Stagione #2 - Theater an der Wien

Das Neue operNhaus
Stagione #2
November/Dezember 2011
Ein Unternehmen der Wien Holding
Theater an der Wien-magazin
In Kooperation mit
2. ausgabe 2011/12

Was das Schönste an Begeisterung ist? Sie wächst, wenn man sie teilt. ŠKODA ist Partner des
Theater an der Wien.
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eDITorIaL
Liebe Leserin, lieber Leser!
mit Lera auerbachs Gogol und Claudio monteverdis L ’ Orfeo grenzen wir in den kommenden
beiden premieren das breite spektrum von der ersten oper der Geschichte
bis zur zeitgenössischen uraufführung im Theater an der Wien exemplarisch ab. mit
dem auftragswerk an die junge Komponistin und Dichterin Lera auerbach bieten wir
Ihnen ein premierenereignis, auf das ich mich persönlich sehr freue. Nach großen
symphonischen Werken und balletten für John Neumeier hat die – in den vereinigten
staaten lebende Komponistin – ihre russische seele in ihrer ersten großen oper Gogol
mit großer empathie abgebildet.
auerbach versucht für den bis heute verstörenden Tod des Dichters eine eigene poetische
sowie musikalische sprache zu finden und konfrontiert in ihrem Libretto Gogol
mit personen aus seinem eigenen Werk. Nach vielen Jahren kehrt Christine mielitz zurück
ans Theater an der Wien und wird die Inszenierung dieses faszinierenden opernwerkes
übernehmen. Die musikalische Leitung obliegt vladimir Fedoseyev, dem Grand
seigneur der russischen Dirigentenelite.
Claus Guth, der mit der ersten szenischen aufführung von händels Messiah einen
großen erfolg im Theater an der Wien feierte, wird in den kommenden saisonen eine
neue sicht auf monteverdis opern präsentieren, vor Weihnachten wird L’Orfeo den
chronologisch gereihten zyklus eröffnen.
John mark ainsley, einer der außergewöhnlichsten Darsteller-Tenöre unserer zeit, reist
als orfeo in das reich der schatten, um seine geliebte euridice zurück zu den Lebenden
zu geleiten. als euridice wird es ein Wiedersehen mit mari eriksmoen geben,
die als zerbinetta in Ariadne auf Naxos für Furore gesorgt hat. Ivor bolton leitet die
spezialisten des Freiburger barockorchesters und des monteverdi Continuo ensembles.
von der Initialzündung für das Genre oper bis zur weltweit beachteten uraufführung
verdeutlichen die beiden kommenden premieren, wie zeitlos wirkungsvoll oper ist und
wie aktuell sie in modernen Inszenierungen sein kann. Ich wünsche Ihnen mit diesen
beiden produktionen wiederum bewegende und unvergessliche stunden im Theater an
der Wien.
herzlichst Ihr
Intendant roland Geyer
Wir freuen uns auf Ihre Anregungen: magazin@theater-wien.at
Wo Kristalle und
nicht Bretter
die Welt bedeuten.
Hauptsponsor des Theater an der Wien.
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inhalt
4 Lera auerbaCh
Komponistin, poetin, pianistin
7 GoGoL
Christine mielitz inszeniert Gogol
8 L’orFeo
Frühes meisterwerk der operngeschichte
9 CLaus GuTh
Der regisseur im Interview
12
voGeL, herzoG, IDIoT
rupert bergmann in drei mini-opern
15 JephTha
William Christie dirigiert händel
16 GIuLIo Cesare IN eGITTo
händels Dramma per musica
17
CaToNe IN uTICa
opernrarität von vivaldi
18 parTNersChaFT
Ludwig reiter schuhmanufaktur
20 FreuNDesKreIs
präsident siegfried menz im Gespräch
22 eNsembLe
Die Künstlerinnen und Künstler
im November und Dezember
Sta|gio|ne, [sta’dʒo’nə] die, -, -n: „Jahreszeit“
1. spielzeit eines operntheaters 2. ensemble eines
operntheaters. Kennzeichnend für den stagionebetrieb ist,
dass ein stück über eine längere zeit gespielt wird.
Je eine Inszenierung wird über mehrere abende oder
Wochen hintereinander angesetzt, es kommen nur frisch
geprobte Inszenierungen zur aufführung.
hauptsponsor
3

oper Im November
angstfrei
Lera auerbach ist Komponistin, schriftstellerin und pianistin.
In ihrer oper Gogol nähert sie sich dem großen russischen Dichter.
4
„Ich kann mich nicht mehr an die zeit
erinnern, in der ich keine musikerin war“,
sagt Lera auerbach im Gespräch mit burkhard
schäfer für das magazin für klassische
musik crescendo. „schon im alter
von vier Jahren habe ich mit dem Komponieren
begonnen, also zur selben zeit,
als ich auch das Lesen gelernt habe. Im
Nachhinein betrachtet, war es wichtig, sehr
früh musikalische Gedanken und strukturen
festhalten zu können.“ Lera auerbach
war eine Frühvollendete. Für ihr alter verfügt
sie über ein erstaunlich umfangreiches
Werkverzeichnis, in dem sich nahezu
alle Gattungen finden.
Geboren wurde die Komponistin 1973 als
Walerija Lwowna auerbach in Tscheljabinsk
am rande sibiriens. Die millionenstadt am
ural, nördlich von Kasachstan gelegen, ist
im Westen nahezu unbekannt und wird
von schwerindustrie geprägt. Die stadt ist
hauptort einer region etwa halb so groß
wie Deutschland, liegt geografisch in asien
und doch wirkt die bevölkerung europäischer
als in vielen anderen Gegenden des
urals. Die meisten berühmten persönlichkeiten
der stadt sind eishockeyspieler des
Traditionsvereins Traktor Tscheljabinsk.
Doch im zentrum der stadt befinden sich
auch das bekannte Theater am revolutionsplatz,
ein opernhaus mit eigenem ballett
und ein puppentheater.
In frühen Jahren begann auerbach Klavier
zu spielen, trat mit sechs erstmals öffentlich
auf, debütierte mit acht als solistin
mit orchester und komponierte mit zwölf
Jahren eine erste oper. Während ihrer ersten
Tournee in New York entschied sich
die 17-jährige pianistin spontan im Westen
zu bleiben und aus Lwowna wurde Lera.
auerbach studierte an der New Yorker
Juilliard school Klavier sowie Komposition
und absolvierte anschließend ein Klavierstudium
an der hochschule für musik in
hannover.
Lera auerbach lebt in New York, hat einen
zweitwohnsitz in hamburg, debütierte bereits
2002 in der Carnegie hall, wurde 2007
beim Weltwirtschaftsforum in Davos in das
Young Global Leaders Forum aufgenommen
und ist 2011 Composer-in-residence
bei der Dresdner staatskapelle. auf ihrer
homepage listet sie fein säuberlich ihre
Werke auf und in ihrem blog gibt sie poetische
einblicke in ihre Gedanken oder
wünscht mit einem Gedicht von Leonard
Cohen ein glückliches neues Jahr.
Die Kosmopolitin auerbach ist dennoch
tief verwurzelt mit der Kultur ihrer heimat.
Ihr spielplan besteht vielfach aus Werken
russischer Klassiker und als Komponistin
steht sie in der Tradition von sergej
rachmaninow und alfred schnittke. Werke
wie das 90-minütige Russische Requiem,
das liturgische Texte der russisch-orthodoxen
Kirche ebenso enthält wie zitate der
meister weltlicher poesie wie alexander
puschkin oder boris pasternak, zeigen den
stellenwert ihrer heimat in ihrem künstlerischen
schaffen.
Lera auerbach ist Komponistin und Literatin
auf gleichem Niveau, ihre künstlerische
Tätigkeit beschränkt sich nicht auf die
musik. Die Internationale puschkin Gesellschaft
ernannte sie 1996 im alter von 23
Jahren zur „Dichterin des Jahres“ und die
größte russische zeitung des Westens Novoje
Russkoje Slowo zeichnete sie mit ihrem
poesie-preis aus. Fünf bände mit Gedichten
und prosa, zwei Novellen und eine
vielzahl von artikeln umfasst ihr literarisches
Werk. sie schreibe ständig Lyrik und
prosa in russisch, wird sie im magazin
ihres verlages sikorski zitiert. russland habe
sich ihrer musik gegenüber stets gleichgültig
verhalten, meinte auerbach 2009:
„Dies ist eine Quelle der Trauer für mich.“
obwohl sie ihr halbes Leben im Westen
verbracht habe, seien russische Kultur und
musik Teil ihrer DNa, meint auerbach.
GOGOL
oper in drei akten (ua)
Musik und Libretto nach dem
gleichnamigen Stück von Lera Auerbach
In russischer sprache mit deutschen Übertiteln
Musikalische Leitung vladimir Fedoseyev
Inszenierung Christine mielitz
Bühne Johannes Leiacker
Kostüme Kaspar Glarner
Dramaturgie Christian baier
Licht stefan bolliger
Choreografie arila siegert
Nikolai Gogol martin Winkler
Nikolai Gogol otto Katzameier
Bes Ladislav elgr
Poshlust Natalya ushakova
Tod stella Grigorian
Nikolka sebastian schaffer
Florian Lienhart
Maria / Gogols Mutter / Braut Nr. 1
Tatiana plotnikova
Priester / Herr Doktor / Viys Stimme
Dejan vatchkov
Braut Nr. 2 / Stimme der Nymphe
anna Gorbachyova
Staatsanwalt / Verteidiger
Falko hönisch
Richter Tim severloh
Braut Nr. 3 Iwona sakowicz
orF radio-symphonieorchester Wien
arnold schoenberg Chor (Ltg. erwin ortner)
Grazer Kapellknaben & mozart Knabenchor Wien
auftragswerk des Theater an der Wien
urauFFÜhruNG:
Dienstag, 15. November 2011, 19.30 Uhr
auFFÜhruNGeN:
18. / 21. / 24. / 26. November 2011, 19.30 Uhr,
eINFÜhruNGsmaTINee:
Sonntag, 13. November 2011, 11.00 Uhr
Lera Auerbach
Im Interview mit burkhard schäfer mit der
ZEIT online erzählt Lera auerbach, dass sie
einmal gebeten worden sei, ihre musik in
einem Wort zusammenzufassen. „zuerst
dachte ich, das sei eine verrückte bitte.
als ich aber dann darüber nachdachte, fiel
mir das Wort ein: angstfrei.“ sie möchte
mit ihrer musik einen raum schaffen, in
dem sich die menschen ohne angst bewegen
können.
