EDITORIALE

4MOSTRE 

ARTA ntis.info 

a cura di Pierpaolo Russo 

ADRIA (BA) 

Giorgio De Chirico 

Il labirinto dell’anima 

Castel del Monte 

Strada Provinciale 234, 17 

Fino al 12 giugno 2011 

BARD (AO) 

Joan Miró 

Poème 

Forte di Bard 

Forte 

17 maggio - 2 novembre 2011 

BOLOGNA 

Wayne Thiebaud 

Wayne Thiebaud at Museo Morandi 

Museo Morandi, Palazzo d’Accursio 

Piazza Maggiore, 6 

Fino al 2 ottobre 2011 

BRESCIA 

Henry Matisse 

La seduzione di Michelangelo 

Museo di Santa Giulia 

Via di Musei, 81B 


COMO 

Boldini 

e la Belle Époque 

Villa Olmo 

Via Simone Cantoni, 1 

Fino al 24 luglio 2011 

FELTRE (BL) 

Tancredi Parmeggiani 

Tancredifeltre 

Galleria d’Arte Moderna Carlo Rizzarda 

Via Paradiso, 8 

9 aprile - 28 agosto 2011 

GENOVA 

Mediterraneo 

Da Courbet a Monet a Matisse 

Palazzo Ducale 

Piazza Giacomo Matteotti, 9 

Fino al 1 maggio 2011 

LECCO 

Alberto Giacometti 

Dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo 

Villa Manzoni, Ex Scuderie 

Via Don Luigi Guanella, 1 


LISSONE 

Dicei anni di Museo a Lissone 

Una collezione che cresce 

Museo d’Arte Contemporanea 

Viale Padania, 6 

Fino al 27 aprile 2011 

MILANO 

Perino&Vele 

Luoghi comuni 

Fondazione Arnaldo Pomodoro 

Via Andrea Solari, 35 

6 aprile - 17 luglio 2011 

| Perino&Vele 

MILANO 

Alberto Savinio 

La commedia dell’arte 

Palazzo Reale 

Piazza del Duomo, 12 


PALERMO 

Andrea Di Marco 

Diario o almanacco per il diletto comune 

Galleria d’Arte Moderna - Ex Convento S. Anna 

Piazza Sant’Anna, 21 


PARMA 

Giorgio De Chirico 

Un maestoso silenzio 

Palazzo Magnani 

Corso Giuseppe Garibaldi, 29 


PORDENONE 

Percorsi tra le Biennali 1948-1968 

Pittura in Friuli e a Venezia 

PARCO-Galleria d’Arte Moderna 

Via Dante Alighieri, 33 


RIVOLI (TO) 

John McCracken 

Retrospettiva 

Castello di Rivoli 

Piazza Mafalda di Savoia 


| John McCracken 

ROMA 

Tamara de Lempicka 

La regina del moderno 

Complesso del Vittoriano 

Via Di San Pietro In Carcere 


ROMA 

Antony Gormley 

Drawing Space 

MACRO-Museo d’Arte Contemporanea 

Via Nizza, Angolo Via Cagliari 


NAPOLI 

Anne e Patrick Poirier 

Il giardino della memoria 

MADRE-Museo d’Arte Donna Regina 

Via Luigi Settembrini, 79 


NAPOLI 

Roberto Coda Zabetta 

Lavori recenti 

PAN Palazzo delle Arti 

Via dei Mille, 60 

ABANO TERME (PD) 

Jorrit Tornquist 

Oltre il colore. Jenseits von farbe 

Fioretto Arte Contemporanea 

Via Pietro d’Abano, 20 


BARI 

Angelo Accardi 

Myday myday 

Spazio Nessundorma 

Via Fiume, 3 


BERGAMO 

Vito Acconci 

Space of the body 

Galleria Fumagalli 

Via Giorgio e Guido Paglia, 28 


BOLOGNA 

Toni Romanelli 

La geometria primitiva cade dal cielo 

Galleria Studio G7 

Via D’Azeglio, 15 

26 marzo - 30 aprile 2011 

BOLOGNA 

Ettore Frani 

Limen 

L’Ariete Arte Contemporanea 

Via Massimo D’Azeglio, 42 


BRESCIA 

Jim Dine 

Opere 

Agnellini Arte Contemporanea 

Via Arnaldo Soldini, 6A 

Fino al 24 settembre 2011 

| Jim Dine 

CASERTA 

Shozo Shimamoto 

Kamikaze del colore 

Nicola Pedana Arte Contemporanea 

Via Don Bosco, 7 


CORIGLIANO CALABRO (CS) 

Maurizio Cariati/Marco Grassi 

Fisionomia di una bellezza 

Loft Gallery 

Via Margherita, 47 

GENOVA 

Joan Mirò 

Come un giardiniere 

Galleria d’Arte Il Vicolo 

Salita Pollaiuoli, 37R 


LATINA 

Carlo Cane 

Ghiaccio Nove 

Romberg Arte Contemporanea 

Viale Le Corbusier 

9 - 29 aprile 2011 

MILANO 

Andrea Francolino 

Spamming 

Fabbrica Eos 

Piazza Baiamonti, 2 


| Andrea Francolino 

MILANO 

Collettiva Artantis 

Artisti italiani 

Galleria Laboratorio Sperimentale Arti Visive 

Via Plinio, 46 


NAPOLI 

Jota Castro 

Memento Mori 

Umberto Di Marino Arte Contemporanea 

Via Alabardieri, 1A 


NAPOLI 

Rosario Iazzetta 

Nothingness 

Franco Riccardo Artivisive 

Piazzetta Nilo, 7 


PALERMO 

Luca Lo Jacono 

Barfly Way 

Galleria X3 

Via Catania, 35 

PORDENONE 

Cinzia Li Volsi 

Personale 

La Roggia 

Via Trieste, 19 

9 aprile - 28 aprile 2011 

ROMA 

Enzo Cucchi 

Quadri politici svizzeri 

Galleria O. 

Via dell’Arancio, 49 


ROMA 

Luca Maria Patella 

Mi raggio 

Galleria Opera Arte e Arti 

Via Di Monteserrato, 21 


| Luca Maria Patella 

ROMA 

Pier Toffoletti 

Donne 

Galleria Tartaglia Arte 

Via XX Settembre, 98CD 


SEREGNO (MI) 

Marcello Morandini 

Opere 

Artesilva 

Via San Rocco, 64/66 


IN GALLERIA 


5 

| Tancredi Parmeggiani 

2 - 25 aprile 2011 


Fino al 27 marzo 2011 

| Marcello Morandini 

FIRENZE 

Picasso, Mirò, Dalì 

Giovani e arrabbiati. La nascita della modernità 

Palazzo Strozzi 

Via Fondazione Magnani Rocca, 4 

TRAVERSETOLO (PR) 

Antonio Ligabue 

Genio e follia 

Fondazione Magnani Rocca 

Via Alessandro Turco, 63 

FANO (PG) 

Lorenzo Terreni 

Opere 

Art Gallery S. Teresa 

Corso Matteotti, 43 

PESCARA 

Mario Airò 

Annotazioni 

Vistamare 

Largo dei Frentani, 13 

TORINO 

Fatma Bucak 

Figlia dell’uomo 

Galleria Alberto Peola 

Contrà Porta Santa Croce, 14 


| Andrea Di Marco 


27 marzo - 6 aprile 2011 


Fino al 30 aprile 2011

DA VEDERE 


6 

Feltre 

Galleria d’Arte Moderna Carlo Rizzarda 

TANCREDI FELTRE 

Una grande e attesa antologica 

dedicata all’artista Tancredi Parmeggiani 

a cura della Redazione 

Un disperato entusiasmo per la pittura e le immagini: torna 

Tancredi, forse il più eclettico e straordinario pittore italiano 

degli anni Cinquanta e Sessanta, con una vita e una vicenda 

professionale unica, che già all’epoca lo contraddistinsero 

come il genio e l’enfant prodige della nuova pittura 

italiana. È a Tancredi, artista noto ai grandi musei e agli 

addetti ai lavori, che Feltre - sua città natale - dedica una 

nuova e significativa mostra: una grande manifestazione 

che restituisce con un occhio contemporaneo tutte le vicende 

e le sperimentazioni del suo percorso creativo, dallo 

Spazialismo informale con le sue note Primavere, ai fatidici 

e ricchissimi anni Sessanta, con la straordinaria invenzione di 

nuovi dipinti e dei personaggi delle sue Facezie. Ne emerge 

una figura eccezionale, immediatamente riconosciuta dai 

grandi collezionisti e galleristi italiani, ma anche da Peggy 

Guggenheim e dai grandi musei stranieri. Con un innovativo 

taglio di indagine, la mostra restituisce la sua straordinaria 

vicenda, in cui biografia e pittura si intrecciano in un percorso 

che appare tanto più attuale quanto più è visto con gli 

occhi dell’oggi. La mostra, curata da Luca Massimo Barbero 

è promossa dal Comune di Feltre, sostenuta dalla Regione 

del Veneto, dalla Provincia di Belluno e dalla Fondazione 

Cariverona, e si avvale di un importante comitato scientifico 

composto da Gabriella Belli, Pier Giovanni Castagnoli, Maria 

Vittoria Marini Clarelli. Con oltre 150 opere, la mostra è articolata 

in diverse sezioni che dialogano felicemente con gli 

spazi e le opere del museo in un continuo rimando di assonanze 

e correspondances. Si inizia infatti con La figura come 

mondo della biografia che restituisce, con un’ampia selezione 

di opere prevalentemente su carta e di piccole dimensioni, 

un’immagine intima del vissuto dell’artista attraverso i 

volti dei “compagni di strada e d’avventura” e una serie di 

autoritratti; Il pensiero concreto del dipingere con rare prove 

giovanili nello stile definito “concreto neoplastico” e le 

prime sperimentazioni su carta del 1950-1951, in dialogo con 

una ricca selezione di documentazione. Primavera riunisce 

una selezione importante di dipinti dallo stesso titolo, la ricerca 

svolta nei primi anni ’50 e le opere su carta che segnano 

l’incontro cruciale con la collezionista Peggy Guggenheim: 

Senza titolo (Cliclo dei “Diari paesani”) 1961 

Collezione Beatrice Monti della Corte 

con la mecenate americana Tancredi instaura un rapporto 

di particolare sintonia, che lo porta ad essere un suo protégé 

tanto da essere l’unico artista ad avere uno studio a 

Palazzo Venier dei Leoni, mentre lei diffonde le sue opere 

presso i grandi musei e collezionisti americani. Questo significativo 

legame è presentato in mostra grazie allo straordinario 

nucleo di lavori provenienti dalla sua collezione, che apre 

L’avventura internazionale: Tancredi con Carlo Cardazzo e 

Peggy Guggenheim, sezione che propone l’opera matura 

e include alcune dei principali lavori dello spazialismo tancrediano 

e altre prove altissime del suo esercizio multiforme. 

L’Europa e il mondo comprende i nuovi dipinti dal 1955, 

anno dell’invito alla mostra Tendances Actuelles di Berna, 

al 1959, con la serie di opere intitolate “A proposito di Venezia”; 

qui, in dialogo con il percorso di Tancredi, sono inoltre 

presenti opere di artisti italiani e stranieri che nello stesso 

periodo esposero con: Mario Deluigi, Lucio Fontana, Hans 

Hartung, Georges Mathieu, Mark Tobey, Wols, Jean-Paul Riopelle. 

“Degli scherzi accorati … con tanto di ridicolo” raggruppa 

le prove artistiche delle ‘facezie’ ed alcuni dei dipinti 

sino al 1961; “Dipinti da me e da altri” riunisce alcune delle 

grandi tele dipinte sino alla svolta del 1962/63 come i “Diari 

paesani” e i “Fiori dipinti da me e da altri al 101%”. Infine “Io 

non so scrivere, forse riuscirò a dipingere quello che sento” 

propone le piccole prove su carta di altissima figurazione 

eseguite negli ultimi anni dell’avventurosa biografia dell’autore 

conclusasi tra Milano e Roma. La mostra è corredata 

da una ricca monografia, sempre curata da Luca Massimo 

Barbero, edita da Silvana Editoriale. 

