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Ausgabe 128 (02/2024) 

€ 7,50 (DE) • € 8,00 (EU) 

ISSN 1619-9421 

www.blickpunktmusical.online 

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EINE DEUTSCH-DEUTSCHE GESCHICHTE 

DAS MUSICAL VON RALPH SIEGEL 

STAR-BESETZUNG 

HEINZ HOENIG 

TIM WILHELM 

SIMONE BALLACK 

JENNIFER SIEMANN 

DAN LUCAS 

SONIA FARKE 

MUSIK: RALPH SIEGEL – BUCH: RONALD KRUSCHAK 

TEXTE: MICHAEL KUNZE, BERND MEINUNGER, RONALD KRUSCHAK 

08.- 19.05.24 

deutsches-theater.de 

Das Deutsche Theater München präsentiert eine Veranstaltung der 

Pirol Productions Company in Zusammenarbeit mit dem Festspielhaus Neuschwanstein. 

© Artwork: Helena Baaser – dpi-advertisings.eu

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LA CAGE 

REGIE Andreas Gergen 

MUSIKAL. LTG Günter Wallner 

ALBIN Mathias Schlung 

GEORGES Tim Grobe 

AUX FOLLES 

EIN KÄFIG VOLLER NARREN 

Musik und Gesangstexte von Jerry Herman 

Buch von Harvey Fierstein 

Nach dem Stück Ein Käfig voller Narren von Jean Poiret 

Deutsch von Erika Gesell und Christian Severin 

25.04. bis 14.06.2024 

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€ 7,50 (DE) • € 8,00 (EU) 

ISSN 1619-9421 


Das Phantom der Oper 

Zurück im Wiener Raimund Theater 

SIX – The Musical Berlin 

Die Königinnen Linz 

Der große Gatsby Göttingen 

Hanf. Ein berauschender Abend Schwedt 

Pretty Woman London 

West Side Story Wien 

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Inhalt 

Inhalt 

Ausgabe 128, Nr. 02/2024 

… kurz vorweg 

Liebe Leserinnen und Leser, 

liebe Abonnentinnen und Abonnenten, 

das Jahr schreitet voran und wir sind 

sehr dankbar für die vielen positiven 

Resonanzen auf die vergangenen Wochen. 

Viele Veränderungen kommen gut 

voran und wir freuen uns besonders, 

Ihnen als Abonnent:innen unsere Jokertickets 

anbieten zu können. Wir 

sind weiterhin mit mehreren Theatern 

im Gespräch, einige werden erst mit 

kommenden Veranstaltungen bei uns 

in den Verkauf einsteigen, das heißt, 

dass da gerade ganz viel passiert, und 

obwohl wir, mit dieser Ausgabe beginnend, 

auch immer eine Seite für unsere 

Jokertickets bereithalten, empfiehlt 

es sich doch, regelmäßig auf die Webseite 

zu schauen oder unseren Newsletter 

zu abonnieren. 

Wir haben außerdem »Backstage« als 

Rubrik hinzugefügt, hier gehen wir intensiver 

auf Teile einer Produktion ein. 

Der Start macht die Probenzeit von 

»Dear Evan Hansen« in Gmunden, mit 

tollen Bildern und kurzen Interviews 

können wir da die vergangenen Monate, 

bis es nun auf die Bühne kommt, 

darstellen. 

Ansonsten ist es eine Freude zu sehen, 

wie viele große und großartige Produktionen 

unsere Redakteur:innen in 

den vergangenen Wochen sehen durften, 

um für Sie darüber zu berichten 

und wie viele für die kommenden Wochen 

auf dem Redaktionsplan stehen! 

In diesem Sinne wünschen wir Ihnen 

viel Freude beim Lesen unserer neuesten 

Ausgabe, 

Herzliche Grüße, 

Sabine Haydn 

Chefredaktion der blickpunkt musical 

Topthema 

4 Das Phantom der Oper Raimund Theater Wien 

Musicals in Deutschland 

26 Absolventenpräsentation 2024 Essen 

12 UA Bittersüße Zitronen Ohnsorg 

Theater Hamburg 

20 Broadway Danny Rose Schlosstheater Celle 

19 China Girl – Liebe ist stärker als Blut 

F1rst Stage Theater Hamburg 

24 UA Der große Gatsby Deutsches Theater 

Göttingen 

14 Hello, Dolly! Musiktheater im Revier 

Gelsenkirchen 

16 UA Hanf. Ein berauschender Abend 

Uckermärkische Bühnen Schwedt 

28 Jubiläumsshow F1rst Stage Theater Hamburg 

23 UA Käthe holt die Kuh vom Eis 

Kammertheater Karlsruhe 

8 SIX – The Musical (Tour) Admiralspalast Berlin 

Musicals in Österreich 

56 Candide Theater an der Wien, Wien 

49 UA Die Königinnen Landestheater Linz 

62 Footloose (Tour) Wiener Stadthalle 

54 UA Luziwuzi – Ich bin die Kaiserin 

Rabenhof Theater Wien 

58 Titanic Bühne Baden 

60 UA Twist! Metropol Theater Wien 

52 West Side Story Volksoper Wien 

Musicals in Europa 

66 La Cage aux Folles Bühnen Bern 

64 Rent Theater St. Gallen 

Musicals in Großbritannien 

72 Pretty Woman (Tour) New Wimbledon 

Theatre London 

Musicals in den USA 

70 Merrily We Roll Along Hudson Theatre 

New York 

Einblick 

46 Alfons Haider über »My Fair Lady« Mörbisch 

36 Frank Nimsgern über »Zauberflöte« Füssen / 

München 

34 Seth Sklar-Heyn über »Das Phantom der 

Oper« Wien 

31 Anton Zetterholm über »Das Phantom der 

Oper« Wien 

30 Ein bisschen Frieden Deutsches Theater München 

Filme & Serien 

67 Die Farbe Lila im Kino 

Rubriken 

40 Backstage bei »Dear Evan Hansen« Musical 

Frühling in Gmunden 

76 Abgeschminkt – Peter Scholz über seine 

sozialen Engagements 

74 Das war anno … 1974 

78 Einspielungen 

81 Abonnenten-Info 

82 Impressum & Ausblick 

Abb. von oben: 

1. »Der große Gatsby« Göttingen 

Foto: Thomas M. Jauk 

2. »Luziwuzi – Ich bin die Kaiserin« Wien 

Foto: Rita Newman / Rabenhof Theater 

3. »La Cage aux Folles« Bern 

Foto: Rob Lewis 

4. »Pretty Woman« London 

Foto: Marc Brenner 

Titelfoto: 

»Das Phantom der Oper Wien« 

Foto: VBW / Deen van Meer 

24 

54 

66 

72 

blickpunkt musical 02/24 

3

Musicals Topthema in Deutschland 

Lang ersehnte Rückkehr im neuen Look 

»Das Phantom der Oper« am Wiener Raimund Theater 

Abb. oben: 

Als Christine (Lisanne Clémence 

Veeneman) das Phantom (Anton 

Zetterholm) ohne Maske sieht, kann 

dieser seine Wut nicht mehr bändigen 

Abb. unten: 

Eine Erinnerung aus Kindheitstagen: 

Raoul (Roy Goldman) überreicht 

seiner angebeteten Christine (Lisanne 

Clémence Veeneman) eine rote Rose 

Fotos (2): VBW / Deen van Meer 

Zugegeben, ganz neu ist sie nicht, die als »spektakuläre 

Neuinszenierung« angekündigte Produktion 

von »Das Phantom der Oper«. Bereits 2011, zum 

25-jährigen Jubiläum des Andrew Lloyd Webber-Klassikers, 

verpasste niemand geringerer als Musicalproduzent 

Cameron Mackintosh dem Stück einen neuen 

Look – und das mit Erfolg. In den USA, Großbritannien 

und Australien kam das neue »Phantom« gut an, 

nun holte es Christian Struppeck, Musical-Intendant 

der Vereinigten Bühnen Wien, fast 40 Jahre nach der 

deutschsprachigen Erstaufführung in diesem Look 

in die österreichische Hauptstadt. Bereits im Vorfeld 

wurde heiß diskutiert: Während sich unter hart gesottenen 

Fans der Originalinszenierung Unmut breit 

machte, forderten andere wiederum Offenheit für eine 

neue, entstaubte Fassung. 

Die Geschichte rund um die Geschehnisse an der 

Pariser Oper, in der ein Mann mit entstelltem Gesicht 

in den Katakomben haust, Opern komponiert und 

sich in die junge Sängerin Christine Daaé verliebt, ist 

hinlänglich bekannt. Sie entstammt einem Roman von 

Gaston Leroux aus dem frühen 20. Jahrhundert und 

begeistert seit Jahrzehnten Fans auf der ganzen Welt. 

Rund 160 Millionen Besucher sahen die Originalproduktion 

bisher, die Uraufführung fand 1986 am Londoner 

West End statt, von wo es bis heute nicht wegzudenken 

ist. Mit sieben Tony Awards und zahlreichen 

weiteren Theaterpreisen gilt das »Phantom« heute als 

das erfolgreichste Musical aller Zeiten. Die Neuinszenierung 

ist nun erstmals im deutschsprachigen Raum 

zu sehen, Regie führt Seth Sklar-Heyn basierend auf 

dem Staging von Laurence Connor. 

Am 15. März fand die mit Spannung erwartete 

Premiere am Wiener Raimund Theater statt. Bereits 

beim Betreten des Saales steht – zur Erleichterung 

vieler – fest: Der Kronleuchter als heimlicher Protagonist 

steht auch diesmal wieder im Fokus. Zu Beginn 

noch verhüllt, soll er später Funken sprühen und auf 

das Publikum zurasen. Gleich vorweg: Weder die 

Geschichte selbst noch die berühmten Songs wurden 

verändert. Lediglich an der deutschen Fassung wurde 

gekonnt etwas gefeilt. Wo »Phantom« drauf steht, ist 

also »Phantom« drin, wenn auch etwas anders verpackt. 

So beginnt auch diese Inszenierung wie gewohnt mit 

einer Auktion an der Pariser Oper. Ein alternder Raoul 

ersteigert eine Spieluhr und erinnert sich folglich an 

die Ereignisse von damals zurück. Auftritt für den 

Kronleuchter, der vom verstaubten Requisit zur schillernden 

Figur der Oper wird, die nach und nach unter 

den durch Mark und Bein gehenden Melodien aus dem 

28-köpfigen VBW-Orchester unter der Leitung von 

Carsten Paap zum Leben erwacht – ein Gänsehautmoment, 

nicht nur für Fans. 

Das im Vergleich zur Originalproduktion reduzierte, 

man könnte boshaft sagen »abgespeckte« Bühnenbild 

(Paul Brown), ermöglicht rasche Szenenwechsel 

sowie Wechsel der Schauplätze. Eine Drehbühne 

tut hier ihr Übriges. Im Zentrum steht eine halbrunde 

Wand, die sich immer wieder öffnet und verändert, 

was zahlreiche Möglichkeiten bietet, die Bühne aber 

gleichzeitig auch gedrungener und enger wirken lässt. 

Auf die pompöse Treppe beim ›Maskenball‹ wartet 

man ebenso vergeblich wie auf die Kerzenpracht während 

der (in Wien übrigens äußerst kurz ausfallenden) 

Bootsfahrt in den Katakomben. Anstatt auf einer 

Orgel spielt das Phantom seine Melodien auf einem 

Requisit, das eher einem Keyboard ähnelt. Auch die 

beinah im Übermaß eingesetzte Pyrotechnik kann 

die fehlenden Details nicht wettmachen und scheint 

in manchen Szenen gar nicht von Nöten. Eine gute 

4 

blickpunkt musical 02/2024


Idee sind hingegen im »Harry Potter«-Stil ausfahrende 

Treppen, die den Weg zum Verlies freimachen und 

spektakulär wirken. Bei den gelungenen Kostümen 

(Maria Björnson®, Überarbeitung von Jill Parker) setzt 

man in dieser Neuinszenierung auf Altbewährtes. 

All jene, die das Stück in- und auswendig kennen, 

dürften sich über so manche kleine Änderung von Szenen 

wundern. So nimmt etwa nicht Christine selbst 

dem Phantom im Verlies die Maske ab. Vielmehr nutzt 

er die Zeit, in der sie schläft, um sein Gesicht zu reinigen. 

Sie erwacht, sieht sein Gesicht und erschrickt, das 

Unglück nimmt seinen Lauf... Im Finale gibt Christine 

dem Phantom bekanntlich seinen Ring zurück, er 

gesteht ihr seine Liebe. In dieser Inszenierung wird auf 

ein neuerliches Treffen und den damit einhergehenden 

Blickkontakt verzichtet. Das Phantom kniet am 

Boden, spricht die Worte: »Christine, ich liebe dich« 

scheinbar mehr zu sich selbst, die Angesprochene legt 

den Ring im Hintergrund auf den Tisch und zieht sich 

zurück. 

Generell ist ein neuer Ansatz in der Interpretation 

der Figuren ersichtlich. Wirkte die Protagonistin 

Christine Daaé bislang eher passiv und schüchtern, 

nimmt sie in dieser Produktion eine emanzipiertere 

Rolle ein. Besonders stark tritt dies etwa im Duett mit 

Raoul (›Mehr will ich nicht von dir‹) zum Vorschein. 

So ist es weniger ein Flehen als ein Fordern, das hier 

von der Sängerin ausgeht. Grundsätzlich scheint es, als 

wolle man den Fokus diesmal weniger auf das Bühnenbild 

und mehr auf die Personen in der Geschichte 

lenken. Vor allem das Phantom solle menschlicher 

und jünger wirken, hieß es schon im Vorhinein. Überraschend 

für viele war die Wahl des schwedischen 

Musicalstars Anton Zetterholm, der bislang häufig 

in klassischen Prince-Charming-Rollen zu sehen war, 

für die Titelrolle. Doch der Plan geht auf: Zetterholm 

kann vor allem stimmlich in Höhen und Tiefen begeistern 

und weiß auch mit seiner Stimme zu spielen. Er 

macht das Phantom nahbar. Dadurch verliert die Figur 

zwar etwas an Mystik und Gruselfaktor, wirkt aber 

menschlicher. Was der Zuschauer / die Zuschauerin 

bevorzugt, ist natürlich subjektiv. Besonders überzeugend 

ist Zetterholm in der finalen Szene, in der er 

zwischen Liebe und Hass schwankt und seine Gefühle 

nicht mehr bändigen kann. Die junge Niederländerin 

Lisanne Clémence Veeneman ist eine Entdeckung und 

sorgt mit ihrer Darstellung der Christine für Gänsehaut. 

Ausdrucksstark im Schauspiel und mit einem 

traumhaften Sopran weiß sie die ambivalenten Gefühle 

der jungen Sängerin gekonnt zu vermitteln – Chapeau! 

Im Zusammenspiel mit Landsmann Roy Goldman als 

Raoul harmoniert sie wunderbar. Goldman schafft es, 

neben seinem angenehmen Timbre, vor allem durch 

seine Darstellung zu überzeugen. Der sonst oft etwas 

farblose Raoul bekommt durch ihn Charakter. Man 

darf demnach gespannt auf seine Interpretation der 

Titelrolle sein. 

Die fabelhafte Wiener Cast ist bis in die kleinsten 

Rollen außerordentlich stark besetzt. Als bissige 

Operndiva Carlotta überzeugt Milica Jovanović, 

die in Wien bereits als Christine in der »Phantom«- 

Fortsetzung »Love Never Dies« auf der Bühne stand. 

Als skurrile Maestri der Pariser Oper sorgen Rob 

Pelzer und Thomas Sigwald für Lacher. Patricia Nessy 

gibt eine fantastische Madame Giry (genialer Einfall: 

Den Rückblick auf das Kennenlernen des Phantoms 

erzählt sie vor einer Schattenwand), Greg Castiglioni 

ist ein ausgezeichneter Piangi. Hochachtung gebührt 


Andrew Lloyd Webber / Charles Hart / 

Richard Stilgoe 

Deutsch von Michael Kunze 

Vereinigte Bühnen Wien & 

Cameron Mackintosh 

Raimund Theater 

Premiere: 15. März 2024 

Regie ....................... Laurence Connor 

Associate Regie .......... Seth Sklar-Heyn 

Musikalische Leitung ..... Carsten Paap 

Musical Supervision ............................. 

.......................... Alfonso Casado Trigo 

Orchestrierung ............... David Cullen 

Choreographie ............... Scott Ambler 

Associate Choreographie ..................... 

..................................... Nina Goldman 

Bühnenbild ....................... Paul Brown 

Kostüme ................... Maria Björnson® 

Associate Kostüme ............... Jill Parker 

Perücken, Haar- & 

Make-up-Design ............ Stefan Musch 

Lichtdesign ................ Paule Constable 

Associate Lichtdesign ......... Rob Casey 

Projektionen ...................... Zakk Hein 

Sounddesign ..................... Mick Potter 

Associate Sounddesign ......... Nic Gray 

Das Phantom .......... Anton Zetterholm 

Christine Daaé ..................................... 

............. Lisanne Clémence Veeneman 

Raoul, Vicomte de Chagny ..................... 

...................................... Roy Goldman 

Monsieur André ................. Rob Pelzer 

Monsieur Firmin ....... Thomas Sigwald 

Carlotta Giudicelli .... Milica Jovanović 

Madame Giry ............... Patricia Nessy 

Ubaldo Piangi ............ Greg Castiglioni 

Meg Giry ........... Laura May Croucherf 

In weiteren Rollen: 

Fleur Alders, Birgit Arquin, 

Eva Maria Bender, Niels Bouwmeester, 

Silke Braas-Wolter, Dejan Brkic, 

Jev Davis, Brodie Donougher, 

Amal El-Shrafi, Florian Fetterle, 

Ema Beatriz Fróis do Amaral, 

Julia Hübner (Dance Captain), 

Leonie Kappmeyer, Aaron Lynch, 

Lillian Mandaag, Vasilios Manis, 

Richard McCowen, Emma McFarlane, 

Robert Meyer, Matthew Petty, 

Wolfgang Postlbauer, 

Danielle Shani Raffoul, 

Lilly Rottensteiner, Steven Ralph, 

Darcie Jo Raukura Ridder, 

Samantha Rodulfo, Lowri Shone, 

Marco Trespioli, Timo Verse, 

Dean Welterlen 


1. Die ausgelassene Stimmung beim 

›Maskenball‹ in der Oper hält nicht 

lange an. Das Phantom mischt sich 

unter die Gäste 

2. Ein Brief nach dem anderen: Die 

Direktoren der Oper, Monsieur 

Firmin (Thomas Sigwald, l.) und Monsieur 

André (Rob Pelzer) kämpfen mit 

den Forderungen des Phantoms 

3. ›Mehr will ich nicht von dir‹ – Auf 

dem Dach der Oper gestehen sich 

Christine (Lisanne Clémence Veeneman) 

und Raoul (Roy Goldman) 

ihre Liebe 


blickpunkt musical 02/2024 

5


Abb. unten von links: 

1. Zwischen Trauer und Hass: 

Das Phantom (Anton Zetterholm) 

sieht Christine und Raoul auf 

dem Friedhof und fasst in seiner 

Verzweiflung einen Plan 

2. Operndiva Carlotta Giudicelli 

(Milica Jovanović, vorne l.) fühlt 

sich um ihren Ruhm betrogen, 

neben ihr Ubaldo Piangi (Greg 

Castiglioni, vorne r. mit Ensemble) 

3. Das Phantom (Anton Zetterholm) 

entführt Christine Daaé (Lisanne 

Clémence Veeneman) in sein Reich 

tief unter der Pariser Oper 

4. Die Anziehung ist zu groß: 

Christine (Lisanne Clémence 

Veeneman) folgt dem Phantom 

(Anton Zetterholm) in seine Welt 


ebenso dem Rest des Ensembles sowie dem »Corps de 

Ballet«, die mit perfekt synchron dargebotenen Choreographien 

die Wirkung des Stückes noch einmal 

verstärken. 

An der Cast dürfte es wohl nicht liegen, dass an 

manchen Stellen Emotion und Chemie fehlen. In 

Szenen wie ›Mehr will ich nicht von dir‹ legen die 

Darsteller unnötige Meter auf der Bühne zurück, 

gehen gestresst von links nach rechts, während hier 

ein kurzer Moment des Innehaltens beziehungsweise 

des Blickkontaktes der Intensität sicher gutgetan hätte. 

Hier gilt: Weniger ist mehr. Auch ist nicht klar, warum 

Christine in privaten Momenten ähnlich wild gestikuliert 

wie auf der Bühne. Anstatt ›Könntest du doch 

wieder bei mir sein‹ mit ausufernden Armbewegungen 

in Richtung Publikum zu singen, wäre es sicher eher 

angebracht, vor dem Grab zu stehen und das Zwiegespräch 

mit ihrem Vater oder Gott zu suchen. So wirken 

die Szenen zeitweise zu »einstudiert« und wenig natürlich 

– was sich nach der Premieren-Aufregung und mit 

der Routine legen könnte, sofern es keine bewusste 

Regieanweisung war. 

Das Premierenpublikum honorierte die Neuinszenierung 

mit tosendem, Minuten anhaltendem Applaus 

und Standing Ovations – und das auch zurecht. Das 

neue »Phantom der Oper« kann sich zweifelsfrei sehen 

und hören (nirgendwo sonst gibt es ein Orchester in 

dieser Größenordnung) lassen. Wer mit der Erwartungshaltung 

in die Show geht, das bekannte Original 

zu sehen, und durchweg Vergleiche zieht, wird vermutlich 

enttäuscht sein. In diesem Fall gilt es, sich auf 

etwas Neues einzulassen. Und das Neue ist zweifelsfrei 

gelungen – nicht zuletzt aufgrund der fantastischen 

Cast. Die Zahlen geben den Verantwortlichen übrigens 

recht: Bereits vor der Premiere wurde der Vorverkauf 

für die zweite Saison eröffnet. Sogar die übliche 

Sommerpause wurde verschoben. »Das Phantom der 

Oper«, es ist endlich wieder zurück – in einer Fassung, 

die überzeugt. 

Yvonne Mresch 

6 


CAMERON MACKINTOSHS 

SPEKTAKULÄRE NEUPRODUKTION 

VON 

ANDREW LLOYD WEBBERS 

AUCH IM JULI LIVE ZU SEHEN! 

#WeAreMusical 

PHANTOM.MUSICALVIENNA.AT


Geschieden, geköpft – live! 

»SIX – The Musical« auf Deutschland-Tour im Berliner Admiralspalast 

Abb. oben: 

Die Königinnen haben sich zu 

einer neuen Sicht ihrer Identität 

durchgerungen, die sie unabhängig 

macht von ihrem (Ex-)Ehemann: 

(v.l.) Catherine of Aragon (Nicole 

Louise Lewis), Anne Boleyn (Izi 

Maxwell), Jane Seymour (Erin 

Caldwell), Anna of Cleves (Kenedy 

Small), Katherine Howard (Lou 

Henry) und Catherine Parr 

(Aiofe Haakenson) 

Foto: Pamela Raith Photography 

Das britische Musicalphänomen »SIX«, das sich in 

der Form eines Popkonzerts dem Leben und Leiden 

der sechs Ehefrauen König Heinrichs VIII. von 

England widmet, macht auf seiner Tournee durch Mitteleuropa 

als erste Station im Admiralspalast in Berlin 

halt (weitere Stationen werden München, Zürich und 

Triest sein, sowie die Niederlande im Herbst). Wenn 

man das notorisch schwierige Berliner Musicalpublikum 

kennt, standen einem so einige Überraschungen 

bevor. Als erstes: Es war Sonntagnachmittag und die 

Show war so gut wie ausverkauft – inklusive beider 

Ränge. Zweitens: In einer Art und Menge, wie man 

es sonst nur von »Tanz der Vampire« oder der »Rocky 

Horror Show« kennt, kamen viele, vor allem junge 

Frauen, kostümiert als eine der Königinnen. Drittens: 

Vom ersten Moment der Show an herrschte im Saal eine 

ausgelassene Stimmung, wurde jeder Witz belacht, fast 

bevor er zu Ende ausgesprochen war, und hier und da 

war sogar leises Mitsingen zu vernehmen. Das ist umso 

erstaunlicher, als das Stück nicht nur zum ersten Mal in 

Deutschland gespielt wird, sondern auch in englischer 

Sprache, und noch dazu ohne Übertitel. Trotzdem hatte 

man den Eindruck, dass der weitaus größte Teil des 

Publikums (tendenziell zu achtzig Prozent unter dreißig 

und weiblich) das Stück mehr oder weniger auswendig 

kannte. Das zeigt, dass dieses Stück einen Nerv trifft – 

ähnlich wie »Hamilton« oder auch die Plate-Version von 

»Romeo und Julia«, die ebenfalls in Berlin im Theater 

des Westens ein ähnliches Publikumssegment erfolgreich 

ansprach. Die einigermaßen moderate Preisgestaltung, 

inklusive Ermäßigungen für ein »Queens Special« 

mit Ermäßigungen für eine Gruppe von vier Personen – 

was dem optischen Eindruck nach rege genutzt wurde ‒, 

trug sicher auch zur guten Auslastung bei. Vielleicht 

sollten sich andere Musicalanbieter in Deutschland die 

Preisgestaltung zum Vorbild nehmen… 

Die Keimzelle von »SIX« war ein Poesiekurs der 

Universität Cambridge als Projekt von Lucy Moss und 

Toby Marlow. Schnell zeigte sich, dass die Idee Potenzial 

hatte, vor allem, als die musikalische Gestaltung 

dazukam. So kam es 2017 beim Edinburgh Fringe 

Festival zu einer ersten Aufführung mit Studentinnen 

der Universität Cambridge. Es war ein solcher Erfolg, 

dass sich Produzenten fanden, die sechs Vorstellungen 

in London am Arts Theatre arrangierten, die ihrerseits 

genügend Erfolg hatten, um 2018 eine kleinere Tour 

durch Großbritannien zu ermöglichen. Am Ende 

stand das offizielle West-End-Debüt im Januar 2019 

in der Regie von Co-Autorin Lucy Moss und Jamie 

Armitage, die bis heute für alle Produktionen verantwortlich 

sind. Nach zwei Corona-Pausen, in denen die 

Londoner Theater geschlossen waren, spielt die Show 

seit 2021 am Vaudeville Theatre am West End. Auch 

die US-Produktion stand unter dem Corona-Fluch: 

Am Tag der geplanten Premiere (12. März 2020) 

schlossen die Broadway-Theater. Die Premiere fand 

daher erst am 3. Oktober im Lena Home Theatre statt, 

fand als erste Premiere nach der Wiedereröffnung der 

New Yorker Theater starke Beachtung und wurde sogar 

als Liveaufnahme veröffentlicht. In den Folgejahren 

gab es Produktionen in Kanada und Australien. In 

Südkorea, Ungarn und Polen gibt es landessprachliche 

Produktionen. Die Tour, die momentan in Deutschland 

unterwegs ist, ist die UK-Tour des Jahres 2023 in 

identischer Produktion und Besetzung. 

Der Admiralspalast ist nicht immer ein leichtes 

Pflaster – das Parkett steigt kaum an, und der Ton ist 

auch nicht immer das Beste vom Besten. Erstaunlicherweise 

störte das an diesem Nachmittag überhaupt 

nicht. Der Ton hatte, obwohl es nur vier Bandmitglieder 

(Pardon: Ladies-in-Waiting) gibt (Yutong Zhang 

als MD und am Keyboard, Janette Williams an den 

8 



Drums, Julia Ostrowska am Bass und Lola Barber 

an der Gitarre) genügend »Umpf«, um dem Publikum 

ordentlich etwas auf die Ohren zu geben. Die 

Bühne, bestehend aus einer Spielfläche vorne, einer 

Showtreppe in der Mitte, einer Empore für die Band 

und acht Elementen im Hintergrund, die in wechselnder 

Beleuchtung (Licht: Tim Deiling) wahlweise 

Säulen, gotische Kirchenfenster, einen Thronsaal oder 

einen angedeuteten Palast darstellen (Bühne: Emma 

Bailey), ist erfüllt von grandioser Energie (zu der die 

sehr modernen Choreographien von Carrie-Anne 

Ingrouille das Ihre beitragen) der sechs Darstellerinnen, 

die als die »Ex-Wives« von ihrem Leben (und Tod) 

mit Heinrich VIII. erzählen. 

Wenn sich im Admiralspalast der Vorhang öffnet, 

geht es gleich in medias res: Die sechs Königinnen in 

modernen stylischen Kostümen, die sich dennoch formal 

leicht an Renaissance-Vorbildern orientieren (Kostüme: 

Gabriella Slade), treten auf mit dem Abzählreim, 

mit dem allen englischen Schulkindern die sechs Königinnen 

beigebracht werden: »Divorced, beheaded, died, 

divorced, beheaded, survived.« Schnell einigen sich die 

Damen darauf, dass sie keine Lust mehr haben, sich 

hierauf reduzieren zu lassen und beschließen, stattdessen 

ihre Geschichte (»our history, or as we like to say, 

herstory«) selbst zu erzählen und dazu die Band der 

›Ex-Wives‹ zu gründen. Die Leadsängerin soll diejenige 

werden, die am meisten unter Heinrich gelitten hat. 

Catherine of Aragon (Nicole Louise Lewis), Heinrichs 

erste Frau, tritt an und ist überzeugt, dass sie mit 

Sicherheit die Gewinnerin sein wird. In ihrem Solo 

›No Way‹ beschreibt sie, wie sie 24 Jahre lang Heinrich 

eine treue und loyale Ehefrau war, trotz all seiner 

Affären, fest überzeugt, dass sie bis an ihr Lebensende 

Königin von England sein würde – wofür Heinrich 

prompt versuchte, sie in ein Kloster abzuschieben. 

Als sie sich weigerte, verbannte er sie vom Hof und 

trennte sie von ihrer Tochter. Sie starb allein drei Jahre 

nach ihrer erzwungenen und von ihr nie anerkannten 

Scheidung. Sie ist felsenfest der Meinung, dass sie es 

damit am schlechtesten von allen Ehefrauen getroffen 

hat, aber dann kommt ›The One You’ve Been Waiting 

For‹: Anne Boleyn (Izi Maxwell) erzählt von ihrer 

Jugend in Frankreich und wie der König zuerst auf sie 

aufmerksam wurde. Als sie zur Bedingung macht, dass 

er sie heiraten muss, wenn er sie in sein Bett bekommen 

will, nimmt das Unheil seinen Lauf: Er bricht mit 

der katholischen Kirche, um sie heiraten zu können, 

ist aber auch ihr kein treuer Ehemann. Als sie allerdings 

ihrerseits ein wenig herumflirtet, nimmt Henry 

das zum Anlass, sich ihrer durch Enthauptung wegen 

Untreue zu entledigen (›Don’t Lose Ur Head‹). Anne ist 

ebenfalls davon überzeugt, dass sie am meisten unter 

ihrem Mann gelitten hat. 

Während die Nummern der ersten beiden Königinnen 

Up-Tempo-Nummern sind (laut dem Autoren-/ 

Komponistenteam dienten Beyoncé und Jennifer 

Lopez als stilistische Vorbilder für Catherine of Aragon 

und Miley Cyrus und Avril Lavigne für Anne Boleyn), 

kommt mit dem Auftritt der Jane Seymour, Heinrichs 

dritter Frau und Mutter seines einzigen Sohnes, eine 

neue musikalische Farbe dazu (laut Autorenteam inspiriert 

von Celine Dion und Adele). Ihre eher ruhige 

Popballade ›Heart of Stone‹ ist eine Liebeserklärung an 

den König, den sie nur als Liebenden erlebt hat (was 

sofort den Protest der anderen auslöst), auch wenn sie 

sich bewusst ist, dass das vor allem daran liegt, dass 

sie ihm den ersehnten Sohn geboren hat. Vom Stil her 

ist dieser Song viel klassischer und verlangt eine starke 

Sopranstimme, die Erin Caldwell absolut mitbringt. 

So ist Jane, wie wohl auch ihr historisches Vorbild, ein 

Ruhepol in der temporeichen Show. Ihre Tragödie, 

den so ersehnten Sohn nicht aufwachsen zu sehen, 

ist eher stiller Natur. Noch weniger tragisch erging es 

SIX – The Musical (Tour) 

Toby Marlow / Lucy Moss 

In englischer Sprache 

Kenny Wax, Wendy & Andy Barnes 

and George Stiles & BB Promotion 

Admiralspalast Berlin 


Regie .... Lucy Moss & Jamie Armitage 

Musikalische Leitung ...... Yutong Zhang 

Orchestrierung .................. Tom Curran 

Choreographie .... Carrie-Anne Ingrouille 

Bühnenbild .................... Emma Bailey 

Kostüme ...................... Gabriella Slade 

Licht .................................. Tim Deiling 

Sounddesign ............... Paul Gatehouse 

Catherine of Aragon ............................... 

.............................. Nicole Louise Lewis 

Anne Boleyn ...................... Izi Maxwell 

Jane Seymour .................. Erin Caldwell 

Anna of Cleves ................ Kenedy Small 

Katherine Howard ............... Lou Henry 

Catherine Parr ............ Aoife Haakenson 

Ladies in Waiting (Band): 

Yutong Zhang (Keyboard), 

Janette Williams (Schlagzeug), 

Julia Ostrowska (Bass), 

Lola Barber (Gitarre) 

Abb. unten: 

›No Way‹ – Catherine of Aragon 

(Nicole Louise Lewis, Mitte) lehnt 

es kategorisch ab, ihren Platz als 

Königin abzugeben 

Foto: Pamela Raith Photography 


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Abb. unten von oben links: 

1. Man richtet sich her im 

›House of Holbein‹ 

2. Catherine Parr (Aiofe Haakenson, 

Mitte) emanzipiert sich von 

ihrem Ex-Ehemann – ›I Don’t Need 

Your Love‹ 

3. Catherine Parr (Aiofe Haakenson, 

Mitte) ruft die anderen dazu 

auf, sich nicht nur über ihren 

Ehemann zu definieren – ›I Don’t 

Need Your Love‹ 

4. ›The House of Holbein‹ – Die 

Königinnen diskutieren die 

Schönheitsstandards ihrer Zeit, 

wenn sich die potenziellen Bräute 

für Heinrichs Hofmaler Hans 

Holbein herrichten müssen 

Fotos (4): Pamela Raith Photography 

ihrer Nachfolgerin, Anna of Cleves (Kenedy Small). 

Sie erzählt zunächst, wie Heinrich auf der Suche nach 

potenziellen Bräuten seinen Hofmaler Hans Holbein 

auf den Kontinent schickte und erntete mit dem Satz: 

»To find his next queen, we’re heading to Germany« 

den größten und langandauerndsten Szenenapplaus 

des Abends, der sie selbst ein wenig zu verblüffen 

schien. Zunächst beschreibt die temperamentvolle 

Ensemble-Nummer ›House of Holbein‹ die mehr oder 

weniger unangenehmen Schönheitsmittel der Zeit, 

mit denen sich die Heiratskandidatinnen herrichteten, 

bevor Holbein sie für den König malte. Da sowohl 

Anna als auch der Maler Deutsche waren, werden hier 

zur Belustigung des Publikums immer wieder kurze 

deutsche Wörter oder Sätze eingestreut. In ihrem 

anschließenden Solo beschreibt Anna sarkastisch, wie 

der mittlerweile alte und ziemlich unattraktive König 

die junge Prinzessin ablehnt, weil sie angeblich nicht 

so schön ist wie ihr Porträt. Ihr Solo ›Get Down‹ ist 

deutlich fröhlicher und optimistischer als die Songs 

der anderen (die Inspiration waren hier Rihanna und 

Nicki Minaj), singt sie doch statt von erlittenem Unrecht 

darüber, wie sie es geschafft hat, im Gegenzug zur 

Einwilligung zu ihrer fast sofortigen Scheidung nicht 

nur das schöne Schloss Richmond, sondern auch ein 

substanzielles Einkommen zu ergattern. Obwohl sie 

das im Rennen um das größte Unglück an Heinrichs 

Seite disqualifiziert, kann sie nun als unabhängige reiche 

Frau die »Queen of the castle« sein. Kenedy Small 

verdient großen Respekt dafür, dass sie durch den ganzen 

Song hindurch einen einigermaßen glaubwürdigen 

deutschen Akzent durchhalten kann, was sicher vor 

einem deutschsprachigen Publikum herausfordernder 

ist als in einem englischsprachigen Land. 

Mit dem nächsten Song wird dagegen wieder ein 

düsteres Schicksal angesprochen, das der oberflächlichen 

und dennoch tragischen Katherine Howard (Lou 

Henry). Das nicht überbordend intelligente, aber bildschöne 

junge Mädchen wurde schon in jungen Jahren 

(13) von ihrem Musiklehrer verführt und hatte dann 

eine Affäre mit dem Sekretär des herzoglichen Hauses 

Norfolk, wo sie als Nichte des Herzogs aufwuchs. Mit 

17 traf sie den 32 Jahre älteren König, der sie umgehend 

heiratete. Wenig erstaunlich war Katherine zwar 

gerne Königin, fand aber junge Höflinge attraktiver als 

ihren alten Ehemann. Nachdem eine Affäre mit Thomas 

Culpeper, einem Höfling, dem König zu Ohren 

kam, ließ er sie als zweite seiner Gemahlinnen nach 

Anne Boleyn (die übrigens Katherines Cousine war) 

enthaupten – sie war wahrscheinlich noch nicht einmal 

zwanzig Jahre alt. Der Song ›All You Wanna Do‹ ist 

ein typischer Popsong im Stil von Britney Spears oder 

10 



Ariana Grande und bringt zum Ausdruck, wie sehr 

Katherine von allen Männern in ihrem Leben ausgenutzt 

wurde. Im Anschluss an diesen Song bekommen 

sich vor allem Catherine of Aragon und Anne Boleyn 

in die Wolle, wer von ihnen mehr Mätressen und 

Fehlgeburten ertragen musste. Bevor es handgreiflich 

wird, tritt Catherine Parr (Aoife Haakenson), Heinrichs 

sechste und letzte Frau, dazwischen und stößt 

die Diskussion an, ob man sich denn wirklich nur 

über den Ehemann definieren solle – schließlich seien 

andere Königinnen kaum bekannt und Heinrichs 

Frauen auch nur in Bezug auf ihre Stellung zu ihm. 

Zunächst stößt dieser Ansatz auf Unverständnis bei 

den anderen, und so erzählt Catherine in ›I Don’t Need 

Your Love‹ erst einmal von der Trauer, die sie empfand, 

als sie nach zwei lieblosen Ehen mit älteren Männern 

endlich den Mann gefunden hatte, den sie liebte (Thomas 

Seymour, Königin Janes Bruder), und ihn dann 

verlassen musste, weil der König sich in sie verliebte 

und Anspruch auf sie erhob als Ehefrau. Der Song, der 

Alicia Keyes und Emili Sandé als Inspirationen hat, 

ist am ehesten in dem ganzen Stück so etwas wie eine 

»klassische« Musicalballade, auch in seinem textlichen 

und dramatischen Aufbau und der darin enthaltenen 

Entwicklung: Zunehmend fragt sich die intelligente 

Catherine, warum sie sich eigentlich immer nur mit 

Heinrich befassen soll, wenn sie doch selbst Bücher 

geschrieben und sich für die Bildung von Frauen eingesetzt 

hat. Sie beklagt, dass die Geschichtsschreibung 

sie immer noch auf ihre Rolle als »die Überlebende« 

reduziert. Ermuntert von ihr stimmen nach und nach 

alle Königinnen in den Song mit ein und erklären, sich 

ihre eigene Geschichte zurückholen zu wollen: »We’re 

taking back control, you need to know, I don’t need 

your love, no, no.« 

Im abschließenden Song ›Six‹ (ein Remix aus allen 

Soli) bekräftigen alle Königinnen noch einmal ihr neu 

gewonnenes Selbstbewusstsein: »We’re free to take our 

crowning glory.« Als Zugabe/Applausmusik gibt es 

dann noch den ›Megasix‹, in denen unter Mittanzen 

und Mitsingen des Publikums alle Songs noch einmal 

angespielt werden. Der Jubel des Publikums erforderte 

noch einige weitere Verbeugungen – so eine grandiose 

Stimmung ist im Theater nicht allzu häufig und beweist 

wieder einmal, dass das Berliner Publikum, wenn ihm 

denn etwas wirklich gefällt, äußerst ausdauernd ist im 

Spenden von Applaus. 

»SIX« ist vielleicht kein traditionelles Musical – es 

hat kaum eine äußere Handlung ‒, aber es scheint 

einen Nerv vor allem bei jungen Frauen zu treffen. 

Man könnte es vielleicht als Pop-Konzert im historischen 

Rahmen (der im Übrigen erstaunlich korrekt 

wiedergegeben ist) bezeichnen, und es scheint, dass 

diese Verbindung von historischem Inhalt und moderner 

Form im Moment ein Erfolgsrezept ist. Ein Besuch 

lohnt sich ganz sicher! 

Merit Murray 

Abb. oben: 

Verpassen Sie nicht die große, 

bunte Party, die bereits weltweit für 

so viel Begeisterung sorgt: 

26. März 2024 – 7. April 2024 

Deutsches Theater München 

9. April 2024 – 21. April 2024 

Theater 11 Zürich (CH) 

25. April 2024 – 28. April 2024 

Politeama Rossetti Triest (IT) 

„Der Wahnsinn geht weiter! 

Nach über 500.000 

begeisterten ZuschauerInnen 

von Ku’damm 56 - 

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Regie: Christoph Drewit z 

Choreograf ie: Jonathan Huor 

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5. Mai 2024 

STAGE THE ATER DES WESTENS 


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11 

S C A N M I C H !


Dat rappelt op dat Dachböhn 

Uraufführung von »Bittersüße Zitronen« im Hamburger Ohnsorg-Theater 

Abb. oben: 

Zitronenjette (Marina Lubrich) 

und Bruno Michalke (Cem Lukas 

Yeginer) nähern sich nicht nur 

körperlich an, sondern entdecken 

auch Gefühle 

Foto: Oliver Fantitsch 

Bittersüße Zitronen 

Christian von Richthofen / Murat Yeginer 

Plattdeutsch von Frank Gruppet 

Ohnsorg-Theater Hamburg 

Uraufführung: 25. Februar 2024 

Regie ............................ Murat Yeginer 

Musikalische Leitung ............................ 

..................... Christian von Richthofen 

Ausstattung ......................... Beate Zoff 

Zitronenjette ............... Marina Lubrich 

Jette John ........................ Rabea Lübbe 

Paul John ....................... Jannik Nowak 

Bruno Michalke ..... Cem Lukas Yeginer 

Paulina Piperkarzcka .... Tanja Bahmani 

Emil Qoaquaro ................. Robert Eder 

Harro Hassenreuther ............................ 

............................. Konstantin Graudus 

Anna Müller ........ Caroline Kiesewetter 

Alice Rütterbusch ............ Sorina Kiefer 

Erich Spitter .................... Flavio Kiener 

Therese Hassenreuther .... Beate Kiupel 

Walburga Hassenreuther .... Nele Larsen 

Mit: 

Christian von Richthofen 

Regisseur Murat Yeginer lädt, frei nach Gerhart Hauptmanns 

»Die Ratten«, auf den Dachboden eines alten 

Mietshauses ein, der als Theaterfundus mit vielen Verstecken 

dient und wo die unterschiedlichen Bewohner nun 

aufeinander treffen: Die kinderlose Maurerfrau Jette John 

(Rabea Lübbe), die einer illegalen Prostituierten (Tanja 

Bahmani) das Baby abkauft und es als ihr eigenes ausgibt, 

ihr Ehemann, der Maurer (Jannik Nowak), sowie ihr 

zwielichtiger Bruder Emil (Robert Eder), ein Hausmeister- 

Blockwart, der für Ordnung und Recht sorgt (Cem Lukas 

Yeginer), und ein ehemaliger Theaterdirektor (Konstantin 

Graudus), der gern vollmundig über die Kunst und das 

Leben philosophiert. Am liebsten tut er das mit seinem 

Schauspielschüler, dem ehemaligen Theologiestudenten 

Erich Spitter (Flavio Kiener), der in die Theaterdirektorentochter 

Walburga (Nele Larsen) verliebt ist. Nicht zu vergessen 

sind auch die Ehefrau des Theaterdirektors (Beate 

Kiupel) und dessen Geliebte Alice (Sorina Kiefer). 

Mitten unter ihnen: Henriette Johanne Marie Müller 

(Marina Lubrich), die den Hamburgern bis heute als 

Hamburger Unikat und als »Zitronenjette« bekannt ist. 

Hinzu kommt noch ihre Schwester Anna Müller (Caroline 

Kiesewetter). 

Allesamt Menschen, die im Gängeviertel (um 1841- 

1916) am Rande der Gesellschaft lebten und deren Leben 

nun auf schicksalhaft-komische Weise miteinander verbunden 

sind. 

Das Drama »Die Ratten« von Gerhart Hauptmann 

(das in Berlin spielt und das soziale Elend der armen 

Bevölkerungsschichten im späten 19. Jahrhundert thematisiert 

und sich mit der Handlung auf das Schicksal einer 

jungen Frau namens Pauline Piperkarcka konzentriert, die 

in prekären Verhältnissen lebt und von ihrem Geliebten, 

dem Maler Paul Gollin, schwanger wurde, der dann stirbt, 

so dass sie sich von da an alleine organisieren muss) bildet 

den Grundstock für den durch Regisseur Murat Yeginer 

liebevoll nun auf die Zitronenjette angepassten und in die 

Stadt Hamburg umtransferierten Stoff von »Bittersüße 

Zitronen«. 

Yeginer geht die Erzählung der Geschichte nun so an, 

dass die Figuren die Zuschauer wie in einem Puppentheater 

nacheinander begrüßen und diese spielerisch und auch 

musikalisch in ihre Puppenstube, den Theaterfundus- 

Dachboden, einladen. Dabei begeistert ein herrlich 

verspieltes Bühnenbild, mit diversen Kleiderstangen und 

Kostümen, Harlekinen an der Wand, Masken, Sesseln 

und Lichtlein sowie kleinen Verstecken und die darin platzierten 

Musikern von Beate Zoff, die zusätzlich auch noch 

die zauberhaften und kreativen Kostüme entwarf, wie zum 

Beispiel den großartigen Mantel des Theaterdirektors mit 

rotem Schal und roten Handschuhen, fein aufeinander 

abgestimmt. 

Das Stück kommt zu Beginn verspielt und niedlichsüß 

daher, zieht aber dann im Spieltempo und in der Personenregie 

stark an, indem sich schnell herausstellt, dass 

der Abkauf des Babys von Paulina Piperkarzcka (Tanja 

Bahmani), einer illegalen Prostituierten, durch Jette John 

(fantastisch vielschichtig gespielt durch Rabea Lübbe) und 

die heimliche Geburt auf dem Dachboden nicht legal vonstattengingen 

und Jettes Mann Paul und der Hauswart 

nun misstrauisch über die Vorgänge im Haus werden. 

Hinzukommend werden viele weitere Nebenschauplätze 

eröffnet, die wie in einer Bauernkomödie daherkommen: 

Der Theaterdirektor trifft heimlich seine Affäre, plötzlich 

12 



taucht seine Ehefrau auf, ihre gemeinsame Tochter verliebt 

sich in den Nachhilfelehrer, der aber lieber Schauspieler 

werden möchte statt Theologe, die Prostituierte möchte 

auf einmal ihr Kind zurück und Jettes halbseidener Bruder 

Emil wird mit der Lösung des Problems beauftragt und 

auf sie angesetzt. 

In dem Strudel der parallellaufenden Handlungsstränge 

agiert die Hauptfigur Zitronenjette, die bei ihrer 

Schwester lebt, durch eine Krankheit mit Spastiken und 

Kleinwuchs gezeichnet ist und die Familie mit dem Verkauf 

von Zitronen unterstützt. (Dieser Teil der Geschichte 

ist nicht fiktiv und hat damals in Hamburg tatsächlich 

so stattgefunden. Es gibt sogar ein Denkmal, das an die 

Zitronenjette erinnert.) 

Murat Yeginer entlässt den Zuschauer unter Schock in 

die Pause, nachdem es beim Babythema auch noch eine 

Verwechslung gab und ein Kleinkind auf offener Bühne 

stirbt. 

Wie Hauptmann in seinem Werk, so kritisiert auch 

diese Produktion die sozialen Missstände ihrer Zeit und 

stellt die Frage nach Verantwortung und Mitgefühl gegenüber 

den weniger Privilegierten. »Die Ratten« sind dabei 

ein bedeutendes Werk des Naturalismus, das die Lebensumstände 

der Unterschicht realistisch und schonungslos 

darstellt. An Schonungslosigkeit wird auch heute im 

Ohnsorg-Theater, das in der Regel eher für unterhaltendes 

Volkstheater steht, nicht gespart. Die Ereignisse und 

Verwechslungen nehmen im zweiten Teil noch einmal an 

Fahrt auf und Zitronenjette bandelt nun mit Emil an, der 

aber im Verdacht steht, der illegalen Prostituierten etwas 

angetan zu haben. Der Theaterdirektor eskaliert mit seiner 

Haltung zur modernen Theaterwelt, streitet mit seinem 

Schüler und wirft die Frage auf, wie subjektiv denn das 

Theater allen dienen sollte. 

Diese Frage stellte ich mir auch, ob diese Produktion 

mich nun gut unterhält und mir dient oder ob mich als 

Ohnsorg-Erstgänger ein plattdeutsch-norddeutsches Musiktheaterprojekt 

vielleicht doch leicht überfordert. Anfänglich 

hatte ich schon meine Schwierigkeiten reinzukommen und 

den oft oberflächlichen und schnell agierenden Rollen mit 

ihren diversen und parallellaufenden Handlungssträngen 

zu folgen. Auch habe ich seit dem Tod meiner Oma nie 

wieder Plattdeutsch gesprochen oder irgendwo gehört 

und das ist nun auch schon über 20 Jahre her… Zudem 

wurde hauptsächlich die Musikform der Moritat gewählt, 

eine Form, die von Bänkelsängern verbreitet wurde (hier 

in Plattdeutsch). Aber auch Elemente des bürgerlichen 

Küchenlieds sowie von Jazz, Swing und Chanson aus dem 

20. Jahrhundert sind enthalten. Die vier Musiker unter der 

Leitung von Christian von Richthofen spielen schwungvoll 

auf, wenn sie nicht gerade schlafend als Harlekine im 

Bühnenbild sitzen, aber dies ist ein cleverer Schachzug, 

denn so passiert immer mal wieder etwas im Bühnenbild, 

wenn sie sich plötzlich bewegen und ihre Instrumente 

dann klangvoll bedienen. 

Im Endeffekt war es ein spannender Dramaabend und 

eine schauspielerische Glanzleistung des gesamten Teams, 

wobei die Rollen Zitronenjette, Jette John und Harro Hassenreuter 

spielerisch am stärksten im Gedächtnis blieben. 

Insgesamt schuf das gesamte Ensemble einen prächtigen, 

wenn auch nicht ganz leicht verdaulichen Theaterabend. 

Die Themen von sozialen Ungerechtigkeiten, dem 

Kampf zwischen Tradition und der Moderne, unerfülltem 

Kinderwunsch und Neurosen, dem Umgang mit Verfehlungen 

und dem Überlebenskampf der einfachen Leute 

sind leider auch heute wieder aktueller denn je. 

Das Ohnsorg-Theater mit seinem Regisseur Murat 

Yeginer hat hier etwas geschaffen, das die Welt zum Nachdenken 

auffordert, unterhält und bleibende Momente 

schafft. 

Wenn die Zitronenjette tänzelnd schreit: »Zitronen, 

Zitronen, kauft Zitronen«, ist das einmalig und löst Gänsehautschauer 

aus. Bis vorerst zum 03. April 2024 kann man 

sich noch vom Geschmack der »Bittersüße(n) Zitronen« 

überzeugen. 

Stefan Schön 

Abb. unten von links oben: 

1. Harro Hassenreuther (Konstantin 

Graudus, l.) und Erich Spitter 

(Flavio Kiener, r.) kämpfen für ihre 

jeweilige Position: klassisch gegen 

modern 

2. Jette John (Rabea Lübbe, vorne) 

kann nicht fassen, dass man ihrem 

Plan auf die Schliche kommt, 

hinten Erich Spitter (Flavio Kiener) 

und Walburga Hassenreuther (Nele 

Larsen), die miteinander anbändeln 

3. Paul (Jannik Nowak) und Jette 

John (Rabea Lübbe) freuen sich 

über ihr Wiedersehen. Nachdem 

Paul auf Montage war, erfährt er, 

dass sie ein Kind haben 

4. Zitronenjette (Marina Lubrich) 

zusammen mit ihrer Schwester 

Anna Müller (Caroline Kiesewetter) 

5. Harro Hassenreuther (Konstantin 

Graudus) hat ein Händchen für 

die Frauen, hier ein Tänzchen mit 

seiner Affäre Alice Rütterbusch 

(Sorina Kiefer) 

Fotos (5): Oliver Fantitsch 


13


Mit’ nem Teelöffel Dolly! 

