katalog 2009.qxd - EMAF

CONTENT
Imprint 022
Words of Welcome 024
Film- & Video Commission 2009 031
INTERNATIONAL SELECTION 032
Natural Religion 032
No News 034
Memorials 038
Urban Drift 040
Videorama 042
Biotopia 046
Arts Ltd. 050
Architectural Scales 052
Being Two 056
Ideals and Ideologies 058
Roleplay 060
Femmes Totales 064
Psychedelia 066
Hollyplot 072
Different Diaries 076
Visual Music 080
Enlightenment 084
A Stroke of Genius 088
Media Art For Beginners 092
Bilderschlachten 096
ClipklappBumm 100
Men At Work 106
Double Take 110
Film Ist 112
Ukrainian Time Machine 113
Holland 114
The Sun And The Moon 115
Exhausted 116
Evening´s Civil Twilight in Empires of Tin 117
Gaza / Sderot - Eine Chronik bis zum Krieg 118
RETROSPECTIVES 120
Jordan Belson: Films Sacred and Profane 120
Mary Ellen Bute 126
SPECIAL PROGRAMS 134
Chile, Politische Fiktionen / Political Fictions 134
Cine Trans Europe 136
MEDIA CAMPUS 148
Helden wie wir 150
Vor Gebrauch schütteln! 154
My Hood, My Badewanne 158
iSpeak Family 162
back2elements 166
Hochschule für Künste Bremen 170
Fachhochschule Würzburg 174
Cardiff School of Art and Design 180
20

SPECIAL PROJECTS 182
Lagerraum / Storage Room 182
Schütze deine Identität / Protect your identity 183
Heim und Horizont II / Home and Horizon II (Exhibition) 184
PERFORMANCES 186
Orbital Glider / Raumgleiter 186
Bubble Beatz 188
FilmBattle 189
EXHIBITION 190
Bilderschlachten - 2000 Jahre Nachrichten aus dem Krieg - Technik-Medien-Kunst 190
Image Battles - 2000 years of news from the war - Technology-Media-Art 192
Krieg und Kunst / War and Art, Interview von/by Egon Bunne mit/with Friedrich Kittler 194
Interview von/by Jürgen Ureña mit/with Regina José Galindo 196
CONGRESS 198
Einführung / Introduction 198
Kunst und Krise / Art and Crisis 199
Gaza-Sderot Leben - trotz allem / Life - despite everything 200
Bilderschlachten / Image Battles 201
Minus 1 201
Image Fulgurator 202
Bildpolitiken des Krieges und Harun Farockis bildkritische Auseinandersetzung /
Image policies of the war and Harun Farocki’s image - critical debate 203
Mutterkompass - Befragung eines Kriegssouvenirs
Master compass - Interview with a souvenir from the war 204
From Archive to Living Database 205
Mediaartbase.de 205
ZKM 206
documenta Archiv Kassel 207
Kasseler Dokumentarfilm- und Videofest 208
European Media Art Festival Archiv 209
Videokunst per Mausklick / Point-and-click video art 210
Archiv-Interfaces 211
Netzspannung.org / Medienfluss - Inszenierung eines Archivs im Browser /
Media Flow- staging an archive in the browser 212
The Gamma Portal 212
Musik, das Gedächtnis des Films / Music, the memory of the film 213
California Video 214
Verlust unserer jüngsten Gegenwart / Loss of our latest present 215
Gedanken zur Online-Vermittlung von Medienkunst 216
REGISTER 218
List of Titles 218
List of Authors 220
List of Distributors 222
21

IMPRINT
ORGANISATION
SCHIRMHERR
Veranstalter: Experimentalfilm Workshop e.V.,
Osnabrück
Festivalleitung: Hermann Nöring, Alfred Rotert,
Ralf Sausmikat
Kommission Internationale Film- und Video-Auswahl:
Katja Albers, Nadine Bors, Katrin Mundt,
Ralf Sausmikat
Jury des Verband der Deutschen Filmkritik:
Anne Paech, Ingo Petzke, Oliver Rahayel
Jury des EMAF Award: Christine Rüffert,
Sophie Ernst, Shinsuke Ina
Jury des Dialog Preises des Auswärtigen Amtes:
Christine Rüffert, Sopie Ernst, Shinsuke Ina,
Max Maldacker (Auswärtiges Amt)
Kongress: Alfred Rotert, Hermann Nöring
Ausstellung Bilderschlachten: Hermann Nöring
Performances: Alfred Rotert, Ralf Sausmikat
Retrospektive: Ralf Sausmikat
Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Karoline Kraut
(Leitung), Lars-Christian Daniels, Anja Schwarz
Finanz- und Hotel-Organisation: Andrea Gehling
Disposition Film/Video: Gunther Westrup
Katalog- und Fotoredaktion: Gunther Westrup,
Ralf Sausmikat
Anzeigen-Aquise: Katharina Lohmeyer
Media Campus: Antje Goltermann (Koordination und
Konzept), Robin Feder, Julia Oehme, Anna
Pöppelmeyer, Birte Schmöe, Sabrina Wittmann
Feierabend und Performance-Organisation:
Holger Schwetter
Technik: Christian Löwrick, Michael Rosbeck,
Hans-Jürgen Thünemann, Reinhard Westendorf
Schülertag: Lars-Christian Daniels
Digitalisierung Videobar: Tobias Sunderdiek
Lektorat: Uschi Gröters
Übersetzungen: Europäisches Übersetzungsteam,
Osnabrück
Fotografinnen: Angela von Brill, Kerstin Hehmann
Festival-Trailer: Thorsten Alich
Web-Pflege: Lars-Christian Daniels
Grafische Gestaltung: juergen und ich, Köln
Satz: www.dieter-lindemann.de
Druck: FROMM Druck- und Verlagshaus, Osnabrück
Schirmherr des European Media Art Festivals 2009
ist der Ministerpräsident des Landes
Niedersachsen Herr Christian Wulff
FÖRDERER
FUNDED BY
nordmedia Fonds GmbH, Hannover
Europäischer Fonds für regionale Entwicklung (EFRE)
Stadt Osnabrück
Media Programm EU Kommission, Brüssel
Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin
Auswärtiges Amt, Berlin
Kulturstiftung des Bundes, Halle
Kulturstiftung der Länder, Berlin
IMPRESSUM
Herausgeber:
Alfred Rotert, Hermann Nöring, Ralf Sausmikat
European Media Art Festival Lohstraße 45a
D-49074 Osnabrück
Tel. ++49(0)541/21658
Fax ++49(0)541/28327
info@emaf.de
www.emaf.de
isbn: 978-3-926501-31-8
22

KOOPERATIONSPARTNER
COOPERATION-PARTNERS
Agencia Portuguese Short Film Agency, Vila do Conde
ARGOS arts, Brüssel
Arte, Strassburg
Cardiff School of Art and Design
Center For Visual Music, Los Angeles
Cinema Arthouse, Osnabrück
Contour, Mechelen
Erich-Maria-Remarque-Friedenszentrum
Fachbereich Kultur, Stadt Osnabrück
Fachhochschule Würzburg
Film & Medienbüro Niedersachsen e.V., Osnabrück
Filmbank, Amsterdam
Filmtheater Hasetor, Osnabrück
Freunde der Kunsthalle Dominikanerkirche e.V.
Glanz & Gloria, Osnabrück
Haus der Jugend, Osnabrück
Hochschule für Künste, Bremen
IMAI, Düsseldorf
InterVision, Osnabrück
Kunsthochschule für Medien >Minus1

WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DER nordmedia
Es ist wieder soweit: Bereits zum 22. Mal lädt das European Media Art Festival
(EMAF) in Osnabrück dazu ein, die neuesten Trends und Innovationen der internationalen
Medienkunstszene in Augenschein zu nehmen. Seit seiner Gründung im Jahre
1988 erfreut sich das EMAF einer großen internationalen Ausstrahlungskraft, Akzeptanz
und Resonanz. Es zählt zu den ambitioniertesten deutschen Kulturveranstaltungen
im Medienbereich.
Wir von der nordmedia, der Mediengesellschaft der Länder Niedersachsen und Bremen, sind stolz darauf, dass
sich das EMAF hier bei uns in Niedersachsen - auch durch die kontinuierliche Förderung - zu dem entwickeln
konnte, was es heute ist: Ein bedeutendes Forum der Präsentation und Kommunikation für internationale
Künstlerinnen und Künstler, das jedes Jahr aufs Neue relevante und frische Positionen zeitgenössischer Medienkunst
zu einem Festival vereint. Mehr als 16.000 Besucher in 2008 machen deutlich, dass das Festival offenkundig
auch für das breite Publikum ein spannender Treffpunkt ist.
Das Spektrum der Festivalbeiträge ist vielfältig und facettenreich. Gezeigt wird alljährlich eine internationale
Auswahl experimenteller Film- und Videoproduktionen, die häufig erstmals in Deutschland zu sehen sind. Wir
freuen uns ganz besonders darüber, dass aus der Vielzahl der eingereichten Arbeiten auch zwei von der nordmedia
geförderte Produktionen ausgewählt wurden: der Essayfilm DOUBLE TAKE von Johan Grimonprez, in dem
Alfred Hitchcock eine wesentliche Rolle spielt und OPTICAL PERCUSSION, ein experimenteller Animationsfilm
von Gerd Gockell, der einen nicht realisierten Film von Oskar Fischinger und John Cage rekonstruiert.
Die Ausstellung in der Kunsthalle Dominikanerkirche steht in diesem Jahr nicht nur im Zentrum des Festivals,
sondern ist für fast sechs Monate auch ein kulturelles Highlight der Friedensstadt Osnabrück. Unter dem Titel
»Bilderschlachten« geht die Ausstellung der Frage nach, wie seit 2000 Jahren Nachrichten aus dem Krieg übermittelt
wurden – von der Varusschlacht bis zur Gegenwart. An diesem außergewöhnlichen Projekt sind neben
dem EMAF und der Kunsthalle Dominikanerkirche auch das Osnabrücker Museum für Industriekultur und das
Erich-Maria-Remarque-Friedenszentrum beteiligt. Bis zum 4. Oktober besteht die einzigartige Gelegenheit, der
Faszination dieser »Bilderschlachten« anhand von historischen Exponaten und zukunftsweisender Medienkunst
ins Auge zu blicken.
Das International Student Forum hat sich in diesem Jahr zum Media Campus erweitert. Für diese Weiterentwicklung
konnten über die nordmedia zusätzliche EU- Mittel aus dem neu aufgelegten Europäischen Fonds für
regionale Entwicklung (EFRE) bereit gestellt werden. Beim Media Campus ist der kreative Nachwuchs aus ganz
Europa, den USA und Asien mit zwei Ausstellungen sowie Film- und Videoprogrammen vertreten. Mit dabei sind
auch Studierende der Hochschule für Künste Bremen, die ihre Ausstellung »Der Hund, der tritt die Treppe
krumm« im Wehrturm Bürgergehorsam zeigen.
Zwischen der nordmedia und dem EMAF besteht eine langjährige Förder- Partnerschaft. Wir begrüßen dies
sehr und freuen uns, dass wir diese einzigartige Kulturveranstaltung auch in 2009 in maßgeblicher Höhe unterstützen
können. Das EMAF stellt nicht nur einen wesentlicher Baustein der Filmfestivallandschaft in Niedersachsen
dar. Die hohe Reputation dieses Festivals im In- und Ausland trägt auch maßgeblich zur Profilierung
der Medienstandorte Niedersachsen und Bremen bei.
Vor diesem Hintergrund wünschen wir dem 22. European Media Art Festival seinen verdienten Erfolg und seinen
Gästen und Besuchern viele anregende mediale Entdeckungen.
Thomas Schäffer
Geschäftsführer der nordmedia
Jochen Coldewey
Leiter der nordmedia Förderung
24

It’s that time again: for the 22nd year, the European Media Art Festival (EMAF) once
again invites you to Osnabrück to take a look at the latest trends and innovations on
the international Media Art scene. Since it was established in 1988, the EMAF has enjoyed
a high degree of international charisma, acceptance and response. It is one of the
most ambitious German cultural events in the area of media.
We from nordmedia, the media company of the federal states of Lower Saxony and Bremen, are proud of the
fact that –thanks also to our continuing support – the EMAF has been able to develop here in Lower Saxony into
what it is today: an important forum of presentation and communication for international artists, combining
relevant and fresh positions of contemporary Media Art into one festival, year after year. In 2008, over 16,000
visitors made it clear that the festival is obviously also an exciting meeting point for a wide audience.
The range of festival contributions is diverse and multi-faceted. An international selection of experimental film
and video productions are screened every year, many of which can be seen for the first time ever in Germany.
We are particularly delighted that two of the productions selected from the multitude of submitted works were
funded by nordmedia: the essay film DOUBLE TAKE by Johan Grimonprez, in which Alfred Hitchcock plays an
important role, and OPTICAL PERCUSSION, an experimental animation film by Gerd Gockell, who reconstructs
a film not realised by Oskar Fischinger and John Cage.
The exhibition at the Kunsthalle Dominikanerkirche is not only the centrepiece of the festival this year but will
also be a cultural highlight of Osnabrück – City of Peace, for almost six months. Entitled »Image Battles«, the
exhibition explored how news from the war has been sent over the last 2000 years – from the Varus Battle to
the present. This extraordinary project is being realised in collaboration with not only the EMAF and the Kunsthalle
Dominikanerkirche but also the Museum for Industrial Heritage Osnabrück and the Erich Maria Remarque
Peace Centre. Visitors have until 4 October to take the unique opportunity to view the fascination of these
»Image Battles« based on historical exhibits and trendsetting Media Art.
This year, the Media Campus has been added to the International Student Forum. This development was possible
due to the allocation of additional funding from the EU’s new European Regional Development Fund
(ERDF), arranged by nordmedia. Creative young artists from the whole of Europe, the USA and Asia are represented
at the Media Campus in two exhibitions, as well as film and video programmes. Students from the University
of the Arts Bremen are also represented with their exhibition »Der Hund, der tritt die Treppe krumm« in
the Bürgergehorsam defence tower.
The funding partnership between nordmedia and the EMAF has a long tradition. We very much welcome this,
and are delighted to be able to make a significant contribution to this unique cultural event again in 2009. The
EMAF is not only a main component of the film festival landscape in Lower Saxony – this festival’s excellent
reputation at home and abroad is also a significant aspect in profiling the media locations of Lower Saxony and
Bremen.
Against this backdrop, we wish the 22nd European Media Art Festival the success it deserves, and trust that its
guests and visitors will make lots of exciting media discoveries.
Thomas Schäffer
Director of nordmedia
Jochen Coldewey
Head of nordmedia funding
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DES OBERBÜRGERMEISTERS DER STADT OSNABRÜCK
Das 22. European Media Art Festival (EMAF) zeigt auch in diesem Jahr wieder Produktionen
international bekannter Medienkünstler. Das Festival zählt zu den bedeutendsten
Foren der internationalen Medienkunst. Als Treffpunkt für Künstler, Kuratoren,
Verleiher, Galeristen und Fachpublikum hat es Thematik und Ästhetik der medialen
Kunst entscheidend mitgeprägt.
Jährlich bietet das Festival einen aktuellen Überblick mit neuen Experimentalfilmen, Performances, Vorträgen,
der Ausstellung und dem Media Campus. Aus 2400 eingereichten Arbeiten wurden in diesem Jahr rund 250 aktuelle
Beiträge für das Festival ausgewählt, die einen umfassenden Einblick in die aktuellen Tendenzen der Medienkunst
bieten.
Während des Festivals wird der "EMAF-Award" für eine richtungweisende Arbeit in der Medienkunst und der
„Dialogpreis“ des Auswärtigen Amtes zur Förderung des interkulturellen Austausches von einer internationalen
Jury vergeben. Zudem verleiht die Jury des Bundesverbandes der Filmjournalisten den Preis für den besten
deutschen Experimentalfilm des Jahres.
Besonders freut mich, dass in diesem Jahr mit der Ausstellung „Bilderschlachten" eine Kooperation des Museums
Industriekultur Osnabrück, der Kunsthalle Dominikanerkirche, des Erich Maria Remarque-Friedenszentrums
und des European Media Art Festivals realisiert werden konnte, durch die die Wechselwirkungen zwischen
kriegerischen Ereignissen, technologischer Entwicklung und der medialen Darstellung erstmals umfassend
vorgestellt werden können.
Die außergewöhnlichen Exponate, die für die Ausstellung an mehreren Standorten ausgewählt wurden, und die
Programme des Festivals werden gewiss wieder viele neue Besucher nach Osnabrück locken. Das EMAF ist somit
auch ein bedeutender Beitrag für das Profil der Friedens- und Kulturstadt Osnabrück, das über seine Grenzen
hinaus wirkt.
Dem Ministerpräsidenten des Landes Niedersachsen und Schirmherrn des Festivals, Herrn Christian Wulff, und
den Förderern des Festivals möchte ich für ihre Unterstützung herzlich danken.
Den Veranstaltern des EMAF wünsche ich viel Erfolg, den Besuchern spannende Programme und den auswärtigen
Gästen einen angenehmen und erlebnisreichen Aufenthalt in unserer Stadt.
Boris Pistorius
Oberbürgermeister
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WORD OF WELCOME BY THE LORD MAYOR OF THE CITY OF OSNABRUECK
Productions by internationally renowned media artists will again be shown at the 22nd
European Media Art Festival (EMAF) this year. The festival is one of the most important
forums of international Media Art. As a meeting point for artists, curators, lenders,
gallery owners and an audience of specialists, the festival has had a great impact
on the topic and aesthetics of Media Art.
Each year the festival offers its visitors a current overview of new experimental films, performances, lectures,
an exhibition and the Media Campus. Around 250 new contributions were selected this year for the festival from
a total of 2400 submitted works, offering a comprehensive insight into the latest tendencies in Media Art.
At the festival an international jury will present the “EMAF Award” for a trend-setting work in Media Art and the
“Dialogpreis” of the German Ministry of Foreign Affairs for the promotion of intercultural exchange. Furthermore,
the jury of the German Federal Association of Film Journalists will award the prize for the best German
experimental film of the year.
I’m especially delighted that the exhibition “Image battles” – a cooperative project between the Museum for Industrial
Heritage Osnabrück, the Kunsthalle Dominikanerkirche, the Erich Maria Remarque Peace Centre and
the European Media Art Festival – could be realised. The interdependencies between militant events, technological
development and portrayal in the media will be presented comprehensively in this exhibition for the first
time.
The remarkable exhibits selected for the various locations of the exhibition and the programmes of the festival
will inevitably attract many new visitors to Osnabrück again. The EMAF therefore also makes a significant contribution
to the profile of Osnabrück – the City of Peace and Culture – making an impact beyond its boundaries.
I would very much like to thank the First Minister of the Federal State of Lower Saxony and patron of the festival,
Mr. Christian Wulff, as well as the festival’s sponsors for their support.
I wish the organisers of the EMAF success; may the visitors enjoy the exciting programmes and may our guests
have a pleasant, eventful stay in our city.
Boris Pistorius
The Lord Mayor
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FOREWORD
WILLKOMMEN!
Im Filmprogramm ist in diesem Jahr eine starke Tendenz zum Performativen, zum
spielerischen Akt und der Interpretation von narrativen Stoffen auszumachen. Allgemein
gibt es in diesem Jahr zahlreiche Filme, die interpersonelle Konflikte zeigen und
viele politische Arbeiten.
Auch alte Bekannte finden sich im Programm – wie Michael Snow, der mit »Puccini conservato« die experimentelle
Bildinterpretation einer Arie wagt. Und der Preisträger des Jahres 2006, Johan Grimonprez, der mit einer
erweiterten Version wieder mit dem Mythos Alfred Hitchcock arbeitet und in »Double Take« die Doppelgänger
Idee weiterverfolgt. Was wäre das EMAF ohne eine Retrospektive, und die ist in diesem Jahr gleich zwei
Künstlern gewidmet: Jordan Belson und Mary Ellen Bute. Beide Programme werden von Cindy Keefer, Direktorin
des Center for Visual Music Los Angeles, kenntnisreich und unterhaltend eingeführt.
Aktuelle Themen auf dem Kongress sind die Krise in der Finanz- und Wirtschaftswelt und deren Auswirkungen
auf Gesellschaft und Kunst sowie die Medienresonanz des Israel/ Palästina Konflikts. Dazu sind der Autor Stefan
Heidenreich (Berlin) und die Produzentin Osnat Trablesi (Tel Aviv ), die für arte das Web- und TV Projekt
»Gaza-Sderot« produzierte, eingeladen. Unter dem Titel »From Archive to Living Database« werden im Rahmen
des Archivprojektes »mediaartbase.de« unterschiedliche Vermittlungsformen der Arbeit in und mit Archiven
präsentiert. Mit dabei sind führende Institutionen, wie das ZKM Karlsruhe, das Getty Research Institute aus LA
und das IMAI aus Düsseldorf. Künstlerpräsentationen und Vorträge zur Ausstellung »Bilderschlachten« ergänzen
das Programm.
Die Live Performance »Raumgleiter« ist ein weiteres Highlight des Festivals. Sie wird von »Scanner«, einem der
renommiertesten AV Künstler aus Großbritannien, präsentiert und bezieht sich auf das Verhältnis von Architektur,
Räumen und Sound.
Die Ausstellung des Festivals ist in diesem Jahr ein Kooperationsprojekt von vier Kultureinrichtungen: das Museum
Industriekultur Osnabrück, die Kunsthalle Dominikanerkirche, das Erich Maria Remarque-Friedenszentrum
und das European Media Art Festival zeigen »Bilderschlachten – 2000 Jahre Nachrichten aus dem Krieg«.
Verschränkt mit historischen Exponaten macht aktuelle Medienkunst auf den Konsum- und Lifestyle-Charakter
der Kriegsbilder aufmerksam.
Weitere Medienkunstarbeiten präsentiert der Media Campus. Zwei Ausstellungen sowie Film- und Videoprogramme
mit studentischen Arbeiten aus ganz Europa, den USA und Asien stehen in diesem Jahr auf dem Programm.
Wir freuen uns, dass der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen, Christian Wulff, wieder die
Schirmherrschaft über das Festival übernommen hat. Außerdem bedanken wir uns bei der nordmedia, der
Stadt Osnabrück und allen weiteren Förderern und Sponsoren des Festivals.
Wir laden Sie herzlich ein zu einer Entdeckungsreise durch das vielfältige Programm des EMAFs.
Das Festivalteam
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This year, the festival’s film programme shows there is a strong tendency in the works
submitted towards the performative, the playful act and the interpretation of narrative
substances. In general this year, there are numerous films showing interpersonal conflicts,
and many political works.
Several old acquaintances can also be found in the programme, such as Michael Snow who, in »Puccini conservato«
dares to conduct the experimental visual interpretation of an aria. And the award-winner from 2006
Johan Grimonprez, who again works with the myth of Alfred Hitchcock in an »extended« version, and who continues
to pursue the idea of the Doppelgänger in »Double Take«. What would the EMAF be without a retrospective,
dedicated this year to two artists: Jordan Belson and Mary Ellen Bute. Both programmes will be introduced
knowledgeably and entertainingly by Cindy Keefer, Director of the Center for Visual Music Los Angeles.
Current topics at the Congress are the crisis in the world of finance and business, and its impact on society and
art, as well as the media response to the Israel/Palestine conflict. For this reason, the author Stefan Heidenreich
(Berlin) and the producer Osnat Trablesi (Tel Aviv), who created the web and TV project »Gaza-Sderot« for
arte, have been invited to the Congress. Under the title »From Archive to Living Database«, various forms of conveyance
of work in and with archives will be presented within the archive project »mediaartbase.de«.
Leading institutions, such as the Centre for Art and Media Karlsruhe (ZKM), the Getty Research Institute from
LA and the IMAI from Düsseldorf are involved. Artist presentations and lectures on the exhibition »Image Battles«
complement the programme.
The live performance »Raumgleiter« is another highlight of the festival. It will be presented by »Scanner«, one
of the most renowned AV artists from Great Britain, and alludes to the relationship between architecture,
spaces and sound.
This year’s festival exhibition is a cooperative project between four cultural institutions: the Museum Industriekultur
Osnabrück (Museum for Industrial Heritage), the Kunsthalle Dominikanerkirche, the Erich Maria Remarque
Peace Centre and the European Media Art Festival present »Image Battles – 2000 years of news from
the war«. Entwined with historical exhibits, current Media Art brings attention to the consumptive and lifestyle
character of war images.
The Media Campus will present further works of Media Art. Two exhibitions, as well as film and video programmes
with works by students from all over Europe, the USA, Latin America and Asia are lined up for this
year’s programme. We are delighted that the festival is again under the patronage of the First Minister of the
Federal State of Lower Saxony, Christian Wulff. We would also like to thank nordmedia, the City of Osnabrück,
and all other promoters and sponsors of the festival.
We warmly invite you to embark on a voyage of discovery through the varied programme of the EMAF!
The Festival Team
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EUROPE LOVES
EUROPEAN FESTIVALS
EUROPA LIEBT
EUROPÄISCHE FESTIVALS
A privileged place for meetings, exchanges and discovery,
festivals provide a vibrant and accessible environment
for the widest variety of talent, stories and
emotions that constitute Europe's cinematography.
The MEDIA Programme of the European Union aims to
promote European audiovisual heritage, to encourage
the transnational circulation of fi lms and to foster audiovisual
industry competitiveness. The MEDIA Programme
acknowledged the cultural, educational, social
and economic role of festivals by co-fi nancing 85
of them across Europe in 2008.
These festivals stand out with their rich and diverse
European programming, networking and meeting opportunities
for professionals and the public alike, their
activities in support of young professionals, their educational
initiatives and the importance they give to
strengthening inter-cultural dialogue. In 2008, the festivals
supported by the MEDIA Programme have
screened more than 18.700 European works to more
than 2.9 million cinema-lovers.
MEDIA is pleased to support the 22nd European Media
Art Festival, Osnabrück and we extend our best wishes
to all of the festival goers for an enjoyable and
stimulating event.
Costas Daskalakis
Head of Unit, MEDIA Programme
Education, Audiovisual and Culture Executive Agency,
European Union
http://www.europa.eu.int/comm/
avpolicy/media/index_en.html
Als ein hervorragender Ort für Treffen, Austausche und
Entdeckungen bieten Festivals eine lebendige und
leicht zugängliche Umgebung für eine große Vielfalt an
Talenten, Geschichten und Emotionen, die das europäische
Filmschaffen ausmachen.
Das MEDIA-Programm der Europäischen Gemeinschaft
hat zum Ziel, das europäische audiovisuelle
Erbe zu fördern, den Vertrieb von Filmen über Ländergrenzen
hinweg anzuregen und den Wettbewerb in der
audiovisuellen Industrie anzukurbeln. Das MEDIA-
Programm erkennt die kulturelle, erzieherische, soziale
und wirtschaftliche Bedeutung von Festivals an, indem
es 2008 insgesamt 85 Festivals in ganz Europa kofinanzierte.
Diese Festivals zeichnen sich durch ein reichhaltiges
und vielfältiges europäisches Programm aus sowie
gleichermaßen durch ihre Netzwerke und die Begegnungsmöglichkeiten
für die Filmbranche und das Publikum.
Unterstützungsmaßnahmen für den Nachwuchs,
Ausbildungsprogramme und die Bedeutung,
die sie der Verstärkung des interkulturellen Dialogs
beimessen, runden ihr Profil ab. Im Jahr 2008 haben
die Festivals, die vom MEDIA-Programm gefördert
wurden, 18.700 europäische Werke für mehr als 2,9
Millionen Filmliebhaber präsentiert.
MEDIA freut sich, das 22. European Media Art Festival,
Osnabrück zu fördern, und wünscht den Zuschauern
einen unterhaltsamen und inspirierenden Festivalbesuch.
Costas Daskalakis
Leiter des MEDIA-Programms
Education, Audiovisual and Culture Executive Agency
Europäische Union
http://www.europa.eu.int/comm/
avpolicy/media/index_en.html
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FILM- & VIDEOCOMMISSION 2009
Katja Albers, *1975 in Hamburg. Studium der Kunstgeschichte und Literaturwissenschaft in Tübingen und Berlin.
1999 - 2001 Mitarbeit an Ausstellungsprojekten im Neuen Berliner Kunstverein, u.a. ›Rewind to the Future‹,
Ausstellung des Video-Forums in Kooperation mit dem Bonner Kunstverein. 2003-2008 Kuratorische Assistenz
im Video-Forum des Neuen Berliner Kunstverein. 2004-2006 Lehraufträge an der Universität der Künste Berlin
(Experimentelle Mediengestaltung). Seit 2008 als freie Kuratorin in Dresden lebend.
Katja Albers, *1975 in Hamburg. Studied History of Art and Literature in Tübingen und Berlin. 1999 - 2001 collaborated
in exhibition projects at the Neuer Berliner Kunstverein, including ›Rewind to the Future‹, exhibition
in the Video Forum in co-operation with the Bonner Kunstverein.She has been assistant curator in the Video Forum
of the Neuer Berliner Kunstverein since 2003. She has been lecturing at the UDK in Berlin since 2004 (experimental
mediadesign). Since 2008 freelanced curator based in Dresden.
Nadine Bors, *1973, Den Haag, Niederlande, Museologin. Seit 2006 Direktorin der Media Art Friesland Stiftung,
in der sie seit 2000 arbeitet. In ihrem Jahresprogramm organisiert sie Festivals, Events und Projekte für eine
breite Öffentlichkeit. Sie war bei der Mondriaan Foundation in Amsterdam beschäftigt und hat von 1997 bis
1999 für das Niederländische Media Art Institute/ Montevideo in Amsterdam im Projekt für die Bestandssicherung
und der Entwicklung und Gestaltung der Datenbank für Videokunst gearbeitet. Über dieses Thema hat sie
diverse Artikel geschrieben. 2008 wurde sie als beste Unternehmerin Frieslands im Kulturbereich gewürdigt.
Nadine Bors *1973, Den Haag, The Netherlands. Museologist, has been director of Media Art Friesland Foundation
since 2006, where she started working in 2000. Foundation operates as an international institute for media
art that organises several festivals, events and projects throughout the year to serve a wide ranch of target
groups. She was previously involved in the Mondriaan Foundation Amsterdam. From 1997 to 1999 she worked
at the Dutch Institute for Media Art/Montevideo in Amsterdam preserving projects and database design for
videos and installations. She has also written several articles on these topics. In 2008 she was pronounced Best
Cultural Entrepreneur of the province of Friesland.
Katrin Mundt, Freie Kuratorin und Autorin. Projekte u.a. für den Württembergischen Kunstverein Stuttgart, die
Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen, den Hartware Medienkunstverein, Dortmund, plug.in, Basel, Argos
Centre for Art and Media, Brüssel. Ausstellungen: Weder Entweder Noch Oder (Württembergischer Kunstverein,
2008), Landschaft (Entfernung) (Württembergischer Kunstverein, 2007), Selbstorganisation (plug.in, 2006). Seit
2003 zahlreiche thematische Filmprogramme und Organisation von Expanded Cinema-Events (gemeinsam mit
Mark Webber).
Katrin Mundt, freelance curator and author. Has carried out projects for the Württembergischer Kunstverein
Stuttgart, the International Short Film Festival Oberhausen, the Hartware Medienkunstverein, Dortmund,
plug.in, Basel, Argos Centre for Art and Media, Brussels. Exhibitions: Weder Entweder Noch Oder (Württembergischer
Kunstverein, 2008), Landschaft (Entfernung) (Württembergischer Kunstverein, 2007), Selbstorganisation
(plug.in, 2006). Numerous thematic film programmes and the organisation of Expanded Cinema events (in
collaboration with Mark Webber) since 2003.
Ralf Sausmikat, *1956. Studium der Medienwissenschaften, 1986 Abschluss M. A. 1981 Gründung des Int. Experimentalfilm
Workshop e.V. als Trägerverein des EMAF. Seit 1988 künstlerische Leitung verschiedener Sektionen
des EMAF, Ausstellungen, Film, Video und Retrospektiven. Seit 1995 Fachreferent des Goethe-Institut
Internationes für die Programme Experimentalfilm 80er und 90er Jahre. Kurator für ›Turbulent Screen‹ ein Ausstellungs-
und Kinoprojekt, für das Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg in 2003.
Ralf Sausmikat, *1956. Studied media sciences, 1986 graduated as Magister Artium. 1981 International Experimentalfilm
Workshop e.V. (Founding Member). Since 1988 artistic director of EMAF for exhibition, film, video,
retrospectives. Consulting expert for the Goethe-Institute Internationes, Munich for the programmse German
Experimental film of the 80' and 90's. Curator of ›Turbulent Screen‹ an exhibition and cinema project on structural
approaches in film and video, for the Edith-Russ-Site for Media Art, Oldenburg in 2003.
31

INTERNATIONAL SELECTION
NATURAL RELIGION
ELVENLAND
Karel Doing
EARTH OF
DELIGHTFUL GARDENING
Francien van Everdingen
Eine magisch realistische Trilogie. Drei Orte, drei Berge,
drei Vögel, drei Jungen. Die Reinkarnation einer
universellen Legende in Bild und Ton. Ein verletzlicher,
einfallsreicher Junge sucht nach einem Weg, um seine
Träume wahr werden zu lassen. Der Film ist mit Laienschauspielerinnen
und -schauspielern besetzt, die
wegen ihrer gegensätzlichen Charaktere ausgewählt
wurden. Der Film wurde von einem kleinen engagierten
Team gedreht und vom Filmmacher persönlich bearbeitet.
Die Bilder werden mit der kraftvollen und
zerbrechlichen Musik von Florian Magnus Maier vertont.
Seine Komposition passt zur Fotografie und Bearbeitung.
Der Film steht für sich als Kurzfilm und wird
ebenfalls als ähnliches Konzept mit Live-Begleitung
von den Hungry Gods dargestellt.
A magic-realistic trilogy. Three locations, three mountains,
three birds, three boys. The reincarnation of a
universal legend in picture and sound. A vulnerable,
imaginative boy looks for a way to realise his dreams.
The cast is made up of non-professional actors, sort
out for their contrary character. The film was made
with a small dedicated crew and edited by the film
maker himself. The images are set to powerful and
fragile music by Florian Magnus Maier. His composition
matches the photography and editing. The film
stands on its own as a short and is also performed as
a similar concept with live accompaniment by the
Hungry Gods.
Karel Doing, *1965 in Canberra, Australia, does not believe
in the reality as it is presented to us in the media.
In his work he shows another reality, differentiating
radically or subtly. He lives and works in Rotterdam.
2002 Co-founder of de Filmbank distribution of Dutch
experimental and independent films.
NL 2009, Video, 32 min, International Premiere
Director Karel Doing
Music Florian Magnus Maier
Distribution Doing Film
Ein schillerndes visuelles Fest mit freundlich widersprüchlichen
Fluchtpunkten für das Auge. Natürliche
Formen suchen ihren gegenseitigen Zusammenhang
in einem sanft fragmentierten Gesamtbild. Eine kleinmaßstäbliche
Landschaft von Prospekten dient als
Kulisse für eine Abfolge von Szenen, die sanft dahin
gleiten, aber die doch nicht zusammengehörig erscheinen.
Silhouetten von Pflanzenformen, stockenden
Elementen, geometrischen Gucklöchern und
verschiedenen Kamerabewegungen verknüpfen sich
miteinander und bieten eine Vielfalt von fließenden
Bildern. So macht der Zuschauer einen angenehmen
Spaziergang durch einen Garten, in dem Raum und
Zeit nicht mehr in einem linearen Verhältnis zueinander
stehen, und wo zielgerichtetes Zuschauen kurzweilig
zur Nebensache wird.
A shimmering visual feast with cordially conflicting
vanishing points for the eye. Natural forms seek their
mutual correlations in a gently fragmented overall picture.
A small-scale landscape of side-wings serves as
a backdrop for a procession of scenes that glide by
gently, though without really appearing to connect
with one another. Silhouettes of plant forms, stammering
elements, geometric peepholes and various
camera movements thread themselves together and
offer a flowing visual diversity. Thus the viewer takes a
pleasant walk through a garden in which time and
space cease to behave in a linear fashion, and where,
for a while, goal-oriented viewing habits are beside
the point.
Francien van Everdingen, *1969 in the Netherlands, is
a visual artist. She attended several art academies in
Groningen, Tilburg (Netherlands) and Chicago and has
gradually switched focus from film installations to
short films.
NL 2009, 35 mm, 6 min, German Premiere
Director, photography, editing
Francien van Everdingen
Production Karel Doing for Studio één
Distribution Doing Film
32

CAPSICUM
Deborah Phillips
OUTWARDLY
FROM EARTH'S CENTER
Rosa Barba
Als Kind habe ich jahrelang dafür gekämpft, als
Mädchen zum Bas Mitzwah aus der Torah lesen zu
dürfen. Mir wurde ein Abschnitt mit merkwürdigem Inhalt
mitgeteilt, unter anderem vier Sätze über eine
perfekte rote Kuh, ohne Kontext. Ich habe mich sehr
mit dem Tier identifiziert. Lange Jahre habe ich über
diese Kuh nachgedacht, beim Kochen, während des
Architekturstudiums, als eine, die lieber Blau als Rot
mag...
I spent years as a girl fighting to be allowed to have a
Bas Mitzvah and read from the Torah, like the boys. I
was given a portion containing four weird lines about a
perfect, red heifer, out of context. I have, since then,
identified with this cow. And I've thought about it
while cooking, and as an architectural student and as
a woman who prefers blue to red...
Deborah Phillips: filmmaker, installation artist and
book artist. She has acquired diverse diplomas in the
fine arts: in 1986 at the Accademia delle Belle Arte, Perugia
(painting); in 1988 at the Mason Gross School of
Arts, Rutgers University, New Brunswick, USA (Installation
Art) and in 1994 at the Hochschule für Bildende
Künste Braunschweig (Film and Graphic Arts). She has
taken part in exhibitions in New York, London, Hamburg,
Braunschweig, Bremen, Berlin, Budapest and
Verona. Between 1988 and 2002 she was member of
the »Laboratorium für Kunstexperimente« in Braunschweig.
Since 1983 Deborah Phillips has put on »Happenings
/ cooking performances«. Lives and works in
Berlin.
D 2008, 16 mm, 11 min
Director, script, editing Deborah Phillips
Music Wolfgang in der Wiesche
Sound collage, sound mix: Ruth Wiesenfeld
Distribution Deborah Phillips
Outwardly from Earth's Center ist eine fiktive Erzählung
über eine Gesellschaft auf einem instabilen
Grundstück, das zu verschwinden droht. Die Situation
ruft nach einer gemeinsamen Initiative der Bevölkerung,
um das Überleben der Einzelnen zu sichern und
um der Gesellschaft das Bleiben zu ermöglichen. Der
Hintergrund des Konzeptes ist insofern realistisch, da
Sandön jedes Jahr um einen Meter wandert. Die fiktiven
Berichte von Experten verstärken die surrealistische
Atmosphäre, die auf schauerliche Weise das Erleben
einer zunächst als wunderschön empfundenen
Dokumentation aufhebt, und zweitens ein abstrakteres,
absurderes Bild von dem Kampf und der Verletzlichkeit
der Menschen darstellt.
Outwardly from Earth's Center is a fictitious narrative
about a society on an unstable piece of land that is in
danger of disappearance. The situation requires the
population's collective initiative in order to secure individual
survival and to allow the society to remain.
The concept's background is somewhat realistic since
Sandön moves approximately one meter per year. The
fictitious reports from experts strengthen the surrealistic
atmosphere that creepily offsets the experience
of what is first considered a beautiful documentary,
and second a more abstract, absurd picture of a people's
struggle and vulnerability.
Rosa Barba, *1972. 1993-1995 Studies of Theatre and
Filmscience in Erlangen, Germany. 1995-2000 Academy
of Media Arts, Cologne, Germany. 2003- 2004 Two Year
Residency Programme, Rijksakademie van Beeldende
Kunsten, Amsterdam. In 2004 she received the New
Media Special Award from the International Festival of
New Film, Split, Croatia, the Installation Award at the
Images Festival 2005 in Toronto, and the Prix du Centre
pour l'image contemporaine, Genève at the 12th Biennale
of moving Image in 2007. 2007/2008 IASPIS, International
Artists Studio Program, Stockholm. She currently
lives in Berlin.
D/S 2007, Video, 22 min
Realisation Rosa Barba
Distribution Video Data Bank
33

INTERNATIONAL SELECTION
NO NEWS
AS IF TO NOTHING
Andreas Templin
AUGUST 2008
Rä di Martino
Die Videoinstallation »as if to nothing« setzt sich aus einer Auswahl statistischer
Daten der Erde und ihrer Bevölkerung zusammen. Diese subjektive
Auswahl an Daten, basierend auf den Erhebungen einer Reihe internationaler
Organisationen, werden mit dem ausdrucksstarken 2. Satz
von Bruckners 7. Symphonie kombiniert. Dieses Musikstück, eine Tour de
Force durch die menschliche Gefühlswelt, wird verwendet, um der Gewichtigkeit
des vorgestellten Themas den nötigen Raum zu geben. Die Videoarbeit
ist computerbasiert und bedient sich zur Berechnung der statistischen
Daten der internen Systemuhr des Computers und kann entweder
von einem Computer, einer Webseite oder pre-recorded als DVD
gezeigt werden. Diese Videoinstallation ist vorrangig als Projektion konzipiert,
kann aber auch auf einem größeren Monitor bevorzugt in abgedunkelten
Räumen gezeigt werden. Wichtig ist, dass der Betrachter die
Arbeit in Ruhe auf sich einwirken lassen kann um einer individuellen Reflektion
Raum zu geben.
The videowork »as if to nothing« comprises of a selection of statistical
data of the earth and its population. This data, comprised from various
governmental sources, is displayed in a very specific and subjective interdependency,
is combined with the highly dramatic second move of
Bruckner‘s 7th symphony which is looped for the screening. This musicpiece,
a tour-de-force through the human emotions, is used to underline
the weight of the subject-matter of this artwork. The work is utilizing the
internal clock of the computer to calculate the statistics which requires
either a computer or an internet-connection to screen it. The work is
preferably projected or shown in a calm, dark surroundings to enable the
viewer to reflect. The statistics used are based on data gathered by US
Census Bureau, CIA World Factbook, UK Homeoffice, Wikipedia, World
Health Organization, Avert, UICC, National Wildlife Federation and many
more. This version of the artwork is not entirely finalized. Some of the statistical
data will still be refined and adjusted over the next ten days.
Thank you for your kind understanding.
Andreas Templin, *1975 in Germany, lives and works in Berlin. Studies:
1997-99 Study of Visual Art, Department of Free Direction, Gerrit Rietveld
Academy Amsterdam, The Netherlands. 2006-08 MA Fine Arts, Sandberg
Institute Amsterdam. http://andreas-templin.blogspot.com//
D 2008, Video, 5 min
Realisation Andreas Templin
Music Bruckner 7th symphony, 2nd mov. / Celibidache /
Berliner Phillharmoniker
Distribution Andreas Templin
Zwei Schauspieler, als Standbilder
einer Filmszene der 1950er, wie in
einem Wachsmuseum, stehen auf
einer prachtvollen Treppe und fangen
plötzlich an, im Chor einen Minimalismusrefrain
zu singen. Der
Refrain ist aus Schlagzeilen des
Monats August 2008 komponiert
worden, die von der Olympiade in
Peking bis zum Hurrikan Gustav in
New Orleans handeln.
Two actors frozen in a 1950's film
scene, as in a wax museum, stand
on a grand staircase. Suddenly they
start singing a minimal chorus. The
chorus is composed of headlines
from august 2008, from the
Olympics in Beijing to the New Orleans
hurricane Gustav.
Rä di Martino, *1975 in Rome, Italy,
lives and works in New York. She received
her MFA in Fine Art Media at
Slade School of Art, UCL, London, in
2004. Recent solo shows include
The Night Walker, Maze Gallery ;
MACRO, Rome. She has taken part
in many video festivals such as Locarno
Film Festival, 06; Kassel
Video & Doc Festival 05; New York
Underground Film Festival, 05; Impakt
Video Art Festival, Utrecht 05
& 04.
B 2008, Video, 5 min
Director, script, editing
Rä di Martino
Photography Alessandro Chiodo
Music Mauro Remiddi
Cast Maya Sansa,
Mauro Remiddi
Distribution Rä di Martino
34

NON-WESTERN
Linda Wallace
MISSION TO KUMASI
Marilou Lemmens, Richard Ibghy
In faszinierender, rhythmischer Montage kombiniert
Linda Wallace in ihrer Videoarbeit »Non-Western« Impressionen
der Niederlande und der Niederländer mit
langen Zahlenreihen und Fakten der niederländischen
Gesellschaft zu Einwanderungsthematiken. Absichtlich
nutzt Wallace solche vereinfachenden, bürokratischen
Wahrheiten und spiegelt damit die zeitgenössische
öffentliche Debatte wider, die sich an statistischem
Essentialismus orientiert und die komplexen
und widersprüchlichen Realitäten des täglichen Lebens
ignoriert.
In her video »Non-Western« Linda Wallace subtitles
her fascinating, rhythmic montage of Dutch vistas,
highways and people with long strings of numbers.
These »facts and figures« describing Dutch society
slide through the images at a fast pace, for instance:
the total number of non-western immigrants in 2050,
the percentage of non-westerners in the biggest cites,
and the total numbers of non-western young people.
Wallace knowingly uses bureaucratic »truths« rather
than the complex, contradictory and dynamic daily reality
that the statistics hide. What do these statistics
do? The inclination towards statistical essentialism,
where lives become stuck in unambiguous, unalterable
and irreconcilable identities is characteristic of
the contemporary public debate, and bears a striking
resemblance to the corners and straight lines of the
Netherlands landscape. (Dr. Jolle Demmers, Centre for
Conflict Studies, Utrecht University)
Linda Wallace is a media artist and curator. She holds
a BA Communications from the University of Technology,
Sydney; and a Master of Fine Arts (research) from
University of New South Wales. In 2004 she was awarded
a doctorate from the Australian National University
(completed on scholarship from the Advanced Computational
Systems Co-operative Research Centre). She
has exhibited video and installation works in Australia
and internationally. www.machinehunger.com.au
NL 2008, Video, 13 min
Director, script, photography, editing Linda Wallace
Distribution Linda Wallace
»Mission to Kumasi« benutzt den Kontext der ersten
Reise ins Innere Afrikas im Jahre 1817 der African
Company of Merchants, um die Beziehung zwischen
dem globalen Handel und dem Aufbau von Wissen zu
erforschen. Dieses Video stellt den ursprünglichen
Reiseanleitungen eine Reihe von Bildern des heutigen
Kumasi gegenüber, wo einer der größten Märkte unter
freiem Himmel in Afrika stattfindet.
»Mission to Kumasi« uses the context of the African
Company of Merchants' first mission into the interior
of Africa in 1817 to explore the relationship between
global trade and the construction of knowledge. The
video juxtaposes the original mission instructions
with a series of still images of present day Kumasi,
which is home to one of the largest open-air markets
in Africa.
Richard Ibghy & Marilou Lemmens explore the tripartite
relationship between experience, its representation
and the construction of meaning. They presented
at international art events such as the Toronto Month
of Photography, and the Montreal International Festival
of New Cinema and New Media. Richard Ibghy and
Marilou Lemmens live and work in Montreal, Kelowna
and Vancouver. They have been working in collaboration
since 1999.
CDN 2008, Video, 8 min
Director, script, photography, editing
Marilou Lemmens & Richard Ibghy
Distribution Marilou Lemmens & Richard Ibghy
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INTERNATIONAL SELECTION
NO NEWS
DER AUGENBLICK
THE WINK
Michaela Schweiger
OUAGA (A VISUAL EXPERIENCE
OF AN AFRICAN CITY)
Giuseppe Spina, Alessandro Gagliardo
Der Film »Der Augenblick« setzt sich mit dem kurzen
Moment auseinander, in dem eine Person an einem
unbekannten Ort auf unbekannte Menschen trifft. In
diese sehr langsame - aus der Subjektiven erzählten -
Szene des Annäherns werden kurze Szenen geschnitten,
die mögliche Augenblicke in der Zukunft zeigen.
Aus konzeptionellen Gründen wird die im Film gesprochene
Universalsprache Volapük weder übersetzt
noch untertitelt.
The movie »Der Augenblick« deals with the short moment
in which a person runs across unknown people
at an unknown place. The camera takes the perspective
of the person who approaches the group. Into this
very slow scene of approach there are inserted short
sequences that depict possible moments in future.
The concept involves, that the universal language
Volapük spoken in the film is not translated neither
subtitled.
Michaela Schweiger, born in Heidenheim/Brenz. Studies
of Fine Arts from 1994-98 at the University of Arts
Berlin (UdK, Berlin). Postgraduated Studies at the University
of Media Arts Cologne (KHM) 2002-04. Since
2005 lecturer for film and video at the UdK Berlin and
the University of Art and Design Halle.
D 2008, Video, 13 min
Director, script Michaela Schweiger
Photography Steph Ketelhut
Editing Boris Gromatzki
Music Gerriet K. Sharma
Cast (ensemblefilm) Tim Ahlers, Magdalena Artelt,
Matthias Dietrich, Wolfgang Edelmayer,
Tobias Hamann, Frank Kessler, Ingrid Mülleder,
Kerstin Römer, Antje Thiele
Distribution Michaela Schweiger
»Ouaga« ist eine existentielle Untersuchung, die von
der Verbindung von Kino als Bewegung zu Reise als
Bewegung und umgekehrt handelt. Sie folgt einem impulsiven
Antrieb, keine der Aufnahmen ist gestellt, alles
Gezeigte ist ein kontinuierlicher Fluss von Bildern,
Schildern, zufälligen Worten. Der Schneideprozess ist
nichts als eine Würdigung und Organisation der gesammelten
Filmmaterialien.
»Ouaga« is an existential research that moves from
the conjunction of cinema as movement to travel as
movement and vice-versa. It follows an impulsive
drive, none of the shots are built, everything is shown
as a continuous flow of images, signs, random words.
The editing process is nothing but a recognition and
organization of the collected footage.
malastrada.film is a house of creation and diffusion of
cinema of research. Its authors continue with their
hunt considering the cinema as an instrument able to
affect human processes and cultural dynamics. The 4
years of production are our biography.
I 2008, Video, 10 min
Director Giuseppe Spina & Alessandro Gagliardo
Script, photography, editing Giuseppe Spina,
Julie Ramaioli, Alessandro Gagliardo
Distribution malastrada.film
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ALL THE HOUSE (HADITHA MASSACRE),
PART 3 OF FLICKER ON OFF
Caroline Koebel
PAINTING PARADISE
Barbara Hlali
Sammelt und konfiguriert umfassende Quellenmaterialien neu, um über
den 19. November 2005 nachzudenken, als die US Marine 24 unbewaffnete
Zivilisten in Haditha, Irak, tötete. Eine Hauptrolle spielt die 10jährige
Iman Walid, die die Ermordung ihrer Familie mit ansehen musste. Die
Szene mit dem Massaker in Atlantic City aus Der Pate III von Francis Ford
Coppola wird von der DVD mit einer Bolex 16 mm Kamera aufgenommen
und anschließend von Hand bearbeitet. Teil 3 von »Flicker On Off«, eine
Trilogie, die die Ausdrucksweise experimenteller Filme und Künstlervideos
auf große Filme anwendet, um über das Weltgeschehen zu sprechen.
Collects and reconfigures far-ranging source materials to ponder the November
19, 2005 killing by US Marines of 24 unarmed civilians in Haditha,
Iraq. Featured is ten-year-old Iman Walid, who witnessed the slaughter of
her family. The Atlantic City massacre scene from Godfather III by Francis
Ford Coppola is re-shot off DVD with a Bolex 16mm camera and then
hand processed.Part 3 of Flicker On Off, a trilogy applying the idiom of experimental
film and artist's video to big movies in order to speak about
world affairs. The Flicker On Off trilogy is made possible in part by residencies
at Squeaky Wheel Media Arts Center and the Experimental Television
Center, and by the Experimental Television Center’s Finishing
Funds, which is supported by the Electronic Media and Film Program at
the New York State Council on the Arts.
Brooklyn-based artist Caroline Koebel has screened her films and videos
recently at Anthology Film Archives, MadCat Women's Int.Film Festival,
Ladyfest Toronto, Optica Int. Festival of Video Art, and Abstracta: Int, Exhibition
of Abstract Cinema. Informed by conceptual art, film theory and
feminism, Caroline Koebel’s films and videos provoke new modes of aesthetic
and critical engagement with early cinema, commodity culture, maternity,
and other subjects.
USA 2008, Video, 6 min
Director, script, photography, editing Caroline Koebel
Distribution Caroline Koebel
Medienberichte zeigen, wie die
Mauer, die das Schiiten-Viertel in
Bagdad umgibt, mit schönen Landschaftsbildern
übermalt wird:
Ästhetische Gestaltung wird eingesetzt,
um militärische Maßnahmen
und Kriegsauswirkungen zu kaschieren.
Ähnlich verfahre ich im
Film mit der Gesamtsituation: Bilder
aus Krisengebieten sind mit
Farbe überdeckt, verändert, verschönert.
Media reports show how the wall
surrounding the Shiite quarter in
Baghdad is painted with beautiful
landscapes: Aesthetic creation is
used to cover military measures
and war effects. In the film I am applying
a similar technique regarding
the overall situation: Pictures
from conflict areas are layered with
colour, changed, adorned.
Barbara Hlali, *1979 as Barbara
Schmidt. 1999-2007 Academy of
Fine Arts, Münster. 2006 Graduation.
2006-08 teaching position,
University Dortmund: Animation.
Films (selection): 2004 upside
down. 2005 my faith. 2006 for a better
world. 2007 Busayyah.
www.barbara-hlali.de
D 2008, Video, 6 min
Director, script, photography,
editing Barbara Hlali
Distribution Barbara Hlali
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INTERNATIONAL SELECTION
MEMORIALS
STADT DES KINDES
CITY OF CHILDREN
Christoph Kolar
WEILE WANGQUE DE JINIAN /
UNFOR-GETTABLE MEMORY
Liu Wei
1974 wurde die »Stadt des Kindes«, als sozialdemokratisches
Vorzeigeprojekt zum 50-jährigen Bestehen
der Republik Österreich eröffnet. Der Architekt Anton
Schweighofer entwarf und realisierte eine Stadt in der
Stadt. Das Jugendheim war mit seinem Umfeld ein Ort
sozialer Begegnung. 2004 wurde das gesamte Areal
von 51.000 Quadratmetern für 4,7 Millionen Euro an
die Wohnbauunternehmen Mischek AG und Arwag
Holding AG verkauft. An Stelle einer gemeinnützig sozialen
Nutzung des Areals, folgen Miet- beziehungsweise
Eigentumswohnungen der gehobenen Kategorie.
In 1974, the »Children’s City« was inaugurated as a social
democratic showcase to mark the 50th anniversary
of the existence of the Republic of Austria. The
architect Anton Schweighofer designed and realised a
city within a city. In 2004, the entire area of 51,000
square metres was sold to the housing companies
Mischek AG and Arwag Holding AG for 4.7 million euro.
Rather than using the area for non-profit-making social
purposes, it will now contain upmarket rented
flats and freehold apartments.
Christoph Kolar, *1971 in Wien, lives and works as fine
atist in Vienna. Studied with Friedl Kubelka and Valie
Export, since 2006 Study of fine arts at the academy
with Marina Grzinic (Conzept art). Festivals: Filmbüro
Bremen, No Budget Video Film Festival Weimar. Nomination
for the co-work for the Internetvideoproject
»Remake - man with the movie camera« for the Transmediale
Award Berlin, 2008. His works have been
shown in numerous exhibitions and film festivals.
A 2008, 16 mm/sound on cd, 4 min
Director, script, photography, editing
Christoph Kolar
Distribution Christoph Kolar
In Hinsicht auf die Katastrophen in China im Jahr 1989
stehen wir immer wieder beunruhigt vor der Frage:
vergessen oder nicht vergessen. Zwanzig Jahre sind
vergangen. Mutters Haar ist grau geworden; Angehörige
haben ihre Tränen getrocknet. Ruhmreich wie
schon immer herrscht Stille auf der ersten Straße
Chinas. Eine Stille, die vergisst und bewusst verschleiert,
die Erinnerungen der Menschen werden zu einem
Vakuum. Das Vergangene wird ein verzerrtes Bild, die
wahre Erinnerung ist verschwunden, die Illusion aber
bleibt. Diese Erinnerung macht uns mit der Zeit immer
hilfloser. Das ist die Realität, die sich im Laufe der Geschichte
noch nicht geändert hat.
As to the disasters in 1989 of China, we are always
troubled by the choice: forget or keep in mind. Twenty
years have passed. Mother’s hair has turned grey;
loved ones have dried up their tears. Glorious as forever
on this first street of China, silence prevails. Silence,
forgetting and deliberate covering, people’s
memory turns into a vacuum. The bygones twisted into
a blurred picture, true memory gone, illusion remains.
That memory makes us more helpless as time passes
by. This is the reality that has not yet changed
throughout history.
Liu Wei, *1965 in China, living and working in Beijing. In
1992 he graduated from the Department of Fine Arts, of
China Central Academy of Drama. In 1995, he completed
his studies by the Philosophy Department of the
Beijing University. His works are closely related to personal
experience and memory, as well as the reality
and rapidly changing history of contemporary China.
CN 2009, Video, 13 min
Director, script, photography, editing Liu Wei
Distribution Liu Wei
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RUTA I SPOMENIK
RUTA AND THE
MONUMENT
Renata Poljak
EMERGENCY NEEDS
Kevin Jerome Everson
GRITO
Andres Denegri
Das Video ist inspiriert von der fiktiven
Kurzgeschichte (von Miljenko
Jergovic) einer jüdischen »Prinzessin«
1943, die sich wünschte, unsichtbar
zu werden. In einem anderen
Teil des Films folgen wir einem
Fremdenführer Ende 2006, der das
Holocaust-Denkmal in Berlin für
die in Europa ermordeten Juden
»interpretiert«. Der Führer spricht
Englisch und berichtet von Skandalen
und Anekdoten, die mit dem
Denkmal zu tun haben. Die Touristen
lächeln die ganze Zeit.
The video is inspired with the short
fiction story (by Miljenko Jergovic)
of a Jewish »princess« from 1943
who wished to become invisible. On
another part of the film we follow a
tourist guide at the end of 2006 »interpreting«
Memorial to the Murdered
Jews of Europe in Berlin. The
guide speaks in English and retells
scandals and anecdotes related to
the monument. Tourists are smiling
all the time.
Renata Poljak, *1974 in Split. She
graduated in 1997, in Split, as a professor
of visual arts, and attended a
postgraduate study at the Arts
Academy E.R.B.A.N. in Nantes,
France, obtaining a degree in 1999.
She also won the 2002 Artslink
scholarship at the San Francisco
Art Institute, USA.
www.renatapoljak.com
HR 2008, Video, 18 min
Director, script Renata Poljak
Photography Tonci Najev
Editing Mato Ilijic
Distribution
Croatian Film Clubs´ Association
Emergency Needs ist ein 16mm
Film darüber, wie Carl Stokes, der
Bürgermeister von Cleveland, Ohio,
USA, mit dem Aufstand im Juli 1968
umging.
Emergency Needs is a 16mm film
about the mayor, Carl Stokes, of
Cleveland, Ohio USA dealing with
the July 1968 uprising.
Kevin Jerome Everson: My films
have been shown at the Sundance
Film Festival, Rotterdam International
Film Festival, The Museum of
Modern Art in New York, the Whitney
Museum of American Art in New
York, and Whitechapel Gallery in
London and Württembergischer
Kunstverein Stuttgart.
USA 2008, 16 mm, 7 min
Director, script, photography,
editing Kevin Jerome Everson
Distribution
Kevin Jerome Everson
In Lateinamerika waren die 1970er
und 1980er von militärischen Diktaturen
überschattet, deren Regime
auf Terror und Auslöschung aufgebaut
war. Die persönliche Geschichte
vieler, die während dieser
Zeit Kinder waren, ist durch komplexe
Traumata gekennzeichnet.
Grito untersucht autobiografische
Erinnerungen, Bilder, die im Kopf
nachklingen und im Hals stecken
bleiben.
In Latin America, the 1970s and
1980s were darkened by military
dictatorships whose regimes rested
on terror and extermination. The
personal history of many who were
children during this period is
marked by complex trauma. Grito
explores autobiographical memories,
images that resound in the
mind and become stuck in the
throat.
Andres Denegri is professor at FUC,
and UNTREF. He is an independent
cinema and video creator, following
a way of visual and narrative experimentation.
Leonardo Prize 2002
(Museo Nacional de Bellas Artes),
Impakt golden award 2005 (Nederland).
first prize of 25 FPS (Croatia),
and others.
RA 2008, Video, 22 min,
European Premiere
Director, script, photography,
editing Andres Denegri
Music Enrique Bernacchini
Distribution Andres Denegri
39

INTERNATIONAL SELECTION
URBAN DRIFT
I LEFT MY SILENT HOUSE
Seungho Cho
SIDEWALK
Karl Kels
Zu sich immer verändernden Rhythmen – manchmal in Schwarzweiß,
manchmal in verblassenden Farben und kontrastreichen Momenten von
Licht und Dunkel – ziehen Bilder vorüber und legen sich über einander,
horizontal in beide Richtungen. Gesichter und Profile der Menschen hinter
Fenstern und flüchtige Eindrücke einer Landschaft lassen vermuten,
dass dieser Film von Zugpassagieren handelt; sind wir Beobachter, die
Züge vorbeifahren sehen, oder vielleicht eingeblendete Filmbilder, die
durch Projektionsebenen erreicht wurden, oder beides? Bild und Darstellung,
konkret und abstrakt, sind immer wieder durcheinander geraten.
Wie für Chos Arbeiten typisch, dreht sich auch hier alles um die Beobachtung
menschlicher, natürlicher und künstlicher Bewegungen in Bild
und Ton, um Rhythmus und Raum. Netherlands Media Art Institute, Esma
Moukhtar
To ever-changing rhythms – sometimes in black and white, sometimes in
fading colours and contrasting moments of light and dark – images pass
by and slide over one another, horizontally in both directions. Faces and
profiles of people behind windows and glimpses of a landscape suggest
that this is about train passengers; are we watching passing trains, or
perhaps superimposed film images achieved by layers of projections, or
both? Image and representation, concrete and abstract are mixed up time
and again. Typical for Cho’s work, everything revolves around studies of
human, natural and artificial movements in image and sound, in rhythm
and space. Netherlands Media Art Institute, Esma Moukhtar
Seoungho Cho, *1959 in Pusan, South Korea, and currently lives and works
in New York. He received a BA and an MA in graphic arts from Hong-Ik University,
Korea, and an MA in video art from New York University. He has had
solo exhibitions in many prestigious venues such as the Museum of Modern
Art in New York and his videos have been shown in biennials and group
screenings throughout Europe and North America. Cho has received various
awards and grants, including ones from the Jerome and Rockefeller
foundations. The formal aspects of Cho's videos are closely tied to explorations
of how nature is represented through technology, specifically how
representation is constituted by traces of contact between bodies, technology
and the environment.
In Kels' Welt fliegen eine Menge
Geschichten herum, aber er lässt
sie für den Zuschauer dort liegen.
Während der vier Wintermonate,
richtete Kels seine Kamera auf einen
Abschnitt eines Bürgersteiges
in New York City und nahm innerhalb
dieses eindeutig abgegrenzten
Bildfeldes alle Ereignisse auf.
Sidewalk ist aus diesem Material
gemacht und besteht aus 49 Aufnahmen
ohne dem chronologischen
Zwang der Beobachtung unterworfen
zu sein. In der Stille erwacht
das fest eingestellte Bildfeld
in dreißig Minuten zum Leben.
Die vielen flüchtigen Protagonisten,
die in und aus dem Bildfeld
laufen, die vorbeifahrenden Autos,
das Schneegestöber: all diese Elemente
scheinen zusammen zu passen.
Sidewalk ist ein wunderschönes
kinematografisches Gemälde,
das in realistischem Schwarzweiß
porträtiert wird. IFFR 2009
USA 2007, Video, 10 min
Realisation Seungho Cho
Distribution Netherlands Media Art Institute
40

A NECESSARY MUSIC
Beatrice Gibson
In Kels' world, plenty of stories are scattered around,
but he leaves them lying there for the spectator. For
four months of winter, Kels aimed his camera at a
stretch of sidewalk in New York City and within this
clear-cut frame, he recorded what happened on film.
Sidewalk is made from this material, comprising 49
shots that have been liberated from the chronological
burden of observation. In silence, the fixed frame
comes to life in thirty minutes.
The many fleeting protagonists who walk in and out of
the frame, the cars crossing, the snow flurries: all
these elements seem to fit into place. Sidewalk is a
beautiful cinematographic painting, portrayed in realistic
black & white. IFFR 2009
Karl Kels, *1960 in Düsseldorf. He studied from 1980 to
1985 in Peter Kubelka's film class at the Städelschule
in Frankfurt am Main. After his studies, he received numerous
grants, such as a grant from the Studienstiftung
des deutschen Volkes for New York, where he
studied at the Cooper Union with Robert Breer. Since
1991 Karl Kels has taught at the Gesamthochschule
Kassel and at the Frankfurter Städelschule. In 1995 he
co-founded the »Initiative Experimentalfilm,« since
1996 he has been teaching at the Johann Wolfgang
Goethe-Universität, Frankfurt am Main. Karl Kels'
works in the areas of photography, experimental film
and installation have been shown in international exhibitions
and festivals. The artist lives and works in
Berlin.
D 2008, 35 mm, 30 min
Realisation Karl Kels
Distribution Karl Kels
»A Necessary Music« ist ein Science-Fiction-Film
über modernistisches soziales Wohnen, abgeleitet von
Texten der Bewohner von Roosevelt Island und Bioy
Casares. Die Bildaufnahmen sind lang, träge und wunderschön
malerisch - eine Erzählung, an der Robert
Ashley (vielleicht eine der besten Stimmen in der zeitgenössischen
Musik) und Bewohner von Roosevelt Island
(einem kleinen Stück Land zwischen den NYC
Stadtbezirken Manhattan und Queens) teilnehmen - A
Necessary Music ist ein musikalisch gestalteter
Science-Fiction-Film, der die sozialen Bilder einer
utopischen Landschaft durch die gezielte Aufmerksamkeit
auf die Stimmen der Bevölkerung untersucht.
»A Necessary Music« is a science fiction film about
modernistic social housing, derived from texts by residents
of Roosevelt Island, and Bioy Casares. The
takes long, languid and beautifully pictorial - in a narration
shared between Robert Ashley (perhaps one of
the most distinguished voices in contemporary music)
and dwellers of Roosevelt Island (a small sliver of land
situated between NYC boroughs Manhattan and
Queens) - A Necessary Music is a musically conceived
science fiction film, exploring the social imagary of a
utopian landscape through directed attention to the
voices that inhabit it.
Beatrice Gibson is an artist based in London and New
York. Her practice concerns the politics and poetics of
everyday sites and spaces, is site specific, research
based and often paticipatory in nature. Working in diverse
mediums, from text, to performance, to film.
GB 2008, Video, 28 min
Director, photography, editing Beatrice Gibson
Script Beatrice Gibson, Alex Waterman
Cast inhabitants of Roosevelt Island
Narration Robert Ashley
Distribution ARGOS arts
41

INTERNATIONAL SELECTION
VIDEORAMA
IRIS OUT
Simon Payne
TRIFTER 1
Rainer Gamsjäger
Ein Video, das aus Einzelbildern von Sequenzen sich
ausdehnender und sich zusammenziehender Iris-Bilder
besteht, neu formatiert für verschiedene Bildformate.
In der Mitte des Stücks gibt es Reihen, die neun
kontrastierende Sequenzen einarbeiten, die aus sechs
verschiedenen Farben und Tönen bestehen und zwar
in sich abwechselnden Kombinationen. Genau wie in
meinen anderen Filmen, ist es die Beziehung zwischen
den Rändern der Ebenen und der Form des
Bildschirmes, die mich interessieren. Besonders beeindruckt
mich die Art und Weise, wie die Farbfelder
durch das Auge und Gehirn wiedergegeben werden
und Bewusstsein und Wahrnehmung beeinflussen.
(SP)
A video that's composed of single frames from sequences
of expanding and contracting irises, reformatted
for different aspect ratios. In the middle of the
piece there are rows that incorporate nine contrasting
sequences, comprising six different colours and tones
in alternating combinations. As with my other videos,
it’s the relation between the edges of planes and the
shape of the screen that I’m interested in. And what’s
fascinating to me is the way in which the colour fields
are reproduced by the eye and brain, affecting consciousness
and perception. (SP)
Simon Payne studied Time-Based Media, Electronic
Imaging and has recently completed a PhD at the Royal
College of Art. Some of his videos are discussed in
Film Art Phenomena (2003) by Nicky Hamlyn. He teaches
at Anglia Ruskin University in Cambridge and lives in
London.
GB 2008, Video 10 min
Realisation Simon Payne
Distribution Simon Payne
Eine langsame Fahrt entlang eines Waldes, der an einer
kleinen Geländestufe im Bildvordergrund abbricht.
Über geschnittenen und umgefallenen Stämmen,
totem Ast- und Wurzelwerk, aufgewühltem Erdreich
und trockenen Gräsern recken sich schlanke Nadelbäume
empor und defilieren, den Raum bis in eine
undurchdringliche Tiefe hinein strukturierend, aneinander
vorbei. Der scheinbare Naturalismus hält nicht
lange vor. Etwas stimmt nicht an diesem Bild, an dieser
Bewegung. Im Hintergrund beginnen sich Stämme
in die Horizontale zu dehnen. Wurde hier digital nachgebessert?
Der Idylle künstlich Effekt verpasst? Keineswegs.
Vielmehr stellt sich das Bild in seiner Gesamtheit
als künstliches heraus, dessen Realismus
als Resultat aufwändiger Rekonstruktion. (Thomas
Korschil)
A slow pan along a forest that breaks off at a small terrace
in the foreground of the picture: Slender conifers
stretch upwards over cut and fallen trunks, dead
branches and roots, churned soil and dry grass, and
parade past one another, structuring the space to impenetrable
depths. The apparent naturalism does not
hold up for long. Something is not quite right with this
picture, this movement. In the background the trunks
begin to stretch out horizontally. Has the image been
digitally altered? Have artificial effects been applied
to the idyllic scene? Not at all. Instead, the image as a
whole turns out to be artificial, its realism the result of
elaborate reconstruction. Translation: Lisa Rosenblatt
Rainer Gamsjäger, *1974 in Bad Ischl. He graduated at
the Höhere Technische Bundeslehranstalt, Graz in
Graphic Design. In 2007 he graduated in Experimental
Design at the University of Art and Industrial Design in
Linz.
A 2008, Video, 8 min
Director, script, photography, editing
Rainer Gamsjäger
Distribution sixpackfilm
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69
Peter Simon
Das Video 69 ist ein Rausch. In Anspielung auf die Symbolik der Ziffer 69, die, egal wie herum
man sie dreht, dieselbe Zahl ergibt und sich gegenseitig »umkreist«, dreht sich die Videoarbeit
ebenfalls um sich selbst. Psychedelisch – halluzinatorische Bildwelten entfalten
sich im Aufnahmefenster einer Videoschnittsoftware, während die Kamera eben jenes rückgekoppelte
Signal im selben Augenblick aufzeichnet. Die Videoarbeit »69« wird so zum Dokument
dieses »Trips« und liefert damit auch gleich den Beweis, dass digitales Bildsignal
doch nicht »rauschfrei« ist. Dabei kann man sich der hypnotischen Sogwirkung von »69«
nicht entziehen und gerät unweigerlich in den Strudel der Bilder. In tunnelartigen Treppenläufen
führen sie zunächst scheinbar endlos und labyrinthisch wie Piranesische Unterwelten
tief in den Rechner. Unterstützt von den schwebenden Klängen der Musik und den
Geräuschen, die alle Originalgeräusche aus F.F. Coppolas »Apocalypse Now« sind, entstehen
neue Bilder vor dem inneren Auge. Dieses ist gerötet. Die Kamera zeichnet es auf. 1969. Der
Vietnamkrieg ist im vollen Gange, der erste Mensch verlässt diesen Planeten und wandert
auf dem Mond umher und ich erblicke das Licht der Welt. Unbekanntes Projekt 1/ Effekte –
Werkzeuge – Fenster – Hilfe / VTR OK.
The video 69 is a buzz. In an allusion to the symbolism of the number 69, which yields the
same figure whichever way it is rotated and which »circles« itself, the video work also centres
on itself. Psychedelic hallucinatory visual worlds develop in the recording window of a
video cutting software program, while the camera records that very back-coupled signal at
the same time. The video work »69« is therefore turned into a document of this »trip«, simultaneously
providing the proof that digital video signals are not »buzz-free« after all. It is
impossible to elude the hypnotic pull of »69«, and you inevitably end up in the maelstrom of
the images. In tunnel-like flights of stairs, they initially lead you deep down into the computer,
seemingly endlessly and labyrinthine as Piranesi’s underworlds. Backed by the floating
tones of the music and the sounds, which are all original sounds from F.F. Coppola’s
»Apocalypse Now«, new images appear in the mind’s eye. Which is reddened. The camera
records it. 1969. The Vietnam War is in full swing, the first person leaves this planet, roams
around on the moon and I see the light of day. Unknown project 1/ effects – tools – window
– help / VTR OK.
Peter Simon: *1969, 1995-2000 Studies at the Media and art (KHM), Köln. 2000-2004 Assistant
in the Sounddepartment of KHM Köln. »ab 18« shown at EMAF Osnabrück, 2006. Cofounder
of the group »LMS« mit Jörg Lindemaier and Anthony Moore, and the Band »Les
Eclairs« with Freya Hattenberger.
D 2008, Video, 7 min
Director, script, photography, editing Peter Simon
Distribution imai - Inter media art institute
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INTERNATIONAL SELECTION
VIDEORAMA
DE TIJD
Bart Vegter
IN THE MIX
Jan Machacek
Ein monochromes kontrastarmes
Bild verändert sich langsam in ein
theatralisches Spektakel, in dem
die Farbe fast unmerklich schmilzt
und zu Linien und kegelförmigen
Formen erstarrt. Am Ende verlieren
die Farben ihre Kraft und alles was
zurückbleibt, ist das Grundgerüst
des Bildes, »das Skelett«. Dies ist
Vegter's zweiter Film mit der Fourier
Transformation, diesmal in 3D.
A monochrome flat image changes
slowly into a theatrical spectacle in
which colour subtly melts and solidifies
lines and conical forms. At
the end, the colours lose their power
and all that is left is the basic
structure of the image, »the skeleton«.
The second film by Vegter
with the Fourier transformation,
this time in three dimensions.
Bart Vegter, *1940, graduated at
the Technical University in Eindhoven
in 1965. In the seventies he
attended a Cine-workshop at the
Free Academy in The Hague. Vegter
made abstract films with classic
animation techniques. Since 1990,
he uses computer programs written
by himself.
NL 2008, 35 mm, 9 min
Director, script, photography,
editing Bart Vegter
Distribution Filmbank
Das Auge geht mit, klebt dran, ist mitgenommen. Auch dann, wenn der
Magen nicht mehr mag, kann das Auge noch nicht loslassen, will mehr
davon: Bilder. In minimalistischen Sequenzen hinterfragt »in the mix« die
Sprache der cineastischen Involvierung und arbeitet an ihren nächsten
Wörtern weiter, (de)fokussiert scheinbar Zentrales und spricht Inhaltliches
einzig durch die präzis gefundene Form aus. Die Liveperformance
von Jan Machacek, die als Video an Mehrschichtigkeit gewinnt, gestaltet
ein eigenartig reziprok-verkehrtes Verhältnis zwischen Performer, Kamera
und Schauenden und erschafft - indem es ein Schauen erwirkt ohne
jedoch Zuschauen zuzulassen - ein Stück gemeinsames, körperliches
Hier und Jetzt zwischen ihnen. (Vienna Independent Shorts)
Machacek's spinning black-and-white pictures take us back to the days
before special effects were perfected. The performance artist requires
neither a stuntman nor a computer to defy gravity and perception in his
video. Based on the way a mixer works, he makes no attempt to conceal
the film tricks or make them invisible. On the contrary, the movement of
the camera and his body through space are demonstrated clearly: The
camera, mounted on a blender, films Machacek's performance as he
moves slowly from the background to the picture's center for the purpose
of interfering with the video image's mechanical progression with his own
body. While standing in the center of the frame he reacts to the camera's
movement, occasionally allowing it to lift him into the air, then hops wildly
and gesticulates to counteract its dynamism. (Christa Benzer)
Jan Machacek, *1975 in Vienna, Austria. Study of sculpture and stage-design
in Vienna and Karlsruhe. Since 2001 Jan Machacek is showing his
»live-Video-Performances«. In these works the film-studio is turned into a
stage for performances. The performer appears as cameraman, director,
technician and actor at the same time.
A 2008, Video, 4 min
Director, script, photography, editing Jan Machacek
Distribution sixpackfilm
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FRONTIER
Harriet McDougall
FIRST APPROACH (2)
Daniel Kötter
Auf einer subjektiven Ebene handeln die Sinne simultan
als Empfänger und Filter, die es uns ermöglichen,
Sinn in unserer Umgebung zu sehen, und uns gleichzeitig
daran hindern, dies zu tun. Bilderschichten (in
einem Wald aufgenommen) sind verschachtelt und
komprimiert. Der Film intensiviert das Erlebnis der
Landschaft und verwirrt den Zuschauer fast unmerklich
durch vergängliche Lichteffekte, die visuelle Erwartungen
im Bild nicht bestätigen.
On a subjective level, the senses act simultaneously
as receptors and filters, both enabling us to make
sense of our surroundings and preventing us from fully
doing so. Layers of imagery (shot in a forest) are interlaced
and compressed. The film intensifies the experience
of landscape and subtly disorientates the
viewer as transient effects of light confound visual expectations
within the frame.
Harriet McDougall studied at Chelsea School of Art
and Duncan of Jordanstone College of Art. Her painting/video
works explore the relationship between the
individual and the natural environment. She exhibits
internationally, has received a number of awards and
commissions and lives in rural Northumberland, England.
GB 2008, Video, 13 min, German Premiere
Director, script, editing, animation
Harriet McDougall
Photography Robert Spence
Music Geoff Sample
Distribution Harriet McDougall
Eine Referenz an die New Yorker
Experimentalfilmer der 1960er. Der
Blick von der Staten Island Ferry
auf die Manhattan Skyline, gleichzeitiges
Entfernen und Annähern in
Zeit und Raum. Ein langer Zoom,
Weißblende, Schwarzblende zugleich
lassen die Ikone allmählich
verschwinden. Ab wann gibt das
Auge auf, die bekannte ikonographische
Form noch zu bestätigen?
First approach oder last good-bye?
A reference to experimental films
by New York based film makers
from the 1960s. Distancing and approaching.
Staten island ferry, the
Manhattan Skyline view. At what
point will the eye refuse to reconfirm
the iconographic form? First
approach or last good bye?
Daniel Kötter, *1975, working as director
and video artist with special
interest in multiscreening and multiperspective
video installations.
His video- and theatre works were
shown at various international festivals,
in concert halls, theatres and
galeries in Germany, Austria,
Switzerland, Belgium, France, Portugal,
USA and Mexico.
USA 2008, Video, 10 min
Director, script, photography,
editing Daniel Kötter
Distribution Daniel Kötter
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INTERNATIONAL SELECTION
BIOTOPIA
WELCOME
George Barber
COAGULATE
Mihai Grecu
»Welcome« handelt im Wesentlichen von entgleitender Bedeutung. Im
Laufe des Werkes wird alles mit vielen aufwendigen aus Werbespots
übernommenen Sequenzen nuanciert und metaphorisiert. Abschließend
wiederholt ein Off-Kommentar: »Das Leben hat sich seit dem Mittelalter
nur wenig geändert.« In diesem Moment suggeriert das Stück, dass die
Chancen trotz unserer Modernität und technologischer Fortschritte nicht
gut aussehen. Niemals zuvor in unserer Geschichte musste die Menschheit
in einem so großen Ausmaß zusammenarbeiten, wie es die Rettung
des Planeten erfordern könnte; wir scheinen einfach nicht die ungeheure
Einigkeit oder Harmonie zu besitzen, die für etwas so Neues wie dieses
vonnöten sein könnte. Und das Leben wird unweigerlich langsam verkümmern.
Das bedeutet natürlich nicht das Ende, aber in jedem Fall
»Welcome«.
»Welcome« is fundamentally about meaning slippage. As the work progresses,
with many lush sequences taken from adverts, everything becomes
nuanced and metaphorical. Finally, a voice-over repeats, »Life has
changed little since medieval times«. In this moment the piece suggests
that, for all our modernity and technological advances, the odds are not
good. At no time in our history has the human species ever had to co-operate
to such a massive extent that saving the planet might entail; we just
don’t seem to have the colossal unity or harmony that something new like
this might involve. And Life will inevitably slowly degrade. This doesn’t
mean the end, of course, but »Welcome« anyway.
George Barber, born in Georgetown, Guyana. Studied at St Martins and
The Slade, London. Initially, he made a name in video art by re-cutting famous
Hollywood films. His work has been shown internationally. Barber is
eclectic, his ideas varied. Moving away from Scratch in the early 90’s,
George Barber created many low-tech video pieces and was influential in
defining an emergent ›slacker‹ aesthetic.
GB 2008, Video, 6 min
Realisation George Barber
Distribution George Barber
Abwesenheit, Anwesenheit und
aquatische Verformungen in dieser
Choreografie von Flüssigkeiten, geheimnisvolle
Kräfte verdrehen die
physikalischen Gesetze und beeinflussen
das Verhalten von Lebewesen
in gereinigten Räumen.
Absence, presence and aquatic
distortions in this choreography of
fluids, mysterious forces twist the
physical laws and affect the behaviour
of living beings in purified
spaces.
Mihai Grecu, *1981 in Sebes, Romania.
After studying Design and
Fine Arts in Romania and France,
now he works as an independent
artist in the fields of video/contemporary
art, cinematography and
graphic design. His videos explore
the structures and genesis of anxiety:
distorted landscapes, unknown
menaces, metamorphosis, neonlight
and alchemy convert into a
heterogeneous universe of roughcut
video and 3D animation.
F 2008, Video, 6 min
Director, script, animation
Mihai Grecu
Photography Patrick Dehalu
Editing Mihai Grecu, Catherine
Aladenise, Seto Momoko
Music Thibault Gleize,
Frederic Marquilly
Cast Kang Hyun Wook
Production Le Fresnoy,
Natalia Trebik
Distribution Le Fresnoy
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ATLANTIS
Pieter Geenen
WESTCOAST (AT)
Ulu Braun
2009 wird der Bau des Drei-Schluchten-Damms am
chinesischen Fluss Jangtse beendet. Wegen dieser
Konstruktion werden 632 km² Land auf einer Länge
von 660 km flussaufwärts bis zu einem maximalen Pegel
von 175 m überschwemmt. Zahlreiche gesellschaftliche
und umweltbedingte Streitfragen als Folge
dieser Konstruktion machten diesen Damm zu einem
der weltweit umstrittensten Projekte der jüngsten
Geschichte. »atlantis« zeigt die Ufer des
Drei-Schluchten-Staubeckens, die mit den Suchscheinwerfern
eines Jangtse-Kreuzfahrtschiffes abgesucht
werden. Der Lichtstrahl auf dieser nächtlichen
Landschaft scheint ein versunkenes Universum
zu erforschen, ein Land, das von Menschen verlassen
zu sein scheint, mit zerstörten Gebäuden, verlassenen
Wäldern und Geisterschiffen.
In 2009 the construction of the Three Gorges Dam on
the Chinese Yangtze River will be completed. Due to
this construction 632 km² of land on a length of 660
km upstream will flood up to a maximum level of 175
m. Numerous social and environmental issues as a
consequence of its construction made this dam one of
the world’s most controversial projects in recent history.
»atlantis« shows the banks of the Three Gorges
Reservoir being scanned by the searchlights of a
Yangtze cruise boat. The lightbeam on this nocturnal
landscape seems to explore a sunken universe, a land
of which people seem to have left, with demolished
buildings, desolate forests and ghost ships.
Pieter Geenen, *1979 in Hasselt, Belgium, lives and
works in Brussels. 1999-2003 Master Photography -
Media & Design Academie, Genk (BE). 2003-05 Transmedia
- Sint-Lukas, Brussel (BE), Int. Postgraduate
Programme in Arts + Media + Design. His work has
been presented at various international festivals.
Zwischen Film, Video, Collage und Animation angesiedelt,
schwenkt ein Bildausschnitt horizontal über ein
digital montiertes Tableau, das Menschen und Tieren
Raum für ihr Dasein bietet. Von einer brodelnden Ursuppe,
die an Tarkowskis Solaris erinnert, streift der
Panoramablick den Küstenstreifen entlang. Das Zentrum
bildet eine Hafenstadt, die im Stil des späten Finanzeklektizismus
bebaut ist und von bizarr anmutenden
Dickhäutern, fremdartigen Flüssigkeiten und
Boot-Choreografien bespielt wird. Die mystische Reise
endet im in einer Höhle gelegenen Müll-Jacuzzi, bei
melancholisch um sich blickenden weißen Frauen.
Established between film, video, collage and animation,
an image detail pans a digitally mounted tableau
that offers humans and animals space for their existence.
From a bubbling primordial soup, reminiscent
of Tarkovsky’s Solaris, the panorama shot glides along
the coast. The central point is a seaport, built in the
style of the late financial eclecticism and utilised by
bizarre-seeming pachyderms, outlandish fluids and
boat choreographies. The mystical journey ends in a
rubbish Jacuzzi, located in a cave, near melancholic
white women, looking around them.
Ulu Braun, *1976 in Schongau, lives in Berlin and
Helsinki. 1996-2000 studied Fine Arts and Graphics at
the University of Applied Arts, master class Wolfgang
Herzig and C. L. Attersee, Vienna. 1999 grant at the
Academy of Fine Arts in Helsinki, Finland. 2000-2006
Film Studies at the HFF ›Konrad Wolf‹ in Potsdam (a.o.
with Harun Farocki). Collaboration with Roland Seidel
as BitteBitte- JaJa.
D 2009, Video, 7 min, World Premiere
Director, script, photography, editing Ulu Braun
Distribution Ulu Braun
B 2008, Video, 11 min
Director, script, photography, editing Pieter Geenen
Thanks to BNA-BBOT, Argos
Distribution Pieter Geenen
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INTERNATIONAL SELECTION
BIOTOPIA
FACE OF AN ANGEL
Anthea Kennedy, Ian Wiblin
GHOSTS
Omar V. Delgado
»Face of an Angel« ist inspiriert von Puccinis Oper »La Fanciulla del
West«, die während des Goldrausches in Kalifornien spielt. Der Film wurde
in den vernarbten schwarzen Landstrichen des Tagebergbaus in Südwales,
einem der ursprünglichen Kohlereviere, die die Industrielle Revolution
in Großbritannien maßgeblich vorangetrieben haben, gedreht.
Nimmt man die Thematik der Erlösung, stellt der Film choreografierte
gelbe Kipplaster, Porträts von Grubenarbeitern und eine Flucht in ein anderes
Leben dar, indem er malerische Oberflächen im Niedrigformatvideo
benutzt. Teile der Musik aus der Oper sind mit dem industriellen Soundtrack
verwoben. »Face of an Angel« wurde im Auftrag des Lucca Film
Festivals als Teil des »Twenty Puccini« Projektes geschaffen, das zwanzig
Filmemacher aufgefordert hat, Kurzfilme mit einer Verbindung zu Puccini
zu erstellen.
»Face of an Angel« is inspired by Puccini’s opera »La Fanciulla del West«,
set during the Californian gold rush. The film is shot in the scarred black
landscape of an open cast mine in South Wales, one of the original coal
mining areas which fuelled the industrial revolution in Britain. Taking the
theme of redemption, the film depicts choreographed yellow dumper
trucks, portraits of miners and an escape to another life using the
painterly surface of low format video. Fragments of music from the opera
are woven into an industrial sound track. »Face of an Angel« was commissioned
by Lucca Film Festival as part of its »Twenty Puccini« project
which invited twenty film-makers to produce short works with a Puccini
connection.
Anthea Kennedy lives and works in London where she is a lecturer in film.
Her recent work includes Elegy (2001), Bag of a Thousand Pockets (2002)
and Stella Polare (2006). Her work is concerned with place, memory and
family.
Ian Wiblin is a photographer as well as a film-maker. His most recent exhibition,
Recovered Territory (2007), is concerned with place and history
and was photographed in the Polish city of Wroclaw. His recent film work
includes Elegy (2001) and Stella Polare (2006). He lectures in photography
and film. Both have just completed For Children, a video installation made
in collaboration with Cardiff University.
Ich suche Geister, damit sie mir Geschichten
erzählen... eine Reise in
die Wüste im Inneren, auf der Suche
nach Erlösung.
I'm looking for ghosts to tell me
stories... a travel into the desert
within, looking for redemption.
Omar V. Delgado, *1981 in Guadalajara,
Mexico. Studied Communication
at the ITESO University. He specialized
in experimental cinema and
also in video postproduction, editing,
and production by the
videoartist and FONCA turor, Gustavo
Dominguez. He participated in
many cinematographic projects
and publicity spots, and comercials
as production designer, editor, photographer,
and post producer.
MEX 2008, Video, 5 min,
European Premiere
Realisation Omar V. Delgado
Distribution Omar V. Delgado
GB 2008, Video, 6 min
Realisation Anthea Kennedy & Ian Wiblin
Cast Jo Ann Kaplan (voice)
Distribution Lucca Film Festival
48

