Lehrveranstaltungen im Fach Musikwissenschaft Sommersemester 2013

Lehrveranstaltungen im Fach 

Musikwissenschaft 

Sommersemester 2013

Vorlesungen 

(Aus den mit * bezeichneten Vorlesungen werden die Klausurthemen für die 

Abschlussprüfungen DME/PA im Fach Musikwissenschaft gestellt). 

Musikgeschichte im Überblick: Das 19. Jahrhundert* 

Prof. Dr. Susanne Fontaine 

Mo., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 322 

Beginn: 15.4.2013 

Zumeist ohne dass es den Beteiligten bewusst wäre, prägt das 19. Jahrhundert unsere 

eigene Gegenwart. Veranstaltungsformen wie das bürgerliche Sinfoniekonzert leben 

ebenso fort wie ästhetische Vorstellungen über Musik, etwa über den Kanon der 

"Meisterwerke" und die Hierarchie ihrer Schöpfer, über das musikalische Geschichtsbild 

oder über den Niederschlag äußerer Ereignisse in musikalischen Werken. 

Ziel dieser Vorlesung ist es, einen Überblick über die Musikgeschichte dieses Zeitraums 

zu vermitteln, der in der Klassik beginnt und in die Moderne mündet. Dabei werden 

Werke in verschiedene Kontexte gesetzt, z. B. Gattungsgeschichte oder allgemeine 

kulturhistorische Zusammenhänge. Dabei stellt sich immer wieder die Frage danach, 

warum wir heute bestimmte Stücke so wichtig finden, und damit verbunden, wie 

eigentlich (Musik-) Geschichte geschrieben wird. 

Leseempfehlungen: 

Carl Dahlhaus, Die Musik des 19. Jahrhunderts, Laaber 1980 (= Neues Handbuch der 

Musikwissenschaft, Bd. 6). 

Ders., Die Idee der absoluten Musik, Kassel u. a. 1978. 

Skandinavische Moderne 1880-1920* 

Prof. Dr. Signe Rotter-Broman 

Di., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 322 


In Skandinavien – wie auch im übrigen Europa – kann man die Zeit um 1900 als 

musikgeschichtliche Umbruchsphase verstehen, in der Kompositionstechniken, 

ästhetische Wertvorstellungen und musikalische Institutionen einer kritischen 

Überprüfung unterzogen werden. Die Vorlesung gibt einen Überblick über die 

Musikgeschichte Dänemarks, Schwedens, Norwegens und Finnlands. Dabei kommen 

ausgewählte Komponisten wie Jean Sibelius, Wilhelm Stenhammar und Carl Nielsen zu 

Wort, es werden zentrale Gattungsentwicklungen (Lied, Symphonik, Streichquartett, 

Oper) sowie sozialhistorische und kulturtheoretische Aspekte (Musikfeste, Rolle von 

Komponistinnen, Modernitätskonzepte) berücksichtigt. 

Öffentliche Ringvorlesung: Deutsch-Jüdische Kultur und die Musik 

Prof. Dr. Dörte Schmidt, in Kooperation mit dem Philharmonischen Chor und dem 

Zentrum Jüdische Studien Berlin-Brandenburg 

Di., 19:00 bis 21:00 Uhr, Fa 322 


Die sogenannte “deutsch-jüdische Symbiose” ist immer wieder ebenso beschworen wie 

beargwöhnt worden. Vor allem Musik spielt für die Konstruktion einer kulturellen 

Symbiose eine wichtige Rolle. Sowohl in der Kompositionsgeschichte wie in der 

Aufführungsgeschichte wird dies vielfach greifbar. Jüdische Musiker und Komponisten 

setzten in der Akademisierung der Musikausbildung, im Chorwesen etc. seit dem 19. 

Jahrhundert wichtige Impulse, so Felix Mendelssohn in Leipzig und Joseph Joachim oder 

Julius Stern, aber auch Franz Schreker hier in Berlin. In den Jahren der Weimarer 

Republik entfaltete dieses Potential reiche Wirkung – die Lücke, die die Verfolgungen des 

NS hinterließen, war entsprechend merkbar. Nicht nur im deutschsprachigen Bereich in

Europa, sondern auch beispielsweise in den USA setzten deutsch-jüdische Einwanderer für 

die Entwicklung einer Musikkultur wichtige Impulse. 

Aus Anlass der Wiederaufführung der Großen Messe des nach dem 1. Weltkrieg zum 

Katholizismus konvertierten und von den Nazis als “Halbjude” aus dem Amt gejagten 

Komponisten Walter von Braunfels durch den Philharmonischen Chor Berlin und die 

Berliner Singakademie (1. Mai 2013, Philharmonie), soll dieser kulturelle Kontext zum 

Thema einer Ringvorlesung werden. Damit kann überdies auch noch einmal der 

Hintergrund des Philharmonischen Chores in den Blick rücken, dessen Gründer, der 

jüdische Chorleiter Siegfried Ochs, auch mit unserer Hochschule eng verbunden war. 

Informationen zum Konzert: info@philharmonischer-chor.de und 

karten@philharmonischer-chor.de 

Informationen zur Ringvorlesung: dschmidt@udk-berlin.de 

Die Themen der einzelnen Vorträge finden Sie vor Semesterbeginn auf unserer 

Homepage: www.udk-berlin.de/sites/musikwissenschaft/content/index_ger.html 

Das Pionierinstrument. Das Klavier im Werk Haydns, Mozarts und 

Beethovens 

Prof. Dr. Peter Rummenhöller 

Do., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 322 


Der Beethoven-Biograf Paul Bekker hat einmal das Klavier das Pionierinstrument 

Beethovens genannt. Er meinte damit die Tatsache, dass Beethoven erst auf dem 

Klavier kompositorisches Neuland erprobte, eher er es in Sinfonie, Solokonzert und 