In ihrer neuen oper nähert sich auerbach
als Komponistin und Librettistin einem der
größten russischen Dichter, der am ende
seines Lebens verängstigt und verstört
gestorben ist. Gogol von Lera auerbach
ist keine musikalische biografie, sondern
eine poetische bis satirische annäherung
an den Dichter, der sich in seiner letzten
Lebensphase in einen religiösen Wahn hineingesteigert
hat. er verbrannte den zweiten
Teil seines großen romans Die toten
Seelen und starb an den Folgen strengen
Fastens im alter von 42 Jahren.
Gogol, als ukrainischer Kosake geboren,
werde oft als vater der modernen russischen
Literatur bezeichnet, sagt Lera auerbach.
„er war ein schriftsteller mit einem
reichen und konfliktbeladenen innerem Leben,
der es in den lebhaftesten Formen
verstand, die Tragik der menschlichen existenz
ans Licht zu bringen.“ seine schriften
sind für auerbach heute relevanter als sie
es zu Gogols Lebzeiten waren.
„bevor ich mit der arbeit an der oper begonnen
habe, las ich noch einmal die gesammelten
Werke von Gogol und mehr als
zwanzig bücher, die über ihn geschrieben
wurden.“ auerbach hat aber keine historische
Darstellung einer Lebensgeschichte
angestrebt, sondern wollte eine traumhafte
vision der inneren Leidenschaften, des
Wahnsinns und des Genies von Gogol auf
die bühne bringen. opern, die wie mussorgskis
Boris Godunov auf historischen
stoffen basieren, können auch als „tragische
märchen für erwachsene“ betrachtet
werden, sagt auerbach. „Gogol ist eindeutig
eine russische oper und die russische
Geschichte ist ein alptraumhaftes märchen,
aus dem dieses Land vielleicht nie
erwachen wird.“
Der Dichter Gogol war für Lera auerbach
„ein zutiefst verstörter mann, von
Ängsten besessen“, dessen Leben selbst
zum alptraum wurde. „In religiöser besessenheit
begann er zu glauben, dass er
5

durch seine schriften das absolut böse in
die Welt gebracht hat. ein priester, dem
Gogol vertraute, heizte diese Überzeugung
an und ermutigte den Dichter den zweiten
und dritten band von Die toten Seelen
zu verbrennen.“ Doch gerade Gogols
tiefer ernst habe es ihm ermöglicht, ein
großartiger satiriker zu werden, meint die
Komponistin und setzt diesen zweideutigen
ansatz auch in der oper um. „Diese
oper ist letztlich tragisch, hat aber dunkle
humorvolle untertöne.“
auerbach hat das Libretto nach ihrem eigenen
Theaterstück verfasst. „Das stück
und das Libretto sind zwei getrennte einheiten.
Das Theaterstück kommt gänzlich
ohne musik aus.“ Das Libretto sei eine
adaption des stücks, „speziell zusammengestellt,
um partner der musik zu sein“.
„oper ist eine der komplettesten Kunstformen:
musik, Text, Inszenierung und
schauspiel sind alle Teil des Ganzen.“
Nicht ohne Ironie schätzt die Komponistin
auerbach die zusammenarbeit mit der
autorin auerbach: „als Librettistin meiner
eigenen Werke kann ich ideal mit der
Komponistin zusammenarbeiten.“
Die musik soll direkt auf die zuhörer
wirken, wünscht sich Lera auerbach, unabhängig
von der Interpretation der Komponistin.
Ihre aufgabe sei es, aus einer
riesigen enzyklopädie an möglichkeiten ihr
eigenes Werk zu transkribieren. Das paradies
hat sich der argentinische schriftsteller
Jorge Luis borges, den Lera auerbach
ebenso verehrt wie sie ihn gerne zitiert,
immer als eine art bibliothek vorgestellt.
auerbachs paradies scheint eine riesige
Notenbibliothek zu sein. „meine aufgabe
als Komponistin ist es, in berührung mit
dem urbild des Werkes und seiner imaginären
energie zu kommen.“
oper Im November
Unglückseliger atlas
Christine mielitz inszeniert die uraufführung von Lera auerbachs Gogol.
Im rahmen des Klangbogens inszenierte
Christine mielitz 2001 im Theater an der
Wien verdis Luisa Miller. von 2002 bis 2010
war die in Chemnitz geborene regisseurin
Intendantin des Dortmunder opernhauses
und an der Wienzeile hat sich viel verändert:
seit 2006 ist das Theater an der Wien
wieder ein reines opernhaus und mielitz
findet es schlicht „toll“, dass es dem haus
gelang, in dieser kurzen zeitspanne „so
viel publikum zu aktivieren“. auch wenn
es gerne nach „verkaufsbilanz“ klinge, sei
es letzten endes notwendig, Faszination
auszustrahlen, um das publikum dazu zu
bringen, musikalische Geschichten von anderen
menschen zu verfolgen. „umso erstaunter
bin ich, dass es junge Leute gibt,
die sich mit passion und obsession dem
musiktheater widmen. Lera auerbach ist
eine solche besessene. Ihr vehikel, wenn
man das so nennen darf, ist Gogol.“
bei der präsentation des saisonprogrammes
gab ehrengast Christine mielitz einen
ersten einblick in ihre regiearbeit.
mielitz hätte sich nie gedacht, dass eine
junge russische Komponistin ausgerechnet
Gogol als Thema für eine große, abendfüllende
oper wählt. vielmehr hätte sie mit
Tolstoi oder Dostojewski gerechnet. In der
DDr habe sie „Gogol mit der schulbildung
inhaliert“ und ihn als Gesellschaftskritiker
und als verhöhner des beamtentums kennengelernt.
„aber jetzt entdecke ich durch
Lera auerbach neue züge und bin fasziniert.“
auerbach ist für Christine mielitz
selbst eine große poetin und Dichterin.
Diese Doppelbegabung sei zwar toll, aber
gleichzeitig Komponistin und Librettistin
einer oper dieses ausmaßes zu sein, stellt
sich die regisseurin schwer vor. „es fehlt
ihr der Widerpart, der sagt, das ist unsinn,
was du da tust. sie muss alles mit
sich alleine ausmachen. Darin ähnelt sie
Gogol.“
Der Dichter markiere in der russischen
Literaturgeschichte den zeitpunkt, an dem
das große poem von puschkin vorbei ist,
und er zur in seinen augen unsauberen
Literatur in prosa übergehen musste. „er
selbst hat das ein Leben lang als makel
empfunden und sehr darunter gelitten,
Christine Mielitz
dass er das große poem nicht mehr erschaffen
hat.“ Dafür haben ihn die kleinen
Dinge, die banalität, die vulgarität und die
Gemeinheit des Lebens regelrecht künstlerisch
angesprungen: Der orden eines
stadthauptmanns, ein misthaufen in einer
stadt oder die Nase eines menschen. Gegenstände
wurden ihm immer wichtiger,
mielitz: „Der endpunkt ist Kafkas Käfer.“
Gogols Geschichte sei eng verbunden
mit russland, einem „der riesigsten Länder
der erde“, mit einer „völkerschar von
asien nach europa“. „Wie ist es möglich,
dieses Land anders zusammenzuhalten als
mit der Knute? Der zusammenhalt der
russen ist immer auch mit Gewalt, mit
drastischer strafe, mit fürchterlichen Lagern
erkauft.“ all dies kenne Gogol und
es spiegle sich in seiner großen Lebensangst
wieder.
es habe in russland über Jahrhunderte
hinweg keine Wahlen, kein freies parlament,
generell keine Diskussionen über
Kultur und Wissenschaft gegeben. Wünsche
nach mitsprache und nach Identität
haben sich in die Kunst verlagert. „alle
russischen Dichter haben empfunden,
dass sie diejenigen sind, die für ihr volk
ein Nationalbewusstsein kreieren müssen.
Das führt zu einem bedeutungsdruck.“
auch Gogol habe am ende seines
Lebens gesagt, niemand dürfe seinem
Wort widersprechen: „Ich bin der russische
Dichter, nicht einmal ich selbst, Gott,
darf mir widersprechen. Wir schöpfen uns
immer neu. Wir kreieren russland immer
neu.“ „Ich unglückseliger atlas“ ist für
Christine mielitz der mindeste ausdruck
dafür. „alle russischen Künstler, egal ob
sie russland verlassen haben oder nicht,
haben gesagt, wir sind russland. Immer
sind sie in eine ganz große innere bewegung
gekommen, sie gestatten niemandem,
russland zu kritisieren.“
Lera auerbach kenne diese unausgesprochenen
Ängste und das passe wunderbar
zum Dichter. „Gogol kommt aus dem Dorf,
aus dem ukrainischen bauerntheater und
aus dem Gespenstertheater. Damit sage
ich bereits etwas über Gogol, über auerbach
und über ihr stück. es ist ein
buntes, wildes stück. alle Figuren spielen
mehrere rollen. Die genannte Gemeinheit,
banalität, vulgarität ist überhaupt eine
eigene Figur, unübersetzbar poshlust
genannt.“ Für die produktion aktiviert
Christine mielitz ihr schulrussisch und
kündigt einen ereignisreichen abend an.
„uraufführung ist einfach immer feurig,
und ich bin glücklich mit einem im wahrsten
sinne des Wortes experiment zurückkehren
zu dürfen an die Wienzeile.“
6 7

oper Im Dezember
im Himmel vereint
Initialzündung für das Genre oper: monteverdis L’Orfeo. Von Konrad Kuhn
als sich die mitglieder der Florentiner
Camerata, einem Kreis humanistisch gebildeter
adeliger, um 1600 mit dem verhältnis
von (deklamierter) sprache und
musik beschäftigten, war ihr ziel, die
antike Tragödie wieder zum Leben zu
erwecken. sie hatten also nichts weniger
im sinn als die entwicklung einer neuen
musikalischen Gattung. so blieben die
ersten versuche, Dramentexte mit musik
zu unterlegen, denn auch blutleer; man
muss Jacopo peris Euridice ebenso wie
Giulio Caccinis gleichnamiges Werk als
rein akademisches experiment bezeichnen.
erst als das mantuaner Gegenstück
zur Florentiner Camerata, die academia
degli invaghiti, den Komponisten Claudio
monteverdi (1567-1643), der im Dienste
der Fürsten von mantua stand, 1607 damit
beauftragte, anknüpfend an peri und
Caccini ein musikalisches orpheus-Drama
zu schaffen, entstand ein Werk, das man
nach 400 Jahren operngeschichte mit Fug
und recht als Initialzündung für das Genre
oper bezeichnen kann.
