Pressespiegel 2012

Foto:Kirsten Seeligmüller für ECHO. It‘s just a temporary thing. Oktober 2012
PRESSESPIEGEL 2012

F E S T
Fair Camp 2012
Workshops & Networking präsentiert von Pankow Guide
W I E D E R A U F N A H M E :
21. Januar 2012
im EDEN
http://www.pankow-guide-gesundheit.de/news/fair-camp-2012-–-der-workshoptag-in-berlin
PANKOW GUIDE
Fair Camp 2012 – der Workshoptag in Berlin
FAIR CAMP_bild_text
Das Pankow Guide Projekt veranstaltet am 21. Januar 2012 das 2. Fair Camp gemeinsam mit der Goldboerse. Wir laden unter dem
Motto „Gemeinsames Handeln – WIR gestalten unsere Zukunft“ in Berlin zu einem Workshoptag mit nachhaltig-fairen Themen ein.
Gemeinsames Inspirieren, Informieren und Motivieren ist mehr denn je gefragt und ist der Kern des Fair Camp, der im EDEN*****
stattfindet. Wer sich für Bildung, Gesundheit, Soziales Unternehmertum, Kommunikation, ökologisch-faire Textilien und grüne
Geldanlagen interessiert, ist hier richtig. Ein Teil der insgesamt 14 Workshops wird von Mitgliedern des Pankow Guide Gesundheit
gestaltet (Feldenkrais, Familienstellen, Stimmpotenzial, Healing Tao und Yoga). Der Fair Camp Tag wird begleitet vom OYA-Magazin, die
ganztägig mit der OYA-Lounge präsent sind. www.faircamp.de / Facebook-Seite // Workshoptag Eintritt 5 EUR
PROGRAMM
ab 9:30 Einlass
10:00 – 10:15 Eröffnung
10:15 – 10:30 Workshoporientierung > zu den Themen
10:30 – 11:50 Teil 1 der Workshops (5 finden parallel statt)
12:00 – 13:00 Mittagspause / Networking
13:10 – 14:40 Teil 2 der Workshops (4 finden parallel statt)
14:40 – 15:00 Kaffee- und Teepause/Networking
15:00 – 16:30 Teil 3 der Workshops (5 finden parallel statt)
16:45 – 17:45 Ergebnispräsentation der Workshops, Abschlussrunde
17:45 – 18:50 Film „Ökonomie des Glücks/The Economics of Happiness“
10:00 – 16:45 Marktplatz mit der OYA-Lounge (Magazin OYA)
ab 19:00 Come Together Party und Launch Pankow Guide 2012
Eintritt:
Tagesticket 5 EUR
COME TOGETHER am Abend 5 EUR inkl. Freigetränk
Anmeldung:
per E-Mail an redaktion@pankow-guide.de
Am Einlass werden Tickets für die jeweiligen Workshops verteilt.
Tagesmoderation:
Katharina Wyss (Veranstalterin) und Christoph Harrach (Karmakonsum)
Catering:
Um das kulinarische Wohl während des Fair Camp kümmert sich das EDEN**** Café und Ottos Kochinnovationen.
http://blog.revoluzzza.com/2012/01/19/dieses-wochenende-in-berlin-1-das-fair-camp-2012/
Dieses Wochenende in Berlin (1): Das Fair Camp 2012
19 Januar
CATEGORIES: NEWS / AKTUELLES
Absolut empfehlenswert – the place to be an diesem Samstag: Das Fair Camp.
Es findet nun in diesem Jahr zum zweiten Mal statt und bietet jede Menge interessanter Informationsveranstaltungen und Workshops –
vom Yoga Workshop über gewaltfreie Kommunikation bis hin zum Workshop über Grünes Geld/die GLS Bank.
Sehr spannend natürlich auch der Workshop von Enrico Rima zum Thema “Textilsiegel Dschungel” und die offene Gesprächsrunde mit
Christoph Harrach, dem Gründer vom Karmakonsum.

L E S U N G
Die Legende vom Glück des Menschen
P R E M I E R E :
25. Januar 2012
im EDEN
Peggy Mädler in Lesung und Gespräch
http://www.perlentaucher.de/buch/peggy-maedler/legende-vom-glueck-des-menschen.html
KLAPPENTEXT
Knapp fünfzehn Jahre nach der Wende findet die junge Erzählerin im Nachlass der Großeltern ein Buch, das ihr Großvater zu einem
Betriebsjubiläum geschenkt bekommen hat. Ein Fotoband von 1968, der „Vom Glück des Menschen“ heißt, komponiert und betextet
von Rita Maahs und Karl Eduard von Schnitzler. Die Anmaßung eines politisch verordneten Glücks empört die Enkelin. Wie kann ein
Staat auf die Idee kommen, seinen Bürgern vorzuschreiben, wie sie glücklich werden? Anhand weiterer Fundstücke aus dem Nachlass
beginnt sie zu rekonstruieren, wie sich ihre Großeltern kurz vor dem Zweiten Weltkrieg kennenlernten, heirateten und sich nach dessen
Ende fast wie Fremde wieder gegenüberstanden, wie ihr Vater und ihre Mutter sich in der DDR kennenlernten und durchschlugen und
wie sie, die Erzählerin selbst, und ihr älterer Bruder die Wende und die Zeit danach erlebten. Dabei überschreibt Peggy Mädler je ein
Kapitel aus dem Propagandaband mit „Legenden“ aus der Familiengeschichte ihrer Erzählerin. So entstehen die „Legende vom Glück
der Arbeit“, die „Legende vom Glück des Miteinanders“ usw., und plötzlich wird klar: Ob und wie Menschen das Glück finden, hat oft
weniger mit den großen Rahmenbedingungen zu tun, als mit privaten Begegnungen, kleinen Gesten und unspektakulären Zufällen.
Und: Die besten Geschichten schreibt nicht die Geschichte, sondern das Leben selbst.
Rezensionsnotiz zu Frankfurter Rundschau, 11.03.2011
Angetan zeigt sich Ulrich Rüdenauer von Peggy Mädlers sehr gelungenem Debütroman „Die Legende vom Glück des Menschen“.
Er liest den Roman als Geschichte einer Familienrecherche und der Suche nach der eigenen Identität, deren Ausgangspunkt
der Propagandaband „Vom Glück des Menschen“ ist, den der Großvater der 33-jährigen Erzählerin 1968 von der Staatlichen
Handelsorganisation der DDR als Auszeichnung erhalten hatte. Zwar bleiben die Geschichten aus der ostdeutschen Lebenswirklichkeit,
die die Erzählerin einfließen lässt, in seinen Augen ein wenig „blass“. Das scheint ihm aber auch die einzige Schwäche dieses Romans.
Lobend hebt er die Haltung der Erzählerin hervor, die sich durch „Skepsis und Reflektiertheit“ sowie durch „Mut zum Pathos“
auszeichnet.
Rezensionsnotiz zu Frankfurter Allgemeine Zeitung, 12.03.2011
Edo Reents kann seinen Ärger über dieses Buch aus dem jungen Galiani Verlag gerade noch im Zaum halten. So viel wird deutlich:
Eine neue Julia Franck ist die Autorin seiner Meinung nach nicht. Peggy Mädlers Roman sieht er zwischen Prätention (mittels der
Fragestellung, wie sich privates und kollektives Glück vertragen, ein DDR-Generationenpanorama zeichnen zu wollen) und Trivialität
schlingern und zu banalen Einsichten kommen. Ob es um historische Momente aus dem real existierenden Sozialismus, um individuelle
Lebensgeschichten oder die Zuverlässigkeit von Erinnerung geht - sofern er nicht bereits durch die Konturlosigkeit der Darstellung ins
Unscharfe driftet, halten sich die Brisanz und die Originalität des Textes für Reents in Grenzen.
Rezensionsnotiz zu Süddeutsche Zeitung, 15.03.2011
Als ungewöhnlich und sehr faszinierend würdigt Rezensent Christopher Schmidt den Debütroman von Peggy Mädler, die die
geschönte Wirklichkeit der DDR-Propaganda - in Form eines Fotobands, den man dem Großvater für seine Verdienste im volkseigenen
Einzelhandel 1968 verehrt - mit der Realität einer Familie konterkariert. Das Ergebnis ist eine ausgesprochen „wahrhaftige“
Familiengeschichte, findet der Rezensent, denn hier wird die Wahrheit jeden Erzählens immer schon kritisch reflektiert, wie er lobt.
Das staatlich verordnete Glück (der Fotoband von 1968 heißt bezeichnender Weise „Vom Glück des Menschen“) wird mit den eher
unglücklichen Lebensschicksalen der Großeltern-, Eltern und Kindergeneration beantwortet, die erfundene Erinnerung des Romans
gegen die geschichtsklitternde Propaganda gestellt, so Schmidt, der die Lebensklugheit der Autorin bewundert.
Rezensionsnotiz zu Die Tageszeitung, 17.03.2011
Rezensentin Ulrike Heike Müller ist voll des Lobes über diesen Debütroman. Dabei ist es, wie die Rezensentin einräumt, nicht der Stoff,
der Peggy Mädlers Buch zu etwas Einzigartigem macht - erzählt wird die Geschichte einer deutschen Familie, die um ihr ganz privates
Glück ringt und dabei wiederholt von der großen, politischen Geschichte in die Schranken gewiesen wird. Was der Rezensentin Respekt
abnötigt sind andere Aspekte des Romans: seine leisen Töne, seine „klugen Reflexionen“ nicht zuletzt über die Möglichkeiten und
Grenzen des Erinnerns. Oder seine Tendenz, Fragen aufzuwerfen und von verschiedenen Seiten zu beleuchten, ohne immer schon
eine erschöpfende Antwort parat zu haben. Auch der formale Aufbau des Buches, orientiert an den Kapitelüberschriften eines real
existierenden DDR-Fotobandes von 1968, trägt dazu bei, Mädler das Wohlwollen der Rezensentin zu sichern. Angesteckt von dem
„offenen Geist“ des Romans liest Müller abschließend eine grundlegende Einsicht aus ihm heraus: „Glück ist flüchtig. Individuell.“
Rezensionsnotiz zu Neue Zürcher Zeitung, 19.07.2011
Peggy Mädlers Familienroman hat Sibylle Birrer mit seiner sorgfältigen Konstruktion und seinem Sprach- und Stilgefühl überzeugt.
Die Autorin, 1976 in Dresden geboren, lässt darin die junge Historikerin Ina ein Fotoalbum findet, das die Großeltern in den 60er
Jahren geschenkt bekamen und in dem das propagandistische DDR-Glück bebildert ist. Davon ausgehend schneidet die Erzählerin
die individuelle Familiengeschichte mit der Gesellschaftsgeschichte zusammen und stellt Fragen nach der „privaten und kollektiven
Geschichte“, reflektiert über das Erinnern und Vergessen und nicht zuletzt über das individuelle Glück, was sie weniger mit festen
Erkenntnissen als mit Denkbewegungen beantwortet, wie die Rezensentin dankbar bemerkt. Dieser Debütroman ist nicht nur eine
„kluge Reflexion“ über das ganz normale Leben, sondern auch eine flüssig und unterhaltsam zu lesende Familiengeschichte, wie Birrer
sehr eingenommen feststellt.
Rezensionsnotiz zu Die Zeit, 28.07.2011

Zwei Romane stellt Ursula März vor, die ihrer Ansicht nach von einem neuen Erzählen über die DDR zeugen: Peggy Mädlers Roman
„Legende vom Glück des Menschen“ und Gregor Sanders „Winterfisch“. Mädlers Roman, meint März, komme nur auf den ersten
Blick wie ein üblicher Familienroman daher, mit all den „traurigen Kriegs- und gehemmten Nachkriegsehen“. „Gewitzt und ziemlich
intelligent“ wird dieses Buch durch den Rückgriff der Autorin auf den Fotoband „Glück des Menschen“, den die Ich-Erzählerin auf
dem Dachboden findet und der einst vom Oberpropagandisten des DDR-Fernsehens Karl Eduard von Schnitzler das ganze Glück im
Sozialismus zeigen sollte. Hier sieht März ein gerüttelt Maß an „dekonstruktiver Ironie“ am Werk, die ihr umso besser gefällt, als Mädler
damit keine programmatische Agenda verfolge, sondern nur das Fabulierte ihres historischen Stoffes sichtbar mache.
http://www.zeit.de/kultur/literatur/2011-06/interview-peggy-maedler
Zeit online
„Gerade in der älteren Generation sind die Klischees noch da“
Die Schriftstellerin Peggy Mädler wuchs in der DDR auf. Im Interview erzählt sie, wie die öffentliche Erinnerung an die Zeit die private
überschattet. VON ULI MÜLLER
28. Juni 2011 14:46 Uhr 5 Kommentare
Peggy Mädler, geboren 1976 in Dresden, lebt in Berlin. Kürzlich erschien ihr Roman „Legende vom Glück des Menschen“.
Peggy Mädler, geboren 1976 in Dresden, lebt in Berlin. Kürzlich erschien ihr Roman „Legende vom Glück des Menschen“. | © Andreas
Rost
ZEIT ONLINE: Frau Mädler, wie kamen Sie auf die Idee zu Ihrem Roman Legende vom Glück des Menschen ?
Peggy Mädler: Es war eigentlich fast so, wie ich es am Anfang des Buches auch beschreibe. Nur dass ich jenen Bildband Vom Glück
des Menschen , um den es in meinem Roman ja geht, nicht im Nachlass meiner Großeltern fand, sondern im Bücherschrank meiner
Eltern. Er ist eine Art Katalog zur gleichnamigen großen Fotoausstellung, die 1967 aus Anlass des 50. Jahrestages der Großen
Sozialistischen Oktoberrevolution in Berlin gezeigt wurde. Beim Durchblättern des Fotobandes war ich dann sofort fasziniert. Da gab
es diesen Zwiespalt, der nicht so einfach aufzulösen war. Viele der Bilder kamen mir vertraut vor, weil ich mit ihnen aufgewachsen bin.
Gleichzeitig erschien mir der Versuch, die Auffassung vom Glück gesellschaftlich zu normieren oder überhaupt zu verallgemeinern, aus
heutiger Perspektive absurd.
ZEIT ONLINE: Was bedeutet Glück für Sie?
Mädler: Für mich entsteht Glück letztlich aus vielen Facetten. Natürlich spielen gesellschaftliche Rahmenbedingungen eine Rolle,
biografische Besonderheiten, wie man aufwächst, Begegnungen mit anderen Menschen oder Zufälle. Es geht aber eben auch um die
eigene Haltung zum Glück. Wie sich jeder Einzelne das Glück vorstellt. Damals begann ich, über solche Dinge nachzudenken, und
daraus entstand dann in den kommenden drei Jahren dieser Roman.
ZEIT ONLINE: Viele sehen in Ihrem Buch eine DDR-Geschichte. Sie auch?
Mädler: Ich wollte kein Buch über die DDR schreiben, sondern von drei Generationen einer Familie erzählen. Wie die sich in der
jeweiligen Gesellschaft mit ihren Erinnerungen verorten, und wie diese im Verhältnis zur offiziellen Geschichtsschreibung stehen. Man
erinnert sich ja oft an gesellschaftliche Daten, wenn sie mit privaten Ereignissen oder Erfahrungen verknüpft sind. Das ist ganz normal,
also nicht DDR-typisch. Aber klar, mein Buch spielt über weite Strecken auch in der DDR.
ZEIT ONLINE: Was interessiert Sie eigentlich so an der Ambivalenz zwischen privatem Erinnern und öffentlicher Erinnerungskultur?
Mädler: Dass man Widersprüche aushalten muss. Wenn sich meine Großmutter früher an die Zeit erinnert hat, als sie jung war, als
sie meinen Großvater kennengelernt und geheiratet hat, dann hat sie über eine Zeit gesprochen, die für mich als Enkelin für den
Nationalsozialismus steht, für die Judenverfolgung, für einen auf breiter Ebene akzeptierten Massenmord. Natürlich verwehrt sich da
etwas in mir gegen diese private Ebene der Erinnerung. Und gleichzeitig müsste man genau an dieser Stelle weiterreden. Es ist schwer,
in solchen Gleichzeitigkeiten zu denken, für beide Seiten. Das tut auch weh. Und das ist viel anstrengender als Klarheit.
ZEIT ONLINE: Sie selbst haben den Sozialismus nur noch als Kind in der Schule kennengelernt. Welche Eindrücke sind geblieben?
Mädler: Ich war 13 zur Wendezeit und habe fast nur Kindheitserinnerungen an die DDR. Aber bei Bekannten, die drei Jahre älter sind,
ist das schon anders. Als Jugendliche haben viele von ihnen 1989 bereits politisch gedacht.
ZEIT ONLINE: Erinnern Sie sich noch an den Wehrkunde-Unterricht?
Mädler: Nein. Den gab es ja, glaube ich, erst mit 14. Aber ich habe PA gehabt. Das war auch ein Unterrichtsfach. Die Abkürzung steht
für Polytechnische Arbeit. Da habe ich Schallplatten-Endausschalter gelötet und Rohrschellen gefeilt.
ZEIT ONLINE: Wie viel Peggy Mädler steckt in der Hauptfigur Ina Endes?
Mädler: Fünfzig Prozent bestimmt. Sie stellt sich ja all den Fragen, die mir beim Blättern in dem Fotoband gekommen sind. Ich habe sie
aber dann für den Roman in Ecken getrieben, in denen ich selbst nicht stand. Die waren mir wichtig, zum Beispiel die Konfrontation mit
der älteren Bruderfigur. Im Gegensatz zu Ina stellt er in der Wendezeit kritische Fragen. Ich selbst habe auch einen Bruder. Aber er ist
drei Jahre jünger.

http://blog.ebook.de/empfehlungen/rezensionen-pressespiegel/rezension-zu-legende-vom-glueck-des-menschen-von-peggy-maedler/
ebook.de
« Rezension zu “Gegenwinde” von Olivier Adam
Rezension zu “Legende vom Glück des Menschen” von Peggy Mädler
Peggy Mädler, Legende vom Glück des MenschenEinen gewagten Versuch hat die 1976 in Dresden geborene Peggy Mädler hier in
ihrem Debütroman Legende vom Glück des Menschen unternommen, in dem sie persönliche Erinnerung und die große Geschichte
miteinander verbindet und nach ihren Beziehungen forscht.
Es ist eine gelungene, sicher auch durch biographische Erinnerungen der Autorin getönte Auseinandersetzung mit der eigenen
Familiengeschichte, die die Erzählerin des Buches da unternimmt. Eine Familiengeschichte in der DDR.
Fünfzehn Jahre sind seit dem Fall der Mauer schon vergangen, als die junge Erzählerin im Nachlass ihrer Großeltern einen Fotoband
findet, der 1968 in der DDR veröffentlicht wurde, und dort auch breite Wirkung entfaltete. Der Großvater bekam das Buch für seine
Verdienste für die Staatliche Handelsorganisation und hat es offenbar selbst nie gelesen. Der Erzählerin aber dient das Fotobuch mit
dem Titel „Vom Glück des Menschen – komponiert und betextet von Rita Maahs und Karl Eduard von Schnitzler“ (einem der übelsten
Demagogen der DDR) als Vorlage für eine engagierte und empörte Auseinandersetzung mit einem Staat, in dem sie selbst geboren
und aufgewachsen ist. Wie, so fragt sie sich, kann ein Staat seinen Bürgern verordnen, was Glück ist. Und dann geht sie über ihre
Empörung hinaus und nimmt das Buch als Anlass, dem Leben der Großeltern nachzuforschen und die „Legende vom Glück des
Menschen“ zu erzählen.
Peggy Mädler ist mit diesem Buch über das Leben in der DDR ein überzeugender Erstling gelungen, der eine genaue Würdigung
verdient hat. Man wird mit Spannung auf weitere Bücher dieser jungen Autorin warten.
http://www.wa.de/nachrichten/kultur/nrw/peggy-maedlers-buch-legende-glueck-menschen-1283820.html
wa.de
Peggy Mädlers Buch „Legende vom Glück des Menschen“
Von Ralf Stiftel Peggy Mädler stellt im Titel ihres Familienromans „Legende vom Glück des Menschen“ die Möglichkeit, dass es Glück
gebe, schon in Frage. Ein Buch ist Ausgangspunkt für die Erzählerin, in der eigenen Geschichte nachzuschauen. Das Buch „Vom Glück
des Menschen“ gehörte ihrem Großvater. Er erhielt es als „außerordentliche Auszeichnung“ der sozialistischen Staatsmacht. Eigentlich
ist es eine Beleidigung, denn ein Bekannter hatte am selben Tag eine Prämie bekommen, Geld, mit dem er etwas anfangen konnte.
Über drei Generationen, von 1939 bis in die Nachwendezeit, folgt die Autorin einer deutschen Familie, durch drei Staatssysteme. Und
gerade da, wo die Ideologen das Glück am nachdrücklichsten befördern wollen, sind die Menschen am unglücklichsten. Die Legende
entpuppt sich als unerfüllter Wunsch.
Wir erfahren von Erich und Elsa. Er muss in den Krieg ziehen. Als er heimkommt und vor der Tür steht, da fühlt er sich einen Moment
lang „nahezu verrückt vor Glück“. Doch als die Frau öffnet, „zieht sich das Glück erschrocken zurück“. Der traumatisierte Ex-Soldat und
seine Frau führen eine Zweckehe. Das färbt ab auf den Sohn Wolfgang. Der wird wieder nicht glücklich im Arbeiter- und Bauernstaat.
Die Kinder Ina (die Ich-Erzählerin) und Thomas leben mit der Dissonanz des Behaupteten und des Tatsächlichen. Kleine Brüche legen
bloß, warum hier Erfüllung unmöglich bleibt. Wenn Erich zu Unrecht beschuldigt wird, sich am Bestand der HO bedient zu haben.
Wenn Ina ein Buch aus der Bibliothek klaut – und anschließend ein demütigendes Ritual über sich ergehen lassen muss.
Die Autorin, 1976 in Dresden geboren, hat offensichtlich eigenes Erleben ins Buch eingearbeitet. Aber ihr Roman geht weit über bloße
Verarbeitung der eigenen Biografie hinaus. Ihr gelingt ein Schwebezustand zwischen den historischen Fakten und jenem Ungefähr, das
jede Erinnerung bestimmt. Manchmal klingt das wie ein Märchen, oder ein altes Volksbuch: „Es waren ein Mann und eine Frau, die
trennten sieben Jahre und ein Krieg.“ Schlicht ist diese Sprache und dabei einfach schön. Und selbst aus einer Propagandaformel wie
der offiziösen Definition des Kommunismus als „Sowjetmacht plus Elektrifizierung“ schlägt sie noch poetischen Mehrwert. Wir lesen
traurige Liebesgeschichten, die das Herz wärmen. Manchmal nur mit einer gelungenen Formulierung: „Es gibt Formeln für das Glück,
die klingen wie Gebrauchsanweisungen für Küchenmaschinen.“
Und das Schönste dabei: Obwohl die Sehnsucht aller Figuren im Buch unerfüllt bleibt, verrät die Autorin sie nicht. Wenigstens die
Hoffnung lässt sie dem Leser, und ein Lächeln zum Schluss.

http://www.deutschlandradiokultur.de/vom-erinnern-und-vergessen.950.de.html?dram:article_id=140143
Deutschlandradio Kultur
Vom Erinnern und Vergessen
Peggy Mädler: „Legende vom Glück des Menschen“, Galiani Verlag, Berlin 2011, 210 Seiten
In der Vorstellung der Icherzählerin sitzen sich das Vergessen und das Erinnern als zwei Schachspieler gegenüber.
In der Vorstellung der Icherzählerin sitzen sich das Vergessen und das Erinnern als zwei Schachspieler gegenüber. (Stock.XCHNG / sanal
ozturk)
In ihrer „Legende vom Glücklichsein des Menschen“ geht Peggy Mädler den Lebensschicksalen von drei Generationen nach. Ihr Roman
lebt von der Diskrepanz zwischen privatem Erinnern und kollektivem Gedächtnis – und wird so schnell nicht in Vergessenheit geraten!
Im Februar 1968 erhält der Großvater der Icherzählerin in Peggy Mädlers Roman „Legende vom Glück des Menschen“ als
Auszeichnung ein Buch mit dem Titel „Vom Glück des Menschen“. Es fällt seiner Enkelin, der Icherzählerin Ina Endes, nach dem Tod der
Großmutter zufällig in die Hände. Ina vermutet, dass er das Buch ins Regal gestellt hat, ohne es zu lesen.
Es bleibt nicht die einzige Vermutung, die in diesem Roman angestellt wird. Bereits auf der ersten Seite gesteht sich die Erzählerin
ein, dass sie wenig weiß: Fast nichts über das Leben ihres Großvaters, wenig von ihrer Großmutter. Wenn sie sich Gedanken über das
Leben ihrer Eltern macht, hat sie den Eindruck, eigentlich nichts zu wissen. Dagegen scheinen die historischen Kenntnisse über die
Zeitabschnitte, in denen ihre Großeltern und ihre Eltern jung waren, sich kennenlernten und heirateten, viel umfassender zu sein.
Doch wie soll ein Roman funktionieren, der als Kronzeugin eine Erzählerin aufruft, die eingesteht, nichts zu wissen? Das Wort
„vielleicht“, erweist sich in Peggy Mädlers Roman als Schlüsselwort: Vielleicht war es so, wie man es sich erzählt. Zweifel allerdings sind
erlaubt. Denn wenn Ina und ihr Bruder Thomas versuchen, Ereignisse zu rekonstruieren, die beide erlebt haben, stellen sie fest, dass sie
sich an Unterschiedliches erinnern und der jeweils andere Entscheidendes vergessen hat.
In der Vorstellung von Ina sitzen sich das Vergessen und das Erinnern als zwei Schachspieler gegenüber. „Der eine redet
ununterbrochen, der andere schweigt und beides ist eine mögliche Strategie, um das Spiel für sich zu entscheiden.“
Die 1976 in Dresden geborene Autorin entscheidet sich in ihrem Roman allerdings für eine andere Spielstrategie, wenn sie auf die
Diskrepanz zwischen privatem Erinnern und kollektivem Gedächtnis aufmerksam macht: Sie verleiht denen, die geschwiegen haben,
eine Stimme, wobei sie ihnen nicht die Worte derer in den Mund legt, die in der Geschichte immer das Sagen hatten. Sie will vor
allem daran erinnern, was vergessen wird, wenn man sich erinnert. Eben darin besteht die außerordentliche Leistung des Buches, dass
einen singulären Platz in der an Erinnerungsbüchern so reichen Gegenwartsliteratur einnimmt: Es nähert sich dem Erinnern über das
Vergessen.
Mädler geht den Lebensschicksalen von drei Generationen nach. Dabei wird die vermeintlich schuldlose Verstrickung derer, die die
Geschichte erlebt haben, mit dem Wissen der nachgeborenen Erzählerin konfrontiert, die weiß, was als Schuld bezeichnet wird. Doch
an keiner Stelle spielt sich die Erzählerin als moralische Instanz auf, die ihre Figuren richtet. Vielmehr gesteht sie ihnen ihr Schweigen zu.
Sie nimmt sie aber zugleich auch in die Pflicht, wenn sie sie mit der Frage konfrontiert: „Wo habt ihr eigentlich gelebt?“.
Der Großvater war gut beraten gewesen, als er das Buch „Vom Glück des Menschen“ ungelesen in den Bücherschrank stellte, denn
versprochenes Glück taugt nur für Legenden. Dass die aber nicht gemeint sein können, wenn es um das Lebensglück geht, davon weiß
dieser Roman so überzeugend zu erzählen, dass man nur hoffen kann, dass er lange in Erinnerung bleibt.
Besprochen von Michael Opitz
http://www.cicero.de/salon/glueck-der-ddr/47316
Cicero
Glück in der DDR
VON ANNETT GRÖSCHNER17. FEBRUAR 2011
Ohne Abrechnungs-Furor und fast beiläufig erzählt Peggy Mädler die Geschichte einer ostdeutschen Familie: ein kleines, großes Buch
Der Titel dieses Romans impliziert sofort einen anderen: «Legende vom Glück ohne Ende» von Ulrich Plenzdorf, dessen Helden Paul
und Paula allerdings weniger in die Literatur-, als in die Filmgeschichte eingingen. Erzählanlass für die Protagonistin Ina Endes in Peggy
Mädlers Roman ist ein ganz anderes Buch, der 1968 in Leipzig erschienene Bildband «Vom Glück des Menschen», den Inas Großvater
irgendwann in den Siebzigern für seine guten Leistungen als Verkäufer bei der staatlichen Handelsorganisation statt einer Geldprämie
bekommt; bald verschwindet er in den Tiefen des Bücherschranks. Erst die Wohnungsauflösung nach dem Tod der Großmutter bringt
das hochtrabend «Bilddichtung» genannte Buch ans Licht.
Es ist ein ziemlicher Schinken, einer der Autoren war der Ober-Agitator des DDR-Fernsehens, Karl-Eduard von Schnitz ler. Peggy Mädler
nun ersetzt das ideologisch verordnete Glück in ihrem Roman durch Familiengeschichten, unter Beibehaltung der Schnitzler’schen
Kapitelüberschriften: «Legende vom Glück der Freiheit», «Legende vom Glück des Miteinander» sowie Legenden von der Arbeit, vom
Lernen, vom Frieden. Um Liebe im romantischen Sinne geht es in beiden Büchern nicht. Peggy Mäd lers Figuren bindet bis in die letzte
Generation hinein eher Pragmatismus, bisweilen auch Gewohnheit aneinander.

Die Geschichte, die hier erzählt wird, ist unspektakulär und auch nicht neu. Es geht um drei Generationen: Die erste erlebt drei Kriege,
davon einen Kalten, die zweite wird am Ende des Zweiten Weltkriegs geboren, die dritte ist noch nicht erwachsen, als die DDR endet
– eine kleinbürgerliche Familie mit all ihren Verwerfungen und Versuchen, sich aus der Geschichte herauszuhalten. Die Erinnerung der
jeweils Beteiligten erweist sich an den entscheidenden Stellen als konstruiert, Ina Endes misstraut ihr. Aber es geht hier dennoch nicht
um eine Abrechnung der jüngsten Generation mit den beiden vorhergehenden.
Glücksversprechen aller Art
Die Erzählerin, durch keine Schuld belastet, kann sich unter allem Ideologischen wegducken. Sie muss sich für nichts rechtfertigen,
nimmt sich heraus, einfach draufloszuerzählen, und man weiß nicht, wo die eigene Lebensgeschichte endet und wo der Roman
anfängt. Aber das ist auch egal. Die «Legende vom Glück des Menschen» ist ein kleines, großes Buch, dessen Faszination sich aus der
Sprache ergibt, dem fast beiläufigen Erzählen einer fast beiläufigen Geschichte einer fast prototypischen ostdeutschen Familie. Ganz am
Rande geht es auch um Glücksversprechen der höheren Art:∈So in der Geschichte jenes Mannes mit Namen Josef, «von dem es heißt,
er hätte sein Leben lang auf jenes Glück gehofft, das sich auf diese Weise verallgemeinern und auch festhalten lässt».
Die «Legende vom Glück des Menschen» entfaltet beim Lesen einen echten Sog; sie ist souverän in ihrem Umgang mit Metaphern und
bedient sich gelegentlich der Diktion Uwe Johnsons: ein Erinnerungsbuch ohne Wut, Verstellung oder Beschönigung. Nur am Ende
bricht ein wenig Wehmut durch. Aus dem Glück wird da ein schlichtes Zufriedensein, «das man nicht unterschätzen sollte».
http://www.tip-berlin.de/kultur-und-freizeit-lesungen-und-buecher/peggy-madler-legende-vom-gluck-des-menschen
tip berlin
Peggy Mädler: „Legende vom Glück des Menschen“
Von „Sudel-Edes“ Propaganda zu Variationen von fragilem Glück: Peggy Mädler begleitet über drei Generationen eine DDR-Familie
Das_Glueck_des_MenschenBeim DDR-Fernsehen fallen einem neben dem Sandmännchen Sendungen wie „Mach mit, machs nach,
machs besser“, die Flimmerstunden mit Professor Flimmrich und, mit einer gewissen Zwangsläufigkeit, „Der schwarze Kanal“ ein, in
der Chefkommentator Karl-Eduard von Schnitzler gegen den Westen hetzte. Hin und wieder griff „Sudel-Ede“ auch zur Feder und
verfasste ihm eigenes Schrifttum. So zum Beispiel die 1968 entstandene Bilddichtung „Vom Glück des Menschen“. In Peggy Mädlers
ähnlich lautendem Debütroman ist dieser Propaganda-Band Dreh- und Angelpunkt einer lockeren, sich über drei Generationen
erstreckenden Familiengeschichte in der DDR. Dabei geht es im Kern um Variationen einer Frage: Was ist Glück? Bezogen auf die
Handlung, erfährt das Allgemeine dieser Frage ihre Zuspitzung: Kann man Glück staatlich verordnen? Beziehungsweise: Wie glücklich
war das Glück im Osten?
Die Ich-Erzählerin sondiert Mitte der 90er Jahre den Nachlass ihres Großvaters. Dabei fällt ihr das Schnitzlersche Machwerk in die
Hände, das der Opa einst als Auszeichnung für seine Verdienste um den volkseigenen Einzelhandel erhielt. Der anmaßende Titel des
Buches mit seinen Kapiteln (Glück der Freiheit, der Arbeit, des Miteinanders, des Friedens usw.) bildet den Anlass, über die Situation
der eigenen Familie zu reflektieren – ausgehend von den Großeltern, die mit Ausbruch des Zweiten Weltkrieges heiraten, ihr Glück der
NS-Diktatur unterordnen und nach Kriegsgefangenschaft, Heimkehr, Wiederaufbau in einem Mix aus Symbiose, falschen Gefühlen
und Durchhaltewillen ihr Dasein fristen. Und das Glück der Eltern, die im real existierenden Sozialismus das Leben als starres Konstrukt
erfahren, bei dem Berufswünsche und Selbstverwirklichung auf der Strecke bleiben? Nicht viel besser. Als Letztes im Fokus: der
Werdegang der Ich-Erzählerin vom ideologischen Mief des DDR-Schulalltags bis über die Wende, einem Geschichtsstudium an der
Humboldt-Uni und einer Hinterhofwohnung im wiedervereinten Deutschland, das auch nicht frei ist von Desillusionierungen. Peggy
Mädler, die 1976 in Dresden geboren wurde und in Berlin lebt, ist ein intelligenter Erstling gelungen. Sensibel, detailreich. Eine kleine
Meditation über eine unvollkommene Zeit.
Text: Andreas Burkhardt
http://www.berliner-zeitung.de/archiv/peggy-maedlers-roman--die-legende-vom-glueck-des-menschen--karl-eduard-von-schnitzlersvermaechtnis,10810590,10949694.html
berliner Zeitung
PEGGY MÄDLERS ROMAN „DIE LEGENDE VOM GLÜCK DES MENSCHEN“
Karl Eduard von Schnitzlers Vermächtnis
Von Katrin Schings
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Die Suche nach dem Glück kennt keine Grenzen, aber sie ist nicht überall gleich. Es gibt verschiedene Auffassungen davon, was Glück
ist und man kann das Glück in ein eher offizielles und in ein eher privates Glück unterteilen. Aber mehr oder weniger jeder sucht
nach dem Glück und in den USA steht das Recht darauf sogar in der Verfassung. 1968, als in Westdeutschland und in Westberlin
eine neue und wilde Suche nach dem Glück ausbricht, bekommt Erich Endes von der Staatlichen Handelskammer der DDR als Dank
für langjährige Dienste einen Fotoband mit dem Titel „Vom Glück des Menschen“. Erich Endes räumt ihn ungelesen ins Regal zu den
wenigen anderen Büchern, so vermutet es zumindest seine Enkelin Ina. Diese Enkelin, Ina Endes, ist die Erzählerin von „Legende
vom Glück des Menschen“, dem ersten Roman Peggy Mädlers. Tastende Suche Das Propagandageschenk, dessen Mitherausgeber
Karl Eduard von Schnitzler vom „Schwarzen Kanal“ ist, fällt Ina nach dem Tod der Großmutter in die Hände. Anhand dieses
Fotobandes versucht sie, sich ein Bild von ihrer Familie zu machen. Es geht Ina dabei darum, wie sich die Menschen mit den von oben
verbreiteten Glücksvorstellungen arrangieren und dabei ihr eigenes Glück verfolgen. Oder dies auch sein lassen, wie Inas Großmutter

väterlicherseits. Sie hat ein hartes Gesicht und beklagt ihr verpfuschtes Leben. Aber Inas Eindruck ist, dass sie damit gar nicht schlecht
lebt. Nach endgültigen Wahrheiten sucht man in Peggy Mädlers Buch vergeblich. Das spiegelt sich auch in den Kapitelüberschriften,
die in Abwandlung des Staatsbandes „die Legende vom Glück des Friedens“ oder „die Legende vom Glück der Arbeit“ heißen. Damit
will Mädler nicht sagen, dass sie es für eine Unwahrheit hält, dass Arbeit zum Glücklichsein beitragen kann, sondern dass das, was sie
in diesem Kapitel über ihren Vater erzählt, sich wahrscheinlich so oder so ähnlich zugetragen hat, aber vielleicht auch ganz anders war.
Denn Erinnerungen verändern sich mit der Zeit und sowieso hat jeder eine andere Erinnerung. Auf einer Lesung sagte die Autorin, dass
Erinnern deswegen auch eine Form des Vergessens sei Peggy Mädlers große Stärke ist ihre tastende Suche nach der Vergangenheit.
Es gibt keine Gewissheiten, aber es gibt in Ina die Gewissheit, nach so etwas wie der Wahrheit suchen zu wollen. Diesen Weg verfolgt
sie still und hartnäckig mit einem Blick, der eher auf Alltägliches und die vermeintlichen Nebensächlichkeiten gerichtet ist als auf
die großen Ereignisse. Ihre Freude am Möglichen erklärt sie sich durch das Erlebnis, dass ihre einzig mögliche Welt sich 1989 radikal
verändert hat. Denn wie ihre Erzählerin Ina war die gebürtige Peggy Mädler 13, als sie Wende kam. Der Erzählfluss in „Legende vom
Glück des Menschen“ wird immer wieder durch Infragestellungen unterbrochen. Ja, vermutlich war es so, aber wenn nicht? Und was
wäre geschehen, wenn die Person in einer wichtigen Situation anders gehandelt hätte? Das fragt sich Ina, als sie als junges Mädchen
Fotos von ihrer Mutter mit einem anderen Mann entdeckt. Hätte sie mit ihm Kinder bekommen, gäbe es sie und ihren Bruder nicht.
Peggy Mädler rekonstruiert das Leben von Inas Großeltern, die alles andere als Helden oder auch nur Sympathieträger sind, die sich
im Krieg und danach im Ostteil des geteilten Deutschland zurechtfinden mussten. Inas Eltern sind unauffällige, angepasste DDR-
Bürger. Beide mussten in dem neu entstandenen Staat eine bedrückende Kindheit und Jugend durchstehen. Ihre Kinder, denen sie eine
behütetes Zuhause bieten, entwickeln sich zu starken Charakteren. Sie wollen kein vorgefertigtes Leben, sondern suchen danach, was
sich für sie richtig anfühlt. Und das kann dauern, wie man weiß, Was in „Legende vom Glück des Menschen“ wie nebenbei deutlich
wird, ist die Bedeutung der Großeltern für die eigene Ich-Werdung. Mit deren Fotos und Geschichten lange vor der eigenen Zeit, fängt
die eigene Geschichte an, fängt die Welt eigentlich erst an zu existieren. Manchmal hat Mädlers Stil etwas Puppenstubenhaftes. Aber
wie sie mit dieser schwebenden, nachdenklichen Aufmerksamkeit genau hinschaut, ist richtig gut: „Mutter behauptet, seit der Wende
habe sich eigentlich nur finanziell was für sie verändert, und dann streiten wir uns auf jeden Fall.“ ---
http://www.medienprofile.de/review/review/568066/
medien profile
Legende vom Glück des Menschen
Peggy Mädler, 1976 in Dresden geboren, hat 2007 das “Labor für kontrafaktisches Denken” mitgegründet, eine Künstlerinitiative, die
damit experimentiert, “Realität kontrafaktisch zu denken und zu verändern”, “Parallelwelten” zu erfassen und zu überschreiten. Dieses
Prinzip setzt Mädler auch bei ihrem Erstlingsroman ein, der teils in der DDR, teils in der deutschen Gegenwart spielt; der einerseits eine
Familiengeschichte ist, andererseits der allgemeinen Frage nachgeht, was Glück ist; der gesellschafts- und staatspolitische Aspekte mit
ganz privaten Erlebnissen verwebt. Das liest sich interessant, auch wenn die Sprünge in die verschiedenen Welten nicht immer leicht
und sofort nachzuverfolgen sind. Manchmal stolpert man ein bisschen hinterher: Geht es nun um die Großeltern - ein wiederentdeckter
Bildband, mit dem der Großvater der Erzählerin 1968 in der DDR für langjährige Mitarbeit geehrt wurde, bildet den Ausgangspunkt
dieses Romans -, um die Eltern oder um die Erzählerin selbst? Doch nach und nach spürt man die Fäden und verschiedenen
Lebensgeschichten auf, in denen es letztlich immer um die Suche nach dem Glück geht. Ein lesenswertes literarisches Experiment.
http://www.taz.de/1/archiv/digitaz/artikel/?ressort=li&dig=2011%2F03%2F17%2Fa0018&cHash=12f590263c8b22ca0ce31e51e2de855a
taz
Überlass dein Glück nie den Chefkommentatoren
MÖGLICHKEITEN Wer zumindest zufrieden sein will, sollte umdenken können: Peggy Mädler erzählt in ihrem ebenso leisen wie klugen
Debütroman „Legende vom Glück des Menschen“ melancholisch von den Fallstricken der Geschichte - und erprobt zugleich einen
zeitgemäßen Umgang mit ihnen
Das Glück? Oder dessen kleine Schwester, die Zufriedenheit? Was zählt im Leben? Ist es überhaupt möglich, zufrieden zu sein
angesichts zweier Kriege, die noch den jüngeren Generationen über die Erinnerungen der Eltern und Großeltern ins Leben geschrieben
sind? Um diese Fragen kreist der Debütroman von Peggy Mädler.
Die im Jahr 1976 in Dresden geborene Autorin lotet in ihrem Buch „Legende vom Glück des Menschen“ auch die Möglichkeiten und
Grenzen menschlichen Erinnerns aus. Als Folie dienen ihr dabei nicht nur die beiden Weltkriege, sondern auch die deutsch-deutsche
Vergangenheit.
Ihre Protagonistin Ina Endes stößt nach dem Tod der Großmutter beim Ausräumen der Wohnung auf den Fotoband „Vom Glück
des Menschen“ aus dem Jahr 1968. Dessen Herausgeber ist unter anderem Karl-Eduard von Schnitzler, als Chefkommentator des
DDR-Fernsehens ein ebenso bekannter wie umstrittener politischer Journalist in der DDR. Beim Blättern überkommt die Enkelin ein
Befremden. Das in diesem Band propagierte, von oben verordnete Glück ist ihr aus der Schulzeit in der DDR vertraut. Knapp 15 Jahre
nach der Vereinigung stößt es sie aber längst ab. Diese Verstörung löst einen Prozess des Erinnerns der eigenen Familiengeschichte
über drei Generationen aus. Um ihn zu erzählen, nutzt Peggy Mädler die Kapitelüberschriften des Schnitzler-Buches als Vorlage für die
Legenden, die ihr Buch strukturieren.
In der „Legende vom Glück der Freiheit“ etwa spürt sie der Geschichte der Großeltern nach, die gerade zueinandergefunden haben,
als der Krieg sie wieder entzweit. Die Enkelin fragt sich, warum sie nach 1945 nicht an ihre alte Vertrautheit anknüpfen können.
Da ist die politische Enge der sozialistischen Nachkriegsjahre. Da sind aber auch das Schweigen des Großvaters und das geringe
Einfühlungsvermögen der Großmutter.
Von den Schwierigkeiten der Eltern, sich in den politischen Fallstricken des DDR-Alltags zurechtzufinden, erzählt die „Legende vom
Glück des Miteinanders“. Auch davon, sich nach 1989 neu zu verorten. Ina versucht zu verstehen, welche Mühe die Eltern mit ihrem

Erwachsenwerden haben. Es geht um Missverständnisse und Brüche zwischen den Generationen, die ihren Umgang prägen.
Ihr Gespür für Geschichten hat Peggy Mädler am Theater geschult. Sie arbeitete als Dramaturgin in Rudolstadt, Buxtehude und Berlin,
bei einigen Stücken führte sie Regie. Gleichzeitig ist sie Mitinitiatorin des Kunstprojektes „Labor für kontrafaktisches Denken“. Was so
viel bedeutet wie gegen die Realität sinnieren, damit sich neue Wege erschließen. Dieser offene Geist durchdringt auch das Buch.
Dabei ist die Geschichte nicht neu. Aber Mädler erzählt sie auf eine Art, dass es ihr gelingt, etwas hinzuzufügen. Das klingt oft
melancholisch. Schrille Töne liegen ihr nicht. Auch die in erschütternden Szenen beschriebene Trunksucht der Großmutter erzählt sie
leise, beinahe beiläufig.
Vor allem aber hat sie durch den kaleidoskopartigen Aufbau der Erzählung Raum geschaffen, über das Erinnern der Geschichte
im Privaten wie im Politischen nachzudenken. Dabei reiben sich die subjektiven Kindheitserinnerungen der Icherzählerin Ina an
der offiziellen Lesart deutscher Zeitgeschichte: „Wie schwer es mir manchmal fällt, mich auf verschiedene Bilder einzustellen, sie
nebeneinander zu denken, ohne sie gleich gegeneinander auszuspielen.“
In klugen Reflexionen erkundet die Autorin die Grenze zwischen beiden Ebenen. In der Schule zum Beispiel hat Ina vieles gelernt,
das sie später im Studium anders denken muss. Und sie macht es sich nicht einfach damit: Statt neue Gewissheiten zu übernehmen,
formuliert sie Fragen, lässt Möglichkeiten im Raum stehen.
Ina Endes glaubt nicht an die knackigen „Formeln für das Glück, die klingen wie Gebrauchsanweisungen für Küchenmaschinen“. Für sie
steckt es in den kleinen, scheinbar nebensächlichen Begebenheiten des Alltags. Glück ist flüchtig. Individuell. Und am Ende resümiert
sie: „Zufriedensein ist etwas, das man nicht unterschätzen sollte.“
ULRIKE HEIKE MÜLLER
http://www.fr-online.de/literatur/debuetroman-die-legende-vom-ddr-glueck,1472266,8021230.html
Frankfurter Rundschau
Die Legende vom DDR-Glück
Von ULRICH RÜDENAUER
Eine Familienrechercheurin: Peggy Mädler. Foto: Andreas Rost
Peggy Mädler begibt sich in ihrem Buch „Die Legende vom Glück des Menschen“ auf Fährtensuche. Sie sucht in der eigenen DDR-
Familiengeschichte und der persönlichen Identität. Spannend ist daran die Haltung der Erzählerin, ihre Skepsis, ihre Reflektiertheit und
ihr Mut zum Pathos.
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Der Genosse Karl-Eduard von Schnitzler war ein wahrer Ideologe vor den Herren des ZK. In der DDR moderierte der Propagandist
über Jahre den finsteren „Schwarzen Kanal“, und er fungierte auch als Buchautor. Die „Bilddichtung“ mit dem Titel „Vom Glück des
Menschen“, verfasst von Schnitzler und Rita Maahs, erschien in den sechziger Jahren. Wenn im Politischen vom Glück des Individuums
gesprochen wird, dann sollte man hellhörig werden. Persönliches Glück findet man wohl eher dort, wo gesellschaftliche Anforderungen
und Zumutungen nicht hinreichen. Im besten Fall sollten ihm von den Pragmatikern des Lebens nicht allzu viele Stolpersteine in den
Weg gelegt werden.
„1968 wurde mein Großvater von der Staatlichen Handelsorganisation der DDR mit einem schwarz-weißen Fotoband und einem
Bund roter Nelken ausgezeichnet. Das Buch mit dem Titel VOM GLÜCK DES MENSCHEN hat er wohl unbesehen ins Regal gestellt.“ So
beginnt Peggy Mädlers Debütroman, dessen Titel das Propagandawerk Schnitzlers in die Sphäre der Sagen verweist und zugleich Bezug
nimmt auf Ulrich Plenzdorfs „Die Legende vom Glück ohne Ende“.
Geschichte einer Familienrecherche
Das gefundene Buch wird zum Ausgangspunkt einer Familienrecherche. Peggy Mädlers Erzählerin, aus der DDR längst heraus- und in
die BRD hineingewachsen, wendet sich noch einmal an die Vergangenheit. Bis zu den Großeltern in die NS-Zeit blickt sie zurück, und
durch den real existierenden Sozialismus schreitet die Geschichte voran bis in die Gegenwart, die nicht nur Fluchtpunkt ist, sondern
auch die Perspektive der Rückschau vorgibt.
Beim Durchblättern der Schnitzlerschen Bürgerkunde misst sie die Realität an den jeweiligen Überschriften des Buches: „Die Legende
vom Glück der Freiheit“ oder „Die Legende vom Glück des Miteinanders“. Man ahnt sehr rasch, dass es mit der Freiheit und dem
Miteinander nicht weit her ist. Das ist auch die kleine Schwäche dieses sehr guten Debüts: Dass die erzählten Geschichten aus der
ostdeutschen Lebenswirklichkeit ein bisschen blass bleiben, vielleicht weil man sie kennt oder zu kennen meint.
Spannend aber ist die Haltung der Erzählerin, ihre Skepsis und Reflektiertheit, ihr Mut zum Pathos und zur Infragestellung vorgestanzter
Erinnnerungsmuster. „Mitunter vergisst man die Sache und den Vorgang des Vergessens gleichermaßen. Es heißt, dass die Leerstellen
unbewusst mit fremdem Material gefüllt werden, mit Gehörtem oder Gelesenem, so dass es gar nicht auffällt, dass es möglicherweise
entscheidende Lücken im Ablauf gibt. Anscheinend ist es mir gelungen, ein paar dieser Lücken zu behalten. Wenn man das so sagen
kann. Was habe ich gedacht und empfunden, damals, als die Wende kam, hat mich Robert neulich gefragt. Thomas lacht. Es ist nur ein
Beispiel, sage ich und schalte die Lampe über dem Tisch ein. Ich kann mich nicht erinnern, kenne nur die Erinnerungen von anderen.“
Kein Geschichtspanorama
Die Erinnerungen der anderen, sie bilden sich im Roman selbst ab und werden zugleich in ihrer Brüchigkeit offenbar. 33 Jahre alt ist die
Erzählerin, verstrickt in eine eigene Geschichte und in die ihrer Familie, und die Fragen, die sie hat, bleiben nicht selten unbeantwortet.
So ist auch dieses Buch ein Tasten, zurück und voran, eine Fährtensuche, auf der die Abwege schon mitgedacht werden. Indem die
gesellschaftlichen und politischen Ideologien an den Lebensgeschichten gemessen werden, bleiben unweigerlich Enttäuschungen,
Verzweiflung, manchmal auch Gleichgültigkeit.

Aber Peggy Mädler will eben kein Geschichtspanorama entwerfen, das wäre auch ein bisschen unbescheiden. Letztlich geht es – und
das ist schon viel – um das Finden einer eigenen Identität aus Bruchstücken, die nicht mehr unbedingt zusammenpassen. Ein Professor
sagt einmal zur Erzählerin, dass die Geschichtsschreibung nur ein Teil von vielen möglichen Erzählungen sei und man immer wieder neu
anfangen müsse. Genau darum geht es in der Literatur – aus wenigen Gewissheiten und vielen Möglichkeiten etwas zu machen. Und
Identität als etwas zu begreifen, was sich nur im Zweifel und als ständiges Zweifeln aufrecht erhalten lässt.
http://derwahnsinnhateinennamen.twoday.net/stories/38740025/
DIE LEGENDE VOM GLÜCK DES MENSCHEN
Drei Generationen einer Familie spiegeln ein ganzes Jahrhundert wieder - Peggy Mädlers Familiengeschichte versucht das Glück zu
ergründen - das offizielle, wie es NS-Staat, Schule oder DDR-Funktionäre vorgeben, das inoffizielle, das eine mecklenburgische Allee
mit hohen Bäumen sein kann, oder einen Menschen, zu dem man zurück kehrt.
Alle Protagonisten sind zunächst Außenseiter, die sich dann aber doch in ihre jeweilige Gesellschaft integrieren. Der
Geneartionenkonflikt ist trotz gegenseiter Liebe immer greifbar.
Als Metaebene dient ein alter Fotoband von 1968, der den Bürgern der DDR das sozialistische Glück vor Augen halten möchte - das auf
und ab in der Ehe und viele kleine Begebenheiten sprechen jedoch eine andere Sprache. Kollektive und einzelne Erinnerung, offizielle
Geschichte und Leben - irgendwo dazwischen findet Mädler ihren eigenen Sprachstil und ihre Protagonisten ein flüchtiges Glück.
Schön werden die einzelnen Generationskonflikte heraus gearbeitet, die, wenn auch im Großen und Ganzen gleich, in jeder Zeit
unterschiedlich geprägt sind.
http://www.theater-heilbronn.de/index.php?id=128&tx_ttnews%5Btt_news%5D=413&tx_ttnews%5BbackPid%5D=128&cHash=75e2b
5e3cd3f6d5329b94a3706446846
Theater Heilborn
Peggy Mädler hat als Dramaturgin die Schauspielcollage »Exit Europa« maßgeblich mitentwickelt und die Stückfassung von »Der
Process« und »Homo faber« für das Theater Heilbronn geschrieben. Sie ist 1976 in Dresden geboren, lebt und arbeitet als Dramaturgin,
Regisseurin und Autorin in Berlin und ist Mitbegründerin des Künstlerkollektivs »Labor für kontra-faktisches Denken«. 2012 ist ihr
erster Roman bei Galiani erschienen: »Die Legende vom Glück des Menschen«. Auf bescheidene, gewitzte und elegante Art untersucht
sie in ihrem von Geschichten prallen Buch wie Glück entsteht, wie Gesellschaft funktioniert und wie private Erinnerung und die große
Geschichte zueinander stehen. »Legende vom Glück des Menschen« ist ein erstaunliches Roman-Debüt: vielschichtig, nachdenklich,
klug und umsichtig erzählt, voller Lust am aussagekräftigen Detail und der genau platzierten, farbig geschilderten Episode. (Sigrid
Löffler)

T A N Z
Jailbreak Mind
ein Solo von Fabien Prioville im Rahmen von tanz.tausch 2011/12
G A S T S P I E L :
27. Januar 2012 bis 28. Januar 2012
im DOCK 11
http://www.artiberlin.de/article/a_lot_of_body_Jailbreak_Mind_von_Fabien_Priov
a lot of body: “Jailbreak Mind” von Fabien Prioville im DOCK11
Site4 von Katharina Schmidt (03.02.2012)
Titelbild
Keinesfalls möchte ich ins Visier der Kamera geraten. Erbarmungslos wird sie auf das Publikum gerichtet und sucht sich scheinbar wahllos ihren Fokus. Hoffentlich
wahllos. Die Kamera zoomt heran, ganz nah an ein Gesicht, das zugleich überlebensgroß in den Bühnenraum projiziert wird. Das leicht verwackelte
Videobild erscheint im Nachtsichtmodus. Vereinzelt werden dumpfe Bässe eingespielt. Ich bin angespannt. Schließlich Stille.
Die Soloperformance „Jailbreak Mind“ des Tänzers Fabien Prioville gerät in diesem Moment aus dem Tempo, hält inne und holt die Zuschauenden gewissermaßen
auf die Bühne. Ein retardierendes Moment im rasanten Rausch des Abends. Ein Abend an dem Tanz auf Amok, Videospiel auf Tanz und wiederum Amok
auf die populäre These vom gefährlichen Mediengebrauch trifft. Es passiert unglaublich viel, beinahe zu viel. Fast bin ich überreizt an diesem Abend im DOCK11.
Fabien Prioville, ehemaliger Tänzer der kanadischen Kompanie „La La La Human Steps“ und des „Wuppertaler Tanztheaters“, holt gemeinsam mit Video-, Lichtund
Klangkünstler_innen den Amok auf die Bühne. Und das Publikum mitten rein – in den Fokus der Kamera und damit ins Visier der Aufmerksamkeit – all das
erhält in diesem Kontext einen fast schon bedrohlichen Beigeschmack.
Eigenes Bild 2 (gross)Doch was macht der Amok eigentlich auf der Bühne? In einem gewissen Sinne sind Amok und Bühne, Amok und Tanz gar nicht so weit
voneinander entfernt. Im Amok wird ein ‚Niemand‘ zu einem ‚Jemand‘, die/der sich in der Öffentlichkeit auf symbolische Weise, auf gewaltvolle Weise inszeniert
– ritualhaft inszeniert – und im Zentrum der Aufmerksamkeit eine Bühne findet. Damit wird der Amok keinesfalls zu einem Akt der Kunst, jedoch zu einem
Akt der Inszenierung von Gewalt. Den wiederum Fabien Prioville im Tanz auf der Bühne in Szene setzt. Zum Videospiel „Grand Theft Auto“ bewegt er sich in
gewisser Weise gegen und mit dem Avatar des Spiels. Teils synchron, teils versetzt nimmt Fabien Prioville beinahe eine mechanische Körpersprache an, wird
zur Marionette des Spiels – oder seiner selbst. Nicht ‚natürlicher‘ Körper und ‚unnatürliche‘ Technik werden hier gegenübergestellt, sondern ihre gegenseitige
Durchdringung. Technik und Körper, Videospiel und Tänzer als Produkt des jeweils anderen. Eine wechselseitige Aufladung. Bis zum rauschartigen Höhepunkt
von „Jailbreak Mind“: Das weiße Hemd, ähnlich einer Strumpfmaske, um den Kopf gebunden, den Blick auf den trainierten Oberkörper freigelegt, emanzipiert
sich der Tänzerkörper von den mechanisierten Bewegungen. Im getanzten Amok verfällt Fabien Prioville einer Art Ekstase – tänzerisch virtuos über die Bühne
gleitend, die Hände zur Waffe gefaltet, im Rhythmus der Musik, in Lichteffekte gehüllt, inszeniert, ritualisiert – Gewalt höchst ästhetisiert. Ich kann mich dem
Genuss des Moments nicht entziehen. Unterhaltung pur.
„Jailbreak Mind“ verhandelt viel, ganz viel. Jenseits der allzu vereinfachenden Debatte um unkontrollierten Mediengebrauch kann Tanz andere Perspektiven auf
das Phänomen des Amoks eröffnen. Zwischen Rausch und Erregung finde ich mich an diesem Abend mit der Inszenierung einer Tat konfrontiert.
Mehr zu Fabien Prioville findet ihr hier: http://www.fabienprioville.com/.
Jailbreak Mind: Fabien Prioville
27. und 28. Januar 2012
Solo im Rahmen von tanz.tausch 2011/12
DOCK11
STUDIOS
Kastanienallee 79
10435 Berlin
Konzept / Choreografie / Tanz: Fabien Prioville
Komposition: Frank Schulte
Video: Nina Juric
Licht: Michael Götz
Dramaturgische Beratung: Stefan Schwarz
Foto: Ursula Kaufmann
http://www.kultiversum.de/Tanz-ballettanz/Fabien-Prioville-Jailbreak-Mind.html
Kultiversum
Der Anfang ist Fliegen. Schräg hinter einem Hubschrauber, im Lärm, beschreiben wir eine Kurve, das wolkige Blau unter uns weicht dem geometrischen Grau
einer Stadt, vielleicht New York, riesige Bauten werden erkennbar, Straßenschluchten von oben. Der Flug stoppt, die Kamera, wäre es eine, schaut von oben auf
die Silhouette des Helikopters. Etwas fällt aus ihm heraus. Ein Mensch stürzt. Rudert mit Armen und Beinen. Der furchtbare Fall endet nie, denn das Bild bricht
ab. Am besten, man sitzt ganz nah an der Bühne, um von der großen Filmprojektion an der Rückwand mitgenommen zu werden. «Jailbreak Mind» von Fabien
Prioville braucht diese Unmittelbarkeit, diesen Taumel im Hirn.
Denn darum geht es, um den Sog der künstlichen Bildschirmwelt. Es sind die Landschaften von Grand Theft Auto JTA, einem extrem erfolgreich verkauften
Computergewaltspie

http://tanzhaus-nrw.de/main_pages/fabien-prioville-dance-company-fr-de--3#.UtEel3nFZ-U
tanzhasu nrw
Fabien Prioville Dance Company (FR/DE)
„Experiment on chatting bodies” Uraufführung
Die virtuelle Welt als Spielwiese der Selbstdarstellung: Der Choreograf und ehemalige Pina Bausch-Tänzer Fabien Prioville ist fasziniert vom Einfluss neuer
Technologien auf unser Kommunikationsverhalten und ließ sich für sein neues Stück von Videochatrooms wie chatroulette.com inspirieren. Dort präsentieren
sich Nutzer aus der ganzen Welt mit kurzen, oft extrem exaltierten Selbstdarstellungen und begegnen anderen per Zufallsgenerator. Gemeinsam mit dem Tänzer
Pascal Merighi, langjähriges Mitglied des Wuppertaler Tanztheaters, fragt Fabien Prioville danach, was den Reiz dieser virtuellen Begegnungen ausmacht. Auf
Facebook lädt er Internet-Nutzer ein, via Skype mit dem Tänzer live über eine Videoprojektion in Kontakt zu treten. Es entstehen unvorhersehbare Situationen,
die ihren Reiz aus dem künstlerischen Risiko des Unkalkulierbaren heraus entwickeln. Bereits in seinem ersten abendfüllenden Stück „Jailbreak Mind“ aus dem
Jahr 2009, mit dem Fabien Prioville u.a. zur Tanzplattform Deutschland und nach Indien eingeladen wurde, setzte er sich mit dem Internet als Kommunikationsplattform
und mit der Ästhetik von Computerspielen auseinander. Fabien Prioville tanzte u.a. bei La La La Human Steps und beim Tanztheater Wuppertal und
arbeitete mit Choreografen wie Philippe Blanchard, Josef Nadj und Davis Freeman zusammen.
Tgl. News zur Produktion unter Facebook.
Ein Radiobeitrag von Nicole Strecker läuft am Do 26.04. kurz nach 8 Uhr in WDR 3 Mosaik.
Konzept: Fabien Prioville; Choreografie, Tanz: Pascal Merighi, Fabien Prioville; Lichtdesign: Marcus Keller; Kommunikation: Alexandra Schmidt. Eine Produktion
der Fabien Prioville Dance Company, koproduziert durch das tanzhaus nrw und Attakkalari India Biennal, Bangalore. Gefördert durch das Ministerium für Familie,
Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes NRW, die Kulturämter der Landeshauptstadt Düsseldorf und der Stadt Wuppertal und die Stiftung van Meeteren.
http://www.tempsdimages.eu/en/editions/15/events/76
Jailbreak Mind
Fabien Prioville
DANCE, SHOW
In his first full length solo piece Fabien Prioville, former dancer with Pina Bausch and La La La Human Steps explores the world of a young Japanese who ran
amok and killed a group of people with a sword. Prioville incorporates the effect that violent video games like “Grand Theft Auto” can have on the mind triggering
illusions of grandeur and even the will to kill. Far from passing a moral judgement Prioville stages suggestive images of great intensity.
http://www.fr-online.de/theater/-jailbreak-mind--im-frankfurter-mousonturm-der-elegante-taeter,1473346,2836470.html
Theater
Frankfurter Rundschau » Kultur » Theater
11. Januar 2010
„Jailbreak Mind“ im Frankfurter Mousonturm Der elegante Täter
Von Sylvia Staude
Laut Programmzettel sieht man hier einen Amokläufer. Warum aber lässt dieses Stück mit dem Titel „Jailbreak Mind“ dann so kalt? Vielleicht weil Gedanken und
Gemütslage eines Gewalttäters mit Hilfe der Tanzkunst nicht darstellbar sind. Von Sylvia Staude
Drucken per Mail
Ein exzellenter Tänzer hat ein ernsthaftes Anliegen und setzt es bedacht um. Der Tänzer heißt Fabien Prioville, er hat zuletzt für Pina Bausch und Josef Nadj
getanzt. Sein Anliegen ist die Kritik an der Gewalt, die Computerspiele in die Gesellschaft tragen. Und dieses Thema hat ihn zu einer Form geführt, in der der
Solodarsteller, Prioville selbst, in Gittern, auf Spielfeldern gefangen ist, manchmal als gesichtslose Marionette - dann zieht er sich das T-Shirt über den Kopf -,
manchmal ruckelnd wie eine Figur auf einem Rechner, der etwas langsam ist.
Laut Programmzettel sieht man hier einen Amokläufer. Warum aber lässt dieses Stück mit dem Titel „Jailbreak Mind“ dann so kalt? Vielleicht weil Gedanken
und Gemütslage eines Gewalttäters mit Hilfe der Tanzkunst nicht darstellbar sind. Jedenfalls nicht mit der gepflegten Technik und - selbst beim hiphop-artigen
Ruckeln noch - Eleganz Fabien Priovilles.
Der Kanadier Dave St. Pierre, dessen choreografischer Stil weitaus roher und drastischer ist, hat dennoch in einem seiner Stücke eine Vergewaltigung ganz im Off
spielen lassen: Man hörte sie nur, aber die Erschütterung war größer, als hätten Tänzer das gemimt. Prioville jedoch bewegt sich zunächst fein und zierlich im auf
den Boden projizierten Lichtgitter (Lichtdesign: Tobias Heide), dazu gibt es feine, zierliche Musik von Frank Schulte. Eher ist der Tanzende ein Suchender als ein
Vulkan, der bald in Gewalt explodieren wird.
Wenn er dann tötet, zeichnet das Licht um ihn her symbolische Körperumrisse auf; und seine Hand folgt dem Strahl, als führte sie die Kreide. Das ist nicht der
Amokläufer, das ist der Techniker von der Mordkommission. Es hilft auch nicht viel, dass zwischendurch ein paar Baller- und Blutspritz-Szenen aus Computerspielen
eingespielt werden. Der Tänzer Prioville ist gleich danach wieder einfach mit zu viel Wohlgefallen anzusehen. Er ist übrigens trotzdem mit dieser, seiner
ersten längeren, Choreografie eingeladen zur Tanzplattform Deutschland, die in Februar in Nürnberg stattfindet.
Aber als hätte man sich verabredet, dem Publikum an diesem Abend im Frankfurter Mousonturm größtmögliche Abwechslung zu bieten, konnte man nach
knapp 60 Minuten Prioville in die Studiobühne wechseln und rund anderthalb Stunden Antony Rizzi sehen. Der deklarierte sein neues Stück mit dem Titel „An
attempt to fail at groundbreaking theater with pina arcade smith“ als „performance-happening“, denn: Zuviel proben macht den Abend kaputt, wie er seinem

Publikum versichert. Dafür gibt es wieder jede Menge von den typisch Rizzi´schen Qualitäten: Leidenschaft, Selbstironie, Ehrlichkeit, auch Exhibitionismus.
Der Tänzer, Choreograf, Fotograf hat ein großes Herz, und er öffnet es einmal mehr weit wie ein Scheunentor, um uns den Underground-Filmer Jack Smith, die
Performerin Penny Arcade und die Choreografin Pina Bausch quasi zu empfehlen (und ein bisschen Werbung zu machen für ein Buch über Penny Arcade).
Irene Klein, ehemals Tänzerin des Frankfurter Balletts, gibt im Hosenanzug eine leicht blasierte Pina, dann spielt auch Rizzi mit der einen Hälfte seines Körpers,
und mit schwarz-blonder Perücke und zwei halben Kleidern, Pina, mit der anderen Penny: Pina gibt Penny Tanzunterricht, eine kleine, liebevolle Parodie. Rizzi
plaudert so schonungslos, intim, schwarzhumorig, dass es manchmal wehtut. Vielleicht sollte ja er mal über das Thema Amoklauf nachdenken.

