RZ-PP-Jahrbuch_KUN_ST_2020_web

galeriekerstan





Jahrbuch 2020

Kunst Stuttgart International e. V.


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Liebe Freunde der Kunst,

Kunst Stuttgart International e.V. mit Sitz in Leonberg bei Stuttgart ist ein

in 2015 gegründeter, gemeinnütziger, internationaler Kunstverein, der es

sich zum Ziel gesetzt hat, seinen Mitgliedern auf überregionaler, nationaler

und internationaler Ebene Ausstellungsmöglichkeiten zu verschaffen

und gleichzeitig jedem einzelnen Mitglied Unterstützung in seiner persönlichen

und künstlerischen Weiterentwicklung anzubieten.

In der kurzen Zeit seines Bestehens hat [KUN:ST] International für seine

Mitglieder eigene Ausstellungen oder Galerieausstellungen in Deutschland,

Österreich, Dänemark, der Schweiz und den Vereinigten Staaten

von Amerika organisiert und Teilnahmen an Kunstmessen in Stuttgart,

Köln, Wiesbaden, Kopenhagen, Turin, Paris, Miami und New York vermittelt.

Daneben hat der Verein eine professionelle Webseite zur Präsentation

seiner Künstler und ihrer Werke mit einem integrierten [KUN:ST]

Webshop aufgebaut und seit 2016 jährlich einen [KUN:ST] Preis ausgeschrieben.

Seit Juni 2018 betreibt der Verein eine eigene Galerie und eine

[KUN:ST] Akademie in Leonberg bei Stuttgart.

Unsere derzeit 400 Mitglieder kommen aus oder sind beheimatet in Australien,

Dänemark, Deutschland, Finnland, Frankreich, Italien, Indien, Luxemburg,

Niederlande, Österreich, Polen, Russland, Ungarn, Schweiz und

den Vereinigten Staaten von Amerika. Wir zählen nicht nur Künstler zu

unseren Mitgliedern, sondern haben auch Kunstakademieinhaber, Fördermitglieder

oder Galeristen in unseren Reihen.

Dieses Jahrbuch ist die künstlerische Visitenkarte unseres Vereins. Angepasst

an die jeweiligen Mitgliederveränderungen wird dieses Buch jedes

Jahr neu aufgelegt. Es eröffnet Ihnen einen Einblick in die hohe künstlerische

Qualität der Werke und Aktivitäten unserer Mitglieder.

Sie sind gerne eingeladen, sich bei Interesse direkt an die Künstlerinnen

und Künstler oder auch an unser Büro unter kun-st@web.de zu wenden.

Ich wünsche Ihnen viel Freude mit unserem Jahrbuch 2020.

Dear art collectors,

Kunst Stuttgart International e.V. is an international non-profit art association.

It was founded in 2015 and is headquartered in Leonberg,

Germany. [KUN:ST] International has set itself the objective to provide

its members with opportunities to exhibit at national and international

levels while providing each member support in their personal and artistic

development.

In the short period of its existence [KUN:ST] International organized

for its members exhibitions in Germany, Denmark, Austria, Switzerland

and the United States of America as well as participation in national and

international art fairs in Stuttgart, Cologne, Wiesbaden, Copenhagen,

Miami, New York, Turin and Paris. We also developed a professional

website to present our artists and their artworks including a web shop.

In 2016 we launched an annual [KUN:ST] Art Prize. Since June 2018 the

association has its own gallery space and its own academy in Leonberg

close to Stuttgart

In January 2020 our association counts 400 active or supportive members

coming from countries such as United States of America, Australia,

India and European countries such as Austria, Denmark, Finland, France,

Hungary, Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Switzerland and

Germany.

This yearbook is the artistic reference card of our association and it

offers you insight into the high artistic quality of the artistic work of

our members and it invites you as well to turn directly to the artists if

you‘re interested in their artworks or you may also contact our office at

kun-st@web.de. I hope you enjoy reading our yearbook 2020.

Leonberg, Januar | January 2020

Andreas Kerstan | Erster Vorsitzender | Chairman

[KUN:ST] International

Kunst Stuttgart International e. V.

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Jahrbuch 2020

Kunst Stuttgart International e. V.

www.kun-st-international.de

1. Auflage 2020

© Copyright: 2020 Kunst Stuttgart International e. V.

Layout und Gestaltung: Katharina Bühler

Schillstraße 14, 90491 Nürnberg

Verlag: Kunst Stuttgart International e.V.

Schmalzstraße 4, 71229 Leonberg

Druck: Wir machen Druck, Backnang

ISBN: 978-3-947408-10-8

Das Werk, einschließlich seiner Teile, ist urheberrechtlich

geschützt. Jede Verwertung ist ohne

Zustimmung des Verlages und des Autors unzulässig.

Dies gilt insbesondere für die elektronische oder

sonstige Vervielfältigung, Übersetzung, Verbreitung

und öffentliche Zugänglichmachung.

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Vorstand | Board

Andreas Kerstan

Vorsitzender | Chairman

ak@galerie-kerstan.de

+49 (0) 152 547 698 49

Petra Schmidt

Stellvertretende Vorsitzende

petra.connect@gmail.com

+49 (0) 7151 152 03

Birgit C. Schryvers

Vorstand Galeriebetrieb

Geschäftsführer Galerie Leonberg

b.schryvers@me.com

+49 (0) 172 836 065 3

Susanne Fornasier

Vorstand Fort- und Weiterbildung

art@soussen.de

+49 (0) 179 214 984 1

Dr. Rudi Worofka

Vorstand Schriftführer

rudiwo1080@yahoo.de

+49 (0) 172 32 44145

Manfred Alex-Lambrinos

Vorstand Künstlerische Leitung

alex-lambrinos@t-online.de

+49 (0) 170 306 044 1

Eva Vogt

Vorstand Finanzen

art-eva-vogt@gmx.de

+49 (0) 7253 845 39 79

Peter Wichmann

Stv. Vorstand Galeriebetrieb

Geschäftsführer Galerie Leonberg

pe_wi@web.de

+49 (0) 711 339 787

Uta Heiland

Stv. Vorstand Schriftführer

uta_heiland@web.de

+49 (0) 172 723 43 48

Ruth Schleeh

Stv. Vorstand Künstlerische Leitung

ruth_schleeh@web.de

+49 (0) 175 275 16 42

Christine Euchner

Stv. Vorstand Finanzen

info@mal-atelier.eu

+49 (0) 171 637 36 18

Kunstbeirat | Art Advisory Board

Monika Schuh-Wibmer

mo.schuhwibmer@icloud.com

Thea Bayer-Rossi

thegue@t-online.de

Marlis G Schill

mgschill@t-online.de

Michaela Lucie Dassow

milu@artmilu.de

Elke Gaertner

elke@gaertner-online.net

Günther Sommer

guenthersommer@gmx.net

Unterstützung | Support

Betty Schmidt | Webmaster

bs@betty-schmidt.de

Larissa Bruchmann-Bamberg | Webmaster

kontakt@larisa-art.de

Elke Gaertner

Kassenprüferin | Auditing

elke@gaertner-online.net

Günter Zerweck

Kassenprüfer | Auditing

gz@guenterzerweck.de

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A

Myriam Ruth Abuchaibe (DE)

Steffi Adamiak (DE)

Marion Albrecht (DE)

Manfred Alex-Lambrinos (DE)

Tom Amann (CH)

Esther Ammann (CH)

Archana Aneja (US)

Andrea Armbrüster (DE)

B

Pia Bange (DE)

Nora Barasicz-Borgwardt (DE)

Verena Barisch-Wild (DE)

Anne Bartolomaeus (DE)

Irene Batzill (DE)

Margit Bauer (DE)

Petra Bäuerle (DE)

Thea Bayer-Rossi (DE)

Lone Bech (DE)

Susanne Beckh (DE)

Monika Bendner (DE)

Daniela Benz (DE)

Margret Berger (DE)

Rosemarie Berger (DE)

Sandra Berger (DE)

Astrid Bergmann (DE)

Lothar Bergmann (DE)

Irmin Jenni Bernstädt (DE)

Eckhard Besuden (DE)

Maria Bevilacqua-Fischer (DE)

Elfie Bilger (DE)

Jürgen Blank (DE)

Sabine Blasko (DE)

Andrea Blum (DE)

Helena Blümel (CH)

Roswitha Bohmann (DE)

Pia Bolduan-Schlenk (DE)

Geert Bordich (DE)

Ilona Börschig (DE)

Stephanie Brachtl (DE)

Sabine Brandenburg (DE)

Hannelore Brandt (DE)

Lucia Brauburger (DE)

Kristina Breitenbach (DE)

Waltraud Broermann (DE)

Andreas Bromba (DE)

Silke Brose (DE)

Peter Brössler (DE)

Larisa Bruchmann-Bamberg (DE)

Andrea Brückner (DE)

Gabi Buch (DE)

Ulrike Buck (DE)

Herbert J. Buckenhüskes (DE)

Elmar Maria Buehler (DE)

Gabriele Bürger (DE)

Elisabeth Burmester (DE)

C

Italo Cammarata (IT)

Maria Rebeca Capriles-Heller (DE)

Jochen Cerny (DE)

Uschi Choma (DE)

Donegel‘ Chong (CH)

Martin Christen (CH)

Dr. Antigoni Chrysostomou (DE)

Petra Conte-Sansi (DE)

Helle Rask Crawford (DK)

D

Michaela Lucie Dassow / MiLu (DE)

Martina Daub (DE)

Milanda De Mont (AU)

Gregory Dembowski (DE)

Ursula Demmer (CH)

Jonas Deubelbeiss (CH)

Birgit Deuschle (DE)

Monika Dold (DE)

Bernd Donabauer (DE)

Evelyn Dönicke Walder (CH)

Petra Doppelbauer (DE)

Susanne Döttinger (DE)

Krisztina Dózsa-Farkas (DE)

Helene Dürr (CH)

E

Margret Eberhardt (DE)

Astrid Echle (DE)

Michael Eder (DE)

Angelika Eichenauer (DE)

Christine Elbe (CH)

Jürgen Elwert (DE)

Elke Emmert (DE)

Fred Enzmann (DE)

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Roswitha Enzmann (DE)

Anita Ernst (DE)

Simone Eschbach (DE)

Monika Esslinger (DE)

Silvia Esslinger (DE)

Stefanie Etter (DE)

Christine Euchner (DE)

F

Stefan Faas (DE)

Christel Fahrig-Holm (DE)

Christa Fallak-Odenkirchen (DE)

Csaba Fazakas (AT)

Margret Fecht-Nischak (DE)

Peter Feichter (DE)

Karin Feuchtinger (DE)

Klaus Feuchtinger (DE)

Inge Flohr (DE)

Isolde Folger (DE)

Thorsten Frank (DE)

Corinna Franke (CH)

Heidemarie Freile (DE)

Susanne Freiler-Höllinger (DE)

Gabriele Frey (DE)

Christel Friedmann (DE)

Petra Friedrich (DE)

Beate Fröhlich-Mertel (DE)

Heidemarie Fruth (DE)

Andreas Futter (DE)

G

Elke Gaertner (DE)

Christian Geddert (DE)

Sabine Geddert (DE)

Katrin Geigenmüller (DE)

Erich Geiger (DE)

Waltraud Gemein (DE)

Stephanie Gempe (DE)

Josiane Ginter (LU)

Petra Girschewski (DE)

Gabriele Glas (DE)

Christa Gläser (DE)

Beate Gödecke (DE)

Thomas Goerger (DE)

Barbara Goertz (DE)

Edith Gräf (DE)

Katja Grandpierre (DE)

Helmut Grell (DE)

Roswitha Gronemann (DE)

Annette Grunert (CH)

Gisela Grünling (DE)

Birgitte Gümoes (CH)

H

Mirela Halitzki (DE)

Marion Hämer (DE)

Gisela Hammer (DE)

Sabine Hampp (DE)

Martina Hamrik (DE)

Kerstin Hanke (DE)

Heinke Harpprecht-Danner (DE)

Angelika Haßenpflug (DE)

Sonja Hatzelmann (DE)

Martin Hauri (CH)

Ulrike Haus (DE)

Micheline Hebbinckuys (DE)

Petra Hedwig (DE)

Ilse Heffler (DE)

Uta Heiland (DE)

Jaro Heim (DE)