»Hello, Dolly!« am Musiktheater im Revier in Gelsenkirchen 

Abb. oben: 

Slapstick-Verwechslungen in 

Molloys Hutladen (v.l.: Sebastian 

Schiller, Sonja Hebestadt, Dirk 

Weiler, Anke Sieloff, Julia Heiser) 

Foto: Pedro Malinowski 

Hello, Dolly! 

Jerry Herman / Michael Stewart 

Songs in englischer Sprache 

Deutsche Dialoge von Robert Gilbert 

Musiktheater im Revier Gelsenkirchen 

Premiere: 13. Januar 2024 

Regie .................... Carsten Kirchmeier 

Musik. Leitung ....... Peter Kattermann / 

Mateo Peñaloza Cecconi 

Chorleitung .............. Alexander Eberle 

Choreographie .................. Paul Kribbe 

Bühnenbild ..................... Jürgen Kirner 

Kostüme ................ Beata Kornatowska 

Licht ........................ Thomas Ratzinger 

Ton .............................. Jan Wittkowski 

Dolly Gallagher Levi ........ Anke Sieloff 

Horace Vandergelder .......... Dirk Weiler 

Cornelius Hackl ........ Sebastian Schiller 

Barnaby Tucker ............ Nicolai Schwab 

Irene Molloy ....................... Julia Heiser 

Minnie Fay .................. Sonja Hebestadt 

Ermengarde .................... Alina J. Simon 

Ambrose Kemper ........... Jonathan Guth 

Ernestina Money ........... Alfia Kamalova 

Richter ............................. Oliver Aigner 

Rudolph ................ Charles E.J. Moulton 


Faye Anderson (Dance Captain), 

Mika Einmal, Eileen Michelle Landsmann, 

Julie Martin, Liam Tiesteel, Mykhaylo Tovt 

MiR Opernensemble & -chor 

Ist in einer Zeit, wo auf dem Handy durch einen 

Wisch nach rechts oder links über ein Date entschieden 

wird, ein Musical über eine Heiratsvermittlerin 

noch aktuell? Darf der Hauptdarsteller 

im Stück ein Frauenbild zeichnen, bei dem die 

Partnerin nur zu Hause putzt und kocht und 

den Geld verdienenden Mann dankbar von früh 

bis spät bedienen soll? Autor Michael Stewart 

kreierte die Titelheldin seines Broadway-Erfolgs 

»Hello, Dolly!« von 1964 sehr emanzipiert und 

selbstständig. Ausgezeichnet mit 7 Tony Awards 

zeigte Carol Channing mit Charme in 2844 Aufführungen, 

wer tatsächlich das starke Geschlecht 

ist. Nach New York feierte das Musical 1965 im 

Londoner West End Premiere und kam im folgenden 

Jahr in deutscher Version auch an das Düsseldorfer 

Schauspielhaus. Bette Midler glänzte in 

einem Revival am Broadway ab März 2017 in der 

Rolle der Dolly Levi, die als verwitwete Heiratsvermittlerin 

den geizigen Halb-Millionär Horace 

Vandergelder aus Yonkers unter die Haube bringen 

will. Ganz nebenbei verkuppelt Dolly seine 

beiden Angestellten Barnaby und Cornelius mit 

zwei Hutmacherinnen in New York, denn eigentlich 

hat sie für Horace längst die perfekte Ehepartnerin 

gefunden: sich selbst. 

Unter der Regie von Gene Kelly gab es 1969 die 

weltberühmte Verfilmung mit Barbra Streisand 

als eigentlich zu junger Dolly, mit Walter Matthau 

als griesgrämigem Horace, mit dem späteren Londoner 

»Phantom der Oper« Michael Crawford 

als schlaksigem Cornelius und mit Louis Armstrong 

in einer Gastrolle. Von sieben Oscar- 

Nominierungen konnte der Film drei Trophäen 

mit nach Hause nehmen. Jahre später war der 

Roboter »Wall-E« im gleichnamigen Pixar-Film 

von »Hello, Dolly!« und dem Song ›Put on Your 

Sunday Clothes‹ besessen. 

Am 13. Januar 2024 feierte »Hello, Dolly!« 

Premiere am Musiktheater im Revier in Gelsenkirchen. 

Unter der Regie von Carsten Kirchmeier 

wird eine deutsche Dialogfassung mit englischen 

Songtexten präsentiert. Von der ersten Minute an 

zeigt die Bühne von Jürgen Kirner, wie man den 

angestaubten Musical-Klassiker modern ins Bild 

setzt. Dabei haben die Darsteller wohl ein Fläschchen 

mit der Aufschrift »Trink mich!« aus »Alice 

im Wunderland« konsumiert und wurden mit 

dem »Liebling, ich habe die Kinder geschrumpft«- 

Effekt miniaturisiert, denn Horace Vandergelder 

hat ein Geschäft in Form einer überdimensionalen 

Registrierkasse und in Molloys Hutmacherladen 

verstecken sich Cornelius und Barnaby in 

Riesenhutschachteln. Im exklusiven Restaurant 

Harmonia Gardens besteht die Einrichtung aus 

mit Servietten dekorierten Speisetellern und man 

sitzt auf riesigen Sektkorken. »Sei hier Gast« (»Die 

Schöne und das Biest«) könnte das Motto dieses 

Luxus-Restaurants sein. Passend dazu findet Dollys 

spektakulärer Auftritt zum Showstopper des 

Titel-Songs ›Hello, Dolly!‹ nicht auf der üblichen 

Showtreppe statt, sondern auf einem schwebenden 

Teelöffel! 

Zu diesem Regiekonzept passen auch die 

Regenbogen-bunten Kostüme von Beata Kornatowska, 

die eher an die Traumsequenz aus »Mary 

Poppins« im Bonbonladen erinnern als an historisch 

korrekte Straßenkleidung der Vereinigen 

Staaten um 1890, obwohl man sich diese superkalifragilistischexpialigetische 

Kluft vom tristen 

Grau in Yonkers erst durch Dollys frohe Lebens- 

Lektionen »verdienen« muss. Pfiffig ist auch die 

14 



Umsetzung der in der Verfilmung unglaublich aufwändigen 

Szene zum Song ›Before the Parade Passes 

By‹, denn in Gelsenkirchen sehen die Zuschauer 

nicht die patriotische Parade selbst, sondern nur die 

Reaktionen der Darsteller darauf. 

Zu diesen optischen Leckerbissen tanzt das 

Ensemble in der stimmigen Choreographie von 

Paul Kribbe, die das hektische Treiben der Kellner 

im Harmonia Gardens zeigt, zwar weniger 

akrobatisch als in anderen Inszenierungen, aber 

mit mehr Ruhe und Stil. Etwas zu viel Ruhe verströmte 

das Dirigat der musikalischen Leitung 

von Peter Kattermann, der die Neue Philharmonie 

Westfalen bei der Premiere mit angezogener 

Handbremse nicht zur vollen Power antreiben 

wollte. Der Orchestersound wurde im Ton von 

Jan Wittkowski zurückhaltender abgemischt, was 

die Textverständlichkeit der Darsteller verbessert, 

besonders da im englischen Original mit deutschen 

Übertiteln gesungen wird. Hier können die 

Darsteller umso mehr punkten. 

Anke Sieloff verkörpert ihre eigene Auslegung 

der Titelfigur Dolly Gallagher Levi – ohne 

dabei Rollenvorgängerinnen zu kopieren – in 

ihrer persönlichen Stimmfärbung. Einerseits 

sympathisch im Zwiegespräch mit ihrem verstorbenen 

Mann, energetisch beim Verteilen ihrer 

Visitenkarten für unterschiedlichste Kurse von 

zwischenmenschlichen Aktivitäten oder einfühlsam 

bei der Anbahnung einer Pärchen-Bildung 

von Mann und Frau, bedient Sieloff alle Register. 

Dirk Weiler als Horace Vandergelder zieht 

bei so viel geballter Frauenpower den Kürzeren, 

überzeugt aber mit einer weitaus gehaltvolleren 

Singstimme als Walter Matthau im Film. Sebastian 

Schiller als Cornelius Hackl und Nicolai 

Schwab als Barnaby Tucker sind das energiegeladene 

Comedy-Paar, das von ihren weiblichen 

Gegenpolen Julia Heiser als bodenständige Irene 

Molloy und Sonja Hebestadt als liebenswerte 

Minnie Fay gezähmt wird. Mit Alina J. Simon als 

Horaces zierlicher Nichte Ermengarde und Jonathan 

Guth als Bohnenstange Ambrose Kemper 

hat sich bereits ein perfektes Paar gefunden, das 

Dolly in den Augen des Onkels aber erst noch etablieren 

muss. Alfia Kamalova spielt die überdrehte 

Lebedame Ernestina Money, die Dolly Horace als 

schlechtes Beispiel vorführt, um sich schließlich 

selbst besser an den Mann bringen zu können. 

Charles E.J. Moulton verkörpert die kleine, aber 

dankbare Rolle des Chefkellners Rudolph. 

Das Musiktheater im Revier zeigt mit der aktuellen 

Inszenierung von ›Hello, Dolly!‹, dass man 

auch vermeintlich altbackenen Musical-Klassikern 

neues Leben einhauchen kann. So fällt es gar 

nicht ins Gewicht, wenn die Handlung keinen 

aktuellen Bezug zu haben scheint, weil Hochzeiten 

zumindest in westlichen Kulturkreisen längst 

nicht mehr von älteren Damen eingefädelt werden 

und Männer nicht mehr vom Frauchen für Küche 

und Bett träumen – oder vielleicht doch? 

Stephan Drewianka 

Abb. oben: 

Viel Spaß bei der Arbeit und noch 

mehr Vergnügen in New York haben 

Vandergelders Angestellte Barnaby 

(Nicolai Schwab) und Cornelius 

(Sebastian Schiller) 


1. Im Harmonia Gardens feiert man 

Dollys (Anke Sieloff, Mitte) Rückkehr 

2. Horace Vandergelder (Dirk Weiler, 

Mitte mit Ensemble) hat ein unumstößlich 

altmodisches Frauenbild 

3. Falsche Frau (Alfia Kamalova) für 

Vandergelder (Dirk Weiler) 

4. Ein ›Hello, Dolly!‹-Auftritt ohne 

Showtreppe, aber mit fliegendem 

Teelöffel für Dolly (Anke Sieloff, 

Mitte mit Ensemble) 

Fotos (5): Pedro Malinowski 


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Legal? Illegal? Scheißegal? 

Uraufführung von »Hanf. Ein berauschender Abend« in Schwedt 

Abb. oben: 

(v.l.): Bauer Pfeiffer (Janik Oelsch), 

Sabine (Antonia Schwingel), Chris 

Paffke (David Alonso), Meister Klein 

(Katarzyna Kluczna), Frau Schmidt 

(Ines Venus Heinrich) sind überzeugt: 

»Hanf kann´s!« 

Abb. unten: 

Mary Jane (Antonia Schwingel, l.) 

verführt Chris Paffke (David Alonso, r.) 

Fotos (2): Udo Krause 

Tom van Hasselts neuestes Werk »Hanf. Ein berauschender 

Abend« feierte am 8. März auf der kleinen 

Bühne der Uckermärkischen Bühnen Schwedt 

Uraufführung. Als das Werk vor rund 1,5 Jahren in 

Auftrag gegeben wurde, begannen die Gespräche rund 

um die Legalisierung von Cannabis in Deutschland 

gerade – nun ist es soweit, und völlig egal, wie man 

zu legal oder nicht steht – anscheinend ist das Thema 

so hipp, dass man mit Dialogen wie: »Stimmt es, dass 

Cannabis furchtlos macht?« ‒ »Es macht das, was man 

sich wünscht!« ‒ wohl auf die Bühne gehen darf, unabhängig 

vom Wahrheitsgehalt und in Missachtung dessen, 

dass Cannabis für die Gehirne Jugendlicher und 

junger Erwachsener gefährlich ist. Gefährlicher im 

Übrigen sogar als moderater Alkoholgenuss, was sich 

dann ab ca. dem 25. Lebensjahr umkehrt, wo Alkohol 

zu der weit gefährlicheren Droge wird. Dass der fatale 

Konsum von Alkohol legal ist und von der Gesellschaft 

völlig verharmlost wird, hätte auch Teil des Abends 

sein können. Als Thema wurde es zumindest kurz in 

einer Szene angespielt: Der makellose Makler zieht 

eine Line und schleppt dann ein Bierfass an, welches er 

mit allerlei hartem Alkohol anreichert. Er fordert dann 

alle auf, sich zu besaufen, denn mit Hilfe der Polizei 

und einem Alkoholtest soll der Gewinner ermittelt 

werden: Derjenige, der die höchste Promillezahl aufweisen 

kann. Ein Thema mit durchaus großer Brisanz, 

da Komasaufen ja etwas ist, was unter Jugendlichen 

ebenso blind durchgezogen wird wie so manch andere 

Droge. Aber auch hier bleibt es bei dieser oberflächlichen 

Szene, in der zwar aufgezeigt wird, wie absurd 

die Rechtsprechung sein kann, aber die vermutlich 

trotzdem bei niemandem ein Nachdenken bezüglich 

des eigenen Konsums von Nervengiften jeglicher Art 

auslöst. 

Der ganze Abend erscheint (leider) fast wie eine billige 

Werbeveranstaltung für Hanf, was eine Schande 

ist, wenn man bedenkt, wie viel eine wirkliche, ernstzunehmende 

Auseinandersetzung hätte hergeben können, 

sollen und müssen. Insbesondere gerade jetzt, wo 

es darum geht, die Augen und Sinne zu schärfen und 

zu bewussten Entscheidungen anzuregen. Aber das 

Buch und Textzeilen wie: »Ich will dich nicht verlieren, 

ich will auch nicht, dass du frierst, ich will auch nicht, 

dass du mich verlierst«, oder »Das ist mein letzter Joint, 

du warst mein bester Freund«, lassen einen wirklich 

intensiven Umgang mit der Thematik leider nicht zu. 

Dabei ist unbestritten, dass man Papier aus Hanf 

herstellen kann, auch für Seile, Seifen und Ähnliches 

ist der Rohstoff geeignet und es gibt sicher einige Möglichkeiten, 

so umweltschonende Produkte herzustellen. 

Ebenso unbestritten ist auch der medizinische Effekt, 

insbesondere im niedrigschwelligen Schmerzbereich, 

bei chronischen Erkrankungen sowie in der Krebsund 

Aidsbehandlung, wo neben der eigentlichen Wirkung 

insbesondere die appetitsteigernde Wirkung hilfreich 

ist. Statt ein plumpes »Joints sind super«-Stück 

zu schreiben, hätte man diese Aspekte hervorheben 

können. Aber obwohl das mit der Oma sogar angelegt 

wurde, indem der Enkel ihr Hanf-angereicherten 

Kaffee gibt, verpuffte dieses Thema in dem Moment 

faktisch als Glühstengel, in dem man erfährt, dass sie 

bereits seit Jahrzehnten kifft und den perfekten Ofen 

baut. Alles mündet in der Verherrlichung von Joints – 

16 



mit ›Willkommen im Club‹ wird ein klares Zeichen 

gesetzt. Warum nur? 

Nachdem vieles nun besprochen wurde, was es 

hätte sein können, hier nun, was es ist: 

Wir schreiben das Jahr 2024, der ca. 20-jährige Chris 

Paffke hat es, nach seinem Abitur 2022, versäumt, sich 

für einen Beruf zu entscheiden. Stattdessen kifft er, lebt 

im Haus seiner Oma und erhält Waisenrente, nachdem 

vor knapp fünf Jahren seine Eltern ums Leben gekommen 

sind. Oder – besser gesagt, er erhielt Waisenrente 

bis vor einem Jahr, wie ihm seine Freundin Sabine 

mitteilt, angeblich zum wiederholten Male. Anscheinend 

war aber in dem ganzen Jahr sein Kopf nicht klar 

genug, um es einmal tatsächlich zu verstehen. An diesem 

Abend realisiert er es, das mag auch daran liegen, 

dass zeitgleich Sabine mit ihm Schluss macht, weil er 

nichts macht außer Kiffen. Seine beste Freundin Mary 

Jane (amerikanisches Pseudonym für Marihuana) darf 

ihn (vermeintlich) noch ein letztes Mal durch den 

Abend begleiten. Völlig problemlos lässt er das Kiffen 

ab da sein und bekommt dank seiner Oma die Idee, ein 

Geschäft mit Hanfprodukten zu eröffnen sowie Hanf 

anzubauen. Der örtliche Bauer lässt sich auf den Anbau 

ein, idealerweise kommt es Chris da auch zugute, dass 

(was er bis dahin nicht wusste) das große Grundstück 

hinter Omas Haus ihnen gehört und dort früher auch 

schon Tabak angebaut wurde, der Boden also ideal 

dafür ist. Schnell bekommt er auch finanzielle Förderungen, 

erhält etliche Produkte auf Kommission 

und kann sich einen Laden einrichten – unwissend, 

was das alles bedeutet. Aber das macht ja nichts, 

wichtig ist nur: Er ist jetzt beruflich selbstständig! 

Ein alter Schulrivale, Jesko, hingegen ist schon länger 

als makelloser Makler unterwegs und möchte zum 

einen das Haus von Chris’ Oma verkaufen, zum anderen 

will er sich Sabine schnappen, die sich zumindest 

einmal kurz auf eine Knutscherei mit ihm eingelassen 

hat. Mit miesen Hintergedanken täuscht Jesko 

vor, er würde Chris’ Geschäft fördern wie ein echter 

Freund – als es dann allerdings tatsächlich zu einer Art 

Geschäftseröffnungs-, in Wahrheit irgendwie verspäteter 

Abiparty kommt, stellt er diesen allerdings vor der 

Polizei bloß, indem er nachweist, dass Chris ohne das 

Wissen anderer die Milch, die er verkauft, mit THC 

angereichert hat. Chris wird verhaftet und Jesko sieht 

den großen Moment gekommen – wie auch immer 

schafft er es angeblich im Handumdrehen, die Oma 

von Chris in ein Altersheim abzuschieben, für unmündig 

erklären zu lassen und Chris als Straftäter für nicht 

mehr geschäftsfähig zu erklären, so dass er sich das 

Haus unter den Nagel reißen und verkaufen kann. Die 

bis dahin so brave Sabine wird daraufhin wütend, lässt 

den Vamp in sich raus, betört so den Polizisten und 

befreit Chris. Sie eilen zur Oma ins Altersheim, die mit 

perfektem Joint das Leben genießt, bereitwillig aber 

nach Hause zurückkehrt, wenn sich denn dann Chris 

und Sabine wieder als Paar zusammenfinden. Mit herzzerreißenden 

Zeilen wie: »Dein Herz und mein Herz 

waren schon immer ein Herz« passiert natürlich genau 

das und so schaffen sie es, Jesko gerade noch rechtzeitig 

zu überführen. Statt ihn ins Gefängnis wandern zu lassen, 

verpflichten sie ihn, im Cannabis-Club Mitglied 

zu werden. Mit ›Willkommen im Club‹ wird die neue 

Legalität gefeiert. 

Musikalisch sind viele Momente weit schöner 

ausgearbeitet als die Texte, dass Tom van Hasselt hier 

gerade einmal eine dreiköpfige Band leitet, geht im 

guten Sound der kleinen Bühne völlig unter, so satt 

und kräftig klingt es. Die Melodien sind durchaus 

abwechslungsreich, ein echter Ohrwurm bleibt zwar 

nicht hängen, aber die Musik macht durchaus Freude 

an diesem Abend. 

André Nicke stehen für viele Rollen nur fünf Darsteller 

zur Verfügung, d.h. jede wurde mehrfach besetzt 

und er versteht es, ihnen dafür immer den nötigen 

Feinschliff mit auf den Weg zu geben – sei es sprachlich 

oder in den Bewegungen und Gesten. Für die Kostüme 

zeichnet Anke Fischer ebenso wie für das Bühnenbild 

verantwortlich – schnelle Wechsel, insbesondere von 

Katarzyna Kluczna, werden zum Teil offen gespielt 

und unterstreichen den Boulevardkomödieneindruck, 

der in sich dann wieder stimmig ist. Der Einsatz von 

Schwarzlichteffekten ist sehr wirkungsvoll, so werden 

mit einfachsten Mitteln tatsächlich echte Hingucker- 

Momente kreiert. 

Schauspielerisch hervorzuheben und sehr süß ist 

Hanf. Ein berauschender Abend 

Tom van Hasselt 

Uckermärckische Bühnen Schwedt – 

Kleiner Saal 

Uraufführung: 8. März 2024 

Regie .............................. André Nicke 

Musik. Leitung .......... Tom van Hasselt 

Choreographie.............. Sven Niemeyer 

Ausstattung ..................... Anke Fischer 

Chris Paffke / 

Dinosaurier ................... David Alonso 

Sabine / 

Mary Jane ............. Antonia Schwingel 

Jesko / Bauer Pfeiffer ....... Janik Oelsch 

Meister Klein / Justina .......................... 

.............................. Katarzyna Kluczna 

Oma Paffke / 

Frau Schmidt ....... Ines Venus Heinrich 

Stimme Erzähler .... Christian Hirseland 

Abb. von links: 

1. Chris Paffke (David Alonso, 2.v.r.) 

zeigt Sabine (Antonia Schwingel, l.), 

Justina (Katarzyna Kluczna, 2.v.l.) und 

Frau Schmidt (Ines Venus Heinrich, r.) 

sein neues Geschäft 

2. Jesko (Janik Oelsch) zeigt der 

Hauskäuferin (Katarzyna Kluczna) den 

Vertrag 



17


Abb. unten: 

1. Es war einmal… Mary Jane 

(Antonia Schwingel, l.) sorgt auch 

bei den Dinosauriern (David 

Alonso, r.) für Entspannung 

2. Justina (Katarzyna Kluczna) 

erklärt Sabine (Antonia Schwingel), 

dass doch jeder mal etwas 

außerhalb des Gesetzes macht 

3. (v.l.): Oma Paffke (Ines Venus 

Heinrich), Jesko (Janik Oelsch), 

Hauskäuferin (Katarzyna Kluczna) 

und Chris Paffke (David Alonso) lassen 

sich von Mary Jane einnebeln 

4. (v.l.): Jesko (Janik Oelsch) wird 

von Meister Klein (Katarzyna 

Kluczna) vor den Augen von Sabine 

(Antonia Schwingel) und Chris 

Paffke (David Alonso) verhaftet 

5. (v.l.): Oma Paffke (Ines Venus 

Heinrich), Jesko (Janik Oelsch), 

Meister Klein (Katarzyna Kluczna), 

Chris Paffke (David Alonso) und 

Sabine (Antonia Schwingel) sind 

nun Teil des neuen Hanf-Clubs 


Antonia Schwingel als Sabine. Sie hat auch fast den 

berührendsten Moment, als sie davon singt, dass sie ja 

immer die Perfekte sein muss und damit nicht klarkommt. 

Gesanglich gewohnt sehr stark unterstreicht in 

diesem Stück Katarzyna Kluczna auch ihr komödiantisches 

Können. In der Hauptrolle überzeugt David 

Alonso weniger durch eine starke Stimme, dafür aber 

mit viel schauspielerischem Feingefühl für seine Interpretation 

des liebenswerten, wenngleich geistig nicht 

ganz hellen Chris Paffke. Als vor allem schmieriger 

Makler ganz in rosa steht Janik Oelsch auf der Bühne, 

einer gewissen Abscheu ihm gegenüber kann man sich 

nicht entziehen ‒ und dies sei ein Lob an dieser Stelle, 

denn genauso gehört der offenkundige Antagonist 

interpretiert. Ines Venus Heinrich als Oma und Lehrerin 

hat häufig die Lacher auf ihrer Seite, darf auch tatsächlich 

mal die wenigen ernsthaften Töne anstimmen 

und macht dies mit warmer Stimme. 

Es ist schade, wenn ein Stück mit so einem durchaus 

ernsten Thema sich selbst nicht ernst nimmt. Wie 

schon andere Stücke bewiesen haben, heißt ein Thema 

ernstzunehmen ja nicht gleich, dass man ohne Humor 

auskommen muss. In diesem Fall, bestärkt durch die 

Mittanz-Szene und das Jointschwenken, schien es 

aber der Wunsch zu sein, das Publikum nur sehr oberflächlich 

erreichen zu wollen. Sei es den Schwedtern 

gewünscht, dass dieses Konzept aufgeht, denn was 

in diesem Theater, egal welches Stück auf der Bühne 

gespielt wird, immer spürbar ist, ist die Liebe der 

Beteiligten zu dem, was sie tun. Und dies ist, jedes Mal 

wieder, viel wert. 

Sabine Haydn 

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Germanys Next Top-Musicalstars 

ZAV-Absolventenpräsentation 2024 an der Folkwang Universität der Künste Essen 

Abb. oben: 

Die 34 Absolventen der deutschsprachigen 

Musicalstudiengänge 

präsentieren sich in Essen 

Abb. unten: 

Die Studenten der gastgebenden 

Folkwang Universität der Künste Essen 

Fotos (2): Stephan Drewianka 

Jedes Jahr präsentieren die 5 Musicalhochschulen im 

deutschsprachigen Raum ihre Abschlussklassen in 

einem von der ZAV-Künstlervermittlung organisierten 

Event. 2024 war die Folkwang Universität der Künste 

in Essen-Werden der Gastgeber und präsentierte die 

frisch gebackenen Musicaldarsteller an zwei Tagen 

am 12. und 13. Januar 2024 in einer 6-stündigen Veranstaltung 

in der Neuen Aula. Jedem Darsteller wird 

dabei ein festes Zeitkontingent eingeräumt, um sich 

dem Publikum angemessen musikalisch in Solo- und 

Ensemble-Stücken sowie schauspielerisch in Monologen 

zu präsentieren. Jede Hochschule verpackt diese 

Mini-Konzerte mit von den Darstellern ausgewählten 

Titeln in eine kleine Rahmenhandlung, die die einzelnen 

Darbietungen verknüpft. 

Am Samstag, dem 13. Januar 2024, beginnt die 

Absolventenpräsentation mit den Gästen der Theaterakademie 

August Everding aus München. Ömer 

Örgey philosophiert augenzwinkernd über Kebab und 

besucht eine »Wild Party«, die mit »Babytalk« endet. 

Lorena Brugger zitiert Barbie, fragt »Hörst du mein 

Herz?«, und nachdem das Ensemble festgestellt hat, 

wie das »Funny Girl« agiert ›If a Girl Isn’t Pretty‹, darf 

auf ihre »Parade« natürlich kein Regen fallen. Auch 

Juliette Lapouthe ergründet mit ›Will He Like Me‹ im 

Monolog von Frau Stern als die Unsichtbare ihr inneres 

Selbst mit dem Resultat ›Alle Leute lieben Louis‹. Tim 

Nicolai Morsbach steht der Sinn eher nach ›Stil und 

Dekor‹ als ›Frau mit dem Einkauf‹, der seinen Partner 

aus »Rent« gerne zudeckt. Emily Mroseks Motto 

als Margarethe mit ›Grünfink und Nachtigall‹ lautet 

›Maybe I Like It This Way‹ und Mats Vissers »Güldenstern« 

erlebt ›Dunkles Schweigen an den Tischen‹ 

mit etwas ›Gehirnfrost‹ aus »Heathers«. 

Die Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt 

Wien präsentiert eine »Klassenfahrt« ihrer Darsteller. 

Lucia Miorin weiß, was es heißt, eine Schauspielerin 

zu sein, und wie Mücken nerven. Sie singt sich 

verliebt durch »The Scarlet Pimpernel«, »Smash« und 

das ›Lass mich oder verlass mich‹-»Rent«-Duett mit 

Hannah Schranz, die gleich mit ›If I Ain’t Got You‹ 

weiterdenkt und die Beziehung beendet mit ›Der wird 

schön schau’n‹. Magnus Jahr als ›The Devil You Know‹ 

bittet ›Run Away With Me‹, weil ›I Can’t Stand Still‹. 

Auch Jonathan Kügler bekennt ›Ich brech’ die Herzen 

der stolzesten Frau’n‹, insbesondere das von ›Maria‹, 

während Giulia Wegmüller noch darüber nachdenkt 

›Wie’s sein wird‹, als »Modern Millie« zu heiraten, oder 

»Wicked« zu sagen ›Ich bin es nicht‹. Liam Solbjerg als 

Joseph ›Schließt jede Tür‹ als der verlorene Sohn, vermutet 

›I’m Not That Smart‹, träumt aber heimlich vom 

»Rocky Horror« ›The Sword of Damocles‹, und auch 

Teresa Jentsch braucht ›Glitter and Be Gay‹, sieht sich 

als heilige Johanna, die Päpstin, und im Kontrastprogramm 

auch als »Sweet Charity«. 

Die nächsten 75 Minuten gehören den zehn Absolventen 

des Instituts für Musik der Hochschule Osnabrück. 

UZOH hat einen »Bandscheibenvorfall«, weil 

»& Juliet« sie ›Hit Me Baby One More Time‹, bevor sie 

›Ruhig‹ »In The Heights« abtaucht, um ›Arme Seelen 

in Not‹ zu retten. Natalie Friedrich leidet unter ›Losing 

My Mind‹ nach »The Wild Party« und schüttet Richard 

Fuchs ihr »Kokoro«, sorry Herz, aus, denn er steht 

auf dem Standpunkt ›Love Is Not Love‹ – ›Wenn es 

stimmt‹, bevor er »Das Licht auf der Piazza« mit Leonie 

Dietrich löscht, denn mit ihr und »Rocky« ist es ›Vorbei‹, 

ihr Name sei nun Peggy und ›Art Is Calling for 

Me‹. Annemarie Purkert findet den großen Kometen 

von 1812 ›Reizend‹, sagt aber »Nein« zu »Heathers«, ist 

›Ein bisschen sehr verliebt‹ in die »Wonderful Town« 

und sieht sich zusammen mit Pascal Dominik Schmid 

als ›Ashe und Joe‹, der wiederum »Footloose« nicht stillstehen 

kann und die ›Rolle des Lebens‹ sucht. Dominik 

Räk deckt ›Wie jeder andre Mann‹ als Hospitant die 

›Unehrlichkeiten‹ der »City of Angels« auf. Yannic 

Blauert läuft dem »Hase(n) mit den Bernsteinaugen« 

26 



davon und findet ›Sie‹ in den »Tagebücher(n) von 

Adam und Eva«. Stefan Schößwendter als ›Barry geht 

heute zum Ball‹ von »The Prom«, diskutiert mit »Beetlejuice« 

›Das Ding mit dem tot sein‹ und ist ›Aus Stein‹. 

Höhepunkte sind das im Ensemble getanzte A-capella- 

Stück ›Tap‹, der ›Cell Block Tango‹ aus »Chicago« 

des Herren-Ensembles und ›Was immer Lola will‹ aus 

»Damn Yankees« des Frauen- Ensembles. 

Nach der Mittagspause geht es musikalisch weiter 

mit den Absolventen der Universität der Künste 

Berlin, die uns als Ensemble in das »Wonderland« 

der »City of Angels« mitnehmen. Nathan Johns Reise 

geht zum »Glöckner von Notre Dame« und ins »Moulin 

Rouge« bis zu ›Zwei Nobodys in New York‹, im 

Duett mit Fabio Kopf, der »Elegies« und das ›Ehrenwerte 

Haus‹ besingt. Laura Goblirsch berichtet von 

ihrem »Bandscheibenvorfall« und auch bei »Chaplin« 

bricht alles zusammen, während ›Surabaya Jonny‹ ein 

»Happy End« erlebt. Tara Frieses ›Requiem‹ aus »Dear 

Evan Hansen« zieht ein ›Look at Me Now‹ nach sich, 

während sich Anna Weidinger auf derselben »Wild 

Party« fragt ›Vielleicht mag ich es so‹ und ihr ›Model- 

Verhalten‹ in Frage stellt – alle drei Damen sind 

schließlich »West Side Story« ›Cool‹. 

Als letzte Hochschule geht der Gastgeber, die 

Folkwang Universität der Künste Essen, ins Rennen. 

Eingerahmt von zwei Ensemble Songs aus »Rent« präsentiert 

jeder der sechs Studenten als Einzelsänger mit 

kompletter, aber stummer Unterstützung der übrigen 

Absolventen eine Rolle aus einem Musical. Antonia 

Kalinowski unterstützt als Julie »Tootsie«, Julius 

Störmer verfasst als Evan falsche Briefe mit dem Titel 

»Dear Evan Hansen«, Tamara Köhn bereitet als Mrs 

Lovett Fleischpasteten aus »Sweeney Todd(s)« Kundschaft, 

Maximilian Aschenbrenner wird in »Parade« 

unschuldig des Mordes an einem Kind verurteilt, Friederike 

Zeidler zelebriert als »Sweet Charity« die Kunst 

der käuflichen Liebe, während Til Ormeloh als Roger 

versucht, seine »Rent« als Sänger zu verdienen. 

Alle diesjährigen 34 Absolventen präsentieren sich 

auf sehr hohem Niveau und zeigen deutlich, dass sich 

Deutschland und Österreich keine Sorgen um exzellenten 

Bühnen-Nachwuchs machen müssen. Es bleibt 

zu hoffen, dass nun die Theater dieses wundervolle 

Potenzial auch nutzen werden, damit diese Talente 

auch wirklich erfolgreiche Musical-Karrieren beschreiten 

können, alles andere wäre fahrlässige Verschwendung 

von Ressourcen! 



1. ›Cell Block Tango‹ mit den Herren 

aus Osnabrück 

2. Die Teilnehmer der Musik und 

Kunst Privatuniversität der Stadt Wien 

3. Das Frauenensemble des Instituts 

für Musik der Hochschule Osnabrück 

4. Die Absolventen der Universität 

der Künste Berlin 

5. Die Theaterakademie August 

Everding aus München präsentiert 

sechs Darsteller 

Fotos (5): Stephan Drewianka 


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Brücken der Kulturen 

»China Girl – Liebe ist stärker als Blut« im F1rst Stage Theater Hamburg 

Das Musical »China Girl – Liebe ist stärker als Blut« 

transferiert die Romeo-und-Julia-Story als 

Acrobatical nach New York und erzählt die zeitlose 

Geschichte von Liebe und Verbot aus einer 

neuen Perspektive. Die Bühnenadaption, die von 

der klassischen Tragödie inspiriert ist, spielt im pulsierenden 

Herz von New York, wo die Dynamik der 

Gegensätze und die Konflikte zwischen den Bewohnern 

von Chinatown und denen aus Little Italy thematisiert 

werden. Mit der Story möchte Regisseur Raoul Schoregge, 

der auch noch als sehr bekannter Clown in der 

Produktion zu bestaunen ist, Brücken zwischen den 

Kulturen bauen und Steine aus dem Weg schaffen. Die 

Liebesgeschichte zwischen dem chinesischen Mädchen 

(Ziyan Shi) und dem Italo-Lover (Norbert Bunker- 

Whitney) wird umspannt von artistischen Nummern. 

Diese sind in die dünne Handlung, die von der Offstimme 

(Inga Dietrich) erzählt wird, eingebunden. 

Anfänglich muss man sich stark an die langweilige 

Erzählweise und die nicht immer dazu passenden 

Videoprojektionen gewöhnen, aber durch die Künstler 

auf der Bühne, die mit den einzelnen fulminanten 

Nummern immer wieder stimmlich wie auch artistisch 

begeistern, wird man aus dem Einschlafmodus 

immer wieder geweckt. Der Aufbau der Show erinnert 

stark an Kreuzfahrtschiff-Shows, wo in der Stilistik 

oft auf einen Erzähler zurückgegriffen wird, um die 

Handlung voranzutreiben und so kurze Shows zu 

produzieren, anstatt sie durch das Geschehen auf der 

Bühne im Flow und mit Tiefgang zu erzählen. Hier 

wären bessere Anschlüsse und ein insgesamt besseres 

Buch gewünscht. Die Musik reicht über Songs von 

David Bowie und chinesischen traditionellen Klängen 

bis zu Adriano Celentano und Auszügen aus der »West 

Side Story«. Die Titel werden von einer kleinen, aber 

flott aufspielenden Band unter der Leitung von Adrian 

Werum dargeboten. Die chinesische Geige mag dabei 

für das eine oder andere europäische Ohr gewöhnungsbedürftig 

sein, wird dieses Instrument hier doch stark 

in den Vordergrund gestellt. Die Choreographien von 

Sun Qing Qing & Julia Eseeva sind stimmig und platzieren 

die Cast dort, wo sie sein soll, überraschen aber 

auch nicht mit wirklich innovativen Gruppenmomenten. 

Hierbei lag die Schwierigkeit sicher auch darin, 

die Akrobaten, die keine Tänzer sind, zu integrieren. 

Die Kostüme von Nadine und Fee Schoregge schauen 

schön aus und lassen die Darsteller in ihren jeweiligen 

»New York«-Styles glänzen. 

Highlights der Produktion sind klar die Clowns 

und die artistischen Darbietungen, die von der Schlangen- 

und Magier-Frau über diverse Balancier-, Jonglierund 

Hutnummern hin zum Showstopper des Abends, 

einer »Jonglier-Strip-Show« zweier Italiener, reichen, 

die mit Flaschen werfen und dabei ihre Anzüge tauschen. 

Auch die Bodyakrobatik ist grandios! Das 

Gesangsensemble aus der Kooperation mit der Stage 

School Hamburg unterstützt die einzelnen Nummern 

stimmlich gut und lässt hier und da aufhorchen (z.B. 

Birgit Widmann). 

Die Premiere begeisterte die Zuschauer:innen und 

schaffte es, Brücken zwischen Ost und West zu bauen, 

appelliert an den Willen zu Frieden und Verbindung 

zwischen Menschen und entließ die Zuschauer:innen 

am Ende beeindruckt, was diese mit Standing Ovations 

zum Ausdruck brachten. Wer Lust bekommen hat, sich 

die Story über Liebe, Sehnsucht und Hass gepaart mit 

Akrobatik, Gesang, Musik und Tanz anzuschauen, hat 

noch bis in den April 2024 hinein Gelegenheit dazu. 

Stefan Schön 

Abb. oben: 

Artistenfigur zum Abschluss – 

Messoudi-Brüder, Joanes Diakoyannis, 

Norbert Bunker-Whitney, 

Qing Qing Sun, Arisa Meguro und 

Xiangyang Wang 

Foto: Dennis Mundkowski 

Chinagirl – 

Liebe ist stärker als Blut 

Diverse / David Bowie / 

Chinesischer Nationalzirkus 

Chinesischer Nationalzirkus & 

Stage School Hamburg 

F1rst Stage Theater 


Regie......................... Raoul Schoregge 

Musikalische Leitung..... Adrian Werum 

Choreographie ..................................... 

.............. Sun Qing Qing & Julia Eseeva 

Bühnenbild ........... Günther Schoregge 

Kostüme ............... Nadine Schoregge / 

Fee Schoregge 

Licht / Bühne .... F1rst Stage Theaterteam 

Sound .... Technik Team F1rst Stage Theater 

Ensemble: 

Fiorina Bogatu, Norbert Bunker-Whitney, 

Theresia Busch, Ciao Hua Chang, 

Kandara Diabata, Joanes Diacoyannis, 

Tabitha Eugling, Xiaolin Gong, 

Martin Holtgreve, Dongsheng Li, 

Arisa Meguro, Karim Messoudi, 

Soffien Messoudi, Yassin Messoudi, 

Yurie Nishi, Marina Ortmann, 

Nathalie Schöning, Ziyan Shi, 

Qing Qing Sun, Deborah Vilchez, 

Hao Wang, Xiangyang Wang, 

Birgit Widmann 

Stimme aus dem Off ....... Inga Dietrich 


19


Außergewöhnlich prickelnd 

»Broadway Danny Rose« am Schlosstheater Celle 

Abb. oben: 

Zu Thanksgiving ist alles wieder in 

Ordnung. Das Ensemble v.l.: Lisa 

Mader (Tina), Philipp Keßel (Danny 

Rose), Dirk Böther, Jamila Boukhers, 

Lars Fabian, Tanja Kübler (Theresa), 

Philip Leenders (Lou Canova, 

i.d.bes.Vorst.: Dimitri Breuer), 

Thomas Wenzel 

Abb. unten: 

Tina (Lisa Mader) macht ihrem Lover 

Lou eine Eifersuchtsszene am Telefon. 

Danny (Philipp Keßel) versucht sie zu 

beruhigen 

Fotos (2): Marie Liebig 

Überdreht, verrückt, ein kriminalistischer Ausflug 

in die Welt des Showbiz’ ist der in 

Schwarz-Weiß gedrehte Film von Woody Allen aus 

dem Jahr 1984, der, 2-fach für den Oscar nominiert, 

zum Kultfilm wurde. Es ist Allens zwölfter 

Film als Regisseur. Außerdem spielt er die Titelrolle, 

den erfolglosen Künstler-Agenten Danny, 

der den erfolglosen Schlagersänger Lou Canova 

managt. Der Darsteller des Lou, der bis dahin 

unbekannte Nick Apollo Forte, war im wirklichen 

Leben Nachtclubsänger, der wie Lou durch eine 

Nostalgiewelle plötzlich zum Comeback gelangte. 

Im Zentrum steht außerdem Mia Farrow als Tina 

Vitale. 

Lou ist in sie verliebt und kann nur singen, wenn 

sie im Zuschauerraum ist. Heikel ist jedoch, dass 

er verheiratet ist. Damit seine eifersüchtige Ehefrau 

Theresa nichts merkt, soll Danny als Strohmann 

herhalten und Tina als ihr Lover begleiten. Brisant 

ist jedoch, dass Tinas Ex, Johnny, zur Mafia 

gehört und spitzbekommen hat, dass ihr ein 

geheimnisvoller Liebhaber täglich eine weiße Rose 

schickt – welcher natürlich niemand anderer ist als 

der unglücklich verliebte Lou Canova. Für seinen 

Schützling macht sich Danny auf die Suche nach 

Tina. Wütend schimpft sie am Telefon mit Lou, 

sie glaubt, dass er sie mit einer blonden Schlampe 

betrogen hat. Mit Mühe kann Danny ihr diesen 

Verdacht ausreden. Abergläubisch befragt sie ihre 

Wahrsagerin Angelina, die ihr rät, mit ihrem 

Johnny, dem Gangster, Schluss zu machen. Doch 

auf einer Mafia-Party wird Danny als ihr Geliebter 

»enttarnt« und beide müssen vor der »Vendetta« 

fliehen. Sie werden in New York – nach einer Flucht 

durch eine Sumpflandschaft – gekidnappt. Da 

behauptet Danny, dass der stotternde Bauchredner 

Barney Dunn der Liebhaber von Tina ist – denn 

Barney wurde von ihm fernab auf eine Kreuzfahrt 

vermittelt ... 

Wie ein Paket aneinander gefesselt bleiben 

Danny und Tina zurück, wieder hat Danny eine 

zündende Idee: In seinem Pool war einmal ein 

indischer Entfesselungskünstler, und durch seinen 

Trick lösen sich die Fesseln. Endlich im Waldorf 

Astoria hat Lou sich inzwischen aus Angst und 

Verzweiflung betrunken. Auch da hat Danny die 

Lösung – sein Wundertrank macht Lou plötzlich 

nüchtern und er kann mit seinem Song ›My Bambina‹ 

brillieren. Dem Comeback steht somit nichts 

im Wege, wäre da nicht der Künstler-Agent Sid 

Bacherach, der ihn sofort nach L.A. vermittelt … 

Da ändert Lou nun sein Leben – bzw. den Agenten 

–, und Danny bleibt allein mit seinen nicht 

vermittelbaren Künstlern zurück. In diese triste 

Stimmung hinein klingelt es an der Tür – Tina hat 

Lou verlassen! Und so sieht es so aus, als ob aus dem 

»Sad End« ein märchenhaftes »Happy End« wird. 

Genau dieser Filmhandlung folgt auch die 

20 



Bühnenfassung von Gil Mehmert und Jens Raschke, 

die am 16. Dezember 2000 in der Regie von Gil 

Mehmert am Theater Kiel zur Uraufführung kam 

und inzwischen u. a. auch am Theater Neue Bühne 

Darmstadt und am Saarländischen Staatstheater 

Saarbrücken gespielt wurde. Es ist erstaunlich, dass 

sich jetzt ein so kleines Theater wie das Schlosstheater 

Celle an diesen Stoff wagt. Aus dem Barocktheater 

von 1675, dem ältesten noch bespielten 

Theaterbau Europas, wird eine Showbühne. Aus 

dem Schnellimbiss, dem »Diner« im Film, wird 

in Celle der Theaterraum zum Varieté, wo sich 

vier Entertainer an den Künstler-Agenten Danny 

Rose in Rückblenden erinnern, und vor allem an 

seine beste Story, die von Lou Canova. Rote Rosen 

schweben als Beleuchtungskörper aus dem Schnürboden 

herab, eine Live-Band auf der Hinterbühne, 

auf einem Podest erhöht, begleitet mit Saxophon, 

Posaune, Klavier, Bass und Drums die Show – und 

da mischen sich Gesang und Schauspiel wie in 

einem Musical Play, mit überraschenden, witzigen 

Song-Zitaten, situationsbezogenen neuen Texten 

und Underscoring, die die Handlung kommentieren, 

und machen »Danny Rose« zu einem prickelnden 

Theaterabend. Die Darsteller lassen mit schauspielerischer 

Qualität und musikalischem Können 

die Story von Danny, Lou und Tina, der Mafia und 

den hoffnungslos erfolglosen Künstlern lebendig 

werden, die Story ist exakt gleich wie im Film, aber 

durch das Medium Theater vollkommen anders. 

So kann man in der eigenen Celler Fassung diese 

überdrehte Woody-Allen-Komödie mit gefühlt 30 

Songs und Musiktiteln durchaus als Musical Play 

bezeichnen. Die acht Darsteller lassen manchen Musical-Profi 

erblassen. Der der Situation entsprechende 

witzige Strauß von Musical-Hits, mit Songs und Titeln 

von Quincy Jones, Cole Porter, Frank Loesser und Leonard 

Cohen kann das Publikum verblüffen – auch so 

geht Musical, wenn auch nicht im klassischen Sinn. 

Im Bühnenbild von Martin Käser werden 

einzelne Spielorte durch fahrbare halbrunde Segmente 

angedeutet. Die Verwandlungs-Deko und 

ständigen Rollen- und Szenenwechsel sind zwar 

eine Herausforderung für das Regie-Team und das 

Ensemble, erschaffen aber gleichermaßen in theatraler 

Spielweise mit treffenden genau gezeichneten 

Kostümen (ebenfalls Martin Käser) einen Theaterabend, 

der nicht in das Schema gängiger Musicals 

passt. 

Hausherr Andreas Döring als Regisseur und 

sein musikalischer Leiter Moritz Aring schaffen 

eine Liebeserklärung ans Varieté, eine Reflexion 

über die Welt des Showbiz’ und des Theaters und 

den Wankelmut des Erfolgs. Durch das vielseitige 

Ensemble wird jede Figur markant, jede Szene 

auf den Punkt ein Highlight, jede Pointe gekonnt 

gesetzt. Die Rahmenhandlung spielt nicht wie im 

Film am Stammtisch eines »Diners«, sondern im 

Varieté. Vier Entertainer, wie das berühmte »Rat- 

Pack« (Thomas Wenzel, Dirk Böther, Lars Fabian, 

Jamila Boukhers), sprechen von alten Zeiten, werfen 

sich die Bälle zu, kokettieren mit dem Publikum 

und schlüpfen in zwanzig einzelne Rollen. Da bleiben 

Onkel Rocco, der in Zement macht, Johnny, 

der dichtende Gangster und Ex von Tina, Barney 

Dunn, der stotternde Bauchredner, und die nach 

Vendetta rufende »Mafia-Mama« Mrs Rispoli in 

Erinnerung. Die Vier erzählen uns von Danny 

Rose, der selbst mal auf der Bühne stand – und der, 

als der Erfolg ausblieb, beschloss, andere erfolglose 

Künstler als Künstleragent zu vermitteln, der fest an 

seine Schützlinge glaubte und fest davon überzeugt 

war, dass auch seine Kleinkünstler eines Tages zu 

Stars des Broadways werden würden, so wie jetzt im 

Stück für Lou die Gunst der Stunde winkt. 

Tanja Kübler ist Lous temperamentvoll-schlampige 

Frau Theresa und u. a. auch die mysteriöse 

Wahrsagerin Angelina, die Tina rät, ihr Leben in 

Ordnung zu bringen. 

Philipp Keßel IST Danny Rose – und man 

Broadway Danny Rose 

Diverse / Woody Allen 

Deutsch von Jens Raschke & Gil Mehmert 

Schlosstheater Celle 

Premiere: 24. November 2023 

Regie ......................... Andreas Döring 

Musikalische Leitung ...... Moritz Aring 

Ausstattung ..................... Martin Käser 

Danny Rose ................... Philipp Keßel 

Lou Canova .............. Philip Leenders / 

Dimitri Breuer 

Tina Vitale ......................... Lisa Mader 


Moritz Aring, Jamila Boukhers, 

Dirk Böther, Dimitri Breuer, 

Marco Djurdjević, Lars Fabian, 

Tanja Kübler, Marcus Lewyn, 

Erik Mrotzek, Jan Frederik Schmidt, 

Thomas Wenzel 

Abb. unten: 

Lou Canova (Philip Leenders, 

i.d.bes.Vorst. Dimitri Breuer, 2.v.r.) 

versucht, seiner eifersüchtigen 

Ehefrau Theresa (Tanja Kübler) 

weiszumachen, seine Geliebte Tina 

sei in Wahrheit die Freundin von 

Danny Rose (Philipp Keßel, l.) 

Foto: Marie Liebig 


21


Abb. von oben links: 

1. Tinas (Lisa Mader) Ex und seine 

Mafia-Freunde lassen sie und Danny 

(Philipp Keßel) gefesselt zurück 

2. Die Mafia jagt Tina, weil ihr 

Mafioso-Ex auf ihren neuen Liebhaber 

eifersüchtig ist (v.l.: Lars Fabian, 

Thomas Wenzel, Dirk Böther) 

3. Danny (Philipp Keßel, 3.v.r.) 

erklärt den Mafiosi, Tinas (Lisa 

Mader, 2.v.l.) Verehrer sei ein 

Bauchredner, der auf einem 

Kreuzfahrtschiff arbeite 

4. Danny (Philipp Keßel, r.) redet 

dem betrunkenen Lou Canova 

(Philip Leenders, i.d.bes.Vorst. 

Dimitri Breuer) ins Gewissen 

5. Tina (Lisa Mader, Mitte) will 

mit ihrem Ex Johnny und dessen 

Mafia-Freunden nichts mehr zu 

tun haben 

6. Schauplatz der Rahmenhandlung 

ist ein Varieté (v.l.: Lars Fabian, 

Jamila Boukhers, Dirk Böther, 

Thomas Wenzel) 

Fotos (6): Marie Liebig 

meint, Woody Allen auf der Bühne zu sehen. 

Er rückt die Brille zurecht, ist schmal, nervös, 

mit dem typischen schüchternen und linkischen 

Auftreten, dem schnellen Sprachrhythmus und den 

Pointen, der ewige Loser, die Kunstfigur »Woody« 

mit ihrem unverwechselbaren Stil. Großartig, wie 

Philipp Keßel das macht. Und fraglos ist er ein 

Leuchtfeuer der Hoffnung in der Wüste des Showbiz’ 

und des Theaters. 

Dimitri Breuer ist großartig (als Einspringer für 

den erkrankten Philip Leenders) als Lou Canova, 

man merkt kaum, dass er immer wieder das Textbuch 

in der Hand hat – er weiß, wie die Show geht, 

und spielt perfekt den altmodischen Schlagersänger, 

dessen Songs mit Gefühl aus der Mode waren und 

jetzt wieder in sind – und der wehleidig ohne Tina 

nicht singen kann. Lisa Mader ist Tina Vitale, voll 

vital, mit hervorragender Stimme, im Mia-Farrow- 

Look – blond mit Sonnenbrille – temperamentvoll, 

dann voll Kalkül und wird ganz wuschig, wenn 

Lou von »Amore« singt. Sie begeistert im Duett mit 

Danny: »That’s Why the Lady Is a Tramp.« 

Surreal, voller Stilbrüche – Lachsalven erschüttern 

das wunderschöne historische Schlosstheater 

in Celle! Aus der Perspektive des kleinen, ewigen 

Verlierers Danny Rose erleben wir die fragile Welt 

des Showbiz’. Der bittersüße Ausflug hat manchem 

Zuschauer die Augen geöffnet, ihn lächeln, mitleiden, 

lachen und nachdenken lassen, und zu guter 

Letzt kommen wir wieder zurück in die reale Welt. 