ORIGIN OF THE SPECIES
Ben Rivers
NIGHT SWEAT
Siegfried A. Fruhauf
Ein Film, der als Porträt von S begann. S ist ein
75jähriger Mann, der in einem abseits gelegenen Teil
von Invernesshire wohnt. Fast sein ganzes Leben lang
beschäftigte sich S wie durch einen inneren Zwang
mit Darwins Arbeiten. Schon als Kind machte er sich
Gedanken über das Leben auf der Erde und, obwohl er
niemals Akademiker wurde, fand er bei Darwin viele
Antworten auf seine Fragen. Diese Filmbilder konzentrieren
sich auf die mysteriöse Geographie seiner
Welt; sein Garten - vom Mikrokosmischen zum Gewaltigen;
die neuen Apparate und Erfindungen, die er gemacht
hat; sein isoliertes Stückchen Land, auf dem er
sein Haus gebaut hat, nachdem er um die Welt gereist
war und schon überall gearbeitet hatte.
A film begun as a portrait of S, a 75 year old man living
in a remote part of Invernesshire. S has been obsessed
with Darwin's works for much of his life. Since a child
he has wondered at life on Earth and, though he never
became an academic, found in Darwin many answers
to his questions. The film images concentrate on the
mysterious geography of his world; his garden - from
the microcosmic to the grand; the contraptions and inventions
he's made; his isolated patch of land where
he has built his house after a life of travelling and
working around the world.
Ben Rivers, *1972 in Somerset, studied Fine Art at Falmouth
School of Art, initially in sculpture before moving
into photography and super8 film. After his degree
he taught himself 16mm filmmaking and hand-processing.
His first film »The Joy of Walking«, toured the
world as part of the package »Experiments in Terror«
organised by Other Cinema in San Francisco. Since
then he has made over 15 films, showing extensively at
international film festivals, as well as galleries, and
theatres around the UK.
GB 2008, 16 mm, 16 min
Director, script, photography, editing Ben Rivers
Distribution LUX
Das Blau des Himmels über dem Schwarz eines Waldes.
Zuckende Blitze über einer Lichtung. Und schließlich
eine weiße, mit dunklen Flecken behaftete Mondkugel.
Das sind die drei Vorschläge, die Night Sweat
zur Untersuchung der technischen Bedingungen visueller
Wirkung macht. Der Film verwendet das analoge
Videoformat Hi-8. Dessen besonders unter prekären
Lichtverhältnissen evidente, mangelnde Auflösung
rückt der Film im ersten und dritten Kapitel ins Zentrum...
Night Sweat reflektiert medial präfigurierte
Wahrnehmungen und Sichtbarkeiten, nicht ohne sein
Publikum affektiv zu involvieren. Dies wird besonders
im zweiten Kapitel deutlich, in dem das stroboskopische
Flackern der nächtlichen Blitzlichter von einem
fauchenden Noise-Soundtrack begleitet wird. (Thomas
Edlinger)
The sky's blue hanging above the black of a forest.
Lightning flashes over a clearing. And the white ball of
the moon with dark spots. These are the three suggestions
that make Night Sweat an examination of a visual
effect's technical aspects. The film was shot in analog
Hi-8 video. Its poor resolution, especially in precarious
light conditions, occupies the foreground in the
first and third chapters... Night Sweat is a reflection
on perceptions and appearances that have been prefigured
by media, though not without involving its audience
emotionally. This is especially clear in the second
chapter, in which the stroboscopic flashes of light
at night are accompanied by a snarling soundtrack of
noise. Translation: Steve Wilder
Siegfried A. Fruhauf, *1976 in Grieskirchen, Upper Austria,
lives and works in Linz and Heiligenberg. Since
1993 experiments with video and later with film. Since
2001 has organized art events with the artist group
›wunderkinder‹. Studied Experimental Visual Design at
the Art University Linz. Participation in numerous international
film festivals.
A 2008, 35 mm, 10 min
Director, script, photography, editing
Siegfried A. Fruhauf
Distribution sixpackfilm
49

INTERNATIONAL SELECTION
ARTS LTD.
SORRY CURATOR
Annette Hollywood
DISCOVERING
COMPOSITION IN ART
Heidi Phillips
POLONAISE
DIPLOMATIQUE
Isabella Gresser, Anke Fischer
sorry curator ist ein Hip-Hop-Wettkampf
zwischen Künstler und Kurator.
Annette Hollywood spielt beide
Rollen: Ku: Hey, schön dich zu
sehen. Kü: Wie geht's dir? Ku: Mir
geht's gut, super. Ich bin der Kurator
der nächsten Busy Biennale. Sie
wird nächste Woche eröffnet und
was ist mit dir? Kü: Mir geht's auch
gut, ich mach gerade viele neue Arbeiten...
sorry curator is a hiphop battle between
artist and curator. annette
hollywood plays both parts in it: C:
Hey, good to see you. A: How are
you? C: I'm doing fine, great. Curating
the next Busy Biennale. It will
open up next week and what about
you? A: I'm fine, doing a lot of new
work...
Annette Hollywood lives in Berlin.
1999 Preis der dt. Filmkritik bei den
Intern. Kurzfilmtagen Oberhausen /
Niedersächsischer Förderpreis im
Bereich Film. 2001 Atelierstipendium
Schloß Bleckede. 2002
Stipendium am Deutschen Studienzentrum
Venedig. 2005 einjähriges
Projektstipendium der Stiftung
Rheinland Pfalz für Kultur. 2007
Förderpreis für Bildende Kunst der
Stadt Mainz. 2008 Arbeitsstipendium
Stiftung Kunstfonds.
D 2008, Video, 4 min
Director, script, photography,
editing, music, actress
Annette Hollywood
Distribution Annette Hollywood
»Wenn wir einige dieser Führer benutzen,
können wir aufregende
Kunst aus der Welt um uns erschaffen.«
Discovering Composition
in Art nutzt »found footage« als
Grundlage für verschiedene Dunkelkammerexperimente.
Diese
fehlgeschlagenen Versuche, einen
»guten Bildaufbau« einzufangen,
jagen vor den Augen des Betrachters
wie Blinklichter vorbei.
»By using some of these guides we
can create exciting art from the
world around us.« Discovering
Composition in Art uses found
footage as source material for various
darkroom experiments. These
failed attempts to capture »good
composition« race before the viewers'
eyes like flashing lights.
Heidi Phillips is an experimental
filmmaker based in Winnipeg,
Canada. Constantly sifts and
searches through old films & found
footage, lifting imagery and sound
to recycle into her own layered and
loosely structured narrative works.
She works one frame at a time with
16mm film and hand processes the
results. Her work has been
screened in such festivals as Transmediale
in Berlin and Images in
Toronto. Completed her MFA from
Transart Institute in Austria in
2008.
CDN 2008, Video, 2 min,
German Premiere
Director, photography, editing
Heidi Phillips
Distribution Winnipeg Filmgroup
Eine Polonaise tanzt durch die
Epochen und zeitgenössischen
Genres des Kunst- und Kulturbetriebes.
Abbildung einer Mischung
von Beschwingtheit und Resignation,
Inspiration und Tanz auf dem
Vulkan, gestandene Kritik und rhythmischer
System-Hysterie innerhalb
einer Polonaise.
A conga line dances through the
ages and contemporary genres of
the art and culture business. Portraiture
of a mixture of buoyancy
and resignation, inspiration and
dance on the volcano, established
criticism and rhythmic system hysteria
within a conga line.
Both Isabella Gresser and Anke
Fischer studied at art-academy
HBK Braunschweig with Marina
Abramomic. Together working on
film, media and art projects. Living
as artists and filmmaker in Berlin.
D 2008, Video, 10 min
Director, script, photography,
editing, animation, music, cast
Isabella Gresser & Anke Fischer
Distribution Isabella Gresser
50

DAS DICHTE UND
DAS GEHÖHLTE
Franz Wanner
IVO BUROKVIC - THE LIFE
OF THE FAKE ARTIST AS A
YOUNG BUSINESS MODEL
Paul Wiersbinski
(THE NEVER ENDING)
OPERETTA
Istvan Kantor
Abseitige Anteile von Symbiosen
zwischen Institutionen oder Wie
man das Gehöhlte verdichtet.
Am Beispiel der Akademie der Bildenden
Künste München, die im
Jahr 2008 ihr 200-jähriges Bestehen
feierte, und des Bayerischen
Rundfunks werden abseitige Anteile
der Symbiose dieser beiden Institutionen
in Bezug auf die mediale
Repräsentanz eines kleinsten
gemeinsamen Kunstbegriffes veranschaulicht.
Remote parts of symbioses between
institutions or how to compress
the burrowed.
Using the example of the Academy
of Fine Arts Munich, which celebrated
its 200th anniversary in
2008, and the Bayerischer Rundfunk,
remote parts of the symbiosis
between these two institutions
with regard to media representation
of a least common term »art«
are illustrated.
Franz Wanner, *1975 in Bad Tölz,
Germany, lives in Munich. Since
1995 studies of arts and new media
at the academy of fine arts in munich;
freelancer photo and video;
works as an artist on spectacle, social
phenomena and urban spacing;
works in public collections: museum
of modern art Munich; FNAC
Fonds National d´art contemporain,
Paris.
D 2008, Video, 9 min
Director, script, editing
Franz Wanner
Distribution Franz Wanner
Anhand der Bestellung eines Ölgemäldes
nach Photovorlage in
China und der Dokumentation von
dessen Versteigerung bei einer renommierten
Benefizveranstaltung
wird das Verhältnis zwischen ideellen
und profanen Werten und deren
Erschaffung in der bildenden Kunst
untersucht.
The project documents the ordering
of an oil painting after a photoshop
image in China and the selling
of this piece at a renowned auction.
The tension of symbolic and material
value and their creation within
fine arts is put to a test.
Paul Wiersbinski, *1985, since October
2004 Student and Assistent of
Prof. Mark Leckey, Filmclass of
Städelschule, Frankfurt. His projects
received several awards, such
as the videoartprize of the filmboard
Bremen and a project grant
of the Federal Cultural Foundation
of Germany.
D 2008, Video, 12 min
Director, script, photography,
editing Paul Wiersbinski
Cast Wieland Schönfelder
Distribution Paul Wiersbinski
Ein Nachbarschaftsaktivist in einem
kleinen Industriebezirk versucht,
gegen die ständig wachsende
Armee von Bauunternehmern zu
kämpfen. Die militante Gruppe
marschiert mit Fahnen und Schildern
durch die Straßen, die die Idee
propagieren, dass Sinneseindrücke
wie schlechter Geruch oder Gesundheitsgefahren
wie z. B. Staub
die Bauunternehmer fernhalten
und somit die Nachbarschaft vor
der Gentrifizierung retten.
Living in a small industrial area, a
local neighborhood activist is trying
to fight the ever growing army
of developers. The militant gang
marches through the streets with
flags and signs promoting the idea
that such sensory effect like bad
smell and health hazard like dust
can keep the developers away and
save the neighborhood from gentrification.
Istvan Kantor: Recepient of the
2004 Governor General's Award for
Visual and Media Arts, the founder
of Neoism, is a media artist/producer,
active in many fields, performance,
robotics, installation, sound,
video and new media. His work has
been described as intellectually rebellious
and highly experimental.
CDN 2008, Video, 35 min,
World Premiere
Director, script, photography,
editing, animation, music
Istvan Kantor
Cast Kantor & Family, Sandy
Baron, MachineSexActionGroup
Distribution Istvan Kantor
51

INTERNATIONAL SELECTION
ARCHITECTURAL SCALES
SIMULTANEOUS
CONTRAST
Chris Kennedy
BORGATE
Lotte Schreiber
Das Streifenmuster der städtischen
Bushaltestellenhäuschen in
San Francisco wird eine feste Kulisse
für das hinter ihr vorbei ziehende
Stadtbild. Die räumlichen
Schwankungen bieten ein konstant
vertauschtes Spiel von Figur, Boden
und Raum, und erschaffen somit
die Illusion, dass gleichzeitig
zwei Räume an nur einem Ort möglich
sind.
The striped pattern of the municipal
bus shelters in San Francisco
becomes a fixed foreground behind
which the city passes. Spatial oscillations
provide a constantly permutating
play of figure, ground and
space, imaging the possibility of
being two places at once.
Chris Kennedy is an independent
filmmaker, programmer and writer
currently living in Toronto. His experimental
films have screened at
over 50 film festivals worldwide and
he has presented film programs in
Egypt, Belgium, Germany, the US &
Canada. He holds an MFA from the
San Francisco Art Institute.
CDN 2008, 16mm, 6 min,
World Premiere
Director, photography, editing
Chris Kennedy
Distribution Chris Kennedy
Eigentlich hätte es eines der urbanen Vorzeigeprojekte des modernen
Italien nach dem Zweiten Weltkrieg werden sollen: Das - obwohl bereits
unter Mussolini geplante - Stadtviertel Don Bosco am südlichen Rand
Roms, wurde ganz im Geist des Wiederaufbaus der Nachkriegszeit und im
Stile des Modernismus der 1950er und 1960er Jahre errichtet. Vergleichbar
mit Wohnbauprojekten in anderen europäischen Großstädten zeigt
sich auch in Don Bosco virulent die Kluft zwischen den sozialpolitischen
Utopien der Moderne und deren Realität. Mit Borgate setzt die Medienkünstlerin
und Architektin Lotte Schreiber ihre Serie von filmischen
Untersuchungen über Architektur und (Stadt)Raum fort... Im Wechselspiel
der meist statischen Einstellungen oder ruhigen Schwenks über
Fassaden und bauliche Details mit filmischen Zitaten von Pasolini und
Fellini bis Antonioni produziert Borgate ein visuelles und akustisches
Panoptikum über das Scheitern urbanen Utopien. Gery Weber
It was originally intended to be modern Italy's showcase urban project after
WW II: the Don Bosco housing project on the southern edge of Rome.
Though planned while Mussolini was in power, Don Bosco matches the
Modernist style of the 1950s and 1960s and is wholly in harmony with the
spirit of postwar reconstruction. As it is comparable to housing projects
in other large European cities, this housing project demonstrates the gap
between sociopolitical utopias of the Modern age and their reality in a
virulent manner. Borgate is media artist and architect Lotte Schreiber's
latest installment in her series of filmic examinations of architecture and
(urban) space... In the interplay of the mainly static shots and relaxed
pans across facades and structural details, combined with quotes from
Pasolini and Fellini to Antonioni, Borgate produces a visual and acoustic
showcase of failed urban utopias. Translation: Steve Wilder
Lotte Schreiber, *1971 in Mürzzuschlag, Austria. 1991-99 Study of architecture
at TU-Graz and University of Edinburgh. Technical director of the
exhibitions Selfmade, Fernbedienung and Need for Speed / Steirischer
Herbst. 2000 foundation of the architecture and graphik design label loma.
Since March 2001 tutor for architecture at Kunstuniversität Linz.
Schreiber lives and works in Vienna.
A 2008, Video, 15 min
Director, script, editing Lotte Schreiber
Photography Johannes Hammel
Distribution sixpackfilm
52

NOIR
Mirko Martin
AANAATT
Max Hattler
Eine Nacht in meiner Nachbarschaft in Los Angeles
während eines halbjährigen Aufenthalts. Da in der
Nähe eine Straßengang ansässig war, kreisten häufig
Polizeihelikopter über dem Gebiet. Eines Nachts unterhielt
ich mich mit einem Anwohner, und wir spekulierten
über das, was wir hörten und sahen.
A night in my neighborhood in Los Angeles during a
half-year stay. For the presence of a street gang in my
residential area, police helicopters were circling over
the place every other night. One night, I met a resident
on the sidewalk, and we started speculating about
what we heard and saw.
Mirko Martin, *1976 in Sigmaringen, Germany. 2001-07
studies of fine arts at the Art Academy HBK Braunschweig
(B. Hein). Since 2008 Master of Arts. 2008
Aenne-Biermann-Award for Contemporary fotography.
2007 Prize Arthall WHV for Video »Traffic«. 2007 DAAD-
Stipent in L.A. 2005 Fulbright-grant, CalArts, L.A..
2004-08 grant of the Studienstiftung des Deutschen
Volkes. www.mirkomartin.com
Sich verschiebende Farben, Formen und Objekte. Ein
sich ständig ändernder, vielschichtiger Analogfuturismus.
Shifting colors, shapes and objects. An ever-changing,
multi-layered Analogue Futurism.
Max Hattler, born in Ulm, Germany, lives and works in
London. MA in Animation, Royal College of Art 2005. BA
in Media and Communications, Goldsmiths College
2001. Max Hattler's films have won several prizes including
Best Film at 700is Experimental Film Festival
Iceland, and Best Digital Film at London International
Animation Festival.
GB 2008, Video, 5 min
Director, script, photography, editing Max Hattler
Animation Max Hattler, Noriko Okaku
Music Jemapur
Distribution Max Hattler
D/USA 2008, Video, 8 min
Director, photography,editing Mirko Martin
Distribution Mirko Martin
53

INTERNATIONAL SELECTION
ARCHITECTURAL SCALES
MATTER IN MOTION
Ruth Jarman, Joe Gerhardt
Das Universum ist gleichzeitig in einem konstanten Zustand der Integration und Desintegration. Um die materielle
Welt um uns zu verstehen, haben Semiconductor die Stadt Mailand neu strukturiert. Indem sie Eigenschaften,
die eher in der molekularen Welt bekannt sind, abbilden, haben die Stadtlandschaften angefangen,
natürliche Eigenschaften anzunehmen, die eine zersplitterte Stadt zeigen, in der sich generative Formen in
ständiger Veränderung befinden. Matter in Motion ist eine Reihe von Vignetten, die als fotografisches Panorama
in ganz Mailand entstanden sind. In jeder Einstellung wurden Feldaufnahmen gemacht und benutzt, um die
Stadtstruktur direkt zu rekonstruieren, wobei eine zeitliche und räumliche Anspielung eingeführt wird. Man
gebe mir Materie und Bewegung, und ich werde das Universum aufbauen - Rene Descartes (1596-1650). Im Auftrag
der Careof Galerie Mailand für Incontemporane für die Triennale, Mailand, Italien.
The Universe is at once in a constant state of integration and disintegration. In searching for an understanding
of the material world around us, Semiconductor have restructured the city of Milan. Displaying attributes more
familiar to the molecular world its cityscapes have started to take on natural properties that reveal a city in
pieces and where generative forms are in perpetual transformation. Matter in Motion is a series of vignettes
which originated as photographic panoramas taken around Milan. In each setting field recordings have been
made and used to directly reconstruct the fabric of the city, introducing a temporal and spatial allusion. Give
me matter and motion and I will construct the universe - Rene Descartes (1596-1650) Commissioned by Careof
Gallery Milan for Incontemporanea at La Triennale, Milan, Italia.
Since 1999 UK artists Ruth Jarman and Joe Gerhardt (Semiconductor) have worked with digital animation to
transcend the constraints of time, scale and natural forces, they explore the world beyond human experience
questioning our very existence. Central to these works is the role of sound. Their award winning work has been
exhibited at Hirshhorn Museum, Washington USA, Arnolfini Bristol and Nuit Blanche Paris, the British Council
Jerusalem, Museum of Contemporary Art Lyon and Dissonanze Festival Rome. www.semiconductorfilms.com
GB 2008, Video, 6 min
Realisation Semiconductor (Ruth Jarman & Joe Gerhardt)
Distribution LUX
54

AS FOUND
Kerstin Schroedinger, Mareike Bernien
NOW WAIT FOR LAST YEAR
Rachel Reupke
Die Videoarbeit »as found« versucht einerseits die »as
found«-Ästhetik der brutalistischen Architektur der
50er und 60er Jahre, die dem neugegründeten Staat
Israel seine Infrastruktur gab, mit seinen eigenen
Prinzipien zu konfrontieren, beispielsweise die Umgebung
wahrzunehmen. Andererseits werden Blickverhältnisse
von Außen auf die Architektur mittels einer
Kamera untersucht.
On the one hand, the video work »as found« endeavours
to confront with its own principles the »as found«
aesthetics of the brutalist architecture of the 1950s
and 60s, which gave the newly-founded state of Israel
its infrastructure, for instance the principle of perceiving
the surroundings. On the other hand, visual relationships
from the outside to the architecture are explored
using a camera.
Mareike Bernien and Kerstin Schroedinger live in Paris
and Hamburg. Selected filmography: 2008 as found.
2007 Testbild; instead of (video-essay). 2006 open (audiowork
and images).
D 2008, Video, 15 min
Director, script, photography, editing
Kerstin Schroedinger & Mareike Bernien
Distribution Kerstin Schroedinger
Diese Videoarbeit spiegelt die Faszination von Science-Fiction
wider und dem seit Ewigkeiten vorhandenen
Problem, die Zukunft darzustellen. 2006 in Peking
aufgenommen, ist das Werk von einer Stadt inspiriert,
die dabei ist, einen regelrechten Bauboom zu erleben,
in dem pastellfarbene Anschlagtafeln der Entwickler
in jede Straße eindringen und die Zukunftsvisionen eines
Architekten darstellen: Die Zukunft der Stadt existiert
schon reell in den illustrierten Beilagen.
This video work reflects a fascination with science fiction
and the inherent problem of visualising the future.
Shot in Beijing in 2006, it is inspired by a city in the
throws of a construction boom where developers’
hoardings intrude on every street, each displaying, in a
pastel-soft style, an architect’s visual of what is to
come: the future of the city rendered as illustrated inserts
into the reality of its present.
Rachel Reupke, *1971 in England, lives and works in
London. 1993 Fine Art BA Hons, Nottingham Trent University.
2000 MA Image and Communication, Goldsmiths
College, University of London. Her video work
has been exhibited both in Britain and abroad including
shows at Casino Luxembourg, Foxy Productions (New
York), Leeds City Art Gallery and The Mission (London).
GB 2007, Video, 9 min
Realisation Rachel Reupke
Distribution LUX
55

INTERNATIONAL SELECTION
BEING TWO
BEING HUMAN
Ilke De Vries
DER IMITATOR
THE IMITATOR
Max Philipp Schmid
GREGOR ALEXIS
Jana Debus
Being Human ist eine experimentelle
Dokumentation über drei Konflikte,
die von sechs Personen erlebt
wurden. Geschichten über die
Wege von Kommunikation und
Nicht-Kommunikation und der
menschlichen Reaktionen auf solchen
Handlungen. Das Material ist
auf das Wesentliche reduziert, um
einen Prozess des Wiedererkennens
beim Zuschauer einzuleiten.
Being Human is an experimental
documentary about three conflicts
experienced by six people. Stories
about the ways of communication
and non-communication and the
human reactions on these actions.
The material is reduced to its
essence, in order to introduce a
process of recognition with the
viewer.
Ilke De Vries, *1981, is video artist,
lives and works in Antwerp, Belgium.
In her experimental documentaries
and registrations she reduces
personal thinking processes
and acting of individuals into the
essence of universal and recognizable
values and standards. Philosophical
questions and psychological
arguments lay at the basis of
her work.
B 2008, Video, 15 min
Director, script, photography,
editing Ilke De Vries
Distribution Ilke De Vries
56
Der Schauspieler Jo Dunkel improvisierte
einen Wutanfall. Das gefilmte
Material wurde technisch
verlangsamt und ihm vorgeführt.
Nun versuchte er, seinen verlangsamten
Wutanfall mimisch nachzuspielen.
Da der Ton nicht hörbar
war, war er gezwungen die Laute
aufgrund der Mundbewegungen zu
erraten. Durch diesen experimentellen
Transfer wird die Wut unbeabsichtigt
zu Angst.
The actor Jo Dunkel was asked to
improvise a fit of rage. The video
material taken of this tantrum was
shown to him in slow motion. Then
he was called upon try to reenact
the video-technically reducedspeed
version of his own fit of
anger. Because the sound could not
be heard, Jo Dunkel is forced to
guess the sounds purely from the
movements of the mouth. Through
this experimental transfer his
anger seems to become fear, although
this was not the intention of
the actor.
Max Philipp Schmidt is since 2002
Lecturing assignment for Moving
Images / New Media within the
Schule für Gestaltung (School for
Design), Basel/CH. 2005 Guest Lecturing
for audiovisual Design, University
of the Arts, Bern. 2007 Guest
Lecturing for Moving Images at
HGKZ University of Applied Sciences
and Arts, Zurich.
CH 2008, Video, 6 min
Director, script, photography,
editing Max Philipp Schmid
Cast Jo Dunkel
Distribution Videoart.ch
»Gregor Alexis« ist ein Portrait über
meinen Bruder, in dem ich die Komplexität
seines von Psychose gezeichneten
Lebens zeige, ohne dabei
seine Identität zu manipulieren.
Ich verwische die Grenzen zwischen
»Innen« und »Außen«, zwischen
»ich« und »er«, und schaffe
der sich dadurch ermöglichenden
Rezeption von Schizophrenie einen
empathischen Raum. (reelport)
»Gregor Alexis« is a portrait about
my brother, in which i show the
complexity of a life dominated by
psychosis, without manipulating
his personality. I am blurring the
lines between »interior«and »exterior«,
between »I« and »he« and
create an empathetic room for the
reception of schizophrenia. (reelport)
Since 2004 Jana Debus studies at
the Academy of Media Arts Cologne.
1999-2004 Photographer and freelance
assistant to photographers
such as Jamie Morgan; Julian
Broad; Elfie Semotan; Kayt Jones;
Warren Du Preez & Nick Thornton-
Jones; Kenji Toma; Mischa Richter;
Amber Rowlands; Ellen Nolan. London,
Paris, U.S.A. Filmography:
»Leonie Saint« Germany 2006, Experimentalfilm.
D 2008, Video, 20 min
Director, script, photography,
editing Jana Debus
Music Dirk Specht
Cast Gregor Debus
Distribution KHM

CRUSH!
Nouchka & Alexander Wolf
OH, I'M SO HAPPY
Cecilia Lundqvist
DIE EWIGE HEIMAT
Konrad Bohley
Pinguine beim Eiertitschen: Über
der Kamera / dem Betrachter lehnen
zwei Köpfe Stirn an Stirn aneinander,
vor dem neutralen Hintergrund
eines Bluescreen. In unregelmäßigen
Abständen holen sie
aus und schlagen aneinander.
Punching penguins: two heads are
rested forehead on forehead above
the camera/the viewer, against the
neutral background of a blue
screen. At irregular intervals, they
raise their arms and strike one another.
Nouchka Wolf, *1982 in Wien,
Österreich. Alexander Wolf, *1975
in Krefeld. Couple cooking meal together-Berlin
2007. o.T. (das ist der
Daumen, der pflückt die Pflaumen)-
Installation, New York 2008. love is
the law-New York 2008. Fontäne
(Pärchen Piss)-Objekt, Berlin 2008.
Crush!-Berlin 2008.
D 2008, Video, 10 min
Director, script, photography,
editing, cast
Nouchka & Alexander Wolf
Distribution
Nouchka & Alexander Wolf
Ein animiertes Video, in dem wir
eine Frau mittleren Alters treffen,
die in totaler Isolation lebt, mit extremer
Einsamkeit als Endergebnis.
Die Frau hält einen Monolog,
worin sie sich nach Kräften
bemüht, uns zu überzeugen, wie
glücklich und zufrieden sie mit ihrer
momentanen Situation ist. Allerdings
ist ihr Versuch absolut
platt und leicht zu durchschauen.
An animated video where we meet
a middle-aged woman who is living
in total isolation, with an extreme
loneliness as a result. The woman
performs a monologue, in which
she tries her best to convince us
about how happy and content she
is with her present situation. However,
her attempt is totally shallow
and transparent.
Cecilia Lundqvist, *1971 in Eskilstuna,
Sweden. Living and working
in Stockholm, Sweden. 1999-2000
Royal Collage of Art, Post Graduate,
Stockholm, Sweden. 1994-1999
University Collage of Arts, Crafts &
Design, Art Department, Stockholm,
Sweden. Since 1994 working exclusively
with animation, which have
been screened at numerous museums,
galleries and festivals worldwide.
Represented with videoworks
at several art institutions, among
them Moderna Museet in Stockholm
and Centre Georges Pompidou
in Paris.
S 2008, Video, 3 min
Director, script, animation,
editing, music Cecilia Lundqvist
Distribution Cecilia Lundqvist
Vier Charaktere. Einer von ihnen
hat sich entschlossen, sein Leben
in einer Art sicheren Welt zu verbringen:
er bewegt sich nur noch in
traditionsreichen Ritualen. Die drei
anderen stehen sehr unterschiedlich
zu ihm - er scheint einen sehr
eigentümlichen, aber diskutierbaren
Weg gegangen zu sein.
Four charakters. One of them decided,
to live in an own safe world,
where everything is packed in traditional
rituals. Everyone of the
three others has his own special
opinion among him - he seems to
live a quiet strange and discussible
way.
Konrad Bohley, *1974 in Halle /
Saale. 1984 the family moved to the
West Germany. 1995 works for »TC
Gruppe«, Ludwigsburg (Commercials,
Events, industrials). 1996-99
Art Director for »TC Gruppe«. Since
2000 freelance editor, director and
cameraman. 2002 study at Filmakademie
Ludwigsburg. Since 2006
study at the Academy for Media
Arts, Cologne.
D 2009, Video, 8 min
Director, script, animation,
editing, music, cast
Konrad Bohley
Distribution KHM
57

INTERNATIONAL SELECTION
IDEALS AND IDEOLOGIES
THE FORCE OF
BEAUTY: THE BEAUTY
OF FORCE
Keith Sanborn
BURLESQUE
Tim Shore
MARY KOSZMARY
Yael Bartana
Basiert auf Werbespots des russischen
Verteidigungsministeriums
aus dem Jahr 2008, die versuchen,
Parallelen zwischen täglichen stereotypen
weiblichen Gesten modischen
Selbstverständnisses und
stereotypen Aktivitäten männlicher
Soldaten zu ziehen. Mit dieser Gegenüberstellung
und mit strategischen
Eingriffen in die Geschwindigkeit
und chronologische Orientierung
werden zwei Formen geschlechtsspezifischer
Darstellung
des Blickes verglichen.
Based on a series of ads in 2008 on
the Russian »Star Channel«, owned
by the Department of Defense. The
ads seek to draw parallels between
stereotypical feminine daily gestures
of fashionable self-imaging
and stereotypical activities of male
soldiers. By means of this juxtaposition
and strategic interventions in
speed and chronological orientation
two forms of gendered construction
of the gaze are compared
and contrasted.
Keith Sanborn is a media artist,
theorist and translator based in
New York. His theoretical work has
appeared in publications worldwide.
Sanborn currently teaches at
Princeton. Last year he taught at
Smolny Institute in St. Petersburg
on a Fulbright Fellowship while researching
media in Russia.
USA 2008, Video, 3 min
Director, script, photography,
editing Keith Sanborn
Cast Elena Santare
Distribution Keith Sanborn
58
In Burlesque bereiten fünf Soldaten
eine Performance vor und
führen sie auch durch. Sie bringt
die aggressiv körperlichen Spiele
an britischen Privatschulen ins Bewusstsein.
Die Performance von Riten,
Kontrolle und Beherrschung
verherrlicht die anonymisierten,
unterjochten, zensierten Körper.
In Burlesque, five soldiers prepare
and enact a performance that
evokes the aggressively physical
games of the British public school.
The performance of ritual, control
and containment exalts the depersonalised,
subjugated, censored
body.
Tim Shore and Gary Thomas have
worked together as artist and producer
on two films, and as co-directors
of their most recent film, Burlesque
(2008), commissioned by the
screen dance agency, Capture, and
made in collaboration with Anaïs
Bouts.
GB 2008, Video, 10 min
Director Tim Shore
Script, editing
Tim Shore & Gary Thomas
Photography
Martin »Teddy« Testar
Editing
Tim Shore & Gary Thomas
Music Alvin Curran
Cast Faisal Abdullah, Paul
Hines, Aarron Griffieth, Rory
McSween, Stuart McSween,
Sean Torfin
Distribution Tim Shore
Mitten am Tag hält Slawomir Sierakowski,
ein junger polnischer radikaler
Linker, eine Rede im Warschauer
Stadion. Während der Polnischen
Republik (1921-1939) war
dieses Stadion ein beliebter Platz
für politische Kundgebungen und
Straßenfestivals. Die Rede zeigt die
Ästhetik nationalistischer Propagandafilme,
aber sein Inhalt verstößt
nicht nur gegen den Stil, sondern
auch gegen alles, auf dem dieser
Stil fußt.
In the middle of the day Slawomir
Sierakowski, a young Polish radical
leftist, gives a speech in the stadium
at Warsaw. During the years of
the Polish Republic (1921-1939)
this stadium was one of the favorite
places for political rallies
and street festivals. The speech reflects
the aesthetic of nationalist
propaganda films, but its content
runs counter not only to the style,
but to everything on which that
style is based.
Yael Bartana, *1970 in Kfar-
Yehozkel, Israel. Received a BFA
from the Bezalel Academy of Art
and Design in Jerusalem, an MFA
from the New York School of Visual
Arts and participated in the Rijksakademie
artist-in-residence program
from 2000-2001. She won various
prizes such as the Anselm
Kiefer Prize (2003) and the
Dorothea von Stetten-Kunstpreis
(2005).
Israel 2007, Video, 11 min
Realisation Yael Bartana
Distribution Netherlands Media
Art Institute

NEW EDUCATIONAL
SERIES - BETTER
MILITARY MODELLING
Jill Kennedy
FOUR QUESTIONS
FOR A RABBI
Stacey Ross, Jay Rosenblatt
OBSEDENOST
OBSESSION
Marina Grzinic, Aina Šmid
Better Military Modelling ist der
zweite Kurzfilm der New Educational
Series, einer Animationsserie,
die aus Bildern veralteter Unterrichtsanleitungen
und Lehrmaterialien
der 60er und 70er aufwändig
gestaltet wurden. Better Military
Modelling spielt in einem sich
verändernden und illusionären
Aquarium und stellt das Kindheitswissen
durch die spielerische
Nachahmung von Bildern, Bewegungen
und Geräuschen nach.
Better Military Modelling is the
second short film in the New Educational
Series, an animated series
intricately constructed from images
sourced from out-dated instruction
and education manuals
of the 60's and 70's. Set in a shifting
and illusory aquarium, Better
Military Modelling re-imagines
childhood knowledge through a
playful pastiche of images, movement
and sound.
Jill Kennedy, *1981 in Glasgow,
Scotland. In 1982 her family moved
to Auckland, New Zealand. She has
been living in Auckland where she
graduated from a Graduate Diploma
In Design in 2006. Prior to this
Jill completed a Bachelor Of Design
(Painting) in 2002.
NZ 2008, Video, 7 min,
World Premiere
Director, editing Jill Kennedy
Music John Payne
Distribution Jill Kennedy
Die Suche einer Frau nach Identität,
Bedeutung, Gerechtigkeit. Als
Stacey Ross letztes Jahr starb,
wurde Jay Rosenblatt gefragt, ob er
ihr Projekt beenden wolle. Das Ergebnis
ist dieser Film, der Themen
wie Identität, Verfolgung und
Sterblichkeit streift.
A woman’s search for identity,
meaning, justice. When Stacey
Ross died last year, Jay Rosenblatt
was asked to complete a project
she had begun. The result is this
film that touches upon issues of
identity, persecution and mortality.
Jay Rosenblatt has been making
films for more than 20 years. He is a
recipient of a Guggenheim and a
Rockefeller Fellowship. His films
have received many awards and
have screened worldwide.
Stacey Ross worked as an editor on
Abby Ginzburg’s Doing Justice: the
Life and Trials of Arthur Kinoy and
on Judth Montell’s Professional
Revolutionary: the Life of Saul Wellman.
At the end of her life, she was
working on a very personal film of
her own, But Is Your Mother Jewish?,
exploring the intricacies of
Jewish identity.
USA 2008, Video, 12 min
Director Ross, Rosenblatt
Script Stacey Ross
Photography Vicente Franco
Editing Jay Rosenblatt
Music Britten, Mahler, Popper
Producers Laurie Coyle,
Erica Marcus, Judith Montell,
Emmy Scharlatt
Distribution Jay Rosenblatt
Das Video basiert auf dem Wissen
und dem Widerstand, die anhand
der Gedanken und Ideen des in den
USA ansässigen Argentiniers Walter
Mignolo, dem Theoretiker Sefik
Tatlic aus Sarajevo, der Theoretikerin
Ana Vujanovic aus Belgrad, dem
französischen Theoretiker Badiou
und seiner Kritik des Anti-Semitismus
in Europa und der Möglichkeit,
über die Bezeichnung »Jude« für
eine neue Politik in Europa nachzudenken,
entwickelt werden.
The video is based on knowledge
and resistance developed on
thoughts and ideas by Walter
Mignolo, Argentinean, based in
USA, Sefik Tatlic, theoretician from
Sarajevo, Ana Vujanovic, theoretician
from Belgrade, Badiou, French
theoretician and his critique of
anti-Semitism in Europe and the
possibility to think about the signifier
»Jew« for a new politics of Europe.
Marina Grzinic and Aina Šmid are
video artists since 1982. They collaborated
in more than 40 video art
projects and numerous video and
media installations, which have
been exhibited in more than 100
video festivals worldwide and received
several major awards.
SLO 2008, Video, 16 min
Director, script, music
Marina Grzinic & Aina Smid
Photography, editing, animation
Zvonka Simcic
Cast Barbara Kukovec
Distribution Marina Grzinic
59

INTERNATIONAL SELECTION
ROLEPLAY
FREUDE / DELIGHT
Thomas Draschan
THE MAN WHO WENT OUTSIDE
Jennet Thomas
Material für FREUDE sind am Computer gescannte
und bearbeitete Bilder die in einem Schnittprogramm
in die gewünschte Reihenfolge gebracht und zum Soundtrack
synchronisiert werden. Die kleinste Einheit:
das einzelne Bild. Assoziativ und formal aneinandergereiht.
Wie im Large Hadron Collider prallen die Partikel
im Gehirn des Betrachters mit höchstmöglicher
Geschwindigkeit aufeinander und geben Einblick in
die Materie und das Universum oder das eigene Denken
und die Funktiosweise des Mediums. Die Themen
Sex und Gewalt sind auf die formale Ebene übertragen:
Orgiastisches Pulsieren, visuelle Attacken auf
den Zuschauer. FREUDE arbeitet mit den größtmöglichen
raumzeitlichen Sprüngen: vom alten Ägypten ins
Weltraumzeitalter, vom 19ten ins 20igste Jahrhundert
in einer 25igstel Sekunde. Pistolen, Gorillas, Saturnringe,
Tangaslips, SpitzenBHs, Terror, Freude, Raumkapseln,
Atommodelle, Ferngläser, Springbrunnen, Jesusbilder,
Federboas, Astronauten: FREUDE ist eine
filmgewordene »Theory of Everything«. Noch bevor
CERN überhaupt in Betrieb geht.
Digitised high resolution images form a rapid flow of
visual assoziations. A filmic Larg Hadron Collider that
let's images explode in the viewer's head. Micro and
macrocosm, sex and religion, old Egypt and the Space
age are juxtaposed in this purely cinematic 35mm
piece. A »theory of everything« way before modern
physics could come up with one.
Thomas Draschan, *1967 in Linz a. D., Austria. 1992
Staedelschule Frankfurt/ Main, Germany. 1995 Cooper
Union N.Y.C. 1998 Meisterschüler Staedelschule. 2004
Return to Vienna. Films have been screened at Viennale,
London Filmfestival, New York Filmfestival,
EMAF; Ann Arbor, Rotterdam Filmfestival, Images Festival
Toronto etc. Solo exhibitions at Galerie Amer Abbas,
Vienna; Galerie Wildwechsel, Frankfurt; Carter
Presents, London.
A 2008, 35 mm, 3 min, German Premiere
Director, editing Thomas Draschan
Distribution Thomas Draschan
Ein vornehm aussehender Mann (Performancekünstler
Richard Layzell) scheint auf einmal gefangen zu
sein in einer sich stetig verändernden Farbleere, eingeschlossen
in einem Machtspiel mit einer pervers
geführten Kamera. Der stumme, gefangene, charismatische
TV Moderator, wird abwechselnd charmant, bedrohlich,
lehrerhaft, verwirrt. Manchmal scheint er
große Kräfte zu besitzen. Eine Stimme aus dem Off erzählt
uns außergewöhnliche Dinge - wie außergewöhnlich
dieser Mann ist – der erste Mann, der ein
»Kind bekam«. Halluzinogene Einstellbilder unterbrechen
das Farbfeld, um uns einen Einblick in die beunruhigende
und fremdartig futuristische Logik seiner
Welt zu geben. Eine Retro-Sci-fi Kritik der Darstellung.
Eine spielerische Meditation des sinnvollen Schwachsinns.
A distinguished looking man (performance artist
Richard Layzell) is apparently trapped in an ever
changing void of colour, locked in a power play with a
perversely operated camera. A mute, caged, charismatic
TV presenter he is by turns charming, menacing,
educational, confused. At times he appears to have
great powers. A voice over tells us extraordinary
things- how this man is special - the first man to
»have a baby«. Hallucinogenic flash- frames punctuate
the colour field to give us a view disturbing and
alien futuristic logic of the world. A retro Sci-fi critique
of representation. A playful meditation on the idiocy of
making sense.
Jennet Thomas: Her work screens on the international
film festival circuit with recent solo shows at PEER
gallery in 2007 www.peeruk.org and a forthcoming major
show at Matt's Gallery London. Her work is represented
by Video Data Bank.
GB 2008, Video, 10 min
Director, script, photography, animation, editing
Jennet Thomas
Cast Richard Layzell
Distribution Video Data Bank
60

THE SOUNDING LINES
ARE OBSOLETE
John Price
DER WANDERER
THE WANDERER
Max Philipp Schmid
THE CLOTHES
MAKE THE MAN
Owen Eric Wood
Eine Reaktion auf die dunklen Prophezeiungen...
den Kosmos nach
Licht abgesucht, während mein
Sohn sich für die bevorstehende
Reise vorbereitet... Eine Reise von
der Unschuld in das Ungewisse, auf
der seltsame Rituale zurück gelassen
werden.
A reaction to the dark forcasts...
scanning the cosmos in search of
light as my son prepares for the
voyage ahead... A journey from innocence
into the unknown where
odd rituals are left behind.
John Price is a Canadian artist who
has produced experimental documentaries
and projections for opera
and dance since 1986. His work has
been exhibited at festivals, museums,
and a diverse range of screening
spaces internationally and has
been awarded grants from The National
Film Board, the Canada
Council for the Arts, the Ontario Arts
Council and the Liaison of Independent
Filmmakers of Toronto. He
works actively as a cinematographer
and is based in Toronto.
CDN 2008, 16 mm, 13 min,
World Premiere
Director, photography, editing
John Price
Cast Charlie Price
Distribution John Price
Voller positivem Vorwärtsdrang
schreitet der Wanderer durch die
freie Natur, ein Pionier, der neues
Land entdeckt, ein Mann auf dem
Weg in die Zukunft. Während sein
Frohsinn sich zur Euphorie steigert,
scheint sein Gang immer
schwerer zu werden. Wie in einem
Alptraum laden sich seine Bewegungen
immer mehr mit Energie
auf und trotzdem bleibt er fast am
Ort stehen. Wie eine laufende Maschine,
die blockiert ist, scheint er
am Schluss kurz vor der Explosion
zu stehen.
Full of positive energy and the urge
to move forward, this wanderer
strides through nature, a pioneer
discovering new land, a man on his
way into the future. As his happiness
increases to euphoria, his gait
becomes increasingly heavy. As if in
a nightmare, his movements seem
to load more and more energy, yet
he has almost come to a standstill.
Like a running machine that is
blocked, at the end it seems he is
on the verge of explosion.
Max Philipp Schmidt: Since 2002
lecturing »Moving Image / New Media«
at the Schule für Gestaltung
(School for Design), Basel. 2007
Guest lecturer for Moving Images at
HGKZ University of Applied Sciences
and Arts, Zurich.
CH 2007, Video, 3 min
Director, script, photography,
editing Max Philipp Schmid
Cast Jo Dunkel
Distribution Videoart.ch
Als Kommentar zur Macht der
Mode, und wie Menschen darüber
wahrgenommen werden, wird das
Bild eines Mannes re-kreiert, um
die Unterschiedlichkeit sozial-bedingter
Identitäten darzustellen.
In a commentary on the power of
fashion to influence the way a person
is perceived, a man's image is
recreated to reflect a variety of socially-constructed
identities.
Owen Eric Wood's interdisciplinary
artworks use self portraits to comment
on issues that are both personal
and universal. His work has
exhibited in Germany, Spain, Brazil,
Britain and Canada. *1977 in Toronto,
and currently lives and works in
Montreal, Canada.
CDN 2008, Video, 4 min,
European Premiere
Director, script, photography,
editing Owen Eric Wood
Distribution Vidéographe
61

INTERNATIONAL SELECTION
ROLEPLAY
MELANCHOLIA
Dennis Feser
IMAGINARY GIRLFRIEND
Erica Eyres
Das in Fesers jüngsten Arbeiten eingesetzte Gemüse
sorgt für Irritationen. Im Auseinanderreißen und Zerteilen
von Fenchelknollen scheinen deren skulpturale
Qualitäten auf, und zugleich stehen sie in einem diffusen
Sinne auch für »Natur«. Diese Naturmaterialien
dienen zum einen als Körperpanzer und zerren zum
anderen durch ihr enormes Gewicht an dem Leib, den
sie zu schützen vorgeben.
The vegetable used in Feser’s latest works causes
confusion. In the course of dismembering and dividing
fennel roots, their sculptural qualities appear; at the
same time, they also stand – in a diffuse sense – for
»nature«. These natural materials act as a body shield
on the one hand and yet, on the other, pull at the body
they purport to protect with their enormous weight.
Dennis Feser, *1978 in Bingen, Germany. 1999-2001
Studied Theater and Acting. 2001-2003 studied Visual
Arts at the Akademie für Bildende Künste, Mainz.
2003-2006 studied Fine Arts at the HBK Braunschweig,
majoring in experimental film, video art, and performance.
Diploma in 2006. 2006-2007 MFA (Meisterschüler),
HBK, Braunschweig; studied with Prof. Birgit
Hein. Junge Kunst scholarship from the Old Hanseatic
Town of Lemgo 2008. Scholarship awarded by the
Stiftung Kunstfonds in 2008.
D 2008, Video, 5 min
Director, script, editing Dennis Feser
Photography Karin Then & Dennis Feser
Distribution Dennis Feser
In Imaginary Girlfriend bedient sich die Künstlerin Erica
Eyres der Ästhetik und Künstlichkeit von Fernsehbilligproduktionen;
sieht sich selbst für jede Rolle in
diesem Video vor und hinterfragt die ausbeuterische
Beziehung zwischen Eltern und Kind und die Verletzlichkeit
des Aufwachsens in einer medienbeherrschten
Welt.
In Imaginary Girlfriend, artist Erica Eyres borrows from
the aesthetic and artificiality of low budget television;
casting herself in each of the characters roles this
video investigates the exploitative relationship between
parent and child and the vulnerability of growing
up in a media saturated world.
Erica Eyres is interested in the human condition,
through her drawings and videos she examines human
nature. As a Canadian artist living in Glasgow; she
graduated from the MFA at Glasgow School of Art in
2004, having studied at the University of Manitoba and
Skowhegan School of Painting and Sculpture. In 2005
she was selected for newcontemporaries. Current exhibitions
include a solo show at Kunsthaus Erfurt and No
Borders (just News) at The Elektriciteitscentrale, European
Centre for Contemporary Art, Brussels. Her work
is in numerous private collections, including The Rubell
Family Collection.
CDN 2008, Video, 9 min
Director, photography, editing, cast Erica Eyres
Distribution Winnipeg Film Group
62

SPAM THE MUSICAL
(THE LONELY GIRLS)
Boris Eldagsen
EMMA
MOTHER
Antti Savela
FAILURE
Nelson Henricks
SPAM the Musical (The Lonely Girls)
basiert auf drei E-Mails von jeweils
einem russischen, polnischen
und afrikanischen Mädchen, die
nach einem Freund suchen. Stellen
Sie sich eine Übernachtungsparty
der drei konkurrierenden Mädchen
vor, bei der jede von ihnen um unsere
Aufmerksamkeit kämpft. Die
gelöschte Szene zeigt nur die Überreste
einer Frau, einer Puppe an
Fäden hängend, die von anonymen
männlichen Händen bewegt wird
und sie dazu zwingt, eine verzerrte
Version eines Rocksongs zu singen.
SPAM the musical (The Lonely
Girls) is based on three emails by a
Russian, Polish and African girl
that are looking for a boyfriend.
Imagine a teenage sleepover of
three competing girls vying for our
attention. The deleted scene shows
the mere leftovers of a woman, a
puppet on a string, moved by
anonymous male hands, forcing her
to sing a warped version of a rock
song.
SPAM the musical is an anonymous
Project.
D 2008, Video, 4 min
Director Boris Eldagsen
Script, photography, editing,
music, cast SPAM the musical
Distribution Boris Eldagsen
»Emma« ist ein Film über meine
Kindheit in Finnland - ein Film über
Zigaretten, Brylcreem und Rock'n'
Roll.
»Emma« is a film about my childhood
in Finland. It´s a film about;
Cigarettes, Brylcreem and Rock-
'n'Roll.
Antti Savela is an artist and musician
who lives and workes in Umeå,
Sweden.
S 2007, Video, 1 min
Director, script, photography,
editing Antti Savela
Distribution Antti Savela
Bilder von männlichen und weiblichen
Schönheitsritualen, die auf
die Entfernung der Körperhaare
abzielen. Szenen mit für Jugendliche
peinlichen Situationen werden
im Erwachsenenleben ausgespielt.
Das Verwirrspiel der Geschlechter
lauert hinter dem Vorhang. Verarmte
Ästhetik. Pop-Musik.
Images of beauty rituals - both
masculine and feminine - focus on
the removal of body hair. Scenes of
adolescent embarrassment are
played out in adult life. Gender confusion
lurks behind the curtain. Impoverished
aesthetics. Pop-music.
Nelson Henricks, born in Bow Island,
Alberta, Canada. Graduated
from Alberta College of Art in 1986
and from Concordia University in
1994. Henricks has been working
with various forms of media. He is
well known for his thought-provoking
and extremely personal videos
that have been shown all over the
world. In 2002, Henricks was the recipient
of the Bell Canada Award in
Video Art (2002).
CDN 2007, Video, 7 min
Director, script, editing
Nelson Henricks
Photography Nikki Forrest,
Nelson Henricks
Music Nina Simone,
Serge Gainsbourg, Pavement
Special Guest Star
Benoit Chaussé
Distribution Vidéographe
63

INTERNATIONAL SELECTION
FEMMES TOTALES
THE CRYSTAL GAZE
Ursula Mayer
HORS CHAMP
(PORTRAITS)
Patrice Duhamel
MAMA SUPERFREAK
Bea de Visser
Drei Frauen bewohnen die Art
Deco-Räume des Eltham Palace in
London »...Was sie vorbringen ist
die Tatsache ihrer eigenen Körperwerden-Bilder,
höchst bruchstückhaft
und reflektiert in der Metapher
unserer und ihrer Kristallblicke. Als
die Eröffnungstakte von Peggy
Lees Is That All There Is? eingespielt
werden und sie in das tragisch-komische
Lied einbrechen,
ist die Botschaft sowohl kitschige
Erleichterung als auch die Verurteilung
der Leinwand-Faszination.
Was sie verkörpern, ist so etwas
wie eine Destillation des Kinos.«
Three women occupy the art deco
rooms of Eltham Palace in London.
»...What they articulate is the fact
of their own bodies-become-images,
exquisitely fragmented and
reflected in the metaphor of our
and their crystal gazes. As the
opening bars of Peggy Lee’s Is That
All There Is? are played and they
break into tragic-comic song the
message is both high-camp relief
and the damnation of a fascination
with the screen. What they embody
is something like a distillation of
Cinema.« Ian White.
Austrian born Ursula Mayer lives
and works in London. She graduated
1996 at the Academy of Fine
Arts, Vienna. MA at Goldsmiths College
2006, London. Since 1996 she
exhibits internationally.
GB 2007, 16 mm, 8 min
Realisation Ursula Mayer
Distribution LUX
64
Eine Reihe kleiner Szenen mit Ellipsen.
Der Zuschauer wird eingeladen,
die Geschichte zu vollenden,
indem er seine Fantasie nutzt.
Series of little scenes with ellispis.
The viewer is invited to complete
the story, using his imagination.
Patrice Duhamel, *1970 in Contrecoeur.
He leads parallel lives in
search of different things. A passion
for cinema and writing led him to
video in the early 90s, while studying
Visual Arts in university. It has
since become one of his principal
activities, leading him to independently
produce a number of single
channel video tapes and installations,
some in collaboration with his
friend Catherine Bolduc.
CDN 2007, Video, 5 min
Director, script, editing
Patrice Duhamel
Photography
Pascal Grandmaison
Distribution Vidéographe
In einer Totale zeigt diese Fassung
von »La Mamma Fricchettona«, eines
Monologs des Nobelpreisträgers
Dario Fo, Viviane De Muynck in
einer lustigen Aufklärung über die
lange abenteuerliche Reise einer
Frau von der abgöttischen Liebe einer
Mutter bis zu ihrer Unabhängigkeit,
während sie einen unsichtbaren
und anonymen Mann anspricht.
In diesem Film balanciert
Bea de Visser zwischen kinematografischem
Bild und der visuellen
Kunst mit eigenem Realismus.
In one long shot this adaptation of
»La Mamma Fricchettona«, a
monologue by Nobel Prize winner
Dario Fo, shows Viviane De Muynck
in a humorous elucidation of a
woman's odyssey from doting
motherhood to a state of independence
whilst addressing an invisible
and anonymous man. Bea de Visser
balances on the edge of the cinematographic
picture and the visual
art with a realism of its own.
Bea de Visser starts her career as a
performance artist. As from 1995,
film is her medium. The work she
has been developing ever since is
shown worldwide in museums and
art spaces, theatres, the public
space and especially the cinema.
NL 2009, Video, 13 min,
World Premiere
Director, script, editing
Bea de Visser
Photography Adri Schrover
Music Morton Feldman / Koehn
Acress Viviane De Muynck
Distribution Bea de Visser

PAREIDOLIA
Maria Petschnig
B-17: A MINI-EPIC
Arturo Cubacub, Sarah Weis
Das Gesicht ist üblicherweise im Film jener Ort, an
dem ein Affekt, den der Körper selbst verborgen hält,
sichtbar wird. Gleichzeitig fungiert das Gesicht aber
auch als Erkennungsmarker - meist reichen kleine Details
aus, um das Subjekt, den Träger oder die Trägerin,
zu identifizieren. Pareidolia von Maria Petschnig folgt
diesen Gedanken allerdings nur, um diese neu zu mischen
und zu verschieben. Mit ihrer Titelwahl bezieht
sie sich auf ein psychologisches Phänomen, über einen
vagen Eindruck ein signifikantes Bild zu formen.
In der Alltagswahrnehmung zählt dazu u.a. das Entdecken
von Figuren in Wolkenkonstellationen, verschlüsselte
Sound-Botschaften durch den umgekehrten
Abspielmodus zu dechiffrieren, oder - im religiösen
Sinne - Heiligenabbildungen in Objekten zu entschlüsseln.
(Dietmar Schwärzler)
In film, the face rather than the body, is usually where
an occurring emotion is revealed. At the same time the
face also acts as identification - small, distinctive features
suffice to identify the subject, or wearer. For her
new video Maria Petschnig uses these concepts, but
only to shuffle and rearrange them. The film's title
PAREIDOLIA refers to a psychological phenomenon,
which involves a vague and random stimulus which is
perceived as a meaningful or significant sign. Common
examples of pareidolia include images of figures in
clouds, subliminal messages on records played in reverse,
or perceptions of religious figures in ordinary
phenomenon.
Maria Petschnig, *1977 in Klagenfurt, Austria. Maria
Petschnig studied painting at the Academy of Fine
Arts, Vienna, the Royal College of Art, London and at the
Wimbledon School of Art, London. Based in Brooklyn,
New York since 2003.
A 2008, Video, 4 min
Director, script, photography, editing
Maria Petschnig
Editing Maria Petschnig
Distribution sixpackfilm
Sarah und Yumi sind streng geheime Sexsklavinnen
für einen hochrangigen Regierungsbeamten. Sie verbringen
ihre Tage in einem bizarren Laufstall/ einer
Folterkammer/ einem Sklavenarbeitslager, wo sie von
Hand kriegsbejahende Poloshirts herstellen und in
ständiger Angst leben. Yumi, die am längsten in der
Zelle gelebt hat, ist fast völlig der Gehirnwäsche unterzogen
und gelähmt. Sarah jedoch hat noch genug
Mumm in sich, um die Flucht zu versuchen. Ihr impulsiver
Plan wird von ein paar furchteinflößenden Hindernissen
durchkreuzt. Wird Sarahs innerer Mut ausreichen,
um die Situation zu retten?
Sarah and Yumi are top-secret sex slaves for a highranking
government official. They spend their days in a
bizarre play-pen/ torture chamber/ slave-labor station,
where they produce pro-war polo shirts by hand
and live in constant fear. Yumi having lived in the cell
the longest, is almost completely brainwashed and
paralyzed, but Sarah still possesses enough spunk to
try to escape. Her impulsive scheme is thwarted by a
few terrifying obstacles... will Sarah's inner courage
be enough to save the day.
Arturo Cubacub is a distinguished filmmaker and editor
currently pioneering new ideas, technology and collaborations
in the pursuit of hypermedia. He has won
numerous international awards and received national
recognition for technical and artistic achievement. Arturo
Cubacub and Sarah Weis are a Chicago based
creative team and the founders of i^3 hypermedia. This
channel is a forward motion in our efforts to create,
seek out and spread interstitial work that challenges
existing formats, structures, genres and techniques.
USA 2007, Video, 36 min, European Premiere
Director Arturo Cubacub & Sarah Weis
Photography, editing Arturo Cubacub
Script, music, cast Sarah Weis
Distribution i^3 hypermedia
65

INTERNATIONAL SELECTION
PSYCHEDELIA
FASHION DEATH
Daniel Rodrigo
NO ONE WANTS TO EAT
THE PARSLEY
Sharon Mooney
Ist es nicht absurd, dass der Tod sich um sein Erscheinungsbild
sorgt und den Ausschluss aus der Gesellschaft
fürchtet? Ist es nicht absurd, dass der Tod ein
Konsument ist, der keine Rücksicht auf das ökologische
Gleichgewicht, die Verteilung von Reichtum und
die Umweltverschmutzung nimmt? Fliegender Blumenkohl,
Kühe am Trapez, Piruetten mit Sombrero –
ist das nicht absurd? Ist es nicht absurd, dass sich der
Tod in den menschlichen Fehlern spiegelt? Leute, Leute,
was ist das? Absurditäten, in einer absurden Welt.
(dt. Short Film Festival Gstaad/CH)
It isn't absurd that the death worries about his physical
appearance and be scared of the social exclusion?
It isn't absurd that the death being consumer without
taking care of the ecological balance, the distribution
of the richness and the pollution? It isn't absurd that
the death being reflect in the human defects/faults?
Humans, humans, what is that? Absurds, in an absurd
world.
Daniel Rodrigo completed a HNC Fine Arts at Bristol
Shool of Art in 2006 after his licence in Publicity in
Madrid in 2001. His work has been shown in group and
solo ehibitions in Madrid, London, Bristol and Leipzig.
»Fashion Death« is Rodrigo's first short film.
Teils Kaffeeklatsch, teils Backparty, ein Besuch bei
der Bäckerin/Barkeeperin Meredith in ihrem Apartment
in Brooklyn wird zu einem Gespräch über Happy
Ends und über den Horror des Älterwerdens.
Part coffee klatch, part baking party, a visit with baker/bartender
Meredith in her Brooklyn apartment
leads to talk of »happy endings« and the horrors of
getting old.
Sharon Mooney: I am a video editor and experimental
video artist slash animator living and working in Chicago.
I work with video and photographic media, layering
sound and imagery to manipulate and redefine standard
expectations and norms of the human experience.
Striving towards something other than normal interpretation.
www.gosharongo.com
USA 2008, Video, 6 min, German Premiere
Director Sharon Mooney
Photography, editing Sharon A. Mooney
Cast Meredith Gaydosh
Distribution Sharon Mooney
E 2007, Video, 4 min
Director, script, photography, editing, cast
Daniel Rodrigo
Music lxlmasterkd+
Distribution Daniel Rodrigo
66

ATLAS AND THE
RENEWED ENERGY
Werther Germondari
JE DIS NON ALI
I SAID NO ALI
Jim Eshom
FONE FUR FOLLIES
Vivian Ostrovsky
Atlas und die erneuerbare Energie.
Atlas and the renewed energy.
Werther Germondari: Filmaker and
Visual Artist. Graduated in Institutions
of Directing from the University
of Bologna and at the Centro
Sperimentale di Cinematografia of
Rome. Interested in innovative experimental
dynamics that are neoconceptual
and situational, characterized
by a taste for the ironic and
surreal.
I 2008, Video, 2 min
Director, script, cast
Werther Germondari
Photography, editing
Maria Laura Spagnoli
Music Paolo Pizzi
Distribution
Werther Germondari
Eine junge Frau kämpft um ihre sexuelle
Freiheit in dieser schwarzen
Komödie, die durch die Neue Europäische
Welle der 1960er inspiriert
wurde.
A young Woman struggles for sexual
freedom in this dark comedy inspired
by the European New Wave
of the 1960s.
Jim Eshom: actor, writer, director,
editor, a graduate of the Film program
at Boston University. In 2002
he co-founded Dirty Little Shorts
and has produced and directed several
award winning short films.
USA 2008, Video, 8 min,
German Premiere
Director, script, editing
Jim Eshom
Photography T Arthur Cottam
Music Dylan Cronin
Cast L'Etoile, La Duse
Distribution Jim Eshom
»Fone fur Follies« ist ein Stückchen
katzenhafte rhetorische Fantasie.
Unter anderem spielen zwei
Katzen, ein paar Hunde, ein Wiesel,
ein kleiner Bär und ein Ara die
Hauptrollen. Mit einem Remix von
Gloria Swanson, Angela Davis und
Marina Abramovic auf dem Soundtrack.
Experimentalfilme auf Handy
gedreht.
»Fone fur Follies« is a bit of feline
rhetorical fantasy. Starring among
others, two cats, a couple of dog, a
weasel, a baby bear, a macaw and
more. With a remix of Gloria Swanson,
Angela Davis and Marina
Abramovic on the soundtrack. Experimental
cell-phone made film.
Vivian Ostrovsky, *1945 in New
York City. She grew up in Rio de
Janeiro and studied psychology and
film studies at the Sorbonne in
Paris. She lives in Paris and New
York and works as a filmmaker and
distributor and as a programmer for
the Jerusalem Film Festival.
F 2008, Video, 8 min
Director, script, photography
Vivian Ostrowsky
Editing Vivian Ostrovsky,
Ruti Gadish, Claude Mercier
Animation George Griffin
Distribution
JET LAG, Vivian Ostrowsky
67

INTERNATIONAL SELECTION
PSYCHEDELIA
CUTECUTECUTE
Clemens Kogler
DESTROY
Eva Münnich
Niedlichkeit ist wohl eine der subtilsten Formen der Macht. Bei japanischen
Comicfiguren kommt dies besonders deutlich zum Ausdruck. Das
Phänomen, das im japanischen Kawaii genannt wird umfasst Charaktere
für alle Lebenslagen. Freundliche Helfer die einem sagen wie man eine
Fahrkarte löst, zum Mülltrennen auffordern oder in animierten Videos
Kindern erklären wie man z. B. bis 10 zählt. Genau hier setzt CUTECUTE-
CUTE an und lässt die Figürchen in ihrem Weltverbesserungsdrang den
logischen nächsten Schritt gehen. Denn wer kann uns Fristenlösung,
Sterbehilfe, Pensionsproblematik und die Niederungen des sozialen Zusammenlebens
besser näher bringen als Kulleraugen, Pastelltöne und
Kindchenschema.
Actually a video I'm not so sure about. However the concept was to take
the »well-known genre« of instructional videos for kids, usually teaching
the various sounds of animals or how to count up to 10 and changing the
subjects to more grown-up themes like abortion, child abuse etc. Content
and graphics are inspired by the japanese »kawaii« phenomena, were
cute little mascots and characters cheerfully guide citizens through all
sorts of daily activities and situations. But here these cute little critters
go a step further and tell about things which are normally sort of a taboo
in society. And as these pledorable little figures find out for what hideous
facts they stand for they simply start crying. Cause they want to be good,
but life simply isn't always that way.
Kitty ist wütend.
Kitty´s angry.
Eva Münnich, *1982, studies Visual
communication at the Hfg Offenbach
since 2003. With her work as
comic-illustrator and diverse jobs
in the workshops of filmproductions
and theaters, she discovered film
as expression cobining all her interests.
Since end 2004 film-studies
with Prof. Rotraut Pape.
D 2008, Video, 1 min
Director, script, photography,
animation, editing Eva Münnich
Music Alec Empire
Cast Paul
Distribution Eva Münnich
Clemens Kogler started studying classical painting and worked some time
in an ad agency and for TV. Finally decided to choose a career in film-making,
for its job security and pension benefits. Kogler starts with static images
and trys to find a path of motion through these. In some cases whole
films consists of only one picture.
A 2008, Video, 2 min
Director, script, photography, editing Clemens Kogler
Distribution sixpackfilm
68

MENTAL TRAFFIC
Marcin Wojciechowski
DROPPING FURNITURE
Harald Hund, Paul Horn
Subjektive Vorstellung menschlicher
Gefühle. Befremdlicher Gang
zwischen Betonblockhäusern und
den eigenen Ängsten, Gefühlen,
wenn die Sonne untergeht. Eine experimentelle
2D animierte Collage
aus realistischen Bildteilen bis hin
zum abstrakten Lichtspiel.
Subjective vision of human feelings.
Strange walk between concrete
blockhouses and one's own
fears, emotions, when the sun is
going down. Experimental, 2D animated
collage, ranging from realistic
pieces of pictures to the abstract
play of lights.
Marcin Wojciechowski, *1972.
Graduated in 1999 from the Academy
of Fine Arts in Cracow at the
Faculty of Graphic. He works as an
independent animation filmmaker,
graphic artist and cooperates as
freelance graphic designer and illustrator
with ad- and press-agencies.
PL 2008, Video, 6 min
Director, script, photography,
animation, editing
Marcin Wojciechowski
Music elektrony
Distribution
Marcin Wojciechowski
Dropping Furniture zeigt die Zerstörung eines Lebensraumes. Der Film ist
konzipiert als symbolisches Bild für den Verlust einer Existenz. (H.H.H.)
Was bleibt, wenn nichts mehr bleibt und das Leben buchstäblich auf den
Kopf gestellt wird? Dropping Furniture fixiert zunächst zwei leere Zimmer.
Leise, kaum wahrnehmbare Sounds erzeugen subtilen Suspense.
Nach einigen Sekunden, wenn wir uns fast schon an die existenziell anmutende
Leere der scheinbar verlassenen Behausung gewöhnt haben,
fallen von oberhalb des Bildrands in Slow Motion zwei Einrichtungsgegenstände
in das hintere Zimmer. Dann schwebt im vorderen, großen
Zimmer ein Kronleuchter zu Boden, zersplittert und gibt das Startsignal
für eine durch zwei fixe Einstellungen strukturierte Choreographie der
Zerstörung. (Thomas Edlinger)
Dropping Furniture displays the destruction of a habitat. The film is
meant to symbolize the loss of existence. (H. H. H.)
What remains when nothing more remains and life is literally turned upside
down? Dropping Furniture begins by focusing on two empty rooms.
Soft, barely audible sounds generate a subtle suspense. After a few seconds,
when we have almost become accustomed to the seemingly existential
emptiness of the apparently abandoned dwelling, two pieces of
furniture fall from above the image frame, in slow motion into the back
room. A chandelier follows, falling to the floor in the large front room,
shattering as a start signal for a choreography of destruction structured
by two fixed camera takes. Translation: Lisa Rosenblatt
Harald Hund, *1967 in Austria. Works as video-artist and on computer
based animation. Cooperation with Paul Horn since many years. Their
films have been shown in numerous international exhibitions and festivals.
A 2008, Video, 5 min, German Premiere
Director, script Harald Hund, Paul Horn
Photography Ludwig Löckinger, Oliver Schneider
Editing Harald Hund
Distribution sixpackfilm
69

INTERNATIONAL SELECTION
PSYCHEDELIA
ENDFILM
Martin Sulzer
FEELING ME FEELING FREE
Marianna Ellenberg
Tanzvideo mit einem ungesunden
Menschen.
Dance video with an unhealthy person.
Martin Sulzer. Since 2005 Study of
Film- und Television (directing) at
the filmacademy HFF-Potsdam.
Film-selection: 2004 Let's push
things forward, Muvi Award, Oberhausen
'04. 2007 everyone - everywhere,
Musicclip. 2008 du tust mir,
Short HFF-Potsdam.
D 2009, Video, 7 min
Director, script, animation,
editing Martin Sulzer
Photography Andreas Hartmann
Distribution Martin Sulzer
Dieses ist ein Video für den Unmusikalischen. Selbsthilfe-Anweisungen
im Off-Ton sind mit farbenfrohen, animierten Bilder überlagert, um eine
chemisch veränderte Meditationsübung zu kreieren. Pop-Psychologie
und Therapiediskurs begrüßen ihre eigene Zerstreuung, wenn sie in einen
Tagtraum mit symbolischem Schutt und mit Zucker überzogener Banalität
ausbrechen. Psychedelische Exkurse treffen auf Selbsthilfedauerwerbesendungen
in dieser dunklen Meditation über die verführerischen
Niederlagen der zeitgenössischen Bilderzeugungsprozesse.
This is video for the tone deaf. Self-help instructional voice-over is overlaid
with colorful, animated imagery to create a chemically altered, meditation
exercise. Pop-psychology and therapy discourse welcomes its
own dissipation as it breaks down into a reverie of symbolic detritus and
sugar-coated banality. Psychedelic excursions meet self-help infomercials
in this dark meditation on the seductive failures of contemporary
image making processes.
Marianna Ellenberg is a video artist, currently based in Brooklyn New
York. Ellenberg's films and videos have been shown widely, in such venues
as The N.Y. Underground Film Festival, The Collectif Jeune Cinéma and LA
Freewaves.
USA 2008, Video, 9 min, German Premiere
Director, script, photography, animation, editing
Marianna Ellenberg
Music Jeremy Novak
Distribution Marianna Ellenberg
70