Mariola Heinrich (DE)

Katja Heinroth (DE)

Nadia Heitmar (CH)

Christa Helmle (DE)

Thomas Helmle (DE)

Thea Herzig (CH)

Andrea Hibler (DE)

Claudia Hiddemann-Holthoff (DE)

Veronika Hilpert (DE)

Gabriele Hirschfeld (DE)

Gila Hirth (DE)

Sussi Hodel / Hodelart (CH)

Gabriele Hofer (DE)

Nicole Höger-Junge (DE)

Petra Hoppe (DE)

Eva Hoppert (DE)

Andreas Horn (DE)

Birgit Horn (DE)

Gabriela Horn (AT)

Jutta Horn (DE)

Astrid Hörr-Mann (DE)

Andreas Horstmann (DE)

Alfred Hübsch (DE)

Jutta Hufnagel (DE)

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Marliese Hugger (DE)

Ingrid Huober (DE)

Andreas Hürlimann (CH)

Pascale Hussong-Renz (DE)

I

Barbara Ihme (DE)

Dr. Hans-Dieter Ilge (DE)

Susana Infurna Buscarino (DE)

Dietmar Israel (DE)

J

Brigitte Jaeckel (DE)

Patricia Jaggi (CH)

iti Janz (DE)

Youri Jarkikh / Jarki (DE)

JOHannaS (CH)

Renate John (DE)

Waltraud John (DE)

K

Susanne Käfer (DE)

Karl-Heinz Kalbhenn (DE)

Heidi Kamin (DE)

Dr. Käthe Karcher-Rollwage (DE)

Ruth Kasper (DE)

Antje Kauffmann (DE)

Andrea Kautzmann (DE)

Wolfgang Kempf (DE)

Andreas Kerstan (DE)

Maja Kessler (CH)

Kathleen Kilchenmann (DE)

Renate Kirchhof (DE)

Kornelia Kirschner-Liss (DE)

Beatrice Klawitter (DE)

Corinna Kleindorp (DE)

Ute Kleist (DE)

Gisela Klemm (DE)

Angelina Kober-Buchholz (DE)

Erika Koch (DE)

Bettina Kohlen (DE)

Suzanne Kolmeder (DE)

Maria Kottwitz (DE)

Michelle Kranz (DE)

Jörg Kraus (DE)

Monika Krautscheid-Bosse (DE)

Ilona Krieg (DE)

Carmen Heidi Kroese (CH)

Christa Kronig (CH)

Ekaterina Kruchkova (DE)

Pierrot Krzywinski (DE)

Margit Kugele (DE)

Margot Kupferschmidt (DE)

Jorge Kuznetzoff (DE)

L

Chris Pierre Labüsch (CH)

Gerhard Lämmlin (DE)

Inge Landmann (DE)

Birgit C. Läpple-Schryvers (DE)

Karina Laru-Naú (AT)

Anya Lauchlan (FR)

Regine Lechner-Grotz (DE)

Ingrid Lemke (DE)

Stefanie Lenartz (DE)

Susanne Lenz (DE)

Eva Leopoldi (DE)

Margareta Anna Leuthardt-Schwager (CH)

Dr. Philipp Liedl (DE)

Angelika Lill-Pirrung (DE)

Andreas Lindenberger (DE)

Monika Lockemann (DE)

Inge Louven (CH)

Petra Lücke (DE)

Vera Ludwig-Loster (DE)

Manuela Lutz (DE)

Susanne Lyoubi-Burk (DE)

M

Sigrid Mägerle (DE)

Nicole Y. Matschiner (DE)

Ute Mattes (DE)

Alfred Maurer (DE)

Klaus May (DE)

Stefan Mayer (DE)

Verena Mayer (DE)

Volker Mayr (DE)

Beate Meffert-Schmengler (DE)

Romana Meißner (DE)

Wolfgang Melzer (DE)

Sebastian Merk (DE)

Ute Meyer (DE)

Gabriele Middelmann (DE)

Richard Mierniczak (DE)

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Helga Maria Miethke (DE)

Ilse Mittermeier (DE)

Mayra Moreno-Martin (PA)

Corin Morrison (CH)

Sandra Müller (DE)

Beate Münch (DE)

Verónika Munín-Glück (DE)

Barbara Münstermann (DE)

Angela Munz (DE)

Christine Münzing (DE)

Gabrielle Mutti (CH)

N.K.Mip (DE)

N

Elisabeth Nagel (DE)

Ulrich Naumann (DE)

Kristina Negele-Holder (DE)

Sylvia Neulichedl (IT)

Päivyt Niemeläinen (FI)

Doris Noeske (DE)

Kerstin Normann (DE)

Petra Nowak (DE)

O

Simon Odischo (DE)

George Emil Odthermat (DE)

Ursula Odermath (DE)

Sabine Oecking (DE)

Hans-Peter Östermann (DE)

Bruno S. Otto (DE)

P

Andrea Pachner-Bauer (DE)

Emilio Papaevangeliou (GR)

Ingrid Pape (DE)

Ildiko Passarge (DE)

Ingrid Pfeffer (DE)

Karin Ellen Pinato (CH)

Karmen Kozar Podvorec (DE)

Annegret Poschlep (DE)

Gabriella Pròkai (CH)

Igor Eugen Prokop (HU)

Florian Prünster (IT)

Gaby Pühmeyer (DE)

Q

Marianne Quénéhervé (DE)

R

Annette Radecker (DE)

Carmen Rantzuch-Doll (DE)

Sabine Rassow (DE)

Andrea Rathert-Schützdeller (DE)

Manuela Rathje (DE)

Sieglinde Rehm (DE)

Helga Reichle (DE)

Heidi Reinhardt (DE)

Elke Reis (DE)

Dr. Horst Reul (DE)

Gesa Reuter (DE)

Martina Rick (DE)

Bärbel Ricklefs-Bahr (DE)

Ute Rieder (DE)

Elisabeth Röder (DE)

RoFabér (DE)

Ute Roim (DE)

Cindy Rosenburg (DE)

Gabriele Rostan (DE)

Silicya Roth (DE)

Anne Ruffert (DE)

Ingrid Ruhl (DE)

Heinz Rupp (DE)

Anke Ryba (DE)

S

Dominik Salzer (DE)

Bernd Sannwald (DE)

Kirsten Schankweiler (DE)

Gudrun Schattel (DE)

Christine Schenk (DE)

Renata Schepmann (DE)

Marlis G Schill (DE)

Ruth Schleeh (DE)

Gisela Schleicher (DE)

Henny Schlüter (DE)

Elke Schmid (DE)

Angelika Schmidt (DE)

Betty Schmidt (DE)

Brigitte Schmidt (DE)

Elena Schmidt (DE)

Georg H. Schmidt (DE)

Petra Schmidt (DE)

Gertrud Schneider (DE)

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Petra Schoch (DE)

Dietmar Schönherr (DE)

Monika Schuh-Wibmer (DE)

Hannelore Schulz (DE)

Jutta Hanna Schwarz (DE)

Andrea Schwery (CH)

Gabriele Seitz (DE)

Max Seiz (DE)

Anke Sellner (DE)

Kalpana Sharma (IN)

Prof. Dr. Gerhard Silber (DE)

Natalia Simonenko (DE)

Maja Smoltczyk (DE)

Bernadette Snyers (LU)

Günther Sommer (DE)

Soussen (US)

Eva Specht (DE)

Susanne Spieß (DE)

Veronika Spleiss (DE)

Hans-Werner Stahl (DE)

Anja Stemmer (DE)

Annette Straub (DE)

Friederike Strauß (DE)

Michael Streissl (DE)

Anja Struck (DE)

Brigitte Struif (DE)

Barbara Süßmeier (DE)

Sylwia Synak (DE)

T

Dalya Taffet (DE)

Klaudia Thiel (DE)

Andrea Titscherlein (DE)

Marita Tobner (DE)

Carmen Treichler (DE)

U

Martina Unterharnscheidt (DE)

Simone Urbanietz (DE)

V

Mimi van Bindsbergen (DE)

Van Grädde (DE)

Carmen Varese (DE)

Andre Veith (CH)

Sabrina Venturi (DE)

Dorothee Vermaaten (DE)

Loz Verney (DE)

Ellen Vetter (DE)

Anja Vogt (DE)

Eva Vogt (DE)

Susan von Aarburg (CH)

Ina von Bierbrauer zu Brennstein

Ellen von der Linden (DE)

W

Jane Walker (UK)

Sandra Walter (DE)

Katarina Waser-Ouwerkerk (DE)

Magdalena Washington (DE)

Carmen Weber (DE)

Michael Weick (DE)

(DE)

Esther Weiss (CH)

Yvonne Welman (NL)

Manfred Wendel (DE)

Petra Wenski-Hänisch (DE)

Irmgard Werner (DE)

Raphaela Wespe (CH)

Irmgard Wessely (DE)

Birgit Wewers (DE)

Peter Wichmann (DE)

Marlies Wilhelm (DE)

Ursula Winkeler (DE)

Dietmar Wölfl (DE)

Friedhelm Wolfrat (DE)

Ralph D. Woop (DE)

Dr. Rudi Worofka (DE)

Ketsela Wubneh-Mogessie (AT)

Karin Wünsche (DE)

Z

Nadine Zangarini (LU)

Kamila Zebrowska (DE)

Günter Zerweck (DE)

Irene Ziegler-Selle (DE)

Josef Zinsberger (AT)

Mitglieder Stand 1. Februar 2020

(Members as of february 1 st , 2020)

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Manfred Alex-Lambrinos

Manfred Alex-Lambrinos

Manfred Alex-Lambrinos wurde 1950 im Erzgebirge

geboren. Er lebt seit 1990 im Enzkreis und arbeitet

seit 2011 in Weil der Stadt / Merklingen, wo er in

einem ehemaligen Bauernhaus seine „MAL- Werkstatt“,

sein Atelier mit Ausstellungsräumen, hat.

Manfred Alex-Lambrinos, ein gelernter Maschinenbautechniker,

arbeitete 35 Jahre in verschiedenen

Justizvollzugsanstalten des Landes Baden-Württemberg,

zuletzt als Technischer Leiter in der

Justizvollzugsanstalt Heimsheim.

Sein künstlerisches Arbeiten wurde durch diese

Tätigkeit, die durch die intensive Auseinandersetzung

mit den unterschiedlichsten Menschen

charakterisiert wird, stark beeinflusst. Auch Fernreisen,

vornehmlich nach Asien und neuerdings

nach Afrika, prägen sein Werk, wie auch das Leben

zwischen zwei Kulturen, der eigenen und der seiner

ausländischen Ehefrau.

In allen Fällen steht für ihn der Mensch mit seiner

Kultur, seiner Persönlichkeit, seiner Ausstrahlung

und seinem Charakter im Mittelpunkt. So werden

die Personen aus dem Kontext herausgelöst und

dem Blick des Betrachters präsentiert.

Grundlage für die Ausarbeitung der Linolplatten

dienen Motive, die der Künstler überwiegend auf

seinen Reisen selbst fotografiert hat.

Iraner

Linolschnitt

30 x 42 cm

2016

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Mönsheim / Deutschland

alex-lambrinos.de

Joe Quakam

Linolschnitt

30 x 42 cm

2017

Laotin

Linolschnitt

30 x 42 cm

2014

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Archana Aneja

Archana Aneja

was born in the picturesque Kashmir valley in

India, located at the foothills of Himalayas and well

known for its stunning natural beauty, exquisite

handicrafts and ancient spiritual history. With an

extremely strong creative persona and interest in

art, sketching and history, she decided to pursue

a five year bachelor’s degree in architecture

from Bangalore University, followed by a master’s

degree in architecture from Lawrence Technological

University. Subsequent to her graduation,

she continued her love affair with architecture by

practicing as an architectural designer in the metro

Detroit area for nearly a decade.

Having had the unique opportunity to live, study

and/or work in the United States, Germany and India,

Archana was able to experience and learn from

diverse and enriching inter-cultural experiences.

And, despite the diversity of these salad bowl and

melting pot experiences, she observed a universal

binding thread for most people – the pursuit of

happiness, love and peace.

Archana uses the universal language of art and music

to express her emotions and feelings, without

any constraints. Grooving to her favorite music, she

uses bright, bold palettes, heavily textured layers,

acrylic colors and medium to create contemporary

art representing life itself.

