vibraphon und der von Gluck 

überaus geschätzten Glasharfe. Worauf sich der nächste Abend den Erlebnissen von 

Eurydike (nicht nur in der Unterwelt) widmet. Schließlich folgt eine szenisch-musikalische 

Reise auf den Spuren eines Gesangsstars, der in der ersten Hälfte des 

18. Jahrhunderts am Musik-Firmament glänzte: Die Nachtigall des Zaren – nach der 

Autobiografie des Kastraten Filippo Balatri. 

46

Und wer genauer wissen möchte, was es mit dem Stimmphänomen auf sich hat, das 

seit den Kirchengesängen des Mittelalters die Gemüter bezaubert, verwirrt oder aufregt, 

hat drei Tage lang die Chance, sich ein weiterführendes Bild zu machen. Unter 

dem Titel Die andere Stimme – Hohe Männerstimmen zwischen Gluck und Rock breiten 

Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler ihre Erkenntnisse und Einschätzungen 

aus, gipfelnd in einer Matinee mit Fachleuten und dem Countertenor Valer Sabadus. 

Eine Woche lang nähern wir uns in der GLUCKWerkstatt den Klängen und Geschichten 

einer vergangenen Zeit. Sie werden hörbar und erlebbar in Beispielen 

möglichst originalgetreuer Wiedergabe – aber auch in experimenteller Aufbereitung 

voller Überraschungen. Sie lassen aufhorchen in der Erinnerung an Melodien und 

Themen, die uns vertraut sind. Sie lassen uns wiedererkennen, was uns nicht mehr 

präsent ist und Neues entdecken, das uns noch nicht vorstellbar war. Sie gehen uns 

an. In diesem Sinne ist Glucks Musik Gegenwart. 

Um solche Erlebnisse zu teilen und zu feiern, laden die Gluck-Festspiele allabendlich 

nach den Vorstellungen und Konzerten in die GLUCKLounge im Theatercafé 

der Tafelhalle ein. 

„Man muss einzig den Fortschritt der Kunst zum Ziele haben.“ 


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FANTASIE UND KÜNSTLERDRAMA 

Ein Gespräch mit Dominique Horwitz und Norbert Nagel 

Ritter Gluck ist E.T.A. Hoffmanns allererste Erzählung, die er als 

33-Jähriger veröffentlichen konnte – 1809. Gluck war seit über 20 

Jahren tot – sein Werk aber lebendig und überall auf den Opernbühnen 

präsent. Das ist heute nicht mehr ganz so – was also macht für Sie 

den Reiz aus, sich mit dieser Erzählung zu beschäftigen? 

Dominique Horwitz: Beim ersten Lesen schon die tolle Sprache, 

die feine Ironie, mit der Hoffmann sein Künstlerschicksal schildert 

– zwischen Schaffensrausch und Scheitern. Ich finde seine 

Beschwörung romantischer Kreativitäts-Exzesse auch heute noch 

faszinierend, grotesk und anrührend zugleich. Kein Wunder, 

dass sich Hoffmann dabei an Gluck abarbeitete – den er ja nur 

anhand seiner Musik und vielleicht durch zeitgenössische Portraits 

gekannt haben kann –, in den er sich quasi hineinträumen 

musste, um seine eigenen Widersprüche auszudrücken. Denn 

natürlich spricht er von sich selbst, wenn er von Gluck spricht. Er 

war sein Idol. Er hatte es geschafft, aus einfachen Verhältnissen 

kommend, die Welt zu bewegen… 

RITTER GLUCK revisited 

Ein Fantasiestück nach 

E.T.A. Hoffmann 

Freie Lesung und Musik 

mit Dominique Horwitz 

und Norbert Nagel 

Fr, 28. Juni, 20 Uhr, 

Tafelhalle Nürnberg 

GLUCKWerkstatt, Theater 

Sa, 6. Juli, 20 Uhr, 



Was macht die Geschichte vom Ritter Gluck in den Augen eines 

Musikers besonders? 

Dominique Horwitz 

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Norbert Nagel: Na ja, eine „Fantasy-Welt“, eine Erzählung? Eine 

Obsession? Die Zeitfenster verschieben sich. Ist es ein Traum? 

Geht es um Begegnungen in der Zwischenwelt? Im Jenseits? Sind 

es zwei Figuren, die da miteinander reden? Spricht da jemand 

mit sich selbst? Hat er zu viel Punsch getrunken? Der große Reiz 

liegt für mich darin, mit dem Stoff und Dominique ganz einfach 

auf die Reise zu gehen! 

Literatur und Musik. Genau diese Begegnung spiegelt sich in Ihrer 

beider Begegnung wider. Was ist für Sie das Anregende an dieser Zusammenkunft? 

NN: Für mich ist das Wort, die Literatur immer schon ein großes 

Thema gewesen. Ich war schon in jungen Jahren als Musiker und 

Komponist für verschiedene Schauspielproduktionen unterwegs. 

Als Partner von Schauspielern, Regisseuren. Mit Dominique ist es 

die erste Zusammenarbeit. Also sozusagen die zweite Premiere 

an diesem Abend. 

Wie werden Musik und Literatur an diesem Abend ineinandergreifen? 

Noch sind ja keine Proben – aber was wäre Ihr beider Wunsch? 

NN: Wir werden uns die Bälle zuspielen, denke ich. Manches 

wird für sich allein stehen. Dann wird es Duos geben. Überlappungen, 

Bewegungen nicht nur musikalisch und hoffentlich 

ganz viel Experimentelles. 

Dominique Horwitz wuchs in 

Paris auf, wo die Eltern einen 

Feinkostladen führten. 1977 

erhielt er seine erste Fernsehrolle 

in Eine Jugendliebe; die erste 

Kinorolle folgte ein Jahr darauf 

in Peter Lilienthals David. 

Anschließend war Horwitz 

am Zimmertheater Tübingen, 

am Bayerischen Staatsschauspiel 

in München und am 

Thalia Theater in Hamburg 

engagiert. Durch seine Rollen 

in Dieter Wedels Der große 

Bellheim (TV) und Joseph 

Vilsmaiers Stalingrad (Kinofilm) 

wurde Horwitz einem 

größeren Publikum bekannt. 

Als Sänger machte er sich einen 

Namen mit seinem Brecht/ 

Weill-Programm und mit seiner 

Interpretation der Chansons 

von Jacques Brel. Bei den Bad 

Hersfelder Festspielen im Juni 

2006 führte Horwitz erstmals 

Regie, und 2015 feierte er mit 

Tod in Weimar 

sein Debüt als Romanautor. 

DH: Rainer Mennicken hat in seiner Texteinrichtung hier und 

da angemerkt: „Dialog zwischen Hoffmann und Musiker“. Finde 

ich spannend. Das könnte bedeuten, dass sich die Grenzen verwischen 

und etwas Neues entsteht – auf lustvolle, überraschende 

und hoffentlich anarchische Weise. 

In der Novelle werden immer wieder Opern von Gluck angesprochen, 

darunter Iphigenie in Aulis und Armide. Werden Sie mit Glucks 

Musik arbeiten? Wird anderes hinzukommen? Wie gehen Sie die 

Arrangements an? 

NN: Ganz klar werde ich Material aus Werken von Gluck bearbeiten... 

Vielleicht gehen wir aber auch weiter in die Romantik 

hinein und nehmen etwas aus den Nachtstücken von Schumann, 

die sich ja auf E.T.A. Hoffmann beziehen. Dazu kommen sicher 

eigene Kompositionen. Und da ich ein „Ein-Mann-Orchester“ bin, 

habe ich außerdem die Möglichkeit spontan auf Stimmungen 

zu reagieren... 

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Hinter Hoffmanns Titel Ritter Gluck haben Sie den Begriff revisited 

(etwas wiederaufgreifen, auf etwas zurückkommen, etwas überdenken) 

gesetzt – was hat es damit auf sich? 

DH: Erst mal war das ein Reflex auf die Frage: Wollen wir einen 

herkömmlichen Abend nach dem Motto „Literatur und Jazz“ oder 

so? Nein, wollen wir nicht. Sowohl Hoffmann als auch Gluck 

waren in gewisser Weise Radikal-Künstler, also sie wollten an 

die Wurzeln. Das muss man sich klar machen, da ging es nicht 

nur-beschaulich zu. Das wollen wir neu aufrollen. 

NN: Mit Vergnügen. Neu Überdenken ist das, was Künstler oder 

Menschen überhaupt ihr ganzes Leben machen sollten. Immer 

in Bewegung bleiben!?! Keine Angst vor Veränderungen haben. 

Auf dem finalen Höhepunkt der Erzählung beginnt der Unbekannte 

Glucks Armide auf dem Klavier zu spielen, der Dichter soll während 

seines Spiels die Noten umblättern, aber die Seiten sind leer – Notenlinien 

ohne Noten. Entsetzt ruft er: „Was ist das? Wer sind Sie?“ und 

bekommt die Antwort „Ich bin der Ritter Gluck“. Wahnsinn? Fantasie? 

Wie lesen Sie diese Passage? 

NN: Vielleicht singen wir sie?!? 

DH: Da geht es ja in den Bereich des Phantastischen, der Magie. 

Das ist einerseits ein Bereich für den Wortzauberer Hoffmann. 

Andererseits steckt in der Unmöglichkeit der geschilderten 

Situation der Kern eines Kontrollverlusts. Ist vielleicht zu früh, 

dazu schon eine klare Aussage zu machen. Es interessiert mich, 

in der Geschichte die Spaltung, die Auflösung einer Persönlichkeit 

zu untersuchen... 

Der Abend wird als „freie Lesung“ bezeichnet – was kann sich der 

Zuschauer darunter vorstellen? 

DH: Wie gesagt: heraus aus der konventionellen Festform Lesung. 

Wohin uns das führt, werden wir sehen. Ein Tisch, zwei Stühle, 

ein Klavier, ein Saxophon, eine Klarinette und ein Mikrofon... 

Auffällig ist ja schon, dass die Erzählung passagenweise absolut 

dialogisch geschrieben ist. Dass sich die Gedanken nach innen 

und nach außen richten, dass sich da jemand verkriecht und 

dann wieder völlig aus sich herausgeht. Dass die Musik im Kopf 

ist und in der Luft. Reichhaltiges Futter für uns als Schauspieler 

und Musiker also. Das wollen wir schon transportieren. 

Norbert Nagel studierte Klarinette 

am Nürnberger Konservatorium 

und bildete sich an der 

Münchner Musikhochschule 

und im Jazz-Bereich an der 

Hochschule für Musik und 

Tanz Köln weiter. Seit 1992 ist 

Norbert Nagel Mitglied in der 

Thilo Wolf Big-Band, 1996 

wurde er für die RIAS Big 

Band als Lead-Altist verpflichtet. 

Norbert Nagel wird von 

verschiedenen Orchestern wie 

dem Deutschen Symphonie- 

Orchester Berlin, der Bayerischen 

Staatsoper München, 

den Berliner und Münchner 

Philharmonikern gebucht 

und arbeitet infolgedessen mit 

Dirigenten wie Christian 

Thielemann, Sir Simon Rattle 

oder Zubin Mehta. Mittlerweile 

ist Norbert Nagel als Studiomusiker 

auf mehr als 100 Tonträgern 

zu hören, unter anderem 

auf Hans Zimmers Das 

Geisterhaus und Lou Bega´s 

Mambo Nr. 5 und arbeitete mit 

internationalen Größen wie 

Till Brönner, Ricky Lawson, 

Dominic Miller und 

Al Martino. 

„Gluck zu singen ist 

wie eine Reise, eine 

Reise in die Tiefen 

der Seele.“ 

Sonia Prina 

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Norbert Nagel 

„Alles dieses, mein Herr, habe ich geschrieben, als ich aus dem Reich der Träume kam. Aber 

ich verriet Unheiligen das Heilige, und eine eiskalte Hand faßte in dies glühende Herz! Es 

brach nicht; da wurde ich verdammt, zu wandeln unter den Unheiligen wie ein abgeschiedener 

Geist...“ Hier spricht Hoffmann von der Kluft zwischen Anspruch und Wirklichkeit, 

zwischen Utopie der Kunst und Realität des Kunstgeschmacks. Kennen Sie als Künstler 

dieses Gefühl? 

NN: Ich werde als Musiker und Künstler immer wieder damit konfrontiert... oder 

besser: ich darf und muss mich in der Kluft, in den Zwischenräumen zwischen Utopie 

und Realität bewegen und schwingen! 

DH: Man muss das tun, was man tun muss. Natürlich handelt Ritter Gluck auch von 

der Einsamkeit, die jeder erfährt, der sich vor ein Publikum stellt, das Erwartungen 

mitbringt, manchmal mehr, manchmal weniger Sachverstand, manchmal Gleichgültigkeit 

und manchmal übergroße Begeisterung. Es wäre, glaube ich, zu kurz gegriffen, 

Ritter Gluck nur als Kritik am uninspirierten Opernbetriebsalltag in Berlin zu Zeiten 

Hoffmanns zu lesen. Der Text lotet tiefer. Er fordert uns direkt heraus. Deshalb ist er 

bis heute ein aktueller Klassiker. 

Das Gespräch führte Friederike Engel. 

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GLUCK UND JAZZ? 

Auf die Anfrage, ob das Sunday Night Orchestra bei den Internationalen 

Gluck-Festspielen 2019 mitwirken möchte, habe ich nach 

einem kurzen Gespräch, zugegeben leichtsinnigerweise und ohne 

groß nachzudenken, sofort mit einer gewissen Freude zugesagt. 

Jedoch auch ohne zu wissen, was damit auf das Orchester bzw. 

die Big Band zukommt. Ich bin (wieder einmal) einfach meinem 

Gefühl gefolgt, das mich vielleicht noch selten getäuscht, aber mir 

immer schon so manches an Arbeit eingebracht hat.Nachdem ich 

zwar Leiter des Ensembles, jedoch selbst kein Arrangeur bin, also 

keine Bearbeitungen beisteuern kann, musste ich diesbezüglich 

auf fachkundige Hilfe und Unterstützung zurückgreifen und 

die Arrangement-Aufträge auf mehrere Kollegen verteilen. Nach 

verschiedenen Anfragen und Rücksprache mit einigen Kollegen 

sowie Sichtung des musikalischen Grundmaterials wurde das 

Ausmaß an Arbeit, welches auf uns zukam, langsam ersichtlich. 

Trotzdem waren alle angefragten Bearbeiter begeistert, und 

es zeigte sich, dass es ein äußerst spannendes Projekt werden 

würde. Die einzige Vorgabe war, dass jedes an den Festspielen 

beteiligte Ensemble Füllt mit Schalle jubelnd die Halle zur Aufführung 

bringen sollte, was sich quasi als „roter Faden“ durch 

das gesamte Festival ziehen wird. So weit, so gut. Dies sollte noch 

die am leichtesten zu lösende Aufgabe sein. 

Doch wie kann man Musik, die nun immerhin schon an die 

300 Jahre auf dem Buckel hat und mit Big Band und vor allem 

auch mit Jazz nicht sehr viel zu tun hat, so transformieren, dass 

sie in das moderne Gewand eines Jazzorchesters des 21. Jahrhunderts 

passt? 

GLUCK GOES BIGBAND 

Konzert mit dem 

Sunday Night Orchestra 

So, 30. Juni, 2o Uhr, 





„Gluck war das pure 

Glück für die Musikgeschichte… 

Alles, was Hass, 

Liebe, Verzweiflung, 

Raserei in den stärksten 

Zügen ausdrücken 

kann, fasste 

er gewaltig in Töne 

zusammen!“ 

Valer Sabadus 

Um ganz ehrlich zu sein: Ich habe nicht die geringste Ahnung! 

Was ich aber ganz sicher weiß: Das Sunday Night Orchestra hat 

in den 25 Jahren seines Bestehens schon so manche musikalische 

Herausforderung angenommen und hervorragend gemeistert. 

Und da wir auf einen Kreis von ebenso hervorragenden Arrangeuren 

wie Musikern zurückgreifen können, wird uns auch die 

Adaption der Musik von Christoph Willibald Gluck nicht vor unlösbare 

Aufgaben stellen. Wenn sich preisgekrönte Arrangeure 

wie Steffen Schorn, Ralf Hesse, Christian Elsässer, Lutz Krajenski, 

Torsten Maass oder Michael Flügel (um nur einige zu nennen), 

allesamt Könner ihres Faches, an die Arbeit machen, Glucks 

Musik in die Gegenwart zu hieven und „Big Band-kompatibel“ zu 

machen, dann kann ich mit Sicherheit sagen, dass das Ergebnis 

erstklassig, facetten- und farbenreich und darüber hinaus extrem 

verschiedenartig und spannend sein wird. 

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Ob es nun die harmonisch weichen Klangwolken von Ralf Hesse, 

ein energiegeladenes, vertracktes Rhythmusgewitter Steffen 

Schorns, eine cool durcharrangierte Version von Christian Elsässer, 

eine von Torsten Maass humorvoll adaptierte Arie oder eine 

funky angehauchte Soulballade von Lutz Krajenski ist: Jeder der 

Bearbeiter kommt aus einer anderen Richtung, bringt seine ganz 

persönliche Erfahrung und Vorstellung mit, was das Gesamtprogramm 

sehr erfrischend vielseitig macht. Allen Arrangeuren 

wurde in ihrer Arbeit absolut freie Hand gelassen, da sie mein 

hundertprozentiges Vertrauen genießen in dem, was sie tun. Die 

einzige Vorgabe ist, dass alle Bearbeitungen ohne Dirigenten 

funktionieren müssen, da es diesen beim SNO nicht gibt. 

Das Sunday Night Orchestra 

ist eine Jazz-Big Band in Nürnberg. 

Das Orchester wurde 1994 

von Dejan Terzic und Sebastian 

Strempel als wöchentlich auftretendes 

Big Band-Ensemble 

gegründet, daher die Namensgebung 

in Anlehnung an The 

Monday Night Orchestra, New 

York. 

Weitere Gründungsmitglieder 

sind unter anderem Ralf Hesse, 

Jürgen Hahn, Edwin Göppel, 

Jürgen Neudert, Gerhard 

Gschlößl, Johannes Herrlich, 

Ralph Bauer, Oliver Leicht, 

Lutz Häfner, Norbert Emminger, 

Hubert Winter, Christian 

Weidner, Markus Schieferdecker 

und Bernhard Pichl. Die Band 

tritt einmal monatlich in der 

Nürnberger Tafelhalle auf. 

Anfang 2001 hatte Ed Partyka 

die musikalische Leitung des 

Orchesters übernommen, gefolgt 

von Jürgen Neudert 2009. 

Zusammen mit den Weltklassemusikern und -solisten des Sunday 

Night Orchestra wird es also am 30. Juni eine Überraschungsparty 

geben, die es in sich haben wird. Auf das Ergebnis bin ich selbst 

genauso gespannt wie das Publikum und freue mich enorm darauf. 

