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Ausgabe 127 (01/2024) 

€ 7,50 (DE) • € 8,00 (EU) 

ISSN 1619-9421 

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eine neue Produktion von 

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MUSIC THEATRE INTERNATIONAL und CAMERON MACKINTOSH LTD. 

Bühnenvertrieb: MUSIK UND BÜHNE Verlagsgesellschaft mbH, Wiesbaden

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22. MÄRZ BIS 

21. APRIL 2024 

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Ausgabe 127 (01/2024) 

€ 7,50 (DE) • € 8,00 (EU) 

ISSN 1619-9421 


Kasimir & Karoline 

Uraufführung an der Staatsoper Hannover 

Chicago Berlin 

Cinderella Wuppertal 

Lasst uns die Welt vergessen Wien 

Les Misérables St. Gallen 

Sunset Boulevard London 

Notre Dame de Paris Paris

Inhalt 

Inhalt 

Ausgabe 127, Nr. 01/2024 

… kurz vorweg 

Liebe Leserinnen und Leser, 

liebe Abonnentinnen und Abonnenten, 

der Januar hat neben dem neuen 

Jahr auch andere Neuerungen mit 

sich gebracht. Nach vielen Jahren als 

Herausgeber hat Oliver Wünsch entschieden, 

etwas kürzer zu treten, und 

das tägliche Geschäft an mich übergeben, 

so dass diese Zeitschrift nun in 

einem neuen Verlag publiziert wird. 

Ich freue mich sehr, dass alle Mitarbeiter 

diesen Weg mitgehen, so dass sich 

für Sie als Leser nichts ändern und die 

mittlerweile bewährte Qualität weitergeführt 

wird. 

Worüber ich mich ebenfalls besonders 

freue, sind die beiden neuen Rubriken, 

die wir nun regelmäßig mit aufnehmen 

werden: In »Was war anno …« wollen 

wir zurückblicken, was vor sechs, 

fünf, vier, drei, zwei und einem Jahrzehnt(en) 

Relevantes in der Welt der 

Musicals geschehen ist. 

Die andere neue Rubrik ist eine Herzensangelegenheit 

meinerseits. In 

»Abgeschminkt« werden wir Menschen, 

die sonst hinter oder auf den 

Brettern, die die Welt bedeuten, zu 

Hause sind, hier die Bühne geben, um 

sich und die sozialen Engagements 

vorzustellen, die sie unterstützen. Da 

gibt es ganz wunderbare Projekte, von 

denen man viel zu wenig erfährt – dies 

zu ändern und die Möglichkeiten der 

Mithilfe aufzuzeigen, ist uns ein großes 

Bedürfnis. Wir freuen uns sehr, 

dass Barbara Obermeier mit nestwärme 

e.V. den Auftakt dieser neuen Serie 

macht! 

In diesem Sinne wünschen wir Ihnen 

viel Freude beim Lesen unserer neuesten 

Ausgabe, 

Herzliche Grüße, 

Sabine Haydn 

Chefredaktion der blickpunkt musical 

Topthema 

4 UA Kasimir und Karoline Staatsoper Hannover 

Musicals in Deutschland 

14 UA BVG Musical – Tarifzone Liebe 

Admiralspalast Berlin 

24 Chicago Komische Oper Berlin 

12 UA Chormusical Bethlehem 

PSD Bank Dome Düsseldorf 

26 Cinderella Oper Wuppertal 

20 Der Graf von Monte Christo Theater Lüneburg 

28 Follies Hessisches Staatstheater Wiesbaden 

23 Jekyll & Hyde Staatstheater Darmstadt 

8 Sweeney Todd Staatsoperette Dresden 

18 Tanz der Vampire Operettenhaus Hamburg 

16 The Addams Family Grenzlandtheater Aachen 

11 The Last Five Years Friedrichsbau Varieté Stuttgart 

22 Tuck Everlasting Audimax TU Dortmund 

Musicals in Österreich 

36 UA Lass uns die Welt vergessen Volksoper Wien 

40 Singin' in the Rain Salzburger Landestheater 

42 Sunset Boulevard Tiroler Landestheater Innsbruck 

38 ÖEA Tootsie Landestheater Linz 

44 Working MuK Wien 

Musicals in Europa 

46 Les Misérables Theater St. Gallen 

50 Notre Dame de Paris Palais des Congrès Paris 

Musicals in Großbritannien 

67 UA Red Riding Hood and The Big Bad Pig 

JW3 London 

68 Sunset Boulevard Savoy Theatre London 

Musicals in den USA 

70 UA Buena Vista Social Club 

Atlantic Theatre New York 

Einblick 

30 Hercules – Das heldenhafte Musical 

Vorankündigung Hamburg 

32 Ausstellung »Re:Imagining Musicals« im 

Victoria and Albert Museum London 

Konzerte & Entertainment 

56 Ich bin was ich bin – Uwe Kröger im Theater 

Akzent Wien 

57 Die Zeitreisende – Ute Lemper im 

Vindobona Wien 

Filme & Serien 

63 »Leo« auf Netflix 

58 »Mean Girls: Der Girls Club« im Kino 

60 »Wonka« im Kino 

77 Neues 

Rubriken 

64 Abgeschminkt – Barbara Obermeier über ihr 

Engagement im Verein nestwärme Österreich 

72 Was war anno … 1964 

54 Einspielungen 

78 Impressum & Ausblick 

75 Abonnenten-Infos 

Abb. von oben: 

1. »Bethlehem« Dortmund 

Foto: Stephan Drewianka 

2. »Jekyll & Hyde« Darmstadt 

Foto: Martin Sigmund 

3. »Tootsie« Linz 

Foto: Herwig Prammer 

4. »Les Misérables« St. Gallen 

Foto: Edyta Dufaj 

Titelfoto: 

»Kasimir und Karoline« Hannover 

Foto: Tim Müller 

12 

23 

38 

46 

blickpunkt musical 01/2024 

3

Musicals Topthema in Deutschland 

Glamouröser Partyrausch und Existenzängste 

Uraufführung von »Kasimir und Karoline« in der Staatsoper Hannover 

Abb. oben: 

Ein Haus voller Menschen (Ensemble), 

Träume, Hoffnungen und 

Zukunftsängste 

Foto: Tim Müller 

In den letzten Zügen des Jahres 2023 kam es zu einer 

besonderen Uraufführung am Staatstheater Hannover. 

Das zahlreich erschienene Publikum des Opernhauses 

erlebte, wie aus einem Theater-Klassiker ein 

Musical wurde. Das 1932 uraufgeführte Theaterstück 

»Kasimir und Karoline« von Ödön von Horváth wurde 

von Martin Mutschler dramaturgisch bearbeitet, von 

Martin G. Berger, der auch die Inszenierung übernahm 

und eine bekannte Größe in der Musicalszene 

ist, mit Liedtexten versehen und erhielt von Jherek 

Bischoff passende Musik für ihre Vision des Stücks. Es 

handelt sich um ein Auftragswerk der Staatsoper Hannover. 

Unter der musikalischen Leitung von Maxim 

Böckelmann fügen sich hier in der Inszenierung das 

Niedersächsische Staatsorchester Hannover unter Einsatz 

von elektronischen Beats sowie Chor und Statisterie 

der Staatsoper Hannover mit den Gastsänger:innen 

alle zu einem rauschenden Fest und Abbild eines pulsierenden 

Nachtlebens zusammen. Ist es in der Vorlage 

noch ein Oktoberfest, so feiert hier das »Volk« eine 

Party nach dem Vorbild einer heutigen Clubnacht, 

was auch optisch deutlich wird mit Kostümen, die 

von legerer Alltagskleidung über Partydress bis zu den 

ausgefallenen Drag-Outfits von Juanita reichen. Die 

Handlung von Horváth wird damit in die Gegenwart 

geholt, verständlicher gemacht und auf heutige Liebesbeziehungen 

und Gesellschaftsprobleme bezogen. 

Das Stück handelt vom Paar Kasimir und Karoline, 

das sich im Laufe eines Abends vom glücklichen, verliebten 

Pärchen zu zwei entfremdeten, sich trennenden 

Liebenden entwickelt: 

Kasimir verliert seine Arbeit und ihm droht die 

Abschiebung. Er ist sich sicher, dass seine Beziehung 

zu Karoline dadurch Schaden nimmt und sie sich von 

ihm trennen wird, denn der herrschende Kapitalismus 

zerstöre die menschlichen Beziehungen zueinander. 

Karoline glaubt ihm zuerst nicht und möchte mit 

Kasimir einen schönen Abend verbringen und feiern 

gehen. Der missmutige Kasimir kann sich jedoch mit 

nichts anderem als seiner bedrohten Existenz beschäftigen 

und schließlich fällt auch Karoline ihren eigenen 

Gedanken und Überlegungen für ein besseres Leben 

zum Opfer: Passen sie zueinander oder zieht der eine 

den anderen mit sich in den Abgrund? Karoline lernt 

in der Partynacht den schüchternen Studenten Eugen 

Schürzinger kennen, lässt Kasimir nach einem Streit 

stehen und fährt mit Eugen Achterbahn. Auch Kasimir 

lernt in dieser Nacht eine neue Liebelei kennen: Erna 

ist ein Opfer ihres gewalttätigen Freundes, des Merkl 

Franz. Sie spendet Kasimir mit ihren Worten Trost 

und entdeckt, dass sie Gemeinsamkeiten mit ihm hat. 

Sie kommen sich näher. Karoline hingegen sucht sich 

auf der Party jemanden, der Geld hat und ihr zu Erfolg 

verhilft. Sie lässt sich auf Rauch ein, einen wichtigen 

Sponsor der Hochschule. In dieser Partynacht scheint 

alles möglich, ein Zeppelin fliegt vorbei und Juanita, 

die Hüterin der Schatten, versucht, unsichtbare Fäden 

zwischen den Liebenden zu spinnen, doch am Ende 

reichen die Liebe und Ernas Traum von einer gesellschaftlichen 

Revolution nicht, der Egoismus und das 

Geld regieren … 

Das Bühnenbild von Sarah-Katharina Karl im 

Opernhaus Hannover wird im ersten Akt von einem 

modernen, schnörkellosen eckigen Gebäude mit einigen 

Fenstern und Ausgängen sowie Balkons dominiert. 

Das Gebäudekonstrukt klotzt auch mit über die ganze 

Fläche verteilten Lämpchen, die zum stimmungsvollen 

Lichtbild (Licht: Fabian Grohmann) der Aufführung 

beitragen. Das Gebäude ist drehbar, so können 

verschiedene Ecken bespielt und andere Ausschnitte 

4 

blickpunkt musical 01/2024


gezeigt werden. Die Charaktere und Statisten bespielen 

auch das Innere des Gebäudes, wobei der Clou und 

damit das symbolische Tor zum Inneren des Gebäudes 

eine Leinwand ist, auf der mit einer Kamera gefilmte 

Aufnahmen zeitgleich zu sehen sind (Live-Video: 

Anna-Sophia Leist). Auf diese Weise sowie durch die 

bewegliche Gebäudeansicht und die schnittartigen 

Szenen wirkt die Aufführung filmisch und episodenhaft. 

Man schaut mal hier und mal da rein, bevor sich 

dann der Fokus auf bestimmte Charaktere lenkt und 

die Filmleinwand verschwindet. Das Gebäude wirkt 

durch seine feiernden Partygäste vom Innern aus 

lebendig und bietet einen flexiblen Schauplatz für die 

Ensembleszenen sowie eine beeindruckende Kulisse 

für das Finale des ersten Akts mit allen Darstellern. 

Zum Bühnenbild des zweiten Akts gehört ein Teddybär, 

der im ersten Akt von Kasimir für Karoline 

auf dem Rummel gewonnen und im späteren Verlauf 

achtlos abgelegt wird. Auf einer seitlichen Treppe 

zeigt Juanita-Darsteller Drew Sarich mit nacktem 

Oberkörper und glitzerbesetzter Hose eine Art privaten 

Moment, wenn alle Masken des Tages fallen, und 

erzählt von Juanitas (Johanns) persönlicher Reise. 

Den eigentlichen Schauplatz in diesem Akt bildet 

neben einer Fahrstation ein angedeutetes Karussell, 

das typisch für Volksfeste und Rummel ist und 

gleichzeitig auch sinnbildlich ständige (Fort-)Bewegung, 

aber auch Wiederkehren von Abläufen und 

Mustern symbolisiert. Karolines Achterbahnfahrt – 

so wie das Stück eine Gefühlsachterbahn ist – wird 

von einer anderen Ecke der Bühne aus gefilmt, ein 

Stangenkonstrukt dient als Requisite. 

Der Zeppelin, der sich im Stück gelegentlich sehen 

lässt und von den Charakteren bewundert und auch 

etwas gefürchtet wird, ist natürlich rein imaginativ. 

Das Sehnsuchtssymbol, das Träume, Hoffnung, 

Zukunft, ein besseres Morgen, aber auch Absturz und 

Tod symbolisieren kann, ist auch eine Art Begrifflichkeit 

für etwas Nahes und doch so Fernes – wie das 

Paar, das sich an diesem Abend erst so nahesteht und 

sich durch Vorstellungen und Existenzängste immer 

weiter voneinander entfernt. Eine Kommunikation 

scheint unmöglich, obgleich die Probleme der Kommunikatonsunfähigkeit 

für den Zuschauer sichtbar 

werden. Die Probleme liegen offen auf der Hand, aber 

der Mensch macht lieber Party und versteckt seine 

Gefühle. Die Lieder sagen und drücken hier aus, was 

die Charaktere fühlen und denken, einander jedoch 

nicht sagen können. Juanita, deren Weg es ist, das 

Leben mit Humor zu nehmen, kommt zu dem Schluss: 

»Menschen ohne Gefühle haben’s leichter.« Es ist eine 

Art Aufforderung, in dieser düsteren Welt, in der jeder 

schreit und gehört werden will und die wichtigen 

Themen dennoch nicht kommuniziert, zu versuchen, 

einander anzunehmen, einander zuzuhören und aufeinander 

zuzugehen. 

Esther Bialas hat für die Uraufführung von »Kasimir 

und Karoline« ein Kostümkonzept entworfen, 

das viele Facetten zum Ausdruck bringt: Von Kapuzenpulli, 

smart-casual bis hin zu ausgefalleneren und 

Kasimir und Karoline 

Jherek Bischoff / Martin G. Berger / 

Martin Mutschler 

nach dem gleichnamigen Theaterstück 

von Ödön von Horváth 

Staatsoper Hannover 

Uraufführung: 8. Dezember 2023 

Regie ....................... Martin G. Berger 

Musik. Leitung .... Maxim Böckelmann 

Choreinstudierung ..... Lorenzo Da Rio 

Bühnenbild ......... Sarah-Katharina Karl 

Kostüme .......................... Esther Bialas 

Licht ....................... Fabian Grohmann 

Live-Video .............. Anna-Sophia Leist 

Ton .......................... Christoph Schütz 

Juanita ............................ Drew Sarich 

Kasimir ........................... Dejan Bućin 

Karoline ................. Sophia Euskirchen 

Erwin Schürzinger ...... Philipp Kapeller 

Erna .................... Ketevan Chuntishvili 

Der Merkl Franz ........ Yannick Spanier 

Rauch ...................... Frank Schneiders 

Speer ............................. Daniel Eggert 

Elli .......... Barbara Carta / Başak Ceber 

Maria ....... Tamar Sharon Hufschmidt / 

Clarissa Reif 

Chor & Statisterie 

der Staatsoper Hannover 

Abb. von links oben: 

1. Kasimir (Dejan Bućin, Hintergrund: 

Drew Sarich) lässt seine Wut 

auf Karoline und das Leben am 

Teddybären aus 

2. Juanita/Johann (Drew Sarich, oben) 

beobachtet aus der Ferne die große 

Träumerin Erna (Ketevan Chuntishvili, 

vorne) 

3. Gibt es noch Hoffnung für die 

Liebe von Kasimir (Dejan Bućin, r.) 

und Karoline (Sophia Euskirchen, l.)? 

4. Juanita (Drew Sarich, l.) beäugt, 

wie Rauch (Frank Schneiders, 2.v.r., 

zwei Frauen mit Geld willig macht 

Fotos (4): Tim Müller 


5


Abb. unten von links: 

1. Die Bewohner des Hauses erleben 

eine ereignisreiche Nacht 

2. Juanita (Drew Sarich, l.) betrachtet 

hoffnungsvoll Kasimir (Dejan Bućin, r.) 

und Karoline (Sophia Euskirchen, 2.v.r.) 

3. Kasimir (Dejan Bućin, r., mit Drew 

Sarich) verzweifelt an der eigenen 

Existenzangst 

4. Juanita (Drew Sarich) besingt 

augenzwinkernd die paarungstollen 

»Hirsche« Speer und Rauch 

Fotos (4): Tim Müller 

glamourösen Partyoutfits ist alles dabei. Doch am 

meisten zieht eine großgewachsene Dragqueen nicht 

nur aufgrund der Kostüme alle Blicke auf sich. Mal 

cool mit Lackmantel, mal in reich verziertem, langem 

Abendkleid und eleganter Haarpracht, mit passendem 

Drag-Make-up, ist Drew Sarich als Juanita zugleich 

Clubgast, Dragqueen und Erzählerin, die das Publikum 

und die Charaktere mit ihrem humorvollen 

Blick auf die Dinge und ihrem hoffnungsvoll über das 

Geschehen wachenden Auge durch die Nacht geleitet. 

Die Rolle der Juanita wurde für die Musical-Fassung 

des Theaterstücks verändert, stark erweitert und 

zur dritten Hauptrolle befördert, stellt sie im Original 

doch eine behaarte Gorilladame dar und hat nur einen 

kurzen Auftritt im ganzen Stück. Für die Darstellung 

konnte Drew Sarich gewonnen werden, der dieser 

wichtigen Figur eine große Stimme, Eleganz, Stil und 

neckischen Humor verleiht, am wichtigsten aber: eine 

menschliche, verletzliche Seele mit viel Einfühlungsvermögen. 

Seine Dragqueen - Auftritte sind bombastisch, 

aber nicht over the top. Sein Gesangsanteil ist beträchtlich 

und diese Momente gehören zu den Highlights der 

Show. Sie bergen zudem jede Menge eingängige Melodien, 

die sich mitsamt Stimme in den Gehörgang einbrennen. 

Dejan Bućin und Sophia Euskirchen ziehen 

das Publikum mit ihrem natürlichen Spiel und einigen 

wenigen eigenen Liedern, aber oft auch durch schwerwiegende 

Dialoge in den Bann. Beide überzeugen 

gesanglich mit gefühlvollen, eindrücklichen Stimmen 

und sind die passende Besetzung für ein Paar, das im 

Laufe des Abends so gar nicht mehr zueinander passt. 

Ketevan Chuntishvili hat als Erna einen wunderschönen 

Song mit dem ›Großen Bären‹, den sie Kasimir am 

Himmel zeigen will und der dank ihrer emotionalen 

Stimme Gänsehaut erzeugt. Yannick Spanier spielt 

Ernas eher unruhigen und anstiftenden Freund (Der 

Merkl Franz) überzeugend. Philipp Kapeller legt seine 

Rolle Erwin Schürzinger sympathisch-schüchtern an 

und manipuliert nur im Stillen. Er schmettert mehrere 

Songs scheinbar locker. Die Staatsopernensemblemitglieder 

Frank Schneiders und Daniel Eggert 

stellen die zwielichtigen, egoistischen und schmierigen 

»Geschäftspartner« dar. Die Statisterie der Staatsoper 

sorgt für ein von Menschen belebtes Nachtleben, der 

von Lorenzo Da Rio einstudierte Chor der Staatsoper 

unterstützt in den Ensemblenummern tatkräftig und 

bildet teilweise mitsamt Staatsorchester und elektronischen 

Musikeinsätzen eine Art moderne Oper mit 

pulsierendem Beat, wie einer rauschenden Partynacht 

entnommen, ein Tanz am Abgrund der eigenen Existenz. 

Glamourös und mit einem Funken Hoffnung 

geht der Mensch zugrunde. 

Mit der Uraufführung von »Kasimir und Karoline« 

hat das Komponisten- und Kreativteam einen schwer 

verdaulichen Klassiker erfolgreich vergegenwärtigt 

und leicht zugänglich gemacht. 

Rosalie Rosenbusch 

6 


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Tödlich ...?! Köstlich ...?! 

»Sweeney Todd« an der Staatsoperette Dresden 

Abb. oben: 

Mrs Lovett (Silke Richter) berichtet 

Sweeney Todd (Hinrich Horn) 

vom Schicksal seiner seiner 

Ehefrau und Tochter 

Foto: Pawel Sosnowski 

Der Titelzusatz »The Demon Barber of Fleet Street« 

(übersetzt: »Der dämonische Herren-Friseur aus 

der Fleet Street«) lässt durchklingen, warum Stephen 

Sondheim sein Musical als »tiefschwarze Operette« 

bezeichnet haben soll. Für »Sweeney Todd« arbeitete 

der Komponist und Texter, der hier für Musik und 

Lyrics verantwortlich zeichnet, mit Hugh Wheeler 

(Buch) zusammen. Ihr rabenschwarzes Bühnenstück 

mit seinen vielfältigen makabren humoristischen Nuancen 

feierte 1979 in New York Uraufführung und gewann 

insgesamt 8 Tony Awards. In der Übersetzung von 

Wilfried Steiner kam es sechs Jahre später in Freiburg 

zur deutschsprachigen Erstaufführung. Wenngleich 

das Musical bereits Erfolge verbuchen konnte, so 

wurde es mit der Tim-Burton-Verfilmung (2007) mit 

Johnny Depp (Sweeney Todd) und Helena Bonham 

Carter (Mrs Lovett) in den Hauptrollen, die 2008 in 

Deutschland in die Kinos kam, weltbekannt. Seit dem 

21. Oktober 2023 ist das Stück an der Staatsoperette in 

Dresden zu sehen. 

Dichter Nebel wabert träge aus einem Londoner 

Erdloch. Schlammbesudelte Geschöpfe bahnen sich 

einen Weg an die Oberfläche, die die Geschichte vom 

Barbier aus der Fleet Street erzählen. Die unterste 

Schicht der menschlichen Gesellschaft – gebrochen, 

und doch wagen sie die Rebellion. Unter den abfälligen 

Blicken der Reichen scheitern sie kläglich. Der Dunst 

löst sich auf, als der ehemalige Barbier Benjamin 

Barker (Hinrich Horn), der sich von nun an Sweeney 

Todd nennt, wieder heimatlichen Boden betritt. 

15 Jahre sind vergangen, seit er zu Unrecht in die Verbannung 

geschickt wurde. Dem jungenhaften Matrosen 

Anthony Hope (Gero Wendorff) hat er es zu verdanken, 

dass er nach all der Zeit in der Lage ist, seine 

alte, in der Fleet Street gelegene Wirkungsstätte aufzusuchen. 

Unter dieser befindet sich der übel laufende 

Laden der Pastetenbäckerin Mrs Lovett (Silke Richter), 

die Todd wiedererkennt. Sie erzählt ihm vom Schicksal 

seiner Gattin Lucy, die nach der rechtswidrigen Verurteilung 

ihres Gatten durch Richter Turpin (Elmar 

Andree) durch eben jenen massiv bedrängt wurde und 

keinen anderen Ausweg mehr sah, als Gift zu sich zu 

nehmen. Der hinterlistige Jurist nahm daraufhin die 

gemeinsame Tochter des Ehepaares, Johanna (Julie 

Sekinger), als Mündel bei sich auf. Die bereits damals 

bestehende Zuneigung von Mrs Lovett zu dem Barbier 

ließ sie seine Rasiermesser bis heute aufbewahren. Als er 

es in den Händen haltend die Ode >Mein Freund< singt, 

beschließt Todd, sein altes Handwerk wieder aufzunehmen, 

und schwört Rache an seinen Widersachern. Unterdessen 

sehnt sich Johanna, wie ›Grünfink und Nachtigall‹ 

im Käfig gefangen, nach Freiheit. Als Anthony ihrer 

bei einem Spaziergang gewahr wird, verliebt er sich 

augenblicklich in sie. Von Turpin verjagt macht er 

sich auf den Weg in die Fleet Street, auf Hilfe für eine 

Rettungsaktion der holden Maid hoffend. Auf dem 

Marktplatz wird derweil ein neues Werbevideo zu 

›Pirellis Aqua-Capillare‹, einem angeblichen Wunder- 

Haarwuchs-Mittel, gedreht. Der sich selbst als »König 

der Barbiere« bezeichnende Adolfo Pirelli (Václav 

Vallon) kann dabei auf das technische Geschick seines 

knabenhaften Gehilfen Tobias (in der bes. Vorstellung 

gespielt und gesprochen von Michelle Lippe, gesungen 

von Timo Schabel) zählen. Die Menge mag er damit 

8 



täuschen können, doch Sweeney Todd hält es für eine 

Masche, um die Arbeiter um ihr hart erarbeitetes Geld zu 

bringen, und fordert den anderen zum Wettrasieren heraus, 

welches er gewinnt. Dadurch in seiner Zunft wieder 

Fuß fassend lädt er Büttel Bamford (Dietrich Seydlitz), 

der als Schiedsrichter agierte, zu einer kostenlosen Rasur 

ein, um seinen Rachefeldzug zu beginnen. Jedoch macht 

ihm zunächst Pirelli einen Strich durch die Rechnung, 

da dieser in dem Konkurrenten Benjamin Barker erkannt 

hat und droht, alles auffliegen zu lassen. Diese Erpressung 

bringt ihm den Tod. Mrs Lovett kann Tobias weismachen, 

dass er von seinem Meister verlassen wurde. Bei 

ihr findet er fortan ein neues Zuhause. 

Richter Turpin beabsichtigt, Johanna zu heiraten, 

um damit die Annäherungen fremder junger Männer zu 

unterbinden. Diese ist nicht begeistert davon und plant 

gemeinsam mit Anthony ihre Flucht. Der Jurist begibt 

sich auf Anraten von Büttel Bamford für eine Rasur zu 

Sweeney Todd. Durch das Hereinplatzen des jungen 

Seefahrers werden nicht nur die Rachepläne des Barbiers 

zunichtegemacht, sondern ebenfalls das Durchbrennen 

des verliebten Paares, da Turpin wutentbrannt davoneilt 

und sein Mündel für den Moment unerreichbar versteckt. 

Mrs Lovett unterbricht mit der Frage über die Zukunft 

der Leiche von Pirelli die ausufernden Gewaltfantasien 

von Todd. Pragmatisch, wie sie ist, und aufgrund der 

teuren Fleischpreise, kommt ihr eine makabere Idee: 

Der Tote wird kurzerhand zu Pasteten verarbeitet. Der 

Verkauf läuft hervorragend, sodass Sweeney weiter für 

Nachschub sorgt, wobei er Vorsicht bei der Wahl seiner 

»Zulieferer« walten lässt. Gleichwohl verfolgt er darüber 

hinaus die Vergeltungspläne gegen den Richter und die 

Anstrengungen zur Befreiung seiner Tochter. Der finale 

Showdown birgt manche Überraschungen und zeigt in 

besonderem Maß das moralische Dilemma der Selbstjustiz 

auf. 

Martin G. Berger hat mit »Follies« bereits ein von 

Erfolg gekröntes Sondheim-Musical an der Staatsoperette 

Dresden inszeniert. Mit »Sweeney Todd« gelingt 

ihm ein ebenso erfolgreicher Coup. Er schafft es, die im 

19. Jahrhundert angesiedelte Geschichte, unter Beibehaltung 

charakteristischer zeitgenössischer Elemente, in die 

Gegenwart zu transferieren. Damit baut er eine Brücke 

zwischen den Zeiten und interpretiert die teils immens 

düstere und skurrile Handlung auf eine eigene Art und 

Weise, die das Musical auch für Kenner neu erlebbar 

macht. Das Bühnenbild von Sarah-Katharina Karl ist 

teilweise minimalistisch, gleichzeitig in hohem Maße 

beeindruckend. Mit wenigen Komponenten wird auf der 

Bühne selbst agiert. Gleichwohl ist der Orchestergraben 

ein elementarer Teil der Konstruktion. In diesen ist die 

Grube, aus der sowohl Menschen gekrochen kommen als 

auch hineinfallen, integriert, ebenso wie er über fahrbare 

Gitter nach Belieben bis an den Rand des Loches abgedeckt 

werden kann und damit diverse Szenen in ihrer 

Dynamik unterstrichen werden. Als aus dem Boden die 

Unterwelt himmelwärts steigt, stellt dies auf eindrucksvolle 

Weise das Irrenhaus dar – Gänsehaut garantiert. 

Dazu kommt das stimmige Zusammenspiel mit dem 

Videodesign (Lukas Marian). Die Leinwand, die die 

Gesellschaftsschichten trennt, wird teilweise mit bunten 

Bildern bespielt, die den überbordenden Kommerz 

gelungen widerspiegeln. Der dem Musical-Thriller innewohnende 

Humor wird unter anderem durch das Drehen 

von Werbevideos, die an Influencer mit ihren YouTube- 

Videos erinnern, widergespiegelt. Im brutalen Gegensatz 

dazu steht die Handkameraführung, die den Übergriff 

auf Lucy durch den Richter im Großformat wiedergibt 

und für deutliche Beklemmung sorgt. Nicht umsonst ist 

die Altersempfehlung für das Musical auf der Internetseite 

der Staatsoperette mit 14 Jahren angeben. Ebenso ist 

eine entsprechende Triggerwarnung zu finden. 

Sweeney Todd – The Demon 

Barber of Fleet Street 

Stephen Sondheim / Hugh Wheeler 

Deutsch von Wilfried Steiner und 

Roman Hinze 

Staatsoperette Dresden 

Premiere: 21. Oktober 2023 

Regie ....................... Martin G. Berger 

Musik. Leitung .... Peter Christian Feigel 

Chorleitung .................. Thomas Runge 

Bühnenbild ......... Sarah-Katharina Karl 

Kostüme ..... Alexander Djurkov Hotter 

Masken & Frisuren ...... Thorsten Fietze 

Licht ............................ Uwe Münnich 

Videodesign ................... Lukas Marian 

Ton ......................... Pawel Leskiewicz 

Sweeney Todd ............. Hinrich Horn / 

Uwe Schenker-Primus 

Mrs Lovett ..................... Silke Richter / 

Stefanie Dietrich 

Anthony Hope .......... Gero Wendorff / 

Jan-Philipp Rekeszus 

Johanna Barker ............ Julie Sekinger / 

Charlotte Watzlawik 

Tobias Ragg (Toby) .... Riccardo Romeo / 

Timo Schabel 

Richter Turpin ................ Elmar Andree 

Büttel Bamford .......... Dietrich Seydlitz 

Bettlerin ..................... Dimitra Kalaitzi 

Adolfo Pirelli ............... Václav Vallon / 

Timo Schabel 

Mr Fogg ....................... Michael Kuhn, 

Friedemann Condé 

Chor & Statisterie der 

Staatsoperette Dresden 


1. Tobias Ragg (Riccardo Romeo, i.d.bes. 

Vorst. Michelle Lippe, vorne Mitte & 

Leinwand) dreht das neueste Werbevideo 

zum Wundermittel von Adolfo 

Pirelli (Václav Vallon, hinten Mitte) 

2. Anthony Hope (Gero Wendorff) und 

Johanna Barker (Julie Sekinger) können 

endlich zusammen sein, nachdem sie 

den Horror der vergangenen Monate 

überlebt haben 

3. Die Bettlerin (Dimitra Kalaitzi) 

bedrängt Sweeney Todd (Hinrich Horn) 

4. Sweeney Todd (Hinrich Horn) hat 

sich zum erfolgreichen Geschäftsmann 

entwickelt, von dessen Glück jeder 

(Chor) etwas abhaben möchte 

Fotos (4): Pawel Sosnowski 


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Abb. unten von links oben: 

1. ›Schmeckt das gut‹ – Mrs Lovett 

(Silke Richter) feiert mit ihren 

Gästen (Chor) den Erfolg ihrer 

Pastetenbäckerei 

2. Richter Turpin (Elmar Andree) 

macht der geschockten Johanna 

(Julie Sekinger) deutlich, dass er sie 

heiraten wird 

3. ›Die schlimmsten Pasteten‹ – Mrs 

Lovett (Silke Richter) bietet Sweeney 

Todd (Hinrich Horn) ihre (un-) 

schmackhaften Gebäckstücke an 

4. ›Mein Freund‹– Sweeney Todd 

(Hinrich Horn) hat sein altes 

Handwerkszeug wieder 

Fotos (4): Pawel Sosnowski 

Alexander Djurkov Hotter zeichnet für die Kostüme 

verantwortlich, die das Gesamtbild weiter komplettieren. 

Die ausgebeutete Arbeiterschicht erscheint 

grau und trist, mit von Schlamm bedeckter Kleidung. 

Die Oberschicht darf sich im goldenen Schein sonnen, 

während die Maschinerie der Karrieristen, zu der 

neben Pirelli auch Mrs Lovett gehören, in knalligem 

Pink daherkommt. Durch das Herunterbrechen auf 

diese Grundelemente mit ihren Abstufungen innerhalb 

einer Schicht wird dem Minimalismus Rechnung 

getragen, gleichzeitig aber die Wirkung der jeweiligen 

Akteure und deren Stellung inmitten des Gesamtgefüges 

unterstrichen. 

Da der Orchestergraben Teil des Bühnenbildes ist, 

spielt jenes unter der musikalischen Leitung von Peter 

Christian Feigel direkt auf der Bühne. Hinter der Leinwand, 

umgeben von einem auf einer Seite offenen Bühnensteg, 

ist es ein integraler Bestandteil des Stückes. 

Dadurch wird die Musik noch eindringlicher in den 

Zuschauerraum getragen, wobei die anspruchsvolle 

Partitur von Sondheim klar und mühelos erklingt. Die 

Tonabmischung (Pawel Leskiewicz) sorgt für einen 

harmonischen Hörgenuss, da der Gesang jederzeit 

deutlich vernehmbar ist. 

Von Beginn an holt Hinrich Horn mit seiner 

Interpretation des Sweeney Todd die Zuschauer ab. 

Eindrucksvoll überzeugt er mit seiner Stimme und 

Schauspielkunst, ohne seine Kollegen in den Schatten 

zu stellen. Besonders im Zusammenspiel mit Silke 

Richter (Mrs Lovett) entstehen oftmals witzige Darbietungen, 

die den eigenwilligen Humor des Musicals 

geglückt einfangen. Der Darsteller des Tobias Ragg, 

Riccardo Romeo, konnte in der besuchten Vorstellung 

aufgrund von Krankheit nicht spielen. Als Ersatz ist 

allen Beteiligten ein überzeugender Coup gelungen, 

in dem die Regie-Assistentin Michelle Lippe den 

Charakter gespielt und gesprochen hat, während 

der Ensemble-Tenor Timo Schabel aus dem Chor 

heraus die Gesangsparts übernahm. Lediglich durch 

die unterschiedliche Stimmfarbe ist diese Doppelbesetzung 

aufgefallen. Besonders der darstellerischen 

Leistung von Michelle Lippe und deren synchronen 

Lippenbewegungen beim Gesang ist in hohem Maß 

Respekt zu zollen. Allumfassend weiß ebenso Gero 

Wendorff als Anthony Hope zu überzeugen. Seine 

Darbietung von ›Johanna‹ ist Romantik pur, ohne 

dabei kitschig zu wirken. Julie Sekinger (Johanna 

Barker) bringt mit ihrer ausdrucksstarken und klaren 

Stimme nicht nur die Sehnsucht nach Freiheit 

zum Ausdruck, sondern auch in ergreifender Art die 

Verzweiflung durch ihren Aufenthalt im Irrenhaus. 

Als Richter Turpin stellt Elmar Andree den wohl 

unbeliebtesten Charakter des Stückes dar. Diese 

Herausforderung meistert er erstklassig und vor allen 

Dingen bei der Selbstgeißelung ist die Zerrissenheit 

seiner Figur deutlich fühlbar und erzeugt Gänsehaut. 

Martin G. Berger schafft mit seiner Inszenierung 

von »Sweeney Todd« eine düstere, aber auch nachdenkliche 

Atmosphäre, die dennoch nichts vom rabenschwarzen 

Humor des Musical-Thrillers vermissen 

lässt. Ohne belehrend zu wirken regen die geschaffenen 

Parallelen zum Grübeln an, sodass der Abend musikalisch 

und mental lange in einem nachklingt. 

Eva Baldauf 

10 



Viele Emotionen charismatisch dargestellt 

»The Last Five Years« im Friedrichsbau Varieté Stuttgart 

Cathy! Da sitzt sie nun alleine, verlassen, einsam, 

verbittert, traurig. So viele Träume hatte sie. Vor 

5 Jahren lernte sie Jamie kennen und sie verliebten 

sich. Sie waren jung und voller Zuversicht für ihre 

gemeinsame Zukunft. Cathy träumte von einer großen 

Karriere als Musicalsängerin und dem großen 

Glück zusammen mit Jamie. Doch nichts davon 

wurde wahr, und so blickt sie verbittert zurück auf 

die letzten 5 Jahre, voller erfolgloser Bewerbungen, 

voller Frustration, an deren Ende Jamie sie betrügt 

und verlässt. 

Jamie! Er ist jung und verliebt in Cathy, die er 

gerade kennengelernt hat. Er möchte Schriftsteller 

werden, feiert erste Erfolge. Und er ist so glücklich: 

Cathy und er nehmen zusammen eine Wohnung und 

sie heiraten. Die Zukunft liegt vor ihnen und sie sind 

überzeugt, dass sie wunderschön wird. Doch im Lauf 

der nächsten 5 Jahre muss er feststellen, dass Cathy 

immer mehr verbittert aufgrund ihrer beruflichen 

Misserfolge. Sie begleitet ihn nicht zu wichtigen Terminen 

und er fühlt sich allein gelassen. Aus der glücklichen 

Zeit werden Verzweiflung und Frustration – bis 

Jamie am Ende der 5 Jahre mit einer anderen Frau ins 

Bett geht. 

Das spannende an dem Stück ist, dass es in zwei 

unterschiedlichen, gegenläufigen Zeitlinien spielt. 

Während Cathy auf die letzten 5 Jahre zurückblickt, 

schaut Jamie vom Beginn ihrer Bekanntschaft nach 

vorne. Das einzige Treffen der beiden Geschichten 

findet anlässlich ihrer Hochzeit statt. 

»The Last Five Years« ist ein Kammermusical, in 

dem überwiegend gesungen und wenig gesprochen 

wird. Das besondere an der Produktion, mit der Maximilian 

Mann sein Debüt als Regisseur gibt, ist, dass 

die 14 Lieder in Englisch gesungen werden, aber die 

wenigen gesprochenen Texte in Deutsch sind. Eines 

der besonders schönen Lieder ist die Weihnachtsgeschichte, 

die Jamie Cathy erzählt: die Geschichte vom 

Schneider Schmuel, besonders niedlich hier erzählt 

durch eine Handpuppe. 

Maximilian Mann ist dem Stuttgarter Publikum 

besonders durch seine Rollen in »Der Glöckner von 

Notre Dame« und »Aladdin«, wo er der beliebte 

Dschinni war, bekannt. Er engagiert sich zusätzlich 

auch sehr für krebskranke Kinder. 

Für die Rolle der Cathy hat er sich Martina 

Lechner geholt, die derzeit in Stuttgart im Musical 

»Tina« zu sehen ist. Ihr Gegenüber in der Rolle des 

Jamie ist Daniele Spampinato, auch er aus der Stuttgarter 

»Tina«-Besetzung. Beide spielen ihre Rollen 

ausdrucksstark und voller Emotionen und man kann 

schon fast ein bisschen Mitleid mit Cathy und Jamie 

haben. 

Wunderbar begleitet werden die Beiden durch eine 

sechsköpfige Band, in der besonders zwei Celli auffallen, 

unter der einfühlsamen musikalischen Leitung 

von Daniel Weis. 

Das Stück bedarf keines großen Bühnenbilds. Die 

Bühne wird hauptsächlich durch eine große Couch 

dominiert. Untermalt und verdeutlicht werden die 

zeitlichen Wechsel in der Erzählung durch das Anund 

Ausziehen verschiedener Kleidungsstücke. 

»The Last Five Years« feierte 2001 in Chicago 

seine Uraufführung, wurde 2002 am Off-Broadway 

in New York aufgeführt und kam 2005 zum ersten 

Mal nach Deutschland, und zwar in Wuppertal. 

Unter der Regie von Christoph Drewitz und Daniel 

Witzke spielten damals Patrick Stanke und Charlotte 

Heinke die Hauptrollen in der deutschsprachigen 

Erstaufführung. 

Inzwischen wird das Musical »Die letzten fünf Jahre« 

auch in Deutschland häufiger gespielt. Leider gab es in 

Stuttgart von dieser Produktion nur zwei Vorstellungen. 

Ingrid Kernbach 

Abb. oben: 

›The Schmuel Song‹, hinreißend 

von Jamie (Daniele Spampinato) 

für seine Cathy (Martina Lechner) 

vorgetragen 

Abb. unten: 

Cathy (Martina Lechner) nimmt 

glücklich den Heiratsantrag von 

Jamie (Daniele Spampinato) an 

Fotos (2): Ingrid Kernbach 

The Last Five Years 

Jason Robert Brown 

Songs in englischer Sprache 

Deutsche Dialoge von Wolfgang Adenberg 

Friedrichsbau Varieté Stuttgart 

Premiere: 9. Januar 2024 

Regie ...................... Maximilian Mann 

Musikalische Leitung ........ Daniel Weis 

Technische Regie....... Anna Matthiesen 

Cathy......................... Martina Lechner 

Jamie .................. Daniele Spampinato 


11


Der lange Weg nach Bethlehem 

Uraufführung des Chormusicals »Bethlehem« in Düsseldorf 

Abb. oben: 

Der eigentliche Star des Abends ist 

natürlich der gigantische Chor 

Foto: Stephan Drewianka 

Chormusical Bethlehem 

Dieter Falk / Paul Falk / Michael Kunze 

Stiftung Creative Kirche 

PSD Bank Dome Düsseldorf 


Regie .............................. Gil Mehmert 

Leitung Chor ......................................... 

................ Danny Sebastian Neumann & 

Miriam Schäfer 

Choreographie ................. Yara Hassan 

Ausstattung ...................... Britta Tönne 

Lichtdesign ............. Michael Grundner 

Sound Engineering .... Carsten Kümmel 

Josef ............................. Benjamin Oeser 

Maria ................... Alina Ju Tchin Simon 

Engel ............................ Bonita Niessen 

Herodes ........................... Mischa Mang 

Erzählerin 1 .......................... Julia Lißel 

Mamba / Erzählerin 2 .... Karolin Konert 

Melchior ..................... Sebastian Wurth 

Balthasar .................... Florian Minnerop 

Caspar ..................... Marlon Wehmeier 

In weiteren Rollen: 

Veronika Rivó, Stefan Stara 

Dieter Falk ist ein Musikproduzent, der neben der 

Zusammenarbeit mit vielen internationalen Weltstars 

auch mit der Gruppe PUR das Album »Abenteuerland« 

produziert hat, und Vollblutmusiker, der mit 

seinen Söhnen Paul und Max unter dem Namen »Falk 

& Sons« zwei Jazz-Alben mit modernen Bach-Arrangements 

herausgebracht hat. In Kooperation mit der 

Stiftung Creative Kirche schrieb er mit Texter Michael 

Kunze 2009 das Pop-Oratorium »Die 10 Gebote« für die 

Kulturhauptstadt Dortmund als reines Chorstück, das 

er 2013 für das Theater St. Gallen mit Solo-Künstlern 

zum echten Chormusical »Moses« erweiterte. 2017 hatte 

das Pop-Oratorium »Luther – das Projekt der 1.000 

Stimmen« zum 500-Jahre-Reformationsjubiläum Weltpremiere 

in der Dortmunder Westfalenhalle – mit einem 

3.000 Stimmen starken Chor, 40-köpfigem Symphonieorchester, 

einer Rockband und 12 Musicaldarstellern das 

bisher größte Projekt des Autoren-Teams Falk/Kunze. 

Nach einem Kick-Off Ende 2019 zum neuesten Musicalprojekt 

»Bethlehem« sollte das dritte Chormusical von 

Dieter Falk eigentlich Ende 2020 Weltpremiere feiern, 

doch die Corona-Pandemie sorgte dafür, dass die Premiere 

in den Folgejahren gleich zweimal abgesagt werden 

musste. Beim Entstehungsprozess des Musicals wurden 

von Dieter Falk, Mitkomponist Sohn Paul und Librettist 

Michael Kunze zunächst Handlung und Charaktere 

umrissen. Danach legten die beiden Komponisten vor 

und produzierten die Songs im Studio, bei denen Dieter 

Falk einen Fantasietext über die späteren Textzeilen 

sang und dieses Demo dann an Michael Kunze schickte, 

der charakterspezifisch passgenaue Texte verfasste und 

diese von Hamburg zurück nach Düsseldorf schickte, 

bis das finale Werk vollendet war. Falk komponierte 

eine Mischung aus Gospel und Pop, zitierte aber auch 

Weihnachtslieder wie ›Freue dich Welt‹, ›Adeste Fideles‹ 

oder ›Maria durch ein Dornwald ging‹ und verwendete 

Bach- und Händel-Zitate. Beim dritten Chormusical 

gibt es außerdem mehr Up-Tempo-Nummern mit 

»Gospelwippen«, die bei Sängern und Zuschauern sehr 

gut ankommen. Mehr Reprisen sollen zudem den Ohrwurmcharakter 

prägen und die Zuschauer animieren, die 

auf Monitorwänden eingeblendeten Texte mitzusingen. 

Das Altersspektrum der teilnehmenden Chormitglieder 

reicht von 7 bis 93 Jahren. Die neun professionellen 

Musicaldarsteller als Solisten treten diesmal enger mit 

dem Chor in Interaktion, wobei die Solisten wie beim 

Gospel Textzeilen vorgeben, die der Chor anschließend 

als Echo zurückwirft. 

Die CD-Aufnahme mit einem Chor aus 100 Chorleitern 

und Chorleiterinnen konnte im März 2020 gerade 

noch rechtzeitig eingespielt werden, bevor das Verbreiten 

von Aerosolen in großen Menschenmengen verboten 

wurde. Während der Corona-Zeit gab es von Dieter und 

Paul Falk organisierte Online-Musikproben »Singen 

zuhause«, die zunächst nur für den damals 2.500-Stimmen-Chor 

gedacht waren, zu denen sich aber jeden 

Dienstagabend live bis zu 30.000 Menschen zuschalteten, 

um gemeinsam die Partitur von »Bethlehem« zu singen. 

Der daraus resultierende 3.000-Stimmen-Chor, der 

am 10. Dezember 2023 in der Grugahalle zur Hauptprobe 

antrat, war durch 3 Jahre Online-Proben also 

bestens auf die Aufgabe vorbereitet. Wer Chormitglied 

werden wollte, musste kein Casting bestehen, sondern 

sich einfach nur online registrieren. 

Der erste Song ›Bethlehem‹ zeigt das jetzige Bethlehem 

mit Stacheldrahtzäunen, wo gleich drei große Weltreligionen 

nicht immer friedlich aufeinandertreffen, bevor wir 

in den Brunnen der Zeit treten und im Jahre 1 unserer 

12 



modernen Zeitrechnung landen. Der zweite Song ›Menschen 

in Not‹ ist momentan leider durch zwei Kriege 

aktueller denn je. »Bethlehem« ist kein politisches 

Stück, doch haben viele Texte ganz aktuell einen Bezug 

erhalten, den sie bei ihrer Entstehung vor über 3 Jahren 

noch nicht hatten. Es geht natürlich um das Wunder der 

Geburt Jesu, das in der Textzeile mündet: »Das Leben 

gewinnt mit jedem Kind«. 

