vorspiel - Burgtheater

vorspiel
DAS MAGAZIN DES WIENER BURGTHEATERS
Jänner / Februar 2006
Nr. 33
In Kooperation mit
Eher soll Ihr Schatten Sie verlassen als ich!
»Minna von Barnhelm« von Gotthold Ephraim Lessing

IMPRESSUM
Titelbild: Sven-Eric Bechtolf als Major von Tellheim
und Sabine Haupt als Minna von Barnhelm in »Minna
von Barnhelm« von Gotthold Ephraim Lessing
vorspiel. Das Magazin des Wiener Burgtheaters
erscheint fünfmal jährlich als Sonderbeilage der
Tageszeitung »Der Standard«
Medieninhaber und Herausgeber:
Direktion Burgtheater GesmbH
1010 Wien, Dr. Karl Lueger-Ring 2
Redaktion: Dramaturgie Burgtheater
Gestaltung: Herbert Winkler / Collettiva Design
Thomas Hofer / Collettiva Design
Herstellung: Goldmann-Zeitungsdruck GesmbH
3430 Tulln, Königstetter Straße 132
Saison 2005/2006
INHALT
4 Leitartikel: Kunst, Wahrheit und Politik
6 »Die Düringer«. Laudatio auf Annemarie Düringer von Achim Benning
7 Das Burgtheater unterwegs
8 AREA 7. Matthäusexpedition von Christoph Schlingensief
10 »Mit Goethe beim Fürsten«. Philipp Hochmair im Gespräch
12 Martin Crimp: »Weniger Notfälle«
14 Spieltriebe. Nachwuchs unplugged
15 David Harrower: »Blackbird«
16 »Mein Reich ist in der Luft«. Gert Jonke zum Sechzigsten
19 »Immer wieder von vorn anfangen«. Klaus Völker über Elisabeth Orth
23 Ortstermin: In den Tiefen der »Burg«
25 Portrait: Barbara Petritsch
26 Wiederaufnahmen: »Emilia Galotti« und »Der Anatom«
27 Fest für Mozart
28 Magazin
Wie köstlich ist es, einem Freunde,
der auf eine kurze Zeit verreisen will,
ein kleines Geschenk zu geben.
Eleonore von Este in »Torquato Tasso«
von Johann Wolfgang Goethe
Für alle, deren Freunde viel auf Reisen sind, und für alle,
die selbst viel Freude am Reisen haben:
Der elegante Kofferanhänger aus Leder, für das Burgtheater entworfen
von der renommierten Schuhmanufaktur Ludwig Reiter.
Um 7,90 Euro, jetzt exklusiv im Burgtheater und im E-Shop.
Inhalt
1. Öffentliches Publikumsgespräch
Gemeinsam mit den Vertretern des
Publikumsforums lädt die Direktion
des Burgtheaters zum 1. Publikumsgespräch
der Spielzeit ein.
Am 25. Jänner 2006 um 18 Uhr
im BURGTHEATER,
2. Pausenfoyer, Zugang über die
Feststiege Volksgartenseite.
Der Eintritt ist frei!

Leitartikel
4
Kunst, Wahrheit & Politik
Nobelvorlesung von Harold Pinter
1958 schrieb ich folgendes: »Es gibt keine
klaren Unterschiede zwischen dem, was
wirklich und dem, was unwirklich ist, genauso
wenig wie zwischen dem, was wahr
und dem, was unwahr ist. Etwas ist nicht
unbedingt entweder wahr oder unwahr; es
kann beides sein, wahr und unwahr.«
Ich halte diese Behauptungen immer
noch für plausibel und weiterhin gültig für
die Erforschung der Wirklichkeit durch
die Kunst. Als Autor halte ich mich daran,
aber als Bürger kann ich das nicht. Als
Bürger muss ich fragen: Was ist wahr? Was
ist unwahr?
Die Wahrheit in einem Theaterstück
bleibt immer schwer greifbar. Man findet
sie niemals völlig, sucht aber zwanghaft
danach. Die Suche ist eindeutig der Antrieb
unseres Bemühens. Die Suche ist unsere
Aufgabe. Meistens stolpert man im
Dunkeln über die Wahrheit, kollidiert damit
oder erhascht nur einen flüchtigen Blick
oder einen Umriss, der der Wahrheit zu entsprechen
scheint, oftmals ohne zu merken,
dass dies überhaupt geschehen ist. Die echte
Wahrheit aber besteht darin, dass sich
in der Dramatik niemals so etwas wie die
eine Wahrheit finden lässt. Es existieren viele
Wahrheiten. Die Wahrheiten widersprechen,
reflektieren, ignorieren und verspotten
sich, weichen voreinander zurück, sind
füreinander blind. Manchmal spürt man,
dass man die Wahrheit eines Moments in
der Hand hält, dann gleitet sie einem durch
die Finger und ist verschwunden. […]
Politische Sprache, so wie Politiker sie
gebrauchen, wagt sich auf keines dieser
Gebiete, weil die Mehrheit der Politiker,
nach den uns vorliegenden Beweisen, an
der Wahrheit kein Interesse hat, sondern
nur an der Macht und am Erhalt dieser
Macht. Damit diese Macht erhalten bleibt,
ist es unabdingbar, dass die Menschen unwissend
bleiben, dass sie in Unkenntnis der
Wahrheit leben, sogar der Wahrheit ihres
eigenen Lebens. Es umgibt uns deshalb ein
weit verzweigtes Lügengespinst, von dem
wir uns nähren.
Wie jeder weiß, lautete die Rechtfertigung
für die Invasion des Irak, Saddam
Hussein verfüge über ein hoch gefährliches
Arsenal an Massenvernichtungswaffen,
von denen einige binnen 45 Minuten abgefeuert
werden könnten, mit verheerender
Wirkung. Man versicherte uns, dies sei
wahr. Es war nicht die Wahrheit. Man erzählte
uns, der Irak unterhalte Beziehungen
zu al-Qaida und trage Mitverantwortung
für die Gräuel in New York am 11. September
2001. Man versicherte uns, dies sei
wahr. Es war nicht die Wahrheit. Man erzählte
uns, der Irak bedrohe die Sicherheit
der Welt. Man versicherte uns, es sei wahr.
Es war nicht die Wahrheit. Die Wahrheit
sieht völlig anders aus. Die Wahrheit hat
damit zu tun, wie die Vereinigten Staaten
ihre Rolle in der Welt auffassen und wie sie
sie verkörpern wollen.
Doch bevor ich auf die Gegenwart zurückkomme,
möchte ich einen Blick auf die
jüngste Vergangenheit werfen; damit meine
ich die Außenpolitik der Vereinigten Staaten
seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs.
Ich glaube, wir sind dazu verpflichtet, diesen
Zeitraum zumindest einer gewissen,
wenn auch begrenzten Prüfung zu unterziehen,
mehr erlaubt hier die Zeit nicht.
Jeder weiß, was in der Sowjetunion
und in ganz Osteuropa während der Nachkriegszeit
passierte: die systematische Brutalität,
die weit verbreiteten Gräueltaten,
die rücksichtslose Unterdrückung eigenständigen
Denkens. All dies ist ausführlich
dokumentiert und belegt worden. Aber
ich behaupte hier, dass die Verbrechen der
USA im selben Zeitraum nur oberflächlich
protokolliert, geschweige denn dokumentiert,
geschweige denn eingestanden, geschweige
denn überhaupt als Verbrechen
wahrgenommen worden sind. Ich glaube,
dass dies benannt werden muss, und
dass die Wahrheit beträchtlichen Einfluss
darauf hat, wo die Welt jetzt steht. Trotz
gewisser Beschränkungen durch die Existenz
der Sowjetunion machte die weltweite
Vorgehensweise der Vereinigten Staaten
ihre Überzeugung deutlich, für ihr Handeln
völlig freie Hand zu besitzen.
Die direkte Invasion eines souveränen
Staates war eigentlich nie die bevorzugte
Methode der Vereinigten Staaten.
Vorwiegend haben sie den von ihnen so
genannten »low intensity conflict« favo-
risiert. »Low intensity conflict« bedeutet,
dass Tausende von Menschen sterben,
aber langsamer, als wenn man sie
auf einen Schlag mit einer Bombe auslöschen
würde. Es bedeutet, dass man das
Herz des Landes infiziert, dass man eine
bösartige Wucherung in Gang setzt und
zuschaut, wie der Faulbrand erblüht. Ist
die Bevölkerung unterjocht worden oder
totgeprügelt und sitzen die eigenen Freunde,
das Militär und die großen Kapitalgesellschaften
bequem am Schalthebel, tritt
man vor die Kamera und sagt, die Demokratie
habe sich behauptet. Das war in
den Jahren, auf die ich mich hier beziehe,
gang und gäbe in der Außenpolitik der
USA. […]
Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs
unterstützten die Vereinigten Staaten jede
rechtsgerichtete Militärdiktatur auf der
Welt, und in vielen Fällen brachten sie
sie erst hervor. Ich verweise auf Indonesien,
Griechenland, Uruguay, Brasilien, Paraguay,
Haiti, die Türkei, die Philippinen,
Guatemala, El Salvador und natürlich Chile.
Die Schrecken, die Amerika Chile 1973
zufügte, können nie gesühnt und nie verziehen
werden.
In diesen Ländern hat es Hunderttausende
von Toten gegeben. Hat es sie wirklich
gegeben? Und sind sie wirklich alle der
Die Mehrheit der Politiker hat an der Wahrheit
kein Interesse, sondern nur an der Macht.
US-Außenpolitik zuzuschreiben? Die Antwort
lautet ja, es hat sie gegeben, und sie
sind der amerikanischen Außenpolitik zuzuschreiben.
Aber davon weiß man natürlich
nichts. Es ist nie passiert. Nichts ist
jemals passiert. Sogar als es passierte, passierte
es nicht. Es spielte keine Rolle. Es interessierte
niemand. Die Verbrechen der
Vereinigten Staaten waren systematisch,
konstant, infam, unbarmherzig, aber nur
sehr wenige Menschen haben wirklich darüber
gesprochen. Das muss man Amerika
lassen. Es hat weltweit eine ziemlich kühl
operierende Machtmanipulation betrieben
und sich dabei als Streiter für das universelle
Gute gebärdet. Ein glänzender, sogar
geistreicher, äußerst erfolgreicher Hypnoseakt.
[…]
2005/2006 Saison

Den Vereinigten Staaten liegt nichts mehr
am »low intensity conflict«. Sie sehen keine
weitere Notwendigkeit, sich Zurückhaltung
aufzuerlegen oder gar auf Umwegen
ans Ziel zu kommen. Sie legen ihre Karten
ganz ungeniert auf den Tisch. Sie scheren
sich einen Dreck um die Vereinten Nationen,
das Völkerrecht oder kritischen Dissens,
den sie als machtlos und irrelevant
betrachten. Sie haben sogar ein kleines,
blökendes Lämmchen, das ihnen an einer
Leine hinterher trottet, das erbärmliche
und abgeschlaffte Großbritannien.
Was ist aus unserem sittlichen Empfinden
geworden? Hatten wir je eines? Was bedeuten
diese Worte? Stehen sie für einen
heutzutage äußerst selten gebrauchten Begriff
– Gewissen? Ein Gewissen nicht nur
hinsichtlich unseres eigenen Tuns, sondern
auch hinsichtlich unserer gemeinsamen
Verantwortung für das Tun anderer? Ist
all das tot? Nehmen wir Guantanamo Bay.
Hunderte von Menschen, seit über drei
Jahren ohne Anklage in Haft, ohne gesetzliche
Vertretung oder ordentlichen Prozess,
im Prinzip für immer inhaftiert. Diese absolut
rechtswidrige Situation existiert trotz
der Genfer Konvention weiter. Die so genannte
»internationale Gemeinschaft« toleriert
sie nicht nur, sondern verschwendet
auch so gut wie keinen Gedanken daran.
Diese kriminelle Ungeheuerlichkeit begeht
ein Land, das sich selbst zum »Anführer
der freien Welt« erklärt. Denken wir an die
Menschen in Guantanamo Bay? Was berichten
die Medien über sie? Sie tauchen
gelegentlich auf – eine kleine Notiz auf
Seite sechs. Sie wurden in ein Niemandsland
geschickt, aus dem sie womöglich nie
mehr zurückkehren. Gegenwärtig sind viele
im Hungerstreik, werden zwangsernährt,
darunter auch britische Bürger. Zwangsernährung
ist kein schöner Vorgang. Weder
Beruhigungsmittel noch Betäubung. Man
bekommt durch die Nase einen Schlauch in
den Hals gesteckt. Man spuckt Blut. Das ist
Folter. Was hat der britische Außenminister
dazu gesagt? Nichts. Was hat der britische
Premierminister dazu gesagt? Nichts.
Warum nicht? Weil die Vereinigten Staaten
gesagt haben: Kritik an unserem Vorgehen
in Guantanamo Bay stellt einen feindseligen
Akt dar. Ihr seid entweder für uns oder
gegen uns. Also hält Blair den Mund.
Saison 2005/2006
Die Invasion des Irak war ein Banditenakt,
ein Akt von unverhohlenem Staatsterrorismus,
der die absolute Verachtung des Prinzips
von internationalem Recht demonstrierte.
Die Invasion war ein willkürlicher
Militäreinsatz, ausgelöst durch einen ganzen
Berg von Lügen und die üble Manipulation
der Medien und somit der Öffentlichkeit;
ein Akt zur Konsolidierung der
militärischen und ökonomischen Kontrol-
le Amerikas im Mittleren Osten unter der
Maske der Befreiung, letztes Mittel, nachdem
alle anderen Rechtfertigungen sich
nicht hatten rechtfertigen lassen. Eine beeindruckende
Demonstration einer Militärmacht,
die für den Tod und die Verstümmelung
abertausender Unschuldiger
verantwortlich ist.
Wir haben dem irakischen Volk Folter,
Splitterbomben, abgereichertes Uran, zahllose,
willkürliche Mordtaten, Elend, Erniedrigung
und Tod gebracht und nennen
es »dem Mittleren Osten Freiheit und Demokratie
bringen«. […]
Der Tod spielt in diesem Zusammenhang
keine Rolle. Für Bush und Blair ist der
Tod eine Lappalie. Mindestens 100.000
Iraker kamen durch amerikanische Bomben
und Raketen um, bevor der irakische
Aufstand begann. Diese Menschen sind
bedeutungslos. Ihr Tod existiert nicht. Sie
sind eine Leerstelle. Sie werden nicht einmal
als tot gemeldet. »Leichen zählen wir
nicht«, sagte der amerikanische General
Tommy Franks. […]
Die 2000 toten Amerikaner sind peinlich.
Sie werden bei Dunkelheit zu ihren
Gräbern transportiert. Die Beerdigungen
finden dezent statt, an einem sicheren
Ort. Die Verstümmelten verfaulen in
ihren Betten, manche für den Rest ihres
Lebens. Die Toten und die Verstümmelten
verfaulen beide, nur in unterschiedlichen
Gräbern. […]
Ich sagte vorhin, die Vereinigten Staaten
würden ihre Karten jetzt völlig ungeniert
auf den Tisch legen. Dem ist genau so. Ihre
offiziell verlautbarte Politik definiert sich
Leitartikel
jetzt als »full spectrum dominance«. Der
Begriff stammt nicht von mir, sondern von
ihnen. »Full spectrum dominance« bedeutet
die Kontrolle über Land, Meer, Luft
und Weltraum, sowie alle zugehörigen
Ressourcen.
Die Vereinigten Staaten besitzen, über
die ganze Welt verteilt, 702 militärische
Anlagen in 132 Ländern, mit der rühmlichen
Ausnahme Schwedens natürlich. Wir
Was ist aus unserem sittlichen Empfinden
geworden? Hatten wir je eines?
wissen nicht ganz genau, wie sie da hingekommen
sind, aber sie sind jedenfalls
da. Die Vereinigten Staaten verfügen über
8000 aktive und operative Atomsprengköpfe.
Zweitausend davon sind sofort gefechtsbereit
und können binnen 15 Minuten
abgefeuert werden. […] Wir müssen uns
in Erinnerung rufen, dass sich die Vereinigten
Staaten dauerhaft im Kriegszustand befinden
und mit nichts zu erkennen geben,
dass sie diese Haltung aufgeben. […]
Ich glaube, dass den existierenden, kolossalen
Widrigkeiten zum Trotz die unerschrockene,
unbeirrbare, heftige intellektuelle
Entschlossenheit, als Bürger die
wirkliche Wahrheit unseres Lebens und
unserer Gesellschaften zu bestimmen, eine
ausschlaggebende Verpflichtung darstellt,
die uns allen zufällt. Sie ist in der Tat zwingend
notwendig.
Wenn sich diese Entschlossenheit nicht
in unserer politischen Vision verkörpert,
bleiben wir bar jeder Hoffnung, das wiederherzustellen,
was wir schon fast verloren
haben – die Würde des Menschen.
Übersetzung von Michael Walter
© DIE NOBELSTIFTUNG 2005
Nach Elfriede Jelinek bekam mit Harold
Pinter (*1930) zu zweiten Mal in Folge ein
Dramatiker den Nobelpreis für Literatur.
5