Archana Aneja’s motto for life and career - “Push

your boundaries and Let Life Flow!” – is reflected

in her artwork.

Heartache

and Hope

Acryl auf

Leinwand

80 x 60 cm

2016

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Novi / USA

www.archanaaneja.com

Moondance

Acryl auf Leinwand

3 x 51 x 41 cm

2015

Walking on Sunshine

Acryl auf Leinwand

Triptychon

3 x 76 x 38 cm

2015

Steampunk Dreams

Red

Acryl auf Leinwand

31 x 23 cm

2016

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Irene Batzill,

Irene Batzill

geboren in Stuttgart, lebt und arbeitet in Neuhausen

auf den Fildern, in der Nähe von Stuttgart.

Zur Entstehung ihrer Bilder passt ein Zitat von

Pablo Picasso „Ich suche nicht, ich finde“.

Das bedeutet, ihre Bilder entstehen nicht nach

einem vorher festgelegten Konzept, sondern die

Gestaltung entwickelt sich im Laufe des Arbeitsprozesses.

Dieser Vorgang wird zwar geleitet von

kompositorischen Zielvorstellungen, doch Farben

und Formen werden zu autonomen Bildmitteln.

Farbauftrag und Farbgebung werden von inneren

Stimmungen und Impulsen geprägt.

Irene Batzill denkt sich das Bild nicht vorher aus

oder stellt es sich vor, sondern es entsteht nach

und nach in einem Malprozess, der durch emotionale

und rationale, spontane und reflexive Momente

bestimmt ist.

Splash

Mischtechnik auf

Papier

14 x 19 cm

2013

Die Bilder sind frei von thematischen Inhalten, sie

haben keine symbolische Bedeutung, der Betrachter

kann jedoch frei assoziieren und das Bild mit

eigenen Gefühlen und Vorstellungen füllen. Sie ist

Mitglied im BBK und [KUN:ST] International.

Öffentliche Ankäufe: KSK Esslingen-Nürtingen,

Landratsamt Tübingen, KSK Tübingen, SSB, Landratsamt

Böblingen, Stadtwerke Ulm, Gemeinde

Murr und Telma Retarder.

Hideout

Mischtechnik

auf Papier

16 x 19 cm

2013

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Neuhausen / Deutschland

www.irene-batzill.de

Trace

Mischtechnik

auf Papier

16 x 11 cm

2013

Blotches

Mischtechnik

auf Papier

19 x 14 cm

2013

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Thea Bayer-Rossi

lebt und arbeitet im Raum Heilbronn und Bad

Rappenau. Mit einem mehrjährigen Studiengang

„Bildende Kunst“ in Nürnberg konnte sie sich nach

ihrer Management Tätigkeit in einem großen Unternehmen

einen Herzenswunsch erfüllen. Diesen

lebt sie in ihren großzügigen Atelier- und Galerieräumen

in vollen Zügen und mit Leidenschaft aus.

Ihr Credo lautet: „Suche, finde, lebe, liebe, genieße

Deine Leidenschaft. Ich lebe meine Leidenschaft

und spüre dabei das volle Leben.“ Die Künstlerin

experimentiert gerne mit verschiedenen Materialien

und kombiniert unterschiedliche Techniken. Sie hat

eine große Bandbreite an künstlerischen Ausdrucksmitteln;

z.B. Acryl- und Ölmalerei, digitale Kunst,

Druckgrafik und Objektkunst (Skulpturen für innen

und außen). Ihre Bildwelten sind Auseinandersetzungen

mit Gesehenem und Erlebtem.

Die Künstlerin ist Mitglied in verschiedenen Kunstvereinen

und präsentiert ihre Kunst regelmäßig national

und international sowie in der eigenen Galerie.

Möbius

Wetterfeste

Skulptur

aus NonaD

150 x 89 cm

2016

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Thea Bayer-Rossi

Bad Rappenau / Deutschland

www.atelierbonarthe.de

Lebensgefühl 2

3D-Wandobjekt aus mehrschichtigem

Acrylglas, bemalt, bedruckt

ca. 60 x 60 x 5 cm

2018

Lebensgefühl 4

3D-Wandobjekt aus mehrschichtigem

Acrylglas, bemalt, bedruckt

ca. 80 x 60 x 5 cm

2018

Lebensgefühl 5

3D-Wandobjekt aus mehrschichtigem

Acrylglas, bemalt, bedruckt

ca. 60 x 60 x 5 cm

2018

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Susanne Beckh,

Susanne Beckh

geboren in Düsseldorf, lebt und arbeitet in

Esslingen am Neckar.

Nach dem Studium und der Tätigkeit als Realschullehrerin

u.a. für Kunst ist sie heute als freischaffende

Künstlerin tätig.

Ihre Bilder werden von der Leuchtkraft der Farbe

dominiert, sie sind spontane und sehr farbkräftige

Schöpfungen, die zwischen abstraktem Spiel und

Bilderfindung hin- und herpendeln.

Oft finden sich in ihren Bildern Dinge, die nur angedeutet

sind und unterschiedliche Assoziationen

hervorrufen können - seien es Figuren, Gesichter

oder Szenen. Häufig tauchen diese erst nach längerer

oder mehrmaliger Betrachtung auf - um

beim nächsten Mal wieder im Abstrakten zu verschwinden.

Dadurch erreicht Susanne Beckh, dass

der Betrachter sich mit ihren Bildern beschäftigt

und nicht satt wird, sie anzuschauen.

Mädchenkopf

Acryl und Öl auf Leinwand

40 x 30 cm

2015

Abgesehen von den völlig abstrakten Kompositionen

lassen ihre Bilder meist Landschaften oder

Landschaftsszenen, aber auch Figürliches oder

Pflanzenmotive erkennen oder zumindest erahnen.

Die in Acrylmalerei ausgeführten Arbeiten werden

gelegentlich um Collage-Techniken ergänzt.

Darüber hinaus befasst sich Susanne Beckh mit

der Portraitmalerei in Öl.

Abendröte

Collage, Acryl

auf Leinwand

80 x 100 cm

2016

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Esslingen / Deutschland

susanne.beckh@onlinehome.de

Seensucht

Acryl auf Leinwand

80 x 150 cm

2016

Küste III

Acryl auf Leinwand

80 x 100 cm

2016

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Monika Bendner

Monika Bendner

ist eine deutsche Digital Art Künstlerin und wurde

in Berlin geboren.

Bereits in jungen Jahren setzte sie sich mit der

Malerei auseinander, bevorzugt unter Verwendung

landschaftlicher und figuraler Motive.

Ihre Technik besteht aus abstrakter, kreativer Fotografie,

verbunden mit Malerei, Scherenschnitten,

Folien und Lichtquellen und Themen aus dem täglichen

Leben. Um zu einer entsprechenden Bildaussage

zu kommen arbeitet sie in Zyklen.

Monika Bendner stellt ihre Arbeiten regelmäßig

national und international aus und ist ein in der

Branche gut sichtbarer Teil der deutschen, grafischen

Kunstlandschaft.

In 2014 gewann Monika Bendner den internationalen

Prijs Gemeente Tervuren, Belgien und in 2017 den

[KUN:ST] Preis 2017 von [KUN:ST] international in

dem Bereich Grafik , Fotografie, Digitalcomposing.

Hölle

Fotoabzug hinter Acrylglas

75 x 100 cm

2019

28


Kronberg / Deutschland

www.monikabendner.com

Jedes Paradies hat

seine Schlange

Fotoabzug hinter Acrylglas, 30 x 40 cm

oder Leinwand 90 x 120 cm

2019

29


Monika Bendner

Racheengel

Palais der Unterwelt

Fotoabzug hinter Acrylglas

40 x 60 cm

2019

Fotoabzug hinter Acrylglas

30 x 40 cm

2019

30


Kronberg / Deutschland

Machtspiele

Boss der Unterwelt

Fotoabzug hinter Acrylglas

60 x 80 cm

2019

Fotoabzug hinter Acrylglas

100 x 75 cm

2019

31


Margret Berger

Margret Berger

absolvierte von 2004 – 2009 ihr fünfjähriges Kunststudium

an der Freien Kunstakademie Nürtingen

(FKN), u.a. bei Doz. Hilmar Braun, Prof. Ulrich

Wegenast, und dem Philosoph Harry Walter. Ihre

Schwerpunkte waren Malerei und Medienkunst,

aber auch die philosophische Auseinandersetzung

mit Ästhetik und Wahrnehmung.

Der experimentelle Umgang mit Farbe als Material

und ihrer vielfältigen Eigenschaften sind Grundlage

ihrer meist großformatigen, farbintensiven

Bilder. Malen ist für die Künstlerin ein offener Dialog

mit dem Bild und die damit verbundene Suche

nach Neuem, Unbekanntem und Überraschendem.

Ihr achtjähriger Aufenthalt in der Südsee, das Leben

in einer völlig anderen Kultur und Landschaft,

hat ihre Malweise entwickelt und tiefgehend geprägt.

Die Konfrontation mit dem Unbekannten

und Fremden als Herausforderung drängt die eigene

Wirklichkeit zu hinterfragen. Meist arbeitet sie

mit vielen Lasuren und Schichten aus verdünnter

Ölfarbe, um Farbintensität, Vielschichtigkeit und

Dichte zu entwickeln. Schüttungen und pastoser

Farbauftrag mit bewußten Malspuren stehen im

Kontrast zu weichen Übergängen. Der „gesteuerte“

Zufall, aber auch gründliche Reflexion sind

wichtige Elemente ihrer Bildfindung. Dichtester Urwald,

Intensität in jeder Form, leuchtende Farben,

unmittelbare Naturgewalt – diese tiefen Eindrücke

beeinflussen die Farbwahl, die Themen und auch

den Versuch, über das Malen neue Sichtweisen zu

finden.

Rainforest 1

Öl auf Leinwand

105 x 150 cm, 2016

32


Tübingen-Bühl / Deutschland

www.margret-berger.de

Hibiskus

Öl auf Leinwand

95 x 145 cm, 2016

33


Onedayparadise 8

Öl auf Leinwand

150 x 170 cm, 2009

34


Margret Berger

Tübingen-Bühl / Deutschland

Wilderness

Öl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2016

Power of Eve

Öl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2015

35


Rosemarie Berger,

Rosemarie Berger

wurde geboren in Dresden, absolvierte eine

Berufsausbildung in Grafik-Design und studierte

bis 1988 Kommunikationsmethodik in Berlin.

Sie war als Grafik-Designerin lange im Medienbereich

tätig, so auch viele Jahre für die Fotoumsetzung

eines umfangreichen Arbeitsbereiches

im Versandwesen verantwortlich – eine Grundlage

ihrer späteren Entwicklung. Seit 2005 arbeitete sie

freiberuflich und ab 2008 zudem als Fotokünstlerin

mit internationaler Ausstellungstätigkeit, so z. B.

Art Karlsruhe, Art Straßburg, Art Innsbruck, Arte,

Art Endingen, Biennale de Thann.

In ihren Fotografien findet der Betrachter oft die

Thematik „Sein und Vergehen“ mit dem Bezug zu

Empfinden, Schaffen und Werden der Menschen

vergangener Zeiten. Der Reiz ihrer Arbeiten liegt

auch darin, dass Gedanken und Emotionen eingefangen

werden, diese unter Nutzung heutiger Techniken

aber keine nostalgische Betrachtung, sondern

moderne Zeitkunst darstellen. Sie arbeitet nur mit

dem natürlichen Licht, es werden keinerlei andere

Hilfsmittel eingesetzt wie z.B. Requisiten. Alles bleibt

so, wie es irgendwann einmal verlassen wurde. Das

künstlerische Bearbeiten dieser Bilder vollzieht Rosemarie

Berger am Computer etwa wie ein Maler, der

mit dem Pinsel mehrere Schichten aufträgt. Sie legt

dabei mehrere Ebenen (oft partiell) übereinander,

vergleichbar mit einer Collage.

Rosemarie Berger ist Urheberin des Bildbandes

„Wandel – Neues Schloss Baden-Baden“.

