SUONO n° 529

N. XXX 

Aretha Franklin 

di Paolo Corciulo 

Addio regina 

del soul 

di Vittorio Pio 

Ha attraversato oltre cinque decenni di musica inanellando trionfi e riconoscimenti. Ha abbracciato 

le tante anime della black music dal Gospel al Jazz, dallo Spiritual al Rhythm & Blues, fino al pop più 

elegante in cui è stata prodotta anche dal nostro Corrado Rustici. 

Aretha Franklin sostanzialmente rimarrà nella storia come 

The Queen of Soul, regina e signora del soul, quell’identità 

che riusciva a mettere tutti d’accordo, attraversando da 

protagonista la storia della seconda metà del ‘900 in una carriera 

formidabile. Ha lottato fino all’ultimo contro un inesorabile tumore 

al pancreas che le era stato diagnosticato già otto anni fa, il 16 agosto 

scorso il doloroso epitaffio. Nata a Memphis nel marzo del 1942, ma 

cresciuta a Detroit, Aretha Louise era la figlia di Cecil, uno dei più 

famosi predicatori neri di quegli anni, mentre dalla madre Barbara 

ereditò la passione per il piano ed il canto. Fu proprio durante le 

celebrazioni officiate dal padre reverendo che la giovane cantante 

(dalla vita privata molto discussa in quell’America bigotta, e non 

solo per i due figli avuti quando non era ancora maggiorenne, a 15 e 

17 anni), stupisce tutti quelli che si trovano ad ascoltarla. Il gospel 

le scorre nelle vene, ma i suoi primi dischi ufficiali per la Columbia 

invece hanno un impronta più jazzistica, non portandole il successo 

che meriterebbe, fino a quando non incrocia a metà degli anni ’60 

Jerry Wexler, un brillantissimo ma non ancora leggendario produttore 

della Atlantic, una label già agguerrita per quello che aveva 

fatto vedere con Ray Charles e i Drifters, che la soffia alla Columbia 

per trasformarla appunto nella Queen of Soul, grazie a una serie di 

registrazioni nei mitici Muscle Shoals Studios in Alabama, realizzando 

alcuni tra i dischi più importanti e influenti di sempre: nel 

1967 arriva il singolo “(You Make Me Feel Like) a Natural Woman”, 

nello stesso anno “Respect”: solo due dei dieci singoli consecutivi 

che la issano al n.1 delle charts. Quello che Bessie Smith, Mahalia 

Jackson, Nina Simone avevano mostrato a livelli da olimpo, diventa 

prepotentemente un tutt’uno nella voce di Aretha, che proprio in 

mezzo alla rivoluzione socio-culturale del black power diventa un 

simbolo dalle varie sfaccettature: per le donne, perché rappresentò 

un’idea femminile libera e indipendente, per il suo popolo perché 

era in grado di rivendicarne la libertà in ogni nota che cantava, per 

gli artisti, perché ne divenne uno sprone, un esempio da seguire. Con 

qualche inevitabile passaggio a vuoto ed un grande spot nei Blues 

Brothers, il capolavoro diretto da John Landis nel 1980, dove in soli 

4 minuti incantò tutti con una versione magistrale di “Think”, Aretha 

ha poi messo in fila ben 23 Grammy con duetti e concerti leggendari, 

questo nonostante la sua atavica paura per gli aerei. Difatti in Italia 

ci arriva una volta sola, nel 1969 per un concerto alla Bussola di 

Viareggio del patron Bernardini e altri due passaggi previsti a seguito 

del Cantagiro: uno a Mentana, pochi chilometri dalla capitale, l’altro 

proprio a Roma, ma salta tutto all’improvviso. L’artista, dopo una lite 

con il secondo marito, il manager Ted White, decide di annullare tutto 

e rientrare di corsa in America. Quarant’anni dopo (2009) Aretha 

ha cantato in onore di Barack Obama alla Casa Bianca (rifiutandosi 

ovviamente quando è stata la volta dell’insediamento di Trump) e 

nel 2015 ha commosso sempre il presidente afroamericano con una 

strepitosa versione di “Natural Woman” durante la cerimonia per 

il conferimento dei Kennedy Center Honors a Carole King. E’ stata 

anche la prima donna introdotta nella prestigiosa Hall of Fame. 

Lascia 4 figli ma curiosamente non aveva ancora fatto testamento: 

si prevedono battaglie senza sosta per la divisione dell’ingente patrimonio 

di chi ha saputo interpretare come forse nessun altro 

la voce possente dell’anima. 

SUONO settembre 2018 3

N. 

Editoriale 

XXX 

di Paolo Corciulo 

Parola di quattro lettere 

sinonimo di “anima” 

È proprio vero: non ti accorgi fino in fondo del valore delle persone e delle cose finché non ci sono più; 

è allora, nella irreversibile condizione di “assenza”, che cominciano a mancarti davvero... 

La morte di Aretha Franklin, giunta a risvegliare i torpori ferragostani, 

obbliga ancora una volta a fare i conti con il fine vita e con 

quella irrazionale convinzione per cui riesce difficili immaginare 

la fine dell’anima, qualsiasi cosa essa sia. Per contro il “soul” (anima in 

inglese ma, sempre in inglese, molto di più) non morirà mai, anche se 

la sua più significativa rappresentante in terra ci ha appena lasciato. E, 

ancora: l’anima (o il soul) testimonia di una irrazionale certezza che in 

Hi-Fi esista qualcosa di più di una semplice somma di addendi nel definire 

la somma. È proprio quel qualcosa, quel soul, il fil rouge, in parte 

imprevisto in parte cercato, di questo numero di SUONO che si dipana 

in un racconto di chi il soul l’ha sempre avuto e non l’ha mai perso, chi lo 

ha smarrito lungo la strada e chi, cercandolo, lo ha ritrovato perché è un 

valore aggiunto imprescindibile in Hi-Fi e chi non l’ha capito (purtroppo 

non esistono formule certe per reperirlo) ha sempre sbattuto il muso. 

Non trovo contraddittorio parlarne e tenerne conto, pur avendo più volte 

ammonito sui pericoli delle “magie”, vere o supposte (più le seconde che 

le prime), che hanno infestato il settore. 

Il tema mi appare coerente con l’argomento che avrebbe dovuto occupare 

questo spazio prima della notizia della morte di Aretha Franklin e 

il cui titolo sarebbe stato “L’(in)utile idiota”; testo che via via che veniva 

scritto cresceva comunque rigoglioso fino a consigliarne, a prescindere 

dal nefasto accadimento, di posporlo in forma di articolo più ampio non 

senza utilizzare parte di questo spazio per una sorta di prequel. 

Innanzitutto che cosa c’entra eventualmente l’anima con gli idioti, utili o 

meno che siano? C’entra nella misura in cui nella sua indeterminatezza 

questa bellissima astrazione lascia ampio spazio ad interpretazioni e 

induce a un buonismo e una tolleranza verso quello che la sua figura 

antagonista, la razionalità, boccerebbe inesorabilmente. Eppure sempre 

più di frequente quel che trovo scritto (sulla carta e nelle pagine web) 

è davvero accapponante e per quanto mi sforzi, fatico anche a vederne 

una concretezza, qualche indicazione, una morale (se il tempo è galantuomo 

come si dice, almeno le testimonianze su carta un giorno faranno 

giustizia di questa analfabetizzazione di ritorno) o un fine, se non (e qui 

vengo all’inutile idiota) quello che è inevitabilmente il risultato quasi 

matematico di una addizione che ha per addendi una serie di luoghi 

comuni, di pregiudizi e di gabbie mentali che sono il male del nostro 

settore venato, in sintesi, dall’ignoranza. Ignoranza crassa e ben panciuta 

che, e questa la novità, oggi è addirittura un segno distintivo di cui farsi 

merito: non so dunque esito. L’(in)utile idiota fa di più: si lascia blandire 

dalla pubblicistica aziendale. 

Ho la convinzione (condivisa da molti colleghi, questi che stimo) che se 

si vuole tenere nascosta una notizia si può “custodirla” a meno che i cani 

da guardia (watch dog) non siano particolarmente aggressivi e in grado 

di fare bene il loro lavoro. In altre parole nella maggior parte dei casi 

quello che viene comunicato è stato prima accuratamente filtrato da chi 

divulga la notizia. Se l’evento, la notizia, il prodotto, ha una magagna si 

fa anche di più: si lanciano falsi indizi, si indirizza l’attenzione su altro... 

Il passaggio indispensabile chi fa lo spin doctor è però quello di poter 

contare su una contiguità con chi fa informazione: sa che basta poco, a 

volte persino niente, per blandire l’utile e anche l’inutile idiota. Magari 

c’è la necessità di riempire comunque una pagina vuota a spingere per 

accettare sillogismi e tesi grottesche quando non perniciose (ancora mi 

viene da ridere, per la verità più da piangere, per i paralleli, molto in 

voga anni fa, tra diffusore e violino che ognuno dovrebbe saperlo, hanno 

compiti e caratteristiche assai differenti). 

Il meglio però Utile e Inutile, lo danno quando gli si offre lo zuccherino, 

impresa non difficile se si parte dal presupposto di avere di fronte un 

ignorante (nel senso etimologico del termine) sapendo che cosa si vuole 

ottenere. Mille sono le molle utilizzabili: la sensazione di essere stato 

“eletto” (“ah solo tu hai capito davvero il mio prodotto”), il viaggio 

premio come se fosse un in più riservato a un gotha e non la necessità 

di far sapere chi si è; la comparsata allo stand, nel negozio o a braccetto 

con il boss aziendale o, magari, anche qualche spiccio… 

Cosa che l’idiota non lo sa o non lo vuole sapere (coltivando una sorta 

di integrità assolutoria che è nella sua mente più che altro), è che tali 

comportamenti non sono legittimi; basterebbero ad aprire un provvedimento 

verso uno come me (se vi incorressi!), iscritto a un albo, per avere 

infranto uno dei doveri (dovere di verità, di autonomia e di credibilità) 

che fanno parte del codice di deontologia giornalista. Invece obnubilato 

dai cinque minuti di notorietà ipotizzati da Warhol, l’idiota dimentica la 

sua funzione verso chi ascolta le sue parole (magari non è un giornalista 

ma vorrebbe tanto esserlo…) è facile preda eterodiretta del puparo di 

turno in uno sguardo sul futuro dall’orizzonte corto. 

Se Utile e Inutile non si accorgono di nulla, il mondo che gli scorre attorno 

invece si e, per la legge del contrappasso, i dubbi e l’incredulità che un 

tempo avrebbero trattenuto chi li vive dal esprimersi sul loro atteggiamento, 

oggi nella condivisione di opinioni oggi possibile (in un mondo 

dove tutti sono più vicini che in passato) si fortificano con un giudizio di 

merito che purtroppo come deriva porta, per generalizzazione, a svilire 

l’impegno e il valore tutto di chi fa comunicazione. A questo non riesco 

ad adattarmi ma con rammarico e la pazienza che non ho, come il buon 

cinese aspetto seduto sulla riva del fiume… 

4 SUONO settembre 2018

Sommario 

N. XXX 

ADDIO REGINA DEL SOUL ...............................................................3 

EDITORIALE ............................................................................4 

ANTENNA ...............................................................................8 

INSIDE DENTRO LA MUSICA 

CHET BAKER Un angelo con la tromba di Antonio Gaudino ............................................... 18 

N. 529 

SETTEMBRE 2018 

REPORTAGE In visita a Sonus Faber di Paolo Corciulo ....................................................22 

ELECTROCOMPANIET Alla ricerca della propria anima di Paolo Corciulo e Carlo D’Ottavi ..............26 

INTERVISTA Tony Verona di Francesco Bonerba ...............................................30 

JBL Chiedi e ti sarà detto! di Paolo Corciulo ......................................................34 

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

DUE LIBRI SUL VINILE Da leggere invece che da ascoltare de Il Tremila .........................34 

SPECIALE KLIPSCH ....................................................................... 

HERITAGE HP-3 E HEADPHONE AMP Quando le parole contano de Il Tremila ..............36 

CUFFIA Klipsch Digital HP-3 a cura della redazione ......................................40 

AMPLIFICATORE PER CUFFIE Klipsch Digital Headphone Amp a cura della redazione ......44 

ESPERIENZE SUL CAMPO PS Audio Direcstream Memory Player e DAC di Nico Candelli ..........48 

FONORIVELATORE Soundsmith Strain Gauge e SG 210 a cura della redazione ...................52 

STREAMING PLAYER Lindemann Audiotechnick Musicbook 25 DSD a cura della redazione .......56 

AMPLIFICATORE INTEGRATO Primare I35 Prisma a cura della redazione .....................62 

DIFFUSORI Elac Adante As-61 a cura della redazione .........................................66 

DIFFUSORI Indiana Line Tesi 561 a cura della redazione ......................................70 

I COLORI DEL SUONO ...................................................................75 

BELA BARTOK L’uomo dalle mille armonie di Carlo D’Ottavi ...............................76 

FRANK SINATRA Il ritorno di “The Voice” di Massimo Bargna .............................80 

GUIDO HARARI Intervista di Guido Bellachioma ..........................................82 

PAOLO MAIORINO L’uomo del vinile ha detto si di Guido Bellachioma .......................88 

RORY GALLAGHER Intervista dalla rivista Triad .........................................92

ANTENNA 

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La nuova via 

dello streaming 

Arcam presenta una nuova linea di prodotti, 

quella che strategicamente si colloca tra i pezzi 

importanti della FMJ e i piccoli della rSeries. In 

realtà la nuova HDA (acronimo per High Definition 

Audio) dei due ha saputo prendere qualcosa 

di ognuno, combinarli a dovere con altri elementi 

per ottenere tre prodotti (altri ne arriveranno) 

moderni nella struttura e nelle funzioni. Tre 

prodotti che vengono definiti come lettore CD e 

amplificatori integrati ma che in comune hanno la 

porta Ethernet, grazie alla quale possono gestire 

la rete locale e i servizi audio da internet. A questa 

l’HDA CDS50 aggiunge la meccanica compatibile con dischi CD e SACD, ingressi digitali in grado di gestire PCM fino a 24 bit / 192 kHz grazie alla 

sezione DAC con chip ESS9038. Nei due amplificatori integrati HDA SA10 e HDA SA20, agli ingressi digitali e alla porta Ethernet è stata aggiunta 

una sezione di potenza rispettivamente di 2x50 e 2x80 dove il secondo opera in Classe A per i primi 20 watt e in Classe G per potenze superiori. 

Vincenzo Maragoni 

Distributore: MPI ELECTRONIC - www.mpielectronic.com 

Streaming Player Arcam HDA CDS50 

Prezzo: € 1.390,00 

Dimensioni: 43,30 x 8,70 x 28,30 cm (lxaxp) 

Peso: 5,30 Kg 

Supporti compatibili: CD, SACD 2ch Formati 

audio compatibili: PCM, WAV, FLAC, 

WMA Lossless, MP3 cbr, AAC Tipo: stereo 

Tecnologia: a stato solido Uscite analogiche: 

1 RCA 1 XLR Ingressi digitali: Ottico (1), 

Coassiale (1), USB High resolution (1), Ethernet 

(1), WiFi (1) Uscite digitali: Ottica (1), Coassiale 

(1) Convertitore D/A: ESS9038 Sistema 

di conversione D/A: 32 bit - 192 kHz. 

Amplificatore integrato Arcam HDA SA10 

Prezzo: € 1.290,00 

Dimensioni: 43,30 x 8,70 x 31 cm (lxaxp) 

Peso: 8,40 Kg 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 

2 x 50 W su 8 Ohm (90 W su 4 Ohm) 

in classe AB Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 

THD (%): 0,003 S/N (dB): 106 Phono: 

MM (5 mV/47 KOhm) Ingressi analogici: 

4 RCA Ingressi digitali: 4 totali - Ottico / 

RCA / Ethernet Uscite analogiche: 1 RCA 

Convertitore audio D/A: ESS9016K2M 

Sistema di conversione audio D/A: 24 

bit - 192 kHz. 

Amplificatore integrato Arcam HDA SA20 

Prezzo: € 1.750,00 


Peso: 5,30 Kg 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 

2 x 90 W su 8 Ohm (180 W su 4 Ohm) 

in classe AB Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 

THD (%): 0,002 S/N (dB): 106 Phono: 

MM (5 mV/47 KOhm) Ingressi analogici: 

4 RCA Ingressi digitali: 4 totali - Ottico / 

RCA / Ethernet Uscite analogiche: 1 RCA 

Convertitore audio D/A: ESS9038K2M 

Sistema di conversione audio D/A: 24 

bit - 192 kHz. 

VIENI A PROVARLO DA: 

VIDEON HI-FI S.R.L. 

VIA ARMENIA 6 ROSSO - 16129 GENOVA 

TEL.010363607 - 0103622332 

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ANTENNA 


Coppia delle meraviglie 

Emm Labs presenta un nuovo pre e un finale mono che si collocano direttamente nella parte alta del listino: più precisamente il PRE diventa il nuovo 

riferimento della linea, superando per prezzo il PRE2, mentre il finale MTRX2 rimane appena sotto il top di gamma MTRX. Il nuovo finale riporta 

la tecnologia proprietaria di Meitner con una struttura completamente a discreti e bilanciata, con zero retroazione negativa: un mix che secondo 

Ed Meitner ha l’obiettivo di combinare bassa distorsione e banda audio molto elevata oltre a picchi di corrente importanti anche su carichi bassi (la 

scheda tecnica ufficiale parla di amplificatore stabile ad un solo ohm). In dotazione alla coppia di MTRX2 il cavo di alimentazione Kimber Kable da 

30 A custom e la doppia coppia di connettori per gli altoparlanti realizzati da Furutech. La sostanziale differenza tra il nuovo MTRX2 e l’MTRX top 

di gamma già in listino è la potenza relativamente più ridotta: 1000 watt per il primo, 1500 per il secondo. Con il PRE Meitner ha voluto realizzare 

una macchina ancora più raffinata ed estrema già da un punto di vista strutturale, con un telaio di spessore elevato e soprattutto la scheda madre 

principale realizzata con materiali di grado aerospaziali grazie ai quali si migliora la dissipazione della temperatura a tutto vantaggio della costanza 

delle prestazioni e della maggiore resistenza alle vibrazioni. Configurazione completamente bilanciata; controllo analogico del volume via software: 

questo elemento in particolare è quello che è stato maggiormente sviluppato e perfezionato rispetto al PRE2, per ottenere un controllo ancora più 

preciso e pulito. É possibile utilizzare le tre coppie di uscite (due XLR e una RCA) per realizzare direttamente un sistema bi o tri-amplificato. Ingressi, 

solo linea e solo in analogico, in formato sia XLR che RCA. Pora USB e RS232 per entrambi gli apparecchi per l’aggiornamento del software e il 

controllo remoto di funzioni e set-up da computer. Produzione rigorosamente Made in Canada. 


Distributore: Audio Reference - www.audioreference.it 

Preamplificatore Emm Labs PRE 

Prezzo: € 33.695,00 

Dimensioni: 43,8 x 16,1 x 40 cm (lxaxp) 

Peso: 17,2 Kg 

Tecnologia: a stato solido Ingressi: 3x RCA, 3x XLR Uscite: 2x XLR, 

1x RCA Risp. in freq. (Hz): 0-200.000 THD (%): 0,004 Guadagno 

(dB): 74 Sens./imp. line (mV/kOhm): XLR 40 kohm - RCA 20 

kohm S/N (dB): 100 Livello uscita max (V): 4 Impedenza uscita 

(Ohm): XLR 150 - RCA 75 Note: Circuito a discreti completamente 

bilanciato, Classe A. Controllo del volume analogico. Ingresso USB per 

update del software. Porta RS232. 

Amplificatore finale Emm Labs MTRX2 

Prezzo: € 98.100,00 


Peso: 82 Kg 

Tipo: mono Tecnologia: stato solido Classe AB Potenza (W): 1000/4 

Risp. in freq. (Hz): 0-500.000 Sens./imp. (V/kOhm): 100 S/N 

(dB): 120 THD (%): 0,005 Fattore di smorzamento: 1000 Slew 

Rate (V/µs): 100 Ingressi: XLR, RCA, RS232, USB software Note: 

Circuitazione proprietaria di Meitner con zero retroazione negativa, 

totalmente a discreti e bilanciato. Prezzo la coppia. 

SUB WOOFER GOTHAM-V2 

DA LUGLIO 2018 IN DIMOSTRAZIONE 

ESCLUSIVA PER TUTTA ITALIA 

PRESSO BUSCEMI MILANO. 

www.jlaudio.com 

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impianti audio-video-rete dati 

C.So magenta, 27- 20123 - Milano 

Ph +39 02.80.56.410 - Fax +39 02.86.45.60.11 

info@buscemihifi.It 


ANTENNA 


La cura delle MC 

Rega realizza il top di gamma Aura MC, pre-phono dedicato al carico MC 

e in modo particolare alle proprie testine moving coil così da realizzare 

un’abbinata specializzata e focalizzata. Già il colpo d’occhio iniziale colloca 

il prodotto su un piano diverso rispetto ai prodotti già in listino: larghezza 

full-size per il nuovo arrivato a confronto con i compatti Fono e Aria. Anche il prezzo, che sarà grosso modo il triplo di Aria (4.000 sterline in UK), 

è un modo per collocare Aura MC in un’altra categoria: probabilmente si tratta del pre-phono che a lungo rappresenterà il migliore know-how di 

Rega. La caratteristica principale di Aura MC è la sua struttura a tre stadi: il primo è composto da un amplificatore a simmetria complementare 

con stadio di ingresso a FET paralleli e pilota la parte ad alta frequenza della RIAA; il secondo è un amplificatore differenziale simmetrico utilizzato 

anche come amplificatore attivo nella parte a bassa frequenza della RIAA; il terzo stadio realizza l’uscita bilanciata parallelamente all’uscita del 

secondo stadio. Ognuno di questi stadi ha la sua alimentazione dedicata, realizzata in configurazione simmetrica con diodi ad alta velocità e un 

sovradimensionamento nella tensione del 60% rispetto a un prodotto simile. Sul percorso audio sono presenti condensatori in polipropilene, nello 

stadio RIAA la loro tolleranza è dell’1%. I parametri di regolazione di Aura MC permettono di settare i valori di lavoro in maniera molto approfondita. 

Per la capacità di ingresso possiamo scegliere tra 1.000 (quella più vicina alle testina Rega), 2.000, 3.200, 4.300 e 5.700 pF; per il carico la 

selezione possibile è tra 50, 100 (quella più vicina alle testina Rega), 150, 300 e 400 Ohm. Tutti valori che possono essere facilmente selezionati con 

due manopole direttamente sul frontale dell’apparecchio. A queste si aggiunge il tasto del guadagno su due posizioni a 63,5 e 69,5 dB. Inoltre sono 

presenti il Mute e il Mono. Ingresso RCA, uscite RCA e XLR. Massimo livello di uscita di 14,5 V per l’RCA e 29 V per l’XLR. 


UN PICCOLO PHONO? 

Un pre-phono e di prezzo “ridotto” (mai come questa volta le virgolette sono d’obbligo) per Boulder: una 

combinazione di due elementi rari nell’offerta del produttore americano. Il piccolo 508 è il modello di 

debutto della serie 500, quella che si colloca alla base del listino e che apre la strada a prossime novità. Il 

pre-phono è una tipologia di prodotto che non abbonda di certo in Boulder: attualmente è disponibile 

solo il 1008 mentre il 2008 non è più in produzione. Il 508 e la futura serie 500 provano a comprimere 

i costi di produzione e da qui il prezzo di listino dei prodotti: il piccolo pre-phono sfiora i 6000 euro, 

anche se non è un cifra contenuta in senso assoluto lo è se la rapportiamo alle altre realizzazioni del 

marchio. Un primo passo per la riduzione dei costi è stata quella della….riduzione delle dimensioni: 

l’alluminio costa al chilo e costa la sua lavorazione per cui ogni centimetro in meno pesa sul conto finale; quello utilizzato per il 508 è di tipo 6061-T6 (una lega con 

magnesio e silicio) lavorato in CNC da un solo blocco. Verosimilmente questa riduzione delle dimensioni generali sarà la caratteristica anche degli altri prodotti 

che saranno presentati nella serie 500. La scheda madre è un esempio di buona lavorazione in MSD con misure estremamente compatte, dove la progettazione 

CAD permette di ottimizzare spazi e percorsi. Un altro elemento che ha permesso un risparmio dei costi (senza influire in maniera sensibile sulle prestazioni) è 

l’uso di elementi meccanici dello switch tra testine MM e MC, invece di circuiti elettronici. Un altro segno di essenzialità in funzione della riduzione del prezzo è 

la mancanza di possibilità di intervenire sui valori di interfacciamento con la testina: il progettista ha scelto 47k ohm per MM e 100 ohm per MC cosi da coprire 

una ampio range di possibilità; il guadagno è di 70 dB per MC 44 dB per MM. Stadio RIAA a due stadi; filtro passa-alto fisso a 10 Hz. Connessioni solo in formato 

XLR, sia in ingresso che in uscita, come è in bilanciato tutto il percorso audio. Stadio di alimentazione integrato nel telaio ma adeguatamente isolato dal circuito 

audio per evitare possibili inneschi di rumore. 


Unità phono Boulder 508 

Prezzo: € 5.900,00 


Peso: 5,2 Kg 

Tipo: MM/MC Tecnologia: stadio solido Risp. in 

freq. (Hz): 20-20.000 +/-0,5 dB Impedenza MM 

(kOhm): 1000 Impedenza MC (Ohm): 470k 

Distributore: Audio Graffiti 

www.audiograffiti.com 


BUSCEMI HI-FI 

C.SO MAGENTA, 27- 20123, MILANO 

PH +39 02.80.56.410 

INFO@BUSCEMIHIFI.IT - WWW.BUSCEMIHIFI.IT 



ANTENNA 


IL BUON SUONO SENZA CLAMORI 

A uno sguardo veloce è di fatto impossibile distinguere la nuova coppia 

5010 dalle serie attualmente in catalogo, anche se i nuovi arrivati 

diventano il top di gamma e vanno a colmare il divario di prezzo tra 

la serie 3010 e i fuoriserie MCX. Al momento la 5010 è composta dal 

PreAmplifier e la coppia di Mono Power Amplifier, con l’aggiunta 

delle due card opzionali per aggiungere al pre uno stadio phono MM/ 

MC o un DAC PCM/DSD. Design assolutamente e tradizionalmente 

poco appariscente, perfetta interpretazione dell’understatement 

britannico: oltre all’accensione, solo una coppia di manopole per il 

pre, neanche queste per la coppia dei finali. Il pre dispone di uscite 

bilanciate, accoppiato in DC, e conta un solo condensatore sull’ingresso. 

Sezione di alimentazione con trasformatore da 200 watt e 

un banco con 24 condensatori con rettificatrice ad alta velocità. Sezione di alimentazione ovviamente più robusta per il finale mono: ognuno 

di essi conta un trasformatore da 800 watt, doppia linea rettificatrice, banco di condensatori doppio da 10.000 mF e otto transistor di potenza. 

Il tutto si traduce in 200 watt per canale su 8 ohm e 370 su 4. Circuiti cascode per l’ingresso e il secondo stadio di amplificazione; resistenze 

Welwyn RC55; condensatori in polipropilene e polistirene. 


Distributore: Hi-Fi United - www.hifiunited.it 

Amplificatore finale Exposure 5010 Mono Power Amplifier 

Dimensioni: 44 x 11,5 x 30 cm (lxaxp) 

Peso: 14 Kg 

Tipo: mono Tecnologia: stadio solido Potenza (W): 200/370 @ 8/4 Risp. 

in freq. (Hz): 0-52.000 Sens./imp. (V/kOhm): 75 S/N (dB): 120 THD (%): 

0,0015 Ingressi: RCA/XLR Note: Prezzo in UK la coppia: 4.550 sterline. 

Preamplificatore Exposure 5010 PreAmplifier 

Dimensioni: 44 x 9 x 30 cm (lxaxp) 

Peso: 6 Kg 

Tecnologia: a stato solido Ingressi: 6 linea RCA Uscite: Tape, 2x RCA, 

1x XLR Risp. in freq. (Hz): -3 dB @ 1k e 57k THD (%): 0,005 Guadagno 

(dB): 9 sbilanciato - 15 bilanciato Sens./imp. line (mV/kOhm): 500 S/N 

(dB): 98 Livello uscita max (V): 9 Optional: modulo MM/MC o DAC 

Note: Prezzo in UK: 2.000 sterline. Prezzo modulo opzionale MM/MC 

265 sterline. Prezzo modulo opzionale DAC 370 sterline. 

Non solo bit 

Il listino di Lumin è composto sostanzialmente da una serie di network player, ognuno 

con caratteristiche e funzionalità specifiche per diversi usi. Poche altre le eccezioni, solo 

per un transport e un player con funzioni di amplificatore integrato. Proprio da questo 

in Lumin hanno preso lo spunto per realizzare l’Amp, quello che, come suggerisce la 

stringata sigla, è un finale di potenza. Da abbinare proprio a uno dei vari player con il 

supporto dell’app dedicata che permette di gestire la libreria audio su tablet in maniera 

semplice ed efficace. L’Amp conserva lo stile e i materiali dei player, quindi un monolite di 

alluminio ricavato dal pieno con uno spessore di 8 mm, con il frontale stondato a replicare quello degli 

altri prodotti. Stadio di potenza in Class AB a discreti e zero feedback totale; può essere configurato oltre che in 

stereofonia (2 x 160/320 watt @ 8/4 ohm) anche in dual mono o in bridge mono. A bordo dell’Amp un trasformatore toroidale custom da 650 VA; 

doppio ingresso RCA e XLR. 


Distributore: Green Sounds - www.greensounds.it 

NUOVA SERIE 

www.pmc-speakers.com 

The definition of performance. 

vieni ad ascoltarle a Cassano d’Adda da: 

Visconti Alta Fedeltà 

Se amate la musica, 

noi, possiamo fare molto per Voi. 

Piazzale Gobetti 20062 Cassano d’Adda (MI) 

Tel: +39 0363 361120 

info@viscontialtafedelta.it 


ANTENNA 


Pensiero diverso 

L’approccio “diverso” di Mauro Clementi lo ha portato, nel corso degli anni, a realizzare diffusori 

altrettanto fuori dall’ordinario. Lo stesso è successo anche per il nuovo M12a, sebbene questo presenti 

forme e costi ben meno estremi delle sue altre realizzazioni. Il principio di base che ha fatto scattare 

la molla per l’M12a è stato quello di utilizzare i due Fostex FE83 e FE103 in configurazione diversa 

da quella da full-range a cui siamo abituati. Clementi ha innanzitutto deciso di utilizzarli insieme, 

indirizzando ciascuno dei due verso la riproduzione di una più limitata e specifica banda audio: quella 

più alta per il piccolo 83 e quella media per il 103. Secondo l’idea di Mauro Clementi in questo modo i 

due altoparlanti tirano fuori le loro migliori prestazioni timbriche e dinamiche, senza l’assillo di dover 

coprire una parte della gamma audio di relativa pertinenza. Entrambi gli altoparlanti sono in versione 

“sol”, quella che Fostex ha realizzato come personale regalo per i 50 anni: una revisione alla bobina mobile è 

l’elemento tecnico più 

rilevante di questa release, oltre alla colorazione dorata della flangia. Per completare la gamma bassa Clementi ha progettato, e fatto realizzare, un 

woofer da 30 cm ottimizzato per la sospensione pneumatica. Mobile compatto, realizzato in listato di abete massello con finitura in impiallacciato 

di Tanganika naturale; crossover con elementi del calibro di Mundorf, ClarityCup e Jantzen. Partner naturale, e di fatto obbligatorio, è lo stand 

che ha il doppio compito di portare l’altezza del diffusore a quella ideale e allo stesso tempo di creare una massa importante per poter smorzare 

adeguatamente le prestazioni meccaniche della potente gamma bassa. Lo stand è realizzato interponendo dei supporti in metallo alle due piastre 

superiori e inferiori in acciaio da 10 mm di spessore: il peso totale dello stand sfiora i 35 kg contro i 25 del singolo diffusore. Da notare la griglia di 

protezione trasparente che lascia in bella vista gli altoparlanti utilizzati, anche questa una soluzione poco utilizzata. 


Diffusori MacLementhorn M12a 

Prezzo: € 3.800,00 


Peso: 25 Kg 

Distributore: Monrio di Gazzola G.- www.monrio.com 

Tipo: da supporto Caricamento: Sospensione pneumatica N. vie: 3 

Potenza (W): 125 Impedenza (Ohm): 8 Risp. in freq (Hz): 35 - 

20.000 Sensibilità (dB): 89 Altoparlanti: Tw Fostex FE83sol; Md 

Fostex FE103sol; Wf 30 cm custom Rifinitura: Impiallacciato Tanganika 

naturale Note: disponibile stand dedicato in metallo verniciato a polveri 

da 40 x 42 x 37 cm peso 34,5 kg cad. 

UN MILIONE PER SUONARE MEGLIO 

Il nuovo finale mono Evolution One di NuPrime parte da un dato, quello di 1 milione 

di ohm per lo stadio di ingresso: un valore che, secondo il progettista, semplifica l’abbinamento con il carico e allo stesso tempo riduce la distorsione armonica e 

le problematiche di fase con il resto del sistema. Un valore elevato abbastanza raro tra gli amplificatori in Classe D. In realtà oltre al valore da primato dello stadio di 

ingresso l’Evolution One presenta anche altre importanti caratteristiche, quelle che lo pongono in qualche modo come il modello alfa di una nuova generazione 

di prodotti NuPrime, una sorta di “nuova giovinezza” che arriva a fare da spartiacque ufficiale con la vecchia gestione e proprietà del marchio. L’altro elemento 

innovativo di questo apparecchio è l’inedito modulo di potenza in Classe D a 700 kHz (nella foto)al quale corrisponde una sezione di alimentazione adeguatamente 

rivista ed ottimizzata, per gestire maggiore potenza con rumore minore. In evidenza in questo senso la mancanza di cavi tra l’alimentatore e l’amplificatore, 

sostituiti da strisce di rame pieno. 


Distributore: Audio Graffiti - www.audiograffiti.com 

Amplificatore finale NuPrime Evolution One 

Prezzo: € 7.990,00 

Dimensioni: 43 x 5,7 x 37,5 cm (lxaxp) 

Peso: 7 Kg 

Tipo: mono Tecnologia: Classe D Potenza (W): 240/330 @ 8/4 Risp. in 

freq. (Hz): 0-50.000 Sens./imp. (V/kOhm): 1,5/1000 S/N (dB): 91 THD 

(%): 0,01 Ingressi: RCA-XLR Note: Impedenza di ingresso 1 milione di 

ohm. Prezzo la coppia. 


TAXIVISION 1 S.R.L. 

VIA GIUSEPPE VERDI, 21, 10124 TORINO 

TEL. 011882185 

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INSIDE 

di Antonio Gaudino 

Un angelo 

con la tromba 

Era un angelo. Per essere più esatti aveva la faccia di un angelo. Uno sguardo magnetico, una presenza 

malinconica dagli occhi dolci e dal fare tenero. Un volto alla James Dean che innamorò i giovani dell’epoca 

e che le generazioni future, in seguito, renderanno “cult”. 

Chet Baker scomparve una notte di maggio del 1988, ad Amsterdam, 

volando giù dal secondo piano dalla finestra d’albergo 

dove risiedeva. La Polizia, al suo arrivo, trovò la porta 

chiusa da dentro e, entrando, vi trovò della droga (compagna maledetta 

e fedele di Chet). Qualcuno disse che si fu “suicidato”, un’ipotesi 

che azzardarono in molti ma che le indagini non dimostrarono mai. 

Negli anni ‘50, forse per cercare una via di fuga dal grande successo 

che aveva in America, cominciò a fare uso di eroina, un “vizio” che lo 

accompagnerà tutta la vita. Come Sinatra e Presley, diventò presto un 

mito, amato dalla generazione dell’epoca: oltre ad avere un talento 

unico, possedeva quel fascino che portava all’idolatria vera e propria 

da parte dei numerosi fan. 

Chesney Henry Baker nasce il 23 dicembre 1929, a Yale, nell’Oklahoma. 