Kammermusik in Besitz nahm. Der Gedanke ließe sich auch auf das Werk Haydns und 

Mozarts anwenden, jedoch in jeweils spezifisch anderer Weise. Mozart war lebenslang 

nicht nur als Compositeur, wie man damals sagte, sondern auch als Klavierspieler 

berühmt. Er hat auf allen Gebieten der Klaviermusik: den Sonaten, den Variationen und 

Fantasien, vor allem aber in den Klavierkonzerten Neues geschaffen. Haydns 

Experimentierfeld waren allerdings das Streichquartett und die Symphonie, dennoch ist 

der Korpus seiner Klaviersonaten Zeugnis des kreativen Übergangs vom Cembalo zum 

Hammerflügel. Auf Beethoven schließlich ist ja das Wort vom Klavier als 

Pionierinstrument gemünzt. Seine 32 Klaviersonaten nannte der Dirigent und Pianist 

Hans von Bülow das Neue Testament des Klavierspiels (das Alte war für ihn Bachs 

Wohltemperiertes Klavier). Nicht nur die Sonate, auch die Variation und das 

Klavierkonzert hat Beethoven in den Rang des Symphonischen erhoben, nicht zu 

vergessen seine Klavierkammermusik, die bei Beethoven neue Dimensionen bekommt. 

Die Vorlesung wird reichlich am Klavier (und wo es nicht anders geht, mit Tonträgern) 

kommentiert. 

Ringvorlesung: Kunst und Gender 

Prof. Dr. Christine Siegert zusammen mit anderen Juniorprofessorinnen 

Mo., 18:00 bis 20:00 Uhr, Raum s. Aushang 


Die Ringvorlesung wird die Geschlechterdifferenz in den Künsten thematisieren. 

Internationale Künstlerinnen und Künstler sowie Wissenschaf tlerinnen und 

Wissenschaftler werden, ausgehend von ihrem jeweiligen Tätigkeitsfeld und individuellen 

Erfahrungen, neue Konzepte und Perspektiven zur Diskussion stellen. Die Ringvorlesung 

vereint praktische Erfahrungen und Herangehensweisen mit theoretischen, konzeptuellen 

Reflexionen. Die Beiträge kommen aus der Musik, der darstellenden Kunst, der 

bildenden Kunst, der Gestaltung (Fotografie und Film), aber auch aus der 

Kulturwissenschaft, Kunstwissenschaft und der Philosophie. 

Das genaue Programm wird per Aushang bekanntgegeben.

Proseminare 

Einführung in die Musikwissenschaft 

Prof. Dr. Dörte Schmidt, 

Di., 14:00 bis 16:00 Uhr, Fa 302 


Ziel dieser Veranstaltung ist es, an ausgewählten Beispielen einen ersten Überblick über 

die Gegenstände, Fragestellungen, Arbeitsfelder und Methoden des Faches zu vermitteln 

und die grundlegenden wissenschaftlichen Arbeitstechniken vorzustellen. 

Um Anmeldung spätestens bis zum 12.4. über Nadda Tarabichi (nadda.tarabichi@udkberlin.de) 

wird gebeten. 

Literatur zur Einführung: 

Nicole Schwindt-Gross, Musikwissenschaftliches Arbeiten. Hilfsmittel – Techniken – 

Aufgaben, vierte völlig neu bearb. und erw. Auflage, Kassel 1999 (zur Anschaffung 

empfohlen). 

Kordula Knaus, Andrea Zedler (Hrsg.): Musikwissenschaft studieren. Arbeitstechnische 

und methodische Grundlagen, München 2012. 

Nicholas Cook: Music: a very short introduction, Oxford 1998. 

Musikwissenschaft für Musiker/Musikwissenschaftliche 

Arbeitstechniken 

Franziska Stoff, Bangin Jung 

Blockseminar, Vorbesprechung: Fr., 26. April 18:00 bis 20:00 Uhr, Fa 212 

1. Block: 3./4. Mai 2013, 10:00 bis 18:00 Uhr Uhr (Archiv, Bibliothek, 

Musikinstrumentenmuseum); 

2. Block: Freitag, 17. Mai 16:00 bis 18:00 Uhr, Fa 302 und 

Sa., 18. Mai 10:00 bis 18:00 Uhr, Fa 302 

Wie schreibt man eigentlich eine musikwissenschaftliche Hausarbeit? Wissen Sie, wie 

man eine solche Sache anfängt, strukturiert und durchführt? Nein? Dann könnte unser 

Seminar für Sie genau das Richtige sein! 

Wir geben Ihnen einen Einblick in das Fach Musikwissenschaft und nehmen besonders auf 

Bedürfnisse von KA/PA-Studierenden Rücksicht. Wir erläutern Methoden und Inhalte des 

Faches und Sie bekommen die Gelegenheit, musikwissenschaftliches Arbeiten unter 

Anleitung an einem selbst gewählten Beispiel zu üben, um zum Beispiel auf eine 

Abschlussarbeit oder eine Moderation vorzubereiten. Den Abschluss bildet ein durch die 

Studierenden moderiertes Konzert mit selbstgewählten Stücken. 

Studierende koreanischer Muttersprache können in diesem Semester besonders 

unterstützt werden. 

Die Veranstaltung wird Sängern und Sängerinnen der Fakultät Darstellende Kunst als 

„Musikwissenschaftliche Arbeitstechniken“ angerechnet. 

Um Anmeldung spätestens bis zum 12.4. unter anna_linsky@yahoo.de wird gebeten. 

Angemeldete Teilnehmer haben Vorrang. 


Nicole Schwindt-Gross, Musikwissenschaftliches Arbeiten. Hilfsmittel – Techniken – 

Aufgaben, vierte völlig neu bearb. und erw. Auflage, Kassel 1999 (zur Anschaffung 

empfohlen), 

Jeongsoo Hong, Younghan Heo, Heesuk Oh und Sukwon Lee, Musikwissenschaft, Simseol 

Verlag, Seoul 2004 (auf Koreanisch).