Jürgen Neudert 

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GLUCKS TRAUM 

Der 6o-jährige Ritter Gluck hatte einen Traum. Von den Proben 

zu seinen Pariser Opernproduktionen und dem damit einhergehenden 

beständigen Kampf mit den Sängern und dem Orchester 

war er derart ausgelaugt, dass er sich gezwungen sah, sich auf 

das Krankenbett zurückzuziehen. Schon war das Gerücht aufgekommen, 

der Meister sei an einer heftigen Verdauungsstörung 

gestorben (und niemand hätte sich darüber ernsthaft gewundert, 

denn Gluck galt als ein starker Esser und Trinker, der durchaus in 

Momenten, in denen man dem Rest der Gesellschaft bereits den 

Nachtisch servierte, ein ganzes Rebhuhn mit einer reichlichen 

Portion Salat mit Genuss und Behagen verzehren konnte), aber 

seine Kraft war nicht gebrochen, sondern nur vorübergehend 

aufgehalten. Um ihn im Bett zurückzuhalten musste man ihm 

aus den Werken des verehrten Dichters Klopstock vorlesen, wobei 

die Frage erlaubt sein mag, ob diese Werke nicht einfach dafür 

gesorgt haben, dass der Komponist in einen höchst erholsamen 

Schlaf verfallen konnte. 

Dieser war wohl auch so verdient wie nötig, denn es erforderte 

ohne allen Zweifel eine gehörige Portion Kraft, der gefeiertsten 

Primadonna der Pariser Oper, nachdem sie sich beschwert hatte, 

„ihre Partie sei nur gesprochene Musik, sie aber wünsche große 

Arien zu singen“, vor dem versammelten Orchester ins Gesicht 

zu sagen: „Um größere Arien zu singen muss man erst singen 

können; daher, Mademoiselle, habe ich eine Ihnen und Ihren 

Kräften entsprechende Musik geschrieben. Versuchen Sie, gut 

zu sprechen, mehr verlange ich von Ihnen nicht, und denken Sie 

vor allem daran, daß Schreien nicht Singen heißt.“ Aber auch 

das Spiel der Instrumentalisten entsprach nicht im Geringsten 

Glucks Vorstellungen. Ein Freund und Vertrauter Glucks, der 

Maler Johann Christian Mannlich, aus dessen Erinnerungen hier 

zitiert wird, sah denn auch „des Öfteren im Geiste den Augenblick 

voraus, wo Gluck alle Geigen und anderen Instrumente an 

den Kopf fliegen würden.“ 

Schöne Erinnerungen im Park von Saint-Cloud 

Als nun aber auch noch eben jenen guten Freund Mannlich eine 

schwermütige Stimmung erfasste, die ihn schließlich sorgfältig 

die Menschen und besonders Gesellschaften meiden ließ, verfiel 

Madame Gluck, treusorgende Gattin des Meisters, voll Güte und 

Teilnahme wie sie nun einmal war, auf den Gedanken, den Herren 

ein ländliches Mahl im Park von Saint-Cloud auszurichten. Man 

IM REICH DER SCHATTEN 

Erzählkonzert mit Corinna 

Schreiter, Martin Ellrodt, 

Yosemeh Adjei und der Neuen 

Nürnberger Ratsmusik , das 

Nürnberger Barockorchester 

(8+) 

So, 30. Juni, 17.00 Uhr, 

Redoutensaal Erlangen 

In Kooperation mit dem 

gVe Erlangen 

Mo, 1. Juli 10.00 und 11.45 Uhr, 



In Kooperation mit klasse. 

im.puls, FAU Erlangen- 

Nürnberg 

Der gebürtige Nürnberger mit 

ghanaischen Wurzeln Yosemeh 

Adjei, der als Bub im Windsbacher 

Knabenchor die Musik 

kennenlernte, die ihm den Weg 

weisen sollte, der von Thomas 

Quasthoff und Andreas Scholl 

wichtige Anregungen erfuhr, 

war verschiedentlich bei den 

Internationalen Händel- 

Festspielen Göttingen, am 

Nationaltheater Mannheim, 

an der Oper Bonn (mit Händels 

Ezio) und bei der Ruhrtriennale 

erfolgreich. 

54

machte sich also im Kreis einiger Freunde, unter ihnen auch der 

berühmte Soprankastrat Millico und natürlich Glucks Nichte und 

Adoptivtocher Maria Anna (Nanette) Gluck auf, und Mannlich 

berichtet: „Wir lagerten uns im Kreise um unsere ausgebreiteten 

Vorräte, ich hatte eine Flasche alten Rheinweins für Papa Gluck in 

die Tasche gesteckt. In trefflicher Laune und mit bestem Appetit 

aß und trank er. ‚Es lebe das einfache, unabhängige Leben, frei 

von jeglichem Zwange und aller Sorge!‘ rief er aus. ‚Ich habe es 

mir immer sehnlichst gewünscht und in meinem langen Leben 

nur vierzehn kurze Tage der Freiheit genossen, die ich niemals 

vergessen werde.‘“ 

Diese vierzehn Tage der Freiheit, die der Erinnerung des 60-jährigen 

Gluck entspringen, begannen, so seine mutmaßlich eigenen 

Worte, „eines schönen Tages, als der Knabe, dem sein Vater zuvor 

die Instrumente weggeschlossen hatte, mit wenigen Groschen in 

der Tasche, heimlich das elterliche Haus verließ und in der Richtung 

nach Wien wanderte.“ Hier zeigt sich schon, wie sehr Glucks 

oder auch Mannlichs Erinnerung verschoben oder verklärt war, 

denn er wanderte natürlich nach Prag, „unterwegs verschafften 

ihm die Lieder auf seiner Maultrommel bei Bauersleuten Nahrung 

und Nachtherberge“, zuweilen kommt er auch bei einem 

Pfarrherrn unter und gilt dort gar für einen ausgewachsenen 

Virtuosen. Am Ende ist er wohl in Prag angekommen, wo er 

sich offenbar bald dem geregelten Trott einer akademischen Ausbildung 

fügt. „Zuletzt“, um ihn wieder selbst zu Wort kommen 

zu lassen, „bin ich wohl zu dem geworden, was ich heute bin, 

aber noch immer schaue ich sehnsüchtig zurück auf die beiden 

Wochen, wo ich mittels meiner einfachen Maultrommel ein unabhängiges 

Leben führte.“ 

Die Nürnbergerin Corinna 

Schreiter studierte Gesang am 

Meistersinger-Konservatorium 

ihrer Heimatstadt bei Manfred 

Capell und vervollständigte ihre 

Ausbildung bei Margot Gerdes 

an der Hochschule für Musik in 

München. Von 1989 bis 1991 

war sie an den Städtischen 

Bühnen Münster als lyrischer 

Sopran engagiert. Seit 1992 

vertieft sie ihr Repertoire als 

freischaffende Konzert- und 

Oratoriensängerin mit namhaften 

Dirigenten und Orchestern, 

zum Beispiel dem Barockorchester 

La Banda, den Nürnberger 

Symphonikern sowie den 

Bamberger Symphonikern. 

Der Traum von der Freiheit 

„Freude und jugendliches Feuer strahlte uns aus den Augen 

des sechzigjährigen Erzählers entgegen, an dessen Seele diese 

Bilder aus einer längst verklungenen Zeit wieder vorübergezogen 

waren. „‚Könnte ich doch,‘ so schloß er, ‚noch einmal diese 

köstlichen Tage trotz meinem Alter und Wirkungskreis wiedererstehen 

lassen!‘“ Sofort überschlagen sich Glucks Freunde mit 

hilfreichen Anregungen, aber es war Mannlich, der die Idee hatte, 

„als fahrende Komödianten unter anderen Namen von Stadt zu 

Stadt zu ziehen und italienische Operetten aufzuführen. Gluck 

55

ging voll Eifer auf diesen Gedanken ein und verteilte sogleich 

die Rollen. ‚Meine Tochter und Millico werden die Serva padrona 

aufführen, ich die Klavierbegleitung übernehmen, meine Frau 

an der Tür das Geld einsammeln. Fontenent und Sie spielen die 

erste und zweite Violine!‘“ 

Der Traum von einer unbeschwerten Operntournee ohne den 

Ballast eines großen Orchesters und zu vieler lästiger Sänger 

hatte Gluck gepackt und ließ ihn auch in den nächsten Jahren 

nicht los, denn immer wieder kommt er in Gesprächen mit seinen 

Freunden darauf zurück. Natürlich ist mit dem genannten 

Stück Pergolesis La serva padrona gemeint, aber wäre es nicht 

auch denkbar, dass die Freunde auf einer solchen „komischen 

Tournee“, die Gluck „am liebsten im nämlichen Augenblicke angetreten 

hätte“, vor den Honoratioren eines kleinen Städtchens 

auch den Orfeo des Meisters zur Erbauung der Modegecken und 

des sonstigen gefälligen Publikums zum Besten gegeben hätten? 

Immerhin war schon vor der Premiere des Pariser Orphée einer 

gewählten Gesellschaft im Salon eines gewissen Abbé Morellet 

zweimal das große Vergnügen zuteilgeworden, einer Aufführung 

dieses Werkes beiwohnen zu dürfen, bei der Gluck am Cembalo 

das Orchester darstellte, während Millico den Orpheus sang und 

Glucks Adoptivtochter Nanette sowohl die Rolle des Amor als 

auch die der Eurydike übernahm. 

Im Reich der Schatten 

Und so mag man sich in Glucks Traum gerne vorstellen, wie ein 

begnadeter Sänger und eine beseelte Sängerin mit ihren Stimmen 

die drei Rollen der Oper lebendig werden lassen, während einige 

ausgewählte Freunde mit ihren Instrumenten die Vorstellung 

und Wirkung des Orchesters erwecken. 

Martin Ellrodt arbeitete für 

einige Jahre in der freien Theaterszene 

als Schauspieler und 

Puppenspieler, bevor er im Jahre 

1991 seine Leidenschaft für das 

freie Erzählen von Geschichten 

entdeckte. Martin Ellrodt 

erzählt Geschichten aus der 

mündlichen Überlieferung und 

aus der Weltliteratur; in seinem 

sich ständig erweiternden Repertoire 

befinden sich Sagen und Mythen, 

aber auch moderne Geschichten 

und Märchen – und dies in vier 

Sprachen (Deutsch, Englisch, Spanisch 

und Tschechisch)! Er schrieb 

ein Buch zum Unterrichten der 

Erzählkunst und lehrt diese auch 

an Universitäten und Fachhochschulen. 

„Als Fünfjähriger im Klavierunterricht bin ich Gluck zum ersten Mal 

begegnet. Meine Klavierlehrerin legte am Ende der Stunde immer kleine 

Portraits von Komponisten auf die Tastatur, die ich chronologisch nach 

Geburtsjahr anordnen sollte. Das freundliche Mondgesicht war mir 

damals schon sympathisch…“ 

Alexander Moore 

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Zu Glucks Lebzeiten sollte sein Traum nicht mehr in Erfüllung 

gehen, denn viel zu eingespannt war der Meister, als dass er seine 

schönen Pläne hätte verwirklichen können. Aber vielleicht schaffen 

es ja die seinem Ideal nacheifernden Vorstellungen von Im Reich 

der Schatten bei den Internationalen Gluck-Festspielen 2019... 

Um die Geschichte von Orpheus’ Abstieg in die Unterwelt 

auch Kindern vorzustellen und nahezubringen, arrangiert die 

Neue Nürnberger Ratsmusik in einer klein besetzten und doch 

farbigen Fassung die zentralen Musikstücke von Glucks Oper. 

Die Aufführung orientiert sich hierbei gewissermaßen an jener 

Traum-Vorstellung eines charmant improvisierten Marktplatztheaters. 

Die eigentliche Hauptrolle spielt hierbei der Erzähler, 

denn er lässt in den Köpfen der Kinder und auch erwachsener 

Zuhörer abwechslungsreich und unterhaltsam das Bild einer 

Orfeo-Inszenierung erstehen, indem er nicht nur durch die 

Geschichte führt und dabei immer wieder humorvoll über Sinn 

und Unsinn des antiken Mythos spekuliert, sondern auch mit 

der bloßen Kraft seiner Worte die wunderbare Welt des Theaters 

zu Glucks Zeit mit all seinen aufwendigen Bühnenbildern und 

Verwandlungen lebendig werden lässt. 

Anknüpfend an die Tradition der 

historischen Nürnberger Rathsmusik 

des 17. und 18. Jahrhunderts 

spielt die Neue Nürnberger 

Ratsmusik in der Besetzung einer 

typischen Hofkapelle der Barockzeit. 

Die professionellen Musiker 

sind Spezialisten für historische 

Aufführungspraxis, haben sich mit 

Spielweise und Instrumentarium 

jener Zeit intensiv befasst und 

bringen die „Alte Musik“ aufregend 

neu zum Klingen. 

Michael Kämmle 

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DAS GEOPFERTE KIND 

Iphigenie ist eine Königstochter, stammt also aus höheren Kreisen 

und soll verheiratet werden. So glaubt sie und folgt dem Ruf 

ihres geliebten Vaters und obersten Heeresführers ins Lager der 

Kriegsflotte. Doch statt des Traualtars erblickt sie dort den Opferaltar 

und muss schmerzhaft erkennen, dass ihr eigener Vater sie 

in eine Falle gelockt hat: Sie selbst ist es, die geopfert werden soll, 

weil das Orakel es verlangt. Sonst gibt es keinen Wind, und die 

Flotte kann nicht in den Krieg gegen die Feinde segeln. 

Eine harte Geschichte, in der ein Kind für höhere, politische 

Zwecke geopfert werden soll. In unserer Werkstatt nehmen wir 

den Blickwinkel der Tochter ein. Den Handlungsstrang schneiden 

wir aus Euripides’ Iphigenie in Aulis heraus, der mit dieser 

Geschichte vor knapp 2500 Jahren einen Preis, eine Art Oscar 

für Stückeschreiber, gewonnen hat. Die schnellen Wendungen 

in der Originalgeschichte würden heutzutage gut für eine Soap 

oder eine Telenovela mit grotesk-komischen Zügen taugen. Und 

gleichzeitig verbergen sich spannende Fragen darin, die uns 

heute in ähnlicher Weise beschäftigen wie die Menschen damals: 

Fragen nach der Selbstbestimmung des eigenen Lebens, Fragen 

der Macht, Fragen der Sachzwänge und Fragen nach dem Verhältnis 

der Generationen. Denn Kinder werden auch heutzutage 

geopfert und für die Interessen der Erwachsenen missbraucht. 

Oder ihre Lebensgrundlage wird so sehr geschädigt, dass es einer 

Opferung gleichkommt. 

Was hat das mit Christoph Willibald Gluck zu tun? Nun, seine erste 

Oper in Paris war Iphigenie in Aulis (1774), die dort schon während 

der Proben für großes Diskussionen sorgte, weil es Herr Gluck 

wagte, Gesang, Darstellung und Orchester mit seiner offenen, 

kritischen Meinung zu konfrontieren und damit anscheinend 

viele Eitelkeiten verletzte. 

GESUCHT: IPHIGENIE 

Werkstatt-Projekt der pfütze 

jungeMET im Rahmen der 

Internationalen Gluck-Festspiele. 

Für Jugendliche ab 12(+) 

und Erwachsene 

Solo für eine Schauspielerin 

mit dem Kammerensemble 

„ensemble fraktale“ 

Mit: Elisa Merkens (Schauspiel), 

Miria Sailer (Geige), 

Marie Erndl (Blockflöte), 

Sophia Schulz (Violoncello), 

Christopher Kunz (Saxophon), 

Paul Bießmann (Electronics, 

Tropfenklavier), Dominik Vogl 

(Gitarre) 

Regie: Jürgen Decke 

Komposition und 

Arrangements: Dominik Vogl 

Bühne, Licht und Ausstattung: 

Andreas Wagner 

Ton: Florian Kenner 

Di, 2. Juli, 9.30, 11.30 

und 19.00 Uhr, 



„Als ich den 

Orpheus einmal in 

Salzburg gesehen 

habe, mein Vater war 

vorher verstorben, 

da dachte ich: 

Wenn das Elysium so 

klingt, habe ich keine 

Angst.“ 


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Alter Geist und neue Klänge 

Für Gesucht: Iphigenie hat unser Komponist Dominik Vogl viel 

Gluck-Musik gehört, gelesen und analysiert, aber nicht um Glucks 

Musik daraufhin für unser Projekt nur neu zu arrangieren oder 

modisch für die Gegenwart aufzuhübschen. Nein, von Anfang 

an war klar, es soll aus dem Geist des alten Meisters eine neue, 

eigenständige Musik entstehen. Seinem Ernst nachzuspüren, 

seiner musikalischen Fantasie, seinem zutiefst humanen Interesse 

am Schicksal der Iphigenie – all das wurde zur Voraussetzung 

dieser neuen Musik. Wie Gluck musikalisch mit Charakteren, 

deren Interaktion und mit dramatischen Situationen umging, 

welche Klangwelten den beteiligten Figuren zugeordnet sind, 

welches harmonische, melodische und rhythmische Material er 

für Iphigenie verwendete – vieles daran war neu und aufregend 

für seine Zeit und ermutigt auch uns, „den Fortschritt der Kunst 

zum Ziele“ zu haben. Die Nürnberger Iphigenie klingt nicht wie 

das, was wir von Gluck zu hören gewohnt sind, aber sie gründet 

sich auf ihn, reflektiert seine musikalischen Strukturen, atmet 

seinen Geist. Eine Gratwanderung zwischen dramatischer Handlung 

und konzertantem Klangerlebnis. Ein faszinierendes Netz, 

in dem sich Kopf, Bauch und Herz der Hörer verfangen dürfen. 

Das ensemble fraktale formierte 

sich 2016 in Nürnberg und setzt 

sich aus Studierenden der Hochschule 

für Musik Nürnberg sowie 

Künstlern aus den Bereichen 

Tanzperformance und digitaler 

Medien zusammen. Es ist dem 

Ensemble ein großes Anliegen, 

die Qualitäten und Aussagen 

verschiedener künstlerischer Ausdrucksweisen 

zu kombinieren, 

zum Beispiel der klassischen 

Musik, des Jazz und der Neuen 

Musik, der Komposition, des 

Tanzes, der Filmkunst und der 

elektronischen Musik. Damit werden 

grenzübergreifende Räume 

geschaffen, in denen die Künste 

jeweils in Interaktion treten und 

ein neues künstlerisches Ganzes 

ergeben. 

Sprache und Musik im Dialog 

Parallel zu den musikalischen Proben entwickelten wir die 

szenische Anordnung und modellierten den Werkstatt-Text. Im 

Probenprozess liefen viele Vorgänge nebeneinander und durften 

sich gegenseitig beeinflussen. So experimentierten wir immer 

wieder mit dem Verhältnis von Sprache und Musik: Wie lässt sich 

zum Beispiel ein nachvollziehbarer, direkter Dialog zwischen der 

Schauspielerin und dem Musikensemble gestalten? Funktioniert 

es, wenn auf der einen Seite die Wortsprache steht und auf der 

anderen Seite die Musik? 

Nach den sehr inspirierenden und konzentrierten Tagen in 

der Werkstatt freuen wir uns nun auf die Präsentation unserer 

Ergebnisse in den Aufführungen und sind gespannt auf ein 

generationenübergreifendes Werkstattpublikum. Im besten Fall 

öffnen sich Ohren und Geist, um eine alte, klassische Geschichte 

neu zu hören und zu entdecken. 

Elisa Merkens wurde in Stuttgart 

geboren, entschied sich nach 

einem Studienjahr im Grundschullehramt 

für ein Schauspielstudium 

an der Musik und Kunst 

Privatuniversität Wien (2012 bis 

2016). Seit 2016 ist sie Ensemblemitglied 

am Theater Pfütze e.V. 

in Nürnberg und dort zu sehen 

unter anderem in Cyrano, 

Heidi und Das Buch von 

allen Dingen. 

