KUNSTINVESTOR Heft Nr. 10 [AUSGABE OKTOBER 2015]

OKTOBER 2015 

Kunstauktion: zeitgenössische Kunst, alte Meister, 

Antiquitäten, Juwelen, Cologne Fine Art Preis 2015 

The Happy Show - österreichische Avantgarde der 1970er 

konkrete Kunst - Meisterwerke des deutschen Expressionismus 

„Eine leise sprache ist mir lieber“ - 13. NÖ Tage der offenen Ateliers

09 | KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser! 

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des Magazins 

KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und 

stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle 

Entwicklungen informieren wir Sie rund um alle 

wichtigen Themen, die nationalen und internationalen 

Kunstmärkte betreffend. Kunst ist ein interessantes 

Thema und unbestritten die schönste Beimischung für 

Ihr Investmentportfolio- inspirierend, nicht allein in 

ideeller Hinsicht. Besonders in Zeiten, da Bullen auf 

sich warten lassen und Renditen an der Nulllinie 

kratzen, etablieren sich Kunstwerke als stabile, vor 

allem aber als rentable Assets. Eine Tatsache, der sich 

selbst hartgesottene Aktionäre nicht entziehen können. 

Mehr noch: Dieser Boom ist noch lange nicht an seine 

Grenzen gestoßen. Bilder, Antiquitäten und andere 

Sammelobjekte nehmen im Rahmen der 

Veranstaltungen einen immer höheren Stellenwert ein. 

Jährlich werden bis zu 30 Milliarden US-Dollar in Kunst 

investiert. Weil es bei allen Dingen des Lebens immer 

auf den richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur 

mit fundierten Hintergrundberichten, präzise 

recherchierten Topstorys, wichtigen Nachrichten und 

aktuellen Interviews begeistern. Lesen Sie den 

aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles 

Bild über den Kunstmarkt verschaffen können. Eine 

wirklich gute Investition! 

Viel Spaß Wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

Chefredakteur & Herausgeber 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, Mail: 

office@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/236.53.1318, Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 1110 

Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/91920- 9045, 

Fax: + 43 1/29 81 298, Erscheinungsweise: monatlich, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © kunst.investor

10 | KUNST.INVESTOR Cologne Fine Art Preis 2015 

Candida Höfer, Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich. Photo: Gertraud Presenhuber, Wien

11 | KUNST.INVESTOR Cologne Fine Art Preis 2015 

Candida Höfer erhält Cologne Fine Art Preis 2015 

Die in Köln lebende Künstlerin Candida Höfer wird in 

diesem Jahr mit dem Cologne Fine Art Preis für ihr 

einflussreiches künstlerisches Werk ausgezeichnet. Der 

mit 10.000 Euro dotierte Preis wird vom 

Bundesverband Deutscher Galerien und Kunsthändler 

(BVDG) gemeinsam mit der Koelnmesse zur AXA Art 

Preview der Cologne Fine Art am 17. November 2015, 

um 13:00 Uhr verliehen. Bisherige Preisträger waren 

unter anderem Sigmar Polke, Thomas Schütte, Georg 

Baselitz, Günther Uecker, Tony Cragg, Jürgen Klauke 

und Leiko Ikemura. Zur Cologne Fine Art (18. bis 22. 

November) und COFA Contemporary (19. bis 22. 

November) zeigen rund 150 Galerien und 

Kunsthändler ihr Angebot aus 2.000 Jahren 

Kunstgeschichte – von der Antike bis zur Klassischen 

Moderne, Nachkriegskunst sowie Zeitgenössische 

Kunst. Nach zweijähriger Tätigkeit im Atelier des 

Hamburger Photographen Werner Bokelberg in den 

Jahren 1970 bis 1972 kehrt Candida Höfer in ihre 

Heimatstadt Köln zurück. Dort nimmt sie die 

Veränderungen ihrer Stadt bewusst und positiv wahr. 

Das Leben in Köln hatte sich durch eine stetig 

wachsende Zahl von Migranten verändert, darunter 

viele türkische Familien. Die Künstlerin begann damals 

mit ihrem circa sechs Jahre dauernden Projekt „Türken 

in Deutschland“, das zahlreiche Aufnahmen von 

Geschäften und Teestuben, von Menschen in 

Grünanlagen, aber auch in deren Wohnungen und 

privaten Ambiente umfasst. Candida Höfer widmet sich 

diesem Thema bis 1979. In diesem Jahr stellt sie 

abschließend die Diaprojektion unter dem 

gleichnamigen Titel mit 80 Farbdias zusammen. 

Parallel dazu begann Candida Höfer 1973 mit ihrem 

Studium an der Kunstakademie Düsseldorf. Damals 

gab es noch keine Klasse für Photographie. Sie studiert 

daher bis 1976 zunächst Film bei Ole John und 

anschließend bis 1982 Photographie bei Bernd Becher. 

In dieser Zeit beginnt Candida Höfer mit ihren Arbeiten 

von Innenräumen: Häufig sind es geschichtsträchtige 

Orte, Räume, die von ihrer ursprünglichen Nutzung 

berichten, von späteren Veränderungen oder ihrer zum 

Zeitpunkt der Aufnahme aktuellen Verwendung. Es sind 

Warteräume, Bahnhöfe und Strukturen von Architektur 

im weitesten Sinne. Bibliotheken, sakrale Räume, 

Opernsäle oder Museen kristallisieren sich bald als 

parallel wachsende Motivkonvolute heraus. „Ich 

photographiere in öffentlichen und halböffentlichen 

Räumen aus unterschiedlichen Epochen. Es sind 

Räume, die für jeden zugänglich sind. Es sind Plätze 

der Begegnung, der Kommunikation, des Wissens, der 

Entspannung, der Erholung. Es sind Kuranlagen, 

Hotels, Wartesäle, Museen, Bibliotheken, Universitäten, 

Banken, Kirchen und seit einigen Jahren Zoologische 

Gärten. Alle Räume haben eine Aufgabe, und die Dinge 

in den Räumen haben zumeist auch eine Aufgabe.“ 

(Candida Höfer, 1992)- Doch Candida Höfers 

Motivfindung ist nie von einer thematischen Gruppe wie 

beispielsweise Bibliotheken bestimmt, die sie gezielt 

erweitern möchte, sondern immer von der Aura, welche 

die Räume an den Orten, die sie besucht, für sie 

besitzen. Eine solche Aura gestattet Candida Höfer 

auch den schon früh entstandenen eigenen Arbeiten: 

Die 1973 erstellten Bilder von Flipperautomaten in 

Spielhallen und Kneipen präsentiert sie 2009 erstmals 

in einem gemeinsam mit dem Architektenteam Kuehn 

Malvezzi entwickelten Vitrinentisch. Ihre Bilder erleben 

so innerhalb ihres Werkes neue Präsentationsformen 

und bestätigen sich in ihrer Aussage einem 

aktualisierten Rückblick aufs Neue. (Foto: © Cologne 

Fine Art)

13 | KUNST.INVESTOR ŻAK | BRANICKA 

Ryszard Wasko, Time Sculpture at Black Paint, 1984, sculpture © the artist, courtesy ŻAK | BRANICKA 

Ryszard Wasko 

Time Sculptures 

Berlin- Man erkennt bei Wasko, der in diesem 

Jahrzehnt nach Berlin zog, eine erhebliche 

Veränderung in seinemmodus operandi, die eine 

unmittelbare Reflexion in seinem Schaffen zeigte. Die 

in der Ausstellung gezeigten Skulpturen widmen sich 

sich der Vorstellung von Zeit und Raum, indem sie 

hinterfragen, wie wir Strukturen von verschiedenen 

Bezugspunkten aus wahrnehemen. Wasko benutzte 

Malerei, um durch sukzessives Aufbauen von 

Farbschichten Reliefs zu schaffen. In diesem 

zeitaufwändigen Prozess arbeitete er auf ein 

dreidimensionales Muster hin, welches sich 

schlussendlich zu zeigen begann. Für die Gemälde und 

Zeichnungen benutzte er Materialen, die entweder 

natürlich sind oder vom Menschen nur zu einerm 

geringen Grad verändert wurden (z.B. Ruß, Asche, 

Wachs, ...), und die jeweilige Methode kommt ohne 

Perfektionismus aus – es entsteht eine philosophische 

Studie der Fehlbarkeit, denn der Künstler hat keine 

vollständige Kontrolle über das Ergebnis seiner Arbeit 

mehr. Time Sculptures – Konzeptuelle Werke der 

1980er is die zweite Einzelausstellung des Künstlers in 

der Galerie ŻAK | BRANICKA. Sie ruft die Vielfalt der in 

letzter Zeit wiederentdeckten Kunst der 1980er Jahre in 

Erinnerung. [Galerie ŻAK | BRANICKA . 

Ausstellungsdauer: 17. September – 24. Oktober, 2015. 

Foto © ŻAK | BRANICKA]

14 | KUNST.INVESTOR ViennaContemporary 

viennacontemporary 

Eindrucksvolle Bestätigung 

des Kunstplatzes Wien 

Mit 27.725 BesucherInnen und damit einem 

Besucherplus, ging die viennacontemporary am 27. 

September 2015 zu Ende. Der neue Veranstaltungsort 

in der Marx Halle hat damit die Erwartungen der 

Organisatoren voll erfüllt. Auch die teilnehmenden 

Galerien äußerten sich sehr positiv über die Architektur 

aus dem Ende des 19. Jahrhunderts und den 

Verkäufen in den vergangenen vier Messetagen. „Mehr 

BesucherInnen, mehr internationale 

KunstsammlerInnen und gute Verkäufe der 

teilnehmenden Galerien. Das ist eine schöne 

Bestätigung für unsere Entscheidung, die 

viennacontemporary völlig neu aufzustellen. Die 

internationale Kunstmesse in Wien in der Marx Halle 

hat unsere Erwartungen übertroffen“, freut sich 

Christina Steinbrecher-Pfandt, künstlerische Leiterin 

der viennacontemporary über die Bestätigung des 

neuen Messekonzepts und des neuen Termins im 

September. Auch die Kunststadt Wien konnte vom 

neuen Messetermin im September profitieren. „Wir 

haben sehr gut verkauft auf der viennacontemporary. 

Vor allem habe ich viel Positives von den 

internationalen SammlerInnen über die Messe und die 

aktuellen Ausstellungen in Wien gehört. Es ist aber 

auch wichtig, dass sich die internationalen KollegInnen 

hier wohl fühlen und das ist den Organisatoren der 

viennacontemporary auf jeden Fall gelungen“, fasst 

Andreas Huber (Galerie Andreas Huber, Wien) seine 

Erfahrungen auf der viennacontemporary zusammen. 

„Es waren unglaublich viele tolle Leute da. Wir hatten 

eine große Zahl von sympathischen und begeisterten 

Begegnungen und haben wunderschöne Kontakte hier 

in Wien gemacht. Auch im Namen des Künstlers 

möchte ich mich ganz herzlich beim Messeteam 

bedanken, das eine hervorragende Leistung gebracht 

hat“, sagt Jörk Rothamel (Galerie Rothamel, Erfurt), der 

seinen Messestand mit Werken von Eckart Hahn mit 

Preisen zwischen 5.000 und 15.000 Euro praktisch 

ausverkauft hat. Aufgrund der großen Zahl von 

internationalen wie nationalen KunstsammlerInnen, die 

zur viennacontemporary gekommen waren, konnten 

sich viele weitere Galerien über gute Verkäufe freuen. 

Den gesamten Messestand ausverkaufen konnte die 

Regina Gallery aus Moskau, die Arbeiten der Fast 

Reaction Group und von Sergey Bratkov nach Wien 

gebracht hatte. Die Galerie Mezzanin (Genf) konnte 

u.a. eine Arbeit von Christian Mayer (Euro 28.000,-) an 

einen österreichischen Privatsammler verkaufen, eine 

weitere Arbeit von Kathrin Plavcak ging nach Moskau.

15 | KUNST.INVESTOR ViennaContemporary 

Ani Molnár Gallery konnte Arbeiten von allen drei 

präsentierten KünstlerInnen – Szilárd Cseke, Péter 

Mátyasi und Éva Mayer (Euro 1.000,- bis 4.000,-) – mit 

denen sie auf die viennacontemporary gekommen war, 

an Neukontakte abgeben und zeigte sich sehr glücklich, 

dass das internationale Netzwerk der 

viennacontemporary so gut funktioniert. Nach einer 

Pause war auch Thaddaeus Ropac (Salzburg, Paris) 

mit einer Einzelschau von Arbeiten des aus Pakistan 

stammenden Malers Imran Qureshi wieder nach Wien 

gekommen und konnte Werke zwischen 12.000,- und 

30.000,- Pfund (Euro 16.000,- und 40.000,-) verkaufen. 