BACH! Die Musik für Tasteninstrumente 

Axel Fischer 

Mo., 12:00 bis 14:00 Uhr, Fa 212 


Wenn die Wiederaufführung der Matthäus-Passion 1829 in Berlin als Beginn der 

sogenannten "Bach-Renaissance" bezeichnet wird, übersieht man meist, dass ein 

zentraler und gewichtiger Teil der Musik Johann Sebastian Bachs einer solchen 

Renaissance niemals bedurfte: die Musik für Tasteninstrumente. Sie wurde über die 

Jahrhunderte hinweg kontinuierlich studiert und weitergegeben, so dass sich eine 

lückenlose, bis in unsere Gegenwart reichende Traditionslinie zeichnen lässt. 

Welche Konsequenzen hat diese besondere Überlieferungssituation für uns, die wir heute 

musizierend oder hörend mit Bachs Tastenmusik umgehen? Stehen uns die Werke 

dadurch möglicherweise näher? Und bereiten sie uns bei der Analyse und Interpretation 

weniger Probleme? Wir wollen uns diesen Fragen nähern und dabei die wichtigsten Werke 

und Werkgruppen kennenlernen. Dabei beschäftigen wir uns mit aufführungspraktischen, 

biographischen, pädagogischen und analytischen Aspekten. Ein besonderer Schwerpunkt 

soll darüber hinaus auf der Idiomatik der infrage kommenden Instrumente Clavichord, 

Cembalo, Hammerklavier und Orgel liegen, die wir im Rahmen einer Führung im 

Musikinstrumentenmuseum genauer unter die Lupe nehmen wollen. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter axel.fischer.berlin@t-online.de wird gebeten. 

Literatur: Siegbert Rampe (Hrsg.): Bachs Klavier- und Orgelwerke, 2 Bde. 

Laaber 2007-2008 (=Das Bach-Handbuch, Bd. 4). 

Chorkultur 


Mo., 16:00 bis 18:00 Uhr, Fa 302 


Chorsingen ist heute die populärste und vielgestaltigste Form des Laienmusizierens. 

Spätestens die Erfolge des Festivals „Chor@Berlin“ im Radialsystem zeigen, dass 

Chorsingen den letzten Rest von Biederkeit verloren hat. Auch im Profibereich sind 

Niveau und Vielfalt in den letzten Jahrzehnten steil angestiegen. 

Das Seminar fragt nach der Vorgeschichte für die heutige Situation. Sie ist eng 

verknüpft mit der Emanzipation des Bürgertums seit dem späten 18. Jahrhundert und 

führt über die Handel Commemorations von 1784 zur Berliner Singakademie und ihren 

Ablegern, den patriotischen Musikfesten nach den Freiheitskriegen, den politischen 

G e sa ngv e re i ne n und de m pri v a t e n S i nge n i n Z e i t e n v o n Z e nsur und 

Versammlungsverbot, zum vaterländischen Männergesang im deutschen Kaiserreich, zu 

d e n G e s a ngv e re i ne n i m R a hm e n d e r A rbe i t e rbi l d ungsbe w e g ung, d e n 

kirchenmusikalischen Reformbewegungen des 20. Jahrhunderts, der politischen 

Instrumentalisierung des Chorsingens, der Professionalisierung des Chorgesangs in Zeiten 

der Rundfunkchöre bis hin zur heutigen Situation. Neben dem Ziel, viele Facetten des 

Chorwesens in Vergangenheit und Gegenwart kennenzulernen, verfolgt die Veranstaltung 

das Ziel, Repertoirekenntnisse zu vermitteln. Dabei verschiebt sich das scheinbar 

vertraute Bild von der Musik des 19. Jahrhunderts. 


wird gebeten. 

Veranstaltungsempfehlung: Besuch des Festivals „Chor@Berlin“ vom 21.-24.2.2013 im 

Radialsystem V, Holzmarktstraße 33, 10243 Berlin (U: Jannowitzbrücke, S: Ostbahnhof). 

Leseempfehlung: Friedhelm Brusniak, Art. „Chor und Chormusik“ in: MGG 2, Sachteil, 

Bd. 2, Kassel u. a. 1995, Sp. 766-824.

Dialoge und Resonanzen: musikalischer Transfer zwischen Popmusik 

und Neuer Musik 

Dr. Simone Hohmaier 

Mo., 16:00 bis 18:00 Uhr, Fa 212 


Bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts gingen von der Entdeckung authentischer 

Volksmusiken sowie des Jazz durch die europäische Kunstmusik wichtige Impulse aus, 

und spätestens seit den 1970er Jahren griffen die Komponisten auch auf Material aus der 

Pop- und Rockmusik zurück. Ziel des Seminars ist es, einen Überblick über die Rock-/ 

Pop-Rezeption in der Neuen Musik sowie ihren kulturgeschichtlichen Kontext zu 

erarbeiten. Das Seminar wird sich u. a. folgenden Fragen widmen: Was ist überhaupt 

unter „Volksmusik“, „Jazz“ und „Rock“-/„Popmusik“ im Unterschied zu sog. „E-Musik“ 

verstehen? Aus welchen Gründen wandten sich „klassische“ Komponisten der 

Popularmusik unterschiedlicher Couleur zu und welche Funktion übernimmt diese in den 

jeweiligen Kompositionen? Wie sieht umgekehrt die Rezeption der Neuen Musik in der 

Popmusik (und im Jazz) aus? 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter hohmaier@sim.spk-berlin.de wird gebeten. 