Hartmut Holm Forche 

22 



Bäuerin in Nöten 

»Käthe holt die Kuh vom Eis« im Kammertheater Karlsruhe 

Das Kammertheater Karlsruhe ist bekannt für 

kleine, aber feine Musicals. So hat der neue Intendant, 

William Danne, der im Stück selbst die Hauptrolle 

der Käthe Bauer spielt und auch Regie führt, mit 

»Käthe holt die Kuh vom Eis« ein durch und durch 

spaßiges MUHsical nach Karlsruhe geholt. Denn 

»Käthe« lief bereits über 200 Mal quer durch die ganze 

Republik. 

Lustig war bereits der Vorraum zum Theater mit 

diversen Requisiten dekoriert und – (wohl aber nicht 

immer) – es gab an der Garderobe ein Schnäpschen 

zum Einstimmen, denn der Korn spielt im Stück auch 

eine Rolle, heizt Käthe damit doch nicht nur sich, sondern 

auch das Publikum an. 

Und dann ging es auch schon los, durch den noch 

geschlossenen Vorhang gackerten drei Hühner zur Belustigung 

der Zuschauer. Wie der Titel unschwer vermuten 

lässt: Das Stück spielt auf einem Bauernhof. Die Show 

begann mit dem ersten bekannten, umgetexteten Lied, 

denn statt ›Old MacDonald‹ hat hier Käthe Bauer eine 

Farm. Käthe, rüstig, robust und kein bisschen zimperlich, 

lebt allein mit ihren Tieren dort. Um die drohende 

Insolvenz abzuwenden, gibt sie eine Anzeige auf, in der sie 

stressgeplagten Großstädtern einen erholsamen Urlaub auf 

dem Bauernhof anbietet. 

Als erstes landet Rascal auf dem Bauernhof, der von 

seinem Vater hierher geschickt wurde, damit er endlich 

arbeiten lernt, da er sein Studium schon mehrere Male 

abgebrochen hat. Nachdem Käthe ihn aus seiner Designerjeans 

rausgeholt und in eine Latzhose hineingesteckt hat, 

soll er den Schweinestall ausmisten. 

Als nächstes erscheint Leonie, die Teilzeit-Aussteigerin, 

die sich freut, Natur pur zu erleben. Leonie hält sich für 

›Heidi‹ ‒ und das ist dann auch gleich ihr Auftrittslied. 

Das Publikum begrüßt sie als Schafe und bittet darum, 

dass alle »Mäh« machen. Tatsächlich ist Leonie jedoch aus 

Frankfurt und arbeitete in einer Kita als Erzieherin, wo 

aber einiges schief gelaufen ist. Jetzt möchte sie auf Käthes 

Bauernhof mal nichts tun. Doch dann kommt Rascal, 

umgezogen und bereit, den Schweinestall auszumisten, 

und sofort funkt es zwischen Leonie und ihm. 

Dritter im Bunde ist Jürgen, der mit seinem Porsche 

nicht die Auffahrt hinunterkommt und sofort von Käthe 

zum Grasmähen verdonnert wird. 

Inzwischen hat Leonie zufällig den Brief vom Finanzamt 

gefunden, in dem Käthe aufgefordert wird, 500.000 

Euro zu zahlen, oder der Hof wird gepfändet. 

Um Käthe zu retten, beschließen ihre »Gäste«, ein 

Video für YouTube zu drehen und allen zu zeigen, wie 

schön das Landleben ist. Mitten im Dreh taucht dann 

eine weitere Person auf, von der alle annehmen, sie sei 

ein weiterer Gast. Sofort wird auch sie in das Video eingebunden. 

Doch es stellt sich heraus, die Dame ist die 

Gerichtsvollzieherin. 

Doch wie sollte es bei solch einem fröhlichen Boulevardstück, 

bei dem das Publikum oft zum Mitmachen aufgefordert 

wird, anders sein: Natürlich gibt es ein Happy End, 

Käthe und ihr Bauernhof werden gerettet und alle sind 

glücklich. 

Neben den fünf Darstellern spielen auch jede Menge 

Tiere, meist in Form von Handpuppen, aber auch im Kostüm, 

mit. Das Bühnenbild (Heiko de Boer), das aus einem 

gemalten Vorhang als blauem Himmel, einigen Heuballen 

und zwei Häuschen besteht, ist zwar nicht sehr aufwendig, 

erfüllt aber voll und ganz seinen Zweck. 

Man würde eigentlich sagen, es könnte auch gut ein 

Stück für Kinder sein, doch dafür sind Käthe und Co. 

eindeutig zu zweideutig, es gibt viele zotige Sprüche und 

Jürgen in einem goldenen String ist auch ziemlich mutig. 

Dass er dazu ›I am Too Sexy‹ singt, passt prima. 

»Käthe holt die Kuh vom Eis« ist ein fröhliches Musical, 

denn es wird nebenbei auch noch viel gesungen, auch 

wenn die Musik vom Band (Musikalische Leitung: Markus 

Kapp) kommt. Wer einen Abend verbringen will, an dem 

viel gelacht wird, man sich aber nicht viele Gedanken über 

die Handlung machen muss, der ist hier genau richtig. 

Ingrid Kernbach 

Abb. oben: 

(v.l.): Jürgen Pimperbeidel (Johann 

Anzenberger), Leonie Klappstock 

(Dorothée Kahler), Dr. Vivienne Rechtsprecher 

(Sandra Maria Germann), 

Rascal Petzow (Marius Schneider), 

Käthe Bauer (William Danne) 

Foto: Markus Breig 

Käthe holt die Kuh vom Eis 

Diverse / William Danne 

Kammertheater Karlsruhe – K1 

Premiere: 16. Februar 2024 

Regie .......................... William Danne 

Musikalische Leitung ...... Markus Kapp 

Choreographie .... Sandra Maria Germann 

Bühnenbild .................. Heiko de Boer 

Käthe Bauer .................. William Danne 

Leonie Klappstock ...... Dorothée Kahler 

Dr. Vivienne Rechtsprecher .................... 

......................... Sandra Maria Germann 

Rascal Petzow ........... Marius Schneider 

Jürgen Pimperbeidel .............................. 

.............................. Johann Anzenberger 


23


Wahrheit – Schönheit – Freiheit – Liebe 

»Der große Gatsby« uraufgeführt am Deutschen Theater Göttingen 

Abb. oben: 

Im Hotel schlägt für alle Liebenden 

die Stunde der Wahrheit (v.l.): Tom 

Buchanan (Christoph Türkay), Nick 

Carraway (Moritz Schulze), Daisy 

(Gaia Vogel), Jordan Baker (Nathalie 

Thiede), Jay Gatsby (Daniel Mühe) 

Foto: Thomas M. Jauk 

Der große Gatsby 

Diverse / F. Scott Fitzgerald 

Deutsches Theater Göttingen 

Uraufführung: 27. Januar 2024 

Regie ...................... Katharina Ramser 

Musik. Leitung ............ Michael Freitag 

Choreographie .... Valentí Rocamora i Torà 

Bühnenbild ........................ Ute Radler 

Kostüme .................. Myriam Casanova 

Video ....................... Thomas Bernhard 

Jay Gatsby ........................ Daniel Mühe 

George Wilson .......... Roman Majewski 

Nick Carraway .............. Moritz Schulze 

Jordan Baker ................ Nathalie Thiede 

Tom Buchanan ........... Christoph Türkay 

Daisy ................................... Gaia Vogel 

Myrtle ....................... Tara Helena Weiß 


Volker Muthmann, Katharina Pittelkow 

Baz Luhrmann verfilmte 12 Jahre nach seinem 

Kinohit »Moulin Rouge« den Roman 

von F. Scott Fitzgerald »Der große Gatsby« mit 

Leonardo DiCaprio in der Titelrolle als bildgewaltige, 

tragische Love-Story. Roman und Film 

inspirierten bereits mehrfach kreative Köpfe zu 

Umsetzungen des Stoffs für die Theaterbühne. 

So schrieb Claus Martin bereits 2012 ein Musical 

für die Freilichtbühne Coesfeld, und 2024 zeigt 

das Deutsche Theater München eine Tanzshow 

von Enrique Gasa Valga. Das Deutsche Theater 

Göttingen nimmt sich des Stoffs in der Übersetzung 

von Hans-Christian Oeser unter der Regie 

von Katharina Ramser als »Vaudeville-Show« an 

und präsentiert einen Schauspiel-Abend mit 19 

Songs, passend zur Zeit der goldenen 20er Jahre 

des letzten Jahrhunderts, gespielt von der 10-köpfigen 

»Alexander´s Ragtime Band« unter der 

musikalischen Leitung von Michael Frei. 

Nick Carraway (Moritz Schulze) erzählt den 

Zuschauern, wie er als erfolgloser Autor 1922 

nach New York kommt, um an der Börse als Broker 

zu arbeiten. Er mietet ein schäbiges Häuschen 

in Long Island, direkt neben einer glamourösen 

Villa, in der sein Nachbar, ein gewisser Jay Gatsby 

(Daniel Mühe), ausschweifende Partys feiert. Kein 

Gast kennt den mysteriösen Gatsby persönlich, 

doch Nick gibt er sich zu erkennen. Denn Gatsby 

hat ein Anliegen: Er möchte Nicks Cousine Daisy 

(Gaia Vogel) wiedersehen, mit der er vor dem Ersten 

Weltkrieg eine Liebesbeziehung hatte. Daisy 

hat jedoch in der Zwischenzeit den reichen Ex- 

Polospieler Tom Buchanan (Christoph Türkay) 

geheiratet, dessen Anwesen direkt gegenüber 

Gatsbys Schloss auf dem »West-Egg« liegt. Nick 

weiß, dass Lebemann Tom eine Affäre mit Myrtle 

(Tara Helena Weiß) hat, der Frau des Autohändlers 

George Wilson (Roman Majewski) im schäbigen 

»Tal der Asche«, einem heruntergekommenen 

Vorort New Yorks, und kommt deshalb Gatsbys 

Bitte nach, Daisy einzuladen. Obwohl Daisy 

bereits eine Tochter hat, ist sie unglücklich in 

ihrer Ehe und die alte Liebe zu Gatsby flammt 

wieder auf. Nach einer Party in New York, bei der 

Nick mit Daisys Freundin Jordan Baker (Nathalie 

Thiede) verkuppelt wird, kommt es im Hotel 

zur Konfrontation zwischen Tom und Gatsby, bei 

der sich Daisy nicht eindeutig für ein Leben mit 

Gatsby entscheiden kann. Völlig aufgelöst verlassen 

Gatsby und Daisy das Hotel und verursachen 

auf der Rückfahrt einen folgenschweren, tödlichen 

Autounfall, der weitreichende Folgen hat. 

Obwohl es nicht im Programmheft vermerkt 

ist, hat der Baz-Luhrmann-Film einen prägenden 

Einfluss auf die Theaterinszenierung gehabt, werden 

doch größtenteils identische Dialogsequenzen 

aus Fitzgeralds Roman zitiert. Obwohl die Bühne 

von Ute Radler bei weitem nicht an die opulenten 

Bilder der Verfilmung herankommt, da sie nur auf 

eine Drehbühne und multifunktionale Wände und 

Requisiten (Sabine Jahn) setzt, die in einer Szene 

luxuriöse Sitzkissen darstellen und in der nächsten 

wie Autoreifen durch eine fiktive Werkstatt gerollt 

werden, gibt es auch hier deutliche Parallelen zum 

Film. Wenn Gatsby Daisy durch sein Haus führt 

und sie unter seinen bunten Luxushemden begräbt, 

wird diese Szene als eingespielte Videosequenz mit 

den Göttinger Schauspielern überdimensional auf 

die Wände projiziert. Auch wenn Glanz und Glamour 

von Gatsbys Villa eher in den Köpfen der 

Zuschauer entstehen, wo »Kronleuchter« aus verschlungenen 

Lichtbändern dargestellt sind, lassen 

24 



die authentischen Kostüme in Weiß und braunen 

Herbsttönen (Myriam Casanova) die Charleston- 

Ära visuell aufleben. Schön, dass auch die Band im 

Orchestergraben diese Illusion mit ihren Outfits 

über den Bühnenrand hinaus weiterführt. 

Schauspielerisch bewegt sich das Drama auf 

höchstem Niveau und jede Textzeile wird klar 

verständlich vorgetragen. Doch diese Produktion 

ist eben viel mehr als reines Schauspiel. Durch 

eine passende Songauswahl von Michael Frei, die 

fulminant von den Darstellern vorgetragen wird, 

wird die Handlung zwar nicht unbedingt weitererzählt, 

jedoch unterstreichen die jazzigen Songs 

in zudem frischen Arrangements an den richtigen 

Stellen die Gefühle und Emotionen der handelnden 

Personen. 

Gleich zu Beginn entführt Gershwins ›Rhapsody 

in Blue‹ als Ouvertüre den Zuschauer in eine 

»Ein Amerikaner in Paris« - Musicalstimmung. 

›Alexander’s Ragtime Band‹ von Irving Berlin 

spiegelt die Kriegsstimmung wider, während Peggy 

Lees ›Ain’t We Got Fun‹ als pfiffiges Duett die beiden 

weiblichen Hauptcharaktere als gelangweilte 

Snobs einführt und der Folksong ›Man of Constant 

Sorrow‹ als Referenz für die armseligen Lebensumstände 

im »Tal der Asche« steht. Bei ›I Want to Be 

Bad‹ (Original von Helen Kane 1929) zeigt Myrtle, 

dass sie einer außerehelichen Beziehung nicht 

abgeneigt ist. Andere Songs unterstreichen mit 

der energiegeladenen Choreographie von Valenti 

Rocamora i Torà und den grandiosen Tänzern 

Germán Hipolito Farías, Pawel Malicki, Mar Sanchez 

Cisneros und Michael Tucker – allesamt auf 

High Heels »Cabaret«-tauglich, androgyn-weiblich 

gestylt – den exzessiv-erotischen Lebensstil der 

goldenen 20er Jahre. Zu ›Puttin’ on the Ritz‹ 

oder ›Man With the Hex‹ wird gemeinsam mit 

dem gesamten Schauspiel-Ensemble in bester 

Fred-Astaire-Manier gesteppt. Weitere Songs sind 

›Gloomy Sunday‹ (Billie Holiday), ›Hi-De-Hi- 

De-Ho‹, ›Minnie the Moocher‹ und ›St. James 

Infirmary‹ von Cab Calloway, Gershwins ›Strike 

up the Band‹, ›They Can’t Take That Away From 

Me‹ und ›It Ain’t Necessarily So‹, das Frank Sinatra 

/ Sammy Davis Jr.-Duett ›Me and My Shadow‹, 

›Love Is Just Around the Corner‹ (u. a. Bing 

Crosby), ›The Love Nest‹ (John Steel), ›I’m Sitting 

on Top of the World‹, ›Better Luck Next Time‹ 

und Kurt Weills ›Lost in the Stars‹. 

Trotz dieser geballten Ladung an Jazz, Blues 

und traditionellem Folksong, kombiniert mit 

einer sehenswerten Choreographie, sieht sich »Der 

große Gatsby« am Deutschen Theater Göttingen 

nicht als Musical, und das ist es irgendwie auch 

nicht. Trotzdem sollten sich Musicalfans diese 

Produktion nicht entgehen lassen, zumal eine 

Prise Baz Luhrmann der tragischen Romanvorlage 

auch in dieser Bühnenfassung einen sehenswerten 

Extra-Kick gibt, der einen unterhaltsamen 

Schauspielabend garantiert. Publikum und Presse 

sind zu Recht begeistert vom Göttinger »Gatsby« 

und bescheren dem Deutschen Theater mit seinen 

rund 500 Plätzen ausverkaufte Vorstellungen. 



1. ›Puttin‘ on the Ritz‹ – Es darf 

gesteppt werden (Ensemble) 

2. Nick Carraway (Moritz Schulze, 

3.v.l.) beginnt, Gatsbys (Daniel 

Mühe, r.) Lebensstil zu mögen (v.l.: 

Germán Hipolito Farías, Paweł 

Malicki, Michael Tucker, Mar 

Sanchez Cisneros) 

3. Trotz gesellschaftlicher Unterschiede 

werden Millionär (Daniel 

Mühe) und erfolgloser Autor (Moritz 

Schulze) als ungleiche Nachbarn 

beste Freunde 

4. Im Theater auch mal Film: Daisy 

(Gaia Vogel) verliebt sich erneut in 

Gatsby (Daniel Mühe) 

Fotos (4): Thomas M. Jauk 


25


Glitter, Glamour, Flitter, ohne Männer wird es bitter! 

8 Jahre F1rst Stage Theater Hamburg – Die große Jubiläumsgala 

Fotos (11): Dennis Mundkowski 

Die große Jubiläumsgala 

F1rst Stage Theater Hamburg 


Künstlerische Leitung .... Dennis Schulze 

Musikalische Leitung & 

Klavier .............. Marina Komissartchik 

Choreographie ......... Adam M. Cooper 

Bühnenbild ............. Felix Wienbürger / 

Tobias Mancinella 

Maske ........................ Carina Campell 

Lichtdesign ............... Felix Wienbürger 

Sounddesign ................ Sebastian Rieß 

Mit: 

Ann-Kathrin Amborn, Dominique Amport, 

Charlotte Beba, Elisabeth Bengs, 

Svenja Bertschi, Pauline Bienert, 

Luisa Bosselmann, Annika Böbel, 

Sarina Böker, Johanna Brödner, 

Sophia Brommund, Emily Creter, 

Naomi Diebel, Philine Ehrich, 

Moritz Ende, Mercedes Felling, 

Victoria Flecke, Ameline Funke, 

Maya Gaudino, Lilly Geis, Pascal Giebel, 

Jule Marie Gilster, Celia Gleiter, 

Chiara Goetschi, Pia Hartwig, 

Melina Hendel, Jule Herrmann, 

Max Kikken, Nadja Kilchherr, 

Phillip Oliver Kuhn, Selina Kullmann, 

Katharine Lindhorst, 

Babak Malekzadeh, Alina Martin, 

Cäsaria Mayer, Annika Müller, 

Aminata Ndaw, Luisa Neumann, 

Marlene Niemeyer, Dennis Petersen, 

Svea Pöhner, Britani Pouradbi, 

Philip Rakoczy, Jana Rimmele, 

Noelle Ruoss, Lina Sbaita, 

Laura Schäfer, Zoe Zabrina Schuhmacher, 

Emil Schuler, Rebecca Schuster, 

Jessica Schwarz, Ruby Smeets, 

Rebecca Spalt, Timo Stark, 

Melina Stauffer, Marietta Steinhausen, 

Lia Sussenbach, Linda Tauber, 

Gina Tuveri, Theolina Ulke, 

Lea Vowinkel, Monique Weißflog, 

Duygu Yüzbasioglu 

Am 26. Februar war es soweit und 63 talentierte 

Nachwuchskünstlerinnen und -künstler der Hamburger 

Stage School rockten zum 8-jährigen Jubiläum 

des F1rst Stage Theaters die Bühne. Die riesige Cast, 

bestehend aus den drei aktuellen Studienjahrgängen, 

präsentierte ihre aktuellen Highlights. Die Beiträge 

stammen dabei aus berühmten Musical- und Theaterstücken 

sowie Filmen (u. a. »The Greatest Showman«, 

»Cabaret«, »Hinterm Horizont«, »Finding Neverland«, 

»Kein Pardon«, »Monty Python’s Spamalot«, »Priscilla 

– Queen of the Desert« u.v.a.). Diese Gala kam mit 

stark unausgewogenem und auffallend unterschiedlichem 

Geschlechterverhältnis daher: 9 Männer und 54 

Frauen – klingt erst einmal wie: »Zu schön, um wahr 

zu sein« – oder wie eine große Ladies Night zu Gunsten 

einer Stiftung. Aber dies ist kein Regiestreich. Von 

den 9 Männern singt, spielt und tanzt auch nur einer 

auffallend oft und die anderen Männer haben zwar 

gute Momente, werden aber eher unauffällig platziert. 

Daher muss nun also in diesem Artikel einmal kurz 

eine Lanze für unsere männlichen Nachwuchs-Musicaldarsteller 

gebrochen werden – auch wenn natürlich 

die Damen der Show und diese junge Cast so oder so 

großen Spaß machen. 

Wo seid Ihr Männer? Wo sind die großen männlichen 

Stimmen geblieben? Stimmen, bei denen die 

Damen im Zuschauerraum raunen und tuscheln und 

eine Gänsehaut bekommen? Ist diese heute doch etwas 

vermisste Gattung eine Art aussterbender Typ? Muss 

in Zeiten von künstlicher Intelligenz und bei oft gegen 

den Typ besetzten Rollenprofilen der »männliche 

Mann« endgültig weichen? 

Daher die Bitte: Wenn Sie jetzt unser Magazin in 

den Händen halten und denken: »Ja, eigentlich kann 

ich besonders kraftvoll und schön singen und männlich 

bin ich auch, aber ich trau mich irgendwie nicht« – folgen 

Sie Ihrem Herzen und Talent! Die Welt braucht 

Frauen und Männer, die das künstlerische Licht und 

den Bühnenzauber mit Herz in die Welt tragen. Das 

Handwerkszeug dazu wird an einer Bühnenschule, wie 

der Stage School, oder einem anderen Institut gelehrt 

und führt dann zu so einem vielseitigen Abend wie dem 

hier. 

Der sonst gewohnte rote Faden (wie z.B. bei Kira 

Hehlemanns großartigen Regiearbeiten der »Weihnachtsshow« 

oder der letzten »Monday Night«) lässt sich 

an diesem Abend nicht klar erkennen und die Nummern 

wechseln einander zwischen Tanz und Gesang 

ab, ohne dass es eine kleine Geschichte oder wenigstens 

ein Motto gibt. Dennis Schulze (künstlerische Leitung) 

hat zusammen mit Choreograph Adam M. Cooper 

(interessante Choreos beim Opening und Finale!) aber 

einen flotten Abend in Studioatmosphäre geschaffen, 

der dennoch gut unterhält. Runde Kameralampen aus 

goldenen Lampenschirmen kreieren dabei ein schön 

anzusehendes Bühnenbild (Felix Wienbürger & Tobias 

Mancinella), das technisch in Premiummanier von 

Felix Wienbürger eingeleuchtet wird. Marina Kommissartchik 

(musikalische Leitung) haut in die Tasten des 

Klaviers und wechselt sich mit der eingespielten Musik 

ab. Diesen Spagat meistert das Soundteam (Sebastian 

Rieß) auf sehr hohem Niveau und unterstützt die 

Darsteller:innen auf der Bühne mit sehr gutem Ton. 

Highlights des Abends waren das von Pauline Bienert 

und Marlene Niemeyer gesungene ›Nimmerland‹ aus 

»Finding Neverland« sowie ›Du und die Nacht‹ von 

Anna Depenbusch, interpretiert von Sarina Böker und 

Max Kikken, der nebenbei auch mit seinem Schauspiel 

für spannende Momente sorgte. Natürlich begeisterten 

besonders das große Opening und das Finale, neben 

den vielen kleinen schönen Momenten. Als nächste 

Produktion feiert »A Chorus Line« im F1rst Stage Theater 

Premiere, mit der Jubiläumsgala wurde im Hinblick 

darauf bereits glitzernd und schillernd eingestimmt. 

Stefan Schön 

28 




29

Einblick 

Für mich erfüllt sich ein Traum 

Ralph Siegels »Ein bisschen Frieden« kommt ins Deutsche Theater München 

Foto: Goran Nitschke 


Foto: Wolfgang Klauke 

Foto: Michael Böhmländer 

Wenn in wenigen Wochen »Ein bisschen 

Frieden« auf die Bühne des Deutschen 

Theaters München kommt, geht ein Traum von 

Ralph Siegel in Erfüllung: »In diesem Musical 

habe ich so viele private, vor allem aber auch 

musikalische Ereignisse und Erfahrungen verarbeitet, 

die ich in den sechs Jahrzehnten meines 

Wirkens erleben durfte. Jetzt darf ich das Musical 

endlich in meiner Geburtsstadt München 

auf die Bühne bringen. Ich freue mich sehr!« 

Der Komponist, der für zahlreiche Hits verantwortlich 

ist, betont, dass es absolut kein Musical 

über Nicole ist, die jeder mit dem namensgebenden 

Song verbindet. Dies sei im vergangenen 

Jahr von vielen missverstanden worden, so Siegel 

– dabei habe das Stück so viel zu bieten, insbesondere 

rund um die Teilung Deutschlands. 

Das Musical, welches die Geschichte von Rock- 

Musiker Ricky und Hippie-Mädchen Elisabeth 

erzählt und in den Kontext des Mauerbaus 

setzt, ist eine Geschichte, wie sie damals vielen 

Liebenden, Familien und Freunden passierte. 

Eine Geschichte, die vielleicht fiktional ist, aber 

im Grunde auf Begebenheiten und Erlebnissen 

beruht, die abertausende Menschen vereinen. 

Siegel kombiniert hierfür seine Songs, die sowohl 

im Country-, Rock- als auch Pop-Stil zuhause 

sind, und schafft damit ein vielseitiges Hörerlebnis. 

»Ich habe in den vielen Jahren meiner 

Karriere mit herausragenden Persönlichkeiten 

gearbeitet und es war immer eine Bereicherung. 

Jetzt in diesem Fall so ein wunderbares Ensemble 

und so namhafte Darsteller auf der Bühne 

sehen zu dürfen, in dem Stück, welches mir so 

viel bedeutet, ist für mich etwas Besonderes.« 

Teil des 30-köpfigen Ensembles sind Tim Wilhelm 

(Leadsänger der »Münchener Freiheit«), 

Heinz Hoenig, Simone Ballack und viele Musical- 

und Fernsehstars wie Alexander Kerbst 

(»Falco«), Jennifer Siemann (»Sturm der Liebe«), 

Madeleine Haipt (»Zeppelin«, »Die Schöne und 

das Biest«), Dan Lucas (»Jack the Ripper«) und 

Sonia Farke (TV-Serie »Hinter Gittern« und div. 

Musicals). 

»Ich bin dem Festspielhaus Füssen sehr dankbar, 

dass sie mein Musical im vergangenen Jahr auf 

die Bühne gebracht haben – es gab so viele wunderschöne 

Shows und Abend für Abend konnten 

wir beobachten, wie gerührt die Menschen im 

Publikum saßen. Dass ich jetzt das Stück in 

München auf dieser Bühne zeigen darf, rührt 

mich. Damit erfüllt sich tatsächlich ein Traum 

von mir und ich möchte mich bei allen bedanken, 

die diesen wahr werden lassen. Vor, hinter 

und auf der Bühne.« 


Sabine Haydn 

30 


Einblick 

Ich glaube, die Art, Musiktheater zu spielen, hat 

sich in den letzten 30 Jahren sehr verändert 

Anton Zetterholm über den Mann hinter der Maske 

blickpunkt musical: Sie hatten Ihren großen 

Durchbruch 2008 bei der TV-Castingshow »Ich 

Tarzan, Du Jane«, dank derer Sie Ihre erste große 

Rolle auf der Bühne ergatterten. Hätten Sie 

damals gedacht, heute auf den großen Bühnen 

Europas zu stehen oder gar einmal das »Phantom 

der Oper« zu verkörpern? Wie blicken Sie heute 

auf die Zeit zurück? 

Anton Zetterholm: Ich bin »Tarzan«, Disney, 

Stage Entertainment und SAT.1 sehr dankbar. 

Allerdings kann ich heute sagen, dass ich 

damals zu jung für eine so große Rolle war. Es 

war ein großer Druck und der Einstieg in die 

Musicalwelt war mit dieser Rolle fast zu groß. 

Es war auch danach schwierig, von der Titelrolle 

in kleinere Rollen zu wechseln, und ich musste 

dann erst einmal Abstand vom Musical-Business 

nehmen. Nach 10 Jahren kehrte ich dann zu Tarzan 

zurück und es war wirklich schön, die Rolle 

mit mehr Bühnenerfahrung zu spielen. Ich hätte 

nie gedacht, dass ich noch eine Titelrolle spielen 

darf, und schätze mich sehr glücklich. Ich hätte 

auch nicht gedacht, dass ich das Phantom so früh 

spielen würde, aber in dieser neuen Produktion 

ist es auch jünger besetzt. 

blimu: Betrachtet man Ihre lange Karriere, fällt 

vor allem Ihre Vielseitigkeit auf, was verschiedene 

Länder und Sprachen betrifft. Sie kommen 

selbst aus Schweden und sind dort auch schon 

aufgetreten, waren aber auch in großen deutschund 

englischsprachigen Produktionen vertreten. 

Was liegt Ihnen sprachlich am meisten und 

welche Vergleiche können Sie etwa zwischen 

den deutschen und österreichischen Bühnen 

und dem West End ziehen? Gibt es womöglich 

noch ein Land oder eine Sprache, die Sie reizen 

würden? Und wie sehen Sie die Musical-Szene in 

Ihrer Heimat? 

AZ: Ich mag es sehr, auf Deutsch zu singen, 

und irgendwie passt diese Sprache am besten 

zu meiner Stimme. Schweden ist klein und 

London ist ein hartes Pflaster. Ich bin sehr 

stolz, dass ich es geschafft habe, dort zu spielen, 

möchte aber eigentlich nicht zurück. Vielleicht 

kehren wir zurück, wenn meine Söhne Gavroche 

(Anm.d.Red.: in »Les Misérables«) spielen 

können. 

Foto: Jessylee Photography 

blimu: Abgesehen von der Bühne: Nicht selten 

klagen Musicaldarsteller darüber, nirgends 

wirklich zuhause zu sein. Wo fühlen Sie sich privat 

zuhause? Wie geht es Ihnen mit dem Reisen, 

vor allem jetzt, da Sie Vater zweier Söhne sind? 

Wie lässt sich das mit dem Alltag vereinbaren? 

blickpunkt musical 02/2024 31

Einblick 

AZ: Seit meine Söhne auf der Welt sind, habe ich 

keine Long-Run-Produktion mehr gespielt. Wir 

haben auch in Schweden gewohnt, das ist auch 

unser Zuhause. Aktuell weiß ich aber nicht, ob 

wir wieder zurückziehen werden. Ich bin zwei 

Jahre von Schweden aus zu meinen Engagements 

gependelt und das war hart. Jetzt freue ich mich 

darauf, in Wien ein Zuhause aufzubauen und 

Routinen zu kreieren. 

blimu: Ihre Partnerin, Harriet Jones, ist selbst ein 

gefeierter Star am Londoner West End und verkörperte 

bereits viele Male die Rolle der Christine. 

Sie bezeichnen sich als »Phantom-Familie«. 

Was bedeutet Ihnen allen das Stück, kennen es 

die Kinder auch schon und wie fühlt es sich an, 

nun in »vertauschten Rollen« zu sein? (Ihre Frau 

im Publikum, Sie als Phantom). 

AZ: Ja, klar sind wir eine Phantom-Familie. Die 

Show bedeutet meiner Frau Harriet Jones sehr 

viel und die Kinder singen schon die Melodien. 

Harriets Vater ist vor 5 Jahren gestorben und jetzt 

bedeutet das Stück sogar noch mehr, Christine 

singt ja ›Könntest du doch wieder bei mir sein‹ zu 

ihrem verstorbenen Vater. Aktuell ist sie wieder 

als Christine Daaé in der World Tour Version zu 

sehen, gerade eben ist sie in Dubai. 

blimu: Ihre Kinder wachsen logischerweise mit 

dem Beruf der Eltern, in der Theaterwelt, auf. 

Wie wichtig ist es Ihnen, dass Musik eine Rolle 

in ihrem Leben spielt? Würden Sie Ihren Söhnen 

einen Bühnenberuf wünschen oder sogar davon 

abraten (bzw. aus welchen Gründen)? Kann man 

vielleicht schon erkennen, dass sie Talent von 

ihren Eltern geerbt haben? 

AZ: Das kann man wirklich deutlich erkennen. 

Im Kindergarten sagen sie auch immer, dass die 

beiden Musik lieben, und das ist natürlich schön 

zu hören. 

blimu: Zurück zu Ihrer Karriere: Von »Tarzan« 

über »Tanz der Vampire«, »Wicked« und »Les 

Misérables« bis hin zu »Elisabeth« und nun 

sowohl »Das Phantom der Oper« als auch »West 

Side Story«: Ist es Zufall, dass Sie sich stets für 

sogenannte Klassiker der Musicalwelt entschieden 

haben oder haben Sie einen Faible dafür? 

Welche Stücke oder Momente in Ihrer Karriere 

sind Ihnen besonders positiv (oder auch negativ) 

in Erinnerung geblieben? 

blimu: Sie haben nicht nur an vielen verschiedenen 

Bühnen gespielt, sondern auch mit vielen 

Stars der Musicalszene – von Willemijn Verkaik 

bis zu Carrie Hope Fletcher. Haben Sie persönlich 

Vorbilder, von wem konnten Sie am meisten 

lernen, wer hat Ihnen vielleicht etwas mit auf den 

Weg gegeben, das geblieben ist? 

AZ: Ich hatte Glück, mit sehr vielen talentierten 

Menschen arbeiten zu dürfen. Was man aber 

immer merkt, ist, dass jene, die viel Erfolg haben, 

auch sehr hart dafür arbeiten. Es geht auch um 

Glück, aber um in den »Top« zu bleiben, braucht 

es viel Zeit, Kraft und Arbeit. 

blimu: Mit einer Rolle wie dem Phantom, das 

viele Darsteller vor Ihnen bereits verkörpert 

haben und von dem viele Zuseher bereits eine 

feste Meinung/Vorstellung haben, ist es gar nicht 

so einfach zu überzeugen. Haben Sie Sorge im 

Hinblick auf Kritiken, wie gehen Sie damit um? 

AZ: Ich glaube, es ist schwierig, mit dem Phantom 

zu »gewinnen«. Jeder hat eine Meinung und 

eine Vorstellung zu dieser Rolle oder weiß, wie es 

damals war. Jetzt ist es eine neue Produktion und 

vieles wurde geändert und moderner gemacht. 

Ich freue mich vor allem darauf, das junge Publikum 

zu begrüßen, das »Das Phantom der Oper« 

vielleicht noch nie gesehen hat. Klar ist es hart, 

Kritik zu bekommen, manchmal wird vergessen, 

dass Darsteller die Vorstellungen von Regisseur 

und Produzent umsetzen. Trotzdem ist es nie 

schön, wenn etwas Negatives geschrieben wird. 

Man bekommt es immer irgendwie mit. Auch 

wenn es dem Großteil der Besucher:innen gefällt, 

bleiben leider auch die negativen Bemerkungen 

hängen. 

blimu: Sie haben bereits mehrmals erwähnt, dass 

es sich bei dieser Inszenierung um ein »neues« 

Phantom handeln soll, dass jünger gecastet 

wurde, und Sie haben auch die »Me too«-Debatte 

erwähnt. Wie legen Sie es denn an, wie machen 

Sie es zu Ihrem Phantom? 

AZ: Ich versuche, den Menschen hinter der Maske 

zu spielen. Mein Ziel ist es, dass das Publikum am 

Ende der Show mit meinem Phantom mitfühlt. 

Das ist gar nicht so einfach, da das Phantom auch 

für den Tod von zwei Personen verantwortlich 

ist. Ich glaube, die Art, Musiktheater zu spielen, 

hat sich in den letzten 30 Jahren sehr verändert, 

und die »Me Too«-Debatte spiegelt sich auch im 

Castingprozess wider. »Das Phantom der Oper« 

ist letztendlich eine Liebesgeschichte und diese 

muss ja auch glaubwürdig sein. 

blimu: Wie unterscheiden sich die Eindrücke des 

Stücks für Sie als Darsteller: Würden Sie jetzt 

im Publikum sitzen, was sind die markantesten 

Unterschiede, die Sie ausmachen können? 

AZ: Ich kenne die Show sehr gut, weil ich in 

der Original-Produktion den Raoul gespielt 

habe und meine Frau als Christine Daeé besetzt 

wurde. Ich kann ehrlich sagen, dass diese Version 

sehr neu und frisch ist. Ich bin sehr beeindruckt 

davon. Ich finde, das Phantom wird in dieser 

Produktion menschlicher dargestellt als in der 

Originalfassung. 

blimu: Die Proben sind bereits weit fortgeschritten. 

Wie läuft es bisher, wie ist die Zusammenarbeit 

mit dem Rest der Cast und dem Leading 

Team? 

AZ: Die Cast ist super und wirklich top besetzt. 

Es macht sehr viel Freude, mit so vielen talentierten 

Künstler:innen und Kreativen zusammenzuarbeiten. 

Wir freuen uns riesig darauf, vor 

Publikum spielen zu dürfen. 

blimu: Es ist wie bereits erwähnt nicht Ihr 

erster Kontakt mit dem Stoff, in Schweden 

verkörperten Sie bereits 2016 Raoul. Inwiefern 

unterschied sich die damalige »neue schwedische 

Inszenierung« von der jetzigen? Und erzählen 

Sie uns, wie es nun zum Engagement in Wien 

kam: Wurden Sie angefragt, gab es klassische 

Auditions? 

AZ: »Tarzan« bedeutet viel für mich, das habe 

ich vor allem 2017 gemerkt, als ich nach fast 10 

Jahren zurückkam, um die Rolle erneut zu spielen. 

Es war auch fantastisch, in der wunderbaren 

Originalproduktion von »Les Misérables« spielen 

zu dürfen, die es jetzt leider nicht mehr gibt. Ich 

würde aber nicht so weit gehen zu sagen, dass 

ich nur Klassiker spiele. »Tarzan«, »Paramour«, 

»Wicked« und »Lady Bess« sind ein paar von den 

moderneren Stücken, die waren alle schön. 

Anton Zetterholm als Tony in der »West Side Story«, zusammen mit Oliver Liebl (Riff) 

Foto: Marco Sommer/Volksoper Wien 

32 


Einblick 

AZ: Ich wurde tatsächlich gefragt, ob ich Lust 

hätte, an den Auditions teilzunehmen. Erst 

dachte ich, es handele sich wieder um die Rolle 

des Raoul, und ich sah mich erst nicht als Phantom, 

da ich die Original-Produktion im Kopf 

hatte. Ich habe dann für die Rolle des Phantoms 

die Audition für Cameron Mackintosh, die 

VBW und Andrew Lloyd Webber gemacht. 

blimu: Was macht für Sie das Phantom aus, 

was ist er für ein Mensch und was muss ein 

Darsteller mitbringen, um diese vielschichtige 

Figur authentisch zu vermitteln? Wo liegen 

darstellerisch und gesanglich die größten 

Herausforderungen? 

AZ: Das Phantom ist ein sehr einsamer Mann, 

der wegen seines entstellten Gesichts ganz alleine 

im Dunkeln lebt. Es ist eine Herausforderung, 

sich in dieses Leben hineinzuversetzen und seine 

Gefühlswelt nachzuempfinden. Ich glaube, 

ich werde, solange ich die Rolle spielen werde, 

laufend weitere Facetten des Phantoms entdecken. 

Gesanglich ist der Part für einen Tenor 

tief und für einen Bariton hoch. Es ist eine sehr 

anspruchsvolle Rolle, es sind sehr viele Emotionen 

im Spiel und es wird auch viel geschrien. 

blimu: Gibt es Szenen, Momente, die Sie im 

Stück besonders berühren oder auf die Sie sich 

besonders freuen? Gibt es auch Szenen, vor 

denen Sie als Darsteller Respekt haben? 

AZ: Das Ende ist echt krass und hat uns in den 

Proben alle berührt. Es ist jeden Abend eine sehr 

lange Reise für das Phantom, aber ich bin bereit 

für diese große Herausforderung. 

blimu: »Das Phantom der Oper« wurde 1986 

uraufgeführt. Warum ist die Geschichte immer 

noch aktuell, welchen Bezug kann man zur 

heutigen Zeit herstellen und was kann man als 

Zuschauer mitnehmen? Wie kann man auch die 

junge Generation dafür begeistern? 

AZ: Natürlich ist es zuerst die Musik, aber ich 

glaube, dass wir Menschen irgendwie eine Faszination 

für diese Übermenschlichkeit und das 

Gefährliche haben, sei es nun bei Vampiren oder 

dem Phantom. Ich glaube, die junge Generation 

wird diese neue Produktion auch mögen. 

blimu: Die Entscheidung für die Rolle bringt 

auch eine Entscheidung für ein Jahr in Wien 

mit sich. Wie leicht oder schwer ist Ihnen und 

Ihrer Familie diese Entscheidung gefallen? Was 

verbinden Sie (auch abgesehen von Ihren Engagements) 

mit der Stadt? Worauf freuen Sie sich 

abseits vom Theater am meisten? 

AZ: Als ich die Zusage bekommen habe, hat 

meine Frau sofort »Ja« gesagt und das hat die 

Entscheidung, nach Wien zu gehen, natürlich 

leichter gemacht. Wien ist wirklich eine Kultur- 

Hauptstadt und sie fühlt sich als ausgebildete 

Opernsängerin sehr wohl hier. Die Stadt ist auch 

wirklich großartig für Kinder. Das Raimund 

Theater ist ein toller Arbeitsplatz und es ist ein 

Traum, in dieses tolle Haus zurückzukehren. 

blimu: Sie sind gleichzeitig auch an der 

Volksoper als Tony in der »West Side Story« 

zu sehen – bereits zum fünften Mal in Ihrer 

Karriere. Wie leicht oder schwer fällt Ihnen der 

Wechsel zwischen diesen so unterschiedlichen 

Stücken? Und ist es ein »Zufall«, dass Sie es 

bereits so oft gespielt haben, oder ist diese Rolle 

für Sie etwas Besonderes? 

AZ: Es ist auf jeden Fall etwas Besonderes, 

Tony in einem Wiener Opernhaus zu spielen 

und mit so einem fantastischen Orchester zu 

arbeiten. Es sind zwei sehr unterschiedliche 

Rollen, und es ist ein Traum für einen Schauspieler, 

sie gleichzeitig spielen zu können. 

blimu: Sie haben sich aufgrund eines Burnouts 

im Vorjahr komplett von der Bühne zurückgezogen. 

Wie war diese Zeit für Sie, wodurch 

haben Sie Kraft geschöpft und was haben Sie 

auch gelernt / was werden Sie künftig anders 

machen, um sich und Ihren Körper zu schützen? 

AZ: Es war die Hölle und hat mich sehr verändert. 

Ich habe nach wie vor Symptome, die vielleicht 

nie ganz weggehen werden, aber ich lerne 

gerade, wie ich gut damit umgehen kann. Ich 

hatte keine Ahnung oder Respekt für das, was 

mir passiert ist, und ganz ehrlich hat es mich fast 

mein Leben gekostet. Ich bin sehr dankbar für 

den Support meiner Familie und für das schwedische 

Gesundheitssystem, ohne diese beiden 

wäre ich heute nicht hier. 

blimu: Ein Blick in die Zukunft: Was wird man 

künftig noch von Anton Zetterholm sehen? 

Welche Karrierewünsche haben Sie noch? 

AZ: Ich hoffe erstmal, dass ich »Das Phantom 

der Oper« und »West Side Story« eine Weile 

spielen darf. Eigentlich hätte ich mit meiner 

Frau »Sweeney Todd« in Dortmund spielen sollen, 

dann kam aber erst Corona und dann das 

Engagement als Phantom. Sie wird es nach dem 

Sommer ohne mich in Dortmund spielen und 

es wird bestimmt eine tolle Erfahrung für sie. 

Vielleicht stehen wir irgendwann gemeinsam 

auf der Bühne, das wäre natürlich ein Traum. 

Das Interview führte Yvonne Mresch 

Das Phantom (Anton Zetterholm) lässt Christine (Lisanne Clémence Veeneman) näher an den Mann hinter der Maske herankommen 

Foto: Renate Schwarzmüller 


Einblick 

Niemand soll jemanden kopieren 

Regisseur Seth Sklar-Heyn über seine Arbeitsweise an »Das Phantom der Oper« Wien 

Regisseur Seth Sklar-Heyn (l.) mit Produzent Cameron Mackintosh (Mitte) und Intendant Christian Struppeck (r.) 

Foto: Katharina Schiffl 

blickpunkt musical: »Das Phantom der Oper« – 

was für ein großer Name, was für eine große 

Produktion. Gab es an irgendeinem Punkt einen 

Moment, an dem Sie die Größe des Projekts 

erschreckt hat? 

Seth Sklar-Heyn: Nein. Ehrlich gesagt kenne 

ich nichts so gut wie das »Phantom«. Und ich 

weiß nicht einmal, warum dieses Stück so gut 

funktioniert. Viele einzelnen Sachen kommen 

hier zusammen, die Musik, die Szenen, die Story, 

der Gesang, die Kostüme, die Charaktere, aber 

ganz ehrlich – ich habe trotz allem keine Ahnung, 

warum die Leute hiervon sooo begeistert sind. 

Dabei bin ich die Person, die den Darstellern 

tatsächlich zeigt, wie man das Phantom ist. Das 

hier in Wien wieder zu machen ist tatsächlich für 

mich noch einmal eine ganz neue, aufregende 

Arbeit, weil ich in einer anderen Sprache arbeiten 

muss. Ich muss die Wörter alle neu verstehen, und 

wie die Übersetzung mit der Inszenierung funktioniert. 

Das macht es täglich zu einem neuen 

Erlebnis für mich. Und wenn es für mich ein 

neues Erlebnis ist, kann ich diese Energie auch in 

die neue Produktion überschwappen lassen. Eine 

Handvoll Leute dieser Produktion haben schon 

einmal in einer »Phantom«-Inszenierung mitgearbeitet, 

aber fast immer in anderen Rollen. Das 

heißt, der Zauber des ganz Neuen ist hier für alle 

da. Nach vielen Jahren in einer Produktion ist das 

oft anders, da gehen Darsteller und es kommen 

neue, es entsteht eine Art Patchwork-Inszenierung. 

In Wien haben wir wirklich die seltene 

Gelegenheit, dass alle ganz von vorn beginnen. 

Das führt dazu, dass wirklich ein Gefühl von 

»Wir haben es gemeinsam kreiert« entsteht. Es 

soll keine Kopie sein von einer Produktion, die 

schon an vielen anderen Orten lief. Jeder, der hier 

mitmacht, hat das Stück wirklich mitentwickelt. 

Und das alles mit dem Segen von all denen, die 

im Ursprung für das Stück verantwortlich sind. 

Andrew (Lloyd Webber) zum Beispiel, der einfach 

möchte, dass sich das Stück weiterentwickelt 

und nicht wie ein Museumsstück verstaubt. 

Dafür müssen sich Charaktere verändern, die 

Tonalitäten müssen sich verändern, all das. Der 

große Luxus mit den VBW und der Zusammenarbeit 

mit Cameron Macintosh ist, dass in diese 

Produktion wirklich viel investiert wird, damit es 

sich ganz neu anfühlt. 

blimu: »Das Phantom der Oper« lief in Wien ja 

schon einmal mit sehr großem Zuschauerzuspruch, 

wie sehr setzt Sie das jetzt unter Druck? 

S.S-H: In Wien fühlt man, wie sehr die Leute 

noch mit der bekannten Version verbunden sind. 

Alle kommen ins Theater und möchten ihre persönlichen 

Erinnerungen an das Stück bestätigt 

sehen. Ich hoffe so sehr, dass wir es schaffen, dass 

wir über diesen Punkt hinauskommen, dass wir 

die Erwartungen erfüllen, sie mit neuen Sachen 

verblüffen und ihre alten Erinnerungen idealerweise 

neu erschaffen und es somit alles noch 

stärker machen können. 

blimu: Alle Darsteller haben mir gesagt, dass Sie 

sehr offen für Gespräche über die Charaktere 

sind. 

S.S-H: Ich liebe es einfach, über die Charaktere 

zu reden. Das Phantom ist das Phantom. Christine 

ist Christine. Raoul ist Raoul. Jeder hat seine 

Kostüme, jeder, der ins Theater kommt, hat eine 

genaue Vorstellung von der Figur, die er da auf 

der Bühne sehen wird. Also komme ich zu den 

34 


Einblick 

Proben und das erste, was ich sage, ist, dass niemand 

einen Charakter spielen soll. Bitte nicht! 

Du bekommst von uns alles in die Hand gelegt, 

um die Rolle zu spielen, aber bitte sei trotzdem 

genau die Person, die du bei der Audition in 

Jeans und T-Shirt warst. Denn als diese Person 

haben wir dich gecastet, für das, was wir in dir 

gesehen haben. Wenn Anton das Phantom spielt, 

ist er natürlich nicht wie ein anderes Phantom. 

Niemand soll jemanden kopieren. Damit die 

Geschichte glaubhaft wird, für jeden im Publikum, 

muss die Person auf der Bühne glaubhaft 

sein. Und das geht nur, wenn jeder er selbst 

ist. Darum liebe ich es, mit den Darstellern so 

viel zu reden. Niemand, der etwas sagt, was er 

nicht wirklich glaubt, wird es überzeugend sagen 

können. 

blimu: Jeder war bisher von diesem Ansatz wirklich 

begeistert. Hatten Sie schon Überraschungsmomente 

bei der Entwicklung eines Charakters? 

S.S-H: Nein, nicht wirklich. Ich habe die Darsteller 

beim Casting ja sehr genau gesehen und 

beobachtet, wir haben sie ja bewusst für die 

Rollen engagiert, weil wir etwas Bestimmtes in 

ihnen gesehen haben. Als wir Thomas (Sigwald) 

und Rob (Pelzer) als Operndirektoren zusammen 

gesehen haben, wusste ich genau, wie die 

Partnerschaft der beiden funktionieren wird. 

Natürlich nicht, wie sich das bis ins kleinste 

Detail entwickeln wird, aber die Grunddynamik 

zwischen ihnen war klar. Was mich vielleicht 

eher überrascht, ist, wie willig alle sind. (lacht) 

Es gibt einen gewissen Style, den ich mitbringe in 

die Arbeit, ein gewisses Gefühl für Drama, was 

ich umgesetzt haben möchte. Ich möchte ganz 

oft, dass sie sich mehr zurücknehmen, nicht zu 

viel schauspielern, dass sie viel passieren lassen 

im Miteinander. Und nicht nur, dass sie dafür 

offen sind, sondern auch voll mitgehen. Darum 

hoffe ich, dass, wenn ich nach der Premiere die 

Stadt verlasse, hier eine Gruppe von Menschen 

steht, die auf der Bühne etwas wirklich Reales 

entstehen lassen. So real es nun mal sein kann, 

mit all den Kostümen, dem Bühnenbild und dem 

Mann mit der Maske. Und ich hoffe sehr, dass die 

Darsteller dies dann beibehalten, weil ich genau 

weiß, wie schwierig es ist, nach all dem, was an 

Reaktionen auf sie zukommen wird, nicht zu viel 

in die Schauspielerei zurückzufallen. Sondern 

dass sie erkennen, dass sie so eine ganz andere 

Form des »Phantoms« zu den Zuschauern bringen 

können – und nicht einfach nur ein Musical 

auf die Bühne bringen. 

blimu: Sie haben während der Presseprobe 

erzählt, dass Sie ein bisschen an der Sichtweise 

des Phantoms gearbeitet haben, an der Art, wie 

er und Christine miteinander umgehen. Könnten 

Sie darauf noch einmal eingehen? 

S.S-H: Wir leben heute in einer anderen Welt. 

Vor vielen Jahren, bzw. Jahrzehnten, war es total 

ok, dass sie eine Frau war, die manipuliert, fast 

hypnotisiert wurde. Das wurde so hingenommen: 

Sie hatte keine Kontrolle über das, was ihr 

alles passiert. Wir arbeiten jetzt daran, dass sie 

ganz bewusst wahrnimmt, was geschieht und sie 

diejenige ist, die klar Entscheidungen trifft. Sie 

ist die, die durch den Spiegel steigen will. Es ist 

ihre Entscheidung, sich für den Mann hinter der 

Maske zu interessieren. Für das Phantom ist es 

wichtig, zu zeigen, dass wir es mit einem Mann 

zu tun haben, der ein unglaubliches Gehirn hat, 

welches so viele außergewöhnliche Sachen hervorbringt. 

Er schafft Musik, er kreiert Erfindungen, 

er vollbringt so viele Leistungen. Diese Dynamik 

kam auch im Originalbuch schon vor, wir haben 

die Aspekte jetzt nur noch mehr verstärkt. Er 

ist ein Genie, er hat ein Gehirn, das bei weitem 

nicht so ist wie bei jedermann. Und genau da 

liegt das Problem. Es ist nicht nur sein Äußeres, 

was ihn von allen anderen unterscheidet, nein, es 

sind auch seine Emotionen. Sein Bedürfnis nach 

Christine ist nicht rein sexuell. Nein, er möchte, 

dass seine Intelligenz und seine Intentionen tatsächlich 

gesehen und verstanden werden. Und 

natürlich kommen dann die männlichen Bedürfnisse 

ins Spiel, alles andere wäre gelogen. Aber sie 

sind nicht ursächlich für sein Verhalten, sondern 

sie sind das Resultat aus Christines Verhalten. 