T A N Z P E R F O R M A N C E
BUBBLE BOXING
eine Tanzperformance von Yui Kawaguchi und theater-51grad.com
W I E D E R A U F N A H M E:
02. Februar 2012 bis 05. Februar 2012
im DOCK 11
http://www.kultiversum.de/Tanz/kalender-und-kritik-berlin-Yui-Kawaguchi-Bubble-Boxi.html
Kultiversum
Ein Boxhieb auf den großen weißen Ball, der in der Bühnenmitte baumelt – und aus den Boxen ertönt ein Krachen, als würde das Mauerwerk ganzer
Städte bröckeln und sich die Erde auftun. Yui Kawaguchi weicht dem zurückpendelnden Riesen-Punchingball aus. Noch ein Schlag, wieder bebt die
Erde. Doch Ding und Darstellerin schwingen sich aufeinander ein. Yui Kawaguchi taucht unter dem Ballon hindurch und reckt ihm in Pin-up-Pose ihren
Po entgegen. Der leblose Kontrahent dankt das Zutrauen wie mit einem Stromstoß – ihr Körper zuckt, als sie ihre Wange an den mondhell leuchtenden
Ballon legt. Eine Ohrfeige hat sich das Gegenüber verdient.
Mit «Bubble Boxing» fragt die Tänzerin und Choreografin Yui Kawaguchi im Berliner Dock 11: Was verbindet Tanz und Comic? Der Mega-Lampion
könnte durchaus auch eine Sprechblase sein. Und einmal verwandelt
http://www.theaterkompass.de/news-einzelansicht+M5690ee9b89f.html
Theaterkompas.de
Mit „Bubble Boxing” entwickelt Yui Kawaguchi ein Tanzprojekt, das die Kunst der gezeichneten Sprechblase in die dritte Dimension setzt. Gemeinsam
mit dem portugiesischen Tänzer Gonçalo Cruzinha inszeniert sie die Begegnung und Annäherung zweier Menschen, deren Gefühle, Gedanken und
Kommunikationsversuche auf der Bühne als Sprechballons aufleuchten: im komplexen visuellen und akustischen Raum entspinnt sich ein Dialog zwischen
Musik, Licht und Körper - zwischen Begegnung und Irritation, Annäherung und Abstoßung.
Dynamik und Vielfalt der Sprechblase, die nie ausschließlich Hülle für Worte und Bedeutungen ist,
sondern immer auch Träger nonverbaler Kommunikationsformen wie Rhythmus, Tastsinn, Gefühl und
Atem, finden in „Bubble Boxing“ ihre erstaunliche Entsprechung in der Körpersprache des Tanzes: unterhalte ich mich mit Dir oder mit Deiner Sprechblase?
Schaust Du mich oder meine Sprechblase an? Zwei Menschen ringen um Verständnis, kämpfen miteinander, aber treffen sich immer wieder selbst. Wo geht
dieses Spiel hin? Was drängt mich an die Wand?
http://www.berliner-kultur.de/eventdb/show_event.php?id=48810
Kultural
Bubble Boxing - Tanzperformance von Yui Kawaguchi
Nach „andropolaroid“, der mit dem Kölner Tanzpreis 2010 ausgezeichneten, ersten Zusammenarbeit von Yui Kawaguchi und dem theater-51grad.com, folgt
nun die zweite gemeinsame Produktion. Mit “Bubble Boxing” entwickelt Yui Kawaguchi ein Tanzprojekt, das die Kunst der “Sprechblase” im Manga und
Comic in den Fokus der Recherche setzt. Vor diesem Hintergrund inszeniert sie gemeinsam mit dem portugiesischen Tänzer Gonçalo Cruzinha eine Begegnung
und Annäherung zweier Menschen, deren Gefühle, Gedanken und Kommunikationsversuche auf der Bühne als Sprechballons aufleuchten: Im komplexen
visuellen und akustischen Raum beginnt sich ein Dialog zwischen Musik, Licht und Körper zu entspinnen - zwischen Begegnung und Irritation, Annäherung
und Abstoßung. Die „Sprechblase“ ist ein Medium, das in die Konversation sowohl zwischen den Protagonisten des Manga als auch zwischen Autor und
Leser tritt. Im quadratischen Ring beherrschen die Figuren die Sprechblasen, sie kreuzen die Klingen und kreieren ein Drama auf glattem Papier. Der Zeichner
bestimmt ihre dramatische und emotionale Form, füllt sie mit passenden Worten und findet den ihnen „ent-sprechenden“ Platz. Der Leser schließlich liest
die Ballons im bildlichen Kontext und erlebt den Klang der Atmosphäre und der Worte mit seinem innerlichen Orchester. Mit der Körpersprache des Tanzes
versucht sich “Bubble Boxing” der Dynamik und Vielfalt der Sprechblase anzunähern, die nie ausschließlich Hülle für Worte und Bedeutungen ist, sondern
ähnlich wie der Tanz immer auch Träger nonverbaler Kommunikationsformen wie Rhythmus, Tastsinn, Gefühl und Atem. Sie verkörpert unsere Sehnsucht
und unser Ringen nach einem Dialog, in dem wir unsere Existenz fühlen und erkennen wollen. Aber wo verbergen sich die Sprachballons in unserem realen
Leben? Unterhalte ich mit Dir oder mit Deiner Sprechblase? Schaust Du mich oder meine Sprechblase an? Zwei Menschen ringen um Verständnis, kämpfen
miteinander aber treffen sich immer wieder selbst. Wo geht dieses Spiel hin? Was drängt mich an die Wand? Wann wird der nächste Gong geschlagen?
http://www.openpr.de/news/574577/Bubble-Boxing.html
open PR
Bubble Boxing
Pressemitteilung von: k3 berlin - Kontor für Kultur und Kommunikation
/ PR Agentur: k3 berlin - Kontor für Kultur und Kommunikation
Bild im Großformat
Credit Acci Baba
Ausgerechnet die Sprechblase. Jeder weiß doch, was das ist und eigentlich mag man Sprechblasen nicht, ganz besonders nicht bei anderen. Außer: in Comic

und Manga. Da sind sie wichtig und richtig, geradezu unverzichtbar.
Mit „Bubble Boxing” entwickelt Yui Kawaguchi ein Tanzprojekt, das die Kunst der gezeichneten Sprechblase in die dritte Dimension setzt. Gemeinsam
mit dem portugiesischen Tänzer Gonçalo Cruzinha inszeniert sie die Begegnung und Annäherung zweier Menschen, deren Gefühle, Gedanken und
Kommunikationsversuche auf der Bühne als Sprechballons aufleuchten: im komplexen visuellen und akustischen Raum entspinnt sich ein Dialog zwischen
Musik, Licht und Körper - zwischen Begegnung und Irritation, Annäherung und Abstoßung.
Dynamik und Vielfalt der Sprechblase, die nie ausschließlich Hülle für Worte und Bedeutungen ist, sondern immer auch Träger nonverbaler
Kommunikationsformen wie Rhythmus, Tastsinn, Gefühl und Atem, finden in „Bubble Boxing“ ihre erstaunliche Entsprechung in der Körpersprache des
Tanzes: unterhalte ich mich mit Dir oder mit Deiner Sprechblase? Schaust Du mich oder meine Sprechblase an? Zwei Menschen ringen um Verständnis,
kämpfen miteinander, aber treffen sich immer wieder selbst. Wo geht dieses Spiel hin? Was drängt mich an die Wand?
http://www.trailer-ruhr.de/gib-ihm-eins-auf-die-nase
Gib ihm eins auf die Nase
Ich geb’ dir eins auf’s Ohr. Du donnerst mir eins zwischen die Augen. Zack. Peng. So geht es zu bei „Bubble Boxing“, der neuen Choreographie von Yui
Kawaguchi. Vor genau einem Jahr gewann die Japanerin in Zusammenarbeit mit der Kölner Regisseurin Rosi Ulrich den Kölner Tanz Theater Preis. Jetzt
präsentiert sie ihre Uraufführung in Berlin, kommt aber nach Köln, um „Bubble Boxing“ im Rahmen des Festivals Globalize:Cologne im alten Ufa-Filmpalast
vorzustellen.
Eine enorme Entwicklung hat sie in dieser kurzen Zeit vollzogen. Das neue Stück ist kompakter, inhaltlich komplexer und von einer Ästhetik, die sich knallig
und zugleich doch puristisch darstellt. Zwei Figuren (Yui Kawaguchi und Goncalo Cruzinha) fighten nebeneinander gegen einen unsichtbaren Gegner, anhand
der Geräusche bekommt man jedoch die Schläge mit, die sie einstecken müssen. Es dauert nicht lange, dann sind beide K.o. Was hier abgeht, ist ein Comic-
Strip, in dem die Sprechblasen in Form von Geräuschen geliefert werden.
Erst allmählich agieren die beiden Figuren miteinander, zuvor werden sie von einem großen Auge beobachtet, das von der Decke hängt. Ein origineller Einfall,
wie überhaupt die Produktion stilistisch sehr geradlinig ausfällt. Hier wusste jemand genau, was er wollte. Eine Qualität, die man in Tanzproduktionen nicht
immer antrifft. Die Figuren sind nur das, was sie tun, sie besitzen keine Innerlichkeit. Auch wenn sie bekannte Bewegungen ausüben, beziehen sie sich nicht
auf etwas Vorgegebenes. Das Spiel ist reine Oberfläche, genau wie die Comics. Die Inszenierung zeigt, wie die Comics funktionieren. Sie bestehen alleine
aus den Farben, Formen und Aktionen, die dargestellt werden. Jede Handlung visualisiert sich, Gefühle sind nicht angelegt. Deshalb gibt es viel Slapstick.
Aber niemand, der sich eben noch einen Schwinger eingefangen hat, wird verletzt. Man steht auf, und schon geht es weiter. Nur am Ende gibt es dann doch
eine zärtliche Geste, die beiden treten in Beziehung zueinander. Das ist eine schöne Volte, mit der Yui Kawaguchi dem Regelwerk der Comic-Ästhetik ein
Schnippchen schlägt. Eine eigenwillige Produktion, die man auch aufgrund des pointierten Sounddesigns (Sibin Vassilev) und des stimmungsvollen, mitunter
sogar ironisch gesetzten Lichts (Fabian Bleisch) zu den Entdeckungen des Festivals zählen darf.
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Monchichi-Sebastién Ramirez & Hyun-Jung Wang »
November 8th, 2011
Bubble Boxing
eine Tanzperformance von Yui Kawaguchi und theater-51grad.com
In dem Tanzprojekt “Bubble Boxing”, das die Kunst der “Sprechblasen” im Manga und Comic in den Fokus rückt, entwickelt Kawaguchi
gemeinsam mit dem portugiesischen Tänzer Gonçalo Cruzinha die Begegnung und Annäherung zweier Menschen. Wie Projektionsflächen
ihrer Gefühle, Gedanken und Konversationsversuche leuchten Sprechblasen auf. Diese Blasen verkörpern die Sehnsucht nach einem Dialog,
in dem wir unsere Existenz fühlen und erkennen. Im quadratischen Ring beherrschen die Protagonisten ihre„Bubbles”, sie kreuzen die
Klingen und kreieren ein Drama. Sie ringen um Verständnis, kämpfen miteinander, aber treffen immer wieder sich selbst. Wo geht dieses
Spiel hin? Was drängt mich an die Wand? Wann wird der nächste Gong geschlagen?
Spieltermine:
10.(Premiere) +11. November 2011, jeweils 20.30 Uhr im DOCK 11
Wiederaufnahme: 2.-5. Februar 2012, jeweils 20.30 Uhr im DOCK 11

S t a r t s eii t e T e r mii n e B e s u c h e A d r e s s e n K ü n s tll e r T a n z b e d a r f Lii t e r a t u r II n h a ll t II m p r e s s u m
... by Stephanie Dahms
Z eii t s c h rii f t e n
L ii n k s
G e s c hii c h t e n
O p e r n II n f o Bll n
T a n z - W e b..II n f o
R e d a k tii o n
G E S C HII C H T E ( N ) ......
28.10.2010
G e d a n k e n z u " J e a n
G e o r g e N o v e r r e "
Gestalten der
Tanzgeschichte, kurz
vorgestellt.
... weiter >
01.10.2010
B allll e t t ii n B e rllii n ( 2 0 0 7 )
Ballett (und Tanz) Premieren
und Neueinstudierungen
2007
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15.08.2010
B allll e t t ii n B e rllii n ( 2 0 0 6 )
Ballett (und Tanz) Premieren
und Neueinstudierungen
2006
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01.07.2010
B allll e t t ii n B e rllii n ( 2 0 0 5 )
Ballett (und Tanz) Premieren
und Neueinstudierungen
2005
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N o v e m b e r 2 0 1 1
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ANKÜNDIIGUNG: "BUBBLE BOXIING (UA) - Yuii Kawaguchii"
Yuii Kawaguchii /
theater-51grad.com
BERLIIN Premiiere 10.& 11.November 2011, 20.30 h DOCK11, Kastanienallee
79, B-Prenzlauerberg
2.-5.Februar 2012, 20.30 h DOCK11, Kastanienallee 79, B-Prenzlauerberg
P h o t o ::(c) Acci Baba
Konzept/Choreographiie: Yui Kawaguchi
Von und miit: Gonçalo Cruzinha, Yui Kawaguchi
Liichtdesiign & Techniik: Fabian Bleisch
Sounddesiign: Sibin Vassilev
Kostüme: Aram Münster (aramat)
Dramaturgiie: Rosi Ulrich
Dramaturgiische Miitarbeiit: Sabine Salzmann
"Mit „Bubble Boxing" entwickelt Yui Kawaguchi ein Tanzprojekt, das die Kunst der
gezeichneten Sprechblase in die dritte Dimension setzt. Gemeinsam mit dem
portugiesischen Tänzer Gonçalo Cruzinha inszeniert sie die Begegnung und
Annäherung zweier Menschen, deren Gefühle, Gedanken und Kommunikationsversuche
auf der Bühne als Sprechballons aufleuchten: im komplexen visuellen und akustischen
Raum entspinnt sich ein Dialog zwischen Musik, Licht und Körper -zwischen Begegnung
und Irritation, Annäherung und Abstoßung."
"Dynamik und Vielfalt der Sprechblase, die nie ausschließlich Hülle für Worte und
Bedeutungen ist, sondern immer auch Träger nonverbaler Kommunikationsformen wie
Rhythmus, Tastsinn, Gefühl und Atem, finden in „Bubble Boxing“ ihre erstaunliche
Entsprechung in der Körpersprache des Tanzes: unterhalte ich mich mit Dir oder mit
Deiner Sprechblase? Schaust Du mich oder meine Sprechblase an? Zwei Menschen
ringen um Verständnis, kämpfen miteinander, aber treffen sich immer wieder selbst.
Wo geht dieses Spiel hin? Was drängt mich an die Wand?"
Eine Produktion des theater-51grad.com. In Kooperation mit der Freihandelszone
-ensemblenetzwerk köln, DOCK11 (Berlin).
Mit freundlicher Unterstützung von Nico and the Navigators. Gefördert durch den
Hauptstadtkulturfonds.
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S u c h e n
N E U E T V S E N D U N G E N ......
.... ERSTAUSSTRAHLUNGEN ca.
14 Tage vor dem Sendetermin !!
N E U E T E R MII N E ......
01.07.2007
O P E R -II N - B E R LII N
Das Ballett-Programm
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E M P F E H L U N G E N ......
24.10.2010
" K o n z e p t e d e r
T a n z k ull t u r " - ii m
S e p t e m b e r 2 0 1 0
Wissen und Wege der
Tanzforschung (Studienbuch)
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13.03.2010
" C h o r e o g r a p hii e all s
k rii tii s c h e P r a xii s " - ii m J ullii
2 0 0 9
Arbeitsweisen bei Xavier Le Roy
und Thomas Lehmen.
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10.12.2009
" A m R a n d d e r K ö r p e r " -
ii m J ullii 2 0 0 9
Inventuren des
Unabgeschlossenen im
zeitgenössischen Tanz.
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15.11.2009
" G e s t e " - ii m J ullii 2 0 0 9
Bewegungen zwischen Film und
Tanz.
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30.09.2009
" Vll a dii mii r M all a k h o v b y
Dii e t e r Bll u m " - ii m
S e p t e m b e r 2 0 0 9
Eine Hommage an den
Jahrhunderttänzer.
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Dii e s e " T a n zII n f o B e rllii n "
p r ä s e n tii e r t::
...... a k t u ellll,, d y n a mii s c h,,
b u n t g e w ü r f ell t e II n f o s a u s
allll e n B e r eii c h e n d e r
B e rllii n e r T a n z s z e n e,,
V e r a n s t all t u n g e n u n d
T e r mii n e,, B e rii c h t e u n d
G e s c hii c h t e n,, T a n z ii m T V,,
A d r e s s e n,, s o wii e Lii t e r a t u r
u n d G e s c hii c h t e d e s
T a n z e s..
G R E G O RII O L A M B R A N ZII
v o n '' S t e p h a nii e D a h m s''
z u r Z eii t wii e d e r all s
N e u d r u c k e r h äll tllii c h
sii e h e - > Lii t e r a t u r
- > G e s c hii c h t e!!
Copyright (c) 2005 Dahms-Projekt - Berlin-Hermsdorf
Heute ist Donnerstag, der 10. November 2011

T A N Z P E R F O R M A N C E
C A F F E E
ein multimediales Tanz-Theater Stück über einen besonderen Stoff
von post theater [new york / berlin / tokyo / stuttgart]
P R E M I E R E:
09. Februar 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N:
10. Februar 2012 bis 12. Februar 2012
im DOCK 11
„Eine sinnliche, humorvolle und unterhaltsame multimediale Tanzperformance von post theater.“ (Stuttgarter Nachrichten, 17.1.2012)
“CAFFEE ist Titel und Sujet einer außergewöhnliche Performance……fünf weitgehend unabhängige Tanzvorstellungen… werden durch
eine überaus geglückte Verbindungskonstruktion zu einem Ganzen finden… durch die äußerst geglückte Videoinstallation von Hiroko
Tanahashi und Yoann Trellu erhalten sie eine sicht- und fühlbare Klammer.“ (Ludwigsburger Kreiszeitung, 16.1.2012)
http://www.prenzlauerberg-nachrichten.de/kultur/kulturnachrichten/_/nix-latte-macchiato-17653.html
Prenzlauerberg Nachrichten
Yuko Sato in “Caffee”
Frank Kleinbach
FEUILLETON | INTERVIEW
NIX LATTE MACCHIATO
09.02.2012 | PBN
Im Dock 11 wird jetzt die Uraufführung des Tanzstücks „Caffee“ gezeigt. Es geht um die Herstellung und Vermarktung von Klischees,
sagt Dramaturg Max Schumacher den Prenzlauer Berg Nachrichten
Als Bremen noch eine reiche und mächtige Handelsmetropole war, verdankte es seine Profite zu einem nicht unbeträchtlichen Teil dem
Import von Kaffee. Manches Vermögen der sprichwörtlichen „Pfeffersäcke“ in der Hansestadt ist in Wirklichkeit mit Kaffeesäcken gescheffelt
worden. Es könnte also keinen naheliegenderen Ort für eine die Uraufführung eines Tanzstücks über Kaffee geben. Die Idee
dazu hatte allerdings das Bühnenkollektiv Post Theater mit Sitz in Berlin und Tokio. „Caffee“ kommt jetzt nach einer weiteren Station in
Stuttgart ins Dock 11. Wir befragten den Dramaturgen Max Schumacher vom Post Theater zur der Produktion.
Tanz handelt ja – wie alle Bühnenkünste – meist von den Beziehungen zwischen Menschen. Wie stellt man einen Stoff wie Kaffee auf
der Bühne dar?
In dem Stück geht um die Beziehungen von uns zum Kaffee. Es ist schon der Schlusspunkt einer Trilogie, deren erste Teile in ähnlicher
Weise von Fisch und Erdöl handelten. Kaffee ist von Anfang nicht nur ein Getränk, sondern auch eine Projektionsfläche für Phantasien
gewesen: Er kommt aus dem Orient, dem Exotisch-Anderen schlechthin. Fünf Choreografen haben dazu sehr unterschiedliche Assoziationen.
Ein Leitmotiv ist der berüchtigte Kanon „„C-a-f-f-e-e, trink nicht so viel Kaffee! Nichts für Kinder ist der Türkentrank, schwächt
die Nerven, macht dich blass und krank. Sei doch kein Muselman, der ihn nicht lassen kann!“
Eine Kritikerin hat mal gesagt: „Modernes Tanztheater spielt immer im Hirn eines Autisten im Cyberspace nach dem Atomschlag.“ Sie
war frustriert von einem allgegenwärtigen Mangel an Sinnlichkeit. Dagegen klingt das Thema Kaffee ziemlich konkret. Dürfen wir uns
etwas mehr Sinnlichkeit erhoffen?
Das Problem ist mit dem Satz gut beschrieben. Sinnlichkeit in den gegenwärtigen Stücken sehen wir eher nicht. Den meisten Stücken
fehlt eine Dramaturgie. Wir glauben, dass es uns gelungen ist, etwas herzustellen, was weniger abstrakt ist. Außerdem haben die fünf
Tänzer eine sehr verschiedene Ausbildung, Physis und unterschiedliche Arten zu tanzen – das garantiert Abwechslung.
Man kann sich dem Thema Kaffee kulinarisch, kulturhistorisch oder ökonomisch nähern. Worauf liegt bei dem Abend der Schwerpunkt?
Der Schwerpunkt ist eindeutig kulturhistorisch und ökonomisch. Beides ist untrennbar, denn die Vermarktung und die Herstellung von
Klischees sind punktuell zusammen zu denken.
Wie muss man sich die Zusammenarbeit von fünf unterschiedlichen Choreografen bei so einem Projekt vorstellen?
Die Spielregeln waren genau festgelegt. Jeder hat acht Minuten. Es sollte ein Tanzsolo sein. Die Kostüme sollten sich an den Kaffeefarben
Braun, Weiß, Beige orientieren. Außerdem mussten die Choreographen mit unseren Videokünstlern Hiroko Tanahashi und Yoan
Trellu sowie unserem Sounddesigner Sibin Vasillev zusammenarbeiten. Es gibt ja nur ein einziges Bühnenbild. Das verleiht dem Abend
Zusammenhalt, so unterschiedlich die Choreografien sind.
Wird auch mit dem Duft von Kaffee gearbeitet?
Wenn man in den Raum kommt, riecht es nach Kaffee. Vor und nach der Vorstellung wird auch welcher ausgeschenkt.
In Prenzlauer Berg spielen ja immer Latte-macchiato-Klischees eine große Rolle. Kommt das in Ihrer Produktion auch vor?
Ja, der Schauspieler Alexander Schröder sorgt mit seinen Texten für ein paar Spitzen. Gegenüber den letzten Auftritten in Stuttgart sind
die noch verändert worden. Auf der Kastanienallee haben wir die Klischees ja vor der Nase.

C A F F E E /// Pressespiegel /// www.posttheater.com /// info@posttheater.com ///////////////////
Prenzlauerberg Nachrichten, 09 Febuar 2012 32 / 32

http://hartbackbord.de/hb/2011/12/01/“trink-nicht-so-viel-kaffee/
“Trink nicht so viel Kaffee! Nicht nur für Kinder ist der Türkentrank …”
Wer noch mehr über Kaffee, den Wein des Islam und Exotismus erfahren will, ist herzlich eingeladen zur Uraufführung von C-A-F-F-E-E
einemmultimedialen Tanztheater von post theater am 7. Dez, 20 Uhr in der Stauerei
Wer kennt nicht dieses fremdenfeindliche Lied? Kaffee steht für das exotische Andere – und auch Tänzer_innen werden oft, aufgrund
ihrer Abweichung von der Norm gecastet. post theater hat Performer_innen eingeladen, sich mit Exotismus in der Biographie des Kaffees
– und in ihrer eigenen – zu beschäftigen. Wie der Kanon CAFFEE, so funktioniert auch dieser multimediale Tanztheaterabend als
humorvolle, kritische Hommage an das beliebte Genussmittel – und an das, für das es noch so stehen kann.
Aus der Begründung der Jury: “… Im Impetus der Reime spüren ‚post theater’ genügend Konfliktpotenzial auf, um eine gedankliche
Reise von der Entdeckung des Kaffees über die Erfindung des Islam bis hin zum Kolonialismus und dem Reden vom „Kampf der Kulturen“
zu motivieren: Kaffee ist dabei Projektionsfläche für sowohl Verbote/ Warnungen als
auch Empfehlungen/ Verschreibungen“.
Mit dem Stückkonzept gewannen post theater den einmal jährlich von der Schwankhalle ausgelobten Bremer Autoren- und Produzentenpreis
2010.
Choreografinnen /Performerinnen: Bahar Gökten (Stuttgart), Kira Senkpiel (Stuttgart), Magali Sander Fett (Bremen), Yui Kawaguchi
(Berlin) mit Yuko Sato, Diane Busuttil (Berlin)
Understudies: Daniela Rodriguez, Angela Kecinski Performer / Moderator: Alexander Schröder | Videokunst: Hiroko
Tanahashi, Yoann Trellu Klangkunst / Musik: Sibin Vassilev
// Pressespiegel Dramaturgie: /// Max www.posttheater.com Schumacher /// info@posttheater.com ///////////////////
Installation: Jasper Diekamp
Künstlerische Leitung: post theater (Max Schumacher, Hiroko Tanahashi)
Koordination: Christina Vogelsang
////////////// C A F F E E /// Pressespiegel /// www.posttheater.com /// info@posttheater.com ////////////
http://www.tagesspiegel.de/kultur/tanztheater/6186896.html
Der Tagesspiegel
C-A-F-F-E-E.
Das post theater untersucht in seinem Globalisierungsstück tänzerisch Wirkung und Wirkungsgeschichte des braunen Tranks.
Tagesspiegel Ticktes 9. bis 15. 2. Tagesspiegel 9.2.

C A F F E E /// Pressespiegel /// www.posttheater.com /// info@posttheater.com ///////////////////
http://www.morgenpost.de/printarchiv/top-bmlive/article1900897/Tanz-Interpretationen-zu-Caffee-im-Dock-11.html
Berliner Morgenpost
Tanz: Interpretationen zu “Caffee” im Dock 11
Google-Anzeigen
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Kommunikationswirt/in + Bachelor: Doppelabschluss in 3 Jahren!
www.hh-akademie.de
20:00: Eine mediale Installation umgibt und begleitet die internationalen Tänzer des Post Theaters. Das Ganze pulsiert, bebt und bewegt,
sehr passend zum Sujet des Abends, dem Kaffee. Tanztheater mit viel Humor. Und am Ende der Show gibt es für jeden Zuschauer
ein Tässchen des betanzten Getränks. Leckerer Abend.
Berliner Morgenpost, 9. Febuar 2012
26

tanzraumberlin Januar / Februar 2012
kurzvorschau
Nicht für
Kinder!
Fünf Soli mit Kaffee
preview
Not for
Children!
Five solos with coffee
Sicher hatte C. G. Hering, der bekannte Kinderlieder
Certainly C. G. Hering, who composed famous
wie „Morgen, Kinder, wird’s was geben“ schrieb,
children’s songs like “Morgen, Kinder, wird’s was
nichts Böses im Sinn, als er um 1800 sein Stück
geben” had only the best of intentions when he
„C A F F E E“ verfasste. Lediglich vor dem Genuss
des „Türkentrankes“ wollte er Heranwachsende
penned “C A F F E E” around 1800. In his warning
////////////// C A F F E E /// Pressespiegel /// www.posttheater.com /// info@posttheater.com ///////////////////
to young people about the dangers of the “Turk-
warnen, und dichtete unbeholfen: „Sei doch kein
Muselmann, der ihn nicht lassen kann.“ 200 Jahre
später wird man nun immer noch vor verschiedensten
Gefahren gewarnt, Koffein steht dabei jedoch
nicht mehr so weit oben auf der Liste. Vermeintlich
Fremdes schon eher. Denn wo Exotik einerseits als
Verkaufsargument dient, das braune Bohnen ebenso
wie Hautfarbe anpreist, sorgt sie andererseits für
Angst und Skepsis. Kaffee und Kinderkanon bieten
Yuko Sato erleidet einen Koffeinschock
Hiroko Tanahashi und
Foto: Hiroko Tanahashi
ish drink” he penned his awkward lines: “Don’t
be a Musulman, who can’t do without it”. 200
years later, one is still warned about a plethora
of dangers, although caffeine is no longer as high
up on the list. That which seems to be foreign,
however, is. While the exotic serves as a sales
argument for everything from mocha beans to skin
color, it also serves as a source for skepticism and
apprehension. Coffee and this canonical children’s
also jede Menge kontroversen Stoff für die fünf
von post theater eingeladenen Choreografinnen
Bahar Gökten, Kira Senkpiel, Magali Sanderfett, Yui
Kawaguchi und Diane Busuttil und ihr multimediales
Tanz-Theater-Stück, dessen Konzept bereits den
Bremer Autoren- und Produzentenpreis 2010 erhielt.
Max Schumacher – post theater
CAFFEE
9. – 12. Februar 2012
DOCK 11
www.dock11-berlin.de
song thus offer plenty of controversial fodder for
the five choreographers invited by post theater:
Bahar Gökten, Kira Senkpiel, Magali Sanderfett,
Yui Kawaguchi and Diane Busuttil and their multimedia
dance theater piece, whose concept won
the Bremen Author and Producer Award in 2010.
kurzvorschau
Alles
fließt
Gemeinsam wandern, essen, denken
Bergrecherche
PankePerformance # Winter
8. Januar 2012 | Start: S-Bahn Karow
www.tanzfabrik-berlin.de
www.bergrecherche.de
Anmeldung unter: 030 – 20 05 92 70
preview
Everything
Flows
Walk, eat and think together
Die etwa 2,5-stündige Wanderung führt am nordöstlichen
Stadtrand Berlins entlang, mündet im
kollektiven Suppekochen mit anschließender
Performance und endet beim Reflektieren über
den gemeinsam zurückgelegten Weg. Auch die
vierte Ausgabe der PankePerformance will das
Publikum hinterm Ofen hervor und in die Natur
locken. Bereits im Frühling, Sommer und Herbst
2011 konnte man gemeinsam mit dem Berliner
Künstlerkollektiv „Bergrecherche“ entlang der
Panke laufen, die durch die Berliner Mauer zum
geteilten Fluss wurde und seit 1989 Objekt der
Stadtnatur-Planung ist. Dem Kollektiv geht es bei
seinen Hörspaziergängen um die Auflösung solcher
Einteilungen und Wahrnehmungsgrenzen:
Landschaft soll wieder sichtbar werden innerhalb
der Stadt, Kultur erlebbar in der Natur und innere
Besinnung möglich. Und spätestens nach der
Ankunft in den Uferstudios sollen auch andere
Grenzen verwischen: Performer oder Zuschauer,
Kunst oder Kochen – wer braucht solche Kategorien?
Kunstspaziergang durch Berlin
Fotomontage: Andrea Keiz
The approximately 2.5 hour walk goes along
the northeast border of Berlin, stops at a group
soup cooking session followed by a performance,
and concludes with reflections on the journey
that was taken together. Once again, the fourth
PankePerformance seeks to lure the public from
the comfort of their homes into nature. The Berlin
artist collective “Bergrecherche” [Engl. “Mountain
Research”] already offered walks in spring, summer
and autumn of 2011 along the Panke River, which
was once divided by the Berlin Wall and which
since 1989 has been subject of urban nature planning
projects. For the collective, the audio walks are
about the dissolution of such divisions and limits
to perception: nature should once again be visible
in the city and one should be able to experience
culture in nature, making room for inner reflection
along with enhanced attention to one’s surroundings.
By the time one arrives at the Uferstudios,
other boundaries should have been blurred as well:
performer or spectator, art or cooking – who needs
such categories, anyway?
Auswahl und Texte: Anna Volkland
4 tanzraumberlin januar/februar 2012
Stadtteil Kurrier, 05. Dezember 2011 4 / 32

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Die Welt, 7. Febuar 2012 3 / 32

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Interview mit Max Schumacher - teilchenbeschleuniger
1/24/12 12:13 AM
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Interview mit Max Schumacher
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07.12.2011
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Am 13. Januar 2012 hat post theater Premiere mit
„CAFFEE – multimediales Tanz-Theater-Stück über einen
besonderen Stoff“ im Stuttgarter Theater Rampe.
teilchenbeschleuniger sprach mit Max Schumacher von
post theater.
teilchenbeschleuniger: Wie kamen Sie auf die Idee, ein
Stück über Kaffee zu inszenieren?
newsletter abonnieren
E-Mail
eine Initiative von:
absenden
Max Schumacher: Am Anfang stand die Überlegung
„Wovon hängen wir ab? Was konsumieren wir?“. So
kamen wir auf die Idee, eine Trilogie über Ressourcen zu
schaffen. „CAFFEE“ ist der letzte Teil dieser Trilogie.
Im ersten Teil – „Fish Tales“ – befassten wir uns mit
Fisch, dem ersten Welthandelsgut. Der zweite Teil „The
Four of the Gas Station“ handelt vom Rohstoff Erdöl, und
jetzt steht der Kaffee im Mittelpunkt.
Gefördert durch das Kulturamt
der Landeshauptstadt Stuttgart
teilchenbeschleuniger: Was ist so faszinierend an Kaffee?
Max Schumacher: Faszinierend ist der Zusammenhang
von Globalität und persönlichem Konsum. Kaffee ist der
zweitwichtigste Rohstoff nach Erdöl, und wir nehmen ihn
in unseren Körper auf. Es gibt sogar Stimmen, die sagen,
ohne Kaffee würde der Kapitalismus nicht funktionieren,
denn die wirtschaftlich erfolgreichen Länder haben den
höchsten Kaffeekonsum.
Ein weiterer spannender Aspekt beim Kaffee ist, dass das
Marketing so wichtig ist. Früher wurde mit dem Kaffee
das Fremde mitgeliefert. Der Kunde kaufte auch ein Stück
Exotik. Bis heute bekomme ich nicht einfach nur Kaffee,
sondern, wenn ich zum Beispiel Hochlandkaffee erwerbe,
identifiziere ich mich mit meiner Region: Ich kaufe ein
Paket aus Kaffee und dem regionalen Röster, einem
Familienbetrieb vor Ort.
teilchenbeschleuniger: Welche Vorgaben hat post theater
den fünf Choreografinnen gemacht?
Max Schumacher: Wir haben, neben dem Thema, die
Länge des Stücks vorgegeben, das Format – es muss ein
Solo sein – die Kooperation mit dem Sounddesigner Sibin
Vassilev und die Arbeit im Videoraum, das heißt eine
Kombination aus zwei Videoprojektionen von Hiroko
Tanahashi und Yoann Trellu, die erste befindet sich auf
dem Boden und die zweite auf der Rückwand.
http://www.teilchen-beschleuniger.com/aktuelles-detail/items/interview-mit-max-schumacher.html
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Page 1 of 2

http://www.exberliner.com/culture/stage/the-drug-of-capitalism/
EXBERLINER
Caffee
Post Theater’s multimedia performances are created with the modern audience in mind, often treading the line between installation and
theatre.
As the final piece in their trilogy of performances based around globalised natural resources (following oil and fish), Caffee features five
female choreographers commissioned to create movements set to sound art and inspired by the beverage most of us consume on a
daily basis.
The show runs February 9-12 at Dock 11, and in keeping with the theme, each audience member will receive a free cup of locally
roasted Einstein coffee.
How was the premiere of Caffee in Bremen last December?
We performed at a place called [Alte] Stauerei, at the exact historical spot where the coffee was imported. We also had a local roaster
next door who sponsored it.
In each city we work with a local roaster in order to have free coffee for the audience: in Berlin we work with Einstein.
It’s important to work with a local roasterie that has created a local identity. Because, as we talk about in the piece, the new tendency is
to draw the attention away from exoticism, the longing for ‘the Other’, and instead focus back on your own town, regionalism. So you
can’t have regionally grown coffee, but at least you can have it regionally roasted.
What was the path from the subject of coffee to the theme of exoticism?
It comes from this German canon that everybody learned in school, up to a certain generation, called “C-A-F-F-E-E: don’t drink so much
coffee. Not for children, it’s the Turkish drink, it weakens your nerves, it makes you pale. Don’t be a Muslim – they can’t refrain from it.”
So, it’s super xenophobic. To defend it, it’s from the late 18th century, and people were still under the oppression of the very powerful
Ottoman Empire. So this is actually also about the guilty pleasure of the coffee drug that came from the Muslim world; that’s what
made it so exciting and intriguing.
That’s why this song, which was probably ironic in the first place, has been tremendously popular for over 200 years. And also because
you sing the letters of ‘caffee’ with the musical notes C-A-F-F-E-E.
So the song serves as the thread tying the dance pieces together?
This is the visual frame as well, because we have the note lines and coffee beans as musical notes on stage and to some degree our
performers are coffee beans.
The choreographers also asked themselves: how do you perform coffee? How do you relate your own presence to this material? Some
look at how they have been branded as this exotic other as dancers or artists. And some just looked at the drug aspect.
There’s one Turkish-German girl who didn’t want to talk about the Turkish origins of the coffee at all. She talks about the effect of coffee
on her: the awakeness, the need to exist in capitalism as an awake person. Because that’s what coffee is, the drug of capitalism.
The rise of coffee is parallel to the rise of industrialization. This is why the countries that consume the most coffee are the ones that are
the most successful industrially. Great Britain’s the one exception. They successfully replaced coffee with tea.
Your theatrical techniques often incorporate visual installation and interactive elements. Do you see your work as performance art?
I avoid the term ‘performance art’. I mainly don’t like it because I find the term limiting, and the performances usually devoid of dramaturgy
– the organisation of events in time.
A lot don’t consider the time frame: they are either durational or non-climatic, and to my experience it doesn’t really work. Most people
tend to be rather bored because there’s not a good time structure.
I believe in dramaturgy as a tool that enhances and focuses an artistic idea. Our perception of time-based art is time-based, so we can’t
ignore the time factor. Performance artists sometimes do that, but the audience doesn’t do it. Plus, I don’t necessarily need the ‘authenticity’
of the body involved.
Which makes sense, considering many of your works rely on media elements and less on human performers.
We use media as a metaphor for everything that’s alive but not a human being. We’re interested in an object and how it can be alive,
and that’s why I think it’s actually a cheap trick to hurt yourself in public.
Authenticity is a cliché, and a lot of performance art also happens to be a cliché. Plus, because of the authenticity, there is a general
understanding that we have to appreciate it.
What are you supposed to say when somebody tells you that he’s from the provincial US, gay and being discriminated against? Of
course people admire this person for speaking up, and for me, this is socially very relevant, but artistically rather lame – in most cases.
As an artist who’s been based in Berlin for nearly a decade you’ve watched more and more artists come to the city while the amount of
arts funding remains basically the same. How would you like to see the funding system in Berlin improved?
Finding creative ideas in other cities for how budgets can be used more efficiently is probably a more effective solution than just increasing
budgets. For example: in Munich you don’t have to rent technical equipment at a high price – the city provides it at a super-low
price.
In Stuttgart the city billboards are extremely cheap. Here it’s more expensive to hang the poster than print it. As German-based artists
we also have a disadvantage in comparison to Canadian or French artists who have much better international touring support.
If somebody wants to invite our productions they have to pay for it fully. The Goethe-Institut hardly ever pays for any of it: they just
don’t have the budget.
The name ‘Post Theater’ suggests that what you create goes beyond traditional theatre. How have you interpreted that over your history?
When we started we really wanted to challenge the concept of western or eastern or ethnically specific theatre, a mission that is less
crucial to us now.
Another ongoing goal is to examine how much live-ness is needed. Because electronic media is linear or pre-produced to some degree,
it is much more reliable than weak, moody, imprecise human beings.
But if theatre is the art of live-ness, and live-ness requires flaws, then our flaws might be more ‘between’ rather than ‘in’ the individual
performers.
I guess this is why a bunch of our performances have turned into installations, or productions where the audience becomes the performer,
led by the media.
There will be a piece in which the audience will interact with our musical note coffee beans as a media installation. This ‘instant coffee’

is the next step for us.
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Exberliner, Issue 102, Febuar 2012 24 / 32

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Zitty, Heft 4/2012
Zitty, Heft 4/2012 29 / 32

http://tanzpresse.de/kritiken/detail/kaffeegeschichten/
Tanzpresse
KAFFEEGESCHICHTEN
post theater mit „CAFFEE“ im Dock 11 Berlin
YOKU SATO; FOTO: FRANK KLEINBACH
( AG 15.02.12 ) Des Öfteren zeigt das Dock 11 experimentelle Mischungen aus Video und Tanz. So auch mit der neuesten post theater-
Produktion „CAFFEE“, die als ein multi-mediales Tanztheaterstück rund um die Kaffeebohne, die Bereitung des schwarzen Getränks
und seine Wirkung angekündigt wird. Fünf Tänzerinnen stellen nacheinander, durch den Moderator Alexander Schröder eingeleitet und
vorgestellt, die Gedankenspiele internationaler Choreografen auf tänzerisch ganz unterschiedliche Weise dar. Dabei interagieren sie
mit den Projektionen auf Boden und hinterer Leinwand, scheinen sich aber auch in den Bewegungen ihrer Soli zu verlieren. Eine große
Rolle spielen Kostüme und Requisiten in dem eher narrativ-theatralen Stück. Sie unterstützen die Tänzerinnen und den Moderator in der
Vermittlung ihrer Geschichte, wobei ausschließlich der Moderator spricht. So kommen Alltagsgesten und eine verstärkt mimische Ausdrucksweise
in den Tanz – das ist schade, denn jede der Tänzerinnen könnte allein mithilfe ihres künstlerischen Bewegungsrepertoires
eine ganz eigene Art von Geschichte erzählen. So scheinen sich die Tänzerinnen in Rollen zu begeben, die gar nicht so recht die ihren
werden wollen. Anstatt die Geschichten auf verschiedenen Ebenen miteinander zu verweben erscheint die Dramaturgie des Abends
als eine Aneinanderreihung zusammenhangloser Ausschnitte unterstützt durch die Figur des Moderators. Somit ist „CAFFEE“ zwar aus
einer durchaus anregenden und viel versprechenden Idee entstanden, deren Potenzial bei Weitem nicht ausgeschöpft scheint. (Ann-
Christin Görtz)
http://www.artiberlin.de/article/Theaterkritik_CAFFEE_im_Dock_11
Theaterkritik: “CAFFEE” im Dock 11
Site4 von Judith Felizita (16.02.2012)
Titelbild
C-A-F-F-E-E – trink nicht so viel Kaffee,
nicht für Kinder ist der Türkentrank,
schwächt die Nerven,
macht Dich blass und krank!
Sei Du kein Muselman,
der das nicht lassen kann!
Wenn Carl Gottlieb Hering sein Caffee-Lied anstimmt, singe ich noch lange nicht mit, auch wenn ich versuche hin und wieder mal einen
Carokaffee zu trinken. Leider riecht der nicht nach Kaffeebohnen. Wenn ich an getanzten Kaffee denke, sehe ich Geruch, getanzten,
schwarzen Kaffeegeruch; weich, harmonisch und doch kraftvoll, weil guter Kaffee stark sein muss.
Im Dock 11 führte Alexander Schröder im Safari- Look und mit einem Sack voll musikalischer Mega-Kaffeebohnen den Zuschauer durch
fünf tänzerische Annäherungen an …. ja an was? An Kaffee, klar, spätestens nachdem man sah, dass sich die Tänzerinnen nach ihren
Auftritten ein paar Schlücke Espresso gönnten und Schröder mehr humoristisch als ernsthaft politisch an den langen Weg der kleinen
Kaffeebohne erinnert, den wir nun ja sogar schon fair trade erstehen können…wow!
In der letzten Performance tanzt uns dann Bill Cosby-mäßig die kleine arme braune Kaffebohne namens Sugar Brown ihr Leid vor, um
in unzähliger Vervielfältigung auf Leinwand ein „it`s not easy to be a bean“ zu schluchzen. Kaffeeisch waren die feinen, mal großflächig
fließenden, mal den Füßen der Tänzerin folgenden, mal das Zimmer eines kaffeesüchtigen japanischen Mädchen skizierenden
Videoprojektionen des Künstlers Yoann Trellu, die die Tänzerinnen Teil eines Gesamtkunstwerks sein ließen. Neben Sugar Brown alias
Diane Busuttil tanzte die Brasilianerin Magali Sander Fett Rituale, Bahar Gökten erfrischte durch gekonnte Breakdance Moves, Kira
Senkpiel tanzte kopfstoßsicher mit einem Helm abgesichert gegen Schläge auf den Boden – Assoziation mit rebellischen politischen Aktivitäten
für den Kaffee??? - und Yuko Sato gab das eingesperrte zarte Geschöpf, das sich Kaffee auf Stirn, Nase, Lippen, Hals träufelte.
Am meisten erinnerten die klingenden, überdimensionalen, braunen Bohnen an das Schwarzgetränk, doch warum nicht dem Spektakel
der fünf ästhetisch schönen Solo-Tanzperformances einen Titel als thematischen Rahmen geben und Bewegungen zu Musik sein lassen,
was sie im besten Fall sein können, geschmeidig oder ausdrucksstark.
CAFFEE spielt nicht mehr, doch es gibt weitere Aufführungen der interdisziplinären Performance-Company ohne Ensemble und feste
Spielstätte post theater im Dock 11, Kastanienallee 79, 10435 Berlin, wie „Express Fight Club“ vom 23.2.12 – 26.2.12.

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Artiberlin, 16. Febuar 2012 31 / 32

T A N Z P E R F O R M A N C E
PICKLED a dance-solo by Chris Scherer
W I E D E R A U F N A H M E :
17. Februar 2012 bis 19. Februar 2012
im DOCK 11
http://feest.com.de/PICKLED-a-dance-solo-by-Chris-Scherer-Berlin-02-17
feest
What do you do when you find yourself in a pickle? You cling to self-preservation. ‘Pickled’ explores one performer trying to survive
(with dignity) the accident that is waiting to happen (which in this case is many). As one performer attempts to preserve his unique self
image, the audience is invited to meet, invest, and to encounter his dilemmas and in doing so, surrender to their own judgments. The
onlooker is encouraged to participate as the performer unravels his complex personality. And don’t we all have one of those?
As individuals we deal with our own highlights and shortcomings in various ways. But how do we truly assess those around us? What
happens when vulnerability lets those things that you don’t normally talk about seep out? And in moments of panic when you find
yourself confessing sins to save yourself? Or an overconfident mouth gets you into trouble? We make our history, preserving the good
and the bad, which ultimately defines who we are.
Picked is a visual onslaught, an intimate journey where we ask you to play your role and make a decision about and judge someone you
may never have met.
Performed / Devised: Chris Scherer
Originally Directed / Co-devised: Daisy Brown
Movement Contributions: Jo
Stone+ Paul White + KAGE + Adam Wheeler
Sound Design: Sascha Budimski
Originally Produced: Jennifer Greer Holmes
Photo: Emilien Leonhardt
http://www.broadwayworld.com/australia-melbourne/article/PICKLED-by-Chris-Scherer-Plays-the-Tool-Shed-in-Rymill-Park-20100310
PICKLED by Chris Scherer Plays the Tool Shed in Rymill Park
by BWW News Desk
PICKLED by Chris Scherer Plays the Tool Shed in Rymill Park
Pickled by Chris Scherer
Adelaide Fringe Season at the Tool Shed in Rymill Park
What do you do when you find yourself in a pickle? You cling to self-preservation. “Pickled” features one performer trying to survive
(with dignity) the accident which is waiting to happen (which, in this case, is himself). Co-devised and performed by 2009 Australian
Dance Award winner Chris Scherer, “Pickled” is a new movement theatre work for an intimate audience of 20, performed in a custombuilt
shipping container. This Fringe, jump into a shared experience of coping with oneself and get Pickled.
http://www.prenzlauerberg-nachrichten.de/kultur/kulturtipps/_/kulturtipps-der-woche-16-17480.html
Prenzlauerberg Nachrichten
KULTURTIPPS DER WOCHE (#16)
05.10.2011 | Brigitte Preissler
Wie tanzt man Schubladen? Was heißt „to pigeonhole someone“ auf Deutsch? Und wer ist Johan von Riepenbreuch? Fragen über
Fragen. Die Antworten stehen in unseren Kulturtipps.
Für tanzbegeisterte Menschen mit schwäbischen Genen und/oder schmalem Geldbeutel ist diese Woche eine gute Woche. Für die
beiden aktuellen Premieren im Dock 11 gibt es nämlich ein günstiges 15-Euro-Kombi-Ticket, dessen Anschaffung sich nicht nur des
Geldes wegen lohnen dürfte. Immerhin kann man dafür in „Roof“ (am 6. und 7. Oktober) und „Pickled & Pigeonhole“ (am 8. und 9.
Oktober) gleich drei viel versprechende Choreographen der jüngeren Berliner Tanzszene auf einmal kennenlernen.
Zum Beispiel die aus Istanbul stammende Leyla Postalcioglu, die bislang unter anderem mit Pina Bausch, Kuo Chu Wu und Johannes
Wieland arbeitete. Für „Roof“ erarbeitete sie zusammen mit Benjamin Block eine Choreographie über das Scheitern als Paar – mit einer
sehr eindrucksvollen Cha-Cha-Cha-Einlage. Wie es ist, wenn ein Er und eine Sie gemeinsam unter einem Dach leben (beziehungsweise

tanzen), kann man sich vorab schon mal auf dem Trailer ansehen. Chris Scherer und Katharina Maschenka Horn befassen sich
dann in „Pickled & Pigeonhole“ mit dem Zustandekommen und der Beschaffenheit dessen, was man so „Charakter“ nennt, oder
auch „Identität“. In Scherers „Pickled“ liegt der Schwerpunkt eher auf dem Haltbarmachen von Erinnerungen, während sich die
freischaffende Choreographin und Tänzerin Katharina Maschenka Horn in „Pigeonhole“ mit dem englischen Begriff „to pigeonhole
someone“ auseinander setzt. Das heißt auf Deutsch „Jemanden einordnen, jemanden in eine Schublade stecken“ und ist bekanntlich
ein alltäglicher Vorgang in menschlichen Gehirnen – die vielen Sinneseindrücke, die tagtäglich auf uns einprasseln, wollen halt
sortiert sein. Andererseits passt natürlich kein Mensch in eine einzige Schublade. Katharina Maschenka Horn tanzt deshalb quasi alle
Schubladen auf einmal. Wie das aussieht? Hier ein Trailer.
„Roof“, am 6. und 7. Oktober;„Pigeonhole & Pickled“, am 8. und 9. Oktober. Die Vorstellungen beginnen jeweils um 20.30 Uhr im
Dock 11, Kastanienallee 79. Karten für eine Vorstellungen kosten 10/8 Euro, für beide Abende 15 Euro, und sind unter tickets@dock11-
berlin.de erhältlich. Weitere Infos: www.dock11-berlin.de
***
Wer, bitteschön, war Johan von Riepenbreuch? Bevor er im Jahre 1899 unter mysteriösen Umständen verschwand, schrieb er ein
Buch namens „Die Guten, die Bösen und die Toten“, es erschien 2010 im Prenzlauer Berger Verlag „Das Wilde Dutzend“ und war der
allererste Titel des im gleichen Jahr gegründeten Verlages. Um die Frage, wer der besagte Herr von Riepenbreuch eigentlich war – von
dem ansonsten nur wenig bekannt ist –, drehen sich seither verschiedenste Verlagsaktivitäten.
Nun sollte man dazu vielleicht wissen, dass es sich bei „Das Wilde Dutzend“ um einen Verlag für Schräges handelt; um ein Haus,
das sich explizit der Pflege rätselhafter Geschichten und Illustrationen verschrieben hat und das vergangenen Samstag auch ein
Ladengeschäft in der Hagenauer Straße 2 eröffnete. Hier sollen in den kommenden Monaten diverse Veranstaltungen der Enträtselung
des von Riepenbreuchschen Lebens und Wirkens gewidmet sein. Daneben gibt es aber natürlich auch andere Geheimnisse der Literaturund
Kulturgeschichte zu lüften – beziehungsweise in Buchform zu kaufen.

Fight Club Express Version IV
23. bis 26. Februar 2012
im DOCK 11
http://mono-blog.com/2012/02/express-fight-club-version-iv/
Posttheater is as an interdisciplinary performing arts unit. They present multi-media performances, theater and dance. Caffee was performed
in Dock11 few days ago and there will be another Berlin premiere on the 23rd of February.
‘Is it dance? Media art? Or Performance art? post theater does not worry about labeling. As long as the result is a disturbing, intense,
and memorable experience for the audience.‘
Express Fight Club (Version IV)
A Media-Guided Theater-Choreography
Berlin-Premiere: Thursday, February 23rd, 2012 – 8:30 pm at Dock11
Artistic direction: Hiroko Tanahashi / Max Schumacher
Performers: anonymous, Alexander Schröder
Choreography: anonymous
Video art: Yoann Trellu
Sound / Music: Sibin Vassilev
This was written by gk. Posted on Tuesday, February 14, 2012, at 14:47. Filed under berlin, dance, performance. Bookmark the permalink.
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T A N Z
Zig Leiber I Oi Division
ein TanzTheater mit Live-Musik über Neo-Nazis
im angeblich rechtsfreien Raum von Yoshiko Waki und Rolf Baumgart
G A S T S P I E L :
29. Februar 2012 bis 01. März 2012
im DOCK 11
Warum war dieser Abend fesselnd? Die Gewalt unterm Firnis gesellschaftlichen Miteinanders. Unterdrückte Aggressionen, die
heimtückisch und martialisch explodieren. Körpermasse und Macht. Alles wird Gewalt. Jeder wird gewalttätig…In allen tickt die
Bombe, auf alle wartet ein Täter, ein Opfer. Und alle werden sie beides sein…Zig Leiber / Oi Division zeigt das Schwein im Menschen
und lässt dabei auch mal die Sau raus. Ja, das hat etwas dionysisches, bleibt dabei aber immer klug kanalisiert. Mit viel galligem
Humor – und mit der großartigen live gebotenen Musik… Ekstatische Tanz-Spasmen, eine trotz aller Absurdität Gänsehaut bereitende
Polonaise…
ein überraschend gelungener Tanztheaterabend.
Steffen Georgi, Leipziger Volkszeitung
Daumenwurzelmassage gefällig? Oder lieber doch ein Yoga-Crash-Kurs? Auch ein Vortrag über Energiesparmaßnahmen ist im
Angebot. Die Zuschauer dürfen sich zwischen Sex- und Prügelszenen ein bisschen erholen. Höhepunkt der Gewaltorgie ist jener
Moment, in dem die Gruppe mit Baseballschlägern brutal auf den Schlagzeuger eindrischt. Der Mann überlebt übrigens...
diese radikale Arbeit von Yoshiko Waki und Rolf Baumgart.
Bettina Trouwborst, Kulturkenner
Das Stück „Oi Division“ verlangt vollen Körpereinsatz…provokatives Tanztheater…war also eine bürgerliche Ästhetik nicht zu
erwarten…Trash-Spektakel…Die ironische Spiegelung bürgerlicher Eskapismen ist eingebettet in ein Spektakel, bei dem keiner heil
davonkommt. Die je drei Akteurinnen und Akteure sowie einer der zwei Musiker drangsalieren einander kalt lächelnd und rüde…
ironische Momente gibt es zuhauf. Wenn am Ende alle mit Gymnastikbändern wedeln und brav grinsen,
wirkt das nach allem Vorhergehenden geradezu entwaffnend.
Klaus M. Schmidt, WAZ
Warum sich eine Akteurin ausgerechnet eine SS-Uniform anziehen muss, um anschließend mit dem Publikum über ihren persönlichen
Kummer zu tratschen, erschließt sich nicht. Sollen Nazis auch nur Menschen sein? ... Zu schwach die schauspielerischen Darbietungen,
zu sehr verfehlte die Inszenierung ihr Thema. Zu viele Fragen bleiben zurück.
Patrick Limbach, Leipziger Internet Zeitung
Sie reden Tacheles, aber mit den Körpern. Da ging die Post ab, so entgrenzt tobte das Ensemble bodytalk über die Bühne.
Es schenkte sich nichts, uns auch nicht. Die politischen Randerscheinungen tobten sich orgiastisch aus, ironisch, drastisch, sexistisch.
H. Herbert Terschüren, Bonner Rundschau
Da wird alles Gewalt und jeder gewalttätig. In allen tickt die Bombe, auf alle wartet ein Täter. Ein Opfer. Und alle werden sie beides
sein. Körpermasse und Macht. Destruktivität und Verlockung. Die große Stärke von Zig Leiber | Oi Division liegt nicht zuletzt darin, sich
dieser, auch sexuell aufgeladenen Aggressionslust anzunehmen. Ihr eine Form zu geben und sie zuende zu denken und auszuspielen.
Was daraus entsteht ist eine ungeheure dynamische Inszenierung, die knurrig, grantig, absurd, radikal-konsequent und ohne
moralisierenden Gestus das Schwein im Menschen zeigt. Und dabei auch immer mal die Sau rausläßt.
Leipziger Bewegungskunst-Preis 2011, Begründung der Jury
http://www.bewegungskunst-leipzig.de/4/preistraeger/preistraeger2011.html
Der Leipziger Bewegungskunstpreis 2011 geht an die Choreografin Yoshiko Waki und Bodytalk. Sie erhielt den mit 5.000 Euro dotierten
Förderpreis der Leipziger Freien Szene für ihr Tanztheaterstück „Zig Leiber/Oi Division“.
In der Jurybegründung zu „Zig Leiber/Oi Division“ heißt es:
„Das selbstkritische, mithin selbstironische Potential, das Torpedieren, oder im wahrsten Sinne, das mit der Baseballkeule zerkloppen
inhaltlich-ästhetischer Zeitgeist-Theater- Phrasen, ist eine der reizvollen Konstanten dieser Inszenierung. Die fünf Tänzer und die
Choreografin von Bodytalk verknüpfen das, was sie zu sagen haben mit ihrem unmittelbaren Auftrittsort, nichts ist entrückt. Yoshiko
Waki löst Genregrenzen mühelos auf. [...] Den Soundtrack zu Zig Leiber/Oi Division liefern Stücke der Joy Division. Die zeigen sich
als perfekt geeignet, um die Gewalt unterm Firniss gesellschaftlichen Miteinanders, die Melange aus unterdrückten Aggressionen,
Ressentiments und schlichter Geilheit, ungemein dynamisch explodieren zu lassen. Exzess im minimalistischen Rhythmus-Korsett.
Phantastisch. Da wird alles Gewalt und jeder gewalttätig. [...] Die große Stärke von Zig Leiber/Oi Division liegt nicht zuletzt darin, sich
dieser, auch sexuell aufgeladenen, Aggressionslust anzunehmen. Ihr eine Form zu geben und sie zuende zu denken und auszuspielen.
Weniger als Zusammenstoß von Tanz und Realität, sondern vielmehr als ein mitunter irrwitziges Verkeilen dieser beiden Komponenten
ineinander. Was daraus entsteht, ist eine ungeheure dynamische Inszenierung, die knurrig, grantig, absurd, radikal-konsequent und
ohne moralisierenden Gestus das Schwein im Menschen zeigt. Und dabei auch immer mal die Sau raus lässt.“

M U S I K / T A N Z
Powercut ein Konzert mit Andy Moor und Marcela Giesche
mit special guests Axel Dorner - Trompete (Fr) und Clayton Thomas - double bass (Sa).
P R E M I E R E:
02. März 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
03. März 2012
im DOCK 11
kurzvorschau / preview
Fünf fragile
https://www.berlinonline.de/nachrichten/prenzlauer-berg/powercut-konzert-tanz-und-musik-5849
von Léveillés „Amour, acide et noix“. nudity on stage is also not uncommon
– or if nakedness is a specialty
Dennoch geht es auch im neuesten
BerlinOnline
Soli
Stück des Choreografen um Intensität
und Offenlegung – nämlich dar-
scene: we won’t know for sure after
of the contemporary Canadian dance
Powercut
Mutige
- Konzert:
Vorpremiere
Tanz und
in der
Musik
um, ohne Scham Gefühle zu zeigen. “Solitudes Solo”. Instead, five dancers
each perform a solo to Bach’s vio-
Prenzlauer
fabrik
Berg
Potsdam
- Kiezkultur - 10.02.2012
Obgleich man Léveillés Choreografien
Der renommierte Gitarrist Andy Moor, Mitglied der Band “The Ex”, und guten die Gewissens Tänzerin virtuos Marcela nennen Giesche kann, treffen lin sonatas sich in am Léveillés 2. März newest 2012 project live
im Dock Der 11 kanadische in Berlin. Choreograf Daniel
spielt „Solitudes Solo“ also mit den and let their pants drop in the process.
Beide sind Léveillé erfahrene steht im Ruf, Performers außergewöhnliche
Tänzer- darf und sich Performerpersönlich-
auf einen dynamisch spannenden Abend voller Tanz, Seiten des Musik Menschen. und Improvisation freuen. such as the performers in his recent
der Improvisation und haben zwischen eher sich ungeschickten ein besonderes und zerbrechlichen musikalisches Yet they Verständnis won’t be physically entwickelt. revealed,
Das Publikum
Die Vorstellung keiten um sich beginnt zu versammeln. um 20.30 Einer Uhr. Die Karten kosten 9, ermäßigt 7 Euro.
“Amour, acide et noix.” In this piece,
davon genießt in Berlin zweifelhaften
the choreographer rather focuses on
Ruf, zumindest gilt Léveillés Landsmann
Dave St. Pierre mittlerweile eini-
Five Fragile
intensity and disclosure – without displaying
feelings of shame. There is no
Solos
gen nur noch als „Nacktchoreograf“.
doubt that Léveillé’s choreographies
http://allevents.in/berlin/powercut-concert-performance-w-marcela-giesche-and-andy-moor/396100183738704
Ob er sich von Léveillé, für den Nacktheit
auf der Bühne auch nicht unüb-
Potsdam
suit while examining the more clumsy
Daring preview at fabrik are superb; “Solitudes Solo” follows
allevents lich ist, inspirieren ließ, oder ob die
and fragile aspects of mankind.
Entblößung eine ausgemachte Spezialität
creates der zeitgenössischen music as long kanadi-
as we move and breathe, letting those Léveillé ryhthms has emerge a reputation from for and attract-
back into our bodies, our
Canadian choreographer Daniel
„The body
instruments, schen Tanzszene and the ist: room, „Solitudes we amplify Solo“ a blueprint; through a musical score ing a where collection movement, of unusual dancer form, and Daniel sound Léveillé make up one
landscape.“ wird es nicht verraten. Dafür zeigen
and performer personalities. One of Solitudes Solo
Guitarist hier Andy fünf Tänzer Moor jeweils (the Ex) ein and Solo dancer zu Marcela Giesche meet live in performance these enjoys a dubious for the reputation first time in in Berlin. (Vorpremiere) Prepare for a dynamic
evening Bachs of movement Violin sonaten between und lassen guitar im and dance.
Berlin: Léveillé’s compatriot Dave St. 27. und 28. April 2012
übertragenen Sinne die Hüllen fallen.
Pierre is known in certain circles as fabrik Potsdam
Nackte Tatsachen in mehrfacher Hinsicht
Sie sind dabei nicht unbedingt körperlich
entblößt, wie zuletzt die Darsteller
he is inspired by Léveillé – for
the “naked choreographer”. Whether www.fabrikpotsdam.de
präsentiert Daniel Léveillé Foto: Denis Farley
whom
kurzvorschau / preview
tanzraumberlin März / April 2012
Körperkonzert
E-Gitarre im Dialog mit
Tänzerin
Die Frage nach einem ausgewogenen
Verhältnis von Musik und Tanz
ist in etwa so alt wie die Geschichte
des europäischen Bühnentanzes
Tanz und Musik in trautem Zwiegespräch – „Powercut“
selbst. Nach zuletzt radikalen
Lösungen, wie dem völligen Verzicht
auf Musik im modernen und zeitgenössischen
Tanz, stößt das Thema
inzwischen kaum mehr auf größeres
Interesse. Die Tänzerin und Choreografin
Marcela Giesche hält das
nicht davon ab, nach einem „neuen
Niveau der Zusammenarbeit“ von
Foto: Oliver Look
Musik und Tanztheaterproduktionen
zu suchen. Selbst erfahrene Pianistin,
konzentriert die junge Performerin
sich dabei derart auf die Musik,
dass sie nicht nur zuhört, sondern
auch gleich mit dem Körper antwortet.
Mit dem herausragenden
E-Gitarristen Andy Moor (bekannt
durch seine Punkbank The Ex), entwickelte
sie ein Körpertraining, das
beide befähigt, in ihrer Improvisation
auf geringste Bewegungsimpulse
des anderen zu reagieren, ohne
dabei die Eigenständigkeit als Performer
aufzugeben.
Body Concert
Electric guitar in
dialogue with dancer
The question of a balanced relationship
between music and dance is as
old as the history of European stage
dance itself. After the last radical
approaches, such as completely dispensing
with music in modern and
contemporary dance, interest in the
subject dwindled. This doesn’t stop
dancer and choreographer Marcela
Giesche from looking for a “new level
of collaboration” between music
and dance. Herself an experienced
pianist, the young performer concentrates
on music that she not only
listens to, but also answers with
her body. Together with the impressive
Andy Moor (known best for his
punk band The Ex) on electric guitar,
Giesche developed a physical training
method that enables both performers
to react in their improvisations
to the smallest impulses by the
other, without relinquishing their
autonomy as performers.
Marcela Giesche/
Andy Moor/
Special Guest:
Axel Dörner (02.03.)
Powercut
02. und 03. März 2012
Dock 11
www.dock11-berlin.de
12 tanzraumberlin märz/april 2012

T A N Z
Milchstraße ein Tanzstück von Clébio Oliveira
W I E D E R A U F N A H M E :
08. März 2012 bis 11. März 2012
im DOCK 11
[…] ein Schlager, wird zum Ansatz des stärksten Teils dieses 70-minütigen Abends. Was Oliveira da an gehobenen, geschleuderten
Transporten der Partnerin eingefallen ist, sich rasant und mit organischem Körperempfinden steigert, kann sich sehen lassen.
[…] Wieder erklopft er sich Eintritt, da endlich ergeben sich nach langem Einstieg Kontakte zweier Einzelwesen. Wie er sie auf dem
Rasen umherfährt, dreht, schleudert, puppenhaft aufstellt, sie dann mühsam und liebevoll auf dem Rücken trägt, abkippen lässt, ist
gut erfunden. Als er sich auf dem Boden abstützt, bilden beide eine schaukelnde, zuckende Skulptur. […] Zwei Menschen, blind oder
nicht, sind einander begegnet, haben Gemeinsames erlebt. Das berührt, so wie Oliveira, der sein Talent unter Beweis gestellt und in der
Argentinierin Mercedes Appugliese eine ebenbürtige Partnerin gefunden hat.
(Volkmar Draeger, Neues Deutschland / Tanznetz.de, Juni 2011)
http://www.zitty.de/tanzprojekt-milchstrasse.html
Milchstraße
Inhaltsangabe
Tanzstück. Mit tänzerischen Mitteln will das Duo sichtbar machen, was Sehenden in der Welt der Blinden verborgen bleibt.
TANZ - In seinen Arbeiten versucht der Choreograf Clébio Oliveira traditionelle brasilianische Elemente mit Contemporary Dance zu
verbinden. Dazu kommt in diesem Stück noch die Aufgabe mit dem Körper zu sehen, ohne die Augen zu benutzen. Denn Ausgangspunkt
dieser Reise in das Licht der Dunkelheit sind Interviews mit Blinden und Sehbehinderten. Mit tänzerischen Mitteln wollen Oliveira
und seine Partnerin Mercedes Appugliese sichtbar machen, was Sehenden in der Welt der Blinden verborgen bleibt. Wie das Ertasten
des inneren Blickes funktioniert, ist in diesem Duo zu besichtigen.
Erfasst am 10.05.2011
http://www.zitty.de/blind-sieht-man-am-besten.html
Zitty Berlin
Bühne: Blind sieht man am besten
Der brasilianische Tänzer und Choreograf Clébio Oliveira inszeniert erstmals in Berlin
Es hat schon etwas Kurioses, sich vorzustellen, wie Clébio Oliveira im Grips-Theater sitzt und sich Kinderstücke anschaut. „Das ist eine
gute Methode, Deutsch zu lernen“, sagt der brasilianische Tänzer und Choreograf, der seit 2008 in Berlin lebt. Seine wildlockigen Haare
drängen schädelmittig nach oben, schalkhaft blitzen die braunen Augen. „Die Sprache von Kinderstücken ist einfach gehalten, die
Strukturen sind übersichtlich und die Situationen meist universal verständlich.“ Er kennt fast alle Kinderstücke im aktuellen Repertoire
des Grips-Theaters, inzwischen reicht sein Deutsch bereits für die Stücke ab 9 Jahren.
2007 kam Oliveira das erste Mal nach Berlin, als Mitglied der Companhia de Dança der renommierten Choreografin Deborah Colker –
und verliebte sich in die Stadt. „Ich wusste sofort, dass ich hier leben will“, sagt er. Zurück in Rio de Janeiro kündigte er bei Colker und
zog nach Deutschland – ohne ein Wort Deutsch oder auch Englisch sprechen zu können.
In der Komischen Oper tanzte er in der Colker-Produktion „Casa“ und gehörte zwei Jahre lang zur Companie von Toula Limnaios in der
Halle in Prenzlauer Berg. Doch der 2006 von der Tageszeitung „Jornal do Brasil“ mit dem Preis „Best Choreographer“ ausgezeichnete
Künstler choreografierte nie für Limnaios Truppe. Stattdessen schuf er preisgekrönte Choreografien in Brasilien, in Köln und für das
Ballett Kiel. Gerade gewann Oliviera die „National Choreographic Competition“ der Hubbard Streetdance Company Chicago und wird
im September ein Stück für diese renommierte Company kreieren. „Das ist natürlich eine große Ehre“, sagt der Mittdreißiger, der sich
die Tanzwelt autodidaktisch erschlossen hatte, ohne je eine Ballettschule besucht zu haben. Seine Tanzschule war das Ballhaus. „Die
Tanztraditionen meiner Heimat sind in meinem Körper abgespeichert“, sagt er. „Ich suche in meiner Arbeit Identität. Und ich möchte,
den Reichtum meiner Kultur bewahren.“
Bevor Oliveira im Sommer in der Windy City Chicago inszeniert, kommt endlich auch eine erste Arbeit in seiner geliebten Wahlheimat
Berlin zur Premiere. „Milchstraße“, das er selbst im Duett mit der Tänzerin Mercedes Appugliese tanzt, ist inspiriert durch blinde Kinder
und basiert auf Interviews mit Blinden. „Es ist keine Arbeit mit oder über Blinde“, stellt Clébio Oliveira klar. Er will auf tänzerische
Weise versuchen, sichtbar zu machen, was uns Sehenden in der Welt der Blinden verborgen bleibt.
„Wenn wir die Augen schließen, sehen wir schwarz.“, sagt er, „aber dieses Schwarz hat Unterschiede und so ist das auch bei Blinden.
Was ist überhaupt schwarz, was sind Farben und wie erklärt man diese einem Blinden?“ Es gibt Blinde, die kleine Lichtpunkte auf
grauem Hintergrund wahrnehmen. Das sei wie ein Sternenhimmel, eine eigene Galaxie, eben die „Milchstraße“. Wenn jemand wie
Clébio Oliveira das dunkle Universum erkundet, dürfte das sehr erhellend werden.

T A N Z / F I L M
Fenster eine Performance von Vicent Gisbert
P R E M I E R E:
17. März 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
18. März 2012
im DOCK 11
http://www.blindad.de/events/Berlin_fenster-eine-performance-von-vicent-gisbert_169789.php
BlinAd
Fenster eine Performance von Vicent Gisbert
Infos zum Event:
Dir gefällt die Website?
Fenster ist ein szenischer Vorschlag, um dem Zuschauer mehrere Fenster anzubieten, durch die er verschiedene Realitäten entdecken,
interpretieren und mitfühlen kann. Jedes dieser Fenster weicht vom Bekannten und Definiten ab, erlaubt eigene Auslegungen und Reflektionen
des Zuschauers und lässt ihn in eine Anregungen einzutauchen. Der Zuschauer betrachtet nicht nur, sondern wird selbst zum
Experiment. Der Raum, in dem dieses Werk präsentiert wird, agiert als Leinwand, auf der verschiedene Levels projiziert und durch fortlaufende
Veränderungen entfaltet werden und so die Auffassung von Greifbarem und Ungreifbarem, Beweglichkeit und Statik ändert.
Impulse geben der Verstand der Zuschauer sowie der Körper in Bewegung. Diese beiden Elemente erschaffen Landschaften, in denen
das Individuelle mit gewöhnlichen und erkennbaren Merkmale, neue Interpretationen und Wege der Wahrnehmung erfährt. Auf diese
Weise erstrebt Vicent Gisbert eine einzigartige und abweichende Identität, ein Fachgebiet weit weg von dem, was in den Massenmedien
um uns herum gezeigt wird. Ein sich konstant verändertes Individuum, welches zum Fragen anregt, während des Zusehens.
Regie, Interpretation, Sound und Video: Vicent Gisbert
Regieassistent: Marc Martínez
Tickets: 10.- Euro / erm. 7.- Euro
------------
Fenster is a scenic proposal to offer the spectator different windows through which can watch, interpret and experience different realities.
Each of them is raised with the intention to move away from the known and the definite, to allow open readings and reflections
by the viewer, immersing him in a proposal that is not only to watch, but also to experimentalise. The space where the work will be
presented will act as a canvas where different levels are going to be projected and to evolved with ongoing changes, altering the perception
of material and intangible, static and mobile. It will be played at times with the senses of the viewer, but not only through these
textures, but also throughout the body and the movement. With the presence of these two elements will appear landscapes in which
the individual will lose some of its most common and recognizable features, allowing new interpretations and ways of perceiving.
In this manner, Vicent Gisbert, aims to create a unique and divergent identity, a subject away from what is represented in most of
the mass media around us. A constantly changing individual which suggest questions while watching him.
Direction, Interpretation, Sound and Video: Vicent Gisbert
Assistance direction: Marc Martínez
http://berlin.cervantes.es/FichasCultura/Ficha91266_57_4.htm
Vicent Gisbert: Fenster
Bühnenaufführung
Fenster ist ein szenisches Stück, das dem Zuschauer mehrere Fenster öffnet, durch die er verschiedene Realitäten entdecken, interpretieren
und mitfühlen kann. Ein Versuch, sich von Bekanntem und Definitivem zu lösen, indem man in eine Welt geführt wird, die
beim Beobachten Fragen aufwirft. Ein Ort, der durch die manipulierte Wahrnehmung konstruiert wird und der Körper und Raum neue
Bedeutungen gibt.

P E R F O R M A N C E
Alice im Wunderland
eine Performance von MS Schrittmacher
V O R A U F F Ü H R U N G E N :
23. März 2012 bis 27. März 2012
P R E M I E R E:
28. März 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
29. März 2012 bis 07. April 2012
in Karstadt am Hermannplatz
http://www.tanzbuero-berlin.de/editor/magazin/upload/tanzraum_2012-03-04.pdf
tanzbüro Magazin
künstlerstimme
Wunderwelt Karstadt
MS Schrittmacher denken „Alice im Wunderland“ neu
Wo wären das weiße Kaninchen, die Grinsekat- ze und die Herzkönigin besser aufgehoben, als
in der irren Warenwelt eines modernen Kauf- hauses? Das weiß Martin Stiefermann auch nicht. Und inszeniert „Alice“ mit seiner
Kompanie MS Schrittmacher im Karstadt in Neukölln. In tanz- raumberlin erzählt er vom Entstehungsprozess.
Text: Martin Stiefermann Choreograf
Den Gedanken, „Alice im Wunderland“ zu insze- nieren, trage ich schon lange mit mir herum. Der Märchenaspekt hat mich dabei
nie besonders interessiert. Mich hat vielmehr diese seltsame Traumdramaturgie inspiriert. Durch sie ließe sich Alice ins hier und heute
holen. Und gleichzeitig aufzeigen, wie komisch bis absurd unsere Realität mittlerweile geworden ist.
Irgendwann kam mir die Idee, das Ganze in einem Kaufhaus spielen zu lassen. Eine erste Überle- gung war, es einfach auf der
Bühne nachbauen zu lassen. Aber warum dann nicht gleich im Kauf- haus spielen, und alles ganz real machen? Alice ist doch im
wahrsten Sinne eine Einkäuferin, eine Sammlerin. Also folgen wir mit ihr dem Kanin- chen und bewegen uns durch das Wunderland
der Warenwelt, wo die Raupe zur DOB-Stylistin wird, und die Herzkönigin zur Geschäftsführerin. Kaufen ist heute weit mehr als
Bedürfnisbefrie- digung, ein Warenhausbesuch ist Eventshopping. Der Flaneur wird zum Erlebniskäufer, für den das Warenhaus jeden
Tag zum Festtag macht. Wir wol- len gut gelaunt konsumieren und gleichzeitig ver- antwortungsvoll handeln: das ist der neue Trend. Im
Kaufhaus hat man alles, was man braucht, um diese Geschichte zu erzählen. Im Moment finde ich es sogar regelrecht unheimlich, wie
geschmei- dig unsere „Alice“ aufgeht in der Welt der Käu- fer und Verkäufer, der Bedürfniserzeugung und Identitätsstiftungsangebote.
Das Karstadt am Hermannplatz war von Beginn an mein Wunschkaufhaus, weil es an einer sozi- alen Schnittstelle in Berlin liegt, an
der Grenze zwischen Neukölln und Kreuzberg. Hier treffen die unterschiedlichsten Typen und sozialen Schichten aufeinander. Und
tatsächlich hatte ich das Glück, dass der Werbeschauleiter dort meine Idee von Anfang an unterstützt hat. Er hat das Projekt nicht nur
als Werbeveranstaltung betrachtet, sondern
Alice bei Karstadt
als eine Koproduktion, als eine Tanzperformance im Karstadt am Hermannplatz.
Ab Mitte Februar werden wir also direkt vor Ort proben. Wir werden unsere Ideen am Original- schauplatz ausprobieren und sehen,
wie alles wirkt und funktioniert. Bislang haben wir noch keine Vorstellung davon, wie unser Konzept der Realität begegnen wird.
Bislang ist es also nur eine geplan- te Tour, die durch das gesamte Kaufhaus, vor und hinter die Kulissen, vorbei an schlafenden
Dekorati- onen und Schaufensterfiguren führen soll.
Ich arbeite dafür mit Tänzern, die Schauspiel- erfahrung haben und Schauspielern mit Bewe- gungserfahrung. Außerdem gehört ein
Autor zum Team, der am Probenprozess aktiv beteiligt ist und Szenen schreibt, die aus Improvisationen ent- wickelt werden. Natürlich
wird es auch Original- material geben, auch szenisch Vorbereitetes. Der Soundtrack, den Sir Henry für das Stück erarbeiten wird, basiert
auf Kaufhausmusik, der Melodien von Gruselklassikern beigemischt werden, um die grotesk-bedrohliche Atmosphäre der Originalgeschichte
zu unterstreichen. Die Musik wird durch die Hausanlage zu hören sein und mit realen Kauf- hausansagen durchsetzt.
Foto: Andreas J. Etter
Ich arbeite sonst meist in sehr ergebnisoffenen Prozessen zu einem Thema: allmähliches Annä- hern, Material finden und alles
zusammen bauen. Bei „Alice“ gehen wir mit einer fertigen Story um. Es gilt also, auf dieser Basis eine tänzerische und erzählerische
Übersetzung zu finden. Ich versuche dabei, meine erprobten und gut funktionierenden Arbeitsprozesse in diese Stückarbeit zu übertragen
und fruchtbar zu machen. Das ist eine span- nende Herausforderung. Am spannendsten aber bleibt die Frage: Wo folgen wir der
Struktur der klassischen „Alice“, und wo wird sie nur Impuls- geber für aktuelle kritische Inhalte sein? Eines wussten wir jedenfalls von
Beginn an: Die „Ali- ce“ der MS Schrittmacher wird kein kuscheliges Unterhaltungsprogramm.