Josef kommt mit seiner hochschwangeren Maria in 

Bethlehem an, wo sie als Fremde gemieden werden, doch 

sie finden Unterschlupf in einem Stall. Drei Astrologen 

beobachten als Könige der Wissenschaft einen Kometen, 

dem sie folgen und so an den Hof von Herodes gelangen, 

wo sie behaupten, dass der Komet die Ankunft eines 

neuen Königs verspricht, was Herrscher Herodes gar 

nicht gutheißt und mit seiner engsten Beraterin Mamba 

zu verhindern gedenkt. Ein Engel verkündet Josef und 

später auch den Hirten, dass Maria Gottes Sohn gebären 

wird. Als die drei Gaben der Astrologen zur Geburt Jesu 

neben Gold und Weihrauch auch die bittere Myrrhe enthalten, 

sieht Maria darin ein böses Omen und flieht mit 

Josef nach Ägypten. Zu Recht, denn Herodes befiehlt 

Mamba, zur Sicherung seiner Macht alle Neugeborenen 

in Bethlehem zu töten, doch Mamba entscheidet sich für 

eine andere Lösung. 

Viel Handlung gibt es für Regisseur Gil Mehmert 

nicht umzusetzen, der sich bei seiner Inszenierung auch 

auf wenige Requisiten wie die leuchtenden Buchstaben 

des Wortes Bethlehem, einen Einkaufswagen mit Marias 

und Josefs Habseligkeiten und moderne Kostüme von 

Bettina Tönne vorrangig in Schwarz mit Jeans und 

Leder verlässt. Star der beeindruckenden Show ist der 

gigantische Chor auf den Rängen des PSD Bank Domes 

in Düsseldorf, atmosphärisch illuminiert im passenden 

Lichtdesign von Michael Grundner und dirigiert an 

zwei Seiten von Danny Sebastian Neumann und Miriam 

Schäfer. 14 Musiker und Musikerinnen sorgen für die 

instrumentale Begleitung, die vom Sound Engineering 

von Carsten Kümmel auch mit den Solo-Darstellern 

perfekt verständlich abgemischt wird, während sie in der 

Choreographie von Yara Hassan an passender Stelle auch 

mal einige Tanzschritte aufführen dürfen. 

Als Maria überzeugt Alina Ju Tchin Simon mit einer 

kristallklaren Stimme bei ›Du wirst stets mein Kind 

sein‹, Benjamin Oeser darf als Josef bei ›Wenn Gott 

ein Mensch ist‹ zweifeln, wie Jesus seinen Platz in der 

Geschichte einnimmt. Bonita Niessen verkündet als 

Engel mit starker Gospel-Röhre und beeindruckender 

Robe Jesu Geburt gleich mehrfach, während Mischa 

Mang als Herodes seine ›Macht‹ mit allen Mitteln behalten 

will. Sein bestens gestimmtes Instrument ist Mamba, 

die mit Karolin Konert fantastisch ihren ›Nachtwein‹ 

darreicht. Die drei weisen Astrologen sind mit Sebastian 

Wurth (Melchior), Florian Minnerop (Balthasar) und 

Marlon Wehmeier (Caspar) harmonisch aufgestellt und 

mit M, B, C auf den Baseball-Kappen immer gut auseinanderzuhalten. 

Julia Lißel führt als Erzählerin durch die 

biblische Geschichte. Stefan Stara und Veronika Rivó 

kamen als Cover in den beiden Vorstellungen am 16. 

Dezember 2023 nicht zum Einsatz. 

»Bethlehem« ist auch ohne viele Kulissen ein 

beeindruckendes Spektakel mit biblischen Ausmaßen 

und weiß durch schmissige Gospel-Rhythmen gut zu 

unterhalten. Die Show wird in den nächsten Jahren zur 

Adventszeit gleich in mehreren Städten auf Tournee 

gehen, und interessierte Sänger und Sängerinnen können 

sich schon bald online als Chormitglieder registrieren. 

Stephan Drewianka 

Abb. oben: 

Julia Lißel übernimmt als Erzählerin 

auch die Rolle eines Schäfers 

Abb. unten von oben links: 

1. Maria (Alina Ju Tchin Simon, r.) 

und Josef (Benjamin Oeser, 2.v.r) 

kommen nach Bethlehem, wo sie 

nicht willkommen sind 

2. Die Heiligen Drei Könige als 

Astronomen – (v.l.): Balthasar 

(Florian Minnerop), Caspar 

(Marlon Wehmeier) und Melchior 

(Sebastian Wurth) 

3. Mamba (Karoline Konert) 

hält einen Nachttrank für König 

Herodes (Mischa Mang. l.) parat 

4. Bonita Niessen als Engel der 

Verkündung 

Fotos (5): Stephan Drewianka 


13


Ein Stück über Liebe – und Berlin 

BVG-Musical »Tarifzone Liebe« feiert Uraufführung in Berlin 

Abb. oben: Die BVG steht still und 

niemand (Ensemble) weiß mehr, wie 

er jetzt an sein Ziel kommen soll 

Foto: Fabian Frühling 

Tarifzone Liebe – 

Das BVG-Musical 

»Not A Machine« / Tom van Hasselt 

BVG Berlin 

Admiralspalast 


Regie ..................... Christoph Drewitz 

Musikalische Leitung ..... Hauke Wendt 

Choreographie ............. Jonathan Huor 

Ausstattung ........................ Adam Nee 

Lichtdesign .... Fridthjofur Thorsteinsson 

Tramara ........ Jeannine Michèle Wacker 

Alexander....................... Jendrik Sigwart 

Bus-Tav .............................. Gino Emnes 

U-Laf ................................... Nico Went 

Fahraus-Weise .................... Steffi Irmen 

Fahrgast / Gebiss ......... Ilias Sidi-Yacoub 

Hilde / Eifelturm ......... Anastasia Troska 

Fahrgast / Peitsche ....... Safiyah Galvani 

Omi ....................... Alina Antje Niehaus 

Heiner / Kontrolleur ..... Dominik Müller 

In weiteren Rollen 

Daniel Brennecke, Ulrike Brühan, 

Emilia Eschelbach, Kevin Flemming, 

Fitim Qenaj, Zoé Wendel 

Berliner Verkehrsbetriebe sind schon seit 

Dvielen Jahren dafür bekannt, dass sie immer 

wieder mit großen Werbeaktionen zumindest für 

den einen oder anderen Aufmerksamkeitsschmunzler 

sorgen. Die Werbeagentur hinter den erfolgreichen 

Kampagnen ist auch an der jetzigen beteiligt: 

Plötzlich und unerwartet war Berlin im November 

mit Plakaten zugepflastert, die für das Musical 

»Tarifzone Liebe« wenige Wochen später mit nur 

zwei Shows im Admiralspalast warben. Was kurz 

wie ein Witz wirkte, stellte sich dann schnell als 

echtes Stück heraus, und binnen 24 Stunden waren 

alle Tickets für die beiden Abende ausverkauft. 

Die Geschichte ist, bedingt durch die kurze 

Dauer des Stückes, einfach gestrickt: Tramara 

möchte mehr als einfach nur eine Tram sein, die 

ihre Fahrgäste von A nach B befördert – nein, sie 

möchte möglichst alle Fahrgäste glücklich machen. 

Nachdem sie mitbekommen hat, dass zwei Fahrgäste 

aus Versehen getrennt wurden, sorgt sie 

zum Beispiel durch einen plötzlichen Stopp dafür, 

dass sie wieder zusammen finden. Da dieses mitfühlende 

Verhalten immer wieder für Verspätungen 

im Verkehrsbetrieb sorgte, ist gerade dieses 

außerplanmäßige Halten der Auslöser dafür, dass 

sie von der Leitstellenleitung von ihrer üblichen 

Strecke abgezogen wird. Für einen kurzen Stopp 

zum Reinigen kommt sie ins Lager. Gemeinsam 

mit einigen Fundstücken besingt sie dort ihren 

Stammfahrgast Alexander, in den sie sich verliebt 

und von dem sie das Portemonnaie hat, nachdem 

er es bei einer Fahrt mit ihr verlor. Dieser ist bereits 

in der Beschwerdestelle auf der Suche nach Hilfe, 

rund um ihn vor allem erboste Menschen, die sich 

über die Unzulänglichkeit der BVG beschweren 

wollen. Tramara versucht, Alexander über die 

Anzeigetafeln darüber zu informieren, dass sie 

das Fundstück hat, allerdings nicht mehr auf ihrer 

üblichen Stammstrecke fahren darf. Dieser versteht 

die kryptische Nachricht erstaunlicherweise sofort 

und macht sich auf den Weg zum Alexanderplatz. 

Allerdings wird Alexander von der Fahrkartenkontrolle 

angehalten – das Fahrticket liegt allerdings 

in seinem Portemonnaie in Tramara, die er durch 

die Kontrolle verpasst. Tramara, die ihn gesehen, 

aber die Situation missgedeutet hat, entschließt 

sich, ihren Liebeskummer zum Anlass zu nehmen, 

um aus dem Schienennetz Berlins auszubrechen 

und nach Paris, der Stadt der Liebe, aufzubrechen. 

Dieser Ausstieg sorgt für Chaos im Fahrplan und 

auf einmal steht alles still – was dazu führt, dass 

die Fahrgäste, die zuvor noch so erbost über all 

die Verspätungen waren, bemerken, wie wichtig 

die BVG für ihre Tagesabläufe ist. Mit »Die Stadt 

steht still, denn sie will, sie will ein bisschen Liebe« 

singen sie eine Hymne auf das, was in den letzten 

Jahren zunehmend fehlte – Liebe und Verständnis 

unter- und füreinander. Auch Alexander stellt fest, 

dass Berlin nicht seinen Traumvorstellungen entspricht 

und wie einsam er in Wahrheit ist. Tramara 

und er begegnen sich an einer Tramhaltestelle und 

die Weisheit, dass man manchmal einfach zuhören 

muss, um den anderen zu verstehen, führt dazu, 

dass sie miteinander reden können, obwohl sie eine 

Tram und er ein Mensch ist. Sie erzählt ihm von 

ihrem Paris-Traum, den sie kurz hatte, und dass 

sie für ihn zurückgekehrt ist. Mit ›Einzelfahrt ins 

Liebesglück‹ besingen beide die schönen Seiten, die 

14 



Berlin und das Leben bieten, ebenso wie ihre Liebe. 

Als Tramara sich bei der Leitstelle stellt und zugibt, 

dass sie an dem Chaos in der Stadt Schuld ist, kommen 

ihr alle Gäste zur Hilfe und erzählen, wie toll 

sie Tramara finden und wie schön es ist, wenn man 

auch als Einzelfahrgast mal wahrgenommen wird. 

Mit ›Tarifzone Liebe‹, eine Hymne an die BVG, das 

Miteinander und die Stadt, endet dann das knapp 

einstündige Erlebnis. 

Dass hier echte Profis am Werk sind, sieht man 

schnell: Regisseur Christoph Drewitz führt mit 

schnellem Takt durch das Stück. Die oft grenzwertigen 

Witze zwischen flach und genial funktionieren 

überwiegend, gerade weil er die Inszenierung des 

Tempos beherrscht. Das Buch stammt von Tom van 

Hasselt, dies merkt man auch, denn er hat mit seiner 

Art der Texte seit vielen Jahren eine ganz eigene 

Handschrift. Diese mag man oder auch nicht, sie ist 

aber auf jeden Fall massentauglich. Für die Musik 

verantwortlich zeichnet »Not A Machine«. Entstanden 

sind neun Songs, die sich in kurzen Fragmenten 

an Techno und Rap bedienen, aber vor allem den 

klassischen Musicalklang bieten. Die Darsteller 

auf der Bühne haben alle Rang und Namen in der 

Musicalwelt. Neben den beiden Hauptdarstellern 

Jeannine Michèle Wacker, die mit viel Herzblut die 

liebenswerte Tram Tramara darstellt, und Jendrik 

Sigwart als der leicht vertrottelte, mit dem Herzen 

am rechten Fleck ausgestattete Alexander, hat sich 

insbesondere Steffi Irmen als Fahraus-Weise hervorgehoben. 

Diese Weisheiten liegen alle auf dem 

Niveau von »Gut Ding will Weiche haben« oder 

»Lieber Eile mit Weile als Busfahrt ohne Bremse«, 

aber da sich weder die BVG noch der ganze Abend 

ernst nehmen wollen, kann man darüber auch 

irgendwann hinwegsehen und es schmälert nichts 

an der von Irmen dargestellten Liebenswürdigkeit 

des Charakters. Auch Gino Emnes als Bus-Tav und 

Nico Went als U-Laf haben ihre bemerkenswerten 

Momente auf der Bühne. 

Die musikalische Leitung hat Hauke Wendt 

inne, die durchaus immer wieder gelungenen Choreographien 

stammen von Jonathan Huor. Auch 

das Bühnenbild und die Kostüme von Adam Nee 

sind – gemessen an der sehr kurzen Spielserie – 

erstaunlich vielfältig und gut gelungen. Hervorgehoben 

gehört hier auch noch das Lichtdesign von 

Fridthjofur Thorsteinsson, welches die doch große 

Bühne immer wieder gut unterteilt und für viel 

Lebendigkeit sorgt. 

Letztendlich war es ein kurzweiliger Abend, das 

gesponserte Popcorn auf jedem Sitz ließ schon zu 

Beginn vermuten, dass man sich hier des amerikanischen 

Popcornmovie-Genres bedienen und eine 

Stunde einfacher Unterhaltung schaffen wollte. 

Dass diese Werbeaktion aber deutschlandweite 

Beachtung gefunden hat und auch alle großen Zeitungen 

über diese Premiere berichtet haben, ist ein 

absolut beachtenswerter Erfolg für die BVG. 

Für alle, die das Stück gerne gesehen hätten, aber 

keine Tickets bekommen haben: Es wurde schon 

mit der Premiere auf dem YouTube-Kanal der BVG 

als Livestream veröffentlicht und kann dort nach 

wie vor angesehen werden. 

Sabine Haydn 

Abb. oben: 

Gemeinsam besingen Tramara 

(Jeannine Michèle Wacker) und 

Alexander (Jendrik Sigwart) die 

Schönheit des Lebens 


1. Fahraus-Weise (Steffi Irmen, 

Mitte, mit Ensemble) hat für die 

Fahrgäste immer eine Weisheit parat 

2. Tramara (Jeannine Michèle 

Wacker, 2.v.l.) gesteht Alexander 

(Jendrik Sigwart, l.) ihre Liebe 

3. Alle (Ensemble) verteidigen 

Tramara (Jeannine Michèle Wacker, 

Mitte) vor der Leitstellenleitung für 

ihr Handeln 

4. Endlich funktioniert der Verkehr 

wieder: (v.l.) Bus-Tav (Gino Emnes), 

Fahraus-Weise (Steffi Irmen), U-Laf 

(Nico Went) und auch Tramara 

(Jeannine Michèle Wacker) sind 

erleichtert 

Fotos (5): Fabian Frühling 


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Was ist schon normal? 

»The Addams Family« im Grenzlandtheater Aachen 

Abb. oben: 

›Du bist ein Addams‹ – Gomez 

(Christian Bindert, vorne) stellt die 

Familienwerte vor 

Foto: Dominik Fröls 

The Addams Family 

Andrew Lippa / Marshall Brickman / 

Rick Alice 

Deutsch von Anja Hauptmann 

Grenzlandtheater Aachen 

Premiere: 10. Dezember 2023 

Regie ................ Thomas Helmut Heep 

Musikalische Leitung ..... Stephan Ohm 

Choreographie ................... Kati Farkas 

Ausstattung ..................... Steven Koop 

Gomez Addams .......... Christian Bindert 

Morticia Addams ......... Stephanie Theiß 

Wednesday Addams .............................. 

............................. Lucille-Mareen Mayr 

Pugsley Addams ............ Lasarah Sattler 

Onkel Fester ................. Michael Kargus 

Grandma ........................... Aimée Covo 

Lurch .................................. Lukas Thier 

Mal Beineke ..................... Fehmi Göklü 

Alice Beineke ........... Verena Bonnkirch 

Lucas Beineke .............. Michael Berres 

Lust auf ein kleines Musik-Quiz? An welche Filmbzw. 

Fernsehserie müssen Sie unmittelbar denken, 

wenn Sie folgendes lesen: »Tadadada, snip snip, tadadada, 

snip snip, tadadada tadadada tadadada, snip 

snip« … Richtig! Willkommen in der düster-schaurigen 

Welt von Amerikas wohl schrägster Familie, der 

»Addams Family«! 

Basierend auf den Charakteren eines 1938 erstmals 

im Magazin »The New Yorker« erschienenen Cartoons 

des Zeichners Charles Adams, in dem er durch die 

Schaffung verschiedenster Figuren mit umgekehrtem 

Ästhetikempfinden das Ideal einer amerikanischen 

Musterfamilie karikierte, nahmen Familienoberhaupt 

Gomez Addams, seine Ehefrau Morticia, die Sprösslinge 

Wednesday und Pugsley sowie die Nebenfiguren 

Onkel Fester, Grandma und Lurch erst durch die 

zahlreichen Film- und Serienadaptionen immer mehr 

Gestalt an. 

Aus einem Cartoon (mit bis dato namenlosen 

Figuren in Einzelbild-Gags) wurde so nach und nach 

eine Kultfamilie geschaffen, die spätestens seit der 

2022 erschienenen Netflix-Serie um Töchterchen 

Wednesday so ziemlich jedes (ältere) Kind kennt. 

Das 2009 in Chicago uraufgeführte Stück mit 

Musik und Texten von Andrew Lippa (Buch: Marshall 

Brickman und Rick Alice) ist dabei ganz bewusst 

kein musikalischer Abklatsch bereits vorhandener 

»Addams Family«-Geschichten, sondern überrascht 

mit ganz eigener Story: 

Wednesday – mittlerweile zu einer jungen Frau 

herangewachsenen – zeigt plötzlich ganz neue Verhaltensweisen: 

Sie lächelt! Und auch sonst tritt bei 

der von Tod und Folter faszinierten Addams-Tochter 

zunehmend eine bis dato unterdrückte, weiche Seite 

zum Vorschein. In einer Familie, in der sich Bruder 

Pugsley gerne mit Stromschlägen und Messern drangsalieren 

lässt, die 102-jährige Grandma auf berauschende 

Mittel und jüngere Männer steht, der Onkel 

eine düstere Affinität zum Mond hat, der Butler ein 

Zombie ist und ohnehin alle nur schwarz tragen und 

am liebsten den ganzen Tag von Tod, Verwesung und 

Dunkelheit sprechen, ist Wednesdays neues Verhalten 

nicht nur ungewöhnlich – es ist eine absolute Katastrophe! 

Erst recht, wenn der Grund die frisch 

erblühte Liebe zu einem Jüngling aus völlig spießigem 

Haus ist. Da sich die beiden bereits heimlich verlobt 

haben, drängt Wednesday darauf, dass die Familien 

sich endlich kennenlernen. Vorher jedoch ringt sie 

ihrem durchgeknallten Clan die Bitte ab, sich ihr 

zuliebe ›Nur für eine Nacht‹ wie stinknormale Leute 

zu verhalten, nicht ahnend, dass ihr Liebster Lukas 

zur gleichen Zeit dieselbe Bitte an seine scheinbar 

mustergültigen Eltern richtet … doch mal ganz ehrlich: 

Was ist schon »normal«? 

Eine Frage, die sich der Zuschauer im Laufe des 

Abends gerne des Öfteren stellen darf. Oder, um es 

mit Morticia Addams’ treffsicheren Worten zu sagen: 

»Normal ist eine Illusion. Was für die Spinne normal 

ist, ist für die Fliege eine Katastrophe.« Kein Wunder 

also, dass selbst eigene Antworten darauf, was normal 

ist oder nicht, im Verlauf des Stücks zunehmend in 

Frage gestellt werden. 

Denn (auch) in der Inszenierung von Thomas Helmut 

Heep sind die oftmals bewusst überzeichneten Figuren 

der Addams-Familie so überdreht durchgeknallt, dass 

sie schon wieder absolut liebenswert sind, während die 

vermeintliche Idealfamilie Beineke – insbesondere die 

völlig angepassten Eltern Mal und Alice – anfangs eher 

unsympathisch daherkommt. 

Als jedoch der Nachwuchs von einem Tag auf 

den anderen aus dem familiären Raster fällt und 

beschließt, eigene Wege zu gehen, sind die Probleme 

auf beiden Seiten mit einem Schlag so ziemlich die 

gleichen. 

Aber die Addams wären schließlich nicht die 

Addams, hätten sie nicht ein »eiskaltes Händchen« in 

16 



jeder Lebenslage! Und so zeigen die düster-makabren 

Exzentriker den Normalos, worauf es in der Familie 

am Ende ankommt: Zusammenhalt, Loyalität, gegebenenfalls 

auch mal Nachsicht und vor allem – ganz 

viel Liebe … 

Bei aller gerade nur angekratzten Tiefsinnigkeit, 

die noch viele weitere Eigeninterpretationsmöglichkeiten 

zulässt, ist »The Addams Family« gleichzeitig 

eine generationsübergreifende, gut gemachte Familienunterhaltung 

(Empfehlung des Theaters: ab ca. 12 

Jahren), die Spaß macht und ein paar unbeschwerte 

Stunden beschert. In der Inszenierung des Aachener 

Grenzlandtheaters ist dies besonders einem bestens 

aufgelegten Ensemble zu verdanken, das zu Recht am 

Ende einen nicht enden wollenden Applaus bekam 

und zum eigenen Erstaunen wiederholt auf die Bühne 

(zurück-)gerufen wurde. Vom eher wortkargen Butler 

Lurch (Lukas Thier) in einer Nebenrolle bis zur 

Hauptrolle Wednesday (Lucille-Mareen Mayr) waren 

die verschiedenen Charaktere durch die Bank bestens 

besetzt und wurden von den exzellenten Darstellern 

mit viel Spielfreude, ausgezeichneten Gesangsstimmen 

und auch jeder Menge tänzerischem Können 

(in den Ensemblenummern sei hier besonders Aimée 

Covo als Grandma genannt) bis in die letzte Fingerspitze 

ausgefüllt. 

Apropos Finger: Selbstverständlich gibt es auch 

bei der Musicalfassung von »The Addams Family« 

ein Wiedersehen mit dem »eiskalten Händchen«, 

das Onkel Fester (Michael Kargus) aus darstellerisch 

offensichtlichen Gründen nicht von der Seite 

weicht. Offensichtlich, aber dennoch bemerkenswert: 

Michael Kargus gelingt es durch gekonnte (Hand-) 

Bewegungen, dem skurrilen »Haustier« der Addams- 

Familie nicht nur Leben einzuhauchen, sondern hier 

auch einen eigenen Charakter mit eigenen Emotionen 

und eigener Kommunikation zu formen. Seine Darstellung 

als Onkel Fester gehört jedoch ebenso zu den 

Highlights des Abends, sein Pas de deux mit seiner 

großen Liebe, dem Mond (Luna), ›Sagt der Mond, ich 

liebe dich‹, sorgt für reichlich Gänsehaut. 

Dies ist sicherlich nicht zuletzt der bestens ausgeklügelten 

Choreographie von Kati Farkas zu verdanken, 

der es gelingt, eindrucksvolle Schrittkombinationen 

auf kleinstem Raum zu kreieren, so auch 

beim durch Stephanie Theiß und Christian Bindert 

gekonnt umgesetzten ›Tango d’Amor‹ von Gomez 

und Morticia. Nicht nur choreographisch beweist 

das für »The Addams Family« zusammengestellte 

Kreativteam um Regisseur Thomas Helmut Heep 

eindrucksvoll, dass auf der doch recht kleinen Bühne 

des Aachener Grenzlandtheaters viel mehr möglich 

ist, als es auf dem ersten Blick scheint. Dies zeigt sich 

auch im Bühnenbild von Steven Koop: Schauplatz 

des Abends ist – abweichend von der Familienvilla 

im überwiegenden Teil anderer Musicalinszenierungen 

von »The Addams Family« – ein ausschließlich 

in den Farben Schwarz und Weiß gestaltetes 

Krematorium, dessen Leichenfächer (größtenteils 

Schubladen) auch mal als Stauraum, Sitzgelegenheit, 

Schlafplatz oder – im oberen Bereich – als Fenster 

genutzt werden können. 

Wer Spaß an Interpretationsmöglichkeiten hat, 

kommt hier vollends auf seine Kosten, wer eine in sich 

stimmige, von (unnötigen) Umbauten befreite Show 

voller versteckter Überraschungen erwartet, ebenfalls. 

Fazit des Abends: Bei der Aachener Inszenierung 

von »The Addams Family« dürfte für jeden Geschmack 

und Anspruch etwas dabei sein. Auf jeden Fall ist es 

für ein paar Stunden eine gute und unterhaltsame 

Auszeit von der alltäglichen Normalität. Obwohl: 

Was ist schon normal? 

Susanne Baum 

Abb. oben: 

Alice (Verena Bonnkirch) lässt die 

Maske und alle Hemmungen fallen, 

Lurch (Lukas Thier) bleibt unbeirrt 


1. Wednesday (Lucille-Mareen 

Mayr, r.) wünscht sich ›Nur für eine 

Nacht‹ eine »normale« Familie 

2. ›Tauch hinab ins Dunkel‹ – Onkel 

Fester (Michael Kargus) verlässt die 

irdische Welt, um endlich mit seiner 

großen Liebe, Mond »Luna«, vereint 

zu sein 

3. Gomez (Christian Bindert) und 

Morticia (Stephanie Theiß) tanzen 

den ›Tango d‘Amor‹ 

4. ›Sag die Wahrheit‹ – Onkel Fester 

(Michael Kargus, Mitte) und seine 

Familie fordern die Gäste zu einem 

Spiel heraus 

Fotos (5): Dominik Fröls 


17


Ein technischer Blutrausch 

»Tanz der Vampire« im Operettenhaus in Hamburg 

Abb. oben: 

›Totale Finsternis‹ – Graf von 

Krolock (Rob Fowler) wird mit dem 

todbringenden Biss für Sarah (Kristin 

Backes) warten bis zum Ball 

Foto: Morris Mac Matzen 

Seit über 26 Jahren spuken nun schon die Untoten 

über die Bühnen dieser Welt und ziehen auch, zur 

dritten Hamburger Spielzeit, ins Operettenhaus ein. 

Das tut der Produktion insgesamt sehr gut, denn das 

etwas kleinere und intimere Operettenhaus lässt die 

Szenen, bei denen die Darsteller direkt zwischen den 

Zuschauern agieren, wie damals schon bei »Cats« viel 

stärker und näher wirken und fängt die Zuschauer so 

direkt ein. 

»Tanz der Vampire« basiert auf dem gleichnamigen 

Film von Roman Polanski aus dem Jahr 1967. Die 

Idee, das Werk in ein Musical umzuwandeln, entstand 

durch den österreichischen Produzenten Rudi 

Klausnitzer zusammen mit dem Komponisten Jim 

Steinman. Gemeinsam mit Michael Kunze, der die 

Liedtexte schrieb, entwickelte Steinman das Musical. 

Die Uraufführung fand am 4. Oktober 1997 am Raimund 

Theater in Wien statt und die Rolle des Grafen 

wurde vom großartigen Steve Barton gesungen, der 

dafür 1998 den International Musical Award IMAGE 

erhielt. Zum 10-jährigen Bühnenjubiläum folgten 

weitere große Stimmen wie zum Beispiel Thomas Borchert, 

Kevin Tarte, Ian Jon Bourg oder Jan Ammann. 

Neben den starken Bari-Tenören wurden aber auch 

immer wieder Rock-Tenöre für die große, das Stück 

tragende Partie des Grafen gecastet. 

Die jetzige Cast wurde sehr international besetzt 

und soll, laut Aussage von Associate Director Cornelius 

Baltus, eine kraftvolle Neuinterpretation der tanzenden 

Vampire servieren. In der besuchten Vorstellung 

konnte man viele schöne und auch gute neue Momente 

entdecken, z.B. das neue Logo auf dem Gazevorhang, 

die schaurige Tonkulisse mit Wolfsgeheul vor Beginn 

der Vorstellung und in der Pause, oder großartig 

schimmernde Neon-Stoffe in den Vampirmänteln 

(Kostüme: Reto Tuchschmid). Das wahrgenommene 

Gesamterlebnis blieb jedoch etwas hinter der großen 

Ankündigung und im Vergleich mit vorherigen 

Besetzungen zurück, insbesondere auch bezüglich der 

Textverständlichkeit. So fühlt man sich doch stark in 

die 80er Jahre zurückkatapultiert, als in Deutschland 

erste Musicalschmieden eröffneten, um Nachwuchs 

für die großen Bühnen zu produzieren, und es hierzulande 

einfach noch zu wenig Darstellernachwuchs 

gab. Damals klang dann ein ›G.E.K.U.P.P.E.L.T‹ aus 

»Starlight Express« eher wie ein Wort aus fremden Galaxien 

– das ist nun aber eigentlich nicht mehr nötig und 

hier muss deshalb einmal für unsere deutschsprachigen 

Darstellerinnen und Darsteller eine Lanze gebrochen 

werden: Sie können diese Partien singen und sie sollten 

auch deshalb unbedingt besetzt werden, damit die 

Zuschauer die guten Texte von Michael Kunze auch 

verstehen können und die Szenen nicht unfreiwillig 

komisch wirken, weil die Akteure nicht wissen, was sie 

da gerade von sich geben. 

Wenn man z.B. nach Berlin und zum »Ku’damm 56«- 

Musical zurückschaut, konnte dort hautnah erlebt werden, 

wie Musical besonders über die Dialogregie perfekt funktionieren 

kann – und das wäre bei einem Klassiker wie den 

»Vampiren« ebenfalls sehr wünschenswert gewesen. 

Vampirjäger Professor Abronsius (Till Jochheim) 

ist sehr gut zu verstehen und holt komödiantisch über 

den Text alles aus der Rolle heraus, was geht. Seinem 

Assistenten Alfred (Vincent Van Gorp, überengagiert 

und mit holländischem Akzent) fällt das schon deutlich 

schwerer. Sie reisen zusammen in ein abgelegenes 

transsilvanisches Dorf, um den Ursprung mysteriöser 

Vampiraktivitäten zu untersuchen. 

18 



Im Dorf angekommen lernen die beiden die 

Dorfbewohner und ihre Gastgeber Chagal (kaum zu 

verstehen: Oleg Krasovitskii) und seine Frau Rebecca 

(liebevoll gespielt und gesungen von Carina Nopp) 

sowie die Magd Magda (Demi Hubers mit starker 

Stimme) kennen. 

Beim Bezug ihres Zimmers und dem Gang zum 

Bad überrascht Alfred Sarah (Kristin Backes), die 

gerade ein Bad nimmt. Es ist für Alfred Liebe auf den 

ersten Blick, aber Sarah (in der jetzigen Version stark 

emanzipiert angelegt) erwidert dieses Gefühl nicht. 

Sie hat nur Augen für die Geschenke und die Einladung 

von Graf von Krolock (Rob Fowler), der nur 

zu gerne seine Zähne in die schöne Sarah schlagen 

möchte. Zum Schloss gelockt wird sie von Koukol, 

der rechten Hand des Grafen. Die Rolle des buckligen 

Gehilfen wurde fantastisch auf den Punkt gespielt von 

Alexander Ruttig. Das Orchester unter der Leitung von 

Martin Gallery spielt voll klingend und druckvoll auf 

und die Gesamtgeschwindigkeit macht großen Spaß! 

Den ersten Showstopper des Abends kreiert Magda 

(Demi Hubers) mit ›Tot zu sein ist komisch!‹, nachdem 

Chagal von den Vampiren gebissen wurde. 

Die einmaligen Choreographien von Dennis Callahan 

tragen auch diesmal wieder zu beeindruckenden 

Momenten bei, wie zum Beispiel in der Traumszene, 

wo eine Tänzerin und ein Tänzer in die Rollen von 

Sarah und Alfred schlüpfen und die Story tänzerisch 

erzählen und so vorantreiben. 

Kurz vor dem Finale des ersten Teils lernt Alfred 

im Schloss noch den homosexuellen Sohn des Grafen 

kennen (herrlich schwul angelegt von Jonas Steppe). 

Alfred bekommt es in der Gruft nicht hin, die Herzen 

der Vampire mit einem Pflock zu durchstoßen, und 

so leben die Untoten weiter und Rob Fowler singt den 

Gänsehautsong ›Die unstillbare Gier‹. Fowlers Graf 

wirkt durchweg bedrohlich und stimmlich kraftvoll 

und nimmt auch die Höhen der Partie leicht. Er zeigt, 

dass er noch höher und weiter springen will als seine 

Kollegen zuvor, aber anders als erlebte Grafen finden in 

seiner Rollenanlage kaum Brüche und zarte Momente 

statt. Die wenigen weichen Momente in der Partie 

kann man diesmal nicht entdecken und dadurch wirkt 

es wie ein technisch perfektionierter Blutrausch, aber 

irgendwie plastisch kühl. Im weiteren Verlauf verliert 

Alfred schließlich seine angehimmelte Sarah an den 

Grafen und auch er selbst wird von ihr gebissen und 

zum »Ablecken« des Blutes aufgefordert. Der Professor 

feiert »Van Helsings Theorien« und sich selbst und 

alle tanzen auf einem fulminanten Ball im bekannten 

Schloss mit Wendeltreppe und Deckenleuchtern 

(Technische Leitung: Steffen Riese), der schließlich 

alle zum großen Finale vereint. 

Die 3. Auflage der Vampire in Hamburg macht 

trotz kritischer Wahrnehmung der sprachlichen 

Umsetzung unglaublichen Spaß, denn die Musik von 

Jim Steinman ist nicht nur weltbekannt, sie geht auch 

eindringlich ins Ohr. »Viele Neurosen sind heilbar 

durch Stoßen« singt der Professor – leider nahmen es 

diesmal auch zwei überambitionierte Musicalfans zum 

Anlass, bei sämtlichen Nummern mizusingen und 

-zutanzen oder mit zur Faust geballten Armen die 

Choreos nachzumachen, ungeachtet dessen, dass Leute 

hinter ihnen sitzen, die teure Karten erworben haben 

und die lieber die Show ohne ihre Zwangseinlagen 

genossen hätten. 

Der Blutrausch im Operettenhaus läuft geschmeidig 

und perfektioniert und die spitzen Beißerchen 

werden sicher noch eine Weile ausgepackt. Eine Reise 

nach Transsilvanien und nach Hamburg lohnt also 

gleichermaßen. 

Stefan Schön 

Tanz der Vampire 

Jim Steinman / Michael Kunze 

Stage Entertainment 

Operettenhaus Hamburg 

Premiere: 12. November 2023 

Regie ......................... Roman Polanski 

Associate Regie ......... Cornelius Baltus 

Musikalische Leitung ... Martin Gallery 

Arrangements & 

Musical Supervision ...... Michael Reed 

Choreographie .......... Dennis Callahan 

Associate Kostümdesign ...................... 

..................................Reto Tuchschmid 

Graf von Krolock ................ Rob Fowler 

Professor Abronsius .......... Till Jochheim 

Sarah .............................. Kristin Backes 

Alfred ....................... Vincent Van Gorp 

Chagal ....................... Oleg Krasovitskii 

Magda ...... Demi Hubers / Anja Backus 

Rebecca ........................... Carina Nopp 

Herbert ............................. Jonas Steppe 

Koukol ....................... Alexander Ruttig 


Christoph Apfelbeck, Rachel Bahler, 

Sandra Bitterli, Nicolas Boris Christahl, 

Kezia Coulson, Lorenzo Di Girolamo, 

Carina Fitzi, Alice Giammarioli, 

Andrea Gioia, Chloe Lee Hill, 

Anne Hoth, Nicole Klünsner, 

Ynze Julian Lanser, Tycho Lemmen, 

Simon Loughton, James-Paul McAllister, 

Luna Maria Muller, 

Keny Oslen Ceballo Romero, 

Rosie Porter, Artem Salastelny, 

Ginevra Serra Cassano, 

Frederik Stuhllemmer, Paolo Valenti, 

Valeria Vegezzi, Andres Vercoutere, 

Jessie Vos, Ian Vrolijk 

Abb. von links: 

1. Graf von Krolock (Rob Fowler) 

wird seine Gäste nicht ohne Grund 

in sein Schloss bitten 

2. Die Vampire (Ensemble) beklagen 

›Die Ewigkeit‹ 

Foto 1: Morris Mac Matzen 

Foto 2: Brinkhoff / Mögenburg 


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Zwischen Rache und Liebe 

»Der Graf von Monte Christo« am Theater Lüneburg 

Duell auf Leben und Tod – Fernand Mondego (Gerd Achilles, 2.v.r.) und Edmond Dantès (Thomas Borchert, r.) 

kämpfen in Gegenwart von (links v.l.): Valentine de Villefort (Pia Naegeli), Albert von Morcerf (Anton Frederik 

von Mansberg) und Mercédès (Navina Heyne) 

Foto: Andreas Tamme 

Der Graf von Monte Christo 

Frank Wildhorn / Jack Murphy 

Deutsch von Kevin Schroeder 

Theater Lüneburg – Großes Haus 


Regie ..................... Wolfgang Berthold 

Musikalische Leitung ..... Gaudens Bieri 

Chorleitung ................ Elsine Haugstad 

Choreographie ............... Olaf Schmidt 

Kampf-Choreographie .... Axel Hambach 

Ausstattung ................. Cornelia Brunn 

Edmond Dantès .......... Thomas Borchert 

Mercédès ....................... Navina Heyne 

Abbé Faria ......................... Sascha Littig 

Fernand Mondego ........... Gerd Achilles 

Gérard von Villefort ....... Steffen Neutze 

Baron Danglars .............. Oliver Hennes 

Luisa Vampa ................ Franziska Ringe 

Jacopo ....................... Andrea Marchetti 

Albert von Morcerf ................................ 

Anton Frederik von Mansberg 

Valentine ............................ Pia Naegeli 

Morrel .................................. Eric Keller 

Kommissar ................... Falk Steingräber 

Opernchor- und Extrachor des 

Theater Lüneburg 

Wie schon 2009 in St. Gallen schlüpft Thomas 

Borchert in die ihm von Frank Wildhorn förmlich 

auf den Stimmkörper gezimmerte Parade-Rolle 

des Edmond Dantès und elektrisiert die Lüneburger 

Zuschauer vom ersten Moment der Premiere an – seine 

Stimmfarbe hat einen sehr hohen Erkennungswert 

und geht unter die Haut. Die Zuschauer kennen den 

erfolgreichen Musicaldarsteller aus Produktionen wie 

»Buddy Holly« und »Tanz der Vampire« in Hamburg. 

Der Ton bei dieser ausverkauften Premiere ist leider 

nicht optimal ausgesteuert, so dass das große und fulminante 

Orchester anfänglich sehr scheppernd klingt 

und die Stimmen des Chors und der Solisten dahinter 

zurückbleiben, das gibt sich aber im weiteren Verlauf 

der Vorstellung etwas. 

Das wäre dann aber auch der einzige Wermutstropfen, 

neben den bekanntermaßen viel zu engen Sitzen des 

Theaters, denn die Produktion läuft geschmeidig und 

flüssig durch und die Regie von Wolfgang Berthold 

schafft einen stimmigen roten Faden. 

Die Show spielt im Frankreich des 19. Jahrhunderts: 

Napoleon Bonaparte befindet sich auf der Insel 

Elba und Ludwig XVIII. regiert. Gerade zum Kapitän 

der »Pharao« ernannt, träumt der junge Seemann 

Edmond Dantès (Thomas Borchert) aus Marseille 

von einer glücklichen Zukunft. Da wird er während 

seiner Verlobungsfeier mit der schönen Katalanin 

Mercédès (schön gesungen: Navina Heyne) verhaftet 

und im Bewusstsein seiner Unschuld lebenslänglich 

im Château d’If eingekerkert. Fast wahnsinnig vor 

Schmerz trifft er auf den Mitgefangenen Abbé Faria 

(sehr unterhaltsam: Sascha Littig), einen italienischen 

Geistlichen, der seinen Fluchttunnel falsch berechnet 

hat und deshalb in Dantès’ Zelle landet anstatt an der 

Burgmauer. 

Während der gemeinsamen Arbeit am Weg in die 

Freiheit lernt Dantès’ von seinem weisen Freund alles, 

was dieser über Sprachen, Wissenschaft und politische 

Macht weiß – dazu auch noch, wie ein Herr mit dem 

Degen umgeht. Der Abbé lehrt den jungen Gefangenen 

auch Gedankenexperimente, die Dantès anwendet, 

um herauszufinden, wer einen Grund hatte, ihn 

aus dem Weg zu räumen. Wer konnte den anonymen 

Brief an die Staatsanwaltschaft geschrieben haben, der 

ihn als Bonapartisten anklagte? Gérard von Villefort 

(Steffen Neutze) musste um seine Ehre und Stellung 

fürchten, wenn sein eigener Vater als Anhänger Napoleons 

entlarvt worden wäre. Dantès, das Opfer, entwickelt 

aufgrund dieses neuen Wissens, zum Entsetzen 

seines Mentors, einen fanatischen Hass gegen die Personen, 

die ihn in diese ausweglose Situation gebracht 

haben. Als der weise Freund stirbt, entkommt Dantès 

dem Gefängnis und wird von einer Bande Piraten aus 

dem Wasser gezogen. Ihre Anführerin ist Luisa Vampa 

(Franziska Ringe), die an Bord ein strenges Regiment 

führt und Gefallen an dem kenntnisreichen Seemann 

findet. Sie befiehlt einen Messerkampf gegen Jacopo 

(Andrea Marchetti, attraktiv, leider schwer zu verstehen) 

auf Leben und Tod. Als Dantès gewinnt, schenkt 

er seinem Gegner das Leben und erwirbt sich damit 

einen treuen Freund und Vertrauten. Auf der Insel 

Monte Christo findet Dantès tatsächlich den sagenhaften 

Schatz, von dem ihm sein alter Freund Abbé Faria 

Kenntnis gab. Dantès verfügt jetzt über ausreichend 

Kapital und nennt sich fortan Graf von Monte Christo. 

Sein sagenhafter Reichtum öffnet dem Grafen 

alle Türen. Jeder will Gast auf seinem Ball sein. Die 

Einzige, die ihn erkennt, ist Mercédès, die inzwischen 

20 



seinen schlimmsten Feind, Fernand Mondego (herrlich 

böse angelegt: Gerd Achilles), geheiratet hat. 

Zunächst tut Monte Christo Gutes: Er bewahrt den 

Reeder Morrel (Eric Keller), der ihm und seinem 

Vater ein guter Freund gewesen war, vor Ruin und 

Selbstmord. Danach beginnt sein Rachefeldzug gegen 

die drei Männer, die ihn in den Kerker gebracht 

haben: Danglars (Oliver Hennes), der es zum Bankier 

gebracht hat, Mondego, der in den Adelsstand eines 

Grafen erhoben wurde, und Villefort, der Generalstaatsanwalt 

von Paris geworden ist. Ihrer aller Gier 

nach Geld nutzt er, um sie zu einer unheilvollen 

Börsenspekulation zu überreden, wodurch ihnen das 

Geld buchstäblich zwischen den Fingern zerrinnt. 

Der Graf von Monte Christo vollendet seine Rache 

und steht mit einem Mal Mercédès’ Sohn Albert 

(stark gespielt von Anton Frederik von Mansberg) 

gegenüber, der ihn zur Ehrenrettung seines guten 

Namens zum Duell fordert. 

Dem Flehen der Mutter gegenüber zeigt der Graf 

sich unbarmherzig, doch er zögert, Albert zu erschießen, 

als Valentine (Pia Naegeli), Alberts junge Verlobte 

und Tochter Villeforts, sich zwischen ihn und 

Albert stellt. Da erkennt Edmond Dantès in Albert 

und Valentine das Paar, das er und Mercédès’ einst 

waren, und schießt in die Luft. Doch am Ende steht 

ein Duell auf Leben und Tod an zwischen Edmond 

Dantès und Fernand Mondego – zugleich ein Kampf 

um die Liebe seines Lebens. 

Das Bühnenbild kommt minimalistisch und 

sehr dunkel daher, sodass der Zuschauer sich auf die 

Handlungsstränge und die Personen konzentrieren 

kann, spricht dennoch mit großartigen Videoprojektionen 

in einem großen Kreis an, wo zum Beispiel der 

Tunnel aus dem Gefängnis, mit dahinterliegendem 

Wasser, oder ein wunderschöner Himmel gezeigt 

werden. Einzelne Umbauten hätten etwas mehr Fluss 

haben können. Die Kostüme, die wie das Bühnenbild 

die Handschrift von Cornelia Brunn tragen, sind gut 

ausgewählt und unterstützen die Darsteller in ihrem 

Tun. Es war sicher eine Herausforderung, eine so 

große Cast auszustatten. 

Wie oft am Stadttheater merkt man dem Ensemble 

den starken klassischen Hintergrund an. Hier hätte 

man sich als Zuschauer eine stärker über den Text 

erarbeitete Interpretation der Nebenrollen gewünscht 

statt Plattitüden und übertriebener Gestik. 

Choreograph Olaf Schmidt versucht alles unter 

ein Dach zu bekommen, die Handbewegungen in 

der Piratenszene wirken auch, es gibt jedoch kaum 

solistische und wirklich spannende Momente in der 

Choreographie, die das Stück weitertragen. 

Gaudens Bieri (Musikalische Leitung) hat ein 

gutes Gefühl für das Tempo und die großen Bögen 

einer Wildhorn-Partitur und schafft es, mit den Lüneburger 

Symphonikern wirkliche Gänsehautmomente 

zu zaubern. 

Mit den Hauptdarstellern tut sich das Haus einen 

wirklichen Gefallen und holt großes Kino nach Lüneburg 

– bleibt zu hoffen, dass die Zuschauer dies auch 

würdigen und sich diese Investition in die Darsteller 

auch an der Theaterkasse bezahlt macht. 

In Lüneburg mit dem Grafen in See zu stechen 

lohnt sich allemal und bereitet einem frenetisch 

applaudierenden Premierenpublikum, abgesehen von 

den kleinen Kritikpunkten, einen phänomenalen 

Theaterabend. 

Stefan Schön 

Abb. oben: 

Valentine de Villefort (Pia Naegeli) 

liebt Albert von Morcerf (Anton 

Frederik von Mansberg) 


1. Liebe, Heimtücke, Macht, wer 

dominiert hier wen? – Fernand 

Mondego (Gerd Achilles) und 

Mercédès (Navina Heyne) 

2. Edmond Dantès (Thomas 

Borchert, r.) gewinnt den Kampf 

gegen Fernand Mondego (Gerd 

Achilles) – zugleich ein Kampf um 

die Liebe seines Lebens, Mercédès 

(Navina Heyne, l.) 