Durch ihr Verhalten zeigt sie ihm, was Nähe ist. 

Sie macht seinen Schmerz im Kopf erträglich, 

lässt ihn vergehen. Als er sieht, dass sie sich auf 

ihn als Menschen eingelassen hat, dass sie auch 

Seth Sklar-Heyn 

Foto: Matthew Murphy 

nach Abnahme der Augenbinde nicht vor ihm 

wegläuft, sondern hinter der Maske sein Herz und 

Hirn gesehen hat, dass sie wirklich versucht, eine 

Verbindung zu ihm als Menschen aufzubauen – 

erst da, an dem Punkt, entdeckt er wirklich die 

Liebe zu ihr. Das war nichts, was geplant war. Es 

war nicht einmal etwas, was er bis dahin kannte. 

Aber dann ist es etwas, was er nie wieder loslassen 

will. Das ist der Moment, wo die Obsession 

beginnt. Das ist unser Unterschied zu der älteren 

Version, an der ich ja auch mitgearbeitet habe. 

Das heißt, ich weiß genau, wo die Unterschiede 

liegen. Aber umso mehr schätze ich diese jetzt. 

blimu: Zwischen dem »alten« und dem »neuen« 

Phantom lag mit »Love Never Dies« die Fortsetzung 

des Stoffs. Ist das etwas, was Sie im Kopf 

haben bei der Arbeit? 

S.S-H: Nein, im Gegenteil. Wenn überhaupt, 

dann lachen wir darüber. Nicht falsch verstehen, 

Andrew Lloyd Webber hat auch da einen 

unglaublich guten Score geschrieben, man kann 

sich davor nur verneigen. Er hat es in allen Shows 

geschafft, aber hier wirklich in Perfektion. Aber 

das Stück selbst, bzw. die Geschichte, die darin 

erzählt wird, hat nichts mit dem zu tun, was wir 

auf die Bühne bringen. 

Das Interview führte Sabine Haydn 


Einblick 

Ich wage es, mich dem Geist Mozarts zu nähern 

Interview mit Frank Nimsgern, Komponist, Arrangeur & Musikalischer Leiter 

des Musicals »Zauberflöte« 

zu nähern und ein Fantasiekino über das Erwachsenwerden 

und die Auseinandersetzung zwischen 

dem scheinbar Guten und dem scheinbar Bösen 

wie einen Sonnenkreis des Yin und Yang zu kreieren. 

Basis ist das Original, daraus entwickelt 

sich mein filmisches, kaleidoskopartig erweitertes 

Kopfkino. Jeder Szene meiner Komposition habe 

ich eine eigene musikalische Farbe, ein eigenes 

musikalisches Spektrum und eigene Harmonien 

gegeben. Und wenn ich das eine oder andere Mal 

Mozart zitiere, geschieht es mit einer tiefen Verneigung 

und der Hoffnung, auch die einen oder 

anderen großen Augen verursachen zu können, 

wie sie Ingmar Bergman so strahlend in seinem 

Film eingefangen hat. 

blimu: Wie sah ihr Bild von einem Musical 

»Zauberflöte« dann aus? 

FN: Im Mittelpunkt sollte unbedingt die 

Geschichte stehen. Auf keinen Fall wollte ich 

versuchen, Mozarts Musik zu verbessern oder zu 

modernisieren. Das würde nicht funktionieren. 

Die Musik von Mozart ist genial. Da geht man 

nicht ran. Was nicht heißt, dass manche Hit- 

Motive von Mozart nicht neu von mir verarbeitet 

worden sind. Darum ist die Musik zu 95 Prozent 

neu, aber die Story ist die gleiche, nur modern 

interpretiert. 

blimu: Wie groß war die Hemmschwelle, sich mit 

einer Mozart-Oper zu messen? 

Foto: F. Hofmann 

blickpunkt musical: Herr Nimsgern, fangen wir mit 

einer wenig originellen Frage an: Wie kam Ihnen 

die Idee zum Musical »Zauberflöte«? 

Frank Nimsgern: Das ist ganz einfach: Es war 

die Idee von Theaterdirektor Benjamin Sahler. 

Dieses Musical war sein großer Traum. Er ist 

immer auf der Suche nach Ideen und Inspirationen, 

welchen Stoff die Menschen eventuell gerne 

sehen möchten. Das Werk ist optimal, es ist ja auf 

gewisse Weise eine Revue und konzipiert als ein 

fantastisches Märchen. Unvergessen sind meine 

Erinnerungen an meinen ersten Besuch der Oper 

von Mozart: »Die Zauberflöte«. Die fantasiereiche, 

lustige, tragische, kosmische, geheimnisvolle 

Geschichte ließ mich mit weit aufgerissenen 

Augen der Handlung folgen. Die Musik gab mir 

den Eindruck, schon vor den gesprochenen oder 

gesungenen Worten Stimmungen, Charaktere 

und Situationen zu erkennen. Diese Oper empfand 

ich wie einen Film! – dessen Aussage und 

musikalische Substanz sich mir bis heute immer 

wieder neu und von Mal zu Mal vielfältiger 

erschließen. Diese Inspirationen haben – unbewusst 

– mein Leben beeinflusst: Die Dimension 

»Musik« eröffnet mir immer wieder neue Welten 

und Möglichkeiten. Die Auseinandersetzung mit 

dem Thema »Zauberflöte« habe ich seit langem 

im Kopf und wage es, mich mit dem »Sound 

meiner musikalischen Welt« dem Geist Mozarts 

FN: Ich habe mich sehr lange gewehrt, diesen 

Erkenntnis-Ertrag von Benjamin Sahler anzunehmen, 

weil es so eine enorme Bürde ist. Man 

kann und sollte ein Stück, das solch einen Namen 

hat, nicht verbessern wollen. Und schon gar nicht 

sollte man Mozart light machen. Somit habe ich 

erst einmal drei Songs entwickelt und kam dann 

schnell zur schwierigsten Prüfung: Die Königin 

der Nacht – und der Frage: Was mache ich damit? 

›Der Hölle Rache‹ ist die einzige Arie, die ich fast 

eins zu eins übernommen habe – natürlich in 

meinem Arrangement und mit neukomponierten 

Parts. Irgendwann habe ich dann für mich einen 

Weg gefunden, wie ich dieses Bild malen kann, 

welche Farben ich verwenden möchte. Ansonsten 

hätte ich diesen Werkauftrag nicht angenommen. 

blimu: Wenn man in die Musik hineinhört, klingt 

es nach sehr viel Arbeit – und obwohl es schon 

so klingt, kann sich vermutlich absolut niemand 

vorstellen, wie viel Arbeit dort wirklich dahintersteckt. 

Können Sie uns zeigen, wie so ein Song 

dann wirklich entsteht? Dass er in Ihrem Kopf 

ist, ist ja nur ein »kleiner« Teil, damit er dann 

36 


Einblick 

so klingt, wie er später auf CD klingen wird, 

kommen noch unglaublich viele Gedanken- und 

Arbeitsschritte. 

FN: Ich glaube, man hat nur ein Leben, um es 

richtig zu machen. Ich mag nichts Lauwarmes, 

entweder heiß oder kalt. Leider ist es sehr arbeitsintensiv. 

Ich habe bei uns zu Hause zwei Räumlichkeiten: 

Einen analogen Raum, wo ich ganz 

klassisch mit Flügel, Bleistift und Papier arbeite, 

und dann geht es ab einem gewissen Zeitpunkt 

in die digitale Räumlichkeit. Ich glaube, dies hört 

man auch in der Musik, dass ich sehr viel Wert lege 

auf Details, Orchestration und Arrangement. Ich 

habe in den letzten 25 Jahren mit so unterschiedlichen 

Klangkörpern arbeiten dürfen, dass ich mir 

vorab sehr genau überlege, in welche Richtung 

die Instrumentation gehen muss und soll. Beim 

›Vogelfänger‹ arbeite ich z.B. mit ethnischen Chören 

und Industrial Percussion. Bei der Konzeption 

unserer »Zauberflöte« war es mir wichtig, jedem 

Charakter, wie zum Beispiel der Königin der Nacht 

oder Sarastro, eine ganz eigene stilistische Heimat 

zu geben, um sie identifizierbar zu machen. Bei der 

Königin ist die Mischung aus Hard Rock, Gesang 

und Koloratur nur eines der Stilmittel. Bei Sarastro 

ist es der teilweise bombastische und fast schon 

Big-Band-artige James-Bond-Sound. 

blimu: Es laufen bereits die ersten Previews, Sie 

sind mit der Musik fertig. Wenn Sie auf Ihr 

Werk schauen, was ist dann Ihr musikalischer 

Lieblingsmoment? 

FN: ›Brot und Spiele‹ und ›Lebenszeichen‹ weil es 

doch harmonisch sehr anspruchsvolle Musik ist, 

die nichts kopiert, sondern Verschiedenes dieser 

Elemente zusammenbringt und zu einem neuen 

Ganzen erschafft. Somit gibt es bei uns genauso 

Koloratur-Gesänge. Und es gibt auch die Energie 

des Rocks in Kombination mit dem fantastischen 

neuen Ensemble des Festspielhauses. Daraus ergibt 

sich eine neue musikalische Energie, die ich beim 

Schreiben so nicht erwartet hätte, muss ich ganz 

ehrlich sagen. 

blimu: Ist bei ihrer Musical-Interpretation überhaupt 

noch etwas von Mozarts klassischer Musik 

übriggeblieben? 

FN: Wie gesagt, unsere »Zauberflöte« ist kein 

Mozart light. Aber ich habe als Hommage und als 

Verbeugung diverse Mozart-Motive und musikalische 

Zitate eingebaut, die die Menschen weltweit 

kennen und die viele, die in das Musical gehen, 

sicher auch erwarten werden. »Die Zauberflöte« 

ist ja eine Oper voller Hits: ›Der Vogelfänger bin 

ich ja‹, ›Der Hölle Rache‹, ›Ein Mädchen oder 

Weibchen‹. Das sind richtige Schlager geworden. 

Ich habe diese Motive in verschiedenen Instrumentengruppen 

wieder aufblitzen lassen. Das 

fängt dann manchmal klassisch an und geht 

komplett anders weiter. Es ist eine neue, eigene 

Musik – inspiriert von Mozart. Letztlich geht es 

aber um eine märchenhafte Geschichte über das 

Erwachsenwerden. 

blimu: Welches sind denn ihre persönlichen Lieblingsfiguren 

in der »Zauberflöte«? 

FN: Die Königin der Nacht ist eine Figur, die 

meiner Meinung nach bei Mozart zu kurz kommt. 

Diese Persönlichkeit haben wir etwas ausgebaut, 

um andere Facetten der Gestalt zu zeigen. Also 

nicht nur die Rache-Queen. Der Held Tamino ist 

hingegen eher etwas old school. Ganz im Gegensatz 

zum Vogelfänger, diesem Anarcho. Das wird 

man im Stück dann auch sehen – er bekommt eine 

viel größere Bedeutung. 

blimu: Haben sie Bedenken, mit diesen Neuinterpretationen 

anzuecken? 

FN: Na ja, wir sind Musical. Wir spielen nicht 

primär für ein Publikum, das bereits zwanzig oder 

mehr Inszenierungen von »Die Zauberflöte« angeschaut 

hat. Aber wir haben mal in München und 

Füssen kleine Umfragen gemacht und Menschen 

gefragt: »Sagen Sie mal, worum geht es eigentlich 

in »Die Zauberflöte«?« Nur wenigen ist es gelungen, 

die Handlung wiederzugeben. Genau deshalb 

reizt mich der Stoff: Ja, Pamina ist entführt worden 

und es gibt eine zornige Königin der Nacht. Aber 

wer ist das eigentlich, warum und wieso handeln 

»Jack the Ripper« in Hof 2022 

Foto: H. Dietz Fotodesign Hof 

die Figuren auf diese Weise? Das weiß kaum 

jemand. Und das wollen wir leisten. Wir wollen 

zurück zur Basis und nicht pseudo-intellektuelle 

Fragen beantworten, sondern die essenziellen. 

blimu: Haben Sie dabei auch ein bisschen den 

Anspruch oder die Hoffnung, dass Menschen nach 

dem Musical-Besuch eventuell den Wunsch verspüren, 

auch mal in die Original-Oper zu gehen? 

FN: Sicher, ich habe ja auch beispielsweise »Der 

Ring« geschrieben, damit sich Menschen wieder 

für dieses geniale Werk von Richard Wagner 

interessieren. Mein »Ring«-Musical war auch 

keine Simplifizierung des Werks, sondern eine Art 

Zusammenfassung für ein jüngeres Publikum. 

Ich habe bei meinen Werken ganz bewusst ein 

Publikum im Auge, das normalerweise nicht in 

die Oper »Tosca« geht. Bei der »Zauberflöte« ist 

es so: Wir transferieren die Geschichte in eine 

andere Zeit und versuchen, die Charaktere der 

Mozart-Oper neu zu interpretieren. Die Königin 

der Nacht ist dann eine Hard-Rock-Sängerin und 

Papageno habe ich eine Irish-Folk-Ausrichtung 

gegeben. Ich habe also versucht, die Charaktere 

mit heutigen Musikfarben zu versehen. 

blimu: Opernfans werden Sie wahrscheinlich 

kritisieren… 

FN: Ja, dabei ist das nichts Neues. Wenn man sich 

beispielsweise das Musical »Rent« anschaut, das ist 

»La Bohème«. Ein anderes Beispiel ist »Aida« von 

Elton John beziehungsweise eben auch von Verdi. 

Die »West Side Story« ist »Romeo und Julia«. Also 

bevor sich Opernfans jetzt aufregen, einfach mal 

den Ball flach halten. Selbst Bernstein hat Stoffe 

genommen, den es von anderen Komponisten 

schon gab. Ein weiteres Beispiel ist »Miss Saigon« 

(»Madame Butterfly«) etc. etc. 

blimu: Die Fans und Zuschauer dürfen sich auch 

auf die CD zum Musical freuen, allerdings wurde 

diese nicht ausschließlich von denen eingesungen, 

die jetzt auf der Bühne zu sehen sein werden, wie 

kam es dazu? 


Einblick 

FN: Das ist nicht ganz richtig. Zu 95 % sind alle 

Original-Castmitglieder auch auf der CD. Nur bei 

Doppelbesetzungen ist es nicht immer möglich, 

weil wir ja über eine Zeitspanne von fünf Monaten 

spielen. Aber ich bin froh, als Tamino zum 

Beispiel Riccardo Greco bekommen zu haben. 

Anna Maria Kaufmann, Christian Schöne, Chris 

Murray, Misha Kovar, Tim Wilhelm, Katja Berg, 

Stefanie Gröning etc. sind ja alle an Bord. Aber 

man kann es nie allen recht machen. Da wir aber 

bei einer CD auf 74 Minuten begrenzt sind, fehlen 

circa 25 Minuten Musik. Eventuell werden wir 

auf den Streaming-Plattformen in den nächsten 

Monaten noch weitere Songs und Instrumentals 

veröffentlichen. 

blimu: Sie haben – familiär bedingt – einen klassischen 

Hintergrund, Ihr Vater war ein bekannter 

Opernsänger. Jetzt haben Sie sich erst des »Rings«, 

dann der »Zauberflöte« angenommen. Wird das 

bei Ihnen zuhause diskutiert? Bekommen Sie dazu 

Input von Ihrem Vater? 

FN: Ich bin jahrelang mit dem Konflikt (selbsternannter) 

Hochkultur gegen »Unterhaltung« aufgewachsen. 

Für mich gibt es keine Klassifizierungen 

und Schubladen. Für mich gibt es einfach nur gute 

und schlechte Musik. Ich bin großer Verehrer von 

Beethoven, Wagner, Mozart etc., aber genauso 

verehre ich Pat Metheny, Peter Gabriel, The Who, 

Sting, Zimmer oder Toto. Unser »Ring«-Musical 

damals (2012) an der Oper Bonn war fast schon 

ein Skandal, da mein Vater ja dort auch, wie in 

Bayreuth unter Solti, den Wotan gesungen hatte. 

Heute wird ja auch unser Werk nachgespielt und 

es zeigt sich, dass es dafür ein Publikum gibt, das 

sich mit dem Stoff und der magischen Leitmotivik 

auseinandersetzen will, aber nicht für 6 Stunden 

am Abend. Natürlich gab es Auseinandersetzungen 

mit meinem Vater, aber es entscheidet dann 

doch die musikalische Qualität und ich glaube, 

heute ist er heimlich ein kleiner Verehrer geworden. 

Aber glauben Sie mir, es ist generell schwer, 

wirklich seriöse Akzeptanz und feuilletonistische 

Wertschätzung für das Genre Musical als solches 

zu bekommen, besonders in Deutschland. 

blimu: Sie machen immer Ausflüge in alle Genres, 

gefühlt würde ich Sie aber am meisten im Musical 

verankert sehen. Sehen Sie das auch so? Was sind 

die Vor- / Nachteile, oder vielleicht vor allem auch 

die Reize für Sie in den anderen Genres? 

FN: Ich habe neulich gelesen über mich: »der 

Quentin Tarantino des Musicals«, da musste ich 

lachen – aber ich verstand, was man meinte, weil 

ich viele Genres gelernt und praktiziert habe und 

sie gerne auch integriere. Sie sehen es auch bei 

der »Zauberflöte« – da trifft sich dann das Cembalo 

mit Prog Rock und dann geht es wieder in 

ein Big-Band-Arrangement und wird dann mit 

einem Glockenspiel à la Mozart beendet. Ich sehe 

auch einen Kompositionsauftrag wie eine große 

Schauspielrolle. Ich bereite mich darauf vor und 

versuche, mich komplett auf den Stoff einzulassen. 

Bei »Jack the Ripper« habe ich mich ausgiebig mit 

Straßenmusik der damaligen Zeit auseinandergesetzt. 

Bei der »Zauberflöte« gibt es ganz andere Prämissen, 

die ich versucht habe so umzusetzen, dass 

man nicht austauschbar ist. Am Ende ist es aber 

so: Ich möchte mich und unser Publikum nicht 

langweilen, sondern immer mit etwas überraschen. 

blimu: Die Zauberflöte wird in Füssen und München 

uraufgeführt. Welche Erwartungen haben Sie 

und gegebenenfalls welche Befürchtungen? 

FN: Wie gesagt, es ist komplett neue Musik mit 

Zitaten von Mozart – und Mozart ist ein Heiligtum. 

Gerade »Die Zauberflöte« ist nicht nur bei 

Freimaurern ein unantastbarer Heiliger Gral. Ich 

bin mir darum sicher, dass wir von einer Seite 

verrissen werden, nach dem Motto: Das darf man 

nicht und das geht so nicht. Und dass wir das 

Werk simplifizieren und die große Botschaft zerstören. 

Ich sage dazu nur eins: Mozart musste mit 

»Don Giovanni« Geld verdienen. »Don Giovanni« 

war in Prag als Dramma Giocoso angesetzt und 

nicht als ernste Oper. »Les Contes d’Hoffmann«, 

»Hoffmanns Erzählungen« von Jacques Offenbach, 

ist eine Musikrevue mit den bekanntesten 

Hits von Offenbach. »Carmen« von Georges 

Bizet war ein großer Flop bei der Uraufführung 

und ist heute eine der meistgespielten Opern der 

Welt. Diese ganzen Werke hatten es nicht leicht. 

Ich will mich damit aber gar nicht vergleichen. 

Ich sage einfach, wir versuchen hier ein neues 

Musiktheater für eine neue Generation zu machen. 

Wir sind nicht perfekt und wir können für nichts 

garantieren. Aber bevor jemand einen Graben zwischen 

E-Musik und U-Musik aushebt, bitte daran 

denken: Auch Mozart musste unterhalten – und er 

würde heute wahrscheinlich auch anders komponieren 

als zu seiner Zeit. 

blimu: E- und U-Musik wird in Deutschland noch 

immer unterschieden – für jemanden, der so crossover 

unterwegs ist wie Sie, müssen die Unterschiede 

auch in der Wahrnehmung ja eklatant sichtbar 

sein. Warum glauben Sie, dass sich spezifisch die 

Deutschen so schwer damit tun, dass beides seine 

Gleichberechtigung hat und dass es keine Frage des 

Niveaus oder des vermeintlichen Bildungsbürgertums 

ist, sondern in beiden Genres gleichermaßen 

harte, wertvolle Arbeit geleistet wird? 

FN: Ich glaube, es bröckelt, weil es einfach 

immer weniger Menschen gibt, die sich eine 

Regietheater-Operninszenierung von einem 

Stoff ansehen, manchmal mehrere Stunden im 

Neonlicht mit Aktentaschen und Alditüten, um 

dann frustriert oder gelangweilt aus dem Theater 

zu gehen. Gerade die jüngere Generation, 

die gar kein Bildungsbürgertum-Wissen mehr 

mitbekommen hat – die Schulen und das Bildungssystem 

sind ja nicht mehr so wie vor 30 

Jahren. Teilweise hat man den Eindruck, dass 

die großartige Musik, gerade z.B. bei Wagner 

oder Mozart, wirklich nur als Tonspur mitläuft 

»Der Ring« in Hof 2016 

Foto: H. Dietz Fotodesign Hof 

38 


Einblick 

und die Regie gar nicht mehr mit der Metaphorik 

der Komposition korrespondiert, was ich 

sehr schade finde. Ich glaube, wir sind an den 

Punkt gekommen, wo wir wieder narratives 

Theater machen müssen, denn sonst verlieren 

wir die komplette neue Theatergeneration. 

Das größte Problem ist aber, dass wir Musicalschaffenden 

in Deutschland unter so einem 

kommerziellen Druck stehen, immer Publikum 

zu generieren, dass wir auch wenig Risikobereitschaft 

haben dürfen, wenn es um große Produktionen 

geht, wie ich sie zum Beispiel mache und 

gemacht habe, beispielsweise jetzt im Deutschen 

Theater in München oder im Festspielhaus in 

Füssen oder damals im Friedrichstadt-Palast 

Berlin mit über 1.400 Plätzen. Wenn sie da nur 

50% der Plätze verkaufen, gelten Sie sofort als 

Flop. Andere Theater wären froh, würden sie 

500 Leute im Publikum haben. Das Verhältnis 

stimmt nicht. Das engt natürlich die künstlerische 

Entwicklung und Freiheit komplett ein. 

Aber machen wir uns nichts vor. Auch Mozart 

bekam Aufträge, um überleben zu können, 

dass sie heute als genial gelten und große Wertschätzung 

erlangt haben, war zu seiner Zeit 

nicht immer so. Meines Erachtens sollte das 

Genre Musical ‒ was auch immer das bedeutet, 

denn für mich ist es nur neues zeitgenössisches 

Musiktheater ‒ ebenfalls einen besseren subventionierten 

Schutzschirm bekommen, um neues, 

modernes Musiktheater zu schaffen. 

blimu: Was würden Sie sich für die Theaterlandschaft 

der Zukunft wünschen? 

FN: Ach, es gibt ja auch wirklich positive 

Entwicklungen, wie man sieht. Ich bin ja 

auch unglaublich dankbar für Häuser wie das 

Festspielhaus Neuschwanstein, das Theater 

Hof, die Luisenburg-Festspiele, das Staatstheater 

Saarbrücken, das Deutsche Theater München, 

das Theater Pforzheim, die Oper Bonn, 

Merzig etc. etc., die wirklich den Gedanken 

unterstützen, neues Musiktheater zu schaffen. 

Ich glaube, das Zauberwort liegt in der Kooperation 

untereinander und dass einfach mehr deutsche 

bzw. neue Werke nachgespielt werden sollten. 

Was bringen die ganzen Uraufführungen, wenn 

die Stücke nicht weiterentwickelt und gespielt werden. 

Oder glauben Sie wirklich, dass »Hoffmanns 

Erzählungen« oder »Carmen« bei ihrer Uraufführung 

so ein Erfolg waren? Die Stücke wurden über 

Jahre weiterentwickelt, um heute dort zu sein, wo 

sie sind. 

blimu: Damit zu meiner letzten Frage: Wenn Sie 

Wolfgang Amadeus Mozart vor der Premiere eine 

kurze Sprachnachricht senden könnten, was würden 

Sie ihm mitteilen wollen? 

FN: »Danke für diese unfassbare Inspiration« – um 

sein Werk und seine Kunst zu ehren und irgendwie 

weiterzuführen in unserer heutigen Zeit. Aber 

nochmals, ich vergleiche mich nicht mit Mozart. 

Das, was wir machen, ist eine Verbeugung. Beethoven, 

Bach, Wagner, Mozart waren Genies. Die 

haben aus dem Nichts etwas geschaffen. Das 

machen wir nicht. Tut mir leid. Ich bin aber sehr 

dankbar, dass ich dieses Musiktheater machen 

darf, dass ich von meiner Kunst und meinen 

Kompositionen leben kann. Das nehme ich nicht 

für selbstverständlich. Dafür danke ich allen, die 

mich darin unterstützen und vor allem dem Publikum, 

das sich die Stücke dann anschaut. 

blimu: Dann habe ich doch noch eine Frage: Nach 

»Der Ring«, »Jack the Rippe«r und der »Zauberflöte«, 

was kann denn da noch kommen? 

FN: Oh, da habe ich gerade den nächsten Vertrag 

für eine sehr große bayerische Bühne unterschrieben 

– für 2025. Aber dazu darf ich momentan 

noch nicht mehr verraten. Es wird aber auf jeden 

Fall wieder ein großer Stoff. Aber jetzt liegt mein 

Fokus erst einmal auf der »Zauberflöte«. Wir sind 

ja nicht besonders hoch staatlich subventioniert. 

Wenn das Werk überleben soll, sind wir also darauf 

angewiesen, dass das Publikum das sehen 

will. 



Backstage 

Yngve Gasoy Romdal - Larry Murphy 

blickpunkt musical: Sie sind ein steter Teil des Musical Frühlings in Gmunden, 

von daher sind Sie es schon »gewohnt«, Stücke mit starkem, wichtigem 

Inhalt zu spielen, die jenseits der reinen Unterhaltungskultur liegen. Was 

macht für Sie jetzt »Dear Evan Hansen« noch einmal zu etwas ganz Anderem / 

Besonderem? 

Yngve Gasoy Romdal: Das Stück ist so roh und pur. Wie ein Bagger ohne 

Bremse geht man durch das Stück und lernt die Charaktere ohne Sentimentalität 

und Schnick-Schnack kennen. Ich bewundere die Autoren und Musical 

Frühling in Gmunden mit Markus und Elisabeth, dass sie sich trauen, so ein 

Thema zu zeigen. Alleinsein, Angst, Mobbing, Selbstmord, Trauer, psychische 

Störungen, Soziale Medien usw. Die Sprache ist sehr modern, schnell und 

zugänglich, auch für ein jüngeres Publikum. Und es ist sehr schön, so viele 

junge, sehr begabte Darsteller:innen kennenzulernen und zu sehen, dass das 

Genre Musical eine schöne Zukunft hat. 

Foto: Rudi Gigler 

Annemieke van Dam – Cynthia Murphy 

blimu: Sie spielen Connors Mutter, wie würden Sie sie charakterisieren? 

Annemieke van Dam: Cynthia Murphy ist eine »Stay at home mum«, die so gut 

wie möglich ihre Kinder erzogen hat, während ihr Mann gearbeitet hat. In dieser 

Familie gibt es keine Geldprobleme, sondern eher psychische Herausforderungen. 

Cynthia kämpft schon länger mit Depressionen und Ängsten. Sie sucht immer 

neue Herausforderungen und Hobbys, um inspiriert zu bleiben, aber die scheinen 

eigentlich nur eine Ablenkung zu sein von einer endlosen Leere, die sie spürt. Als 

klar wird, dass ihr Sohn Connor auch unter Depressionen leidet, versucht sie alles 

zu tun, was in ihrer Macht liegt, um ihm zu helfen. Ihm die Hilfe zu geben, die sie 

vielleicht nie bekommen hat. Es muss schrecklich sein, zusehen zu müssen, wie 

dein Kind dir entgleitet, egal wie viel Mühe du dir gibst, um ihm zu helfen. Die 

Liebe zu deinem Kind ist endlos und Loslassen ist manchmal schwierig. Du kannst 

die Kinder begleiten, aber entscheiden über ihren Weg müssen sie schlussendlich 

selbst. 

blimu: Sie spielen Connors Vater, einen vielbeschäftigten Mann. Durch die 

ständige Nähe zum Handy ist emotionale Nähe für ihn schwierig. Das ist ein 

sehr klassisches Bild von einem Vater, da spielen die Karriere und das Geld 

eine größere Rolle als das interne Familienleben. Als Künstlerfamilie führen 

Sie sicherlich ohnehin schon ein Leben fernab der Norm, aber wie sind Sie 

als Vater? Sie haben bereits eine erwachsene Tochter und nun eine kleine, 

wie nah wollten und wollen Sie immer an den beiden und ihren Leben dran 

sein? 

YGR: Ich wurde sehr früh Vater und war voller Stolz und Glück. Leider wurde 

es schwierig, als ich für »Sunset Boulevard« nach Deutschland umgezogen 

bin. Meine kleine Tochter kam mich aber sehr oft besuchen in den ersten 

Jahren hier auf dem Kontinent. Dann kam die Schule und sie wurde langsam 

erwachsen und wir sahen uns weniger. Jetzt habe ich einen neuen Versuch 

und die Möglichkeit bekommen, ein Vater zu sein. Es ist ein Geschenk, dass 

Leah und ich unsere Lilya Aurora bekommen haben. Wie ich jetzt als Vater 

bin, wird sich ja im Laufe der Zeit zeigen, aber ich versuche, ein guter Vater 

zu sein, und ich genieße es sehr, in meinem Alter eine Tochter zu haben, und 

es hält frisch. (grinst) 

blimu: Macht die Thematik des Stücks über den langen Probenzeitraum 

auch etwas mit Ihnen? Gehen Sie jetzt anders an Menschen heran, konnten 

Sie neue Denkansätze finden? 

YGR: Ich versuche immer, offen für Menschen zu sein, ein kleines Lächeln 

zu schenken, eine Hand auszustrecken, wenn ich sehe, dass jemand Hilfe 

braucht. Wenn man versucht, ein bisschen Empathie zu zeigen statt nur 

skeptisch zu sein und Misstrauen Fremden gegenüber zu zeigen, bekommt 

man fast immer nur schöne menschliche Begegnungen, die beide Seiten 

bereichern. 

blimu: Wie ist es Ihnen in der Probenzeit ergangen? Sie werden in der Rolle mit 

der Trauer um Ihren Sohn konfrontiert, das ist kein einfaches Thema. 

AvD: Obwohl wir viel geweint haben in der Probenzeit, konnten wir Gott sei Dank 

zwischendurch auch immer wieder lachen. Diese Show hat ein sehr hartes Thema, 

das leider eine Realität für viele Familien ist. 

Wir haben aber ein unglaublich liebes Team und irgendwie gab es von Anfang an 

viel Vertrauen, wodurch ich mich beschützt genug gefühlt habe, um mich zu öffnen. 

Ich habe sehr viel von meinen Kollegen lernen können und habe diesen Prozess 

sehr genossen. 

blimu: Sie sind selbst Mutter, allerdings sind Sie von der Teenie-Phase doch noch 

eine ganze Zeit entfernt. Gibt Ihnen das Stück neue Denkansätze, wie Sie das 

Heranwachsen Ihrer Kinder begleiten wollen? 

AvD: Als Elternteil realisiert man schon sehr früh, dass man sein Kind relativ früh 

loslassen muss. Diese Kinder waren erst eine Zelle in meinem Körper und mein 

Körper hat sie gefüttert und wachsen lassen, bis zwei unglaublich tolle Babys 

daraus wurden. Da sind sie noch »Deins« und sie brauchen dich. Du fütterst sie, du 

kuschelst mit ihnen und küsst sie und lehrst die Kinder, selbstständiger zu werden, 

mit den allerbesten Intentionen. Du möchtest den Kindern die Geborgenheit geben, 

die du selbst vielleicht empfunden hast, aber auch die Fehler von deinen Eltern 

»ausbessern«, nur kommt jedes Kind mit seinem eigenen Charakter auf die Welt, 

und wir Erwachsenen müssen auch jonglieren zwischen Erziehung, Beziehung, 

Arbeit, sozialem Umfeld, Familie, Bildung, Sport, Haushalt etc. 

Da wirst du nie alles in der Hand haben können. Du wirst Fehler machen und das 

Einzige, was ich möchte, ist, dass meine Kinder wissen, dass sie bedingungslos 

geliebt werden. Egal, was passiert, sie können immer zu uns kommen. 

Leider gibt es Faktoren, die wir als Eltern nicht beeinflussen können. Wenn die 

Kinder entscheiden, ihr Innenleben nicht mit uns zu teilen, bewusst oder unbewusst. 

Es muss schrecklich sein zu sehen, wie dieses kleine Kind sich in einen 

unglücklichen Teenager verwandelt, in den du nie komplett hineinschauen kannst. 

Eltern fühlen sich so oft schuldig. Wir wollen das Allerbeste, aber wir werden unsere 

Kinder nicht immer beschützen können vor der Welt. Also, wie man hört, ich 

war damit konfrontiert, mich mit der Vorstellung auseinandersetzen zu müssen, 

dass eines meiner Kinder mir vielleicht entflieht und ich irgendwann Abschied 

nehmen muss. Ich kann nur hoffen, dass das nicht passiert. 


40 


Backstage 

Vanessa Heinz – Alana Beck 

blimu: Alana ist im Grunde die beste Freundin von Evan, es kommt dann 

aber zu einem Bruch. Was genau verletzt Alana da so sehr? 

Vanessa Heinz: Alana gehört in der Schule eher zu den Außenseitern. 

So wie Evan fühlt sie sich einsam und von den Leuten nicht gesehen. Sie 

versucht mit ihrer übermotivierten Art immer wieder vergeblich, Freundschaften 

zu schließen. Erst als Connor gestorben ist, freunden Alana und 

Evan sich an. Sie fühlt sich das erste Mal in ihrem Leben verstanden und 

denkt, dass sie endlich jemanden gefunden hat, der ihr in dunklen Zeiten 

den Rücken stärkt. Denn das würde Alana auch für ihn tun. Aber als sie 

merkt, dass es eventuell doch nicht auf Gegenseitigkeit beruht, denkt sie 

wieder, dass der einzige Mensch, auf den sie sich verlassen kann, sie selbst 

ist. 

blimu: Wo finden Sie sich selbst in der Rolle wieder, bzw. wo weichen Sie 

völlig von dem Charakter ab? 


VH: Ich und Alana reden beide unglaublich gerne und viel. Besonders über 

Dinge, für die wir uns leidenschaftlich interessieren. Allerdings verliert 

sich Alana manchmal zu sehr in ihren Ambitionen und merkt dabei nicht, 

dass sie die Grenzen ihrer Mitmenschen überschreitet. Ich glaube, in dieser 

Hinsicht bin ich etwas aufmerksamer und reflektierter. 

DEUTSCH 

SPRACHIGE 

ERSTAUF- 

FÜHRUNG 

blimu: Was macht für Sie den Reiz des Stücks aus, was glauben Sie, warum 

es so gut funktioniert? 

VH: Es zeigt auf eine sehr pure Art und Weise, zu was Frust und Einsamkeit 

einen Menschen führen können. Jeder geht mit Trauer anders um. Man 

trifft vielleicht falsche Entscheidungen und hat Angst, sich diese einzugestehen, 

und kann sich dann bis zum Schluss der Wahrheit nicht stellen. So 

wie im echten Leben zeigt das, dass wir menschlich sind. 

Savio Byrczak – Jared Kleinman 

blimu: Jared ist das, was für Evan einem Freund eigentlich am nächsten kommt. Wie 

charakterisieren Sie ihn und seine Beziehung zu Evan? 

Savio Byrczak: Ich glaube, Evan ist für Jared mehr Freund, als er es selber zugeben möchte, 

bzw. er überspielt es, um ein bisschen cooler zu wirken. Beide kennen sich ziemlich 

lange. Die Familien sind ja auch schon ewig befreundet, wie es scheint. Jared weiß zum 

Beispiel auch, wie er Evan beruhigen kann, wenn es kritisch wird. 

blimu: Sie erwähnen in einem Interview, dass Sie selbst auch mit Problemen konfrontiert 

waren, u. a. aufgrund Ihrer Hautfarbe. Was hat das mit Ihnen gemacht, hatten Sie, anders 

als Evan, wirklich, wirklich gute Freunde an Ihrer Seite, die Ihnen da auch entsprechend 

Halt gegeben haben, oder mussten Sie Ihren Weg mit der Tatsache, dass manchmal einfache 

Äußerlichkeiten den Weg erschweren, ganz alleine finden? 

SB: Als PoC-Person in einer Kleinstadt aufzuwachsen, in der prädominant alle weiß sind, 

kann mitunter »schwierig« sein. Ich muss allerdings wirklich sagen, ich konnte mich 

stets auf meine Freund:innen verlassen, dass sie für mich da waren und mir den Rücken 

gestärkt haben. Trotz allem gab und gibt es noch immer Situationen, in denen meinen 

weißen Freund:innen bewusst wird, dass Rassismus immer noch alltäglich ist. 

blimu: Wenn Sie Wünsche frei hätten, wie das Publikum am Ende des Abends aus dem 

Theater hinausgehen soll, dann würden Sie sich wünschen, dass sie welche neuen Gedanken 

mit nach Hause nehmen in Bezug auf den Umgang 

- mit sich selbst? 

- mit ihrem besten Freund / ihrer besten Freundin? 

SB: Ich würde mir wünschen, dass das Publikum mit diesen Gedanken hinausgeht: 

- Habe ich mich jemals vielleicht doch nicht richtig gegenüber einer Person mit 

Depressionen/Angststörungen verhalten? 

- Bin ich mir meiner gesellschaftlichen und systemischen Privilegien bewusst? 

- Habe ich meiner/m besten Freund/in oft genug gesagt, dass ich sie/ihn lieb habe? 

Foto: Konstantin Zander 


41

Backstage 

Jelle Wijgergangs – Connor Murphy 

blimu: Connor ist zwar ausschlaggebend für alles, was das Stück dann aufbaut, 

aber im Grunde hat er zwar intensive, aber doch kurze Zeiten auf der 

Bühne. Wie sind Sie an die Entwicklung dieser Rolle herangegangen? 


Jelle Wijgergangs: Ich persönlich denke, dass die ersten Eindrücke von 

Connor besonders wichtig sind, um ein Bild davon zu bekommen, wie er sich 

mit seinen Mitmenschen fühlt und in bestimmten Situationen reagiert. Nach 

Connors Tod erscheint er nur noch als Teil von Evans Gedanken. Das heißt, 

dass ich nicht nur Connors Gedankenwelt kennen muss, sondern auch die 

von Evan. 

blimu: Wo gab es in der Probenzeit die größten Herausforderungen für Sie? 

Ist Connor ein Charakter, der Ihnen eher ähnelt, oder einer, dem Sie mit sehr 

viel persönlichem Abstand begegnen? 

JW: Am Anfang habe ich hauptsächlich den Text gelernt und mich auf die 

einzelnen Situationen konzentriert, aber je mehr ich darüber nachgedacht 

habe, desto komplizierter wurde es, da ich zwei verschiedene Versionen von 

Connor spielen muss. In beiden Versionen gibt es Charakterzüge, in denen 

ich mich wiedererkenne. Die kann ich ganz gut in mein Spiel einbauen, aber 

es gibt natürlich auch Eigenschaften, die viel weiter von mir entfernt sind. 

Für die musste ich etwas mehr Arbeit hineinstecken, um einen Zugang zu 

ihnen zu finden. Aber es hat sich gelohnt. Jetzt habe ich »meinen« Connor 

gefunden. 

blimu: Sie erwähnen in einem Interview, dass Sie es toll finden, dass in 

dem Stück so viel aus dem Text herauskommt. Sie erwähnen aber ebenso, 

dass gerade die Sprache für Sie noch schwierig ist. Wie haben sich Ihre 

Deutschkenntnisse verändert in der Probenzeit, wie war Ihr Zugang, diesen 

so intensiven Text dann für sich so zu verinnerlichen, dass das, was Sie auf 

der Bühne sagen, wirklich aus Ihnen herauskommt? 

JW: In der Zwischenzeit habe ich viel Zeit damit verbracht, meine Aussprache 

zu verbessern. Ich habe mit Duolingo gearbeitet, und was mir besonders 

geholfen hat, war, Filme und Serien auf Deutsch zu schauen. Der Text bietet 

viele Möglichkeiten, ihn möglichst realistisch zu halten, da er sehr pur ist 

und so bereits viel Emotion liefert. Das hilft sehr bei der Verinnerlichung der 

Dialoge. 


Dear Evan Hansen 

22. März - 21. April 2024 Musical Frühling in Gmunden (AT) 

11. - 20. Oktober 2024 Stadttheater Fürth (DE) 

Interviews: Sabine Haydn 

42 


Backstage 

Michaela Thurner – Zoe Murphy 


blimu: Sie sind noch sehr jung, sind diese Thematiken, die hier im Stück 

vorkommen, auch Themen, die in Ihrem Leben bei Ihnen / Ihren Freunden 

vorkommen? 

Michaela Thurner: Ich denke, dass gerade das Thema mentale Gesundheit 

kein Alter kennt und schon von Kind an eine Art psychosozialer 

Hygiene angelernt bzw. präventiv durchgeführt werden sollte. Mich 

persönlich begleiten depressive Episoden seit meiner Jugend und auch bei 

meinen ehemaligen Schulkolleg:innen waren psychische Probleme und 

Krankheiten kein Einzelfall. Wir lernen, das Thema zu tabuisieren, was 

letztendlich zu noch mehr Problemen führt. Dabei ist es doch so, dass ich 

mit körperlichen Beschwerden auch zur Ärztin gehe, wieso dann nicht mit 

psychischen? Mein jetziges Umfeld besteht aus Menschen, mit denen ich 

mich offen und viel über mentale Herausforderungen und Befindlichkeiten 

austausche. Insbesondere als junge Person sollte man mit diesen Themen 

nicht allein bleiben müssen. Es gibt zum Glück mittlerweile Anlaufstellen 

für Jugendliche, denen es nicht gut geht, wobei die eigentliche Hürde darin 

besteht, das Problem als solches zu erkennen, zu verstehen und tatsächlich 

Hilfe in Anspruch zu nehmen. Ich kann als Betroffene im Nachhinein nur 

sagen, dass es sich lohnt, darüber zu sprechen, und es immer eine Lösung 

gibt, auch wenn es im Moment hoffnungslos erscheint. 


Anna Thorén – Heidi Hansen 

blimu: Sie haben die Rolle von Evans Mutter frisch übernommen, wie ist das für 

Sie? 

Anna Thorén: Evans Mama zu sein ist absolut nicht einfach, und als Schauspielerin 

muss ich mir erlauben, mich emotional in alle Richtungen zu bewegen. Ein 

Teenager im Haus ist schwierig. 

Das ist der normale Fall. Addiere dazu, dass Evan psychische Schwierigkeiten 

hat und dass sie alleinerziehend ist . . . 

Während der Proben haben wir sehr viel geweint, aber auch gelacht, und ich 

glaube, es ist so wichtig, das alles zu erlauben. Die Kollegen haben sehr viel 

Gefühl dafür und sind sehr empathisch. Sie merken, wenn ich Zeit für mich 

brauche, um mich für eine Schweige-Szene vorzubereiten. Aber auch, wenn ich 

eine Hand auf der Schulter brauche oder wenn ich es brauche, albern zu sein, 

um zu lachen. 

Markus (Olzinger, der Regisseur, Anm.d.Red.) ist darin auch sehr gut. Er kreiert 

einen sehr sicheren Ort bei den Proben, wo wir uns wirklich trauen können, alle 

Gefühle zu erlauben. 

blimu: Vor der Umbesetzung spielten Sie die Schwester von Connor – dies ist 

keine einfache Rolle, denn auf der einen Seite hatte sie die Beziehung zu Connor, 

auf der anderen die zu Evan. Wie war es für Sie, in der Probenzeit den Zugang zu 

dieser Rolle zu finden? 


AT: Ich habe bisher zum Glück noch kein so enges Familienmitglied verloren, 

so wie Zoe ihren Bruder verloren hat, aber das Thema Verlust im Allgemeinen 

ist mir bekannt. Zoe hatte nicht die beste Beziehung zu ihrem Bruder, aber 

trotzdem bleibt er ja ihr Bruder. Die Situation ist nicht schwarz und weiß, 

sondern wie im echten Leben kompliziert, was die Rolle meiner Meinung nach 

nachvollziehbar und interessant macht. Auch durch den Austausch mit meinen 

Kolleg:innen wurde Zoe mir immer noch verständlicher und greifbarer. Die 

Beziehung zu Evan – das Gefühl, sich jemandem öffnen zu können, sich fallen 

lassen zu können, ist mir sehr vertraut. Besonders schön daran ist, sich an 

das erste Verliebtsein zurückzuerinnern 43 und altbekannte Situationen wieder 

aufleben zu lassen.

Backstage 


Denis Riffel – Evan Hansen 


blimu: Evan Hansen ist eine DER Rollen, die ein Mann spielen kann, zudem ist es hier die deutschsprachige 

Erstaufführung und bekommt sehr viel Aufmerksamkeit – wie geht es Ihnen so kurz vor der Premiere? 

Denis Riffel: Das fühlt sich noch alles ganz ruhig an, unaufgeregt. Wir sind direkt nach meiner Premiere 

in Nürnberg mit »Jesus Christ Superstar« wieder in die Endproben gesprungen, und das war erst einmal 

sehr verwirrend, da habe ich mich schon gefragt, ob ich das in so kurzer Zeit hinbekomme. Aber wir 

haben dann am 2. Tag einen Arbeitsdurchlauf gemacht und ich habe festgestellt – es ist alles da. Jetzt in 

Stress zu verfallen würde auch nicht helfen. Ich kann die Außenwelt nicht immer ignorieren, aber einen 

wirklichen Einfluss auf das, was wir da in unserem kleinen Probenraum machen – und zwar spielen wie 

Kinder mit dem Bewusstsein von Erwachsenen – hat diese Aufmerksamkeit nicht. Das ist unser Ding – 

beurteilen können die Menschen dann später. 

blimu: Wie sind Sie an das Stück und an die Entwicklung der Rolle herangegangen? 

DR: Ich habe mir bewusst nichts vom Broadway und auch nicht den Film angesehen, ebenso nicht das 

Buch zum Stück gelesen. Mich hat nur interessiert: Was steht im Text? Wo sind die Widerstände von Evan, 

warum hat er Angst und wovor, wie geht er, wie denkt er, wie fühlt er sich, also ganz alltägliche Schauspielarbeit. 

Wir haben schnell festgestellt, dass es besonders bei diesem Stück unabdingbar ist, aus einer 

Entspannung heraus zu proben – damit unser Unterbewusstsein auch reagieren kann auf das, was da 

passiert. Und da habe ich so großartige Spielpartner:innen, das hilft mir wirklich sehr, mich aufzuraffen, 

um meinen Körper darauf vorzubereiten, wieder in diese Tiefe zu gehen – auch wenn ich einen Tag habe, 

an dem mein Körper sehr müde ist. Sie motivieren mich auch. Wir haben natürlich viel geredet, »Markus, 

wir müssen reden, das stimmt noch nicht«, dieser Satz ist sehr oft gefallen. Und dann haben wir geredet 

und danach probiert. Der Bogen ergibt sich dann. 

blimu: War die sehr starke Partitur für Sie gesanglich eine Herausforderung? 

DR: Ja – sehr. Und das ist gut so, daran konnte ich nur wachsen und es hat mir viel Vertrauen in und 

Verständnis für meine Stimme gegeben. Theo Rüster, mittlerweile mehr Mentor als nur Gesanglehrer, hat 

mich sehr unterstützt. Er ist ein großartiger Lehrer, der diesem Begriff auch gerecht wird. Und ein noch 

besserer Mensch. 

blimu: Die Musik des Stücks ist unglaublich stark, der Text sehr mitnehmend – was macht es mit einem 

Schauspieler, sich über den langen Zeitraum der Proben immer wieder und wieder mit diesen Thematiken 

auseinandersetzen zu müssen? 

DR: Es ist wie das Stimmen eines Instruments. Jeden Tag gibt es Neues zu entdecken, und wenn sich 

mein Körper mal sträubt vor diesen starken Emotionen, vor Evans Abgründen, die enorm sind – und das 

ist öfter passiert –, dann gehe ich mittlerweile sanfter mit mir um. Ich entspanne mich, auch mit aktiven 

Übungen, und lasse zu, was heute da ist. Und dann kommt immer trotzdem etwas und ich denke: »Ah! 

Schau mal, da gibt es ja heute doch etwas zu entdecken!« Ich merke schon, dass ich viel mehr Vertrauen 

zu meinem Unterbewusstsein bekommen habe. Am Anfang hat mich das noch wahnsinnig müde gemacht, 

so müde, dass ich einfach nur 12 Stunden schlafen wollte nach der Probe. Mittlerweile ist es immer noch 

sehr anstrengend – aber es ist erträglich geworden. Und auch versöhnend, weil wir endlich das Ende des 

Stücks dazugenommen haben. Diese Bandbreite an tiefen Gefühlen erleben zu können und das auch in 

den Augen meiner Spielpartner:innen zu sehen – es gibt nichts Schöneres. Dafür lebe ich. Das ist Leben. 

Theater ist Leben. 

blimu: In einem Interview erwähnen Sie, dass es darum geht, auch Schwäche zuzulassen, den Mut zu 

bekommen, einfach einmal zuzuhören, ohne direkt darüber nachzudenken, wie man antwortet, was man 

gleich sagt. Hat dieses Stück, die intensive Auseinandersetzung damit, etwas mit Ihnen ganz persönlich 

gemacht, etwas in Ihnen verändert? 

DR: Es hat mich wieder ein Stück mehr ermutigt, meine Scham fallen zu lassen. Meine Scham davor, Gefühle 

zu zeigen, einem Männerbild nicht gerecht zu werden. Mehr zu sein als zu behaupten, auch privat. 

blimu: Sie äußern ebenso den Wunsch nach mehr Ehrlichkeit, die man zulässt, wenn man das Stück 

einmal gesehen, an sich herangelassen hat. Denken Sie, dass Sie dies auch langfristig selbst umsetzen 

können? Es kann ja durchaus schmerzhaft sein, für einen selbst, aber auch für die Umwelt. 

DR: Ich glaube, dass Theater-Schauen sehr inspirierend, heilend sein kann. Theater-Machen möchte ich 

so nicht sehen, es ist ein Handwerk, ein wunderschönes, vielseitiges – aber ich möchte es niemals als Therapie 

missbrauchen. Natürlich hat es einen großen Einfluss auf mich, wenn ich mich jeden Tag mit so viel 

Schmerz und sozialen Beziehungen beschäftige. Ich glaube nicht, dass mein Gehirn versteht, dass diese 

Emotionen und Gedanken, denen ich jeden Tag nachgehe, Teil eines Theaterstücks sind. Also ja, es wird 

mich begleiten, es wird mein Denken langfristig ändern. Und trotzdem ist es wichtig, sich danach immer 

wieder zu regulieren mit einem Leben außerhalb des Theaters. 

44 


Backstage 

Elisabeth Sikora – Intendantin / Kostümbild 

blimu: Sie spielen die Mutter von Evan. Jedes Elternteil von bereits älteren Kindern weiß, mit wie vielen 

Herausforderungen das verbunden ist. Wie ergeht es Ihnen, wenn Sie sich ständig auf der Bühne, 

in den Proben, mit den nicht einfachen Themen konfrontiert fühlen? 

Elisabeth Sikora: Es war eine tolle Erfahrung, Heidi Hansen kennenzulernen, eine Version von ihr 

zu kreieren. Der Respekt vor alleinerziehenden Müttern, die mitunter mit sozialen Ängsten bei ihren 

Kindern konfrontiert sind, ist dadurch nochmal stark gewachsen und ich habe die Musik und meine 

Mitspielenden, besonders natürlich meinen Bühnensohn, sehr ins Herz geschlossen. Aber jetzt ist etwas 

Neues, sehr Schönes in unser Leben getreten, auf das ich mich nun konzentrieren möchte, und so 

haben wir uns für eine Umbesetzung der Rolle entschieden: Anna Thorén wird nun die Erstbesetzung 

von Heidi Hansen übernehmen und sie macht das großartig! Ich werde der Produktion als Kostümbildnerin 

und Co-Intendantin erhalten bleiben. 

blimu: Sie sind nicht nur Schauspielerin, sondern auch Intendantin, Initiatorin für die Stückauswahl. 

Wieso fiel die Wahl genau auf diesen Stoff? 