Dabei stellte auch monteverdi das primat
der sprache gegenüber der musik nicht
infrage. In der behandlung des monodischen
Gesangs, der damals gerade dabei
war, die zuvor alles beherrschende polyphonie
als neue stilrichtung abzulösen,
griff er jedoch auf die im (mehrstimmigen)
madrigal gebräuchliche Technik zurück,
einzelne begriffe als schlüsselworte mit
musikalischen mitteln affektiv aufzuladen.
so wird die musik in monteverdis L’Orfeo
nicht nur zur verstärkenden untermalung
eines im vordergrund stehenden Textes,
sondern zum mittel, diesen Text auszudeuten
und ihm dadurch eine neue ausdrucksebene
zu verleihen, die erst durch
das hinzutreten der musik entsteht. Die
dabei angewandten musikalischen Formen
sind vielfältig; Tanzsätze und strophenlieder
kommen ebenso vor wie immer
wiederkehrende, rein instrumentale zwischenspiele,
„ritornell“ oder „sinfonia“
genannt. Den größten Teil des Textes vertonte
monteverdi jedoch als rezitativ. und
hier erreicht der Komponist eine psychologische
Wahrhaftigkeit, die seinen Orfeo
bis heute zu einem der meisterwerke der
Gattung macht.
Die bandbreite der musikalisch zur Darstellung
kommenden Gefühlslagen der
protagonisten ist groß. emotionale extrembereiche
werden erkundet und in kontrastreichen
stimmungen von der musik
ausgemalt. Im zentrum steht der Titelheld:
von der Idylle des vollkommenen
Liebesglücks stürzt er unvermittelt in die
abgrundtiefe verzweiflung über die Nachricht
vom Tod der eben erst angetrauten
Geliebten euridice. orfeo bäumt sich
auf gegen diesen schicksalsschlag, den er
nicht bereit ist zu akzeptieren. er gerät
in lebensferne bereiche, die monteverdi
in seiner unterweltmusik suggestiv zum
Klingen bringt. und er endet, nachdem er
sich endgültig mit dem verlust euridices
John Mark Ainsley Mari Eriksmoen Ivor Bolton
abfinden muss, in totaler verlassenheit.
eine begegnung mit seinem vater apollo
weist ihm schließlich den Weg an jenen
ort, wo er wieder mit euridice vereint sein
darf: im himmel.
Ivor bolton, der vor zehn Jahren bereits
in münchen mit einem monteverdi-zyklus
große erfolge feiern konnte, erarbeitet mit
dem Freiburger barockorchester den neuen
Orfeo am Theater an der Wien. hinzu
treten das monteverdi Continuo ensemble,
das mit seiner reichen palette historischer
Continuo-Instrumente für eine differenzierte
ausgestaltung der rezitativischen
passagen sorgen wird, sowie der arnold
schoenberg Chor.
Die erlesene besetzung wird von John
mark ainsley angeführt, der die ungemein
anspruchsvolle partie des orfeo
seit Jahren im repertoire hat. In weiteren
hauptrollen sind mari eriksmoen, die bezaubernde
zerbinetta der letzten spielzeit,
als euridice, Katija Dragojević als messagiera
und speranza sowie in der rolle der
musica, die den prolog bestreitet, suzana
ograjensek als unterweltgöttin proserpina
und als Ninfa, phillip ens als Caronte
und pluto sowie mirko Guadagnini als
apollo zu erleben. Für die Inszenierung
zeichnen der regisseur Claus Guth und
der bühnen- und Kostümbildner Christian
schmidt verantwortlich, die am Theater an
der Wien zuletzt mit der szenischen version
von händels Messiah einen Triumph
feiern konnten.
oper Im Dezember
Reise ins Reich der Schatten
regisseur Claus Guth im Gespräch mit Dramaturg Konrad Kuhn zu monteverdis L’Orfeo.
Mit Claudio Monteverdis L’orfeo, uraufgeführt
1607 am Hof des Herzogs von Mantua,
beginnt die Entwicklungsgeschichte des Genres
Oper – nach weniger bedeutenden ersten
Versuchen – eigentlich erst richtig. Ein starker
Beginn! Was an Operntypischem steckt
schon im L’orfeo? Was fasziniert uns bis
heute an diesem Stück?
Wenn man sich mit monteverdis L’Orfeo
beschäftigt, ist es ein bisschen so, als ob
man sich, von etwas sehr weitgehend ausdifferenziertem
kommend, wieder zurück
gräbt zu den Wurzeln. Die einfachsten Wirkungsdynamiken
treten auf geradezu minimalistische
Weise zu Tage, so dass einem
klar wird, aus welchen musikdramaturgischen
elementen so ein stück im Grunde
zusammengesetzt ist. Ich empfinde es
als eine art ohrmuschel-reinigung, mich
damit zu beschäftigen. es ist frappierend,
wie wenig es braucht, um ungeheure emotionale
stimmungswechsel auszudrücken.
Wenn ich mich dabei selbst beobachte,
stelle ich fest, dass man den zuschauer
erst einmal dahin führen muss, das aufzunehmen.
Da unsere ohren durch unsere
hörgewohnheiten so voll sind mit eindrücken
und Tönen, muss man die sensation,
die in diesem minimalismus steckt, erst
einmal wahrnehmen lernen. erst nach einer
gewissen zeit der beschäftigung bin
ich ins staunen geraten; zu beginn ist
da einiges an mir vorbeigerauscht. Das
kommt vielleicht auch daher, weil ich mich
in der letzten zeit sehr viel mit strauss
und Wagner beschäftigt habe. abgesehen
von purcells King Arthur und Fairy Queen
ist es meine erste begegnung mit dem
Frühbarock in der musik.
bei purcell herrscht zwar ein großer Ideenreichtum,
aber nicht diese dramaturgische
stringenz wie bei monteverdi. es gibt in
L’Orfeo, für den monteverdi auf ein reich
besetztes orchester zurückgreifen konnte,
zwar schon von der Instrumentierung her
eine reihe von effekten. aber der aufwand
ist ungleich geringer als zum beispiel bei
Komponisten des 19. Jahrhunderts. Die
unterwelt-musik wirkt deshalb so überraschend,
weil plötzlich eine neue Instrumentengruppe
eingesetzt wird, die man
bis dahin nicht zu hören bekommen hat.
In der späteren entwicklung der barockoper,
etwa bei händel, passiert es einem
häufig, dass man die Form als relativ schematisch
empfindet: es gibt bestimmte arientypen,
die immer wieder vorkommen;
das prinzip der Da capo-arie als solches,
auch wenn es virtuos gehandhabt wird, ist
im vergleich zu monteverdi vorhersehbar.
Dem gegenüber ist L’Orfeo dramaturgisch
absolut zwingend.
Daraus entwickelt sich eine sogwirkung:
Das stück schraubt sich immer tiefer ins
zentrum der Geschichte. Da gibt es keinen
Nebenfiguren-schnickschnack nach dem
motto „jetzt kriegt der noch seine arie“,
sondern es geht in einer aberwitzigen Geradlinigkeit
vorwärts. Nicht umsonst lautet
die von monteverdi und seinem Librettisten
striggio gewählte Gattungsbezeichnung
„una favola in musica“: eine Geschichte
wird durch die musik erzählt.
bei späteren Werken monteverdis ist das
anders: Während man L’Orfeo als „handlung“
bezeichnen könnte, ist Il ritorno di
Ulisse in patria für mich eher eine „atmos-
phäre“.
8 9
Claus Guth

Claus Guth bei den Proben von Messiah
auf der Probebühne des Theater an der Wien
Zuletzt war im Theater an der Wien eine
szenische Version von Händels messiah in
der Inszenierung von Ihnen zu erleben. In
diesem Stück gab es einen Toten, der für
einzelne Lebende sichtbar wurde und in einigen
Szenen mitspielte. Mit Orfeo geht es
nun wieder ins Reich der Toten. Gibt es ein
spezielles Interesse an diesem Thema?
Der Tod ist ein Thema, das unserem Leben
durch die begrenzung Dimension gibt. es
ist vielleicht kein zufall, dass viele Komponisten
in der beschäftigung mit diesem
Thema die größten musiken geschrieben
haben. Ich lande also aus doppeltem
Grund immer wieder in diesem Themenfeld.
zugleich ist mit dem Gang in die unterwelt
ein bereich angesprochen, der die
phantasie unglaublich anregt. schließlich
kann niemand wissen, was uns erwartet.
es ist aufregend, sich szenisch mit diesem
Thema zu beschäftigen. Da kann es
einem, wenn man auf der bühne etwas
ausprobiert, passieren, dass man eine situation
erlebt, die einem in die Knochen
fährt – man hat das Gefühl, als sei bei dem
versuch, etwas an diesem phänomen zu
beschreiben, tatsächlich eine annäherung
an das gelungen, was wir nicht wissen
können. Ich interessiere mich schon seit
langem für die riten, die sich im umgang
mit dem Tod herausgebildet haben – auch
in anderen Kulturen. In Lateinamerika oder
in bestimmten afrikanischen Kulturen wird
der Tod nicht als festgelegter zeitpunkt
dargestellt, sondern mehr als eine phase
oder eine reise. solche Konzepte haben
für mich eine größere Wahrheit als die
übergenauen Definitionen des Todeszeitpunkts,
die durch die moderne medizin
entstanden sind. Das mag von wissenschaftlichem
Interesse sein, aber es sagt
wenig über das phänomen sterben oder
Todsein. Die reise ins „reich der schatten“,
die orfeo antritt, könnte man auch
als reise zu den extrempunkten der eigenen
existenz auffassen.
Man kann die mythische Geschichte von Orpheus,
so wie sie in Ovids metamorphosen
erzählt wird, als Beschreibung der verschie-
denen Stadien des Trauerns um einen Menschen,
der einem nahe stand, interpretieren.
Vom Schock der Todesnachricht über das
Sich-Auflehnen und Nicht-akzeptieren-Wollen
bis hin zu Resignation und Todessehnsucht
des Trauernden werden verschiedene
Extremzustände beschrieben. Liegt hier ein
Schlüssel für das Verständnis des Mythos?
Ich glaube schon. In der szenischen erzählweise,
die wir für das stück entwickelt
haben, konzentrieren wir uns ganz
auf die Figur des orfeo. es ist die Geschichte
eines mannes, der im höchsten
Glücksgefühl schwebt und urplötzlich in
die schlimmste Katastrophe gestürzt wird.