Laudatio
6
»Die Düringer«
von Achim Benning
Ich habe die Düringer seit ihrer Isabella in
Lindtbergs »Maß für Maß«-Inszenierung
1956 in fast allen ihren Burgtheaterrollen
gesehen, habe die tatsächlich unbeschreibliche
und tatsächlich unvergessliche Katharina
in Shakespeares »Heinrich V.« erlebt,
die für mich eine schauspielerische Sensation
war; ich habe in München ihre legendäre
Klara Hühnerwadel bewundert, in einer
klugen Inszenierung von Schweikart, die
mir Wedekind erschlossen und wohl dazu
beigetragen hat, dass dieser Autor, der vor
1977 nur mit einem Einakter im Burgtheater
zu Wort gekommen war, mit seinen
wesentlichen Werken in unseren Spielplan
aufgenommen wurde. Auch da war Annemarie
Düringer wieder dabei.
In dieser Zeit war die Laureatin schon
längst die ›schwierige Düringer‹. Sie erlebte
laut eigener Darstellung die Metamorphose
vom »netten Schweizer Mädchen«,
das auf der Bühne »freudig jodelte«, zu einer
ernsthaften Schauspielerin, die nachdenkend
ihre Rollen erarbeitet und die
»Flügel an den Füßen« verloren hat, in den
Berliner »Räuber«-Proben mit Fritz Kortner.
Annemarie Düringer war die gefeierte
Amalia dieser Inszenierung. Sie nannte
diese Arbeit eine »Lektion fürs Leben«.
»Zum ersten Mal wurde ich angehalten, zu
denken, was ich redete«, schreibt sie.
Das ist natürlich eine heftige Übertreibung
in der Verehrung des Mythos ›Kortner‹
– so wie Annemarie Düringer auch dem
Mythos ›Burgtheater‹ ihren emphatischen
Tribut zollt, wenn sie die alten Zeiten glorifiziert
und z.B. das alte Nachkriegsensemble
als Familie beschreibt. Bei diesem
Vergleich wäre jedenfalls zu bedenken,
dass auch die Atriden eine Familie waren.
Es ist nicht anzunehmen, eine erfolgreiche
Schauspielerin, die Annemarie Düringer
1959 schon war, wäre über 10 Jahre
lang unter Regisseuren wie Herbert
Waniek, Ernst Lothar, Walter Felsenstein,
Josef Gielen, Berthold Viertel und Leopold
Lindtberg ohne Nachdenken und ohne
ernsthafte Arbeit über die Runden gekommen.
Wie so viele Theatermenschen ist sie
Mythos-anfällig und opfert in diesem Fall
10 Jahre Erfolg und die Arbeit so vieler bemerkenswerter
Regisseure auf dem Altar
ihrer Kortner-Verehrung. Sie will diesen
Wendepunkt in ihrem Schauspielerleben
deutlich machen und dann ist sie eben geradezu
alttestamentarisch rigoros.
Solche Radikalität ist durchaus ein Markenzeichen
dieser lebenslang erfolgreichen
Schauspielerin – und geheimen Prinzipalin.
Ihr Bekenntnis zu dem sperrigen Kortner,
dessen fanatische Gegnerschaft gegen das
infantile Überrumpelungstheater so aufregend
aktuell ist, überzeugt wie das zu dem
strengen galligen Gielen.
Über das ›Denkproblem‹ in der Theaterarbeit,
das die Düringer für sich in Anspruch
nimmt, gibt es einen deutlichen Text von
Kortner: »Der Denkwurm bohrt gerade
dann in meinem Kopf, wenn ich von meiner
kunstnahen Berufsarbeit absorbiert
bin. Immer wieder wird mir rügend nahegelegt,
das doch so kunstferne Denken
mir aus dem Kopf zu schlagen. Aber gerade
dann stellt es sich unerbittlich ein.«
Und das verstört die »Kunstdunstler«, wie
Kortner die beliebten Denk-Verweigerer
nennt.
Annemarie Düringer
Das Grundthema der wesentlichen Düringer-Figuren
ist für mich die Einsamkeit auf
der gesamten Skala zwischen ihrer möglichen
Überwindung und ihrer unauflöslichen
Erstarrung, also zwischen Ella Borkman
und der Alten bei Ionesco. Bei Nestroy
entfaltet sich dieses Existenzproblem in einer
tragikomischen Groteske und anstelle
einer lebensbedrohenden Erstarrung
kommt es zu einer kuriosen Verpuppung.
Die liebeswahnsinnige Anastasia Mispel in
»Umsonst« spinnt sich durch aberwitzige
Anstrengungen, ihrer Einsamkeit zu entkommen,
immer mehr in den Kokon ihrer
Armseligkeit ein. Wie die Düringer diesen
verzweifelten Kampf gegen Kurt Sowinetz
und Karlheinz Hackl verliert, das kann
keine Schauspielerin der Welt komischer
spielen als sie.
Aber, so könnte man dem befangenen
Laudator vorwerfen, wer ist schon Anastasia
Mispel gegen Claire Zachanassian oder
Frau Zittel! Wo bleibt in dieser Eloge die
Frau von Stein, warum hört man nichts von
Fräulein Alice und der Lavinia oder von
der Arkadina – und darf man die Bernarda
Alba nicht erwähnen, und die heute Fünfunddreißigjährigen
werden ihre Schneekönigin
vermissen. Und was ist überhaupt
mit der Filmkarriere! Was ist zur Zusammenarbeit
mit Siodmak zu sagen, was zu
der mit Fassbinder... usw. usw.
Ein so reiches, ein so überbordendes schauspielerisches
Leben ist ganz einfach eine
Zumutung für einen Laudator, der nur deshalb
auf Verständnis hoffen darf, weil die
Unlösbarkeit seiner Aufgabe klar erkennbar
ist und die Laureatin in ihrem Leben
schon so viel Gutes über sich mit anhören
musste, dass sie auf ausführliche Elogen
heute nicht mehr angewiesen ist. Andererseits
wartet hier ein kundiges Publikum,
das mindestens so viel weiß wie der Redner,
mehr oder weniger geduldig auf den
Höhepunkt dieses festlichen Vormittags,
nämlich die Überreichung des Goldenen
Ehrenzeichens und nimmt die Laudatio
als notwendiges retardierendes Element in
Kauf; im günstigsten Fall gewissermaßen
wie ein gesprochenes Streichquartett.
Ihre Verbundenheit mit dieser Stadt, in der
nun einmal das Burgtheater steht, macht
ihr Leben aus – auch wenn sie sich im Alter
wieder tief von der Sprache ihrer Kindheit
berührt fühlt, was sie vor kurzem bei einer
Filmarbeit in der heimatlichen Schweiz
entdeckte. Und so schließt sich der Kreis
in der Sprache, die der fundamentale Lebensbeweis
ist. Annemarie Düringer nennt
die Sprache ihre Existenzberechtigung. Sie
kämpft dafür, dass die Sprache nicht zu
einem »lächerlichen Requisit oder chorischen
Phänomen« (Botho Strauß) auf der
Bühne verkommt. Ich wünsche ihr, dass
ihren antiquierten Ansichten die Zukunft
gehört.
Wir zitieren mit freundlicher Genehmigung des
ehemaligen Burgtheaterdirektors Achim Benning
auszugsweise aus der Laudatio auf Annemarie Düringer
– gehalten am 16. Dezember 2005, anlässlich
der Verleihung des Goldenen Ehrenzeichens für
Verdienste um das Land Wien.
2005/2006 Saison

Das Burgtheater unterwegs
Nicht erst seit diesem
Jahr, nein, schon lange
vor der EU-Ratspräsidentschaft
war das
Burgtheater bereits in
ganz Europa unterwegs.
In 26 Städten in 10 Ländern spielte das
Burgtheater in den letzten fünf Jahren
mehr als hundert Mal »außer Haus«.
Nicht nur Schauspieler, Souffleusen
und Abendspielleiter machen sich auf den
Weg zu den Gastspielorten – auch Bühnenbild,
Requisite und Kostüme werden
sorgfältig verpackt, verladen und auf Rei-
Saison 2005/2006
Edinburgh
Paris
Hannover
Braunschweig
Dortmund
Mülheim
Duisburg
Recklinghausen
Hamburg
Brüssel
Antwerpen
Frankfurt
Zürich
Winterthur
Liechtenstein
Berlin
Chemnitz
Prag
München
Landsberg
Hall Salzburg
Bozen
Meran
Novi Sad
sen geschickt. Mit Bussen, LKWs, der
Bahn oder dem Flugzeug geht es an die
Bestimmungsorte, zu anderen Schauspielhäusern
und zu internationalen Theaterfestivals,
unterstützt von großzügigen
Sponsoren, wie Raiffeisen International.
In Prag waren die Inszenierungen
»Rosmersholm« und »Mozart Werke
Ges.m.b.H« zu sehen. Zu Gast in Zürich
waren »Der Färber und sein Zwillingsbruder«
und »Hund Frau Mann«.
»Die Möwe« war auf Festivals in Berlin,
Moskau, Edinburgh und in Paris eingeladen,
und »Das Werk« war 2004 sowohl
bei den Theatertagen in Mülheim,
den Autorentagen in Hamburg, den Salzburger
Festspielen als auch beim Theatertreffen
in Berlin. »Glaube und Heimat«,
Theatertreffen in Berlin
Moskau
Eingeladen seit 1999/2000:
»Glaube und Heimat«, (R. Martin Kusˇej, 2001)
»Rosmersholm«, (R. Peter Zadek, 2001)
»Drei Mal Leben«, (R. Luc Bondy, 2001)
»Die Möwe«, (R. Luc Bondy, 2001)
»Emilia Galotti«, (R. Andrea Breth, 2003)
»Das Werk«, (R. Nicolas Stemann, 2004)
»Don Carlos«, (R. Andrea Breth, 2005)
Gastspiele
»Rosmersholm«, »Drei Mal Leben« und
»Emilia Galotti« reisten ebenfalls schon
nach Berlin. Beim Festival in Edinburgh
waren außer »Die Möwe« auch die Produktionen
»Alte Meister« und »Maria
Stuart« zu Gast – aber auch in Hannover,
Braunschweig, Dortmund, Recklinghausen,
Mülheim, Duisburg, Brüssel, Antwerpen,
Chemnitz, Frankfurt, München,
Salzburg, Liechtenstein, Winterthur, Zürich,
Bozen, Meran und Novi Sad wurde
dem Publikum vor Ort die Möglichkeit
geboten, Inszenierungen des Burgtheaters
zu sehen.
Und in diesem Jahr stehen noch weitere
Reisen bevor… unter anderem nach
Bogota, Saarbrücken, Wiesbaden, Warschau
und Zagreb.
7

Burgtheater
8
A R E A 7
Matthäusexpedition von Christoph Schlingensief
Elfriede Jelinek
Bernhard Schütz, Christoph Schlingensief
Joseph Beuys Elfriede Jelinek Hosea Dzingirai Dieter Roth
Christoph Schlingensief Patti Smith Wilhelm I. + II.
»Die Kontrollmechanismen verlieren und
das zugleich als eine Inszenierung begreifen,
sich in einem fließenden Zustand befinden,
das ist der Kern«, sagt Schlingensief
über seine Arbeit. »Ich will das Leben
überzeugen, dass es zum großen Teil inszeniert
ist, und das Theater, dass es ohne
das Leben überhaupt nicht auskommt.«
Bei Schlingensiefs Inszenierungen vermischen
sich Schauspieler und Zuschauer,
Bühne und Zuschauerraum gehen ineinander
über. Behinderungen, Pannen, Pausen
oder Störungen sind immer wiederkehrende
Inszenierungsbrüche, die die Frage aufwerfen,
welche Spielregeln für Schauspieler
und Zuschauer gelten.
Schlingensief ist gereist, gereist, gereist,
von Oberhausen an den Prenzlauer Berg,
von dort bald geflüchtet an die Wiener
Burg und nach Bayreuth, nach Nepal, Island
oder (mehrfach) Afrika. Brasilien soll
folgen…
Wie in einer Blackbox wird die Welt aufgesogen,
das Hirn als Archiv und die Kamera
als Auge, und in ihr vermischen sich politische
Ereignisse und mythische Geschichten
unserer Zivilisationen, die Twin Towers
mit den Herero-Aufständen in Deutsch
Südwestafrika, die Kontinentalspalten in
Island mit der Gralssuche…
All das ist natürlich gar nicht zu fassen,
aber Gott sei Dank hat sich der Künstler
etwas erfunden, in dem all dies Platz hat,
auch ohne vorher geordnet zu werden: den
ANIMATOGRAPHEN. Er könnte in all
dem Chaos der ungebremsten Einflüsse die
Rettung sein, für Welt und Ich. Er erlaubt
die Reise ins eigene Innere, ins Chaos der
halluzinierten Zustände, eine Reise durch
den eigenen runden Kopf, in dem sich all
der Daten- und Mythenmüll gesammelt
hat, oder eben eine Reise durch die ebenfalls
runde Erdkugel. Aber Schlingensief
denkt nicht nur an sich, sondern konstruiert
den Animatographen als einen Raum,
den jeder betreten darf, um seine Erlebnisse
zu machen und seine Erfahrungen zu gestalten.
Vielleicht ist das dann der eigene
Kopf, vielleicht die Welt von der Innenrinde
gesehen, vielleicht auch nur eine primitive
Drehbühne oder eine Reminiszenz
an kinematographische Frühzeiten, eine
von innen begehbare Laterna Magica oder
eine intermediale Fotoplatte – egal! »Der
Animatograph ist wie ein lebender Organismus,
auf dem der Zuschauer mit mir
herumfährt, lebt und selber zum Bestandteil
wird.« Er wird überall aufgebaut, wo
Schlingensief sich in letzter Zeit aufhielt: in
Bayreuth, in Island, in Neuhardenberg bei
Berlin im deutschen Wald oder eben in Afrika.
Überall stellt Schlingensief das Requisit
auf, um zu sehen, wie sich Herero-Aufstände
und der 11. September, Odin und
TamTam, Wagner und Widerstand gegen
das deutsche Wesen kreuzen und bis aufs
Und jetzt wird da oben, in Area 7, Schlingensiefs Animatograph fertiggestellt, am »Hauptplatz«,
dort, wo sonntags auch immer die mehrstündigen Messen abgehalten werden.
Den Männern aus dem Township, die mitarbeiten, wird etwa das Doppelte der üblichen
Löhne gezahlt. Der Animatograph ist eine Drehscheibe. Auf der Scheibe steht ein
Schiff. Ans Schiff angebaut: Ein Wellblechcontainer, das Dach per Leiter erreichbar und
als Auftrittsbühne nutzbar. Er wirkt wie eine Miniausgabe des »Ausländer raus«-Containers,
2000 vor der Wiener Staatsoper, aber hier haben sich die Perspektiven drastisch
verschoben. Rundum stehen hunderte Wellblechcontainer, wie mit dem Lineal gezogen
in diese Hochebene platziert, dass sie beinahe an Peter Eisenmans Holocaust-Denkmal
in Berlin erinnern. Andererseits: Während in Wien Erregtheit und Zorn dominierten, erhebt
sich hier rund um das immer weiter wuchernde Animatographen-Gebilde oft Kinderlachen:
Die sehen das Schiff wie einen Abenteuer-Spielplatz. Gestern durften sie ihre
Graffitis drauf malen: HOMEBOY steht da. Oder, von Schlingensief geschrieben: GODS
TEARS CENTER.
Claus Philipp in einem Bericht aus Afrika auf derStandard.at
2005/2006 Saison