3. Luisa Vampa (Franziska Ringe) 

befiehlt Dantès (Thomas Borchert, r.) 

einen Messerkampf gegen Jacopo 

(Andrea Marchetti, Mitte) 

4. Edmond Dantès (Thomas Borchert) 

und sein Freund Abbé Faria 

(Sascha Littig) brechen aus dem 

Kerker aus. Spannendes Bühnenbildelement 

in Form eines großen 

Tunnels, in den verschiedene Bilder 

hineinprojiziert werden 

Fotos (5): Andreas Tamme 


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Forever Young 

»Tuck Everlasting« von Mask & Music an der TU Dortmund 

Abb. oben von links: 

1. Nach langer Zeit trifft sich Familie 

Tuck wieder vollständig (v.l.): 

Mae (Katrin Stoffeln), Angus (David 

Maponya), Miles (Tim Jahnke), Jesse 

(Lucas Prats Gonzales) 

2. Winnie Foster (Madita Meyer) 

wird von der Familie Tuck auf eine 

harte Probe gestellt, weil sie ihr das 

ewige Leben (mit allen Vor- und 

Nachteilen) anbieten 

Fotos (2): Stephan Drewianka 

Tuck Everlasting 

Chris Miller / Nathan Tysen / 

Claudia Shear / Tim Federle 

Deutsch von Timothy Roller 

Hausfassung von Katharina Priestley & 

Salome Graf 

Mask & Music 

Audimax TU Dortmund 


Regie ..................... Katharina Priestley 

Musik. Leitung ............ Jonathan Büker 

Leitung Chor ...................... Jonas West 

Choreographie .... Natalie Schieferstein 

Kostüme ........................ Astrid Iggesen 

Winnie Foster .............. Madita Meyer / 

Lilli Stoffeln 

Jesse Tuck ......... Lucas Prats González / 

Anton Staudt 

Miles Tuck .......................... Tim Jahnke 

Frau in Gelb ............ Johanna Stoffeln / 

Elisa Jeske 

Mae Tuck ...................... Katrin Stoffeln 

Angus Tuck ............... David Maponya / 

Christopher Sondermann 

Betsy Foster ............... Marilena Friese / 

Kira Hellwig 

Nana ............................ Tabea Hörder / 

Nadine Wippich 

Hugo........................ Ioannis Georgiou 

Wachtmeister Joe ..... Richard von Pikarski / 

Jan Albrecht 

Backstage-Chor & Tänzer:innen: 

Mitglieder von Masc & Music 

Die Laien-Musicalgruppe »Mask & Music«, ein 

gewachsener Verein aus Studierenden der Dortmunder 

Universität, präsentiert seit 2010 unterschiedliche, 

hochwertige Projekte von »Atlantis« über »The 

Addams Family« bis »Shrek« und stellte dabei sogar das 

selbstkomponierte Stück »Eleor« auf die Beine. Vom 11. 

November 2023 bis Februar 2024 ist das Musical »Tuck 

Everlasting« in deutscher Fassung von Timothy Roller 

in insgesamt 8 Vorstellungen in der ungewöhnlichen 

Spielstätte des Audimax der TU Dortmund zu sehen. 

Die Familie Tuck lebt zurückgezogen im Wald 

in der Nähe einer geheimnisvollen Quelle, die ihnen 

Unsterblichkeit beschert hat. Als Jesse Tuck (Lucas Prats 

González, alternierend Anton Staudt), der seit über 100 

Jahren ein 17-jähiger Teenager ist, auf die 11-jährige 

Winnie Foster (Madita Meyer / Lilli Stoffeln) trifft, 

möchte er sie überreden, in einigen Jahren ebenfalls 

von der Quelle zu trinken, damit sie dann gemeinsam 

die Welt erkunden können. Doch Jesses Bruder Miles 

(Tim Jahnke) ist nicht davon überzeugt, dass ewiges 

Leben erstrebenswert ist, wenn man sich von geliebten 

Personen verabschieden und im Verborgenen leben 

muss, damit das Geheimnis der Familie über die Jahrhunderte 

gewahrt bleibt. Denn eine mysteriöse Frau im 

gelben Anzug (Johanna Stoffeln / Elisa Jeske) möchte 

den Quell ewigen Lebens finanziell ausnutzen und ist 

den Tucks auf den Fersen, während das gesamte Dorf 

die verschwundene Winnie sucht. Wird sich Winnie 

am Ende für das ewige Leben entscheiden? 

Der berühmte Kinderroman von Natalie Babbitt 

wurde bereits mehrfach verfilmt, u. a. 2002 von Disney 

als inhaltlich modifizierte Liebes-Romanze unter dem 

deutschen Titel »Bis in alle Ewigkeit« mit Ben Kingsley, 

Sissy Spacek, Amy Irwing, Victor Garber und William 

Hurt. Der Musical-Fassung von Chris Miller war am 

Broadway 2016 nur eine sehr kurze Spielzeit von 39 

regulären Aufführungen nach 28 Previews vergönnt. 

Eigentlich wollte »Mask & Music« die deutsche Erstaufführung 

als Europa-Premiere präsentieren, doch 

war die Musikschule »Hans und Alice« in Enger etwas 

schneller und brachte das Stück bereits am 2. September 

2023 auf die Bühne. 

Es lohnt sich aber auch so ein Besuch im Hörsaal 

in Dortmund, denn die rund 70 Mitwirkenden hauchen 

der Geschichte um Momente, Zeit und Ewigkeit 

in der Regie von Katharina Priestley glaubhaftes und 

tiefgründiges Leben ein. Alle Laien-Darsteller der 

Hauptcharaktere agieren auf zufriedenstellendem 

gesanglichen und schauspielerischen Niveau, auch 

wenn der Ton in einem Hörsaal nicht auf allen Plätzen 

optimal ausgesteuert werden kann. Für die aufwändige 

Choreographie von Natalie Schieferstein ist auf der 

relativ schmalen Bühne bei den Massenszenen auf dem 

Jahrmarkt kaum genug Platz, aber das rein getanzte 

10-minütige Finale ›Die Geschichte von Winnie Foster‹ 

ist wunderbar erzählt und rührt fast zu Tränen. 

Die Kostüme von Astrid Iggesen entführen uns in 

das ländliche Flair von Treegap in New Hampshire 

im letzten Jahrhundert. Das 32-köpfige Orchester 

unter der musikalischen Leitung von Jonathan Büker 

ist omnipräsent direkt vor der Bühne platziert, da es 

keinen abgesenkten Orchestergraben im Audimax 

gibt. Musikalisch hat das Stück 17 Songs mit einigen 

Reprisen zu bieten, die durchaus hörenswert sind, auch 

wenn sie nicht ewig im Ohr bleiben. 

»Tuck Everlasting« regt an, über die Vergänglichkeit 

und den Wert des Lebens nachzudenken. Für interessierte 

Musicalfans ist die Produktion auf jeden Fall 

sehenswert, zumal der Eintritt frei ist und nur um eine 

Spende gebeten wird. Der Verein »Mask & Music« 

wird durch diese Produktion sicherlich neue Fans 

generieren, die sich bereits auf die kommende Musical- 

Produktion Ende 2024 in Dortmund freuen können. 


22 



Wie trennt man das Böse vom Guten? 

»Jekyll & Hyde« am Staatstheater Darmstadtt 

Dr. Henry Jekyll (Alexander Klaws, i.d.bes. Vorst. Florian Minnerop, r.) 

mit seiner Verlobten Lisa Carew (Barbara Obermeier) 


Dr. Henry Jekyll (Alexander Klaws, i.d.bes. Vorst. Florian Minnerop) 

macht Selbstversuche mit seinem Elixier und wird zu Mr Hyde 


Das Musical »Jekyll & Hyde« erzählt die Geschichte 

des Arztes Dr. Henry Jekyll, der es sich zur Aufgabe 

gemacht hat, ein Serum zu entwickeln, das das Böse in den 

Menschen von ihrem guten Teil trennt. Das Musical, das 

auf dem Buch »Der seltsame Fall des Dr. Jekyll« von Robert 

Louis Stevenson basiert, feierte 1990 im Alley Theater Houston 

/ Texas seine Uraufführung, bevor es am 28. April 1997 

am Broadway Premiere hatte. Im Februar 1999 fand unter 

der musikalischen Leitung von Koen Schoots am Bremer 

Theater die Deutschlandpremiere statt, bevor es nach vielen 

weiteren Stationen und Produktionen am 3. November 

2023 im Staatstheater Darmstadt ankam. 

Leider wurde Alexander Klaws, der die Doppelrolle des 

Dr. Jekyll / Mr Hyde übernehmen sollte, nach der Premiere 

krank. Für ihn übernahm ein Mitglied des Ensembles, Florian 

Minnerop, die Hauptrolle. Man muss Respekt vor der 

Leistung von Florian Minnerop haben, der sich in die Rolle 

in kürzester Zeit hineingearbeitet hat. Auch wenn er gesanglich 

und schauspielerisch manchmal an seine Grenzen stieß, 

besonders bei der Verwandlung in den boshaften Mr Hyde, 

war es doch in Anbetracht der Umstände eine durchaus 

bemerkenswerte Leistung. 

Die Geschichte beginnt im Krankenhaus, in dem Dr. 

Henry Jekyll beim Vorstand um Unterstützung für seine 

Forschungen bittet. Dies wird jedoch von allen Anwesenden 

außer seinem Freund Gabriel John Utterson (Livio Cecini) 

und dem Vater seiner Verlobten Lisa, Sir Danvers Carew 

(Volker Metzger), abgelehnt. 

In seiner Verzweiflung, dass er die Forschung nicht voran 

bringen kann, injiziert sich Henry sein Serum selbst, was 

katastrophale Folgen für ihn hat. Denn er verwandelt sich 

phasenweise in Mr Hyde, ein durch und durch böses Wesen, 

das nachts die Straßen von London unsicher macht. Über 

seinen Forschungen vergisst Henry alles, sogar seine eigene 

Verlobung. Zusammen mit seinem Freund landet er in einer 

Kneipe, wo er die Prostituierte Lucy kennenlernt und ihr 

seine Hilfe anbietet. Doch schon bald hat Lucy einen neuen 

Kunden, den brutalen Mr Hyde. Und Henry muss mit Entsetzen 

feststellen, dass Hyde immer mehr die Gewalt über 

ihn gewinnt. Nicht das Gute siegt, sondern das Böse. 

Die Inszenierung des Staatstheaters Darmstadt unter der 

Regie von Gil Mehmert (eine Übernahme aus Dortmund) ist 

ein fesselndes, spannendes Musical geworden. Dabei kommt 

die fantastische Drehbühne, die sich auch noch absenken 

lässt, perfekt zur Geltung. Während sich durch Drehen die 

Räume verändern und aus dem Wohnzimmer des Dr. Jekyll 

mal die Kneipe, mal ein Ballsaal oder eine finstere Gasse 

wird, taucht das Labor von Dr. Jekyll aus dem Keller auf. 

Auch Hydes Killerszenen sind richtig gruselig inszeniert. So 

stöhnt das ganze Publikum entsetzt auf, wenn Hyde mit lautem 

Knacks Lady Beaconsfield den Hals umdreht. Auch der 

Kniff, Hydes Stimme per Tontechnik teuflisch zu verzerren, 

macht das ganze noch ein bisschen gruseliger. 

Eines der Highlights dieses Musicals ist sicher die ›Konfrontation‹. 

In diesem Lied versucht Jekyll vor einem Spiegel, 

in dem Hydes Gesicht zu sehen ist, gegen ihn anzukämpfen. 

Besonders cool der Einfall, dieses Gesicht in Neongrün und 

ganz groß zu machen. Dies allerdings ist dann der Punkt, 

wo ein erfahrener Darsteller sicher besser gewesen wäre. 

Insgesamt hat das Ensemble wirklich großartig gespielt. 

Besonders schön auch die Choreographien von Simon 

Eichenberger und die zeitgemäßen Kostüme von Falk Bauer. 

Mit Barbara Obermeier als Lisa erlebt man eine tolle 

Darstellerin, die ihre Rolle gesanglich und schauspielerisch 

gut ausfüllt. Leider kämpfte Nadja Scheiwiller, die die 

Lucy spielte, an diesem Abend krankheitsbedingt heftig 

darum, der Rolle gesanglich gerecht zu werden – sie sagte 

die nächste Show dann auch ab. Es ist ein bisschen schade, 

wenn die Qualität einer Vorstellung durch Krankheitsfälle 

geschmälert wird. Auf der anderen Seite ist es für das Publikum 

immer noch schöner, als wenn die Vorstellung ausfällt. 

Deshalb vielen Dank an alle Darstellerinnen und Darsteller 

für einen schönen Abend und eine großartige Show. 


Jekyll & Hyde 

Frank Wildhorn / Leslie Bricusse 

Deutsch von Susanne Dengler & 

Eberhard Storz 

Staatstheater Darmstadt 

Großes Haus 


Regie .............................. Gil Mehmert 

Associate Regie ........ Till Kleine-Möller 

Musik. Leitung ........ Nicolas Kierdorf / 

Michael Nündel 

Orchestrierung ........... Kim Scharnberg 

Arrangements .............. Jason Howland 

Einstudierung Chor ... Alice Meregaglia 

Choreographie ..... Simon Eichenberger 

Associate Choreographie ...................... 

.................................. Nicole Eckenigk 

Bühnenbild ......................... Jens Kilian 

Kostüme .............................. Falk Bauer 

Licht .............................. Benedikt Vogt 

Sounddesign............... Jörg Grünsfelder 

Henry Jekyll / Edward Hyde ................. 

.............................. Florian Minnerop / 

Alexander Klaws 

Gabriel John Utterson....... Livio Cecini 

Lisa Carew............. Barbara Obermeier 

Lucy Harris.............. Nadja Scheiwiller 

Sir Danvers Carew....... Volker Metzger 

Bischof von Basingstoke ....................... 

.................................... Daniel Ewald / 

Khvicha Khozrevanidze 

Simon Stride / Polizist .... Benjamin Werth 

Lady Beaconsfield.................................. 

........................... Ingrid Katzengruber / 

Gundula Schulte 

Lord Savage .............. Thomas Mehnert 

General Lord Glossop. ............................ 

.............................. Marco Mondragón 

Nellie / Lady ................ Stefanie Köhm 

Sir Archibald Proops .... Stefan Grunwald 

Spider / Priester ............. Yannik Blauert 

Poole / Bisset ........ Adrian Hochstrasser 

Zeitungsjunge / Lady / Girl. .................. 

................................ Lisa Maria Wehle 

Girl / Dance Captain .... Nicole Eckenigk 

Girl ............................ Sarah Steinemer 

Girl .................................. Maja Sikora 

On Stage Cover ........... Yannic Blauert / 

Annika Netthorn 


23


Glamourös und eine Story wert 

»Chicago« in der Komischen Oper Berlin 

Velma Kelly (Ruth Brauer-Kvam) weiß sich stilvoll zu inszenieren 

Foto: Jan Windszus Photography 

Chicago 

John Kander / Fred Ebb / Bob Fosse 

Deutsch von Erika Gesell & 

Helmut Baumann 

Komische Oper Berlin 

Schillertheater – Großer Saal 


Regie ............................... Barry Kosky 

Musikalische Leitung ..... Adam Benzwi 

Choreographie ................. Otto Pichler 

Leitung Chöre ...................................... 

Jean-Christophe Charron 

Bühnenbild ................. Michael Levine 

Kostüme .......................... Victoria Behr 

Licht .................................. Olaf Freese 

Roxie Hart .............. Katharine Mehrling 

Velma Kelly ............. Ruth Brauer-Kvam 

Billy Flynn ...................... Jörn-Felix Alt / 

Nicky Wuchinger 

Mama Morton ....... Andreja Schneider / 

Sigalit Feig 

Amos Hart ......................... Ivan Turšić / 

Philipp Meierhöfer 

Mary Sunshine ............. Nils Wanderer / 

Hagen Matzeit 

Kitty ............................... Petra Ilse Dam 

Liz ................................ Mariana Souza 

June .... Lauren Mayer / Martina Borroni 

Annie ......................... Paulina Plucinski 

Mona .......................... Danielle Bezaire 

Hunyak .... Lindsay Dunn / Lauren Mayer 

Fogarty ........................ Matthias Spenke 

Aaron .............................. Sascha Borris 

Fred ............................ Nikolaus Bender 

Tänzer: 

Michele Anastasi, Shane Dickson, 

Ivan Dubinin, Michael Fernandez, 

Benjamin Gericke, Lorenzo Soragni, 

Andrii Zubchevskyi 

Komparserie 

Dem großen amerikanischen Musical mit den gegebenen 

Fähigkeiten Rechnung zu tragen ist ein 

Anliegen von Barry Kosky, langjähriger Intendant und 

Regisseur der Komischen Oper. Die nächste Musicalproduktion 

begeisterte ihn selbst bereits mit 14 Jahren. 

Mit »Chicago« brachte Barrie Kosky in Co-Regie mit 

Otto Pichler (auch Choreographie) erneut eins der großen, 

bekannten und beliebten amerikanischen Musicals 

nach Berlin, genauer gesagt in das Schillertheater, 

das der Komischen Oper seit Sanierungsbeginn im 

Sommer 2023 als Spielstätte dient. Die Geschichte von 

zwei Mörderinnen aus der amerikanischen Geschichte 

der 1920er Jahre ist ein spannendes Gesellschaftstableau, 

das auch heutzutage aktuell ist, wahrscheinlich 

sogar aktueller denn je in Zeiten von Social Media, 

Posts, Reels, Marketing und Influencern: Was ist eine 

Story wert, und vor allem: Was ist eine gute Story? In 

»Chicago« ist alles eine Frage der Perspektive und der 

Inszenierung. 

Chicago in den 1920ern: Roxie Hart betrügt 

ihren Ehemann Amos Hart. Doch als ihr Geliebter 

Fred Casely Schluss mit ihr macht, knallt sie durch 

und erschießt ihn. Sie kann Amos zunächst dazu 

überreden, bei der Polizei zu ihren Gunsten falsch 

auszusagen, aber als ihr Treuebruch ans Tageslicht 

kommt, will er sie nicht mehr decken. Roxie kommt 

ins Frauengefängnis Cook County, wo sie auf ihr Idol 

Velma Kelly trifft. Roxie lernt die Gepflogenheiten 

im Gefängnis kennen, passt sich an und Velma muss 

bald erkennen, dass sie hier nicht mehr die Nummer 

Eins und Roxie eine gewiefte Konkurrentin ist. Roxie 

stiehlt ihr die Aufmerksamkeit der Gefängniswärterin 

Mama Morton, die sich für spezielle Dienste bezahlen 

lässt, heckt mit Staranwalt Billy Flynn große Gerichtsauftritte 

aus und erheischt so die Aufmerksamkeit der 

Journalisten, allen voran der Klatschreporterin Mary 

Sunshine. Roxie spielt Amos die liebende Ehefrau vor, 

um Flynn zu finanzieren. Der Anwalt zieht die Fäden 

und sorgt dafür, dass, obwohl Amos die Scheidung 

einreichen will, es dennoch eine Versöhnungsszene bei 

Gericht gibt. Roxie gaukelt der Welt eine Schwangerschaft 

vor, inszeniert mit bei Velma gestohlenen Tricks 

rührende Szenen und plädiert mit ihren Aussagen 

für Notwehr: das gefundene Fressen für die Presse – 

jedoch nur kurzzeitig. Am Tag ihres Freispruchs ereignet 

sich ein sensationeller Mord und Roxie ist plötzlich 

keine Story mehr wert. Das Ende vom Lied: Die beiden 

Mörderinnen raufen sich zusammen, singen und tanzen 

gemeinsam in einer Show, um des Ruhms und des 

Erfolgs willen. 

Das Musical des erfolgreichen Autoren-Duos John 

Kander (Musik) & Fred Ebb (Buch mit Bob Fosse 

und Songtexte) nach einem Theaterstück von Maurine 

Dallas Watkins passt in die heutige Zeit und die Inszenierung 

holt das Stück auch visuell in die Gegenwart, 

und das besonders glamourös und extravagant. Dazu 

gehören ein großes Orchester, eine große Besetzung 

und das opulente Bühnenbild (Michael Levine). Das 

Bühnenbild-Konzept sieht mehrere Rahmenteile 

mit zahlreichen Lämpchen vor, die beleuchtet ein 

Glamour-Showflair vom Feinsten bieten. Die einzelnen 

Rahmenteile sind schrägstell- und separierbar. 

Diese Einrahmung verdeutlicht charmant, dass in 

diesem Stück jeder seine eigene Show darbietet, um 

Aufmerksamkeit oder eben diesen oder jenen Wunsch 

erfüllt zu bekommen. Mit weiteren mit Lämpchen 

versehenen und beleuchteten Flächen wird hier nicht 

gekleckert, sondern geklotzt. Auf einem Herz fährt 

Anwalt Billy Flynn (Jörn-Felix Alt) auf die Bühne, um 

seinen Standpunkt auch visuell klar zu machen: ›Bin 

nur für die Liebe da‹. Überdimensionale Buchstaben 

leuchten in den Worten »Roxie« (bei den Tagträumen 

24 



von einer eigenen Show) und »Murder« (»Mord« beim 

›Zellenblocktango‹). Zudem wird eine runde Drehbühne 

eingesetzt, um eine Schaufläche bei Roxies 

Verteidigungsrede im Gericht vor den Journalisten zu 

bilden. Diese ist am Rand mit Leuchtmitteln versehen 

und wird später hochgeklappt, um im Dunkeln 

Leuchtakzente zu setzen. Der Gefängnisbereich wird 

außerdem mit einem aufwändigen Gitterkonstrukt 

einschließlich Zellen dargestellt. Die Anlehnung Koskys 

an die Originalinszenierung von 1975 ist ebenfalls 

an den Choreographien zu erkennen und die berühmtberüchtigten 

Federflauschfächer kommen ebenfalls 

zum Einsatz – etwas, worauf man schon wartet, wenn 

man das Wort »Chicago« hört. 

Auf visueller Ebene bieten auch die Kostüme (Victoria 

Behr) schöne Reize für die Augen. Das Ensemble 

erscheint passend zu den Szenen mal in Abendkleidung, 

Pailletten-Frack, sexy Nachtgarderobe oder im 

Anzug-Style. Für die Rollen der Gefängnisinsassinnen 

wurden orangefarbene Knastkleider entworfen, die die 

Figur der Mörderinnen betonen. Glamouröse Kleider 

mit Glitter, Flausch, Quaste oder alltäglichere Kleider – 

Roxie und Velma haben jede Menge zur Auswahl. Die 

Tänzeroutfits nehmen teilweise die Outfits der Hauptrollen 

auf, etwa ein silbernes glänzendes Kleid, dessen 

Stoff und Muster als Vorlage für die Hosenbekleidung 

der Tänzer dient. Mary Sunshine wird unter anderem 

in einen gelben Zweiteiler mit Pelzbesatz gekleidet, 

inklusive Turbantuch und passender Handtasche. 

Anwalt Billy Flynn tritt in verschiedenen Anzügen auf, 

die verschiedene Stoffe und Farben zeigen, jeder auf 

seine Weise elegant. Für Mamma Morton gibt es eine 

weibliche Version von Mafioso-typischen Anzügen. 

›Mr Cellophan‹ Amos Hart trägt bei seiner »Mitleidsnummer« 

eine pantomimenhafte Kleidung mit Zylinder, 

Frack und Hose. Während der Szene schminkt 

und zieht sich Darsteller Ivan Turšić auf der Bühne 

um und vollzieht so die Transformation für seinen 

Auftritt. Weitere witzige und für sich selbst sprechende 

Einfälle der Produktion sind überdimensionale Münder 

auf den Gesichtern des Geschworenen-Ensembles 

und große übergezogene Gesichter und Blitzkameras 

der sensationslüsternen Reporter. 

Unter der musikalischen Leitung von Adam Benzwi 

sind das groß besetzte Orchester (mit den Original- 

Arrangements von 1970) und der von Jean-Christophe 

Charron geleitete Chor ein Genuss. 

Die deutsche Übersetzung von Erika Gesell und 

Helmut Baumann ist sicher nicht so gewohnt und 

auch nicht ganz so einprägsam wie die Originaltexte, 

aber sie ist verständlich und bringt gekonnt schwarzen 

Humor, Ironie, beißende Kommentare und Stimmung 

rüber. 

Die Besetzung dieses »Chicago« made in Berlin 

ist gekonnt. Katharine Mehrling begeistert als Roxie 

Hart, die es faustdick hinter den Ohren hat, schauspielerisch 

und gesanglich. Ihr Gegenpart Velma Kelly 

wird von Ruth Brauer-Kvam dargestellt, die ebenfalls 

eine großartige gesangliche und mimische Leistung 

darbietet als die plötzliche Nummer 2. Äußerst charmant 

als Billy Flynn zieht Jörn-Felix Alt die Zuschauer 

in den Bann und Andreja Schneider gibt eine sexy 

geschäftige Mama Morton mit Mafiosi-Einschlag à la 

»Orange is the New Black«. Ivan Turšić sammelt als 

Mr Cellophan Amos Hart Sympathiepunkte und Nils 

Wanderers Mary Sunshine ist entzückend weltentrückt 

und stimmlich große Klasse. Die weiteren Rollen werden 

authentisch dargestellt und das Tanzensemble 

sorgt für zusätzlichen Glamour in dieser Produktion, 

die auf jeden Fall einen Besuch wert ist. 



1. Können nicht beide Nummer 1 sein: 

Roxie Hart (Katharine Mehrling, l.) und 

Velma Kelly (Ruth Brauer-Kvam, r.) 

2. Dieser Staranwalt kann sich 

bestens verkaufen: Billy Flynn 

(Jörn-Felix Alt) überzeugt mit seinen 

Inszenierungen alle 

3. Roxie Hart (Katharine Mehrling) 

spielt den Geschworenen (Ensemble) 

und der Presse in der Gerichtsverhandlung 

eine herzerwärmende 

Berufung auf Notwehr vor 

Foto 1: Barbara Braun 

Fotos 2 + 3: Jan Windszus Photography 


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Plötzlich Prinzessin 

Premiere von Rodgers’ und Hammersteins »Cinderella« in Wuppertal 

Finale Anprobe durch Prinz Christopher (Jonas Hein, vorne r.) und der Schuh passt Ella (Susann Ketley, Mitte) 

Foto: Björn Hickmann 

Cinderella 

Richard Rodgers / Oscar Hammerstein II. / 

David Chase / Bruce Pomahac / 

Douglas Carter Beane 

Deutsch von Jens Luckwaldt 

Wuppertaler Bühnen 

Opernhaus 


Regie & Bühnenbild ............................. 

Christian Thausing 

Musikalische Leitung ..... Johannes Witt 

Musikalische Einrichtung & 

Arrangements ..................David Chase 

Choreinstudierung ..... Ulrich Zippelius 

Einstudierung Jugendchor .... Eva Caspari 

Orchestrierung ................ Danny Troob 

Choreographie ........... Evamaria Mayer 

Bühnenbild ................. Hana Ramujkic 

Kostüme .............................. Devi Saha 

Lichtdesign ........................ Florian Kerl 

Ella ................................. Susann Ketley 

Christopher .......................... Jonas Hein 

Madame .................... Stefanie Smailes / 

Tamara Peters 

Sebastian ........... Mark Bowman-Hester 

Marie, gute Fee ............. Gundula Hintz 

Gabrielle ............................ Gioia Heid 

Charlotte ...................... Edith Grossman 

Jean-Michel ................. Dustin Smailes / 

Nils Karsten 

Graf Dingelstein .................... Jason Lee 

Tänzer:innen, 

Opern- & Jugendchor der 

Oper Wuppertal 

Es war einmal vor gar nicht langer Zeit, da lebte 

in Wuppertal die junge Ella, die von ihrer Stiefmutter 

Madame zur Hausarbeit angehalten und 

von ihren Stiefschwestern Gabrielle und Charlotte 

gemobbt wurde, und nur die alte, verrückte Marie 

war freundlich zu ihr. Die einsame Ella zieht sich 

in ihrem Zimmer von der realen Welt zurück und 

träumt sich in ihr Märchen mit dem Drachen tötenden 

Prinzen Christopher, der als angehender Regent 

die Hose allerdings gestrichen voll hat, Regierungsangelegenheiten 

seinem korrupten Verwalter Sebastian 

überlässt und vor den Problemen seiner Untertanen 

die Augen verschließt. Gegen diese Ignoranz 

demonstriert der junge Rebell Jean-Michel. Von dem 

Aufruhr möchte Sebastian durch einen rauschenden 

Ball ablenken, bei dem Prinz Christopher seine Braut 

aus den Gästen wählen soll. Madame möchte ihre 

Tochter Gabrielle gerne mit dem Prinzen verkuppeln. 

Für Ella ist auf dem Ball natürlich kein Platz 

und Madame zerreißt Ellas Eintrittskarte. Doch 

die verrückte Marie entpuppt sich als gute Fee, die 

Ella nicht nur ein schickes Make-over als Traum- 

Prinzessin verpasst, sondern mit der Belebung 

zweier Plüschtiere auch eine exotische Dienerschaft 

erschafft, die Ella bis Mitternacht in einem coolen 

Gefährt auf den Ball begleiten, wo sie durch ihre 

Freundlichkeit die Gunst des Prinzen gewinnt. Aber 

um 12 Uhr droht der Zauber zu schwinden und Ella 

verliert bei ihrer Flucht einen gläsernen Schuh, den 

sie wieder an sich nimmt. 

Der Prinz veranstaltet ein Festmahl, um seine 

geheimnisvolle und geflohene potenzielle Braut 

wiederzufinden. Gabrielle freundet sich mit Ella an, 

gesteht ihr, dass sie in Jean-Michel verliebt ist, und 

stellt sich krank, damit Ella in ihrem Kleid zum Festmahl 

gehen kann. Doch Madame zerreißt das Kleid 

und Ella muss erneut auf den Zauber von Marie vertrauen. 

Beim Festmahl überzeugt Ella Christopher 

davon, seinem Volk zuzuhören und Sebastian nicht 

weiter blind zu vertrauen. Doch auch diesmal kommt 

Mitternacht viel zu früh, und Ella hinterlässt jetzt 

absichtlich ihren gläsernen Slipper. Mit diesem Indiz 

sucht Christopher im ganzen Land, doch keiner 

Dame scheint der Schuh zu passen, bis Christopher 

endlich seinem Aschenputtel in einfacher Kleidung 

begegnet… 

Die Oper Wuppertal präsentiert »Cinderella« 

seit dem 9. Dezember 2023 in der Inszenierung von 

Christian Thausing mit der ungewöhnlichen Rahmenhandlung, 

die sich mit dem Bühnenbild eines 

Kinderzimmers von Hana Ramujkic konsequent 

an den Realitätsbezug klammert. Wenn Ella in 

ihrem Hochbett während der ›Ouvertüre‹ einschläft, 

erwacht das Märchen mit der eigentlichen Fassung 

von Rodgers’ und Hammersteins Musicaladaption 

auf der Bühne zum Leben und die Charaktere 

betreten wie in Narnia durch Schränke die Bühne 

und nutzen die Möblierung des Kinderzimmers als 

Requisiten der Handlung. Wer als Zuschauer »nur« 

ein fantastisches Märchenspiel in entsprechender 

Kulisse erwartet hat, könnte von diesem Regieeinfall 

enttäuscht sein. 

Von der Ursprungsfassung des als Fernsehproduktion 

1957 entstandenen Musicals mit der jungen 

Julie Andrews in der Titelrolle ist in der späteren 

Bühnen-Adaption von Douglas Carter Beane für 

das Broadway-Revival 2013 nicht viel geblieben, 

denn die Modernisierung umfasste nicht nur die 

26 



grundlegende Überarbeitung und Neuimplementierung 

von Charakteren, sondern auch bisher nicht 

verwendete Songs aus dem Repertoire des Autorenteams 

u. a. mit einem gestrichenen Lied aus »South 

Pacific«. Nach der Europapremiere 2018 im Münchener 

Prinzregententheater und einer Fassung 2020 

in Dresden zeigt Wuppertal die deutsche Übersetzung 

von Jens Luckwaldt erst als dritte Produktion 

in Deutschland. 

Als royales Paar präsentieren sich die Folkwang- 

Absolventen Jonas Hein als stimmstarker, schüchterner 

Prinz Christopher, körperlich stark, aber 

in Staats- und Herzensangelegenheiten zunächst 

hilflos überfordert, und die bezaubernde Susann 

Ketley, die erst im Sommer 2023 ihren Hochschulabschluss 

absolviert hat, als emanzipierte Ella, die 

zwar ihre realen Probleme mit in ihre Traumwelt 

nimmt, sie dort aber souverän-sympathisch löst 

und den Zuschauer hoffen lässt, dass ihr diese 

positive Energie auch nach ihrem Erwachen in 

der realen Welt erhalten bleibt. Stefanie Smailes 

(alternierend Tamara Peters) ist eine herrlich böse 

Stiefmutter Madame, die an eine Mischung aus 

Disneys Cruella De Vil und Miranda Priestly aus 

»Der Teufel trägt Prada« erinnert. Edith Grossman 

als Tochter Charlotte ist ein reiner Comedy- 

Charakter und bleibt im Schatten ihrer Schwester 

Gioia Heid als Gabrielle, die sich vom mobbenden 

Terrorbiest in Ellas Verbündete verwandeln darf. 

Ein weiterer düsterer Charakter ist Mark Bowman- 

Hester als Verwalter Sebastian, der Dustin Smailes 

(alternierend Nils Karsten) als Jean-Michel das 

Leben als Reformer des Reiches schwer macht. Jason 

Lee präsentiert als Graf Dingelstein alle wichtigen 

Ankündigungen des Landes zwar akzentbelastet, 

dafür aber mit trockenem Humor. Das achtköpfige 

Tanzensemble in der Choreographie von Evamaria 

Mayer schafft gemeinsam mit dem Jugendclub 

immer wieder neue und abwechslungsreiche Bilder. 

Gundula Hintz präsentiert als gute Fee Marie ihre 

Songs mit klassischer Stimme, die mit dem Opernchor 

der Wuppertaler Bühnen gut harmoniert. Das 

Sinfonieorchester unter der musikalischen Leitung 

von Johannes Witt lässt die vielleicht etwas angestaubten 

Klassiker, die sich erst nach mehrmaligem 

Hören als Ohrwürmer entpuppen, in ihrem alten 

Glanz erstrahlen. Die Kostüme von Devi Saha sind 

verspielt bunt, wie es dem Traum einer Teenagerin 

gebührt, und die Verwandlung von Marie von der 

Verrückten zur Fee und insbesondere von Ellas 

Schlabberlook in eine elegante Abendgarderobe sind 

sehenswerte Theatermagie. 

Es mag sein, dass »Cinderella« für moderne 

Musicalfans etwas altbacken daherkommt und 

musikalisch nicht so abwechslungsreich wie 

modernere Musicals ist. Wer sich aber neben 

all den aktuellen Compilation-Shows auf echte 

Kompositionen eines alten Dream-Teams, aus 

deren Feder so zeitlose Musicals wie »The Sound 

of Music«, »Oklahoma!« und »The King and I« 

entsprungen sind, einlassen kann, wird von der 

Produktion in Wuppertal nicht enttäuscht sein. 


Abb. oben: 

Alle Märchenfiguren betreten 

in Ellas Traum die Bühne über 

die Kinderzimmerschränke, hier 

Stiefmutter Madame (Stefanie 

Smailes) mit Tochter Charlotte (Edith 

Grossman) 


1. Staatsgeschäfte im Kinderzimmer, 

doch Prinz Christopher (Jonas Hein, r.) 

wird von Verwalter Sebastian (Mark 

Bowman-Hester, Mitte) schlecht 

beraten 

2. Getanzte Revolution und Aufstand 

im Märchentraum (Ensemble) 

3. Um Mitternacht »entfliegt« 

Cinderella dem Ball und der Prinz 

(Jonas Hein, Mitte mit Ensemble) 

sucht vergebens nach ihr 

4. Beim Ball kommen sich Ella 

(Susann Ketley) und Prinz Christopher 

(Jonas Hein) näher 

Fotos (5): Björn Hickmann 


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Letzte Party vor dem Abriss 

»Follies« am Hessischen Staatstheater Wiesbaden 

Abb. oben: 

Weisman (Albert Horne) dirigiert als 

Direktor das Ensemble sowie das 

Orchester 

Abb. unten: 

Ben und Sally (Thomas Maria Peters 

und Pia Douwes, oben) stehen den 

Erinnerungen an die junge Sally und 

dem jungen Ben (Kelly Panier und 

Johannes Summer, unten) gegenüber 

Fotos (2): Lena Obst 

Der Name »Follies« erinnert zunächst ein bisschen 

an die legendären »Ziegfeld Follies« und das 

ist auch gewollt, denn diese berühmte Broadwayshow 

war eine Revue mit vielen schönen Frauen, die 

leicht bekleidet synchron tanzten. Stars wie Barbara 

Stanwyck, Fanny Price (die im Film »Funny Girl« 

hinreißend von Barbra Streisand gespielt wurde), 

Sophie Tucker und Dorothee Dickson gingen aus den 

»Ziegfeld Follies« hervor. Selbst Josephine Baker trat 

in einer der Revuen auf. 

Und so erkennt man schnell die Parallele zum 

Musical »Follies«: Man schreibt das Jahr 1970. Das 

berühmte Weisman-Theater soll abgerissen werden. 

Impresario Weisman beschließt, seine Girls nach fast 

50 Jahren noch einmal zusammenzuholen, um eine 

große Abschiedsparty zu feiern. 

Die Show beginnt im Jahr 1920 mit wunderschön 

gekleideten Tänzerinnen und Tänzern in weißen Kostümen, 

zum Teil sogar von der Decke schwebend. Die 

Handlung des Musicals spielt in zwei verschiedenen 

Zeitzonen, was es dem Zuschauer nicht immer ganz 

leicht macht. Zu jedem älteren Showgirl gibt es ein junges 

Gegenstück, genau wie zu den vier Hauptpersonen, 

nämlich Sally (Pia Douwes), die mit Buddy (Dirk Weiler) 

verheiratet ist, und Phyllis (Jacqueline Macaulay) 

und ihrem Ben (Thomas Maria Peters). 

Doch zunächst betreten alle älteren Showgirls nach 

und nach die Bühne, die das Theater darstellt, und singen 

ein Solo. Schon hierbei wird klar: Die Ladies sind 

großartig, jede auf ihre Weise. 

Da ist zum Beispiel Carlotta (April Hailer), die 

ein bisschen wie eine Figur aus der TV-Serie »Dallas« 

aussieht, eine Karriere als Fernsehstar gemacht hat, 

aber jetzt keine Rollen mehr bekommt. Oder Solange 

(Annette Luig), die mit dem Entwickeln von Parfüms 

das große Geld gemacht hat, oder Heidi Schiller 

(Sharon Kempton), die das Publikum mit ihrem Sopran 

von den Stühlen reißt, während Emily und Theodore 

Whitman (Ines Behrendt und John Holyoke) eine 

hinreißende Tanznummer präsentieren und Hattie 

(Andrea Baker) mit ihrer souligen Stimme das passende 

Gegenstück zu Heidi ist. 

Doch eigentlich dreht sich die Handlung (gibt es 

eigentlich eine Handlung?) um Sally und Buddy sowie 

Phyllis und Ben. Eigentlich waren sie einmal befreundet, 

und eigentlich war Sally immer in Ben verliebt – 

und ist es noch. Aber geheiratet hat Sally nicht ihn, 

sondern Buddy. Während Ben als Politiker Karriere 

gemacht hat und mit Phyllis an seiner Seite eine würdige 

Partnerin hat, ist Buddy »nur« Vertreter und Sally 

mit ihrem Leben als Hausfrau und Mutter von zwei 

Söhnen nicht gerade glücklich. 

Es folgt ein kurzer Zeitsprung. Schon als sie noch 

jung waren, war Sally in Ben verliebt, doch der vergnügt 

sich in einem Cabrio mit Phyllis. Phyllis weiß, 

im Gegensatz zu Sally, was sie will, nämlich Ben. 

Auf der Feier hat Sally dann nur noch Augen für 

Ben, was Buddy so frustriert, dass er Sally erklärt, er 

habe schon lange eine Geliebte, bei der er sich viel 

mehr zu Hause fühle als bei ihr. Nach Aussage von 

Buddy ist Sally entweder betrunken oder geisteskrank. 

Nachdem Sally Ben ihre Liebe gesteht und ihn 

vom Fleck weg heiraten möchte (obwohl er ja noch 

mit Phyllis verheiratet ist), betrinkt sich Ben bis zur 

Ohnmacht. Phyllis, die ihn am Boden liegend findet, 

sagt ihm gründlich ihre Meinung, denn im Gegensatz 

zu ihm hat sie keine Zweifel, was sie will. Nun stellt 

sich auch heraus, dass Ben Sallys Gefühle nie erwidert 

28 



hat. In einer großen Szene streiten alle miteinander, 

überlagernd sowohl jung als auch alt. Wie passend, 

dass das englische Wort für Torheit »Folly« ist, denn 

im zweiten Teil singen die vier Protagonist:innen des 

Stücks jede/r von seiner/ihrer eigenen Torheit. 

Und was bleibt am Ende als Erkenntnis? Vielleicht 

haben sie zwar den/die Falsche(n) geheiratet, doch 

nach all der gemeinsamen Zeit möchten sie sich auch 

nicht mehr trennen, und so endet das Stück damit, 

dass alle wieder ihrer Wege gehen. So war es für 

unsere Protagonisten trotz allem ein schöner Abend 

und ein mehr oder weniger fröhliches Wiedersehen. 

Bleibt eigentlich nur zu sagen, wie großartig alle 

Darsteller unter der Regie von Tom Gerber und der 

musikalischen Leitung von Albert Horne singen, 

tanzen, spielen und sogar steppen. Pia Douwes ist 

vielleicht noch nicht ganz wieder auf der Höhe ihres 

gesanglichen Könnens, sie fügt sich aber problemlos 

ein und auch wenn ihr Weg zurück zu der großen 

Diva noch Arbeit verlangt, wie sie selbst auch äußerte, 

ist ihr Können, insbesondere auch das darstellerische, 

klar ersichtlich. Ausgezeichnetes komödiantisches 

Timing und eine großartige Bühnenpräsenz sind 

die Schlagwörter, die einem zu der Darstellung von 

Jacqueline Macaulay als Phyllis einfallen und sie zum 

heimlichen Star des Abends gemacht haben. Sowohl 

›Dich verlassen‹ als auch ›Die Geschichte von Lexie 

und Nancy‹ sind echte Highlights. April Hailer als 

Carlotta überzeugt mit fantastischem Schauspiel und 

holt auch gesanglich alles aus der Nummer ›Bin noch 

hier‹ heraus. Dirk Weiler als Buddy zeigt in der ›Loveland‹ 

Nummer sein ganzes Können. Als Ehemann von 

Phyllis, Ben, überzeugt auch Thomas Maria Peters 

insbesondere mit wunderschöner Sprechstimme und 

souveränem Auftreten. 

Besonders witzig ist es, dass Albert Horne selbst 

mitspielt. Im weißen Smoking, ein bisschen aussehend 

wie Mozart, mit breitem östlichen Akzent spielt 

er Weisman, den Inhaber des Theaters. Trotzdem 

schafft er es, das Hessische Staatsorchester sowie die 

dreiköpfige Band, die oben auf der Bühne des Weisman-Theaters 

spielt, gekonnt zu dirigieren. 

Die Musik von Stephen Sondheim besteht nicht 

immer nur aus Ohrwürmern, doch in »Follies« gibt es 

viele schöne Lieder und es klingt manchmal wirklich 

nach Revue. 

Wunderschön, teilweise sehr ausgefallen, sind die 

Kostüme von Jannik Kurz. Es wurde nicht gespart an 

Federn und Pailletten, ausgefallenem Kopfschmuck 

und überraschenden Ausschnitten, teilweise sehr 

offenherzig. 

Das Bühnenbild von Bettina Neuhaus entführt 

das Publikum in ein älteres Theater, das über mehrere 

Ebenen verteilt ist und wo es neben einer Bar auch 

einen Schminktisch, eine Ebene mit einer kleinen 

Band und einen Bühneneingang gibt. 

»Follies« ist mit seinem Mangel an Handlung ein 

Vertreter des Subgenres Konzeptmusical, bei dem 

weniger die Geschichte im Vordergrund steht, sondern 

eher ein Thema oder eine Botschaft vermittelt 

werden soll. Dem Publikum hat es gefallen und es gab 

zum Schlussapplaus großen Jubel für alle Beteiligten. 


Follies 

Stephen Sondheim / James Goldman 

Deutsch von Martin G. Berger 

Hessisches Staatstheater Wiesbaden 

Großes Haus 


Regie ................................ Tom Gerber 

Musikalische Leitung ....... Albert Horne 

Orchestration ............. Jonathan Tunick 

Choreographie................ Myriam Lifka 

Bühnenbild ............... Bettina Neuhaus 

Kostüme ............................ Jannik Kurz 

Video ...................... Eduardo Mayorga 

Licht .................................. Oliver Porst 

Sally......... Pia Douwes / Frederike Haas 

Phyllis................... Jacqueline Macaulay 

Buddy ................................. Dirk Weiler 

Ben ....................... Thomas Maria Peters 

Junge Sally .......................... Kelly Panier 

Junge Phyllis .............. Larissa Hartmann 

Junger Buddy.................... Niklas Roling 

Junger Ben ................ Johannes Summer 

Carlotta ............................... April Hailer 

Solange ............................. Annette Luig 

Hattie / Stella ................... Andrea Baker 

Heidi Schiller .............. Sharon Kempton 

Junge Heidi ................. Elisa Birkenheier 

Weisman / Roscoe............. Albert Horne 

Emily Whitman ............... Ines Behrendt 

Theodore Whitman .......... John Holyoke 

Dee Dee West.................... Peter Urban 

Sandra Cane........................ Petra Heike 

Kevin / Dance Captain .......................... 

............................... Jasper H. Hanebuth 

Bobby Bennett .......... Jonathan Schmidt 

Victor Prince ..................... Joel Spinello 

Peter Jones ...................... Yannick Illmer 

Jeff Romley................ Leonhard Lechner 

Tom Richards ................ Samuel Meister 

Junge Solange / Engel ......... Carla Peters 

Junge Christine .... Mar Sánchez Cisneros 

Junge Sandra Cane ........... Tamara Kurti 

Junge Carlotta / Sally Karikatur............... 

.......................................... Josefine Rau 

Junge Dee Dee / 

Margie Karikatur ............ Nicoletta Luna 

Iparraguirre De las Casas 

Junge Emily .......... Cara Laureen Remke 

Junge Hattie / Stella .... Clarissa Anyamele 


Dwayne Gilbert Besier, Jan Diener 

Chor & Chorsolist:innen und Statisterie 

des Hessischen Staatstheaters Wiesbaden 

Abb. links von oben links: 

1. Ben (Thomas Maria Peters, Mitte), 

umringt vom Ensemble, welches 

beeindruckende Tanzszenen liefert 

2. Carlotta (April Hailer) glänzt mit 

›Bin noch hier‹ 

3. Auch Ben (Thomas Maria Peters, 

vorne l.) und Phyllis (Jacqueline 

Macaulay, vorne r.) sind den 

Erinnerungen an den jungen Ben 

(Johannes Summer, oben l.) und 

die junge Phyllis (Larissa Hartmann, 

oben r.) ausgesetzt 

4. Phyllis (Jacqueline Macaulay) 

weiß genau, was sie will 

Fotos (4): Lena Obst 


29

Einblick 

Vorankündigung »Hercules – Das heldenhafte Musical« 

Abb. oben: 

Benét Monteiro mit Komponist 

Alan Menken 

Foto: Stage Entertainment / Arjen Mensinga 

n Zusammenarbeit mit Disney wird Stage Entertain- 

die Weltpremiere des neuesten Disney-Musi- 

Iment 

cals »Hercules« kreieren und den berühmten Olymp 

in Hamburg besteigen. Die zeitlosen Animationsfilme 

von Disney begeistern Generationen von Zuschauern, 

und unter diesen Klassikern befindet sich auch »Hercules«, 

der 1997 veröffentlicht wurde. Trotz der kreativen 

Brillanz von Disney, der mitreißenden Handlung 

sowie der großartigen Musik des Films (Alan Menken) 

erreichte »Hercules« nicht ganz den gleichen Erfolg wie 

einige seiner ikonischen Vorgänger. Das »Hercules«- 

Musical wird nun als Weltpremiere neuentstehen und 

soll an die Erfolge vorheriger Disneyproduktionen in 

der Hansestadt anknüpfen. 2017 verkündete Menken, 

dass er an einer Musicalfassung arbeite, 2019 gab es 

rund drei Wochen lange Tryouts der »Hercules«-Musicalversion 

auf einer Open-Air-Bühne in New York. Die 

Reaktionen führten zu einer weiteren Überarbeitung 

des Stücks. Diese wurde dann erneut für knapp vier 

Wochen als Tryout in Millburn (New Jersey) aufgeführt. 