ICH LEHRE EUCH
I TEACH YOU
Alexander Lorenz
ARTIFICES#1
Alexandre Larose
»Ich lehre euch« greift aus dem
Meer alltäglicher TV-Massenproduktionen
einzelne Worte und Impressionen
heraus, so dass diese in
völlig neuer Zusammensetzung
den Text der Vorrede zu Friedrich
Nietzsches »Also sprach Zarathustra«
bilden. Die Arbeit ist ein Kommentar
zum aktuellen Mediengeschehen
und reduziert es auf Form,
Oberfläche und Funktion im eigenen
Sinne.
»Ich lehre euch« singles out individual
words and impressions from
the sea of everyday TV mass productions,
recombining them to create
the text of the opening speech
in Friedrich Nietzsche’s »Thus
spoke Zarathustra«. The work is a
commentary on current media
events, reducing them to form, surface
and function in their own
sense.
Alexander Lorenz, *1981 in Weidenau.
2003-2007 Studied in Bielefeld,
Southampton and Madrid.
2007 Diploma in fotografy and media,
Bielefeld. Since 2005 participation
in exhibitions in Germany, England
and Spain with his video art
work.
Leuchtende Spuren erzielt durch die optische Manipulation nächtlicher
Bilder. Die visuelle Sprache von »ARTIFICES #1« wurde mit einem mechanischen
Apparat konstruiert, der konzentrische Rotationen einer S-
8mm Kamera erzeugt. Statische und dynamische Lichtquellen (wie z.B.
Laternenpfähle, Straßenlampen und fahrende Autos) werden in einem
schwindelerregenden Fluss von Farben verwandelt. Die daraus auf der
Leinwand entstehende Bewegung saugt das Auge des Zuschauers ein
und enthüllt so das kinetische Potenzial des Experiments. (Chicago film
festival underground)
Luminous traces obtained through optical manipulation of nocturnal images.
The visual language of »ARTIFICES #1« was constructed using a
mechanical device that induces concentric rotations to a S-8mm camera.
Static and dynamic light sources (such as lampposts, street lights or
moving cars) are transformed into a spiraling flux of colors. The resulting
motion appearing on the screen swallows the spectator´s eye and reveal
the kinetic potential of the experiment. (Chicago film festival underground)
Alexandre Larose, *1978 in Lebel-sur-Quévillon, Abitibi-Témiscamingue,
Québec, is a Canadian filmmaker based in Montréal. He began practicing
cinema while graduating from engineering school in 2001 and went on to
study Experimental Film at Concordia University from 2003 to 2006. His
work explores, through extensive formal treatment of the film medium,
fear and anxiety that stems from the search for identity.
CDN 2007, 16 mm, 4 min
Director, script, photography, editing Alexandre Larose
Distribution Alexandre Larose
D 2008, Video, 7 min
Director, script, editing
Alexander Lorenz
Distribution CapitalGold Galerie
71

INTERNATIONAL SELECTION
HOLLYPLOT
COSMO
Nico Herbst
FALL
Patrick Jolley
Für »Cosmo« wurde eine Außenszene durch ein Fenster
über den Verlauf zweier verschiedener Zeiträume
aufgenommen. In der Abenddämmerung wird das Fenster
ein Tor zum Vortag. Was wie eine Öffnung nach
draußen erscheint, entpuppt sich allmählich als Fenster
in die Vergangenheit. Während die Illusion zusammenbricht,
entwickelt sich eine Spannung zwischen
der Oberfläche und dem Bildschirm, dem Inneren und
Äußeren, der Vergangenheit und Gegenwart. Ein einsames
Wesen taucht auf, das durch die es umgebenden
Elemente wie durch eine Maske verdeckt wird.
(http://ucsdopenstudios.com)
For »Cosmo« an outdoor scene was shot through a
window over the course of two different periods. As
darkness sets in, a window becomes a portal to the
previous day. What appeared to be an opening to the
outside slowly reveals itself to be a window into the
past. As the illusion breaks down, a tension emerges
between surface and screen, inside and outside, past
and present. A solitary being surfaces, masked by the
elements that surround him. (http://ucsdopenstudios.com)
Nico Herbst lives in Southern California and NYC. Recent
screenings/exhibitions include Supersonic, Los
Angeles, La MaMa E.T.C., NYC, Santa Fe Art Institute,
NM, Kinofilm, Manchester, U.K., European Media Art
Festival, Osnabrück, and Stageworks/Hudson, NY.
USA 2008, Video, 6 min, European Premiere
Director, script, photography, editing Nico Herbst
Distribution Nico Herbst
Langeweile erzeugt ihre eigenen Wiederholungen von
Tagträumen, verwischt den Sinn von Raum und lässt
Gebäude weniger gegenständlich erscheinen. Das
Hier wird Dort, wird wie »könnte irgendwo anders
sein«. Das erschafft eine Gleichzeitigkeit mit dem Allgemeingültigen:
Wiederholungen verwischen den Sinn
von Raum. Die Logik dieser Verschiebungen führt
dazu, dass Dinge aus der Bahn geraten. Kleine Häuser
versinken und brennen. Möbel werden auf einem leeren
Parkplatz zerstört. Ereignisse von kleinen Zerstörungen,
pathetisch und vorübergehend erlösend.
Tedium breeds its own reverie repetitions, erode sense
of place and make buildings seem less substantial.
Here becomes like there becomes like could be anywhere.
This forms a coincidence with the generic: Repetitions
erode sense of place and make buildings
seem less substantial. The logic of these displacements
causes things to come adrift. Little houses sink
and burn. Furniture smashes in an empty car park.
Events of small destruction, pathetic and momentarily
cathartic.
Paddy Jolley films are full of dark humour and forlorn
beauty. His films show in galleries and museums as
well as film festivals, winning several awards. His
works include: Seven Days 'til Sunday (1998), Drowning
Room (2000) and Burn (2001). Sugar (2004). HereAfter
(2004). Sog (2007) and Fall (2008).
IRL 2008, Video, 11 min
Director, script Patrick Jolley
Photography Denise Woods
Editing Bobby Good
Music Nick Seymour
Distribution Zanzibar Films
72

TIN WOODSMAN'
HOME MOVIE #2
Lee Lynch
LINT LENT LAND
Isabell Spengler
Der »Büchsenförster« macht Urlaub
auf den kalifornischen Mohnfeldern.
Die Ereignisse werden etwas
merkwürdig.
The tinwoodsman takes a holiday
to the California poppy fields.
Things get a bit strange.
Lee Lynch: A wonderful young man
who likes to shoot a bow and arrow,
play with his small dog and make
things from beads.
USA 2008, 16 mm, 5 min,
European Premiere
Director Lee Lynch
Photography Naomi Uman
Editing, music
Lee Lynch, Naomi Uman
Cast Lee Lynch, Tatu the Dog
Distribution Lee Lynch
Der Film besteht aus acht Sequenzen mit je 12 Fotos. Jedes Foto steht für
5 Sekunden. Die Fotos zeigen aus Geschenkpapier, Wunderkerzen und
Katzenstreu zusammengesetzte Landschaften. Die zur Landschaftsdarstellung
verwendeten Materialien weigern sich jedoch konsequent, vollkommene
Illusionsräume zu erzeugen und bleiben erkennbar künstlich:
Müll und Zeichen gleichzeitig. Auch auf der Tonebene gibt es dieses Gezerre
zwischen Raumillusion und abstrakter, musikalischer Lesart. Erkennbare
Naturgeräusche werden durch extremes Zerschneiden, Wiederholen,
Beschleunigen und Verlangsamen musikalisch geordnet und
gleichsam »kultiviert«. »Von Fusseln verliehes Land« – so könnte man
LINT LENT LAND übersetzen. Ein Film, der mit Wiederholung und Veränderung
arbeitet und den man auch als »konkretes Kino« ansehen kann.
The film consists of 8 sequences composed of 12 still photos each. Each
photo stands for 5 seconds. The photos show landscapes made of wrapping
paper, sparklers and kitty litter – materials, which refuse to create
flawlessly functioning illusions of space but stay recognizably artificial:
Simultaneously trash and sign. As in the picture, the sound of the film
shifts between the illusion of space and an abstract, musical reading.
Recognizable sounds of nature are heavily edited, cut up, repeated,
looped, pitched and transposed into a new musical quasi »cultural« form.
»LINT LENT LAND« - does that mean »Dust has temporarily given this
land its form«, or does it mean »Change one letter to get a new word«? –
A film which works with repetition and variation and which can be enjoyed
as »concrete cinema«.
Isabell Spengler, born in Berlin, studied experimental film at the UDK,
Berlin (Meisterschülerin, Prof. Heinz Emigholz) and at the California Institute
of the Arts in Valencia, Los Angeles (MFA, 2001). She received a DAAD
and an Eastman Kodak stipend among other stipends and awards. Her
work, including films, video installations, photography and performance,
has been exhibited worldwide. She currently teaches experimental film at
the UDK, Berlin.
www.fdk-berlin.de/en/arsenal-experimental/kuenstler/isabell-spengler.html
D 2009, 35 mm, 9 min
Director, script, photography, editing Isabell Spengler
Distribution Isabell Spengler
73

INTERNATIONAL SELECTION
HOLLYPLOT
HABITAT
Maix Mayer
THE WIND
J. Tobias Anderson
Habitat spielt in einer Form von Parallelhandlung auf
zwei Inseln in zwei Kulturkreisen, die zwei komplementäre
Teilhabitate bilden. Diese so unterschiedlichen
Orte werden durch reale und imaginäre Reisen
des filmischen Protagonisten miteinander verknüpft,
ein Roadmovie mit einem modernen Martin Mc Fly, der
nicht Zurück in die Zukunft, sondern zurück in eine
surreale Gegenwart fliegt.
Two islands on two continents in two cultural spheres
from two complementary partial habitats. These very
different locations are linked by real and imaginary
journeys by the film protagonists, a roadmovie with
modern Martin Mc Fly, who is not flying back in the future
but flying back into a surreal present.
Maix Mayer, *1960 in Leipzig, lives and works in
Leipzig. 2002 Diploma in fine arts, HGB Leipzig, Academy
of Visual Arts. 2005-07 Guestprofessor for media
arts at der HGB Leipzig. 2004 stipend of Kulturstiftung
Sachsen, 1998/99 Athena Stiftung, Liechtenstein.
Awards: 2004 1. Prize of the national competition
»Olympics and Art«, 2001/02 Awardwinner of »Kunstfenster
Neue Medien« of the German Volksbanken and
Raiffeisenbanken.
Diese Worte sind alle wahr. Diese Worte sind alle bekannt.
Daher weht der Wind. Das ist die Realität, in der
wir leben. Alle Worte sind bereits gesprochen worden.
Alle Dinge sind bereits gesagt worden. Nichts ist originell.
Nichts ist neu.
These words are all true. These words are all used. This
is the way the wind is blowing. This is the wind of the
reality in which we live. All words are already spoken.
All things are already said. Nothing is original. Nothing
is new.
J. Tobias Anderson: Videoartist focusing mainly on animation.
Has been screened at numerous occasions, in
exhibitions and festivals worldwide. Represented with
videoworks at several art institutions, among them
Moderna Museet in Stockholm and IVAM, Institut Valencià
d'Art Modern.
S 2009, Video, 4 min
Director, script, animation, editing, music
J. Tobias Anderson
Distribution J. Tobias Anderson
D 2008, Video, 22 min
Director, script Maix Mayer
Photography Jens Pfuhler
Editing Thomas Reichl
Music Simone Danaylowa, Scanner, Flim
Cast Frank Birke, Sandra, Stefanie
Distribution Maix Mayer
74

RE-CONSTRUCTIONS
Martijn Veldhoen
In Re-constructions versucht ein Mann einen Weg aus seiner Misere zu finden, nachdem ihn
seine Freundin verlassen hat. Indem er ein Foto von ihr zu einer glücklicheren Zeit benutzt,
rekonstruiert er einen Ort, der eine Lösung zu liefern scheint.
Zunächst hat der Film eine konventionelle Geschichte; eine Stimme aus dem Off begleitet
die Bilder, die von einer sich ständig nach links bewegenden Kamera aufgenommen wurden.
Die Kamera geht mühelos durch Wände und Türen, durch Räume und Orte, in einem kontinuierlichen
Rückblick, wie alles laut dem Mann passiert ist. Aber am Ende werden wir mit der
Frage zurückgelassen, was an welchem Ort tatsächlich geschah, oder was die reine Selbsttäuschung
eines Mannes war, der verzweifelt nach einem Weg aus seiner Misere gesucht
hat.
In Re-constructions, a man tries to find a way out of his sorrow after his girlfriend has left
him. By using a photograph of her on a happier moment, he reconstructs a place that seems
to provide a solution.
Initially the film has a conventional narrative; a voice-over accompanies the images taken by
a camera moving constantly to the left. The camera passes effortlessly through walls and
doors, through spaces and locations, in a continuous flashback of how things happened according
to the man. But in the end we are left with the question of what really took place on
which location, or what was a mere delusion of a man in dispair looking for a way out of his
misery.
Martijn Veldhoen, *1962 in Amsterdam. 1979-1984 studied at the Gerrit Rietveld Academie,
Amsterdam. Guest lecturer at the Kunstakademie Minerva, Groningen and at the HKA, Arnheim
from 1999-2000. His work was nominated for several awards and acquired by various
private and company collections.
NL 2009, Video, 6 min, World Premiere
Realisation Martijn Veldhoen
Distribution Martijn Veldhoen
75

INTERNATIONAL SELECTION
DIFFERENT DIARIES
ES HÖRT NIE AUF
IT DOES NEVER STOP
Sirko Knüpfer
HEIM / HOME
Claudia Larcher
Es hört nie auf, dass wir mit Worten, Dingen, Vorstellungen
von Ordnung spielen, auch beim Kaffeekränzchen.
Unter Anleitung der Choreographin Paula E. Paul
und des Medienkünstlers Sirko Knüpfer sprechen die
sehr betagten Hände zweier Damen und eines Herren.
Das schon kräftige aber noch unrunde Schlagzeugspiel
eines Heranwachsenden begleitet das Miteinander
der Alten am Tisch.
We never stop playing with words, things and notions
of order, even during coffee afternoons. Under the direction
of the choreographer Paula E. Paul and the
media artist Sirko Knüpfer, the aged hands of two
women and a man talk. The vigorous but irregular
drumming of an adolescent accompanies the interaction
of the elderly people at the table.
Sirko Knüpfer studied at the Glasgow School of Art and
at the ZKM/HfG, Karlsruhe. Since 1997 collaboration
with Henry VIII's Wives (www.h8w.net). 2008 he edited
»Sergej in der Urne« (Regie: Boris Hars-Tschachotin). In
collaboration with Paula E. Paul he developed »es hört
nie auf« in 2008.
D 2008, Video, 2 min
Director, photography, editing Sirko Knüpfer
Script Paula E. Paul, Sirko Knüpfer
Animation, Choreographie Paula E. Paul
Music Cikomo Paul
Cast Paula EDifferent Diaries. Paul,
Waltraut Blume, Werner Berth, Ruth Jensen
Distribution Sirko Knüpfer
Ein Haus wird besichtigt, vom Dachboden bis zum Keller.
Das ganze Reservoir einer kleinbürgerlichen Provinzidylle,
in eisiger Menschenleere abgebildet und
ausgeleuchtet. Larchers Videoanimation, aus Fotos
und Laufbild zu einem scheinbar unendlichen Panoramaschwenk
montiert und mit einer unbehaglich dröhnenden
Tonspur unterlegt, fördert das Unheimliche im
Alltäglichen zutage. (Th. Miessgang)
A house is being viewed from the attic to the cellar. The
entire reservoir of a petit bourgeois provincial idyll, illustrated
and illuminated in a frosty atmosphere, devoid
of people. Larcher’s video animation, edited into
an apparently endless pan shot out of photos and
moving images and set to an uncomfortably booming
sound track, unearths the weirdness of everyday life.
(Th. Miessgang)
Claudia Larcher, *1979 in Bregenz, lives and works in
Vienna. Studies at the academy for applied arts sculpturing
and multimedia with Prof. Erwin Wurm and multidiscipinary
arts with Prof. Berhard Leitner. Since 2005
numerous group-exhibitions in Austria and abroad.
A 2008, Video, 12 min, German Premiere
Director, script, photography, editing, animation,
music Claudia Larcher
Cast Helmuth & Hedwig Larcher
Distribution Claudia Larcher
76

A TOUCH
Barbara Meter
A POINT
Yasuto Yura
SARAH ANN
Pim Zwier
Ein Seufzer, ein Windstoß... Genau
das, an dem wir unter allen Umständen
festhalten wollen, entflieht
uns mit unbarmherziger Gewissheit.
Wie Wind und Rauch.
A sigh, a flurry... Exactly what we
want to hold on to escapes us, with
relentless certainty. Like wind and
smoke.
Barbara Meter: Experimental films,
narratives and documentaries since
the seventies. Curator of experimental
films, lecturer. Films have
been shown all over Europe and the
States. Lives and works in Amsterdam.
NL 2008, 16 mm, 13 min
Director, script, photography,
editing Barbara Meter
Music
John Cage, Francesco Tuma
Distribution Filmbank
Jeder hat verschiedene Bezüge in
sich. Allerdings scheinen keine Verbindungen
zwischen ihnen vorhanden
zu sein, und doch beeinflussen
und überkreuzen sich sich. Diese
Arbeit verbindet einen Blickpunkt
und eine Geschichte, wobei jeder
dieser Verknüpfungspunkte einen
anderen Orts- und einen anderen
Zeit-Ursprung hat. Ich liebe Geschichten,
die sich daraus ergeben.
Oneself has various matters. However,
there seem to be no relations,
and they affect it and intersect.
This work connects a viewpoint and
a story, resulting from different origin
in place and time. I appreciate
stories which are born from this
constellation.
Yasuto Yura, *1968 in Kyoto, Japan.
Graduated in Video studies from Kyoto
College of Art. I began the production
of video work in 1991. I participated
in numerous Japanese
and European short film and Media
Art Festivals.
J 2008, Video, 6 min,
European Premiere
Director, script, photography,
editing, music Yasuto Yura
Cast
Yoichi Yoshimoto, Mika Seike
Distribution Yasuto Yura
»Von der Hängebrücke gesprungen
und überlebt, die wahre Geschichte
der Sarah Ann«. Sarah Ann Henley
überlebte wie durch ein Wunder
den Fall aus 250 Fuß Höhe, nachdem
sie 1885 von der Hängebrücke
gesprungen war. Ihr viktorianischer
Rock, vom Wind aufgebläht, wurde
zu einem Fallschirm. Eine Geschichte,
erzählt durch die Gegenüberstellung
von drei detaillierten
Zeitungsartikeln mit leidenschaftslos
eingesetzten Bildern.
»Jumped from Suspension Bridge
and lived, the true story of Sarah
Ann«. Sarah Ann Henley miraculously
survived the 250 feet drop
after jumping off the Clifton Suspension
Bridge in 1885. Her Victorian
skirt, inflated by the wind, acted
as a parachute. A tale told by contrasting
three detailed newspaper
articles with a sober use of image.
Pim Zwier, *1970, was trained as a
teacher in drawing and crafts and
studied at the Piet Zwart Institute
in Rotterdam. Zwier worked for several
initiatives for visual art in the
public space and works as a filmmaker
and visual artist.
NL 2008, 35 mm, 9 min
Director, script, photography,
editing Pim Zwier
Distribution Filmbank
77

INTERNATIONAL SELECTION
DIFFERENT DIARIES
PORTRAIT OF DORIA
Brady Corbet
FAWN
Christoph Rainer
Doria Manfredi war ein 16jähriges Mädchen, das für
die Familie Puccini als Dienstmädchen gearbeitet hat.
Ihre Ergebenheit dem kränkelnden Komponisten gegenüber
weckte den Zorn von Puccinis Frau Elvira, die
das Mädchen aus dem Haushalt warf und sie auch danach
noch weiter verfolgte. Letztendlich zerbrach Doria
an der Belastung der Verfolgung und nahm deshalb
das Gift, an dem sie dann starb. Kurz darauf wird eine
Autopsie ihres Körpers vorgenommen...
Doria Manfredi was a 16-year-old girl who came to
work for the Puccini family as a servant. Her devotion
to the ailing composer aroused the ire of Elvira, Puccini’s
wife, who dismissed her from the household and
continued to pursue her even after that. Eventually
Doria cracked under the strain of persecution and
swallowed poison from which she died. Shortly afterwards,
the autopsy of her body would be undertaken...
Brady Corbet is a 20 year-old actor and filmmaker currently
living and working in New York City. Recently he
premiered his directorial debut, »Protect You + Me.« at
the 2009 Sundance film festival where the film received
the Honorable Mention Jury Prize. He also participated
in a video project for the 2008 Lucca Film Festival
directing a film in honor of Puccini. He last starred
as an actor in acclaimed director Michael Haneke’s
FUNNY GAMES U.S.
Eine Dystopie zerstörter Bilder. Schwarz in Grau in
Schwarz flimmert verhalten über dem Bildschirm.
Eine physikalische Kraft entwickelt sich aus den undeutlichen
Bewegungen der Konturen und Schatten.
Und daneben gibt es ein verdutztes Fabelmädchen,
das versucht, seine Beziehung zur Welt als eine Silhouette
neu aufzubauen.
A dystopia of smashed images. Black in grey in black
flickers gently over the screen. A physical force
emerges of the unarticulated movements of contours
and shadows. And besides that, there's a slack-jawed,
fable girl trying to reconstruct her relationship to the
world as a silhouette.
Christoph Rainer, *1985 in Klosterneuburg, Austria.
2003-04 Filmschool Vienna - Section Filmmaker since
2004 Gruppe Umkehrfilm - association of young filmmakers
since 2005 occupation at Ruth Mader Filmproduction
2006 Filmcollege Vienna since 2006 Filmacademy
Vienna - Section Directing.
A 2007, 35 mm, 6 min
Director, script, photography, editing, music
Christoph Rainer
Cast Anonymous
Distribution Christoph Rainer
USA 2008, Video, 3 min
Realisation Brady Corbet
Cast Roxanne Mesquida
Distribution Lucca Film Festival
78

LUCIA
Niles Atallah, Cristóbal Léon, Joaquin Cociña
J.
Solomon Nagler, Alexandre Larose
Lucía erinnert sich an den Sommer, als sie sich in Luis verliebt hat. Die
Möbel in einem Schlafzimmer sind zerschmettert und zerstört, während
die Zeichenkohle-Lucía an den Wänden auftaucht und wieder von den
Wänden verschwindet. Lucía ist eine Zeitrafferanimation. Das Kurzvideo
wurde mit Hilfe einer Zeitraffermethode aus Einzelbildern der digitalen
Fotografie der Kohlezeichnungen an den Wänden eines Schlafzimmers in
einem Apartment in Santiago des chilenischen Künstlers Joaquin Cociña
gemacht.
Lucía remembers the summer in which she fell in love with Luis. The furniture
within a bedroom is shaken and destroyed, meanwhile the charcoal
Lucía appears and vanishes on the walls. Lucía is a stop motion animation.
The short video was made using a stop-motion method of frame
by frame digital photography of the charcoal drawings of Chilean artist
Joaquin Cociña on the walls of a bedroom in a Santiago apartment.
Lucía is the result of a collaboration between Cristóbal León (1980),
Joaquin Cociña (1980) and Niles Atallah (1978). León works in the audiovisual
sphere, especially animation in a variety of areas: video art works,
shorts and music videos. Cociña is a visual artist, who makes large scale
charcoal drawings. He also works as a writer, as a video-maker, as well as
a stage designer. Atallah is a film-maker and photographer.
RCH 2007, Video, 3 min
Director, script, photography, animation, editing
Niles Atallah, Léon Cristóbal, Joaquín Cociña
Distribution CULTURETV
Gefundene Erinnerungen, lädiert
und verfallen durch Schockmuster
eines Kindheitstraumas.
Found memories decayed by the
shock patterns of childhood trauma.
Solomon Nagler is a Canadian filmmaker
from Winnipeg. »...working
on the borders of narration and abstraction,
Nagler's films invite us to
explore the inner-selves of the
characters he presents. Landscapes
and symbols are mixed up,
raising questions of identity and internal
memories...«.
Alexandre Larose: see ARTIFICES#
CDN 2008, 16 mm, 7 min
Director, script, photography,
editing Solomon Nagler &
Alexandre Larose
Music Lukas Pearse
Distribution Alexandre Larose,
Solomon Nagler
79

INTERNATIONAL SELECTION
VISUAL MUSIC
XI
Pia Martin
ANTHRÔPOS
Mathieu Tremblay
PUCCINI CONSERVATO
Michael Snow
Ein Treppengeländer lebt die Jakobsleiter.
A Stairrail lives the jacobs ladder.
Pia Martin, *1974 in Altdorf (Nürnberg).
1997-2003 State academy of
Art and Design Stuttgart. Diverse
national and international exhibtions
a.o. 2006 Live cell, Kunstmuseum
Stuttgart, 2007 Kirchner Museum
Davos
D 2008, Video, 5 min
Director, script, photography,
animation, editing Pia Maria
Martin
Music Arnold Schönberg »Die
Jakobsleiter« (1st mov.),
Pierre Boulez, BBC Symphony
Orchestra, BBC Singers
Distribution Pia Martin
Die Idee taucht auf, die Frage wird
gestellt, Rationalität geht verloren
und Markierungen verschwimmen.
Die Spannung steigt, Gruppen diskutieren,
Räume verbinden sich
und Zeit vergeht. Anthrôpos ist eine
nachdenkliche erörternde Vision
über das unendlich Kleine und das
Gewaltigste… ein imaginäres Universum
weicher grafischer Unregelmäßigkeit.
The idea emerges, the question is
asked, rationality drops, and markings
get blurry. Tension raises, the
parties are debating, spaces combine
and time passes. Anthrôpos is
a thoughtful reasoning vision on
the infinitely little and the most gigantic…
An imaginary universe of a
soft graphical irregularity.
Mathieu Tremblay studied 3D animation
at l'UQAM in 2002 and is a
graduated student of the Mel Hoppenheim
School of Cinema of the
Concordia University. He also
worked as a visual effects coordinator
at Mokko Studio in Montreal.
CDN 2008, 35 mm, 4 min
Director, script, photography,
animation, editing
Mathieu Tremblay
Music Charles Potvin, Greg
Bonnier, Mathieu Tremblay
Distribution
Noir sur Blanc animation
Für Puccini Conservato wurde eine
CD mit Tonaufnahmen aus La Boheme
verwendet. Die Quelle des
Tons (die Lautsprecher) wird in
einem durchgehenden per Hand
geführten Schwenk abgetastet
(wobei die Musik die Bewegung
vorgibt). Dazwischen geschnitten
Bilder von Blumen und eines Kaminfeuers,
die beispielhaft auf die
Lyrik Puccinis verweisen. Als Aufzeichnung
einer Aufzeichnung proklamiert
die Arbeit die Künstlichkeit
des Tons. Schönheit und
Menschlichkeit der Musik scheinen
jedoch ebenfalls durch.
»Puccini Conservato« uses a CD, a
sound recording of some Puccini
music (from La Boheme). I shot the
source of the sound (loudspeakers
and a play-back deck) in continuous
hand-held pans, guided by the
music. By being a recording of a
recording the work proclaims the
artificiality of the sound (it is not
being sung or played on a musical
instrument). However the beauty
and humanity of the music comes
through too. Michael Snow 2008
Michael Snow, *1928 in Toronto, is
one of the most important international
experimental filmmakers
(Wavelength, 1968) and certainly
the most influential one within
structural film. He is also internationally
recognized as an artist and
avant-garde musician.
CDN/I 2008, Video, 10 min
Realisation Michael Snow
Distribution Lucca Film Festival
80

INCREASE
Yusuke Nakajima
SOLO 612.43
Jan-Peter E.R. Sonntag
Das Nachbild ist eine Illusion. Illusion
vermischt sich mit Realität.
Wenn sie wachsen wird Schönheit
geboren.
The afterimage is an illusion. Illusion
mixes with a reality. When they
increase, beauty is born.
Yusuke Nakajima: Japanese filmmaker.
I am interested in extracting
various phenomena existing in the
world, and picturizing these. In addition,
I sometimes perform a performance
with a video and sound.
J 2008, Video, 7 min,
German Premiere
Director, script, photography,
animation, editing, music
Yusuke Nakajima
Distribution Yusuke Nakajima
Der Heldenbariton Hans Hotter macht 1943 eine Einspielung von Schuberts
Winterreise in Berlin. Zur selben Zeit zieht sich der Kessel um Stalingrad
zu. (...) Schneetreiben. solo - 612.43 ist die Nightshot-Dokumentation
– man kennt diese Art Bilder vor allem von dem ersten Golfkrieg –
gleich ein »unplugged reinactment« von der Installation 612.43WEISS in
selbiger Installation in einem Moment wo alle Geräte stehen bleiben: Es
ist Nacht im Frühjahr 2006. Ich stehe in meiner Installation, habe das Video
angehalten und performe allein die Erinnerung an meine digitale Installation
vor dem leeren, weißen Bildschirm. Dabei nimmt mich eine
kleine Sony-DV-Kamera im Nightshot-Modus mit Autofokus im Hochformat
auf.
In 1943, the heroic baritone Hans Hotter made a recording of Schubert's
Winterreise in Berlin. At the same time, the Germans were closing in on
Stalingrad. (...) Snow flurry. solo - 612.43 is a night shot documentation –
we are mainly familiar with these images from the first Gulf war – equal
to an »unplugged re-enactment« of the installation 612.43WEISS in the
same installation at a moment when all gadgets are paused: It is a spring
night in 2006. I am standing inside my installation, have paused the video
and, alone, perform the memory of my digital installation against the
empty, white screen. While doing so, a small Sony-DV camera films in
night shot mode on autofocus in portrait format.
Jan-Peter E. R. Sonntag is an artist focusing mainly on media art-based
room installations. He studied fine arts, art history, music theory, composition,
philosophy and cognitive science and, in 2002, founded N-solab. He
is a cofounder of »hARTware-projects« now »HMKV«, »oh Ton« , »unerhört«
and the sound-art-edition »HORCH«. He received several grants and
participated in numerous exhibitions worldwide. In 2008 he got the Haupstadtkulturfond
grant for »e-topia«, and was awarded the »German Sound
Art Prize«, the »Cynet Art Award«, for a mobile architecture »ohrenstrand
mobil« and he opened the Ars Electronica in Linz with his sonArc::project.
The book and DVD of this project has been released at the »Akademie der
Künste« in Berlin Dec 08.
D 2009, Video, 11 min, World Premiere
Director, script, photography, animation, editing, music
Jan-Peter E.R. Sonntag
Music Schubert / Jan-Peter E.R. Sonntag
Distribution Jan-Peter E.R. Sonntag
81

INTERNATIONAL SELECTION
VISUAL MUSIC
DISTORTED AREAS~
Manuel Knapp
Das Material ist mit Hilfe einer Echtzeitsoftware entstanden. Sowohl die Programmierung der Texturen und Parameter
als auch die Abtastung mit der Kamera fand in den Grenzbereichen der Software und der Elektronik
statt, wodurch sich eine Reihe von Verzerrungen, Störungen und Verfremdungen der ursprünglichen 3D-Effekte
ergaben. Der Sound hingegen basiert of analog noise (input / no input) erzeugt vom Rauschen von Tonbandmaschinen.
Der Random-Aspekt spielt dabei - wie schon in früheren Arbeiten - eine Rolle. (M.K.) Ein solches Video
lässt sich schwer beschreiben - oder erinnern. Eine Beschreibung impliziert eine Ordnung, die sich aus
Systemen und Narrationen bildet. Nun ist aber sowohl die Bestimmung des Softwaremoduls als System gestört,
als auch die Potentialität seiner narrativen Darstellung aufgehoben. Man kann Bild und Sound nur als das
kennzeichnen, was sie aus ihrer subversiven Vitalität heraus sind: Ereignis. Aber auch Lehrstück in der Evokation
von reinen Formen, die zwischen Animation und Zufall ihr schnelles Erscheinen und Verschwinden feiern.
(Marc Ries)
Material was created with the aid of a realtime program. Both the programming of the textures and parameters
and scanning with the camera took place in the border areas of software and electronics. This resulted in a
large amount of distortion, interference and alterations of the originally 3D effects. The sound, on the other
hand, is based on analog noise (input/no input) created by the sound of reel-to-reel tape recorders. Randomness
plays a role, just as in my earlier works. (M.K.) Such a video is difficult to describe - or remember. A description
implies order created from systems and narratives. In this case, however, the purpose of the software
module as a system is disrupted and the potential of its narrative representation is abolished. Image and sound
can be characterized only as what they have taken from their subversive vitality: an event. But also a lesson in
the evocation of pure forms that celebrate their rapid appearance and disappearance between animation and
randomness. (Marc Ries)
Manuel Knapp, lives and works in Vienna. 1997-2002 studied painting and graphics at the academy of fine arts,
Vienna. 2001 fonding of the noise-experimental formation »(le) MAT« with Arnulf Rödler. 2006 stipend for fine arts
from the state foundation. 2008 working with Peter Whitehead on his film »terrorism considered as one of the
fine arts«.
A 2008, Video, 4 min
Director, script, photography, editing Manuel Knapp
Distribution sixpackfilm
82

TWO TIMES 4'33"
Manon de Boer
STEIGERPIJP
Barbara Hin, Martin van der Veen
In TWO TIMES 4’33" (2008), einer Anlehnung an die aus
drei Sätzen der Stille bestehende Komposition 4‘33"
(1952) von John Cage, filmt die Künstlerin zwei Performances
des gleichen Stückes zweifach ab. Während
sie die erste Performance mit der Geräuschkulisse
des Publikums vertont, zeigt sie die zweite ohne Ton in
absoluter Stille. Aufeinander folgend gezeigt, untersucht
de Boer die veränderte Raumwirkung auf den
Betrachter. Die Funktion von Erinnerung, die in der
zweiten Performance bereits Einfluss auf die Wahrnehmung
und Orientierung im Raum nimmt, spielt dabei
eine ausschlaggebende Rolle.
In TWO TIMES 4’33 (2008), an allusion to the composition
by John Cage 4‘33 (1952), consisting of three
movements of silence, the artist films two performances
of the same piece twice. While she sets the first
performance to the background noise of the audience,
she shows the second performance without sound, in
absolute silence. Screened successively, de Boer explores
the different effect space has on the observer.
The function of recollection, which already influences
perception and orientation in the room in the second
performance, plays a crucial role.
Manon de Boer, born in India, lives and works in Brussels,
Belgium. She makes films, videos, installations,
publications and she teaches at KASK. She's part of
the production-distribution platform named Auguste
Orts.
Die zehn Musiker des derzeitigen Instant Composers
Pool Orchestra bewegen sich schnell, langsam, kaum
oder gar nicht durch den Stadtverkehr von Amsterdam.
(»Steigerpijp« bedeutet Gerüstrohr auf Niederländisch.)
The ten musicians of the current Instant Composers
Pool Orchestra are moving fast, slowly, hardly or not at
all through Amsterdam city traffic. (»Steigerpijp«
means scaffolding pipe in Dutch.)
Barbara Hin, *1964 in Amsterdam, edited numerous
documentaries for Dutch television and cinema. She
worked with a wide range of directors like her father
Kees Hin, Johan van der Keuken, Ramon Gieling and
Carin Goeijers. She also edited several short films of
the British artist Steve McQueen.She directed a number
of shorts and is operating as producer of artistic
cinema.
Martin van der Veen, *1965 in Groningen, studied
painting and film at the Academy of Fine Arts in
Utrecht. He directed in different fields for TV and
makes audiovisual productions in assignment and designs
corporate and artistic web sites. He's cofounder/pianist/arranger
of Pelotonic Orchestra.
NL 2009, Video, 6 min
Realisation Barbara Hin & Martin van der Veen
Distribution Sushi Film
B 2008, 35 mm, 10 min
Director, script Manon de Boer
Photography Sebastien Koeppel
Editing Julien Sigalas
Music John Cage
Cast Jean-Luc Fafchamps
Distribution Auguste Orts
83

INTERNATIONAL SELECTION
ENLIGHTENMENT
INCANDESCENCIA
Juan José Herrera
SECRET
William Wylie
HYACINTH
Lydia Moyer
Ein Selbstporträt. Es enthält eine
Art performative Übung. Ich trage
Jeans, billiges T-Shirt, kitschige
Sonnenbrille und halte einen Spiegel.
Der Spiegel könnte eine Metapher
für die Maschinen sein, die die
Bilder der Realität reproduzieren,
aber das einzig Reale hier ist die
Sonne, die ich absichtlich die Kamera
treffen lasse. Dies kann den
Sensor beschädigen und auch das
Auge des Zuschauers.
A self-portrait. There's some kind
of performatic practice on it. I am
there wearing jeans and a cheap T-
shirt, using dark kitsch glasses and
holding a mirror. The mirror could
be a methaphor about these machines
that reproduce the images
of the real, but the real here is the
sun that I intentionally make hit the
camera. This can damage the sensor,
and the audience eyes.
Juan José Herrera, *1973 in Monterrey,
México. In 1990 he started a
Bachelor's of Art in Mass Media, in
2006 he finished Master's of Science
degree in Communication
Studies at Tecnológico de Monterrey.
In 2005 he got a fellowship at
the Banff Centre in Alberta, Canada.
2008 he received a prize at the
Salón de la Fotografía de Nuevo
León, and in 2009 a production
comission from the FONECA.
MEX 2008, Video, 2 min,
European Premiere
Realisation Juan José Herrera
Distribution Juan José Herrera
84
Dieses Video misst Zeit und Distanz
als eine Art Fokus und Speicher,
mit Hilfe der Sonne, der Erdrotation
und kleiner Camera obscura,
die durch Lochblenden in der
Decke einer verlassenen Flugzeughalle
geschaffen wurden. Gefilmt in
der Halle, die 1945 für eine streng
geheime Trainingsmission des
Bombers Enola Gay B-29 als Vorbereitung
für den Abwurf der ersten
Atombombe genutzt wurde.
Using the sun, the earth’s rotation,
and tiny camera obscuras created
by pinholes in the roof of an abandoned
airplane hanger, this video
measures time and distance as a
form of focus and memory. Filmed
in the hanger used in 1945 during
the top secret training mission of
the Enola Gay B-29 bomber in
preparation for the dropping of the
first atomic bomb.
William Wylie is a Professor of Art
at the University of Virginia. His
work can be found in the permanent
collections of the Metropolitan Museum
of Art, The Philadelphia Museum
of Art, Smithsonian Museum
of American Art. He was awarded a
Guggenheim Memorial Fellowship
in Photography in 2005.
USA 2008, Video, 9 min
Director, script, photography
William Wylie
Editing William Wylie,
Kay Jenkins
Distribution William Wylie
Eine Reise 2008 zum Stadtteil von
Jonestown, Guyana, wo 1978 über
900 Mitglieder der People's Temple
ihr Leben durch fremde oder durch
eigene Hand in einem Massenmord
bzw. Massenselbstmord ließen. In
dem Versuch, die Geschichte der
People's Temple von deren Kool-
Aid-schattierten Schande zu trennen,
wird das Wort Jonestown im
Video selbst nie benutzt.
Hyacinth revolves around a 2008
trip to the site of Jonestown,
Guyana, where in 1978, over 900
members of the People's Temple
lost or took their own lives in a
mass murder-suicide. The word
Jonestown is never used in the
video in an attempt to separate the
narrative of the People's Temple
from it's kool-aid-colored infamy.
Lydia Moyer is an American video
artist who lives in foothills of the
Blue Ridge Mountains in Virginia.
MFA 2005 Studio Art University of
North Carolina at Chapel Hill. BFA
1999 Studio Art NYSCC at Alfred
University, Alfred, NY. 2002-03 Concordia
University, Montreal, QC,
open media, graduate study. 2009
Normal Projects, Chicago, IL, with
Luke Dowd 2008 Acid Rain Production,
RTN10, Raleigh, North Carolina
(broadcast).
USA 2008, Video, 8 min,
European Premiere
Director, script, editing
Lydia Moyer
Photography
Jacob Galle, Lydia Moyer
Distribution Lydia Moyer

ADRIFT
Julika Rudelius
MYTH LABS
Martha Colburn
Ein sich wiederholendes, gesummtes Lied ist das Erste,
was Ihre Aufmerksamkeit erregt; es reißt Sie sofort
in die rätselhafte Welt »Adrift«. Manchmal hört
der Zuschauer über dem Summen eine hohe Gesangsstimme,
die über den anderen wie ein Engel schwebt,
auf der Suche nach einer Melodie. Dieses wird durch
Bilder von sitzenden Menschen begleitet, in ihre eigenen
Gedanken vertieft, die sich in Alter und Herkunft
unterscheiden. Sie gründen eine Gruppe, aber nur
ganz vage. Was sie verbindet ist die Tatsache, dass sie
alle mit dem Lied so mitgehen, als wenn das Summen
von ihnen kommen würde – aber, genau wie ihre Augen,
sind ihre Münder geschlossen. (Netherlands Media
Art Institute, Esma Moukhtar)
A repetitive, hummed song is the first thing that draws
your attention; it immediately sucks you into the enigmatic
work »Adrift«. Over and above the humming the
viewer sometimes hears a high singing voice, which
flies up above the rest like an angel, searching for a
melody. This is accompanied by images of sitting people,
immersed in their own thoughts, differing in age
and background. They constitute a group, but in a
vague kind of way. What binds them together is the
fact that they are rocking along with the sound, as if
the humming came from them – but just like their
eyes, their mouths are closed. (Netherlands Media Art
Institute, Esma Moukhtar)
Julika Rudelius, *1968 in Cologne, Germany, is currently
based in Amsterdam. She attended the fine arts
academy HBK, Hamburg, from 1993-1994, the Gerrit
Rietveld Academy, Amsterdam from 1995-1996 and
participated in the Rijksakademie artist-in-residence
program from 1999-2001. Her work has been exhibited
in various solo and group shows in Europe. Her videos,
usually showing people in »everyday« interactions, are
marked by an ambiguity between »staged« and »spontaneous«
situations. http://www.rudelius.org
NL 2007, Video, 5 min
Realisation Julika Rudelius
Distribution Netherlands Media Art Institute
Myth Labs verknüpft puritanische Visionen, Volkskunst,
religiöse Allegorien und Opfer der momentanen
Methamphetamin-Epidemie miteinander. Ein Film
über Angst, Paranoia, Glauben und den Verlust des
Glaubens und der Erlösung. Genau wie für die Meth-
Abhängigen im ländlichen Amerika, repräsentierte die
Wildnis für die Puritaner gleichermaßen den Ort ihrer
Verurteilung und endgültigen Auferstehung. Durch die
Vermischung dieser zwei Zeiten in der amerikanischen
Geschichte versuche ich die Idee zu durchleuchten,
dass die Anziehungskraft dieser Droge für zeitgenössische
ländliche Bewohner in unseren frühesten Erfahrungen
als Siedler wurzelt.
Myth Labs' interweaves Puritan visions, folk art, religious
allegories and victims of the current Methamphetamine
epidemic. It is a film about fear, paranoia,
faith and loss of faith and salvation. Similarly to Meth
addicts in rural America, for the Puritans the wilderness
represented a place of their damnation and their
ultimate resurrection synonymously. Through blending
these two times in American history, I attempt to illuminate
the idea that the lure of this drug for contemporary
rural inhabitants is rooted in our earliest consciousness-forming
experiences as settlers in a state
of spiritual and physical emergency.
Martha Colburn, *1971 in Gettysburg, started out
scratching and re-editing found footage 16mm educational
films, studied at the Institute College of Art in
Baltimore and from 2000, attended the Rijksakademie
in Amsterdam. She has worked since 1995 on Super8.
Her work has screened everywhere from caves in
France to the Museum of Modern Art in New York.
NL 2008, Video, 7 min
Director, script, photography, animation, editing
Martha Colburn
Music Laura Ortman, Mike Evans, Ryan Sawyer,
Matt Marinelli
Producer Isabelle Kohler
Distribution Filmbank
85

INTERNATIONAL SELECTION
ENLIGHTENMENT
NEBULA
Hilary Harp, Suzie Silver
NAISSANCE D'UN OBJET
Romeo Grünfelder
Nebula ist ein halluzinogen fesselndes Spektakel: Eine komplexe, lang
andauernde audiovisuelle Komposition, die eine spielerische Hommage
an Science-Fiction-Fantasien ist. Festgehalten für das Video durch Zeitrafferfotografie,
schmiegen sich Objekte aus Glas, Glitzer und Tüll an einen
kaleidoskopischen Fluss computergenerierter Bilder. Nebula greift
Elemente der Clavilux Farborgeln von Thomas Wilfred und die experimentellen
abstrakten Filmmacher wie Mary Ellen Bute, James und John Whitney
auf und erinnert ebenfalls an die flüssigen Lichtshows und die wunderbaren
Bilder des Hubble Space Teleskops. Der Zuschauer wird in ein
multi-sensorisches Erlebnis eingehüllt, das sich absolut von unserer täglichen
Materialität unterscheidet. Nebula schürft das Wunder und die
Freude an den Wurzeln von Kosmologie und Camp. photo credit: »Image
courtesy of the Video Data Bank, www.vdb.org«
Nebula is a hallucinogenically immersive spectacle: a complex, long-form
audio-visual composition, which pays playful homage to science fiction
fantasies. Captured for video by means of stop-motion photography, objects
made of glass, glitter and tulle, are nestled within a kaleidoscopic
flow of computer-generated imagery. Drawing from Thomas Wilfred's
Clavilux color organs as well as experimental abstract filmmakers such
as Mary Ellen Bute, and James and John Whitney, Nebula also recalls liquid
light shows and the marvelous sightings of the Hubble Space Telescope.
By enveloping the viewer in a multi-sensory experience absolutely
other than our daily materiality, Nebula mines the wonder and pleasure
at the root of both cosmology and camp.
Hilary Harp and Suzie Silver began collaborating in 2003. Since then they
have created a range of projects including objects, installations, videos
and performances. Drawn to exotica, science fiction and pre-digital special
effects, they create d.i.y. spectacles by combining technical sophistication
with humble materials. They have exhibited their objects and installations
all over the world. Finding inspiration in their shared interests
and opportunity in the range of their skill sets they have created a series
of projects including objects, installations, single channel videos and performances.
USA 2007, Video, 10 min
Realisation Hilary Harp & Suzie Silver
Distribution Video Data Bank
Während eine Gruppe junger Leute
würfelt, bemerken sie plötzlich etwas
im Raum, das sie beunruhigt.
Erst im Verlauf der Untersuchung
stellt sich heraus, dass es sich um
die Dekonstruktion eines unsichtbaren
wie unheimlichen Zentrums
handelt, um das die Überlegungen
kreisen.
While a group of young people plays
with dices, they suddenly see
something in space, which could be
interpreted as center of the picture.
Romeo Grünfelder, *1968 in Mutlangen,
Germany. Works and lives in
Hamburg and Zurich. In 2002 he
graduated from the Hochschule für
Bildende Kunst Hamburg with an
MA with distinction, majoring in Visual
Communication with a focus
on film and digital media. Studied
also classical guitar at the Hochschule
für Musik und Theater Hamburg,
graduating with an MA in classical
music in 2001, the year he
founded felderfilm (www.felderfilm.de).
D 2008, 35 mm, 5 min
Director, script
Romeo Grünfelder
Photography Philipp Pfeiffer
Editing Gabriele Trobisch
Music Thomas Meadowcroft
Cast Markus Böttcher, Goesta
Diercks, Elena Garçia Gerlach,
Tavi Meraud, Anthony Vouardoux
Distribution Romeo Grünfelder
86

ABOUT A WORLD
Corinna Schnitt
OPENING NIGHT
Tim Leyendekker
In Von einer Welt ist die Welt eine idyllische Gebirgslandschaft mit Wäldern
und Wiesen. Durch diese schreitet ein Mann, allein. In der folgenden
Einstellung steht er auf einer Wiese, in deren hohem Gras ein Dutzend
nackter Frauen liegt; jede einzelne drapiert, wie von einem Maler gezeichnet.
Der Mann, dessen Unsicherheit und Einsamkeit förmlich zu
spüren ist, nähert sich den Frauen, einer nach der anderen, in liebkosenden
und erotischen Annäherungen, mal zärtlich, mal direkt. Seine Kontaktversuche
bleiben jedoch unerwidert, erzeugen keinerlei Regung. Die
Frauen scheinen Teil der Natur geworden zu sein, ganz wie »von einer anderen
Welt«. Es folgt ein weiter Blick in die Landschaft, diesmal begleitet
von Textpassagen aus Jürgen Habermas’ Theorie des kommunikativen
Handelns (1981), die am unteren Bildrand zu lesen sind. (...) Mit minimalen
Mitteln der Inszenierung eröffnet die Künstlerin einen Diskurs über
Formen der Sprachlosigkeit zwischen den Geschlechtern, zwischen Körper
und Geist, zwischen dem Emotionalen und dem Rationalen, zwischen
Natur und Kultur, zwischen der einen Welt und der anderen. A. Hoffmann
In »Von einer Welt« (»About a World«), the world is an idyllic Alpine landscape
of forests and meadows. A man is striding through it, alone, to
stand on a meadow with a dozen nude women lying in high grass in the
next scene; each of them is draped as they would be if drawn from life by
a painter. The man, whose uncertainty and loneliness are palpable, approaches
each woman individually, one after the other, caressing and
making erotic overtures, at times tenderly, at others more overtly. His attempts
at making contact remain futile, however, as they produce no reaction
at all. The women seem to have become part of nature, as if »from
another world«. Again a long shot of the scenery appears, this time with
passages from Jürgen Habermas' »The Theory of Communicative Action«
(1981), which can be read on the lower edge of the picture. (...) With minimal
staging devices, the artist opens a discourse on the forms of aphasia
between the sexes, between body and intellect, between the emotional
and the rational, between nature and culture, between one world
and another. Anke Hoffmann: Edith-Ruß-Haus für Medienkunst
Und eine Stimme sagte: »Hoffnung
erscheint in vielen Formen, aber
heute Nacht bist du auf dich alleine
gestellt.«
And a voice said: »Hope appears in
many forms, but tonight you're on
your own.«
Tim Leyendekker, *1973, Netherlands,
attended the Willem de Koning
Academy for Fine Arts in Rotterdam.
He is a visual artist, film maker
and curator.
NL 2009, 35 mm, 6 min,
German Premiere
Director, script, producer
Tim Leyendekker
Photography Adri Schrover
Sound Kees van der Knaap
Editing Tim Leyendekker,
Matte Mourik
Cast Dominique Murk,
Antoinette Akkerman, Erik Sterk
Distribution Filmbank
Corinna Schnitt, *1964 in Duisburg, studied fine art and film at Offenbach
University for Visual Communications and at Düsseldorf Academy of Arts.
She has received awards like scholarships of Casa Baldi, Rome, of the Chinati-Foundation,
Marfa, Texas, of North-Rhine Westphalia or of Schloss
Solitude, Stuttgart, HAP-Grieshaber Award, Bonn, 3-sat Award at the
Oberhausen Short Film Festival and Prize of German Film Critics at EMAF
Osnabrück. She lives and works in Berlin and Cologne.
D 2007, Video, 9 min
Realisation Corinna Schnitt
Distribution Netherlands Media Art Institute
87

INTERNATIONAL SELECTION
A STROKE OF GENIUS
LE NOUVEAU OMIZA,
SE PROMENANT DERRIÈRE LE MIROIR
Ute Hörner, Mathias Antlfinger
BINNENVERBLIJVEN
ENCLOSURES
Arianne Olthaar
»Le nouveau OMIZA« basiert auf kurzen Clips vom modernsten menschenähnlichen
Roboter, entwickelt von der Firma Honda. Das Material
zeigt den humanoiden Roboter Asimo, der zukünftig in Wesen und Wirkung
dem Menschen ähneln soll. Komplexe menschliche Bewegungsabläufe
und soziales Verhalten beherrscht er bereits: Er geht mit einer jungen
Frau Hand in Hand spazieren, wartet auf sie, wenn sie zurück bleibt,
oder lenkt korrekt einen Wagen in vorgegebenen Bahnen. Obwohl Asimo
während dieser Demonstration seiner Fertigkeiten selbst noch etwas
verunsichert wirkt, besteht das Ziel seiner Designer, ihn in verbindliche
soziale Interaktion mit Menschen zu stellen, sie teilweise zu ersetzen,
d.h. ihm eine privilegierte Stellvertreterfunktion zukommen zu lassen.
»Le nouveau OMIZA« is based on short clips showing state-of-the-art anthropoid
robots, developed by the Honda company. The material portrays
the humanoid robot Asimo, who is supposed, in future, to strongly resemble
humans in character and effect. He already masters complex human
motion sequences and social behaviour: he goes for a walk, hand-in-hand
with a young woman, and waits for her when she lingers, or steers a car
correctly in the given lane. And, although Asimo appears to be slightly unsettled
during this demonstration of his abilities, the aim of his designers
is to place him in binding social interaction with people, replacing them
in parts, i.e. to give him a privileged proxy function.
Ute Hoerner, *1964 in Karlsruhe, studied Sculpture at the Academy of Fine
Arts Stuttgart with Prof. Inge Mahn and Prof. Alfred Hdrlicka, 1993-96
Postgraduate Studies at the Academy of Media Arts Cologne, 1997-1999
XObject Space, Laboratory of Arts and New Media, Düsseldorf, 1998 Festival
Co-Director of Videonale 8, Bonn. 1999-2008 Professor for Media Art at
Burg Giebichenstein, University of Arts and Design, Halle.
Mathias Antlfinger, *1960 in Limburg, studied Fine Arts on teaching profession
at the Academy of Fine Arts Stuttgart and Mathematics at the
Stuttgart University, 1988-91 Member of the Artists Group Buero Bert,
1991-96 Studies Sculpture at the Academy of Fine Arts Düsseldorf with
Prof. Irmin Kamp and Cybernetics with Prof. Oswald Wiener. 1999-2005
Artistic Member of the Stuff, Media Art Departement of Burg Giebichenstein,
University of Arts and Design, Halle. Both are Professors for Media
Art at the Academy of Media Art Cologne since 2008.
Mysteriöse »Badezimmerarchitektur«
in Siedlungen aus den 1960ern
und 1970ern. So zeitlos wie die Super8
Materialien, mit denen es aufgenommen
wurde.
Mysterious »bathroom architecture«
in enclosures built in the
1960s and 70s. As timeless as the
Super8 material on which it was
shot.
Arianne Olthaar, *1970, studied at
the Royal Art Academy in The
Hague. Together with Marjolijn van
der Meij she makes Super8 films
and videos since 1993. Both live and
work in The Hague.
NL 2008, Video, 4 min
Director, script, photography,
editing Arianne Olthaar
Music Uncle Fester
Distribution Filmbank
D 2007, Video, 5 min
Director, script, editing Hörner/Antlfinger
Photography Found Footage (Web)
Music Erik Satie »Gymnopedie #1« interpreted by Sibelius Software
Distribution Hörner/Antlfinger
88

WHAT IF?
Darrin Martin, Torsten Zenas Burns
Die Darstellung basiert auf zwei düsteren Marvel Superhelden und zwei international angesehenen Persönlichkeiten
aus dem Bereich der Kunst. Das glückliche Quartett sind Stelarc, ein Künstler, dessen kybernetische
Lebensmission es ist, den Körper überflüssig zu machen; Orlan, eine Künstlerin, deren tatsächliche Neudefinition
ihres eigenen Körpers durch plastische Chirurgie den Darstellungen von Frauen in der gesamten Kunstgeschichte
gegenübersteht; die Scharlachrote Hexe, eine mutierte Superheldin, die uneingeschränkte Macht über
die Wahrscheinlichkeit hat; und die Vision, eine »Synthetisierte«, deren maschinell hergestellter Körper eine
menschliche Seele enthält. WHAT-IF? entwickelt die verstrickte Geschichte, die dieses romantische Quartett
zusammengebracht hat, und überbrückt die Kluft zwischen Geschlechtern und Darstellungen, dem Körper und
der Technologie.
The performance is based upon two obscure Marvel superheroes and two internationally renowned art personalities.
The happy foursome are Stelarc, an artist whose cybernetic mission in life is to render the body obsolete;
Orlan, an artist whose actual redefinition of her own body via plastic surgery confronts representations
of woman throughout art history; the Scarlet Witch, a mutant superhero who has unlimited powers over probability,
and the Vision, a »synthezoid« whose mechanically fabricated body contains a human soul. WHAT-
IF?…unfolds the entangled story that brought this romantic foursome together spanning the gulf between genders
and representations; the body and technology. Special thanks to: Hanne K. Burns,The Martin Family, Kari
Gatzke, Christian K. Burns, Stephanie Kwon, Monica Panzarino, Denise Iris, Mary Anne Wincorkowski, Matt Underwood
Torsten Zenas Burns and Darrin Martin began their collaborations in the video and sculpture programs at the
School of Art and Design at Alfred University, where they both received their BFAs, 1990 and 1992 respectively.
Together, they have based their single channel videotapes, curations and current performance works on their research
into diverse Séance-fictions including reimagined educational practices, cryptozoology musicals, and
transhuman stories. They have jointly participated in residency’s at Eyebeam,and The Experimental Television
Center in New York State. Burns is a visiting assistant professor at Massachusetts College of Art & Design. Martin
is an assistant professor at UC Davis, California.
USA 2008, Video, 15 min, World Premiere
Director, script, animation, editing Darrin Martin and Torsten Zenas Burns
Photography Darrin Martin, Torsten Zenas Burns, Matt Underwood, Denise Iris
Cast Christian K. Burns, Kari Gatzke, Darrin Martin, Torsten Zenas Burns,
Monica Panzarino, Denise Iris, Mary Ann Wincorkowski, Matt Underwood
Distribution Darrin Martin, Torsten Zenas Burns
89

INTERNATIONAL SELECTION
A STROKE OF GENIUS
FÜR MEIKO
FOR MEIKO
F.K. Flumen, Philipp Hartmann
SYSCAPES # INTERLUDE
Eric Schockmel
Feuerwerk, Rauch und Flugzeuge.
Ein Essayfilm. Für meinen Freund
Meiko. Das Wesen des Rauchs in
physikalischer, künstlerischer und
metaphysischer Hinsicht. Eine
außergewöhnliche essayistische
Dokumentation, bei der sich die
Grenzen der Objektivität in Rauch
auflösen.
Fireworks, smoke and aeroplanes.
An essayfilm. For my friend Meiko.
A film about smoke. For my friend
Meiko. Smoke in the physical, artistical
and metaphysical points of
view. An outstanding essayistic
short documentary transcending
the borders of objectivity.
Philipp Hartmann, *1972 in Karlsruhe,
Germany. PhD in Economics
and a degree in Film from the HfbK
Hamburg. Has been working as a
freelance film-maker since 2001.
Has participated in numerous festivals
with his short films.
D 2008, Video, 3 min
Director
F.K. Flumen (Philipp Hartmann)
Script, photography, editing,
producer Philipp Hartmann
Cast Meiko Heuser
Distribution Philipp Hartmann
Syscapes # Interlude erzählt mit experimenteller 3D Animation und ohne
Worte eine Geschichte über Geschichte, Technologie, Politik und soziale
Klassen. Indem er die kommunikativen Methoden von Computerspielen
und Infografiken ausprobiert, nimmt dieser Kurzfilm den Zuschauer in einer
Geschichte mit beträchtlicher zeitgemäßer Resonanz mit auf eine
epische Reise durch die menschliche Evolution. Die zugrunde liegende
Projektforschung ist ein Versuch, neue ausdrucksstarke den neuen Medien
eigene Sprachen zu finden, vor allem digitale Animation. Neue hybride
Kommunikationsformen werden möglich durch die Kombination von
Filmkunst, virtuellen Räumen, Sound Design, graphischem Symbolismus,
Diagrammen und Kartografie, die alle in umfassenden Geschichten verschmelzen.
Syscapes # Interlude, through experimental 3D animation and without
the use of words, tells a story about history, technology, politics and social
classes. Sampling the communicative methods of computer games
and infographics, this short film takes the viewer on an epic journey
through human evolution in a story with significant contemporary resonance.
The underlying research of this project is an attempt at finding
new expressive languages proper to new media, especially digital animation.
New hybrid communication forms become possible via the combination
of cinematics, virtual spaces, sound design, graphical symbolism,
diagrams and mapping, all fusing into immersive narratives.
Eric Schockmel is a graduate of Central Saint Martins College of Art and
Design, London (MA Communication Design / Digital Media) and Ecole de
Recherche Graphique, Brussels (BA Graphic Design & Video Art). His work
deals with the communicative aspects of visual narratives, especially concerning
political subject matters. During his BA studies, he broadens the
use of media from posters and still images to video art and the moving image
in general, before finally investigating digital 3D animation as a medium
of choice during a Masters course. The outcome of the latter is a research
project, entitled Syscapes, which aims to find a graphical language
exploiting and adapted to all the inherent properties of 3D space. www.ericschockmel.net
GB 2008, Video, 22 min
Director, script, photography, animation, editing Eric Schockmel
Distribution Eric Schockmel
90

PROMETHEUS/ODYSSEUS
Cornelius Onitsch
SECRET MACHINE
Reynold Reynolds
Die griechische Mythologie ist uns in Texten und
Kunstdenkmälern, Gräberkunst und Vasenmalereien
überliefert. Jedoch unterscheiden sich die Beschreibungen
ein und derselben Begebenheit, die Lebensläufe
ein und desselben Helden oft und gern voneinander.
Am Ende ähnelt die Zusammenfassung aller
Überlieferungen einem sich selbst tragenden Gerüst
aus Varianten und im Inneren dieser gedanklichen
Konstruktion erstrahlt, vor jedem flüchtigen Blick geschützt,
ein lebendiges Abbild des Mythos. Prometheus/Odysseus
ist ein Teil dieses Gerüsts: subjektive Erzählfragmente
eines kinematografischen Vasenmalers.
Greek mythology is handed down to us in texts and
artistic memorials, tomb art and vase painting. However,
descriptions of one and the same event and the
personal history of one and the same hero often differ.
Ultimately, the summary of all records resembles a
self-borne frame of variants and a vivid image of the
myth radiates within this notional construct, protected
from all glances. Prometheus/Odysseus is an element
of this frame: subjective narration fragments of
a cinematographic vase painter.
Cornelius Onitsch, *1977 in Villach, Austria. He has
been studying Directing at the Hochschule für Film und
Fernsehen ›Konrad Wolf‹ Potsdam-Babelsberg since
2003. Has made various short films and works for the
theatre, lives like an Italian in Berlin.
D 2008, Video, 6 min
Director, script Cornelius Onitsch
Photography Uli Weber
Editing Oscar Loeser
Music, sound Johannes Varga
Cast David Erlach, Stefan Erlach,
Eisaku Nagira, Sachiko Ikutani
Distribution Achsenfilm
In Secret Machine begegnet eine Protagonistin einem
Antagonisten, der sie studiert. Die Uhren schlagen
schnell und ihre Bewegungen werden auf ein Raster
berechnet: Das Auge wird durch Linsen vergrößert gesehen;
unter Wasser unterwirft sich ihr Atem einer Widerstandsfrequenz;
Nadeln werden benutzt, um ihre
Reaktionen und Schmerzen zu messen; und Speicherapparate
erfassen ihre Stimme und Bewegungen. Wissenschaftler
wollen durch diese Messungen Erkenntnisse
gewinnen.
In Secret Machine, a protagonist encounters an antagonist
that is studying her. Clocks rush and her movements
are calculated on a grid: the eye is observed
augmented through lenses; under water her breath is
submitted to a resistance rate; needles are used to
quantify her reactions and pain; and storing machines
capture voice and motion. For the scientist measurement
is understanding.
Reynold Reynolds, *1966, Central Alaska, USA. He
studied Physics, and Philosophy at the University of
Colorado. After earning a B.A. he stayed for two more
years at the university to study Art and Film under Stan
Brakhage. He went on to study photography in New
York, at the School of Visual Arts, graduating with an
M.F.A. in 1995. In 2003 he was awarded a John Simon
Guggenheim Memorial Foundation Fellowship and in
2004 he was invited to The American Academy in Berlin
with studio at Künstlerhaus Bethanien. The Berlin Biennial
for Contemporary Art showed his work, it has
also been shown and awarded in many international
film festivals and in many art institutions.
D 2009, Video, 10 min, World Premiere
Realisation Reynold Reynolds
Distribution Reynold Reynolds
91

INTERNATIONAL SELECTION
MEDIA ART FOR BEGINNERS
MANY BUDDHAS
Paul Winkler
THE TWO TEAMS TEAM
Manuel Saiz
ENTER
Harald Busch
Beeindruckt von der enormen Vielfalt
der Buddha-Figuren, die Winkler
auf seiner Reise in Südostasien
gesehen hat, kreiert er eine Art
Hommage an die Buddha-Figur.
The filmaker was impressed by the
variety of buddha figures seen in
south-east-asia on a recent journey.
This film creates a kind of
homage to the buddha.
Paul Winkler is an internationally
renowned filmmaker who lives and
works in Sydney, Australia. Together
with Corinne and Arthur Cantrill, Albie
Thoms and David Perry, Winkler
for many years was among the nucleus
of the once thriving Australian
experimental filmmaker scene.
Born 1939 in Hamburg, D, Winkler
underwent a bricklaying apprenticeship
before he relocated to Australia
in 1959. His self education in
film began in 1962 when he also
commenced filmmaking, initially
working in 8mm on Bell & Howell
and Canon cameras. In 1967 he
switched to 16mm and to a Bolex
which he used ever since. Winkler’s
approach to filmmaking is primarily
an organic one. »I try to let imagines
flow freely to the surface« (Winkler).
AUS 2008, 16 mm, 15 min,
European Premiere
Director, script, photography,
animation, editing, music
Paul Winkler
Distribution Paul Winkler
92
Ein Schauspieler und ein Videokünstler
unterhalten sich während
einer Drehpause über die Unterschiede
zwischen der Herstellung
von Filmen und Videos. Sie reden
über das Budget, die Emotionen
und die verschiedenen Beziehungen,
die Kino und Videokunst zu
Fiktion und Realität haben. Die
Realität wird nahtlos zur Fiktion,
bis ein Mikrofon ins Bild eindringt:
Schnitt! Alles wird schwarz.
An actor and a video artist are
chatting in a film set during a
break. They talk about the differences
of film and video making.
They talk about budget, emotions
and the different relations that cinema
and video-art have with fiction
and reality. The reality becomes
seamlessly fiction until the microphone
irrupts on the frame: cut!
Everything becomes black.
Manuel Saiz, London based visual
artist. Since 1995 he works in video
and video installations. His videos
have been shown at Impakt
(Utrecht), VideoLisboa (Lisbon),
Videoex (Zurich), Int. Kurz Film Fest.
(Hamburg), Transmediale (Berlin).
His video installations have been
shown worldwide.
GB 2008, Video, 10 min
Director, script, editing
Manuel Saiz
Photography Toby Gorman
Cast Bill Nash, Robert
Cambrinus, Edward, Jonathan
Laury, Jess Collett, Edward
Jaspers, Angelo Santucci
Distribution Decreated
Ein Video über Probleme beim Öffnen
einer Tür: wo ist Innen und wo
ist Außen, und wie kann man vorankommen
zwischen Tür und Angel,
zwischen Analog und Digital? (Europa
08)
A video about the problems encountered
while opening a door:
where is the inside and where is
the outside, and how can you advance
through the door and hinge,
through analogue and digital? (Europe
08)
Harald Busch, *1955 in Osnabrück.
Studied sculpturing and film/video
at the arts academy Münster/Düsseldorf
with Ernst Hermanns and
Lutz Mommartz. Exhibitions and
festivals since 1982. 2008 workgrant
in Berlin from the Senator for
Culture, Bremen. Lives and works in
Bremen. www.haraldbusch.de
D 2008, Video, 2 min
Director, script, editing
Harald Busch
Distribution Harald Busch

LAYERS
Xiangyu Meng
PACKBAND ALS TONBAND
TAPE RECORDING
Timm Ulrichs
Dies ist eine experimentelle Videoarbeit,
die das Fotomaterial nutzt,
das durch die Schichtstruktur in
der virtuellen 3D Welt angeordnet
wurde.
This is an experimental video work
using the photograph material
which has been arranged by the
layer structure in the virtual threedimensional
space.
Xiangyu Meng, *1980 in Tianjin,
China, had studied Media Art in
Japan since 2002. He started researching
the thesis of »Layer« in
2006 and continued through his
P.H.D. degree in the discipline of
»Media & Art« area at Kyoto Seika
University in 2008. His works had
been selected by The 10th Asia Arts
Festival 2008 (China), Baca-Ja 2008
(Japan), TVF 2008 (Japan), Panoramic
Eye 2007 (China), and EMAF
2007 (Germany).
CN 2008, Video, 5 min,
German Premiere
Director, script, editing
Xiangyu Meng
Photography Zhang Jingjie
Distribution Xiangyu Meng
Das Musikstück »Packband als Tonband«, als Veranstaltung der Totalkunst-Zimmergalerie,
Hannover, für Juni 1998 im »Belser Kunst Quartal«
annonciert, wurde schließlich zur Eröffnung der Ausstellung »Von der
Zeichenhaftigkeit der Wörter. Arbeiten aus der Sammlung Uwe Obier« im
Siegerland-Museum im Oberen Schloss, Siegen, am 17. August 2008 uraufgeführt.
Den beiden Percussionisten Uwe-Carsten Obier und Jochen
Heinein wurde vom »Komponisten« Timm Ulrichs je eine 50 Meter Rolle
Pack- bzw. Klebeband (der Marke »Art-Land«) als Instrument ausgehändigt,
das sie - so die Gebrauchsanweisung - in freier Improvisation, also
ohne Partitur und Proben, abspulen und abspielen sollten. Mit dem Ende
des Umspulens von der rechten zur linken Körperseite der Spieler kam
denn auch das Geräuschkonzert nach etwa drei Minuten zum Abschluss.
Die kleine Sound-Performance - durchaus in Analogie zu sehen zur Funktion
von tradierten Tonbandgeräten und Kassettenrekordern - wurde dokumentiert
von Wolfgang Braden, Augenschein Film, Münster.
The composition »Packband als Tonband«, announced in the »Belser
Kunst Quartal« as an event by the Totalkunst-Zimmergalerie, Hanover, for
June 1998, finally premiered at the opening of the exhibition »Von der Zeichenhaftigkeit
der Wörter. Arbeiten aus der Sammlung Uwe Obier« at the
Siegerland Museum in the Oberes Schloss, Siegen, on 17 August 2008.
The two percussionists Uwe-Carsten Obier and Jochen Heinein were each
given a 50 metre roll of carton sealing/sticky tape (»Art-Land« brand) as
instruments by the »composer« Timm Ulrichs. According to the instructions,
they were to freely improvise with these instruments, without a
score or rehearsals, by unwinding and playing them. Once the tape had
been rewound from the right to the left side of the musicians’ bodies, the
sound concert came to an end after about three minutes. The short sound
performance – by all means analogous to the function of antiquated tape
recorders and cassette recorders – was documented by Wolfgang
Braden, Augenschein Film, Münster.
Timm Ulrichs, *1940 in Berlin. Studied architecture at the TH Hannover.
1972 to 2005 professor at the art academy Münster. Total-artist. Lives in
Hannover, Münster and Berlin.
D 2008, Video, 3 min
Director, script Timm Ulrichs
Photography, editing Wolfgang Braden
Distribution Wolfgang Braden
93

INTERNATIONAL SELECTION
MEDIA ART FOR BEGINNERS
ANNUAL REPORT
Cristina Braga
CELLULOIDIVA
Harald Schleicher
ONE LUX
Antal Lux
Annual Report ist eine Sammlung
von Ideen, ein Archiv von Daten und
persönlichen Informationen. Dieses
Zwischenspeichern des Lebens
beabsichtigt, sich über die Konsequenzen
der digitalen Kultur hinwegzusetzen
in Sachen Verhalten,
Wortschatz, Zeit und Raum. Es
funktioniert auch als technisches
Tagebuch für und über die digitale
Kultur.
Annual report is a compilation of
ideas, an archive of data and personal
information. This life caching
intends to lean over the consequences
of the digital culture, in
terms of behaviour, vocabulary,
time and space. It works as a technical
diary of and for the digital culture.
Cristina Braga, *1985 in Guimarães,
Portugal. At the moment she is
attending the Master Degree in Image
Design at the Fine Arts School,
University of porto. »Annual Report«
was developed at the Digital
Culture discipline, on the 5th year of
the Design of Communication
course.
P 2008, Video, 4 min
Director, script, photography,
animation, editing, music
Cristina Braga
Distribution Agencia -
Portuguese Short Film Agency
Diven der Leinwand weisen uns den
Weg, äußern sich zu weiblicher
Identitätssuche, zu ihren Sehnsüchten
und Ängsten, lassen uns
an ihren Leidenschaften, ihrem
Glück, ihren Tränen, an ihrer
Selbstbehauptung teilhaben. Ein
Film ohne Männer? Fast. »Celluloidiva«
ist das weibliche Pendant zu
»A Man´s Got To Do What A Man´t
Got To Do«.
Divas of the silver screen show us
the way. Icons of the movies speak
out on longings and fear, love and
hate, and the search for female
identity. They let us participate in
their passion, their happiness and
their tears, and their assertiveness.
A movie without men? Almost
without men. »Celluloidiva« ist the
female pendant of »A Man´s Got To
Do What A Man´t Got To Do«.
Harald Schleicher, *1951 in Backnang,
Germany. 1973-79 Studies in
Fine Arts. 1983-90 Studies in Cinematic
Art, Promotion. 1993 Professor
in the J.-Gutenberg-University,
Mainz/Germany for Cinematic Art.
D 2008, Video, 12 min
Director, script, photography,
editing Harald Schleicher
Animation Harald Schleicher,
Alexander Gürten, Sarah Nusser
Music Richard Kristen
Distribution Harald Schleicher
Die experimentelle Videographie
beschäftigt sich sehr ausführlich in
ihrer nichtnarrativen Fiktion bis hin
zur ungegenständlichen Synthese
mit den Rhythmen und Mustern,
um eine mögliche Grundstruktur
aufzuspüren. Die elektronische
Produktionsweise und die ephemere
Gestalt des Videobildes lassen
dieses zur bevorzugten Realmetapher
der Welt auf allen Ebenen
werden. Die Elektronik schafft Farbe,
macht das Licht sichtbar,
»leuchtende, reine Farben, charakteristisch
für die Jenseitswelt« der
Halluzination.
The experimental video art is in
great length occupied with rhythms
and pattern in order to trace a possible
basic structure. The electronic
method of production and the
ephemeral shape of the Video image
make a preferred metaphor of
the word on all levels. Electronics
accomplishes colour, makes light
visible, shiny colours, characteristic
for the netherworld of hallucination.
Antal Lux, *1935 in Budapest. Studies
of painting and graphics at the
Academy of Fine Arts, Stuttgart.
D 2007, Video, 4 min
Director, script, photography,
editing Antal Lux
Music Lutz Glandien
Distribution Antal Lux
94

FENCES
José Vonk
OPTICAL PERCUSSION
Gerd Gockell
»Fences« ist ein kurzer abstrakter handgedrehter
Film, der durch die Untersuchung grafischer Gitter
und Radformen optische Täuschungen erschafft. Der
Titel bezieht sich auf das »fence phenomenon« (Gitterphänomen),
das der schottische Verleger John Murray
(J.M.) erstmals 1821 beobachtete: Die Speichen eines
Rades, die man in Bewegung durch eine Reihe vertikaler
Stangen sieht, werden durch optische Täuschung
als gekrümmt wahrgenommen.
»Fences« is a short abstract handmade film, creating
optical illusions by exploring graphic fence and wheel
structures. The title refers to the »fence phenomenon«,
which was first observed in 1821 by the Scottish
publisher John Murray (J.M.): the spokes of a wheel
which are viewed in motion through a series of vertical
bars, assume the optical illusion of a curvature of the
spokes.
José Vonk studied at the Gerrit Rietveld Academy and
attended various animation workshops in the Netherlands,
UK and Japan. In 1977 she founded the animation
studio »De Dames« (The Ladies), together with
Helga Kos. She also works as a teacher at the Gerrit Rietveld
Academy in Amsterdam.
NL 2008, 35 mm, 6 min
Director, script, photography, editing José Vonk
Distribution Filmbank
»Optical Percussion« von Oskar Fischinger und John
Cage ist der dritte Teil einer Trilogie der fiktiven Rekonstruktionen.
1937 trafen sich Oskar Fischinger und
der noch unbekannte Musiker John Cage, um gemeinsam
ein Filmprojekt zu realisieren. Aus Ungeschicklichkeit
zerstörte Cage Teile des Filmsets und die Zusammenarbeit
wurde beendet - doch Fischingers
Ideen über Ton und Musik hatten einen tiefen Einfluss
auf Cages weitere Arbeit. Ob diese Rekonstruktion Fischingers
und Cages Intention nahe kommt, bleibt offen.
»Optical Percussion« is the third part of a trilogy of
fictious reconstructions. In 1937 Oskar Fischinger and
the then unknown John Cage met in Los Angeles to develop
a film project with a music composed by Cage.
Because of an accident this project has never been realized,
but Fischinger's ideas about sound had deep
influence on Cage's later work as a composer. Whether
this reconstruction comes close to Fischinger's and
Cage's intention remains open.
Gerd Gockell, *1960 in Darmstadt, Germany. 1981–87
study of grafic-design and animation at the HBK-
Braunschweig with Prof. Birgit Hein, Prof. Gerhard Büttenbender.
1999 Visiting lecturer at the Ngee Ann Polytechnics
Singapore. 2000-02 Visiting professor at the
College of Fine Art Kassel. Since 2002 Head of Animation
Department at the Lucerne College of Fine Art,
Switzerland.
D 2008, 35 mm, 5 min
Director, script, photography, editing Gerd Gockell
Animation Gerd Gockell, Ute Heuer,
Astrid Hagenguth
Music Stephan Meier,
Dörte Siefert, Arnold Marinissen
Distribution ANIGRAF
95

INTERNATIONAL SELECTION
BILDERSCHLACHTEN
HEADLINES: HYBRID FILMS -
BAGHDAD PLAN IS A SUCCESS
Sabine Gruffat
SHARESNITCH
Jan Bode
Dieser Film ist ein Teil einer Trilogie, die aus Zeitungsfetzen
von Artikeln der New York Times erstellt wurden.
Der halbautomatische Animationsprozess führte
zu Satzkombinationen, die manchmal Sinn ergeben,
indem sie mit bestimmten Worten und Bildern wahllos
verstärkt wurden. Jede Computeranimation wurde auf
eine 100 Fuß lange Rolle 16 mm Tri-X Umkehrfilm
übertragen und dann von Hand bearbeitet. Das Umkehrnegativ
ist das Original.
The film is one of a trilogy made by cutting up The New
York Times newspaper articles. The semi - automated
animation process resulted in sentence combinations
that sometimes make sense while randomly emphasizing
certain words and images. Each computer animation
was transferred to one 100ft roll of 16mm Tri-
X reversal film and then hand-processed. The reversal
negative is the original.
Sabine Gruffat’s films and videos have screened at
festivals worldwide including the Image Forum Festival
in Japan, the Split Film Festival in Croatia, the Ann Arbor
Film Festival, the PDX Film Festival in Portland, The
Gene Siskel Film Center in Chicago, and The Gramercy
Theater in New York. When she is not teaching at the
University of Wisconsin-Madison, she spends her time
rediscovering monuments, bicycle touring, wearing
costumes, and making electronic music.
ShareSnitch zeigt drei Arbeiten eines YouTube-Projektes.
Bei den einzelnen Videos handelt es sich um mit
Filmausschnitten neu illustrierte Clips anderer User.
Nach ihrer Erscheinung unter identischen Namen
konkurieren sie seitdem mit ihren Originalen um Authentizität.
ShareSnitch shows three works of an internet project.
All videos are copies of several YouTube videos, which
are reillustrated with movieclips and published under
an identic name. Since their release, they compete
against the originals for authenticity.
Jan Bode, *1978 in Göttingen, Germany. 1997-2003 Undergraduate
Social Science (Media, Politics, Marketing
and Law) at the Georg-August-University Göttingen.
Since 2002 Freelancer (Design, Photography and
Video). Since 2003 Undergraduate Visual Communication
/ Class of Björn Melhus). PopCycles /2007 CopyCat
Pack 2.0 /2008 ShareSnitch /2009
D 2009, Video, 5 min
Director, script, potography, editing Jan Bode
Distribution Jan Bode
USA 2007, 16 mm, 3 min
Director, producer Sabine Gruffat
Hand processing Matthew Kelson
Distribution Sabine Gruffat
96