Ungleiche Zeitgenossen? Orlando di Lasso und Giovanni Pierluigi da 

Palestrina 

Matthias Pasdzierny 

Di., 14:00 bis 16:00 Uhr, Fa 212 


Orlando di Lasso und Giovanni Pierluigi da Palestrina waren Zeitgenossen und doch 

haben ihre Biographien nicht viel miteinander gemein. Der eine – Palestrina – blieb zeit 

seines Lebens dem Musikleben Roms und dabei vor allem des Kirchenstaats treu und 

erreichte dort höchste Positionen. Der andere – di Lasso – präsentiert sich gleichsam als 

„internationaler“ Künstler, der an verschiedenen Stationen in ganz Europa und in sehr 

unterschiedlichen institutionellen Konstellationen in Erscheinung trat. Den Fokus auf 

beide Komponisten und ihr kompositorisches Schaffen zu richten, erlaubt einen 

umfassenden Einblick in die mitteleuropäische Musikkultur des 16. Jahrhunderts, ihre 

Zentren, Ausbildungs- und Karrierewege und ästhetischen Debatten. Zugleich ermöglicht 

diese thematische Verschränkung, verschiedene Modelle und Methoden von 

Musikgeschichtsschreibung wie etwa Institutionengeschichte, Kompositionsgeschichte oder 

Biographik gegenüberstellend zu erörtern. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter pasdzierny@gmx.de wird gebeten. 

Literatur: Laurenz Lütteken: Musik der Renaissance, Kassel u.a. 2011. 

Mehrstimmigkeit in traditioneller Musik 

Dr. Susanne Ziegler 

Di., 16:00 bis 18:00 Uhr, Fa 212 


Mehrstimmigkeit ist Ausdruck einer besonderen Form musikalischen Denkens. In vielen 

Musikkulturen der Welt existieren mehrstimmige Gesangs- und Instrumentalpraktiken, 

deren Ausprägungen und Konzepte sich von den aus der Geschichte der europäischen 

Musik bekannten unterscheiden. Ziel des Seminars ist es, die unterschiedlichen Aspekte 

dieser Formen mehrstimmigen Musizierens deutlich zu machen und anhand prägnanter 

Beispiele aus der europäischen Volksmusik, Afrikas und Asiens zu diskutieren. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter susanne.drziegler@web.de wird gebeten. 

Literaturempfehlung: Multipart Music- A specific mode of musical thinking, expressive 

behaviour and sound. Ignazio Macchiarella (Ed.). Udine: Nota 2012.

Giuseppe Verdi: Don Carlos 


Mi., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 212 


Das Seminar widmet sich der Oper aus verschiedenen Blickwinkeln, wobei trotz der 

Bekanntheit des Werkes bei genauem Hinsehen manche Überraschung zutage tritt. 

Untersuchungen zum Libretto, zur literarischen Vorlage und zur Entstehungs– und 

Aufführungsgeschichte gehören ebenso dazu wie die analytische Auseinandersetzung mit 

ausgewählten Szenen sowie mit dem ideengeschichtlichen und historisch-politischen 

Kontext. Zudem sollen verschiedene Inszenierungen (DVD) diskutiert werden. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter rotter@udk-berlin.de wird gebeten. 

Teilnahmevoraussetzung: Anschaffung und Lektüre des Librettos: Giuseppe Verdi, Don 

Carlo/Don Carlos, Italienisch/Deutsch, hrsg. von Henning Mehnert, Stuttgart etc. 

(Reclam) 2005 (Reclams Universalbibliothek Nr. 18350). 

Paul Dessau 1894–1979. Ein Komponist in Zeiten großer Umbrüche 

Sandra Kebig 

Mi., 14:00 bis 16:00 Uhr, Fa 302 


Der in der ehemaligen DDR für seine Opern bekannte Komponist Paul Dessau ist in den 

Jahren nach dem Fall der Mauer immer mehr in Vergessenheit geraten. Dabei weisen 

bereits die Lebensdaten Dessaus darauf hin, dass er einige Umbrüche (Weimarer 

Republik – NS-Zeit – DDR) der deutschen Geschichte miterlebt hat. Ob und wenn ja wie 

sich das in seinen Kompositionen zeigt, soll in diesem Seminar betrachtet werden. 

Zu Paul Dessau gibt es bisher keine umfassende Biographie. Daher wird sich dieses 

Seminar auf die Suche nach Dokumenten machen, um sich ein umfassendes Bild vom 

Komponisten Paul Dessau vor dem Hintergrund der sich gravierend ändernden 

Lebensbedingungen zu machen. Es sollen einzelne Kompositionen der unterschiedlichen 

Werkgruppen (Kammermusik, Orchesterwerke, Filmmusik, Hörspielmusik, Liedschaffen, 

Schauspielmusiken, Opern, Vokalwerke u.v.m.) betrachtet werden, um sie dann in 

Beziehung zum biografischen und zeitgeschichtlichen Kontext zu setzen. Dabei soll im 

Vordergrund stehen, wie sich die musikalischen Mittel im Verhältnis zu den 

Gegebenheiten verändern, oder andersherum, wie sich der Komponist an die veränderten 

Umstände anpasst. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter sa.kebig@udk-berlin.de wird gebeten. 

Literaturempfehlung: Christina Samtleben, Paul Dessau, in MGG2, Bd. 5 (Personenteil), 

Kassel u. a. 2001, Sp. 897–907. 

Schönberg und die Zwölftonmusik: Eine Einführung 

Dr. Ulrich Krämer 

Mi., 16:00 bis 18:00 Uhr, Lie 517 


In einem programmatischen und dementsprechend viel zitierten Brief schrieb Arnold 

Schönberg seinem Schwager, dem Geiger Rudolf Kolisch, über dessen Entschlüsselung 

der Zwölftonreihe des III. Streichquartett op. 30: „Ich kann nicht oft genug davor 

warnen, diese Analysen zu überschätzen, da sie ja doch nur zu dem führen, was ich 

immer bekämpft habe: zur Erkenntnis, wie es gemacht ist; während ich immer erkennen 

geholfen habe: was es ist!“ Sinn und Zweck einer Analyse bestand für Schönberg von 

jeher in der Erkenntnis des „musikalischen Gedankens“ und seiner „Darstellung“, womit 

die beiden zentralen Kategorien seiner Poetik benannt sind. Es versteht sich jedoch von 

selbst, dass für ein tief greifendes Verständnis einer Komposition die Aufdeckung ihrer 

konstruktiven Grundlagen unumgänglich ist – und dies umso mehr, wenn sie das

Tonsystem selbst betreffen. 