Auberge 1

Fineartprint auf Hahnemühle

kaschiert auf Alu-Dibond

70 x 105 cm, 2016

36


Rastatt / Deutschland

www.rb-fotokunst.de

Auberge 2

Fineartprint auf Hahnemühle

kaschiert auf Alu-Dibond

105 x 70 cm, 2016

Auberge 3

Fineartprint auf Hahnemühle

kaschiert auf Alu-Dibond

105 x 70 cm, 2016

Auberge 4

Fineartprint auf Hahnemühle

kaschiert auf Alu-Dibond

105 x 70 cm, 2016

37


Astrid Bergmann,

geboren 1968 in Kiel, wuchs in Deutschland,

Belgien und den USA auf. Heute lebt und arbeitet

sie in Bad Schönborn (Deutschland) und Vigole

(Gardasee / Italien).

Der Mensch mit seiner Gefühlswelt steht im

Vordergrund der Arbeiten von Astrid Bergmann.

Seit 2008 hat sie sich diesem Thema verschrieben

und bringt es dem Betrachter in unterschiedlicher

Präsenz nahe. Ihre Bildideen entstehen oft in

alltäglichen Situationen, in denen ein Gesichtsausdruck,

eine Bewegung oder die Ausstrahlung einer

Person das Interesse der Künstlerin weckt. Flüchtige

Skizzen oder gezielt vorbereitete Fotosessions

helfen, das Wahrgenommene festzuhalten, um es

später im Atelier in teilweise aufwendigen Arbeitsprozessen

zu einer überzeugenden Form zu

gestalten.

Mit Weißtönen, einem grazilen Federstrich – verbunden

mit Licht und Transparenz – erzählen die

Bilder ihre Geschichten. Der Ausnahmekünstlerin

und studierten Mathematikerin Astrid Bergmann

gelingt es, schwere Themen mit Leichtigkeit darzustellen.

Schicht auf Schicht auf Schicht: behutsam nähert

sie sich ihren Portraits. Durch die unterschiedliche

Materialzusammensetzung in jedem Bild verbindet

die Künstlerin Altes, Neues, Vordergründiges und

Hintergründiges, um regelrechte Seelenräume für

ihre Figuren zu schaffen. Aktuell beschäftigt sich

Astrid Bergmann auch mit den Themen Weite und

Stille: Landschaften, mit oder ohne Figur, führen

den Betrachter in seine eigenen Seelenräume.

EASE - oder -

Auf der Suche

nach der Leichtigkeit

des Seins

Acryl auf Leinwand

150 x 100 cm

2012

38


Astrid Bergmann

Bad Schönborn / Deutschland

www.astrid-bergmann.de

Ich bind doch

keine Vögel an

Leinen 1

Acrylglas, Acryl

auf Leinwand

120 x 50 cm

2013

Ich bind doch

keine Vögel an

Leinen 3

Acrylglas, Acryl

auf Leinwand

120 x 50 cm

2013

39


Lothar Bergmann

Lothar Bergmann

Geboren 1952, verbrachte Bergmann als kleiner

Bub viel Zeit mit Malen und Zeichnen, was sich mit

der Zeit aber verflüchtigte. Das Interesse daran

flackerte Anfang der 80er Jahre nochmals kurz auf,

als er für ca. ein Jahr wöchentlich die Freie Kunstschule

Darmstadt (nicht mehr existent) besuchte,

hauptsächlich zum Porträt- und Aktzeichnen. Dann,

nach der Erlösung von seinem Schreibtischjob in

2014, hatte er wieder Zeit und vor allem Muße für

eine kreative Tätigkeit.

Seitdem malt und zeichnet er wieder, gegenständlich

realistisch bis fotorealistisch. Dabei

erinnert sein Malstil den Betrachter bisweilen an

die Pop-Art eines Mel Ramos. Auch eine Nähe zur

Pin-Up-Malerei der 40er bis 60er Jahre könne man

ihm nicht absprechen. Gemalt wird in Acryl; für seine

Art von Malerei ein etwas störrisches Medium.

Eine schnelle, lockere Malweise, z.B. mit Aquarellfarben,

liegt ihm nicht.

Seine bevorzugten Motive sind Frauen, die er, wie

es seine großen Vorbilder auch machten, schon

mal im biblischen oder griechisch-mythologischen

Kontext ansiedelt. Auf eine historisch korrekte Darstellung

wird dabei bewusst verzichtet.

Eiskönigin

Acryl auf

Leinwand

100 x 80 cm

2019

40


Reinheim / Deutschland

Marilyn 10

Acryl auf Leinwand

30 x 24 cm

2019

Norma Jeane

(Marilyn 12)

Acryl auf Leinwand

30 x 24 cm

2019

Norma Jeane

(Marilyn 13)

Acryl auf Leinwand

30 x 24 cm

2019

41


Eckhard Besuden,

Eckhard Besuden

geboren am 27. Januar 1964 in Oberhausen, lebt

und arbeitet in Allensbach nahe Konstanz am Bodensee.

Er bezeichnet sich selbst als Autodidakt,

was man aber in Frage stellen darf, denn ab dem 6.

Lebensjahr wurde er von seiner Mutter (Hochschule

der Künste in Düsseldorf) in Malereitechniken

unterrichtet. Er widmet sich seit 2003 dem erstmals

von der Transition gallery London (UK) propagierten,

aber nach wie vor völlig unbekannten Malstil

der „Antideterministischen Malerei“, die dem

Künstler ein Maximum an Stilvielfalt und Technik

zubilligt aber auch abverlangt. Diese „dogmatische

Malerei“ stellt laut Besuden „sowohl das lineare als

auch das zyklische Kunstverständnis“ in Frage. Sie

überdenkt die professionellen Qualitätsmerkmale

an moderne Malerei und ihre Künstler wie „neu“,

„authentisch“, „undekorativ“ sowie „rein künstlerische

Vita“, die Besuden Determinismus nennt.

Durch den Antideterminismus werde, so Besuden,

„das malerische Sujet beliebig, ja sogar bewusst

profanisiert, aber im Gegenzug der Malakt dogmatisch

streng vorsätzlich“. „Durch den Antideterminismus

gewinnt der Künstler gegenüber den

stilistischen und dogmatischen Vorgaben des

deterministischen 1. Kunstmarktes erheblich an

Gestaltungsfreiheit“.

Ausstellungen (Auswahl):

2015 Studio 26 gallery, New York, USA

2015 Hans Alf gallery, Kopenhagen, Denmark

2016 Galerie Katapult, Basel, Schweiz

2016 SCOPE, Basel, Schweiz

Hannes Seehas phthaloblau (9 von 10)

Öl auf Leinwand

130 x 120 cm, 2016

42


Allensbach / Deutschland

www.eckhard-besuden.de

Vito Schnabel

Öl auf Holz

30 x 50 cm

2016

Three studies of Zwei

Freundinnen (3 von 3)

Öl auf Leinwand

130 x 150 cm

2015

Frühling in Berlin

(Hinweg)

Öl auf Leinwand

100 x 200 cm

2014

43


Maria Bevilacqua-Fischer

Maria Bevilacqua-Fischer

ist in Italien geboren und lebt seit vielen Jahren

in Neuhausen auf den Fildern. Nach einer Marketingausbildung

arbeitete sie viele Jahre in einem

internationalen Verlag. 1999 erwachte dann der

Wunsch, sich mehr ihren künstlerischen Neigungen

zu widmen. Es begann eine langjährige Suche und

Entwicklung des eigenen Ausdrucks in der Malerei,

der durch verschiedene Kunstlehrer/innen begleitet

wurde.

Ausgang ihrer Arbeiten sind innere Bilder und

Emotionen. Wenn sie intuitiv die ersten Pinselstriche

mit Acrylfarben auf die Leinwand malt, beginnt

ein Dialog zwischen Farben und Formen, von dem

sie sich gerne führen und inspirieren lässt.

Expressive Pinselstriche verbinden sich mit federleichten

Kohlestrichen, kraftvolle Farben mit

sanften Nuancen.

Unterschiedliche Strukturen und Texturen der

Bildoberfläche reizen sie. Oft kommt Schicht auf

Schicht, es wird gekratzt gespachtelt und geritzt,

manchmal mit Sand und anderen Materialien gearbeitet.

So verdichten sich die Arbeiten nach und

nach zu tiefgründingen, ausdrucksstarken, meist

abstrakten Werken, die Freiraum für eigene Emotionen

anbieten und das Leben bereichern.

Allegria

(Fröhlichkeit)

Acryl auf

Leinwand

100 x 80 cm

2019

44


Neuhausen auf den Fildern / Deutschland

www.artemoderna.de

Festeggiare la vita

(Das Leben feiern)

Acryl auf Leinwand

80 x 80 cm

2019

45


Andrea Blum

Andrea Blum

ist in Schleswig Holstein aufgewachsen, lebt und

arbeitet in Backnang bei Stuttgart.

Ihr Studium an der FKS Stuttgart ergänzt sie durch

diverse Workshops und Sommerakademien, z.B. im

Bildwerk, Frauenau.

In ihren Arbeiten zeigt sie die einsame, unglückliche

Figur des Minotaurus, der sich verzweifelt

wünscht, ein Anderer zu sein. Er ist jedoch gefangen

in einem Labyrinth der Zwänge, gesellschaftlich

oder materiell, das uns alle einschnürt –

ebenso wie Ariadne, die den Faden schon lange

verloren hat. Die Augen, die alles sehen, als Ausdruck

der Medienüberwachung und der schöne

Mund, der fake-news verbreitet.

Hände

Kirschholz

72 x 33 x 45 cm

2018

Minotaurus –

Das Spiegelbild

Bronze auf Schiefersockel

31 x 15 x 16 cm

2016

Worauf können wir uns heute noch verlassen? Die

Künstlerin erkennt, beobachtet und schafft ihre

Werke. Dann entlässt sie diese aus ihren Händen.

Andrea Blum lässt die Ölfarbe laufen, schüttet und

wischt, doch gleichzeitig malt sie auf klassische

Weise ganz realistisch. In der Bildhauerei arbeitet

sie abschlagend und aufbauend in Stein, Holz,

Bronze und Glas und mag sich nicht auf eine Technik

einengen lassen.

Im eigenen Atelier und an der Volkshochschule

Backnang gibt sie Mal- und Zeichenkurse. Ihre Kunst

präsentiert sie regelmäßig auf Ausstellungen und

der Kunstmesse ARTe Sindelfingen.

46


Backnang / Deutschland

Minotaurus

Theseus

Ariadne

www.blum-art.de

Öl auf schwarzer Leinwand

100 x 80 cm

2016

Öl auf Leinwand

150 x 50 cm

2017

Öl auf Leinwand

100 x 50 cm

2017

47


Pia Bolduan-Schlenk

ist in Hamburg aufgewachsen und hat dort auch

ihr Studium abgeschlossen. Nach Stationen in

Toronto, Los Angeles, Frankfurt, Basel, New York,

Wien, Sao Paulo und Freiburg hat sie derzeit ihre

Arbeitsstätte in Büdingen, in der Nähe von

Frankfurt.

Pia Bolduan-Schlenks bevorzugte Arbeitsthemen

sind der Mensch, Landschaften und Strukturen.

Bei der malerischen Umsetzung ergänzen sich

Gegenständlichkeit und Abstraktion.

Die Porträtmalerei, jahrelang mit dem Thema

„Wahl-Heimat“ bearbeitet, ist ein zentrales

Interesse der Künstlerin. Jedoch auch ihre abstrakten

Arbeiten mit den speziellen Farbkompositionen

und der großer Leichtigkeit sind ihr als

weiterer Themenschwerpunkt wichtig.

Schwarzwaldmädel 7

Acryl auf Holz

40 x 40 cm, 2011

Die Künstlerin arbeitet mit kraftvollem Duktus und

strahlenden Farben in Acryl und Öl auf Leinwand

sowie auf Papier und nutzt verschiedene Drucktechniken.

Ihre Bilder wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen

in den USA, Brasilien, Frankreich, Italien,

Österreich, Schweiz und Deutschland ausgestellt,

Studien der Malerei bei der AASA in Sao Paulo,

Brasilien und der Freien Hochschule für Grafik-

Design und Bildende Kunst in Freiburg.