9 aprile - 28 agosto 2011 

Galleria d’Arte Moderna “Carlo Rizzarda” 

Via Paradiso, 8 - 32032 Feltre (BL) 

musei.comune.feltre.bl.it/GalleriaRizzarda/ 

Capita spesso di incontrare foto-libri in cui gli autori prendono il 

loro diario, le loro esperienze di vita e, cambiando qualche nome 

qua e là, confezionano un para-romanzo. Ma questo appare comunque 

per quel che è: un sommario di una vita, che può anche 

far scattare l’indifferenza nel lettore di fronte a fatti assolutamente 

personali. Talvolta gli autori rendono queste loro opere gradevoli, 

riuscendo ad estrarre dal privato quanto c’è di universale, 

quel che è un valore per loro viene convertito in qualcosa che 

solletica le menti dei lettori ignari di quanto sta dietro e all’interno 

di certe esperienze. In altri casi a salvare il foto/racconto vi è una 

grande capacità di texte/image e l’effetto disinteresse è disinnescato 

dalla gradevolezza della lettura, ma in ultima analisi resta 

solo ed unicamente una prova d’autore. In questo “Riverberi” (di 

Giuliana Laportella e Gabriele Perretta) il mestiere dello scrittore 

e quello della fotografa riescono invece a raccontare la loro vita 

(anzi il loro giro di vite) attraverso meta-narrazioni e immagini assolutamente 

particolari, spesso inconfessate, ponendole su di un 

piano di universalità che riesce ad avvincere il lettore; dalla loro 

parte essi hanno una grande capacità descrittiva ed un senso 

- oserei dire innato - del bildungroman, ma è l’analisi costante, 

spasmodica, degli avvenimenti, delle sensazioni e visioni a far 

leggere i tormenti di epoche ed esistenze in filigrana di una vita 

irrequieta. Il foto-fonema Riverberi, perché tale è, non è strutturato, 

come solitamente accade, per periodi, scanditi dal susseguirsi 

degli anni, bensì attraverso le figure chiave delle tranche 

de vie: gli analisti, gli uomini, le donne, i paesaggi , la dimensione 

urbana/politica e così via. Attraverso le personali esperienze dei 

due autori che si incontrano tra parola ed immagine (in b/n) si 

profilano, apertamente, i cambiamenti sociali e culturali che si 

sono succeduti mentre la loro stessa vita procede come un’isotopia 

timica. Tramite il sistema dei frammenti letterari caratterizzati 

da ciò che ha influenzato la vita dello scrittore e della fotografa, 

anziché - come dicevo sopra - lo srotolarsi degli anni, vediamo 

certi fatti e certi angeli-individui ritornare in più capitoli; visti da un 

differente punto di vista, si crea così una trama assai fitta, densa 

di particolari, la quale, però, percepita nel suo insieme, mostra al 

lettore i cambiamenti della società, vissuti, e in certo qual modo 

anche causati, da una esistenza. La lettura è piacevolissima ed 

interessante, anche perché foto e cronaca non difettano certo di 

ironia e sarcasmo, cosa che spesso svanisce quando degli autori 

raccontano sé stessi, e l’analisi che fanno dei loro comportamenti 

e delle loro scelte. In realtà l’effetto album di ricordi è scongiurato, 

dall’imponenza etica del libro, dal suo ampio respiro, dalla 

sua capacità di catturare il lettore in una galleria di personaggi e 

di accadimenti che è la trama stessa degli ultimi cinquant’anni! 

“Mettere a confronto fotografia e produzione letteraria può sembrare 

un esercizio quasi scontato, dal momento che si tratta di 

due arti strettamente legate tra loro. Un brano letterario rimane 

pur sempre un insieme di fotografie che, proiettate nel tempo, 

producono nell’occhio del lettore l’illusione del movimento. Ciò 

nonostante “Riverberi”, partendo da alcune considerazioni teoriche 

del cammino nel mondo (anche attraverso la fotografia), è 

forse il primo esperimento atipico sul complesso e articolato rapporto 

che si instaura tra foto, fotogramma e parola raccontata, 

nonché - più in generale - sull’interferenza tra immagine fissa e 

immagine-letteraria. Dagli esperimenti d’avanguardia composti 

unicamente di istantanee, dal fermo immagine che si innesta allo 

slancio parlato, dalla foto di scena (tradotta) alla rappresentazione 

di un frammento di letteratura dell’esistente, questo Riverberi, 

secondo tomo della Trilogia del grigio, tenta di mettere sinteticamente 

a fuoco i nodi teorici, estetici e iconografici di un’affascinante 

e infinita relazione che ha inizio prima ancora della 

tensione concettuale con altri media. Ma “Riverberi” è anche un 

testo ricco di approfondimenti su artisti quasi dimenticati come 

Tancredi Parmeggiani, Celan, Ingeborg Bachmann e molti altri.” 

Infatti attraverso un viaggio fisico negli ingranaggi dell’universo 

artistico del segno/sognato di Tancredi, Perretta propone non un 

saggio filosofico sulla vita dell’artista (“le suicidé de la societé”) 

ma un’ipotesi di lavoro nella ricerca della libertà della sua pittura 

e della sua poetica. Due eventi sembrano aver caratterizzato la 

storia di Tancredi che Perretta tenta di sottolineare (e Laportella, 

testimoniare/tradurre tramite una fotografia parallela): l’invenzione 

del segno/aspirato e l’elaborazione delle immagini tecniche 

che attraverso la nostra epoca si fanno “stato nervoso astratto”. 

Nel segno dei 

Riverberi 

Esce Riverberi 

secondo tomo della Trilogia del grigio 

di Gabriele Perretta e Giuliana Laportella 

con un racconto dedicato alla vita ed alla storia 

di Tancredi Parmeggiani 

per l’editrice romana Onyx 

di Judith Escobar 

Da qui Perretta, con il suo breve racconto su Tancredi, parte, proponendo 

ipotesi e concetti per spronare percezioni cromatiche 

intime, fare pensiero e spirito ontologico su di una vita artistica 

e sulla fotografia che ne insegue la quintessenza ricercata/incorporea 

del grigio. Come una macchina da presa congela un 

evento in singoli scatti rapidissimi, la cui sequenza ne restituisce il 

movimento, così Perretta si sofferma su ciascun dato biografico 

della vita di Tancredi e insieme alle foto di Laportella che tenta 

di estraniarsi dal nero di fondo e dalla texture transitiva del grigio 

ricostruisce l’altro universo della visione e dell’esperienza. Primo 

fotogramma della sequenza narrativa di Tancredi è l’immaginazione 

stessa che affonda nella materia, la capacità dell’artista di 

astrarre significati spazio-temporali dall’universo reale e portarli in 

superfici significanti, insomma in un koan bidimensionale infinito. 

Essa è un ponte magico sospeso tra codifica e decodifica di fenomeni 

e figure. L’immaginazione pittorica e la vita di Tancredi 

“denota” e “connota” il fenomeno ontologico dell’arte stessa, 

lo congela oltre l’immagine e contemporaneamente lo arricchisce 

di interpretazioni, punti di vista: abbatte perciò la linearità del 

tempo storico, in cui esiste una successione profana degli eventi 

e una correlazione definita tra causa ed effetto, e circoscrive un 

tempo rotante, il tempo del sortilegio esistenziale, in cui il “prima” 

e il “poi” ritornano nella durata e nello spazio e aggiungono significati 

a significati. All’inizio della storia umana di Tancredi le nonimmagini 

per Perretta sono mappe che permettono all’uomo 

di muoversi ed entrare in contatto con il mondo, poi diventano 

schermi interiori: alterano, mascherano la realtà, finiscono per essere 

oggetto di venerazione. Ed è proprio in opposizione all’idolatria 

delle immagini che si sviluppa il pensiero concettuale della 

pittura di Tancredi, il testo, la sua storia ermetica che astrae solo il 

necessario. Eppure, nel perenne movimento oscillatorio-alternato 

della storia umana del pittore di Feltre, anche i testi e le icone 

finiscono con il diventare il solo punto di riferimento per comprendere 

la realtà. Un libro molto singolare, e un testo su Tancredi talvolta 

crudo, perfettamente costruito (ottimamente tradotto dalle 

foto di Giuliana Laportella) che diventa un frammento sirmico, 

mentale ed umano di una vita in rapporto alla nostra epoca. In 

conclusione, un esempio maturo per chi vuole affrontare la via 

della scrittura e della fotografia, sia per come è fatto il libro, sia 

perché dà modo di seguire passo dopo passo l’andatura di quelle 

che possono essere considerate le più stimolanti voci artistiche 

italiane contemporanee. 

Gabriele Perretta 

Giuliana Laportella 

Riverberi 

Onyx Editrice, Roma 

Euro 30,00 

A PROPOSITO 


7

Sul ciclo Mediamorfosi 

a SudLab Napoli 

VISTE 

di Nathalie Celen 

Gianfranco Pulitano 

Vedova Mazzei 

Fabrice De Nola 

Piero Gatto 


12 

Né apocalittici né integrati, ma attenti a distinguere il vantaggio 

dallo svantaggio, coscienti della complessità: così si potrebbe 

sintetizzare la posizione di quest’ultimo ciclo di mostre di Gabriele 

Perretta a SudLab, denominato Mediamorfosi 2.0, sui 

problemi dell’arte e della società della comunicazione. Tra l’altro 

grazie a questo ciclo espositivo Perretta salutando le sorti 

della nuova cultura meridionale ha inaugurato un nuovo complesso 

galleristico definito SUDLAB e situato nel secondo Viale 

Melina della città di Portici, nei pressi della strada panoramica 

del Miglio d’Oro, inerpicata alle falde del suggestivo sterminator 

Vesevo. Sulla scorta degli artisti più attenti della contemporaneità, 

Perretta analizza la profonda trasformazione della nostra 

visione del mondo ad opera dei media. La categoria 

centrale per comprendere il mondo attuale è quella di immagine. 

Esiste più una realtà al di fuori dell’immagine? Essa è una 

parte del mondo o è il mondo stesso? Dunque, quanto influisce 

questa effettualità dei sistemi complessi sulla nostra vita e sulla 

nostra percezione? Se facciamo esperienza del mondo attraverso 

l’immagine, tutto diventa spettacolo, anche un disastro o 

una guerra. “Noi formiamo il nostro mondo sulla base delle immagini 

del mondo: imitazione invertita”, scrive Perretta. E, bisogna 

notare, quello che accade con i reality show. La loro pretesa 

di essere realtà è naturalmente infondata, poiché la 

presenza di una telecamera trasforma tutto in rappresentazione; 

ma i telespettatori prendono ciò che vedono sullo schermo 

come un paradigma sul quale modellare la loro stessa vita quotidiana. 

Accade così che la vita stessa diventa irreale, si fa rappresentazione. 

Una notizia corretta è quella che dà una versione 

imparziale dei fatti. Ma è ancora possibile parlare di fatti, se 

il mondo diventa immagine e spettacolo? Giornali, televisioni, 

reti informatiche per Perretta formano un sistema autoreferenziale 

che non rappresenta la realtà secondo criteri di fedeltà 

ed adesione al vero, ma la ricrea. Se a ciò si aggiunge che i 

grandi media sono nelle mani del potere politico ed economico, 

ci si rende conto facilmente delle difficoltà di un’informazione 

non manipolativa. Il medialismo - afferma Perretta da più di 

trent’anni - sembra esprimere una strategia duplice, quella che 

allo stesso tempo moltiplica le forme mediali e documenta tutte 

le tracce e i passaggi di intercessione dei media. E’ questa la 

triplice logica del medialismo come teoria e pratica: combinare 

la trasparenza estetica, l’etica degli strumenti e l’opacità dei 

vari territori mediali. I media e la medialità, che Perretta lega, 

con la dissoluzione dell’autore, nelle pratiche stesse della rete, 

grazie a Mediamorfosi è riaffermata nella sua valenza di imprescindibile 

forma di intervento etico, ma anche ripresa alla luce 

della temporalità relazionistica dell’arte interattiva e dell’experience 

designer. Insomma società dello spettacolo, civiltà 

SudLab 

veduta di alcune sale 

Nello Teodori 

Jeffrey Isaac 

Christian Rainer 

Elle Burchill 

Giuliana Laportella 

Anita Fontaine 

Carl Skelton 

Rita Casdia 

dell’immagine totale: è chiaro che la cultura che riceviamo è 

una cultura essenzialmente audiovisiva e web. Di contro, la 

cultura attraverso la quale continuiamo ad esprimerci non è 

più solo una cultura verbale ma web(r)ale! Nell’evoluzione del 

‘900 verso il nuovo millennio paghiamo ancora lo scotto di una 

scarsa dimestichezza con i nuovi linguaggi e con i loro eventuali 

sincretismi. È evidente, dunque, il bisogno di un’etica della 

medialità, che Perretta vede fondata da tre postulati della pratica 

artistica: libertà, critica e reciprocità. C’è comunicazione 

reale quando artisti liberi cercano la critica rispettandosi reciprocamente 

come fini. In particolare Perretta si sofferma sull’importanza 

della critica. Senza critica non è possibile alcun intervento 

mediale. Se intendiamo il medialismo non solo come 

corrispondenza tra l’affermazione e la cosa, ma anche come 

corrispondenza tra ciò che io dico e ciò che sono, appare evidente 

che le virtù etiche non sono possibili senza le virtù aletiche. 

È il caso di notare che, stando così le cose, il postulato 

della reciprocità diventa indispensabile per la critica stessa. Per 

Perretta la reciprocità è scritta nella natura stessa dell’uomo, 

nel suo essere-in-relazione, e la comunicazione è l’attività che 

consente l’espressione più piena della realtà personale. Da 

questo semplice postulato è possibile trarre conclusioni che 

possono sovvertire anche linguisticamente il nostro modo di 

considerare la comunicazione. Se c’è comunicazione quando 

c’è reciprocità, allora ovunque manchi la reciprocità la comunicazione 

è assente. Pochi hanno analizzato il nesso tra comunicazione 

e reciprocità con la consequenzialità di Gabriele 

Perretta. La sua conclusione è che c’è comunicazione quando 

è possibile il feedback, quando c’è un dire ed ascoltare; quando 

questo scambio bidirezionale non c’è, bisogna parlare di 

semplice trasmissione. La distinzione tra trasmettere e comunicare 

teorizzata da Perretta può rappresentare uno strumento 

importante per una analisi critica del mass-media, ma anche 

per una pratica ed un uso politico degli strumenti estetici del 

comunicare. Non si tratta dunque di condannare i mass-media, 

ma di chiedersi in che modo e tramite una pratica artistica 

diffusa è possibile diminuire l’aspetto trasmissivo ed aumentare 

quello comunicativo dell’arte e del medialismo stesso. Da questo 

punto di vista infatti i new-media sono di grande interesse! 