Mit dieser gedanklichen Dichotomie im Hinterkopf wollen wir uns in dem Seminar einige 

Zwölftonwerke Schönbergs genauer ansehen, um einerseits die von ihm immer weiter 

entwickelten Prinzipien der „Methode der Komposition mit zwölf nur aufeinander 

bezogenen Tönen“ zu erarbeiten und andererseits das jeweils Spezifische der dabei ins 

Visier genommenen Werke zu ergründen. Besonderes Augenmerk soll auch auf die 

Entstehung der „Methode“ in den Jahren 1920 bis 1923 gerichtet werden. Die zu 

behandelnden Werke umfassen u. a. die Klavierwerke op. 23 und op. 25, die Serenade 

op. 24, die Septett-Suite op. 29 und das III. Streichquartett op. 30. Wünsche der 

Seminarteilnehmer können berücksichtigt werden. 

Um Anmeldung bis 12.4. unter kraemer@bbaw.de wird gebeten. 

Literatur: 

Ethan Haimo, Schoenberg’s Serial Odyssey, Oxford 1990. 

Josef Rufer, Die Komposition mit zwölf Tönen, Berlin 1952. 

Rudolf Stephan, „Zwölftonmusik“, in: MGG2, Bd. 9 (Sachteil), Kassel u. a. 1998, Sp. 

2505–2528. 

Musik in der Kultur der 1920er Jahre 

Dr. Dietmar Schenk 

Mi., 18:00 bis 20:00 Uhr, Fa 212 


Die „Legende der zwanziger Jahre“ hielt sich lange – vielleicht reicht sie bis heute. Das 

Jahrzehnt steht für Modernität und Urbanität, zugleich ist es aber eine Zeit tiefster Krise. 

Ästhetisch und stilistisch ist diese Dekade voller Gegensätze: Richard Strauss, Pfitzner 

und Busoni, Schreker, Schönberg und Alban Berg, Hindemith, Weill und Krenek, 

Strawinsky, Janáček und Milhaud stehen nebeneinander. In dem Proseminar sollen neben 

den „goldenen“ Jahren von 1924 bis 1929 – der Zeit der Neuen Sachlichkeit – auch die 

schwierigen, krisenhaften davor und danach behandelt werden. Am Anfang stehen der 

revolutionäre Aufbruch von 1918/19, Expressionismus und Dadaismus, am Ende der 

Tonfilm, die restaurative Stimmung um 1930, die Weltwirtschaftskrise mit der 

Schließung von Opernhäusern und Musiker- Arbeitslosigkeit, schließlich die 

nationalsozialistische „Machtergreifung“. Die Dekade soll Jahr für Jahr durchgegangen 

werden, denn fast in jedem Jahr in dieser extrem wechselhaften Zeit sah die Welt 

anders aus und hörte sich die Musik anders an. 

Um Anmeldung spätestens bis zum 12.4. unter dietmar.schenk@udk-berlin.de wird 

gebeten. 


Peter Gay: Weimar Culture. The Outsider as Insider, 1968 (dt.: Die Republik der 

Außenseiter, Neuausgabe 1987). – 

Wolfgang Rathert, Giselher Schubert (Hrsg.): Musikkultur in der Weimarer Republik, 

Mainz u. a. 2001. 

Edward Elgars Orchesterwerke – mehr als Pomp and Circumstance 

Dorothea Weber 

Do., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 302 


Denkt man an Sir Edward Elgar (1857-1932), beginnt meist unwillkürlich eine der 

inoffiziellen Hymnen Englands, nämlich Land of Hope and Glory aus dem Pomp and 

Circumstance March Nr. 1 op. 39, 1 im Kopf zu erklingen. Die Orchesterwerke sprechen 

in ihrer Gesamtheit jedoch eine weitaus differenziertere Sprache, die von klassischromantischen, 

‚modernen‘ bis hin zu patriotisch-nationalen Elementen bestimmt wird. 

Neben analytischen Zugangsweisen sowie einer sozial- und kulturgeschichtlichen 

Einordnung, gilt es der Frage nachzugehen, ob Elgar als ‚verspäteter Romantiker‘ oder

doch schon als Vertreter der Moderne gelten kann. 

Vor dem Hintergrund der besonderen Situation der English Musical Renaissance sollen 

ausgewählte Werke Edward Elgars genauer betrachtet werden. Unumgänglich ist die 

Beschäftigung mit der Symphony No 1 op. 55, die die englische Sinfonie überhaupt als 

wahrnehmbare Größe in Europa restituiert hat, sowie mit den Variations on an Original 

Theme (Enigma-Variationen) op. 36, den Solokonzerten für Violine op. 61 und 

Violoncello op. 85, aber auch den Konzertouvertüren Cockaigne (In London Town) op. 40 

und In the South (Alassio) op. 50. Individuelle Repertoirewünsche werden gerne 

berücksichtigt. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter dorotheaweber@live.de wird gebeten. 

Vom Manuskript zum Notendruck. Eine Einführung in Musikphilologie 

und Editionstechnik 

Sandra Kebig 

Do., 12:00 bis 14:00 Uhr, Fa 302 


Im Allgemeinen sind gedruckte Notenausgaben die Grundlage allen Musizierens. Daher 

ist die Verbindlichkeit der Notendrucke für Musiker eine Grundvoraussetzung, um sich 

musikalische Kompositionen aneignen und sie interpretieren zu können. Manchmal 

unterscheiden sich die verschiedenen Ausgaben ein und derselben Komposition jedoch 

deutlich voneinander. Wie kann es dazu kommen? Und welche Arbeitsschritte stehen 

überhaupt zwischen Handschriften und fertigen Notenausgaben? Damit in Verbindung 

steht auch die Frage, ob es bessere und schlechtere Ausgaben gibt, und wenn ja, wie 

man sie unterscheiden kann. Was ist das Original, oder gibt es das überhaupt? Sind 

Urtextausgaben immer die bessere Wahl? Wie entstehen wissenschaftliche Ausgaben? 