All’età di 13 anni inizia a suonare, dopo aver ricevuto in regalo 

una tromba dal padre (chitarrista). Da subito comincia a prendere 

lezioni, poi a 16 anni lascia gli studi per entrare nell’esercito americano 

di stanza a Berlino. Lascerà l’esercito nel 1950: questa è la data 

esatta in cui inizia la sua carriera. Incontra e suona con i migliori 

jazzisti del tempo fra i quali Charlie Parker, Gerry Mulligan, Russ 

Freeman, Dexter Gordon e Paul Desmond. Aveva una scelta delle 

note rara, un equilibrio fragile fra il silenzio delicato e una nota appena 

scandita; conosceva il luogo esatto dove trovare le note dolci, un 

luogo dell’anima accessibile solo ai “grandi”. Anche oggi, ascoltando i 

suoi album, si ha la sensazione che ogni assolo sia un’intuizione, una 

possibile figura che apre scenari per altri sfondi: le note faticavano 

a staccarsi, implorando di rimanere qualche istante in più nell’aria 

soffiata da Chet. Ci sono Artisti che nascono per essere riconosciuti 

all’istante: può bastare un attimo, lo spazio di un secondo (mentre 

cerchi una radio che ti faccia compagnia nella notte) e capire che quel 

suono non può che essere il suo: “the young Chet”. Nel corso della sua 

carriera Chet Baker è stato uno dei “bianchi” più apprezzati nel jazz 

dalla comunità “nera”; d’altronde a quel tempo la discografia americana 

aveva l’esigenza di portare alla ribalta un “bianco” come risposta 

allo strapotere, inevitabile, dei jazzisti di colore che di quell’arte e 

genere musicale ne erano e ne sono i maestri. Chet Baker aveva un 

altro dono: il canto. Quando cantava avevi la sensazione che il suono 

della tromba si trasferisse sulle parole: oniriche e provenienti dal 

cuore come in Every Time We Say Goodbye, brano in cui la voce e 

la tromba di Chet si fondono alternandosi in un confine così sottile 

da non riconoscerne il passaggio fra i due “strumenti”. Memorabile il 

tono soffuso e notturno in Everything Happens To Me, “icona” della 

malinconica dolcezza (anche se forse quella malinconia non era altro 

che l’amore per la musica che lo incantò tutta la vita) con cui trattava 

le note con la tromba e le parole con la voce. Chi conobbe Chet Baker 

ha sempre avuto la sensazione che da un momento all’altro potesse 

andarsene, lasciare tutto e tutti portandosi dietro solo la sua tromba 

luccicante. Compagno di viaggio di alcune donne, ebbe due figli da 

due ragazze diverse, la bellissima Halima e Carol Baker, madre del 

secondo nato. Carol fu certamente la donna più importante, la complice 

più attenta e comprensiva, sapeva che sarebbe potuto partire in 

qualsiasi momento dopo aver pronunciato l’arcinota frase: “esco per 

prendere le sigarette”, o a bere una birra. Tornava Chet, Chet tornava 

sempre, ma tra la partenza e il ritorno non c’era un tempo esatto. Il 

1955 è l’anno che segna l’avventura in Europa, un tour che durerà 

cinque anni e tocca, nel 1959, l’Italia. Durante il periodo italiano Chet 

avrà gravi problemi con la droga che lo condurranno in prigione, 

nel carcere di Pisa. L’Italia fu anche “palcoscenico” di innumerevoli 

incontri con jazzisti nostrani come Piero Umiliani, Carlo Loffredo 

e Nicola Stilo (chitarrista, flautista e pianista) con cui, negli ultimi 

anni della sua vita, strinse una collaborazione musicale che diventò 

un’amicizia così importante che alla morte dell’amico scrisse una 

poesia per lui, Unforgettable Chet (rintracciabile nel bel libro curato 


CHET BAKER 

da Paola Boncompagni e Aldo Lastella, edito da Stampa Alternativa/ 

Nuovi Equilibri, dal titolo Chet Baker in Italia. Racconti di vita e 

di musica: 1955-1988). Adorava le automobili, con l’automobile era 

capace di esibirsi a Parigi e la notte dopo raggiungere Berlino, un 

vero e proprio amore come viene ben sottolineato nel meraviglioso 

film-documentario (dove lui stesso è attore della sua vita) Let’s Get 

Lost di Bruce Weber, premiato a Venezia dalla critica nel 1988, film 

che Chet non fece in tempo a vedere: un viaggio che ripercorre, in 

bianco e nero, le tappe fondamentali della vita di questo immenso 

jazzista. Due ore da brividi costanti sulla pelle attraverso le testimonianze 

di chi lo ha conosciuto, di chi ha suonato con lui, di chi lo ha 

fotografato come William Claxton, che si accorse per primo della 

fotogenia di Chet quando, in camera oscura, stampando le foto delle 

session con Gerry Mulligan e il suo quartetto, si accorse presto che 

quel “giovane” trombettista, pur non essendo a “fuoco” o in primo piano, 

“bucava” l’obbiettivo come nessuno al mondo. Quell’intuizione, 

quella constatazione portò Claxton a immortalare Chet Baker fino a 

ricavarne dei “book” di foto memorabili che hanno fatto il giro del 

mondo. A distanza di 15 anni dalla sua morte, Chet è più vivo che 

mai nella memoria di chi lo ha amato e lo ama, i suoi dischi (ormai 

ristampati tutti in CD) mantengono intatta la magia, i colori e quelle 

note “blu” che lo contraddistinsero nella sua incredibile e maledetta 

carriera. Per alcuni Artisti l’immortalità esiste e resiste attraverso le 

loro opere. Provate ad ascoltare, nel film Round Midnight di Bertrand 

Tavernier, Fair Weather: una voce in sottofondo che si alterna ad 

assolo di tromba che accompagna alcune sequenze nel locale “Blue 

Note” della Parigi anni ’50 mentre il protagonista, Dale Turner (Dexter 

Gordon), smarrito, solo e succube dell’eroina, si perde nella notte; 

Chet, con tromba e voce, lo accompagna fino alla fine del viaggio: 

“stanco di tutto tranne che della musica.” 


INSIDE 

Così secondo Bruce Weber 

I ricordi del regista e fotografo nei giorni dell’uscita del 

suo film Let’s Get Lost su Chet Baker. 

Ritornando dal festival del cinema di Cannes e passando per Marsiglia 

sullo skytrain, penso quanto piaceva Marsiglia a Chet Baker pur non 

avendoci mai suonato - stava soprattutto a Parigi al New Morning. Faceva 

sempre un rapido salto con la macchina di un amico in Germania per 

registrare un CD in un giorno per poi tornare a Parigi. Sono passati 21 

anni da quando ho girato parte di Let’s Get Lost a Cannes, oltre a proiettare 

il mio primo documentario, Broken Noses, al teatro Jean Cocteau e 

fotografare per Per Lui. Sì, c’era molta confusione, ma quello era il modo 

migliore per me di stare con Chet, perché se non si fosse presentato, 

avremmo sempre avuto qualcos’altro da fare. Ma indovina un po’? Eccolo 

lì, puntuale, capelli pettinati all’indietro, la custodia della tromba in una 

mano e la sua fidanzata nell’altra. Da come ero ossessionato da Chet e 

dal mio film, in quel periodo mi sembrava che tutti avessero iniziato a 

somigliargli in qualche modo. Sapevo che Andy Minsker, il pugile che ha 

recitato in Broken Noses gli somigliava ma anche le guardie del corpo, i 

camerieri, i bagnini e altri attori sembravano assomigliarli come fossero 

gemelli di Chet. Ora, naturalmente, nel mondo reale questo non era vero, 

ma ero perso in questo viaggio con Chet e avevo questa grande paura di 

perderlo nel mondo esterno. È quasi come quando un cane scappa da 

casa: cerchi di sostituirlo e chiamare il nuovo cane con lo stesso nome 

ma in qualche modo non è mai lo stesso. 

Quando ho finito di pubblicare Let’s Get Lost nel 1988 al Brill Building di 

New York, abbiamo ricevuto una telefonata da Cherry Vanilla, apparsa 

anche nel film. Ci disse tristemente che Chet era morto e che lo avevano 

trovato disteso in una strada fuori dal suo hotel ad Amsterdam. Anni 

dopo Johnny Depp è venuto a trovare me e Nan Bush, il produttore 

dei miei film, nel nostro loft di New York City. Johnny si rannicchiò sul 

divano e disse che voleva interpretare Chet in un lungometraggio. Ci ha 

chiesto se possedevamo i diritti della storia di Chet. Nan e io abbiamo 

riso e detto a Johnny che Chet aveva venduto la sua storia infinite volte 

ma nessuno aveva mai realmente posseduto la storia di Chet, voleva 

essere libero come un uccello. Ero triste perché nessuno sembrava più 

assomigliare Chet - e Johnny sicuramente no, ma è qualcuno che mi 

è sempre piaciuto e ho fotografato dall’inizio della sua carriera. Così 

gli dissi: “Ad ogni modo, assomigli più ad Art Pepper e c’è un grande 

libro sulla sua vita scritto dalla sua ragazza che si intitola The Straight 

Life.” Un giorno nella vita di Art è stato come un anno nella vita di molte 

persone. Non penso che Johnny abbia mai letto quel libro e non ha mai 

fatto quel film. Mentre portavo Johnny nell’ascensore, mi disse: “Allora 

cosa ti succede in questi giorni?”. Gli dissi che Nan e io stavamo facendo 

un documentario su Robert Mitchum. Johnny mi ha rivolto un grande 

sorriso e ha detto: “È uno dei miei attori preferiti oltre a Brando, e mio 

padre gli assomiglia così tanto che quando esco a cena con lui la gente 

viene a chiedere il suo autografo.” Quando il montacarichi raggiunse 

il pianterreno ci abbracciammo e io dissi: “Forse potresti scrivere una 

presentazione per il nostro libro per accompagnare il film di Mitchum?”. 

“Conta su di me” disse Johnny mentre salutava. Oh bene, pensai, eccomi 

di nuovo qui: ora tutti assomigliano a Bob Mitchum! Ho realizzato quel 

film su Mitchum e non ho mai incontrato il papà di Johnny ma non 

ho visto nessuno che assomigliasse a Bob - forse perché avevo ancora 

immagini di Chet fluttuanti nel mio subconscio. Ho visto per la prima 

volta fotografie di Chet, scattate da William Claxton, circa 40 anni fa 

sulla copertina di un album chiamato Chet Baker Sings and Play. Collezionavo 

dischi jazz in quel periodo (lo faccio ancora ma la maggior 

parte dei piccoli negozi di dischi nell’East Village di New York, dove ero 

solito andare, stanno chiudendo). A quel tempo frequentavo la scuola di 

cinema della New York University. Ho incontrato Claxton e sua moglie 

Peggy Moffitt; è stata la prima modella a indossare il costume da bagno 

in topless di Rudi Gernreich. 

Bill mi ha fotografato e ha realizzato un cortometraggio con me e Peggy. 

Aveva tre grandi distrazioni nella sua vita: Peggy, Steve McQueen e Chet 

Baker. Non mi potevo paragonare a loro, essendo uno studente di cinema 

timido e goffo, ma Bill era un vero tesoro per chiunque si trovasse davanti 

alla sua macchina fotografica. Mi ha fatto sentire molto fiducioso, così ho 

potuto fantasticare di essere nella stessa banda di Steve e Chet. Ho imparato 

molto da Bill e ora quando fotografo così tanti ragazzi universitari 

per Abercrombie & Fitch penso a Bill e al suo rispetto per l’individuo e 

al modo in cui tutti erano belli finché non si scopriva che non avevano 

un’anima insieme a un bel corpo. Ho sempre pensato che Chet avesse 

quell’anima, indipendentemente dall’età che aveva, non importava se gli 

mancavano i denti o quante linee gli circondavano gli occhi. Le persone 

mi chiedono sempre: “Cos’è la bellezza?”. Rido sempre e dico: “Oggi è 

una cosa e un’altra domani”. Mentre viaggiavamo verso i festival cinematografici 

con Let’s Get Lost e gli altri miei documentari, continuavo 

a cercare un altro Chet Baker, qualcuno che ti facesse viaggiare in un 

lontano avamposto nella tua mente, senza preoccuparti del biglietto di 

ritorno. Peter Johnson, che ha recitato nel mio film successivo Chop 

Suey, assomigliava a Chet quando cresceva in Oklahoma. Ho persino 

fotografato il profilo di Peter con una tromba appoggiata dolcemente 

contro la sua guancia. Successivamente è arrivato A Letter to True, un 

documentario contro la guerra interpretato dal mio cane True e Dirk 

Bogarde e con le voci fuori campo di Julie Christie e Marianne Faithfull. 

A volte c’era un senso di nostalgia negli occhi di True, analogo a quello 

che vedevo negli occhi di Chet dopo aver finito una canzone e c’era il 

silenzio nello studio di registrazione. 

Recentemente ho pranzato seduto di fronte a Clint Eastwood. Abbiamo 


CHET BAKER 

parlato di Bird e Chet, della sua musica e del mio film, davanti a uno 

strano buffet per “due tipi da hamburger” con il cibo che i francesi a volte 

servono, che mi piace definire “cibo misterioso”. Ho riso, ricordando 

quando ero ragazzo a Greensburgh, in Pennsylvania - non si sentiva un 

suono nella casa dei miei genitori (tutta la musica jazz era spenta) così 

potevamo guardare religiosamente Clint nella sua serie TV Rawhide. 

Anche allora ho fotografato tutti quelli che assomigliavano a Clint: cheerleader, 

mia mamma e papà e il capitano della nostra squadra locale di 

calcio. Beh, non l’ho detto a Clint, perché gli stavo facendo un ritratto di 

famiglia con la moglie e il figlio, e loro avrebbero pensato che fossi un 

tipo stravagante. Forse lo sono ma va bene perché sto ancora cercando un 

altro Chet Baker nella mia vita - perché Chet mi ha rovinato. Ho iniziato 

a rendermi conto che non esiste nemmeno un solo altro Chet Baker. Non 

posso fare a meno di continuare a cercare un nuovo Chet, così potrò fare 

un altro film, così potrò scattare fotografie per un altro libro, e così ancora 

una volta potrò avere, “solo per un brivido”, la possibilità di conoscere 

qualcuno magico che non si può mai più dimenticare. 

La fotografia è il jazz degli occhi 

Chet Baker nel ricordo del fotografo William Claxton 

Ci sono tre persone che ho fotografato che si distinguono per avere una 

vera presenza e magnetismo di fronte alla macchina fotografica: Steve 

McQueen, mia moglie Peggy Moffitt, che è una modella, e Chet Baker. 

Sembrano sapere istintivamente cosa fare, come muoversi, da che parte 

girarsi per catturare la luce migliore - senza mai essere consapevoli di 

queste azioni. Si sono divertiti ad essere fotografati, e apparivano rilassati 

e spontanei. Solo quando ho iniziato a fotografare Chet Baker nel 1952 

ho capito ciò che il termine “fotogenico” vuol dire davvero. Aveva solo 

22 anni, da non molto tempo fuori dall’esercito, e suonava la tromba con 

il più grande musicista jazz del tempo, Charlie Parker. Io ero un po’ più 

giovane, studiavo psicologia presso la UCLA, e facevo riprese e foto per 

pagarmi l’università. Ho pensato che suonava splendidamente, e che 

sembrava un po’ un duro, ma la sua faccia al contrario era carina, un 

po’ troppo americana, e non ho davvero pensato molto di più. È stato 

solo dopo che ho iniziato a sviluppare la pellicola nella mia stanza buia 

dopo i concerti che ho capito che solo una faccia continuava ad emergere 

in maniera incredibilmente forte - il volto di Chet Baker. È stato come 

una magia; l’intero quadro appena illuminato. L’adesione al quartetto 

groung-breaking di Gerry Mulligan un anno dopo fece brillare davvero 

il talento musicale di Chet, e cominciò a ricevere molta più attenzione. 

Ho iniziato a scattare foto di lui per la Pacific Jazz Records, di cui ero 

diventato partner, e in poco tempo aveva suo gruppo: Was winning polls! 

(stava vincendo i sondaggi) e i suoi dischi stavano salendo vertiginosamente 

nelle vendite, e gli venivano offerte parti in film. 

Era un musicista formidabile. Non leggeva molto bene la musica, e la 

sua tecnica era modesta rispetto a certi virtuosi come Dizzy Gillespie, 

ma era naturale, e il suo fraseggio rilassato era unico, il suo grado di 

musicalità era alto. La sua musica era il riflesso della sua personalità: 

aveva i suoi momenti mediocri e gli piaceva cercare la sua strada ma 

era sensibile - soprattutto quando si trattava della sua arte. Ha amato 

moltissimo i versi dei brani: recitava le parole di canzoni popolari come 

poesia, e il suo canto era come il suo modo di suonare: onesto, spesso 

sottovalutato. Charlie Parker una volta mi ha detto: “puro e semplice, 

Chet”. Chet aveva anche una sorta di grazia, ed era molto sano – ha 

sempre fatto surf, sciato e nuotato. Era solito indossare solo una t-shirt, 

Levi’s e sandali, e la sua eleganza casual è diventata l’epitome della scena 

Cool Jazz della West Coast. È stato anche soprannominato il James 

Dean del jazz. Di certo attirava le donne. Anche se mascalzone e con un 

dente anteriore mancante (che ho nascosto molto bene nelle foto), era 

bello, apparentemente innocente, infantile e sexy. Conosceva un sacco 

di donne intimamente. Infatti, egli ebbe più ragazze di quante se ne 

potrebbero eventualmente contare, in ogni città, club e ad ogni data di 

registrazione. Era noto per essere sempre in qualche guaio, per uscire 

dalla finestra sul retro per evitare una ragazza. Ma le donne in realtà si 

gettavano su di lui: ecco era questo mascalzone perso, con la faccia da 

bambino che sembrava aver bisogno di una madre, e spesso ha attirato 

donne molto forti che volevano prendersi cura di lui. Sorrideva facilmente, 

incantando quasi tutti, e con Chet ci vedevamo spesso - anche 

se non eravamo grandi amici, suppongo gli ero abbastanza vicino. Oltre 

al nostro amore per la musica abbiamo condiviso la passione per le auto 

veloci. Io preferivo le auto sportive mentre Chet le grandi vetture come 

Cadillac e Lincoln. Per lui erano simboli di successo e le ha guidate in giro 

per California, raramente a meno di 80 miglia all’ora, giocando spesso 

con la sua fortuna. Le foto che ho scattato sono molto vicine a come mi 

piacerebbe ricordarlo. È stato il periodo migliore della sua musica, della 

sua arte, e il migliore dei suoi look, delle sue qualità fotogeniche. Questi 

sono i suoi giorni luminosi e formativi prima di cominciare a fare uso di 

eroina, prima che cominciasse a mostrare segni di dipendenza, prima 

che andasse in Europa nel 1958 e non tornasse, prima che trascorresse 

il tempo dentro e fuori dai guai e in carcere, prima che io perdessi le sue 

tracce, e così prima che cadesse morendo da una camera al secondo piano 

di un albergo di Amsterdam nel 1988, all’età di 59 anni. 

La fotografia, ho sempre pensato, è un jazz per l’occhio. Proprio come 

il jazz è la musica dell’arte del momento - è spontanea e avviene istantaneamente 

- così è la fotografia. Come il jazz registrato, la fotografia è 

un processo tecnico che cerca di catturare e riprodurre la sensazione di 

un’esperienza che può essere straordinaria e formativa al contempo. I 

miei scatti a Chet sono stati momenti, intuizioni nel momento in cui 

stava succedendo, il giorno esatto a volte. Posso praticamente ancora 

sentire la musica di Chet, rivedendoli. 


INSIDE 

di Francesco Bonerba 

Lo spirito 

ritrovato 

La storia di Sonus faber, che ha virato la boa delle 35 

primavere, è caratterizzata dai suoi leader e dalle loro 

idee. Personaggi carismatici come lo è stato Franco 

Serblin che l’ha creata e con le sue intuizioni l’ha portata 

alla ribalta, o Cesare Bevilacqua, che con la sua visione 

aziendale ha determinato la crescita del marchio e 

la sua diffusione sui mercati. In tempi più recenti 

indubbiamente leader (e personaggio carismatico) 

è stato Mauro Grange che ha tracciato una rotta, 

sulla base della sua “visione”, che nessuno poteva 

nemmeno immaginare, portando alla costruzione, 

attorno all’azienda vicentina, di un importante polo 

mondiale dell’Hi-end... Oggi nessuno dei tre è più in 

azienda: Sonus faber è dunque orfana di un leader, 

oppure no? 

diatriba tra una dimensione artigianale e 

una industriale, l’equilibrio raggiunto tra le due (non 

L’apparente 

sempre nelle medesime proporzioni) è stato alla base 

della particolarità di Sonus faber, particolarità che ha inciso 

fortemente sul suo successo tanto nel bene (con la creazione 

di un effetto iconico che non ha eguali a livello italiano e pochi 

emuli da questo punto di vista anche a livello mondiale) che nel 

male, quando gli elementi che hanno contribuito a quest’effetto 

iconico sono stati travisati o travalicati. Elementi emotivi ma 

anche di natura pratica (come portare parte della produzione in 

Oriente), all’interno di un percorso di crescita dove non si può 

comunque eludere, fotografando lo stato di fatto dell’azienda, il 

dato inequivocabilmente più rivoluzionario che ne ha caratterizzato 

gli ultimi anni: una marcata internazionalizzazione non 

solo negli obiettivi ma nello staff e nell’approccio di mercato. 

Eppure la presentazione della più recente delle linee, nelle parole 

e nei fatti, ha fatto nascere curiosità in chi vi scrive, sensibile a 

tutti i messaggi, tanto più quelli meno evidenti, che si nascondono 

nelle pieghe della comunicazione associata al lancio della 

gamma Sonetto. Nel comunicato ufficiale ci sono riferimenti, 

alcuni evidenti (“La nuova collezione nasce proprio dal profondo 

senso di consapevolezza, di quello che eravamo, di quello che 

siamo e di quello che vogliamo essere in futuro” - Livio Cucuzza, 

Sonus faber, chief design officer), altri meno, al desiderio di 

rimarcare le proprie radici, la propria italianità: non a caso per 

l’assemblaggio della linea Sonetto è stata approntata una nuova 

doppia linea di produzione interna all’azienda. Come se, dopo 


IN VISITA A SONUS FABER 

gli scintillanti palcoscenici internazionali e la consapevolezza di 

aver conquistato una poltrona al tavolo di quelli che contano, in 

Sonus faber si sentisse la necessità di ribadire chi si è, la propria 

storia (argomento caro a questo giornale che, lo ribadisco, 

ha annotato con preoccupazione proprio la tendenza di molte 

aziende di eludere la propria storia...). Il tutto tanto più in un 

momento in cui la figura del grande timoniere è stata in parte 

elusa dalle recenti scelte del McIntosh Group di cui Sonus faber 

fa parte insieme a McIntosh, Audio Research, Sumiko e Wadia e 

che hanno portato alla definizione dell’attuale ponte di comando 

costituito da Charlie Randall (Presidente & CEO) e dalla new 

entry Jeff Poggi (co-Chief Executive Officer and Board member), 

dunque a forte trazione americana, lì dove in precedenza, vuoi 

per le recenti vicende finanziarie (prima di questa gestione Sonus 

faber era proprietà di un equity found italiano), vuoi per il 

ruolo di traghettatore svolto da Mauro Grange, il manangment 

italiano sembrava svolgere un ruolo importante se non decisivo 

nel processo decisionale. 

Sia come sia la presentazione di una linea che “...si ispira a modelli 

di gamma più alta; tale ispirazione si esplicita chiaramente 

nella presenza di molti elementi iconici...” e, ancor di più, “presenta 

quello che noi definiamo la “Voce di Sonus faber”, merita un 

immediato approfondimento di indagine e così in una caldissima 

giornata di mezza estate, proprio alla vigilia della commercializzazione 

de prodotti della linea Sonetto, mi sono ritrovato nel 

distretto industriale di Vicenza con l’obiettivo di raggiungere l’edificio 

a forma di violino creato dallo Studio Albanese che ospita 

dal 2003 La Sonus faber, alla ricerca delle possibili domande in 

grado di generare le auspicabili risposte; ecco quello che sono 

riuscito a capire... 

Innanzitutto la figura di Jeff Poggi, che si muove nelle retrovie 

più che nelle prime file del palcoscenico aziendale, si è rivelata 

fondamentale. Poggi è un manager ma è stato anche un ingegnere: 

è partito dall’ingegnerizzare prodotti, passando poi alle 

vendite, al marketing per approdare alle businesss unit aziendali 

di Bose e Harman Kardon acquisendo una visione a 360° della 

riproduzione musicale. Sebbene la sua specificità sia rivolta al 

car stereo è un manager che, a confronto con i tecnici, “capisce 

di cosa si stia parlando”, cosa non del tutto scontata. All’inizio 

della sua avventura nel McIntosh Group si è dedicato principalmente 

al marchio Audio Research dove ha rivoluzionato il 

managment e il modo di lavorare: il marchio americano sta ora 

cambiando sede (verrà inaugurata entro la fine di settembre) e 

valorizzerà la storia e i suoi cimeli; l’archivio storico dei prodotti 

è diventato un valore da mostrare e di cui essere fieri. Poggi ha 

anche vissuto lunghi periodi a Vicenza (opera nel gruppo ormai 

da un anno) proponendo i medesimi concetti (il recupero della 

propria storia, del DNA aziendale) in Sonus dove è impossibile 

camminare all’interno dell’azienda senza emozionarsi: “se si vuole 

sapere dove andare bisogna conoscere da dove si viene!”. Un 

DNA che l’accelerazione impressa precedentemente da Grange 

e dai grandi progetti calati nel mondo dell’extra lusso aveva se 

non dimenticato, messo un po’ in disparte promuovendo principalmente 

l’idea di gruppo. Le idee di Poggi sembrano andare 

SPAZIO A SONETTO 

Un intero piano dell’edificio Sonus faber è stato attrezzato per il montaggio e la 

finitura dei Sonetto. Due linee di produzione sono state attrezzate con le culle 

storicamente utilizzate nelle produzioni più pregiate. E ora scorrono sui rulli delle 

due linee di produzione, una per i bookshelf e una per le torri, ognuna attrezzata 

con una camera di test alla fine per la misurazione. Possono essere ultimate fino 

a trenta coppie al giorno dei primi e quindici dei secondi. 


INSIDE 

Spazio alla creatività. Un nuovo capannone è stato adibito a centro ricerche e ospita il reparto design e sviluppo che, oltre che per Sonus, lavora per McIntosh e Audio 

Research. Sul modello di altre strutture del genere piacere e dovere si mischiano in quest’area polifunzionale. 

in un’altra direzione: “Più che sottolineare l’appartenenza al 

gruppo, che è un valore metabolizzato da tutti noi, oggi si punta 

moltissimo sull’identità di ogni singola azienda: una sorta di 

meta cognizione rispetto all’orgoglio che si ha di appartenenza. 

Ognuno è orgoglioso del marchio a cui si appartiene ma tutti 

abbiamo fatto un’esperienza di orgoglio...”. Un orgoglio che è 

anche specificità: l’idea del lusso italiano è qualcosa di differente 

QUELLO CHE SIAMO 

Uno dei primi contributi della gestione Poggi è stato quello di stabilire un processo 

ideativo partecipativo nello sviluppo dei progetti e, prima ancora nella definizione 

di un manifesto di intenti che definisce sinteticamente (e non è mai facile) radici 

e capisaldi aziendali, elementi a cui Poggi tiene particolarmente (vedi testo). In 

questo manifesto ogni progetto viene “specchiato” per verificare in che misura 

è davvero frutto dell’humus aziendale. Ecco i quattro punti che ne fanno parte... 

Vertice diffuso? Jeff Poggi, un passato di 20 anni in Bose e Harman nel settore 

car-stereo, originariamente è stato un ingegnere meccanico. Con il ruolo di co- 

Chief Executive Officer e Board member di McIntosh Group si occupa direttamente 

delle vicende Sonus faber. 

• Creiamo oggetti per la musica, fatti a mano artigianalmente secondo il 

saper fare italiano. 

• Gli doniamo una voce inconfondibile che fa immergere l’ascoltatore in 

un’esperienza musicale e sensoriale. 

• Siamo tecnici e creativi, inventori di nuove soluzioni progettuali. 

• Mettiamo cura e passione in ogni dettaglio e, con attenzione e dedizione, 

rendiamo i nostri prodotti delle creazioni d’arte senza tempo. 


IN VISITA A SONUS FABER 

Il suono che verrà. Ascolto in anteprima assoluto dei nuovi Sonetto I. Un suono che ricorda il meglio delle varie anime che si sono avvicendate nel tempo; una vera 

sorpresa da confermare in condizioni controllate. Presto infatti i Sonetto in prova su SUONO! 

e, non a caso, il criterio e la definizione di lusso è quello su cui in 

Sonus si sono arrovellati di più: è potersi concedere il bello e il 

buono senza remore, sapendolo apprezzare o, come mi dicono, 

“Il lusso è permettersi un reparto di rivestimento a mano in 

pelle su un diffusore acustico....”. In fondo, poi, si tratta dell’elemento 

fondante su cui è nata Sonus faber; per certi versi non 

catalogabile ma al tempo stesso dannatamente tangibile e, non a 

caso, il comunicato di presentazione dei Sonetto si apre proprio 

con il primo riferimento esplicito a Franco Serblin nell’era post- 

Serblin: “Sonus faber è nata dall’idea di un uomo che amava la 

musica, la sua corretta riproduzione e che aveva una sensibilità 

speciale verso l’artigianato, i metodi di lavorazione del legno e 

il culto per il bello. Sonus faber non è solo un brand di diffusori 

acustici, è prima di tutto un modo esclusivo di approcciare alla 

progettazione degli oggetti da musica”. Ancora una volta l’idea di 

artigianato e le rassicuranti performance del prodotto industriale 

provano a trovare una quadra che fornisca quel valore in più che 

rappresenta il “lusso” nella sua migliore accezione e che Sonetto 

vuole declinare nella sua accezione più vicina al grande pubblico. 

La linea Venere, la gamma entry level dell’azienda, non era 

riuscita in questo intento e la decisione di portare l’assemblaggio 

in Italia, una nuova definizione dei margini di ottimizzazione del 

prodotto, la nobilitazione dello stesso grazie alla pelletteria sono 

gli elementi che contribuiscono al cambio di passo: “Sonetto è 

figlia del manifesto su cosa è e cosa deve essere Sonus faber. 

La direzione intrapresa con Sonetto è più in linea con quello 

che siamo anche se non è cambiato tanto dove stiamo andando 

ma il come, proprio in virtù di alcuni pilastri come la storia e 

l’italianità”. E Sonetto non è l’unica novità prevista per l’autunno: 

mi è stata fatta vedere (ma non fotografare) una reinterpretazione 

degli Electa Amator. Si chiameranno Electa Amator 3, 

una limited edition che è a tutti gli effetti una nuova versione 

del fortunato diffusore con riferimenti all’originale: gli Electa 

Amator del tempo avevano il piedistallo con base in marmo, ora 

è la base stessa del diffusore a essere in marmo! E se questo è uno 

dei progetti in fase di finalizzazione, ce ne sono molti altri che 

“bollono in pentola” in un reparto ricerca e sviluppo come non 

ce n’è in Italia e che lavora anche per gli altri marchi del gruppo: 

me ne vengono fatti vedere 5/6 rigorosamente top secret e che 

spaziano tra le categorie tradizionali e meno tradizionali dell’Hi- 

Fi... Tanta carne sul fuoco per le 43 persone che continuano a 

lavorare (oggi magari maggiormente all’unisono) ad Arcugnano 

e un’unica stanza vuota, quella “presidenziale”, dove nel tempo e 

nella gestione verticistica ho visto passare almeno tre generazioni 

di esperienze. Dopo tanto rumore oggi vi regna il silenzio; chissà 

che cosa ne faranno... 


INSIDE 

di Paolo Corciulo e Carlo D’Ottavi 

Alla ricerca della propria 

anima 

Nella homepage del sito aziendale e sulla corrispondente pagina Facebook, campeggia la scritta bene augurante 

“Preparing for the phase”, una nuova fase, perlomeno la terza, per Elettrocompaniet (marchio fondamentale 

ma sempre a un passo, incompiuto, dal diventare storico) che in questo burrascoso periodo per l’Hi-Fi vede 

profilarsi l’ennesima sfida, forse quella decisiva... 

Un calo significativo del fatturato, passato in un anno da 3,2 milioni 

di euro a 2,4 (nel 2016) e un bilancio in perdita dal 2013 

hanno costretto la norvegese Electrocompaniet a presentare 

istanza di avvio per la procedura di insolvenza da parte del proprietario 

del marchio West Control che già nel 2004 aveva rilevato l’azienda 

dalla bancarotta. Fino ad allora, a partire dal 1973, era esistita la prima 

“vera” Electrocompaniet, quella che ambiva (e avrebbe potuto) entrare 

nell’Olimpo dell’Hi-Fi e che vi fu a un passo, come vi racconteremo. 

Per farlo occorre tornare proprio all’ano della fondazione quando a Per 

Abrahamsen e Svein Erik Børja venne offerta una opportunità praticamente 

unica allora: poter realizzare un amplificatore a transistor che non 

suonasse così male come facevano gli equivalenti del tempo! 

Per capire la portata dell’evento occorre contestualizzarlo: la riproduzione 

sonora era ancora monopolizzata dagli amplificatori a valvole (vedi gli 

articoli apparsi nello scorso numero, SUONO 528, dedicato interamente 

ai tubi termoionici) e all’inizio degli anni ’70 cominciarono solo timidamente 

ad apparire progetti di circuiti migliori per amplificatori audio 

di altissima qualità basati su nuovi transistor di prestazioni migliori di 

quelli inizialmente utilizzati e che avevano sancito la momentanea ma 

assoluta superiorità delle valvole. A quel tempo Jan Lohstroh, fresco di 

università, era un giovane ricercatore nel reparto di ricerca sulle memorie 

digitale presso il centro ricerca Philips di Eindhove (poi comunemente 

definito Nat Lab) dove, nel 1972, si presenta il professore finlandese 

Matti Otala, intenzionato a spendere un anno sabbatico presso i mitici 

laboratori dove l’azienda olandese svolgeva ricerca pura (molte delle 

scoperte nate in questi laboratori, quando non di valenza tipicamente 

consumer, saranno poi applicate da partner commerciali interessati a 

mercati più specialistici). Otala entra a far parte di un gruppo di lavoro 

sui sistemi di memoria a bolle magnetiche mentre Lohstroh fa parte 

Il primo progetto Eletrocompaniet. 

dello staff di chi si occupa di un sistema di memoria olografico ottico. 

Inevitabile che vengano a contatto. Ecco come lo racconta Lohstroh: 

“Una volta, all’ora di pranzo, ho detto a Matti Otala che avevo intenzione 

di progettare e costruire un amplificatore audio a stato solido per 

me, perché a mia moglie non piacevano più l’ingombro e le forme del 

dell’amplificatore a valvole che avevo progettato e costruito da studente 

cinque anni prima...”. 

Otala era fresco da alcune ricerche in campo audio che lo avevano portato 

a sviluppare la sua teoria sulla TIM; la distorsione generata all’uscita 

di un amplificatore in classe AB con contro-reazione globale proprio 

dall’oscillazione del ciclo di contro-reazione era allora poco conosciuta 

così come il fatto che questo tipo di distorsione sia più udibile a bassa 

potenza, dove l’ampiezza dell’oscillazione può a volte superare quella 

del segnale audio. “Otala mi raccomandò di costruire qualcosa con 

un basso guadagno in anello aperto, un’alta larghezza di banda in 

anello aperto, con un basso feedback e un alto tasso di fluttuazione”, 

continua Lohstroh, “Doveva preferibilmente essere in classe AB con 

un punto d’intervento in classe B solo per passaggi e picchi elevati. Mi 


Lo schema a blocchi e i circuiti stampati dell’amplificatore ipotizzato da Lohstroh 

e Otala. 

raccomandò anche di non preoccuparmi della distorsione armonica 

totale perché questo parametro, senza maggiori dettagli su come il 

segnale raggiunge il valore zero in modo pulito, non sarebbe stato 

davvero determinante per la qualità del suono, a patto comunque che 

quel valore non fosse troppo alto”. Lohstroh, a sua volta, era convinto 

che un progetto pulito e ben suonante dovesse essere il più possibile 

simmetrico, con un doppio alimentatore, evitando condensatori e con 

uno stadio d’uscita completamente simmetrico usando transistor NPN 

e PNP. I due cominciano a confrontarsi e nasce l’esigenza di verificare i 

risultati al banco di misura del loro progetto e non essendo dotati di un 

Per “Abe” Abrahmsen e Herbie Hancock. 

laboratorio personale chiedono a Philips di poter dedicare due settimane 

allo sviluppo di un progetto audio, in modo da poter utilizzare gli strumenti 

de laboratorio. “Abbiamo selezionato i migliori transistor con le 

Ft più alte che erano disponibili al momento nel catalogo di Philips Semiconductors 

e abbiamo realizzato il circuito come amplificatore mono, 

utilizzando due alimentatori da laboratorio e un grande dissipatore di 

calore per i transistor di uscita. Dovemmo solo modificare alcuni valori 

delle resistenze per far funzionare bene il circuito e i risultati di misura 

sono stati immediatamente impressionanti. Abbiamo fatto qualche test 

di ascolto con un altoparlante Philips di alta qualità nella sala anecoica 

del gruppo audio utilizzando un giradischi anch’esso di valore con 

alcuni dischi mono di alta qualità. Siamo rimasti impressionati dalla 

chiarezza del suono, dall’alta gamma dinamica e dal fatto che l’ascolto è 

rimasto molto piacevole anche dopo aver ascoltato la musica per più di 

un’ora. Non abbiamo effettuammo alcun test TIM specifico, perché non 

disponevamo di un sistema di misura e il tempo concesso per lavorare 

sul progetto era quasi terminato. Tuttavia, dalla nostra esperienza di 

ascolto, eravamo sicuri che se ci fosse stata qualche distorsione TIM 

sarebbe stata molto bassa in questo amplificatore...”. 

Il progetto venne presentato al gruppo di sviluppo del settore business 

audio di Philips Consumer Electronics i cui responsabili, pur impressionati, 

non erano interessati a prenderlo in considerazione perché Philips a 

quel tempo era interessata solo al mercato low end (Marantz non faceva 

ancora parte di Philips e si sarebbe aggiunta solo molti anni dopo). Non 

avendo l’interesse di Philips né la possibilità di richiedere un brevetto per 

questo circuito, Otala e Lohstroh colgono l’occasione di una convenzione 

AES (Rotterdam, febbraio 1973) che accetta il documento realizzato dai 

due. Il white paper intitolato “An Audio Amplifier For Ultimate Quality 

Requirements”. Tra gli ascoltatori della relazione di Otala (“Poiché Matti 

parlava inglese meglio di me in quel momento, abbiamo concordato 

che avrebbe presentato il documento, anche perché le domande su TIM 

potevano essere meglio risolte da lui. In seguito abbiamo presentato il 

documento al giornale IEEE dove è stato accettato”) c’è Erik Borja, che 

ne rimane affascinato, pensando in un primo tempo di realizzare sulla 

base di quello schema un amplificatore per uso personale. Ma Borja è 

un produttore televisivo e musicale e tra le sue tante esperienze professionali 

aveva prodotto proprio i dischi dei Mojo Blues, un gruppo del 

tutto dimenticabile (probabilmente non ricorderanno niente a nessuno 

visto che il gruppo norvegese ebbe solo un modesto successo nelle chart 

locali del 1996 con un singolo che era la cover di Lady Jane degli Stones) 

se non per il fatto che il frontman era un certo Per “Abe” Abrahmsen 

che qualche anno più tardi (1972) avrebbe dato vita ad una società che 

distribuiva prodotti Hi-Fi poco costosi (dei diffusori bulgari) e costruiva 

alcune amplificazioni per la pubblica amministrazione. Così Borja, dopo 

aver inizialmente sviluppato il circuito stampato in Norvegia con l’aiuto 

di Nils Jorgen Kjaernet (della Nera, una società coinvolta nell’audio e 

nelle telecomunicazioni), si unisce a Per “Abe” Abrahmsen sviluppando 

(1975) i primi due esemplari del rivoluzionario amplificatore basato 

Matti Otala (1939-2015) è stato 

il più famoso progettista audio 

finlandese. Dopo aver lavorato 

come professore di elettronica 

e ingegnere presso Harman 

Kardon ha scritto su riviste e 

sviluppato progetti audio con 

decine di brevetti. 