Soffermandosi sulle opportunità offerte in particolare dal Web e 

dalla Netart, Perretta supera quel che di apocalittico era 

nell’analisi della contemporaneità artistica in rapporto ai media. 

La comunicazione in rete non ha un carattere unidireziona- 

Karin Andersen 

Paolo Cirio 

le. Soprattutto con il Web 2.0, l’utente di Internet ha la facoltà 

di discutere i contenuti, o di crearne di propri; per la prima volta, 

chiunque ha la possibilità di immettere informazioni in un 

circuito mondiale ad un costo minimo. Con i blog nasce un arte 

diffusa, dal basso, che si distingue per il carattere dialogico, per 

il fatto di essere inserita in una rete di scambio, di commenti, di 

confronto. È nella rete che nasce quel movimento per il codice 

mediale open source che sta condizionando l’intero mondo 

dell’arte e il diritto di riprodurre e distribuire un’opera. Lentamente 

si sta facendo strada in chi opera nel campo dell’arte la 

consapevolezza dell’importanza di diffondere la mediazione, 

distaccarsi momentaneamente dalla realtà superficiale per 

entrare in un contatto intenso con sé e l’altro. Detto ciò pare di 

capire che il ciclo di Mediamorfosi affronta un tema artistico di 

grande attualità: la comparazione tra i modi di agire i linguaggi 

mediali provenienti dalle culture della parola e quelli provenienti 

dall’implementazione dell’audiovisivo. Senza pretendere 

di proporre regole univoche e indiscutibili artisti come Anonima 

di-chi-sì-lu-son, P. Andre, S. Brakhage, G. Debord, Godard, Gorillaz, 

W. Klein, A. Maben, P. Campus, C. Marker, A. Warhol, K. 

Andersen, D. Bloom, M. Cremonesi, F. De Nola, J. Isaac, G. Laportella, 

C. Rainer, Accetta, Adamski, Brogna Sonnino, E. Burchill, 

R. Casdia, Cast, D. Cignini, G. Di Matteo, A. Fontaine, C. 

Fürtler, R. Garet, P. Gatto, T. Geraghty, R. Salvatore Harmon, F. 

Hassan, A. Hosseini, R. Iazzetta, C. Irijalba, L. Lopez, M. Maetamm, 

M. Manetas, A. Matarazzo, Vedova Mazzei, A. Mazzoni, 

G.P. Mutoid, H. Nicolaus, A. Nippoldt, D. Ogbourne, F. Passarella, 

G. Piscitelli, F. Silvestro, C. Skelton, N. Teodori, L.Tregua, 

Az.Namusn.Art, M. Cartaginese, P. Cirio, gr.gr., S. Hell, F. Melosu, 

D. Ogbourne, OPLA+, Porka’s p.proj, G. Pulitano, C. Castellano, 

all’interno della nuova dimensione mediale e neo-mediale forniscono 

indicazioni di metodo sperimentale, a partire da confronti 

empirici ed immediatamente verificabili o vedibili … Anche 

se orientata a fornire un itinerario artistico del tutto libero 

questo ciclo di mostre rimane rivolto a tutti coloro che si interrogano 

sul terreno complesso dell’antagonismo tra estetica ed 

etica dell’immagine mediale: come struttura di discorso, come 

strategia di significazione e seduzione e come modello di cultura 

in movimento. 

SudLab 

II Viale Melina, 4/6 - 80055 Portici (NA) 

www.sudlab.com 


13

G i b e l l i n a 

LUOGHI 

sicilia 

Fondazione Orestiadi 

Gli atelier d’arte 

di Enzo Fiammetta * 

Fondazione Orestiadi di Gibellina 

Il Baglio di Stefano e, a destra, il granaio, 

sede della Collezione d’Arte Contemporanea 

Corrado Cagli 

Impronta II, 1965 

tecnica mista su carta, cm 72x50 

Piero Dorazio 

Ancienne Menee, 1957 

olio su tela, cm 161x130 


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Nel progetto di ricostruzione di Gibellina, distrutta dal terremoto 

(1968) assieme ad altre città del Belice, l’arte, come 

noto, ha avuto una importante centralità. Passati gli anni 

del miracolo economico, con una questione meridionale 

perennemente irrisolta, con gli echi delle rivolte studentesche, 

gli artisti raggiungevano il Belice e qui operavano, 

con l’idea che qui “lo stato dell’arte” potesse ridefinirsi. 

Dove l’urbanistica, nei piani di ricostruzione, mostrava chiari 

segni di un anacronistico neo-razionalismo, i processi creativi 

di tanti artisti indicavano direzioni nuove, attraverso la 

pratica degli atelier, della sperimentazione, dell’azzardo, 

del fare, delle botteghe aperte con gli artigiani del luogo 

e con il coinvolgimento della gente. Negli stessi anni, in cui 

Argan (1980) scriveva di … una globalizzante accelerazione 

del consumo, che spinge l’opera verso quella linea di 

confine di una ipotetica morte dell’arte e naturale negazione 

della sua funzione progettuale … Pietro Consagra, a 

Gibellina, sperimenta la sua “città frontale”, contribuendo 

alla definizione del tessuto urbano con gli edifici del “Meeting”, 

del teatro e l’ingresso alla città “La Porta del Belice”. 

Ma è il concetto di “arte totale” che lo porta a progettare: 

il “Carro di San Rocco”, le luminarie, i modelli per i ricami, 

le ceramiche, gli elementi di seduta per arrivare al disegno 

delle maniglie del Meeting e dei gioielli. Nella stessa direzione 

operano Arnaldo Pomodoro, Enzo Cucchi, Mimmo 

Paladino, con le loro scene spettacolari per le Orestiadi, Alighiero 

Boetti che realizza il suo “prisente” con la cooperativa 

di ricamatrici di Gibellina, Carla Accardi con i pannelli 

in ceramica per la piazza del Municipio, Nanda Vigo con 

le sue architetture di “riporto”. L’arte - scriveva Consagra - 

afferma a Gibellina il diritto di fantasticare. Io che sono di 

quelle parti dovevo accorrere prima di ogni altro artista e 

così ho fatto. Schifano, Angeli, Scialoja, Turcato, colgono il 

senso del luogo, durante la loro permanenza a Gibellina, realizzando 

le loro opere con i bambini e la gente della città, 

tenendo i loro atelier negli spazi delle scuole, tra il 1984 e il 

1986. Altri arrivano per cogliere il senso di un progetto, unico 

e irripetibile nella storia dell’arte contemporanea per tutti, 

Joseph Beyus, che visita la città in fase di ricostruzione quasi 

per ritrovare le matrici della sua arte, che riconduce l’uomo 

in un rapporto primordiale con la natura e le espressioni della 

sua cultura materiale. L’arte viene chiamata a dare forma 

alla nuova città. Gli artisti ad attraversare i “labirinti del 

tempo e dello spazio“, di cui spesso conoscono gli anfratti, 

per indicare nuovi terreni da percorrere. L’opera paradigmatica 

di questo è il grande “Cretto” di Alberto Burri. 

Alighiero e Boetti 

Quattro quadretti, 1972 

cotone su tela, cm 25x25x4 

Richard Long a Gibellina 2009 

Sul fondo la “Porta del Belice” di Pietro Consagra 

Alberto Burri 

Il Cretto a Gibellina vecchia 

Toti Scialoja 

Gibellina grigio, 1982 

vinilico su canapa, cm 142x301 

Labirinto di vicoli che ricalcano quelli della città distrutta. 

Struggente sudario sulle rovine. “La luce al tramonto tagliava 

ombre dure sui gradini della cavea del teatro greco di 

Segesta” questo confidava il grande maestro a Ludovico 

Corrao. Era da lì che nasceva il suo Cretto. Sull’onda lunga 

di tutto questo, tra i templi di Segesta e il Cretto di Burri, la 

pratica degli atelier d’arte, continua ancora oggi, negli ultimi 

anni: Ugo La Pietra, Salvatore Cuschera, Lucia Lamberti, 

Michele Cossyro, Croce Taravella, Susan Kleinberg, Elisa Nicolaci, 

Kazumi Kurihara, Kabir Chandan, hanno dato vita ai 

loro laboratori a Gibellina. Le presenze nel corso dell’anno 

degli artisti vengono concordate con Achille Bonito Oliva, 

consulente per le arti visive della Fondazione Orestiadi, che 

così scrive degli atelier: “… L’attività culturale della Fondazione 

“Orestiadi” di Gibellina non si risolve soltanto nella 

produzione di mostre e di eventi teatrali o musicali. Essa si 

fonda e fonda la propria strategia sullo sconfinamento e lo 

scambio, la conferma di una attitudine socratica che trova 

il proprio valore nel dialogo.” “Ateliers” risponde a un progetto 

di sensibilizzazione territoriale sull’intera geografia mediterranea, 

con la possibilità di soggiorno creativo per artisti 

di diversi paesi a Gibellina, Tunisi o in altri luoghi gestiti dalle 

“Orestiadi”. Si vuole con questo progetto portare a contatto 

direttamente l’artista con i giovani del posto, mettere al 

centro il processo creativo che questi sviluppa durante un 

soggiorno testimoniato alla fine da opere che sicuramente 

a sinistra, dall’alto 


Il cortile del Baglio e la 

Montagna di Sale di Mimmo Paladino 

Mario Schifano 

Blu scuro, 1984 

acrilici su tela, cm 50x60 

a destra 

Mario Schifano a Gibellina 1984 

sono intrise anche da una sorta di spirito del luogo …” Il Museo 

delle Trame Mediterranee della Fondazione Orestiadi, 

che accoglie le opere generosamente donate dagli artisti, 

ritrova in questa “nuova progettualità” gli elementi che 

confermano la ricerca degli ultimi anni, che parte dal recupero 

del “fare”, dall’abbattimento delle storiche gerarchie 

tra le arti, dal riconoscimento dei tanti modi di intenderla, 

senza barriere geografiche o ideologiche. Paradigmatica 

è l’opera che Richard Long ha recentemente installato, durante 

la sua permanenza a Gibellina, negli spazi esterni del 

Baglio Di Stefano, il “Circle of Life”, magica rosa dei venti, 

l’asse della terra (nord-sud) e l’asse del sole (est-ovest) 

tracciate con pietre di Custonaci. “… Ecco un modo di far 

parlare una lingua universale ad una arte contemporanea 

che, attraverso il processo creativo, trova la possibilità di sviluppare 

nuove lunghezze d’onda di conoscenza ed una ulteriore 

speranza per le ultime fasce generazionali di giovani 

aperti all’arte, che sembra rappresentare l’unica apertura 

sul futuro.” (ABO) 

* Direttore del Museo delle Trame Mediterranee 


Baglio di Stefano - 90124 Gibellina (TP) 

www.orestiadi.it 


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MUSEUM 

Museum ed Ezio Pagano Ezio Pagano e Museum 

un binomio inscindibile nella realtà artistica contemporanea 

LUOGHI 

sicilia 

di Anna Maria Ruta 

Museum 

Ph Sandro Scalia 

Nino Franchina 

Ventaglio per ferragosto, 1985 

bronzo, cm 43x22x7,5 

Pietro Consagra 

Bifrontale, 1995 

bronzo, cm 45x27,7x7,7 


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Il museo è il tempio delle Muse, il luogo delle Arti, del Bello, 

un luogo sacro, deputato in passato solo alla conservazione 

e alla protezione delle opere d’arte, oggi sede di fruizione 

culturale in un’accezione molto più ampia, perfino nel tempo: 

conserva anche l’arte contemporanea, facendone oggetto 

di culto e di studio approfondito. Il Museum di Bagheria, 

centro di poesia, come la definiva Marinetti negli anni 

‘30, e d’arte tout court, come può dirsi oggi, è uno di questi 

luoghi sacri, che fa anche riflettere sulla stessa città che lo 

ospita, una città che non smette di sorprendere per le vivaci 

intelligenze e straordinarie personalità creative, note in 

Italia e nel mondo, che ha generato nel tempo. Ezio Pagano 

è una di queste per l’opera di risveglio e di rinnovamento 

culturale portata avanti attraverso l’instancabile azione di 

scoperta e di messa in luce di tanti artisti, che ha proposto 

all’attenzione critica e pubblica negli anni, nelle varie situazioni 

espositive delle sue gallerie e per la carica culturale 

emozionale e quindi concreta istillata nella sua città, fin dalla 

sua prima giovinezza, da quando ancora in calzoncini 

corti ha cominciato a frequentare Ignazio Buttitta, Renato 

Guttuso, Ferdinando Scianna, Peppuccio Tornatore. Con 

loro parlava, si confrontava, imparava, mentre il suo DNA lo 

spingeva all’azione, al fare. Così, tra il 1965 e il ’66, inaugura, 

ricavandola da un’antica casa bagherese, la Galleria 

dell’Alcova, titolo suggeritogli da Ignazio Buttitta, mentre il 

logo viene ideato dall’allora giovane pittore Raffaello Piraino. 