Was geht in so jemandem vor, wenn er
nach der beerdigung seiner großen Liebe
an den ort zurückkehrt, an dem er gerade
noch hochzeit gefeiert hat? Das haus,
das zuvor voller menschen war, ist leer.
Die Wärme des geliebten menschen, der
nun nicht mehr da ist, ist noch spürbar
im bett. Wie geht so ein mann mit dem
alleinsein, mit der Tatsache, dass der andere
plötzlich abwesend ist, um? Welche
phasen durchläuft er? vielleicht ertappt er
sich dabei, wie er in ritualen gefangen
ist, die gar keinen sinn mehr ergeben,
weil der mensch, mit dem man sie geteilt
hat, nicht mehr da ist. Welche methoden
entwickelt er, um damit fertig zu werden,
dass er nun auf sich selbst zurückgeworfen
ist? vielleicht gibt es augenblicke, in denen
er sich den anderen als Geist herbei
denkt – was ihn dann erschrecken lässt,
weil damit zwei realitätsformen oder bewusstseinsebenen
aufeinandertreffen. Das
kann so weit gehen, dass er das zusammenleben
mit einem unsichtbaren für eine
bestimmte zeit sogar genießt, woraus
es dann wieder ein böses erwachen gibt.
vielleicht endet es damit, dass er endgültig
in die andere realität hinüberwechseln
will, in der seine verstorbene Frau nun
existiert.
Stichwort verschiedene Realitäten: Ist es vielleicht
gerade bei einem mythischen Stoff wie
L’orfeo, zu dem Götter, Geister und Nymphen
gehören, spannend, wenn man eine
ganz realistische Erzählweise bis hin zu filmischen
Mitteln wählt?
Durch die Jahrhunderte haben sich immer
wieder Künstler mit diesem stoff beschäftigt
und ihn auf ihre eigene Lebenswelt
übertragen. auch im Kino gibt es die Tradition,
diese Geschichte immer wieder neu
zu erzählen (man denke an Orphée von
Jean Cocteau). In der oper sowieso – sogar
in der operette. man lässt den stoff
auf die eigene realität reagieren. Wir machen
in unserer Inszenierung nichts anderes:
Wir versuchen, uns diesen orfeo
als einen menschen zu denken, den wir
kennen könnten. Die archaische Wucht des
mythos trifft auf die uns umgebende Lebenswirklichkeit.
Wenn man das so emotional
wie möglich erlebbar machen will,
darf man es nicht als eine ferne Fabel aus
vergangenen zeiten betrachten, sondern
man muss es als Geschichte erzählen, die
jedem von uns morgen oder übermorgen
auch widerfahren könnte.
Favola in musica (1607)
Musik von Claudio Monteverdi
Libretto von Alessandro Striggio d. j.
In italienischer sprache mit deutschen Übertiteln
Musikalische Leitung Ivor bolton
Inszenierung Claus Guth
Ausstattung Christian schmidt
Videodesign arian andiel
Dramaturgie Konrad Kuhn
Licht olaf Winter
Orfeo John mark ainsley
Euridice
La Musica / Speranza
mari eriksmoen
Messaggiera Katija Dragojević
Caronte / Plutone phillip ens
Proserpina / Ninfa suzana ograjensek
Apollo mirko Guadagnini
Pastori / Spiriti Cyril auvity
Jeroen de vaal
maciej Idziorek
Jakob huppmann
Freiburger barockorchester
monteverdi Continuo ensemble
arnold schoenberg Chor (Ltg. erwin ortner)
Neuproduktion des Theater an der Wien
premIere:
Mittwoch, 14. Dezember 2011, 19.30 Uhr
auFFÜhruNGeN:
17. / 20. / 22. / 29. Dezember 2011, 19.30 Uhr,
31. Dezember 2011, 20.00 Uhr
eINFÜhruNGsmaTINee:
Sonntag, 11. Dezember 2011, 11.00 Uhr
10 11
L’ORFEO

mINIaTuroper
Boris, Blaubart, Papageno
bassbariton rupert bergmann gibt mit Vogel Herzog Idiot in drei
mini-mono-opern einblicke in die seele und die Wünsche eines sängers.
boris Godunow, blaubart und papageno:
Diese drei bekannten Figuren der opernliteratur
stehen auch auf der Liste der
Wunschrollen von rupert bergmann. Die
drei Figuren haben den bassbariton darüber
hinaus zur Idee angeregt, sie in drei
kurzen opern für bassbariton und Kammer-
ensemble neu zu deuten. „Die Klammer
für den abend bin ich“, beschreibt rupert
bergmann die Dramaturgie des abends:
„In Vogel Herzog Idiot steckt einiges aus
meiner biografie, da will ich ehrlich sein.
Das war schon ein wichtiger Grund, dieses
projekt zu betreiben. es interessiert mich
an meinem beruf, rollen zu spielen, die für
mich genau passen.“
Für Vogel Herzog Idiot wählte bergmann
rollen, „die ich gerne einmal gesungen hätte
und die bislang an mir vorüber gegangen
sind“: „zu boris Godunow, von dem ich als
sänger vom stimmfach her gesehen wohl
etwas entfernter bin, gesellte sich dann
bartóks Blaubart, den ich einmal gerne
singen würde.“ sich ganz auf die Figur zu
konzentrieren, war die einzige vorgabe, die
bergmann den Komponisten auferlegte:
„Was sie daraus machen, habe ich ihnen
überlassen.“
rupert bergmann verfügt über ein breit
gestreutes repertoire. „Die operette ist
das eine wichtige standbein, und ich trete
jährlich in ein bis zwei großen produktionen
auf. Der Kontrapunkt dazu ist das
zeitgenössische musiktheater.“ Im Theater
an der Wien war er bisher in produktionen
von zeitgenössischem musiktheater zu sehen
und sang in den uraufführungen von
bernhard Langs I Hate Mozart und Johannes
Kalitzkes Die Besessenen sowie in hans
Werner henzes Der Prinz von Homburg. In
Vogel Herzog Idiot wollte bergmann beide
richtungen einfließen lassen. „Wenn ich
im sommer eine intensive operetten-produktion
absolviere, dann freue ich mich
danach darauf, zeitgenössisches musiktheater
machen zu können. Diese art, mit unterschiedlichen
Inhalten und verschiedener
Ästhetik zu arbeiten und in völlig verschiedene
rollen zu springen, gefällt mir.“ zwei
Komponistinnen und einen Komponisten
unterschiedlicher Generation und herkunft
hat bergmann ausgesucht, um die drei sujets
in verschiedenen musikalischen und
ästhetischen zugängen zu den mini-monoopern
Heute Abend Boris Godunow von
Karmella Tsepkolenko, Blaubarts von samu
Gryllus und Papagenono von Johanna Doderer
zu vereinen.
„seit mitte der 1990er Jahre habe ich durch
meinen arbeitsschwerpunkt zeitgenössisches
musiktheater Kontakte nach odessa“,
sagt bergmann. „Die ukrainische Komponistin
und musikprofessorin Karmella
Tsepkolenko hat mich 2007 wieder zu ihrem
Festival Two Days and Two Nights of
New music eingeladen. bei diesem Festival
ist die Idee entstanden, ein gemeinsames
musiktheater zu realisieren.“ Karmella Tsepkolenko,
für bergmann der klassischen
moderne zuzuordnen, fördere bei ihrem
Festival in odessa seit langem die ukrainische
musikszene der Gegenwart. besonders
interessant fand bergmann immer die
anzahl junger Komponistinnen in der ukraine:
„Karmella Tsepkolenko ist sicher die
mentorin dieser jungen Generation.“
In Heute Abend Boris Godunow gibt bergmann
einblick in die Welt hinter der bühne.
„ein sänger sitzt in seiner Garderobe und
wartet auf seinen auftritt in Boris Godunow.
er probiert das Kostüm des boris, aber das
Kostüm ist ihm zu eng. seine Krone ist
nicht aus Gold und ohne goldene Krone
tritt er nicht auf. er entscheidet: ‚heute trete
ich nicht als boris auf, ich muss eine andere
rolle singen.‘ er probiert das Kostüm
des schuiski, aber dessen stiefel sind ihm
viel zu eng. außerdem hat diese rolle keine
große arie und ohne große arie macht
man keine Karriere. Daher will er auch nicht
den schuiski singen. es bleibt ihm noch die
rolle des Narren und er zieht das Kostüm
des Narren an. aber dann fällt ihm ein,
dass der regisseur den Narren ohne bart
will und er sich den bart nicht abrasieren
lassen möchte. er redet sich derart in rage,
dass er schlussendlich sagt, der regisseur
soll die rolle doch selber singen: ‚Ich mache
mich nicht für einen regisseur zum Idioten.‘
Kein boris, kein schuiski, kein Narr:
er tritt heute nicht auf und macht es sich
lieber zu hause vor dem Fernseher und bei
einem guten essen gemütlich.“
„Ich finde es gut, wenn man sich in diesem
metier ab und zu auf die schaufel nimmt“,
meint rupert bergmann zum ansatz von
Karmella Tsepkolenko und Librettistin Kristine
Tornquist, die Vogel Herzog Idiot auch
inszenieren wird. „Das reine schauspiel ist
anfällig für abgehobenheit und selbstinszenierung.
Im musiktheater muss man als
Darsteller immer dem musikalischen Faden
folgen. Daher sind wir als sänger ein bisschen
distanzierter. es ist mir aber wichtig,
diese situation humorvoll zu porträtieren.