Zwischen 1.200,- und 2.800,- Euro kosteten die 

Atlantik-Landschaften des Fotografen Janek Zamoyski 

bei der Galerie Czułość aus Warschau von denen sie 

acht Stück verkaufen konnte. Die Galerie Chobot 

(Wien) freut sich über die internationalen Neukontakte 

und konnte eine Arbeit von Walter Moroder (Euro 

30.000,-) und kleine Arbeiten von Peter Dörfler und Jiří 

Dokoupil an internationale SammlerInnen abgeben. Die 

Knoll Galerie (Wien, Budapest) präsentierte erstmalig 

den jungen polnischen Künstler Kamil Kukla und konnte 

insgesamt 14 Arbeiten (ab Euro 1.000,-) an 

internationale PrivatsammlerInnen und Museen von 

London bis Warschau verkaufen. Geukens und De Vil 

(Knokke) zeigte sich sehr glücklich über ihre Teilnahme 

an der viennacontemporary und verkaufte eine Arbeit 

von Sophie Kuijken (Euro 9.000,- bis 12.000,-) und 

Werke von Gideon Kiefer zu Preisen zwischen Euro 

4.000,- und 5.000,-. Nächst St. Stephan Rosemarie 

Schwarzwälder (Wien) verkaufte alle Arbeiten, die sie 

von Sonja Leimer zur viennacontemporary gebracht 

hatte, an Privatsammlungen in Frankreich, Deutschland 

und Österreich. Krobath (Wien) zeigt sich mit ihrer 

Einzelpräsentation sehr zufrieden und konnte zwei 

großformatige Arbeiten von Sofie Thorsten an einen 

Privatsammler und an ein österreichisches Museum 

abgeben. „Ich freue mich, dass sich unsere Partner 

einhellig mit ihrem Engagement in die 

viennacontemporary sehr zufrieden gezeigt haben. 

Auch die Galerien haben sich über unsere Services 

positiv geäußert. Damit konnten wir das Vertrauen 

sowohl in die viennacontemporary als auch in den 

Kunstmarktplatz Wien wesentlich stärken. Mein Team 

und ich freuen uns schon auf die viennacontemporary 

vom 22. bis 25. September 2016 in der Marx Halle“, 

sagt Renger van den Heuvel, Geschäftsführer der 

viennacontemporary. (Foto: © kunstinvestor)

18 | KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

Friedensreich Hundertwasser, Chemin A Travers Une Fleur / Der Weg Der Durch Eine Blume Führt 

Aquarell auf mit Zinkweiß in Fischleim grundiertem Packpapier 45 × 64 cm, Schätzpreis: € 75.000 – 150.000 

Franz West, Onkel-Stuhl, 2006, Stahl, Textilbänder 

87 (H) × 51 × 51 cm, Schätzpreis: € 10.000 – 20.000


Kunsternte im Kinsky 

108. Kunstauktion Zeitgenössische Kunst 

6. Oktober 2015 

Im traditionell dynamischen Kunstherbst präsentiert 

auch das Kinsky im Oktober ein ausgesuchtes Angebot 

Zeitgenössischer Kunst. Österreichische Malerei und 

Skulptur sowie hervorragende internationale Positionen 

bilden den Schwerpunkt, neben den Vertretern der 

klassischen Avantgarde überzeugen auch ganz aktuelle 

Objekte, die die Entdeckerlust der Sammler 

befriedigen. 

Mit besonderem Stolz präsentiert die Sparte im Oktober 

Anselm Kiefers monumentales Werk „Das himmlische 

Jerusalem“ aus einer österreichischen Privatsammlung. 

Kiefer gehört zweifellos zu den erfolgreichsten 

Künstlern der Gegenwart, dessen Bedeutung auch 

durch die Verleihung fast aller namhaften 

internationalen Kunstpreise symbolisch bestätigt wird. 

Ausgangspunkt seiner differenzierten und 

tiefschürfenden Kunst war die Auseinandersetzung mit 

der deutschen Geschichte, die er ab den 1980er Jahren 

mit dem Blick auf die Kulturgeschichte verschiedener 

Völker erweiterte, wobei die Kabbala und die jüdische 

Religion ein zentrales, immer wiederkehrendes Element 

darstellen. Kiefer versteht es aber, die unerklärbaren 

Geheimnisse der alten Mythologien in eine moderne, 

allumfassende Sprache zu transformieren. Sein Werk 

wird daher auch als Fortsetzung des Wagner‘schen 

Gesamtkunstwerkes verstanden. Analog zu Kiefers 

monumentaler Kunstidee überwältigt auch immer der 

enorme Materialeinsatz, durch den jedes Bild an Tiefe 

und Raumwirkung gewinnt. 2010 präsentierte die 

renommierte New Yorker Galerie von Larry Gagosian 

ein Ensemble des Bilderzyklus „Next Year in 

Jerusalem“ (Schätzpreis: € 350.000 – 700.00) 

Friedensreich Hundertwasser kann als einer der 

wenigen österreichischen Maler auf ein internationales 

Renommee verweisen. Die Kombination von intensiver 

Farbe, ornamentartigen Linien und humorvollen 

Bildthemen sind sein unverkennbares Markenzeichen, 

sein umfassendes bildnerisches wie architektonisches 

Werk etablierte sich abseits jeglichen mainstreams. 

Besonders überzeugen seine Aquarelle, in denen der 

freie Fluss der Farbe mit Hundertwassers unbedingten 

künstlerischen Freiheitsanspruchs korrespondiert. „Der 

Weg der durch eine Blume führt“, 1976 erstmals im 

Museum von Tel Aviv ausgestellt, lässt hierbei keine 

Wünsche offen Schätzpreis: 75.000 – 150.000) 

Konnte das Kinsky in den letzten Auktionen neue 

Rekordpreise für Aquarelle von Franz West erzielen, 

werden im Oktober gleich fünf Stück seiner berühmten 

Stühle aus verschiedenen Serien angeboten. 1992 

präsentierte er erstmals einfache mit bunten Stoffen 

überzogene Metallstühle auf der documenta IX in 

Kassel, die wesentlich zu Wests internationaler Karriere 

beitrugen. Zum Benützen aufgefordert liegen diese 

Objekte seit jeher im Spannungsfeld von Gebrauchsund 

Kultobjekt und zählen zu den Protagonisten eines 

neuen Kunstverständnisses. 

(Foto: ©.Auktionshaus. im Kinsky‘)


Carl Georg Adolf Hasenpflug (1802-1858), Kirchenruine in Halberstadt im Winter, 1843 

Öl auf Leinwand; 131 × 105 cm, Schätzpreis EUR 20.000-40.000


Jacob van Walscapelle (1644-1727), Früchtestillleben mit Schmetterlingen – Delfter Porzellanschale 

Öl auf Leinwand; 46,5 × 61 cm, Schätzpreis EUR 70.000-140.000 

Winterfreuden 

Erlesene Kunstwerke im Kinsky 

24. – 26. November 2015 

Kunst aller Zeiten gibt sich im November alljährlich ein 

Stelldichein im Auktionshaus im Kinsky. Sechs Sparten 

präsentieren die Auktionstage der „Erlesenen 

Kunstwerke“ mit highlights der Malerei und der 

Möbelkunst aus dem Barock, mit Neuentdeckungen 

von Alfons Walde und Rudolf Wacker, von der Wiener 

Werkstätte um Josef Hoffmann und Dagobert Peche 

sowie mit einer seltenen Kollektion hochwertiger 

Schmuckstücke und Pretiosen. 

Alte Meister: Stillleben gehören – wie die letzten 

Rekordpreise für die Blumenbouquets der Familie 

Brueghel im Kinsky demonstrierten – nach wie vor zu 

den heiß begehrten Motiven am Altmeister Markt. 

Dieses Mal präsentieren wir ein Fest der Früchte des 

niederländischen Malers Jacob van Walscapelle. Im 

weiteren punktet die Sparte mit einem Monumentalwerk 

von Angelika Kauffmann, Odysseus auf der Insel Kirke, 

zuletzt ein highlight in der Kauffmann-Retrospektive im 

Vorarlberger Landesmuseum 2006 (Schätzpreis 

250.000 – 500.000). Gemälde 19. Jahrhundert führt 

wie immer einen reichen Schatz von Landschaften und 

Stillleben an, u.a. eine wunderbares Stimmungsbild 

einer Kirchenruine von Halberstadt des Berliner Malers 

Carl Georg Adolf Hasenpflug. Noch ganz im Geist der 

Romantik gehalten, wird der Blick in das Innere der 

Ruine im Winter vom subtilen Spiel des kühlen Lichtes 

gefesselt. Das Bild kommt aus einer großen Wiener 

Sammlung, der Schätzpreis liegt bei moderaten 

€20.000.


Isidore Jules Bonheur (1827 – 1901) , Kaiserin Elisabeth zu Pferde. Schätzpreis EUR 50.000-100.000


Rudolf Wacker (1893-1939), Stillleben mit Fettpflanze, 1931, Öl auf Holz; 60 × 75 cm. Schätzpreis EUR 50.000-100.000 

Antiquitäten: Hier besticht das Angebot wie immer 

durch seine Vielfalt und spannt den Bogen von einem 

ägyptischen Mumienporträt (SP 80.000 – 120.000) bis 

hin zur grazilen Bronzeskultpur der Kaiserin Sissy auf 

dem Pferd des französischen Meisters Isidore Jules 

Bonheur (SP 50.000 – 100.000). Einen Schwerpunkt 

der Auktion bildet der Nachlass des Hosenfabrikanten 

Fritz Hiltl aus der Oberpfalz, ein leidenschaftlicher 

Sammler des Barock mit seltenen Möbelstücken und 

kostbarem zumeist Meissener Porzellan. 

Darüberhinaus kommt eine große Kollektion von 

Schmuckstücken mit wertvollen Steinen aus der 

Sammlung zum Anbot, das sich durch besonders 

günstige Startpreise auszeichnet! 

Klassische Moderne: kann eine Reihe von neuen 

Entdeckungen aus alten Sammlungen ins erwartete 

Bieterrennen führen. Alfons Waldes Einsamer Berghof 

(SP 180.000 – 360.000) kommt aus einer 

amerikanischen Privatsammlung, in der es seit dem 

Erwerb beim Künstler geblieben war. Es ist eine 

Version von Waldes begehrtestem Motiv, das er in den 

1930er Jahren in seiner unübertrefflichen Wiedergabe 

von leuchtendem blauen Himmel und blendendem 

Weiß vollendete. Ebenso „Marktfrisch“ sind ein 

Stillleben von Anton Faistauer sowie zwei von Rudolf 

Wacker, berührend in ihrer Magie der Stille, ihrer 

malerischen Feinheit genauso wie provozierend mit 

ihrer subtilen Balance zwischen Gegenstand und 

Abstraktion (€ 50.000 – 10.000; € 35.000 – 70.000).


Dagobert Peche (St. Michael 1887 - 1923 Mödling), Deckenluster, Wiener Werkstätte, 1920 Metall, 

schwarz patiniert bzw. vergoldet; H. 102 cm; Dm. 46 cm, Provenienz: seit Erzeugung in Wiener Familienbesitz 

Schätzpreis EUR 50.000-100.000 

Jugendstil & Design: Die Sparte wiederum lockt mit 

einer Rauchkassette von Josef Hoffmann (SP 70.000 – 

140.000), einem Deckenluster und einem Spiegel von 

Dagobert Peche (€ 50.000 – 100.000) sowie mit 

weiteren Besonderheiten aus der Hochzeit der Wiener 

Werkstätte. Georges Minne ist mit einer Bronzefigur 

„L’enfant prodigue“ vertreten (€ 35.000 – 70.000).