Dieses Seminar will einen Überblick über die Vielfalt der Editionsformen geben und in die 

musikphilologische Arbeit einführen, um so ein Bewusstsein für das Verhältnis von 

Notendruck, Quellen und Komponistenintention zu erlangen. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter sa.kebig@udk-berlin.de wird gebeten. 

Literaturempfehlung: Christian Martin Schmidt, Editionstechnik in: MGG2, Bd. 2 

(Sachteil), Kassel u. a. 1995, Sp. 1656–1680. 

Kalkül und Sinnbild: Eine Geschichte des Kanons 

Prof. Dr. Horst Weber 

Do., 14:00 bis 16:00 Uhr, Fa 212 


Der Kanon ist ein janusköpfiges Phänomen: Einerseits ist er im volkstümlichen 

Musizieren verankert, weil z.B. Kinder oder Laien nur eine Stimme lernen müssen, um 

Mehrstimmigkeit realisieren zu können; andererseits stellt er eine elitäre Form des 

Komponierens dar, stellt er doch die höchsten Anforderungen kontrapunktischer 

Kombinatorik an den Komponisten. Über Jahrhunderte hinweg wird der Kanon in allen 

Gesellschaftsschichten gepflegt – vom einfachen Volk als Gebrauchsmusik ebenso wie 

von Klerus und Adel als esoterischer Bildungsausweis. So vielfältig wie seine 

gesellschaftlichen Funktionen sind seine Erscheinungsformen, vom „Sommerkanon“ aus 

dem 13. Jahrhundert bis zu Ligetis Klavieretüden vom Ende des 20. Jahrhunderts. Die 

Beschäftigung mit dem Kanon vertieft Einsichten in die Entwicklung der Musik und 

vermittelt Begegnungen mit zentralen Werken von Josquin Desprez und J. S. Bach über 

Mozart und Beethoven bis zu Schönberg und Webern. 

Um Anmeldung bis 12.4. unter horstjweber@gmx.de wird gebeten.

Popmusik und Kalter Krieg 

Dr. Christiane Tewinkel 

Fr., 12:00 bis 14:00 Uhr, Fa 212 


Fast fünfzig Jahre lang währte der Kalte Krieg, schürte Ängste, schuf Feindbilder, brachte 

eine große Friedensbewegung hervor und beeinflusste natürlich auch die Musik. Im 

Seminar werden wir uns den Entstehungsbedingungen und der oft spektakulären 

Wirkungsgeschichte einiger großer Songs der Pop- und Rockmusik zum Thema „Kalter 

Krieg“ zuwenden, um an ihrem Beispiel zu verstehen, wie Musikerinnen und Musiker der 

ehemals zwei deutschen Staaten und ihre internationalen Kollegen auf die politischgesellschaftliche 

Situation reagierten. In den Blick rücken nicht nur Nummern wie „Der 

blaue Planet“ (Karat, 1982), „99 Luftballons“ (Nena, 1983), „Keine Heimat“ (Ideal, 

1983), „Mädchen aus Ost-Berlin“ und „Ist das der Sonderzug nach Pankow?“ (Udo 

Lindenberg, 1983) oder „Russians“ (Sting, 1985), unser Augenmerk soll auch einzelnen 

Bands wie Berluc und prominenten Figuren wie Nina Hagen gelten. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter christiane@tewinkel.de wird gebeten. 

Literatur: Cohen, Harvey G., „Visions of freedom. Duke Ellington in the Soviet Union“, 

in: Popular music 30 (2011), S. 297-313. 

Schmelz, Peter J., „Introduction: Music in the Cold War“, in: The Journal of Musicology 

26.1 (2009), S. 3-16. 

Wasserloos, Y. und Mecking, S., „‚Russians’ – zwischen Pop und Militär“, in: Michael 

Schramm (hrsg.), Militärmusik zwischen Nutzen und Missbrauch, Bonn 2011, S. 196-208. 

Hauptseminare 

Franz Schuberts Klaviertrios 


Mo., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 212 


Franz Schuberts Klaviertrios D 929 (Es-Dur) und D 898 (B-Dur) gehören mit ihren 

komplexen Satzanlagen, ihrer eigenwilligen Klangdramaturgie und ihrer gesteigerten 

zyklischen Intensität zu den herausragenden Werken der Gattung Klaviertrio im früheren 

19. Jahrhundert. Das Seminar wird der analytischen Auseinandersetzung mit beiden 

Werken angemessenen Raum geben. Zudem sollen Vergleichswerke von Mozart und 

Beethoven sowie Schuberts eigener früher Klaviertriosatz D 28 herangezogen werden, 

um die individuelle Konzeption Schuberts herauszuarbeiten. 

Für die Teilnahme wird die Anschaffung der Henle Studienedition von Schuberts 

Klaviertrios (HN 9193) dringend empfohlen. 

Um Anmeldung bis zum 12.4. unter rotter@udk-berlin.de wird gebeten. 

Alessandro Scarlatti 


Di., 10:00 bis 12:00 Uhr, Fa 302 


Alessandro Scarlatti (1660-1725) war einer der fruchtbarsten Komponisten seiner Zeit. 

Sein Werk umfasst Kirchenmusik, Bühnenwerke, instrumentale und v. a. vokale 

Kammermusik. Die Aufnahme in die römische Accademia dell’Arcadia 1706 ist ein Indiz 

dafür, dass er – für einen Musiker seiner Zeit eher ungewöhnlich – als Intellektueller 

wahrgenommen wurde. Auch wenn bis heute viele Aspekte von Alessandro Scarlattis 

Schaffen wenig bekannt sind, so hatte er lange den Nimbus des Gründers der 

sogenannten „Neapolitanischen Opernschule“ inne. „Scarlatti ist bahnbrechendes Genie.