INSIDE 

Mikal Dregggevik. 

La copertina del White Paper presentato all’AES nel 1973. 

sul documento di Otala e Lohstroh, implementando le soluzioni raccomandate 

all’epoca (circuiti simmetrici, possibile controreazione locale, 

polarizzazione in classe A o AB ad alta corrente di riposo, collegamento 

diretto senza condensatore tra stadi, etc.). L’apparecchio viene commercializzato 

l’anno seguente da Electrocompaniet (1976), inizialmente 

chiamato “OTALA-LOHSTROH amplifier”. 

Lohstroh, che dopo quella esperienza si dedicherà a tutt’altro, racconta 

di aver chiesto alla Electrocompaniet, che non ne era stata autorizzata, 

di cambiarne il nome e di non aver più sentito, se non saltuariamente, 

Otala, che nel frattempo aveva invece cominciato a godere di una certa 

fama in campo audio tanto che arriverà a firmare diverse decine di progetti 

di amplificazioni audio. Il primo amplificatore di Electrocompaniet 

passerà così alla storia come “The 2 Channel Audio Power Amplifier” o 

“The Otala amplifier” (vedi foto di apertura) essendo la prima elettronica 

al mondo ad applicare le teorie sulla intermodulazione transitoria. 

Stando al racconto di Lohstroh in parte quella di Otala fu fama usurpata; 

va detto, però, che Matti Otala, riconosciuto come guru Hi-Fi ante litteram, 

nell’ultimo periodo della sua vita (è deceduto nel 2015) ha sofferto 

di una malattia cerebrale; costretto su una sedia a rotelle difficilmente 

era in grado di parlare o scrivere e tanto meno di ribattere, se lo avesse 

ritenuto opportuno, alla versione raccontata in tarda età, quando aveva 

oltre 60 anni, da Lohstroh, sulla nascita e la storia di una pietra miliare 

nell’amplificazione a transistor. 

Alla storia di Electrocompaniet, al suo inizio, manca però ancora un pezzo 

costituito dall’arrivo di Terje Sandstrom (1979), allora giovane studente 

diciottenne ma con alle spalle una considerevole esperienza nella realizzazione 

di amplificazioni a valvole. Sulla base di un suo progetto e del 

confronto con gli altri membri di quella che allora era una piccolissima 

società (“Avevamo la sede in un appartamento sopra un’officina di automobili”, 

racconta Sandstrom, “e più che un’azienda, era come un club: 

la gente ci veniva a trovare, portava i suoi dischi, parlava e discuteva 

con noi”) viene realizzato il tassello mancante, il preamplificatore che 

completa il progetto che nel frattempo decolla anche per aver riscosso i 

La sede Electrocompaniet a Tau. 

favori del mercato americano. Qualche anno più tardi l’amplificazione 

Electrocompaniet riscuoterà i favori anche dell’industria professionale 

dove viene utilizzata per la masterizzazione di due dischi di Michael 

Jackson, History e Invincible... 

In pratica Electrocompaniet si ritrova con un patrimonio dall’enorme 

valore evocativo tra le mani, tale da far identificare per lungo tempo 

l’amplificazione, perlomeno quella a transistor, con i suoi prodotti! Un 

“portato” evidentemente non sufficiente a superare le mutate condizioni 

del mercato Hi-Fi, dove negli anni successivi prende grande slancio tutto 

ciò che ruota attorno al digitale. Così nel 2004 arriva la bancarotta e a 

salvare il marchio ci pensa il proprietario di un gigantesco gruppo che 

si occupa della produzione automatizzata di circuiti elettronici, la West 

Control. Il CEO, Mikal Dregggevik, è il classico manager che si è fatto da 

solo e ha bene interpretato il passaggio del millennio: la West Control 

nasce nel 1994 con l’obiettivo di fornire sistemi elettronici di controllo 

L’Eletrocompaniet ECG-1, primo giradischi del marchio. 

e gestione progettati appositamente per macchine agricole e soluzioni 

industriali. Poi si estende anche ad altri settori come i sistemi per lo 

sviluppo e la produzione di soluzioni elettroniche per diversi settori 

industriali. 

Dregggevik sposta la produzione a Tau presso una delle sedi di West 

Control e comincia un ambizioso percorso di rinnovamento del catalogo 

Electrocompaniet con l’introduzione di molti apparecchi con a bordo 

sezioni digitali (recentemente ben sei streaming player per tre linee di 

prodotto) e, qualche anno fa, anche un giradischi ma, questa almeno la 

critica che SUONO gli muove, probabilmente proprio nell’abbondanza 

e nella mancanza di un po’ di anima di questi prodotti, vengono persi 

quei riferimenti storici e di sostanza che hanno caratterizzato nell’immaginario 

audiofilo il marchio. Ora, almeno da quanto si evince dal 

comunicato aziendale, il controllo dell’operato delle operazioni ricadrà 

ancora su Mikal Dregggevik (il che autorizza a pensare a un’operazione 

di fallimento concordato) che potrebbe trarre ispirazione dagli errori 

commessi (o più propriamente dalle difficili caratteristiche del mercato 

Hi-Fi) oppure no. Perché un’anima (e i prodotti di successo hanno un’anima) 

non si trova necessariamente per la strada.... 


INSIDE 

di Francesco Bonerba 

Tra 

cultura e mercato 

Guida da oltre trent’anni Ala Bianca, etichetta discografica indipendente che da tempo recupera e valorizza 

la musica popolare italiana e vanta nel suo catalogo nomi illustri come Dario Fo, Enzo Jannacci, Alan Sorrenti, 

Francesco Guccini, Marlene Kuntz, Roberto Benigni, Zucchero e Roberto Vecchioni. Abbiamo incontrato 

Toni Verona per parlare di passato, presente e futuro della musica Tricolore. 

Lo spunto per questa intervista è stato offerto dalla ripubblicazione, 

il 30 marzo scorso, di 12 album rappresentativi della collana 

di musica popolare “I dischi del sole”, etichetta nata a Milano 

negli anni Sessanta che propone un vastissimo repertorio di musica popolare, 

ampliatosi a partire dagli anni Novanta, quando la Ala Bianca di 

Toni Verona si è impegnata per il suo recupero grazie alla collaborazione 

con l’Istituto Ernesto De Martino, istituzione che ha proseguito il lavoro 

di raccolta sul campo e archiviazione di testimonianze orali del celebre 

antropologo italiano. Un patrimonio che a partire da gennaio Ala Bianca 

ha coraggiosamente deciso di digitalizzare interamente, mettendolo a 

disposizione su tutte le piattaforme streaming. 

Cosa ti ha spinto, quarant’anni fa, a imbarcarti in quest’impresa, 

affatto semplice né da tutti? Un misto di passione e 

incoscienza? 

Praticamente si! Quando alcuni amici mi hanno chiesto di creare una 


INTERVISTA TONY VERONA 

società di produzione nel settore della musica mi sono detto: perché 

no? Ho aderito alla creazione della società e dopo una decina di anni 

in cui ho continuato a fare il mio precedente mestiere, l’insegnante, 

ho cominciato a lavorarci attivamente. Erano gli anni in cui il Made 

in Italy esplodeva nel mondo e in particolar modo in Asia attraverso 

la musica da discoteca, la dance, realizzata da produttori nostrani che 

neanche capivano il significato delle parole che loro stesso coniavano! 

L’importante è che fossero parole “sonore”. Ci siamo inseriti dentro 

i canali della produzione, addirittura il nostro primo prodotto è stata 

una hit mondiale. Siamo partiti in questo modo. 

Dagli anni Novanta Ala Bianca si è occupata di salvaguardare 

la canzone popolare italiana pubblicando le canzoni raccolte 

dall’Istituto Ernesto De Martino. Raccontaci quest’avventura 

che prosegue tutt’oggi. 

Mi sono accostato a questo catalogo enorme, “I 

dischi del sole”, su segnalazione di Paolo Pietrangeli, 

scoprendo con grande sorpresa un patrimonio 

di cultura popolare che mi affascinò 

sin da subito, proprio perché molto lontano da 

quello che avevamo prodotto qualche anno prima. 

L’Istituto di etno-musicologica Ernesto De 

Martino aveva messo insieme qualcosa come 

10.000 nastri di materiale raccolto sul campo: 

i ricercatori avevano registrato le voci e i canti 

dei contadini, degli emigrati, delle persone 

raccolte nelle carceri e nelle osterie, e così via. 

A questi si univano le canzoni di artisti contemporanei 

che si esprimevano sul sociale, mi 

riferisco ad artisti ancora viventi come Giovanna 

Marini, Ivan Della Mea, scomparso qualche 

anno fa, e lo stesso Paolo Pietrangeli, l’autore 

del canto più importante della rivolta del ’68, 

Contessa, ancora oggi utilizzato in documentari 

di tutti i tipi. Insomma: un enorme catalogo (il 

più grande d’Europa), con circa 200 anni di 

storia d’Italia raccontati attraverso la canzone 

popolare che giacevano in un archivio a Milano, 

in via Melzo, inutilizzati. Quando proposi di 

acquistare e recuperare il catalogo l’operazione 

fu subito accolta dall’Istituto con sensibilità e 

benevolenza. 

Si rivelò sin da subito un’impresa quasi titanica 

perché attingevamo da vecchi nastri analogici. 

Abbandonati dalle Istituzioni che nulla hanno 

fatto per salvare questo patrimonio, ci siamo 

messi di buona leva, investendo denari nostri, 

e abbiamo digitalizzato qualcosa come 70/80 

album, nastro per nastro. Alcune registrazioni 

erano così mal messe da richiedere, per poter 

essere recuperate, procedimenti particolari 

come la cottura del nastro. L’investimento è 

stato notevole per una piccola realtà come la 

nostra. Avevamo dalla nostra una multinazionale 

che distribuiva, la EMI, ma il resto era sulle nostre spalle. Alla fine 

l’abbiamo spuntata noi, siamo usciti suscitando un interesse mediatico 

e di pubblico notevole. 

Nel tempo abbiamo raggiunto un’ottima presenza nei punti vendita, 

culminato nella proposta di Hobby & Work di fare una pubblicazione 

tematica nelle edicole. La collana, ben curata, si chiamava “Avanti 

Popolo” ed era composta da dodici uscite tematiche. La raccolta fu 

percepita come un’iniziativa culturale e storica e vendemmo un milione 

di copie. 

Osservando il vostro catalogo si percepisce una particolare 

attenzione verso il contenuto e il suo valore culturale. Come 

si coniuga una linea editoriale del genere con le moderne 

modalità di fruizione musicale, spesso importante alla superficialità 

dell’ascolto? 

Stiamo proseguendo nel cammino della riproposta 

di questi materiali perché da gennaio di 

quest’anno abbiamo diffuso in rete l’intero 

catalogo, mettendolo a disposizione di tutti. 

Potevamo benissimo uscire alla chetichella, 

contattando chi già ci conosce. Abbiamo preferito 

allargare ampiamente la comunicazione. 

Stessa cosa relativamente alla distribuzione. 

Differentemente dal passato, quando bisognava 

recarsi in un negozio per comprare un disco, 

oggi esiste internet, e saremmo miopi se non 

ne facessimo uso. È vero, per certi aspetti può 

essere un mezzo deleterio, penso alle playlist 

di Spotify e ai ragazzi, specialmente quelli 

nativi digitali, che non conoscono niente al 

di là di quello che gli offre lo smartphone; il 

tipo di catalogo che noi proponiamo, però, è 

talmente per tutti, di cultura popolare, che la 

mia speranza è che siano i genitori o gli stessi 

ragazzi da grandi ad avere una sensibilità tale 

da andare a cercare contenuti che vadano oltre 

le hit del momento. Allora ben vengano tutti 

gli store online, perché contribuiscono alla diffusione 

e alla distribuzione non solo dei brani 

di “fast food music” ma anche di materiale che 

ha contenuti. 

Per poter sensibilizzare il pubblico – e questo 

è l’argomento fondamentale, credo – bisogna 

essere presenti ovunque; non basta più il solo 

punto di distribuzione fisico, negozi o catene, 

che hanno poco assortimento e molto spesso 

distribuiscono solo i prodotti più venduti del 

momento. I nostri album, per la loro specificità, 

fanno fatica ad entrare anche dove vengono 

accolti con un certo interesse, per cui l’unico 

modo per essere a disposizione di chiunque 

è proprio il digitale, gli store online, Spotify, 

Amazon, etc. Fare gli aristocratici nel settore 

del mercato non funziona. 


INSIDE 

è entrata in questo settore; siamo stati però fortunati e probabilmente 

bravi a indovinare alcuni film, affidandoci molto al 

nostro fiuto e ai gusti personali. Possiamo definirci borderline tra 

cultura e mercato. Siamo orientati a fare le cose che ci piacciono 

e ci piacciono le cose che hanno contenuto. 

Ciononostante non avete rinunciato a valorizzare il prodotto 

fisico. 

Un materiale come il nostro resta, è una cosa che se compri ti 

rimane per tutta la vita. Non lo scarti dopo un po’ perché è passato 

di moda, è come un buon libro o un buon film. Lo tieni lì anche se 

lo ascolti una volta ogni tre anni. Sono inoltre dischi ricchi anche 

dal punto di vista dei libretti, con notizie molto approfondite su 

quando è stato registrato l’album, dove, da chi, etc. 

Nel tempo avete riservato spazio anche alle colonne sonore 

– ad esempio quella di Cesare deve morire dei fratelli 

Taviani o di Fuocoammare di Gianfranco Rosi – e a 

produzioni particolari, come i Deproducers. 

I Deproducers sono un progetto insolito per il mercato europeo, 

non solo italiano. Stiamo lavorando sul terzo progetto; il primo 

è stato Planetario, il secondo Botanica, il terzo sarà dedicato 

Alcuni progetti passati di cui vai molto fiero... 

In occasione dell’8 marzo abbiamo portato avanti un’iniziativa 

che chiamata “Ama chi ti ama – i tempi della vita cantati dalle 

donne”, un doppio album dedicato alle donne con i nomi delle 

artiste che negli anni hanno cantato la canzone popolare. L’abbiamo 

fatto attraverso un concorso in rete aperto ai giovani dai 

18 ai 35 anni dove si suggeriva loro di disegnare una canzone. La 

giuria, presieduta da Lorenza Canottieri, ha selezionato 43 tavole, 

le più significative, collegate ad altrettante canzoni, poi inserite 

nel libretto della pubblicazione. Queste tavole sono diventate 

una mostra itinerante di dimensioni 33 x 33 in esposizione alle 

librerie Feltrinelli di Firenze, Verona, Genova e Roma (galleria 

Alberto Sordi). Abbiamo fatto la stessa cosa tre anni fa in occasione 

del 70° anniversario della Liberazione; allora la commissione 

era presieduta da Sergio Staino. I ragazzi sembrano disattenti 

e superficiali ma in realtà è encomiabile la pazienza che hanno 

avuto nell’accostarsi a musiche con temi lontani dal loro vissuto, 

immaginando, disegnando. 

all’infinitamente piccolo, il DNA. Anche questa volta ci sarà uno 

scienziato incaricato di esporre in modo semplice gli argomenti 

trattati, in modo analogo a quanto avvenuto con Stefano Mancuso 

e l’astrofisico Fabio Peri. In merito invece alle colonne sonore 

cinematografiche e documentarie sono pochi anni che Ala Bianca 

…e quelli che invece vedremo nel prossimo futuro. 

A settembre/ottobre pubblicheremo per la prima volta, attingendo 

direttamente dai nastri originali, materiale risalente agli 

anni ’50 / ’60 mai stato pubblicato prima; abbiamo un progetto 

molto ampio sulle colonne sonore; stiamo lavorando sulla discografia 

di tipo tradizionale (in uscita tre/quattro prodotti di artisti 

come James Senese, A Toys Orchestra, Silvia Nair); abbiamo un 

compositore/pianista che lanceremo a settembre, Luca Morelli. 

Cerchiamo, insomma, di avere una visione diversa da quella 

degli altri, di rapportarci al mercato in un modo insolito. Non 

abbiamo mai cercato la hit, e quando è arrivata ci ha fatto solo 

che piacere. Ci piace lavorare sui contenuti, che a lunga distanza 

ti ripagano sempre. 


Sta di fatto che tanto Manuale 

del Vinile che A Vibration Measuring 

Machine scelgono una 

veste lussuosa per presentarsi 

ai possibili lettori: copertina 

rigida cartonata, belle immagini, 

un congruo numero di 

pagine in carta patinata… 

Ammirevole, per il primo, l’opera 

della casa editrice Lswr 

che ha provveduto alla traduzione 

e ristampa del bestseller 

di Matt Anniss e Patrick Fuller, 

opera che svaria su molteplici 

argomenti pur non raggiungendo, 

a dispetto del nome, la 

profondità del manuale tecni- 


de Il tremila 

Da leggere invece 

che da ascoltare 

Può la riproduzione musicale raccontata essere 

eccitante come quella ascoltata? Può, se 

contenuti e modo di presentarli sono adeguati… 

Sicuramente parte del 

rinnovato interesse attorno 

alla riproduzione 

musicale di qualità è dovuto 

alla seconda giovinezza del vinile 

e, anche per questo, non 

stupisce che le più recenti pubblicazioni 

in merito partano 

propri da qui per illustrare e 

attrarre (almeno questo è ciò 

che speriamo) nuovi adepti. 

Per farlo si sceglie oltre che 

il contenuto anche una forma 

editoriale acconcia sebbene la 

forma non sia mai stato l’argomento 

all’ordine del giorno degli 

appassionati di lunga data. 

Matt Anniss e Patrick Fuller 

MANUALE DEL VINILE 

(COME OTTENERE IL MASSIMO DAI 

TUOI DISCHI E DAL TUO IMPIANTO) 

Edizioni Lswr 

192 pagine, cartonato, colori, 

formato 21x27 cm 

Prezzo: 24,90 euro 

Piano dell’opera: 

¤ La riproduzione 

¤ Il funzionamento del vinile 

¤ Il collezionismo 

¤ Le storie di noti appassionati 

¤ Le tecniche e le apparecchiature dei DJ; 

¤ La raccolta dei singoli, degli EP e degli 

album in vinile più venduti al mondo. 


DUE LIBRI SUL VINILE 

Bill Philpot, Paul Messenger, Roy Gandy 

A VIBRATION MEASURING MACHINE 

Rega Book 

312 pagine 

Prezzo: 46,00 euro 

Piano dell’opera: 

The Company: la storia approfondita dell'azienda, dalla 

nascita del suo fondatore Roy Gandy fino ai giorni nostri, 

descrivendo in dettaglio gli eventi chiave e la creazione di 

nuovi prodotti lungo il percorso. 

The Engineering: consiste nella tesi dettagliata di Roy 

Gandy sull'ingegneria dei giradischi 

The People: si concentra sulle figure centrali che 

descrivono i loro racconti personali e il loro impegno nei 

confronti degli ideali della Rega. 

co. Più un’infarinatura per accendere 

la passione del vinile 

che una guida pratica. Non per 

questo meno piacevole anche 

in virtù delle piacevoli storie 

narrate da famosi personaggi 

appassionati del mondo del 

vinile, come Steve Davis, il DJ 

Jazzy Jeff e Gilles Peterson 

(della BBC) che ha acquistato 

una casa per conservare i suoi 

70.000 dischi. 

Più specifico (vita e miracoli di 

Rega) e soprattutto in inglese, 

dunque non ad appannaggio 

di tutti, il secondo, che si apre 

con la storia approfondita 

dell’azienda, dalla nascita del 

suo fondatore Roy Gandy fino 

ai giorni nostri, a cura dell’amico 

Bill Philpot che descrive 

in dettaglio gli eventi chiave e 

la creazione di nuovi prodotti 

lungo il percorso della casa. La 

seconda parte consiste nella 

tesi dettagliata di Roy Gandy 

sull’ingegneria dei giradischi 

mentre la terza si concentra 

sulle figure centrali che descrivono 

con i loro racconti personali, 

il loro impegno nei confronti 

degli ideali della Rega. 

Quality Audio 

I cavi bidirezionali sono una realtà made in Italy! 

Lo schema brevettato dei cavi Quality Audio 

elimina ogni dubbio sulla direzionalità dei conduttori. 

Ne consegue un suono estremamente naturale ed 

emozionante, nel rispetto delle dimensioni reali della 

scena acustica in termini di ampiezza e profondità. 

Un'esperienza straordinaria già al primo ascolto. 

Realizzati artigianalmente presso il nostro laboratorio di 

Vercelli, i cavi Quality Audio possono essere provati 

gratuitamente e senza impegno al vostro domicilio. 

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di Il Tremila 

Quando 

le parole contano 

Patrimonio, eredità, retaggio: il termine inglese 

heritage si può tradurre in ognuno di questi modi 

e tutti mettono in luce un aspetto differente del 

termine che, a questo punto, comprendendoli 

in certa misura tutti diventa un appellativo 

impegnativo e dalle molte attese. 

Ci avranno pensato in 

Klipsch quando utilizzato 

un termine consueto 

e opportuno per alcuni 

prodotti, quelli decisamente 

parte del dna dell’azienda 

americana, lo hanno applicato 

al settore delle cuffie? Perché, 

ulteriore elemento, attribuire 

uno spessore e una storicità ad 

un settore per certi versi neonato 

(ovvio, le cuffie esistono 

da quel di ma è l’avvento della 

musica liquida ad averne rimesso 

in moto le dinamiche!) 

è un atto importante, che addirittura 

può diventare arrogante, 

persino se effettuato 

dall’azienda creata da quello 

che a tutti gli effetti risulta non 

solo uno dei padri fondatori 

del settore ma se esistesse la 

dimensione dello spirito corrispondente, 

uno dei padri... 

dei padri! Poiché si può dire 

quel che si vuole delle attuali 

direzioni intraprese da questo 

glorioso marchio ma non che 

sia diretto da stupidi, comunque 

l’atto di per se nobilita il 

settore, gli certifica uno spessore 

che solo alcuni scettici 

(in particolari molti annidati 

nel nostro paese) sembrano 

rifulgere. 

In altre parole e al netto di 

tutto, la definizione heritage 

applicata ad uno o più prodotti 

certifica come il settore 

dell’ascolto in cuffia abbia raggiunto 

una sua maturità, uno 

spessore e una concretezza 

invidiabili e, più in generale, 

un approccio che tiene conto 

di questi elementi sottolinea 

ulteriormente la dicotomia tra 

quelle aziende che vogliono (o 

debbono?) ricorrere alla loro 

storicità considerandola come 

un argomento forte e quelle 

che pensano il contrario. Chi 

ci segue sa che l’argomento è 

uno di quelli caldi sulle pagine 

di SUONO e, in fin dei conti, 

anche il tema centrale di questo 

numero della rivista, soprattutto 

se il background, la 

storia che si ha dietro le spalle 

e lo spessore che ne compete, 

sono in grado di generare le 

emozioni dell’oggi e, forse, del 

domani... Non è così un caso, 

una volta puntato su questo 

tipo di strategia, che si lasci 

trapelare oggi come una delle 

prime sperimentazioni di Paul 

W. Klipsch (1919) sarebbe stata 

proprio con le cuffie! Notizia 

vera o favoletta che sia, la 

propria storia (e poter annoverare 

in essa un personaggio carismatico 

come Paul Klipsch) 

in questo caso è un “valore”. 

Un valore universalmente dispensabile 

sui prodotti che 

portano questo marchio o no? 


SPECIALE KLIPSCH 

Vlad Grodzinskiy è il responsabile del progetto Heritage per l’ascolto in cuffia 

Sembrerebbe più la seconda, 

a cominciare dal fatto che lo 

stesso ampissimo catalogo di 

diffusori della casa distingue 

tra gli Heritage (quelli cioè 

che hanno una storia consolidata) 

e quelli che non lo sono. 

Si aggiunga poi che, alla luce 

della produzione nel tempo di 

Klipsch nel settore dell’ascolto 

in cuffia, poter definire questo 

o quel progetto heritage risulta 

un po velleitario. Si aggiunga 

ancora che quasi mai, questo 

racconta la storia di settore, 

chi costruisce diffusori è anche 

un buon costruttore di cuffie, 

anche se tutti gli elementi 

concorrerebbero a far pensare 

che sia logico. Per cui un po 

di scetticismo è lecito se non 

giustificato (l’approccio giornalistico 

però non dovrebbe 

tenere conto di questi preconcetti 

se non in minima parte) 

e, soprattutto, probabilmente 

condiviso dagli appassionati 

audiofili che decidano di 

orientarsi verso i prodotti della 

casa americana per completare 

o realizzare il loro sistema per 

l’ascolto in cuffia. 

In una scala di valori realistica 

quando dovrebbero contare 

tali elementi? Sono semplicemente 

degli “all’erta” o il segno 

che un’equazione, al di la degli 

elementi che la compongono 

vale in funzione della maggiore 

o minore fondatezza di tali elementi? 

Prima di avventurarci 

in terreni scivolosi e dove l’opinione 

soggettiva vale la sua 

parte, esaminiamo altri ulteriori 

indizi in merito . La linea 

headphone heritage è l’ultimo 

passo della casa americana la 

cui presenza nel settore è segnata 

da alcuni capisaldi come 

la prima in ear (S4 - 2007) e 

la prima on ear (Image One 

2010). A poca distanza dai 

festeggiamenti per il 70mo 

anniversario del marchio, ora 

Klipsch ha sviluppato una semi 

aperta top di gamma (Heritage 

HP-3), abbinata ad un ampli 

cuffie con DAC a bordo e possibilità 

di operare come pre 

(Hertiage Headphone Amplifier). 

Per farlo ha mobilitato 

uno staff di livello composto 

da Vlad Grodzinskiy (il Senior 

Manager of Product Development 

per le cuffie) Andrew 

Doerr (ingegnere acustico) e 

Tony Martin, il designer del 

gruppo. Uno staff dalla composizione 

equivalente ha operato 

dal Giappone dove è stato 

reperito (presso la Foster Electric) 

il trasduttore utilizzato; 

un modello con la membrana 

realizzata in fibre inorganiche 

e bio-cellulosa e, soprattutto, 

di grandi dimensioni, con un 

aspetto molto simile a quello 

utilizzato da Audioquest per 

la sua NightHawk. La scelta, 

condivisa dalle due aziende, 

è quella di puntare su un trasduttore 

che somiglia agli altoparlanti 

tradizionali (dunque 

realizzati con una membrana 

riigida e una sospensione) elementi 

che consentono maggiori 

escursioni della membrana 

con un comportamento che si 

contrappone a quello dei driver 

più frequentemente utilizzati 

nelle cuffie dove è l’intera 

membrana a flettere vista 

l’assenza di una sospensione 

(o più propriamente parleremmo 

di integrazione) all’interno 

dell’equipaggiamento mobile. 

Naturalmente in questo mod 

se si bypassano i problemi generati 

da una membrana che 

si “torce”, se ne introducono 

quelli tipici degli altoparlanti. 

Ma l’elemento fondamentale, 

almeno nel caso di Klipsch, è 

rappresentato dalle dimensioni 

di questa membrana, decisamente 

maggiori di quelli delle 

cuffie tradizionali. D’altronde 

il credo della casa americana e 

del suo fondatore è facilmente 

riassumibile: ampia gamma 

dinamica, bassa distorsione, 

alta efficienza, risposta in 

frequenza piatta e direttività 

controllata..! In questo certamente 

l’heritage Klipsch (inteso 

tanto come patrimonio che 

retaggio) è più che giustificato 

sia nella cuffia, come abbiamo 

visto, che nell’amplificatore 

dedicato, come vedremo nelle 

pagine che seguono.... 

In generale la convinzione di 

Grodzinskiy è che un sistema 

per l’ascolto in cuffia deve poter 

suonare ogni genere di musica 

in maniera ottima, inclusa 


SELECTOR 

Ebis arum intiber umenem rem lis 

moditaspero idi vitataq uaspelit lacea 

nonectem experup taturest, isciatintq 

uaspelit lacea nonectem experup taturest, 

isciatint 

la condizione, un po destabilizzare 

per “il club degli audiofili”, 

in portatilità e attraverso 

uno smartphone. In questo 

senso il fruitore ipotizzato per 

la linea heritage e bifronte: da 

un lato il giovane abituato ad 

un uso non rituale della musica 

ma che ha più cuffie e amplificatori 

ed è bene in grado di 

valutarne il valore intrinseco; 

dall’altro un consumatore di 

alto livello abituato al lusso 

e sensibile anche agli aspetti 

esteriori (si preoccupa molto 

dei dettagli, del design, della 

bellezza) di un prodotto. Una 

tenaglia insomma che sembra 

voler bypassare la figura tradizionale 

dell’audiofilo attraverso 

l’appartenenza ad una delicata 

terra di mezzo dove tutto 

può essere compromesso alto o 

insoddisfazione selettiva. 

Solo il tempo ci dirà se le scelte 

e le performance dei Klipsch 

Heritage sono in grado di superare 

le umerose idiosincrasie 

che caratterizzano il segmento 

più elevato del mercato. 

E sarebbe un bene… 

I mobili Boltz, in acciaio di alta qualità 

e lavorati nella massa, sono fabbricati 

per accogliere l’insieme della vostra 

musica su CD, DVD, Bluray o Vinile, 

su un mobile semplice, sobrio, 

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evolutivo nel tempo. Ogni mobile 

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www.boltz-furniture.eu 

Made in the USA! 

38 SUONO marzo 2017

SELECTOR SPECIALE KLIPSCH 

a cura della redazione 

CUFFIA 

Klipsch Digital HP-3 

Sconvolgere il segmento 

top di gamma, partendo 

quasi da zero non avendolo 

frequentato, almeno per il 

segmento delle cuffie. Ecco 

il regalo pensato al tempo 

del suo 70° anniversario 

che Klipsch si è concessa: 

ha messo su uno staff, ha 

ricercato i componenti a 

suo dire idonei e ha “sforntato” 

una cuffia originale 

sia nelle scelte tecniche che 

nell’estetica sonora. Si fregia 

del termine “Heritage” 

attingendo all’iconografia 

aziendale ma al di là delle 

furbizie del marketing un 

po’ delle radici dell’idea 

sonora del colonnello sono 

qui ravvisabili! 

In un catalogo di oltre 10 

modelli di cuffie, la HP-3 

tanto nel nome che nella 

sua essenza fa storia a se e non 

solo per il fatto di appartenere a 

una neonata serie heritage che, 

in certa misura, festeggia i 70 

anni di vita dell’azienda ed è il 

frutto di una lunga gestazione 

(l’idea nasce nel 2015). Solo con 

il modello Reference, peraltro 

una cuffia chiusa, Klipsch aveva 

affrontato il segmento che si 

suppone sia dedicato a chi ricerca 

un ascolto in cuffia di qualità 

più che in movimento (anche se, 

vedremo, l’argomento non 

è ininfluente nemmeno 

nel nuovo prodotto), 

sebbene con un 

modello entry 

level. 

La HP-3 è un 

salto verso 

l’alto, verso l’Olimpo delle 

cuffie dove, sebbene la maggior 

parte di queste ultime costi decisamente 

di più, la casa americana 

intende operare con questo 

modello e non di più, ritenendo 

già raggiunto il costo e le qualità 

top di questo segmento, anche 

perché il punto di partenza è 

perlomeno ardito: “Ci dicevano 

che 1.200 euro non era un 

prezzo sufficiente a garantire 

un’attenzione da parte di quel 

segmento definito delle cuffie 

audiofile ma noi non crediamo 

nella determinazione dei 

prezzi dei prodotti a priori per 

strappare i clienti. Abbiamo un 

modello standard, prendiamo il 

costo del prodotto, aggiungiamo 

un margine di profitto per 

pagare le persone che lavorano 

su di esso, e lo vendiamo ai 

clienti per il prezzo più basso 

che possiamo!”. Parola del responsabile 

del progetto Vlad 

Grodzinskiy che, proseguendo, 

diventa ancora più tranchant: 

“Nel segmento sopra i 1.000 

euro buona parte dei prodotti 

sono costruiti in modo peggiore 

di quelli che costano la metà. 

Ma come, spendo 1.000 euro e 

quello che ho in cambio è una 

cuffia di plastica che una volta 

collegata al computer 

probabilmente non 

sarà in grado 

di garantire 

un 


TEST 

CUFFIA KLIPSCH DIGITAL HP-3 

PREZZO: € 1.499,00 

Peso: 440 g 

Distributore: Exhibo S.p.A. 

Via Leonardo da Vinci, 6 - 20854 Vedano al Lambro () 

Tel.039 4984.1 

www.exhibo.it 

Tipo: aperta Trasduttori: dinamici Impedenza (Ohm): 25 Sensibilità 

(dB): 98 Potenza (mW): 1800 Cavo: staccbile con doppio attacco da 

3,5 mm Auricolari: full range KG-520 da 52 mm di diametro Note: Nella 

confezione cavo da 1.37m e 2.5m, adattatore 1/4” e stad per cuffia 

Sono disponibili due 

set di cavi di diversa 

lunghezza pensati 

uno per un 

ascolto in 

movimento e 

l’altro per uso 

domestico, Oltre alla 

lunghezza del segmento 

generale, varia anche quella dei due 

collegamenti diretti ai padiglioni con il giunto 

in alluminio del collegamento a Y che si trova 

molto vicino al collo in un caso e quasi sul petto 

nell’altro. 

giusto livello di emissione per 

un ascolto piacevole?”. 

Così il primo dato da verificare 

riguarda proprio la costruzione 

della HP-3 dove viene utilizzato 

acciaio pressofuso, padiglioni 

in legno massiccio (nelle versioni 

in ebano, noce, o quercia) 

e pelle vera per la copertura 

dell’archetto e per i cuscinetti 

ma anche per la confezione, 

lussuosamente “impacchettata” 

in forma di scatola di legno 

e plexiglass che contiene la cuffia 

con un suo sostegno e due tipi 

di cavo (staccabili), uno dei due 

più lungo ma entrambi con jack 

da 3,5 mm più un adattatore. 

Il jack mono, uno per ogni padiglione, si innesta nella presa solidale all’archetto in modo 

da non sollecitare il padiglione e trasmettere rumori del cavo. È necessario pertanto 

portare i cavi dal connettore all’interno del padiglione attraverso il giunto forato ad 

hoc, ma le implicazioni costruttive di tale scelta hanno un impatto sulla usabilità e 

comodità del prodotto. 

Il tutto risulta molto robusto, 

con meccanismi precisi e che 

sembrano poter durare a lungo 

Questa scelta ricalca l’identificazione 

fatta dall’azienda dell’ipotetico 

fruitore, un consumatore 

comunque di qualità. Piuttosto 

colpisce che in termini di collegamento 

si sia preferito l’uso in 

mobilità a quello in bilanciato, 

pur nelle possibilità tanto della 

cuffia che dell’amplificatore a 

essa abbinata nella medesima 

serie. Un’interpretazione un po’ 

al limite ma che indica le scelte 

seguite dalla casa... 

Assolutamente nel solco della 

tradizione Klipsch (e qui il 

termine Heritage è del tutto 

meritato) il sound della HP-3 

che va annoverata tra le cuffie a 

maggiore efficienza presenti sul 

mercato e garantisce innanzi 

tutto (è l’aspetto più appariscente 

all’ascolto) un punch e una 

velocità notevoli che rendono 

realistica ogni tipo di incisione. 

Il tutto senza rinunciare a una 

apprezzabile correttezza timbrica, 

sebbene la rappresentazione 

sonora sia leggermente 

enfatizzata agli estremi gamma 

(ma questa caratteristica viene 

ben bilanciata nell’utilizzo abbinato 

all’amplificatore della 

stessa serie). Va detto che questa 

lettura rock del contenuto 

musicale è estremamente attraente 

e veritiera (e si accetta 

il fatto che sia, minimamente, 

“sporca”): una volta provata la 

HP-3 tutte le altre cuffie, anche 

le più altolocate, sembrano damerini 

azzimati, educati ma con 

poca anima (e in fondo il soul è 

l’argomento centrale di questo 

numero di SUONO, no?)! 

Semmai le eventuali critiche possono 

essere concentrate sull’ergonomia 

(più che sul comfort) 

della cuffia che tende a “cappottare” 

mentre dal punto di vista 

dell’isolamento da e verso la cuffia 

la soluzione semi aperta scelta 

e il modo in cui è stata perseguita 

risultano ottimali. E così, senza 

impedimenti (da e verso l’esterno) 

si può pompare quanto si 

crede ed è un bell’andare! 



Il trasduttore da 52 

mm ha la membrana 

in biocellulosa con 

la sospensione 

molto cedevole 

e ricorda molto 

da vicino quella 

di un altoparlante 

tradizionale a lunga 

escursione. 

Le lamine sono fissate ai due 

archetti di sostegno dei padiglioni 

piroettanti che consentono la 

rotazione di oltre 90° per riporre 

la cuffia con i padiglioni poggiati 

sullo stesso piano. 

La regolazione dell’altezza 

avviene attraverso le due 

lamine metalliche che 

scorrono nell’archetto, 

abbastanza sottili ma 

robuste ed elastiche che 

contribuiscono alla tenuta 

in posizione della cuffia. 

I pad sono in pelle liscia che non aderisce 

alla testa e tende a far scivolare la cuffia 

anche in seguito a una distribuzione 

delle masse posta verso l’alto in seguito 

all’archetto, anch’esso massiccio e con un 

cuscinetto di appoggio in pelle liscia. 