Die Resonanz hieraus dürfte die Theatermacher 

rund um Thomas Schumacher (Chief Creative Officer 

der Disney Theatrical Group) dazu bewogen haben, 

mit der Uraufführung des Stücks nach Hamburg zu 

gehen – lt. Schumacher eine der Top 3 Musicalstädte 

weltweit, unmittelbar hinter New York und London. 

Die Titelrolle übernimmt Benét Monteiro, der dem 

Publikum bereits aus »Hamilton« und durch »Disney 

100 – Die große Jubiläumsshow« auf RTL bekannt ist. 

Auf der Pressekonferenz, in sozialen Medien und nach 

Veröffentlichung der Singleauskopplung stritten sich 

die Geister, ob diese Besetzung stimmlich wie auch von 

der Körperlichkeit her die richtige sein soll – diese Diskussion 

sollte man allerdings mit leichtem Schmunzeln 

unter dem oben aufgestellten Motto: »Jeder Held ist 

eben anders« verbuchen. Persönlich bleibt der Rezensent 

aber immer ein großer Fan von breit gefächerten 

Gänsehautstimmen, einer sehr klaren und prononcierten 

Aussprache auf der Bühne und Textverständlichkeit, 

und da wirkte gerade bei den Chören und Gospeleinsätzen 

das Gezeigte (in der Presse-Vorankündigung 

zu »Hercules«) noch nicht ganz rund. 

Das Team, welches am 4. Dezember 2023 als komplette 

Cast erstmalig zusammentraf, startet aber auch 

jetzt erst so richtig mit den Proben und hat noch Zeit, 

diese Weltpremiere als besonderes Ereignis entsprechend 

intensiv vorzubereiten. 

Zur Cast von Disneys »Hercules« in Hamburg 

gehört auch Mae Ann Jorolan, bekannt aus »Hamilton« 

und Disneys »Aladdin«. Sie spielt Meg, in die Hercules 

sich verliebt, die aber auch Dienerin von Hades 

ist. Der Herr der Unterwelt selbst wird gespielt von 

Detlef Leistenschneider, den das Publikum u. a. aus 

»Mamma Mia!« oder »Das Wunder von Bern« kennt. 

Hades’ übereifrige Helfer Karl und Heinz werden von 

André Haedicke und Mario Saccoccio verkörpert. Als 

Phil, Trainer von Hercules, wird Kristofer Weinstein- 

Storey zu sehen sein. 

In die Rollen der fünf Musen, die als Erzählerinnen 

musikalisch durchs Stück führen, schlüpfen Leslie 

Behann (Calliope), Chasity Crisp (Thalia), Venolia 

(Terpsichore), UZOH (Clio) und Shekinah Macfarlane 

(Melepomene). Und last but not least wird Hope 

Maine, der aktuell noch als Simba in Disneys »Der 

König der Löwen« auf der Bühne steht, die Rolle des 

Hercules alternierend übernehmen. Mit ihnen auf der 

Bühne stehen außerdem: Jessica Reese, Virginia Vass, 

Reginald Holden Hennings, Jack Butcher, Bathoni 

30 


Einblick 

Buenorkuor, Ginevra Campanella, Samuel Hoi Ming 

Chung, Marco Ciullo, Gianluca Conversano, Indy 

Luna Correa, Christopher Dederichs, Marta Di Gulio, 

Stefano Francabandiera, Salvo Maione, Flavio Marullo, 

Sophie Mefan, David Negletto, Ingrid Olivia, Teya 

Quarmyne, Julia van Kouwen, Pelé Yearwood, Guillermo 

Martinez Ayala, Salvatore Marchione, Talitha 

Dara, Swen Overman und Johnny Galeandro. 

Die Musik von Oscar-, Golden Globe- und 

Grammy-Gewinner Alan Menken und David Zippel 

enthält alle R&B- und Gospel-Hits, die man aus dem 

Film kennt. Für die Bühnenversion hat das Duo zudem 

einige neue Songs komponiert. Das Buch stammt vom 

für den Olivier Award nominierten Kwame Kwei- 

Armah und dem Tony-Award-Gewinner Robert Horn. 

Neben der Musik wird »Hercules« auch mit temporeichen 

Choreographien, einem fantasievollen Kostümbild 

und modernster Videotechnik begeistern. Das 

Bühnenbild und Videodesign wird von Dane Laffrey 

kreiert. Als Ebene hinter den physischen Bühnenelementen 

– wie beweglichen Säulen – helfen seine 

Videoprojektionen dabei, die Zuschauer in die Welt 

der griechischen Helden und Götter zu führen. Das 

Bühnenbild wird zurzeit in Werkstätten in Hamburg 

gebaut. Ab Ende Januar 2024 hält es Einzug in das 

Stage Theater Neue Flora. 

Das Kostümbild soll dazu beitragen, die drei Welten 

– die Welt der Götter auf dem Olymp, die der 

Menschen auf der Erde und die Unterwelt von Hades – 

voneinander abzugrenzen. Die beiden preisgekrönten 

Kostümdesigner Greg Barnes und Sky Switser haben 

sich dabei vom alten Griechenland und von den Laufstegen 

der Welt inspirieren lassen. 

Regie und Choreographie dieser aufregenden neuen 

Produktion verantworten Tony-Preisträger Casey 

Nicholaw, der u. a. auch bei Disneys »Aladdin« Regie 

führte, und Co-Choreographin Tanisha Scott. 

Das Lichtdesign stammt von Jeff Croiter, das 

Sounddesign von Kai Harada. Zum Produktionsteam 

gehören der zusätzliche Videodesigner George Reeve, 

der Puppet-Designer James Oritz, für die Frisuren und 

Perücken Mia M. Neal, für Make-up Kirk Cambridge- 

Del Pesche und für die Spezialeffekte Jeremy Chernick. 

Das Musikteam wird von Music Supervisor und Arrangeur 

Michael Kosarin geleitet, die Orchestrierung 

stammt von Danny Troob und Joseph Joubert, die 

Tanzarrangements von David Chase. 

Zum Inhalt: Hercules, Sohn des Zeus, wird als 

Baby entführt und wächst unter Menschen auf. Eines 

Tages findet er heraus, dass er auf dem Olymp das 

Licht der Welt erblickt hat und sein Vater kein Geringerer 

als der mächtige Zeus ist. Um aber auf den Berg 

der Götter zurückkehren zu können, muss Hercules 

beweisen, dass er ein richtiger Held ist. Mit Hilfe seiner 

treuen Freunde lernt er, dass es nicht auf pure Kraft 

ankommt, sondern dass wahre Helden an der Stärke 

ihres Herzens gemessen werden. Ein großes Herz hat 

dieser Hercules. 

Stil und Ton unterscheiden sich stark von anderen 

Disney-Standardwerken. Der Film integriert Comedy- 

Elemente und popkulturelle Anspielungen, was für 

einige möglicherweise ungewohnt wirken kann. Daher 

darf man gespannt sein, was hier von der Filmfassung 

bestehen bleibt und was dem Zeit- und Musicalgeschmack 

angepasst werden wird. 

In der Welt der Animation der Disney-Filme ist 

Erfolg oft subjektiv und abhängig vom persönlichen 

Geschmack. »Hercules« mag zwar nicht den gleichen 

Ruhm wie einige andere Disney-Klassiker erlangt 

haben, aber seine Besonderheit und Originalität 

machen ihn zu einem faszinierenden Kapitel in der 

Geschichte der Disney-Animation. Möge allen Beteiligten 

jetzt gewünscht werden, auch den Musical- 

Olymp mit »Hercules« erfolgreich, kraftvoll, energiegeladen 

und vor allem klar verständlich zu besteigen. 

Stefan Schön 

Abb. oben: 

Mae Ann Jorolan wird Meg spielen, 

in die sich Hercules verliebt 

Foto: Stage Entertainment / 

Morris Mac Matzen 


1. Die beiden Hauptdarsteller Mae 

Ann Jorolan (Mitte) und Benét 

Monteiro (3.v.r.) mit Ensemble 

2. Einer der Bühnenbildentwürfe 

3. + 4. Kostümentwürfe 

Foto 1: Stage Entertainment / 

Morris Mac Matzen 

Fotos 2-4: Stage Entertainment 


31

Einblick 

Spaziergang durch die Welt des Musicals 

Ausstellung »Re:Imagining Musicals« im Victoria and Albert Museum in London 

Ansicht der Ausstellung »Re:Imagining Musicals« 

Foto: Victoria and Albert Museum London 

Abb. unten: 

Schaukasten mit einer Szene, 

die an »The Drowsy Chaperone« 

erinnert 

Foto: Sabine Schereck 

Wenn man in das Museum reinkommt, gleich 

rechts, etwas in einer Nische versteckt und 

leicht zu übersehen: schwarze lederne Rollschuhe mit 

vier Rollen. Sie liegen in einem Glaskasten vor einer 

schwarzen Wand und stammen aus »Starlight Express«. 

Das Musical allein spricht Bände über die Entwicklung 

des Genres: Es stammt aus den 1980er Jahren, 

als Andrew Lloyd Webber die Musicalwelt mit seinen 

innovativen, manche würden fast sagen verrückten, 

Ideen revolutionierte und damit auch noch erfolgreich 

war. Wer kommt schon auf die Idee, ein Musical über 

Eisenbahnen zu machen? Oder Katzen? 

Die Rollschuhe sind Teil der Ausstellung »Re:Imagining 

Musicals« im Victoria and Albert Museum in London 

und tun genau das, was der Titel vorgibt: sich Musicals 

(neu) vorstellen. Dies bezieht sich darauf, wie Musicals 

oft vorhandene Geschichten neu interpretieren, neu 

erfinden und über ihr Design ein neues Bild schaffen. 

Die Rollschuhe werden von der Information 

begleitet, dass das Musical unter anderem von der Zeichentrickserie 

»Thomas the Tank Engine« (»Thomas, 

die kleine Lokomotive«) inspiriert wurde. Es war die 

Idee des Designers John Napier, die Schauspieler auf 

Rollschuhe zu stellen und damit die Eisenbahnen zu 

versinnbildlichen. Die ausgestellten Schuhe stammen 

von 2008, ein weiterer Verweis auf die Langlebigkeit 

des Musicals. Wer über die Rollschuhe hinaus recherchiert, 

erfährt, dass das Musical auch nicht in seiner 

1980er Jahre Produktion stecken geblieben ist, sondern 

von Andrew Lloyd Webber der Gegenwart, d.h. der 

sich wandelnden Gesellschaft, angepasst wurde. 

So sind aus einigen männlichen Figuren weibliche 

geworden. Gerade für die deutsche Produktion ist dies 

wichtig, wo »Starlight Express« seit seiner deutschsprachigen 

Erstaufführung 1988 in Bochum den Rekord 

hält für die längste Spielzeit eines Musicals an einem 

Ort. 

Der Wandel eines Stoffes ist in der wandgroßen 

Vitrine gegenüber den Rollschuhen am Beispiel »The 

Wizard of Oz« eindrücklich nachgezeichnet – die Erzählung 

kann auf eine über hundertjährige Geschichte 

zurückblicken. Das erste Ausstellungsstück setzt an 

der Gegenwart an mit dem eleganten Kostüm der 

Hexe Elphaba in »Wicked«. Es ist schon faszinierend, 

das mit zahlreichen schwarzen Stoffpartien aufwendig 

gemachte Kleid aus der Nähe begutachten zu können. 

Es wurde von der amerikanischen Kostümbildnerin 

Susan Hilferty entworfen. Das Modell hier stammt aus 

der Londoner Produktion von 2006, die dort auch noch 

läuft. Das Kostüm repräsentiert auch ein weiteres Anliegen 

der Ausstellung, nämlich die enorme handwerkliche 

Leistung der Musicalmacher ins Bewusstsein zu rücken. 

Neben dem Kleid reihen sich Objekte ein, die die 

verschiedenen Werke skizzieren, die aus der Erzählung 

von »The Wizard of Oz« hervorgegangen sind. Da ist 

zunächst die ursprüngliche Inspirationsquelle, das 1900 

von L. Frank Baum geschriebene Buch in einer Ausgabe 

von 1903, sowie ein Pressebuch zum Film von 1939 und 

Gregory Maguires ausgedachte Vorgeschichte »Wicked: 

The Life and Times of the Wicked Witch of the West« von 

1995. Eine Entdeckung sind allerdings die Plattencover 

zu »The Wiz«, genauer »The Super Soul Musical ›Wonderful 

Wizard of Oz‹«. Diese Musicalversion verlegt 

Baums Kindergeschichte in die afro-amerikanische 

Kultur, das heißt die der 1970er Jahre, als Charlie 

Smalls (Musik und Liedtexte) und William F. Brown 

(Buch) das Musical verfassten. 1975 war die Broadwaypremiere 

und die Besetzung bestand ausschließlich 

aus afro-amerikanischen Darstellern. Die Produktion 

gewann sieben Tony Awards, inklusive »Bestes Musical«. 

Diese Facette verdeutlicht, welche Kraft Musicals 

haben. Sie reflektieren nicht nur gesellschaftliche 

Veränderungen, sondern treiben sie auch voran. Im 

deutschsprachigen Raum war das Musical erstmals 

32 


Einblick 

2013 in Linz zu sehen. 

Ein weiterer Abschnitt der Ausstellung greift auf, 

dass auch Filme und Songs Grundlage von Musicals 

sind. Da sind Filmposter von »Bend It Like Beckham«, 

»The Bodyguard« und »Hairspray« sowie Plattencover 

von »42nd Street«, »Copacabana«, »Tina: The Tina 

Turner Musical« und »Girl From the North Country«. 

Damit wird auf die Jukeboxmusicals verwiesen, die 

vorhandene Songs in eine Geschichte verweben. Letztere 

beiden Titel illustrieren, was die Ausstellung so 

faszinierend macht: Dass sie, neben dem Blick zurück, 

auch Musicals einbezieht, die gerade oder kürzlich 

noch im West End liefen. Die Ausstellung ist also 

»up-to-date« und bindet die Gegenwart eng ein. Das 

betrifft vor allem die Kostüme und verdankt sich der 

Tatsache, dass die Ausstellung erstmals Neuerwerbungen 

der Theatersammlung des Museums präsentiert. 

Für den Besucher ist es völlig ungewohnt, das, was 

gerade noch auf der Bühne zu sehen war, bereits in 

einem Museum wiederzufinden. 

Das in dem Abschnitt Film schillerndste Kostüm 

stammt aus »Moulin Rouge! The Musical« und wird 

von Satine getragen, wenn sie auf einem Trapez vom 

Theaterhimmel herunterschwebt. Das atemberaubende 

schwarze Glitzerkostüm wurde von Catherine Zuber 

entworfen. 

Nicht nur bereits existierendes Material bietet eine 

Spielwiese für Neuschöpfungen, sondern auch das 

Weltgeschehen ist ein Fundus für Geschichten, die 

auf der Bühne zum Leben erweckt werden können. 

Die Ausstellung setzt so ein Spotlight auf »Welcome to 

the Show, the Histo-remix«. Eingeleitet wird dies im 

nächsten Raum mit dem Blickfang des Leder-Nietenund-Pailletten-Kostüms 

von Catherine of Aragon 

aus »SIX the Musical«. Dieses Stück ist eine moderne 

Nacherzählung der Leben der sechs Frauen von Heinrich 

VIII. in Form eines Popkonzertes. Entsprechend 

sind Gabriella Slades Kostüme nicht historisch der 

Renaissance verhaftet, sondern den Bühnenoutfits 

von Popqueens wie Britney Spears und Beyoncé entlehnt. 

Dafür wurde sie mit dem Tony Award geehrt. 

Das Besondere an der Show – über das innovative und 

zeitgenössische Konzept hinaus – sind die Macher: 

Toby Marlow und Lucy Moss, die noch Studenten 

in Cambridge waren, als sie an dem Stück arbeiteten, 

das, nach einem einschlägigen Erfolg beim Edinburgh 

Fringe Festival, 2019 ins West End zog. 

Entlang den Wänden wird über Plakate an Musicals 

erinnert, die Kriegserfahrungen verarbeiten, wie 

»Hair«, »Miss Saigon«, »South Pacific« und der aktuelle 

West-End-Hit »Operation Mincemeat«. Auch 

»Cabaret« reiht sich hier ein, das die Jahre zwischen 

den Kriegen spürbar macht. 

Keine Show ohne Star. So widmet sich ein Bereich 

über zwei Kostüme weiteren Meilensteinen der 

Musicalgeschichte: »A Chorus Line« von 1975 und 

»Everybody’s Talking About Jamie« von 2017. Sie 

stehen für Musicals, die Biografien realer Personen 

auf die Bühne bringen, wie »Evita«, »Funny Girl« oder 

»Gypsy«. »A Chorus Line« ist insofern besonders, als 

dass es Tänzern eine Stimme gibt, die sonst namenlos 

eine Chorus Line füllen. 

Die Kombination beider Musicals erzählt auch 

ohne Worte von einem anderen Aspekt – der 

Abb. von oben links: 

1. Ausstellungsansicht zu »The 

Histo-Remix« mit dem Kostüm für 

Catherine of Aragon in »SIX the 

Musical« (Design: Gabriella Slades), 

2020 

2. Rollschuhe aus »Starlight 

Express«, 2008 

3. Ausstellungsansicht mit 

Kostümen aus »A Chorus Line« 

(Design: Theoni V. Aldredge) und 

»Everybody`s Talking About Jamie« 

(Design: Anna Fleischle) 

4. Eingangsbereich der Ausstellung 

»Re:Imagining Musicals« 

Fotos 1+2: Sabine Schereck 

Fotos 3+4: Victoria and Albert Museum 

London 

blickpunkt musical 01/2024 33

Einblick 

Abb. von links: 

1: Kostüm für Elphaba in »Wicked« 

(Design: Susan Hilferty), Apollo 

Victoria Theatre, 2006 

2. Kostüm der Figur Satine in 

»Moulin Rouge! The Musical«, 

Design: Catherine Zuber 

3. Kostüm für Eliza Doolittle in »My 

Fair Lady« (Design: Cecil Beaton), 

getragen von Julie Andrews, Theatre 

Royal Drury Lane, 1958 

Foto 1: Sabine Schereck 

Fotos 2+3: Victoria and Albert Museum 

London 

gesellschaftlichen Entwicklung, die in den letzten 40 

Jahren stattgefunden hat. Von »A Chorus Line« ist 

das goldglitzernde Kostüm des Finales ausgestellt. Bei 

»Everybody’s Talking About Jamie« geht es um den 

Wunsch eines Jungen, zum Abschlussball der Schule 

ein glamouröses Kleid zu tragen. Es zeigt, wie hart 

der Kampf sein kann, seine innere, gefühlte Identität 

in der Gesellschaft zu zeigen und damit akzeptiert 

zu werden. Anna Fleischles Kostüm mit abgewetzter 

Jeanshose, aber mit Pailletten-besetzter Jeansjacke und 

roten High Heels markiert den Weg dorthin. 

Frauenfiguren stehen vielfach im Zentrum von 

Musicals; viele sind schon genannt worden. Die Ausstellung 

richtet dennoch klug die Aufmerksamkeit auf 

die Rolle der Frau in der Gesellschaft und wie sich ihr 

Bild gewandelt hat bzw. wie Frauenbilder neu interpretiert 

werden. Das erfolgt über ein Kostüm von »My 

Fair Lady«, das Julie Andrews 1958 in der Produktion 

im West End trug und das sie als feine junge Dame 

um 1900 präsentiert – der Zeit, in der das Stück spielt. 

Die Tatsache, dass das Stück immer wieder neu und 

den Zeiten angepasst inszeniert wird, beweist dessen 

Bedeutung. Dem gegenüber steht das schlichte, fast 

zeitlose rote Kleid aus der Neuinterpretation von Stephen 

Sondheims 1970 geschriebenen Musical »Company«. 

Die Regisseurin Marianne Elliott hat 2018 aus 

der männlichen Hauptfigur eine weibliche gemacht. 

Im letzten Raum befindet sich eine Leinwand, 

auf der Ausschnitte zahlreicher Produktionen die 

Besucher am Musicalgeschehen der letzten 20 Jahren 

teilhaben lassen, primär des West Ends. Für begeisterte 

Musicalgänger ergeben sich daraus schöne Erinnerungen 

an Stücke, die selbst gesehen wurden, und es 

bietet Einblicke in die, die bei denen der Besuch nicht 

möglich war. 

Am Ende der Ausstellung befindet sich noch ein 

kleiner Schaukasten mit einer Wohnzimmerszene: Ein 

alter Mann sitzt in einem Sessel und hört bedächtig 

Musik, die von einem Plattenspieler kommt. Das Plattencover 

hält er liebevoll in den Händen. Die Szene 

erinnert an den Anfang von »The Drowsy Chaperone«, 

wo ein Musicalliebhaber gemütlich in seinem Sessel 

sitzt und sich über Aufnahmen von Musicals aus den 

1930er Jahren in deren glanzvolle Welt träumt. Das 

Besondere an dem Mann hier ist, dass er wie Stephen 

Sondheim aussieht. Eine Erläuterung zu dem Beitrag 

gibt es nicht, aber er ist ein vielsagender und gelungener 

Schluss: Er illustriert die Fähigkeit von Musicals, 

selige Momente zu zaubern – und das auch von zu 

Hause. In »The Drowsy Chaperone« erklärt der Mann 

im Sessel nämlich warmherzig: »Whenever I am feeling 

blue, I like to listen to my music.« 

Die gelungene Ausstellung wurde von Simon Sladen, 

Senior Curator for Modern and Contemporary 

Theatre and Performance, und Harriet Reed, Curator 

of Contemporary Performance, kuratiert und ist bis 

4. Februar 2024 zu sehen. 

Sabine Schereck 

34 



Blick in den Spiegel der braunen Vergangenheit 

»Lass uns die Welt vergessen – Volksoper 1938« in Wien uraufgeführt 

Abb. oben: 

Zwei Ensemblemitglieder erscheinen 

in Nazi-Uniform zur Probe, was 

erste ernsthafte Diskussionen nach 

sich zieht (v.l.: Carsten Süss, Marco 

Di Sapia, Lukas Watzl, Johanna 

Arrouas, Jakob Semotan, Szymon 

Komasa, James Park, Kilian Berger) 

Abb. unten: 

Der Bühnenmeister (Gerhard 

Ernst) gibt Souffleur Ossip Rosental 

(Andreas Patton) den Tipp, mit 

einem Nazifähnchen sicher nach 

Hause zu kommen 

Fotos (2): Barbara Pálffy / Volksoper Wien 

Es sind zwei Welten, wie sie unterschiedlicher 

nicht sein könnten. Die Darsteller der Wiener 

Volksoper proben 1938 für die anstehende 

Premiere der heiteren Operette »Gruß und Kuss 

aus der Wachau«. Doch noch bevor sich der erste 

Vorhang hebt, holt sie die düstere Realität ein: 

Die Nazis haben die Macht im Land übernommen, 

mit dramatischen Folgen – für alle, selbst 

für jene, die sich eigentlich gar nicht für Politik 

interessieren. Das ist die Handlung von »Lass uns 

die Welt vergessen – Volksoper 1938«. In dem 

neuen »Stück mit Musik«, wie es im Programm 

heißt, arbeitet die Volksoper Wien auf beeindruckende 

Art und Weise ihre eigene Geschichte auf. 

Am 14. Dezember 2023 – genau 125 Jahre, nachdem 

das Haus als »Kaiserjubiläum-Stadttheater« 

eröffnet wurde – feierte es seine Uraufführung. 

Anfangs findet sich der Zuschauer in den 

Proben zu einer seichten Operette wieder, die in 

der Volksoper aufgeführt werden soll. Doch fast 

unmerklich gewinnt die Handlung an Dramatik. 

Es herrscht scheinbar normaler Probenbetrieb, die 

Zeit drängt, es sind nur noch wenige Wochen bis 

zur Premiere der neuen Operette. Mit farbenfrohen 

Kostümen will man eine heile Welt auf die Bühne 

bringen, doch schwarz-weiße Videoprojektionen 

der politischen Geschehnisse der damaligen Zeit, 

die parallel dazu auf die hintere Wand der Bühne 

projiziert werden, zeigen, was vor der Volksoper 

passiert: Die österreichische Politik des Austrofaschismus 

schafft es nicht mehr, sich gegen die Nazis 

im Nachbarland zu wehren, es kommt unter Adolf 

Hitler zum sogenannten »Anschluss« Österreichs 

ans Deutsche Reich. 

Auch der Theaterbetrieb bleibt davon nicht unberührt: 

Die ersten Darsteller der Operette erscheinen 

in der braunen Uniform der Nazis zur Probe, plötzlich 

werden jüdische Ensemblemitglieder durch vermeintlich 

arische Kollegen ausgetauscht. Einem jüdischen 

Mitarbeiter wird geraten, auf dem Heimweg 

eine kleine Hakenkreuz-Papierfahne zu schwenken, 

um vor möglichen Angriffen geschützt zu sein. Das 

heutige Publikum, das um den historischen Verlauf 

weiß, erkennt in den Dialogen, die teilweise auf historischen 

Überlieferungen beruhen, die Warnungen 

ganz deutlich. Die Figuren – meist nach realen Vorbildern 

gestaltet – verschließen die Augen vor dem 

Wandel oder stehen ihm machtlos gegenüber. 

Die verschiedenen Ebenen der neuen Operette, 

der Probenbetrieb in der Volksoper 1938 und 

die historischen Ereignisse, werden von Szene zu 

Szene miteinander verwoben. Das Bühnenbild 

ist klar strukturiert und trennt die verschiedenen 

Handlungsebenen, lässt es aber gleichzeitig zu, dass 

Verbindungen hergestellt werden, etwa wenn die 

Hauptdarstellerin der Operette während der Probe 

mit dem im Konzentrationslager inhaftierten ehemaligen 

Bühnenpartner ein Duett singt. Die einzige 

Konstante des Stücks ist der in schwarz gehaltene 

Regiebereich auf der linken Seite der Bühne, 

welcher durchgängig zu sehen ist. Die übrigen Elemente, 

etwa Bühnenbilder der Operette oder eine 

große zylinderförmige Drehbühnen-Konstruktion, 

die die privaten Bereiche einzelner Darsteller symbolisiert, 

werden abwechselnd eingesetzt. 

Mit welcher Geschwindigkeit sich die Handlung 

36 



entwickelt, ist enorm. In nur wenigen Monaten 

wandelt sich alles, und während das Publikum 1938 

die neue Operette mit Happy End feiert, bevölkern 

KZ-Insassen, darunter ehemalige Mitglieder des 

Ensembles, die Bühne. Während die einen die Welt 

vergessen wollen, wurden die anderen von der Welt 

vergessen. 

Die Handlung steht bei »Lass uns die Welt vergessen 

– Volksoper 1938« im Vordergrund – keine 

Figur nimmt eine zentrale Position ein. Fast scheint 

es, als wenn sie miteinander verschmelzen und so 

den optimalen Rahmen für die Erinnerung und 

Aufarbeitung bieten. Ebenso verschmelzen die 

Darsteller mit ihren Rollen, hier jemanden hervorzuheben 

wäre nicht dem Stück und der Darbietung 

angemesssen. 

Die Auswirkungen der historischen Ereignisse 

auf alle Gesellschaftsschichten sollen gezeigt werden. 

Spätestens wenn junge Frauen in weißer 

Sportkleidung auf der Bühne in Aktion treten 

und man sich unweigerlich an Leni Riefenstahls 

inszenierte Propagandafilme erinnert fühlt, ist auch 

hier die neue Realität eingezogen. Unausweichlich 

ist das Publikum nicht nur Zuschauer, sondern 

wird zum stummen Zeugen der Situation, wird 

gezwungen, Stellung zu beziehen. »Was würde ich 

tun?« ist die Frage, die sich aufdrängt, begleitet 

von einer Achterbahn der Gefühle. So wie sich die 

Handlungsstränge mischen, so mischen sich auch 

die Musikstile: Die fragmentarisch erhaltene Operettenmusik 

von Jara Beneš wurde mit Musik von 

Gustav Mahler, Viktor Ullmann, Arnold Schönberg 

und neu komponierter Musik von der aus 

Israel stammenden Komponistin (und Dirigentin 

des Abends) Keren Kagarlitsky gemischt. 

Etwas fürs Auge sind die beeindruckenden 

Choreographien von Florian Hurler: Ob im großen 

Ensemble in der Tabakfabrik in den mintgrünen 

Uniformen (Kostüme: Jorine van Beek) oder mit 

einigen wenigen Tänzerinnen beim Briefträger- 

Lied zu typischen Charleston-Schritten. Die hohe 

Qualität der Produktion spiegelt sich auch darin 

wider, dass eigens eine historische Beraterin (Marie- 

Theres Arnbom) hinzugezogen wurde. Dies kommt 

nicht nur den verwendeten Bild- und Tonaufnahmen 

(Video: Arjen Klerkx) zu Gute, sondern setzt 

das gesamte Werk in einen historisch korrekten 

Kontext. 

Die neue Leitung der Volksoper unter Lotte 

de Beer hat mit dem Auftragswerk Mut bewiesen 

und zeigt, welche heiklen Themen Musiktheater 

bearbeiten kann. Dieses scheinbare Wagnis wird 

belohnt. Das mediale Echo ist enorm. Nicht nur 

Wiener Blätter, sondern auch internationale Zeitungen 

feiern das mutige Projekt. Das Stück gebe 

den Sängerinnen und Sängern, die nicht mehr 

da sind, den Vertriebenen, den Toten eine Bühne 

und eine Stimme, resümiert etwa der Bayerische 

Rundfunk. Die Idee hinter der Inszenierung wird 

aus Sicht einiger Kritiker aber nicht konsequent 

umgesetzt. Für die Frankfurter Allgemeine Zeitung 

sind die Dialoge zu langatmig, die Zeitung 

hebt jedoch die Aktualität hervor und vernetzt die 

Inszenierung mit der politischen Lage in der Alpenrepublik, 

wo die rechtspopulistische FPÖ ein Jahr 

vor den Parlamentswahlen die Umfragen anführt: 

»Angesichts der drohenden Gefahr einer rechtsextremen 

Regierung in Österreich kommt dieser 

Produktion, die ungeschönt die katastrophalen 

Folgen des Rechtspopulismus zeigt, trotz einiger 

Defizite ein großer Verdienst zu.« Und so bleibt die 

Frage, ob wir aktuell in der Lage sind, im Sturm 

eines Nahost-Krieges, in Zeiten des wachsenden 

Antisemitismus und zunehmender Fremdenfeindlichkeit 

die Zeichen der Zeit richtig zu deuten. 

Mina Piston 

Lass uns die Welt vergessen – 

Volksoper 1938 

Jara Beneš / Arnold Schönberg / 

Viktor Ullmann / Gustav Mahler / 

Keren Kagarlitsky / Hugo Wiener / 

Kurt Breuer / Fritz Löhner-Beda / 

Theu Boermans 

Volksoper Wien 


Regie .......................... Theu Boermans 

Musik. Leitung ......... Keren Kagarlitsky 

Choreographie .............. Florian Hurler 

Bühnenbild ............ Bernhard Hammer 

Kostüme ...................... Jorine van Beek 

Licht ..................................... Alex Brok 

Video ............................... Arjen Klerkx 

Sounddesign ............... Martin Lukesch 

Historische Beratung ........................... 

.......................... Marie-Theres Arnbom 

Alexander Kowalewski, 

Intendant .................... Marco Di Sapia 

Ossip Rosental, 

Souffleur ...................... Andreas Patton 

Hugo Wiener, Autor ..... Florian Carove 

Fritz Löhner-Beda, Librettist ................. 

........................................ .Carsten Süss 

Kurt Herbert Adler, 

Dirigent .......................... . Lukas Watzl 

Kurt Hesky, Regisseur .... Jakob Semotan 

Leo Asch, 

Bühne und Kostüm ... Szymon Komasa 

Bühnenmeister .............. Gerhard Ernst 

Hulda Gerin .............. Johanna Arrouas 

Viktor Flemming .............. Ben Connor 

Fritz Imhoff .... Wolfgang Gratschmaier 

Trudl Möllnitz .................. Theresa Dax 

Olga Zelenka ................... Sofia Vinnik 

Kathy Treumann ................... Julia Koci 

Walter Schödel ............ Nicolaus Hagg 

Frida Hechy ................. Ulrike Steinsky 

Emil Kraus .......... Sebastian Reinthaller 

Franz Hammer .................................... 

..........................Johannes Deckenbach 

Kurt Breuel ............. Kurt Schreibmayer 

Johanna Kreuzberger / 

Mutter Wiener ................ Regula Rosin 

Horst Jodl ................... Robert Bartneck 

Fritz Köchl ......................... Axel Herrig 

Hans Frauendienst ..... Thomas Sigwald 


Kilian Berger, Victoria Demuth, 

Oliver Floris, Michael Konicek, 

Benjamin Oeser, James Park, 

Marina Petkov, Jennifer Pöll, 

Philip Ranson, Rebecca Soumagné, 

Anetta Szabo, Josefine Tyler 

Abb. links von links oben: 

1. Regisseur Kurt Hesky (Jakob 

Semotan, Mitte) gibt dem Ensemble 

Regieanweisungen während der Probe 

2. Die Nazis übernehmen das Ruder 

an der Volksoper: Fritz Köchl (Axel 

Herrig, Mitte r.) entlässt zum Entsetzen 

der Darsteller (Ensemble) den Großteil 

der jüdischen künstlerischen Leitung 

3. Das Leading Team und die Künstler 

in privater Atmosphäre (Ensemble) 

4. Historische Videoaufnahmen 

sind ein wichtiger Pfeiler dieser 

Inszenierung 

Fotos (4): Barbara Pálffy / Volksoper Wien 


37


»Du hast den Vogel abgeschissen« 

Österreichische Erstaufführung von »Tootsie« am Landestheater Linz 

Abb. oben: 

Dorothy (Gernot Romic) feiert Erfolg 

über Erfolg 

Foto: Herwig Prammer 

Tootsie 

David Yazbek / Robert Horn 

Deutsch von Roman Hinze 

Landestheater Linz 

Musiktheater am Volksgarten – 

Großes Haus 

Österreichische Erstaufführung: 

9. Dezember 2023 

Regie ........................... Ulrich Wiggers 

Musikalische Leitung ........ Juheon Han 

Choreographie .......... Kati Heidebrecht 

Bühnenbild .................. Leif-Erik Heine 

Kostüme ..................... Franz Blumauer 

Lichtdesign ............. Michael Grundner 

Michael Dorsey/ 

Dorothy Michaels ......... Gernot Romic 

Julie Nichols ................. Sanne Mieloo 

Jeff Slater ...................... Karsten Kenzel 

Sandy Lester .......... Celina dos Santos / 

Valerie Luksch 

Ron Carlisle ................... Enrico Treuse 

Max Van Horne ....... Christian Fröhlich 

Rita Marshall ................... Daniela Dett 

Stan / Carl .................... Max Niemeyer 

Stuart ....................... Lukas Sandmann 

Suzie / Vokal-Trio 1 .............................. 

............. Alexandra-Yoana Alexandrova 

Vokal-Trio 2 ............... Valerie Luksch / 

Lynsey Thurgar 

Vokal-Trio 3 .................. Susanne Rietz 


Laura Araiza Inasaridse, 

Alexandra Frenkel, Christian Funk, 

Verena Nothegger, Kevin Reichmann, 

Stefan Schmitz, Davide Venier, 

Matteo Vigna 

Mittlerweile hat es sich eingebürgert, dass schon 

der Weg nach Linz mit Vorfreude gesegnet ist. 

Immer wieder schafft es das Landestheater, nicht nur 

mit der Stückauswahl zu überzeugen, nein, insbesondere 

begeistert es tatsächlich mit etwas anderem: den 

Darstellern, die zumeist alle aus dem Kern des Ensembles 

kommen und mit den immerhin fünf Musical- 

Premieren dieser Spielzeit je in so unterschiedliche 

Rollen schlüpfen, dass man als regelmäßiger Zuschauer 

immer wieder eine beeindruckende Präsentation des 

jeweiligen Könnens zu sehen bekommt. 

Die, die in dem einem Stück noch Hauptrollen 

haben, ordnen sich hier hervorragend im Ensemble 

ein, vermeintliche Ensemblemitglieder glänzen in der 

Hauptrolle – die Qualität der Darsteller ist durch die 

Bank so hoch, dass alle nicht nur absolut verlässlich, 

sondern auch immer wieder bis in die kleinste Rolle 

mit eben der charismatischen Energie glänzen, die man 

bei anderen Großproduktionen immer wieder finden 

wollen würde. Nun also David Yazbeks und Robert 

Horns »Tootsie«, die zweite Premiere 2023/2024. 

Das Stück kann zehn Tony-Award-Nominierungen 

vorweisen, zwei davon (»Bestes Buch« & »Bester 

Hauptdarsteller«) wurden letztendlich auch wirklich 

gewonnen. Dennoch war die Laufzeit am Broadway 

mit gerade einmal 318 Vorstellungen inklusive Previews 

nicht allzu lang. In Deutschland feierte es im 

Juli 2022, auch in der absolut gelungenen Übersetzung 

von Roman Hinze, im Staatstheater am Gärtnerplatz 

in München Premiere. 

Die Geschichte beginnt im Grunde mit dem vierzigsten 

Geburtstag von Michael Dorsey, der dank seines 

besten Freundes Jeff mit der bitteren Realität seines 

Lebens konfrontiert wird. Seine Eltern sagen noch 

immer nicht, dass er Schauspieler ist, ohne das Wort in 

Gänsefüßchen zu setzen. Er hat keine Beziehung, nur 

ein etwas eigenartiges Verhältnis zu seiner Exfreundin 

Sandy. Und da er als zu anstrengend verschrien ist und 

entweder keinen Job bekommt oder behält, muss er 

nach wie vor für seinen Lebensunterhalt kellnern. Als 

Sandy ihm von einer Audition für eine Neufassung von 

»Romeo und Julia« erzählt, beschließt er, dass er sich 

einfach als Amme bewirbt. Er wirft sich in Kleider, 

schminkt sich und liefert mit ›Ich bin für euch da‹ die 

perfekte Show ab, um die Produzentin ebenso wie die 

Autorin des Stückes von sich zu überzeugen. Nach und 

nach gewinnt er die Herzen aller Beteiligten – nur mit 

dem Regisseur klappt es nach wie vor nicht; jedoch 

hat er sich als Dorothy weit besser im Griff, so dass es 

ihn dieses Mal nicht den Job kostet. Allerdings endet 

alles im Chaos, denn nicht nur alle anderen verlieren 

ihre Herzen an ihn, nein, auch er verliert sein Herz: an 

Julie, die Julia auf der Bühne, mit der er eine Verbindung 

und gleichermaßen Freundschaft aufbaut, wie sie 

für ihn mit einer Frau völlig unbekannt war. »Ich war 

als Frau mit dir ein besserer Mann, als ich es jemals 

mit einer Frau als Mann war«, lautet die rührende 

Liebeserklärung. Ob sie reicht, damit Julie die Lügen 

verzeihen kann? 

Als Michael/Dorothy überzeugt mit erstaunlich 

weiblicher Eleganz Gernot Romic, dem es dennoch 

gelingt, in den Szenen, in denen er Mann ist, direkt 

wieder eine andere Gang-, eine andere Körperhaltung 

zu übernehmen. Stimmlich erinnert er stark an 

die deutsche Synchronstimme von Mrs Doubtfire, 

gesanglich merkt man, dass ihm die männlichen Songs 

einen Hauch leichter fallen, während die Lieder von 

Dorothy überraschenderweise mit mehr Emotionalität 

überzeugen. An seiner Seite mit wunderschönwarmer 

Stimme Sanne Mieloo. Ihr ›Und da war John‹ 

fühlt sich zu kurz an, gerne hätte man da noch weit 

länger gelauscht. Auch schauspielerisch weiß sie die 

38 



Zuschauer in den Bann zu ziehen, egal, ob es in dem 

gemeinsamen Aufbau der Freundschaft zwischen 

Dorothy und ihr ist oder dann auch später, wenn 

sie ihr ihre Liebe gesteht – Emotionen kann Mieloo 

ohne Zweifel. 

Komödiantisches Highlight ist allen voran Christian 

Fröhlich als Max. Sein ›Was kann das sein?‹ war 

stark gesungen, aber wirklich beeindruckt er damit, 

wie sehr er die Lachmuskeln des Publikums herausfordert. 

Vom Herunterreißen des Oberhemds bis 

hin zu jeglichem Schnösel-Habitus – hier passt alles, 

von Betonung bis Timing, so dass sogar einfachster 

Humor á la »Du hast den Vogel abgeschissen« durch 

die Authentizität enorm lustig wird. Karsten Kenzel 

als Michaels bester Freund Jeff hat mit ›Jeff fasst 

zusammen‹ seinen großen gesanglichen Moment, 

wirklich stark ist er aber in den vielen kleinen Szenen 

dazwischen, wo er immer weit mehr als nur Stichwortgeber 

ist, sondern seinem Jeff einen starken Charakter 

verleiht, den man einfach mögen und gern beobachten 

muss. Celina dos Santos hat wenig Auftritte, die dafür 

aber immer überzeugend lustig sind, und dank der 

vielen musikalischen Zitate von ›Was passierń wird‹ ist 

ihr Charakter auch irgendwann mit nur einem Takt im 

Gedächtnis des Zuschauers. 

Dass Regisseur Ulrich Wiggers intensiv mit den 

Darstellern gearbeitet hat, merkt man dem Zusammenspiel 

in den einzelnen Szenen an. Insbesondere 

die, bei denen nur zwei Darsteller miteinander spielen, 

haben trotz der großen Bühne fast schon Kammertheaterintimität. 

Choreographin Kati Heidebrecht 

kann hier mal wieder das Ensemble so richtig zum 

Tanzen bringen, fast legendär ist der Opener, bei dem 

auch sie textbedingt tänzerische Zitate von u. a. Bob 

Fosses Arbeit bringt. Wie vertraut das Publikum mit 

all den Zitaten ist, wird sehr schnell klar, denn schon 

da beginnt der Funke überzuspringen. Auch in den 

anderen Massenszenen wird einmal mehr klar, dass 

im Linzer Ensemble wirklich Alleskönner sind und 

die Tanzschritte fließend leicht von den Fußspitzen 

abgehen. 

Neben allem, was so auf der Bühne herumwirbelt, 

tanzt und singt, gibt es allerdings noch einen anderen 

Star des Abends: Prominent positioniert und bis auf 

ganz wenige Ausnahmen sichtbar spielt das Orchester 

unter der musikalischen Leitung von Juheon Han die 

zum Teil mit großen Big Band- / Broadway-Klängen 

versehene Musik Yazbeks perfekt akzentuiert und mit 

dem einen oder anderen Bläserhighlight versehen. 

Linz schafft es, sich mit dem Bühnenbild und den 

Kostümen von den Vorgängerproduktionen freizuschaufeln. 

Franz Blumauer hat nicht nur Dorothy 

immer wieder sehr hübsch und mit wunderschönglänzenden 

Brillen ausgestattet, auch alle anderen 

Darsteller haben sehr kleidsame Kostüme. Leif-Erik 

Heine hat eine Welt wie aus einem Kosmetikkoffer 

geschaffen. Fast alles, was sich auf der Bühne finden 

lässt, wurde kosmetisch inspiriert. Ist es die Garderobe 

von Julie, die aus einem Wattestäbchen-Ständer 

besteht, Dorothys Garderobe aus einer Haarspraydose, 

der Bühnenboden – einfach alles hat den Bezug zum 

Schminken und trägt den humorösen Markennamen 

»Maybehim«. 

Dazu kommt dann auch noch ein Österreich-Bezug: 

Wenn Dorothy nicht nur bei den bekannten amerikanischen 

Musicals in den Hauptrollen glänzt, sondern selbstverständlich 

auch als Kaiserin Elisabeth gefeiert wird, 

herrscht großes Lachen im Publikum. Überhaupt ist eben 

dieses ob der wirklich sehr runden Produktion immer 

wieder offen, herzhaft und laut zu lachen. »Tootsie« versteht 

es, die Leute zu unterhalten, berührt aber immer 

wieder das Herz und sorgt einfach für einen Abend voller 

kollektiver Glückseligkeit. Wunderbar, dies zu erleben – 

das Publikum dankt dafür mit langen Standing Ovations. 

Sabine Haydn 

Abb. oben: 

Michael sucht Hilfe bei Dorothy 

(Gernot Romic), die das Leben 

besser versteht als er 


1. Michael Dorsey (Gernot Romic, 

Mitte) versucht, sich ins Ensemble 

einzureihen 

2. Julie (Sanne Mieloo, l.) und 

Dorothy (Gernot Romic, r.) 

beginnen eine tiefe, vertrauensvolle 

Freundschaft 

3. Sandy (Celina dos Santos, Mitte) 

erklärt Jeff (Karsten Kenzel, l.) und 

Michael (Gernot Romic), ›Was 

passierń wird‹ 

4. Dorothy Michaels (Gernot 

Romic, Mitte) glänzt mit dem 

Ensemble in der Neuinszenierung 

von »Julias wahre Flamme« 

Fotos (5): Herwig Prammer 


39


Leise rieselt der Regen 

»Singin’ in the Rain« am Salzburger Landestheater 

Abb. oben: 

Große Ensemble-Nummern prägen die 

Choreographie von »Singin’ in the Rain« 

Abb. unten: 

Ein absoluter Klassiker der Musicalgeschichte: 

Don Lockwood (Ramesh Nair) 

mit ›Singin’ in the Rain‹ 

Fotos (2): Tobias Witzgall 

Ein Mann im grauen Anzug, der beseelt durch den 

Regen steppt, von einem Laternenmast zum Nächsten: 

Die Szene aus »Singin’ in the Rain« ist nicht nur 

ein Kultlied, sondern stammt zugleich auch aus einem 

Kultmusicalfilm. Doppelter Kult also, der seit Dezember 

2023 auch im Salzburger Landestheater zu sehen 

ist. Unter der Regie von Simon Eichenberger und der 

musikalischen Leitung von Tobias Meichsner erwacht 

das Hollywood der frühen Dreißiger zu neuem Leben. 

Das Musical, das erst 1983 bühnentauglich gemacht 

wurde, zeigt den Übergang vom Stummfilm zur Variante 

mit Ton. Dreh- und Angelpunkt dafür bildet das Filmpaar 

Don Lockwood und Lina Lamont. Während sie auf 

der stummen Leinwand brillieren, birgt die Sache mit 

dem Klang so ihre Tücken. Linas Stimme ist alles, aber 

nicht schön, und spiegelt damit praktischerweise zugleich 

schon ihren Charakter. Dieser hat es nämlich genauso in 

sich, und als Don ganz ohne Dating-Apps Kathy Selden 

kennenlernt, brennen bei der Diva alle Sicherungen 

durch. 

Auch wenn der Film »Singin’ in the Rain« auf 

Technicolor setzt, bevorzugt Simon Eichenberger für 

die Bühnenfassung sanfte Sepiatöne. Diese tauchen 

das Musical in einen merkwürdig cremefarbenen 

Grundton – von den Kostümen über die Szenen bis 

zum Spiel der Darstellerinnen und Darsteller. Technicolor, 

ja, rein theoretisch, wenn da nicht dieses 

omnipräsente Beige wäre. In der Produktion liegt der 

Fokus neben der monochromen Farbwahl ohnehin auf 

dem Konzept des Tonfilms. Dieser wird deshalb auch 

umso gründlicher auf allen Ebenen zelebriert. Sei es, 

dass in den einen Szenen der Stummfilm humorvoll 

übersteigert wiedergegeben wird oder in anderen die 

Konstruiertheit durch die Prozesse dahinter sichtbar 

gemacht wird. So fährt die Kamera bei ›Beautiful Girl‹ 

auf einem Podest zwischen Publikum und Tanzszene 

mit Gesang hin und her, immer auf der Jagd nach den 

perfekten Bildern. Sofort ist klar, hier gilt das Augenmerk 

weniger der aufwändigen Choreographie und 

dem von Alexander Hüttner wunderbar interpretierten 

Song, sondern der Entstehung eines Films. Dazu 

passt, dass immer wieder Bühnennebel geheimnisvoll 

über die Bühne wabert, der das Mysterium Tonfilm 

akzentuiert. 