P E R F O R M A N C E
Brother Brother
eine Tanzperformance von und mit Clint Lutes und Tommy Noonan
W I E D E R A U F N A H M E :
29. März 2012 bis 01. April 2012
im DOCK 11
“...eine wunderbar freundliche Utopie brüderlichen Lebens, ohne die unübersehbaren Ungleichheiten, das Konkurrieren und sich
Behakeln dieser Brüder auszugleichen. “ - Jürgen Reuß, Badische Zeitung, 20 October 2009.
“In „Bruder Bruder“, im brüderlichen Bund, sind sämtliche Ebenen der Zweisamkeit enthalten: Vom Freund zum Feind, von der
brüderlichen Liebe zum gegnerischen Hass oder von gegenseitigem Vertrauen zu spaltender Missgunst. Wenn sich gegen Ende die
beiden Künstler zur Wand drehen – ihre Schatten in Formen von Urmenschen oder Aliens – dringt aus dem einen unbändiges Gebrüll
und aus dem anderen ein heller sirenenartiger Laut. Lutes und Noonan haben großartige Bilder gefunden und eindringliche Sounds
produziert. ” - Nora Abdel Rahman, Tanznetz.de, 10 November 2009
„Zwischen Pantomime und Tanz trauen sie sich viel. Sie sind der Schrei der Seemöwe und laden die Zuschauer ein, das Geräusch des
Meeres zu hören in Samen, die über ein Tablett gleiten. Ein Duett das vielmehr
eins ist als zwei - meisterhaft. “ - Midi Libre 08/07/2011 Stéphanie Teillais
„Der Riesenschock der Woche! Ausgezeichnet!“
- Danse a Montpellier 25/6/2011 JMD
“In the end it was not only an enjoyable evening, rather also a marvelously friendly utopia of fraternal life, without balancing the
obvious unevenness, competition and jeering that characterizes this brotherly relationship.” - Jürgen Reuß, Badische Zeitung, 20
October 2009.
“In this brotherly connection, all levels of togetherness are included: from friend to enemy, from brotherly love to adversarial hatred,
from mutual trust to splitting jealousy. In the end, when both artists turn toward the wall, their shadows in forms of neanderthals or
aliens, one bellows out hauntingly while the other penetrates with a bright and raucous wail. ” - Nora Abdel Rahman, Tanznetz.de, 10
November 2009
“Between mime and dance, they dare much, they are the cry of the seagull, invite a spectator to delude themselves to hear the noise of
the sea in a tray filled with seeds. A work of duo, more than of two, very masterful. “ - Midi Libre 08/07/2011 Stéphanie Teillais
“We can compare them to comedians, because they know how to transport us somewhere else, in an extravagant world. But at the
same time, there is no contempt. We wallow in a grand poetic courtesy. “ - Danse a Montpellier 25/6/2011 JMD
http://www.blindad.de/events/Berlin_brother-brother-eine-tanzperformance-mit-clint-lutes-und-tommy-noonan_169254.php
Brother Brother eine Tanzperformance mit Clint Lutes und Tommy Noonan
?Brother Brother? (2009) is a duet created and performed by Clint Lutes and Tommy Noonan. The 50-minute performance consists
of two men on an empty stage, their bodies moving in and out of synchronicity, proximity and interactions both intimate and violent;
images of possible relationships, histories and futures are projected onto the empty walls that confine them to the space. --- Zwei
Männer auf einer leeren Bühne. Wer sind diese beiden Menschen? Wie lange sind sie schon hier? Sind sie freiwillig zusammen oder
hatten sie keine andere Wahl? Ihre Körper bewegen sich in und aus dem Takt. Ihr Verhältnis scheint mal intim, mal gewaltsam.
Facetten von Nähe und Distanz werden ausgelotet. Die leeren Wände, die ihren Raum beschreiben, füllen sich mit Bildern möglicher
Beziehungen, Geschichten und Zukünfte... Choreografie / Performance: Clint Lutes und Tommy Noonan Mit Musik von: Edison Woods
Lichtdesign: Carl Faber Bühne / Kostüm: Moritz Müller Public Relations: Doreen Markert ? enthusiastic encounters Produziert von: pvc-
Tanz Freiburg-Heidelberg, 2009 - See more at: http://www.blindad.de/events/Berlin_brother-brother-eine-tanzperformance-mit-clintlutes-und-tommy-noonan_169254.php#sthash.S5VQYxrr.dpuf

http://deathbyglitter.wordpress.com/productions/brother-brother/
DEATH BY GLITTER
Clint Lutes
Brother Brother
Creation & Performance: Clint Lutes & Tommy Noonan
Lighting: Carl Faber
Costume: Moritz Mueller
Produced by Theater Freiburg pvc Tanz Freiburg Heidelberg
Who are these two people? How long have they been here? Is this the end of a relationship or the beginning? Did they chose to be
together or have they no choice? As blood connection, as accidental lover, as soul mate, as casual acquaintance, as mortal enemy and
as exhausted friends, Brother Brother advances through various images and relationships between two men on an empty stage.
Sugarhigh: ‘Never, ever come between a man and his bromance. For the male-male bond is a special one—a force to be reckoned
with; perhaps one of the most enigmatic of them all. A true bromance is much more than just a friendship: It’s a brotherhood
that transcends everyday earthly matters like beer, burping, and boobs to encompass near-unconditional loyalty and an unspoken
understanding of soul mate proportions. You’ll know real bromance when you see it. On a random Tuesday night, perhaps, in the
Kneipe on the corner: that pair of guys sitting together. In complete and utter silence.
Much could be said about the relationships of the male species. One creative venture into this complex territory is “Brother Brother,” a
dance piece interweaving mime, dance, and brute physicality to create an intimate, violent, hilarious, sexually charged but at the same
time platonic and, in any case, very humane and touching portrayal. Conceived of, choreographed, and performed by American dancer
duo Clint Lutes and Tommy Noonan, the critically acclaimed and highly bromantic piece premieres tonight at Dock 11 for a short, fournight
run.’ http://www.sugarhigh.de/issue/600-city-brotherly-love Sugarhigh
PREMIERE
October 16, 2009 | pvc Freiburg
8 pm | Kammerbühne Stadttheater Freiburg
ADDITIONAL SHOWS
October 23,25 – 8pm | Kammerbühne, Freiburg
November 5,8 – 8pm | Zwinger 1, Heidelberg
November 15,21,29 – 8pm | Kammerbühne, Freiburg
December 12,13 – 8pm | Tacheles, Berlin
******2010******
February 26 – 7:30pm | Box Theater – Festspielhaus St. Pölten, Austria
April 2-4 – 8:30 pm | DOCK11 Berlin
April 8,9 – 8pm | Kammerbühne, Freiburg
June 19 | Kammerbühne, Freiburg
December 13 | Kammberbühne, Freiburg
******2011******
June 25 | Montpellier Danse/Mouvement Sur la Ville, Montpellier
November 29, 30 | Globalize Cologne, Cologne, Germany
December 2, 3, 4 | Cabaret Inestable, Valencia, Spain
******2012******
March 9 | Cité Danse, Grenoble, France
March 29, 30, 31, April 1 | DOCK 11, Berlin, Germany
******2013******
April 5 | L’Abaeicite, Corbigny, France
October | Brest, France (date TBA)
October | Le Mans, France (date TBA)

http://freihandelszone.org/kalender/programm.html?programm=45&cHash=505c18f439ec0062d5a6e86866d9cdaf
Frei Handels Zone
Clint Lutes und Tommy Noonan: Brother Brother
In “Brother Brother” wird die Natur der Bruderschaft erforscht: als Blutsbande, Zufallsliebschaft, Seelenverwandtschaft, lockere
Bekanntschaft, Erzfeindschaft und erschöpfte Freundschaft. Clint Lutes und Tommy Noonan decken in ihrer Produktion feinfühlig
unterschiedlichste Facetten der Beziehung zweier Männer auf und übersetzen sie auf einer leeren Bühne in verschiedene Formen und
Bilder.
“Brother Brother” zeigt im Ergebnis intensives Körpertheater. Lutes und Noonan setzen Rhytmus dabei ganz gezielt ein - ihre Körper
arbeiten mal synchron, mal bewusst asynchron. Ihre Stimmen nutzen sie, um Bewegungen zu vervollständigen und umgekehrt.
Soundcollagen entstehen - mittels Stimme, Körpergeräuschen und Tönen, die sie den Gegenständen um sich herum entlocken. Ein
subtiles und präzises Arrangement.
Choreografie/Performance: Clint Lutes und Tommy Noonan Lichtdesign: Carl Faber PR: Doreen Markert mit Musik von: Edison Woods
Bühne und Kostüm: Moritz Müller Produziert von: pvc Tanz Freiburg/Heidelberg, Weitere Unterstützung von Studio Blixa 6, DOCK 11
Berlin
http://www.openpr.de/drucken/408256/Brother-Brother-Neue-Produktion-von-pvc-tanz-Theater-Freiburg-zu-Gast-in-Berlin.html
Open PR
“Brother Brother”: Neue Produktion von pvc-tanz Theater Freiburg zu Gast in Berlin
Kunst & Kultur
Pressemitteilung von: Markert
Foto: Maurice Korbel
Foto: Maurice Korbel
Die neue Performance “Brother Brother” der amerikanischen Choreografen Clint Lutes und Tommy Noonan ist am Osterwochenende
im DOCK11 Berlin zu sehen.
In “Brother Brother” wird die Natur der Bruderschaft erforscht: als Blutsbande, Zufallsliebschaft, Seelenverwandtschaft, lockere
Bekanntschaft, Erzfeindschaft und erschöpfte Freundschaft. Clint Lutes und Tommy Noonan decken in ihrer neuen Produktion
feinfühlig unterschiedlichste Facetten der Beziehung zweier Männer auf und übersetzen sie auf einer leeren Bühne in verschiedene
Formen und Bilder.
Bei der Entwicklung des Stückes spielten Stimm- und Körperimprovisationen eine zentrale Rolle: „Wir entwickelten unterschiedliche
Gefühlszustände und suchten nach entsprechenden Klangmustern, die sie darstellen können. Wir beobachteten, welche Geräusche
wir produzieren während wir uns bewegen und welchen Effekt zum Beispiel Stille in einer bestimmten Situation hat“, so die beiden
amerikanischen Choreografen, die auch in Gesang und Schauspiel ausgebildet sind.
„Brother Brother“ zeigt im Ergebnis intensives Körpertheater. Lutes und Noonan setzen Rhythmus dabei ganz gezielt ein - ihre Körper
arbeiten mal synchron, mal bewusst asynchron. Ihre Stimmen nutzen sie, um Bewegungen zu vervollständigen und umgekehrt.
Soundcollagen entstehen – mittels Stimme, Körpergeräuschen und Tönen, die sie den Gegenständen um sich herum entlocken. Auch
das Publikum wird Teil der Soundproduktion. Und alles ist subtil und präzise arrangiert.
Auf diese Weise trägt „Brother Brother“ durch die verschiedensten Gefühlsstadien und denkbaren Qualitäten einer „Bruderschaft“:
„Im brüderlichen Bund sind sämtliche Ebenen der Zweisamkeit enthalten: Vom Freund zum Feind, von der brüderlichen Liebe zum
gegnerischen Hass oder von gegenseitigem Vertrauen zu spaltender Missgunst…Lutes und Noonan haben großartige Bilder gefunden
und eindringliche Sounds produziert.“ (Nora Abdel Rahman, tanznetz.de)
„Brother Brother“ ist eine Produktion von pvc-tanz Freiburg Heidelberg (Premiere: 16. Oktober 2009, Kammerbühne Theater Freiburg).
Choreografie & Performance Clint Lutes, Tommy Noonan
Lichtdesign Carl Faber
Bühne & Kostüm Moritz Müller
Mit Musik von Edison Woods
Foto Maurice Korbel
Berlin-Aufführungen
2. – 4. April 2010, jeweils um 20:30 Uhr
DOCK11 Berlin, Kastanienallee 79, 10435 Berlin
VVK: , Mo-Fr ab 15h +49(30)4481222

http://www.jenniferpasquier.net/brother-brother-cie-clint-lutes-tommy-noonan/
Brother Brother Cie Clint Lutes & Tommy Noonan
Chorégraphes et interprètes : Clint Lutes, Tommy Noonan / Lumières : Carl Faber / Musique : Edison Woods
Produced by pvc taz Freiburg / Heidelberg
« Brother Brother » est un duo créé et dansé par Clint Lutes et Tommy Noonan. Dans ce duo de 50 minutes, sur un plateau nu, les
corps des deux hommes se synchronisent, se désynchronisent, dans une proximité à la fois intime et violente. Ils nous offrent des
images de relations possibles, d’histoires présentes ou futures projetées sur les murs vides qui délimitent l’espace dans lequel ils sont
confinés.
Afin de créer « Brother Brother », Clint Lutes et Tommy Noonan ont fait de la luge alpine, enregistré des chansons de Patsy Cline,
essayé de tomber amoureux l’un de l’autre, pratiqué la boxe française et les accents étrangers, inventé une démarche pour lesbiennes
fans de volley, et se sont engagés très sérieusement dans la pratique de sports de compétition. « Brother Brother » en est le résultat.
Clint et Tommy sont originaires du Sud des Etats- Unis ; ils ont étudié la danse, l’anglais, le théâtre et l’histoire de l’art à New – York. Ils
ont respectivement déménagé en Allemagne et se sont rencontrés à DanceWeb à Vienne. Avant de créer « Brother, Brother », ils créent
une courte pièce de 5 minutes sur la vie difficile des squelettes.
http://allevents.in/berlin/brother-brother-berlin/337229162984313
allevents
“Brother Brother”, created in 2009, is a duet created and performed by Clint Lutes and Tommy Noonan. The 50-minute performance
consists of two men on an empty stage, their bodies moving in and out of synchronicity, proximity and interactions both intimate and
violent; images of possible relationships, histories and futures fill the empty walls that confine them to the space.
http://www.kulturserver.de/-/veranstaltungen/detail/7220395
kultur datenbank
2. – 4. April 2010, 20:30 Uhr
DOCK11 Berlin, Kastanienallee 79, 10435 Berlin
„Brother Brother“
Ein alberner, inzestuöser, gewalttätiger und glücklicher Performanceabend
Choreografie & Performance: Clint Lutes, Tommy Noonan
Bühne & Kostüm: Moritz Müller
Lichtdesign: Carl Faber
Technische Leitung: Fabian Bleisch
PR: Doreen Markert
Mit Musik von Edison Woods.
Wer sind diese beiden Menschen? Wie lange sind sie schon da? Ist dies das Ende einer Beziehung oder ihr Anfang? Haben sie sich diese
Nähe ausgesucht oder hatten sie keine Wahl?
In “Brother Brother” wird die Natur der Bruderschaft erforscht: als Blutsbande, als Zufallsliebschaft, Seelenverwandtschaft, lockere
Bekanntschaft, als Erzfeindschaft und erschöpfte Freundschaft zweier Männer. Ihre Körper arbeiten für und gegen Synchronität, Nähe
und Interaktionen, die mal intim, mal gewalttätig sind; Bilder möglicher Beziehungen, Geschichten und Zukünfte werden auf die leeren
Wände projiziert, die sie begrenzen.
Trailer: www.youtube.com/watch?v=cMM68i...
Tickets: 12 / 8 Euro
Reservierung: ticket@dock11-berlin.de oder Mo-Fr ab 15 Uhr unter 030-4481222
Produziert von pvc-Tanz Freiburg Heidelberg www.pvc-tanz.de | Premiere am 16. Oktober 2009, Kammerbühne Freiburg.
http://www.sugarhigh.de/issue/600-city-brotherly-love
sugarhigh
boys will be boys
Der Versuch, einer gewachsenen Männerfreundschaft in die Quere zu kommen, kann nur nach hinten losgehen. Der
busenfreundschaftliche Männerbund ist nämlich von eherner Beschaffenheit und gehört wohl zu den rätselhaftesten seiner Art.
Wahre Männerfreundschaft ist mehr als einfach nur Freundschaft. Sie besiegelt nichts weniger als einen ewigen brüderlichen
Bund, der über profane Angelegenheiten wie Biere, Bäuerchen und Brüste weit hinausgeht und bedingungslose Treue sowie ein
seelenverwandtschaftliches Verhältnis mit einschließt, das ohne viele Worte auskommt. Wahre Männerfreundschaft ist unverkennbar:
An einem beliebigen Dienstagabend, in einer beliebigen Eckkneipe manifestiert sie sich um zwei Männer, die einander gegenübersitzen

– innig schweigend, schweigend und nochmals schweigend.
Aber es lässt sich noch weitaus mehr sagen über mann-männliche Beziehungen: Einen kreativen Ausflug in die vertrackte Welt
testosterongelenkter Gefühle unternimmt das Tanzstück „Brother Brother“, in dem sich schauspielerische und tänzerische Elemente
mit einer rabiaten Körperlichkeit zu einem intimen, berührenden Porträt zweier Männer verbinden, das zwischen erotischer Spannung
und platonischer Liebe changiert. Entwickelt und choreographiert haben das Stück die beiden amerikanischen Tänzer Clint Lutes und
Tommy Noonan, die auch den Abend bestreiten. Ab heute könnt ihr im Dock 11 das von der Kritik gefeierte Stück an vier Abenden
erleben
http://www.tagesspiegel.de/kultur/tagestipps/tanztheater-zu-zweit-allein/1782938.html
DER TAGESSPIEGEL
Zu zweit allein
Zwei Männer, ein Raum. Sonst nichts. Sind sie inhaftiert, verwandt, befreundet? Ist ihr Aufeinanderhocken eine Strafe, Schicksal
oder bloß ein Versehen? Antworten geben Clint Lutes und Tommy Noonan, wenn sie in Brother Brother mögliche Dimensionen
choreografisch durchspielen, allein zu zweit zu sein.
http://www.expatica.com/de/whats-on/event/Brother-Brother-Berlin.html
Who are these two people? How long have they been here? Is this the end of a relationship or the beginning? Did they chose to be
together or have they no choice? As blood connection, as accidental lover, as soul mate, as casual acquaintance, as mortal enemy and
as exhausted friends, Brother Brother advances through various images and relationships between two men on an empty stage, their
bodies moving in and out of synchronicity, proximity and interactions both intimate and violent.
Choreography and Performance: Clint Lutes and Tommy Noonan
Light Design: Carl Faber
Stage and Costume: Moritz Müller
Produced by: pvc-Tanz Freiburg-Heidelberg
Length: 50 minutes
Photo Credit: Maurice Korbel
For more information please contact:
Doreen Markert (Management / PR)
doreen@luckytrimmer.de
Date & Time:
April 2-4 at 20:30.
Location:
DOCK11
Kastanienallee 79, 10435 Berlin
‘...eine wun-derbar freundliche Utopie brüderlichen Lebens, ohne die unübersehbaren Un-gleichheiten, das Konkurrieren und sich
Behakeln dieser „Brüder“ auszugleichen.’
Badische Zeitung, 20.10.2009 Jürgen Reuß
‘...ein letzter Gang, von Clint Lutes in stummer Duldung, von Tommy Noonan mit Heulen und Zähneklappern angetreten, hatte eine
starke Sogwirkung.’
‘...an diesem kurzen, kurzweiligen Theaterabend mit einfachsten Mitteln starke Spannung erzeugt wurde.’
Rhein Neckar Zeitung, 7./8.11.2009 Isabelle v. Neumann-Cosel
‘Im Bruder Bruder, im brüderlichen Bund sind sämtliche Ebenen der Zweisamkeit enthalten: Vom Freund zum Feind, von der
brüderlichen Liebe zum gegnerischen Hass oder von gegenseitigem Vertrauen zu spaltender Missgunst. Wenn sich gegen Ende die
beiden Künstler zur Wand drehen – ihre Schatten in Formen von Urmenschen oder Aliens – dringt aus dem einen unbändiges Gebrüll
und aus dem anderen ein heller sirenenartiger Laut. Für ihren ersten Teil zum Bibelzyklus „Bruder Bruder“ haben Lutes und Noonan
großartige Bilder gefunden und eindringliche Sounds produziert. Auf den zweiten Teil darf man mehr als gespannt sein.’
‘(mit) Bruder Bruder haben Lutes und Noonan großartige Bilder gefunden und eindringliche Sounds produziert.’
Mannheimer Morgen, 10.11.2009 Nora Abdel Rahman

http://tanzpresse.de/kritiken/detail/geschwister-unter-sich/
TANZ PRESSE
GESCHWISTER UNTER SICH
Wiederaufnahme: Clint Lutes und Tommy Noonan mit “Brother Brother” im Dock 11, Berlin
FOTO: MAURICE KORBEL
( WF 29.03.12 ) Bruderliebe ist es in jedem Fall, eine fast naive Liebe, die das Publikum im Stück „Brother Brother“ zu sehen bekommt.
Zwei Männer, bekleidet mit grauen Unterhosen und grauen Turnschuhen, die auf einer leeren Bühne zusammenstehen, laufen,
herumalbern und manchmal kämpfen. Clint Lutes und Tommy Noonan haben sich in ihrer Performance einem jahrhundertealten
Thema gewidmet. Erinnerungen an bekannte Bruderpaare aus der Geschichte, beispielsweise die von Kain und Abel, werden wach.
In dieser Aufführung ist es aber eher eine freundliche Grimmsche Variante brüderlichen Lebens. Das gemeinsame Lachen und
Grinsen der beiden Performer, ihre entrückten Blicke in die Ferne und das sich gegenseitige Heben und Tragen zeugen nicht von einer
Erzfeindschaft. Lutes und Noonan bieten neben einem interessanten Körpertheater bestehend aus marathonartigem Laufen und dem
Tanzen an den Bühnenwänden eine träumerische Geschichte, in der beide sich scheinbar auf einer einsamen Insel befinden, die ganz
aus Legosteinen besteht. Sie schreien, singen, ahmen Tiere nach und jagen sich durch einen erdachten Lego-Urwald. In „Brother
Brother“ wird die Beziehung zweier Männer gezeigt, die sich trotz kurzweiliger brüderlicher Konkurrenz und Missgunst, sehr nahe
stehen. Lutes und Noonan haben für diese Zweisamkeit eindrucksvolle Bilder gefunden. (Wiebke Fuhrmann)
Vorstellungen: 29.3. – 1.4.2012 jeweils um 20:30 Uhr im Dock 11, www.dock11-berlin.de

http://www.choices.de/vergnuegliches-zwischenspiel

T A N Z P E R F O R M A N C E
Magic Valley
eine Tanzperformance von Maya Lipsker und Roy Carroll
W I E D E R A U F N A H M E :
12. April 2012 bis 15. April 2012
im DOCK 11
http://leipzig-almanach.de/buehne_magic_valley_-_bewegungskunst_von_und_mit_maya_lipsker_alexandra_hennig.html
Traumsequenzen
Mit „Magic Valley“ entführt die israelische Choreografin Maya Lipsker in das magische Tal der Bewegungskünste
Fotos: Maeshelle West-Davies
Magie ist, aus einem Traum aufzuwachen. Der Moment, wenn man noch nicht richtig wach, beinahe noch im Schlaf ist; auch, wenn
man sich an einen Traum zu erinnern glaubt. Bilderrätsel fühlen sich wohl in Begleitung gemischter Gefühle.
Oder man sitzt in einem Theaterraum. Auf der Bühne befinden sich zwei Körper, deren gekrümmten Rücken einem zugewandt sind
– wie sie auf dem Boden knien – ihre Köpfe nach unten gerichtet. Ihre Gesichter werden noch eine Weile verborgen bleiben, denn zu
sehen sind nur lange Haare, die wie ein Vorhang von ihren Köpfen hängen. Bis dahin lassen sich Bewegungen nur erahnen, die sich so
langsam entfalten, als würden sie in Wahrheit still stehen. Dort, wo aus Tänzerinnen Wesen werden, kann nur ein magieumworbener
Ort sein.
Die Erde, auf der er sich befindet, soll zerstört sein und so lässt sich das Stück der israelischen Choreografin Maya Lipsker als bizarre
Traumsequenz deuten, die nicht daran denkt, auf heilem Boden zu stehen. Zusammen mit der Tänzerin Sandra Lolax bringt sie Magic
Valley auf die Bühne, ein Stück voll eindringlicher Ästhetik, das den Zuschauenden mit zwiespältigen Gefühlen hinterlassen kann.
Der heutige Abend ist als magisches Trio dahergekommen. Aus einem Zusammenspiel von Bühnenbild, Musik und Tanz gehen
gegensätzliche Atmosphären hervor, die filigran und sanft anmuten, gleichzeitig verstörende und kraftvolle Momente in sich bergen.
Hervorzuheben ist ein außergewöhnliches Bühnenbild von Sarah Marguier, das dem erdachten Raum erst eine Lebendigkeit verleiht.
Durchzogen nämlich ist das magische Tal von wellenförmigen Haarsträhnen, die sich am Rande der Bühne befinden. Schräg über
dem Geschehen thront ein wolkenartiges Gebilde, als wäre es geradewegs aus einer anderen Welt geweht gekommen. Präzise
gewählte Lichteinstellungen lassen den Boden mal selbst zu einer Himmelsdecke werden und formen schon an sich eine Stimmung des
Unwirklichen. Poetisch geht es so nicht erst mit der Musikkulisse Roy Carrols zu, der seine viel renommierten elektrischen Tonsequenzen
zum Besten gibt und das Geschehen so in minimalistisch-düstere bis spannungsgeladene Energien einwebt.
Vor diesem Hintergrund sehen wir zwei Tänzerinnen, die eine Choreografie miteinander entwickeln, deren Bewegungen manchmal
synchron, aber immer in Beziehung zueinander geschehen. Spätestens durch die beeindruckende Fülle des Bewegungsrepertoires wird
augenscheinlich, dass es sich um virtuosen Tanz handelt.
Man könnte meinen, die beiden begeben sich auf die Reise in eine Parallelwelt, suchen einen Nicht-Ort, mit dessen Bedingungen sie
in Verhandlung treten müssen. Das mutet nun sehr mystisch an und so geht es tatsächlich weiter, wenn die zwei Wesen aus ihrem am
Boden orientierten Tanz sich erheben, synchron durch den Raum wandeln und schließlich scheinbar doch zu Tänzerinnen werden, die
sich gegenüberstehen. Beide haben ihre Arme wie zu einer Umarmung ausgestreckt, hinter dem Rücken der jeweils anderen vollführen
ihre Hände und Unterarme eine Choreografie voll ruckartiger Bewegungen, als würden sie Gedanken in die Luft zeichnen. Dann: ein
kurzer Moment des Innehaltens. Sie sehen sich an und treffen aufeinander, für eine kurze Umarmung. Schlag auf Schlag. Im nächsten
Moment arbeiten sie wieder am Boden, liegen so dicht beieinander, dass sie fast eins werden. Gleich darauf stoßen sie einander ab,
wirken in ihrem Tanz voneinander entfremdet. Spannungsgeladene Szenen, die den Abend bestimmen.
Skurrilerweise scheinen die Haare in diesem Phantasiegebilde eine entscheidende Rolle zu tragen. Wo sie zum Blickfang des
Bühnenbildes geworden sind, sie sind zugleich ein Bestandteil der Choreografie.
Roy Carrol erhebt sich an diesem Abend noch von seinem Mischpult, tritt in schwarzer Kluft auf die Bühne, um eine ganz eingreifende
Position einzunehmen. Stellt er als erstes ein Behältnis mit brodelnder Flüssigkeit in die Bühnenmitte, wird er am Ende den beiden
Wesen ihre Zuflucht schenken: Endlich decken sie sich mit den gewobenen Haarsträhnen zu, um schließlich liegend im Bühnenbild zu
verschwinden. Stark symbolgeladene Bilder an diesem Abend, die sich je nach Blick in beklemmende Endzeitstimmung verwandeln,
oder skurril-komische Züge annehmen können, wenn Roy Carrels Figur auf einmal so gottesgleich daher kommt, um sich danach wie
eh und je vor seinen Bildschirm zu setzen.
Magic Valley ist vielleicht ein phantasiegebundener Ort, innerhalb dessen Grenzen eine Beziehung zweier Menschen sich entwickelt.
Einzelne Szenen bleiben der Entschlüsselung vielleicht versagt und mögen ihrem Sinn nach fraglich bleiben.
Wen die Magie nicht eingeholt hat, dem bleiben doch die Augen und Ohren nicht verschlossen an diesem hochwertigen Abend voller
Uneindeutigkeiten. Irrationalität in Szenen, die sich ebenso wenig einordnen lassen, wie Bestandteile eines Traumes und ebenso wenig
an Dramaturgie denken. Vielleicht ist die Schwelle zur Phantasie etwas, worin man sich nicht bitten lässt.

http://tanzforumberlin.de/367.php
Tanz Forum Berlin
Maya Lipsker: Magic Valley
www.dock11-berlin.de
Choreographie: Maya Lipsker
Mit: Maya Lipsker, Sandra Lolax und Roy Carroll
Musik / Sound Preparations: Roy Carroll
Kostüme / Bühne: Sarah Marguier
Public Relations: Doreen Markert - enthusiastic encounters
Eine Produktion von Maya Lipsker in Koproduktion mit LOFFT Leipzig.
Gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen und die Stadt Leipzig, Kulturamt.
Danke an Nele-Ana Riepl, Renate Graziadei & Arthur Stäldi (Labor Gras), DOCK 11, Melissa Cisneros, Doreen Markert, Asier Solana, The
Tyrone Guthrie Centre, Alexander Frangenheim, Maeshelle West-Davies
“Born on destroyed ground, the remains of the Earth, the three of them are waking up into a dream of an enchanted land. They are
given a gift, an instrument that when played, embodies the world’s essence of wildness and beauty, while also hinting at darkness,
destabilization and distorted realities.”
Magic Valley suggests an alternate civilization grown from dreams and imagination. Can other invented realities exist as endless
reflections of our present image? Can we discover ourselves and grasp our essence in a parallel reality to reach a deeper understanding
and rebuilding of our existence?
Exploring the perception of reality and the myriad possible variations of its construction, Magic Valley presents a unique vision of
humanity, destabilising audience expectations through a hyper-sensitive, delicate relationship between movement and sound.
MAYA LIPSKER choreographer, dancer and teacher, born in Haifa, Israel, currently living in Berlin. Maya danced in Batsheva-Ensemble
Dance Company in Israel (2000-2003). Since 2003 Maya has been active throughout Europe in the projects of others such as Lara
Barsaq, Sasha Waltz and Arkadi Zaides, and with her own work. Magic Valley is her tenth collaboration with composer / musician Roy
Carroll.
SANDRA LOLAX born in Vaasa, Finland. Studied at Kuula-institute in Vaasa and Balettakademien in Stockholm. Today she is working
freelance as an artist throughout Europe. Sandra has worked as a dancer with choreographers such as Carl Knif, Mia Malviniemi, Stina
Nyberg, Rosalind Goldberg, Marcela Donato, Deborah Hay and Anne Mareike Hess. Together with Stina Nyberg and Rosalind Goldberg,
Sandra is an initiator of Weapons of Mass Production, a project about finding new methods of creating dance and choreography.
ROY CARROLL composer / performer, born in Dublin currently living in Berlin. He holds an M-Phil in electronic music from Trinity
College Dublin. Roy provokes kinetic / acoustic interactions between loudspeakers, salvaged materials and a self-designed digital
sampler. He has collaborated extensively with choreographer Maya Lipsker, and is currently working on commissions for Icebreaker,
classical guitarist Ben Dwyer, the Dublin Guitar Quartet, and Prey Woodwind Trio. He has received numerous awards and grants
including Composer’s Bursaries, Project Awards and Commissions from The Arts Council of Ireland.
SARAH MARGUIER studied costume and art at Les Arts décos of Paris for four years. Through an exchange program she studied at The
School Art Institute of Chicago. Her work focuses on the concept of reused materials, the traces and souvenirs left by objects, and the
creative freedom that is found in organic forms and the life around them. Worked as a costume designer for Redmoon Theater. Created
her own piece Dead Family, which performed at the Quay Branly museum in Paris.
http://www.kultur-in-pankow.de/magic-valley/
Kultur in Pankow
Magic Valley
Eine Tanzperformance von The Instrument im DOCK 11 in Berlin-Prenzlauer Berg.
Ansichten einer imaginären Zivilisation: Zwei Figuren binden sich, um zu überleben, und gehen auf eine Reise. Mit ihren
chronologischen Gesten kreieren sie ein „Instrument“, durch welches sich eine Sprache von einzigartiger und magischer Qualität
entwickelt. Das Instrument enthüllt die Koabhängigkeit der Menschen und eine innere Welt der Träume, es ist das Werkzeug ihrer
Kreation. Doch es verwandelt sich mit jedem Schritt, bis daraus ein Instrument der Zerstörung geworden ist.
Die Reise zum Magic Valley gewinnt ihre Kraft aus primärer Existenz, aus der Geburt von Kultur, aus Gewalt und dem menschlichen
Geschenk der Imagination. Bewegung, Klang und Video-Installation evozieren gemeinsam eine Macht der Bilder. Über das Magic Valley
führt eine Hängebrücke, Metapher für unsere schwierige Balance zwischen Schönheit und Gefahr, für unser Pendeln innerhalb des
Kreislaufs von Leben und Tod.
Choreographie: Maya M. Carroll
Sound-Installation: Roy Carroll
Bühne | Kostüme: Sarah Marguier
Tanz | Performance: Sandra Lolax, Maya M. Carroll, Roy Carroll
Foto: Maeshelle West-Davies

http://www.zitty.de/magic-valley-3.html
Zitty Berlin
Magic Valley
Das Tanzstück zeigt alternative Welten, gewachsen aus Träumen und Imagination. Können erfundene Realitäten existieren? Ist aus einer
Parallelwelt unsere Existenz anders wieder herstellbar?
http://www.sarahmarguier.com/projects/magic-valley/
Views of an imaginary civilization of three figures, in a journey of attachment and survival against the backdrop of a world destroyed.
A journey of three characters through an evolutionary study of an “instrument” with which they develop a language of a unique and
magical quality. Manipulation by fine strings fulfills a chronology of refined interactions. Discovering co-dependence reveals their inner
world with images of beauty and dreams, while “the instrument” transforms from a tool of creation into an instrument of destruction.
Can we heal ourselves by reflecting our violent fantasy in parallel worlds? With detailed movement, sound and video installation, Magic
Valley mirrors humans gift of imagination. Illustrating the power of images, the delicate balance between beauty and danger and the
faith we seek in our circle of life and death.
http://theinstrument.org/pieces/magicvalley/index.html
Conceptt: Maya Lipsker, Roy Carroll
Choreographie: Maya Lipsker
Dance/ Performance: Sandra Lolax, Roy Carroll, Maya Lipsker
Costume / Set: Sarah Marguier
Music / Installation: Roy Carroll
Public Relations: Augustinpr, Doreen Markert
Pictures: Maeshelle West-Davies
Co-production: LOFFT Leipzig and The Instrument
Funded by: LOFFT Leipzig, Kulturstiftung des Freistaates Sachsen
Thanks to Melissa Cisneros, Doreen Markert, Dirk Förster, Renate Graziadei and Arthur Stäldi
(Labor Gras)
http://www.kulturkurier.de/veranstaltung_373744.html
Kultur Kurier
Magic Valley
Ausgangspunkt von „Magic Valley“ sind drei Performer auf der Bühne, die an eine zerstörte oder verlassene Welt erinnert. Die beiden
Tänzerinnen finden dabei eine Art Instrument, mit dem sie eine Sprache und Musikalität entwickeln, die einzigartig ist. Was zunächst
als Gespräch und Annäherung gedeutet werden kann, kippt im Laufe des Stückes: Das gefundene Instrument wird zum Werkzeug der
Zerstörung.
Maya Carroll bezeichnet „Magic Valley“ als „Experiment“ bei dem sie, Sandra Lolax und Roy Carroll eine neue Zivilisation entwerfen,
einen Traum von einer besseren Welt. Dabei scheinen die beiden Tänzerinnen eher Subjekte des „Experiments“ und Roy Carroll
beobachtender ‚Versuchsleiter‘ zu sein.
Dies ist die eigentliche Basis für die Choreografie, die sich nun wie eine Versuchsreihe vor den Augen des Zuschauers entwickelt:
Wie reagieren die Tänzerinnen auf Aggressivität, Gewalt, Mitgefühl und Zuneigung? Dabei wird der Körper zum Inhalt, zum Text:
„Tatsächlich scheint es in den Bewegungen eine gewisse, verborgene Logik zu geben, das wirkt alles sehr geschlossen und stimmig...“,
so in einer Kritik auf „tanznetz.de“.
„Magic Valley“ ist die zehnte Zusammenarbeit zwischen Maya Carroll und dem Musiker und Komponisten Roy Carroll. Zusam- men mit
der Tänzerin Sandra Lolax tanzt sie zu der Musik von Roy Carroll eingebettet in das handgemachte Bühnenbild von Sarah Marguier.
Die gebürtige Israelin Maya Carroll startete ihre professionelle Tanzausbildung in der Muza Dance Company in Tel Aviv (1997- 2000).
Dort traf sie auf die Choreografin Lara Barsacq, mit der sie fast sechs Jahre in Paris und Israel zusammenarbeitete. Von 2000- 2003
war sie Tänzerin im BatSheva Ensemble und tanzte in Stü- cken von Ohad Naharin, Sharon Eyal. In Berlin arbeitete sie mit Sasha Waltz,
Sommer Ulrickson und Clint Lutes („Lucky Trimmer“) zusammen. Ihre Stücke zeigte sie u. a. bei den Berliner Tanztagen, dem Dock 11,
Tanz im August, Pact Zollverein und Tanec Praha. Maya Carroll lebt in Berlin.
Eine Produktion von Maya carroll in Koproduktion mit LOFFT.Leipzig. Gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen und die
Stadt Leipzig, Kulturamt.
Choreographie: Maya Carroll / Konzept: Maya Lipsker, Roy Carroll /
Kostüme, Bühne: Sarah Marguier / Musik, Installation: Roy Carroll /
Tanz, Performance: Sandra Lolax, Roy Carroll, Maya Carroll

http://newslettertool.cti-newmedia.de/index.php?site=newsletter&nid=718&cid=902ba3cda1883801594b6e1b452790cc53948fda
Kultur aus Israel
Maya Lipsker: „Magic Valley“ im Dock 11 Berlin
Nach erfolgreicher Uraufführung von „Magic Valley“ im Theater LOFFT in Leipzig und weiteren Aufführungen in Berlin 2011 ist die
Tanzperformance der Choreografin Maya Lipsker vom 12. – 15. April 2012 wieder im Dock 11 zu sehen.
Ausgangspunkt von „Magic Valley“ sind drei Performer auf der Bühne, die an eine zerstörte oder verlassene Welt erinnert. Die beiden
Tänzerinnen finden dabei eine Art Instrument, mit dem sie eine Sprache und Musikalität entwickeln, die einzigartig ist. Was zunächst
als Gespräch und Annäherung gedeutet werden kann, kippt im Laufe des Stückes: Das gefundene Instrument wird zum Werkzeug der
Zerstörung.
Maya Lipsker bezeichnet „Magic Valley“ als „Experiment“ bei dem sie, Sandra Lolax und Roy Carroll eine neue Zivilisation entwerfen,
einen Traum von einer besseren Welt. Dabei scheinen die beiden Tänzerinnen eher Subjekte des „Experiments“ und Roy Carroll
beobachtender „Versuchsleiter“ zu sein.
Dies ist die eigentliche Basis für die Choreografie, die sich nun wie eine Versuchsreihe vor den Augen des Zuschauers entwickelt:
Wie reagieren die Tänzerinnen auf Aggressivität, Gewalt, Mitgefühl und Zuneigung? Dabei wird der Körper zum Inhalt, zum Text:
„Tatsächlich scheint es in den Bewegungen eine gewisse, verborgene Logik zu geben, das wirkt alles sehr geschlossen und stimmig“,
wie Boris Michael Gruhl in seiner Kritik für tanznetz.de schreibt.
„Magic Valley“ ist die zehnte Zusammenarbeit zwischen Maya Lipsker und dem Musiker und Komponisten Roy Carroll. Zusammen mit
der Tänzerin Sandra Lolax tanzt sie zu der Musik von Roy Carroll eingebettet in das handgemachte Bühnenbild von Sarah Marguier.
Maya Lipsker tanzte von 2000 bis 2003 bei der Batsheva Dance Company, bevor sie im November 2004 nach Berlin kam und am
Research Project mit der Sasha Waltz Company teilnahm. Seit 2004 ist sie selbständig als Choreografin, Tänzerin und Lehrerin tätig und
hat u.a. mit Lara Barsacq, Sasha Waltz, Ohad Naharin und Arkadi Zaides zusammengearbeitet. Bekannt wurde sie 2005 in Berlin mit
ihrem ersten eigenen Stück „Bruno“. 2004-2006 war sie Artists in Residence am Berliner Tanzstudio Dock 11. Beim 7. Internationalen
Choreografie Wettbewerb Ludwigshafen 2011 erhielt Maya Lipsker gemeinsam mit Anne Hirth, Tim Behren und Florian Patschovsky
den ersten Preis für ihre Choreografie „How to be almost there”.
Konzept: Maya Lipsker, Roy Carroll; Choreographie: Maya Lipsker; Tanz / Performance: Sandra Lolax, Roy Carroll, Maya Lipsker;
Kostüme / Bühne: Sarah Marguier; Musik / Installation: Roy Carroll
http://www.freundederkuenste.de/empfehlung/theater/einzelansicht/article/theater_in_leipzig_magic_valley_von_maya_lipsker_
am_2582011.html
19.07.2011 07:02Parallelwelt unserer Existenz
Theater in Leipzig: MAGIC VALLEY von Maya Lipsker am 25.8.2011
“Drei Engel sind auf die Erde gekommen um das verlorene Paradies zu suchen und eine neue Zivilisation zu begründen. Ihre
träumerische Reise ist die Suche nach einer neuen Welt. Ihnen ist ein Geschenk gegeben, ein Instrument mit ruhigem Klang und einer
Musik, die genauso von der wilden Schönheit wie von den düsteren Abgründen der Welt kündet.“
Die Kartographierung des MAGIC VALLEY nimmt dieses Textfragment als Ausgangspunkt zur Erforschung der Wahrnehmung von
Realitäten im Plural. Es zeigt alternative Welten, gewachsen aus Träumen und Imaginationen. Können erfundene Realitäten existieren?
Können wir uns selbst dort finden? Ist aus einer Parallelwelt unsere Existenz anders wiederherstellbar?
Tanzen ist Kommunikation. Bewegungen erzeugen Resonanzen, schaffen eine Atmosphäre. Manchmal ist diese Atmosphäre unwirklich,
nur fassbar als Vorstellung, Assoziation, Emotion. Maya Lipsker will sich diesem unmöglichen Traum-Raum annähern und ihn
gleichzeitig unterlaufen. Sie kreiert ein System von Bewegungen, Verhalten und Gestiken, die den absoluten Kern von MAGIC VALLEY
formen, um den herum die Tänzer und das Publikum ihre Wahrnehmungen experimentell erweitern und vertiefen und in Beziehung zu
einem filigranen Sound setzen.
CHOREOGRAFIE Maya Lipsker MIT Maya Lipsker, Sandra Lolax, Roy Caroll MUSIK/INSTALLATION Roy Caroll KOSTÜM/BÜHNE Sarah
Marguier
Eine Produktion von Maya Lipsker in Koproduktion mit LOFFT.Leipzig. Gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen und
die Stadt Leipzig, Kulturamt.

http://tanzpresse.de/kritiken/detail/traeume-aus-koerper-und-haar/
TRÄUME AUS KÖRPER UND HAAR
Wiederaufnahme: Maya Lipsker und Roy Carroll mit „Magic Valley“ im DOCK 11, Berlin
FOTO:MAESHELLE WEST-DAVIES
( JW 13.04.12 ) Bewegte Regungslosigkeit und leises elektronisches Zirpen eröffnen „Magic Valley“. In der nun mittlerweile zehnten
Zusammenarbeit mit dem irischen Musiker Roy Carroll wird ein düsteres, spannungsgeladenes Bild anderer (Bewegungs-)Realitäten
gezeichnet. Die beiden Tänzerinnen Maya Lipsker und Sandra Lolax erscheinen als zwei miteinander kommunizierende Körper oder
Wesen, die in ihrer imaginierten Parallelwelt versunken sind. Sie ertasten sich gegenseitig, mal zärtlich, mal fast brutal; ihre Körper
verschmelzen, wenn sie über den Boden rollen. Die Gesichter fast immer von Haaren verdeckt, Hände erforschen das Haupthaar
in filigranen Gesten und muten als Wesen mit eigenem Charakter an, losgelöst vom restlichen Körper. Ob im Stand, am Boden
oder ineinander verknäult, kommen die Bewegungen stets aus dem Inneren und mit einer beeindruckenden Kraft und Energie,
aufgesetzte Form sucht man hier vergeblich. Auch wenn das Bewegungsrepertoire stellenweise die Gagatechnik erkennen lässt - die
Bewegungssprache der Batsheva Company, für die Maya Lipsker auch getanzt hat - liegt hier der Fokus auf der Recherche nach
alternativen Kommunikations- und Bewegungsarten und erscheint nicht unbedingt in seiner von Batsheva gewohnt tänzerischen Art.
Die Bewegungen sind so feingliedrig, dass man meinen könnte, die Wesen dieser anderen Realität haben einige Gelenke mehr, die sich
bis ins allerkleinste Detail bewegen lassen. Durch die bemerkenswerte Lichtinstallation wie auch durch den elektronischen Klangteppich
kann diese Traumwelt glaubwürdig vermittelt werden, hinterlässt jedoch ein verstörendes Gefühl beim Zuschauen, weder unangenehm
noch ‚schön‘ im tradierten Sinne, eben eine alternative Ästhetik einer imaginären Parallelwelt. (Juliane Wieland) 12. bis 15.04.2012
jeweils um 20.30 Uhr im DOCK 11 www.dock11-berlin.de

http://www.tanznetz.de/kritiken.phtml?page=showthread&aid=196&tid=21035
Kritiken - Vorstellungen 2010/2011
Autor: Boris Michael Gruhl
Starkes Theater aus Konzentration und Stille
Leipzig, 27.08.2011
Starkes Theater aus Konzentration und Stille
„Magic Valley“ von Maya Lipsker zur Eröffnung der Saison im Leipziger Lofft
Wüssten wir nicht vom Titel her, dass die Szene ein magisches Tal ist, so blieben wir bei dem Eindruck, die beiden kauernden Wesen
am Boden befinden sich in eisiger Höhenlage. Rechts von ihnen, am Laptop, ein bärtiger Mann in fester, schwarzer Sturmkleidung mit
blitzend goldenem Ehering, auch eher ein höhentauglicher Einsiedler, Extrembergsteiger oder Polarforscher. Aber das Stück heißt eben
„Magic Valley“, und warum soll es nicht so sein, dass man ganz oben angekommen und doch ganz tief unten ist.
Das neue Stück von Maya Lipsker spielt nach eigener Aussage auf der zerstörten Erde. Trügerische Ruhe schwebt in sanften
elektronischen Sounds darüber wie einst der Geist über den Wassern. Die beiden Wesen, deren Gesichter ihre Haare verbergen,
scheinen sich nicht zu bewegen, erst bei genauerem Hinsehen nehmen wir minimale Veränderungen ihrer Haltungen wahr. Jetzt
könnte man abschalten. Das hat man oft genug gesehen im zeitgenössischen Tanztheater. Aber hat man es wirklich so gesehen, wie
hier die Choreografin selbst und die Tänzerin Sandra Lolax uns in ihren Bann ziehen. Je mehr die Frage nach dem Warum und Woher
in den Hintergrund tritt, desto stärker ergreift uns die Konzentration der beiden Wesen, die ganz langsam zueinander finden. Eine
seltsame Nähe entsteht, sie sind beieinander, bewegen sich miteinander und wieder voneinander weg. Manchmal schnellen die Arme
hoch, die Hände zittern blitzartig und es ist als hörte man einen leisen Aufschrei.
Manchmal sehe ich mit halb geschlossenen Augen auf die Szene, die zu einem Bild unendlich weiter Einsamkeit verschwimmt, und das
Ohr sieht mit, der Sound von Roy Carroll malt mit an diesem Schwebezustand verführerisch schöner Endzeitstimmung.
Das Licht wechselt, heller, andere Töne, eine Gitarre. Die beiden Wesen haben Gesichter, es sind Frauen, sie haben sich erhoben und
sind sehr nahe beieinander, sie berühren sich und im Schattenbild verschmelzen sie zu einem geheimnisvollen Wesen.
Maya Lipsker, Sandra Lolax in „Magic Valley“. Foto © Maeshelle West-Davies
In den Sound mischt sich das herannahende Geräusch eines Helikopters. Doch ein Gipfeldrama? Dazu würde auch die folgende
Pantomime passen, die das verzweifelte Handeln von Kannibalinnen assoziiert und sich steigert in bizarre Szenen aus Wahn und Zwang.
Wieder eine Brechung. Doch nicht mörderisch? Die zugespielte Musik könnte aus einem Roadmovie sein, der Sound zum letzten Traum
vor dem Verlöschen. Der Rest ist zittern, die Frauen sind wieder Wesen, sie robben wie Nixen an Land und verenden.
Und der Mann mit dem Bart, der für die Musik sorgte, am Licht gedreht hat und eine dunkle, zähe Flüssigkeit im Lausprecher zum
blubbern brachte? Der sitzt jetzt da wie der zu alt gewordene liebe Gott. Zottelige Lumpen kann er den Wesen noch geben, dann
werden sie wieder zu Lehm.
Manchmal lenken ja die Fragen, die bei so assoziativem Bilder-Tanz-Theater aufkommen ab und machen nervös. Hier passiert
das Gegenteil. Die beiden Tänzerinnen sind so hochkonzentriert, haben vielleicht sogar eine ganz andere Geschichte ihrer Arbeit
zugrunde gelegt, aber sie haben eine, das spüre ich, das macht ihre Rätsel so wahrhaftig. Die Kraft der Körperkommunikation der
Protagonistinnen ist so stark, dass ich einbezogen werde, ohne Zwang, ohne Zeigefinger, ohne Aktion. Das Theater im Kopf, der Tanz
im Puls nimmt mich mit auf die eisige Höhe und in die Tiefe des magischen Tals. Allein bin ich nicht. Maya Lipsker, Sandra Lolax, Roy
Caroll und Sarah Marguier, die Szene und Kostüme entworfen hat, sind auf jeden Fall dabei.
Information: Weitere Vorstellungen, 27., 28.8.; 1.- 4.9.; Info & Reservierung: 0341 35595510 / www.lofft.de

P E R F O R M A N C E
SVAR a(n) (epic) dance performance by Brice Desaul
P R E M I E R E:
19. April 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
20. April 2012
im Dock 11
http://tanzpresse.de/kritiken/detail/in-einem-anderen-licht/
Tanzpresse
IN EINEM ANDEREN LICHT
Brice Desault und Canan Erek mit „SVAR“ und „TEZAT“ im DOCK 11, Berlin
„SVAR“ und „TEZAT“ sind zwei Soli, choreografiert und getanzt von Brice Desault und Canan Erek. Für beide Stücke haben sich die
Tänzer schon vor Beginn auf der Bühne platziert – jedes Mal mit dem nackten Rücken zum Publikum gewandt. Im Kontrast zur nackten
Menschenhaut erscheint das Fell eines Hundes besonders weich; die Haut wirkt eher abstoßend und kühl. Obwohl der Hund keine
aktionsreiche Rolle in „SVAR“ spielt, vermag er ein animalisches, entfremdetes Bild des menschlichen Körpers sichtbar zu machen. Das
Spiel der in Martial Arts trainierten Muskeln inszeniert Desault gekonnt mit dem spärlichen, pointiert eingesetzten Licht dreier kleiner
Taschenlampen. Bedrohlich und hart wirkt auf einmal der verwundbar nackte Körper, der zuvor das weiche Fell des schüchternen
Hundes verborgen hat. Erek präsentiert sich ebenfalls zunächst gesichtslos, wenn auch nicht unbekleidet. Sie gibt dem Zuschauer Zeit,
die Bewegungen ihrer Schulterblätter und der Rückenmuskeln zu beobachten, bevor sie sich einem an einem Seilende hängenden
Knoten widmet. Der Knoten, obwohl er lange Zeit scheinbar unbeachtet in der Ecke liegt, erscheint als zentrales Symbol für alltägliche
Kontrapunkte, Zwistigkeiten, Schwierigkeiten. Mit einem sensiblen Gespür für Bedeutungsstarkes und feine Bewegungen Zeit
verstreichen zu lassen: Das macht das Subtile von „TEZAT“ aus. Zunächst scheint es kaum eine Verbindung zu geben, trotzdem fügen
sich beide Stücke zusammen, ganz leicht und natürlich. Auf angenehm unaufdringliche Weise laden sie dazu ein, Gewohntes in einem
anderen Licht, mit anderen Augen zu betrachten.

P E R F O R M A N C E
TEZAT ein Soloprojekt von Canan Erek
P R E M I E R E:
19. April 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
20. April 2012
im Dock 11
http://www.taz.de/1/archiv/digitaz/artikel/?ressort=tp&dig=2013%2F01%2F24%2Fa0216&cHash=48c8c42e9e153fe538b08d11a2cd79
1c
taz
Alltag Zwang
“Tezat” ist ein alttürkisches Wort für “Widerspruch”. In ihrem gleichnamigen Programm erkundet die türkisch-deutsche Tänzerin
Canan Erek die Gegensätze in unserem Denken und Fühlen, die ein Gleichgewicht zwischen zwei Polen erzeugen und den Alltag
bestimmen - im Kleinen wie im Großen. Wie frei sind wir wirklich, nur weil Zwang fehlt? Wird nicht manches viel schneller zwanghaft,
als wir uns eingestehen wollen? Im zweiten Teil von “Tezat” lässt sich Erek von dem Philosophen Byung-Chul Han inspirieren und
hinterfragt über Konfliktzustände die Paradoxien in unserem Alltag.
http://www.tanznetz.de/blog/24531/druck-bis-zur-erschopfung
Tanznetz
GETANZTE PARADOXIEN
“Ankara, Essen, Leipzig und Berlin sind Stationen der Tänzerin und Choreografin Canan Erek, die sich in ihrem neuen zweiteiligen Tanz-
Solo-Projekt »TEZAT« (alttürkisch: Widerspruch) mit der Gegensätzlichkeit im Fühlen und Denken auseinandersetzt...
Canan Erek in ihrem neuem zweiteiligen Tanz-Solo-Projekt »TEZAT«
Ankara, Essen, Leipzig und Berlin sind Stationen der Tänzerin und Choreografin Canan Erek, die sich in ihrem neuen zweiteiligen
Tanz-Solo-Projekt „TEZAT“ (alttürkisch: Widerspruch) mit der Gegensätzlichkeit im Fühlen und Denken auseinandersetzt. Aus der
Draufsicht von 2 m Höhe verfolgen die Zuschauer im großen Studio 1 jede Bewegungsnuance einer barfüßigen Frau mit geflochtenem
Zopf im Pastellkleid. In langer Rückenansicht schiebt sich Canan Erek ruckartig aus der Mittelachse, ihr linkes Bein wagt einem
Uhrzeiger gleich die Erkundung des nahen Raumes. Später wirft sie ein dickes Knäul an langer Schnur diagonal in den Raum. Musik
setzt ein. Im synkopierten Rhythmus des Vor- und Zurücklaufens entwickelt sich ein erster Dialog. Dann liegt sie auf dem Rücken,
verstärkt die eigenen Herztöne, in die sich Wellenbrecher mischen. Sie nimmt das ´Schicksalsknäul´, geht, rennt, dreht sich wie eine
Hammerwerferin. Wer genau hinsieht, erkennt in den Wechseln der Hand, dass sie aktiv und passiv zugleich agiert.
Dieses 2011 entwickelte Solo über persönliche Ambivalenzen und die Suche nach Harmonie hat die Performerin um einen
halbstündigen neuen Teil erweitert, der von den gesellschaftskritischen Schriften des (seit 2012 in Berlin lehrenden) Philosophen
Byung-Chul Han inspiriert ist. Dass Hans hochinteressante Analysen des Individuums in der neoliberalen kapitalistischen
Gesellschaft ein Tanzsolo grundieren können, ist meinerseits zugleich eine Empfehlung wert, „Müdigkeitsgesellschaft“ (2010),
„Transparenzgesellschaft“ und „Agonie des Eros“ (beide 2012) im Original zu lesen.
Überraschend erscheint Canan Erek im tuffen Dresscode: schwarzer Hosenanzug, weiße Bluse, offene Haaren, knallrote Lippen. Sie
parliert mit den Zuschauern, dialogisiert, posiert mit dem Navigationsgerät. Total verplanter Alltag. Sie quasselt die immer gleichen
Mantras. Hetzt verbal und räumlich von Projekt zu Projekt, wird getrieben und treibt andere gnadenlos durchs iPhone an. Dabei
wünschte ich mir noch mehr Mut zu körperlicher Expressivität sowie gestischer und stimmlicher Prägnanz. Die Mega-Anforderungen
an eine 24 Stunden verfügbare Geschäfts-Frau und Mutter vom Poweryoga am Morgen bis zum Übersee-Skypen nach Mitternacht
überlagern sich im Crescendo der Soundcollage. Leistungsdruck, der krank macht, Identität auslöscht. Canan Ereks Körper erschlafft.
Herzflimmern mischt sich in das neurotische Zucken der Arme am Jackett. Zurück an den räumlichen Ausgangspunkt ihrer Erkundungen
trifft sie auf das Knäul. Meditative Zäsur als finale Selbstreflexion: Canan Erek rollt den Faden ab, die Füße tasten an der Wand entlang,
sie steht, die Schnur fällt von ihrem Körper. Vorwärts zum Publikum gehend knotet sie den Faden, bis nichts bleibt als das erschöpfte
depressive Leistungssubjekt ohne Gesicht. Ein verlorenes Ich mit einem verknoteten Gehirn ein den Händen.
http://www.dance-tech.net/video/tezat-solotanz-abend-von-canan-erek
TEZAT Solotanz-Abend von Canan Erek
Is the absence of compulsion the same as freedom? Is a person free in his or her day-to-day life, or do certain things become
compulsive much sooner than one would like to admit? Today, do we live in a forced freedom that is thrust back upon us?
These contradictions are the point of departure for Canan Erek’s solo evening. Tezat is an old Turkish word meaning contradiction.
Contrasts that we experience in our thoughts and feelings produce a balance between two poles. They define everyday life – in both
big and small ways.

http://www.zitty.de/tezat-2.html
zitty Berlin
Tezat
Das Soloprojekt beschäftigt sich mit der Doppeldeutigkeit. Der Knoten als Symbol für Zweierlei: er kann nützlich sein, um etwas zu
verbinden; er kann aber auch ein Problem darstellen, wenn man ihn lösen muss.
Ständig bewegen wir uns irgendwo zwischen Anfang und Ende, Freiheit und Zwang, richtig und falsch. Wie aber stehen diese
scheinbaren Widersprüche tatsächlich in Zusammenhang miteinander? Braucht es nicht auch Zwang, einen Widerstand, um Grenzen zu
verschieben und Freiheit zu erfahren?
Die Choreografin Canan Erek erkundet in einem zweiteiligen Solo-Abend Widersprüche (auf Alttürkisch tezat) in ihrem Alltag und
abstrahiert diese auf wunderbar poetische Weise. Zwar schreckt diese Abstraktion im ersten Teil zunächst ab, doch dann schwingt sich
das Stück zu einem mitreißenden Höhepunkt auf: Erek lehnt sich in die Fliehkraft eines um sie selbst fliegenden Knotens hinein.
Ein Bild, das ein Gefühl von Freiheit im Widerstand vermittelt. Denn in der Symbolik des Knotens wird klar: Widerstände erschaffen wir
auch selbst, geben uns ihnen hin. Wir schaffen es aber nicht, uns abzustoßen, Stärke und Freiheit aus ihnen zu generieren. Eine subtile
Gesellschaftskritik, die gar nicht anklagt, nur aufmerksam macht. Ann-Christin Görtz
http://laborgras.com/index.php/tezat-und-solo-11.html
Brazilian choreographer and dancer Geraldo Si met his Turkish counterpart, also choreographer and dancer, Canan Erek for the first
time 20 years ago. Both of them were drawn towards Germany through their mutual enthusiasm for Pina Bausch. Today, both dancers
live in Berlin and, through their renewed collaboration, have been synthesizing their dance talents. Both have been able to accompany
each other in this process through their mutual insight.

http://tanzpresse.de/kritiken/detail/in-einem-anderen-licht/
Tanzpresse
IN EINEM ANDEREN LICHT
Brice Desault und Canan Erek mit „SVAR“ und „TEZAT“ im DOCK 11, Berlin
„SVAR“ und „TEZAT“ sind zwei Soli, choreografiert und getanzt von Brice Desault und Canan Erek. Für beide Stücke haben sich die
Tänzer schon vor Beginn auf der Bühne platziert – jedes Mal mit dem nackten Rücken zum Publikum gewandt. Im Kontrast zur nackten
Menschenhaut erscheint das Fell eines Hundes besonders weich; die Haut wirkt eher abstoßend und kühl. Obwohl der Hund keine
aktionsreiche Rolle in „SVAR“ spielt, vermag er ein animalisches, entfremdetes Bild des menschlichen Körpers sichtbar zu machen. Das
Spiel der in Martial Arts trainierten Muskeln inszeniert Desault gekonnt mit dem spärlichen, pointiert eingesetzten Licht dreier kleiner
Taschenlampen. Bedrohlich und hart wirkt auf einmal der verwundbar nackte Körper, der zuvor das weiche Fell des schüchternen
Hundes verborgen hat. Erek präsentiert sich ebenfalls zunächst gesichtslos, wenn auch nicht unbekleidet. Sie gibt dem Zuschauer Zeit,
die Bewegungen ihrer Schulterblätter und der Rückenmuskeln zu beobachten, bevor sie sich einem an einem Seilende hängenden
Knoten widmet. Der Knoten, obwohl er lange Zeit scheinbar unbeachtet in der Ecke liegt, erscheint als zentrales Symbol für alltägliche
Kontrapunkte, Zwistigkeiten, Schwierigkeiten. Mit einem sensiblen Gespür für Bedeutungsstarkes und feine Bewegungen Zeit
verstreichen zu lassen: Das macht das Subtile von „TEZAT“ aus. Zunächst scheint es kaum eine Verbindung zu geben, trotzdem fügen
sich beide Stücke zusammen, ganz leicht und natürlich. Auf angenehm unaufdringliche Weise laden sie dazu ein, Gewohntes in einem
anderen Licht, mit anderen Augen zu betrachten.

P E R F O R M A N C E
FLÖZ ein Showing der aktuellen Probenphase
P R E M I E R E:
05. Mai 2012
im Dock 11
Das Publikum quiekt vor Begeisterung, es trampelt mit den Füßen und steht am Ende von den Stühlen auf, als wolle es sich für ein
Geschenk bedanken. Theater kann großartig sein.
Berliner Zeitung
Ohne Worte und doch so ausdrucksstark, ergreifend und doch voller Freude, das ist eine meisterhafte Komödie.
The Guardian (UK)
Am Ende könnte man schwören, die Darsteller hätten gesprochen, gelacht und geweint. Ein spannendes Theaterexperiment. (...) Eines
der ungewöhntlichsten Theaterprojekte unserer Zeiten. (...) Familie Flöz erzählt Geschichten mit einem Witz, einem Charme, einem
Furor, der die Leute süchtig zu machen scheint.
Süddeutsche Zeitung
Ein Werk mit großer poetischer Kraft das in Erinnerung bleibt.
El Mundo (ES)
Es ist erstaunlich, wie drei Schauspieler in der Lage sind, mühelos jede Überraschung und Emotion mit dem Gesicht hinter eine Maske
zu kommunizieren.
The Stage (UK)
Die Mitglieder der Familie Flöz bringen die Zuschauer zum Lachen und rühren Sie zugleich zu Tränen.
Berliner Morgenpost
Die Theatergruppe Familie Flöz wurde in London begeistert gefeiert. Das Stück „Hotel Paradiso“ erntete auf dem renommierten Londoner
„Mime Festival“ am Freitag in der ausverkauften Queen Elizabeth Hall minutenlangen Applaus.
DPA (Deutsche Presse Agentur)
Ein magischer Abend, gekrönt von Standing Ovations des Publikums.
Nrz
Lachsalven erschüttern das Publikum: So grausam, aber urkomisch kann Leben sein.
Stuttgarter Nachrichten am Samstag
Süddeutsche Zeitung
Die Maske ist der Boss
Die phantasievolle Theaterwelt der „Familie Flöz“, die mit schweißtreibenden Drei-Mann-Stücken Triumphe feiert
Einen trostloseren, einen tiefer desillu- sionierenden Ort als die Kantine des Duisburger Stadttheaters, menschenleer an diesem
Sonntagabend im Mai, kann man sich schwerlich vorstellen, und viel- leicht ist es gerade deshalb der rechte Schauplatz, um Hajo
Schüler und Micha- el Vogel zu treffen, die Gründungsmit- glieder der Familie Flöz, die vor 17 Jah- ren eines der ungewöhnlichsten
Theater- projekte unserer Zeit aus der Taufe ho- ben.
Die Vorstellung ist zu Ende, das Haus war voll, „Teatro Delusio“ hat die Men- schen begeistert. Dabei haben sie doch nur die Rückseite
von dem gesehen, was sie sonst ins Theater zieht, wenn sie hier eine Oper von Händel oder Bellini mit all ihrem Kulissenzauber
goutieren: „Tea- tro Delusio““ ist eine Backstage-Komö- die, sie erzählt 90 Minuten lang von drei Bühnenarbeitern, die einander
gewisser- maßen existenziell in die Quere kommen – das aber mit einem Witz, einem Charme, einem Furor, der die Leute süch- tig zu
machen scheint. Acht Stücke sind in den 17 Jahren entstanden, sie heißen „Infinita“, „Hotel Paradiso“ oder „Risto- rante Immortale“, in
keinem wird ein ver- ständliches Wort gesprochen. Und doch versteht man dieses Theater überall auf der Welt, ob in Korea, Israel oder
Kolum- bien. Sogar in England hat man konze- diert, dass dies kein Phantom ist, freilich ein seltenes und schützenswertes Exem- plar:
deutscher Humor.
Wo soll man zu erzählen beginnen? Bei den wunderbaren Masken, bei den wun- derlichen Titeln, bei der Entstehungsge- schichte
der Truppe? Oder doch bei den drei Arbeitern aus „Teatro Delusio“, ih- ren so trefflich beobachteten Eigenschaf- ten und Schwächen?
Natürlich sind es, wie in allen Stücken, Archetypen, denen wir alle überall begegnen – die Wiederer- kennbarkeit macht den globalen
Erfolg ja erst möglich. Da ist der spillerige, linki- sche „Intellektuelle“, Typus Volksbüh- nen-Techniker, der in jedem unbeobach- teten
Augenblick in seiner Mao-Bibel blättert und sich in eine Ballerina verlie- ben wird (denn dies ist doch nicht die Ber- liner Volksbühne,

sondern ein klassi- sches Dreispartenhaus, irgendwo auf der Welt, eher nicht in Deutschland). Ferner der kleine energische Macho mit
rotem Wuschelkopf, der empörte Blicke um sich wirft, die Fäuste in die Taille bohrt, der voller Elan den Schraubenzieher aus den Revolvertaschen
seiner Arbeitsjoppe reißt, um den Kollegen mal zu zeigen, was das ist: ein Schraubenzieher. Schließ- lich der gemütliche
Dickwanst, den nichts aus der Ruhe bringt, der inmitten der Kulissenschieberei eine Fußballüber- tragung hört und Zeit findet, Parmesan
über sein Abendessen zu hobeln.
Nur drei Schauspieler stehen auf der Bühne (in anderen Stücken sind es vier oder fünf), aber sie spielen rund 30 Rol- len: Orchestermusiker,
Operndiven, Bal- lerinen treten ebenso auf und ab wie Diri- gent und Intendant. Jede dieser Figuren ist durch ihre Maske
definiert, und die Masken, die von Hajo Schüler aus Papp- maché gefertigt werden, sind das Mar- kenzeichen der Familie Flöz. Schüler
und Vogel, die beide aus Franken stam- men, lernten sich bei Maskenübungen an der Essener Folkwangschule kennen. Ihr erstes gemeinsames
Stück entstand in ei- ner Zeche in Bochum, und es hieß eben lo- kalspezifisch: „Familie Flöz“. Erst spä- ter wurde der Name
der Kompanie dar- aus, oder eben: der Theaterfamilie. Man arbeitet sich von einem Projekt zum nächsten vor, auch finanziell. Alle zwei
Jahre eines. Gut zwei Drittel aller Auf- tritte finden heute im Ausland statt, man kann Familie Flöz mit Fug und Recht ei- nen deutschen
Exportschlager nennen.
„Die Maske“, sagt Michael Vogel, „ist der Boss.“ In der Tat: Die charakterstar- ken Masken – an einer von ihnen arbeitet Hajo Schüler
gut und gerne eine Woche – geben die einzelnen Figuren vor, wie es im klassischen Sprechtheater die Rolle tut. Doch der Körper
des Spielers (Frau- en sind bei Familie Flöz übrigens nur aus- nahmsweise dabei) muss mit seiner Mas- ke erst einmal zu einer Einheit
verschmel- zen, das ist schwieriger, als es aussieht. Die Zuschauer, sagt Vogel, seien Spezia- listen der Körpersprache, man müsse sie
durchaus von der Plausibilität einer Figur
überzeugen, um den Witz in Gang zu setzen. Wenn das geleistet ist, versteht ein Kolumbianer die Geschichten und ih- re hintergründigen,
oft auch versteckten Pointen so gut wie ein Mitteleuropäer.
Überhaupt ist all das, was auf der Büh- ne so verblüffend leicht und anmutig aus- sieht, minuziös ausgetüftelt. Es kommt auf absolute
Präzision, auf perfektes Ti- ming an. Nicht allein der Masken wegen ist dieses Spiel schweißtreibend, und die Anspielung auf das Arbeitsethos
des Kumpels im Ruhrpott scheint im Namen Familie Flöz keineswegs umsonst auf. Dass sie ein wenig quer liegen zu dem, was
im deutschen Stadt- und Ensemble-theater derzeit angesagt ist, ist Schüler und Vogel durchaus bewusst. „Martha- ler für Kinder“, soll
Frank Castorf befun- den haben, nachdem Familie Flöz seine Volksbühne drei Abende lang bis auf den letzten Platz gefüllt hat.
Dass Theater-Intellektuelle die elabo- rierte Ästhetik der Flöz-Leute unter- schätzen, ist ein rein deutsches Phäno- men. Im Ausland
herrscht diese krampf- hafte Unterscheidung in E- und U-Kunst selten vor. Dort schätzt man dagegen ei- ne bestimmte Art der Perfektion.
Das pu- re Experiment, erläutern Schüler und Vo- gel, findet bei Familie Flöz auf den drei- monatigen Proben statt, wobei aus
einem Thema oder einer Idee eine Geschichte entwickelt wird. Dabei sei jeder einzelne Spieler für seinen Mann oder seine Frau und für
die Eigenschaften, mit denen er sie ausstattet, selbst verantwortlich.
Es ist das gleichsam existenzielle Zögern, das die stupende Komik einer Szene produziert
Meistens ist es das Scheitern im Zwi- schenmenschlichen, wovon die Stücke handeln. Die großen Gesten, die kleinen Abstürze, die unendlich
vielen Missver- ständnisse. „Infinita“ zum Beispiel er- zählt vom Lebensabend – wie die Schar- mützel des Sandkastens sich bis
ins Seni- orenheim fortpflanzen, nur deutlich heimtückischer. Und, wenn man will, phantasievoller. Eine eigentlich sehr traurige Szene
zeigt den verschämten Ab- schied einer Tochter von ihrem Vater, nachdem sie ihn ins Heim brachte. Aber die Schwermut schlägt nicht
durch, letzt- lich triumphiert eine dezente Komik.
Dem Philosophen Henri Bergson zufol- ge offenbart das Komische die Mechanik im Lebendigen. Diesen Vorgang kann man bei der
Familie Flöz oft studieren, es ist immer beides da: die Mechanik – das stereotype Reagieren auf Zumutungen im Alltag – und das Lebendige
– die Er- fahrung, dass Menschen einander überra- schen können. „Garage d’Or“, das jüngs- te Stück, handelt von Männerphantasien
der unterschiedlichsten Art. Eine Szene zeigt einen Besuch beim Psychiater. Wäh- rend dieser zerstreut in seinen Papieren blättert,
versucht der Patient, es sich auf der Couch bequem zu machen, aber wie? Da eine Lösung gefunden werden muss, legt er sich auf den
Bauch, wenn auch durchaus zögernd. Und dieses gleichsam existenzielle Zögern ist es, das die stupen- de Komik der Szene produziert.
Hier wer- den schon mal Tränen gelacht.
Es muss unbedingt noch von der Mu- sik die Rede sein, neben den Masken und der Körperartistik ist sie ein weiteres stil- bildendes
Element. Meistens wird sie live hervorgebracht. Und in „Teatro De- lusio“ ist sie auch ein großes Thema. Eine der schönsten, erheiterndsten
Figuren des Abends ist der alte Geiger mit seiner spitzen Nase unter der Denkerstirn, der auf dem anstrengenden Abstieg in
den Schlund des Orchestergrabens auf der Hinterbühne einen Zwischenstopp mit Nickerchen einlegt – bis er vom Dirigen- ten geweckt
wird. Man sieht ihn nicht auf seiner Geige spielen, am Schluss aber zieht der müde alte Mann plötzlich eine blitzend weiße E-Gitarre
hervor, und die kleine Dreier-Combo – Gitarre, Akkorde- on, Zupf-Bass – liefern eine hinreißende Zugabe ab. Dann legen sie endlich
ihre Masken ab, und man ist erstaunt über die erschöpften freundlichen Gesichter, die man sich irgendwie anders vorgestellt hat . . .
So, denkt man, sieht das Glück aus. MARTIN KRUMBHOLZ
http://www.morgenpost.de/printarchiv/top-bmlive/article106253265/Familie-Floez-im-Dock-11.html
Berliner Morgenpost
03.05.12PRENZLAUER BERG
Familie Flöz im Dock 11
Schauspielkunst, Magie, Clownerie, Artistik, Tanz, Maskenspiel und auch Improvisationskunst - all diese Disziplinen beherrscht die Familie
Flöz, hinter der sich unter anderem Schauspieler, Tänzer, Musiker und Lichtdesigner aus zehn Nationen verbergen.
Bei ihrer neuen geplanten Produktion “Garage D’Or” ist am Sonnabend ein Blick in den aktuellen Stand der Proben erlaubt. Im Mittelpunkt
stehen die drei Männer Bruno, Lothar und Hermann, die allem Irdischen entfliehen möchten. Poesie garantiert.