Blut bekämpfen, auch wenn alle von Joseph
Beuys bis zu Mohammed Atta nach
dem Gral suchen.
Manchmal aber fokussiert sich etwas, zum
Beispiel im AREA 7 – Baracken, Slums,
Vorstädte, scheinbar geschichtslos, irgendwo
in Afrika, aber Wagner im Hirn.
Und plötzlich also ist das gar nicht so geschichtslos,
sondern erinnert an Europa,
an die Aufklärung, an den Kolonialismus,
an Mohammed Attas Flüge in die Twin
Towers und schon fängt die Reise durch
Zeit und Raum wieder an, wie bei H.G.
Wells, und man wünscht sich, dass einer
»Stopp!« ruft, »Stopp!«, »Stopp!« – zurück
in die Mönchsklause, nach Hause,
raus hier, ins Burgtheater. Vielleicht kann
man da ja, gemeinsam mit Patti Smith und
anderen, Kraft schöpfen… Ruhe tanken…
obwohl, na ja… oder doch?... bevor die
Reise weitergeht. Vielleicht geht das ja in
Wien, in dieser langsamen Stadt, in der
Burg, diesem Gral ganz anderer Art, vielleicht
gibt es da ja genügend Leute, die aus
ihren Wohnungen in den soundsovielen
Bezirken hinausströmen, um zu sehen, was
Schlingensief da erlebt hat auf seinen odysseusartigen
Irrfahrten durchs Weltenlabyrinth…
eine gibt es schon mal auf jeden
Fall… Elfriede Jelinek… »Lass o Welt o
Schreck lass nach«… Mit irgendwas fängt
es immer an. Vielleicht kriegt er ja seinen
Tropenhelm ab und kann – jetzt mal nicht
in Afrika – im Atelier werkeln und arbeiten
wie er will, in Ruhe, in Ruhe, in Ruhe…Da
müsste sich aber trotzdem etwas bewegen,
der Animatograph dreht sich… ja… wie
die Welt… wie die Bilder, viele Bilder und
Menschen, die sich darin drehen, ja. JL
A R E A 7
Matthäusexpedition von Christoph Schlingensief
Leitung: Christoph Schlingensief
Konstruktion: Thekla von Mülheim, Tobias Buser
Kostüme: Aino Laberenz
Dramaturgie: Jörg van der Horst, Joachim Lux,
Henning Nass
Musik und Sounddesign: Uwe Altmann
Video und Schnitt: Kathrin Krottenthaler.
Mit Jovita Domingos-Dendo, Sachiko Hara,
Irm Hermann, Karin Lischka, Karin Witt,
Abate Ambachev, Klaus Beyer, Michael Gempart,
Juergen Maurer, Dirk Rohde, Hermann
Scheidleder, Christoph Schlingensief, Bernhard
Schütz, Robert Stadlober, Björn Thors, sowie –
zeitweise – Patti Smith.
Musiker: Erik Bilic-Eric, Klaus Falschlunger/
Perry Wurzinger, Gerhard Rosner,
Murielle Stadelmann.
Es hat bereits begonnen:
19. Jänner 2006 ab 18 Uhr!
AFRIKA BLEIBT, WO ES IST, DAS IST SEINE TRAGÖDIE
★ Eröffnung am 20. Jänner 2006 um 20 Uhr
im BURGTHEATER
außerdem: 21. und 22. Jänner 2006
Einlass ist jeweils bereits eine Stunde vor der angegebenen Beginnzeit.
Wie bei jeder Expedition ist damit zu rechnen, dass – je nach sich
ändernden Bedingungen – keine der anderen gleicht und jede anders
verläuft als ursprünglich geplant.
Die Veranstaltung am 22. Jänner ist gleichzeitig der Vorabend von
Joseph Beuys 20. Todestag.
Afrika bleibt, wo es ist, das ist seine Tragödie, und es läßt alles, wo es ist. Neugier ist eine
Untugend. Parsifal ist hier völlig falsch, zum Glück weiß er es nicht. Daß er wo anders ist,
das erlaubt ihm der Medizinmann aber auch nicht. Er muß hier sein, und die Verpflichtung,
bei jedem Fest dabei zu sein, ist gegeben. Der Zauberer sagt: er, Parsifal, muß ein anderer
werden, oder er soll gar keiner mehr werden. Ich glaub auch schon, ich werd nicht
mehr! Unter Medizinmännern, Griots, Feticheurs! Wer möchte da nicht Mediziner sein
oder zumindest die Medizin selber? Mitten im Gral: Afrika! Afrika mitten im Gralsfieber,
das von Mücken übertragen wird, während man seinen Koffer mit dem Gral mühsam
durch den Staub schleppt, weil das Gruppentaxi mal wieder völlig überladen war.
Elfriede Jelinek: Parsifal
Saison 2005/2006
Patti Smith
Christoph Schlingensief
Burgtheater
9

Burgtheater
10
Mit Goethe beim Fürsten
Philipp Hochmair im Gespräch
Goethes »Torquato Tasso« bietet dem
Theater immer wieder neu die Gelegenheit,
über die Bedingungen und Widersprüche
der eigenen Arbeit nachzudenken.
Daher kann das Stück über die kalendarische
Tatsache hinaus, dass es auch in der
Eröffnungsspielzeit 1955 (von Raoul Aslan)
neu inszeniert wurde, für die Jubiläumssaison
eines Theaters wichtige Denkanstöße
geben. Reflektiert doch Goethe
in dieser exemplarischen Versuchsanord-
nung die Bedingungen künstlerischer Arbeit
an der Schwelle zum bürgerlichen
Zeitalter. Kurz gesagt, die Widersprüche
und Möglichkeiten einer Kunst, die sich
als unabhängig und »frei« begreift, während
ihre Produzenten ökonomisch abhängig
und gebunden bleiben. In der Inszenierung
von Stephan Kimmig, der vor
zwei Jahren mit Grillparzers »Goldenem
Vließ« für Aufsehen sorgte, spielt Philipp
Hochmair die Titelfigur.
Philipp Hochmair
Hochmair: Kürzlich war ich eingeladen,
auf einem kleinen Schloss in Oberösterreich,
dem Sommersitz eines Grafengeschlechts,
»Werther!« zu spielen. Einerseits
war es für mich eines der schönsten
Gastspiele, das ich je hatte, so elegant und
familiär. Andererseits hat sich mir ein seltener
Einblick in höfisches Leben geboten,
und als Werther beim Fürsten habe
ich mich fast ein wenig gefühlt wie Tasso
am Hof von Ferrara. Natürlich ist man an
einem solchen Ort immer auch ein bisschen
der »Verrückte«, der Exot, der eingekauft
wird, den diese Gesellschaft sich
leistet. Und die Formen, die dort gepflegt
werden und zu denen es beispielsweise gehört,
mitten im Satz ins Französische zu
wechseln, so eine bestimmte Art von Konversationsballett,
fordern in mir genau
den Widerspruch heraus, den die Gastgeber
so genießen.
vorspiel: Weil Sie es unerträglich finden,
sich in ein solches Bild einzufügen?
Nein, ich komme ja aus einer ganz bürgerlichen
Welt, ich kann diese Formen
also einigermaßen mitspielen. Aber das
Bedürfnis nach einem Ventil, nach einem
spielerischen Gegenpol erwacht sofort. So
saß ich dann am Abend im Anzug mit Zigarre,
aber ohne Schuhe mit dem Grafen
im Gespräch.
Ich war acht Tage auf diesem Schloss,
und zum Abschied hat die Gräfin etwas
schwermütig gesagt, in ihrem täglichen
Leben, in dem sie offenbar hauptsächlich
von Wirtschaftsleuten umgeben ist,
fehle ein Aspekt, den Künstler einfach
in sich trügen. Das sagte sie mit einer so
ernsthaften Irritation, dass es mich tief
gerührt hat, weil sie die ganze Zeit über
so frei gewirkt hatte und so glücklich.
Das plötzliche Auftauchen dieses Schattens
auf ihrem lichten Wesen hat mich
interessiert.
Was hat sie Ihrer Meinung nach damit gemeint?
Ist das mit dem Gefühl von Unvereinbarkeit
zu vergleichen, das Goethe im
Zusammenhang mit Tasso als »Disproportion
des Talents mit dem Leben« beschrieben
hat?
2005/2006 Saison

Der Widerspruch zwischen Kunst und Leben
ist oft ein praktisches Problem. Künstlerische
Prozesse bedürfen eines gewissen
Raumes, der sich nicht immer mit zuverlässigem,
berechenbarem, also sozialem
Verhalten verträgt. Der Crash, zu dem
es da kommen kann, ist bisweilen schon
brutal, weil das eigene Verhalten von der
Umwelt als Geringschätzung oder Abweisung
interpretiert wird. Es gibt nur wenige
Menschen, die das verstehen und aushalten,
meistens sind das selber Künstler.
Aber künstlerische Arbeit ist ja doch auch
Arbeit, Produktion, ein Prozess, der in bestimmten
Zeiträumen ablaufen muss und
das auch tut. Diese Art von Arbeit wäre
doch nicht damit beschrieben, dass es einen
unentwegt genialisch fortrisse und
man dem wehrlos ausgeliefert sei; dass
man die Kontrolle behält, ist ja auch ein
wesentlicher Teil.
Das hört man natürlich oft: Wenn du es
schaffst, um acht Uhr zur Vorstellung im
Theater zu sein, dann kannst du auch am
24. Dezember bei uns am Tisch sitzen. Das
ist eigentlich banal, aber da geht es schon
los: Wie weit ist man zu Kompromissen
bereit, wo beginnt die Selbstverleugnung?
Aber die Frage, ob man dem nachgibt oder
widersteht, das ist natürlich auch ein Energiequell.
Man kann ja gut aus Widerständen
schöpfen. Man nimmt diese Impulse,
entzündet sich daran, macht sie groß,
züchtet sie hoch, bis etwas Mitteilbares
dabei herauskommt. Gleichzeitig Geheimrat
und Künstler zu sein, ist ja nicht eben
nahe liegend, extreme Stücke zu spielen
und seine Steuererklärung zu machen, erscheint
einem oft völlig widersinnig. Dieser
Widerspruch wird in »Tasso« behandelt.
Man stellt diese komische Welt in
Frage, aus der man stammt, und torpediert
deren Werte, weil man nicht begreift,
wie man da hineingeraten ist. Das kann
an jedem noch so unscheinbaren Punkt
beginnen, wenn er genug Energiepotential
hat. Letztlich will man ein Gefühl von
Freiheit, ein Ventil finden, etwas anders
machen, etwas aufbrechen, Spannung, Leben,
Authentizität. Ein System anders bedienen,
als es vorgesehen ist.
Saison 2005/2006
Der Künstler braucht
die Ordnung und die
Ordnung braucht die
Kunst, also die Freiheit.
Aber natürlich kommt der Punkt, an dem
man sieht, dass sich das nicht durchhalten
lässt. Tasso erkennt: »So zwingt das Leben
uns zu scheinen, ja zu sein wie jene,
die wir kühn und stolz verachten konnten«
– und das ist wahr, da hat er recht.
Man kämpft mit einem System, sucht sein
eigenes Ich, ringt um Wahrhaftigkeit, und
plötzlich ist man selber drinnen, ist selbst
das System. So ist wohl das Leben. Joschka
Fischer hat gegen die Startbahn West
am Frankfurter Flughafen demonstriert
und ist dann als Außenminister über eben
diese Startbahn ein- und ausgeflogen. Was
soll man machen...
Ja, genau, das ist die Frage: Was soll man
machen? Tasso hat ja auf der einen Seite
das Gefühl, seine Kunst sei nicht wirkungsvoll
genug, weil der Fürst seine Bücher
nicht liest oder aus der Lektüre nicht
die richtigen Schlüsse zieht. Auf der anderen
Seite wächst bei ihm an einem bestimmten
Punkt das Bedürfnis, das Scheitern
am Hof und den Widerstand, den er
in diesem Scheitern entdeckt, zu bewahren
und – wie Sie es ausgedrückt haben –
zu vergrößern.
Mit Bezug auf seinen Widersacher Antonio
sagt Tasso: »Und irr ich mich an
ihm, so irr ich gern. Ich denk ihn mir als
meinen ärgsten Feind, und wär untröstlich,
wenn ich ihn mir gelinder denken
müsste.«
Das ist aber ja nicht einfach Sturheit –
Nein, in dieser Unversöhnlichkeit steckt
auch ein ungeheurer Selbstbehauptungswille.
Direkt im Anschluss heißt es: »Töricht
ist’s in allen Stücken billig sein; es
heißt, sein eigen Selbst zerstören. Sind die
Menschen denn gegen uns so billig? Nein,
o nein!« Es ist komisch, andere funktionieren
in einem Apparat, und man selbst
Burgtheater
kämpft immer um solche Widerstandspunkte,
an denen man sich erfrischen und
etwas anders machen kann. Einerseits findet
man sich darüber selber, kann sich
entzünden, andererseits wird man gerade
an diesen Punkten Teil des Systems. Dieses
Gefangensein in einem sozialen Konstrukt
ist ein nicht leicht zu ertragender
Widerspruch.
Und gleichzeitig sollen alle anderen denken,
es handele sich um einen ganz autonomen
Produktionsprozess. »Stört ihn,
wenn er denkt und dichtet, in seinen
Träumen nicht, und lasst ihn wandeln«,
sagt der Fürst, der gleichzeitig ganz reale
Ansprüche auf Werk und Autor geltend
macht. Als sei das Unberechenbare,
Abgewandte auch ein Teil des erhofften
Mehrwerts.
Den Wahnsinn zu bändigen, ist ja attraktiv.
Die Energie ertragen, den Zorn einordnen,
zähmen, hörbar machen... Der
Künstler braucht die Ordnung und die
Ordnung braucht die Kunst, also die Freiheit.
Nur dann ist das System komplett.
Das ist für mich der Widerspruch oder
der Notstand, der im »Tasso« beschrieben
wird. Man sucht nach Freiheit und
macht Kunst, weil man in einer Ordnung
gefangen ist und überhaupt nicht weiß,
wie man die Freiheit erlangen soll. Und
aus dieser Not entsteht dann ein Tanz
oder Malerei zum Beispiel, oder ein Stück
wie der »Tasso«.
Torquato Tasso
von Johann Wolfgang Goethe
Regie: Stephan Kimmig
Bühne: Katja Haß
Kostüme: Barbara Drosihn
Musik: Michael Verhovec
Mit Caroline Peters, Myriam Schröder;
Philipp Hochmair, Joachim Meyerhoff,
Michael Wittenborn
★ Premiere am 24. Februar 2006
im BURGTHEATER
Gefördert von der Gesellschaft
der Freunde des Burgtheaters
11