ES: Wir versuchen immer, Stücke mit sinnhaften und aktuellen Themen zu finden, die uns und unser 

Publikum zum Nachdenken bringen, anspruchsvollen Unterhaltungswert haben, gepaart mit hochwertiger 

Musik. »Dear Evan Hansen«, wo Angstzustände und Depression bei Jugendlichen zum Thema 

gemacht werden, mit Musik der Oscarpreisträger Pasek & Paul und als deutschsprachige Erstaufführung 

– das passte einfach sehr gut in unser Profil. Noch dazu gibt es einen enormen Hype um das Stück 

in der Szene, und man wartete schon länger, dass das Stück endlich in den deutschsprachigen Raum 

kommt. Das waren also nur positive Punkte auf der Liste, die uns die Entscheidung dafür sehr leicht 

gemacht haben. 

blimu: Es ist nicht die erste deutschsprachige Erstaufführung, die Sie als Intendanten nach Gmunden 

holen, aber es ist sicherlich die mit der größten Aufmerksamkeit, da das Stück schon so viel an Ehrungen 

und großflächigem Interesse mit sich bringt. Spüren Sie Unterschiede zu den Produktionen in den 

vergangenen Jahren, rein was das Interesse von außen betrifft? 

ES: Bei unserer ersten DSE von »Jane Eyre« spürten wir auch, dass die Aufmerksamkeit in der Szene 

uns gegenüber wächst, und mit der ersten CD-Aufnahme gab es hier großen Fan-Zustrom, aber bei 

»Dear Evan Hansen« ist das schon nochmal um einiges mehr, ja. Zuerst die Rückmeldungen und auch 

Gratulationen auf unsere Ankündigung, dass die DSE von »Dear Even Hansen« beim Musical Frühling 

in Gmunden stattfinden wird, dann die Vielzahl an Bewerbungen, teilweise Liebesbekundungen 

dem Stück gegenüber, die unser Postfach überlaufen ließen, dann merken wir es natürlich anhand 

der Social-Media-Insights, dass sich die Reichweite um ein Vielfaches gesteigert hat. Die Zahl der 

Follower:innen mehrt sich, aber auch mehr Theaterintendant:innen melden Interesse an und kommen 

zum ersten Mal nach Gmunden. 

blimu: Wenn Ihre Proben als Darstellerin beendet sind, beginnt der Alltag als Intendantin. Wie schaffen 

Sie es, beides so gut unter einen Hut zu bekommen – und obendrein auch noch die emotionalen 

Punkte, die das Stück mit sich bringt, zu verarbeiten? 

ES: Während der Vor-Proben im Oktober/November ging ich fast täglich ins Fitnesscenter nach 

den Proben, um die Emotionen »rauszuradeln« und »-zurudern«. (grinst) Danach habe ich mich mit 

meinem Mann zusammengesetzt und die organisatorischen Dinge besprochen und abgearbeitet. An 

manchen Tagen klappt das gut, manchmal müssen wir uns aber auch zwingen, die Müdigkeit und 

auch den kreativen Prozess hintenanzustellen und Zahlen und Fakten zu wälzen, oder was gerade so 

ansteht. Diese Phasen sind wir aber mittlerweile gewohnt und wir kommen da auch ganz gut durch, 

bestimmt auch mit dem Wissen und der Erfahrung, dass nach den Entbehrungen auch bald wieder 

mehr Privat-Zeit ansteht. 

Markus Olzinger – Intendant / Regisseur / Bühnenbild 

blimu: Auch Sie haben, einmal mehr, nicht nur eine Funktion, sondern sind Intendant und Regisseur (und vieles mehr) gleichzeitig. Wie lange ist »Dear Evan Hansen« 

schon in Ihrem Kopf? Bis es zu der tatsächlichen Entscheidung von allen Seiten kam, brauchte es ja bereits viel Vorlauf. 

Markus Olzinger: Das Stück ist mir länger schon bekannt und der Hype darum war nicht zu übersehen, aber ich gehörte nicht zu jenen, die dachten, dieses Stück unbedingt 

machen zu müssen. Erst als es wirklich ein Thema für uns wurde und wir begannen, uns intensiv mit der inhaltlichen und musikalischen Struktur zu beschäftigen, 

hat es mich wirklich gekriegt. 

blimu: Wie fühlte es sich an, als sich die Amerikaner dann tatsächlich für Sie als Ort für die deutschsprachige Erstaufführung entschieden haben? Dies ist ja durchaus 

auch eine Belohnung für die vielen, vielen Jahre, in denen Sie jetzt schon so hochwertiges Theater mit so spannenden Themen machen. 

MO: Ja ehrlich, es fühlt sich gut an, vor allem weil es vermutlich kaum Theater gibt, die diese DSE nicht gerne gehabt hätten. Wir haben zur richtigen Zeit erfahren, dass 

die Rechte für eine Neuproduktion langsam frei werden würden, und haben dann hart darum gekämpft. Über ein Jahr ging es zwischen New York und uns hin und her, 

wir mussten dann all unsere bisherigen Kritiken und Trailer schicken, uns als Team absegnen lassen und letztendlich auch Kostüm- und Bühnenbild- Entwürfe einsenden. 

Es hat geklappt! Wir freuen uns auf die Produktion, das wird schön. 

blimu: Was genau begeistert Sie so sehr an diesem Stück? 

MO: Es fordert eine ernsthafte Auseinandersetzung und erlaubt bei allen Showeffekten auch eine tiefgreifende Schauspielarbeit. Die Figur des Evan glaubhaft zu 

verkörpern ist eine Aufgabe für Darsteller und Regisseur. Man merkt, dass das Stück in den USA kreiert wurde; eine europäische oder österreichische Erzählweise wäre 

vermutlich eine andere, vielleicht weniger showbetont. Dies zu verbinden sehe ich als meine Aufgabe. 

blimu: Niemand muss besser alle Rollen kennen als ein Regisseur. Was macht dies mit Ihnen, Sie sind so intensiv in all den verschiedenen Positionen, die aber, jede für 

sich, ihr Päckchen zu tragen haben. Hat man da immer Abstand oder spüren Sie auch, dass es emotional an manchen Tagen einfach viel (vielleicht zu viel?) ist? 

MO: Ich lasse in den Proben alles nah an mich heran, verbinde mich mit den Figuren, nur so kann ich versuchen, diesen gerecht zu werden, ich muss sie spüren, sie verstehen. 

Aber ganz ehrlich, bei aller Tragik, das Stück hat so viel Positives in sich, dazu eine so fantastische Cast, da bin ich täglich voller Glück aus den Proben gegangen. 

Wo ich etwas gekämpft habe, war »Briefe von Ruth« letztes Jahr, diese wahre Geschichte lässt mich bis heute nicht wirklich los und ich habe jeden Abend am Ende der 

Vorstellung geweint. Ob das bei »Dear Evan Hansen« so sein wird, da werde ich mich noch überraschen lassen, aber das Publikum wird es sicher tun. 

blimu: Ihr Publikum geht in den Abend hinein – und kommt rund 2,5 Stunden später aus einem so intensiven Stück wieder heraus. Was sind Ihre persönlichen Wünsche, 

was die Menschen aus diesem Abend mitnehmen sollen? 

blickpunkt MO: Sie sollen musical die verhandelten 02/2024 Themen weiter besprechen und vielleicht ihren Blick auf Menschen, die manchmal eigenwillig, seltsam 45 oder zurückgezogen wirken, 

ändern.

Einblick 

Ich mag es nicht, wenn man ein Stück 

brutal umdreht 

Alfons Haider über »My Fair Lady« bei den Seefestspielen in Mörbisch 

Foto: Andreas Hochgerner 

blickpunkt musical: Herr Haider, Sie sind seit vielen 

Jahren als Schauspieler, Sänger, Moderator, Entertainer 

und eben auch als Intendant aktiv. Woher nehmen 

Sie die Kraft und Energie für all diese Aufgaben? 

Alfons Haider: Im Augenblick ist es, ganz ehrlich, 

der Verlust meiner Mutter. Sie ist verstorben und das 

hat mich in eine Wüste geschickt und mich so aus der 

Bahn geworfen, dass ich drei Monate fast bewegungsunfähig 

war und vieles liegengelassen habe. Es war 

furchtbar. Nun muss alles aufgearbeitet werden und 

ich habe mich deshalb Hals über Kopf in die Arbeit 

gestürzt. Jetzt bin ich gerade auf dem Höhepunkt 

dieser Arbeit, wir sind im internationalen Geschäft 

mit dabei. Ich war immer ein Arbeitstier und konnte 

besser mit Niederlagen als mit großen Erfolgen 

umgehen. Ich ziehe mich bei Zweiterem eher zurück, 

bin kein großer Feierer, sondern dankbar, dass es gut 

gegangen ist. 

blimu: Das bedeutet, die Arbeit ist für Sie eine Art 

Flucht? 

AH: Das ist sie und ich weiß, es geht nicht ewig 

so dahin. Ich habe mir in meinem Leben schon 

oft gedacht, was noch kommen soll. Ich war 

in großen Fernsehserien, habe den Opernball 

moderiert, Hamlet gespielt. Als ich gemerkt 

habe, dass der ORF mich langsam abbaut, ist 

Mörbisch gekommen. Ich mag solche Sprüche 

eigentlich nicht, aber dieser stimmt: Wenn eine 

Tür zufällt, gehen zwei andere auf. Und auch 

wenn man mir vorwirft, ich sei eingebildet 

oder arrogant, ist es mir egal. Das gehört zu 

dem Geschäft dazu. Ich merke aber, dass mein 

Publikum mich nach wie vor schätzt und zu 

mir hält. Das habe ich auch gemerkt, als ich 

den Opernball verloren habe. Ich habe nicht 

gedacht, dass ich noch einmal so viele Sympathiebezeugungen 

bekomme ‒ dann muss man 

wohl ein paar Dinge im Leben richtig gemacht 

haben. Denn wäre ich den Leuten egal, würden 

sie nicht so reagieren. Aber ich bin nicht auf die 

Welt gekommen, um allen zu gefallen. In meinen 

Entscheidungen wurde ich bisher bestätigt: 

Ich hatte immer einen Riecher dafür, was das 

Publikum eigentlich möchte, vertrete aber nur 

Sachen, hinter denen ich selbst stehe. Für mich 

ist wichtig, dass Menschen mit einem Gefühl 

nach Hause gehen. 

blimu: Gehen wir ein Stück zurück: Wie hat die 

Liebe zur Bühne bei Ihnen begonnen? 

AH: Im Kindergartenalter wurde ich von einem 

Fotografen »entdeckt«. Er hat gefragt, »ob der 

Kleine nicht spielen mag«. Ich habe nur »spielen« 

verstanden und war schon auf einer Bühne 

– damals als Prinz in Dornröschen. Das war 

bestimmend für mein Leben. Etwas anderes 

als die Bühne gab es für mich nie, sie ist mein 

Leben. Ich habe den Austausch mit dem Publikum 

sofort geliebt und das ist mir geblieben. 

blimu: Was würden Sie heute rückblickend jungen 

Menschen raten, die einen Beruf im Theater / 

im Showbusiness anstreben? 

46 


Einblick 

AH: Unbedingt machen, aber darauf achten, 

dass man so viel wie möglich lernen kann. Heute 

musst du tanzen, singen, spielen können, diszipliniert 

sein, quasi alles können. Die Anforderungen 

an Künstler sind stark gestiegen. 

blimu: Sie selbst haben mit 17 Jahren bereits 

in Mörbisch in »Der Zigeunerbaron« auf der 

Bühne gestanden. Was bedeuten Ihnen diese 

Bühne und dieser Ort? 

AH: Am Tag des Begräbnisses meines Vaters bin 

ich dort in einer Statistenrolle aufgetreten. Ein 

Kollege ist bei der Generalprobe gestürzt. Der 

Intendant kam zu mir, um mich abzulenken – er 

wusste, dass ich etwas angeschlagen war – und 

fragte mich, ob ich die Rolle des Kollegen übernehmen 

möchte, er hatte einen Satz zu sprechen. 

Ich stand dort in viel zu großen Stiefeln und rief 

meinen Satz: »Sie kommen, sie kommen«, die 

Leute haben applaudiert. Danach gab es Lob 

und der Intendant versprach mir für das Folgejahr 

eine kleine Rolle. Ich habe damals gesagt: 

»Seien Sie mir nicht böse, das ist vermessen, aber 

wenn ich wiederkomme, möchte ich in der ersten 

Reihe stehen« – als Darsteller natürlich. Ich war 

danach mindestens 40 Jahre lang immer wieder 

in Mörbisch und habe mir alles angesehen, war 

immer verliebt in diesen Platz. Vor acht Jahren 

habe ich mich das erste Mal für die Intendanz 

beworben. Schon damals war es mein Plan, auf 

Musical umzusteigen. Nicht, weil ich Operette 

nicht mag, sondern weil ich gemerkt habe, dass 

vieles schon abgespielt war, und ich dachte, wir 

brauchen auch jüngeres Publikum. Der Platz 

schreit nach Musical und er kann etwas, das 

andere Orte nicht können. Bei »The King and I« 

haben wir Siam nachgestellt, bei »Mamma 

Mia!« eine griechische Insel mit Wasser. Die 

Zuschauer:innen sitzen oft eine Stunde vorher 

dort und sehen sich die Details an. Aber natürlich 

gibt es auch einen kaufmännischen Grund: 

Die Zahlen bei der Operette sind zurückgegangen. 

Nun sehen wir, dass wir entgegen 

allen Prophezeiungen keine Zuschauer verloren 

haben. Wir wissen, dass im Vorjahr etwa 

60 Prozent der altgewohnten Besucher wieder 

da waren. Gleichzeitig hatten wir aber etwa 

10.000 unter 20-Jährige im Publikum und das 

ist so wichtig. 

blimu: Es ist dennoch ein großer Sprung von 

»Mamma Mia!« zu »My Fair Lady«. Man könnte 

meinen, diese Entscheidung ist eine Art »Wiedergutmachung« 

für die Operettenfans? 

AH: Absolut nicht. »My Fair Lady« ist zwar die 

Antwort der Amerikaner auf die Operette, aber 

eben schon Musical. 

blimu: Man könnte dennoch behaupten, dass ein 

Stück wie »My Fair Lady« eher das Operettenpublikum 

anzieht als beispielsweise »Mamma 

Mia!«, oder nicht? 

AH: Nein, das glaube ich nicht. Wir haben 

dafür gesorgt, dass wir mit dem Hinweis im 

Titel »2020« die jungen Zuschauer ansprechen, 

und wir merken auch, dass sie reagieren. Es ist 

nun einmal nicht London 1850. Autor Johannes 

Glück, der die Modernisierung vornimmt, 

achtet gemeinsam mit unserem Arrangeur, dem 

Dirigenten und musikalischem Leiter zahlreicher 

Produktionen, Christian Frank, mit dem 

größten Respekt darauf, dass wir diesen leichten 

heutigen Touch bekommen, ohne die Figuren 

und die Geschichte zu ändern. Was ich nicht 

mag, ist, wenn man ein Stück brutal umdreht. 

Ich werde wahnsinnig, wenn zum Beispiel die 

weibliche Hauptdarstellerin plötzlich ein Mann 

ist. 

blimu: Was genau wird denn neu sein, worauf 

sollte sich das Publikum einstellen? 

AH: Noch heute leben unzählige Menschen auf 

dieser Welt, die keinen Job bekommen, weil sie 

nicht schreiben oder lesen können oder die Sprache 

einfach nicht beherrschen. Egal aus welchen 

Gründen – weil sie in einem fremden Land sind 

oder ausbildungsmäßig in ihrer Heimat nicht 

dazu angehalten wurden. Für diese Menschen 

ist das eine Katastrophe und es ist egal, ob das 

vor 200 Jahren war oder heute ist – es ist ein irrsinniges 

Problem. Die Geschichte von »My Fair 

Lady« bleibt im Grunde so, wie sie ist, aber wir 

nehmen Anpassungen vor. So kann etwa Eliza 

heute keine Veilchen mehr verkaufen, weil es sie 

nicht mehr massenhaft gibt. Also verkauft sie 

Rosen. Ebenso ist der Vater kein Mistkutscher 

mehr, sondern ein Taxifahrer. Herbert Steinböck 

(Darsteller, Anm.d.Red.) war begeistert davon. 

Die Figuren sind moderner, aber die Aristokratie 

ist noch genauso wie vor 100 Jahren, vom Outfit 

und der Bewegung. Eliza ist bei uns nicht verdreckt 

und schwarz. So wird sie oft gezeigt und 

ich habe das immer als furchtbar empfunden. 

Ein Mensch, der keine Arbeit hat, muss nicht 

automatisch ungepflegt sein. Fällt einem nichts 

anderes mehr ein als ein schwarzer Fleck auf der 

Nase, ist es traurig. Eliza wird gepflegt sein, nur 

etwas lustiger angezogen und mit einer anderen 

Haarfarbe als Perücke. Freddy wird ein moderner 

Bonvivant des heutigen Lebens sein, ein 

Student, aber am Charakter wird nichts verändert. 

Es gibt alles, was es damals eben auch gab: 

Polizisten, Menschen mit anderer Haar- und 

Hautfarbe, Vertreter aus Indien, China, Afrika, 

Adlige... Die Umbauten sind durch die Größe 

der Bühne natürlich anders als im Theater, 

hier gibt es musikalische Verlängerungen von 

Szenen. Die Ballszene, die in manchen Inszenierungen 

nur erzählt wird, wird bei uns übrigens 

gezeigt. »My Fair Lady« war mir außerdem oft 

zu dunkel und düster gestaltet, auch was das 

Bühnenbild betrifft. In Higgins’ Arbeitszimmer 

gab es 2.000 staubige Bücher, das erdrückt den 

Zuschauer. Er wird als düsterer Wissenschaftler 

dargestellt, aber das ist er nicht. Er ist unfassbar 

schnell und er lebt gern. Das kommt natürlich 

auch auf den Schauspieler an – manche interpretieren 

ihn als eleganten Lebemann, andere als 

schrulligen Typen. 

blimu: Wie sieht es sprachlich aus, welchen Dialekt 

wird Eliza Doolittle haben? In der Badener 

Inszenierung etwa entschied man sich für das 

Steirische... 

AH: Die Geschichte spielt bei uns in London, 

sie nach Wien zu setzen finde ich nicht sinnvoll, 

denn die Handlungsstränge mit der royalen 

Familie und Ascot müssen weiterhin so stimmen. 

Die Sprache muss aber natürlich unsere 

Muttersprache sein. Es ist also das tiefe Wienerisch 

bei Eliza und das gehobene österreichische 

Hochdeutsch bei Higgins. 

blimu: Gibt es auch Änderungen in Bezug auf 

die ganzen Diversitätsdebatten? 

AH: Es wird sehr divers sein. Oberst Pickering 

wird von einem PoC verkörpert. Ich finde es toll, 

dass ein Dunkelhäutiger einem Weißen erklärt, 

wie man Frauen zu behandeln hat. Auch der 

Regisseur Simon Eichenberger war begeistert 

von dieser Idee. Der »wahre Gentleman« ist bei 

uns also mit einem PoC besetzt. Zudem wollte 

ich nicht, dass die Mutter von Henry Higgins 

derart verhaucht als Lady gezeigt wird. Unsere 

Mutter ist direkter, sagt ihrem Sohn: »Henry, 

wie kannst du nur?« Das ist aber keine Veränderung 

der Figur. 

blimu: Die Dynamik zwischen Eliza und Henry 

bleibt gleich? 

AH: Die Dialoge müssen natürlich etwas verändert 

werden, weil uralte Worte darin vorkommen. 

Es gibt Begriffe, die der junge Zuschauer 

nicht mehr kennt. Aber am Inhalt wird nichts 

geändert. Es wird ein offenes Ende geben, wie 

bei so vielen Inszenierungen. Eliza wird zeigen, 

dass sie sich als Frau durchsetzt. Als ich Anna 

Rosa Döller im Vorjahr gesehen habe, wusste 

ich: Das ist meine Eliza! In der Geschichte hatten 

wir immer tolle (Kammer-)Schauspieler, die 

meist 55 oder 60 Jahre alt waren und Higgins 

verkörperten. Die Eliza-Darstellerinnen waren 

meist um die 40. So stimmt die Geschichte 

nicht, denn eine 40-jährige Frau verhält sich 

anders, ist nicht so leicht verletzt, hätte sich 

nicht alles gefallen lassen. Ich habe immer 

gelitten, wenn ich das gesehen habe. Anna Rosa 

Döller hat eine Verletzlichkeit, wird Higgins 

aber auch ordentlich Zunder geben. Sie provoziert 

ihn wirklich, führt ihn vor, das arbeiten 

wir heraus. Wenn ein Stück mit Respekt vor 

der Geschichte, der Handlung und der Aussage 

modernisiert wird, ist das völlig in Ordnung. 

Ich glaube, die Zuschauer haben nach einer halben 

Stunde völlig vergessen, dass sie im London 

der 2020er sitzen. 


Einblick 

blimu: Auch das Bühnenbild spiegelt das London 

im Jahr 2020 wider, nehme ich an? 

AH: Wir zeigen ein pulsierendes London, stellen 

einen 22 Meter hohen Big Ben auf, hinter dem 

sich der Mond zeigen wird. Außerdem werden 

wir erstmals eine Art Vorhang auf der Bühne 

haben, eine zwölf Meter hohe U-Bahn, vor der 

die erste Szene spielt. Der Vorhang wird das 

Bühnenbild verstecken, den Big Ben sieht man 

am Anfang erst ab der 30. Reihe. 

blimu: Welche Veränderungen sind auf musikalischer 

Ebene geplant? Wird es Kürzungen 

geben, um sich dem veränderten Sehverhalten 

der Zuschauer anzupassen? 

AH: Viele Stellen im Stück sind doppelt und 

dreifach wiederholt. Da gibt es Möglichkeiten, 

dem Verlag Kürzungsvorschläge zu machen und 

dieser trifft die Entscheidung. Das wünschen 

wir uns für dieses Stück. 

blimu: Angenommen, man inszeniert das Stück 

genauso wie früher, würde es überhaupt noch 

funktionieren? 

AH: Nein, weil heute jedes junge Mädchen 

sagen würde: »Sind die wahnsinnig, die lässt sich 

das gefallen? Die schmeißt ihm nicht sofort die 

Pantoffeln an den Schädel?« Die Autoren haben 

das so aufgezeigt – was nicht heißt, dass wir 

nicht mit einem Augenzwinkern zeigen können, 

dass sie zu verstehen gibt: »Professor Higgins, 

so nicht!« Das kann man herausarbeiten, ohne 

die Geschichte zu verändern. Am Ende planen 

wir noch eine Überraschung. Sagen wir so: 

Die Frauen werden beglückt hinausgehen. Wir 

sehen, dass sie im Endeffekt die Siegerin der 

Geschichte ist. Ich habe immer gelitten, wenn 

Eliza sich am Ende hinkniet und Higgins quasi 

in die Pantoffeln hilft. Das kann man auch 

umspielen und anders machen. 

blimu: Sprechen wir noch kurz über Ihren Higgins, 

Mark Seibert. Warum fiel die Entscheidung auf 

ihn? 

AH: Ich bin ein treuer Mensch. Ich war 15 Jahre 

Intendant der Sommerfestspiele Stockerau, zu 

dieser Zeit habe ich Mark Seibert kennengelernt. 

Er war der jugendliche Hauptdarsteller 

von »Time Out!«. In »A Chorus Line« habe 

ich die damals noch nicht so bekannten Ines 

Hengl-Pirker und Bettina Mönch eingesetzt. 

Jetzt, viele Jahre später, bin ich Chef in Mörbisch 

und hole sie alle wieder. Von Mark Seibert 

war ich zu 1.000 Prozent überzeugt, als ich 

ihn in »Rebecca« am Wiener Raimund Theater 

gesehen habe. Er hat sich stark entwickelt, der 

Traum aller Frauen wurde plötzlich zum Mörder. 

Higgins muss jemand sein, der nicht nur 

bissig ist, sondern er muss auch glaubwürdig 

zeigen, warum er das tut. Es ist eine wahnsinnig 

schwierige Schauspielarbeit, deshalb hieß es bei 

»My Fair Lady« immer: »Hauptsache, die Männer 

können schauspielern.« Aber wie schön ist 

es, dass Mark auch noch eine Traumstimme hat. 

Als ich ihm den Higgins vorgeschlagen habe, 

hat er geantwortet: »Egal wo, wie, wann, ich 

bin dabei!« Wir haben uns umarmt, geweint vor 

Freude und waren glücklich. Er wollte immer 

in Mörbisch auftreten und immer diese Rolle 

verkörpern. 

blimu: »My Fair Lady« wurde bereits vielfach in 

unterschiedlichen Inszenierungen aufgeführt. 

Haben Sie auch den berühmten Film gesehen? 

AH: Natürlich, das war ein Jahrtausendereignis. 

Und man hat sich etwas getraut, denn im Film 

hat Eliza den Professor schon sehr abgestraft. 

Und Audrey Hepburn kann natürlich alles spielen. 

Anna Rosa Döller wurde schon gefragt, ob 

Hepburn ihr Vorbild sei, und sie hat geantwortet: 

»Wenn das mein Vorbild wäre, bräuchte ich 

gar nicht hinzugehen.« Audrey Hepburn gibt es 

nur einmal – aber Anna auch. 

blimu: Wie sieht es eigentlich mit Ihnen aus, 

wird man Sie auch wieder auf der Bühne sehen? 

Trotz Ihrer fordernden Arbeit als Intendant in 

Mörbisch? 

AH: Was mir ganz wichtig ist, da es oft vergessen 

wird: Ich habe seit drei Jahren auch noch die 

Intendanz auf Schloss Tabor im Südburgenland. 

Zuvor wurde dort Oper gespielt, ich habe es 

zum Operettenhaus gemacht. Hier betreue ich 

100 Mitarbeiter, in Mörbisch sind es knapp 

250. Das zu führen ist so schwer und kostet 

so viel Energie, dass ich eine große Rolle im 

Moment gar nicht spielen könnte. Man ist als 

Intendant Vater und Mutter des Teams, man 

ist die erste Anlaufstelle. Ich nehme diesen Job 

ernst und hätte die Kraft gerade nicht. Bei »The 

King and I« war meine Mama so verletzt, dass 

ich nicht mitgespielt habe. Schließlich hatte ich 

den König schon 700 Mal gespielt. Aber als ich 

gesehen habe, wie mein Baby zur Welt kommt, 

war ich gerührt und dann war die Freude da. 

So wollte ich es immer haben. Vom Alter her 

könnte ich jetzt sehr gut die Zaza in »La Cage 

aux Folles« spielen. Damals war ich einfach zu 

jung, das wirkte lächerlich. Auch den Higgins 

habe ich nie gespielt, bin drei Mal knapp an der 

Rolle des Freddy »vorbeigeschrammt«. Ich bin 

überzeugt, dass die Intendanz nicht der letzte 

Job meines Lebens ist. Es gab bereits ein paar 

Schauspielanfragen, aber es muss einfach passen. 

Alfons Haider vor der Seebühne Mörbisch 

Foto: Jerzy Bin 

Das Interview führte Yvonne Mresch 

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Düsterer Fast-Krimi 

»Die Königinnen« feiern Uraufführung im Musiktheater Linz 

Es ist ein eingespieltes Team, welches da die neueste 

Uraufführung auf die Bühne des Musiktheaters 

Linz gebracht hat. Henry Mason (Libretto) und Thomas 

Zaufke (Musik) haben, neben einigen anderen 

gemeinsamen Werken, bereits mit »Der Hase mit den 

Bernsteinaugen« in Linz für große Aufmerksamkeit 

gesorgt und mit eben diesem Stück 2019 beim Deutschen 

Musical Theater Preis in mehreren Kategorien 

gewonnen. 

Die Geschichte, die sie hier auf die Bühne bringen, 

ist zum einen tatsächlich im wahrsten Sinne des 

Wortes Geschichte, zum anderen aber vor allem auch 

verwoben, kompliziert und vielschichtig. Der Kampf 

zwischen Maria Stuart und Elisabeth I. ist nicht nur 

ein Kampf zwischen zwei Frauen, die beide aus dynastischen 

Gründen Anspruch auf den Thron erhoben, es 

ist auch ein Kampf zwischen Protestanten und Katholiken, 

es ist ein Kampf der Geschlechter, der die beiden 

Königinnen noch zusätzlich unter Druck setzt, und 

es ist ein steter Kampf mit sich selbst auf dem Weg, 

diejenige zu sein, die am meisten Stärke zeigt. 

Das Stück beginnt mit dem Moment, in dem Elisabeth 

I. das Todesurteil von Maria Stuart unterschreibt. 

Innerhalb von Sekunden wird dann ein sehr kluger 

Schachzug des Autorenteams etabliert: Obwohl sich 

die beiden Damen im wahren Leben nie begegnet sind, 

führen sie auf der Bühne Dialoge miteinander. Das 

lässt eine Tiefe zu, die allein mit der Darstellung der 

Geschichte nicht hätte erreicht werden können, denn 

hier kommen fast tagebuchartige Gedanken zum Tragen, 

die zum Teil in spitzfindigen Auseinandersetzungen 

gipfeln. Nachdem das Todesurteil unterschrieben 

ist, findet ein Zeitsprung von gut 40 Jahren zurück 

statt – Maria, deren Vater James V., König von 

Schottland, plötzlich stirbt, wird noch als Baby zur 

Thronerbin. Ihre Mutter übernimmt die Regentschaft 

stellvertretend an ihrer Stelle und stellt erfolgreich die 

Verbindung mit dem französischen Königshaus her. 

Als Teenager heiraten Maria und der französische Dauphin 

François, was Maria dann, recht plötzlich sogar 

durch den Tod des französischen Königs Heinrichs 

II., nicht nur zur Königin von Schottland, sondern 

auch zu der von Frankreich macht. Der Weg ist allerdings 

nicht einfach – Elisabeth I. ist inzwischen an die 

Macht in England gekommen, in Schottland beginnt 

die protestantische Revolution und Ziel von Elisabeths 

Parlament ist es, dass Maria auf ihren Anspruch auf die 

englische Krone verzichtet. Dann stirbt in Frankreich 

ihr Mann und somit verliert sie dort die Krone. Da sie 

das Gefühl, Königin zu sein, nicht aufgeben möchte, 

reist sie im Anschluss nach Schottland und ist dort trotz 

allen Widerstands nicht bereit, auf die Krone zu verzichten, 

geschweige denn, ihren Anspruch auf die englische 

Krone aufzugeben. 

Maria heiratet nach einigem Hin und Her Lord 

Darnley. Die Ehe erweist sich durch seine Machtbesessenheit 

wie durch seine Untreue allerdings als sehr 

schwierig. Immerhin bekommt Maria aber durch ihn 

ihren Sohn James, welcher in Elisabeth, die Kinder 

und Ehe verweigert, fast mütterliche Gefühle aufkommen 

lässt. Sie wird Patentante von James und Maria 

lässt sich auf den Deal ein, dass, wenn Elisabeth James 

als Thronfolger benennt, sie selbst auf die englische 

Krone verzichten wird. Darnley indes kommt bei 

Abb. oben: 

Maria Stuart (Alexandra-Yoana 

Alexandrova) und Elisabeth I. 

(Daniela Dett) trafen sich im wahren 

Leben nie, waren aber dennoch 

immer eng verbunden 

Abb. unten: 

Die noch junge Elisabeth I. (Daniela 

Dett) besingt ihren Patensohn James 

Fotos (2): Barbara Pálffy 


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Die Königinnen 

Thomas Zaufke / Henry Mason 

Landestheater Linz 

Musiktheater am Volksgarten – 

Großer Saal 


Regie & Choreographie ........................ 

............................ Simon Eichenberger 

Musikalische Leitung .... Tom Bitterlich 

Leitung Extrachor ................................. 

.................... David Alexander Barnard 

Orchestrierung ........... Markus Syperek 

Bühnenbild ................. Stephan Prattes 

Kostüme ........................ Conny Lüders 

Lichtdesign ............ Michael Grundner 

Maria Stuart ......................................... 

............ Alexandra-Yoana Alexandrova 

Elisabeth I. ...................... Daniela Dett 

William Cecil .......... Christian Fröhlich 

Henri II. / Earl of Moray .... Gernot Romic 

Erzbischof / James V. / 

Papst Pius V. ............... Max Niemeyer 

Marie de Guise / 

Kat Astley...................... Sanne Mieloo 

Caterina de Medici .... Ariane Swoboda 

François II., Dauphin / 

David Rizzio............. Lukas Sandmann 

Lord Darnley ................. Lucius Wolter 

Heinrich VIII. / 

Earl of Bothwell ........... Karsten Kenzel 

Kleine Maria / 

Kleiner James ................ Rosa Gruber / 

Leonie Cydlik 

Junger James ........... Raphael Naveau / 

Max Nimführ 


Kevin Arand, Ulrike Figgener, 

Maximilian Klakow, Valerie Luksch, 

Joel Parnis, Gabriela Ryffel, 

Stefan Gregor Schmitz, Lynsey Thurgar, 

Enrico Treuse, Matteo Vigna, 

Livia Wrede, Sarah Zippusch 

Extrachor des Landestheaters Linz 

einem Attentat ums Leben. Da Maria rechtzeitig entkommen 

konnte, verbreiten sich Vermutungen, dass sie 

ihre Hände im Spiel hatte und ihren Mann bewusst 

ermorden ließ. Dass ihr Halbbruder James, Earl von 

Moray, dieses Attentat veranlasst hat, erfährt nur der 

Zuschauer, Maria selbst wird zur Sonderkommission, 

die Elisabeth einberufen hat, gar nicht vorgeladen 

und kann entsprechend auch nicht Stellung beziehen. 

Moray verkauft sich so gut, dass die Sonderkommission 

dazu neigt, seiner Version zu folgen. Elisabeth 

ist hiervon nicht überzeugt, Maria aber weigert sich 

in ihrer Sturheit, doch noch vor der Kommission zu 

erscheinen. Dieses führt dazu, dass ihr Sohn weiterhin 

von Moray aufgezogen wird, während Maria sechzehn 

Jahre Haft absitzen muss. Selbst als ihr Sohn dann 

rechtmäßig zum König von Schottland erklärt wird, 

erfährt sie keine Begnadigung. Die politische Brisanz 

rund um Elisabeth wird immer größer, so dass sie nach 

einigem Ringen mit sich selbst auf ihre Gefolgschaft 

hört und das Todesurteil von Maria unterschreibt. 

Maria nutzt die Hinrichtung für einen letzten großen 

Auftritt. 

Dies ist nur ein Bruchteil dessen, was tatsächlich auf 

der Bühne gezeigt wird. Das Stück ist voll mit Action 

und funktioniert über weite Teile tatsächlich wie ein 

Krimi, durch den man als Zuschauer geführt wird. 

Filmisch sind die Übergänge, es gibt immer etwas zu 

sehen und im Zusammenhang mit den Kampf- und 

auch Tanzszenen hat Simon Eichenberger hier ein sehr 

rundes Gesamtbild geschaffen. Gerade in den großen 

Zeitsprüngen liegen ja immer wieder Herausforderungen, 

aber er hat den Charakteren auch eine körperliche 

Entwicklung mitgegeben. Unterstützt wird das durch 

die großartigen Kostüme von Conny Lüders, die sich 

durchaus an der Zeit der Geschehnisse orientiert, aber 

dank der Verbindung mit Lack, Leder und Sexappeal 

für absolute Raffinesse sorgt. Einzig und allein die 

Entscheidung, Maria auf einmal mehrere Szenen lang 

mit bloßen Beinen auf der Bühne zu lassen, erscheint 

merkwürdig. Dies macht im Zuge der Vergewaltigung 

Sinn, erschließt sich dann im weiteren Verlauf allerdings 

nicht. Und auch wenn das rote Abendkleid zur 

Hinrichtung durchaus Aufmerksamkeit bündelt, war 

das Lackkleid zuvor doch fast das beeindruckendere. 

Aber das ist Kritik auf höchstem Niveau und ist wie 

alles im Leben Geschmackssache. Was bleibt, ist wieder 

einmal mehr die Tatsache, dass hier den Augen jede 

Menge Ausgeklügeltes und gleichermaßen Attraktives 

geboten wird. 

Das Bühnenbild von Stephan Prattes wird insbesondere 

von dem Lichtdesign von Michael Grundner 

getragen. Im Großen und Ganzen werden hier dunkel 

gehaltene Blöcke auf der Bühne so in Szene gesetzt, 

dass sie immer wieder Neues ergeben – sei es das 

Gefängnis, eine Burg oder – ein ganz wunderbarer 

Effekt – ein Schiff, welches Maria von Frankreich 

nach Schottland bringt. So beeindruckend es immer 

wieder ist, mit welch vermeintlich einfachen Mitteln 

hier neue Welten entstehen, so bleibt es über die Länge 

des Stückes doch sehr düster, und die wenigen farbigen 

Momente, die vor allem Maria noch zu Beginn 

des Stückes gehören, erweisen sich als echte Akzente, 

die nach über drei Stunden Länge durchaus häufiger 

hätten gesetzt werden können. 

Das Ensemble wird hier natürlich von den beiden 

Königinnen angeführt: Daniela Dett als Elisabeth I. 

besticht durch schauspielerische Feinheit, sie legt sehr 

viel in ihre Haltung und lässt ihre Gesichtszüge Bände 

sprechen. Gesanglich überzeugt sie vor allem bei dem 

Lied anlässlich der Geburt von James. Als Maria 

Stuart schmettert Alexandra-Yoana Alexandrova ihre 

Stimmungen gesanglich hervorragend umgesetzt auf 

die Bühne. Ihre Maria ist in der Naivität gefangen, 

ihr grundsätzlich lebensfroher Charakter macht aber 

Freude. Bei den Männern sind vor allem zwei hervorzuheben 

– Gernot Romic hat als Earl von Moray den 

besten Moment des gesamten Stücks, seine Darbietung 

der Geschehnisse vor der Sonderkommission macht 

unglaublich viel Freude; er kann dort seine ganze 

Vielseitigkeit ausspielen. Als Berater von Elisabeth ist 

Abb. von links: 

1. Walsingham, Elisabeths 

Geheimdienstchef (Enrico Treuse), 

und William Cecil, ihr Staatssekretär 

(Christian Fröhlich), drängen die 

Königin (Daniela Dett) zu einer 

Entscheidung 

2. Maria Stuart (Alexandra-Yoana 

Alexandrova, Mitte mit Ensemble) 

auf dem Weg zurück in ihre Heimat 


50 



Christian Fröhlich als William Cecil stets an ihrer 

Seite, gesanglich hat er mehrere Momente, welche Lust 

auf mehr gemacht hätten. Schauspielerisch schafft er 

den Bogen vom jungen Mann zum älteren Herrn sehr 

gut. Beim starken Ensemble spielen viele Darsteller 

mehrere Rollen, um den Zeitsprüngen, Ortswechseln 

und den dichten Geschehnissen gerecht werden 

zu können. Darum sei an dieser Stelle einmal mehr 

erwähnt, wie hoch die Qualität der einzelnen Ensemblemitglieder 

ist, etwas, was in Linz jedes Mal gleichermaßen 

ins Auge wie ins Ohr sticht. 

Eine Uraufführung auf die Bühne zu bringen ist nie 

ein einfaches Unterfangen, und während im angloamerikanischen 

Raum Tryouts helfen, den Stoff vor dem 

großen Abend entsprechend zu verfeinern, zu bearbeiten, 

zu verdichten, schlicht zu optimieren, wird diese 

Phase hierzulande leider immer wieder ausgelassen. 

Dies ist im Fall von so einem Stück tatsächlich schade, 

denn hier liegt ganz viel Potenzial. Der eine oder andere 

Song würde auch etwas gekürzt noch genauso gut ausdrücken, 

was er ausdrücken muss. Viel wichtiger aber 

wäre es, noch einmal Arbeit in die Entwicklung der 

beiden Damen zu stecken. Die Naivität von Maria ist 

im ersten Akt noch durchaus liebenswert, der ständige 

Kampf von Elisabeth, als Frau die notwendige Härte 

zu zeigen, reicht für ein oder zwei Lieder. Aber insbesondere 

im zweiten Akt hat man dann das Gefühl, dass 

es kein Vorwärts gibt und die beiden Charaktere keine 

weitere Entwicklung erfahren. Und obwohl das Stück 

so viel bietet, optisch und inhaltlich, hinterlässt das 

leider einen Hauch Wehmut. 

Musikalisch holt Zaufke die großen Bögen hervor, 

das Stück ist klassisch durchkomponiert und bietet 

wunderschöne Momente. Im Formen der großen 

Bögen liegt allerdings auch immer wieder die »Gefahr«, 

dass das Publikum weit weniger Applaus spenden darf, 

als es eigentlich will, was spezifisch bei dem hohen 

gesanglichen sowie schauspielerischen Niveau immer 

wieder ein Drang gewesen wäre. 

Das Premierenpublikum entlud sich dann am Ende 

des Abends entsprechend und dankte die viele Arbeit, 

die hinter der Entstehung des Stückes steckt, mit sehr 

lautem Applaus und langen Standing Ovations. Und 

auch wenn hier der eine oder andere Kritikpunkt 

erwähnt wird, so sei doch noch einmal sehr bewusst 

niedergeschrieben, dass hier alles auf sehr hohem 

Niveau geschieht. Ein paar wenige Handgriffe und 

der Krimi rund um »Die Königinnen« wäre uneingeschränkt 

empfehlenswert – aber auch so sei jedem 

geschichtlich-interessierten Musicalliebhaber der Weg 

nach Linz ans Herz gelegt. 

Sabine Haydn 


1. Elisabeth I. (Daniela Dett) und Maria 

Stuart (Alexandra-Yoana Alexandrova) 

am Tag der Hinrichtung 


Alexandrova) findet vor ihrem Tod Halt 

im Glauben 


Alexandrova) wird vom Earl of 

Bothwell (Karsten Kenzel) zur Ehe 

gezwungen 


Alexandrova, Mitte) heiratet den 

Dauphin (Lukas Sandmann, r.) 



51


Die Umsetzung ist gelungen 

»West Side Story« in der Volksoper Wien 

Sie stammen aus zwei Welten, die unterschiedlicher kaum sein könnten: Maria (Jaye 

Simmons) und Tony (Anton Zetterholm) kämpfen dennoch um ihre Liebe 

Foto: Marco Sommer / Volksoper Wien 

West Side Story 

Leonard Bernstein / Stephen Sondheim / 

Arthur Laurents / Jerome Robbins 

Songs in englischer Sprache 

Deutsche Dialoge von Marcel Prawy 

Volksoper Wien 


Regie ............................. Lotte de Beer 

Musikalische Leitung .... Ben Glassberg 

Choreographie .................. Bryan Arias 

Bühnenbild ................. Christof Hetzer 

Kostüme ...................... Jorine van Beek 

Licht ..................................... Alex Brok 

Sounddesign ............... Martin Lukesch 

Maria ..... Jaye Simmons / Juliette Khalil 

Tony ........................ Anton Zetterholm 

Riff .............. Oliver Liebl / Peter Lesiak 

Bernardo ............. Lionel von Lawrence 

Chino .................................. James Park 

Anita ........................ Myrthes Monteiro 

Doc .................................. Axel Herrig 

Detective Schrank ........ Nicolaus Hagg 

Officer Krupke .................. Tobias Voigt 

Anybodys ..................... Melanie Böhm 


Malick Afocozi, Emilio Moreno Arias, 

Claudia Artner, Kilian Berger, 

William Briscoe-Peake, 

Anneke Brunekreeft, Elies de Vries, 

David Eisinger, Philippa Eisinger, 

Oliver Floris, Sophia Gorgi, 

Fin Holzwart, Teresa Jentsch, 

Wei Ken Liao, Hannah Lehner, 

Bernadette Leitner, Roberta Monção, 

Kevin O’Dwyer, Maura Oricchio, 

Bianca Pizzagalli, Michael Postmann, 

Tara Randell, Jaime Lee Rodney, 

Rico Salathé, Dario Scaturro, 

Ilvy Schultschik, Jessica Scorpio, 

Danai Simantiri, Alex Snova, 

Liam Solbjerg, Josefine Tyler, 

Georg Wacks, Emilija Williams, 

Eva Zamostny 

Verfeindete Gangs in den Straßen New Yorks 

und eine Liebesgeschichte, deren tragisches 

Ende sich früh abzeichnet: Mit dem Musical-Klassiker 

»West Side Story« schuf Leonard Bernstein 

nach dem Buch von Arthur Laurents ein modernes 

»Romeo und Julia«, welches nun in der Wiener 

Volksoper zu erleben ist. 

Es scheint das Jahr des begnadeten amerikanischen 

Komponisten zu sein: Mit »Maestro« geht 

ein Film über Leonard Bernstein gleich mit sieben 

Nominierungen ins Oscar-Rennen, seine Operette 

»Candide« ist in einer Inszenierung von Lydia 

Steier im MusikTheater an der Wien zu sehen und 

nun zog auch sein wohl bekanntestes Werk, 67 

Jahre nach der Uraufführung 1957 am Broadway, 

in die österreichische Hauptstadt ein. 

Schauplatz des Geschehens ist die Upper West 

Side im New York der 1950er Jahre. Ein Ort, an 

dem Rassismus und Bandenkriminalität unter 

Jugendlichen den Alltag bestimmen. Der Konflikt 

zwischen den amerikanischen Jets und den 

puerto-ricanischen Sharks um eine Straße droht 

zu eskalieren, die Polizei muss laufend eingreifen. 

Inmitten aller Dramatik verlieben sich Maria 

(Jaye Simmons), Schwester des Sharks-Anführers 

Bernardo (Lionel von Lawrence), und Jets- 

Gründungsmitglied Tony (Anton Zetterholm) 

unsterblich ineinander – und das Drama nimmt 

seinen Lauf. In einem Kampf tötet Marias Bruder 

Bernardo Jets-Anführer Riff (Oliver Liebl). Tony 

gerät dazwischen und tötet schließlich den Bruder 

seiner Geliebten. Maria kann ihm verzeihen, doch 

es ist zu spät: Noch während er in ihre Arme läuft, 

trifft Tony ein Schuss von hinten. Er stammt von 

Sharks-Mitglied Chino (James Park) und führt zu 

Tonys tragischem Tod. 

Das Leading Team der Inszenierung an der 

Volksoper kann sich sehen lassen: Die Direktorin 

selbst, Lotte de Beer, führt Regie und bringt eine 

entstaubte Fassung auf die Bühne, die dennoch 

nichts an Flair von damals einbüßt und nahe am 

Original ist. Sie legt den Fokus auf die Tragik der 

Geschichte, auf das Wesentliche, und tut dies auf 

schonungslose Art und Weise. Das Bühnenbild 

(Christof Hetzer) ist dementsprechend reduziert, 

das Zentrum bildet eine schwarze Trennwand, welche 

die Drehbühne in zwei Flächen teilt und sich je 

nach Bedarf in Marias Zimmer, Docs Laden oder 

die Straßen der West Side verwandelt. Die Stimmung 

ist düster, der Geschichte nach trostlos, mit 

Lichtblicken, die lediglich in den Szenen des Liebespaares 

zu finden sind. Auch die komödiantisch 

angelegte Nummer ›Officer Krupke‹ bekommt in 

dieser Inszenierung einen dramatischen Touch, 

die Jets tanzen blutverschmiert und üben sich 

in Zynismus. Genau das tut der Szene aber auch 

gut – es handelt sich nun mal um einen tragischen 

Moment. Die grau-schwarze Melancholie wird ein 

einziges Mal zur Gänze unterbrochen: Beim Song 

›Somewhere‹, in dem Tony und Maria von einem 

besseren Leben träumen, entschied sich de Beer 

für die farbenfrohe Darstellung eines klassischamerikanischen 

Einfamilienhauses – der »American 

Dream«, der schließlich in den amerikanischen 

Alptraum und damit wieder die Realität mündet. 

Gesprochen wird übrigens deutsch, in einer Übersetzung 

von Marcel Prawy, die Songs wurden im 

englischen Original (Texte von niemand geringerem 

als Stephen Sondheim) mit deutschen Übertiteln 

belassen. Eine gute Entscheidung, die Texte 

harmonieren optimal mit den Melodien. 

Die musikalische Leitung übernimmt Ben 

52 



Glassberg, neuer Musikdirektor des Hauses, der 

Bernsteins beinahe sinfonische und teils auch 

opernhafte Melodien, die sich mit Jazz und lateinamerikanischen 

Rhythmen vermischen, eindrucksvoll 

umsetzt und sie durch Mark und Bein gehen 

lässt. Für die Choreographien wurde Bryan Arias 

engagiert, der in Puerto Rico geboren wurde und 

in New York aufwuchs und damit lateinamerikanische 

Stile mit zeitgenössischem Tanz zu verbinden 

weiß. Mambo trifft auf Swing, Jazz auf lateinamerikanische 

Melodien. Die Umsetzung ist gelungen, 

die Choreographien sind energiegeladen, dynamisch 

und entwickeln sich, charakteristisch für die 

»West Side Story«, organisch aus einfachen Bewegungen 

heraus. Lediglich bei Hits wie ›America‹ 

fehlt stellenweise der von anderen Inszenierungen 

gewohnte »Drive« in der Umsetzung. Bei den Kostümen 

(Jorine van Beek, klassisch: Haartolle und 

Petticoat) bleibt man dem Original treu. 

Überzeugen kann an der Volksoper auch die 

durchweg starke Cast: Jaye Simmons, die Mitglied 

des Opernstudios ist und Rollen wie die Papagena 

in Mozarts »Die Zauberflöte« zu ihrem Lebenslauf 

zählen darf, ist eine vokal fantastische Maria, die 

mit ihrer opernhaften Stimme für Gänsehaut sorgt. 

Im Gegensatz zu vielen vorangegangenen Darbietungen 

legt sie die Rolle stärker und emanzipierter 

an – sie weiß, was sie will, und zeigt das auch. Eine 

starke Performance, die lediglich im Setting von 

›I Feel Pretty‹ nicht funktioniert. Anton Zetterholm, 

der ab März die Titelrolle in »Das Phantom 

der Oper« am Wiener Raimund Theater verkörpern 

wird, schlüpft hier in einen gänzlich anderen 

Charakter. Neben einer vor allem in den Höhen 

tadellosen Stimme kann Zetterholm insbesondere 

im Schauspiel überzeugen. Er macht die Rolle zu 

der Seinen, gibt Tony Stärke und Neugier, lässt ihn 

eine Bandbreite an Gefühlen zeigen und begeistert 

nicht zuletzt im finalen Showdown in seiner Verzweiflung, 

als er glaubt, Maria verloren zu haben. 

Lionel von Lawrence zeigt eine solide Leistung 

als Sharks-Anführer Bernardo, bleibt jedoch trotz 

einer eigentlich präsenten Rolle weitgehend im 

Hintergrund. Myrthes Monteiro ist eine Anita, wie 

sie im Buche steht, Oliver Liebl ebenso stark als 

Jets-Anführer Riff. Hervorzuheben ist abermals die 

hervorstechende Leistung des gesamten Ensembles, 

schließlich lebt die »West Side Story« gerade in den 

dynamischen Szenen genau davon. 

Durch die Kombination einer bis heute relevanten 

Gesellschaftskritik, interpretiert von starken 

Schauspielern gepaart mit wunderschönen Orchesterklängen, 

zieht das Stück in der Inszenierung an 

der Wiener Volksoper auch lange Zeit nach seiner 

Uraufführung das Publikum in seinen Bann. Die 

Resonanz ist gut, minutenlanger Applaus und Standing 

Ovations bei der Premiere sprechen Bände. 

Yvonne Mresch 


1. Immer wieder kommt es zu dramatischen 

Auseinandersetzungen 

zwischen Jets und Sharks (Ensemble) 

– hier treten die Anführer Riff 

(Oliver Liebl, Mitte) und Bernardo 

(Lionel von Lawrence, 2.v.r.) 

gegeneinander an 

2. ›I Feel Pretty‹ – Maria (Jaye 

Simmons) fantasiert vom großen 

Auftritt in ihrem Traumkleid 

3. Es war Liebe auf den ersten Blick: 

Tony (Anton Zetterholm) träumt von 

Maria 

4. Im Kultsong ›America‹ (Myrthes 

Monteiro als Anita, Mitte) 

überzeugen die Darsteller mit 

einer abwechslungsreichen und 

dynamischen Choreographie 

Fotos (4): Marco Sommer / Volksoper Wien 


53


Vom ESC zur großen Bühne 

»Luziwuzi – Ich bin die Kaiserin« am Wiener Rabenhof uraufgeführt 

›Dies Bildnis ist bezaubernd schön‹: Luziwuzi (Tom Neuwirth, r.) und sein Liebhaber (Sebastian Wendelin, l.) 

Foto: Rita Newman / Rabenhof Theater 

54 



Das Wiener Rabenhof Theater im 3. Bezirk sorgt 

immer wieder für Überraschungen. Mit der neuesten 

Inszenierung des Duos Ruth Brauer-Kvam (Regie, 

sowie Co-Autorin gemeinsam mit Fabian Pfleger) und 

Kyrre Kvam (Musik) konnte kein geringerer als Tom 

Neuwirth aka Conchita Wurst sein Theaterdebüt feiern. 