M U S I K
the sun sets in the west
ein Konzert präsentiert von a rose is
W I E D E R A U F N A H M E :
12. Mai 2012 bis 13. Mai 2012
im DOCK 11
http://www.zitty.de/the-sun-sets-in-the-west.html
zitty Berlin
the sun sets in the west
mit Musikern von A rose is und Constanza Macras / Dorkypark
KONZERT OHNE TANZ - Der Choreografin Constanza Macras’ famose Musiker sind auch ohne die gleichfalls famosen Tänzer das
Kommen wert. Das bewies die Band mit dem Sonnenuntergangsnamen wiederholt. Jetzt treten die - neben Jakob Thein - beste
Theaterschlagzeugerin Almut Lustig, Multi-Instrumentalist Claus Erbskorn, die Theaterstreicherin schlechthin: Kristina Lösche-Löwensen,
sowie Trompeter Ulf Pankoke wieder gemeinsam in Aktion.
http://www.tagesspiegel.de/kultur/konzert-ohnetanz/4470414.html
DER TAGESSPIEGEL
KONZERT OHNE TANZ
The sun sets in the west
Die famosen Musiker der Choreografin Constanza Macras sind auch ohne die gleichfalls famosen Tänzer das Kommen wert:
Schlagzeugerin Almut Lustig, Streicherin Kristina Lösche-Löwensen, Multi-Instrumentalist Claus Erbskorn und Trompeter Ulf Pankoke.

P E R F O R M A N C E
BRIEF HISTORY OF ARGENTINIAN PUNK
W I E D E R A U F N A H M E :
17. Mai 2012 bis 19. Mai 2012
im DOCK 11
eine Performance von Tatiana und Tamara Saphir
“Tatiana Saphir developed a skilful game of rhythm in the text, covering with her pleasant physics the theory of pogo (…) We also had
the chance to learn from very erudite discussions. It was charming and virulent. Tatiana was sweating health. This beautiful dark hair
lady singed, putted herself on the edge and gratified the audience with a well chosen “fuck you”, getting the sensible target right in
the middle. Congratulations to this artist, I didn’t get bored for one second, I have learned a lot, I appreciated this lady’s humour and
her charming accent… ” Lemague.net, France, January the 10th of 2009
„There is no punk like national punk“. - The French premiere of a theatre piece about the development of this genre in Argentina, with
music and images. The French flag is high, and all in disguise we guess the argentine punk statue like an obelisk with a Mohican punk
comb. At the inauguration of the eighth edition of Les Grandes Traversees Festival - „How do you are“ in Bordeaux, a one-woman
show produces the theatrical exaltations, among songs, safety pins and metal necklaces/chains...”
Clarin (Argentine mainstream newspaper), January the 9th of 2008.

T A N Z
improvisation series -
AMMO-NITE GIG Vol.34
Ein Spielfeld für Experimente und Improvisation von Butoh / Tanz / Musik mit Yuko Kaseki und Gäste
W I E D E R A U F N A H M E :
19. Mai 2012 bis 20. Mai 2012
im DOCK 11
http://www.blindad.de/events/Berlin_improvisation-series-ammo-nite-gig-vol34_239149.php
AMMO-NITE GIG wird von Yuko Kaseki organisiert und wird (un)regelmässig im Dock11 präsentiert. Raum verändern, Zeit verwechseln,
Realität ta(ä)uschen...
Performance: Yuko Kaseki und Gäste
Licht: Martin Capatinta

T A N Z
A+B Tanzbau
Zwei Soli, ein Duett von und mit Mercedes Appugliese und Florian Bilbao
P R E M I E R E:
25. Mai 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
26. Mai 2012 bis 27. Mai 2012
im Dock 11
http://www.zitty.de/a-b-tanzbau.html
zitty Berlin
A+B Tanzbau
Tagestipp TANZPREMIERE - Als das große Problem des postmodernen Menschen wird gern das Entscheidungsproblem angeführt.
Was soll er sich bloß auswählen aus dem bunten Strauß der Möglichkeiten, lautete die Frage in vor-prekären Zeiten. Die Choreografen
und Tänzer Florian Bilbao und Mercedes Appugliese erinnern sich noch einmal an diese ferne Zeit. Sie experimentieren mit
Entscheidungsfindung durch Bewegung und dem Diktat des Sich-Entscheidenmüssens. Eintritt 12, erm. 8 Euro.
Inhaltsangabe
Zwei Soli, ein Duett: “Plan C”, “Jukebox 1” und “Schlaftherapie”. Zwei Choreografen, ein gemeinsames Thema. Perspektiven auf die
Welt der Entscheidung und Ambivalenz.
http://www.tanznetz.de/blog/23012/a-wie-anfang-b-wie-berlin-und-t-wie-tanzbau
tanznetz
A WIE ANFANG, B WIE BERLIN UND T WIE TANZBAU
Mit A + B Tanzbau stellt sich im Berliner Dock 11 ein neues Ensemble vor
Wer A sagt, muss bei der neuen Tanzkompanie auch B sagen: A wie Mercedes del Rosario Appugliese, B wie Florian Bilbao. „Zwischen
Kaffee, Kuchen und Träumen”, so heißt es auf dem Programmzettel, haben sich die beiden gleichaltrigen Tänzer/Choreografen
gefunden und mit A + B Tanzbau stante pede ein Duo gegründet, das auf das Publikum als „Mitentwickler” von Tanzstücken „baut”.
Dabei geht es nicht nur um Entwicklungs- und Finanzierungsansätze wie „co-creation” und „crowd funding”, die die Arbeit der beiden
auf eine stabile Basis stellen sollen. Erklärtes Ziel ist es, „persönliche und gesellschaftliche Themen durch den zeitgenössischen Tanz
zu reflektieren, um konventionelle Grenzen mit den Zuschauern aufzulösen.” Davon kann bei der „Abendperformance”, mit der sich
Mercedes del R. Appugliese und Florian Bilbao im Dock 11 zum ersten Mal der Öffentlichkeit stellen, noch keine Rede sein. Die Grenze
zwischen Publikum und Performer ist nach wie vor gewahrt, während die zwischen den beiden Tänzern bereits ins Fließen kommt.
Das erste Stück, „Plan C” genannt, hat die Argentinierin aus Mendoza noch für sich allein choreografiert. Das zweite Solo, „Jukebox
I”, trägt die Hand- und Fußschrift des Franzosen aus Libourne. Doch bei der „Ausnahme” ist die eine von dem anderen nicht mehr zu
trennen. Vereint werden alle Beiträge durch Yuko Matsuyama, die in jungen Jahren Mitglied der renommierten Musical-, Revue- und
Tanzkompanie Takarazuka gewesen ist und das Geschehen live mit Musik, Gesang und Geräusch begleitet.
Den Anfang macht die Tänzerin. Am Boden kauernd, schreibt sie sich in ihn gleichsam ein, mal mit der rechten Hand, mal mit der
linken: ein ewiges Kreisen um sich selbst, während die Sängerin ins Mikrophon flüstert. Eingeengt, bricht sie schließlich aus ihrem
Gefängnis aus. Doch der eigene Bann ist noch nicht gebrochen. Wie ein Kaugummi klebt er zwischen den Zähnen. Die Haare fallen ihr
ins Gesicht. Der Oberkörper scheint wie weggedrückt aus der eigenen Mitte. Keine Ahnung, was Mercedes del R. Appugliese ängstigt,
aber mehr und mehr steigert sich hinein in eine heftige Choreografie, die erst nach wilden Konvulsionen eine neue Freiheit findet.
Ohne erkennbaren Übergang tritt Bilbao auf den Plan: ein eher gedrungener, dabei überaus virtuoser Tänzer, der seit zehn Jahren
nicht mehr wegzudenken ist aus der Freien Szene Berlins. Wie ein Reptil verharrt er an der Wand, von Sebastian Ellrich in ein Glamour-
Trikot gesteckt, das in den schönsten Farben schillert. Anders als Mercedes del R. Appugliese sucht er in „Jukebox I” nicht sein inneres
Gleichgewicht. Er steht zwischendurch vielmehr Kopf und hangelt sich solange an der Wand lang, bis er ein anderes Kostüm entdeckt.
Auch wenn wenig später signalhaft der Tango „La Marcha nupcial” von Rodolfo Biagi ertönt, fällt den beiden in Teil III die Entscheidung
schwer. Halbnackt sinken Mercedes del R. Appugliese und Florian Bilbao in eine Hochzeitsnacht, die beide als eine Abfolge verquerer
Schlafhaltungen choreografieren: eng aneinander gekuschelt und doch über Kreuz. Das ist nicht nur ungemein witzig, originell
gemacht und hinreißend getanzt, sondern entspricht tatsächlich dem gemeinsamen Konzept, nämlich Perspektiven aufzuzeigen
einer „Welt der Entscheidung und Ambivalenz”. Der Schlagabtausch endet versöhnlich, und das ehemalige Mitglied der Compañía
Tangokinesis zeigt, dass man den Tango nicht so schnell vergisst. Weich und mit lasziver Langsamkeit tanzt ihn Mercedes del Rosario
Appugliese, und das lässt für A + B Tanzbau noch einiges erwarten.

T A N Z P E R F O R M A N C E
FOREVER YOUNG
- Die Zwei von der Tanzstelle
ein Tanzstück von und mit Yoshiko Waki und Thomas Langkau
W I E D E R A U F N A H M E :
01. Juni 2012 bis 02. Juni 2012
im DOCK 11
Kurz und gut, der Abend ist kurz und gut, nur eine Stunde geht die Vorstellung und fühlt sich wesentlich kürzer an. Ich fühle mich
hinreißend unterhalten und finde, das muss man sich schon angesehen haben. Leipzig Almanach, 13.9.2011
Forever young ist autobiographische Reflektion - und ein Tanzstück über die Unbarmherzigkeit der Zeit. Über den eigenen Körper,
der nicht mehr so kann wie der Geist immer noch gern will. Choreographien zwischen Slapstick und Ekstase. Leipziger Volkszeitung,
12.9.2011
Habe gestern die Premiere dieses Stücks mit bodytalk - das sind Yoshiko Waki und Thomas Langkau - gesehen und kann es nur
empfehlen. Die Beiden wissen genau, wovon sie sprechen, tanzen und singen: Trotz Komik und Witz, bleibt einem das Lachen
manchmal im Hals stecken. Das Thema ist zu lebensnah, um nur Spaß damit zu haben. Im Publikum sorgt es für interessante Regungen.
Herzhaftes Gelächter bis betroffene Stille (je nach Altersklasse, wenn ich es recht beobachtet habe). Sehenswert… MDR- Figaro,
9.9.2011
In „Forever Young“ bringen Yoshiko Waki (46) und Thomas Langkau (53) ihre ganz persönliche Geschichte auf die Bühne. Dabei tanzen
sie nicht nur, sondern sie sprechen auch über ihre Perspektivlosigkeit. Die Tänzer scheinen dem Problem des Alterns ratlos gegenüber
zu stehen. Trotz dieser Ratlosigkeit ist „Forever Young“ kein Trauerstück. Im Gegenteil, das Publikum hat viel gelacht. Das liegt daran,
dass die Beiden sich dem Thema mit viel Ironie zuwenden. Radio Mephisto, 11.9.2011

T A N Z
backyard - ein Tanzstück von Leyla Postalcioglu
P R E M I E R E:
14. Juni 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
15. Juni 2012
im Dock 11
http://eventot.com/backyard-work-in-process-by-leyla-postalcioglu/381319
eventot
Can a story without superlatives still be relevant?
How is it when we take one step at time rather then adapting ourselves to the speed of the so-called development?
How is it when a feeling can not be categorized or remains undefined?
How is it when a voice that speaks remains unheard?
And how can people still find each other?
It is getting harder to share silence.It feels like we need to get louder to be considered at all.
“backyard” may be the place where we end up if we cannot always move forward or want to...
If we just do not manage to keep things under control.
For some, in absolute isolation...For others, towards self-realization...
In the end, it is only people who hide in a yard of hope.

T A N Z
roof - ein Tanzstück von Leyla Postalcioglu
P R E M I E R E:
16. Juni 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
17. Juni 2012
im Dock 11
http://www.morgenpost.de/printarchiv/top-bmlive/article1786329/Tanz-Leyla-Postalcioglu-in-Prenzlauer-Berg.html
Berliner Morgenpost
07.10.11DAS BESTE AM FREITAG
Tanz: Leyla Postalcioglu in Prenzlauer Berg
20:30: Neue Choreografen der Berliner Tanzszene stellen derzeit ihre Stücke vor. Leyla Postalcioglu präsentiert heute Abend “Roof”:
Gemeinsam mit Benjamin Block erzählt die Künstlerin, die in Istanbul aufgewachsen ist, in ihrem Tanzstück von zwei Menschen unter
einem Dach, die versuchen, einander näher zu kommen. Sinnlich.
http://eventot.com/roof-by-leyla-postalcioglu/381320
eventot
AND.....we are also very happy to present “roof” one more time in Berlin!(after winning the 100Grad Jury Prize at Sohiensaele in
february and a successful tour to Istanbul Theatre Festival in may!)...
if you have seen it allready please share it,spread the word or come again,support us and enjoy a bit of silence :-)
http://www.tanzforumberlin.de/trailer428.php
BEGRÜNDUNG DER JURY FÜR LEYLA POSTALCIOGLU und BENJAMIN BLOCK: „Roof verdient diese Auszeichnung unserer Meinung
nach für: Die meisterliche Art und Weise, auf der subtile und doch universelle Gefühle dargestellt werden, wie es das nie endende
Verlangen des Menschen, Isolation und Kommunikationsprobleme zu überwinden, sichtbar und erfahrbar macht, wie es eine
einnehmende und sehr poetische Bildsprache entwickelt und schließlich einen beliebig großen Raum durch nur zwei Körper mit solch
ei ner immensen Spannung und Intimität erfüllt und all das scheinbar mühelos.“ (Joanna Daniek, Anne Hübner, Aishe Spalthoff, Anne-
Kathrin Wallmann)
http://www.kulturkurier.de/veranstaltung_317728.html
kultur kurier
roof
ein Tanzstück von Leyla Postalcioglu
Ist sie hier richtig? Sie dachte, sie kennt sich gut, aber sie hat sich getäuscht. Er ist meistens ungeduldig, was die Ergebnisse angeht.
Manchmal verliert sie den Überblick. Alle Dinge, die sie noch entdecken will, tut sie in eine Ecke. Manchmal schweift er mit den
Gedanken ab: Wer bist du? Warum bist du hier? Er und Sie unter einem Dach... Ein Versuch, sich einander zu nähern.
Konzept / Choreographie: L. Postalcioglu. Von & mit: B. Block, L. Postalcioglu. Dramaturgie: C. Mehnert. Licht: A. Solana. Musik: A.
Máchin, Ch. Willits. Foto: B. Block
In türkischer Sprache >>
http://mimesis-dergi.org/2012/05/roof-ve-naiflik-2/
http://mimesis-dergi.org/2012/05/yaratmak-isteyene-saygi-ve-destek-sunulmali/
http://www.birgun.net/life_index.php?news_code=1338538607&year=2012&month=06&day=01
http://www.evrensel.net/news.php?id=29183
--------------------------------------------
http://100grad.wordpress.com/2012/02/24/ballsam-fur-die-seele/
Bal(l)sam für die Seele
Veröffentlicht am 24. Februar 2012
Zwei Körper wollen in einem endlosen Raum miteinander harmonisieren. Ein Er und eine Sie finden nicht zueinander. Abgehackt oder
wie von Winden auseinander gedrückt, nähern sie sich im Tanz. Jeder Synchronisationsversuch schlägt fehl. Sie rollen und wälzen
umeinander herum, stoßen sich ab wie Fremdkörper. Sie suchen im Raum nach Grenzen, lehnen sich an Wände, halten im Stillstand
Inne und scheinen zu überlegen, was noch auszuprobieren wäre. Einfühlsam tanzen sie ihre Symbioseversuche. Die Harmonie erscheint

im Spiel selbst. Eine weiße Plastiktüte wird aufgeblasen zum Ball. Sie lassen sie sich einander zuschweben – Plötzlich fließt alles wie von
alleine und die beiden kontrastierenden Wesen werden Eins. (ail)
Leyla Postalcioglu : roof
Von und mit: Benjamin Block, Leyla Postalcioglu
http://100grad.wordpress.com/2012/02/27/irgendwann-in-stettinoder-das-war-die-preisverleihung-des-100-festival-2012/
Irgendwann in Stettin…oder: Das war die Preisverleihung des 100° Festival 2012
Veröffentlicht am 27. Februar 2012
Bunt, ausgefallen, abgefahren, pretenziös, kapriziös: Schön war’s, ein wahrer Rausch. Nach vier Tagen Theatermarathon und
Joggingeinlagen zwischen den HAUs haben sich die Überlebenden (von seitens der Redaktion nur noch 2, der Rest lag scheintot im
oder neben dem Bett…) in den Sophiensaelen versammelt, um dort die Crème de la Crème zu küren.
Es war sicher nicht leicht für die 10-köpfige Jury eine Entscheidung zu treffen, denn nach welchen Kriterien kann man so vielschichtige
Darbietungen erfassen? Wir gehen davon aus, dass fast alles in den letzten Tagen Gezeigte wirklich ziemlich großartig geraten ist.
Jedoch sind Formen und Inhalte so dermaßen unterschiedlich, dass es schwer fällt, Vergleiche anzustellen. Was die Jury dann also
wahrscheinlich (ver)suchte, war die besten Vertreter aus den verschiedenen Kategorien zu bedenken.
Und das ist dann auch die andere Seite des Festivals: Trotz vier Tagen Chaos, Overload, Trashtalk und Albernheit werden die
Produktionen auf der Plattform des 100Grad ernst genommen, und von der Jury mit hohen, manchmal etwas kryptisch-komplex
geratenen Begründungen versehen und gekürt.....
Hier nun die Preisträger:...... Sophiensaele: Johanna Castell – Analog Avatar, Leyla Postalcioglu – roof...
Berliner 06 /2012

T A N Z P E R F O R M A N C E
Unspelled
eine Solotanzperformance von Yuko Kaseki
W I E D E R A U F N A H M E :
21. Juni 2012 bis 24. Juni 2012
im DOCK 11
http://www.die-friedrichshainer.de/nachrichten/kultur/50-years-butoh
50 Years of Butoh
1959 erschütterte Tatsumi Hijikata dieKunstwelt Japans: Die Aufführung seines Stückes “kinjiki” (verbotene Farben) gilt als
Geburtsstunde des Butohtanzes, der auch noch 50 Jahre später weltweit die Menschen fasziniert - eine ungewöhnliche zeitgenössische
Tanz- und Performancekultur, die okzidentale und orientale Traditionen verbindet.
Jeder Butohtänzer entwickelt seine eigene Tanzform und bringt kulturelle und persönliche Hintergründe in den Tanz ein. Mit drei
Stücken zeigen die in Berlin ansässigen Butohtänzer Yuko Kaseki, Minako Seki und Imre Thormann Butoh in seiner ganzen Vielseitigkeit
und Aktualität.
Karten 18 €, ermäßigt 14 €, Kombiticket beide Tage 30 €, ermäßigt 22 €
MI 02. Dezember 20 Uhr Yuko Kaseki “Unspelled”, Imre Thormann “Voyager”
DI 03. Dezember 20 Uhr Minako Seki “Second Sleep”
Mit Yuko Kaseki, Minako Seki und Imre Thormann von Butoh Berlin
http://eventot.com/unspelled/356670
eventot
Unspelled
Conception / Choreography / Dance: Yuko Kaseki
Music: Collen, John Cage, Somei Satoh
Light Design/Grafik Design: Marc Ates
Directorial Advise: Marc Ates, Isak Immanuel
Foto: Subuddha, Anja Beutler
June 21 - 24, 2012 20:30h
DOCK11
Kastanienallee 79
10437 Berlin Prenzlauerberg
www.dock11-berlin.de
ticket@dock11-berlin.de
Fon: 030-35120312
12 / 8 Euro
order of language spilling
spelled and un-spelled voice, spine, fingernails, shadow
broken a part and puzzled landscape in body
breathing the air between
observer, past and I and spelling
A solo dance performance confronting the body landscape,
before its configurations of language nor orientation.
Deconstruction and Regeneration of being, territory of emotion, sexuality, and geometrical weight
Chorea to oscillate death and birth,
Rhythmically piling up dust of memories
Cut out moments of silence.
Performed :
US Premiere at NY Butoh Festival, 14 November 2009.
Europe Premiere at Radialsystem, 2 December 2009.
Rome Butoh Festival, 2010
Barcelona Butoh Festival, 2010
Festival “Big in Japan”, Sydney and Melbourne, 2010

http://www.kulturkurier.de/festival_veranstaltung_258653.html
Kultur Kurier
DIFFERENT TYPES OF SILENCE
Gastperformance: Yuko Kaseki und Isak Immanuel
Theater Thikwa
Multidisziplinäre Tanzperformance über Unterschiede von Stille, über Kommunikation an Grenzen zwischen Hören und Sehen. Die
Künstler gehen Situationen nach, in denen der Ton bis zur Stille reduziert wird, während sich das Hören diametral entgegengesetzt
verstärkt. Orte von Abwesenheit, Ersatz, gebrochener Identität, Instabilität werden durchkreuzt von Körpern, Kassettenrekordern,
Spiegeln, Briefen, Bildern, Objekten.
Die Choreographie verbindet Mensch und Foto-Video Installation, arbeitet mit Landschaft, Privatheit, Kraft und Körperresonanz.
Inspirationen entstanden in nächlichen Städten, auf dem Land, aus religiösen Ideen vom Schweigen, in der U-Bahn, beim Betrachten
von Uniformträgern, beim Entdecken von Scham, Insekten, Stummfilmen, aus Unfällen, in den USA, Japan und Deutschland. Mit
eingeflossen sind Impressionen aus Bildern von Edward Hopper, sowie Texte und Kunstwerke, die sich mit national oder lokal
unterschiedlicher Stille befassen.
Die Tänzerin Yuko Kaseki und der Bildende Künstler und Performer Isak Immanuel haben seit 2006 verschiedene Projekte realisiert, u.a.
die Multimedia-Performances To (untitled portrait and ocean) und Reply (a catalog of circles and incomplete cites), die in Deutschland,
Griechenland, Italien, Japan, Taiwan und USA erarbeitet und gezeigt wurden.
http://drammaturgia.fupress.net/recensioni/recensione1.php?id=4339
Nel maggio 1959 Tatsumi Hijikata portò sulle scene lo spettacolo Kinjiki (Colori proibiti). Quella data segnò non solo uno scandalo nel
mondo delle arti performative giapponesi, ma anche, e soprattutto, la nascita del Butoh, uno stile di danza difficilmente definibile, che
si alimenta delle tradizioni sceniche giapponesi e insieme le attacca, nel rifiuto di codificazioni. Dall’esibizione di Hijikata sono trascorsi
cinquant’anni, e per celebrare questa ricorrenza tre danzatori Butoh di stanza a Berlino, Yuko Kaseki, Minako Seki e Imre Thormann,
hanno presentato propri lavori negli ambienti del Radialsystmem V, un vecchio impianto di pompaggio sulle rive dello Spree, ora ottimo
spazio per ogni genere di esibizioni. La manifestazione, chiamata «50 Years of Butoh», ha aperto il 29 novembre con un simposio dal
titolo «50 anni di Butoh – Un inizio», al quale sono intervenuti gli artisti sopra citati, moderati da Sonja Heller. Le performance, che
ovviamente hanno costituito il nucleo dell’intera celebrazione, hanno avuto luogo nelle serate del 2 ed 3 dicembre, in entrambe le quali
i botteghini hanno fatto il “tutto esaurito”, trovandosi a dover respingere appassionati e curiosi della “danza delle tenebre”.
Nella prima delle due sere si sono esibiti a succedersi Yuko Kaseki ed Imre Thorman. Kaseki ha presentato Unspelled, concepito
e coreografato da lei medesima, con la collaborazione di Rainer Grönhagen alle luci e Antonis Anissegon agli strapazzamenti del
pianoforte. Unspelled è una solo performance nata da due precedenti produzioni della stessa Kaseki, Circle Games of Continuous
Cities e Mülltüten (Buste della spazzatura), che si propone «di confrontare il paesaggio del corpo prima delle sue configurazioni
linguistiche o d’orientamento», di qui anche il titolo Unspelled che significa “non scandito”, “non pronunciato”. La difficoltà
dell’espressione, del dare parola alle proprie tensioni, mi sembra infatti essere il tema intorno a cui si snoda l’esibizione, seppure
interrotto da pause di raccoglimento fetale a terra, in cui la danzatrice sembra trovare riposo nel sogno di una pace embrionale. La
scena si apre nell’oscurità. Il pianoforte a coda, appena percettibile sullo sfondo, e delle buste di plastica colorate sono i soli oggetti
presenti in scena. Kaseki entra dal lato sinistro, lentamente. Voltatasi verso gli spettatori, avvia una sequenza di sforzi di vocalizzazione
nei quali concentra tutto il suo corpo, prima muti, poi smorzati, e infine frustrati in brevi suoni frammentati e prealfabetici. È l’inizio
della trama di spasmi: la danzatrice raccoglie le buste sparse in una più grande, rossa, in cui serra la testa, esemplificando un
soffocamento che troverà più volte espressione nel corso della performance, finanche in prolungate esasperazioni asmatiche del respiro.
Dopo una breve pausa Thormann ha presentato Voyager. Omaggio a mia nonna, un’opera ispirata a due esseri radicalmente
differenti, che in comune hanno solo l’essersene andati: come la navicella spaziale Voyager dal nostro sistema solare, anche la nonna
di Thormann, morta qualche anno fa, è scomparsa dal nostro sistema di vita. La scena è ancora più spoglia che nello spettacolo
precedente. Sul fondo è in piedi Dr. Doering al clarinetto per la regia sonora, dal lato opposto, dal fondo delle quinte, appare il
danzatore, dipinto di bianco e in un lungo costume bianco avvolto, per lui creato da Inge Gill Klossner. Quest’abito adempie a
un’importante funzione coreografica e narrativa nel corso della rappresentazione, prima per le sognanti volute che disegna intorno
al corpo dell’artista, poi, cadendo, per ciò che mostra: un grande fallo dorato, legato all’inguine del performer e imperturbabilmente
eretto. Voyager è uno spettacolo di forti sequenze poetiche. A volte una poesia più statuaria, come quando Thormann si sfila l’abito di
spalle al pubblico, lasciandone il busto vuoto pendere dietro sé, ma con le mani ancor serrate nelle maniche, sì da sembrare un essere
che sorga dal proprio riflesso. Altre volte invece incanta con l’innocente giocosità di un animale, serrando l’abito caduto fra i denti e
roteandolo intorno a sé in dolci spirali bianche.
La manifestazione si è conclusa giovedì tre dicembre con Second Sleep di Minako Seki. La performance, proposta qui per la prima
volta al pubblico, si svolge anch’essa in un dialogo della danzatrice con un musicista, Willem Schulz al violoncello, che si spinge
sino all’interazione giocosa, raggiungendo momenti comici, come quando Seki sottrae lo strumento a Schulz, che la minaccia
brandendo l’archetto. Second Sleep non si differenzia dagli altri due lavori solo per il maggior coinvolgimento del musicista in scena.
Mentre Unspelled e Voyager erano incentrati sul solo corpo del danzatore, nel lavoro di Minako Seki svolge un ruolo centrale la
videoinstallazione di Chan Sook Choi, proiettata su due lunghi veli tesi verticalmente al centro della scena. Grazie all’inserzione di
quest’elemento gli artisti sono riusciti a ispessire la complessità di rimandi narrativi, intrecciando la danza ed il gioco tra i due performer
alle immagini-sogni-ricordi scorrenti sui veli.
«50 Years of Butoh» è stata una manifestanzione ben organizzata e di successo. Percepibile era la soddisfazione generale per il tutto
esaurito di entrambe le serate, segno di un crescente interesse per l’arte sfuggente e non consolatoria del Butoh.

http://www.zitty.de/unspelled.html
zitty Berlin
Unspelled
TANZ - Wie der Sound der Leere des Körpers klingt? Ist doch klar: “Kara Kara Kara Da Kara Kara Da Raka Dakara Kara”. Jedenfalls
in Yuko Kasekis Tanzsolo “Unspelled”, das jetzt wieder in den Spielplan des Dock 11 aufgenommen wurde. Die Tänzerin und
Choreografin dekonstruiert und rekonstruiert darin ihr Selbstbild, wiederholt Tod und Geburt mit tänzerischen Mitteln und erinnert sich
in Form von Rhythmik unter anderem zur Musik von John Cage. Eintritt 14, erm. 10 Euro.
Inhaltsangabe
Solotanzperformance. Yuko Kaseki stellt die Landschaft des Körpers vor seiner Konfiguraton und Orientierung aus. Der Tanz wiederholt
Tod und Geburt, häuft rythmisch Erinnerungen an und schneidet Momente der Stille aus.

https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-06-22/unspelled-eine-solotanzperformance-vonyuko-kaseki-2030-69893/

http://www.berlin-projekt.org/events/1010/unspelled
Unspelled
order of language spilling
spelled and un-spelled voice, spine, fingernails, shadow
broken a part and puzzled landscape in body
breathing the air between
observer, past and I and spelling
June 21 - 24, 2012 at 20:30h
Conception / Choreography / Dance: Yuko Kaseki
Music: Collen, John Cage, Sarah Peebles
Light Design/Grafic Design: Marc Ates
Directorial Advise: Marc Ates, Isak Immanuel
Foto: Anja Beutler
A solo dance performance confronting the body landscape,
before its configurations of language nor orientation.
Deconstruction and Regeneration of being, territory of emotion, sexuality, and geometrical weight
Chorea, to oscillate death and birth,
Rhythmically piling up dust of memories
Cut out moments of silence.
DOCK11
Kastanienallee 79 10437 Berlin Prenzlauerberg
www.dock11-berlin.de
ticket@dock11-berlin.de
Fon: 030-4481222
Ticket: 12 / 8 Euro
Unspelled was Performed at NY Butoh Festival, Radialsystem, Rome Butoh Festival, Barcelona Butoh Festival, Festival “Big in Japan”,
Sydney and Melbourne.

T A N Z
Zweisam zwei Soli von und mit Clébio Oliveira und Geraldo Si
P R E M I E R E:
29. Juni 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
30. Juni 2012 bis 01. Juli 2012
W I E D E R A U F N A H M E :
30. Novermber bis 02. Dezember 2012
im Dock 11
http://www.blindad.de/events/Berlin_zweisam-zwei-soli-von-und-mit-clbio-oliveira-und-geraldo-si_243745.php
Zweisam - zwei Soli von und mit Clébio Oliveira und Geraldo Si
Die Vorstellungen am 29.+30.6. beginnen um 20.30 Uhr, die Vorstellung am 1.7. bereits um 19.30 Uhr mit anschließender Übertragung
des Finales der EM.
Abyssal Zone
ein Tanzstück von und mit Clébio Oliveira
Liebesschmerz ist ein einsames Gefühl. Unverstanden, verloren und verzweifelt bleiben wir zurück. Clébio Oliveira taucht mit dem
Publikum in die unergründbaren Tiefen der menschlichen Seele ab. Dort ist es oft kalt, dunkel und absolut still, wie in der abyssischen
Zone (Tiefsee) eines jeden Ozeans. In dieser obskuren Welt verweben sich namenlose Sehnsüchte, Furcht und Ärger mit rohem Schmerz
und absurder Freude. Für den brasilianischen Choreographen berühren sich in dieser Tiefe das Imaginäre und das Reale. Dort entstehen
Bilder, Objekte und Wörter, die nach einer Bedeutung suchen. Oliveira gibt dieser Bedeutung einen Namen und versucht mit den
Mitteln des Tanzes den Emotionen einen Körper zu geben.
Kreation / Interpretation: Clébio Oliveira
Dramaturgie: Daniela Fusaro
Licht Design / Technik: Bruno Barreto / Asier Solana
Kostüme: Loris Haas
Photographie: Renato Mangolin
Produktion / Managment: Roland Wolf
Deutsche Erstaufführung
http://vimeo.com/37426909
SichtLautSolo
Von und mit Geraldo Si
Geräusche im bewegten Raum: berühren sich, prallen auf einander, überlagern oder begegnen sich. Ihre Quellen sind der Körper in
seiner Lebendigkeit. In seiner prozesshaften Soloperformance experimentiert Geraldo Si mit Geräuschen, erkundet neue Klang- und
Bewegungswelten.
Konzept / Choreographie / Kostüm/ Bühne: Geraldo Si
zitty Nr.14 / 30.06.2012
http://www.zitty.de/zweisam.html
zitty Berlin
Zweisam
TANZ - Ein brasilianisches Doppelfeature mit den Choreografen
Clebio Oliveira und Geraldo Si. In „Abyssal Zone“ wendet sich
Oliveira dem Liebesschmerz zu. Er vergleicht die arg verletzten
Tiefen der menschlichen Seele mit den Tiefenschichten des Ozeans
(abyssische Zone) und nimmt das Publikum zu einem bilderreichen
Tauchgang mit. Den zweiten Teil des Abends bestreitet der frühere
Pina Bausch-Tänzer Geraldo Si mit einer Geräuscherkundung im
bewegten Raum. Eintritt 10-14 Euro.
Inhaltsangabe
Zwei Soli: „Abyssal Zone“ von Clébio Oliveira und „SichtLautSolo“
von Geraldo Si.

tanzpresse.de - Kritiken Details
http://www.tanzpresse.de/24+M57e33250239.html
EMOTIONALER TAUCHGANG
Clébio Oliveira und Geraldo Si mit „Zweisam“ im DOCK 11, Berlin
( IG 09.07.12 ) Was hilft gegen Liebeskummer?
Das Leiden ist so alt wie die Menschheit, doch ein
schnell wirkendes Heilmittel gibt es nicht.
Zumindest nicht für den aus Brasilien stammenden
Choreografen Clébio Oliveira, der das Gefühl des
Zurückgewiesenseins tänzerisch zu verkörpern
versucht. Der Schmerz findet in seinem Solo
„Abyssal Zone“ Platz in einer tief entrückten
Sphäre statt, die Liebeserinnerungen werden
FOTO: RENATO MANGOLIN
gleichsam vom Licht des Ozeans eingefärbt. Da
jede Erzählung über die Liebe eine emotionale Öffnung bedingt, entblößt der Choreograf
seinen Oberkörper, bevor er in die unergründbaren Tiefen seiner Seele eintaucht.
Wirkungsvoll erscheinen die Szenen des Herzschmerzes, da Oliveira nicht mit Selbstmitleid
um seine Liebe trauert, sondern dieser spannungsvoll, stürmisch, mit Entschlossenheit, in
Teilen sogar rachsüchtig nachspürt. Energiegeladen wirken seine Bewegungsabfolgen,
welchen er immer wieder aufs Neue nachgeht, als ob es keinen Ausweg aus diesem
Teufelskreis gäbe. Mit kinästhetischen Metaphern erschafft er eine animalische Dynamik,
seine dunkel lackierten Finger- und Fußnägel muten gespenstisch an; sie sind wohl nichts
anderes als schmerzhafte Wundmale zurückliegender Beziehungen. Ein weiteres, sehr
geglücktes Symbol ist eine Reihe von Schuhen, die die verschiedenen Partner im Laufe eines
Lebens repräsentieren. Sie kommen und gehen und erinnern uns gleichzeitig daran, dass wir
soziale Wesen sind und ständig verschiedene Menschen um uns herum brauchen.
Melancholische Stimmung vermischt sich mit einer Prise Ironie, vor allem dann, wenn das
berühmte Lied von John Travolta und Olivia Newton John „You´re the One that I want“ von
einer alten Schallplatte ertönt. Eine leise, ironische Atmosphäre schafft auch der
brasilianische Choreograf und Tänzer Geraldo Si, der in der zweiten Hälfte des Abends mit
Raum, Sicht, Klängen und Geräuschen in seinem Solo „SichtLaut“ experimentiert. Hier geht
es um die Lebendigkeit des Körpers und um die Erfahrung von Zweisamkeit mit der eigenen
Person. Si langweilt sich nicht, sondern spielt mit Licht, Wasser, Trommelstöcken oder Papier,
welches er anmutig in einen Anzug, Blumenstrauß oder Djembé verwandelt. Manchmal
wirken seine Bilder überraschend, manchmal ein wenig gehaltlos, aber eine starke physische
Essenz durchdringt sie in jedem Augenblick. Allein oder einsam? – Das ist vielleicht die Frage
von heute schlechthin. (Ingrida Gerbutaviciute)
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und Kostüme sehr konkrete Assoziationen
zulassen, verkörpern die drei
Tänzer nicht einfach nur Opfer eines
Entführungsdramas – sie sind auch
tanzraumberlin July / August 2012
kurzvorschau / preview
and choreographer Jennifer Ocampo
Monsalve deals with the sixyear-long
kidnapping of the politician
Ingrid Betancourt. Her intense
12. – 14. Juli 2012
Dock 11
www.dock11-berlin.de
Gemeinsam
einsam?
Zwei Choreografen zeigen ihre
Soli im Dock 11
„Zweisam“ steht für zwei Soli der
aus Brasilien stammenden Choreografen
Clébio Oliveira und Geraldo
Jeder für sich – Clébio Oliveira und Geraldo Si
Si. Während ersterer in einem schmalen
Lichtschacht in der Dunkelheit
Liebeskummer und anderen Gefühlen
nachspürt, zieht sich letzterer
in einen großen leeren Raum auf
die improvisierten Spielmöglichkeiten
des eigenen Körpers zurück. Im
kargen Setting konzen trieren sich
beide stark auf die Dynamik, Vielfalt
und Erzählung ihrer Bewegungen.
Foto: Renato Mangolin
Dennoch sind ihre Stücke grundverschieden:
Oliveiras Geschichte ist
dicht, genau gesetzt, dabei nicht
ohne Humor und oszilliert unter
Begleitung von Akkordeonklängen
und Schlagzeug zwischen latenter
Melancholie und kämpferischer
Spannung. Si dagegen nutzt großzügig
den ihn umgebenden Raum und
nimmt sich Zeit, um darin mit Posen,
Balancen, Impulsen und Klängen zu
experimentieren. Wer so selbstvergessen
mit dem eigenen Körper
spielen kann, ist vielleicht allein,
aber nicht einsam.
Together alone?
Two choreographers present
their solos at Dock 11
improvisational possibilities of the
body. Both pieces have a rather barren
setting and focus strongly on the
dynamics, variation, and narrative
of their movements. Yet their pieces
are fundamentally different: Oliveira’s
story is compressed, carefully
composed, and maintains a sense
of humor while oscillating between
latent melancholy and aggressive
tension, to the sounds of accordions
and drums. Si, on the other hand,
makes ample use of the surrounding
space to experiment with poses,
balances, impulses, and sounds.
Whoever can play with one’s own
body so selflessly might be alone,
but not lonesome.
“Zweisam” [Twosome] stands for
two solos by Brazilian choreographers
Clébio Oliveira and Geraldo
Si. While the first addresses heartache
and other profound emotions
in a small well of light surrounded
by darkness, the second uses the
large, empty space to explore the
Clébio Oliveira/Geraldo Si
Zweisam:
Abyssal Zone (Oliveira)
und SichtLautSolo (Si)
29. – 30. Juni und 1. Juli 2012
Dock 11
www.dock11-berlin.de
12 tanzraumberlin juli/august 2012
http://www.tanzraumberlin.de/editor/magazin/upload/tanzraum_2012-07-08.pdf
Tanz Raum Berlin Magazin
Gemeinsam einsam?
Zwei Choreografen zeigen ihre Soli im Dock 11
„Zweisam“ steht für zwei Soli der aus Brasilien stammenden Choreo- grafen Clébio Oliveira und Geraldo Si. Während ersterer in einem
schma- len Lichtschacht in der Dunkelheit Liebeskummer und anderen Gefüh- len nachspürt, zieht sich letzterer in einen großen leeren
Raum auf die improvisierten Spielmöglichkei- ten des eigenen Körpers zurück. Im kargen Setting konzentrieren sich beide stark auf
die Dynamik, Vielfalt und Erzählung ihrer Bewegungen. Dennoch sind ihre Stücke grundver- schieden: Oliveiras Geschichte ist dicht,
genau gesetzt, dabei nicht ohne Humor und oszilliert unter Begleitung von Akkordeonklängen und Schlagzeug zwischen laten- ter
Melancholie und kämpferischer Spannung. Si dagegen nutzt großzü- gig den ihn umgebenden Raum und nimmt sich Zeit, um darin
mit Posen, Balancen, Impulsen und Klängen zu experimentieren. Wer so selbst- vergessen mit dem eigenen Körper spielen kann, ist
vielleicht allein, aber nicht einsam.

T A N Z
HIDDEN TRACKS
ein Tanzstück von Jennifer Ocampo Monsalve
G A T S P I E L :
12. Juli 2012 bis 14. Juli 2012
im DOCK 11
http://www.blindad.de/events/Berlin_hidden-tracks-ein-tanzstueck-von-jennifer-ocampo-monsalve-_319687.php
HIDDEN TRACKS ein Tanzstück von Jennifer Ocampo Monsalve
Jennifer Ocampo Monsalve, Tänzerin und Choreografin aus Kolumbien, nimmt sich in HIDDEN TRACKS ein Thema von Brisanz vor –
die Entführung. Das Stück geht von den Erlebnissen der französisch-kolumbianischen Politikerin Ingrid Betancourt aus, die sechs Jahre
Gefangene einer Guerillagruppe im Dschungel gewesen ist. Es übersetzt Fragen in Tanz, die nicht nur dieser Fall aufwirft. Welche
Wechselfälle der Gefühle durchleiden die Geiseln? Woraus lässt sich Hoffnung schöpfen und woran sich festhalten, wenn einem nichts
mehr bleibt? In Zeiten größter Entbehrung gilt es an seinen Idealen festzuhalten und den letzten Besitz nicht zu verlieren, die Würde.
Von und mit: Jennifer Ocampo Monsalve, Marcela Ruiz Quintero, Gabriel Galindez Cruz
Konzept / Idee: Jennifer Ocampo Monsalve
Bühne: Jennifer Ocampo Monsalve, Volker Sippel
Lichtdesign: Volker Sippel
Musik: Philip Gregor Grüneberg
Dramaturgie / Produktionsleitung: Philip Gregor Grüneberg
Produktion: Jennifer Ocampo Monsalve
Foto: Fabian Glass
In Koproduktion mit Theater im Pumpenhaus Münster
Unterstützer: Kulturamt der Stadt Münster, Sparkasse Münsterland Ost und die Gesellschaft der Musik- und Theaterfreunde Münsters
und des Münsterlandes e. V.
http://missy-magazine.de/2012/07/03/hidden-tracks-im-dock11-ticketverlosung/
missy magazin
Von Doro
Hidden Tracks im Dock11 – Ticketverlosung
Foto: Fabian Glass, bohnenpfluecker.de
Tänzerinnen und Choreographinnen Jennifer Ocampo Monsalve und Marcela Ruiz Quintero aus der Pina Bausch-Schmiede
haben gemeinsam ein Stück über die Politikerin Ingrid Betancourt entwickelt, die sich über sechs Jahre in Guerillagefangenschaft
kolumbianischer Rebellen befand. Themen wie Geiselnahme, Kontrollverlust und die Rolle der Frau in männlichen Systemen werden
in dem Tanzstück aufgegriffen. Die Produktion kommt aus Münster, zum Gastspiel in Berlin verlost Missy 1×2 Freikarten für die
Vorstellung am Freitag, 13.7. im Dock11! Sendet eine E-Mail an verlosung@missy-mag.de, mit dem Betreff “Hidden Tracks”.
http://www.tanznetz.de/blog/22921/geschichten-die-man-nicht-vergisst
tanznetz
GESCHICHTEN DIE MAN NICHT VERGISST
„Hidden Tracks“ zum Abschluss des Leipziger Festivals Tanzoffensive 2012
Es macht gar nichts, wenn man den Programmzettel nicht gelesen hat. Es ist nicht verkehrt, ihn nach der Aufführung zu lesen. Die
Choreografin Jennifer Ocampo Monsalve aus Kolumbien wurde zu ihrer Arbeit „Hidden Tracks“ von den Erlebnissen der entführten
Politikerin Ingrid Betancourt angeregt. Dazu gibt ein Text knappe, durchaus aber ausreichende Auskunft.
Auskunftskräftig aber sind bereits schon die ersten Bilder der so dichten wie bedrückenden und berührenden Kreation, die von
der Choreografin gemeinsam mit ihren Kolumbianischen Tänzern Marcela Ruiz Quintero und Gabriel Galindez Cruz zu Musik und
Klangkollagen von Philip Gregor Grüneberg mit hohem körperlichem Einsatz tänzerisch und performativ durchlebt werden müssen.
Und so durchleben wir beängstigende, bedrohliche und nach allgemeinem Ermessen ausweglose, tödliche Situationen von Menschen,
die ihrer Orientierungsmöglichkeit beraubt worden sind. Es ist ein Stück über die Schrecken einer Entführung. Und diese Entführung
beginnt mit der Vernichtung jeder Möglichkeit der Opfer sich zu orientieren. Blitzschnell verändern die drei Akteure vor unser aller
Augen, ganz nahe am Publikum, äußerliche Merkmale ihrer Persönlichkeit. Die persönliche Kleidung verschwindet in schwarzen, festen
Müllsäcken, fortan tragen sie was ihnen aus Müllsäcken zukommt. Überhaupt, diese schwarzen Säcke, sie umschließen in nicht zu
zählender Menge den schwarzen leeren Raum der Bühne wie die nicht zu durchdringende Haut eines Schuppenpanzers. Die schwarzen
Säcke werden die Gesichter der Menschen verhüllen, sie werden sie in Todesnagst und Atemnot bringen und sie werden ausreichen
den ganzen Körper eines zusammengekrümmten Menschen zu umhüllen wie weggeworfener Abfall. Diese Säcke können aber auch
ätzenden Krach machen, wenn man sie durch die Luft schlägt, Widerstand, Protest, verzweifelter Versuch Zeichen zu versenden
und auf sich aufmerksam zu machen. Der zugespielte Sound dagegen klingt fast lieblich, zirpende Dschungelklänge, exotische

Vogelstimmen, ein höllisches Paradies.
Manche Szenen in ihrer minutiösen Detailverliebtheit sind quälend. Manche sind ob der körperlichen Ausnahmesituationen, in die sich
die Performer begeben, allein beim Ansehen schmerzhaft. Andere wieder geben leise Zeichen von Hoffnung, gönnen Atempausen. Auf
sehr subtile Weise lässt die Choreografin aus zwanghaften Wiederholungen Abstraktionen entstehen, die zu tänzerischen Bewegungen
führen. Es gibt eine der stärksten Szenen, wenn der Körper einer Tänzerin sich der Bewegung verweigert, die totale Erstarrung das
Leben bedroht und ein Tänzer unter Aufbietung aller Kräfte den Verweigerungskrampf seiner Kollegin geradezu schmerzhaft zerbricht.
Somit führt das Stück von den Motiven einer authentischen Geschichte in die Authentizität allgemeiner Fragen nach menschlichem
Verhalten unter fremdbestimmten Diktaten.
Da überzeugt diese Arbeit am stärksten in jenen Momenten, in denen es gelingt, dieses Anliegen tänzerisch zu verhandeln, wenn sich
die Tänzer über das leblose Material erheben. Das sind die hoffnungsvollen Situationen voller Würde und menschlicher Überlegenheit
angesichts würdeloser und unmenschlicher Ereignisse.
Veröffentlicht am 14.05.2012, Autor Boris Michael Gruhl in Kritiken 2011/2012
http://www.tagesspiegel.de/kultur/tanz/6872526.html
Der Tagesspiegel
Hidden Tracks.
Die kolumbianische Tänzerin und Choreografin Jennifer Ocampo Monsalve widmet sich dem Thema der Entführung und bezieht sich
dabei auf das Schicksal der französisch-kolumbianischen Politikerin Ingrid Betancourt, die sechs Jahre lang Geisel einer Guerrilla-Truppe
war. Sie zeichnet die Einsamkeit der Entführten, die Hoffnung und Verzweiflung nach.
http://www.zitty.de/hidden-tracks.html
zitty Berlin
Hidden Tracks
TANZ - Tanz kann auch Geschichten erzählen. Zuweilen sogar ganz besondere. Die kolumbianische Tänzerin und Choreografin Jennifer
Ocampo Monsalve widmet sich dem Thema der Entführung und bezieht sich dabei auf das Schicksal der französisch-kolumbianischen
Politikerin Ingrid Betancourt, die sechs Jahre lang die Geisel einer Guerrilla-Truppe war. Sie zeichnet die Einsamkeit der Entführten anch,
das Wechselbad aus Hoffnung und Verzweiflung. Eintritt 13, erm. 9 Euro
Inhaltsangabe
Tanzstück. Jennifer Ocampo Monsalve, Tänzerin und Choreografin aus Kolumbien, nimmt sich in ein Thema von Brisanz vor - die
Entführung. Das Stück geht von den Erlebnissen der französisch-kolumbianischen Politikerin Ingrid Betancourt aus, die sechs Jahre
Gefangene einer Guerillagruppe im Dschungel war.
zitty Nr. 15 / 2012, Tagestipp 13.07.2012

tanzraumberlin July / August 2012
kurzvorschau / preview
Und sie
bewegen
sich doch
Ein Tanztheaterstück über die
Hoffnung der Entführten
Findet ein Entführungsopfer, wenn es
begreift, dass ein Ende der Geiselnahme
nicht abzusehen ist, noch einen
Grund, sich zu bewegen? Die kolumbianische
Tänzerin und Choreografin
Jennifer Ocampo Monsalve hat sich
mit der sechsjährigen Geiselhaft der
Politikerin Ingrid Betancourt auseinandergesetzt.
Um die Erfahrungen
einer scheinbar endlosen Ausnahmesituation
geht es in ihrer stark verdichteten
Choreografie, in der verschiedene
körperliche Zustände zwischen
Erstarrung und Kampf beschrieben
werden. Obwohl Dschungelsound
und Kostüme sehr konkrete Assoziationen
zulassen, verkörpern die drei
Tänzer nicht einfach nur Opfer eines
Entführungsdramas – sie sind auch
Gefangen im eigenen Körper –
Jennifer Ocampo Monsalve
Foto: Fabian Glass
Gefangene ihrer selbst, die immer
wieder vor sich und ihren Körpern
zu fliehen versuchen. Immer wieder
nähern sie sich einer gefährlichen
Grenze – in einem der extremsten
Momente zucken sie als Menschenbündel
in schwarzen Müllsäcken – um
von dort aus die Frage aufzuwerfen,
was Entführten die Kraft zum Überleben
oder gar zum Ausbruchsversuch
geben kann.
And they move
after all
Dance theater about the hopes
of hostages
Can a hostage still find cause to
move, once she realizes that there
will be no end to the kidnapping?
In her piece, Colombian dancer
and choreographer Jennifer Ocampo
Monsalve deals with the sixyear-long
kidnapping of the politician
Ingrid Betancourt. Her intense
choreography describes the experiences
of a seemingly endless emergency
situation and the physical
states between torpor and aggression.
Although the jungle sounds
and costumes allow for quite specific
associations, the three dancers
embody not only the victims of
a dramatic kidnapping – they are
also prisoners of themselves, trying
repeatedly to escape from their
own bodies. Again and again they
approach a perilous threshold: in
one of the most extreme moments,
they writhe bundled in black trash
bags – raising the question as to
what gives abductees the strength
to survive or attempt escape.
Jennifer Ocampo
Monsalve
Hidden Tracks
12. – 14. Juli 2012
Dock 11
www.dock11-berlin.de
kurzvorschau / preview
Tanz Raum Berlin Magazin
Si. Während ersterer in einem schmalen
Lichtschacht in der Dunkelheit schieden: Oliveiras Geschichte ist body. Both pieces have a rather bar-
Dennoch sind ihre Stücke grundver-
improvisational possibilities of the
Gemeinsam
Und sie
einsam?
bewegen sich doch Liebeskummer und anderen Gefühlen
nachspürt, der Entführten
zieht sich letzterer ohne Humor und oszilliert unter dynamics, variation, and narrative
dicht, genau gesetzt, dabei nicht ren setting and focus strongly on the
Ein Tanztheaterstück über die Hoffnung
Findet Zwei ein Entführungsopfer, Choreografen zeigen ihre wenn in es einen begreift, großen dass leeren ein Raum Ende auf der Begleitung Geiselnahme von Akkordeonklängen nicht abzusehen of their ist, movements. noch einen Yet their Grund, pieces sich zu
bewegen? Soli im Die Dock kolumbianische 11
Tänzerin die improvisierten und Choreografin Spielmöglichkeiten
des eigenen Körpers
Jennifer und Ocampo Schlagzeug Monsalve zwischen latenter
Melancholie
hat sich are fundamentally mit der sechsjährigen different: Oliveira’s
story
Geiselhaft der
Politikerin Ingrid Betancourt auseinandergesetzt. Um
zurück.
die Erfahrungen
Im
einer
und
scheinbar
kämpferischer
endlosen Ausnahmesituation
is compressed, carefully
geht es in ihrer
„Zweisam“ steht für zwei Soli der kargen Setting konzen trieren sich Spannung. Si dagegen nutzt großzügig
den ihn umgebenden Raum und of humor while oscillating between
composed, and maintains a sense
stark verdichteten Choreografie, in der verschiedene körperliche Zustände zwischen Erstarrung und Kampf beschrieben werden.
aus Brasilien stammenden Choreografen
Clébio Oliveira und Geraldo und Erzählung ihrer Bewegungen. nimmt sich Zeit, um darin mit Posen, latent melancholy and aggressive
beide stark auf die Dynamik, Vielfalt
Obwohl Dschungelsound und Kostüme sehr konkrete Assoziationen zulassen, verkörpern die drei Tänzer nicht einfach nur Opfer eines
Entführungsdramas – sie sind auch Gefangene ihrer selbst, die immer
Balancen,
wieder
Impulsen
vor
und Klängen
sich und
zu
ihren
tension,
Körpern
to the sounds
zu fliehen
of accordions
versuchen. Immer
wieder Jeder nähern für sich – Clébio sie Oliveira sich und einer Geraldo gefährlichen Si Grenze
Foto:
– in
Renato
einem
Mangolinder experimentieren. extremsten Momente Wer so selbstvergessen
die mit Kraft dem eigenen zum Körper Überleben makes oder ample gar use zum of the Ausbruchsversuch surround-
geben
zucken and sie drums. als Menschenbündel Si, on the other hand, in schwarzen
Müllsäcken – um von dort aus die Frage aufzuwerfen, was Entführten
kann.
spielen kann, ist vielleicht allein, ing space to experiment with poses,
balances, impulses, and sounds.
aber nicht einsam.
Whoever can play with one’s own
body so selflessly might be alone,
http://tanzraumberlin.de/index.php?article_id=411&clang= Together alone?
but not lonesome.
Two choreographers present
their solos at Dock 11
Hidden Tracks / Jennifer Ocampo Monsalve
Jennifer Ocampo Monsalve, Tänzerin und Choreografin aus Kolumbien, nimmt sich in “Hidden Tracks” ein Thema von Brisanz vor - die
Entführung. Das Stück geht von den Erlebnissen der französisch-kolumbianischen “Zweisam” [Twosome] stands Politikerin for Ingrid Clébio Oliveira/Geraldo Betancourt Siaus, die sechs Jahre
Gefangene einer Guerillagruppe im Dschungel gewesen ist. Es übersetzt two solos by Fragen Brazilian in choreographers
sich Clébio Hoffnung Oliveira schöpfen and Geraldo und Abyssal woran Zone sich (Oliveira) festhalten, wenn einem nichts
Tanz, die nicht Zweisam: nur dieser Fall aufwirft. Welche
Wechselfälle der Gefühle durchleiden die Geiseln? Woraus lässt
mehr bleibt? Jennifer Ocampo hat die Choreografie zusammen
Si.
mit
While
der
the
Tänzerin
first addresses
Marcela
heart-Ruiache and other profound emotions 29. – 30. Juni und 1. Juli 2012
und
Quintero
SichtLautSolo
entwickelt,
(Si)
die wie sie aus der
Talentschmiede Pina Bauschs stammt. Außerdem mit Gabriel Galindez Cruz, der schon bei Sasha Waltz & Guests getanzt hat. Drei
in a small well of light surrounded Dock 11
Jungtalente von internationalem Format auf der Bühne.
by darkness, the second uses the www.dock11-berlin.de
12.-14.07.2012, Dock 11, www.dock11-berlin.de
large, empty space to explore the
12 tanzraumberlin juli/august 2012

Westfälischen Nachrichten

Münsterschen Zeitung

T A N Z P E R F O R M A N C E
Kanabalismus
- oder was die Schnecke denkt
P R E M I E R E:
19. Juli 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
20. Juli 2012 bis 22. Juli 2012
im Dock 11
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-07-20/kannibalismus-oder-was-die-schnecke-denkt-dieelektroschuhe-blondflug-2030-69897/
Kannibalismus - oder was die Schnecke denkt
die elektroschuhe & BLONDFLUG
Dock 11
Kastanienallee 79
10435 Berlin
3x2 Freikarten
Fr. 20.07.12 20:30 Uhr
Die Geschichte einer Rebellion. Die Geschichte einer Flucht. Die Geschichte einer Suche nach einer neuen Form
der Koexistenz, eines Versuchs der Selbstrevolution und ihres Scheiterns.
Wie bei der täglichen Sichtung der Meldungen, der News und Posts, also beim nervösen Taxieren dessen, was
wir als das Aktuelle annehmen, sieht man sich in dem Stück „Kannibalismus oder was die Schnecke denkt“
Themen und Symbolen der Ist-Gesellschaft ausgesetzt, die in ihrem offensichtlichen Hang zur Flexibilität und
Schnelligkeit seltsam blass und starr anmuten. Zwar hat sich die Zeit verdichtet und die elektronischen Prothesen
potenzieren das Gewusste. Doch die Momente der Kontemplation und der Verinnerlichung sind auf diesem
Weg verloren gegangen und machen so doch wieder den alten Mustern und Verhaltensweisen Platz. Medialer
Overkill und archaischer Ritus gehen hier Hand in Hand, machen das Stück zum Vexierspiegel gesellschaftlicher
Realitäten.
Weitere Informationen & Tickets unter:
Tel. 030 / 44 81 222
www.dock11-berlin.de
ticket@dock11-berlin.de
http://www.berlin.nachttourist.de/event/20.07.2012/kannibalismus-oder-was-die-schnecke-denkt
Kannibalismus - oder was die Schnecke denkt
Die Geschichte einer Rebellion. Die Geschichte einer Flucht. Die Geschichte einer Suche nach einer neuen Form
der ... mehr zu Kannibalismus - oder was die Schnecke denkt

http://www.zitty.de/3-role-kannibalismus-oder-was-die-schnecke-denkt.html
zitty Berlin
3. role / Kannibalismus - oder was die Schnecke denkt
TANZ - Einen Handtanz und eine Revolution bietet das Kollektiv “Die Elektroschuhe” an diesem Abend.
Zunächst lässt Erol Alexandrov seine beiden Hände sich zueinander finden und niemals loslassen. Dann performt
ein Sextett sich durch den täglichen Aufregungswust der Nachrichten. Es nimmt die Bilder an, verdichtet sie und
lässt sie starr und leer werden. Medialer Overkill verschmilzt in dieser Körperperformance mit archaischem Ritus.
Eintritt 12, erm. 8 Euro.
zitty Nr. 15 / 2012, Tagestipp 19.07.2012

P E R F O R M A N C E
What the body knows
that we don’t know?
eine Performance von und mit André Soares und Catarina Gonçalves
P R E M I E R E:
26. Juli 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
27. Juli 2012 bis 29. Juli 2012
im Dock 11
http://www.prenzlauerberg-nachrichten.de/kultur/kulturtipps/_/tipps-der-woche-28-17838.html
Prenzlauerberg Nachrichten
TIPPS DER WOCHE (#28)
26.07.2012 | Juliane Wiedemeier
Was weiß unser Körper, was wir nicht wissen? Warum wurde in Argentinien so viel Land geraubt? Und wo gibt es günstige
Sommerkleidung? Die Antworten kennen nur die Tipps der Woche.
Für diese Theaterferien, die derzeit das Kulturleben nicht nur in Prenzlauer Berg etwas lahm legen, gibt es zwei gute Gründe. Zum einen
brauchen die Künstler auch mal Urlaub. Zum anderen sind 30 Grad im Schatten nicht unbedingt die beste Voraussetzung, um sich auf
eine anspruchsvolle Tanzperformance einzulassen. Doch nicht jeder möchte sich vom Sommer vorschreiben lassen, wie er seine freien
Abende gestaltet, und daher gibt es zum Glück das Dock 11, wo man sich auch Ende Juli nicht scheut, ein Stück mit dem schönen Titel
„What the body knows that we don’t know” auf die Bühne zu bringen. André Soares und Catarina Gonçalves sind für Konzept und
Performance verantwortlich. Tanzend wollen sie sich auf die Suche nach dem Sein und Existieren begeben und herausfinden, was der
Körper eben alles weiß, was wir nicht wissen.
„What the body knows that we don’t know?”, Performance von und mit André Soares und Catarina Gonçalves, Donnerstag, 26. bis
Sonntag, 29. Juli, jeweils 20.30 Uhr, Dock 11, Kastanienallee 79, Tickets kosten 13, ermäßigt 9 Euro.

https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-07-27/what-the-body-knows-that-we-dont-know-eine-performance-von-undmit-andre-soares-und-catarina-goncalves-2030-69898/
what the body knows that we don’t know?
eine Performance von und mit André Soares und Catarina Gonçalves
Dock 11
Kastanienallee 79
10435 Berlin
3x2 Freikarten
Fr. 27.07.12 20:30 Uhr
„Was weiß der Körper, dass wir nicht wissen?“ Der Weg dies zu untersuchen, sind zwei Körper in Bewegung. 90% unserer
Körperzellen enthalten ihre eigene mikrobische DNA und sie sind weder „du“ noch „ich“. Die Atome im Körper sind zu
99,9999999999999999% leerer Raum und keines von ihnen ist dass selbe mit dem wir geboren wurden.
Was taucht von dort auf, wo flüchtige Realität ist? Was ist Zeit, wenn das Wesen vor dem Gedanken bewegt wird?
Der Tanz wird einen Ort für die Erforschung des Menschen sowie für die Auflösung des Selbst (Ego) kreieren. Auf der Suche nach dem
Sein und Existieren. Der Übergangsbereich zwischen dem materiellen und dem unsichtbaren Körper wird ermittelt. Die Auswirkungen
schwingen zwischen Körper, Fleisch, Licht, Ton und Präsenz. So entwickeln sich Bewegungen wie ein fortlaufender Strom, eine
Vibration und Physikalität. Das erlaubt einen Zustand der Leerheit, voll vom Sein und Existieren ohne Vergangenheit, Gegenwart und
Zukunft.
…ein Kontinuum Zeit / Raum…ein Zustand der Blitzartigkeit …eine fortdauernde Bewegung, in der der Körper der Inhaber der
Überlegenheit ist. Körper als der Urquell, der die Existenz potenziert... erschaffend durch das Gesehen werden und den Zuschauer
erschaffen lassen, was er sieht!
http://www.tagesspiegel.de/kultur/tanz/6933148.html
Der Tagesspiegel
What the body knows that we don’t know?
Körperwissen ist eine Sache von Genetikern, Sportlern und Tänzern. Letztere nehmen das theoretische Wissen der Genetiker und
den Bewegungsehrgeiz der Sportler auf. So wie André Soares und Catarina Gonçalves, die an diesem Abend eine Art Körpertanz der
autonomen Zellen entwickeln: Was weiß der Körper, was wir nicht wissen?
zitty Nr. 16 / 2012, Tagestipp 29.07.2012

http://www.zitty.de/what-the-body-knows-that-we-dont-know.html
zitty Berlin
What the body knows that we don’t know?
TANZ - Körperwissen ist eine Sache von Genetikern, Tänzern und Sportlern. Während erstere das Alphabet der Gene zu buchstabieren
versuchen, kommt es letzteren darauf an, die ganze Körpermechanik auf Kraft, Schnelligkeit und/oder Ausdauer hinzutrimmen. Tänzer
nehmen das theoretische Wissen der einen und den Bewegungsehrgeiz der anderen auf. Eine Art Körpertanz der autonomen Zellen
entwickeln André Soares und Catarina Gonçalves an diesem Abend. Eintritt 13, erm. 9 Euro.
Inhaltsangabe
Der Tanz wird einen Ort für die Erforschung des Menschen sowie für die Auflösung des Selbst (Ego) kreieren. Auf der Suche nach dem
Sein und Existieren.