Kasino
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Weniger Notfälle
von Martin Crimp
»Es ist besser geworden. Die ganze Nachbarschaft
ist besser geworden. Die Bäume sind stabiler, die
Mexikaner wurden rausgeschmissen, die Serben
wurden rausgeschmissen, die Leute räumen endlich
die Scheiße ihrer Hunde weg, nette Familien ziehen
ein. Nette Somalis, nette Chinesen, richtig nette
Kurden, richtig nette Familien, die ihre Hunde-
scheiße wegräumen und in ihren Autos staubsaugen.
Und außerdem hat man die Sequenz jener
Gene entschlüsselt, die Menschen dazu bringen,
verbrannte Matratzen vor die Haustür zu werfen,
und man hat ihre Babys erwürgt. Ja – man hat
ihre Babys erwürgt und hellere Straßenlaternen
angebracht. Es läuft jetzt besser.«
2005/2006 Saison

In Martin Crimps dreiteiligem Theatertext
herrscht fundamentale Unsicherheit.
Die Straßen sind so unsicher wie die Lebenswege,
die Lage der Nation so instabil
wie die Gemütslage jedes Einzelnen. Vier
Figuren rekonstruieren oder entwerfen
in drei Anläufen Bruchstücke von Bio-
grafien, die ihre eigenen sein könnten.
Geschichtenerzählen funktioniert als Sicherheitsproduktion.
Aber die Geschichten
selbst, die auf eine lückenlose Abfolge
von Ursachen und Wirkungen
abzielen, tragen den Keim der Auflösung
bereits in sich.
In »Der ganze blaue Himmel« steht das
Leben einer jungen Frau im Vordergrund,
das sich in wohlgeordneten Bahnen über
angefangenes und abgebrochenes Studium,
Heirat und Kind auf die Harmonie
einer glücklichen Kleinfamilie zubewegt
hat – gegen ihren Willen und mit einer
Zwangsläufigkeit, die jeden einzelnen
Augenblick ihres bisherigen Lebens als
verpasste Möglichkeit erscheinen lässt.
Hängt es mit einem Ereignis aus dieser
Vorgeschichte zusammen, dass ihr Sohn
nicht einschlafen kann? Und stimmt
es wirklich, dass die Gäste des Garten-
festes sich angeschrieen, geprügelt und
»gegenseitig die Haut zerfetzt« haben,
bevor diese wunderschöne Party zustande
kommen konnte, die alle an einem
großen Tisch versammelt?
Saison 2005/2006
In »Gesicht zur Wand« berichten die Figuren
über einen Familienvater, der in
einer Schule ein Blutbad anrichtet, und
spekulieren über die Ursachen, die solch
ein völlig unvorhergesehener Gewaltausbruch
haben könnte. Das Leben des Täters
ist mustergültig, seine Umgebung ein
Vorbild gesetzter Bürgerlichkeit. Kein
Mangel, keine Lücke, kein Riss, in dem
ein Motiv für die Wahnsinnstat sich festgesetzt
haben könnte, lässt sich ausmachen.
Nur der Postbote kommt manchmal
zu spät, an den Tagen, an denen es
seinem Sohn morgens nicht gelingt, ihn
zum Aufstehen zu bewegen.
In »Weniger Notfälle« erscheint den Figuren
das Licht wieder heller, der soziale
Friede wieder näher. Das Paar aus »Der
ganze blaue Himmel« geht häufiger miteinander
segeln, das tut der Beziehung
ganz offensichtlich gut. Den Sohn lassen
sie bei diesen Gelegenheiten zuhause,
eingesperrt, denn »weniger Notfälle«
heißt schließlich nicht »keine Notfälle«,
und Sicherheit ist nirgends.
Weniger Notfälle
von Martin Crimp
Regie: Friederike Heller
Ausstattung: Sabine Kohlstedt
Mit Johanna Eiworth, Philipp Hauß, Dietmar
König
★ Premiere / Österreichische Erstaufführung
am 17. Februar 2006 im KASINO
Kasino
Sofie Thorsen, 2005.
Aus der Serie »The Golden Castle That Hung In The Air«
MARTIN CRIMP
Seit seinem Debüt als Dramatiker in den
achtziger Jahren hat Martin Crimp, Jahrgang
1956, neben Theaterstücken auch
Übersetzungen, Bearbeitungen und mehrere
preisgekrönte Hörspiele veröffentlicht.
Für »Der Dreh« erhielt er 1993 den
John Whiting-Dramatikerpreis, 1997 war
er Hausautor am Londoner Royal Court
Theatre. Im deutschsprachigen Raum wurde
Crimp u.a. mit »Angriffe auf Anne« und
»Auf dem Land« bekannt, daneben erschienen
auf deutsch »Das stille Kind«, »Der
Handel mit Clair« und »Spiel mit Wiederholungen«.
Crimp lebt mit seiner Frau und seinen
drei Kindern in der Nähe von London.
FRIEDERIKE HELLER
Während ihres Regiestudiums in Hamburg
inszenierte Friederike Heller, Jahrgang 1974,
bereits in den Hamburger Zeisehallen und
an den Hamburger Kammerspielen. Zuletzt
arbeitete sie in Göttingen, Dresden, Köln
und am Burgtheater. 2003 inszenierte sie im
Kasino am Schwarzenbergplatz die österreichische
Erstaufführung von Neil LaButes
»Tag der Gnade« und im Herbst 2004
im Akademietheater die österreichische Erstaufführung
von Peter Handkes »Untertagblues«,
für die sie in der Zeitschrift Theater
heute zur Nachwuchsregisseurin des Jahres
gewählt wurde.
13

Kasino
14
Spieltriebe
Nachwuchs unplugged SCHWIMMEN WIE HUNDE
von Reto Finger
»Spieltriebe« heißt kurz und knapp eine
Veranstaltungsreihe, die das Burgtheater
vor drei Jahren im Kasino gestartet
hat. Sie war auf Anhieb so erfolgreich,
dass sie jetzt – nach einer kurzen Pause
– fortgesetzt wird.
Die Grundidee: Die jungen Regisseure,
derzeit noch als Regieassistenten
am Haus beschäftigt und bei Regisseuren
wie Karin Beier, Andrea Breth, Stefan
Kimmig, Martin Kušej oder Nicolas
Stemann lernend, probieren sich
aus, entwickeln ihre Vorstellungen von
Theater, präsentieren Texte und Themen
ihrer Wahl zwischen szenischer Lesung,
Revue, kleiner Inszenierung oder
szenischer Installation. Man ist als Zuschauer
vor Überraschungen nicht sicher,
und gerade dies ist Verführung genug,
um immer wieder zu kommen und
Szenen von H.C. Artmann, Max Goldt,
Cami oder Raymond Queneau zu erleben,
mal unterhaltsamer, mal ernsthafter,
mal aninszeniert, mal ausinszeniert,
mal skizziert…
Aber auch Stücke werden hier ausprobiert,
die nach ihrer Erstpräsentation
bei den »Spieltrieben« den Weg ins Repertoire
finden.
PS.: Der Begriff »Spieltriebe« ist übrigens
keineswegs zeitgeistig, sondern findet
sich in Schillers Briefen über die ästhetische
Erziehung des Menschen.
»Die gesellschaftliche Vorstellung einer Beziehung lebt noch immer zu einem großen Teil
vom Ideal der Romantik. Die Beschleunigung unserer Zeit macht aber auch vor Beziehungen
nicht halt und wird diese nachhaltig verändern. Dagegen ist grundsätzlich nichts einzuwenden.
Unmögliche Wortschöpfungen wie ›Lebensabschnittspartner‹ oder ›serielle Monogamie‹
zeigen aber, wie schwierig dieser Prozess ist.« (Reto Finger in Theater der Zeit)
Charlotte trennt sich von Robert und zwar »wie Erwachsene« das tun: Der Freundeskreis
wird aufgeteilt und Robert nicht einfach auf die Straße gesetzt, sondern als Übergangslösung
in den Keller umquartiert, bis er »was Eigenes gefunden hat«. Aber Robert denkt gar
nicht daran, »was Eigenes zu finden«: Er lässt sich nicht austauschen, er macht einfach nicht
mehr mit und richtet sich, ausgestattet mit Lebensmitteln und Trockenklo, im Keller ein.
Reto Finger hat an den Werkstatttagen 2004 teilgenommen und wurde im letzten Jahr mit
dem Kleist-Förderpreis für junge Dramatiker ausgezeichnet.
Die österreichische Erstaufführung von »Schwimmen wie Hunde« wird inszeniert von
Harald Brückner, seit 2004 Regieassistent am Burgtheater.
Mit Alexandra Henkel, Nicola Kirsch; Patrick O. Beck, Michele Cuciuffo, David Oberkogler
Am 28. Jänner 2006 in der KASINOBar
ES IST ZEIT. ABRISS
von Albert Ostermaier
Die Regieassistenten
des Burgtheaters:
Anik Moussakhanian
Rudolf Frey
Barbara Nowotny
Sebastian Fust
Johanna Grilj
Cornelia Maria Rainer
Harald Brückner
Philip Jenkins
mich zieht es überall dort hin / wo etwas zu ende geht wie / ein magnet zieht es mich an /
und ich schau zu wie alles / in sich zusammenfällt
Aus vier sich überschneidenden Perspektiven wird die gleiche Geschichte erzählt von Liebe
und Verlassen, Lüge und Mord. Was passiert ist, ist weniger wichtig als der Umstand,
dass es genauso gut überhaupt nicht passiert sein könnte. Hat Castou das Mädchen Dor
und ihren Freund Lux auf dem Gewissen? Ist Dor freiwillig vom Parkhaus gesprungen?
Wer ist der Bauarbeiter, der da noch in diesem verlassenen Gebäude hockt? Sind alle diese
Figuren womöglich nur Gespinste im Hirn eines betrunkenen Geistes? Eine Art Poesiethriller
hat Ostermaier geschrieben, der nicht nach Auflösung verlangt, sondern durch Intonation
und Melancholie das Thema vom gelungenen Leben variiert.
Von Albert Ostermaier wurden am Burgtheater bereits die Stücke »Letzter Aufruf« und
»Nach den Klippen« unter der Regie von Andrea Breth aufgeführt.
»Es ist Zeit. Abriss« wird von Rudolf Frey, seit 2004 Regieassistent am Burgtheater, inszeniert.
Am 3. März 2006 in der KASINOBar
2005/2006 Saison

Blackbird
von David Harrower (Österreichische Erstaufführung)
Ein verstohlenes Treffen zwischen einem
Mann um die 50 und einer jungen Frau
in einer Werkskantine nach Feierabend.
Sie hatte auf dem Hof auf ihn gewartet,
er hat sie dort hineingezerrt, aus Angst,
die Begegnung könne seine Vergangenheit
ans Licht bringen und seine neue
Identität gefährden. Fünfzehn Jahre lang
haben sie sich nicht gesehen. Damals hatten
sie eine Beziehung, obwohl das Mädchen
kaum ein Teenager war. War diese
Liebe anrührend oder anrüchig?
Ursprünglich arbeitete Harrower an einem
Stück mit zwölf Rollen, doch einen
Monat vor Abgabeschluss – es war ein
Auftragswerk für das Edinburgh International
Festival 2005, Regie führte Peter
Stein – eliminierte er zehn der Figuren, so
dass nur zwei überlebten.
Harrower: »Blackbird ist die Liebesgeschichte
zweier Menschen, die eine gemeinsame
Erfahrung hinter sich gebracht
haben, die ihr Leben verändert hat. Es
geht darum, was passiert, wenn zwei
Menschen in einem Raum aufeinandertreffen.
Zwischen ihnen gibt es eine Inti-
Mir geht es
nicht darum,
zu einem Schluss
zu kommen,
sondern darum,
Fragen zu stellen.
Saison 2005/2006
mität – ob man
sie nun als
missbräuchlich
oder anderes
definiert
– in jedem Fall besteht
eine Bindung
zwischen den beiden.
Die junge Frau
hat Gefühle, die leidenschaftlich,
stark
und realistisch sind.
Sie sagt, es war die
unglaublichste Liebe,
die sie je empfand,
dass ihr jedoch andere erklärten, es
sei verdorben und sie wäre naiv gewesen
und zu etwas gezwungen worden.
Sie muss sich zwischen diesen beiden
Versionen ihrer eigenen Geschichte
entscheiden.
Der Mann besteht darauf, dass er in seinem
Leben ausschließlich eine Person geliebt
habe und dass es nur Zufall gewesen
sei, dass diese Person 12 Jahre alt
war. Er besteht ebenfalls darauf, dass ihn
das nicht zu einem Pädophilen mache, da
er seit damals nie wieder ein Kind angerührt
habe. Für ihn ist es besser, dass sie
ihm glaubt, sie wäre damals eine reife
Zwölfjährige gewesen, weil er damit in
seinen Augen aus der Klemme ist. Wer
auch immer er damals war, aus welchen
Gründen auch immer er es getan hat,
welche Entschuldigungen er auch dafür
findet – er muss sich vor sich selbst rechtfertigen.
DAVID HARROWER
1966 in Edinburgh geboren, lebt in Glasgow. Er studierte Anglistik, Amerikanistik und
Kunst. Er schreibt für das Traverse Theatre, das Royal Court Theatre, das Royal National
Theatre und die Royal Shakespeare Company. Seit Ende der 90er Jahre zählt er zu den wichtigsten
zeitgenössischen britischen Dramatikern. Sein erstes Stück »Messer in Hennen« von
1995 wurde von Theater heute zum besten ausländischen Stück des Jahres 1997 gewählt.
ESTHER MUSCHOL
1976 in München geboren, lebt in Wien. Sie studierte von 1998 bis 2002 Regie am Max-
Reinhardt-Seminar und war dann Regieassistentin am Burgtheater. Im Rahmen der Spieltriebe
waren bereits mehrere Arbeiten von ihr zu sehen. Seit September 2005 arbeitet sie als freie
Regisseurin und inszenierte zuletzt am Theater Erlangen Brigitte Reimanns »Franziska Linkerhand«
als Theatermonolog.
Ich versuche
nicht, sein
Verhalten zu
entschuldigen,
aber es ist ein Theaterstück,
und deshalb
versuche ich,
verschiedene Möglichkeiten
zu überprüfen. Kann
ein erwachsener Mann tatsächlich
eine Beziehung mit einem zwölfjährigen
Mädchen haben? Er glaubt,
dass er das kann, und Una glaubt es
auch, und es gibt auch andere Menschen,
die das glauben.
Mir geht es nicht darum, zu einem
Schluss zu kommen, sondern
darum, Fragen zu stellen.
Ich will nicht, dass die Leute,
nachdem sie das Stück gesehen haben,
denken, man sollte das Strafrecht ändern.
Vielmehr wünsche ich mir, dass
es Fragen über persönliche Freiheit und
über Verantwortung aufwirft und Fragen
darüber, was man im Leben hinter
sich lässt und was man mit sich herumträgt
und wie sehr man der Vergangenheit
die Schuld an den Problemen der Gegenwart
gibt. Es ist kein Problemstück;
es ist eine Metapher für etwas Anderes.«
Harrower hat keinen Zweifel daran,
dass die Bühne auch in Zukunft ein
wichtiger Ort der Kommunikation sein
wird: »Ich bin schlicht fasziniert von
Theaterstücken und davon, warum Menschen
sich für diese literarische Form
entscheiden. Stücke zu schreiben wird
nie stumpfsinnig, es bleibt ein fortwährendes
Erkunden. Mein Schreiben muss
sich weiterbewegen. Ich möchte gerne
dem auf den Grund gehen, was uns heute
begegnet.«
Blackbird
von David Harrower
Regie: Esther Muschol
Bühne: Michaela Bürger
Kostüme: Claudia Vallant
Musik: Karl Stirner
Mit Teresa Weißbach, Martin Reinke
★ Premiere / Österreichische Erstaufführung
am 23. Februar 2006 im VESTIBÜL
Vestibül
15