In Wien herrscht ein großes Interesse an
dieser Kunstform und daher gefällt mir die
Idee, die rollen einmal umgedreht zu präsentieren.“
Den aus ungarn stammenden Komponisten
Johanna Doderer, Rupert
Bergmann und Roland Geyer
bei der Partitur-Übergabe
voGeL herzoG IDIoT
Drei mini-mono-opern für
bassbariton und Kammerensemble
heuTe abeND
borIs GoDuNoW (2008/11)
Musik von Karmella Tsepkolenko
Libretto von Kristine Tornquist
bLaubarTs (2011)
Musik von Samu Gryllus
Libretto von Zoltán András Bán
papaGeNoNo.
eINe ausFLuChT (2011)
Musik von Johanna Doderer
Libretto von Franzobel
Idee und Konzept rupert bergmann &
Jury everhartz
Musikalische Leitung anna sushon
Inszenierung Kristine Tornquist
Kostüme markus Kuscher
Bühne roman spiess
Bassbariton rupert bergmann
eine Neuproduktion des Theater an der Wien
In Kooperation mit mupaTh
urauFFÜhruNG:
Freitag, 4. November 2011, 20.00 Uhr
auFFÜhruNGeN:
6. / 8. / 10. November, 20.00 Uhr
spIeLorT:
Kammeroper, Fleischmarkt 24, 1010 Wien
samu Gryllus, der in Wien studiert hat, lernte
rupert bergmann bei einer produktion in
berlin kennen. „aus diesem und weiteren
gemeinsamen projekten ist dann die Idee
zur Gründung des vereins mupaTh – music
performance art theater entstanden.“ Die
Grundidee für Blaubarts, die sich samu
Gryllus mit dem Librettisten zoltán andrás
bán überlegt hat, geht davon aus, dass ein
neuer blaubart geboren wird. „es wird die
Geburt des neuen blaubart im mutterleib
geschildert. Das stück schildert die Genese
dieses neuen Wesens, es ist ein eher introvertierter
innerer monolog, und endet mit
der Geburt des neuen blaubart, der aber
durchaus belastet mit seiner vergangenheit
geboren wird. zwischen den beiden komödiantischen
stücken am anfang und am
ende stellt Blaubarts den ruhigeren mittelteil
des abends dar.“
In Johanna Doderers Papagenono. Eine Ausflucht
erzählt Librettist Franzobel die Geschichte
von schikaneders vogelfänger im
österreichisch-wienerischen Dialekt weiter.
„Wir sehen papageno einige zeit nach dem
ende der Zauberflöte. papageno hat seine
vögel mit Wein und zucker gefüttert, daran
sind sie krepiert und jetzt sitzt er inmitten
seiner toten vögel und singt ‚I wan vü‘.
auch die papagena ist ihm weggelaufen,
wahrscheinlich hat er sie vertrieben und er
ist völlig frustriert und wieder eine bemit-
leidenswerte Kreatur geworden. er glaubt,
in ein Loch zu fallen und fasst am ende
doch wieder mut.“
Für rupert bergmann gehört Johanna Doderer
zu den Komponistinnen, die zur Tonalität
ein gutes verhältnis haben: „Ich wollte
das als dritten musikästhetischen ansatz in
diesem abend vertreten haben. es ist ein
witziges und rasches stück geworden. Ich
singe ja gerne operette sowie harmonische
Werke und in diesem sinn ist Papagenono
ein schöner Kontrast in diesem abend.“
Die besetzung des fünfköpfigen Kammerensembles
folgt der Instrumentierung
von Heute Abend Boris Godunow,
das als erstes Werk entstanden ist und
somit für die beiden anderen Kompositionen
eine auswahl an Instrumenten
vorgab. „Ich habe dann mit allen drei
Komponisten gesprochen“, sagt rupert
bergmann. „herausgekommen ist ein
Klaviertrio mit einer Klarinette und einem
percussionisten, der die marimba als haupt-
instrument neben kleineren schlagwerken
spielt. Das war die vorgabe an die Komponisten,
bei samu Gryllus kommt noch eine
soundeinspielung dazu und bei Johanna
Doderer könnte auch das Klaviertrio die
partitur alleine spielen.“ Die musikalische
Leitung der ästhetisch unterschiedlichen
Werke obliegt der in Novosibirsk geborenen
israelischen Dirigentin anna sushon.
12 13

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szenenfoto aus Intermezzo 2008 © armin bardel
oper KoNzerTaNT
Was immer ist, ist richtig
William Christie und Les arts Florissants interpretieren händels letztes oratorium Jephtha.
mit dem Chor „Wie düster, oh herr, sind
Deine Dekrete!“ endet der zweite akt von
händels oratorium Jephtha. In eine dunkle
zeit fiel für händel die Komposition des
Werkes. zeitlebens komponierte händel
zügig und präzise. mit der Niederschrift
von Jephtha begann er am 21. Jänner 1751
und vollendete den ersten akt am 2. Februar.
Nach dem großen Chor des zweiten
aktes, der das geistige zentrum des Werkes
bildet, notierte händel: „biß hierher komen
den 13 Febr“. zur entspannung „des
gesichts meines linken auges“ musste
händel die arbeit abbrechen, nahm sie
vorübergehend wieder auf und legte am
27. Februar die Feder endgültig für vier
monate nieder. um sein augenleiden zu
kurieren, besuchte er vergeblich die bäder
in bath und Cheltenham. als er mit der
Niederschrift des dritten aktes begann,
ließ seine sehkraft immer mehr nach. auf
dem linken auge dürfte er bereits erblindet
gewesen sein. Die arbeit ging dementsprechend
nur langsam voran.
Die Geschichte stammt aus dem buch
der richter des alten Testaments. Wegen
seiner unehelichen herkunft wird Jephtha
von seinen halbbrüdern aus Gilead verstoßen.
In der verbannung wächst er zu
einem gottesfürchtigen und stolzen Krieger
heran. Das zwischenzeitlich von den
ammonitern okkupierte Gilead bittet den
verstoßenen sohn um hilfe und wählt ihn
JephTha
oratorium in drei akten (1752)
Musik von Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Libretto von Thomas Morell
Konzertante aufführung in englischer sprache
Musikalische Leitung William Christie
Jephtha Kurt streit
Iphis Katherine Watson
Hamor David D. Q. Lee
Zebul Neal Davies
Storge Kristina hammarström
Engel rachel redmond
Les arts Florissants
Donnerstag, 17. November 2011, 19.00 Uhr
William Christie und Les Arts Florissants
zum heerführer. er soll die alte heimat
von der besatzungsmacht befreien. bevor
Jephtha in den Kampf gegen die ammoniter
zieht, legt er ein Gelübde ab. Was oder
wer immer als erstes aus seinem haus
kommt, will er dem herrn als brandopfer
darbringen. es ist seine Tochter und Jephtha
vollstreckt das opfer an seiner Tochter.
Dem aufgeklärten Textdichter reverend
Thomas morell, den händel selbst um
ein Libretto gebeten hatte, erschien diese
Geschichte zu barbarisch. In Übereinstimmung
mit der anglikanischen Theologie ersetzte
er den rächenden Gott des alten
Testaments durch einen gütigen Gott und
gab der namenlosen Tochter der biblischen
vorlage den Namen Iphis. morell
erfand neue personen, dichtete eine Liebesgeschichte
hinzu und lässt die auf das
schicksal der Iphigenie anspielende Iphis
am ende auf Geheiß eines engels überleben.
Fortan soll sie als jungfräuliche priesterin
im Tempel dienen.
Die uraufführung fand mehr als ein
Jahr nach arbeitsbeginn am 26. Februar
1752 statt, sechs weitere aufführungen
folgten. Das Werk war zwar kein misserfolg
wie das von händel geschätzte
oratorium Theodora, konnte sich aber
ebenfalls nicht wirklich durchsetzen. zu
ungewöhnlich war der introvertierte und
nach innen blickende altersstil händels für
das Londoner publikum. Die erstaufführung
blieb die letzte premiere eines neu
komponierten Werkes, die händel selbst
dirigierte.
Für William Christie und Les arts Florissants
eröffnet Jephtha die möglichkeit, die
immensen dramatischen Fähigkeiten des
in ihren Worten „anspruchsvollsten Komponisten
des barocken europas“ musikalisch
darzustellen. ob in den dramatischen
oder kontemplativen momenten der handlung,
besonders der Chor übernimmt in
händels oratorium eine dominante rolle.
Für William Christie und sein renommiertes
ensemble enthält das biblische Werk
eine Fülle an erstaunlichen Chorpassagen,
wie die beeindruckende reflexion über die
sterblichkeit „how dark, o Lord, are thy
decrees!“: „all unsere Freuden werden sich
in sorgen wandeln und unser erfolg in
Trauer, sowie die Nacht dem Tag folgt.
Kein dauerhaftes Glück, keinen sicheren
Frieden werden wir sterblichen auf erden
erfahren. Doch gehorcht diesem obersten
Gebot: Was immer ist, ist richtig.“ Noch im
Jahr der uraufführung erblindete händel
völlig und Jephtha blieb sein letztes oratorium.
15

oper KoNzerTaNT
imperator ihres Herzens
händels Giulio Cesare in Egitto mit alan Curtis und Il complesso barocco.
Alan Curtis
Julius Caesar hat seinen politischen Gegner
pompejus in Griechenland geschlagen
und bis nach Ägypten verfolgt. Dort lässt
der junge herrscher ptolemäus Caesar das
haupt von pompejus als Gastgeschenk
überreichen. seine schwester Cleopatra
indessen will den Thron für sich alleine
und muss dazu ptolemäus beseitigen. es
gelingt ihr, Caesar auf ihre seite zu ziehen.
Nach einem attentat auf Caesar lässt
ptolemäus auch Cleopatra gefangen nehmen.
Doch Caesar hat überlebt, befreit die
Geliebte und krönt sie zur Königin von
Ägypten. sie aber will auch als regentin
dem beherrscher roms und ihres herzens
untertan sein.
Die Liebe zwischen Cleopatra und Caesar,
der ägyptischen Königin und dem römischen
Imperator, hat über Jahrhunderte
hinweg darstellende wie bildende Künste
gleichermaßen inspiriert. statt einer historischen
Deutung stand aber mehrheitlich
die Charakterisierung der Figuren im sinne
der zeit im mittelpunkt. Librettist Niccolò
Francesco haym bearbeitete für seine
Dichtung ein 1677 von Giacomo Francesco
bussani für venedig verfasstes, gleichnamiges
Libretto. Doch haym ging weit über
die vorlage hinaus, dichtete schlachten dazu,
schrieb neue sterbeszenen und ließ
die Feinde Caesars auf offener bühne erstechen.
händel und haym gingen mit
Giulio Cesare in Egitto an die Grenzen
dessen, was zu ihrer zeit überhaupt noch
aufführbar war. bühnenspektakel und musikalische
Glanzlichter boten optische wie
akustische spannung bis zur scena ultima.
Georg Friedrich händel wurde 1719 zum
Direktor der royal academy of music ernannt,
einem privaten opernunternehmen
englischer adeliger. um das Interesse des
publikums zu schüren, luden die aktionäre
Giovanni bononcini nach London ein,
dessen eingängige opern in ganz europa
erfolg hatten. händel wurde in diesem
musikalischen Wettstreit vom königlichen
hof bevorzugt, der Italiener stand in der
Gunst der adeligen rund um den herzog
von marlborough. Dass der Kampf zugunsten
händels ausging, ist auf den glänzenden
erfolg von Giulio Cesare in Egitto
zurückzuführen, die zu seiner erfolgreichsten
und in der Gegenwart meistgespielten
oper avancierte.