Non è soddisfatto e inventa una seconda galleria, Centro 

Uno delle Arti, nell’angolo di un negozio di cornici, che 

vende anche quadri e riproduzioni. Ma non c’è due senza 

tre, si dice, e sempre negli anni ’60 ne apre una terza di galleria, 

più importante, Il Nibbio, nel quartiere nuovo della Città, 

inaugurata da Renato Guttuso, dal Sindaco e da don 

Armando Trigona della Floresta. Bisogna aspettare poi i primi 

anni ’80, perché un’altra galleria, Il Poliedro, divenuta 

presto Galleria Ezio Pagano, consolidi Ezio nel territorio palermitano 

e oltre come uno dei punti di riferimento per la 

conoscenza dell’arte contemporanea. Questa storia oggi è 

più leggibile, per la capillare opera di ricerca e pulitura di 

carte accumulate negli anni e recentemente venute alla 

luce, che consentono di ricostruire con maggiore precisione 

e con documenti d’epoca l’articolata storia del suo lavoro 

galleristico. Pagano non si ferma lì e fa costruire un edificio 

in cui crea la sua nuova casa e in cui, con una 

articolata gestazione che dall’ideazione del 1990 arriva alla 

realizzazione solo nel 1997, organizza una struttura museale 

propria, Museum. Osservatorio per l’Arte contemporanea in 

Sicilia, che diventa subito un polo d’attrazione, noto in tutta 

l’Italia e all’estero e in cui Pagano convoglia tutto il materiale 

raccolto, artistico e documentario, da far fruire ad un 

pubblico attento, da fare utilizzare alle giovani generazioni 

in vena di studio e da lasciare ai posteri a testimonianza 

dell’importante patrimonio artistico accumulatosi nell’isola 

anche e soprattutto nel recente passato: senza l’assillo di 

delineare per forza lo stereotipo di un’identità artistica isolana, 

ma nella volontà di documentare soprattutto la quantità 

stragrande di nomi e di esperienze che l’isola ha generato 

e continua a generare, capaci di confrontarsi, senza 

sfigurare, con le più note realtà nazionali e internazionali. 

Che poi da questo possa venir fuori un profilo identitario 

dell’arte isolana è un’ulteriore conquista non da poco. La 

Sicilia è terra di attraversamenti e di passaggi al centro del 

Mediterraneo, - dice Pagano - vittima di varie colonizzazioni, 

da cui tuttavia è derivato anche qualcosa di positivo, nel 

flusso e riflusso di merci e di intelligenze, di bene economico 

e di spirito creativo: le varie sovrapposizioni culturali che vi si 

sono stratificate, hanno favorito il nascere di idee e di opere 

d’arte, infiammate dalla luce e dai colori dell’isola, hanno 

consentito l’avanzata di letterati e di artisti, tutti di notevole 

spessore, ma nell’assenza di gruppi intellettuali capaci di 

svolgere la funzione di forza centripeta, di polo di rinnovamento, 

molti giovani artisti, per affermarsi, sono stati costretti 

ad emigrare e a cercare altrove, in centri economica- 

Fausto Pirandello 

Bagnanti, 1962 

pastello a cera e tempera su carta, cm 22x28 

Antonio Sanfilippo 

Senza titolo, 1951 

tempera su carta, cm 35x50 

mente solidi, puntelli e strumenti idonei alla propria notorietà. 

Il lavoro di Pagano allora è volto a scandagliare e archiviare 

tutte le personalità di artisti che la sua terra ha generato 

nel contemporaneo, anche le più nascoste, anche quelle 

che non operano più qui, ma nel mondo, gli artisti emigrati, 

e la sua attenzione è volta perfino a quelli che, stranieri, si 

fermano a creare nell’isola. Museum è allora il nodo di una 

rete, in cui confluiscono esempi e testimonianze delle più 

importanti correnti artistiche dal dopo-guerra ad oggi, unico 

tempio dell’arte contemporanea a Palermo e in Sicilia 

fino a poco tempo fa, nell’assenza di simili realtà museali. 

Oggi ce ne sono tante, anche private, divenute Fondazioni, 

ma non sempre con mostre permanenti: c’è Gibellina, cui 

Ludovico Corrao ha cominciato a pensare dopo il tragico 

terremoto della Valle del Belice, che lo ha fatto incontrare 

con Pagano, che un Museo di tal genere ideava già mentalmente 

dai primissimi anni ’60, e quel particolarissimo, ma 

parziale museo che è la Fiumara d’Arte di Antonio Presti a 

Tusa. A Palermo c’é il Museo Riso, ancora tuttavia non funzionante 

come tale e si attende il Museo Comunale di Arte 

Contemporanea; a Catania ci sono la Fondazione Puglisi- 

Cosentino e la Fondazione Brodbeck, ma non sono, almeno 

non ancora, Musei permanenti, mentre lo è invece quello 

straordinario museo d’arte dal dopoguerra ad oggi che è 

Epicentro, a Gala di Barcellona Pozzo di Gotto, nato nel 

Carla Accardi 

Virgole, 1981 

sicofoil su legno dipinto, cm 160x100 (sette elementi) 

1994, che testimonia un interessante percorso d’arte contemporanea 

attraverso mattonelle di ceramica, create appositamente 

dai più significativi artisti. Ezio Pagano ha organizzato 

oltre un centinaio di mostre in Europa, negli Stati 

Uniti, in Canada, in Australia, Brasile, Argentina, Venezuela, 

in Cina perfino con opere di Pablo Picasso (serie erotica), 

Salvador Dalì, Graham Sutherland, Renato Guttuso, Carla 

Accardi, Valerio Adami, Lorenzo Viani, Emilio Vedova, Titina 

Maselli, Mario Schifano, Tano Festa, Franco Angeli, Fosco 

Maraini, Giuseppe Tornatore, Ferdinando Scianna, Leo Matiz, 

José Morea, Hsiao Chin, con cui ha intessuto rapporti di 

profonda amicizia. Non dimentica gli incontri con Giorgio 

De Chirico al Caffè Greco di Roma, con Primo Conti nella 

sua casa-studio di Fiesole, con Sebastian Matta e Balthus a 

Bagheria, con Franchina e Turcato, con Consagra e con 

Palma Bucarelli, che paragona il suo Museo per la «cura e 

la raffinatezza» al Barnes di Filadelfia. Un rapporto unico ha 

avuto con Renato Guttuso, di cui celebra il settantesimo 

compleanno con la pubblicazione di un libro dedicato al 

periodo giovanile e per cui organizza per la Provincia regionale 

di Palermo, a palazzo Comitini, la storica mostra, Guttuso 

e la Sicilia, e con Sal Scarpitta, con il quale vantava 

un’amicizia straordinaria e forse una lontana parentela, ma 

si gloria di aver conosciuto Bruno Bischofberger che lo viene 

a trovare a Bagheria e Leo Castelli che va ad incontrare a 


17


18 

New York, tra i più grandi galleristi del mondo, rapporti tutti 

che gli hanno consentito di mettere insieme le opere di 

Museum, un percorso che attraversa tutte le maggiori correnti 

dell’arte contemporanea aprendosi con quel Virgole 

(1981) di Carla Accardi, che crea subito, all’ingresso, un 

forte impatto emotivo nel visitatore attento, spingendolo 

ad inoltrarsi con curiosità e rispetto nei meandri di iter che 

da Antonio Sanfilippo e Pietro Consagra passano per Nino 

Franchina e Franco Cannilla, per Piero Guccione, Renato 

Guttuso e Sebastiano Carta, per Pupino Samonà e l’amato 

Sal Scarpitta con la straordinaria Egg walker, per Emilio 

Isgrò e Turi Simeti, ma non mancano maestri come Mimì Lazzaro, 

Pippo Rizzo, Elio Marchegiani, gli anacronisti Piruca e 

Abate, Pino Pinelli, Paolo Scirpa, Filippo Scroppo e i grandi 

fotografi siciliani Giuseppe Tornatore, Ferdinando Scianna 

e il bagherese a metà Fosco Maraini, con quel toccante 

ritratto di Bernard Berenson a villa Palagonia del ’53 e le 

venti fotografie di Frida Kahlo scattate da Leo Matiz. Ma ci 

sono poi quasi tutti i nomi di quelli che hanno fatto l’arte in 

Sicilia negli ultimi decenni e le recenti acquisizioni del Museo 

per donazioni come quella importante dello scultore Augusto 

Perez. Pagano è un uomo sereno, dalla parola fluida e 

puntuale - è stato anche poeta - ed ama raccontare con 

ampiezza di particolari le vicende complesse e articolate 

di una vita varia, mossa, che lo hanno portato ad essere 

quello che è, un gallerista noto nel mondo, un uomo che fa 

cultura, oltre che con l’attività espositiva e museale, anche 

come editore con la collana dei Tascabili dell’Arte, ideata 

nel 1984 come supporto alle mostre da lui allestite, de 

I quaderni dell’Arte e di una serie di video-cataloghi. Ma 

fonda anche nel 1985 l’Associazione Artecontemporanea, 

nell’89 con il sempre compianto Filiberto Menna il movimento 

Pittura-Scrittura-Scultura e nel ’93 con altri bagheresi l’Istituto 

per la promozione del patrimonio culturale di Bagheria, 

dal 2001 al 2004 organizza con Eva di Stefano tre cicli di 

importanti conferenze, che hanno consentito di ascoltare a 

Bagheria la parola di Gillo Dorfles, cui ha fatto conferire la 

cittadinanza onoraria dal Comune per l’impulso dato alla 

cultura della città, di Enrico Crispolti, di Vittorio Fagone, Renato 

Barilli, Emilio Isgrò, Piero Guccione e di altri. Per il futuro 

Pagano vuole potenziare il lavoro che sta svolgendo, un 

lavoro in progress, cui collaborano anche gli studenti, (ha 

stipulato una convenzione sia con la Scuola di specializzazione 

in Arte Contemporanea con l’Università di Siena sia 

con la Cattedra di Arte Contemporanea della Facoltà di 

Lettere dell’Università di Palermo), un lavoro di ricerca, di archiviazione 

e di studio attorno all’ A.S.A.S. (Archivio Storico 

Artisti Siciliani), che attualmente registra già 3806 nomi di artisti 

siciliani dal 1880 al 1980 con relativa scheda informativa 

e bibliografica. Un lavoro prezioso, di grande utilità, cui non 

potrà non attingere chiunque faccia ricerca o voglia semplicemente 

conoscere la realtà artistica contemporanea 

della Sicilia. Meritati, dunque, tutti i premi e i riconoscimenti 

assegnatigli in Italia (è vice-presidente del CRASES, Centro 

Regionale Attività Socio-culturali all’Estero e in Sicilia) e soprattutto 

all’estero, in particolare in Australia e in Argentina, 

dove è molto stimato e conosciuto (cittadinanza onoraria 

della città di Valencia del Venezuela, partecipazione su 

invito, unico straniero, al Forum di tutti i direttori dei musei 

argentini per la progettazione di una Biennale d’Arte, riconoscimento 

della Camera dei deputati argentina). Un siciliano 

illustre Pagano, come tanti ce ne sono nel mondo, che 

vanno “scovati” e messi in adeguata luce. 

Fosco Maraini 

B. Berenson a Villa Palagonia, 1953 

fotografia in bianco e nero, cm 40x30 

Emilio Isgrò 

Cancellatura squadrata, 1979 

inchiostro su libro, cm 32x45x6,8 

Alessandro Bazan 

Abbandono, 1995 


Pino Pinelli 

Pittura R, 1995 

tecnica mista, 5 elementi, dimensioni variabili 

Salvatore Scarpitta 

Egg walker, 1992 

bronzo, cm 42x10x16 


Bifrontale, 1995 

bronzo, cm 45x27,7x7,7 

MUSEUM 

Osservatorio per l’Arte Contemporanea in Sicilia 

Via Luigi Cherubini, 12 - 90011 Bagheria (PA) 

www.museum-bagheria.it 

Ezio Pagano a São Paulo 

foto di Ferdinando Scianna 

Angela Tindara La Rocca. Secondo lei a cosa serve l’arte e 

cos’é per lei l’arte contemporanea? 

Ezio Pagano. La domanda è complessa, prevede una risposta 

articolata. L’arte è un nutrimento, così come sono nutrimento 

tutte le forme di cultura; sarà un luogo comune, ma è 

un dato di fatto: alimenta lo spirito così come il cibo alimenta 

il corpo. Di certo è importante verificare chi è il fruitore. 

Esistono diverse tipologie di fruitori: quelli che si limitano ad 

una osservazione distratta, quelli che vedono nell’arte solo 

l’aspetto di mercato e quelli che s’interessano al valore intrinseco. 

Dovremmo chiederci, secondo me, non a cosa serve 

l’arte, ma cosa serve all’arte. Solo in questo modo possiamo 

nutrirci di essa. Non so dare altre risposte: credo, in fondo, 

che l’Arte è quella magia in grado di evocare nel fruitore 

nuove dimensioni. 