Markus Prachensky* (1932 -2011), Rouges differents, 1957, Öl auf Leinwand; 95 × 125 cm 

EUR 35.000-70.000 

Zeitgenössische Kunst: Die Glasköpfe aus der 

Werkstatt Berengo, Venedig von Kiki Kogelnik zählen 

nach wie vor zu begehrten Sammlerstücken, die 

dementsprechend selten am Markt zu finden sind. Zwei 

Glasköpfe – „Ocean“ und „Night“ in geringer Auflage 

werden dieses Mal zum Startpreis von € 25.000 

angeboten. Voll revolutionärer Kraft ist Markus 

Prachenskys „Rouges differents“ aus 1957, durchaus 

als ein Auftakt für seine künstlerische Karriere zu sehen 

(€ 35.000 – 70.000). Aus dem Nachlass einer Wiener 

Galerie kommt im weiteren ein reiches Angebot an 

Werken der österreichischen Avantgarde, von Hans 

Staudacher über Martha Jungwirth und Arnulf Rainer 

zum Ausruf. [109. Kinsky-Kunstauktion: Erlesene 

Kunstwerke, 24. – 26. November 2015 – Foto: © 

Auktionshaus ‚im Kinsky‘]

28 | KUNST.INVESTOR Dorotheum 

Tiziano Vecellio (1488/90-1576) und Werkstatt, Maria Magdalena, Öl/Leinwand, 100,5 x 80,5 cm 

Auktion 20. Oktober 2015, Schätzwert € 200.000 - 300.000


Jan Brueghel I. (1568-1625) Belebte Dorflandschaft mit Kanal, Öl/Kupfer, 17,5 x 22,5 cm 

Auktion 20. Oktober 2015, Schätzwert € 300.000 - 400.000 

LIEBE ZUM DETAIL 

Dorotheum-Auktionswoche mit Alten Meistern, 

Gemälden des 19. Jahrhunderts, Antiquitäten und Juwelen 

20. - 22. Oktober 2015 

Höhepunkt der Dorotheum-Herbstsaison ist die große Auktionswoche vom 20. bis 22. Oktober 2015. Bilder von Alten 

Meistern, Gemälde des 19. Jahrhunderts, Möbel, Glas und Porzellan, Skulpturen und Juwelen demonstrieren, wie 

schön alternative Geldanlagen aussehen können. 

Auktion Gemälde Alter Meister, 20. 10. 2015 

Die Malerfamilie Brueghel ist bei der Auktion von 

Gemälden Alter Meister am 20. Oktober 2015 bestens 

vertreten. Jan Brueghel I. (1568 – 1625) „Belebte 

Dorflandschaft mit Kanal“, bei der er die Genres von 

Fluss- und Dorflandschaft kombiniert, kommt zu einem 

Schätzwert von 300.000 bis 400.000 Euro unter den 

Hammer. Bereits im April dieses Jahres versteigerte 

das Dorotheum seine „Rast an der Windmühle“ um 

523.444 Euro. Brueghel-Experte Klaus Ertz rechnet 

„diese Geschichten erzählenden Dorflandschaften zu 

den fortschrittlichsten und zukunftsweisendsten 

Kompositionen des Malers, die er ab ca. 1605 malt.“ 

Auf dem Bild sind unter anderem die so genannten 

„Hessenwagen“ zu sehen, ein von mehreren Pferden 

gezogenes Fuhrwerk, mit dem der Warenumschlag von 

Antwerpen nach Süddeutschland und Italien besorgt 

wurde.


Francesco Guardi (1712-1793) Begegnung Abrahams mit den drei Engeln, Öl/Leinwand, 72,5 x 92,5 cm 



Pieter Coecke van Aelst (1502-1550) Triptychon mit der Anbetung der Könige, Öl/Holz, 

Mittel 105 x 72 cm, Seitenflügel je 105 x 30,5 cm, Auktion 20. Oktober 2015, Schätzwert € 100.000 - 120.000 

Flora und Fauna: Friedlich stehen Vogel Strauß und 

Äffchen neben possierlich-zahmen Raubkatzen – so 

etwas kann nur vor dem biblischen Sündenfall gewesen 

sein: Jan Brueghel II. gibt sich der schönen Illusion der 

Paradieslandschaft hin, wobei zusätzlich der darin 

befindliche „Vogelbaum“ als Allegorie des Gehörsinns 

zu verstehen ist (€ 100.000 – 150.000). Sein Bild „Ein 

Korb und eine Tazza mit Rosen Tulpen und Lilien“ 

bringt hingegen aufs Prächtigste die Flora zur Geltung 

(€ 120.000 – 180.000). Nahezu manieristisch in 

Farbigkeit und Komposition mutet der in der ersten 

Hälfte des 16. Jahrhunderts entstandene Altar von 

Pieter Coecke van Aelst an. Das spätgotische, bereits 

Richtung Renaissance gehende Triptychon, das sich u. 

a. im Besitz von Erzherzog Leopold Salvator von 

Österreich befand, weist sowohl italienische als auch 

orientalische Einflüsse auf. Innovativ für die damalige 

Zeit ist auch der Umstand, dass die Szenen auf den 

Altarflügeln direkt an das zentrale Bild anschließen. 

Coecke van Aelst, äußerst detailverliebt, legt 

besondere Aufmerksamkeit in die 

Architekturdarstellung – der Maler höchstselbst 

übersetzte u. a. Traktate von Vitruv ins Flämische (€ 

100.000 – 150.000). 

Jäger und Gejagte: Flämischer Barock at it‘s best 

kommt von Jan Fyt, dem führenden Maler seiner Zeit, 

Schüler von Frans Snyders. Er verband meisterlich 

mythologische Szenen mit Stillleben-Darstellungen. Im 

Fall von „Die Göttin Diana empfängt die Jagdbeute“ 

drapiert er um die Jagdgöttin und ihre Helferinnen eine 

Reihe von Jagdhunden und Wildtieren (€ 150.000 – 

200.000).


Fausto Zonaro (1854-1929) Selbstporträt, 1914, Öl/Leinwand, 60,6 x 50,7 cm 



Alexander Koester (1864-1932) Wilde Jagd, Öl/Leinwand, 78 x 129,5 cm 

Auktion 22. Oktober 2015, Schätzwert € 120.000 - 150.000 

Neuentdeckungen 

Bei der italienischen Altmeister-Offerte zeigt sich 

Tiziano Vecellio und Werkstatt bei der Darstellung von 

Maria Magdalena relativ experimentell. Tizian und 

Werkstatt brachten zahlreiche Versionen der Büßenden 

Maria Magdalena hervor, die sich in zwei wesentliche 

Typen gliedern: Die erste Serie aus der Zeit zwischen 

1530 und 1540 zeigt Maria Magdalena vollkommen 

nackt, bedeckt indes von üppigem Haar. Der andere 

Typus mit Gewand, zu dem das im Dorotheum 

angebotene Bild zählt, entstand vermutlich um 1550. 

Das Bild ist kleiner als andere bekannte Exemplare 

dieses Typs, das Buch ruht nicht auf einem Schädel 

und der Maler streckte und verjüngte die Vase links im 

Bild aufgrund der kleinen Leinwand (€ 200.000 – 

300.000). Dieses Bild ist ebenso eine Neuentdeckung 

wie „Die Gefangennahme Christi (Ecce Homo)“, 

ebenfalls Tizian/Werkstatt. Röntgenanalysen 

offenbarten ein „Porträt eines Mannes“ darunter. Es ist 

typisch für die Arbeitspraxis von Tizian und seiner 

Werkstatt Leinwände wiederzuverwenden, um der 

enormen Nachfrage nach Bildern von einem der 

gefeiertsten Künstler der Kunstgeschichte 

nachzukommen (€ 100.000 – 150.000). 

Fantasiestücke 

In Pastell zeigt sich Francesco Guardis „Begegnung 

Abrahams mit den drei Engeln“, eine typische Arbeit 

von Venedigs führendem „Settecento“-Künstler, vereint 

ausgeklügelte Bildkomposition und malerische Qualität 

(€ 120.000 – 150.000). Rasche Skizzen, Capricci, 

hingegen sind die aus Guardis späterem Werk 

stammenden, kleinformatigen „Ruinencapricci in der 

Lagune von Venedig“, vier Gegenstücke, für die 

insgesamt zwischen 200.000 und 300.000 Euro 

erwartet werden. Die Fantasiestücke, zuvor in einer 

französischen Sammlung, zählen ebenso wie Michele 

Marieschis „Capriccios mit Ruinen an einer Küste“ zu 

Beispielen venezianischer Künstler des 18. 

Jahrhunderts, die im als „pittura di tocco“ bekannten 

Malstil arbeiteten (€ 100.000 – 150.000). Einer der 

ersten im Raum Bologna auf Stillleben spezialisierten 

Künstler, Paolo Antonio Barbieri – dem Bruder von 

Giovanni Francesco, il Guercino – stammt ein 

bedeutendes Vierer-Set von Stillleben (je € 50.000 – 

70.000). Das Angebot umfasst ebenfalls frühe 

italienische Gemälde auf Goldgrund – u. a. von Martino 

Bartolomeo da Siena - sowie ein außerordentlich gut 

erhaltene frühes Bild der Werkstatt Sandro Botticelli.


David Roentgen (1743-1807) Klassizistischer Doppelschreibschrank, um 1790 

Auktion 21. Oktober 2015, Schätzwert € 150.000- 200.000


Auktion Antiquitäten 21. 10. 2015 

Eine absolute Rarität wird bei der Möbel-Auktion am 21. 

Oktober 2015 um die Gunst der Sammler buhlen, und 

zwar ein klassizistischer Doppelschreibschrank von 

David Roentgen, dem bekanntesten und erfolgreichsten 

deutschen Kunsttischler des 18. Jahrhunderts. 

Integriert ist u. a. ein Hebemechanismus für ein 

Stehpult, die ausgeklügelte Inneneinrichtung verfügt 

über zahlreiche Nischen und eine versenkbare 

Geheimlade. Diese Raffinessen machten die 

„Neuwieder Möbelmanufaktur“ zu begehrten 

Ausstattern der bedeutendsten Häuser Europas. Neben 

dem französischen Hof unter Ludwig XVI. und Marie 

Antoinette belieferte er auch den russischen Zarenhof. 

Zarin Katharina II. lud ihn mehrfach nach Sankt 

Petersburg ein. Die Provenienz des im Dorotheum 

offerierten, bestens in der Fachliteratur dokumentierten 

Möbels ist außergewöhnlich: Es befand sich in den 

vergangenen 30 Jahren als Dauerleihgabe eines 

privaten Sammlers im Roentgen-Museum Neuwied. Für 

diese um 1790 entstandene Meisterarbeit erwartet sich 

das Dorotheum 150.000 bis 200.000 Euro. 

Edles Trinken: Trinksprüche in der Glas- und 

Porzellan-Auktion am 21. Oktober 2015: Knapp 100 

Jahre alt ist der Becher von Anton Kothgasser, ein 

Neujahrsbecher mit bemalter Sonne und der Widmung: 

"Alles Gute, Glück und Wonne, Heiterkeit und 

Seelenruh, Lächle jede Morgensonne, Dir in diesem 

Jahre zu". Der neue Besitzer dieses Biedermeierglases 

sollte dafür 8.000 bis 12.000 Euro widmen. Nicht 

spülmaschinenecht – aber das dürfte den Käufer des 

12-teiligen Porzellanservices der Wiener kaiserlichen 

Manufaktur, 1799-1817, keinesfalls stören. Feinste 

Blumenmalerei auf Goldgrund zeichnet dieses 

Ensemble aus (€ 17.000 – 24.000). 

Auktion Gemälde des 19. Jahrhunderts, 22. 10. 2015 

Für seine Enten-Darstellungen wurde der „Enten- 

Koester“ bekannt und ausgezeichnet: Alexander 

Koesters „Wilde Jagd“ ist einer der Höhepunkte bei der 

Auktion mit Gemälden des 19. Jahrhunderts am 22. 

Oktober 2015 (Schätzwert € 120.000 – 150.000). 

Österreichisch wird das Angebot mit Olga Wisinger- 

Florians „Veilchen“ aus dem Jahr 1897 (€ 20.000 – 

25.000), mit Anton Romakos hochdramatischen 

,,Ochsentreiber in der Campagna bei der Sedia del 

Diavolo“, und einem Blumenstillleben von Josef Lauer 

(€ 40.000 – 60.000, € 25.000 – 35.000). Das 

Selbstportrait des italienischen Malers Fausto Zonaro, 

der einige Jahre am Hof des Sultans Abdülhamid II in 

Konstantinopel lebte und arbeitete, soll 50.000 bis 

70.000 Euro einbringen. „Le gioie della buona Mamma“, 

d. h. „Die Freuden der guten Mutter“, bannte Giuseppe 

Sciuti auf Leinwand. Dieses Bild gehört zu der größten 

und wichtigsten Privatsammlung von Werken Sciutis 

und ist – neben einer vielfigurigen Historienszene aus 

der Geschichte Siziliens - Teil der Dorotheum-Auktion. 

Sciutis Porträts, Genre- und Historienbilder wurden 

einst international ausgestellt und geschätzt. Zu 

Lebenszeiten galt er als bedeutender Maler, geriet aus 

der Mode und wurde vor zwei Jahrzehnten durch eine 

italienische Museumsschau wiederentdeckt. 