Geburtstag
16
Mein Reich ist in der Luft
Ein Fest für Gert Jonke zum Sechzigsten am 15. Februar im Akademietheater
Man mag es glauben oder nicht: Der große Verzögerer und Beschleuniger, Zeitenanhalter
und -durcheinanderwürfler Gert Jonke wird Sechzig. Im Akademietheater, dem Ort,
wo in den letzten Jahren die Uraufführungen der »Chorphantasie« und der »Versunkenen
Kathedrale« zu sehen waren und sind, wird am 15. Februar mit vielen Freunden gefeiert.
Neben der Uraufführung eines von Elfriede Jelinek für ihn verfassten Textes und
einem seiner schon fast legendären Auftritte mit den Wachauer Pestbläsern erwarten wir
die Gratulationen von Markus Hinterhäuser, Antonio Fian, Werner Kofler, dem »Kabinetttheater«,
Lois & Franziska Weinberger, Christiane Pohle und manch anderen.
»Die versunkene Kathedrale«
Aus Anlass der Verleihung des Kleist-Preises
2005 an Gert Jonke hat der Preisträger
unter dem Titel »Ein schöner Gruß
an Heinrich Kleist« eine fulminante Rede
in fünf Abteilungen gehalten, von der wir
den mittleren, dritten Teil im Folgenden
erstmals im Druck veröffentlichen.
Die fünf Prosastücke nehmen außer in
der Überschrift nirgendwo direkt Bezug
auf Heinrich von Kleist, und doch sind sie
in Haltung und Motiven dem Namenspatron
des Preises tief verbunden. Im Aufsatz
»Über das Marionettentheater« hatte
Kleist die Unbewusstheit der leblosen
Apparatur und der Tiere in die Nähe des
unendlichen Bewusstseins Gottes gerückt
und spekuliert, dass für den Menschen die
Unschuld und Grazie des Naturzustandes,
also die Überwindung des beschränkenden
Bewusstseins, nur dann wieder
zu erreichen wäre, »wenn die Erkenntnis
gleichsam durch ein Unendliches gegangen
ist«: »Das ist das letzte Kapitel von
der Geschichte der Welt.« Jonkes Text
wirft nun quasi aus einem solchen nachge-
schichtlichen Zustand einen Blick zurück
auf unsere Welt, in der die Wildnis mechanisiert
und durch High-Tech-Marionetten
ersetzt ist – eine Abkürzung, über
die sich das Paradies, der wiedergewonnene
Ursprungszustand der Welt, als rentabler
Erlebnispark erweist.
3
Wilde Tiere sind herrenlos, solange sie
sich in Freiheit befinden. Wilde Tiere
in Tiergärten und Fische in Teichen oder
anderen geschlossenen Privatgewässern
sind nicht herrenlos. Zieht ein Bienenschwarm
aus, so wird er herrenlos,
wenn nicht der Eigentümer ihn unverzüglich
verfolgt, oder wenn der Eigentümer
die Verfolgung aufgibt. Der Eigentümer
des Bienenschwarms darf bei der
Verfolgung fremde Grundstücke betreten.
Ist der Schwarm in eine fremde nicht
besetzte Bienenwohnung eingezogen, so
darf der Eigentümer des Schwarms zum
Zwecke des Einfangens die Wohnung
öffnen und die Waben herausnehmen
oder herausbrechen. Er hat den entstehenden
Schaden zu ersetzen. Vereinigen
sich ausgezogene Bienenschwärme mehrerer
Eigentümer, so werden die Eigentümer,
welche ihre Schwärme verfolgt haben,
Miteigentümer des eingefangenen
Gesamtschwarms; die Anteile bestimmen
sich nach der Zahl der verfolgten
Schwärme.
Ist ein Bienenschwarm in eine fremde besetzte
Wohnung eingezogen, so erstrecken
sich das Eigentum und die sonstigen
Rechte an den Bienen, mit denen die
Wohnung besetzt war, auf den eingezogenen
Schwarm. Das Eigentum und die
sonstigen Rechte an dem eingezogenen
Schwarme erlöschen.
Aus einem alten Gesetzbuch
Wilde Tiere sind herrenlos und nur solange
sie sich in der Wildnis befinden als
solche zu bezeichnen. Alle anderen Tiere,
wie Haustiere oder gefangene wilde Tiere,
sind eigentlich gar keine lebenden Tiere,
sondern vor Gericht als bewegliche
Sachen zu behandeln, die sich im Eigentum
des sich als Viehzüchter betätigenden
Landwirts oder eines Tiergartenbetreibers
befinden. Erlangt ein gefangenes wildes
Tier die Freiheit, so wird es herrenlos und
somit zu einer wilden beweglichen Sache.
Da auch die letzten unbetretbaren Naturschutzgebiete
der Wildnis, die bislang
öffentlich-rechtliches Staatseigentum waren,
verkauft und privatisiert werden,
um ihren Konkurs zu verhindern, werden
die ehemals wilden Tiere dort zu wilden
beweglichen Sachen, die, um nicht
die wirtschaftliche Nutzung der Wildnis
und deren Personal zu gefährden, in sogenannte
Erlebnisparks ausgelagert werden.
So werden die beweglichen Sachen
des Wildnisbetriebs zu beweglichen Sachen
der Tierparks und verschiedener anderer
Gehegebetriebe, die daraufhin einen
großen wirtschaftlichen Aufschwung erleben:
man versteht es nämlich, diese Erlebnislandschaftsgehege
als echte Wildnis zu
maskieren, indem man ganze Mangrovensümpfe
und kleinere Grundstücke noch
erhältlichen tropischen Regenwaldes aus
allen Teilen der Welt im Gebiet der Erlebnisparks
ansiedelt und vor sich hin wuchern
läßt, so daß den die Kassen der Er-
2005/2006 Saison

lebnisparks stürmenden Besuchern eine
unbetretbare Wildnis vorgegaukelt wird.
Den wilden Tieren kann man diese florierenden
Wildnisbetriebe allerdings immer
weniger als Wildnis vorgaukeln, weshalb
sie ihre Wildheit immer mehr verlieren
und aus Langeweile degenerieren – worauf
der zunehmende Eigenschwund durch
Vermehrungsverweigerung und verschiedenartige
andere Abstumpfungen ihre Dezimierung
verursacht. Um in der Welt der
Wirtschaft weiter bestehen zu können,
wird in den Wildnisbetrieben dieses fehlende
Wirtschaftswachstum verheimlicht,
indem die anfallenden Kadaver nicht mehr
der Tierkörperverwertung ausgehändigt
werden, sondern den Tierpräparatoren,
welche sie ausnehmen und ausstopfen
und daraufhin den Wissenschaftlern, Ingenieuren,
Erfindern, die das Innere der
Häute mit einem neuen maschinellen Innenleben
aus Motoren, Drähten, Kabeln,
Kontakten des neuesten Erfindungsstandards
ausstatten und aus einem Labyrinth
von Schaltkreisen auch ein galvanisch gespeistes
Seelenleben konstruieren, so daß
wahre Wunderwerke der Imitation entstehen,
die sich von den Originalen, denen
sie nachgebildet sind, nicht nur nicht unterscheiden
lassen, sondern diese an Lebendigkeit
und Lebensechtheit übertreffen.
Diese elektrischen Tiere sind nicht
als künstliche Attrappen definierbar, sondern,
wie ihre Konstrukteure mit durchaus
demiurgischem Stolz behaupten, als
eine Art von noch nicht dagewesenen
Lebewesen aus einer Art anderen Natur
oder auch Übernatur zu verstehen. Und
es schmerzt diese vermeintlichen Erfinder,
daß sie diese Wunderwerke einer neuen
Art von wirtschaftlichen Schöpfungssparte
in ihrer wahren Wesenheit der Öffentlichkeit
verheimlichen müssen, die auf
dergleichen zu wenig vorbereitet ist und
sicher sehr erschrecken würde, jedoch weniger
aufgrund der Tatsache, daß es keine
lebenden Tiere mehr gibt, sondern nur
noch elektrische – das würden die Leute
sehr schnell verschmerzen –, sondern
mehr wegen der Ununterscheidbarkeit der
elektrischen Maschinentiere von den echten
lebenden Tieren, der man derart rettungslos
auf den Leim geht.
Saison 2005/2006
Gert Jonke
Leider können die schönen Aussichten auf
diese schöpferischen Wunderwerke nicht
verhindern, daß unsere Zivilisation in einigen
Jahrzehnten merkwürdig diskret
verschwunden sein wird, wie aufgrund
einer unsichtbaren planetarischen Katastrophe,
ein totaler Stromausfall oder so
etwas. Die Maschinengestelle fast aller
stehengebliebenen Tiere lagert man zur
Wartung und Reparatur in riesigen unterirdischen
Lagerhallen, Zisternen und Magazinen
ein, weshalb diese elektrischen,
ehemals eine neue Wildnis bevölkernden
Tiergestelle ein paar Jahrtausende lang,
vielleicht auch weniger, aber einige Epochen
lang die oberirdische Öde und Leere
einer so gut wie leblosen, wie von sich
selbst zerstörten Planetenoberfläche überdauern.
In ihren riesigen, unterirdischen
Schlafsälen werden sie von einer späteren
Zivilisation dann aber entdeckt, deren
Bevölkerungsindividuen wohl nichts
mehr von den Tieren und Menschen aus
einer fernen vergessenen prähistorisch anmutenden
Zivilisation wissen wird.
Die Philosophen und Historiker dieser
so fernen Zukunftszivilisation werden
diese stillgelegten Tiermaschinen aus einer
vergessenen Welt wohl als die beweglichen
Göttergestalten deuten, die von den
Einwohnern einer Jahrtausende zuvor zu
vermutenden Zivilisation verehrt und angebetet
worden seien, und ehemalige Tierparkumrisse
werden demgemäß als ehemalige
Tempelbezirke identifiziert und
Geburtstag
erkannt. Die Leute, die in den Jahrtausenden
vorher an diesen Orten und Gebieten
wohnten, hätten diese vermutlich
regelmäßig aufgesucht, um die Tiere anzubeten,
die von ihnen als Götter verehrt
wurden, um den Tieren Geld und andere
Sachen zu opfern. Diese Menschen damals
sollen also weniger von einer vermutlichen
Oberpriesterkaste, den Erfindern
und Konstrukteuren dieser Tiermaschinen,
sondern vielmehr von den Mechanikern
und Technikern, den Tierpflegern,
die diese Tiermaschinen in Schuß gehalten
und repariert hätten, völlig unter der
Fuchtel gehalten und terrorisiert worden
sein, heißt es.
Aber vermutlich hätten die Leute damals
das alles weder durchschaut noch gewußt.
Ja, ja, wir alle werden also von den
Jahrmarktsgangstern einer mafiosen Sippschaft,
dem Ringelspielbetriebsgesindel
einer gewalttätigen Spielbetrugsschlägertruppe
und deren Parkwächtern, die uns
durch die Gegend schikanieren, ausgenommen
wie die Weihnachtsgänse, als
welche wir uns selber ununterbrochen
freiwillig für deren Verzehr braten.
Und wir selbst wissen das alles angeblich
auch gar nicht. Natürlich wissen wir das
nicht. Woher denn auch.
Und wenn wir uns nicht vorschriftsmäßig
vor den Tieren niederknien und
uns in den Staub werfen, dann hetzen sie
uns ihre elektrischen Tiere an den Hals.
Und wenn wir nicht ordentlich die Tierparks
aufsuchen, dann hetzen diese Raubritter
ihre elektrischen Tiger auch außerhalb
der Tierparks auf uns.
Natürlich ist es schlimmer, von einem
elektrischen Tiger angefallen zu werden
als von einem richtigen Tiger. Und natürlich
walzt eine elektrische Elefantenherde
eine Demonstration viel besser und
schneller nieder als noch so viele echte lebende
Elefanten und Nashörner zusammen.
Und das alles wissen wir also angeblich
gar nicht?
Natürlich nicht. Woher denn auch?
Sollten wir?!
Ich weiß nicht.
17

»Immer wieder von vorn anfangen«
Klaus Völker über Elisabeth Orth – deren 70. Geburtstag wir mit der 70. und letzten
Vorstellung von »Maria Stuart« am 5. Februar feiern. Nach der Vorstellung gratuliert das
Ensemble der Jubilarin auf offener Bühne.
Elisabeth Orth, die im Oktober 1965 erstmals
am Burgtheater spielte, gehört seit
1968 zum festen Stamm des Ensembles.
Obwohl sie ein waschechtes Wiener Kind
ist, hat sie diesem Klischee nie entsprochen.
Es gelang ihr, die kindliche Anmut,
ihre Leuchtkraft und Begeisterungsfähigkeit
in eine durch unverfälschte Worte bekräftigte
naturverwachsene Wesenheit auf
der Bühne zu verwandeln. Das Einfache,
das schwer zu machen ist, gelingt ihr auch
heute noch immer scheinbar mühelos.
Am 8. Februar 2006 feiert die älteste der
drei Töchter des Burgschauspielerehepaars
Paula Wessely und Attila Hörbiger
ihren 70. Geburtstag. Weil sie nicht von
den Zinsen des Ruhmkontos profitieren
wollte, das mit den Familiennamen von
Vater und Mutter verbunden war und
auch ihre Schwestern Christiane und Maresa
zum Theater wollten, adaptierte die
Philosophiestudentin Elisabeth Hörbiger,
als sie sich 1956 doch entschloss, auf eine
Theaterexistenz zuzusteuern, den Mädchennamen
ihrer Großmutter mütterlicherseits
als Künstlernamen: Orth.
Intendant Ernst Haeussermann, auf
der Suche nach einer »Sekretärin« für seinen
Dramaturgen Florian Kalbeck, die die
Eigenschaften eines Mädchen für alles haben
sollte, überredete die in der Berufswahl
noch unschlüssige Studentin, sich in
seinem Theater in der Josefstadt »umzusehen«
und hatte damit einen denkbar guten
Griff getan. Denn die neue Sekretärin
betätigte sich geschickt als Stücke lesende
Dramaturgin, als flinke Inspizientin, gelegentliche
»Einspringerin« und schließlich
auch Regieassistentin. In Oskar Werner
fand sie einen Schauspieler, der ihr Mut
machte, ihre vielseitige Intelligenz als etwas
zu begreifen, was gerade im Theater
entwickelbar wäre und gebraucht würde.
So meldete sich Elisabeth Orth zum Studium
am Reinhardt-Seminar an, wurde
zugelassen und bekam, ihrer Begabung
wegen, das letzte Jahr »geschenkt«. Nebenbei
hatte sie damals ihre ersten bemerkenswerten
Auftritte an Wiener Bühnen,
wie etwa im September 1958 am Volkstheater
in »Sieh und staune!« von John
Patrick und 1959 im Theater der Courage
in »Tran« von Eugene O’Neill.
Saison 2005/2006
Corinna Kirchhoff, Michael König, Martin Schwab und Elisabeth Orth in »Maria Stuart«
Dass sie dem Ulmer Intendanten Kurt
Hübner damals vorspielen konnte, war
ein großes Glück, er engagierte sie für die
Spielzeit 1960/61 und war entschlossen,
ihr Schillers »Jungfrau« als erste Aufgabe
anzuvertrauen. Auch ein Abgesandter
des Münchner Residenztheaters war
vom besonderen Talent dieser Elisabeth
Orth überzeugt und bewirkte, dass sie
zum Vorsprechen nach München eingeladen
wurde. Hier wurde sie sofort mit
der Titelrolle in »Miss Sara Sampson« besetzt
und spielte mit Erfolg zwei weitere
Rollen, während in Ulm die Proben zur
»Jungfrau von Orleans« begannen.
Auf ihrem Jahr in der »Provinz«, das
Intendant Henrichs ihr ersparen wollte,
bestand sie und erlebte dann die Überraschung,
in einem Ensemble zu arbeiten,
das gerade anfing, Theatergeschichte
zu schreiben. In Ulm spielte sie nicht
nur unter Kurt Hübners Regie die Johanna
und Emilia Galotti, sie war auch die
Protagonistin der Zadek-Inszenierungen
von O’Caseys »Der Rebell, der keiner
war« und von Shakespeares »Der Kaufmann
von Venedig«, Minnie Powell und
Porzia. Ihre Partner waren Norbert Kappen,
Katharina Tüschen, Helmut Erfurth,
Friedhelm Ptok, Peter Striebeck. Die Aufforderung,
mit dieser jungen, den Stadttheateralltag
sprengenden Truppe nach
Geburtstag
Bremen zu gehen, hätte ihr vielleicht so
manche ihrer künftigen routinierten Klassikeraufführungen,
in denen sie besetzt
wurde, erspart, aber sie fühlte sich auch
in diesem Fall an ihre vertraglichen Absprachen
gebunden und hatte zu diesem
Zeitpunkt immer unbekümmerte Lust auf
neue künstlerische Abenteuer und Begegnungen.
»Irrtümer«, sagte sie sich, konnte
man schließlich korrigieren.
Ihr Ulmer Debüt feierte Siegfried Melchinger
in Theater heute als den Durchbruch
einer Schauspielerin »zum großen
Format«: »Als Johanna hatte sie
eine Strahlkraft, die Schillers gefährliche
und selten gespielte romantische Tragödie
über alle Klippen hinweg zu einem
wahren Triumph führte… Tiefbohrende
Analyse verband sich mit hochfliegender
Phantasie.« Für ihre Darstellung erhielt
sie den sehr angesehenen, von einer
namhaften Kritikerjury verliehenen Hersfeld-Preis
für Schauspieler. Ihren längeren
Urlaub vom Residenztheater, wo sie von
1962 an die zentralen jüngeren Frauenrollen
zu spielen bekam und das sie, wie
sie öffentlich bekundete, als ihr »Theater-
Zuhause« betrachtete, nutzte Elisabeth
Orth 1964 noch zu einem Abstecher an
die Kölner Städtischen Bühnen, um hier,
an ihre Johanna anknüpfend, die Titel-
19