SCELTE DI LUSSO 

La HP-3 utilizza un driver Foster da 50 

mm con la membrana in bio cellulosa 

impiegato in sistemi prevalentemente 

chiusi. Una configurazione che invece 

ricorda più da vicino è quella scelta da 

Audioquest per la Nighthawk in cui 

l’emissione posteriore dell’altoparlante 

è lasciata abbastanza libera da 

ostruzioni e compressioni. Il guscio è 

realizzato con un elemento unico in legno 

tornito dal pieno su cui sono state 

ricavate le sedi di ancoraggio delle viti 

e la grande apertura posteriore di decompressione. 

L’apertura è comunque 

leggermente occlusa da setti porosi 

tenuti in posizione da una crociera 

in legno e dalla doppia rete esterna 

a maglia larga e a maglia più stretta 

realizzata con fili in PVC. L’altoparlante 

è inserito in un supporto elastico in cui 

sono praticati fori di comunicazione fra 

la camera interna e quella antistante 

all’orecchio, anch’essi parzialmente 

ostruiti con parti di tessuto microporoso. 

Il padiglione è sorretto da un 

archetto in alluminio pieno incernierato 

sul supporto plastico in cui da un 

lato scorrono i cavi di collegamento in 

quanto il jack si innesta sull’archetto 

senza gravare sul padiglione e senza 

trasmettere attraverso il cavo rumori 

di alcun genere. Nonostante un’impostazione 

semiaperta, infatti, la cuffia 

risulta abbastanza isolata e insensibile 

a rumori indotti dall’esterno. 




AMPLIFICATORE PER CUFFIE 

Klipsch Digital Headphone amp 

L’Headphone Amp fa 

parte del “pacchetto” Heritage, 

studiato da Klipsch 

per nobilitare, ricercando 

un effetto iconico trainato 

dalla storia aziendale, i 

prodotti di massimo pregio 

dedicati all’ascolto in 

cuffia della casa americana. 

Operazione complicata 

perché al netto di quella 

“magia” che contraddistingue 

i prodotti simbolo, non 

è facile traslare la fama 

conquistata in un settore 

(i diffusori) in un altro che 

ne è, anche se ciò appare 

strano, soltanto lontano 

parente. Ci è riuscita la 

casa del Colonnello? 

Definirlo “amplificatore dedicato” 

proprio no, basterebbe 

la presenza del selettore 

che stabilisce il livello dell’impedenza 

(nella posizione Hi si 

ottiene un guadagno di 10 db 

del tutto inutile con una cuffia 

come la HP-3 dalle caratteristiche 

elettriche estremamente 

marcate). “Pensato per” o, meglio, 

“pensato con” sarebbe più 

giusto perché è indubbio che 

nel momento in cui si è deciso 

di affrontare il segmento alto 

della riproduzione in cuffia 

(2015) i due prodotti, ampli e 

cuffia, sono risultati perlomeno 

sinergici. Ovviamente, quindi, 

l’Headphone amp è in grado di 

interfacciarsi con la maggior 

parte delle cuffie in commercio 

e il trait d’union o addirittura 

l’elemento più caratterizzante 

della serie Heritage. Il vero 

rappresentante di questa sorta 

di modernariato in realtà è proprio 

lui: design, impiallacciatura 

in noce per il top e la base, tutti 

gli interruttori, le manopole e i 

comandi in alluminio 

pesante e anodizzato... 

Tutto per un effetto nostalgia 

che però inevitabilmente cozza 

con gli effetti della modernità. 

Così la macchina (che è un 

ampli cuffia, un DAC e può funzionare 

da pre Hi-Fi) annovera 

sul frontale la presenza di una 

serie di led che segnalano la 

frequenza di campionamento 

e tramite differenti colori, se si 

sta riproducendo un file PCM (in 

bianco) o DSD (in blu). Generalmente 

si sa quasi sempre quale 

file si vuole riprodurre e quasi 

mai cosa effettivamente accade 

nei vari passaggi ed eventuali 

ricampionamenti digitali! due 

i possibili collegamenti per la 

cuffia: un 4-pin XLR bilanciato 

e un tradizionale jack da 6.3 

mm Single Ended. Un selettore 

infine seleziona l’ingresso “Line” 

mentre l’amplificatore silenzia 

l’uscita cuffie e abilita l’uscita linea 

sul retro dell’amplificatore. 

Scorrendo inoltre l’interruttore 

sul retro dell’unità (da “Fixed” a 

“Va- 

riable”) si 

ottiene 

il controllo del guadagno 

attraverso la manopola del volume 

sulla parte anteriore. 

Alcune di queste soluzioni che 

tentano di evocare approcci full 

analog ottengono l’effetto di 

abbassare di fatto il valore percepito 

più del valore reale. È il 

caso dello chassis in alluminio 

spazzolato che ha un aspetto 

molto cheap, mal lavorato e con 

una superficie molto riflettente 

ma con segni importanti della 

spazzolatura: costoso e al tempo 

stesso di poco impatto estetico. 

Le levette di selezione, troppo 

lunghe e con troppa corsa quando 

poi la commutazione avviene 

tramite relè azionati da una unità 

logica, attivata dalle levette 

stesse. Solo la regolazione del 

livello del volume avviene in 

modo analogico tramite un potenziometro 

del volume azionato 

“a mano”: la sensazione della 

regolazione del livello è molto 

piacevole e restituisce quel rassicurante 

movimento preciso 

e leggermente frizionato di un 

tempo. Per tutte le altre regolazioni 

e commutazioni, è avvertibile 

in modo 

evidente una 

certa latenza fra 

l’azionamento e 

l’attivazione, sia 

per la scelta degli 

ingressi che 

per la scelta 

dell’uscita linea 


AMPLIFICATORE PER CUFFIE 

KLIPSCH DIGITAL HEADPHONE AMP 

PREZZO: € 590,00 

Dimensioni: 20 x 5,8 x 14,5 cm (lxaxp) 

Peso: 0,77 Kg 

Distributore: Exhibo S.p.A. 

Via Leonardo da Vinci, 6 - 20854 Vedano al Lambro () 

Tel.039 4984.1 

www.exhibo.it 

Tipo: classe AB Potenza (W/Ohm): 0,5 su 16 Risp. in freq. (Hz): 20 

- 40.000, +0 / -0.1 dB THD (%): < 0.009 Ingressi: USB Type B, ottica, coassiale, 

RCA analogico Uscite: bilaciata e sbilanciata Impedenza cuffie: 

16, 32, 150, 300, 600; S/N (dB): 118 Note: convertitore D/A a bordo fino a 

192/24 e DSD 11,2M. Alimentatore separato. 

o per l’interfacciamento con 

l’impedenza alta o bassa della 

cuffia. In pratica, spostata la 

levetta, la commutazione avviene 

dopo un tempo lungo e con 

il click del relè. L’apparecchio 

non è dotato di telecomando o 

di altro sistema di controllo remoto 

anche se, ad eccezione del 

controllo del volume che non 

è di tipo motorizzato, tutte le 

funzioni di selezione sarebbero 

potute essere “telecomandabili”. 

Persino i due pannellini di chiusura 

in questo senso mostrano 

una filosofia “curiosa” in quanto 

si tratta di lastre in MDF molto 

sottili con tutte le superfici impiallacciate 

in legno: soluzione 

costosa, delicata e soggetta a 

mutazioni nel tempo, magari 

più stabile di un “massello” ma 

meno “concreta”. 

Per quanto riguarda invece le 

scelte nell’architettura circuitale 

colpisce il fatto che l’alimentazione 

esterna sia a 5VoltDC anche 

se all’interno troviamo un 

circuito DC-DC converter che 

dovrebbe innalzare la tensione 

a +/-15V. I risultati sono molto 

validi sia in termini di pulizia 

che di livello di uscita anche se le 

complicazioni conseguenti a tale 

scelta e anche un certo innalzamento 

dei costi fanno pensare 

che i requisiti di progetto fossero 

“altri” oppure che i progettisti 

siano partiti da un abbozzo sul 

quale hanno poi implementato 

quel che man mano veniva richiesto. 

Il livello di uscita molto 

alto consente comunque abbinamenti 

anche con cuffie poco sensibili 

e ad alta impedenza. Con il 

selettore posto nella posizione 

a basso guadagno comunque il 

livello di uscita rimane alto ma 

i risultati migliori si ottengono 

con la posizione ad alta uscita 

che restituisce un suono con 

più piglio e ritmo anche se in 

certi casi e certi abbinamenti la 

gamma media è più fluida nella 

soluzione a bassa uscita a condizione 

che la regolazione del 

volume non sia in prossimità 

del massimo. Gli abbinamenti, 

anche con cuffie molto differenti 

fra loro, hanno evidenziato una 

gran flessibilità dell’apparecchio 

che non mostra idiosincrasie e 

criticità, anzi: ad eccezione della 

lieve variazione timbrica in funzione 

della scelta del guadagno, 

non sembra risentire di variazioni 

importanti dell’impedenza 

di carico. L’abbinamento con la 

HP-3 mostra addirittura una sovrabbondanza 

di energia. 

Dal punto di vista sonoro va segnalata 

la particolare fisionomia 

dell’apparecchio che sembra enfatizzare, 

con tinte calde, la porzione 

centrale delle frequenze 

pur mantenendo la porzione più 

alta a fuoco e corposa ma non in 

primissimo piano mentre verso 

il basso si mantiene un’ottima 

articolazione ma non ci si spinge 

fino all’estremo gamma. In 

questo senso l’impronta sonora 

è speculare a quella della cuffia 

HP-3 saldandone l’abbinamento 

da un punto di vista elettivo. Le 

prestazioni del DAC sono adeguate 

alle scelte circuitali intraprese 

e forse anche qualcosa di 

più: utilizzando l’apparecchio 

in questo senso siete sicuri di 

TEST 

portare a casa una performance 

particolarmente soddisfacente. 

Buone anche le prestazioni 

dell’apparecchio utilizzato come 

pre: l’opzione dell’uscita preamplificata 

lascerebbe presupporre 

un eccellente abbinamento con 

diffusori amplificati che, però, 

con l’assenza di un telecomando 

potrebbero risentire in termini 

di usabilità. 

Nel complesso la valutazione 

dell’apparecchio deve tenere 

conto di due elementi decisivi. Il 

primo è l’eventuale abbinamento 

con la cuffia della stessa linea che 

crea un sistema particolarmente 

performante in relazione al costo 

complessivo dove le eventuali remore 

nell’abbinare una cuffia “di 

una classe in più” sono completamente 

annullate dalla prova dei 

fatti. L’altro è l’esame della classe 

di prezzo di appartenenza dove ci 

sono prodotti che probabilmente 

svolgono singolarmente ciascuna 

delle funzioni dell’Headphone 

amp in modo migliore ma se si 

esclude questo approccio selettivo 

e se parte o tutte le funzioni 

offerte (ampli cuffie, DAC, pre) 

sono utili e prevedibilmente utilizzabili, 

l’apparecchio si pone 

come una delle migliori scelte in 

merito, sia per le evidenze al banco 

di misura (ottimo il rapporto 

segnale rumore) che in termini 

di versatilità e qualità sonore... 

I connettori di ingresso 

digitali sono saldati sul 

circuito e posti nelle aperture 

sul pannello posteriore 

mentre i connettori RCA per 

l’ingresso linea e l’uscita pre 

sono fissati direttamente sul 

pannello con i cavi di segnale 

saldati al PCB. L’uscita è 

selezionabile fra fissa e 

variabile. L’alimentazione è 

a 5VDC da 4A. 



Il DAC è un ESS SABRE 

ES9018K2M appartenente 

alla classe Reference 

pensato per applicazioni 

di livello auiophile in 

dispositivi portatili e a 

basso consumo. Supporta 

formati PCM a 384kHz a 

32 bit e DSD a 11,2 MHz. 

La sezione di alimentazione 

adotta sistemi di 

stabilizzazione e di 

separazione dalla rete 

tramite circuiti integrati 

di conversione DC-DC 

con benefici sia sulla 

riduzione del rumore 

indotto dall’esterno 

che sulla stabilità della 

tensione a prescindere da 

quella in ingresso da 12VDC. 

I due amplificatori integrati Texas 

TPA6120A2, indipendenti per 

l’uscita SE e quella bilanciata, sono 

implementati su un PCB indipendente con 

una piazzola maggiorata per lo smaltimento 

del calore e sono alimentati a tensione duale per 

consentire l’uscita a 6Vrms anche su carichi bassi. 

CUORE MODERNO 

Le dimensioni piuttosto contenute 

dell’apparecchio hanno reso necessaria 

un compattazione molto spinta 

dei circuiti e dello chassis. Tuttavia, il 

corpo portante è costituito da un profilo 

estruso in allumino a sezione rettangolare 

con i supporti integrati sul quale 

sono state realizzate le aperture delle 

connessioni sul retro e dei comandi sul 

frontale. I PCB interno sono fissati ai 

supporti laterali e in un certo sospesi 

e collegati a loro volta ai connettori da 

pannello o ai connettori da stampato 

collegati a loro volta su piccoli PCB di 

scambio. La parte superiore e quella 

inferiore sono chiuse da due pannelli 

in MDF molto sottile impiallacciato in 

legno su tutte le facce. 

Sul PCB principale è presente la sezione 

più delicata del sistema, quella di 

alimentazione, cui fa capo un convertitore 

DC-DC TPS6 5131 della Texas che 

fornisce una tensione di uscita duale 

regolabile fino a +/-15VDC a partire 

da una tensione singola che parte da 

un minimo di 2.7 VDC a 5.5 VDC. In 

questo modo è stato possibile usare 

un alimentatore standard a +5VDC e 

isolare completamente il sistema dalla 

rete con un convertitore DC-DC e una 

batteria di condensatori in una sorta di 

pila virtuale a monte dell’apparecchio. 

Il ricevitore degli ingressi digitali è un 

PCM9211 con il DAC ESS ES9018K2M 

mentre l’USB è affidata ad un Xmos. 


SELECTOR 

di Nico Candelli 

L’accoppiata totale 

Ci sono amori a prima vista e passioni che maturano più lentamente (e spesso sono le più durature) 

ma comunque in Hi-Fi solo con l’uso si apprezzano le straordinarie capacità delle fuoriserie che a 

volte ci capitano tra le mani. 

Distributore: MPI ELECTRONIC SRLVia De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI) - Tel. 02 9361101 - Fax 02 93562 

Negli anni Ottanta la 

Celestion presentò un 

diffusore mid size dalle 

indubbie qualità: si trattava 

del modello SL 6 (quello con il 

tweeter in rame); successivamente 

si aggiunse il più performante 

Celestion 600 del quale, 

nella ultima versione “Si”, posseggo 

ancora una coppia, usata 

di rado ma ancora in grado di 

darmi molte soddisfazioni, soprattutto 

nella zona media, con 

sonorità vicine a un pannello 

elettrostatico. Eppure all’epoca, 

nei negozi in cui questi 

diffusori erano disponibili, in 

virtù di una bassa efficienza, 

un suono tendente leggermente 

allo scuro, in commutazione 

con altri diffusori anche 

di qualità più modesta ma 

dal suono più brillante dove 

la scena sonora era proiettata 

più in avanti, quei diffusori 

venivano snobbati dai molti 

ascoltatori presenti. Una volta 

a casa, però, i diffusori si prendevano 

la loro rivincita: dopo 

aver assimilato le loro doti 

di grande musicalità, messi 

a confronto con diffusori dal 

costo simile e anche superiore 

vincevano su tutto, in pulizia, 

in micro e macro contrasto e 

soprattutto in magia di ascolto! 

Quell’esperienza mi ha fatto 

venire in mente il DirectStream 

DAC, il convertitore della 

PS Audio che, con modalità 

diverse, in negozio si comporta 

quasi allo stesso modo dei 

Celestion. Un livello di uscita 

basso (6 db meno della media) 

e un suono straordinariamente 

naturale, privo di fuochi di 

artificio, in un confronto poco 

attento e veloce possono segnare 

il passo rispetto ad altri 

ottimi convertitori ma dal suono, 

diciamo, più “ digitale “. 

Una volta a casa, però, dopo 

un breve periodo di rodaggio 

si crea un feeling particolare 

con l’ascoltatore e man mano 

che si va avanti negli ascolti 

si scoprono sonorità di una 

tessitura straordinaria, una 

grande ricchezza di informazioni, 

una precisione timbrica 

sicuramente ai livelli massimi, 

soprattutto con l’apparecchio 

dotato dell’ultimo firmware 

disponibile “Red Cloud” (per 

questo un grazie a Ted Smith 

che a ogni aggiornamento regala 

apprezzabili miglioramenti...). 

Normalmente utilizzo il DirectStream 

DAC sia con un 

lettore Teac VRDS che con un 

Marantz 94 mk2 (di cui ovviamente 

utilizzo solo la meccanica) 

oltre che con un computer 

ASUS con Jriver 24 per l’ascolto 

della musica liquida. Con 

questa “formazione” il suono 

prende nuova vita. Perfetta la 

collocazione degli strumenti 

posizionati in un palcoscenico 

virtuale ampio e ben delineato, 

la parte bassa riproposta 

in modo superbo, intellegibile 

con una grande capacità di 

dare colore, presenza, precisione 

e soprattutto grande pulizia 

per tutti quegli strumenti che 

orbitano in quell’area portando 

il suono a livelli decisamente al 

top. Le voci, poi, sia maschili 

che femminili, sono eccellenti, 

mai una brillantezza di troppo, 


ESPERIENZE SUL CAMPO: PS AUDIO DIRECSTREAM MEMORY PLAYER E DAC 

Meccanica PS Audio DirectStream Memory Player 

Prezzo: € 9.000,00 


Peso: 12 Kg 

www.mpielectronic.com 

Tipo: doppio laser per lettura CD, DVD e SACD con supporto a: AVCHD, 

HRx, SACD, CD, CD-R/RW, DVD±R/RW, DVD±R DL Caricamento: frontale 

con vassoio Uscite: AES/EBU, 3 x coax, 3 x IIS Note:supporto a formati 

FLAC, APE, WMA, MP3, M4A, AAC, DTS, AC3, WAV, DSF, MKA, PCM, OGG 

contenuti nel disco ottico o nella memoria di massa collegabile alla presa 

USB frontale. 

(Provato su SUONO: N.519 del 09/2017) 

il tutto virato verso un timbro 

molto naturale con una grande 

ricostruzione olografica. Tutti 

gli strumenti, poi, godono 

di un buio da primato, segno 

che il rumore digitale è stato 

portato a livelli molto bassi. 

Questo fa si che, se durante 

l’esecuzione c’è una breve 

pausa tra una nota e l’altra, si 

ha la sensazione che manchi 

il collegamento tra diffusori e 

amplificatore. Ma il bello viene 

durante i pianissimi, dove 

tante piccole informazioni di 

ambienza vengono fuori e vanno 

a ricollocarsi nel posto giusto 

del palcoscenico virtuale, 

donando un effetto presenza, 

ampiezza, profondità e collocazione 

degli strumenti da primato. 

Con il CD Fonè Icon Of 

Music, ad esempio, tra il primo 

e il secondo brano c’è una 

pausa di 5 o 6 secondi dove i 

musicisti riposizionano i loro 

strumenti creando inevitabili 

rumori. Un convertitore tradizionale 

questi passaggi li fa 

comunque sentire e, anzi, direi 

che li evidenzia in maniera 

marcata; il DirectStream DAC, 

invece, grazie alle sue notevoli 

doti di estrarre tante micro 

informazioni e riverberi, fa 

si che questi “rumori” siano 

perfettamente ricollocati nel 

palcoscenico in modo da sembrare 

più reali, più palpabili e 

soprattutto più convincenti. 

Molti affermano che questo 

convertitore si discosta dal 

suono digitale, risultando più 

simile al suono analogico. Di 

certo la sua natura è più vicina 

al suono analogico ma direi che 

ha una forte personalità fatta 

di grande sonorità e una naturalezza 

al top. 

Sempre alla ricerca di miglioramenti 

sono riuscito a mettere 

le mani sull’ultimo lettore 

Ps Audio, il Memory Player, 

sebbene i risultati raggiunti 

dal DirectStream DAC in accoppiata 

con le mie fonti di 

lettura erano tali e tanti (e il 

suono mi appagava a pieno) 

che il mio interesse verso questo 

lettore era più una curiosità 

che un’esigenza. Questo, 

almeno, quanto la logica lasciava 

supporre ma, come si 

sa, in Hi-Fi mai dare qualcosa 

per scontato! Non appena 

collocato il Memory Player nel 

mio sistema e ascoltato il primo 

CD che mi è capitato tra le 

mani, ecco una doccia fredda 

per me e il mio set-up e la nascita 

dei tipici dubbi: forse il 

nuovo collegamento più performante 

“I2S” mette in vantaggio 

il Memory rispetto al 

collegamento SPDF utilizzato 

per i miei apparecchi? Per correttezza 

di confronto ricollego 

l’apparecchio via “SPDF” e 

riprovo. Nulla da fare: le mie 

fonti sono sottotono, il confronto 

non regge. Non mi pare 

possibile invece un confronto 

diretto con il suono del computer 

perché lo stesso è collegato 

al DAC attraverso la presa USB. 

Nel computer però ho diversi 

file FLAC ad alta risoluzione e, 

per farne un confronto, potrei 

Il collegamento elettivo I2S si è dimostrato estremamente performante sia nel test (SUONO 519 - settembre 2017) che nell prova sul campo... 


SELECTOR 

Su SUONO n.519 (settembre 2017) il confronto tra DirectStream e DirectStream Junior, una soluzione quest’ultima che preserva gran parte della “magia” del sistema 

farne una copia su un CD in 

modo da far leggere gli stessi 

dati anche dal Memory (legge 

anche i dati!) sebbene, a causa 

della bassa capienza del supporto, 

sarei probabilmente costretto 

a comprimerli… 

Convertitore PS Audio DirectStream 

Prezzo: € 8.500,00 


Peso: 13,5 Kg 

Provo allora a trasferirli, in relazione 

alla grandezza del file, 

su un DVD o su un Blu-Ray e 

vediamo cosa ne viene fuori. 

Il Memory Player accetta tutti 

questi supporti e, soprattutto, 

in un confronto alla pari 

Sistema di conversione: DSD Sovracampionamento: 10xDSD - 

20xDSD (new firmware) Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 +/- 0.25dB THD 

(%): 0.03 Ingressi digitali: XLR, RCA, TosLink, USB asincrono 24/192 e DSD 

DoP, due I2S Uscite analogiche: 2 RCA (low 1.41V/100 Ohm e high 2.81/100 

Ohm) 2 XLR (low 3.15V/200 Ohm e high 5.3V/200 Ohm) Note: Display touch 

screen. Telecomando. Modulo di rete Bridge II opzionale 1.500 euro installabile 

nello slot. 

(Provato su SUONO: N.519 del 09/2017) 

tra i dati trasmessi al convertitore 

dal computer e gli stessi 

trasmessi dal Memory Player 

via DVD, Blu-Ray o anche CD 

stessi ( se la capienza lo permette 

) non c’è storia: il lettore 

suona di tutto e di più a livello 

fantastico! E ho l’impressione 

che una perfetta sinergia con il 

DirectStream DAC porti le due 

macchine davvero ai massimi 

livelli oggi disponibili. Così, 

come sempre accade quando 

la qualità di riproduzione è superlativa, 

continuo la mia carrellata 

di ascolti inserendo nel 

Memory alcuni Blu-Ray audio 

della L2 e NAXOS. Risultato 

eccezionale. Ho inserito anche 

alcuni Blu-Ray video e il 

risultato sonoro è altrettanto 

magnifico. 

E i SACD? Manco a parlarne. 

E per concludere riproduce 

perfettamente anche file 

compressi e non, inseriti in 

una pen-drive. Ma quello che 

più mi colpisce è la riproduzione 

dei CD: il livello qualitativo 

con cui vengono riprodotti 

è tale che stento a distinguerli 

da quelli ad alta risoluzione 

e questa è una cosa fantastica, 

anche perché se la lettura 

dei supporti ad alta risoluzione 

è un importante a tout, è il CD 

che fa la parte del leone perché 

nel panorama digitale è 

questo il supporto preponderante, 

con una disponibilità di 

musica praticamente illimitata. 

È quindi bello sapere che 

il Memory riesca a ottenere il 

massimo dai CD garantendo 

un livello qualitativo confrontabile 

direttamente con i più 

performanti Hi-Res, assolutamente 

limitati nella scelta. 

Riscoprire nuove frontiere di 

ascolto di tutta la discografia 

CD, SACD, Blu-Ray e Hi-Res 

in mio possesso è stata davvero 

una meravigliosa esperienza. 

Certo il prezzo dell’accoppiata 

meccanica + DAC della 

casa americana non è proprio 

economico ma queste macchine 

rivaleggiano con i migliori 

due telai presenti sul mercato, 

anche con quelli molto più 

costosi, con il plus impagabile 

del costante aggiornamento 

“gratuito” delle due macchine 

e, non ultima, la possibilità di 

riprodurre praticamente tutti i 

supporti oggi disponibili. 

Se poi la spesa è davvero troppo 

onerosa, è possibile e interessante 

risparmiare sensibilmente 

un po’ di denaro acquistando 

il DirectStream Junior, 

che utilizza la stessa tecnologia 

e gli stessi aggiornamenti 

di firmware ed è in parte sovrapponibile 

dal punto di vista 

sonico al fratello maggiore. 


SELECTOR 

di Carlo D’Ottavi 

FONORILEVATORE 

Soundsmith Strain Gauge e SG 210 

Un artigiano, un artigiano 

“puro” come pochi 

ne sono rimasti ma anche 

qualcuno con una “meravigliosa 

idea per la testa”. 

Così Peter Ledermann dal 

suo piccolo è riuscito a offrire 

un punto di vista inedito 

nella lettura analogica, 

settore che si presta alle 

performance anche delle 

piccole realtà, se passione, 

genialità e un pizzico 

di follia le pervade. Non 

per tutti, anzi per pochi 

ma ecco il primo prodotto 

che ha fatto strike assoluto 

sulle pagine di SUONO! 

Uno dei due costruttori di 

fonorivelatori americani, 

curiosamente Soundsmith 

ha sede a New York come 

il suo omologo (Grado) e la medesima 

dimensione di carattere 

artigianale, legata all’estro del 

suo creatore Peter Ledermann. 

Inizialmente, alla fine degli anni 

Sessanta, si tratta di un’officina 

audio che progetta e sviluppa 

dispositivi elettronici conto terzi; 

la decennale collaborazione 

con IBM porta Ledermann ad 

acquisire specifiche conoscenze 

nel campo dei semiconduttori. 

Poi, a partire dal 1991, Ledermann 

si dedica totalmente 

alla Soundsmith, producendo 

soprattutto fonorilevatori, un 

campo nel quale si dimostra particolarmente 

abile e originale per 

le scelte tecnologiche intraprese. 

Il grosso della sua produzione 

si basa su modelli ferro mobili 

i quali, avendo sia le 

bobine elettriche che i 

magneti 

fissi, sfrutta il movimento del 

cantilever metallico all’interno 

del campo elettromagnetico per 

modulare l’intensità della tensione 

elettrica. Uno dei vantaggi 

di questa soluzione è proprio 

l’equipaggio mobile, costituito 

solo da stilo e cantilever e quindi 

molto leggero, che favorisce una 

elevata tracciabilità, prontezza 

di risposta e smorzamento. Dal 

2000, inoltre, Ledermann ha cominciato 

a sviluppare un nuovo 

sistema di lettura analogica basata 

sulla tecnologia degli estensimetri 

chiamati Strain Gauge. 

Un fonorivelatore di questo 

tipo non genera corrente ma è 

un resistore variabile. Meccanicamente 

lo stilo è collegato a 

due cristalli in silicio; a causa del 

movimento dello stilo nel solco 

del disco uno dei due elementi è 

compresso e l’altro subisce un’estensione. 

Di fatto il sistema si 

comporta come una resistenza 

elettrica variabile a seconda di 

quanto si allungano e si accorciano 

i due elementi in silicio. 

Se facciamo attraversare questa 

resistenza da una determinata 

corrente, fornita da uno specifico 

pre-phono, questa verrà 

modulata in funzione delle sollecitazioni 

meccaniche, dovute al 

movimento dello stilo, alle quali 

è sottoposto l’estensimetro. Di 

fatto il sistema SG è sensibile 

all’ampiezza del segnale registrato 

e non alla velocità con 

cui il segnale viene inciso. Così 

se i tradizionali sistemi di lettura, 

siano MM, MC o FM, sono 

sensibili alla velocità e quindi 

necessitano di un pre-phono 

che comprenda una curva RIAA 

inversa che compensi quella seguita 

per incidere il disco, il prephono 

Soundsmith abbinabile a 

questo tipo di fonorilevatore non 

ha bisogno di questo circuito! 

Nella realtà la curva RIAA prevede 

per le frequen- z e 

medie, dai 500 

a i 

Prezzo: € 11.995,00 

Distributore: Audio Reference S.r.l. 

Via Giuseppe Abamonti, 4 - 20129 Milano (MI) 

Tel.02.29.404.989 - Fax 02.29.404.311 

www.audioreference.it 

FONORILEVATORE SOUNDSMITH STRAIN GAUGE E SG 210 

Tensione di uscita (mV): fissa 0,775, variabile fino a 3,6 Forza di 

appoggio (g): 2,3 Stilo: Conical Elliptical Shibata Contact Line O.C. / 

cantilever in rubino Impedenza di carico (Ohm): 600 Note: sistema 

costituito da fonorilevatore Strain Gauge e pre-phono SG-210 con 

uscite linea fissa e variabile. Stilo sostituibile anche con altri modelli 


TEST 

2100 Hz, e per quelle inferiori 

ai 50 Hz, una zona ad ampiezza 

costante. I primi tentativi fatti 

da Soundsmith per superare 

questo problema richiedevano 

complessi circuiti di compensazione 

ma l’aggiunta di 

circuiti al percorso del segnale 

non è l’ideale. Per Soundsmith 

l’udito umano è molto più tollerante 

verso gli errori di lettura 

in ampiezza rispetto agli errori 

temporali, quindi l’intervento 

di correzione delle imprecisioni 

sopra accennate è stato minimizzato 

senza alcun circuito 

aggiuntivo lungo il percorso del 

segnale (anche se il costruttore 

non ci dice come...). In sostanza 

un sistema di lettura analogica 

Strain Gauge prevede un fonorilevatore 

con equipaggio mobile 

di minime dimensioni e massa, 

dunque con gli stessi vantaggi 

dei modelli ferro mobile, abbinato 

a un circuito di preamplificazione 

phono della massima 

semplicità comprendente due 

generatori di tensione separati 

per fornire il segnale necessario 

all’estensimetro e un circuito 

di rilevamento e correzione del 

segnale. Il segnale in uscita può 

essere collegato a un ingresso 

linea di un amplificatore. Se si 

usa un pre phono SG 210, come 

nel nostro caso, si può scegliere 

tra l’uscita fissa e quella variabile 

utile nel caso di collegamento 

diretto a un amplificatore di potenza. 

Da segnalare che Strain 

Gauge è realizzato in modo tale 

da rendere sostituibile lo stilo. 

Sono disponibili ben cinque sistemi 

stilo/cantilever diversi che 

si possono montare sullo stesso 

fonorilevatore. Quello montato 

di serie è del tipo Nude Contact 

Line montato su cantilever in rubino; 

il più costoso SGS-6 ha un 

profilo diverso chiamato Nude 

Optimized Contour Contact Line 

e ci sono anche quelli per i 78 

giri e a profilo conico per registrazioni 

monofoniche vintage. 

Il montaggio e il set-up del fonorilevatore 

nello shell è del 

tutto simile ma presenta alcune 

difficoltà. L’attenzione deve 

essere massima considerato 

il fatto che non viene fornito 

nessun elemento di protezione 

dello stilo. Lo stilo può essere 

preventivamente smontato dal 

corpo del fonorilevatore tramite 

una micro vite posta tra i puntali 

di collegamento del segnale. Nei 

primi modelli il supporto dello 

stilo era tenuto solidale magneticamente 

al corpo, in seguito si 

è aggiunta una vite per meglio 

tenere assieme le due parti stilocorpo. 

Lo stilo, molto piccolo e 

sottile, è piazzato in posizione 

molto arretrata rispetto al corpo 

del fonorilevatore. Questo 

comporta una sua scarsa visibilità 

e notevoli difficoltà ad 

allinearlo nella griglia di una 

dima. La forma squadrata dell’SG 

in compenso aiuta a trovare 

il suo giusto allineamento. Due 

micro file verticali di led, poste 

sul frontale del corpo metallico 

della SG, aiutano a controllare 

la perfetta verticalità del sistema 

montato, angolo di azimuth 

a 90°. Una volta effettuate tutte 

le connessioni, per ultima quella 

dei due trasformatori alla presa 

di rete a muro, si accenderanno 

i due led, uno verde e uno rosso, 

che segnalano il corretto funzionamento 

dell’SG-210. Alzata la 

levetta di sinistra si accendono i 

led blu del fonorilevatore e quello 

arancio asservito al mute. La 

funzione di silenziamento Mute 

può essere abilitata o meno tramite 

lo switch posto a destra del 

controllo di volume. In posizione 

On funziona automaticamente 

e solamente quando si pone lo 

stilo sul disco si disattiva dopo 

mezzo secondo e il led passa da 

arancio a blu per attivarsi nuovamente 

quando si alza lo stilo. 

Switchando il selettore di muting 

su Off rimane in funzione un 

altro tipo di mute che potremmo 

definire di sicurezza; entra 

in funzione quando il segnale 

viene a mancare per qualche 

problema, tipo falsi contatti tra 

fonorilevatore e/o cavo phono, 

per esempio. 

Come detto l’SG-210 ha due 

uscite RCA: una fissa e l’altra 

variabile. All’ascolto si nota 

come quella fissa, bypassando 

il controllo di volume, fornisca 

un suono più trasparente, con 

un’immagine meglio definita e 

dovizia di particolari ancora più 

accentuata. Nel caso “peggiore”, 

cioè utilizzando il volume dell’SG-210, 

si registra un leggero 

appannamento, ma le differenze 

sono davvero minime perché la 

qualità della riproduzione è davvero 

altissima. Piuttosto l’utilizzo 

dell’uscita variabile può essere 

utile con quei pre che hanno 

una bassa sensibilità 

d’ingresso e che possono gradire 

un segnale più elevato dal 

pre-phono. Insomma ci si può 

divertire con tutte le variabili 

d’uso di questo sistema! 

Una delle prime cose che colpisce 

del sistema è la sua silenziosità: 

senz’altro l’SG di Soundsmith è 

uno dei sistemi più silenziosi che 

ci sia mai capitato di ascoltare. 

Nessun ronzio, nessun rumore 

di circuito, e il sistema di muting 

che taglia completamente il 

segnale quando la cartuccia non 

sta suonando funziona perfettamente. 

Ovvio che questo non 

significa che questa silenziosità 

elimini gli scricchioli e i rumori 

dovuti a graffi o sporcizia nei 

solchi ma il livello così basso 

ottenibile in assenza di segnale 

non fa che aumentare la sensazione 

di dinamica e nettezza dei 

suoni registrati. In altre parole, 

trasparenza, immagine tridimensionale, 

risoluzione sono 

rese tutte al meglio. Non è caldo 

e non “romanticizza” nessuna 

parte degli alti o dei medio alti. 

Tutte le informazioni musicali 

dal disco fluiscono senza produrre 

enfatizzazioni nelle ottave 

superiori tipiche di molte bobine 

mobili che cercano di essere 

ultra estese. 


SELECTOR 

Il corpo della testina è ricavato da un blocco 

unico di alluminio fresato e lavorato in cui 

sono state ricavate le sedi dei componenti e 

gli innesti per la sostituzione dello stilo. I led 

indicano la presenza dell’alimentazione. La 

massa complessiva oltrepassa di poco i 10g. 

Gli Strain Gauge, alla base del 

funzionamento del trasduttore, 

sono installati su due supporti 

immediatamente sopra il cantilever e 

coperti con un coperchio in alluminio 

molto spesso. 

FUORI DAL CORO 

Fonorilevatori e amplificatori 

fono in genere vengono pensati 

e progettati quasi mai uno in funzione 

dell’altro, anzi! In passato 

son stati definiti dei parametri 

standard di riferimento per l’interfacciamento 

elettrico degli 

apparecchi e poi, i prodotti si costruivano 

cercando di rispettare 

tali standard. 

Invece, è evidente che tali standard 

non sono sufficienti ed è 

per questo, che “empiricamente” 

si testano sul campo gli interfacciamenti 

migliori. Eppure, un 

sistema “all in one viene” sempre 

visto con diffidenza. In questo 

caso, si tratta di un sistema che 

non si basa su alcuno standard 

se non quello del livello di uscita 

che, stranamente è stato fissato 

dal costruttore a 0,775 Volt, effettivamente 

un po’ basso rispetto 

alla norma. Il cuore del sistema 

quindi non è tanto la testina 

quanto l’apparato elettronico 

che invia e preleva la tensione 

di riferimento. 

La realizzazione appare estremamente 

artigianale con componenti 

che sembrano far parte 

di altre apparecchiature e utilizzati 

come infrastruttura. Alcune 

sezioni del circuito sono molto 

curate con componenti scelti e 

isolamenti in mumetal ma altre, 

come ad esempio la sezione di 

preampllificazione variabile, appaiono 

estremamente minimali 

e posticce. 

Inoltre l’aria, la vita e l’eccitazione 

musicale sono davvero eccezionali 

in tutta la gamma media e 

alta. Se nella riproduzione sonora 

hai sempre desiderato le ottave 

superiori lisce e la vita e l’energia 

dinamica, il sistema Soundsmith 

rappresenta davvero un punto di 

arrivo. Ottimo con qualsiasi genere 

musicale, l’impressione è 

che dia il meglio nel riprodurre 

strumenti acustici naturali come 

i legni, gli archi, gli ottoni e le voci 

femminile e maschile arrivano 

con un realismo eccezionale. 