T A N Z
Rückwärts - ein Tanzstück von und mit Renate Graziadei
P R E M I E R E:
02. August 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
03. August 2012 bis 04. August 2012
im DOCK 11
Einfach, komplex und in der Tradition
Sasha Waltz & Guests zeigen drei “Choreographen der Zukunft” im Pfalzbau Ludwigshafen...”Im Pfalzbau kamen jetzt drei Arbeiten
zur Aufführung. Renata Graziadeis „Rückwärts“ gab den Auftakt. Die Tänzerin und Choreografin liegt ausgestreckt im Lichtkegel
auf der Bühne und beginnt in der Stille des Raumes ihre Bewegung. Sie hebt die Hand, dreht den Kopf, den Oberkörper, kommt
mit Leichtigkeit in die Hocke und liegt wieder am Boden. Wieder ein Arm, aus der Hüfte ein Bein und plötzlich Gitarrenklänge. Aus
dem hinteren Bühnendunkel gibt Licht den Blick auf die Silhouette der Gitarre frei. Zwischen der Tänzerin und den Tönen entsteht
ein Dialog, bis die Gitarre wieder verstummt. Aus dem Lichtkegel befreit, tanzt Graziadei nun im vollen Licht. Sie behält ihre klaren
einfachen Bewegungen bei, beschleunigt die Abläufe und bleibt zuweilen in einer Geste hängen wie eine Puppe. Die Gitarre ist in den
Händen eines Spielers, der im Hintergrund sitzt. Er spielt in den Tanz hinein wie eine akustische Antwort auf die Bewegung. Beide
Künste – Musik und Tanz
– schöpfen ihren Ausdruck aus einer dritten Qualität: Der Stille.”... (Mannheim 26.1.2010, Nora Abdel Rahman)
Rückwärts, im Dialog oder parallel
Renate Graziadei/Berlin: „Rückwärts“ (Uraufführung) Mucksmäuschenstill und hochkonzentriert verfolgten die Zuschauer und
Zuhörer den ebenso hochkonzentrierten Körper-Dialog von Renate Graziadei und Flamencogitarrist Ralf Krause in Lichträumen von
Lutz Deppe. Im enganliegenden grünen Hosen-Kleid liegt die Protagonistin anfangs rücklings im Lichtkegel. Zögernd streben Becken,
Arme, Finger, Mittelkörper spiralförmig aufwärts. Sehr langsam, jede Bewegung ertastend, malt Renata Graziadei Bewegungsmuster,
diverse Momentaufnahmen, winzige Veränderungen der Richtung, am Boden, hockend, liegend, stehend. Kurzzeitig überlässt sie sich
dem Bewegungsfluss, stoppt, zögert, beschleunigt, lauscht in die Stille des eigenes Körpers oder erobert eruptiv den Raum und treibt
Bewegungen in die Wiederholung. Dieses Sezieren über mehrere Phasen ist nie monoton, sondern fasziniert durch die androgyne
Persönlichkeit Renata Graziadeis, die jede Nuance ihres Körpers und besonders ihrer beredten Arme der eigenen wie der Beobachtung
durch die Augen der Zuschauer aussetzt. „Rückwärts“ - ein getanztes ‚Nocturne‘ auf den körperlichen Nachhall bekannter
Bewegungsmuster. Rituale der Vertrautheit und der Fremdheit. Rituale der Vertrautheit, die in der Routine erstarren, fremd werden,
Angst machen können. Die bekannte österreichische Tänzerin und Choreografin gründete 1994 in Berlin gemeinsam mit Arthur Städli
das Kollektiv LaborGras. Die stark akklamierte Uraufführung von „Rückwärts“ ist eine Produktion von Sasha Waltz & Guests und
LaborGras im Rahmen von „Choreographen der Zukunft“. (Berlin 29.8.2009, Karin Schmidt-Feister)
http://www.kulturkurier.de/veranstaltung_222890.html
Kultur Kurier
RÜCKWÄRTS
Renate Graziadei / LaborGras (Berlin)
„Rückwärts“ ist eine tänzerische Auseinandersetzung mit Gewohnheiten und Erinnerungen, die uns lieb sind, und solchen, die wir
lieber verändern oder vergessen möchten. Mit ihrem Solo hinterfragt Renate Graziadei gezielt Erinnerungen der letzten zehn Jahre
ihrer künstlerischen Laufbahn. So begibt sie sich erneut in Situationen, die ihren Bewegungsstil und ihr Körpergedächtnis geprägt
und Spuren in der Ästhetik ihrer Bewegungssprache hinterlassen haben. Im Dialog mit live gespielten Gitarrenklängen re-interpretiert
sie eigene alte Bewegungsmuster in neuem Licht. Bei diesem hochkonzentrierten Wechselpiel physischer und akustischer Gesten
wird die Stille – im Körper wie im Raum – zum Bezugspunkt minimaler Variationen und eruptiver Ausbrüche. Die Erkundung von
Bewegungsdynamiken und -strukturen, die Suche der Tänzerin zwischen Vertrautem und Routinen, Eigenem und Fremden, offenbart
sich als fragiler Balanceakt.
Konzept, Choreografie, Tanz: Renate Graziadei | Livemusik: Ralf Krause | Dramaturgie: Arthur Stäldi | Licht: Lutz Deppe | Kostüm:
Margaretha Heller | LaborGras Management: Inge Zysk | LaborGras Public-Relation: Yves Augustin | Produktion: Sasha Waltz & Guests
und LaborGras im Rahmen des Förderprogramms „Choreographen der Zukunft“, das von der BASF SE als Hauptsponsor gefördert wird
| Sasha Waltz & Guests wird gefördert aus dem Hauptstadtkulturfonds | UA 08/2009, Tanz im August, Berlin | www.laborgras.com

http://tanzforumberlin.de/trailer97.php
Tanz Forum Berlin
Renate Graziadei: Rückwärts
Wiederaufnahme: 02. - 04. August 2012, jeweils 20:30 Uhr
DOCK 11
Kastanienallee 79
10435 Berlin
Karten: 030 - 448 12 22
ticket@dock11-berlin.de
www.dock11-berlin.de
www.LaborGras.com
Konzept / Choreografie / Tanz: Renate Graziadei
Musik: Ralf Krause
Dramaturgie: Arthur Stäldi
Licht: Lutz Deppe
Kostüm: Margaretha Heller
LaborGras Managment: Inge Zysk
LaborGras Pubic-Reöation: Yven Augustin
“Rückwärts”, ist eine Produktion von Sasha Waltz & Guests und LaborGras entstanden im Rahmen des Förderprogramms
“Choreographen der Zukunft”, das von der BASF SE als Hauptsponsor gefördert wurde. Präsentiert 2009 von Sasha Waltz & Guests
im Rahmen des Festivals “Tanz im August – Internationales Tanzfest Berlin”. Sasha Waltz & Guests wird gefördert aus Mitteln des
Hauptstadtkulturfonds.
Ihre aktuelle Choreographie “Rückwärts” ist eine tänzerische Auseinandersetzung mit Gewohnheiten und Erinnerungen, die uns lieb
sind, und solchen, die wir lieber verändern oder vergessen möchten: “Mit dem Solo ‚Rückwärts’ hinterfrage ich gezielt Erinnerungen
der letzten zehn Jahre meiner künstlerischen Laufbahn. Ich begebe mich erneut in Situationen, die meinen Bewegungsstil und mein
Körpergedächtnis geprägt und klare Spuren in der Ästhetik meiner Bewegungssprache hinterlassen haben, Spuren jeglicher Art. Ich
interpretiere alte Bewegungsgewohnheiten und starke physische Erlebnisse in neuem Licht und werde Bewegungen, Dynamiken
und Strukturen untersuchen um Situationen zu kreieren, die mich in fragile für den Zuschauer mit zu erlebende physische Zustände
bringen”, so Renate Graziadei.
Renate Graziadei ist keine Unbekannte mehr. Mit dem Kollektiv LaborGras war sie an zahlreichen Tanzproduktionen beteiligt. 1997
wurde sie von ‚ballettanz’ zur Nachwuchstänzerin des Jahres gewählt. Für ihr Solo “Story – No Story” erhielt sie den Kurt-Joos-
Förderpreis 2004. Außerdem ist Renate Graziadei als Trainerin u.a. für Sasha Waltz & Guests, die Folkwang Hochschule und PARTS in
Brüssel tätig. Die Uraufführung fand am 28. & 29. August 2009 im Rahmen des renommierten Tanzfestivals Tanz im August in Berlin
statt.
Das Kollektiv LaborGras wurde im Sommer 1994 von den Tänzern/Choreografen Renate Graziadei (A) und Arthur Stäldi (CH) in
Hamburg gegründet und hat im Herbst 2000 seinen Hauptsitz nach Berlin verlegt. Seit der Gründung des Kollektivs arbeiten die beiden
im Sinne eines Laboratoriums mit Vertretern des Tanzes sowie solchen aus anderen Bereichen der Kunst an Experimentierfeldern im
Tanz. Das Interesse von LaborGras liegt darin, Tanz als eigenständige Kunstform und Sprache zu untersuchen, um die jeweils aktuelle
Situation im zeitgenössischen Tanz immer neu zu hinterfragen und weiterzuentwickeln. Neben der künstlerischen Arbeit betreibt
LaborGras seit Herbst 2002 in Berlin-Kreuzberg ein eigenes Studio. Das Studio ist ein Ort für zeitgenössischen Tanz, der sich am
Gedanken der postmodernen Bewegungsforschung orientiert. Die Studiobühne ist das Zuhause des Kollektivs und wird als Research-,
Produktions- und Performancezentrum genutzt. Die Arbeit von LaborGras ist national und international anerkannt. In der jährlichen
Kritikerumfrage der Zeitschrift ‚ballettanz’ erhielt LaborGras für die Produktion “temporary stories” die Auszeichnung “Innovative
Tanzproduktion 2000”. Im Frühjahr 2001 wurde LaborGras unter 250 europäischen Kompanien ausgewählt, am “Resolution!
Aerowaves Festival” in London teilzunehmen. Im Februar 2002 waren LaborGras und David Hernandez mit dem Stück “Quartett” (aus
“temporary stories”) zur Deutschen Tanzplattform nach Leipzig eingeladen, und im Juni 2004 haben sie für das Solo “Story – No Story”
den Essener Kurt-Joos-Preis erhalten. Die 2006 entstandene Produktion “I, Myself And Me Again” wird seit der Uraufführung auf
zahlreichen internationalen Festivals präsentiert.
Renate Graziadei geboren in Österreich, begann ihre Tanzausbildung in der Schweiz. Anschließend studierte, arbeitete und lebte sie
3 Jahre in New York, wo sie u.a. bei der Nina Wiener Dance Company tanzte. Nach ihrer Rückkehr nach Europa arbeitete sie mit Rui
Horta beim S.O.A.P. Dance Theatre Frankfurt und schloß sich danach der Hamburger Tanzgruppe COAX an. Im Herbst 1994 gründete
sie gemeinsam mit Arthur Stäldi das Kollektiv LaborGras. Seit der Gründung von LaborGras hat sie gemeinsam mit Arthur Stäldi 15
eigene Produktionen/ Projekte realisiert und war an zahlreichen Produktionen anderer Künstler beteiligt. 1997 und 1998 erhielt sie ein
Stipendium des danceWEB Programms bei den Internationalen Tanzwochen in Wien und wurde 1997 in der jährlichen Kritikerumfrage
der Zeitschrift ballett international/tanz aktuell als profilierte Nachwuchstänzerin ausgezeichnet. Seit 1996 unterrichtet sie regelmäßig
an verschiedenen Institutionen in Deutschland und seit 2005 International zeitgenössische Tanztechnik (u.a. Trainingsleitung bei Sasha
Waltz and Guests, Folkwang Hochschule, PARTS Brüssel, OPERA NATIONAL DE PARIS und Workshops in Deutschland, Schweiz,
Dänemark, Kolumbien und Kroatien). Seit Sommer 2004 arbeitet sie auch als Corepetitor bei Sasha Waltz and Guests (u.a. für
Impromptus, Dialoge 06 – Radiale Systeme, Medea und Romeo & Juliette). Seit 2008 ist sie auch als Tänzerin bei Sasha Waltz & Guests
zu sehen, in den Produktionen Jagden und Formen und Dialoge 09. Ihre Längste und Intimste Zusammenarbeit besteht mit dem

Choreografen David Hernandez.
Ralf Krause studierte seit 1995 Flamencogitarre und begann zwei Jahre später im Friedrich-Wolf-Theater Neustrelitz die enge
Zusammenarbeit mit Theaterregisseuren und Choreografen als Komponist und Theatermusiker. Er arbeitete unter anderem für die
Bühnen der Stadt Gera, das Kleist-Theater Frankfurt/Oder, das Junges Theater Bremen und die Landesbühne Sachsen. Von 1978-90
hatte er regelmäßige Auftritte im sozialistischen Lager als Flamencogitarrist. 1988 begann seine enge freiberufliche Zusammenarbeit
mit Thomas Guggi / Paula E. Paul, Berlin und von 1993- 2001 war er als Ensemblemitglied der Compagnie “Jo Fabian dept.”,
Berlin für die Bereiche Komposition, Bühnenmusik, Tonstudioarbeit, Beschallung und Tontechnik verantwortlich. 2002 begann die
Zusammenarbeit mit LaborGras bei der Produktion “Melting Point” ; 2004 folgte “Story – No Story” und 2006 “I, Myself And
Me Again. Der gebürtige Schweizer Arthur Stäldi begann seine Tanzausbildung in Luzern (Schweiz) und Rotterdam (Holland). Er
arbeitete anschließend an verschiedenen Stadttheatern in der Schweiz und Deutschland und gründete 1989 gemeinsam mit der
Tänzerin Rica Blunck die Hamburger Tanzgruppe COAX. Seit seiner Loslösung von COAX im Sommer 1994 arbeitet er in dem von ihm
mitgegründeten Kollektiv LaborGras und hat an zahlreichen internationalen Projekten anderer Künstler/Choreographen mitgewirkt.
Engste und längste Zusammenarbeit besteht seit Herbst 1999 mit Choreographen David Hernandez. Von 1999 bis 2008 war er in den
meisten seiner Produktionen als Tänzer und bei der Organisation zur Umsetzung der Produktionen Involviert. Seit 1996 unterrichtet er
regelmäßig an verschiedenen Institutionen in Deutschland zeitgenössische Tanztechnik. (u.a. Ernst Busch Schule, Stadttheater Kassel)
und unterrichtet Workshops (u.a. in Deutschland, Schweiz, Dänemark, Kolumbien und Kroatien). Im Sommer 2007 war er als Coach
und Trainingsleiter für das Projekt TanzMedienAkademie beim pèlerinages KUNSTFEST WEIMAR, in Weimar tätig.
http://www.tanznetz.de/blog/15554/ruckwarts-im-dialog-oder-parallel
Tanznetz
RÜCKWÄRTS, IM DIALOG ODER PARALLEL
„Sasha Waltz & Guests presents“ im Rahmen von Tanz im August
Der diesjährige Abend präsentierte Arbeiten von und mit vier Künstlern, die seit Jahren im Ensemble von Sasha Waltz & Guests
arbeiten, auf einem künstlerisch hohen Niveau.
Renate Graziadei/Berlin: „Rückwärts“ (Uraufführung) Mucksmäuschenstill und hochkonzentriert verfolgten die Zuschauer und
Zuhörer den ebenso hochkonzentrierten Körper-Dialog von Renate Graziadei und Flamencogitarrist Ralf Krause in Lichträumen von
Lutz Deppe. Im enganliegenden grünen Hosen-Kleid liegt die Protagonistin anfangs rücklings im Lichtkegel. Zögernd streben Becken,
Arme, Finger, Mittelkörper spiralförmig aufwärts. Sehr langsam, jede Bewegung ertastend, malt Renata Graziadei Bewegungsmuster,
diverse Momentaufnahmen, winzige Veränderungen der Richtung, am Boden, hockend, liegend, stehend. Kurzzeitig überlässt sie sich
dem Bewegungsfluss, stoppt, zögert, beschleunigt, lauscht in die Stille des eigenes Körpers oder erobert eruptiv den Raum und treibt
Bewegungen in die Wiederholung. Dieses Sezieren über mehrere Phasen ist nie monoton, sondern fasziniert durch die androgyne
Persönlichkeit Renata Graziadeis, die jede Nuance ihres Körpers und besonders ihrer beredten Arme der eigenen wie der Beobachtung
durch die Augen der Zuschauer aussetzt. „Rückwärts“ - ein getanztes ‚Nocturne‘ auf den körperlichen Nachhall bekannter
Bewegungsmuster. Rituale der Vertrautheit und der Fremdheit. Rituale der Vertrautheit, die in der Routine erstarren, fremd werden,
Angst machen können. Die bekannte österreichische Tänzerin und Choreografin gründete 1994 in Berlin gemeinsam mit Arthur Städli
das Kollektiv LaborGras. Die stark akklamierte Uraufführung von „Rückwärts“ ist eine Produktion von Sasha Waltz & Guests und
LaborGras im Rahmen von „Choreographen der Zukunft“.
Shang-Chi Sun/Berlin: “Dialogue II” Verstehende Lacher erntet der wieselflink seinen Körper über die Diagonalen wirbelnde Taiwanese,
der mit drehenden Armen sieben Minuten lang um die eigene Achse rotiert, als eine weibliche Stimme aus dem Off ihn fragend
innehalten lässt „Oh shit, can I stop that?“ Mit diesem lakonischen Satz fällt er zu Boden ins Black-Out. Das Männersolo ist expressiv
choreografiert, von klarer Raumdramaturgie auf den Lichtbahnen als Wege im Dialog mit György Ligetis Sonata für Solo-Cello. Die
kurze Textsequenz aus „4.48 Psychosis“ von Sarah Kane grundiert das tänzerische Geschehen spannungsvoll.
Shang-Chi Suns Solo erlebte seine Premiere im März 2008 beim 12. Internationalen Solo-Tanz-Theater-Festival in Stuttgart und gewann
den 1. Preis. Xuan Shi + Niannian Zhou/Berlin: „Parallel“ Die topausgebildeten Tänzer-Choreografen aus China zeigen in ihrer ersten
gemeinsamen Arbeit eine Paarsituation besonderer Art. Gleichgekleidet in grauen, eng anliegenden Anzügen entwickelt sich dieser
Paartanz aus der Option einer Armlänge Distanz. Denn nur in dieser Entfernung streben beide zu- und auseinander, einander führend,
haltend, umeinander kreisend wie zwei unisono schwebende Teilchen im impressionistischen Sound des perlenden Klavierparts. Was
entsteht aber, wenn ihre Flug-Arme sinken (die Musik verstummt)? Sie vollführen die gleichen Bewegungen, doch der Zusammenhalt,
der Paar-Klang ist zerstört. Nur zwei Einzelwesen ohne Arme drehen sich um sich selbst. Ebenso interessant sind die kleinen
Phasenverschiebungen bei ihr oder ihm, die Ministopps, die kleinen „Alleingänge“. Am Ende dieses 25-minütigen Zwiegesprächs
zelebrieren beide über einer ostinaten Tonfolge die Bewegungswiederholung als Stillstand, der musikalische Fluss versiegt ebenso wie
der Lebensfluss des Paares. Am Ende liegen Lichtflecken über einer menschleeren Bühne mit repetierter Tonfolge. Dieses Duett, im
Radialsystem uraufgeführt am 22. April 2008 und im Rahmen des Förderprogramms „Choreographen der Zukunft“ weiterentwickelt,
begeisterte erneut im ausverkauften Stammhaus von Sasha Waltz.
Es gab starken Beifall für diesen großartigen Tanzabend intimer Bewegungen und Begegnungen, der dem Thema des diesjährigen
Festivals „Listen“ künstlerische Substanz verleiht.
www.tanzimaugust.de www.sashawaltz.de

http://www.tip-berlin.de/kultur-und-freizeit-theater-und-buehne/das-radialsystem-prasentiert-renate-graziadei-und-luc-dunberr
Das Radialsystem präsentiert Graziadei und Dunberry
Das Radialsystem zeigt beim Tanz im August ein kleines Festival im Festival. Mit dabei sind unter anderen Renate Graziadei mit
“Rückwerts” und Luc Dunberry mit “Aliens!”
Dunberry in “Aliens!”Renate Graziadei steht im monumentalen Treppenbereich des Neuen Museums, klitzeklein, und dreht und dreht
und dreht sich um die eigene Achse. Von Sasha Waltz’ grandiosen Dialogen 09, mit denen die Choreografin im März das noch leere,
von David Chipperfield so genial restaurierte Neue Museum bespielte, ist das eine der Szenen, die unbedingt haften bleiben. Denn
während Graziadei nicht aufhörte, sich um die eigene Achse zu drehen, schien sie weniger in eine Art Trance zu verfallen. Vielmehr
wirkte es, als erzähle sie unendlich viele Geschichten, die sie mit ihren mal weiter, mal enger, mal schneller, mal langsamer, mal
geduckt, mal gestreckt ausgeführten Drehungen aus den unterschiedlichsten Schichten und Ablagerungen ihres Körpers zu holen
schien. Was angesichts des Ortes, der auf so vielfältige Weise mit seinen Zeitschichten und Ablagerungen spielt, noch einmal besonders
Eindruck machte. Jetzt hat Renate Graziadei solchen Zuständen gleich ein ganzes, eigenes Stück gewidmet: “Rückwärts”. Gezeigt wird
es im Rahmen von Tanz im August im Radialsystem, wo man gegen Ende des Festivals mit einem ungeheuer kompakten zweitägigen
Programm fast so etwas wie ein Festival im Festival präsentiert. Mit dabei sind viele Berliner Tänzer und Choreografen, wie etwa Luc
Dunberry, Mitglied der Sasha Waltz Compagnie schon fast von Anfang an, der “Aliens!” präsentiert. Aber auch Stars wie der Flamenco-
Tänzer Israel Galván, dem Arte gerade ein wunderbares Porträt gewidmet hat, sind mit dabei.
Zwar gilt Flamenco als lebendige Tradition, doch was man oft zu sehen bekommt, wirkt eher der folkloristischen Erstarrung anheimgefallen
zu sein. Bei Galván ist das anders. Er gilt als einer der kreativsten Erneuerer. Einer, der Stück für Stück, die traditionellen
Elemente dekonstruiert, bis nur noch die pure, rohe Seele des Flamenco übrig bleibt. Schlicht „Solo“ heißt das Stück mit dem Galván im
Radialsystem diese Arbeit wieder ein wenig weiter treiben wird.
Dunberry in “Aliens!”Renate Graziadei ist auf eine ganz andere Weise auch so eine begnadete Tänzerin. 1994 hat sie gemeinsam mit
ihrem Lebensgefährten, dem Tänzer und Choreografen Arthur Stäldi, das Kollektiv LaborGras gegründet. Der Name ist Programm, es
geht den beiden um das Forschen an Bewegung. 2000 sind die Österreicherin Graziadei und der Schweizer Stäldi dann nach Berlin
gezogen, 2002 haben sie in einem Hinterhof am Paul-Linke-Ufer ein eigenes Studio gegründet und dort zahlreiche ihrer Arbeiten
gezeigt.
Nie aber ist Renate Graziadei, die bei Sasha Waltz auch die Tänzer trainiert und Proben leitet, dabei so aufgefallen wie in den beiden
letzten Waltz-Stücken, in denen sie tanzte, den “Dialogen 09” und “Jagden und Formen” zur gleichnamigen Komposition von
Wolfgang Rihm. Renate Graziadei macht mit ihrer kleinen Tochter gerade Ferien bei ihren Eltern in Österreich. “Rückwärts”, sagt sie mit
ihrer rauen Stimme ins Telefon, “ist ein Solo über Erinnerung.” Keines über Erinnerungen an die Kindheit, sondern an das, was sie in
den letzten zehn Jahren getanzt hat.
Im ersten Moment mag sich das wenig aufregend anhören, aber wenn man Graziadei tanzen gesehen hat, weiß man, dass es das sehr
wohl sein kann. Das Phänomen der Zeit interessiere sie, sagt Graziadei. Und wie man durch Bewegung in einen bestimmten Zustand
geraten kann, einen Zustand, in dem Bewegung sinnhaft wird, weil sie sich an bestimmte Kräfte des Körpers andockt. Wiederholung
spielt dabei eine große Rolle, so wie sie es auch in traditionellen Tänzen tut. Bei den Derwischen etwa, überhaupt bei jeder Art von
spirituellen Tanz. Kleine Bewegungen werden wieder und wieder wiederholt und dabei immer raumgreifender und schneller. Der
Tänzer führt nicht etwas vor, er bringt sich in einen bestimmten Zustand – und das führt dazu, dass das Publikum zuschauend in den
gleichen Zustand gerät wie er. Eben mit solchen Dingen arbeitet Graziadei, nur jenseits aller Tradition. Ihr geht es um die Erinnerung,
die im Körper lagert, die Weise, wie diese sich verändert hat, wie man mit ihr spielen, Neues kreieren kann, wenn man sie hervorholt.
Wenn das so dicht sein sollte wie das Drehsolo im Neuen Museum, dann dürfte “Rückwärts” zu einem unbedingten Highlight werden.
Gespannt sein darf man auch auf Luc Dunberrys neue Arbeit “Aliens!”. Der Waltz-Tänzer hat schon einige hervorragende Stücke
choreografiert, darunter “anything else” und vor vier Jahren bei seinem letzten eigenen Gastspiel beim Tanz im August das
überraschend komische, aberwitzige “Don’t we”, bei dem die Anleihen an die früheren Arbeiten von Sasha Waltz allerdings deutlich
erkennbar waren (was dem Vergnügen keinen Abbruch tat). Seitdem hat sich Dunberry als Choreograf lieber anderswo, in Montreal
etwa und in Osnabrück, ausprobiert. Jetzt ist er zurück mit Botschaften von outer space, die in Wahrheit direkt vor unserer Haustüre
warten.
Text: Michaela Schlagenwerth
Foto: Karl Wedemeyer

T A N Z
shrink - ein Tanzstück von und mit Lena Soon-hee Meierkord
P R E M I E R E:
02. August 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
03. August 2012 bis 04. August 2012
im DOCK 11
http://www.tanzforumberlin.de/483.php
Tanz Forum Berlin
Lena Soon-hee Meierkord: shrink
www.dock11-berlin.de
Konzept / Tanz: Lena Meierkord
Musik / Sound: Ralf Krause
Licht: Lutz Deppe
Assistenz: Bari Kim
Gefördert durch den Senat/Kulturelle Angelegenheiten/ Einstiegsförderung und mit freundlicher Unterstützung der Tanzfabrik Berlin
realisiert.
Mit Dank an Bernd Krause und Sunny Im
“shrink” beschäftigt sich mit der Frage, wie man Bewegungsmuster “dekonstruieren” kann, um so neue Freiräume zu erschließen.
Bewegungen besitzen eine zielgerichtete Gestalt. Sie verlaufen von einem Initiationspunkt zu einem Zielpunkt. Was für Möglichkeiten
eröffnen sich, wenn man diesen Verlauf stört oder ablenkt? Im Augenblick des Vollzugs einer Bewegung, tritt ein anderer Körperteil
in den Vordergrund der Aufmerksamkeit, ist neuer Initiationspunkt, der die bereits begonnene Bewegung durch das Anheben einer
anderen Bewegung ablenkt. Das Potential der Unterbrechung liegt infolgedessen bereits in der Bewegung selbst. Die Entscheidung,
jene gerade skizzierte Dekonstruktion von Bewegungsmustern mit Flamenco zu kombinieren, hat einen konzeptuellen Grund: Flamenco
erscheint zunächst als das absolute Gegenteil, denn er beschreibt eine musikalische Form, die von ihren Rhythmusmustern bis zu den
Pathosformeln völlig durchformalisiert ist und in ihren Stücken stets geschlossene Einheiten bildet. Entstanden aber ist Flamenco durch
dasselbe Prinzip.
“shrink” arbeitet mit zwei Extremen von “Bewegungsdekonstruktion”:
Einmal im Rohzustand, das andere Mal als formalisiertes Endprodukt einer musikalischen Technik der rhythmischen
Selbstunterbrechung.
Lena Soon-hee Meierkord, geboren in Korea, studierte Tanz in Brüssel/P.A.R.T.S. Sie arbeitete u.a. mit Jo Fabian, LOD/Karine Ponties
und Laurence Malstaf, Cie Toula Limnaois, LaborGras, Hyoung-min Kim, Laurie Young, Tamer Yigit, Irina Pauls. Dieses Jahr erhielt sie die
Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung/Kulturelle Angelegenheiten für das Projekt “shrink”. Verschiedene Künstlerresidenzen
führten sie nach Beijing, Zürich, St. Etienne, Potsdam und Ahrenshoop. “(making of) District”, eine Kollaboration mit der Choreographin
Hyoung-min Kim wurde bei den Tanztagen Berlin, Dock11 Berlin, XtraFrei Festival Bremen, SIDance (Seoul International Dance Festival),
IETM Berlin präsentiert.
http://www.blindad.de/events/Berlin_shrink-rueckwaerts-zwei-tanzstuecke-von-und-mit-lena-meierkord-und-renategraziadei-_319678.php
shrink - ein Tanzstück von und mit Lena Soon-hee Meierkord
„shrink“ beschäftigt sich mit der Frage, wie man Bewegungsmuster „dekonstruieren“ kann, um so neue Freiräume zu erschließen.
Bewegungen besitzen eine zielgerichtete Gestalt. Sie verlaufen von einem Initiationspunkt zu einem Zielpunkt. Was für Möglichkeiten
eröffnen sich, wenn man diesen Verlauf stört oder ablenkt? Im Augenblick des Vollzugs einer Bewegung, tritt ein anderer Körperteil
in den Vordergrund der Aufmerksamkeit, ist neuer Initiationspunkt, der die bereits begonnene Bewegung durch das Anheben einer
anderen Bewegung ablenkt. Das Potential der Unterbrechung liegt infolgedessen bereits in der Bewegung selbst. Die Entscheidung,
jene gerade skizzierte Dekonstruktion von Bewegungsmustern mit Flamenco zu kombinieren, hat einen konzeptuellen Grund: Flamenco
erscheint zunächst als das absolute Gegenteil, denn er beschreibt eine musikalische Form, die von ihren Rhythmusmustern bis zu den
Pathosformeln völlig durchformalisiert ist und in ihren Stücken stets geschlossene Einheiten bildet. Entstanden aber ist Flamenco durch
dasselbe Prinzip.

http://tanzpresse.de/kritiken/detail/tanzende-erinnerungen/

T A N Z
Stoffwechsel - Metabolism /
San Francisco - Berlin
ein Abend mit drei Tanzstücken präsentiert von KUNST-STOFF arts und PAA
G A T S P I E L :
09. August 2012 bis 12. August 2012
im DOCK 11
http://de.paperblog.com/stoffwechsel-metabolism-san-francisco-berlin-2-teil-ii-dock-11-berlin-622287/
Stoffwechsel – Metabolism / San Francisco – Berlin #2, Teil II // Dock 11 Berlin
Von Theatertogo
In dieser Woche nun der zweite Teil von „Stoffwechsel – Metabolism / San Francisco – Berlin #2“ in Dock 11 in Berlin.
Im ersten Stück “ouroboros” untersuchen zwei Frauen den Weg einer Schlange über hügelisches Land. Die Choreographie ist nicht
schlecht. Schade ist nur, dass man bei der blonden Frau die Gesichtsausdrucke nicht wahrnehmen kann, weil ihre Haare sie verdecken.
Auch ihre Kleidung lenkte zu sehr ab.
Bei der zweiten Performance “ADULT” geht ein Paar der Frage nach, was ist Liebe und was bleibt von ihr? Die Elemente waren gut
ausgewählt. Leider war der Mittelteil langweilig. Hier hätte ich mir mehr Spannung gewünscht.
Stoffwechsel – Metabolism / San Francisco – Berlin #2, Teil II // Dock 11 BerlinVoller Spannung war die dritte Performance “FLOATERS#1″
. Eine Frau bewegt sich im Dunkeln. Wird schneller und schneller. Sie schafft es immer wieder die Spannung zu halten und stellt sich die
Frage nach dem In mir und Außer mir. Ihre Bewegungen sind meisterklasse.
Bei dem letzten Stück “Giga Hz” liegen weißtransparente Luftballons auf dem Boden. Vierbunte Gestalten kommen rückwärts auf die
Bühne und träumen von einer anderen Welt. Was ist von dem geblieben, was vor 15 und mehr Jahren war. Das Stück lädt das Publikum
zum Träumen und Phantasieren ein. Man könnte meinen die bunte Kleidung und das farbige Licht beißen sich. Aber die transparenten
Luftballons bieten einen tollen Kontrast und laden immer wieder neu zum Träumen ein.
http://theatertogo.wordpress.com/2013/07/19/stoffwechsel-metabolism-san-francisco-berlin-2-teil-ii-dock-11-berlin/
Stoffwechsel – Metabolism / San Francisco – Berlin #2, Teil II // Dock 11 Berlin
Von Roland Walter
In dieser Woche nun der zweite Teil von „Stoffwechsel – Metabolism / San Francisco – Berlin #2“ in Dock 11 in Berlin.
Im ersten Stück “ouroboros” untersuchen zwei Frauen den Weg einer Schlange über hügelisches Land. Die Choreographie ist nicht
schlecht. Schade ist nur, dass man bei der blonden Frau die Gesichtsausdrucke nicht wahrnehmen kann, weil ihre Haare sie verdecken.
Auch ihre Kleidung lenkte zu sehr ab.
Bei der zweiten Performance “ADULT” geht ein Paar der Frage nach, was ist Liebe und was bleibt von ihr? Die Elemente waren gut
ausgewählt. Leider war der Mittelteil langweilig. Hier hätte ich mir mehr Spannung gewünscht.
Voller Spannung war die dritte Performance “FLOATERS#1″ . Eine Frau bewegt sich im Dunkeln. Wird schneller und schneller. Sie schafft
es immer wieder die Spannung zu halten und stellt sich die Frage nach dem In mir und Außer mir. Ihre Bewegungen sind meisterklasse.
Bei dem letzten Stück “Giga Hz” liegen weißtransparente Luftballons auf dem Boden. Vierbunte Gestalten kommen rückwärts auf die
Bühne und träumen von einer anderen Welt. Was ist von dem geblieben, was vor 15 und mehr Jahren war. Das Stück lädt das Publikum
zum Träumen und Phantasieren ein. Man könnte meinen die bunte Kleidung und das farbige Licht beißen sich. Aber die transparenten
Luftballons bieten einen tollen Kontrast und laden immer wieder neu zum Träumen ein.
http://www.zitty.de/stoffwechsel-metabolism-san-francisco-berlin-2.html
zitty Berlin
Stoffwechsel - Metabolism / San Francisco - Berlin #2
Inhaltsangabe
Tanzstücke von Tanzschaffenden aus San Francisco und Berlin.
BERLIN-FRISCO-TANZ - Ein Minisommerfestival stellen die Kunst-Stoff Dance Company und PAA auf die Bühne. Über zwei Wochen
werden Tanzproduktionen aus Kalifornien und Berlin präsentiert. Schnittmenge sind eher gewalttätige Interventionen in den Körper,
die natürlich auf einer Kunstebene sublimiert werden. Heute Abend geht es um den Märtyrertod des Heiligen Sebastian, um das
Selbstzerstörungspotential von Tanz und um die Grenze zwischen Selbstauskunft und Verhör. Eintritt 12, erm. 8 Euro.

http://www.taz.de/1/archiv/digitaz/artikel/?ressort=ku&dig=2013%2F07%2F11%2Fa0249&cHash=65ae5843fac792e769ba288c99ab9
2d7
taz
Mit Kopf und Körper
Das Festival “Stoffwechsel - Metabolism” zeigt im Dock 11 Produktionen von Tanzschaffenden aus San Francisco und Berlin. Eine
Städtepartnerschaft der Bewegung, wenn man so will. Die Themen sind weit gespannt, der Bogen reicht von der Geschichte des
heiligen Sebastian über die sich selbst verzehrende Schlange Ouroboros bis zu den Auswirkungen der Netztechnologien auf Kopf und
Körper. Und im Stück “Destroy” schließlich wird der Frage nachgegangen, ob Tanz auch zerstört werden bzw. ob dieser sich schon mal
selbst zerstören kann. Man darf gespannt sein.
http://tanzraumberlin.de/index.php?article_id=414&clang=
Tanz Raum Berlin
Stoffwechsel - Metabolism / San Francisco - Berlin
KUNST-STOFF arts und PAA
KUNST-STOFF arts und PAA präsentieren einen Abend mit 3 Stücken von Tanzschaffenden aus San Francisco und Berlin. “Those Golden
Years - Die Goldene Jahre” ist eine choreografische Installation, die Rekonstruktion eines Traumes, den der Choreograf Tomi Paasonen
in der Nacht bevor seine Mutter starb, gesehen hat. “Out of the Box” präsentiert Solos von Sara Shelton für und mit ihren Tänzern
und Workshopteilnehmern. Ihre improvisatorische Recherche basiert auf Körpersystemen, Aktionen, Beziehungen und energetischer
Kommunikation. Und Kathleen Hermesdorf lehnt ihre Arbeit “Songs of Innocence & Experience - Lieder der Unschuld & der Erfahrung”
an Werke von William Blake an. Aktuelle Erkundungen beim Verlieren und Wiedergewinnen der Unschuld sowie Wandlungen durch die
Ansammlung von Erfahrungen manifestieren sich in diesem multimedialen Tanzstück.
09.-12.08.2012, Dock 11, www.dock11-berlin.de
http://www.regiomusik.de/veranstaltung/termin/733647/stoffwechsel-metabolism-san-francisco-berlin-von-kunst-stoff-arts-und-paa.
html
Stoffwechsel - Metabolism / San Francisco - Berlin von KUNST-STOFF arts und PAA
Wann: 09.08.2012
Wo: Dock 11
Kastanienallee 79
10435 Berlin
» Lageplan
KUNST-STOFF arts und PAA präsentieren einen Abend mit 3 Stücken von Tanzschaffenden aus San Francisco und Berlin. Those Golden
Years - Die Goldene Jahre (Weltpremiere) Von PAA / Tomi Paasonen Out of the Box Solos von Sara Shelton für und mit ihren Tänzern
und Workshopteilnehmern. Songs of Innocence & Experience - Lieder der Unschuld & der Erfahrung (2012) von la ALTERNATIVA
Regie: Kathleen Hermesdorf mehr Infos: http://www.dock11-berlin.de/index.php/cat/1_0/id/p236_Stoffwechsel---Metabolism---San-
Francisco---Berlin.html Ticketpreise 10.- Euro (flat rate, keine Ermässigung)

W I E D E R A U F N A H M E :
16. August 2012 bis 19. August 2012
im DOCK 11
T A N Z P E R F O R M A N C E
improvisation series
- AMMO-NITE GIG Vol.36/37/38/39
ein Spielfeld für Experimente und Improvisation von Butoh / Tanz / Musik mit Yuko Kaseki und Gäste
https://www.evensi.com/ammo-nite-gig-vol36-39-dock-11/391118
improvisation series
AMMO-NITE GIG Vol.36 - 39
A Playground for experiment and improvisation of Butoh/Dance/Music/Art
AMMO-NITE GIG is Improvisation with international performers and musicians, organized by Yuko Kaseki and (un) regularly playing at
Dock11.
Metamorphosis of space, time and reality, crooked and mystified.
Four-day summer special: every day offers a different unique performance! Guest performers from San Francisco, New York, Osaka,
Vienna and Ulm!!!
Don’t miss it, the shadow of Tanz in August!!!
16. – 19. August 2012, 20:30h
Vol.36 - August 16 : Shingo Inao (J/D) - Music/Tosso, Isak Immanuel (US), Ximena Garnica (CO/US), Yuko Kaseki (J/D) -Performance
Vol.37 - August 17 : Axel Dörner (D) - Trumpet, Kazuhisa Uchihashi (J) - Elecrtic guitar/Daxophon, Akemi Takeya (J/AU), Yuko Kaseki
(J/D) - Performance and guest
Vol.38 - August 18 : miu (J/D) - Electronics, Isak Immanuel (US), Yuko Kaseki (J/D) - Performance
Vol.39 - August 19 : A.M.(US/D), KADDISH (NL/D), Sherwood Chen (US), Yuko Kaseki (J/D) - Performance
Light: Martin Capatinta (PE/D)
8 -15 Euro sliding scale
(4 x AMMO Ticket for just 25 euro! contact: info@cokaseki.com)
DOCK11
Kastanienallee 79
10437 Berlin Prenzlauerberg
www.dock11-berlin.de
ticket@dock11-berlin.de
Fon: 030-448 12 22
www.cokaseki.com
Artist Bio
Shingo Inao performs live with a signification of body movement using sensor-driven techniques using two self-made instruments
with tilt and distance sensors. One called Tosso looks like a thin contrabass, the other is a hand-sized device named Qgo. He also
exhibits sound installations and objects focusing mainly on how sound can change the structure of a room. He studied sound art and
computer music with Prof. Susumu Shono and Takayuki Hayashi in the Kunitachi College of Music, Tokyo. He studied media art in
the Karlsruhe University of Arts and Design (HfG) and finished his study of sound art/performance, with an honorary mention, at the
Bauhaus University, Weimar. His installations and objects have been shown in Germany, Switzerland, Italy, America and Japan. He has
performed for several festivals, f.e. Elektro-Mechanica (St.Peterburg), Dis-Play (Canary Island), Mercedes-Benz Fashion Week (Berlin) and
Transmediale (Berlin). He won the DAAD-Prize in 2008 and in 2009 he was selected as a finalist (New Media) for the Prix Phonurgia
Nova in France. www.shingoinao.com
Axel Dörner, trumpet, electronics, composition, Born in Cologne,1964. Studied piano and trumpet (with Malte Burba) at the
Musikhochschule, Cologne. Moved to Berlin in 1994. He has worked together with numerous internationally respected figures in the
fields of “Improvised Music”, “Composed Contemporary Music”, “Jazz” and “Electronic Music”. He has developed a unique style
of trumpet playing based in part on unusual, often self-invented techniques. He has toured in Europe, North and South America,
Australia, Asia and appeared on numerous CD and record releases.
further informations: http://www.shef.ac.uk/misc/rec/ps/efi/musician/mdorner.html
http://de.wikipedia.org/wiki/Axel_Dörner
Kazuhisa Uchihashi is a Japanese guitarist involved in free improvisation music. Born in 1959 in Osaka, Uchihashi began to play the
guitar at age 12, playing in various rock bands, though he later studied jazz music. In 1988 he joined the band the First Edition, and
in 1990 formed the band Altered States. He was also a member of Otomo Yoshihide’s Ground Zero from 1994 to 1997. Uchihashi
also plays daxophone, and in addition to his role as a free improviser, Uchihashi has been the musical director for Osaka theatre group
Ishinha, has held improvisation workshops (a project known as New Music Action) in various cities in Japan, as well as London, Oslo,

and currently in Vienna also. Uchihashi has set up his own record label, Innocent Records a.k.a. Zenbei Records, had held music festival
from 1996 Festival BEYOND INNOCENCE annual for eleven years. He is also known as Daxophone player.
http://www.japanimprov.com/kuchihashi/profile.html
Akemi Takeya / Choreographer, Performer. Since 1991 Akemi Takeya has been living and working in Vienna. She has collaborated
with artists in the fields of dance, theater, film/video, photography and music, such as Granular Synthesis, Ulf Langheinrich, Wolfgang
Mitterer, Christian Fennesz, Tetsuo Furudate, Rechenzentrum, Ko Murobushi etc…www.akemitakeya.com
miu is concept artist, based in Ulm. He was born in 1976 in Shimane, Japan. He studied Sonology and electronics music in Kunitachi
College of Music (Tokyo, Japan) and Koninklijk Conservatorium (Den Haag, Niederlande).
www.spiegel-verkehrt.org www.milch-labor.org
Ximena Garnica (b. 1981) is a Colombian-born interdisciplinary choreographer, director and artist based in New York. She received a
B.A. in theater arts with a minor in multimedia studies from the City College of New York. In 2006 she graduated from Akira Kasai’s
Tenshikan Dance Institute in Tokyo. Ximena is active as a curator and producer. She has been awarded with the 2010 Bessie Schonberg
Individual Choreographers Residency at the Yard and has been recognized with the prestigious Van Lier Fellowship for young Hispanic
directors in New York. Her work has been presented nationally and internationally in Japan, Spain, France, The Netherlands, Mexico and
Colombia. She is Co Director of the Brooklyn base art space CAVE and of The New York Butoh Festival. Currently she teaches at P.H.T.S,
New York University, Tisch School of the Arts, Department of Drama. Other teaching credits included master classes and lectures at
Denison University, Skidmore College, DeSales University, Muhlenberg College and the Academia Superior de Artes de Bogota. She
is currently on the Junior Advisory Board of Dance NYC. Ximena’s performance explorations have led her to travels in Poland and
Denmark. She lives in Brooklyn and leads ongoing training in dance and performance at CAVE. http://www.leimay.org
A.M. is a Visionary from Detroit, Michigan (USA) immersed in the alchemical art of transmutation. His artistic pursuit serves as an
archaeology of the soul: excavating the dreams and psychic and transforming this substance into em-bodied expression. Under the
guise of the “contemporary-neo-noir”, A.M.’s work gives flesh to fantasy through the convergence of dance, ritual, performance, film
and design.
KADDISH, raised in the forest in Suriname, South America, is a Dutch performer and visual-artist currently based in Berlin. Her work
incorporates elements of video, installation and authentic-movement; bridging the realms of the unreal into manifest reality. Inspired
by the Minimalist, Surrealist and Futurist Movements, KADDISH’S creations mine the well of the subconscious, giving form to her own
private dreamscape through the vessel of the transformative experience.
Sherwood Chen has worked as a performer with artists including Anna Halprin, Min Tanaka, Ko Murobushi, Marina Abramovic, Grisha
Coleman/echo::systems, Sara Shelton Mann and Do Hee Lee. In 2009, he formed dance collaborative Headmistress with choreographer
Amara Tabor-Smith and has been a contributing performer to Shinichi Iova-Koga’s inkBoat since 2005. Sherwood has worked with
Body Weather Laboratory training, initiated by Tanaka, since 1993, and was a resident member of Tanaka’s international performance
collective Mai Juku in rural Japan. He has facilitated Body Weather Laboratory and danced with Oguri and Roxanne Steinberg in Los
Angeles since 1992, and continues leading Body Weather training in San Francisco, Brazil and France.
Isak Immanuel is an interdisciplinary artist, dancer, and choreographer working internationally in outdoor urban environments,
unconventional spaces, theaters, galleries, and for camera. He has done solo and collaborative work throughout the western coast
of the United States, East Asia, and Europe. He is the artistic director of the performance and exhibition series Tableau Stations.
The impetus of the work came from an inquiry on how to negotiate contemporary public spaces of a city with the intimacies and
economies of individual bodies. Recent work has been at Fabrica Europa in Italy, Taipei International Artist Village and the HweiLan
International Artists Workshop in Taiwan, as a fellowship recipient from the Japan-US Friendship Commission and the National
Endowment for the Arts in Japan, at CESTA (Cultural Exchange Station Tabor Arts) in the Czech Republic, Dock11 and F40 in Berlin, and
at New Langton Arts, CounterPULSE, and Djerassi in the San Francisco Bay Area. www.tableaustations.org
Yuko Kaseki lives and works as a freelance dancer, choreographer and teacher in Berlin since 1995. She studied Butoh dance and
Performing Art in HBK Braunschweig with Anzu Furukawa and danced in her company Dance Butter Tokio and Verwandlungsamt
in 1989-2000. Yuko Kaseki and Marc Ates founded the dance company cokaseki in 1995 and have been involved in various projects
with musicians and visual artist. Solo and ensemble performances, improvisations are performed throughout Europe, Japan, Taiwan,
Korea, Canada, Mexico, Uruguay, Argentina, Australia and the USA. These works are performance forms, which focus on physical
performance that incorporates Butoh, contemporary dance, object design, texts, and soundscapes into theme-driven performance
scores. Yuko Kaseki performs and organizes improvisation series “AMMO-NITE GIG” with international performers and musicians since
2004. Collaboration with inkBoat (SF) since 2001, CAVE (NY), Isak Immanuel/Tableau Stations(SF), Theater Thikwa (Berlin) and others.
www.cokaseki.com

S H O W I N G
WE ARE HANGING FROM THE EARTH – Vol. 2
eine Präsentation vom Seki Method Intensive Workshop 2012
W I E D E R A U F N A H M E :
17. August 2012
im EDEN
http://www.regiomusik.de/veranstaltung/termin/700067.html
We Are Hanging From The Earth - Vol 2
Wann: 17.08.2012 - 20:00 Uhr
Wo: Eden*****
Breite Strasse 43
Pankow
13187 Berlin
Veranstalter: Minako Seki Company
Workshop Presentation
We Are Hanging From The Earth - Vol. 2 A presentation of the “Seki Method Intensive Workshop 2012” After 4 weeks of training
with the “Seki Method”, the workgroup comes to perform and to explore space: Every step is a falling into the middle of the earth.
The body is hanging relaxed and open to all impulses. Receiving a lot of information every second - consciously and unconsciously. The
dancer’s body is moved by these impulses, transformed into dance. 17.08. Friday 20:00 EDEN***** Entry: 3 Euro EDEN***** Breite
Strasse 43, 13187 Berlin Pankow U + S Pankow (U2, S2, S8) Tram Pankow Kirche (M1, M50) Bus Pankow Kirche (107,155, 250, 255, X54)
Tickets/Info: ticket@dock11-berlin.de, 030-351 20312, www.eden-berlin.com EDEN***** Programm www.minakoseki.com

T A N Z P E R F O R M A N C E
ENCAMPMENT
ein Theaterkonzert von Brendan Shelper / battleROYAL Feat. Tula
P R E M I E R E:
24. August 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
26. August 2012
im DOCK 11
http://www.berliner-akzente.de/insiderforum/detail.php/965?order=erzeugt_am+DESC
ENCAMPMENT @ DOCK 11
Ein Theaterkonzert von Brendan Shelper / battleROYAL Feat. Tula
Down Under meets schwedische Wälder meets Sozialkritik: Encampment vereint die schöpferische Kraft zweier Kontinente, wirft
komplexe Fragen auf und erfährt eine zarte und zugleich fordernde Umsetzung in Tanz, Live-Musik und Gesang.
Die neueste Kreation des australischen Regisseurs Brendan Shelper entsteht in enger Zusammenarbeit mit der schwedischen Band
Tula, deren minimalistische und doch tiefgründige Musik der emotionale Ausgangspunkt dieses Theaterkonzerts ist. Angeregt durch
die Wirtschaftskrise 2009 erforscht Shelper die Fragilität unseres Finanzsystems und das Thema der plötzlichen Armut in einer fiktiven
urbanen Umgebung, deren meiste Bewohner sind von einem Tag auf den anderen dazu gezwungen, in Billigunterkünften wie Zelten
und selbstgebauten Unterschlüpfen zu leben…
“fasziniert von der ersten bis zur letzten Minute.” Leipziger Volkszeitung u?ber Shelpers letzte Kreation Soft Landing
http://www.blindad.de/events/Berlin_encampment-ein-theaterkonzert-von-brendan-shelper-battleroyal-feat-tula_327559.php
ENCAMPMENT - ein Theaterkonzert von Brendan Shelper / battleROYAL Feat. Tula
Down Under meets schwedische Wälder meets Sozialkritik: Encampment vereint die schöpferische Kraft zweier Kontinente, wirft
komplexe Fragen auf und erfährt eine zarte und zugleich fordernde Umsetzung in Tanz, Live-Musik und Gesang........................
Konzeption / Regie: Brendan Shelper
Produktion: battleROYAL
Kreation / Performance: Susana Beiro, Florian Bücking, Jonathan Buckels, Janine Joyner
Musik / Komposition: Tula
Kostüm: Nicole Reinbold
Licht: Asier Solana
Video Design: flora&faunavisons
Grafikdesign Poster: Ingolf Höhl
eine Produktion von Brendan Shelper in Ko-Produktion mit battleROYAL und dem LOFFT Leipzig.
Gefördert durch: die Stadt Leipzig, dem Kulturamt der Stadt Leipzig, sowie durch finanzielle Unterstützung der Kulturstiftung Sachsen,
der Kulturstiftung Liechtenstein und der Guido Feger Stiftung
http://www.kulturkurier.de/veranstaltung_349032.html
Down Under meets schwedische Wälder meets Sozialkritik: Das Theaterkonzert Encampment vereint die schöpferische Kraft zweier
Kontinente, wirft komplexe Fragen auf und erfa?hrt eine zarte und zugleich fordernde Umsetzung in Tanz, Live-Musik und Gesang.
Entstanden ist die neueste Kreation des australischen Regisseurs Brendan Shelper in enger Zusammenarbeit mit der schwedischen Band
Tula. Deren klare und tiefgründige Musik bildet den emotionalen und künstlerischen Ausgangspunkt dieses Theaterkonzerts. Die bereits
bestehenden Songs der Band formen das musikalische Skript des Stückes, erfahren eine Neuinterpretation durch den gemeinsamen
Schaffensprozess von Regisseur, Tänzern und Musikern und geben dem Genre Theaterkonzert die wesentliche Daseinsberechtigung.
Angeregt durch die Wirtschaftskrise 2009 und die momentane desolate finanzielle Situation einiger europäischer Staaten erforscht
Shelper die Fragilität unseres Finanzsystems und das Thema der plötzlichen Armut in einer fiktiven urbanen Umgebung. Wie verhalten
sich deren Bewohner, Leute wie du und ich, wenn sie von einem Tag auf den anderen vor dem Nichts stehen; dazu gezwungen sind,
in Billigunterkünften wie Zelten und selbstgebauten Unterschlüpfen zu leben? Was passiert mit den Individuen der in finanzielle Not
geratenen Staaten, wenn Regierung und Wirtschaft auf Profit nicht zu verzichten gedenken? Welche Dynamik entsteht durch deren
Reaktion auf die jähe Notlage? Dies zu erforschen ist in dieser Produktion die Intention Brendan Shelpers, seinen Tänzern und der Band
Tula, die den Fokus hierbei nicht auf die Ursache der Krise legen, sondern auf die fatalen Folgeerscheinungen im ganz privaten Umfeld.
“(Soft Landing)...fasziniert von der ersten bis zur letzten Minute.” Leipziger Volkszeitung über Shelpers letzte Kreation Soft Landing.
Konzeption, Regie: Brendan Shelper | Produktion: battleROYAL | Kreation, Performance: Susana Beiro, Florian Bücking, Jonathan
Buckles, Janine Joyner, Johanna Lemke | Musik, Komposition: Tula | Kostüm: Nicole Reinbold | Licht: Asier Solana | Video Design:
flora&faunavisons | Grafikdesign Poster: Ingolf Höhl | Foto: © battleROYAL
EINE PRODUKTION VON:
Brendan Shelper in Ko-Produktion mit battleROYAL und dem LOFFT Leipzig.
GEFÖRDERT DURCH:
Stadt Leipzig, Kulturamt der Stadt Leipzig, Kulturstiftung Sachsen, Kulturstiftung Liechtenstein, Guido Feger Stiftung

http://www.zitty.de/encampment.html
zitty Berlin
Encampment
Inhaltsangabe
Theaterkonzert. Down Under meets schwedische Wälder meets Sozialkritik: “Encampment” wirft komplexe Fragen auf und erfährt
eine zarte und zugleich fordernde Umsetzung in Tanz, Live-Musik und Gesang.
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-08-26/emcampment-theaterkonzert-von-brendan-shelper-battleroyal-feattula-2030-74692/
Down Under meets schwedische Wälder meets Sozialkritik: Encampment vereint die schöpferische Kraft zweier Kontinente, wirft
komplexe Fragen auf und erfährt eine zarte und zugleich fordernde Umsetzung in Tanz, Live-Musik und Gesang.
Encampment erkundet wie Personen in Extremsituationen falschen Hoffnungen und enttäuschten Erwartungen eine poetische
Wendung zu geben vermögen. Die neueste Kreation des australischen Regisseurs Brendan Shelper entsteht in enger Zusammenarbeit
mit der schwedischen Band Tula, deren minimalistische und doch tiefgründige Musik der emotionale Ausgangspunkt dieses
Theaterkonzerts ist. Angeregt durch die Wirtschaftskrise 2009 erforscht Shelper die Fragilität unseres Finanzsystems und das Thema der
plötzlichen Armut in einer fiktiven urbanen Umgebung. Deren meiste Bewohner sind von einem Tag auf den anderen dazu gezwungen,
in Billigunterkünften wie Zelten und selbstgebauten Unterschlüpfen zu leben.

T A N Z
PARADE ein Straßenaufzug und Tanzstücke
mit den Tanzschülern des DOCK 11 EDEN anlässlich des Festes „Neue Berliner Straße“
P R E M I E R E:
25. August 2012
im EDEN
http://www.pankow.feg.de/wordpress/kiezbuero/miteinander/
Neue Berliner Straße Fest
Das Fest “Neue Berliner Straße” fand anlässlich der Eröffnung der Berliner Straße am 25. und 26. August 2012 nach vielen Jahren
Bauarbeiten statt. Es gab rasante Entwicklungen rund um die Berliner Straße, es gründeten sich mehere Schulen, die Garbatyfabrik
wurde zu einem Wohnhaus ausgebaut und am Garbatyplatz eröffnet ein Ärztehaus mit Geschäften.
Nachbarn, Gewerbetreibenden, Schulen und Kinder- und Jugendeinrichtungen haben sich mit unterschiedlichen Aktionen an dem Fest
beteiligt. Es gab ein Grußwort des Stadtrats Jens-Holger Kirchner, bespielte Schaufenster, Theater, lange Öffnungszeiten, Leckerbissen
der lokalen Gastronomie, die Parade von DOCK 11 EDEN und vieles mehr.
Anlieger. Kontakt: Timo Heimlich, info@kiezbuero-pankow.de – www.kiezbueropankow.de
Auch in der Oderberger Strasse in Prenzlauer Berg wird die Fertigstellung der Strasse und
der Grünanlage Hirschhof von den Anwohnern gefeiert – nachdem Strasse und Freiflächen
am 24.8.2012 offiziell übergeben wurden.
http://www.yumpu.com/de/document/view/4061381/eden-dock-11
www.neues-deutschland.de
24.08.2012 /
Parade der jungen Wölfe
Hunderte Schüler zeigen Open-Air-
Performance
Das Ende der Bauarbeiten in der Berliner Straße in Pankow wird am Samstag
mit einem Straßenfest im Karree von Berliner Straße, Breite Straße und
Florastraße begangen. Künstlerischer Höhepunkt ist der ...
Artikellänge: rund 225 Wörter
DOCK 11
S T U D I O S
DOCK 11 GmbH
gemeinnützig
Kastanienallee 79
10435 Berlin
Empfang: Montag bis Freitag
9-19 Uhr, +49 (30) 4481222
www.dock11-berlin.de
Berlin Charlottenburg,
HRB 110471 B
Geschäftsführerinnen:
Wibke Janssen
Kirsten Seeligmüller
Finanzamt für Körperschaften

Pankow feiert Das Fest „Neue Berliner Straße“ findet anlässlich der Eröffnung
der Berliner Straße nach vielen Jahren Bauarbeiten statt. Es gab rasante Entwicklungen rund
um die Berliner Straße, es gründeten sich mehrere Schulen, die Garbatyfabrik wurde zu
einem Wohnhaus ausgebaut und am Garbatyplatz eröffnet ein Ärztehaus mit Geschäften.
Nachbarn, Gewerbetreibenden, Schulen und Kinder- und Jugendeinrichtungen beteiligen
sich mit unterschiedlichen Aktionen an dem Fest. Es wird ein Grußwort des Stadtrats Nils
Jens-Holger Kirchner, bespielte Schaufenster, Theater, lange Öffnungszeiten, Leckerbissen
der lokalen Gastronomie, die Parade von DOCK 11 EDEN***** und vieles mehr
geben. „Neue Berliner Straße“ 14-18 Uhr, „Florakiezfest“ 12-18 Uhr, „Mälzereifest“ Sa
14-22 Uhr, So 26.8. 11-20 Uhr Initiator und Organisation „Neue Berliner Straße“:
Interessengemeinschaft Alt-Pankow, Kiezbüro – FeG Pankow, Jugendkunstschule, DOCK 11
und weitere Anwohner und Anlieger. Kontakt: Timo Heimlich, info@kiezbueropankow.de
www.kiezbuero-pankow.de
BEZIRKSNACHRICHTEN
Feste Planen – Feste Bauen
Feste Feiern
11. 08. 2012 • 20:39
Am 8. August 2012 fand im FeG-Kiezbüro in der Berliner Str. 10 eine kleine Pressekonferenz zum Thema „Eröffnung Berliner Straße”
statt. Der Abschluß der Baumassnahmen und die Ergebnisse des großen Strassenumbaus wurden vom Stadtrat für Stadtentwicklung
und Bauen Jens-Holger Kirchner vorgestellt. Gleichzeitig wurden die Vorbereitungen für das bevorstehende Einweihungsfest am 25./26.
August 2012 in der Berliner Strasse besprochen.
Brigitte Himmelsbach, Eckhardt Krüger, Stefanie Draack, Kathrin Märker-Schwabe, Kirsten Seeligmüller, Jens-Holger Kirchner, Timo
Heimlich, Rainer Gehrmann, Helmut Hampel – setzen sich für Pankows Zentrum ein: Baustellenkoordinierung und Festvorbereitung
Jens-Holger Kirchner resümierte noch einmal die Historie der langwierigen Dauerbaustelle. “Bei meinem Amtsantritt im Jahr 2006
gab es bereits rund 8 Jahre Planungsvorlauf”. Hauptgrund war die Umplanung der Strassenbahn mit ihren Haltestellen, auch
der neue Brückenbau am S-Bahnhof Pankow und die Baumaßnahmen an der U2 forderten viel Zeit.Es wurde dafür eigens ein
Planfeststellungsverfahren notwendig. 2009 konnte nach Planfeststellungsverfahren endlich mit dem Bau begonnen werden. Der
Umbau und die Sanierung zogen sich aber noch über 3 Jahre hin – bis zur Freigabe Ende Juni 2012.
Im Zuge des Umbaus der Berliner Straße von Breite Straße bis Granitzstraße wurde seit Oktober 2009 der gesamte Straßenquerschnitt
komplett neu gestaltet.Die über 33 monatige Bauzeit war erforderlich, weil hier eine sehr komplizierte Straßenbaumaßnahme
durchgeführt wurde, mit der Erneuerung eines Abwasser-Sammelkanals direkt unter den Straßenbahn-Schienen. Der alte Kanal war
stark bruchgefährdet. Der neue Kanal nimmt nun auch das Regenwasser von Starkregenfällen auf – und damit wurde hier eine wichtige
Zukunftsvorsorge getroffen.
Inzwischen sind neue Gehwege und Fahrspuren beidseitig und Radwege bzw. Radfahrangebotsstreifen fertiggestellt. Die Freiggabe
erfolgte bereits Ende Juni. Neue Parkhäfen wurden gebaut. Stephanie Draack von der IG Alt Pankow e.V. freute sich besonders über
die neuen geplanzten Bäume, die nun das Straßenbild zieren.Die Straßenbahngleise wurden teilweise in veränderter Lage erneuert.
Die Beleuchtungsanlage wurde umgebaut. Auch die Umsteigebeziehungen zwischen S-, U- und Straßenbahn sowie Buslinien wurden
durch eine Neuordnung der Haltestellen verbessert.Inzwischen sind fast alle Restarbeiten abgeschlossen – einige Verkehrsschilder und

Fahrbahnmarkierungen müssen noch ergänzt werden.Stadtrat Kirchner lobte die gute Zusammenarbeit und Kommunikation mit den
am Bauvorhaben beteiligten Anliegern, der IG Alt-Pankow e.V. und den Gewerbevereinen. Sie alle halfen in der schwierigen Bauphase,
die Baumaßnahmen und Einschränkungen zu koordinieren und zu kommunizieren.Die Händler in der Berliner Strasse mußten zudem
über drei Jahre viele Einschränkungen bewältigen und hatten auch beträchtliche Umsatzauafälle zu bewältigen. Immerhin standen auf
Antrag Hilfen bereit, die auch in Anspruch genommen wurden. “Im Jahr 2011 wurden dafür rund 250.000 € aufgewendet”, sagte
Stadtrat Kirchner.
Nach der Fertigstellung im Juni ist nun schon einen Gewöhnungsphase eingetreten. Anwohner, Fußgänger und Verkehrsteilnehmer
nehmen den neuen Zustand schon wie selbstverständlich wahr. “Mit dem Ergebnis kann man auch zu “95% zufrieden sein.”Einziger
Wermutstropfen sind die versetzten Haltestellen für die Tram. Dies ist einer Sparmaßnahme der frühen 90er Jahre zu verdanken:
Die Eisenbahnbrücken am Pankower Tor mit ihren senkrechten Brückenfundamenten wurden zu schmal gebaut – um eine für den
Nahverkehr optimale doppelseitige Haltestelle zu bauen.
Bahnbrücken am Pankower Tor
Die inzwischen festgestellte Bausumme der Maßnahme wurde nach Aussage von Jens-Holger Kirchner auch nur wenig überschritten.
Insgesamt wurden 11,5 Mio. € verbaut. Mit nur 300.000 € Kostenüberschreitung hat man dennoch quasi eine Punktladung
hingelegt.An der Ecke Florastrasse fehlt noch ein Stück Gehweg – dies wird erst fertiggestellt, wenn der Hochbau des Ärztehauses
fertig gestellt wird.Ob es weitere Veränderungen in der Berliner Strasse geben wird, ist derzeit noch nicht klar. Bestrebungen für die
Einrichtung einer Fußgänger-Ampel an der Hadlichstrasse sind bereit bekannt – doch ist die Verkehrsregelung mit den vorhandenen
Ampelschaltungen ausreichend, um an dieser Stelle die Strasse sicher zu überqueren.Veränderungswünsche werden geprüft – aber
die gesamte Straßenbaumaßnahme wurde nach Planfeststellungsbeschlu0 angelegt – und “ist damit nun auch Gesetz.” “Pankow kann
nun mit dieser wiederhergestellten Verkehrsachse “neuen goldenen Zeiten entgegen gehen”.
Der zweite Teil der Pressekonferenz diente der Vorbereitung des Einweihungsfestes. Am Wochenende des 25./26. August wird in ganz
Pankw “feste” gefeiert. Die Berliner Strasse wird zur Festmeile – hinter dem Rathaus Pankow wird das Mälzerei-Fest gefeiert – und in
der Florastrasse wird es am Samstag nachmittag ein buntes Strassenfest geben.
Kirsten Seeligmüller vom DOCK 11 /EDEN war erstmals als neue Anliegerin in der “Alt-Pankower-Runde” dabei. Sie stellte ihren Beitrag
für das Einweihungsfest in der Berliner Straße vor. Eine Kinder-Parade soll vom EDEN in der Breite Strasse über eine Stunde lang über
Neue Schönholzer Strasse, Florastrasse und Berliner Strasse laufen und mehrere Tanzstücke aufführen.Das Einweihungsfest in der
Berliner Strasse wird von Interessengemeinschaft Alt-Pankow e.V., vom Verein für Pankow e.V., der Kiezbüro – FeG Pankow, DOCK11,
der Jugendkunstschule und weitere Anlieger der Berliner Straße organisiert.
Rainer Gehrmann vom “Für Pankow e.V.” stellte dazu das “Mälzereifest” vor, das künftig regelmässig im Spätsommer stattfinden
soll und nach seinen Worten ” zu einem “kleinen Jazz im Park” ausgebaut werden soll. Als Geschäftsführer der Stage-Craft GmbH
unterstützt er das Fest mit Bühnen- und Veranstaltungstechnik und organisiert das Sponsoring für das Fest. Auch die Firma Terraplan
als Investor trägt zu dem Fest bei.
Kathrin Märker-Schwabe stellte die Planung für das 4. Flora-Kiezfest vor, das am Samstag dem 25.8.2012 von 14-18 Uhr stattfinden
wird. Das 4. Flora-Kiezfest ist als buntes Familienfest äußerst beliebt und wird in diesem Jahr die größte Beteiligung erleben.Über 70
Stände sind angemeldet und der überwiegende Teil der Händler in der Florastrasse wird an diesem Nachmittag seine Geschäfte offen
halten. Auf der Freifläche gegenüber dem Zimmer 16 gibt es auch ein Bühnenprogramm – und es wird auch hier “feste gefeiert”.
Stadtrat Jens-Holger-Kirchner hatte zum Schluss der Pressekonferenz noch eine spannende Neuigkeit zum Vorhaben “Güterbahnhof
Pankow” zu vermelden. Ab September 2012 soll ein Werkstattverfahren mit dem Ziel einer neuen städtebaulichen Planung
gestartet werden.Für den Investor KGG heißt es dabei “zurück auf Anfang”. Dessen Planungsvorschläge sollen gleichberechtigt
neben anderen Vorschlägen geprüft werden. Ziel ist es, einen “Lebendigen Stadtteil” zu gestalten – wobei der Bezirk Pankow und
die Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Umweltschutz “Druck machen” und bis zum Jahrensende 2012 zu umsetzbaren

Planungsergebnissen drängen werden. Mehrere Fachgutachter werden dazu eingeschaltet – und es wird eine umfangreiche
Bürgerbeteiligung geben. Der Investor Krieger (KGG) soll im Prinzip angemessene Bauflächen realisieren können – jedoch sollen auch
die Ziele des Stadtentwicklungsplans Verkehr “SteP” und zur Einzelhandelsflächengestaltung verfolgt werden.
Nach dem Einweihungsfest in der Berliner Strasse am 25. und 26. August wird dann also wieder in Pankow “feste geplant” … . m/s
Berliner Strasse nach dem Umbau
Pankow feiert Feste:
Einweihungsfest Neue Berliner Straße25.8.2012 von 14-18 Uhr Straßenfest mit Bühnenprogramm vor der Garbáty-Fabrik
Parade-Spaziergang Start/Ziel: Breite Strasse 4325.08.2012 14-15 Uhr
26.8.20 um 11 Uhr Open-Air Gottesdienst „Veränderungen“
4. Flora-Kiezfest “Fantasie treibt bunte Blüten”25.08.2012 12:00 Uhr in der Florastraße
2.Mälzerei-Konzerte25.8.2012 13-22 Uhr und 26.8.2012 12-20 UhrMälzerei – Neue Schönholzer Strasse

www.kultur-in-pankow.de
25.-26.08.2012 Ganz Pankow feiert: Berliner Strasse
Foto: Parade - Tanzkinder des Dock 11 - EDEN *****In der Berliner Strasse wird die Fertigstellung der dreijährigen
Straßenbaumaßnahme gefeiert. Eine Kinderparade verbindet Alt-Pankow und führt über Breite Strasse, Mälzerei und Florastrasse bis
in die Berliner Strasse zurück. Das Mälzereikonzert kommt als neue Attraktion dazu. Das Fest „Neue Berliner Straße“ findet anlässlich
der Eröffnung der Berliner Straße nach vielen Jahren Bauarbeiten statt. Es gab rasante Entwicklungen rund um die Berliner Straße, es
gründeten sich mehrere Schulen, die Garbatyfabrik wurde zu einem Wohnhaus ausgebaut und am Garbatyplatz eröffnet ein Ärztehaus
mit Geschäften. Nachbarn, Gewerbetreibenden, Schulen und Kinder- und Jugendeinrichtungen beteiligen sich mit unterschiedlichen
Aktionen an dem Fest. Es wird ein Grußwort des Stadtrats Nils Jens-Holger Kirchner, bespielte Schaufenster, Theater, lange
Öffnungszeiten, Leckerbissen der lokalen Gastronomie, die Parade von DOCK 11 EDEN***** und vieles mehr geben.

Pressestelle
Breite Str. 24a-26 13187 Berlin Stadtplan Tel.: 030 90295-2306 Fax: 030 90295-2444 E-Mail
"Pankow feiert" - Festwochenende am 25. und 26.
August 2012
Pressemitteilung Berlin, den 15.08.2012
Das Wochenende um den 25. und 26. August 2012 wird zum Großen Pankower
Straßenfest rund um die Berliner Straße, die Florastraße und die Alte Mälzerei.
Pankow lädt anlässlich der Neueröffnung der Berliner Straße und des traditionellen
Florastraßenfestes zu Konzerten, Kunstmärkten, Spaß und Spiel ein. Zahlreiche
Anwohner, Gewerbetreibende und Vereine haben sich zusammen geschlossen, um
gemeinsam mit Gästen ihren Kiez zu feiern. Das Fest „Neue Berliner Straße“ findet
anlässlich der Eröffnung der Berliner Straße nach vielen Jahren Bauarbeiten statt.
Inzwischen gab es rasante Entwicklungen im Kiez, es gründeten sich mehrere
Schulen, die Garbatyfabrik wurde zu einem Wohnhaus ausgebaut und am
Garbatyplatz eröffnet ein Ärztehaus mit Geschäften. Ein Teil des Eröffnungsfestes ist
am Samstag von 13 – 17 Uhr, die PARADE, bei der 500 Tanzkinder des DOCK 11
und EDEN***** mit ihren Familien die Pankower Straßen erobern und Tanzstücke
an verschiedenen Orten präsentieren. Ein Zeppelin liefert Kamerabilder für einen
Film. Beim 4. Flora-Kiezfest am 25. August 2012 von 12 – 18 Uhr öffnen die
Geschäftsleute aus der Florastraße ihre Türen und bieten viele bunte und
interessante Aktionen für Kinder und Erwachsene an. Aufgerufen sind die
Anwohner schon im Vorfeld, ihre Talente, Ideen, Projekte und Produkte bei der
Gestaltung des Programms mit einzubringen. Eröffnet werden die Feierlichkeiten am
Samstag, dem 25. August 2012 um 14 Uhr von Stadtentwicklungsstadtrat Jens-
Holger Kirchner (Bü90/Grüne). In der Alten Mälzerei, Neue Schönholzer Straße,
werden am Samstag, dem 25.08.2012 von 13 – 22 Uhr und am Sonntag, dem
26.08.2012 von 12 – 20 Uhr, Musik, Kunst und Denkmal vereint. Jazz und Swing,
Kinderprogramme sowie Modenschau erfreuen an diesem historischen Ort die
Besucherinnen und Besucher beim 2. „Mälzereifest“. Weitere Informationen zum
ausführlichen Programm unter www.pankow-feiert.de

Fest “Neue Berliner Straße” mit der Helen Doron – School of English
25.08.2012, ab 14:00 Uhr, Berliner Straße, Bühne Garbatyfabrik und School of English/Helen Doron Early English and Teen-English &
Learn to Communicate
Das Fest „Neue Berliner Straße“ findet anlässlich der Eröffnung der Berliner Straße nach vielen Jahren Bauararbeiten
statt. Auch das Pankower Helen Doron Team ist mit Aktionen vor und in der “School of English/Helen Doron Early
English and Teen-English & Learn to Communicate” ab 14:00 Uhr und beim Bühnenprogramm auf dem Fest vertreten.
23. AUGUST 2012
Nachbarn, Gewerbetreibenden, Schulen und Kinder- und Jugendeinrichtungen beteiligen sich mit unterschiedlichen Aktionen an dem
Fest. Es wird ein Grußwort des Stadtrats Jens-Holger Kirchner, bespielte Schaufenster, Theater, lange Öffnungszeiten,Leckerbissen der
lokalen Gastronomie, die Parade von DOCK 11 EDEN***** und vieles mehr geben.
Mit einem Kinderbuch-Kino, Spielen für Jung und Alt und viel Musik und Theater wird für jeden etwas geboten. Zum Beispiel spielt
Benny Kunde open air unterstützt vom inorange-Team aus dem cafeimpuls. Das Café wird außerdem mit Kindern „Pankower“
gestalten – eine bunte Kreation aus Kuchen und Süßigkeiten.
Mehr Infos zum Fest unter www.pankow-feiert.de
Tag der offenen Tür im Helen Doron Learning Centre Pankow
Parallel zum Fest kann man sich in den neuen, modern ausgestatteten Räumen des Learning Centres Pankow über die laufenden
Englischkurse, Workshops und Specials für Kinder, Jugendliche und Erwachsene informieren und kostenlos beraten lassen.

http://www.pankower-allgemeine-zeitung.de/2012/08/25/ganz-pankow-feiert/
Pankower Allgemeine Zeitung
Ganz Pankow feiert!
Samstag, den 25. 08. 2012
Am letzten August-Wochenende wird in ganz Pankow gefeiert. Den Auftakt machte schon gestern das dreitägige Blumenfest in
Weissensee. Heute findet das 4. Flora-Kiezfest statt, das wohl bunteste und familienfreundlichste Fest in ganz Pankow. www.kiezflorastrasse.de
4. Flora-Kiezfest
In der Berliner Strasse wird die Fertigstellung der dreijährigen Straßenbaumaßnahme gefeiert. Eine Kinderparade verbindet Alt-Pankow
und führt über Breite Strasse, Mälzerei und Florastrasse bis in die Berliner Strasse zurück.
Das Fest „Neue Berliner Straße“ findet anlässlich der Eröffnung der Berliner Straße statt. Es gab rasante Entwicklungen rund um die
Berliner Straße, es gründeten sich mehrere Schulen, die Garbatyfabrik wurde zu einem Wohnhaus ausgebaut und am Garbatyplatz
eröffnet ein Ärztehaus mit Geschäften. Nachbarn, Gewerbetreibenden, Schulen und Kinder- und Jugendeinrichtungen beteiligen
sich mit unterschiedlichen Aktionen an dem Fest. Es wird ein Grußwort des Stadtrats Nils Jens-Holger Kirchner geben, bespielte
Schaufenster, Theater, lange Öffnungszeiten, Leckerbissen der lokalen Gastronomie, die Parade von DOCK 11.
Modenschau auf dem Kiezfest in der Florastrasse
Anlässlich der Eröffnung der Berliner Straße in Pankow erobern die Tanzkinder des DOCK 11 und EDEN***** mit Ihren Familien eine
Stunde lang Pankower Straßen und präsentieren vor- und nachher Tanzstücke an verschiedenen Orten. Die Parade beginnt um 14 Uhr.
Das ausführliche Programm steht als Download zur Verfügung.
Das Mälzereikonzert kommt als neue Attraktion dazu. In der Alten Mälzerei, Neue Schönholzer Straße, werden am Samstag, dem
25.08.2012 von 13 – 22 Uhr und am Sonntag, dem 26.08.2012 von 12 – 20 Uhr, Musik, Kunst und Denkmal vereint. Jazz und Swing,
Kinderprogramme sowie Modenschau erfreuen an diesem historischen Ort die Besucherinnen und Besucher beim 2. „Mälzereifest“.
Weitere Informationen und Programm: www.pankow-feiert.de
Initiatoren und Organisation „Neue Berliner Straße“:
Interessengemeinschaft Alt-Pankow, Kiezbüro – FeG Pankow, Jugendkunstschule, DOCK 11 und weitere Anwohner und Anlieger.
Kontakt: Timo Heimlich, info@kiezbuero-pankow.de – www.kiezbuero-pankow.de
http://www.prenzlberger-stimme.de
Pankow macht Partys – feiern im Kiez
Das Fest „Neue Berliner Straße“ findet anlässlich der Eröffnung der Berliner Straße nach vielen Jahren Bauarbeiten statt. Ein Teil des
Eröffnungsfestes ist am Samstag von 13 bis 17 Uhr, die PARADE, bei der 500 Tanzkinder des DOCK 11 und EDEN***** mit ihren
Familien die Pankower Straßen erobern und Tanzstücke an verschiedenen Orten präsentieren. Ein Zeppelin liefert Kamerabilder für
einen Film.
Beim 4. Flora-Kiezfest am 25. August 2012 von 12 bis 18 Uhr öffnen die Geschäftsleute aus der Florastraße ihre Türen und bieten viele
bunte und interessante Aktionen für Kinder und Erwachsene an. Aufgerufen sind die Anwohner schon im Vorfeld, ihre Talente, Ideen,
Projekte und Produkte bei der Gestaltung des Programms mit einzubringen. Eröffnet werden die Feierlichkeiten am Samstag, dem 25.
August 2012 um 14 Uhr von Stadtentwicklungsstadtrat Jens-Holger Kirchner.
In der Alten Mälzerei, Neue Schönholzer Straße, werden am Samstag, dem 25.08.2012 von 13 bis 22 Uhr und am Sonntag, dem
26.08.2012 von 12 bis 20 Uhr, Musik, Kunst und Denkmal vereint. Jazz und Swing, Kinderprogramme sowie Modenschau erfreuen an
diesem historischen Ort die Besucherinnen und Besucher beim 2. „Mälzereifest“. Weitere Informationen zum ausführlichen Programm
unter http://www.pankow-feiert.de/index2.html .

http://www.mein-pankow.info
4. Flora-Kiezfest
Feiern macht Spaß und das kann man in Berlin ja zu genüge. Da es im Sommer besonders Freude bereitet draußen im Freien zu
feiern, gibt es auch unendlich viele Festivals und Feste, die die Menschen sich nicht entgehen lassen. So wird auch im eher ruhigen
und familienfreundlichen Pankow gesungen und getanzt bis in die Abendstunden.Denn in Pankow findet wieder das Flora-Kiezfest
statt, und zwar zum vierten Mal. Anlässlich der Neueröffnung der Berliner Straße und des traditionellen Florastraßenfestes zu
Konzerten, Kunstmärkten, Spaß und Spiel erschienen hier wieder zahlreiche Anwohner, Gewerbetreibende und Vereine und feierten
am 25. August 2012 von 12 – 18 Uhr.Nach vielen Jahren Bauarbeiten, gab es eine rasante Entwicklungen im Kiez. Hier gründeten
sich mehrere Schulen, die Garbatyfabrik wurde zu einem Wohnhaus ausgebaut und am Garbatyplatz eröffnet ein Ärztehaus mit
Geschäften. Ein Eröffnungsfest, die PARADE mit 500 Tanzkindern des DOCK 11 und EDEN***** erfreuen die Besucher und ein
Zeppelin macht Kamerabilder für einen Film.Die vielen bunten und interessanten Aktionen für Kinder und Erwachsene zogen die
Menschen geradzu an. Die Anwohner durften hier ihre Talente, Ideen, Projekte und Produkte bei der Gestaltung des Programms
mit einbringen. Stadtentwicklungsstadtrat Jens-Holger Kirchner (Bü90/Grüne) eröffnete das Fest. Weiter ging es dann mit Jazz und
Swing, etlichen Kinderprogrammen und Modenschauen.Es kamen Jung und Alt voll auf ihre Kosten, denn mit einem Kinderbuch-
Kino, Spielen für Jung und Alt und viel Musik und Theater wurde es für alle aufregend. Benny Kunde open air spielte hier und wurde
unterstützt vom inorange-Team aus dem cafeimpuls. So gestaltete das Café mit Kindern „Pankower“, das ist eine bunte Kreation aus
Kuchen und Süßigkeiten.Initiator und Organisation übernahm die Intressengemeinschaft Alt-Pakow, das Kiezbüro – FeG Pankow, die
Jugendkunstschule, das DOCK11 und weitere Anwohner und Anlieger.Neben Theater an verschiedenen Stationen, gab es auch einen
Büchermarkt vor der Bibliothek und Aktionen vor und in der „School of English/Helen Doron Early English and Teen-English & Learn
to Communicate“.In den Pausen gab es dann immer Musik von Diskothek PankowSound, passend zum Motto „Fantasie treibt bunte
Blüten“Und so war auch das 4. Flora-Kiezfest mit vielfältigen Aktionen für Groß und Klein wie Lesungen, Mitmachaktionen, Musik
und Theater ein voller Erfolg! Die kreativen und kulinarische Aktionen haben die Besucher überzeugt und es freuen sich alle schon auf
das nächste Fest!Wer also glaubt, in Pankow ist nicht so viel los wie in Berlin Mitte oder in den eher begehrten Stadtteilen, der irrt
sich, denn auch hier darf jeder seiner Kreativität freien Lauf lassen und sich auf den Festen austoben.