Schwarzwaldmädel 8

Acryl auf Holz

40 x 40 cm, 2011

48


Pia Bolduan-Schlenk

Büdingen / Deutschland

www.pia-art.de

Schwarzwaldmädel 27

(Ausschnitt)

Acryl auf Leinwand

50 x 60 cm, 2013

49


Geert Bordich,

Geert Bordich

geboren in Kiel, sucht den Dialog zwischen

Mensch und Umwelt, zeigt die Probleme der sich

ständig veränderten Gesellschaft und versucht,

diese mit den Mitteln der Kunst zu verarbeiten und

weiterzugeben.

Er zeigt die Schönheiten der Natur auf, weist aber

auch auf die negativen Folgen der Umweltzerstörung

hin.

Seine farbenprächtigen Arbeiten in Öl und Acryl

sind in vielen privaten und öffentlichen Einrichtungen

im In- und Ausland vertreten.

Geert Bordich lebt und arbeitet in Baden Baden.

„Kunst besitzt eine universelle Sprache,

die die Menschen über die Kontinente hinweg

verbindet.“

One Way Ticket

Öl auf Leinwand

80 x 100 cm

2014

50


Baden-Baden / Deutschland

www.atelierbordich-art.de

Portocolom I -

Mallorca

Acryl auf Leinwand

70 x 90 cm

2016

Remembering

Ajuy_Fuerteventura

Öl auf Leinwand

50 x 70 cm

2018

St. Peter-Ording

zeigt Flagge

Öl auf Leinwand

80 x 120 cm

2014

51


Ilona Börschig,

Ilona Börschig

geboren in Serbien, seit 1976 in Deutschland,

lebt und arbeitet in Fichtenberg, in der Nähe von

Schwäbisch Hall.

Gestaltung und Kreativität gehören seit früher

Kindheit zu ihrem Alltag. Waren es früher Stoffreste,

später Haare und Blumen haben sich nun

Farben neu dazugesellt und sich in den Vordergrund

gestellt. Ilona Börschig ist eine Autodidaktin.

Sie entdeckte das Malen vor 15 Jahren für sich.

Am Anfang waren es florale, gegenständliche,

später eher abstrakte und moderne Motive.

Sie malt mit Acrylfarben und Ölpastellkreiden auf

Leinwand oder Malkarton und integriert Strukturpaste,

Sand, Karton und andere Materialien in ihre

Werke. Dabei ist ihr die Zeit, die sie für die Bildgestaltung

braucht, nicht wichtig. Für sie stehen die

Harmonie der Farben und die Einzigartigkeit des

Bildes im Fokus.

Die Künstlerin blickt auf zahlreiche Einzel- und

Gruppenausstellungen zurück.

Ohne Titel

Mischtechnik auf Leinwand

70 x 120 cm

2016

52


Fichtenberg / Deutschland

Ohne Titel

Mischtechnik, Sand, Strukturpaste

und Verpackungsmaterial

auf Leinwand, 70 x 50 cm

2016

ilona.boerschig@gmx.de

Ohne Titel

Mischtechnik mit Perlen,

Holz und andere Materialien

auf Leinwand, 70 x 50 cm

2016

Ohne Titel

Mischtechnik auf Leinwand

70 x 120 cm

2016

53


Stephanie Brachtl,

Stephanie Brachtl

geboren in Halle/Saale, lebt und arbeitet in

Herrenberg, in der Nähe von Böblingen.

Das künstlerische Schaffen umfasst Malerei, Grafik,

Aktionskunst, Installationen, Objekte und Objektbilder,

sowie Texte, Gedichte und Fotografie bis

hin zur Kunst im öffentlichen Raum, Logos für Gemeinde

und Privatpersonen, Benefizunterstützung,

Gedicht- und Buchillustrationen.

Denkbezüge, die ins Mehrdimensionale führen,

entsprechen in den Arbeiten der Vielfalt der verwendeten

Materialien. Mal- und Zeichenmittel

aller Art einzusetzen ist längst nicht mehr ungewöhnlich.

Die besondere Originalität und unverbrauchte

Frische liegt jedoch im Verwenden von

Fertigteilen aus Glas, Kunststoff, Metall, sowie

Bohnen oder Nudeln, die teils verfremdet, teils

als erhabene und bewegliche Teile in einen

Grund eingefügt werden.

Zufälle können entstehen, so dass sich eine

erdachte Idee verselbständigt. Dadurch bleibt

der Prozess der Entwicklung immer spannend.

Der eigene Blickpunkt muss somit jedes Mal

neu überdacht werden.

Das Motto lautet: Einen Weg zu sehen und nicht

zu gehen, ist nicht möglich.

Glanzlichter

Foto

21 x 30 cm

2018

54


Herrenberg / Deutschland

www.stephanie-brachtl.de

Zeichnung Nr. 7

Künstlertusche

auf Papier

40 x 50 cm

2018

55


Lucia Brauburger,

Lucia Brauburger

Jahrgang 1965, hat die Malerei erst vor einigen

Jahren für sich entdeckt. Seitdem lässt sie das

kreative Schaffen nicht mehr los. Als Dozentin und

Inhaberin einer Consulting-Agentur setzt sich die

in Mainz lebende Künstlerin intensiv mit den Themen

Zukunft und Innovation auseinander.

Ihre Bilder, allesamt Acryl auf Leinwand, bezeichnet

sie als „zeitlose Refugien“. Sie schaffen den

erwünschten Kontrast zum Tempo getriebenen

Alltag.

Auf Basis gekratzter Linien und mutwillig aufgetragener

Flächen schafft Lucia Brauburger abstrakte

Landschaften und Figurenkonstellationen, die auf

archaisch anmutenden Formen aufbauen und zeitgenössische

Bezüge bewusst aussparen.

„Was mich bannt, ist das Zusammenspiel zwischen

Farbe, Linie und Struktur. Mal dominiert das

Figurative, mal das Lineare, mal Flächen, die eine

Art Landschaft bilden. Ich gehe nicht mit einem im

Kopf vorgefertigten Bild ins Atelier und setze das

um. Im Gegenteil: Meine Bilder entstehen in einem

völlig unberechenbaren Prozess – aufgetragen in

mehreren Schichten, die ich partiell wieder abtrage,

auskratze, manchmal komplett übermale, um

nochmals von vorne zu beginnen. Alles ist intuitiv.“

Ariel

Acryl auf

Leinwand

200 x 150 cm

2018

56


Mainz / Deutschland

www.artandbuilding.de

Ich weiß nur,

was ich tue…

Acryl auf

Leinwand

200 x 150 cm

2018

…wenn ich bei

mir bin!

Acryl auf

Leinwand

200 x 150 cm

2018

57


Hannelore Brandt,

Hannelore Brandt

lebt und arbeitet in Moers und auf Ibiza.

Nach Beendigung des Erwerbslebens 2004 verstärkte

sie die bis dahin sporadischen künstlerischen Aktivitäten.

Kalligrafie und Plakatschrift, Zeichnen und

Malerei sind Fertigkeiten, die sie bei Künstlern aus

Moers, Düsseldorf, Berlin und Innsbruck erworben

hat; Acrylmalerei ist derzeit ihr bevorzugtes Genre.

Pendelnd zwischen Moers, Allgäu und Ibiza (Niederrhein,

Berge und Meer) findet sie Inspiration und

Motive gemäß ihrem Leitmotto:

„Nichts ist so spannend wie Menschen, ihre Gedanken

und die Spuren, die sie hinterlassen ...“

Ihre gegenständlichen Acrylbilder sind Ausdruck ihrer

Liebe zu Mensch und Tier; sie fordern auf, Parallelen

zwischen deren Lebens- und Haltungsweisen zu

entdecken. Die positive Stimmung, die die Künstlerin

beim Malen empfindet, soll sich auf den Betrachter

ihrer Bilder übertragen.

Das Studium der Klassiker führte sie zu Bildern des

„trompe l´oeil“ und dann zur Entwicklung eigener,

moderner Objekte der Augentäuschung.

Ausstellungen finden am Niederrhein, im Allgäu und

auf Ibiza statt.

Hannelore Brandt ist Mitglied im Kunstverein

Peschkenhaus (Moers), Moerser Palette e.V. und

[KUN:ST] International, Leonberg.

Amigos 2

Acryl auf Leinwand

50 x 60 cm

2017

58


Hannelore Brandt Moers / Deutschland

www.hannelorebrandt.de

Dick und Doof

Acryl auf Leinwand

90 x 120 cm

2019

59


Gabi Buch

Gabi Buch

wurde 1966 im Ruhrgebiet geboren. Ihre künstlerische

Ausbildung absolvierte sie an verschiedenen

Kunstakademien im Ruhrgebiet, in Bayern und

Baden-Württemberg. Sie spezialisierte sich auf die

experimentelle, informelle und abstrakte Malerei.

Ihren Meisterkurs beendete sie 2008 erfolgreich

bei dem Maler Marc Safan (New York City).

Seit 2001 organisiert Gabi Buch regelmäßig öffentliche

Ausstellungen, ihre Werke werden national

und international angekauft. Seit einigen Jahren

unterrichtet sie in ihrem Atelier in Marbach am

Neckar bei Stuttgart abstrakte Malerei und führt

kreatives Coaching durch, bietet kreative „Aussteigertage“,

Teamentwicklung und Workshops an.

Bei den Kunstwerken aus der Serie „Gel(i)ebte Freiheit“

des Jahres 2016 handelt es sich um abstrakte,

absolut gegenstandslose Malerei, expressive Farbexplosionen

in Mischtechnik mit Acryl, Ölfarben,

Sand, Asche, Metallspänen. Die Werke sind auf

dem Boden liegend und an der Wand entstanden,

strahlen Kraft, Willkürlichkeit und Schnelligkeit aus

und sind dennoch analytisch und kontrolliert in

vielen Schichten räumlich entwickelt.

Gel(i)ebte Freiheit

„harmony“

Acryl auf Leinwand

140 x 90 cm

2016

60


Marbach am Neckar / Deutschland

www.gabi-buch.de

Gel(i)ebte Freiheit

„ocean“

Gel(i)ebte Freiheit „joy“

Acryl, Eisenspäne auf Leinwand, 140 x 90 cm, 2016

Acryl, Eisenspäne

auf Leinwand

140 x 90 cm

2016

61


Ulrike Buck,

Ulrike Buck

geboren in Stuttgart, lebt und arbeitet in Regensburg.

Sie ist Mitglied im BK, IAPMA und [KUN:ST]

International Stuttgart.

Nach dem Studium der Innenarchitektur in Rosenheim

konnte sie ein Jahr lang in Florenz am Istituto

Statale d’Arte ihre gestalterische Ausbildung

vertiefen. Neben ihrer Berufstätigkeit hat die freie

künstlerische Gestaltung immer mehr Bedeutung

gewonnen.

Ihre Werke spielen mit der Dialektik von Wahrnehmung

und Realität. Sie wirken schwer und massiv,

sind jedoch ganz leicht und filigran. Zu ihren Arbeiten

sagt Ulrike Buck: „Papier fasziniert mich immer

wieder durch seine große Vielfalt und das Aufspüren

von Gegensätzen.“

Papier kann so viel sein: weich und hart, glatt und

rau, filigran und kompakt, leicht und schwer, empfindlich

und robust.

Papier ist ein natürliches Material, gewonnen aus

Holz und Pflanzen, es ist recyclebar und kann eine

alltägliche und eine ganz exquisite Rolle spielen.

Illusion der Schwere

Doppelwandschale, Papier, Blattgold

Höhe 7,8 cm, Ø 19,7 cm

2017

62


Regensburg / Deutschland

www.buck-unikate.de

Leichtgewichte

Doppelwandschale,

Papier, Kupfer

Höhe 8,7 cm

Ø 20 cm

2017

63


Italo Cammarata

was born in Marina di Massa, Italy, in 1947. Today

he lives and works in Turin, Italy. Italo began his

professional career at some of the best advertising

agencies in Turin. Later, after 1980, he moved to

the field of design, and he applied the combination

of his experience in advertisement and his design

skills to industrial projects for companies such as

Yamaha, Subaru, Piaggio, JVC, Seiko, Barilla or

Porsche.

These activities earned him, in 1984, the prestigious

international prize “Compasso d‘Oro” conferred

by ADI (Industrial Design Association).

Since the beginning of 2005 he has been devoting

himself full time to painting, developing an introspective

analysis of the common practices of human

existence. Italo is exhibiting his artwork on national

and international art fairs - e.g. in 2014 at Paratissima,

Turin, Italy and Spectrum Miami, Florida, USA,

in 2015 at ArtPalmBeach in Palm Beach, USA and

ArtExpo New York, USA and in 2016 at ARTe Sindelfingen,

ART Sylt and Paratissima, Turin, Italy.