(Foto: © Dorotheum)


Shelby Cobra 289 Mk. I 1963 - Schätzwert € 950.000-1.250.0000


LEGENDEN AUF VIER RÄDERN 

Dorotheum-Auktion "Klassische Fahrzeuge und Automobilia" am 17. Oktober 2015 

Gleich drei seltene, hervorragend dokumentierte 

Spitzenstücke der jüngeren Automobilgeschichte 

sichern sich die Pole-Position bei der Dorotheum- 

Auktion „Klassische Fahrzeuge und Automobilia“ am 

17. Oktober 2015 im Rahmen der Classic Expo in 

Salzburg: eine Shelby Cobra aus 1963, ein 1960 Ferrari 

Pininfarina und ein 1974 Lancia Stratos. Die 

angebotene Shelby Cobra 289 Mk. I aus dem Jahr 

1963, Fahrgestellnummer CSX2104, ist mehr als 

außergewöhnlich: Zum einen handelt es sich um die 

erste Cobra, die nicht in rot, schwarz oder weiß 

ausgeliefert wurde, sondern in diesem wunderschönen 

Blauton namens „Guardsman Blue“ – die Farbe, die 

später alle Shelby-Werksrennwägen tragen sollten. 

Zum anderen ist diese Cobra bis zum heutigen Tag erst 

9.674 Meilen gelaufen, gut 15.000 km. CSX2104 ist bis 

zum ersten Tag dokumentiert, ist in Rick Kopecs „World 

Registry of Cobras and GT40s“ eingetragen und 

befindet sich heute in herausragendem Zustand, 

gerade weil ihr zeitlebens jegliche Misshandlungen und 

Rennstrecken erspart blieben. Carroll Shelbys großer 

Wurf gilt heute als Ikone der Automobilgeschichte, 

unter den 998 gebauten Cobras sticht diese ob ihrer 

Geschichte einzigartig hervor (Schätzwert € 950.000 - 

1.250.000). Ein starker Motor, in zeitlos-elegante, 

gleichzeitig moderne von Pininfarina designte 

Karosserie verpackt: Understatement auf höchstem 

Niveau verspricht das 250 GT Pininfarina Coupé von 

Ferrari, ein silbergraues Exemplar der zweiten Serie. 

Diese hatten bereits Getriebe mit Laycock-Overdrive 

und Scheibenbremsen auf allen vier Rädern, was sie 

unter den insgesamt 351 gebauten Stücken zu den 

heute begehrtesten macht. 2011 ließ der Besitzer aus 

Deutschland den Ferrari komplett restaurieren und neu 

im Originalfarbton Grigio Argento lackieren. Das 

wunderschöne Exemplar dieses frühen Ferrari Gran 

Turismo aus der legendären 250er Serie wird zwischen 

480.000 und 620.000 Euro geschätzt. Ein 

unrestauriertes Exemplar der Rallye-Legende mit 

Renngeschichte, ein Lancia Stratos HF Gruppe 4 aus 

1974, ist der dritte Hochkaräter der Auktion. Das aus 

vierter Hand stammende Fahrzeug ist vollständig 

dokumentiert und weist eine lückenlose Historie auf. 

Der aus dem 1970 aus der Taufe gehobenen Lancia 

Stratos weiterentwickelte Rennwagentypus gewann 

1974 nahezu alles, was es zu gewinnen gab. Rund 500 

Stück wurden davon gebaut. Der Erstbesitzer des im 

Dorotheum angebotenen Lancia, ein italienischer 

Amateurrennfahrer, rüstete seinen Stratos zum Gruppe 

4 Rallyeauto auf. Wie alte Fotos und Startlisten 

belegen, nahm er mit seinem Stratos an mehreren 

regionalen Rallyes teil. Dieser Stratos war zeitlebens 

ein Rennwagen, er wurde nie restauriert und genau 

deshalb atmet er Geschichte an allen Ecken und 

Kanten. Als neuer Besitzer dieser Motorsportlegende 

sollte man zwischen 370.000 und 470.000 Euro dafür 

parat haben. Fans historischer Fahrzeuge können bei 

der Auktion vor allem aus unterschiedlichsten Modellen 

von Porsche und Mercedes wählen. Das Angebot an 

frühen Porsche bildet einen guten Überblick über die 

Zuffenhausener Evolutionstheorie: Vom ganz frühen 

Porsche 356 1500 Pre A aus 1954, über den 356 B 

Super 75 von 1963, zwei 911er mit kurzem Radstand 

aus den Sixties 2,2 Liter-S Topmodell bis zum 

cockneybraunen Porsche 911 aus dem Jahr 1976 (€ 

180.000 – 240.000, € 55.000 – 75.000, € 75.000 – 

115.000 bzw. € 140.000 – 200.000, 160.000 –- 

220.000, € 44.000 – 62.000). Bei der Mercedes-Offerte 

fahren u. a. die Modelle 250 SE Cabriolet, gebaut 1967 

und seit 1972 in zweiter Hand, auf, der gesuchte 

Frischluft-Klassiker Mercedes Benz 280 SL aus dem 

Jahre 1969 sowie ein mondänes 300c Cabriolet aus 

dem Jahr 1956 (€ 60.000 – 80.000, € 52.000 – 68.000, 

€ 140.000 – 200.000). „Grace, Space and Race“ zeigt 

sich beim 1958 Jaguar XK 150 Coupé (€ 55.000 – 

85.000). Ein Bolide für Kenner ist der 1953 Lancia 

Aurelia B20 Gran Turismo 2500 Serie 3 (€ 100.000 – 

150.000). Schließlich lässt auch der letzte, 1992 

produzierte Ferrari Testarossa in Rot/Schwarz Herzen 

von Sportwagenfans höher schlagen (€ 90.000 – 

140.000) – Foto: © Dorotheum


Ferrari Pininfarina 1960 - Schätzwert 480.000-620.000 

Lancia Stratos HF 1974 - Schätzwert € 370.000-470.000

42 | KUNST.INVESTOR Interview 

„So jung habe ich mich noch nie gefühlt“ 

Der Galerist und Auktionator Wolfdietrich Hassfurther 

ist seit über 40 Jahren in der Wiener Galerieszene ein 

Inbegriff und mischt mit seiner berühmten Galerie im 

Herzen Wiens in der oberen Liga der Galeristen und 

Auktionshäuser mit. Begonnen hat Wolfdietrich 

Hassfurther als Antiquar und Autografenhändler, als der 

Markt in Europa jedoch von den Amerikanern leer 

gekauft war, entdeckte er die wunderbare Welt der 

bildenden Kunst und gründete seine eigene Galerie. 

Seither hat er sich auf Gemälde, Meisterzeichnungen, 

Skulpturen, Miniaturen, Aquarelle und Druckgrafiken 

spezialisiert. Bis zum heutigen Tage lässt er sich von 

der Liebe zu einer großartigen Kunst antreiben; 

inspirierend ist für ihn aber auch die Schönheit des 

Lebens, die der feinfühlige Galerist auch im Alltäglichen 

erkenne, "ich bin immer wieder von der Schönheit des 

Lebens hingerissen." Beständigkeit und Kampfgeist hat 

der Galerist bis zum heutigen Tage bewiesen, seine 

eigenwillige Persönlichkeit ist sein Markenzeichen und 

sein unbändiges Engagement brennt bis heute. 

Gemeistert hat er so die Krisenzeiten, die seit den 

1990er-Jahren nicht nur die Finanzmarkt schütteln, 

sondern auch den Kunstmarkt: "Wien ist eine Stadt der 

Halbseligen, und Halbselige meistern Krisen besser", 

glaubt Wolfdietrich Hassfurter, der zum Synonym für 

fairen Kunsthandel geworden ist. Er hat es auch nicht 

verabsäumt, seine Fühler auszustrecken in Richtung 

Mittlerer Osten und Orient, bis nach Indien, China und 

Russland gehen seine Kontakte.

43 | KUNST.INVESTOR Interview 

Der Galerist konnte sich so ein weltweites Netzwerk 

aufbauen und ist überzeugt: "In diesen Ländern wächst 

eine neue europäische Sammlergeneration heran, die 

ein großes Interesse an europäisch klassischer 

Moderne hat." Die Galerie Hassfurther hat sich so zu 

einem international agierenden Player entwickelt. Das 

Erfolgsrezept der One-Man-Galerie: Fachliche 

Kompetenz mit Schwerpunkt Klassische Moderne, Alte 

Meister und Biedermeier gepaart mit Aufrichtigkeit. 

Seine vielen Stammkunden schätzen seine Ehrlichkeit, 

sein Wissen und sein Talent besondere Meisterwerke 

aufzuspüren; sein berühmtester und treuerster Kunde 

war der Sammler Rudolf Leopold, der 1973 sein erstes 

Bild bei Hassfurther erstand und seither immer wieder 

kam. Bekannt wie beliebt ist Hassfurther weiters für 

seine kostenlose Beratung und Schätzungen von 

Kunst-Objekten. Vielbeachtet ist dabei sein 

unschätzbares Wissen in den Kunstepochen Alte 

Meister, Biedermeier sowie die Klassische Moderne. 

Wolfdietrichs Geheimrezept hat somit mehrere 

Ingredienzien: Zum Einen seine weltweiten Kontakte 

und zum Anderen seine Liebe für die Kunst und sein 

Geschick diese zu finden. Auf sein Alter angesprochen 

sagt er: "Es macht mir einfach Freude älter und weiser 

zu werden, wer will schon sterben……. außerdem so 

jung habe ich mich noch nie gefühlt“ 

KUNSTINVESTOR(KI): Herr Hassfurther, seit vielen 

Jahren sind Sie nun erfolgreich im Auktionsgeschäft – 

wie fühlen Sie sich? 

WOLFDIETRICH HASSFURTHER(W.H.): Ich freue 

mich auf jeden Tag und meine neuen Projekte 

(Zeitgenossen, internationale Kunst). Ich fühle mich in 

Wien glücklicher denn je. 

KI: Sie gelten als starke und eigenwillige 

Persönlichkeit, die seiner passionierten Vorreiterrolle 

treu blieb. Sie spielen in der obersten Liga der 

Auktionshäuser mit. Was ist Ihr Erfolgsrezept? 

W.H.: Pflege der großen Kundenkartei und Suche nach 

neuen Kunden und Möglichkeiten. 

KI: Ursprünglich kommen Sie aus dem Buchhandel, 

haben als Antiquar und Autographenhändler gearbeitet. 

Wie kam der Wechsel zur Kunst? 

W.H.: Die Ressourcen aus dem reichen Fundus der 

Monarchie waren ausgeschöpft und führten mich zum 

Kunsthandel. 

KI: Ihre erfolgreichste Auktion? 

W.H.: Sie kommt erst! 

KI: Neue Kunden? 

W.H.: Jedes Jahr kommen 100 neue dazu. 

KI: Welche Schwerpunkte setzen Sie in der 

kommenden 62. Auktion am 23. November 2015? 

W.H.: Zwei Schwerpunkte: Bilder aus Tirol mit einer 

umfangreichen Walde Sammlung und Wiener Künstler. 

Es ist noch Vieles offen.

44 | KUNST.INVESTOR Ressler Kunst-Auktionen 

Ein überzeugender 

Erfolg 

Foto: © Ressler Kunst-Auktionen - Arnulf Rainer, ohne Titel, 1990er Jahre 

Bei einer Verkaufsrate von 66 % wurde ein Umsatz von 

knapp 1,7 Millionen Euro eingespielt – und das 

Ergebnis der 1. Auktion schon vor der Online- 

Nachverkaufs-Auktion übertroffen. Der Umsatz von 1,7 

Millionen Euro entspricht übrigens fast genau der 

Summe der Ausrufpreise. Besonders groß war das 

Interesse für sieben Arbeiten von Franz West. 

Angefeuert von internationaler Nachfrage wurde seine 

Maulschelle auf € 34.000 (Kaufpreis € 48.180) 

gesteigert, mehr als das Doppelte des Ausrufpreises; 

sein Labstück konnte bei € 25.000 (€ 32.250) 

zugeschlagen werden. Besonders begehrt waren auch 

die beiden Kodu-Stühle, die, gerufen mit 3.000, auf 

jeweils € 10.000 (€ 12.900), also mehr als das 

Dreifache gesteigert wurden. Franz West ist derzeit 

zweifellos der österreichische Künstler, dessen 

Skulpturen, freie, transportable, undefinierbare Formen 

aus Gips, Papiermaché oder Metall, die als Stützen, 

Prothesen oder Gewächse an den Körper gelegt 

werden können, international besonders begehrt sind. 

Seine ab 1987 entstanden Sitzmöbel aller Art, 

verfremdet, ironisiert, aus Fertigteilen oder mit Stoff, 

finden in zahllosen Museen in aller Welt Verwendung 

und verzeichnen rapid steigende Preise. Den höchsten 

Preis der Auktion erzielte Otto Mühls „Stillleben II“ mit € 

40.000 (€ 51.100). Zwei Jahre nach dem Tod Mühls 

scheint sich die unbestreitbare Qualität seiner Malerei 

gegenüber den – durchaus verständlichen – 

Vorbehalten gegen den Menschen Mühl durchzusetzen. 