Der amerikanische Dirigent, Cembalist und
musikwissenschafter alan Curtis hat sich
bereits als student in den 1950er Jahren
zur verwendung von barocken Instrumenten
und zur historischen aufführungspraxis
bekannt. er studierte bei Gustav Leonhardt
in amsterdam und promovierte nach seiner
rückkehr in die usa im Fach musikwissenschaft
an der university of Illinois.
er schlug eine akademischen Laufbahn an
der universität von Kalifornien in berkeley
ein und führte dort eine rekonstruktion
von monteverdis L’incoronazione di Poppea
in der ursprünglichen orchestrierung
bereits in den 1960er Jahren auf. Curtis
gründete 1979 das ensemble Il complesso
barocco, mit dem er sich der barockmusik
auf historischem Instrumentarium und
der Wiederentdeckung von selten gespielten
frühen opern widmete.
Dem musiktheatralischen Werk händels
widmete Curtis stets besondere aufmerksamkeit.
er empfinde es als einen Dienst
an händel und an allen musikliebhabern,
dessen unbekannte Werke wiederaufzuführen.
Im Theater an der Wien interpretierten
Curtis und sein ensemble bereits die
händel-opern Agrippina, Tolomeo, Berenice
und das pasticcio Giove in Argo. In dieser
saison widmet sich Curtis in konzertanten
aufführungen den beiden bekannten
opern Ariodante und Giulio Cesare in Egitto
sowie händels letzter und selten gespielter
oper Deidamia.
GIuLIo Cesare IN eGITTo
Dramma per musica in drei akten (1724)
Musik von Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Libretto von Niccolò Francesco Haym
Konzertante aufführung in italienischer sprache
Musikalische Leitung alan Curtis
Giulio Cesare marie-Nicole Lemieux
Cleopatra Karina Gauvin
Tolomeo Filippo mineccia
Cornelia romina basso
Sesto emöke baráth
Achilla Johannes Weisser
Nireno milena storti
Il complesso barocco
Mittwoch, 23. November 2011, 19.00 Uhr
oper KoNzerTaNT
Feind der tyrannen,
Freund des Vaterlands
Federico maria sardelli leitet vivaldis Catone in Utica.
In der stadt utica im nördlichen afrika treffen
die Truppen des überzeugten republikaners
Cato und des Diktators Julius Caesar
während des römischen bürgerkrieges
aufeinander. Trotz seiner überwältigenden
militärischen Übermacht versucht Caesar
Cato als Freund zu gewinnen. Doch Cato
ist trotz Caesars entgegenkommen nicht
bereit, das prinzip der republik aufzugeben
und unterliegt. Der historische Cato
beging nach Caesars sieg im bürgerkrieg
in einklang mit seiner stoischen philosophie
selbstmord, da er unter einem Tyrannen
nicht weiter leben konnte.
Die Tragödie des römischen staatsmannes
Cato, der von 95 bis 46 vor Christus gelebt
hat und in den Worten shakespeares
als „Feind der Tyrannen, Freund des vaterlands“
in die Literatur eingegangen ist,
ist einer der am häufigsten vertonten stoffe
der barockzeit. Für die Karnevalssaison
1737 in verona vertonte der 59-jährige vivaldi
das Libretto des berühmten pietro
metastasio. In dessen realistischem Textbuch
stirbt Cato ursprünglich in der letzten
szene auf der bühne und sagt Caesars
sturz voraus. zeitgenössischer Geschmack
und Konvention zwangen metastasio, den
schluss zu ändern, damit Cato wenigstens
nicht auf der bühne stirbt. vivaldi, wohl
mit hilfe eines anonymen autors, musste
selbst noch diesen schluss entschärfen.
In seiner Fassung kapituliert Cato in aller
Form vor dem tyrannischen Caesar und
darf weiter leben.
vivaldi leitete die premiere von Catone in
Utica unter mitwirkung der sängerin anna
Girò im Teatro Filarmonico in verona
sowie vermutlich auch die folgenden fünf
vorstellungen. Das Dramma per musica
in drei akten ist ein großangelegtes, aber
für die verhältnisse der zeit kurzes Werk
mit 13 arien, das ursprünglich auch mit
Tänzern aufgeführt wurde, und einer orchesterbesetzung
mit streichern, Continuo,
zwei Trompeten und zwei hörnern.
Die sänger der uraufführung dürfte vivaldi
selbst zusammengestellt haben. „Wir haben
nur sechs aufführungen gemacht,
nach den abrechnungen glaube ich, nicht
zu verlieren, vielmehr, wenn Gott uns bis
zum ende begünstigt, ist uns ein verdienst
ganz sicher und vielleicht kein geringer“,
schrieb vivaldi aus verona und hoffte, dass
eine ähnliche oper auch höchste Nachsicht
in Ferrara haben könnte. vivaldi war
bereit, das finanzielle risiko dafür selbst
zu tragen: „Ich bin in ähnlichen Fällen
ein freier unternehmer, und ich begleiche
aus meiner Tasche und nicht mit
geliehenem Geld.“ Doch dazu sollte es
nicht kommen, der erzbischof von Ferrara
Federico Maria Sardelli
verweigerte vivaldi die einreise, weil „ich
priester bin, ohne messe zu lesen, und
weil ich eine amicizia mit der sängerin
Girò habe“, notierte vivaldi und sah in der
absage „ein meer von unglück“. ein Jahr
später wird der erzbischof von Ferrara in
der Tat ein edikt erlassen, das allen Geistlichen
die Teilnahme an karnevalistischen
veranstaltungen untersagt. priester hätten
sich der oper von Ferrara fernzuhalten.
Der italienische Dirigent und Komponist
Federico maria sardelli hat sich intensiv
mit dem Werk vivaldis beschäftigt. als
mitglied des wissenschaftlichen Komitees
des Istituto Italiano antonio vivaldi
hat er mehrere musikwissenschaftliche
studien zum Thema veröffentlicht. 1984
gründete er modo antiquo, das sich auf
mittelalterliche wie barocke musik spezialisiert
und einen entscheidenden beitrag
zur Wiederentdeckung von vivaldi als
opernkomponist in den vergangenen Jahren
geleistet hat.
CaToNe IN uTICa
Dramma per musica in drei akten (1737)
Musik von Antonio Vivaldi (1678-1741)
Libretto von Pietro Metastasio
Konzertante aufführung in italienischer sprache
Musikalische Leitung Federico maria sardelli
Catone magnus staveland
Marzia sonia prina
Emilia Loriana Castellano
Arbace Nicki Kennedy
16 17
modo antiquo
Freitag, 16. Dezember 2011, 19.00 Uhr

parTNersChaFT
Von der Leiste auf die Bühne
Die Wiener schuhmanufaktur Ludwig reiter und das Theater an der Wien
setzen ihre partnerschaftliche Kooperation in dieser saison fort.
mit grandioser stärke setzte véronique
Gens neue maßstäbe für die Gestaltung
der Titelrolle von Christoph Willibald
Glucks Iphigénie en Tauride. mit darstellerischer
präsenz und präziser stimmführung
begeisterte die französische sopranistin
publikum und Kritik. Neu interpretiert und
zeitgemäß umgesetzt, wurde aus einer
oper mit antikem Thema aus dem Jahr
1779 ein tiefer blick in die menschliche
seele der Gegenwart und ein Wegweiser in
die zukunft. Jede opernaufführung besteht
aus einer komplexen vielzahl von einzelnen
elementen und nur, wenn in allen abteilungen
auf höchstem Niveau gearbeitet
wird, kann eine künstlerisch erfolgreiche
produktion entstehen. Neben musik und
Inszenierung ist es die ausstattung, die
die Ästhetik eines opernhauses in allen
Details entscheidend mitprägt. véronique
Gens trug als Iphigénie ein besonderes
paar schuhe, angefertigt von der Wiener
schuhmanufaktur Ludwig reiter. von den
Leisten bis zum fertigen schuh wurde das
modell für véronique Gens in der letzten
manufaktur für rahmengenähte schuhe
in mitteleuropa handgefertigt. „Die Leisten
für die schuhe der Iphigénie stammen
noch aus der zwischenkriegszeit“, erläutert
der geschäftsführende Gesellschafter des
Familienbetriebs Till reiter. „Nach meiner
urgroßmutter wurden sie anna benannt.“
mit der unterstützung der opernproduktion
Der Prinz von Homburg im November
2009 begann die zusammenarbeit zwi-
schen der schuhmanufaktur Ludwig reiter
und dem Theater an der Wien. Die Kooperation
wurde bei Il mondo della luna sowie
der uraufführung von Die Besessenen fort-
gesetzt, und in Der Freischütz spielten
schuhmodelle von Ludwig reiter eine
tragende rolle. Karl markovics als samiel
entfaltete seine teuflische Wirkung in der
Wolfsschlucht in einem eigens angefertigten
paar schwarzer Lackstiefeletten. Die
auswahl der schuhe erfolgt in enger zusammenarbeit
zwischen den Kostümbildnern
der Inszenierungen und der schuhmanufaktur.
vom klassischen reitstiefel
über zugstiefeletten bis zum husarenstiefel,
vom halbschuh für herren bis zum
eleganten abendschuh für Damen: rund
200 paar werden für eine saison von Ludwig
reiter hergestellt und den im Theater
an der Wien auftretenden solisten und
Choristen in passender anzahl und Größe
zur verfügung gestellt. Till reiter, in vierter
Generation mit seinen Geschwistern für die
Wiener Traditionsmarke verantwortlich,
freut sich als opernkenner über die ent-
wicklung sowie den erfolg des neuen
opernhauses und bekräftigt die partner-
schaftliche zusammenarbeit.
Die Ludwig reiter schuhmanufaktur wurde
1885 als handwerksbetrieb gegründet. Der
betrieb befand sich bis 1998 im 17. Wiener
Gemeindebezirk und wurde aufgrund der
beengten räumlichen verhältnisse nach
Wiener Neudorf verlegt. als Wiener unternehmen
fiel 2008 die entscheidung, wieder
in die stadt der Gründung zurückzukehren
und man stieß auf der suche nach einem
geeigneten Gelände auf schloss süßenbrunn
im Nordosten des Wiener Gemeindegebietes.