ZERO
Matthias Winkelmann
WAR_TCHING MACHINE
Triny Prada
DU3L @ G4NRYU 15L4ND
Jon Rafman
Die Menschheit muss dem Krieg
ein Ende setzen, oder der Krieg
setzt der Menschheit ein Ende.
Mankind has to put an end to war,
otherwise war will put an end to
mankind.
Matthias Winckelmann, *1983 in
Titisee-Neustadt, Germany, studied
philosophy and history at the Albert-Ludwigs-University
Freiburg
from 2003 to 2004. Studies of visual
communication at HfG Offenbach
since 2004.
D 2008, Video, 5 min
Realisation
Matthias Winkelmann
Distribution HfG Offenbach
Es ist so schwierig zu wissen, wann
die FARC (revolutionäre Kolumbianische
Armee) ihre politischen
Ideale verloren hat. Heutzutage
konzentrieren sie sich eher auf Terrorismus
und Drogenhandel. Tausende
entführter Kinder ab 12 Jahren
werden nach und nach einer
Gehirnwäsche unterzogen. Die
meisten der Mädchen werden
missbraucht und zu einer Art Prostitution
innerhalb der FARC gezwungen.
It’s so difficult to know when the
FARC (revolutionary Colombian
army) lost its political ideals.
Nowadays they are more focused
on terrorism and drug dealing.
Thousands of kidnapped children
from the age of 12 are becoming
brain washed step by step. Among
them, most of the girls are abused
and forced to go into a kind of prostitution
within the FARC.
Triny Prada, painter, video maker
and performance-artist.
www.trinyprada.com
F 2009, Video, 5 min
Director, script, editing
Triny Prada
Photography
Colombian TV found footage,
Triny Prada images
Distribution Triny Prada
Ein Quadrat im Zentrum des Bildfeldes
formt alles, was es berührt,
in computergenerierte digitale Bilder
um. Vergangenheit und Gegenwart
kollidieren, wenn die klassischen
Samuraifilme anfangen, einem
8-bit Videospiel zu ähneln.
A square in the center of the frame
converts everything it touches into
computer generated digital imagery.
Past and present collide as
the classic samurai film begins to
resemble an 8-bit video game.
Jon Rafman is a Montreal-born
film-maker and new media artist.
He holds a MFA in Film, Video, and
New Media from the School of the
Art Institute of Chicago and a BA in
Philosophy and Literature from
McGill University.
CDN 2008, Video, 3 min,
World Premiere
Director, script, potography,
animation, editing, music
Jon Rafman
Distribution Jon Rafman
97

INTERNATIONAL SELECTION
BILDERSCHLACHTEN
SPIELEND IM GARTEN
PLAYING IN THE GARDEN
Betina Kuntzsch
EXCERPT
Guli Silberstein
,
WEEK END
Thomas Galler
»Spielend im Garten« ist eine Allegorie
auf eines der ältesten Kinderspiele:
Krieg. Heute spielen die Kinder
- perfekt ausgestattet - die bekannten
Szenen aus Film und Fernsehen
nach.
»Playing In The Garden« is an allegory
to one of the eldest games,
that children play: war. Nowadays
they perfectly simulate the scenes
they know from TV-news.
Betina Kuntzsch, *1963 in Berlin.
1983-88: study at the College of
Graphic Art and Book Illustration,
Leipzig. 1988 diploma with the video
tape »I sat upon a stone«. 1990 cofounder
of the Verein für Videokunst
und Multimedia: (VKMM), Berlin.
Since 1988 video tapes and installations,
lives and works in Berlin.
D 2005, Video, 3 min
Realisation Betina Kuntzsch
Distribution Betina Kuntzsch
Ein Auszug aus einem Fluss von Internetvideonachrichten
– eine Familie
versteckt sich hinter einer
Wand in einer Nachbarschaft, die
zu einem Kriegsschauplatz geworden
ist. Das komprimierte Video ist
verlangsamt und in eine psychedelische
Landschaft verwandelt worden.
Es betont die entsetzliche Situation,
die einzelnen Reaktionen
jedes Familienmitglieds und die
unerträgliche Barriere zwischen
Zuschauer, Bild und Realität.
An excerpt from a flow of Internet
video news - a family is hiding behind
a wall in a neighborhood that
turned into a war zone. The compressed
video is slowed down and
transformed to a psychedelic landscape,
emphasizing the horrifying
situation, the particular reactions
of each family member, and the unbearable
barriers between viewer,
image and reality.
Guli Silberstein, *1969 in Israel.
1997: Tel-Aviv University, BA in Film
& TV Program. 2000: New School
University, New York City, USA, MA
in Media Studies program. Exhibited
video art works in over 70 festivals
and exhibitions internationally.
Lives and works in Tel Aviv.
Israel 2008, Video, 4 min
Director, script, potography,
editing Guli Silberstein
Distribution Guli Silberstein
»Week End« verwendet auf Youtube
gefundene Videos, die von amerikanischen
Soldaten im Irak und in
Afghanistan aufgezeichnet wurden.
Kompiliert und re-editiert von
Thomas Galler.
»Week End« uses footage which
was found on youtube, originally
recorded by U.S. soldiers in Iraq
and Afghanistan compiled and reedited
by Thomas Galler.
Thomas Galler, *1970 in Baden,
Switzerland, lives in Zürich. 1995-
1998 Freie Kunst HGK, Luzern,
Switzerland. 1999 Cité Internationale
des Arts, Paris, France.
2004-2005 Studio in New York, N.Y.,
USA. 2009 Cité Internationale des
Arts, Paris, France.
CH 2008, Video, 17 min
Realisation Thomas Galler
Distribution Thomas Galler
98

SHOOTING LOCATIONS
Thomas Kutschker
BASED ON AN ACTUAL EVENT
Reynold Reynolds
»Shooting Locations« untersucht die Grenze zwischen
Krieg, Krieg spielen und den Verwischungen der Wahrnehmung
von Realität und Fiktion. Die Verbindung aus
bei Youtube »gefundenen« Tonaufnahmen aus England,
Hongkong und Afghanistan mit Aufnahmen einer
Landvilla, eines Hochhauses und von Stadthäusern irritieren.
»Shooting Locations« is researching the borderlines
between war, playing war, war games and the disappearance
of the separation between reality and fiction.
The combination of »found footage« sounds at
Youtube from England, Hongkong and Afghanistan
with images of a 19th century villa, a skyscraper and
townhouses are irritating.
Thomas Kutschker, *1963 in Mannheim, Germany, professional
freelance photographer since 1987. Working
in the film business since 1989. Freelance cameraman
for cinema and TV since 1992. 1993-1996 postgraduate
studies at the Academy of Media Arts Cologne, MA in
Audiovisual Media. 1998 First Prize of the state government
for young directors and DOP´s. 2000 Stipendium
for artists by the state government. 2000-2005 lectures
about film theory and documentary film at the Humboldt-Universitiy,
Berlin. From 2005 film lectures at the
UDK Berlin and from 2006 film lectures at the Academy
of Arts, Düsseldorf.
D 2009, Video, 8 min, German Premiere
Director, photography, montage Thomas Kutschker
Produktion filmisches Berlin
Distribution filmisches Thomas Kutschker
»Es ist nicht nur das alltägliche Leben, das kinematografisch
und televisuell geworden ist, sondern auch
der Krieg. Es wird behauptet, dass Krieg die Fortsetzung
der Politik mit anderen Mitteln ist; wir können
zudem auch sagen, dass Bilder, Medienbilder, die
Fortsetzung des Krieges durch andere Mittel sind.
Nehmen wir das Beispiel Apocalypse Now.« -Jean
Baudrillard, The Evil Demon of Images
Ein Video über das fiktive Porträt der amerikanischen
Militärtruppen im Krieg des 20. Jahrhunderts.
Während jeder Film ein derzeitiges Ereignis simuliert,
simuliert jeder neue Krieg frühere Kriege, wie sie in
bekannten Filmen gezeigt werden. Kriegskonzepte
werden Realität durch die Beschreibung des Krieges
als Unterhaltung. Szenen aus über 50 Filmen werden
miteinander verglichen.
»It is not only daily life which has become cinematographic
and televisual, but war as well. It has been
said that war is the continuation of politics by other
means; we can also say that images, media images,
are the continuation of war by other means. Take
Apocalypse Now.« -Jean Baudrillard, The Evil Demon
of Images
A video about the fictional portrayal of American military
forces in 20th century war. While each film simulates
an actual event, each new war simulates previous
wars as shown in popular films. Conceptions of
war become reality through the depiction of war as entertainment.
Scenes from over 50 films are compared.
Reynold Reynolds is an American born in Alaska. He
has created installations, documentaries, found
footage works, made narrative and experimental films,
and developed a common film grammar based on
transformation, consumption and decay.
D 2007, Video, 15 min
Realisation Reynold Reynolds
Distribution Reynold Reynolds
99

INTERNATIONAL SELECTION
CLIPKLAPPBUMM
HELLO ANTENNA
Veronika Samartseva,
Anna Samoylovich
POLIZISTIN EVA
POLICE WOMAN EVE
Eike Mählmann
EL SOTER: THE HAIL
Blaz Erzetic
Die Geschichte von Susie, ihrer
Mutter, der Royal Family und dem
Shoppen. Ein animiertes Musikvideo
mit vielen Fliegern, Antennen
und einer großen Explosion.
The story about Susie, her mother,
the Royal Family and shopping. Animated
music video with lots of airplanes,
antennas and one big explosion.
Veronika Samartseva, *1983 St.
Petersburg, Russia. Since 1991 living
in Germany. Since 2003 studying
animation at HFF Konrad Wolf, Babelsberg.
2007 CUC Summer Academy
Beijing - Berlin.
Anna Samoylovich, *1980 in
Moscow, Russia. 2002-2006 studying
art-direction of animated films
at VGIK (Film University, Moscow).
Since 2006 studying animation at
HFF Konrad Wolf, Germany.
D 2008, 35 mm, 5 min
Director, script, animation,
editing Veronika Samartseva &
Anna Samoylovich
Photography Thomas Bergmann
Music Susie Asado
Distribution
Veronika Samartseva
Polizistin-Eva, ich habe mich sofort
verliebt:::: Polizistin- Eva, wie du da
standst ganz in Grün::: Polizistin-
Eva, wie schön, dass es Zufälle
gibt:::: Polizistin- Eva: C. Heiland
und das Heidelberger Daumenorchester
spielen und die Formen
fliegen! Eine bunte Liebesgeschichte,
die die Welt so noch nicht
erlebt hat.
Policewoman Eve - I fell in love with
you at once: C. Heiland and the Heidelberg
Thumborchestra are playing
and the forms are flying! Basic
geometric figures move around a
colourful love story.
Eike Mählmann, *1979 in Aachen,
Germany. 2003 Study at the Falcultad
De Artes Plasticas, Universidad
Veracruzana, Mexico. 2006 Diploma
Mediadesign at the University of
Applied Science Aachen. 2005 International
Video Festival Bochum,
jury award for ›Hörfilm‹.
D 2008, Video, 3 min
Director, photography,
animation, editing
Eike Mählmann
Script xkopp
Music C. Heiland und das
Heidelberger Daumenorchester
Distribution xkopp
The Hail ist der DVD-Teil des Albums
Appletree of Discord von El
Soter. Ein 3D-Video, das darauf
zielt, semantisch korrekte Sequenzen
von Wörtern darzustellen und
sie so aneinander zu fügen, dass
sich ein anderer Sinn oder Unsinn
ergibt. Das englische Wort für Rampenlicht
- limelight - zum Beispiel,
besteht aus zwei freien Morphemen:
»lime« (Obst: Limone) und
»bulb« (Licht: Glühbirne). Die Ikonographie
im Video folgt dem Text
des Liedes.
The Hail is the DVD part of the album
Appletree of Discord by El Soter.
It is a 3D generated video with
intent to display semantically correct
sequence of words assembling
them into a different sense or even
nonsense. Limelight for example is
divided into two icons: lime (fruit)
and bulb (light). The iconography
displayed in the video follows the
lyrics of the song.
Blaz Erzetic: I concentrated my
work mostly onto 3D, developing
knowledge in this area and computer
graphics in general. Organizer of
Pixxelpoint - International New Media
Art Festival. Since 1998 working
as a graphic artist and musician.
SLO 2008, Video, 4 min,
German Premiere
Director, script, photography,
animation, editing Blaz Erzetic
Music El Soter
Distribution Blaz Erzetic
100

SMALLONES BRAINPAIN
Philipp Eichholtz
ROBOT LOVE
Suzie Silver & Hilary Harp
Der Hesslerhead landet zufällig bei
»Dr. Moes Speeddating«.
Dr. Moes speeddating class gets interrupted
by the Hesslerhead.
Philipp Eichholtz, *1982 in Hildesheim,
Germany, grown up in Osnabrück.
Trained editor/cutter. First
short film at the age of 15, 23 more
projects. 2005 junior award of Filmfest
Hamm for »Der letzte Abend«,
invitations to many more festivals.
Music videos, assistant producer of
various feature films and serials for
TV productions. 2008 first freelance
feature length film »Meine Daten
und Ich - Sicherheit in Deutschland«.
Presently working on »The
Many Lives of Jerry Schatzberg«, on
the 81-year-old legendary director.
D 2008, Video, 4 min
Director, script Philipp Eichholtz
Photography Julian Landweer
Editing Philipp Eichholtz,
Christina Heeck
Music Hesslers
Cast Hesslers, Hardy Schwetter
Distribution Philipp Eichholtz
Teilweise inspiriert von der Hülle des prototypischen Hi-NRG Album »Megatron
Man« von Patrick Cowley, ist Robot Love ein Fest der spielerischen,
synthetischen, partygetriebenen hedonistischen Kultur der Disco.
Das Video, das hauptsächlich ein Musikvideo für das absurde Lied von
1978 der österreichischen Band Ganymed ist, ist spielerisch und opulent,
und stellt eine Nacht in der Disco dar als bewusstseinserweiternde Reise
in ein alternatives Universum.
Inspired, in part, by the cover of »Megatron Man«, Patrick Cowley's archetypal
Hi-NRG album, Robot Love is a celebration of the playful, synthetic,
party-driven hedonistic culture of disco. Essentially a music video
for the Austrian band Ganymed's absurd 1978 song, the video is playful
and opulent, presenting a night at the disco as a mind-expanding trip to
an alternate universe.
Hilary Harp and Suzie Silver began collaborating in 2003. Since then they
have created a range of projects including objects, installations, videos
and performances. Drawn to exotica, science fiction and pre-digital special
effects, they create d.i.y. spectacles by combining technical sophistication
with humble materials. They have exhibited their objects and installations
throughout the U.S. including the Munson Proctor Williams Art
Institute, Penn State University, and the Pittsburgh Center for the Arts, the
Arizona State University Museum, Bucheon Gallery, San Francisco; and the
Pittsburgh Glass Center. Their videos, have screened all over the world.
See also »Nebula«.
USA 2008, Video, 3 min, European Premiere
Director, editing Suzie Silver & Hilary Harp
Photography Hilary Harp
Animation, cast Suzie Silver
Music Ganymed
Distribution Suzie Silver & Hilary Harp
101

INTERNATIONAL SELECTION
CLIPKLAPPBUMM
PAPAL BROKEN-DANCE
Marie Losier
I LIKE
Cornelius Kirfel
MAKE NO $MALL PLANS
Sylvia Winkler & Stephan Köperl
Ein campy Musikvideo im Stil der
Scopitones der frühen 60er mit
wunderbarer Besetzung: 10 Jungs
in sexy roten Hemdchen und
Mädchen in roten Tutus, die alle
fröhlich mit Genesis P-Orridge in
einem Boxring tanzen - eben alle
Zutaten, die für einen Musik-Slapstick-Boxkampf
benötigt werden.
In Zusammenarbeit mit Jean Barberis
und Sebastien Sanz de Satamaria.
(dt. forum expanded)
A campy music video in the style of
a scopitone from the early 1960s,
with the wonderful cast of 10 boys
in sexy red singlets and girls in red
tutus, all dancing with joy with
Genesis P-Orridge in a boxing
ring... all the ingredients for a slap
stick boxing match in music. Music
video Papal Breakdance by PTV3-
Genesis P-Orridge With Genesis
Breyer P-Orridge and many friends.
Marie Losier is a filmmaker and curator
working in NYC. She has
shown her films at museums, galleries,
biennials and festivals. In
2008 she was invited to present her
new film Tony Conrad DreaMinimalist
at the TATE MODERN and THE
BASEL ART FAIR and at The Rotterdam
and Berlin Film Festivals.
USA 2008, Video, 6 min
Director, script, photography,
editing Marie Losier
Music PTV3 Genesis P-Orridge
Cast Genesis P-Orridge & friends
Distribution Marie Losier
Tanzender Selbstdarsteller auf
YouTube.
Dancing show offs on YouTube.
Cornelius Kirfel *1975. Freelance
musician, artist, media-designer
with diploma. Films & videos: Zwischenwelt
2001 Landunter 2003 Hin
und Weg 2003 Ich muss hier raus
2007 I Like 2008 Idaho 2008 Darkened
Dream 2008.
D 2008, Video, 4 min
Director, script, photography,
editing, music, cast
Cornelius Kirfel
Distribution Cornelius Kirfel
Griffintown ist ein historischer,
aber vernachlässigter Bezirk in der
Nähe des Zentrums von Montreal.
Nach 40 Jahren des Niederganges
versucht die Stadtregierung das
Areal an einen privaten Investor zu
übergeben. Inspiriert vom Protest
lokaler Aktivisten gegen diese Pläne
schreiben wir einen neuen Text
zu einer Melodie, welche aus der
gleichen Zeit stammt wie der momentane
Eindruck von Griffintown.
Griffintown is a historical but rundown
district near the centre of
Montreal. After 40 years of decline,
the city council is attempting to
turn over the area to a private investor.
Inspired by local activists’
protests against these plans, we
are writing new lyrics to a melody
that originates from the same time
as the present appearance of
Griffintown.
Sylvia Winkler, *1969 in Austria and
Stephan Köperl, *1966 in Germany,
have a studio in Stuttgart. Since
1997 together they explore the
public space of various countries.
Their interventions are developed
as site-specific and temporal performances.
CDN/D 2008, Video, 6 min
Director, script, photography,
editing, cast
Sylvia Winkler, Stephan Köperl
Music Deep Purple
Distribution Winkler/Köperl
102

MINZE - KEIN GELD
David Wagner
REHAB
Camille Verbunt
LOOSE CONTROL
Monica Panzarino
Das Musikvideo der österreichischen
Band MINZE. »Kein Geld«
wurde mit einer Canon EOS1 MarkIII
DSLR gedreht, um diesen einzigartigen
Look zu kreieren. Da der
Titel des Songs Programm ist,
konnte so auch das Budget sehr
gering gehalten werden.
For MINZE's second music video
we chose a »pixilation-like« technique
to support their fast paced
and joyful performance, discussing
all those possibilities one can pursue
without having money. We shot
this video on a Canon EOS1 MarkIII
DSLR to create this unique look.
And, hence the title of the song,
safe some money at the same time.
No categories seem to fit this
group, and yet their sound and the
German texts are distinctive, concise
and fresh. The Viennese band
Minze was formed in 2004, and has
already supported H. Grönemeyer,
Nena and Großstadtgeflüster.
A 2008, Video, 3 min
Director, photography
David Wagner
Script David Wagner, Lena
Prosteder, Roberto Gruber,
MINZE
Editing Florian Fessl
Music, cast MINZE (Lioba
Rencher, Florian Wagner, Markus
Fichtinger, Judith Filimónova,
Robert Heiß)
Distribution
MINZE Judith Filimónova
Menschen singen Amy Winhouse's
Rehab.
People singing Amy Winehouse's
Rehab.
Camille Verbunt, *1968 in the
Netherlands, now lives in Amsterdam.
He finished Artschool St.
Joost (Breda) in 1993 and has since
produced many video's. As an artist
Camille has made name with his
embroidery, paintings and since
last year the mosaic-films of which
there are about 20 now.
NL 2008, Video, 4 min
Director, script, photography,
editing Camille Verbunt
Distribution Camille Verbunt
»Loose Control«, die Künstler tanzen
zu Missy Elliots Hit Single,
»Lose Control«. Die sich daraus ergebende
Performance ist vereinfacht,
um die konventionelle Ästhetik
amerikanischer Musikvideos
und deren Wiederholung und Eintönigkeit
zu entlarven. Die Künstler
machen sich über sich selbst lustig,
über ihre Kollegen und über
ihre Kultur der sofortigen Belohnung.
In »Loose Control«, the artists
dance to Missy Elliot's hit single,
»Lose Control«. The resulting performance
is simplified to expose
the conventional aesthetic of
American music videos, and the
repetition and monotony that often
exists in them. The artists poke fun
at themselves, their peers, and
their culture of instant gratification.
Monica Panzarino lives and works
in New York City, in video and sound.
BFA from Alfred University in 2002;
her work has been screened nationally
and internationally.
Nadine Sobel lives and works in
Brooklyn, New York in ceramics,
video and performance. BFA from
Alfred University in 2006.
USA 2008, Video, 5 min
Director Monica Panzarino
Script, photography, Editing
Monica Panzarino, Nadine Sobel
Distribution Monica Panzarino
103

INTERNATIONAL SELECTION
CLIPKLAPPBUMM
SOUL OF A MAN
Christina Speer
»TWEEN MY LIPS«
Martin Sulzer
VIRTUALITY
Stefanie Sixt
Hommage an Gustave Courbet
(»Die Steinklopfer«), Malewitsch
(»Schwarzes Quadrat«), Leonardo
da Vinci. Zeitgenössische filmische
Interpretation des Gustave Courbet
Gemäldes »Die Steinklopfer« - eines
der ersten Meisterwerke der
kritisch-realistischen Malerei
überhaupt - 160 Jahre später.
Homage to Gustave Courbet (»The
Stonebreakers«), Malevich (»Black
Square«), Leonardo da Vinci. Contemporary
cinematic interpretation
of Gustave Courbet’s painting »The
Stonebreakers«- one of the first
masterpieces of critical/realistic
painting ever - 160 years on.
Christina Speer, *1969 in Groß-
Schönebeck. 1990- 1992 studies of
Dance and painting at the Ultimate
Academy, Köln. 1992- 1995 Study of
Fine arts at Free academy of arts,
Berlin. 1995- 2004 study at UDK,
Berlin. Lives and works in Berlin.
D 2008, Video, 3 min
Director, script, photography,
editing Christina Speer
Music Beck Hansen
Distribution Christina Speer
ein musicvideo über den modernen
mann. in heutigen hip hop videos
bekommen meist nur frauen die
chance ihren körper zu zeigen. das
ist gegenüber männern nicht fair.
ich glaube der männliche körper ist
es wert angesehen zu werden. belly
is the new booty!
all i do is eat, sleep, shit and dance.
a music video about the modern
man in today's society. in hip hop
videos usually only woman get the
chance to show their bodies. this is
quite unfair to males. i think the
male body is also worth looking at
... at least in a 2 minutes music
video. belly is the new booty!
Martin Sulzer: Since 2005 Study of
direction in film and TV at the HFF-
Potsdam-Babelsberg. Selected filmography
Let's push things forward,
(Muvi Award, Oberhausen
2004). 2007 everyone - everywhere,
Music clip. 2008 du tust mir, Shortfilm
at HFF-Potsdam.
D 2008, Video, 2 min
Director, script, animation
Martin Sulzer
Music Food for Animals
Distribution Martin Sulzer
»Virtuality« ist ein abstrakter Film.
Konkretes wird aus dem Zusammenhang
gerissen und in einen
neuen Kontext gestellt. Somit bietet
das Zusammenspiel von Form
und Fläche zur Musik dem Betrachter
Interpretationsspielraum.
Das Musikbett greift das Spiel zwischen
Abstrakt und Konkret auf,
spielt mit elektronisch verzerrten
Sounds und Instrumenten.
»Virtuality« is an abstract movie.
Objects are getting extracted from
reality and reformatted into a new
context. Forms and surfaces are interacting
and opening doors to new
interpretation. The musical score is
connecting the layers of abstract
and concrete elements by using instruments
along with electronic
sounds.
Stefanie Sixt, *1973 in Augsburg.
1994-95 academie beeldende kunsten,
Maastricht, NL. 1995-99 audio-visual
media at FH Augsburg.
Since 1999 she has been working as
visual artist, director and producer.
Amongst a lot of commercial projects
she´s been producing many experimental
films. 2006 and 2008 silver
award of the integrated tv &
video association in the frame of
photokina, Köln.
D 2009, Video, 6 min
Director, script, photography,
editing Stefanie Sixt
Distribution Stefanie Sixt
104

AMBULANTE: 1
Arturo Gil, Martha Caravantes
HEY
Guy Ben Shetrit
Beobachtung: Sichten auf mehreren Bildschirmen
wird scheinbar von der Schnitt-Technik Burroughs vorweggenommen.
Er schlug vor, Wörter und Bilder umzuordnen,
um rationale Analyse zu umgehen, und dadurch
unterbewusste Hinweise auf die Zukunft durchsickern
zu lassen... eine nahe bevorstehende Welt aus
Exotika, die nur peripher erblickt werden kann.
Observation: Multi-screen viewing is seemingly anticipated
by Burroughs cut-up technique. He suggested
re-arranging words and images to evade rational
analysis, allowing subliminal hints of the future to leak
through... an impending world of exotica, glimpsed
only peripherally.
XNOGRAFIKZ is a design & arts studio founded in 2001
by Arturo Gil, *1972 in D:F. México and Martha Caravantes,
*1972 in D.F. México. XNO is a sort of crossroads;
the nodal point where our professional activities
(motion graphics design for advertising agencies, corporations
and film production companies) converge
with personal projects involving music, graphics, images
& ideas; audio visualization as an art form. Painting
with light.
In live visual performances we aim to integrate the
technique and craft of postproduction, graphic design
and video art. Our set is an always mutating, always
evolving video entity.
Sci-Fi Fantasy-Reise eines kleinen Mädchens mit einem
besonderem Haustier, einer großen Kröte. Als das
Mädchen ihr Haustier verliert, das in Form eines Ballons
in den Himmel schwebt, überlegt es sich verschiedene
abenteuerliche Szenarien, in denen das
Mädchen sie jagt. Dies ist ein vollständig 3D animiertes
Musikvideo für den Song »Hey« der Band Eatliz.
Sci-Fi Fantasy journey of a little girl with a special pet
friend, a huge toad. Once the girl loses her pet, which
drifts in the sky in a form of a balloon, she is going
thought different adventurous scenarios by chasing it.
This is a full 3D animation music video for the song
»Hey« by Eatliz band.
»Hey« is Guy Ben Shetrit's first independent project as
a director after ten years of serving as an animator for
commercials, TV programs and computer games. In
2008 Ben Shetrit and Aiko studio won MTV international
art break contest.
IL 2008, Video, 4 min
Director, script, editing
Guy Ben Shetrit
Animation Talia Tsur, Tom Dor,
Guy Ben Shetrit, Rongo Geva, Oren Ben Tov
Music Eatliz
Distribution Anova Music
MEX 2008, Video, 2 min
Realisation Arturo Gil, Martha Caravantes
Distribution xnografikz
105

INTERNATIONAL SELECTION
MEN AT WORK
TIME PATROL
Jasmin Jodry
UNKNOWN UNKNOWN(S)
Mark Boswell
Männer in grauen Anzügen gehen
Streife in einer Metropole, um die
Zeit der Zivilisten zu stehlen. Sie
sind grausame Zeitsauger: Sie
brauchen Minuten als Droge, um
ihre eigene Existenz antreiben zu
können.
Grey suited men patrol a metropolis
in order to steal time from civilians.
They are vicious vampires of
time: they need minutes as a drug
to fuel their own existence.
After graduating from Art Center
College of Design In Los Angeles,
Jasmin Jodry worked as a designer
and animator in Hollywood for
Imaginary Forces as well as in New
York for Trollbäck and Company.
Since 2003 she has freelanced in
London for companies such as Intro,
UVA, Imagination and The Light
Surgeons including work for Elton
John, Joss Stone and Zero7. In 2006
she completed her masters degree
at the Royal College of Art. www.sophisticatedmadness.com
GB 2008, Video, 4 min
Director, script, design,
animation Jasmin Jodry
Photography Tobia Sempi
Music Kode 9, Spaceape
Distribution Jasmin Jodry
»Es gibt bekannte Wahrheiten. Dinge von denen wir wissen, dass wir sie
wissen. Es gibt bekannte Unbekannte. Das heißt, wir wissen, dass es Dinge
gibt, die wir nicht wissen. Aber es gibt auch unbekannte Unbekannte –
also Sachen von denen wir nicht wissen, dass wir sie nicht wissen.« Unknown
Unknown(s) ist ein Dialog zwischen der Filmgeschichte und der
Konzeptkunst/Aktivistenpraktiken.
»There are known knowns« things we know that we know. There are
known unknowns. That is to say, there are things that we now know we
don't know. But there are also unknown unknowns... things we do not
know we don't know«. Unknown Unknown(s) is a dialogue between film
history and conceptual art/activist practices.
Mark Boswell studied film & film theory at various institutions in Switzerland,
France, Germany, and the U.S. from 1986-1992. His experimental film
works have been screened internationally in over 25 countries in museums,
biennials, and film festivals. In 2004, He was awarded the »International
Media Art Award« from the ZKM Museum of Karlsruhe, Germany. He
is currently working on a book on collage filmmaking, tracing its origins
from Futurism, Dadaism, Constructivism, and early Russian Cinema up to
the present entitled »Nova-Kino: The History of Cinematic Agit-Prop.«
USA 2008, Video, 13 min
Director Mark Boswell
Script R.M. Flannigan
Photography Orville Nix jr.
Editing Dr. Benway
Music Matmos
Distribution Mark Boswell
106

BOUCHÉ
BLOCKED
Agnes Feuvre
CATTLE CALL
Matthew Rankin & Mike Maryniuk
Ein Mann in seinem Auto in einem
Verkehrsstau. Der Mann ist apathisch,
gleichgültig. Langeweile. Er
stellt das Radio an: Puccini, La Tosca.
Im ersten Moment verändert
sich nichts. Dann stimmt er ein mit
den Sängern, laut und schief. Immer
lauter und schiefer. Aber da
kommt etwas in ihm hoch, etwas
erfreuliches und triumphierendes,
schon über das Lächerliche hinaus.
A man in his car in a traffic-jam.
The man is apathetic, blasé. Boredom.
He turns on the radio: Puccini,
La Tosca. In the first moment, nothing
changes. Then he sings with the
singers, aloud and out of tune. Always
louder, and worse. But something
is rising in him, something
joyful and triumphant, beyond the
ridiculous.
Agnes Feuvre, *1975. A script writer
on the films of Olivier Assayas,
Francois Ozon, Nicole Garcia, and
Arnaud Desplechin, she is today
most of all a screenwriter. She has
directed two short-films, Un état
passager and A mains nues (With
Bare Hands), which was screened in
Cannes at the Director’s Fortnight
before winning the grand prix at the
Festival Coté Court in Pantin in
2006. She is currently reparing her
first feature film produced by Why
Not Productions. She was swept
away by an air from Tosca.
F 2008, Video, 4 min
Realisation Agnes Feuvre
Cast Nicolas Moreau
Distribution Lucca Film Festival
Cattle Call ist eine Hochgeschwindigkeitsanimationsdokumentation über
die Kunst der Viehhandelsauktion in Nordamerika. Sie ist arrangiert um
die hypnotisierenden Talente des Meister-Auktionators Tim Dowler und
verwendet eine Auswahl klassischer und avantgardistischer Animationstechniken
(darunter auch Zeitraffer, Ausschnitte, offene Belichtungen,
Lochvorrichtungen und direkt auf das Zelluloid aufgetragenes Letraset).
Die Filmmacher Maryniuk und Rankin haben versucht, Bilder zu schaffen,
die so umwerfend abstrakt, absurd und aufputschend sind wie die unglaubliche
Sprache der Auktionen selbst. Unsere Hoffnung ist es, dass
der Film bei allen, die ihn bestaunen, einen rindviehähnlichen Verblüfftheitsgrad
hervorruft.
Cattle Call is a high-speed animated documentary about the North American
art of livestock auctioneering. Structured around the mesmerizing
talents of master auctioneer Tim Dowler, and using a variety of classic
and avant-garde animation techniques (including stop-motion, cut-outs,
open-exposures, hole-punching and rubbing lettraset directly on the celluloid)
filmmakers Maryniuk and Rankin have tried to create images as
dazzlingly abstract, absurd and adrenalizing as the incredible language
of auctioneering itself. It is our hope that the film will induce near-bovine
levels of dumbfoundedness in all those who gaze upon it.
Matthew Rankin was born in Winnipeg and educated in Montréal and
Québec City. A graduate of l’Université Laval and l’Institut national de l’image
et du son, Rankin returned to Winnipeg in 2005 to work more directly
with the imagery of his native province. Mike Maryniuk was born in Winnipeg,
but raised in the rural back country of Manitoba. A completely selftaught
film virtuoso, Maryniuk’s film world is an inventive hybrid of Jim
Henson, Norman McLaren and Stan Brakhage.
CDN 2008, Video, 4 min, European Premiere
Director, script, photography, animation
Matthew Rankin & Mike Maryniuk
Editing Alek Rzeszowski
Music Jaxon Haldane & the D. Rangers w/ Mike Petkau
Cast auctioneers Tim Dowler, Scott Campbell,
Neil Fraser, Hal Hedley a.o.
Producer Matthew Rankin
Distribution Winnipeg Film Group
107

INTERNATIONAL SELECTION
MEN AT WORK
MUHANNED´S WISH
Nico Hertweck
RESONANCE
Karel De Cock
Muhanned zog aus nach Sydney,
um sein Glück zu machen. Dort
wünschte er sich ein kleines Haus,
in dem er und seine Familie leben
konnten. Da hatte ein Immobilienkonzern
Mitleid mit ihnen. Und auf
einmal war Muhanned bankrott
und mit ihm viele andere. Ein wahres
Finanzkrisen Märchen.
Muhanned moved to Sydney, hoping
to find his fortune. He wanted to
have a little house there where he
and his family could live. A real estate
company took pity on him. And
suddenly Muhanned was bankrupt,
as were many others, too. A true financial
crisis fairytale.
Nico Hertweck: 1997-2005 work as
directing-assistent in film and TV.
Since 2005 Study of experimental
media-design at the UdK Berlin.
2007 guest student at the Sydney
College of the Arts. 2008 »muhanned´s
wish«; 2008 »lonely planet«.
AUS/D 2008, Video, 6 min
Director,script, photography,
editing Nico Hertweck
Distribution Nico Hertweck
Die Videoarbeit De Cocks reflektiert Individualität und Isolation in unserer
Gesellschaft: Drei beruflich erfolgreiche Männer, Geschäftsmann
John aus Louisiana, Banker François aus London und der Schweizer
Händler Antoine, hinterfragen gemeinsam ihren Lebensweg, ihre Entscheidungen,
ihre Karrieren. Je näher der Zuschauer die Protagonisten
kennenlernt, desto deutlicher wird das Bild des Menschen, der sie hätten
sein können. Wenn wir sie kennenlernen, dann lernen wir auch jemand
anderen kennen. Vielleicht jemanden, der weniger Glück in seiner Karriere
gehabt hätte. Oder vielleicht werden wir auch das wahre Gesicht des
Erfolges zu sehen bekommen.
Karel De Cock’s video reflects upon individuality and isolation in society.
Three successful men, businessman John from Louisiana, banker
François from London and trader Antoine from Switzerland. Together they
reflect on their career and the choices they made and the ones they didn't.
Choices that made them successful, and into who they are today. As
we get to know them, we also get to know someone else. Someone who
may have been less lucky in his career. Or maybe we see what the true
face of success can be. As we get to know them, we also get to know
someone else. Someone who may have been less lucky in his career. Or
maybe we see what the true face of success can be.
Karel De Cock, *1982: Studied Audiovisual arts at the Sint-Lukas
Hogeschool in Brussels. He has roots as a graphic designer but developed
an interest in film. In 2008 he received his Bachelor diploma with his film
Resonance. He has a background in the traditional fiction genre but since
Resonance he finds himself crossing the borders of both fiction and documentary.
Right now he finishes his studies in the master department of
documentary with guidance from Rob Rombout, Ronnie Ramirez and Herman
Asselberghs. www.kareldc.com
B 2008, Video, 19 min
Director, script, editing Karel De Cock
Photography Tim Lammers & Karel De Cock
Cast Eric Kloeck (businessman), John, François, Antoine (themselves)
Production Karel De Cock / Defilms.be
Distribution Karel De Cock
108

NAUFRAGE
Clorinde DURAND
TOMORROW-YEAH!
Daniela Abke
Was ist da los, im Büro? Eine Auseinandersetzung, ein
Erdbeben oder doch ein Liebesdrama. Reduziert auf
das Nötigste, spielt sich etwas Katastrophales ohne
Erzählung ab. In den Gesten und der Mimik vertraut,
bleibt die Situation doch unwirklich. (dok-fest Kassel)
»Naufrage« lists fears: the narration stops at the
frozen instant. But »Naufrage« relates something.
What is it talking about? We don't know... perhaps an
accident, a depression, an explosion? This scene
might be the summit of a catastrophe scenario: the
moment of physical emotion. However, nothing in the
sequence of events tries to explain this state of
things.
Clorinde Durand, *1984 in Ollioules, France. Studied
and graduated from Superior Art School of Aix-en-
Provence ( France ). Currently at the »Fresnoy, studio
national des arts contemporains«. Works and lives in
Lille.
F 2008, Video, 7 min
Director, script, editing Clorinde DURAND
Photography Guillaume Brault
Music Antoine Aubin
Distribution Le Fresnoy Studio national
Basketball. In der Halle wird trainiert und gekämpft.
Zu hören ist ein eigenartiger Gesang, eine »chaotische«
Mischung aus Schritten, quietschenden Gummisohlen
und dem kurzen Auftrumpfen des Balls. Bewegungen
werden verinnerlicht, Abläufe wiederholt.
Das nächste Spiel ist das Entscheidende.
Basketball. Training and tough encounters in the gym.
Sounds of strange songs, a chaotic mixture of steps,
the squeaking sneakers and short bounces of the ball.
Movements are memorized, combinations rehearsed.
The next game is decisive.
Daniela Abke, born in Westphalia. University studies
and graduation in Music and Fine Arts. Realisation,
production and editing of award-winning short films
(GO TO SHANGHAI, SCHNEEWEISS). Research grant for
Paris from the German Academic Exchange Service
(DAAD). She finished postgraduate studies cum laude
at the Academy of Media Arts in Cologne. She lives and
works in Paris and Cologne.
D 2008, 35 mm, 13 min
Director, script, editing Daniela Abke
Photography Dieter Stürmer
Music Uwe Niepel
Distribution KHM
109

INTERNATIONAL SELECTION
DOUBLE TAKE
DOUBLE TAKE
Johan Grimonprez
Der Regisseur Johan Grimonprez stellt Alfred Hitchcock als paranoiden Geschichtsprofessor dar, der in der Zeit
des Kalten Krieges unwissentlich in ein doppelbödiges Verwirrspiel verwickelt wird. Der Meister sagt nur
falsche Sachen zum falschen Zeitpunkt, während sich Politiker beider Seiten vor laufender Kamera verzweifelt
darum bemühen, das Richtige zu sagen.
Double Take setzt sich zum Ziel, anhand merkwürdiger Paare und doppelbödiger Verhandlungen zu zeigen, wie
»Angst als Massenware« durch globale Politik erst möglich wird. Während das Fernsehen das Kino überrollt
und die Auseinandersetzung zwischen Chruschtschow und Nixon andauert, beginnt still und leise die Sexualpolitik,
und Alfred selbst taucht im Fernsehen auf, in einer weltmännischen Rolle, in der er Hausfrauen mit Markenprodukten
ködert, denen sie nicht widerstehen können.
Der Schriftsteller Tom McCarthy hat für Double Take die Geschichte einer persönlichen Paranoia geschrieben,
die die politischen Intrigen widerspiegelt. Darin werden Hitchcock und sein schwer fassbarer Doppelgänger immer
besessener vom perfekten Mord – sie wollen sich gegenseitig umbringen!
Regisseur Johan Grimonprez wirft einen genauen Blick auf TV-Archivmaterial der Zeit und benutzt Hitchcocks
Die Vögel als grundlegende Metapher. So kommt er der Katastrophenkultur auf die Spur und verfolgt ihre unbarmherzigen
Angriffe auf unser »Zuhause« bis zum heutigen Tag.
»In seinem neuen Film Double Take widmet sich Künstler und Filmemacher Johan Grimonprez vertrauten Themen,
wie der Art und Weise wie das Fernsehen sein Publikum manipuliert, Ängste schürt und die Grenze zwischen
Fiktion und Realität verschwimmen lässt. (...) Double Take beginnt mit der Geschichte eines unheimlichen
Ereignisses im Herbst des Jahres 1948, als Hunderte von Vögeln mit dem Empire State Building kollidierten
und ihre Körper auf die Straßen New Yorks herabregneten. Dann erfahren wir von einem Flugzeug, das
ebenfalls in das Empire State Building raste. Hitchcocks Die Vögel war also gar nicht so weit hergeholt, wie es
den Anschein haben mag. Die Angst, die solch absurde Ereignisse auslösen, ist seither zunehmend zum Bestandteil
unseres Alltags geworden. Grimonprez' Behauptung lautet nun, dass das undeutliche Gefühl von Bedrohung
aus den 1960er Jahren uns auch heute heimsucht.«
»Double Take kann auch als Beschreibung von Grimonprez' Arbeitsweise betrachtet werden, mit der bestehende
Bilder hinterfragt und Klischees auf den Kopf gestellt werden. Zugleich verweist der Begriff auch auf die Arbeit
der Sinnstiftung durch die Zuschauer im Angesicht der täglichen Bilderflut.«
Ausschnitte aus einem Interview mit dem Filmemacher Geoffrey MacNab für Flanders Image.
110

Director Johan Grimonprez casts Alfred Hitchcock as a paranoid history professor, unwittingly caught up in a
Double Take on the cold war period. The master says all the wrong things at all the wrong times while politicians
on both sides desperately clamber to say the right things, live on TV.
Double Take targets the global political rise of »fear as a commodity«, in a tale of odd couples and double deals.
As television hijacks cinema, and the Krushchev and Nixon debate rattles on, sexual politics quietly take off and
Alfred himself emerges in a dandy new role on the TV, blackmailing housewives with brands they can't refuse.
The novelist Tom McCarthy writes a plot of personal paranoia to mirror the political intrigue, in which Hitchcock
and his elusive double increasingly obsess over the perfect murder – of each other! Subverting a meticulous
array of TV footage and using The Birds as an essential metaphor, Grimonprez traces catastrophe culture's relentless
assault on the home, from the inception of the moving image to the present day.
»In his new film Double Take, artist and filmmaker Johan Grimonprez explores familiar themes: the way television
manipulates audiences; induces a sense of fear; blurs the lines between fiction and reality. (...) Double Take
opens with accounts of an uncanny incident in the autumn of 1948 when hundreds of birds crashed into the
Empire State Building and plummeted to the street. Next, we hear about a plane crashing into the Empire State.
Hitchcock's film of The Birds was not, perhaps, as far-fetched as it seemed. The fear felt about such freak incidences
was to become more and more commonplace. Grimonprez contends that the sense of looming unease
felt in the early 1960s is still with us today.«
»Double Take also stands as a description of Grimonprez's working method, which is to question received images
and to turn clichés on their head. Meanwhile, the phrase also hints at what viewers have to do to make
sense of the huge amount of images they are bombarded with on a daily basis.«
Excerpts from an interview with the filmmaker by Geoffrey MacNab for Flanders Image.
Belgium/Germany/Netherlands 2008, DigiBeta, 80 minutes
Johan Grimonprez, artist and filmmaker, is visiting professor at the School of Visual Arts in New York and otherwise
works in Brussels. He garnered a great deal of attention in 1999 for his video collage Dial H-I-S-T-O-R-Y, an
aesthetically compelling, visually hypnotic roller coaster ride through the history of airplane hijackings, which
won him »Best Director« awards at the international film festivals in San Francisco and Toronto. Grimonprez's
most recent work, the short film Looking for Alfred (2005), a kind of sketch for Double Take, won the »Spirit
Award« New York, the International Media Prize for Science and Art of ZKM Karlsruhe (2005) and the European
Media Art Award 2006.
B/D/NL 2009, Video, 80 min
Director, script Johan Grimonprez
Story Tom McCarthy
Editing Dieter Diependaele, Tyler Hubby
Music Christian Halten
Production ZAP-O-MATIK, Nikovantastic Film, Volya Films, with ZDF and in collaboration with ARTE
Producer Emmy Oost
Co-producer Hanneke van der Tas, Nicole Gerhards, Denis Vaslin
Supervising producer Doris Hepp
Distribution Umedia
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INTERNATIONAL SELECTION
FILM IST
FILM IST. A GIRL & A GUN
Gustav Deutsch
Es war einmal die Geburt des Kinos aus dem Geiste
des Jahrmarkts, der Taschenspielertricks und Feuerwerke
(Genesis). Der tiefrot glühende, blühende Lichtspielplanet
(Paradeisos) war bald von allerhand Menschlein
in jubelnder Bewegung bevölkert, die hüpften,
robbten, rollten grüppchenweise durch Wälder, über
Dünen. Später öffnete der Mann der Frau seinen
Wandsafe aufs Codewort »Eros«; ein kleiner Finger
wurde zärtlich geküsst, brutaler Zugriff mit Bissen in
die Hand erwidert. Das Zeitalter der Maskeraden, Versteckspiele,
Verstellungen war angebrochen. Fremde
Männerhände spannten, bogen Frauenkörper. Phallische
Objekte brachten Lust und Tod (Thanatos). Nach
der (Kopf-)Geburt des Kugelmenschen sah man Leiber
lieber paarweise (Symposium). »Wird fortgesetzt«
heißt es am Ende. Unter Verwendung von Bildern »aus
den ersten viereinhalb Jahrzehnten der Kinematografie«,
gefunden in elf internationalen Archiven, hat Gustav
Deutsch diesmal ein musikalisches »Filmdrama
in fünf Akten« gebaut. Im Kleinen orientiert sich die
Montage von FILM IST. wieder an visuellen Analogien,
an der äußeren Ähnlichkeit von Körpern, Objekten,
Schauplätzen, Bewegungen und Erzählungen. Der
Film konstruiert seine eigenen verblüffenden Attraktionen
aus der Konfrontation von dokumentarischen,
fiktionalen, pornografischen, wissenschaftlichen oder
propagandistischen Bildern, die ihrem ursprünglichen
Sinn und Zweck buchstäblich entfremdet sind. Bildern
also, die nicht notwendigerweise zusammengehören,
aber dafür Zusammenhänge sichtbar herstellen. Den
roten Faden liefern die antike Mythologie, fragmentarisch
gehaltenen Zitate von Hesiod, Sappho und Platon:
Und von der Antike führt eine Linie auch zu jenen
mythischen Erzählungen, die das Kino auch heute
noch schreibt. (Isabella Reicher)
Once upon a time cinema was born of the spirit of fairground
attractions, sleight of hand and fireworks (genesis).
The world of moving images, glowing deep red
(paradeisos), was soon populated by all kinds of rejoicing
figures, who jumped, crawled and rolled in
groups through forests and over dunes. Later man
opened his wall safe to woman with the code word
eros; a little finger was kissed tenderly, a violent grab
was met with his hand being bitten. The age of masquerades,
games of hide and seek, and playacting had
begun. The hands of strange men loaded and bent female
bodies. Phallic objects injected desire and death
(thanatos). After the birth of the (imaginary) round
man the preference shifted to seeing bodies in pairs
(symposium). »To be continued« it says at the end. Using
images »from the first four and a half decades of
cinematography,« taken from 11 archives across the
world, Gustav Deutsch has constructed a musical
»film drama in five acts.« In detail, the editing of FILM
IST. is again based on visual analogies, the external
similarity of bodies, objects, movements and narratives.
The film constructs its own amazing attractions
from the juxtaposition of documentary, fictional,
pornographic, scientific and propaganda images that
are literally alien to their original purpose. In other
words, they are images that do not necessarily belong
together, though they create visual contexts. The central
thread is supplied by ancient mythology, fragmentary
quotes of Hesiod, Sappho and Plato. And a line
leads from the ancients to the mythical stories that
cinema is still telling. Translation: Steve Wilder
Gustav Deutsch, *1952. Drawings since 1962, Music
since 1964, Photography since 1967, Architecture since
1970, Videos since 1977, Films since 1981, Sounds
since 1981, Performances since 1983 in Austria,
France, Germany, Luxemburg, England, Marocco,
Greece and Turkey.
A 2008, 35 mm, 93 min
Director, editing Gustav Deutsch
Script Gustav Deutsch, Hanna Schimek
Photography Found Footage
Music Martin Siewert, Christian Fennesz,
Burkhard Stangl
Production media loop, Manfred Neuwirth
Supported by Land Niederösterreich,
Filmfond Wiener, ORF, BKA Kunst
Distribution sixpackfilm
112

UKRAINIAN TIME MACHINE
UKRAINIAN TIME MACHINE
Naomi Uman
Die Ukrainian Time Machine ist eine Serie von 16 mm Filmen, die persönliche,
experimentelle und nicht-fiktionale Ansätze kombiniert, um das
Leben in der ukrainischen Stadt Uman festzuhalten. Ihre Filmvorführung
in Osnabrück bestehen aus zwei experimentellen 16 mm Dokumentarfilmen.
Ein Film handelt von der ethnografischen Erforschung des Lebens
und der Traditionen von Lehedzine, einem Dorf in der Zentralukraine,
nahe dem Ort, wo ihre Familie gelebt hat, bevor sie 1906 in die USA ausgewandert
ist. Entsprechend ihrer ethnografischen Philosophie lebt sie
seit Februar 2006 in Lehedzine. Sie hat sich für das einfache Leben der
Dorfbewohner entschieden und wohnt deshalb in einem kleinen Lehmhaus
ohne Fließendwasser oder moderne Einrichtungen. Sie lernt fortwährend
Ukrainisch und die Dorfbewohner haben ihr beigebracht, wie
man einen Garten anlegt, Obst und Gemüse einmacht und wie man Gardinen
und Kissenbezüge bestickt. Auf manche Art und Weise ähnelt ihr
Leben dem ihrer Familie vor ca. hundert Jahren, sie lebt also gewissermaßen
in einer »Zeitmaschine«.
The Ukrainian Time Machine is a series of sixteen millimeter films that
will combine personal, experimental and non-fiction approaches to capturing
life in the Ukrainian town of Uman. Her screening in Osnabrück
consists of two 16-millimeter experimental documentary films. One involves
ethnographic research into the life and traditions of Lehedzine, a
village in central Ukraine near where her family lived before emigrating to
the United States in 1906. In accordance with her ethnographic philosophy,
since February 2006 she has lived in Lehedzine. She has chosen to
live as the villagers do in a small clay house with no running water or
modern accommodations. While continuing to learn Ukrainian, she has
also learned from the people who live there how to plant a garden, preserve
fruits and vegetables and embroider curtains and pillowcases. In
some ways her life in the village is much as was the life of her family some
one hundred years ago, thus within a certain »time machine.«
Naomi Uman’s previous experimental work has applied hand-crafted effects
to project her subjective experience of different places and people.
Her work has been exhibited internationally in festivals and museums including
the Museum of Modern Art, Bilbao Guggenheim, Austria’s Viennale
and Sundance Film Festival. She has received support from the Fulbright
Scholars Program, Creative Capital and the Guggenheim Fellowship,
among others. Uman currently lives in the Ukraine.
UA 2008, 16 mm, 60 min, German Premiere
Director, photography, editing Naomi Uman
Distribution Naomi Uman
113

INTERNATIONAL SELECTION
HOLLAND
HOLLAND
Thijs Gloger
Olga ist 25 Jahre alt. Sie lebt in einem baufälligen Apartment, in einer anonymen holländischen Stadt. Tagsüber
arbeitet sie in der luxuriösen Modeboutique ihres Vaters, die Nacht verbringt sie meistens in dem Klubhaus
ihres Fußballvereins. Außer Rauchen und Bier trinken ist nicht viel zu tun, das ist aber immerhin noch besser
als alleine zu Hause zu sitzen. Um ein wenig ihrer Einsamkeit zu entkommen nimmt Olga regelmäßig eine ihrer
Mitspielerinnen mit in ihre Wohnung. Der Ablauf ist vorhersehbar. Nachdem sie Sex und eine Zigarette hatte
geht Olga raus, um sich Pommes zu holen. Und nachts sind sogar die kleinen Imbisse gut, um Leute für einen
One-Night-Stand aufzutreiben. Sex haben, rauchen und essen scheinen die einzigen Dinge im Leben zu sein,
die Sinn ergeben. Olgas Vater und seine neue Freundin scheinen irgendeine Art der Freude in ihrem riesigen
Haus zu verfolgen, aber anscheinend auch die meisten ihrer Emotionen ausgeschaltet zu haben. Die Arbeit, die
Olga im Laden ihres Vaters leistet, macht ihr nicht wirklich Spaß. Ob sie nun zu Hause oder bei ihrem Vater
bleibt, Olgas Nächte sind immer schlaflos. Und die Tage vergehen gleichförmig. Alle scheinen Trost am täglichen
Leben zu finden. Ohne sich wirklich gegen die Fadheit ihres Lebens zu wehren beobachtet Olga ihre Erdenmitbewohner
und fragt sich dabei, wann das Essen, Ficken und Rauchen aufhören wird. Und es wird aufhören, aber
nicht so, wie man es vielleicht vermutet.
»Es gibt zwei Dinge, die ich an dem Film Holland besonders mag. Zum einen gibt es autbiografische Aspekte
zum dargestellten Verfahren, und ich konnte rigoros an meinem Stil arbeiten. Ich wollte einen Film machen, der
mehr mit Freejazz als mit konventionellem Geschichtenerzählen zu tun hat. (...) Eine Geschichte, oder besser
vielleicht mehr eine Wiederholung von bestimmten Schauplätzen und Szenen, die nur mit einer authentischen,
persönlichen Sichtweise auf die Leinwand gebracht werden kann, eine Geschichte, die dekadent und pervers
wird, ohne dass der Künstler das Bedürfnis hat, sich unbedingt ausdrücken zu müssen. Trotz dieses Bedürfnisses
hoffe ich, einen emotional rauen und stilistisch jazzartigen Film gemacht zu haben. Ein Film über mein
Empfinden, in Holland zu leben.« Thijs Gloger
Olga is 25 years old. She lives in a dilapidated apartment, in an anonymous city in Holland. By day she works in
her dad's luxurious clothes boutique, by night she mostly passes her time in the clubhouse of her soccer team.
Apart from smoking cigarettes and drinking beer there's not much to do, but it's a better option than being at
home alone. In a bid to escape the loneliness, Olga regularly takes one of her teammates to her apartment. The
routine is predictable. After she's had sex and a cigarette, Olga goes out to get some French fries. And at night,
even the small diner proves to be a good place to pick up people for a one night stand. Having sex, smoking and
eating seem to be the only things that make sense in Life. Olga's father and his new girlfriend are pursuing some
form of happiness in their enormous mansion, but seem to have blocked out most of their emotions. The work
that Olga does in her fathers store doesn't bring her any joy. Whether she's staying at home or at her dad's mansion,
Olga's nights are sleepless. And the days keep passing. Everyone seems to find comfort in their daily lives.
Without really giving resistance to the blandness of her existence, Olga keeps observing her fellow earthlings,
wondering where all this eating, fucking, smoking will end. And it ends, though not in a way anyone could expect.
»There are two things that I especially like about the film Holland. There are autobiographical aspects to the depicted
proceedings, and I was able to rigorously work on my style. I wanted to make a film that has more in common
with freejazz than with conventional storytelling. (...) A story, or maybe more of a repetition of certain locations
and scenes, that can only be brought to the screen with an authentic personal view, a story that will become
decadent and perverse without an artist's great necessity to express himself. Having felt that necessity, I hope I
made an emotionally raw and stylistically jazzy film. A film about how I perceive living in Holland.« Thijs Gloger
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THE SUN AND THE MOON
THE SUN AND THE MOON
Stephen Dwoskin
Thijs Gloger, *1985, spent most of
his youth in Groningen, a relatively
small city in the north of the
Netherlands. Having watched almost
fifteen hundred films by the
age of sixteen, he started writing
film reviews. Two years passed,
writing for several websites and a
magazine. It was not until he became
a bit unhappy about writing
reviews that his interest in filmmaking
awoke. The writing of reviews
left him little room for the
personal expression that he needed.
After three years of making
short films that were mainly inspired
by his personal Life, he finished
his first feature length film in
2008, titled Zwaartekracht (Gravity),
at the age of twenty-one. This
film led to a collaboration with Rene
Houwen, a starting film producer.
Holland is their first work together.
NL 2008, Video, 80 min,
German Premiere
Director, photography, editing
Thijs Gloger
Script Thijs Gloger
& Rene Houwen
Sound Rene Houwen
Cast Bregt Wolters
Producer Rene Houwen
Distribution, Production
Schaftkip Films
The Sun and the Moon, ein Filmmärchen, handelt von einem erschreckenden
Zusammentreffen zweier Frauen mit einem »Andersartigen«,
in der Gestalt eines niederträchtigen, monströsen Mannes. Sie
müssen seine Zerstörung entweder beobachten, sie akzeptieren oder
daran teilnehmen. Alle sind in ihrer eigenen Isolation gefangen und fürchten
sich vor der kommenden Bedrohung, mit der sie zurechtkommen
müssen. Der Film, eine persönliche Interpretation von Die Schöne und
das Biest, verschlüsselt Befürchtungen, Überzeugungen und Wünsche in
verlockende Bilder, die selbst eine Form von Tarnung sind und es möglich
machen, unschöne Wahrheiten zu äußern.
The Sun and the Moon, a film fairy tale, is of two women’s terrifying encounter
with »Otherness« in the form of a man, abject and monstrous,
and for them to either to witness, accept or partake in his annihilation. All
are caught in their own isolation and are fearful of the menace that has
to be met. The film, as a personal interpretation of Beauty and the Beast,
enciphers concerns, beliefs and desires in seductive images that are
themselves a form of camouflage, making it possible to utter harsh
truths.
»Film is my language and without my language I cease to be.«
Steven Dwoskin, *1939 in New York City. Studied at Parsons School of Design
and New York University. Freelance designer, photographer, film director
and producer since 1959. Founder member of London Film-makers'
Co-op. One man exhibition of paintings, drawings and film, Redmark
Gallery, London 1969. Awards include L'Age D'Or prize, Brussels Film Festival
1982; The Solvey Prize, 4th International Experimental Film Festival,
Knokke, Belgium. Lecturer at London College of Printing and Royal College
of Art, London; San Francisco Art Institute and San Francisco State University,
USA; University of Geneva and l'Ecole Superieure d'Art Visuel,
Switzerland. Own publishings include »Film Is..the International Free Cinema«
(Peter Owen 1975).
GB 2007, Video, 60 min
Director, editing Stephen Dwoskin
Photography Stephen Dwoskin, Véronique Goël,
Maggie Jennings, Keja Ho Kramer, Tatia Shaburishvili
Sound mix Philippe Ciompi
Cast Helga Wretman, Beatrice Cordua, Stephen Dwoskin
Distribution LUX
115

INTERNATIONAL SELECTION
EXHAUSTED
EXHAUSTED
Kim Gok
Kompromisslose, schockierende Darstellung des Lebens
eines Zuhälters und seiner von ihm als Prostituierte
ausgenutzten Frau, die in einer fast post-apokalyptischen
post-industriellen Landschaft zusammenbleiben.
Auf körnigem Super 8 aufgenommen. Der
Mensch liegt in größter Not! Der Mensch liegt in größter
Pein! Das Elend, das in der 2. Sinfonie von Mahler
besungen wird, welche auf dem digitalen Soundtrack
am Anfang zu hören ist, wird auf dem körnigen Super
8 des koreanischen Filmemachers Kim Gok unvermeidlich
und kompromisslos visualisiert. Ein degeneriertes
und vollkommen an den Rand gedrängtes Paar,
er Zuhälter, sie Hure, er Täter, sie Opfer, muss sich in
einem fast post-apokalyptischen Niemandsland an
einer trüben industrialisierten Küste selbst zensieren.
Pfahlrammen und riesige Fabrikleitungen zerstören
die Erde und die Menschen zerstören sich selbst. Kim
Gok, der immer mit seinem Zwillingsbruder Kim Sun
zusammengearbeitet hat, schuf radikale politische
Arbeiten, die zum Absurden tendierten, wie z. B. den
Spielfilm Geolobotomy (2006). In seinem ersten Soloprojekt
geht er weit über die politische Wut hinaus. Die
erste Stunde fokussiert auf die täglichen Aktivitäten
des Mannes und der Frau. Sie konsumieren billiges
Essen, schauen Fernsehen und widerliche Pornos, sie
empfangen Kunden und bekämpfen sich mit psychologischen
Machtspielen. Trotz der emotionalen Starre
versucht die Frau zu fliehen. Sie freundet sich mit einer
anderen Frau an, aber entscheidet dann, dass die
Rückkehr zu dem Mann die einfachste Wahl ist. Die
Rückkehr der zweiten Frau kündigt das sehr schockierende
Finale an. Nichts für Zartbesaitete.
Uncompromising and shocking portrayal of the life of
a pimp and his wife exploited by him as a prostitute,
who stay together in an almost post-apocalyptic postindustrial
landscape. Shot on grungy Super-8. »Der
Mensch liegt in größter Not! Der Mensch liegt in
größter Pein!« The misery serenaded in the Second
Symphony by Mahler, which can be heard on the digital
soundtrack at the beginning of Exhausted, acquires
an inevitable and uncompromising visualisation
on grainy Super8 by the Korean film maker Kim
Gok. A degenerate and completely marginalised man
and woman, pimp and whore, culprit and victim, have
to censor themselves in an almost post-apocalyptic
no-man's-land on the muddy, industrialised coast.
Pile drivers and huge factory pipes destroy the earth,
and people destroy themselves. Kim Gok (1978), who
previously always collaborated with his twin brother
Kim Sun, made radical political work that tended towards
the absurd, such as the feature Geolobotomy
(2006). In his first solo project, he goes far beyond political
fury. The first hour focuses on the everyday activities
of the man and woman. They consume cheap
food, watch TV and nasty porno, they receive customers
and combat each other with psychological
power games. Despite emotional numbness, the
woman tries to escape. She makes friends with another
woman, but then decides that returning to the man
is the easiest option. The return of the other woman
heralds the very shocking finale. Not for the squeamish.
(IFFR 2009)
Kim Gok, *1978 in South Korea, has made many short
and several feature length films. Besides Exhausted,
there is another film of Kim Gok in Rotterdam in 2009,
Suicidal Variations, which he co-directed with his
brother Sun. Anti-Dialectic (2001, short), Time Consciousness
(2002, short), Capitalist Manifesto: Working
Men of All Countries, Accumulate! (2003), Principle of
Party Politics (2003, short), Light and Class (2003,
short), Geolobotomy (2006), Party Politics Strikes Back
(2006, short), Bomb, Bomb, Bomb (2006, short), Critical
Density (2007), Suicidal Variations (2007, short, co-dir),
Self-Referential Traverse (2008, short), Digression/Degression
(2008, short), Gogal/Exhausted (2008).
ROK 2008, 8 mm on Video, 128 min, German Premiere
Director, script Kim Gok
Photography Kwon Sang-Joon
Editing Kim Gok, Kim Sun
Cast Jang Liu, Park Ji-Hwan, Oh Keun-Young
Producers Kim Gok, Kim Sun
Distribution Goksa
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EVENING'S CIVIL TWILIGHT IN EMPIRES OF TIN
EVENING'S CIVIL TWILIGHT IN EMPIRES OF TIN
Jem Cohen
Jeder Untergang macht sich unscheinbar bemerkbar. Selbst jener eines Imperiums kommt nie über Nacht -
auch nicht, wenn der Vollmond so hell strahlt wie auf jenem Bild, das Jem Cohen dafür ausgesucht hat: Kaiser
Franz Joseph I. am Vorabend des Ersten Weltkriegs und in der Nacht vor dem Verfall.
Am 1. Nov. 2007 projizierte Cohen Bilder wie dieses im Rahmen eines Live-Events im Wiener Gartenbaukino mit
dem Titel Empires of Tin. Auf der Bühne live begleitet u. a. vom Singer-Songwriter Vic Chesnutt, kombinierte Cohen
historische Bilder vom Untergang des Alten Europa mit eigens für den Anlass gedrehtem Material aus Wien
und New York - als eine »Reflexion über den Zerfall eines Imperiums und den Doppler-Effekt der Geschichte«.
Den Untergang der Donaumonarchie ließ Cohen somit noch einmal buchstäblich über die Bühne gehen und sich
im vorgeblichen Niedergang des amerikanischen Imperiums spiegeln. Doch Österreich-Ungarn war im Gegensatz
zu den USA ein Imperium der Zeit, nicht des Raums. Und so lässt Cohen, der das Konzert selbst mitfilmte,
die Bilder und die Musik immer wieder durch präzise gesetzte Lesepassagen unterbrechen, wodurch es dem
kleinen Kapellmeister Nechwal in Joseph Roths »Radetzkymarsch« (1932) zukommt, die deutlichen Anzeichen
für die düstere Zukunft gesehen zu haben: und sei es durch den verspäteten Einsatz eines Taktstocks.
The first signs are always easy to overlook. Even the fall of an empire does not happen overnight, not even when
the full moon is shining as brightly as it is on the image Jem Cohen chose for his project: Emperor Francis
Joseph I. on the evening before the outbreak of World War I, and at the same time the night before the collapse
of a dynasty.
In the course of a live event at Vienna's Gartenbaukino on Nov. 1, 2007, Cohen projected images such as this one
as part of his Empires of Tin project. Accompanied live on stage by American singer/songwriter Vic Chesnutt
and other musicians, Cohen combined historical images of the fall of the Old Europe with film material shot especially
in Vienna and New York - a »reflection on the edges of Empire and the Doppler effects of history«. Thus
Cohen literally reconstructed the end of the Austro-Hungarian Empire whilst reflecting it in an alleged fall of
the American Empire. However, contrary to the USA, Austria-Hungary was an empire of time rather than place.
And so Cohen, who filmed the concert himself, constantly interrupts the images and music with perfectly
placed commentaries, thus suggesting that the conductor from Joseph Roth's novel »Radetzky March« (1932)
saw the first distinctive signs of a dark future - and if it was only because of wielding his baton too late.
Jem Cohen, *1962 in Kabul, Afghanistan, begins his art-work with Installations and Videoclips, before he makes
experimental-films and documentary essays. Cohen often collects street footage, portraits, and sounds. The
projects built from these archives range between documentary, narrative, and experimental approaches. Some
of the projects are personal/political city portraits made on travels around the globe. Many centre around daily
life and ephemeral moments. His work was awarded with numerous prizes and can be found in the collections of
MoMA and the Whitney Museum in New York. Jem Cohen lives and works in New York.
A/USA/CDN 2008, Video, 100 min, German Premiere
Director Jem Cohen
Photography Jem Cohen, Camera Operators Live-Show Peter Gstach, Christian Haake
Editing Jem Cohen, Paolo Calamita
Music Vic Chesnutt, Members of Silver Mt. Zion and Fugazi
With Vic Chesnutt, Efrim Menuck, Jessica Moss, Thierry Amar, Eric Craven, Guy Picciotto,
David Payant, T. Griffin, Catherine McRae (music), Bobby Sommer (readings)
Distribution & Production Viennale, Wien
117

INTERNATIONAL SELECTION
GAZA / SDEROT - EINE CHRONIK BIS ZUM KRIEG
GAZA / SDEROT - LEBEN - TROTZ ALLEM
Serge Gordey
Gaza liegt in Palästina, Sderot in Israel. Hier leben Männer, Frauen und Kinder unter ständiger Bedrohung durch
Bomben, Luftangriffe und Blockaden. Doch trotz dieser schwierigen Bedingungen geht das Leben weiter: Die
Menschen arbeiten, lieben und träumen hier genau wie anderswo.
Durch die Nachrichten gehen Meldungen wie: Kraftwerk in Gaza nach israelischem Lieferstopp wegen Treibstoffmangels
abgeschaltet. Der Boykott ist eine Vergeltungsmaßnahme nach dem Abschuss einer Qassam-Rakete
auf Sderot, der wiederum einen mehr oder weniger gezielten Angriff der israelischen Luftwaffe rächen
sollte. Dieser Angriff war die Antwort auf ein Attentat, das seinerseits durch eine Grenzblockade provoziert
wurde, und so fort.
Aber wer weiß schon, wie es den Menschen ergeht, die von diesen Geschehnissen betroffen sind? Was sind die
Auswirkungen auf ihr Leben und auf das ihrer Angehörigen und Nachbarn? Was heißt es, mit einer ständigen
Bedrohung zu leben? Wie sieht der Alltag derjenigen aus, die »noch einmal davongekommen« sind? Welche Gedanken,
Zukunftspläne und Hoffnungen hegen sie?
Zwei Monate lang wurde täglich je ein Clip aus Israel und aus Palästina online gestellt, die einander ergänzen,
so dass ein umfassendes Bild entstand. Diese duale Sichtweise ist eine wesentliche Voraussetzung für das
Verständnis der komplexen Realität. Beim Betrachten des einen Videos ist stets auch das andere auf dem Bildschirm
präsent und läuft parallel dazu. Tag für Tag wurd so das Alltagsleben in den beiden Städten zeitgleich
greifbar gemacht, was dem Internetuser einen ersten, intuitiven Zugang zu dem Thema ermöglichte.
WARUM INTERNET? Die Beziehungen zwischen Israelis und Palästinensern stecken heute in einer Sackgasse,
aus der sie nur herauskommen, wenn auch die Bürger in der Öffentlichkeit zu Wort kommen und miteinander
kommunizieren können. Gerade das ist jedoch keine Selbstverständlichkeit. Daher ist ein »neutraler Raum«
besonders wichtig, wo jeder Zeugnis ablegen und seine Meinung zum Ausdruck bringen kann. Das Internet ist
hierfür besonders gut geeignet: Sowohl Israelis als auch Palästinenser können hier ihre Lage darstellen, und
durch die Möglichkeit des Up- und Downloadens von Videos werden logistische Probleme vermieden, wie sie
z.B. beim Transport von Videokassetten entstehen. Wichtig ist auch, dass hierbei ein »heimlicher« Dialog zustande
kommen kann, und zwar durch die internationale Resonanz, die das Internet ermöglicht.
Gaza-Sderot: Life - despite everything
Gaza is situated in Palestine, Sderot in Israel. Men, women and children live here under the constant threat of
bombs, air attacks and blockades. But despite these difficult conditions, life goes on: people go to work, love
and dream just like those anywhere else in the world.
The news delivers reports such as: power station in Gaza switched off after Israeli suspension of deliveries due
to lack of fuel. The boycott is a retaliatory measure after the launch of a Quassam rocket on Sderot, which in
turn was meant to avenge a more or less targeted attack by the Israeli Air Force. This attack was the response
to an assassination which, on its part, was provoked by a border blockade, and so forth.
But who knows how people affected by these events feel? How do the circumstances affect their lives, and
those of their families and neighbours? What does it mean to live with such a constant threat? What are the
everyday lives of those who »just made it again« like? What thoughts, future plans and hopes do they have?
For a period of two months, a clip each from Israel and Palestine were put online every day. The clips complemented
one another, creating a comprehensive picture. This dual perspective is a main prerequisite for understanding
the complex reality. When watching one of the videos, the other is always present on the screen,
broadcasting in parallel. Day after day, everyday life in the two cities became tangible simultaneously, giving internet
users initial, intuitive access to the topic.
118

WHY INTERNET? Relations between the Israelis and Palestinians have now reached a blind
alley from which they can only escape if citizens are allowed to have their say in public and
communicate with one another. But precisely this is not a matter of course. For this reason,
a »neutral space« is particularly important where anyone is able to bear witness to events
and express their opinions. The internet is ideal for this purpose: both Israelis and Palestinians
can portray their situations on the web and, thanks to the possibility of being able to upload
and download videos, logistical problems, such as the transportation of video cassettes,
are avoided. It is also important for a »secret« dialogue to be facilitated, namely
through the international response that the internet renders possible.
Osnat Trabelsi a graduate in Film Studies at Tel Aviv University and co-producer og GAZA /
SDEROT. Trabelsi is known for consciously mixing business with pleasure, and professionalism
with activism. Trabelsi was a board member of the Israeli Documentary Forum from 2001-
2004. In 2000 she initiated and directed the first International Human Rights Film Festival in
Israel/Palestine. In 2001 she co-founded with Avi Mograbi the Anti-Occupation Film Club at
the Tel Aviv Cinematheque which operates till 2007.
In 2003 she co-founded »Films From the Dark Side,« a forum that links Mizrahi and Palestinian
concerns. In 2006 produced and was the co-artistic director of Joris Evans seminar sponsored
by the Israeli documentary forum and Joris Evans institute. In 2007 she was chosen by
the economic news paper »De Marker« in Israel to one of 40 women who make change in the
society.
F 2009, Video, 50 min
Production Arte
Head of the Current affairs, Society and Geopolitics, Unit of Arte-France Alex Szalat
Web-director Joël Ronez
Web editor Susanna Lotz
Executive Producer Serge Gordey
Producers Sderot Arik Bernstein - Alma Films, Osnat Trabelsi - Trabelsi Productions
Producer Gaza Yousef Atwa - Ramattan news agency
Producer UPIAN Alexandre Brachet
Distribution Arte, http://gaza-sderot.arte.tv/
119

RETROSPECTIVE
JORDAN BELSON: FILMS SACRED AND PROFANE
DAS KOSMISCHE KINO DES JORDAN BELSON
Gene Youngblood
Still from Allures (1961) (c) Jordan Belson,
courtesy Center for Visual Music
»Wenn man in der Geschichte zurückschaut, wird man sehen, dass der Künstler und der Wissenschaftler untrennbar
sind. In vielerlei Hinsicht ist die Arbeit des Künstlers identisch mit der wissenschaftlichen Forschung.
Der Künstler kann sich mehr auf das Gebiet des Bewusstseins konzentrieren, aber mit dem gleichen wissenschaftlichen
Eifer. Noch ist das kosmische Bewusstsein nicht auf den Wissenschaftler begrenzt. Tatsächlich
sind Wissenschaftler manchmal die letzten, die etwas wissen.« Jordan Belson
»Gewisse Phänomene tauchen in unserem Bewusstsein so selten auf, dass wir erschrocken und tief bewegt
sind, wenn es passiert. Es ist eine Erfahrung der Selbstverwirklichung so viel wie ein Zusammentreffen mit der
Außenwelt. Jordan Belsons kosmische Filme besitzen diese seltene und rätselhafte Macht. Wesentlich für dieses
Rätsel ist die beunruhigende Tatsache, dass Belsons Werk gleichermaßen im Physischen und im Metaphysischen
liegt. Jegliche Diskussion über sein Kino wird sofort subjektiv und sinnbildlich, wie wir gleich sehen
werden. Schon die unbestreitbare Tatsache der gegenständlichen Natur kann nicht zu oft hervorgehoben werden.
Piet Mondrian: »In der plastischen Kunst kann die Realität nur durch ein Gleichgewicht der dynamischen
Bewegung von Gestalt und Farbe ausgedrückt werden. Reine Mittel bezwecken dieses am effektivsten.«14
Die Essenz des Kinos ist präzise gesagt »die dynamische Bewegung von Gestalt und Farbe« und ihre Beziehung
zum Ton. Diesbezüglich ist Belson der reinste von allen Filmemachern. Mit ein paar Ausnahmen sind seine Werke
nicht »abstrakt«. Wie die Filme von Len Lye, Hans Richter, Oskar Fischinger und den Whitneys sind seine
Werke wirklich. Obwohl unweigerlich eine große Bandbreite an Bedeutung aus ihnen abgeleitet wird und obwohl
sie spezielle Folgerungen auf Belson persönlich beinhalten, bleiben die Filme wirkliche, objektive Erfahrungen
der kinästhetischen und optischen Dynamik. Sie sind die ultimative Benutzung von visueller Symbolik
um abstrakte Vorstellungen zu vermitteln und die reinsten experimentellen Konfrontationen zwischen Subjekt
und Objekt zugleich. In ihrer formlosen, gasartigen, wolkenartigen Symbolik ist es die Farbe, nicht die Linie, die
die Formen definiert, die abebben und durch den Rahmen fließen mit unheimlichem Effekt. Es ist diese atemberaubende
emotionale Macht, die die Filme weit hinter jegliche Reinheit in die sehr heraufbeschwörenden und
metaphysischen Dimensionen von Sehen und Hören. Die Filme gehen buchstäblich über die Erfahrungswerte
hinaus – sprich, wirkliche Erfahrungen von metaphysischer Natur. Sie schaffen für den Betrachter einen Zustand
von nichtnormaler Realität, der, zumindest in der Vorstellung, den Erfahrungen des Anthropologen Carlos
Castaneda mit Experimenten mit organischen Halluzinogenen ähnelt.15 E.H. Gombrich: »Die Erfahrung von
Farbe regt tiefere Ebenen des Geists an. Dies zeigt sich bei Experimenten mit Meskalin, unter dessen Einfluss
die genauen Umrisse von Objekten verschwimmen und sich frei vermischen mit wenig Rücksicht auf das formale
Aussehen. Auf der anderen Seite wird Farbe sehr gestärkt, sie tendiert dazu, sich von den festen Objekten
zu lösen und nimmt eine unabhängige eigenständige Existenz an.«
Belsons Werke könnte man als kinetische Bilder beschreiben, wenn da nicht diese unglaubliche Tatsache wäre,
dass die Bilder vor einer Kamera bestehen, oft in Echtzeit, und folglich sind sie keine Animationen. Auf einer
speziellen optischen Bank in Belsons Studio in North Beach, San Francisco, werden direkt Fotos von tatsächlichem
Material genommen. Im Wesentlichen ist es ein altes Röntgenstativ mit Sperrholzrahmen und rotierenden
Tischen, Motoren mit Drehzahlregelung und veränderlicher Lichtstärke. Im Vergleich zu Trumbulls Slitscan-
Maschine oder dem mechanisch-analogen Computer der Whitneys ist es ein erstaunlich einfaches Gerät. Belson
verrät seine Methoden nicht, nicht weil er sich um das Betriebsgeheimnis sorgt– die Techniken sind vielen
Optik-Spezialisten bekannt – sondern weil er als Zauberer die Illusion seiner Zauberei erhalten will. Er hat
Hunderte von Metern von ansonsten gutem Film zerstört, weil ihm die Technik zu offensichtlich erschien. Belsons
äußerst empfindliche Interpretation dieser Technologie macht diese Kunst aus. Dasselbe gilt für den
120

Sound sowie für die Bilder. Belson synthetisiert seinen eigenen Sound, meist elektronisch, mit seiner Ausrüstung
zuhause. Seine Bilder sind so überwältigend, dass der Sound, der selbst eine Kreation von ernüchternder
Schönheit ist, oft in den Kritiken vernachlässigt wird. Der Sound ist oft so mit den Bildern verflochten, dass,
wie Belson sagt: »Man weiß nicht, ob man es sieht oder hört.«
Er betrachtet die Filme nicht als äußere Einheiten, sondern buchstäblich als Erweiterung seines eigenen Bewusstseins.
»Ich muss zuerst die Bilder irgendwo sehen«, sagt er, »innen oder außen oder irgendwo. Ich meine
damit, ich denke sie mir nicht aus. Meine ganze Ästhetik beruht darauf, dass ich entdecke, was da ist, und dass
ich versuche zu entdecken, was das alles bedeutet in Bezug auf meine eigenen Erfahrungen in der Welt der objektiven
Realität. Ich kann nicht einfach diese Filme als audio-visuell Aufgaben abtun. Sie bedeuten offenbar
etwas und in gewisser Weise habe ich alles, was ich im Leben gelernt habe, durch meine Bemühungen, herauszufinden,
was diese Dinge meinen, gewonnen.« Er hat sich ernsthaft viele Jahre mit dem Buddhismus beschäftigt
und sich selbst zu einer rigorosen Yogadisziplin verpflichtet. Er fing an vor über fünfzehn Jahren an,
mit Peyote und anderen Halluzinogenen zu experimentieren. Seit kurzem beschäftigt er sich in die Richtung von
innerem (Mahayana Buddhismus) und äußerem Raum (interstellare und galaktische Astrophysik). Durch die Zusammenführung
von östlicher Theologie, westlicher Wissenschaft und bewusstseinserweiternder Drogenerfahrungen
geht Belson auf diese Weise an vorderster Stelle der heutigen Avantgarde-Kunst voraus, in der die
drei Elemente zusammenlaufen. Wie die antiken Alchimisten ist er ein wahrer Visionär, aber einer, dessen Visionen
in greifbarer Realität manifestiert sind, so nichtnormal es auch sein mag. Teilhard de Chardin hat den
Begriff Ultra-Human eingeführt, um die wahrscheinliche zukünftige Stufe der Evolution anzuzeigen, in der der
Mensch so weit über sich selbst hinausgeht, dass er eine neue Bezeichnung braucht.
Chardins Vision als Ausgangspunkt vermutet Louis Pauwels: »Ich bezweifele nicht, dass es schon Produkte dieser
Mutation unter uns gibt oder zumindest Menschen, die schon Schritte in diese Richtung, die wir alle eines
Tages gehen sollten, gemacht haben.«16 Es verlangt nur einen Perspektivenwechsel, um zu realisieren, dass
Belson diese Schritte gerade macht.
Zitate:
14 Mondrian, op. cit., S. 10.
15 Carlos Castaneda, The Teachings of Don Juan— A Yaqui Way of Knowledge (University of California Press,
1968, L. A., Cal.).
16 Pauwels, Bergier, op. cit., S. 59
Auszug aus dem Artikel »Das Kosmische Kino von Jordan Belson« von Gene Youngblood, Expanded Cinema,
1970, Online-Version http://www.vasulka.org/Kitchen/PDF_ExpandedCinema/book.pdf
Jordan Belson ist einer der größten Künstler der visuellen Musik. Belson schafft intensive, lebendige Erfahrungen
von außerordentlicher Farbe und dynamische abstrakte Phänomene, die heilige himmlische Erfahrungen
hervorrufen. (William Moritz)
Der Filmemacher und Künstler Jordan Belson schafft abstrakte Filme, die prachtvoll mit kosmologischer Bildersprache
verflochten sind, und die das Bewusstsein, die Transzendenz und die Natur des Lichtes selbst untersuchen.
(Keefer)
121