Questo fa anche la differenza con 

gli strumenti “difficili”. Lo stesso 

clavicembalo, che spesso tende a 

indurirsi nei sistemi più radiografanti, 

in questo caso risulta 

molto musicale. Davvero eccitante 

è l’ascolto della grande orchestra 

sinfonica dove Soundsmith 

produce uno dei più dettagliati 

e tridimensionali palcoscenici 

sonori che rivela tutti i dettagli 

dei soliti sforzi in studio. Ottimo 

il lavoro di rivelazione del palcoscenico 

sui vecchi dischi RCA, 

Everest e altri dischi classici che 

utilizzavano tecniche di mixaggio 

più semplici. Il fonoriveltore non 

aggiunge ciò che non c’è e molti 

dischi analogici sono solo bidimensionali. 

Con buoni LP tuttavia la combinazione 

di dettagli, dinamica di 

basso livello, gamma dinamica 

complessiva e timbro naturale, 

può essere straordinariamente 

rivelatrice. Il Soundsmith mostra 

che un LP correttamente masterizzato 

e una registrazione digitale 

ottenuta dagli stessi nastri master 

originali possono essere notevolmente 

simili. Con i migliori 

LP, Soundsmith mantiene le cose 

competitive con le migliori ver- 


TEST SOUNDSMITH STRAIN GAUGE E SG 210 

Il segnale per la sezione 

variabile viene prelevato 

all’uscita fissa con due cavi 

coassiali collegati a loro 

volta ad un potenziometro 

ALPS e con un ulteriore 

buffer di uscita realizzato 

con un OPA2227. 

SUONOGRAMMA 

1 CAPACITÀ DI ANALISI DEL DETTAGLIO.................... 3 

2 MESSA A FUOCO E CORPOSITÀ................................ 3 

3 RICOSTRUZIONE SCENICA ALTEZZA......................... 3 

4 RICOSTRUZIONE SCENICA LARGHEZZA................... 3 

5 RICOSTRUZIONE SCENICA PROFONDITÀ.................. 3 

6 ESCURSIONI MICRO-DINAMICHE............................ 3 

7 ESCURSIONI MACRO-DINAMICHE........................... 3 

8 RISPOSTA AI TRANSIENTI........................................ 3 

9 VELOCITÀ................................................................ 3 

10 FREQUENZE MEDIE E VOCI...................................... 3 

11 FREQUENZE ALTE.................................................... 3 

12 FREQUENZE MEDIO-BASSE..................................... 3 

13 FREQUENZE BASSE.................................................. 3 

14 TIMBRICA................................................................ 3 

15 COERENZA............................................................... 3 

16 CONTENUTO DI ARMONICHE................................... 3 

Il contenitore è di tipo standard 

con due gusci in alluminio che 

si innestano a scorrimento l’uno 

nell’altro. Il contenitore è inserito 

in un involucro in MDF impiallacciato. 

Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da 

-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed 

esprime la congruità della prestazione con prodotti 

analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo. 

IL VOTO DELLA REDAZIONE 

COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ 

Unico, ardito e al limite del talento che però 

deve fari i conti con una realizzazione al limite 

del prototipo di “fortuna”. Al limite dell’inaccettabile 

per un prodotto “ufficiale” a prescindere 

dalla classe di prezzo. 

L’apparecchio viene alimentato con 

due unità “vintage” Andrew AD- 

2430B da 24VDC ciascuna con presa 

a muro per ottenere una tensione 

duale in tutto l’apparecchio.. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Una marcia in più in termini di abbinamento 

con bracci e giradischi ma ancor di più con i 

vari“generi musicali”. Il pre merita di meno... 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Il prodotto risponde magnificamente a molti 

bisogni del “vinilista” che tanti altri costruttori 

nemmeno intuiscono. 

sioni in digitali, in qualunque 

formato siano prodotte. L’estensimetro 

Soundsmith funziona 

molto bene anche dalla gamma 

media fino ai bassi più profondi. 

Non ha problemi a riprodurre, 

senza distorsioni, la dinamica e i 

bassi più profondi. Ascoltate l’entrata, 

prima in sottofondo e poi 

più imperiosa, dell’organo nella 

Sinfonia n.3 di Saint Saens, che 

si diffonde per tutto lo spazio a 

disposizione, oppure il Respighi 

nei suoi Pini o Belkis la Regina di 

Saba (RR magistrali). Si tratta di 

uno dei pochi sistemi analogici 

che valga la pena di ascoltare a 

lungo e con attenzione, non solo 

per la sua qualità assoluta ma 

per il modo con cui la traduce in 

sonorità veramente spettacolari 

quanto originali. Rapporto qualità 

prezzo? 

Possiamo cavarcela vigliaccamente 

con la frase che stiamo 

parlando di oggetti per i quali il 

costo non è il primo obiettivo. È 

chiaro che si tratta di una dream 

car o di un orologio di lusso ma, 

almeno in questo caso, possiamo 

parlare di un sistema davvero 

originale, risultato di una ricerca 

tecnologica unica che affonda le 

sue radici nella vasta esperienza 

lavorativa del suo creatore. Tanta 

l’invidia per chi potrà goderselo. 

FATT. CONCRETEZZA 

n.c. 

Ci si consenta di sospendere il giudizio, stretti 

tra la traballante messa in pratica di criteri fuori 

dalle righe e la constatazione che funzionano 

persino al di là del ragionevole.... 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Un outsider da ogni punto di vista, ma certi 

aspetti non possono essere ingorati quando si 

va oltre l’eccellenza! Clamoroso nell’interpretazione 

sonora, discutibile nella realizzazione e 

“deludente” per l’uscita variabile!. 

I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza 

dell’apparecchio. Il fattore di concretezza 

rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del 

prodotto, del marchio e del distributore. 


SELECTOR 


STREAMING PLAYER 

Lindemann Audiotechnick 

Musicbook 25 DSD 

Il matrimonio tra elettronica 

e informatica ha 

generato nuove categorie 

di prodotto tra cui alcune 

commistioni che ibridizzano 

i prodotti (è più questo 

o è più quello?) ma non ci 

era mai capitato un modello 

che fosse cinque/sei 

apparecchi in uno. Siamo 

di fronte al concetto moderno 

di (quasi) tutto-inuno 

di qualità? 

C’era un ragazzo che come 

me amava i Beatles e i 

Rolling Stones... 

Onestamente non sappiamo se 

Norbert Lindemann amasse da 

giovane i due super gruppi degli 

anni ’60 ma per certo suonava 

il basso in una band e la realizzazione 

dei primi amplificatori 

per strumenti musicali 

può essere ascritta 

come l’inizio della 

sua carriera di produttore 

seppur in 

nuce. Bisognerà infatti 

aspettare il 1980 

perché Lindemann si appassioni 

anche all’audio puro e un altro 

decennio e oltre prima che vedano 

luce i primi prodotti marchiati 

Lindemann: Amp 1 e Box 1 che, 

con una certa mancanza di immaginazione 

sono, indovinate un po’, 

un amplificatore integrato e un 

diffusore. Da lì in poi la crescita 

è rapida: il primo amplificatore 

con feedback in corrente nel 1993, 

il primo lettore CD nel 1999, il 

primo lettore SACD in Germania 

nel 2001... Tutte soluzioni dove 

più che creare ex novo soluzioni 

se ne scelgono le più adeguate e 

le si adatta alla bisogna. Sta qui 

l’intelligenza di Lindemann così 

come nel fatto di non cedere alla 

necessità di trovare definizioni 

(stravaganti nella sostanza, pedissequamente 

nell’applicazione) 

per quel che si fa cercando, semplicemente, 

di farlo bene. 

Manifestazione del lindemann 

pensiero la serie Musicbook lanciata 

in occasione del ventennale 

dell’azienda (2013) e oggi giunta 

a piena maturità e assoluta sintesi 

(sei prodotti in tutto, quattro 

fonti e due finali di potenza) sia 

per griglia di prodotto che per 

dimensioni, essendo piena convinzione 

di Norbert Lindemann 

che l’Hi-Fi di larghe dimensioni 

sia superato, finito, kaput! Scelte 

maturate anche in funzione 

di ragionevoli opportunità: chi 

sono io per fare di tutto (ipotesi 

di ragionamento teutonico, 

equivalente al milanese “Ogni 

ofelè al fa el so mestè“)? Meglio 

dedicarsi a quel che si sa 

fare o a quel che serve fare 

e così via i DAC, almeno 

come apparecchi separati 

e, soprattutto, via gli ampli 

integrati, i diffusori, i cavi... 

Scelte radicali che si riflettono 

su prodotti dalla 

forte personalità tanto per 

Prezzo: € 4.980,00 


Peso: 3,50 Kg 

Distributore: Audioplus S.r.l. 

via F.Crispi 77 - 63074 San Benedetto del Tronto (AP) 

Tel.0735-593969 - Fax 

www.audioplushiend.it 

STREAMING PLAYER LINDEMANN AUDIOTECHNICK MUSICBOOK 25 DSD 

Supporti compatibili: CD, CD Text Formati audio compatibili: 

PCM, AIFF, WAV, MP3 cbr, Web Radio Display: OLED Tipo: stereo 

Tecnologia: a stato solido Risp. in freq. (Hz): 0 - 200.000 -3 dB THD 

(%): < 0,001 Ingressi analogici: 2 RCA Uscite analogiche: 2 RCA 2 

XLR Ingressi digitali: Ottico (2), Coassiale (2), USB High resolution 

(1), Ethernet (1), WiFi (1) Convertitore D/A: 2 x AKM AK4490E Sistema 

di conversione D/A: 32 bit - 384 kHz Accessori: Telecomando, 

Ingr. cuffia Note: lettore CD, compatibile DLNA, Bluetooth aptX, 

radio digitali. USB fino a 24/384 e DSD 256, volume analogico. 


TEST 

Nonostante l’esiguo spazio utile a 

disposizione (di soli 26 x 5,5 cm), trovano 

posto due ingressi analogici, due uscite 

analogiche una RCA e l’altra XLR, quattro 

spdif, di cui due coassiali e due ottiche, una 

USB e la RJ-45 ethernet e le due antenne 

una per il Wi-Fi e l’altra per il Bluetooth. 

Da un lato la vaschetta IEC con tasto di 

accensione. Sul pannello frontale invece 

la presa USB per collegare una memoria 

con archivio musicale. 

estetica, algida ma la tempo stesso 

piacevole (anche nelle scarpe 

le taglie piccole sono più belle!), 

che nel posizionamento. Che cosa 

è, infatti, il Musicbook? Un melange 

tra un preamplificatore, un 

DAC, un ampli cuffia, un lettore 

CD, uno streamer di rete, un media 

player e un modulo di comunicazione 

wireless Bluetooth. La 

presenza di questo o di quello tra 

gli elementi determina uno dei 

quattro modelli di fonte offerta 

mentre il Musicbook 25 DSD li 

comprende tutti. 

L’apparecchio è dotato di due ingressi 

analogici, quattro digitali 

spdif uno USB e connessione verso 

l’esterno in Wi-Fi, Bluetooth e 

residente con USB. La modalità 

pre la si apprezza grazie all’alto 

valore di accettazione del segnale 

analogico in ingresso e un altrettanto 

valore massimo in uscita sia 

per la modalità single ended che 

per quella bilanciata. Le scelte per 

l’amplificazione sono raffinate e 

pensate per essere Hi-Fi ma al 

contempo rigorose e rispettose 

delle prestazioni al banco di misura 

almeno per quel che riguarda 

rumore e filtri di rete. Anche la 

sezione DAC presenta soluzioni 

specifiche con una filosofia ben 

precisa e delineata. Per questo 

motivo, se non si intende usare 

l’apparecchio come pre, si sceglie 

l’uscita fissa e si usa l’apparecchio 

come DAC, con l’opzione 

eventualmente di poter commutare 

oltre ai segnali digitale anche 

due analogici che si aggiungono 

al sistema posto a valle! La scelta 

di upslamping in DSD, fruibile 

da tutte le sorgenti, rappresenta 

un’ottima opportunità e ancor di 

più lo è quella di supportare file 

nativi ad alta risoluzione sia PCM 

che DSD; solo attraverso la rete o 

il collegamento USB però... 

Va messo in evidenza (girovagando 

in rete abbiamo visto che 

nessuno lo fa) che l’apparecchio 

è anche un ottimo ampli cuffia: 

la sezione di amplificazione è realizzata 

a componenti discreti e 

alimentata stabilmente a una tensione 

alta con un alimentatore dedicato. 

Opzione quasi solitaria nel 

panorama Hi-Fi quella di sommare 

alla commistione liquida anche 

lo strumento di lettura più tradizionale, 

perlomeno nell’ambito 

della lettura dei segnali digitali, 

il CD: il lettore a bordo dell’apparecchio 

è sistema tradizionale di 

lettura CD, anche se di tipo slot in, 

ottimizzato e che beneficia anche 

delle potenzialità di connessione 

alla rete per la visualizzazione dei 

metadati. Al contempo l’apparecchio 

offre le funzioni di streamer 

con notevole versatilità: gapless, 

DLNA e UpNP. Si interfaccia 

bene con i server multimediale 

anche se non è la parte migliore 

in merito a gestione e visualizzazione 

dei contenuti. La sezione 

più complessa resta quella che 

consente all’apparecchio di comportarsi 

come un media player: 

innanzitutto è quella che mostra 

il fianco a un’eventuale rapida obsolescenza, 

visto che si tratta di 

un settore in rapido sviluppo. In 

questo ambito i fornitori esterni 

di servizi e contenuti stanno evolvendo 

a velocità impressionante 

lasciando i piccoli costruttori 

indietro anni luce per quel che 

riguarda UX e metodi di classificazione 

e suggerimento. La app è 

minimale sia per grafica che per 

funzioni e al momento sembra disponibile 

solo il supporto a Tidal 

e Quobux, mentre Spotify e Roon 

no. Ovviamente non è escluso che 

un aggiornamento futuro possa 

risolvere il limite. Al momento 

questa soluzione non regge il paragone 

con oggetti esterni, come 

ad esempio un media renderer 

con connessione USB al DAC 

interno al lindemann (leggi raspberry 

con Volumio o altri Vs. 

connessione interna di rete). Il 

Bluetooth, infine, è una “comodity” 

e nulla più, come d’altronde 

è il collegamento BT: non è Hi-Fi, 

non è user friendly (squilla in telefono 

e succede di tutto…), non è 

energy saving, in quanto succhia 

la batteria dello smartphone ma 

è comoda e immediata per ascoltare 

qualcosa al volo o per condividere 

musica con ospiti in casa. 

A partire dalla versione presentata 

nel 2016 l’apparecchio è stato 

quasi stravolto a livello hardware 

e supporta il DSD. La parte gestionale 

dei contenuti sembra però 

ancora poco sviluppata e da qui 

si apre la diatriba se uno streamer 

deve essere anche un gestore di 

contenuti o deve fare solo lo streamer 

e demandare ad altri questa 

complessa funzione. Tuttavia, è 

anche poco d’aiuto pensare una 

macchina come uno streamer 

passivo che ha non solo velleità 

di essere “l’Hub” ma in gran parte 

lo è veramente. In altri termini 

un apparecchio che oggi vorrebbe 

essere il collettore e convogliatore 

di contenuti deve anche occuparsi 

della raggiungibilità e gestione 

degli stessi. L’argomento è piuttosto 

delicato ma Lindemann ha 

affrontato la problematica in un 

modo che non sembra precludere 

nessuna via, né interna all’azienda 

né, soprattutto, alternativa, in 

modo da poter coniugare i vari 

universi che vanno dall’analogico 

al digitale e dal fisico al liquido! Ci 

riferiamo, ad esempio, a un aspetto 

che spesso viene sottovalutato 

come la riproduzione del CD fisico, 

che da un lato oggi sembra 

far parte di un modo lontano ma 

fa parte attivamente della riproduzione 

sonora nelle collezioni 

degli appassionati. L’atto in un 

certo senso di coraggio a nostro 

avviso è quello che la riproduzione 

avvenga tramite lettore CD e 

che non siano state pensate e implementate 

modalità di ripping 

e di salvataggio dei contenuti. 

Questo aspetto ha sollevato ampi 

dibattiti interni alla redazione fra 

sostenitori, detrattori e scettici sugli 

effettivi benefici di un ripping 

“assistito” senza approdare a nessuna 

conclusione ma definendo 

i punti critici di tale operazione: 

per rippare non basta trasferire i 

dati del CD in un hard disk - questo, 

a differenza di quanto si possa 

pensare, è il passo più semplice e 

privo di “errori” - ma bisogna organizzare 

i contenuti in modo “razionale” 

ed è questo qui il punto 

più critico dell’operazione su cui 

grandi aziende stanno investendo 

risorse non alla portata dei piccoli 


SELECTOR 

Lo schema di amplificazione utilizza prevalentemente 

componenti discreti di tipo SMD con amplificatore in classe 

A. Fra i circuiti integrati utilizzati in ambito analogico c’è 

il regolatore di volume Muses 72320 e gli amplificatori 

operazionali Analog Device con ingresso jfet. 

La rete di alimentazione 

è differenziata per i vari 

stadi partendo da una linea 

comune a 12VDC. le tensioni 

trasformate sono adattate in 

funzione della parte funzionale 

del circuiti e dell’energia 

richiesta. L’ON NCP3170 è in 

grao di fornite tensioni da 4,5 

a 18V a 3A partendo anche da 

tensioni molto basse. 

Il modulo di comunicazione di rete utilizza un Network Meida Processor Microchip 

DM860A che supporta il collegamento di rete fisico e si appoggia a moduli esterni 

per la connessione Wi-Fi presenti sullo stesso PCB e collegati all’antenna RF esterna. 

Anche il modulo BLuetooth, un BC127-EXT è indipendente e collegato all’antenna 

esterna tramite connettore coassiale schermato e ultraminiaturizzato. 

HI-TECH GLOBALE 

Lo chassis impiega vari elementi 

in alluminio fresato e lavorato dal 

pieno assemblati fra loro tramite 

elementi di raccordo in acciaio avvitati 

alle parti. Eccellente la finitura 

e la precisione delle lavorazioni. 

L’interno appare estremamente 

curato con lo spazio utilizzato in 

modo razionale considerate le dimensioni. 

L’alimentazione principale 

è affidata a un convertitore 

AC-DC Meanwell IRM-30-12 con 

un’uscita a 12VDC e una serie di 

ulteriori stabilizzatori e convertitori 

DC-DC che hanno funzione 

di isolamento innalzamento delle 

tensioni per le sezioni in cui è necessaria 

anche un’alimentazione 

duale. La sezione analogica di ingresso 

e quella di uscita utilizzano 

circuiti a componenti discreti e un 

regolatore del volume di tipo ladder 

controllato elettronicamente 

della JRC MUSES 72320. La sezione 

digitale impiega un transceiver 

AKM AK4118AEQ per l’ingresso dei 

segnali PCM, un SRC AKM AK4137E 

con il supporto alla conversione 

PCM/DSD e due DAC sempre AKM 

AK4490E configurati in dual mono 

con uscita differenziale. La sezione 

di comunicazione di rete è implementata 

in parte su un PCB 

indipendente collegato con un 

connettore a pettine sullo stam- 


TEST LINDEMANN AUDIOTECHNICK MUSICBOOK 25 DSD 

La sezione di controllo dell’unita 

di comunicazione di rete e 

di gestione dei contenuti 

multimediale è in parte gestita 

da un microcntrollore Atmel 

32UC3A0512 con la RAm 

dedicata saldato direttamente 

sul PCB principale. I modelli che 

non supportano la modalità 

di comunicazione di rete, non 

dispone della scheda aggiuntiva 

e i chip non sono saldati sull 

stampato. 

L’Analog Devices ADP5071 è in 

grado di fornire alimentazioni 

duali o indipendenti con tensioni 

positive e negative anche 

a tensioni molto alte e alta 

corrente. L’implementazione 

segue le indicazione del fornitore 

e utilizza componentistica di 

elevata qualità con ottimi risultati 

su contenimento di rumore e di 

disturbi RF. 

pato in cui è presente anche il 

modulo di trasmissione Wi-Fi e 

il microprocessore principale, 

un Atmel 32UC3A0512, installato 

sul PCB principale. Anche 

il modulo Bluetooth e quello 

USB con XMOS sono removibili 

e facilmente sostituibili. 

corruttori! 

Ciò premesso e anche per valorizzare 

il nome impegnativo dato 

all’apparecchio, Musicbook, il sistema 

di gestione e di controllo è 

abbastanza evoluto e versatile anche 

se non si occupa “direttamente” 

della gestione dei contenuti se 

non in seguito alla necessità di organizzare 

quelli presenti in una 

memoria di massa collegata in 

USB e quelli presenti sul CD fisico. 

Infatti, per quanto riguarda la 

musica in rete, l’apparecchio è totalmente 

conforme agli standard 

UpNP e DLNA con l’opzione della 

riproduzione gapless, ancora non 

ampiamente supportata anche da 

grandi aziende, ma demanda al 

server DLNA l’organizzazione e 

la manutenzione dei contenuti. 

In altre parole, la app di gestione 

dell’apparecchio è molto utile 

per l’accesso alle funzioni della 

macchina e per la scelta degli ingressi 

ma il raggiungimento dei 

contenuti è demandato ad altri! 

Da notare, però, che sono supportate 

alcune funzioni collegate alla 

gestione dei metadati collegati ai 

CD e per i titoli “ufficiali” sono visualizzati 

sulla app la copertina 

e i titoli dei brani, una funzione 

più evoluta della CD-Text ma 

pur sempre discussa in redazione 

sulla reale utilità o piacevolezza 

quando si riproduce un CD. È innegabile 

che è piacevole ma, tutto 

sommato, una volta inserito il disco 

e premuto il tasto play, è più 

gratificante ascoltare il disco che 

contemplare 

una copertina. Semmai è utile 

nella fase che prelude la scelta 

del disco… 

Dal punto di vista hardware, invece, 

si apprezzano molti cambiamenti, 

uno fra tutti la scelta 

di un front end tutto AKM per la 

conversione di formati effettuata 

con un processore esterno ai DAC 

e una coppia di DAC in grado di 

supportare flussi nativi PCM ma 

soprattutto DSD in quanto per 

Lindemann la soluzione di trasformare 

ogni flusso in DSD256 è 

la più musicale. Comunque, questa 

soluzione consente anche di 

aggirare il re-sampling e andare 

direttamente nei DAC effettuando 

all’esterno ricampionamenti o 

conversioni di formato (soluzione 

comunque più performante): una 

marcia in più da non sottovalutare 

in quanto sono pochi gli apparecchi 

che oggi consentono questa 

possibilità e sta aumentando la 

facilità di effettuare upsampling 

anche al volo durante lo streaming. 

I cambiamenti hardware 

coinvolgono anche la sezione di 

alimentazione e quella di amplificazione 

con un design in linea 

di principio molto simile al precedente 

ma con una implementazione 

molto più curata anche 

nella scelta dei componenti. 

Usare l’apparecchio è un piacere! 

Piccolo, compatto ma senza parti 

“fuori posto”. Il display, quando 

si usa per la configurazione 

dell’apparecchio è poco leggibile 

mentre nell’uso comune i 

La ruota multifunzione di 

selezione collocata sul 

pannello superiore: si può 

ruotare con il pollice e 

pigiare per funzioni 

aggiuntive alla rotazioni 

o indipendenti. Un solo 

tocco e si attiva il mute, 

la semplice rotazione 

controlla il volume 

ma per accedere ad 

altre funzioni bisogna 

ruotare la ruota tenendola premuta e 

leggere le istruzioni sul display. 

dati sul brano in riproduzione e 

le informazioni sullo stato della 

macchina sono chiare e sufficienti. 

Molto comoda anche la grande 

ghiera di selezione posta sul 

pannello superiore e azionabile 

con il pollice della mano destra 

per la regolazione del volume e 

l’attivazione del mute con un solo 

tocco della ghiera. Molto meno 

comoda, invece, è la selezione 

degli ingressi in cui bisogna tenere 

premuta la ghiera e al contempo 

ruotarla in senso orario o 

antiorario. D’altronde, volume e 

mute si possono anche attivare 

rapidamente agendo sull’apparecchio, 

mentre tutte le altre 

funzioni si possono raggiungere 

in modo più comodo dalla app o 

dal telecomando. 

In termini sonori l’apparecchio 

predilige le atmosfere soffici 

esaltate nel caso di un programma 

musicale dedicato alla 

classica mentre con generi più 

dinamici, pur rimanendo all’interno 

di una correttezza formale, 

si avverte il desiderio di una dinamica 

maggiore in più, sensazione 

che sembra rappresentare 

la cifra stilistica dell’apparecchio 

visto che si riscontra generalmente 

nelle varie condizioni di 

utilizzo sebbene un attento interfacciamento 

con un finale di 

potenza (nessuna remora o idiosincrasia) 

possa risolvere il tutto 

mantenendo il tocco morbido, 

accenni di ruvidezza lì dove 

serve e usando come additivo 

qualche muscolo in 

più. Ottimi i risultati 

con il re-sampling, 

specialmente di 

contenuti musicali a 

44/16 con un suono 

liquido, mai appuntito. 

Con la conversione 

esterna in DSD e 

l’invio dei file nativi 

al DAC si possono 

ottenere prestazioni 

più definite ma con 


SELECTOR 

al banco di misura 


La risposta in frequenza della sezione analogica di uscita 

risulta estremamente ampia e lineare senza variazioni né 

in funzione del carico né in funzione della regolazione del 

livello di uscita, molto elevato, e con un tappeto di rumore 

molto contenuto anche ad alti livelli di amplificazione. 

La distorsione si attesta entro valori non significativi e 

non sono presenti componenti spurie in banda e fuori 

banda. Nel dominio digitale la risposta, a seconda dei 

filtri utilizzati, mostra un’attenuazione comune con i 50 

kHz a 3dB mentre con i file nativi DSD e convertiti con il 

DSP a bordo si verifica un’attenuazione che inizia il suo 

effetto già a 10 kHz. La sezione di uscita cuffia mantiene 

gran parte delle eccellenti caratteristiche di rumore 

e insensibilità al carico della parte linea ma si notano 

alcune spurie di entità molto bassa ma che affiorano in 

seguito ad un rumore complessivo dell’apparecchio più 

contenuto della norma dovute probabilmente alle lievi 

emissioni degli stabilizzatori e dei convertitori DC-DC. 

1 Capacità di analisi del dettaglio....................2 

2 Messa a fuoco e corposità.............................2 

3 Ricostruzione scenica altezza........................1 

4 Ricostruzione scenica larghezza....................1 

5 Ricostruzione scenica profondità..................1 

6 Escursioni micro-dinamiche.........................1 

7 Escursioni macro-dinamiche........................1 

8 Risposta ai transienti....................................1 

9 Velocità........................................................1 

10 Frequenze medie e voci................................2 

11 Frequenze alte..............................................2 

12 Frequenze medio-basse...............................1 

13 Frequenze basse...........................................1 

14 Timbrica.......................................................2 

15 Coerenza......................................................2 

16 Contenuto di armoniche...............................2 






COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Eccellente esempio di scelta dei componenti e 

materiali in funzione del risultato con effetto 

che oltrepassa ampiamente i requisiti previsti. 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Notevole il dimensionamento delle filtrature e 

delle alimentazioni. Assenti anche distorsione e 

intermodulazione. Parametri elettrici nel dominio 

analogico da primo della classe. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Al vertice assoluto e fuori scala per quanto riguarda 

la sezione pre e quella digitale. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

L’apparecchio mostra un carattere molto ben 

definito e comune in tutte le modalità di ascolto. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

25 anni di onorata carriera e una filosofia decisa 

e inflessibile sono garanzie e valore nel tempo. 

lo stessa impostazione leggermente 

smussata. 

Nel complesso sicuramente il 

miglior (quasi) tutto-in-uno 

sul mercato: certamente per 

versatilità, probabilmente per 

prestazioni sonore ottenibili a 

ben altri costi con apparecchi 

separati. Da apprezzare infine 

il concetto di modularità di offerta 

più che di prodotto (visto 

che i modelli base non sono 

upgradabili pur assolutamente 

sovrapponibili con quelli top 

per le performance presenti) 

declinato sorprendente con un 

modestissimo gap di costo tra 

un apparecchio dall’altro, che 

fa pensare a una destinazione 

d’uso precisamente ipotizzata 

dal costruttore. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Per certi versi un apparecchio senza concorrenti 

anche se manca quacosa per renderlo “incondizionato”. 

Se si considera quello che occorrerebbe 

per svolgere le stesse funzioni, però... 






SELECTOR 


AMPLIFICATORE INTEGRATO 

Primare I35 Prisma 

Una “P” o una “M”? 

Scandagliare l’alfabeto 

è una questione di lana 

caprina o fondante, visto 

che in Primare la definizione 

Prisma per la nuova 

serie di prodotti deriva 

dalla stessa immagine 

che abbiamo di un prisma 

(celebre l’immagine della 

copertina di The Dark Side 

of the Moon), ovvero con 

il raggio di luce che entra 

e viene scomposto nello 

spettro completo dei colori; 

allo stesso modo i prodotti 

Prisma hanno l’obiettivo 

di diventare l’hub tra 

il segnale digitale da una 

parte e le sue diverse applicazioni 

e uso dall’altra. E, 

soprattutto, la emme che 

c’entra? 

Al momento la linea Prisma 

è costituita dai tre 

amplificatori I15, I25 e 

I35, il pre SC 15 (che non è altro 

che l’integrato I15 senza la sezione 

di potenza) e il lettore CD35. Per 

definire Prisma i prodotti Prisma, 

l’elemento saliente è un modulo 

opzionale che ospita la piattaforma, 

controllabile da smartphone, 

di accesso ai contenuti liquidi. La 

modularità, d’altronde, è anch’essa 

un elemento fondate nella filosofia 

della casa svedese che a 

partire dagli anni ’80, quando l’eclettico 

Bo Christensen dette vita 

ad uno staff di progettisti, è sempre 

stata un punto nodale dei prodotti. 

Il credo aziendale è condensato 

in un detto svedese, Lagom 

är bäst (non troppo, non troppo 

poco, il giusto), un concetto, un invito 

alla sobrietà, dove si apprezza 

la giusta misura e si rifugge ogni 

eccesso. L’insieme (l’algido design 

svedese e il Lagom) in terra di eccessi 

come è l’agone Hi-Fi ha forse 

fatto apprezzare meno di quello 

che meritano i prodotti Primare, 

il cui catalogo è abbastanza definito 

(solo elettroniche e nemmeno 

ogni tipologia) e di modeste dimensioni 

(dieci prodotti in tutto). 

La piattaforma network utilizzata 

è la stessa per i vari modelli 

compatibili: è stata sviluppata da 

Libre Wireless Technologies, una 

delle società del terzo millennio 

capitanata da uno dei pochi guru 

indiani conosciuti (Hari Bojan ingegnere 

con esperienze in Microchip/ 

SMSC, BridgeCo, Kyocera 

Wireless, Symbian e Roamware) 

e in stretto rapporto con lo staff di 

Audio Design Expert, la struttura 

messa in piedi da Thomas Rikki 

Farr, a sua volta guru emergente 

di Riva Au- dio. 

Cambiano nelle tre amplificazioni 

integrate la sezione di potenza, affidata 

al modulo di amplificazione 

Hypex nell’entry lever Prisma 

I15 mentre I25 e I35 utilizzano la 

seconda versione, UFPD 2, di un 

modulo sempre in classe D ma 

sviluppato internamente (UFPD: 

Ultra Fast Power Device). Interessante 

notare due particolarità 

relative a questo segmento delle 

elettroniche. Innanzitutto, come 

accennato, l’I15 dà vita all’SC15, 

la versione pre del tutto simile 

all’integrato se non per la mancanza 

del modulo di potenza e 

per ciò stesso offerto a un prezzo 

minore. Coerente direte, ma del 

tutto inusuale nelle logiche audiofile 

dove un pre, noblesse oblige, 

“deve” costare di più! In secondo 

luogo notiamo una netta sovrapposizione 

tra l’I25 e l’I35 dove in 

termini di dati di targa la potenza 

differente è più indotta che effettiva 

e i due apparecchi differiscono 

concretamente per l’assenza 

dei due ingressi XLR in 

luogo di due RCA. In 

sostanza il numero 

di ingressi analogici 

rimane pressoché invariato, 

solo che invece 

di cinque RCA nel 

modello “maggiore” 

ci sono 3 RCA e due 

XLR a fronte di una 

Prezzo: € 4.500,00 


Peso: 11 Kg 

Distributore: Audiogamma S.p.A. 

Via Pietro Calvi, 16 - 20129 Milano (MI) 

Tel.02.55.181.610 - Fax 02.55.181.961 

www.audiogamma.it 

AMPLIFICATORE INTEGRATO PRIMARE I35 PRISMA 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 150 W su 8 Ohm 

(300 W su 4 Ohm) in classe D UFPD Accessori e funzionalità aggiuntive: 

Telecomando Risp. in freq. (Hz): 20-20.000 -0,2 dB THD (%): 0,01 

S/N (dB): 100 Ingressi analogici: 3 RCA 2 XLR Uscite analogiche: 2 

RCA Convertitore audio D/A: AKM AK4497 Sistema di conversione 

audio D/A: 24 bit - 348 kHz Note: Modulo Prisma integrato con DAC e 

connessioni digitali (input 4x ottico, 2x coassiale; output coassiale; USB 

A e B; 2xLAN; RS232); connessioni wireless di tipo WLAN, AirPlay, Bluetooth, 

Chromecast. Compatibilià con PCM fino a 384kHz e DSD256 


TEST 

differenza di costo di 900 euro 

che suggerisce quanto importante 

sia considerata da Primare la 

differente destinazione d’uso e 

quanto, altrettanto, il problema 

debba porselo l’utente finale che, 

in soldoni (ma anche in... solido!) 

se non ha certe esigenze può risparmiare 

una discreta sommetta 

mantenendo un livello qualitativo 

che, in entrambi i casi è davvero 

elevato! L’aspetto un po’ austero 

e minimale dell’apparecchio, infatti, 

non tragga in errore, visto 

che si contrappone a una consapevolezza 

delle funzioni “utili” da 

valorizzare che solo pochi costruttori 

sono riusciti a implementare 

negli apparecchi a cavallo fra il 

tradizionale e l’innovativo. L’I35 

è completamente servoassistito e 

se ciò non costituisce una garanzia 

di massima usabilità (come abbiamo 

spesso notato, non sempre i 

costruttori usano in modo efficace 

questa grande opportunità), sul 

telecomando è presente una funziona 

veramente rara, anzi, a memoria 

della redazione, quasi unica 

nel suo genere: la selezione degli 

ingressi sia analogici che digitali 

avviene in modo sequenziale da 

due pulsanti, ma anche attraverso 

i tasti numerici posti in alto al telecomando 

che in genere servono 

per la selezione delle tracce in un 

lettore CD! Sembra un dettaglio 

marginale ma con a disposizione 

più di dieci ingressi fra analogici, 

digitali e di altra natura, può essere 

una gran scocciatura selezionarli 

in modo sequenziale e non 

in modo diretto, considerando 

che i tasti sul telecomando certo 

non scarseggiano. Una scelta così 

efficace, versatile ed elegante non 

l’avevamo mai incontrata... Tramite 

i comandi posti sul pannello 

anteriore, è possibile accedere a 

tutte le funzione dell’apparecchio 

anche se con le limitazioni inerenti 

alla riduzione al minimo dei stati 

multifunzione. L’utilizzabilità 

della macchina viene massimizzata 

dalla presenza della app di 

gestione (Android e iOS) in cui 

l’apparecchio viene completamente 

gestito in remoto attraverso un 

buona interpretazione estetica dei 

comandi e una buona organizzazione 

degli spazi sul tablet. Nella 

app è anche presente la sezione 

dedicata al controller DLNA con 

cui è possibile navigare all’interno 

dei contenuti dei server DLNA 

e inviarli all’amplificatore che in 

questo caso si comporterà come 

un renderer puro anche se i dati 

relativi ai brani in riproduzione 

vengono visualizzati sia sul display 

dell’apparecchio che sull’applicazione. 

Il sistema appare molto valido 

anche considerando che è a 

disposizione da pochissimo tempo 

e si trova ancora nella fase dei “rilasci 

iniziali” e quindi in una fase 

potenzialmente migliorabile. Le 

cose sono comunque migliorate 

sensibilmente rispetto al passato, 

in parte grazie al contributo del 

nuovo fornitore della infrastruttura 

di gestione ma anche in merito 

alla realizzazione della app di 

gestione della quale si è occupata 

Primare con un salto epocale rispetto 

ai prodotti precedenti. 

La scheda di interfacciamento 

con la rete e la trasmissione dei 

contenuti wireless offre anche altre 

opportunità non trascurabili 

visto che è prodotta da un fornitore 

specializzato proprio nell’ambito 

della connettività e della fruizione 

dei contenuti, aspetti non 

alla portata di una piccola o media 

impressa ma appannaggio solo di 

grandi aziende che sono anche in 

grado di interfacciarsi con colossi 

come Goolge o Amazon. Il sistema 

di comunicazione, infatti, supporta 

Chormecast built in e Alexa e, 

per questo, Primare dovrà solo 

occuparsi della distribuzione 

degli aggiornamenti necessari 

per adeguare l’apparecchio alle 

nuove opportunità e ottimizzazioni 

implementate dal fornitore. 

Tutto questo, unito al fatto che la 

scheda di comunicazione e quella 

digitale sono estraibili dall’esterno, 

aumentano la vita del sistema 

che potenzialmente non soffrirà 

più di ineluttabile obsolescenza 

endemica: almeno sulla carta, il 

tutto sembra più alla portata e 

meno a rischi che in precedenza, 

calcolando inoltre che l’architettura 

dell’apparecchio mostra 

una versatilità fuori dal comune. 