Jürgen Decke 

59

GLASKLANG ÜBER FÜNF OKTAVEN 

Ein Gespräch mit Anna Szafraniec von GlassDuo Danzig 

Gläser sind schön und zerbrechlich– so auch die klaren, glanzvollen 

Töne, die ihnen entlockt werden können. Bereits im Mittelalter 

wurden die eigentümlichen Klänge entdeckt, die man auf den 

nützlichen Alltagsgefäßen, sei es mit dem Finger oder einem 

Schlägel, erzeugen konnte – und die klangliche Variation, die 

sich durch den Füllstand dabei ergab. Im 18. Jahrhundert eroberte 

die Glasmusik die Konzertsäle, und vor allem in England feierte 

man das neue Klangerlebnis. So kam es, dass auch Christoph 

Willibald Gluck, der 1745 für zwei Kompositionsaufträge auf die 

Insel kam, die Glasharfe für sich entdeckte. Für den 23. April 1746 

kündigte er im General Advertiser an, „auf 26 mit Quellwasser 

gestimmten Gläsern alles auszuführen, was auf einer Violine 

oder einem Cembalo gespielt werden kann“. Das Konzert fand 

mit Begleitung eines Kammerorchesters im Londoner Haymarket 

Theatre statt und war ein großer Erfolg. 1749 wurde es in Kopenhagen 

wiederholt. Danach verliert sich die Glasmusik in Glucks 

musikalischem Wirken. Musikgeschichtlich erlebt sie 1761 mit 

der Erfindung der Glasharmonika durch Benjamin Franklin (bei 

der die Klänge mit rotierenden Gläsern erzeugt werden) noch 

einmal einen Aufschwung – heute ist sie eine glanzvolle Rarität. 

Mit Anna und Arkadiusz Szafraniec, dem GlassDuo Danzig, begrüßen 

die Internationalen Gluck-Festspiele zwei der wenigen 

professionellen Glasmusikerinnen und -musiker in Nürnberg. 

GLUCKVibration! 

Instrumentale Faszination 

seit 300 Jahren – 

MetropolMusik Nürnberg 

feat. GlassDuo Danzig & 

Izabella Effenberg 

Mi, 3. Juli, 20.00 Uhr, 


GLUCKWerkstatt, 

Theater 

Das MetropolMusik Nürnberg 

Kollektiv hat es sich zur Aufgabe 

gemacht, die Musik der 

in der Metropolregion Nürnberg-Fürth-Erlangen-Schwabach 

beheimateten schöpferischen 

Musiker aufzuführen 

und zu verbreiten. Zeitgenössische 

Musik, aktuelle Klassik 

und Jazz sind für Konzerte 

des MetropolMusik e.V. ebenso 

interessant wie ambitionierte 

Popmusik, Rock, Folk oder 

GlassDuo Danzig 

60

Im Gepäck haben sie die aus 57 geschliffenen Gläsern bestehende 

größte Glasharfe der Welt. Auf ihr werden sie gemeinsam 

mit der Vibraphonistin Izabella Effenberg und Musikern der 

MetropolMusik Nürnberg Gluck zum Schwingen bringen… 

Wie kommt man dazu, ein so außergewöhnliches Instrument zu spielen? 

Arkadiusz und ich kennen uns aus dem Sinfonieorchester in 

Danzig, wo wir als Violinistin und Trompeter engagiert waren. 

Wir haben viel Zeit miteinander verbracht, wurden Freunde 

und haben schlicht aus musikalischer Neugier angefangen, uns 

eine Glasharfe zu bauen – ohne wirklich ernsthaft über irgendeine 

professionelle Zukunft nachzudenken. Nachdem wir dann 

einige Wochen mit unserem Instrument herumexperimentiert 

hatten, wurde uns aber bewusst, dass es vielleicht doch mehr 

als ein musikalisches Spielzeug sein könnte. Der künstlerische 

Leiter unseres Orchesters bot uns dann an, ein Solokonzert mit 

Orchesterbegleitung auf unserer Glasharfe zu geben. Das war 

eine ganz grundlegende Erfahrung, die uns ermutigte, in diese 

Richtung weiterzudenken. 

Wie sind Sie zu Ihrer heutigen Glasharfe gekommen? 

Anfangs gab es tatsächlich keinen Glasharfenbauer, der fähig 

war, ein Konzertinstrument für uns zu entwerfen. Das Problem 

lag vor allem darin, dass es ein im Duo spielbares Exemplar sein 

musste. Es brauchte viel Zeit, bis wir die für uns beste Form 

und den geeigneten Tonumfang gefunden hatten. Fünf Oktaven 

umfasste es am Ende und ohne es zu bemerken, hatten wir uns 

die weltgrößte professionelle Glasharfe gebaut. Nach 20 Jahren 

Konzerterfahrung mit dem von uns entworfenen Instrument sind 

wir einen Schritt weitergegangen. 2018 haben wir mit G2 Glass 

Instrument Makers den einzigen Glasharfen-Vertrieb weltweit 

gegründet. Jeder kann bei uns jetzt ein Instrument bestellen und 

lernen, darauf zu spielen. 

Menschen lieben Anekdoten… Und wenn Sie regelmäßig mit so vielen 

Gläsern unterwegs sind – da gibt es sicher einiges zu erzählen, oder? 

Ja, es ist immer eine Zerreißprobe, mit einem so fragilen Instrument 

zu reisen. Dennoch haben wir es schon in rund 40 

verschiedene Länder dieser Welt geschafft, und glücklicherweise 

gab es bisher nur einen kleinen, nicht weiter aufregenden Unfall. 

Unsere Transportkoffer sind ziemlich gut – aber eben auch recht 

sperrig, und natürlich erleben wir da manchmal ganz lustige 

Experimentelles. Dieses Verwirklichen 

origineller Ideen in 

Überwindung der Beckmesserei 

hat ja gerade in Franken eine 

jahrhundertelange Tradition. 

Ausdrückliches Ziel ist es 

daher, besonders den kreativen 

Musikschaffenden ein gemeinsames 

Forum zu bieten, und so 

möglichst große Aufmerksamkeit 

auf dieses charakteristische 

regionale Potenzial zu lenken. 

Anna und Arkadiusz Szafraniec 

sind das GlassDuo 

Danzig. Verzaubert vom Klang 

der Gläser, verließen sie das 

Sinfonieorchester in Danzig 

und begannen, die Glasharfe 

im Duo zu spielen. Sie 

haben erfolgreich mit Streichquartetten 

und verschiedenen 

Kammerensembles zusammengearbeitet 

und mit den meisten 

polnischen Orchestern gespielt, 

darunter die Warschauer Nationalphilharmonie 

und die Sinfonia 

Varsovia, sowie auch mit 

Orchestern außerhalb Polens. 

Sie sind die einzige Glasmusikgruppe 

in Polen und eines 

der wenigen professionellen 

Ensembles weltweit. GlassDuo 

konnte bereits mehrere eigens 

für sie komponierte Musikwerke 

uraufführen und machte zahlreiche 

Aufnahmen für Radio 

und Fernsehen, unter anderem 

mit Arte TV und der BBC. Das 

Duo wurde bereits zu vielen 

Musik- und Kulturfestivals auf 

der ganzen Welt eingeladen. 

61

Dinge. Einmal zum Beispiel waren wir auf dem Weg nach Mexiko 

und mussten aufgrund eines Lufthansa-Streiks eine andere 

Route nehmen als geplant. Es war alles furchtbar stressig, und wir 

wurden erst in allerletzter Minute als Passagiere für den Ersatzflug 

zugelassen. Als wir am Gate ankamen, stand nur leider kein 

Flugzeug mehr da. Wir beschwerten uns daraufhin umgehend im 

Büro der Airline und tatsächlich:Der Flieger kehrte für uns um! 

Als wir dann mit unseren einschüchternd großen Silberkoffern 

an Bord der Maschine gingen, blickten wir in die erstaunten, teilweise 

ängstlichen Augen unserer Mitreisenden. Für wen mussten 

sie uns halten? Wir haben uns wie düstere Geheimagenten, wie 

zwielichtige Charaktere aus einem Actionfilm gefühlt. 

Kommen wir auf die Musik zu sprechen. Was macht sie in Ihren 

Augen so besonders? 

Glasmusik ist heute leider nicht besonders populär – wir leben 

schließlich im Zeitalter der Mikrofone und Lautsprecher! Die 

Freude an Glasmusik ist also für manche Leute überhaupt nicht 

nachvollziehbar. Sie ist ihnen viel zu zart, zu ätherisch… Die 

meisten empfinden diese Musik außerdem anfangs als äußerst 

irritierend, was vermutlich an ihrer Einzigartigkeit liegt. Der 

Zuhörer denkt sich: „Wonach klingt das?“, denn der Mensch ist 

darauf gepolt, Dinge zu vergleichen und nach Ähnlichkeiten zu 

suchen – aber er findet keine. Man muss anders hören. Glasmusik 

entspannt und beruhigt. Sie muss nicht laut sein – sie berührt 

direkt die Seele. Und das Schöne ist, wir haben es wortwörtlich in 

der Hand. Unsere Technik als professionelle Musiker entscheidet 

über die Feinheit des Klangs. 

Zunächst studierte Izabella 

Effenberg klassisches Schlagzeug 

in Polen. Anschließend 

begann sie ein Jazzstudium bei 

Bill Molenhof und absolvierte 

2012 den Masterstudiengang 

Jazz Mallets bei Roland Neffe 

an der Musikhochschule Nürnberg. 

Sie spielt in verschiedenen 

Formationen und hat bereits 

zahlreiche Preise gewonnen, 

unter anderem beim Pinneberger 

Summer Jazz Festival, 

beim Kammermusikwettbewerb 

des Mozartvereins 1829 e.V. 

in Nürnberg und beim Bruno 

Rother Jazzwettbewerb in 

Nürnberg. Im November 2013 

hat Izabella Effenberg ihre 

Debü-CD Cuentame beim 

Bayerischen Rundfunk aufgenommen. 

Außerdem organisiert 

sie zusammen mit Volker 

Heuken das Festival Vibraphonissimo 

in Nürnberg/Fürth. 

Sie ist Kulturpreisträgerin 

der Stadt Nürnberg 2018. 

Und Gluck? 

Gluck und Pockridge (irischer Musiker 1695-1759) waren ja so etwas 

wie Pioniere auf der Glasharfe oder Engelsorgel, wie Pockridge 

sie nannte. Leider wissen wir wenig über Glucks Beziehung zu 

diesem Instrument, und auch aus den Konzerten in London und 

Kopenhagen ist so gut wie nichts überliefert. Hat er jemals für 

die Glasharfe komponiert? Vermutlich nicht. Aber nichtsdestotrotz 

können wir Glucks Werke ja, wie er selbst es getan hat, auf 

Instrumenten interpretieren, die von ihm ursprünglich nicht 

vorgesehen waren, also auch auf der Glasharfe. Und wir sind 

uns ziemlich sicher, dass ihm das gefallen würde! 

Das Gespräch führte und übersetzte 

aus dem Englischen Friederike Engel. 

62

Izabella Effenberg 

63

VON DER ANDEREN SEITE GESEHEN 

Als mich Rainer Mennicken vor einem Jahr fragte, ob ich Lust 

hätte, für die Internationalen Gluck-Festspiele ein Projekt über 

Eurydike und Orpheus zu machen, also eigentlich eher über Eurydike 

als über Orpheus, habe ich spontan „Ja“ gesagt, ohne zu 

wissen, worauf ich mich einlasse... Der Rahmen stand schnell fest: 

ein literarisch-musikalischer Abend. Béatrice Kahl, die Pianistin, 

mit der ich seit ein paar Jahren erfolgreich zusammenarbeite, 

war auch sofort im Boot, und unsere gemeinsame Reise begann. 

Annäherung an den Mythos 

Ich kannte die Oper von Gluck, den Film Orfeu Negro von Marcel 

Camus, die Operette Orpheus in der Unterwelt von Jacques 

Offenbach, ich erinnerte mich an die betreffende Stelle in den 

Metamorphosen des Ovid und an ein paar Gedichte, die Eurydike 

und Orpheus zum Thema haben. Doch schon bevor ich anfing, 

tiefer in die Thematik einzudringen, spukte mir immer wieder 

eine Frage im Kopf herum: Warum hat Orpheus sich umgedreht? 

Obwohl er wusste, was passieren würde, hat er sich nach ihr umgedreht!!! 

WARUM? Ist es wirklich nur der „Blick voll Liebe und 

Verlangen“? Angelo Poliziano lässt in seinem 1480 geschriebenen 

Drama Die Tragödie des Orpheus den Helden sagen: „Wer ist’s, von 

dem die Liebenden Gesetz empfangen?/Muß nicht Vergebung 

kommen/für einen Blick voll Liebe und Verlangen?/Nachdem 

mir meine Freude nun genommen,/in Schmerz sich kehrte, muß 

ich es denn wagen,/den Tod ein zweites Mal um sie zu fragen.“ 

EURYDIKE & ORPHEUS 

Ein literarisch-musikalischer 

Abend mit Elke Wollmann 

und Béatrice Kahl 

Do, 4. Juli, 20 Uhr, 


GLUCKWerkstatt, Theatercafé 

So, 7. Juli, 19.30 Uhr, 

Wenzelschloss Lauf, Kaisersaal 

Mi, 10. Juli, 19.30 Uhr, 

Aula des Willibald-Gluck 

Gymnasiums Neumarkt 

Orpheus will also bei Poliziano die Götter zum zweiten Mal „fragen“, 

ob Eurydike nicht ins Leben zurückkehren könne. Warum 

folgt er ihr nicht einfach? Wenn er wirklich nicht ohne sie leben 

kann, könnte er sich doch für den Selbstmord entscheiden… 

Warum ist das für ihn keine Alternative? Diese Fragen stellte ich 

mir, als ich das Symposion von Platon entdeckte. In seinem Werk 

in Dialogform lässt Platon die Orpheus-Geschichte durch Phaidros 

kommentieren: „Den Orpheus aber, den Sohn des Diagros, 

schickten sie unverrichteter Sache aus der Unterwelt zurück, indem 

sie nur die Erscheinung der Frau ihm zeigten, um deretwillen er 

gekommen war, nicht aber sie selbst ihm gaben, weil er ihnen zu 

weichlich zu sein schien wie ein Spielmann und nicht das Herz 

zu haben, der Liebe wegen zu sterben wie Alcestis, sondern sich 

lieber ausgedacht hatte, lebend in die Unterwelt einzugehen.“ 

Ein 2400 Jahre alter Text gab mir eine einfache Antwort! Aber 

war Orpheus für eine so folgenschwere Entscheidung tatsäch- 

64

Béatrice Kahl und Elke Wollmann 

65

lich zu „weichlich“? Nur Jean Anouilh, einer der vielen Dichter, 

der neben Jean Cocteau, Oskar Kokoschka und Caldéron de la 

Barca seine Sicht auf den Stoff in die Form eines Theaterstückes 

brachte – nur er stellt seinen Orpheus vor die Wahl, zu sterben 

oder ohne Eurydike weiterzuleben. Anouilh ist auch der einzige, 

der Eurydike ins Zentrum stellt, denn sein Stück heißt Eurydike! 

Eurydike ist Schauspielerin und Orpheus Musiker, der am Ende 

seiner geliebten Eurydike in den Tod folgen wird. Die meisten 

Schriftsteller haben sich über alle Zeiten hinweg auf Orpheus 

konzentriert. Shakespeare, Rilke, Dante, Boccaccio haben Hymnen 

auf Orpheus, den Sänger, den Künstler geschrieben! Vielleicht hat 

er sich ja auch umgedreht, weil er weiterhin der große Künstler 

bleiben wollte...? Kreativität entsteht oft genug aus dem Leiden, 

der Leidenschaft und der Verzweiflung. Ist die erfüllte Liebe 

genauso inspirierend? Hat Orpheus sich einfach für die Kunst 

entschieden? Interessieren und interessierten sich deshalb so 

viele Schriftsteller und Philosophen für ihn? 

Doch was ist eigentlich mit Eurydike? 

Bereits 29 v. Chr. erwähnt Vergil sie in seiner Georgica, aber insgesamt 

ist über sie in der Literatur viel weniger zu finden. Meist 

bleibt Eurydike das Objekt, und nur wenige Schriftsteller lassen 

sie zum Subjekt werden. Was ist ihre Sichtweise? Wie sieht es 

mit ihren Gefühlen aus? Will sie wirklich in ihr altes Leben 

zurück, was Orpheus ja in den meisten Fassungen voraussetzt? 

Könnte der Tod für sie fast eine „Erlösung“ sein? In Offenbachs 

Orpheus in der Unterwelt scheint er ihr geradezu willkommen zu 

sein: „Der Tod will mir als Freund erscheinen, mit wahrer Lust 

begrüß ich ihn / ich lächle nur, anstatt zu weinen, so komm, o Tod, 

und nimm mich hin! / Du machst mein Herz vor Freude beben, 

nicht fühl ich deine kalte Hand. / Es scheint, mir ward ein neues 

Leben, statt dass ich heut ein Ende fand. / Leb wohl, leb wohl!“ 

Die Schauspielerin Elke Wollmann 

war 32 Jahre in festen 

Schauspielensembles engagiert 

– von 2002 bis 2018 am Staatstheater 

Nürnberg. Sie spielte die 

Piaf, die Nora, die Medea, Maria 

Callas in der Meisterklasse, 

Klytaimnestra in der Orestie, 

Elisabeth in Maria Stuart, um 

nur einige ihrer vielen Rollen 

zu nennen. Im Jahr 2000 

erhielt sie den Fehling-Förderpreis 

der Stadt Lübeck, als beste 

Schauspielerin bekam sie 2002 

den Theater-Ocar der Rheinischen 

Post. 2008 wurde sie mit 

dem Nürnberger Theaterpreis 

ausgezeichnet. Neben dem 

Schauspiel gehört ihre Leidenschaft 

der Musik. Als Sängerin 

liebt sie den Jazz, das Chanson, 

Brecht in allen Vertonungen, 

aber auch Rock, Funk, Pop 

und der Tango gehören in ihr 

Repertoire. Seit 2013 findet 

sie ihre eigene Handschrift in 

musikalischen Projekten, in 

denen sie ihre Liebe zur Musik, 

zum Menschen, zum Leben, 

zur Literatur vereint. 

Margaret Atwood, die ja auch der Penelope, der Gattin des Odysseus 

in ihrer Penelopiade ein Eigenleben schenkte, lässt Eurydike 

in ihrem Gedicht Orpheus zu selbigem sagen: „vor deinen Augen 

hieltest du Dir stets/das Bild, von dem du wolltest,/daß ich es 

würde: wenn ich wieder lebte./Und deine Hoffnung nur ließ 

mich dir folgen./So war ich deine Halluzination, dir lauschend,/ 

geschmückt mit Blumen, du besangst mich;/(...) Du konntest 

niemals glauben, daß ich mehr war als dein Echo.“ 

66

Für Elfriede Jelinek ist Eurydike zweifelsfrei mehr als „sein Echo“. 