Wunderbar enthusiastisch zaubert Don Lockwood 

aus der Kulisse das perfekte Setting, um Kathy näherzukommen. 

Das scheint ein gewichtiger Moment, 

denn genau diese überbordende Begeisterung und 

dieser grenzenlose Elan fehlen der Figur an anderen 

Stellen. Selbst der berühmte Song ›Singin’ in the Rain‹ 

wirkt dadurch verhalten. Es wird getanzt, es wird 

gesteppt, es wird gesungen, und das alles auch im typischen 

grauen Anzug, allerdings fehlt das Salz in der 

Suppe – oder der Pfeffer im Hintern von Ramesh Nairs 

Don Lockwood. Die Verzückung des frisch Verliebten 

springt nicht über, und blass fällt der Sprühregen auf 

eine vernebelte graue Bühne. 

Die merkwürdig empathielose Note liegt definitiv 

nicht am Bühnenbild von Charles Quiggin, das an 

allen anderen Stellen herausragend gelungen ist und 

die Analogien des alten Hollywoods vorzüglich aufgreift, 

um sie mit Elementen aus den frühen Studios 

zu speisen. Diese akzentuieren in ihren kleinen Details 

die unterschiedlichen Szenen. Ein Highlight sind dabei 

die Sprachunterrichtsstunden der beiden Protagonisten. 

Während Lina Lamont (Niniane Everaert) sichtlich 

mit der Aussprache kämpft und sich schrill durch 

den Abend quietscht, wird Don Lockwoods Lektion 

zum Spaziergang, an dem auch Kumpel Cosmo Brown 

(Niklas Schurz) partizipiert. Gemeinsam schütteln sie 

40 



mal eben so den englischen Zungenbrecher aus dem 

Ärmel, der dann auch noch nahtlos in eine große 

Ensemble-Nummer übergeht: »Moses supposes his toeses 

are roses, but Moses supposes erroneously, Moses he 

knowses his toeses aren’t roses, as Moses supposes his 

toeses to be!« Große Ensemble-Nummern, das kann 

diese Produktion. Unter der Anleitung von Dominique 

Brooks-Daw entstanden fabelhafte Tanz- und Steppszenen, 

die vom Ballett und den Protagonistinnen und 

Protagonisten aufgegriffen werden. 

Fließende Choreographien vermengen sich mit fließenden 

Stoffen – und bisweilen wird dazu auch noch 

gesungen. »Singin’ in the Rain« verdankt seine Beliebtheit 

gerade der Tatsache, dass es die erste Musical Comedy 

war, bei der die Darstellerinnen und Darsteller sowohl 

singen als auch tanzen, steppen und spielen. Selbst wenn 

das an diesem Abend nicht bei allen funktioniert, steht 

Julia-Elena Heinrichs Interpretation der Kathy Selden 

paradigmatisch für diese Mehrspartenkunst. Egal in 

welcher Disziplin sie unterwegs ist, Heinrichs Kathy 

begeistert auf ganzer Linie. Besonders schön ist ihre 

Interpretation des bekannten Songs ›Good Morning‹, 

aber auch ihr gefühlvolles ›Lucky Star‹. 

Cosmo Brown (Niklas Schurz) ist ein gelungener 

Sidekick, der an Don Lockwoods Seite durch dick und 

dünn schreitet – oder sollte man besser sagen, springt? 

Entzückend ist die Nummer eingangs mit den beiden 

Kindern. Lennyn und Kiano Therrien als Junger Don 

und Junger Cosmo ergänzen sich perfekt und begeistern 

mit einer sportlich-tänzerischen Einlage. Der 

Apfel scheint tatsächlich sehr nah am Stamm zu fallen: 

Ihr Vater Daniel Therrien steht in der Rolle des Regisseurs 

Roscoe Dexter auf der Bühne, während Axel 

Meinhardt einen amüsant-abgebrühten R.F. Simpsons 

mimt. Dieser zieht auch mal eben so den Stecker und 

befördert damit Lina Lamont fast ins Jenseits, die mit 

dem Mikrofon verkabelt ist. 

Humorige Momente sitzen in dieser Inszenierung 

des Hollywood-Klassikers. Axel Meinhardt gibt den 

Produzenten herrlich trocken, der dann aber trotzdem 

wieder vor der Diva einknickt. Auch die Synchronisierung 

von Lina durch Kathy wird sehr nachdrücklich 

von Cosmo offengelegt. An dieser Stelle Hut ab vor 

Niniane Everaerts Lina Lamont. Die Stimmlage der 

Figur ist phänomenal grauenhaft, und Everaerts zieht 

sie die gesamte Spieldauer konsequent durch. Das mag 

in den einen oder anderen Momenten für Kopfschmerzen 

sorgen, aber ihr gebührt definitiv Respekt für diese 

akustische Selbstgeißelung – selbst wenn diese heillos 

übersteigerte und misogyne Frauenzeichnung inzwischen 

sehr diskutabel sein sollte. Das Autorenteam 

kann ohnehin nicht mehr dazu befragt werden. Deshalb 

lieber zurücklehnen und im Flair des alten Hollywoods 

schwelgen – mit dem Wissen, welche weiteren 

Innovationen folgen werden. 

Das Orchester unter der Leitung von Tobias Meichsner 

sorgt für großartige Begleitung und wird kurzerhand 

auch zum Geräuschemacher umdisponiert. Ganz 

in Manier der Stummfilme werden Schritte begleitet 

oder Livesynchronisierung der Schauspieler auf der 

Bühne betrieben, die vorgeben, Instrumente zu spielen. 

Die Liebe zum Film, die ist »Singin’ in the Rain« auch 

am Salzburger Landestheater deutlich anzumerken. 

Das alte Hollywood, es lebt, mit all seinen verliebten 

Pärchen, schrägen Stars, korrupten Produzenten 

und den schrulligen Figuren, die sich dort noch so 

tummeln. Stepptanz ist das Leitmedium, das durch 

den Abend führt und auch über die eine oder andere 

Unpässlichkeit hinweghilft. 

Veronika Zangl 

Singin´ in the Rain 

Nacio Herb Brown / Arthur Freed / 

Betty Comden / Adolph Green 

Songs in englischer Sprache 

Deutsche Dialoge von Roman Hinze 

Salzburger Landestheater 


Regie ................... Simon Eichenberger 

Musik. Leitung ......... Tobias Meichsner 

Choreographie .... Dominique Brooks-Daw 

Bühnenbild ............... Charles Quiggin 

Kostüme ........................... Aleš Valášek 

Stummfilm ..... Andreas »Ivo« Ivancsics 

Don Lockwood ............... Ramesh Nair 

Kathy Selden ...... Julia-Elena Heinrich / 

Clara Mills-Karzel 

Cosmo Brown ............... Niklas Schurz 

Lina Lamont .............. Niniane Everaert 

Olga Mara / 

Hollywoodschauspielerin .................... 

............................. Lavinia Kastamoniti 

Zelda Zanders, »It-Girl« / 

Hollywoodschauspielerin ................... 

................................ Clara Mills-Karzel 

Bösewicht, Figur in den Filmen 

»Der königliche Halunke«, 

»Der streitbare Kavalier« ..................... 

...................................... Nigel Watson 

Sid Phillips / Rod ............ Fabian Kaiser 

Dora Bailey / Miss Dinsmore ................ 

............................................ Kay Heles 

R.F. Simpson, 

Produzent Monumental Pictures .......... 

................................... Axel Meinhardt 

Roscoe Dexter, 

Regisseur Monumental Pictures ........... 

.................................. Daniel Therrien 

Junger Don ............... Lennyn Therrien / 

Ciannyn Therrien 

Junger Cosmo ............. Kiano Therrien / 

Emilian Laabmayr 

Tenor Solo ›Beautiful Girl‹ ................... 

............................... Alexander Hüttner 

Chor & Ballettensemble des 

Salzburger Landestheaters 

Abb. von oben links: 

1. Don Lockwood (Ramesh Nair, 

2.v.r.) trifft auf dem Weg zu einer 

Hollywood-Party auf Kathy Selden 

(Julia-Elena Heinrich, Mitte) 

2. Drei Freunde und ein perfekter 

Plan (v.l.): Don (Ramesh Nair), 

Kathy (Julia-Elena Heinrich) und 

Cosmo (Niklas Schurz) hecken aus, 

wie sie ihren ersten Film doch noch 

retten können 

3. Sie sind das Traumpaar der 

Stummfilm-Ära: Lina Lamont 

(Niniane Everaert, r.) und Don 

Lockwood (Ramesh Nair, vorne 

2.v.r. mit Ensemble) 

4. Beim Sprechunterricht: Don 

(Ramesh Nair, l.) lernt, wie er richtig 

für den Film spricht. Sehr zum 

Amüsement von Cosmo Brown 

(Niklas Schurz, Mitte) 

Fotos (4): Tobias Witzgall 


41


Dämmerung auf dem Boulevard 

»Sunset Boulevard« im Tiroler Landestheater Innsbruck 

Abb. oben: 

Joe (Andrea De Majo, l.) »genießt« 

gemeinsam mit Max (Erwin 

Belakowitsch) und Norma (Maya 

Hakvoort) die Filme vergangener 

Zeiten 

Abb. unten: 

Norma (Maya Hakvoort) kehrt in die 

Paramount Studios zurück 

Fotos (2): Birgit Gufler 

Wenn man das mittlerweile gut bekannte Musical 

»Sunset Boulevard« von Andrew Lloyd Webber 

ein bisschen seziert, dann bleiben vor allem eine sehr 

starke Geschichte von Don Black und Christopher 

Hampton, die sich sehr getreu an dem Film von Billy 

Wilder orientieren, sowie die wirklich fast perfekt durchkomponierte 

Musik vom Meister selbst. Damals, als das 

Stück Uraufführung feierte und dann in eben dieser 

Inszenierung rund um den Globus gespielt wurde, galt 

es als nahezu ausgeschlossen, dass gerade dieses Musical, 

welches mit dem bis dahin teuersten Bühnenbild ausgestattet 

war, je anders erfolgreich sein könnte – im Gegenteil, 

das Bühnenbild war das, was damals fast noch größeren 

Ruhm erlangte als die Geschichte oder die Musik. 

Dass alle Skeptiker völlig daneben lagen, zeigten über die 

Jahre immer wieder größere und kleinere Produktionen, 

mit viel, mit wenig, jetzt in London sogar mit faktisch gar 

keinem Bühnenbild. 

Natürlich gibt es Momente, die vielleicht nicht so gut 

gealtert sind. Wenn heute Cecil B. DeMille über Charles 

Lindbergh spricht, merkt man dem Publikum an, dass 

der Witz mittlerweile eher ratlose Gesichter hinterlässt, 

als dass er für herzhafte Lacher sorgt. Auch die eine oder 

andere Referenz ans Hollywood der Stummfilm-Ära 

dürfte nicht mehr so ganz die jetzige Theatergeneration 

ansprechen. An der Brisanz der Grundgeschichte, dass ein 

ehemaliger Star mit dem Alt-Werden kämpft und ein junger 

Künstler mit der Arbeitslosigkeit, hat sich seit damals 

nichts verändert. Auch der Konflikt, in den sich Joe hinein 

katapultiert, indem er eine Dreiecksbeziehung geschehen 

lässt, ist nach wie vor vielen bekannt. D. h. die Zutaten, 

die es für ein begeistertes Publikum am Ende eines Abends 

braucht, funktionieren 1993 genauso wie 2023. 

Als große Diva stellt das Tiroler Landestheater, wie 

auch schon in Bozen, von wo aus diese Inszenierung 

übernommen wurde, Maya Hakvoort auf die Bühne. 

Sie hat diese Rolle auch schon in Baden bei Wien 

gespielt und man merkt vom ersten Ton an, dass sie 

diese spielerisch wie gesanglich ausfüllt. Mit der für 

Hakvoort typischen warmen Stimme schafft sie es, insbesondere 

mit ›Als hätten wir uns nie Goodbye gesagt‹ 

zu begeistern, hier wäre tatsächlich die sprichwörtlich 

fallende Stecknadel im Auditorium zu hören gewesen. 

Ein Highlight für jemanden, der das Stück schon häufig 

gesehen hat, ist auch ihre sehr ruhige Intonierung 

am Ende, wenn sie Betty Schaefer anruft. Häufig ist 

dies eher hysterisch dargestellt, hier aber wirkt Norma 

gerade durch die Ruhe in den Worten sehr bedrohlich. 

An ihrer Seite überrascht der bis dahin im deutschsprachigen 

Raum eher unbekanntere Andrea De Majo 

mit schön ausgearbeitetem Schauspiel und ebenfalls 

überzeugender Stimme. Zurecht erhält er einen langanhaltenden 

Applaus nach ›Sunset Boulevard‹. Julia 

Taschler als Betty Schaefer bringt die gewohnte Naivität 

der Rolle gut zum Ausdruck, gesanglich ist die 

Partitur für sie problemlos und im Zusammenspiel mit 

De Majo bildet sie eine harmonische Einheit. Fremdkörper 

dieser Inszenierung – und der Hinweis mit der 

Inszenierung sei besonders erwähnt, weil dies an dieser 

Stelle tatsächlich keinerlei Kritik an den Schauspielsowie 

Gesangskünsten von Erwin Belakowitsch sein 

soll, der sicherlich beides gut beherrscht – ist Max von 

Mayerling. Während alle anderen Charaktere »normal« 

sein dürfen, ist Max hier, schon beginnend mit der 

Perücke, aber auch von der Intonierung her, eine Witzfigur. 

Die merkwürdige Sprechstimme kann er Gott sei 

42 



Dank gesanglich nicht durchgehend durchhalten, die 

merkwürdigen Bewegungen versucht er während der 

gesamten Zeit so gut wie möglich aufrecht, beziehungsweise 

fast gebückt hinkend, beizubehalten. Er hat völlig 

absurde Szenenmomente, in denen er mit Lenkrad wippend 

die Autofahrt darstellt, ebenso wie einen Auftritt 

in Norma Desmonds Kleid. Er hat gleichermaßen aber 

auch stückverändernde Momente – z. B. tanzt er mit 

Norma zusammen während ›Ein gutes Jahr‹, bringt ihr 

den Revolver in der Schlussszene und erschießt dann 

auch mit ihr gemeinsam Joe. Es mag durchaus sein, dass 

in einem stringenten, neu umgesetzten Regiekonzept 

all diese Veränderungen sinnvoll sein könnten, doch 

da der Rest des Stücks zwar immer wieder fragwürdig 

inszeniert wurde, aber dennoch dem eigentlichen Buch 

folgt, waren es so tatsächlich Fremdkörpermomente. 

Regisseur Rudolf Frey wollte offensichtlich viel aus dem 

Stück herausholen – manche Ideen waren gut, viele 

waren aus dem Publikum heraus schwierig zu verstehen. 

Zu den guten Ideen gehört zum Beispiel die Tanzszene 

zwischen Joe und Betty, die wunderschön die entstehende 

Verbindung der beiden hervorgehoben hat. An 

anderen Stellen waren die Tanzszenen hingegen oft eher 

verwirrend, bei der Autoverfolgungsjagd (die man nur 

erkennt, wenn man weiß, dass es eine gibt) wirken die 

Tänzer zum Beispiel fast wie Rehe, die vor das Auto laufen. 

Choreographisch hat Marcel Leemann gute Arbeit 

geleistet, es sind schöne Tanzmomente, die er da auf die 

Bühne gebracht hat, die sinnvollere Einarbeitung wäre 

dann Freys Arbeit gewesen. Eingearbeitet hat dieser zum 

Beispiel immer wieder kleinere Tableaus mit Nummerierungen 

für die Tatbeweise, die aber wild durcheinander 

laufen und deren Sinn sich erst sehr spät erschließt. 

Viele Szenen überlappen sich optisch, die nicht klare 

Abgrenzung nimmt viel von der Tiefe. Wenn während 

der Beerdigung des Affen bereits jemand von Schwabs 

Drugstore auf der Bühne steht, wirkt es merkwürdig 

deplatziert und des Moments nicht würdig. Auch dass 

Max von Mayerling in der Silvesterszene auf einmal Teil 

von Arties Feier wird, ist eigenartig. Noch schwieriger 

ist allerdings der Einsatz der Videoelemente von Aaron 

Kitzig. Diese haben immer eine Länge von drei bis vier 

Sekunden und wiederholen sich dann so lange, bis die 

Szene zu Ende ist – optisch haben sie aber nicht immer 

einen erkennbaren Zusammenhang mit dem, was in 

der Szene passiert. Da sie aber auf einen Gaze-Vorhang 

direkt vorn an der Bühne projiziert werden, nehmen sie 

unglaublich viel von dem Blick auf die Bühne, wenn der 

Vorhang dann mal oben ist, wirkt es fast so, als würde 

man endlich einmal scharf sehen. So eine Entscheidung 

sollte man nur treffen, wenn man mit den Videobildern 

auch etwas zu sagen hat. Das Bühnenbild von Luis Graninger 

kommt mit wenig aus, vieles bleibt der Fantasie 

des Publikums überlassen, was aber ja gerade ein großer 

Vorteil von Theater ist. Die Kostüme von Aleksandra 

Kica wechseln zwischen Moderne und Fünfziger Jahren, 

insbesondere, dass Norma durchgängig ihren Look 

verändert hat, inklusive Perücken, ist ein sehr schönes 

Unterstreichen ihrer doch durch und durch schwierigen 

Persönlichkeit. In dem Moment, in dem Joe erschossen 

in den Pool fällt, sich Norma aber dann doch zu 

ihm hinknien und ihn küssen kann, entsteht das letzte 

große Fragezeichen des Abends. Dass in der anschließenden 

Szene mit dem bekannten Zitat: »Und jetzt, 

Mr DeMille, bin ich bereit für meine Nahaufnahme«, 

lauthals im Publikum gelacht wird, lässt den Schluss zu, 

dass diese Umsetzung des Stücks nicht dem entspricht, 

was sowohl die starke Geschichte als auch die Musik 

zulassen würden. 

Die Musik, die wirklich wunderschön unter der Leitung 

von Hansjörg Sofka durch das Tiroler Symphonieorchester 

Innsbruck dargeboten wird, und die stimmlich 

sehr starken Leistungen der Darsteller sorgen dafür, den 

Abend dennoch als wertvoll im Gedächtnis zu behalten. 

Sabine Haydn 

Sunset Boulevard 

Andrew Lloyd Webber / Don Black / 

Christopher Hampton 

Deutsch von Michael Kunze 

Übernahme der Produktion der 

Vereinigten Bühnen Bozen 

Tiroler Landestheater Innsbruck – 

Großes Haus 


Regie ................................ Rudolf Frey 

Musik. Leitung ............ Hansjörg Sofka 

Choreographie .......... Marcel Leemann 

Bühnenbild .................. Luis Graninger 

Kostüme ..................... Aleksandra Kica 

Video ................................ Aron Kitzig 

Norma Desmond ........ Maya Hakvoort 

Joe Gillis ................... Andrea De Majo 

Betty Schaefer ................. Julia Taschler 

Max von Mayerling .............................. 

............................. Erwin Belakowitsch 

Cecil B. DeMille ............ Jan Schreiber 

Artie Green ................ Leopold Lachnit 

Manfred ......................... Florian Peters 

Sheldrake ...................... Michael Gann 


Ana Akhmeteli, 

Ivan Yesid Benitez-Fernandez, 

William Blake, William Tyler Clark, 

Jannis Dervenis, Monika Duringer, 

Anna Fink, Wolfram Föppl, 

Abongile Fumba, Sarah Hartinger, 

Julien Horbatuk, Yejin Kang, Su-Jin Kim, 

Gregor Krammer, Sarah Merler, 

Doris Moser, Bernadette Müller, 

Esewu Nobela, Kathrin Schreier, Lukas 

Strasheim, Peter Thorn, 

Vanessa Weiskopf 

Chor des Tiroler Landestheaters 


1. Max (Erwin Belakowitsch) als 

clowneske Darstellung 

2. Joe (Andrea De Majo) arbeitet mit 

Betty (Julia Taschler) gemeinsam an 

»Das blinde Fenster« 

3. Voller Zuversicht auf das kommende 

Jahr wird Silvester gefeiert 

4. Norma (Maya Hakvoort) schießt 

mehrfach auf Joe (Andrea De Majo) 

Fotos (4): Birgit Gufler 


43


Der ganz normale Wahnsinn 

»Working« an der Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien 

Finale: Alle acht Studierenden des dritten Jahrgangs geben nochmal alles (v.l.: Franziska Geprägs, Linda Seefried, Aeneas 

Hollweg, Felix Fügner, Anna Täuber, Jan Ungar, Sarah Weidinger, Timotheus Hollweg) Foto: Barbara Pálffy 

Working 

Craig Carnelia / James Taylor / 

Mary Rodgers / Micki Grant / 

Susan Birkenhead / Lin-Manuel Miranda / 

Stephen Schwartz / Nina Faso 

Deutsch von Martin Wessels-Behrens 

& Judith Behrens 

Revised Version 2012 

Musik und Kunst 

Privatuniversität Wien 

MUK.theater 


Regie ............................... Alex. Riener 

Musikalische Leitung ......... Lior Kretzer 

Choreographie ........ Christoph Riedl & 

Ana Milva Gomes 

Bühnenbild ....................... Petra Fibich 

Kostüme ......................... Sigrid Dreger 

Lichtdesign ................. Benjamin Maier 

Mike, Stahlbaumonteur / 

Freddy, Lieferdienst / 

Conrad, UPS-Fahrer / 

Eddie, Pressesprecher / 

Joe, Pensionist ..................Felix Fügner 

Rose, Lehrerin / 

Candy, Charity Lady / 

Maggie, Putzfrau .....Franziska Geprägs 

Büroangestellter / Raj, 

Service Hotline Mitarbeiter / 

Joe, Pensionist / 

Utkarsch, Altenpfleger / 

Charlie, Praktikant ..... Aeneas Hollweg 

Mike, Stahlbaumonteur / 

Frank, Trucker / 

Allen, Community Manager / 

Joe, Pensionist ..... . Timotheus Hollweg 

Büroangestellte / 

Sharon, Empfangsdame / 

Roberta, Prostituierte / 

Delores, Kellnerin / 

Maggie, Putzfrau ...........Linda Seefried 

Amanda, Projektmanagerin / 

Kate, Hausfrau / 

Maggie, Putzfrau .............. Anna Täuber 

Rex, Hedgefond-Manager / 

Anthony, Maurer / 

Joe, Pensionist / 

Ralf, Jungunternehmer ........ Jan Ungar 

Büroangestellte / 

Terry, Stewardess / 

Grace, Fließbandarbeiterin / 

Theresa, Kindermädchen ..................... 

................................... Sarah Weidinger 

Tom / Zugführer, Feuerwehr .......... Alle 

Mit Eleganz und ihrem Charme ist sie für die 

Menschen da. Wenn Delores Dante mit viel 

Körpergefühl und Sexappeal auftritt, ist sie der 

Hingucker. Ihre Bühne ist ein Restaurant, in dem 

sie kellnert. Sie liebt ihren Job, findet Erfüllung in 

dem, was sie tut, und ist eine der berührendsten 

Figuren im Musical »Working« aus der Feder von 

Komponistenlegende Stephen Schwartz und seinen 

Kollegen Craig Carnelia, Micki Grant, Mary Rodgers 

und James Taylor. Die Inspiration fanden die 

Macher im Bestseller »Working: People Talk About 

What They Do All Day and How They Feel About 

What They Do«. So sperrig, wie der Titel klingt, so 

ist auch das Thema: Es werden Berufe vorgestellt. 

Doch schon das Buch von Radiomoderator Studs 

Terkel, das die Vorlage für das Stück bildete, war in 

den 70ern ein Bestseller, wurde selbst von Ex-Präsident 

Barack Obama kürzlich für eine Netflix-Doku 

neu aufgegriffen und auch die Musical-Studentinnen 

und -Studenten in Wien ließen sich bei ihrer Version 

der Musical-Adaption nicht abschrecken. Der dritte 

Jahrgang der Musik und Kunst Privatuniversität der 

Stadt hat sich unter der Regie von Alex. Riener des 

Stoffs angenommen. 

Ihre Bühnenversion über die Arbeit, die Facetten 

der normalen Menschen, Menschen wie du und ich, 

wird zur spannenden Alltagsanalyse, denn in jedem 

Normalo ist ein Star versteckt. Aus scheinbar banalen 

Begebenheiten schaffen sie es, spannende Geschichten 

entstehen zu lassen, so wie Jungdarsteller Jan 

Ungar als Maurer Anthony, der mit starker Stimme 

quasi eine Hymne auf sein Material ›Stein‹ singt. Ob 

Paketlieferant oder Stahlbauer – jeder hat spezielle 

Talente und Fähigkeiten. Das Leading Team findet 

die großen Gefühle in ihren Wünschen und kleinen 

zwischenmenschlichen Beziehungen. Die Show zeigt 

die außergewöhnlichen Träume der gewöhnlichen 

Leute. 

Dabei liefern sie sich mit allem, was sie haben, 

dem Publikum aus. Von drei Seiten können die 

Zuschauer auf die rechteckige Spielfläche schauen. 

In bunten Buchstaben prangt das Wort »Working« 

hinter ihnen an der Rückseite der Bühne und erinnert 

nicht nur beständig mahnend an das Thema, 

sondern auch an die Vielfalt des Lebens. Ständig sind 

die jungen Darstellerinnen und Darsteller präsent, 

nur für kurze Kostümwechsel verschwinden sie aus 

dem Blickfeld der Zuschauer. Immer wieder schlüpfen 

sie in neue Berufe, wechseln mit den Kostümen 

im Handumdrehen die Rollen und zeigen so ihr vielseitiges 

Können, egal ob als Arbeiter am Fließband 

oder als Putztruppe in einer Trio-Performance von 

Anna Täuber, Franziska Geprägs und Linda Seefried, 

die mit Besen und viel Soul in der Stimme die Bühne 

rocken. So vielseitig sie auch sind, so unterschiedlich 

die Biographien auch sein mögen, allen Figuren ist 

doch das gleiche Schicksal vorherbestimmt: das Alter 

und schließlich der Tod. Und so verkörpern alle vier 

männlichen Darsteller auch den Rentner Joe. Der 

permanente Wechsel vom körperlich schon leicht 

gebrechlichen Pensionisten, der von seinem Tagesablauf 

erzählt, hin zum jugendlichen Joe, wenn er in 

Erinnerungen an früher schwelgt, ist ein Highlight 

des Abends. Dies wird noch verstärkt, weil sich die 

vier jungen Studenten die Rolle teilen und immer 

abwechselnd sprechen bzw. singen. Gefühlvoll, emotional 

und stimmgewaltig wird es bei den Duetten 

von Vater und Sohn (Timotheus Hollweg und Felix 

Fügner) wie auch beim Krankenpfleger-Kindermädchen-Song 

(Aeneas Hollweg und Sarah Weidinger). 

Die neue, überarbeitete Version von 2012 enthält 

sowohl aktualisierte Liedtexte als auch zwei neue 

Lieder. Das bringt noch mehr Abwechslung in die 

Songs und Musikstile des Stückes. Die Show beginnt 

verhalten mit wenig Musik und vielen Monologen, 

steigert sich aber dann im Lauf des Abends immer 

weiter. Auch die Leistungen der acht Studierenden 

werden im Verlauf des Stücks immer besser. Alle 

konnten ihr Können zeigen, stimmlich und tänzerisch. 

Im Gedächtnis bleiben Franziska Geprägs als 

Lehrerin Rose, die kurzerhand das Publikum unterrichtet, 

und Anna Täuber als Hausfrau Kate. Nach 

ungefähr zwei Stunden wird mit einem glänzenden 

Finale die rasante, pausenlose Show mit viel Applaus 

bedacht. 

Mina Piston 

44 


CALL 

AUDITION CALL 

Darsteller*innen (m/w/d) für unsere Familienmusicals 

5 Tourneeproduktionen - 450 Shows – 300.000 Zuschauer in 5 Ländern 

Die Schöne & das Biest 

- das Musical 

28.09.24 - 13.04.25 

Basisort: Bochum/Hamburg 

Schneekönigin 

- das Musical 

19.10.24 - 13.04.25 

Basisort: München 

Tarzan 

- das Musical 

02.11.24 - 21.04.25 

Basisort: Stuttgart 

Aladin 

- das Musical 

16.11.24 - 21.04.25 

Basisort: Frankfurt 

Dschungelbuch 

- das Musical 

30.11.24 - 27.04.25 

Basisort: Leipzig 

Audition-Termine für 33 Vakanzen: 

10. / 11. März 2024 in Wien • 17. / 18. / 19. März 2024 in Bochum 

Mehr Infos: www.theater-liberi.de/jobs


Eine eindrucksstarke, tiefgehende Inszenierung 

»Les Misérables«-Neuproduktion am Theater St. Gallen 

Abb. oben: 

›Nacht der Angst‹ – Auf der 

Barrikade Jean Valjean (Armin Kahl, 

oben l.), Studenten (Ensemble) und 

Aufständische (Ensemble und Chor 

des Theaters St. Gallen) 

Foto: Ludwig Olah 

Das Musical »Les Misérables« von Claude- 

Michael Schönberg, Alain Boublil, Jean-Marc 

Natel, Herbert Kretzmer und James Fenton, 

basierend auf dem Roman »Die Elenden« von 

Victor Hugo, ist zurück in St. Gallen. An diesem 

Theater fand vor 16 Jahren, am 10. März 2007, 

die Schweizer Erstaufführung unter der Regie von 

Matthias Davids und der musikalischen Leitung 

von Koen Schoots statt. Dieser verantwortet ebenfalls 

die musikalische Leitung der Neuproduktion 

des Werks, eine Koproduktion des Theaters St. Gallen 

und des Staatstheaters am Gärtnerplatz in München 

unter der Regie von Josef E. Köpplinger, 

Choreographie und Co-Regie von Ricarda Regina 

Ludigkeit. 

Beim Betreten des Saals des Theaters St. Gallen 

bei der Premiere am 9. Dezember 2023 entdeckt 

man auf der schwarzen Leinwand, die die Bühne 

verdeckt, ein Zitat von Voltaire: »Jeder Fanatismus 

endet in Fatalismus«. Dazu erläutert der Regisseur 

Josef E. Köpplinger im Interview für das Programmheft: 

»Denn im Stück geht es auch um ein 

falsches Heldentum. […] Die Erkenntnis aus der 

Geschichte besagt, dass es fatal ist, ein System mit 

Gewalt ändern zu wollen.« 

Auf der dunklen, in Nebel verhüllten Bühne 

beklagen zu düsterer, kraftvoller Musik mutlose 

Gefangene (Chor und Ensemble) bei der Verrichtung 

harter Arbeit ihr Schicksal. Dabei werden sie 

von Aufsehern bestraft. Jean Valjean wird 1815 

nach 19 Jahren Haft, die er aufgrund des Diebstahls 

eines Brotes und mehrerer vergeblicher Fluchtversuche 

verbüßte, vom höhnischen Aufseher Javert 

(Filippo Strocchi) auf Bewährung entlassen. Doch 

das Leben in Freiheit ist für Valjean (Armin Kahl) 

nicht leicht. Obwohl er versucht, als Tagelöhner 

bei Bauern seinen Unterhalt zu verdienen, verliert 

er den Job, da ihm als Ex-Häftling Misstrauen 

entgegenschlägt. 

Nur der Bischof von Digne (Jeremy Boulton) 

nimmt den Stigmatisierten auf. Auch wenn der 

Bischof Valjean menschenwürdig behandelt, 

bestiehlt dieser ihn. Der bestohlene Bischof rettet 

Valjean vor der erneuten Inhaftierung, indem er 

behauptet, Valjean das Silber geschenkt zu haben. 

Somit erhält der verblüffte Valjean die Chance, 

sich ein neues Leben aufzubauen. 

Im warmen, hellen Licht verbringen Arbeiterinnen 

ihre Pause im Hof der Fabrik, die dem Bürgermeister 

Monsieur Madelaine (alias Valjean) gehört. 

Der Vorarbeiter der Fabrik stellt vergebens der 

Arbeiterin Fantine (Wietske von Tongeren) nach, 

die eine uneheliche Tochter ernähren muss. Als die 

Arbeiterinnen ihr Geheimnis entdecken, entlässt 

der Vorarbeiter die junge Frau, die sich um ihre 

Tochter Cosette, die bei Pflegeeltern aufwächst, 

sorgt. 

Im Song ›Ich hab` geträumt vor langer Zeit‹ 

erzählt Fantine von ihren Träumen, der unerfüllten 

Liebe zum Vater ihres Kindes. Wietske van Tongeren 

berührt mit ihrer einfühlsamen Interpretation 

des Songs das Publikum. Die Einsamkeit der verzweifelten 

Frau, die allein auf der Bühne steht, ist 

unmittelbar spürbar. Fantine verarmt, muss ihren 

Unterhalt als Prostituierte im Hafenviertel verdienen, 

wo auch junge Männer ihre Körper den Matrosen 

anbieten. Ein Freier beklagt sich bei Javert 

über Fantine, aber der Bürgermeister (Valjean) 

46 



nimmt sich ihrer an und lässt sie in ein Krankenhaus 

bringen. Bei einem Unfall gerät ein Mann 

unter einen Lastenkarren. Nur der Bürgermeister 

vermag den Karren anzuheben, um den Mann zu 

befreien. So wird Javert, inzwischen zum Inspektor 

aufgestiegen, auf den Bürgermeister aufmerksam, 

da nur Valjean über diese Kräfte verfügte, aber 

Javert glaubt ihn schon gefasst zu haben. ›Wer bin 

ich‹: Glaubhaft hinterfragt in der eindrücklichen 

Szene Armin Kahl in der Rolle des Valjean seine 

Verantwortung als Bürgermeister sowie sich selbst 

und bekennt sich entschlossen zu seiner Vergangenheit 

als Sträfling, stellt sich Javert, damit kein 

Unschuldiger für ihn büßen muss, und flieht ins 

Krankenhaus. Hier verspricht er der sterbenden 

Fantine, sich um ihre Tochter Cosette zu kümmern. 

Doch Javert findet ihn im Krankenhaus. 

Selbstbewusst tritt Valjean Javert gegenüber, lässt 

sich von dem arroganten Inspektor nicht mehr 

demütigen. Zudem gelingt Valjean die Flucht. Er 

findet Cosette in einer armseligen Hütte, betreut 

von einer herzlosen Pflegemutter. In der schmutzigen 

Spelunke des Ehepaars Thénardier verkehren 

junge Männer, die sich mit Huren vergnügen, 

aber von den Thénardiers betrogen werden. Dagmar 

Hellberg und Jogi Kaiser zeigen mit ihrem 

komödiantischen Schauspiel gekonnt die Verschlagenheit 

der ordinären, raffgierigen Thénardiers, 

die vor Mord, Leichenfledderei und Verrat nicht 

zurückschrecken. Valjean erscheint und nimmt 

Cosette mit. 

In Paris 1832 planen Studenten einen Aufstand, 

um sich für die Rechte der Armen einzusetzen. Das 

wirkungsvolle Bühnenbild von Rainer Sinell lässt 

das Publikum eintauchen in die Straßenschluchten 

einer Stadt, die kaputten Häuser symbolisieren 

ein Elendsviertel, wie es viele auf der Welt gibt. 

Die bemerkenswerten Kostüme von Uta Meenen 

zeigen die Mode von 1832. Arme Leute betteln, 

Diebesbanden sind auf Beutezug, zu deren Opfern 

Valjean und Cosette (Kristine Emde) gehören, 

denen der Student Marius (Thomas Hohler) beisteht. 

Dabei verlieben sich die jungen Leute. Javert 

ist unerbittlich auf der Suche nach Valjean, der 

versucht, mit Cosette vor den Schatten seiner Vergangenheit 

aus der Stadt zu fliehen. Daran werden 

sie von den nächtlichen Vorbereitungen zum Aufstand 

gehindert. Studenten versuchen die Armen 

zu mobilisieren, Flugblätter werden verteilt, rote 

Fahnen werden geschwungen, Demonstrierende 

strecken wütend die Fäuste in die Luft (›Morgen 

schon‹). Diese bildgewaltige Szene erinnert einerseits 

an das Gemälde »Die Freiheit führt das Volk« 

von Eugène Delacroix, anderseits an die aktuellen 

Demonstrationen in verschiedenen Ländern. Die 

Lebendigkeit der Stadt, die rastlose Suche Javerts 

wird durch die Choreographien (Ricarda Regina 

Ludigkeit) der sich in ständiger Bewegung befindenden 

Darstellenden in den großartigen Ensemble- 

und Chorszenen gezeigt. Zudem werden die 

schnellen Szenenwechsel durch die Drehbühne 

ermöglicht. Ebenso bemerkenswert ist das meisterhaft 

musizierende Sinfonieorchester St. Gallen 

unter der musikalischen Leitung von Koen Schoots. 

Im Interview für das Programmheft äußert Schoots 

auf die Frage nach seiner heutigen Sichtweise auf 

das Stück: »Ich habe eine größere Ruhe gefunden 

und mehr Mut zum Ausspielen- und Aussingenlassen 

der Musik.« 

Zu Beginn des zweiten Aktes nimmt das Bühnenbild 

das Publikum mit hinter die Barrikade, 

die von Studenten und Frauen gebaut wird. Dabei 

hoffen die Studenten auf den Sieg der Revolution. 

Marius ist unter den Aufständischen, ebenso Javert, 

Les Misérables 

Claude-Michel Schönberg / Alain Boublil / 

Herbert Kretzmer / Jean-Marc Natel / 

James Fenton 

Deutsch von Heinz Rudolf Kunze 

Koproduktion mit dem Staatstheater 

am Gärtnerplatz München 

Theater St. Gallen – Großes Haus 


Regie ...................... Josef E. Köpplinger 

Musik. Leitung .............. Koen Schoots / 

Stéphane Fromageot 

Choreinstudierung ....... Franz Obermair 

Orchestrierungen .... Stephen Metcalfe, 

Christopher Jahnke & 

Stephen Brooker 

Choreographie & Co-Regie ................... 

Ricarda Regina Ludigkeit 

Bühnenbild ....................... Rainer Sinell 

Kostüme ........................... Uta Meenen 

Licht ............................. Andreas Enzler 

Ton .......................... Marko Siegmeier / 

Nicolai Gütter-Graf 

Jean Valjean ....................... Armin Kahl / 

Filippo Strocchi 

Javert ........................... Filippo Strocchi / 

Daniel Gutmann 

Fantine ................ Wietske van Tongeren 

Thénardier ........................... Jogi Kaiser / 

Alexander Franzen 

Madame Thénardier .... Dagmar Hellberg / 

Carin Filipčić 

Cosette, Fantines Tochter ........................ 

Kristine Emde / 

Julia Sturzlbaum 

Éponine, Thénardiers Tochter ................. 

Barbara Obermeier / 

Katia Bischoff 

Marius ......................... Thomas Hohler / 

Matteo Ivan Rašić 

Enjolras ............................. Merlin Fargel 

Gavroche ......................... Kio Bruderer / 

Jamin Tobler / Elena Haag 

Kleine Cosette ............... Sofia Cecchini / 

Ella Rogdo / Josefine Rösch 

Kleine Ėponine ................. Niva Müller / 

Charlotte Auerbach / Ella Töpfer 

Bischof Myriel von Digne / 

Combeferre / 

Montparnasse u. a. ........ Jeremy Boulton 

Schwangere Bettlerin u. a. 

............................... .Anna Katharina Felke 

Huren-Lady u. a. ................... Evita Komp 

Claquesous / Lesgle u. a. ........................ 

Jacob Romero Kressin 

Wirtsfrau u. a. / Dance Captain............... 

Katharina Lochmann 

Bamatabois / Jean Prouvaire / 

Babet u. a. .......................Peter Neustifter 

Fauchelevant / Grantaire / 

Brujon u. a. ............. .Christian Schleinzer 


Leoni Kristin Oeffinger, 

Florine Schnitzel, Thijs Snoek, 

Michael Souschek, Meren Verhaegh 

Chor des Theaters St. Gallen & 

Statisterie des Gärtnerplatztheaters 

München 


1. ›Javerts Selbstmord‹ – Javert 

(Filippo Strocchi) 

2. Cosette (Kristine Emde, l.) 

und Marius (Thomas Hohler, r.) 

begegnen sich zufällig 

3. ›In der Kanalisation‹ – Thénardier 

(Jogi Kaiser) kennt den Fluchtweg 

und bestiehlt in der Kanalisation 

die Toten 

Fotos (3): Ludwig Olah 


47



1. Éponine (Barbara Obermeier, 

2.v.r.) stirbt in den Armen von 

Marius (Thomas Hohler, r.), Enjolras 

(Merlin Fargel, Mitte) und Aufständische 

(Ensemble) 

2. ›Leichte Mädels‹ – Fantine 

(Wietske van Tongeren, 6.v.r. mit 

Ensemble) ist gezwungen ihre 

Haare zu verkaufen 

3. ›Fantines Tod‹ – Fantine (Wietske 

van Tongeren, l.) bittet Jean Valjean 

(Armin Kahl, r.), sich um ihre 

Tochter Cosette zu kümmern 

4. Javert (Filippo Strocchi, l.) entlässt 

Jean Valjean (Armin Kahl, r.) auf 

Bewährung aus dem Gefängnis 

(Ensemble) 

5. ›Morgen schon‹ – Enjolras (Merlin 

Fargel, Mitte) und seine Freunde 

(Ensemble, Chor des Theaters St. 

Gallen) wissen um die Bedeutungsschwere 

des nächsten Tags 

Fotos (5): Ludwig Olah 

der von Gavroche als Verräter enttarnt wird. Die 

Kinderdarsteller Kio Bruderer (Gavroche), Sofia 

Cecchini (kleine Cosette), Niva Müller (kleine 

Éponine) beeindrucken mit ihrem Gesang und 

ihrer Bühnenpräsenz. 

Valjean kommt zu den kämpfenden Aufständischen, 

um Marius zu beschützen, da er von der 

Liebe von Cosette zu Marius erfahren hat. Die 

Studenten übergeben Valjean den gefangenen 

Javert, um ihn zu bestrafen. Doch Valjean lässt den 

fassungslosen Javert laufen, der später Selbstmord 

begeht, weil er nicht damit leben kann, sein Leben 

einem Kriminellen zu verdanken. Armin Kahl 

und Filippo Strocchi zeigen mit ihrem schauspielerischen 

und gesanglichen Können realistisch den 

unlösbaren Konflikt zwischen Valjean und Javert 

sowie die Entwicklung ihrer Figuren im Verlauf 

des Stückes. 

Valjean und Marius überleben den blutig niedergeschlagenen 

Aufstand. Valjean flieht mit dem 

verletzten Marius auf dem Rücken durch die Kanalisation. 

Das Bühnenbild nimmt das Publikum mit 

in die unheimliche Kanalisation, in der viele Tote 

liegen, die Thénardier ausplündert. 

Frauen in Trauerkleidern suchen in der Stadt 

nach ihren gefallenen Angehörigen, trauern um die 

jungen Gefallenen. Eine Szene mit sehr aktuellem 

Bezug! 

›Dunkles Schweigen an den Tischen‹: Marius 

trauert um seine toten Kameraden, die ihm im 

Traum als Gestalten im Nebel im finsteren Bühnenhintergrund 

erscheinen. Thomas Hohler zeigt 

authentisch einen von der Gewalt traumatisierten 

jungen Mann und bewirkt mit der gefühlvollen 

Interpretation des Songs Gänsehautmomente. 

Ebenso berührend ist die Sterbeszene von Valjean, 

in der Cosette die Wahrheit über ihre Vergangenheit 

erfährt, für einen kurzen Moment der 

Erscheinung ihrer Mutter Fantine gegenübersteht, 

die Valjean die nötige Ruhe zum Sterben gibt. 

Die eindrucksstarke, tiefgehende Inszenierung mit 

vielen aktuellen Bezügen von Josef E. Köpplinger, die 

gesanglich und schauspielerisch hervorragende Cast, 

der bemerkenswerte Chor des Theaters St. Gallen, das 

vortreffliche Sinfonieorchester St. Gallen veranlassen 

das begeisterte Publikum zu Bravorufen und Standing 

Ovations. Viele Rollen sind doppelt besetzt, 

daher empfiehlt es sich, vor dem Theaterbesuch in 

die Besetzungsliste zu schauen. Ab 22. März 2024 

ist die Inszenierung dann im Staatstheater am 

Gärtnerplatz in München zu erleben. 

Martina Friedrich 

48 



Die Zeit der Kathedralen 

25-Jahre-Jubiläumstour von »Notre Dame de Paris« im Palais des Congrès in Paris 

Abb. oben: 

Quasimodo (Angelo del Vecchio) 

besingt seine Glocken als seine 

einzigen Freunde 

Foto: Alessandro Dobici for 

Contents Production 

Von allen »Spectacles musicaux«, wie die französischen 

Musicals des Arenatyps genannt werden, ist 

»Notre Dame de Paris« der beiden kanadischen Autoren 

Luc Plamondon (Text) und Riccardo Cocciante (Musik) 

sicher nicht nur der erste große Hit, sondern bis heute 

auch das bekannteste und populärste. Das Stück feierte 

am 16. September 1998 im Pariser Palais des Congrès 

seine Uraufführung und war seitdem fast ohne Unterbrechung 

auf Tour in London, New York, Spanien, der 

Schweiz, Belgien, natürlich Kanada, Italien, Luxemburg, 

Polen, Russland, Albanien, der Türkei, China, 

Südkorea, Japan, Singapur, Taiwan und dem Libanon. 

Aufgrund der längeren Laufzeiten in diesen Ländern 

gibt es sowohl eine englische als auch eine italienische 

Fassung des Stücks (in beiden Sprachen liegen neben 

den zahlreichen französischen DVDs und CDs auch 

Aufnahmen vor), aber aus welchem Grund auch immer 

hat es das Stück nie nach Deutschland geschafft, nicht 

einmal als kurzes Gastspiel – was sehr schade ist, denn 

es ist ein tolles Stück mit großartiger Musik. Nun also 

ist es 25 Jahre nach seiner Uraufführung wieder an den 

damaligen Ort der Weltpremiere, das Palais des Congrès 

in Paris, zurückgekehrt, bevor es ab Ende Januar auf 

Tour durch Frankreich, Belgien und die Schweiz geht. 