Das schloss, ursprünglich ein
erstmals im 12. Jahrhundert erwähntes
rittergut, wurde im 16. Jahrhundert von
den Freiherrn von Landau zu einem renaissance-schloss
ausgebaut. Nach mehreren
besitzerwechseln gestalteten die Freiherrn
von bartenstein das schloss um 1830 im
stil der Frühromantik um. seit den 1920er
Jahren waren der Gutshof und das schloss
im besitz der Theresianischen akademie.
Im sinne des unternehmerischen Leitmotivs
„Die zukunft der Tradition“ wurde die
historische substanz des Gutshofes in abstimmung
mit dem bundesdenkmalamt
Wien für die produktion behutsam adaptiert.
Die erhaltung eines Kulturdenkmals
kann somit durch eine neue Nutzung gesichert
werden. Wo ursprünglich pferde und
Kühe untergebracht waren, werden seit mai
dieses Jahres von rund 40 mitarbeitern in
der produktion jährlich rund 30.000 paar
schuhe gefertigt. Die meisten davon werden
in rahmengenähter handarbeit nach dem
traditionellen Goodyear-verfahren hergestellt,
das Ludwig reiter II. als junger mann
zu beginn des 20. Jahrhunderts in den vereinigten
staaten kennengelernt hat. Das
verwalterhaus wurde zum büro und der
Getreidespeicher dient als Depot. Die
schlosserei ist im Taubenschlag untergebracht
und in der meierei werden Taschen
und Koffer gefertigt. Die verbindungsgänge
aus holz und Glas wurden neu errichtet
und werden als materiallager genutzt.
Die renovierung und adaptierung eines
denkmalgeschützten ensembles benötigt
neben der notwendigen arbeit vor allem
zeit. mehr als zwei Jahre wurde geplant
und renoviert, musste der Gutshof an die
arbeitsprozesse einer schuhmanufaktur
angepasst werden. Für Till reiter ist dieser
umstand kein Thema: „Wir haben uns
Die historische Leiste Anna, nach der
der Schuh für Véronique Gens als
Iphigénie in der Schuhmanufaktur
Ludwig Reiter hergestellt wurde.
freiwillig dieses objekt ausgesucht. aber
ich glaube, dass sich alte Dinge auf lange
sicht rentieren.“ mit schloss und Gutshof
süßenbrunn habe sich die einmalige
Chance ergeben, die schuhmanufaktur
mit allen vor- und nachgelagerten schritten
in einem charmanten ambiente in
Wien unterzubringen. Gegenwärtig werden
Fassaden und Gartenanlagen instand
gesetzt, längerfristig ist die restaurierung
des hauptgebäudes geplant. auch
die aufführungen von brittens The Turn
of the Screw und händels Serse wurden
von Ludwig reiter mit den notwendigen
schuhen ausgestattet. beide Neuproduktionen
der noch jungen saison bewiesen
erneut, dass sich Tradition und Innovation
gegenseitig beflügeln, solange Qualität das
oberste Gebot ist. Diesen Weg werden die
Ludwig reiter schuhmanufaktur und das
Theater an der Wien auch in dieser saison
gemeinsam bestreiten.
Handwerkliche Perfektion von
der Leiste bis zum fertigen
Produkt: Die Ludwig Reiter
Schuhmanufaktur im Schloss
Süßenbrunn in Wien.
Geschäftsführer Till Reiter
mit Tochter Magdalena im
„Rittersaal“ des Gutshofes.
18 19

Im Jahr 2007 hat sich eine Gruppe von
opern-begeisterten zusammengeschlossen
und den verein Freunde Theater an der
Wien ins Leben gerufen.
ziel des vereines ist es, die schwerpunkte
des hauses zu unterstützen und dadurch
den stellenwert des Theater an der Wien
als außergewöhnliche Kulturinstitution zu
unterstreichen. In der kurzen zeit seines
bestehens wurde der verein eine plattform
für alle Liebhaber des neuen, innovativen
musiktheaters und bietet ein vielfältiges
angebot an Diskussions- und Informationsmöglichkeiten.
ein besonderes augenmerk
legen die Freunde des Theater an der
Wien darauf, Jugendlichen den zugang zur
opernwelt zu ermöglichen. Daher ist es ein
besonderes ziel des vereines, die erfolgreichen
Jugendprojekte auch finanziell zu unterstützen.
siegfried menz, vorstandsvorsitzender von
ottakringer, gibt im Gespräch einblick über
seine Leidenschaft für oper und klassische
musik.
Wissen Sie noch, welches Werk Sie in die Welt
der Oper eingeführt hat?
als gebürtiger vorarlberger wurde mein
Interesse an klassischer musik und oper
vor allem durch besuche der bregenzer
Festspiele geweckt. Das kulturelle angebot
während meiner Jugend- und schulzeit war
aber doch recht begrenzt, um nicht zu sagen
überschaubar. In erinnerung geblieben
ist mir aber eine aufführung von Schwanensee.
vielleicht war das auch das Initiationswerk,
das mein Interesse am musiktheater
schließlich geweckt hat.
Wie haben Sie dann Ihren Wechsel nach Wien
wahrgenommen?
Der Wechsel nach Wien erfolgte aufgrund
meines studiums. von der messe- und
Gartenstadt Dornbirn im rheintal kommend,
empfand ich den unterschied zu
Wien schon gewaltig. ausgehungert nach
Kultur bedeutete diese veränderung die
einkehr ins paradies, denn diese stadt
war und ist für jemanden wie mich, der an
Siegfried Menz,
Ottakringer-Vorstandsvorsitzender
und Präsident des Vereines
Freunde Theater an der Wien
FreuNDesKreIs
einkehr ins Paradies
siegfried menz, präsident des Freundeskreises, über sein engagement für das neue opernhaus.
musik, oper, Theater und bildender Kunst
gleichermaßen interessiert ist, das reinste
schlaraffenland.
Was hat Sie dazu bewogen, dem Freundeskreis
als dessen Präsident vorzustehen und
sich für das neue Opernhaus an der Wien zu
engagieren?
meine grundsätzliche Neugier und die
Überzeugung, dass es die einzig richtige
entscheidung der stadt Wien war, dieses
historische Juwel wieder seiner ursprünglichen
bestimmung als opernhaus zurückzuführen.
außerdem bietet kaum ein anderer
bereich wie die Kunst so viele verschiedene
möglichkeiten, Themen und Dinge, die uns
bewegen, auf vielfältige Weise wahrzunehmen.
vor allem finde ich auch, dass der kreative
zugang das entdecken von Kunst so
interessant macht. und schließlich: Überzeugt
von einer sache möchte ich immer
etwas bewegen und mich einbringen.
Welche besonderen Ziele verfolgt der Freun-
beITrITTserKLÄruNG
verein FreuNDe TheaTer aN Der WIeN
Ich trete hiermit dem Verein FREUNDE THEATER AN DER WIEN bei.
Bitte senden Sie mir weitere Informationen an folgende Adresse:
Name: _____________________________________________________________________________________________
adresse: ____________________________________________________________________________________________
Tel: ___________________________________________________ Fax:_________________________________________
e-mail: _____________________________________________________________________________________________
c mitglied ¤ 50,– p. a.
c Jugendmitglied (bis 26 J.) ¤ 15,– p. a.
c Förderer ¤ 350,– p. a.
Zutreffendes bitte ankreuzen und diesen Abschnitt in einem Kuvert an
Freunde Theater an der Wien | Linke Wienzeile 6 | 1060 Wien senden.
Datum: ___________________ unterschrift: ______________________________________________________________
deskreis und welche Angebote und Möglichkeiten
bieten Sie Ihren Mitgliedern? Welchen
Stellenwert nimmt die Jugendarbeit für den
Freundeskreis ein?
ein besonderes anliegen des vereins ist
die Förderung und unterstützung der Jugendarbeit.
hier hat das Theater an der
Wien während der vergangenen Jahre mit
außergewöhnlichen projekten wesentliche
maßstäbe gesetzt und damit das Interesse
und die begeisterung vieler Jugendlicher für
das musiktheater geweckt. als ein beispiel
seien die begleitenden Workshops und Gespräche
rund um Jake heggies oper Dead
Man Walking genannt, die das Thema der
Todesstrafe zum Inhalt hatte. Der verein
soll auch eine plattform darstellen, wo
opernfans sich informieren und miteinander
kommunizieren können. Freier eintritt
zu den Werkeinführungen, die jährliche
Dokumentations-DvD, einladungen und
ermäßigungen zu speziellen veranstaltungen,
der besuch einer Generalprobe, eine
eigene Garderobe und das zusammentreffen
mit Künstlerinnen und Künstlern sind
nur einige der angebote, die der verein seinen
Förderern und mitgliedern bietet.
Was zeichnet das Theater an der Wien aus
und ist das Stagione-System von Wiens neuem
Opernhaus zukunftsweisend?
Das vielfältige programm mit seinem über-
iMPReSSUM:
Theater an der Wien – Intendant DI roland Geyer | medieninhaber und herausgeber: vereinigte bühnen Wien Ges.m.b.h.
Generaldirektor mag. Thomas Drozda
ein unternehmen der Wien holding | Theater an der Wien, Linke Wienzeile 6, 1060 Wien | Tel. (+43/1) 588 30-660 | oper@theater-wien.at | www.theater-wien.at
Für den Inhalt verantwortlich: Intendant DI roland Geyer | redaktion: Johannes penninger | Gastautor: Konrad Kuhn
Theater an der Wien-Team: petra aichinger, Karin bohnert, sylvia hödl, Catherine Leiter, markus schemmel, axel e. schneider, sabine seisenbacher, Claudia stobrawa, philipp Wagner
marketing & produktion: Tina osterauer | Grafik/art Direction: martina heyduk | redaktionsschluss: 17. oktober 2011
herstellung: Niederösterreichisches pressehaus, Druck- und verlagsgesellschaft m.b.h., 3100 st. pölten, Gutenbergstraße 12
Änderungen und Irrtümer vorbehalten | Dvr 0518751
aus breiten spektrum von der barockoper
bis hin zu zeitgenössischen Werken bildet
eine wertvolle und notwendige ergänzung
zum angebot von staatsoper und
volksoper. Werke kommen wieder zur aufführung,
die sehr lange oder überhaupt
noch nie in Wien gezeigt wurden, womit
laufend neue akzente gesetzt werden. zur
Frage, ob das stagione- oder das repertoire-system
zukunftsweisend ist, meine
ich, dass beide wichtig und – abgestimmt
auf das jeweilige haus – sinnvoll sind. Im
Falle des Theater an der Wien ist die monatliche
bespielung mit jeweils einem stück in
gleich bleibender besetzung und damit in
gleich bleibender Qualität ideal.