Im Monolog Schatten (Eurydike sagt) ist sie Schriftstellerin, und 

so reflektiert sie über sich selbst und ihre Beziehung zu ihrem 

Mann, dem Sänger: „(…) Da dringt etwas ein, tut weh, irgendwas 

hat sich geöffnet in mir, was war das, ich bin ganz offen zu Ihnen: 

Ich weiß es nicht. Es ist in mich hineingeglitten, mir wird heiß, 

Moment, habe das Gefühl, ich muss etwas Ballast abwerfen, Kleidung? 

Da rinnt etwas… (…) Mein Schreiben, das rinnt wohl auch, 

so empfinde ich es, wissen Sie, mein Mann hingegen singt. Auf 

seinem eigenen Soundtrack eilt er dahin. Das hat ihn berühmt 

gemacht. Bevor er zu singen begonnen hat, war die Stille etwas 

Großes, etwas Heiliges, jetzt gibt es sie nicht mehr, mit seiner 

Stimme hat er die Stille vernichtet. Ich bin stiller geblieben. Ich 

schreibe, wen interessiert’s.“ 

Und jetzt? 

Ja, viele Texte habe ich entdeckt und gelesen, verworfen oder 

ausgesucht. Jetzt freue ich mich auf das Ineinander- und Aneinanderfügen 

und auf die Musik! Natürlich wird Gluck dabeisein, 

aber auch anderes. Bei Ingeborg Bachmann assoziiere ich gerade 

einen Song von Tom Waits, und für Orpheus, der die Zeit zurückdrehen 

will, höre ich innerlich immer wieder Yesterday. Béatrice 

hat von Grönemeyer Ich dreh mich um… dich vorgeschlagen… 

Welche Songs und welche Texte tatsächlich in unserem Eurydike 

und Orpheus-Abend zu hören sein werden, das werden wir erst 

am Ende der Proben wissen. 

„Jemandem, der 

Gluck nicht kennt, 

würde ich die Anfangstakte 

von Che 

farò senza Euridice 

vorsingen und erzählen, 

in welcher Situation 

sich Orpheus 

befindet. Für mich 

als Schauspielerin, die 

immer die Zwischentöne 

sucht, ist diese 

Arie einfach grandios, 

denn im Moment der 

tiefsten Trauer und 

Verzweiflung entsteht 

eine unglaubliche Reibung 

durch so schöne 

Musik…“ 

Elke Wollmann 

Elke Wollmann 

67

Und wie gestaltet sich die Zusammenarbeit zwischen einer 

Schauspielerin/Sängerin und einer Musikerin? 

Zunächst gilt das Sprichwort „Schuster, bleib bei deinen Leisten“, 

was so viel heißt wie: dass wir uns nicht gegenseitig reinreden, 

sondern erst mal die andere in ihrem Thema machen lassen. Wir 

treffen uns zum „Brainstormen“ – Elke hat den großen Blick für 

den Abend, übernimmt Dramaturgie und Inszenierung, ich verschaffe 

mir einen Überblick über die Musik von Gluck, schaue, 

was mich musikalisch inspiriert, bespreche mit Elke, was zum 

Thema passt. Zwischendurch bringen wir uns immer mal wieder 

auf den neuesten Stand. Wenn sich Fragen aufwerfen, besprechen 

wir sie gemeinsam. 

Als Jazz-Pop-Soul-Pianistin höre ich Musik, egal ob Klassik oder 

Jazz, stets im harmonischen Kontext, und so kamen mir oft schon 

beim ersten Hören von Glucks Musik Ideen, wie ich seine Musik 

in meinem persönlichen Stil interpretieren/arrangieren könnte. 

Die Feinarbeit ist aufwendig, ich transkribiere seine Musik zumeist 

selber, anstatt auf gekauftes Notenmaterial zurückzugreifen, 

so bin ich tiefer in der Musik und freier im Arrangieren. Wenn 

jede von uns genug Material zusammen hat, treffen wir uns 

wieder und feilen an Details: welche Musik passt unter welchen 

Text. Elke kann als Schauspielerin eindrucksvoll erklären, welche 

Stimmung sie sich wünscht, und mittlerweile sind wir gut „eingegroovt“, 

das heißt, ich verstehe (fast) immer, was sie meint 

und kann es musikalisch schnell umsetzen. Wir probieren viel 

aus, verwerfen, probieren etwas Anderes, verwerfen es wieder 

usw. Drei erfolgreiche Programme haben wir so gemeinsam auf 

die Bühne gebracht, Eurydike und Orpheus ist also unser viertes, 

und ich würde uns als bestens eingespieltes Team bezeichnen. 

Die Pianistin Béatrice Kahl 

beschäftigt sich seit vielen 

Jahren hauptberuflich mit 

Jazz, Latin-Jazz, Soul- und 

Popmusik. Neben Auftragseinspielungen 

für die Thilo Wolf 

Big Band, John Davis, Melva 

Houston, Marquess, Joo Kraus 

und andere spielt sie gern und 

viel live (unter anderem mit 

Thomas Quasthoff, Emma 

Lanford, Max Mutzke, Joan 

Faulkner, David A. Tobin, Mola 

Adebisi). Tourneen führten sie 

in die USA, in die Schweiz und 

nach Frankreich, wo sie mehrfach 

mit dem Projekt NDW 

meets Jazz auftrat. Seit 2000 

ist Béatrice Kahl als Pianistin, 

Korrepetitorin und Vertretung 

des Musikalischen Leiters für 

verschiedene Theaterproduktionen 

am Staatsschauspiel 

Hannover, am Theater für 

Niedersachsen, am Stadttheater 

Fürth und am Thalia Theater 

in Hamburg sowie für das 

Staatsschauspiel in Nürnberg 

tätig. In ihrer eigenen Band b. 

groovy vereint sie die ihr wichtigsten 

musikalischen Einflüsse 

von Pop bis Jazz. 

Damit sich keine von uns verbiegen muss, bleiben wir uns und 

unserem Stil, zu spielen und zu singen stets treu. So sind wir 

authentisch und werden uns an den Gluck-Abenden sicher etwas 

weiter vorwagen: Die Thematik von Orpheus und Eurydike werden 

wir weiterspinnen, indem wir auch Songs von zeitgenössischen 

Künstlern adaptieren. 

Béatrice Kahl 

68

DAS LEBEN DES FILIPPO BALATRI 

Die Geschichte der sagenumwobenen Sängerkastraten beginnt 

nicht, wie man vermuten könnte, in der Oper, sondern in der 

Kirchenmusik Roms. Ab Mitte des 16. Jahrhunderts sind sie 

nachzuweisen; von einem Massenphänomen ist allerdings noch 

nicht zu sprechen. Papst Sixtus V. verbietet 1587 die Kastration zu 

künstlerischen Zwecken – und im sogenannten Impotenzdekret 

auch die Heirat Zeugungsunfähiger. Erledigt hat sich die brutale 

Praxis damit nicht. Kastriert wird weiterhin, juristisch sind die 

Kastraten nun aber entmündigt. Der Klerus setzt stattdessen 

die 1562 verbotene Praxis des Engagements von Kastraten sogar 

derart konsequent fort, dass im päpstlichen Chor die bis dato 

bevorzugten Falsettisten mit der Zeit durch Kastraten verdrängt 

werden. Ihr Aufstieg hängt also unmittelbar mit der Institution 

Kirche zusammen, veranschaulicht die gesellschaftliche Doppelmoral 

dieser Zeit – und zeigt, wie wenig man sich für die 

körperliche Selbstbestimmung Heranwachsender interessierte. 

Für viele Familien ist eine mögliche Anstellung bei der Kirche 

sogar der eine, zentrale Grund für die Kastration eines sängerisch 

talentierten Knaben. 

Wer war Filippo Balatri? 

Filippo Balatris Biografie ist in vielen Bereichen untypisch für 

einen Kastraten. Er stammt aus eher wohlhabenden Verhältnissen, 

wirtschaftliche Gründe können für seine Kastration keine Rolle 

gespielt haben – und eigentlich ist sie bis ins Letzte auch nicht 

nachvollziehbar. „Die Operation ist lebensgefährlich, und das 

Risiko, dass der verschnittene Junge kein guter Sänger, sondern 

ein trauriger Eunuch wird, ist beträchtlich.“ (Christine Wunnicke) 

Entsprechend ist die bewundernswerte Selbstbestimmung des 

Sopranisten auch kein Zufall. 

Balatri ist, obwohl er nie nach dem Weltruhm eines Farinelli trachtet, 

eben nicht irgendein Kastrat, sondern ein gebildeter Mann mit 

genug Reflexionsvermögen, um seine Situation aktiv zu gestalten. 

Typisch dürfte hingegen sein Hadern mit Liebe und Sexualität 

am Hof Peters des Großen gewesen sein, das er sich in späteren 

Jahren vehement verbietet, da er ja nur „bellen, aber nicht beißen“ 

kann. Eine rigorose, aber verständliche Entscheidung. Die barocke 

Gesellschaft mystifiziert Kastraten zu sexuellen Kuriositäten und 

zerreißt sich nur allzu gern das Maul über sie. Kein Wunder, dass 

Balatri die Welt immer wieder als „mondo porco“, als Schweinewelt 

verflucht. Als Opernsänger sieht sich Balatri nie, obgleich er 

Die Nachtigall des Zaren 

Inszenierte Lesung mit Arien 

der Barockzeit 

Mit: Robert Joseph Bartl 

(Erzähler), Leandro Marziotte 

(Countertenor), Tibor Kovacs 

und Lewin Stedtler (Knabensoprane; 

in Kooperation mit dem 

Stadtsingechor zu Halle) 

Musikalische Leitung: 

Katrin Wittrisch 

Regie: Veit Güssow 

Bühne, Kostüm und Projektionen: 

Stefan Oppenländer 

Videoanimation: Meike Ebert 

Fr, 5. Juli, 20 Uhr, 



Projektionen 

Meike Ebert (Videoanimation) 

Stefan Oppenländer 

Fr 5. Juli, 20 Uhr 


GluckWerkstatt, Theater 

Robert Joseph Bartl wurde 

am renommierten Max-Reinhardt-Seminar 

in Wien zum 

Schauspieler ausgebildet. Bereits 

während seines Studiums 

trat er am Wiener Burgtheater 

und bei den Wiener Festwochen 

auf. Weitere Stationen waren 

das Düsseldorfer Schauspielhaus, 

das Schauspiel Frankfurt 

und schließlich das Bayerische 

Staatsschauspiel unter Dieter 

Dorn. Seit 2011 arbeitet Bartl 

als freischaffender Schauspieler. 

Neben seinen Bühnenengage- 

69

vor allem in seinen Münchner Jahren etliche Opernpartien des 

Hofkapellmeisters Pietro Torri verkörpert. Auch das wirkt auf den 

ersten Blick eher untypisch, hängt der Aufstieg und Ruhm der 

Kastraten im 17. und 18. Jahrhundert doch maßgeblich mit ihrem 

Einsatz in der Oper zusammen. Dieser war jedoch zunächst ein 

purer Sachzwang: Anfang des 17. Jahrhunderts braucht man in 

Rom die Kastraten dringend auf der Opernbühne, weil Frauen 

hier verboten sind. Naheliegend also, zunächst weibliche Rollen 

durch Kastraten singen zu lassen. Die heute vor allem mit dem 

Fach assoziierten Partien, die großen männlichen Heldenrollen 

der Opera seria, sind dann vor allem eine Angelegenheit der 

ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, die Blütezeit der Opernkastraten 

– und die Erwachsenenjahre Balatris. Ab Anfang des 19. 

Jahrhunderts reduziert sich die Anzahl der Kastraten merklich. 

Die Heldenfiguren der aufkommenden romantischen Oper sind 

Tenöre – und auch die Kirche engagiert schon ab Mitte des 18. 

Jahrhunderts immer weniger Kastraten. Im Zuge der Aufklärung 

gerät die Kastrationspraxis ohnehin immer weiter in Verruf, und 

andere Gesangsideale treten an die Stelle des hochartifiziellen 

Kastratentimbres. Filippo Balatri gerät in Vergessenheit und ist 

lange Zeit kaum mehr als eine Fußnote des Barock. 

Ein neuer Gegenstand der Forschung 

Erst in den 1990er Jahren beginnt man sich für den außergewöhnlichen 

Sänger und seine Biografie zu interessieren. In der 

Bayerischen Staatsbibliothek lagert das handschriftlich verfasste 

autobiographische Versepos Frutti del Mondo sowie sein Testament. 

Vita e Viaggi hingegen, ein weiteres autobiographisches 

Prosamanuskript in neun Bänden, ist fast genauso weit herumgekommen 

wie sein Autor: Von München führt der Weg der 

Bände nach England, dann über Italien nach Prag und Moskau. 

Christine Wunnicke, die Autorin der Nachtigall des Zaren, entdeckt 

die in Deutschland verloren geglaubten Bände von Vita e 

Viaggi schließlich in der russischen Staatsbibliothek in Moskau. 

Ihr Buch erscheint 2001, führt die Manuskripte erstmalig zusammen 

und ist für die Würdigung Filippo Balatris sicherlich 

nicht zu unterschätzen. Wunnicke erzählt nah an Balatris Originalmanuskripten. 

Sie ergänzt historische Zusammenhänge und 

strafft den Erzählfluss. Erstaunlicherweise ist die auf Deutsch 

erschienene Nachtigall des Zaren die einzige umfassende Biografie 

über Dionisio Filippo Balatri. 

ments widmet er sich vermehrt 

der Arbeit vor der Kamera. 

Einem breiten Publikum ist 

Bartl als Gerichtsmediziner 

Dr. Steinbrecher im München- 

Tatort bekannt. Er wurde mehrfach 

für seine Arbeit ausgezeichnet, 

beispielsweise mit dem 

Max-Reinhardt-Preis und dem 

Bayerischn Kunstförderpreis. 

Leandro Marziotte, der 

Countertenor aus Uruguay 

mit Wohnsitz in Barcelona, 

Gewinner des ersten Preises 

beim Händel-Wettbewerb der 

Internationalen Händel-Festspiele 

Göttingen 2014, ist auf 

dem südamerikanischen Kontinent 

genauso präsent wie in 

Europa. Bei seinen Auftritten in 

Buenos Aires, São Paulo, Rio 

de Janeiro, Paris, in den Niederlanden, 

Italien oder Deutschland 

musiziert er mit wechselnden 

Ensembles Werke von Bach 

bis Benjamin Britten – und 

legte bereits zahlreiche Soloalben 

auf. 

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Die Nachtigall des Zaren auf der Bühne 

In der inszenierten Lesung wird der faszinierende Kastrat durch 

den Schauspieler Robert Joseph Bartl und den Countertenor Leandro 

Marziotte zum Leben erweckt. Begleitet von Musikern des 

Händelfestspielorchesters Halle auf historischen Instrumenten 

werden Arien von Georg Friedrich Händel und anderen Komponisten 

der Barockzeit dargeboten, die auch aus Balatris Repertoire 

stammen könnten. 

Kornelius Paede 

„Ich hatte in London 

eine Nachtigall in 

meinem Zimmer, 

und ich verliebte 

mich dort so in ihren 

Gesang, dass ich, zunächst 

nur zum Spaß, 

ihre Strophen zu studieren 

begann, bis ich 

sie dann eines Tages 

wirklich nachsingen 

konnte.“ 

Filippo Balatri 

Leandro Marziotte 

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DER GOTT DES ENTFESSELTEN LEBENS 

Er bereut nichts und bleibt uns ein Rätsel – der faszinierende Don 

Juan, Verführer und Verbrecher, Archetyp des Machos, der seit 

Jahrhunderten die Welt beschäftigt. Ein Mythos, mit dem wir noch 

lange nicht fertig sind – trotz Aufklärung, Rechtsstaatlichkeit und 

MeToo. Während er für sein wildes Treiben, seine Missachtung 

von Recht und Moral in Glucks epochemachendem Ballett Don 

Juan (1761) und Mozarts Oper aller Opern Don Giovanni (1787) 

von Teufeln gepeinigt zur Hölle fahren musste, scheint er sich 

in unserer konsumorientierten, neo-hedonistischen Welt bestens 

behaupten zu können – ethische Bedenken? Fehlanzeige! Wie 

ein weitläufiger Spielplatz für Genussorgien, Laissez-faire und 

Ausschweifung wirkt die gewinnorientierte westliche Welt im 21. 

Jahrhundert. Während man sich über die Exzessliteratur eines 

Dylan Thomas, Charles Bukowski oder Henry Miller bis vor 50 

Jahren noch echauffiert hat, jagen uns heute Berichte wie etwa 

aus dem legendären Berliner Club Berghain, die der Blogger 

Airen einem größeren Publikum zugänglich machte, höchstens 

noch kurze Schauer über den Rücken. Für größere Irritationen 

reichen sie kaum mehr. Zu sehr sind Rücksichtslosigkeit und 

unstillbare Gier, Don Juans Triebfedern, scheinbar zur Normalität 

geworden. Imperative wie „You only live once! (Yolo)“ 

und „Nimm, was du kriegen kannst!“ feiern hemmungslos das 

Immer-Mehr im Hier und Jetzt. Warum auch verzichten, wenn 

man alles haben kann? Warum den Don Juan in uns zügeln, 

wenn er es ist, der zunehmend Bewunderung und Anerkennung 

erfährt? Das klingt übertrieben? Gut, vielleicht müssen wir nicht 

augenblicklich die allumfassende „Juanisierung“ unserer Gesellschaft 

befürchten, aber der Trend lässt sich nicht leugnen – die 

alljährlichen Berichte zum exzessiven Verhalten enthemmter 

Menschen auf Großveranstaltungen wie dem Oktoberfest oder 

die ernüchternden Aussagen junger Menschen über ihre destruktiven 

Erfahrungen mit Dating-Apps wie Tinder seien hier 

nur als bescheidenes Indiz angeführt. 

Der Mythos im Hier und Jetzt 

Was verbirgt sich hinter dem Konzept der Juan’schen Selbstermächtigung? 

Der unendlichen Transgression des Egos? Ist 

die Kehrseite der Medaille nicht die existenzielle Krise von Menschen, 

die kein wirkliches Gegenüber, keine Gemeinschaft, keine 

Sicherheit mehr finden oder finden zu können glauben in einer 

Welt der Enthemmung und Entgrenzung? Die Traurigkeit der 

Figur, wie sie schon bei Ödön von Horváth oder Peter Handke 

DON JUAN TECHNO CLUB 

Elektronische Tanz-Opern- 

Nacht nach Gluck und Mozart 

Musik von und mit Daniel 

Brandt und Frieder Nagel 

Choreografie: Fukiko Takase 

Kostüme und Masken: N.N. 

Lichtdesign: Tim Vermeulen 

Mit: Aika Tsuchida, Sara Enrich 

Bertran, Martin Angiuli, 

Stephen Quildan, Thomas 

Rohe, Fukiko Takase 

Do, 11.7. bis Sa 13.7., 

20.30 bis 22.15 Uhr, 

St. Katharina Open Air 

Eine Kooperation der Internationalen 

Gluck-Festspiele 2019 

mit St. Katharina Open Air 

im KunstKulturQuartier. 