Die geschichtliche Stellung, in welche er eintrat, hat ihm nicht gestattet, das Höchste 

des neuen Stils zu erreichen; erst seine großen Schüler [z. B. G. F. Händel] haben die 

Kränze errungen, zu deren Gewinnung er die Bahn eröffnet hat“, feierte ihn 1852 Franz 

Brendel. Heute ist einerseits die Vorstellung einer „neapolitanischen Schule“ obsolet 

geworden, andererseits hat die Opera seria ihren schlechten Ruf verloren; das Interesse 

an Alter Musik hat dazu geführt, dass inzwischen etliche Werke von Scarlatti auf CD 

zugänglich sind. Am Beispiel ausgewählter weltlicher und geistlicher Werke Scarlattis 

werden exemplarische Gattungen (v.a. Opera seria, Kantate, Oratorium) um 1700 in 

ihrem kulturgeschichtlichen Kontext vorgestellt. 


wird gebeten. 

Leseempfehlung: Norbert Dubowy, Art. „Alessandro Scarlatti“, in: MGG2, Personenteil, 

Bd. 14, Bd. 2, Kassel u. a. 2005, Sp. 1069-1108 

Bartók als Berufungs-Instanz für Lutoslawski, Ligeti und Kurtág 

Prof. Dr. Hartmut Fladt 

Do., 12:00 bis 14:00 Uhr, Fa 212 


Drei Komponisten der zweiten Hälfte des 20. und des frühen 21. Jahrhunderts, die sich 

(auch in Schriften und Gesprächen) explizit, in ihren Kompositionen explizit und implizit 

auf Bartók berufen: in exemplarischen Analysen – primär der Instrumentalmusik -– und 

mit der Lektüre ausgewählter Texte sollen, entfaltet u. a. an der sich wandelnden 

Bartók-Rezeption, musikgeschichtliche und speziell kompositionsgeschichtliche Tendenzen 

verdeutlicht werden. 

Anmeldung unter fladt@aol.com erforderlich. 

Blechblasinstrumente mit Ventilen 

(im Zusammenhang mit einer Ausstellung anlässlich der 125-Jahrfeier des 

Musikinstrumentenmuseums) 

Prof. Dr. Conny Restle 

Do., 15:00 bis 17:00 Uhr, im Musikinstrumenten-Museum des Staatlichen Instituts für 

Musikforschung, Eingang Ben-Gurion-Straße 


Mit der Erfindung des Ventils zu Beginn des 19. Jahrhunderts durch Heinrich Stölzel und 

Friedrich Blühmel findet ein Umbruch in der Herstellung von Blechblasinstrumenten statt, 

der große A uswi rkungen auf di e Musi k haben sol l te. D i e F rühzei t der 

Ventilblasinstrumente ist geprägt von einer Vielzahl an Ventilsystemen und an 

Experimenten. Das Berliner Musikinstrumenten- Museum besitzt zahlreiche 

Ventilblasinstrumente aus dem 19. J ahrhundert, die eindrucksvoll diesen 

Entstehungsprozess dokumentieren, und die den Kern einer großen Sonderausstellung 

zum Thema "Ventilblasinstrumente" im Dezember 2013 bilden. 

Anhand zahlreicher Originalinstrumente und zeitgenössischer Quellen werden die 

verschiedenen Typen von Ventilen und deren Spieltechnik beleuchtet sowie 

zeitgenössische Quellen ausgewertet. 

Um Anmeldung bis zum 12.04.2013 unter restle@sim.spk-berlin.de wird gebeten. 


Dieter Krickeberg und Wolfgang Rauch, Staatliches Institut für Musikforschung 

Preußischer Kulturbesitz. Musikinstrumenten-Museum. Katalog der Blechblasinstrumente. 

Polsterzungeninstrumente, Berlin 1976. 

Herbert Heyde, Das Ventilblasinstrument. Seine Entwicklung im deutschsprachigen Raum 

von den Anfängen bis zur Gegenwart, Leipzig 1987. 

Günter Dullat, Metall-Blasinstrumentenbau. Entwicklungsstufen und Technologie, 

Wilhelmshaven 2011.

Nam June Paik – Exposition of Music. Fluxus und die Folgen für die 

Kunst/Musik 

Prof. Dr. Dörte Schmidt gemeinsam mit Prof. Dr. Martina Dobbe (Kunstgeschichte, Fak. 

1) 

Blockseminar: Mo., 22.4.2013, 10:00 bis 13:00 Uhr, Hardenbergstr., Raum 151 

Fr., 24.5. bis Sonntag 26.5.2013 in Sauen 

Abschlußveranstaltung: 24.6.2013, 10:00 bis 13:00 Uhr, Hardenbergstr., Raum 151 

Nam June Paiks legendäre Ausstellung „Exposition of Music – Electronic Television“, die 

1963 in der Wuppertaler Galerie Parnass zu erleben war, gilt der Kunst- und 

Musikgeschichte als früher Beleg der Fluxus-Bewegung. Bestückt mit vier präparierten 

Klavieren, zwei Schallplattenschaschliks, zahlreichen Klangobjekten sowie elf 

präparierten Fernsehern vollzog Paik mit dieser Ausstellung jene Grenzüberschreitungen 

im Feld von Musik und Kunst, die für die Künste in der zweiten Hälfte des 20. 

Jahrhunderts beispielhaft werden sollten. 