RETROSPECTIVE
JORDAN BELSON: FILMS SACRED AND PROFANE
THE COSMIC CINEMA OF JORDAN BELSON
Gene Youngblood
Still from World by Jordan Belson.
(c) Jordan Belson, courtesy Center for Visual Music
»If you look back in history you'll find that the artist and the scientist are inseparable. In many ways the artist's
work is identical with scientific exploration. The artist is able to focus more in the area of consciousness, but
with the same scientific zeal. Yet cosmic consciousness is not limited to the scientist. In fact scientists are
sometimes the last to know.« Jordan Belson
»Certain phenomena manage to touch a realm of our consciousness so seldom reached that when it is awakened
we are shocked and profoundly moved. It's an experience of self-realization as much as an encounter with
the external world. The cosmic films of Jordan Belson possess this rare and enigmatic power. Basic to this enigma
is the disconcerting fact that Belson's work seems to reside equally in the physical and metaphysical. Any
discussion of his cinema becomes immediately subjective and symbolic, as we shall soon see. Yet the undeniable
fact of their concrete nature cannot be stressed too frequently. Piet Mondrian: »In plastic art, reality can
be expressed only through the equilibrium of dynamic movement of form and color. Pure means afford the most
effective way of attaining this.«14
The essence of cinema is precisely »dynamic movement of form and color,« and their relation to sound. In this
respect Belson is the purest of all filmmakers. With few exceptions his work is not »abstract.« Like the films of
Len Lye, Hans Richter, Oskar Fischinger, and the Whitneys, it is concrete. Although a wide variety of meaning
inevitably is abstracted from them, and although they do hold quite specific implications for Belson personally,
the films remain concrete, objective experiences of kinaesthetic and optical dynamism. They are at once the
ultimate use of visual imagery to communicate abstract concepts, and the purest of experiential confrontations
between subject and object. In their amorphous, gaseous, cloudlike imagery it is color, not line, which defines
the forms that ebb and flow across the frame with uncanny impact. It is this stunning emotional force that
lifts the films far beyond any realm of »purity« into the most evocative and metaphysical dimensions of sight
and sound. The films are literally superempirical— that is, actual experiences of a transcendental nature. They
create for the viewer a state of nonordinary reality similar, in concept at least, to those experiences described
by the anthropologist Carlos Castaneda in his experiments with organic hallucinogens.15 E. H. Gombrich: »The
experience of color stimulates deeper levels of the mind. This is demonstrated by experiments with mescaline,
under the influence of which the precise outlines of objects become uncertain and ready to intermingle freely
with little regard to formal appearances. On the other hand color becomes greatly enhanced, tends to detach
itself from the solid objects and assumes an independent existence of its own.«
Belson's work might be described as kinetic painting were it not for the incredible fact that the images exist in
front of his camera, often in real time, and thus are not animations. Live photography of actual material is accomplished
on a special optical bench in Belson's studio in San Francisco's North Beach. It is essentially a plywood
frame around an old X-ray stand with rotating tables, variable speed motors, and variable intensity lights.
In comparison to Trumbull's slitscan machine or the Whitneys' mechanical analogue computer it's an amazingly
simple device.
Belson does not divulge his methods, not out of some jealous concern for trade secrets— the techniques are
known to many specialists in optics— but more as a magician maintaining the illusion of his magic. He has destroyed
hundreds of feet of otherwise good film because he felt the technique was too evident. It is Belson's ultrasensitive
interpretation of this technology that creates the art. The same can be said for the sounds as well
as the images. Belson synthesizes his own sound, mostly electronic, on home equipment. His images are so
overwhelming that often the sound, itself a creation of chilling beauty, is neglected in critical appraisals. The
122

sound often is so integral to the imagery that, as Belson says: »You don't know if you're seeing it or hearing it.«
He regards the films not as exterior entities, but literally as extensions of his own consciousness. »I first have
to see the images somewhere,« he says, »within or without or somewhere. I mean I don't make them up. My
whole aesthetic rests on discovering what's there and trying to discover what it all means in terms of relating
to my own experience in the world of objective reality. I can't just dismiss these films as audio-visual exercises.
They obviously mean something, and in a sense everything I've learned in life has been through my efforts
to find out what these things mean.«
He has been a serious student of Buddhism for many years and has committed himself to a rigorous Yoga discipline.
He began experimenting with peyote and other hallucinogens more than fifteen years ago. Recently his
interests have developed equally in the directions of inner space (Mahayana Buddhism) and outer space (interstellar
and galactic astrophysics). Thus by bringing together Eastern theology, Western science, and consciousness-expanding
drug experiences, Belson predates the front ranks of avant -garde art today in which the
three elements converge. Like the ancient alchemists he is a true visionary, but one whose visions are manifested
in concrete reality, however nonordinary it might be. Teilhard de Chardin has employed the term ultrahominization
to indicate the probable future stage of evolution in which man will have so far transcended himself
that he will require some new appellation.
Taking Chardin's vision as a point of departure, Louis Pauwels has surmised: »No doubt there are already
among us the products of this mutation, or at least men who have already taken some steps along the road
which we shall all be traveling one day.«16 It requires only a shift in perspective to realize that Belson is taking
those steps.
Quotations: 14 Mondrian, op. cit., p. 10. - 15 Carlos Castaneda, The Teachings of Don Juan - A Yaqui Way of
Knowledge (University of California Press, 1968, L. A., Cal.). - 16 Pauwels, Bergier, op. cit., p. 59
Exerpt from the article »The Cosmic Cinema of Jordan Belson« by Gene Youngblood, Expanded Cinema, 1970,
online version http://www.vasulka.org/Kitchen/PDF_ExpandedCinema/book.pdf
Filmmaker and artist Jordan Belson creates abstract films richly woven with cosmological imagery, exploring
consciousness, transcendence, and the nature of light itself. Born in Chicago in 1926, Belson studied painting at
the California School of Fine Art (now San Francisco Art Institute), and received his B.A., Fine Arts (1946) from The
University of California, Berkeley. He saw films by Oskar Fischinger, Norman McLaren and Hans Richter at the
historic Art in Cinema screening series in San Francisco in the late 1940s, and later, films by John and James
Whitney. Belson was inspired to make films with scroll paintings and traditional animation techniques, calling his
first films »cinematic paintings.«
Curator Hilla Rebay at The Museum of Non-Objective Painting exhibited his paintings, and upon Fischinger's recommendation
awarded Belson several grants. From 1957-1959, Belson was Visual Director for The Vortex Concerts
at San Francisco's Morrison Planetarium, a series of electronic music concerts accompanied by visual projections.
Composer Henry Jacobs curated the music while Belson created visual illusions with multiple projection
devices, combining planetarium effects with patterns and abstract film footage. His Vortex work inspired his
abandoning traditional animation methods to work with projected light. He completed Allures (1961), Re-entry
(1964), Phenomena (1965), Samadhi (1967), and continued with a series of abstract films. His varied influences
include yoga, Eastern philosophies and mysticism, astronomy, Romantic classical music, alchemy, Jung, non-objective
art, mandalas and many more.
Belson has produced an extraordinary body of over 30 abstract films, sometimes called »cosmic cinema,« also
considered to be Visual Music. He produced ethereal special effects for the film The Right Stuff (1983), and continues
making fine art and films today, completing Epilogue in 2005.
JORDAN BELSON - Biography by Cindy Keefer, 2008 © Solomon R. Guggenheim Museum, 2008-09.
Published in The Third Mind; American Artists Contemplate Asia, 1860-1989. Alexandra Monroe, Ed. New York:
Solomon R. Guggenheim Museum, 2009. (Exhibition catalog)
Jordan Belson is one of the greatest artists of visual music. Belson creates lush vibrant experiences of exquisite
color and dynamic abstract phenomena evoking sacred celestial experiences. (William Moritz)
Filmmaker and artist Jordan Belson creates abstract films richly woven with cosmological imagery, exploring
consciousness, transcendence, and the nature of light itself. (Keefer)
123

RETROSPECTIVE
JORDAN BELSON: FILMS SACRED AND PROFANE
ALLURES
Jordan Belson
SAMADHI
Jordan Belson
CHAKRA
Jordan Belson
Ein frühes Meisterwerk des Ungegenständlichen
Kinos. »Ich denke
an Allures als eine Kombination
von molekularen Strukturen und
astronomischen Ereignissen, die
mit unterbewussten und subjektiven
Phänomenen vermischt sind –
und alles passiert gleichzeitig. Der
Anfang is fast rein sinnlich, das
Ende vielleicht völlig ideell. Es
scheint sich irgendwie von der Materie
zum Geist zu bewegen.«
(Belson)
An early Masterpiece of Non-Objective
Cinema. »I think of Allures
as a combination of molecular
structures and astronomical
events mixed with subconscious
and subjective phenomena - all
happening simultaneously. The beginning
is almost purely sensual,
the end perhaps totally nonmaterial.
It seems to move from matter to
spirit in some way.« (Belson)
1961, color, sound, 16mm, 8 min.
Sound Jordan Belson and Henry
Jacobs
Still from Allures (1961) (c) Jordan Belson,
courtesy Center for Visual Music
Belson erklärte: »Ich hoffte, dass
der Film irgendwie einen Geschmack
davon geben könnte, wie
die wirkliche Erfahrung von Samadhi
sein könnte«, und »Es ist
hauptsächlich ein abstraktes filmisches
Kunstwerk, das von Yoga und
Buddhismus inspiriert ist.
Belson stated: »I hoped that somehow
the film could actually provide
a taste of what the real experience
of Samadhi might be like«; and »It
is primarily an abstract cinematic
work of art inspired by Yoga and
Buddhism.«
1967, color, sound, orig. 16mm,
screened on PAL video, 6 min.
Sound Jordan Belson
Still from Samadhi (1967) (c) Jordan Belson,
courtesy Center for Visual Music.
Eine Reise durch die Chakren, die
psychischen Zentren im Körper, mit
dem Sound, den man während tiefer
Meditation hört.
A trip through the chakras, the
body's psychic centers, with the
sounds heard during deep meditation.
1972, color, sound, 16mm, 6 min.
Sound Jordan Belson
New Preservation Print
LIGHT
Jordan Belson
Light basiert auf der Kontinuität
des elektromagnetischen Spektrums.
Es ist eine Reise durch
Raum und Licht. Dies ist der letzte
Film, für den Belson seinen eigenen
Soundtrack komponierte.
Light is based on the continuity of
the electromagnetic spectrum. It is
a ride through space and light. This
is the last film for which Belson
composed his own soundtrack.
1973, color, sound, 16mm, 6 min.
Sound Jordan Belson
124

CYCLES
Jordan Belson, Stephen Beck
MUSIC OF
THE SPHERES
Jordan Belson
FOUNTAIN OF DREAMS
Jordan Belson
Komponiert mit Stephen Beck, ist
Cycles ein »Videofilm« der elektronische
mit kinematografischen
Techniken zusammenführt.
Composed with Stephen Beck, Cycles
is a »videofilm« that fuses
both electronic and cinematic
techniques.
1975, 16mm, color, sound, 10
min.
Sound by Stephen Beck
Still from Cycles (1975) (c) Jordan Belson and
Stephen Beck, courtesy Center for Visual Music
Music of the Spheres ist eine filmische
Destillation und Versöhnung
von vielen unterschiedlichen Traditionen
ohne eine Abweichug von
den bekannten wissenschaftlichen
Beobachtungen. Es versucht, unser
Sonnensystem als lebende Einheit
zu zeigen statt als ein mechanische
Anordnung von drehenden
Sphären, und ein Gefühl für das Innenleben
eines jeden Planeten zu
vermitteln, zusätzlich zu seinem
charakteristischen Aussehen. (Pyramid
Films, Study Guide, c. 1977)
Music of the Spheres is a cinematic
distillation and reconciliation of
many diverse traditions without
departing from the known scientific
observations. It seeks to show
our solar system as a living entity,
rather than a mechanical arrangement
of spinning spheres out in
space, and to convey a sense of
each planet’s inner nature, in addition
to its characteristic outer appearance.
(Pyramid Films, Study
Guide, c. 1977).
1977, abridged version 2002,
color, sound, originally 16mm,
abridged version screened
digitally, 7 min.
Music Iasos.
Gerade erst veröffentlicht. Eine
kräftige Synchronisation zu der
transzentendalen Musik von Franz
Liszt.
Der übrige Sound von Jordan Belson.
Programm kuratiert von Belson
und dem Center for Visual Music,
von CVM zur Verfügung gestellt. Allures,
Chakra und Light wurden
durch die Unterstützung der National
Film Preservation Foundation
erhalten.
Für mehr Informationen zu Belson:
www.centerforvisualmusic.org/Bel
son
Only recently released. A bold synchronization
to the Transcendental
music of Franz Liszt.
Program curated by Belson and
Center for Visual Music, provided
by CVM. Approx. 60 minutes plus
talk.
Allures, Chakra and Light were preserved
with support from the National
Film Preservation Foundation.
For more about Belson:
www.centerforvisualmusic.org/Bel
son
1984, released in 2007, color,
sound, produced on video, 12
min.
Music Liszt.
125

RETROSPECTIVE
MARY ELLEN BUTE
KINETISCHE KUNST – EINE SUCHE
REACHING FOR KINETIC ART
Mary Ellen Bute
Mary Ellen Bute with her oscilloscope, courtesy of
Cecile Starr and Center for Visual Music, Los Angeles
Anmerkung des Herausgebers: Mary Ellen Bute (1904-1983) war eine der ersten Filmemacherinnen in den Vereinigten
Staaten, die abstrakt arbeitete. Zwischen 1934 und 1953 drehte sie über ein dutzend Filme mit Materialien
wie Oszilloskopen, Spiegeln, dreidimensionalen Objekten – oft in Verbindung mit klassischer Musik. Ihre
Filme wurden im ganzen Land in kommerziellen Filmtheatern vorgeführt. Bute hat nur selten davon erzählt, wie
sie Filmemacherin wurde. Am 7. Mai 1976 hielt sie im Chicagoer Kunst-Institut einen Vortrag. Der folgende Auszug
wurde aus ihren Ausführungen zusammengestellt. Eine vollständige Bandaufnahme des Programms befindet
sich in der Sammlung des Projekts Pioneer American Women Filmmakers.
Ich war Malerin in Texas und lebte auf einer Ranch [bis mein Kunstlehrer aus Huston] für mich ein Stipendium
an der Pennsylvania Academy of Fine Arts organisierte. Das war für mich eine ganz neue Welt. Fast alle Artikel
und Zeitschriften, die bis in meinen Teil von Texas vorgedrungen waren, waren gegen die moderne Kunst.
Als ich dann [also] nach Philadelphia kam, war….ich tief beeindruckt von den wundervollen [Bildern] von Picasso,
der afrikanischen Kunst, [Paul] Klee, Braque, Kandinsky…Er [Kandinsky] verwendete abstrakte, nicht-gegenständliche
Elemente, so dass man eine Leinwand wie ein Musikstück erleben konnte…. Ich fand das alles
einfach unglaublich … [aber] bei all diesem sollte eigentlich auch die Zeit einbezogen werden. Es war ein Tanz.
Das wurde mein [Ziel]…
Ich ging nach New York und versuchte, die technischen Mittel zu finden. Was zu der Zeit am weitesten entwickelt
war, war die Bühnenbeleuchtung. Ich besuchte eine Kunstschule, wo wir dann vieles mit Beleuchtung
machten, aber das reichte nicht, Beleuchtung war eher ein Kunstmedium an sich. Durch einen glücklichen Zufall
wurde ich dann in Yale aufgenommen und sie hatten eine großartige Anlage. Und ich wurde natürlich eine
der Benutzer – auf der Suche nach meiner kinetischen Kunstform.
Yale beauftragte mich damit, die Welt mit dem Theater bekannt zu machen …und ich sah das Noh-Drama in Japan
und das Taj Mahal in Indien [wo das Gebäude von Edelsteinen umgeben ist]. Ich schaute in die Edelsteine
und sah, wie sich das Taj Mahal und der See darin spiegelte und das empfand ich als ungeheuer reizvoll… weil
es romantisch war und weil es kinetisch, visuell war. Ich begann mich damit zu vergnügen, mir all diese Formen
und Muster in Bewegung vorzustellen.
Zurück in New York berichtete ich Thomas Wilfred davon, der damals eine Farborgel entwickelt hatte. Das war
im Jahr 1929. Dann hörte ich von Leon Theremin … und machte mich mit seinem [Ton-]studio vertraut, um mehr
über Komposition zu lernen. Er fing an, sich für meine Entschlossenheit, eine kinetische visuelle Kunstform zu
entwickeln, zu interessieren [und half mir bei meinen Experimenten].
Wir versenkten winzige Spiegel in Röhrchen mit Öl, verbanden [sie] mit einem Oszillator und zeichneten dann
auf, wohin diese Lichtpunkte flogen. Wir fanden den Effekt aufregend – er war von so großer Reinheit.
Das war aber noch nicht genug. Wir bekamen schließlich eine Bolex-Kamera und begannen … mit den Dreharbeiten
zu meinem ersten Film Rhythm in Light. Es war eine vorwiegend dreidimensionale Animation. Pyramiden
und Tischtennisbälle, die alle durch Lichtmuster miteinander verbunden waren = und ich gab mich nicht zufrieden,
bis alles genauso rein- und rauskam, wie ich es geplant hatte.
--Freundlicherweise zur Verfügung gestellt von CVM Library. Ursprünglich veröffentlicht in Field of Vision, Nr.
13, Frühling 1985. Redakteur: Robert Haller, Verleger: Island Cinema Resources.
Editor’s Note: Mary Ellen Bute (1904-1983) was one of the first abstract film-makers in the United States. Between
1934 and 1953 she made over a dozen films with such materials as oscilloscopes, mirrors, three dimensional
objects -- often to classical music. Her films were presented in commercial theatres across the country.
Bute rarely spoke about how she became a film-maker. On May 7, 1976, she gave a talk at the Art Institute of
126

Publicity still for Mary Ellen Bute EMAF-Retrospective,
courtesy Cecile Starr and Center for Visual Music
Chicago. The following was assembled from her remarks. The complete tape recording of the program is in the
collection of the Pioneer American Women Filmmakers project.
I was a painter in Texas and lived on a ranch [until my Houston art teacher] arranged for a scholarship for me at
the Pennsylvania Academy of Fine Arts. This was a whole new world for me. Practically all of the articles and
journals that had reached my part of Texas were very against modern art.
[So] when I went to Philadelphia I was…deeply impressed by the wonderful Picassos, the African art, the [Paul]
Klees, the Braques, the Kadinskys…He [Kandinsky] used abstract, nonobjective elements so you could experience
a canvas the way you experience a musical composition…. Well, I thought it was terrific… [but] these
things should be unwound in time continuity. It was a dance. That became my [objective]...
I came to New York and tried to find the technical means. The most developed thing at the time was stage lighting.
I went to an art school where we did many things with lighting, but that wasn't adequate, an art medium
per se. Then, by a fluke, I got into Yale, and they had a fabulous switchboard - and of course I became one of its
runners, reaching for my kinetic art form.
From Yale I got the job of taking drama around the world… and got to see, oh, the Noh drama of Japan, and the
Taj Mahal of India [where gems surrounded the building]. I looked into the gems and saw reflected the Taj Mahal,
and the lake, and the whole thing appealed to me enormously…because it was romantic and because it was
a kinetic, visual thing. I started entertaining myself by imagining these designs and patterns all in movement.
Back in New York I related all of this to Thomas Wilfred, who at that time had developed a color organ. This was
in 1929. Then I heard from Leon Theremin… and apprenticed myself to his [sound] studio to learn more about
composition. He became interested in my determination to develop a kinetic visual art form [and helped me
with experiments].
We submerged tiny mirrors in tubes of oil, connected [them] to an oscillator, and drew where these points of
light were flying. The effect was thrilling for us - it was so pure.
But it wasn't enough. Finally we got a Bolex camera, and started… to make my first film, Rhythm in Light. It was
mostly three-dimensional animation. Pyramids, and ping pong balls, and all interrelated by light patterns = and
I wasn't happy unless it all entered and exited exactly as I had planned.
--Courtesy CVM Library. Originally published in Field of Vision, No. 13, Spring 1985. Editor: Robert Haller, Publisher:
Island Cinema Resources.
Mary Ellen Bute was born in Houston, Texas, on November 21, 1906, the first of six children in a socially prominent
family. From age 16 to 28, she studied at the Pennsylvania Academy of Art, the Yale Drama Department and
the Sorbonne, traveled around the world, and apprenticed to numerous avant-garde artists, scientists and musicians
in New York City. Between 1934 and 1953 Bute created 14 short abstract films, working with cinematographer
Theodore Nemeth, an expert in animation and special effects. First in black-and-white, then in color, then
pioneering in oscilloscope-generated imagery, most of the films were shown commercially in art theaters around
the country; six premiered on the huge screen of the Radio City Music Hall. In 1940, Bute and Nemeth were married
and he opened his own studio where she often wrote scripts for his documentary and advertising films. Two
sons, Theodore Jr. and James, were born in 1940 and 1947 respectively. Moving to live-action fiction films in the
mid-1950s, Bute produced a half-hour featurette, »The Boy Who Saw Through,« casting teen-aged Christopher
Walken in his first leading role. Bute devoted some seven years to the feature-length Passages From Finnegans
Wake, which she directed and produced. Her AFI-funded film about poet Walt Whitman was unfinished at the
time of her death on October 17, 1983, in New York City. (Cecile Starr)
127

RETROSPECTIVE
MARY ELLEN BUTE
LICHT * FORM * BEWEGUNG * TON
Mary E. Bute
Der Absolute Film ist kein neues Thema. Es handelt sich dabei um eine Art der Kunst, die sich wie andere Künste
auch logisch entwickelt hat, langsam zwar, aber dennoch folgerichtig.
Diese Kunst ist eine Wechselbeziehung zwischen Licht, Form, Bewegung und Ton, die miteinander verbunden
und projiziert werden, um eine ästhetische Vorstellung zu aktivieren. Sie hat keine Verbindung mit Vorstellungen
aus der Religion, Literatur, Ethik oder Dekoration. Licht, Form und Ton befinden sich hier in einem dynamischen
Gleichgewicht mit den kinetischen Raumbeziehungen.
Der Absolute Film spricht Auge und Ohr an. Andere bewegte Bilder machen sich zwar auch die durch Sehen und
Hören hervorgerufenen Sinneseindrücke zunutze, richten sich aber nicht an Auge und Ohr, sondern an den Intellekt.
In realistischen Filmen wird beispielsweise vom Zuschauer erwartet, dass er eine geschickte Imitation
der Natur genießt, sich also soweit täuschen lässt, dass er denkt, er habe das lebende Urbild vor sich. Demgegenüber
regt der Absolute Film unsere visuellen und auditiven Sinne direkt durch Farbe, Form, Rhythmus und
Ton an. In realistischen Filmen ist das Medium der erzählten Geschichte, dem Symbol oder der Darstellung untergeordnet.
Wir sehen den Absoluten Film durch die Kraft der ihm inhärenten Sinneseindrücke als Stimulans,
ohne dass ihn literarische Bedeutung, fotografische Imitation oder Symbolismus belasten. Unsere Freude an
einem Absoluten Film hängt ausschließlich von dem durch ihn ausgelösten Effekt aus: während beim Betrachten
eines realistischen Films der von ihm hervorgerufene Sinneseindruck sich auf das von ihm evozierten geistigen
Bild gründet.
Filmemacher, Maler und Musiker teilen sich die Begeisterung für den Absoluten Film. Durch kreativen Einsatz
der Kamera finden Kameramänner eine nahezu unerschöpfliche Quelle neuer Ausdrucksmöglichkeiten und
Ausdrucksmittel, von denen man nicht einmal zu träumen wagte, als man die Kamera lediglich als Aufnahmegerät
eingesetzte. Wir müssen aber Maler und Musiker wieder aufgreifen, um die Vorstellungen aufzuspüren,
die wahrscheinlich den Absoluten Film hervorgebracht haben.
Die Beschäftigung mit dem Absoluten Film nimmt sowohl hierzulande als auch im Ausland zu. Die Grundlagen
dazu wurden schon vor Jahren gelegt und der Absolute Film wurde vor nicht allzu langer Zeit von Cezanne und
seinen Anhängern antizipiert, bei denen wir erleben konnten, wie eine abstrakte Art zu malen entstand. Cezanne
nutzte die Beziehungen zwischen Farbe und Form und verwarf die früher übliche Mischung von lokal eingegrenztem
Licht und Schatten. Durch die Betonung dieser Beziehung entband er die Farbe von ihren rein imitierenden
Eigenschaften und ließ sie als Farbe selbst visuelle Eindrücke schaffen. Seine Still-Leben: Äpfel und
Tischdecke sind nicht als objektive Darstellungen zu verstehen; sie sind vielmehr organisierte Gruppen von Formen,
die miteinander in Beziehung stehen, ausgewogene Proportionen haben und visuelle Assoziationen
wecken. Er verwendet Farbe auf einer statischen Oberfläche so, dass der nächstfolgende Schritt die Einführung
einer zeitlichen Sequenz und einer Textur größerer Bandbreite sein musste.
Die Kubisten versuchten auf einer statischen Oberfläche Sinneseindrücke für das Auge zu schaffen, die dem
entsprechen, was der Ton für das Ohr ist. Dies erreichten sie, indem sie auf einer visuellen Fläche gleichzeitig
die gemeinsamen Aspekte desselben Objekts - gesehen aus vielen unterschiedlichen Blickwinkeln oder in unterschiedlichen
Intervallen – darstellten. Sie haben versucht, Formen, die entfernt mit bekannten Objekten
verwandt sind, so anzuordnen, dass durch die Betrachtung einer objektiven Welt subjektive Gefühle geweckt
wurden.
Das Element der Musik erscheint in den Gemälden von Kandinsky. Er malte abstrakte Kompositionen, die sich
auf eine willkürliche chromatische Sinnesskala gründeten. Das Wort Farbe taucht häufig in den Texten von
Wagner auf. In »Reminis of Amber« (1871) schreibt er: »Amber ließ seine Musik jeden Kontrast, jede Mischung
von Kontur und Farbe reproduzieren – wir können uns fast vorstellen, es mit einem echten musikalischen
Gemälde zu tun zu haben.«
Es gibt endlos viele Beispiele, die wir zitieren könnten. Von einigen Musikern ist bekannt, dass sie mit bestimmten
Instrumenten Farben assoziieren.
Diese Experimente von Musikern und Malern, von Menschen also, die große Erfahrung mit den Arbeitsgeräten
ihrer ursprünglichen Kunstform haben, haben uns diese Möglichkeit, zwei verschiedene Medien miteinander zu
kombinieren, ins Bewusstsein gebracht. Dieses neue Ausdrucksmedium ist der Absolute Film. Der Künstler
schafft hier eine Welt aus Farbe, Form, Bewegung und Ton, in der sich alle Elemente in einem kontrollierbaren
Fließzustand befinden, wobei die beiden Materialformen (visuell und auditiv) in allen denkbaren wechselseitigen
Beziehungen miteinander stehen und Änderungen unterliegen.
Ursprünglich veröffentlicht in der Zeitschrift Design, 1956. Freundlicherweise zur Verfügung gestellt vom Center
for Visual Music Library und Cecile Starr.
128

LIGHT * FORM * MOVEMENT * SOUND
Mary E. Bute
Publicity still for Mary Ellen Bute EMAF-Retrospective,
courtesy Cecile Starr and Center for Visual Music
The Absolute Film is not a new subject. It is concerned with an art which has had as logical development as other
arts, perhaps slowly but naturally. This art is the interrelation of light, form, movement and sound – combined
and projected to stimulate an aesthetic idea. It is unassociated with ideas of religion, literature, ethics or
decoration. Here light, form, and sound are in dynamic balance with kinetic space relations.
The Absolute Film addresses the eye and the ear. Other motion pictures, although making use of the sensations
of sight and sound, address not the eye and ear but the intellect. For example, in realistic films, the onlooker is
expected to enjoy the clever imitation of nature – to be deceived into thinking the living prototype is before him.
Whereas the Absolute Film stimulates our visual and aural senses directly with color, form, rhythm and sound.
In realistic films, the medium is subordinate to story, symbol or representation. We view an Absolute Film as a
stimulant by its own inherent powers of sensation, without the encumbrance of literary meaning, photographic
imitation, or symbolism. Our enjoyment of an Absolute Film depends solely on the effect it produces: whereas,
in viewing a realistic film, the resultant sensation is based on the mental image evoked.
Cinematographers, painters and musicians find a common enthusiasm in the Absolute Film. Through using the
motion picture camera creatively, cameramen find a seemingly endless source of new possibilities and means
of expression undreamed of while the camera was confined to use merely as a recording device. But we must
turn back to painters and musicians to find the ideas which probably motivated the Absolute Film into a state
of being.
Work in the field of the Absolute Film is accelerating both here and abroad. The foundations for it were laid
years ago and it was more recently anticipated by Cezanne and his followers with whom we have an abstract
art of painting taking form. Cezanne used the relationships between color and form, discarding the former mixture
of localized light and shade. By stressing relationship, he lifted color from imitating objective nature to producing
a visual sensation in itself. His paintings of still-lifes: apples and tablecloth, are not conceived in a spirit
of objective representation; they are organized groups of forms having relationships, balanced proportions
and visual associations. His use of color on a static surface reaches a point where the next step demanded an
introduction of time sequence and a richer textural range.
The Cubists tried to produce on a static surface a sensation to the eye, analogous to the sensation of sound to
the ear. That is, by the device of presenting simultaneously within the visual field the combined aspects of the
same object viewed from many different angles or at different intervals. They tried to organize forms distantly
related to familiar objects to convey subjective emotions aroused by contemplation of an objective world.
The element of music appears in the paintings of Kandinsky. He painted abstract compositions based on an arbitrary
chromatic scale of senses. The word color occurs often in the writing of Wagner. In the »Reminis of Amber«
(1871) he writes: »Amber made his music reproduce each contrast, every blend in contours and color – we
might almost fancy we had actual music paintings.«
There is simply no end to the examples which we might cite. Some musicians have gone on record as having color
associations with specific instruments. These experiments by both musicians and painters, men of wide experience
with their primary art material, have pushed this means of combining the two mediums up into our
consciousness. This new medium of expression is the Absolute Film. Here the artist creates a world of color,
form, movement and sound in which the elements are in a state of controllable flux, the two materials (visual
and aural) being subject to any conceivable interrelation and modification.
Originally published in Design Magazine, 1956.
Provided courtesy Center for Visual Music Library and Cecile Starr.
129

RETROSPECTIVE
MARY ELLEN BUTE
Das Mary-Ellen-Bute-Filmprogramm wurde vom Center for Visual Music
in Zusammenarbeit mit Cecile Starr and dem Women´s Independent Film
Exchange organisiert.
Ein herzlicher Dank geht an Cindy Keefer vom CVM, Los Angeles.
Bute program organized by Center for Visual Music in association with
Cecile Starr and the Women’s Independent Film Exchange.
Special thanks to Cindy Keefer, CVM, Los Angeles.
DOCUMENTARY. EXCERPT
Kit Basquin, Cecile Starr, Larry Mollot
Publicity flyer for Mary Ellen Bute films,
produced by Ted Nemeth Studios.
Courtesy Center for Visual Music
Publicity still for Mood
Contrasts by Mary Ellen
Bute, courtesy Cecile
Starr and Center
for Visual Music
Still from Mary Ellen
Bute's Color Rhapsody,
courtesy Center for
Visual Music and Cecile
Starr
Ein Werk in Arbeit von Kit Basquin, Cecile Starr und Larry Mollot,
das Interview-Filmmaterialien von Bute selbst enthält.
A work in progress by Kit Basquin, Cecile Starr and Larry Mollot,
which includes interview footage of Bute herself.
USA, color, sound, digital, 13:00
Realisation Kit Basquin, Cecile Starr, Larry Mollot
RHYTHM IN LIGHT
Mary Ellen Bute
In »Rhythm in Light« benutzt die Künstlerin visuelle Materialien so, wie ein Musiker Ton verwendet. Masse und
Linien und brillante Arabesken aus der unerschöpflichen Fantasie der Künstlerin tanzen zu den Klängen von
der Musik Edward Griegs. Die visuellen und auditiven Materialien sind sowohl strukturell als auch rhythmisch
miteinander verwandt - ein mathematisches System, das benutzt wird, um die zwei Ausdrucksformen zu kombinieren
(Werbeflyer, Ted Nemeth Studios).
In the »Rhythm in Light,« the artist uses visual materials as the musician uses sound. Mass and line an brilliant
arabesques from the inexhaustible imagination of the artist perform a dance to the strains of Edward Grieg's
music. The visual and aural materials are related both structurally and rhythmically - a mathematical system
being used to combine the two means of expression. (promotional flyer, Ted Nemeth Studios).
USA 1934, b/w, 5:00, originally 35mm, screened in 16mm
Music Grieg's »Anitra's Dance«
Realisation M. E. Bute in collaboration with Melville Webber and Ted Nemeth
Premiered at Radio City Music Hall, 1935.
130

SYNCHROMY NO. 2
Mary Ellen Bute
»Ziemlich fortgeschritten und unterhaltsam«
- New York Times.
Premiered at Radio City Music Hall.
»Something pretty advanced and
amusing« - New York Times.
USA 1935, b/w, 5:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music Wagner's »Evening Star«
Realisation Mary Ellen Bute
DADA
Mary Ellen Bute
»Geistreich und entzückend, es
verlässt zu schnell den Bildschirm.«
- CUE Magazin.
For Universal Newsreel. »Animated
with Dada humor to a waltz tune.
Witty and delightful, it flashes off
the screen too soon.« - CUE magazine.
USA 1936, b/w, 3:00, originally
35mm, screened in 16mm
Realisation Mary Ellen Bute
PARABOLA
Mary Ellen Bute
Basiert auf Rutherford Boyds
außergewöhnlicher Skulptur, die
die parabolische Kurve ausarbeitet.
Based on Rutherford Boyd's extraordinary
sculpture elaborating
the parabolic curve.
USA 1937, b/w, 9:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music Darius Milhaud's »La
Creation du Monde.«
Realisation Mary Ellen Bute
ESCAPE
Mary Ellen Bute
SPOOK SPORT
Mary Ellen Bute
Ein neuer abstrakter Film in der
»Seeing Sound« Reihe von M.E.
Bute. »Ein lustiger abstrakter Film,
über den die LEUTE REDEN, gefüllt
mit körperlosen Gespenstern, Fledermäusen
und Knochen.« -Allene
Talmey, Vogue.
A new abstract movie in the »Seeing
Sound« series by M.E. Bute.
»Fun abstract movie that PEOPLE
are TALKING ABOUT, filled with disembodied
spooks, bats and
bones.« -Allene Talmey, Vogue.
USA 1939, color, 8:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music Saint-Saen's »Danse
Macabre«
Realisation Mary Ellen Bute
Animation Norman McLaren
Escape basierte auf einem einfachen
Handlungsablauf, mit Hintergrundmusik
vertont, der geometrische
Figuren für die Handlung verwendete.
(Bute)
Escape was based on a simple plot
set against a musical background,
and employed geometric figures for
the action. (Bute)
USA 1937, color, 5:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music Bach's »Toccata and
Fugue in D Minor«
Realisation Mary Ellen Bute
131

RETROSPECTIVE
MARY ELLEN BUTE
TARANTELLA
Mary Ellen Bute
COLOR RHAPSODY
Mary Ellen Bute
IMAGINATION
Mary Ellen Bute
»Eine aufregende neue Technik...
ausgefallen und lustig...« (Film
Daily)
»An exciting new technique...Unusual
and amusing...« (Film Daily)
USA 1940, color, 5:00, originally
35mm, screened in 16mm
Piano music Edwin Gershefsky.
Realisation Mary Ellen Bute
POLKA GRAPH
(FUN WITH MUSIC)
Mary Ellen Bute
Begann als eigentliche Zeichnung
von Schostakowitchs Polka aus
»The Age of Gold.« Preisträger beim
Venice Film Festival.
Began as an actual chart of
Shostakovich's Polka from »The
Age of Gold.« Award winner at
Venice Film Festival.
USA 1947, color, 5:00, originally
35mm, screened in 16mm
Realisation Mary Ellen Bute
»[Bute] geht über ihre Einflüsse
hinaus; ihre visuelle Fantasie triumphiert.
Ich mag den romantischen
Flair von COLOR RHAPSODY,
die visuelle Dichte... Ich denke, die
Zeit ist gekommen, wo wir alle Werke
von Bute in einem neuen Licht
neu betrachten und schätzen sollten.«
- Jonas Mekas, Soho Weekly
News (9/23/76)
»[Bute] transcends her influences;
her visual imagination triumphs. I
like the romantic flair of COLOR
RHAPSODY, its visual density...I
think it is time to re-see and reevaluate
all of Bute's work in a new
light.« - Jonas Mekas, Soho Weekly
News (9/23/76)
USA 1948, color, 6:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music Liszt's »Hungarian
Rhapsody No. 2«
Realisation Mary Ellen Bute
Premiered at Radio City Music
Hall 1951.
»...surrealer Film... unwirkliche und
reizende Formen schweben herum...
die Arbeiten von Mary Ellen
Bute - einer Pionierin in dieser Sache,
deren Talente öfter genutzt
werden sollten.« - Gilbert Seldes,
Saturday Review
»...surrealist film...unreal and delectable
shapes floating
about...the work of Mary Ellen Bute
- a pioneer in this sort of thing
whose talents should be more often
used.« - Gilbert Seldes, Saturday
Review
USA 1948, color, 3:00, originally
35mm, screened in 16mm
Production Steve Allen
Realisation Mary Ellen Bute
132

NEW SENSATIONS
IN SOUND
Mary Ellen Bute
ABSTRONIC
Mary Ellen Bute
MOOD CONTRASTS
Mary Ellen Bute
USA 1949, color, 3:00, originally
35mm, screened in 16mm
Realisation Mary Ellen Bute
Produced for RCA TV
commercial programs
PASTORALE
Mary Ellen Bute
Eine bildhafte Begleitung in abstrakten
Formen.
A pictorial accompaniment in abstract
forms.
USA 1950, color, 8:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music J.S. Bach's »Sheep May
Safely Graze«
Realisation Mary Ellen Bute
Diese elektronischen Bilder der
Musik sind natürliche Phänomene,
die in der subatomaren Welt ihr Zuhause
haben; sie werden dann in
der Bildröhre erfasst und mit einer
Bewegungskamera gefilmt. Die farbigen
Hintergründe sind von Hand
gemacht und überlagern die elektronische
Animation der musikalischen
Themen. In diesem Film verbindet
Filmkünstlerin Mary Ellen
Bute Wissenschaft mit Kunst, um
den »Seeing Sound« zu kreieren.
(Pressefreigabe von den Ted Nemeth
Studios)
These electronic pictures of the
music are a natural phenomena
which take place in the sub-atomic
world; they are then captured on
the Cathode Ray Oscilloscope and
filmed with the motion picture
camera. The colored backgrounds
are hand done and superimposed
on the electronic animation of the
musical themes. In this movie, film
artist Mary Ellen Bute combines
Science an Art to create »Seeing
Sound.« (Press release from Ted
Nemeth Studios)
USA 1952, color, 7:00, originally
35mm, screened in 16mm
Music Aaron Copland's »Hoe
Down« and Don Gillis's »Ranch
House Party«
Realisation Mary Ellen Bute
»Ein so produzierter abstrakter
Film liefert uns eine der aufregendsten
Erfahrungen, die Bewegungsbilder
bieten können, sowohl in der
Machart, als auch beim Sehen und
Zuhören,.« (Jesse Zunser, »Kinetic
Space,« CUE Magazin.) »Eigentliche
Tonbilder werden in der
Bildröhre erfasst« (Eingangstitel
mit Stimme aus dem Off)
»An abstract film made in this
fashion provides, in the making as
well as the seeing and listening,
one of the most thrilling experiences
the motion picture affords.«
(Jesse Zunser, »Kinetic Space,«
CUE Magazine.) »Actual pictures of
sound captured on cathode ray oscilloscope«
(voice over opening titles)
»Hymn to the Sun« from The Golden
Cockerel and »Dance of the
Tumblers« from The Snow Maiden
by Rimsky-Korsakov. Premiered at
Radio City Music Hall.
USA 1953, color, sound, 7:00,
originally 35mm, screened in
16mm
Realisation Mary Ellen Bute
133

SPECIAL PROGRAM
CHILE
POLITISCHE FIKTIONEN - CHILENISCHE VIDEOS
Kuratorin Paz Guevara
»Politische Fiktionen« ist eine Werksammlung neuerer bewegter Bilder chilenischer Videokünstler. All diese Arbeiten
verfolgen einen fiktiven politischen Plan. Durch die Erfindung, Nachstellung und Reparatur politischer
Diskurse erzeugen sie eine imaginäre Dimension. Neue Ursprünge, Symbole, Bestrafungen, Rituale und Monumente
werden gefeiert. Sie verweisen auf Mystisches und Unzivilisiertes, auf Ironie und Sarkasmus. Im nächsten
Jahr feiert Chile, wie viele andere Republiken in Südamerika, den 200. Jahrestag seiner Unabhängigkeit.
Diese politischen Fiktionen skizzieren eine Neuerfindung unserer Identität und Geschichte, ihre Zukunftsvision
und ihr Widerstand zielt auf eine größere Ideenwelt als die eingeschränkte Geschichte des Nationalstaats.
»Political Fictions« is a compilation of recent moving image works by Chilean video artists. All of these works
play a political-fictive plan. By inventing, re-enacting and repairing political discourses, these video works trigger
an imaginary dimension. New origins, symbols, punishments, rituals and monuments are celebrated. They
convoke the mythical and the uncivilized, the irony and the sarcasm. Next year Chile, as many other Republics
in South America, will celebrate its 200th anniversary of independency. These political fictions project a re-invention
of our identity and history, envisioning and resisting for a larger imagination than the narrow history of
the Nation-State.
Paz Guevara, *1976 in Santiago, Chile, PhD, Humboldt University Berlin, lives in Berlin. Paz Guevara has curated
moving image art exhibitions including »Comunidad Ficticia« (Matucana 100, Santiago, 2009), »Berlin change
plus vite que mon coeur - Images mouvantes pour une vision actuelle« (Lille3000, 2009, Lille), »After the Light:
Moving Image displayed at Night« (Radialsystem, Berlin, 2008); »Where is the contemporary Art Today?« (Museo
de Arte Contemporáneo, Sao Paulo, 2007); »Homemade« (de Warande Art Centre, Turnhout, Belgium, 2007), »Sala
de la Tele« (Centro de Documentación de las Artes at the CCPLM and Bienal de Performance, Santiago, 2006) and
»Videocracia« (Bienal de Videos y Nuevos Medios, Santiago, 2005). She is currently working as Curatorial Assistant
to Alfons Hug at the 2. Bienal del Fin del Mundo in Ushuaia, Argentina and prepares her upcoming project
for Radialsystem in Berlin »After the Light II: Performing the Moving Image«. She has worked as organizer of
TANAS art space in Berlin in 2008 and as Project Assistant at the KW Institute for Contemporary Art in Berlin between
2005 and the beginning of 2008.
DIGGING THE
AMERICAN DREAM
Manuela Viera-Gallo
MONGA
Caty Purdy
MERITORIA
Alejandro Moreno
Die Künstlerin stellt die ironische
Archäologie und die Entdeckung
des amerikanischen Traums dar.
The artist performs the ironic
archeology and discovery of the
American dream.
Chile 2008, Video, 4:50
Realisation Manuela Viera-Gallo
134
Ein Videoclip, in dem die Künstlerin
Tierkostüme trägt und ein Musikinstrument
benutzt, welches aus einem
Tigerskelett gemacht wurde.
A video clip where the artist performs
in animal costumes and uses
a musical instrument made of a
tiger’s corpse.
Chile 2008. Video-Clip, 3:56
Realisation Caty Purdy
A fictive ethnic minority celebrates
their rituals using costumes embroidered
with images of human
reproductive organs.
Eine fiktive ethnische Minderheit
feiert ihre Rituale, indem sie
Kostüme tragen, auf die Bilder
menschlicher Fortpflanzungsorgane
gestickt sind.
Chile 2008. Video, 11: 20
Realisation Alejandro Moreno

LUIS
Cristobal León, Niles Atallah and
Joaquin Cociña
LU-CHE III
Giancarlo Pazzanese
LA ESCLAVA
Cristobal León and Paula Salas
Schmutz kommt ins Haus, zerstört
die Einrichtung und macht den Innenbereich
genauso chaotisch und
bedrohlich wie die Außenwelt.
Dirt comes inside the house, it destroys
the furniture and makes the
interior as wild and threatening as
the exterior.
Chile 2008. Stop Motion
Animation, 4: 02
Realisation Cristobal León,
Niles Atallah, Joaquin Cociña
Der Künstler spielt ein Kinderspiel
»Luche« und betet zum Vorsitzenden
der kommunistischen chilenischen
Partei, dass er (bei der Revolution)
Erfolg hat.
The artist performs a children’s
game, »Luche«, and prays to the
president of the communist
Chilean party to succeed (in the
revolution).
Chile 2009. Video, 7:45
Realisation Giancarlo Pazzanese
Zwei Darsteller spielen einen Dialog
zwischen einem Herren und einem
Sklaven, dieser Dialog wurde
aus einem nordamerikanischen
Pornofilm übernommen.
Two characters re-enact a dialogue
between the master and the slave,
which was taken from a North
American porno movie.
Chile 2008. Stop Motion
Animation, 2:06
Realisation Cristobal León,
Paula Salas
KRON TRANSMISSION,
AN ANACHRONIC
SCIENCE FICTION TALE
Marcela Moraga
THE MISSING MONUMENT FOR
WASHINGTON DC O PROPUESTA DE
MONUMENTO PARA VICTOR JARA
Iván Navarro
Ein Radio befindet sich an verlassenen Orten. Es sendet
Teile des Romans »Russland« und des Science-
Fiction Buches »Wir« von Jewgeni Samjatin. Das Radio
ist der einziger »Darsteller« im Film.
A radio is located in abandoned places. It broadcasts
fragments of the novel »Russland« and the science
fiction book »Wir« by Jewgeni Samjatin. The radio is
the only »character« in the film.
Chile 2008. Video, 14:50
Realisation Marcela Moraga
Als eine Art Entschädigung für die Geschichte, kreiert
der Künstler das fehlende Monument für Victor Jara.
As a reparation for history, the artist created the missing
monument for Victor Jara.
Chile 2008. Video, 4:09
Realisation Iván Navarro
135

SPECIAL PROGRAM CINE TRANS EUROPE
AMSTERDAM FILM EXPERIENCE
EVOLIZER
Jan van Nuenen
CINE TRANS EUROPE ist eine Kooperation von fünf europäischen
Festivals (FILM EXPERIENCE, Amsterdam,
L´ALTERNATIVA INDEPENDENT FILM FESTIVAL, Barcelona,
CORK FILM FESTIVAL, Cork, FESTIVAL INTERNA-
TIONAL SIGNES DE NUIT, Paris und dem EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL, Osnabrück), mit dem Ziel, ein
»Cinéma de différence« zu prolongieren, ein Cinéma,
das mit Lust Komplexität, Enigmatismus, Experimentierfreude
und Differenzarbeit vereint, das rebelliert
gegen Standards, Normen und Stereotypen, im Wissen
darum, dass lediglich nicht repetitive audiovisuelle
und cinematographische Sprachen eine kleine Chance
haben, Wirklichkeit einzufangen und perzipierbar zu
machen.
CINE TRANS EUROPE is a cooperation between five
European festivals (FILM EXPERIENCE, Amsterdam,
L´ALTERNATIVA INDEPENDENT FILM FESTIVAL,
Barcelona, CORK FILM FESTIVAL, Cork, FESTIVAL IN-
TERNATIONAL SIGNES DE NUIT, Paris and the EURO-
PEAN MEDIA ART FESTIVAL, Osnabrück), which has
the objective to prolong a »Cinéma de différence«, a
Cinéma that unites complexity, enigmatism, fondness
of experimenting and difference work with lust, which
rebels against standards, norms and stereotypes,
knowing that merely non-repetitive audiovisual and
cinematographic languages only have a small chance
to capture reality and make it perceptible.
Dieter Wieczorek
Festival Signes de Nuit / Paris
In einer Stadt der Zukunft streifen
schwarze und weiße Gestalten umher.
Eine davon, die einen mysteriösen
Kasten mit sich trägt, führt uns
in ein Gebäude. Der Kasten öffnet
sich und beginnt seine eigenen
physikalischen Gesetze preiszugeben.
Grundelemente beginnen
spontane Veränderungen und erschaffen
immer komplexere organische
Arten. Es gibt einen brutalen
Kampf ums Leben. Wer ist am
besten angepasst?
Black and white figures are moving
around in a futurist city. One of the
figures, carrying a mystic box,
leads you inside a building. The box
opens and begins to reveal its own
laws of physics. Basic elements
begin to modulate spontaneously,
creating more and more complex
organic species. There’s a violent
struggle for life. Who is the fittest?
Netherlands 2007, 10:36
Realisation Jan van Nuenen
136

THEE WRECKERS:
NO PLACE LIKE HOME
Rosto A.D
MATTER IN MOTION
Ruth Jarman and Joe Gerhardt
LACUS TEMPORIS
Bret Battey
Nirgends ist es wie zu Hause. Nirgends
ist es wie in der Hölle. Ein
einäugiger, abgehalfterter TV Moderator
versteckt sich in einem Hotelzimmer
mit seinem toten Kumpel,
um sich Wiederholungen aus
ihren besseren Zeiten anzusehen.
Musik geschrieben von Rosto, gespielt
von Thee Wreckers.
There’s no place like home. There’s
no place like hell. A one-eyed hasbeen
TV presenter hides away in a
hotel room with his dead sidekick
to watch reruns from their better
days. Music written by Rosto, performed
by Thee Wreckers.
Netherlands 2008, 6:10
Realisation Rosto A.D
Das Universum ist zugleich in einem
Zustand von Einheit und Zerfall.
Auf der Suche nach dem Verstehen
der materiellen Welt um uns
herum, wurde die Stadt Mailand
durch Semiconductor neu strukturiert.
Mit Merkmalen, die eher aus
der molekularen Welt bekannt
sind, hat das Stadtbild begonnen,
natürliche Eigenschaften anzunehmen,
die eine Stadt in Einzelteilen
zeigen und in der sich generative
Arten in ständiger Wandlung befinden.
The Universe is at once in a constant
state of integration and disintegration.
In searching for an understanding
of the material world
around us, Semiconductor have restructured
the city of Milan. Displaying
attributes more familiar to
the molecular world, its cityscapes
have started to take on natural
properties that reveal a city in
pieces and where generative forms
are in perpetual transformation.
UK 2008, 5:36
Realisation Ruth Jarman and
Joe Gerhardt
Die Ton- und Bildkomposition Lacus
Temporis (Lake of Time) entsteht
aus einer einzigen, subtilen
Farbpalette. Die andauernde Animation
von fast 12.000 Einzelpunkten
und die laufende Veränderung
eines rückkoppelnden Syntheseprozesses
geben zarte Beschaffenheiten
wieder, die zwischen Sichtbarkeit
und Unsichtbarkeit, Hörbarkeit
und Stille, Ordnung und Ungewissheit
schweben.
The sound and image composition
Lacus Temporis (Lake of Time) arises
from a single, subtle colour
palette. The continuous animation
of nearly 12,000 individual points
and the ongoing transformation of
one feedback synthesis process
render delicate states hovering between
visibility and invisibility, audibility
and silence, order and uncertainty.
UK 2008 8:25
Realisation Bret Battey
137

SPECIAL PROGRAM CINE TRANS EUROPE
AMSTERDAM FILM EXPERIENCE
ENERGIE!
Thorsten Fleisch
PNEUMA MONOXYD
Thomas Koener
CHEER ME UP THANK
YOU - VIDEO FOR NEW
BUFFALO
Ryan+Sverre
Das Bild wird durch einen kontrollierten
Elektronenstrahl in der Kathodenstrahlröhre
zum Leben erweckt.
In »ENERGIE!« belichtet
eine unkontrollierte Hochspannungsentladung
von 30.000 Volt
mehrere Bögen Fotopapier, die
dann mit der Zeit angeordnet werden,
um neues visuelle Systeme
der Elektronenordnung hervorzubringen.
Obgleich das Ergebnis abstrakt
ist, wird hier eine allbekannte
Geschichte erzählt, die älter ist
als die Erde selbst.
The screen comes alive by a controlled
beam of electrons in the
cathode ray tube. For »ENERGIE!«
an uncontrolled high voltage discharge
of 30,000 volts exposes
multiple sheets of photographic
paper which are then arranged in
time to create new visual systems
of electron organisation. Even
though the result is abstract, it
tells a universal story older than
the world itself.
Germany 2007, 5:03
Realisation Thorsten Fleisch
Music by Jens Thiele
Verschmelzende Überwachungsbilder
einer deutschen Einkaufsstraße
und eines Marktplatzes auf
dem Balkan, Köners dunkel, abstrakte
Arbeit, mit dem räumlich,
atmosphärischen Soundtrack, ruft
ein gedämpftes Gefühl gespenstischer
Dystopie hervor. –Mark Webber
Merging surveillance images of a
German shopping street and a
Balkan marketplace, Köner's darkly
abstract work, with its spatially
evocative soundtrack, generates a
muted sense of spectral dystopia.
–Mark Webber
Germany 2007, 10:10
Realisation Thomas Koener
Dieses üppige und schöne Stück ist
ein großartiges Beispiel für Crossover
Animation: übereinandergelegte
Fotos, Video, alte Filme, digitale
Kunst und Animation. Mit den lieblichen
Klängen von Sally Seltmanns
»Cheer Me Up Thank You«
vertont.
This lush and beautiful piece is a
great example of crossover animation,
blending photos, video, old
film, digital art, and animation. Set
to the sweet sounds of Sally Seltmann’s
»Cheer Me Up Thank You«.
Australia /Netherlands 2007,
3:13
Realisation Ryan+Sverre
138

UNDISCLOSED BEAUTY
Anders Weberg
DIN OF CELESTRIAL
BIRDS
E. Elias Merhige
WHITE NOISE
Dennis Miller
»Nur weil Du mir in die Augen
spuckst, bedeutet es nicht, dass
ich klar sehen kann …«
Ein poetisches und klaustrophobisches
Stück. Anders Weberg bringt
einzigartig verinnerlichte, fast analoge
Metaphorik hervor, durch einen
mysteriösen Prozess angewandt
auf Video.
»Just because you spit in my eyes
does not mean that I have clear vision…«
A poetic and claustrophobic piece.
Anders Weberg produces unique
visceral, almost analog, imagery
through a mysterious process applied
to video.
SE 2007, 3:13
Realisation Anders Weberg
Hallo und willkommen… haben Sie
keine Angst… fühlen Sie sich
wohl… erinnern Sie… unseren Anfang…
Eine Reise durch die Entstehung
des Bewusstseins. Eine neue Art
der Filmproduktion, die neue und
alte Techniken verbindet, vom Regisseur
von »Begotten«.
Hello and welcome… do not be
afraid… be comforted… remember…
our origin…
A trip through the evolution of consciousness.
A new form of filmmaking
combining new and old
technologies, from the director of
»Begotten«.
USA 2006, 16:00
Realisation E. Elias Merhige
White Noise ist eine rasante Arbeit,
in der der Lauf der Ereignisse ständig
unterbrochen wird. Der Titel
stammt sowohl vom Gebrauch des
Lärms, als Mittel zur Erzeugung visueller
und musikalischer Elemente,
als auch davon, die Farbpalette
im mittleren Teil des Stückes hervorzuheben.
Mit fortwährend
wechselnden Perspektiven und abrupten
Gegenüberstellungen von
Elementen, wird in White Noise beabsichtigt,
das Chaos und die
Störungen, die ins tägliche Leben
eindringen, widerzuspiegeln.
White Noise is a fast-paced work in
which the flow of events is constantly
disrupted. The title stems
both from the use of noise as a
means to generate the visual and
musical elements, as well as to
highlight the colour palette in the
central section of the piece. With
its constantly shifting perspectives
and abrupt juxtaposition of elements,
White Noise is intended to
evoke reflections on the chaos and
interruptions that permeate everyday
life.
USA 2007, 9:45
Realisation Dennis Miller
139

SPECIAL PROGRAM CINE TRANS EUROPE
CORK FILM FESTIVAL / IRLAND
FALL
Paddy Jolley
PLAYING UP
Ian Helliwell
CABINET
Todd Herman
Langeweile züchtet ihre eigenen
Tagträume. Wiederholungen erodieren
das Gespür für den Ort und
lassen Gebäude weniger substantiell
erscheinen. Die Logik dieser
Verschiebungen bewirkt, dass Dinge
da hinschwimmen und kleine
Zerstörungen hervorrufen.
Tedium breeds its own reverie.
Repetitions erode sense of place
and make buildings seem less substantial.
The logic of these displacements
causes things to come
adrift and cause events of small
destruction.
Ireland | 2008 | 11 :00, | Beta |
Colour
Realisation Paddy Jolley
Gefundenes Super-8 Filmmaterial
von Kinder- und Erwachsenenspielen,
welches naturgemäß brüchig
war, wurde geschnitten und wieder
zusammengesetzt, um neue Rhythmen
und Zusammenhänge zu
zeigen.
Naturally decayed found super-8
footage of children’s and adults
games, has been cut up and spliced
back together to reveal new
rhythms and connections.
England | 2007 | 3:00 | Beta |
Colour
Realisation Ian Helliwell
Irgendwo zwischen der Trauer und
dem Aufziehen, zeichnet Todd Hermans
Film Cabinet eine Ikonografie
der Abwesenheit und dem was im
Gedächtnis und der Vorstellung
verbleibt.
Somewhere between mourning and
nurturing, Todd Herman's film Cabinet
maps an iconography of absence
and what remains in memory
and imagination.
USA | 2007 | 16:00 | Beta | Black
& White
Realisation Todd Herman
140

THE JUCHE IDEA
Jim Finn
In den späten Sechzigern sicherte sich Kim Jong II seine Nachfolge als der Geliebte Führer
von Nordkorea, indem er die Philosophie seines Vaters Chuch'e (sprich: Dschutsche) an Propaganda,
Film und Kunst anpasste. Übersetzt mit »Selbstständigkeit«, ist Chuch'e oder Juche
ein hybrides Gebilde aus konfuzianischem und autoritär, stalinistischem Pseudo-Sozialismus.
Der Film handelt von einem südkoreanischen Videokünstler, der in ein nordkoreanisches
Künstlerhaus kommt, um dabei zu helfen, das Juche-Kino ins 21. Jahrhundert zu bringen.
Inspiriert wurde er von der realen Geschichte der südkoreanischen Regisseurin, die in
den Siebzigern gekidnappt wurde, um die nordkoreanische Filmindustrie zu beleben. Die Geschichte
wird sowohl durch die Filme erzählt, die sie im Künstlerhaus gemacht hat, als auch
durch die Interviews mit einem bulgarischen Filmemacher und sogar durch einen Science-
Fiction-Kurzfilm.
In the late 1960s Kim Jong II guaranteed his succession as the Dear Leader of North Korea
by adapting his father’s Juche (pronounced choo-CHAY) philosophy to propaganda, film and
art. Translated as »self-reliance«, Juche is a hybrid of Confucian and authoritarian Stalinist
pseudo-socialism. The film is about a South Korean video artist who comes to a North Korean
art residency to help bring Juche cinema into the 21st century. Inspired by the real-life
story of the South Korean director kidnapped in the 1970s to invigorate the North Korean
film industry. The story is told through the films she made at the residency as well as the interviews
with a Bulgarian filmmaker, and even a brief science fiction movie.
USA | 62:00, | Beta | Colour and Black & White
Realisation Jim Finn
141

SPECIAL PROGRAM CINE TRANS EUROPE
L´ALTERNATIVA IND. FILM FESTIVAL BARCELONA
2 OR 3 THINGS I KNEW
ABOUT HER
Eli Cortiñas Hidalgo
...NÄSTAN SOM EN I
FAMILJEN
Astrid Göransson
TROTZDEM DANKE
(THANKS ANYWAY)
Mischa Leinkauf
Sie ging an dem Morgen weg, ohne
ein Haar auf ihrem Kopf - ich weiß
nicht, ob ihr kalt wurde. Dies ist ein
Puzzle/Portrait mehrerer Frauen
und einer einzigen Frau, alle sind
meine Mutter.
She left home that morning without
a hair on her head - I don't know if
she got cold. This is a jigsaw/portrait
of several women and a single
woman, all of them my mother.
Germany, 2006 Super 8mm.
13min.
Realisation Eli Cortiñas Hidalgo
Mein Ausgangspunkt sind 30 Briefe
geschrieben von Anna-Helèn an
ihre große Schwester Clary in Rickarum.
Anna-Helèn war eine Bauerstochter
aus Bjärehalvön, die als
19-jährige die Chance bekam, eine
der Familien, die sie im Sommer
besuchten zu begleiten, die des
Opernsängers Stiebel, um in einem
Stadthaushalt in Stockholm zu
»proben«. Sie sollte angeblich wie
ein Familienmitglied aufgenommen
werden. Sie wurde ein Dienstmädchen.
Es ist 1933. Anna-Helèn
ist meine Mutter, sie starb 1997.
»...almost like one of the family«:
My starting point is 30 letters written
by Anna-Helèn to her big sister
Clary in Rickarum. Anna-Helèn was
a farmer's daughter from Bjärehalvön,
who as a 19-year-old got
the chance to come along with one
of the families visiting over the
summer, that of opera singer
Stiebel, to »practise« in a city
household in Stockholm. She was
supposed to be like a member of
the family. She became a maid. It's
1933. Anna-Helèn is my mother,
she died in 1997.
Sweden, 2007 Video. 10min.
Realisation Astrid Göransson
Nur mit einem Eimer Wasser bewaffnet,
übernahmen wir die deutsche
»stick-up-their-ass«-Mentalität,
um so einmal mehr zu beweisen,
dass Berlin vielleicht arm ist,
aber immer noch verdammt
»sexy«.
Armed with only a pail of water, we
took on the Germans’ »stick-uptheir-ass«
mentality, proving once
again that Berlin may be poor but it
is still damn »sexy«.
Germany, 2006 Video. 6min.
Realisation Mischa Leinkauf
142

VIDEO 3000
Marc Schleiss
PEQUEÑOS ATAQUES
AL CORAZÓN (LITTLE
HEART ATTACKS)
Daniel Cuberta Touzón
FOR A BETTER WORLD
Barbara Hlali
Rolf ist sehr glücklich über seinen
nagelneuen Videorecorder »Video3000«.
Aber als er ihn in Betrieb
nimmt bemerkt er, dass die Fernbedienung
nicht richtig funktioniert:
anstatt den Videorecorder zu
steuern, beeinflusst die Fernbedienung
das reale Leben. Als er mit
den Knöpfen spielt –Abspielen,
Pause, Schnellvorlauf, Schnellrücklauf–
entdeckt Rolf einen anderen
Knopf, den er zuvor noch
nicht bemerkt hatte...
Rolf is very happy about his brandnew
»Video3000« VCR. But when he
starts it up, he realises that the remote
control is not working properly:
instead of controlling the VCR,
the remote control affects the real
world. As he plays with the buttons
–Play, Pause, Fast Forward, Fast
Rewind– Rolf discovers another
button he hadn’t noticed before...
Germany, 2006 Video/HD. 5min.
Realisation Marc Schleiss
Leben in dieser Wüste. Tod in diesem
Garten. Biella Tagebuch. Concepción
Tagebuch Nr. 9. Der unsichtbare
Mann. Neun Lieder und
eine Spieluhr. Die Gesetze der Balance.
Ein Pier. Alle Orte der Welt.
Life in this desert. Death in this
garden. Biella diary. Concepción diary
No. 9. The invisible man. Nine
songs and a music box. The laws of
balance. A jetty. All the places in
the world.
Spain, 2007 Video. 9min.
Realisation Daniel Cuberta
Touzón
Bilder des Kriegs, die man in den
Medien sieht, sind selten ergreifend.
Was im Gedächtnis bleibt
sind Worte, Situationsbeschreibungen.
In diesem Film versucht
die Künstlerin assoziative Bilder
für diese Worte zu finden und sich
selbst in diese Situationen zu begeben.
Der Terror und das Grauen
des Krieges werden greifbar und
die Absurdität einer Situation, die
im Chaos versinkt, wird sichtbar,
wo eine Differenzierung zwischen
Gut und Böse, Opfer und Täter nicht
mehr möglich ist. Ein Aufruf gegen
den Versuch, Glauben mit Gewalt
durchzusetzen.
Images of war that you see in the
media are rarely moving. What
sticks in your mind are words, descriptions
of situations. In this film
the artist attempts to find associative
images for these words and to
put herself into these situations.
The terror and horrors of war become
tangible and the absurdity of
a situation falling into chaos becomes
visible, where it is no longer
possible to differentiate between
good and bad, victim and culprit.
An appeal against the attempt to
assert beliefs by force.
Germany, 2006 Video. 9min.
Realisation Barbara Hlali
143

SPECIAL PROGRAM CINE TRANS EUROPE
L´ALTERNATIVA IND. FILM FESTIVAL BARCELONA
DADDA ZEYDAM
Brahim Rocío Huertas
JE SUIS UNE
BOMBE
(I AM A BOMB)
Elodie Pong
TWIST
Alexia Walther France
VIOLETA, LA
PESCADORA DEL
MAR NEGRO
Marc Riba i Anna Solanas
Das Portrait einer alten
Frau aus der westlichen
Sahara (derzeit besetzt
von Marokko), die im Tidouf
Flüchtlingslager in
Algerien lebt.
A portrait of an old
woman from the Western
Sahara (currently occupied
by Morocco) living in
the Tidouf refugee camp
in Algeria.
Spain, 2007 16mm,
Video/ photography,
painted film. 5min.
Realisation Brahim
Rocío Huertas
Eine Figur in einem Pandabär-Kostüm
führt einen
erotischen Tanz an
einer Stange vor. Als der
Pandakopf abgenommen
wird, erscheint eine Frau,
die vor die Kamera tritt,
um ihre eigenen Vorstellungen
eines komplexen
Frauenbildes von sich zu
geben, zugleich stark und
verletzlich, ein potentielles
Pulverfass.
A figure in a panda bear
costume performs an
erotic pole dance. On removing
the panda's head,
a woman appears and
steps up to the camera to
deliver her own praises of
a complex image of
woman, simultaneously
strong and vulnerable, a
potential powder keg.
Switzerland, 2006
Video. 6min
Realisation Elodie
Pong
Vier Männer tanzen in der
Szene einer Strandbar
außerhalb der Saison. Zuvor
erinnerte sich einer
von ihnen an die Umstände
einer militärischen
Niederlage. Dieser Film
zieht Parallelen zu einer
Episode von Julius Cäsars
Gallischen Kriegen und zu
einer choreografierten
Kurzfassung der Geschichte
des Twist.
Four men dance in the set
of a beach bar off season.
One of them, before, recalled
the circumstances
of a military defeat. This
film puts in parallel an
episode of Julius Caesar’s
Gallic Wars and a choreographed
digest of the history
of the Twist.
Switzerland, 2006
S16mm. 11min.
Realisation Walther
France
Violeta mag im Dunkelsten
und Tiefsten des
Meeres fischen.
»Violeta, the Fisherwoman
of the Black Sea«: Violeta
likes to fish in the darkest
and deepest part of the
sea.
Spain, 2006 35mm/
digital photography.
9min.
Realisation Marc Riba i
Anna Solanas
144

PARIS: FESTIVAL INT. SIGNES DE NUIT
HEADCHARGE
Almagul Menlibaeva
RE:
COMMENTMENTS
Guli Silberstein
ADRESS
UNKNOWN
Guo Xiaolu
WOLKEN-
GESTALT
Silvia Maglioni,
Graeme Thomson
In Zentralasien gibt es
den Glauben, dass durch
das Essen der inneren Organe
des eigenen Totem-
Tieres die entsprechende
eigene, innere Kraft zunimmt.
Dieser Glaube
wird in diesem Film widergespiegelt,
veranschaulicht
in den Handlungen
einer Gruppe von
kasachischen Mädchen
aus der Stadt, die einen
Schafskopf essen und
sich damit gegenseitig
füttern. Die verursachten
Kopfschmerzen bewirken
Verwandlungen...
There is a belief in Central
Asia that eating the internal
organs of one’s
totemic animal will increase
a corresponding
power within oneself. This
belief is reflected in this
movie, illustrated in the
actions of a group of urbanite
Kazakh girls who
eat and feed one another
the sheep’s head. The
caused headache provokes
transformations...
Kazakhstan 2007 * DV,
12:12
Realisation Almagul
Menlibaeva
Ein schneller Strom von
wiederkehrenden, herausgeschnittenen
Bildern
aus dem epischen Hollywood
Film »The Ten
Commandments«, den TV
Nachrichtensendungen,
die den Krieg des Sommers
2006 im Libanon
wiedergeben und einer
lebhaften Bauchtänzerin,
alles synchronisiert zu
hardcore Techno Tracks -
eine apokalyptische Horror-Rave-Party
im mittleren
Osten offenbart enthüllende
Widersprüche
und Pathologien menschlichen
Verhaltens und
Glaubens.
A rapid stream of looped
images sampled from the
epic Hollywood film »The
Ten Commandments«, TV
news broadcasts depicting
the summer 2006 war
in Lebanon, and a lively
belly dancer, all synced
up to a hardcore techno
track - an apocalyptic
Middle East horror rave
party unfolds, unveiling
contradictions and
pathologies in human behavior
and beliefs.
Israel 2007 * DV, 5:00
Realisation Guli
Silberstein
Aus einem Appartement
in Beijing schreibt eine
Frau Postkarten an einen
Mann in London. Wir sehen
weder die Frau noch
den Mann; wir sehen lediglich
die Kamera, die
Beijing mit melancholischen
Augen betrachtet.
Jede Postkarte ist eine
lang andauernde statische
Aufnahme.
From a Beijing apartment,
a woman is writing
postcards to a man in
London. We do not see the
woman or the man; we
only see the camera contemplating
Beijing with a
melancholy eye. Each
postcard is a long static
shot.
China 2008 * DV, 10:00
Realisation Guo Xiaolu
Die meteorologischen Beobachtungen
Goethes
vom 11. September 1819
fallen auf den Wolken dieses
Tages, hieraus entsteht
ein ambivalentes,
getrenntes und zweifelndes
filmisches Off. Unter
der ständigen Bedrohung
des Weltkrieges, hat sich
die Sprache in sich selbst
zurückgezogen und die
»images-temps« (Wetterbilder)
werden zu einer
dunklen, unvermeidlichen
Bewölkung, verdüstert
durch harte, endlos widerhallende
Klänge.
Goethe’s meteorological
observations from September
11, 1819 descend
on the clouds of the present
day from an ambivalent
outside, an offscreen
that is dissociated
and plagued by doubt.
Under the constant threat
of global war, the word
has withdrawn into itself
and the images-temps
become an opaque, ineluctable
overcast,
clouded by abrasive, endlessly
echoing sounds.
Italy 2007 * DV, 13:00
Realisation Silvia
Maglioni et Graeme
Thomson
145

SPECIAL PROGRAM CINE TRANS EUROPE
PARIS: FESTIVAL INT. SIGNES DE NUIT
FONE FUR FOLLIES
Vivian Ostrovsky
DANCING WAS THE ONLY
WAY TO AVOID DEAFNESS
Anthony Abou Khalifé, Jean-Noël
Aoun
RAPSÓDIA DE ABSURDO
(RHAPSODY OF THE
ABURD)
Claudia Nunes
Eine »Katzosophie« des Lebens. Visuell
gesprochen, ist dieser Film
eine Durchschrift der Telepathie
mit einem neuen Soundtrack, der
sich an Englischsprachige wendet.
A felinosophy of life. Visually
speaking, this film is a carbon copy
of telepathy, with a new soundtrack
destined for English speakers.
France 2007 * Beta SP (cell
phone), 9:00
Realisation Vivian Ostrovsky
Nacht in den Straßen Beiruts. Die
Kamera nimmt in Realzeit einen
Mann auf dem Gehweg auf. Sie gibt
das Datum präzise an: 12. Juli
2006: der Beginn des Krieges. Trotz
der Ruhe und der Schönheit der
Bewegungen, trotz der verschwommenen
und langsamen Bilder hängt
eine Bedrohung in der Luft. Dieser
experimentelle Film, angefüllt mit
Musik und Langsamkeit, lässt uns
die Allgegenwart der Gewalt
spüren.
Night in the streets of Beirut. The
camera shoots in real time a man
on the pavement. It indicates the
date with precision: July 12th 2006:
it’s the beginning of the war. Despite
the calm and beauty of movements,
despite the blurry and slow
picture, the atmosphere is menacing.
This experimental film, filled
with music and tardiness, lets us
feel the omnipresence of violence.
Lebanon 2006 * DV, 5:00 *
without dialog
Realisation Anthony Abou
Khalifé et Jean-Noël Aoun
Eine experimentelle Dokumentation,
die uns Szenen zweier herausragender
Vorfälle im Kampf um
Grundbesitz auf dem Lande und in
der Stadt in Brasilien zeigt. Die
Farm Santa Luzia und der Parque
Oeste Industrial, im Bundesstaat
Goiás.
Experimental documentary showing
scenes of two outstanding
episodes of the fight for the land in
the countryside and in the city in
Brazil. Santa Luzia’s Farm and Parque
Oeste Industrial, in Goiás
state.
Brazil 2006 * DV, 16:00
Realisation Claudia Nunes
146

WOLF LAKE
Michael W. Smith
LUNA ZERO
Antonello Matarazzo
THE APOLOGY LINE
James Lees
Eine junge Frau beschreibt ihre Tortur
am Wolf Lake. Mit ihrer Off-
Stimme gibt sie ruhig alle Details
ihrer Ermordung wieder. Die Zuschauer
werden zu Zeugen der Momente,
die zum Verbrechen führen,
aber auch der Geschichte der Beziehung.
A young woman describes her ordeal
at Wolf Lake. In Voice off she
quietly delivers all of the details of
her murder. The audience is made
to witness the moments leading to
the crime, but also the history of
the relationship.
Canada 2006 * DV, 4:15
Realisation Michael W. Smith
Im »Project Apollo« wurde, zwischen
1961 und 1972, eine lange
Reihe bemannter Raumflugmissionen
geplant, die zu einer tatsächlichen
Eroberung führten, einer der
größten Träume der Geschichte.
Seitdem ist nie wieder ein Amerikaner
auf dem Mond gelandet, aber
auf dieser Seite des Weltalls geht
das Abenteuer weiter...
»Project Apollo« planned, from
1961 to 1972, a long series of human
spaceflight missions, turning
into a real conquest, one of the
greatest dreams in history. Since
then, no American has ever landed
on the moon again, but on this side
of outer space, the adventure continues...
Italy 2007 * DV* 0:10:30 without
dialogue
Realisation Antonello Matarazzo
Die Erschaffung einer Telefonleitung
für diejenigen, die sich entschuldigen
möchten, wo alles gebeichtet
werden kann, anonym.
The creation of a telephone line for
those who wish to say sorry, where
everything can be confessed,
anonymously.
Great Britain 2007, Beta SP,
10:00
Realisation James Lees
147

MEDIA CAMPUS
MEDIA CAMPUS. Mit dem Ziel die Plattform für junge Medienkunst weiter auszubauen, wird in diesem Jahr das
International Student Forum zum Media Campus erweitert.
In diesem Rahmen finden zwei Ausstellungen statt. Im Stadtgalerie Café wird bis zum 10. Mai 2009 die Ausstellung
»back2elements« gezeigt. Der Fokus liegt auf dem Kontrast zwischen analogen, manuellen und rein
digitalen Techniken und deren Verknüpfung miteinander. Ein Teil der Arbeiten wird durch das Eingreifen des Besuchers
gelenkt und vervollständigt.
Im Turm Bürgergehorsam präsentiert die Hochschule für Künste Bremen unter Leitung von Jean-Francois Guiton
die Ausstellung »Der Hund, der tritt die Treppe krumm«. Die Studierenden, deren Arbeiten zum Teil direkt in
Bezug auf den vorgegebenen Raum entstanden, experimentieren mit Klang und visuellen Techniken wie Malerei,
Zeichnung und Film.
In diesem Jahr hat die Auswahlkommission des Media Campus vier Filmprogramme zusammengestellt. In
»Helden wie wir« widmen gleich mehrere Filmemacher alten und neuen Hollywood-Helden eine Hommage,
stellen aber auch ganz normale Menschen in den Mittelpunkt. Bruce Willis wohnt nebenan! In »My Hood, My
Badewanne« spielt die unmittelbare Umgebung die Hauptrolle - ob im Block, im Bad oder im Kopf. Keep it real!
»iSpeak-Family« thematisiert Familie und Kommunikation. Reden hilft! »Vor Gebrauch schütteln!« hingegen
kombiniert Filme unterschiedlichster Themen, Materialien und Techniken. Hier wird Abwechslung zum Programm!
Zusätzlich dazu präsentiert der Media Campus eine Retrospektive von Professor Ingo Petzke mit studentischen
Filmarbeiten von der Fachhochschule Würzburg aus den letzen 20 Jahren des Fachbereichs Gestaltung. Des
Weiteren stellen junge Künstler der Cardiff School of Art and Design unter der Leitung von Paul Granjon ihren
Studienschwerpunkt in Form von installativen und Live-Performaces vor.
Der Media Campus ist mit diesen Programmpunkten ein wahres Kaleidoskop aus Inhalten, Techniken und deren
Umsetzung durch junge Nachwuchskünstler aus ganz Europa, Asien, Südamerika und den USA.
Wir freuen uns auf ein spannendes und unterhaltsames Programm
Das Media Campus-Team
148

MEDIA CAMPUS. With the aim of further extending the platform for young media artists, this year’s International
Student Forum will also include the Media Campus.
Two exhibitions will be shown at the Media Campus. The exhibition entitled »back2elements« can be seen in
the Stadtgalerie Café up to 10 May 2009. The exhibition focuses on the contrast between analogue, manual and
purely digital techniques, and how they interconnect. Some of the works are controlled and completed through
visitor interaction.
The University of the Arts Bremen will present its exhibition »Der Hund, der tritt die Treppe krumm« under the
direction of Jean-Francois Guiton in the old defence tower Bürgergehorsam. In their works, some of which were
created with a direct reference to this specific space, students experimented with sound and visual techniques
such as painting, drawing and film.
This year, the Media Campus selection committee has put together four film programmes. In »Heroes like us«
several filmmakers pay tribute not only to old and new Hollywood heroes, but also place completely normal
people on the centre stage. Bruce Willis lives next door! In »My Hood, My Tub« the immediate surroundings play
the leading role – whether in the block, the tub or your head. Keep it real! »iSpeak-Family« explores the family
and communication. Talking helps! On the other hand, »Shake before use!« combines films with a variety of issues,
materials and techniques. Diversity is the word!
Media Campus will also present a retrospective by Professor Ingo Petzke with film works by students from the
Department of Design of the University of Applied Sciences Würzburg from the last 20 years. Also, young artists
from the Cardiff School of Art and Design will present their major field of study in installations and live performances.
By combining all of these elements, Media Campus is a true kaleidoscope of subject matters and techniques,
and their realisation by young artists from the whole of Europe, Asia, South America and the USA.
We look forward to a fascinating and entertaining programme.
The Media Campus Team
149