Fukiko Takase wurde in New 

York geboren und wuchs in 

Japan auf. Sie tanzt seit ihrem 

zweiten Lebensjahr und absolvierte 

ihre erste Tanzausbildung 

bei ihrer Mutter Takako Takase 

und bei Katsuko Oritas. Sie erhielt 

ein Kulturstipendium der 

japanischen Regierung, studierte 

an der Codarts Rotterdam 

Dance Academy und an der 

Contemporary Dance School in 

London. Als Tänzerin arbeitete 

sie von 2006 bis 2010 für die 

Henri Oguike Dance Company, 

2010 für Russell Maliphant und 

von 2011 bis 2018 für Wayne 

McGregor. Fukiko Takase realisierte 

bereits zahlreiche eigene 

Choreografien wie zum Beispiel 

Autumn Hunch im New 

National Theatre Tokyo, und 

End of Line auf dem Frieze Art 

Fare, Manchester. 

72

Fukiko Takase 

73

geschildert wird, ist längst ein Topos in der Beschäftigung mit 

dem schillernden Antihelden. Außerdem: Wie viel Don Juan 

steckt in den Menschen des anderen Geschlechts? Don Juan 

Techno Club geht solchen Themen und Fragen nach – soweit dies 

mit musikalischen und tänzerischen Mitteln denkbar ist. Auf der 

Basis der Handlung, wie wir sie aus Molières Komödie oder Da 

Pontes Libretto zu Don Giovanni kennen, erarbeitet das Team 

um Tänzerin und Choreografin Fukiko Takase und die Musiker 

Daniel Brandt und Frieder Nagel einen aktuellen Entwurf des 

Don Juan. Sechs der Figuren, verkörpert von Tänzerinnen und 

Tänzern aus fünf verschiedenen Nationen, finden sich in einem 

heutigen Techno-Club wieder. Wer sind Juan, Anna, Leporello, 

Elvira, Masetto und Zerlina im 21. Jahrhundert? Eine bewegte und 

bewegende Allegorie – verortet in der Partykultur unserer Tage. 

Die Musik von Gluck und Mozart wird in Don Juan Techno Club 

zum Auslöser für packende, bebende Beats und Rhythmen aus 

dem elektronisch-akustischen Instrumentarium von Daniel Brandt 

und Frieder Nagel – ein treibender Sound, ein raffiniert gewebter 

Klangteppich, auf dem das entfesselte Leben tanzt. 

Das Ende 

Als Glucks Ballettmusik in der Choreografie von Gasparo Angiolini 

(seinerseits ein „Ballett-Reformer“) 1761 im Wiener Burgtheater 

uraufgeführt wurde, schrieb ein Augenzeuge: „Plötzlich erscheint 

die Hölle. Die Furien tanzen mit brennenden Fackeln und quälen 

Don Juan. Im Hintergrund sieht man ein schönes Feuerwerk, 

das die Flammen der Hölle darstellt. Man sieht Teufel umherfliegen 

(...) Schließlich schleppen die Teufel Don Juan davon und 

stürzen sich mit ihm in den Feuerstrudel (...)“ Welches Ende die 

Geschichte 2019 nimmt, welche spektakulären finalen Effekte in 

St. Katharina unter dem offenen Sommerhimmel stattfinden, ist 

ab 11. Juli zu erleben... 

Friederike Engel/Rainer Mennicken 

Daniel Brandt ist Komponist, 

Musikproduzent und Videoregisseur. 

Er ist Mitbegründer des 

elektroakustischen Ensembles 

Brandt Brauer Frick, die seit 

2009 fünf Alben veröffentlicht 

und mehr als 300 Konzerte 

in 45 Ländern unter anderem 

im Berliner Berghain, Lincoln 

Center New York, Southbank 

Center London und dem Sonar 

Festival Barcelona gegeben 

haben. Seit 2017 veröffentlichte 

er zudem zwei Solo-Alben auf 

dem Londoner Label Erased 

Tapes und ist seitdem auch mit 

diesem Projekt international 

auf Tour. 

Als Videoregisseur kreiert er 

Videoclips und Kurzfilme, die 

auf zahlreichen internationalen 

Festivals präsentiert und mit 

Preisen ausgezeichnet wurden. 

2017 gründete er zusammen 

mit Max Dax (ehemaliger 

Chefredakteur der Spex) den 

Online-Fernsehsender STRRR 

TV (www.strrr.tv). Brandt ist 

außerdem Mitglied in dem von 

Gregor Schwellenbach gegründeten 

sechsköpfigen Klavierensemble 

Six Pianos, mit dem er 

bereits in der Kölner Philharmonie 

und der Elbphilharmonie 

Hamburg gastierte. 

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„Mein Name ist Juan. 

Ich bin der Gott des entfesselten Lebens. 

Ich reiße den Himmel ein, verachte die Regeln. 

Dahinter klafft nur Langeweile. 

Rücksicht und Moral sind bloß fade. 

Der Mensch ist ein Raubtier, 

des Menschen größter Feind. 

Wir sind ein Volk von Affen, nichts weiter. 

Ja, wir! Ihr alle! 

Und ich bin eure Seele. 

Ihr wollt wie ich die Freiheit ohne Grenzen. 

Den Kick, das Glück, den Triumph des Reichtums. 

Gebt doch zu, dass ihr euch nach mir sehnt, 

weil ich die Wahrheit sage. 

Weil ich euch Lust bereite, 

glühende Gedanken, höchsten Genuss. 

Und wenn ihr mir, aufstöhnend vor dem Höhepunkt, 

in die Augen schaut, seht ihr... 

Was seht Ihr da? Was? Mich? 

Mein Innerstes? Das Absolute, die Gewissheit?? 

Das Nichts seht ihr, 

das absolute Nichts, ein glasiges Gallert, 

und ihr spürt eure ganze Verlorenheit! 

Genau wie ich sie spüre. 

Denn mehr ist es nicht. 

Was soll hinter dem Höhepunkt sein? 

Außer dem nächsten Höhepunkt? 

Feiert das Leben! 

Es dauert so lange es dauert. 

Der Tod ist die einzige Grenze. 

Bis dahin nehmt, was ihr kriegen könnt. 

Ich zeige es euch! 

Kommt her, ihr schönen, ihr geilen Geschöpfe – tanzt mit mir! 

Nehmt euch was ihr kriegen könnt! 

Das Einzige ist das Nichts, 

das Viele ist das Einzige, 

die Ausschweifung Erlösung...! 

Ich bin der Gott des entfesselten Lebens!“ 

Vom NDR als einer der 

interessantesten Künstler der 

zeitgenössischen Musik bezeichnet, 

war Frieder Nagel 

zunächst viele Jahre hinter der 

Bühne aktiv. Als Produzent 

arbeitete er für Theater-, Clubund 

Theaterevents, realisierte 

zahlreiche Projekte mit 

Künstlern wie David August, 

La Boum Fatale und Daniel 

Brandt. Erst 2016 stand der 

Autodidakt im Radialsystem 

V in Berlin gemeinsam mit 

dem Deutschen Symphonie-Orchester 

erstmals selbst auf der 

Bühne. Das Konzert wurde von 

der internationalen Underground-Plattform 

Boiler Room 

gestreamt und führte zu einem 

weiterführenden Projekt an der 

Philharmonie Essen und der 

Eröffnung einer Klassik-Bühne 

auf dem Hamburger Reeperbahn 

Festival. 2018 veröffentlichte 

der Klangkünstler seine 

erste EP Distract Robots beim 

Pariser Label Infiné. 

Auszug aus Don Juan Techno Club 

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DIE ANDERE STIMME 

Schöne Stimmen bezaubern. Hohe, schöne und kraftvolle Stimmen beeindrucken. 

Männerstimmen oberhalb der regulären Tenorlage erzeugen offenbar starke Empfindungen 

– bisweilen auch ganz unterschiedliche: hier Begeisterung bis zum Überschwang, 

dort Skepsis bis zum Unbehagen. Was machen die Gesänge der höhensicheren 

Pop-Größen von Paul McCartney bis zu Michael Jackson, von Freddy Mercury bis zu 

Ed Sheeran mit ihrem Publikum? Was versetzt die Massen an den Lautsprechern 

und in den Konzertarenen in Glückszustände oder lässt sie gar außer sich geraten? 

Was bereitet den Besuchern von Barockkonzerten und -opern Entzücken und wohlige 

Schauer? Und was veranlasst andererseits Menschen, vor solchen Klängen ihre Ohren 

zu verschließen? 

Zur Barockzeit war die Oper als Ort gesanglicher Höchstleistungen zunächst ein Theater 

der Stimmen (Thomas Seedorf). Und die höchsten männlichen Stimmen – die der 

Kastraten – wurden den Heldenfiguren zugeordnet. Das Barockzeitalter empfand ihren 

Klang als jugendlich, strahlend, männlich. Einerseits ist die damalige Klang-Realität 

heute nicht mehr überprüfbar, andererseits wissen wir, dass die höchsten Töne für das 

Klangempfinden der Gegenwart eher der weiblichen Stimme „gehören“ – oder doch 

nicht? Gibt es gesangliche Dimensionen, in denen Geschlechtsidentität nachrangig 

wird? Seit ein paar Jahren gerät so manche Sicherheit ins Wanken... 

Abgesehen vom ästhetischen Genuss beim Hören von Countergesang: Wenn diese 

Art des Singens Männer für heutige Ohren nicht wirklich männlich klingen lässt – 

dann wird das offenbar von immer mehr Hörerinnen und Hörern als faszinierende, 

weiterführende Qualität, als neue Erlebnisdimension wahrgenommen – jenseits 

der hinterfragungswürdigen Konvention, die da besagt, dass Männer männlich und 

Frauen weiblich zu klingen haben... 

Der zurzeit wohl prominenteste Künstler dieses Fachs, Philippe Jaroussky, versucht 

die enormen Erfolge, die er und seine Kollegen feiern, so zu umreißen: „Für mich 

ist diese Stimmlage einfach eine Gesangstechnik, für viele bleibt sie aber ein Mysterium 

– und für einen Countertenor ist dies ein Teil des Erfolgs. Die Stimme führt 

das Publikum zurück in die Vergangenheit – mit all den Geschichten über Kastraten. 

Die Leute begeben sich auf eine Reise ins Imaginäre. Ich glaube, das ist es, warum 

es so viele Anhänger gibt.“ Sein Konzert, das am 9. Juli im Reitstadel Neumarkt stattfindet, 

ist ausverkauft. 

Aber die Gluck-Festspiele 2019 haben das Thema aufgegriffen und sechs weitere 

außerordentliche, international erfolgreiche Repräsentanten des Stimmfachs eingeladen. 

Ein Fest der Countertenöre ergibt sich daraus: musikalische Genüsse im 

Überfluss in insgesamt neun Konzerten. Und wer dem Phänomen weiter auf den 

Grund gehen und mehr erfahren will, hat die einmalige Chance, sich beim Internationalen 

Symposium der Gluck-Forschungsstelle der Universität Salzburg in der 

Tafelhalle die neuesten Forschungserkenntnisse zum Thema Hohe Männerstimmen 

zwischen Gluck und Rock erläutern zu lassen! 

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VON STIMMEN, MODEN UND GLUCKS SÄNGERN 

Ein Gespräch über hohe Männerstimmen im Wandel der Zeit mit Thomas Seedorf 

Am 9. Februar 1756 fand in Roms Teatro Argentina die Uraufführung 

von Christoph Willibald Glucks Antigono statt. Das 

Dramma per musica in drei Akten von Pietro Metastasio wurde 

ab 1743 von zahlreichen Komponisten vertont, darunter Hasse, 

Jommelli, Galuppi und Sammartini. Als Gluck den Auftrag in 

Rom annahm, komponierte er fünf der sechs Partien für hohe 

Stimmen. Entsprechend der konservativen Praxis der päpstlichen 

Metropole, die ausschließlich männliche Darsteller auf der Bühne 

erlaubte, wurden diese fünf Partien von Kastraten gesungen. 

Nach der Uraufführung verschwand Glucks Antigono aus den 

Spielplänen und gilt seither als Opernrarität. 

Im Rahmen der Internationalen Gluck-Festspiele in Nürnberg 

findet vom 5. bis 7. Juli 2019 unter dem Titel Die andere Stimme: 

Hohe Männerstimmen zwischen Gluck und Rock ein internationales 

Symposium statt, das sich aktuellen Forschungsfragen zur Bedeutung, 

Verwendung, Ästhetik und Rezeption hoher Männerstimmen 

widmen soll, vom Musiktheater des 18. Jahrhunderts 

bis hin zu zeitgenössischer Musik und Pop. Thomas Seedorf, 

Professor für Musikwissenschaft in Karlsruhe, ist Experte für 

historische Aufführungspraxis und Gesang. 

Vor etwa 30 Jahren beschäftigten sich Musikwissenschaftlerinnen und 

-wissenschaftler hauptsächlich mit kritischen Ausgaben von Noten, 

Komponisten-Biografien und ästhetischen Fragen. Heute gibt es viele 

verschiedene Projekte über Interpretations- und Stimmforschung. Wie 

und warum ergab sich der verstärkte Fokus der Musikwissenschaft auf 

„Performativität“? 

Thomas Seedorf: Man spricht von einem „performative turn“ in 

den Kulturwissenschaften, die sich in den letzten Jahrzehnten 

von der Fixierung auf Texte gelöst und den unterschiedlichsten 

Aspekten der Aufführung von Kunst zugewandt haben. Dieser 

Ansatz ist für die Musikwissenschaft von besonderer Bedeutung, 

da Musik, die nicht rein mündlich überliefert ist oder improvisiert 

wird, eine Doppelexistenz besitzt: als weitgehend unveränderlicher 

Notentext und als Aufführung, die jedes Mal anders ausfällt. Wie 

stark sich die Auffassungen über eine angemessene Interpretation 

eines Werks im Laufe der Zeit verändern, lässt sich leicht 

an Schallplattenaufnahmen nachvollziehen. Zwischen der Art 

und Weise, wie die britische Altistin Kathleen Ferrier 1951 die 

männliche Titelrolle in Glucks Orfeo ed Euridice sang, und dem 

Interpretationsansatz aktueller Countertenöre wie Franco Fagioli 

oder Bejun Mehta liegen Welten. 


Hohe Männerstimmen 

zwischen Gluck und Rock 

Internationales Symposium 

der Gluck-Forschungsstelle an 

der Paris-Lodron-Universität 

Salzburg 

Fr, 5. Juli, 15.45 - 18.00 Uhr 

und 

Sa, 6. Juli, 9.30 - 16.00 Uhr, 


GLUCKWerkstatt 

Theatercafé 

Eintritt frei 

IM GESPRÄCH: 


Round-Table mit 

Valer Sabadus (Köln), 

Kordula Knaus (Bayreuth), 

Thomas Seedorf (Karlsruhe) 

Gesprächsleitung 

Alexander Moore (Wien) 



GLUCKWerkstatt 

Theatercafé 

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Valer Sabadus 

79

Welche Vorteile bringt diese neue Perspektive innerhalb des Fachdiskurses? 

Sie erweitert den Blick auf die Werke, deren Partituren ja in der Regel nicht nur einem 

Spezialistenkreis vorbehalten, sondern Ausgangspunkt einer klanglichen Realisierung 

sein sollen. Unser Verhältnis zur komponierten Musik verändert sich mit der Veränderung 

der Interpretation dieser Musik. 

Denken Sie an bestimmte Beispiele? 

Ja. Vor 50 Jahren hätte sich kaum jemand vorstellen können, dass die Opern Händels, 

die es ungestrichen leicht mit der Aufführungsdauer einer Wagner-Oper aufnehmen 

können, ein großes Publikum begeistern und die Theater füllen könnten. 

Die „Historische Aufführungspraxis“ und ihre farbige, affektbetonte, rhetorische 

Zugangsweise erwies sich als Glücksfall für die Musik Händels, aber auch Glucks 

und vieler andererKomponisten, deren Vielfalt und emotionaler Reichtum in diesem 

Interpretationsansatz viel stärker zur Geltung kommen konnte als in traditionellen 

Arten des Musizierens. 

Was versteht man unter den Anführungszeichen im Titel des Symposiums, um das Wort 

die „andere“ Stimme? 

Das „Andere“ hat verschiedene Facetten. Zum einen verweist der Begriff darauf, dass 

Männern grundsätzlich mehrere Stimmen zur Verfügung stehen: eine „normale“, 

die sie instinktiv im Alltag und beim umgangsmäßigen Singen verwenden, und eine 

„andere“, die sie bewusst einsetzen können. Die erste Art der Stimme nennt man 

Brust- oder Modalstimme, und sie ist in der Höhe begrenzt. Will ein Mann höher singen, 

als die Bruststimme zulässt, kann er in die „andere“ Stimme, in das sogenannte 

Falsettregister umschalten. Das ist jene Art der Stimmgebung, mit der Countertenöre 

singen. Sie steht im Prinzip jedem Mann zur Verfügung, bedarf aber eines besonderen 

Trainings, um in künstlerischer Weise eingesetzt zu werden. „Anders“ ist diese 

Stimme aber auch deshalb, weil sie lange Zeit als fremd, eigenartig, ja verstörend 

empfunden wurde. Alfred Deller, der Pionier des modernen Countertenor-Gesangs, 

begann seine Karriere kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs. Publikum und Kritik 

reagierten gespalten auf seine Art des Singens, denn das biologische Geschlecht des 

Sängers und die Stimme, mit der er sang, schienen nicht zusammenzupassen. Heute, 

einige Jahrzehnte später, wird die Fremdheit, die man früher mit der Falsettstimme 

verband, kaum noch empfunden. Countertenöre gehören zu den Stars des Musiklebens. 

Auch in der Popmusik ist der Gebrauch des Falsetts weitverbreitet, und das 

in den verschiedensten Ausprägungen – vom Ausdruck intimer Zärtlichkeit bis zum 

ekstatischen Schrei. 

Es ist doch überraschend, dass die männliche Stimme einen extrem großen Tonumfang 

besitzt. Farinellis Stimme zum Beispiel reichte von G bis c’’’. Ist die männliche Stimme 

elastischer als die weibliche? 

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Das lässt sich in dieser Verallgemeinerung nicht sagen. Es gibt Sängerinnen, die ihre 

Stimme weit in die Tiefe führen können. Vivaldi hat, um ein historisches Beispiel 

zu nennen, mit Bassistinnen gearbeitet. Schon im 18. Jahrhundert erweiterten viele 

Sopranistinnen ihren Tonumfang in die Höhe. Mozarts Königin der Nacht in der 

Zauberflöte ist dafür nur eines von vielen Beispielen. Einige Vokalistinnen der Neuen 

Musik unserer Zeit haben diese Grenzen noch viel weiter gezogen. Das gilt für 

Männerstimmen in gleicher Weise. Stimmumfänge von mehreren Oktaven können 

von Singenden beiderlei Geschlechts erreicht werden. 

Aber zurück zu Gluck. Er musste sich bei der Besetzung des Antigono nur auf männliche 

Sänger beschränken. Wie war sein Verhältnis zu den Kastraten seiner Zeit? 

In der ersten Phase seiner Karriere war Gluck ein Komponist, der im Produktionssystem 

der italienischen Opera seria arbeitete. Sängerkastraten waren selbstverständlicher Teil 

dieses Systems, denn sie standen in der Ensemblehierachie als Darsteller der Heldenpartien 

an oberer Stelle. Aber auch in seiner späteren Schaffensphase, die mit Orfeo 

ed Euridice begann, arbeitete Gluck mit Kastraten zusammen. Gaetano Guadagni, der 

erste Orfeo, war nicht nur ein sehr guter Sänger, sondern auch ein hervorragender 

Darsteller. Später übernahm der Soprankastrat Giuseppe Millico die Partie des Orfeo, 

er war auch der männliche Hauptdarsteller in Glucks Oper Paride ed Elena. 