Das Stück basiert auf derselben Vorlage wie die Disney-Show 

»Der Glöckner von Notre Dame«, nämlich 

dem Roman »Notre Dame de Paris« von Victor Hugo, 

der 1831 erschien und in Frankreich ein absoluter Klassiker 

ist. So ist es auch keine Überraschung, dass sich das 

Musical deutlich enger an die Vorlage hält als die Disney-Variante, 

was unter anderem darin zum Ausdruck 

kommt, dass die beiden Figuren Gringoire (der Erzähler) 

und Fleur-de-Lys (die Verlobte von Phoebus) hier 

als Hauptrollen vertreten sind, die bei Disney gar nicht 

vorkommen bzw. mit anderen Rollen verschmolzen 

wurden (Clopin bei Disney ist eine Mischung aus dem 

Clopin der Vorlage und dem Erzähler Gringoire). Da 

die Originalhandlung in Deutschland nicht so bekannt 

ist wie in Frankreich, hier ein kurzer Handlungsabriss: 

Der Dichter Gringoire beschreibt die Entstehung 

der Kathedralen im Mittelalter als Aufbruch in eine 

neue Zeit der Entwicklung der Menschheit. Wir befinden 

uns im Paris des Jahres 1492. Flüchtlinge, Sinti und 

Roma, Unterweltangehörige und weitere Personen mit 

unsicherem Status versammeln sich vor der Kathedrale 

Notre Dame. Sie stehen unter der Führung von Clopin 

(Jay) und besingen ihr Schicksal als Ausgestoßene der 

Gesellschaft (›Les sans-papiers‹). Der dazukommende 

Erzdiakon der Kathedrale, Frollo (Daniel Lavoie), 

lässt sie vertreiben. Phoebus (Damien Sargue), Hauptmann 

der Garde, kommt dem Befehl nach, lässt aber 

die schöne Esmeralda (Hiba Tawaji), deren Tanz ihm 

gefällt, unbehelligt laufen. Allein geblieben reflektiert 

Esmeralda über ihr Schicksal als Angehörige einer diskriminierten 

Minderheit (›Bohémienne‹). Clopin, der 

sie aufgezogen hat, warnt sie vor den Männern, jetzt, wo 

sie erwachsen und schön ist. Mittlerweile trifft Phoebus 

auf seine adlige Verlobte Fleur-de-Lys (Alyzée Lalande) 

und beide beteuern sich ihre Liebe. Vor der Kathedrale 

findet das Narrenfest statt, und der missgestaltete 

Glöckner Quasimodo (Angelo del Vecchio) wird zu 

seinem Papst gewählt. Alle verspotten ihn. Frollo gibt 

Quasimodo, den er als Waisenkind gefunden und aufgezogen 

hat und der ihm daher treu ergeben ist, den Auftrag, 

Esmeralda für ihn zu finden unter dem Vorwand, 

sie in der christlichen Religion unterrichten zu wollen. 

Quasimodo verfolgt Esmeralda in den Unterschlupf der 

Ausgestoßenen, wird dort aber von Phoebus verhaftet. 

50 



Im ›Cour des miracles‹ treffen sich alle, die der Pariser 

Unterwelt angehören. Esmeralda rettet Gringoire, der 

sich dorthin verirrt hat, durch eine Scheinehe vor dem 

Tod, der den Unbefugten droht, die dorthin kommen. 

Sie befragt ihn über Phoebus, in den sie sich verliebt 

hat, und er erklärt ihr, dass Phoebus »Sonne« bedeutet. 

Sie träumt von dem Mann, der schön ist wie die Sonne 

(›Beau comme le soleil‹), ebenso wie es am anderen 

Ende von Paris Fleur-de-Lys tut. Phoebus bekennt sich 

mittlerweile dazu, beide Frauen attraktiv zu finden, und 

hätte nichts gegen eine Affäre mit Esmeralda einzuwenden 

(›Déchiré‹). 

Am nächsten Tag trifft Gringoire auf Frollo, der 

Informationen über Esmeralda will. Gringoire lenkt 

ihn ab mit der Frage nach einer Inschrift, »Ananké«, in 

Notre Dame (die es übrigens wirklich gibt), und Frollo 

erklärt ihm die Bedeutung: Schicksal oder Verhängnis. 

Mittlerweile wird Quasimodo von den Soldaten 

misshandelt. Nur Esmeralda hat Mitleid und gibt ihm 

Wasser. Quasimodo zeigt Esmeralda die Kathedrale und 

bietet ihr dort Zuflucht an. Esmeralda betet zu Maria. 

Frollo weiß, dass sein Begehren nach Esmeralda ihm 

als Priester gefährlich werden kann, folgt aber dennoch 

ihr und Phoebus, als sie sich zu einem Rendezvous treffen. 

Er versucht Phoebus zu töten, der schwer verletzt 

wird. Gringoire besingt die unausweichliche Macht des 

Schicksals. 

Am nächsten Morgen lässt Frollo wieder Gringoire 

rufen. Er befragt ihn nach den neuen Ideen der italienischen 

Renaissance (›Florence‹) und realisiert, dass die 

absolute Macht der Kirche zu Ende geht. Frollo lässt 

Esmeralda einsperren und will ihr den Mordversuch an 

Phoebus anhängen, aber Gringoire informiert Clopin. 

Ein Befreiungsversuch scheitert zunächst, und Clopin 

und seine Mitstreiter werden gefangengenommen. Frollo 

lässt Esmeralda foltern, um ein Geständnis zu erpressen. 

Phoebus, der sich erholt hat, kehrt zu seiner Verlobten 

zurück, die von ihm als Liebesbeweis fordert, Esmeralda 

hinrichten zu lassen. Frollo versucht, Esmeralda zu einer 

Liebesnacht im Austausch gegen ihr Leben zu überreden 

(›Un matin tu dansais‹), aber sie lehnt ab, da sie inzwischen 

weiß, dass Phoebus überlebt hat und sie nur ihn 

liebt. Quasimodo befreit Clopin und seine Leute und 

mit ihrer Hilfe auch Esmeralda, die er mit in die Kathedrale 

nimmt. Er beklagt die Ungerechtigkeit, dass sie 

ihn wegen seines Aussehens nie lieben wird (›Dieu que 

le monde est injuste‹). Frollo gibt Phoebus und seinen 

Soldaten den Auftrag, die Kathedrale zu stürmen und 

ihm Esmeralda auszuliefern, was dieser auch tut. Der 

Bitte Quasimodos für Esmeralda verweigert er sich und 

lässt sie durch Phoebus und seine Soldaten aufhängen. 

Außer sich vor Schmerz wirft Quasimodo Frollo die 

Treppe hinunter, wobei dieser stirbt, und verlangt die 

tote Esmeralda für sich. An ihrer Leiche beteuert er ein 

letztes Mal seine Liebe zu ihr (›Dance mon Esmeralda‹), 

bevor er mit ihr in seinen Armen stirbt. 

Das Palais des Congrès ist, wie der Name sagt, kein 

Theater, sondern eine Mehrzweckhalle mit fast 4000 

Plätzen. Die Show war und ist als Arenaproduktion 

konzipiert, das heißt, es gibt sehr wenig Bühnenbild 

(eine wandelbare Wand, einige Tonnen mit Feuer, ein 

paar aus dem Schnürboden herabhängende Seile und 

Elemente), stattdessen wird mit Licht und Projektionen 

gearbeitet. Das funktioniert heute wie vor 25 Jahren sehr 

gut (man spielt immer noch die Originalproduktion von 

Regisseur Gilles Maheu mit den Bühnenbildern von 

Christan Rätz, den Kostümen von Caroline Van Assche, 

dem Lichtdesign von Alain Lortie) und bringt sowohl 

Spannung als auch Klarheit in die Handlung, die komplett 

ohne Dialoge auskommt. Die Choreographie von 

Martino Müller ist einer der stärksten Punkte der Show: 

Da es eine strenge Trennung von Sängern, Tänzern und 

Akrobaten gibt, ist das tänzerische und vor allem das 

beeindruckende akrobatische Level (von Breakdance 

Notre Dame de Paris 

Riccardo Cocciante / Luc Plamondon 

Nicolas & Charles Talar und 

Adam Blanchay Productions 

Palais des Congrès Paris 


Regie ............................... Gilles Maheu 

Musikalische Einrichtung, 

Arrangements & Leitung ......................... 

.................................. Richard Cocciante, 

Serge Perathoner, 

Jannick Top 

Choreographie ............. Martino Müller 

Bühnenbild ...................... Christan Rätz 

Kostüme .............. Caroline Van Assche 

Frisuren ..................... Sébastien Quinet 

Lichtdesign ......................... Alain Lortie 

Quasimodo ........... Angelo del Vecchio / 

Philippe Tremblay 

Esmeralda ...... Hiba Tawaji / Jaime Bono 

Frollo ..................... Daniel Lavoie / Solal 

Gringoire .............................. Eric Jetner / 

Gian Marco Schiaretti 

Phoebus ..... Damien Sargue / Eric Jetner 

Fleur-de-Lys ................. Alyzée Lalande / 

Jaime Bono 

Clopin .............................. Jay / Mike Lee 

Tänzer, Akrobaten & Breakdancer 


1. Frollo (Daniel Lavoie) kämpft 

mit seinen Gefühlen für Esmeralda, 

die für einen Priester gänzlich 

unangemessen sind 

2. Clopin (Jay, r.) warnt Esmeralda 

(Hiba Tawaji, l.) vor den Männern 

3. Für Quasimodo (Angelo del 

Vecchio) sind seine Glocken wie 

lebendige Freunde 

Fotos (3): Patrick Carpentier 


51



1. Gringoire (Gian Marco 

Schiaretti, i.d.bes.Vorst. Eric Jetner) 

besingt »Die Zeit der Kathedralen« 

2. Quasimodo (Angelo del Vecchio) 

wird von den Soldaten (Ensemble) 

gefoltert 

3. Quasimodo (Angelo del Vecchio, 

2.v.l.), Frollo (Daniel Lavoie, Mitte) 

und Phoebus (Damien Sargue, 

2.v.r.) besingen ihre jeweiligen 

Gefühle für die schöne Esmeralda 

(Hiba Tawaji, vorne) 

Foto 1: Alessandro Dobici for 

Contents Production 

Foto 2: Patrick Carpentier 

Foto 3: Alessandro Dobici 

auf höchstem Niveau bis zu veritabler Artistik ist alles 

dabei) unglaublich hoch. Gleichzeitig können sich die 

Solisten auf Schauspiel und Gesang konzentrieren, was 

zusammen mit der ausgezeichneten Besetzung zu vielen 

musikalischen Gänsehautmomenten führt. Angeführt 

wird die hervorragende Solistenriege von Angelo del 

Vecchio als Quasimodo, der diese schwere Partie (vor 

allem dadurch, dass man die Partie fast durchgehend 

mit rauer Stimme singen muss, sie aber trotzdem höllisch 

hoch ist) grandios meistert und einem mit seiner 

Darstellung wirklich unter die Haut geht. Vor allem 

sein ›Dance mon Esmeralda‹ am Ende sorgte für viele 

feuchte Augen im Publikum. Auf der anderen Seite 

steht das »Notre-Dame«-Urgestein Daniel Lavoie als 

Frollo, der in dieser Rolle schon vor 25 Jahren bei der 

Uraufführung dabei war und diese Rolle unvergleichlich 

verinnerlicht hat. Seine Stimme ist vielleicht inzwischen 

etwas rauer als damals, hat aber immer noch die sichere 

Höhe und große Eindringlichkeit, die einen fast mit seinem 

Charakter mitfühlen lässt, weil er eben nicht eindimensional 

böse ist. Jay als Clopin verfügt gleichermaßen 

über die sonore Tiefe für die Rolle, ein schönes Falsett 

und eine beeindruckende Bühnenpersönlichkeit, der 

man den Anführer sofort abnimmt. Damien Sargue als 

Phoebus machte seine Sache ausgezeichnet. Er kommt 

genau wie Hiba Tawaji als Esmeralda aus dem Popgeschäft. 

Beide sind aber schon länger in diesen Rollen 

dabei, wobei ausgerechnet die Esmeralda die Schwachstelle 

des Abends war: Sie war keineswegs schlecht, 

sang und tanzte ansprechend, aber ihr fehlte die Ausstrahlung, 

die deutlich machen würde, warum sich 

gleich vier Männer in sie verlieben, und in den Höhen 

beim Belten fehlte der Stimme einfach manchmal die 

Kraft, die die großen Musicalhymnen Cocciantes brauchen. 

Wie sich das idealerweise anhört, zeigten neben 

den bereits Genannten die beiden hauptberuflichen 

Musicaldarsteller Alyzée Lalande als buchbedingt eher 

unsympathische Fleur-de-Lys, von der man neben ›Il 

est beau‹ gerne noch eine andere schöne Ballade gehört 

hätte, und als einziges Cover des Abends Eric Jetner als 

Gringoire, der vor allem die große Hymne der Show ›Le 

temps des cathédrales‹, aber auch das anrührend melancholisch 

gesungene ›Lune‹ so wunderbar zum Leben 

erweckte, dass man die etatmäßige Erstbesetzung (der 

auch in Deutschland bekannte Gian Marco Schiaretti) 

in keinem Moment vermisste. 

Alles in allem war es eine würdige Jubiläumsproduktion, 

und es war faszinierend, die Show am Platz 

ihrer Uraufführung noch einmal zu erleben. Es ist 

ewig schade, dass sie nie ihren Weg nach Deutschland 

geschafft hat, wenigstens als Gastspiel. Die aktuelle Tour 

kommt unter anderem nach Straßburg und Genf, sie sei 

also den Süddeutschen und Schweizern ans Herz gelegt! 

Wie populär das Stück in Frankreich immer noch ist, 

merkt man bei der Zugabe, wenn das Publikum ›Le 

temps des cathédrales‹ geschlossen mitsingen kann. 

Mögen die Glocken von Notre Dame noch viele Jahre 

erklingen, und hoffentlich auch einmal hierzulande! 

Merit Murray 

52 


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Besetzungen rund 

um die Musicalbühne 

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Mit Unterstützung von sound of music 

Einspielungen 

Einspielungen 

zusammengestellt von Mario Stork 

Foto: VBW / Deen van Meer 

Rock Me Amadeus – Das Falco Musical 

Original Wien Cast 2023 

Musik und Leben von Johann Hölzel alias Falco (1957 - 

1998) dienten schon mehrfach als Grundlage für Musicals. 

Im Oktober 2023 feierte nun, 25 Jahre nach Falcos 

Unfalltod, »Rock Me Amadeus« im Wiener Ronacher 

Premiere. Mit einem Buch von VBW-Intendant Christian 

Struppeck, vielen Falco-Hits und sogar vier neu 

geschriebenen Songs dürfte das Stück das ultimative 

Biographie-Musical des Exzentrikers darstellen. 

Hölzels Weg vom bei seiner Mutter in bescheidenen Verhältnissen 

aufwachsenden Hans, der schon früh davon 

träumt, Popstar zu werden, bis an die Spitze der internationalen 

Charts, inklusive aller Nebeneffekte des Ruhms, 

kann man nun auch zu Hause nachverfolgen. Knapp 

zweieinhalb Stunden lang erzählt die Live-Gesamtaufnahme 

Falcos Leben und Karriere. Die Dialoge sind 

dabei knapp und konzis gehalten, Songs und Underscorings 

sind eng mit den Sprechszenen verwoben, so dass zu 

keiner Zeit Längen beim Hören entstehen. Das ist besonders 

auch den Arrangeuren Roy Moore und Michael 

Reed zu verdanken, die all die bekannten Hits mit den 

Neukompositionen zu einer veritablen Theaterpartitur 

verwoben haben, bei der man Zeuge wird, wie spätere 

Welterfolge im Proberaum entstehen, einzelne Melodien 

oder Hooklines Hans über die ganze Handlung hinweg 

wie Leitmotive begleiten und aus den Popsongs dank 

effektvoller Orchestrierung (die 21 Musiker:innen unter 

Leitung von Michael Römer spielen auf den Punkt, dass 

es eine wahre Freude ist) und einfallsreicher Chorsätze 

waschechte Musicalnummern werden. 

Obwohl die Brüder Rob und Ferdi Bolland (»3 Musketiere«), 

von denen zahlreiche erfolgreiche Falco-Titel 

stammen, seit Jahren zerstritten sind, steuerten beide 

getrennt voneinander die neuen Lieder bei. Während das 

mehrfach wiederholte ›Leb deinen Traum‹ und das Duett 

›Du bist mein Zuhaus‹ ein wenig zu sehr in der Musical- 

Kitsch-Klischee-Schublade wühlen, entwickelt sich ›Ein 

weißes Blatt Papier‹ fesselnd von der Standard-Ballade 

zum düsteren inneren Drama. ›I am You‹, ein Duett zwischen 

Hans und seinem Alter Ego, könnte ein Outtake 

aus einem Original-Falco-Album sein. 

Das Album wurde bereits am Premierenabend und 

einem Termin drei Tage später aufgenommen. Der Cast 

performt entsprechend noch voller frischer Energie, von 

Nervosität ist nichts zu hören, das gesamte Ensemble liefert 

eine fulminante Leistung ab. Dreh- und Angelpunkt 

ist Moritz Mausser mit seiner herausragenden Darstellung 

des Hans. Er verkörpert den aufstrebenden, von seinem 

Talent mehr als überzeugten Musiker ebenso treffend wie 

den Egomanen auf dem Höhepunkt des Ruhms; beeindruckend 

auch seine Zerrissenheit, als ihm Erfolgsdruck, 

Drogen und Leben am Limit immer stärker zusetzen. 

Gesanglich liefert Mausser keine Kopie des Originals 

ab, eher eine Hommage, die dessen Tonfall trifft, aber 

auch noch Raum für eigene stimmliche Akzente lässt. 

Alex Melcher spielt als Alter Ego die Schattenseite der 

Künstlerpersönlichkeit; seine Nummern im zweiten Akt 

sind so stark, dass man gern mehr von ihm gehört hätte. 

Katharina Gorgi als Falcos Ehefrau Isabella oder Simon 

Stockinger als Billy überzeugen ebenfalls in ihren Solound 

Duettauftritten; die restliche Cast kommt primär 

in den Dialogen und den Chorpassagen zum Einsatz. 

Alle zusammen erzählen die mitreißende Geschichte 

einer schillernden, tragischen Künstlerpersönlichkeit, von 

den HitSquad-Experten satt und druckvoll produziert. 

Fazit: Das ultimative Falco-Musical mit fantastischer 

Besetzung – wärmste Empfehlung! 

34 Titel 

151 min 

Doppel-Jewel-CD-Case mit 

32-seitigem Booklet mit 

Credits, Inhaltsangabe und 

vielen Produktionsfotos 

Tanz der Vampire 

Hamburg Cast 2023 – Graf von Krolock-EP 

Gemessen am Erfolg und Kultstatus des Vampir- 

Musicals von Jim Steinman (Musik) und Michael 

Kunze (Buch und Texte) sind im Laufe der 

Jahre relativ wenig verschiedene Castaufnahmen 

erschienen. Nachschub für Fans kommt nun aus 

Hamburg: Rob Fowler, der aktuelle Krolock an der 

Elbe, hat die großen Songs des Grafen für eine Vier- 

Track-EP aufgenommen. So bekommt man einen 

akustischen Eindruck davon, wie er die Rolle anlegt: 

Sein Rocktenor klingt oft heller als bei vielen Rollenvorgängern, 

dadurch wirkt die Figur auch jünger 

und vielleicht eine Spur verletzlicher. Bei ›Sei bereit 

(Gott ist tot)‹ gibt er sich mystisch, die ›Einladung 

zum Ball‹ spricht er in einer Mischung aus lockendem 

Verführer und unterschwelliger Bedrohung 

aus. Im Duett ›Totale Finsternis‹ (mit einer jugendlich 

klar singenden Kristin Backes) trumpft Fowler 

gesanglich mächtig auf, und aus ›Die unstillbare 

Gier‹ kitzelt er mit wohldosierten eigenen Nuancen 

das richtige Maß an Dramatik heraus, ohne zu 

übertreiben. Gern hätte man ein komplettes Castalbum 

mit dieser Besetzung gehört, aber diese EP 

ist zumindest ein ansprechender Appetit-Happen. 

Fazit: Für Fans von Rob Fowler und/oder 

»Tanz der Vampire« ein Muss. 

4 Titel 

16 min 

Jewel-CD-Case mit 4-seitigem 

Booklet mit Credits und Foto 

Guys & Dolls 

Revival Cast London 2023 

Das 1950 am Broadway uraufgeführte Gangster- 

Musical nach mehreren Kurzgeschichten von 

Damon Runyon gehört zu den großen Klassikern 

des Genres. Entsprechend regelmäßig erlebt das 

Stück mit einem Buch von Jo Swerling und Abe 

Burrows sowie Musik und Songtexten von Frank 

Loesser Revivals. Das jüngste startete vergangenes 

Jahr in London, als immersives, modernes Theaterspektakel 

aufbereitet von Regisseur Nicholas Hytner 

(»Miss Saigon«) und Choreographin Arlene 

Phillips (»Starlight Express«). Das Castalbum zur 

Produktion lässt einen kaum glauben, dass Frank 

Loessers Partitur schon mehr als 70 Jahre alt ist. 

Dank Charlie Rosens neuer Orchestrierung (im 

Booklet beschreibt er, wie diverse Arrangeure im 

Lauf der Jahrzehnte dem Score ihren Stempel 

aufdrückten) klingen die Songs mitreißend und 

frisch. Schon die ersten Takte der ›Ouvertüre‹ 

gehen direkt ins Tanzbein. Wer den klassischen 

Broadway-Sound mag, dürfte hier von Anfang an 

ein breites Lächeln auf dem Gesicht haben. Rosen 

kitzelt die Stilvielfalt zwischen Jazz, Swing, Blues, 

Latin und Heilsarmee-Märschen gekonnt heraus, 

54 


Einspielungen 

pustet den Staub aus den Noten und erfreut, gerade 

was die Bläsersätze angeht, mit vielen Details. Das 

vierzehnköpfige Orchester unter der Leitung von 

Tom Brady nutzt diese Steilvorlage und dreht 

ordentlich am Energieregler, so dass all den zahlreichen 

Hits der Show von ›Luck Be a Lady‹ über 

den Titelsong bis zu ›Sit Down You’re Rockin’ the 

Boat‹ eine erfolgreiche Frischzellenkur zuteil wird. 

Großen Anteil daran hat auch das blendend aufgelegte 

Ensemble, angeführt von Celinde Schoenmaker 

(Sarah Brown), Andrew Richardson (Sky 

Masterson), Cedric Neal (Nicely-Nicely Johnson), 

Daniel Mays (Nathan Detroit) und Marisha 

Wallace (Miss Adelaide). Letztere darf als Bonus- 

Track ›Luck Be a Lady‹ nochmal in einer speziellen 

Remix-Version zum Besten geben, die man mit 

ihrem Synth-Dance-Arrangement nicht unbedingt 

braucht. Aber man kann ja vorher ausschalten. 

Fazit: Ein Klassiker in frischem Gewand – 

reinhören! 

34 Titel 

88 min 

Digipack mit 16-seitigem 

Booklet mit Credits, 

Liner Notes und Fotos 

Wish 

Original Filmsoundtrack 2023 – 

Englische Version 

Mit dem neuen Disney-Film »Wish« waren angesichts 

des 100-jährigen Firmenjubiläums im vergangenen 

Jahr hohe Erwartungen verbunden. Glaubt 

man den Kritikern und Zuschauerstimmen, konnte 

der Streifen, vorsichtig formuliert, diese Ansprüche 

nicht durchweg erfüllen. Die Songs steuerten diesmal 

Julia Michaels und Benjamin Rice bei. Wer? Michaels 

ist eine Sängerin und Songwriterin, die neben 

ihren eigenen Veröffentlichungen für Künstler:innen 

wie Selena Gomez, Olivia Rodrigo, Shawn Mendes, 

Britney Spears oder Justin Bieber schrieb. So 

ungefähr darf man sich die Lieder auch vorstellen: 

Gefälliger, aber belangloser Einheits-Pop mit leichtem 

R’n’B-Einschlag, der an den Ohren vorbei 

plätschert, ohne dass irgendetwas hängen bliebe. Der 

kurze Opener ›Welcome to Rosas‹ wirkt noch wie ein 

müder »Encanto«-Aufguss; im Folgenden wechseln 

sich Balladen und groovige Titel ab, die nur in seltenen 

Fällen über das Prädikat »nett« hinauskommen. 

Am ehesten entfalten noch ›This Wish‹ oder der von 

Julia Michaels selbst gesungene End-Credits-Titel 

›A Wish Worth Making‹ die alte Disney-Magie. 

Vielleicht treffen die Kompositionen von Michaels 

und Rice ja genau den Geschmack und die Hörgewohnheiten 

der jungen Zielgruppe von heute. Wer 

aber mit Disney-Soundtracks aus der Feder von 

Altmeistern wie Alan Menken aufgewachsen ist, 

den dürfte »Wish« zumindest ratlos, wenn nicht enttäuscht 

zurücklassen. Daran ändern auch die Interpretationen 

von Ariana DeBose nichts, die mit ihrer 

Broadway-Expertise zumindest ein wenig Musical- 

Feeling beisteuert. Ach ja, und Chris Pine singt auch 

… und das gar nicht so schlecht. Das Soundtrack- 

Album enthält auf CD mit einer Laufzeit von knapp 

37 Minuten acht Songs (einer davon ist nur eine 

Reprise); vier dieser Titel gibt es nochmal zusätzlich 

als Instrumental-Versionen. Die Deluxe-Edition mit 

dem Score von Dave Metzger, Demos etc. ist nur 

digital erhältlich. Auch dies ist ein bisschen mager. 

Fazit: Im Vergleich zu klassischen Disney- 

Soundtracks eine Enttäuschung und durchaus 

verzichtbar 

12 Titel 

36 min 

Jewel-CD-Case, 24-seitiges 

Booklet mit Songtexten, 

Credits und Filmfotos 

Bettina Meske: Paradise Is Now 

Soloalbum 2023 

Dass Bettina Meske nicht nur eine arrivierte 

Sängerin und Musicaldarstellerin ist, sondern 

auch als Songwriterin zu überzeugen weiß, 

ist spätestens seit ihrem 2013er Soloalbum 

»Made in Berlin« kein Geheimnis mehr. Dass 

der Nachfolger »Paradise Is Now« zehn Jahre 

bis zur Veröffentlichung brauchte, lag an den 

»dunklen Jahren«, wie die Künstlerin die 

vergangene Zeit bezeichnet: Alle hier versammelten 

Songs wurden schon vor der Pandemie 

und verschiedenen privaten Schicksalsschlägen 

geschrieben, teilweise sind Gastmusiker 

auf den Tracks zu hören, die zwischenzeitlich 

verstorben sind, darunter Komponist und 

Arrangeur Peter Schirmann oder Flügelhorn- 

Virtuose Ack van Rooyen. Bettina Meske sieht 

den Zeitpunkt nun gekommen, diese Lieder 

herauszubringen und mit ihnen ein wenig 

Licht in dunkle Zeiten zu bringen. Und das 

gelingt ihr vorzüglich: 14 selbstgeschriebene 

Songs enthält das Album, die ihre Vorliebe für 

Jazz, Swing und Torch Ballads offenbaren, zwischendurch 

Ausflüge in Pop, Soul und frühen 

Rock’n’Roll unternehmen und gerade in ihrer 

Gesamtheit ein facettenreiches Panoptikum 

zwischenmenschlicher Befindlichkeiten und 

Emotionen auffächern. Meske gelingt dabei 

das Kunststück, dass ihre Kompositionen 

vertraut wirken, als hätten sie immer schon 

neben den Klassikern des »Great American 

Songbooks« existiert, ohne dabei wie Kopien 

zu klingen. Großes Kino! Darüber vergisst man 

fast zu erwähnen, dass sie natürlich auch fantastisch 

singt, sich ihre Melodien perfekt in die 

Kehle geschrieben hat und vom fragilen, fast 

brüchigen Flüstern bis zur großen Soulröhre 

die gesamte Bandbreite ihrer stimmlichen 

Möglichkeiten auslotet. Unterstützt wird sie 

dabei von einer vierköpfigen Kernband um den 

formidablen Pianisten Sebastian Weiss sowie 

von zahlreichen Gaststars. Die Auftritte der 

Thilo Wolf Big Band (›You and I‹, ›Airport‹ und 

›I Love You‹) zählen ebenso zu den Highlights 

wie das berührende Duett ›Moving Mountains‹ 

mit Joana Zimmer oder das abschließende 

›Hold Me‹ mit Paul Hankinson. Hoffen wir, 

dass Bettina Meske bis zum nächsten Album 

nicht wieder zehn Jahre verstreichen lässt. 

Fazit: Das perfekte Album für die dunkle 

Jahreszeit! 

14 Titel 

50 min 

CD-Digipack mit Credits und 

Session-Fotos 

Druidenstein – Das Musical 

Studio Cast 2023 

Mit ihrem Fantasy-Musical »Schatten über 

Armaleth« machten Thorsten und Nadine 

Uebe-Emden erstmals als Komponisten und 

Autoren auf sich aufmerksam. Nun legen sie 

nach: In »Druidenstein« erzählen sie, basierend 

auf einer lokalen Sage, eine zu keltischer Zeit 

am gleichnamigen Basaltfelsen nahe der Stadt 

Kirchen an der Sieg spielende Geschichte: Als 

die Häuptlingstochter Herke vom Druiden des 

Stammes auserwählt wird, sich in den Dienst 

der Götter zu stellen, gerät die junge Frau in 

einen Zwiespalt zwischen der auferlegten Pflicht 

und ihrer Liebe zum Krieger Caradoc. Ein 

Konflikt mit tragischen Folgen… Thorsten und 

Nadine Uebe-Emden vertonen diese Legende 

mit einer gelungenen Mischung aus Folklore, 

Celtic- und Mittelalter-Rock, mystischen Klängen 

und musicaltypischen Balladen. Vor allem 

letztere bieten schöne Melodien (›Schlaflied‹, 

›Was mein Herz mir sagt‹), archaisch-rockige 

Sounds sorgen für Abwechslung (›Keltenherz‹), 

spezielle Instrumente wie keltische Flöten 

schaffen die passende klangliche Atmosphäre. 

Zu den liebevoll und detailliert produzierten 

Instrumentalplaybacks singt, wie schon beim 

Erstling des Autorenpaars, ein hochmotiviertes 

Ensemble aus Amateuren und Semi- 

Profis. Aus den durchweg guten Leistungen 

sticht Julia Fernholz als Herke mit ihrer schön 

gefärbten Stimme heraus. Insgesamt wecken 

die 10 Tracks die Neugier auf das komplette 

Musical, und man wünscht den Kreativen viel 

Erfolg für die weitere Entwicklung des Vorhabens. 

Wer auf physische Tonträger Wert legt, 

sollte sich beeilen: Die CD-Version ist limitiert. 

Fazit: Ein entdeckenswertes Liebhaber- 

Projekt! 

10 Titel 

36 min 

Digipack mit Inhaltsangabe 

und Credits 


55


Ein Ständchen zum Geburtstag 

»Ich bin, was ich bin« – Uwe Kröger im Theater Akzent in Wien 

Abb. oben: 

Ein eingespieltes Team – Uwe Kröger 

und sein Pianist Michael Falk kennen 

sich vom Theater in Hof 

Abb. unten: 

Von dramatisch bis lustig: Uwe Kröger 

zeigt ein breites Repertoire 

Fotos (2): Enes Daniskan 

Uwe Kröger wurde 59 Jahre alt und schenkte seinen 

Fans an seinem Geburtstag eine Gala. Dabei unternahm 

er am 4. Dezember 2023 im Wiener Theater Akzent 

mit seinem Publikum unter dem Titel »Ich bin, was ich bin 

– From Broadway to Hollywood« eine Zeitreise durch seine 

vergangenen Bühnenjahrzehnte – in eine Ära, in der man 

Musik noch mit dem Walkman hörte. Eine zweite Show 

gab es am Tag danach in St. Pölten. 

In den 90er Jahren des vergangenen Jahrhunderts war 

Kröger ein Superstar des in Kontinentaleuropa noch jungen 

Genres Musical. Eine klassische Musical-Ausbildung 

hat der Darsteller in dem Sinne nicht, da diese zu dem 

Zeitpunkt so noch nicht in Deutschland etabliert war. 

Aber er studierte an der damaligen HdK (heute UdK) in 

Berlin Gesang, Schauspiel und Tanz. Nach der anfänglichen 

Ochsentour durch kleine Stadttheater avancierten er 

und seine Bühnenpartnerin Pia Douwes zum Traumpaar 

der Branche. Aber auch die Schattenseiten kennt Uwe 

Kröger zur Genüge: Der Streit mit seiner Managerin und 

die Trennung von Lebensgefährten wurden in der Presse 

genauso breitgetreten wie seine Insolvenz. Inzwischen 

wohnt der Sänger mit seinem Ehemann in Spanien. Nur ab 

und zu – aus Sicht seiner Fans zu selten – kommt er zurück 

nach Wien, wie für diesen besonderen Abend an seinem 

Geburtstag. 

Es sind Stunden für eingefleischte Musical-Liebhaber. 

Uwe Kröger lässt seine Karriere Revue passieren und wirft 

dabei – ohne weitere Erläuterungen – mit den Namen 

von Musicalfiguren und Regisseuren nur so um sich. Das 

Publikum kann spielend mithalten und ergänzt auf Zuruf 

sämtliche Stücke, die beispielsweise aus der Feder von Texter 

Michael Kunze stammen. 

Detailverliebt erinnert sich Kröger an die goldenen 

Musical-Jahre, als man noch extra Theaterhäuser für 

Stücke baute, die dann jahrelang erfolgreich die Massen 

begeisterten. Dabei geizt er auch nicht mit privaten Einblicken 

– den humorvollen Uwe Kröger erlebt man hier 

ganz persönlich und hautnah, wenn auch nicht jede Zahl 

stimmt. Ob das entsprechende Theaterhaus nun an der A1 

war oder an der A3 liegt – egal, Hauptsache, die Pointe 

sitzt. Selbst die strapaziöse Anreise aus Bayern nach Wien 

durch Schnee und Eis wird an diesem Abend zur heiteren 

Geschichte. Ein Zupfen am Jackett, ein Ziehen am Hosenbund, 

das kurze Richten der hellen Haare, so läuft er über 

die Bühne. Die Musik der Lieder, die er präsentiert, kommt 

mal vom Band, mal begleitet ihn Michael Falk am E-Piano. 

Am Ende des ersten Teils der zweistündigen Show, zu 

den Liedern aus »Sunset Boulevard« und »Die Schöne und 

das Biest«, ist Uwe Krögers Stimme geölt, auch wenn er 

nicht mehr ganz die Qualität der Glanzzeiten erreicht. 

Auch mit den Songtexten hat er ab und an Probleme. 

Den Ablauf hatte er sich vorher überlegt, hat dann aber 

hin und wieder Mühe, seine eigene Schrift zu entziffern 

oder sich zu erinnern, was er unter dem entsprechenden 

Stichwort erzählen wollte. Der Abend entsteht mehr 

oder weniger aus dem Stegreif, haben sich doch sein Pianist 

und er, nach einer kurzfristigen Absage, erst wenige 

Stunden vor dem Konzert zur Konzeption getroffen. Auf 

Bühnendekoration und Requisiten verzichtet Kröger. Für 

leichtes Chaos sorgte die Technik: Mikrofonsender und 

Handy folgen im Verlauf der Show der Schwerkraft und 

landen auf den Brettern, die die Welt bedeuten. Auch 

das Mikrofon gibt schließlich im zweiten Teil ganz den 

Geist auf. Doch selbst diese Momente nutzt Kröger für 

sich und verwandelt sie in einen Lacher: Der Musical-Star 

ist ein erfahrenes Showpferd. Mit viel Selbstironie führt 

er durch den Abend, singt Klassiker auf Niederländisch, 

erzählt von Castings, nimmt die Zuschauer gedanklich 

mit hinter die Kulissen und berichtet von skurrilen Regie- 

Anweisungen. Doch auch ernste Töne finden Platz. So 

spricht er sich klar gegen die Gewalt im Nahen Osten aus 

und hält ein Plädoyer für Toleranz. Die Fans, Familienangehörigen 

und Wegbegleiter im Publikum bedanken 

sich nicht nur mit Standing Ovations und minutenlangem 

Applaus, sondern auch mit Blumen und einem Geburtstagsständchen 

– also dann: Happy Birthday, Uwe Kröger. 

Mina Piston 

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60 Jahre in 90 Minuten 

60 Jahre in 

90 Minuten 

»Die Zeitreisende« Ute Lemper – Ein Abend im Vindobona Wien 

Am 29. November beehrte Ute Lemper das Vindobona 

in Wien. Der einzige Termin in Österreich, 

bei dem der Weltstar aus ihrer Biographie »Die Zeitreisende« 

las. Aber nicht nur das, sie sang ebenso einige 

Lieder und erzählte auch frei aus ihrem Leben. Besonders 

die Erinnerungen, die sie mit Wien verbinden, 

waren die besonderen Momente an diesem Abend. 

Man spürte, dass sie sich wohlfühlte, wieder einmal 

in dieser Stadt zu Gast zu sein. Mit einem Lächeln im 

Gesicht erinnerte sie sich gerne an kleine Episoden aus 

dem Alltag, den Kohleofen in der Wohnung damals 

in Wien und ihre gefühlte »Befreiung«, als sie schon 

früh 1983 ein Engagement bei der deutschsprachigen 

Erstaufführung von »Cats« bekam. 

Offen berichtete sie von ihrem Leben voller Höhen 

und Tiefen, sehr persönlichen Erlebnissen wie dem 

Tod ihrer Mutter oder dem Ausbruch der ersten 

AIDS-Epidemie, wo auch sie um viele Freunde trauern 

musste. Sie selbst versucht, ihr Leben als Mutter und 

weltreisender Bühnenstar, der seit 25 Jahren in New 

York lebt, zu meistern, was von ihr auf beiden Seiten 

viele Opfer fordert. Und gerade deshalb war es für sie 

erst eine Herausforderung und dann doch ein positives 

Erlebnis, die Biographie auf Deutsch zu schreiben. 

Sie beschrieb es mit: »Ein Buch in die Seele schreiben.« 

Sie erzählte, dass sie sich im Vindobona so wohlfühle, 

da das Theater so persönlich ist, und verriet auch, 

dass sie sich auf eine Rückkehr am 18. März 2024 

freue – mit ihrer One-Woman-Show »Rendezvous 

mit Marlene«. Mit dieser ebenfalls aus Deutschland 

stammenden Künstlerin wird sie schon von jeher 

verglichen und hat ihr diesen eigenen Abend als 

Hommage kreiert, der auf einem Telefongespräch von 

Lemper mit der Dietrich basiert. So sind auch einige 

Seiten in Utes Lempers Biographie Marlene Dietrich 

und deren Geschichte gewidmet, es sind wirklich sehr 

persönliche Erzählungen und von Lemper erzählt 

noch mal besonders authentisch: Das erste Konzert 

nach dem 11. September 2001 in New York oder 

Auftritte nach dem Mauerfall in Berlin. Besonders 

ergreifend waren die Erzählungen von Erlebnissen, die 

sie besonders berührt haben, und die Erzählungen von 

internationalen Konzerten, weil sie sich als Deutsche 

noch immer schämt und große Trauer und Scham 

empfindet, wenn sie etwa in Israel jährlich Konzerte 

gibt. Sie sang dann auch ›Shitler‹, ein israelisches Lied, 

auf jiddisch. 

Begleitet wurde sie an dem Abend von Michael 

Römer, dem musikalischen Leiter der VBW (Vereinigte 

Bühnen Wien), am Klavier. Die beiden haben sich 

am selben Tag für die Proben das erste Mal getroffen 

und sie dankte ihm mit dem Kompliment: »Michael, 

wo bist du mein ganzes Leben nur gewesen?« Sie 

sang neben einigen Liedern aus dem Repertoire von 

Marlene Dietrich ›Sag mir wo die Blumen sind‹, ›Die 

Antwort weiß ganz allein der Wind‹ und aus Bertolt 

Brechts/Kurt Weills ›Die sieben Todsünden‹ natürlich 

auch Musicallieder: Große Highlights waren 

selbstverständlich ihre Sally-Bowles-Nummer aus 

»Cabaret« und es gab einen Zwei-Minuten-Ausflug 

nach »Chicago«, wo ›All That Jazz‹ sich in ›All That 

Cortison‹ verwandelte. Ute Lemper erzählte dann von 

den vielen Medikamenten, Pflastern und dergleichen, 

die sie immer wieder nehmen musste, um jeden Abend 

auf der Bühne stehen zu können. Krank sein war nicht 

möglich. 

Im Anschluss an den Abend signierte sie noch die 

Biographie und CDs für die durchwegs begeisterten 

Zuschauer:innen. 

Es war schön, einen so bewegten und bewegenden 

Abend erleben zu dürfen. 

Steffen Wagner 

Abb. oben: 

»Die Zeitreisende« – Ute Lemper 

Foto: Guido Harari 

Abb. unten: 

Ute Lemper berichtet über ihr Leben 

voller Höhen und Tiefen 

Foto: Lucas Allen 


57


Zickenterror und große Gefühlsausbrüche 

»Mean Girls: Der Girls Club« im Kino 

Abb. oben: 

v.l. Karen (Avantika), Regina (Renée 

Rapp) und Gretchen (Bebe Wood) 

zeigen Cady (rechts, Angourie Rice) 

ihr Burn Book 

Foto: Paramount Pictures 

Mean Girls: Der Girls Glub 

Paramount Pictures 

USA 2024 

Kinostart: 25. Januar 2024 

FSK 6 

Länge: 112 min 

Regie . Samantha Jayne & Arturo Perez Jr 

Drehbuch ............................. Tina Fey 

Kamera ............................. Bill Kirstein 

Filmschnitt ................. Andrew Marcus 

Musik ............................ Jeff Richmond 

Songs ........................ Nell Benjamin & 

Renée Rapp 

Choreographie ............ Kyle Hanagami 

Produktionsdesign ...... Kelly McGehee 

Kostüme ........................ Tom Broecker 

Frisuren & Make-up ...... Dennis Bailey 

Produktion .......... Tina Fey, Erin David 

Cady ............................. Angourie Rice 

Regina ............................. Renée Rapp 

Janis ............................. Aulií Cravalho 

Damian .......................... Jaquel Spivey 

Karen .................................... Avantika 

Gretchen ........................... Bebe Wood 

Aaron .................... Christopher Briney 

Ms Norbury .......................... Tina Fey 

Ansehen und Beliebtheit sind für die meisten 

Teenager und jungen Erwachsenen von großer 

Wichtigkeit. Nicht zuletzt durch die sozialen Medien 

werden das Verhalten und der Status geprägt, oberflächliche 

Ansichten und Meinungen inklusive. Bereits 

2004 thematisierte Tina Fey – Schauspielerin, Drehbuchautorin 

und Produzentin – die High-School-Zeit 

mit ihren Klischees im Drehbuch zur Komödie »Mean 

Girls«. 2013 entstand aus der Filmidee ein Musical 

mit dem Buch von Fey, Lyrics von Nell Benjamin und 

Musik von Jeff Richmond. Mit einem abermals überarbeiteten 

Drehbuch von Fey bringen Samantha Jayne 

und Arturo Perez Jr die Musicalkomödie mit frischem 

Wind ab 25. Januar auf die Leinwand. 

Der Film beginnt mit einer Warnung von Janis 

(Auli’i Cravalho) und Damian (Jaquel Spivey), zwei 

Außenseitern der High School, an der sich die sonderbare 

Geschichte zweier rivalisierender Mädchen 

ereignet hat: ›A Cautionary Tale.‹ 

Anschließend schwenkt die Kamera nach Kenia, 

wo die 16-jährige Cady (Angourie Rice) die letzten 

Jahre zusammen mit ihrer Mutter lebte, die dort 

ihren wissenschaftlichen Forschungen nachging und 

Homeschooling für ihre Tochter betrieb. Cady liebt 

ihr Leben in der Natur, und doch fragt sie sich immer, 

wie es wäre, woanders zu leben und ein ganz normaler 

Teenager zu sein: ›What Ifs‹. Als ihre Mutter in die 

USA versetzt wird, hofft Cady, genau jenes typische 

Teenagerleben an der North Shore High School zu finden. 

Doch der erste Tag stimmt sie wenig euphorisch: 

Niemand beachtet sie und wenn doch, dann wenden 

sich die Schüler von der Fremden ab. Cady fühlt sich 

dermaßen verunsichert, dass sie ihre Pause auf dem 

Mädchenklo verbringt, wo Janis und Damian sie aufspüren. 

Sie nehmen Cady unter ihre Fittiche. 

In der Mensa trifft Cady erstmals auf die selbsterklärte 

Schulkönigin Regina George (Renée Rapp), 

die nicht nur ihre Freundinnen Karen (Avantika) und 

Gretchen (Bebe Wood) im Griff hat, sondern scheinbar 

die gesamte Schülerschaft, die sie verehrt und 

gleichzeitig fürchtet (›Meet the Plastics‹). Als Cady 

von der angesagten Mädchenclique dazu eingeladen 

wird, an ihrem Tisch zu sitzen, ist sie erfreut. Trotz der 

Warnungen von Janis und Damian, dass Regina eine 

intrigante Bitch ist, nimmt Cady die Einladung an. 

Der Tag wird noch besser, als Cady im Mathekurs 

Aaron (Christopher Briney) kennenlernt und sich auf 

den ersten Blick in ihn verliebt: ›Stupid With Love‹. 

Als Cady das erste Mal von Regina zu sich nach 

Hause eingeladen wird, erfährt sie, dass Aaron deren 

Exfreund ist, und wird von Gretchen und Karen 

gewarnt, die Finger von ihm zu lassen. In einem 

Gespräch mit Gretchen erkennt Cady zudem, dass 

Regina selbst ihren angeblichen Freundinnen gegenüber 

übergriffig und ignorant ist. Gretchen leidet darunter, 

gibt sich aber selbst die Schuld: ›What’s Wrong With 

Me?‹. Ein Blick in das »Burn Book«, in dem die Clique 

alle Meinungen über ihre Klassenkamerad:innen festhält, 

erschreckt Cady und vermittelt ihr einen ersten 

Eindruck von Reginas berechnender Natur. 

Trotz der Warnungen findet Cady immer mehr 

Gefallen an Aaron und nimmt freudig seine Einladung 

zur Halloween-Party seines Freundes an. Karen nutzt 

die Party, um endlich einmal sein zu dürfen, wie sie 

sein will (›Sexy‹), und nicht die, zu der Regina sie stets 

macht. Das Zusammensein von Cady und Aaron ist 

Regina ein Dorn ins Auge. Sie tut alles dafür, um die 

Anziehung zwischen den Beiden im Keim zu ersticken: 

›Someone Gets Hurt‹. Sie selbst umschwärmt Aaron, 

um ihn zurückzuerobern. Als er tatsächlich auf ihre 

Verführung anspringt, wird Cady Zeugin dessen. Verletzt 

schließt sie sich Janis und Damian an, die eine 

Racheparty planen: ›Revenge Party‹. 

Cady dreht den Spieß um und beginnt selbst zu 

58 



intrigieren. Mit Vortäuschung falscher Tatsachen wickelt 

sie Aaron um den Finger, der ihr bereitwillig Nachhilfe 

erteilt. Im vertraulichen Gespräch mit Karen und Gretchen 

gewinnt sie deren Zuneigung und erfährt dabei das 

eine oder andere Geheimnis von Regina, was sie nun auszunutzen 

weiß. Sie jubelt Regina, die auf ihre Figur achtet, 

Proteinriegel unter, deren Kaloriengehalt es in sich 

hat. Als sie zusammen bei der Talentshow als sexy Weihnachtsfrauen 

auftreten, kommt es zu einem unschönen 

Zwischenfall, durch den Regina zum Gespött der Schule 

wird. Cadys Ansehen steigt hingegen auf der Beliebtheitsskala 

und sie wird sogar zur Ballkönigin nominiert. 

Cady genießt die Aufmerksamkeit der Mitschüler und 

merkt dabei nicht, dass sie Regina immer ähnlicher 

wird. Erst als sich Aaron, Janis und Damian von ihr 

abwenden, erkennt sie ihre negative Veränderung. Dies 

nutzt Regina aus, um sich für ihren Fall zu rächen: 

›Burn World‹. Die gesamte Schülerschaft gerät zwischen 

die Fronten, was Janis nicht länger dulden kann 

(›I’d Rather Be Me‹). Mit ihren direkten Worten an die 

Schülerschaft kann sie endlich alle wachrütteln und 

sie dazu animieren, für sich selbst einzustehen, anstatt 

sich von anderen bewerten zu lassen. Cady bemüht 

sich, ihre Fehler wiedergutzumachen, und kann am 

Ende wirklich Sympathien gewinnen: ›I See Stars‹. 

Die Kernbotschaft des Musicals fasst der Song ›Not 

My Fault‹, den Regina-Darstellerin Renée Rapp selbst 

für den Film geschrieben hat, zusammen: Beliebtheit 

entsteht nicht durch echte Sympathien, sondern meist 

durch oberflächliche Belanglosigkeiten, die nicht hinterfragt 

werden. 