Tant’è che il sistema, anche a poca 

distanza dal lancio, supporta lo 

streaming di file sia PCM che DSD 

1x e 2x dalla rete e risulta essere 

compatibile con Roon, anche se 

attraverso la modalità Chromcast 

che invece supporta file nativi 

PCM fino a 96 kHz e tutti gli altri 

vengono ricampionati da Roon 

per consentire la riproduzione. A 

prescindere dalla usabilità della 

app fornita da Primare, l’apparecchio 

risulta ben interfacciato 

nonostante ancora oggi non sia 

supportata la riproduzione Gapless, 

peraltro una funzionalità in 

programma con i prossimi rilasci 

degli aggiornamenti. L’app sembra 

abbastanza stabile e fornisce 

molte informazioni sul brano in 

riproduzione inerenti ai metadati 

ma anche relativi al tempo trascorso 

e rimanente. È possibile 

collegare sul modulo Prisma anche 

una memoria di massa USB 

con archivio musicale che verrà 

indicizzato dal sistema e visualizzato 

sulla app. Tuttavia, nonostante 

il sistema supporti i metadati 

contenuti nei brani, il sistema di 

gestione sembra ancora in una 

fase di sviluppo in quanto i contenuti 

non vengono classificati e 

la funziona di ricerca scandaglia 

solo i nomi dei file e non i metadati. 

Al momento si può usare solo 

per ascoltare “rapidamente” pochi 

brani archiviati su una chiavetta 

USB! Un vero peccato in quanto il 

sistema comunque supporta i file 

a piena risoluzione anche DSD e 

la possibilità di ascoltare “al volo” 

un file è un’opzione sottovalutata. 

La resa all’ascolto dell’apparecchio 

è notevole (scordate ogni preconcetto 

rispetto ai Classe D!), con 

una capacità dell’amplificatore di 

assicurare un ritmo alla riproposizione 

sonora davvero elevato, 

il linea e anche oltre la classe di 

appartenenza. Su una ipotetica 

tavolozza sonora l’apparecchio 

preferisce le tinte fredde, soprattutto 

nella porzione alta delle 

frequenze, mentre al contrario in 

basso l’articolazione è notevole e 

il corpo degli strumenti elevato; 

Due ingressi linea bilanciati, tre single 

ended una uscita linea e una pre sono le 

dotazioni nel dominio analogico; ancor 

più folte quelle digitale con addirittura 

quattro ottici spdif a pieno formato, due 

coassiali e uno USB. La connettività si 

amplia con l modulo Prisma dotato di 

doppia connessione di rete passante, 

collegamento Wi-Fi, Bluetooth e USB per 

collegare un archivio musicale residente. 


SELECTOR 

Sulla scheda digitale sono implementati tutti 

i sistemi di ricezione del segnale digitale 

proveniente dalle varie sorgenti, quattro uscite 

ottiche e due coassiali, una USB con XMOS, il DAC, 

un AKM 4497EQ e il buffer di uscita analogico. 

Curiosamente sono impiegati due transceiver Cirrus 

Logic CS8416 e un trasmitter CS8406 per il dig out 

spdif a 192 kHz. Le connessioni digitali elettriche 

sono isolate galvanicamente con trasformatori 

Pulse PE-65612NL. 

La regolazione del livello è 

implementata con due JRC NJW1195, 

uno per ogni canale, in modalità 

differenziale. La regolazione avviene 

in modo analogico ma controllata 

del processore con cui si possono 

personalizzare i guadagni degli 

ingressi e altre funzioni. 

Il modulo Prisma si basa su un modulo LS9AD-AC11DBT prodotto dalla Libre 

Wireless in cui sono implementati i sistemi di connessione alla rete, quelli di 

comunicazione wi-fi e Bluetooth. Il modulo integra il supporto a Chromecast e 

altri aggiornamenti futuri. Sono presenti due antenne indipendenti a 2.4GHz 

una per il Wi Fi e l’altra per il Bluetooth. La connessione di rete cablata dispone 

di due RJ-45 per poter usare in cascata altri apparecchi con lo stesso cavo. 

L’AMPLI MODERNO 

Lo chassis è realizzato con una lamiera 

ferrosa ripiegata su cui sono 

installati i PCB e il supporto modulare 

per l’inserimento dei moduli aggiunti 

dall’esterno attraverso un sistema 

a slitta e una coppia di connettori 

rapidi proprietari. All’interno del supporto 

modulare, che ha anche una 

ulteriore funzione di schermatura 

elettromagnetica oltre alla lamiera 

esterna dello chassis, sono collocati 

i PCB che ospitano la sezione analogica 

di ricezione del segnale e di 

regolazione del livello nel dominio 

analogico affidata a circuiti integrati 

JRC NJW1195 e di preamplificazione 

e gran parte dei sistemi di controllo, 

gestione dall’apparecchio e aggiornamento 

tramite una porta RS-232 

ormai passata alla “storia”. Al centro 

è posizionato il modulo di amplificazione 

in classe D con la sezione 

di alimentazione Active PFC e quelle 

lineari per le sezioni di preamplificazione 

analogica e quella digitale. A 

ridosso dei connettori di potenza è 

collocato il PCB con il filtro in uscita e 

il punto di prelevamento del segnale 

di controreazione, di 26 dB dichiarati, 

per la correzione delle variazioni di 

risposta in funzione del carico e per 

la correzione della risonanza del filtro 

di uscita in alta frequenza che dai test 

di laboratorio risulta estremamente 

linearizzato e compensato. 


TEST PRIMARE I35 PRISMA 











9 Velocità........................................................3 





14 Timbrica.......................................................1 

15 Coerenza......................................................1 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

L’hardware di ottimo livello costruttivo anche 

se emergono alcune sovrapposizioni (come ad 

esempio gli ingressi bilanciati e lo sdoppiamento 

della sezione preamplificatrice). 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Ottima insensibilità al carico e parametri elettrici 

di alto livello sia in a analogico che in digitale. 

La risposta in frequenza, anche in accordo con quanto 

dichiarato dall’azienda circa l’evoluzione del modulo di 

amplificazione UFPD, appare molto lineare ed estesa con 

un andamento rettilineo fino a 40 kHz in cui si presenta 

un’attenuazione importante con una leggera sovra oscillazione 

in prossimità dell’inizio della discesa. Le curve di 

risposte sono pressoché sovrapponibili a prescindere dal 

carico o dal livello di attenuazione del segnale. La distorsione 

è estremamente contenuta in tutto il range utile con un 

innalzamento abbastanza repentino in prossimità del livello 

di uscita massimo che oltrepassa abbondantemente il dato 

appena limitata l’estensione verso 

il basso. L’abbinamento non presenta 

particolari problemi e, nel 

caso di interfaccia con diffusori 

tendenti a colorare o arricchire 

il suono, l’equilibrio che ne 

consegue può essere di estrema 

qualità. Notevoli dal punto 

di vista sonoro le prestazioni 

come streamer, tangibilmente 

migliori di quelle tramite USB. 

Se il rigore di approccio e negli 

dichiarato con circa 195 Wrms su 8 Ohm per una THD+N 

dell’1%. La distorsione armonica e da intermodulazione si 

attestano su valore bassissimi in gran parte del range utile 

e si nota anche un tappeto di rumore altrettanto contenuto 

con la presenza però di alcune frequenza spurie fuori 

banda e fenomeni di battimento in presenza di segnali di 

alto livello. A seconda del formato in riproduzione, della 

frequenza di campionamento ma anche in relazione al 

segnale analogico tramite l’ingresso linea, le curve di risposta 

presentano delle leggere differenze in prossimità 

del limite superiore. Le componenti fuori banda vengono 

obiettivi svedese ammettesse 

qualche deroga (quel che la mala 

information definisce “magia”), 

un prodotto che per piacevolezza 

e godibilità potrebbe ambire 

al top assoluto. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Una delle macchine più versatili del momento 

anche se, con l’architettura a bordo, oggi quello 

che si potrebbe considerare il punto di arrivo 

altro non è che un ottimo punto di partenza. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Eccellente l’incedere. il ritmo e il timing, ancora 

poco coinvolgente il timbro e il calore. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Un apparecchio virtualmente “eterno” per struttura 

modulare e in quanto ad aggiornabilità, 

per altri versi a rischio di obsolescenza. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Manca solo un pizzico per stupire il mondo; 

almeno adeguato alla classe di appartenenza.. 






SELECTOR 


DIFFUSORI 

Elac Adante AS-61 

L’origine del sistema 

Adante è difficile da collocare 

e da inquadrare, 

soprattutto se si pensa 

alle pietre miliari nella 

carriera di Andrew Jones 

all’esterno ma anche all’interno 

di ELAC. Il suo punto 

di approccio fù costituito 

da un diffusore di bassissima 

fascia, ben al di sotto 

dell’entry level tipico per la 

casa tedesca. 

IDebut, anche se abbastanza 

caratterizzati e con qualche 

limite, hanno con forza 

irrotto nella classica categoria 

“ben al di sopra della fascia di 

appartenenza” e lo hanno fatto 

con un differente metodo di 

rappresentare il campo sonoro, 

magari poco luminoso ma per 

nulla affaticante e soprattutto 

coinvolgente. Poco dopo abbiamo 

apprezzato il piccolo salto, 

ancora sconvolgente per certi 

aspetti, spiccato con gli Uni-Fi, 

in cui compare il primo altoparlante 

coassiale che, forzatamente 

o no, evoca il passato di Jones in 

TAD. Ancora una volta, il sistema 

si distingue per un suono molto 

compassato, senza eccessi, e anche 

per una finitura estetica non 

appariscente ma di lusso e una 

serie di dettagli sobri ma anche 

d’impatto. Di nuovo, una proposta 

che ha veramente poco di sensazionale 

se non la realizzazione 

di un progetto di pregio offerto a 

un prezzo veramente aggressivo, 

con un atteggiamento frutto di 

scelte costruttive ottimizzate. 

Gli Adante mostrano invece una 

variazione molto interessante di 

quanto proposto finora, con l’elemento 

comune alla precedenti 

serie di appartenere a un segmento 

di prezzo ancora terrestre e di 

averlo interpretato nel modo più 

ricco possibile: siamo di fronte 

a un sistema molto complesso, 

laccato con finitura brillante ad 

alto spessore, tra l’altro molto 

ben rifinita (bianca lucida, epossidica 

nero brillante oppure con 

essenze in legno) e un progetto 

non banale realizzato anche con 

trasduttori ad hoc! 

La serie è al momento costituita 

da soli tre elementi: un modello 

a torre, un bookshelf e un centrale, 

questi due ultimi corredati 

da piedistalli specifici.Utilizza il 

sistema tweeter / midrange coassiale 

sviluppato da Jones ma si 

avvale anche di un nuovo sistema 

di carico denominato Interport 

che consiste di una cavità accoppiata 

internamente sulla quale 

vengono applicati i woofer utilizzati 

(uno nella versione da scaffale, 

tre nella torre) che emettono in 

una camera “interna” sulla quale 

sono applicati altrettanti passivi 

che, a loro volta, emettono verso 

l’esterno. 

Il bookshelf Adante AS-61 (difficile 

trovare un nome più brutto!) 

è un due vie e mezzo; per 

utilizzare il woofer nella configurazione 

Interport si è dovuto 

realizzare un cabinet con pannelli 

interni di rinforzo che rendono la 

struttura estremamente rigida e 

sorda, soluzione necessaria per 

Prezzo: € 3.125,00 


Peso: 16 Kg 

Distributore: LP Audio di Luca Parlato 

Via della Tesa, 20 - 34138 Trieste (TS) 

Tel.040.56.98.24 - Fax 

www.lpaudio.it 

DIFFUSORI ELAC ADANTE AS-61 

Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 3 Potenza (W): 50 

- 160 Impedenza (Ohm): 4 Risp. in freq (Hz): 41 - 35.000 Sensibilità 

(dB): 85 Altoparlanti: 1 tw da 1’’ cupola morbida concentrico con 1 

mid da 5,25’’ con cono in alluminio, 1 Wf da 6,5’’ con cono in alluminio, 

1 passivo da 8’’ 


TEST 

utilizzare questo tipo di caricamento. 

Ne risulta un mobile di 

abbondanti dimensioni per un 

diffusore classificato “da scaffale” 

ma di dimensioni e peso molto 

significativi. 

Vien da sé che questa nuova impresa 

sia piena di aspettative e 

le ipotesi sulla nuova serie coinvolgono 

non tanto le “presunte” 

prestazioni strumentali o di altra 

natura ma, più arditamente, l’idea 

di Jones e del suo staff e di 

come dovrebbe evolvere il campo 

sonoro in un ambiente domestico, 

anche in funzione delle 

risorse messe in campo. In questi 

termini, la prima risposta ovvia è 

quella in cui il limite a cui tende il 

modello di riproduzione proposto 

da questo staff “delle meraviglie” 

sia quello dei TAD, di ognuno di 

essi, in quanto, in via del tutto generale, 

potremmo ipotizzare che 

esiste un suono TAD ma, al contempo, 

ogni sistema ha un suo 

carattere! La curiosità di quali 

caratteristiche siano mantenute, 

quali esaltate e invece quali altre 

attenuate, prevarica abbastanza 

tutti gli altri aspetti inerenti vita, 

morte e miracoli di Adante: sia 

negli ascolti effettuati nelle fiere 

di settore che in ambienti controllati, 

abbiamo potuto identificare 

che un sorta di matrice 

comune esiste davvero, quella 

che dà forma a un campo sonoro 

controllato, 

definito, 

coinvolgente 

ma mai 

prevaricante 

e con la 

ricerca di 

un’interazione minima con l’ambiente, 

in particolar modo per 

l’emissione della gamma bassa 

e per l’influenza delle riflessioni 

sulla ricostruzione della scena 

sonora... 

Per una valutazione complessiva 

delle caratteristiche sonore del 

diffusore, occorre però mettere 

nelle migliori condizioni l’intera 

catena di riproduzione, tenendo 

conto del fatto che il tipo di carico 

e le conseguenti dimensioni hanno 

portato il sistema molto lontano 

da una facile collocabilità in 

ambiente. Tutto ciò nonostante 

siano state mese in campo risorse 

e materiali molto al di sopra 

della fascia di prezzo. Il modulo 

dell’impedenza e soprattutto la 

sensibilità molto bassa suggeriscono 

una scelta attenta dell’amplificazione. 

Il biamping potrebbe 

essere la soluzione più semplice e 

“giusta”, non tanto per i benefici 

del doppio cavo di collegamento, 

quanto per la bassa sensibilità del 

diffusore. In casi come questo, la 

biamplificazione passiva risolve 

in modo evidente le caratterizzazione 

del funzionamento al 

limite dell’amplificazione, soprattutto 

in gamma bassa in cui 

l’impedenza degli AS-61 rivela 

la sua criticità. Ne consegue una 

trasparenza più marcata della 

gamma medio-alta e una pulizia 

che però tendono a far alzare 

ancora il volume, rischiando di 

avvicinarsi al limite fisico del diffusore 

senza percepire per tempo 

i segnali premonitori, anche 

perché una delle caratteristiche 

più marcate (oltre la necessità 

di muscoli grossi e potenti) è 

quella di un’estensione in basso 

in una certa misura penalizzata, 

probabilmente dal sistema di 

caricamento scelto. Il problema 

è ipotizzabile anche in funzione 

della potenza dell’amplificatore 

che, per ottenere pressioni adeguate, 

si troverà in un punto di 

lavoro spostato in alto, nella maggior 

parte dei casi al limite. In fin 

dei conti abbiamo un sistema 

che per esprimersi come si deve 

“vive al limite, suo e di chi gli sta 

intorno”! Risultati soddisfacenti 

si ottengono con amplificatori di 

pari potenza in configurazione 

passiva, considerando che l’incrocio 

fra il woofer e il gruppo 

I morsetti sono installati su un pannello in 

allumino fissato al mobile. La meccanica, 

oltre ad essere di impatto sotto il profilo 

estetico, risulta molto efficace con una 

presa salda che consente un serraggio 

molto tenace con sforzo minimo. La 

posizione a filo del pannello con i morsetti 

che sporgono, nel caso di terminazioni a 

forcella o a banana, tendono occupare 

molto spazio fra diffusore e parete. 

medio-alti è collocato molto in 

basso, circa a 200 Hz, con una 

pendenza molto accentuata. 

Per fortuna, nonostante le dimensioni 

in ambiente, l’emissione 

sembra non essere influenzata 

dalla vicinanza della parete posteriore, 

con un’immagine complessivamente 

inalterata e un lieve 

incremento della parte bassa 

che non guasta assolutamente, 

anzi, a fronte di nessuna perdita 

apparente in articolazione e 

velocità della parte bassa dello 

spettro, l’incremento di emissione 

all’estremo inferiore da corpo 

al campo sonoro. 

Alla luce di questi elementi (e 

delle migliori condizioni possibili 

in cui far operare l’apparecchio) 

si ottiene un’impronta 

sonora certamente particolare 

e che, in certa misura, ricorda 

i sistemi a caricamento pneumatico 

di molto tempo fa, ca- 

L’unità è composta da due altoparlanti indipendenti: un il tweeter con cupola in seta 

trattata e magnete in neodimio incastonato all’interno della bobina da cinquantadue 

millimetri del medio. La curiosa struttura a maglia larga di fronte al tweeter ha la funzione 

di protezione della cupola del tweeter. La membrana del medio è in alluminio e la 

sospensione in gomma rovesciata a bassa escursione. 


SELECTOR 

Per il passivo 

è stato utilizzato 

un woofer senza 

magnete e senza 

bobina mobile; per 

il resto gli elementi 

sono tutti quelli 

dell’equivalente 

attivo, ma con 

la massa mobile 

“accordata” con il 

resto del sistema di 

carico. 

I due condotti reflex 

presentano ampie 

svasature ai bordi, 

tuttavia rumori e 

turbolenze presenti 

all’interno delle due 

camere vengono 

molto attenuate 

grazie alla presenza 

di un woofer passivo 

che fa da filtro 

meccanico. 

Il gruppo coassiale mostra 

una realizzazione ad hoc 

dei cestelli e dei magneti 

in modo che il tweeter si 

incastri al centro del medio 

e a filo della bobina mobile 

che risulta molto ampia. Il 

design, rispetto agli altri 

altoparlanti più “comuni” 

rispecchia una competenza 

rara nel campo specifico. 

Il cestello è in alluminio 

pressofuso aerodinamico 

e con equipaggio mobile 

a vista, membrana in 

alluminio e sospensione 

in gomma. 

CHIAMALO INTERPORT 

Il progetto abbastanza articolato di 

carico del woofer e di collocazione 

del coassiale rende necessaria la 

scelta di ricavare delle pannellature 

interne per la separazione dei volumi 

ma anche per il sostengo degli elementi 

all’interno, come ad esempio 

il woofer e il filtro crossover. Il woofer 

attivo collocato all’interno ha il 

diametro inferiore rispetto quello 

passivo collocato all’esterno, “a vista”, 

favorendo l’installazione, mentre il 

pannello con il filtro crossover, di 

grandi dimensioni e con uno schema 

anch’esso complesso e articolato, 

ha evidenziato tutte le difficoltà 

di passaggio e di movimentazione 

all’interno, in quanto fissato dietro 

alla camera del mid coassiale. 

Sullo stesso pannello interno in cui 

è fissato il woofer sono posti i due 

condotti di accordo che mettono in 

comunicazione le due camere, quella 

posteriore al woofer e quella anteriore 

in cui è posto il woofer passivo. Ne 

deriva una struttura molto complessa, 

con un volume complessivo che 

vede tener conto anche delle esigenze 

costruttive: la parte posteriore è 

leggermente trapezoidale anche se 

per motivi probabilmente estetici 

che funzionali, con una robustezza 

e solidità superiore alla norma in seguito 

al rinforzo strutturale dei setti 

di separazione. 


TEST ELAC ADANTE AS-61 











9 Velocità........................................................1 





14 Timbrica.......................................................1 

15 Coerenza......................................................2 


Il filtro impiega 

componenti di qualità molto 

superiore alla classe di appartenenza, 

con gli 

induttori avvolti in aria libera e i condensatori 

in poliestere metallizzato anche di elevato valore, ad eccezione di uno di tipo 

bipolare da 70uF. L’induttore in serie al woofer ha una elevata resistenza interna 

che favorisce l’allineamento con la risposta del gruppo coassiale. 

Il sistema è un tre vie con uno schema di filtro ad alta 

pendenza per le vie superiore e uno molto blando per 

woofer interno in cui gran parte della filtratura viene 

effettuata in modo meccanico dall’altoparlante passivo 

anteriore. La risposta è molto lineare anche se si notano 

i punti di incrocio dei tre altoparlanti sia in asse che fuori 

asse. È presente anche una attenuazione importante dei 

tre altoparlanti che riducono la sensibilità del sistema, 

già non particolarmente alta. L’impedenza non scende 

mai al di sotto dei 4 Ohm ma presenta rotazioni di fase 

e componenti reattive di un certo rilevo anche in prossimità 

della risonanza del mid, caricato in camera chiusa. 

ratterizzati da alcuni parametri 

formalmente corretti ma un costante 

desiderio di una dose di 

vitalità in più. Quella stessa sensazione 

che porta, magari scordando 

alcuni aspetti positivi , della 

riproposizione sonora (vedi il 

suonogramma), a “pompare” sul 

volume! In sintesi una costruzione 

(materiali e finitura estetica) 

di altissimo livello, al servizio di 

un progetto tecnico meno definito 

(come la destinazione d’uso) e 

condizionato sensibilmente dalla 

scelta dei partner da utilizzare. 






COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Materiali eccellenti e soluzioni molto complesse 

si contrappongono a risultati che per certi versi 

non soddisfano le aspettative. 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Risposta molto lineare con una buona dispersione 

angolare e una altrettanto interessante 

estensione in basso senza particolari enfasi. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Aspetti contrastanti fra abbinamento con ampli 

e posizionamento in ambiente richiedono abbinamenti 

oculati. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Anche nelle migliori condizioni riscontrate la 

riproposizione sonora appare non esprimersi 

completamente. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Un mezzo passo falso (il form factor del modello 

da stand è “incomprensibile”) all’interno di una 

realtà in estremo movimento. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Nonostante alcuni aspetti unici, rende al massimo 

solo con partner potenti e costosi che rendono 

meno concorrenziale l’abbinata. 






SELECTOR 


DIFFUSORI 

Indiana Line Tesi 561 

Campione nel rapporto 

qualità/prezzo, il costruttore 

italiano per ciò stesso 

non si distacca abitualmente 

troppo dal solco 

medio espressione del mercato. 

Ma ogni regola ha la 

sua eccezione e con i Tesi 

561 arriva qualche cosa “al 

di fuori della norma”, perlomeno 

per caratteristiche: 

costa meno e offre di più. 

Abbastanza raro in questo 

settore.... 

La serie Tesi è quella 

più vicina alle tradizionali 

esigenze 

dell’appassionato audio offerta 

dal costruttore italiano 

ed è costituita da un catalogo 

assai intricato e, a tratti, 

poco comprensibile che si 

basa fondamentalmente su 

due macro-categorie, Vinyl 

e Hi-gloss che caratterizzano 

prodotti non solo meramente 

differenti per finitura 

ma anche per configurazione 

e costruzione (ad esempio 

i prodotti Vinyl hanno 

gli angoli stondati mentre 

in quelli Hi-gloss il mobile è 

più massiccio anche se offerti 

ad un prezzo leggermente 

superiore). 

Ognuna delle due serie è 

composta da 4 prodotti: un 

centrale, due bookshelf e una 

torre che, come detto non 

sono sovrapponibili ai corrispettivi 

della serie “quasicomplementare”, 

offrendo 

così una griglia di prodotto 

molto ampia anche se in 

grado di generare qualche 

confusione. 

Appurato ad esempio che 

la serie Vinyl è quella più 

economia tra le due, in essa 

trova posto il modello qui in 

prova che però in qualche 

modo dirazza da una progressione 

logica in termini 

di performance (almeno sulla 

carta) in seguito all’utilizzo, 

per la prima volta in casa 

Indiana Line di una coppia 

di mid woofer da 16 cm con 

membrane differenti fra loro 

(un dettaglio che, pure, nella 

serie Diva era stato già introdotto 

da tempo). 

L’approccio ricorda quello 

utilizzato per i ProAc DT8 

in cui i due midwoofer sono 

molto differenti fra loro, declinato 

qui in un segmento di 

mercato molto più consumer. 

Questa caratteristica, unità 

al segmento merceologico 

di appartenenza, merita una 

minima riflessione... 

Partiamo dal prezzo che, 

associato alla tipologia (diffusore 

a torre), rende il prodotto 

abbastanza unico (poco 

più di una ventina di modelli 

sul mercato) oggi più che in 

passato dove ne veniva annoverato 

un maggior numero. 

Meno della metà adotta woofer 

da 16 cm o maggiori (un 

paio...) e una parte significativa 

di questo sparuto gruppo 

può essere annoverato 

nei boom boom box, ovvero 

in quei diffusori dichiaratamente 

destinati ad una fascia 

di pubblico giovanile, interessata 

principalmente alla 

dinamica e a generi musicali 

poco raffinati. 

Dunque pochissimi possono 

essere considerati effettivamente 

dei concorrenti dei 

Tesi 561! Fatto che rimarca 

Prezzo: € 585,00 


Peso: 13,7 Kg 

Distributore: Coral Electronic Srl 

Corso Allamano, 74 - 10098 Rivoli (TO) 

Tel.011.959.44.55 - Fax 011.957.23.55 

www.coral-indianaline.com 

DIFFUSORI INDIANA LINE TESI 561 

Tipo: da pavimento Caricamento: reflex N. vie: 3 Potenza 

(W): 30 - 150 Impedenza (Ohm): 4 - 8 Frequenze di crossover 

(Hz): 180 / 2800 Risp. in freq (Hz): 35 - 22000 Sensibilità 

(dB): 92 Altoparlanti: 160 mm woofer, 160 mm mid-woofer, 

26 mm dome-tweeter Rifinitura: vinile rovere nero / vinile 

noce Griglia: si 


TEST 

I morsetti accettano qualunque tipo di connessione e sono disposti in modo facilmente 

accessibile anche grazie alla posizione inclinata. Il corpo in plastica consente un buon 

serraggio del cavo o della forcella anche in merito ad una ghiera antifrizione. 

almeno due aspetti: il primo 

è che è difficile “stare nei costi” 

con un prodotto simile 

(ma qui, lo abbiamo detto, 

la casa italiana è maestra); 

il secondo, in parte conseguenza 

del primo è che è ancora 

più difficile realizzare in 

queste condizioni un diffusore 

audiophile, cosa che è 

invece nel DNA aziendale di 

Indiana Line. 

Una sfida? Una opportunità? 

Un azzardo? Di certo vi 

è il fatto che per realizzare 

un diffusore che adotta un 

woofer di queste dimensioni, 

Indiana Line ha dovuto 

rinunciare a quella particolare 

caratteristica “filante” 

dei suoi prodotti (anche 

perché ridotti di dimensioni) 

che è quasi una caratteristica 

fondante e attesa nel 

prodotto Indiana Line. Va 

detto però che i bordi arrotondati, 

la scelta del rapporto 

dimensionale del prodotto 

un “abbellimento” (l’effetto 

monoblocco è mitigato dalla 

conformazione del plinto integrato 

nel mobile, separato 

da resto da una sottile scanalatura 

alta 5 mm lungo tutto 

il perimetro) lo rendono comunque 

gradevole: certo più 

ingombrante da quanto ci si 

aspetta da una Indiana Line 

ma ancora ampiamente nel 

campo del “gradevole”... 

Nel solco della tradizione 

invece la qualità di costruzione, 

sempre molto elevata 

in relazione al prezzo del 

prodotto che mai come questa 

volta si presenta “tosto” 

e raffinato al tempo stesso, 

tanto che occorre pizzicarsi 

(si, sono sveglio!) per ricordare 

quale sia il prezzo di 

listino assegnato. 

D’altronde una attenzione 

molto intensa all’incidenza 

dei costi di produzione sembra 

essere sempre tenuta 

da conto da Indiana Line. I 

prodotti, si sa, vengono pensati 

in occidente e realizzati 

in oriente ma con fatti tangibili, 

sembra che questo 

si riversi in larga misura 

nell’interesse del cliente grazie 

anche ad una politica che 

rifugge “prezzature” di fantasia 

o correttivi di marketing. 

Approcciare i Tesi 561 insomma 

genera una bella sensazione, 

per paradosso persino 

migliore (ricordano in parte 

certi iconici prodotti della 

scuola “value for money” 

inglese). 

De gustibus magari ma l’ascolto 

è ancora meglio, una 

conferma di trovarsi di fronte 

ad un prodotto fuori dalla 

norma: sorprendente fin dalle 

prime battute, in particolare 

per le performance in gamma 

bassa, ben presente, estesa 

e articolata, abbastanza 

corretta anche in termini di 

timbrica. Il messaggio sonoro 

viene riproposto con rapidità 

e precisione negli attacchi 

e nei rilasci, generando una 

pressione sonora sull’ascoltatore 

apprezzata con i generi 

musicali più movimentati. 

All’altro estremo della banda 

la voce è forse un po’ grossa 

(più tonda che grossa) ma al 

limite della banda il bilanciamento 

tra una corretta messa 

a fuoco e un possibile eccesso 

di dettaglio è ben bilanciato. 

Non è facile definite il diffusore, 

per certi versi molto 

rock ma con una marcata 

propensione ad una raffinatezza 

non comune in questa 

fascia di prezzo, abbastanza 

“lento”, attingendo alle categorie 

inaugurate da Adriano 

Celentano, da farsi apprezzare 

con generi come la classica 

in generale e la musica da camera 

nello specifico, comunque 

dove la rappresentazione 

sonora scorre tranquilla... 

In termini di interfacciabilità 

tradizionalmente i prodotti 

della casa italiana sono sempre 

ad ampio spettro ma ci ha 

comunque stupito il risultato 

ottenibile con un Classe D se 

pur di classe come il Primare 

oggetto di un test in questo 

stesso numero di SUONO. 

Si tratta di un abbinamento 

elettivo, forse ridondante 

in una ottica puramente 

Forma molto compatta con magnete in neodimio, cupola in seta trattata e camera 

di decompressione posteriore con sistema di dissipazione messo a punto da Indiana 

Line per abbassare la frequenza di risonanza e assorbire le riflessioni sulla membrana. 

L’altoparlante è fissato su una flangia molto ampia di raccordo fra pannello e woofer 

con i centri di emissione ravvicinati. 


SELECTOR 

il filtro crossover applica attenuazioni a 12dB/oct su tutti 

gli altoparlanti con una cella di compensazione in serie al 

mid woofer. I due woofer hanno lo stesso tipo di taglio ma a 

frequenza molto differenti risultando in parallelo fino a circa 

200 Hz. I componenti sono saldati e incollati al PCB fissato a 

ridosso della vaschetta dei contatti. Il condensatore in serie al 

tweeter è in poliestere metallizzato, gli altri di tipo elettrolitico 

e gli induttori a bassa Re sono avvolti su lamierini. 

il cestello dei due woofer 

è in lamiera stampata, la 

sospensione in gomma 

include anche la ghiera di finitura, 

sempre in gomma, fissata al cestello 

con un funzione estetica di raccordo 

con il pannello. Il woofer installato in alto 

a differenza di quello in basso ha il gruppo 

magnetico schermato. La frequenza di 

risonanza dei due altoparlanti è molto 

simile anche se le membrane sono molto 

differenti per forma e materiali utilizzati: in 

polpa di cellulosa quella dl woofer basso con 

parapolvere rovesciato e polipropilene e mica per l’altro dotato 

anche di ogiva fissa al magnete. 

OTTIMIZZAZIONE AL TOP 

Il mobile è realizzato con una struttura 

in pannelli di MDF ad alto spessore 

ma con una massa non eccessivamente 

alta e la contempo incollaggi 

strutturali eseguiti a regola d’arte 

fra i pannelli e i setti di rinforzo interni. 

Ne deriva una struttura non 

eccessivamente pesante ma molto 

solida e abbastanza smorzata nel 

trasferimento delle vibrazioni. I setti 

di rinforzo, per irrobustire il pannello 

anteriore, sono collocati in prossimità 

degli ampi fori dei due woofer. I 

due woofer, molto differenti fra loro 

in merito alla composizione della 

membrana e alla struttura del magnete, 

esibiscono tuttavia parametri 

elettrici paragonabili e condividono 

lo stesso olume di carico risultando 

in parallelo per una ampia gamma 

di frequenza. 

Tuttavia, il filtro crossover è indipendente 

per i due woofer e sopratutto 

le due connessioni sperano il woofer 

inferiore da quello superiore che 

invece rimane abbinato al tweeter. 

In caso di collegamenti bi-wiring o 

bi-amplificazione passiva bisogna 

fare attenzione al fatto che i segnali 

applicati siano elettricamente identici 

per non innescare delle variazioni 

sul carico acustico de due altoparlanti 

pensati per lavorare in parallelo. 


TEST INDIANA LINE TESI 561 



economica ma che non fa 

ripiangere all’eventuale proprietario 

di un amplificatore 

così di averlo abbinato ai Tesi 

561 e non a un diffusore di 

maggior lignaggio. 

Anche il posizionamento 

sembra molto user frendly 

soprattutto a ridosso della 

parete posteriore, con un incremento 

della emissione in 

gamma bassa e ancora una 

ottima ricostruzione della 

scena anche con i diffusori 

paralleli alla parete e non 

inclinati verso l’ascoltatore. 

Si tratta di condizioni da non 

sottovalutare soprattutto per 

quelle installazioni non “elettive” 

in cui devono convivere 

più realtà all’interno del locale. 

Invece, si sono ottenuti 

risultati molto validi con la 

configurazione in biamplificazione 

passiva in quanto 

l’impedenza balza da quattro 

Ohm a oltre otto, con un fattore 

di stress molto meno importante 

anche per amplificazioni 

poco robuste. Quindi, 

La risposta in frequenza appare molto lineare in asse, mentre 

la dispersione angolare evidenzia una lieve attenuazione angolare 

all’estremo superiore tuttavia molto contenuta e con 

una andamento graduale. I punti di lavoro e di filtratura sono 

efficaci e ottenuti con il minimo dei componenti a riprova 

del lavoro effettuato sugli altoparlanti sia dal punto di vista 

elettrico che della modellazione della risposta. È presente 

solo una linea di compensazione sul midwoofer per ottimizzare 

l’incrocio, collocato abbastanza in alto con il tweeter. Il 

modulo dell’impedenza in basso scende sotto i 4 Ohm ma 

con la separazione del bi wiring le due sezioni si collocano 

oltre gli 8 nominali. 

a patto di utilizzare due amplificatori 

di potenza identici 

fra loro anche in funzione 

della configurazione dei woofer, 

con i Tesi 561 la formula 

“due ampli medi al posto di 

uno robusto” vale moltissimo 

e continua a dare emozioni di 

rara portata. Oggi è ancor più 

semplice allestire dei piccoli 

sistemi con DAC dotati anche 

di ingresso linea e uscite pre 

al quale collegare non uno 

ma due piccoli finali con una 

resa “inimmaginabile”! 









9 Velocità........................................................2 





14 Timbrica.......................................................1 

15 Coerenza......................................................2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Xxxxxxx xxxxx xxxxx xxxxx xxxx xxxxxxx xxxxx 

xxxxxxx xxxx xx xxxxxx xxx xxxx xxxx xxxxx xxxx 

xxxxxxx xxxxx xxxxxxx xxxx xx xxxxxx xxx xxxxx 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 




VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 




ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 




FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 




QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 



xxxxx xxxx xxxxxxx xxxxx xxxxxxx xxxx x. 