Heutzutage sind hohe Männerstimmen wichtig für die populäre Musik. Für Vertreter des 

Glam Metal der 1980er Jahre (zum Beispiel Cinderella, Poison oder Bon Jovi) ist die hohe 

Männerstimme ein zentraler Teil ihrer Marke und Identität. Wann begann der Trend von 

hohen Männerstimmen in Pop und Rock? 

Falsettgesang war in der populären Musik beliebt und verbreitet, lange bevor die Countertenöre 

diese Art des Singens zu einer neuen Selbstverständlichkeit machten. Der 

erste Sänger der Comedian Harmonists beherrschte die Kunst, mit leichter Stimme in 

die Höhe zu singen ebenso wie der Tenor Richard Tauber, der mit seinen Falsett-Tönen 

bezauberte. Aber auch auf der anderen Seite des Atlantiks entwickelten Soul-Sänger 

oder Crooner wie Rudy Vallee oder Bing Crosby Formen des Falsettgesangs, die von 

einem großen Publikum begeistert aufgenommen wurden. 

Kann die hohe Männerstimme von einem Komponisten eigentlich auch parodistisch 

behandelt werden? 

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Ja, und das ist sogar häufig geschehen. Als die Kastraten um die Mitte des 17. Jahrhunderts 

zunehmend die männlichen Hauptrollen in der italienischen Oper übernahmen, 

wurden sie von Librettisten und Komponisten nicht als jene strahlenden Helden 

dargestellt, wie man sie aus der Oper des 18. Jahrhunderts kennt, sondern häufig als 

verweichlichte Kerle, die man immer wieder an ihre Rolle als Held erinnern muss. 

Hohe Tenöre traten in dieser Zeit oft in der Rolle von Ammen auf – ein ironisches 

Spiel mit Geschlechteridentitäten, das vom Publikum genossen wurde und sich auch 

heute großer Beliebtheit erfreut. 

Das Gespräch führte Matthew Werley 

(Gluck-Forschungsstelle, Universität Salzburg). 

DIE VORTRÄGE 

Zehn Referentinnen und Referenten aus der ganzen Welt, von Ohio bis Zagreb, versammeln 

sich Anfang Juli 2019 in Nürnberg, um dieses vielseitige Thema zu diskutieren 

und ihre Forschungsergebnisse vor einem breiten Publikum zu präsentieren. 

Tanja Gölz (Gluck Gesamtausgabe Mainz) spricht über Gluck und die Sänger der 

Opera seria. Welche Interpreten der Komponist vorgesehen hat und welche seinen 

musikalischen Stil beeinflusst haben, sind wichtige Fragen, die bisher nur marginal 

von der Forschung betrachtet wurden. Irene Brandenburg (Salzburg) wird über Glucks 

Antigono sprechen. Brandenburgs Vortrag fasst den aktuellen Forschungsstand über 

Gluck und dessen berühmtes, aber völlig verschwundenes Werk zusammen und wirkt 

gleichzeitig als Einleitung für die Wiederaufführung der Oper nur wenige Stunden 

später in Bayreuths Markgräflichem Opernhaus. Das Symposium wirft auch einen 

Blick auf einen anderen Komponisten des 18. Jahrhunderts, nämlich Georg Friedrich 

Händel. In seinem Vortrag Cross-dressing und Stimmen: Auswechselbarkeit 

der weiblichen und männlichen Partien der Opera seria des 18. Jahrhunderts (auf 

Englisch), nimmt Ivan Curkovic (Zagreb) Genderkonzepte von männlichen Partien 

Händel‘scher Opern genau unter die Lupe. Je nach historischem Umfeld unterscheiden 

das spanische Team Miguel Aguilar-Rancel und Teresa Cascudo Zwischen Soprankastraten 

und ,geänderten‘ Sopranen. Hier wird eine Vielzahl von Beispielen, vom 

Venedig des frühen 17. Jahrhunderts bis zu Berlioz im 19. Jahrhundert, analysiert, 

um musikalisch-ästhetische Unterschiede der hohen Männerstimmen aufzuzeigen. 

Ein Sprung zur zeitgenössischen Oper des 20. und 21. Jahrhunderts folgt mit Sarvenaz 

Safari (Weimar), die einen Vortrag Zur Semantik der hohen Männerstimmen in 

Bernhard Langs ‚Das Theater des Wiederholungen‘ (2003) hält. Langs Bühnenstück, 

das die Wiederkehr der Gewalt in der Menschheitsgeschichte thematisiert, besetzt 

neben zwei Sopranen und Bässen auch zwei Countertenöre. Den interdisziplinären 

Übergang zwischen Film und intermedialen Bühnenstücken spricht Elisabeth van 

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Treeck (Bochum) in ihrem Vortrag Countertenöre in Olga Neuwirths Musiktheater 

an. Sie stellt die Frage, inwiefern die hohe Stimmlage ein „Anderes“ in Neuwirths 

Bühnenwerken seit den 1990er Jahren repräsentiert. 

Dass die Ausbreitung von hohen Männerstimmen keineswegs nur auf das klassische 

Musiktheater beschränkt ist, sondern auch in der populären Musik stark vertreten ist, 

zeigt Philip Lambert aus New York mit seinem Vortrag in englischer Sprache Himmlischer 

Kontrapunkt und Gekreische im Falsett: Brian Wilson und die Stimmkunst 

der Beach Boys. Der kalifornische Surf-Sound ist einzigartig und weltweit bekannt. 

Lamberts Vortrag fügt sich nahtlos an den Vortrag Der Aufstieg des Falsetts im Zeitalter 

der Disco-Dekade (auf Englisch) von Mark Perry aus Ohio an. Perry verdeutlicht 

darin die Verbindungen zwischen Stimmklang und der sexuellen Revolution der 

1970er Jahre. 

Die ästhetisch-musikalischen Zusammenhänge von Händel bis Neuwirth werden 

sowohl aus einer historischen als auch aus einer ästhetischen Perspektive zusammengefasst. 

Freya Jarman aus Liverpool fokussiert sich in Die, andere‘ Welt der 

‚anderen‘ Stimmen: Von himmlischen und dämonischen hohen Männerstimmen 

(auf Englisch) auf die Ästhetik der hohen Männerstimme von Händel bis Gluck. Das 

große historische Panorama wird dann in Thomas Seedorfs (Karlsruhe) Keynote-Vortrag 

zusammengefasst. Am Sonntag folgt ein Podiumsgespräch rund um die Frage 

Woher der Counter-Boom? mit dem Countertenor Valer Sabadus, Moderator Alexander 

Moore, der Musikwissenschaftlerin Kordula Knaus und Thomas Seedorf. Wir freuen 

uns auf spannende Diskussion und reges Publikumsinteresse. 

„Ich bin Gluck schon sehr früh begegnet, denn eine der ersten 

Opern, die ich in meiner Kindheit am Stadttheater Bern gesehen 

habe, war Orfeo ed Euridice. In der Inszenierung musste der Titelheld 

seine berühmte Arie Che farò senza Euridice flach auf dem Rücken 

liegend singen. Ich war fünf Jahre alt und wusste noch nichts über 

die Verschiedenheit von Inszenierungen und dachte also, diese Arie 

MÜSSE stets auf dem Rücken liegend gesungen werden... und habe 

mich dann zu Hause auch immer auf den Boden gelegt, um diese 

Arie zu imitieren.“ 

Terry Wey 

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FREIER HIMMEL – FREIER EINTRITT 

Gluck für alle 

Christoph Willibald Gluck war der Sohn eines Försters, und die Verbindung des Menschen zur 

Natur spielte Zeit seines Lebens eine große Rolle für ihn. Besonders auf dem Höhepunkt seines 

Schaffens, der Zeit der großen Reformopern in Paris, wurde sein Bestreben, dem Operngesang 

seine natürliche Empfindsamkeit zurückzugeben, über die Maße gefeiert. Marie-Antoinette, 

ihrerseits glühende Anhängerin der Naturphilosophie von Jean-Jacques Rousseau, der seinerseits 

wiederum ein großer Verehrer Glucks war, schrieb nach der Premiere von Iphigénie en Aulide 

1774 an ihre Schwester: „Ich hatte Herrn Gluck noch vor den Proben sehen wollen, und er hat 

mir selbst den Plan seiner Ideen entwickelt, den ‚wahren Charakter der theatralischen Musik‘, 

wie er es nennt, wieder ins Natürliche zurückzuführen; und so wie ich es empfunden habe, ist 

ihm das über alles Erwarten gut gelungen.“ Gluck hatte die Verbindung zwischen Kultur und 

Natur zu Musik werden lassen… 

Was könnte es Schöneres geben, als zur lauen Sommerzeit unter freiem Himmel nicht nur den 

Gesang der Vögel, sondern auch die Musik von Gluck zu genießen – und das zum Nulltarif!? 

Die Internationalen Gluck-Festspiele freuen sich, ihrem Publikum gleich drei Veranstaltungen 

dieser Art zum Geschenk machen zu können… 

Bei freiem Eintritt und hoffentlich schönstem Sonnenschein möchten wir alle Musikfreunde der 

Metropolregion dazu einladen, am 2. Juli den Geburtstag von Christoph Willibald Gluck mit uns 

in Berching zu feiern, sich am 6. Juli beim Open Air Konzert der Jungen Fürther Streichhölzer 

im Südstadtpark Fürth davon zu überzeugen, wie gut Gluck nach Hollywood passt, und sich am 

14. Juli, dem letzten Tag der Festspiele, auf eine Gluckliche Reise in den Schlossgarten Erlangen 

zu begeben, wo es mit sieben Bläsern einmal quer über den europäischen Kontinent geht. Für 

diese Veranstaltungen werden keinerlei Karten benötigt. Sie können einfach vorbeikommen und 

das sommerliche Festival-Flair genießen… 

Zur Einstimmung auf unsere vielseitigen Veranstaltungen unter freiem Himmel bei freiem 

Eintritt erhalten Sie auf den folgenden Seiten aufschlussreiche Einblicke in die Aktivitäten der 

Gluckstadt Berching, die wir mit Hilfe des ehemaligen Bürgermeisters Rudolf Eineder erkunden 

durften. Bernd Müller, der Dirigent und Leiter der Jungen Fürther Streichhölzer, hat uns zu sich 

in die Musikschule Fürth eingeladen und uns aus seinem Alltag erzählt. Und einen Routenplaner 

zur Vorbereitung auf die Gluckliche Reise haben wir Ihnen auch zusammengestellt… 

„Ich glaube, die Musik müsse für die Poesie dasjenige sein, was die 

Lebhaftigkeit der Farben und eine glückliche Mischung von Schatten 

und Licht für eine fehlerfreie und wohlgeordnete Zeichnung sind, 

indem sie nur dazu dienen, die Figuren zu beleben, ohne die 

Umrisse zu zerstören.“ 


85

GLUCK IN BERCHING 

Ein Gespräch mit Rudolf Eineder 

Es ist Adventszeit, klirrend kalt, die ersten Schneeflocken könnten 

bald fallen. In Berching ist es ruhig an diesem Montag im 

Dezember. Im Café Plank, der alteingesessenen Bäckerei und 

Konditorei im Herzen der Stadt am Pettenkoferplatz, wartet 

Rudolf Eineder – langjähriger Bürgermeister und ausgemachter 

Gluckfreund. Seit vielen Jahren pflegt er mit einem engagierten 

Kreis das Image der Gluckstadt und verschafft dem Komponisten 

einen festen Platz im Bewusstsein ihrer Bürger. 

Ein Erlebnis in Wien 

Die erste Begegnung mit Gluck? Daran kann sich Eineder noch 

gut erinnern. Es war im Jahr 1987, als er vom Kulturreferenten der 

Stadt Wien in die Staatsoper eingeladen wurde: „Da ich in einem 

kleinen Dorf in Niederbayern aufgewachsen bin, hatte ich mit 

Gluck bis dato eigentlich nichts zu tun. Aber diese Aufführung 

von Iphigenie in Wien war ein unvergessliches Erlebnis. Diese 

Musik und die Staatsoper… wann erlebt man so etwas schon als 

junger Lehrer?“ Die Beschäftigung mit dem Komponisten sollte 

schon bald zu einer seiner Lebensaufgaben werden. Denn 1990 

wurde Eineder in den Stadtrat der Gemeinde Berching gewählt, in 

deren Ortsteil Erasbach Christoph Willibald Gluck 1714 geboren 

wurde, und gleich für das Amt des zweiten Bürgermeisters vorgeschlagen. 

Von nun an hatte er sich um die kulturellen Belange 

der Gemeinde zu kümmern – eine Aufgabe, die ihn bis heute 

nicht losgelassen hat. 

Wie Berching zur Gluckstadt wurde 

Aber immer der Reihe nach. „Eine der ersten Aufgaben zu meiner 

Amtszeit als zweiter Bürgermeister war die Gestaltung der 

Eröffnungsfeierlichkeiten des Main-Donau-Kanals 1992. Zwei 

Wochen dauerten sie. Musik – natürlich auch die von Gluck – 

spielte eine wichtige Rolle. Gluck zum Sommerkonzert – daraus 

sollte Tradition werden. Alles im Freien, wobei uns der Wettergott 

nicht immer gnädig war. Aber den Leuten gefiel es. Glucks 

Musik gewann immer größere Aufmerksamkeit. Als ich 1996 

zum ersten Bürgermeister gewählt wurde, stand für mich längst 

fest, dass man für Gluck noch viel mehr machen muss!“ 

DAS GEBURTSTAGSFEST 

Gastgeber sind der Freundeskreis 


e.V. und die Stadt Berching 

in Kooperation mit der Pocket 

Opera Company (künstlerische 

und musikalische Leitung 

Franz Killer), dem Gymnasium 

Beilngries mit Chor (Leitung 

Patricia Lanz) und Orchester 

(Leitung Dr. Bernhard Strunz) 

sowie der Mittelschule und 

Realschule Berching. 

Weitere Mitwirkende: Gertrud 

Demmler-Schwab (Sopran), 

Stephanie Altmann (Mezzosopran), 

Robert Eller (Bariton) 

und Klaus Meile (Schauspieler), 

das Orchester der 

Pocket Opera Company, der 

Motetten-Chor-Nürnberg und 

Philharmenka 

Di, 2. Juli, 17.00 Uhr, 

Hans-Kuffer-Park, Berching 

Eintritt frei 

„Deine Musik wird 

immer lebendig 

bleiben, Christoph 

Willibald Gluck!“ 

Leandro Marziotte 

Was brachte Eineder zu dieser Überzeugung? „Gluck war einer 

der großen Reisenden des 18. Jahrhunderts. Von Prag über Wien, 

86

Mailand, Rom, London, Paris bis Kopenhagen. Gluck hat seinen 

eigenen europäischen Gedanken schon im 18. Jahrhundert gelebt. 

Und für die Musikgeschichte Europas war er ein Pionier, brachte 

Musik und Handlung in der Oper als erster wirklich zusammen. 

Und dieser Komponist ist hier geboren! Jede Stadt braucht ein 

Markenzeichen, und wir haben diesen wunderbaren Musiker – 

ein Geschenk des Himmels!“Es ging also an die Arbeit. Gerhard 

Croll, der wohl bedeutendste Gluck-Forscher der Gegenwart, stand 

Eineder zur Seite, und gemeinsam formten sie das Image der 

Gluckstadt Berching. „Nach den Sommerkonzerten wagten wir 

uns an kleine Opern, die am Pettenkoferplatz zur Aufführung 

kamen, dann wurde im Erdgeschoss des Heimatmuseums das 

Gluckmuseum eröffnet. Überhaupt ließen wir keine Gelegenheit 

aus, Gluck stärker ins Interesse der Stadt zu rücken.“ 

Als Nachfolger Gerhard Crolls übernahm Rudolf Eineder 2008 

den Vorsitz der Internationalen Gluck-Gesellschaft. Doch neben 

diesem überregionalen Engagement sollte auch in Berching weiterhin 

mehr getan werden, zumal 2013/14 die Saison mit Glucks 

300. Geburtstag anstand. Das war der rechte Zeitpunkt, die Gluckfreunde 

Berching e.V. ins Leben zu rufen – ein zunächst kleiner 

Kreis aus gluckbegeisterten Persönlichkeiten der Stadt und von 

außerhalb, der sich über die Jahre kontinuierlich vergrößerte. 

300 Jahre Gluck und die Entdeckung der Landpartie 

Mit voller Kraft machte man sich an die Planung des Jubiläumsjahres. 

„Wir haben den 300. Geburtstag eigentlich über zwei Jahre 

hinweg gefeiert. Die größte Erfindung zu diesem Anlass war die 

Landpartie. Unter dem Motto des Dreiklangs von Kultur, Natur 

und Musik haben wir Wanderungen in der Geburtsregion Glucks 

bzw. im Jagdgebiet des Oberförsters Alexander Gluck, dem Vater 

des Komponisten, entwickelt. In den ersten Jahren drehte sich die 

Landpartie meist um Glucks Leben und Werdegang. Seit zwei, 

drei Jahren bieten wir kleine Opern in regelmäßiger Zusammenarbeit 

mit der Pocket Opera Company unter der musikalischen 

und künstlerischen Leitung von Franz Killer.“ Rudolf Eineder 

gerät ins Schwärmen. „Es ist ein großartiges Erlebnis, wenn 150 

Menschen sich gemeinsam in den Wald aufmachen, begleitet 

von Ortskundigen in historischen Gewändern, überrascht von 

Schauspielern, begrüßt von Musikern. Und was wir dem Publikum 

nicht schon alles geboten haben: Pferdekutschen, ein Treidelschiff, 

ein Floß – immer eine ganz besondere Erfahrung!“ Natürlich 

Franz Killer dirigierte zahlreiche 

Ur- und Erstaufführungen 

mit namhaften Orchestern 

und Ensembles verbunden 

mit Rundfunkproduktionen 

und setzt sich über Jahrzehnte 

hinweg für die Aufführung von 

unbekannten Kammeropern ein 

wie zum Beispiel Das Tagebuch 

der Anne Frank (DE 

/ 1994) von Grigori Frid und 

Jason und Medea von Volker 

Blumenthaler (UA / 1996). 

Seit 1982 leitet er den Motetten-Chor-Nürnberg 

mit dem 

er zahlreiche Auftritte im Inund 

Ausland realisierte. 2003 

übernahm er die musikalische 

Leitung der Pocket Opera 

Company Nürnberg. Im August 

2007 wurde ihm die künstlerische 

Leitung dieser überregional 

bekannten Musiktheatertruppe 

übertragen. Nebst seinem Engagement 

als Dirigent, komponierte 

Franz Killer für zahlreiche 

Bühnen: unter anderem vollendete 

er im Wagner-Jahr 2013 

das Opernfragment Männerlist 

größer als Frauenlist oder Die 

glückliche Bärenfamilie von 

Richard Wagner, das im selben 

Jahr in Nürnberg die vielbeachtete 

Uraufführung erlebte. 