Donnerstag, 23. August 2012
Diesen Artikel finden Sie online unter
http://www.berliner-woche.de/nachrichten/bezirk-pankow/pankow/artikel/das-ende-der-bauarbeiten-in-der-berliner-strasse-feiern/
Das Chaos ist vorbei
Das Ende der Bauarbeiten in der Berliner Straße feiern
23.08.2012 / Bernd Wähner
Froh über das Ende der Bauarbeiten ist Jens-Holger Kirchner (4.v.r.). Er freut sich auch, dass sich Akteure aus dem Kiez das Fest mit
vorbereitet haben. Foto: BW
Pankow. Drei Jahre lang haben die Geschäftsleute und Anwohner rund um die Berliner Straße tapfer die Bauarbeiten ertragen. Nun ist
das Chaos vorbei, und das soll am 25. und 26. August ausgiebig gefeiert werden.
Dazu haben sich zum ersten Mal drei Veranstalter, die sonst immer eigene Feste organisierten, unter dem Motto „Pankow feiert!“
zusammengetan. Im Kiez zwischen der Berliner, Flora-, Wollank- und Breiten Straße wird an diesem Wochenende also richtig der
Bär steppen. „Wir freuen uns riesig, dass die Bauarbeiten endlich ein Ende haben“, sagt Stephanie Draack, die Vorsitzende der
Interessengemeinschaft IG Alt-Pankow. „Deshalb werden fast alle Anlieger am 25. August ihre Geschäfte öffnen. Sowohl in als auch
vor den Geschäften wird es viele Aktionen geben.“
Außerdem wird auf dem Parkplatz vor der früheren Zigarettenfabrik Garbáty eine Bühne aufgebaut. Auf der gibt es ab 14 Uhr ein
buntes Programm. In einem Zelt können sich die Pankower eine Ausstellung mit historischen Aufnahmen der Berliner Straße anschauen.
Das Stadtteilzentrum Pankow wird auf dem Festgelände Spielaktionen für Kinder anbieten. Die Englisch-Schule an der Berliner
Straße präsentiert auf der Bühne ein Theaterstück. Auf dem Gelände des Autohauses stellt sich das THW vor. Die Bibliothek in der
Berliner Straße 120 wird an diesem Tag von 14 bis 18 Uhr geöffnet sein. Unter anderem stehen Lesungen, ein Bilderbuchkino sowie
ein Buchbasar dort auf dem Programm. Gefeiert wird am 25. August auch in der angrenzenden Florastraße. Dort findet ab 12 Uhr
das vierte Flora-Kiezfest statt. Bis 18 Uhr werden auch in dieser Straße fast alle Geschäfte, Cafés und Gaststätten geöffnet haben.
Überall wird es spezielle Aktionen geben. Außerdem werden sich an Ständen Freizeitkünstler und Hobbyhandwerker aus dem Kiez
präsentieren. „Die Besucher des Festes können erleben, wie lebendig und kreativ der Kiez ist“, erklärt Kathrin Märker-Schwabe, die die
Organisationsfäden für das Flora-Kiezfest in den Händen hält. Auf der Freifläche in der Florastraße 81 wird in diesem Jahr eine Bühne
aufgebaut. Dort wird bis 22 Uhr ein buntes Programm geboten. Am 25. und 26. August veranstalten außerdem der Verein Für Pankow
und die Agentur Stage Craft die 2. Mälzerei Konzerte. Auf dem Gelände des Wohnquartiers Alte Mälzerei an der Neuen Schönholzer
Straße erwartet die Gäste am 25. August von 13 bis 22 Uhr ein Bühnenprogramm mit Jazz, Swing und Modenschau. Am 26. August
wird für Kinder außerdem eine Inszenierung „Die Bremer Stadtmusikanten“ nach Musik des Pankower Musikers und Komponisten
Hartmut Bersing aufgeführt. Auch an diesem Tag erwartet die Gäste von 12 bis 20 Uhr ein Programm mit viel Musik für Jung und Alt.
Des Weiteren öffnet auf dem Gelände der Alten Mälzerei an beiden Tagen ein Kunstmarkt.
Quasi als Klammer zwischen diesen drei Festorten im Kiez wird es am 25. August noch eine besondere Aktion der Tanzschule „Dock
11/Eden*****“ geben. Von 13 bis 17 Uhr werden etwa 500 Kinder eine Tanzparade durchführen. Diese wird in der Breiten Straße
43 starten, am Anger vorbeiführen und durch die Neue Schönholzer, Flora- und Berliner Straße zurück zur Breiten Straße führen. An
etlichen Orten, an denen die Parade haltmacht, treten Tanzgruppen auf.
Weitere Informationen gibt es auf www.pankow-feiert.de.
© Berliner Wochenblatt GmbH 2012. Alle Rechte vorbehalten

www.morgenpost.de
23.08.12PANKOW
Das Chaos ist vorbei
Am Wochenende feiern die Pankower das Ende der Bauarbeiten in der Berliner Straße
Von Bernd Wähner
Foto: Berliner Wochenblatt Verlag GmbH
Am Wochenende wird das Ende der Bauarbeiten auf der Berliner Straße groß gefeiert. Besonders froh darüber ist
Stadtentwicklungsstadtrat Jens-Holger Kirchner (vierter von rechts). Er freut sich auch, dass sich Akteure aus dem Kiez zur Vorbereitung
von „Pankow feiert!“ zusammengetan haben. Foto: BW

T H E A T E R
Hotel Paradiso ein Showing von Familie Flöz
P R E M I E R E:
30. August 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G :
01. September 2012
im DOCK 11
Die Theatergruppe Familie Flöz wurde in London begeistert gefeiert. Das Stück „Hotel Paradiso“ erntete auf dem renommierten
Londoner „Mime Festival“ am Freitag in der ausverkauften Queen Elizabeth Hall minutenlangen Applaus.
DPA (Deutsche Presse Agentur)
Mallorca Zeitung – Nr. 513 – 4. März 2010
Sie verziehen keine Miene
Die Darsteller in diesem Theaterstück können kei- ne Miene verziehen, und sie sprechen kein Wort. Nur Geräusche werden erzeugt.
Trotzdem werden die Zu- schauer in eine Geschich- te versetzt, die berührt, mit Humor ebenso wie mit Tra- gik, mit Action ebenso
wie mit wortloser Poesie. „Am Ende könnte man schwören, die Darsteller hätten gespro- chen, gelacht und geweint“, heißt es in einer
Kritik der „Süddeutschen Zeitung“ zu dem Masken-Theaterstück „Hotel Paradiso“.
Mit eben diesem komisch- mysteriösen Gebirgskrimi gastiert nun Familie Flöz auf der Insel, ein Berliner En- semble, das sich eine andere
Art von Theater auf die Fah- nen geschrieben hat. Theater, das auf Körpersprache und Gestik baut und einen ande- ren Weg zur
Emotionsfähig- keit des Publikums findet als die realistische Schauspiele- rei. Suggestion, weiß jeder Bühnen-Profi, ist meist stär- ker als
die nackte Wahrheit. Im Fall des Familie Flöz- Gastspiels im Teatre Princi- pal in Palma am 12. und 13. März erzählt das Ensemble über
die Vorgänge in einem Hotel in den Tiroler Alpen, im „Hotel Paradiso“.
„Internationaler Pool“
Die Familie ist keine Familie, sondern ein Ensemble, der Name ist ein Bruchstück aus dem Titel des Theaterstücks, mit dem die Kompanie
vor 14 Jahren Premiere feierte. Die Mitglieder wechseln bis auf ein Kernteam rund um Hajo Schüler und Michael Vogel ständig, werden
für jedes Projekt, sogar für jede Tour- nee neu zusammengestellt. Familie Flöz bezeichnet sich selbst als „internationalen Pool von
Theaterschaffen- den“. Derzeit wirken Künst- ler, Designer und Techniker aus zehn Nationen mit.
Die Geburtsstunde von Fa- milie Flöz schlägt 1994, als Hajo Schüler mit einer klei- nen Gruppe von Schauspiel- studenten aus dem
Studien- gang Pantomime (heute „Physical Theatre“) an der Folkwang-Hochschule in Essen mit selbst angefertig- ten Masken
experimentiert. Als Versuchskaninchen dient ein Theaterstück rund um das Leben auf einer Baustelle.
Die Grundidee, den Dar- steller mit Masken seiner Mimik zu berauben, ist glei- chermaßen avantgardistisch wie uralt: Im alten
Griechen- land trugen die Schauspieler überlebensgroße Gesichts- masken, die auch den Cha- rakter oder die Stimmung der jeweiligen
Figur vermittelten (und den Zuschauern in der letzten Reihe erlaubten, das Stück mitzuverfolgen).
Hajo Schüler und Michael Vogel gingen weiter, ent- wickelten eine neue, dem mo- dernen Publikum angepasste Sprache, ohne
Sprechen. Das Experiment der Bühnen- enthusiasten sprach sich herum, und das Westfälische Industriemuseum stellte der damals
noch namenlosen Truppe eine stillgelegte Ze- che in Bochum als Proben- und Aufführungsraum zur Verfügung. 1996 fand dort die
Premiere des Stücks „Fa- milie Flöz kommt Über Tage“ statt. Die Handlung: Aus dem Schacht einer Mine arbeitet sich die Familie Flöz
empor, erblickt zum ersten Mal das Tageslicht und nimmt sofort mit Begeisterung ein Bau- projekt in Angriff, das jedoch bald aus dem
Ruder läuft. Das teilweise surrealistische Werk wurde ein Erfolg, bald war das Ensemble als „Geheimtipp aus dem Ruhrpott“ deutschlandweit
auf Tournee.
Das Premierenstück und die folgende Produktion – „Ristorante Immortale“ – wurden bis heute in 27 Län- dern gespielt. Allein für
den laufenden Monat sind Darbie- tungen an mehreren Bühnen in Deutschland ebenso wie im holländischen Utrecht und bei einem
lateinamerikanischem Theaterfestival in der kolum- bianischen Hauptstadt Bogotá programmiert. Und in Palma.
Im Grunde produziert Fa- milie Flöz das Rohmaterial ei- ner Geschichte, die sich dann jeder Zuschauer im eigenen Kopf zusammensetzt.
Die da- bei entstehende Suggestion ist so stark, dass schon kleinste Unregelmäßigkeiten das Pu- blikum verstören – etwa, als bei einer
Darbietung einem Darsteller kurz die Maske vom Gesicht rutscht. Wobei zahlreiche Preise bei Theater- festivals beweisen, dass Fa- milie
Flöz nur selten patzt.
http://www.tip-berlin.de/kultur-und-freizeit-theater-und-buehne/hotel-paradiso-im-dock-11
“Hotel Paradiso” im Dock 11
Für nur zwei Aufführungen kommt die Familie Flöz noch einmal mit einem Repertoire-Klassiker ins Dock 11
Hotel_ParadisoDie Puppen der Familie Flöz kommen wieder nach Berlin. Im Dock 11 zeigen sie noch einmal ihr „Hotel Paradiso“:
„Bizarres geschieht im traditionsreichen Hotel Paradiso, dem kleinen, von der Seniorchefin mühsam zusammengehaltenen
Familienbetrieb in den Bergen“, versprechen die Puppen-Theater-Künstler. Und im Nostalgie-Hotel ist einiges los: Das Dienstmädchen
bestiehlt die Gäste und der Koch zersägt nicht nur Schweinehälften ...
Foto: Marianne Menke

T A N Z P E R F O R M A N C E
Napoleon D. redanced
präsentiert von post theater
W I E D E R A U F N A H M E :
06. September 2012 bis 09. September 2012
im DOCK 11
http://www.zitty.de/napoleon-d-redanced.html
zitty Berlin
Napoleon D. redanced
TANZ - Avantgardetanz meets Youtube-Art meets Hollywood. Das alle Genregrenzen souverän sprengende Erfolgsprojekt des post
theaters kommt in leicht modifizierter Form zurück. Sechs Berliner Choreografen ließen sich von den Moves inspirieren, die unzählige
HipHopper, Discogänger und Nicht-Tänzer nach dem kuriosen Vorbild des vom High School-Außenseiter zum Hipster gewordenen
Napoleon Dynamite in dem gleichnamigen Film ins Netz stellten. Eintritt 10 Euro
Inhaltsangabe
Multimedialer Tanzabend. Das post theater remixt das erste You-Tube-basierte Tanzstück der Welt. Wieder geht es um Männlichkeit,
Komik, Peinlichkeit, Coolness und die Frage, wer den “besten Napoleon” tanzt.
http://www.tagesspiegel.de/kultur/tanztheater/7098612.html
Der Tagesspiegel
Napoleon D. redanced.
Sechs Berliner Choreografen ließen sich von Moves inspirieren, für die der vom High-School-Außenseiter zum Hipster gewordene
„Napoleon Dynamite“ im Youtube-Video kurioses Vorbild ist.

http://tanzraumberlin.de/index.php?article_id=418&clang=
Tanz Raum Berlin
Napoleon D. redanced / post theater
In ihrer Wiederaufnahme “Napoleon D. redanced” remixt post theater das YouTube-basierte Tanzstück. Wieder geht es um
Männlichkeit, Komik, Peinlichkeit, Coolness und die Frage, wer den „besten Napoleon” tanzt. Gemeint ist der Kult-Jugendliche aus dem
Film „Napoleon Dynamite”, der ein großer Hit auf YouTube wurde. Die Zuschauer sind die Casting Jury in dieser zeitgenössischen Tanz-
Show. Neu mit dabei: Daniel Kok aus Singapur.
06.-09.09.2012, DOCK 11
Tanz Raum Berlin Magazin
Film – die Zukunft des Tanzes?
Das Dock 11 zeigt Tanz in digitaler Transformation
Auf Vimeo, Youtube und anderen Netzplattformen ist der Tanz längst angekommen. Im September widmet sich nun auch das Dock
11 wieder fast ausschließlich dem einen Thema: der Verknüpfung von Medien und Tanz. Erst kommt eine erneuerte Version des
Erfolgsstücks “Napoleon D.” von post theater in die Kastanienallee. Dann folgt die 12. Ausgabe des Tanzfilmfestivals Pool. Und dann
erforscht die Recherchereihe Digitale Volkskunst auch noch, was die Kamera selbst an Bewegung drauf hat.
Text: Tom Mustroph
Tanz- und Theaterkritiker
“Wenn das Dock 11 das Geld und den nötigen PR-Apparat zur Verfügung gehabt hätte, dann könnte man den September als einen
kuratierten ‚Monat zum Thema Tanz und Medien‘ bewerben. So bleibt es nur eine zeitlich nahe Folge von thematisch verwandten
Projekten”, seufzt Max Schumacher. Der künstlerische Leiter der Kompanie post theater hat die Entwicklung der Projekte zum
Spielzeiteinstieg im Dock 11 genau mitverfolgt. Immerhin wirkte er als kuratorischer Begleiter im Hintergrund und ist an zwei von drei
Programmpunkten direkt beteiligt.
Der erste ist “Napoleon D. redanced”, ein Remix des Erfolgsstücks “Napoleon D.”. “Es ist unseres Wissens die erste Tanzperformance,
die sich direkt auf Youtube bezog und zugleich das mit 30 Vorstellungen meistgespielte Berliner Tanzstück aus dem Jahr 2008”,
freut sich Schumacher. Sechs Choreografen entwickelten anhand der Filmszenen eines ungelenk tanzenden amerikanischen Schülers
eigene Sequenzen zu den Themen Männlichkeit und Peinlichkeit, Coolness und Komik. Und bewegten sich damit weit außerhalb des
ansonsten eher elitär abgeschotteten Tanzfeldes.
Auch beim Tanzfilmfestival Pool weichen die Sparten auf. Max Schumachers post theater-Partnerin Hiroko Tanahashi ist als Jurymitglied
mit dabei und sichtete zusammen mit Elizabeth Markevitch und Arnd Wesemann 140 Filme, die in den letzten 12 Monaten entstanden
sind. Qualitätskriterium bei der Auswahl war, laut Schumacher, der das Festival mitorganisiert, der filmische Umgang mit Bewegung.
“Wir wollen nicht abgefilmte Tanzperformances. Interessanter ist der Umgang mit der Kamera beim Tanz bis hin zur Bewegung der
Kameras selbst.” Auch produktionsästhetische Unterschiede interessieren ihn. “In manchen Ländern, etwa Kanada und Australien, gibt
es extra Budgets für Tanzfilme. Daher kommen von dort auch technisch ausgefeiltere Produktionen. Und in Ländern wie Japan bieten
Tanzfilme sogar eine bessere Distributionsgrundlage als das Stück selbst, weil das Anmieten von Spielstätten verhältnismäßig teuer
ist.” Ausblick auf die japanische Szene soll denn auch eine Videoschaltung zu Naoto Lina liefern, der Gründungsdirektor eines Video-
Tanzfestivals in Japan ist.
Damit Berliner Choreografen die – im Vergleich zu anderen Ländern – nachteilige technische Infrastruktur ausgleichen und die
Vorzüge der aktiven lokalen Szene besser nutzen können, bietet Pool zusätzlich drei Workshops an. Darin will man sich mit grafischen
Softwares, Blue- und Greenscreen-Technologien sowie der Aufbereitung von Videos für mobile Endgeräte und dem Social Media-
Bereich beschäftigen.
Die Digitale Volkskunst schließlich widmet sich ganz den neuen Medien und erforscht, was da alles an Bewegung drinsteckt. Um
Fragen nach Urhebern und Rezipienten soll es gehen. Um Publikumsstrukturen, Aufmerksamkeit und Themensetzung. Schlicht
darum also, was der Kunst in der parallelen Netzwelt alles widerfährt. Geleitet wird das Projekt von Künstlern wie Jo Fabian und Tomi
Paasonen. Und von denen lassen wir uns gerne in neue Welten entführen.
Napoleon D. redanced
6.-9. September 2012
post theater
Pool 12
13.-16. September 2012
post theater
Digitale Volkskunst
20.-23. September 2012
post theater
Dock 11
www.dock11-berlin.de
http://www.qiez.de/mitte,prenzlauer-berg/veranstaltungen/perormance-im-dock-11/5306202
Das post theater remixt das erste You-Tube-basierte Tanzstück der Welt. Wieder geht es um Männlichkeit, Komik, Peinlichkeit, Coolness
und die Frage, wer den “besten Napoleon” tanzt.

F I L M
POOL 12 - Festival
Internationale TanzFilmPlattform Berlin
P R E M I E R E:
13. September 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
14. September 2012 bis 16. September 2012
im DOCK 11
http://www.filmlandschaft.net/2012/06/pool-12-internationale.html
POOL 12 - INTERNATIONALE TanzFilmPlattform BERLIN
Das Tanzfilmfestival POOL findet vom 13. bis 16. September 2012 im DOCK 11 in Berlin statt.
POOL ist eine seit 2007 jährlich wiederkehrende TanzFilmPlattform für jene Art von Tanzfilm, welcher Tanz nicht nur im klassischen
Sinn, als gefilmte Choreographie, dokumentiert, sondern welcher aus dem Zusammenspiel von Schnitt, Animation, Kreativität und
anderen Techniken aus dem Tanz einen Film schafft, welcher zu einem Gesamtkunstwerk geworden ist. Tanz nicht nur im klassischen
Sinne bedeutet auch, dass Filme willkommen sind, welche jegliche Form von Bewegungen einfangen und zu einer Choreographie im
Film werden lassen.
Zudem hat POOL keine Kategorien und es spielt keine Rolle, ob es ein Low oder High Budget Film ist, oder welchen Werdegang
der Künstler vor POOL hatte. Ziel ist es eine Plattform für Tänzer, Choreographen, Filmemacher, Regisseure, Künstler, Organisatoren
und alle Interessierten zu schaffen, welche Platz für einen gegenseitigen Erfahrungsaustausch, Entwicklung und Weiterbildung und
Präsentationsmöglichkeiten bietet.
Bewerben können sich alle Tänzer, Choreographen, Filmemacher, Regisseure, Künstler und Organisatoren mit Tanz- oder
Animationsfilmen.
Die Filme sollten eine Länge von 30 min nicht überschreiten und keine pure “Abfilmung” einer Choreografie sein.
Aus allen Einsendungen erstellt die Jury von POOL 12 ein Filmprogramm und wählt die Gewinnerfilme, die PEARLS 12, aus. Zusätzlich
zum Wettbewerbsprogramm bietet POOL diverse Programmpunkte, wie Workshops zum Thema Medien/Film/Tanz, Präsentationen,
Vorträge und Diskussionen.
http://www.berlin-projekt.org/blog/2012/06/21/open-call-pool-12-internationale-tanzfilmplattform-berlin/
POOL ist eine seit 2007 jährlich wiederkehrende TanzFilmPlattform für jene Art von Tanzfilm, welcher Tanz nicht nur im klassischen
Sinn, als gefilmte Choreographie, dokumentiert, sondern welcher aus dem Zusammenspiel von Schnitt, Animation, Kreativität und
anderen Techniken aus dem Tanz einen Film schafft, welcher zu einem Gesamtkunstwerk geworden ist. Tanz nicht nur im klassischen
Sinne bedeutet auch, dass Filme willkommen sind, welche jegliche Form von Bewegungen einfangen und zu einer Choreographie im
Film werden lassen. Zudem hat POOL keine Kategorien. Uns interessiert nicht ob es ein Low oder High Budget Film ist, oder welchen
Werdegang der Künstler vor POOL hatte. Ziel ist es eine Plattform für Tänzer, Choreographen, Filmemacher, Regisseure, Künstler,
Organisatoren und alle Interessierten zu schaffen, welche Platz für einen gegenseitigen Erfahrungsaustausch, Entwicklung und
Weiterbildung und Präsentationsmöglichkeiten bietet.
POOL is a recurring format for dance- and animation-film. The Aim is to create a platform for dancers, choreographers, directors,
artists, organizers and other interested people. POOL offers space for a mutual exchange of experiences, developing and advanced
training, and presentations prospects. It`s a platform for those kinds of films, which picture dance not as a simple documentation, but
more as a creative piece of art, using cuts and several other techniques for creation. We also like films which include every kind of nondance
movement in choreography. Moreover biographies of creators are less important or whether it`s a high or low budget film.
Screening: 13. – 16. September 2012 im DOCK 11
Workshops: 03. – 23. September 2012 im EDEN*****
DEADLINE: 14 . Juli 2012
Bewerbungen für POOL 12 ab sofort unter www.pool-festival.de
Applications for POOL 12 at www.pool-festival.de
Wettbewerbprogramm / competition / PEARLS
Aus allen Einsendungen erstellt die Jury von POOL 12 ein Filmprogramm und wählt die Gewinnerfilme, PEARLS 12 aus. Die PEARLS sind
die gleichberechtigten Siegerfilme der POOL- INTERNATIONALE TanzFilmPlattform BERLIN.
The POOL 12 jury is creating a film program and is selecting the winners PEARLS 12.
PEARLS are all winners of POOL – INTERNATIONALE TanzFilmPlattform BERLIN.
Rahmenprogramm / supporting program
Zusätzlich zum Wettbewerbsprogramm bietet POOL diverse Programmpunkte, wie Workshops zum Thema Medien/Film/Tanz,
Präsentationen, Vorträge und Diskussionen. Das genaue Programm von POOL 12 wird im Laufe der nächsten Zeit bekannt gegeben.
In addition to the competition, POOL offers a framework program with workshops, talks, showings and meetings about the topic
media/film/dance. Detailed information will be published soon.
Teilnahme / participation

Bewerben können sich alle Tänzer, Choreographen, Filmemacher, Regisseure, Künstler und Organisatoren mit Tanz- oder
Animationsfilm.
Die Filme sollten eine Länge von 30 min nicht überschreiten und keine pure „Abfilmung“ sein. Das heißt das gefilmte Material muss in
irgendeiner erdenkbaren Form bearbeitet, beschnitten, oder kreativ aufgearbeitet sein. Ausnahmen bilden Filme dessen „Abfilmung“
Teil des kreativen Happenings des Films sind und dies somit kreativ nutzen.
All dancers, choreographers, film-makers, artist and all interested people are able to apply with dance- or animation-film.
Films shouldn`t be longer than 30 min and also not only a documentation of a dance piece. That means the filmed material should be
edited in any way. Exceptions are films, which use the pure documentation as a part of the creative process.
Teilnahmeunterlagen / participation documents:
Per Post:
- ZWEI vollständig beschriftete DVDs (je eine Ansichts- und Vorführkopie) in den Formaten PAL oder NTSC
- das ausgefüllte Onlineformular ausgedruckt und unterschrieben
- 3 digitale Bilder, Minimum 300 dpi
- optional: Biografien, Videografien und wissenswerte Infos
Via mail (postal delivery):
- TWO full labeled DVDs (one for viewing and one for screening) in PAL or NTSC
- filled and signed online form in print
- 3 digital pictures, minimum 300 dpi
- your films as DVD (no other format!)
- optional: biography, video testimonies and useful information
http://tanzraumberlin.de/Film-Zukunft-Tanzes--435-0.html?id=55
Tanzraum Berlin
Film – die Zukunft des Tanzes?
Das Dock 11 zeigt Tanz in digitaler Transformation
Auf Vimeo, Youtube und anderen Netzplattformen ist der Tanz längst angekommen. Im September widmet sich nun auch das Dock
11 wieder fast ausschließlich dem einen Thema: der Verknüpfung von Medien und Tanz. Erst kommt eine erneuerte Version des
Erfolgsstücks “Napoleon D.” von post theater in die Kastanienallee. Dann folgt die 12. Ausgabe des Tanzfilmfestivals Pool. Und dann
erforscht die Recherchereihe Digitale Volkskunst auch noch, was die Kamera selbst an Bewegung drauf hat.
Text: Tom Mustroph
Tanz- und Theaterkritiker
“Wenn das Dock 11 das Geld und den nötigen PR-Apparat zur Verfügung gehabt hätte, dann könnte man den September als einen
kuratierten ‚Monat zum Thema Tanz und Medien‘ bewerben. So bleibt es nur eine zeitlich nahe Folge von thematisch verwandten
Projekten”, seufzt Max Schumacher. Der künstlerische Leiter der Kompanie post theater hat die Entwicklung der Projekte zum
Spielzeiteinstieg im Dock 11 genau mitverfolgt. Immerhin wirkte er als kuratorischer Begleiter im Hintergrund und ist an zwei von drei
Programmpunkten direkt beteiligt.
Der erste ist “Napoleon D. redanced”, ein Remix des Erfolgsstücks “Napoleon D.”. “Es ist unseres Wissens die erste Tanzperformance,
die sich direkt auf Youtube bezog und zugleich das mit 30 Vorstellungen meistgespielte Berliner Tanzstück aus dem Jahr 2008”,
freut sich Schumacher. Sechs Choreografen entwickelten anhand der Filmszenen eines ungelenk tanzenden amerikanischen Schülers
eigene Sequenzen zu den Themen Männlichkeit und Peinlichkeit, Coolness und Komik. Und bewegten sich damit weit außerhalb des
ansonsten eher elitär abgeschotteten Tanzfeldes.
Auch beim Tanzfilmfestival Pool weichen die Sparten auf. Max Schumachers post theater-Partnerin Hiroko Tanahashi ist als Jurymitglied
mit dabei und sichtete zusammen mit Elizabeth Markevitch und Arnd Wesemann 140 Filme, die in den letzten 12 Monaten entstanden
sind. Qualitätskriterium bei der Auswahl war, laut Schumacher, der das Festival mitorganisiert, der filmische Umgang mit Bewegung.
“Wir wollen nicht abgefilmte Tanzperformances. Interessanter ist der Umgang mit der Kamera beim Tanz bis hin zur Bewegung der
Kameras selbst.” Auch produktionsästhetische Unterschiede interessieren ihn. “In manchen Ländern, etwa Kanada und Australien, gibt
es extra Budgets für Tanzfilme. Daher kommen von dort auch technisch ausgefeiltere Produktionen. Und in Ländern wie Japan bieten
Tanzfilme sogar eine bessere Distributionsgrundlage als das Stück selbst, weil das Anmieten von Spielstätten verhältnismäßig teuer
ist.” Ausblick auf die japanische Szene soll denn auch eine Videoschaltung zu Naoto Lina liefern, der Gründungsdirektor eines Video-
Tanzfestivals in Japan ist.
Damit Berliner Choreografen die – im Vergleich zu anderen Ländern – nachteilige technische Infrastruktur ausgleichen und die
Vorzüge der aktiven lokalen Szene besser nutzen können, bietet Pool zusätzlich drei Workshops an. Darin will man sich mit grafischen
Softwares, Blue- und Greenscreen-Technologien sowie der Aufbereitung von Videos für mobile Endgeräte und dem Social Media-
Bereich beschäftigen.
Die Digitale Volkskunst schließlich widmet sich ganz den neuen Medien und erforscht, was da alles an Bewegung drinsteckt. Um
Fragen nach Urhebern und Rezipienten soll es gehen. Um Publikumsstrukturen, Aufmerksamkeit und Themensetzung. Schlicht
darum also, was der Kunst in der parallelen Netzwelt alles widerfährt. Geleitet wird das Projekt von Künstlern wie Jo Fabian und Tomi
Paasonen. Und von denen lassen wir uns gerne in neue Welten entführen.
Napoleon D. redanced
6.-9. September 2012

post theater
Pool 12
13.-16. September 2012
post theater
Digitale Volkskunst
20.-23. September 2012
post theater
Dock 11
www.dock11-berlin.de

nd, 13.09.12

taz, 13.09.12
zitty, Nr 19 / 2012, S. 59

P E R F O R M A N C E
URBANSCAPES 012
ein choreographischer Walk am Innsbrucker Platz
von Jörg Lukas Matthaei & Ingo Reulecke
P R E M I E R E:
14. September 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
15. September 2012 bis 23. September 2012
im Startpunkt am Innsbrucker Platz
http://www.tip-berlin.de/kultur-und-freizeit-theater-und-buehne/urbanscapes-012-ein-kollektiver-walk
Urbanscapes 012: ein kollektiver Walk
Vorfreude: Lukas Matthaei und Ingo Reulecke verlegen Thoreaus „Walden“ in die Stadtlandschaft am Innsbrucker Platz
Urbanscapes„Ich hatte in meiner Lebensweise vor anderen, welche nach Theater und Gesellschaft um Unterhaltung ausschauen
müssen, den Vorteil voraus, dass mein Leben selbst meine Unterhaltung war, die nie aufhörte, neu zu sein. Es war ein Drama mit
vielen Szenen und ohne Ende“, schrieb David Henry Thoreau in sein Tagebuch. 1854 veröffentlichte er die Gedanken, die er sich beim
Rückzug aus der Konsumgesellschaft der USA in seiner Blockhütte am See machte, unter dem Titel „Walden. Oder das Leben in den
Wäldern“.
Die Schriften Thoreaus ziehen im 20. Jahrhundert die unterschiedlichsten Menschen in ihren lebensphilosophischen Bann: Aussteiger,
Umweltschützer, Bürgerrechtler, Entwicklungspädagogen, Terroristen und John Cage. Für Cage war Thoreau vor allem ein großer
Musiker, der „nicht nach Boston zu gehen brauchte, um ein Sinfonieorchester zu hören“. Mit offenen Ohren für die Stimmen von
Wald und Natur, aber auch für die Störgeräusche moderner Zeiten. Thoreaus „Dramen“ sind ein Modus der bewussten (Natur-)
Wahrnehmung.
Der Regisseur Lukas Matthaei, Spezialist für urbane Projekte, und der Choreograf Ingo Reulecke nehmen den radikalen Individualisten
Thoreau zum Ausgangspunkt für einen kollektiven Walk, eine ortsspezifische Choreografie, die sich in die Stadtlandschaft rund um den
Innsbrucker Platz einfügt. „URBANSCAPES 012“ führt das Publikum vorbei am Flusstal der Stadtautobahn, das die Reste von Altbau-
Bestand durchschneidet, an Brandmauern und Idyllen zwischen den Bahngleisen. Eine Landschaft voll wechselnder Atmosphären, die
Matthaei/Reulecke mit Bewegungs- und Folklore-Chören, Tänzern und unsichtbarem Theater für den wandernden Blick inszenieren.
Dabei ist der Gang in die Natur nicht immer romantisch, aber immer auch politisch, schließlich hat David Henry Thoreau den Begriff des
zivilen Ungehorsams erfunden. Auch wenn sich der Schöneberger Asylbewerber-Container aus der Nachwendezeit mittlerweile in ein
Hostel für unkomplizierte Berlin-Besucher verwandelt hat.
http://www.zitty.de/urbanscapes-2.html
zitty Berlin
Visuelle Irritationen: Urbanscapes
Ein „choreografischer Walk“ geht rund um den Innsbrucker Platz auf Entdeckungstour
Die Natur des Menschen ist die gebaute Umwelt. Der Regisseur Jörg Lukas Matthaei und der Choreograf Ingo Reulecke wissen das.
Sie konfrontieren Texte des klassischen Zivilisationsflüchtlings Henry David Thoreau mit einem geführten Spaziergang rings um den
Innsbrucker Platz. „Wir haben uns bewusst für diese Gegend entschieden“, sagt Matthaei bei einem vorbereitenden Spaziergang,
„sie ist nicht so spektakulär und bereits von Performances überschrieben wie viele Gebiete im Ostteil der Stadt. Sie ist aber sehr
vielfältig. Hier treffen sich Autobahn und S-Bahnring als die Ströme unserer Zeit. Geht man jedoch nur einige Schritte weiter in die
Wohnquartiere, eröffnet sich eine völlig andere Welt.“
Und tatsächlich ist der Verkehrslärm, der am Innsbrucker Platz noch die Ohren durchspülte, fast völlig verschwunden, wenn man
sich von der Hauptstraße ins Netzwerk der kleineren Straßen begibt. Während Thoreaus schwärmerische Naturbeschreibungen per
Kopfhörer in den Gehörgang träufeln, verliert man sich beinahe in den dschungelartigen Bepflanzungen der Vorgärten.
Für visuelle Irritation sorgt ein Tänzer, der auf einer Brücke seinen Körper den horizontalen Linien des Geländers angleicht. An einer
Kreuzung wiederum werfen sich Menschen zu Boden. „Wir nehmen die Bewegungen auf, die in den 50er-Jahren in den USA als
Verhaltensweisen bei Atombombenangriffen propagiert wurden“, erklärt Matthaei.
Darin spiegelt sich die Geschichte eines der ersten Objekte auf dem Spaziergang wider. Das in den 50er-Jahren in der Hauptstraße
92/93 errichtete Hochhaus galt seinerzeit als das erste atombombensichere Hochhaus West-Berlins. Der Bau löste heftige mediale
Schlachten zwischen Ost und West aus. Detonationszonen wurden vom Epizentrum Hauptstraße aus bestimmt.
Die Debatte zeichnet das Künstlerteam mit einer Installation im Haus gegenüber nach. Die radikale und zivilisationskritische
Naturbezogenheit Thoreaus laden Matthaei und Reulecke schließlich mit der Komplettabsage von Ted Kaczynski an die gegenwärtige
Gesellschaft auf. Der frühere Mathematiker zog sich als „Unabomber“ in eine Hütte in Montana zurück und versuchte mit Briefbomben
an Universitäten und Fluglinien den wissenschaftlich-technischen Fortschritt aufzuhalten. Zwar hätte der eine oder andere Architekt der
Häuser im Kiez durchaus mehr Sorgfalt und weniger industrielle Strenge walten lassen können. Aber dem etwa zweieinhalbstündigen
Gang überrascht doch die Vielzahl der schönen Details, die ins durch die Performances geschärfte Auge fallen. „Die Kunst besteht
darin, die Wahrnehmung zu ändern“, meint Matthaei. Das gelingt ihm und seinem Team gut.
http://www.taz.de/1/berlin/tazplan-kultur/artikel/?dig=2012%2F09%2F19%2Fa0159&cHash=6ff0a660e42753f0490232b0a5c1d018/
taz
Unter Brücken und in Schöneberger Hütten
ERKUNDUNG Auf den Spuren von Henry David Thoreau, John Cage und der Atombombe: In “Urbanscapes” werden die Besucher auf

einen choreografischen Walk rund um den Innsbrucker Platz geschickt
Dieser Treffpunkt hätte John Cage sicher gut gefallen: Unter der Autobahnbrücke am Innsbrucker Platz rauscht der Feierabendverkehr
gleichmäßig von oben, rechts daneben auf der Hauptstraße hupen die Busfahrer die Fußgänger an, die bei rot über die Ampel hetzen,
dahinter hört man entfernt die Ringbahn quietschen. Und wenige Schritte weiter steht man in einem Rosengarten, immer noch von
Lärm umrauscht.
Der Komponist John Cage, der vor 100 Jahren geboren wurde, ist einer der Ideengeber für “Urbanscapes”, einen choreografischen
Walk von drei Stunden Länge rund um den Innsbrucker Platz. Der andere ist Henry David Thoreau, US-amerikanischer Schriftsteller und
Philosoph des 19. Jahrhunderts, dessen Gang in die Natur und Konzept des “zivilen Widerstands” regelmäßig Anknüpfungspunkte
findet. Auch Cage beschäftigte sich mit Thoreau und verfasste 1972 das Stück “Mureau”, bei dem Fragmente aus “Walden” rezitiert
werden.
“Wir fragten uns, wie wir die Triebkräfte und den Widerstandsgeist der romantischen Natursehnsucht aufnehmen können, um die
Wahrnehmung unserer heutigen Stadt-Landschaft zu gestalten”, beschreiben die beiden Stückentwickler, der Regisseur Jörg Lukas
Matthaei und der Choreograf Ingo Reulecke, die Intention ihrer Arbeit. Es geht ihnen um einen Perspektivwechsel der alltäglichen
Wahrnehmung, einer Erfahrung des Naturhaften im Urbanen. Nach vielen Recherchen haben sie diese Ecke Schönebergs dafür als
geeignet befunden.
Mit Funkkopfhörern
Mit Funkkopfhörern ausgestattet, folgen die Besucher einem Guide, der einen roten Pfeil in die Höhe hält. Man hört Musik von Cage,
dazwischen immer wieder Zitate Thoreaus und von Menschen, die seine Ideen auf ganz unterschiedliche Weise verwendeten. Dazu
gehört der “Unabomber” Ted Kaczynski, der die USA in den achtziger und neunziger Jahren per Briefbombenattentaten zurück ins
vorindustrielle Zeitalter katapultieren wollte und wie Thoreau wie ein Eremit in einer Waldhütte lebte.
Die Montage der Gedanken lässt kaum Raum für genießende, sinnliche Erfahrung. Hinzu kommt, dass die historischen Schichten des
belaufenen Viertels eine zusätzliche Ebene einbringen, die weniger beschaulich als schwer verdaulich ist: Der Walk geht zu einem bunt
angestrichenen Hostel, in dem einst ein Asylbewerberheim untergebracht war, und beobachtet aus der Ferne ein 1957 errichtetes
Hochhaus, das den Bewohnern einst als “atombombensicher” angepriesen wurde.
Wirklich entrückend ist die Tour weniger in ihren vielstimmigen Verweisen, die man nur schwer zusammenbringt, als in der gelungenen
Performance der Tänzer, vor allem der beiden virtuos agierenden Protagonisten Katharina Meves und Franz Rogowski. Die Tänzer
schleichen so zufällig um die Besucher herum, dass es selbst dem geschulten Auge schwerfällt zu erkennen, wann die Wirklichkeit
zur Bühne wird. Ist der Mann mit der Einkaufstüte oder die schlafende Frau auf der Parkbank schon Teil des Stücks? Nach und
nach nehmen sie Motive des Gehörten in ihre Bewegungen auf - etwa wenn Rogowski als Individuum im Grenzzustand an der
Autobahnbrücke turnt. Auch wenn man nicht jede Szene einzuordnen versteht, sind sie alle schön anzusehen. Und mindestens
der Schluss der Veranstaltung ist absolut leicht verdaulich, wenn die Tänzer die Besucher in “Shins Karaoke” entführen, eine echte
Schöneberger Hütte.
JESSICA ZELLER
http://www.neues-deutschland.de/artikel/239336.stadtspaziergang-der-kulturellen-art.html
Von Anouk Meyer 22.09.2012 Berlin / Brandenburg
Stadtspaziergang der kulturellen Art
»Urbanscapes« am Innsbrucker Platz
Gut zu Fuß sein sollte man schon für den Stadtspaziergang rund um den Innsbrucker Platz: Drei Stunden lang schlendert die Gruppe
durch kleine Straßen, über Autobahnbrücken, durch Parks, macht ab und zu Pause und guckt bei Performances oder Musikeinlagen
zu. Unter dem Titel »urbanscapes - die hütte, die stadt und der toteissee« haben Regisseur Jörg Lukas Matthaei und Choreograph
Ingo Reulecke ihren dritten »choreographischen Walk« inszeniert, der die Schriften des Zivilisationsflüchtlings Henry Thoreau zum
Ausgangspunkt nimmt.
Wichtigstes Requisit dabei ist, neben bequemen Schuhen, ein Funkkopfhörer, den jeder Teilnehmer zu Anfang auf die Ohren gedrückt
bekommt. Übertragen wird von einer Art Fahrraddroschke mit Anlage, von der Textauszüge und Musik direkt gesendet werden. So
läuft man zu dramatisch dräuenden Klängen (Musik: Klaus Janek) durch ruhige Straßen, vorbei an hübschen Altbauten samt Vorgärten,
wo eine Frau Vogelbeeren auf einer Mauer auslegt und ein Paar einen Kronleuchter betastet. Hin und wieder stoppt die ganze Meute,
um eine der Tanzperformances zu beobachten: Da windet sich ein Tänzer um das Geländer einer Autobahnbrücke, mehrere Darsteller
inszenieren an einer Kreuzung eine Verfolgungsjagd, ein Paar balgt sich auf einem Bolzplatz. Poetisch werden diese Einlagen in der
Dämmerung, wenn die Tänzer nur noch Schatten sind, sichtbar durch Taschenlampen oder Lichterketten. Dazu sickern konsum- bzw.
wissenschaftskritische Texte von Thoreau, vom »Unabomber« Ted Kaczynski und von RAF-Terrorist Holger Meins ins Ohr, ab und zu
auch Störgeräusche, kratziges Violinspiel oder ein Stück von John Cage.
Nicht alles an diesem Spaziergang ist nachvollziehbar, irgendwann schweifen die Gedanken ab und man beginnt, auf Details zu achten
- in dem wie eine bunte Musterhaussiedlung gestalteten Hostelkomplex zum Beispiel, in dem früher Asylbewerber untergebracht
waren, oder vor dem ersten als »atombombensicher« propagierten Hochhaus Westberlins, zu dem in der Videothek gegenüber
so erschreckende wie naive Filme gezeigt werden. Am Ende versammelt man sich noch in einer kleinen Karaokebar zu Bier und
Schmalzstullen. Die Stimmung ist heiter. Denn auch wenn einiges künstlich mit Bedeutung aufgeladen scheint, ist der Walk doch eine
gute Gelegenheit, den seltsam zerschnittenen Kiez um den Innsbrucker Platz einmal mit neuen Augen zu sehen.
http://www.tagesspiegel.de/kultur/tanz-walk/7131314.html
Der Tagesspiegel
TANZ-WALK
Die Gegend um den Innsbrucker Platz aus dem Blickwinkel der Performancekunst. Mittels Naturbeschreibungen des Weltflüchters
Thoreau wird die Autobahn zum rauschenden Wildbach, die Vorgärten mutieren zum Dschungel. Ein choreografischer Spaziergang von
Jörg Lukas Matthaei und Ingo Reulecke (Ticket-Tel.: 35 12 03 12).

tanzraumberlin September / Oktober 2012
künstlerstimme
Vom Toteissee
zum Innsbrucker Platz
Ein Choreograf und ein Regisseur
auf der Suche nach neuen urbanen
Perspektiven
Ingo Reulecke und Lukas Matthaei geht’s in
ihrer neuesten Arbeit um den Blick dahinter.
Um das, was Künstler wie John Cage oder
Aktivisten wie Henry David Thoreau umtrieb,
als sie be gannen, sich mit den Gegebenheiten
ihres Lebens umfelds zu beschäftigen. Unter dem
Namen muvingstudies entwickeln Reulecke und
Matthaei seit über zehn Jahren interdisziplinäre
Projekte. Mit „urban scapes“ beschäftigt sie nun
die Frage, ob wir das Umfeld, in dem wir leben,
überhaupt noch wahrnehmen.
Urbane Idylle - Ingo Reulecke und Lukas Matthaei sehen sich die Stadt genau an
Perspek tivwechseln und der Schönheit des Details.
Nach etwas, das ähnliche Effekte bei uns Stadtflaneuren
auslösen könnte, wie die Wanderung durch
eine Naturlandschaft.
Foto: Carlos Bustamante
Teil des offenen „Scores“ werden. Eine Vielfalt
von Körpern und Stimmen, welche die Umrisse
und Untiefen von Thoreaus Aufenthalt an seinem
Toteissee mitten in Berlin ausloten will.
Text: Ingo Reulecke – Tänzer und Choreograf
Lukas Matthaei – Regisseur
Der US-Amerikaner Henry David Thoreau
beschreibt 1854 in „Walden. Oder das Leben in
den Wäldern“ seinen zweijährigen Aufenthalt in
einer selbstgebauten Hütte am See. An dem so
genannten Toteissee kommt er zu dem Schluss,
dass es zwar eines ist, als Künstler ein paar schöne
Werke zu schaffen. Etwas gänzlich anderes und
möglicherweise erstrebenswerteres aber, den Blick
auf seine Umwelt zu schärfen. Jahre später erklärt
John Cage während eines New York-Aufenthaltes,
dass ihn der Verkehrslärm in der Stadt fast mehr
inspiriere, als das, was im gängigen Sinne Musik
genannt wird. Für unsere neue Produktion „urban
scapes“ haben wir durch die Folien von Henry
David Thoreau und John Cage geschaut und vor
einem Jahr begonnen, einen kollektiven „Walk“ zu
entwickeln. Daraus entstanden ist eine ortsspezifische
Choreografie und offene Inszenierung für die
Stadtlandschaft rund um den Innsbrucker Platz.
Ausgangspunkt war die Frage, wie sich Triebkräfte
und Widerstandsgeist der romantischen Natursehnsucht
aufnehmen lassen, um die Wahrnehmung
unserer heutigen Landschaft – der Stadt
– anders zu gestalten. Anstatt ins vermeintlich
Unberührte zu fliehen, suchen wir in der urbanen
Umwelt nach Überraschungen, plötzlichen
muvingstudies
urban scapes –
die hütte, die stadt und der toteissee
14.-16. und 21.-23. September 2012
Unter Autobahnbrücke am Innsbrucker Platz
www.matthaei-und-konsorten.de
Nach Recherche-Trips durch unterschiedlichste
Berliner Areale sind wir irgendwann am Innsbrucker
Platz gelandet und haben uns auf eigentümliche
Weise in die Gegend verguckt: In einen Ort,
an dem das Flusstal der Stadtautobahn die Reste
von Altbaubestand durchschneidet, wo Brandmauern
auf Gräber aus den letzten Kriegstagen blicken,
wo plötzliche Idyllen zwischen verlassenen
Bahngeleisen aufbrechen, wo das „atombombensichere
Hochhaus“ aus den 50ern grüßt und die
Asylbewerbercontainer der Nachwendezeit sich
in ein Hostel für „unkomplizierte Berlinbesucher“
verwandelt haben. Alle paar Schritte eröffnen sich
dem Blick neue Atmosphären. In dieser gänzlich
unspektakulären Gegend wird Berlin fernab vom
Hype generisch. Es könnte fast jede (west-)deutsche
Stadt sein – und dadurch werden manche
Strukturen klarer.
Gleichzeitig ist der Gang in die Natur auch immer
ein politischer: Thoreau beispielsweise baut sich
1845 seine Hütte am Waldensee, um aus der
Distanz zur Stadt und in größtmöglicher Vereinfachung
seines Lebens einen klaren Blick auf
die Überwucherungen menschlichen Lebens durch
Arbeit und Konsum zu gewinnen. Wie wenig
braucht ein Mensch, um durchzukommen, um
Zeit und Energie für „höhere“ Beschäftigungen
oder das schlichte Faulenzen aufzusparen? Welche
Automatismen und „Notwendigkeiten“ von
Erwerb und Gemeinschaft halten uns davon ab,
endlich das „richtige“ Leben zu führen, das doch
fortwährend aufgeschoben wird?
Mit Tänzern und Musikern erforschen wir die
Möglichkeiten, die zwischen offensiver Intervention
und subtiler Manipulation des Realen liegen.
Gemeinsam und mit weiteren Akteuren – unter
anderem Folklore-Enthusiasten, die entlang des
Weges auftauchen – sollen auch die Besucher
1 — FoREIgN
2 — AFFAIRS
3 — 2012
4 — INTERNATIoNALES FESTIvAL
FüR ThEATER uND
PERFoRmATIvE KüNSTE
5 — 28.09. – 26.10.2012
6 — BERLINER FESTSPIELE
7 —
8 — FEDERIco LEÓN
17 — KyohEI SAKAguchI
26 — mARINo FoRmENTI
33 — BRETT BAILEy
41 — DAISuKE mIuRA
48 — ANDcomPANy&co.
54 — BoRIS chARmATz
62 — ERNA ÓmARSDÓTTIR
70 — mARKuS ÖhRN / INSTITuTET /
NyA RAmPEN
83 — cEcILIE uLLERuP SchmIDT /
mATThIAS mEPPELINK
89 — Fc BERgmAN
96 — ANNE TERESA
DE KEERSmAEKER
105 — mART KANgRo
117 — mANu RIchE /
PATRIcK mARNhAm
123 — RoDRIgo gARcíA
130 — FERNANDo RuBIo
137 — yEESooKyuNg
144 — FABIAN hINRIchS
151 — RomEo cASTELLuccI
179 — 030 254 89 100
180 — WWW.BERLINERFESTSPIELE.DE
september/oktober 2012 tanzraumberlin 13
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P E R F O R M A N C E
DIGITALE VOLKSKUNST
ein Rechercheprojekt
von DOCK 11, Jo Fabian, Johanna Lemke und Tomi Paasonen
P R E M I E R E:
20. September 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
21. September 2012 bis 23. September 2012
im DOCK 11
http://tanzraumberlin.de/Film-Zukunft-Tanzes--435-0.html?id=55
Tanzraum Berlin
Film – die Zukunft des Tanzes?
Das Dock 11 zeigt Tanz in digitaler Transformation
Auf Vimeo, Youtube und anderen Netzplattformen ist der Tanz längst angekommen. Im September widmet sich nun auch das Dock
11 wieder fast ausschließlich dem einen Thema: der Verknüpfung von Medien und Tanz. Erst kommt eine erneuerte Version des
Erfolgsstücks “Napoleon D.” von post theater in die Kastanienallee. Dann folgt die 12. Ausgabe des Tanzfilmfestivals Pool. Und dann
erforscht die Recherchereihe Digitale Volkskunst auch noch, was die Kamera selbst an Bewegung drauf hat.
Text: Tom Mustroph
Tanz- und Theaterkritiker
“Wenn das Dock 11 das Geld und den nötigen PR-Apparat zur Verfügung gehabt hätte, dann könnte man den September als einen
kuratierten ‚Monat zum Thema Tanz und Medien‘ bewerben. So bleibt es nur eine zeitlich nahe Folge von thematisch verwandten
Projekten”, seufzt Max Schumacher. Der künstlerische Leiter der Kompanie post theater hat die Entwicklung der Projekte zum
Spielzeiteinstieg im Dock 11 genau mitverfolgt. Immerhin wirkte er als kuratorischer Begleiter im Hintergrund und ist an zwei von drei
Programmpunkten direkt beteiligt.
Der erste ist “Napoleon D. redanced”, ein Remix des Erfolgsstücks “Napoleon D.”. “Es ist unseres Wissens die erste Tanzperformance,
die sich direkt auf Youtube bezog und zugleich das mit 30 Vorstellungen meistgespielte Berliner Tanzstück aus dem Jahr 2008”,
freut sich Schumacher. Sechs Choreografen entwickelten anhand der Filmszenen eines ungelenk tanzenden amerikanischen Schülers
eigene Sequenzen zu den Themen Männlichkeit und Peinlichkeit, Coolness und Komik. Und bewegten sich damit weit außerhalb des
ansonsten eher elitär abgeschotteten Tanzfeldes.
Auch beim Tanzfilmfestival Pool weichen die Sparten auf. Max Schumachers post theater-Partnerin Hiroko Tanahashi ist als Jurymitglied
mit dabei und sichtete zusammen mit Elizabeth Markevitch und Arnd Wesemann 140 Filme, die in den letzten 12 Monaten entstanden
sind. Qualitätskriterium bei der Auswahl war, laut Schumacher, der das Festival mitorganisiert, der filmische Umgang mit Bewegung.
“Wir wollen nicht abgefilmte Tanzperformances. Interessanter ist der Umgang mit der Kamera beim Tanz bis hin zur Bewegung der
Kameras selbst.” Auch produktionsästhetische Unterschiede interessieren ihn. “In manchen Ländern, etwa Kanada und Australien, gibt
es extra Budgets für Tanzfilme. Daher kommen von dort auch technisch ausgefeiltere Produktionen. Und in Ländern wie Japan bieten
Tanzfilme sogar eine bessere Distributionsgrundlage als das Stück selbst, weil das Anmieten von Spielstätten verhältnismäßig teuer
ist.” Ausblick auf die japanische Szene soll denn auch eine Videoschaltung zu Naoto Lina liefern, der Gründungsdirektor eines Video-
Tanzfestivals in Japan ist.
Damit Berliner Choreografen die – im Vergleich zu anderen Ländern – nachteilige technische Infrastruktur ausgleichen und die
Vorzüge der aktiven lokalen Szene besser nutzen können, bietet Pool zusätzlich drei Workshops an. Darin will man sich mit grafischen
Softwares, Blue- und Greenscreen-Technologien sowie der Aufbereitung von Videos für mobile Endgeräte und dem Social Media-
Bereich beschäftigen.
Die Digitale Volkskunst schließlich widmet sich ganz den neuen Medien und erforscht, was da alles an Bewegung drinsteckt. Um
Fragen nach Urhebern und Rezipienten soll es gehen. Um Publikumsstrukturen, Aufmerksamkeit und Themensetzung. Schlicht
darum also, was der Kunst in der parallelen Netzwelt alles widerfährt. Geleitet wird das Projekt von Künstlern wie Jo Fabian und Tomi
Paasonen. Und von denen lassen wir uns gerne in neue Welten entführen.
Napoleon D. redanced
6.-9. September 2012
post theater
Pool 12
13.-16. September 2012
post theater
Digitale Volkskunst
20.-23. September 2012
post theater
Dock 11
www.dock11-berlin.de
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http://www.zitty.de/digitale-volkskunst.html
zitty Berlin
Digitale Volkskunst
Inhaltsangabe
Ein Rechercheprojekt. Hat sich Volkskunst teilweise ins Netz verlagert? Wie definieren wir sie? Was sagt sie über die Urheber und
Rezipienten aus? Könnte dies auch die künstlerische Produktion beeinflussen? Die Ergebnisse werden als Installation, im Gespräch und
als Performance präsentiert.
Zuerst war es eine Filmszene, die millionenfach angeklickt auf Youtube zum Kultclip avancierte. Dann wurde der Tanz eines
ungelenken Nerds aus dem US-Film „Napoleon Dynamite“ für die Gruppe posttheater zur Inspiration einer seriellen choreografischen
Auseinandersetzung im Dock 11. Mit der Wiederaufnahme von „Napoleon D.“ hat die Tanzbühne im September einen Monat des
interaktiven Stromerns an den Rändern von digitaler und Live-Performance begonnen. Nun kulminiert das Ganze in der Recherche- &
Performance-Reihe „Digitale Volkskunst“.
„Es ist unglaublich, was sich auf Plattformen wie Youtube ereignet“, sagt Dock-11-Chefin Kirsten Seeligmüller. „Eine weltweite Szene
von Tänzern, Musikern und Laien, die sich aufeinander bezieht, voneinander beeinflussen lässt und sich wechselseitig zu überbieten
versucht, ist dort entstanden. Es handelt sich um eine neue Art von Volkskunst.“ Um dieses Feld weiter zu erkunden, hat das Dock 11
die Choreografen Jo Fabian und Tomi Paasonen sowie die Performerin Johanna Lemke eingeladen, eigene Recherchen anzustellen und
diese dann wieder in ein Kunstprodukt zu transformieren.
Während Paasonen eine Installation konzipierte, bleiben Fabian und Lemke ihrem performativen Herkunftsfeld treu, setzen dabei aber
neue Akzente. Fabian etwa betätigt sich im Speedpainting, einer Technologie des digital beschleunigten Malens, das er in Beziehung zu
einer real anwesenden Tänzerin setzt. „Wir beginnen mit dem Bild einer Frau, die am Tisch sitzt und wartet. Die Bilder, die im Rhythmus
der Musik eines Schlagzeugers aufeinanderfolgen, erzählen die geträumte Reise dieser Frau, während sie am Tisch sitzen bleibt“,
erläutert Fabian. Johanna Lemke hingegen lässt Avatare eine Konferenz über Stars der Youtube-Szene veranstalten. Einzelne Projekte
werden vorgestellt, aber auch das Phänomen der Berühmtheit für mindestens 15 Internetnutzer diskutiert.
„Digitale Volkskunst“ setzt sich mit dem Verhältnis des Digitalen zum körperlich Realen auseinander. Das Projekt stellt zudem einen
Kontakt zwischen der Berliner Tanz avantgarde und der globalen digitalen Popkultur von unten her. Das ist ein durchaus reizvolles
Vorhaben – und vielleicht der Auftakt zu einem ganz neuen Betätigungsfeld. Tom Mustroph

http://www.neues-deutschland.de/artikel/238976.fusion-des-digitalen-mit-dem-koerperlichen.html
Von Tom Mustroph
19.09.2012
Berlin / Brandenburg
Fusion des Digitalen mit dem Körperlichen
Recherche- und Performance-Reihe »Digitale Volkskunst« im Dock 11
Man vergisst ja gern, dass es einen kleinen, aber sehr bedeutsamen Berührungspunkt zwischen dem Virtuellen und dem Realen gibt.
Und der wird durch den Finger, lateinisch Digitus, und damit Namensgeber des uns umrauschenden Digitalen, bezeichnet. Ohne den
Finger, der über Touchscreens und Tastaturen wandert, der auf Fernbedienungen drückt und dessen individuelle Papillarstruktur bei
biometrisch gesicherten Anlagen Zugang gewährt oder verweigert, wäre die ganze Welt aus Nullen und Einsen nicht zugänglich für
uns.
Dem Phänomen der Körperlichkeit im digitalen Raum widmet sich nun auch die Recherche- und Performance-Reihe »Digitale
Volkskunst« im Dock 11. Sie eröffnet zugleich ein neues Experimentierfeld, was ein typischer Ausdruck der permanenten Neugier und
Erprobungslust der beiden Betreiberinnen dieser Spielstätte ist.
»Es ist unglaublich, was sich auf Plattformen wie Youtube ereignet. Eine weltweite Szene von Tänzern, Musikern und Laien, die sich
aufeinander beziehen, voneinander beeinflussen lassen und sich wechselseitig zu überbieten versuchen, ist dort entstanden. Es handelt
sich um eine neue Art von Volkskunst. Und wir wollen dieses Feld erkunden«, beschreibt Kirsten Seeligmüller vom Dock 11 den
Ausgangpunkt des aktuellen Unternehmens. Gemeinsam mit ihrer Partnerin Wibke Janssen hat sie die beiden Choreographen Jo Fabian
und Tomi Paasonen sowie die Performerin Johanna Lemke gewonnen, eigene Recherchen zu Tanzformaten von Profis und Laien im
Internet anzustellen und diese dann wieder in ein Kunstprodukt zu transformieren.
Jo Fabian etwa betätigt sich im Speedpainting, einer Technologie des digital beschleunigten Malens, das er in Beziehung zu einer real
anwesenden Tänzerin setzt. »Wir beginnen mit dem Bild einer Frau, die am Tisch sitzt und wartet. Die Bilder, die im Rhythmus der
Musik eines Schlagzeugers aufeinanderfolgen, erzählen die geträumte Reise dieser Frau, während sie am Tisch sitzen bleibt«, erläutert
Fabian. Das Reale ist hier allerdings nicht nur das Statische, wie es angesichts der Frau erscheinen könnte. Der ebenfalls live auf der
Bühne befindliche Schlagzeuger gibt schließlich den Rhythmus der projizierten Bildsequenzen vor und beeinflusst das Digitale. Es
entsteht ein real-digitales Triptychon aus Musiker, Projektionsfläche und Performerin.
Johanna Lemke führt digitale Körper in einen Theaterraum ein. Sie lässt Avatare eine Konferenz über Stars der Youtube-Szene
veranstalten. Einzelne Projekte werden vorgestellt. »Wir reden aber auch über das abgewandte Warhol-Zitat über die Berühmtheit. ›Im
Internet hat jeder die Chance, für mindestens 15 User berühmt zu werden‹, lautet es«, erläutert Lemke.
Und Tomi Paasonen schließlich baut mit Zuschauern aus Fäden ein Netzwerk. »Ich möchte den Beteiligungscharakter des Internets
darstellen und gleichzeitig eine handwerkliche Komponente einfügen«, erzählt er. »Digitale Volkskunst« lotet nicht nur das Verhältnis
des Digitalen mit dem körperlich Realen aus. Sie stellt zudem einen Kontakt zwischen der Berliner Tanzavantgarde und der globalen
digitalen Popkultur von unten her. Das ist ein durch und durch reizvolles Vorhaben - und vielleicht der Auftakt zu einem ganz neuen
Betätigungsfeld.
20.-23.9., 20.30, Dock 11
http://www.berlin.de/events/2717188-2229501-digitale-volkskunst-im-dock-11.html
“Digitale Volkskunst” im Dock 11
20. bis 23. September 2012
Die Künstler Johanna Lemke, Tomi Paasonen und Jo Fabian untersuchen den Neologismus “digitale Volkskunst”. Es geht um
Definitionen, Vergleiche und Entdeckungen.
Was sagen Beiträge digitaler Volkskunst über die Urheber und Rezipienten aus? Welche Kompetenzen entwickeln sich dabei? Gibt es
neue Erkenntnisse über Publikum, Aufmerksamkeit, Themen, etc.?
Die Digitale Volkskunst bezieht sich nicht nur auf YouTube, sondern schließt auch Sound / Musik, Bildende Kunst / digitale
Volkskunstgalerien, Literatur / Fanfiction und andere Literaturseiten, Darstellende Kunst / Tanz / Performance / Site Specifc Aktionen,
Karikatur / Satire / Comics sowie Film mit ein.
Die Ergebnisse werden als Installation, im Gespräch und als Performance präsentiert.
http://www.blindad.de/events/Berlin_digitale-volkskunst-ein-rechercheprojekt-von-dock-11-jo-fabian-johanna-lemke-und-tomipaasonen_372142.php
DIGITALE VOLKSKUNST - ein Rechercheprojekt von DOCK 11, Jo Fabian, Johanna Lemke und Tomi Paasonen
Die Künstler Johanna Lemke, Tomi Paasonen und Jo Fabian untersuchen den Neologismus „digitale Volkskunst“. Es geht um
Definitionen, Vergleiche und Entdeckungen. Was sagen Beiträge digialer Volkskunst über die Urheber und Rezipienten aus? Welche
Kompetenzen entwickeln sich dabei. Gibt es neue Erkenntnisse über Publikum, Aufmerksamkeit, Themen, etc. Gibt es Einfluss auf
die künstlerische Produktion? Die Digitale Volkskunst bezieht sich nicht nur auf YOUTUBE, sondern schließt auch Sound / Musik,
Bildende Kunst / digitale Volkskunstgalerien, Literatur / Fanfiction und andere Literaturseiten, Darstellende Kunst / Tanz / Performance
/ Site Specifc Aktionen, Karikatur / Satire / Comics sowie Film mit ein. Die Ergebnisse werden als Installation, im Gespräch und als
Performance präsentiert.

H Ö R S P I E L
BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL
2012
Das Festival des Freien Hörspiels
P R E M I E R E:
28. September 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
29. September 2012 bis 30. September 2012
im DOCK 11
http://hoerspielkritik.de/?p=2219
Das Berliner Hörspielfestival bietet einen faszinierenden Einblick in die vielfältige freie Hörspiel-Szene, in der sowohl Hörspiel-Amateure
als auch erfahrene Profis vertreten sind. Weit mehr als hundert Hörspiele, Features, Sound- und Sprachexperimente aus dem ganzen
deutschsprachigen Raum sind eingesandt worden und konkurrieren in drei Wettbewerben um die begehrten Trophäen und Sachpreise.
Das freie Hörspiel braucht sich an keine (Sende-) Konventionen zu halten, an keine technischen Standards, an keinen wohltemperierten
Schauspielerton, an keine tradierten Ästhetiken. Selbst Stille ist erlaubt. Trotzdem – oder vielleicht auch deswegen – haben es schon
einige Stücke und Autoren des Berliner Hörspielfestivals ins Radio geschafft.
Wer als freier Hörspielmacher dennoch das Rad nicht immer wieder neu erfinden will, hört im Beiprogramm (bei freiem Eintritt) eine
kleine Mediengeschichte des Hörspiels in zehn Missverständnissen von Jochen Meißner an oder lässt sich von Wittmann und Zeitblom
erklären, wie man in Kenntnis der Tradition das Hörspielrad um ein bis zwei Umdrehungen weiterdrehen kann.
BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL 2012 - das Festival des Freien Hörspiels
VERANSTALTER
Berliner Hörspielfestival E.V.
ORT
DOCK 11 (Kastanienallee 79 / 10435 Berlin)
FESTIVALZEITEN
Freitag, 28.09.2012 bis Sonntag, 30.09.2012
jeweils ca. 19.00 Uhr bis ca. 23.30 Uhr
FESTIVALPROGRAMM UND WEITERE INFOS
http://www.berliner-hoerspielfestival.de
http://de-de.facebook.com/pages/Berliner-Horspielfestival/14...
TICKETS
ticket@dock11-berlin.de
030-35120312
http://www.xing.com/net/hoerbuchclub/horbuchpreise-auszeichnungen-192715/berliner-horspielfestival-2012-das-festival-des-freienhorspiels-41584760
Das BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL 2012 - Das Festival des Freien Hörspiels – geht in die vierte Runde.
Das Festival bietet dabei einen faszinierenden Einblick in eine vielfältige Independent-Hörspiel-Szene, in der sowohl Hörspiel-Amateure
als auch erfahrene Profis vertreten sind. Jedes Jahr werden über 100 Hörspiele, Features, Sound- und Sprachexperimente aus
Deutschland, Österreich und der Schweiz zum Festival eingeschickt.
Die präsentierten Hörstücke müssen ohne redaktionelle Hürden und Instanzen und/oder in Eigenverantwortung der Macherinnen
und Macher produziert worden sein. Stücke entstehen, sobald sie jemand machen will – nichts bleibt in der Schublade. Somit gibt es
keine Konventionen, keine Qualitätsgarantien, keine Tabus. Freies Hörspiel kann pures Abenteuer bedeuten. Top oder Flop – subjektiv,
psychotisch oder einfach genial.
Highlight des Programms ist die Präsentation der ausgewählten Hörstücke des diesjährigen Wettbewerbs im Dock 11 am letzten
Septemberwochenende 2012:
Am Samstagabend wählt das Publikum den Sieger des “KURZEN BRENNENDEN MIKROS”, den Kurzhörspielpreis mit Hörspielen bis 20
Minuten Länge. Der Langhörspielpreis, das “LANGE BRENNDENDE MIKRO” wird durch eine hochkarätige Jury aus Hörspielmachern,
Autoren und Hörspielkritikern am Sonntagabend vergeben.