Neben Neuwirth stehen die Schauspieler Florian 

Carove, Gerhard Kasal und Sebastian Wendelin, die 

in verschiedenen Rollen zu sehen sind, auf der Bühne. 

Im Stück »Luziwuzi – Ich bin die Kaiserin« wird 

die Geschichte von Erzherzog Ludwig Viktor, dem 

jüngeren Bruder von Kaiser Franz Josef, erzählt, der 

auch unter dem Spitznamen Luziwuzi bekannt war. 

Das exzentrische Leben des jüngsten Erzherzogs wird 

hier als schräge Albtraum-Revue erzählt. Zu Beginn 

sieht man im Prolog, dass sich Luziwuzi in einer Irrenanstalt 

befindet und von einem Arzt (Florian Carove) 

behandelt wird. In der ersten Szene sieht man Luziwuzi 

noch als Kind mit seiner Mutter Erzherzogin Sophie 

(besonders humorvoll: Florian Carove). Einige Jahre 

später – Luziwuzi und seine Brüder sind erwachsen – 

beginnt er, sich für Männer zu interessieren, die ihn 

heimlich besuchen. Das Stück endet mit einem Epilog, 

einer Auktion, bei der sein Nachlass versteigert wird. 

Tom Neuwirth zeigt sich in seinem Theaterdebüt 

feinfühlig, mit starker Bühnenpräsenz und kann zudem 

gesanglich punkten. Auch seine Kollegen überzeugen 

in ihren verschiedensten Rollen, allen voran Florian 

Carove, der nicht nur als Erzherzogin Sophie, sondern 

auch als Kaiserin Elisabeth sein komödiantisches Talent 

unter Beweis stellt. Außerdem ist die Chemie zwischen 

Carove und Neuwirth sehr stark, auch wenn vieles hier 

eher humorvoll inszeniert wird. 

Unter der musikalischen Leitung von Kyrre Kvam 

wird das Stück mit melancholisch-elektrischen Klängen 

untermalt, die eine ganz besondere Atmosphäre 

schaffen. Außerdem sind im Stück einige bekannte 

Musiknummern zu finden, darunter die Vertonung 

eines Songs mit einem Text von Heinrich Heine, der 

von Tom Neuwirth gefühlsvoll dargeboten wird, oder 

aber ›Dieser Anstand, so manierlich‹ aus der Operette 

»Die Fledermaus«, bei der Neuwirth als Rosalinde und 

Sebastian Wendelin als Eisenstein zu sehen sind und 

diesen bekannten Titel als Disconummer humorvoll 

interpretieren. Besonders gelungen ist außerdem Luziwuzis 

Darbietung von ›Dies Bildnis ist bezaubernd 

schön‹ aus »Die Zauberflöte«. Die berührende Arie wird 

zwar nicht in voller Länge gesungen, aber dennoch brilliert 

Tom Neuwirth hier. 

Die Choreographien von Lukas Strasser passen sich 

generell gut an die Musik an, aber besonders gelungen 

sind die Solonummern mit Luziwuzi allein, denn diese 

verhelfen ihm zu einer starken Bühnenpräsenz. 

Das Bühnenbild von Michaela Mandel besteht aus 

glitzernden Vorhängen und dekorierten Tapeten. Die 

Kostüme von Alfred Mayerhofer sind sehr gemischt, 

aber das ist auch gut so. So erinnern die schwarz-weißen 

Kostüme der Hofdamen (Wendelin und Kasal) ein 

wenig an den Kit Kat Club, aber das weiße Sakko der 

Titelfigur wirkt sehr elegant und glamourös. 

Ruth Brauer-Kvam und Kyrre Kvam haben die 

Geschichte von Luziwuzi mit Melancholie, Glamour 

und guten Geschichtskenntnissen erzählt. Die Story 

wird vielleicht ein wenig zu schnell erzählt, aber durch 

die Musik wirkt alles nicht nur wie eine Alptraum- 

Revue, sondern auch wie eine glamouröse Party: Eine 

Party als Basis, um die tragische Geschichte einer 

exzentrischen, vielleicht vielen eher unbekannten Person 

zu erzählen. Schade, dass es nicht mehr Lieder im 

Stück gibt, eine große Ballade hätte dem Stück eventuell 

gutgetan, aber dennoch ist es ein berührender und 

melancholischer Abend. 

Ludovico Lucchesi Palli 

Luziwuzi – 

Ich bin die Kaiserin 

Kyrre Kvam / Ruth Brauer-Kvam / 

Fabian Pfleger 

Rabenhof Theater Wien 


Regie ...................... Ruth Brauer-Kvam 

Musikalische Leitung ......... Kyrre Kvam 

Choreographie .............. Lukas Strasser 

Bühnenbild .............. Michaela Mandel 

Kostüme .................. Alfred Mayerhofer 

Luziwuzi ....................... Tom Neuwirth 


Florian Carove, Gerhard Kasal, 

Sebastian Wendelin 


1. Luziwuzi (Tom Neuwirth) 

mit seinen Brüdern Maximilian 

(Gerhard Kasal, l.) und Karl Ludwig 

(Sebastian Wendelin, r.) 

2. Luziwuzi (Tom Neuwirth) 

versucht seine Mutter (Florian 

Carove, vorne) zu beeindrucken 

Fotos (2): Rita Newman / Rabenhof Theater 


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Mit Optimismus gegen den Rest der Welt 

»Candide« mit dem Ensemble des Theaters an der Wien 

Abb. oben: 

Lehrer Dr. Pangloss (Ben McAteer) 

vermittelt seinen Schülern (v.l.) 

Maximilian (James Newby), 

Cunegonde (Nikola Hillebrand), 

Candide (Matthew Newlin) und 

Paquette (Tatiana Kuryatnikova) in 

Westphalia ein heiles Weltbild 

Abb. unten: 

Der Governor von Buenos Aires 

(Mark Milhofer, hinten) hält 

Cunegonde (Nikola Hillebrand, 

r.) und die Old Lady (Helene 

Schneiderman, l., und Ensemble) 

zwar bei sich fest, hält aber sein 

Versprechen, Cunegonde zu 

heiraten, nicht ein 

Fotos (2): Werner Kmetitsch 

Das Theater an der Wien wird derzeit generalsaniert 

und daher ist Leonard Bernsteins »Candide« in 

der früheren kaiserlichen Winterreitschule, der heutigen 

Halle E des Museumsquartiers, zu sehen. Am 

17. Januar 2024 feierte die Inszenierung der Comic 

Operetta Premiere in englischer Sprache. 

»Candide« erinnert an das Märchen »Hans im 

Glück«, denn der Held Candide (Matthew Newlin) ist 

der uneheliche Sohn eines Barons, wird aber nach einer 

Affäre mit der adligen Tochter des Hausherrn verstoßen. 

Damit beginnt – kurz gesagt – eine ereignisreiche 

Weltreise, bei der dem jungen Mann eine Katastrophe 

nach der anderen widerfährt. Er erlebt die Doppelmoral 

der Kirche sowie die korrupte Politik und muss in 

die Abgründe der Menschheit blicken. Und dennoch 

verliert er seinen schier unzerstörbaren Optimismus 

dabei nicht, denn ein Erdbeben – dessen Zeuge er 

wird – kann Häuser und Menschen erschüttern, aber 

scheinbar nicht seinen Glauben an das Gute. Er hat 

von seinem Professor Dr. Pangloss (Ben McAteer) die 

philosophische Lehre vermittelt bekommen, dass er in 

der besten aller möglichen Welten lebt. 

Auch Komponist Leonard Bernstein hat mit dem 

Stück eine wechselvolle Reise durchgemacht. Es 

beginnt damit, dass es sich einer klaren Einordnung 

verweigert, bewegt sich doch die Adaption der satirischen 

Novelle »Candide oder der Optimismus« 

von Voltaire zwischen Oper, Operette und Musical. 

Anfangs, nach der Uraufführung am 1. Dezember 

1956 im New Yorker Martin Beck Theatre, bestand nur 

wenig Interesse an den insgesamt 73 Aufführungen. 

Mehrmals wurde »Candide« in den folgenden Jahren 

umgearbeitet, bevor das Stück sein Glück fand, auch 

wenn es sich nicht so häufig auf den Spielplänen der 

Theater und Opernhäuser findet, und wenn, dann oft 

in voneinander abweichenden Fassungen. Besondere 

Bekanntheit hingegen genießen die ›Overture‹, die 

inzwischen oft an Konzertabenden als Einzelnummer 

gespielt wird, sowie die Koloraturarie ›Glitter and be 

Gay‹, die zum Kernrepertoire jeder Koloratursopranistin 

gehört. 

In Wien wird das Stück auf einer großen Revuetreppe 

inszeniert, die von mehreren großen Rahmen 

mit Lampen in verschiedene Ebenen unterteilt wird. 

Schnell zugezogene Vorhänge ermöglichen rasante 

Szenenwechsel, denn Bernstein hat dafür wenig Zeit 

gelassen. Zwar reist Candide in der Welt herum (insgesamt 

17 Orte werden in den fast drei Stunden Spielzeit 

besucht), doch unnötige Feinheiten werden von vornherein 

weggelassen. Warum Candide von einem Ort 

zum anderen fährt, wie das genau vor sich geht und was 

auf dieser Reise passiert – meist unwichtige Details, 

denn die nächste Katastrophe ruft. Anfangs ist noch 

unklar, warum Candide gerade das Schiff nimmt, um 

von Westfalen nach Lissabon zu kommen, später wird 

es zum Running-Gag, ist doch das Boot scheinbar sein 

liebstes Fortbewegungsmittel. So erlebt er das Erdbeben 

und die Inquisition in Lissabon mit, ist mit Syphilis-Kranken 

konfrontiert, fährt nach Buenos Aires im 

südamerikanischen Argentinien, kommt selbst in das 

sagenumwobene, goldene Eldorado, bis er schließlich 

nach einem Schiffbruch im verruchten Venedig 

ankommt. Für den besonderen Witz sorgt Schauspieler 

Vincent Glander, der als Erzähler mit Fliege und im 

dreiteiligen Nadelstreifenanzug mit einem deutlichen 

Hauch von britischem Establishment für einen Kontrapunkt 

zur teils grotesken Handlung sorgt, bei der man 

in kaum einer Szene ohne Sexspielzeug oder andere 

schlüpfrige Provokationen auskommt. Auch der Rest 

der Cast besticht durch hervorragende Qualität, allen 

voran Candides Geliebte Cunegonde (Nikola Hillebrand) 

hat mit ihrem Sopran einen beeindruckenden 

56 



und glasklaren Klang, den sie zur Gänze präsentieren 

und ausspielen kann. Hauptdarsteller Matthew Newlin 

gibt sein Debüt am Theater an der Wien. Dabei 

singt der Tenor seine Lieder zart und fein, passend zu 

seiner naiven, leichtgläubigen Rolle. 

Eine wahre Schlacht mit 350 farbenfrohen und 

detailverliebten Kostümen und Accessoires bestreitet 

die Ausstattungsabteilung (Kostüme: Ursula Kudrna). 

Fantasievoll werden neue Welten geschaffen, von der 

Spielhölle in Venedig bis zum Bordellzimmer in Paris 

(Bühnenbild und Videos: Momme Hinrichs). Zur 

vollen Geltung kommt diese Sinnes-Explosion bei 

den großen Ensemble-Nummern mit mitreißenden 

Tanzeinlagen (Choreographien: Tabatha McFadyen). 

Der heimliche Star der Inszenierung ist jedoch das 

wunderbare Orchester unter der Leitung der US-amerikanischen 

Bernstein-Jüngerin und Dirigentin des ORF 

Radio-Symphonieorchesters, Marin Alsop. Sie ist es auch, 

die beim Schlussapplaus die Standing Ovations vom Publikum 

bekommt. 

Irgendwann im Verlauf des Abends führt die Reizüberflutung 

und die komplizierte Geschichte mit den 

anspruchsvollen englischen Texten leider dazu, dass 

man sich nicht mehr uneingeschränkt auf die fantastische, 

im krassen Gegensatz zur teilweise ernsten und 

dramatischen Handlung recht fröhlich anmutende 

Musik, in der Leonard Bernstein zahlreiche Anspielungen 

auf andere europäische Musiktheaterstücke 

aus dem 19. Jahrhundert versteckt hat, konzentrieren 

kann. Bernstein schuf »Candide« parallel zur wesentlich 

populäreren »West Side Story«. Mehrmals wurden, 

wie der Textdichter Stephen Sondheim berichtet, 

einzelne Musikstücke zwischen den zwei Werken hin 

und her verschoben. Das Orchester schafft es in großer 

Besetzung, die Wucht der Partitur in ein Klangerlebnis 

umzusetzen. Das Leading Team um Lydia Steier 

(Inszenierung) verzichtet weitgehend auf direkte 

Anknüpfungspunkte zur modernen Realität. Nur 

Donald Trump treibt, gefesselt von einem Rettungsring 

wie in einer Zwangsjacke zur Untätigkeit verdammt 

mit anderen Diktatoren nach dem Schiffbruch 

gackernd im Meer. Und so kann sich der Zuschauer 

jenen Aspekt herausziehen, der für ihn am passendsten 

erscheint. Am Ende des Stücks erkennt Candide die 

Illusion, die er die ganze Zeit gejagt hat. Seine große 

Liebe Cunegonde hat andere Vorlieben, interessiert 

sich mehr für Gold, Juwelen und das leichte Leben als 

für ihn. Es erinnert ein wenig an eine Coming-of-Age- 

Geschichte, wie bei »Mozart!«, bei der der Zuschauer 

im Verlauf des Stücks die Transition der Hauptfigur 

vom naiven Kind zum Erwachsenen miterlebt. Es bleibt 

zum Schluss eine ernüchternde, fast stoische Moral: 

Die Welt ist, wie sie ist, weder gut noch böse. Die Aufgabe 

der Menschen besteht darin, in ihr zu leben und 

ihren Garten zu bestellen, und so macht sich Candide 

ans Werk. In ein kleines Häufchen Erde pflanzt ein 

kleines Häufchen Elend, an das Candide nach fast drei 

Stunden schließlich erinnert, einen Samen. Und wie 

die keimende Hoffnung, die scheinbar noch nicht ganz 

verloschen ist, wächst daraus eine neue Pflanze, denn 

am Ende wird wohl alles gut, und wenn es noch nicht 

gut ist, dann ist es noch nicht das Ende. In Wien siegt 

unter begeistertem Applaus also doch der Optimismus. 

Mina Piston 

Candide 

Leonard Bernstein / Richard Wilbur / 

John Latouche / Dorothy Parker / 

Stephen Sondheim / Lillian Hellman / 

Erik Haagensen 

In englischer Sprache mit deutschen 

Übertiteln 

Theater an der Wien Wien 

Museumsquartier – Halle E 


Regie ................................ Lydia Steier 

Musikalische Leitung ........ Marin Alsop 

Choreinstudierung ............................... 

................................ Viktor Mitrevski & 

Juan Sebastian Acosta 

Choreographie ....... Tabatha McFadyen 

Bühnenbild & Video ............................. 

................................. Momme Hinrichs 

Kostüme ....................... Ursula Kudrna 

Lichtdesign .................... Elana Siberski 

Erzähler ..................... Vincent Glander 

Candide .................... Matthew Newlin 

Cunegonde ............. Nikola Hillebrand 

Maximilian / Tsar Ivan .... James Newby 

Dr. Pangloss / Martin ...... Ben McAteer 

Old Lady ........... Helene Schneiderman 

Grand Inquisitor / Captain .................... 

...................................... Mark Milhofer 

Paquette .............. Tatiana Kuryatnikova 

Cacambo ......................... Lina Lottes / 

Maya Villarreal Danzinger 


Arvid Assarsson, Alessio Borsari, 

Pablo Delgado, Jörg Espenkot, 

Zacharias Galaviz-Guerra, 

Benjamin Heil, Karl Kachouh, 

Takanobu Kawazoe, Paul Knights, 

Thomas Kufta, Benjamin Savoie 

Arnold Schoenberg Chor 

Abb. oben links: 

1. Nach dem Erdbeben wird Dr. 

Pangloss (Ben McAteer) gehängt, 

Candide (Matthew Newlin) entkommt 

knapp der Inquisition 

2. In Paris muss sich Cunegonde 

(Nikola Hillebrand, r.) im Bordell für 

die Old Lady (Helene Schneiderman, l.) 

prostituieren 

3. Nach dem Schiffbruch treiben 

(v.l.) Charles (Paul Knights), Stanislaus 

(Benjamin Heil), Hermann (Arvid 

Assarsson), Tsar Ivan (James Newby) 

und der Sultan (Benjamin Savoie) auf 

dem Meer 

4. Im verruchten Venedig kommen 

lauter Schurken (Ensemble) auf einer 

wilden Party zusammen 

Fotos (4): Werner Kmetitsch 


57


Titanic geht Baden 

»Titanic« an der Bühne Baden 

Abb. oben: 

Die Passagiere der zweiten Klasse 

gehen an Bord (Beppo Binder, 2.v.l.; 

Verena Barth-Jurca, 3.v.l.; Matthias 

Trattner, 2.v.r.; Anetta Szabó, r.; 

Ensemble) 

Abb. unten: 

›Zu allen Zeiten‹ – Schiffskonstrukteur 

und Erbauer Thomas Andrews 

(Martin Berger) entwirft das größte 

Schiff seiner Zeit 

Fotos (2): Christian Husar 

Der US-Autor Morgan Robertson setzt sich am 

Ende des 19. Jahrhunderts an seinen Schreibtisch. 

In mühsamer Kleinarbeit entsteht ein neues 

Buch. Darin geht es um den Passagierdampfer 

Titan, der bei der Atlantiküberquerung einen Eisberg 

rammt und sinkt. Doch die Mühe scheint sich 

nicht bezahlt zu machen, denn sein neuer Roman 

»Futility«, der 1898 erscheint, ist ein Ladenhüter. 

Das Buch wäre wohl in Vergessenheit geraten, 

wäre 14 Jahre später dem Luxusliner Titanic nicht 

ein ähnliches Schicksal beschieden gewesen. Das 

damals schon legendäre Schiff, das von der Presse 

als unsinkbar gefeiert wurde, sank auf seiner Jungfernfahrt 

nach einer Kollision mit einem Eisberg in 

die Tiefen des kalten Ozeans. Der Roman wirkte 

nun wie eine Prophezeiung. 

Sofort berichten Medien ausführlich von der 

Katastrophe; Passagiere und Seeleute lassen in 

Memoiren die Nacht Revue passieren. Mehrmals 

wird der Stoff verfilmt. Jahrelang wurde nach dem 

Schiff gesucht und es wurden Pläne geschmiedet, 

die Titanic zu heben. Mitte der 1980er Jahre 

wurde das Wrack dann endlich in mehr als 3.800 

Metern Tiefe gefunden, was neuerlich zu einem 

Hype führte. Am bekanntesten ist wohl die Kino- 

Adaption aus dem Jahr 1997 von Regisseur James 

Cameron. Im New Yorker Lunt-Fontanne Theatre 

feierte einige Monate davor das Musical am 23. 

April 1997 seine Uraufführung und war danach 

unter anderem in den Niederlanden und Belgien 

zu sehen. Die deutschsprachige Erstaufführung 

fand am 7. Dezember 2002 im Theater Neue Flora 

in Hamburg unter der Regie von Eddy Habbema 

statt. Nun hat sich die Bühne Baden in Österreich 

des Stücks angenommen – am 24. Februar war 

Premiere. 

Die Geschichte des US-Drehbuchautors Peter 

Stone zeichnet zwar die historischen Persönlichkeiten, 

wie Kapitän Smith (Artur Ortens) und 

Schiffskonstrukteur Thomas Andrews (Martin 

Berger) sowie zahlreiche prominente Passagiere, 

detailliert nach, verpasst es aber, eine größere, darüberhinausgehende 

Handlung einzuflechten, die den 

Zuschauer noch mehr fesseln könnte. Gerade für 

»Titanic«-Filmkenner kann das Stück daher langatmig 

wirken. Detailliert lernt man die einzelnen Passagiere 

kennen, ihre Geschichte, was sie an Bord der 

Titanic brachte und was sie sich für eine Zukunft 

in Amerika erhoffen. Das Musical ist eine Zeitreise 

und zeichnet sich durch einen Querschnitt einer 

interessanten Gesellschaft aus. Doch dabei bleibt 

es manchmal schablonenhaft. So muss Reinwald 

Kranner fast mantraartig als ein sehr eindimensionaler 

Schiffseigner Bruce Ismay in Baden wieder 

und wieder auf die Erhöhung der Geschwindigkeit 

drängen. Doch dieses Klischee ist nicht das einzige, 

das bedient wird: Regelmäßig wird beispielsweise 

betont, dass in Amerika ein neues Leben wartet, 

und natürlich warnt der Funker Bride (Sebastian 

Brummer) mehr als einmal vor dem Eis. 

Fast beliebig, oft gehört und letztendlich austauschbar, 

wirken die detailliert vorgetragenen Einzelschicksale 

der Passagiere, wie zum Beispiel vom 

Heizer Frederick Barrett (Robert David Marx), der 

heimlich zum Telegrafen-Raum schleicht, um seiner 

Geliebten in der Heimat eine Nachricht zukommen 

zu lassen. Marx legt all seine Gefühle in diesen Song 

und verleiht der Sehnsucht mit seiner Stimme wunderbar 

Nachdruck. Als ein emotionales Gesangs- 

Highlight ist das Liebesduett von Kate McGowan 

und Jim Farrell, ›Drei Tage‹, zu nennen, gesungen 

von Missy May und Stefan Bleiberschnig. Nur 

58 



einige Darsteller der sonst von Regisseur Leonard 

Prinsloo mit einem großen Aufgebot an bekannten 

Namen besetzten Cast, die trotz der Lichtblicke 

keine Glanzleistungen oder Ohrwürmer präsentieren, 

und so wundert es auch nicht, dass die vom 

Tanz dominierte Nummer ›Beim Klang der Ragtime-Band‹ 

den meisten Applaus bekommt. Stars 

wie Darius Merstein-MacLeod, dessen Leistungen 

in Baden in »Jekyll & Hyde« dem Publikum noch 

gut in Erinnerung sind, hier zu sehen als Isidor 

Straus, und seine Frau Ida, dargestellt von Wiens 

erster »Phantom«-Christine Luzia Nistler, dürfen in 

»Titanic« nicht ihr ganzes Können ausspielen. Als 

Institution an der Bühne Baden agiert René Rumpold 

und führt als Henry Etches, Chefsteward der 

Ersten Klasse, das Personal an. 

Der Text in der deutschen Übersetzung von 

Wolfgang Adenberg ist teilweise sperrig. Zu oft 

werden in Baden bereits bekannte Dinge Szene für 

Szene wiederholt. Zu sehr verliert man sich hier 

außerdem in Details, die die Handlung nicht vorantragen, 

z.B. was sich alles im Laderaum befindet 

und wie die Maße des Schiffes sind. 

Immer wieder werden Orts- und Zeitangaben 

mit Hilfe einer Projektion auf der Bühne eingeblendet. 

Was an Stummfilmzeiten erinnert, ist letztendlich 

unnötig, insbesondere wenn der Schiffssteward 

von der Empore ein anderes Datum verkündet, 

als es unter ihm an die Wand projiziert wird. Die 

Empore ist das dominante Bühnenelement (Bühnenbild: 

Carlos Santos) und dient meist dem 

Kapitän als Brücke. Darunter ist eine Spielfläche, 

die mit Tischen in den Speisesaal der Dritten oder 

der Ersten Klasse verwandelt wird. Durch herunterfahrbare 

Reling-Elemente wechselt die Szenerie 

binnen Sekunden zwischen dem Kessel- oder 

Maschinenraum zum Sonnendeck. Die Imposanz 

versucht man vor allem durch eine große Cast zu 

erzeugen. Oft singt diese zusammen mit dem Chor 

frontal in Richtung des Publikums. 

Die Musik von Maury Yeston ist lieblich-romantisch 

und operettenhaft, das Musical ist über weite 

Strecken durchkomponiert. Das große Orchester 

der Bühne Baden unter der musikalischen Leitung 

von Victor Petrov ist klanggewaltig. Besonders ist 

hier das dominante Schlagwerk hervorzuheben. In 

vielen Melodien findet sich ein schneller Triangel- 

Rhythmus, der an die Schiffsmaschinen erinnert. 

Insgesamt bleibt das Stück weit hinter seinen 

Möglichkeiten zurück – da hilft auch die aufwendige 

Kostümschlacht mit der hervorragenden 

Arbeit von Natascha Maraval nur bedingt. Die 

vielen Umzüge und Perückenwechsel, verursacht 

durch die Doppelrollen, gelingen jedoch reibungslos 

und helfen dabei, in jeder Szene viel Personal auf 

die Bühne zu bringen. So wird die vielschichtige, 

historische Gesellschaft an Bord des Schiffes greifbar, 

ihr Verhältnis zueinander – die vielen Menschen, 

die hier ihr Leben verloren, bekommen ein 

eindrückliches Gesicht. Das Ende ist traurig und 

wenig überraschend. Nach drei langen Stunden gab 

es jubelnden Applaus. 

Mina Piston 

Titanic 

Maury Yeston / Peter Stone 

Deutsch von Wolfgang Adenberg 

Bühne Baden 

Stadttheater 

Premiere: 24. Februar 2024 

Inszenierung & 

Choreographie ......... Leonard Prinsloo 

Musikalische Leitung ....... Victor Petrov 

Bühnenbild .................... Carlos Santos 

Kostüme ................. Natascha Maravali 

Kapitän E.J. Smith ............. Artur Ortens 

Thomas Andrews ........... Martin Berger 

Bruce Ismay ............ Reinwald Kranner 

Frederick Barrett, Heizer / 

Guggenheim ......... Robert David Marx 

Harold Bride, Funker / 

John Thayer ........... Sebastian Brummer 

Jim Farrell / Mr Bell / 

Latimer ............... Stefan Bleiberschnig 

Kate McGowan / 

Charlotte Drake Cordoza .... Missy May 

Alice Beane ........... Verena Barth-Jurca 

Edgar Beane................... Beppo Binder 

Isidor Straus ... Darius Merstein-MacLeod 

Ida Straus ........................ Luzia Nistler 

Henry Etches ................ René Rumpold 

Frederick Fleet, Ausguck / 

Stehgeiger ..................... Leon de Graaf 

Charles Clarke .......... Matthias Trattner 

Caroline Neville ............. Anetta Szabó 

William Murdoch / 

Kontrabassspieler ..... Florian Resetarits 

Charles Lightoller / 

J.J. Astor .................... Michael Konicek 

Kate Murphy / 

Mrs Widener ........ Rebecca Soumagné 

Kate Mullins / 

Madeleine Astor ........... Beate Korntner 


Branimir Agovi, Ardeshir Babak, 

Lucas Bonnet, Mario Fančovič, 

Tsveta Ferlin, Daniel Greabu, 

Erin Marks, Emily Nathan, 

Russi Nikoff, David Nikov, 

Vladimir Polovinchik, Jonas Peter Zeiler 

Chor und Ballett der Bühne Baden 

Abb. von oben links: 

1. Wenn der Servierwagen sich 

plötzlich von alleine bewegt, schauen 

die Passagiere ganz verwundert 

(Ensemble) 

2. Schiffsbesitzer Bruce Ismay (Reinwald 

Kranner, r.) versucht den Kapitän 

E. J. Smith (Artur Ortens, 2.v.r.) davon 

zu überzeugen, die Geschwindigkeit 

zu erhöhen (v.l.: Michael Konicek, 

Florian Resetarits, Branimir Agovi) 

3. Im Zwischendeck träumen die 

Passagiere der Dritten Klasse von 

Amerika (vorne ab Mitte v.l.: Beate 

Korntner, Missy May, Rebecca 

Soumagné, Ensemble) 

4. ›Barretts Lied‹ – Heizer Frederick 

Barrett (Robert David Marx, Mitte) 

klagt sein Leid, dass er zwar jetzt 

auf einem tollen Schiff arbeitet, aber 

trotzdem nie das Meer sieht (Jonas 

Peter Zeiler, l.; Leon de Graaf, r.) 

Fotos (4): Christian Husar 


59


Lassen Sie uns Tanzbein und 

Lachmuskeln schwingen 

Uraufführung von »Twist!« im Wiener Metropol 

Abb. oben: 

Tanzszene des ganzen Ensembles 

von »Twist!« 

Foto: Peter Burgstaller 

Twist! 

Diverse / Peter Hofbauer 

Wiener Metropol 


Regie ......................... Peter Kratochvil 

Musikalische Leitung ... Valentin Oman 

Choreographie .......... Elisabeth Blutsch 

Ausstattung .................... Ilona Glöckel 

Lichtdesign .................... Hans Duchan 

Rita ........................... Elisabeth Blutsch 

Hugo .................... Martin Oberhauser 

Barbara ................... Dagmar Bernhard 

Boris ........................ Bernhard Viktorin 

Cindy ....................... Victoria Sedlacek 

Silvio ........................... Vincent Bueno 

Bertram / Mutter .......... Markus Richter 

Linda ....................... Denise Jastraunig 

Traditionell im Februar präsentiert das Metropol 

in Wien das neueste Stück aus der hauseigenen 

Musicalwerkstatt. Dieses Jahr entführt uns Intendant 

Peter Hofbauer in die Welt des Tanzes und lädt zum 

»Twist!«. Ein Abend rund um den Modetanz der frühen 

60er Jahre, bei dem die Tänzer sich nicht berühren 

und sich auf den Fußspitzen hin- und herdrehen. 

Die flotte Show glitzert in vielen Farben – angefangen 

bei den Kostümen über die Perücken, das vielseitige 

Bühnenbild bis zu den tollen Lichtspielen samt 

Discokugeln. 

Das Buch stammt von Peter Hofbauer, Regie 

führte Peter Kratochvil. Die Choreographie des flotten 

Tanzmusicals stammt von Elisabeth Blutsch, die 

auch die Rolle der Rita spielt. 

Alleine die Musik ist schon einen Besuch wert 

und zeigt den hohen Qualitätsstandard, der geboten 

wird: Live spielt sich die sechsköpfigen Band unter der 

Leitung von Valentin Oman gekonnt in die Ohren 

des Publikums. In der Playlist sind einige bekannte 

Sounds der 60er und frühen 70er Jahre; meist sind die 

Lieder aber mit einem neuen Text passend zum Stück 

versehen worden. 

Die eigentliche Story ist eher flach, sorgt aber für 

einen unterhaltsamen und humorvollen Abend für das 

Publikum: Die Redaktion der Tanzzeitschrift TWIST 

kämpft mit einer schwachen Auflage und sucht nach 

einer guten Idee, das Blatt und somit ihre Jobs zu retten. 

So weit, so gut. Denn hier beginnen nun die Verwicklungen: 

Der Herausgeber Hugo ist der »gerade 

noch Ehemann« der Chefredakteurin Barbara. Die 

Stimmung ist nicht herzlich, scheinbar hat Barbara 

auch eine allergische Reaktion auf Hugo: plötzlich 

auftretender Schluckauf, wenn nur die Rede von diesem 

ist. Hugos Bruder Boris ist für die Finanzen des 

ganzen Verlags, der mehrere verschiedene Magazine 

veröffentlicht, verantwortlich. Hugo möchte gerne die 

Tanzzeitschrift einstampfen, nicht zuletzt, um seiner 

»gerade noch Ehefrau« einen Denkzettel zu verpassen. 

Doch Boris steht heimlich auf Barbara, deswegen 

möchte er alles für sie tun und schafft es – mit nur 

teils legalen Tricks –, die Zeitung am Leben zu halten. 

Und so beginnt die erste verzwickte Lage, die den 

Zuschauer ein wenig an das Traumschiff erinnert – 

man weiß nach wenigen Minuten, wie die einzelnen 

Handlungsstränge laufen werden, welches Paar sich 

am Ende findet und dass am Schluss doch das Gute 

immer gewinnt. Jedoch gibt es einige Ereignisse in der 

Geschichte, die alles interessant machen, so hat z.B. 

Hugo eine neue Flamme: Cindy. Diese steckt er in 

die Redaktion von TWIST, was der Chefin Barbara 

freilich nicht recht ist. Doch Redakteur Silivio hat 

die rettende Idee: Er und Cindy machen bei einem 

internationalen Tanzwettbewerb mit, um dadurch an 

Insiderinformationen zu kommen, somit die neuesten 

News zu bringen und damit der Redaktion einen 

Mehrwert zu bieten. Doch auch hier sorgt die Liebe 

wieder für Verwirrung und das Tanzpaar verliebt sich 

ineinander… Dazwischen sorgt noch Bildredakteur 

Bertram mit derbem Wiener Humor für Trubel. Er 

erinnert ein wenig an Horst Schlämmer alias Hape 

Kerkeling. Bertram verputzt liebend gerne Punschkrapferl 

und heitert sich mit dem redaktionsinternen 

»Fencheltee« auf – der seltsamerweise immer aus 

Schnapsgläsern konsumiert wird. Die Redakteurinnen 

Rita und Linda mischen auch mit und so wird es 

alles andere als ruhig in der Redaktion. Nicht zu vergessen 

ist da noch die Mutti von Hugo und Boris – die 

erst nur telefonisch für Aufruhr sorgt und am Schluss 

des Stücks dann doch wahrhaftig auf der Bühne 

erscheint. Und erscheinen ist hier fast untertrieben… 

Am Ende des Abends ist eigentlich nicht klar, wer 

60 



den Wettbewerb in New York gewonnen hat oder ob 

es ihn überhaupt je gegeben hat. Und so könnte alles 

weitergehen – vielleicht heißt es ja kommendes Jahr im 

Metropol »Let´s Twist Again!«? 

Das eher einfache, aber vielseitige Bühnenbild 

kann sich mit wenigen Handgriffen vom Redaktionsbüro 

in einen Tanzsaal verwandeln. Dafür zeichnet, 

ebenso wie für die farbenfrohen Kostüme, Ilona Glöckel 

verantwortlich. Die Perücken und Brillen haben 

sich sicher gefreut, wieder einmal einen Auftritt zu 

haben, sie stammen allesamt aus einer anderen Zeit. 

Das Ensemble hat deutlich Spaß an dem Stück 

und begeistert nicht nur durch starke Stimmen, das 

schwingende Tanzbein und das humorvolle Schauspiel: 

Wie blickpunkt musical erfahren hat, hatte das 

Ensemble bei dem Stück die Möglichkeit, viele eigene 

Ideen mit einzubringen – und so kann man hier mal 

sagen: Viele Köche machen einen guten Brei! 

Herausragend aus dem ganzen Ensemble sind vor 

allem Dagmar Bernhard und Markus Richter. Bernhard 

als Redaktionschefin Barbara hat eine klare kräftige 

Stimme und findet in jeder Wendung des Stücks 

die richtigen Ideen, um ihre Emotionen zu unterstreichen. 

Herausragend ist nicht nur der Schluckauf, den 

sie sogar ein ganzes Lied lang durchhält. Sie hat das 

große Talent, die Zuschauer mitzureißen. Markus 

Richter als Bertram schwankt mehr oder weniger 

durch die Kulissen und hat ein Gespür für den 

richtigen Moment. Er lässt kurze Pausen entstehen, 

in denen das Publikum kurz nachdenken kann, um 

dann souverän weiterzumachen. Und genau das macht 

es aus: Es ist kein Abspielen von Text und Choreographie, 

sondern ein Lebendig-Machen der Situation. 

Dieses Talent spürt man hier besonders. Und wenn er 

dann zum Schluss noch in die Rolle der Mutter von 

Hugo und Boris schlüpft, bleibt kein Auge mehr trocken. 

Mehr davon! 

Vincent Bueno spielt den Silvio. Durch seine ganz 

persönliche Art wirkt die Figur sehr authentisch und 

impulsiv – nicht zuletzt durch die perfekte tänzerische 

Darbietung, die ihn auch mal als Bruce Lee erscheinen 

lässt. Auch sein Spielen mit dem Publikum ist 

ein Pluspunkt, da er besonders die Seitenränge (im 

Metropol ist die Bühne von drei Seiten vom Publikum 

umzingelt) gut mit integriert. Zusammen mit Victoria 

Sedlacek als seiner Tanzpartnerin Cindy macht er die 

unterschiedlichen Handlungsstränge und Gefühlsschwankungen 

miterlebbar. Sedlacek hat ihr Talent 

hauptsächlich im tänzerischen Bereich. 

Martin Oberhauser als Hugo ist hier das Gegenteil, 

sein Schauspiel macht Freude und ist ausdrucksstark. 

Die Mimik spricht Bände und diese setzt er geschickt 

ein. Bernhard Viktorin beherrscht alle Teile eines Musicaldarstellers, 

besonders als schüchterner Boris, der im 

Hintergrund die Strippen zieht und sich erst langsam 

an seine Herzdame heranwagt. Letztlich nimmt er allen 

Mut zusammen und setzt sich gegen den großen Bruder 

durch. Er ist ein sehr wandlungsfähiger Darsteller 

und dies macht ihn in immer neuen Rollen interessant. 

Elisabeth Blutsch (Rita) und Denise Jastraunig 

(Linda) spielen als Redaktionsmitarbeiterinnen keine 

großen, aber wichtige Rollen: Sie sorgen für Klatsch 

& Tratsch, vermutlich auch für den Fenchelteenachschub, 

und glänzen besonders gemeinsam mit Richter 

als Bertram, als sie eine grandiose Choreographie mit 

bzw. auf den Bürosesseln bieten. 

Die Zeitreise in »Twist!« wirkt durch und durch 

authentisch und bringt das Publikum zum Tanzen, 

und das nicht erst beim gewaltigen Schlussapplaus. 

Zurecht wurde das Stück schon verlängert, die Tickets 

sind knapp! Gönnen sie sich einen Abend mit Twist! 

Steffen Wagner 

Abb. oben: 

Cindy (Victoria Sedlacek) im 

Twist-Fieber 

Foto: Peter Burgstaller 


1. Chefredakteurin Barbara (Dagmar 

Bernhard) feiert, dass sie Hugo bald 

los ist 

2. Endlich finden Barbara (Dagmar 

Bernhard, r.) und Boris (Bernhard 

Viktorin, 2.v.r.) zusammen, zum 

Schock von Mama Berta (Markus 

Richter, l.) und Hugo (Martin 

Oberhauser, 2.v.l.) 

3. Die Mitglieder der Redaktion 

(v.l.: Elisabeth Blutsch, Markus 

Richter, Bernhard Viktorin, Denise 

Jastraunig) auf der Suche nach einer 

Idee, um die Zeitschrift TWIST zu 

retten 

Foto1: Peter Burgstaller 

Fotos 2+3: Wiener Metropol 


61


Ungebundenes Tanzfieber mit 

beeindruckender Cast auf Tour 

»Footloose« – Dancing Is Not a Crime! 

Abb. oben: 

Ren (Raphael Groß) und Ariel 

(Helena Lenn) lernen sich mit der 

Zeit besser kennen und lieben 

Foto: Nico Moser 

Footloose (Tour) 

Tom Snow / Dean Pitchford / Walter Bobbie 

Songs in englischer und deutscher Sprache 

Deutsch von Hauke Jensen 

Showslot 

Wiener Stadthalle Halle F Wien 


Regie ......................... Manuel Schmitt 

Musik. Leitung ........ Hans Tilman Rose 

Choreographie & Co-Regie .................. 

....................................... Timo Radünz 

Bühnenbild ....... Mara Lena Schönborn 

Kostümdesign .... Lukas Pirmin Wassmann 

Lichtdesign ........................... Phil Kong 

Sounddesign .................. Dennis Heise 

Ren McCormack ........... Raphael Groß 

Ariel Moore .................... Helena Lenn 

Shaw Moore ................. Ethan Freeman 

Shaw Moore Walk-in Cover ................. 

................................ Carl van Wegberg 

Vi Moore ......................... Kerstin Ibald 

Willard Hewitt .............. Martijn Smids 

Chuck Cranston / Cowboy Bob ............ 

.......................... Alexander Findewirth 

Rusty ............................ Manar Elsayed 

Urleen ....................... Antonia Crames 

Wendy Jo ................... Ronja Geburzky 


Felicitas Bauer, Niklas Bauer, 

Nicole Eckenigk, Dominik Müller, 

Kevin Lisske, Elke Podhradsky, 

Lukas Poischbeg, Anja Rüger, 

Ilias Sidi-Yacoub, Janneke Thomassen, 

Anjuschka Uher, Pieter van der Vegte 

Vierzig Jahre nach dem Kultfilm erobert »Footloose« 

als Musical die Bühnen in Österreich, 

Deutschland und der Schweiz. Nach dem Tourauftakt 

Ende Januar in Bremen feierte die Cast die Österreichpremiere 

am 6. Februar 2024 in der Wiener Stadthalle 

F. Die Show läuft noch bis in den Mai 2024. 

Die Story ist nicht sehr ergiebig, wie so oft bei 

bekannten Tanzfilmen bzw. Tanzmusicals der 70er 

und 80er Jahre, aber sie ist eigentlich auch nur nebensächlich, 

da es hier hauptsächlich nur um eines geht: 

Tanzen! Und da wird dem Publikum einiges geboten. 

Die Choreographien sind flott und abwechslungsreich 

und es gibt beeindruckende Ensemblenummern. Das 

Bühnenbild an sich ist eher spärlich, wie bei einer Tour 

üblich. Die sehr große Bühne in der Stadthalle wird 

von der Cast gut gefüllt und viele Stimmungen werden 

durch Drehen der Kulissen erzeugt, verbunden mit 

sehr gut abgestimmten Lichteffekten. 

Worum es in »Footloose« geht: Der Teenager 

Ren McCormack lebt mit seiner Familie in Chicago 

und genießt sein Leben mit Partys, Tanzen und 

seinen Freunden. Als sein Vater die Familie verlässt, 

entscheidet sich die Mutter, in die Kleinstadt 

Bomont zu ziehen, wo sie bei Verwandten unterkommen. 

Das Leben ändert sich sofort für Ren, 

denn hier herrschen andere Regeln: Rockmusik, 

Alkohol und Tanzen sind untersagt. Durchgesetzt 

hat das der Reverend der Stadt, Shaw Moore. Er 

zieht in der strenggläubigen Gemeinde die Fäden 

und bestimmt die Regeln nach seinen Vorstellungen. 

Doch Ren will und kann sich damit nicht abfinden, 

eckt immer wieder bei den Erwachsenen an, hat Probleme 

in der Schule und bei seinen Aushilfsjobs. Wie 

das Schicksal es will, trifft er rasch auf Ariel, die schöne 

Tochter des Reverends. Diese ist mit den Regeln 

ebenso unglücklich und ist mindestens so rebellisch 

wie Ren. Die Beiden finden zueinander, verlieben sich 

und kämpfen nun gemeinsam mit Ariels Girlstruppe 

und dem etwas seltsamen Einzelgänger Willard für 

ein freies und normales Teenagerleben. Hilfreich sind 

Rens Ausflüge mit Ariel und der ganzen Truppe nicht, 

um Reverend Moore von seiner Einstellung und den 

empfundenen Ungerechtigkeiten zu überzeugen. Ob es 

ihm dennoch gelingt, wird sich im Laufe des Abends 

erweisen… 

Die Leistung der Cast ist wirklich beeindruckend: 

Sie überzeugen nicht nur durch die perfekte Choreographie, 

sondern vor allem durch tolle darstellerische 

Leistungen und ausdruckstarke Stimmen. 

Jede noch so kleine Rolle ist stark besetzt und es 

macht Freude, ihnen zuzuschauen und zuzuhören. 

Was schon selten geworden ist: Durch die klare Verständlichkeit 

aller Darsteller können die eigentlich 

schwachen Dialoge stark gewinnen, so dass an diesem 

Abend einmal mehr der Wunsch übrigbleibt, dass man 

dies bitte bei allen deutschsprachigen Produktionen 

erleben möchte. Das Konzept der Show, nicht nur 

die Dialoge auf Deutsch (Hauke Jensen) zu sprechen, 

sondern auch die Lieder (mit Ausnahme der großen 

Hits wie ›Holding Out for a Hero‹, ›Almost Paradise‹, 

›Let’s Hear It for the Boy‹ und natürlich den Titelsong 

›Footloose‹) ebenfalls auf Deutsch zu singen, ist etwas 

irritierend, besonders, weil im Publikum die englischsprachigen 

Songs weitaus besser ankamen, wie deutlich 

am Beifall zu bemerken war. 

Die Hauptrollen sind besetzt mit Raphael Groß 

(Ren McCormack), Helena Lenn (Ariel Moore), Ethan 

Freeman (Reverend Shaw Moore) und Kerstin Ibald 

(Vi Moore). 

Raphael Groß spielt den rebellischen Ren authentisch 

und transportiert die vielen Gefühlslagen der 

Rolle gut durch seine Bühnenwirkung und Stimme, 

62 



sei es als unsicherer »Neuer« an der Schule, beim Eingehen 

auf seinen neuen Freund Willard oder in der 

langsam beginnenden Liebe zu Ariel. Besonders die 

Szene mit Reverend Moore nachts in der Küche, in der 

er schon aufgegeben hat, ist großes Kino. Man darf 

sich hoffentlich auf mehr große Rollen für ihn freuen. 

Helena Lenn trumpft in ihrer Rolle als Tochter des 

Reverends nicht nur durch ihre klare und kraftvolle 

Stimme auf, sondern auch durch lebendige und fröhliche 

Spielfreude. Beim ersten großen Song der Show, 

›Holding Out for a Hero‹, dreht sie so richtig auf und 

bringt mit der restlichen Cast das Publikum in Stimmung. 

Die Damen schauen dabei zwar ein wenig wie 

ein Kylie-Minogue-Lookalike in alten ABBA-Kostümen 

aus, haben aber eine irrsinnige Power, die man 

bei anderen Songs ein wenig vermisst. Lenn versteht es, 

die Jungs um den Finger zu wickeln, ohne dabei billig 

zu wirken, und man nimmt ihr die Rolle gerne ab und 

erfreut sich an der Vielfältigkeit im Umgang mit ihrem 

Vater, der Mutter und den Freunden. 

Ariels Eltern spiegeln souverän ein vom Leben 

gezeichnetes Ehepaar: Die Verbundenheit und das 

Auseinandergelebte, die perfekte Außenwirkung im 

Ort und das vom Schicksal gezeichnete Familienleben 

mit der rebellischen Tochter werden in den verschiedenen 

Szenen aufgezeigt und sehr gut umgesetzt. 

Ethan Freeman (Reverend Shaw Moore) ist eine tolle 

Besetzung. Die aufkommende Zerrissenheit erinnert 

ein wenig an seine Paraderolle als Jekyll / Hyde: die 

Überzeugung seiner Position auf der einen Seite 

und der langsam aufkommende Zweifel an seiner 

Meinung auf der anderen Seite. Und die letztliche 

(Achtung – Spoiler!) Kehrtwende unterstreicht er mit 

seiner bewusst gut eingesetzten Gestik und Mimik. 

Seine Gattin, Kerstin Ibald (Vi Moore), beeindruckt 

mit ihrer Ruhe und Sicherheit in der Stimme und dem 

Ausdruck ihrer Lieder. Als Ehefrau und Mutter muss 

sie stark sein, will sich aber auch nicht immer alles 

gefallen lassen und zeigt dies überzeugend auf. 

Aus der Cast sind noch besonders zu erwähnen: 

Martijn Smids (Willard Hewitt) mimt den auf der 

einen Seite schüchternen und dann doch selbstsicheren 

(dank der vielen guten Tipps seiner Mutter) Willard als 

eine Figur, die man einfach lieben muss. Ein Typ, der 

wie ein Außenseiter wirkt, aber vor den (vermeintlich?) 

starken Jungs kein Blatt vor den Mund nimmt. Er und 

Ren werden schnell zu einem guten Team und unterstützen 

sich gegenseitig. Rusty (Manar Elsayed) hat ihr 

Herz an Willard verloren und steht ihren Freundinnen 

immer zur Seite. Elsayeds Power in Ausdruck und 

Stimme machen Lust auf mehr! Gemeinsam mit Antonia 

Crames (Urleen) und Ronja Geburzky (Wendy Jo) 

gibt sie das Power-Trio an der Seite von Ariel. Alle drei 

jungen Darstellerinnen sind stimmlich stark und verbreiten 

gute Laune auf der Bühne. Ihre Lockerheit ist 

ein guter Gegenpart zur Schwere der Familie Moore. 

Sie haben mehrere Songs gemeinsam, neben ›Holding 

Out for a Hero‹ und ›Let’s Hear It for the Boy‹ haben 

sie auch ruhige Parts wie das immer wiederkehrende 

›Jemand schaut zu‹. Der Nachwuchs auf der Bühne 

scheint gerettet bei solch vielversprechenden jungen 

Talenten. 

Wer die Möglichkeit hat, sollte sich den Besuch bei 

»Footloose« nicht entgehen lassen. Wenn die eigentliche 

Story auch flach und alt ist, ist sie doch aktueller 

denn je: rebellische Frauen, die für ihre Rechte kämpfen 

und bereit sind, über Grenzen zu gehen. Dies alles 

gepaart mit jungen Talenten, rockiger Musik und viel 

Spielfreude bringt eine gute Unterhaltung. 


Abb. oben: 

Ren (Raphael Groß, vorne r.) und 

Willard Hewitt (Martijn Smids, 

vorne l.) freunden sich schnell an 

und halten zusammen 


1. Reverend Shaw Moore (Ethan 

Freeman, vorne) predigt der 

Kirchengemeinde (Ensemble) und 

schwört alle auf das Tanzverbot ein 

2. Ren (Raphael Groß, vorne) 

versucht, die Mitglieder der 

Gemeindesitzung zu überzeugen, 

dass die Regeln aufgeweicht werden, 

alle Jugendlichen (Ensemble) 

unterstützen ihn 

3. Ariel (Helena Lenn, Mitte) ist mit 

ihren Eltern (Kerstin Ibald, l., Ethan 

Freeman, r.) im ständigen Streit, da 

sie sich auch nicht an die von ihrem 

Vater auferlegten Regeln halten will 

4. Das Bühnenbild ist eher schlicht, 

aber durch die Lichteffekte sehr 

eindrucksvoll 

Fotos (5): Nico Moser 


63


Leben mit HIV 

»Rent« am Theater St. Gallen 

Abb. oben: 

›La Vie Bohème‹ – Mimi Marquez 

(Naomi Simmonds, 3.v.l.), Roger 

Davis (Dominik Hees, 4.v.l.), Mark 

Cohen (Thomas Hohler, Mitte), 

Angel Dumott Schunard (Gonzalo 

Campos López, 4.v.r), Tom Collins 

(Daniel Dodd-Ellis, 3.v.r.), Maureen 

Johnson (Jeannine Michèle 

Wacker, r.) und Ensemble 

Abb. unten: 

›Find ein Lied‹ – Roger Davis 

(Dominik Hees) 

Fotos (2): Edyta Dufaj 

Anfang der 1980er Jahre beobachten Ärzte in den 

USA die Ausbreitung einer seltenen Lungenentzündung, 

die von Pilzen ausgelöst wird, und des Kaposi- 

Sarkoms, einer aggressiven Hautkrebsart. Betroffen sind 

vor allem junge Männer, die zuvor gesund waren, was 

ungewöhnlich ist, da diese beiden schweren Krankheiten 

zuvor nur bei Schwerkranken mit geschwächtem 

Immunsystem auftraten. Der Name der neuen Infektionskrankheit 

ist AIDS, deren Ursache das 1983 entdeckte 

HI-Virus ist, das hauptsächlich durch Sperma 

bei ungeschütztem Sexualkontakt und Blut übertragen 

wird. Erst seit 1996 gibt es eine antiretrovirale Therapie, 

die lebenslang ist, da die HIV-Infektion nicht heilbar 

ist. Zuvor war AIDS weltweit die Haupttodesursache 

bei den 25- bis 44-Jährigen. Viele HIV-Infizierte werden 

bis heute im privaten und beruflichen Umfeld stigmatisiert, 

ausgegrenzt, obwohl Menschen mit HIV, die unter 

wirksamer Therapie sind und somit kein nachweisbares 

Virus im Blut haben, nicht ansteckend sind. 

Im 1996 in New York uraufgeführtem Musical 

»Rent« von Jonathan Larson (Buch, Musik, Liedtexte) 

wird der Alltag einer Gruppe verarmter Künstler:innen 

von HIV geprägt, ähnlich den Hauptfiguren in Puccinis 

»La Bohème«, die mit der damals unheilbaren Tuberkulose 

leben mussten. Jonathan Larson bezieht sich mit 

»Rent« auf diese Oper von Puccini, die 1896 in Turin 

uraufgeführt wurde. 