A.T.L.R. Può descriverci il suo punto di vista sulla situazione artistica 

contemporanea siciliana rispetto al panorama internazionale? 

E.P. Se si considera la ricchezza culturale accumulata nei secoli, 

grazie ai rapporti con i Paesi del Mediterraneo di cui la 

Sicilia è stata spesso culla, è facile comprendere come la nostra 

terra sia fertile, anche se, purtroppo, matrigna. Si converrà 

nel sottolineare che l’arte prodotta dai siciliani ha un’identità 

propria rispetto al resto del Paese, e questo è evidente anche 

nella letteratura: si pensi, ad esempio, a Pirandello, Sciascia, 

Camilleri. Questa lettura della situazione artistica siciliana per 

alcuni risulterà azzardata, ma io non saprei motivare altrimenti 

la ricchezza e la potenza degli artisti che nel DNA hanno 

l’humus siciliano, come: Giorgio de Chirico, Savinio o Mimmo 

Paladino le cui origini sono siciliane; e poi i siciliani Doc come 

Renato Guttuso, Ferdinando Scianna, Giuseppe Tornatore, 

Emilio Greco, Francesco Messina, Augusto Perez, Carla Accardi, 

Pietro Consagra, Antonio Sanfilippo, Carmelo Cappello, 

Giuseppe Migneco, Salvatore Fiume, Emilio Isgrò, Elio Marchegiani, 

solo per citarne pochissimi poichè l’elenco diventerebbe 

lungo, anche per il solo XX secolo. 

Intervista a 

Ezio Pagano 

di Angela Tindara La Rocca 

Verso la metà degli anni ’70, dopo una visita 

alla casa-museo di Peggy Guggenheim a Venezia, 

nasce ad Ezio Pagano l‘idea per un museo 

d’arte contemporanea in Sicilia. 

Idea che diverrà realtà nel 1994, con l’istituzione 

dell’Osservatorio per l’Arte Contemporanea in Sicilia 

“Museum”. Oggi “Museum” è la struttura di riferimento 

per conoscere le opere degli artisti siciliani del XX secolo. 

A.T.L.R. Un tempo i musei consacravano gli artisti storici. Oggi 

anche i giovanissimi entrano a far parte delle collezione permanenti 

e sono presenti in rassegne fino a poco tempo fa 

riservate ai “grandissimi”. Perché? 

E.P. Perché è giusto così. Come l’arte e la funzione dell’arte 

cambiano nel tempo, anche i musei e la funzione dei musei 

cambia. Certo, portare dentro i musei opere di dilettanti, come 

spesso accade è diseducativo, ma questo, quando accade, 

è colpa della pochezza culturale dei direttori, ovvero, frutto di 

una società partitocratica piuttosto che meritocratica. 

A.T.L.R. Quali sono le mostre visitate che le sono interessate di 

più? E quali tra quelle allestite in Sicilia? 

E.P. Ho visitato tanti musei e tantissime mostre; più recentemente 

ho visitato la collezione del Getty Museum di Los Angeles 

che mi ha certamente arricchito e impressionato positivamente, 

sia per la vastità che per l’indiscusso valore dei capolavori 

esposti, da Leonardo a Beuys. Non posso dimenticare la visita 

alla grande mostra di Robert Rauschenberg nel 1996 al Guggenheim 

Museum di New York, dove ho avuto il privilegio di 

essere tra gli invitati all’anteprima; devo anche registrare con 

orgoglio la visita nel 2003 ad una delle più complete collezione 

d’arte contemporanea in Europa, quella della Pinakothek 

der Moderne di Monaco di Baviera. In Italia è stato interessante 

visitare la casa-museo di Peggy Guggenheim a Venezia, ed 

emozionante è stato incontrare lei. Mi è difficile però, elencare 

le innumerevoli occasioni che ho avuto la possibilità di vivere. 

Per quanto riguarda la Sicilia posso dire che ci sono stati momenti 

in cui si sono realizzate mostre eccezionali e momenti 

in cui si sono viste cose che è meglio dimenticare. Noto con 

piacere che, tra mille difficoltà, stanno nascendo nuove gallerie, 

nuove fondazioni e nuovi musei con una programmazione 

interessante. Museum, negli anni, ha certamente contribuito 

allo sviluppo di tutto ciò, con mostre, conferenze, pubblicazioni 

e, sopratutto, con una continua sensibilizzazione non solo 

nel territorio siciliano ma anche all’estero, con una mirata attività 

culturale. L’arte, per me, è una missione. 

L’INTERVISTA 


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F.A.M. 

LUOGHI 

sicilia 


20 

Le Fabbriche Chiaramontane 

di Agrigento 

di Angela Tindara La Rocca 

In dieci anni di attività hanno codificato e catalogato quasi 

duecento anni di arte in Sicilia. E’ l’avventura di due collezionisti 

agrigentini, Antonino Pusateri e Paolo Minacori, che 

nel 2001 hanno aperto i battenti delle Fabbriche Chiaramontane, 

la Galleria d’Arte Moderna che quest’anno celebra i 

primi dieci anni dedicati alla valorizzazione del patrimonio 

artistico siciliano. E non solo. Venticinque le mostre promosse 

dal 2001 ad oggi, quando sotto le volte a crociera dell’antico 

complesso architettonico in stile chiaramontano (XIII sec. 

d.c.) - oggetto di un attento e rispettoso restauro - si aprono 

fino a metà marzo gli orizzonti infiniti delle tele di Piero Guccione: 

il suo “Mediterraneo” è un azzurro che trascolora dal 

cielo al mare e viceversa. A definire e coordinare le esposizioni 

sono gli Amici della Pittura Siciliana dell’Ottocento, l’associazione 

costituita undici anni fa e presieduta dallo stesso 

Pusateri. “Un’intitolazione - confessa - quella all’Ottocento 

Siciliano, periodo storico dal quale ha preso il via la collezione 

di dipinti di famiglia, che da qualche tempo comincia a 

stare un po’ stretta. Se non altro perché quando frequenti e 

ti confronti con l’arte, in Italia e all’estero in giro per gallerie, 

musei, fondazioni e collezionisti, t’innamori dell’arte tutta. E 

dopo ogni viaggio si torna in Sicilia con lo spunto per una 

nuova indagine intorno ad artisti e a determinati periodi storici, 

con il contributo critico di studiosi di tutta Italia sollecitati 

a leggere - a volte a rileggere e a rivalutare, com’è accaduto 

lo scorso anno con “Astrazione Siciliana”, la ricerca 

sull’Astrattismo nell’isola dal ‘45 al ‘68 - e a codificare l’apporto 

dei siciliani nei confronti del linguaggio internazionale 

dell’arte”. Si spiega così, dunque, quel procedere a grandi 

passi dall’Ottocento, con i dipinti delle collezioni private agrigentine 

(2001), al Novecento, esplorato nel 2005 con “Passo 

di corsa. Espressioni futuriste in Sicilia”. Di nuovo indietro con 

“Poliorama Pittoresco. Dipinti e disegni dell’800 siciliano”, nel 

2007, e ancora avanti, con “Le ferite dell’essere. Solitudine 

e meditazione nell’arte siciliana degli anni Trenta” (2005), ritratti 

in Sicilia tra 800 e 900 con “Sguardi” (2007), il contemporaneo 

con il Gruppo di Scicli (nel 2008) e per il centenario, 

nel 2009, una nuova esplorazione fra le avanguardie futuriste. 

Quindi la già citata Astrazione Siciliana, nel 2010 - evento 

che ha riunito ad Agrigento una generazione di artisti dai 

capelli bianchi e con tanta storia alle spalle - e nei prossimi 

mesi il viaggio intorno all’arte concettuale, curata come 

la precedente da Marco Meneguzzo, per un esame delle 

esperienze verbo-concettuali in Sicilia e in Italia. A far da corollario 

alle esposizioni storiche, sono da sempre le mostre di 

artisti contemporanei, per lo più siciliani - ma non solo - per i 

quali le Fabbriche Chiaramontane sono insieme culla, accogliente 

epifania per promettenti talenti, ma anche ulteriore 

trampolino verso scenari internazionali. Come è accaduto 

con Piero Zambuto, Croce Taravella, Alfonso Leto, Rossella 

Leone e Michele Canzoneri che nei prossimi mesi esporranno 

nel Teatro di Stoccarda in occasione della messa in scena 

di un’opera lirica per la quale hanno realizzato scene e costumi. 

Grande attenzione anche verso la fotografia. “In dieci 

anni - commenta Pusateri - si è arricchito il patrimonio degli 

studi e dei cataloghi che riuniscono le opere della pittura siciliana 

dai primi dell’Ottocento, passando per la pittura di 

paesaggio, al vero, al realismo, al futurismo, alla pittura crepuscolare 

tra gli anni venti e gli anni quaranta, fino ad arrivare 

all’astrazione siciliana e presto al concettuale”. Cosa 

riserva il futuro delle Fabbriche Chiaramontane? “Penso che 

affiancheremo alle Fabbriche la Fondazione che mi appresto 

a costituire - ipotizza Pusateri - e allestiremo un racconto 

intorno all’arte per temi e periodi. Ma senza dimenticare gli 

emergenti, per i quali d’istinto sentiamo l’entusiasmo nel sostenerne 

il percorso artistico e umano”. 

Fabbriche Chiaramontane 

M. Meneguzzo, A. Pusateri, P. Minacori 


Mostra di Michele Canzoneri 

Astrazione Siciliana 

Foto di gruppo con gli artisti 


Doppio Linguaggio 


Astrazione Siciliana 


A. Pusateri, L. Gauthier, G. Ru 

Marc Quinn 

Totem, 2007 

cemento e ghisa 

Parco Internazionale della Scultura, Catanzaro 

Jan Fabre 

L’uomo che misura le nuvole, 1998 

bronzo e silicone 


Scultura in 

Calabria 

di Gianfranco Labrosciano 

foto di Vittorio Giordano 

Gli esperimenti di Museo all’aperto, realizzati in Calabria per 

il tramite e mediante la scultura, rappresentano un unicum 

di un itinerario che connota fortemente il territorio e tende a 

farsi riconoscere a partire dai segni dell’arte. Si tratta di operazioni 

materiali ideate allo scopo di valorizzare il paesaggio 

grazie alla valenza sovra-territoriale dell’arte, mediante l’installazione 

di opere di importanti artisti che, ridisegnando e 

riqualificando il paesaggio urbano o il contesto nel quale il 

museo all’aperto sorge, potenziano l’intero contesto ambientale 

caricandolo di una valenza culturale e sociale che 

procede di pari passo allo Zeitgeist, lo Spirito del tempo. È 

il caso della Calabria, che pare assumere proprio in questi 

anni la funzione di colmare un gap, un vuoto, mediante la 

distribuzione sul territorio di aree dedicate alla scultura che 

hanno il compito di focalizzare l’attenzione su di esse di una 

massa rilevante di fruitori sempre più interessati ai valori culturali 

e ai messaggi veicolati con l’arte. Intendiamoci, non 

che la Calabria sia priva di scuole di scultura o di scultori, 

che anzi, a ben vedere ne detiene il primato rispetto a tante 

altre aree geo-culturali della penisola. Basta solo pensare 

ai Bronzi di Riace per eliminare ogni fraintendimento. Solo 

che per ragioni storiche e condizioni sociali l’argomento ha 

registrato gravi lacune sul territorio della Regione e non ha 

trovato, fino alle soglie della contemporaneità, occasione di 

recupero. Ma negli ultimi anni le cose si sono ribaltate grazie 

all’intervento lungimirante di privati e amministratori pubblici 

che, guardando all’arte come a uno dei simboli più efficaci 

del riscatto culturale del territorio, hanno creato dei parchi di 

scultura, isole museali nel tessuto urbano e veri e propri musei 

all’aperto, che oggi rappresentano un fiore all’occhiello per 

l’intera Regione. Questi nuovi luoghi della socializzazione e 

dell’incontro, dello scambio e dell’abbraccio con l’arte nelle 

forme variegate della scultura moderna e contemporanea 

sono diventate, nel volgere di pochi anni, zone della critica 

ma anche della meditazione, del dubbio ma anche della riflessione, 

dello scetticismo e dell’incredulità ma anche della 

consapevolezza, perché attorno a quelle opere si è dovunque 

manifestato un accrescimento del dialogo del fruitore 

con l’arte, e quando si sta insieme con l’arte è segno sempre 

che qualcosa sta mutando. Oggi si moltiplicano le iniziative. 

Si investe nella scultura con la volontà di migliorare l’aspetto 

e il contenuto del paesaggio al fine di renderlo più godibile 

alla collettività degli abitanti. 