Il Giulietta

Acryl auf Leinwand

70 x 70 cm, 2015

64


Italo Cammarata

Pino Torinese / Italien

www.italocammarata.it

Indisciplinat

Acryl auf Leinwand

70 x 70 cm, 2014

65


Uschi Choma

Uschi Choma

Schon mit 10 Jahren beim Besuch im Atelier eines

benachbarten Künstlers (Stelzig) war sie begeistert

von der Malerei. Ab da stand für sie fest, ich

werde, wenn ich groß bin, Künstlerin’. Zum 15ten

Geburtstag hat der Vater ihr einen Ölfarbenkasten

und eine Leinwand geschenkt. Das erste Bild

entstand und hängt noch heute in Ihrem Atelier.

Einige Jahre hat Uschi Choma mit Ölfarben gemalt,

dann folgten viele Jahre Unterricht bei Erwin

Scheibe in der Aquarellmalerei, um schließlich

bei Acryl anzukommen. Uschi Chomas Bilder sind

seid ca.15 Jahren sehr farbreduziert. Ihre Materialien

sind Acrylfarbe, Asche, Kreide, Pigmente

und Strukturmittel meist in den Farben grau, weiß,

schwarz oder Naturtönen. Seit einigen Jahren ist

Uschi Choma als Dozentin an verschiedenen freien

Kunstakademien tätig.

Sie selbst sagt: “In den ganzen Jahren, in denen

ich schon male, habe ich viel experimentiert, mich

immer wieder neu erlebt, bin neugierig geblieben

und habe meinen eigenen – wie Beobachter

meiner Kunst sagen „unverkennbaren“ – Malstil

gefunden. Malen ist für mich ein Verbinden von

Seele, Farben und Formen. Wenn ich vor einer

weißen Leinwand stehe, geschieht alles wie von

selbst. Zwischen mir und dem Material findet ein

Gespräch statt – ein Dialog von Gefühlen, Gedanken

und Farben. Mein Wunsch ist es, mit meinen

Bildern meine Mitmenschen zu erreichen. Ein

Leben ohne Bilder, ohne Kunst, ohne Neues zu

Erschaffen, wäre für mich unvorstellbar. Solange ich

einen Pinsel halten kann, werde ich Bilder malen!”

Drei

Stelen

Mischtechnik

auf Leinwand,

40 x 10 cm,

2018

66


Leonberg / Deutschland

www.uschi-choma.de

fünfzehn

Mischtechnik auf Leinwand

60 x 60 cm

2019

67


Petra Conte-Sansi

Petra Conte-Sansi

Inspiriert durch den Kreislauf der Natur, der auch

die Menschen in ihren Stimmungen und Gefühlen

beeinflusst, nimmt Petra Conte-Sansi den Betrachter

ihrer Werke mit auf eine Phantasiereise durch eben

dieses „Farbenmeer“. Ihr Ziel ist nicht ein reales Abbild

der Natur zu schaffen, sondern deren abstrakte,

ganz individuelle und expressive Umsetzung.

Sowohl durch ihre Werke, als auch durch parallel

dazu entstandene lyrische Texte, versucht die

Malerin und Autorin Gefühle, Träume und Sehnsüchte

der Menschen darzustellen. Hierbei ist

Petra Conte-Sansi der Einklang von Farbe und

Form besonders wichtig. Durch feine Nuancen

und Abstufungen setzt die Künstlerin besondere

Akzente in ihren Werken. Unter Einsatz verschiedenster

Malmittel trägt sie die Farben aufwändig in

diversen Stärken und Schichten auf. Somit entstehen

aus sich selbst herausgewachsene, natürliche

Formen und Formfelder, welche sich gegenseitig

beeinflussen, Mehrdimensionalität schaffen und,

trotz der Bewegung und Lebendigkeit der Farben,

harmonisch in sich selbst wirken.

Petra Conte-Sansi arbeitet seit Abschluss ihres

Studiums als Dozentin und ist freiberuflich als Malerin

und Autorin tätig. Ihre Werke sind seit 2009 in

wechselnden Ausstellungen zu sehen und befinden

sich in Museums- und Privatbesitz im In- und

Ausland.

Ruhe und Bewegung

Acryl, Mixed Media auf Leinwand

100 x 180 cm

2016

68


Gemmrigheim / Deutschland

www.petraconte-sansi.de

Homöostase

Acryl, Mixed Media

auf Leinwand

80 x 160 cm

2015

69


Helle Rask Crawford

wurde 1964 in Dänemark geboren. Sie studierte

Bildhauerei bei Keld Moseholm und Malerei bei

Ulrik Hoff. Helle hat einen weiteren beruflichen

Hintergrund: die Medizin. Er gibt ihr eine nahezu

vollständige Kenntnis der menschlichen Anatomie,

die man in ihren expressiven und emotionalen

Werken sofort erahnt. Helle Rask Crawford beteiligt

sich häufig an Ausstellungen in Museen, Galerien

und Kunstmessen im In- und Ausland – unter

anderem in den letzten drei Jahren in Dänemark,

Deutschland, Schweden, Italien, Großbritannien,

den USA und Australien.

„Obwohl Helle Crawford in ihren Skulpturen oft

einen Bezug zu den klassischen Mythen herstellt,

wäre es falsch, sie einen klassischen Bildhauer zu

nennen. Man könnte Helle Crawford eher eine

anti-klassische Künstlerin nennen. Ihre Skulpturen

sind ausdrucksstark, dynamisch, sinnlich und

humorvoll. Sie sind voller Geschwindigkeit, Phantasie

und einfallsreicher Erzählungen. Der Ton kann

ernsthaft und existenziell sein, wie in » Die abgeschlossene

Tür « aus 2014. Starke potente Stiere,

wunderbare, temperamentvolle Pferde, kraftvolle

Raben und zärtliche Schwäne charakterisieren

Helle Crawford als Bildhauerin. Zusammen mit dem

expressiven Ausdruck, mit den deutlichen Spuren

ihrer Finger vom Formen der Figur, der oft heftigen

Dynamik der Komposition, den sensitiven und

oft originellen Inhalten der Gesamtkomposition

machen Helle Rask Crawford zu einer traditionsbewussten

und doch wirklich originellen Künstlerin

unserer Zeit.“ Zitat: Tom Jorgensen, Kunstkritiker

Die Wasserträgerin

Bronze, Beton, Kupfer, Stein, 100 x 70 x 70 cm, 2016

70


Helle Rask Crawford

Græsted / Dänemark

www.helleraskcrawford.dk

Raben Reiter

Bronze, Granit

75 x 50 x 50 cm

2013

Metamorphosis

Bronze

25 x 20 x 20 cm

2016

71


MILU

MILU – Michaela Lucie Dassow

wurde 1963 in Schwaben geboren und kam über

Israel, Belgien und Nordrhein-Westfalen nach

Endingen am Kaiserstuhl.

Ihre Bilder zeigen in abstrakter Form die verschiedenen

Stimmungen und Strömungen des

(Er-)Lebens. Daraus entstand auch ihr Leitmotto:

„Individuelle Bilder für individuelle Menschen“.

Hintergrundinformationen erhält der Betrachter

durch die das jeweilige Bild begleitende

Entstehungsgeschichte.

MILU arbeitet ausschließlich mit Acrylfarbe, denn

sie korrespondiert am besten mit ihrer impulsiven

und spontanen Arbeitsweise und unterstützt ihre

Kreativität. Die von ihr verwendeten kräftigen Farben

sind vielfach gemischt.

Ihre Bilder, wie auch sie selbst, verweigern sich

einer schnellen Einordnung in bestimmte Kategorien

und Schubladen mit stiller Beharrlichkeit. Auf

einen einzigen Stil lässt sich die Künstlerin nicht

festlegen. Der Betrachter kann eintauchen in einen

weiträumigen, kontrastreichen Bild- und Figurenraum,

wie in eine unbekannte äußere und zugleich

innere Landschaft. Je nach den Lichtverhältnissen

und dem Standort des Betrachters verändern sich

Perspektive, Farbe und Gestalt. Der Betrachter ist

eingeladen, in einen intimen Dialog mit dem Werk

zu treten, um das Bild immer wieder neu zu finden

und zu entdecken.

Aufbruchstimmung

Acryl, Sand und

Spachtelmasse

auf Leinwand

100 x 80 cm

2016

72


Lebensabenteuer

Endingen am Kaiserstuhl / Deutschland

Acryl, Kreide, Sand, Pigmente auf Leinwand

100 x 80 cm, 2015 Reflexion

Acryl, Sand, Pigmente und

Spachtelmasse auf Leinwand

100 x 100 cm, 2016

www.art-milu.de

73


Bernd Donabauer

Donabauer Bernd

„Alles ist Licht, alles ist Farbe, alles ist Bewegung“

Als Gegenentwurf zur neuen Sachlichkeit, steht die

Arbeit von Bernd Donabauer in der Tradition der

subjektiven Fotografie von Otto Steinert.

In seinen konzeptionellen – und oft als Sequenzen

angelegten – Arbeiten, dekonstruiert Bernd

Donabauer das Motiv; und konstruiert es doch

neu. Er inszeniert eine Wirklichkeit jenseits der

Realität und zeigt das eigentliche Wesen des

Menschen und seiner Lebenswelt: Reflexionen und

Projektionen, die Unbestimmtheit von Zeit und

Raum, die Entstehung des Ichs von Augenblick zu

Augenblick.

Neben dem Erleben der Schönheit im Augenblick,

dem Sehen mit allen Sinnen, ist die Auseinandersetzung

mit Schmerz, Gewalt, Leid und Verlust

ein fester Bestandteil seiner Arbeiten. Inspiration

findet er in der künstlerischen Fotografie, der sequentiellen

Kunst und der Malerei.

Bernd Donabauer, geboren 1965, lebt und arbeitet

als Fotograf, Künstler und Mentor in Deutschland

und Griechenland. Seine ständige Galerievertretung

in Griechenland ist seit 2008 die Art Park

Gallery, Archipoli, Rhodos.

Porträt

Bernd

Donabauer

Fotografie

2018

74


Ober-Ramstadt / Deutschland

www.bernd-donabauer.de

Im frühen Morgenlicht

Fotografie, Druck

auf Leinwand

120 x 120 cm

2017

75


Angelika Eichenauer

Angelika Eichenauer

lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin in

Wetzlar.

Früher widmete sie sich der Aquarellmalerei, seit

2009 beschäftigt sie sich intensiv mit Acrylfarben.

Studium zur Erweiterung der künstlerischen Ausdrucksformen

an renommierten Kunstakademien

und bei internationalen Künstlern.

Ihre experimentellen haptischen Bilder beginnt sie

meist spontan und intuitiv. Zum Einsatz kommen

dabei u.a. selbst hergestellte Spachtelmassen,

Gips, Sand, Kalk und Pigmente. Farbmischungen

werden geschüttet, vermalt und mit verschiedenen

Materialien verspachtelt. In jeder Phase des Arbeitens

werden Veränderungen eingeleitet und jede

bewusste Zerstörung bereitet den Weg zu etwas

Neuem. Experimentierfreudig und neugierig ist sie

ständig auf der Suche nach weiteren Materialien

und Techniken.

Sie liebt das Arbeiten mit natürlichem Material, das

mit seinem Eigenleben meist nicht wie erwartet

reagiert und so ein Einlassen auf das Unvorhersehbare

im Augenblick des Malprozesses unabdingbar

macht. Auch verwitterte Mauern, Fassaden und

alte Türen üben auf sie eine besondere Faszination

aus und Details davon finden Zugang in einigen

ihrer Bilder. Einzel-, Gruppen-, Galerie- und Messeausstellungen

Mit Weiß

im Dialog

Mixed

Media

100 x 80 cm

2019

76


Wetzlar / Deutschland

www.eichenauer-art.de

Winteridylle

Mixed Media

30 x 30 cm

2018

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Jürgen Elwert

Jürgen Elwert

gehört zu den Künstlern, die nicht malen wollen,

sondern die malen müssen. Es sind Fetzen

von Bildern in seinem Kopf, Bilder von Visionen,

Impressionen, Ungerechtigkeiten, Unterdrückung,

Gewalt, die in ihm lauern und sich ihren Weg auf

die Leinwand bahnen wollen. Manchmal auch zu

viele, die dann skizzenhaft in einem Notizblock

festgehalten werden.