COOP.GIORNALISTICA MONDO NUOVO 

Sede in: VIALE BRUNO BUOZZI, 72 - 00197 - ROMA (RM) 

Codice fiscale: 04028131003 Partita IVA: 04028131003 

Capitale sociale: Euro 1.500,00 Capitale versato: Euro 1.500,00 

Registro imprese di: Roma N. iscrizione reg. imprese: 04028131003 

N.Iscrizione R.E.A.: 727347 

Bilancio al 31/12/2017 

STATO PATRIMONIALE ATTIVO 

al 31/12/2017 al 31/12/2016 

B ) Immobilizzazioni, con separata indicazione di quelle 

concesse in locazione finanziaria: 

I ) Immobilizzazioni immateriali: 4.601 4.917 

II ) Immobilizzazioni materiali: 9.768 14.679 

TOTALE Immobilizzazioni, con separata indicazione 

di quelle concesse in locazione finanziaria: 

14.369 19.596 

C ) Attivo circolante: 

I ) Rimanenze: 983 1.125 

II ) Crediti, con separata indicazione, per ciascuna voce, 

degli importi esigibili oltre l’esercizio successivo: 

Entro l’esercizio 470.807 514.871 

Oltre l’esercizio (3.000) (3.000) 

TOTALE Crediti, con separata indicazione, per 

467.807 511.871 

ciascuna voce, degli importi esigibili oltre l’esercizio 

successivo: 

III ) Attivita’ finanziarie che non costituiscono 

20.000 20.000 

immobilizzazioni: 

IV ) Disponibilita’ liquide: 60.964 64.048 

TOTALE Attivo circolante: 549.754 597.044 

D ) Ratei e risconti, con separata indicazione del disaggio 

177 189 

su prestiti: 

TOTALE ATTIVO 564.300 616.829 

STATO PATRIMONIALE PASSIVO 

A ) Patrimonio netto: 

I ) Capitale 1.500 1.500 

IV ) Riserva legale 604 604 

VII ) Altre riserve, distintamente indicate: 77.904 79.732 

IX ) Utile (perdita) dell’esercizio (1.870) (1.829) 

TOTALE Patrimonio netto: 78.138 80.007 

B ) Fondi per rischi ed oneri: 320 320 

C ) Trattamento di fine rapporto di lavoro subordinato - 48.863 

D ) Debiti, con separata indicazione, per ciascuna voce, 

degli importi esigibili oltre l’esercizio successivo: 

Entro l’esercizio 465.326 443.431 

Oltre l’esercizio 20.516 44.208 

TOTALE Debiti, con separata indicazione, per 

485.842 487.639 

ciascuna voce, degli importi esigibili oltre l’esercizio 

successivo: 

TOTALE PASSIVO 564.300 616.829 

CONTO ECONOMICO 

A ) Valore della produzione: 

1 ) Ricavi delle vendite e delle prestazioni 212.981 212.981 

2), 3) variazioni delle rimanenze di prodotti in corso di 

(142) (129) 

lavorazione, semilavorati e finiti e dei lavori in corso su 

ordinazione 

2) variazioni delle rimanenze di prodotti in corso di 

(142) (129) 

lavorazione, semilavorati e finiti 

5 ) altri ricavi e proventi, con separata indicazione dei 

contributi in conto esercizio: 

contributi in conto esercizio 166.826 99.361 

altri 6.422 102.688 

Totale altri ricavi e proventi 173.248 202.049 

TOTALE Valore della produzione: 329.628 414.901 

B ) Costi della produzione: 

6 ) Costi materie prime, sussidiarie, di consumo e di merci 30.939 28.827 

7 ) Costi per servizi 220.485 189.567 

8 ) per godimento di beni di terzi: 1.897 3.030 

9 ) per il personale: 

a ) Salari e stipendi 5.594 113.509 

b ) Oneri sociali 1.708 34.383 

c), d), e) trattamento di fine rapporto, trattamento di 

1.176 8.613 

quiescenza, altri costi del personale 

c ) Trattamento di fine rapporto 1.176 8.613 

TOTALE per il personale: 8.478 156.505 

10 ) Ammortamento e svalutazioni: 

a), b), c) ammortamento delle immobilizzazioni 

10.241 9.517 

immateriali e materiali, altre svalutazioni 

delle immobilizzazioni 

a ) Ammortamento delle immobilizzazioni immateriali: 4.711 6.564 

b ) Ammortamento delle immobilizzazioni materiali: 5.530 2.953 

TOTALE Ammortamento e svalutazioni: 10.241 9.517 

14 ) Oneri diversi di gestione 46.979 20.853 

TOTALE Costi della produzione: 319.019 408.299 

Differenza tra Valore e Costi della produzione 10.609 6.602 

C ) Proventi e oneri finanziari: 

16 ) Altri proventi finanziari: 

d ) proventi diversi dai precedenti 

altri - 16 

Totale proventi diversi dai precedenti - 16 

TOTALE Altri proventi finanziari: - 16 

17 ) interessi e altri oneri finanziari 

altri 7.797 5.540 

Totale interessi e altri oneri finanziari 7.797 5.540 

TOTALE Proventi e oneri finanziari: (7.797) (5.524) 

Risultato prima delle imposte (A - B + - C + - D) 2.812 1.078 

22 ) Imposte sul reddito dell’esercizio, correnti, differite 

e anticipate 

imposte correnti 4.682 2.907 

Totale delle imposte sul reddito dell’esercizio, 

4.682 2.907 

correnti, differite e anticipate 

23) Utile (perdite) dell’esercizio (1.870) (1.829) 

Anno: 2017 DETTAGLIO RICAVI 

1 Vendita di copie: € 90.877,07 

2 Pubblicità: € 62.282,00 

- Diretta: € 62.282,00 

- Tramite concessionaria: € 

3 Ricavi da editoria on line: € 2.121,98 

4 Abbonamenti € 2.121,98 

5 Pubblicità € 

6 Ricavi da vendita informazioni e servizi : € 1.241,10 (1) 

7 Ricavi da altra attività editoriale: € 

8 Totale voci 01 + 02 + 05 + 06 + 07: € 156.522,16 

(1) Proventi per royalties, brevetti, marchi 

Il presente bilancio corrisponde al vero. 

Il Legale Rappresentante 

Marta Nicoletti

BELA 

BARTÓK 

L’UOMO DALLE 

MILLE ARMONIE 

FRANK 

SINATRA 

IL RITORNO 

DI “THE VOICE” 

LA NUOVA 

VITA DEL 

VINILE? 

INTERVISTA A 

PAOLO MAIORINO 

DELLA SONY 

STORIE 

ROCK’N’ 

BLUES 

RORY GALLAGHER 

QUANDO LE VISIONI SPOSANO I SUONI

76 I COLORI DEL 

«BARTÓK INIZIO 

COL ROMANTICISMO, 

SCRISSE IN MODO 

NEOCLASSICO, 

ADOTTÒ UNA SCALA 

DI DODICI TONI, NON 

ADERÌ MAI ALLA 

DODECAFONIA»

Bela Bartók 

L’uomo dalle mille armonie 

BELA BARTÓK È UNO DEI PIÙ IMPORTANTI COMPOSITORI 

DI MUSICA DEL ’900, OLTRE CHE STRAORDINARIO 

RICERCATORE, DEDICATOSI ALLA MUSICA POPOLARE 

BALCANICA, E UN INSEGNANTE DI GRANDE FAMA. SPIRITO 

GUIDA DELLA GENERAZIONE RIVOLUZIONARIA DEI 

MUSICISTI NATI NEI PRIMI ANNI 80 DEL XIX SECOLO È 

CONSIDERATO IL MAGGIORE COMPOSITORE UNGHERESE. 

testo: Carlo D’Ottavi 

Bartók nacque il 25 marzo 1881 

a Nagyszentmiklos, ora in 

Romania. Fu un talento precocissimo, 

tanto che a dieci 

anni fece la sua prima apparizione come 

compositore e pianista. Gli studi lo portarono 

a conoscere in particolare Johannes 

Brahms e, quando entrò nella Accademia 

Musicale Reale di Budapest (1899/1903) 

subì il fascino di Franz Liszt, Richard 

Wagner e Richard Strauss. Uscito dalla 

accademia compose la sinfonia Kossuth, 

essenzialmente su temi ungheresi. In collaborazione 

con Zoltan Kodaly, iniziò una 

ricerca sistematica sulla musica popolare 

ungherese che fu pubblicata congiuntamente 

nel 1906 con il titolo di Canzoni 

popolari ungheresi per voce e piano. 

Seguirono altre due sue raccolte, a suo 

nome, che ne evidenziarono l’approccio 

metodico e scientifico, ampliandone l’interesse 

alla cultura dei gruppi linguistici 

limitrofi. In tutto raccolse oltre 6.000 

canzoni di origine magiara, slovacca, rumena, 

transilvana e nel 1913 riportò 200 

melodie arabe da una visita a Biskra, in 

Algeria. Tutto questo lavoro, testimonianza 

di fervore e passione patriottica, sfociò 

nel volume Musica popolare ungherese, 

che influenzò in modo decisivo la sua creatività 

nella composizione musicale. 

Nel 1907 fu nominato professore di pianoforte 

all’Accademia di Budapest. Nel 

1911 fondò con Kodaly la Nuova Società 

Musicale Ungherese, che si proponeva di 

presentare le nuove proposte sonore nazionali. 

L’accoglienza del pubblico rimase 

piuttosto fredda fino al 1917, quando arrivò 

il successo con il balletto Il principe 

di legno e l’opera Il castello del principe 

Barbablù. In questi lavori l’influenza di 

Claude Debussy è evidente. L’incontro 

con il compositore francese si tradusse in 

una visione più innovativa e radicale delle 

opere di Bartók. Abbandonato il roman- 

Erik Chisholm, direttore d’orchestra e compositore scozzese, 

accoglie Bartok alla Queen Street Station di Glasgow. 

Chisholm aveva molto in comune con il compositore 

ungherese, tanto da essere soprannomimato MacBartók. 

ticismo iniziale divenne uno dei primi a 

scrivere in modo neoclassico. Contemporaneamente, 

iniziò a usare le antiche 

scale che aveva scoperto, così facendo si 

trovò a introdurre altre armonie che portarono 

all’adozione di una scala di dodici 

toni, capace di ogni sorta di combinazioni 

armoniche… ma non aderì mai all’atonalità 

e alla dodecafonia. 

Bartók arrivò negli Stati Uniti per la 

prima volta nel 1927. Il 22 dicembre. 

Alla Carnegie Hall, con la Philharmonic 

Orchestra diretta da Willem Mengelberg, 

suonò come solista la sua Rhapsodie, Op. 

1. Il Concerto per pianoforte e orchestra fu 

invece eseguito l’anno dopo dalla Cincinnati 

Orchestra, sotto la direzione di Fritz 

Reiner e con Bartók ancora al piano. Nel 

1928 suonò altre sue composizioni presso 

la Pro-Musica Society al Gallo Theatre, 

assieme al violinista e connazionale Jose- 

I COLORI DEL 77

BELA BARTÓK 

ph Szigeti. Poco dopo tornò in Ungheria. 

La nazione stava precipitando verso una 

deriva di stampo nazista. Le opere di Bartók, 

tra le quali lo “scandaloso” Il Mandarino 

Meraviglioso, di stile espressionista, 

vennero osteggiate dal nuovo regime: per 

lui il clima non era più favorevole. 

Il Concerto per Violino e Clarinetto, scritto 

in Ungheria da Bartók per Joseph Szigeti 

e Benny Goodman, fu l’occasione per 

il suo ritorno a New York. L’esecuzione 

avvenne con i due solisti alla Carnegie 

Hall. Le occasioni di promuovere la sua 

musica negli USA divennero sempre più 

numerose e nel 1940 si esibì assieme alla 

moglie, Ditta Pasztory, nella prima mondiale 

della Musica per due pianoforti e 

percussioni, forse uno dei suoi lavori più 

sorprendenti e di rottura. 

Nel 1940, quando la Seconda Guerra 

Mondiale sconvolse l’Europa, scelse la via 

dell’esilio, trasferendosi definitivamente 

negli Stati Uniti a New York. A 59 anni la 

vita di New York gli sembrò troppo frenetica 

e le distanze per dare concerti esageratamente 

grandi. La sua musica aveva 

un successo limitato, neppure la laurea 

honoris causa della Columbia University 

lenì il suo stato di profonda malinconia. 

Gli era riconosciuto il grande talento di 

compositore e pianista, accettò di dare 

lezioni private. Per incoraggiare l’anziano 

e reticente musicista l’Associazione del 

Compositori Americani gli offrì una residenza 

sul lago Saranac. Il direttore d’orchestra 

Serge Koussevistsky, ungherese 

ed esule anche lui, gli commissionò un 

lavoro sinfonico. Proprio a Saranac compose 

il lavoro orchestrale più importante: 

Il Concerto per Orchestra. Il direttore con 

la sua orchestra, la Boston Symphony 

Orchestra, il primo dicembre 1944 lo eseguirono 

per la prima volta. In questa composizione 

ogni gruppo strumentale trova 

un momento di effettivo protagonismo: 

la scrittura altamente virtuosistica viene 

riservata ora agli archi, ora ai legni, ora 

agli ottoni. Nel secondo movimento, Gioco 

delle coppie, Bartók moltiplica i piani 

strumentali e contrappone, dividendoli, 

fagotti, oboi, clarinetti e trombe. 

Nel contempo Il Concerto presenta, 

in modo totalmente disinvolto 

e assertivo, citazioni da quello che era 

stato il substrato più profondo dello stile 

di Bartók: ritmi e figure proprie della 

tradizione popolare, spunti descrittivi e 

umoristici, che denotano l’influsso russo, 

ma anche formule e cadenze più 

moderne, aperte ai suggerimenti della 

musica non colta di stampo americano. 

Tutti questi stimoli sono elaborati con la 

Concerto per Orchestra & Concerto 

per pianoforte e Orchestra N. 3 

Javier Perianes (piano), 

Münchner Philarmoniker, 

Pablo Heras-Casado (direttore) 

Harmonia Mundi HMM902262 

In download 96 kHz/24 bit 

www.prestoclassical.co.uk/ 

classical/formats/hi-res 

a disillusione per l’esilio negli Stati Uniti e la 

Lsalute in declino non impedirono a Bartók di 

adempiere alla commissione per il Concerto per 

orchestra, oltre a scrivere il Terzo concerto per pianoforte, 

il suo ultimo lavoro, destinato a garantire 

il futuro di sua moglie. Da qui le cupe circostanze 

portarono a due capolavori che gli guadagnarono 

finalmente il tanto atteso successo americano. 

Sono magnificamente eseguiti qui da Javier Perianes 

e dai musicisti del Münchner Philharmoniker 

con la direzione di Pablo Heras-Casado. 

Il Concerto per orchestra di Bartók non è solo 

un entusiasmante tour de force orchestrale; è 

anche un lavoro sorprendente e profondamente 

espressivo, che assimila senza sforzo le melodie 

e i ritmi popolari ungheresi come un imprinting 

personalissimo nella sua colonna sonora accattivante 

e raffinata. A volte cupo e misterioso è il 

lavoro più popolare ed edificante di Bartók, che 

finisce in un turbinio di allegria. L’interpretazione 

di Heras-Casado è ricca di vitalità in questo nuovo 

incontro. Diventa vivace specie nei momenti in cui 

è protagonista la sezione fiati dell’orchestra monacense 

nel movimento Il Gioco delle Coppie, a 

cui risponde il suono intenso e saturo degli archi 

nell’Elegia. 

Perianes suona il pianoforte nel Concerto per pianoforte 

N.3 con grazia quasi mozartiana eppure, 

come lui stesso chiarisce nelle note di copertina, 

in questa magnifica interpretazione non si può 

eludere la tipica scrittura pianistica di Bartók, 

tanto singolare e originale, frutto maturo della 

sua frequentazione con le radici balcaniche. 

C’è una magia sommessa, una specie di voluto 

contenimento che, paradossalmente, provoca 

un senso di eccitazione. Quella stessa intensità 

cristallina che troviamo nella lettura finemente 

risolta di Heras-Casedo del Concerto per orchestra. 

Bartók, contemplando da lontano la sua terra 

natia, immette le melodie ricordate in un canto 

espressivo alle quali Javier Perianes porta un 

grande calore. I due spagnoli diffondono la brama 

di vita del finale con il necessario brio. 

78 I COLORI DEL

BELA BARTÓK 

Targa sulla statua 

di Bartok a Londra. 

sensibilità rigidamente austera che gli era 

propria, con un senso altissimo della moralità 

che la musica deve sempre avere in 

sé; l’autore segue in questo caso un percorso 

ad arco che parte da atmosfere rigide e 

notturne, pervenendo alla fine del lavoro ad 

una sostanziale e serena oggettività. 

Lo spirito vitale di questa composizione 

non lascia intuire i tormenti personali che 

l’autore incontrava in quel momento. La 

guerra, la malattia e la povertà sono tralasciati 

in favore della ricerca verso l’eternità 

della vita. Ascoltando questa monumentale 

opera, costituita da cinque movimenti, 

è facile intuire che una forza potente, 

cruda, creativa è stata scatenata. Il titolo, 

apparentemente contraddittorio, descrive 

il modo in cui gruppi di strumenti in tutta 

l’orchestra prendono vita in modi audaci e 

virtuosistici. I suoni, sorprendenti e disparati, 

emergono in questo “ultimo concerto” 

– tutto pervaso dai ritmi popolari ungheresi, 

dai colori impressionisti e dai modi 

antichi, fughe e a corali di Bach. 

Il Concerto for Orchestra contiene anche 

alcune delle musiche più inquietanti che 

si siano mai immaginate. Questi passaggi 

silenziosi, noti come musica notturna, appaiono 

in numerose opere di Bartók: evocano 

il mormorio inquietante e notturno 

della natura. Questi sono i suoni spettrali 

che sentiamo nell’apertura del primo movimento: 

colori e armonie oscure e velate 

che hanno indubbiamente influenzato 

numerose colonne sonore del cinema di 

Hollywood. Verso la fine del primo movimento 

le corde simulano atmosfere 

ascoltate da gruppi di zingari rumeni. 

Il secondo movimento Allegro scherzando 

è intitolato Gioco di coppie. In ciascuna 

delle cinque sezioni è presente un diverso 

paio di strumenti. Ogni coppia è separata 

da un intervallo distinto. Si ascoltano in 

successione coppie di fagotti, di oboi, clarinetti, 

flauti e trombe. 

Il terzo movimento, Elegia, Andante non 

troppo ritorna l’inquietante musica notturna 

mentre riemergono temi angosciosi 

del primo movimento. Segue un breve 

quarto movimento, Intermezzo interrotto, 

Allegretto. L’interruzione è uno sberleffo 

del pacifista Bartók alla Sinfonia di Leningrado 

di Shostakovich, grande successo 

radiofonico negli USA, diretto da Toscanini 

nel 1942 con la NBC Symphony Orchestra. 

Il tema dell’invasione, pomposo e drammatico, 

nella sinfonia viene richiamato da 

un clarinetto e un trombone tra trilli e glissando. 

Nella realtà Bartók non conosceva, 

o forse non comprendeva, la diversa scelta 

di vita di Shostakovich, quella di rimanere 

sotto il regime di Stalin in Unione Sovietica, 

che gli imponeva ferree restrizioni nella 

composizione, costringendolo a ricorre 

all’ironia, pur di criticare la tirannia. 

Il movimento finale esplode con vorticose 

danze popolari e fughe celebrative. 

È una corsa, selvaggia ed euforica, che 

spinge il Concerto per Orchestra nella 

sua eccitante trascendenza finale. Negli 

ultimi istanti torniamo nella nebbia 

della musica notturna prima di tornare 

alla luce. Bartók ha scritto queste ultime 

battute come parte di una revisione 

poco prima della sua morte. Le note finali, 

giubilanti, salgono nella stratosfera, 

salutandoci con un sonoro, affermativo, 

“Si!”. Bartók morirà di leucemia a New 

York il 26 settembre 1945. 

I COLORI DEL 79

Frank Sinatra 

Il ritorno di “The Voice” 

UN NUOVO CD “EVENTO” 

DELLA UNIVERSAL 

DOCUMENTA TRE 

CONCERTI, TOTALMENTE O 

PARZIALMENTE INEDITI, DI 

FRANK SINATRA, TENUTI FRA 

GLI ANNI 60 E 80. ED È COME 

SE IL RE DI LAS VEGAS FOSSE 

ANCORA FRA NOI. 

testo: Massimo Bargna 


Ol’ blue eyes è tornato. O per 

meglio dire non se n’è mai andato. 

Sì, perché il mito di Frank 

Sinatra, il più grande cantante 

pop e intrattenitore del XX secolo, ha avuto 

dei periodi di appannamento in vita ma 

non dopo la morte. Per celebrarne la grandezza 

gli eredi del suo lascito artistico, le 

figlie Nancy e Tina, hanno pubblicato il 

nuovo Cd triplo STANDING ROOM ONLY, 

testimonianze live di tre importanti della 

sua straordinaria carriera. Il titolo del cofanetto 

(corredato da un libretto fotografico) 

fa riferimento al “tutto esaurito” che 

caratterizzava molte delle esibizioni dal 

vivo di “The Voice”, tanto da costringere 

gli ammiratori ad accontentarsi dei posti 

in piedi, pur di non perdersi lo spettacolo. 

Il Sinatra che incontriamo qui non è l’idolo 

delle ragazzine degli esordi, fenomeno che 

generò una profonda isteria di massa, paragonabile 

alla beatlesmania. Non è nemmeno 

il Sinatra del rilancio che, negli anni 

50, inanellò per la Capitol una lunga serie 

di album indimenticabili, che hanno fatto 

la storia della musica americana. Questo 

lavoro si concentra sulla seconda metà 

della sua vicenda artistica, che cominciò 

all’inizio degli anni 60, quando abbandonò 

la Capitol per fondare la propria casa discografica, 

la Reprise Records: coraggiosa 

dichiarazione d’indipendenza che permise 

al cantante italo americano di ottenere 

il pieno controllo dei propri progetti artistici, 

sebbene ciò non coincise sempre con 

risultati qualitativi di alto livello. All’epoca 

Sinatra era anche il re di Las Vegas, l’uomo 

che insieme agli altri componenti del “Rat 

Pack” (soprattutto Dean Martin e Sammy 

Davis Jr.), faceva sì che schiere di ammiratori 

accorressero nella città del vizio per 

assistere ai suoi show o semplicemente 

per incontrarlo al tavolo da gioco. 

In quell’atmosfera unica, con bulli, pupe e 

gioco d’azzardo, si cala il live del primo Cd, 

registrato al Sands, il casinò di Las Vegas 

di cui Sinatra deteneva il 9% delle quote 

di proprietà. Si tratta di uno dei concerti 

nella leggendaria Copa Room, mentre 

l’orchestra di Count Basie alle sue spalle 

manda fuoco e fiamme con gli stupendi 

arrangiamenti di Quincy Jones. Una registrazione 

di questi spettacoli era stata già 

assemblata nel 1966 in SINATRA AT THE 

SANDS, l’unico suo live ufficiale pubblicato 

in vita, diventato un classico (i sinatrofili 

lo considerano il suo miglior live, insieme 

a LIVE IN AUSTRALIA del ’59 e LIVE IN 

PARIS del ’62). Qui ritroviamo, con una 

scaletta di canzoni simile ma più breve, la 

seconda esibizione del 28 gennaio 1996, 

per la prima volta nella propria interezza. 

Non mancano cavalli di battaglia come 

I’ve Got You Under My Skin, Fly Me To 

The Moon, Luck Be A Lady e You Make 

Me Feel So Young, oltre i brillanti monologhi 

a cui aveva abituato il pubblico. La 

performance è eccellente, dato che Frank 

è al meglio dal punto di vista canoro (nonostante 

un po’ di raucedine che però ben 

si addice all’atmosfera fumosa del locale). 

È evidente che Frank si trova nel suo ambiente 

ideale. A renderlo ancora più sicuro 

e disinvolto è la consapevolezza di poter 

contare su un’orchestra jazz che “spinge” 

a più non posso sui brani ritmici, più un 

pianista, Bill Miller, che nelle ballate contribuisce 

a stabilire la giusta atmosfera 

d’intimità con gli spettatori seduti ai tavoli. 

Anche la qualità della registrazione è superlativa, 

come lo era nel vinile del 1966. 

Count Basie riguardo al collega cantante, 

con cui registrò due dischi in studio, disse: 

“Sinatra è fantastico, una forza continua. 

Non c’è mai stato un solo momento 

di disaccordo. Alle prove sa esattamente 

cosa vuole e mi ha costretto veramente a 

lavorare, facendomi leggere più musica 

di quanto ne abbia letto negli ultimi anni. 

Mi godo ogni minuto di ogni show. Come

potrei perdere interesse, visto che mi sento 

come se dovessi pagare il coperto ogni 

sera?”. Complimento ricambiato da Sinatra 

che disse: “Lavorare con Basie e Quincy 

è stato probabilmente il più eccitante 

ingaggio della mia vita”. 

Il giudizio sugli altri due concerti del cofanetto 

è più sfumato, come lo è il giudizio 

sull’ultima parte della carriera di Sinatra. 

Nel 1971, dopo il fiasco dell’album WA- 

TERTOWN, Frank aveva deciso di ritirarsi. 

Lo aveva fatto con una teatrale uscita di 

scena nel Retirement Concert tenuto il 13 

giugno all’Ahmanson Theater di Los Angeles. 

Prima di volgere le spalle al pubblico 

e sparire dietro le quinte, aveva sussurrato 

l’ultimo verso di Angel Eyes: “Excuse me 

while I disappear...”. Difficile dire se si trattasse 

di un ritiro strategico, una mera operazione 

di marketing o se Sinatra avesse 

realmente capito che dopo più di trent’anni 

sulla cresta dell’onda era giunto il momento 

di mollare. Sta di fatto che a partire 

dal 1973 tornò ad esibirsi. Questa fase è 

documentata dal secondo Cd, il concerto 

allo Spectrum di Philadelphia del 7 ottobre 

1974. Frank non riusciva a stare lontano 

dal palco, questo è certo. Purtroppo i due 

anni di inattività (passati a fumare e a bere, 

oltre che a giocare a golf) non avevano 

giovato alla sua voce, diventata più scura 

e roca. Anche il controllo vocale non era 

più lo stesso ma a ciò sopperiva la consueta 

presenza scenica, unita a una maggiore 

espressività, frutto dell’età e dell’esperienza. 

All’epoca del rientro si era ormai lasciato 

alle spalle il periodo più turbolento della 

sua vita, i primi anni 50. In quel periodo la 

sua celebrità era colata a picco, si era imbarcato 

in una relazione, tanto passionale 

quanto distruttiva, con Ava Gardner. Aveva 

superato anche gli eccessi degli anni 

successivi, quando era tornato ad essere 

una star internazionale. E tuttavia l’allora 

sessantenne Sinatra, nonostante il decadimento 

fisico e la collezione di parrucchini 

che si portava sempre dietro, continuava a 

essere quello di una volta: perennemente 

inquieto e grande animale da palcoscenico. 

Allo Spectrum reinterpreta con vigore i 

vecchi successi (The Lady Is A Tramp, Ol’ 

Man River, I Get A Kick Out Of You) con 

nuovi arrangiamenti e aggiunge qualche 

nuova chicca, come la malinconica Send 

In The Clowns. La grande hit My Way, che 

Sinatra non amava molto, era nel frattempo 

diventata l’acclamato pezzo di chiusura 

degli spettacoli. 

A completare il cofanetto è il concerto alla 

Reunion Arena di Dallas, Texas, del 24 ottobre 

1987. L’implacabile trascorrere del 

tempo si fa sentire eccome: non potrebbe 

essere altrimenti. Per i fan del Sinatra 

dei tempi d’oro, quello dalla voce flessibile 

e intonata, dal fraseggio ammaliante 

e dal caratteristico “legato” che conferiva 

un’impronta unica alle sue interpretazioni, 

sarà doloroso prendere atto di come 

la magia fosse scomparsa. Le corde vocali 

ormai non reggevano più. La voce 

era debole e incrinata, non solo nel canto 

ma anche nel parlato. Eppure, l’uomo in 

smoking che si aggirava col microfono 

sul palco, manipolando a suo piacimento 

gli umori del pubblico, di cui ha sempre 

avuto grande rispetto, è ancora lui, lo 

stesso di sempre, con la sua inesauribile 

energia e il suo enorme talento artistico. 

Per i più era ormai una specie di monumento 

nazionale ma, a ben guardare, nel 

candore del suo sorriso, si scorgeva ancora 

il ragazzo italo-americano che, a metà 

degli anni 30, si esibiva nei locali di Hoboken, 

la sua città natale nel New Jersey, 

sognando la gloria e il successo. 

I COLORI DEL 81

Kate Bush, 

Londra 1989. 

82 I COLORI DEL

Wall of Sound 

GUIDO HARARI È UNO POCHI FOTOGRAFI CHE È RIUSCITO 

A VIVERE NELLA MUSICA, ESPRIMENDONE LE EMOZIONI 

PIÙ INTENSE, SENZA FARSI STRANGOLARE DA QUEL 

MONDO. NON A CASO HA SAPUTO ALLARGARE I PROPRI 

ORIZZONTI FOTOGRAFICI OLTRE LA MUSICA, ANCHE SE NE 

RIMANE, INEVITABILMENTE, UN AMANTE APPASSIONATO… 

testo: Guido Bellachioma foto: Guido Harari 

info: www.wallofsoundgallery.com 

Nato il 28 dicembre 1952 in 

Egitto (Il Cairo), nei primi 

anni 70 comincia l’attività 

di giornalista e fotografo, e 

in poco tempo si fa apprezzare per la sua 

capacità di lettura della musica abbinata 

all’immagine. Le sue visioni hanno 

impreziosito le pagine di «Ciao 2001», 

«Giovani», «Gong», «Rockstar», «Rock 

& Folk», «Mojo», «Linea Uomo», «Sette», 

«Max», «King», «SportWeek», «L’Uomo 

Vogue». Ovviamente lavora anche a molte 

copertine, come quelle, tanto per citarne 

qualcuna di Kate Bush, Acqua Fragile, 

Paolo Conte, David Crosby, Pino Daniele, 

Bob Dylan, B.B. King, Mia Martini, Paul 

McCartney, Osanna, Klaus Schulze, Stomu 

Yamash’ta, Mauro Pagani, Michael 

Nyman, PFM, Banco, Lou Reed, Simple 

Minds e Frank Zappa, Soft Machine, 

Santana, Mia Martini, Fabrizio De André. 

Guido Harari ha conosciuto e fotografato 

i più grandi miti della musica, anche 

molto diversi tra loro: Fabrizio De 

André a Bob Dylan, Bob Marley, Vasco 

Rossi e Frank Zappa. Lou Reed ha detto 

di lui: “Sono sempre felice di farmi fotografare 

da Guido. So che le sue saranno 

immagini musicali, piene di poesia e di 

sentimento. Le cose che Guido cattura 

nei suoi ritratti vengono generalmente 

ignorate dagli altri fotografi. E poi un 

certo genere di immagini è possibile 

solo con una persona amica, non con un 

estraneo. Io considero Guido un amico, 

non un fotografo, ed è per questo che riesce 

a cogliere immagini come le sue”. 

Nel 2011 Guido e Cristina Pelissero hanno 

inaugurato ad Alba (Cuneo) la Wall 

Of Sound Gallery, colmando una lacuna 

nell’ambito del collezionismo fotografico 

in Italia. Con l’obiettivo di creare una 

specialissima capsula del tempo dove 

l’immaginario collettivo può riconnettersi 

con l’emozione visuale della musica e 

Guido 

Harari 

insieme 

a Brian 

Eno. 

«SENZA 

L’IMMAGINE 

SAREBBE 

IMPENSABILE POTER 

CAPIRE A FONDO 

LA MUSICA» 

GUIDO HARARI 

della sua cultura, Guido e Cristina hanno 

dato vita ad un luogo ideale per gli appassionati 

di musica e di fotografia, per collezionisti 

abituali e anche per chi vorrebbe 

muovere i primi passi in questo ambito. 

Tra fotografie di gran qualità delle icone 

leggendarie della musica e anche immagini 

meno conosciute o finora non disponibili, 

preziosi volumi in edizione limitata 

e manifesti d’epoca, la galleria è in grado 

di soddisfare qualunque esigenza anche 

per chi è alla ricerca di un regalo speciale 

per sé o per altri. Forte di un’esperienza 

più che quarantennale come fotografo, 

autore di libri e curatore di mostre, Guido 

ha ampliato i propri orizzonti procedendo, 

insieme a Cristina e alla grafica Anna 

Fossato, al restauro di archivi dimenticati, 

contribuendo a riaccendere l’interesse 

di pubblico e media per fotografi storici, 

come ad esempio Art Kane e Joe Alper, 

rendendo le loro incredibili immagini 

di nuovo o per la prima volta disponibili 

sul mercato. Rappresentando un numero 

sempre crescente di fotografi internazionali 

di chiara fama e la crema degli autori 

italiani del genere, Wall Of Sound Gallery 

è divenuta rapidamente il punto di riferimento 

per qualunque acquirente di fotografie 

musicali fine art. La galleria pubblica 

inoltre i suoi libri/cataloghi e cura/ 

produce mostre per musei. 

Dal 29 giugno al 26 agosto la Galleria 

Nazionale dell’Umbria di Perugia ha allestito 

la mostra Wall of Sound con oltre 

100 foto di Guido Harari: corposo viaggio 

in cui perdersi letteralmente dentro 

visioni irresistibili. 

I primi passi 

Sin da piccolo ho amato le immagini 

che mi affascinavano sulle copertine dei 

dischi, specialmente degli artisti che più 

amavo musicalmente. Probabilmente mi 

sono avvicinato alla fotografia per riuscire 

ad entrare in contatto con loro. Allora 

questo sembrava possibile, oggi, probabilmente, 

a nessuno verrebbe in mente, 

I COLORI DEL 83

GUIDO HARARI 

visto che gli artisti sono sempre più lontani 

dai propri fan. Proprio questa passione 

profonda per la musica mi ha portato ad 

essere identificato specializzato in quel 

settore. Nel corso degli anni 90 sono riuscito 

ad aprirmi ad altri settori, come il 

ritratto, la pubblicità, la moda, il reportage, 

anche se non ho mai abbandonato il 

primo amore. 

Esperienza negli anni 70… 

Ho cominciato nel 1971-72, proponendo 

interviste e fotografie a storiche testate 

musicali come «Giovani» e «Ciao 2001». 

I miei modelli di riferimento erano l’americano 

«Rolling Stone» per le interviste, 

lunghe ed esaurienti, e il francese 

«Rock & Folk», all’epoca l’unico mensile 

di musica patinato con foto a colori del 

grande Jean-Pierre Leloir. Era tutto più 

semplice. I discografici ti ricoprivano dei 

vinili più pazzeschi, da Tim Buckley a 

Frank Zappa, da Captain Beefheart a Ry 

Cooder: nessun giornalista mainstream 

avrebbe degnato quegli artisti di un minimo 

di attenzione. Fu la fortuna di giornalisti 

come Riccardo Bertoncelli, Enzo 

Gentile e fotografi come me e Armando 

Gallo, invitati in tutto il mondo per interviste, 

foto e concerti incredibili. 

Poi mi trasferii per un periodo a Londra, 

quando, a causa dell’eccessiva politicizzazione 

dei concerti, i grandi gruppi smisero 

di esibirsi in Italia per diversi anni. 

Conobbi così Bob Marley, i Clash, i Police 

e tanti altri. In quegli anni realizzai anche 

le mie prime copertine di dischi: in Italia 

i primi due dischi di Gianna Nannini e 

all’estero una serie di copertine di Klaus 

Schulze, da MOONDAWN a MIRAGE e 

BODY LOVE. 

Sei stato per molti anni vicino a Fabrizio 

De Andé… 

Sono entrato in contatto con Fabrizio grazie 

a Franz Di Cioccio della Premiata Forneria 

Marconi. Nel 1979 doveva partire il 

tour Fabrizio/PFM, che sarebbe diventato 

Peter Gabriel, 

Sanremo 1983. 

84 I COLORI DEL

GUIDO HARARI 

leggendario, e io ne sono stato il fotografo 

ufficiale. La nostra collaborazione ventennale 

venne interrotta solo dalla sua 

morte. Nel 2008 io e Franz abbiamo realizzato 

il libro Fabrizio De André & PFM. 

Evaporati in una nuvola rock, che raccontava 

l’esperienza proprio di quei concerti 

insieme. In realtà fu il primo tour di 

De André, almeno come s’intende una serie 

di concerti rock, programmati poi con 

un gruppo storico come la PFM. Ovvio 

che ci fosse una enorme attenzione, sia da 

parte dei media che del pubblico. Il risultato 

artistico fu notevole, più importante 

di quello commerciale. Oggi sarebbe tutto 

militarizzato come organizzazione, mentre 

allora la divisione tra artisti e il pubblico 

era praticamente nulla. Mancavano 

persino i pass di servizio: ognuno doveva 

riconoscere tutti, altrimenti ci si sarebbe 

dovuto affidare agli odori personali. Certo 

era anche il periodo delle forti contestazioni, 

per quello tanti artisti stranieri non 

venivano in Italia, pure a Fabrizio e alla 

PFM ne toccò qualcuna ma non avevano 

certo paura. Sul palco viaggiavano che 

era una meraviglia, la loro unione era ormai 

consolidata anche dai molti concerti 

di un tour lungo. Il concerto del tre gennaio 

a Genova fu interamente ripreso dall’emittente 

televisiva Tivuesse e trasmesso, 

ma purtroppo se ne sono perse le tracce. 

Non ci siamo visti quanto mi sarebbe piaciuto 

perché nei suoi confronti provavo 

sempre un po’ di timore, forse dovuto alla 

sua profonda cultura, però ero riuscito a 

rompere un po’ della sua diffidenza verso i 

fotografi, forse perché mi ponevo in modo 

autentico e lui, probabilmente, riconosceva 

questa sincerità nei miei scatti. Certo 

non è stato facile fotografare “oltre” il 

palcoscenico come avrei voluto. Fabrizio 

dormiva sempre fino a tardi, arrivava per 

le prove e dopo il concerto scappava via 

con l’autista. 

Francesco Di Giacomo /Marcello Todaro – 

Banco del Mutuo Soccorso, Genova 1973. 

«LA BELLEZZA DI 

POTER SCAMBIARE 

EMOZIONI AL 

DI FUORI DELLA 

FOTOGRAFIA DA 

REALIZZARE È 

STATO UN VERO E 

PROPRIO REGALO 

DELLA VITA» 

GUIDO HARARI 

Quale era la tua attrezzatura e cosa usi 

oggi, come si è trasformata la fotografia 

dalla pellicola al digitale? 

Lo sguardo, la capacità di leggere la realtà 

e “vedere” il prossimo, non è cambiato nel 

passaggio dall’analogico al digitale. Oggi 

però si scatta a costo zero, e questo purtroppo 

va a detrimento del pensiero che 

dovrebbe essere alla base di ogni immagine. 

Agli inizi ho usato delle Pentax ES, 

che avevo visto in mano ai Beatles, poi 

sono passato alle Nikon FE e FE2 per il 

formato 35 mm, soprattutto ai concerti. In 

studio usavo una Hasselblad per il medio 

formato e le copertine di dischi, sostituita 

in seguito da una Mamiya RZ6x7. Con 

l’avvento del digitale mi sono spostato su 

Canon EOS Mark II e, ultimamente, su 

Leica V-Lux. 

…gli artisti con cui sei più entrato in sintonia? 

In Italia con Mia Martini, PFM, Fabrizio 

De André, Pino Daniele, Branduardi, Finardi, 

Vinicio Capossela, Vasco Rossi. 

All’estero con Lou Reed, Laurie Anderson, 

Kate Bush, Peter Gabriel, Joni Mitchell, 

Frank Zappa, Simple Minds. Ho 

imparato ad apprezzare Joni Mitchell per 

la profondità dell’autoanalisi nei suoi testi, 

che abbina alla musica in modo sublime. 

Probabilmente la prima artista femminile 

a rendere così manifesto il proprio 

percorso di crescita attraverso le canzoni 

composte e incluse nei suoi album. Da 

BLUE a MINGUS il viaggio è notevole, 

ma ne potrei citare altri e il risultato non 

cambierebbe. La bellezza di poter scambiare 

emozioni al di fuori della fotografia 

da realizzare è stato un vero e proprio 

regalo della vita. Anche con Lou Reed, il 

cui percorso personale era decisamente 

più difficile e lo aveva reso più riservato, 

il rapporto è stato molto intenso. Abbia- 

I COLORI DEL 85

GUIDO HARARI 

mo condiviso la passione per la musica e 

per la vita, vivendo nel presente e non nel 

passato. Ogni artista ama catapultarsi in 

avanti, immaginare aperture nuove per la 

sua forma d’arte, e io ho scelto di non fare 

mai riferimento al loro glorioso passato. 