Auch weitere Werke des Künstlers konnten 

problemlos abgesetzt werden. Ein Meistbot von € 

35.000 (Kaufpreis € 45.220) konnte für ein rotes, zwei 

mal drei Meter großes Schüttbild von Hermann Nitsch 

erzielt werden. Aber noch viel spektakulärer war die 

Nachfrage für die kleinen, hundert mal achtzig 

Zentimeter großen Schüttbilder, die teils auf das 

Doppelte gesteigert wurden. „Verbrannte Erde“ war der 

Titel des Gemäldes von Arik Brauer, das ebenfalls € 

35.000 (€ 45.570) einspielte. Der Künstler, der auch mit 

bald sechsundachtzig Jahren keinerlei Anzeichen von 

Müdigkeit erkennen lässt, gilt zu Recht als 

Tausendsassa. Neben seinen von Pieter Brueghel dem 

Älteren und orientalischer Kleinmalerei beeinflussten, 

detailreichen, märchenhaften, poetischen Bildern, die er 

erst im Vorjahr mit großem Erfolg im Leopold Museum 

zeigte, war Brauer auch als Sänger und Bühnenbildner, 

unter anderem für die Wiener Staatsoper, überaus 

erfolgreich.

45 | KUNST.INVESTOR Ressler Kunst-Auktionen 

Foto: © Ressler Kunst-Auktionen - Hermann Nitsch, ohne Titel, 1989 

Mit großem Erfolg verkauft wurden auch die Bilder des 

heuer verstorbenen Franz Grabmayer. Sein 

„Kampfelsen“, ein wuchtiges, pastoses Gemälde, das 

seine tiefe Verbundenheit mit der Natur illustriert, wurde 

auf € 30.000 (€ 41.130) gesteigert. Aber auch € 33.000 

(€ 42.570) für Wander Bertonis „Rhythmisches B“ darf 

zu Recht gefeiert werden, auch wenn hier noch 

nachverhandelt werden muss, weil das mit dem 

Einbringer vereinbarte Limit nicht ganz erreicht wurde. 

Die vielleicht bedeutendste Skulptur der Auktion, 

Oswald Oberhubers frühe (1949!) Bronzeplastik erlöste 

€ 30.000 (€ 38.700). Oswald Oberhuber schnitt diesmal 

überhaupt gut ab, ein Hinweis, dass dieser 

außergewöhnliche Künstler langsam aber sicher jene 

Wertschätzung erhält, die er schon lange verdient. Das 

Publikum schätzt es eben, auf den ersten Blick zu 

erkennen, von wem ein Kunstwerk stammt; und hier hat 

Oberhuber alles getan, um das zu verhindern. Erhard 

Busek hat einmal über ihn gesagt, wenn man ein 

großartiges Werk sehe und keine Ahnung habe, wer es 

geschaffen haben könnte, stamme es sicher von 

Oberhuber. Den gleichen Preis, nämlich € 30.000 (€ 

38.700) erzielte übrigens auch die großartige „Große 

Sphinx“ von Josef Pillhofer. Ihn kann man allenfalls mit 

seinem berühmten Lehrer Fritz Wotruba verwechseln; 

ein zweiter Blick eröffnet aber doch die 

unverwechselbare Eigenständigkeit dieses 

bedeutenden Bildhauers. Fast an diesen Preis heran 

reichte die monumentale „Blaue Kreuzigung von Walter 

Navratil (€ 29.000 / € 37.468). Der viel zu früh 

verstorbene Künstler verweigerte sich zeitgenössischen 

Tendenzen. Seine Bilder versah er mit irritierenden 

Momenten. Sie spiegeln eine geistige Welt wider, die 

die Wirklichkeit als uneinheitliches, rational 

undurchschaubares, fantastisches Konstrukt 

wahrnimmt, was die Kunstgeschichte auf den engen 

Kontakt zu den Künstler-Patienten in Gugging der von 

seinem Vater geförderten österreichischen Art brut 

erklärt. Die Stimmung im vollen Auktionssaal in der 

Galerie Ostlicht in der ehemaligen Anker Brotfabrik war 

jedenfalls ganz ausgezeichnet. Aber nicht nur im Saal 

wurde engagiert geboten, sondern auch am Telefon 

und sogar online via Internat. Besonders viele 

Bietaufträge konnte die Sensalin, Johanna Buchner- 

Schaumberger, verzeichnen, die mit mehreren 

Bieternummern hantieren musste, um die Übersicht 

nicht zu verlieren. (Foto: © Ressler Kunst-Auktionen)

46 | KUNST.INVESTOR Young Art Auction 

Clemens Wolf „The other side of the rainbow #9“

47 | KUNST.INVESTOR Young Art Auction 

Julian Palacz „Prime Entanglement 137“ 

Junge Kunst in der Albertina 

Anlässlich der zehnten YOUNG ART AUCTION (YAA) 

versammelten sich zahlreiche KunstliebhaberInnen in 

der Wiener Albertina zum jährlichen Auktionsabend. 

Die YAA steht seit jeher für professionell kuratierte 

junge Kunst und bietet SammlerInnen eine einzigartige 

Möglichkeit, junge Kunst früh zu entdecken und zu 

fördern. Große Freude bei allen Mitwirkenden: Zur Feier 

der zehnten YAA konnte die halbe Million Euro-Grenze 

geknackt werden. Bereits zum zehnten Mal kamen am 

10. September 2015 im Rahmen der YOUNG ART 

AUCTION sorgfältig ausgewählte, junge Kunstwerke 

besonderer NachwuchskünstlerInnen unter den 

Hammer. Sotheby’s Österreich Geschäftsführerin, 

Andrea Jungmann führte die Auktion in gewohnt 

charmanter Manier durch und animierte die zahlreichen 

Gäste aus Kunst und Wirtschaft zum Bieten. Insgesamt 

43 Werke wurden im Zuge der spannenden Auktion 

angeboten. Das Kunstwerk, das den höchsten 

Hammerpreis erzielen konnte, kam in diesem Jahr von 

Clemens Wolf. 6.100 Euro wurden mit „the other side of 

the rainbow“ erzielt. Am meisten Bieter gab es beim 

Kunstwerk von Julian Palacz’ „Prime Entanglement 

137“, das bei einem Rufpreis von nur 450 Euro, um 

2.000 Euro verkauft wurde. Damit wurde an dem Abend 

ein Umsatz von über 50.000 Euro erzielt. Seit der 

ersten Auktion konnten bis dato 394 Kunstwerke 

versteigert und rund 530.000 Euro eingespielt werden. 

Die YOUNG ART AUCTION bietet von Beginn an, 

besonders herausragenden jungen KünstlerInnen eine 

tolle Präsentationsfläche. Die Nachwuchs- 

Künstlerinnen und Künstler profitieren vor allem vom 

Engagement und der hohen Aufmerksamkeit für die 

YAA. Besonders ist auch, dass beim jährlichen 

Auktionsabend 80 Prozent der erzielten Hammerpreise 

direkt an die KünstlerInnen gehen. Kunst als 

Investmentform gewinnt zusehends an Beliebtheit und 

der Markt für zeitgenössische Kunst ist in den letzten 

Jahren stark gewachsen. Ein großes Anliegen der YAA 

ist es, eine Verbindung zwischen Kunst und Wirtschaft 

zu schaffen und jungen KünstlerInnen einen Einstieg in 

den Kunstmarkt zu erleichtern. (Foto: © YAA)

48 | KUNST.INVESTOR MAK 

Stefan Sagmeister (Creative Direction), The Happy Show, 2012, Art Direction & Design: Jessica Walsh 

Design: Verena Michelitsch, Jordan Amer, Simon Egli, Martin Gnadt, Santiago Carrasquilla und Esther Li 

Installationsansicht: Institute of Contemporary Art (ICA), University of Pennsylvania, und Chicago Cultural Center 

© Sagmeister & Walsh


Stefan Sagmeister, Porträt, © Sagmeister & Walsh/Foto: John Madere 

STEFAN SAGMEISTER 

The Happy Show 

Was macht uns glücklich oder zumindest glücklicher? 

Stefan Sagmeister, Großmeister des Grafikdesigns, 

begab sich auf eine intensive Recherche nach der 

persönlichen Happiness und ließ dabei keine Spielart 

aus. Meditation, kognitive Therapie, 

stimmungsaufhellende Medikamente – Sagmeister 

testete alles Glückversprechende am eigenen Körper 

und verarbeitete seine Experimente zur 

Ausstellung The Happy Show, die nun nach Stationen 

in Nordamerika und Paris auch in Wien angekommen 

ist. Vom 28. Oktober 2015 bis 28. März 2016 

durchflutet STEFAN SAGMEISTER: The Happy 

Show das MAK und lässt mit multimedialer 

Unterstützung an Stefan Sagmeisters mitreißender 

Suche nach dem Glück teilhaben. Mehr als zehn Jahre 

lang beschäftigte sich der charismatische 

Grafikdesigner mit Glück und der Leichtigkeit des 

Seins. Sagmeister (geboren 1962 in Bregenz, lebt und 

arbeitet in New York), der sein New Yorker Studio alle 

sieben Jahre für eine Auszeit schließt, plante 

seine Happy Show während seines letzten Sabbaticals 

im Jahr 2009. Mit Videos, Drucken, Infografiken und 

Skulpturen dokumentiert die inspirierende Schau 

Sagmeisters intensive Selbstversuche und bezieht mit 

interaktiven Installationen, die zum Teil eigens für die 

Schau angefertigt wurden, auch die BesucherInnen in 

die Glücksforschung ein. Getaucht in ein 

symbolträchtiges Smiley-Gelb eröffnen Interventionen 

in der MAK-Säulenhalle, der MAK-Schausammlung 

Gegenwartskunst, dem MAK DESIGN LABOR, der 

MAK GALERIE und auch weniger prominenten 

Bereichen des MAK wie in den Stiegenhäusern, 

Gängen und Aufzügen Einblicke in Sagmeisters 

Gedankenwelt und Glückserfahrungen. Ist es möglich, 

den Geist glücklich zu trainieren? Oder zumindest 

glücklicher? Kann der Geist in der gleichen Weise wie 

der Körper trainiert werden? Dies sind nur einige der 

zentralen Fragen der Schau, die eindeutig mit Ja 

beantwortet werden. The Happy Show führt vor Augen, 

dass es Dinge gibt, die wir tun können und uns 

glücklicher machen. Es hänge von unserer Haltung, 

unseren Gewohnheiten und unserem Verhalten ab, so 

eine der Botschaften Sagmeisters.


Stefan Sagmeister (Creative Direction), The Happy Show, 2012, Art Direction & Design: Jessica Walsh 

Design: Verena Michelitsch, Jordan Amer, Simon Egli, Martin Gnadt, Santiago Carrasquilla und Esther Li 

Installationsansicht: Institute of Contemporary Art (ICA), University of Pennsylvania, und Chicago Cultural Center 

© Sagmeister & Walsh


Mit Sicherheit mache aber nicht immer das glücklicher, 

von dem wir es erwartet hätten. „Definitionen finde ich 

normalerweise eher langweilig. Aber Glück ist ein so 

großes Thema, dass es vielleicht einen Versuch wert 

ist“, kommentiert Sagmeister seine persönliche 

Glücksforschung. Die MAK-Ausstellung ist auch Bühne 

für Sagmeisters Designkreativität. In handschriftlichen 

Kommentaren an Wänden, Geländern und in den 

Toilettenräumen des Museums erläutert er seine Ideen 

und Beweggründe zu den gezeigten Projekten. 

Sozialwissenschaftliche Daten der Psychologen Daniel 

Gilbert, Steven Pinker und Jonathan Haidt, des 

Anthropologen Donald Symons und bedeutender 

HistorikerInnen, die seine Experimente in einen 

größeren Kontext setzen, ergänzen seine persönlichen 

Notizen. Sagmeister thematisiert eine bunte Palette an 

Parametern für Glück, wie Religion, Geld, Ehe, Sex, 

Aktivitäten wie Internet surfen oder Zeitung lesen sowie 

das Verhältnis zwischen der Anzahl der 

SexualpartnerInnen und dem Grad der Zufriedenheit. 