LUOGHI 

calabria 


21


Quattro paracarri, 2002 

marmo di Bardiglio, travertino di Toscana, travertino noce, marmo di Ami 

MAB, Museo all’Aperto Carlo Bilotti, Cosenza 

Giacomo Manzù 

Cardinale 

bronzo 


Hsiao Chin 

Stele di David, 1980 

calcestruzzo dipinto 

MuSaBa, Museo Santa Barbara, Mammola (RC) 

da sinistra 

Antonio Riello 

Nettuno 

materiali vari 

Museo del Mare e dei Miti, Isola di Capo Rizzuto (KR) 

Tony Cragg 

Cast Glances, 2002 

bronzo 


Fiorella Rizzo 

Saturno 

acciaio, pietra 

Museo del Mare e dei Miti, Isola di Capo Rizzuto (KR) 

Amerigo Tot 

Catena spezzata, 1960 

ferro 

Ara Fratelli Bandiera, Cosenza 

natura e cultura, favorendo l’interazione con l’arte contemporanea, 

ha consentito la nascita di una forma omogenea 

di paesaggio come scultura o di scultura come 

paesaggio. Nel parco sono state realizzate, in particolare, 

opere di Jin Jong Chen, Hisiao Chin, Alberto Coluccio, 

Pietro Gentili, Stevi Kerwin, Italo Sganga, Nik Spatari, Bruno 

Sutter, Shigeo Toya e Barbara Quinn. Di quest’ultima 

la Grande croce greca, incorniciata sull’acrocoro Santa 

Barbara per osservare il solstizio d’estate, è al tempo stesso 

una sorta di altare celebrante la forza della natura e 

una cattedrale di pietra elevata in onore della religiosità 

cristiana. 


23 

Mimmo Paladino 

I Testimoni, 1998 

bronzo 


Così, il Parco Archeologico di Scolacium (CZ) è diventato 

il luogo d’incontro tra la scultura contemporanea e l’archeologia. 

Questo scenario straordinario, caratterizzato 

dall’antica città di Skylletion, ogni anno ospita alcuni dei 

protagonisti della scena internazionale all’interno di un 

progetto espositivo denominato Intersezioni, curato da 

Alberto Fiz. Quest’anno è toccato a Pistoletto col grande 

progetto denominato DNA del Terzo Paradiso, che comprende 

tre istallazioni, I temp(l)i cambiano-Terzo Paradiso, 

Love Difference-Le sponde del Mediterrano. Sino ad 

ora sono stati coinvolti, con specifici progetti installativi, 

Stefhan Balkenhol, Tony Cragg, Wim Delvoye, Jan Fabre, 

Antony Gormley, Mimmo Paladino, Marc Quinn e Dennis 

Oppennheim, che ha installato l’opera Electric Kisses, 

pubblicata sulla copertina di questo numero di Artantis. 

info. Si tratta, di un’installazione che traduce i diversi linguaggi 

artistici, dal segno alla scultura fino all’architettura, 

in un progetto estetico che trapassa dall’oggetto 

rappresentato all’ambiente e configura una sorta di residenza 

utopistica e avveniristica integrata con il territorio 

del mondo, a partire dal riferimento islamico. 

Mimmo Rotella 

Il lupo della Sila 

travertino verde 


A Cosenza il MAB (Museo all’Aperto Carlo Bilotti) si snoda 

sul corso Giuseppe Mazzini, via principale della città, 

dove si possono ammirare I Bronzi e le Tre colonne di 

Sacha Sosno, la Grande bagnante di Emilio Greco, San 

Giorgio e il drago di Salvador Dalì, il Grande cardinale e 

la Medusa, di Giacomo Manzù, i Quattro paracarri e La 

Bifrontale di Pietro Consagra, il Lupo della Sila e Rinascita 

della cultura, di Mimmo Rotella, gli Archeologi, Ettore 

e Andromaca, e il monumentale Grande metafisico, di 

Giorgio De Chirico. L’opera afferma il primato del pensiero, 

e anche se è sospesa nella dimensione dell’enigma 

sollecita la risposta perché stuzzica l’enigma medesimo e 

attrae per la fondamentale alterità, che richiama come 

una forza davanti alla quale non ci si può che arrestare. 

A Isola Capo Rizzuto c’è il Museo del Mare e dei Miti, dove 

è stato realizzato un progetto di nove opere d’arte contemporanea 

raffiguranti i pianeti del sistema solare dislocate 

lungo l’area compresa tra Crotone e Le Castella. 

L’idea è quella di evocare, con l’arte contemporanea, il 

sentimento dell’eternità dinamica di una storia e di una 

cultura che sono nate nel passato, ma sono bellezza del 

presente, emozione della moderna ragione, fascino duraturo 

di un mito che in quei luoghi ha accompagnato la 

nascita della nostra civiltà. Nel parco sono state installate 

Rabarama 

Costellazione, 2007 

alluminio dipinto 

Reggio Calabria 

le opere di Gloria Pastore, Claudia Peil, Flavio Favelli, Patrizia 

Molinari, Ferdi Giardini, Riccardo Monachesi, Fiorella 

Rizzo e quella, suggestiva, di Antonio Riello; si tratta di 

una finestra in riva al mare, un luogo per contemplare un 

paesaggio capace di offrire un risarcimento emotivo per 

realizzare un candore di sguardo che incanta ed evidenziare 

lo iato incolmabile fra desiderio e realtà. 

A Mammola (RC), invece, è stato realizzato il MuSaBa 

(Santa Barbara Art Foundation), ente privato no profit 

che ha realizzato, su un patrimonio costituito da sette ettari 

di terreno protetto, un’integrazione di arte, scienza e 

architettura con ambiente mediterraneo. Il rapporto tra 

Queste le principali zone di interesse artistico dove si è 

insistito in questi anni, soprattutto con scultura e puntando 

sulla sua efficacia per la riqualificazione turistico-ambientale 

del territorio. Ma in Calabria sono state realizzate 

un po’ dovunque opere scultoree, anche al di fuori di 

un vero e proprio progetto culturale organico come fin 

qui descritto. Di queste, valga per tutte l’Igea di Lamezia 

Terme, di Riccardo Dalisi, la Grande lastra di Vladimiro 

Politano, a Lago (CS), la Vittoria di Samotracia, di Maria 

Cristina Carlini, a Cosenza e il Labirintite e la Grande Costellazione, 

opere realizzate da Rabarama e posizionate 

sul lungomare di Reggio Calabria. Queste opere, sono 

altrettanti richiami della meta comunicazione espressiva 

di questa artista, che si fregia della cifra corporale per il 

rimando a una poetica del divenire come mezzo per la ricerca 

dell’essenza dell’uomo. Come si è visto, una volontà 

netta, decisa e determinata, portata avanti in questi 

anni da privati ed amministratori preposti alla cosa pubblica, 

è stata imperniata in Calabria sull’arte, in particolare 

sulla scultura, nella convinzione che questa forma di 

arte si offre, oggi, in una comunicazione più schietta e immediata. 

Tutto ciò con la convinzione che pur correndo 

più rischi riguardo alla sua natura e alla sua funzione, essa 

risulta più democratica e propositiva che nel passato, 

quando aveva, chiusa nel museo, una funzione soprattutto 

conservativa. Di conseguenza la scultura diviene, in 

Calabria, punto di riferimento imprescindibile dell’attualità 

e dell’orientamento della contemporaneità.

PROTAGONISTI 


26 

Emilio 

VEDOVA 

di Marcello Palminteri 

Tragedia della visione 

La parabola creativa di Emilio Vedova, intensa e vissuta, 

va certo oltre i confini dell’esclusivamente pittorico. La 

sua radice espressionista, maturata attraverso l’irrequieta 

adesione ai gruppi “Corrente” e “Oltre Guernica” prima 

e al Fronte Nuovo delle Arti e al Gruppo degli Otto dopo, 

troverà compimento in una astrazione drammatica, che 

“non rifiuta il rapporto con la natura e l’interiorità dell’artista” 

e che “accetta l’ispirazione da qualsiasi occasione”, 

come scrive Lionello Venturi presentando il Gruppo 

alla Biennale veneziana del ‘52. La veemenza dell’opera 

di questi anni, in cui la resistenza antifascista ha un posto 

centrale, soprattutto a livello intellettuale, sfocerà di lì a 

breve in una gestualità prorompente, romanticamente 

automatica e astratta; da qui l’inizio di una poetica inquieta, 

nervosa, scenograficamente presente, teatrale 

per l’accumulo di visioni, per le fitte geometrie del segno, 

per gli impulsi e le tensioni emozionali. Una poetica che 

farà di Vedova uno dei principali esponenti della pittura 

informale italiana e che gli permetterà di essere presente 

alle maggiori rassegne d’arte internazionali. San Paolo 

(Biennale, 1951), Kassel (Documenta, nel 1955, nel 1959 e, 

più recentemente, nel 1982), Venezia (numerose le partecipazioni 

alla Biennale, dove nel 1960 avrà una sala personale 

e gli verrà assegnato il Gran Premio per la Pittura) 

sono solo alcune tappe che consacreranno Emilio Vedova 

come uno tra i maggiori artisti del secondo Novecento. 

Complesso e stratificato, fatto di concetti, rivelazioni, accostamenti 

e metafore, di ispessimenti di senso che sono 

grammatica e romanzo, siamo di fronte ad un linguaggio 

ermetico nel senso etimologico del termine: a governare 

il gesto di Vedova è Hermes, divinità dei passaggi, dell’attraversamento 

delle soglie; l’evocatore degli infiniti mondi 

possibili. Perché l’infinito è sempre il possibile, l’irreale, il 

sublime, il fantastico e mai l’atto, il limite, lo spazio chiuso; 

ma anche il reale e l’impossibile, il vero e l’inganno. Come 

la pittura di Vedova: sfuggente eppure densa e vera, il 

cui segno, il cui il gesto, senza sosta, descrive onde e respiri, 

attese, passioni e rabbia. Traccia, colore, azione, si 

definiscono nel loro mimare a diventare scena, massa, 

assembramento di atti omologhi che presi a sé, nella loro 

singolarità avrebbero vita precaria ma che invece vivono 

la loro sistemazione, ancorché violenta e dissonante, in un 

organismo espressivo che si sviluppa secondo una dialettica 

che sembrerebbe appartenere, per intensità e stratificazione, 

più alle ricerche della musica contemporanea 

che alla pittura in senso stretto. Vedova fa della pittura 

Emilio Vedova al lavoro ai “Plurimi” presso i Magazzini del Sale 1972 

foto di Berengo Gardin 

Opere di Emilio Vedova ai Magazzini del Sale 

Tondo (Golfo; Mappa di guerra) 1991 

assemblage, tecnica mista su nylon e legno, Ø cm 280 

ph Paolo Mussar Sartor 

scena aperta, definisce ambientazioni multiple, come 

avviene in maniera ancora più accentuata nei “Plurimi”: 

incontro-scontro di pittura e scultura, di superficie e spazio, 

sembrano svilupparsi per consentire - proprio come in una 

esecuzione orchestrale - di apparire in molteplici visioni, 

così come agli strumenti è concesso di emettere due o 

più suoni contemporaneamente, nonché una varietà di 

trascolorazioni timbriche con tutta una ricca fenomenologia 

di effetti. L’opera, allora, si dilata, si veste in nuove 

dimensioni e nuove collocazioni visive, concorrendo a ribadire 

l’istanza della materia che trova prolungamento 

nei processi di densità e rarefazione, verticali e orizzontali, 

del tessuto pittorico che segna il percorso della composizione. 

Di più: l’impressione è quella dello scorrere di una 

grande materia in cui sia rimasto impigliato il brandello 

appena riconoscibile di qualche rado messaggio. Qui si 

fa luce l’interessante simbologia sociale dell’arte: Emilio 

Vedova, lo ricordiamo nuovamente, svolge una pittura di 

forte impegno. L’astrazione di Vedova è una riflessione sui 

rapporti tra la complessità artistica e l’efficacia politica e 

si colloca in una dimensione che si definisce nei termini di 

una metafisica lotta che comporta - come qualcuno ha 

sottolineato - “retrospettivamente il dibattito ideologico 

e politico interno alla cultura italiana dagli anni Quaranta 

agli anni Sessanta” ed oltre. Il dipingere di Vedova è 

il rito della tradizione che si carica di nuove tensioni, capaci 

di dare il senso ad una concezione spaziale della 

composizione che sembra rimandare ancora, per le sue 

stratificazioni, alla musica, alla policoralità veneziana, arricchita 

da una forte carica espressionista con la quale si 

caratterizza l’esattezza vigorosa del segno, della struttura, 

delle invenzioni timbriche. La pittura “teatrale” di Vedova 

recupera prove drammatiche che delineano, sempre, la 

complessità contraddittoria del mondo e della storia, E la 

cifra maggiore risiede proprio nel fatto che nell’apparente 

difformità del segno e delle strutture si propone lo sviluppo 

coerente di concetti e posizioni nei quali si riassume la 

poetica unitaria di Emilio Vedova. Una poetica che potremmo 

definire “tragedia della visione”, parafrasando il 

sottotitolo di una tra le più importanti opere del Novecento 

musicale: “Prometeo. Tragedia dell’ascolto”, composta 

dall’amico (veneziano anch’esso), Luigi Nono, che già nel 

1960 dedicherà a Vedova la prima sua composizione per 

nastro magnetico (intitolata “Omaggio a Vedova”). Un 

omaggio ricambiato nella collaborazione e nella realizzazione 

delle scenografie per “Intolleranza 1960”, scritta 

da Nono nello stesso anno su commissione del Teatro La 

Fenice di Venezia (dove è stata recentemente riproposta, 

nonostante le difficoltà in cui versano le istituzioni culturali 

italiane). Potremmo dire infine che, come il suono di Nono, 

il segno di Vedova, nella sua rapida successione, nelle sue 

variazioni infinite, costringe ad un continuo riadattamento 

della visione, configurandosi come un’estetica di protesta 

contro il mondo e la sua omologazione. Non c’è mai, nella 

sua opera, una evasione verso atmosfere consolanti, ma 

soltanto dimensioni sovversive; una pittura che produce 

un rigenerante malessere, uno sforzo continuo. Tragedia 

della visione, appunto. 