In diesem Jahr widmen wir das Festival einem Thema: “Die ständige Neuerfindung des Rades”. Zwar ist der Wettbewerb wie immer
themenfrei, aber wir haben Gäste geladen, die vor Jahrzehnten Dinge versucht haben, die heute teilweise als neu und innovativ
“wiedererfunden” werden. Auf dem Festival werden Helden der Avantgarde des so genannten “Neuen Hörspiel” auf ihre Erben
treffen:
Geladen ist unter anderen der Dramaturg Werner Klippert, Jahrgang 1923. Seine “Elemente des Hörspiels” von 1977 sind noch heute
ein Standardwerk des Genres.
Ohne Friedrich Knilli, Jahrgang 1930, der mit seiner Streitschrift “Das Hörspiel - Mittel und Möglichkeiten eines totalen Schallspiels”
1961 für einigen Wirbel sorgte, wäre der Durchbruch des Neuen Hörspiels nicht möglich gewesen.
Beide Vertreter der Generation “80 plus” sind auch heute noch wache Beobachter der Medienlandschaft und sehr auskunftsfreudig.
Auf zahlreiche Gäste, interessante Gespräche, Inspirationen und vielfältige Hörerlebnisse freut sich das Team des Berliner
Hörspielfestivals.
http://www.berliner-hoerspielfestival.de
http://www.hfg-karlsruhe.de/news/tonh-rst-ck-der-hfg-absolventin-cornelia-b-hm-er-ffnet-berliner-h-rspielfestival-2012.html
Tonhörstück der HfG-Absolventin Cornelia Böhm eröffnet Berliner Hörspielfestival 2012
„Traute Rehländer“ im Wettbewerb um das „lange brennende Mikrofon“
Nachdem das an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe (HfG) entstandene Hörspiel „Traute Rehländer – eine
Personenbeschreibung“ von Cornelia Böhm im Juli 2012 im SWR Radiopremiere feierte, wird es nun das Berliner Hörspielfestival am
28. September 2012 um 19 Uhr eröffnen. Die HfG-Absolventin Cornelia Böhm nimmt mit „Traute Rehländer“ am Wettbewerb um das
„lange brennende Mikrofon“ teil.
Den Ausgangspunkt des Hörspiels bildet ein kleines sepiafarbenes Foto von 1925. Es zeigt eine junge Frau mit langen Zöpfen, die unter
einem blühenden Kirschbaum steht: Traute Rehländer. Cornelia Böhm hat die Fotografie im Album ihrer Großmutter entdeckt. Die
Großmutter war fünf Jahre alt, als das Foto entstand, an mehr als den Namen des Mädchens erinnert sie sich nicht mehr. Dennoch wird
sie nicht müde, diesen Namen gegenüber ihrer Enkelin immer wieder zu wiederholen.
Cornelia Böhm besucht mit der Fotografie im Gepäck fünf verschiedene Personen, die Traute Rehländer nicht kannten. Sie sollen ihr
von ihr erzählen. Wer war das Mädchen auf dem Foto? Welche Träume hatte sie? Was hat sie erlebt? Die Befragten, die zwischen 20
und 30 Jahre alt sind, entwerfen in kurzen Episoden das Leben der Traute Rehländer. Im Versuch, sich in die Lebensumstände einer
anderen Zeit einzufühlen, spiegeln sich aktuelle Erlebnisse und Wünsche.
///////
Traute Rehländer - eine Personenbeschreibung
34 Min, 2011
Buch/Regie: Cornelia Böhm
Sprecher: Anne Leßmeister, Elfriede Dührant, Caroll Meier-Liehl, Claudia Leder, Peter Stahmer, Jana Schmitt, Matthias Schmitt.
///////
Berliner Hörspielfestival (28.09. – 30.09.12)
Termin:
28.09.2012, 19 Uhr
Ort:
DOCK 11
Kastanienallee 79, 10435 Berlin
Weitere Informationen:
www.berliner-hoerspielfestival.de/programm.html
http://www.berlin.de/events/2725272-2229501-hoerspielfestival-2012.html
Hörspielfestival 2012
28. bis 30. September 2012
Das Festival bietet dabei Einblick in eine vielfältige Independent-Hörspiel-Szene, in der sowohl Hörspiel-Amateure als auch erfahrene
Profis vertreten sind. Jedes Jahr werden über 100 Hörspiele, Features, Sound- und Sprachexperimente aus Deutschland, Österreich und
der Schweiz zum Festival eingeschickt.
Die präsentierten Hörstücke müssen ohne redaktionelle Hürden und Instanzen und/oder in Eigenverantwortung der Macherinnen und
Macher produziert worden sein. Stücke entstehen, sobald sie jemand machen will – nichts bleibt in der Schublade.
Highlight des Programms ist die Präsentation der ausgewählten Hörstücke des diesjährigen Wettbewerbs:
Am Samstagabend wählt das Publikum den Sieger des “kurzen brennenden Mikros”, den Kurzhörspielpreis mit Hörspielen bis 20
Minuten Länge. Der Langhörspielpreis, das “Lange brennende Mikro” wird durch eine hochkarätige Jury aus Hörspielmachern, Autoren
und Hörspielkritikern am Sonntagabend vergeben.
http://www.newsmax.de/-berliner-hrspielfestival-2012-pressemitteilung53378.html

BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL 2012 - das Festival des Freien Hörspiels
ORT
DOCK 11 (Kastanienallee 79 / 10435 Berlin)||
FESTIVALZEITEN
Freitag, 28.09.2012 bis Sonntag, 30.09.2012
jeweils ca. 19.00 Uhr bis ca. 23.30 Uhr||
TICKETS
ticket@dock11-berlin.de
030-35120312||
Das BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL 2012 - Das Festival des Freien Hörspiels – geht in die vierte Runde.
Das Festival bietet dabei einen faszinierenden Einblick in eine vielfältige Independent-Hörspiel-Szene, in der sowohl Hörspiel-Amateure
als auch erfahrene Profis vertreten sind. Jedes Jahr werden über 100 Hörspiele, Features, Sound- und Sprachexperimente aus
Deutschland, Österreich und der Schweiz zum Festival eingeschickt.
Die präsentierten Hörstücke müssen ohne redaktionelle Hürden und Instanzen und/oder in Eigenverantwortung der Macherinnen
und Macher produziert worden sein. Stücke entstehen, sobald sie jemand machen will – nichts bleibt in der Schublade. Somit gibt es
keine Konventionen, keine Qualitätsgarantien, keine Tabus. Freies Hörspiel kann pures Abenteuer bedeuten. Top oder Flop – subjektiv,
psychotisch oder einfach genial.
Highlight des Programms ist die Präsentation der ausgewählten Hörstücke des diesjährigen Wettbewerbs im Dock 11 am letzten
Septemberwochenende 2012:
Am Samstagabend wählt das Publikum den Sieger des “KURZEN BRENNENDEN MIKROS”, den Kurzhörspielpreis mit Hörspielen bis 20
Minuten Länge. Der Langhörspielpreis, das “LANGE BRENNDENDE MIKRO” wird durch eine hochkarätige Jury aus Hörspielmachern,
Autoren und Hörspielkritikern am Sonntagabend vergeben.
In diesem Jahr widmen wir das Festival einem Thema: “Die ständige Neuerfindung des Rades”. Zwar ist der Wettbewerb wie immer
themenfrei, aber wir haben Gäste geladen, die vor Jahrzehnten Dinge versucht haben, die heute teilweise als neu und innovativ
“wiedererfunden” werden. Auf dem Festival werden Helden der Avantgarde des so genannten “Neuen Hörspiel” auf ihre Erben
treffen:
Geladen ist unter anderen der Dramaturg Werner Klippert, Jahrgang 1923. Seine “Elemente des Hörspiels” von 1977 sind noch heute
ein Standardwerk des Genres.
Ohne Friedrich Knilli, Jahrgang 1930, der mit seiner Streitschrift “Das Hörspiel - Mittel und Möglichkeiten eines totalen Schallspiels”
1961 für einigen Wirbel sorgte, wäre der Durchbruch des Neuen Hörspiels nicht möglich gewesen.
Beide Vertreter der Generation “80 plus” sind auch heute noch wache Beobachter der Medienlandschaft und sehr auskunftsfreudig.
Auf zahlreiche Gäste, interessante Gespräche, Inspirationen und vielfältige Hörerlebnisse freut sich das Team des Berliner
Hörspielfestivals.
www.berliner-hoerspielfestival.de
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-09-29/berliner-hoerspielfestival-2012-das-festival-des-freienhoerspiels-1900-79113/
Das BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL 2012 - Das Festival des Freien Hörspiels – geht in die 4. Runde.
Das Festival bietet dabei einen faszinierenden Einblick in eine vielfältige Independent - Hörspiel - Szene, in der sowohl Hörspiel-
Amateure als auch erfahrene Profis vertreten sind. Jedes Jahr werden über 100 Hörspiele, Features, Sound- und Sprachexperimente aus
Deutschland, Österreich und der Schweiz zum Festival eingeschickt.
Die präsentierten Hörspiele müssen ohne redaktionelle Hürden und Instanzen und/oder in Eigenverantwortung der Macherinnen und
Macher produziert worden sein. Stücke entstehen, sobald sie jemand machen will, nichts bleibt in der Schublade. Das bedeutet auch,
es gibt keine Konventionen - keine Qualitätsgarantien – keine Tabus. Freies Hörspiel kann pures Abenteuer bedeuten. Top oder Flop –
subjektiv, psychotisch oder einfach genial.
Highlight des Programms sind die Wettbewerbe.
Am Samstag Abend wählt das Publikum den Sieger des “KURZEN BRENNENDEN MIKROS”, den Kurzhörspielpreis mit Hörspielen bis 20
Minuten Länge. Der Langhörspielpreis, das “LANGE BRENNDENDE MIKRO” wird durch eine hochkarätige Jury aus Hörspielmachern,
Autoren und Hörspielkritikern am Sonntag Abend vergeben.
http://www.berlinonline.de/nachrichten/prenzlauer-berg/berliner-hoerspielfestival-startet-am-wochenende-10310
Berlin Online
Am 29. und 30. September 2012 findet im “Dock 11” das Berliner Hörspielfestival statt. Dabei darf das Publikum den Sieger in der
Kategorie Hörspiele bis 20 Minuten Länge wählen. Er erhält als Preis das “Kurze brennende Mikro”.
Das “Lange brennende Mikro” für Hörspiele, die länger sind als 20 Minuten, vergibt eine Jury aus Hörspielmachern, Autoren und
Hörspielkritikern am Sonntagabend.
Das Festival ist in diesem Jahr dem Thema “Die ständige Neuerfindung des Rades” gewidmet. Zwar ist der Wettbewerb wie immer
themenfrei, aber wir haben Gäste geladen, die vor Jahrzehnten Dinge versucht haben, die heute teilweise als neu und innovativ
“wiedererfunden” werden. Auf dem Festival werden Helden der Avantgarde des so genannten “Neuen Hörspiel” auf ihre Erben
treffen: Geladen ist unter anderen der Dramaturg Werner Klippert, Jahrgang 1923. Seine “Elemente des Hörspiels” von 1977 sind
noch heute ein Standardwerk des Genres. Ohne Friedrich Knilli, Jahrgang 1930, der mit seiner Streitschrift “Das Hörspiel - Mittel und
Möglichkeiten eines totalen Schallspiels” 1961 für einigen Wirbel sorgte, wäre der Durchbruch des Neuen Hörspiels nicht möglich
gewesen. .

http://www.openpr.de/news/666935/4-BERLINER-HOeRSPIELFESTIVAL-Das-Festival-des-freien-Hoerspiels.html
/// 4. BERLINER HÖRSPIELFESTIVAL ///
Das Festival des freien Hörspiels
28. – 30. September 2012
Dock 11
Kastanienallee 79
10435 Berlin
Das Berliner Hörspielfestival bietet einen faszinierenden Einblick in die vielfältige freie Hörspiel-Szene, in der sowohl Hörspiel-Amateure
als auch erfahrene Profis vertreten sind. Weit mehr als 100 Hörspiele, Features, Sound- und Sprachexperimente aus dem ganzen
deutschsprachigen Raum sind eingesandt worden und konkurrieren in drei Wettbewerben um die begehrten Trophäen und Sachpreise.
Das freie Hörspiel braucht sich an keine (Sende-)Konventionen zu halten, an keine technischen Standards, an keinen wohltemperierten
Schauspielerton, an keine tradierten Ästhetiken. Selbst Stille ist erlaubt. Trotzdem – oder vielleicht auch deswegen – haben es schon
einige Stücke und Autoren des Berliner Hörspielfestivals ins Radio geschafft.
Wer als freier Hörspielmacher dennoch das Rad nicht immer wieder neu erfinden will, hört im Beiprogramm (bei freiem Eintritt) eine
kleine Mediengeschichte des Hörspiels in zehn Missverständnissen von Jochen Meißner oder lässt sich von Wittmann und Zeitblom
erklären, wie man in Kenntnis der Tradition das Hörspielrad um ein bis zwei Umdrehungen weiterdrehen kann.
Viel Vergnügen.

T A N Z P E R F O R M A N C E
YOKU- BOU - Gier auf Lust
eine Tanzperformance von TEN PEN CHii ARTLABOR
P R E M I E R E:
04. Oktober 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
05. Oktober 2012 bis 07. Oktober 2012
im DOCK 11
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-10-05/yoku-bou-gier-auf-lust-eine-tanzperformance-von-ten-pen-chiiartlabor-2030-84805/
YOKU- BOU, japanisch, heißt Gier auf Lust und ist Ausgangspunkt für die Recherche, zu dieser interdisziplinären Performance. Lust und
Gier sind starke Antriebskräfte unseres Handelns, Fühlens und Denkens. Gier kommt von Begehren oder Begierde. Es ist ein seelischer
Antrieb Mängel geistiger (Emotionen, Phantasie, Wünsche) oder körperlicher Art (Triebe, Schmerz, Hunger, Durst) zu beheben. Neugier
führt zu Entdeckungen, Erfindungen, Entwicklungen und Habgier äußert sich negativ in Raffiger, Hab- und Raffsucht und bezeichnet
das übersteigerte Streben nach materiellem Besitz unabhängig von dessen Nutzen. Lust ist die angenehme Weise des Erlebens und ein
wesentlicher Bestandteil der Trieb- und Bedürfnislehrern. Lust zeigt sich beim Speisen, sportlichen und kreativen Aktivitäten und als
Bestandteil sexuellen Erlebens.
http://www.kultur-in-pankow.de/voku-bou-gier-auf-lust/
19. bis 22. September 2013:
Tanzperformance im DOCK 11 in Berlin-Prenzlauer Berg.
Yoku-Bou, japanisch, heißt „Gier auf Lust“ und ist Ausgangspunkt für die Recherche zu dieser interdisziplinären Performance. Der
Terminus klingt im Deutschen nach Überforderung unserer selbst.
Schon die Gier kommt aus dem Begehren, sie ist ein seelischer Antrieb, Mängel geistiger (Emotionen, Phantasie, Wünsche) oder
körperlicher Art (Trieb, Schmerz, Hunger, Durst) zu beheben. Neugier, Habgier und Raffgier sind ihre Söhne und Töchter.
Doch was macht die Gier, wenn sie sich auf die Lust stürzt? Wenn aus dem Speisen ein Fressen wird, aus dem Sport Sucht. Oder
gewinnt der Sex erst seine Reinheit, wo er nur mehr dem Trieb folgt?
Regie, Konzept, Installation, Licht: JoaXhim Manger (D)
Choreographie, Tanz: Yumiko Yoshioka (J) & Team
Komposition, Musik: Zam Johnson (US)
Performance: Aniko Kiss (SRB), Johannes Stubenvoll (AT), Julischka Stengele (D), Matilde Javier Ciria (ES), Slava Inozemcev ( BY ), (Spiros
Paterakis (GR)
http://www.taz.de/1/archiv/print-archiv/printressorts/digi-artikel/?ressort=tp&dig=2012%2F10%2F02%2Fa0154&cHash=7ce9cea071f0d
b9a03fc87d68c474088
taz
02.10.2012
Auch ein saftiger Heuballen kann schon mal Begehrlichkeiten wecken: “Yoku-Bou”, die Gier auf Lust, ist das Thema einer
gleichnamigen Tanzperformance der Kunstformation Ten Pen Chii art labor. Gier und Lust werden dabei als Antriebskräfte für
menschliches Handeln, Fühlen und Denken erforscht. Die Arbeit, in der Tanz, Musik und Videokunst kombiniert werden, ist vom 4. bis
zum 7. Oktober um 20.30 Uhr im Dock 11 zu sehen.

http://www.zitty.de/yoku-bou-gier-auf-lust-2.html
zitty Berlin
Tanzperformance. Die Gier auf Lust ist Ausgangspunkt zu dieser interdisziplinären Performance.
http://www.kunstorte-mv.de/news/nachricht_anzeige.php?nachricht=750
Voraufführung „YOKU-BOU – Gier auf Lust“ am 29.9., 20 Uhr auf Schloss Bröllin
Eine Tanzperformance von TEN PEN CHii ARTLABOR – residential artists auf Schloss Bröllin
YOKU- BOU ist japanisch und heißt Gier auf Lust und ist Ausgangspunkt für die Recherche zu dieser interdisziplinären Performance.
Lust und Gier sind starke Antriebskräfte unseres Handelns, Fühlens und Denkens. Gier kommt von Begehren oder Begierde.
Die Mitglieder der Kunstformation „TEN PEN CHii ART LABOR“ kreieren seit 1994 Performances mit tänzerisch-künstlerischem
Ausdruck. Als residential artists (ansässige Künstler auf Schloss Bröllin) erarbeiten sie ihre Produktionen. Der Name der Gruppe wird
übersetzt mit TEN der Himmel, CHi die Erde, PEN die Änderung, das letzte i steht für anders. Wenn der Himmel sich ändert, ändert sich
die Erde. Kurzgefasst: natürliche Katastrophe. Mit Yumiko Yoshioka (Choreographie) und Joachim Manger (Installation).
Premiere und Aufführungen von „Yoku-Bou“ in Berlin vom 4. bis 7. Oktober 2012, 20.30 Uhr im DOCK 11. Mehr Informationen auf
www.dock11-berlin.de, www.ten-pen-chii.de
Gefördert vom Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur Mecklenburg-Vorpommern, Landkreis Vorpommern-Greifswald, Land
Steiermark, graz/kult&gvv. + steierischekulturinitiative und unterstützt vom schloss bröllin e.V. und DOCK 11.

L I T E R A T U R
Annett Gröschner: Walpurgistag
im Pankower Lesegespräch mit Jan Böttcher
P R E M I E R E:
10. Oktober 2012
im EDEN
http://www.faz.net/aktuell/feuilleton/annett-groeschner-walpurgistag-der-blocksberg-liegt-am-kollwitzplatz-11715628.html
Frankfurter Allgemeine Zeitung
Annett Gröschner: „Walpurgistag“
Der Blocksberg liegt am Kollwitzplatz
12.04.2012 Von WOLFGANG SCHNEIDER
Berlin, Berlin: Für Annett Gröschner sind die pastellfarben sanierten Häuser der Stadt nur geschichtsvergessene Orte
Wem gehört die Stadt? Den „Ureinwohnern“ oder den „Schwaben“? Hier die labbrige Latte-macchiato-Welt, dort urige Ostkneipen,
wo die Damen am Schnaps nuckeln und aus rauhen Kehlen Schlachtrufe gegen das „neue Bürgertum“ ertönen: „Bier und freie Liebe
statt BMW und Dachjeschoss.“ Klar, wir sind in Berlin. Annett Gröschner ist unsere Stadtführerin. Elf Jahre nach „Moskauer Eis“ hat
die 1964 geborene Autorin ihren zweiten Roman vorgelegt. „Walpurgistag“ schildert auf 430 Seiten einen einzigen Tag, den 30.
April 2002, ein Mosaik aus 78 Kapiteln, Short Cuts. Zwei bis drei Dutzend Figuren werden durch die Stadt gescheucht, darunter ein
Taxifahrer, ein Gasuhrenableser und eine Pizzabotin, die überwiegend alleinstehenden Männern Kalorien zuführt.
Die selbst vom sozialen Abstieg bedrohte Dramaturgin Viola Karstädt quartiert sich als Mitschläferin bei einer Neuköllner Familie
ein - „Schlafperformance“ in einer „theaterresistenten Gegend“ nennt sich das Experiment. Aber die RTL-2-Familie, bei der Viola
im verrauchten Wohnzimmer auf dem Sofa nächtigt, nimmt den Kunstcharakter der Sache gar nicht wahr und meint, einer wirklich
bedauernswerten Frau geholfen zu haben. Fortgeschrieben wird auch die Geschichte von Annja Kobe aus „Moskauer Eis“. Sie ist
mitsamt ihrer Kühltruhe in den Untergrund gegangen, in der ihr Vater seit Jahren im Gefrierschlaf liegt, um einst in der gerechten
Gesellschaft wieder zu erwachen. Annja aber wird des Vatermords verdächtigt. Als Illegale mit Kühltruhe zieht sie von einer
Abbruchwohnung in die nächste - auf diesen buchstäblich nachgeschleppten Handlungsstrang hätte man aber lieber verzichtet.
Die meisten Figuren sind geprägt von ihrem DDR-Vorleben
Ein Walpurgisnacht-Roman kommt ohne Hexerei nicht aus. Ganz vorn dabei: drei Ost-Rentnerinnen vom Kollwitzplatz, Frau Köhnke,
Frau Menzinger (mit Spitz Stalin) und Frau Schweickert, die gerade zwangsweise aus ihrer angestammten Wohnung in der Danziger
Straße ausziehen musste. Die drei alten Damen vom Gentrifizierungsgrill sind scharfzüngige Beobachterinnen des Wandels im Kiez, und
sie radikalisieren sich im Lauf des Tages, ihre Berliner Schnauze wird immer bissiger und derber, bis sie am Ende gar das Cabrio eines
Hausbesitzers abfackeln.
Der Roman ist im Präsens geschrieben und folgt im Minutentakt dem Verlauf des Tages. Aber auch wenn die Menschen Gegenwart
erleiden - ihr Leben besteht aus Vergangenheit. Da gibt es den philosophierenden Penner Alex, der immer überraschend zur Stelle ist,
halb guter Geist, halb Mephisto. Einst aber will er Stasi-Offizier gewesen sein, als sogenannter „Romeo“ zuständig für die Verführung
von Nato-Sekretärinnen.
“Moskauer Eis - Der Geschmack des Ostens“ lautete ein Slogan des Debütromans. Diesen Geschmack hat auch „Walpurgistag“. Die
meisten Figuren sind geprägt von ihrem DDR-Vorleben. Vom Westen Berlins werden Teile Kreuzbergs und Neuköllns einbezogen;
da gibt es drei deutschtürkische Mädchen, die sich bemühen, eine Gören-Gang zu sein. Zweimal führt der Roman ins fernere
Charlottenburg. Taxifahrer Hosch hat sich dort mit einer Unbekannten zum Sex verabredet, Treffpunkt: vor der Schaubühne. Aber die
Unbekannte wartet im Osten vor dem Puppentheater „Schaubude“ - eine charakteristische Pointe.
Als wäre der zweite Weltkrieg erst kurz vor 1989 zu Ende gegangen
Der Exlehrer Micha Trepte, der inzwischen für die Gaswerke unterwegs ist, hat einmal in der Ku’damm-Gegend zu tun. Prächtige
Fassaden, aber oft wenig dahinter: Eine zahlungsunfähige Psychotherapeutin, der er die Gaszufuhr abklemmen muss, engagiert
ihn spontan für eine Familienaufstellung, bei der noch ein Vater fehlt. Im Praxisraum mehrere Frauen in merkwürdigen Positionen,
wie „eine weibliche Laokoongruppe ohne Schlangen“, und sie starren den neuen „Vater“ sogleich hasserfüllt an. Das ist witzig
beschrieben, hat aber auch Methode. „Bürgerlicher“ Psychokram gehört in den Westen, immer noch.
Gröschners archäologischer Blick stört sich an den unergiebigen Fassaden neuer Imponierbauten, ruht dagegen mit Vorliebe auf dem
bröckelnden Putz der Altbausubstanz, gern noch mit Einschusslöchern und Brandflecken. Manchmal hat man beim Lesen den Eindruck,
der Zweite Weltkrieg sei erst kurz vor 1989 zu Ende gegangen, so präsent sind die Kriegserfahrungen: Wo brach eine Bombe durch
die Decke, wo flog ein Seitenflügel in die Luft? Die in Pastellfarben leuchtenden Fassaden der sanierten Straßenzüge sind, so gesehen,
nichts als Geschichtsverdrängung.
Bei Gröschner ist Zukunft Mangelware
Selbst unscheinbare Alltagsgegenstände werden zu Zeugen des Jahrhunderts. Dingsymbol des Romans ist eine alte, orange
Kaffeemaschine aus DDR-Produktion, die über Jahrzehnte von Hand zu Hand ging, von Ost nach West, von einer Küche in die andere,
ein Vehikel von Geschichten und Kulturgeschichte, wenn man etwa erfährt, wie in der DDR Filtertüten aus Klopapier improvisiert
wurden. Micha Trepte hat ein Madeleine-Erlebnis, als er in Rumänien eine ausgemusterte deutsche Straßenbahn fahren sieht, mit
der Werbeaufschrift eines seit langem nicht mehr hergestellten Kräuterbonbons. Minutenlang starrt er der Bahn hinterher, „den
Geschmack des Bonbons auf der Zunge“.
Der archäologische Blick erkennt überall Abgründe der Geschichte und abgründige Geschichten. Dennoch wird er auf Dauer
problematisch. Denn ein Roman braucht einen offenen Horizont: Erwartungen, Hoffnungen, Pläne, die dann durch die Mühle der
Realität gedreht werden. Bei Gröschner aber ist Zukunft Mangelware. Es gibt keinen Aufbruch, sondern nur Abbruch. So hat der
Roman, auch wenn er mit einer Figur namens Alex auf dem Alexanderplatz beginnt und auch sonst allerhand Anlehnung betreibt,
nur wenig gemein mit dem dynamischen Döblin-Sound. „Berlin Alexanderplatz“ war ein Lobgesang auf die brodelnde Metropole, ihr

sinnverwirrendes Tempo, ihre permanente Veränderung und ihre wendigen, gewitzten Menschen. Gröschners Buch dagegen ist ein
einziger, manchmal etwas muffiger Verliererblues.
Scharfe Beobachtung und verblüffende Details
Eine Kneipe wird überfallen, ein Rendezvous geht daneben, der bedauernswerte Paul Bülow, Sohn einer schnapssüchtigen,
alleinerziehenden Künstlerin, irrt durch Berlin und Umgebung, eine Frau verliert vorübergehend Gedächtnis und Identität, einer
anderen wird die Brieftasche gestohlen. Biographische Wendungen führen selten zum Besseren: „Das war schön, an der Kasse von
Aldi. Ich kann heute noch die Preise auswendig. Aber dann wurde ich schwanger.“ Im „Torpedokäfer“ sitzen die Zombies einstigen
Ost-Rebellentums an der Theke. „Sterben wie die Fliegen, die Freaks hier in der Gegend.“ Tatsächlich war die bejubelte Wende für
Hunderttausende der Startschuss zur finalen Verwahrlosung.
Nach Soap-Dramaturgie laufen sich die Hauptfiguren immer wieder über den Weg, als wäre man nicht in der Metropole, sondern in
Gelsenkirchen. Am Ende kommen sie alle zusammen zum Showdown in der fröhlichen Walpurgis- und Randalenacht auf den 1. Mai -
und das wirkt dann doch ziemlich zusammengeschraubt. Als Romangestalten können die Figuren nicht wirklich überzeugen; trotzdem
ist „Walpurgistag“ lesenswert als Doku-Fiktion, schon aufgrund der dichten Beschreibung von Berliner Alltagserfahrung und der
Recherchetiefe. Gröschner hat scharfe Beobachtung und verblüffende Details zu bieten, wenn etwa eine Zigeunerin ihr Kind durch die
Klappe eines Altkleidercontainers schiebt, das dann kurz darauf mit einem Sack voller Klamotten wieder herauskommt. So hinterlässt
das zuletzt noch von Christa Wolf als „großer Wurf“ gepriesene Buch trotz einiger Einwände tatsächlich mehr Eindruck als viele
Romane, die man schnell liest und schnell wieder vergessen hat.
http://www.welt.de/print/die_welt/vermischtes/article13581865/Schnauze-statt-Sozialromantik.html
Die Welt
Schnauze statt Sozialromantik
Annett Gröschners munterer Berlin-Roman “Walpurgistag” Von Martin Ebel
Am Anfang stand die Realität. Annett Gröschner bat über einen Radiosender die Berliner Bevölkerung, ihr mitzuteilen, wie sie den
30. April 2002 erlebt hatte. Rund hundert Hörer folgten dem Aufruf und lieferten Material. Fast zehn Jahre hat es gedauert, bis sich
dieses zu einem Buch angeordnet und verdichtet hat: “Walpurgistag”, der zweite Roman der Autorin. Leser ihres ersten, “Moskauer
Eis”, werden Annja Kobe wiederbegegnen und ihrem Vater, der immer noch in der Kühltruhe liegt und die Temperatur, ganz ohne
Stromzufuhr, auf einem hinreichend konservierenden Niveau halten kann.
Im Mittelpunkt des neuen Romans stehen Vater und Tochter Kobe jedoch nicht mehr. Zu ihnen treten, gleichwertig und
gleichberechtigt, anderthalb Dutzend handelnde Figuren. Da ist Alex, einst Stasioffizier, jetzt Herumtreiber mit Hauptsitz an dem
Platz, der seinen Namen trägt; der einstige Zirkusartist Aki; drei Türkenmädchen, die sich Sugar, Cakes und Candy nennen und daran
arbeiten, eine Mädchengang zu werden. Dann drei Bewohnerinnen eines Altenheims, die wunderbar berlinern und sich auf das
“Chaotengucken am Fenster” freuen. Weiter Hosch und Micha, die aus einer Schwulenbar fliegen, weil sie von ihren Blind Dates (mit
Frauen) geschwärmt haben. Hosch fährt Taxi, Micha klemmt klammen Gaskunden die Leitungen ab. Michas Frau Heike wiederum
unterrichtet an einer Förderschule, hoher Deprimierungsfaktor; ihre Freundin Viola ist freischaffende Dramaturgin, also hohes
Prekariat. Dazu Kinder und Halbwüchsige, zwei frustrierte Polizisten, ein Hund namens Stalin und eine von Hand zu Hand wandernde
Kaffeemaschine aus sozialistischer Produktion, deren orangefarbenes Design davon zeugt, dass sie ursprünglich für den Export gedacht
war (der Roman spielt zwar an einem einzigen Tag im Jahr 2002, wirft seine Schatten aber weit in die Vergangenheit).
Wenn so viele Figuren auftreten, muss die eigentliche Heldin ein Ensemble sein. Zu dem finden sich die Individuen nach und nach
zusammen: Natürlich ist “Walpurgistag” ein Berlin-Roman, und als solcher tritt er ebenso dezidiert wie unprätentiös auf. Nicht mit
großer Geste, sondern ganz selbstverständlich. Dazu hätte es nicht mal das Fontane-Motto “Vor Gott sind eigentlich alle Menschen
Berliner” gebraucht, so schön es ist. Denn zwischen und in den Zeilen sagt Annett Gröschner, gebürtige Magdeburgerin, aber längst
gewordene Berlinerin, etwas anderes: Ihre Helden sind mehr Berliner als andere.
Diese anderen kommen auch gar nicht vor: Keine einzige Gestalt des Romans hat, sagen wir, 5000 Euro brutto im Monat. Keiner
ist Hausbesitzer, höchstens Hausbesetzer, illegaler Mieter oder Gentrifizierungsverlierer. Aber, wie es Frau Menziger sagt, mit
unschlagbarer Berliner Schnauze gesegnet: “Ne Wohnung, in der meine Familie seit 80 Jahren wohnt, ist das etwa nicht meine?”
Das ist der Ton des Buches, Schnauze statt Sozialromantik. Das schicke Berlin, Glanz & Gloria, Politik, Medien und Borchardt , das
alles spielt in einer anderen Welt. Annett Gröschners Figuren haben keine Aussichten, nur die Alternative, sich totzuschuften wie die
Putzfrau Aso Aksoy mit ihren zwei Jobs oder sich im halbkriminellen Zwischenreich einzurichten wie ihre Tochter Emine alias Cakes.
Geklaut wird durchaus in diesem Roman, geklagt aber nicht. Wer schuftet, hat dafür keine Zeit, wer klaut, keinen Grund - und wo wäre
denn auch die Instanz, an die man Klagen richten könnte? Dann glaubte man ja an das ‘Große Vernünftige Ganze’.
Die Berliner in “Walpurgistag” glauben an sich, an den Kumpel, an den nächsten Tag, an den Zufall. Und der hilft nicht selten, ein
bisschen öfter sogar, als man glauben möchte. Aber dafür hat Annett Gröschner ja aus den Initialzündungen der Realität einen schönen
Roman gemacht, in dem zusammenfinden darf, was zusammengehört: Fädchen zu Fädchen, Töpfchen zu Deckelchen, und am Ende
sitzen alle bisher aufgetretenen Frauen im Mauerpark und feiern schwesterlich vereint Walpurgisnacht.
Kurz, es ist eine sehr raffinierte Autorin, die hier die Fäden sinnreich zusammenführt, die mit der Einheit des Ortes und der Zeit (24
Stunden) dem alten Aristoteles unausgesprochene Reverenz erweist. Am Anfang stand die Realität. Am Schluss steht ein Roman,
dem die Realität, vor allem sprachlich, aus allen Poren quillt, was nur gelingt, wenn die Schöpferin nicht nur ihr Handwerk beherrscht,
sondern mehr: Kunst.

http://www.zeit.de/kultur/literatur/2011-11/groeschner-interview
Die Zeit
ANNETT GRÖSCHNER
“Sex ist kein Designergetränk, sondern Bier”
Wie stellt man Sexualität in Literatur dar? Die Schriftstellerin Annett Gröschner spricht über ihren Roman “Walpurgistag” und über die
Wandlung Berlins. VON ULI MÜLLER
18. November 2011
ZEIT ONLINE: Frau Gröschner, Ihr Schreiben kreist seit fast drei Jahrzehnten um Berlin. Die Stadt ist groß, laut, hässlich. Was fasziniert
Sie so an ihr?
Annett Gröschner: Als ich 1983 hierher gekommen bin, war es die Stadt in der DDR, in der man am freiesten leben konnte. Das
Kleinstädtische, wo jeder jeden kennt, mag ich überhaupt nicht. In Berlin konnte ich mich verstecken in der Anonymität. Ich würde
auch nicht weggehen, obwohl Berlin so teuer geworden ist und ich es mir fast nicht mehr leisten kann, hier in dem Viertel, wo ich seit
1983 wohne, zu leben.
ZEIT ONLINE: Ihr neuer Roman Walpurgistag ist eine Berlin-Geschichte aus weiblicher Sicht.
Gröschner: Es ist aber auch eine Geschichte von unten. Es geht ja vor allem um Leute mit prekären Einkommen. Also nicht um den
Jetset. Ich schreibe über die, die seit Langem da sind. In diesem Milieu kenne ich mich am besten aus.
ZEIT ONLINE: Was war Ihnen beim Schreiben wichtig?
Gröschner: Ich habe mir überlegt, dass ich über die Stadt aus verschiedenen Perspektiven erzählen will. Da bietet sich ein Tag an, der
gibt einen Anfang und ein Ende vor. Und dann sollte die Geschichte innerhalb des S-Bahn-Rings spielen, also in der Innenstadt. Damit
ich so viele Leute wie möglich porträtieren kann, habe ich im Jahr 2002 Handzettel verteilt und Annoncen aufgegeben. Und Jürgen
Kuttner forderte über seinen Sprechfunk – das war damals so eine legendäre Sendung auf Radio Fritz – die Hörer auf: “Schickt ihr
Tagesabläufe, Kids!” Von den mehr als hundert Einsendungen habe ich mich dann anregen lassen.
ZEIT ONLINE: Die Hauptfigur aus Ihrem ersten Roman Moskauer Eis heißt Annja Kobe. Sie spielt auch in Walpurgistag eine wichtige
Rolle. Wieso haben Sie die mitgenommen?
Gröschner: Die hat sich einfach reingeschmuggelt. Es gibt mehrere solche Figuren. Manche haben sich auch im Laufe des Schreibens
verändert, die drei alten Frauen zum Beispiel. Sie haben verteilte Rollen wie in einem Theaterstück. Ihre Bühne ist Berlin, da leben sie
sich aus. Mit Annja Kobe kann ich die Geschichte der Illegalität erzählen. Es interessiert mich, wie Illegale in Berlin leben.
ZEIT ONLINE: Es wimmelt nur so von Figuren. Für alle sind Liebe und Sex wichtig, auch für Trude, Gerda und Ilse, die drei schrulligen
Frauen, die ins Altenwohnheim abgeschoben wurden. Es sind vor allem die Frauen, die freizügig sind und oft sogar schlüpfrig. Bei Ihnen
geht es auf eine andere Art deftig zu als in den Schoßgebeten von Charlotte Roche . Was ist das für ein Unterschied?
Gröschner: Ich habe Roches Bücher nur angelesen. Literarisch waren sie nicht so ergiebig für mich. Die Beschreibungen kamen mir
berechnend vor, wie auf eine Wirkung hin geschrieben. So was interessiert mich überhaupt nicht. Obwohl ich Roche sympathisch
finde. Es gibt in vielen Romanen Sexszenen, bei denen man das Gefühl hat, die Figuren ziehen extra den Bauch ein, damit es schick
aussieht oder wie in einem Edelporno. Lifestyle-Sex eben. Mein großes Vorbild in der Beziehung ist meine Kollegin Kathrin Schmidt.
Sie beschreibt Sexualität als etwas Erdiges, manchmal Animalisches. Als etwas ganz Normales und Tolles. Man muss Sexualität nicht
ausstellen. Sie ist kein Designer-Getränk, sondern Bier.
ZEIT ONLINE: Ihre Figuren reden von “Mösen” und “Schwänzen”. In den Büchern von Schriftstellerinnen kommen diese Worte selten
vor.
Gröschner: Warum sollte ich das weglassen? Ein Einsender hatte zum Beispiel in seinem Tagesablauf geschrieben, dass er eine Frau
sucht und sich verabredet hat. Das habe ich weiter gesponnen. Ich hatte ja Testleser, und da hat mich einer gefragt, ob ich wirklich
diese blind dates hatte, ob ich mich in einem Hotel eingemietet habe und anonymen Sex hatte.
»Der Roman lebt von Witz und Berliner Lokalkolorit. Schnell, ohne viel Kalauer, immer wieder verblüffend, schwirren die Pfeile
zwischen Annett Gröschners Figuren hin und her.«
Süddeutsche Zeitung, 29.10.2011
»Daraus ist ein prächtiger Berlinerinnen- und Berlin-Roman geworden, mindestens so haltbar wie der eiskalte Vater darin - nur viel, viel
temperamtentvoller.«
Der Tagesspiegel (25.09.2011)
»Ein sprachlich fulminanter Großstadtroman.«
Berliner Zeitung / Frankfurter Rundschau (15.09.201
»›Einfach zu leben‹ ist, wie es aussieht, in einem ›Großstadtdschungel‹ eben schwer. Dieses turbulente, tiefgründige und detailverliebte
Buch mit seinen zarten ironischen Untertönen beweist dies auf sehr emphatische Weise.«
Bücherschau (A), 2/12
»Man ist immer vielmehr damit beschäftigt, zu überlegen, wie es weitergehen könnte, was die Person als Nächstes tun wird, wie sie
sich entscheidet. Und deshalb will man vor allem eins: weiterlesen.«
die tageszeitung, 12.10.2011

»Mit „Walpurgistag“ ist Gröschner ein seltenes Kunststück gelungen: Der Roman ist klug konstruiert und ausgesprochen kurzweilig.«
WDR 3 – Gutenbergs Welt, 06.11.2011
http://www.deutschlandfunk.de/episodenroman-mit-kuriosen-figuren.700.de.html?dram:article_id=85294
Deutschlandfunk
Episodenroman mit kuriosen Figuren
Annett Gröschner: “Walpurgistag” DVA Verlag
Von Ulrich Rüdenauer
Vor elf Jahren erschien Annett Gröschners erster Roman “Moskauer Eis” (Deutschlandradio / Bettina Straub)
Der neue literarische Wurf der Wahlberlinerin Annett Gröschner versucht ein politisch ausgewogenes Gesellschaftsbild nachzuzeichnen.
Ihr Roman umfasst Episoden mit fast zwei Dutzend kuriosen Figuren, die einen turbulenten Walpurgistag im Jahr 2002 zu überstehen
haben.
Am 5. September 2009 wurde von mehreren TV-Sendern die Dokumentation “24h Berlin” ausgestrahlt. Fernsehhistorisch betrachtet
ein ziemlich imposantes Ereignis. Mehrere Teams hatten verschiedene Berliner Bürger durch ihren Alltag begleitet – von der Zugführerin
bis zum Regierenden Bürgermeister –, die Reportagen wurden episodenhaft zusammengeschnitten und über 24 Stunden hinweg
gesendet, auf dass sich ein Porträt der Stadt und ihrer Menschen 20 Jahre nach dem Mauerfall ergeben sollte.
Ein bisschen ähnelt der neue literarische Wurf der Wahlberlinerin Annett Gröschner dieser Versuchsanordnung, nur war ihre Idee schon
ein bisschen früher entstanden – und nicht vom öffentlich-rechtlichen Ehrgeiz getrieben, ein politisch ausgewogenes Gesellschaftsbild
zu malen. Vor knapp zehn Jahren rief Gröschner in einer Radiosendung Berliner dazu auf, ihr zu schreiben, was sie am 30. April erlebt
haben. Aus den zugeschickten Berichten entstand nach und nach ein Episodenroman mit fast zwei Dutzend sehr kuriosen Figuren, die
einen turbulenten “Walpurgistag” im Jahr 2002 zu überstehen haben. Und weil eben acht Stunden noch kein Tag sind, 24 Stunden
aber schon, trägt sich der Geschichtenreigen zeitlich genau markiert von 0 Uhr bis 24 Uhr zu.
Annett Gröschner hat damit einen sprachlich fulminanten Großstadtroman vorgelegt, der – natürlich mit Seitenblick auf den
wichtigsten aller Hauptstadt-Romane, “Berlin Alexanderplatz” von Alfred Döblin – mit einem Prolog am Alex beginnt.
“Der Alexanderplatz ist ein Kältepol. Nur Herumlaufen wärmt. Schon zehnmal habe ich den Weg vom Brunnen bis zur Weltzeituhr
zurückgelegt. Ich weiß jetzt, wie spät es in Phnom Pen ist und welche Zeit die Armbanduhren der Moskauer anzeigen. Mich befällt der
Wunsch, in das Zeitgefüge der Welt einzugreifen. Mit großer Geste die Planeten anzuhalten oder die Uhren um einen Tag vorzustellen.
Vielleicht würde ich mich daran aufwärmen können. Den ganzen Winter über habe ich nicht so gefroren wie heute Nacht. Also wieder
von vorn. Der Weg ist das Ziel, der Weg ist ein Spiel.”
Der da spricht ist ein Herumstreicher mit dem passenden Namen Alex. Ein Mann mit Ostvergangenheit, zudem wandelndes Lexikon
und guter Geist, der fast zauberische Kräfte besitzt. Dieser Alex ist ein sanftmütiger Mephistopheles, der alle möglichen Fäden in
Händen zu halten scheint und stets ausreichend informiert ist, zumindest weiß, wie er an Informationen kommen kann. Immer wieder
wird er im Lauf des Buches geheimnisvoll auf- und abtauchen.
Vom Alexanderplatz führen nach diesem Vorspiel alle möglichen Schleichwege weiter hinein ins Dickicht der Stadt, in das wenig
repräsentative Berlin, wo die Prekären und Hartzer ihr Dasein fristen. Jedes Kapitel wird, wieder eine Reverenz an Döblin, mit einer
kurzen Zusammenfassung des Folgenden eröffnet:
“Gerda Schweickert kann nicht schlafen und beschriftet ihre Umzugskisten, in denen sich die Geister ihrer Nachbarn aufhalten.”
So lautet einer dieser Erzähler-Wegweiser. Neben Alex und Gerda Schweickert lernen wir des weiteren zwei gelangweilte Ehemänner
kennen, die sich mit außerehelichen Blind Dates bei Laune halten wollen und damit in einer Schwulenbar ein wenig anecken. Oder eine
Dramaturgin, die sich mal unters einfache Volk mischt und plötzlich in einer RTL-2-Familie landet, die so ziemlich jegliche Sozial- und
Schulpolitik mit Hohn straft. Annja Kobe und ihr tiefgekühlter Vater – man kennt sie bereits aus Gröschners erstem Roman “Moskauer
Eis” – haben ebenfalls ihren Auftritt. Genauso drei junge Mädchen, die wie ein upgedatetes Hexentrio eine Bande gründen wollen,
dann aber doch fortwährend tatenlos auseinanderdriften. Deren schon etwas angeknittertes Pendant besteht aus ein paar alten
Damen, die herrlich berlinernd und mit ihrem Hund Stalin umherziehen und für ihre Umgebung ein ähnliches Irritationspotenzial
darstellen wie die Chaoten am 1. Mai.
“Hier wird nicht schlappgemacht. Ick würd vorschlagen, wir kippen den (Likör) runter und machen noch ’kleenen Spaziergang mit
Stalin um den Kollwitzplatz zum Verdauen. - Von mir aus. Hoffentlich sind nicht so viele Chaoten unterwegs. - Wir werden die größten
Chaoten sein. Diese Jugend ist so was von schlapp. Die können nichts, die wollen nichts außer Spaß, die sind satt bis zum Erbrechen
und selbst zum Sexmachen zu träge. Wenn uns jemand blöd kommt, schicken wir Stalin vor, der geht mit großer Lust an die jungen
Waden. Na sdorowije, auf gute Nachbarschaft. Und Ex. - Alles in Ordnung, oder soll ick oben noch einen Kaffee in die Maschine
hauen? - Wir können aber auch unterwegs noch in ein Café einkehren. Irgendwie bin ick heute sehr unternehmungslustig. - Das ist
weiß Gott nicht zu übersehen.”
Die Damen möchten gerne was erleben. Erlebt wird in diesem Buch viel, zu viel, um es auch nur ansatzweise nachzuerzählen. Was
zunächst noch unverbunden nebeneinander steht, erweist sich schließlich als komplex miteinander verstrickt. Beim Tanz in den Mai
lösen sich einige der Rätsel auf, und fast alle Figuren finden zueinander, als hätte der Teufel seinen Pferdefuß im Spiel. Statt des
Brockens muss für die Berliner allerdings der Mauerpark für die Hexennacht herhalten. Übers Feuer wird immerhin gesprungen,
und ein paar Geister der (DDR-)Vergangenheit werden auch ausgetrieben, und wenn nicht vertrieben, so doch in der Gegenwart
aufgenommen. “Was ich besitze, seh ich wie im Weiten”, heißt es im “Faust”, “und was verschwand, wird mir zu Wirklichkeiten.”
Ein bisschen beschreibt Goethe damit auch Annett Gröschners literarisches Prinzip – Gewissheiten werden hinters Licht geführt
und lassen so ein unwirkliches Schattenspiel entstehen. Längst Verlorenes taucht plötzlich wieder auf. Gröschner changiert elegant
zwischen magischem und hartem Realismus hin und her – manches scheint traumhaft, surreal, grotesk, anderes hingegen beim
Gehen über den Boden der Tatsachen detailgenau notiert. Sie verleiht den verschiedenen Protagonisten und Kapiteln unterschiedliche
Stimmungen; kann zwischen Tonarten wechseln und vor allem die Kaltschnäuzigkeit des Berliners und seiner Sprache wunderbar
einfangen. Sie schlüpft in die leicht miefigen Ecken dieser Stadt, dahin, wo die Grenze zwischen verschiedenen Welten verläuft, wo
man auch leicht einmal abstürzen kann, um dann in einer Spelunke zu landen, die gerade überfallen wird. Ihren urbanen Helden wird
zugemutet, sich immer von Neuem aus ihren diversen Lebensverstrickungen zu befreien, um wenigstens ein bisschen Berliner Luft
zu schnappen. Durchwurschteln, nannte man das einmal. Fast wünschte man sich, Gröschner hätte sich von ihren vielen Ideen nicht
so treiben lassen, sondern wäre tiefer in bestimmte Situationen und Konstellationen eingestiegen. Dann aber wäre “Walpurgistag”
ein anderes Buch geworden. Oder ein noch dickeres. 450 Seiten Episodenroman liefern nämlich schon ein ziemlich gewaltiges, leicht

schmuddeliges Panorama einer Stadt, die auch nur in Imagefilmen wirklich sexy ist, ansonsten halt ein Moloch wie jede andere
Metropole auch.
»Wer in Zukunft einmal wissen will, wie Berlin zur Jahrtausendwende gewesen ist, wird hier nachlesen müssen.«
dradio.de, 28.11.2011
»Nach der Lektüre von „Walpurgistag“ spaziert man auf jeden Fall mit einem geschärften Blick und vielen Geschichten im Kopf durch
die Großstadt, denn Annett Gröschner entfaltet auch die Lebenswelten derjenigen, die sonst kaum gehört würden. Ein Roman, den
nicht nur alle Berliner, sondern auch alle Nicht-Berliner unbedingt lesen sollten!«
Lesart, 4/11
»Auch wenn im Buch alle Geschichten von fiktiven Begebenheiten und Personen handeln, kommen sie doch authentisch beim Leser
an, bringen genaue Beschreibungen der Schauplätze und berlinernde Protagonisten Lokalkolorit ins Geschehen. Neben den schrägen
Charakteren wird Berlin zur Hauptfigur des Romans.«
Nürnberger Zeitung, 01.05.2012
»Mit diesem lebhaften Buch setzt Annett Gröschner einer urigen Berliner Szene ein Denkmal, die mit ihrem Schmuddel-Charme bisher
zur Identität der Stadt beigetragen hat und die inzwischen beim großen Schickmachen aus manchen Stadtbezirken verdrängt wurde.«
Märkische Allgemeine, 03.12.2011
»Üppig sind die sich hinter den Kulissen des hauptstädtischen Großraums abspielenden Geplänkel, Szenen, Klein- und
Kleinstgeschichten, die überaus Lebendiges blitzlichtartig erhellen, Schicksalen auf die Schliche kommen, die dem Leser sicher noch
lange nachgehen werden. Überstrahlt wird das gesamte Geflecht des Alltäglich-Allnächtlichen vom derb-lakonischen Humor einer
wort- und schlaggewaltigen Altfrauengruppe, deren Übermacht die agierenden Herren durchaus nicht das Spreewasser reichen
können.«
Sax – Das Dresdner Stadtmagazin, 05/12
»Wie (Annett Gröschner) die Charaktere lebendig werden lässt, ihre Wege eines Tages nachvollzieht, dabei aber ganze Lebensläufe
ausmalt und wie sie das alles verzahnt und verschränkt, das ist packend und faszinierend. So ziemlich das Beste, was es seit langem aus
Berlin zu lesen gab – Hauptstadtliteratur vom Feinsten.«
funkhauseuropa - Buchtipps Literatur Spezial Berlin, 29.02.2012
http://www.berlinerliteraturkritik.de/detailseite/artikel/ein-rasanter-grossstadtroman.html
BerlinerLiteraturkritik
Ein rasanter Großstadtroman
Eine Tagesreise durch die deutsche Hauptstadt
07.09.11
BERLIN (BLK) – Im September 2011 ist der Roman „Walpurgistag“ von Annett Gröschner in der Deutschen Verlags-Anstalt (DVA)
erschienen. Es ist ihr zweiter Roman.
Klappentext: Es ist der 30. April in Berlin, die Stadt bereitet sich auf die alljährlichen Krawalle in der Walpurgisnacht vor. Für Annja Kobe
ist damit der Zeitpunkt gekommen, von der Polizei unbemerkt mit ihrem Vater umzuziehen, der seit zehn Jahren und fünf Monaten
tiefgefroren in einer Kühltruhe liegt. Sie bittet Alex um Hilfe, einen Stadtstreicher, der Berlins Schlupflöcher so gut kennt wie kein
anderer. Auf ihrer Tagesreise durch die Stadt kreuzen sie die Wege von Menschen, die wegen neuer Besitzverhältnisse die Wohnung
wechseln müssen, Gas ablesen oder Taxi fahren, zur Schule gehen oder sie schwänzen, sich auf der Flucht vor der großstädtischen
Einsamkeit in Blind Dates stürzen oder glauben, die Welt durch Aktionstheater verbessern zu können. All diese Lebensgeschichten
verweben sich zu einem dichten Netz, das sich über die Stadt legt, sodass Berlin selbst zu einem der Protagonisten wird, seine
Gegenwart wie Vergangenheit..
Annett Gröschner, 1964 in Magdeburg geboren, studierte Germanistik in Berlin, wo sie seit 1983 lebt. Für ihr schriftstellerisches
Werk wurde sie mehrfach ausgezeichnet, u.a. mit dem Anna-Seghers-Stipendium der Akademie der Künste Berlin und dem Erwin-
Strittmatter-Preis des Landes Brandenburg. Außerdem schreibt sie Dokumentarliteratur, Theaterstücke und ist als Journalistin für
verschiedene Tages- und Wochenzeitungen und das Radio tätig. Seit 2005 unterrichtet sie als Dozentin für besondere Aufgaben
am Institut für literarisches Schreiben und Literaturwissenschaft in Hildesheim. 2000 veröffentlichte sie mit großem Erfolg den
Nachwenderoman „Moskauer Eis“.

»Ein lebenskluges Buch, raffiniert strukturiert, temporeich, mit Lakonie und Witz erzählt.«
stadtzauber – Kulturmagazin Köln, 02/12
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-10-10/annett-groeschner-walpurgistag-im-pankower-lesegespraech-mit-janboettcher-2000-84806/
Annett Gröschners Werk umfasst schon heute neben zwei Romanen und einem großen Korpus an Essays und Erzählungen auch
eine ebenso wichtige Abteilung der Herausgeberschaften. Stets ist sie unterwegs zwischen Fakt und Fiktion, eignet sich im Archiv so
gerne wie an der Straßenecke deutsche Zeitgeschichte an. Im Café EDEN***** wird sie ihren aktuellen Roman Walpurgistag (2011)
vorstellen. Darin kreuzen sich in 24 Stunden zahlreiche Lebensläufe und Sprachhaltungen im heutigen Berlin. Im Gespräch öffnet
Annett Gröschner die Werkstatt: Wie wandert der Ton der Passanten aus dem Ohr in die Literatur, wie wird er überformt, und was ist
das heute noch: eine glaubwürdige Stimme?
http://www.zitty.de/walpurgistag-8.html
Walpurgistag
Motto: Pankower Lesegespräch
mit Jan Böttcher
Reihe „Pankower Lesegespräche“ - Kurator / Leitung: Jan Böttcher - Annett Gröschners Werk umfasst schon heute neben zwei
Romanen und einem großen Korpus an Essays und Erzählungen auch eine ebenso wichtige Abteilung der Herausgeberschaften. Stets
ist sie unterwegs zwischen Fakt und Fiktion, eignet sich im Archiv so gerne wie an der Straßenecke deutsche Zeitgeschichte an. Im Café
EDEN***** wird sie ihren aktuellen Roman Walpurgistag (2011) vorstellen. Darin kreuzen sich in 24 Stunden zahlreiche Lebensläufe und
Sprachhaltungen im heutigen Berlin. Im Gespräch öffnet Annett Gröschner die Werkstatt: Wie wandert der Ton der Passanten aus dem
Ohr in die Literatur, wie wird er überformt, und was ist das heute noch: eine glaubwürdige Stimme? Schriftstellerin: Annett Gröschner
Kurator / Leitung: Jan Böttcher Foto: Philipp von Recklinghausen Die Reihe „Pankower Lesegespräche“ wird unterstützt vom Kulturamt
Pankow und im November und Dezember mit weiteren Lesegesprächen fortgesetzt.

T A N Z
BREAKFAST ein Tanzstück von Shang-Chi Sun
D T . P R E M I E R E:
11. Oktober 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
12. Oktober 2012 bis 13. Oktober 2012
im DOCK 11
http://tanzraumberlin.de/Dance-at-Daybreak--435-1.html?id=53
Tanzraum Berlin
Dance at Daybreak
Surreal breakfast with choreographer Shang-Chi Sun
Text: Anna Volkland
If you get up before you wake up, you’ll likely experience the day as strangely blurred. As if dawn had not yet given things the right
form and function, one stumbles into a world colored by dreamlike shadows. The body is still in search of the right connection to the
regular, everyday things. Taiwanese choreographer Shang-Chi Sun and playwright Gordon Florenkowsky have created a dreamlike,
surreal scenery describing this state. Collaborating with filmmaker Krzysztof Honowski they have brought great dynamic into their
dance-live film-performance, before the backdrop of a simple kitchen setting. The encounter between skin, wood, and dance floor is as
real as the clear use of digital video technology. And yet, this danced and filmed morning is full of tender and sensual moments.
http://www.ballet-dance.com/201105/Sun12Aug2012.html
Ballett Dance Magazin
Sun Shang-chi Company
‘Breakfast’
by David Mead
August 12, 2012
I’m sure we’ve all been there, sat at the breakfast table, staring into some distant space, bodies and minds somewhere between night
and day, being awake and asleep, being fully conscious and still living a now hazy dream. That is the starting point for fast rising Berlinbased
Taiwanese choreographer Sun Shang-chi’s latest creation, “Breakfast”, a collaboration with dramaturg Gordon Florenkowsky and
filmmaker Krzysztof Honowski.
Sun likes to experiment and present the viewer with different and unusual perspectives, in this case via live film of the action, projected
onto a screen hung above the stage. The three performers are as much videographers as dancers as they constantly reposition cameras
or even shoot footage handheld throughout. And very good they are at it too, as is Honowski’s impromptu editing and clever switching
from black and white to colour that gives a sense of past and present. The video would make an outstanding dance for the camera
piece without too much work. Indeed, one of the first questions that sprang to mind was whether we were watching a dance piece
that happened to use film, dance for the camera piece, or the making of a dance for the camera piece. The answer, of course, was all
three.
Much of the film is shot in close-up. The very first sequence has a camera tracking across the floor towards Fernando Balsera Pita
slumped at a small breakfast table. Every scuff and mark is not only made visible but magnified hugely. Surprisingly it was rather
beautiful, looking for all the world like leaves or other greenery floating on top of a still pond. Soon he is joined by Annapaola
Leso, Ruben Reniers for one of several sharp, quickfire and precise gesture-filled sequences that often had all three dancers’ arms
interweaving at speed.
The three performers then took the audience on a somewhat surreal journey. Sun’s choreography is intelligent, subtle and beautifully
crafted. He shows fragments of thoughts that may give hints of meaning. There is much jagged, accented movement, as though the
twitching we all do when we dream was being magnified many times. But importantly, if “Breakfast” is anything to go by, here is a
dance-maker who understands that less is often more. Just as the film would have been a success without the live action, so is the
reverse undoubtedly true.
Other props occasional put in an appearance including a bright red tomato, at first bitten into by Balsera Pita, but later jointly held by
him and Leso in their mouths. Forbidden fruit maybe? A statement about desires? Later, Reniers traverses the stage wearing a pair of
large butterfly wings, putting in a few ballet steps on the way, and Leso takes a shower courtesy of a household water sprayer; a scene
that produces some particularly impressive film. Are these clues about dreams or something real? Sun leaves it for us to decide.
All the time there was a sense that something had happened in this strange household and between these people, each in his or her
own world pitched between reality and fiction. That feeling was given extra strength when, about half way through, a camera zoomed
in on the words “Yesterday everything was still fine” chalked on the stage.
Of course, the combination of film and real life action brings its usual problem: whether to watch the film or the dance. Or maybe even
to try switching back and forth. They both held great attraction, but for me the real life won. Given how powerful video can be that
speaks volumes for the dance and the dancers.
A special mention too for Finnish musician Markus Pesonen as he matched the dancers with sometimes dark, almost eerie, sometimes
more tuneful sounds produced live from his electric guitar, which at one point he played with a violin bow; and recorded on his tablet.
“Breakfast” was a quite engaging hour’s dance and film. I just wish Sun had not had his dancers ‘treat’ the audience to a fortunately
brief outburst of groans, growls, shrieks and squawks when the dance was speaking clearly and loudly on its own. Goodness knows
why has this suddenly become the fashion with so many choreographers, but it happens so often these days it is starting to get
tiresome. Ditto the short excursion by Leso and Balsera Pita into the audience, the latter by now clad only in his underpants. I’m sure

it gave those in the centre of the front two rows yet another perspective as their bodies quite literally became the stage, although I
suspect they got a bit of a shock too. It certainly wasn’t in bad taste (it was million miles from Dave St. Pierre’s antics, for example) but,
as with the vocalising, was unnecessary.
http://www.kultiversum.de/Tanz-Aktuell/menschen-newcomer-shang-chi-sun.html
Kultiversum
Nein, der japanische Ausnahmekomponist Ryoji Ikeda stellt mit seiner synthetischen Klangmaschine keinen Helikopter dar. Aber man
will es so hören im Solo «Traverse», weil Shang-Chi Sun still die Arme im Rotorengewitter zu Blättern weitet, dann zu Säbeln, dann
zu Schwertern. Das Drohen der Bässe verwirbelt seinen Körper, als sei er selbst ein Kampfhubschrauber. Er biegt sich unter seinen
Umdrehungen, elegant wie ein Tai-Chi-Meister, energisch wie ein Samurai. Shang-Chi Sun stammt aus Fernost, Taiwan, Taipeh, der
Schule des dortigen Großmeisters Lin Hwai-min, seiner Juniorkompanie Cloud Gate 2. Es ist eine ziemlich punktgenaue Landung in
der Vergangenheit, um uns abzuholen. Der Flug: Bühne rechts vorn klappen seine gestreckten Hände ab. Bühne hinten schleicht sein
Schatten dem eleganten Körper nach. Bühne Mitte ruht sich der Mönch aus. Nur die nackten Zehen tanzen weiter wie Korallen in
einer Welle dröhnender Musik. Das Auge misstraut dem Lärm. Es könnte matt und überwältigt werden. Bei Shang-Chi Sun aber denkt
man: Der Meister hat sich im Griff. Er zeigt es bloß nicht. Der Samurai tanzt, wie sich das Fernöstliche ihm verweigert, wie er zum
Ballettschritt findet, der die Moderne verlangt, die wiederum den Aufstand des Körpers fordert. Und hier bricht das Stück, nein, ein
Werk ab. Nach nur 16 Minuten.
Shang-Chi Sun verließ Taipeh, wo Persönlichkeit nicht zählt, der Mensch nur funktionieren soll. Er ging in die Stille Nürnbergs, zu
Daniela Kurz und ihrem Ballett, begann dort zu choreografieren, zog weiter nach Berlin in ein verschlafenes Viertel, wo man morgens
die Vögel hört. Machte dort seinen Choreografenschein bei Ingo Reulecke, wurde von Akram Khan eingeladen. Man lernt hier,
«simpler zu werden, um mehr zu riskieren». Das habe ihm Reulecke mitgegeben, sagt er. Der Rat könnte auch von einem Kampfmönch
stammen.
An Deutschland fasziniert ihn: die Logik. «Ein Stück muss logisch sein», jeder literarische Text entsteht aus einer Mischung von Logik
und Improvisation. Auch die von Shang-Chi Sun schon benutzten Stücke «4.48» von Sarah Kane oder Becketts «Akt ohne Worte». Der
Körper mag ja improvisieren. Aber er ist trotzdem in der Logik des Theaters gefangen. Das sei kein Widerspruch, findet Shang-Chi Sun.
Die Logik der Bewegung aber improvisiert noch keine Erzählung. Also: «Wie erzählt der Tanz?», fragt er. Durch Pantomime, Ballett?
«So bewegt man nicht den Kopf der Zuschauer», findet er. Und: Filme können das besser. Ebenfalls durch Bewegung. Hier knüpft er
an, in seinem neuen Werk «Breakfast». Auf der Bühne wird live gefilmt, gemixt und projiziert. Leo Warner, der Meister dieser Technik,
macht es nach dem Schaubühnen-«Fräulein Julie» auch ihm möglich. Aber selbst dem Film sind tanzende Körper suspekt. «Sie sind so
unaussprechlich», sagt Shang-Chi Sun. Wie also kann man den Kopf durch den Körper bewegen? Er insistiert. Und die Frage ist so gut,
dass für die Antwort ein ganzes Leben reicht.

S H O W I N G
Babel Steps von Marilén Iglesias-Breuker
P R E M I E R E:
14. Oktober 2012
im EDEN
http://www.kultiversum.de/Veranstaltungen/babel-steps-edenstudios-berlin.html?idEventDate=11042583
Kultiversum
Babel Steps
von Marilén Iglesias-Breuker
Le Laboratoire Chorégraphique de Reims
Am Sonntag, dem 14. Oktober um 16 Uhr in EDEN*****STUDIOS, Breite Strasse 43, 13187 Berlin / Pankow stellt das Laboratoire
Chorégraphique aus Reims das Projekt Babel Steps von Marilén Iglesias-Breuker vor. Es zeigt das Ergebnis einer Begegnung zwischen
Tänzern aus Champagne-Ardenne und Berlin.
Das Publikum wird einige Auszüge von Choregraphien der Künstler aus Reims sehen können.
Babel Steps ist 2011 aus einer Zusammenarbeit mit dem Theaterhaus Berlin Mitte entstanden. Es zeigt unsere Fähigkeit auf, einen
Dialog der Körper dort einzurichten, wo derjenige der Sprache scheitert. Daher der Titel „Babel“, um den ‚hétéroclisme’ der Kulturen
von jedem Einzelnen anzudeuten, und „Steps“, weil der Schritt manchmal mehr sagt als das Wort. Dieses Projekt von “ beweglicher
Schaffung”, kann Künstler von unterschiedlichem Kurs, Kultur und Generation verbinden. Es zeigt die Momente und einzigartigen
Leistungen, die die direkte Reflexion unserer Fähigkeit des Zusammenlebens sind. Eine Erfahrung, die es mit dem Publikum zu teilen gilt.
Le Laboratoire Chorégraphique de Reims ist einer Künslerresidenz für Austausch und Kolloquien zum zeitgenössichen Tanz in der
Region Champagne-Ardenne. Es wird von Marilén Iglesias-Breuker seit 2003 geleitet.
Die Deutsch-argentinische Choreografin und Soziologin Marilén Iglesias-Breuker studierte an der Folkwang Hochschule. 1981 erhielt sie
den Folkwang-Preis. Sie gehörte dem Folkwang Tanzstudio unter Suzanne Linke an und schuf erste eigene Choreografien. Es folgten
Preise auf den Wettwerben von Bagnolet und Nyon und eine Arbeitsphase in New York, bis sie sich in Frankreich niederließ und dort
zusammen mit Luc Petton die Tanztruppe Icosaèdre gründete. Seit 1985 lebt sie in Reims, regt wichtige Ereignisse des Tanzes in dieser
Stadt an und kreierte Choreographien, die auf Gastspielreisen in Europa, Japan und Südamerika vorgestellt wurden. Seit 2003 ist sie als
verantwortliche künstlerische Leiterin des Laboratoire Chorégraphique tätig. 2011 nahm sie als Choreografin am Projekt für europäische
Kooperation Rec>On teil und wirkte 2012 als Co-Autorin bei der Choreografie „SWAN“ (Le Guetteur – Luc Petton & Cie) mit.
Le Laboratoire Chorégraphique de Reims wird von la Ville Reims, la Région Champagne-Ardenne/ORCCA, le Ministère de la Culture/
DRAC de Champagne-Ardenne und le Département de la Marne unterstützt.
http://www.wherevent.com/detail/Laboratoire-Choregraphique-Babel-Steps
EINLADUNG
Babel Steps
von Marilén Iglesias-Breuker
Le Laboratoire Chorégraphique de Reims
Am Sonntag, dem 14. Oktober um 16 Uhr in EDEN*****STUDIOS, Breite Strasse 43, 13187 Berlin / Pankow stellt das Laboratoire
Chorégraphique aus Reims das Projekt Babel Steps von Marilén Iglesias-Breuker vor. Es zeigt das Ergebnis einer Begegnung zwischen
Tänzern aus Champagne-Ardenne und Berlin.
Das Publikum wird einige Auszüge von Choregraphien der Künstler aus Reims sehen können.
Babel Steps ist 2011 aus einer Zusammenarbeit mit dem Theaterhaus Berlin Mitte entstanden. Es zeigt unsere Fähigkeit auf, einen
Dialog der Körper dort einzurichten, wo derjenige der Sprache scheitert. Daher der Titel „Babel“, um den ‚hétéroclisme’ der Kulturen
von jedem Einzelnen anzudeuten, und „Steps“, weil der Schritt manchmal mehr sagt als das Wort. Dieses Projekt von “ beweglicher
Schaffung”, kann Künstler von unterschiedlichem Kurs, Kultur und Generation verbinden. Es zeigt die Momente und einzigartigen
Leistungen, die die direkte Reflexion unserer Fähigkeit des Zusammenlebens sind. Eine Erfahrung, die es mit dem Publikum zu teilen gilt.
Le Laboratoire Chorégraphique de Reims ist einer Künslerresidenz für Austausch und Kolloquien zum zeitgenössichen Tanz in der
Region Champagne-Ardenne. Es wird von Marilén Iglesias-Breuker seit 2003 geleitet.
Die Deutsch-argentinische Choreografin und Soziologin Marilén Iglesias-Breuker studierte an der Folkwang Hochschule. 1981 erhielt sie
den Folkwang-Preis. Sie gehörte dem Folkwang Tanzstudio unter Suzanne Linke an und schuf erste eigene Choreografien. Es folgten
Preise auf den Wettwerben von Bagnolet und Nyon und eine Arbeitsphase in New York, bis sie sich in Frankreich niederließ und dort
zusammen mit Luc Petton die Tanztruppe Icosaèdre gründete. Seit 1985 lebt sie in Reims, regt wichtige Ereignisse des Tanzes in dieser
Stadt an und kreierte Choreographien, die auf Gastspielreisen in Europa, Japan und Südamerika vorgestellt wurden. Seit 2003 ist sie als
verantwortliche künstlerische Leiterin des Laboratoire Chorégraphique tätig. 2011 nahm sie als Choreografin am Projekt für europäische
Kooperation Rec>On teil und wirkte 2012 als Co-Autorin bei der Choreografie „SWAN“ (Le Guetteur – Luc Petton & Cie) mit.
Le Laboratoire Chorégraphique de Reims wird von la Ville Reims, la Région Champagne-Ardenne/ORCCA, le Ministère de la Culture/
DRAC de Champagne-Ardenne und le Département de la Marne unterstützt.