Gibt es eine moralische Veranlassung, Kinder zu 

bekommen, und macht es glücklicher, Kinder zu 

haben? Viele Aussagen der Schau überraschen: So 

machen Kinder nicht glücklicher, die Ehe dagegen 

schon. Es gibt ein ideales Gehalt, wobei Geld ab 

einem Einkommenslevel von etwa 75.000 bis 80.000 

US-Dollar nicht glücklicher macht. Die Suche nach dem 

Symbol für Glück wird zur kollektiven Angelegenheit: 

Die BesucherInnen könnenKnöpfe drücken, auf kleinen 

Papierstreifen Glückssymbole zeichnen, Karten mit 

Aufgaben ziehen und werden aufgefordert, Geld aus 

einem Automaten zu nehmen und gleichzeitig 25 Cent 

zu spenden. Ein Display mit silbernen Tellern offeriert 

den BesucherInnen Sagmeisters bevorzugte 

Schokolade. Bei der Installation How happy are 

you? kann die Frage nach dem eigenen „Glücksgrad“ 

an einer Skala von 1 bis 10 beantwortet werden, indem 

man entsprechend einen Kaugummi zieht. Gleichzeitig 

wird so der kollektive Glücksgrad aller AusstellungsbesucherInnen 

visualisiert. Aktivitäten als Weg zu mehr 

Glück sind eine der zentralen Messages der Happy 

Show. Viele Ausstellungsobjekte fordern die 

BesucherInnen auf, mehr zu tun, als nur passiv zu 

betrachten. Ein interaktives Fahrrad treibt die Neon- 

Leuchtschriften Seek Discomfort und Actually Doing 

Things I Set Out to Do Increases My Overall Level of 

Satisfaction an. Sobald die Trittkraft endet, erlischt die 

Schrift. Die Installation Being Not Truthful erlaubt den 

BesucherInnen, ein Spinnennetz durch Bewegung bis 

zum Zerreißen zu manipulieren, wobei man völlig 

vergisst, welche lächerlichen Verrenkungen man dabei 

in der Öffentlichkeit macht. Sobald die Bewegung 

endet, erscheint der Schriftzug „Being not truthful works 

against me“ [„Nicht aufrichtig zu sein, arbeitet gegen 

mich“]. Die Arbeit ist ein Beispiel für Sagmeisters 

subtilen Witz und Humor und im Weiteren ein Punkt der 

Liste seines Tagebuchs, das er unter dem Titel Things I 

have learned in my life so far 2008 publiziert hat. 

Zwei riesige, aufblasbare, grimmige Affen mit der 

Aufschrift „Everybody Thinks They Are Always Right“ 

[„Jeder denkt, dass er immer im Recht ist“] rufen zur 

Selbstreflexion auf. Affen symbolisieren in den Augen 

Sagmeisters Vorurteile und Selbstüberhöhung, und 

damit Eigenschaften, für die er alle alltäglichen, aber 

auch globalen Konflikte der Menschen verantwortlich 

macht. Eine direkte Aufforderung zum Lachen liefert die 

Animation Step Up to It, eine Typografie aus Zuckerstücken, 

deren Wirkung sich nur Glücklichen offenbart. 

Nur für lachende Menschen verwandelt sich die 

Installation von Weiß in heitere, helle Farben. Nach 

dem Abschluss seines Studiums an der Universität für 

angewandte Kunst Wien ging Sagmeister im Jahr 1986 

für ein zweijähriges Fulbright-Stipendium ans Pratt 

Institute in Brooklyn. 1992 folgte er dem Ruf des 

renommierten Werbedesigners Leo Burnett in dessen 

Agenturniederlassung nach Hong Kong. 1993 

wechselte er in Tibor Kalmans Büro nach New York, 

um, als dieses nach wenigen Monaten schloss, sein 

eigenes Studio Sagmeister Inc. in Manhattan zu 

gründen. (Foto: © MAK)

52 | KUNST.INVESTOR OstLicht Galerie für Fotografie 

Friedensreich Hundertwasser, Venedig, ca. 1970 © Fotosammlung OstLicht 

VALIE EXPORT, Wien, 1975, © Fotosammlung OstLicht


Cora Pongracz 

Österreichische Avantgarde der 1970er 

Hundertwasser in der Hängematte, Muehl in Aktion, 

Rainer beim Grimassieren – Cora Pongracz hat nahezu 

alle vor der Kamera gehabt, die in der österreichischen 

Kunstszene der späteren Nachkriegszeit Rang und 

Namen hatten. Die 1943 geborene Künstlerin war nicht 

nur eine der wichtigsten Chronistinnen der Epoche, 

sondern war selbst Teil der Avantgarde-Zirkel der Zeit. 

Anfang 2015, zwölf Jahre nach Pongracz‘ Tod, konnte 

ihr gesamter fotografischer Nachlass von der 

Fotosammlung OstLicht erworben und so vor der 

Zerschlagung bewahrt werden. In aufwendigen 

Neuabzügen präsentiert die Fotogalerie OstLicht nun 

eine Auswahl von 120 Motiven aus dem Pongracz- 

Nachlass, darunter auch bislang unbekannte 

Aufnahmen – ein einzigartiges Zeitporträt und ein 

Einblick in das Werk einer faszinierenden Künstlerin. 

Der fotografische Nachlass von Cora Pongracz (1943- 

2003) umfasst rund 42.000 Negative und 1.100 

Abzüge. Sichtung, Ordnung, Katalogisierung und 

Archivierung des Materials nahmen Monate in 

Anspruch. Nach Abschluss dieses Prozesses zeigt die 

Fotogalerie OstLicht nun eine konzentrierte Auswahl an 

Aufnahmen aus den siebziger Jahren, der fruchtbarsten 

Zeit der Fotografin in Wien. Cora Pongracz 

dokumentierte etwa Aktionen von Otto Muehl, 

fotografierte Arnulf Rainer in drei Werkphasen (Face- 

Farces, Körperposen, Kooperation mit Dieter Roth), 

porträtierte Hundertwasser in Venedig, Nitsch in 

Prinzendorf, Joe Berger am Filmset oder begleitete 

Franz Ringel auf diversen Unternehmungen im 

Freundeskreis. Durch ihren Ehemann Reinhard 

Priessnitz war der Kontakt zu vielen österreichischen 

Literaten – etwa im Umkreis der Grazer Autoren 

Versammlung und der edition neuer texte – gegeben, 

die ihre Autorenporträts von Pongracz fotografieren 

ließen. Außerdem arbeitete die Künstlerin in 

konzeptuellen Serien an einer Hinterfragung der 

fotografischen Personen-Repräsentation. So 

kombinierte sie in »8 erweiterte portraits – Frauen in 

Wien« (1974) jeweils zwei Bildnisse mit Aufnahmen von 

Sujets, die ihr die Porträtierten nannten, wie etwa 

Lieblingsorte, Lebenspartner oder Gegenstände von 

individuell besonderer Bedeutung; die assoziativen 

Erweiterungen entsprangen also den Modellen selbst, 

gleichwohl gefiltert durch Blick und Apparat der 

Fotografin. In den »verwechslungen« (1978) befasste 

sich Pongracz mit weiteren Facetten der 

Selbstdarstellung. Die ironische Haltung der 

Porträtierten entfaltet dabei eine Fülle von Nuancen: 

Von übertriebener Inszenierung und schelmisch 

gebrochener Seriosität über die professionelle Eitelkeit 

des Schauspielers bis zum bemerkenswerten Ernst von 

Kindern im Spiel. Auch hier zeigt sich die 

vorausweisende Qualität ihrer Arbeit, die Aspekte 

aufgreift, die die Praxis und Diskurse der 

zeitgenössischen Kunst noch lange prägen sollten: 

Identität und Performativität.[ OstLicht Galerie für 

Fotografie. Dauer der Ausstellung: 02.10. – 21.11.2015 

Foto: © Ostlicht]


Friederike Mayröcker, Wien, 1975 © Fotosammlung OstLicht 

Franz West,, #1 der 5-teiligen Serie aus der Werkgruppe „verwechslungen“, Wien, 1977 © Fotosammlung OstLicht


Dieter Roth und Arnulf Rainer, Misch- und Trennkunst, 1974, © Fotosammlung OstLicht 

Hermann Nitsch, Prinzendorf , ca. 1974 © Fotosammlung OstLicht

58 | KUNST.INVESTOR Essl Museum 

Tempera auf Holz, 80 x 50 cm, Courtesy Privatsammlung, Foto: Helmut & Johanna Kandl (Foto: © Essl Museum)


Foto: © Essl Museum - Marlies Cermak 

JOHANNA KANDL 

KONKRETE KUNST 

Unter dem Titel Konkrete Kunst zeigt das Essl Museum 

ab 9. Oktober 2015 eine Personale der Künstlerin 

Johanna Kandl. Zu sehen sind überwiegend neue 

Arbeiten aus dem Atelier, bei denen sie der Malerei 

buchstäblich auf den Grund geht und deren 

Ausgangsmaterialien wie Terpentin, Gummi arabicum, 

Mastix, Perlleim oder Leinöl auf ihre Stofflichkeit und 

Herstellung untersucht. Kandl legt dabei globale 

wirtschaftliche und kulturgeschichtliche Zusammenhänge 

offen, thematisiert die Produktionsbedingungen 

und die Menschen dahinter, aber auch die Geschichte 

des Materials. Die in Berlin und Wien lebende 

Künstlerin nimmt eine singuläre Position in der 

gegenständlichen Malerei Österreichs ein. Im 

Gegensatz zu vielen anderen zeitgenössischen 

MalerInnen, die auf von Massenmedien produzierte 

Bilder zurückgreifen und diese bearbeiten, setzt sich 

Kandl mit gesellschaftlichen Begebenheiten 

auseinander, die sie selbst erfahren hat. Ob 

kleinstädtische Märkte, prekäre Arbeitsverhältnisse 

oder die Anbaugebiete für Terpentin und Gummi 

Arabicum: die auf Reisen gemachten Eindrücke 

verwandelt Kandl in eine farbenfrohe Malerei mit stark 

konsumkritischer Botschaft. [Essl Museum. 

Ausstellungsdauer: 9.Oktober 2015 bis 31.Jänne 2016 

– Foto: © Essl Museum]


Tempera auf Leinwand, 290 x 250 cm,© Sammlung Essl, Klosterneuburg /Wien, Foto: Mischa Nawrata, Wien (Foto: © Essl Museum)


Tempera auf Holz, 35 x 50 cm, Courtesy die Künstlerin, Foto: Helmut & Johanna Kandl (Foto: © Essl Museum) 

Tempera auf Holz, 30 x 42 cm, Courtesy die Künstlerin, Foto: Helmut & Johanna Kandl (Foto: © Essl Museum)

62 | KUNST.INVESTOR Belvedere 

Hans Bischoffshausen, Energiefeld, 1965, Artothek des Bundes, Dauerleihgabe im mumok, 

Wien © Bildrecht, Wien, 2015, Foto: © mumok, Wien 

Mehr als ZERO 

Hans Bischoffshausen 

Der 1927 in Feld am See geborene Künstler Hans 

Bischoffshausen gehört zu den wesentlichen Vertretern 

der österreichischen Nachkriegsavantgarde. Seine 

reduzierte, die Grenzen der Malerei auslotende, 

Materialbezogene Malerei hatte er bereits sehr früh im 

Zusammenhang mit seinen Reisen nach Italien und 

Frankreich entwickelt. Der Umzug nach Paris 1958 

brachte Bischoffshausen den direkten Kontakt zu den 

Werken Yves Kleins, Bernard Aubertin, Lucio Fontana, 

sowie der holländischen Gruppe Nul. Bischoffshausen 

erarbeitete ein im Dunstkreis der Idee des Zero 

philosophisch verortetes, sehr elaboriertes Avantgarde- 

Oeuvre in jenen Jahren. Die Ausstellung präsentiert 

erstmals Werkserien erneut zusammen und versucht 

die künstlerischen Wechselbeziehungen zu 

Künstlerkollegen aus Frankreich, Deutschland, Italien 

und Holland erfahrbar zu machen. Die Freundschaft zu 

Lucio Fontana, Bernard Aubertin, Hermann de Vries, 

Jan Schoonhoven oder Heinz Mack werden ebenfalls 

Thema dieser Ausstellung sein, wie die 

Auseinandersetzung mit musikalischen Notationen, 

dem Sehen als Konzept und Metapher und der Leere 

als symbolische Form. Bischoffshausen gehört heute 

neben seinem Künstlerfreund Erwin Thorn zu den 

wenigen österreichischen Vertretern der internationalen 

Avantgarde. Seine individuelle Ikonologie des Materials 

und seine konzeptuelle Neuorientierung in der Kunst 

vor und nach 1968 macht Bischoffshausen zu einem 

der wesentlichen Vertretern der Avantgarde. Der 

Ausstellung ist aber auch die Erzählung über die 

Freundschaft mit dem Galeristenpaar Heide und Ernst 

Hildebrand zugrunde gelegt, das Bischoffshausen als 

wesentlichen Kulturvermittler für Klagenfurt und 

Kärnten ausweist. [Ausstellungsdauer: 8. Oktober 2015 

bis 14. Februar 2016 in der Orangerie im Unteren 

Belvedere - Foto: © Belvedere]

L.U.C Quattro 

Ein neues Design für einen außergewöhnlichen Zeitmesser 

Chopard präsentiert zwei neue Modelle seiner Kollektion L.U.C Quattro. Beide Uhren sind mit dem 

Erfolgskaliber L.U.C 98.01-L von Chopard Manufacture ausgestattet. Dieses Mechanikwerk mit 

vier Federhäusern wurde erstmals 2005 lanciert. Die zwei neuen Varianten präsentieren sich in 

Roségold mit braunem Zifferblatt und - eine Premiere - aus Platin mit blau-grauem Zifferblatt. 