Emilio Vedova 

è nato a Venezia nel 1919, dove è morto nel 2006 

DA VEDERE “Emilio Vedova 1961 & 1984” 

Dopo la chiusura della mostra “Emilio Vedova Scultore”, la Fondazione 

Emilio e Annabianca Vedova riprende la sua programmazione 

all’interno del Magazzino del Sale, alle Zattere, con un’ulteriore 

rivisitazione dell’opera dell’artista, dal titolo “Emilio Vedova 1961 & 

1984”, facendo nuovamente ricorso alla macchina espositiva ideata 

da Renzo Piano, il cui progetto per il Magazzino è stato presentato 

al Padiglione Italia della Biennale Architettura del 2010. L’esposizione 

ha l’intento di mettere in parallelo, per un confronto e per 

un reciproco potenziamento, singole opere degli anni Sessanta appartenenti 

a “Ciclo ‘61” (1961) e a “Ciclo ‘62” (1962) e due serie di 

dipinti realizzate negli anni Ottanta, che fanno parte di “Scarabocchi 

dell’anima”, (1982) e “Di umano ‘84-IV” (1984), dove le prime 

costituiranno una presenza fissa in relazione alle strutture murarie 

cinquecentesche, mentre gli altri due gruppi si alterneranno nell’incavo 

architettonico, entrando ed uscendo, a scadenze regolari, 

nello spazio. La proposta interpretativa è di verificare la continuità 

di un discorso linguistico che Vedova ha prodotto, senza pause, in 

tutti i periodi della sua ricerca, negli interstizi emotivi e gestuali della 

pittura. Un transito costante di colori e di gesti che si sono affermati 

nel vuoto della tela grezza per enunciare l’angosciosa coscienza di 

un esistere critico e politico. Un’ulteriore messa in scena, mutante e 

cangiante, dovuta all’alternarsi dei quadri dinanzi allo sguardo del 

pubblico che, attingendo all’importante patrimonio visuale lasciato 

dall’artista, permette un’ulteriore conferma del suo contributo 

alla storia dell’arte moderna e contemporanea. 

fino al 30 aprile 2011 

Magazzini del Sale 

Dorsoduro, Zattere, 259 - 30123 Venezia 

www.fondazionevedova.org 


27

A l f r e d o 

PROFILI 

R O M A N O 

di Marina Giordano 


28 

Ci sono artisti che attraverso la materia, gli oggetti, i 

ritmi, i silenzi, riescono a innescare cortocircuiti poetici 

dal potere quasi ipnotico, conducendo lo spettatore 

a provare un turbamento emotivo al quale è difficile 

resistere, a metà tra attrazione e timore, contemplazione 

e riflessione. Ciò vale per Alfredo Romano, nato nel 

1948 a Siracusa, dove vive la maggior parte del tempo 

alternando lunghi soggiorni a Torino, celebre autore di 

dipinti, installazioni, assemblaggi da cui emergono le 

contraddizioni della nostra terra, il bisogno di silenzio 

ma anche di rumori vitali, la ricerca del trascendente 

nella materialità della vita, luci e ombre che percorrono 

l’animo umano. Egli attinge dalla semplicità del vivere 

comune molti materiali: vecchi letti, ciotole, fotografie, 

statuette votive, spogliandoli da ogni elemento 

di cronaca per farne versi di un discorso poetico per 

immagini. Li monta nelle sue installazioni, li fa diventare 

simboli, di volta in volta, di solitudine o di preghiera, 

disperazione o speranza, catalizzando su di essi secoli 

di racconti, leggende, tradizioni popolari attinte dalla 

cultura siciliana, specialmente da quelle di Siracusa, 

la sua città, che continua a investigare, sondare pure 

nelle viscere dei suoi ipogei o negli edifici abbandonati, 

come il vecchio ospedale di Ortigia, nel quale ha 

allestito il suo studio. “È stata una scelta controcorrente 

quella di rimanere a vivere e a lavorare in Sicilia - ci 

dice -, ma questo è il mio ‘retroterra naturale’. Tutto il 

mio lavoro si riconosce in quest’ambiente vasto, dove 

di volta in volta ho sempre cercato di aprire un varco 

verso la profondità della nostra cultura, cercando di 

formalizzare un’immagine che avesse un equilibrio interno”. 

Nelle sue opere, dunque, possono essere individuati 

molteplici livelli di lettura e di suggestione, molti 

dei quali partono proprio da Siracusa: le madonnine 

che utilizza spesso nelle sue installazioni, poste in orizzontale, 

per terra, come pietre miliari di una geografia 

dell’anima, in cerchio, a individuare i confini di una 

zona sacra, un altare, o fuoriuscenti a mo’ di perno 

da una parete, potrebbero esser lette come omaggio 

Sonno (part.) 

installazione, Galleria Civica Montevergini, Siracusa, 2010 

ph Maurizio Esposito 

Angelis suis mandavit 

installazione, Ipogeo Piazza Duomo, Siracusa, 2007-2008 

Viaggio al termine della notte 

installazione, Galleria Civica Montevergini, Siracusa, 2009-2010 

Sonno 

installazione, Galleria Civica Montevergini, Siracusa, 2010 

ph Maurizio Esposito 

Feritoie (Omaggio a Renato Guttuso) 1994 

installazione: sedia, vetro, pelli, pinze, colore, cm 190x150 

collezione Museum, Bagheria (Pa) 

alla devozione popolare della Madonna delle lacrime, 

alla quale nella città è elevato un celebre santuario. 

Anche oggetti perturbanti e intrinsecamente legati a 

immagini di violenza, ad esempio le pinze, evocano 

strumenti di tortura, come quella inflitta alla santa patrona 

di Siracusa, Lucia: “le madonnine, e non solo, le 

falci, le pinze. la pelle, le sedie, le formelle ex voto, i catrami, 

il cartaceo di grasso, i letti, la luce, la ferita, il corpo, 

il seppellimento, il nero, l’oro, il bianco, le ciotole, 

il convitto …, tutto ciò nel mio lavoro parte da un desiderio 

di riconoscimento della nostra cultura, del nostro 

territorio, delle nostre radici”, afferma Romano. E 

per questo, tra le varie collaborazioni e gli incontri che 

hanno segnato la sua biografia umana e professionale, 

oltre quello con il celebre gallerista torinese Giorgio 

Persano, che lo segue da sempre, o il critico Achille Bonito 

Oliva, ama ricordare la figura del Senatore Ludovico 

Corrao, ex sindaco di Gibellina e anima della Fondazione 

Orestiadi: “il primo incontro risale alla mostra 

“Paesaggio con rovine”, nel 1992; da allora abbiamo 

collaborato spesso, Corrao mi ha invitato a realizzare 

anche un lavoro per la sede tunisina della Fondazione, 

imperniato su frammenti di codici siciliani, i testi poetici 

arabi siciliani cuciti con filo oro su lini bianchi insieme 

alle cucitrici tunisine. Con Corrao ho sempre condiviso 

il riconoscere i nostri confini culturali, le radici comuni 

con i paesi del Nord Africa, parlo di confini culturali 

e non politici, la nostra area mediterranea.” Sin dalla 

metà degli anni Ottanta, quando debutta con quadri 

fatti di strati di catrame o ferri, intitolati opere al nero, 

partecipando anche alla sezione “Arte e alchimia” 

della Biennale di Venezia del 1986, Romano rivela la 

sua indole di manipolatore della materia, che egli trasforma 

in energia, rappresa nella morsa delle pinze 

che fissano a parete lastre trasparenti, o raggrumata 

in bende unte di grasso o in sferzanti disegni graffiati di 

nero, o in rotoli di marmo e superfici di foglia d’oro o di 

fiammeggiante rosso sangue, o ancora attraverso le 

sue installazioni di suoni o di pura luce. Egli offre a chi 

guarda la possibilità di percepire i battiti della vita, il 

respiro delle cose, un varco verso un al di là ove corpo 

e spirito, fisicità e ardore dell’invisibile si sublimano in 

esperienza della visione: “in fondo il mio lavoro - racconta 

lui stesso - può essere tradotto in un messaggio 

di solidarietà”, solidarietà verso l’uomo, i suoi sogni e 

le sue debolezze, le sue cadute e il bisogno di rialzarsi. 

Alfredo Romano 

vive ed opera tra Siracusa e Torino 


29

TINA LUPO 

sculture 

www.kultrummuseum.it 

CONCORSO INTERNAZIONALE LA SPADARINA 2011 

CONCORSO INTERNAZIONALE 

LA SPADARINA 2011 

Galleria La Spadarina 

VII EDIZIONE 

La Materia e lo Spirito 

PITTURA SCULTURA E GRAFICA 

La quota di adesione di € 100,00 comprende 

- iscrizione 

- pubblicazione dell’opera selezionata sul 

catalogo della manifestazione 

- mostra e premio in base all’ordine di 

classifica. 

Agli artisti non selezionati sarà rimborsata la 

quota di adesione. 

Termine ultimo per l’iscrizione 

- martedì 31 maggio 2011 

I PREMI 

1° premio € 5.000,00 

2° premio € 2.500,00 

3° premio € 1.500,00 

4° premio € 1.000,00 

5° premio € 900,00 

6° premio € 800,00 

Il bando del concorso si può scaricare dal 

sito: www.laspadarina.com oppure richiedere 

in galleria. 

Strada Agazzana, 14 - 29122 Piacenza 

Tel. +39 0523.757977 Cell. 339.5092244 

www.laspadarina.com - laspadarina@alice.it 

www.associazioneartantis.org 

VERNICE ART FAIR - IX EDIZIONE 

FORLI’, FIERA, 25,26,27 MARZO 2011 

Marinella Albora 

Sabela Baña 

Elena Boschi 

Luca Braglia 

Libero Botti 

Ester Cappucci 

Claudio Castellani 

Fred Charap 

Tanina Cuccia 

Michele Defronzo 

Patricia Del Monaco 

Martina Di Bella 

Vito Esposito 

S. Ferrari 

Stelvio Gambardella 

Alessandro Ghezzi 

Anna Giargoni 

Andrea Giorgi 

Lidia Jevremovic 

Olena Khudoley 

Lucette Le Rest (Le Rest Agnès) 

Isa Locatelli 

Alberto Lovisi 

Alexandra Maciac 

Tinamarina Marongiu 

Valeria Micomonaco 

Valeria Modica 

Davide Pacini 

Margherita Rancura 

Laura Rondinini 

Umberta Ruffini 

Fulgen Sabatier 

Donatella Saladino 

Vittoria Salati 

Ghery Scalpellini 

Rosario Schiano 

Claudio Semino 

Arpinè Sevagian 

Simona Siri 

Paolo Terdich 

Gabriella Tolli 

Erika Zolli 

PRIMO PIANO 

Ada SORRENTINO 

ARTISTI IN VETRINA 

Marinella ALBORA 

Innoccenza ALESSI 

Francesca BARONE 

Elena BERGNESI 

Luca BRAGLIA 

Nadjia CHEKOUFI 

Tanina CUCCIA 

Michele DEFRONZO 

Patricia DEL MONACO 

Martina DI BELLA 

Eva DIANA 

Carlo FEBBO 

Alberto LOVISI 

Tinamaria MARONGIU 

Valeria MARIOTTI 

Ala RAFFALDI 

Margherita RANCURA 

Umberta RUFFINI 

Donatella SALADINO 

Maria Rosa SCALCO 

Claudio SEMINO 

Paolo TERDICH 

Margherita TOMATIS 

ITALART. Associazione Artistica 

ARTANTIS.Associazione Culturale 

ARTISTI EUROPEI A CREMONA 

4-10 giugno 2011 

Con il Patrocinio 

Comune di Cremona 

Provincia di Cremona 

Info: info@associazioneartantis.org 

LA BOTTEGA DELLE ARTI.Arezzo 

CONCORSI D’ARTE 

8-17 aprile 2011 

FLOWER POWER. Tema: “I fiori e il vento” 

23 settembre - 2 ottobre 2011 

LA VITA NEL PIANETA AZZURRO. Tema: “I felini” 

Info: labottegadelleartiar@yahoo.it 

ARTISTI IN VETRINA 

IN BREVE

ARTA ntis.info PRIMO PIANO 

i grandi cicli pittorici di 

ada 

sorrentino 

Ada Sorrentino rivela una ricca cultura pittorica moderna. A prima 

vista il suo patrimonio culturale sembra denotarsi sopratutto 

come una sorta di libera e disordinata reattività sensitiva alle 

forme e ai colori che caratterizzano certi aspetti dell’astrattismo 

(Mathieu), dell’informale (Fautrier), del materico (Burri). E sembra 

che, con questa reattività sensitiva, l’artista si abbandoni 

ora a questo ora a quello degli incentivi figurali che spontaneamente 

le si affollano nell’occhio e nella mente fino al punto 

di lavorare sulla tela con un’avidità che non conosce limiti alla 

degustazione e al piacere delle forme e dei colori. Insomma 

una accumulazione elegante e zampillante di pretesti formali 

tradotta in immagini intercambiabili, di compatta presenza e 

pregnanza decorativa. (…) La sensibilità e la passione vengono 

temperati dal rigore delle scelte, la vivacità della colorazione e 

lo spessore della pennellata sono trattenuti fino a comunicare di 

sé più il soffio inventivo e la plasticità che non il puro e semplice 

azzardo delle tinte o il puro e semplice profilo degli oggetti e degli 

spazi. Si scopre così che quella cultura pittorica della quale 

si è detto non si limita in Ada Sorrentino a legittimare le linee di 

gusto e di aggiornamento del suo lavoro ma costituisce la base 

di un libero rapporto con la realtà. E’ insomma la regola di un 

linguaggio. Non solo per registrare e recepire, ma per comunicare. 