Der Großteil der Stücke, die Richmond und Benjamin 

bereits für das Broadway-Stück geschrieben 

und komponiert hatten, wurde komplett für die Leinwandadaption 

überarbeitet. Zudem wurden die beiden 

neuen Titel ›What Ifs‹ und ›Not My Fault‹ in Zusammenarbeit 

mit Reneé Rapp geschrieben. Mit Hilfe der 

Songs können die High-School-Mädchen ihre großen 

Gefühle entdecken und zugleich die Zuschauer in eine 

Fantasiewelt entführen. Choreograph Kyle Hamagami, 

der mit Musikgrößen wie Jennifer Lopez und 

Justin Bieber arbeitet, hat für die Plastics und ihre 

untergebenen Mitschüler einen Mix aus Tanzmoves 

zu poppigen Nummern, die an »High School Musical« 

erinnern, und nahezu ekstatischen Bewegungen kreiert, 

um jedem Charakter ein eigenes Bewegungsvokabular 

zu verleihen. Mit seinen ikonischen Dancemoves 

orientierte er sich an der Zielgruppe und den TikTok- 

Trends, in denen Tanzmomente mit vielen Menschen 

zum Hit werden. 

Mit der musicalischen Leinwandadaption von 

»Mean Girls: Der Girls Glub« reisen wir zurück in die 

Zeit als Teenager und erleben die Strukturen der High 

School, dominiert von der Beliebtheitsskala hin zur 

Rangordnung der Coolness. Unterhaltsam, erschreckend 

und mit einem Sound, der zum Mitwippen 

einlädt. 

Sandy Kolbuch 


1. Die Plastics: Gretchen (Bebe 

Wood, hinten), Regina (Renée Rapp, 

Mitte) und Karen (Avantika) 

2. (v.l.) Karen (Avantika), Cady 

(Angourie Rice), Regina (Renée Rapp) 

und Gretchen (Bebe Wood) bei ihrem 

Auftritt bei der Talentshow 

3. Auf der Halloween-Party macht 

Regina (Renée Rapp) Aaron 

(Christopher Briney) schöne Augen 

4. Regina (Renée Rapp) ist die 

umschwärmte Königin der Schule: 

›Burn World‹ 

Fotos (4): Paramount Pictures 


59


Finde deine Bestimmung 

»Wonka« seit dem 7. Dezember im Kino 

Abb. oben: 

Willy Wonka (Timothée Chalamet) 

hat den nächtlichen Schokoladendieb 

gefangen: Ein Oompa-Loompa 

(Hugh Grant) 

Foto: Warner Bros. Entertainment Inc. 

Wonka 

Warner Bros. 

USA 2023 

Kinostart: 7. Dezember 2023 

FSK 0 

Länge: 116 min 

Regie & Idee ........................ Paul King 

Drehbuch ........................ Paul King & 

Simon Farnaby 

Entwicklung der Charaktere ................. 

Roald Dahl 

Kamera ................ Chung-hoon Chung 

Filmschnitt .................... Mark Everson 

Score ................................ Joby Talbot 

Songs ............................. Neil Hannon 

Music Supervision ...... James A. Taylor 

Choreographie ..... Christopher Gattelli 

Produktionsdesign .... Nathan Crowley 

Kostüme ..................... Lindy Hemming 

Hair & Make-up .......... Ivana Primorac 

Sounddesign ........... Glenn Freemantle 

Produktion ................. David Heyman, 

Alexandra Derbyshire, 

Luke Kelly 

Willy Wonka ........ Timothée Chalamet 

junger Willy Wonka ...... Colin O’Brien 

Bleacher ............................ Tom Davis 

Mrs Scrubitt ................. Olivia Colman 

Noodle ............................. Calah Lane 

Prodnose ........................... Matt Lucas 

Slugworth .................. Paterson Joseph 

Fickelgruber ............. Mathew Baynton 

Miss Bon Bon .................. Freya Parker 

Polizeichef ......... Keegan-Michael Key 

Abacus Crunch ................... Jim Carter 

Lottie Bell .................. Rakhee Thakrar 

Larry Chucklesworth ...... Rich Fulcher 

Willys Mutter ................ Sally Hawkins 

Oompa-Loompa .............. Hugh Grant 

Schon zweimal wurde die Geschichte von »Charlie 

und die Schokoladenfabrik«, welche auf dem 

Buch von Roald Dahl aus dem Jahr 1964 basiert, 

verfilmt: Mel Stuart brachte 1971 den Film mit Musik 

von Anthony Newley und Leslie Bricusse heraus. 2005 

adaptierte Tim Burton die Handlung mit Johnny 

Depp als Willy Wonka. Seit dem 7. Dezember kann 

man mit »Wonka« das Prequel im Kino erleben. 

Bereits als Kind entdeckte Willy Wonka (Colin 

O’ Brien) die Leidenschaft für und den Genuss von 

Schokolade, die ihm seine liebende Mutter (Sally 

Hawkins) zubereitete. Nach ihrem Tod verfolgte 

Wonka (jetzt gespielt von Timothée Chalamet) den 

einst gemeinsamen Traum, Schokolade zu fertigen und 

zu verkaufen, weiter. Nach Jahren auf See kehrt er dem 

Schiff, das über die Jahre sein Zuhause war, und dem 

Job als Koch den Rücken. Mit großen Visionen eines 

eigenen Ladens (›A Hatful of Dreams‹) geht Wonka in 

London an Land. In den Galleries Gourmet betrachtet 

er die Auslagen und entdeckt einen leerstehenden 

Laden, der seine Träume beflügelt. Doch die ansässige 

Polizei vertreibt ihn. Schneller als geahnt hat Wonka 

seine wenigen Geldstücke ausgegeben und ihm droht 

eine Nacht auf der kalten Straße. Doch ein freundlicher 

Fremder namens Bleacher (Tom Davis) nimmt 

sich seiner an. Er bringt ihn zu Mrs Scrubitt (Olivia 

Colman), die ihn nach Unterzeichnung eines Vertrags 

die erste Nacht umsonst in ihrer Pension übernachten 

lassen will. Obwohl ihn das im Haus lebende Waisenmädchen 

Noodle (Calah Lane) zu warnen versucht, 

ist Wonka zuversichtlich, dass er den Vertrag erfüllen 

kann und unterzeichnet, ohne das Kleingedruckte zu 

lesen. 

Am nächsten Morgen macht sich Wonka auf den 

Weg in die Galleries Gourmet, um der dort flanierenden 

Kundschaft seine Schokolade zu präsentieren: 

›You’ve Never Had Chocolate Like This‹. Die 

potenziellen Kunden kommen herbei und bestaunen 

seine Kreationen und genießen die ihnen angebotenen 

Probehäppchen. Das zieht auch die drei ansässigen 

Schokoladenfabrikanten Slugworth (Paterson Joseph), 

Prodnose (Matt Lucas) und Fickelgruber (Mathew 

Baynton) an, die sofort einen Konkurrenten in Wonka 

erkennen und ihn vom Polizeichef (Keegan-Michael 

Key) entfernen lassen. Ohne einen Taler Verdienst 

kehrt Wonka in die Pension zurück, wo er nun das 

Ausmaß des Vertrags zu spüren bekommt. Er wird in 

die Wäscherei im Keller verbannt, wo er seine Schulden 

für penibel aufgelistete Posten – wie etwa die 

Nutzung der Treppe – abarbeiten muss. Im Keller trifft 

er erneut auf Noodle, die ihm ihre Geschichte erzählt. 

Aber auch Miss Bon Bon (Freya Parker), Larry Chucklesworth 

(Rich Fulcher), Abacus Crunch (Jim Carter) 

und Lotti Bell (Rakhee Thakrar) wurden Opfer des 

Betrüger-Duos und arbeiten seit langer Zeit ihre Schulden 

ab: ›Scrub Scrub‹. 

Von seinen neuen Freunden erfährt Wonka, dass 

schon viele versucht haben, Schokolade zu verkaufen, 

aber von dem Kartell sofort in ihre Schranken 

gewiesen wurden und kurz darauf wie vom Erdboden 

verschwanden. Während er ihr seine Lebensgeschichte 

erzählt, kreiert Wonka für Noodle, die noch nie in 

ihrem Leben Schokolade probiert hat, eine Praline. 

Gemeinsam ersinnen sie einen Plan, wie Wonka die 

Wäscherei heimlich verlassen kann, um seine Schokolade 

zu verkaufen und mit dem Verdienst seine und 

Noodles Schulden zu begleichen. Zur gleichen Zeit 

trifft sich das Schokoladen-Kartell heimlich unter der 

Kirche, um den Polizeichef zu bestechen. Wenn es ihm 

gelingt, Wonka aus der Stadt zu vertreiben, wird er mit 

lebenslangen Schokoladevorräten versorgt. Er wehrt 

sich zunächst gegen die Bestechung, doch sein ›Sweet 

Tooth‹ verlangt nach der süßen Sünde. 

Am nächsten Morgen setzen Wonka und Noodle 

60 



ihren Plan in die Tat um: ›Scrub Scrub‹. Heimlich 

bringt das Mädchen ihn, in einem Wäschewagen verborgen, 

nach draußen. Während sie die Wäsche ausliefert, 

versucht Wonka seine Schokolade auf der Straße 

zu verkaufen, bis er mit Noodle zurückkehrt. Um den 

Verkauf profitabler zu machen, weiht er die Freunde 

ein. Er entwirft eine Waschmaschine, die alleine die 

Arbeit verrichtet, während sie sich in der Stadt aufteilen. 

Der Plan geht auf. 

Um die feinste Schokolade herstellen zu können, 

benötigt Wonka spezielle Milch, für die er ein besonderes 

Tier melken muss. Noodle führt ihn in den Zoo, 

wo sie fündig werden: ›For a Moment‹. Die Geschäfte 

laufen immer besser und die Freunde können einen 

Gewinn verzeichnen, den sie sinnvoll anzulegen 

wissen. 

Doch in der kommenden Nacht erscheint ein 

Oompa-Loompa (Hugh Grant) von den Schokoladeninseln, 

der Wonkas Ernte zweier Kakaobohnen 

als Diebstahl wertet und nun diesen Verlust durch 

Schokolade, die er ihm nachts stiehlt, wieder eintreiben 

will: ›Oompa-Loompa‹. Wonka fängt das kleine 

Männlein und schließt mit ihm einen Deal, um seine 

Schulden zu begleichen. 

Die Freunde verwenden ihren Gewinn, um einen 

leerstehenden Laden zu renovieren und für eine 

Woche zu öffnen, um auf legale Weise Schokolade zu 

verkaufen: ›Pure Imagination‹. Das wahr gewordene 

Schlaraffenland lockt die Kunden in Scharen an und 

die Kasse klingelt. Als jedoch mehrere Kunden nach 

dem Verzehr der Schokolade über Unwohlsein klagen, 

stoppt Wonka den Verkauf. Das Sortiment wurde 

manipuliert, was das Schokoladen-Kartell freut. In 

einem Gespräch mit Wonka bieten sie ihm einen 

Ausweg aus der Misere an: Verlässt er die Stadt und 

verkauft keine Schokolade mehr, wird es für ihn keine 

Konsequenzen geben und die Schulden seiner Freunde 

werden beglichen. Wonka lässt sich darauf ein, um 

Noodle zu schützen, und verlässt schweren Herzens 

London: ›Sorry Noodle‹. Als ihm auf dem Schiff 

erneut der Oompa-Loompa begegnet, besinnt sich 

Wonka eines besseren und kehrt zurück. Gemeinsam 

mit seinen Freunden ersinnt er einen neuen Plan, um 

die dunklen Machenschaften des Kartells aufzudecken 

und ihnen das Handwerk zu legen. Endlich frei, ihren 

eigenen Weg zu gehen, widmen sich Wonka und seine 

Freunde ihrem nun florierenden Geschäft: ›A World of 

Your Own‹. 

Paul King, Autor und Regisseur der »Paddington«- 

Filme, erzählt die Vorgeschichte des unglaublichen 

Erfinders der Schokoladenfabrik Wonka als einen 

Mix aus Magie und Musik, Chaos und Emotionen. 

In schillernden Farben, mit traumhaften Tanzszenen 

und einem mitreißenden Soundtrack verschmelzen 

Fantasie und Realität zu einem märchenähnlichen 

Gesamtbild. Das Drehbuch von Simon Farnaby (»Paddington 

2«) und Paul King basiert auf den Figuren von 

Roald Dahl, liefert jedoch eine völlig neue Geschichte, 

die vor den Ereignissen aus »Charlie und die Schokoladenfabrik« 

spielt. Der Zuschauer lernt mit Willy 

Wonka einen jungen Mann kennen, der als Kind die 

Liebe zur Schokolade durch seine Mutter erfuhr, und 

diese Liebe verbindet ihn nach deren Tod noch weiter 

mit ihr. Liebe und Zuneigung, Freundschaft und 

Vertrauen sind die großen Themen des Films. So wie 

Wonka hat auch Noodle scheinbar niemanden mehr 

auf der Welt. Doch sie umgibt ein Geheimnis, das 

Wonka lösen kann, sodass es für das augenscheinliche 


1. Mrs Scrubitt (Olivia Colman) 

versichert Willy Wonka (Timothée 

Chalamet), dass der Vertrag in 

Ordnung ist 

2. (v.l.): Fickelgruber (Mathew 

Baynton), Prodnose (Matt Lucas) und 

Slugworth (Paterson Joseph) wollen 

den Polizeichef (Keegan-Michael Key, 

vorne Mitte) bestechen: ›Sweet Tooth‹ 

3. (v.l.): Abacus Crunch (Jim Carter), 

Piper (Natasha Rothwell), Larry 

Chucklesworth (Rich Fulcher) und 

Lottie Bell (Rakhee Thakrar) wurden 

ebenfalls übers Ohr gehauen 

Fotos (3): Warner Bros. Entertainment Inc. 


61



1. Willy Wonka (Timothée Chalamet) 

träumt vom Erfolg: ›You’ve Never 

Had Chocolate Like This‹ 

2. Noodle (Calah Lane) und Willy 

Wonka (Timothée Chalamet) verbindet 

Freundschaft: ›For a Moment‹ 

3. Mrs Scrubitt (Olivia Colman) freut 

sich über den neuen Hausgast 


hat große Visionen 


eröffnet seinen Laden: ›Pure 

Imagination‹ 

6. (vorne v.l.): Willy Wonka 

(Timothée Chalamet) bietet Fickelgruber 

(Mathew Baynton), Slugworth 

(Paterson Joseph) und Prodnose 

(Matt Lucas) seine Schokolade zum 

Probieren an 

Fotos (6): Warner Bros. Entertainment Inc. 

Waisenmädchen am Ende ein Happy End gibt, welches 

sich auch für Wonka durch die Erfüllung seines 

Traums einstellt. 

Die zauberhaften, verträumten Kulissen erwecken 

den Anschein eines historisch anmutenden 

Londons, das mit viktorianischen Bauten und 

Straßenzügen und unterirdischen Tunnelsystemen 

ebenso in seinen Bann zieht wie die heimelige 

Waschküche im Keller der Pension oder deren karge 

Zimmer, die Produktionsdesigner Nathan Crowley 

(»Tenet«) verantwortet. Die Kostüme von Kostümbildnerin 

Lindy Hemming (die »Paddington«-Filme) 

spiegeln ebenso die Handlungszeit um 1940 wieder. 

Allen voran Willy Wonka in seinem abgewetzten 

lila Mantel, den durchlöcherten Schuhen und dem 

zerschlissenen Zylinder wirkt wie eine Stilikone. Die 

schillernden Anzüge des Kartells und die schmucken 

Uniformen der Polizei bilden einen Kontrast zur 

abgetragenen Kleidung des Betrüger-Duos, welches 

in gedeckten Erdtönen nahezu unscheinbar wirkt 

und dadurch bewusst den Blick nicht auf sie lenkt. 

Getragen wird die Handlung von der Musik. 

Neil Hannon von der Band »The Divine Comedy« 

steuerte Originalsongs für den Film bei: ›A Hatful of 

Dreams‹, ›You’ve Never Had Chocolate Like This‹, 

›Scrub Scrub‹, ›Sweet Tooth‹, ›For a Moment‹ und 

›A World of Your Own‹. Lediglich den Song ›Pure 

Imagination‹, der für die Filmfassung von 1971 von 

Leslie Bricusse & Anthony Newley geschrieben und 

von Gene Wilder gesungen wurde, arrangierte Hannon 

für den Film neu. Die Songs erzählen mit ihren 

ikonischen Texten die Handlung in der Gegenwart 

des Films, schließen auch die Vergangenheit der 

Figuren mit ein und werfen einen Blick auf ihre 

Zukunft. Komponist Joby Talbot, Music Supervisor 

James A. Taylor und Musikproduzent Charlie Rosen 

haben mit Piano, Akkordeon, Banjo und Dulcimer 

einen klangvollen Raum im Stil der 1940er Jahre 

geschaffen, in den die Handlung eingebettet ist. 

Gefühlvoll, melancholisch, euphorisch, aber auch 

trotz aller Aussichtslosigkeit hoffnungsvoll erleben 

die Zuschauer ein Meisterwerk der Fantasie, das die 

Höhen und Tiefen des Lebens durch eine märchenhafte 

Brille bestaunt. »Glaube an deine Träume und 

kämpfe für deren Umsetzung« sind die Kernaussagen 

des Films, der die ganze Familie zu begeistern 

vermag. 

Sandy Kolbuch 

62 



Musicalische Einblicke in das 

Leben einer Echse 

»Leo« auf Netflix 

Die Zeit rinnt dahin und schneller, als man denkt, sind 

Tage, Monate und sogar Jahre vorbei. Plötzlich erkennt 

man, was man verpasst hat, lernt aber auch zu schätzen, was 

man besitzt. Diese melancholische und zugleich erleuchtende 

Erkenntnis gewinnt die Echse namens Leo in dem gleichnamigen 

Netflix-Animationsfilm, der seit dem 21. November bei 

dem Streamingdienst zu erleben ist. 

Voller Vorfreude, aber auch mit Sorgen bereiten sich die 

Schüler der 5. Klasse auf ihr letztes Schuljahr an der Grundschule 

vor: ›Last Year.‹ 

Auch die Klassentiere – Leo, die Echse, und Squirtle, 

die Schildkröte – blicken dem kommenden Schuljahr mit 

gemischten Gefühlen entgegen. Vor allem der 74-jährige 

Leo, der seit dem Jahr 1949 im gleichen Terrarium im immer 

gleichen Klassenzimmer lebt, beginnt über sein Dasein 

nachzudenken. Mit dem Wissen, seinem Lebensende näherzukommen, 

wünscht er sich, noch etwas zu erleben: ›Lizard’s 

Lament.‹ 

Als die Klassenlehrerin Mrs Salinas ausfällt, übernimmt 

Ms Malkin als Vertretungslehrerin ihren Unterricht. Ihre 

Anordnung, dass die Klassentiere übers Wochenende mit nach 

Hause genommen werden müssen, versetzt Leo in Euphorie – 

endlich scheint die Chance zur Flucht aus der Gefangenschaft 

gekommen zu sein. 

In der Obhut von Summer und ihrer Familie wagt Leo 

seinen ersten Ausbruchsversuch. Als er von dem Mädchen 

ertappt wird und in seiner Verzweiflung mit ihr zu sprechen 

beginnt, klagt sie ihm ihr Leid: ›The Talking Song‹. Mit einem 

gutgemeinten Rat hilft er Summer dabei, sich ihren Klassenkameradinnen 

zu öffnen und sich mit ihnen anzufreunden. 

Als Eli, der von seinen Helikopter-Eltern stets überwacht 

wird, Leo am kommenden Wochenende mit nach Hause 

nimmt, wagt die Echse den nächsten Ausbruchsversuch. 

Erneut scheitert er. Er beschwert sich lautstark und wird dabei 

von dem Jungen entdeckt, der nun ebenfalls erfährt, dass Leo 

sprechen kann. In einem Gespräch mit ihm lernt Eli, wie er 

seinen Gefühlen Ausdruck verleihen kann, um endlich die 

Drohne, die ihn stets begleitet, loszuwerden: ›Dear Drone‹. 

Da sowohl Summer als auch Eli sich erneut um die Pflege 

Leos streiten, bietet Jayda an, ihn mitzunehmen. Schnell findet 

auch sie sein Geheimnis heraus. Dass Jayda stets phänomenal 

sein muss, um den Erwartungen ihrer Eltern gerecht 

zu werden, setzt sie unter Druck, was sie erst im Gespräch mit 

Leo erkennt: ›Extra Time (Not That Great)‹. Kurzerhand lädt 

sie alle Klassenkameraden zu einer Party ein und entdeckt 

Gemeinsamkeiten mit ihren Altersgenossen. Gemeinsam 

befreien die Kinder die Tiere des engagierten Zirkus’. Auch 

Leo ist seinem Ziel so nahe, doch fällt es ihm plötzlich schwer, 

die Kinder alleine zu lassen. Während sich die Kinder um Leo 

reißen, bleibt die Schildkröte unbeachtet, was Neid aufkommen 

lässt. 

Auch Mia, die den Verlust ihres Großvaters nur schwer 

verkraften kann, kann durch Leo Trost erfahren: ›Don’t Cry‹. 

Jedes Kind fühlt sich besonders, weil es mit Leo sprechen 

konnte. Doch als sie herausfinden, dass Leo mit ihnen allen 

gesprochen und sie alle gleichermaßen behandelt hat, werden 

sie sauer. Um einem Streit vorzubeugen, nimmt Ms Malkin 

Leo mit zu sich. Gemeinsam erinnern sie sich an die Zeit, als 

die Lehrerin selbst noch Schülerin war: ›Happy‹. Ms Malkin 

will die Kinder und Leo versöhnen, doch als die Kinder den 

Schulwettbewerb gewinnen, heimst sie das Lob der Schulleitung 

ein und entledigt sich der Echse in einem Naturpark. Die 

Kinder machen sich auf die Suche nach ihrem Klassentier, das 

sie nicht mehr missen wollen: ›When I Was Ten‹. 

In Zusammenarbeit mit Schauspieler und Comedian 

Adam Sandler entstand das Drehbuch zum Animationsfilm. 

Sandler, der im Original zusammen mit seiner Familie den 

Figuren seine Stimme leiht, setzte sich früh dafür ein, dass 

Musik eine große Rolle spielen sollte. Peppige Songs in 

unterschiedlichen Stilrichtungen aus der Feder von Robert 

Smigel, in Zusammenarbeit mit Produzent Dan Reitz und 

Songwriterin Tiffany Topol, verleihen der Story unterhaltsame 

Momente. 

»Leo« bringt die wichtigen Aspekte des Lebens auf den 

Punkt, untermalt mit stimmigen Songs, die trotz des leicht 

belehrenden Charakters gut unterhalten. 

Sandy Kolbuch 

Abb. oben: 

Summer ist überrascht, dass Leo 

sprechen kann 

Foto: 2023 Netflix 

Leo 

Netflix 

USA 2023 

Kinostart: 21. November 2023 

FSK 0 

Länge: 102 Minuten 

Regie ..................... Robert Marianetti, 

Robert Smigel, 

David Wachtenheim 

Drehbuch .................... Robert Smigel, 

Adam Sandler, 

Paul Sado 

Musik ................ Geoff Zanelli (Score), 

Robert Smigel (Song) 

Production Design ...... Simon Rodgers 

Produktion ....................Adam Sandler, 

Mireille Soria 

Leo ....... Adam Sandler/ Stefan Gossler 

Squirtle ..... Bill Burr / Bernd Vollbrecht 

Ms. Malkin ................... Cecily Strong / 

Denis Gorzelanny 

Jayda ............................ Sadie Sandler / 

Magdalena Montasser 

Summer ..................... Sunny Sandler / 

Valentina Bonalana 

Eli ......... Roey Smigel / Toni Wegewitz 

Mia ............... Reese Lores / Nele Zech 


63

Abgeschminkt 

Es ist für mich keine Belastung, sondern 

eine Bereicherung 

Barbara Obermeier über ihr Engagement im Verein nestwärme Österreich 

auseinandergesetzt habe, hat mich die Frage 

meines mittlerweile sehr guten Freundes und 

Vertrauten Stefan Konrad sehr gerührt, ob ich 

den Verein mit ihm in Österreich leiten und 

aufbauen möchte. 

Seit Juni 2020 freue ich mich sehr über das mir 

gegebene Vertrauen, Vizepräsidentin und im 

Vorstand des Vereins zu sein und gemeinsam 

mit Stefan Konrad, unserem Präsidenten und 

Vorstand, viele schöne Projekte zu realisieren. 

blimu: Erklären Sie uns kurz, was genau der 

Verein eigentlich macht und unterstützt. 

Barbara Obermeier beim nestwärme Grätzlzeichenkurs 

Foto: nestwärme e.V. 

blickpunkt musical: Der Verein nestwärme ist 

mittlerweile ein länderübergreifender Verein, 

er ist in Deutschland, Luxemburg, der Schweiz 

und auch Dank Ihnen in Österreich vertreten. 

Wie kam es damals zu der Zusammenarbeit? 

Barbara Obermeier: In der Vergangenheit hatte 

ich bereits mehrere Charity-Konzerte mit Freunden 

und Kollegen organisiert, zum Beispiel für 

den Verein Ute Bock mit dem damaligen »Hair«- 

Ensemble unserer Produktion aus Amstetten. 

Das hatte mich damals sehr erfüllt und ich wollte 

das gerne wieder machen, verbunden mit dem 

Hintergrund, generell etwas mehr über soziales 

Engagement in unserer Gesellschaft zu lernen 

und eventuell auch selbst über die Grenzen eines 

Charity-Konzertes hinaus unsere Gesellschaft 

mitzugestalten. Einer der damaligen Kollegen 

war Stefan Konrad. So kam es, dass ich ihn im 

Herbst 2019 zufällig auf der Straße in meinem 

Bezirk wiedergetroffen habe, da er in die Nachbarschaft 

gezogen war. Bei einer Melange hat 

er mir erzählt, dass er gerne wieder ein Konzert 

organisieren möchte, in diesem Fall für den 

Verein nestwärme. Ein mir damals noch unbekannter 

Begriff, aber seine Erzählungen über 

den Verein und dessen Wirken haben mich doch 

sehr beeindruckt und bewegt. Ein paar Wochen 

später waren wir bereits mitten in den Vorbereitungen 

für das Gründungs-Charity-Konzert, in 

der Anker Brotfabrik, des ersten österreichischen 

Standortes des Vereins nestwärme Österreich. 

Nachdem ich das Wirken des Vereins, dessen 

Geschichte in Deutschland und die Gründerinnen 

Petra Moske und Elisabeth Schuh immer 

intensiver kennengelernt und mich damit 

BO: Der Verein nestwärme Österreich nimmt 

sich jener Menschen an, die in und durch Krisensituationen 

im gesellschaftlichen Abseits 

stehen. Dabei sind es vor allem Alleinerziehende 

sowie Familien mit behinderten, chronisch 

kranken und schwerkranken Kindern, 

die unterstützt werden. Auf diese Weise wollen 

wir Gemeinschaft, Selbstwirksamkeit, Teilhabe 

und Herzensbildung fördern. Wichtig für uns 

ist, dass jeder Mensch in unserer Gesellschaft 

einen Platz hat und inkludiert wird. Gerade 

durch Corona haben wir alle erfahren, was 

Isolation für schreckliche Auswirkungen haben 

kann, Scham und Angst sind gerade bei unseren 

betreuten Familiensystemen ein großes 

Thema. Wir versuchen, durch unsere verschiedenen 

Projekte einen Ort des Austausches und 

der Gemeinschaft zu schaffen. Durch unsere 

Sonnenkinder-Camps zum Beispiel bietet 

nestwärme Österreich gemeinsam mit unseren 

Kooperationspartnern eine kostenfreie Kinderbetreuung 

an, in der Kinder österreichweit 

in anregender und liebevoller Umgebung gut 

versorgt, gut verköstigt und vor allem auch gut 

unterhalten werden! Wir möchten Familien in 

harten Zeiten landesweit unter die Arme greifen 

und deren Kindern eine kostenlose Teilnahme 

an den Camps ermöglichen. Kulturvergnügen 

ist in Tagen rund um Inflation und die Nachwehen 

der Corona-Zeit bedauerlicherweise 

für viele Menschen in Österreich ebenfalls 

keine Selbstverständlichkeit mehr. Obgleich 

der Anspruch auf Kultur, Spiel und Kunst als 

eigenständiges Recht im Kanon der UNICEF- 

Kinderrechte verankert ist, mangelt es an 

Möglichkeiten kostenloser Kulturangebote. 

Besonders trifft dies unsere betreuten Familien, 

die durch Krisensituationen sowieso im gesellschaftlichen 

Abseits stehen. Die Theatertanten 

sind eine Aktion unseres Vereins, die es Familien 

mit kranken, schwerkranken und behinderten 

Kindern/Angehörigen, Familien in finanzieller 

Not sowie Alleinerziehenden möglich 

64 


Abgeschminkt 

Bedürfnisse jedes Einzelnen ständig miteinander 

interagieren. 

Eine Kultur-Aktion für Familien 

blimu: Sie sind ja nicht nur einfach »helfende 

Hand«, sondern tatsächlich auch im Vorstand – 

und das alles neben den vielen Engagements auf 

der Bühne. Was an der Arbeit erfüllt Sie so sehr, 

dass es all den Stress, der durch die Doppelbelastung 

entsteht, wert ist? 

Kostenfreies Theatervergnügen für 

Kinder und deren Angehörige in Österreich 

Termine und Infos unter: 

www.nestwaerme-oesterreich.at 

macht, gemeinsam einen Theaterbesuch zu 

erleben – und das kostenlos! Parallel bieten wir 

Resilienz-Kurse und Workshops an, bei denen 

ein besonderes Augenmerk auf die Förderung 

der Selbstfürsorge unserer Teilnehmer:innen 

gelegt wird. 

Gut für sich selbst zu sorgen ist ein wichtiges 

Thema der Resilienz. Nur wenn wir ein 

Bewusstsein für unsere eigenen Bedürfnisse entwickeln, 

sind wir in der Lage, auch ein Verständnis 

für die Bedürfnisse von anderen Menschen 

zu entwickeln – und das ist wichtig, weil die 

BO: Ich glaube, ein wichtiger Punkt ist, dass 

es für mich keine Belastung ist, sondern eine 

Bereicherung und ein Privileg. Natürlich gehört 

dazu an erster Stelle ein großartiges Team. 

Rund um Stefan Konrad und mich sind das 

Magdalena Hartl, Suzana Galic, Irene Hruska, 

Gernot Ottowitz sowie das nestwärme-Team aus 

Deutschland, die die gleichen Ziele verfolgen. 

Dadurch lässt sich meine Arbeit auf der Bühne 

und die Vereinsarbeit gut vereinbaren. Ich bin 

sehr dankbar und glücklich, dass uns dieses Vertrauen 

entgegengebracht wird und unser Verein 

in Österreich auch durch mein Darstellerinnen- 

Leben Sichtbarkeit erhält. 

Wir befinden uns gerade in der Planung für 

das Jahr 2024 und ich freue mich sehr auf alle 

neuen Herausforderungen und Begegnungen. 

Ich persönlich empfinde es nicht als selbstverständlich, 

in einem Land zu leben, in dem zum 

Beispiel kein Krieg herrscht oder ich gesund 

und im Wohlstand leben darf. Die Möglichkeit, 

mein Umfeld mitzugestalten und gegebenenfalls 

etwas zu verbessern und ebenfalls auf 

Missstände aufmerksam zu machen, sind für 

mich Grundbausteine eines solidarischen und 

inklusiven Miteinanders. Ich lerne jeden Tag 

neue Dinge, sei es im administrativen Bereich, 

der Organisation gemeinsam mit unserem Team 

nestwärme Grätzlzeichenkurs 


und natürlich auch mit den vielen Menschen, 

die ich ohne nestwärme nie kennengelernt hätte. 

Manchmal sind die Tage stressig, aber gerade 

durch die vielen Vernetzungen im Theaterleben 

öffnen sich so viele Türen, es gibt viele helfende 

Künstlerhände und Kooperationen, die die 

Arbeit im Verein erleichtern. Das ist für mich 

ein ganz großes Plus in der Vereinsarbeit. 

blimu: Können Sie sich erinnern, was in all den 

Jahren der berührendste Moment in Ihrer Tätigkeit 

war? 

BO: Es gab so viele Momente, die sehr 

berührend waren. Wir werden mit vielen 

Schicksalen konfrontiert, angefangen bei den 

nestwärme Grätzlzeichenkurs 



Abgeschminkt 

Stefan Konrad, Magdalena Hartl, Felix Martin, 

Barbara Obermeier bei der Klimmzug-Aktion 


Sonnenkinder-Camps, einem Vater zum Beispiel, 

der seine Frau bei einem Autounfall verloren hat 

und mit seiner Tochter den Kontakt zu unserem 

Verein gesucht hat. Wir freuen uns, seitdem mit 

ihm bei unseren Aktionen im stetigen Austausch 

zu sein, er hilft uns immer bei anstehenden Aktionen, 

genauso wie eine Kollegin, die selbst einen 

schweren gesundheitlichen Schicksalsschlag 

erlitten hat, und auch sie kämpft sich beeindruckend 

ins Leben zurück und freut sich über jeden 

Moment in der nestwärme-Gemeinschaft. Es sind 

die kleinen Momente, die mich zutiefst berühren, 

die Gespräche mit einer älteren Frau zum Beispiel, 

die bei einem unserer Grätzlzeichenkurse 

vorbeiging und sofort von zuhause noch Papier 

und Stifte geholt hat, um sich zu uns zu setzen. 

Sie erzählte über ihre Einsamkeit im Alltag und 

wie schön für sie das gemeinsame Sitzen und 

Zeichnen sei. Ein kleines Wort und ein offenes 

Ohr können so viel bewirken, umso mehr schätze 

ich die große Unterstützung und Präsenz unserer 

vielen Musical-Kolleg:innen, die uns immer tatkräftig 

bei nestwärme Österreich unterstützen. 

Die vielen Stunden des gemeinsamen Gestaltens, 

Umsetzens und Erlebens sind für uns ganz 

besondere Momente. 

blimu: Wie können Ihnen Menschen, die jetzt 

darauf aufmerksam geworden sind und unterstützen 

möchten, am besten helfen? 

BO: Im sozialen Engagement gibt es viele 

Wege, um zu helfen. Wir sehen uns mit unseren 

Vereinsthemen weniger als Konkurrenzangebot 

zu vielen großartigen Vereinen in Österreich, 

sondern als Ergänzung. 

Häufig kommt es vor, dass Menschen, die 

bereits in einem Krankenhaus, Hospiz oder 

Verein betreut werden, zusätzlich zu dieser 

Einrichtung unsere Angebote annehmen, weil 

diese eher unterhaltsamer oder sozialer Natur 

sind. Wir freuen uns immer über aktive Mithelfer 

bei Aktionen, vor Ort oder auch über ein 

Sponsoring oder einer Kooperation bei unseren 

Angeboten im Bereich Sonnenkinder-Camps, 

Theatertanten oder Fundraising. Diesbezüglich 

kann man uns gerne über unsere E-Mail- 

Adresse office@nestwaerme.org erreichen. 

Da wir ein durch Spenden finanzierter Verein 

sind, freuen wir uns über jeden Euro, der uns 

erreicht. In der Vergangenheit wurde unser Verein 

durch Charity-Konzerte oder verschiedene 

Spendensammlungen von einzelnen Theatern, 

Ensembles oder auch Fanclubs unterstützt. 

Wenn man als Privatperson, Schule, Verein 

oder Unternehmen Lust hat, selbst aktiv zu 

werden und mit einer Aktion Spenden für 

nestwärme sammeln möchte, dann freuen wir 

uns sehr über ein Engagement und stehen gerne 

beratend zur Seite. 

Das Interview führte Sabine Haydn 

Barbara Obermeier beim Kultursommer auf der Strudelhofstiege 


Barbara Obermeier spielt und spielte bereits 

zahlreiche Hauptrollen auf allen großen Bühnen 

im deutschsprachigen Raum, u. a. Sarah (»Tanz 

der Vampire«), Elle Woods (»Natürlich blond«), 

Maria Magdalena (»Jesus Christ Superstar«) und 

Grizabella (»Cats«), Lisa Carew (»Jekyll & Hyde«) 

sowie Éponine / Fantine (»Les Misérables«) 

Foto: Klara Leschanz 

Informationen nestwärme Österreich unter: 

www.nestwaerme-oesterreich.at 

Spenden: 

Hier können Sie uns finanziell unterstützen: 

ERSTE BANK 

IBAN: AT24 2011 1841 9845 1601 

BIC: GIBAATWWXXX 

Kontakt: 

So können Sie direkten Kontakt mit uns 

aufnehmen: 

E-Mail: office@nestwaerme.org 

nestwärme Österreich – das InklusionsNetzwerk 

für Familien 

Mölker Gasse 3/4 – AT-1080 Wien 

Tel 0043 6602400098 

Österreich 

VBW-Benefiz-Konzert »Gemeinsam für 

Kinder in Not« zu Gunsten von nestwärme 

im Januar 2023 

Foto: Katharina Schiffl 

66 



Unterwegs mit einem jüdischen Rotkäppchen 

»Red Riding Hood and The Big Bad Pig« am JW3 in London 

Wolf (Lauren Silver) und Red (Gemma Barnett) in der 

klassischen Pantomimeszene, in der sie im Wald dem 

Gespenst begegnen 

Zur Weihnachtszeit sind die meisten Theater in Großbritannien 

bis zum letzten Platz gefüllt, wenn »Pantomimes«, 

kurz Panto (siehe blimu 06/12), gezeigt werden. Es sind 

Familienshows, die klassische Märchen wie »Cinderella« oder 

»Schneewittchen« mit Musik, Tanz, Gags und Slapsticknummern 

jedes Jahr schwungvoll neu erzählen. Sie haben ihre 

Wurzeln in der italienischen Commedia dell’arte mit ihrem 

festen Satz Figurentypen. Dies gekreuzt mit einer Varietéshow 

der britischen Music Halls im 19. Jahrhundert bildet grob ein 

Pantomime. Es ist ein Genre für sich und für Kinder ist es dort 

oftmals das erste Theatererlebnis. 

Im Kulturzentrum JW3 in London ist nun dieses beliebte 

Stück Kultur ins jüdische Milieu eingebettet. Das Ergebnis ist 

eine grandiose, clevere und warmherzige Unterhaltung, bei 

der man sich wundert, warum nicht früher jemand auf diese 

Idee gekommen ist. 

Autor und Theatermacher Nick Cassenbaum verfasste 

»Red Riding Hood and the Big Bad Pig« (»Rotkäppchen 

und das große böse Schwein«). Das Lichterfest Chanukka 

steht an, aber die Feierlichkeiten sind wegen der gestiegenen 

Energiepreise in Gefahr. Zudem verschwinden auf mysteriöse 

Weise jüdische Großmütter. Rotkäppchen, hier Red (Gemma 

Barnett), möchte Wissenschaftlerin werden und macht sich 

auf die Suche nach Energiequellen, um Chanukka zu retten. 

Gleichzeitig sorgt sie sich um ihre Großmutter (Tiago 

Fonseca). Reds Mutter Mother Hoodman (Debbie Chazen) 

hat sich dagegen mit ihrer eigenen Mutter verkracht, was auch 

die Beziehung zu ihrer Tochter strapaziert. 

Bezüglich des Verbleibs der Großmütter: Ein Wolf (Lauren 

Silver) frisst sie, damit er genug Kraft für seine Puste hat. Diese 

liefert er an die Energiemaschine des großen, bösen Schweins 

(Josh Glanc), das ihn zum Untertan gemacht hat. Das Schwein 

verkauft dann die Energie an die Bewohner der Stadt. 

Neben dem Chanukka-Fest durchziehen jüdische Einflüsse 

die Show auf mehreren Ebenen. Da sind die Figuren: 

die emanzipierte, intelligente Tochter, die umsorgende Mutter 

und die patente Großmutter. Amüsant ist natürlich, ein 

Schwein als Bösewicht zu haben, da Schweinefleisch in der 

jüdischen Religion tabu ist. 

Das böse Schwein (Josh Glanc) und Mother Hoodman 

(Debbie Chazen) vor der Energiemaschine in 

seinem Haus 

Besonderen Spaß machen die Szenen mit der Großmutter, 

eine drahtige, fitte alte Dame, die den Wolf mit List und 

wenigen Handgriffen an den Stuhl fesselt, bevor sie sich auf 

den Weg macht, um dem Schwein ebenfalls das Handwerk 

zu legen. Die Großmutter von einem Mann spielen zu lassen, 

d. h. Geschlechterrollen zu tauschen, gehört fest zum Konzept 

eines Pantomimes. 

Bezeichnend ist auch die Szene, in der Red ihr Körbchen 

packt, um sicher durch den Wald zu kommen und nach ihrer 

Oma zu sehen. Eingepackt werden ein Chanukkaleuchter, um 

im dunklen Wald Licht zu haben, Latkes, also traditionelle 

jiddische Kartoffelpuffer, und etwas »Geld«, das zu Chanukka 

in Form von Schokoladentalern verschenkt wird. Alles kommt 

zur Nutzung, wobei die Latkes eine besondere Kraft haben. 

Eine magische Zutat der Oma lässt Kindheitserinnerungen an 

Chanukka wach werden, die fies gesinnten Figuren wieder ein 

warmherziges Gemüt verleihen. 

Zur gewitzten Handlung kommt die beschwingte Musik. 

Sie besteht teils aus live gespieltem flotten Klezmer (musikalische 

Leitung Josh Middleton) und teils aus bekannten Songs 

(natürlich jüdischer Künstler), denen mitunter neue Texte 

verpasst wurden. Ein Highlight ist Barbra Streisands ›Don’t 

Rain on My Parade‹, das Red singend hinausposaunt, als sie 

ihre Ambitionen als angehende Wissenschaftlerin zum Ausdruck 

bringt und ihre Mutter ihr einen Dämpfer verpasst, da 

sie als jüdische Mama ihre Tochter lieber mit einem Arzt oder 

Anwalt verheiratet sähe. Einen speziellen jüdischen Touch liefern 

der jiddische Klassiker ›Chiribim Chiribom‹ von 1965 der 

»The Barry Sisters« sowie traditionelle Chanukkalieder. 

Abi Andersons Inszenierung mit einer erstklassigen 

Besetzung bietet eine hervorragende Show, inklusive 

Lucie Pankhursts Choreographie und Becky-Dee Trevenens 

Ausstattung, die den typischen Panto-Stil mit einer 

Mischung aus Improvisation und Glamour aufgreift. Man 

ist schon gespannt aufs nächste Jahr und wünscht sich, 

dass das jüdische Pantomime nun auch zur Tradition wird. 


Red (Gemma Barnett) im Wald auf 

dem Weg zu ihrer Großmutter 

Fotos (3): Jane Hobson 

Red Riding Hood and 

The Big Bad Pig 

Diverse / Josh Middleton / 

Nick Cassenbaum 

Plotnek Productions 

JW3 London 


Direction ....................... Abi Anderson 

Musical Direction ....... Josh Middleton 

Choreographie ........... Lucie Pankhurst 

Design ................ Becky-Dee Trevenen 

Red ................................ Gemma Barnett 

Mother Hoodman .......... Debbie Chazen 

Pig ......................................... Josh Glanc 

Wolf ................................... Lauren Silver 

Bubbah ............................. Tiago Fonseca 

The Bailiff ........................... Yael Elisheva 

Ratticus the Rat Cab Driver ..................... 

........................................... Tracy Bargate 


67


Tatsächlich bereit für die Nahaufnahme 

»Sunset Boulevard« völlig neu inszeniert in Londons Savoy Theatre 

Norma (Nicole Scherzinger, Mitte) als Keil zwischen 

der jungen Liebe von Betty (Grace Hodgett 

Young, l.) und Joe (Tom Francis, r.) 

Foto: Marc Brenner 

Sunset Boulevard 

Andrew Llyod Webber / Don Black / 

Christopher Hampton 

Savoy Theatre London 


Direction .......................... Jamie Lloyd 

Musical Direction & 

Music Supervision ....... .Alan Williams 

Choreography ................ Fabian Aloise 

Fight Direction ................. Kate Waters 

Set & Costume Design .... Soutra Gilmour 

Lighting Design .............. Jack Knowles 

Video Design .............. Nathan Amzi & 

Joe Ransom 

Sound Design ................. Adam Fisher 

Norma Desmond ... Nicole Scherzinger / 

Rachel Tucker 

Joe Gillis ............................. Tom Francis 

Betty Schaefer ..... Grace Hodgett Young 

Max von Mayerling ........ David Thaxton 

Lisa .......................... Georgia Bradshaw 

Young Norma ........................................ 

...................... Hannah Yun Chamberlain 

Camera Operator ............... Jordan Cork 

Camera Operator ... Catherine Cornwall 

Sheldrake ............................. Tyler Davis 

Dorothy.................... Kamilla Fernandes 

Artie ............................. Ahmed Hamad 

Myron / Jones ........................... Carl Au 

Catherine ....................... Laura Harrison 

Joanna / Guard ........ Charlotte Jaconelli 

Nancy ..................... Olivia-Faith Kamau 

John .............................. Luke Latchman 

Mary / Heather ................. Emma Lloyd 

Jean ............................... Mireia Mambo 

Camera Operator .... Shayna McPherson 

Sammy ............................ Gregor Milne 

Finance Man / Frank ..... Kody Mortimer 

Finance Man / Cecil B. DeMille ............ 

............................................. Jon Tsouras 

Morino / Hog-Eye ....... Charlie Waddell 


Lara Denning, Michael Lin, 

Jon Reynolds, Kirsty Anne Shaw, 

Harrison Wilde, Lillie-Pearl Wildman 

Keine große Treppe, keine Villa, keine prächtigen 

Kostüme – alle, die die originale Produktion lieben 

und genau das wieder erwartet haben, werden vermutlich 

enttäuscht sein. Alle, die aber bereit sind, sich auf 

eine moderne, mutige Neuinterpretation einzulassen, 

werden begeistert sein. 

»Sunset Boulevard« gilt allgemein nicht als das 

beste Stück von Andrew Lloyd Webber, aber wenn 

man es wirklich herunterbricht auf Musik und Text, 

wie es hier vom Regisseur Jamie Llyod gemacht wurde, 

merkt man, wie stark das Grundgerüst ist. Dieses ist 

angelehnt an eine griechische Tragödie, bei der es auch 

unausweichlich auf das tragische Ende hinausläuft – 

und in dieser Inszenierung wurde diese Unausweichlichkeit 

intensiviert. Ohne das Stück in die Jetztzeit zu 

transferieren hat der Regisseur es dennoch verjüngt und 

somit den Zuschauern angepasst. Ein Beispiel hierfür: 

Alle Charaktere, die auf damaligen Geschehnissen 

basieren, wie z. B. Charles Lindbergh, werden bis auf 

zwei Ausnahmen (Max von Mayerling und Cecil B. 

DeMille), nicht mehr erwähnt. Zudem wurden die 

Szenen ›Die Rechnung zahlt die Dame‹ sowie ›Ein bisschen 

Leiden‹ gestrichen. Interessanterweise vermisst 

man diese Szenen in dieser Inszenierung nicht. Es gibt 

auch nahezu keine Requisiten, viele Sachen basieren 

und passieren tatsächlich nur auf und in der Fantasie 

der Zuschauer. Für eingefleischte »Sunset«-Fans ist so 

eine Interpretation sehr spannend, für Menschen, die 

allerdings das Stück zum allerersten Mal sehen, kann 

das zu herausfordernd sein. Dies ist ein Kritikpunkt, 

der durchaus auch in den Fachmedien Englands 

immer wieder genannt wird und nachvollziehbar ist. 

Das neu inszenierte Finale lässt den Puls höherschlagen, 

hier gibt es eine markante Veränderung, wie sie 

auch vorab schon an vielen Textstellen erkennbar 

ist. Als Rolle verändert hat sich auch Betty Schaefer. 