87

ist jede Landpartie ein Mammutprojekt für die Gemeinde: „Dahinter steht jeweils 

ein organisatorischer Masterplan. Für Darsteller und Techniker muss ja eine andere 

Route gefunden werden, damit alles rechtzeitig steht. Da sind viele helfende Hände 

nötig. Aber der Aufwand lohnt sich jedes Mal.“ Die kleinen Wanderungen umfassen 

meist eine Tour von fünf bis sechs Kilometern und starten beim Gluckmuseum an 

der Johannisbrücke 2 – in diesem Jahr mit einer kleinen Variante von Orpheus und 

Eurydike (siehe Artikel S. 42 f.) „Natürlich veranstalten wir hier keine Weltstadt-Oper 

wie in Wien (er lacht). Wir machen Oper zum Anfassen – dafür kommen aber auch 

Leute hierher, die sonst nicht ohne weiteres in die Oper gehen würden. Und das ist 

etwas Wunderbares!“ 

Eine Zukunft für Gluck 

An den Jubiläumsfeierlichkeiten 2013/14 waren sehr viele Bürgerinnen und Bürger 

beteiligt – von ortsansässigen Musikerinnen und Musikern, über Schülerinnen und 

Schüler bis hin zu einem integrativen Projekt, das Menschen mit Behinderung in das 

Geschehen einband. Diese Erfahrungen haben Gluck der Stadt noch mal ein ganzes 

Stück nähergebracht: „Mich hat immer interessiert, wie viel Gluck die Stadt Berching 

verträgt. Das versuchten wir auszuloten. Und wenn es zu einem Diskussionsforum 

über Gluck mit Musik am Vormittag Weißwürste geben soll, dann machen wir das. 

Aber die Leute kommen dann auch, und einen Zusammenhalt gibt es hier sowieso 

immer. Ein spontanes Premierenessen für 60 Personen? Kein Problem für unseren 

Griechen. 50 Notenständer für ein Konzert? Da wird einfach schnell die Schule aufgeschlossen, 

und schon hat man die Sachen. Das ist das Schöne hier auf dem Land.“ 

Auch wenn Christoph Willibald Gluck heute für viele in Berching schon dazugehört, 

ist sich Eineder sicher: „Man muss dranbleiben. Eine Landpartie pro Jahr reicht nicht. 

So etwas wie der Gluck-Wanderweg, das Gluckmuseum, da muss man findig bleiben – 

nicht nur Veranstaltungen machen, sondern Erlebnisse schaffen und vor allem...“, 

Eineder wird jetzt ernst und klar: „...müssen wir mehr junge Leute begeistern. Die 

sollen uns Silberhaarige langsam ruhig ablösen. Bei den Gluckfreunden haben wir 

schon eine Verjüngung hinbekommen, aber es muss noch mehr passieren.“ Eineder 

hat hierzu auch schon die passende Idee: „Mit der Internationalen Gluck-Gesellschaft 

arbeiten wir schon länger daran, Materialien für den Schulunterricht zu entwickeln. 

Da muss man ansetzen.“ Aber Gluck neben Bach, Haydn und Mozart in der Schule? 

Das ist noch Zukunftsmusik. 

88

Das Geburtstagsfest 2019 

In diesem Sommer wird erst einmal wieder Glucks Geburtstag gefeiert, und zwar der 

305. Am 2. Juli auf dem Reichenauplatz. „Um diesen Geburtstag gibt es in Berching 

ja einen riesigen Streit, wissen Sie das? Die einen behaupten tatsächlich noch immer, 

Gluck sei am 4. Juli 1714 im Ortsteil Weidenwang geboren, dabei gibt es Beweise, 

dass es am 2. Juli in Erasbach war, und es die Taufe war, die zwei Tage später in Weidenwang 

stattgefunden hat. Aber das darf man hier nicht überall laut sagen. Dafür 

wurden mir im Bierzelt auch schon mal Prügel angedroht.“ Er lacht und fährt fort: 

„Klar, einen letztgültigen Beweis, so etwas wie eine Geburtsurkunde gibt es nicht. Viele 

Dokumente aus Glucks Nachlass sind 1807 bei einem Großbrand in Wien dem Feuer 

zum Opfer gefallen. Dennoch ist ein sogenanntes ‚Lebenszeichen‘ aus den Pariser 

Jahren erhalten. Gluck musste so etwas in regelmäßigen Abständen unterzeichnen, 

um sein stattliches Gehalt aus Frankreich zu beziehen. Auf diesem Papier ist der 2. 

Juli 1714 als sein Geburtstag vermerkt. Außerdem gibt es den Nachweis für eine im 

Zweiten Weltkrieg verbrannte Immatrikulationsbescheinigung von 1732 aus Prag, 

in der Gluck sich mit „aus dem pfälzischen Erasbach kommend“ einträgt. Gluck ist 

in seiner Kindheit und Jugend häufig umgezogen. Warum sollte er gerade Erasbach 

aus diesen Stationen herausgreifen, wenn es nicht sein Geburtsort war? Wir feiern 

jedenfalls am 2. Juli.“ 

Und was wird bei diesem Geburtstagsfest geboten? „Es soll ein Fest voller Überraschungen 

werden, mit vielen unterschiedlichen, teilweise hochkarätigen Gratulanten, 

die dem Jubilar ihre Geschenke übergeben werden. Ein bereits durch die letzte Landpartie 

bekannter Zeitgenosse Glucks wird durch das Programm führen: der aus Wien 

angereiste Graf Giacomo Durazzo. Er wird aus dem Leben Glucks erzählen, aber 

auch von Begegnungen mit dem berühmten Reiseschriftsteller Charles Burney, der 

Gluck in Wien aufgesucht hatte und so manches aus dem „Nähkästchen“ des großen 

Meisters verrät. Virtuose Bläserklänge, dargeboten von dem Orchester Philharmenka, 

atemberaubende Koloraturarien präsentiert von Ensemblemitgliedern der Pocket 

Opera Company im Wechselspiel mit dem Motetten Chor Nürnberg, träumerische 

Instrumental- und Vokalstücke dargeboten von Schülerinnen und Schülern des Beilngrieser 

Gymnasiums unter der Leitung von Bernhard Strunz. Den Rahmen bildet 

ein Werk Glucks, das für alle eine Entdeckung werden wird: Le feste d’Apollo – exakt 

vor 250 Jahren in Parma uraufgeführt, erklingt in Auszügen erstmals in Berching. 

Und nicht nur an den Ohrenschmaus ist gedacht: Aber das ist eine Überraschung.“ 

Rudolf Eineder verharrt kurz in seinen Gedanken und fügt hinzu: „Sogar unser Volksfestverantwortlicher 

wird kommen, obwohl er mit Gluck relativ wenig am Hut hat. 

Warum? Na, wegen dem Auftritt von Philharmenka... Also Gluck als Blasmusik, das 

interessiert ihn dann doch. Sehen Sie, Berching ist einfach begeisterungsfähig – man 

muss nur wissen wie!“ 


89

GLUCK IN HOLLYWOOD 

Ein Gespräch mit Bernd Müller 

Glucks Sinfonie in G-Dur war das allererste Stück, das Bernd 

Müller selbst als Jugendlicher im Schulorchester einstudieren 

durfte. „Das war keine leichte Aufgabe… Ich spiele ja Geige und 

musste in diesem Falle eine umgeschriebene Bratschenstimme 

spielen“, erinnert sich der Musiker. Es war eine Begegnung mit 

Folgen, denn das Schulorchester war nur der Anfang für den Violinisten 

und gebürtigen Fürther. Von dort aus ging es für Bernd 

Müller direkt zu den Jungen Fürther Streichhölzern, deren Leiter 

er heute ist. Begeistert beschreibt er, wie hier engagiert mit jungen 

Menschen Musik gemacht wird. Vom Vororchester, in dem die 

Acht- bis Neunjährigen anfangen, über das Nachwuchsorchester, 

das Kammerorchester bis zum Sinfonieorchester, in dem die 15- bis 

18-Jährigen spielen, wird hier gemeinsam musiziert. Ihn selbst 

hat seine Zeit bei den Streichhölzern dazu gebracht, Profimusiker 

zu werden. „Das machen aber nicht viele. Die meisten erhalten 

sich die Musik als Hobby, was vermutlich auch ganz gut ist. Der 

Markt ist ja doch ziemlich übersättigt, und außerdem…“, Bernd 

Müller schmunzelt, „ist ja allgemein bekannt, dass der wesentliche 

Unterschied zwischen einem Jugend- und einem Profiorchester 

darin besteht, dass es im Jugendorchester Spaß macht...“ 

Vom seltenen Gebrauch des Veto-Rechts 

Während seines Studiums war der Violinist unter anderem als 

Konzertmeister in der Jungen Deutschen Philharmonie tätig, 

später als erster Geiger der Staatsphilharmonie Nürnberg. 1997 

gründete er das Orchester KlangLust!, in dem ehemalige und 

derzeit aktive Streichhölzer, Musikstudierende und Profimusiker*innen 

zusammenkommen. Eine Formation, die Bernd Müller 

auch neben seiner Haupttätigkeit bis heute am Herzen liegt. Es 

war dann 2004, als der endgültige Ruf zurück zu den Wurzeln 

kam: „Das Telefon klingelte. Die Cellistin Christel Opp, die die 

Jungen Fürther Streichhölzer Anfang der Achtziger gegründet 

hatte, war am Apparat und fragte mich direkt heraus, ob ich mir 

vorstellen könnte, die Leitung des Orchesters zu übernehmen. Sie 

wollte sich nach 20 Jahren anderen Aufgaben zuwenden. Ich habe 

mich natürlich sehr geschmeichelt gefühlt und gerne zugesagt.“ 

Bernd Müller strahlt. Es wird deutlich, welch große Freude es 

für ihn gewesen sein muss, diese Aufgabe zu übernehmen und 

fortan junge Menschen für Musik zu begeistern. 

CLASSIC GOES 

HOLLYWOOD 3 

Die Jungen Fürther 

Streichhölzer 

Sa, 6. Juli, 19.30 Uhr, 

Südstadtpark Fürth 

Eintritt frei 

Die Jungen Fürther Streichhölzer, 

das Jugendsymphonieorchester 

der Stadt Fürth, zählt 

in insgesamt vier Orchestern 

zusammen etwa 170 aktive 

Mitglieder, die sich – aus dem 

gesamten Großraum Fürth - 

Nürnberg - Erlangen kommend 

– einmal wöchentlich zum Proben 

treffen. Vor über 30 Jahren 

gegründet hat es sich zu einem 

außergewöhnlichen Klangkörper 

in der deutschen Jugendorchesterlandschaft 

entwickelt. 

Seit 2004 ist Bernd Müller für 

die Jungen Fürther Streichhölzer 

künstlerisch verantwortlich. 

Er war selbst langjähriges 

Orchestermitglied und Konzertmeister 

des Orchesters. 

90

Seine Tätigkeit als Leiter und Dirigent der Jungen Fürther Streichhölzer ist äußerst vielseitig. 

Immerhin umfasst der Verbund der Orchester für die verschiedenen Altersgruppen um die 170 

aktive Mitglieder. Konzerte, Konzertreisen und die dazugehörigen Proben müssen organisiert, 

die musikalischen Programme zusammengestellt und einstudiert werden. Hier entscheidet 

Bernd Müller allerdings nicht allein. „Es gibt einen Orchestervorstand, der sich aus Mitgliedern 

der verschiedenen Instrumentengruppen zusammensetzt. In dieser Runde setzen wir uns drei 

bis vier Mal im Jahr zusammen, um Programmvorschläge zu diskutieren. Aber ich habe natürlich 

ein Veto-Recht.“ Er lacht und fügt hinzu: „Von dem ich selten Gebrauch machen muss.“ 

Insgesamt stehen für die Fürther Streichhölzer vier große Konzerte und eine Konzertreise im 

Jahreskalender, zwei der Konzerte finden im Stadttheater Fürth statt, und eines ist jeweils das 

sommerliche Open Air im Südstadtpark. 

Endlich einmal Gluck! 

„Als ich dem Orchestervorstand von der Möglichkeit erzählt habe, mit den Gluck-Festspielen 

zu kooperieren, stieß das sofort auf Begeisterung. Da Gluck nicht allzu viele Instrumentalwerke 

komponiert hat, hatten wir uns bisher nicht viel mit ihm beschäftigt. Eine kleinere Formation 

hatte einmal die Gelegenheit gehabt, einen Orpheus zu begleiten, aber sonst kam es bisher nie 

dazu.“ Durch den Zeitrahmen der Festspiele war schnell klar, dass die Zusammenarbeit das 

Open-Air-Konzert im Südstadtpark betreffen würde. Und auch dass es ein Programm mit Filmmusik 

werden würde, stand bald fest. 

„Diese Art von Musik passt einfach perfekt für ein Open Air. Sie kommt emotional so gut auf den 

Punkt, hat eine direkte, klare Wirkung. Wir haben damit schon gute Erfahrungen unter freiem 

Himmel gemacht.“ Aber was hat nun Gluck mit Filmmusik zu tun? „Ich war ganz fasziniert, wie 

häufig Kompositionen von Gluck schon als Soundtrack verwendet wurden.“ Und tatsächlich: Wirft 

man einen Blick in die große Filmdatenbank unter www.imdb.com, staunt man, wie viele Titel 

dort zu Gluck gelistet werden. Vom Western aus den 1930er Jahren, über Gefährliche Liebschaften 

mit Glenn Close und John Malkovich bis hin zum 2009 mit acht Oscars ausgezeichneten Film 

Slumdog Millionär. „Meist sind es Nummern aus Orfeo ed Euridice, berichtet Müller. „Vermutlich 

kein Wunder, denn gerade in diesem Werk entfaltete Gluck ja erstmals die ganze emotionale 

Wirkungskraft seiner Musik, und genau hierin besteht ja auch die Aufgabe von Filmmusik.“ 

Aus diesem Anlass werden auch der Reigen seliger Geister, der Furientanz und vielleicht die Ouvertüre 

des Orpheus beim Open-Air-Konzert erklingen – im vollen Kino-Sound! „Das ist absolut 

das Richtige für einen Sommertag im Park, obwohl es sicher noch viele, vielleicht auch aufregendere, 

entdeckungswürdige Werke von Gluck gibt.“ In jedem Fall freut sich Bernd Müller 

auf seine überraschende Wiederbegegnung mit dem Komponisten: „Bei hoffentlich schönem 

Wetter“ am Samstag, den 6. Juli im Südstadtpark... 


91

Philharmenka 

92

93

UNTERWEGS MIT GLUCK 

Wir Musikanten 

Kurt Gäble 

Arrangement Christian Wissel 

Ouvertüre zu Ezio 


Gruß an Böhmen 

Vackar Vaclav 

Ausschnitt aus La clemenza di Tito 


Vierteljahrhundert Dreiviertler 

Herbert Pixner 

Arrangement Georg Birner 

Mars der Medici 

Johann Wichers 

Arrangement Paul Meiler 

Ouvertüre zu Iphigénie en Aulide 


Paris 

Cellini Intrada 

Christian Wissel 

Ouvertüre zu Orpheus und Eurydike 


Wien bleibt Wien 

Johann Schrammel 

Ouvertüre zu La contesa dei Numi 


Fnugg Blue 

Oystein Baadsvik 

Arrangement Christian Wissel 

94

GLUCKLICHE REISE 

Ein Komponist zieht 

durch Europa 

Kopenhagen 

Schlossgartenkonzert mit 

dem Ensemble Philharmenka 


Schlossgarten Erlangen 

(vor der Orangerie) 

Bei schlechtem Wetter 

im Redoutensaal 

Eintritt frei 

Prag 

Wien 

Neapel 

Seit 2010 spielen die sieben 

sympathischen Musiker von 

Philharmenka, die sich von der 

Staatsphilharmonie Nürnberg 

kennen, Blasmusik auf höchstem 

Niveau – bei minimaler 

Besetzung. Den Grundstock 

bildet die böhmische Blasmusik, 

mit der die Sieben in ihren 

Heimatkapellen aufgewachsen 

sind und nach der sie sich nach 

Studium und Opernalltag sehnten. 

Die traditionellen Stücke 

arrangieren sie größtenteils 

selbst für sich oder schreiben 

gleich neue. Erweitert wird das 

Repertoire um moderne und 

jazzige Eigenarrangements. 

Philharmenka, das sind: Niko 

Keller, Bernhard Holzmann, 

Holger Pfeuffer, Georg Birner, 

Fabian Kerber, Paul Meiler 

und Matthias Raggl. Für die 

Gluck-Festspiele 2019 stellen die 

Sieben ein spezielles Programm 

zusammen, das wichtige 

Stationen des reisefreudigen 

Europäers Gluck musikalisch 

veranschaulicht. 

95

„ ... dann fegt die letzte 

brillante Klavierphrase alle 

Schatten von der Tastatur.“ 

JETZT 

im 

Buchhandel 

Mathias Husmann - Präludien fürs Publikum II 

99 weitere Konzert- und Operneinführungen in aller Kürze 

Mit künstlerischen Pressezeichnungen aus Oper und Tanz 

€ 14,90 (D) • ISBN: 978-3-9818481-1-3 

96

SPIELPLAN 

DO, 27. Juni 19.30 Uhr Staatstheater Nürnberg, Opernhaus 

Festliche Eröffnung 

GROSSE GEFÜHLE, GLÜCK UND VERHÄNGNIS 

Gluck-Operngala mit Karina Gauvin, Max Emanuel Cencic und dem 

Orchester Armonia Atenea (Athen), Leitung George Petrou 

Das Konzert wird aufgezeichnet von BR Klassik. 

Vorverkauf (VVK) 60/50/42/34/26 € (-25%) / 

Abendkasse (AK) 68/57/48/39/30 € (-25%) ZAC-Rabatt! 

FR, 28. Juni 20.00 Uhr Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, Theater 

Premiere RITTER GLUCK revisited 

Ein Fantasiestück nach E.T.A. Hoffmann 

Freie Lesung und Musik 

mit Dominique Horwitz und Norbert Nagel 

VVK 19 (12) € / AK 22 (14) € ZAC-Rabatt! 

SA, 29. Juni 19.30 Uhr Stadttheater Fürth 

HEROES IN LOVE 

Konzertabend mit Sonia Prina 

und dem Orchester LaBarocca (Mailand), Leitung Ruben Jais 


50/46/38/28/11 € ZAC-Rabatt! 

SO, 30. Juni 15.00 Uhr Staatstheater Nürnberg, 

Gluck-Saal im Opernhaus 

HARMONIE 

Werke von Gluck und Mozart 

Ensemble des Kammermusikvereins Philharmonie Nürnberg, Solistinnen: Ida 

Aldrian (Gesang) und Rita Kaufmann (Klavier), Moderation Jörg Krämer 

18,70 (8,80) € 

17.00 Uhr Redoutensaal Erlangen 


Orpheus und Eurydike als Erzähl-Konzert (8+) 

mit Corinna Schreiter, Yosemeh Adjej, Martin Ellrodt (Erzähler) 

und der Neuen Nürnberger Ratsmusik 

16 (8) € 

20.00 Uhr Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, Theater 

GLUCK GOES BIGBAND 

Sunday Night Orchestra 



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MO, 1. Juli 



Orpheus und Eurydike als Erzähl-Konzert (8+)mit Corinna Schreiter, 

Yosemeh Adjej, Martin Ellrodt (Erzähler) 


VVK 10 (6) € / AK 13 (8), € / Gruppenpreis 5,50 € 

Bestellung über tafelhalle@stadt.nuernberg.de oder 0911 231 14005 

11.45 Uhr, Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, Theater 


Orpheus und Eurydike als Erzähl-Konzert (8+) 

mit Corinna Schreiter, Yosemeh Adjej, Martin Ellrodt (Erzähler) 


DI, 2. Juli 



Ein Gluck-Spiel mit Musik (12+) 

Werkstatt-Projekt der pfütze jungeMET 

mit experimentellem Charakter 

VVK 10 (6) € / AK 13 (8), € / Gruppenpreis 5,50 € 

Bestellung über tafelhalle@stadt.nuernberg.de oder 0911 231 14005 






17.00 Uhr Hans-Kuffer-Park Berching 

DAS GEBURTSTAGSFEST 

Gluck wird 305! 