olle im während des Ersten Weltkriegs
begeistert aufgenommenen Schauspiel
»Madame Legros« von Heinrich Mann
zu übernehmen, die Figur einer Antigone
kurz vor der Französischen Revolution,
keine Petroleuse, sondern ein mitreißender
menschlicher Engel.
Nun wollte endlich auch ihre Heimatstadt
überprüfen, ob der in Deutschland erworbene
Ruf und bereits verliehene Rang einer
Staatsschauspielerin Wiener Kriterien
standzuhalten vermochte: am 21.10.1965
debütierte Elisabeth Orth als Luise in Leopold
Lindtbergs Inszenierung von »Kabale
und Liebe« in der Burg. Wien applaudierte,
doch Ernst Haeusserman,
mittlerweile Burgtheater-Direktor, gelang
es noch nicht, die Orth zur Burgschauspielerin
zu machen; vielmehr kehrte sie nach
München zurück, den Lockrufen des neuen
Oberspielleiters am Residenztheater,
Hans Lietzau, erliegend, der mit ihr als
Marie und Heinrich Schweiger als Woyzeck
eine erregende Büchner-Aufführung
erarbeitete, die eine alle menschlichen Gefühle
erdrückende, engstirnige und gänzlich
vermauerteWelt wiedergab, in der die
Menschen sich, gehetzt und in ihre Triebe,
Leiden und Ahnungen verstrickt, zu
behaupten versuchten. Mit diesem »Woyzeck«
gastierte das Residenztheater im
Frühjahr 1966 in New York, aufgeführt
zusammen mit Goethes »Die Mitschuldigen«,
mit Elisabeth Orth als Sophie und
Martin Benrath als Alcest.
In München kombinierte Lietzau »Die
Mitschuldigen« dann mit Ionescos »Die
Stühle«, wiederum mit Orth und Benrath,
die er dann noch einmal in seiner Claudel-Inszenierung
»Der seidene Schuh« als
Doña Proëza und Don Camilo zum erfolgreichen
Theaterpaar machte.
1968 konnte das Wiener Publikum Elisabeth
Orth als heilige Johanna feiern – in
der moderneren, etwas flapsigeren Version
von G. B. Shaw. In Wien heiratete Elisabeth
Orth den Burgschauspieler Hanns
Obonya, den sie auf einer Tournee mit
O’Neills »Fast ein Poet« 1967 kennen gelernt
hatte, eine Tournee, bei der sie Sara
Melody spielte, die Tochter des Ehepaars
Melody, gespielt von Paula Wessely und
Attila Hörbiger, ein attraktives Familienunternehmen
gewiss, aber eine in ihrem
poetisch verdichteten Realismus höchst
stimmige O’Neill-Inszenierung.
Saison 2005/2006
Nach der Geburt ihres Sohnes Cornelius,
einer weiteren Tournee-Inszenierung
mit Grillparzers »Jüdin von Toledo«
und einer letzten Rolle am Münchner
Residenztheater in »Alle Reichtümer der
Welt« war sie von 1971 bis 1996 vielbeschäftigtes
Ensemblemitglied des Burgtheaters,
ausgezeichnet mit dem Titel Kammerschauspielerin,
mit der Kainz-Medaille
und dem Grillparzer-Ring, Erfolge feiernd
als Nora, Eboli, Berta in »Verbannte«
von Joyce, als Marianne im »Der Raub
der Sabinerinnen«, Elektra, Olga in »Drei
Schwestern«, als Emilia in zwei »Othello«-Inszenierungen
(Lietzau und Tabori),
als Iphigenie, Gräfin Orsina, als Clotilde
Pontagnac in Feydeaus »Einer muss der
Dumme sein«, als Medea im »Goldenen
Vließ«, Ellida Wangel in Ibsens »Die Frau
vom Meer«, Mutter Courage, Arkadina
in »Die Möwe«, als Sinaida in »Ivanov«
oder Lizzie Berrill in O’Caseys »Das Ende
vom Anfang«. Diese komische Rolle am
Rande der Verzweiflung, an der Seite der
beiden nicht weniger abgründigen Komödianten
Rolf Ludwig und Branko Samarovski
war Elisabeth Orths erste Zusammenarbeit
mit Andrea Breth, der sie nach
Berlin an die Schaubühne folgte und mit
der sie 1999 an die Burg zurückkehrte.
Andrea Breth, unter deren Regie sie seit
1999 die Louise Rafi in Bonds »Die
See«, Frau Hudetz in »Der jüngste Tag«
von Horváth, Gräfin Helena im »Käthchen
von Heilbronn«, Elisabeth in Schillers
»Maria Stuart«, Frau Wahl im »Weiten
Land« von Schnitzler, die Mutter in
»Emilia Galotti«, den Großinquisitor im
»Don Carlos«, Big Mama in der »Katze
auf dem heißen Blechdach« und die in
Zaubertricks verliebte, schräge Charlotta
Ivanovna im »Kirschgarten« spielte,
gehört für Elisabeth Orth zu den für sie
drei maßgeblichen Regiepersönlichkeiten,
bei denen die Theaterarbeit für sie auch
ein intellektueller Gewinn war, weil sie
im Kern dazu diente, »Welt« zu verstehen
und zu erklären, alles Schöne und Elende
des Lebens in allen Widersprüchen auszuloten
und für die Zuschauer erfahrbar zu
machen. Vor Andrea Breth waren Heinz
Hilpert, bei dem sie die Cristina in Hofmannsthals
»Cristinas Heimreise« spielte,
die Hero in Grillparzers »Des Meeres
und der Liebe Wellen« und die Mascha in
»Drei Schwestern«, und Hans Lietzau die
wichtigsten Leiter ihres Talents und ih-
rer Welterkundungen beim Aufbau einer
Rolle. Dass sie eine unverfälschte Wienerin
war, keine Töne produzierte, sondern
wahre Empfindungen laut werden ließ,
schätzte Lietzau an Elisabeth Orth, ihrer
unbändigen Phantasie immer Nahrung
gebend, um Fülle und Vielfalt der Welt zu
erspüren.
Neben Hilpert, Lietzau und Andrea Breth
hat Elisabeth Orth die Arbeitsweisen von
Peter Zadek und Adolf Dresen als sie ungemein
bereichernde Möglichkeiten erlebt
und sie den Schauspielerberuf als
ein durchaus »königliches Glück« genießen
gelehrt. Nicht zu vergessen auch
die Arbeiten mit Achim Freyer (»Phaeton«
und »Woyzeck«), bei dem zwar das
Wort, das ihr wichtig ist, nicht allzu viel
gilt, bei dem aber ungeahnte Erfahrungen
des Raums zu machen waren, die sich
für ihr Spiel als unbedingt förderlich erwiesen.
Elisabeth Orth, die nun bald ihr
50jähriges Bühnenjubiläum feiern kann,
ist eine immer noch »junge«, weil neugierige
Schauspielerin, für deren Haltung
zum Leben und zum Theater das Motto
Hilperts Verpflichtung geblieben ist: »Du
musst immer wieder von vorn anfangen.«
Ihre Darstellung der Circe in Albert Ostermaiers
Stück »Nach den Klippen«, inszeniert
von Andrea Breth im Akademietheater,
stellt das eindrucksvoll unter Beweis:
Die einfache Wahrheit und Klarheit der
Sprache ist ihr alles. Kein »gemachtes«
Theater, keine Schnörkel. Wie es in einem
Gedicht von Paul Eluard heißt: »Die Augen
noch weiter offen unterm Wind ihrer
Hände / Träumt sie davon, dass sich der
Horizont für sie entgürte.«
Politisches Theater der direkten, agitatorischen
Art hat Elisabeth Orth nie angestrebt,
aber nie unerwähnt gelassen, dass
sie eine Haltung zum Leben, zum Weltgeschehen
und zur Politik hat und diese
auch ihre Theaterarbeit mitbestimmt: sie
hat viele Jahre lang Kommentare für die
Zeitschrift »Die Furche« verfasst und sie
ist Präsidentin der »Aktion gegen den Antisemitismus
in Österreich«.
Klaus Völker ist Autor des nächsten Bands der edition
burgtheater über Kirsten Dene und Elisabeth Orth.
Die letzten Vorstellungen »Maria Stuart«
am 31. Jänner und 5. Februar 2006
im BURGTHEATER
Geburtstag
21

In den Tiefen der »Burg« –
Das Elementare liegt im Verborgenen
von Ulrike Spann
Der Keller – Abstellareal, Versteck, Gefängnis,
Vorratskammer, Lager – Ort für
Hobbies. Immer unterirdisch, verborgen,
manchmal modrig und feucht. Ein unheimlicher
Ort ohne Tageslicht oder ein Refugium
für Bastler, wo Verstautes und Vergessenes
seiner Wiederentdeckung harrt. Ein
Ort der Zuflucht oder der rauschenden
Feste – der Partykeller.
Das Burgtheater hat gleich drei Keller! Ein
kühles Labyrinth von Tunnels und Speicher-Kammern,
das sich wie ein Pilz-Myzel
weit über die Grundrisse hinausstreckt
– unheimliche Gänge, glucksende Rohre.
Den höchsten Punkt des Theaters – auf
43 Meter Höhe – ziert eine kunstvoll-raffinierte
Lüftungskonstruktion, der »Blasengel«.
Der »Engelsatem«, die verbrauchte
Luft aus dem Zuschauerraum, wird diskret
über den 8 Tonnen schweren Deckenluster
abgesaugt, der erst beim Wiederaufbau des
Burgtheaters seinen Platz gefunden hat.
Das von Semper und Hasenauer erbaute
Theater ragt 20 Meter in die Tiefe – ein
riesiger Bauch mit verschiedenen Kammern
und einem »Wurmfortsatz«: der unterirdische
Gang zur Hofburg, in den die kaiserliche
Fluchtstiege neben der Feststiege auf
der Volksgartenseite mündete. Die Frisch-
Skelette, derzeit ohne Engagement
Stühleversammlung
Saison 2005/2006
luft nutzt diesen Kanal noch – aus dem
Volksgarten angesaugt, in Filtertaschen
gereinigt, in Wärmezellen temperiert und
über kleine Schlitze unter jedem Theaterstuhl
in den Zuschauerraum geleitet: eine
hochwirksame Klimaanlage, ganz ohne
technischen Schnickschnack.
Wundern Sie sich nun bitte nicht, wenn
Ihr Sitznachbar einen Blick unter den Sitz
riskiert – er will sich bloß seiner Frischluftzufuhr
vergewissern.
Der Frischlufttunnel befindet sich im 3.
Keller. Dort, ca. 20 Meter unter der Erde,
ist es kalt und zugig. Zwei stillgelegte, jedoch
heute noch mit Wasser gefüllte Zisternen
dienten einst zur Befeuchtung der
angesaugten Luft. Diese werden von Karl
Heindl, dem Sicherheitstechniker des Hauses,
inspiziert: »Es riecht intensiv nach
Moos – und das mitten in der Stadt.«
Im Zuge der Ringstraßenplanung wurden
die alten Basteien geschliffen. Diese
Reste der Stadtmauer sind heute noch
durch ein kleines Loch in der Wand sichtbar:
dort nämlich, wo die Fernwärme
Wien an das Burgtheater andockt. Warm
ist es im 2. Keller. Der Raum mit den Wärmetauschern
ähnelt dem Maschinenraum
eines U-Bootes: Rohrleitungen, Ventile,
Thermometer, Steuerungsarmaturen.
Karl Heindl, der Sicherheitstechniker Frischluft aus dem Volksgarten
Ortstermin
Ebenso im 2. Keller befinden sich E- und
Klimazentrale, Schlosserei, Tischlerei und
der Fitnessraum des Theater-Sportclubs.
Gemütlicher geht es da schon im Aufenthaltsraum
»Neu Illmitz« zu. Hier dominiert
pannonisches Design: Schilfmatten,
Seewinkel-Dekor. Manchmal zieht
das Temperament der Puszta ein: von legendären
Festen, wo sich Kunst und Technik
in den Tiefen des Burgtheaters treffen,
ist in Geschichtsführern nichts zu lesen…
ein Ort, der vielen verborgen bleibt.
Beinahe auf jeder Ebene der »Unterwelt«
des Burgtheaters befinden sich Lagerräume:
gut sortiert lagern dort Bühnenbilder,
Prospekte (Bühnenmalereien),
Stühle – kilometerlang, alte Koffer, König
Ottokars Thron, die Puppen aus dem »Verschwender«,
das Ross von Don Carlos und
Skelette, derzeit ohne Engagement.
In der Welt unter der Bühne, im »Bauch
des Theaters«, herrscht reges Leben – der
Keller als »Energizer« – unverzichtbar
für das Gebotene auf der Bühne, für alles
»Ober- und Überirdische«.
Nächste Technikführung am 19. Februar 2006
Karten nur im Vorverkauf!
23