Diese beiden eleganten und exklusiven Uhren werden sowohl Liebhaber exquisiter 

Uhrmacherkunst als auch Anhänger von geradlinigem Design begeistern. 

Ein einzigartiges Uhrwerk mit patentierter Technologie: Das Mechanikwerk L.U.C 98.01-L mit 

Handaufzug hat vier übereinander angeordnete und in Serie gekoppelte Quattro®-Federhäuser. 

Dank dieser technischen Meisterleistung verfügt die L.U.C Quattro über eine enorme Gangreserve 

von 9 Tagen und zeigt dabei eine konstante Ganggenauigkeit. Ihr Kaliber erfüllt sämtliche 

Anforderungen des anspruchsvollen Schweizer Chronometerzertifikats (COSC). Was Liebhaber 

mechanischer Uhren freuen dürfte: Der offene Boden gestattet einen Blick auf das Uhrwerk L.U.C 

98.01-L, die mit dem Genfer Streifen verzierten Brücken und das renommierte Genfer Siegel, ein 

Garant für Qualität und makellose Fertigung. 

Ein neues, exklusives Design: Die beiden jüngsten Neuzugänge der Kollektion L.U.C Quattro 

haben ein Gehäuse aus Roségold oder Platin und ein jeweils farblich abgestimmtes, braunes oder 

blaugraues Zifferblatt mit Sonnengravur. Mit den für die Kollektion typischen Zeigern im Dauphine- 

Stil wirken sie modern, elegant und rassig. Ihr raffinierter, zeitloser Look wird durch die feinen 

Details der mit 43 mm Durchmesser großzügig dimensionierten Gehäuse aus Roségold oder 

Platin betont. Für die Kollektion charakteristische geschwungene Bandanstöße verleihen den 

neuen Uhren dagegen einen modernen, maskulinen Touch. Das satinierte Zifferblatt, die glänzend 

polierte Lünette und der offene Gehäuseboden bilden einen spannenden, facettenreichen Kontrast 

und rücken die Linienführung der beiden Zeitmesser ins rechte Licht. Auch die mit höchster 

Sorgfalt und ausgesprochener Liebe zum Detail gefertigten Bauteile der Manufakturkaliber zeigen 

diesen Wechsel von matten und glänzenden Oberflächen. Als elegantes i-Tüpfelchen haben die 

beiden neuen L.U.C Quattro-Modelle ein mit Alligatorleder dubliertes, handgenähtes Armband aus 

braunem oder marineblauem Alligatorleder.

74 | KUNST.INVESTOR Leopold Museum 

Alexej von Jawlensky Mädchenkopf mit rotem Turban und gelber Agraffe, 

um 1912 © Courtesy of Osthaus Museum 

FARBENRAUSCH 

Meisterwerke des deutschen Expressionismus 

Ab 1905 wagte eine Gruppe junger Künstler in 

Deutschland den Aufbruch in die Moderne. Ihre 

kraftvolle, expressive und völlig neue Bildsprache war 

Ausdruck eines individuellen Lebensgefühls. Mithilfe 

von radikal subjektiven Bildformeln und Farben von 

einzigartiger Intensität legten die »Expressionisten« 

einen Grundstein für das moderne Verständnis des 

Künstlers in der Gesellschaft. Die Formverzerrungen, 

die Überbetonung der Umrisslinien, die radikale 

Reduktion auf das Wesenhafte und eine höchst 

eigenwillige Interpretation der Perspektive provozierten 

das bürgerliche Publikum und rüttelten am 

althergebrachten Kunstbegriff. In ihrer Sehnsucht nach 

dem Ursprünglichen schufen die Expressionisten 

zuweilen regelrechte Feuerwerke der Farbe. Das in der 

westfälischen Industriestadt Hagen gelegene Osthaus 

Museum geht zurück auf den deutschen Industriellen 

Karl Ernst Osthaus (1874–1921) und beherbergte bis 

1921 das berühmte Folkwang Museum, ehe die 

gesamte Sammlung von den Erben des 

Museumsgründers nach Essen verkauft wurde. In der 

Folge wurde in Hagen eine neue umfangreiche 

Sammlung moderner Kunst mit Schwerpunkt Deutscher 

Expressionismus und zeitgenössische Kunst aufgebaut. 

Die Ausstellung präsentiert eine Auswahl von rund 30 

Gemälden und 80 Papierarbeiten aller Hauptvertreter 

des deutschen Expressionismus, darunter die Brücke- 

Künstler Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller und Karl 

Schmidt-Rottluff sowie die Vertreter der Neuen 

Künstlervereinigung München und des Blauen Reiter 

Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky oder Franz 

Marc. Ergänzt wird die Ausstellung durch eine Auswahl 

expressionistischer Werke aus dem Bestand des 

Leopold Museum und der Privatsammlung Leopold. 

[Leopold Museum, Ausstellungsdauer von 9. Oktober 

2015 bis 11. Jänner 2016, Foto © Leopold Museum]


Ernst Ludwig Kirchner, Künstlergruppe (Unterhaltung der Künstler), 1913 (datiert 1912) © Courtesy of Osthaus Museum Hagen & Institut für 

Kulturaustausch, Tübingen By Ingeborg & Dr. Wolfgang Henze-Ketterer, Wichtrach/Bern, 2014


Gabriele Münter, Landschaft mit weißer Mauer, 1910 © Courtesy of Osthaus Museum Hagen & Institut für Kulturaustausch, 

Tübingen/Bildrecht 2015


Otto Mueller, Mädchen am Wasser, um 1926 © Courtesy of Osthaus Museum Hagen & Institut für Kulturaustausch, Tübingen

78 | KUNST.INVESTOR Albertina 

Edvard Munch, Frauenkopf am Strand, 1899, Privatsammlung Courtesy Galleri K 

Oslo © Reto Rodolfo Pedrini, Zürich


Edvard Munch, Melancholie II, 1898, Privatsammlung Courtesy Galleri K 

Oslo © Reto Rodolfo Pedrini, Zürich 

Edvard Munch 

Liebe, Tod und Einsamkeit 

Edvard Munch ist einer der einflussreichsten 

Protagonisten der Moderne. Seine Kunst stellt einen 

Höhepunkt der Jahrhundertwende dar. Mit 100 

Meisterwerken der Druckgrafik, die meist nur in einem 

einzigen Exemplar existieren, zeigt die Albertina die 

berühmtesten Ikonen dieses norwegischen Künstlers, 

darunter Der Schrei Madonna, Der Kuss und 

Melancholie. Munchs Schaffen nimmt eine 

Sattelstellung zwischen Symbolismus und Expressionismus 

ein und zeugt von der lebenslangen 

Auseinandersetzung des Künstlers mit den 

existenziellen Fragen des Menschen. Liebe, Tod und 

Einsamkeit sind die bis heute aktuellen Themen seines 

Werks. Neben Dürer, Rembrandt, Goya und Picasso 

zählt Edvard Munch zu den Bahnbrechern in der 

Geschichte der Kunst. [Albertina, Dauer bis 24 Jänner 

2016 – Foto: © Albertina]


Edvard Munch, Junge Frau am Strand, 1896, Privatsammlung Courtesy Galleri K 

Oslo © Christie's Images/The Bridgeman Art Library


Edvard Munch, Birgitte III, 1930, Privatsammlung Courtesy Galleri K 

Oslo © Reto Rodolfo Pedrini, Zürich

82 | KUNST.INVESTOR Museum Gugging 

Foto: © Museum Gugging - Ernst Herbeck, Der Vater, 31.5.1967, Autograph


Foto: Museum Gugging - © Heinz Bütler 

„Eine leise sprache ist mir lieber“ 

Ernst Herbeck 

Erstmals widmet das Museum Gugging Ernst Herbeck 

(1920–1991), dem gewitzten, wort-gewandten und doch 

so stillen Dichter unter den Gugginger Künstlern, eine 

eigene Ausstellung. Im Zentrum der Schau steht die 

unverwechsel-bare poetische Stimme Ernst Herbecks. 

Die verschiedenen Kapitel seiner Lebens- und 

Autorgeschichte werden anhand teils noch nie 

gezeigter Originaldokumente, Bilder, Film- und 

Tonaufnahmen aufgeschlagen. Erstmals ist auch eine 

größere Anzahl von Zeichnungen von Ernst Herbeck zu 

sehen, die in naher Verwandtschaft zu seinem 

dichterischen Werk stehen. Architektur und Gestaltung 

der Schau spiegeln Herbecks Themenwelt und seine 

poetischen Verfahren wider. Die Ausstellung ernst 

herbeck.! eine leise sprache ist mir lieber gibt einen 

Einblick in die beeindruckende Vielfalt dieses auf 

Umwegen und ohne literarisches Netz entstandenen 

Werks des Gugginger Künstlers. Im Zentrum steht 

dabei die poetische Stimme Ernst Herbecks. Von 

ausgewählten Text-Zitaten moderiert und begleitet von 

Bildern, Film- und Ton-Dokumenten und 

Erinnerungsstücken werden verschiedene Kapitel 

seiner Lebens- und Autorgeschichte aufgeschlagen: 

Kindheit, Krieg, die Jahrzehnte lange Erfahrung als 

„Ausw rtiger“ in der Psychiatrie, die außergewöhnlichen 

Umstände seiner Autorschaft mit Leo Navratil als 

Gegenüber und Förderer, sowie die vielen Resonanzen 

auf seine Bücher und Texte. Auch Herbecks tiefe 

Verbundenheit mit der „Thierenschaft“ und der Natur 

wird thematisiert, sein genauer und empathischer Blick 

für kleinste und alltägliche Dinge, sowie seine 

lakonischen Betrachtungen über Leben und Tod, über 

die Zeit, das Warten oder „Das Lieben“. Aus Herbecks 

letztem, im Haus der Künstler in Gugging verbrachten 

Lebens-jahrzehnt stammen seine Foto-Alben mit zum 

Teil von ihm selbst gemachten Aufnahmen: Sie zeigen 

die Landschaft vor dem Fenster, Mitbewohner wie 

Oswald Tschirtner, August Walla und Johann Hauser, 

ge-meinsame Ausflüge und Geselligkeiten, oder die 

Kaffeejausen mit Besuchern, bei denen Herbeck 

manchmal aus seinen Büchern vorgelesen hat. Neben 

Original-Autographen, seltenen Tonaufnahmen von 

Herbecks Lesungen, Fotos, Büchern und Dokumenten 

zur Rezeptions- und Wirkungsgeschichte wird erstmals 

auch eine größere Auswahl von Zeichnungen Ernst 

Herbecks zu sehen sein, die vielfältige Bezüge zu 

seinem poetischen Werk eröffnen. Darunter sind auch 

sehr frühe Arbeiten, die noch aus der Zeit vor Herbecks 

poetischer Produktion stammen, als der Autor wie viele 

andere Patienten vom Psychiater Leo Navratil 

regelmäßig zu „Test-Zeichnungen“ angehalten wurde. 

[Museum Gugging. Ausstellungsdauer: 22. Oktober bis 

22. Mai 2016, Foto: Museum Gugging]


Foto: © Museum Gugging - IPEC Collection, Autor: Shinichi SAWADA, Ohne Titel, 2010-2011, Ton glasiert


Art brut Japan – Schweiz 

Über 150 Werke umfasst die imposante Schau, die 

Monika Jagfeld, Direktorin des Museum im Lagerhaus 

in St. Gallen konzipiert und im Museum Gugging 

präsentiert. Johann Feilacher, Kurator des Museum 

Gugging, legt den Schwerpunkt der Ausstellung auf 

japanische Positionen um dem heimischen Publikum 

neue Entdeckungen aus Fernost zu ermöglichen. 

Erstmals wird es eine Gegenüberstellung von 

Schweizer und japanischer Art Brut geben. Zu sehen 

sind zahlreiche künstlerische Werke, die von 

unterschiedlichen kulturellen Einflüssen geprägt sind. 

Und dennoch weisen manche Werke, obwohl sie 

unabhängig und tausende Kilometer voneinander 

entstanden, erstaunliche inhaltliche Gemeinsamkeiten 

auf. Aus der Konfrontation von Verschiedenem und 

Ähnlichem entsteht ein offener Diskurs, der die 

internationale Art Brut neu verortet. 