Ausgehend von „Exposition of Music – Electronic Television“ und anderen legendären 

„Ausstellungen von Musik“ wird das Seminar Paiks intermediäre Arbeiten insbesondere 

der 1960er Jahre in den Mittelpunkt der Auseinandersetzung stellen. Es geht darum, 

Paiks Weg von der Musik zum Medien- und Performancekünstler kennenzulernen und die 

‚Vermischung‘ der Künste in Happenings, Installationen, neuartigen konzertanten 

Praktiken und Multimedia-Inszenierungen vor dem Hintergrund kunst- und 

musikwissenschaftlicher Fragestellungen zu thematisieren. Neben seinem Verhältnis zu 

anderen Fluxus-Künstlern wie Maciunas, Brecht, Higgins, Vostell und Beuys werden die 

Kollaborationen mit anderen Musikern (Cage, Stockhausen, Nono, Tudor) und Interpreten 

(Moorman) befragt. 

Das Seminar möchte Studierende der Kunst und der Musik im interdisziplinären 

Austausch zusammenbringen. Im Idealfall treffen im Seminar je 10 Studierende der 

beiden Fächer aufeinander. Um die Seminarplanung rechtzeitig konkretisieren zu können, 

bitten wir um Anmeldungen unter dobbe@udk-berlin.de oder nadda.tarabichi@udkberlin.de 

(für die Musik). In der ersten Sitzung am 22. April 2013 wird die verbindliche 

Teilnehmerliste festgelegt. Aufgrund der begrenzten Übernachtungsplätze in Sauen gibt 

es insgesamt nur 20 Plätze in diesem Seminar. 


- Klaus Bußmann / Florian Matzner (Hg.): Nam June Paik. A Data Base, AK Biennale 

Venedig 1993, Ostfildern-Ruit 1993. 

- Susanne Neubauer (Hg.): Nam June Paik: exposition of music; electronic television; 

revisited, AK anläßlich der Ausstellung "Nam June Paik. Music for all senses", Museum 

moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Köln 2009. 

- Gabriele Knapstein: Eine lange Geschichte mit vielen Knoten. Fluxus in Deutschland. 

1962–1994, AK Institut für Auslandsbeziehungen, Stuttgart 1995. 

Kolloquien 

Kolloquium für ExamenskandidatInnen 

Prof. Dr. Christine Siegert 

Mo., 14:00 bis 16:00 Uhr, Fa 212 


Alle Examenskandidatinnen und -kandidaten, die im laufenden Semester schriftliche 

Abschlussarbeiten verfassen (BA1, BA2, KA) und/oder mündliche Prüfungen ablegen (PA, 

KA), sind aufgefordert, ihre Themen in der Gruppe vorzustellen und zu diskutieren. 

Daneben werden Hinweise zur Literaturrecherche, zum Aufbau von Hausarbeiten, zur 

Zitierweise und zur Vorbereitung von mündlichen Prüfungen gegeben.



Di., 16.00 bis 18.00, Fa 302 


Das Kolloquium bietet Examenskandidaten und –kandidatinnen die Möglichkeit, ihre 

mündlichen Themen wie auch ihre Examensarbeit in der Gruppe vorzustellen und zu 

diskutieren. 


wird gebeten. 

Literatur: Nicole Schwindt-Gross, Musikwissenschaftliches Arbeiten. Hilfsmittel -Technik 

- Aufgaben, Kassel 21999. (= Bärenreiter Studienbücher Musik, Bd. 1) 

Umberto Eco, Wie man eine wissenschaftliche Abschlussarbeit schreibt. Doktor-, Diplomund 

Magisterarbeiten in den Geistes- und Sozialwissenschaften, Heidelberg 1988. 


Prof. Dr. Dörte Schmidt 

Mi., 12:00 bis 14:00 Uhr, Fa 302 


Das Kolloquium richtet sich an Examenskandidatinnen und –kandidaten, die eine 

Prüfungsarbeit schreiben oder eine mündliche Prüfung vorbereiten wollen. Es bietet eine 

Diskussionsplattform für Themenfindung wie –strukturierung, Recherche-, Schreib- und 

Vortragstechniken, methodische Probleme etc. Das Arbeitsprogramm richtet sich nach 

den Bedürfnissen der Teilnehmer. Teilnahme wird von allen erwartet, die sich bei mir zur 

Prüfung anmelden. 

Um Anmeldung spätestens bis zum 12.4. über Frau Tarabichi (nadda.tarabichi@udkberlin.de) 

wird gebeten. 


Nicole Schwindt-Gross: Musikwissenschaftliches Arbeiten. Hilfsmittel, Techniken, 

Aufgaben, 4 neu bearbeitete und erweiterte Auflage Kassel 1999. 

Umberto Eco, Wie man eine wissenschaftliche Abschlussarbeit schreibt. Doktor-, Diplomund 

Magisterarbeiten in den Geistes- und Sozialwissenschaften, Heidelberg 1988. 



Mi., 12:00 bis 14:00 Uhr, Fa 212 


Das Kolloquium richtet sich an Examenskandidatinnen und –kandidaten, die eine 

Prüfungsarbeit schreiben oder eine mündliche Prüfung vorbereiten wollen. Es bietet eine 

Diskussionsplattform für Themenfindung wie –strukturierung, Recherche-, Schreib- und 

Vortragstechniken, methodische Probleme etc. Das Arbeitsprogramm richtet sich nach 

den Bedürfnissen der Teilnehmer. Teilnahme wird von allen erwartet, die sich bei mir zur 

Prüfung anmelden. 

Um Anmeldung bis spätestens 12.4. unter rotter@udk-berlin.de wird gebeten. 

Kolloquium zu aktuellen Forschungsfragen 


Blockveranstaltung nach Vereinbarung 

Anmeldung über Frau Tarabichi: nadda.tarabichi@udk-berlin.de 

Das Kolloquium bietet allen mit aktuellen Forschungsarbeiten befassten Studierenden die 

Möglichkeit, ihre Projekte zur Diskussion zu stellen, grundlegende methodische Fragen zu 

bearbeiten etc.







bearbeiten etc. 


Prof. Dr. Dörte Schmidt 





bearbeiten etc.

Lehrveranstaltungen im Fach Musikwissenschaft Sommersemester 2013

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