MEDIA CAMPUS
HELDEN WIE WIR
LUFT
Natalia Stürz
ANTJE UND WIR
Felix Stienz
PLUTO
Kai-Yen Yang
Das Video fasst das Einatmen eines
Nachrichtensprechers zusammen.
The video summarizes the inhaling
of a newsreader.
Natalia Stürz, *1977 in Veliky Novgorod,
Russia. Studied Design at
the University of Applied Sciences
Düsseldorf.
D 2008, MiniDV, 0:27
Realisation Natalia Stürz
Distribution Natalia Stürz
»Boah. Sie sah bombig aus, also
sah total gut aus. Da hab ich sie das
erste Mal gesehen und ich dachte,
eigentlich wie im Film.« Acht junge
Menschen erzählen aus ihrem Leben.
Bemerkenswert dabei ist,
dass eine Frau namens Antje in allen
Erzählungen eine besondere
Rolle spielt.
»Whoa. She was looking fantastic, I
mean absolutely great. That was
the first time I saw her and I
thought, actually like in the
movies.« Eight young people tell us
from their lives. Remarkable is
here, that a woman named Antje
plays a special role in all the stories.
Felix Stienz, *1982 in Berlin. Studied
Medien- and Informationswesen
at the University of Applied Sciences
Offenburg.
D 2007, DVD, 12:00
Realisation Felix Stienz
Photography Tobias Wiemann
Actors Matthias Hinz,
Christoph Humnig,
Melissa Anna Schmidt,
Franziska Preuß,
Bianca Baalhorn,
Johannes Keusch,
Christoph Drobig,
Helena Schlett
Sound Markus Moser
Distribution Felix Stienz
Was würde ohne den Blick des Betrachters
aus den betrachteten Objekten
in Psycho werden? Hier werden
der vorgefertigte Plot und
Höhepunkt nichtig und die Grenzen
von Zeichen ausgelöscht. Die endlose
Straße birgt keine Fluchtmöglichkeit,
die erotisch ineinander
greifenden Körper vermitteln kein
Vergnügen. Es ist der Versuch das
Schicksal, wie es in einem Genre
Film wie Psycho dargestellt ist, zu
dekonstruieren, und der Verweis
auf eine andere poetische Prosa.
With the absence of the gazer's
face in Psycho, what would the objects
being gazed at turn out to be?
Here the pre-arranged plot and climax
are nullified and the boundaries
of signs are effaced. The endless
road does not provide trips of
escape, so the bodies that mesh
erotically send off no pleasure. The
attempt is to deconstruct the fate
that the genre movie like Psycho
bespeaks, and gestures towards
another poetic prose.
Kai-Yen Yang, *1979 in Nantou, Taiwan,
R.O.C. Has been studying at
the Department of Radio, Television
and Film of Shih Hsin University,
Taiwan, since 2007.
D 2008, MiniDV, 5:07
Realisation Kai-Yen Yang
Distribution
Graduate School of Radio,
TV & Film Dept.,
Shih Hsin University, Taipei
150

BIPOLAR.
AN INTERVIEW WITH RICHARD
Gabriela Betschart
I LOVE YOU ALL
Beatrix Schubert
Richards Reise hat schon längst begonnen. Als er mit
19 Jahren in die Ferien fuhr, tauchte er ab in eine Welt,
die nur in seinem Kopf existierte. Ein Film über Richard
und seine extremen Gefühle zwischen Schwarz
und Weiß.
Richard’s journey started a long time ago. At the age of
19, on a holiday abroad, he plunged into a world that
existed only in his mind. A documentary performance
featuring Richard and his extreme feelings somewhere
between black and white.
Gabriela Betschart, *1981 in Winterthur, Switzerland.
Studied Video at the Lucerne University of Applied Sciences
and Arts, Switzerland, until 2008.
CH 2008, Beta SP, 12:54
Realisation Gabriela Betschart
Director Gabriela Betschart, Thaïs Odermatt
Camera Assistant Thaïs Odermatt
Actors Stefan Kollmuss,
Anna Thommen, Olivia & Sophia
Voices Richard, Richard’s daughter
Sound Franziska Sonder, Roman Hanimann,
Bit-tuner, Beni Mosele
Music Marcus Bodenmann
Lighting Technician Stefan Gallego
Make-up / Hair Pascale Achermann
Grading Paul Avondet
Subtitles Nicole Bucher
Editing Myriam Flury
Production Stella Händler
Distribution University of Design & Art Lucerne,
Department Video
Die Figuren des Videos bewegen sich in einem ständigem
Kampf um einen von außen her erwarteten Perfektionismus,
sowie dem Streben nach immer Höherem.
Dabei wird der Fall des Einen zum Aufstieg des
Anderen. So wurde Chris Crocker in seinem anfänglichen
Kampf um die Freiheit seines Idols mittels des
Internets zu einem Celebrity, der sich über das Medium
YouTube in einem Wechselbad aus Narzissmus,
Wahnsinn und tiefem Ernst immer weiter vermarktet.
Gefangen zwischen Selbstaufgabe und dem gleichzeitigen
Kampf um die eigene Freiheit, stellt sich die Frage
um Normalität, nicht nur des Selbst, sondern auch
der uns umgebenden Wirklichkeiten.
The characters of the video revolve in a constant
struggle between perfectionism demanded from the
outside and an aspiration to ever higher fame. Thereby
the fall of one serves the other to rise. In his struggle
for the freedom of his idol, Chris Crocker used the internet
and became a celebrity. The medium YouTube
serves him to promote himself in an ongoing process
full of narcissism, frenzy and deep honesty. Simultaneously
caught between self-abandonment and the
strife for one's own freedom, we are not only confronted
with the question of normality of the own self but
what is also put into question is the ever different reality
we are surrounded by.
Beatrix Schubert, *1982 in Munich. Has been studying
Video at the Art Academy Kassel since 2006.
D 2008, DVD, 4:52
Realisation Beatrix Schubert
Distribution Beatrix Schubert
151

MEDIA CAMPUS
HELDEN WIE WIR
DAWN
Björn Kämmerer
CONTINENTAL ME
Franziska Meyer
LOOPE
Petra Lottje
Der Lichtmoment als Auslöser eines
Blickes, der diesen im Raum
sucht und sich außerhalb des Kaders
wieder findet, da der Impuls
des Lichtes schon passiert ist. In
den Intervallen der Dämmerung
sucht das Auge eine nicht im Bild
zu ortende Bewegung. Ein fiktives
Zeitbild entsteht, welches nur im
flüchtigen Verweilen dazwischen
existiert. Die Struktur der Bewegungsbilder
fängt den Blick und
gibt ihn nicht mehr frei.
The primal impulse, the moment of
light, is the trigger for a view
searching for this situation in
space, that has to be retrieved beyond
the frame as the impulse has
already lapsed. In intervals of dawn
our gaze searches for a motion that
cannot be located within the image.
The labyrinth of connections
between the motion images traps
the gaze, and no longer lets it free.
Björn Kämmerer, *1977 in Stralsund.
Studied Experimental Media
Art at the University for Art and Industrial
Design Linz from 2002 to
2008. Has been studying Art and
Digital Media at the Academy of
Fine Arts Vienna since 2005.
A 2007, DVD, 3:00
Realisation Björn Kämmerer
Distribution Björn Kämmerer
Eine Person sitzt auf einem Sofa
und hat einen Konflikt mit drei
Emotionen: der Nervosität, der
Schüchternheit und der Aggressivität.
Ist eine Entwirrung möglich?
A Person is sitting on a Sofa and
has a conflict with three emotions:
nerviness, sheepishness and aggressiveness.
Is a denouement
possible?
Franziska Meyer, *1981 in Aarau,
Switzerland. Studied Animation at
the Design and Art School Lucerne,
Switzerland, from 2004 to 2008.
CH 2008, Beta SP, 3:03
Realisation Franziska Meyer
Music Pierre Funck
Sound Wolf-Ingo Römer,
Franziska Meyer
Production Lucerne School of
Art and Design (Gerd Gockell,
Jochen Ehmann, Otto Alder)
Distribution Lucerne School of
Art and Design
Was bewegt einen dazu zu arbeiten?
Soll Arbeit Spaß machen oder
nur den Zweck erfüllen, Geld zu
verdienen? Was ist wichtiger, Geld
oder Ansehen? Auf dem Bildschirm
dreigeteiltes Lip-Syncing zu einer
Sound-Collage ausgewählter
Spielfilmzitate. Durch die Rekontextualisierung
entsteht ein neuer
Zugang.
Why does one work? Is work supposed
to be fun, or is it just a
means to earn money? What is
more important: money or reputation?
On the screen a trio of lipsyncing
accompanies a sound-collage
of movie quotes. A new approach
to the value of working is
produced through the recontextualization.
Petra Lottje, *1973 in Rheda-Wiedenbrück.
Studied Fine Arts at the
Braunschweig University of Art.
D 2008, MiniDV, 4:41
Realisation Petra Lottje
Distribution Petra Lottje
152

ELEPHANT GRAVEYARD
Avi Belkin
I LOVE ANGEL FOREVER
Bao Mengte
Tarzan ist 80 Jahre alt, und er ist in einer psychiatrischen
Anstalt. Die vergangenen Jahre haben die Wirklichkeit
mit Fiktion vermischt und der alte Herr Weissmüller
trennt nicht länger zwischen der Figur, die er
auf der großen Leinwand spielte, und wer er war. In
seiner täglichen Routine kehrt er regelmäßig zum Gipfel
seines cineastischen Charakters zurück, während
sein berühmter Tarzanschrei in der Anstalt nachhallt.
Müde und beschämt fühlt der einstige König des
Dschungels, dass seine Zeit gekommen ist. Er entscheidet
sich zu seinen Wurzeln zurückzukehren.
Tarzan is 80 years old and he's in a psychiatric ward.
The years that passed had mixed reality with fiction
and old Mr. Weissmuller no longer distinguishes between
the character he played on the big screen and
who he was. In his daily routine he frequently returns
to the summit of his cinematic character while his famous
Tarzan call reverberates in the ward. Tired and
humiliated the once King of the Jungle feels that his
time is up. He decides to return to his roots.
Avi Belkin, *1977 in Tel-Aviv City, Israel. Studied cinema
and art at the Beit Berl College of Arts, Israel.
Israel 2008, Beta SP, 14:00
Director Avi Belkin
Script Avi Belkin (based on a
short graphic novel by Tomer Hanuka)
Photography Avi Levi
Editing Avigail Breitstein
Actors Nissim Nissimov,
Nir Shalmon, Inbal Lori
Sound Einat Erez, John Avishay
Music Dodi Oren
Lighting gaffer Avinatan Shinar
Production Anat Belkin, Alon Karton
Distribution Beit Berl College of Arts
Die Existenz eines Trailers kommt erst nach einem
Film. Die Funktion des Trailers ist die Bewerbung seines
Films. Durch die Betonung der preisgekrönten Rekorde
und welcher Superstar in diesem Film mitspielt,
und dass dieser Film an die Spitze der Kinokassencharts
in Nord-Amerika kletterte. Aber ist es auch
möglich, dass ein Trailer ohne einen Film existiert?
Gibt es einen Trailer der für nichts wirbt? Dies versucht
der Künstler in dieser Produktion, die aus zufälligen
Bildern gemacht ist, zu verdeutlichen und kreiert den
Anschein, dass es einen real existierenden Film gibt.
Selbst das gleiche Bild kann zeigen, dass auch ein anderer
Film existiert. Existiert dieser Trailer nur als
Werbung, hat aber keine Bedeutung?
The existence of a trailer must come after a movie. The
function of the trailer is to advertise its movie. Through
the ways of emphasizing the award-winning records,
which super star participates in this movie, and that it
topped number one at the North American box office.
But can it be possible that a trailer exists without a
movie? Is there a trailer just advertising for nothing?
Thus, the artist tries to state with this production
which is made by random images and creates the
false appearance that there is a real existent movie.
Even the same image can show that »another movie«
exists also. Does this trailer just exist for advertising
but has no meaning?
Bao Mengte, *1980 in Taipei, Taiwan, R.O.C. Has been
studying Film at the Shih Hsin University since 2007.
Taiwan 2008, MiniDV, 4:19
Realisation Bao Mengte
Distribution Bao Mengte
153

MEDIA CAMPUS
VOR GEBRAUCH SCHÜTTELN!
KREUTZERSONATE
Marcel Klein
LOOSE CONNECTION
Jan Haering
THOSE CRAZY INSIDES
Ben Wheele
Selbstdarstellungen von Soldaten
im Internet. Sie tanzen und singen.
Dazu die Kreutzersonate, der 3.
Satz: Con moto-Vivace-Andante.
Klassisch oder modern? Kritisch
oder naiv? ABC-Schutzanzug mit
Gasmaske oder freier Oberkörper
mit Stahlhelm? Das Netz als Bühne
und Zuflucht zugleich. Öffentlichkeit
für die Privatsphäre eines fragwürdigen
Systems zwischen Uniform
und (a)synchronen Bewegungen.
Self-expressions of soldiers in the
Internet. They dance and sing.
Thereto the Kreutzer Sonata, 3rd
movement: con moto-vivace-andante.
Classic or modern? Critical
oder naive? NBC protective suit
with gas mask or topless/stripped
to the waist with steel helmet? The
Net as stage and refuge likewise.
Public sphere for the privacy of a
questionable regime between uniform
and asynchronous body
movements.
Marcel Klein, *1982 in Wiesbaden.
Has been studying Film and Television
at the School of Art and Design
Kassel since 2004.
D 2008, DVD, 4:11
Realisation Marcel Klein
Distribution Marcel Klein
154
Die eigenen vier Wände sind Lebenszentrum
eines namenlosen Jungen,
sein Mikrokosmos. Sein Tun ist auf
die Bewegung der Kamera um ihn
herum abgestimmt, wir nehmen
seine Welt als eine vermeintlich
perfekte Komposition wahr, wobei
die Perspektive unmerklich gen Boden
wandert und so das Ausmaß
der Elektronik im Raum in den Vordergrund
tritt. Plötzlich: Stromausfall,
alles ist dunkel. Der Junge geht
zum Fenster, sieht Menschen sich
auf der Straße versammeln und
diskutieren. Er tritt auf die Straße.
Entscheiden, was nun zu tun ist,
kann aber nur er.
The privacy of one’s home is the
centre of a nameless boy’s life, his
microcosm. All he does, is matched
with the camera movements
around him. We experience the
boy’s world as an apparent perfect
composition while the perspective
subtly alters towards the floor and
lets the surrounding electronics
come to the fore. Suddenly: outage,
it is dark. The boy walks to the window,
watches people starting a discussion.
He steps out on the street.
However, the choice what to do
next is his own.
Jan Haering, *1978 in Hagen. Has
been studying Directing at the
Baden-Württemberg Film Academy
in Ludwigsburg since 2008.
D 2008, MiniDV, 6:01
Realisation Jan Haering
Music Gunther Steudel
Distribution/Photography
Ingo Scheel
Bösartige Vorgänge ereignen sich
in den unergründlichen Tiefen einer
exotischen Unter(wasser)welt.
Beim Eintauchen in dieses Reich
der Imagination beginnt sich die
Logik aufzulösen. Kreaturen/Dinge/Wesen
fallen nicht nur aus ihrer
Systematik, sondern sogar aus
ihren Typologien heraus, nur um
eine neue verdauliche und durchscheinende
Realität zu bevölkern.
Sukkulent und bizarr, sanftmütig
und doch gefährlich, »Those Crazy
Insides« ist eine Sci-Fi-Naturdokumentation,
die sich damit auseinandersetzt,
was wirklich »im Innern«
existieren könnte.
Deep in the recesses of an exotic
netherworld, mischievous events
take place. Submerged into the
depths of imagination itself, a declassification
of logic commences -
things slip out of their systems and
typologies altogether to co-inhabit
a new digestible and diaphanous
reality. Succulent and bizarre, gentle
yet dangerous, »Those Crazy Insides«
is a sci-fi nature documentary
of what really might be »inside«.
Ben Wheele, *1987 in Sussex, UK.
Has been studying Fine Arts at Nottingham
Trent University since
2006.
GB 2008, DVD, 7:24
Realisation Ben Wheele
Distribution Ben Wheele

KHODA
Reza Dolatabadi
ETUD DRÓTSZAMÁRRA
(IRONHORSE ETUDE)
Lívia Rózsás
WALLETS
Johanna Icks
Was wäre, wenn du einen Film anschaust
und jedes Mal, wenn du
ihn anhältst, ein Gemälde siehst?
Diese Idee hat Dolatabadi dazu inspiriert
»Khoda« zu machen. Über
6000 Gemälde sind innerhalb von
zwei Jahren entstanden, um einen
fünfminütigen Film zu kreieren. Er
ist ein psychologischer Thriller, der
von vielen als »unmögliche Mission«
betrachtet wurde, sich letztlich
aber als machbar erwies!
What if you watch a film and whenever
you pause it, you face a painting?
This idea inspired Dolatabadi
to make »Khoda«. Over 6000 paintings
were painstakingly produced
during two years to create a five
minutes film. It is a psychological
thriller, which was seen as a »mission
impossible« by many people
but eventually proved possible!
Reza Dolatabadi, *1985 in Tehran,
Iran. Graduated at Soureh School of
Art, Tehran, in Graphic Design.
Graduated in Animation at the Duncan
of Jordanstone College of Art
and Design, University of Dundee
(UK), in 2008.
GB 2008, Mini DV, 4:51
Realisation Reza Dolatabadi
Script Mark Szalos Farkas,
Reza Dolatabadi
Animation Adam Thompson,
Reza Dolatabadi
Music Hamed Mafakheri
Soundtrack Andrew Guy Smith,
Mark Feldman
Distribution Adam Thompson,
Reza Dolatabadi
Die Geschichte eines Drahtesels,
der die Chance bekommt, aus seinem
weißen Käfig zu entfliehen.
Durch das Auftauchen eines
menschlichen Schattens wird
deutlich, dass dieser freie und
grenzenlosen Zustand nicht lange
andauern kann. Der Drahtesel realisiert
traurig, dass er in seinen Käfig
zurückkehren und seine zukünftigen
Tage als Fahrrad verbringen
muss. »Ironhorse Etude« ist ein mit
der photo stop-motion Technik entstandener
animierter Kurzfilm.
Musik und Geräusche kommen aus
der Beatbox.
Story about an iron-horse, which
has a chance to escape from its
white cage. It becomes clear that
this free and cloudless state can't
last long, with the appearance of a
human shadow. The iron-horse
sadly notes, that he has to go back
to its cage, to live his following days
as a bicycle. »Ironhouse Etude« is a
short animated film, with a photo
stop-motion technique. Music and
noises are only beatbox.
Lívia Rózsás, *1985 in Budapest,
Hungary. Has been studying Art History
and Aesthetics Departments at
the Eötvös Loránd Science University,
Budapest, since 2004.
HUN 2008, DVD, 2:04
Realisation Lívia Rózsás
Photography
Loránd Szécsényi-Nagy
Music Tamás Dömötör
Distribution Lívia Rózsás
Eine dunkle Macht bedroht den
Planeten Erde. Ihr Ziel: Die Vernichtung
der menschlichen Liebe.
Mo und Emily sind die letzten Liebenden
des Planeten. Wird es ihnen
gelingen, die dunkle Macht zu
zerstören und der Menschheit die
Liebe zu bewahren?
The world is menaced by an evil
force, trying to destroy love on
planet earth. Mo and Emily are the
last two lovers on planet earth. Will
they succeed in defeating the evil
force and preserving love to planet
earth?
Johanna Icks, *1975 in Düsseldorf.
Graduated in Digital Media Design
Sound and Visions in 2001 and in
2008 in Directing and Feature Film
at the Baden-Württemberg Film
Academy.
D 2008, Digi Beta, 9:00
Realisation Johanna Icks
Photography Peter Matjasko
Script Eicke Zirzow,
Johanna Icks
Editing Frank Brandstetter
Actors Christian Brey,
Gerti Drassl, Michael Holz
Music Sven Faller
Set Christine Bentele
Special Effects Ilija Brunck,
Jan Bitzer, Felix Koziol,
Peter Matjasko
Titles Felix Koziol
Production Philipp Dettmer,
Joseba Gororodo Jauregui
Distribution Philipp Dettmer
155

MEDIA CAMPUS
VOR GEBRAUCH SCHÜTTELN!
GOLD
Gerald Haffke, Sebastian Linke
MILBE
Karl Tebbe
IRRLICHT
Oliver Kracht
Impressionistisches Portrait eines
Rauchkünstlers.
Impressionist portrait of a smoking
artist.
Gerald Haffke, *1981 in Neuwied.
Has been studying Film and Video
at the Academy of Fine Arts in
Mainz since 2004.
Sebastian Linke, *1974 in Mainz.
Graduated in Film and Video at the
Academy Of Fine Arts in Mainz in
2007.
D 2008, MiniDV, 3:00
Realisation Gerald Haffke,
Sebastian Linke
Script Gerald Haffke,
Sebastian Linke
Photography Sebastian Linke
Editing Sebastian Linke
Music Andreas Weis
Production Gerald Haffke
MILBE ist ein kurzer Animationsfilm
über meine Großmutter, Oma
Grete, und riesige Hausstaubmilben,
die die Welt bedrohen.
MILBE (MITE) is a short animation
film about my grandmother, grandma
Grete, and gigantic house dust
mites that threaten to destroy the
world.
Karl Tebbe, *1970 in Dortmund. Obtained
an MA in Applied Theatre
Science at Gießen University in
1996. Graduated in Cinematography
at the University of Applied Sciences
and Arts in Dortmund in
2008.
D 2008, MiniDV, 5:07
Realisation Karl Tebbe
Script Karl Tebbe
Photography Karl Tebbe,
Jaime Barrios
Editing Ivan Morales, Jr.
Animation Marjorie Bendeck
Actors Helga Uthmann,
Alexander Maria Schmidt
Sound Design Florian Essig
Music Boris Joens, Ole Wulfers
Setting Frances Soeder,
Miriam Gröber
Production Marjorie Bendeck
Distribution KurzFilm Agentur
Hamburg e.V.
Verzweifelt blickt ein Häftling auf
die schwach leuchtenden Lichter
der Stadt draußen vor dem Gefängnisfenster.
Eine Motte schlägt gegen
die Scheibe und will hinein ans
Zellenlicht, während der Mann nur
an die Freiheit denkt. Beide erreichen
ihr Ziel, doch anders als sie es
sich erhoffen.
Desperately a prisoner gazes at the
faint city lights outside the window.
A moth is banging against the
window pane, trying to get to the
light of the cell, while the prisoner
only thinks about freedom. Both
get what they want, but not in the
way they have expected it.
Oliver Kracht, *1981 in La Paz, Bolivia.
Studied Philosophy, Greek Philosophy
and Jewish Studies at the
University of Potsdam.
D 2008, MiniDV, 5:24
Realisation Oliver Kracht
Script Oliver Kracht
Photography Ingo Dannecker
Editing Tobias Peper
Animation Michael Schwenke,
Jonas Höppner,
Frederik Schindler
Cast Andreas Kallauch
Production
Mohammad Farokhmanesh
Distribution brave new work film
productions
156

BAR-B-Q FAST
MUSIC DINER
Nicole Winter
CUBICLE REVISITED
Anthony Angelicola, Paul Riker
MOBILE POSTCARD
Péter Vadócz
Im Fast Music Diner wird Musik à la
Carte bestellt, die ein Rollergirl auf
frisch gepressten Vinylscheiben
serviert. Zur Musikgewinnung halten
der geschäftstüchtige Manager
und seine Gattin eine Band gefangen,
der sie mit Hilfe ausgefeilter
Technik Musik entlocken. Eine
Praktik, die nicht ohne Folgen
bleibt.
Fast Music instead of Fast Food is
on the menu of the Fast-Music-
Diner. A girl on roller skates serves
the music on freshly pressed vinyl
disks. To create his freshly assembled
Vinyl-Dishes for his customers
the owner and his wife hold a band
hostage in their basement and rob
them of their music using quite
unique methods. A practice that is
not without consequences.
Nicole Winter,*1975 in Hanau.
Graduated in Visual Communication
- Film/Video at the HfG Offenbach/Main
in 2007.
D 2007, Beta SP, 4:30
Realisation Nicole Winter
Script Nicole Winter
Photography Eike Zuleeg
Editing Gunther Freese
Actors G. Bertling, G. Krainer,
S. Hohlbaum, C. Twickel,
J. Drews, R. Beust and others
Animation Gunther Freese
Music Rock’n’Roll Hotel
Distribution Hfg Offenbach
Eine Gemeinschaftsarbeit des
Komponisten und Sound Artist
Paul Riker und des Videokünstlers
Anthony Angelicola. Es besteht aus
einer realen Soundkomposition, die
eine visuelle Reinterpretation erfährt.
Das Werk beschäftigt sich
mit der Umwandlung von Geräuschkulissen
der »wirklichen
Welt« in eine abstrakte musikalische
Umwelt. Der Zuhörer taucht
ein in die Darstellung einer Büroatmosphäre,
deren Töne anfangen,
unrealistische Merkmale zu anzunehmen,
bevor die Szenerie einen
abstrakteren Charakter annimmt.
A collaboration between composer
and sound artist Riker and video
artist Angelicola. It consists of an
existing sound composition that
was reinterpreted with visuals. The
piece deals with the transformation
of real-world soundscapes
into abstract musical environments.
The listener is inserted into
a portrayed office environment
where sounds begin to take on unrealistic
characteristics before the
entire scene is transformed into an
abstract musical place.
Anthony Angelicola,*1986 in New
Jersey, USA. Graduated in Film/Digital
Video at the University of the
Arts in Philadelphia, USA, in 2008.
USA 2008, MiniDV, 8:50
Realisation Anthony Angelicola,
Paul Riker
Photography A. Angelicola
Music Paul Riker
Distribution Anthony Angelicola
Peter macht Urlaub in Süditalien.
Dabei macht er tausende Fotos auf
seinem Handy und sendet diese als
Postkarte nach Hause. Eine mobile
Postkarte. Ein Handy-Film / Animation
/ Stop-Motion Technik. Hergestellt
aus hochwertigen Standfotos
eines Mobiltelefons (Nokia N95
8GB).
Peter goes to South-Italy on holiday.
He takes thousands of photos
on his mobile, and sends a postcard
home. A mobile postcard. Mobile
movie / animation / stop motion.
Contains only high-quality
still pictures (5500 pieces) shot on
mobile phone (Nokia N95 8GB).
Peter Vadocz, *1978 in Budapest,
Hungary. Graduated in Media major
at KJF College in 2001. Has been
studying Communications major at
the University of PECS since 2005.
ITA 2008, MiniDV, 3:40
Realisation Péter Vadócz
Distribution Péter Vadócz
157

MEDIA CAMPUS
MY HOOD, MY BADEWANNE
CORNERS
Derek Roberts
Der Film zeigt einige von vielen Möglichkeiten, wie man mit einer Stadt interagieren kann. Der Protagonist, Derek
Roberts selbst, durchläuft Wien in einem hohen Tempo. Sämtliche Ecken ob temporär oder permanent vorhanden,
ob horizontal oder vertikal überwindet er mit einer Beschwingtheit. Dabei wird dem Betrachter eine
wechselnde Kulisse präsentiert, die Wien facettenreich portraitiert. Derek Roberts weist dabei auf das Potential
urbaner Strukturen, deren Spielraum sich in unserer Nutzung längst nicht erschöpft. Er bietet Anreiz das
Bewusstsein für städtische Funktionen zu erweitern und wertzuschätzen. Das Video ist nicht nur eine Einladung,
die Stadt mit anderen Augen wahrzunehmen, sondern auch eine Dokumentation, die mit dem Wandel der
Zeit nur an Bedeutung gewinnen kann.
The movie represents an attempt to interact with perpendicular obstacles throughout the city of Vienna. By
filming and editing these sequences as we did, one can easily discern a certain flow as all of the elements are
integrated into a cohesive challenge in maneuvering around, over, under and through these temporary and permanent
urban structures. It offers a range of patterns, pace, texture, color, and contrast of a city that is wellbuilt,
but not to the point where one can’t shift the way that it is experienced. You have to learn how to appreciate
and yield rewards from your city’s, often restrictive, infrastructure in a multitude of different ways. You
have to refresh your perception of the function of your city. We believe that with a slight shift of one’s understanding,
the city unfolds and offers plenty to play with. This is precisely what we have attempted to convey in
this brief, exploratory film.
Derek Roberts, *1978 in Birmingham, USA. Graduated in History at the Wesleyan University in 2000. Graduated
in Advanced International Studies at the Diplomatic Academy of Vienna in 2005. Has been studying at the MFA
Academy of Fine Arts, Vienna, since 2007.
A 2008, Beta SP, 10:10 min
Realisation Derek Roberts
Photography Praved Chandra
Editing Derek Roberts, Praved Chandra
Actor Derek Roberts
Music Carnatic rhythms, S.P. Sivakumar
Distribution sixpackfilm
158

OCEAN
Garvin Chan
A TASTE OF HONEY
Simon Rittmeier
NUDE
Stefan Ringelschwandtner
Es gibt immer gute und schlechte
Träume, besonders wenn diese sich
direkt auf die Realität beziehen,
wird es schwierig sich von ihnen zu
lösen. Man vergisst nie, wie schön
die Träume sind. Dieser Film zeigt
das Seufzen einer jungen Frau deren
Freund gerade fortgegangen ist
und steigert das Verlangen sich
wieder zu sehen, weil es sich so
real anfühlt. Das ist eine Beziehung
zwischen der jungen Frau, dem
Ozean und den Ruinen.
There are always good dreams and
bad dreams, especially when the
dreams are actually related to the
reality that does make it harder to
get rid of them. You won’t ever forget
how beautiful the dreams are.
This movie is presenting the sigh
from a girl whose boyfriend just
left, and is increasing the desire of
seeing each other because that
feels so real. This is a relationship
between the girl, the ocean and the
ruins.
Chia-Wen Chan (Garvin), *1980 in
Taiwan R.O.C. Has been studying
Filmmaking at Shih Hsin University,
Taiwan.
Taiwan 2008, MiniDV, 6:00
Realisation Garvin Chan
Distribution Garvin Chan
Was bedeutet der lange Blick zum
Horizont? Woher nur diese Musik?
Wie geht jeder einzelne mit der besonderen
Situation auf Kuba um?
Fragen, aber keine Antworten. Ein
vorsichtiger Versuch, Kuba persönlich
einzufangen.
What does the long contemplation
of the horizon mean? Where is this
music coming from? How does
each individual deal with Cuba’s
special situation Questions with no
answers. A tentative attempt to
capture Cuba in a personal way.
Simon Rittmeier, *1981 in Nuremberg.
Studies of Visual Communication
and Film at the University of
Fine Arts, Hamburg, and the Academy
of Media Art, Cologne.
D / Cuba 2008, 16 mm, 10:00
Realisation Simon Rittmeier
Actors Ana Dominguez,
Mariana Gonzáles,
Yoandrys Rodriguez,
Alina Cañizares Guera,
Ernesto Gomez Mesa
Editing Tessa Knapp
Sound Tom Ashforth
Distribution Academy of Media
Arts, Cologne
Der Film zeigt den Mikrokosmos
von Wassertropfen in einer Dusche.
Deren Entstehung, Fallen und Aufprall.
The short shows the microcosm of
water drops in a shower. Their appearance,
fall and splash.
Stefan Ringelschwandtner, *1978
in Dresden. Has been studying Visual
Communication at the HfG Offenbach/Main
since 2003.
D 2008, DVD, 4:15
Realisation
Stefan Ringelschwandtner
Animation Stefan
Ringelschwandtner
Music Radiohead
Distribution XL Recordings
159

MEDIA CAMPUS
MY HOOD, MY BADEWANNE
COPYCAT PACK 2.0
Jan Bode
AHAB-ONEVIEW
Helmut Uhlig
Die 14-jährige THE SINGING STAR singt Playback.
VASSLI schreit gleich selbst ins Mikro. Während BUIL-
DING C brav die Gitarre zupft, findet sich auch der
Rest der User ein. Die Community ist komplett und das
französische Männerduo JKINGJULIEN führt selbstsicher
ihre einstudierte Tanzperformance auf. Die 12-
jährigen Freundinnen JELLY BEAN JAYDEN üben hingegen
noch in ihrem Zimmer, um den DAFT BODIES-
Girls ebenfalls eine Video-Response zukommen zu
lassen. COPYCAT PACK 2.0 ist eine Video-Collage von
31 aufeinander synchronisierten YOUTUBE-Videos,
deren Protagonisten den Song HARDER, BETTER, FA-
STER, STRONGER der französischen Elektro-Band
DAFT PUNK choreographieren.
The 14-year-old The THE SINGING STAR from the USA
sings playback, whereas VASSLI from Norway screams
directly in the mike. The Belgian BUILDING C plays the
guitar in a well behaved way, while the rest of the
users arrive. The community is complete and the
french duo JKINGJULIEN confidently performs its rehearsed
dance routine. The 12-year-old girls JELLY
BEAN JAYDEN still practice to send another video response
to the DAFT BODIES girls. COPYCAT PACK 2.0 is
a collage of 31 synchronized YOUTUBE videos by different
editors, who perform the song HARDER, BET-
TER, FASTER, STRONGER by DAFT PUNK, a French
electro band.
Jan Bode, *1978 in Göttingen. Studied Social Sciences
(Media, Politics, Marketing and Law) at the Georg-August-University
Göttingen. Has been studying Visual
Communication at the Art Academy Kassel since 2003.
Ein Mann in einem leeren Raum. Es gibt keinen weißen
Wal mehr zu jagen, das Vertrauen, die Kraft und der
Glaube, die den Mann einstmals getragen haben, sind
mit der Aufgabe verschwunden. Einsam schickt er Papierboote
ein Rinnsal hinunter zu fremden Ufern.
Selbst verharrt er in der Sicherheit seiner weißen
Welt, bis er endlich beschließt, den Weg hinaus zu wagen
- indem er sich in einer Badewanne ertränkt. Oder
verlässt er doch sein Versteck und begibt sich ans
Meer? Im Ergebnis bleibt es das Gleiche: er stirbt.
Aber das Ergebnis ist nicht die eigentliche Frage.
There is a man in an empty white room. With no more
white whale to hunt down, the vigour and faith that
once have carried the man have vanished along with
his mission. Lonely he`s sending paper boats down a
rill running through the void. Keeping himself safe in
his white world until one day he finally decides to dare
his way out – by drowning himself in a tub. Or is he actually
leaving his hideout, heading for the sea? Either
way – the conclusion is the same: he dies. But the conclusion
is not the matter in question.
Helmut Uhlig, *1976 in Neu-Ulm. Studied Philosophy
and Anglistics in Cologne and Berlin. Graduated in Fine
Arts at the Art School in Kassel in 2008.
D 2008, DVD, 8:46
Realisation Helmut Uhlig
Distribution Helmut Uhlig
D 2008, MiniDV, 5:33
Realisation Jan Bode
Actors Several Actors
Music Daft Punk
Distribution Jan Bode
160

SIGNALIS
Adrian Flückiger
AUF GRUND
Manaledi La Roche
HEIMATLIEBE
Thaïs Odermatt,
Corina Schwingruber
Ein Film über Erwin das Wiesel und
seinen harten Alltag.
A film about Erwin the weasel and
its hard everyday life.
Adrian Flückiger, *1982 in Altdorf,
CH. Has been studying Animation at
the Lucerne University of Applied
Sciences and Arts since 2005.
CH 2008, MiniDV, 5:00
Realisation Adrian Flückiger
Editing Marina Rosset
Sounddesign Joern Poetzl,
Philipp Sellier,
Solid Sound München
Soundmix Wolf-Ingo Römer
Music
Andy Iona »Naughty Hula Eyes«
Software Final Cut,
After Effects
Title Cynthia Kaufmann
Tutor Jürgen Haas
Chef Assistant Manuel Joller
Production Gerd Gockell,
Jochen Ehmann, Otto Adler
Co-Production SF DRS,
Schweizer Fernsehen,
Redaktion Nathalie Jancso
Distribution Lucerne University
of Applied Sciences and Arts
Eine poetische Sammlung von Erinnerungsbildern
und -tönen, die
das Publikum in ein zeitloses
Schweben mitnimmt.
A poetic collection of visual memories
and sounds. Alive and dead.
Warm and floating. Taking the audience
on a timeless journey.
Manaledi La Roche, *1982 in Thaba
Tseka, Lesotho. Graduated at the
Lucerne University of Applied Sciences
and Arts in 2008.
CH 2008, Beta SP, 11:00
Realisation Manaledi La Roche
Editing Tweaklab AG,
Hannes Rüttimann
Actors Manaledi La Roche,
Vincent Wittwer, Alice Kuhn,
Meret La Roche, Christine La
Roche, Ida and Lena Estermann,
Denise Schläppi
Sound Beni Mosele
Compositing Monique Wittwer
Graphics Alice Kuhn
Production Stella Händler,
with the support from the
Bundesamt für Kultur (EDI)
Schweiz
Distribution University of Design
& Art Lucerne
Eine bunte Hommage an die Heimat
mit unerwarteten Begegnungen
und traditionellen Klängen.
A colorful tribute to the homeland
featuring unexpected encounters
and traditional sounds.
Thaïs Odermatt, *1982.
Corina Schwingruber, *1981
CH 2008, Beta SP, 5:43
Realisation Thaïs Odermatt,
Corina Schwingruber
Actors Boris Petronje,
Céline Krummenacher,
Carlos Isabel, Cornelius Heinzer,
Sarah Leibundgut,
Sabrina und Markus
Schwingruber, and many more
Sound Carlos Isabel
Music Boris Petronje,
Willi Valotti
Distribution Lucerne University
of Design & Art, Departement
Video
161

MEDIA CAMPUS
iSPEAK FAMILY
LATRINALIA
Kay Kienzler
UND WENN WIR DANN
IM HIMMEL SIND
Daniela Risch
Es gibt einen ganzen Zweig der Kommunikationswissenschaft,
der sich mit so genannter Latrinalia, also
Klo- oder Toilettengraffiti, auseinandersetzt. Als
schriftliche Spuren menschlicher Kommunikation sagen
sie viel über die zwischenmenschliche Atmosphäre
oder ganz allgemein über menschliches Kommunikationsbedürfnis
aus. Der bekannte österreichische
Philosoph Paul Watzlawick formulierte: »Man kann
nicht nicht kommunizieren.« Wir treten den Beweis
an: Alles ist Kommunikation, selbst Dialog auf dem
Klo.
There is a whole branch of communication-studies
that exclusively discusses so-called latrinalia, meaning
bathroom- or toilet-graffiti. As traces of human
communication, these graffiti’s tell us a lot about inter-personal
vibes or the human need to communicate
in general. Famous Austrian philosopher Paul Watzlawick
once said: »You cannot not communicate.« We
try to proof: Everything is communication, even dialogue
in the bathroom.
Kay Kienzler, *1980 in Frankfurt. From 2002 onwards
he studied Media Production in Darmstadt, including
one year at Victoria University of Wellington, New
Zealand. Has been studying Directing at the Film Academy
Baden-Württemberg since 2007.
Ein junger Mann gründet zusammen mit seiner jungen
Frau eine Familie. An ihrem Küchentisch können wir
miterleben, wie alles so hoffnungsvoll beginnt und
doch traurig endet. Es ist schon lange her, aber die
Möbel spielen uns die Geschichte noch einmal vor,
vom ersten Rendezvous, dem Einrichten des Heimes
und der Geburt der zwei Kinder.
A young man founded a family with his young wife. The
doll’s house furniture performs the old story for us.
Everything started so promising but it ends with the
lonesome death of the man.
Daniela Risch, *1969 in Dahme. Has been studying Media
Arts (Postgrad.) at the Academy of Media Arts
Cologne since 2007.
D 2008, Beta SP, 3:59
Realisation Daniela Risch
Photography Daniela Risch
Editing Manuel Schmitt
Animation Katharina Huber
Music Matthew McGrath, Andrè Schulz
Distribution KHM / ZDF
D 2008, Beta SP, 6:40
Realisation Kay Kienzler
Photography Kay Kienzler, Laura Samide
Editing Kay Kienzler
Narrator Paul Watzlawick, Mario Hassert.
Distribution Kay Kienzler
162

RECITATION/RECEPTION
Jason Bernagozzi
REBECA
Gonzalo H. Rodríguez
Diese Arbeit zeigt auf einen Monitor übertragene Bilder
des Künstlers, die versuchen das televisuelle
Fleisch des Bildschirms zu durchdringen, um mit dem
Zuschauer zu kommunizieren. Die dabei stattfindende
Verarbeitung des Bildes vom Körper des Künstlers ist
die Aufschlüsselung der digitalen Struktur des Videos,
die nicht fähig ist sich zu erneuern, gefangen in einem
Zustand zwischen Zeit und Information. Die Arbeit als
solche, behandelt die Notwendigkeit des Erstellens
von Versionen/Versionsverwaltung, der Aktualisierung
von Codes und Sprachen mit dem Ziel, aus der rekursiven
Natur von sowohl digitalen als auch psychologischen
Schleifen auszubrechen.
This work features images of the artist himself being
broadcasted to a baby monitor, attempting to penetrate
the tele-visual flesh of the screen in order to
communicate with the viewer. The processing of the
body image is the breakdown of the digital fabric of
the video, unable to refresh, being stuck in a state in
between time and information. As such, the work
speaks to the necessity of versioning, the updating of
codes and language in order to break from the recursive
nature of both the digital and psychological loop.
Jason Bernagozzi, *1979 in Smithtown, USA. He is currently
a graduate student at Alfred University in Alfred,
NY, pursuing his Master of Fine Arts Degree in Electronic
Integrated Art.
USA 2008, MiniDV, 5:48
Realisation Jason Bernagozzi
Distribution Jason Bernagozzi
In Lima, Anfang des Jahres 1993, beschloss Rebeca,
die in der Nähe ihres Hauses gelegene Autobahn zu
überschreiten. Voller Gedanken oder vielleicht doch
gedankenlos, versuchte sie die erste Hochgeschwindigkeitstrasse
zu überqueren, als ihre Wanderung abrupt
unterbrochen wird. Danach, wurde alles schwarz.
Diese Frau war die Großmutter des Autors. Ihren Tod
nutzte er als Motiv für diesen Film und als Grund sich
selbst zu finden. Die intensive Herausforderung lag
dabei in den Widersprüchen einer Geschichte, die ihm
zu nah stand: Wie viel einer intimen Geschichte wird
vom medialen Spektakel verfälscht? Welche Wahrheit
taucht auf Grund der radikalen Subjektivität auf? Diese
Fragestellung erweitern den Film auf die Bereiche
des Portraits und des Selbstportraits, des Ichs und
des Anderen.
In Lima, at the beginning of 1993, decided Rebeca to
walk over the highway next to her House. In a trail of
thoughts, or perhaps with none at all, she tried to
cross this high-speed track but her ramble was interrupted
all of the sudden. After that all became black.
This woman was the author's grandmother. Her death
is used by him as a motive for this film and as justification
to find himself. So then the main challenge relied
on the contradictions of autobiographical work:
how much of the story was distorted by the spectacularity
of the media? What kind of truth emerged by the
means of subjectivity? This questions expanded the
film to the fields of portrait and self-portrait, of the I
and the Other.
Gonzalo H. Rodriguez, *1981 in Lima, Peru. Has been
studying a postgrad in Media-Art at the Academy of
Media Arts Cologne since 2006.
D 2009, Beta SP, 23:37
Realisation Gonzalo H. Rodríguez
Distribution Gonzalo H. Rodríguez
163

MEDIA CAMPUS
iSPEAK FAMILY
MY FIRST CONTROL KIT
xkopp
AN EINEM ANDEREN ORT
Janne Jürgensen
Das unglaubliche neue Überwachungsset macht deine
Familie glücklich! Princess, Daddy, Mum und Junior
entdecken ihr trautes Heim. Achtung: Junior beobachtet
und Mum ist entzückt! Was machen eigentlich
Daddy und Princess?
The new unbelievable Control Kit makes your family
happy! Princess, Daddy, Mum and Junior discover their
sweet home. Look out: Junior observes and Mum is
ravished! But what are Daddy and Princess actually
doing?
xkopp is a Film and Animation Company based in
Berlin. The Directors Ramin Sabeti, Irek Krett and Eike
Mählmann met at the University of Applied Sciences
Aachen.
D 2007, Beta SP, 2:08
Realisation xkopp
Actors Heiko Müller, Ramin Sabeti,
Irek Krett, Eike Mählmann
Music Christian Halangk
Distribution xkopp Film&Animation
Ein MP3-Tonmitschnitt während der Dreharbeiten zu
dem Dokudrama »Ein Sommer in Spanien 1938« war
das Rohmaterial für dieses Experiment, inspiriert von
einem Aufsatz des Philosophen und Filmkritikers
Siegfried Kracauers, in dem er seinen Freund Max
Horkheimer zur Stellung des gesprochenen Wortes im
Film zitiert. Drei zu gereiste Herren treffen irgendwo
auf der Strasse einen weiteren Herren, der schon länger
in der Gegend lebt. Sie versuchen miteinander zu
kommunizieren, ohne dass sie ein und dieselbe Sprache
sprechen. Als der einzige verschwindet, der übersetzen
kann, stellen selbst einfachste Fragen unüberwindbare
Hindernisse dar.
An MP3-sound-record from the shooting of the dokudrama
»Summer in Spain 1938« served as the raw material
for this experiment. The latter was inspired by an
article of the philosopher and critic Siegfried Kracauer,
in which he quotes his friend Max Horkheimer
about the status of spoken word in cinema. Three travelling
gents meet another gentleman - who has been
living in the area for some time - somewhere in the
streets. They try to communicate with each other, even
though they don´t speak the same language. When the
only one of them, who is able to translate, disappears,
even simple questions pose insurmountable barriers.
Janne Jürgensen, *1981 in Schleswig. Has been studying
Film and Digital Cinema at University of Fine Arts
Hamburg since 2004.
D 2008, MiniDV, 10:07
Realisation Janne Jürgensen
Actors Camel Cesar Gamal, Olaf Bossy,
Andre Mulzer, Janne Jürgensen
Distribution Janne Jürgensen
164

GRÖßERE LEINWÄNDE,
LÄNGERE HÄLSE!
Jos Diegel
FRITZI UND SCHLITZI
Ilka Brosch
Entweder machen wir Geschichte, oder wir stehen
dumm davor, wie Fremde vor einem Unwesen. »Größere
Leinwände, längere Hälse« werden zur Entfremdung
des Menschen beitragen. Realismus aber, der die
Verhältnisse umkehrt, den gesellschaftlichen Automaten
zersetzt und durch Situationen ersetzt, die sich
nicht an ihnen orientieren wollen, liegt das revolutionäres
Begehren, das Gewalt nicht mehr die Ordnung
der Welt sei. Realismus ist die Idee, dass die Dinge,
die Welt, der Film, die Gesellschaft und Ich selbst
veränderlich sind. Das ist die Möglichkeit von Möglichkeiten.
Ein Gehirn das flackert, neu verkettet oder
Schleifen durchläuft, das ist Kino. Ein Film der
flackert, neu verkettet oder Schleifen durchläuft, das
ist Denken.
Either we make history or we stupid stand in front of it
like strangers in front of an alien. »Bigger Canvas,
Longer Necks« will take their parts in the estrangement
of mankind. But Realism that reverse the conditions,
that decomposes and replaces the social automatics
by situations, that will not orientate on them,
there is the revolutionary desire, that the order of the
world should no longer be violence and control. Realism
is the idea, that things are changeable, the world,
the film, and me. That is the possibility of possibilities.
A brain that flickers, that makes new connections or
that goes trough bows, that is cinema. A film that
flickers, that makes new connections or that goes
trough bows, that is Thinking.
Jos Diegel, *1982 as Jos van Vugt. Has been studying at
the HfG Offenbach/Main since 2001.
D 2008, MiniDV, 7:40
Realisation Jos Diegel
Actors Norman Hildebrandt,
Matthias Winkelmann, Emilia Neumann,
Franz Dittrich, Luana Knipfer
Music Mr. Van Vugt
Distribution HfG Offenbach/Main
Schlitzi träumt von einer nervenaufreibenden Nacht
im Zirkus. Die Zuschauertribüne ist voll besetzt, der
Vorhang hebt sich. Fritzi will Sex. Doch Schlitzi hat es
auf Fritzis Eingeweide abgesehen und liefert ihn vor
den Augen des Publikums ans Messer, dem stattdessen
eine groteske Körper-Peepshow geboten wird, die
seinesgleichen sucht. Die Hauptattraktionen der
Show: ein bizarres Körperspektakel mit abgetrennten
Gliedmaßen, aufklaffenden Wunden, aufgeschlitzten
Bäuchen, glibberigen Innereien und zuckendem
Fleisch, Köpfe fliegen durch die Luft und das Blut
spritzt eimerweise. Knetpuppen-Trash meets Zirkus-
Splatter in dieser makabren Nummernrevue der Perversionen
und Ausschreitungen von sadistischen Ausmaßen,
die mit viel schwarzem Humor gepaart ist.
Schlitzi dreams of a nerve-wrecking night at the circus.
The stands are full off spectators, the curtain is
drawn. Fritzi wants sex. But Schlitzi has it in for
Fritzi´s innards and sends him to his doom in front of
the audience, who gets to see a grotesque peepshow
of body parts, which is tough to equal. The main attraction
of the show: a bizarre spectacle with cut-off
limbs, slit stomachs, slimy innards and twitching
meat, heads flying through the air with blood squirting
in huge amounts. Clay-puppet-trash meets circussplatter
in this macabre revue of perversion and excesses
of sadistic proportion combined with lots of
dark humor.
Ilka Brosch, *1975 in Seeheim-Jugenheim. Has been
studying Film/AV at the HfG Offenbach/Main since
1997.
D 2008, MiniDV, 6:40
Realisation Ilka Brosch
Editing Ilka Brosch, Gonzalo Arilla
Distribution HfG Offenbach/Main
165

MEDIA CAMPUS
BACK2ELEMENTS
UNE CAMERA TRADITIONELLE
Anne Euler
Der Media Campus präsentiert seine
Ausstellung »back2elements«
im Stadtgalerie Café. Junge Künstler
kontrastieren in ihren Arbeiten
analoge und manuelle Technik oder
natürliche Prozesse mit digitalen
Darstellungsformen. Antiquierte
Geräte, die ihrerzeit Pionierarbeit
geleistet haben, treten in neuen
Zusammenhängen auf, Technik
steht unter dem Einfluss von
natürlichen Entwicklungsprozessen,
der Mensch hingegen beeinflusst
digital Konstruiertes. Jeweils
zwei Elemente bedingen und ergänzen
sich gegenseitig oder spielen
miteinander.
The Media Campus presents the
exhibition »back2elements« in the
Stadtgalerie Café. Young artists
contrast in their work analogue and
manual technology or natural
processes with digital forms of display.
Antiquated devices, which did
pioneer work in their time, appear
in new interrelations, technique is
under the influence of natural developing
processes, a person however
is influencing a digital construction.
Two elements are conditional
and complementing for each
other or play together.
Die Thematik der Arbeit von Anne Euler umfasst die
Aufhebung einer Raumtrennung. Dazu wurde ein VW-
Bus in eine Lochkamera umgebaut. Auf den entstandenen
Bildern sieht man zum einen das Innere der Kamera
als auch das, was vor der Kamera vorhanden ist.
Während der meist 15-minütigen Belichtungszeit wurde
das Geschehen vor der Kamera auf Video und Ton
dokumentiert.
The topic of the work of Anne Euler is the elimination
of the divison of space. A Mini-Bus was transformed
into a pinhole camera. On the pictures the inside of the
camera as well as what is in front of the camera can be
seen. During the mostly 15 minutes of exposure the
events in front of the camera were documented with
video and sound.
Anne Euler, *1985 in Büdingen. Has been studying at
the HfG Offenbach/Main since 2005.
Morocco 2008, Photography and Installation,
200 x 108 cm
166

GROßE MASCHINEN BRINGEN KLEINE ZUR WELT
Alexander Glandien
Diese Installation widmet sich der Frage was passiert, wenn man ein unbeachtetes, natürliches Alltagsphänomen
zum Ausgangspunkt eines künstlichen Simulationsprozesses macht. Es geht dabei um die Digitalisierung
und die technische Reproduktion eines banalen, geradezu unauffälligen Vorgangs. Ausgehend von der Bewegung
die eine rollende Erbse auf einem Teller vollführt, ist ein eigenständiges System entstanden, dass diese
Bewegung künstlich ausführt. Eine Kamera erkennt die Position der Erbse auf dem Teller und reagiert auf ihre
Bewegungen. Die Natürlichkeit der Erbse und die Künstlichkeit der Maschine begegnen sich in einem besonderen
Verhältnis der gegenseitigen Abhängigkeit. Ihr Zusammenspiel wirft in besonderem Maße die Frage auf,
wer in diesem System wen steuert? Ist die Erbse der Initiator oder löst anders herum die Maschine die Bewegungen
der Erbse aus? Beide, Erbse und Maschine, sind auf besondere Weise miteinander verknüpft. Des Weiteren
kann jeder Betrachter auch in dieses Zusammenspiel eingreifen.
This installation attends to the question, what happens if you use a disregarded everyday phenomenon as the
origin of an artificial simulation process. Based on the movement of a little, rolling green pea on a white plate,
I designed a system, that imitates this movement in an artificial way. The system is controlled by a camera, that
recognizes the position of the pea on the plate and actuates the pea moving on the plate without falling down.
The naturalness of the pea is connected to the factitiousness of the machine. Their interaction raises the question:
Who controls whom in this system of reciprocity? The pea reacts to the movement of the motors and the
motors react to the movement of the pea. Furthermore, every visitor can influence this interconnection by putting
his hands into the space between the plate and the camera. Next to the tracking system is an irrigation system,
that waters the offspring.
Alexander Glandien, *1982 in Schwerin. Has been studying Visual Communication at the University of Applied
Sciences Wismar since 2003.
D 2008, Installation
167

MEDIA CAMPUS
BACK2ELEMENTS
IDEAL AUDIO
Alexander Glandien
NO(W)HERE
Go Eun Im
Die Installation »Ideal Audio« verbindet einen Plattenspieler
und einen Barcode-Scanner zu einer neuen
Musikeinheit – zu einem Abspielgerät, welches aus
kreisrunden Barcodes Töne und musikalische Kompositionen
generiert. Die mäandernden, abstrakten
Strichmuster der Barcodes erwecken dabei den Anschein
von Schallplatten-Rillen. Es entsteht eine
natürlich wirkende Symbiose aus eigentlich gegensätzlichen,
analogen und digitalen Elementen. Auf
jeder codierten Platte gibt es mehrere Lesespuren,
bestehend aus unterschiedlichen Barcodes, wobei die
Länge des Codes und die entsprechende, aufeinander
folgende Kombination über die Komposition der Musik
entscheidet. Jeder Barcode, der einem im Alltag begegnet,
lässt sich auf diese Weise in Musik übersetzen
und in Form von Barcode-Platten zu Stücken arrangieren.
Die musikalische Zweitverwertung von kommerziellen
Barcodes wird dabei zu einem unvorhergesehenen
Element auf der Suche nach neuen, interessanten
Klängen. Die Vielfalt aller möglichen Barcodes eröffnet
ein musikalisches Spielfeld für überraschende
neue Kompositionen.
»Ideal audio« combines a turntable and a barcode
scanner to a new music device. It is some kind of player
that generates tones and musical compositions out
of common barcodes. The installation broaches the issue
of the interconnection between digital and analog
music. The outcome of this is an inartificial looking
symbiosis of oppositional, analog and digital elements.
On every record are several printed barcode
grooves. The player translates this abstract lines into
musical tones and generative noise, comparable to an
analog record. The variety of all possible barcodes
opens up a huge field of new sounds.
Wo sind wir in durch Kamera und Projektor medialisierter
Zeit und Raum? Eine Figur hinter einer Vision
von umgekehrter Zeit und Raum im Nirgendwo und
Geradehier. »No(w)here« ist eine Arbeit über medialisierte
Zeit und Raum. In dieser Arbeit ist auf einem
realen Papier »No(w)here« umgekehrt geschrieben
und erzeugt falsche endlos Video-Feedback-Bilder.
Gleichzeitig werden Bilder der Besucher ebenfalls an
die Wand projiziert. Dadurch sind Zeit und Raum die
Grenzen zwischen künstlich und real, sehen und gesehen
werden, Gegenwart und Vergangenheit, Nirgendwo
und Geradehier.
Where are we in a mediated time and space by camera
and projector? A figure behind a vision of upside-down
space and time in »No where« or »Now here«.
»No(w)here« is a work about mediated time and
space. In this work, there is a real piece of paper on
which is written »No(w)here« upside-down. It creates
fake endless video feedback images. Images of the
audience are also projected on the wall at the same
time. Therefore, the time and the space are borders
between fake and real, seeing and being seen, the
present and the past, »No where« and »Now here«
Go Eun Im, *1981 in Sangcheon, South Korea. Has been
studying Media Art at the Yonsei University, Graduate
School of Communication and Art, Seoul since 2004.
She is an artist-in-residence at Rijksakademie van
beeldende kunsten, Amsterdam, since 2008.
NL 2008, Interactive Installation
Alexander Glandien, *1982 in Schwerin. Has been
studying Visual Communication at the University of Applied
Sciences Wismar since 2003.
D 2008, Installation
168

LINE
Johanna Reich
USER GUIDE TO THE SEMIOTICS
OF THE KITCHEN
Selene States
In Johanna Reichs Video »Line« wird eine hochauflösende
Digitalkamera mit einfachen Mitteln an ihre
Grenzen geführt: die schwarz gekleidete Person im
Bild malt mit dem Rücken zur Kamera stehend die titelgebende
schwarze Linie auf eine Wand. Die Kamera
kann aufgrund der Lichtverhältnisse nicht zwischen
dem Schwarz der Person und dem schwarzen Hintergrund
differenzieren. Die Person wird von der Hintergrundfarbe
verschluckt und scheint vor den Augen der
Kamera in der Malerei zu verschwinden.
In Johanna Reich‘s video called »Line« a high-resolution
digital camera is about to reach its limits: A blackclothed
person paints a black line on a wall. As a result
of lighting conditions the camera cannot differentiate
between the black of the person and the black background.
The person seems to disappear in front of the
camera.
Johanna Reich, *1977 in Minden. Studied Fine Arts at
the Academy of Fine Arts Muenster and at the University
of Fine Arts of Hamburg. Is currently studying at
the Academy of Media Arts Cologne.
D 2008, Installation
Bei der interaktiven Videoinstallation artikuliert die
Künstlerin mit starrer Gestik und Mimik beispielhafte
Nutzungsvorführungen mit Küchenobjekten A-Z
durch: Es wird mit »apron«, »bowl«, »chopper« etc. gehandhabt.
Der Betrachter kann zusätzlich die Objekte
A-Z mit eigenen Fingern durch Knopfdruck ertasten.
So erfahren die Objekte weniger übliche Handlungen
und der User kann sich eine persönliche Küchentat
zusammenschneiden und durchmixen.
In the interactive video installation, the artist mimes
the use of different kitchen objects A-Z, wielding her
apron, bowl, chopper etc. States’ approach places value
on the role of the observer and his handling of the
object. At the touch of his fingers, new combinations
and permutations of the signs A-Z are articulated and
kitchen objects handled in less commonplace ways.
The user can cut & mix the video, concocting a new
medley of meaning in the kitchen.
Selene States, *1984 in Providence (RI), USA. Has been
studying at the State Academy of Fine Art Karlsruhe
since 2005 and is currently studying time-based media
at the Royal Danish Academy of Fine Art in Copenhagen.
D 2007, Interactive Installation
Software by Wojciech Kosma
169

MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULE FÜR KÜNSTE BREMEN
»22.01.08«
Elianna Renner
Die Hochschule für Künste in Bremen spaltet sich in
vier gestalterische Studiengänge: Freie Kunst, Musik,
Design und Digitale Medien. Die Freie Kunst besteht
aus neun sogenannten Klassen, die sich im Rahmen
der Malerei, Zeichnung, Bildhauerei, Keramik, Fotografie,
Konzeptuellen Kunst und Audiovisualität bewegen.
Die StudentInnen haben die Möglichkeit sich
in anderen Klassen und Studiengängen mit einzubringen,
voneinander zu profitieren und sich zu ergänzen.
Es ist nicht ganz einfach, eine so vielfältige Gemeinschaft,
wie das Atelier für Zeitmedien unter einen Hut
zu bringen - eine Fülle an Künstlerköpfen, die mit verschiedenen
Arbeitsweisen und Methoden ihr Ziel erreichen.
Es wird mit Klängen experimentiert, gemalt
und gezeichnet, konstruiert, gebastelt und gefilmt. Die
StudentInnen bringen ihre eigenen Schwerpunkte mit
und gestalten frei nach eigenen Spielregeln.
The University of the Arts in Bremen is divided into
four creative fields of study: Fine Arts, Music, Design
and Digital Media. In the Fine Arts context nine socalled
classes are held: painting, drawing, sculpture,
ceramics, photography, conceptual art and media art.
The students have the possibility to take part in other
classes and fields of study to benefit from each other
and complement each other. It is not easy to reconcile
such a varied community as the studio for time media
- a rich diversity of artists who achieve their target
with different procedures and methods. The artists
experiment with sounds, they paint and draw, construct,
tinker and film. As a matter of fact all students
bring in their specific focus and create freely according
to their own rules.
»22.01.08« ist eine Installation, die ein anderes Bild
vermittelt als zu hören ist. Es handelt sich hierbei um
eine beabsichtigte Irritation. Das Bild der Lampe, die
vorgibt ihren Schalter zu beleuchten, zieht alle Aufmerksamkeit
auf sich um sich wichtigtuerisch in Szene
zu setzen, während die Geschichte die Momentaufnahme
einer Irritation erzählt. Beide Irritationen sind
Fragmente aus dem Alltag, die zunächst unbedeutend
scheinen oder gar harmlos wirken. In ihrer Harmlosigkeit
trennen sich die Wege: während der Schalter unschuldig
weiter leuchtet, aber eigentlich in keiner engeren
Beziehung zu der Lampe steht, wird in der erzählten
Geschichte das Sitzen im fremden Auto immer
unangenehmer. Entstanden am 22.01.08 zwischen
Berlin und Bremen.
»22.01.08« is an installation that conveys a different
picture to that which can be heard. It is an intended irritation.
The image of the lamp, which pretends to light
its switch, draws all of the attention in order to bumptiously
put itself in the limelight, while the story tells
of the snap-shot of an irritation. Both irritations are
fragments from everyday life, which initially appear insignificant
or even harmless. Their paths go separate
ways in their harmlessness: while the switch innocently
continues to shine, but actually has no close relationship
to the lamp, the narrated story of sitting in
an unknown car becomes increasingly unpleasant.
Created on 22 January 2008 between Berlin and Bremen.
Elianna Renner, *1977, Masterstudent at the University
of the Arts in Bremen.
D 2008, Installation
170

TRÜMMERTEPPICH
Daniel Neubacher
UNTITLED
Janis E. Müller
DER TURM
Katharina Kreuzkamp
Bei der Arbeit »Trümmerteppich«
handelt es sich um eine interaktive
Installation am Boden eines
Raumes. Eine Magnetfeld Matrix
unter der Oberfläche eines Teppichs
erlaubt BesucherInnen auf
eine beiläufige Art mit dem Raum
zu interagieren. Die BesucherInnen
können so ein Spektrum verschiedenster
Sounds erfahren, die im direkten
Bezug zum Raum stehen,
wobei sich die Anzahl der Personen
und auch ihr Verhalten auf den Algorythmus
auswirkt.
»Trümmerteppich« is an interactive
floor installation which contains a
magnetic field matrix below the
surface of a carpet. It allows visitors
to interact with the surface of
the floor in an incidental way, by
just walking over it. Visitors will experience
different sounds which
advert to the location the carpet is
placed. Different algorythms are
chosen depending on how many
people are in that room and how
they behave.
Daniel Neubacher, *1985 in Nuremberg,
Germany. Has been studying
at the University of the Arts in Bremen
since 2007.
D 2009, Installation
Auch wenn wir etwas ganz besonders
doll wollen oder wünschen
heißt es noch lange nicht, dass wir
es auch kriegen, können oder
schaffen. Von der anderen Seite
aus gesehen ist es allerdings auch
möglich, unmögliche Dinge zu tun
oder wenigstens zu denken. Wichtig
ist nur, dass man sich so wenig
Grenzen wie möglich setzt, hier
und da ein paar Regeln zu brechen
und mit der Unmöglichkeit zu arbeiten.
In the case that we want or dream
about doing something really extraordinary,
it doesn’t necessarily
mean that we are able to do it at all,
or that we will get what we have
wanted. On the other hand it is also
possible to do or at least to think
about doing many »impossible«
things. In doing so the only important
thing is, that one sets up as
low limits as possible; then to
break some rules every once in a
while and to work with the impossibility.
Janis Elias Müller, *1982 in Achim
(Verden), Germany. Has been studying
at the University of the Arts in
Bremen from 2006 to 2009 at the
studio time media in the class of
Jean-François Guiton.
D 2008
»Der Turm« ist eine Videoarbeit von
2009, die sich direkt auf den »Bürgergehorsam«
und seinen Standort
in Osnabrück bezieht. Die Gegebenheiten
des Turmes in seiner
heutigen Umgebung haben die
Künstlerin angeregt.
»Der Turm« is a video work created
in 2009 that alludes directly to the
»Bürgergehorsam« and its location
in Osnabrück. The circumstances
surrounding the tower in its modern-day
surroundings inspired the
artist.
Katharina Kreuzkamp, *1987 in
Lüneburg, Germany. First-year student
under Jean-François Guiton at
the University of the Arts in Bremen.
D 2009, Videoarbeit
171

MEDIA CAMPUS
HOCHSCHULE FÜR KÜNSTE BREMEN
REVOLTIEREN
Barbara Dévény
UNTITLED
Franziska Keller
Ein Seil wickelt sich um einen Holzpfeiler.
Danach wickelt es sich wieder
ab. Immer und immer wieder.
A rope wraps itself round a wooden
pillar. Afterwards it winds itself up.
This happens over and over again.
Barbara Dévény, *1976 in Germany.
Has been studying at the University
of the Arts in Bremen since 2006.
D 2009, Videoinstallation
Ich empfinde den Turm als einen sehr aufdringlichen Ort. Das mag an seiner
Enge, seinem Alter, den dicken Mauern und der fehlenden frischen
Luft liegen. Der Sog in eine andere Zeit ist enorm groß. Der Name »Bürgergehorsam«
verhindert ein romantisches Schwelgen, lässt einen vorsichtig
und ängstlich den Raum erforschen, mit der beklemmenden Hoffnung
auf Spuren vergangener Zeiten zu stoßen. Was haben die Steine gesehen
und verinnerlicht? Die Fragen nach dem Inneren und dem Äußeren
von Wohn-Hüllen wurden in meinen Arbeiten immer wieder aufgegriffen.
Dabei interessieren mich die Grenzen, die Schnittstellen, und die Durchlässigkeiten
der Hüllen. Ich habe mit der Videokamera vor Ort gearbeitet
und zeige die Arbeit als Videoinstallation.
I feel the tower to be a very intrusive place. That might be because of its
narrowness, its age, the thick walls and the lack of fresh air. The suction
into another time is enormously powerful. The name »Bürgergehorsam«
prevents any kind of romantic indulgence, leading you to explore the room
cautiously and anxiously, with the oppressive hope of coming across
traces from past times. What have the bricks seen and taken in? The
questions regarding the inside and outside of residential shells have
been repeatedly taken up in my works. In so doing, I am interested in the
boundaries, the interfaces and the penetrability of the shells. I’ve been
working on-site with the video camera, and am exhibiting the work as a
video installation.
Franziska Keller, *1972. Has been studying at the University of the Arts in
Bremen.
D 2009, Videoinstallation
172

KNIFFEL
Felix Thiele
ERINNERUNGEN
Jaeyeon Yoon
BROKEN HAZE
Dennis Tan
In der Videoinstallation »Kniffel«
steigen und fallen fünf Würfel in
extremer Zeitlupe und schlagen auf
weißem Untergrund auf. Die Projektion
des Videoloops wird in einem
runden Loch im Boden des unteren
Turmraumes präsentiert. Der Ton
der aufschlagenden Würfel ist
durch die Zeitlupe zu einem
Donnergrollen verzehrt, das durch
die Akustik des unterirdischen
Raumes verstärkt wird. Die begreifbare,
fast kindliche Repräsentation
von Zufall, Glück, Pech, Schicksal
usw. kann so als (Natur)Gewalt erfahren
werden.
The videoinstallation »Kniffel«
consists of a circular window in the
ground which is used for a glowing
back projection from underneath.
The videoloop shows five dice rising,
falling and dashing on the
ground in a very slow motion.
Whenever the dice touch ground
the slowed-down sound increased
by the acoustics of the room underneath
reminds of rolling thunder.
That is how the tangible, almost
childish representation of coincidence,
good&bad luck, destiny etc.
can be experienced as a (natural)
force.
Felix Thiele, *1981 in Lübeck, Germany.
Has been studying at the University
of the Arts in Bremen since
2007.
Bremen 2009, Video-Installation
Die Erinnerung ist immer ungenau,
weil sie in einem künstlichen Raum
zwischen Vergangenheit und Gegenwart
existiert. Ob beabsichtigt
oder unbeabsichtigt bleibt sie unvollständig
und manipuliert. Die
drei Videoarbeiten stellen Faktoren
dar, die die Erinnerung an das wirklich
Geschehene verformen und
beeinflussen. Lüge, Einbildungskraft
und Wahrheit.
Memories are never accurate because
they exists in an artificial
space between the past and the
present. Whether intentionally or
unintentionally thoughts remain
incomplete and manipulated. The
three video works represent factors
of memory that deform and influence
the actual happenings.
Lies, imagination and truth.
Jaeyeon Yoon, *1982 in Seoul, The
Republic of Korea. Has been studying
at the University of the Arts in
Bremen since 2007.
D 2008, Videoinstallation
In »Broken Haze« thematisiere ich
die Entwicklung von Musik. Der
Ausdruck von musikalischer Ekstase
durch Gewalt ist ein beliebtes
Mittel von Musikern. In dieser Arbeit
demontiere ich mittels eines
Schraubenziehers eine E-Gitarre,
während ein Gitarrist diese spielt.
Durch diesen behutsamen Eingriff
verändert sich die Tonhöhe bis hin
zum Verlust der Spielbarkeit.
In the work »Broken Haze«, I discuss
the evolution of music. The expression
of musical ecstasy
through violence is a popular
means by musicians. In the work, I
used a screwdriver to deconstruct
an electric guitar while a guitarist
is playing. Through this careful intervention
the pitch and the playability
of the instrument changes.
Dennis Tan, *1976 in Singapore.
Has been studying at the University
of the Arts in Bremen since 2003.
D 2006, Video-Performance
173

MEDIA CAMPUS
FACHHOCHSCHULE WÜRZBURG
FAKULTÄT FÜR GESTALTUNG DER FACHHOCHSCHULE WÜRZBURG. Seit 1983 kann man an der Fakultät Gestaltung
der Fachhochschule Würzburg-Schweinfurt »Film« im Studiengang »Kommunikations-Design« studieren.
Film ist darin nur ein integraler Studienbereich (neben Grafik-Design, Typografie, Text, Illustration, Interaktiven
Medien und Fotografie) – eine Filmklasse gibt es nicht. Das folgende Programm umfasst Arbeiten aus diesen
25 Jahre – Altes und Neues, Studien- und Abschlussarbeiten, Preisträger und Fingerübungen.
In der Lehre betone ich das Experimentelle. Natürlich beschäftigen wir uns auch etwa mit dem Dokumentarischen
oder dem Kurzspielfilm. Und dem an einer Fachhochschule völlig legitimen Wunsch, angewandt arbeiten
zu wollen, wird selbstverständlich Rechnung getragen. Dennoch: Experimentalfilm ist Metafilm, d.h. Film über
Film - über die Form, über die Sprache, über die Ästhetik von Film. Wer unter »experimentell« innovativ und unkonventionell
versteht, begreift schnell, dass die Möglichkeiten der Film-Sprache noch längst nicht ausgereizt
sind; dass neue oder auch nur andere Wege des Ausdrucks beschritten werden können und - etwa in der Werbung
- sogar beschritten werden müssen, um zu aussagefähigeren und Aufmerksamkeit heischenden Ergebnissen
zu kommen. Wer gelernt hat, experimentell zu arbeiten, wird sich künftig auch im konventionellsten
Rahmen als Gestalter treu bleiben können. Auch muss die Hochschule entschiedenen Widerstand leisten: gegen
allzu modische Trends zur Verschulung, überzogenes Effizienzdenken und stromlinienförmige Marktanpassung
- für den Erhalt des Freiraums »Studium«. Mit der unschätzbaren, später nie mehr wiederkehrenden
Möglichkeit für den einzelnen Studierenden, die eigenen Möglichkeiten zu erproben und sich selbst zu finden.
Nicht zuletzt deshalb hat das Spielerische, Experimentelle, Freie bei uns seinen hohen Stellenwert.
Das Konzept der schmalen Gratwanderung zwischen den Extremen scheint sich in der Praxis zu bewähren: es
gibt m. W. keine arbeitslosen Absolventen mit Schwerpunkt Film/Video. Die größten »Karrieresprünge« scheinen
dabei diejenigen mit den unkonventionellsten, experimentellsten Studien- und Abschluss-Arbeiten gemacht
zu haben. Das gibt dem Dozenten Hoffnung, dass sich letztlich doch die individuelle Begabung und konzeptionelle
Kreativität des Einzelnen durchsetzen kann. Wie schon immer. Und wahrscheinlich sogar ohne formales
Studium...
(Dr. Ingo Petzke, PhD, verantwortlicher Film-Professor 1983–2001 und wieder seit 2006)
DEPARTMENT OF DESIGN AT THE UNIVERSITY OF APPLIED SCIENCES WÜRZBURG. It has been possible to
study »Film« on the »Communications Design« degree programme at the Faculty of Design of the University of
Applied Sciences Würzburg-Schweinfurt since 1983. Film is just an integral area of studies (besides Graphic
Design, Typography, Text, Illustration, Interactive Media and Photography) – there is no film class. The following
programme comprises works from the course of these 25 years – old and new oeuvres, assignments and final
works, award-winners and finger exercises.
In teaching, I place great emphasis on the experimental. It goes without saying that we also explore documentaries
and short feature films. And of course the completely legitimate wish to want to work practically at a university
of applied sciences is, of course, allowed for. Nonetheless: experimental film is meta film, i.e. film about
film – about the form, about the language, about the aesthetics of film. Those who interpret »experimental« to
mean innovative and unconventional soon come to realise that the possibilities of the cinematic language have
by far not yet been exhausted; that new or simply other means of expression can be taken and – as in advertising
– even have to be taken in order to achieve more informative results that beg for attention. Those who
have learned to work experimentally will also be able to remain true to themselves as designers in the most
conventional framework. The higher education institution also has to offer resolute resistance: against all-too
174

IMPROVISATIONEN
Norbert Zauner
fashionable trends towards a high
degree of regimentation, excessive
notions of efficiency and streamlined
adjustment of the market –
for the preservation of the freedom
of »studying«. With the invaluable
unique opportunity given to each
individual student to explore their
own possibilities and to find themselves.
And last but not least, we
also attach great importance to
hands-on, experimental and free
elements.
The concept of the thin line between
the extremes appears to
prove its worth in practice: as far as
I know, there are no unemployed
graduates who majored in
Film/Video. The greatest »career
advancements« seem to have been
made by those who created the
most unconventional, most experimental
assignments and final
works. This fact gives the lecturer
the hope that the individual talent
and conceptual creativity of each
single person will ultimately prevail,
after all. As ever. And probably
even without having formally studied...
Dr. Ingo Petzke, PhD (responsible
Film professor from 1983 to 2001,
and again since 2006)
Das Konzept zu diesem Film ist: Film ist Fotografie,
Fotografie ist Film und das Thema »Selbstportrait« in
Form von Begegnungen und Dialogen, die der Autor
mit sich selbst führt. Fotografische Serien, bestehend
aus etwa 1700 Fotos, in Schwarz-Weiß und gefilmte
Realität in Farbe stehen sich gegenüber. Bevor der Autor
mit den Dreharbeiten begann, beobachtete er Körperbewegungen
in alltäglichen Situationen: Händeschütteln,
Kopfbewegungen, Gehen, Schritte, Laufen,
Umdrehungen, Essen, Verneigungen. Der Autor versucht
in seinem Film Dinge darzustellen, die nur mit
dem Medium Film darstellbar sind.
The concept of this film is: film is photography, photography
is film and the subject »self-portrait« in the
form of meetings and conversations which the author
holds with himself. Photographic monocrome series,
made out of 1700 photos, are opposed to filmed reality.
Before the author started the shooting he observed
body movements in daily situations: handshakes,
head movements, walking, steps, running, rotations,
eating, bows. The author tries to portray subjects
which can only be portrayed by medium film.
Norbert Zauner, *1959 in Landshut, studied Communication
Design at the University of Applied Sciences
Würzburg, in the class of Professor Frieder Grindler
and Professor Ingo Petzke.
D 1984, 16 mm, Color, Magnetton, 11:00
Realisation Norbert Zauner
Method Fototrick, Realtrick
Photos/Drawing Norbert Zauner
Production FH Würzburg
175

MEDIA CAMPUS
FACHHOCHSCHULE WÜRZBURG
NIGHT´S IN MOTION
Jo Gröbe
OHNE FRÜHSTÜCK MACH ICH NIX
Jürgen Riegler
Eine nächtliche Zwischenlandung auf dem Flughafen,
irgendwo. Zeit für eine kurze, ziellose Expedition in
den nächtlichen Dschungel der Großstadt. Eintauchen
in Lichtermeere, sich treiben lassen vom pulsierenden
Strom des Lebens. Bis die Reise weiter geht. Ein typischer
Kamerafilm. Die Story tritt fast ganz zurück,
wichtig wird das Bild, das Licht, der Rhythmus des
Films und der Musik (fast wie dafür komponiert: Tangerine
Dream). Rasende Kamerafahrten und glitzernde
Lichtermeere kontrastieren mit bewusst grobkörnigen
Standbildern, die die Unbeständigkeit und die
Ruhelosigkeit dieser Hatz durch die Stadt fast noch
besser ausdrücken, als die hektischen Zeitrafferaufnahmen
und Doppelbelichtungen. Man wird förmlich
hineingezogen in den Sog dieses Films…
A nocturnal stopover at an airport, anywhere, Time for
a short, random expedition into the night-time jungle
of the city. Submerging into seas of lights, going with
the flow of the pulsating life. Till the journey goes on.
A typical camerafilm. The story takes a back seat,
whereas the image, the light, the rhythm of the film
and the music become more important (it seems as it
was specially composed for the film: Tangerine
Dream). Furious camera movements and glittering
seas of lights contrast with intentional coarse-particle
freeze-frames which express the instability and
restlessness of this hunt through the city even better
than the fast-paced undercrankings and double exposures.
The audience gets literally drawn into the undertow
of the film...
»Ohne Frühstück mach ich nix« ist eine rein formale
Spielerei mit bewegten Bildern. Extreme Blickwinkel,
Großaufnahmen und viele Schnitte ermöglichen einen
ganz neuen Blick auf das Alltägliche. »Ein überzeugender
Ansatz, neue Wege zu beschreiten, wie es
mehr Studenten tun sollten, bevor sie gezwungen
sind, den Regeln im Berufsleben zu folgen.« (Ingo
Petzke) Wie recht er damit hatte.
»Ohne Frühstück mach ich nix« (»I won´t do nothing
without a breakfast«) is a shortfilm playing with moving
pictures. Extreme points of view, close-ups and
many cuts allow a quiet new view at the everyday.
»Convincing approach to test new ground, as more
students should do, before they are forced to obey the
rules in professional life.« (Ingo Petzke) How right he
was.
Jürgen Riegler, *1960 in Röthlein/Bavaria. University of
Applied Sciences Würzburg, Communication Design
1986, 1986-1990 director TV-touring Würzburg (local
tv). 1991-today director ProSieben, tv-station, 1994
»Der Pilger« (the pilgrim- a horrorstory), publisher: Purpur-Verlag,
reissue 2005 by Hexenmondverlag. Married,
two daughters, lives in Munich.
D 1985, 4:30
Realisation Jürgen Riegler
Dozent Ingo Petzke
Jo Gröbe, *1960 in Singen/Htwl., 1983-1988 Studies of
Design at the University of Applied Sciences in
Würzburg.
D 1986, 16mm, 6:35
Realisation Jo Gröbe
Music Tangerine Dream
176