Nachgefragt:
Barbara Petritsch, Schauspielerin
Was wäre für Sie das größte Unglück?
Wo möchten Sie leben?
Was ist für Sie das vollkommene irdische Glück?
Welche Fehler entschuldigen Sie am ehesten?
Ihre liebste Romanheldin?
Ihre Lieblingsgestalt in der Geschichte?
Ihre Lieblingsheldinnen in der Wirklichkeit?
Ihre Lieblingsheldinnen in der Dichtung?
Ihre Lieblingsmaler?
Ihr Lieblingskomponist?
Welche Eigenschaften schätzen Sie
bei einem Mann am meisten?
Welche Eigenschaften schätzen Sie
bei einer Frau am meisten?
Ihre Lieblingstugend?
Ihr Lieblingsvogel?
Ihr Lieblingslyriker?
Ihr Lieblingsdramatiker?
Ihr Lieblingsstück?
Ihre Helden in der Wirklichkeit?
Ihre Heldinnen in der Geschichte?
Ihre Lieblingsnamen?
Was verabscheuen Sie am meisten?
Welche geschichtlichen Gestalten
verachten Sie am meisten?
Ihre Lieblingsbeschäftigung?
Wer oder was hätten Sie sein mögen?
Ihr Hauptcharakterzug?
Was schätzen Sie bei Ihren Freunden am meisten?
Ihr größter Fehler?
Ihr Traum vom Glück?
Was möchten Sie sein?
Ihre Lieblingsfarbe?
Ihre Lieblingsblume?
Welche militärischen Leistungen
bewundern Sie am meisten?
Welche Reformen bewundern Sie am meisten?
Welche natürliche Gabe möchten Sie besitzen?
Wie möchten Sie sterben?
Ihre gegenwärtige Geistesverfassung?
Ihr Motto?
Saison 2005/2006
Eine Welt ohne Kunst.
Dort, wo die vier Jahreszeiten spürbar sind.
Das gibt’s leider nicht.
Rechenfehler.
Madame Bovary...
Mahatma Gandhi, Nelson Mandela...
Angela Davis, Helen Keller...
Sappho, Medea...
Richter, Goya, Bacon...
Mozart, Schubert, Zemlinsky...
Humor, Großzügigkeit, Intelligenz ...
Großzügigkeit, Humor, Intelligenz ...
Toleranz.
Wachtelkönig.
Heine, Artmann...
Kleist, Bernhard...
Amphitryon, Am Ziel...
Cecily Corti, Otto Tausig...
Frauenrechtlerinnen und Widerstandskämpferinnen,
Bertha von Suttner...
Nicolas.
Opportunismus und die Folgen.
Despoten und Tyrannen, George Bush, Hitler, Stalin.
Theaterspielen.
Schauspielerin.
Optimismus.
Loyalität, Vertrautheit...
Optimismus.
Hat sich erfüllt (wird nicht verraten!).
Schauspielerin.
Schwarz.
Trollblume.
Katastropheneinsätze und friedenssichernde Maßnahmen.
Soziale Integration in der Schule (Kinder mit
Behinderungen nicht mehr auszusondern!).
Klavierspielen, ohne es lernen zu müssen.
Still.
Neugierig und nachdenklich.
Du hast keine Chance, also nütze sie!
Portrait
Die gebürtige Steirerin kam
1999 unter der Direktion von
Klaus Bachler ans Burgtheater.
Davor hatte sie Engagements
in Nürnberg, Hamburg, am
Schauspiel Frankfurt a.M., den
Münchner Kammerspielen, in
Bremen und an den Staatlichen
Schauspielbühnen in Berlin, bei
den Salzburger Festspielen und
am Kölner Schauspiel. Unter
der Regie von Nicolas Brieger
war sie in Ibsens »John Gabriel
Borkman« zu sehen.
Des weiteren spielte Barbara
Petritsch die Gertrud in
Nestroys »Der Färber und sein
Zwillingsbruder« (Regie Karlheinz
Hackl), die Gouvernante
in Büchners »Leonce und Lena«
und in »Damen der Gesellschaft«
– beides Inszenierungen
von Sven-Eric Bechtolf. Sie
arbeitete mit Martin Kusˇej
(»Glaube, Liebe, Hoffnung«),
Lukas Hemleb (»Nathan der
Weise«) und Nicolas Stemann
(»Babel«). Als Magdalena in
Franzobels »Wir wollen den
Messias jetzt oder Die beschleunigte
Familie« ist sie bereits
in der dritten Inszenierung
von Karin Beier zu sehen. Ihre
Zusammenarbeit begann 2002
mit Schillers „Die Jungfrau von
Orleans“ und wurde mit
Osbornes »Der Entertainer«
2003 weitergeführt.
Im Sommer 2006 wird sie als
Eva in Nestroys »Höllenangst«,
inszeniert von Martin Kusˇej,
bei den Salzburger Festspielen
in einer Koproduktion mit dem
Burgtheater zu sehen sein.
25

Wiederaufnahmen
26
Sven-Eric Bechtolf, Roland Koch und Michael König
»Übrigens steckt das Stück voller Verstand, voller
Weisheit, voller Blicke in die Welt und spricht
überhaupt eine ungeheure Kultur aus, gegen die
wir jetzt schon wieder Barbaren sind.« J. W. Goethe
Der Anatom
von Klaus Pohl
»Das ist eine Traumbesetzung. Wann immer ein Schauspieler wie
Kirchner auftritt, täglich im Gespräch mit der Finsternis, ist Party
am Zentralfriedhof. In seinen immer grandiosen Auftritten verbindet
sich des Gedankens Blässe mit dem Antlitz der Toten, denen
wir verpflichtet sind. Denn das Theater handelt von ihnen. Manche
Konstellationen kann man eigentlich nicht toppen. Zum Beispiel die
Verbindung zwischen Kirchner und Pohl.« Süddeutsche Zeitung
Der Anatomiesaal der Akademie der Bildenden Künste ist seit der
Erbauung 1877 weitgehend unverändert erhalten geblieben: ein teatrum
anatomicum mit im Halbkreis angeordneten Sitzbänken, einem
Katheder und einem großen Seziertisch, dessen Marmorplatte
mit Rinnen und einer Öffnung zum Ablaufen von Flüssigkeiten versehen
ist. Architektur und Einrichtung entsprechen also eher einem
medizinischen Vortrags- als einem Zeichensaal. Seit dem 2. Weltkrieg
findet das Zeichnen von Leichen und Präparaten im Anatomischen
Institut in der Währinger Straße statt, jenem Institut, vor dem
der Vizepräparator in Horváths »Glaube Liebe Hoffnung« die Tauben
füttert. Dieser Vizepräperator war der Ausgangspunkt für Pohls
Stück: Der Anatom, der ein Leben lang mit Messer und Säge nach
der »Stelle, wo der Geist mit dem Körper kommuniziert« gesucht
hat, soll nach dreißigjähriger Arbeit ersetzt werden durch neue bildgebende
Verfahren, die die Fixation der Leichen, deren Aufbewahrung
im Tröpferlbad und den Schnitt überflüssig machen sollen.
Leitung: Klaus Pohl, Maria Pavlova, Friedrich Rom
Mit Ignaz Kirchner, Maria Pavlova
Die letzten Vorstellungen ab 4. Februar 2006 im Anatomischen Saal
der Akademie der Bildenden Künste Wien (Schillerplatz)
Ignaz Kirchner
Emilia Galotti
von Gotthold Ephraim Lessing
»Bisher sah und fühlte und bewunderte man
in diesem verteufelt gut gemachten Stück vor
allem Lessings dramaturgische Rädchen, wie
sie ineinandergreifen, die Zufälle zur Vorsehung
machen, die Tragödie vorantreiben.
Jetzt sieht man nicht Lessings Mechanik, sondern
Lessings Fleisch. Die Regie malt ihm
das Fleisch nicht auf. Sie legt es frei. So inszeniert
Andrea Breth Lessings Emilia Galotti
hinreißend leicht, mit einer herrlich verruchten
Selbstverständlichkeit: Jedes Wort
von 1772 fällt scharf wie eine Rasierklinge in
Öl auf eine Szene von heute. Das Stück wird
nicht aktualisiert oder dekonstruiert. Umgekehrt:
Es konstruiert eine Gegenwärtigkeit,
die durch dieses Stück erst entdeckt, auf die
Spitze getrieben, komisch groß und tragisch
grotesk ausgespielt wird. Das hat es auf dem
Theater lange nicht gegeben.« FAZ
Leitung: Andrea Breth, Annette Murschetz, Dagmar
Niefind, Elena Chernin, Alexander Koppelmann
Mit Andrea Clausen, Elisabeth Orth, Johanna
Wokalek; Sven-Eric Bechtolf, Wolfgang Gasser,
Roland Kenda, Roland Koch, Michael König,
Wolfgang Michael, Cornelius Obonya / Michael
Masula, Nicholas Ofczarek, Denis Petković
Ab 28. Jänner im AKADEMIETHEATER
2005/2006 Saison

Fest für Mozart
... und ganz Wien feiert! Mit zwei Veranstaltungen
ist das »Fest für Mozart« im Burgtheater zu Gast.
Wiener Meister
Ein doppelter Blick auf Mozart: Einerseits
der musikalische des Komponisten auf die
Welt, andererseits jener der Welt auf den
Tonsetzer.
Senta Berger und Rudolf Buchbinder
lassen in ihrem Programm, das sie für das
»Fest für Mozart« im Burgtheater entwickelt
haben, Musik und Sprache, Komposition
und Poesie ineinander fließen.
Am 27., 28. und 29. Jänner 2006 um 10 Uhr
im BURGTHEATER
KARTENVERKAUF
Weitere Informationen zu der
Veranstaltungsreihe Ein Fest für Mozart
und dem Wiener Mozartjahr 2006
finden Sie im Internet unter
www.wienmozart2006.at
Karten für die beiden Veranstaltungen
erhalten Sie an allen Vorverkaufsstellen
und Abendkassen in Burg- und
Akademietheater und unter der Hotline
der Wiener Mozartjahr Organisation:
+43/1/58 999
Hermann Scheidleder in »Mozart Werke Ges.m.b.H.«
Saison 2005/2006
Rudolf Buchbinder
Michael Köhlmeier
Senta Berger
Köhlmeier erzählt
Mozart im Burgtheater
Mozart Werke Ges.m.b.H.
Franz Wittenbrinks musikalische Delikatesse um Mozartkult und
Mozartkugeln nähert sich der 50. umjubelten Vorstellung.
Die Entführung aus dem Serail
Mozartjahr
Der Werdegang vom Wunderkind zum anerkannten
Genie, Gewusstes und Unbekanntes
über Mozart – Michael Köhlmeier
erzählt Mozarts Biografie neu. Köhlmeier,
der 1997 mit dem Anton-Wildgans-Preis
ausgezeichnete Autor und Erzähler, wird
im Burgtheater das Leben des Komponisten
in einer sehr persönlichen, sehr nahen
und plastischen Darstellung präsentieren.
Am 27., 28. und 29. Jänner 2006 um 12 Uhr
im BURGTHEATER
kehrt in der Regie von Karin Beier und unter der musikalischen Leitung
von Philippe Jordan an das Burgtheater zurück. 1782 erlebte
Mozarts Singspiel seine Uraufführung im alten Burgtheater. Die Neuinszenierung
wird als Koproduktion mit der Wiener Staatsoper zum
250. Geburtstag des Komponisten nun wieder im Burgtheater zu sehen
sein. Mit Diana Damrau (Konstanze), Julia Rempe (Blonde);
Franz Hawlata (Osmin), Cosmin Ifrim (Pedrillo), Daniel Kirch (Belmonte),
Nicholas Ofczarek (Bassa Selim)
Am 1., 4., 7., 10., 14., 17., 20., 24., 27. und 31. Mai 2006 im BURGTHEATER
Alle Abonnenten und Zykleninhaber des Burg- u. Akademietheaters und der
Staatsoper erhalten eine Ermäßigung von 10% auf diese Preise – mit Ausnahme
der Premiere am 1. Mai. Der Vorverkauf hat bereits begonnen.
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Magazin
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GEBURTSTAG MIT FREUNDEN
50 Jahre Gesellschaft der Freunde des Burgtheaters
Nicht nur das Burgtheater feiert in dieser Spielzeit den 50. Jahrestag
seiner Wiedereröffnung, auch die Gesellschaft der Freunde
des Burgtheaters begeht einen runden Geburtstag: Am 11. Februar
2006 jährt sich die erste konstituierende Sitzung dieser
prominenten Besucherorganisation zum 50. Mal.
Seit 1956 sind die »Burgfreunde« dem Haus verbunden: mit Begeisterung,
manchmal mit Skepsis und nicht immer im Einverständnis
mit dem Dargebotenen – aber stets mit großer Treue.
Seit Beginn der Direktion Bachler konnte der Kontakt zwischen
der Burg und »ihren« Freunden weiter intensiviert werden, und
so möchte sich »die Burg« an dieser Stelle für das großzügige Geburtstagsgeschenk
der Gesellschaft der Freunde des Burgtheaters
herzlich bedanken: eine einmalige Donation von Euro 7.000 für die
Neuinszenierung von »Torquato Tasso«, eine unserer Premieren
der Jubiläumsspielzeit, die an die Wiedereröffnung 1955 erinnern.
Der Anstoß zur Gründung des Vereins kam aus dem Burgtheater
selbst: der Doyen Karl Eidlitz und der Co-Direktor und Dramaturg
Friedrich Schreyvogl bemühten sich um theaterbegeisterte
Besucher, um dem Haus ein fixes Stammpublikum zu sichern.
Die Vereinsstatuten halten das Fördern »eines unmittelbaren,
engen und lebendigen Kontaktes zwischen dem Burgtheater und
seinem Publikum« fest, den Vereinsangehörigen »soll die Möglichkeit
geboten werden, das Haus und seine Mitglieder kennenzulernen«.
Seither erfreut sich die Gesellschaft der Freunde des Burgtheaters
wachsender Beliebtheit: die Anzahl der Mitglieder ist von anfangs
200 auf mittlerweile 796 angewachsen, und die »Burgfreunde«
halten 894 Abonnements im Burg- und/oder Akademietheater;
die Vollpreis-Abonnements umfassen jeweils sämtliche Neuinszenierungen
einer Spielzeit in den jeweiligen Häusern.
WALTER SCHMIDINGER
LIEST THOMAS BERNHARD
»Verstörung«, »Der Keller«,
»Der Stimmenimitator«
Anlässlich des 75. Geburtstages
von Thomas Bernhard
»Der Mensch verweigert sich der Störung
durch den Störenfried. Ein solcher Störenfried
bin ich zeitlebens gewesen, ich bin immer der
Störenfried geblieben, in jedem Atemzug, in
jeder Zeile, die ich schreibe. Meine Existenz
hat zeitlebens immer gestört. Ich habe immer
gestört, und ich habe immer irritiert. Alles,
was ich schreibe, alles, was ich tue, ist Störung
und Irritierung. Mein ganzes Leben als
Existenz ist nichts anderes als ununterbrochenes
Stören und Irritieren. Indem ich aufmerksam
mache auf Tatsachen, die stören und die
irritieren. Die einen lassen die Menschen in
Ruhe und die andern, zu diesen andern gehöre
ich, stören und irritieren. Ich bin kein
Mensch, der in Ruhe läßt, und ich will kein
solcher Charakter sein.« (aus: »Der Keller«)
Am 9. Februar 2006 im BURGTHEATER
Walter Schmidinger
Zum letzten Mal! »Die Macht der Gewohnheit« von Thomas Bernhard
Am 29. Jänner 2006 im BURGTHEATER
Die Abonnements ermöglichten den Vereinsmitgliedern zunächst
den Besuch der Premieren, seit 1986 den Besuch der ersten Vorstellung
nach der Premiere. Als Ende der 60er Jahre ein Sparerlass
des Unterrichtsministeriums das Ende der amtlichen Freikarten
verfügte, drohte ein Einnahmenrückgang: die bisherigen
Freikarten-Premierenbesucher erwiesen sich nicht als zahlende
Gäste, so dass das Kontingent für die Freunde des Burgtheaters
maßgeblich erhöht werden konnte und sie sich einmal mehr als
verlässlicher Partner des Burgtheaters erwiesen.
Die »Burgfreunde« zeigten sich aber auch über das Burgtheater
hinaus als Förderer des Wiener Kulturlebens, indem sie in den
70er und 80er Jahren Stipendien an Schüler des Reinhardt-Seminars
vergaben und österreichische Schüler zu Aufsatzwettbewerben
einluden, die mit Premierenabonnements prämiert wurden.
Die Mitglieder des Vereins haben die Möglichkeit, verschiedene
Veranstaltungen im Zusammenhang mit aktuellen Aufführungen
des Burg- und Akademietheaters zu besuchen – wie etwa
Künstlergespräche oder Einführungen zu Inszenierungen, die ein
beliebtes Forum für Information und Diskussion bieten. Diese
können mitunter sehr lebhaft ausfallen, wie die seit 1986 amtierende
Präsidentin der Gesellschaft der Freunde des Burgtheaters,
Dr. Ingeborg Schoeller, versichert – doch die durchaus unterschiedlichen
Vorlieben und kontroversiellen Meinungen der
»Burgfreunde« haben ein festes und einendes Fundament: die
durch unzählige Aufführungen geschulte, manchmal auf die Probe
gestellte, aber nie erlöschende Theaterleidenschaft.
Weitere Informationen: Gesellschaft der Freunde des Burgtheaters,
1010 Wien, Goethegasse 1, Telefon/Fax 512 68 89
Jubiläumsmatinee »50 Jahre Freunde des Burgtheaters« mit »Tannhäuser in
80 Minuten“ am 5. März 2006 um 11 Uhr im BURGTHEATER
GEFAHR-BAR TM 9
Die Gefahr-Bar denkt über sportliche
Großereignisse nach
Wieder steht eine Fußball-Weltmeisterschaft
bevor. Eine Fußball-Weltmeisterschaft ist
nicht nur für Fußballfans das Größte, sondern
auch für Franz Beckenbauer.
Jede Mannschaft versucht den Ball entsprechend
den Spielregeln möglichst oft hinter
die gegnerische Torlinie zu spielen, um
so genannte Tore zu erzielen. Trainer, Stars,
Statistiken ... bei einer WM ist immer allerhand
los.
Wir wollen erinnern: An das umstrittene
Tor von Geoffrey Hurst im Finale 1966 –
»Drin oder nicht drin« ... oder an Josef Dieter
Maier – »Die Katze von Anzing« ... oder
Herbert Prohaska alias »Schneckerl« (Österreich,
Mittelfeld) ... oder Hans Krankl
(Angriff) und »Die Schmach von Cordoba«
und vieles mehr ...
Herzlichst – Eure Gefahr-Bar
Am 4. Februar 2006 in der KASINOBar
2005/2006 Saison