In der Mitte der dunklen Bühne im Theater St. Gallen 

steht ein Mikrofon, das von hellem Scheinwerferlicht 

beleuchtet wird. An dieses Mikrofon tritt Mark (Thomas 

Hohler), ein junger Filmemacher, mit einer Kamera 

in der Hand und erzählt, dass er in einer ärmlichen 

WG mit dem Ex-Junkie und Musiker Roger (Dominik 

Hees) lebt. Es ist Weihnachten, Mark filmt Roger beim 

Komponieren eines Songs, da er einen Dokumentarfilm 

über die Stadt drehen will. Zudem werden die Beiden 

von ihrem Ex-Mitbewohner Benny (Vikrant Subramanian), 

der dank seines Schwiegervaters zum Besitzer des 

Wohnblocks geworden ist, per Telefon ermahnt, die 

Miete zu zahlen, sonst droht der Rauswurf, da Benny 

plant, die Straße in ein Cyber-Kunststudio umzubauen. 

Jonathan Larson verortet den Spielort seines Musicals 

in die Gegend um den Tompkins Square Park, in der 

Alphabet City des East Village in Manhattan, einem 

schwul-lesbischen Szeneviertel mit Galerien und Clubs. 

Dieses Quartier wurde seit den 1980er Jahren gentrifiziert 

‒ ein Problem, das aktuell in vielen Städten zu 

erleben ist und zu Protesten der Betroffenen führt, wie 

der Regisseur Matthew Wild in seiner fesselnden Inszenierung 

klar aufzeigt. 

Zudem zeigt das wandelbare Bühnenbild von Paul 

Wills mal ein spärlich mit Möbeln vom Sperrmüll 

eingerichtetes Loft in einem heruntergekommenen 

Industrie-Betonbau, der ebenfalls in irgendeiner Stadt 

in Europa stehen könnte. Die Wände im Treppenhaus 

sind mit Graffitis verziert. Schnell kann das Bühnenbild 

zu einer Szenekneipe mit langen Tischen, Zelten eines 

Protestcamps oder einem Markt verändert werden. 

An der rechten und linken Bühnenseite entdeckt man 

Münztelefone, die das Publikum in eine Zeit ohne Handys 

entführen. Das originelle Kostümbild von Claudio 

Pohle weist die bunte Mode der 90er Jahre auf, die aktuell 

als Vintage Mode bei den jungen Leuten angesagt ist. 

Tom Collins (Daniel Dodd-Ellis) wird auf dem 

Weg in die WG überfallen, von der Dragqueen Angel 

(Gonzalo Campos López) gefunden und in die WG 

begleitet. Sie wissen beide, dass sie HIV-positiv sind, und 

verlieben sich ineinander. Sie zeigen ein harmonisches 

64 



Liebespaar, das die gemeinsame Zeit genießt. Doch das 

Glück wird im Laufe des Jahres überschattet vom akuten 

Ausbruch der Krankheit bei Angel. In einer kurzen, 

stillen, intensiven Szene nehmen sich die Männer in den 

Arm, als Angel Tom die dunklen Flecken des Kaposi- 

Syndroms auf seiner Brust zeigt. Der Schreck über diese 

Diagnose ist im Theatersaal spürbar. Ebenso schmerzhaft 

ist das Sterben von Angel im Krankenhaus in einer 

späteren Szene. Tom begleitet seinen Lebenspartner 

beim Sterben, muss mit diesem schweren Verlust klarkommen. 

In einer bewegenden Trauerfeier versuchen 

die Freundinnen und Freunde einerseits, den Tod von 

Angel zu verarbeiten, andererseits konfrontiert Angels 

Tod die HIV-Infizierten mit der brutalen Realität der 

Krankheit AIDS. 

Dominik Hees überzeugt in der Rolle des Roger, der 

die Trauer über den Tod der Partnerin bewältigen muss, 

sich deshalb anfänglich gegen die Beziehung zu der drogenabhängigen 

Tänzerin Mimi wehrt, die ihn sehr direkt 

versucht anzumachen. Naomi Simmonds gestaltet glaubwürdig 

die Rolle der lebenshungrigen, zerbrechlichen 

Mimi, die Halt im Leben sucht. Die meist rockige Musik, 

von der »Rent«-Band unter der musikalischen Leitung 

von Christoph Bönecker hervorragend präsentiert, verleiht 

der Trauer, Wut, Liebe der jungen Künstler:innen 

fassbaren Ausdruck. Duette wechseln mit lebendigen 

Ensembleszenen, die mit facettenreichen Choreographien 

von Louisa Talbot das Publikum begeistern. 

Thomas Hohler überzeugt als Filmemacher Mark, 

der wie sein Freund Roger versucht, als Künstler Anerkennung 

zu finden, um vom Beruf leben zu können. In 

diesen Momenten trägt das Musical autobiographische 

Züge, da Jonathan Larson (4. Februar 1960 – 25. Januar 

1996) ebenfalls diese Ziele hatte. Leider konnte er den 

Erfolg von »Rent« nicht mehr miterleben, da er am Vorabend 

der Premiere des Werkes an einer Aortendissektion 

verstarb. 

Kerry Jean überzeugt in der Rolle der tatkräftigen, 

organisierten Anwältin Joanne Jefferson und begeistert 

das Publikum mit ihrer souligen Stimme. Ebenso 

überzeugt Jeannine Michèle Wacker in der Rolle der 

schrillen Maureen Johnson, die als Performance-Künstlerin 

in der Kunstszene bestehen möchte. Maureens 

Protestaktion findet immensen Anklang. Benny nimmt 

Abstand von seinen Umbauplänen und finanziert sogar 

die Entziehungskur von Mimi, die jetzt eine Beziehung 

mit ihm hat. 

Weihnachten ein Jahr später: Mark will seinen 

Freunden den vollendeten Dokumentarfilm vorführen. 

Wenige Szenen sind als Schwarz-Weiß-Videosequenzen 

auf der Bühnenrückwand zu sehen. Mimi hat die Entziehungskur 

abgebrochen und ist zur großen Sorge von 

Roger spurlos verschwunden. Maureen und Joanne 

finden sie bewusstlos und unterkühlt im Park, bringen 

sie in die WG. Umringt von ihren bestürzten Freunden 

scheint Mimi in den Armen des verzweifelten Roger zu 

sterben. Doch plötzlich erwacht sie und berichtet ihren 

erleichterten Freunden von ihren Nahtoderfahrungen. 

In der packenden, intensiven, emotionalen Inszenierung 

von Matthew Wild am Theater St. Gallen lässt die 

starke Cast das Premierenpublikum tief in das Leben 

der in prekären finanziellen Verhältnissen lebenden New 

Yorker Künstlerbohème eintauchen. Zudem müssen sie 

sich mit den Konsequenzen der HIV-Infektion auseinandersetzen, 

die ihre Lebenssituation zusätzlich belastet. 

Trotzdem verlieren sie nicht die Freude am Leben, sondern 

versuchen aktiv, sich ihre beruflichen und privaten 

Träume zu erfüllen. 

Da einige Hauptrollen doppelt besetzt sind, empfiehlt 

sich ein Blick in den Spielplan. 

Martina Friedrich 

Rent 

Jonathan Larson / Billy Aronson 

Deutsch von Wolfgang Adenberg 

Theater St. Gallen – Großes Haus 


Regie ............................. Matthew Wild 

Musik. Leitung ....... Christoph Bönecker 

Arrangements .................. Steve Skinner 

Choreographie ................ Louisa Talbot 

Bühnenbild ........................... Paul Wills 

Kostüme ......................... Claudio Pohle 

Licht ................................. Tim Mitchell 

Video ................................. Reto Müller 

Ton ...................... Nicolai Gütter-Graf / 

Peter Szabo 

Mimi Marquez .......... Naomi Simmonds 

Roger Davis ................... Dominik Hees / 

Florian Minnerop 

Mark Cohen .................. Thomas Hohler 

Maureen Johnson ................................... 

....................... Jeannine Michèle Wacker 

Angel Dumott Schunard ......................... 

......................... Gonzalo Campos López 

Tom Collins ................ Daniel Dodd-Ellis 

Joanne Jefferson ................... Kerry Jean / 

Dionne Wudu 

Benjamin »Benny« Coffin III ................... 

............................... Vikrant Subramanian 

Pastor ................................ Gerd Achilles 

Polizistin / Dance Captain ....................... 

.......................................... Rachel Colley 


Lara de Toscano, Adrian Hochstrasser, 

Amaya Keller, Robert Lankester, 

Florian Minnerop, Jessica Rühle, 

Tobias Stemmer, Sander van Wissen, 

Tamara Wörner 

Abb. von links oben: 

1. ›Miete‹ – Mark Cohen (Thomas 

Hohler) und Roger Davis (Dominik 

Hees) 

2. Joanne Jefferson (Kerry Jean) 

telefoniert mit Maureen Johnson 

3. Maureen Johnsons (Jeannine 

Michèle Wacker) Performance 

Foto 1: Edyta Dufaj 

Fotos 2+3: Ludwig Olah 


65


Kampf um gesellschaftliche Anerkennung 

»La Cage aux Folles« am Stadttheater Bern 

Abb. oben: 

»Les Cagelles« (Ensemble) erzählen 

in der Revue die Geschichte ihrer 

sexuellen und politischen Befreiung 

Abb. unten: 

›Ich bin, was ich bin‹ – Zaza 

(Christoph Marti) 

Fotos (2): Rob Lewis 

La Cage aux Folles 

Jerry Herman / Harvey Fierstein 

Deutsch von Erika Gesell und Christian Severin 

Bühnen Bern 

Stadttheater Bern 


Regie ............................... Axel Ranisch 

Musik. Leitung ... Hans Christoph Bünger 

Choreographie ....................... Alex Frei 

Bühnenbild ....................... Falko Herold 

Kostüme ................................ Axel Aust 

Licht .................. Christian Aufderstroth 

Georges ............................. Tobias Bonn 

Albin/Zaza .................... Christoph Marti 

Jean-Michel ................... Wolfram Föppl 

Anne Dindon ................. Beatrice Reece 


Arne David, Arthur Büscher, 

Angela H. Fischer, Andreas Goebel, 

Sylvia Heckendorn, Sara Hidalgo, 

Fausto Israel, Silvia Maria Jung, 

Jan Henning Kraus, Denis Lakey, 

Laurent N’Diaye, Matthias Schuppli, 

Tom Zahner 

Statisterie der Bühnen Bern 

Unter der Regie von Axel Ranisch feierte das Musical 

»La Cage aux Folles« (Musik und Gesangstexte von 

Jerry Herman, Buch von Harvey Fierstein), ein popkultureller 

Meilenstein der queeren Bewegung, am 9. März 

2024 am Stadttheater Bern Premiere. Der Handlungsort 

ist ein stillgelegtes Gefängnis in Frankreich, in dem 

Homosexuelle inhaftiert waren, als Homosexualität unter 

Strafe stand. Nun nutzen die ehemaligen Gefangenen, 

Aktivistinnen und Aktivisten der Lesben- und Schwulenbewegung, 

die sich teilweise im Rentenalter befinden, 

die Räume für ihre allabendliche Revue, in der die »Les 

Cagelles« die Geschichte ihrer sexuellen und politischen 

Befreiung zeigen. Leiter des Clubs ist der charmante Conférencier 

Georges (Tobias Bonn), Mann von Albin. Der 

exaltierte Albin ist als Travestiekünstlerin Zaza (Christoph 

Marti) der Star des Nachtclubs. 

In der Berner Inszenierung können die Darstellenden 

in den Haupt- und Nebenrollen ihren Figuren die nötige 

Tiefe geben. Dadurch erlebt das Publikum vielfältige, 

vom Leben gezeichnete Charaktere auf der Bühne. Hinter 

den Gittern einer düsteren Gefängniszelle stehen und 

sitzen die Gefangenen. Plötzlich belebt sich die Szenerie, 

als Georges, verkleidet als Gefängnisdirektor, die »Les 

Cagelles« vorstellt: Ordensschwester Angelique (Arthur 

Büscher), Chantal, das Singvögelchen aus Avignon (Denis 

Lakey), die bittersüße Clo-Clo (Andreas Goebel), Stage 

Manager Francis (Tom Zahner), Hanna aus Hamburg 

(Angela H. Fischer), Mercedes, der heimliche Star (Matthias 

Schuppli), Nicole, »Nikkli« das Pferdemädchen 

(Arne David), Phädra, das Mysterium (Sara Hidalgo). Sie 

unterhalten allabendlich mit ihrer Revue das Publikum, 

leben hinter der Bühne ihr Leben mit allen Höhen und 

Tiefen, ebenso wie Georges und Albin. Die Beziehung des 

Paares gerät in die Krise, als der gemeinsame Ziehsohn 

Jean-Michel (Wolfram Föppl) ausgerechnet Anne (Beatrice 

Reece), die Tochter des homophoben, rechten Politikers 

Edouard Dindon (Jan Henning Kraus), heiraten will. 

Die Drehbühne, die schnelle Szenenwechsel ermöglicht 

(Bühne: Falko Herold), zeigt mal das mit modernen 

Stilmöbeln eingerichtete Loft von Albin und Georges, 

den vom Vollmond beleuchteten Platz einer Stadt oder 

die glitzernde Showbühne. Im Orchestergraben begleiten 

die Musiker:innen der Big Band des Berner Symphonieorchesters 

unter der musikalischen Leitung von Hans Christoph 

Bünger mit ins Ohr gehendem Big-Band-Sound die 

Cast. Die bunten, mal eleganten, mal schrillen Kostüme 

mit viel Pailletten und Latex wurden von Axel Aust entworfen. 

Alex Frei erarbeitete die Choreographien. Diese 

unterstreichen nicht nur wirkungsvoll die Gesangsszenen 

der Revue, sondern erzählen auch von den Demonstrationen 

der Aktivistinnen und Aktivisten der Lesben- und 

Schwulenbewegung, die, obwohl sie von der Polizei mit 

Schlagstöcken zusammengetrieben und verletzt werden, 

trotzdem weiter für ihre Rechte kämpfen. 

Die verschiedenen Lebensentwürfe der Eltern werden 

in Frage gestellt, als Jean-Michel seinen leiblichen 

Vater Georges bittet, für den angekündigten Besuch der 

zukünftigen Schwiegereltern nur für einen Abend eine 

bürgerliche Existenz vorzugaukeln, Albin auszuladen und 

stattdessen seine Mutter, die sich nie um ihn gekümmert 

hat, einzuladen. Diese Bitte bringt Georges in einen tiefen 

Konflikt, da er einerseits seinen Mann Albin verleugnen 

soll, andererseits seinem Sohn helfen möchte. Glaubhaft 

zeigen Tobias Bonn und Christoph Marti die Verletzlichkeit 

sowie innere Stärke der Figuren Georges und 

Albin, die besonders in der Christoph Martis emotionaler 

Interpretation des Songs ›Ich bin, was ich bin‹ Ausdruck 

findet. Außerdem klären Jean-Michel und Anne mit ihren 

Eltern verdrängte Konflikte, da Jean-Michel aufgrund 

der unkonventionellen Lebensweise seiner Eltern in der 

Schule gemobbt wurde, Anne die ultrakonservativen 

Werte ihres Vaters Edouard Dindon ablehnt, sich dagegen 

in ihrer Schwiegerfamilie geliebt und toleriert fühlt. 

Die unterhaltsame, humorvolle, tiefgehende Inszenierung 

von Axel Ranisch sowie die großartigen schauspielerischen 

und gesanglichen Leistungen der Darsteller:innen 

begeistern das Premierenpublikum. Zugleich ist die 

Inszenierung ein Plädoyer für mehr Toleranz in der 

Gesellschaft und die Akzeptanz unterschiedlicher Lebensentwürfe. 


66 



Die Emanzipation der Frau mit Herz und Schmerz 

»Die Farbe Lila« im Kino 

Das mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete, gleichnamige 

Buch von Alice Walker aus dem Jahr 1982 

verfilmte Steven Spielberg 1985 mit Whoopi Goldberg 

in der Rolle der Afroamerikanerin Celie, die von 

ihrem Stiefvater als Ehefrau an einen Farmer verkauft 

wird, von dem sie Unterdrückung, Misshandlung und 

Demütigung erfährt. »Die Farbe Lila« wurde zu einem 

Grundpfeiler der Kultur, insbesondere der Schwarzen. 

Brenda Russell, Allee Willis und Stephen Bray adaptierten 

den Roman sowie dessen Filmversion 2005 für 

die Bühne. Das für elf Tony Awards nominierte Bühnenstück 

lief u. a. mehrere Jahre am Broadway. 

Seit dem 8. Februar ist die von Oprah Winfrey, 

Steven Spielberg, Scott Sanders und Quincy Jones produzierte 

Neuinterpretation der klassischen Geschichte 

von Liebe und Widerstandskraft im Kino zu erleben. 

Im Jahr 1909 herrscht an der Georgia Coast friedliche 

Landidylle. Das Leben ist hart für die Bewohner 

der Kleinstadt, doch sind sie mit dem zufrieden, was 

sie haben. Auch die Schwestern Celie (Phylicia Pearl 

Mpasi) und Nettie (Halle Bailey) leben ein einfaches 

Leben unter der strengen Hand ihres Vaters Alfonso 

(Deon Cole), der nach dem Tod seiner Frau alleine für 

die Töchter verantwortlich ist. Trotz der Umstände 

bewahren sie sich ihre Lebensfreude: ›Huckleberry 

Pie‹. Die Jahre vergehen und Nettie träumt davon, 

Lehrerin zu werden. Celie hingegen, die zum zweiten 

Mal schwanger ist, darf als alleinstehende Frau in der 

Obhut ihres Vaters keine Ansprüche stellen. Während 

des Gottesdienstes soll sie Buße tun wie alle anderen: 

›Mysterious Ways‹. Doch insgeheim freut sie sich auf 

ihr Kind. Als ihr Sohn, den sie Adam tauft, wenig 

später geboren wird, hofft sie, ihn behalten zu dürfen. 

Doch ihr Vater bringt den Bastard zu Gott, wie bereits 

ihre Tochter, die sie auf die gleiche Weise verlor. Sie 

trauert ihren Kindern nach, besitzt jedoch das Gottvertrauen, 

eines Tages wieder mit ihnen vereint zu 

sein, während sie im Laden ihres Vaters schuftet. Ihre 

Hoffnung scheint sich zu bestätigen, als sie ein kleines 

Mädchen im Laden als ihres wiedererkennt: ›She Be 

Mine‹. 

Derweil wird Nettie auf ihrem Heimweg von der 

Schule von einem Mann begleitet, der ihr seine Aufwartung 

macht. Nettie wehrt die Werbung des um 

Jahre älteren Mannes, der von allen Mister genannt 

wird, ab. Doch Mister (Colman Domingo) hält dennoch 

bei Netties Vater um deren Hand an. Der Witwer 

sucht eine Frau, die seine Kinder aufzieht und den 

Haushalt führt, während er die Farm bewirtschaftet. 

Alfonso verweigert ihm Netties Hand, bietet ihm 

jedoch Celie an, die in seinen Augen zu hässlich ist, 

um sie gewinnbringend verheiraten zu können. Celie 

muss sich ihrem Schicksal fügen. Als Misters neue Frau 

muss sie das heruntergekommene Haus in Schuss halten, 

die drei Kinder aufziehen und den Beischlaf über 

sich ergehen lassen. Sie bemüht sich, Misters Anforderungen 

gerecht zu werden, trotzdem straft er sie täglich 

mit Schlägen und Tritten. Als Nettie eines Tages vor 

ihrer Tür steht und um Unterschlupf bittet, weil sie 

ihrem zornigen Vater alleine nicht mehr gewachsen ist, 

gewährt Mister ihr diesen. Glücklich sind die Schwestern 

wieder vereint: ›Keep It Movin‹. Sie teilen sich die 

Hausarbeit und verbringen ihre wenige Freizeit zusammen. 

Mister findet noch immer Gefallen an Nettie und 

versucht eines Nachts, ihre Dankbarkeit für die Unterkunft 

einzufordern. Als sie sich gegen seine Annäherung 

zur Wehr setzt, schmeißt er sie im strömenden 

Regen vor die Tür. Die Schwestern schwören sich, 

immer in Kontakt zu bleiben, bis Mister Celie wieder 

ins Haus ruft und seinen Frust an ihr auslässt: ›Lily of 

the Field.‹ Die Jahre vergehen und Celie (nun Fantasia 

Barrino) hofft auf ein Lebenszeichen ihrer Schwester, 

nicht ahnend, dass ihr Mann deren Briefe abfängt und 

vor ihr versteckt. 

Abb. oben: 

Celie (Fantasia Barrino) 

umschwärmt die erfolgreiche Shug 

Avery (Taraji P. Henson): 

›Dear God – Shug‹ 

Foto: Warner Bros. Entertainment Inc. 

Die Farbe Lila 

The Color Purple 

Warner Bros. 

USA 2023 

Release: 8. Februar 2024 

FSK 12 

Länge: 141 min 

Regie .......................... Blitz Bazawule 

Drehbuch .................. Marcus Gardley 

Idee ................................ Alice Walker 

Stage Play ................. Marsha Norman 

Kamera .......................... Dan Laustsen 

Filmschnitt .............................. Jon Poll 

Score & Songs.............. Brenda Russell, 

Allee Willis, Stephen Bray 

Musik ............................... Kris Bowers 

Musik Supervision ....... Jordan Carroll, 

Morgan Rhodes 

Choreographie .......... Fatima Robinson 

Produktionsdesign ............................... 

............................. Paul D. Austerberry 

Kostüme ............................................... 

................. Francine Jamison-Tanchuck 

Produktion ............... Steven Spielberg, 

Oprah Winfrey, Scott Sanders 

Junge Celie ......... Phylicia Pearl Mpasi 

Celie .......................... Fantasia Barrino 

Junge Nettie ..................... Halle Bailey 

Nettie ......................................... Ciara 

Shug Avery ............... Taraji P. Henson 

Sofia .......................... Danielle Brooks 

Mister ..................... Colman Domingo 

Harpo ......................... Corey Hawkins 

Alfonso .............................. Deon Cole 

und weitere 


67



1. Mister (Colman Domingo) hat das 

Sagen auf der Farm 

2. Celie (Phylicia Pearl Mpasi) und 

Nettie (Halle Bailey) sind wieder 

glücklich vereint 

3. Celie (Fantasia Barrino, Mitte) ist 

endlich angekommen in IHREM Leben; 

Shug Avery (Taraji P. Henson, r.) und 

Sofia (Danielle Brooks, l.) unterstützen 

sie in ihrem Geschäft: ›Miss 

Celie’s Pants‹ 

4. Celie (Fantasia Barrino, l.) und Shug 

Avery (Taraji P. Henson , r.) werden 

enge Freundinnen: ›What About Love?‹ 

Fotos (4): Warner Bros. Entertainment Inc. 

Die Kinder sind erwachsen geworden. Sohn Harpo 

(Corey Hawkins) hat sich in die resolute Sofia (Danielle 

Brooks) verliebt, die sich selbstbewusst Mister und 

Celie als ihre zukünftige Schwiegertochter vorstellt. 

Mister ist gegen die Beziehung mit der bereits Schwangeren. 

Er versucht Harpo zur Besinnung zu bringen. 

Doch Harpo will seinen eigenen Weg gehen und baut 

für sich und seine Liebste ein Haus: ›Workin‹. Sofia 

übernimmt das Ruder in der Ehe und gibt den Ton an, 

was Celie imponiert. Nachdem Sofia ihr Kind zur Welt 

gebracht hat, gibt sie dieses in Harpos Obhut, weil sie 

sich nicht als Mutter ans Haus binden will. Harpo 

hofft, dass er nach der Heirat das Sagen hat, doch 

Sofia stellt klar, dass sie sich ihr ganzes Leben gegen 

die Männer ihrer Familie zur Wehr setzen musste und 

selbst über ihr Dasein bestimmt: ›Hell No!‹ 

Celie bewundert Sofias Mut, den sie selbst nicht 

aufbringen kann, um den Missbrauch durch ihren 

Mann zu beenden. Sie selbst gibt Harpo den Rat, 

Sofia zu schlagen, um sich Gehör zu verschaffen, als 

dieser von seinem Vater für seine widerspenstige Frau 

verhöhnt wird. Doch ist es Sofia, die die Rollen tauscht 

und Harpo gegenüber handgreiflich wird. 

Als die erfolgreiche Sängerin Shug Avery (Taraji 

P. Henson) 1922 einen Besuch in ihrer Heimatstadt 

ankündigt, herrscht große Aufregung: ›Shug Avery‹. 

Die Männer umschwärmen sie, während die Frauen 

sie als Vorbild verehren. Besonders Mister, der sie einst 

heiraten wollte, bevor sie die Stadt für ihre Karriere 

verließ, ist voller Vorfreude. Als sie eintrifft, trägt er 

sie auf Händen und lädt sie in sein Haus ein. Celie 

fügt sich den Wünschen ihres Mannes und umsorgt 

die Sängerin, die ihrer Alkoholsucht zu erliegen droht. 

Auch Celie fühlt sich in der Nähe von Shug betört 

(›Dear God – Shug‹). Während die Diva wieder zu 

Kräften kommt, erkennt sie, wie sehr Celie unter Mister 

zu leiden hat, und nimmt sich ihrer an. 

Derweil gehen Harpo und Sofia getrennte Wege. 

Während er mit seiner neuen Freundin einen Jazzclub 

eröffnet, hat Sofia einen neuen Mann an ihrer Seite. 

Die Eröffnung des Clubs ist dank Shugs Auftritt ein 

großer Erfolg: ›Push Da Button‹. Doch der Abend 

endet in einem Eifersuchtsdrama, als sich Harpo und 

Sofia auf der Tanzfläche wieder annähern. 

Shugs Rückkehr nach Memphis steht bevor und sie 

bietet Celie an, mit ihr zu gehen. Doch Celie hadert 

und bleibt aus Pflichtgefühl zurück. Als sie durch 

Zufall zusammen mit Shug die unterschlagenen Briefe 

ihrer Schwester entdeckt, erfährt sie endlich, dass ihre 

Schwester mit einem Pfarrerspaar auf Mission gegangen 

ist und sich um ganz besondere Kinder kümmern 

darf. 

Shug kehrt mit ihrem Ehemann in die Heimat 

zurück, was Mister schockiert. Als er sein wahres 

Gesicht zeigt und die Hand gegen Celie erhebt, 

setzt sich Shug für sie ein. Sie nimmt Celie mit nach 

Memphis, wo sie ein neues Leben beginnt. Erst der 

Tod ihres Vaters holt sie als gestärkte Frau zurück in 

die Heimatstadt. Sie erfährt das Geheimnis um ihre 

Familie und übernimmt als rechtmäßige Erbin den 

68 



Laden. Zusammen mit Sofia und Shug gründet sie ein 

florierendes Geschäft: ›Miss Celie’s Pants‹. Das Glück 

ist fast perfekt (›I’m Here‹), nur ihre Schwester Nettie 

fehlt an ihrer Seite. 

Mister, der in der Einsamkeit Schicksalsschläge 

verkraften musste, ist zur Besinnung gekommen. Als 

er 1947 die Chance bekommt, einen Teil von dem, was 

er verschuldet hat, wieder gutzumachen, verkauft er 

sein Land und nutzt das Geld, um Nettie (jetzt Ciara) 

wieder in die Heimat zu holen. Endlich vereint, ist 

das Glück perfekt: ›Maybe God Is Tryin’ to Tell You 

Somethin‹/ ›The Color Purple‹. 

Blitz Bazawule, der als Co-Regisseur bei Beyoncés 

Musikfilm »Black Is King« mitwirkte, führt nach 

einem Drehbuch von Marcus Gardley (»The Maid«) 

Regie. Gardleys Drehbuch basiert auf dem gleichnamigen 

Roman von Alice Walker sowie dem Musical 

und dem Buch des Broadwaystücks aus der Feder von 

Marsha Norman, mit Musik und Texten von Brenda 

Russell, Allee Willis und Stephan Bray. Produktionsdesigner 

Paul Denham Austerberry (»The Shape of Water« / 

»Das Flüstern des Wassers«) fängt das Mississippi im 

Zeitraum von 1909 bis 1947 authentisch ein. Auch 

die Kostüme von Francine Jamison-Tanchuck (»One 

Night in Miami«) wirken wie aus einem Guss und sind 

dem Lauf der Zeit angepasst. Von schlichten Arbeitskleidern 

auf der Farm bis hin zu Spitzenkleidern für 

den Gottesdienst und Celies modernen Hosenschnitten 

spiegeln sie die Emanzipation der Frau wider, stets 

auch untermalt von der einzigartigen Musik, kompo- 

niert von Kris Bowers (»Green Book«), der das Leid 

Celies trotz aller Dramatik immer mit einem Hauch 

von Hoffnung und Gottvertrauen anklingen lässt. Die 

Unterschiede zwischen Mann und Frau werden des 

Öfteren durch die Choreographie von Fatima Robinson 

(»Dreamgirls«) spürbar. 

Getragen wird der Film von Fantasia Barrino, die 

in ihrem Kinofilmdebüt ihre Rolle aus dem Broadway-Musical 

von 2005 verkörpert. Sie brilliert mit 

Stimmkraft und Schauspiel zwischen verängstigter, 

unterdrückter Frau sowie erfolgreicher Geschäftsfrau 

und liebender Christin, die im Gottvertrauen zu Hoffnung 

und Liebe im Stande ist, wobei sie diese selbst 

nicht erfahren hat. An ihrer Seite glänzt Danielle 

Brooks als emanzipierte Sofia, die für diese Rolle am 

Broadway für den Tony nominiert wurde. Mit Taraji 

P. Henson als Shug Avery, die zwischen den Welten 

der Kleinstadt und des Ruhms wandelt, ist das Trio 

komplettiert. Die Frauen bilden eine starke Einheit, 

deren Schauspiel harmoniert und deren Stimmen zu 

einer zusammenwachsen. 

»Die Farbe Lila« geht zu Herzen und berührt von 

der ersten bis zur letzten Minute. Der Zuschauer leidet 

mit Celie und wächst mit ihr über die Kräfte und den 

Glauben hinaus, um am Ende versöhnt zu werden für 

all den Schmerz, den sie ertragen musste. Ein wunderschöner, 

schauspielerisch meisterhafter und musikalisch 

einzigartiger Film, den man nach dem Abspann 

sofort noch einmal sehen möchte. 

Sandy Kolbuch 


1. Celie (Fantasia Barrino, l.) 

bewundert Shug Avery (Taraji P. 

Henson, r.) für ihren Lebensstil 

2. Sofia (Danielle Brooks, Mitte) 

bringt den Frauen bei, sich nicht 

von den Männern unterdrücken zu 

lassen: ›Hell No!‹ 

3. Mister (Colman Domingo) hofft, 

mit seinem Song Eindruck zu 

machen: ›Mister/Nettie‹ 

4. Celie (Phylicia Pearl Mpasi) und 

Nettie (Halle Bailey) genießen ein 

glückliches Leben: ›Huckleberry Pie‹ 

Fotos (4): Warner Bros. Entertainment Inc. 


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Im Rausch des Showbusiness’ 

Revival von »Merrily We Roll Along« am Broadway 

(v.l.): Gussies Manager (Reg Rogers), Franklins erste Frau (Katie Rose Clarke), Franklin Shepard (Jonathan Groff), 

Charley Kringas (Daniel Radcliffe) und Mary Flynn (Lindsay Mendez) feiern ihren ersten Broadway-Hit: ›It’s a Hit‹ 

Foto: Matthew Murphy 

Merrily We Roll Along 

Stephen Sondheim / George Furth 

Hudson Theatre New York 

Broadway-Revival: 9. Oktober 2023 

Direction ................... Maria Friedman 

Music Direction ................... Joel Fram 

Orchestration ............. Jonathan Tunick 

Music Supervision ...... Catherine Jayes 

Choreography .................. Tim Jackson 

Scenic & Costume Design .................... 

.................................... Soutra Gilmour 

Hair & Wig Design ...... Cookie Jordan 

Lighting Design .................................... 

.......................... Amith Chandrashaker 

Sound Design ................... Kai Harada 

Charley Kringas .......... Daniel Radcliffe 

Franklin Shepard .......... Jonathan Groff 

Mary Flynn ............... Lindsay Mendez 

Gussie Carnegie ...... Krystal Joy Brown 

Beth Shepard .......... Katie Rose Clarke 

Joe Josephson ................... Reg Rogers 

Scotty / Mrs Spencer ..... Sherz Aletaha 

Mimi from Paramount ....... Maya Boyd 

Claudia / Newscaster ........................... 

........................ Leana Rae Concepcion 

Tyler ................................ Corey Mach 

Meg Kincaid .... Talia Simone Robinson 

In weiteren Rollen 

Morgan Kirner, Ken Krugman, 

Amanda Rose, Jamila Sabares-Klemm, 

Brian Sears, Evan Alexander Smith, 

Christian Strange, Koray Tarhan, 

Vishal Vaidya, Natalie Wachen, 

Jacob Keith Watson 

Vierzig Jahre nach seiner nicht so erfolgreichen 

(manche würden sagen desaströsen) Broadway- 

Premiere im Jahre 1981 – es schloss nach 44 Previews 

und 16 Vorstellungen – hat Stephen Sondheims »Merrily 

We Roll Along« mit seinem aktuellen Broadway- 

Revival jetzt seinen vollen dramatischen Ausdruck 

gefunden und bewegt sich vom reinen Kult-Status 

endlich zu seinem angestammten Platz im Kanon der 

Werke Sondheims. Der lange Weg der Show zurück 

zum Broadway war mit Umwegen verbunden; über 

Jahrzehnte wechselten sich verschiedene Konzertversionen, 

Off-Broadway- und regionale Produktionen 

darin ab, einen erzählerischen Sinn in eine Story zu 

bringen, die von hinten nach vorne die Geschichte 

von drei Freunden erzählt, die ihren Weg durch ihre 

Karrieren und konfliktbeladenen Beziehungen finden 

müssen. 

Dieses Revival nun hat seine Wurzeln in einer 

Produktion, die Maria Friedman 2012 an The Menier 

Chocolate Factory in London inszenierte. 2013 folgte 

der Transfer ans West End. Die Produktion lief später 

auch in Tokio und hatte dann eine begrenzte Spielzeit 

am Huntington Theatre in Boston. Schließlich landete 

die Show Ende 2022 mit ihrer aktuellen – und 

besten – Besetzung in New York an einem der renommiertesten 

Off-Broadway-Theater, dem New York 

Theatre Workshop. 

Basierend auf einem Schauspiel aus dem Jahr 1934 

des Autorenteams George K. Kaufman und Moss Hart 

eröffnet Buchautor George Furth (der auch Sondheims 

»Company« geschrieben hat) »Merrily« anno 1976 mit 

einer eleganten Malibu Beach Cocktail Party, ausgerichtet 

von dem reichen und berühmten Liedermacher 

Franklin Shepherd (ultimativ gespielt von Theater-, 

Fernseh- und Filmstar Jonathan Groff), der inzwischen 

als Filmproduzent arbeitet. Sein Ego ist außer Kontrolle 

geraten, genauso wie die Ehe mit seiner zweiten Frau, 

dem früheren Broadway-Musical-Star Gussie Carnegie 

(Krystal Joy Brown). Ein Hausgast ist die älteste 

Freundin aus Franks frühen New Yorker Tagen, Mary 

Flynn (eine hervorragende Lyndsay Mendez), damals 

eine angehende Romanautorin, inzwischen Theaterkritikerin. 

Ihre vom Alkohol beflügelte heftige Abneigung 

gilt der Oberflächlichkeit von Franks Filmprojekten; 

seine Fassade bröckelt, als ein Gast erwähnt, dass sein 

früherer bester Freund und Arbeitspartner Charley 

Kingras (ein intonationssicherer Daniel Radcliffe), mit 

dem er sich entzweit hat, gerade einen Pulitzer-Preis 

gewonnen hat. Das Buch von Furth erzählt in der 

Rückschau von der Auflösung der gemeinsamen Werte 

von Frank, Charley und Mary, die sie hatten, als sie 

sich 1957 in New York als um Anerkennung ringende 

Autoren trafen. 

Der Schlüssel zum lange überfälligen Erfolg von 

»Merrily« ist zweifacher Art: unfehlbare Besetzung 

der Charaktere und präzises Verstehen der Charaktere 

auf Seiten der Regie. Beides ist miteinander verbunden. 

So wie sich die Geschichte in der Rückschau in 

den Händen von Regisseurin Friedman entfaltet, ist 

es offensichtlich, dass Frank, Mary und Charley ihre 

eigentlichen Persönlichkeiten nicht wirklich verändern. 

Stattdessen wird durch äußere Umstände und 

persönliche Entscheidungen bestimmt, welcher Teil 

ihrer Persönlichkeit sich durchsetzt; dieser Version 

gelingt es zum ersten Mal, jede bedeutsame Wendung 

in Furths originalem Buch klar herauszuarbeiten. 

Im Fall von Frank ist sein Ehrgeiz der dominierende 

Charakterzug. Sein Antrieb ist allgegenwärtig, selbst, 

als er noch ein naiver junger Mann ist, und die Entscheidungen, 

die er trifft – bei seiner Ehe und seiner 

70 



Scheidung, in seinem Verhältnis (oder Mangel eines 

solchen) zu Charley und Mary ‒, führen ihn zu kommerziellem 

Erfolg und persönlichem Versagen. Groff, 

mit seinem offenherzigen Gesichtsausdruck, verbirgt 

geschickt Franks Besessenheit von Erfolg um jeden 

Preis. 

In ähnlicher Weise macht Charley, charmant 

gespielt als zerstreuter Professor von Daniel Radcliffe, 

seine Entscheidungen deutlich: Er verlässt die künstlerische 

Partnerschaft mit Frank, weil seine Definition 

von Erfolg präziser ist. Er wird von tiefen intellektuellen 

Überzeugungen angetrieben und verliert zwar 

seinen besten Freund, aber er realisiert seinen Traum 

von künstlerischer Autorität und Unabhängigkeit. 

Was Mary betrifft, so trägt sie ihr ganzes Leben 

lang die Last ihrer unerwiderten Gefühle – eigentlich 

sogar Liebe – zu Frank. Ihre taffe, sarkastische Attitüde 

verbirgt eine verletzliche emotionale Seele. Sie versucht 

in dem Verhältnis von Frank und Charley zu vermitteln, 

aber am Ende bleibt sie allein zurück. 

Die weisen Regieentscheidungen von Regisseurin 

Friedman schließen den Verzicht auf den unbeholfenen 

Song des Schulklassentreffens ein, der bei der Originalversion 

am Anfang und Ende der Show stand (und 

der seitdem in den Folgeversionen bereits weggelassen 

wurde). Vom Showbusiness inspirierte Bühnenbilder 

und der Spielepoche angemessene Kostüme von Soutra 

Gilmour funktionieren hervorragend. 

Mit den wunderbaren Orchestrierungen des unvergleichlichen 

Jonathan Tunick, der schon das Original 

orchestrierte, klang Sondheims Partitur niemals besser. 

Genauso gut funktionieren die Liedtexte, um die 

Charaktere zu entwickeln. Die Ouvertüre, aufgeblasen 

und blechlastig, spielt auf den Rausch des Showbusiness’ 

an, hat aber auch genügend Dissonanzen, um die 

dunkle Kehrseite einer Karriere im kreativen Bereich 

anzudeuten. 

Die flotte, fast fröhliche Nummer ›Old Friends‹ feiert 

nicht nur die ursprüngliche Freundschaft des Trios, 

sondern dient auch als Erinnerung an vergangene Tage. 

Charleys Song ›Franklin Shepard Inc.‹ – eine Tour de 

Force für jeden Darsteller – hebt die Differenzen zwischen 

Charley und Franklin besser hervor, als es jeder 

Dialog könnte. Die wehmütige Ballade ›Growing Up‹, 

von Sondheim Jahre später für eine regionale Produktion 

der Show hinzugefügt, die von Gussie gesungen 

wird (dem Broadway-Sternchen, für das Franklin seine 

Ehe verlässt), stellt die Werte, zwischen denen Franklin 

sich entscheidet, ironisch auf den Kopf. 

Sinnbildlich für das Thema von »Merrily« beginnt 

›Good Thing Going‹ als süßes kleines Duett, das 

Charleys und Franklins Salattage beschreibt, aber dann 

erlaubt Franklin, von Gussie verführt, dass es eine extravagante 

Shownummer in ihrem nächsten Broadwaystück 

wird. Marys ›Charley‹ ist ihre tief empfundene 

Klage um die Vergangenheit. Das schmerzliche 

›Not a Day Goes By‹ wird ironischerweise von Franklins 

erster Frau gesungen, obwohl es doch eigentlich 

Marys Liebeslied ist, für die Franklin als romantischer 

Partner immer außerhalb ihrer Reichweite lag. 

Das Finale, ›Our Time‹, sticht jedes Mal ins Herz. 

Das Trio trifft sich 1957 zum ersten Mal auf dem Dach 

ihrer Wohnung in Brooklyn. Mit großen erstaunten 

Augen sehen sie den Sputnik-Satelliten am Nachthimmel. 

Überzeugt, dass die Zukunft ihnen gehören wird, 

verkünden sie: »Wir sind die, die etwas bewegen und 

etwas formen. Wir sind die, deren Namen morgen in 

der Zeitung stehen werden. Es ist an uns, es ihnen zu 

zeigen.« Ihre Fröhlichkeit wird von den tatsächlichen 

Entscheidungen, die sie in der Zukunft treffen werden, 

nur zu bald widerlegt. 

Dan Dwyer 

Dt. v. Merit Murray 


1. (v.l.): Mary Flynn (Lindsay Mendez), 

Franklin Shepard (Jonathan 

Groff) und Charley Kringas (Daniel 

Radcliffe) im Finale (zu der Zeit, als 

sie sich kennenlernten): ›Our Time‹ 

2. (v.l.): Charley (Daniel Radcliffe) 

und Franklin (Jonathan Groff) 

geraten in einem Live-Fernsehinterview 

aneinander, wo Charley 

ihn als »Firma Franklin Shepard« 

abkanzelt, rechts Moderatorin KT 

(Natalie Wachen) 

3. (v.l.): Gussies Manager (Reg 

Rogers, 2.v.r.) und Gussie (Krystal 

Joy Brown, r.) überzeugen das 

Liedermacher-Team Charley 

(Daniel Radcliffe, l.) und Franklin 

(Jonathan Groff, 2.v.l.), ihre Musik 

zu kommerzialisieren 

4. Gussie Carnegie (Krystal 

Joy Brown, l.) verführt Franklin 

(Jonathan Groff, r.) dazu, seinem 

geschäftlichen Ehrgeiz zu folgen 

Fotos (4): Matthew Murphy 


71


Hollywoodmärchen neu aufgelegt 

»Pretty Woman: The Musical« (Tour) am Wimbledon Theatre 

Abb. oben: 

Happy End von Vivian (Amber Davies, 

Mitte l.) und Edward (Oliver Savile, 

Mitte r. mit Ensemble) 

Foto: Marc Brenner 

Pretty Woman: 

The Musical (UK-Tour) 

Bryan Adams / Jim Vallance / 

Garry Marshall / J.F. Lawton 

New Wimbledon Theatre London 


Regie & Choreographie....Jerry Mitchell 

Musikalische Leitung, 

Arrangement & 

Orchestration ............... Will Van Dyke 

Bühnenbild.................. David Rockwell 

Kostüme .............................Tom Rogers 

Lichtdesign..................Kenneth Posner / 

Philip S. Rosenberg 

Sounddesign .....................John Shivers 

Vivian Ward ..................... Amber Davies 

Edward Lewis ..................... Oliver Savile 

Happy Man / Mr Thompson .... Ore Oduba 

Kit De Luca ........................ Natalie Paris 

Philip Stuckey ........................ Ben Darcy 

David Morse .................... Chomba Taulo 

Alfredo................... Josh Damer-Jennings 

Giulio .............................. Noah Harrison 


Becky Anderson, Rebekah Bryant, 

Andrew Davison, Lila Falce-Bass, 

Sydnie Hocknell, Elly Jay, 

Rachael Kendall Brown, 

Michael Kholwadia, Joshua Lear 

(Dance Captain), Stuart Maciver, 

Victoria Rachael McCabe, 

Eleanor Morrison-Halliday, LJ Neilson, 

Annell Odartey, Curtis Patrick, 

Elliot David Parkes, Toby Shellard 

Der Film »Pretty Woman« war 1990 ein Überraschungserfolg 

und die Schauspieler Julia Roberts 

und Richard Gere haben sich mit ihren Figuren in die 

Herzen der Zuschauer gespielt. Entsprechend sind die 

Erwartungen groß, dem auf der Musicalbühne gerecht 

zu werden. Was kann die Musik zusätzlich liefern? Was 

muss für die Bühne angepasst werden? Was liefert die 

Bühnenfassung Neues zu der Geschichte: Prostituierte 

trifft reichen Geschäftsmann, sie verlieben sich und es 

gibt ein Happy End. 

Der auf der Bühne entstehende Hollywood Boulevard 

wird zum Pflaster der Träume. Vergessene, in 

einer Ecke des Herzens längst verkümmerte Träume 

holt der Happy Man (Ore Oduba) mit dem rockigpoppigen 

›Welcome to Hollywood‹ wieder hervor. 

Gerade in dem von Kleinkriminalität durchzogenen 

Abschnitt des Hollywood Boulevards sind Träume ein 

Lebenselixier. So versammeln sich alle in dem Feel- 

Good-Musical auf der Straße, um in Jerry Mitchells 

energiegeladener Choreographie das Leben von seiner 

lebenswerten Seite zu zeigen. 

Die Musik von Bryan Adams und seinem langjährigen 

Arbeitspartner Jim Vallance gibt die Richtung 

vor: Rock und Pop dominieren, die Geschichte 

spielt immerhin 1990. Musikalisch kristallisiert sich 

schnell heraus, dass Vivians (Amber Davies) Träume 

daraus bestehen, aus ihrer Lage herauszukommen: 

Prostituierte zu sein entspricht ihr nicht. Sie ist auf der 

Suche nach einem Platz im Leben, der zu ihr passt. Ihr 

melancholisches ›Anywhere But Here‹ bringt dies zum 

Ausdruck. Ihre weiteren Songs sind Variationen dieses 

Themas, was die musikalische Behandlung ihrer Figur 

eher einseitig macht. Auch die Texte sind nicht sonderlich 

inspiriert: »I look around and what I see is that I 

don’t belong here. This isn’t me.« 

Dem Mieten-Eintreiber gerade mal entkommen 

stiefelt Vivian nun den Hollywood Boulevard entlang, 

wo der Geschäftsmann Edward (Oliver Savile) auf dem 

Weg zum noblen Regent Beverly Wilshire Hotel orientierungslos 

Halt macht, zumal er auch mit dem flotten 

Wagen seines Anwalts völlig überfordert ist. Vivian, 

geschäftstüchtig, schafft in beiden Angelegenheiten 

Abhilfe. Fasziniert von ihrem natürlichen, selbstbewussten 

und unprätentiösen Wesen entscheidet er sich 

spontan, sie für die Nacht zu »mieten«. Seine Ballade 

›Something About Her‹ gibt, verpackt in einfallslosen 

Worten, das wieder, was der Zuschauer längst weiß: Er 

ist von ihr angetan. Edwards musikalische Perspektive 

beschränkt sich primär darauf, dass er sich in sie 

verliebt. Das wird in ›You’re Beautiful‹ abermals aufgegriffen, 

was wenig überzeugt. Rückblick auf den Film: 

Waren dort Edwards Faszination mit Vivian und sein 

Handeln glaubwürdig? Der Film ist für Unausgesprochenes 

das dankbarere Medium. Es sind seine Blicke, 

die verraten, dass er neugierig auf sie ist – zumal er eh 

kein Mann vieler Worte ist. Außerdem: Vivian für eine 

ganze Woche zu engagieren, ist auch geschäftlich motiviert. 

Er hat in der Stadt etwas abzuwickeln und eine 

schöne Frau an seiner Seite könnte ihm dabei helfen. 

Etwas Abwechslung in den Klangfarben bietet 

›On a Night Like Tonight‹. Mit seinen lateinamerikanischen 

Rhythmen und seiner romantischen Stimmung 

rutscht man allerdings im Geiste durch den 

Musicaltunnel in ein anderes Stück, nämlich zu ›On 

This Night of a Thousand Stars‹ aus »Evita«. Dennoch 

gehört diese Nummer zu den Highlights der Show, da 

verschiedene Aspekte geschickt zusammenkommen. 

Vivian steht der erste Abend in feiner Gesellschaft 

bevor, an dem sie sich an Edwards Seite bewähren 

muss. Tanzen wird erwartet. Anders als im Film, wo sie 

sich durch allerlei Besteck für die verschiedenen Gänge 

navigieren muss, geht es hier darum, auf dem Parkett 

Haltung zu zeigen, das ist schließlich viel bühnenwirksamer. 

Das Besondere ist, dass Oduba, der zuvor den 

72 



Happy Man verkörperte, nun auch den Hotelmanager 

Mr Thompson spielt und »zufällig« ein begnadeter 

Tänzer ist. Die Figur ist sehr viel besser herausgearbeitet 

als im Film und gibt Oduba die Chance, nicht nur 

mit seinem schauspielerischen Können zu brillieren, 

sondern auch mit seinem tänzerischen. Fans der Samstagabend-TV-Talent-Show 

»Strictly Come Dancing« 

kennen ihn bereits, da er dort als Gewinner hervorging. 

Seine Talente werden hier also bestens eingesetzt. 

Sein Spaß an der Sache verbreitet sich im ganzen Theater. 

Man sieht, wie sein Herz aufgeht, als er Vivian die 

korrekten Schritte zeigt. Zu Hilfe kommt ihm dabei 

der Hotelpage (Noah Harrison). So tanzen sie zeitweilig 

zu dritt, was eine liebenswerte Referenz an »Dirty 

Dancing« ist. Mitchells Choreographie anzuschauen ist 

eine Freude. Dem romantisch-musikalischen Ausflug 

nach Lateinamerika folgt ein Ausflug in die Swing-Ära. 

In dem Club, in dem Edward seinen Geschäftspartner 

trifft, fordert die Sängerin mitreißend zu ›Don’t Forget 

to Dance‹ auf. Bevor es auf die Tanzfläche geht, 

wird Edwards Geschäft eingeführt: der Kauf bzw. die 

Auflösung einer Werft. Das klingt langweilig und distanziert, 

so war es im Film. Doch die Autoren Garry 

Marshall, der damals beim Film Regie führte, und J.F. 

Lawton, der das Drehbuch dazu schrieb, bringen mit 

einem kleinen Zusatz Leben in die Angelegenheit: Es 

geht um eine Werft, die Kreuzfahrtschiffe herstellt, so 

wie das »Love Boat«, kommentiert Vivian. Das Schiff 

war in den 1970er-Jahren Spielort einer beliebten amerikanischen 

TV-Serie. Dies ist ein cleveres Detail, da 

es wieder um Träume und Liebe geht. Aus praktischer 

Sicht illustriert die Szene auch, wie leicht Vivian gute 

Beziehungen knüpfen kann und damit Wärme in 

heikle Geschäftssituationen bringt. Unter Mitchells 

Leitung – er führt auch Regie – bietet das Musical 

viele kleine inszenatorische, vor allem humorvolle 

Details, die die Produktion bereichern. Dazu gehört 

der Hotelpage, der am Morgen schnell reagieren muss, 

als Edwards Anwalt (Ben Darcy) in Edwards Suite hineinspaziert 

und unversehens sämtliche Spuren beseitigt 

werden müssen, die auf Vivian hinweisen. Hier sind 

die Beziehungen zwischen den Figuren, wie Vivian und 

Mr Thompson, der im Film eher kühl daherkommt, 

feiner ausgearbeitet. Die Neuinterpretation der Nebenfiguren 

kommt der Geschichte zugute. Vivians Freundin 

Kit (Natalie Paris), die sich ebenfalls auf der Straße 

verdingt, hat nun Ambitionen, eine Karriere bei der 

Polizei zu machen. Edwards Anwalt Philip ist jünger 

als im Film und damit ein ganz anderer unangenehmer 

Typ. Die Besetzung bricht auch Klischees auf: Nicht 

alle sind weiß. So ist es erfrischend, Chomba Taulo als 

Werft-Besitzer David Morse zu sehen, den Edward am 

Ende unterstützt. 

Zwar dreht sich die Story um Amber Davies als 

Vivian und Oliver Savile als Edward, aber zwischen 

ihnen fehlt die Spannung. Ihre zudem platten Songs 

und deren bekannte Geschichte lassen einen eher 

unberührt. Viel spannender ist Ore Oduba, der mit 

seinem Charme und verschiedenen Rollen immer wieder 

überrascht. Er bildet quasi die dritte Hauptfigur 

und macht den Reiz der Show aus. Eingebettet ist diese 

in die farbenfrohe und stilvolle Ausstattung von David 

Rockwell (Bühnenbild) und Tom Rogers (Kostüme) 

nach dem originalen Broadway-Design von Gregg 

Barnes. 