BiLdnaCHWeiS:
Coversujet © beyond / michael huber . thomas riegler (grafik: thomas riegler) // s. 3 roland Geyer © Lukas beck // s. 6 Lera auerbach © Friedrun reinhold // s. 8 Ivor bolton © ben Wright // s.9 Claus Guth © regine Koerner
s. 10 probenfotos Messiah © armin bardel // s.13 Johanna Doderer, rupert bergmann, roland Geyer © Karl schöndorfer // s. 15 Les arts Florissants © philippe matsas // s. 18/19 Ludwig reiter schuhmanufaktur © alle peter m. mayr
s. 19 szenenfoto Iphigénie en Tauride © rolf bock // s. 20 siegfried menz © erich reismann // s. 22 mari eriksmoen © s. bjelland
20 21

eNsembLe November / Dezember
Mari eriksmoen
Die junge Norwegerin debütierte im Theater an der Wien 2010 als
zerbinetta in harry Kupfers Inszenierung von Ariadne auf Naxos
unter der musikalischen Leitung von bertrand de billy. aufgrund
ihrer schwangerschaft musste Diana Damrau den auftritt als Komödiantin
absagen und mari eriksmoen übernahm kurzfristig die
rolle. Die sopranistin war als phänomenale zerbinetta die entdeckung
des abends, schauspielerisch hinreißend beeindruckte sie
mit lyrischem ausdruck, sicherheit in den Koloraturen und Wortdeutlichkeit
in allen schwierigen passagen.
Geboren in oslo studierte mari eriksmoen in ihrer heimatstadt
sowie am Conservatoire National superieur in paris. Im Jahr 2007
war sie Finalistin beim Queen sonja International Wettbewerb und
2008 beim hans Gabor belvedere Wettbewerb in der Disziplin
operette. mit 23 Jahren debütierte sie als susanna in Le Nozze di
Figaro und als adele in Die Fledermaus in der Norwegischen staatsoper.
Nach ihrem auftritt beim silvesterkonzert 2010 in Carmina
Burana im Theater an der Wien übernimmt eriksmoen die kurze,
aber gewichtige und musikalisch wunderschöne partie der euridice
in monteverdis L ’ Orfeo.
Der antike mythos vom tragischen Liebespaar orfeo und euridice
eignete sich wie kein anderer als archetyp der neuen Gattung. Dem
sänger aus Thrakien gelang es mit seiner musik, Tiere zu besänftigen,
bäume zu bewegen und steine zu erweichen. In ihm fanden
die Komponisten um 1600 eine ideale Figur, ihre Idee einer neuen
musikalischen Gattung, in der musik und sprache sich gegenseitig
ergänzen, zu verwirklichen. Inspiration findet orfeo in seiner
grenzenlosen Liebe: „Nur deinetwegen, schöne euridice, preise
ich meine Qualen: Denn nach dem Leid wird man glücklicher und
nach den schmerzen fröhlicher.“
euridice erwidert die Gefühle, denn ihr herz weile längst nicht
mehr bei ihr. Der sänger habe es mit seiner Liebe an sich gefesselt:
„Frag es, wenn du zu wissen verlangst, wie glücklich es schlägt und
wie es dich liebt.“ Doch orfeo verliert seine angebetete, die ihm in
den Worten ovids aber nicht grämt: „mag sie sterben zum zweiten
mal: sie hat für den Gatten keinerlei Tadel. Was soll sie denn
tadeln, als dass er sie liebe?“
mari eriksmoens repertoire umfasst Koloraturpartien ebenso
wie jene des lyrischen Fachs. Nach rollen in Werken von händel,
haydn und mozart, schönberg, poulenc und strauss wendet sie
sich nun dem beginn der Gattung oper zu. Im märz 2012 wird sie
dann die olympia in der Neuproduktion von Jacques offenbachs
Les contes d’Hoffmann im Theater an der Wien übernehmen.
vladimir Fedoseyev (Dirigent) · martin Winkler (Gogol) · Ladislav elgr (bes) · stella Grigorian (Tod)
Christine mielitz (regie) · otto Katzameier (Gogol) · Natalya ushakova (poshlust)
Tatiana plotnikova (maria/mutter/braut) · anna Gorbachyova (braut/Nymphe) · Iwona sakowicz (braut) · sebastian schaffer (Nikolka)
Dejan vatchkov (priester/Doktor) · Tim severloh (richter) · Falko hönisch (staatsanwalt / verteidiger) · Florian Lienhart (Nikolka)
voGeL herzoG IDIoT
rupert bergmann (bassbariton) · Kristine Tornquist (regie)
anna sushon (musikalische Leitung)
22 23
GoGoL
L’orFeo
Ivor bolton (Dirigent) · John mark ainsley (orfeo) · Katija Dragojević (musica/messaggiera/speranza)
Claus Guth (regie) · mari eriksmoen (euridice) · phillip ens (Caronte/plutone)
suzana ograjensek (proserpina/Ninfa) · Cyril auvity (pastore/spirito) · Jakob huppmann (pastore/spirito)
mirko Guadagnini (apollo) · Jeroen de val (pastore/spirito)
JephTha
William Christie (Dirigent) · Kristina hammarström (storge) · Neal Davies (zebul)
Katherine Watson (Iphis) · Kurt streit (Jephtha) · David D. Q. Lee (hamor)
GIuLIo Cesare IN eGITTo
alan Curtis (Dirigent) · Karina Gauvin (Cleopatra) · romina basso (Cornelia) · Johannes Weisser (achilla)
marie-Nicole Lemieux (Giulio Cesare) · Filippo mineccia (Tolomeo) · emöke baráth (sesto) · milena storti (Nireno)
CaToNe IN uTICa
Federico maria sardelli (Dirigent) · sonia prina (marzia) · Nicki Kennedy (arbace)
magnus staveland (Catone) · Loriana Castellano (emilia)

4. NOVEMBER BiS 31. DEZEMBER
voGeL herzoG IDIoT
Drei mini-mono-opern für bassbariton und Kammerensemble. musik von Karmella Tsepkolenko, samu Gryllus und Johanna Doderer
Idee & bassbariton: rupert bergmann | musikal. Ltg: anna sushon | Inszenierung: Kristine Tornquist | Kostüme: markus Kuscher | bühne: roman spiess
4. November, 20.00 Uhr (Uraufführung) | 6., 8., 10. November, 20.00 Uhr | Spielort: Wiener Kammeroper | Tickets ¤ 20 | In Kooperation mit mupaTh
GoGoL
oper von Lera auerbach | Dirigent: vladimir Fedoseyev | regie: Christine mielitz | bühne: Johannes Leiacker | Kostüme: Kaspar Glarner
orF radio-symphonieorchester Wien | arnold schoenberg Chor | Grazer Kapellknaben & mozart Knabenchor Wien
15. November, 19.30 Uhr (Uraufführung) | 18., 21., 24. & 26. November, 19.30 Uhr | Einführungsmatinee: 13. November, 11.00 Uhr
Tickets ¤ 135 | 115 | 85 | 70 | 52 | 35 | 18 | Neuproduktion & auftragswerk des Theater an der Wien
JephTha
oratorium von Georg Friedrich händel (konzertante aufführung) | Dirigent: William Christie | Les arts Florissants
17. November, 19.00 Uhr | Tickets ¤ 70 | 58 | 45 | 35 | 26 | 18 | 11
GIuLIo Cesare IN eGITTo
oper von Georg Friedrich händel (konzertante aufführung) | Dirigent: alan Curtis | Il complesso barocco
23. November, 19.00 Uhr | Tickets ¤ 70 | 58 | 45 | 35 | 26 | 18 | 11
L’orFeo
oper von Claudio monteverdi | Dirigent: Ivor bolton | regie: Claus Guth | ausstattung: Christian schmidt
Freiburger barockorchester | monteverdi Continuo ensemble | arnold schoenberg Chor
14. Dezember, 19.30 Uhr (Premiere) | 17., 20., 22. & 29. Dezember, 19.30 Uhr; 31. Dezember, 20.00 Uhr | Einführungsmatinee: 11. Dezember, 11.00 Uhr
Tickets ¤ 135 | 115 | 85 | 70 | 52 | 35 | 18 | Neuproduktion des Theater an der Wien
CaToNe IN uTICa
oper von antonio vivaldi (konzertante aufführung) | Dirigent: Federico maria sardelli | modo antiquo
16. Dezember, 19.00 Uhr | Tickets ¤ 70 | 58 | 45 | 35 | 26 | 18 | 11
KarTeN
Freier Vorverkauf an der Tageskasse im Theater an der Wien
und am Wien-Ticket pavillon sowie per Telefon und Internet.
vorverkaufsbeginn für die vorstellungen ab 1. Jänner 2012 am 1. september 2011.
Schriftliche Bestellungen:
Theater an der Wien, Linke Wienzeile 6, 1060 Wien
Tageskassen (täglich 10 bis 19 uhr)
Theater an der Wien: Linke Wienzeile 6, 1060 Wien
Wien-Ticket Pavillon: Karajan-platz (neben der staatsoper)
internet: www.theater-wien.at (online-bestellungen nur mit Kreditkarte)
ö1 Clubmitglieder erhalten für hauseigene
produktionen auf maximal zwei Karten pro
vorstellung eine ermäßigung von 10 %.
Abonnement: Das abonnementprogramm senden
wir Ihnen auf bestellung gerne kostenlos zu.
Änderungen der vorstellungszeiten, preise, preiskategorien,
Öffnungszeiten sowie besetzungen vorbehalten.
Kartentelefon:
täglich von 8 bis 20 Uhr
hauptsponsor
Theater an der Wien-magazin
2. ausgabe 2011/12
Theater an der Wien | Linke Wienzeile 6 | 1060 Wien
www.theater-wien.at
FÜhruNGeN
21. & 25. 11., 20. & 28. 12., jeweils 16.00 Uhr | Dauer: 1 stunde
preis: ¤ 7 / 5 (ermäßigt) | schulklassen: ¤ 3 | Kinder unter 6 Jahren frei
information: +43-1-58830 664 oder philipp.wagner@theater-wien.at
Klangblatt 7/2011 | sponsoring post | verlagspostamt 1060 Wien | Dvr 0518751 | Gz 03z034773 s