John Irving
BIS ICH DICH FINDE
John Irving liest gemeinsam mit Peter Matić aus seinem neuen Roman
Eine Lesetour von John Irving ist genauso ein Ereignis wie ein neuer Irving-Roman. Denn
Irving ist nicht nur ein begnadeter Erzähler, sondern auch ein charismatischer Vorleser.
Das Burgtheater ist eine von nur vier Stationen seiner Lesereise durch den deutschsprachigen
Raum.
Sein elfter Roman »Bis ich dich finde« ist die Lebensgeschichte des Schauspielers Jack
Burns. Seine Mutter Alice ist Tätowiererin, sein Vater William Kirchenorganist und ein
»Tintensüchtiger«, dem nachgesagt wird, dass er sich so viele Tattoos stechen lassen wird,
bis jeder Quadratzentimeter beschrieben und sein Körper ein einziges Notenblatt ist. Aber
bald verschwindet William, und Alice macht sich mit dem vierjährigen Jack zu einer Suche
durch verschiedene Nord- und Ostseehäfen auf: Hamburg, Kopenhagen, Stockholm,
Oslo, Helsinki. Doch der Vater bleibt unauffindbar. Jack wird in Kanada und Neuengland
erzogen, geprägt wird er durch seine Beziehung zu älteren Frauen. Als er längst kein kleiner
Junge mehr ist und als Hollywoodstar in Transvestitenrollen Triumphe feiert, bricht er
noch einmal – allein – nach Europa auf.
»Der Roman, der dereinst als Irvings Meisterwerk in die Literaturgeschichte eingehen
wird.« Sunday Herald
Auf der Bühne des Burgtheaters wird John Irving von Peter Matić unterstützt, der die deutsche
Übersetzung lesen wird.
Im Anschluss an die Lesung: »Zeitgenossen im Gespräch – spezial«.
John Irving im Gespräch mit Michael Kerbler und Claus Philipp
Eine Veranstaltung in Kooperation mit Ö1, RadioKulturhaus und Der Standard.
Am 19. Februar 2006 im BURGTHEATER
NEUE PARKMÖGLICH-
KEITEN FÜR THEATER-
BESUCHER:
Exklusiv für Besucher des AKADEMIE-
THEATERS bietet das Parkhaus Elbl im
Hotel InterContinental einen günstigen
Parktarif von 1 Euro/Stunde (18 bis 9 Uhr)
bei Vorlage einer Theater- oder Abokarte
im Garagenbüro.
Die Theaterbesucher des BURG-
THEATERS können zum Pauschalbetrag
von 4,50 Euro (17 bis 7 Uhr) in der Tiefgarage
Rathauspark parken.
Tickets an der Burgtheaterkassa!
Saison 2005/2006
FRÄULEIN ELSE &
AUF EWIG DEIN MOZART
Zwei CDs mit Dorothee Hartinger
Um den Schein der gutbürgerlichen Existenz zu wahren,
wird das Fräulein Else von der Mutter gezwungen,
eine große Summe Geld von einem reichen Lebemann
zu erbitten; dieser willigt nur ein, wenn Else sich ihm
15 Minuten lang nackt präsentiert... Arthur Schnitzlers
Novelle vorgetragen von Dorothee Hartinger jetzt auch
auf CD: Erhältlich ab Februar an allen Vorverkaufsstellen
und Abendkassen in Burg- und Akademietheater
sowie in der Buchhandlung Leporello oder im E-Shop.
Zum Mozartjahr gibt es eine CD mit Dorothee Hartinger,
den Sopranistinnen Julia Koci und Julia Kogan und
der Jungen Philharmonie Wien: »Auf ewig dein Mozart
– Mozarts Frauen in Arien und Briefen«. Um 19,80
Euro im Fachhandel erhältlich.
Dorothee Hartinger
Magazin
UNBEKANNTES BEKANNTES
Unsere philosophischen Streitgespräche
Im Jänner – Republikanische Ideen
Die »Dialoge zwischen A.B.C.« von
Voltaire oder »die siebzehn Unterredungen
über verschiedene merkwürdige Dinge«
untersuchen, »ob ein Mensch boshaft
und als ein Kind des Teufels geboren
worden ist« oder «ob das heutige Europa
besser ist als das ehemalige«.
Hannah Arendt: »Voltaire habe ich nie
gelesen ... letztlich niederträchtig. Natürlich,
aber was so außerordentlich irritierend
ist, scheint mir, ist, daß hier der
Geist, und zwar gewissermaßen wirklicher
Geist, direkt aus dem Schmutz
steigt.«
Mit Dorothee Hartinger, Sabine Haupt,
Christiane von Poelnitz
Am 30. Jänner 2006 im AKADEMIETHEATER
Im Februar – Hannah Arendt: Denken
ohne Geländer
»Denken ohne Geländer, das ist es in der
Tat, was ich zu tun versuche.«
Hannah Arendt ist die erste Frau, die in
der Reihe Unbekanntes Bekanntes vorgestellt
werden soll. Die erste Frau, wenn
auch freilich mit einer nach landläufiger
Vorstellung höchst männlichen Beschäftigung:
Sie ist Philosophin.
»Ich selber wirken? Nein, ich will verstehen.
Und wenn andere Menschen verstehen
– im selben Sinne wie ich verstanden
habe –, dann gibt mir das eine Befriedigung
wie ein Heimatgefühl.«
Mit Elisabeth Orth
Am 23. Februar 2006 im AKADEMIETHEATER
Im März – Freud und Luther im Gespräch
über Monotheismus oder Macht
und Gewalt
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Magazin
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Das neue Jahr fängt wieder gut an...
... nämlich mit den wunderbaren »Literarischen Reise-/ Katzen-/ Garten-/ Küchen-/ Teatro Italiano-Kalendern«;
sollten Sie Ihren Wunschkalender noch nicht haben: auf zu Leporello!
Und es gibt wieder genug Lesestoff-Vorrat, gestapelt neben dem Lieblings-Lese-Sessel. Zumindest dachte
ich das für einige Tage – aber es las sich doch schneller auf als geplant. Wer übrigens seinen Burgtheater-
Jubiläums-Karton schon leergegessen hat: Leporello hat noch einige Gläser der Staud‘schen Ottokar- und
Verschwender-Marmelade, und von der Zotter Schokolade gibt es noch geheime Bestände... Ein zartbitteres
Ereignis der besonderen Art gibt es am 19.2., wenn der Autor von »Garp«, »Owen Meany« und »Hotel New
Hampshire«, also wenn John Irving aus seinem neuen Buch »Bis ich dich finde« im Burgtheater liest. Die
New York Times schrieb: »John Irvings Opus maximum, sein Versuch, die großen Fragen des Lebens zu klären.«
Sichern Sie sich heute noch Ihr Exemplar bei Leporello im Burgtheater, meint
Ihre Rotraut Schöberl
Buchhandlung Leporello im Foyer des Burgtheaters
SUCHERS LEIDENSCHAFTEN
C. Bernd Sucher präsentiert Virginia Woolf
Virginia Woolf gehört zu den wichtigsten AutorInnen des 20. Jahrhunderts. Ihre Romane
und Erzählungen sind bahnbrechende Werke, die dem Oeuvre von James Joyce vergleichbar
sind. Ihre Essays zur Dichtkunst erklären und begründen nicht nur ihr eigenes Schreiben,
sondern das einer ganzen Generation. Sie war Zentrum der so genannten »Bloomsbury-Group«,
zu der die wichtigsten englischen Literaten und Maler zählten. Und sie war
eine unglückliche Frau, gepeinigt von Depressionen, zerrissen, weil sie Frauen wohl mehr
begehrte als Männer und doch Zuflucht nahm in einer Ehe. Am Ende ertränkte sie sich, da
sie fürchtete, ihrem Mann und ihren Freundinnen nur noch zur Last zu fallen. Engagiert,
originell und höchst persönlich führt C. Bernd Sucher zusammen mit den Schauspielern
Elisabeth Augustin und Johannes Terne durch Leben und Werk von Virginia Woolf.
Am 16. Februar 2006 in der KASINOBar
Heinrich Heine
HEINRICH HEINE 1797-1856
»Lehn’ Deine Wang’ an meine Wang’ …
… dann fließen die Tränen zusammen.« Eine der
berühmtesten Gedichtzeilen Heinrich Heines liefert
den Titel für einen poetisch-musikalischen Abend
im Akademietheater. »Es ist nichts aus mir geworden«,
schrieb Heinrich Heine, »nichts als ein Dichter.«
Aber einer der wenigen deutscher Sprache,
die mit ihrem Werk zur Weltliteratur beigetragen
haben. Viele Gedichte und Balladen von Heinrich
Heine sind vertont worden. Robert Schumanns
Heine-Vertonungen zählen zum Besten aus seiner
Feder, allen voran die »Dichterliebe« von 1840,
diese grandiose Reise durch die romantischen und
ganz und gar unromantischen, weil ewigen Fährnisse,
die einem Liebesleben zuteil werden können.
Anlässlich des 150. Todestages präsentiert Gerd
Böckmann eine Auswahl von Heine-Gedichten zusammen
mit der Sopranistin Malin Hartelius und
der Mezzosopranistin Bernarda Fink, am Klavier
begleitet von Gottfried Rabl.
»… ich erfreute mich des seltenen Vergnügens, bei einem deutschen Literator gesunden
Menschenverstand zu finden.« Franz Grillparzer
Am 14. März 2006 im AKADEMIETHEATER
Wir danken unseren Jubiläumssponsoren und unseren Hauptsponsoren
MARTINISOMMER
Live-Hörspiel von Toni Bernhart
Ein Junge verliert sein Leben, seine Mutter
darüber den Verstand: Ist der geheimnisvolle
Mann, Nachbar und Vermieter,
in das Geschehen verwickelt oder nur Beobachter
und Kommentator der Ereignisse?
Der Wunsch, den Tod des Sohnes zu
vergessen, ist so stark, dass die Mutter
von ihrem Nachbarn ein Kind haben will.
Die Tatsachen werden unscharf. Wer war
Tom? Selbst der Junge weiß es irgendwann
nicht mehr genau: es könnte der Name eines
Hundes gewesen sein. Am Ende, wenn
im Tode alle wieder zusammenkommen, ist
erst recht keine Verständigung mehr möglich:
man hat sich auseinander gelebt.
Toni Bernharts Stück »Martinisommer«
entstand im Rahmen der Werkstattage
2003 am Burgtheater und wird vom ORF
als Hörspiel produziert. Auf der Bühne des
Kasinos live mit Schauspielern der Hörspielproduktion,
begleitet vom Musiker
und Sounddesigner Christian Mevs.
Mit Christiane von Poelnitz, Markus Meyer,
Paul Wolff-Plottegg
Mit freundlicher Unterstützung
der Ö1-Hörspielabteilung.
Am 18. Februar 2006 im KASINO
NACHWEISE
BILDER: Rudolf Buchbinder (S.27/1), Johannes Cizek (S.27/2),
Philipp Hochmair (S.10), Jane Sobel Klonsky (S.29/1), Kunsthalle
Hamburg (S.30/2, Ausschnitt aus einem Gemälde von Moritz Oppenheim
1831), Maria Pavlova (S.26 unten), Claus Philipp (9/1),
Martin Rosenbaum (S.5), Marko Schlager (S.27/3), Georg Soulek
(Titel, S.8, 9/2-4, 25/2), Sofie Thorsen, aus der Serie »The Golden
Castle That Hung In The Air« (S.12, 13), Bernd Uhlig (S.19, 26
oben), Reinhard Werner (S.3, 6, 14, 16, 17, 23, 25/1, 25/3, 25/4,
27/4, 28, 29/2). TEXTE: S.4 © DIE NOBELSTIFTUNG, S.8 Originalbeitrag
von Joachim Lux, S.10 Originalbeitrag, das Gespräch
führte Sebastian Huber, S.16 © Gert Jonke, S. 19 Originalbeitrag
von Klaus Völker.
und unseren Freunden und Förderern: agensketterl Druckerei GmbH, ART AND GARDEN, Austrian Airlines, BA/CA, BAWAG – PSK, Jacobs, Josef
Manner & Comp. AG, Kartenbüro Jirsa, Magna International, OENB Österreichische Nationalbank, Österreichische Verkehrsbüro AG, Palmers, Römerquelle,
Schlumberger Wein- und Sektkellerei AG, Schuhmanufaktur Ludwig Reiter, Staudʼs, TELEKOM, Verbund AG, Weingut Bründlmayer, WIEN ENER-
GIE, Wiener Städtische Versicherungs AG, WKO Wirtschaftskammer Österreich, ZOTTER
2005/2006 Saison