CASA MORICCI
Jochen Kleinhenz
L'HÔTEL
Mark-Steffen Göwecke
Das Video entstand während einer Exkursion (Film-
/Video-Kurs bei Prof. Ingo Petzke) in Italien. Die Grundidee
bestand darin, mit beschränkten Mitteln – 1
Nachmittag, 1 Haus, 1 Videokamera, 4 Studenten, kein
Schnittplatz – ein vollständiges, in sich stimmiges Videoexperiment
zu realisieren, während die anderen
Kursteilnehmer einen Tagesausflug machten, und am
Abend zu präsentieren. Das Video zeigt mehrere Kameradurchgänge
durch das verlassene Wohnhaus der
Kursteilnehmer, ohne Schnitt. Dazu wurde die Kamera
an heiklen Passagen – Fenster, Durchgänge etc. – weitergereicht
oder mittels Schnur »abgeseilt«. Nach
mehreren Durchgängen wurde die Variante, die am gelungensten
schien, direkt an der Videokamera nachvertont.
Lediglich Vor- und Abspann wurden nachträglich
am Schnittplatz hinzugefügt.
The video was produced during an excursion to Italy,
with members of the film/video class of Prof. Ingo Petzke.
The basic concept was to realise a complete experimental
video within strict limitations regarding
time (1 afternoon), technique (1 camera, no editing
desk), personnel (4 students), and location (1 house).
The video shows several »walks« through the house in
one single, uncut camera drive. Tricky passages were
worked around passing the camera on to each other,
or using rope to bridge altitude. After several tries, the
most convincing version was chosen, overdubbed with
sound, and presented to the other students in the
evening. Titles were added back in Germany.
Jochen Kleinhenz, *1968, studied Communiction Design
successfully from 1992 to 1998 in Würzburg, Germany.
He lives and works in Würzburg ever since. The
same goes for Felix Herzog, Tina Hornung, and Hubert
Maerkl, except they live and work in different German
cities today.
Porträt eines kleinen Hotels und seiner Besitzerin in
der Bretagne am westlichsten Punkt Frankreichs, dem
Pointe du Raz. Marie Le Coz führt ihr Hôtel de L'Iroise
seit fast fünfzig Jahren und hat in der Zeit allerhand
erlebt. Die fantastische Lage, einsam auf einer felsigen
Landzunge, ihr charmantes Deutsch und die erschreckende
Tatsache, dass das Hotel wegen staatlicher
Renaturierungsmaßnahmen abgerissen werden
sollte, führten zu diesem Film.
The portrait of a small hotel and its owner in Brittany
at the most westerly point of France, the Pointe du
Raz. Marie Le Coz leads her Hôtel de L'Iroise since
nearly fifty years. In this time she has made a lot of experiences.
The fantastic site, isolated on a rocky
promontory, her charming german and the frightening
fact the hotel should be pulled down because of a »renaturalization-project«
of the governement were reasons
to make this film.
Mark-Steffen Göwecke, *1965 in Bad Harzburg, 1991-
1997 studying Communication Design (University of
Applied Sciences Würzburg) with focal point film/video.
In collaboration with Burkard Grygier three shortfilms
and several photography-projects were developed.
Since january 1998 in cologne as mediadesigner (Camera,
Cutter, Photography, 3D-Animation) and book-author.
F/D 1997, 16mm / Beta SP, b&w, 12:00
Realisation Mark-Steffen Göwecke
Editing Mark-Steffen Göwecke
Camera Mark-Steffen Göwecke
Additional Photography Burkhard Grygier
Technical Assistance Peter Mößmer
Production Mark-Steffen Göwecke
I/D 1994, Video, 5:30
Realisation Felix Herzog, Tina Hornung,
Jochen Kleinhenz, Hubert Märkl
Concept/Editing Jochen Kleinhenz
Production Jochen Kleinhenz
177

MEDIA CAMPUS
FACHHOCHSCHULE WÜRZBURG
HORIZONTAL SKIP
Jörg Walther
BAMBOO
Lucas Dittebrand
Der Film fragt, ob es eine Wirklichkeit gibt und ob der
Mensch sie erfassen kann. Patrick lässt sich fallen,
löst sich von seiner menschlichen Identität und nimmt
seine Umwelt unabhängig von Raum und Zeit aus einer
anderen Perspektive wahr. Vor dem grauen Alltag
fliehend, besucht er die Orte seiner kühnsten Träume.
Aber wer ist er und wo ist er? Zu schnell kehrt er
zurück in die scheinbar reale Welt. Doch ist er wirklich
angekommen?
»Horizontal Skip« raises the question if there is a reality
and if mankind can size it. Patrick loosens himself.
Fleeing from his grey everyday life, he is going to
places which use to exist only in his wildest dreams.
But who is he and where is he? Is he the man he thinks
to be? Much too fast the returns from his journey back
to the apparent real world. But is he really back?
Jörg Walther, *1975 in Dettelbach, studied Communication-Design
at the University of Applied Sciences in
Würzburg and Visual Effects/Animation at the Filmacademy
Baden-Württemberg in Ludwigsburg and
earned a University Diplom for each subject. Ever since
he is working as a freelance film-maker, Director, Motion
Graphic Designer and associate professor generally
in Munich.
D 2001, Beta SP, 8:00
Realisation Jörg Walther
Editing Jörg Walther
Animation Jörg Walther
Camera Jörg Walther
Actors Patrick Hellenbrand
Music Andreas Groll
Assistance Marc Schweseer,
Johannes Denk, Christina Leyerer
Production Jörg Walther
Der Film beginnt ganz in weiß. Unscharfe grüne
Flächen fangen an das Bild zu durchqueren. Nach und
nach wird deutlich gemacht, dass es sich hierbei um
Strohhalme handelt, die sich schwerelos im Raum bewegen.
Im weiteren Verlauf fügen sich Unmengen von
Halmen zu abstrakten, geometrischen Formen zusammen,
die ab und zu auch das gesamte Bild ausfüllen.
Unterstützt wird das ganze Halm-Spektakel durch
die Musik, welche die Bewegungen im Film bestimmt.
Anfangs in einem noch sehr ruhigen Stil, dann aber
immer weiter steigernd bis zum Höhepunkt…
The Film starts completely white. Blurred green objects
begin to cross the screen. Little by little it is revealed
that these are green straws which are moving
weightless through space. In the course of the film
plenty of straws create abstract, geometrical forms
which sometimes also fill the whole screen. This straw
spectacle is supported by music which influences the
movements in the film. Initially in a quite calm style,
but then continually increasing to the climax…
Lucas Dittebrand, *1982 in Kulmbach, is currently
studying Communication Design at the University of
Applied Sciences in Würzburg.
D 2007, HD 720 25p, 5:30
Genre Experimental Animation
Realisation Lucas Dittebrand
Camera D2X, Lucas Dittebrand
Animation Lucas Dittebrand, Anna Konwisorz
Actors 1000 green straws
Location Fotostudio of the Design Department
of Applied Sciences in Würzburg
VFX Lucas Dittebrand
Music Enno Schmitt (from Dadajugend Polyform)
178

SNOWCRASH
Gregor Kopka
GRAPHIT AUF LEINWAND
Hanni Welter
Der Film handelt von einer Frau, die
ihren gewohnten, sich immer wiederholenden
Alltag wie einen Trip
wahrnimmt. Der Film soll verdeutlichen,
dass Gewohnheiten und Alltag
uns genau so negativ bestimmen
und kontrollieren wie Drogen.
The story of a woman is told who
experiences her ordinary and selfrepeating
life as a surreal trip. The
film makes clear that habits and
daily routine can influence and
control the human life as negative
as drugs.
Gregor Kopka, *1978 in Ratibor,
Poland, 1989 relocated to Germany,
Würzburg, started drawing Comics,
this was followed by Animation and
Short films. Studied Communication
Design (Film) in Germany,
Würzburg. Since 5 years ago working
as a Senior 3D Artist at Crytek
Frankfurt (Crysis, Crysis Warhead)
D 2001, MiniDV, 7:46
Realisation Gregor Kopka
Ein experimentelles Portrait über eine junge Frau, die Opfer ihres eigenen
Selbstbildes ist. Ihre psychischen Belastungen schaffen ein Gedankengefängnis,
aus dem es keinen Ausweg zu geben scheint. Ein Film über
Depression und Selbstverlust, über Kreativität und Wahn.
An experimental portrait of a young woman who suffers from her self-image.
Her mental strains create a prison of thoughts, of which there seems
to be no way out. A film about depression and self-loss, about creativity
and delusion.
Hanni Welter, *1982 in Munich (Germany). Studied film and design at the
University of Applied Sciences Würzburg (Germany) 2003-08. During these
years she wrote and/or directed several short films of different genres and
worked as director of photography. Her experimental short film GRAPHITE
ON CANVAS won several awards at national and international short film
festivals. In 2008 she earned her degree as designer/filmmaker with her
diploma film PRETZELS, POLKA AND THE PURSUIT OF HAPPINESS. It is
her first full length documentary film. She lives in Berlin, Germany.
D 2007, HD, Aspect Raio: 1.1,78, 10:30
Genre Experimental
Realisation Alex Weimer, Hanni Welter
Direction Hanni Welter
Written by Hanni Welter
Cinematography Matthias Gehret
Editing Hanni Welter
Animation Andreas Besser, Alex Weimer,
Giuseppe Lamanna, Stefan Laberer, Hanni Welter
Actors Hannah Kobitzsch, Lilian Amen,
Barbara Seifert, Andreas Haller
Music Adrian Sieber
Sound Design Alex Weimer
Sound Mixer Peter Kautzsch, Alex Weimer
Re-Recording Mixer Michael Hanf
Production Manager Alex Weimer
Assistant Camera David Henning
Script/Continuity Inge Mohr
Make-up/Make-up Effects Nadja Akra, Silke Weigl
Gaffer Matthias Meyer
Grip Moritz Bock
Stills photographer Silke Weigl
Supervisor Prof. Dr. Ingo Petzke
Production FH Würzburg; MovieBrats Filmproduktion
179

MEDIA CAMPUS
CARDIFF SCHOOL OF ART AND DESIGN
MEDIA ART & PERFORMANCE (MAP) CARDIFF SCHOOL OF ART AND DESIGN University of Wales Institute, Cardiff,
UK. Der Fachbereich MAP gibt dem Studiengang ein dynamisches und experimentelles Element, das ein
multidisziplinäres Herangehen an die Arbeitsweisen und Techniken der Gegenwartskunst fördert. Performancekunst,
Fotografie, Animation, Video, Ton, interaktive und Installationskunst sowie digitale Medien werden erforscht,
um dem Studierenden die Möglichkeit zu geben, die eigenen Ideen und Untersuchungen zu reflektieren.
Mitarbeiter halten Vorlesungen zur Geschichte und Entwicklung der Performancekunst sowie der Videound
der Medienkunst. Die Studenten werden ermutigt, an wöchentlichen Ausstellungen teilzunehmen und werden
über Tutorien und technische Workshops unterstützt. Der Fachbereich MAP bietet ein breites Spektrum
zeitgenössischer Medienkunst- und Performancetechniken mit international renommierten Mitarbeitern und
praktizierenden Künstlern aus diesem Bereich. Die Studierenden im Fachbereich MAP werden ermutigt, Techniken
und Arbeitsweisen zu entwickeln, welche die Grenzen der Bildenden Künste und anderer Fachgebiete
überschreiten, und somit die Fertigkeiten, das Wissen und das Verständnis zu erlangen, die wichtig sind, um als
unabhängige Künstler Erfolg zu haben. Der Unterricht und die technische Unterstützung erfolgt auf den Gebieten
Video, Audio, neue Medien, Fotografie, Robotertechnik und Animation. Die Studierenden im Fachbereich
MAP werden ständig ermutigt, ihre eigenen Themen festzulegen und zu definieren und Untersuchungsmethoden
für verwandte Gebiete zu erfinden. Einige Studierende haben angeboten, ihre Arbeiten auf dem Media
Campus bei dem EMAF 2009 auszustellen. Die Arbeiten, die sie präsentieren, bringen zum Ausdruck, wie sehr
der Schwerpunkt auf der Entwicklung einer ganz persönlichen professionellen künstlerischen Arbeitsweise gelegt
wird und wir hoffen, dass dies eine bereichernde und herausfordernde Erfahrung sein wird.
The MAP area offers a dynamic and experimental element of the course that encourages a multidisciplinary approach
to contemporary art practice. Performance art, photography, animation, video, sonic, interactive and installation
art, and digital media are explored to enable the student to reflect on their own ideas and research.
Staff members deliver lectures on the history and development of performance art, video and media arts. Students
are encouraged to contribute to weekly shows and are supported through tutorials and technical workshops.
The MAP area reflects a broad range of contemporary media art and performance practices with staff
all being internationally-renowned, practicing artists within this field. Students in MAP are encouraged to develop
a practice that reaches across Fine Art subject-areas and other disciplinary boundaries and to develop
the skills, knowledge and understanding necessary for them to thrive as independent, self-directed artists. Tuition
and technical support is in video, audio, new media, photography, robotics and animation. Students in MAP
are encouraged continually to identify and define their own subject matter and to invent methods for investigating
the related territories. Some students volunteered to show work for the Media Campus at EMAF 2009.
The work they will present reflects on the emphasis given to the development of a personal art practice of professional
standard in what we hope will be a enriching and challenging experience.
180

UNTITLED TEA PARTY
James Harper
ROBINSON TO FRANCIS
Lucy Thompson and Lucy Wright
Meine Arbeitsweise ist sehr prozessorientiert. Ich
habe Klötze aus Gips hergestellt, die wie übergroße
Jenga-Bauklötze aussehen und - neulich erst - auch
aus Kuchen. Die Ästhetik des Herstellungsprozesses
bei diesen Gipsklötzen ist tief in der Backtradition verankert,
und besonders mit der nostalgischen Erinnerung
an das Backen mit den Eltern oder Großeltern. Es
gibt auch Verbindungen zwischen der eher mühsamen
Herstellung von Klötzen und dem Teetrinken. Klötze,
Tee und Kuchen bilden in meiner Arbeit eine Dreiecks-
Konversation. Es ist insbesondere der Kontrast zwischen
den Materialien in dieser Arbeit auf den ich
mich konzentriert habe, als ich die Orte für meine Arbeit
überlegt habe. Der repetitive Charakter meiner
Arbeit begründet sich einerseits in der Sucht nach
dem Herstellungsprozess und andererseits in dem
Wunsch, eine riesige Sammlung von Klötzen aufzubauen.
Es überwiegt jedoch das entspannende, therapeutische
Element des Herstellungsprozesses. Diese
Freude versuche ich mit einem Live-Publikum zu teilen,
meist bei einer Tasse Tee und einem Plätzchen.
My practise is very process-based. I make over-sized
Jenga-block-proportioned bricks out of plaster and,
more recently, out of cake. The aesthetic of the
process of making these bricks from plaster is deeply
embedded within the tradition of baking, and specifically
with the nostalgic act of baking with ones parents
or grandparents. There are also links between the
more laborious nature of brick making and tea drinking.
Bricks, tea and cake have formed a triangular conversation
within my work. It is the contrast between
materials in this piece that have focused on when considering
the locations of my work. The repetitive nature
of my work is partly down to an addiction for the
process and a desire to build up a vast collection of
bricks, but mostly because of the relaxing, therapeutic
nature of the process. This pleasure is something I endeavour
to share with a live audience, often over a cup
of tea and a biscuit.
Bewegtes Bild; eine Erzählung; Publikum; das sind die
wichtigsten Themen, die wir in unseren Werken sowohl
gemeinsam als auch einzeln untersuchen. »Robinson
To Francis«, in Anlehnung an Patrick Keillers
Robinson In Space, fordert das Publikum auf, intensiv
darüber nachzudenken, was es hört und dies in Bezug
zu setzen zu dem, was es dabei sieht - die Unmittelbarkeit
und Verfügbarkeit von Bildern überall in unseren
alltäglichen Leben ist so ausgeprägt, dass unser
Gehirn sie oberflächlich kaum noch wahrnimmt,
während unser Unterbewusstsein unaufhörlich mit einer
Unmenge von auditiven Reizen bombardiert wird.
Wenn man einer Erzählung, die sich zwischen Relevanz,
Sinnwidrigkeit und zuweilen gar Absurdität bewegt,
Bilder beifügt, dann entsteht die Möglichkeit,
eine eigene Perspektive dessen zu entwickeln, was
man sieht; setz dich, tauche ein und denke darüber
nach.
Moving image; narrative; audience; these are the primary
subjects that we investigate in our work, both individually
and as a partnership. »Robinson To Francis«,
loosely based on Patrick Keiller’s Robinson In
Space, asks the audience to consider closely what
they are listening to in relation to what they are seeing;
the immediacy and availability of images throughout
our everyday lives is so extensive that on the surface
our mind seems to barely notice them, whilst our
subconscious is being constantly bombarded with a
mass of visual noise. By placing images alongside a
narration that fluctuates between relevance, inconsequence
and sometimes even absurdity, there is the
opportunity to piece together your own perspective of
what you are seeing; sit, immerse yourself and contemplate.
UK 2009, Video, 15:00 min
UK 2009, Performance, ca. 60:00 min
181

SPECIAL PROJECT
LAGERRAUM STORAGE ROOM
»LAGERRAUM« - »STORAGE ROOM«
Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück
Knapp 100.000 Menschen in Deutschland leben in Flüchtlingslagern.
Eines der europaweit größten Abschiebelager für Flüchtlinge befindet sich nur 20 km von
Osnabrück entfernt, die Außenstelle Bramsche-Hesepe der Zentralen Aufnahme- und Ausländerbehörde
- ZAAB Oldenburg. Auch wenn der Name dieses Lagers in irreführender Weise
darauf hindeuten könnte, dass es sich hier um eine Aufnahmestelle handelt, hat
es von seiner Konzeption her nur ein Ziel: die sog. Freiwillige Ausreise, und wenn dies nicht
möglich ist, die Abschiebung. Die Bedingungen in dem Lager sind darauf ausgerichtet. Besonders
die Kinder leiden unter der Situation der permanenten Ungewissheit und der
schlechten schulischen Bildungsmöglichkeiten.
Die Stimmen der Menschen, die dort leben, verstummen außerhalb der Lagerzäune. In Hesepe,
Bramsche und Osnabrück werden sie nicht gehört:
*Klagen, Singen, Sprachengewirr, Lärmen, Lachen, Stille des Wartens.*
Kinder und Jugendliche aus dem Lager haben zusammen mit Jugendlichen der Kunstschule
diese Klänge eingefangen und nach Osnabrück gebracht. In einem Container in der Innenstadt
wird vom 22. April bis zum 03. Mai 2009 dieser »Lagerraum« hörbar gemacht.
Almost 100,000 people in Germany live in refugee camps.
One of the largest deportation camps for refugees in the whole of Europe is just 20 km away
from Osnabruck, the Bramsche-Hesepe branch of the Zentrale Aufnahme- und Ausländerbehörde
Oldenburg (Central Reception and Aliens Department, ZAAB). Even if the camp’s
name misleadingly suggests that it could be a place of reception, it has only one aim, as far
as its concept is concerned: so-called voluntary departure, and if this is not possible, deportation.
The conditions in the camp are geared towards this aim. Children in particular suffer
from the state of permanent uncertainty and the lack of schooling opportunities. The
voices of those who live there fall silent beyond the fences of the camp. In Hesepe, Bramsche
and Osnabruck, they are not heard:
*Lamentations, singing, babble, noises, laughter, the silence of waiting.*
Children and adolescents from the camp have captured these sounds together with adolescents
from the School of Art, and brought them to Osnabruck. You can hear this »storage
room« in a container in the inner city from 22 April to 3 May 2009.
The audio installation is a project initiated by the School for Music and Art of the City of Osnabruck
under the artistic direction of Monika Witte and Renate Hansen, in cooperation with
the European Media Art Festival, supported by the association EXIL, the company Hellmann
and Osnabruck’s Cultural Affairs Office.
Die Audioinstallation ist ein Projekt der Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück
unter der künstlerischen Betreuung von Monika Witte und Renate Hansen in Kooperation
mit dem European Media Art Festival, unterstützt vom Vereins EXIL , der Firma Hellmann
und dem Kulturamt der Stadt Osnabrück.
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SCHÜTZE DEINE IDENTITÄT PROTECT YOUR IDENTITY
SCHÜTZE DEINE IDENTITÄT - PROTECT YOUR IDENTITY
Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück
Durch die Überwachungskameras, vor allem aber durch die immer stärkere Vernetzung der
einzelnen Überwachungssysteme wird der Lebensraum mehr und mehr zu einem Panoptikum,
die Privatheit im öffentlichen Raum immer stärker eingeschränkt.
Jugendliche der Musik– und Kunstschule der Stadt Osnabrück zeigen eine Dokumentation
über eine interaktive Kunstaktion, die sie im letzten Jahr als Reaktion auf die zunehmende
staatliche und privaten Überwachung durchgeführt haben.
Due to surveillance cameras and, above all, because individual surveillance systems are becoming
increasingly closer connected, our living space is becoming more and more like a
Panopticon which increasingly restricts privacy in public spaces.
Adolescents from Osnabruck’s School of Music and Art present a documentary report on an
interactive art campaign they carried out last year as a reaction to increasing state and private
surveillance.
A project by the School of Music and Art of the City of Osnabruck under the artistic direction
of Monika Witte in cooperation with Thorsten Alich, werk.statt/Medienhaus Osnabruck e.V.
and the European Media Art Festival.
Ein Projekt der Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück unter der künstlerischen
Leitung von Monika Witte in Kooperation mit Thorsten Alich, werk.statt/Medienhaus
Osnabrück e.V. und dem European Media Art Festival.
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EXHIBITION
HEIM UND HORIZONT II HOME AND HORIZON II
ILKA LAUCHSTÄDT: »DIE TRÄGHEIT DES AUGES AKZEPTIERE ICH NICHT«
Vito Orazem
Jede Eindeutigkeit war ihr ein Dorn im Auge. Die Widersprüche, am liebsten die unaufgelösten, waren Ilka
Lauchstädts Antrieb, um Filme, Fotos, Videos und Installationen zu produzieren. Die Parallelwirklichkeiten und
Vielschichtigkeiten bearbeitete sie nur insoweit, dass die Kunstform eine Differenz zur Wirklichkeit bildete und
in der Zeit Bestand hatte. Mehr als fabuliert hat sie examiniert: vergrößert, angehalten, hervorgehoben, aus einer
anderen Perspektive angesehen.
Dennoch war der wissenschaftliche Diskurs, dem sie hier, in Osnabrück, beim Studium der Medienwissenschaft
begegnete, für sie keine Erkenntnis- sondern vor allem eine Inspirationsquelle, die ihre Sensibilität für die Vielheit
des Uneindeutigen schärfte, wie in ihrer frühen Arbeit »Gilda und Andrew« aus dem Jahr 1986 zu sehen ist.
Ilka Lauchstädt entwickelte bis zu ihrem Tod im Jahr 2008 Erzählstrukturen, die versuchten, den Reichtum der
Wahrnehmung in die Kunst hinüberzuretten. Bereits 1988 zeigte sie auf dem EMAF die Interaktive Arbeit »Terra
Z«, die ihrem Streben nach erzählerischer Vernetzung und visueller Vielschichtigkeit Rechnung trug.
Ilka Lauchstädt tauchte in unscheinbare Welten ein, um sie medial zu durchleuchten und ihnen dadurch einen
Sinn zu geben, so in ihren Arbeiten »Heim und Horizont« oder »Boelckestraße«. Schließlich benutzte sie in der
Installation »Das Entzücken der Botanikerin« die naturwissenschaftliche Realität, um die Mediatisierung der
Naturkreisläufe und das Gedeihen der Bilder zu thematisieren. Wie immer ging es ihr dabei nicht darum, Eindeutigkeiten
festzustellen, sondern eine paradoxe und zugleich banale Wirklichkeit zu beseelen. Wenn sie einmal
schrieb, dass »jedes Bild sein Eigenleben« habe, meinte sie dies nicht metaphorisch, sondern ausnahmsweise
einmal wortwörtlich.
»I do not accept the lethargy of the eye.« (Ilka Lauchstädt)
All kinds of definiteness annoyed her. The inconsistencies, preferably the unresolved ones, were Ilka Lauchstädt’s
motivation to produce films, photos, videos and installations. She only worked on the parallel realities
and complexities to make the art work constituting a difference to reality. She examined rather than fabulated:
she enlarged, stopped, emphasised, view from another perspective.
Nevertheless, the scientific discourse she experienced while studying media sciences here in Osnabrück was
not a source of knowledge to her but, above all, a source of inspiration which sharpened her sensitivity to the
multiplicity of ambiguity, as can be seen in her early work »Gilda und Andrew« from 1986. Ilka Lauchstädt developed
narrative structures until her death in 2008 that endeavoured to transfer the richness of perception to
art. As early as in 1988, she presented the interactive work »Terra Z« at the EMAF, which expresses her ambition
of a narrative networking and visual multiplicity.
Ilka Lauchstädt immersed herself into trivial worlds to investigate them with media and thus give them meaning,
as in her works »Heim und Horizont« (»Home and Horizon«) or »Boelckestraße«. Finally, she used natural
scientific reality in her installation »The Botanist’s Delight« to discuss the influence of media on the circular flow
of nature. At the same time she worked on the autonomous life of the image. As always, she was not concerned
with identifying definiteness but about breathing life into a paradoxical and simultaneously banal reality. When
she once wrote that »every image has its own life« it was not meant metaphorically but, for once, literally.
Vito Orazem, born 1959 in Ljubljana, media scientist, undertakes theoretical and practical analysis of photography,
holography and new media, focussing on media-immanent aesthetics, marginal phenomena in the media,
and reception processes. He is currently managing director at the Design Zentrum Nordrhein-Westfalen in Essen.
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VIDEOS, VIDEOSTILLS AND PHOTOGRAPHY
Ilka Lauchstädt
GILDA UND ANDREW
Gilda ist, wo sonst Andrew ist. Sie denkt mit sich. Andrew
ist anderswo. Irgendwo am Ende der Welt sucht er
... und verliert. Frei nach einer Passage aus Gertrude
Steins ¯IDA® ist die Arbeit ein Spiel um Liebe, Projektionen
und Zeichen. Berührungen finden nur auf der
Ebene des Bildschnitts statt.
Gilda is, where usually Andrew is. She thinks with herself.
Andrew is elsewhere. Somewhere at the end of
the world he searches ... and looses. Based on a passage
of Gertrude Steins ¯IDA® this work is a game of
love, desire and signs. They only come in touch on the
level of cutting.
D, 1986, U-matic, 7:00
DUNKELLAND
Ilka »jongliert« in ihrem Video mit filmischer Sprache
und lyrischen Texten, die wie Zwischentafeln in Stummfilmen
angelegt sind und das fast schwebend wirkende
dramatische Gerüst bilden, die die traumhaften Szenen
zusammenfügt. »Immer geht es (auch) um Fluchtpunkte,
Linien, die sich in den endlosen Perspektiven der
weiten Landschaften zu verlieren scheinen.«
Ilka Lauchstädt juggles in her Video with cinematographic
and lyrical text-passages which appear like
intertitles in silent movies and construct the subtle
floating dramatic scaffolding which bind the dreamlike
sequences. Vanishing points are in focus, lines
which seem to disappear in the endless perspectives
of the landscape.
D, 2006, Mini DV, 13:00
THE BOTANIST´S DELIGHT (DAS
ENTZÜCKEN DER BOTANIKERIN)
Mediale Schöpfungen oder Mutationen der Imagination
– zwei Schichten vermischen sich allmählich.
Medial breeding or mutations of imagination - two layers
beginning to mix.
D, since 2005, Installation and DVD, Loop, 7:00
BOELCKESTRASSE
Ilka Lauchstädts Leuchtkästen zeigen Einzelbilder einer
Videosequenz, einen Tunnel unter der Autobahn.
Es ist ein unbehaglicher Ort des Übergangs, den man
als Fußgänger möglichst schnell durchquert.
Ilka Lauchstädt´s light boxes show stills from a video
sequence, a tunnel beneath a motorway. It is an uneasy
situation of transition a foot passenger will pass
as quickly as possible.
D, 2007, 4 Videostills, light objects
TEMPELHOF
Zeichensysteme im Schnee. Ein signifikantes Haus in
den Farben Rot und Weiß, das über den Horizont verschoben
ist. Raum und Zeit wird uneindeutig, paradox.
Notations in the snow. A significant house in red and
white, shifted beyond the horizon. Space and time become
ambiguous, paradox.
D, 2008, 12 photos
Intervision-studio gallery
for photography and adjoining arts
www.intervision-net.de
Ilka Lauchstädt, *1958 in Osnabrück, †2008 in Berlin. She studied Arts, Media, Film- and Media Art at Osnabrück
University and the Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin. She has been a member of many juries and
gained numerous awards and grants. Her triptych »Provokation« was awarded at the »Digital New Art Award«
Rödermark/Frankfurt, she gained the female artists´grant Film/Video of the state of Berlin, a grant from »Maecenia«
Foundation, Frankfurt (D) and an artist´s grant for Film and Video from the state of Lower Saxony as well as
the major award for video of the »6th International Film- and Video Contest«, Chiba (J) and the prize of the International
Video Festival Istanbul (TK). 2000 to 2002 guest professor for Communication Design (Moving Image) at
Darmstadt Polytechnic (D), 1996 to 2001 artistic employee (Arts and Time-Based Media) at Berlin University of
Arts (D) and till 1996 artistic academic employee at the Baden-Württemberg Film Academy, Ludwigsburg (D). Ilka
Lauchstädt lived and worked as a media artist and curator in Berlin.
185

PERFORMANCE
ORBITAL GLIDER
ORBITAL GLIDER / RAUMGLEITER
Maix Mayer, Scanner
Als Zusammenarbeit zwischen dem ostdeutschen Künstler Maix Mayer und dem britischen
Digitalkünstler Scanner fand »Orbital Glider/Raumgleiter« in dem zum damaligen Zeitpunkt
geschlossenen Museum für Moderne Kunst Leipzig statt. Die exakten, langsamen Szenen
von Mayer, bei denen die Kamera sich durch den Raum bewegt, erzeugen die Illusion eines
generierten 3D-Raumes. Die Wichtigkeit der modernen geometrischen Architekturabstraktion
wird sichtbar gemacht. Aus jeder Öffnung blicken Mondrian und Malevich uns an, obwohl
sie bis jetzt noch niemand im Gebäude gesehen hat. Der Raum wird dadurch nicht greifbar
und neutral, etwas das von verschiedenen Blickpunkten wahrgenommen, gespiegelt werden
kann, ein Ort, von dem wir mit Lichtgeschwindigkeit fliehen können, der aber auch auf seine
eigene ästhetische Festlegung hinweist.
Unter dem Gebäude lauert der Maschinenraum, der die zukünftige Sammlung zeitgenössischer
Kunst am Leben erhält. Während man auf der einen Seite die Schönheit und Funktionalität
des Raumes bewundert, werden wir auf der anderen Seite von den nie ruhenden Maschinen
angezogen.
Bei der Live-Performance vermittelt Scanners Soundtrack eine komplexe und mysteriöse
Chronik. Während der Soundtrack eine imaginäre Geschichte im Gebäude zusammen spinnt,
bietet der Raum die Möglichkeit der Einkehr und Besinnung. Nur mit dem geringsten Hinweis
auf die Nähe des Menschen bekommen wir die Gelegenheit, die physikalische Umgebung
durch Klang und die Erinnerung an vergleichbare Räume, die wir in der Vergangenheit
durchschritten, zu erleben. Die Sammlung einer kurzfristigen vergessenen Vergangenheit in
unserer digitalen Zukunft gründet Orbital Glider durch die Erfassung, Manipulation und
Neuausrichtung dieser Momente zurück in die öffentliche Wahrnehmung und schafft dadurch
eine Archäologie der persönlichen Erfahrungen und verpassten Gelegenheiten.
»Meine Arbeiten untersuchten schon immer die Beziehung zwischen Klang und architektonischen
Räumen und den Raum zwischen Information, Räumen, Geschichte und dem Verschwinden
unserer eigenen Erinnerungen. Diese Performance untersucht die zarten Spuren
von Menschen im öffentlichen Raum, den Geist der Gegenwart und unsere Erinnerung an
funktionale Räume.«
186

A collaboration between East German artist Maix Mayer and UK digital artist Scanner, Orbital
Glider / Raumgleiter is situated in the then-closed Leipzig Museum of Modern and Contemporary
Art. Mayer made precise, slow scenes, in which the camera moves through space
and creates an illusion of a generated 3D space. The importance of modernist geometrical
abstraction on the architecture is rendered apparent. Mondrian and Malevich look at us
from every opening, although nobody had seen them in the building yet. Space thus becomes
unconcrete and neutral - something that can be perceived from different angles, inverted, a
place from which we can flee at the speed of light but it also becomes an index of its own
aesthetic determination.
Beneath the surface of the building lurks the engine room, driving the future collection of
contemporary art, so whilst one is touched by the beauty and functionality of the space, at
the same time we are drawn to the machine which never stops.
Performed live, Scanner’s soundtrack conveys a complex and mysterious chronicle, offering
up a space for contemplation and reflection as the soundtrack weaves an imaginary narrative
through the building. With only the barest suggestion of human presence, we are offered
a way to approach the physical environment through sound and the memory of having
walked through similar places in the past. Capturing, manipulating and redirecting these
moments back into the public consciousness, Orbital Glider establishes an archaeology of
personal experiences and missed connections, assembling a momentary forgotten past
within our digital future.
»My work has always explored the relationship between sound and architectural space and
the spaces in between information, places, history, and the disappearance of our own memories.
This performance explores the subtle traces of people on public space, the ghost of
presence and our memories of functional spaces.«
Scanner. British artist Robin Rimbaud traverses the experimental terrain between sound,
space, image and form, creating absorbing, multi-layered sound pieces that twist technology
in unconventional ways. From his early controversial work using found mobile phone conversations,
through to his focus on trawling the hidden noise of the modern metropolis as the
symbol of the place where hidden meanings and missed contacts emerge, his restless explorations
of the experimental terrain have won him international admiration from amongst others,
Bjork, Aphex Twin and Stockhausen.
His work has been presented throughout the United States, South America, Asia, Australia
and Europe
Film Maix Mayer
Sound Scanner
Museum der bildenden Künste Leipzig /
Leipzig Museum of Modern and Contemporary Art
Performance 45 Minutes
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PERFORMANCE
BABBLE BEATZ
BABBLE BEATZ
Kay Rauber, Christian Gschwend
Mit ihrer außergewöhnlichen Show zwischen Drum-Performance und Elektronik Live-Act sind die beiden Drummer
Kay Rauber und Christian Gschwend schon seit vielen Jahren ein gern gesehener Gast auf den verschiedensten
Festivals in ganz Mitteleuropa.
Bubble Beatz wurden 1999 in St. Gallen (CH) von den beiden Drummern Christian Gschwend und Kay Rauber
gegründet. Beeinflusst von der elektronischen Musik der späten 90er Jahre, hatten sie das Ziel, nicht nur ein
Percussion-Spektakel zu zeigen, sondern auch moderne, urbane Rhythmen live umzusetzen. Dies bedeutete
vor allem eine Herausforderung in Bezug auf die Sounds. Schon bei ihrem ersten Auftritt erweiterten sie deshalb
das traditionelle Drum-Set um diverse Teile vom Schrottplatz. Das immer tiefere Eintauchen in diese
klanglichen Welten, führte schließlich zur »Trashmachine«, dem mit Pfannen, Eimern, Fässern und alten Autoteilen
behängten Gerüst, das heute im Zentrum der Bubble Beatz Show steht. Durch die Hinzunahme von Marcel
Gschwend (aka bit-tuner) im Jahre 2001 an Bass und Keyboards wurden die musikalischen Möglichkeiten
dann entscheidend erweitert.
Schon nach kurzer Zeit schafften die drei mit ihrer einzigartigen Performance den Sprung auf die ganz großen
Bühnen so wurden inzwischen u.a. Shows am Montreux Jazz, am Open Air St. Gallen, Open Air Gampel, Fusion
Festival u.v.a. gespielt. Ein Grund für diesen Erfolg dürfte sein, dass es Bubble Beatz gelingt, nicht nur ein optisches
Spektakel zu bieten, sondern mit Drum&Bass-, BigBeat- und Industrial-Elementen auch musikalisch
den Nerv der Zeit zu treffen.
www.bubblebeatz.ch
With their unusual show somewhere between a drum performance and an electronic live act, the two drummers
Kay Rauber and Christian Gschwend have been popular guests at all sorts of festivals throughout Central Europe
for many years.
Bubble Beatz were formed in St. Gallen (CH) in 1999 by the two drummers Christian Gschwend and Kay Rauber.
Influenced by the electronic sounds of the late 1990s, their aim was not only to give a spectacular percussion
show but also to give live performances of modern, urban rhythms. The sounds posed the main challenge.
Which is why, in their very first show, they added various parts from a scrap yard to their drum kit. The increasingly
deeper penetration into these worlds of sounds ultimately led to the »Trashmachine«, a rack hung with
pans, buckets, barrels and old car parts, which now takes centre stage in the Bubble Beatz’s show. When Marcel
Gschwend (aka bit-tuner) also joined the group on bass and keyboards in 2001, their musical options were
considerably widened.
It didn’t take long for the trio to hit the big time with their unique performance, with shows at the Montreux
Jazz, Open Air St. Gallen, Open Air Gampel, Fusion Festival, and so on. One reason for their success is probably
the fact that Bubble Beatz manage not only to put on a visual spectacle, but also to capture the mood of the
times musically with drum&bass, bigbeat and industrial elements.
www.bubblebeatz.ch
188

FILMBATTLE
FILMBATTLE
Thorsten Fleisch & Telemach Wiesinger
Die Experimental-Filmemacher Fleisch und Wiesinger vereinen ihre Kräfte, um gegen die Leinwand zu kämpfen
und zeigen dabei Materialien mit heftigem Inhalt, die sie bisher vor ahnungslosen Augen versteckt gehalten haben.
Manche sagen, es wird Blut und Wasser geben, andere schnappen noch nach Luft infolge der visuellen
Schocktherapie. Die meisten der Filme haben weder das Licht der Welt noch die Dunkelheit des Kinos erblickt.
Bereiten Sie sich auf den Kampf vor: Super 8 gegen 16mm, Stille gegen die Geräusche des Publikums und riesige
Apparate gegen abgefahrene städtische Gefüge.
Die Performance beinhaltet 8 mm Filme von Thorsten Fleisch wie zum Beispiel »Stromland«, »Wolkenflugzeug«,
»Kamerazerfetzer«, »Das erste Mal LSD«, »Nachtlichter« »Nebelstrand« und »Bahnbeben« und 16 mm
Filme von Telemach Wiesinger wie »Augenblick Nr. 22« »Augenblick Nr. 13«, »Augenblick Nr. 30«, »Augenblick
Nr. 36«, »Augenblick Nr. 38«, »Augenblick Nr. 39«, »Augenblick Nr. 45« und »Augenblick Nr. 4«.
The experimental filmmakers Fleisch and Wiesinger come together to battle the silver screen, showing material
they kept hidden from unsuspecting eyes due to their intense nature. Some say there'll be blood and water,
others are still gasping for air from the visual shock treatment. Most of the films have neither seen the light of
day nor the darkness of the theatre. Prepare yourself for battle: Super 8 vs. 16mm, silence vs. audience noises
and monstrous machines vs. wicked urban textures.
The performance will include 8 mm films from Thorsten Fleisch as »Stromland«, »Wolkenflugzeug«, »Kamerazerfetzer«,
»Das erste Mal LSD«, »Nachtlichter« »Nebelstrand« and »Bahnbeben« plus 16 mm films from
Telemach Wiesinger as »Augenblick Nr. 22« »Augenblick Nr. 13«, »Augenblick Nr. 30«, »Augenblick Nr. 36«, »Augenblick
Nr. 38«, »Augenblick Nr. 39«, »Augenblick Nr.45« and »Augenblick Nr. 4.«
Thorsten Fleisch, *1972 in Koblenz/Germany. First film experiments with his dad's super 8 camera when still in
school. Studied experimental film with Peter Kubelka at the Städelschule in Frankfurt/Germany. His films received
several awards and are shown at festivals worldwide like: New York Film Festival, Ars Electronica, Transmediale,
Ottawa International Animation Festival, Clermont-Ferrand Short Film Festival, International Film Festival
Rotterdam. He lives and works in Berlin where he is also involved in theatre projects and musical excesses.
www.fleischfilm.com, www.malende.com
Telemach Wiesinger, *1968 in Bielefeld/Germany. Studied Visual Communication at HbK Kassel/Germany,
Diplom 1994. As award winning photographer he is working for many art books and exhibitions around the world.
As filmmaker his experimental films are shown at numerous festivals and solo programs: International Film Festival
Rotterdam, European Media Art Festival, Edinburgh International Filmfestival, Black Maria Festival, Milwaukee
Underground Film Festival, Media City Windsor, Lausanne Underground Film Festival, Image Festival
Toronto, Directors Lounge Berlin, TIE Denver, Stuttgarter Filmwinter (Team Work Award 2007 with Andreas Gogol)
and many others. Visiting Lecturer at University of Wisconsin or University of Illinois at Chicago and others.
www.telemach-wiesinger.de
Technical Equipment:
Super8 Projector
transportable 16mm Projector
transportable small Screening Roll for single and double projections
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EXHIBITION
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
BILDERSCHLACHTEN - 2000 JAHRE NACHRICHTEN AUS DEM KRIEG
TECHNIK-MEDIEN-KUNST
Hermann Nöring
Martha Rosler: »Bringing The War Home«, USA
2004-2008, Courtesy Galerie Christian Nagel
Berlin
Evelina Rajca: »Lockvogel«, D 2008
Stirbt im Krieg – wie oft kolportiert – die Wahrheit?
Oder werden nicht vielmehr in kriegerischen Konflikten
Gewissheiten produziert und Fakten konstruiert?
Um die Vernichtung von Menschen und die Zerstörung
von Gütern zu rechtfertigen, besteht eine große Nachfrage
nach einfachen Nachrichten. Werden diese nur
oft genug wiederholt, wachsen sie zu Wahrheiten heran.
Dies ist nicht verwunderlich: In der erkenntnistheoretischen
Debatte hat sich die Einsicht durchgesetzt,
dass Wahrheit von den Perspektiven des Verkündenden
und des Rezipienten abhängt, davon, was
und ebenso wie es gesagt und beobachtet wird. Michel
Foucault sieht Macht und Wissen eng verknüpft.
In seinen Diskursanalysen beschreibt er die hierarchisch
organisierte Wissensorganisation, in der sich
Macht strukturiert und strukturiert wird. Die Medien
und insbesondere die Massenmedien stellen einen erheblichen
Teil des kollektiven Wissens bereit.
Trotz oder wegen der fortschreitenden Informationstechnik
war und ist keine objektive mediale Darstellung
von Kriegsrealität möglich. So weist Susan Sontag
auf die Unmöglichkeit hin, Wirklichkeit im Bild zu
erfassen. Die mediale, interessensgeleitete Kommunikation
aus dem Krieg ist kein neues Phänomen, das
erst mit den elektronischen Medien auftritt. Hingegen
ist schon seit der Antike meinungsbildend und oft mit
bildgebenden Medien von Kriegsereignissen berichtet
worden, sei es mit Wachstafeln, Holzschnitten, Fotografie,
Film, Fernsehen, Handy oder Internet.
So führten der Buchdruck und die möglich gewordenen
periodischen Zeitungen in enger Verzahnung mit
neuen Militärtechnologien zu neuen Wahrnehmungsformen,
aus denen ein Anspruch auf die Vermittlung
einer authentischen Darstellung des Kriegsgeschehens
formuliert wurde. Im Verlauf der Geschichte resultierte
aus der Zielsetzung der militärischen Überlegenheit
der Einsatz enormer Ressourcen, die wiederum
die Entwicklung neuer Technologien voran trieben.
Die stetige Erforschung innovativer Übertragungsmedien
war die Folge, denn das Ausmaß der zu sammelnden
Informationen und ihre Übermittlungsgeschwindigkeit
stellten die entscheidenden Parameter von
Sieg oder Niederlage dar, die nach Paul Virilio zu einer
Konvergenz von Kriegstechnologien und visuellen Medien
führten.
Technische Medien seien Abfallprodukte der militärischen
Entwicklung und Kriege hätten das Potential,
mediale Innovationsschübe auszulösen, so ebenfalls
Friedrich Kittler, der auch sagt, dass erst die Waffe
»Nachrichtentechnik« die Informationsgesellschaft
einleitete. Es bilden sich im Kriegsfall umfassende
Wahrheitsmaschinen heraus: In ausgefeilten Kommunikationsstrategien
konstruieren die Propagandaabteilungen,
die Pressedepartements und die Image-
Agenturen der kriegführenden Staaten vermeintliche
Fakten und bedienen sich aller Medien zu ihrer Verbreitung.
Massenmedien erzeugen und verlangen
nach Tarnung, Spektakel und Vereinfachung und sind
auf Alarmstimmung, auf Explosionsspektakel und dosierten
Horror angewiesen, die beste Quoten in der
Aufmerksamkeitsökonomie liefern.
190

Jaques Callot: »Les Misères et les Malheurs de la guerre«, 1633
Dreharbeiten »Im Westen Nichts Neues«,
USA 1930
Die Digitalität ist zur Schlüsseltechnologie, der Computer
zur umfassenden Meta-Maschine geworden. Im
Code von 0 und 1 und in der Sprache der Pixel sind alle
Daten vergleichbar, manipulierbar und untereinander
austauschbar. Die digitale Kopie, im Informationsgehalt
vom Original nicht unterscheidbar, schaffe eine
Konjunktur des Konstruktivismus und mache die
Klärung ob Original oder Abbild obsolet, so Norbert
Bolz. Die Fälschung werde im Nachrichtenwesen zu
einer höchst Gewinn bringenden Ware, denn in der Krise
der Echtheit, so Bolz weiter, werde Authentizität zu
einem Phantom-Gefühl, zum kultischen Fetisch einer
mediatisierten Welt.
Die vom European Media Art Festival ausgewählten, in
der Ausstellung vertretenen Künstler setzen sich mit
den in ihrem geschichtlichen Kontext dargestellten
Medien auseinander und befragen ihr suggestives und
manipulatives Potential. Der ureigenste Gegenstand
der Kunst ist die Beschäftigung mit dem Bild und die
visuelle Repräsentation der vorgefundenen Realität
sowie ihre Verhandlung der Geschichte dieser Transformation,
ihrer Produktionsumgebungen und der
Ästhetik der Welt der Symbole.
Dass es in der Vergangenheit und aktuell viele Beispiele
der Auseinandersetzung der Künstler mit der
Darstellung des Krieges in den Medien gibt, ist daher
nicht erstaunlich. Die Ausstellung zeigt, dass sie kritisch
oder analytisch, ironisch und assoziativ, mal bitter,
mal optimistisch die Wechselwirkungen zwischen
kriegerischen Ereignissen, technologischen Entwicklungen
und der medialen Darstellung untersuchen. Die
Kunst befragt die kulturellen Subsysteme nach ihrer
Relevanz und Wirkung und zweifelt den Schein der
medialen Oberflächen an.
Im Dialog verschränkt mit historischen Dokumenten,
technischen Exponaten, durch Fotografien und Filmbeispiele
machen die künstlerischen Fotocollagen, Installationen,
Skulpturen und interaktiven Arbeiten
zum einen deutlich, wie sich die Bilder vom Krieg
durch die Entwicklung der Medien verändert haben.
Zum anderen unterstreichen viele Künstler, dass der
Medienkonsument im Fokus propagandistischer Kommunikationsprozesse
steht.
Eine Ausstellung in Osnabrück vom 22.April bis 04. Oktober
2009.
Veranstalter: European Media Art Festival, Kunsthalle
Dominikanerkirche, Museum Industriekultur Osnabrück,
Erich Maria Remarque-Friedenszentrum
Zur Ausstellung BILDERSCHLACHTEN erscheint ein
umfangreicher Katalog mit Artikeln namhafter Autoren,
mit ausführlichen Exponatbeschreibungen und
zahlreichen Abbildungen. (Verlag Vandenhoeck & Ruprecht,
Göttingen, ca. 440 S.)
191

EXHIBITION
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
IMAGE BATTLES - 2000 YEARS OF NEWS FROM THE WAR
TECHNOLOGY-MEDIA-ART
Hermann Nöring
Lida Abdul: »In Transit«, A/F/Afghanistan 2008
Mischa Kuball:
»CNN«, D 2009
Harun Farocki: »Auge/Maschine III«, D 2003
Does the truth perish in war – as often circulated? Or
is it not the fact that certainties are produced and
facts construed in militant conflicts? To legitimate the
extermination of people and the destruction of goods,
there is a huge demand for simple news. If such news
is repeated frequently enough, it evolves into truths.
This is not surprising: in the epistemological debate,
the idea has become accepted that truth depends on
the location of that which is being announced, as well
as what and how it is proclaimed. Michel Foucault believes
power and knowledge are closely linked. In his
discourse analyses, he describes the hierarchically
structured knowledge organisation, in which power
structures itself and is structured. The media and, in
particular, the mass media furnish a considerable proportion
of collective knowledge.
Despite or due to advancing information technology, it
has not and is not possible to portray the reality of war
objectively in the media. For this reason, Susan Sontag
points to the impossibility of capturing reality in
images. Media, interest-guided communication from
the war is no new phenomenon that first emerged in
line with electronic media. On the contrary, war events
have even been relayed in an opinion-forming manner
since antiquity, often using image-guided media, be it
wax boards, woodcuts, photography, film, television,
mobile phones or the internet. Thus, printing and the
subsequent possibility to print newspapers periodically,
linked closely to new military technologies, led
to new levels of perception, from which a claim to the
conveyance of an authentic presentation of warfare
was formulated.
In the course of history, huge resources were used for
the purpose of achieving military superiority, which in
turn advanced the development of new technologies.
Continuous research into innovative transmission media
was the outcome, because the extent of the information
to be compiled and their transmission speed
were the decisive parameters governing victory or defeat
which, in the eyes of Paul Virilio, lead to a convergence
of war technologies and visual media.
Technical media are the by-product of military development,
and wars have the potential to trigger media
innovation drives, according to Friedrich Kittler, who
also says that it was only the weapon of »news technology«
that ushered in the information society. In the
event of war, comprehensive truth machinery
emerges: in sophisticated communication strategies,
the propaganda departments, press offices and image
agencies of the warring states construe alleged facts
and exploit all media available to dissipate them. The
mass media create and call for camouflage, spectacular
events and simplification, and are dependent on a
sense of alarm, spectacular explosions and doses of
horror, which yield the best ratings in the attention
business.
While the digital world has become the key technology,
the computer has been transformed into the allembracing
meta-machine. All data are comparable,
manipulable and inter-exchangeable in the code from
0 to 1 and in the language of pixels. Digital copies, no
longer distinguishable from their originals with regard
to information content, create a boom in constructivism
and, according to Norbert Bolz, render obsolete
the clarification of whether they are originals or
copies. Imitations will grow to become a highly profitable
good in communications, because in the crisis
of genuineness, Bolz continues, authenticity will become
a phantom feeling, a cult fetish of a mediatised
world.
192

Die verlorene Tankschlacht der Engländer bei
Cambrai. Zerstörter englischer Tank bei Rumilly.
Fotografie, Bild- und Filmamt, 1916-1918
K. P. Brehmer: »Stuka mit Stempel ›2 x täglich
Zähneputzen‹«, D 1967
Lynn Hershman: »America´s Finest«, USA 1994
The artists selected by the European Media Art Festival
to be represented at the exhibition deal with the
media presented in their historical context, and question
their suggestive and manipulative potential. The
quintessential subject of art is preoccupation with images
and the visual representation of the found reality
and its negotiation of the history of this transformation,
its production surroundings and the aesthetics of
the world of symbols.
It is therefore not surprising that in the past and today
there are many examples of artists exploring the portrayal
of war in the media. The exhibition shows that
they explore the interplay between militant events,
technological developments and media portrayal both
critically and analytically, ironically and associatively,
sometimes bitterly and at other times optimistically.
Art questions the cultural subsystems regarding their
relevance and impact, and challenges the illusion of
media surfaces. In dialogue entwined with historical
documents, technical exhibits, photographs and film
samples, the artistic photo collages, installations,
sculptures and interactive works reveal on the one
hand how the images of war have changed in line with
the development of media. On the other hand, many
artists emphasise the fact that media consumers are
the focus of propagandistic communication processes.
An exhibition in Osnabrück from 22 April to 4 October
2009.
Presented by: European Media Art Festival, Museum
of Industrial Heritage Osnabrück, Kunsthalle Dominikanerkirche,
Erich Maria Remarque Peace Centre
Osnabrück.
A comprehensive catalogue with articles by renowned
authors, detailed descriptions and numerous illustrations
of the exhibits will be published on the exhibition
IMAGE BATTLES. (Verlag Vandenhoeck & Ruprecht,
Göttingen, approx. 440 pages).
193

EXHIBITION
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
KRIEG UND KUNST / WAR AND ART
Video-Interview mit Friedrich Kittler von Egon Bunne / Video interview with Friedrich Kittler by Egon Bunne
Friedrich Kittler
Als sich zu Beginn der 1980er Jahre in Frankreich einige
Philosophen daran machten, den fragmentären
Medientheorien des Bert Brecht und Walter Benjamin
einige dringend erforderliche Upgrades zu verpassen,
war sehr schnell klar, dass die wichtigste Stimme aus
Deutschland zu diesem Thema Friedrich Kittler sein
würde.
Anders als die furiosen Gedankensprünge eines Jean
Baudrillard oder die apokalyptischen Kassandrarufe
eines Paul Virilio zeichnen sich die Veröffentlichungen
des promovierten Germanisten Friedrich Kittler durch
die Perspektive des Medienhistorikers aus, der seinen
Forschungsgegenstand als eine Art neuzeitliche Archäologie
betrachtet.
»Grammophon Film Typewriter« entwickelte sich Mitte
der 1980er Jahre zu einem Kultbuch für jene deutschen
Intellektuellen, denen Adornos kritische Analyse
der bürgerlich-kapitalistischen Gesellschaft nicht
länger genügte, das Computerzeitalter in all seiner
Vielschichtigkeit zu erfassen und zu deuten.
Mit seinem interdisziplinären Ansatz stieß Kittlers
Veröffentlichung gleichermaßen bei Soziologen und
Philosophen, bei Publizisten und Mathematikern auf
großes Interesse.
In seinen Folgeschriften »Optische Medien« und »Draculas
Vermächtnis« gerieten verstärkt die Nachrichtentechnologien
in den Fokus seiner Forschung. Die
Erkenntnis, dass unsere Medienlandschaft auf Erfindungen
und Entwicklungen des militärischen Komplexes
zurückgeht, war für viele Fernsehleute erschreckend,
für manchen Medienkünstler aber
äußerst inspirierend.
Als die US-Invasion des Iraks sich bereits im Vorfeld
vor dem UN-Sicherheitsrat zur Propagandaschlacht
entwickelte, gewannen Kittlers Thesen und Themen
plötzlich tagespolitische Bedeutung. Immer häufiger
tauchte sein Konterfei auf dem TV-Bildschirm auf, um
dem geneigten Zuschauer die Neuartigkeit der Bilder
zu erklären.
Das vorliegende Gespräch wurde am 15. September
2003 in Kittlers Wohnung in Berlin-Treptow aufgezeichnet.
Zu einem Zeitpunkt, als George W. Bush –
zumindest an seiner Heimatfront – noch nicht als der
194
Loser eingestuft wurde, als der er heutzutage, nach
Barak Obamas deutlichem Wahlsieg, dasteht.
Entgegen aller Prognosen, die der US-Armee bei der
Besetzung von Bagdad einen verlustreichen monatelangen
Häuserkampf prognostiziert hatten, konnte
sich George Bush jr. 2003 noch in die Pose des siegreichen
Feldherrn werfen, der die Welt vom grausamen
Despoten Saddam Hussein befreite. Noch waren die
Bilder und Berichte von den Folterungen in Abu-Ghuraib
und den Verhörmethoden im Hochsicherheitsgefängnis
Guantanamo nicht in der Öffentlichkeit, in denen
Amerika eine rassistisch-totalitäre Fratze zeigte.
Vor diesem Hintergrund folgt mein Gespräch mit Friedrich
Kittler weniger dem Ziel, seinem bisherigen
Werk und Wirkungskreis gerecht zu werden: Vor allem
liegt mir an seiner Einschätzung des Krieges als Katalysator
für die Kulturgeschichte. Aus einigen Sequenzen
seiner Vorträge und Interviews glaube ich gewisse
Zweifel herauszulesen, dass der Pazifismus ein tragfähiges
Modell für die Gestaltung unserer Zukunft und
der Weiterentwicklung der Moderne ist.
Auf diese Weise ist zum Thema »Krieg und Kunst« eine
Mixtur entstanden, von der ich erwarte, dass sie neben
einigen geistreichen Apercus und zeitgeschichtlichen
Fußnoten die Person Friederich Kittler transparenter
erscheinen lässt, als dies im wissenschaftlichen
Kontext möglich ist. Rückblenden innerhalb unseres
Gesprächs auf die Zeit der Antike kündigen
bereits seinen zwei Jahre später verkündeten Ausstieg
aus der Medientheorie an.
Vielleicht findet sich irgendwann die Gelegenheit,
Friedrich Kittlers Entschluss, den Forschungsgegenstand
seines Spätwerks ins vorchristliche Altertum zu
verlagern, bei einem neuerlichen Gesprächstermin zu
hinterfragen.
When a number of philosophers in France started to
upgrade the outdated fragmentary media theories of
Bert Brecht and Walter Benjamin at the beginning of
the 1980s, it soon became clear that the most important
voice in Germany on this topic would be Friedrich
Kittler.
The publications by Friedrich Kettler, who holds a doctorate
in German, are characterised by the perspective

Friedrich Kittler
of a media historian who sees his research subject as
a kind of modern archaeology, contrary to the furious
mental leaps of those such as Jean Baudrillard or Paul
Virilio’s apocalyptic prophecies of doom, for instance.
Since the mid-1980s, »Grammophon Film Typewriter«
has developed into a cult book for those German intellectuals
for whom Adorno's critical analysis of the civil
capitalist society no longer sufficed to capture and
interpret the computer age in its diversity.
Thanks to his interdisciplinary approach, Kittler's
publication attracts wide interest among sociologists
and philosophers, publicists and mathematicians
alike.
In his subsequent publications »Optische Medien«
and »Draculas Vermächtnis«, news technologies increasingly
became the focus of attention of his research.
The conclusion that our media landscape is
based on inventions and developments of the military
complex was very alarming for many TV employees,
but extremely inspiring for some media artists.
Kittler's hypotheses and topics suddenly gained topical
relevance when the US invasion of Iraq developed
early on into a war of propaganda before the UN Security
Council. Over and over again, his portrait appeared
on the TV screen to explain the novelty of the images
to the favourably disposed audience.
This interview was recorded in Kittler's apartment in
Berlin-Treptow on 15 September 2003. This was the
time when George W. Bush had not yet – at least on his
home front –been classed as the loser he is today, following
Barack Obama's clear election victory.
Contrary to all forecasts that the US army would suffer
heavy losses in months of urban warfare, George W.
Bush jr. was still able to pose as the glorious commander
who saved the world from the cruel despot
Saddam Hussein in 2003. The images and reports of
the torture in Abu-Ghuraib and of the interrogation
methods in the maximum-security prison of Guantanamo,
where America revealed its grotesque
racist/totalitarian face, had not yet been published.
Against this backdrop, my interview with Friedrich Kittler
is less aimed at doing justice to his previous work
and his sphere of influence: I am more interested in his
evaluation of the war as a catalyst for cultural history.
I believe I had the impression of an element of doubt in
several sequences of his speeches and interviews that
pacifism is a sustainable model for developing our future
and advancing modernity.
Thus, a mixture of the topic »War and art« was created,
from which I expect the person of Friedrich Kittler
to be made more transparent than is possible in the
scientific context, alongside ingenious aphorisms and
historical footnotes. Flashbacks to the ancient world
in our interview herald his exit from the media theory
two years before he made his public announcement.
Maybe one day there will be the opportunity to scrutinise
Friedrich Kittler's decision to shift the object of
research in his late work to pre-Christian antiquity.
Egon Bunne was born in Ahlen Westphalia in 1952.
From 1974 to 1978, he lived with the rock band Ton
Steine Scherben in Berlin and North Frisia and studied
at the German Film and Television Academy Berlin from
1982 to 1986.
Egon Bunne has worked together with Hellmuth
Costard, Gabor Body and David Larcher, and has
gained several awards, including first prize in the
Videonale Bonn in 1986 for IRONLAND and the »Egon-
Erwin-Kisch« Award by the International Leipzig Festival
for Documentary and Animation Film for ALLES
WANDELT SICH in 1990.
In 1992, Bunne became studio manager at Karlsruhe
University of Arts and Design, and moved to the Academy
of Media Arts in Cologne as an artistic/scientific assistant
in 1996.He has been a professor of Electronic
Image on the Time-Based Media degree programme at
Mainz University of Applied Sciences since 2002.
Over the last two decades, Egon Bunne has realised
projects for German television, which he views as art in
the public domain or as art on buildings.
D 2003/2009
Realisation Egon Bunne
195

EXHIBITION
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
REGINA JOSÉ GALINDO
Video-Interview von Jürgen Ureña
Regina José Galindo: »Confession«, E 2007 Regina José Galindo Regina José Galindo: »Perra«, Guatemala 2005
Die guatemaltekische Künstlerin Regina José Galindo
unterzog sich 2007 einem Performance-Experiment.
In Palma de Mallorca beauftragte sie einen freiwilligen
Nachtclub-Rausschmeißer, er solle sie im Keller einer
Galerie so »behandeln«, wie er sich den Hergang eines
»Water Boardings« und den Umgang mit den Opfern
dieser Verhörfolter vorstelle. Mit wachsendem Enthusiasmus
drückte er Galindos Kopf zahlreiche Male für
lange Zeit in eine mit Wasser gefüllte Tonne, bis er sie
mit der Kraft seines schweren Körpers in die Ecke
schleuderte. Der Freiwillige überzog die von ihm in einem
Skript verlangte Rolle bei weitem, ignorierte sogar
ein vorher festgelegtes Stopp-Signal der Künstlerin.
Das Publikum konnte dem Geschehen nur auf einem
Monitor folgen, der eine Etage höher in den Gale-
196
rieräumen stand. Ein Zugang zum Raum der
Re-Inszenierung der grausamen »verschärften« Verhörmethoden
– so die bisherige US-amerikanische
Sprachregelung – wurde ihnen verwehrt. Nach der
Performance warf das Publikum Galindo wütend die
Drastik der dargestellten Gewalt vor, über die Grenzüberschreitungen
des Türstehers beschwerte sich niemand.
Galindo wählte den Ort nicht zufällig. Palma ist bekannt
als eine der CIA-Locations, in denen verschleppte
und des Terrorismus verdächtigte Personen
aus Europa auf ihrem Weg in die Lager von Guantanamo,
Bagram oder andere »Black Spots« des staatlich
geförderten Kidnappings zunächst gesammelt wurden.
Palma war für diese Menschen der Beginn einer
langen Zeit systematischer Entmenschlichung.
Beginnend mit ihrer ersten Performance 1999 in Guatemala
erreicht Galindo immer wieder die Beachtung
einer großen Öffentlichkeit, da ihre Aktionen zunehmend
den sozialen und politischen Kontext ihres Landes
thematisieren. Aus Protest gegen die Präsidentschaftskanditatur
des zahlreicher politischer Morde
bezichtigten ehemaligen Diktators Rios Montt markierte
sie 2003 in ihrer Performance ¿Queén Puede
Borrar las Huellas? (»Wer kann die Spuren verwischen«),
den Weg vom Kongressgebäude zum Nationalpalast
in Guatemala City mit ihren blutigen Fußabdrücken.
Dabei tauchte sie ihre Füße immer wieder in
eine weiße Schüssel mit menschlichem Blut.
Vergegenwärtigt man sich die zahlreichen weiteren
Performances, wird deutlich, dass ihre Aktionen hintergründig
und stark durchwoben sind von einer tiefen
Kenntnis der Körperarbeiten von Künstlern wie den
Wiener Aktionisten, von Marina Abramovic oder Orlan.
Galindos Werke sind von der räumlichen Unmittelbarkeit
ihrer körperlichen Präsenz geprägt. : Im Jahr 2005
erhielt sie für die Performance »Himenoplastía«
(2004) den Goldenen Löwen für junge Künstler auf der
Biennale von Venedig. Diese Performance bestand aus
einer chirurgischen Rekonstruktion ihres Jungfernhäutchens.
Ihre Intention war es, die Verhältnisse anzuprangern,
mit denen sich viele Frauen im Hinblick
auf ihre Jungfräulichkeit aufgrund gesellschaftlicher
und religiöser Zwänge konfrontiert sehen.
Bis zum heutigen Tag hat sie 24 persönliche und 79
kollektive Ausstellungen veranstaltet. Unter diesen
lassen sich hervorheben: »El dolor en un pañuelo«
(1999), »Nada perdemos con nacer« (2000), »Piel«
(2001), »Hasta ver«(2002), »Quién puede borrar las huellas«
(2003), »Himenoplastía« (2004), »Perra« (2005),
»Limpieza Social« (2006), »Mientras, ellos siguen libres«
(2007) und »Reconocimiento de un cuerpo«.

REGINA JOSÉ GALINDO
Video interview by Jürgen Ureña
Regina José Galindo: »Quién puede borrar las
huellas«, Guatemala 2003
Regina José Galindo
The Guatemalan artist Regina José Galindo carried out
an experimental performance in 2007. In Palma de
Mallorca, she commissioned a voluntary nightclub
bouncer to take her into the cellar of the gallery and
subject her to »water boarding«, as he imagined it to
be and as he envisaged victims of such interrogation
torture to be treated. With increasing enthusiasm, he
pushed Galindo’s head into a water-filled barrel several
times for long periods, before throwing her into the
corner with all his might. The volunteer by far crossed
the boundary of the part in his script, even ignoring
the artist's previously arranged signal to stop. The audience
could only follow the event on a monitor, which
was one floor above in the gallery. The public was denied
access to the room where the cruel »intensified«
methods of interrogation – following the US terminology
to date – were re-enacted. After the performance,
the audience angrily accused Galindo of portraying
over-drastic violence; nobody complained about the
bouncer who crossed the line.
Galindo's choice of location was not accidental. Palma
is well known as a CIA location, where people abducted
from Europe and terrorist suspects were first herded
together on their way to the camps of Guantanamo,
Bagram and the other »black spots« of state-aided
kidnapping. For these people, Palma was the start of a
long period of systematic dehumanisation.
Galindo has always attracted the attention of a large
audience, starting from her first performance in
Guatemala in 1999, because her activities increasingly
made an issue of her country's social and political
context. As a protest against the candidacy for president
of the former dictator Rios Montt, accused of numerous
political murders, in her performance ¿Quién
Puede Borrar las Huellas? (»Who can cover the
traces?«) she marked the journey from Congress to
the National Palace in Guatemala City with her bloody
footprints. Along the way, she continuously dipped her
feet into a white bowl of human blood.
If you bring to mind her numerous other performances,
it is evident that her activities are profound and
strongly traversed by a deep-rooted knowledge of the
bodywork of artists such as the Viennese activists,
Marina Abramovic and Orlan. Galindo's works are
characterised by the spatial directness of their physical
presence. In 2005, she was awarded the Golden
Lion for young artists at the Venice Biennale for her
performance »Himenoplastía« (2004). This performance
entailed a surgical reconstruction of her virginal
membrane. Her intention was to denounce the circumstances
facing many women with regard to their
virginity due to social and religious constraints.
So far, she has arranged 24 personal and 79 collective
exhibitions, including in particular: »El dolor en un
pañuelo« (1999), »Nada perdemos con nacer« (2000),
»Piel« (2001), »Hasta ver« (2002), »Quién puede borrar
las huellas« (2003), »Himenoplastía« (2004), »Perra«
(2005), »Limpieza Social« (2006), »Mientras, ellos
siguen libres« (2007) and »Reconocimiento de un
cuerpo«.
Jürgen Ureña was born in 1973 in San José, Costa Rica.
He studied Philosophy and Philology at the University
of Costa Rica, as well as Theoretical and Practical Documentary
Film Design at the University Autónoma in
Barcelona. He is interested in the dividing line between
fictitious and documentary film.
He was awarded the prize for the best video production
at the Costa Rican Cinema and Video Festival. He also
won awards for the best fictitious short and the best
audiovisual production in 2005-2006.
His works have been screened at festivals and events,
including in the cities of Cartagena, Havana, Mexico,
Washington, Biarritz and Berlin. He has also published
articles on the topics of film art and visual arts in specialist
journals and various cultural booklets.
Regina José Galindo, 1999-2007
Realisation Jürgen Ureña
Costa Rica / Guatemala 2007, DVD, 17:00
197

CONGRESS
Der Kongress bezieht in diesem Jahr zu verschiedenen Themen Stellung. Wichtige Ankerpunkte sind die aktuellen
Ereignisse wie die Krise in der Banken- und Wirtschaftswelt oder der Konflikt zwischen Israel und Palästina,
die Ausstellung »Bilderschlachten« und das Projekt Mediaartbase.de.
Der Autor und Journalist Stefan Heidenreich beschäftigt sich mit historischen, theoretischen und praktischen
Fragen in Hinblick auf die Finanzkrise: Eröffnen die wirtschaftlichen Zusammenhänge für die künstlerische
Produktion neue Möglichkeiten und Aufgaben? Wie verändern sich die Rollen von Kritikern, Kuratoren oder
Künstlern? Außerdem stellt die Produzentin Osnat Trablesi (Tel Aviv) die mit dem Prix Europe ausgezeichnete
Netz- und TV-Produktion »Gaza-Sderot: Das Leben trotz allem« vor. Trotz der täglichen Gefahr von Luftangriffen
und Raketenschüssen hören die portraitierten Menschen nicht auf, zu arbeiten, zu lieben und zu träumen.
In Analogie dazu wird das Thema »Medienkunst und Krieg« mit Blick auf unsere Ausstellung »Bilderschlachten«
aufgegriffen. Beteiligte Künstlerinnen und Künstler stellen ihre Sichtweise und Arbeiten in Präsentationen
vor. Johanna Reich (KHM Köln) berichtet über das Projekt »MinusEins« und ihre Arbeit »Front«. Julius von Bismarck
(UdK Berlin) stellt mit »Image Fulgurator « eine Möglichkeit der »minimal-invasiven« Manipulation von
fotografischen Abbildungen vor. Prof. Dr. Ursula Frohne vom Kunsthistorischen Institut der Uni Köln beschäftigt
sich mit Harun Farocki und seiner Analyse der Bilder des Krieges. Der Künstler Harry Walter schließlich präsentiert
die Arbeit »Mutterkompass – Stalingraderinnerungen eines Spätgeborenen«, in der er für nachfolgende
Generationen einen sinnlichen Kontakt mit dieser Vergangenheit herzustellen versucht.
Ein weiterer Themenschwerpunkt ist dem Kapitel Medienkunstarchive gewidmet. Unter dem Titel »From Archive
to Living Database« werden im Rahmen des Pilotprojekts »mediaartbase.de« unterschiedliche Vermittlungsformen
der Arbeit in und mit Archiven präsentiert. Mit dabei sind Gabriele Blome (Ludwig Bolzmann Institut),
Dr. Renate Buschmann (IMAI Düsseldorf), Monika Fleischmann und Wolfgang Strauss (IAIS Fraunhofer),
Glenn R. Phillips (Getty Research Institute Los Angeles), Prof. Ludger Brümmer (ZKM) und Prof. Jean Francois
Guiton (HfK Bremen). Prof. Oliver Grau untersucht in seinem Vortrag den Bereich der Medienkunstarchivierung.
Er plädiert für Dokumentation, Sammlung und Erhaltung der evolutionären Geschichte der audiovisuellen Medien
und ihrer Widersprüche. Dr. Achim Heidenreich, vom Institut für Musik und Akustik des ZKM spricht über
Musik als Gedächtnis des Films. Musik und bewegtes Bild haben ihre eigene Dramaturgie und ihre eigenen
Wahrnehmungskriterien. Der Beitrag beschäftigt sich auf dieser Basis mit neuen dramaturgischen Problemen
und Möglichkeiten der Kombination Musik und bewegtem Bild in digitaler Zeit.
This year’s Congress comments on a variety of themes. Important anchorage points are current events, such as
the crisis in the banking and business world, or the conflict between Israel and Palestine, the exhibition« Image
Battles« and the project mediaartbase.de.
The author and journalist Stefan Heidenreich explores historical, theoretical and practical issues with regard
to the financial crisis: does the economic context make new options and tasks available to artistic production?
How do the roles of critics, curators or artists change? Furthermore, producer Osnat Trablesi (Tel Aviv) introduces
the web and TV production »Gaza-Sderot: Life – despite everything«, which was awarded the Prix Europe.
Despite the daily threat of air raids and missiles, the people portrayed never stop working, loving and
dreaming. Despite it all. Fittingly, the subject »Media Art and War« is taken up with the exhibition »Image Battles
– 2000 years of news from the war« in mind. The artist Johanna Reich from the Academy of Media Arts in
Cologne reports about the project »MinusEins« and her video installation »Front«. Julius von Bismarck from
Berlin University of the Arts presents his work »Image Fulgurator«, in which he develops the possibility of a
»minimally invasive« manipulation of photographic images. Professor Dr. Ursula Frohne from the Institute for
History of Art of the University of Colgone explores the works of Harun Farocki and his analysis of the images
of war.
Finally, the artist Harry Walter introduces the work »Mutterkompass – Stalingraderinnerungen eines Spätgeborenen«,
in which he tries to establish a sensual contact with the past for future generations.
A further focal area is dedicated to the chapter of media art archives. Under the title »From Archive to Living
Database«, various forms of conveyance of work in and with archives will be presented within the pilot project
»mediaartbase.de«. Gabriele Blome (Ludwig Bolzmann Institut), Dr. Renate Buschmann (IMAI Düsseldorf),
Monika Fleischmann and Wolfgang Strauss (IAIS Fraunhofer), Glenn R. Phillips (Getty Research Institute Los
Angeles), Prof. Ludger Brümmer (ZKM) and Prof. Jean Francois Guiton (HfK Bremen) are involved. In his lecture,
Professor Oliver Grau investigates the area of archiving Media Art. He advocates the documentation, collection
and preservation of the evolutionary history of the audiovisual media and their inconsistencies. Dr. Achim Heidenreich,
from the Institute of Music and Acoustics at the ZKM talks about music as the memory of the film.
Music and moving image have their own dramaturgy and their own criteria of perception. On this basis, the contribution
deals with new dramaturgical problems and possibilities in combining music and moving image in the
digital age.
198

KUNST UND KRISE / ART AND CRISIS
Stefan Heidenreich
In den Ruinen der Moderne: kreativer Relationismus und effiziente Autonomie.
Fundamentale Krisen zeichnen sich dadurch aus, dass sie Grundbegriffe in Frage stellen und Verhältnisse neu
ordnen. Es mag also sein, dass Kunst nicht nur auf die Krise reagiert, sondern sich in Begriff und Praxis erneuert.
Derzeit steht einer Kunst für den Markt, für Sammler, Investoren und Geldwäscher eine Kunst der Institutionen,
des Diskurses und der Kuratoren gegenüber. Dazu kommen Übergangsfelder zwischen Kunst und Forschung,
Kunst und Medien sowie der Kunst und den creative industries.
Der kommende Umbruch wird in diesem gemischten Feld nicht nur gewachsene Strukturen auflösen, sondern
auch neue hervorbringen, die unter der alten Bezeichnung Kunst weiter laufen. Wo die Bruchstellen liegen, wird
sich erst nachträglich zeigen. Denn das Neue schreibt seine Geschichte stets im Nachhinein. Es wird an unserer
Gegenwart entdecken, was es war. Um seine Spuren zu finden, hilft daher keine Trendforschung. Die kommende
Kunst wächst längst in den Ruinen der Moderne.
In the ruins of modernity: creative relationism and efficient autonomy.
The nature of fundamental crises is that they question basic concepts and rearrange relationships. It may,
therefore, be the case that art does not only react to the crisis but also renews itself with regard to notions and
practice. At present, art for the market, for collectors, investors and money launderers is pitted against art of
institutions, discourse and curators. Then there are also transitory areas between art and research, art and media,
as well as art and the creative industries.
The upcoming break will not only dismantle developed structures in this mixed area, but will also create new
ones that will continue to exist under the old term »art«. It will only be possible to identify the cracks retrospectively.
Because the new always writes its history in retrospect. It will discover what our present was. Trend
insights cannot help to find its traces. The upcoming art grows slowly in the ruins of modernity.
Stefan Heidenreich lives in Berlin as a freelance author, media scientist and art critic. He writes for the F.A.Z.,
the Süddeutsche and the taz, among other newspapers, as well as on the blogs Carta.info and iconicturn.de. His
latest books are entitled »Was verspricht die Kunst?« (updated paperback edition 2009) and »Mehr« Geld (2008).
More at stefanheidenreich.de
199

CONGRESS
GAZA-SDEROT
LEBEN - TROTZ ALLEM
LIFE - DESPITE EVERYTHING
Osnat Trabelsi
Gaza liegt in Palästina, Sderot in Israel. Hier leben Männer, Frauen und Kinder unter ständiger Bedrohung durch
Bomben, Luftangriffe und Blockaden. Doch trotz dieser schwierigen Bedingungen geht das Leben weiter: Die
Menschen arbeiten, lieben und träumen hier genau wie anderswo.
Zwei Monate lang wurde täglich je ein Clip aus Israel und aus Palästina online gestellt, die einander ergänzen,
so dass ein umfassendes Bild entstand. Diese duale Sichtweise ist eine wesentliche Voraussetzung für das
Verständnis der komplexen Realität. Beim Betrachten des einen Videos ist stets auch das andere auf dem Bildschirm
präsent und läuft parallel dazu. Tag für Tag wurde so das Alltagsleben in den beiden Städten zeitgleich
greifbar gemacht, was dem Internetuser einen ersten, intuitiven Zugang zu dem Thema ermöglichte.
WARUM INTERNET? Die Beziehungen zwischen Israelis und Palästinenser stecken heute in einer Sackgasse,
aus der sie nur herauskommen, wenn auch die Bürger in der Öffentlichkeit zu Wort kommen und miteinander
kommunizieren können.
Gerade das ist jedoch keine Selbstverständlichkeit. Daher ist ein »neutraler Raum« besonders wichtig, wo jeder
Zeugnis ablegen und seine Meinung zum Ausdruck bringen kann. Das Internet ist hierfür besonders gut geeignet.
Gaza is situated in Palestine, Sderot in Israel. Men, women and children live here under the constant threat of
bombs, air attacks and blockades. But despite these difficult conditions, life goes on: people go to work, love
and dream just like those anywhere else in the world.
For a period of two months, a clip each from Israel and Palestine were put online every day. The clips complemented
one another, creating a comprehensive picture. This dual perspective is a main prerequisite for understanding
the complex reality. When watching one of the videos, the other is always present on the screen,
broadcasting in parallel. Day after day, everyday life in the two cities became tangible simultaneously, giving internet
users initial, intuitive access to the topic.
WHY INTERNET? Relations between the Israelis and Palestinians have now reached a blind alley from which
they can only escape if citizens are allowed to have their say in public and communicate with one another.
But precisely this is not a matter of course. For this reason, a »neutral space« is particularly important where
anyone is able to bear witness to events and express their opinions. The internet is ideal for this purpose.
Osnat Trabelsi a graduate in Film Studies at Tel Aviv University and co-producer of GAZA / SDEROT Life - despite
everything. Trabelsi is known for consciously mixing business with pleasure, and professionalism with activism.
Trabelsi was a board member of the Israeli Documentary Forum from 2001-2004. In 2000 she initiated and directed
the first International Human Rights Film Festival in Israel/Palestine. In 2001 she co-founded with Avi Mograbi
the Anti-Occupation Film Club at the Tel Aviv Cinematheque which operates till 2007.
In 2003 she co-founded »Films From the Dark Side,« a forum that links Mizrahi and Palestinian concerns. In 2006
produced and was the co-artistic director of Joris Evans seminar sponsored by the Israeli documentary forum
and Joris Evans institute. In 2007 she was chosen by the economic news paper »De Marker« in Israel to one of 40
women who make change in the society.
http://gaza-sderot.arte.tv/ *
Available Versions in: Arabic/ German/ English/ Français/ Hebrew
200