T R E F F E N
2. Arbeitstagung
der Freien Darstellenden Künste
präsentiert von LAFT Berlin e.V., ZTB e.V. sowie das Tanzbüro Berlin
P R E M I E R E:
16. Oktober 2012
im EDEN
http://www.csc-pankow.de/csc/index.php/de/angebote-link/veranstaltungen-link/757-der-laft-laedt-ein-zui-2-arbeitstagung-freiedarstellende-kuensteq
LAFT lädt ein zur 2. Arbeitstagung „Freie Darstellende Künste”
Drucken E-Mail
Die Interessenvertretungen der Freien Theater- und Tanzschaffenden in Berlin, LAFT Berlin e.V. und ZTB e.V. sowie das Tanzbüro
Berlin laden ihre Mitglieder am Dienstag, 16.10.2012 ab 14 Uhr ein zur 2. Arbeitstagung der Freien Darstellenden Künste ins
Eden*****STUDIOS, Breite Straße 43, 13187 Berlin/Pankow .Auf der Veranstaltung soll über Perspektiven und Strukturfragen der Freien
Darstellenden Künste Berlins in einzelnen Arbeitsgruppen und in einer abschließenden Gesprächsrunde diskutiert werden. Unter anderem
wird es eine Arbeitsgruppe zur Wirtschaftsförderung für die Freien Darstellenden Künste geben. Mehr Informationen sowie das

T A N Z
Do or Die ein Tanzduett von Jennifer Mann und Heidi Weiss
P R E M I E R E:
18. Oktober 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
19. Oktober 2012 bis 21. Oktober 2012
im DOCK 11
http://gonnado.com/de/do-or-die-ein-tanzduett-von-jennifer-mann-und-heidi-weiss-5b4d585c/
„Do or Die“ ist ein Tanzduett von Jennifer Mann und Heidi Weiss. Die Inspiration zu dem Stück kam von den Texten von Eckart Tolle. Es
beschäftigt sich mit unserer Fixiertheit aufs “tun”, immer aktiv sein zu müssen. Was bewegt unseren Geist, der ständig überstimuliert,
mit immer neuen ToDo-Listen beschäftigt ist,- und wie äußert sich dies in äußerer “Bewegtheit”. Die Sehnsucht danach nur noch
“sein” zu dürfen, bringt die Tänzerinnen in einen ruhigeren Zustand, wird aber immer wieder verstört durch unseren Wahn für alles
eine Lösung finden zu müssen, etwas erreichen zu wollen, alles erledigen zu müssen. Aus diesem inneren Konflikt entsteht das kreative
Spannungsfeld, das es möglich macht den “Jetzt” Zustand zu betreten und wieder zu verlassen. Für Jennifer Mann und Heidi Weiss
sind diese Themen eng verknüpft mit der intensiven Beschäftigung mit dem Yoga und der daraus resultierenden Lebensweise. In ihre
Arbeit recherchieren sie häufiger Themen, die die Herausforderungen unserer modernen Welt widerspiegeln. Der Sehnsucht nach
einem befriedigten und erfolgreichen Ego gegenüber einer einfachen Lebensweise, die die Seele zu nähren in der Lage ist. Stilistisch ist
“Do or Die” ein schönes Beispiel für die *Weissmann Technik, die die beiden Choreografinnen durch ihre jahrelange Zusammenarbeit
und Lehrtätigkeit entwickelt haben.
Tanz / Chorographie: Jennifer Mann, Heidi Weiss
Musik: Sebastian Seidemann, Aparat, Flotel, Deja-Move,Textauschnitt von der CD “The Power of Now”, Eckhart Tolle
Musikschnitt: Stefan Pahlke
Licht: Iwona Nadolna-Grönhagen
Kostüme: Alexander Ambite y Mensen
Fotos: Sebastian Gäbel
Freundliche Unterstützung von Tanzhaus NRW, Yoga Sky, Tanzakademie Balance 1 and DOCK 11
http://www.werkstatt-der-kulturen.de/de/inhouse/produktionen/tanznews/
TANZ news
Do or Die
von Jennifer Mann und Heidi Weiss
Vom Machen, Machen, Machen – eine getanzte Abhandlung über das Ego
Die international tätigen Tänzerinnen und Choreografinnen Jennifer Mann und Heidi Weiss übersetzen Eckhart Tolles Abhandlung
über das Ego in ein modernes Tanzstück auf höchstem Niveau. “Do or Die” hat eine choreografische Dichte, die die Idee des Themas
vollstens ausschöpft. Tanz: Jennifer Mann, Heidi Weiss // Musikmix: Stefan Pahlke
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-10-19/do-or-die-ein-tanzduett-von-jennifer-mann-und-heidi-weiss-2030-84809/
Die Inspiration zu dem Stück kam von den Texten von Eckart Tolle. Es beschäftigt sich mit unserer Fixiertheit aufs “tun”, immer aktiv
sein zu müssen. Was bewegt unseren Geist, der ständig überstimuliert, mit immer neuen ToDo-Listen beschäftigt ist,- und wie
äußert sich dies in äußerer “Bewegtheit”. Die Sehnsucht danach nur noch “sein” zu dürfen, bringt die Tänzerinnen in einen ruhigeren
Zustand, wird aber immer wieder verstört durch unseren Wahn für alles eine Lösung finden zu müssen, etwas erreichen zu wollen,
alles erledigen zu müssen. Aus diesem inneren Konflikt entsteht das kreative Spannungsfeld, das es möglich macht den “Jetzt”
Zustand zu betreten und wieder zu verlassen. Für Jennifer Mann und Heidi Weiss sind diese Themen eng verknüpft mit der intensiven
Beschäftigung mit dem Yoga und der daraus resultierenden Lebensweise. In ihre Arbeit recherchieren sie häufiger Themen, die die
Herausforderungen unserer modernen Welt widerspiegeln. Der Sehnsucht nach einem befriedigten und erfolgreichen Ego gegenüber
einer einfachen Lebensweise, die die Seele zu nähren in der Lage ist. Stilistisch ist “Do or Die” ein schönes Beispiel für die *Weissmann
Technik, die die beiden Choreografinnen durch ihre jahrelange Zusammenarbeit und Lehrtätigkeit entwickelt haben.
http://www.zitty.de/do-or-die-2.html
zitty Berlin
Die Inspiration zu dem Tanzduett kam von den Texten von Eckart Tolle. Es beschäftigt sich mit unserer Fixiertheit aufs Tun, immer aktiv
sein zu müssen.

http://tanzraumberlin.de/index.php?article_id=423&clang=
Tanz Raum Berlin
Do or Die / Jennifer Mann und Heidi Weiss
Die Inspiration zu dem Stück kam von den Texten von Eckart Tolle. Es beschäftigt sich mit der Fixiertheit aufs “tun” - immer aktiv sein
zu müssen. Was bewegt unseren Geist, der ständig überstimuliert, mit immer neuen ToDo-Listen beschäftigt ist,- und wie äußert sich
dies in äußerer “Bewegtheit”? In ihre Arbeit recherchieren die Choreografinnen Jennifer Mann und Heidi Weiss häufig Themen, die die
Herausforderungen unserer modernen Welt widerspiegeln: Der Sehnsucht nach einem befriedigten und erfolgreichen Ego gegenüber
einer einfachen Lebensweise, die die Seele zu nähren in der Lage ist. Stilistisch ist “Do or Die” ein schönes Beispiel für die “Weissmann”
Technik, die die beiden Choreografinnen durch ihre jahrelange Zusammenarbeit und Lehrtätigkeit entwickelt haben.
18.-21.10.2012, Dock11

T A N Z
ECHO. It‘s just a temporary thing.
ein Duett für Riki von Falken (Berlin) und Naim Syahrazad (Kuala Lumpur)
P R E M I E R E:
25. Oktober 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
26. Oktober 2012 bis 03. November 2012
im EDEN
http://www.tip-berlin.de/kultur-und-freizeit-theater-und-buehne/riki-von-falken-echo-its-just-temporary-thing
tip Berlin
Die herausragende Choreografin Riki von Falken hat ein Duett mit dem malaysischen Tänzer Naim Syahrazad choreografiert: “Echo. It’s
Just A Temporary Thing”.
2010 unterrichtete Riki von Falken auf Einladung des Goethe-Instituts drei Monate lang junge Künstler in Malaysien in zeitgenössischem
Tanz und Choreografie. Ihre Erfahrungen während dieser Zeit verarbeitet die Choreografin in ihrem neuen Stück “Echo. It’s just a
temporary Thing”. Denn auch sie hat dabei einiges gelernt, z.B. dass traditionelle malaiische, indische und chinesische Tänze in ihrer
Aneignung von Raum große Ähnlichkeiten zu westlichen Methoden aufweisen. In Riki von Falkens choreografischem Schaffen ist der
Raum gleichzeitig wichtigstes Werkstück und Werkzeug. Ohne Raum kein Echo, hier entsteht Erfahrung genauso wie Erinnerung.
Auch ihre Wahrnehmung eines Erdbebens in Neuseeland fließt in ihre Konzeption von Raum im neuen Stück ein, das sie zusammen
mit dem malaysischen Künstler Naim Syarahzad tanzt. Er hat sehr ähnliche Erfahrung wie die deutsche Choreografin gemacht: auch
ihm ist das scheinbar Fremde nah. Vom künstlerischen Austausch der beiden profitiert das Duett, in das die persönlichen Geschichten
einfließen, die im Körper gespeichert, in der Fantasie, in Haltungen etc. deutlich werden. Aus individueller Reflexion entsteht der
gemeinsame Raum: ein neues Echo, eine neue Wirklichkeit.
http://tanznetz.de/blog/23975/einheit-des-verschiedenen
Tanznetz
EINHEIT DES VERSCHIEDENEN
Im EDEN***** zeigen Riki von Falken und Naim Syahrazad ihr Duett „ECHO“
Ein Raum wie ein asiatisches Sushi-Restaurant. Auf dem Boden des EDEN*****, der Pankower Edel-Spielstätte des Dock 11, sind
über 100 weiße Teller geometrisch penibel in Reihen angeordnet. Davor und dahinter liegt weiteres Geschirr malerisch verteilt. Auch
der zur Hälfte schwarz und weiß ausgekleidete Raum zeigt auf hellem Grund im Großvideo das geschäftige Treiben in der Küche
einer Gaststätte, dann Speisende auch. Zum Rattern eines Zuges treten sie gemeinsam vor das Video, Riki von Falken, die seit 1981
bereits mit Stücken in Berlin wirkt, und der junge Naim Syahrazad aus Malaysia. Kennengelernt haben sie einander bei mehreren
Gastunterrichten in Kuala Lumpur und bemerkt, dass beider Auffassungen von Raum und Tanz so weit entfernt nicht sind. Als Folge
gemeinsamen Wollens entstand das Duett „ECHO. It’s just a temporary thing“. Es verarbeitet, was jeder an ganz Eigenem einbringt,
und addiert, was er vom anderen gelernt hat, gewissermaßen als Echo auf den Dialogpartner. Riki von Falken steht eher für die streng
reduzierte, bisweilen spröde Bewegung als Konzentrat langer Recherche, Naim Syahrazad hat modernen Tanz studiert, aber auch
traditionelle malaiische, indische und chinesische Techniken, beherrscht ebenso malaiische Kampfkunst. Eine spannende Begegnung.
Sie beginnt mit einer Folge maschinell ruckhafter Bewegungen im Vorwärtsgang, bei der Armführungen besonderes Gewicht zufällt.
Perfekt synchron läuft dieser Einstieg ab, wird oft wiederholt, jedes Mal mit kleinen Veränderungen, bis der Mann aussteigt und allein
neu beginnt. Die Frau folgt ihm nach. So verschiebt sich der Tanz, differenzieren sich Persönlichkeiten. Kulinarische Köstlichkeiten
präsentiert das Video verzehrbereit auf Tabletts und lenkt damit auf die live ausgelegten Teller hin. Während er vor ihnen sitzt und
noch mehrere Reihen anbaut, fühlt sie sich zurückgeworfen auf ihr „altes“ Bewegungsmaterial: eine sparsame Beziehungssuche zum
Raum im Ausfallschritt, ohne dabei aus sich herauszukommen, weil etwas sie jeweils stoppt. Dann kehrt sich die Situation um. Sie sitzt
wartend, er tanzt geschmeidig und tastend trippelnd über die angestrahlte Tellerlandschaft wie über einen Geschicklichkeitsparcours,
wippt Teller in der Hand, baut nochmals um und zerstört dabei die Ordnung, bahnt sich mit Tellern einen Weg zur Partnerin, die
indes nicht reagiert. Für ein Miteinander scheint sie noch nicht bereit.Vielmehr verfällt sie sitzend in ein Solo der veränderten Lagen
und Balancen, der Klappung, Torsion, Stürze ihres Oberkörpers. In diese eher europäische Bewegungsmetapher aber steigt er ein
und nimmt so zu Gongklang ihr Echo auf. Fast tierhaft verdrehen und lenken sich beider Oberkörper aus, Motive tauchen auf. Als der
Muezzin zum Gebet ruft, der Film Straßentreiben, weiße Türmchen, Architektur, Passanten, Palmen, Hochhäuser ablichtet, türmt auch
der Tänzer seine Teller. Immer wieder entfernen sich die zwei Akteure voneinander, ziehen sich auf ihr nationales Bewegungsidiom
zurück. Wenn sie Gemeinsames versuchen, etwa als Silhouetten den Tanz mit vogelhaften Krallenhänden, bleibt bei aller Gleichheit
doch die Verschiedenheit erhalten. Nicht jede Szene erhellt sich, spiegelt choreografisch Riki von Falkens Erlebnisse in Malaysia und
Neuseeland, von denen der Zuschauer ausgeschlossen bleibt.
Was sich jedoch mitteilt, ist der Dialog zweier ebenbürtiger Künstler mit kulturell anderem Hintergrund und der Wille, respektvoll
voneinander zu lernen. Auch sein kampfsportliches Spiel mit Tellern bringt der Mann ein, baut architektonische Gebilde aus ihnen.
Wenn sie sich an seiner Art Tanz versucht, kommt auf liebenswerte Weise sogar Witz auf. Am Ende kehrt das Paar zum Gang des
Anfangs zurück; freier, eigenständiger und raumgreifender ist er jetzt. Die Einheit liegt eben in der Verschiedenheit. Riki von Falken
ist der Kontakt mit dem jungen Kollegen offensichtlich gut bekommen, gelöst und fröhlich wirkt sie, weniger versunken in die Suche
bloß im eigenen Körper. Naim Syahrazad tanzt mit bestens trainiertem Körper so präzis und prägnant, dass man sich ihn fest in Berlin
wünschte. Den Compagnien von Sasha Waltz oder Toula Limnaios stünde er gut zu Gesicht.

http://www.openpr.de/news/666981/ECHO-IT-S-JUST-A-TEMPORARY-THING.html
Open PR
ECHO. IT’S JUST A TEMPORARY THING
Pressemitteilung von: Riki von Falken & Naim Syahrazad / PR Agentur: k3 berlin
Was ist der Raum? Leere? Hülle? Alles?
In Riki von Falkens choreografischem Schaffen ist der Raum gleichzeitig wichtigstes Werkstück und Werkzeug. Er konstituiert die Basis
von Wirklichkeit und Wahrnehmung; die Bedingung für Erfahrung, in und aus ihm entsteht Erinnerung.
Ohne Raum kein Echo.
Mit ihrer neuen Choreografie ECHO. IT’S JUST A TEMPORARY THING erarbeitet Riki von Falken das künstlerische Fazit mehrmonatiger
Arbeitsaufenthalte in Malaysia.
Im Frühjahr 2010 unterrichtet sie in Kuala Lumpur junge malaysische Künstler in zeitgenössischem Tanz und Choreografie. Sie
beobachtet traditionelle malaiische, indische und chinesische Tänze ebenso wie die Kampfkunst Silat und entdeckt, dass ihr diese
eigentlich fremden Formen der Aneignung von Raum merkwürdig vertraut erscheinen.
In der Folge, beeinflusst auch von dem persönlich prägenden Raumerlebnis eines Erdbebens in Neuseeland, kreiert von Falken während
eines weiteren Aufenthaltes eine zeitgenössische Choreografie für acht malaysische Tänzer, an der auch Naim Syarahzad mitwirkt. Mit
dem jungen Tänzer und Choreografen entwickelt sich ein lebhafter künstlerischer Austausch.
Syarahzad macht unter umgekehrten Vorzeichen eine sehr ähnliche Erfahrung wie die deutsche Choreografin: Auch ihm ist das
scheinbar Fremde nah. Von Falkens choreografischer Fokus der Raum-(er)forschung, die abstrakte Kompositionstechnik und die Arbeit
mit Wiederholungen lassen den malaysischen Künstler eine starke Affinität zu den eigenen Grundlagen empfinden.
In ECHO. IT’S JUST A TEMPORARY THING kommen Riki von Falken und Naim Syarahzad wieder zusammen. Beide tragen ihre
eigene Geschichte, alles schreibt sich in den Körper ein – Phantasien, Gravuren, Positionen: Erinnerung. In der tänzerischen
Auseinandersetzung aber überprüfen sie innere wie äußere Perspektiven und gestalten sie um. Aus individueller Reflexion entsteht der
gemeinsame Raum: ein neues ECHO, eine neue Wirklichkeit.
Eine Produktion von Riki von Falken in Kooperation mit der ASWARA Arts Academy (Kuala Lumpur), Dock 11/EDEN*****.
Unterstützt vom Hauptstadtkulturfonds, dem Goethe Institut und dem ITI.
Künstlerische Leitung / Tanz: Riki von Falken, Tanz: Naim Syahrazad, Dramaturgie: Katja Kettner, Video: Oscar Loeser, Technische
Leitung: Ralf Grüneberg
48 SONNABEND/SONNTAG, 27./28. OKTOBER 2012 apple TAZ.DIE TAGESZEITUNG
www.taz.de
tazplan@taz.de
taz.plan
KULTUR +PROGRAMM
apple FÜR BERLIN
Sa/So|27.10.12
BERLINER SZENEN
PLÜSCHTIERSÜCHTIG
Sic semper tyrannis
Ich bereite den Tee zu, während
sie ausführlich und narzisstisch
über ihr Problem monologisiert.
Wie soviele andere Menschen
scheint auch sie Panik davor zu
haben, dass man ihr nicht zuhört.
Anders kann ich mir ihren
latent hohen Promillespiegel
nicht erklären. Denn als Betrun-
Tanzen auf der Mittelwelle
RADIO DJ Tim Sweeney begann seine DJ-Karriere im Highschoolradio. Inzwischen wirdseine Sendung „Beats
in Space“von Fans aufder ganzen Welt geliebt. Am Samstagabend legt der NewYorker im Berghain auf
VON SOPHIE JUNG
Schon an der Highschool trat er
im Schulradio als DJ auf. Er
mischte dabei so gut, dass er
kurzerhand eine eigene Sendung
bekam. Tim Sweeney wargerade
18 Jahre alt, als er von Baltimore
nach New York zog, um Musik
zu studieren. Nebenher wurde
er mit seiner Radioshow „Beats
in Space“, die jeden Dienstag
zwischen 22.30 Uhr und 1Uhr
nachts beim Collegesender
WNYU ausgestrahlt wird, zu einem
der begehrtesten DJs der
Welt.
„Zu Beginn war die Sendung
ein ganz kleines Ding aufder Mittelwellen-Frequenz.
Von dem
Sendestudio in der New York
University aus drang ich höchstens
bis zu den Studenten im
Grundstudium ausdem nahegelegenen
Wohnheim vor“, erzählt
Sweeney.„Aber ich wollte so viele
Leute wie möglich erreichen.“
Daher begann Sweeney bereits
1999, alleSessions aufzunehmen
und auf seine Homepage zu laden.
Und bald hörten neben den
Studenten auch Leute aus München
und Berlin zu,die Sweeney
zu seinen Sendungen Fanmails
schrieben.
So wuchs „Beats in Space“, und
Sweeney wechselte von der Mittelwelleauf
UKW, und neben seinen
eigenen DJ-Sets ließ er irgendwann
auch regelmäßig Gäste
in der Sendung auflegen. Mittlerweilehat
er ein riesiges Archiv
Als erbei WNYU auf Mittelwelle sendete, erreichte Tim Sweeney nur die Studenten im Grundstudium aus dem nahegelegenen Wohnheim Foto: Promo
Sendung kamen, ahnten nicht,
dass sie nur auf der Mittelwelle
ausgestrahlt wurde.“ Steinski
schienen Sweeneys Tricksereien
nicht gestört zu haben, die beiden
freundeten sich an und
Sweeney erhielt Zugang zu des-
Sweeneys Clubkarriere begann
mit einer wöchentlichen
Session in der Bar Plant imEast
Village, bald tingelte er auch
durch größere Clubs in der Stadt.
Mittlerweile legt Sweeney jedes
Wochenende in einer anderen
hen Ansprüchen feiern.“ Trotzdem
verfolgt Sweeney auch als
Club-DJ seinen experimentellen
Spürsinn. „Ich würde auf der
Tanzfläche nie das Gleiche spielen
wie im Radio. Ich versuche
immer, in viele musikalische
Ausgefallenes. Unter deepe
House-Tracksmischteretwagerne
afrikanische Tribalsounds
oder türkischen Funk aus den
Siebzigern. Einen genuinen New-
York-Style siehterinseinem Stil
eher nicht. Trotzdem fließt die

tanzpresse.de
Erkundungen im Raum
Riki von Falken und Naim Syahrazad mit „ECHO. It´s just a temporary thing“ im Dock 11/ EDEN*****
kurzvorschau / preview
( AJ 31.10.12 ) Riki von Falken und Naim Syahrazad sind auf den ersten Blick ein ungleiches Gespann: Sie seit 1981 in Deutschland
und international als Tänzerin und was Choreografin einmal war. Die aktiv, Tänzerin er Hyoung- aus Malaysia Kriegsgebiete stammend erinnerte. In und „Ghost“ am Anfang Tommi Zeuggin seiner represent tänzerischen an expres-Laufbahnsive
ASWARA-Kunstakademie theater of movement that is in Kuala
Kennen Getanztes
gelernt haben sich die beiden Min Kim Jahr und der 2010, Performer als Riki Tommi von diente Falken ihnen als eine Gastdozentin Stahlkonstruktion an der
Lumpur Choreografie unterrichtete. Zeuggin Zwei stehen Jahre für später ein expressives stehen sie als nun Kampfplatz auf einer für vergebliche Berliner Versuche
Bühne often und abysmal präsentieren and barely das presentable.
Resultat ihrer
Zusammenarbeit, Nichtsdas auch von der
Bewegungstheater
Begegnung zweier
des oftmals
Kulturen
kaum
erzählt.
des Ankommens
Videoprojektionen
im Fremden.Falsche
Spinnweben oder Fledermaus-
extremes in their movement vocab-
versetzen
They often
das
look
Publikum
for physical
zu Beginn in
Darstellbaren und Abgründigen. Oft
eine asiatische Kulisse. In die Szenen aus einer Großküche hinein beginnen Von Falken und Syahrazad ihr Duett, sie bewegen sich in
„Dust“ zeigt Dinge, die suchen die beiden in ihrer Bewegungssprache
nach physischen Extregeblich
suchen. Vielmehr lässt sich ly everyday movements, along with
attrappen wird man in „Dust“ verulary,
for “wild” and yet apparent-
Synchronie auf das Publikum zu. Auffällig die präzisen Winkelbewegungen der Arme, die bei aller Formstrenge fließend wirken. Das
nicht mehr da sind
harmonische Zusammenspiel kommt
men.
nicht
Nach „wilden“
von ungefähr.
und doch scheinbar
Raum alltäglichen angeht. Bewegungen. So empfand Dabei lesen, Riki in von der Falken unwirtliche die Orte traditionellen und die “Guest,” malaiischen they already created Tänze a land-
und die Kampfkunst
Beide
das
Performer
Stück als Abschluss
entdeckten
einer Trilogie
beim
existing,
jeweils
on-site
Anderen
material.
ganz
Earlier
ähnliche
in
Ansätze,
was die Der tänzerische Abend trägt den Aneignung schlichten Titel von
Silat als „Staub“. gar nicht Es soll so um fremd, verlassene Syahrazad Räume
It´s und ihre just Geschichten a temporarything“ gehen. Darhandenen
komprimiert Material diesen des Ortes. künstlerischen Schon raums eine Austausch wichtige Rolle in spielen. dichten zones. Bildern, And die in “Ghost,” die interkulturelle a steel con-
Dimension
schätzen wiederum sie die Arbeit war mit fasziniert dem vor-
reale von Widerständigkeit abstrakten des Kompositionstechnik Bühnenscape
of dust and seiner sand evoking deutschen war Partnerin.
„ECHO.
thematisieren, um, wie man ohne etwas sie tanzt, bis das ins nicht Letzte in „Guest“ ausleuchten kreierten zu sie wollen. eine Land-Daschaft aus
Bühnenbild etwa wird von struction Arrangements served as the aus battleground Tellern bestimmt, sie
sind banal
mehr da
und
ist.
doch
Wie man
universell
etwas zeigt,
in ihrem Charakter
Staub und
als
Sand,
Objekte
die an
der Alltagskultur. Syahrazad begibt
for futile
sich
attempts
in einen
at arriving
spielerischen
in a foreign
place. There are no fake spider
Dialog
mit dem geometrisch angeordneten Tellerfeld, tanzt behände über und durch die Tellerreihen hinweg. Später steigt Von Falken in das
Nothingness webs or stuffed bats in their repertoire.
Instead, “Dust” may be seen as
Hantieren mit den Tellern ein. Immer scheint das Aufnehmen von Impulsen ganz organisch stattzufinden, so in der Schlussszene, die die
Sequenz vom Anfang aufgreift, dabei aber neue Raumwege und Danced
eine intensivere Dynamik sucht.
the conclusion
Auch
of
wenn
a trilogy
einige
prominently
featuring Weise. inhospitable (Annett places Jaensch) and
Aktionen im Laufe
des Stücks erratisch bleiben, der künstlerische Dialog transportiert sich dennoch auf überzeugende
“Dust” reveals things that the resistance of the space.
Weitere Vorstellungen: 01. bis 03. November 2012, jeweils 20 Uhr are EDEN*****, no longer there. Breite Straße 43, 13187 Berlin
Hyoung-Min Kim und Tommi Zeuggin versuchen, das Nichts zu beschreiben Foto: Thomas Aurin
tanzraumberlin / September / Oktober 2012
kurzvorschau / preview
Hyoung-Min Kim
“Dust,” simply named, is about abandoned
spaces and the stories behind Dust
und Tommi Zeuggin
them. About how to dance something 20., 22., 26.-29. September 2012
that is no longer there. How to show Uferstudios
something as it used to be. Dancer
Hyoung-Min Kim and
www.uferstudios.de
performer
Wenn der
Raum bricht
Ein Duett für Riki von
Falken und Naim Syahrazad
hat meine Wahrnehmung ungeheuer
geschärft. Als Kind dachte ich immer,
dass sich Räume, wenn sie sich auflösen
könnten, auch wieder neu zusammensetzen
ließen.“ Mit Syahrazad
trifft sie nun auf einen Partner, mit
dem das vielleicht sogar möglich ist.
Ein Raum, zwei Kulturen
Foto: Riki von Falken
Riki von Falken ist längst zurück aus
Kuala Lumpur. Doch der Eindruck war
nachhaltig. Unter anderem hängt das
damit zusammen, dass die Choreografin
während ihres Arbeitsaufenthaltes
dort eine Verbindung zwischen
dem traditionellen malaysischen Tanz
und den eigenen abstrakten Ansätzen
entdeckte. Für ihr neues Stück „Echo.
It’s just a temporary thing“ hat sie
deshalb Naim Syahrazad nach Berlin
eingeladen. Mit dem jungen malaysischen
Tänzerchoreografen will sie
die Verbindungen zwischen den Tanzstilen
erforschen, sie in einen zeitgenössischen
Kontext stellen und ihr
Verhältnis zum Raum neu verorten.
Das Erdbeben in Neuseeland vor zwei
Jahren habe nämlich ihr Empfinden
im Raum neu geprägt, sagt sie. „Die
Erfahrung, dass Raum brechen kann,
When Space
Breaks
A duet for Riki von Falken
and Naim Syahrazad
It has been some time since Riki
von Falken was in Kuala Lumpur, but
the impression it made on her was
long lasting. One reason for this is
that during her working period over
there, the choreographer discovered
a link between her own abstract choreographies
and traditional Malaysian
dance. For her new piece “Echo.
It’s just a temporary thing” she thus
in vited young dancer and choreographer
Naim Syahrazad to join her
in Berlin to explore the connections
between their dance styles, setting
them in a contemporary context and
re-establishing their relation to the
space. The earthquake in New Zealand
two years ago affected her feeling
for space, says von Falken. “The
experience that space can break
sharpened my perception immensely.
As a child I always thought that
rooms, if they could dissolve, could
also be recreated.” With Syahrazad
she now has a partner with whom this
might even be possible.
Riki von Falken
und Naim Syahrazad
Echo. It’s just a temporary thing
25.,-28. Oktober und
1.-3. November 2012
EDEN *****
www.dock11-berlin.de
12 tanzraumberlin september/oktober 2012

zitty Nr. 23 / 2012, S. 96

LITAUISCHES TANZWOCHENENDE :
Salamandra‘s Dream
ein Tanzsolo von Loreta Juodkaite. und Valentinas Masalskis
G A T S P I E L :
25. Oktober 2012
im DOCK 11
http://www.regiomusik.de/veranstaltung/termin/733311/salamandras-dream-ein-tanzsolo-von-loreta-juodkait-und-valentinas-masalskis.
html
Litauisches Tanz-Wochenende präsentiert von der Botschaft der Republik Litauen in Deutschland und dem Litauischen
Informationszentrum für Tanz Salamandra?s Dream Vorstellung am 25.10.2012, 20.30 Uhr, im DOCK 11 Ticketpreise: 10.- Euro / erm.
8.- Euro Wandlungsfähigkeit bis zur Erneuerung, so wie die Suche nach Identität in der Wildnis heutiger Konsumwelt. Salamandra’s
Dream is ein Tanz Diptychon, inspiriert durch den amphibischen Salamander, welcher im Mittelalter als Bote der Hölle galt und auch
als Symbol der Alchemie gehalten wurde aufgrund seiner Fähigkeit, die verlorenen Gliedmaßen nachwachsen zu lassen und ein extrem
gefährliches Gift zu produzieren.”Ein fast halluzinogenes Erlebnis” so der englische Theaterktitiker Andrew Haydon. Das Tanzstück
wurde zweimal mit dem höchsten litauischen Theaterpreis “Goldenes Bühnenkreuz” für das beste Debüt und die beste Musik
ausgezeichnet. Salamandra’s Dream ist eine Zusammenarbeit von zwei verschiedenen Künstlern: der litauischen Theater-Legende, dem
überaus erfolgreichen Schauspieler und Regisseur Valentinas Masalskis und einer der berühmtesten jungen litauischen Tänzerin und
Choreographin Loreta Juodkait?. Künstlerische Leitung: Valentinas Masalskis Choreographie / Tanz: Loreta Juodkait? Musik: Marius
Baranauskas Ausstattung / Kostüm: Renata Val?ik Foto: Marius Jasinevi?ius Produktion: Men? spaustuv? / Arts Printing House Gefördert
durch: Lietuvos respublikos kult?ros ministerija, LIETUVOS RESPUBLIKOS KULT?ROS R?MIMO FONDAS Unterstützt von: Vilniaus miesto
savivaldyb?, “Vilniaus energija” Partner: Botschaft der Republik Litauen in Deutschland Dank an: Lietuvos ?okio informacijos centras,
www.dance.lt Dauer: 45min Uraufführung: 2006
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-10-26/salamandras-dream-sibilla-tanzsolos-von-loreta-juodkaite-und-valentinasmasalskis-2030-84811/
Litauisches Tanz-Wochenende präsentiert von der Botschaft der Republik Litauen in Deutschland und dem Litauischen
Informationszentrum für Tanz
Wandlungsfähigkeit bis zur Erneuerung, so wie die Suche nach Identität in der Wildnis heutiger Konsumwelt. Salamandra’s Dream is ein
Tanz Diptychon, inspiriert durch den amphibischen Salamander, welcher im Mittelalter als Bote der Hölle galt und auch als Symbol der
Alchemie gehalten wurde aufgrund seiner Fähigkeit, die verlorenen Gliedmaßen nachwachsen zu lassen und ein extrem gefährliches
Gift zu produzieren.„Ein fast halluzinogenes Erlebnis“ so der englische Theaterktitiker Andrew Haydon.
Das Tanzstück wurde zweimal mit dem höchsten litauischen Theaterpreis „Goldenes Bühnenkreuz“ für das beste Debüt und die
beste Musik ausgezeichnet. Salamandra’s Dream ist eine Zusammenarbeit von zwei verschiedenen Künstlern: der litauischen Theater-
Legende, dem überaus erfolgreichen Schauspieler und Regisseur Valentinas Masalskis und einer der berühmtesten jungen litauischen
Tänzerin und Choreographin Loreta Juodkait.

LITAUISCHES TANZWOCHENENDE : Sibilla
ein Tanzsolo von Loreta Juodkaite und Valentinas Masalskis
G A T S P I E L :
25. Oktober 2012
im DOCK 11
http://www.regiomusik.de/veranstaltung/termin/733470/sibilla-ein-tanzsolo-von-loreta-juodkait-und-valentinas-masalskis.html
Litauisches Tanz-Wochenende präsentiert von der Botschaft der Republik Litauen in Deutschland und dem Litauischen
Informationszentrum für Tanz Vorstellung am 26.10.2012, 20.30 Uhr, im DOCK 11 Ticketpreise: 10.- Euro / erm. 8.- Euro Sibilla ist ein
Tanzstück von zwei Künstlern mit völlig unterschiedlichen Ausbildungen und aus unterschiedlichen Generationen: einer jungen Tänzerin
Lora Juodkait? und einem gefeierten Regisseur Valentinas Masalskis. Das ist ihre zweite Zusammenarbeit; die Erste, Salamandra? Dream
(2006), wurde mit dem höchsten litauischen Theaterpreis ausgezeichnet. Sibilla wurde von den weiblichen Orakeln aus der griechischen
und römischen Mythologie inspiriert, welche, wie der Mythos besagt, zum Dienst einer heiligen Vermittlungsrolle zwischen Göttern
und Menschen bestimmt wurden. In Sibilla ist Lora Juodkait? eine Solo-Performerin, aber ihre kraftvolle Präsenz und Energie, wie sie
auftritt, reichen aus, um den ganzen Bühnenraum damit auszufüllen. Choreographie / Tanz: Lora Juodkait? Künstlerische Leitung:
Valentinas Masalskis Musik: Tomas Kutavi?ius Ausstattung / Kostüme: Renata Val?ik Foto: Michailas Ra?kovskis Produktion: Men?
spaustuv? / Arts Printing House Gefördert durch: Lietuvos respublikos kult?ros ministerija, LIETUVOS RESPUBLIKOS KULT?ROS R?MIMO
FONDAS Unterstützt von: Vilniaus miesto savivaldyb?, “Vilniaus energija” Partner: Botschaft der Republik Litauen in Deutschland Dank
an: Lietuvos ?okio informacijos centras, www.dance.lt Dauer: 50? Uraufführung: 2008
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-10-26/salamandras-dream-sibilla-tanzsolos-von-loreta-juodkaite-und-valentinasmasalskis-2030-84811/
Litauisches Tanz-Wochenende präsentiert von der Botschaft der Republik Litauen in Deutschland und dem Litauischen
Informationszentrum für Tanz
Wandlungsfähigkeit bis zur Erneuerung, so wie die Suche nach Identität in der Wildnis heutiger Konsumwelt. Salamandra’s Dream is ein
Tanz Diptychon, inspiriert durch den amphibischen Salamander, welcher im Mittelalter als Bote der Hölle galt und auch als Symbol der
Alchemie gehalten wurde aufgrund seiner Fähigkeit, die verlorenen Gliedmaßen nachwachsen zu lassen und ein extrem gefährliches
Gift zu produzieren.„Ein fast halluzinogenes Erlebnis“ so der englische Theaterktitiker Andrew Haydon.
Das Tanzstück wurde zweimal mit dem höchsten litauischen Theaterpreis „Goldenes Bühnenkreuz“ für das beste Debüt und die
beste Musik ausgezeichnet. Salamandra’s Dream ist eine Zusammenarbeit von zwei verschiedenen Künstlern: der litauischen Theater-
Legende, dem überaus erfolgreichen Schauspieler und Regisseur Valentinas Masalskis und einer der berühmtesten jungen litauischen
Tänzerin und Choreographin Loreta Juodkait.

LITAUISCHES TANZWOCHENENDE :
taip
eine Tanzperformance von Raimonda Gudavic(iu-te., Mantas Stabac(inskas und Audra Molyte.
G A T S P I E L :
27. Oktober 2012 bis 28. Oktober 2012
im DOCK 11
taip (Tanzperformance)
Dock 11
Kastanienallee 79
10435 Berlin
So. 28.10.12 20:30 Uhr
Litauisches Tanz-Wochenende präsentiert von der Botschaft der Republik Litauen in Deutschland und dem Litauischen
Informationszentrum für Tanz
...Wir sind nicht hierher gekommen, um die Liebe von den anderen zu nehmen und auf diesem Wege unser Recht zu beweisen. Wir
sind hier, um eine schwierige Aufgabe durchzuführen – heilsam und vollkommen zu werden, indem wir uns selbst akzeptieren und
lieben. Niemand ist verpflichtet, uns zu lieben, nur wir selbst...
Zwei Tänzer und eine Cellistin umkreisen die Thematik der Ich-Suche in anderen, die Thematik der Vergangenheit und der Auffindung
von der Stille im Lärm. Die Erforschung von der inneren Weiblichkeit und Männlichkeit, welche tief in jedem von uns wohnen,
können in dem Stück als Versuch diese zu vereinigen, gesehen werden. Das Duo erforscht auch die Empfindungen, wenn wir zu uns
zurückkehren, anstatt zu sagen: „Ja – ich bin, was ich bin und ich bin bedingungslos geliebt, so wie ich bin...“.
https://www.twotickets.de/berlin/2012-10-28/taip-tanzperformance-raimonda-gudaviciute-mantas-stabacinskas-und-audramolyte-2030-109281/
http://www.regiomusik.de/veranstaltung/termin/733493/taip-eine-tanzperformance-von-raimonda-gudaviit-mantas-stabainskas-undaudra-molyt.html
Litauisches Tanz-Wochenende präsentiert von der Botschaft der Republik Litauen in Deutschland und dem Litauischen
Informationszentrum für Tanz taip eine Tanzperformance von Raimonda Gudavi?i?t?, Mantas Staba?inskas und Audra Molyt? ...Wir
sind nicht hierher gekommen, um die Liebe von den anderen zu nehmen und auf diesem Wege unser Recht zu beweisen. Wir sind
hier, um eine schwierige Aufgabe durchzuführen - heilsam und vollkommen zu werden, indem wir uns selbst akzeptieren und lieben.
Niemand ist verpflichtet, uns zu lieben, nur wir selbst... Zwei Tänzer und eine Cellistin umkreisen die Thematik der Ich-Suche in
anderen, die Thematik der Vergangenheit und der Auffindung von der Stille im Lärm. Die Erforschung von der inneren Weiblichkeit und
Männlichkeit, welche tief in jedem von uns wohnen, können in dem Stück als Versuch diese zu vereinigen, gesehen werden. Das Duo
erforscht auch die Empfindungen, wenn wir zu uns zurückkehren, anstatt zu sagen: “Ja - ich bin, was ich bin und ich bin bedingungslos
geliebt, so wie ich bin...”. Choreographie / Tanz: Raimonda Gudavi?i?t?, Mantas Staba?inskas Violoncello: Snieguol? Mikalauskien?
Komponist: Egidija Medek?ait? Video Projektionen: Mindaugas Arlinskas Kostüm: R?ta Bili?nait? Licht: Vladimiras Serstabojevas Foto:
Tomas Jundulas Produktion / Konzept: Audra Molyt? Durchführende Institution: Open Culture Unterstützt von: LIETUVOS RESPUBLIKOS
KULT?ROS R?MIMO FONDAS Partner: Botschaft der Republik Litauen in Deutschland Dank an: Lietuvos ?okio informacijos centras,
www.dance.lt taip* bedeutet ja auf Litauisch Dauer: 40’ Uraufführung: 2009
http://www.zitty.de/taip.html
zitty Berlin
Zwei Tänzer und eine Cellistin umkreisen die Thematik der Ich-Suche in anderen, die Thematik der Vergangenheit und der Auffindung
von der Stille im Lärm.

I N S T A L L A T I O N
STUDIO
eine Installation von Simo Kellokumpu & Vincent Roumagnac
P R E M I E R E:
25. Oktober 2012
W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N :
26. Oktober 2012 bis 28. Oktober 2012
im EDEN
http://finnland.de/public/default.aspx?contentid=260609&contentlan=33&culture=de-DE
Installation: STUDIO von Simo Kellokumpu & Vincent Roumagnac
Studio ist ein geochoreografisches Intallationsprojekt, das die Grenzen des Tanzstudios erweitert. Während der Trainingsperiode verlgegen
die beiden Künstler Simo Kellokumpu und Vincent Roumagnac die vierte Ecke eines Tanzstudios nach Sewastopol/Ukraine und bringen
sie danach zurück zum Ausgangspunkt. Studio ist Teil des Projektes This is dance Yes?No?Maybe? von Kellokumpu & Roumagnac.
http://www.zodiak.fi/en/kalenteri/studio
STUDIO
STUDIO, an installation by choreographer Simo Kellokumpu and director Vincent Roumagnac is a collage of large photographs arrayed
on a floor that is inspired by land art and provides the spectator with the opportunity of experiencing the geographical and temporal
expansion of the borders of the room. The installation was born as Kellokumpu and Roumagnac stretched the corners of their dance
studio to Isafjordur in Iceland, Nordkapp in Norway, Cabo Sao Vicente in Portugal and Baklaklava in Ukraine. Previously seen in Berlin in
2012, the work is now displayed at the Zodiak Studio C4.
The installation is open to the public on August 13th between 3pm and 9pm and August 14th to 16th between 10am and 4pm. The
artists are present on location for the whole duration of the period.
Supported by Finnland Institut & Eden*****-studios (Berlin)

TsEKh Moskva
Berlin Contemporary Dance Festival
02. bis 04. November 2012
im DOCK 11
tanzraumberlin November / Dezember 2012
vorschau
Ballett in
anderen
Welten
Junge russische Choreografen
in Berlin
Nirgendwo scheint die Liebe zum klassischen
Ballett so groß wie in Russland. Auch in Berlin
gab es bislang wenig russische Tanzschaffende
außerhalb des Staatsballetts. Doch das ändert
sich gerade: Ein Gastspiel-Festival im DOCK 11
sorgt kurzfristig für Abhilfe. Die Tanztheaterneugründung
temporaere theater von Alexey
Kononov mindestens mittelfristig – und die russische
Politik vielleicht sogar langfristig.
Text: Anna Volkland
Dramaturgin und Tanzkritikerin
Vor zwölf Jahren gründeten freischaffende Tänzer und
Choreografen in Moskau das International Dance and
Performance Center TsEKh, das die Entwicklung des
zeitgenössischen Tanzes in Russland seither bedeutend
gefördert hat. Die einseitige Fokussierung auf
klassischen Tanz und Folklore aus Sowjetzeiten hat
bis heute Spuren hinterlassen. Doch eine Stärkung
und Öffnung der freien Tanzszene findet nun über
Vernetzung und Internationalisierung statt, die das
TsEKh erfolgreich vorantreibt. Unter anderem mit
einem alljährlich stattfindenden Tanzfestival, das dieses
Jahr auch in Auszügen in Berlin zu sehen ist.
Die fünf russischen Produktionen, die ans Dock 11
kommen, zeigen vor allem zweierlei: Die junge Generation
russischer Tänzer-Choreografen ist international
absolut anschlussfähig. Sie scheint aber vor allem
dann am interessantesten zu sein, wenn eine mühelose
Beherrschung des Körpers – klassische Tanzausbildung
sei dank – (noch) zum Handwerkszeug der
Tänzer gehört.
Junge Choreografen wie Sonya Levina und Olga
Tsvetkova beenden ihre Ausbildung inzwischen an
der Salzburger SEAD respektive der Amsterdamer
SNDO – besonders „russisch“ sehen ihre Soli
also nicht aus. Dennoch ist es spannend, wenn die
verschiedenen Referenzsysteme aufeinander treffen.
Wie beispielsweise in „True Style“. Der Berliner
Choreograf Christoph Winkler arbeitete hierfür
2010 mit dem St. Petersburger Ëd physical theatre
im Rahmen des Projekts Intradance. Der aus der
DDR stammende Winkler ermutigte die Tänzer, ihre
„The Superman‘s Last Supper“ von Sonya Levina – Die Moskauer Tanzszene zu Gast in Berlin
Foto: TsEkh Moskva
eigenen Biographien als Material zu nutzen, da im Theater- und Opernhäusern inszeniert hat und mit
zeitgenössischen Tanz das Individuum im Mittelpunkt
stehe. Die russischen Tänzer folgten der Auf-
hier regelrecht unmodern, mit seinem Glauben an
Primaballerinen wie Diana Vishneva arbeitete, wirkt
forderung mit augenzwinkernder Theatralik und die reine Ausdruckskraft des Tanzes. Ende November
hat nun sein inzwischen drittes Berliner Tanz-
vollem Körpereinsatz. Auch die wunderbar seltsame
Tanz-Installation „Through the Forest“ der DVA stück Premiere. „Zeit der Frau“ thematisiert das
Company besticht durch ähnliche Spannung. Denn Altern als unheilbare Krankheit von Körper und Seele.
Das Sujet ist schwermütig, doch Alexey Kononov
zunächst bewegen sich die Tänzer darin nur minimal.
Dann aber verfallen sie in immer animalischer ist beschwingt. In Berlin kann er endlich frei sprechen,
und jeder, der will, kann sich anhören, was er
anmutende Verrenkungen und folgen dabei dennoch
einer sehr genau gearbeiteten Choreografie. zu sagen hat.
Dass Eigene bewahren und sich Neuem öffnen, das TsEKh Moskva
ist auch das Credo des jungen Ballettchoreografen Berlin Contemporary
Alexey Kononov. Er kam 2009 nach Berlin, da seine
Vorstellungen des Zeitgenössischen in Russland 2.-4. November 2012
Dance Festival
auf keinerlei Verständnis trafen. In „Silenzio“, das DOCK 11
er 2007 für das Mariinski-Theater choreografierte, www.dock11-berlin.de
wirkt das geradezu unheimlich perfekt tanzende
Corps de ballet, das seine Schrittfolge scheinbar
endlos wiederholt, entseelt und soldatisch. Dieses Alexey Kononov/temporaere theater
verstörende Stück über die Missachtung des Individuums
beendete seine Karriere in Russland. Auch 30. November, 1. und 6.-8. Dezember 2012
Zeit der Frau
in der Berliner freien Szene ist Kononov, der 2011 Uferhallen
erstmals sein offenes Kollektiv temporaere theater www.uferhallen.de
präsentierte, ein Exot. Er, der schon an riesigen
6 tanzraumberlin november/dezember 2012

http://www.aerowaves.org/event/the-supermans-last-supper/
Sonya Levin / The Superman‘s Last Supper
Berlin, Germany
4 Nov ‚12
performance in „Dock11“ Theater | Berlin
Background Information
Sonya Levin studied in Moscow at «Alexander Shishkin School of Contemporary Dance», «Nikolay Ogryzkov School of Contemporary
Dance» and Butoh dance technique at the Anatoliy Vasilyev «Theater-School of Dramatic Art».
Later on in Moscow Sonya worked with: «Na.sH» Natalya Shirokova’s dance theater, «BDDC» Denis Boroditsky’s Dance Company,
«PO.V.S.Tanze» Dance Company and «Monkey Production» Dance Company.
Sonya was an artist in residence in «Tsekh Dance Agency» (Moscow) in 2008 and 2009. There in 2008 she created her first solo
performance «Blackout» and then in 2009 another solo piece «The Superman’s Last Supper». These pieces were shown at dance
theaters and at festivals in Moscow.
In 2011 Sonya Levin has graduated from SEAD (Salzburg Experimental Academy of Dance) where she studied two programs: major in
dance and the postgraduate choreography program «ICE» (International Choreography Exchange).
While studying at SEAD Sonya participated in projects of invited choreographers and also assisted the choreographers on the creating
process (such as »Le ballet C. De La B.» extracts from «Foi» by Sidi Larbi Cherkaoui and «Happy together» by Stephanie Cumming,
“Liquid Loft” /AU ).
Performed in «Outdoors» the piece directed by choreographer Diego Gil (NL) at the «Summer Szene Dance Festival» in Salzburg,
Austria.
In Austria Sonya created four own works that were presented at festivals in Moscow, Salzburg and Berlin. There later on she was invited
as an independent artist to the workshop-laboratory «96 hours» which was a part of the «TanzHouse Festival» in «ARGE KULTUR» and
was invited to take part in the «Salon-project» of Dorit Ehlers in «Künstlerhaus», Salzburg.
Since 2011 Sonya Levin is based in Berlin, where she works in several freelance projects as a dancer, choreographer and performer.
«The Superman‘s Last Supper» was made and premiered in 2009 in a frame of the artist residency at «Tsekh Dance Agency» (Moscow).
It was performed several times in «ActZal» theater in Moscow from 2009 to 2012 and was selected for the main program of the
festival „Personal Profile №4“, 2009 (Moscow).
http://www.timeout.ru/theatre/event/258932/
http://actzal.ru/event.php?current=729&id=571&type=0
http://actzal.ru/event.php?current=1396&id=1000&type=0
http://www.lookatme.ru/cities/moscow/events/70459
http://www.stengazeta.net/article.html?article=6346

AMENTA
08. bis 11. November 2012
im DOCK 11
http://berolinastrasse.wordpress.com/2012/11/12/catarina-miranda-amenta/
catarina miranda . amenta @ Dock 11
Comecei por encontrar o Alfredo Martins no Hebbel am Ufer. Assim, por acaso. Ele estava sentado duas filas atrás de mim. No final,
convidou-me para ir ver o espetáculo da Catarina Miranda, Amenta, onde ele também entrava. (O mundo é um penico) Para além de
outras apropriações mais ou menos forçadas, em Amenta, vi: a primeira máscara, uma chuva de meteoritos, a queda do World Trade
Center, o gesto de dar, a luz que entra nos quartos das crianças que têm medo do escuro.
First I met Alfredo Martins at Hebbel am Ufer. Just by coincidence. He was seated two rows after me. At the end of the show, he
invited me to go see Catarina Miranda’s performance, “Amenta”, where he was also acting. (The world is a small place) Besides some
other conclusions, in “Amenta” I saw: the first mask, a meteorite rain, the collapse of World Trade Centre, the gesture of giving, the
light that enters on children’s bedrooms. by Tiago Mansilha

L E S U N G
Nora Bossong im Pankower Lesegespräch mit Jan Böttcher
14. November 2012
im EDEN
https://www.twotickets.de/veranstaltung/berlin/2012-11-14/nora-bossong-im-pankower-lesegespraechmit-jan-boettcher-2000-90930/

Changing Lot
15. bis 18. November 2012
im DOCK 11
http://www.exberliner.com/reviews/threesome-dancing-in-pberg/
Threesome dancing in P’berg by Christopher Shea
Changing Lot, an evening of three solo dance performances at Dock 11, begins with its weakest link,
Isak Immanuel’s deliberately-paced “A Day Without Images”. Images opens with Immanuel pacing
slowly in front of a projected visage of a foggy landscape, on a stage occupied by a simple mock-up
of a living room (paper floor; nine plywood beams). The projection eventually disappears, leaving
Immanuel to explore his onstage structure, a task he completes with no particular flair. Immanuel’s
dance has striking moments, but much of his action feels ad hoc and under-realized. He moves neither
in sync with his projection, nor in counterpoint to it; though he dances next to the furniture he’s
assembled, he rarely engages with it. Immanuel’s assembled a large bag of tricks onstage, but it
seems he hasn’t quite figured out how best to use them.
Mari Osanai’s “dance b-1” proves an altogether more affecting piece, a lesson in the simplicity that
Images lacks. According to the program, Osanai was heavily affected by the earthquake and tsunamis
that hit her native Japan in 2011; her piece reads as a reflection and mourning for the victims.
Isolated in a spotlight, Osanai undulates to the oppressive sound of rushing water. At first her body
takes on severe, almost marionette-like angles, but then begins to dissolve into softer shapes, bending
and contorting as she moves out of her spotlight and begins to inhabit the entire stage. Osanai, who
appears to be middle-aged, brings both maturity and a wildly impressive physicality to her dance; she
knows when subtler movements are called for.

The evening closes with “Nine Steps to Dust,” choreographer-dancer Yuko Kaseki’s nod to the “kusozu,”
Japanese depictions of corpses in various stages of decay. The piece’s theme hints of dire things
to come, but “Dust” actually proves by far the most upbeat of the evening’s offerings. The rail-thin
Kaseki begins her piece by opening a suitcase to reveal a human skeleton. She then fiddles with the
skeleton – sometimes draping its arm over her shoulder like a buddy, sometimes crawling alongside it
in an attempt to mimic its jerky movements. Aided by a soundscape that ranges from jungle noises to
something vaguely Enya, Kaseki conveys a sense of playfulness and awe at the odd ways the human
skeleton – both her own and her companion’s – can move. The piece is buoyant and, when Kaseki
strikes a distorted pose, unsettling. The tone feels just right for the theme.
Changing Lot may drag in moments, but the evening provides a compelling view of three distinctive
solo performance approaches – wisely arranged with the most engaging material saved for last.
Dock 11
Kastanienallee 79 10435 Berlin
030 4481 222

Festgefahren im Pullover bitte wenden
22. bis 24. November 2012
im DOCK 11
http://www.zitty.de/festgefahren-im-pullover-bitte-wenden.html

milk & bread / rice & water
W I E D E R A U F N A H M E :
22. bis 24. November 2012
im EDEN
zitty Nr. 24 / 2012, S. 124 Tip Berlin 15.11., S.114
Pressespiegel
Jess Curtis/Jörg Müller
Performance Research Experiment #1:
Virtuosity & Engagement
www.journalismus.wontox.com
13.11.2012

Pressespiegel
Tanzcompagnie Rubato
milk&bread / rice&water
Wiederaufnahme
www.twotickets.de
www.tagesspiegel.de
Pressespiegel
Tanzcompagnie Rubato
milk&bread / rice&water
Wiederaufnahme
www.tagesspiegel.de
k3 berlin I Prinzenstr. 85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t 0049 (0)30 695 695 24 I f -23

Pressespiegel
Jess Curtis/Jörg Müller
Performance Research Experiment #1:
Virtuosity & Engagement
www.openPR.com
13.11.2012
(1/2)

19.11.2012
Pressespiegel
Tanzcompagnie Rubato
milk&bread / rice&water
Wiederaufnahme
www.taz.de
Astrid Kaminski
19.11.2012
(1/2)
Wachsendes Feldforschungsinteresse
TANZ Bevor die Tanzcompagnie Rubato jetzt auf Chinatournee
gehen wird, war sie noch einmal im Pankower Eden zu sehen
Tanz und international besetzte Teams gehören seit Jahren
zusammen wie "Reis und Wasser", um es in einem - hier
umgedeuteten - Bild der Tanzcompagnie Rubato zu sagen. In den
Freie-Szene-Produktionen herrscht aber auch letzthin wachsendes
Feldforschungsinteresse. Die Choreografen wählen nicht mehr nur
aus dem Angebot internationaler Tänzer vor Ort aus, sondern
gehen gleich (subventioniert) auf Reisen und treffen sich mit
Künstlern, die bislang dem globalisierten Tanztransfer weniger
ausgesetzt waren, deren Praxis eindeutige Differenzen zur eigenen
aufweisen und von denen man sich dadurch das eigene Tun gern
spiegeln lässt.
Höhepunkt dieses neuen, sich spiegelnden Exotismus waren die
"Logobi"-Reihen des Choreografenteams Gintersdorfer und Klaßen,
bei denen Streetdance aus der Elfenbeinküste gegen Diskurstanz
deutscher Prägung verhandelt wird und oberflächige gegenseitige
Nachahmungen heftige Kulturclash-Lacher auf Niveau einer
Ballettpersiflage einkassieren konnten.
Subtiler geht es bei Gerbes' und Brandstätters Japan-Korea-Stück
"Notebook" und bei Riki von Falkens Malaysia-Begegnung "Echo"
zu, oder auch bei den schon jahrelang in China arbeitenden
Rubato-Choreographen Jutta Hell und Dieter Baumann. Nach dem
Heterotopien-Duo "FindeOrte", einer Suche nach den
transitorischen und definierenden Prägungen des Körpers, hat das
Team nun die Vorgängerproduktion "milk & bread / rice & water" in
der Dock-11-Spielstätte Eden in Pankow wieder aufgenommen, mit
der es dann auch im November auf Chinatournee gehen wird.
In dem Stück wird mit Rückenwind des französischen Philosophen
Jean-Luc Nancy, des momentan angesagtesten
Tanzstichwortgebers, der Körper nach Erfahrungen des Fremden
durchsucht - nicht nur im Sinn einer kulturellen Differenz, sondern
vor allem auch einer Ich-Fremdheit, die das "eigene" Subjekt zum
am wenigsten integrierbaren Vorgang des Körperlichen macht.
Grazil herumspringen
Und so schüttelt sich die Tänzerin Katja Scholz kräftig am eigenen
Leib ab, nimmt Gesichtszüge tragischer
Persönlichkeitsabspaltungen an oder bricht in hysterisches Lachen
aus, das ohne Übersetzungstransfers vom argentinischfranzösischk3
berlin I Prinzenstr. 85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t 0049 (0)30 695 695 24 I f -23

taz Kritik 2012

L E S U N G
Ralf Rothmann im Pankower Lesegespräch mit Jan Böttcher
05. Dezember 2012
im EDEN
Kulturführer Pankow(er)leben 12.12 - 01.13 Seite 8

Bewegungsschreiber.
Dichtung trifft Tanz
06. bis 09. Dezember 2012
im DOCK 11
http://www.buchhexe.com/theaterstuck-das-tapfere-schneiderlein-und-die-mutige-prinzessin-zumgrimmjahr-mit-gewinnspiel.html
Theaterstück “Das tapfere Schneiderlein und die mutige Prinzessin” zum Grimmjahr (mit Gewinnspiel)
Im Dezember lässt nicht nur der Nikolaus oder der Weihnachtsmann Kinderherzen höher schlagen,
dieser Monat steht zugleich für die Zeit, in der Schulklassen und Familien mit ihren Kindern ins Theater
gehen, um sich ein Weihnachtsmärchen anzuschauen. In diesem Jahr jährt sich zum 200. Mal die
Veröffentlichung der ersten Ausgabe der Kinder- und Hausmärchen der Gebrüder Grimm.
Wir freuen uns daher, euch auf ein Weihnachtsmärchen der besonderen Art für Kinder ab 5 Jahren
hinzuweisen, welches den Stoff des bekannten Grimm-Märchens “Das tapfere Schneiderlein” neu
interpretiert auf die Bühne bringt:
Die Zwillingsschwestern Lisa und Laura Quarg haben mit dem Autor und Regisseur Tobias Bungter
ihre ganz eigene Version dieses Klassikers erarbeitet. Unter dem Titel “Das tapfere Schneiderlein und
die mutige Prinzessin” führt das Theater QQ eine Woche lang 10 Mal in Berlin das Stück auf. Dabei
spielen die beiden Schwestern in einer Stunde (15 Minuten Pause) alle Rollen selber, und die haben es
in sich, schaut man auf die “Besetzungsliste:
ein mutiger Held, eine freche Prinzessin, ein gutmütiger König, ein habgieriger Prinz, eine taube Taube,
ein einsames Einhorn, eine dreckige Wildsau, riesige Riesen, jede Menge Fliegen
In dem Familienstück muss das tapfere Schneiderlein sich im Keller des Königspalastes für Prinz Protz
die Finger wund nähen, denn der Prinz will noch reicher werden mit der Kleidermarke “Fäschn” des
gleichnamigen Königreichs. Der gutmütige König, der die bunten Kleidungsstücke gerne anzieht,
ahnt nicht, unter welchen Bedingungen und von wem sie hergestellt werden. Der böse Prinz, mittlerweile
durch die Modemarke “Fäschn” reicher als der König selber, will durch die Heirat der Prinzessin
die Krone des Königs an sich reißen. Die Prinzessin möchte Prinz Protz jedoch nicht heiraten und
beschließt daher, nie erwachsen zu werden. Als sie von ihrer eigenen Geburtstagsparty flüchtet und
sich im Schloss verläuft, landet sie in den Kellergewölben und macht Bekanntschaft mit dem tapferen
Schneiderlein. Die beiden schließen Freundschaft und die Prinzessin ermutigt das Schneiderlein zur
Flucht aus seinem Arbeitsgefängnis. Fortan muss es sich den Tücken des Prinzen widersetzen, um am
Ende das Königreich und die Prinzessin zu retten!
Liebe, Freundschaft, Abenteuer und Co. erwarten das Publikum vom 12. bis zum 19. Dezember im
Dock 11 in der Kastanienallee 79 in 10435 Berlin. Mit dem Stück wird auch auf die Problematik der
heutigen “tapferen Schneiderlein” angespielt, die unter unmenschlichen Bedingungen die Kleider
herstellen, die viele Menschen in der westlichen Welt zur Schau tragen. Angefangen bei den Kindern.
Theaterpädagogisches Begleitmaterial zum Stück gibt es hier, einen Malwettbewerb hier.
Wenn wir euer Interesse geweckt haben, dann macht doch vom 22.11. bis zum 02.12.2012 bei unserem
Gewinnspiel mit und gewinnt mit etwas Glück zwei der sechs Freikarten, die uns von Lisa und
Laura Quarg zur Verfügung gestellt wurden...

http://tanzpresse.de/kritiken/detail/wortgestoeber/
Wortgestöber
„Bewegungsschreiber. Dichtung trifft Tanz“ im DOCK 11, Berlin
( AJ 17.12.12 ) Reizvolle Dialoge zwischen Tanz und Text gab es schon viele. Oftmals dient das gesprochene
Wort dem Tanz auch als Vehikel, um Geschichten zu transportieren. Das Projekt „Bewegungsschreiber“
jedoch sucht bewusst nach einer neuen Ebene der Fusion: Nach dem Motto „Dichtung
trifft Tanz“ tragen vier Autoren ihre lyrischen Arbeiten zusammen mit einem Tänzerpartner live vor. Im
ersten Stück „instant hits“ lässt die Autorin Martina Hefter mit lakonischer Stimme Textzeilen durch
den Raum perlen. In der anderen Ecke des Raumes nimmt die Tänzerin Katharina Meves die Impulse
auf. „... ich fädle mich ins Wachsen zur normal entwickelten Gestalt, falte mein Verlangen nach
Dasein, verlängere mein Scheuen, schrumpfe ...“ Im signalroten Overall lehnt sich Meves hinein in die
Textfragmente, die als Projektion über Wand und Boden gleiten. Ihr Körper gleicht einer seismischen
Nadel, die dem Gesagten nachspürt. Bei der ersten Sequenz von Bewegungsschreiber wird bereits
deutlich, dass es nicht um das bloße „Vertanzen“ von Lyrik geht. Sowohl Lyrik als auch Tanz arbeiten
mit der interpretatorischen Leerstelle, sind höchst durchlässige Ausdrucksformen. Begegnen sich
beide, entsteht eine Art plastische Texterfahrungslandschaft. Und jedes Autoren-Tänzer-Team kreiert
ganz unterschiedliche Biotope für ihre Worte und Bewegungen. Spielerisch-versponnen jagen Tabea
Xenia Magyar und Anna Nowicka in „rost“ Pferden nach, in deren Fell man seine Hände versenkt und
auf Schiffe stößt. Alexander Gumz und Maya Lipsker wiederum liefern mit „Exercise/ Übung“ eine
Sequenz mit existenziellem Anstrich: Sie rollen sich gegenseitig über den Boden, interagieren in stummer
Geschäftigkeit, während Gumz´ Text - mit atemlos drängender Stimme aus dem Off vorgetragen
- Boden, Wänden und Fenstern in einem Schwall prägnanter Metaphern ganz neue Begrifflichkeiten
abtrotzt. In der Performance von David Bloom und Daniela Seel wird es schließlich noch mal richtig
energiegeladen, vor allem durch Blooms stetig an Intensität gewinnenden Tanz. Seel verortet sich in
ihrem fast episch anmutenden Text in einer Erinnerungssphäre: „... einer dieser tage, wir gingen spazieren,
liefen einen waldweg entlang, in gedanken, nadelwald, boreal ...“ Rau-schabende Geräusche,
die Seel erzeugt, indem sie an der Wand entlangstreicht, öffnen zudem eine synästhetische Dimension.
Atmosphärisch dichte Stimmungen schaffen, das scheint das Credo der Arbeiten und das gelingt
überzeugend. Am Schluss werden Mikros auf den Rängen verteilt: Das Publikum bekommt den Puls
des Textes noch einmal zu spüren. So endet der Abend: hautnah im Wortgestöber. (Annett Jaensch)
http://www.taz.de/1/berlin/tazplan-kultur/artikel/?dig=2012%22%2F06%2Fa0216&cHash=01d1476c
40823942c4160eeff9bc9cd8
06.12.2012
TANZSPRACHE
Bewegungsschreiber
Sprache, was ist das schon? Man könnte nun seinen Roland Barthes auspacken, um eine Grenze nach
der anderen zu ziehen und zu sehen, was Sprache alles nicht ist. Für das Gegenteil aber, also zum
Entgrenzen der semiotischen Wahrnehmung von Sprache, begibt man sich ins Dock 11, wo das Laboratorium
Bewegungsschreiber seine neue Performance, „Dichtung trifft Tanz“, präsentiert. Vier Tänzer
treffen auf vier Lyriker, um auf der Bühne miteinander zu kommunizieren. Dabei verschieben sich die
Grenzen ihrer Medien; Körper, Stimmen und Sätze interagieren auf andere Art. Wie aber versteht der
Tanz das Gedicht, und wie versteht die Lyrik eine Bewegung? Oder geht es gar nicht so sehr ums Verstehen
im herkömmlichen Sinn?

http://www.litaffin.de/2012/12/bewegungsschreiber/
Bewegungsschreiber: “Der Boden steht Schlange um dich”
Von Peter Dietze am 6. Dezember 2012 in Interviews, Projekte, Veranstaltungen
Vom 6. bis zum 9. Dezember 2012 treffen im Dock 11 Lyrik und Tanz aufeinander. Jeweils vier TänzerInnen
und DichterInnen haben im Vorfeld paarweise an einer gemeinsamen Performance gearbeitet.
Aus Sprache und Bewegung entsteht so eine neue, dritte Art der Kommunikation, die beides ist und
gleichzeitig auch keins davon. Impressionen von der Generalprobe und ein Kurzinterview mit der Lyrikerin
Martina Hefter.
Am frühen Mittwochabend laufe ich in den zweiten Hinterhof eines Hauses in der Kastanienalle. Das
hier beheimatete Dock 11 ist eine Bühne für Tanz, Theater und Performance – und ausgewiesenermaßen
ein Ort für Experimentelles. Als ich in den Theaterraum trete, werden letzte Absprachen für
die Generalprobe getroffen. Um nicht zu stören, bleibe ich am Eingang neben der Zuschauertribüne
stehen. Wenig später entdeckt mich die Lyrikerin Martina Hefter, eine der Initiatoren des Projektes
Bewegungsschreiber, dass vom 6. bis zum 9. Dezember an vier Abenden die Möglichkeiten ausmisst,
Dichtung und Tanz miteinander zu verbinden.
Nach einem fröhlichen „Ich bin gleich fertig“ verschwindet sie noch einmal und kommt kurz darauf
mit ihren Sachen zurück. Wir gehen zum Vietnamesen. Dort angekommen, bestellen wir und kommen
ins Reden. Ganz neu ist mir das Projekt nicht: vor einem Jahr, als die ersten Vorbereitungen dazu
getroffen wurden, machte ich gerade ein Praktikum bei der Verlegerin Daniela Seel und war auch bei
den ersten Gesprächen zwischen ihr und Martina Hefter sowie dem Leiter des Fachbereichs Tanz an
der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, Ingo Reulecke, dabei. Ich frage Martina Hefter, wo
sie Anknüpfungspunkte zwischen Lyrik und Tanz sieht:
Paul Valéry verweist zum Beispiel in „Dichtkunst und abstraktes Denken“ auf die Parallele zwischen
Tanz und Dichtkunst: beides sei repräsentative, bewusste und in gewisser Weise ziellose Kunst. Er
grenzt damit den Tanz gegen die gewöhnliche Bewegung und die Poesie gegen die Alltagssprache ab.
Inwieweit spielen theoretische Texte bei der Arbeit am Projekt eine Rolle?
Wie kommst du vom Text zum Tanz oder vom Tanz zum Text? Wie sieht der genaue Prozess aus?
Als wir fertig gegessen haben und bezahlen ist es nur noch ein kurzer Moment bis zur Generalprobe.
Es werden alle 4 Stücke hintereinander aufgeführt – einzig Daniela Seel wird nicht mitproben. Ansonsten
aber ist alles, wie es später auch sein wird.
http://www.tanzraumberlin.de/index.php?article_id=435&clang=0&id=43
Ist Tanzen das neue Schreiben?
Begegnungen zwischen Choreografie und Lyrik
Der Choreograf, Tänzer und Dozent Ingo Reulecke ist ein vielseitiger Mann. Erst kürzlich lud er zum
urbanen Performance-Spaziergang am Innsbrucker Platz. Zuvor sah man ihn immer wieder bei Improvisationsabenden,
in denen Tanz und andere Künste, Performer und Publikum rasant aufeinander trafen.
Nun will er der Sprache begegnen. Genauer gesagt, der Dichtung. Denn neben Reulecke treffen
die Tänzerchoreografen Anna Nowicka, David Bloom und Maya Lipsker auf vier Lyriker des Poetenladens,
eines virtuellen Raums für Dichtung. Geübt im Zusammenführen von Sprache und Bewegung
ist vor allem Martina Hefter, die seit 2008 in einer Essay-Serie die Frage aufwirft, ob „Tanzen das neue
Schreiben“ sei und parallel Vorträge über das Schreiben tanzt. Welche Sprache durch die Interaktion
von zeitgenössischem Tanz und zeitgenössischer Dichtung entsteht, beschäftigt auch die Poeten Alexander
Gumz, Tabea Xenia Magyar und Daniela Seel, die in wechselnden Konstellationen in ihr sprechendes
Bewegungslabor einladen.
Bewegungsschreiber. Dichtung trifft Tanz
6.-9. Dezember 2012
DOCK 11
www.dock11-berlin.de

EINS: Katharina Meves & Martina Hefter
Martina Hefter und Katharina Meves beginnen in Distanz zu einander: an unterschiedlichen Enden
des Raumes, ohne die Entfernung überwinden zu können. Sie sind umgeben von stets fließenden
Schriftzügen, sprechen dazu – mal miteinander, mal gegeneinander, zusammen, dann einzeln. Ihre
Körpersprache hat etwas Angespanntes, teils Überspanntes – seinen Höhepunkt findet dies in rhythmisch-nervösen
Zuckungen bei Meves sowie im Mantra “Und immer muss ich diese Bewegung gleich
mitmachen” bei Hefter.
ZWEI: Anna Nowicka & Tabea Xenia Magyar
Am Anfang des zweiten Auftritts steht eine seltsam subjektfreie Selbstvorstellung Tabea Xenia Magyars.
Danach beginnt sie mit dem Vortrag eines Gedichtzyklus’, während Anna Nowicka sich in
raupenartigen Bewegungen quer über die Bühne bewegt. In Erinnerung bleibt der Satz “Es lebe das
Pferd”, den beide – vor einander sitzend – wie in einem Abzählreim für Kinder wiederholen.
DREI: Maya Lipsker & Alexander Gumz
Auffällig im dritten Teil ist die scheinbare Abhängigkeit der beiden Akteure: zunächst rollen sich beide
gegenseitig über die Bühne, bevor die eigentliche Performance beginnen kann. Jede Bewegung, jede
Schrittfolge wird gemeinsam ausgeführt – beinahe frei jeder erkennbaren Abstufung. Zusammen ergibt
sich eine Art Raumvermessung mit Sprache, Licht und Bewegung: “Der Boden steht Schlange um
dich rum.”
VIER: David Bloom & Daniela Seel
Vielleicht lässt sich aus Perspektive des Zuschauers bei der Generalprobe am wenigsten zum vierten
Teil sagen, weil nur einer von zwei Akteuren anwesend war. Dennoch: Seels Stimme kommt ruhig und
nüchtern vom Band, während die Bewegungen Blooms das genaue Gegenteil zeigen. Zum Schluss
werden einzelne Lautsprecher an die Zuschauer verteilt, alle mit unterschiedlichen Tonspuren belegt:
Babel?
Nachdem alle Kabel der letzten Performance aufgerollt sind, ziehen sich die Beteiligten noch einmal
zurück. Der Saal leert sich langsam. Unterm Strich bleibt ein spannender, angenehmer, wenn auch
nicht einfacher Abend, den ich jedem nur weiterempfehlen kann.
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Die Aufführung beginnt am 6. Dezember im Dock 11 (Kastanienalle 79) mit Teil 1 und endet mit dem
vierten Teil am 9. Dezember. Die Karten kosten 11€ bzw. 7€ ermäßigt.

Das tapfere Schneiderlein
12. bis 19. Dezember 2012
im DOCK 11
Die "Werdener Nachrichten" zur Vorpremiere in Essen:
Die Darstellerinnen wirbeln sich mit solcher Energie, Verve und Kunstfertigkeit durch diese
moderne Adaption des Grimm’schen Klassikers, dass man eher an eine Theaterkompanie
von sieben als an zwei Darsteller glaubt. Aber der Abend überzeugt nicht nur mit Tempo
und Wandelbarkeit. Dieses Märchenstück hat alles, was gutes Theater braucht:
Spannung, Poesie, Humor, Tiefe, Rasanz und vor allem ein wunderbares Team. Die
eigens komponierte Musik von Thomas Unruh, die ihre Balance zwischen Poulenc,
Mission Impossible und Ennio Morricone findet, die Kostüme von Petra Hebeisen, die
auch in einem Kinderfilm von Tim Burton eine gute Figur machen würden und das
avantgardistisch-poetische Bühnenbild von WAPQ helfen, eine ganz eigene Welt zu
erschaffen. (...) Ohne zu politisieren, thematisiert das Stück die Themen Kinderarbeit in
der Textilbranche und den unter Kindern verbreiteten Markenwahn. (...) Anders als beim
Grimm'schen Märchen, bei dem eine Figur und ihre Hybris im Mittelpunkt stehen, geht es
hier um die Kraft der Freundschaft. Schneiderlein und Prinzessin wollen sich beide
befreien - und indem sie einander helfen, finden sie den Mut, dem bösen Prinzen die Stirn
zu bieten.
Die Zwillinge werden am Ende des Abends mit rasendem Applaus beglückt.
Quirlig-fröhliches Familienstück mit Tiefgang
Kaum zu glauben, dass das nur zwei Schauspielerinnen sind: Die Zwillingsschwestern
Lisa und Laura Quarg wirbeln über die Bühne des Haller Globe-Theaters, dass es eine
Freude ist. Kaum hier durch eine Tür verschwunden, tauchen sie dort hinter einem Fenster
wieder auf - aber ohne jede Hektik; es ist nicht zu fassen.
Das Familienstück der Freilichtspiele Schwäbisch Hall nimmt sich das Märchen "Das
tapfere Schneiderlein" der Brüder Grimm zur Vorlage. (...) Tobias Bungter hat das Stück
gemeinsam mit Lisa und Laura Quarg entwickelt. Sie haben darin auch manche Botschaft
an die erwachsenen Zuschauer versteckt: Da geht es darum, dass wir gedankenlos
Kleidung kaufen, die anderswo in Kinderarbeit hergestellt wird, da werden Bilder
verwendet wie ein Tango-Tanz, in dem sich die Prinzessin dem Prinzen Protz quasi
unterwerfen muss.
Die Kinder auf den Zuschauerrängen sehen etwas ganz anderes: Sie erleben mutige
Helden, mit denen sie mitfiebern können und die sie vor Gefahren warnen dürfen, einen
furiosen Fechtkampf, den das Schneiderlein gegen Prinz Protz führt (Choreographie:
Klaus Figge), fantasievolle Kostüme und witzige Wortspiele, wenn die taube Taube wieder
einmal etwas nicht richtig verstanden hat. Auch erfahren sie, dass die Riesen sich ihre
Zähne mit einer Tanne putzen, und freuen sich über die kitzlige Wildsau. (...)
Doch bei all der äußeren Bewegung vergessen die beiden hervorragenden
Schauspielerinnen auch die innere nicht. Sie leben in den Gefühlslagen ihrer jungen
Protagonisten, können völlig verzweifelt aussehen oder auch so richtig glücklich - eine
grandiose Leistung.
Die Kinder im Publikum sind hingerissen. (...) Mit diesem Familienstück haben die
Freilichtspiele einen großen Wurf getan. Hoffentlich kommen viele Besucher, um das zu
erleben. (Monika Everling, Haller Tagblatt vom 11.06.2012)

SHOWING
BEUGEN Körper
15. Dezember 2012
im EDEN
http://www.newscomm.de/pressemitteilung/91733/beugen-koerper-anna-melnikova-zeigt-tanzstueck-in-der-galerie-pankow-berlin.
html
"BEUGEN Körper" - Anna Melnikova zeigt Tanzstück in der Galerie Pankow, Berlin
Jean Genet schreibt über sein Theaterstück "Die Zofen": "Ich versuche die Charaktere abzuschaffen und diese durch Symbole zu
ersetzen, so dass die Darsteller nur noch Metaphern ihrer selbst sind." Mit diesem Zitat beginnt Anna Melnikovas choreographische
Recherche nach einem metaphorischen Körper. In "BEUGEN Körper" kehrt die in Berlin lebende Choreographin die Fragestellung des
Tanztheaters “WAS bewegt die Menschen?” in eine Frage des Tanzes “WIE bewegen sie sich?” um.
In den einfachsten Körperbeugungen entdecken zwei Frauen einen Reichtum an Gesten und Haltungen. Hautnah entsteht ein
assoziationsreiches choreographisches Spiel, das einerseits die Tragik von Genets Zofen und anderseits die Vielfalt des eigenen Körpers
ahnen lässt.
"BEUGEN Körper" ist der erste Teil einer neuen choreographischen Serie, die im Februar, März und April 2013 fortgesetzt wird. Das
Duett von Anna Melnikova und Marina Tenorio wird vom Bezirksamt Pankow von Berlin gefördert und ist vom 27. bis 29. Dezember,
jeweils um 20 Uhr, in der Galerie Pankow zu sehen.
Konzept: Anna Melnikova | Von und mit: Anna Melnikova und Marina Tenorio | Dramaturgie / Produktionsleitung: Katja Kettner
| Kostüm: Marie Perglerowa | Körperarbeit: Julia Maria Auch | Musik: Holger Tretzack | Licht: Sandra Blatterer | Presse- und
Öffentlichkeitsarbeit: Enthusiastic Encounters - Doreen Markert | Gefördert vom Bezirksamt Pankow von Berlin – Fachbereich Kunst und
Kultur | Unterstützt von Schloss Bröllin und Dock11.
VORSTELLUNGEN 27. bis 29. Dezember 2012 um 20 Uhr
KARTEN: 10/8€
RESERVIERUNG:
ORT: Galerie Pankow, Breite Str. 8, 13187 Berlin-Pankow
ANFAHRT: U2,S2,S8 Pankow | M1,M50 Pankow-Kirche
www.galerie-pankow.de