Art Brut in Japan Anders als in Europa, wo sich 

das Interesse für Art Brut aus der künstlerischen 

Avantgarde Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelte, 

ist in Japan die Förderung von Art Brut aus dem Sozialund 

Gesundheits-wesen entstanden. Mit dem Aufbau 

des Sozialfürsorgesystems ab 1946 änderte sich die 

Wahrnehmung von Menschen mit psychischer 

Beeinträchtigung, die bis dahin stark diskriminiert 

waren. Im Jahr 2004 wurde das Borderless Art Museum 

NO-MA in der Präfektur Shiga gegründet. Durch die 

Arbeit dieses Museums kommt der Art Brut in Japan 

heute eine besondere Aufmerksamkeit zu. Erst seit 

wenigen Jahren ist japanische Art Brut in Europa zu 

sehen, sie wurde aber in erstaunlicher Geschwindigkeit 

in internationalen Fachkreisen bekannt. Mit der 

aufsehenerregenden Präsentation von Shinichi 

Sawadas (*1987) Arbeitenauf der Biennale in Venedig 

2013 und der prominenten Veröffent-lichung seiner 

Arbeit im Kunstmagazin „Art“ hat die japanische Art 

Brut ein breiteres Publikum erfasst. Sawadas 

faszinierende Keramikarbeiten –Götter, Dämonen, 

Ungeheuer –lassen sich in die jahrtausendealte 

Tradition der Shigaraki Brennöfen und ihre historische 

Keramikproduktion einordnen. Der Künstler nimmt 

damit nicht nur eine zentrale Rolle innerhalb der Art 

Brut ein, sondern auch einen wichtigen Platz in der 

japanischen Kunstgeschichte. NorimitsuKokubo(*1985) 

integriert in seine zeichnerische Tätigkeit all das, was 

seine Neugier erweckt –so kartografiert er Erde und 

Himmel mit seinen Karten. Kokubo sammelt sein 

Bildmaterial im Internet, im Fernsehen oder in Reisekatalogen. 

Aus diesem Rohmaterial kombiniert und 

zeichnet er nach Belieben neue Szenen und 

Geschichten. Zu sehen sind zudemWerke von 

KünstlerInnen wie Sakiko Kono(*1945) mit ihrer 

Puppen-Parallelwelt, die ihr Wohnheim abbildet. In 

dieser künstlerisch imaginierten Gesellschaft leben alle 

Menschen frei, bereisen zusammen die Welt und 

gründen fiktionale Länder. Juichi Saitos (*1983) 

feinstrichige Bleistiftarbeiten haben ihren Ursprung in 

der Kalligrafie, als Kalligrafen im klassischen Sinne 

kann man ihn allerdings nicht bezeichnen. Er wählt 

Zeichen aus zuvor gesehenen Fernsehtiteln und 

überschreibt sie unentwegt, bis sich luftig verwehte 

Wolkenformationen bilden –Lesbarkeit ist für den 

Künstler nachrangig. „Art Brut Japonais“ zeigt sich als 

Kaleidoskop unterschiedlicher künstlerischer Facetten, 

die zwischen hermetischen subjektiven Weltentwürfen 

und Einflüssen japanischer Traditionen changieren und 

uns nicht nur Charakteristisches der Art Brut, sondern 

eine ausgesprochene Schönheit vermitteln.


Foto: © Museum Gugging - Bildrecht, Wien, 2015, Autor: Hans Schärer, Madonna, 1972, Mischtechnik


Foto: © Museum Gugging- Copy right Museum im Lagerhaus, Autor: Anna Kahmann Güggel, 1994, Filzstift auf Papier 

Nahwest – Die Schweizer Beiträge 

Große Namen aber auch unbekannte Positionen sind 

auf der Schweizer Seite von art brut: japan Schweiz 

wieder zu entdecken Aloïse Corbaz(1886–1964)eine 

der international bedeutendsten VertreterInnen der Art 

Brut, ist mit wichtigen Arbeiten vertreten. Historische 

Liebespaare sind Corbaz' Hauptthema, doch stehen die 

Frauen immer im Zentrum. Selbstbewusst präsentieren 

sie ihren sinnlichen Körper und strahlen eine 

ungewöhnlich kühle Erotik aus, die durch die 

bestechend blauen Augenflächen verstärkt werden. 

Diese Augen erlauben es nach außen zu schauen, 

verwehren aber, so die Künstlerin zu ihren Arbeiten, 

den Blick in ihr Inneres. Madonnen waren seit den 

1960er Jahren Hans Schärers (1927–1997) großes 

Thema –eine davon wird in Gugging zu sehen sein. 

Schärers Madonnen sind stelenartige, vereinfachte, 

halslose Frauenfiguren mit unheimlichem Stirn-oder 

Brustauge und bedrohlich bezahntem Mund, umgesetzt 

in einem groben Farbauftrag mit eingearbeiteten 

Materialien wie Steine, Wachs oder Textilien. Sie sind 

archaische Göttinen und Monstermadonnen zugleich. 

Daneben finden sich eine Reihe bemerkenswerter 

KünstlerInnen wie Alfred Leuzinger(1899–1977) – 

ebenfalls einer der großen Namen in der Welt der Art 

Brut –, Anna Kahmann(1905–1995) mit ihren 

schillernden Güggel (Gockel) oder Josef Wyler(1965), 

der mit seinen comicartigen Zeichnungen fantastische 

Welten erschafft. Schon bei diesem kursorischen 

Rundblick zeigt sich deutlich: Götter, Dämonen, 

Monster aber auch Flugobjekte, Fahrzeuge und die 

Erschaffung ganzer Welten verbindet die Art Brut in Ost 

und West. [Mmuseum Gugging, KuratorInnen:Monika 

Jagfeld (Museum im Lagerhaus, St. Gallen), Johann 

Feilacher [Museum Gugging, Ausstellungsdauer bis 22. 

Mai 2016 – Foto: © Museum Gugging]


Foto: © Museum Gugging- Copyright (C) reserved Autor: Alfred Leuzinger 

Beschreibung: Grosses Dorf, undatiert, Bleistift und Farbstift auf Papier 

Foto: © Museum Gugging- Copyright: Juichi SAITO, 

Autor: Juichi SAITO, Beschreibung: Aru-aru daijiten, 2007, Bleistift auf Papier


Foto: © Museum Gugging- Association Aloïse, Museum im Lagerhaus, Stiftung für schweizerische Naive Kunst & Art Brut, St. Gallen, 

Deposita aus einer Schweizer Privatsammlung, Noël-Tango – Reine Elisabeth, 1962, Farbkreide auf Papier

92 | KUNST.INVESTOR Kulturvernetzung Niederösterreich 

Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Wilfriede Deutsch – „Erzengel Michael“


13. NÖ Tage der offenen Ateliers 

17. UND 18. OKTOBER 2015 

Seit dem Start der „NÖ Tage der offenen Ateliers“ hat 

sich Niederösterreich zu einem Hot-Spot für bildende 

Kunst, Kunsthandwerk und Design entwickelt ― die 

bemerkenswert hohe Zahl der TeilnehmerInnen spricht 

für sich: Rund 1.300 bildende KünstlerInnen und 

KunsthandwerkerInnen öffnen am 17. und 18. Oktober 

2015 ihre Ateliers, Galerien, Studios und Werkstätten. 

Ein Wochenende lang stehen diese dem interessierten 

Publikum offen. Malerei, Grafik, Bild-hauerei und 

Fotografie stehen dabei ebenso im Rampenlicht wie 

Film, Modedesign, Textil-, Schmuck- und Schmiedekunst. 

Man kann neue Werke kennen lernen, beim 

kreativen Schaffensprozess der KünstlerInnen dabei 

sein und auf diese Weise einen sehr persönlichen und 

intensiven Zugang zur Kunst erleben. Viele 

Kunstschaffende bieten zusätzlich Kreativ-Work-shops, 

Konzerte, Lesungen oder Aktivitäten für Kinder an. Die 

Kooperation mit dem NÖ Tourismus wird heuer noch 

intensiver. In Zusammenarbeit mit der Niederösterreich 

Werbung und den sechs Tourismusdestinationen 

Niederösterreichs werden insgesamt sechs buchbare 

kulturtouristische Angebotspakete rund um die „NÖ 

Tage der offenen Ateliers“ entwickelt ― eines davon 

wird zudem einen Besuch der NÖ Landesausstellung 

„Ötscher:reich. Die Alpen und wir“ enthalten. Das von 

der Kulturvernetzung NÖ initiierte Projekt „NÖ Tage der 

offenen Ateliers“ findet 2015 zum 13. Mal statt und 

schreibt seine Erfolgsgeschichte fort. Die Zahl der 

teilnehmenden Kunstschaffenden hat sich seit 

Projektbeginn im Jahr 2003 – damals mit 425 

TeilnehmerInnen – verdreifacht. 2014 wirkten 1.297 

Kunstschaffende mit, rund 51.000 Besuche wurden 

gezählt. Somit konnten in den vergangenen zwölf 

Jahren über 570.000 Besuche bei Bildender Kunst in 

Niederösterreich verzeichnet werden. 

Landeshauptmann Erwin Pröll zeigt sich begeistert von 

den „NÖ Tagen der offenen Ateliers“: „Dieses Projekt 

ist ein Kunstvermittlungsprogramm von enormen 

Ausmaßen. Seit dem Beginn im Jahr 2003 konnten 

mehr als eine halbe Million Besucherinnen und 

Besucher bei Bildender Kunst in Niederösterreich 

registriert werden. Nicht zuletzt ist diese 

Erfolgsgeschichte den zahlreichen Künstlerinnen und 

Künstlern in unserem Bundesland zu verdanken. Sie 

arbeiten auf vorbildliche Weise zusammen und erfüllen 

den Slogan „Kunst vor der Haustür“ mit einem wahrlich 

sehenswerten Inhalt. Besonders freue ich mich 

darüber, dass auch die Kooperation mit dem Tourismus 

weiter ausgebaut wird. Die „NÖ Tage der offenen 

Ateliers“ sind ein Highlight des niederösterreichischen 

Kulturkalenders.“ (Foto: © Kulturbernetzung NÖ)


Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Tina Eißner, „Abraham“

95| KUNST.INVESTOR Kulturvernetzung Niederösterreich 

Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Johannes Petrisic, „Lucina“ 

Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Stephanie Balih, „Weltenesserin“


Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Jos Reinberger, „Wagram“


Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Gerhard W. Schmidbauer, „Großengersdorf“ 

Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Christine Eichinger, „Mann mit viel Herz“


Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Myriam Urtz, „SingleWohnung“ 

Foto: © Kulturbernetzung NÖ - Peter berger, "Kopf im Wind"


Mark Rossell, "Astromadonna" Mark Rossell, "Astromadonna"

102 | KUNST.INVESTOR Buchtipp 

GISELA ERLACHER – „HIMMEL AUS BETON“ 

Das Interesse der österreichischen Fotografin Gisela Erlacher, die u.a. Kamera in Wien studiert hat, gilt hybriden, 

improvisierten urbanen Situationen. Vor dem Hintergrund fortschreitender globaler Beschleunigung und Urbanisierung 

und dem dadurch ansteigenden Druck auf den öffentlichen Raum rücken die verdrängten, «unbewussten» Orte 

vermehrt in den Fokus. In Himmel aus Beton bildet Gisela Erlacher jene Räume und Situationen ab, die durch 

Überbauung oder Aneignung unter Brückenbauwerken entstehen. In China, Grossbritannien, den Niederlanden und 

Österreich fotografierte sie jene «Nicht-Orte», die geprägt sind durch das «Darunter» und die daraus erwachsenden, 

ganz spezifischen und immer wieder verblüffenden räumlichen Konfigurationen und Nutzungen. Dieses neue Buch zeigt 

erstmals eine Auswahl der eindrucksvollen, auf mehreren Ebenen lesbaren Fotografien, ergänzt durch Essays von Lilli 

Lička und Peter Lodermeyer über die Arbeit von Gisela Erlacher und die Räume, die sie in ihren Bildern festhält. 

GISELA ERLACHER – HIMMEL AUS BETON 

Eine fotografische Erkundung urbaner Räume unter Brücken 

Mit Beiträgen von Lilli Lička und Peter Lodermeyer 

1. Auflage, 2015- Text Deutsch und Englisch Gebunden 

112 Seiten, 43 farbige Abbildungen 23 x 31 cm 

ISBN 978-3-906027-92-0 – Preis € 38,--

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer 

und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale 

Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. 

Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in 

den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", 

erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch 

marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer 

Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 

2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten 

den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen 

Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen Mezze- 

Gerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können 

diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im 

Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt 

regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und 

Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder 

gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine Signature- 

Drinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia 

schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks 

aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen Bar- 

Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen 

Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden 

Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. 

Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht 

machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de 

Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß 

verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, 

Behandlungs- und Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, 

Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

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KUNSTINVESTOR Heft Nr. 10 [AUSGABE OKTOBER 2015]

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