CONGRESS
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
MINUS 1
Johanna Reich
Johanna Reich präsentiert das Projekt »Minus 1« der Kunsthochschule für Medien Köln und stellt das Konzept
des Experimentallabors sowie Werke vor, die in dessem Rahmen entstanden sind. Darüber hinaus präsentiert
sie eigene Arbeiten. Insbesondere berichtet sie über ihre Videoinstallation »Front« und weitere Arbeiten der
Studierenden der KHM, die an der Ausstellung Bilderschlachten beteiligt sind.
Minus 1 ging auf Initiative von Prof. Mischa Kuball aus dem bisherigen Holographielabor der KHM hervor. Es soll
zugleich als interdisziplinäre-technische Werkstatt, als Ort der Kommunikation und Lehre, sowie als Zentrum
eines Netzwerkes innerhalb der KHM fungieren und auf diese Weise die Umsetzung künstlerischer Projekte der
Studenten ermöglichen und fördern. Im Sinne dieser Idee wird die Kooperation und der Austausch mit verschiedenen
hochschulexternen Partnern innerhalb Kölns und in Zukunft auch darüber hinaus angestrebt.
Johanna Reich presents the project entitled »Minus 1« by the Academy of Media Arts Cologne (KHM) and introduces
the concept of the experimental lab, as well as some of the ensuing works. She also shows some of
her own works. In particular, she will talk about her video installation »Front« and other works by KHM students
involved in the exhibition Image Battles.
Minus 1 emerged on the initiative of Professor Mischa Kuball from the previous holography lab at the KHM. The
project also acts as an interdisciplinary technical studio, a place of communication and teaching, as well as the
hub of a network within the KHM, facilitating and promoting the realisation of artistic projects by students. According
to this idea, the aim is to seek cooperation and exchange with various partners in Cologne outside the
university, and further afield in future.
Johanna Reich, *1977, studied in Münster, Hamburg, Barcelona and KHM Cologne; various video works, often of
a performative nature; numerous exhibitions worldwide and various awards, including the 2006 Nam June Paik
Award. Academy of Media Arts Cologne.
201

CONGRESS
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
IMAGE FULGURATOR
Julius von Bismarck
Julius von Bismarck entwickelte die Möglichkeit einer »minimal-invasiven« Manipulation von fotografischen
Abbildungen. Während andere fotografieren, hackt er sich subtil mit dem Image Fulgurator (Goldene Nica auf
der Ars Electronica 2008 / »Interactive Art«) in die Aufnahme, manipuliert und branded das Foto oder das Motiv
mit Symbolen und Sätzen, die einen an der eigenen Wahrnehmung der Realität zweifeln lassen.
Der Image Fulgurator ist eine ungewöhnlich einfache Kombination von Fotoapparat und Blitzlicht, die allerdings
gegenläufig zu ihrem ursprünglich Funktionen konzipiert ist. Registriert die Sensorik des Geräts einen
Blitz, sendet das Gerät wie ein Projektor einen Lichtimpuls durch den bereits belichteten und entwickelten Film
in der Kamera und durch das Objektiv auf ein Motiv, das gerade von der anderen Person fotografiert wird. Diese
findet nun auf ihrem Bild die Projektion, die sie während der Aufnahme nicht bemerkte. Ungeahnte Bildmanipulationen
werden möglich, die Julius von Bismarck als performativen Interventionen gestaltet. Zu den bekanntesten
gehört eine Aktion während des Besuchs von Barack Obama in Berlin (Juli 2008), als Bismarck das
Bild eines Kruzifixes unter das Pult projizierte, an dem der designierte Präsidentschaftskandidat der Vereinigten
Staaten seine Rede hielt. Ein anderes Beispiel der Arbeit Bismarcks ist die Manipulation von Fotos, die zuvor
von Touristen im Besucherbereich an der Berliner Mauer aufgenommen wurden, zu denen er im Nachhinein
einen Text hinzufügte, der offensichtlich nichts mit dem ursprünglichen Kontext zu tun hatte: »Hunderte von
Menschen sterben an der Grenze zwischen Mexiko und den USA«.
Image Fulgurator wird in der Ausstellung Bilderschlachten präsentiert.
Julius von Bismarck developed the possibility of a »minimal-invasive« manipulation of photographic images.
While others take photographs, he subtly uses the Image Fulgurator (Goldene Nica at the Ars Electronica
2008/»Interactive Art«) to hack into the photograph, he manipulates and brands the photo or the motif with
symbols and sentences that give viewers cause to doubt their own perception of reality.
The Image Fulgurator is an unusually simple combination of a camera and a flash-unit which, nevertheless, is
devised in the opposite direction to its original functions. If the device’s sensor system registers a flash, the device
– like a projector – sends a light pulse through the already exposed and developed film in the camera and
through the lens onto a motif that happens to be photographed by someone else. This photographer now finds
the projection on his picture, which he didn’t notice when he took it. Undreamed-of possibilities of manipulating
images come true, which Julius von Bismarck arranges as performative interventions. One of his most wellknown
interventions is an activity that took place during Barack Obama’s visit to Berlin (in July 2008) when Bismarck
projected the picture of a crucifix below the lectern from which the presidential candidate elect of the
United States of America delivered his speech. Another example of Bismarck’s work is the manipulation of photos
taken beforehand by tourists in the visitors’ area of the Berlin Wall, to which he added a text that obviously
had nothing to do with the original context: »Hundreds of people die on the border between Mexico and the
USA«.
Image Fulgurator will be presented at the exhibition Image Battles.
Julius von Bismarck, born in Breisach am Rhein in 1983. Julius von Bismarck grew up in Saudi Arabia and Germany,
after which he studied and worked in Berlin and New York. He has been a student in the class »Designing
with digital media« at Berlin University of the Arts since 2005. His works can be found somewhere between the
conflicting contexts of art, science and technology, whereby he focuses on the perception, documentation and
manipulation of urban spaces. In addition to developing and designing interactive objects and processes, he also
works with time-based media as a cameraman. Berlin University of the Arts.
202

BILDPOLITIKEN DES KRIEGES UND HARUN FAROCKIS BILDKRITISCHE
AUSEINANDERSETZUNG / IMAGE POLICIES OF THE WAR AND HARUN
FAROCKI’S IMAGE - CRITICAL DEBATE
Prof. Dr. Ursula Frohne
Ursula Frohne setzt sich mit Funktionen, Strukturen und Wirkungen von Bildkommunikation in kriegerischen
Kontexten auseinander und fragt nach der Faszination der Bilder des Schreckens. Des weiteren befragt sie die
künstlerischen Features von Harun Farocki über computergenerierte Bilder und seiner Analyse der Rhetorik der
Bilder des Krieges. Dabei werden Antworten auf zahlreiche Fragen erarbeitet: Welche Berichterstattungsmuster
und -routinen zeichnen sich ab? Wie hat sich die Funktion der Bilder in der Auseinandersetzung mit dem
Krieg gewandelt? Welche Bedeutung haben die Bildmedien innerhalb der bellizistischen Strategien? Kann es
eine Kommunikations- und Medienethik im Kontext von Kriegen geben?
Ursula Frohne explores the functions, structures and effects of image communication in militant contexts and
enquires about the fascination of the images of horror. Furthermore, she queries the artistic features of Harun
Farocki via computer-generated images and his analysis of the rhetoric of the images of war. In so doing, answers
to numerous questions are elaborated: Which reporting patters and routines become apparent? How has
the function of images changed in the examination of war? What significance do the vidual media have within
the belligerent strategies? Can communication and media ethics exist in the context of wars?
Ursula Frohne studied History of Art in Münster and at the FU Berlin; research grants in New York (DAAD), at the
Getty Center for the History of Art and the Humanities, Los Angeles from the American Council for the Learned
Societies, at the University of Rochester and the Pembroke Center, Brown University, Providence. 1988-1995 research
assistant at the Institute for History of Art, FU Berlin; 1995-2001 curator at the Museum of Contemporary
Art | ZKM as well as lecturer at the University of Arts and Design Karlsruhe. 2001-2002 guest professorship at the
Department of Modern Culture and Media, Brown University Providence; curator of exhibitions and author of numerous
publications on 20th and 21st century art and architecture. University of Cologne, Institute for History of
Art.
203

CONGRESS
BILDERSCHLACHTEN IMAGE BATTLES
MUTTERKOMPASS - BEFRAGUNG EINES KRIEGSSOUVENIRS
MASTER COMPASS - INTERVIEW WITH A SOUVENIR FROM THE WAR
Harry Walter
Mit zerschossener Heckflosse und mehreren Verwundeten an Bord hatte am 23. Januar 1943 das letzte deutsche
Flugzeug den Kessel von Stalingrad verlassen. Der damalige Flugzeugführer hat den im Heck der Maschine
eingebauten Kompass nach einer Bruchlandung ausgebaut und als Stalingrad-Souvenir zunächst für sich
behalten. Gegen Kriegsende übergab er diesen Kompass aus nicht mehr klärbaren Gründen seinem ebenfalls
in der Luftwaffe dienenden Bruder. Kurze Zeit darauf geriet dieser Bruder bei Brescia in amerikanische Kriegsgefangenschaft,
konnte jedoch entfliehen und mit Hilfe des in seinem Rucksack verborgenen Mutterkompasses
in zumeist nächtlichen Märschen durch die Alpen unversehrt sein Heimatdorf am westlichen Rande des
Schwarzwaldes erreichen. Heute befindet sich der Kompass neben anderen persönlichen Hinterlassenschaften
im Besitz seines Sohnes. Der Vortrag erzählt die seltsame Geschichte dieses Orientierungsgerätes, die über
mehrere Stationen bis ins heutige Wolgograd zurückführt.
Harry Walters Arbeit EICHMANN FLEISCHMANN NECKERMANN, Installation mit Medientruhe und Leporello,
wird in der Ausstellung Bilderschlachten präsentiert.
The last German plane left the kessel of Stalingrad on 23 January 1943 with a bullet-ridden tail fin and several
wounded on board. The pilot at that time dismounted the compass built into the tail of the plane after a crash
landing and initially kept it for himself as a souvenir from Stalingrad. Towards the end of the war, for reasons
that can no longer be clarified, he gave this compass to his brother, who was also serving in the Luftwaffe.
Shortly afterwards, his brother was captured by the Americans as a prisoner of war near Brescia, but was able
to escape and, with the help of the master compass hidden in his rucksack, made his way back safely over the
Alps to his home village on the western edge of the Black Forest, usually on marches by night. Today, the compass
and other personal legacies are in the possession of his son. The lecture tells the strange story of this orientation
device, which can be traced back via several stops to what is now known as Volgograd.
Harry Walter’s work EICHMANN FLEISCHMANN NECKERMANN, an installation with media chest and Leporello
will be presented at the exhibition Image Battles.
Harry Walter, *1953, lives and works in Stuttgart; studied Philosophy, German Language and Literature, History
and History of Art at the Universities of Stuttgart and Tübingen; numerous activities, exhibitions and publications
in the borderland between philosophy, literature and the fine arts; 1982 co-founder of the artistic collective
»Archiv beider Richtungen« (later: »ABR Stuttgart«); lecturer at various state and private art academies; focuses
of interest: war, model worlds, ornament, denseness, mental postnatal exercises
204

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
MEDIAARTBASE.DE
Das European Media Art Festival Osnabrück erhielt gemeinsam mit dem documenta Archiv Kassel/DOKFEST
und dem Institut für Musik und Akustik des ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe von der
Kulturstiftung des Bundes innerhalb des KUR-Programms zur Konservierung und Restaurierung von mobilem
Kulturgut den Zuschlag für das digitale Archivierungs- und Präsentationsprojekt mediaartbase.de.
Das Vorhaben der mediaartbase.de soll die umfassenden Bestände der beteiligten Häuser der Öffentlichkeit
zugänglich machen: Das historische Material der documenta-Ausstellungen seit 1955, das umfangreiche Videomaterial
des Kasseler Dokumentarfilm- und Videofestes seit 1989 sowie der einmalige Fundus von Experimentalfilmen,
Videokunst, Performancedokumentationen und Installationskonzepten der internationalen Medienkunstszene
des European Media Art Festival Osnabrück und die mehreren institutionellen Ebenen der produzierenden
ZKM-Institute (ZKM | Institut für Musik und Akustik sowie ZKM | Institut für Bildmedien) sowie der
im ZKM angesiedelten Archive. Die Kulturstiftung des Bundes beauftragte die Projektpartner zudem, eine exemplarische
Datenbankstruktur und Präsentationsform zu erstellen (Projektkoordination: Basis 5, Matthias
Zitt), die Archive ähnlicher Institutionen problemlos auf ihre Spezifika übertragen und nutzen können.
Together with the documenta Archive Kassel/DOKFEST and the Institute for Music and Acoustics of the ZKM |
Centre for Art and Media Karlsruhe, the European Media Art Festival Osnabrück has been commissioned to realise
the digital archiving and presentation project mediaartbase.de by the German Federal Cultural Foundation
to preserve and restore mobile cultural assets within the KUR programme. The aim of the mediaartbase.de
project is to make the extensive stock of the participating institutions accessible to the public: the historical
material of the documenta exhibitions from 1955, the substantial video material of the Kassel Documentary
Film and Video Festival from 1989, as well as the unique pool of experimental films, video art, performance documentations
and installation concepts from the international Media Art scene of the European Media Art Festival
Osnabrück, the several institutional levels of the ZKM’s producing institutes (ZKM | Institute for Music and
Acoustics and ZKM | Institute for Visual Media), as well as the archives housed in the ZKM. The German Federal
Cultural Foundation has also commissioned the project partners to establish an exemplary database structure
(projectcoordination: Basis 5, Matthias Zitt) and form of presentation for archives in similar institutions to
easily copy and use for their own specific conditions.
Projektpräsentation / presentation Prof. Ludger Brümmer
Leitung Institut für Musik und Akustik
ZKM|Zentrum für Kunst und Medientechnologie
Head of Institute for Music and Acoustics
Center for Art and Media
Gefördert im KUR Programm zur Konservierung und Restaurierung von mobilem Kulturgut.
205

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
ZKM
Das ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe ist weltweit die einzige Einrichtung, die Ausstellungsbereiche
(Museen), medienwissenschaftliche Forschung (ZKM | Institut für Medien und Wirtschaft,
Filminstitut) Produktionsbereiche (ZKM | Institut für Musik und Akustik, ZKM | Institut für Bildmedien) und Aufführungsstätten
unter einem Dach und einer Thematik zusammenfasst. 1989 gegründet und 1997 in das eindrucksvolle
Gebäude einer ehemaligen Munitionsfabrik eingezogen, gilt das ZKM als führend in der inhaltlich
künstlerischen Verknüpfung von Kunst und digitaler Technologie. Das ZKM | Institut für Musik und Akustik verbindet
künstlerische Arbeit mit Forschung und Entwicklung. Dabei versteht es sich als Forum des internationalen
Austausches. Das Institut ist in vielfältigen Bereichen aktiv, so veranstaltet und initiiert es zeitgenössische
Konzerte, Symposien und Festivals, die eine Plattform für Musikschaffende und -interessierte bieten. Die
Projekte umfassen mit digitaler Klangsynthese, algorithmischer Komposition und Live-Elektronik bis zu Hörspiel,
interaktiven Klanginstallation und audiovisuellen Produktionen eine breite Palette dessen, wozu die digitale
Technologie musikalische Phantasie anregt. Mit dem Klangdom des ZKM | Institut für Musik und Akustik
- vierzig Meyersound Lautsprecher hängen an einem elipsenförmigen Rigsystem dreidimensional im Raum,
weitere sind am Boden aufgestellt - können komplexe Raum-Klang-Bewegungen realistisch dargestellt werden.
Die ZKM-Archive umfassen auf mehreren institutionellen Ebenen Bestände der produzierenden Institute
(Institut für Musik und Akustik sowie Institut für Bildmedien) und der im ZKM angesiedelten Archive (u.a. Archiv
des Karl Sczuka Preis für akustische Spielformen, Internationales digitales elektroakustisches Musikarchiv
IDEAMA, Archiv des Giga-Hertz-Preis für elektronische Musik, Archiv des Internationalen Medienkunstpreises
IMKP). Im audiovisuellen Bereich sind 370 Titel im Produktionsarchiv für Musik, 200 Werke im Dokumentationsarchiv
für Veranstaltungen, 550 im IDEAMA vorhanden. Unsere Mediathek umfaßt 12.000 Objekte
(Video/Audio). In unseren Sammlungen befinden sich zudem mehr als 1000 Titel (Vasulka, Boulez, 40 Jahre Videokunst,
Kluge- Archiv, Ulmer Filminstitut u.v.m).
The ZKM | Centre for Art and Media Karlsruhe is the only institution in the world that combines the areas of exhibitions
(museums), media scientific research (ZKM | Institute for Media and Economics, Film Institute) areas
of production (ZKM | Institute for Music and Acoustics, ZKM | Institute for Visual Media) and venues under one
roof and topic. The ZKM, which was founded in 1989 and moved into the impressive building of a former munitions
factory in 1997, is considered to be at the forefront of aesthetically merging art and digital technologies.
The ZKM | Institute for Music and Acoustics combines artistic work with research and development. It views itself
as a forum for international exchange. The institute is active in a wide range of areas, for instance, it organises
and initiates contemporary concerts, symposia and festivals, offering a platform for musicians and
music-lovers. The projects, comprising not only digital sound synthesis, algorithmic composition and live electronics
but also radio drama, interactive sound installation and audiovisual productions, cover a broad range of
elements that digital technologies use to inspire musical imaginativeness. Complex space/sound movements
can be portrayed realistically at the Klangdom (sound temple) of the ZKM | Institute for Music and Acoustics –
forty Meyer Sound loudspeakers hang three-dimensionally from an ellipsoidal rig system; others are placed on
the floor. The ZKM Archive comprises the stocks of the producing institutes (Institute for Music and Acoustics
and Institute for Visual Media) at several institutional levels and the archives housed in the ZKM (including
archives of the Karl Sczuka Award for Acoustic Performance, the International Digital ElectroAcoustic Music
Archive IDEAMA, the archives of the Giga-Hertz Award for Electronic Music and the archives of the International
Media Art Award IMKP). In the audiovisual area, there are 370 titles in the production archive for music, 200
works in the documentation archive for events, and 550 in the IDEAMA. The media centre includes 12,000 objects
(video/audio). The collections also contain over 1,000 titles (Vasulka, Boulez, 40 years of Video Art, Kluge
Archives, Ulm Film Institute, and so on).
Project leader Professor Ludger Brümmer. Project coordinator Dr. Achim Heidenreich
206

documenta Archiv KASSEL
Die documenta, seit ihrem Bestehen die immer noch größte und wohl auch bedeutendste Ausstellung aktueller
bildender Kunst, gab den Anlass für die Gründung des documenta Archivs in Kassel. 1961 von Arnold Bode,
dem Initiator der documenta ins Leben gerufen, ist das Archiv mit der Dokumentation und wissenschaftlichen
Bearbeitung von internationaler Gegenwartskunst betraut. Als eine der bedeutendsten Spezialbibliotheken
Deutschlands zur Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts hält das Archiv Bücher, Ausstellungskataloge, Zeitschriften
und anderweitiges Pressematerial zu mehr als 80.000 Künstlern und Künstlerinnen für die Forschung und
den interessierten Laien bereit.
Neben der Bibliothek enthält der Archivbestand im Kern eine umfangreiche Materialsammlung zu den bisher
zwölf documenta-Ausstellungen. Mit ihren Archivalien wie z. B. den Ausstellungskonzepten, Rechnungsführungen,
Korrespondenzen mit den Künstlern sowie Presseausschnitten, Katalogen und Kleinschriften hält
die Dokumentation reichhaltiges Material zum Studium der Kunst und des Ausstellungswesens nach 1945 bereit.
Ein Bildarchiv und eine Videothek vervollständigen die Informationsquellen mit audiovisuellen Medien. Die
Organisation von dokumentarischen Ausstellungen gehört ebenso zum Tätigkeitsfeld des documenta Archivs
wie die Durchführung wissenschaftlicher Kongresse und die Herausgabe einer Publikationsreihe. Die Bestände
umfassen bisher in der Bibliothek 30.000 Monographien, 60.000 Kataloge (2.000 Neuanschaffungen jährlich)
und 150 laufende Zeitschriften; in der documenta-Dokumentation 2.000 Akten, 250.000 Zeitungsausschnitte
und 150.000 Einladungskarten und im Medienarchiv 3.000 Videotitel, 450 DVD’s und ca. 40.000 Dias/Fotos. Im
Rahmen von mediaartbase.de wird das documenta Archiv besonders gefährdete Originalkunstvideos von documenta-Künstlern,
Künstlerinterviews, aber auch Mitschnitte von seltenen dokumentarischen Fernsehbeiträgen
in Zusammenarbeit mit dem Hessischen Rundfunk digitalisieren.
The documenta, which has been the largest and most highly esteemed exhibition of contemporary arts ever
since its inception, prompted the establishment of the documenta Archive in Kassel. Created in 1961 by the
founder of the documenta, Arnold Bode, the archive is entrusted with documenting and scientifically processing
international contemporary art. As one of Germany’s most significant specialty libraries on 20th and 21st
century art, the Archive houses books, exhibition catalogues, magazines and other kinds of press releases on
over 80,000 artists for research purposes and interested laymen.
In addition to the library, the Archive’s stocks also contain an extensive collection of materials from the twelve
previous documenta exhibitions. With its papers and documents from the archives, such as the exhibition concepts,
invoices, correspondence with artists, as well as press cuttings, catalogues and short scripts, the documentation
offers extensive material for studying art and exhibitions after 1945. Photographic archives and a
video library round off the sources of information with audiovisual media. The documenta Archive is also involved
in organising documentary exhibitions, as well as hosting academic congresses and releasing a publication
series. The library’s current stock includes 30,000 monographs, 60,000 catalogues (2,000 new acquisitions
each year) and 150 serial magazines; the documenta documentation comprises 2,000 files, 250,000
newspaper cuttings and 150,000 invitation cards, while the media archive contains 3,000 video titles, 450 DVDs
and approx. 40,000 slides/photos. Within the framework of mediaartbase.de, the documenta Archive will digitise
particularly vulnerable original art videos by documenta artists, interviews with artists and live recordings
of rare documentary telecasts in collaboration with the Hessischer Rundfunk.
Project partner Karin Stengel
207

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
KASSELER DOKUMENTARFILM- UND VIDEOFEST
Das Kasseler Dokumentarfilm- und Videofest präsentiert jährlich ca. 220 internationale Dokumentarfilme, experimentelle
und künstlerische Arbeiten sowie Medieninstallationen und audiovisuelle Performances. Seit
1989 sammelt das Festival das eingegangene Sichtungsmaterial sowie eine Auswahl der in den Programmen
der jeweiligen Festivalausgabe präsentierten Filme und Videos. Darunter befinden sich Arbeiten renommierter
Filmemacher/innen und Künstler/innen genauso wie Arbeiten junger Nachwuchskünstler/innen, klassische
Dokumentarfilme genauso wie Experimentalfilme mit dokumentarischem Ansatz. Damit spiegelt der Bestand
an Videomaterial im Archiv des Festivals zweifelsohne die Entwicklung des dokumentarischen Schaffens der
letzten 20 Jahre wider. Dieser Bestand beläuft sich auf circa 2.000 Arbeiten. Er ist für das Festival von sehr hohem
Wert, da er einen ständigen Zugriff auf die Arbeiten aus dem Festivalprogramm seit 1989 ermöglicht. Dies
ist beispielsweise von Bedeutung, wenn auf Anfrage oder aus Eigeninitiative kuratierte Programme zusammengestellt
werden, die das Festival, einzelne Künstler/innen oder bestimmte Themen bei anderen Veranstaltungen
repräsentieren. Darüber hinaus erreichen das Festival zahlreiche Rechercheanfragen für Filmreihen
sowie für wissenschaftliche Arbeiten. Zum 25jährigen Jubiläum des Kasseler Dokfestes ermöglichte genau dieser
Bestand, die Jubiläums-DVD »Berührungspunkte« zu konzipieren, die mit den 33 darauf vertretenen Arbeiten
aus den Jahren 1987 bis 2007 einen ersten Einblick in das audiovisuelle Archiv des Festivals geben.
The Kassel Documentary Film and Video Festival presents around 220 international documentaries, experimental
and artistic works, as well as media installations and audiovisual performances every year. Since 1989,
the festival has been collecting the material submitted to it for viewing, as well as a selection of the films and
videos presented in the programmes from each festival. This material includes works by renowned filmmakers
and artists, as well as works by young artists, classical documentaries and experimental films with a documentary
approach. The stock of video material in the festival’s archives doubtlessly reflects the development
of documentary production over the last 20 years. The stock includes around 2,000 works. It is extremely valuable
to the festival because it provides constant access to the works from the festival programme since 1989.
This factor is important, for instance, when curated programmes are put together, on request or out of one’s
own initiative, which represent the festival, individual artists or certain topics at other events. Furthermore, the
festival receives numerous requests for research into series of films, as well as for academic research. It is this
very stock that enabled the anniversary DVD »Berührungspunkte« to be created, marking the 25th anniversary
of the Kassel Documentary Film and Video Festival. The DVD, containing 33 works from the years 1987 to 2007,
give viewers an initial insight into the audiovisual archive of the festival.
Project partners Gerhard Wissner, Kati Michalk
208

EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL ARCHIV
Das European Media Art Festival in Osnabrück bietet jährlich einen aktuellen Überblick über die internationale
Medienkunstszene und ist ein lebendiger und bedeutender Treffpunkt für Medienkünstler, Kuratoren, Verleiher
und Galeristen und ein interessiertes internationales Publikum. Gezeigt werden pro Jahr ca. 300 Filme und
Videos, Performances, Vorträge und eine thematisch konzipierte Ausstellung in der Kunsthalle Dominikanerkirche.
Das European Media Art Festival verfügt über etwa 4.000 Filme, Videos und Dokumentationen inklusive
der Hintergrundtexte, Fotos und Biografien, die seit 1981 in Osnabrück gesammelt wurden. Dieser einmalige
Fundus von Experimentalfilmen, Videokunst, Performancedokumentationen, Installationskonzepten und -bändern
sowie Arbeiten auf CD Rom - von und über die internationale Medienkunstszene - soll nach anerkannten
Qualitätskriterien grundlegend aufgearbeitet und zugänglich gemacht werden. Aufgrund der zeitlichen Dimension
von fast drei Dekaden ist auch die kunsthistorische Aufarbeitung notwendig. Dazu gehört aber auch die
Kontextualisierung der Medienkunst im Spiegel technischer und gesellschaftlicher Entwicklungen aus heutiger
Sicht. Die Sicherung und Restaurierung der Originalbänder und Filme ist eine wesentliche Zukunftsaufgabe
für diesen Archivbereich, denn es ist bekannt, daß Videobänder, CDs und auch Filme nur eine begrenzte Lebensdauer
besitzen. Die achtziger und neunziger Jahre sind kunsthistorisch deshalb so interessant, da sich in
dieser Zeit aus den Disziplinen Experimentalfilm, Videokunst und (interaktive) Computerkunst sowie Netzkunst
eine neue Form entwickelt hat, die unter dem Begriff Medienkunst subsumiert wird. Das Festival in Osnabrück
und damit auch dessen Bestand zeichnen sich dadurch aus, dass hier Avantgarde-, Experimentalfilm, Videokunst,
Film- und Videoinstallationen, Performances, interaktive digitale Projekte bereits aus den achtziger und
neunziger Jahren vorliegen, die in ihrer Vielzahl bei keiner anderen Institution existieren. Das EUROPEAN ME-
DIAART FESTIVAL möchte nun die wichtigsten Materialien des Archives bearbeiten und in Zusammenarbeit mit
weiteren Institutionen zeitgemäße Vermittlungsformen für Medienkunst entwickeln.
The European Media Art Festival in Osnabrück offers a current overview of the international Media Art scene
every year, and is a lively, important meeting place for media artists, curators, lenders and gallery owners, as
well as an international audience. Every year, around 300 films and videos are screened, performances are given
and lectures held, in addition to a thematically designed exhibition at the Kunsthalle Dominikanerkirche. The
European Media Art Festival has around 4,000 films, videos and documentations, including the background
texts, photos and biographies collected in Osnabrück since 1981. This unique pool of experimental films, video
art, performance documentation, installation concepts and volumes, as well as works on CD ROM – by and
about the international Media Art scene – is to be fundamentally processed and made accessible to the public
in compliance with recognised quality criteria. Art historical reprocessing is also necessary, due to the time
span of almost three decades, including also the contextualisation of Media Art from today’s perspective in
view of technical and social developments. Safeguarding and restoring the original reels and films is a major
future task for this area of the archive, because it is well known that video tapes, CDs and films only have a limited
life span. The 1980s and 90s are so interesting, from an art-historical perspective, because a new form –
subsumed under the term »Media Art’ – developed out of the disciplines of experimental film, video art, (interactive)
computer art and web art back then. What characterises the festival in Osnabrück, and its stock, is that
it is the institution with the largest number of avant-garde, experimental films, video art, film and video installations,
performances, interactive digital projects from the 1980s and 90s. The EUROPEAN MEDIA ART FESTI-
VAL would now like to process the most important material in its archives and develop up-to-date means of
communication for Media Art in collaboration with other institutions.
Project partners Alfred Rotert, Ralf Sausmikat
209

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
VIDEOKUNST PER MAUSKLICK.
EIN ERFAHRUNGSBERICHT ÜBER DEN ONLINE-KATALOG DES IMAI
POINT-AND-CLICK VIDEO ART.
AN EXPERIENCE REPORT ON THE ONLINE CATALOGUE OF THE IMAI
Dr. Renate Buschmann
Der im Internet für jeden zugängliche Online-Katalog ist ein Meilenstein in der Vermittlung von Videokunst. Derzeit
sind rund 1.200 audiovisuelle Werke, die zur Sammlung und zum Vertriebsprogramm des imai gehören, in
voller Länge online abspielbar. Mit Hilfe der Datenbank kann nach Künstlern, Titeln und Schlagwörtern recherchiert
werden. Benutzerfreundliche Zusatzfunktionen wie die Auswahl von Filmsequenzen und Standbildern
erleichtern das Studium der Videos. Besonders für Kuratoren, Sammler und Wissenschaftler ist dieser Online-
Katalog eine leicht verfügbare Informationsquelle. www.imaionline.de
Die Stiftung imai wurde 2006 auf Initiative der Stadt Düsseldorf und der Kölner Medienkunstagentur 235 Media
gegründet und besitzt eine Sammlung von rund 3.200 Videowerken aus der Pionierzeit dieser Kunstgattung,
den späten 1960er Jahren, bis in die jüngste Gegenwart. Zu den wesentlichen Zielen des imai zählen die Förderung
von Vermittlung und Vertrieb dieses bedeutenden Konvoluts an Videokunst ebenso wie die professionelle
Beschäftigung mit Fragen zur Konservierung und Restaurierung von Medienkunst.
The online catalogue, available to everyone on the internet, is a milestone in the relaying of video art. At present,
around 1,200 audiovisual works belonging to the collection and sales programme of the imai can be played
online in full length. This database can be used to search on the basis of artists, titles and keywords. Additional
user-friendly options, such as the selection of film sequences and freeze frames, enable videos to be studied
more effectively. This online catalogue is an easily available source of information, especially for curators,
collectors and academics. www.imaionline.de
The imai foundation was founded in 2006 on the initiative of the City of Düsseldorf and the Cologne-based Media
Art agency 235 Media. It has a collection of around 3,200 video works from the pioneer era of this genre, the
late 1960s, up to the present. The main objectives of the imai are to promote the relaying and distribution of
this significant compilation of video art, as well as to deal professionally with issues such as preserving and
restoring Media Art.
Renate Buschmann, who holds a doctorate in Art History, works as an author, lecturer and curator, and has written
numerous publications on 20th/21st century art. She has been employed at the imai – inter media art institute,
Düsseldorf, since 2008.
210

ARCHIV-INTERFACES
Gabriele Blome
Online-Ressourcen zur Medienkunst bieten den BenutzerInnen sehr unterschiedliche Möglichkeiten, im Datenbestand
zu recherchieren. Die über Websites angebotenen Zugänge basieren nicht einfach auf Datenbankstrukturen,
sondern sie sind das Ergebnis eines vielschichtigen Zusammenspiels institutioneller Zielsetzungen,
potentieller Benutzeranforderungen und zur Verfügung stehender Ressourcen und Werkzeuge.
Die meisten Archiv-Interfaces stellen Instrumente dar, die gezielte Rechercheinteressen unterstützen. Sie ermöglichen
Suchanfragen an den Datenbestand, werten Datenstrukturen aus und repräsentieren diese in unterschiedlichen
Darstellungsformen und Navigationsstrukturen.
Darüber hinaus hat sich der Typus des explorativen Interfaces herausgebildet, der das Stöbern im Archiv und
das Auffinden von den BenutzerInnen zuvor unbekannten Inhalten unterstützen soll. Solche Archiv-Interfaces
sind vor allem für Recherche konzipiert, die nicht in konkreten Suchanfragen beschrieben werden können. Darüber
hinaus können sie zusätzliche Einsichten und neue Erkenntnisse vermitteln, die nicht explizit in die Datenbank
hineingeschrieben wurden. Was die verschiedenen Archiv-Interfaces leisten und in welchem Verhältnis
sie zum Datenbestand bzw. dem jeweiligen institutionellen Kontext stehen, wird anhand verschiedener Beispiele
diskutiert.
Der Vortrag basiert auf Forschungen zu Medienkunstarchiven und Visualisierungskonzepten am Ludwig Boltzmann
Institut Medien.Kunst.Forschung. in Linz (Österreich).
Online resources on Media Art offer users a wide variety of possibilities to research the data stock. Access offered
via websites is not simply based on database structures but are the result of a complex interaction of institutional
objectives, potential user requirements and available resources and tools.
Most archive interfaces are instruments that support specific research interests. They enable queries to be
made regarding data sets, they evaluate data structures and represent them in various display formats and
navigation structures.
Furthermore, the explorative type of interfaces has also emerged, the aim of which is to support browsing in the
archive and the discovery of contents previously unknown to users. Such archive interfaces are primarily designed
for research that cannot be described in specific queries. They can also convey additional insights and
new knowledge not explicitly written in the database. What the various archive interfaces accomplish and their
relationship to the data stock or the respective institutional context is discussed on the basis of a range of examples.
The lecture is based on research into Media Art archives and visualisation concepts carried out at the Ludwig
Boltzmann Institute Media.Art.Research. in Linz (Austria).
Gabriele Blome is an art historian who explores subjects such as »online resources for the academic documentation
and archiving of Media Art« as a research assistant at the Ludwig Boltzmann Ludwig Boltzmann Institute
Media.Art.Research. in Linz.
211

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
NETZSPANNUNG.ORG / MEDIENFLUSS
- INSZENIERUNG EINES ARCHIVS IM
BROWSER / MEDIA FLOW- STAGING
AN ARCHIVE IN THE BROWSER
Monika Fleischmann, Wolfgang Strauss
THE GAMMA PORTAL
Jean–François Guiton
Was sich in digitalen Archiven verbirgt, wird meist in
Listen und karteikartenähnlichen Interfaces dargestellt.
So nützlich diese Form für Archivare oder Wissenschaftler
sein mag, so wenig inspirierend wirkt sie
auf die Benutzer. Der Medienfluss ist ein Browser, der
die Inhalte des Archivs der Internetplattform netzspannung.org
fließend lesbar macht. Zwei parallele
Medienflüsse, einer aus Bildern und einer aus Worten,
ziehen am Betrachter vorbei. Im Wortfluss sind die Autoren,
Titel und Schlagworte. Im Bilderfluss werden
die Bild-Icons der archivierten Dokumente angezeigt.
Bild- und Textfluss starten einen Wahrnehmungs- und
Leseprozess, der mit der Auswahl von Begriffen zwischen
Peripherie und Zentrum fokussiert. Die Zusammenschau
von Übersicht, Kontext und Detail von Informationen
ermöglicht eine assoziative Navigation
im Archiv, die den klassischen Zugang über Schlagworte
mit Ansätzen visueller Orientierung verbindet.
The matter hidden behind digital archives is usually
portrayed in lists and index card-like interfaces. Although
this form is useful for archivists or academics,
they do not have a very inspiring effect on users. The
Media Flow is a browser that makes the contents of
the archive of the internet platform netzspannung.org
legible. Two parallel media flows – one containing images
and the other words – flow past the observer. The
authors, title and keywords are contained in the flow
of words. The image icons of the archived documents
are shown in the flow of images. The flow of images
and texts activates a perception and reading process
that focuses on the selection of terms between the
periphery and the core. The synopsis of the overview,
context and detail of information enables an associative
navigation in the archive that links the classic approach
via keywords to visually oriented approaches.
Monika Fleischmann and Wolfgang Strauss are research
artists for interactive art. They work with accessible
knowledge spaces, and design knowledge tools
and find machines.
http://fleischmann-strauss.de
http://medienfluss.netzspannung.org/index.html
212
Das GAMA-Portal bietet eine Fülle von Informationen
über die Arbeiten bekannter und junger Medienkünstler
aus Europa und dem Ausland. Man kann das Material
über Medienkunst aus derzeit acht europäischen
Medienkunstarchiven über diese gemeinsame Plattform
sichten. Die vorgestellten Kunstprojekte umfassen
(Vorschauen von) experimentellen Filmen und Videokunst,
Performances, Installationen sowie net.art.
Sie werden mit Hilfe von Texten, Vorlesungen und
Events dokumentiert und zusätzlich kontextualisiert.
Die Plattform überführt regionale Inhaltsbeschreibungen
in eine zentrale Datenbank, wobei die Struktur
und die Vollständigkeit der Einzelarchive gewahrt
bleibt, die Medienkunst aber beträchtlich vergrößert
und dadurch ihre Erkennbarkeit erhöht wird. Visuelle
Eigenschaften (wie Farbe, Textur, Bewegung) und auditive
Charakteristika (wie Lautstärke) werden in Videos
und Bildern automatisch erkannt. Automatische
Spracherkennung
The GAMA portal provides access to a wealth of information
about the works of well-known and emerging
media artists from Europe and abroad. The material on
media art from initially eight European media art
archives can be searched and browsed on this common
platform. The art projects presented include (previews
of) experimental film and video art, performances,
installations and net.art; they are documented and
additionally contextualized with texts, lectures and
events.
The platform provides a service which translates local
descriptions of content into a central database, the
structure and integrity of the individual archives is
maintained but the visibility of the media art is considerably
magnified. Visual properties (such as
colour, texture, motion) and audio features (such as
loudness) are automatically detected in videos and
still images. Automatic speech recognition enables
the retrieval of spoken text in audio tracks of videos
and character recognition allows textual inserts in
videos to be extracted for related queries.
Jean-François Guiton, professor for New Media at
Hochschule für Künste, Bremen.
http://gama-gateway.eu

MUSIK, DAS GEDÄCHTNIS DES FILMS
MUSIC, THE MEMORY OF THE FILM
Dr. Achim Heidenreich
Musik und (bewegtes) Bild haben ihre eigene Dramaturgie und ihre eigenen Wahrnehmungskriterien. Auf dem
gleichen Zeitstrahl simultan gespielt, verbindet beide die Chronologie der Ereignisse. Wenn in einem Hollywood-Film
eine Dissonanz erklingt, ist meist Gefahr im Verzug. Daß aber Musik und (bewegtes) Bild auch andere,
nämlich aufklärerische Beziehungen miteinander eingehen können, wissen wir spätestens seit Adorno/Eislers
Buch über Filmmusik 1947. Der Beitrag beschäftigt sich auf dieser Basis mit neuen dramaturgischen
Problemen und Möglichkeiten der Kombination Musik und (bewegtes) Bild in digitaler Zeit.
Music and (moving) image have their own dramaturgy and their own criteria of perception. Played simultaneously
on the same time bar, the chronology of events unites them both. When dissonance is heard in a Hollywood
film, danger is usually imminent. Since Adorno/Eisler’s 1947 book on film music at the latest, however, we
are aware that music and (moving) image can also enter into other, namely enlightening, relationships with one
another. On this basis, the contribution deals with new dramaturgical problems and possibilities in combining
music and (moving) image in the digital age.
Achim Heidenreich studied Music, Philosophy and Comparative Literature, 1993-2004 member of staff on the
feuilleton of the Frankfurter Allgemeine Zeitung, area of contemporary music. 2001 to 2004 editor and artistic executive
producer of the series of debut concerts musica viva by the Bayerischer Rundfunk. Has been at the ZKM
| Centre for Art and Media Karlsruhe, Institute for Music and Acoustics, since 2005, and also lectures on Music at
the Heinrich Heine University / Robert Schumann Hochschule Düsseldorf. Numerous publications on 20th and
21st century music.
213

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
CALIFORNIA VIDEO
Glenn Phillips
Zwischen 1974 und 1995 führte das Long Beach Museum of Art eine der erfolgreichsten und innovativsten Videokunstabteilungen
in den Vereinigten Staaten. Neben einem engagierten Ausstellungs- und Vorführungsprogramm
entwickelte das Museum eine Reihe von wichtigen Projekten für die Kabelfernsehübertragungen, unterhielt
außerdem noch einen Bereich zur Nachbearbeitung und bot Gastkünstlern Zugang zu Schnittsystemen
und -ausrüstung. Im Jahr 2006 erwarb das Getty Research Institute (GRI) das Videoarchiv des Long Beach Museum
of Art, das aus fast fünf tausend Bändern besteht. Als eine der größten Kunstbibliotheken der Welt, besitzt
das GRI auch Archive von verschiedenen Künstlern oder Gruppen, die für die Geschichte der Video- und
Performancekunst von Bedeutung waren, so zum Beispiel die Archive der Experiments in Art and Technology
(E.A.T.), Allan Kaprow, Yvonne Rainer, Carolee Schneemann, David Tudor und umfassende Fluxus Sammlungen.
Zusammen mit dem Long Beach Archiv verfügt die Mediensammlung des GRI jetzt insgesamt über mehr als
6.000 Titel - die meisten in technisch überholten Formaten. Das GRI hat in eigenen Räumen ein kleines Labor
zu Erhaltung der Medien aufgebaut, in dem Audio- und Videoarbeiten gereinigt und digitalisiert werden, damit
sie auf Anfrage von Besuchern der Bibliothek angeschaut werden können.
Between 1974 and 1995, the Long Beach Museum of Art operated one of the most successful and innovative
video art departments in the United States. In addition to an active program of exhibitions and screenings, the
museum developed a number of important projects for cable television broadcast, and maintained a post-production
facility and visiting artist residency that provided artists with access to editing services and equipment.
In 2006, the Long Beach Museum of Art’s video archive, consisting of nearly five thousand tapes, was acquired
by the Getty Research Institute (GRI). One of the largest art libraries in the world, the GRI also holds the
archives of several artists and groups who were important in the history of video and performance art, including
the archives of Experiments in Art and Technology (E.A.T), Allan Kaprow, Yvonne Rainer, Carolee Schneemann,
David Tudor, and extensive Fluxus collections. With the addition of the Long Beach archive, the GRI’s media
collections now total more than 6,000 titles, the majority of which are on obsolete formats. The GRI has built
a small on-site media preservation lab, which it uses to clean and digitize audio and video works so that they
can be available for library patrons to view upon request.
Glenn Phillips, Senior Project Specialist and Consulting Curator in the Department of Contemporary Programs
and Research at the GRI, will speak about the acquisition of the Long Beach video archive, and about the GRI’s
overall approach to media collection and preservation. He will present examples of work from the Getty's recent
»California Video« exhibition, a survey of West Coast video art from 1968-2008, and he will demonstrate some of
the Getty's online resources for viewing video and audio works from its collections.
214

VERLUST UNSERER JUENGSTEN GEGENWART
LOSS OF OUR LATEST PRESENT
Oliver Grau
Trotz gut besuchter Festivals, internationaler Forschung, zahlreichen Artikeln, Konferenzen und datenbankgestützter
Dokumentation ist die Medienkunst noch nicht in unserer Gesellschaft angekommen: Sie wird weder
systematisch durch Museen und Archive gesammelt, noch von der universitären Kunstgeschichte angemessen
berücksichtigt und ist für Kunstinteressierte und Forscher, die nicht aus der nordwestlichen Hemisphäre kommen
nur schwer zugänglich. Auf eine in der Kunstgeschichte beispiellose Art und Weise unterliegt Medienkunst
der ephemeren Natur der Speichermedien und der permanenten Entwicklung der Technologien, so dass Werke,
die vor weniger als zehn Jahren geschaffen wurden, heute in der Regel nicht mehr gezeigt werden können.
Wollen wir dieses Erbe nicht vollständig verlieren, müssen wir umgehend handeln und die notwendigen Maßnahmen
zu ihrem Erhalt einleiten.
Despite well-attended festivals, international research, numerous articles, conferences and database-aided
documentation, Media Art has not yet been received by our society: it is not systematically collected by museums
and archives, nor is due consideration given to it in history of art in higher education; for art-lovers and researchers
outside the north-western hemisphere, it remains difficult to access. In a manner unique in the world
of art history, Media Art is subject to the ephemeral nature of storage media and the permanent development
of technologies, meaning that works created less than ten years ago can generally no longer be shown today. If
we do not want to completely lose this heritage, we have to act now to take the necessary steps to preserve it.
Oliver Grau is Professor for Image Science and Head of the Department at Danube University. Grau has lectured
in numerous parts of the world, received various awards and is widely published (12 languages). Recent works include
Virtual Art: From Illusion to Immersion (MIT-Press 2003), Mediale Emotionen (Fischer, 2005) and MediaArtHistories
(MIT-Press 2007). His research focuses on the history of media art, the history of immersion and
emotions; and the history, idea, and culture of telepresence, genetic art, and artificial intelligence. He was head
of the German Science Foundation project Immersive Art, whose team has been developing the first international
Database of Digital Art since 1998: www.virtualart.at, now based at Danube University.
Grau also directs the development of the Database of the Graphic Collection Goettweig, Austria’s largest private
graphic collection, which contains 30.000 masterprints from Dürer to Klimt: http://dbw.donau-uni.ac.at/gssg
Grau taught at Humboldt University Berlin and was a visiting professor at several international universities. He
is a member of the advisory boards of numerous international journals and has been elected a member of the
Young Academy of the Berlin-Brandenburg Academy of Sciences and the Leopoldina. Oliver Grau was director of
Refresh! First International Conference on the Histories of Media Art, Science, and Technology, Banff 2005. (2007
Berlin, 2009 Melbourne).
www.mediaarthistory.org.
215

CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
GEDANKEN ZUR ONLINE-VERMITTLUNG VON MEDIENKUNST
Florian Wiencek
»Wir leben heute nicht mehr nur im Zeitalter der technischen
Reproduzierbarkeit des Kunstwerks, das die
Aura des Originals in Frage stellt, sondern auch im
Zeitalter der universalen Informatisierbarkeit aller
Daten, das Körperlichkeit und Materialität in Frage
stellt. Was uns zu entschwinden droht, ist alles, was
nicht in den ebenso rasanten wie homogenen Datenstrom
eingespeist werden kann. Mit der Materialität
von Artefakten verschwindet aber weit mehr als nur
eine geheimnisvolle Aura; mit ihr verschwinden Realität,
Geschichte und Gedächtnis.«1, schreibt Aleida
Assmann. Dies betrifft paradoxer Weise auch die
Kunstformen, die wie die digitalen Daten ebenfalls immateriell
und flüchtig sind: beispielsweise zeitbasierte,
prozessorientierte und mit Installationen sich auch
in den Raum erstreckende Kunstformen. Unbestritten
ist die Tatsache, dass gerade ephemere Arbeiten, die
auf digitaler Technik basieren, beispielsweise interaktive
Arbeiten in diversen Ausprägungsformen, für ihre
Bewahrung auf Dokumentation und die Archivierung
derselben angewiesen sind.2 Dieter Daniels beschreibt
ein Vermittlungsparadox der elektronischen
Medienkunst3, bei dem er davon ausgeht, dass die
künstlerische Arbeit zwar in elektronischen Medien
stattfindet, sie aber in ihrer Vermittlung nur wenig von
diesem Verbreitungspotential profitieren kann. Denn
ein solches Projekt ließe sich in der klassischen Text-
Bild-Darstellung, wie sie beispielsweise in Katalogen
zur Anwendung kommt, nur unzureichend vermitteln,
da die Erfahrung der medialen Qualitäten unabdingbar
für das Erfassen der Arbeiten sei. Insofern müssten
solche Projekte multimedial vermittelt und zudem
mit relevanter Theorie in Beziehung gesetzt werden.
Eine weitere Schwierigkeit im Umgang mit medialen
Kunstwerken – gerade für Forschung und Lehre
– ist nach Daniels der Zugang. Bei der Vermittlung von
Medienkunst geht es also zunächst einmal darum, die
Arbeiten in irgendeiner Form für die Öffentlichkeit verfügbar
zu machen, was sowohl durch eine Präsentation
der Arbeit als auch durch Dokumentation und Kontextualisierung
erfolgen kann. Gerade bei interaktiver
Kunst bzw. bei installativen Arbeiten besteht die
Hauptaufgabe darin, die Erfahrung im Möglichkeitsraum
der Arbeit, innerhalb ihres Regelwerks den Prozess
und die Zeitlichkeit zugänglich und nachvollziehbar
zu machen. Bei der Vermittlung der Erfahrung
kann der Ausgangspunkt immer nur eine subjektive
Erfahrung, eine Annäherung, eine Momentaufnahme
sein.
Eine Dokumentation4 stellt an sich eine Abstraktion
und Reduktion einer Arbeit auf Informationen und Daten
dar, wobei zudem meist ein Dispositivwechsel
durch die Transformation in das Dokumentationsmedium
erfolgt. Für die Präsentation von Dokumentationen
ist das Internet, insbesondere Online-Archive
bzw. -Plattformen, im Hinblick auf die Möglichkeit der
216
multimedialen Vermittlung, der Prozessierbarkeit und
verlustfreien Übertragbarkeit, sowie auf die Verfügbarkeit
der digitalen Daten besonders geeignet, da es
sowohl die Nutzer mit den Informationsquellen als
auch die Informationsquellen untereinander verknüpfen
und damit kontextualisieren kann.5 Durch die Verarbeitung
und bewusste Zusammenstellung von Daten,
dem Nachzeichnen von Verbindungen, der Reflexion
der Informationen entsteht aus dem Ganzen
mehr als die Summe seiner Teile. Im Idealfall können
das System der medialen Kunst, ihre Geschichte und
ihre Diskurse nachvollziehbar gemacht, sowie neue
Erkenntnisse aus den vorhandenen Daten gewonnen
werden (Data Mining). Dies zeigt: Ein Archiv bietet lediglich
das Ausgangsmaterial, für eine Vermittlung
muss es mit Werkzeugen gepaart werden, die eine
Weiterverarbeitung, eine Auseinandersetzung mit und
Verknüpfung der Daten ermöglichen. Harald Krämer
fordert, ein Archiv solle »durch die Entwicklung von
möglichen Fragestellungen zur richtigen Antwort hinleiten.«6
Die Orientierung innerhalb der Wissensräume,
die Methoden des Auffindens, der Abfrage, der
Navigation, und die interpretierbare Darstellung von
digitalen Daten z. B. durch Knowledge-Discovery
Tools7 werden zentral.
Im Wesentlichen wird die Vermittlung über die
Schnittstelle bzw. die Zugangsmöglichkeiten zu den
Daten über die Kunstwerke konstituiert. Doch wie
kann ein Online-Archiv konkret zur Vermittlung dienen?
Die Antwort ist so simpel wie schwierig zugleich:
eine digitale Datensammlung, die auf Prozessierung
harrt, muss aktiviert werden. Dies kann beispielsweise
durch Einbinden der Daten in eine lineare Erzählung
oder einen Diskurs, die Verknüpfung, die Prozessierung
und damit Interpretation der Daten, oder gar
eine Re-Interpretation des Kunstprojekts anhand der
Aufzeichnungen aus dem Archiv erfolgen. Bei den derzeit
bestehenden Vermittlungsprojekten, die zumeist
auf Ansammlung und Kontextualisierung von multimedialen
(Meta-)Daten basieren, lassen sich grob
zwei Formen – Archiv und Plattform – differenzieren,
wobei die Übergänge fließend sind.8 Diese unterscheiden
sich in der Kontextualisierung der Arbeiten.
Online-Archive wie z.B. virtualart.at9, Ars Electronica
Archiv10 oder V2_archive11 bieten zumeist einen direkten
und spezifischen Zugang zu den Daten, die sie
für gewöhnlich im ersten Schritt in Form von Informationen
bzw. Fakten zu den Arbeiten zur Verfügung stellen,
wobei hier die Unterschiede bei den Suchfunktionen
(genaue Suche wie Volltextsuche oder Listen, oder
explorative Suche z.B. mittels visueller Tools) und Darstellung
der Ergebnisse, der weiteren Kontextualisierung
der Daten (z.B. Verknüpfungen mit archivinternen
oder -externen Informationen, weiterführende Texte,
Einbettung in einen Diskurs), der thematischen Ausrichtung,
der Zielgruppe sowie der Quelle des Inhalts

(Redaktion und/oder Community) liegen. Ausgehend
von Eva Moragas Definition einer Kunst-Plattform als
»[…] naked infrastructure for collective context generation,
content aggregation, and art community generation
[…]«12 bezeichne ich alle Ansätze als Plattform,
die vom Diskurs ausgehen und die Projekte in eine Erzählung
oder eine Diskussion durch eine offene oder
geschlossene Community einweben. Beispiele für eine
solche Form wären »Medien Kunst Netz«13, netzspannung.org
oder Rhizome14.
»Instead of considering data stocks simply as stocks,
the point is to activate them discursively – i.e. information
should be drawn from data and this information
should be shifted discursively into a more comprehensive
context of meaning.«15 Durch die aktive Auseinandersetzung
der User mit selbigen entsteht ein
Mehrwert, denn sie schafft neue Verknüpfungen, neue
Interpretationen der Daten und gleichzeitig neues
Kontextmaterial. Die Möglichkeit einer lebendigen
Auseinandersetzung sollte oberstes Ziel eines Online-
Archivs als Vermittlungsmedium sein. Dies könnte
beispielsweise durch die Etablierung einer Metaebene
über den Inhalten geschehen, die den Nutzern einen
Arbeitsplatz für ihre Recherchen und so die Möglichkeit
bietet Suchergebnisse zu speichern, Texte und
Medien zu kommentieren und annotieren, aber auch
Beziehungen innerhalb der Archivdaten selber zu etablieren
oder, Verlinkungen auf beliebige Webadressen
zu setzen – all dies privat oder öffentlich, ohne allerdings
die Kerninhalte eines Archivs zu verändern.16
Fazit:
Online-Vermittlung füllt die Leerstellen bei der offline-
Medienkunstvermittlung gerade für Forschung und
Lehre aus, wo die Verfügbarkeit, die Nutzbarkeit und
der Diskurs eine große Rolle spielen. Aber auch Nicht-
Wissenschaftlern kann mittels zielgruppengerechter
Interfaces ein interessanter Zugang zu Medienkunst
geboten werden. Allgemein gesprochen ist es das Ziel,
Zusammenhänge innerhalb der medialen Kunst wie
auch die einzelnen Projekte mit ihren Erfahrungsräumen
für sich verständlich und begreifbar zu machen.
Hier kommen die multimedialen Möglichkeiten der
Darstellung im Web zum Tragen. Durch die Eigenschaft
der schnellen Aktualisierbarkeit des Webs wird es
möglich den aktuellen Diskurs, die aktuellen Trends,
den Zeitgeist zu erfassen und abzubilden. Online-Vermittlung
muss aber komplementär zur personellen
Vermittlung der Arbeiten gedacht werden. Eine persönliche
Erfahrung des Projekts kann sie niemals ersetzen,
aber sie kann sie sinnvoll ergänzen und mit
ihren eigenen Qualitäten neue Sichtweisen auf die
Projekte ermöglichen.
Florian Wiencek (f.wiencek@jacobs-university.de), Jacobs
University Bremen, School of Humanities and Social
Sciences.
Referenzen:
Assmann, A. (2004): Zur Mediengeschichte des kulturellen
Gedächtnisses. in: Erll, A.; Nünning, A.
(Hg.)(2004): Medien des kollektiven Gedächtnisses –
Konstruktivität - Historizität - Kulturspezifität. Berlin,
New York.
Daniels, D. (2004): Das Vermittlungsparadox der Medienkunst
– Thesen und Modelle zur multimedialen
Vermittlung. in: Lischka, G. J.; Weibel, P. (2004): Die Medien
der Kunst – die Kunst der Medien. Wabern/Bern.
S. 90-104
Debatin, B. (1999): Allwissenheit und Grenzenlosigkeit:
Mythen um Computernetze. In: Wilke, J. (Hg.)
(1999): Massenmedien und Zeitgeschichte. Konstanz.
S. 481-493
Depocas, A. (2001): Digitale Konservierung: Die Aufzeichnung
der Neukodierung. Die Strategie der Dokumentation.
http://90.146.8.18/de/archives/festival_ar-
chive/festival_catalogs/festival_artikel.asp?iProject-
ID=8244, abgerufen am 23.03.2009
Grau, O. (2004): Für den erweiterten Dokumentationsbegriff
– »Datenbank für Virtuelle Kunst«. http://netzspannung.org/media-art/publications/digital-transformations/,
abgerufen am 23.03.2009
Haber, P. (2004): »Google-Syndrom«. Phantasmagorie
des historischen Allwissens im World Wide Web. in:
Epple, A.; Haber, P. (2004): Geschichte und Informatik.
Vol. 15/2004. S. 73-90
Holert, T. (2002): Der Abfall unseres Lebens. Joschka
Fischer, Madonna und die Politik des Archivs. in: Bismarck,
B. von et al (Hg.) (2002): interarchive. Köln.
Krämer, H. (2001): Museumsinformatik und digitale
Sammlung. Wien
Moraga, E. (2007): Web 2.0 and »Looping-Passing« Curatorship.
in: CONT3XT.NET (Hochrieser, S.; Kargl, M.;
Thalmair, F.) (Hg.) (2007): circulating contexts – Curating
Media / Net / Art. Norderstedt, S. 102-111
Stemmrich, G. (2005): Media Art Net – A Paradigm for
Media Art Mediation. in: Frieling,R.; Daniels, D. (Hg.)
(2005): Medien Kunst Netz 2 – Thematische Schwerpunkte.
Wien, New York. S. 40-49
V2_ Institute for Unstable Media (2004): Capturing Unstable
Media. http://capturing.projects.v2.nl/recomm.
html, abgerufen am 21.08.2008
Wiencek, F. (2006): Medienkunst im Kontext – Ein
Schema zur Dokumentation von interaktiven Installationen.
unveröffentlichter Bachelor-Report, eingereicht
im August 2006, am FB 3, Universität Bremen
[downloadbar unter http://www.austrianflow.de /ba_
report/BA_Report_Florian_Wiencek]
Wiencek, F. (2008): Archiv – Medienkunst – Dispositiv.
Digitale Archive als Vermittlungsmedien für Medienkunst
am Beispiel der Ars Electronica. unveröffentlichte
Master-Thesis, eingereicht im Oktober 2008, am
FB 9, Universität Bremen [auf Anfrage an f.wiencek
@jacobs-university.de einsehbar]
217

LIST OF TITLES
142 ...nästan som en i familjen
170 »22.01.08«
104 »tween my lips«
51 (The Never Ending) OPERETTA
142 2 or 3 Things I Knew About Her
43 69
A
41 A Necessary Music
77 a point
159 A Taste of Honey
77 A Touch
53 Aanaatt
87 About a World
133 Abstronic
145 Adress Unknown
85 Adrift
160 Ahab-Oneview
37 All the House (Haditha
Massacre), Part 3 of Flicker
On Off
124 Allures
105 Ambulante: 1
164 An einem anderen Ort
94 Annual Report
80 Anthrôpos
150 Antje und wir
211 Archiv-Interfaces
71 Artifices#1
55 as found
34 as if to nothing
47 atlantis
67 Atlas and the renewed energy
161 Auf Grund
34 August 2008
B
65 B-17: A Mini-Epic
178 Bamboo
157 BAR-B-Q Fast Music Diner
99 Based on an actual event
56 Being Human
190 Bilderschlachten - 2000 Jahre
Nachrichten aus dem Krieg
203 Bildpolitiken des Krieges /
Image policies of the war
88 Binnenverblijven
151 BIPOLAR. An Interview with
Richard
185 Boelckestrasse
52 Borgate
107 Bouché / Blocked
173 Broken Haze
188 Bubble Beatz
58 Burlesque
C
140 Cabinet
214 California Video
33 Capsicum
177 Casa Moricci
107 Cattle Call
94 Celluloidiva
124 Chakra
138 Cheer Me Up Thank You -
Video for New Buffalo
136 Cine Trans Europe
46 coagulate
132 Color Rhapsody
152 Continental Me
160 CopyCat Pack 2.0
158 Corners
72 Cosmo
57 Crush!
218
157 Cubicle Revisited
68 CUTECUTECUTE
125 Cycles
D
131 Dada
144 Dadda zeydam
146 Dancing was the only way to
avoid deafness
51 Das Dichte und das Gehöhlte
152 Dawn
44 De Tijd
36 Der Augenblick / The Wink
56 Der Imitator / The Imitator
171 Der Turm
61 Der Wanderer / The Wanderer
68 destroy
57 Die ewige Heimat
134 Digging the American Dream
139 Din Of Celestrial Birds
50 Discovering Composition
in Art
82 Distorted Areas~
130 Documentary. Excerpt
110 Double Take
69 Dropping Furniture
97 DU3L @ G4NRYU 15L4ND
185 Dunkelland
E
32 Earth of Delightful Gardening
100 El Soter: The Hail
153 Elephant Graveyard
32 Elvenland
39 emergency needs
63 Emma / Mother
88 Enclosures
70 endfilm
138 Energie!
92 enter
173 Erinnerungen
76 es hört nie auf /
it does never stop
131 Escape
155 Etud drótszamárra
(Ironhorse Etude)
117 Evening's Civil Twilight in
Empires of Tin
136 Evolizer
98 Excerpt
116 Exhausted
F
48 Face of An Angel
63 Failure
140 Fall
72 Fall
66 Fashion Death
78 Fawn
70 Feeling Me Feeling Free
95 Fences
112 FILM IST. a girl & a gun
189 Filmbattle
45 First approach (2)
67 Fone fur follies
146 Fone Fur Follies
143 For a Better World
125 Fountain of Dreams
59 Four Questions for a Rabbi
60 Freude / Delight
165 Fritzi und Schlitzi
45 Frontier
90 für Meiko / for Meiko
G
118 Gaza / Sderot -
Leben - Trotz allem
216 Gedanken zur Online-
Vermittlung von Medienkunst
48 Ghosts
156 Gold
179 Graphit auf Leinwand
56 Gregor Alexis
39 Grito
167 Große Maschinen bringen
kleine zur Welt
165 Größere Leinwände,
längere Hälse!
H
74 habitat
145 Headcharge
96 Headlines: Hybrid Films -
Baghdad Plan Is A Success
76 HEIM / Home
184 Heim und Horizont II /
Home and Horizon
161 Heimatliebe
100 Hello Antenna
105 Hey
114 Holland
178 Horizontal Skip
64 Hors Champ (Portraits)
84 Hyacinth
I
40 I Left My Silent House
102 I Like
153 I Love Angel Forever
151 I Love You All
71 Ich lehre euch / I teach you
168 Ideal Audio
192 Image Battles - 2000 years
of news from the war
202 Image Fulgurator
62 Imaginary Girlfriend
132 Imagination
175 Improvisationen
44 in the mix
84 Incandescencia
81 Increase
42 Iris Out
156 Irrlicht
51 Ivo Burokvic - The Life of the
Fake Artist as a Young
Business Model
J
79 j.
67 Je Dis Non Ali / I Said No Ali
144 Je suis une bombe
(I am a bomb)
120 Jordan Belson:
Films Sacred and Profane
K
155 Khoda
173 Kniffel
154 Kreutzersonate
194 Krieg und Kunst / War and Art
135 Kron Transmission, an
anachronic Science Fiction
tale
199 Kunst und Krise /
Art And Crisis
L
177 L'Hôtel
135 La Esclava
137 Lacus Temporis
182 Lagerraum – Storage Room
162 Latrinalia
93 Layers

88 Le nouveau OMIZA, se
promenant derrière le miroir
200 Life - despite everything /
Leben - trotz allem
124 Light
169 Line
73 LINT LENT LAND
152 Loope
154 Loose Connection
103 Loose Control
135 LU-CHE III
79 Lucia
150 Luft
135 Luis
147 Luna Zero
M
102 Make No $mall Plans
64 Mama Superfreak
92 Many Buddhas
58 Mary Koszmary
204 Master compass /
Mutterkompass
54 Matter in Motion
137 Matter in Motion
149 Media Campus
205 Mediaartbase.de - Project
62 Melancholia
69 mental traffic
134 Meritoria
156 Milbe
201 Minus 1
103 MINZE - Kein Geld
35 Mission to Kumasi
157 Mobile Postcard
134 Monga
133 Mood Contrasts
108 muhanned´s wish
125 Music of the Spheres
213 Musik, das Gedächtnis des
Films / Music, The Memory
of The Film
164 My First Control Kit
85 Myth Labs
N
86 naissance d'un objet
109 Naufrage
86 Nebula
212 Netzspannung.org /
Medienfluss
59 New Educational Series -
Better Military Modelling
133 New Sensations in Sound
49 Night Sweat
176 Night´s in Motion
66 No One Wants to Eat the
Parsley
168 NO(W)HERE
53 Noir
35 non-western
55 Now Wait for Last Year
159 Nude
O
59 Obsedenost / Obsession
159 Ocean
57 Oh, I'm So Happy
176 Ohne Frühstück mach ich nix
94 One Lux
87 Opening Night
95 Optical Percussion
186 Orbital Glider / Raumgleiter
49 Origin of the Species
36 Ouaga (a visual experience of
an african city)
33 Outwardly from Earth's Center
P
93 Packband als Tonband /
Tape recording
37 painting paradise
102 Papal Broken-Dance
131 Parabola
65 Pareidolia
133 Pastorale
143 Pequeños ataques al corazón
(Little Heart Attacks)
140 Playing Up
150 Pluto
138 Pneuma Monoxyd
210 Point-and-click video art
134 Politische Fiktionen -
Chilenische Videos
100 Polizistin Eva /
Police Woman Eve
132 Polka Graph (Fun with Music)
50 Polonaise Diplomatique
78 Portrait of Doria
91 Prometheus/Odysseus
80 Puccini Conservato
R
146 Rapsódia de Absurdo
(Rhapsody of the Aburd)
75 RE-constructions
145 Re: Commentments
126 Reaching for Kinetic Art –
Mary E. Bute
163 Rebeca
163 Recitation/Reception
196 Regina José Galindo
103 Rehab
108 Resonance
172 Revoltieren
130 Rhythm in Light
181 Robinson to Francis
101 Robot Love
39 Ruta i spomenik /
Ruta and the Monument
S
124 Samadhi
77 Sarah Ann
183 Schütze deine Identität -
Protect your identity
84 Secret
91 Secret Machine
96 ShareSnitch
99 Shooting Locations
40 Sidewalk
161 Signalis
52 Simultaneous Contrast
101 smallOnes Brainpain
179 Snowcrash
81 solo 612.43
50 sorry curator
104 Soul Of A Man
63 SPAM the musical
(THE LONELY GIRLS)
98 Spielend im Garten /
Playing in the Garden
131 Spook Sport
38 Stadt des Kindes /
City of Children
83 Steigerpijp
131 Synchromy No. 2
90 Syscapes # Interlude
T
132 Tarantella
185 Tempelhof
147 The Apology Line
185 The Botanist´s Delight (Das
Entzücken der Botanikerin)
61 The Clothes Make the Man
64 The Crystal Gaze
58 The Force of Beauty: The
Beauty of Force
212 The Gamma Portal
141 The Juche Idea
60 The Man Who Went Outside
135 The Missing Monument for
Washington DC o Propuesta
de Monumento para Victor
Jara
61 the sounding lines are
obsolete
115 The Sun And The Moon
92 The Two Teams Team
74 The Wind
137 Thee Wreckers: No Place Like
Home
154 Those Crazy Insides
106 Time Patrol
73 Tin Woodsman' Home Movie
#2
109 Tomorrow-Yeah!
42 TRIFTER 1
142 Trotzdem Danke (Thanks
Anyway)
171 Trümmerteppich
144 Twist
83 Two Times 4'33"
U
113 Ukrainian Time Machine
162 Und wenn wir dann im Himmel
sind
139 Undisclosed Beauty
166 Une Camera Traditionelle
106 Unknown Unknown(s)
172 Untitled
171 Untitled
181 Untitled Tea Party
169 User Guide to the Semiotics of the
Kitchen
V
215 Verlust unserer jüngsten
Gegenwart / Loss of Our Latest
Present
143 Video 3000
210 Videokunst per Mausklick
144 Violeta, la pescadora del mar
negro
104 Virtuality
W
155 Wallets
97 WAR_TCHING MACHINE
98 Week End
38 Weile Wangque de Jinian /
Unforgettable Memory
46 Welcome
47 Westcoast (AT)
89 What If?
139 White Noise
147 Wolf Lake
145 Wolken-gestalt
X
80 XI
Z
97 Zero
219

LIST OF AUTHORS
A
109 Abke, Daniela
74 Anderson, J. Tobias
157 Angelicola, Anthony
88 Antlfinger, Mathias
146 Aoun, Jean-Noël
79, 135 Atallah, Niles
B
33 Barba, Rosa
46 Barber, George
58 Bartana, Yael
130 Basquin, Kit
137 Battey, Bret
125 Beck, Stephen
153 Belkin, Avi
124f. Belson, Jordan
163 Bernagozzi, Jason
55 Bernien, Mareike
151 Betschart, Gabriela
211 Blome, Gabriele
96,160 Bode, Jan
57 Bohley, Konrad
106 Boswell, Mark
94 Braga, Cristina
47 Braun, Ulu
165 Brosch, Ilka
205 Brümmer, Ludger
194 Bunne, Egon
89 Burns, Torsten Zenas
92 Busch, Harald
210 Buschmann, Renate
126f. Bute, Mary Ellen
C
105 Caravantes, Martha
159 Chan, Garvin
40 Cho, Seungho
79,135 Cociña, Joaquin
117 Cohen, Jem
85 Colburn, Martha
78 Corbet, Brady
65 Cubacub, Arturo
220
D
83 de Boer, Manon
108 De Cock, Karel
64 de Visser, Bea
56 De Vries, Ilke
56 Debus, Jana
39 Denegri, Andres
112 Deutsch, Gustav
172 Dévény, Barbara
34 di Martino, Rä
165 Diegel, Jos
178 Dittebrand, Lucas
32 Doing, Karel
155 Dolatabadi, Reza
60 Draschan, Thomas
64 Duhamel, Patrice
109 Durand, Clorinde
115 Dwoskin, Stephen
E
101 Eichholtz, Philipp
63 Eldagsen, Boris
70 Ellenberg, Marianna
100 Erzetic, Blaz
67 Eshom, Jim
166 Euler, Anne
39 Everson, Kevin Jerome
62 Eyres, Erica
F
62 Feser, Dennis
107 Feuvre, Agnes
141 Finn, Jim
50 Fischer, Anke
138,189 Fleisch, Thorsten
212 Fleischmann, Monika
161 Flückiger, Adrian
90 Flumen, F.K.
203 Frohne, Ursula
49 Fruhauf, Siegfried A.
G
36 Gagliardo, Alessandro
98 Galler, Thomas
42 Gamsjäger, Rainer
47 Geenen, Pieter
54,137 Gerhardt, Joe
67 Germondari, Werther
41 Gibson, Beatrice
105 Gil, Arturo
167f. Glandien, Alexander
114 Gloger, Thijs
95 Gockell, Gerd
116 Gok, Kim
142 Göransson, Astrid
118 Gordey, Serge
177 Göwecke, Mark-Steffen
215 Grau, Oliver
46 Grecu, Mihai
50 Gresser, Isabella
110 Grimonprez, Johan
176 Gröbe, Jo
96 Gruffat, Sabine
86 Grünfelder, Romeo
59 Grzinic, Marina
188 Gschwend, Christian
134 Guevara, Paz
212 Guiton, Jean-François
H
154 Haering, Jan
156 Haffke, Gerald
86,101 Harp, Hilary
181 Harper, James
90 Hartmann, Philipp
53 Hattler, Max
213 Heidenreich, Achim
199 Heidenreich, Stefan
140 Helliwell, Ian
63 Henricks, Nelson
72 Herbst, Nico
140 Herman, Todd
84 Herrera, Juan José
108 Hertweck, Nico
142 Hidalgo, Eli Cortiñas
83 Hin, Barbara
37,143 Hlali, Barbara
50 Hollywood, Annette
69 Horn, Paul
88 Hörner, Ute
144 Huertas, Brahim Rocío
69 Hund, Harald
I
35 Ibghy, Richard
155 Icks, Johanna
168 Im, Go Eun
J
54,137 Jarman, Ruth
106 Jodry, Jasmin
72 Jolley, Patrick
140 Jolley, Paddy
164 Jürgensen, Janne
K
152 Kämmerer, Björn
51 Kantor, Istvan
172 Keller, Franziska
40 Kels, Karl
48 Kennedy, Anthea
59 Kennedy, Jill
52 Kennedy, Chris
146 Khalifé, Anthony Abou
162 Kienzler, Kay
102 Kirfel, Cornelius
154 Klein, Marcel
177 Kleinhenz, Jochen
82 Knapp, Manuel
76 Knüpfer, Sirko
37 Koebel, Caroline
138 Koener, Thomas
68 Kogler, Clemens
38 Kolar, Christoph
102 Köperl, Stephan
179 Kopka, Gregor
45 Kötter, Daniel
156 Kracht, Oliver
171 Kreuzkamp, Katharina
98 Kuntzsch, Betina
99 Kutschker, Thomas
L
161 La Roche, Manaledi
76 Larcher, Claudia
71,79 Larose, Alexandre
185 Lauchstädt, Ilka
147 Lees, James
142 Leinkauf, Mischa
35 Lemmens, Marilou
79,135 León, Cristobal
87 Leyendekker, Tim
156 Linke, Sebastian
71 Lorenz, Alexander
102 Losier, Marie
152 Lottje, Petra
57 Lundqvist, Cecilia
94 Lux, Antal
73 Lynch, Lee
M
44 Machacek, Jan
145 Maglioni, Silvia
100 Mählmann, Eike
89 Martin, Darrin
80 Martin, Pia
53 Martin, Mirko

107 Maryniuk, Mike
147 Matarazzo, Antonello
74,186 Mayer, Maix
64 Mayer, Ursula
45 McDougall, Harriet
93 Meng, Xiangyu
153 Mengte, Bao
145 Menlibaeva, Almagul
139 Merhige, E. Elias
77 Meter, Barbara
152 Meyer, Franziska
139 Miller, Dennis
130 Mollot, Larry
66 Mooney, Sharon
135 Moraga, Marcela
134 Moreno, Alejandro
84 Moyer, Lydia
171 Müller, Janis E.
68 Münnich, Eva
182f. Musik- und Kunstschule
der Stadt Osnabrück,
N
79 Nagler, Solomon
81 Nakajima, Yusuke
135 Navarro, Iván
171 Neubacher, Daniel
190f. Nöring, Hermann
146 Nunes, Claudia
O
161 Odermatt,, Thaïs
88 Olthaar, Arianne
91 Onitsch, Cornelius
184 Orazem, Vito
67,146 Ostrovsky, Vivian
P
103 Panzarino, Monica
42 Payne, Simon
135 Pazzanese, Giancarlo
65 Petschnig, Maria
214 Phillips, Glenn
50 Phillips, Heidi
33 Phillips, Deborah
39 Poljak, Renata
144 Pong, Elodie
97 Prada, Triny
61 Price, John
134 Purdy, Caty
R
97 Rafman, Jon
78 Rainer, Christoph
107 Rankin, Matthew
188 Rauber, Kay
169,201 Reich, Johanna
170 Renner, Elianna
55 Reupke, Rachel
91,99 Reynolds, Reynold
144 Riba, Marc
176 Riegler, Jürgen
157 Riker, Paul
159 Ringelschwandtner, St.
162 Risch, Daniela
159 Rittmeier, Simon
49 Rivers, Ben
158 Roberts, Derek
66 Rodrigo, Daniel
163 Rodríguez, Gonzalo H.
59 Rosenblatt, Jay
59 Ross, Stacey
137 Rosto A.D,
155 Rózsás, Lívia
85 Rudelius, Julika
138 Ryan+Sverre
S
92 Saiz, Manuel
135 Salas, Paula
100 Samartseva, Veronika
100 Samoylovich, Anna
58 Sanborn, Keith
63 Savela, Antti
186 Scanner,
94 Schleicher, Harald
143 Schleiss, Marc
56,61 Schmid, Max Philipp
87 Schnitt, Corinna
90 Schockmel, Eric
52 Schreiber, Lotte
55 Schroedinger, Kerstin
151 Schubert, Beatrix
36 Schweiger, Michaela
161 Schwingruber, Corina
54,137 Semiconductor
105 Shetrit, Guy Ben
58 Shore, Tim
98,145 Silberstein, Guli
86,101 Silver, Suzie
43 Simon, Peter
104 Sixt, Stefanie
59 Šmid, Aina
147 Smith, Michael W.
80 Snow, Michael
144 Solanas, Anna
81 Sonntag, Jan-Peter E.R.
104 Speer, Christina
73 Spengler, Isabell
36 Spina, Giuseppe
130 Starr, Cecile
169 States, Selene
150 Stienz, Felix
212 Strauss, Wolfgang
150 Stürz, Natalia
70,104 Sulzer, Martin
T
173 Tan, Dennis
156 Tebbe, Karl
34 Templin, Andreas
173 Thiele, Felix
60 Thomas, Jennet
181 Thompson, Lucy
145 Thomson, Graeme
143 Touzón, Daniel Cuberta
200 Trabelsi, Osnat
80 Tremblay, Mathieu
U
160 Uhlig, Helmut
93 Ulrichs, Timm
113 Uman, Naomi
196 Ureña, Jürgen
V
48 V. Delgado, Omar
157 Vadócz, Péter
83 van der Veen, Martin
32 van Everdingen, Francien
136 van Nuenen, Jan
44 Vegter, Bart
75 Veldhoen, Martijn
103 Verbunt, Camille
134 Viera-Gallo, Manuela
202 von Bismarck, Julius
95 Vonk, José
W
103 Wagner, David
35 Wallace, Linda
204 Walter, Harry
144 Walther, Alexia
178 Walther, Jörg
51 Wanner, Franz
139 Weberg, Anders
38 Wei, Liu
65 Weis, Sarah
179 Welter, Hanni
154 Wheele, Ben
48 Wiblin, Ian
216 Wiencek, Florian
51 Wiersbinski, Paul
189 Wiesinger, Telemach
97 Winkelmann, Matthias
102 Winkler, Sylvia
92 Winkler, Paul
157 Winter, Nicole
69 Wojciechowski, Marcin
57 Wolf, Alexander
57 Wolf, Nouchka
61 Wood, Owen Eric
181 Wright, Lucy
84 Wylie, William
X
145 Xiaolu, Guo
164 xkopp
Y
150 Yang, Kai-Yen
173 Yoon, Jaeyeon
120,122 Youngblood, Gene
77 Yura, Yasuto
Z
175 Zauner, Norbert
77 Zwier, Pim
221

EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2010
21. - 25. April 2010
Ausstellung 21. April - 23. Mai 2010