Insgesamt bietet die Show einen unterhaltsamen 

Musicalabend. Wer sich jedoch nach einer Romanze 

sehnt, sollte auf den Film zurückgreifen. 

Sabine Schereck 

Abb. oben: 

Der liebenswerte Page Giulio (Noah 

Harrison) im Beverly Wilshire Hotel 


1. Vivian (Amber Davies) am 

Hollywood Boulevard auf der Suche 

nach Freiern 

2. Happy Man (Ore Oduba, mit 

Ensemble) sorgt am Hollywood 

Boulevard für gute Laune 

3. Mr Thompson (Ore Oduba mit 

Ensemble) in der Nummer ›On a 

Night Like Tonight‹ 

Fotos (4): Marc Brenner 


73

anno... 1974 

Was war anno… 1974 

Wir schauen zurück in die Musicalgeschichte 

»Mack & Mabel« im Majestic Theatre, 1974 

Foto: Glasshouse Images / Alamy Stock Photo 

Erstaunlich wenig große Musicals hat das Jahr 1974 

herausgebracht, nichtsdestotrotz hat sich der Blick in 

das Archiv einmal mehr gelohnt. Daher Ihnen viel 

Spaß mit dem Jahr 1974. 

Let My People Come 

8. Januar, The Village Gate Off-Broadway 

Ein Musical der besonderen Art wurde 1974 am 

Off-Broadway uraufgeführt, ging den Umweg 

über London, um schließlich 1976 an den Broadway 

zu kommen – dort durfte es allerdings nie 

offiziell öffnen, sämtliche 108 Vorstellungen 

wurden als Previews gespielt. Das Musical von 

Earl Wilson, Jr und Phil Oesterman bekam eine 

Nominierung bei den Grammy Awards für 

»Bestes Cast Album«. Das Stück enthält u. a. 

Songs mit den klangvollen Namen: ›Come in 

My Mouth‹, ›Fellatio 101‹ und ›The Cunnilingus 

Champion of Company C‹. Wilson hat sich von 

der Broadway-Show distanziert, nachdem sie ihm 

als zu vulgär erschien. An anderen Orten lief sie 

sehr erfolgreich, am längsten am Grendel´s Lair 

Cabaret Theatre in Philadelphia mit über zehn 

Jahren Spielzeit. 

Over Here! 

6. März, Shubert Theatre Broadway 

Das finanziell erfolgreichste Musical des Jahres 

1974 stammt von Richard M. und Robert B. Sherman, 

das Buch wurde von Will Holt geschrieben. 

Die Fortsetzung des Weltkriegsmusicals »Victory 

Canteen« wurde in Summe 354 Mal am Broadway 

aufgeführt und brachte viele spätere Stars 

hervor: u. a. The Andrews Sisters, John Travolta, 

Treat Williams, Samuel E. Wright und Ann 

Reinking. Dass die Produktion so abrupt endete, 

lag mitnichten an der Auslastung, vielmehr kam 

es zu Streitereien zwischen den Andrews Sisters 

und den Produzenten, die sich gegenseitig Geldgier 

vorwarfen. Trotz des großen Erfolges im 

Jahr 1974, den vier Tony Award-Nominierungen 

sowie einem gewonnen Tony Award konnte das 

Stück später keine erfolgreichen Spielzeiten mehr 

verzeichnen, erst 2020 wurde eine Off-Broadway- 

Produktion mit vier Nominierungen bei den 

Broadway World Awards bedacht. 

Billy 

1. Mai, Theatre Royal Drury Lane 

Ein großer Erfolg für Michael Crawford war 

das Musical »Billy« von Dick Clement, Ian La 

Frenais, John Barry und Don Black. Das Stück 

spielte am Theatre Royal Drury Lane 904 Vorstellungen. 

Zur Cast gehörten auch Bryan Pringle, 

Billy Boyle und Elaine Paige. 

The Magic Show 

28. Mai, Cort Theatre New York 

Eins der ersten Musicals von Komponist Stephen 

Schwartz (Buch Bob Randall) kam 1974 

an den Broadway und es war sicherlich eins der 

ungewöhnlichsten, denn der Star der Show, Zauberer 

Doug Henning, konnte weder tanzen noch 

singen. Bereits im Vorjahr gab es das Stück in 

Toronto, allerdings mit einem völlig anderen Kreativteam. 

Produzent Ivan Reitman ließ für New 

York alles neu schreiben und erhielt als Dank für 

den mutigen Schritt die Belohnung in Form von 

zwei Tony-Award-Nominierungen sowie 1.920 

gespielten Vorstellungen. 

Mack & Mabel 

6. Oktober 1974, Majestic Theatre Broadway 

Bis zu seinem Lebensende galt »Mack & Mabel« als 

eines der Lieblingsstücke von Jerry Herman – und 

dies, obwohl er ganz sicherlich auch eine seiner größten 

Enttäuschungen damit verbinden musste: Nach 

der Uraufführung am 6. Oktober 1974 im Majestic 

Theatre am Broadway wurde das Stück nach gerade 

einmal 66 Vorstellungen (und 6 Previews) bereits 

wieder abgesetzt. Dennoch erhielt es acht Tony- 

Award-Nominierungen; während allerdings Autor 

Michael Stewart nominiert wurde, erhielt Herman 

selbst keine Nominierung. Am Broadway spielte 

die junge Bernadette Peters an der Seite von Robert 

Preston die Hauptrolle. Nach einer deutlichen 

Buchüberarbeitung, inklusive der Veränderung des 

Endes, konnte das Stück in England Fuß fassen, am 

West End lief es 1995 270 Mal. 

Das Jahr der Beatles 

Sowohl am Off-Broadway als auch in Liverpool 

gab es je ein Musical über The Beatles. Am Off- 

Broadway spielte »Sgt. Pepper´s Lonely Hearts 

Club Band on the Road« für 66 Vorstellungen ‒ 

das Stück von Robin Wagner und Tom O‘Horgan 

hatte insbesondere den Segen von John Lennon, der 

mehrfach bei den Proben dabei war. Einige Jahre 

später war es Basis für die Entwicklung des Films 

»Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band«, in dem 

u. a. Peter Frampton, The Bee Gees, Steve Martin, 

Aerosmith, Alice Cooper und Earth, Wind & Fire 

sowie Billy Preston mitspielten. 

In Liverpool kam hingegen »John, Paul, George, 

Ringo … and Bert« zur Uraufführung. Es lief acht 

Wochen lang im Everyman Theatre, bevor es dann 

74 


anno... 1974 

im Sommer nach London ins Lyric Theatre wechselte, 

dort über ein Jahr lief und sogar als »Bestes 

Musical« von 1974 ausgezeichnet wurde. Anders als 

Besuchern und Kritikern gefiel George Harrison das 

Stück hingegen gar nicht, er verließ die Londoner 

Premiere und entzog dem Stück sogar die Rechte 

an dem Song ›Here Comes the Sun‹, so dass dieser 

mit ›Good Day Sunshine‹ ersetzt werden musste. 

Auch Paul McCartney mochte das Stück nicht und 

verhinderte eine Verfilmung. 

Dear Worthy Editor 

New Rochelle, New York 

»Dear Worthy Editor« gilt mit als Alan Menkens 

erstes Stück und half ihm, sich das Studium am 

College in New York zu finanzieren. Das Buch, 

basierend auf einer jüdischen Kolumne einer 

Tageszeitung, wurde von Menkens Mutter Judy 

geschrieben. 

Spannende Ur- und Erstaufführungen im 

deutschsprachigen Raum: 

De schönste Mann von de Reeperbahn 

6. Januar, Ohnsorg-Theater Hamburg 

Charly Niessen (Musik) 

Heinz Wunderlich und Walter Rothenburg (Text) 

Eine umjubelte Uraufführung auf Plattdeutsch bot 

das Ohnsorg-Theater in Hamburg: Die damaligen 

Stars Jürgen Pooch, Edgar Bessen, Heidi Kabel und 

Heidi Mahler spielten und sangen sich in der Boulevardkomödie 

in die Herzen der Zuschauer. 

Fanny Hill 

25. Januar, Raimund Theater Wien 

Paul Kuhn (Musik) 

Günther Schwenn (Text) 

Pippin 

10. Februar, Theater an der Wien, Wien 

Stephen Schwartz (Musik und Texte) 

Roger O. Hirson (Buch) 

Das Stück von Stephen Schwartz und Roger O. Hirson 

erlebte in der deutschen Übersetzung von Robert 

Gilbert am 10. Februar 1974 in Wien die deutschsprachige 

Erstaufführung. Erst über 20 Jahre später 

fand das Stück, dank des Theaters Pforzheim, auch 

den Weg auf die deutschen Bühnen. 

Man liest kein fremdes Tagebuch 

19. April, Metropol-Theater Berlin 

Conny Odd (Musik) 

Maurycy Janowski (Text) 

Rendezvous in Theben 

21. April, Schleswig-Holsteinisches 

Landestheater Schleswig 

Immo Kroneberg (Musik & Liedtexte) 

Friedrich Bremer & Nanna Reiter (Buch) 

Candid 

02. Juni, Volkstheater Rostock 

Hermann Thieme (Musik) 

Marcel Valmy (Texte) 

Während Leonard Bernsteins »Candide« bereits 

Erfolge feierte, wurde in der DDR »Candid« mit 

Musik von Hermann Thieme am 2. Juni 1974 am 

Theater Rostock uraufgeführt. So wie das amerikanische 

Vorbild auch hielt sich das Stück mit den 

Texten von Marcel Valmy sehr eng an die Vorlage 

Voltaires. 

Die Prinzessin auf der Erbse 

13. Juni, Theater Greiz 

Joachim-Dietrich Link (Musik) 

Friedrich Schmidt-Behrens (Texte) 

Terzett 

15. Juni, Musikalische Komödie Leipzig 

Gerd Natschinski (Musik) 

Jürgen Degenhardt (Liedtexte) 

Helmut Bez und Jürgen Degenhardt (Buch) 

Poker mit Dame 

8. September, Kleine Komödie im 

Bayerischen Hof, München 

Charly Niessen (Musik & Liedtexte) 

Andreas Rosgony (Buch) 

Auf glattem Parkett 

27. September, Theater Plauen 

Manfred Nitschke (Musik) 

Heinz Hall (Text) 

Vor der Tür ein Auto 

3. Oktober, Elbe-Elster-Theater Wittenberg 

Klaus Hofmann (Musik) 

Günther Liebenberg (Text) 

Seidenstrümpfe 

5. Oktober, Landestheater, Linz 

Cole Porter (Musik & Liedtexte) 

George S. Kaufmann, Laureen MacGrath, Abe 

Burrows (Buch) 

Das Landestheater Linz machte bereits 1974 auf sich 

aufmerksam, indem es die deutschsprachige Erstaufführung 

des Broadwayerfolges »Silk Stockings« 

auf die Bühne brachte. Das Stück wurde von Wilfried 

Steiner übersetzt und dann, ein Jahr später, am 

Staatstheater Kassel auch erstmalig in Deutschland 

gespielt. 

Letzter Ausweg Heirat 

9. Oktober, Staatsoperette Dresden 

Hans Kunze (Musik) 

Ursula Damm-Wendler & Horst Ulrich Wendler 

(Buch) 

Moral 

26. Oktober, Musiktheater im Revier, Gelsenkirchen 

Franz Grothe (Musik) 

Günther Schwenn (Buch & Liedtexte) 

Ludwig Thomas Roman »Moral« wurde von Günther 

Schwenn und Franz Grothe zu einem Musical 

umgearbeitet und dieses durchaus erfolgreich. Nach 

der Uraufführung am 26. Oktober 1974 wurde es 

auch in der Schweiz in St. Gallen sowie in der DDR 

gespielt. 

Fiktiver Report über ein amerikanisches 

Pop-Festival 

6. Oktober, Friedrichstadt-Palast Berlin 

Gábor Presser (Musik) 

Anna Adamis (Liedtexte) 

Sándor Pós (Buch) 

Aus dem Ungarischen von Hans Skirecki 

Nachdichtung der Liedtexte von Wolfgang Tilgner 

Gigi 

24. Oktober, Theater an der Wien, Wien 

Frederick Loewe (Musik) 

Alan Jay Lerner (Buch & Liedtexte) 

Das Stück von Frederick Loewe und Alan Jay Lerner 

feierte in der Übersetzung von Robert Gilbert 1974 

am Theater an der Wien seine deutschsprachige 

Erstaufführung. Auf der Bühne standen damals 

große Stars, allen voran Johannes Heesters und 

Christiane Rücker, die beide auch knapp zwei Jahre 

später am Theater des Westens in Berlin die deutsche 

Erstaufführung spielten. 

Karneval in San Catarina 

10. Dezember, Stadttheater Freiberg 

Alexej Fried (Musik) 

Tibor Sedin (Buch & Liedtexte) 

Frau Warrens Gewerbe 

23. Dezember, Theater am Dom, Köln 

Charles Kálmán (Musik & Liedtexte) 

Peter Goldbaum (Buch) 

nach dem Schauspiel »Mrs Warren’s Profession« 

von George Bernard Shaw 

Sabine Haydn 

Quellen: musicallexikon.eu / wikipedia.com / broadway. 

com / playbill.com 

Johannes Heesters spielte 1974 in der 

deutschsprachigen Erstaufführung von 

»Gigi« am Theater an der Wien 

Foto: United Archives GmbH / Alamy Stock Photo 


Abgeschminkt 

Ich finde, es ist eine moralische Verpflichtung 

Peter Scholz über seine vielfältigen Charity-Aktionen 

der Show zu halten, ging es richtig los. Seit 

Corona übernimmt das Vorderhaus das 

Halten der Spendenboxen. Die Einnahmen 

pro Show sind aber gleichgeblieben. 

Tolle Sache. Pro Show über 1.000 Euro. Da 

kommt ganz schön was zusammen. 

blimu: Ein besonderes Highlight war auch 

›Der fünfte Stern‹-WM-Song, der Musicalfans 

mit der Fußballwelt verbunden hat und 

unglaublich viel Aufmerksamkeit bekommen 

hat. Wie kam es damals dazu und wie 

haben Sie die Zeit rundherum empfunden? 

PSCH: Das war ein Spaßprojekt, das leider 

wegen des sehr frühen Ausscheidens der 

deutschen Nationalmannschaft nicht wirklich 

eine lange Wirkungsdauer hatte. Aber 

immerhin durfte ich einen Playbackauftritt 

vor dem Brandenburger Tor hinlegen. Ein 

schöner Spaß zwischendurch. 

blimu: Woher nehmen Sie die Kraft und Energie 

für Ihren wirklich intensiven Arbeitsalltag 

und diese Projekte? 

PSCH: Manchmal fehlt die Kraft, aber die 

Projekte zwingen einen ja weiterzumachen. 

Wir haben ja Verantwortung für unsere 

Künstler. Wenn ich dann die strahlenden 

Gesichter im Foyer sehe, weiß ich immer, 

wofür wir das machen. Es bedeutet den Menschen 

sehr viel. Interessanterweise werde ich 

auch zunehmend im Foyer angesprochen und 

kann damit direkt erspüren, was unsere Arbeit 

in den Leuten auslöst. Eine tolle Energie. 

blimu: Was führt Sie zu der Entscheidung, 

ein Charity-Projekt zu unterstützen? 

Foto: Christian Tech 

blickpunkt musical: Lieber Herr Scholz, Sie 

sind ein sehr umtriebiger Mensch, neben 

dem Musicalsommer Fulda und all den 

organisatorischen Aufgaben dafür stehen 

Sie selbst regelmäßig als Musiker auf der 

Bühne, sind Familienvater und vor allem 

seit vielen Jahren häufig Organisator von 

verschiedenen Charity-Aktionen. Können 

Sie uns kurz einen Überblick geben, was es 

da in den letzten Jahren alles gab? 

Peter Scholz: Angefangen haben wir im 

Jahr 2007. Da spielten wir »Elisabeth – Die 

Legende einer Heiligen« in Eisenach und 

irgendwie dachte ich, wir stellen jetzt mal 

eine Spendenbox ins Foyer und machen 

nach der Show einen Spendenaufruf für 

die José-Carreras-Leukämie-Stiftung... Das 

hatte noch nicht so toll funktioniert, erst 

als sich dann Darsteller selber bereit erklärt 

hatten, im Kostüm die Spendenboxen nach 

PSCH: Es ist eigentlich eine moralische 

Verpflichtung, wie ich finde. Wer ins Theater 

gehen kann, ist außerordentlich privilegiert. 

Es gibt so viele Menschen, die das 

nicht können. Entweder weil sie krank, alt, 

alleinerziehend, kinderreich oder schlicht zu 

arm sind. Wer sonst sollte was für die Menschen 

abgeben, die nicht dabei sein können? 

Da die Künstler nach jeder Show in Fulda 

eine Durchsage machen und der Darsteller 

sich das auch alles merken muss, können wir 

nicht jeden Tag für etwas anderes sammeln. 

Wir machen das meistens wochenweise und 

ich entscheide dann vor der Spielzeit, wer 

dabei sein kann. Das ist am Ende eine subjektive 

Entscheidung. Meistens kenne ich 

die Leute von den Organisationen persönlich, 

das schafft natürlich Vertrauen. Bei der 

76 


Abgeschminkt 

José-Carreras-Gala sind wir zum Beispiel 

der größte Spender überhaupt. Das macht 

uns auch ein bisschen stolz. Unsere 100.000 

Euro-Spende an die Deutsche Palliativstiftung 

in Jahr 2011 hat deren Arbeit erst 

richtig angeschoben. Heute ist das Thema 

etabliert. 

blimu: In den vielen Jahren – was war der / 

waren die berührendste(n) Moment(e) für 

Sie im Rahmen dieser Charity-Aktionen? 

PSCH: Ich war sehr oft bei der Carreras- 

Gala als Gast. Dort die Geschichten 

der Betroffenen live zu erleben hat mich 

mehrfach zum Weinen gebracht. Es ist ein 

unfassbares Leid und es ist so entscheidend, 

dass über Stiftungen geholfen wird, 

da unser Gesundheitssystem, aus welchen 

Gründen auch immer, nicht immer alles 

tun kann, was getan werden könnte. 

blimu: Sind bereits in näherer oder weiterer 

Zukunft Projekte / Konzerte oder ähnliches 

geplant, die man sich im Terminkalender 

notieren sollte? 

PSCH: Nun ja, in Fulda sammeln wir ja in 

jeder Show fleißig weiter. Mein Ziel im Jahr 

2007 war, eine Million Euro einzusammeln. 

Jetzt knacken wir bald die 2 Millionen und 

es gibt eigentlich kein Ziel mehr, außer weiter 

zu sammeln. Mal sehen, wieviel es am 

Ende wird. Wenn wir richtig Glück haben, 

vielleicht 5 Millionen? Wer weiß! 

blimu: Wenn unsere Leser Sie jetzt unterstützen 

möchten, wie können sie dies am 

besten tun? 

PSCH: Das Beste ist, ins Schlosstheater zu 

kommen und danach etwas zu spenden. 

In Fulda sind die Tickets ja deutlich 

günstiger als anderswo und da sollte doch 

der eine oder andere Euro zum Spenden 

übrigbleiben. 


Wie alles begann: Im Premierenjahr von 

»Elisabeth – Legende einer Heiligen« 2007 in 

Eisenach rief erstmals Jesse Garon (Walther 

von der Vogelweide) das Publikum nach 

der Show zu Spenden für die José-Carreras- 

Leukämie-Stiftung auf 

Foto: Merit Murray 

Fotos (6): spotlight musicals 

Übergabe an die Organisation von 

»Tour der Hoffnung« 2023 

Scheckübergabe an das Hospiz des 

Malteser Hilfsdienstes 2023 

Scheckübergabe an José Carreras 

für seine Stiftung 2009 

Übergabe an die Organisation von 

»Tour der Hoffnung« 2017 

Scheckübergabe mit Chris de 

Burgh (2.v.r.) für »Schule machen 

ohne Gewalt« 2022 

Scheckübergabe an José Carreras 

für seine Stiftung 2016 


Mit Unterstützung von sound of music 

Einspielungen 

Einspielungen 

zusammengestellt von Mario Stork 

Die Cast von »Harmony« v.l.n.r.: Blake Roman, Steven Telsey, Zal Owen, Danny Kornfeld, Eric Peters und Sean Bell 

Foto: Julieta Cervantes 

Harmony 

Original Broadway Cast 2023 

Weit mehr als ein Vierteljahrhundert arbeiteten 

Barry Manilow (Musik) und Bruce Sussman 

(Buch und Songtexte) an ihrem (nach 

»Copacabana«) zweiten Musical. Seit der ersten 

Aufführung in San Diego 1997 erlebte die 

Show diverse Inkarnationen, bis sie 2022 endlich 

New York erreichte. Die von Presse und 

Publikum gefeierte Inszenierung im Museum 

of Jewish Heritage wurde im Oktober 2023 

an den Broadway transferiert, musste dort 

aber bereits Anfang Februar wieder schließen. 

Bedauerlich, denn kaum ein aktuelles Musical 

scheint so in diese Zeit zu passen… 

»Harmony« erzählt die wahre Geschichte 

der »Comedian Harmonists«. Im ersten 

Akt erleben wir die Gesangsgruppe auf dem 

Höhepunkt ihrer internationalen Karriere, 

beginnend mit ihrem USA-Debüt in der 

Carnegie Hall. Im zweiten Akt zerstören 

die Repressionen der nationalsozialistischen 

Regierung zunehmend das, was die sechs 

Musiker erreicht und aufgebaut haben, bis 

das Ensemble schließlich per Dekret von oben 

aufgelöst wird und den jüdischen Mitgliedern 

nur noch die Flucht bleibt… 

Im Gegensatz zu diversen auch hierzulande 

gespielten Theaterstücken, die dieselben 

historischen Fakten mit Originalliedern der 

»Comedian Harmonists« garnieren, schrieben 

Sussman und Manilow eine komplett 

eigenständige Partitur. Erwartungsgemäß 

gibt es natürlich ein paar wenige Nummern, 

die die Gruppe bei Auftritten zeigen und sich 

stilistisch an den Stil des Ensembles samt 

Close-Harmony-Gesang anlehnen wie z.B. 

›Harmony‹. Diese wirken aber eher wie ein 

weichgespülter Abglanz der Originale, ohne 

deren oft widerborstigen Charme zu erreichen. 

Zu großer Form laufen die Songwriter 

hingegen in den abseits der Konzertbühne 

spielenden Nummern auf. Barry Manilow 

demonstriert hier seine gesamte Bandbreite 

als Komponist. Zwar klingen gelegentlich 

die Soft-Pop-Sounds und Latin-Rhythmen 

durch, die man mit ihm assoziiert (›We’re 

Goin’ Loco!‹). Die wahre Stärke dieses Scores 

liegt aber in den Charaktersongs und handlungsgetriebenen 

Stücken, bei denen der 

Komponist immer wieder das »Golden Age« 

des Broadway-Musicals heraufbeschwört, 

jüdische Folklore, Märsche und Walzer 

ebenso einbindet wie Klassik-Zitate und sich 

auch nicht scheut, mit düster dräuenden Klängen 

die zunehmend dramatischer werdende 

Story zu illustrieren. Zu den vielen Highlights 

zählen Songs wie ›This Is Our Time‹, 

›The Wedding‹, ›Home/Threnody (Part 1)‹, 

›In This World‹ oder ›Stars in the Night‹. 

Als Bonustrack gibt es übrigens auch noch 

ein von Barry Manilow selbst eingesungenes 

Demo zum hübschen, aus der Show gestrichenen 

Song ›Where Does the Time Go?‹. Mit 

exzellent ausgeführtem Satzgesang und eindringlichen 

Charakterisierungen bestechen 

die Darsteller der »Comedian Harmonists«, 

allen voran Broadway-Legende Chip Zien, der 

als »Rabbi« Josef Roman Cycowski in Rückblenden 

durch die Handlung führt und mit 

›Threnody‹ einen der packendsten Songs auf 

dem Album gestaltet. Gemeinsam mit Danny 

Kornfeld (Young Rabbi), Sean Bell (Robert 

Biberti), Zal Owen (Harry Frommermann), 

Eric Peters (Erich Collin), Blake Roman 

(Erwin »Chopin« Bootz) und Steven Telsey 

(Ari Leshnikoff) erzählt er die Geschichte 

dieser durch rechtsradikale Ideologie zerstörten 

Karrieren und Leben. Sierra Boggess 

(Mary) und Julie Benko (Ruth) flankieren sie 

in den größeren weiblichen Rollen und teilen 

sich das traurige, aber wunderschöne Duett 

›Where You Go‹. John O’Neill dirigiert das 

33-köpfige (!) Orchester, das in der farbenreichen 

Orchestrierung von Doug Walter 

besonders durch seine große Streichergruppe 

besticht. »Harmony« präsentiert sich so als 

»klassisches« Musical mit nostalgischem 

Flair und einer zugleich brandaktuellen Botschaft. 

Hoffentlich steht ihm trotz des frühen 

Broadway-Aus eine Zukunft auf den Bühnen 

der Welt bevor – diese Geschichte und diese 

Lieder sollten gehört werden. 

Fazit: Ein brillantes, bewegendes neues 

Musical – unbedingt reinhören! 

17 Titel 

65 min 

Digipack mit 32-seitigem 

Booklet mit 

Credits, Liner Notes, 

Songtexten und Fotos 

Sondheim’s Old Friends 

Concert Cast 2022 

»Side by Side by Sondheim«, »Putting It Together«, 

»Sondheim on Sondheim« – die Zahl von 

Revuen und Tribute-Programmen zu Stephen 

Sondheims Werk war schon zu dessen Lebzeiten 

stattlich. Am 3. Mai 2022, rund ein halbes Jahr 

nach dem Tod des gefeierten Komponisten und 

78 


Einspielungen 

Texters, fand im Londoner Sondheim Theatre 

ein Galakonzert mit beeindruckender Starbesetzung 

statt. Namhafte Sondheim-Alumni wie 

(ohne Anspruch auf Vollständigkeit) Michael 

Ball, Helena Bonham Carter, Judi Dench, 

Maria Friedman, Bernadette Peters, Imelda 

Staunton u.v.a. gaben sich mit aktuellen (und 

jüngeren) West-End-Profis das Mikro in die 

Hand, anmoderiert von niemand Geringerem 

als Impresario Cameron Mackintosh persönlich. 

Das als einmaliges Event geplante Konzert lief 

im Herbst 2023 schließlich, mit verschlankter, 

aber nach wie vor illustrer Besetzung, 16 

Wochen lang im Gielgud Theatre. Der Livemitschnitt 

des ursprünglichen Galaabends bildet 

also nicht die spätere West-End-Produktion ab. 

Und das ist durchaus bedauerlich, denn mehrere 

aufgenommene Shows zur Auswahl oder die Sorgfalt 

einer Studioproduktion hätten dem Album 

gutgetan… 

Die Setlist des Konzerts besteht hauptsächlich 

aus nach Blöcken geordneten Highlights aus 

Sondheims bekanntesten Musicals (»Company«, 

»Into the Woods«, »A Little Night Music«, 

»Sweeney Todd« und »Follies«), ergänzt durch 

Titel aus weniger prominenten Shows, Auszüge 

aus Werken, für die Sondheim lediglich die Liedtexte 

schrieb (»West Side Story« und »Gypsy«) 

sowie die eine oder andere Rarität (›Live Alone 

and Like It‹ aus dem Film »Dick Tracy« etwa). 

Viele der Nummern sind, auch wenn sie nicht 

aus ein und demselben Musical stammen, 

nahtlos miteinander verbunden, wobei die 

Übergänge schon mal recht abrupt und holprig 

geraten (Arrangements: Stephen Metcalfe). 

Andererseits ist mit einer Tracklist in der Hand 

der Überraschungseffekt zugegebenermaßen 

nicht mehr so groß, als wenn man das Konzert 

live im Theater erlebt hätte, so dass man über 

diesen Kritikpunkt noch hinwegsehen kann. 

Gravierender ist, dass die Doppel-CD zwar mit 

einem ansprechenden Booklet daherkommt, 

aber nirgendwo die zahlreichen Interpret:innen 

den Songs zugeordnet werden. Hier helfen die 

Streamingdienste mit Informationen ab, aber 

der Sinn einer physischen Veröffentlichung 

kann es doch gerade nicht sein, am Ende doch 

auf Spotify & Co zurückgreifen zu müssen. 

Möchte man es boshaft formulieren, hätte 

man im Nachhinein allerdings auch so manche 

Besetzung nicht genau erkannt. Es war sicher 

für das Publikum im Saal (dessen frenetischer 

Applaus mehr als einmal den Hörfluss stört) 

ein Erlebnis, all diese Stars zusammen auf einer 

Bühne zu erleben. Doch nicht jede verdiente 

und einst gefeierte Stimme ist gut gealtert. 

Regelrecht erschreckend ist leider ausgerechnet 

der Auftritt von Bernadette Peters – ihre Darbietung 

des Rotkäppchens (!) aus »Into the Woods« 

sowie ihres früher so unvergleichlichen ›Children 

Will Listen‹ möchte man am liebsten gleich 

wieder vergessen, so sehr haben die gesangliche 

Leistung und die Artikulation gelitten. Viel 

besser gelingt Peters zum Glück ihr ›Losing 

My Mind‹ – da weiß man wieder, warum 

diese Künstlerin zu den größten Sondheim- 

Interpretinnen gezählt wird. Auch Michael Ball 

klingt bei seiner Darbietung des (hier in einer 

erweiterten Fassung gespielten) ›Loving You‹ aus 

»Passion« angestrengt und bemüht, so dass aus 

Foscas fragilem und gerade deshalb so tief bewegendem 

Liebeslied eine (pardon) geknödelte Arie 

wird. Besser macht Ball seine Sache im »Sweeney 

Todd«-Block; besonders im Zusammenspiel mit 

Maria Friedman (deren mittlerweile dunkleres, 

raueres Timbre gut zu Mrs Lovett passt) gelingen 

ihm gute Momente. Auf der Habenseite 

stehen u. a. ein tolles ›Send in the Clowns‹ von 

Judi Dench (deren brüchiger Gesang in diesem 

Fall die Interpretation noch tiefgründiger wirken 

lässt), ein charmantes ›I’m Still Here‹ von 

Petula Clark, Imelda Stauntons immer noch fulminantes 

›Everything’s Coming up Roses‹ oder 

grandiose Ensemblenummern wie ›Sunday‹ und 

›Being Alive‹. Auch das 25-köpfige Orchester 

unter Leitung von Alfonso Casado Trigo sorgt 

für einen akustischen Genuss. So halten sich 

Licht und Schatten auf dieser Doppel-CD die 

Waage. Eingefleischte Sondheim-Fans dürften 

wenig finden, das den Kauf zwingend erforderlich 

macht, für Einsteiger gibt es Sampler oder 

Aufnahmen ähnlicher Revuen mit teilweise besseren 

Interpretationen. Am besten nimmt man 

das Album als das, was es ist: Das Dokument 

eines hochemotionalen, im Theater sicherlich 

mitreißenden Abends, der Leben und Werk 

eines der wichtigsten Musicalkomponisten überhaupt 

feiert und würdigt. 

Fazit: Best of Sondheim mit vielen Stars, aber 

nicht durchgehend geglückten Darbietungen. 

41 Titel 

CD 1: 68 min 

CD 2: 62 min 

Doppel-Jewel-Case mit 

16-seitigem Booklet 

mit Credits, Liner 

Notes und Fotos 

Wonka 

Original Motion Picture Soundtrack 2023 

Mit seinem kurz vor Weihnachten 2023 angelaufenen 

Film präsentierte Regisseur und 

(gemeinsam mit Simon Farnaby) Co-Autor Paul 

King ein Prequel zu Roald Dahls mehrfach verfilmtem 

und für die Musicalbühne adaptierten 

Klassiker »Charlie und die Schokoladenfabrik«. 

Wir erfahren diesmal mehr über die Vorgeschichte 

Willy Wonkas, wie er, nach Jahren auf 

Weltreise, zum Hersteller besonderer Schokoladen 

avanciert und letztlich zu seiner Fabrik 

kommt, die dann den Schauplatz für Dahls 

Story bildet. Wie die bisherigen Adaptionen des 

Stoffes ist auch »Wonka« als Musical angelegt. 

Die Songs steuerte Neil Hannon bei, wobei die 

Hits ›Pure Imagination‹ und ›Oompa Loompa‹ 

von Leslie Bricusse und Anthony Newley aus 

der 1971er Verfilmung natürlich nicht fehlen 

dürfen. Doch auch Hannons neue Lieder entwickeln 

einen ganz eigenen Charme und schaffen 

mit ihrer Mischung aus Showtunes, Vaudeville 

und Chanson, gewürzt hier und da mit einer 

Prise Jazz oder Latin, eine gleichermaßen nostalgische 

wie zeitlose Atmosphäre. Dabei erweisen 

sich vor allem Nummern wie ›A Hatful of 

Dreams‹, ›You’ve Never Had Chocolate Like 

This‹, ›For a Moment‹ oder ›A World of Your 

Own‹ als unterhaltsam und eingängig, setzen 

sich jedoch erst nach mehrfachem Hören im 

Ohr fest. Hauptdarsteller Timothée Chalamet, 

der die meisten Lieder interpretiert, beweist 

dabei ein natürliches Gesangstalent. Und sogar 

Hugh Grant, der einen Oompa-Loompa spielt, 

darf singen und schlägt sich wacker. Gelungen 

sind auch die Score-Kompositionen von Joby 

Talbot, die eine märchenhafte, oft auch leicht 

melancholische Stimmung evozieren und das 

musikalische Erlebnis schön abrunden. Ob 

»Wonka« und seine Songs einen ähnlichen 

Klassiker-Status erreichen werden wie der Original-Film 

mit den Bricusse/Newley-Hits, darf 

bezweifelt werden; gute Unterhaltung bietet der 

Soundtrack allemal. 

Fazit: Gelungene Filmmusik mit unterhaltsamen 

Songs als Ergänzung zum Original und 

zur Musicalversion. 

24 Titel 

56 min 

Jewel-Case mit 

12-seitigem Booklet 

mit Credits und Fotos 

Waitress 

Blu-ray/DVD 2023 

Als »Waitress« 2016 den Broadway erreichte, 

machte es Schlagzeilen als eine der ersten 

großen Produktionen, deren wichtigste 

Positionen im Kreativteam von Frauen 

besetzt waren. Neben Komponistin und 

Songtexterin Sara Bareilles und Buchautorin 

Jessie Nelson halfen u. a. Diane Paulus 

(Regie), Lorin Latarro (Choreographie) 

und Nadia DiGiallonardo (musikalische 

Leitung) dabei, die auf Adrienne Shellys 

gleichnamigem Film von 2007 basierende 

Geschichte der Kellnerin und leidenschaftlichen 

Bäckerin Jenna auf die Bühne zu bringen. 

Bei so viel Frauenpower kein Wunder, 

dass die Damen in dieser Show die stärksten 

Charaktere sind: Jenna ist unglücklich in 

ihrem Job bei Joe’s Diner und in ihrer Ehe 

mit Earl. Sie träumt davon, sich aus dieser 

toxischen Beziehung zu befreien und sich 

mit ihren allseits beliebten und gepriesenen 


79

Mit Unterstützung von sound of music 

Einspielungen 

Kuchen selbstständig zu machen. Immer an 

ihrer Seite sind ihre Kolleginnen und besten 

Freundinnen Becky und Dawn. Als Jenna 

unverhofft schwanger wird, nimmt ihr 

Leben eine andere Richtung: Sie beginnt 

eine stürmische Affäre mit ihrem (verheirateten) 

Arzt und legt Geld zur Seite, um an 

einem Backwettbewerb teilzunehmen, bis 

Earl ihr auf die Schliche kommt… 

Über weite Strecken und obwohl immer 

wieder auch ernste Themen angeschnitten 

werden, kommt »Waitress« als Feelgood- 

Show mit köstlichem Humor, viel Tempo, 

eingängigen Pop-Songs und ein wenig 

Herz-Schmerz daher. Erfrischend ist, dass 

die Geschichte nicht endet wie die typische 

Romantikkomödie: Jenna steht ihre Frau, 

beendet das Verhältnis mit Dr. Pomatter, 

trennt sich von ihrem Gatten und zieht ihre 

Tochter Lulu alleine groß. Zugleich erbt sie 

das Diner von dessen Vorbesitzer und kann 

so auch ihre beruflichen Ambitionen erfüllen. 

Und für all das braucht sie eben nicht 

den männlichen Ritter auf dem weißen 

Pferd, mit dem sie in den allermeisten anderen 

Musicals zum Schluss glücklich liiert 

gewesen wäre. Die Show kehrte nach dem 

Covid-bedingten Aus der Originalproduktion 

als eines der ersten Broadway-Musicals 

im Herbst 2021 zurück auf die Bühne und 

wurde während seiner limitierten Spielzeit 

live im New Yorker Ethel Barrymore Theatre 

gefilmt. Regisseur Brett Sullivan setzt 

Diane Paulus’ Inszenierung sensibel für den 

Bildschirm um, setzt wohldosiert filmische 

Tricks wie Zeitlupen ein, ist mit der Kamera 

immer nah an den Figuren, behält zugleich 

aber auch immer alle wichtigen Ereignisse 

auf der Bühne im Blick. Es entstand ein 

ausgesprochen gelungener Hybrid zwischen 

Film und Theateraufführung, dem man 

gern für knapp zweieinhalb Stunden folgt. 

Natürlich merkt man Sara Bareilles, die 

hier höchstpersönlich die Rolle der Jenna 

übernimmt, ihre enge Verbindung zum 

Material an. Sie spielt sympathisch und 

bringt eine schöne Balance aus Toughness 

und Verletzlichkeit ein. Ein wahres Energiebündel 

mit umwerfendem Witz ist Charity 

Angél Dawson als Becky, während Caitlin 

Houlahan ihre Dawn herrlich als nerdiges 

Mauerblümchen anlegt. Unter den Nebendarstellerinnen 

sticht besonders Anastacia 

McCleskey hervor, die aus jedem ihrer 

Auftritte als Arzthelferin mit knochentrockenen 

Sprüchen ein Glanzstück macht. 

Bei den Herren gefällt Drew Gehling als 

etwas unbeholfener, sich Hals über Kopf in 

Jenna (und ihre Kuchen) verliebender Dr. 

Pomatter. Joe Tippett spielt den Earl gerade 

unsympathsich genug, dass er glaubhaft 

bleibt. Als herrlich schräger Ogie glänzt 

Christopher Fitzgerald, Eric Anderson gibt 

den Restaurant-Betreiber Cal als harten 

Hund mit goldenem Herzen, und Dakin 

Matthews als alternder Diner-Inhaber Joe 

entpuppt sich hinter der unwirschen Fassade 

letztlich als männliche Version der guten 

Fee für Jenna. So bietet »Waitress« auf DVD 

bzw. Blu-ray beste Musical-Unterhaltung 

für zu Hause. Achtung ist allerdings vor 

dem Kauf geboten: Entgegen der ursprünglichen 

Ankündigung des Labels sind die 

Discs nicht code-frei, weshalb ein kompatibler 

Player für Regionalcode 1 (DVD) 

bzw. Region A (Blu-ray) benötigt wird. 

Fazit: Gelungener Mitschnitt eines herzerwärmenden 

Musicals fürs Heimkino. 

DVD: RC 1; Blu-ray 

Disc: Region A 

144 min. 

Sprache: Englisch 

Untertitel: Englisch 

Ton: Dolby Digital 5.1 

Special Features: 

2 Trailer 

• Premieren April / Mai 

02.04.2024 Tell Me on a Sunday Kleines Theater Bad Godesberg 

05.04.2024 Cats Bürgerhaus Mörfelden-Walldorf 

06.04.2024 Pinkelstadt – ab in die Büsche! TfN – Theater für 

Niedersachsen Hildesheim 

06.04.2024 Panikherz Theater am Puls Schwetzingen 

06.04.2023 Spring Awakening – Frühlings Erwachen 

Theater Trier – Großes Haus 

07.04.2024 Tschitti Tschitti Bäng Bäng Landestheater 

Detmold – Großes Haus 

12.04.2024 Baby Talk – Das Kinder-Krieg-Musical Eduard-von- 

Winterstein-Theater Annaberg-Buchholz 

12.04.2024 La Cage aux Folles Theater Nordhausen 

12.04.2024 Cabaret Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin 

13.04.2024 Cabaret Landesbühnen Sachsen Radebeul 

13.04.2024 Peter Pan Staatstheater Kassel – Schauspielhausl 

13.04.2024 Cabaret Schlweswig-Holsteinisches Landestheater 

Flensburg 

13.04.2024 Das Licht auf der Piazza Musiktheater Linz – BlackBox 

19.04.2024 Hedwig and the Angry Inch Mittelsächsisches Theater 

Freiberg 

20.04.2024 My Fair Lady Theater Hagen – Großes Haus 

20.04.2024 The Rocky Horror Show Landestheater Coburg – Globe 

20.04.2024 The Story of My Love MIR Musiktheater im Revier 

Gelsenkirchen 

20.04.2024 Zorro Theater Hof – Großes Haus 

25.04.2024 La Cage aux Folles Stadttheater Klagenfurt 

27.04.2024 Im weißen Rössl Theater Rudolstadt – Meiniger Hof 

Saalfeld 

01.05.2024 My Fair Lady Harztheater Halberstadt – Großes Haus 

03.05.2024 Carrie Theater Lüneburg – Junge Bühne T.3 

80 

07.05.2024 Ku´damm 59 Theater des Westens Berlin 

10.05.2024 The Rocky Horror Show Mainfranken Theater 

Würzburg 

12.05.2024 Little Miss Sunshine Theater Altenburg / Gera Altenburg 

15.05.2024 Ich will keine Schokolade Contra-Kreis-Theater Bonn 

21.05.2024 Pride and Prejudice (*sort of) Vienna´s English Theatre 

Wien 

25.05.2024 Strike up the Band oder Der Käsekrieg Musiktheater 

Linz 

25.05.2024 Anything Goes Gerhard-Hauptmann-Theater Görlitz 

• Kommende Neuererscheinungen 

CD EDITH PIAF, JE VOUS AIME – Original London Cast 1977 

22. März 2024 

CD ZAUBERFLÖTE – DAS MUSICAL – Original Studio Cast 2024 

28. März 2024 

DVD / Blu-ray THE COLOR PURPLE 

8. April 2024 

CD ÄNGLAGÅRD – Original Stockholm Cast 2023 


CD KU´DAMM 59 – DAS MUSICAL – Original Berlin Cast 2024 


CD THE SHINING – Original US Cast 2023 


CD HERCULES – Das heldenhafte Musical – Original Hamburg Cast 2024 

31. Mai 2024 


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Neu im neuen Jahr: 

News 

blickpunkt musical erscheint jetzt nicht in der UM Verlag GmbH, sondern 

wird von der JS Hauptstädter Wortspiele UG verlegt. 

Kontaktdaten 

Änderung oder Kündigung des Abos 

Per E-Mail an abo@blickpunktmusical.online oder per Post an: 

Gewinnspiel 

»A Chorus Line« Tickets 

Wir verlosen 3 x 2 Tickets für »A Chorus Line« am 23. Juni 2024, 14.30 Uhr 

im F1rst Stage Theater in Hamburg. 

blickpunkt musical 

JS Hauptstädter Wortspiele UG 

Graacher Straße 12 

12247 Berlin 

Telefonische Nachfragen unter +49 (0)176 816 787 68 

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ISSN 1619-9421 


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Falls alle Rechnungen bezahlt sind, erhalten Sie keine weitere Bestätigung. Auf der 

jeweils letzten Rechnung ist dann die letzte Ausgabe Ihres Abos nachlesbar. 

Was ist die sicherste und was die günstigste Art einer Kündigung? 

Am sichersten ist ein Einwurfeinschreiben. Hier bestätigt 

der Briefträger den Einwurf beim Empfänger. Am günstigsten 

ist natürlich eine E-Mail. Hier trägt der Absendende die Verantwortung 

dafür, dass die E-Mail auch ankommt. 

Kasimir & Karoline 

Uraufführung an der Staatsoper Hannover 

Chicago Berlin 

Les Misérables St. Ga len 

Cinderella Wuppertal 

Sunset Boulevard London 

Lasst uns die Welt vergessen Wien 


Zurück im Wiener Raimund Theater 


€ 7,50 (DE) • € 8,00 (EU) 

ISSN 1619-9421 


West Side Story Wien 

SIX The Musical Berlin 

Die Königinnen Linz 

Der Große Gatsby Göttingen 

Pretty Woman London 

Hanf. Ein berauschender Abend Schwedt 

Notre Dame de Paris Paris 

ABO-Bestellung über 



81

Ausblick blickpunkt musical Ausgabe 129 

Das spannende Musical-Frühjahr 2024 geht weiter – die eine große 

Premiere liegt gerade hinter uns, weitere große und mit viel Freude 

erwartete Premieren und sogar Uraufführungen lagen leider nach 

unserem Redaktionsschluss, aber dafür können wir uns jetzt schon 

auch auf die nächste Ausgabe freuen! 

In Hamburg findet eine mit viel Spannung erwartete Disney- 

Uraufführung statt: »Hercules« wird die Neue Flora für sich beanspruchen. 

In München / Füssen hat ein deutscher Komponist ein 

berühmtes Mozart-Werk als Musical neu geschaffen: Frank Nimsgerns 

»Zauberflöte – Das Musical« wird uraufgeführt. 

Ebenfalls mit Spannung erwartet wird die Uraufführung von 

»Ku´damm 59 – Das Musical«, welches im Theater des Westens in 

Berlin hoffentlich an den großen Erfolg des Vorgängers »Ku´damm 56 – 

Das Musical« anknüpfen kann. 

Auch der Blick nach Österreich wird wieder spannend: 

Mit »Ein bisschen trallalala« zeigt die Volksoper Wien wieder eine 

Uraufführung, und in Gmunden hebt sich der Vorhang für die 

deutschsprachige Erstaufführung von »Dear Evan Hansen«. 

Wir haben auch schon spannende Interviewtermine vereinbart, 

neben Alan Menken und Thomas Schumacher durften wir auch 

Dennis Schulze zu ausführlichen Interviews in Hamburg treffen. 

Sie sehen – es bleibt aufregend, faszinierend und wunderschön in 

der deutschsprachigen Welt des Musicals! 

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Sandy Kolbuch 

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News 

04/2024 – 05/2024 

Bühnentalent 2024 gesucht 

In einer bundesweiten Aktion geht das Schülerportal für Berufsorientierung 

stuzubi auch in diesem Jahr wieder auf Talentsuche. 

Die besten Bewerber:innen gewinnen nicht nur die Teilnahme 

an den bundesweit stattfindenden Intensiv-Workshops für Tanz, 

Gesang und Schauspiel, sondern erhalten auch die Chance auf 

eine Einladung zu der Stipendiumsprüfung der Stage School. 

stuzubi.de 

A Chorus Line - Das Musical 

Auch in diesem Sommer sorgt das First Stage Theater mal wieder für ein außergewöhnliches 

Highlight. Mit A Chorus Line hat Stage School Chef Dennis Schulze nicht nur eines der erfolgreichsten 

Broadway-Musicals überhaupt an die Elbe geholt, sondern lässt auch gleich 

eine neue Fassung des Klassikers auf die Bühne bringen: Die Inszenierung des Pulitzerpreisgekrönten 

Musicals im First Stage ist bundesweit die erste Produktion in dieser Spielzeit, für 

die eine neue deutsche Übersetzung von Robin Kulisch verwendet wird. Dem nicht genug: 

Regisseur und Choreograf Till Nau hat mit offizieller Genehmigung des Verlages eine eigene 

und somit einzigartige Choreografie entwickelt. A Chrous Line führt die Zuschauer:innen in 

die aufregende Welt einer Audition, bei der die hoffnungsvollen Bewerber:innen bis an ihre 

emotionalen Grenzen gehen müssen. Auch nach Jahrzehnten hat das weltbekannte Musical 

nichts von seiner mitreißenden Anziehungskraft eingebüßt. In diesem Sinne: Vorhang auf und 

Hut ab! firststagehamburg.de 

2024 

Mit 9 Terminen in 7 Städten geht die Stage School in 

Deutschland, Österreich und der Schweiz auf Casting Tour. 

Nach dem großen Erfolg der letzten Jahre freuen sich Casting-Direktorin 

Anja Launhardt und ihr Team mit zahlreichen 

Talenten in einem intensiven Einzeltraining zu arbeiten und 

die Aufnahmeprüfung für einen Ausbildungsstart ab August 

2024 abzunehmen. 

Alle Infos und Anmeldung unter 

stageschool.de/ausbildung/casting-tour 


Intensiv 

Workshop 

Die Workshop-Saison 2024 

läuft auf vollen Touren. Mit 

den bundesweit stattfindenden 

Intensiv-Workshops 

kann die Aufnahmeprüfung 

für die Profiausbildung ersetzt 

werden. Besonders 

begabte Teilnehmer:innen 

haben die Möglichkeit, 

über die Workshops zur 

Stipendiumsprüfung an die 

Stage School eingeladen 

zu werden. 

Infos und Anmeldung 

unter stageschool.de oder 

+49 40 355 407-43/-87 


Weiterbildung 

Masterclass-Highlights 

mit 

Christoph 

Trauth 

Audition Masterclass 

Um die begehrte Rolle in einem Musical zu bekommen, 

reicht es bei weitem nicht „nur“ künstlerisch zu glänzen. Wie in 

jedem Job kann man auch hier schon beim Auswahlverfahren 

scheitern. Wie sollte die Vita aufgebaut sein? Was 

sind absolute No Go`s bei einer Audtion und wie läuft diese 

überhaupt ab? Welchen Blickwinkel haben Caster und 

Agenturen, wenn Bewerbungen eingehen. Welche Anforderungen 

sollten Berwerbungsvideos und -fotos erfüllen? 

Wie nutze ich „CastApp“? Christoph Trauth, Castingprofi 

der Stage Entertainment, coacht die Schüler:innen des Abschlussjahrgangs, 

damit sie den Casting-Prozess mit Bravour 

meistern können. Für das umfangreiche Thema wurden gleich 

zwei aufeinander aufbauende Masterclasses angesetzt. 

Foto: L. Lothian 

mit 

Sharon 

Sexton 

Song Interpretation Masterclass 

Bevor sie ihre erfolgreiche Bühnenkarriere begann, absolvierte 

die ursprünglich aus Irland stammende Sharon Sexton ihre Ausbildung 

am „DIT Conservatory of Music and Drama“ in Dublin, wo 

sie Schauspiel und klassischen Gesang studierte. Darüber hinaus 

schloss sie ihr Masterstudium in Theaterregie am University College 

Dublin mit Auszeichnung ab. Jetzt gibt sie ihr Wissen an der Stage 

School weiter. In dieser Masterclass werden die Schüler:innen 

mit geschärftem Blick lernen, ein Audition-Skript zu untersuchen, 

grundlegende Aspekte der zeitgenössischen Gesangstechnik behandeln 

und Wege finden, um zu entdecken, wie sie sich optimal 

als Darsteller:innen in ihre Rolle einbringen können. Wer könnte das 

besser vermitteln, als eine vom Londoner West End preisgekrönte 

Musicaldarstellerin? 

20.03. bis 17.04. 

China Girl 

28.04. bis 05.05. 10.06. bis 12.10. 

Monday Night Mai 

A Chorus Line

Generalintendant 

Alfons Haider 

Jetzt Karten kaufen! 

www.seefestspiele.at 

Anna Rosa 

DÖLLER 

–––– 

Mark 

SeIbErt 

DAS MUSICAL 

11. Juli bis 17. August 2024 

Nach GEORGE BERNARD SHAWS „Pygmalion“ I Musik von FREDERICK LOEWE

22 APRIL- 

22 JUNE 

EUROPEAN PREMIERE 

LIZARD BOY 

A NEW MUSICAL BY JUSTIN HUERTAS 

DIRECTED BY PAUL GLASER 

THE ENGLISH THEATRE OF HAMBURG | LERCHENFELD 14 | HAMBURG 

U-BAHN STATION MUNDSBURG | TICKETS: (040) 227 70 89 

WWW.ENGLISHTHEATRE.DE

„FULMINANT, RASANT UND MITREISSEND“ Süddeutsche Zeitung 

JETZT IN FRANKFURT, 

BERLIN UND LINZ 

In Kooperation mit BB Promotion · Tickets nur unter eventim.de 

NEUINSZENIERUNG: GIL MEHMERT 

nach dem Weltbestseller von Donna W. Cross 

31. MAI - 4. AUGUST 2024 SCHLOSSTHEATER FULDA 

DEUTSCHLANDS GRÖSSTES OPEN-AIR-MUSICAL 

MIT GROSSEM ORCHESTER UND SINFONISCHEM CHOR 

22. - 31. AUGUST 2024 DOMPLATZ FULDA 

Tickets: 0661 2500 8090 www.spotlight-musicals.de

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