Questo, forse ancor più delle mie foto, ha 

creato una sintonia unica. 

Fotografare dal vivo e in studio… 

Il grande Art Kane, uno dei miei maestri, 

considerava la fotografia live una perdita 

di tempo. Per lui era cruciale “possedere” 

il soggetto delle sue foto, in maniera totale 

ed esclusiva. Per me il live è importantissimo 

perché ti permette di studiare 

a fondo la gestualità dell’artista e allenare 

il tuo sguardo a funzionare come una 

seconda natura. Il che ci porta al discorso 

del ritratto, a un’indagine intima dell’altro, 

sia esso musicista o altro. Per anni ho 

montato il mio studio portatile in alberghi, 

sale d’incisione, sottoscala, palasport, camerini 

e perfino parcheggi, pur di ritrarre 

i musicisti che amavo. L’ho fatto con gioia 

e costanza, anche solo per scattare in una 

manciata di secondi. Ne valeva la pena. 

Da tempo però preferisco rinunciare a 

occasioni così precarie, per concentrarmi 

sul soggetto con tutto il tempo possibile a 

disposizione. 

Il ruolo dell’immagine nella musica… 

Totale! Senza l’immagine sarebbe impensabile 

poter capire a fondo la musica, 

qualsiasi musica. È stato così inizialmente 

per il jazz: pensa alle fotografie di Gjon 

Mili, William Claxton, Herman Leonard, 

Jim Marshall. Ascoltavi Charlie Parker 

o Thelonious Monk, avendo negli occhi 

quei completi gessati fuori taglia, il fumo 

dei locali, il sudore, e la discriminazione 

razziale, ovviamente. E poi, nel rock, 

Hendrix e la chitarra incendiata a Monterey 

nel 1967, le chitarre spaccate dagli 

Who, il festival di Woodstock… e ancora 

il punk degli anni 70. Per non dire della 

grafica per copertine di dischi e manifesti, 

dalla psichedelia al progressive, da Rick 

Griffin a Roger Dean (Yes, Gentle Giant), 

Paul Whitehead (Genesis) e Hipgnosis 

(Pink Floyd, Peter Gabriel, Led Zeppelin). 

I tuoi gusti musicali negli anni 70 e 

oggi. Cosa ti rimane della musica di 

quel periodo? 

I miei gusti sono un caleidoscopio in 

costante evoluzione. Ho amato e amo 

tutt’ora Marvin Gaye e Peter Gabriel, 

Nina Simone e Cocteau Twins, Zappa e 

Nusrat Fateh Ali Khan, Leonard Cohen e 

Radiohead. Ma, come sosteneva Jaco Pastorius, 

la musica è arcobaleno puro, nessun 

confine. La musica è il massimo paradigma 

di inclusività (una volta si usava 

il termine “contaminazione”): una lezione 

civile, prim’ancora che artistica. 

Pink Floyd, 

Londra 1977. 

86 I COLORI DEL

GUIDO HARARI 

Patti Smith 

I COLORI DEL 87

L’uomo 

del vinile 

ha detto sì! 

LA SONY MUSIC ITALIA NEL CORSO DEGLI ULTIMI ANNI 

HA AVUTO GRANDE CURA DEL PROPRIO CATALOGO, 

CHE PUÒ CONTARE SU ETICHETTE CHE HANNO FATTO 

LA STORIA DELLA MUSICA, ITALIANA E INTERNAZIONALE. 

INTERVISTIAMO IL CURATORE PRINCIPALE DEL NUOVO 

CORSO DEL VINILE IN SONY, COMPRESA LA COLLANA, 

CHE A NOI INTERESSA PARTICOLARMENTE, A 24BIT/192 

KHZ: PAOLO MAIORINO 

testo: Guido Bellachioma 

Steve 

Hackett 

Come arrivi alla discografia e 

qual è il tuo ruolo oggi? 

Provengo dal giornalismo 

musicale e sono entrato in 

discografia nel 1992. Inizialmente ho lavorato 

in Emi, nel 1995 sono passato alla 

Columbia e nel 2000 alla Bmg-Ricordi. 

Sono andato sotto l’ombrello Sony intorno 

al 2004, quando ha inglobato la BMG. 

Nella mia carriera mi sono occupato di 

repertorio italiano ed internazionale, sia 

marketing che promozione; dal 2011 

sono a capo della divisione catalogica di 

Sony Music. Le mie aree di competenza 

sono estese all’immenso catalogo Sony, 

dato che ha una marea di etichette, tra 

cui mi piace ricordare Epic, Columbia, 

RCA, Ricordi, Cramps, Numero Uno. 

Quanto è importante la musica ancora 

oggi nella sua vita? 

La musica per me vale veramente tanto, 

tantissimo. È la mia passione prima di 

tutto, diventata lavoro e professione gra- 

Da sinistra: Nicola Di Già, 

Tony D’Alessio, Vittorio Nocenzi, 

Marco Capozi, Fabio Moresco, 

Filippo Marcheggiani. 

88 I COLORI DEL

zie anche agli studi effettuati negli Stati 

Uniti nella seconda metà degli anni 80. 

Sono entrato nel mondo della musica 

come appassionato consumatore in età 

giovanissima, visto che già a nove anni 

acquistavo i miei primi 45 giri; mentre 

lavorativamente ho iniziato a 20 anni. 

Motivo per cui mi sento di dire a pieno 

titolo: una vita per la musica. 

Ho avuto la fortuna di conoscere la musica 

attraverso i vinili prima e i Cd dopo, 

naturalmente ho seguito la parabola 

che la tecnologia ha comportato. Adesso 

con la riscoperta del supporto in vinile 

provo una sensazione di flashback, 

che ovviamente stimola in me la curiosità 

di riscoprire e far riscoprire tesori 

del passato. 

Quanto è significativo oggi il vinile nel 

mercato odierno, non solo a livello di 

numeri? 

Il mercato del vinile è in costante ascesa 

ed è oggi una splendida realtà. Costituisce 

il 20-25% del mercato fisico ed è un dato 

destinato a crescere, anche considerando 

il declino del supporto digitale. Nell’ottica 

generale delle quote di mercato il vinile 

ha preso idealmente il posto del downloading, 

che a sua volta è stato spazzato via 

dallo streaming. Poteva essere interpretato 

come un fenomeno passeggero e legato 

alla riscoperta del vintage, ma il tasso di 

crescita, verticale e costante, testimonia 

che in realtà è ben più un momento occasionale. 

In paesi come la Svezia, nazione 

madrina di Spotify, costituisce il 7% del 

mercato complessivo, quando il restante 

93% è rappresentato proprio dallo streaming. 

Sono dati importanti, che fanno 

riflettere. In Italia già da qualche tempo 

è stata istituita una classifica ufficiale dei 

vinili, composta di 20 posizioni. È un altro 

segnale di quanto e come il supporto vinile 

stia incidendo sul mercato discografico. 

Sul lato produttivo per noi è stato un cambiamento 

notevole, che ha comportato 

un riassetto totale della filiera di lavoro. 

Abbiamo stilato una tabella di marcia su 

base biennale, che prevede la ristampa di 

tutta una serie di titoli del repertorio italiano 

iconico degli anni 60, 70 ed 80, ma 

anche cose più recenti; senza considerare 

la mole di prodotto di artisti internazionali 

che ci arrivano dagli Stati Uniti e 

dall’Inghilterra, che si basano per la maggior 

parte su produzioni a 180 grammi e 

spesso in pasta colorata. Come business 

è indubbiamente un cambio significativo, 

che sta vivendo la nascita di nuove 

aziende e fabbriche in Italia ed in Europa, 

perché il fenomeno è ampiamente esteso 

a tutto il Vecchio Continente. 

Come nasce l’operazione vinile a 192 

kHz e come si è sviluppata? Quali sono 

gli artisti che in questo campo ti hanno 

dato più soddisfazioni? Nel senso che 

sono stati recepiti meglio dagli addetti ai 

lavori e dal pubblico? 

Nasce da una precisa esigenza di qualità. 

La rinascita del vinile inizialmente era 

Maiorino e 

De Gregori 

«LA RISCOPERTA DEL VINILE È LA MOLLA 

CHE GIUSTA PER RIPORTARE IN VITA 

CAPOLAVORI DEL PASSATO, OLTRE A 

SCOPRIRE MOLTE COSE DEL PRESENTE» 

legata alla riproduzione delle lacche, non 

utilizzavamo i master analogici originali, 

bensì le copie digitali, che nel frattempo 

venivano utilizzate per stampare i Cd. 

Dunque, almeno all’inizio, non c’era reale 

differenza di suono tra i due supporti. Ma 

il vinile doveva tornare a vivere nella sua 

dimensione originale. E per farlo doveva 

restituire agli appassionati quel calore 

che solo una riproduzione fedele, tratta 

dall’analogico, poteva dare. Da lì nasce l’idea 

di ulteriormente migliorare la qualità 

con il 24 bit/192 kHz, perché, di fronte al 

dilagare degli mp3 e della fruizione della 

musica spesso da mobile, abbiamo deciso 

al contrario di puntare su una qualità 

mai raggiunta prima. I media e il pub- 

I COLORI DEL 89


Sons of 

apollo 

blico hanno dimostrato di apprezzare 

oltre ogni più rosea previsione questa 

iniziativa: una soddisfazione enorme, 

concepita e realizzata da appassionati 

per la fruizione di altri appassionati. La 

qualità sonora espressa da MASTERS di 

Lucio Battisti ha probabilmente espresso 

un nuovo parametro in Italia, regalandoci 

un Battisti nuovo, più caldo e profondo. E 

da lì siamo passati a TU CHE MI ASCOL- 

TI INSEGNAMI di Fabrizio De André e 

COME È PROFONDO IL MARE di Lucio 

Dalla. Tutti e tutto con la qualità, inconfondibile 

ed a questo punto irrinunciabile, 

del 24 bit/192 kHz. Un livello qualitativo 

a cui prima i media poi gli appassionati 

si sono velocemente abituati. 

Quali sono i progetti futuri in questo 

settore ? 

È logico che per proseguire su questa 

strada dobbiamo poter disporre dei master 

originali. Per questo motivo stiamo 

andando regolarmente in Germania, dove 

tutto l’immenso archivio di Sony Music è 

conservato. Nella maggior parte dei casi 

i master sono stati ritrovati e rigenerati; 

purtroppo in alcuni, per fortuna pochi 

casi sporadici, sono risultati smarriti o 


«UN ADEGUATO 

IMPIANTO HI FI 

PUÒ FAR RENDERE 

AL MEGLIO 

QUALSIASI 

VINILE» 

danneggiati. Stiamo procedendo per priorità, 

concentrando la nostra attenzione 

sui cataloghi di Lucio Battisti, Fabrizio De 

André, Rino Gaetano, Francesco De Gregori, 

Lucio Dalla. Ma è solo questione di 

tempo arrivare anche agli altri. 

C’è poi un capitolo a parte dedicato al 

prog italiano degli anni 70. Pfm, Banco, 

Trip, Rovescio della Medaglia, i classici 

della Cramps, dagli Aerea ad Arti & Mestieri, 

poi Demetrio Stratos e tanti altri… 

Quindi nel momento in cui la musica liquida 

e lo streaming sembrano ormai 

killer del Cd il vinile “rilancia”? 

Come detto prima il vinile si è ritagliato 

il suo spazio ed è ovviamente oggetto 

da collezione e di qualità. Però sarebbe 

errato pensare che sia un supporto 

destinato a fasce d’età alte. Le nuove 

generazioni stanno scoprendo per la 

prima volta questo fantastico supporto, 

dimostrando di apprezzarlo molto. 

E poi c’è da dire che c’è stato un decennio 

intero, a cavallo tra gli anni 90 ed i 

primi 2000, dove un numero consistente 

di titoli non furono mai realizzati in 

vinile. E naturalmente stiamo pensando 

anche a quelli. In assoluto non credo sia 

corretto demonizzare la musica liquida, 

sebbene io sia un accanito sostenitore 

del “fisico”. Cambiano le generazioni. La 

tecnologia inevitabilmente influenza la 

fruizione della musica, ma i due mondi 

possono tranquillamente coesistere. 

Il vinile sembra avere le carte in regola 

per continuare a crescere ed affermarsi 

sul mercato italiano cosi come in quello 

Europeo. I prossimi due anni saranno 

ovviamente di vitale importanza per legittimare 

queste aspirazioni. 

Ascolti musica a casa con un impianto 

hi fi? 

Assolutamente sì. Ascolto musica in 

prevalenza da supporto vinile. Il suo


suono caldo si lascia sempre preferire. 

Detto questo non mi considero un talebano. 

A mio avviso lo streaming e la 

musica liquida in generale, che la tecnologia 

ci ha portato, sono solo un modo 

diverso di fruire quel fantastico tesoro 

che è la musica. Ed i due mondi possono 

tranquillamente andare avanti insieme. 

Nella discografia continuerò strenuamente 

ad impegnarmi nel lavoro di ricerca 

e riscoperta del nostro patrimonio, 

che mi piace pensare sia culturale prima 

ancora che artistico. Tra l’altro anche 

nelle autovetture prodotte negli ultimi 

due tre anni stanno sparendo i lettori 

Cd a vantaggio delle connessioni wi-fi e 

bluetooth. È solo uno specchio dei tempi 

che cambiano, ma è logico pensare che 

all’interno delle mura domestiche un 

buon impianto hi fi resti la fonte più autorevole 

per l’ascolto della musica. 

È logico che ci siano degli artisti che su 

vinile rendano più di altri. Mi viene in 

mente Rino Gaetano, i cui collezionisti 

si contendono ogni nuova release. Ma ci 

sono anche delle chicche, come i picture 

disc di Raffaella Carrà che esauriscono 

le nuove tirature in pochi giorni. Ci sono 

poi le nicchie di mercato, che in realtà 

hanno mantenuto sempre un flusso di 

vinile costante nel tempo. Parlo del jazz, 

dell’heavy metal, del blues e, appunto, 

del prog. Da un paio d’anni abbiamo 

comprato l’etichetta tedesca Century 

Media, che per ogni sua release, al ritmo 

di circa 6-7 titoli a settimana pubblica sia 

la versione Cd che vinile, spesso in edizioni 

particolarmente lussuose e costose. 

La Inside Out, label di prog moderno 

di Century Media ha pubblicato nel corso 

di questi anni gruppi fortunati come i 

Sons of Apollo di Mike Portnoy, i Kaipa, 

Spock’s Beard, Beardfish, Transatlantic, 

ma anche i dischi solisti di tre grandissimi 

chitarristi, tutti curiosamente di 

nome Steve: Hackett, ex Genesis, Howe, 

ex Yes, e Rothery, mente dei Marillion. 

Ecco tre perfetti esempi di successo di 

vendita in supporto vinile. Senza considerare 

che la Inside Out ha avuto il coraggio 

di volgere la propria attenzione 

ai grandi gruppi del passato, tuttora in 

attività, come gli americani Kansas o gli 

italiani PFM, tornati ad incidere un nuovo 

album di brani inediti, EMOTIONAL 

TATTOS, 11 anni dopo lo strumentale 

STATI D’IMMAGINAZIONE. 

E sono felice di poter anticipare il solido 

e concreto interesse della stessa etichetta 

anche per il potenziale nuovo album concept 

del Banco del Mutuo Soccorso. Potrebbe, 

ed è davvero d’obbligo utilizzare 

il condizionale, vedere la luce nel 2019. 

Il titolo è TRANSIBERIANA. Restando in 

Italia Lucio Battisti e Fabrizio De André 

la fanno da padroni, insieme a Rino Gaetano, 

ma anche Francesco De Gregori, 

Lucio Dalla e Ivano Fossati restano tra le 

discografie più apprezzate su vinile. 

Steve 

Rothery 

I COLORI DEL 91

Rory Gallagher: 

una storia Rock’n’Blues 

RICORDIAMO IL CHITARRISTA IRLANDESE NEL 40ENNALE 

DELL’ALBUM PHOTO-FINISH, UNO DEI SUOI MIGLIORI 

LAVORI. RILEGGIAMO INSIEME L’INTERVISTA CHE IL 

GIORNALISTA MARK STEVENS GLI FECE IL 1° DICEMBRE 

1978, PUBBLICATA NEL NUMERO DI FEBBRAIO 1979 DA 

TRIAD, RIVISTA DI LOS ANGELES. 

Rory Gallagher nasce a 

Ballyshannon (2 marzo 

1948), quasi sul confine 

tra la Repubblica d’Irlanda 

e il Nord Irlanda, più vicino 

a Belfast che a Dublino, anche se 

cresce a Cork. Muore a soli 47 anni 

al King College Hospital di Lon- 

dra (14 giugno 1995) in 

seguito alle complicazioni 

per il trapianto del fegato, dovuto ai 

problemi creati dall’alcolismo. Il chitarrista 

dallo strumento volutamente scrostato 

(Stratocaster Sunburst del 1961, 

numero di serie 64351, acquistata usata 

per 100 sterline al Crowley’s Music 

Center di Cork) ha avvicinato il rock al 

blues con purezza d’intenti, raramente 

riscontrabile in altri artisti, pure più 

celebrati, prima coi Taste (1966-1970) 

poi da solista. Aveva notevole tecnica, 

aggressiva e sofisticata, supportata da 

una voce sofferta e tagliente. Nel 1972 

la rivista Melody Maker lo incorona miglior 

chitarrista dell’anno, al secondo posto 

un certo Eric Clapton. Ancora oggi è 

considerato uno degli eroi più splendenti 

della sei corde, sia dal pubblico che dalla 

critica e dai colleghi. Joe Bonamassa, 

forse il chitarrista rock-blues più popolare 

al momento, non ha mai nascosto il 

profondo amore per lui; in concerto esegue 

a volte brani di Rory, tra cui Cradle 

Rock da TATTOO, potente rock blues, 

che evidenzia le radici di Bonamassa, 

molto vicine al blues revival europeo. Il 

21 ottobre 2011 Sandi Thom, cantante 

scozzese e ragazza di John, invita Donal 

e Dan Gallagher, rispettivamente fratello 

e figlio di Rory, al concerto di Bonamassa. 

Loro gli portano la leggendaria 

Stratocaster al London Hammersmith 

Apollo per suonare proprio Cradle Rock: 

ripeteranno il gesto il 30 marzo del 2013 

TOP ALBUM TASTE 

ON THE BOARDS (1970) 

TOP ALBUM GALLAGHER 

RORY GALLAGHER (1971), 

DEUCE (1971), 

BLUEPRINT (1972), 

TATTOO (1973), 

IRISH TOUR ‘74/LIVE (1974), 

CALLING CARD (1976), 

PHOTO-FINISH (1978), 

FRESH EVIDENCE (1990) 

In alto a sinistra Rory Gallagher a Manchester nel 1977. 

Sopra la copertina di PHOTO-FINISH. 

92 I COLORI DEL

Rory nel backstage 

all’Ulster Hall, Belfast, 

6 gennaio 1979. 

«ALCUNI 

MI VEDONO COME 

L’ULTIMO CROCIATO 

DEL BLUES PERCHÉ 

MI COMPORTO A MODO 

MIO, FREGANDOMENE 

DELLE REGOLE» 


alla Royal Albert Hall. Bonamassa ricorda 

quei momenti: “Amavo Rory. Da 

ragazzo rimasi impressionato da Cradle 

Rock. Pensai: Voglio essere così da 

grande. Guardavo le foto sui suoi album: 

sembrava uno dei ragazzi che lavorava 

nella fabbrica di mio padre. Aveva l’atteggiamento 

del working class hero. Un 

giorno Sandi, mi ha detto che mi avrebbe 

fatto il regalo di compleanno e di Natale 

insieme. Non avevo idea di cosa intendesse! 

Poi mi ha rivelato che Donal mi 

avrebbe portato la Stratocaster di Rory 

per suonarla. Ricordo di aver pensato: mi 

stai prendendo in giro? Invece era vero. 

Nel camerino ho trascorso un paio d’ore a 

guardarla: mi sembrava di stare insieme 

a Rory. Ho cambiato le corde, probabilmente 

era la seconda volta dalla sua morte. 

Poi l’ho collegata e iniziato a suonarla. 

Immediatamente ero in modalità Rory. 

Le armoniche, la sensazione di tenerla al 

collo. Era una grande chitarra, soprattutto 

era la SUA chitarra: prenderla in mano 

è stato il momento più bello che ho vissuto 

da fan. Lui ha suonato così tanto quello 

strumento che i contorni sono rovinati in 

molti punti. Potevo quasi percepire dove 

si erano posate le sue mani. È stato commovente. 

Avrei voluto suonarla tutta la 

notte, invece ho dovuto passare a una Les 

Paul per le mie altre canzoni”. 

Dal vivo Rory Gallagher era una potenza 

della natura e il pubblico ne era letteralmente 

affascinato, dall’inizio coi Taste 

(con cui suonò davanti a una folla oceanica 

all’edizione 1970 del festival dell’isola 

di Wight) alla fine nei club più piccoli. 

Eppure non era mai soddisfatto delle 

proprie performance, come testimoniato 

dal suo bassista Gerry McAvoy (poi nei 

Nine Below Zero): “Non discutevamo mai 

a proposito di quello che avremmo suonato. 

Rory semplicemente lanciava i brani 

senza avvertire: serviva l’aiuto di Dio 

se tu non eri pronto. Ogni performance 

era al massimo, proprio al limite, spesso 

ai confini del disastro. E noi alla fine lasciavamo 

il palco, dopo il terzo o il quarto 

bis, esausti e fradici di sudore, tra i rumorosi 

applausi dei fan, adoranti ed esausti 

anch’essi. Ma, qualsiasi fosse la reazione, 

era raro per lui essere veramente soddisfatto 

dell’esibizione”. 

Nel 2017 la Chinaski Edizioni ha pubblicato 

Il bluesman bianco con la camicia a 

quadri, primo libro italiano su Rory Gallagher, 

scritto da Fabio Rossi. 

I COLORI DEL 93


Locandina programmazione del Piper 2000 di Viareggio, 

estate 1972. 

The Venue, 

Londra, 1980. 

«CONOSCO TUTTI I TIPI DI BLUES... QUELLO 

DELLA CAROLINA, DI CHICAGO, DEL DELTA, 

IL RAGTIME BLUES, PERÒ AMO EDDIE 

COCHRAN, DJANGO REINHARDT O IL 

FLAMENCO. NON CREDO SIA SBAGLIATO» 


Come mai suoni allo Starwood Ballroom 

e non in una grande sala davanti ad un 

pubblico più vasto? 

Se avessi voluto avrei potuto suonare al 

Civic o allo Shrine. Questo tour è nato per 

i club, anche se qualcuno potrebbe pensare 

che sia dovuto a un calo di popolarità, 

ma non è così. Volevo solo andare nei 

club senza essere coinvolto in un grande 

guazzabuglio di concerti con Aerosmith 

e simili, cosa successa precedentemente. 

Volevo ritornare all’essenzialità della 

musica, vivere la mia musica nei piccoli 

posti per divertirmi. È una sensazione 

grandiosa, soprattutto ora con la nuova 

formazione. È dura suonare due volte a 

notte, perché non è per 45 minuti bensì 

per due o tre ore. È stato fantastico all’ 

Elmer Campbell di Torontoe e al Bottom 

Line di New York per un paio di notti. 

Questo contatto diretto con la gente ti rimette 

coi piedi per terra. Ma la prossima 

il tour sarà più grande. 

Che cosa hai fatto negli ultimi due anni? 

Sei stato via per tanto tempo rispetto al 

tuo solito. 

Avevo pensato di pubblicare un album 

entro il primo gennaio 1978, infatti sono 

stato in studio l’anno scorso. Pensavo 

davvero che ci sarei riuscito, però mi 

sbagliavo. Ho lavorato duramente per 

riuscirci ma le cose si sono complicate 

in studio. Ho dovuto tornarci per un altro 

paio di settimane, in modo da incidere 

ancora. Non è servito a catturare la scintilla 

giusta: ho perso altri tre mesi in sala. 

Ad ogni modo ero stufo della situazione 

anche se quel lavoro mi costava una fortuna. 

Alla fine ho letteralmente rottamato 

l’album. Non avrei mai pensato che 

succedesse una cosa simile, c’era anche 

molta pressione per pubblicarlo ma non 

ero soddisfatto della qualità delle canzoni, 

anche se circa la metà sono finite 

nel nuovo. Proprio mentre il 33 giri stava 

per essere stampato ho preferito cancellare 

tutto. Intorno a febbraio mi sono 

rotto il pollice destro. Non riesco ancora 

a piegarlo completamente ma posso 

suonarci. Per sei settimane ho dovuto 

medicarmi e cancellare un tour tedesco. 

Ora il mio pollice è migliorato e mi ha 

permesso di effettuare un tour inglese. 

In estate, mentre mi stavo preparando a 

incidere nuovamente, ho deciso di cambiare 

la formazione della band dopo sei 

anni. Ho preso Ted McKenna alla batteria 

(The Sensational Alex Harvey Band, 

Greg Lake, Gary Moore, The Michael 

Schenker Group, Ian Gillan), eliminato le 

tastiere e sono andato in studio. Trovare 

un nuovo batterista è stato difficile. Non 

mancano i bravi musicisti a Londra ma 

molti non sentono il ritmo e il blues. Possono 

suonare indifferentemente come 

Billy Cobham o musica da discoteca. 

Sono stato fortunato nel trovarlo all’ultimo 

momento. Stavo effettuando audizioni 

ai batteristi quando l’ingegnere 

con cui lavoravo nello studio di Londra 

lo ha chiamato. Ci siamo subito presi. È 

venuto in tour e abbiamo inciso l’album 

in quattro settimane in Germania. Abbiamo 

lasciato lo studio di Londra perché 

non c’era l’atmosfera adatta. Londra 

è una grande città e, considerando tutti 

i casini che erano accaduti, avevo ca- 

94 I COLORI DEL


pito che mi sarebbe piaciuto lavorare ai 

Dierks Studios in Germania. Un piccolo 

villaggio, solo un hotel e due bar. Non 

dovevo guidare per andare in studio, dovevo 

solo alzarmi la mattina e camminare 

fino alla sala di registrazione. 

Lo studio è buono tecnicamente? 

Perfetto e ha 24 tracce, è situato a 13 

chilometri da Colonia. Abbiamo portato 

Alan O’Duffy, ingegnere irlandese che 

ha lavorato in Venus and Mars (Paul Mc- 

Cartney), Let it Bleed (Rolling Stones) e 

in molti lavori dei Kinks. Tutto eccezionale: 

posto e band. Abbiamo aggiunto 

alcune nuove canzoni e risistemato le 

altre. Tutto ha funzionato. 

Quali sono le nuove canzoni di PHO- 

TO-FINISH e cosa succederà a quelle che 

hai scartato? 

Mi piacciono ancora quelle, però mi 

sono reso conto che avevo scritto molto 

materiale dopo quelle sedute di registrazione, 

secondo me più in sintonia con 

alcune delle più vecchie. Le nuove canzoni 

sono così immediate: Shadow Play, 

Shin Kicker, The Last of the Independents 

e Cloak and Dagger. Le superstiti 

dal precedente sono Mississippi Sheiks, 

Brute Force And Ignorance, Fuel to the 

Fire e Cruise On Out. Ne sono rimaste 

fuori quattro. Quindi siamo tornati dal 

vivo: sei settimane in Europa, il miglior 

tour europeo in cui abbia mai lavorato. È 

stato molto divertente andare sul palco 

dopo i molti alti e bassi. Quando ti guardi 

indietro ti accorgi che del 1977 in fondo 

non erano proprio alti e bassi, ma a quel 

tempo lo sembravano davvero. Pensavo 

che la gente avrebbe detto: dove diavolo 

è l’album? Non sai più scrivere canzoni? 

Cosa c’è che non va in te? A volte vale la 

pena rifare qualcosa. Devi essere soddisfatto 

fino in fondo. 

Recentemente hai lavorato sulla tua voce 

con lezioni o altro? 

Per un periodo ho inciso troppi album e 

troppo velocemente. Questa volta ci ho 

messo due anni: un lavoro pesante, oltre 

a un sacco di concerti. Nel corso degli 

anni diventi più consapevole di cantare 

meglio. Stai semplicemente migliorando, 

diventi più forte. Non volevo troppe 

sovraincisioni vocali, preferivo fare tutto 

dal vivo. Mi sentivo terribilmente a disagio 

in studio mentre cantavo senza la 

chitarra tra le mani. 

The Last of the Independents sembra il 

seguito di In Your Town. In qualche modo 

parla di te? 

Alcune persone me l’hanno chiesto. Pensavano 

che fossi l’ultimo di un particolare 

gruppo di persone o qualcosa del genere. 

La canzone in realtà è nata dopo il titolo. A 

metà ho capito di essere stato influenzato 

da Chi ucciderà Charley Varrick?, film di 

Don Siegel del 1973 con Walter Matthau 

che rapina le piccole filiali bancarie dei 

paesi insieme alla moglie Nadine e ad un 

paio di complici. La storia è fondamentalmente 

questa. Il film di Charlie Varrick è 

stato sottotitolato The Last of the Independents. 

Ho amato la storia ma non ho 

mai visto il film, quindi posso solo cercare 

d’indovinare di cosa si trattasse. È una 

canzone che ha il buon suono di Bo Diddley. 

Ero consapevole del fatto che con 

quel titolo alcune persone mi avrebbero 

identificato come l’ultimo crociato del 

blues o l’indipendente duro e puro. 

Molte cose sono cambiate nel R’n’R negli 

ultimi due anni… 

Le cose sono diventate molto formali. 

C’è troppa musica da discoteca, molte 

band sono solo società di business nate 

a tavolino In Inghilterra si sentono così 

grandi che devono avere lo Shea Stadium 

oppure non suonano, oltre a 15 limousine 

e un palco stile Cecil B. DeMille. 

Ammiro la sobrietà che la new wave ha 

portato. Ma poi alcuni artisti della nuova 

ondata fingono di essere nati ieri, di non 

aver mai sentito parlare di Eddie Cochran 

o Muddy Waters. Questa cosa non 

è bella. Se guardo le classifiche ameri- 

Da sinistra Gerry McAvoy 

(basso), Rod de’Ath (batteria) e 

Rory Gallagher (chitarra). Marzo 

1973 , Musikhalle, Amburgo. 

Foto di Heinrich Klaffs. 

I COLORI DEL 95


«LA MIA AMBIZIONE 

FINALE, IL MIO 

PUNTO DI ARRIVO? 

SUONARE VERO» 


Quali canzoni del nuovo album ti piacciono 

di più. In che modo si integra con 

alcune produzioni del passato? 

Penso che sia diverso dal precedente 

CALLING CARD, che ancora mi piace. 

Ha buon suono e stimolante feecane 

gli unici dischi che mi piacciono 

sono quelli dei Rolling Stones e di Bruce 

Springsteen, mentre In Inghilterra le 

cose sono andate fuori dal seminato con 

new wave e punk. Infatti ci si trovano 


Rory a Milano a metà anni 

‘70. Foto di Renzo Chiesa. 

Hai citato i media. Molti musicisti rock 

creano un’immagine pubblica ben precisa 

ma tu non l’hai mai fatto. Anche 

Bruce Springsteen se ne frega. 

Springsteen e Bob Seeger. Il loro successo 

è incoraggiante, perché non ce l’hanno 

fatta con una canzone costruita a 

tavolino ma rimanendo se stessi. Credo 

che si possa riuscire ad avere successo 

senza tradire quello che sei. Che immagine 

ha Bob Seeger con i suoi lunghi 

capelli e barba? Sappiamo che ha una 

grande voce e una grande band. Non 

cerca di essere dieci persone diverse per 

piacere a tutti. Springsteen è un ragazzo 

che lavora sodo, però possiede un granpresenze 

meno istituzionali. Elvis Costello 

mi piace. Riesco a sentirci tanto 

del passato, ma lui non lo cita in modo 

un po’ furbesco, mentre Bruce Springsteen, 

che ammiro molto, è più onesto. È 

stato un fan del rock per anni, anche se 

ora propone le sue cose. 

ling generale; non ha, però, l’energia di 

PHOTO-FINISH, Penso che questo sia 

il miglior album che ho inciso. Le canzoni 

sono importanti e possiedono il 

ritmo giusto. C’è molta chitarra, ovvio, 

ma è funzionale al sound generale, non 

è il trip del mio ego; la cosa è più evidente 

perché ho eliminatole tastiere. Ho 

escluso le canzoni meno potenti perché 

volevo che fosse davvero una specie di 

calcio in faccia. 

Sai dove sei diretto? 

Questa volta ho avuto una bella visione 

prima di registrare: è diventata più chiara 

col passare del tempo. Adoro suonare 

la chitarra acustica, ma in questo momento 

è stata penalizzata dalla scelta 

di produrre un album ritmato e duro, 

non normale hard-rock & heavy-metal; 

come se la musica provenisse da un tirapugni. 

Alcuni critici dicono di me: suona 

un po’ di rock e blues, non sta cambiando, 

non sta progredendo. Le persone si 

aspettano che io cambi, ma sarebbe un 

falso cambiamento. Potrei incidere un 

disco fusion, potrebbe essere divertente, 

oppure reggae e indossare un cappello 

country & western. Così tutti direbbero: 

sta progredendo. In verità non sarebbe 

andare avanti ma solo giocare con 

i mass media. D’altra parte non voglio 

semplicemente ricreare la vecchia musica 

blues: voglio nuovi suoni. Ovviamente 

chiunque ascolti i miei album 

può capire che sono un fan del blues e 

del rock. Questa è la mia ambizione finale, 

il mio punto di arrivo: suonare vero.


de talento altrimenti il lavoro non basterebbe. 

Nel mio caso, ho avuto un certo 

grado di pubblicità in Europa, anche se 

mai grande come altri artisti. Sono stato 

abbastanza fortunato: ho avuto un seguito 

fantastico in Europa e in Giappone. 

Il tempo scorre molto velocemente, sai 

cosa intendo? Non penso alla fine della 

vita perché sono preoccupato per le cose 

più immediate, apparentemente piccole: 

concerto, sound check, viaggiare fino 

al prossimo locale. A lungo termine mi 

piacerebbe sicuramente essere popolare 

come Springsteen o Bob Seeger, anche 

se dubito che resisterei alla pressione 

nervosa che si creerebbe. In verità sono 

un musicista che vuole solo suonare 

quello che gli piace per un buon pubblico. 

Mi basta un ragionevole successo. 

Questo è il mio obiettivo principale, ma 

naturalmente sono un essere umano e 

ho un ego come tutti gli altri. Mi piace 

essere grande quanto penso di meritare. 

Bene, sono felice di quello che ho, non 

sono organizzato mentalmente per il 

successo come tanti altri artisti: questo 

infastidisce alcune persone che hanno a 

che fare con me. 

Cosa ti passa per la mente, ora e sul palco? 

Pensi alla musica, al blues o cosa? 

Non lo so. Anche quando salgo sul palco 

sono nervoso come agli esordi. Troppe 

cose a cui pensare: il suono della band, 

la gente, l’aspettativa che immagino, il 

piacere d’imbracciare la chitarra. Poi l’inizio 

del concerto spazza via tutto. Non 

riesco davvero a capire cosa sto pensando. 

Quando salgo sul palco, voglio dare 

divertimento e divertirmi a mia volta. 

Ovviamente se fossi spettatore sarei 

più rilassato, penso. Se hai il pubblico 

davanti devi colpirlo con le unghie per 

arrivare alla sua anima. 

Sei ottimista per il futuro del rock? 

Sono sempre ottimista riguardo alla 

musica in generale. Penso che finisca 

fuori strada di tanto in tanto. Mi preoccupa 

un po’ l’eccessivo controllo del 

business sulla musica, anche nelle radio. 

M’infastidisce il fatto che il sistema 

radio AM sia così rigido, che i DJ non 

siano autorizzati a riprodurre i dischi 

che amano per trasmettere ciò che la 

proprietà ordina. I controllori pensano 

di conoscere i gusti del pubblico, in realtà 

vogliono solo indirizzarli nella direzione 

più redditizia. Quindi trasmettono 

Grease e Disco Fever per 15 ore al 

giorno. Questo è troppo in stile Grande 

Fratello. Anche la radio FM è stata colpita 

da questo virus, secondo le richieste 

pubblicitarie. Non voglio tornare 

agli anni ‘60, che non erano neanche 

perfetti, però avevano la voglia di sperimentare. 

Le radio non suonavano solo i 

primi venti dischi della classifica. 

E in futuro cosa farai? 

Ho numerosi demo pronti che devono 

essere rimpolpati. Ho molte buone idee 

per le canzoni, alcune sono finite ma non 

sono ancora state provate. Dopo queste 

quattro settimane americane torneremo 

a suonare in Inghilterra, faremo anche 

qualche data irlandese per Natale. Quindi 

un piccolo tour spagnolo e portoghese. 

Per quanto riguarda il prossimo album, 

dipende dai risultati di PHOTO-FINISH. 

Potremmo registrare un altro 33 giri a 

gennaio/febbraio e pubblicarlo in estate 

o all’inizio dell’autunno (in effetti TOP 

PRIORITY uscirà a settembre 1979; ndr). 

Potremmo persino trasferirci qui, a New 

York o a Los Angeles. Altrimenti andrebbe 

in malora il duro lavoro che abbiamo 

svolto per farci conoscere in America. 

Mi piacerebbe essere conosciuto come 

Springsteen o Seeger, avere un album 

tra i primi dieci classifica: per ottenerlo 

devo essere ambizioso. Il pericolo è che 

se l’ambizione prevale sul divertimento 

sei nei guai. Alcune persone mi vedono 

come l’ultimo crociato del blues perché 

mi comporto a modo mio, fregandomene 

delle regole. Non m’importa essere un 

indipendente a tutti i costi, ma non voglio 

essere l’ultimo di niente. 

Cork, seconda città della Repubblica 

d’Irlanda come numero di abitanti, 

è situata alla foce del fiume Lee, che 

l’attraversa separandola in due. 

I COLORI DEL 97

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Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di settembre 2018. 

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Paolo Corciulo 

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98 SUONO luglio 2018

SUONO n° 529

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