Eintritt frei 






MI, 3. Juli 


GLUCKVibration! 

Instrumentale Faszination seit 300 Jahren – 

MetropolMusik Nürnberg feat. GlassDuo Danzig & Izabella Effenberg 

VVK 19 (12) € / AK22 (14) € ZAC-Rabatt! 

98

DO, 4. Juli 

FR, 5. Juli 

20.00 Uhr Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, Theatercafé 

Premiere 


Ein literarisch-musikalischer Abend 

mit Elke Wollmann und Béatrice Kahl 

VVK 16 (10) € / AK (12) € ZAC-Rabatt! 

15.45 bis 18 Uhr Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, Theatercafé 

Internationales Symposium der Gluck-Forschungsstelle Salzburg 


HOHE MÄNNERSTIMMEN ZWISCHEN GLUCK UND ROCK 

Eintritt frei 


Gastspiel Bühnen Halle/Saale 

DIE NACHTIGALL DES ZAREN 

Inszenierte Lesung mit Arien der Barockzeit 

Mit Robert Joseph Bartl, Leandro Marziotte, Tibor Kovacs, Lewin Stedtler 

und dem Händelfestspielorchester Halle 

unter der Leitung von Katrin Wittrisch 

VVK 22(14) € / AK 25 (16) € ZAC-Rabatt! 

SA, 6. Juli 

09.30 bis 16.00 Uhr Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, 

Theatercafé 

Internationales Symposium der Gluck-Forschungsstelle Salzburg 


HOHE MÄNNERSTIMMEN ZWISCHEN GLUCK UND ROCK 

Eintritt frei 

19.30 Uhr Markgräfliches Opernhaus zu Bayreuth 

Deutsche Erstaufführung in konzertanter Form 


ANTIGONO 

Dramma per musica in drei Akten von Pietro Metastasio. Mit Anna 

Kasyan, Francesca Lombardi Mazzulli, Samuel Marino, Mauro Peter, 

Valer Sabadus, Terry Wey und dem Händelfestspielorchester Halle, Leitung 

Michael Hofstetter 


Mit freundlicher Unterstützung des Festspiel-Partners Musica Bayreuth 

VVK 86/70/54/38 € (-25%) / AK 96/79/61/43 € (-25%) 

99

19.30 Uhr Südstadtpark Fürth 

CLASSIC GOES HOLLYWOOD 3 

Die Jungen Fürther Streichhölzer, open air 

Eintritt frei 


RITTER GLUCK revisited 

Ein Fantasiestück nach E.T.A. Hoffmann 

Freie Lesung und Musik mit Dominique Horwitz und Norbert Nagel 


SO, 7. Juli 

11.00 Uhr Tafelhalle Nürnberg GLUCKWerkstatt, Theatercafé 

IM GESPRÄCH: DIE ANDERE STIMME 

Round-Table mit Valer Sabadus, Kordula Knaus (Bayreuth), Thomas 

Seedorf (Karlsruhe) – Gesprächsleitung Alexander Moore (Wien) 

VVK 7 € / AK 10 € 

19.30 Uhr Wenzelschloss Lauf, Kaisersaal 


Literarisch-musikalischer Abend mit Elke Wollmann und Béatrice Kahl 

VVK 16 (10) € / AK (12) € ZAC-Rabatt! 

DI, 9. Juli 

MI, 10. Juli 

DO, 11. Juli 

20.00 Uhr Reitstadel in Neumarkt, Sonderkonzert 

Neumarkter Konzertfreunde e.V. in Zusammenarbeit mit den 

Internationalen Gluck-Festspielen 

PHILIPPE JAROUSSKY & ENSEMBLE ARTASERSE (Barcelona) 

Konzert mit Arien und Werken von Francesco Cavalli 

65/49/35 € 

Ausverkauft! 

19.30 Uhr Aula des Willibald-Gluck-Gymnasiums Neumarkt 


Literarisch-musikalischer Abend mit Elke Wollmann und Béatrice Kahl 


20.30– 22.15 Uhr St. Katharina Open Air Nürnberg 

Premiere Uraufführung 


Elektronische Tanz-Opern-Nacht nach Gluck und Mozart 

von und mit Daniel Brandt, Frieder Nagel, Fukiko Takase und Ensemble 

In Kooperation mit St. Katharina Open Air im KunstkulturQuartier 


100

FR, 12. Juli 

19.30 Uhr Kleine Meistersingerhalle Nürnberg 

VON GLUCK ZU MOZART 

Daniel Hope und das Zürcher Kammerorchester 

VVK 54/46/38 € (-25%) / AK 62/53/44 € (-25%) ZAC-Rabatt! 

20.30 – 22.15 Uhr St. Katharina Open Air Nürnberg 




SA, 13. Juli 16.00 Uhr Landpartie Berching, Start Johannisbrücke 2 

Premiere Pocket Opera Company 


L’OMBRA DELL’AMORE – Orpheus und Eurydike 

Oper in drei Akten 

38 € 

20.30 – 22.15 Uhr St. Katharina Open Air Nürnberg 




SO, 14. Juli 11.00 Uhr Landpartie Berching, Start Johannisbrücke 2 


L’OMBRA DELL’AMORE – Orpheus und Eurydike 

Oper in drei Akten 

38 € 

11.00 Vor der Orangerie im Schlossgarten Erlangen 

GLUCKLICHE REISE – Ein Komponist zieht durch Europa 

Schlossgartenkonzert mit dem Ensemble Philharmenka 

Eintritt frei – bei Regen im Redoutensaal 

18.00 Uhr Markgräfliches Opernhaus zu Bayreuth 

Festlicher Ausklang 

GROSSE GEFÜHLE, GLÜCK UND VERHÄNGNIS 

Gluck-Operngala mit Karina Gauvin, Max Emanuel Cencic 

und dem Orchester Armonia Atenea (Athen), Leitung George Petrou 

Zweitkonzert zum Abschluss der Festspiele, veranstaltet vom 

Festspiel-Partner Musica Bayreuth 

125/95/65/39 € (-25%) 

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KARTEN 

Tickets 

Direktverkauf und telefonische Reservierungen 

Kultur Information 

Königstraße 93, 90402 Nürnberg 

E-Mail kulturinfo@stadt.nuernberg.de 

+49 (0) 911 231 - 4000 

Mo-Fr 9 bis 19 Uhr, Sa 9 bis 16 Uhr 

Online Tickets 

www.gluck-festspiele.de 

www.kunstkulturquartier.de/kultur-information 

www.eventim.de 

Für print@home-Tickets ist ein Ausweis zur Einlasskontrolle erforderlich. 

Vorverkaufsstellen 

Alle Vorverkaufsstellen in der Metropolregion mit CTS Eventim-Anbindung helfen gerne 

weiter. Für die Veranstaltungen in Zusammenarbeit mit Musica Bayreuth (Ticketportal 

www.ticketmaster.de und angeschlossene Vorverkaufsstellen), dem gVe, dem 

Freundeskreis Willibald Gluck e.V. Berching, im Stadttheater Fürth, im Wenzelschloss 

Lauf sowie im Willibald-Gluck-Gymnasium Neumarkt nutzen Sie bitte auch den Vorverkauf 

vor Ort. Preisangaben verstehen sich plus Vorverkaufs- und Bearbeitungsgebühr 

– wo nicht anders angegeben. Ermäßigungen unter den am jeweiligen Ort 

üblichen Bedingungen in Klammern. 

Der ZAC-Rabatt ist gültig für Besitzer der ZACAbo-Card + max. 1 Begleitperson und 

ausschließlich in den Vorverkaufs- bzw. Geschäftsstellen der Nürnberger Nachrichten 

und den angeschlossen Heimatzeitungen verfügbar, sowie im Internet unter nn-ticketcorner.de. 

Abendkassen 

Die Kassen an den Spielstätten öffnen eine Stunde vor Veranstaltungsbeginn. 

Dort sind ausschließlich Tickets für die jeweilige Veranstaltung erhältlich. Für die 

Veranstaltungen in der Tafelhalle und in St. Katharina, in der Meistersingerhalle, im 

Staatstheater Nürnberg und im Stadttheater Fürth berechtigt die Eintrittskarte ihren 

Besitzer 4 Stunden vor Beginn der Veranstaltung und bis 3 Uhr des darauffolgenden 

Tages im Tarifbereich der VGN deren Verkehrsmittel zu benutzen. 

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BAYERISCHE 

STAATS0PER 

CHRISTOPH 

WILLIBALD GLUCK 

ALCESTE 

26. MAI 2019 PREMIERE 

29. MAI 2019 

01. JUNI 2019 




REGIE UND 

CHOREOGRAPHIE 

SIDI LARBI 

CHERKAOUI 

MUSIKALISCHE 

MIT CHARLES 

LEITUNG 

CASTRONOVO 

ANTONELLO 

UND DOROTHEA 

MANACORDA 

RÖSCHMANN 

INFOS/KARTEN 

WWW.STAATSOPER.DE 

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DIE INTERNATIONALEN GLUCK-FESTSPIELE 

2005 auf Anregung des Aufsichtsratsvorsitzenden des Hauptsponsors NÜRNBERGER 

Versicherung, Hans-Peter Schmidt, und des Staatsintendanten Prof. Dr. Wulf Konold 

gegründet, finden die Internationalen Gluck-Festspiele in zwei- bis dreijährigem 

Rhythmus an verschiedenen Spielstätten der Europäischen Metropolregion Nürnberg 

statt. Seitdem haben die Festspiele durch vielbeachtete Auftritte internationaler 

Künstlerpersönlichkeiten wie Mireille Delunsch, Michi Gaigg, Véronique Gens, Anne 

Sofie von Otter, Elína Garanča, Reinhard Göbel, Michael Hofstetter, Hervé Niquet, 

Marc Minkowski, Valer Sabadus oder Daniel Behle eine Renaissance von Gluck-Aufführungen 

initiiert. 

Seit 2013 wird das Festival von der Internationalen Gluck-Opern-Festspiele gGmbH 

veranstaltet, welche regional, national und international mit Künstlerinnen, Künstlern 

und Institutionen verschiedenster Ausrichtung kooperiert. Für die aktuelle Neuauflage 

der Festspiele zeichnet Intendant und Festival-Manager Rainer Mennicken 

verantwortlich, der seit 2017 mit der künstlerischen Leitung und Geschäftsführung 

betraut ist. 

„Der Erfolg hat meine Grundsätze gerechtfertigt und die 

allgemeine Bildung in einer so erlauchten Stadt hat deutlich 

gezeigt, dass Einfachheit, Wahrheit, Natürlichkeit in den 

großen Ursprüngen des Schönen und in allen Äußerungen 

der Kunst sind.“ 


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DER AUFSICHTSRAT 

Vorsitzender des Aufsichtsrates: 

Martin R. Handschuh 

Akademierektor und Rechtsanwalt 

Mitglieder des Aufsichtsrates: 

Rudolf Eineder (Stellvertretender Vorsitzender) 

Erster Bürgermeister a.D. 

Dr. Daniel Brandenburg 

Privatdozent für Musiktheaterwissenschaft 

Ursula Lindl 

Vorstand der Sagaflor AG 

Dipl.-Kfm. Gunther Oschmann 

Verleger 

Dipl.-Kfm. Hans-Peter Schmidt 

Ehrenvorsitzender des Aufsichtsrats der NÜRNBERGER Versicherung 

Vorsitzender des Stiftungsrates der Stiftung NÜRNBERGER Versicherung 

Ass. iur. Dipl.-Vw. Thomas A. H. Schöck 

Universitätskanzler a. D. 

Hannelore Wünsche 

Vorsitzende der Geschäftsführung der Stiftung NÜRNBERGER Versicherung 

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DAS TEAM 

Rainer Mennicken 

Intendant und Geschäftsführer 

Friederike Engel 

Referentin für künstlerisches Management, Presse und Medien 

Anja Weigmann 

Dramaturgische Mitarbeiterin 

Prof. Michael Hofstetter 

Musikalischer Berater 

Dr. Irene Brandenburg 

Wissenschaftliche Beraterin 

Kathleen Draeger-Ostermeier 

Mitarbeiterin der Festspielleitung 

Frieder Grindler 

Gestaltungskonzept 

Kulturidee GmbH, Nürnberg 

Kampagne 

„An wen Gluck wohl gedacht hat 

als er das Elysium komponierte?“ 


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DANKE 

Außer allen unmittelbar Mitwirkenden, den Förderern, den Unterstützern in Ämtern und Behörden, 

sei auch all denen herzlich gedankt, die für Ideen und Projekte der Gluck-Festspiele 

aufgeschlossen waren, die Tipps und Hinweise gegeben, sich persönlich und professionell 

eingebracht oder Vorschläge gemacht haben – auch wenn sich daraus nicht immer ein 

Programmbeitrag ergeben oder ein geplanter Beitrag sich letztlich zerschlagen hat: 

Remsi Al Khalisi, Bamberg 

Mathias Ank, Nürnberg 

Michael Bader, Nürnberg 

Anna Barry, Lübeck 

Dr. Clemens Birnbaum, Halle 

Sharon Carty, Galway 

Prof. Dr. Gerhard Croll, Salzburg 

Prof. Dr. Sibylle Dahms, Salzburg 

Hans von Draminski, Nürnberg 

Daniel Engstfeld, Bielefeld 

Andrea Erl, Nürnberg 

Erfahrungsfeld zur entfaltung der 

Sinne Nürnberg und Förderverein 

Erfahrungsfeld e.V. 

Dr. Ulrich Etscheit, Kassel 

Birgit Faehse, Berlin 

Prof. Peter Gahn, Nürnberg 

Geschäftsstellenteam der 

Altstadtfreude Nürnberg e.V. 

Sebastian Groß, Nürnberg 

Dr. Dirk Olaf Hanke, München 

Lucius Hemmer, Nürnberg 

Dr. Klaus Herzig, Nürnberg 

Peter Jones, Beckenham, GB 

Dr. Andrea Kluxen, Ansbach 

Christine Knoll, Nürnberg 

Michael Köhlmeier, Hohenems 

Katharina Kost-Tolmein, Lübeck 

Prof. Dr. Jörg Krämer, Erlangen 

Georg Lang, Wien 

Dr. Bernhard Loges, Coburg 

Dr. Clemens Lukas, Bayreuth 

Carl Philip von Maldeghem, Salzburg 

Prof. Wolfgang Manz, Nürnberg 

Ulla Meckler, Lauf an der Pegnitz 

Prof. Johann Mösenbichler, Linz, Österreich 

Bernd Müller, Fürth 

Werner Müller, Fürth 

Jens Neundorff von Enzberg, Regensburg 

Andreas Paetzold, Nürnberg 

Ernst-Herbert Pfleiderer, Neumarkt 

Johannes Reitmeier, Innsbruck 

Wolfgang Riedelbauch, Dehnberg 

Gabriele Röhler, Bayreuth 

Stefan Rosinski, Halle an der Saale 

Prof. Guido J. Rumstadt, Nürnberg 

Prof. Dr. Thomas Seedorf, Karlsruhe 

Dr. Stefan Specht, Bayreuth 

Anke Steinert-Neuwirth, Erlangen 

Friedrich Schirmer, Esslingen 

Susanne Schulz, Ansbach 

Cornelia Schiffel, Nürnberg 

Fergus Sheil, Dublin 

Ingunn Sighvatsdottir, Berlin 

Marton Terts, Hamburg 

Dr. Julian Tölle, Ansbach 

Tristan Vogt, Nürnberg 

Johannes Volkmann, Nürnberg 

Johanna Weisser, Nürnberg 

Tobias Wolff, Göttingen 

Maren Zimmermann, Nürnberg 

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IMPRESSUM 

Verantwortlicher Herausgeber 

Internationale Gluck-Opern-Festspiele gGmbH 

Ostendstraße 100 

90482 Nürnberg 

info@gluck-festspiele.de 

Vorsitzender des Aufsichtsrates: Martin R. Handschuh 

Intendant und Geschäftsführer: Rainer Mennicken 

Sitz und Registergericht: Nürnberg HRB 29652 

Verantwortlich für den Inhalt nach § 5 TMG: 

Intendant Rainer Mennicken 

Redaktion: Friederike Engel, Mitarbeit: Rainer Mennicken, Anja Weigmann 

Textbeiträge von: Irene Brandenburg, Jürgen Decke, Friederike Engel, Daniel Hope, 

Béatrice Kahl, Michael Kämmle, Franz Killer, Rainer Mennicken, Jürgen Neudert, 

Kornelius Paede, Thomas Seedorf, Anja Weigmann, Matthew Werley, Elke Wollmann 

Gestaltungskonzept: Frieder Grindler 

Grafik: Christof Mühlberger 

Druck: Europadruckerei.de 

Bildnachweise: 

Max Emanuel Cencic © Parnassus Arts Productions 

George Petrou © Parnassus Arts Productions 

Karina Gauvin © Michael Slobodian 

Sonia Prina © Javier del Real 

Ruben Jais © Nora Roitberg 

Jörg Krämer © Glasow, Erlangen 

Philippe Jaroussky © Simon Fowler Erato 

Händelfestspielorchester © Gert Kiermeyer 

Michael Hofstetter © Werner Kmetitsch 

Anna Kaysan © Barbara Ledda 

Francesca Lombardi Mazzulli © Giaccomo Miglierna 

Samuel Marino © Agentur 

Mauro Peter © Christian Felber 

Valer Sabadus © schneiderphotography 

Terry Wey © Paris Mexis 

Daniel Hope © Tibor Bozi 

Daniel Hope und ZKO © Thomas Entzeroth 

Gertrud Demmler-Schwab © Glasow, Erlangen 

Florian Neubauer © Michael Vogl 

Anna Oswald © www.pocket-opera.de 

Dominique Horwitz © Ralf Brinkhoff 

Norbert Nagel © Christoph Hellhake 

Sunday Night Orchestra © Lukas Diller 

Corinna Schreiter © Gerd Grimm 

Yosemeh Adjei © www.yosemehadjei.de 

Martin Ellrodt © Märchenland e.V 

Elisa Merkens © Michael Giefing 

GlassDuo Danzig © GlassDuo Danzig 

Izabella Effenberg © Michael Striegel 

Béatrice Kahl, Elke Wollmann © Ludwig Olah 

Robert Joseph Bartl © Luisz Kuhn 

Leandro Marziotte © Stephan Walzl 

Fukiko Takase © Little Shao 

Daniel Brandt © Andreas Waldschuetz 

Frieder Nagel © Moritz Hüttner 

Bernd Müller © Paul Yates 

Franz Killer © Günther Schmidt 

Philharmenka © Philharmenka 

Redaktionsschluss: 28. März 2019 

Änderungen vorbehalten 

www.gluck-festspiele.de 

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www.gluck-festspiele.de

Internationale Gluck-Festspiele 2019 - Festspielmagazin

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