Un linguaggio teso, allarmato, dolente, anche quando più 

le forme ed i colori squillano e indicano a quali felicità perdute 

o bramate l’artista richiami se stessa e, attraverso la propria lirica 

meditazione, l’attenzione degli altri. Ecco: una pittura, più 

che da interpretare, da guardare, quella di Ada Sorrentino, ma 

sempre come se da esse, assieme alla chiamata dello sguardo, 

promani un più occulto e intimo invito ad andare oltre: verso il 

punto cruciale dove Ada Sorrentino cerca di trasformare la sua 

pittura da sofferta testimonianza soggettiva in valore oggettivo 

e duraturo di conoscenza. 

Antonello Trombadori 


La ricerca di Ada Sorrentino è una tensione poetica e civile che 

ricostruisce le linee di una storia e di una cultura come dimensione 

al presente della vita. (...) Nella sua arte vibra la forza di 

un’emozione e al tempo stesso di una idea profonda e quanto 

mai necessaria oggi (...) 

Elio Mercuri 

Ada Sorrentino sa come tradurre sulla tela, in movimenti forme 

e colori che lei domina e piega con assoluta naturalezza e incisiva 

grazia, il materiale e il trascendente, inglobandoli entrambi 

in un racconto di viva e illuminata armonia. Armonia che viene 

impreziosita e sublimata da un soffio d’Oriente che ne ingentilisce 

la portata evocativa con un misurato e sapiente impiego 

dell’oro. (...) 

Antonio Siligato 

a destra, dall’alto 

Eventi Fondamentali 1990 

Nascita, Malattia, Morte 

tecnica mista su tavola, cm 100x80 

tandosi nei confronti della vista, di una piacevolezza che comprende 

il senso della bellezza e il suo contrario, la disseminazione 

del sublime e l’ontologia dell’unità. (...) 

Francesco Gallo 

(...) Ada Sorrentino ha una innata strategia del colore, che riesce 

a fare guizzare come una sciabolata sul cuore di una materia ai 

limiti dell’informale perché, ad uno sguardo attento, si scorgono 

motivi formali non del tutto determinabili, che somigliano a 

qualche cosa, nell’incertezza che possano essere forme residuali 

oppure forme alla stato nascente, in una sorta di vibrata crepuscolarità 

dove sembra che tutto ruoti su vibrazioni cangianti, 

emblematici di un dinamismo, amalgamati sempre da un tono 

di fondo, un tessuto connettivo di giustapposizioni e negazioni 

tenute insieme a tutta forza, perché altrimenti rischierebbero 

l’incoerenza e la frantumazione concettuale dell’opera. La vocazione, 

essenzialmente pittorica, si avvale fortemente dall’assenza 

di una forma mimetica e dai residui di ogni naturalismo 

e realismo, che non sarebbero facilmente accostabili a questo 

tipo di visibilità, che potrebbe diventare pretestuale, mentre così 

è assolutamente testuale, dotata di una sua completezza, dosopra, 

in senso orario 

Le Stagioni della Vita 1989 

Fanciullezza, Gioventù, Maturità, Vecchiaia 

olio e tecnica mista con oro su tavola, cm 110x130 

Ada Sorrentino 

Antico Cassero del Sale, 30 - 58100 Grosseto 

www.artesorrentino.it - as@adasorrentino.com

Colazione | 2010 


Acqua 7 | 2010 

acrilico e olio su tela, cm 100x80 

P A O L O 

T E R D I C H 

Piazza Cittadella, 11 - 29100 Piacenza 

Cell. +39 335.5923181 - +39 346.7808680 

p.terdich@tiscali.it - p_terdich@yahoo.com 

www.paoloterdich.it 

Astro splendente 

tecnica mista su tela, cm 40x40 

Profondità marine 


v a l e r i a M A R I O T T I 

Fiori e farfalle 


Creazione 


Serie “Le Tavole” 

tecnica mista e acrilico 

su cartone telato, cm 50x40 

Serie “Le Tavole” 

tecnica mista e acrilico 

su cartone telato, cm 50x40 

CARLOFEBBO 

Via Vittorio Veneto, 4 

30020 Fossalta di Portogruaro (VE) 

e-mail: obbef@tiscali.it 

cell: +39 348.8702614 

Via Federico Seismit Doda, 21 - 00143 Roma 

Tel. +39 347.1454915 

e-mail: valeriamariotti@tiscali.it 

internet: www.federartisti.com 

Dal 9 aprile al 12 settembre 2011 

Esposizione permanente presso il 

Plus Florence 

Via Santa Caterina d’ Alessandria, 15 , Firenze

Patricia 

DEL MONACO 

Maria Rosa SCALCO 

Nadjia 

Chekoufi 

TINAMARIA 

MARONGIU 

L’Albero gioiello 


L’opera rossa 

tecnica mista, cm 200x200x8 

Alfabeto delle sabbie 

acrilico e sabbie su tela, cm 70x50 

Box-Es n. 1034 

tecnica mista, materiali vari 

cm 60x60x10 

Albero della primavera 


L’opera bianca 


Box-Es n. 1028 

tecnica mista, materiali vari 

cm 70x100 

L’Albero del riciclo 


www.patriciadmart.it 

e-mail patriciadmart@libero.it 

telefono 06.5010066 

389.9886133 

contatti 

telefono 

cellulare 

internet 

e-mail 

Deserto rosso 

tecnica mista, cm 70x50 

Via Wagner, 46 

41122 Modena 

+39 059 280737 

+39 333 8317227 

www.mariarosascalco.it 

mariarosascalco@libero.it 

L’opera nera 


Contatti 

E-mail jiache@libero.it 

Telefono 0039 339.5416542 

www.tinamaria.it

Umberta 

Ruffini 

Ala 

RAFFALDI 

La poesipittura di 

Francesca 

Barone 

Francesca Barone è poetessa-pittrice. E’ 

presente attivamente con premi e riconoscimenti 

in manifestazioni artistiche e letterarie 

di carattere nazionale ed internazionale. 

Ha ideato la corrente artistico letteraria 

“Poesipittura” che ha riscosso, attraverso le 

sue opere, l’apprezzamento di diversi esponenti 

della critica, tra cui si segnalano Gerard 

Argelier, Andrea Diprè, Nuccio Mula, 

Vincenzo Pacelli, oltre all’interessamento di 

pittori e poeti come Vincenzo Argenio, Lucia 

Clemente, Rosanna Francheschini, Giovanni 

Monopoli, Gino Tardivo. Vive ed opera a 

Ceppaloni (Bn). 

Cavallo arabo con ibiscus, 2008 


Sognando, 2009 


Cavallo con rose, 2010 


Internet: www.umbertaruffini.com 

E-mail: umby1974@gmail.com 

Cell. +39 346.2359371 

Il circo, 2008 


Via di Torre Morena, 110 

00118 Roma 

Cell.: +39 347.3288723 

E-mail: alaraffaldi@yahoo.it 

Contatti 

Giovanni Barone 

Via Stazione, 41 - 82014 Ceppaloni (BN) 

Cellulare: +39 334.3413813 

E-mail: francescabarone12@gmail.com

LUCABRAGLIA 

Alberto 

LOVISI 

Claudio 

SEMINO 

TaninaCuccia 

Consapevolezza e crollo dell’ego, 2010 

encausto, olio e acrilico su tela, cm 100x80 

Piazzale degli Erri, 14 - 41121 Modena 

Tel. +39 338.4441556 

Internet: www.latelie.it 

E-mail: info@latelie.it 

Martina 

Di Bella 

Jimi Hendrix, olio su tavola, cm 110x80, collezione privata 

Frammento - Storie incomplete, 2009 

affresco senza supporto, cm 80x50 ca. 

Piccolo orizzonte rosso 

olio, foglia e pomice su tela, cm 80x40 

Dialoghi muti 

olio, foglia oro e pomice su tela, cm 30x60 

Mab 

pastelli acquarellabili su carta liscia, cm 70x50 

E-mail: matertenebrarum@virgilio.it 

Cell. +39 349.5066921 

Il trombettista, olio su tavola, cm 70x100 

Via Toscoromagnola Est, 167 E 

56028 San Miniato (PI) 

Tel. 0571.469353 - Cell. 393.5570264 

www.lovisart.it - lovisart@virgilio.it 

Internet: www.semino.4000.it 

E-mail: semart@katamail.com 

*** 

“Claudio Semino. Mostra Personale” 

21 maggio - 1 giugno 2011 

Pisa, Centro Arte Moderna 

Lungarno Mediceo, 26 

www.centroartemoderna.com 

Michele guerriero, 2010 

affresco, collage e tempera su tavola, cm 80x80 

collezione privata 

www.taninacuccia.it 

Via Marche, 4 - 90144 Palermo 

Cell. +39 320.9572551 

E-mail: tcuccia@alice.it

Marinella Albora 

Donatella Saladino 

Innoccenza ALESSI 

Cascate di Iguaçu, Argentina, 2009 


Il mulino di S. Maria La Scala, 2005 


Fierezza, 2011 


Stanotte ho sognato una stella 


L’Arte pittorica di Innoccenza Alessi è 

l’espressione più viva di un sentimento d’Arte 

Prof. Santi Correnti 

Catania 

Cell. 347.8697499 

Internet www.gigarte.it/innoccenzaalessi 

E-mail innoccenzaalessi@virgilio.it 

Donna con turbante, 2010 


Estasi, 2007 


contatti 

telefono 

cellulare 

e-mail 

internet 

Via Don P. De Barbieri, 3/3 

16167 Genova 

+39 010.3726301 

+39 339.7800938 

magia93@libero.it 

www.gigarte.com/marinellaalbora 

contatti 

telefono 

cellulare 

e-mail 

Via Libero Grassi, 6 

94100 Enna 

+39 0935.20006 

+39 340.6113619 

donatellasaladino@alice.it 

Molare 

tempera 

Freddo e solitudine 

tempera 

E VA D I A N A 

Viale Etruria, 23/8 - 01010 Blera (Vt) 

Cell. 377.2987028 - Fax 0761.1768273 

eva.diana@libero.it

Contadine in festa 


Amanti onirici 


M I C H E L E 

D E F R O N Z O 

E-mail: defronzomichele@libero.it 

Il glicine 

olio a spatola su tela 

cm 80x100 

Flashing colors 

olio a spatola su tela 

cm 100x80 

m a r g h e r i t a R A N C U R A 

Via G. Verdi, 3 - 45014 Porto Viro (RO) 

e-mail: margherita.rncura@alice.it 

cell. +39 346.6313397 

Pensieri 

olio su tela 

cm 50x100 

La concentrazione 

olio su tela 

cm 50x50 

Nidi di serpenti 

tecnica mista 

Alieni 

tecnica mista 

elenaBERGNESI 

Via Lauro de Bosis, 5 - 47921 Rimini 

e-mail: rontase@alice.it - cell. 392.214377 

m a r g h e r i t a 

T O M A T I S 

Cascina San Luca - 13040 Buronzo (Vc) 

www.margheritatomatis.weebly.com 

e-mail: mitalastrega@yahoo.it 

cell. +39 348.1381227

www.agrigentoarte.it 

VII MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA 

Consulente artistico: Francesco Gallo 

Nei riquadri particolari da opere di Mark Kostabi, Vera Gabriella Occhetti, Daria Musso 

MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE CONTEMPORANEA SEGNALI DEL TEMPO 2011 

AGRIGENTO, PALACONGRESSI 

7, 8, 9 ottobre 2011 

Venerdì 

Sabato 

Domenica 

ore 17,00 - 22,00 

ore 10,00 - 13,00 / 16,00 - 23,00 

ore 10,00 - 13,00 / 16,00 - 22,00 

INGRESSO LIBERO 

Il mondo allagato tecnica mista su tela, cm 132x132 

Comune di Agrigento 

La città della 

Valle dei Templi 

Centro Studi Erato 

Agrigento 

Segreteria organizzativa 

Centro Studi Erato 

Via Matilde Serao, 6 - 92100 Agrigento 

Tel. (+39) 0922.1804926 

Cell. (+39) 329.5460822 - (+39) 388.3531958 

Web: www.agrigentoarte.it 

E-mail: info@agrigentoarte.it 

64, via paradiso 

95024 acireale 

telefono 328.8830072 

www.arteyoga.eu 

ALFIO 

SORBELLO

EDITORIALE

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