Anders als es das klassische Frauenverständnis der 

50er Jahre hergibt, ist diese nun eine echt taffe junge 

Frau, die Joe mit großer Vehemenz begegnet und das 

klare Ziel ihres ersten eigenen Drehbuchs verfolgt. 

Gänzlich neu interpretiert wurde von Alan Williams 

auch das Underscoring. Dies ist ein absolutes Highlight 

für jeden, der die Musik mag, und man kann 

nur hoffen, dass es noch einmal eine CD-Aufnahme 

der kompletten Show geben wird, damit diese teils 

grandios neu interpretierten Songzitate auch zuhause 

genossen werden können. 

Zur Einzigartigkeit dieser Inszenierung trägt auch 

der Einsatz der Kameras bei. Die Bilder werden auf 

eine bühnengroße, bewegliche Leinwand projiziert, 

so dass echte Nahaufnahmen entstehen können. Die 

Kameraleute sind alles Ensemblemitglieder, so dass sie 

nie wie Fremdkörper wirken, sondern aus der Kombination 

von Bühnengeschehen und Projektionen ein 

einmaliges Seherlebnis entsteht. Die Kameraführung 

lässt auch einen gänzlich neu entstehenden Eindruck 

der Anfangsszene des zweiten Aktes zu: Joe befindet 

sich hier nicht auf der Bühne, sondern wird von den 

Kameraleuten noch in seiner Garderobe / auf dem 

Weg zur Bühne, auch durch die Garderobe von Norma 

gehend, gefilmt. Hierdurch bildet sich fast eine ganz 

neue Metaebene, in der Joe nicht einfach nur den Song 

singt, sondern weit mehr die Rolle eines Kommentators 

einnimmt. In dieser Szene werden dann auch 

Bezüge zu den »alten« Inszenierungen aufgebaut, hier 

sieht man einen Affen, den es hier vorher nie auf der 

Bühne gab, hier erwähnt Norma via Schreiben mit 

Lippenschrift »Mad about the boy«, selbst eine Pappfigur 

von Andrew Lloyd Webber kommt vor. Der Darsteller 

geht auch tatsächlich aus dem Theater hinaus, 

geht einmal um das Theater herum und kommt erst zu 

den letzten Takten des Songs wieder herein und singt 

tatsächlich nur noch die letzte Liedzeile auf der Bühne. 

Der stärkste Moment dieser Kamera ist allerdings ein 

68 



anderer: Es gibt hier, wie schon in der letzten Version 

mit Glenn Close, auch eine junge Norma Desmond. 

Mit einem Kameratrick werden einmal die beiden 

Gesichter auf der Bühne überblendet, so dass aus der 

jungen Norma die alte Norma sowie umgekehrt wird. 

Dieser Moment ist ausgesprochen intensiv und bleibt 

noch lange im Gedächtnis. 

Jamie Lloyd hat die ganze Show mit Nicole Scherzinger 

im Hinterkopf inszeniert. Diese ist tatsächlich 

ein Star mit einem ausgeprägten Charisma und wenn 

so jemand die Rolle der Norma Desmond spielt, ist 

es noch mal ein ganz anderes Erlebnis. Sie hat eine 

bekanntermaßen fantastische Stimme mit wunderschöner 

Klangfarbe, den meisten dürfte aber bisher 

unbekannt sein, welch großes Schauspieltalent sie 

auch auf die Bühne mitbringt. In einem Interview 

erwähnt sie, dass Lloyd sie während der Probenzeit 

immer ermutigt hat, auch schauspielerisch noch mehr 

Selbstvertrauen zu haben, noch kompromissloser zu 

sein – am Ende des Abends kann man ganz klar das 

Fazit ziehen, dass sie dies getan hat und es sich absolut 

auszahlt. Persönliche Geschmackssache ist ihr übertriebenes 

Spiel mit der Kamera, was Rachel Tucker als 

Norma Desmond weniger auslebt. Während Scherzinger 

in typische Instagram-Posen geht, bleibt Tucker 

weit normaler. Tucker hat eine vermutlich noch stärkere 

Grundstimme als Scherzinger, dadurch gelingt 

ihr die Partitur fast noch spielerischer. Mit ihrem sehr 

überzeugenden Schauspiel als Bühnendarstellerin 

gleicht sie das vielleicht etwas fehlende Starappeal aus, 

welches Scherzinger als Weltstar mit sich bringt. Beide 

Besetzungen sprechen für sich und sind gleichermaßen 

lohnend. 

Tom Francis als Joe Gillis wirkt wie ein moderner 

junger Mann von heute, seine Stimmfarbe ist eher 

im Rock-/Popbereich beheimatet, passt aber sehr gut 

in diese Form der Inszenierung. David Thaxton als 

Max von Mayerling hat bereits eine lange West-End- 

Karriere mit namhaften Stücken in seinem Lebenslauf. 

Gesanglich liefert er eine super Show, sein Max hat 

auch keinen, wie sonst gern im angloamerikanischen 

Raum angelegt, übertriebenen deutschen Akzent. 

Insbesondere ›The Greatest Star of All‹ war ein echtes 

Highlight des Abends. Für Grace Hodgett Young ist 

Betty Schaefer die erste Rolle im West End, mit der sie 

es auch dank des Transfers verdient an den Broadway 

schaffen wird. 

Das Bühnenbild und die Kostüme von Soutra 

Gilmour sind sehr schlicht gehalten. Alles ist schwarzweiß 

und modern, durch das Lichtdesign von Jack 

Knowles wirkt es aber dennoch alles andere als einfach. 

Die Veränderungen der Szenen werden so tatsächlich 

meisterhaft gezeigt, das starke Zusammenspiel von 

Szene, Darstellern und Licht ist tatsächlich einzigartig. 

Es gibt in Summe sehr viel mehr Bewegungen auf 

der Bühne als in den anderen Inszenierungen, sehr 

moderne Bewegungsabläufe werden äußerst kraftvoll 

umgesetzt. Auch Norma tanzt tatsächlich beeindruckend. 

Fabian Aloise hat als Choreograph wirklich 

hoch ästhetische und ausdrucksstarke Arbeit geleistet, 

die sich nahtlos in das intensiv ausgearbeitete Gesamtkonzept 

einfügt. 

Zusammenfassend funktioniert diese Inszenierung 

sicherlich so gut, weil alle Gewerke so hervorragend 

miteinander kombiniert wurden und harmonieren. 

Dadurch entstehen Momente, in denen man wirklich 

im Publikum sitzt und nur noch »Wow« denken kann. 

Auch wenn es ganz sicherlich insbesondere für Kenner 

der Show ein überaus intensives Erlebnis ist, lässt sich 

doch für jeden sagen, dass das, was an diesem Abend 

im Theater passiert, in der Musicalwelt einzigartig ist. 

Henning Lang & Sabine Haydn 

Abb. oben: 

Ein wahrhafter Star – Norma 

Desmond (Nicole Scherzinger) 

kann auch, aber nicht nur mit ›Nur 

ein(em) Blick‹ überzeugen 


1. Im Ensemble ausgesprochen gut 

eingearbeitet sind die Kameramenschen, 

die mit der Technik eine 

einzigartige Atmosphäre schaffen 

2. Norma Desmond (Nicole 

Scherzinger, l.) verführt Joe (Tom 

Francis, r.) mit Geld und dem 

Glamour eines Stars 

3. Betty Schaefer (Grace Hodgett 

Young) und Joe (Tom Francis) 

kommen sich näher 

4. Im gelungenen Spiel mit den 

Nahaufnahmen stehen hier die 

Gefühlsregungen von Max von 

Mayerling (David Thaxton) im 

Mittelpunkt 

Fotos (5): Marc Brenner 


69


Die Geschichte kultureller Authentizität 

Uraufführung von »Buena Vista Social Club« Off-Broadway 

Young Compay (Jared Machado) und Ensemble 

Foto: Ahron R. Foster 

Buena Vista Social Club 

»Buena Vista Social Club« / 

Marco Ramirez 

Atlantic Theatre New York 


Direction .......................... Saheem Ali 

Music Direction ............ Marco Paguia 

Music Supervision ..... Dean Sharenow 

Music Team Led ............ David Yazbek 

Choreography ....... Patricia Delgado & 

Justin Peck 

Scenic Design ...... Arnulfo Maldonado 

Costume Design ............... Dede Ayite 

Wigs, Hair & Make-up .... J. Jared Janas 

Lighting Design ........... Tyler Micoleau 

Sound Design ............ Jonathan Deans 

Eliades ......................... Renesito Avich 

Omara ............ Natalie Venetia Belcon 

Young Omara .............. Kenya Browne 

Young Haydee ....... Danaya Esperanza 

Rubén González .................................... 

......................... Jainardo Batista Sterling 

Young Rubén ............ Leonardo Reyna 

Ibrahim Ferrer ..................... Mel Semé 

Young Ibrahim .............. Olly Sholotan 

Juan De Marcos ................... Luis Vega 

Compay Segundo ............ Julio Monge 

Young Compay ........... Jared Machado 

In weiteren Rollen 

Skizzo Arnedillo, Angélica Beliard, 

Carlos Falú, Francisco J. González, 

Héctor Juan Maisonet, Ilda Mason, 

Marielys Molina, Justin Showell, 

Nancy Ticotin 

Es gibt wenige Musikarten, die so emotional sind 

und zur Bewegung mitreißen wie kubanische 

Musik und Songs. Ihr euphorischer Effekt, der 

die Seele fliegen und den Körper sich bewegen 

lässt, wurde in dem neuen Musical »Buena Vista 

Social Club« wunderbar eingefangen. Dieses spielt 

am Off-Broadway im Atlantic Theatre im West- 

Chelsea-Bezirk von Manhattan. Basierend auf 

dem Hit-Album von 1997 mit demselben Titel 

und dem Dokumentarfilm von Wim Wenders 

(1999) über die älteren Musiker, die diese Musik 

spielten, ist die Show nicht nur eine musikalische 

Revue: Das Buch des kubanischen Amerikaners 

Marco Ramirez ist eine Geschichte von kultureller 

Authentizität und der Unüberwindlichkeit des 

kreativen Geistes. 

Ramirez konstruiert ein cleveres Spiel mit der 

Erinnerung, das zwischen den Aufnahmesitzungen 

von 1996 und 1956 hin und her springt, dem 

letzten Jahr des im Abstieg begriffenen Regimes 

von Fulgencio Batista und dem Beginn der kommunistischen 

Revolution unter Fidel Castro. Die 

Ereignisse werden im Wesentlichen durch die 

fiktionalisierten Erfahrungen einer der Originalsängerinnen 

des Albums, Omara Portuondo (herausragend: 

Natalie Venetia Belcon), erzählt. In den 

Szenen, die in den 1950er Jahren spielen, treten 

sie (die jüngere Omara wird von Kenya Browne 

dargestellt) und ihre Schwester Haydee (Danaya 

Esperanza) als lebensfrohes und talentiertes Duo 

mit kommerziellen Nummern im El Tropicana 

Hotel auf, das sich im Wesentlichen an amerikanische 

Touristen wendet. Omara ist unzufrieden 

mit den künstlerischen Beschränkungen, die ihr 

der Veranstalter auferlegt, und sucht sich Gleichgesinnte 

in einem anderen Stadtviertel im Buena 

Vista Club, wo Künstler aller Rassen auftreten: 

Ibrahim Ferrer (Mel Semé), Gitarrist und Sänger 

Compay Segundo (Julio Monge) und Pianist 

Rubén González (Jainardo Batista Sterling). Ihre 

jüngeren Ichs in den 50ern werden von Olly Sholotan, 

Jared Machado und Leonardo Reyna gespielt. 

Die älteren Bandmitglieder treffen 1996 wieder 

zusammen, um »music from the old days« (Musik 

aus den guten alten Zeiten) aufzunehmen – das 

resultierende Album wird allgemein dafür verantwortlich 

gemacht, dass die kubanische Musik 

endlich die ihr zustehende Anerkennung bekam. 

Durch die Jahrzehnte sah Omara Liebhaber 

kommen und gehen und Träume entstehen und 

vergehen. Die Beziehung zwischen ihr und ihrer 

Schwester Haydee wurde für immer zerstört. 

Omara, hart geworden durch persönliche Schicksalsschläge 

und künstlerische Krisen (und generell 

mit einem schwierigen künstlerischen Temperament 

ausgestattet) kommt nicht über die Entfremdung 

von ihrer Schwester hinweg, die nach der 

Machtergreifung Castros aus Kuba floh. 

Die Leidenschaften der kubanischen Musikstile 

Son, Boleros und Guajiras passen perfekt zur 

Handlung. Charaktere, Handlung, Musik und 

Tanz (darüber später mehr) werden ausbalanciert 

70 



von Regisseur Saheem Ali, der das ganze Projekt 

auch entwickelte. David Yazbek, der den Tony- 

Award-Gewinner »The Band’s Visit« inszenierte 

(was ebenfalls am Atlantic Theatre am Off- 

Broadway seine Uraufführung feierte), fungierte 

als künstlerischer Berater; die Ähnlichkeiten im 

künstlerischen Ansatz beider Produktionen sind 

offensichtlich. 

Ein Einheitsbühnenbild von Arnulfo Maldonado, 

dessen Ausstattung für die Produktion 

»Strange Loop« ebenfalls mit dem Tony Award 

ausgezeichnet wurde, ist inspiriert von einer verfallenden 

Fassade mit Balkonen im spanischen 

Kolonialstil; der Bühnenraum davor dient als 

Aufnahmestudio und als Buena Vista Club. 

Eine spektakuläre Band mit elf Mitgliedern (alle 

Latinos/as) spielen fünfzehn kubanische Songs, 

darunter einige aus dem berühmten Album von 

1997. Es gibt jede Menge Möglichkeiten für die 

Instrumentalsolisten, sich hervorzutun, was der 

Flötist Hery Paz am besten für sich nutzt (und die 

kontrollsüchtige Omara zu dem Stoßseufzer »Wer 

hat nur die Flöte in die kubanische Musik eingebaut?« 

veranlasst). 

Das überraschende Element in »Buena Vista 

Social Club« ist der Tanz, choreographiert von 

der kubanischen Amerikanerin Patricia Delgado, 

die Primaballerina am Miami City Ballet war, und 

ihrem Mann Justin Peck, der die Choreographie 

für Steven Spielbergs Remake-Film von »West 

Side Story« schuf und der einen Tony Award für 

seine Choreographie für das Revival von Rodgers’ 

und Hammersteins »Carousel« (2018) gewann. 

Die Choreographie, mit Elementen aus Ballett, 

Jazz, Calypso und Tango, wird atemberaubend 

von sechs Tänzern ausgeführt. Sie passt nicht nur 

hervorragend zu der Leidenschaft der kubanischen 

Musik, sondern ist auch erstaunlich athletisch, 

besonders in Anbetracht der relativ begrenzten 

Bühne des Atlantic Theatre. 

Omaras Leben ist voller Pathos; schlussendlich 

ist »Buena Vista Social Club« eine fröhliche Feier 

der universellen Kraft der Musik sowohl in der 

allgemein menschlichen Erfahrung als auch der 

kulturellen Identifikation. Hoffen wir, dass es an 

den Broadway kommt und dort ein größeres Publikum 

findet. 

Dan Dwyer 

Dt. v. Merit Murray 

Abb. unten von oben: 

1. Omara (Natalie Venetia Belcon, 

l.) und Compay Segundo (Julio 

Monge, r.) 

2. Omara (Natalie Veneta Belcon, l.) 

mit ihrem jüngeren Ich (Kenya 

Browne) 

3. (v.l.): Young Compay (Jared 

Machado), Young Omara (Kenya 

Browne) und Young Ibrahim (Olly 

Sholotan) 

4. Das Ensemble von »Buena Vista 

Social Club« 

Fotos (4): Ahron R. Foster 


71

Anno... 1964 

Was war anno… 1964 

Wir schauen zurück in die Musicalgeschichte 

Düsseldorfer Schauspielhaus statt. 

Die Geschichte rund um die Heiratsvermittlerin 

Dolly Levi zählt bis heute zu den Musicals mit 

den meisten Produktionen weltweit. 

»Lady in Paris« – Paul Hörbiger und Zarah Leander 

Foto: brandstaetter images/Votava/Süddeutsche Zeitung Photo 

Die Geschichte des Musicals ist reichhaltig gefüllt, 

jedes Jahr hat seine ganz eigenen Stücke hervorgebracht 

und immer wieder ist man erstaunt, wenn 

man realisiert, wie lange die Uraufführung eines 

Musicals doch her ist. An dieser Stelle möchten wir 

in Zukunft Jahrzehnt für Jahrzehnt durchgehen. 

Da wir in jedem Jahr sechs Ausgaben herausbringen, 

blicken wir daher auf die letzten sechs Jahrzehnte 

zurück. Den Anfang in unserer 01/2024 

macht das Jahr 1964. 

Hello, Dolly! 

16. Januar, St. James Theatre NY 

Jerry Herman (Songtexte und Musik) und 

Michael Stewart (Buch) haben nach der Vorlage 

von Thornton Wilders »The Matchmaker« ein 

Musical der Extraklasse geschaffen. 

Elf Tony-Award-Nominierungen führten zu 

zehn tatsächlich gewonnenen Awards, zusammen 

mit »South Pacific« war dies ein Rekord, der 

37 Jahre lang hielt, bis er von »The Producers« 

mit zwölf Tony Awards übertroffen wurde. Die 

Verfilmung des Musicals mit Barbra Streisand 

1969 wurde für sieben Oscars nominiert und 

gewann davon drei. Das Originalalbum stand 

sieben Wochen auf Nummer 1 der Billboard 

Pop Album Charts und wurde dort von Louis 

Armstrongs Album »Hello, Dolly!« abgelöst. 

Es war das Top-Album des Jahres 1964 und 

gewann auch einen Grammy Award als »Bestes 

Musical Theater Album«, Armstrong bekam 

zwei weitere für seine Version. Es gab inzwischen 

vier Broadway-Revivals, das letzte im Jahr 2017 

mit Bette Midler wurde für zehn Tony Awards 

nominiert und konnte immerhin vier davon mit 

nach Hause nehmen. 

Die Show kam am 2. Dezember ans Drury Lane 

Theatre im Londonder West End und dort auf 

794 Vorstellungen (am Broadway waren es in 

der Originalversion 2.844). Die deutschsprachige 

Erstaufführung in der Übersetzung von 

Robert Gilbert fand am 26. November 1966 im 

Funny Girl 

26. März, Winter Garden Theatre NY 

Das Musical von Jule Styne (Musik), Bob Merrill 

(Texte) und Isobel Lennart (Buch) erzählt von der 

stürmischen Liebe der Komikerin Fanny Brice 

zu Nick Arnstein. Barbra Streisand feierte einen 

großen Erfolg in der Hauptrolle, obwohl der Weg 

des Stücks bis zur Premiere am Broadway durchaus 

schwierig war. 

Ray Stark, der Schwiegersohn von Fanny Brice, 

wollte unbedingt einen Film über Brice machen, 

lehnte aber die Drehbücher von elf Autoren ab, 

bevor Lennart ihres einreichte. Dieses wurde von 

Mary Martin gelesen, die damals als Muse von 

Rodgers & Hammerstein galt und vorschlug, statt 

eines Films ein Musical aus dem Stoff zu machen. 

Stark bot es Stephen Sondheim an, der aber wiederum 

Martin ablehnte, da sie keine Jüdin war. 

Sowohl Martin als auch Sondheim verloren dann 

das Interesse. Bob Fosse, zwischenzeitig als Regisseur 

mit an Bord, konnte ebenfalls nicht langfristig 

gehalten werden. Auf Fosse folgte Garson Kanin als 

Regisseur, doch zwischen ihm und Streisand kam 

es zum Zerwürfnis, nachdem er das Lied ›People‹ 

aus der Show streichen wollte – dieses war allerdings 

schon als Single aufgenommen worden und 

äußerst erfolgreich, so dass auch der Produzent auf 

dem Verbleib im Stück beharrte. Durch die vielen 

Änderungen am Buch und die sehr verhaltenen 

Kritiken während der Tryouts wurde die Premiere 

am Broadway in Summe fünf Mal verschoben. Die 

Show brachte es dort dann aber doch auf respektable 

1.348 Vorstellungen, bekam acht Tony-Award- 

Nominierungen, gewann aber keinen. Streisand 

spielte bis zu ihrer Schwangerschaft die Rolle dann 

auch in London am West End. 

Im Jahr 2015 kam ein Revival des Musicals wieder 

ans West End, allerdings in einer von Harvey Fierstein 

überarbeiteten Version. Die gesamte geplante 

Spielzeit in der Menier Chocolate Factory war 

innerhalb eines Tages ausverkauft und hält bis heute 

den Rekord für die am schnellsten ausverkaufte 

Show dort. 2022 kam es dann auch in dieser Version 

zu einem Broadway Revival. Die deutschsprachige 

Erstaufführung in der Übersetzung von Werner 

Schneyder (Liedtexte) und Liselotte Knob (Buch) 

fand 1972 am Theater der Stadt Essen statt. 1992 

gab es dann eine Überarbeitung der deutschen 

Texte von Heidi Zerning. 

Das Musical wurde erfolgreich 

verfilmt (ebenfalls 

mit Streisand); das Sequel 

»Funny Lady« konnte 

hingegen Zuschauer und 

Kritiker nicht überzeugen. 

72 


Anno... 1964 

Zero Mostel 1964 in »Fiddler on the Roof« 

Foto: Graphic House, New York / gemeinfrei, 

via Wikimedia Commons 

Fiddler on the Roof 

22. September, Imperial Theatre NY 

Der große, noch immer ungebremste Siegeszug 

von »Fiddler on the Roof« (in Deutschland 

unter »Anatevka« bekannt geworden) begann 

offiziell 1964 am Broadway. Jerry Bock (Musik), 

Sheldon Harnick (Liedtexte) und Joseph Stein 

(Buch) schrieben das Musical, welches u. a. auf 

der Geschichte »Tevye and His Daughters« von 

Sholem Aleichem basiert. Sie hätten sich sicher 

niemals vorstellen können, dass die Geschichte des 

Milchmanns in der Stadt Anatevka auch 60 Jahre 

später noch überall und stetig gespielt wird. 

Es gewann neun Tony Awards und war am Broadway 

das erste Stück, welches mehr als 3.000 Shows 

am Stück spielte. Es hielt diesen Rekord für fast 10 

Jahre, bis es dann von »Grease« abgelöst wurde. 

Es gab bisher fünf Broadway Revivals, 1990 dann 

sogar noch einmal einen weiteren Tony Award. 

Noch bevor das Stück nach London kam, feierte 

es 1966 in den Niederlanden europäische Erstaufführung. 

Am 1. Februar 1968 setzte dann der 

Siegeszug auch im deutschsprachigen Raum 

ein – das Stück wurde von Rolf Merz und 

Gerhard Hagen übersetzt und im Hamburger 

Operettenhaus gespielt. 

Aufgrund des großen Erfolgs am Broadway wurde 

es dann 1971 verfilmt, Stein selbst adaptierte 

dafür das Buch. Der Film erhielt acht Oscar- 

Nominierungen, gewann drei davon und war der 

finanziell erfolgreichste Film 1971. 

2019 folgte dann eine Dokumentation: »Fiddler: 

A Miracle of Miracles«. 

Weitere Broadwayshows aus dem Jahre 1964: 

What Makes Sammy Run? 

Ervin Drake (Musik und Liedtexte) 

Budd & Stuart Schulberg (Buch) 

basierend auf Budd Schulbergs gleichnamiger 

Novelle 

Uraufführung 15. Februar, 54th Street Theatre, 

540 gespielte Vorstellungen, eine Tony-Award- 

Nominierung 

Foxy 

Ian McLellan Hunter & Ring Lardner Jr (Buch) 

Johnny Mercer (Liedtexte) 

Robert Emmet Dolan (Musik) 

Uraufführung 16. Februar, Ziegfeld Theatre, 

72 gespielte Vorstellungen, zwei Tony-Award- 

Nominierungen sowie einen erhaltenen Tony 

Award. 

Anyone Can Whistle 

4. April, Majestic Theatre NY 

Stephen Sondheim (Musik und Texte) und Arthur 

Laurents (Buch) schrieben dieses Stück, welches 

wahrlich kein großer Erfolg wurde. Die Satire, 

die den Wahnsinn der Normalen beschreibt, 

wurde nach durchwachsenen Kritiken nach nur 

12 Vorpremieren und neun Vorstellungen wieder 

geschlossen, und dies, obwohl die damals bereits 

bekannte Angela Lansbury hiermit ihr Broadwaymusicaldebüt 

feierte. 

Die deutschsprachige Erstaufführung in der Übersetzung 

von Martin G. Berger fand am 10. Februar 

2012 in der ufaFabrik in Berlin als Hörspiel/ 

Lesung statt. Szenisch umgesetzt wurde es dann 

erstmalig vom Mecklenburgischen Staatstheater 

in Schwerin mit Premiere am 5. April 2022. 

High Spirits 

Hugh Martin & Timothy Gray (Buch, Liedtexte 

und Musik) 

baiserend auf dem Schauspiel »Blithe Spirit« von 

Noël Coward 

Uraufführung 7. April, Alvin Theatre, 375 gespielte 

Vorstellungen, acht Tony-Award-Nominierungen 

Fade Out – Fade In 

Betty Comden & Adolph Green (Buch und 

Liedtexte) 

Jule Styne (Musik) 

Uraufführung 26. Mai, Mark Hellinger Theatre, 

274 gespielte Vorstellungen, eine Tony-Award- 

Nominierung 

Golden Boy 

Clifford Odets & William Gibson (Buch) 

Lee Adams (Liedtexte) 

Charles Strouse (Musik) 

Uraufführung 20. Oktober, Majestic Theatre, 

568 gespielte Vorstellungen, vier Tony-Award- 

Nomierungen 

Ben Franklin in Paris 

Sidney Michaels (Buch und Liedtexte) 

Mark Sandrich Jr & Jerry Herman (Musik) 

Uraufführung 27. Oktober, Lunt-Fontanne 

Theatre, 215 gespielte Vorstellungen 

Something More! 

Sammy Fain (Musik) 

Marilyn & Alan Bergman (Liedtexte) 

Nate Monaster (Buch) 

basierend auf Gerald Greens Novelle »Portofino 

P.T.A.« 

Uraufführung 28. Oktober, Eugene OŃeill 

Theatre, 14 Previews und 15 gespielte Vorstellungen 

Bajour 

Ernest Kinoy (Buch) 

Walter Marks (Musik und Liedtexte) 

basierend auf Kurzgeschichten von Joseph 

Mitchell 

Uraufführung 23. November, Shubert Theatre mit 

Umzug ins Lunt-Fontanne Theatre, 232 gespielte 

Vorstellungen, zwei Tony-Award-Nominierungen 

I Had a Ball 

Jerome Chodorov (Buch) 

Jack Lawrence & Stan Freeman (Musik und 

Liedtexte) 

Premiere 15. Dezember, Martin Beck Theatre, 

199 gespielte Vorstellungen 

Nennenswerte Produktionen im Londoner 

West End: 

Instant Marriage 

Bob Grant (Text) 

Laurie Holloway (Musik) 

Uraufführung 1. August, Piccadilly Theatre, 


Maggie May 

Alun Owen (Buch) 

Lionel Bart (Musik und Liedtexte) 

Uraufführung 22. September, Adelphi Theatre, 

501 gespielte Vorstellungen 

Robert and Elizabeth 

Ronald Millar (Buch und Liedtexte) 

Ron Grainer (Musik) 

Uraufführung 20. Oktober, Lyric Theatre, 948 

gespielte Vorstellungen 

Our Man Crichton 

Herbert Kretzmer (Buch und Liedtexte) 

David Lee (Musik) 

basierend auf J. M. Barries »The Admirable 

Crichton« 

Premiere 22. Dezember, Shaftesbury Theatre, 


Uraufführungen im deutschsprachigen Raum: 

Lady aus Paris 

22. Oktober, Raimund Theater, Wien 

Peter Kreuder (Musik) und Karl Farkas (Texte und 

Buch) orientierten sich an Oscar Wildes »Lady 

Windermeres Fächer«, als sie dieses Musical schrieben. 

Bei der Uraufführung standen ausgesprochen 

namhafte Schauspieler:innen auf der Bühne: Paul 

Hörbiger und Zarah Leander, die in dem Stück 

auch ihre berühmten Lieder ›Die Liebe geht seltsame 

Wege‹ oder ›Ich bin eine Frau mit Vergangenheit‹ 

sang. Die Wiener Inszenierung kam als 

Gastspiel 1965 an das Theater des Westens, Berlin. 


Anno... 1964 

Während die Musicallandschaft im Westen 

Deutschlands noch sehr verhalten war, produzierte 

der Osten eine beachtliche Menge an Musical- 

Uraufführungen, wenngleich die wenigsten davon 

heutzutage noch einen Bekanntheitsgrad haben: 

Seitensprünge 

10. Januar, Landestheater Eisenach 

Rolf Weber-Harnisch (Musik) 

Manfred Hüttner (Pseudonym) (Text) 

Rendezvous am Schwarzen Meer 

26. Januar, Städtische Bühnen Magdeburg 

Joachim Widlak (Musik) 

Günter Kurth (Text) 

Kennen Sie Felix? 

16. Februar, Elbe-Elster-Theater Wittenberg 

Fred Walde (Musik) 

Renate Oeser (Text) 

nach dem Roman »Tür zu, es zieht« von Rudolf 

Bartsch 

Klug war die Lisa 

28. Februar, Theater der Stadt Cottbus 

Rolf Kuhl (Musik) 

Andreas Bauer & Laszlo Nadasi (Text) 

Küssen verboten 

14. März, Volkstheater Rostock 

Manfred Nitschke (Musik) 

Heinz Hall & Hans Peter (Text) 

Die Nacht ist mein Tag 

15. März, Kleist-Theater Frankfurt an der Oder 

Miloš Vacek (Musik) 

Ivo Havlu & Josef Pavec (Texte) 

Deutsche Übersetzung von Edi Weeber-Fried 

Geschichten meiner Frau 

28. März, Landestheater Parchim 

Hans Henkels (Musik) 

Ralph Wiener (Buch) 

Hans Peter (Liedtexte) 

Der Diener zweier Herren 

7. Juni, Theater der Altmark Stendal 

Sven Bokownew (Musik) 

Christian Bleyhoeffer (Buch) 

Piet Drescher (Liedtexte) 

Casanova geht baden 

2. Juli, Landestheater Eisenach 

Rolf Weber-Harnisch (Musik) 

Holger Eckert (Text) 

Mein Freund Bunbury 

2. Oktober, Metropol-Theater Berlin 

Das Musical von Gerd Natschinksi (Musik), 

Jürgen Degenhardt (Liedtexte und Buch) und 

Helmut Bez (Buch) orientiert sich an der Komödie 

»The Importance of Being Earnest« von Oscar 

Wilde. Das Musical wurde 1967 in Kaiserslautern 

zum ersten Mal auch in Westdeutschland gespielt. 

Das erfolgreiche Musical, welches während der 

wilden 1920er Jahre in London spielt, wurde 

1970 sogar mit Rex Gildo verfilmt und wird noch 

heute immer wieder in deutschsprachigen Theatern 

gespielt. Die Originalaufnahme ist heutzutage 

(mittlerweile auf CD) noch erhältlich. 

Der Mann, der Dr. Watson war 

6. Oktober, Friedrichstadt-Palast Berlin 

Gerhard Kneifel (Musik) 

Helmut Bez & Jürgen Degenhardt (Texte) 

Musical kam 1964 auch äußert prominent 

im Kino vor – mit zwei Meilensteinen der 

Filmgeschichte: 

Mary Poppins 

Walt Disney Productions 

27. August 1964 

Bill Walsh & Don DaGradi (Buch) 

Richard M. & Robert B. Sherman (Musik & 

Liedtexte) 

basierend auf den Büchern »Mary Poppins« von 

P. L. Travers 

»Mary Poppins« ist einer der erfolgreichsten Disney-Filme, 

er schaffte es, 13 Oscar-Nominierungen 

zu bekommen (erhalten hat er dann fünf) und hält 

damit den Rekord der meisten Nominierungen aus 

dem Hause Disney. Zudem ist es der einzige Film 

zu Lebzeiten von Walt Disney, der als »Bester 

Film« nominiert wurde. Als kulturell, historisch 

und ästhetisch wichtig wurde er viele Jahre später 

in die »Library of Congress« aufgenommen. 

2013 wurde mit »Saving Mr. Banks« verfilmt, 

wie schwierig der Weg von Walt Disney hin zu 

dem Film war. 2018 erschien dann mit »Mary 

Poppins Returns« der zweite Teil, in dem Dick 

Van Dyke sowie auch Karen Dotrice noch einmal 

zu sehen sind. 

Julie Andrews, die das eigenwillige Kindermädchen 

spielt, war zuerst enttäuscht, weil sie 

eigentlich mit der Rolle der Eliza Doolittle bei 

der Verfilmung von »My Fair Lady« gerechnet 

hatte, welche sie zuvor jahrelang mit Rex Harrison 

an ihrer Seite am Broadway gespielt hatte. 

Eine gewisse Genugtuung dürfte sie dann wohl 

verspürt haben, als Audrey Hepburn bei den 

Oscars nicht einmal eine Nominierung erhielt, 

Andrews hingegen die Auszeichnung mit nach 

Hause nehmen durfte. Walt Disney war von 

ihr so überzeugt, dass er den Drehstart sogar 

Screenshot aus »Mary Poppins« 

Foto: Disney / gemeinfrei via Wikimedia Commons 

verschob, nachdem Andrews bei der Vertragsunterzeichnung 

im dritten Monat schwanger war. 

P. L. Travers war mit der Art, wie Walt Disney 

den Film gestaltete, so unzufrieden, dass 

Cameron Mackintosh bei den Verhandlungen 

rund um das Musical zusichern musste, dass 

nur Autoren aus Großbritannien an dem Werk 

arbeiten würden und niemand aus der Filmproduktion 

direkt involviert sein würde. 

Audrey Hepburn mit Kameramann Harry 

Stradling während der Dreharbeiten zu »My 

Fair Lady« (Warner Bros.) 

Foto: gemeinfrei via Wikimedia Commons 

My Fair Lady 

Warner Bros. Production 

21. Oktober 1964 

Alan Jay Lerner (Buch) 

Frederick Loewe (Musik) 

basierend auf dem gleichnamigen Musical 

»My Fair Lady« wurde am 15. März 1956 im Mark 

Hellinger Theatre am Broadway uraufgeführt, Julie 

Andrews spielte Eliza Doolittle, Rex Harrison war als 

Henry Higgins an ihrer Seite. Das Musical, welches 

Lerner und Loewe basierend auf George Bernard 

Shaws Schauspiel »Pygmalion« geschrieben hatten, 

war so erfolgreich, dass die Warner Bros. Studios die 

Rechte dafür erwarben. Jack Warner wollte zuerst 

Cary Grant für die Rolle des Higgins, dieser lehnte es 

allerdings ab, für ihn gäbe es nur einen Higgins und 

das sei Harrison. Bei der Besetzung der Eliza blieb 

Warner allerdings stur – statt auf den Broadway-Star 

Andrews zu vertrauen, setzte er lieber auf Audrey 

Hepburn. Sie spielte die Rolle sehr süß, es stellte sich 

allerdings heraus, dass ihre gesanglichen Künste bei 

weitem nicht ausreichten, so dass nahezu jeder ihrer 

Songs (mit Ausnahme von ›Just You Wait‹) von Marni 

Nixon gedubbt wurden. Auch Jeremy Bretts (Freddy) 

Lieder wurden von Bill Shirley gedubbt. 

Einen technischen Fortschritt löste Harrison aus – da 

er sich weigerte, die Lieder vorab einzusingen, war es 

der erste Film, in dem ein Darsteller mit einem kabellosen 

Mikrofon ausgestattet wurde. Hierfür wurde 

die Sound Abteilung anschließend mit einem Oscar 

ausgezeichnet. 

Als Gegenspieler zu Disneys »Mary Poppins« ging der 

Film mit zwölf Oscar-Nominierungen ins Rennen, 

von denen er acht gewann. Fünf Jahre nach »Mary 

Poppins« wurde auch er als kulturell, historisch und 

ästhetisch wertvoll in die »Library of Congress« 

aufgenommen. 

Sabine Haydn 

Quellen: musicallexikon.eu / wikipedia.com / broadway.com / 

playbill.com / SZ.de 

74 


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News 

02/2024 – 03/2024 

Fotos: Dennis Mundkowski 

Die Jubiläumsgala – 8 Jahre First Stage 

Mit einer atemberaubenden Show rocken über 40 

begabte Nachwuchskünstler:innen die Bühne zum 

8-jährigen Jubiläum des First Stage Theaters. Dabei 

lässt es sich Stage School Chef Dennis Schulze nicht 

nehmen, persönlich Regie zu führen. Diese Gala ist 

ein Leckerbissen, von dem Musik- und Theaterfans 

träumen. Den Zuschauer erwartet ein unvergesslicher 

Abend mit hinreißenden Tanzszenen, großen 

Ensemblenummern und gefühlvollen Balladen - dargeboten 

von jungen Künstler:innen, von denen viele 

zum ersten Mal in ihrem Leben im Rampenlicht stehen. 

firststagehamburg.de 

SAVE THE DATE: Tag der Offenen Tür 

Am 6. April 2024 öffnet die Stage School Hamburg die Türen zum Unterricht. 

Wer schon immer einmal wissen wollte, wie das anspruchsvolle Trainings- und Ausbildungsprogramm 

der rund 200 Schülerinnen und Schüler in der 4000 qm großen 

Bühnenfachschule abläuft, sollte sich diesen Termin nicht entgehen lassen. Vor allem 

junge Talente, die sich ernsthaft mit dem Gedanken an eine Profiausbildung beschäftigen, 

erhalten hier einen wirklichkeitsgetreuen Blick hinter die Kulissen. Auftritte auf der 

hauseigenen Probenbühne vervollständigen das Programm. Als besonderes Highlight 

gibt es aktive „Mitmach-Klassen“. Die Besucher können Gespräche mit den Lehrenden 

führen, sich mit den Schüler:innen austauschen und der Schulleitung und den 

Mitarbeiter:innen Fragen stellen. Kurzum –der Stage School mal so richtig auf den 

Zahn fühlen! Details und Infos: stageschool.de 

Camera Acting mit 

Herbert Trattnigg 

Er hat unzählige „Stagies“ im Bereich Schauspiel auf 

ihre Bühnenkarriere vorbereitet und viele Jahre selbst 

auf der Bühne und vor der Kamera gestanden. Darüber 

hinaus begleitet er als Acting-Coach die Dreharbeiten 

beim Tatort. Als Schauspieldozent der Stage 

School gibt Herbert Trattnigg sein Wissen nicht nur im 

regulären Unterricht weiter, sondern auch in einem Camera-Acting 

Grundlagenkurs. Neben den ersten Schritten im Spiel vor der Kamera 

bereitet die Masterclass intensiv auf die Anforderungen des E-Castings vor. Am Ende 

entwickeln und drehen die Schüler:innen eigene Showreel-Szenen, die auch als Demoband 

bei Bewerbungen genutzt werden können. 

2024 

Im März startet die Stage School mit 

9 Terminen in 7 Städten in Deutschland, 

Österreich und der Schweiz mit 

der Casting Tour. Nach dem großen 

Erfolg der letzten Jahre freut sich 

Casting-Direktorin Anja Launhardt mit 

ihrem Team erneut darauf, mit zahlreichen Talenten in einem intensiven Einzeltraining 

zu arbeiten und die Aufnahmeprüfung abzunehmen. 

Alle Infos und Anmeldung unter stageschool.de/ausbildung/casting-tour 

Foto: Dennis Mundkowski 

Intensiv 

Workshops 

Die Workshop-Saison 2024 

ist wieder angelaufen. Mit den 

bundes weit stattfindenden Intensiv- 

Workshops kann die Aufnahmeprüfung 

für die Profiausbildung ersetzt 

werden. Besonders begabte 

Teilnehmer:innen haben die Möglichkeit, 

über die Workshops zur 

Stipendiumsprüfung an die Stage 

School eingeladen zu werden. 

Infos und Anmeldung unter 

stageschool.de oder 

+49 40 355 407-43/-87 

Weiterbildung: Masterclass-Highlights 

Fitness & Ernährung mit Tobias Rosenthal 

Ein zusätzliches Highlight der Profiausbildung 

sind die Fitness-Unterrichtsstunden für alle Schüler:innen 

im On Stage Trainingscenter, welches 

im Gebäude der Stage School ansässig ist. Darüber 

hinaus sorgt Dozent und Diplom-Sportwissenschaftler 

Tobias Rosenthal im Rahmen einer 

Masterclass mit einem Bodyweight- und Konditionstraining 

für ordentlich Muskelkater. Der theoretische 

Teil ist nicht minder hochkarätig und beinhaltet 

trainingswissenschaftliche Grundlagen, 

Ernährung, Prophylaxe und stärkende Routinen für 

den anspruchsvollen Schulalltag. Zum Abschluss 

können alle bei einer Deep-Rest-Meditation mit 

Atemübungen für die Tiefenentspannung wieder 

Kraft tanken. 

Foto: Dennis Mundkowski 

26.02. bis 16.03. 

Die große Jubiläumsgala 

26.01. bis 17.04. 

China Girl

Mit Unterstützung von sound of music 

Neues 

Neues 

zusammengestellt von Sandy Kolbuch, Sound of Music 

• »The Greatest Night in Pop« skizziert 

musikalischen Meilenstein 

»The Greatest Night in Pop« 

Foto: Netflix 2024 

Zugunsten der afrikanischen Hungerhilfe 

trafen sich am 25. Januar 1985 Dutzende der 

größten Namen der Musikszene in einem 

Studio in Los Angeles, um gemeinsam einen 

Song aufzunehmen: ›We Are the World‹. Der 

Song schrieb Geschichte und veränderte die 

Popkultur weltweit. Der Dokumentarfilm »The 

Greatest Night in Pop« bebildert das enorme 

Unterfangen, die imposanteste Supergruppe 

der damaligen Zeit in einer Welt zusammenzubringen, 

die noch keine Handys und E-Mails 

kannte. Bisher unveröffentlichtes Filmmaterial 

zeigt die frühen Planungsphasen, einschließlich 

der Sessions zum Verfassen des Songtextes 

mit Lionel Richie und Michael Jackson, sowie 

Einblicke hinter die Kulissen der berühmten 

Henson Studios. Zu sehen sind Richie, Bruce 

Springsteen, Smokey Robinson, Cyndi Lauper, 

Kenny Loggins, Dionne Warwick und Huey 

Lewis. Die Produktion der Doku verantworten 

Regisseur Bao Nguyen und Produzentin Julia 

Nottingham, die schon gemeinsam bei der 

Bruce-Lee-Dokumentation »Be Water« gearbeitet 

haben. Netflix veröffentlicht die Doku 

am 29. Januar 2024. 

• Hommage an Bob Marley 

Am 15. Februar 2024 bringt Paramount 

Pictures mit dem Biopic »Bob Marley: One 

Love« das Werk und Leben des weltbekannten 

jamaikanischen Musikers, der zur Ikone wurde, 

auf die Leinwand. Der Film, der u. a. von Marleys 

Sohn Ziggy produziert wird, gewährt einen 

tiefen Einblick in das Leben des Reggae-Sängers. 

Die Zuschauer erleben Marleys Karriere in den 

1970er Jahren vor dem Hintergrund seines in 

sich zerrissenen Heimatlandes und begeben sich 

auf die Spuren seiner Kindheit und Jugend in 

Jamaika. Marleys Erfahrungen spiegelten sich 

stets in seiner Musik wider, wenn er von Befreiung, 

Liebe und Einigkeit sang. 

• Kommende Neuererscheinungen 

CD Tammy Grimes – Tammy Grimes 

31. Januar 2024 

CD Mein Freund Bunbury – Studio Cast Berlin 

1964 

31. Januar 2024 

Waitress – The Musical (Alle Regionen) (DVD / 

Blu-ray) 

6. Februar 2024 

CD Melissa Errico – Sondheim In The City 


CD The Color Purple – Original Filmsoundtrack 

Musicalverfilmung 2023 


CD Mean Girls – Original Filmsoundtrack 

2024 


CD Rod Stewart – Swing Fever 


The Prince Of Egypt – Original London Cast 

(DVD / Blu-ray) 


LP Sweeney Todd – Broadway Revival Cast 

2023 

1. März 2024 

16-köpfiges 

Live- 

Orchester 

Kingsley Ben-Adir als Bob Marley in »Bob 

Marley: One Love« 

Foto: Paramount Pictures 

WELTURAUFFÜHRUNG April 2024 

Petersberg bei FULDA 

Text & Idee: Steffen Dargatz 

Musik: Steffen Dargatz & Max Möller 

Arrangement: Winfried Möller 

Produktion: Virtuoso – DIE MUSICALFABRIK 

folgt uns auf 

TICKETS SICHERN! 

scAN Me 


Ausblick blickpunkt musical Ausgabe 128 

Auch die kommende Ausgabe wird wieder prall gefüllt sein. Unter 

anderem freuen sich unsere Redakteure in Deutschland auf den 

Start der großen »SIX The Musical« Tournee in Berlin, ebenso 

wie auf »China Girl« und »Bittersüße Zitronen« in Hamburg und 

»Hanf. Ein berauschender Abend« in Schwedt. 

Österreich hat auch einige Großpremieren zu bieten – die Uraufführung 

von »Die Königinnen« wird in Linz stattfinden, in Wien 

kommt mit »Luziwuzi« ebenfalls ein ganz neues Stück auf die 

Bühne und in Baden bei Wien kann man ab Februar die »Titanic« 

wieder sinken sehen. 

Natürlich schauen wir auch in die Schweiz, wo in St. Gallen »Rent« 

aufgeführt wird. 

Wir möchten Sie hier aber auch noch einmal auf unsere Webseite 

www.blickpunktmusical.online aufmerksam machen, wo 

zusätzlich zu Ticker-News, Kalender und Kurz-Kritiken auch 

immer wieder längere Artikel erscheinen, zum Beispiel über kleinere 

Konzerte oder Tournee-Produktionen, die nicht das erste Mal 

gespielt werden, aber doch eine Erwähnung wert sind. 

Impressum 




Abonnements 

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sabine.haydn@blickpunktmusical.online 

Bildredaktion 

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Mitarbeiterinnen 

Birgit Bernds 

Dr. Merit Murray 

Autorinnen und Autoren dieser Ausgabe 

Eva Baldauf 

Susanne Baum 

Birgit Bernds 

Dr. Stephan Drewianka 

Dan Dwyer 

Sabine Haydn 

Martina Friedrich 


Sandy Kolbuch 

Henning Lange 


Mina Piston 



Stefan Schön 

Mario Stork 

Steffen Wagner 

Veronika Zangl 

Übersetzungen 


Layout 

Jürgen Kretten, Wien 

Marketing/Anzeigen 

Oliver Wünsch 

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Es gilt unsere Anzeigenpreisliste 

Nr. 27 vom 1. Januar 2024 

Abonnements-Bedingungen 

Preis der Zeitschrift im freien Verkauf: 

€ 7,50; Jahresabo: € 37,90. Abonnements können jederzeit 

zum Ablauf des jeweils laufenden Abonnementjahres 

gekündigt werden. Wird nicht zwei Monate vor Ablauf gekündigt, 

verlängert sich das Abonnement jeweils um ein 

weiteres Jahr. 

Urheber- und Nutzungsrechte 

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ohne ausdrückliche Genehmigung ist strafbar. Namentlich 

gekennzeichnete Artikel stellen nicht in jedem Fall die 

Meinung der Redaktion dar. Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotos wird keine Haftung übernommen. 

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3. / 4. / 8. / 9. / 16. / 17. / 25. / 26. MAI 

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