Dazu gehört auch, dass Jürgen Elwert oft zeitgleich

an mehreren Werken arbeitet, alte Werke

mit alten Gedanken einfach mit neuen Gedanken

übermalt.

Seine Sujets sind zweigeteilt. Auf der einen Seite

Alptraumbilder, die in sich oft ganze Geschichten

erzählen, von Religion, von Gewalt, manchmal mit

einem humoresken Anflug. Sie lassen sich auch mit

jahrzehntelangen Schmerzerfahrungen deuten,

denen der Künstler ausgesetzt war und die ihn in

2018 zu der Serie Gefangen im Schmerz bewegten.

Auf der anderen Seite stehen abstrakte Werke,

farbharmonisch und architektural. Sie sind der Gegenpol

und der wissende Betrachter sieht darin die

Inseln der Ruhe, die der Künstler von Zeit zu Zeit

anlanden muss, um kurz darauf wieder auf stürmischer

See zu segeln.

Der rote

Sessel

120 x 100 cm

Öl auf

Leinwand

2018


Möglingen / Deutschland

www.juergenelwert.wixsite.com/atelier

Ohne Titel

80 x 60 cm, Öl auf Leinwand, 2018

Ohne Titel

80 x 60 cm, Öl auf Leinwand, 2018

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Roswitha Enzmann

Roswitha Enzmann

wurde 1943 in Klagenfurt Österreich geboren, lebt

und arbeitet heute in Stuttgart und Ibiza (Spanien).

Von 1992 bis 1999 Studium der Malerei an der

Freien Kunstakademie Nürtingen, Abschluss mit

Diplom. Weiterbildung an der Akademie Stuttgart

in Wandmalerei, Fresko und Sgraffito bei Prof.

Oskar Emmenegger sowie in Bad Reichenhall bei

Elvira Bach und Markus Lüpertz.

Ihre Bilder bestechen durch die Leuchtkraft der

Farben. Die Formen sind der Flora und Fauna entnommen

und durch Veränderung wiedergegeben.

Die Fotografien sind Aspekte des Details wie sie

in der Natur in kleinen und kleinsten Ausschnitten

zu finden sind. Alle ihre Arbeiten sind abstrahierte

Farb- und Formlandschaften und so lassen sich die

Werke auch nicht verorten oder einklassifizieren.

Roswitha Enzmann ist Mitglied im Württembergischer

Kunstverein Stuttgart, [KUN:ST] International,

Kunstverein Heilbronn und Kunstverein Schönaich.

Fotografien:

Serie Kiesel

und Wasser

70 x 50 cm

80


Stuttgart / Deutschland

www.roswitha-enzmann.de

Fotografien:

Serie Sinter

70 x 50 cm

Serie Petra

50 x 70 cm

81


Silvia Esslinger

lebt und arbeitet in Böblingen.

2001 begann sie mit der Acrylmalerei und nimmt

seither mehrmals im Jahr an Fortbildungen bei

namhaften Dozenten an verschiedenen Kunstakademien

teil.

Ihre abstrakte Malerei, manchmal übergehend in

das Gegenständliche, wird inspiriert durch Farbspiele,

Fotos oder Formen. Durch Auftragen der

unterschiedlichsten Materialien wird die Struktur

des Untergrunds geschaffen.

Die Risse, Brüche, Spalten und Erhebungen werden

teilweise mit Text, Fotos und Zeichnungen ergänzt.

Ihre Bilder werden mit Farbe, Pigmenten, Tusche,

Lacke und Öl durch Lasieren, Schütten, Malen, Kleben

oder Reißen bearbeitet und ergeben ein nicht

vorhersehbares und nicht planbares Bild.

Durch wochenlanges Betrachten, erneutem Zerstören

und wieder Aufbauen, Entfernen und

wieder Hinzufügen entwickelt sich am Ende das

Kunstwerk als Einheit.

via lacteus

Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2016

82


Silvia Esslinger

Böblingen / Deutschland

www.silviaesslinger.com

moonwalk 1

Acryl auf Leinwand

70 x 100 cm

2016

moonwalk 2

Acryl auf Leinwand

70 x 100 cm

2016

moonwalk 3

Acryl auf Leinwand

100 x 70 cm

2016

83


Inge Flohr,

Inge Flohr

geboren 1959 in Trier, lebt im rheinhessischen Heidesheim

bei Mainz.

Zur Gestaltung ihrer Papierobjekte verwendet sie

ein außergewöhnliches Material. Der Werkstoff, der

ihre Kunst so einzigartig macht ist das BLINDEN-

SCHRIFTPAPIER, welches aus Büchern und Zeitschriften

für erblindete und sehbehinderte Menschen

stammt. Das mit der Brailleschrift bedruckte

„Punktepapier“ fasziniert und inspiriert sie. Sie ist

begeistert von der optischen und auch haptischen

Beschaffenheit dieses Materials. Spielerisch, neugierig,

frei und offen knickt, faltet, schneidet und formt

sie es. Sie experimentiert und lässt die Entwicklung

ihrer Werke ergebnisoffen.

In diesem dynamischen Prozess entwickeln sich einzelne,

kleine Papierelemente. Inge Flohr vervielfältigt

diese und fügt sie zu einem Ganzen zusammen. Auf

diese Weise entstehen filigrane, dreidimensionale

Skulpturen, die auf bearbeiteten Stahl- bzw. Zinkplatten

befestigt oder an Metallträgern und Drahtseilen

angebracht werden. Diese Metalle werden zuvor im

Freien den Witterungseinflüssen ausgesetzt, damit

sich Rost und Patina auf den Oberflächen bildet.

Der Kontrast zwischen dem rauhen Material und

dem feinen, überwiegend weißen Papier erzeugt

Spannung und Ausdruckskraft in ihren Objekten.

Werden diese mit einer Lichtquelle beleuchtet,

entstehen interessante Schattenbilder. Alle Werke

strahlen eine besondere Leichtigkeit und Lebendigkeit

aus, die nach Wunsch der Künstlerin auch für

den Betrachter ihrer Kunst erfahrbar werden sollen.

Papierobjekt auf bearbeitetem Stahlblech

Blindenschriftpapier, 50 x 50 cm, 2017

84


Heidesheim / Deutschland

www.ingeflohr.de

Papierobjekt kombiniert

mit Profilstahl

Blindenschriftpapier

10 x 20 x 10 cm

2018

Papierobjekt auf bearbeitetem Zinkblech

Blindenschriftpapier

85 x 65 cm

2018

Kugel am Drahtseil

Blindenschriftpapier

30cm

2017

85


Thorsten Frank

Thorsten Frank

wurde 1971 in Frankfurt am Main geboren. Er

absolvierte zunächst eine Ausbildung zum Offsetdrucker,

bevor er ab 1996 Kommunikationsdesign

an der AVA Academy of Visual Arts in Frankfurt

studierte und mit einem Diplom abschloss. Seit

2001 ist er freischaffender Künstler mit zahlreichen

Ausstellungen im In- und Ausland, z.B. China, USA,

Österreich, Schweiz und Deutschland.

Angelehnt an den abstrakten Expressionismus ist

Thorsten Frank (ToRos) in seiner künstlerischen

Tätigkeit seit seinen Aufenthalten in Österreich auf

die sogenannte „Pan-Art“ (griechisch Panta- Rhei

– alles fließt) spezialisiert. „Sich frei von jeglichen

Gedanken“ in der Malerei zu bewegen ist sein

Anliegen.

Er entwickelte mit PanResina einen neuen Stil

innerhalb dieser Malerei. Den Pan-Art-Farben

werden Gele, Harze und weitere Substanzen hinzugefügt,

wodurch der Künstler einen vielschichtigen

Farbauftrag erzielt, dessen tiefenräumliche

Wirkung den Betrachter in die Bilder hineinzieht.

Intensive Farbkompositionen mit feinen Nuancen

machen den Reiz seiner Bilder aus, die Natürlichkeit

der Strukturen weckt im Betrachter die eigene

individuelle Assoziationskraft.

Whats behind

the glamour II

PanResina

auf Leinwand

100 x 80 cm, 2015

86


Bad Vilbel / Deutschland

www.frank-design-bv.de

Whats behind the glamour I

PanResina

auf Leinwand

100 x 70 cm, 2015

Einfach sein... I

Pan-Art

auf Leinwand

100 x 80 cm, 2014

Einfach sein... II

Pan-Art

auf Leinwand

100 x 80 cm, 2014

87


Susanne Freiler-Höllinger

Susanne Freiler-Höllinger

feilt und arbeitet seit über 30 Jahren an ihrem Zeichen-

und Malstil. Die Faszination der Malerei und

die Auseinandersetzung mit zeitgemäßen Themen

inspirieren die Künstlerin zu immer neuen Exponaten.

Die filigrane Ästhetik von Elektronikteilen,

wie auch deren bizarre Wunderwelt aus Chips,

Platinen, Magnetspulen und Motherboards ziehen

Susanne Freiler-Höllinger in ihren Bann. Die Symbiose

von Kunst und Technik gelingt auf unkonventionelle

und überraschende Weise.

Elektrifizierte, im Meer lebende Fische, die sich in

einem Datentransfer mit Quallen befinden, können

genauso Subjekt ihrer Kunst werden, wie ein Planetengetriebe,

dessen Zahnräder mit Festplattenlesearmen

elektronisch kommunizieren.

Unumgänglich ist für sie die Auseinandersetzung

mit der „digitalen Transparenz“ im positiven wie

negativen Sinne. „Wir dürfen uns nicht gegen das

Unvermeidliche stemmen, sondern wachsam die

Veränderung aus dem Miteinander von Mensch

und Maschinen in einer neuen digitalen Welt konsequent

zu Ende denken“.

2016 wurden Susanne Freiler-Höllinger’s Exponate

u. a. auf der ARTe Sindelfingen, ART FAIR

Hannover/Herrenhausen, ART SYLT, „Kunst direkt“

in Mainz, beim Kunstmarkt Deutschland in Berlin

und in Freiburg bei ART-stages präsentiert. Ihre

Elektronik KUNST unterstützte eine Kampagne

von GREENPEACE „Repair Café für Smartphones“

in Hamburg-HafenCity.

Skalar

Assemblage

auf Leinwand

100 x 80 cm

2016

88


Trippstadt / Deutschland

Elektronik KUNST

www.kunst-malerei.jimdo.com

Elektronenfluß

Acryl auf Leinwand

100 x 120 cm

2016

Qualle

Acryl auf Leinwand

50 x 50 cm

2016

Planetengetriebe

Assemblage

auf Holz

100 x 140 cm

2015

89


Gabriele Frey

Gabriele Frey

wurde 1966 in Stuttgart geboren. Aufgewachsen

in Süddeutschland und Graz/Österreich lebt und

arbeitet die Künstlerin in Biberach/Riß, Nähe

Bodensee.

“Werke, die einen zur Kommunikation zwingen“

(Kommentar einer Ausstellungsbesucherin)

Das zentrale Thema ihrer Malerei ist für Gabriele

Frey der Mensch auf all seinen Erfahrungsebenen.

Dabei bewegen sich die sichtbar gemachten

Imaginationen im Bereich zwischen Realismus und

Symbolismus. Kritisch und kompromisslos durchbricht

die Künstlerin die Oberfläche, wenn es gilt

hinzusehen und empfindsam zu machen, denn

es ist das Vorrecht der Kunst, Grenzen zu öffnen,

aufzuwühlen und zutiefst ehrlich zu sein.

“Meine Bilder sind keine Kopfgeburten,“ so

Gabriele Frey, „sie tauchen vor meinem inneren

Auge auf und ich male sie so, wie ich sie sehe.“

Das Übertragen des Gesehenen verlangt hohe

Konzentration und je nach Bild können Elemente

und Variationen hinzukommen oder wegfallen.

Der Rausch der Malerei besteht für mich darin, beide

Gegenpole gleichzeitig zu erleben: Macherin zu

sein und gleichzeitig Werkzeug in völliger Hingabe“,

beschreibt die Künstlerin den Malprozess.

Gabriele Frey ist Mitglied des [KUN:ST] International

und des Kunst-und Kulturvereins KITZ ART

Kitzbühel/Tirol und wird seit Januar 2016 von der

LDXArtodrome Gallery Berlin/Malta/Hong Kong

international vertreten.

Das fühlende Denken

Öl auf Leinwand,

100 x 100 cm, 2015

90


Biberach (Riß) / Deutschland

www.Gabriele-Frey.de

Stillen

Öl auf Leinwand

80 x 105 cm, 2015

„Gegensätze“ oder „Murillo heute“

Öl auf Leinwand

95 x 90 cm, 2015

91


Heidemarie Fruth,

geboren in Böblingen, lebt und arbeitet seit 1985

in Echterdingen.

1987 begann ihre intensive Beschäftigung mit Malerei

und Radiertechnik und von 1995-2004 folgten

Studien in Malerei, Zeichnen, Drucktechniken und

Holzbildhauerei an der Städt. Kunstschule Filderstadt

und u.a. bei Hannes Steinert, Christian Wulffen, Thomas

Ruppel, Ingo Hoffmann, HWP Diedenhofen. Seit

1997 kreiert sie Farb- und Formstrukturen und setzt

dabei musikalische Merkmale bildhaft um.

2006 begann sie mit Acrylglas zu arbeiten und

entwickelte neuartige Formen von Objekten und

Bildern. Diese zeigen durch die Bearbeitung des

Materials individuelle Wirkungen, die auch von

wechselnden Spiegelungen der Umgebung abhängig

sind und den Ausdruck von »Musik im Raum«

vergegenständlichen. Formen und Strukturen

verdichten sich und lösen sich schwebend mit dem

Licht, dem Schatten und dem Betrachtungswinkel

spielend wieder auf.

Sie ist seit 2003 Mitglied bei den Künstlern der

Filder und seit 2016 in [KUN:ST] International, sowie

seit 1999 Vorsitzende des Fördervereins der Städt.

Kunstschule Filderstadt. Seit 1990 zeigt sie ihre

Arbeiten in regelmäßigen Einzel- und Gruppenausstellungen

auf nationaler Ebene, u.a. in Stuttgart,

Mainz oder Berlin. Ihre Arbeiten befinden sich in

privaten Sammlungen und im

öffentlichen Raum.

Visuelle

Klangräume

100 x 30 cm

Acrylglas-Alu

2013

92


Heidemarie Fruth

Leinfelden-Echterdingen / Deutschland

Fragment II

www.fruth-le.de

75 x 81 x 30 cm

Acrylglas-Holz

2016

Fragment I

56 x 71 x 30 cm

Acrylglas-Holz

2016

Fragment III

56 x 72 x 45 cm

Acrylglas-Holz

2016

93


Elke Gaertner

Elke Gaertner

kann auf mehr als 30 Jahre künstlerischen Werdegang

zurückblicken und hat ihre Schwerpunkte

sowohl im keramischen wie auch im malerischen

Bereich gefunden.

Das jahrelange Studium mit dem Material Ton –

auch unter Anwendung verschiedener Brenntechniken,

wie Raku und Rauchbrand, sowie mit den

vielfältigen Verarbeitungsmöglichkeiten, befähigte

sie immer neue keramische Objekte und Plastiken

zu schaffen, die teilweise auch abstrakt sind. Ihre

Experimentierfreudigkeit und die Suche nach Neuem

lässt ein Zusammenspiel mit unterschiedlichen

Materialien, wie z.B. Keramik mit Holz oder Metall,

zu. Seit mehr als 10 Jahren gibt sie ihr Wissen weiter

und leitet Keramikkurse.

Mit ihrer experimentellen Acrylmalerei hat sie eine

weitere Ausdrucksmöglichkeit gewonnen. Die vielfältigen

Gestaltungsmöglichkeiten mit Acrylfarben

und das Experimentieren mit verschiedenen Materialien

begeistern und inspirieren sie immer wieder

aufs Neue. Ihre Bilder, die ein äußerst variantenreiches

Spektrum aufweisen, bewegen sich in einem

Spannungsbogen von gegenständlicher bis hin zu

abstrakter Malerei. Es ist spannend für sie, immer

wieder Neues zu tun und zu erfinden, denn „Routine

ist die größte Gefahr für die Kunst“ ( Zitat von

Winand Victor).

Elke Gaertner stellt ihre Werke regelmäßig in privaten

und öffentlichen Räumen, Firmen, Galerien

sowie Kunstvereinen aus.

Alles hat

seine Zeit

Mixed Media

auf Leinwand

70 x 50 cm

94


Möglingen / Deutschland

Getrennt

www.elke.gaertner-online.net

Mixed Media auf Leinwand

60 x 40 cm

Dame mit Hut

Keramik auf Holz, Höhe 45 cm

Vertrauen

Keramik-Rakubrand, Höhe 25 cm

95


Katrin Geigenmüller,

Katrin Geigenmüller

Jahrgang 1962, lebt und arbeitet im Aichtal südlich

von Stuttgart. Als studierte Grafikerin beschäftigte

sie sich in der eigenen Agentur mit der Konzeption

und Umsetzung von Printmedien sowie Messen

und Ausstellungen im Innen- und Außenbereich.

Sukzessiv verlagerten sich die Interessen stärker in

den künstlerischen Bereich. Ihre Erfahrungen fließen

jetzt in die Konzeption von Installationen und

das Bespielen von Räumlichkeiten, ergänzt durch

reichhaltiges Wissen zu Materialien.

Mit ihren Figuren und Masken zeigt Katrin Geigenmüller

dreidimensionale Objekte, die Anknüpfungspunkte

zu unterschiedlichen Mythenwelten

aufweisen und den Charakter eigenständiger Wesenheiten

haben. Sie dienen nicht dazu, etwas zu

verbergen oder zu verschleiern; eher scheinen sie

menschliche Träger verformen oder beherrschen

zu können.

Die Auseinandersetzung mit expressiven Oberflächenstrukturen

ist eines der markanten Kennzeichen

des Werks der Künstlerin. Viele der

Keramikobjekte entstehen im Rauch-, Raku- oder

Feldbrand. Die dezente Farbgebung wird durch

Engoben, Pigmente, Rauchspuren erzeugt, die

Objekte oft ergänzt durch Holz-, Metall- oder Hornelemente.

Hirsch I

Maske

Keramik,

Holz

48 x 25 x 16

cm

2018

96


Aichtal / Deutschland

www.figuren-masken.de

Erinnerung I

Maske

Keramik, Holz,

Metall

36 x 32 x 23 cm

2018

Wächter

Keramik

55 x 22 x 20 cm

2018

Hase I Maske

Keramik, Holz, Metall

37 x 25 x 23 cm

2017

97


Erich Geiger

Erich Geiger

ist 1954 in Reutlingen geboren, lebt und arbeitet in

Riederich bei Metzingen.

Nach lehrreichen Jahren bei namhaften Metallgestaltern

war er einige Zeit als Ausbilder und Lehrer

tätig. 1982 fasste er den Entschluss, sich im Bereich

Gestaltung selbständig zu machen.

Die Schwere des zu bearbeitenden Materials Stahl

faszinierte ihn. Aufgrund gesundheitlicher Probleme

beschäftigte er sich mit experimenteller Malerei,

Metaphysik, Kristallsteinen und bis heute mit

der angewandten Kinesiologie. Damals entdeckte

er die „Leichtigkeit des Seins“ und ab diesem Zeitpunkt

entwarf er leichte, beschwingte Formen.

Seine Objekte werden heute überwiegend aus

Edelstahl gefertigt. Dauerhafte Härte, kantige

Schärfe und flächige Ebenen stehen im Gegensatz

zu Leichtigkeit, Spannung und tänzerischer

Bewegung, die man nur aus der Natur kennt. Dies

spiegelt für ihn gleichzeitig ein Stück Freiheit des

Menschseins wieder.

Ein Kunstfreund aus der Schweiz schrieb über ihn:

„Er drückt in seinen Kunstwerken sein Denken

und Fühlen in Form metallener Visionen geradezu

greifbar aus. Dabei ist die Natur sein Vorbild. Seine

Werke vereinen Schönheit, Eleganz und Muskelkraft,

aber auch Musikalität zu einer Lebensmelodie

und Lebensharmonie. Er weiß nur zu gut, dass

es in der Kunst nur eine Wahrheit gibt, nämlich das

Streben nach Vollkommenheit“.

Globaler

Tanz

Edelstahl

ø 60 cm

2012

98


Riederich / Deutschland

Ohne Titel

www.metallgestaltung-geiger.de

Edelstahl

ø 50 cm

2011

Windobjekt

Edelstahl

ø 200 cm

Höhe 500 cm

2014

Rhythmus

Edelstahl

ø 60 cm

2016

99


Waltraud Gemein

Waltraud Gemein

wurde geboren am 22.06.1951 in Green, einem

kleinen Dorf in Deutschland. Nach dem Abitur

ging sie zum Studium nach Göttingen. Während

des Studiums (Mathematik) war sie mehrere Jahre

Privatschülerin bei dem Maler und Bildhauer Henry

Hinsch (1909-1979). Danach hat sie sich 40 Jahre lang

autodidaktisch neben dem Beruf weiter gebildet

und immer wieder gezeichnet.

Henry Hinsch, selber ein Künstler, bestärkte sie darin,

ihre eigenen Figuren zu zeichnen, ohne sich rationale

Grenzen aufzuerlegen. Und dabei ist es geblieben:

Es entstanden und entstehen Figuren über Figuren,

aus denen sie dann neue Welten zusammenbaut,

Welten, die – ihrer Meinung nach – die innere Realität

unserer Welt zeigen: das Verbundensein aller

Lebewesen.

Sie hat immer zusammen mit Tieren und Pflanzen

gelebt und geredet, sie hat nie eine essentielle Trennung

der Lebewesen gesehen. Aus dieser Lebenshaltung

heraus enthalten und vermitteln ihre Figuren

und Bilder immer Menschliches, Tierisches und auch

Pflanzliches, oft von allen drei Daseinsformen etwas.

Solo 1

Bleistiftzeichnung

60 x 40 cm

2018

100


Annweiler / Pfalz / Deutschland

Solo 3

Bleistiftzeichnung

60 x 40 cm

2018

Solo 4

Bleistiftzeichnung

60 x 40 cm

2018

www.waltraudgemein.eu

Solo 5

Bleistiftzeichnung

60 x 40 cm

2018

101


Stephanie Gempe

Stephanie Gempe

wurde 1987 in Ludwigsburg geboren, aufgewachsen

ist sie im Elternhaus in Marbach am Neckar.

Das Malen fasziniert Stephanie Gempe schon seit

ihrer Kindheit. Die Autodidaktin bereichert Ihr

Wissen durch Eigeninitiative, Workshops und den

Besuch an der Kunst-Akademie in Stuttgart.

Bis heute arbeitet Stephanie Gempe als freischaffende

Künstlerin, speziell abstrakter Expressionismus

hat es ihr angetan. Das Spielen mit Farben,

Strukturen und Pigmenten begeistert sie bis heute.

Ihre Bilder drücken Emotionen, Stimmungen, tägliche

Eindrücke und Erlebnisse aus. Das Bild entsteht

im Kopf und kommt dann auf die Leinwand.

Wie das Bild am Ende aussehen wird, findet die

Künstlerin sehr spannend – oft sieht es besser aus

als in ihrer Vorstellung. Durch verschiedene Techniken

der Acrylmalerei wie Spachteln, Schichten

und Mischtechnik erzielt sie eine Tiefenwirkung bei

ihren Bildern. Ebenso verwendet sie gerne natürliche

Elemente wie z.B. Asche, Sand und Papier.

Die neue Serie der Künstlerin Stephanie Gempe

heißt „Ursprung“. Sie verbindet damit neues Leben,

das entsteht.

Verborgen I

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand, 30 x 30 cm, 2018

102


Stuttgart / Deutschland

www.stephanie-gempe.de

Verborgen II

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand, 30 x 30 cm, 2018

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Josiane Ginter

Josiane Ginter

Die Holzschnitte von Josiane Ginter überraschen

schon auf den ersten Blick durch ihre beeindruckende

Größe. Das einzige Motiv darauf sind

überwiegend Frauengestalten mit stark gestreckten

Proportionen, die eine spröde Eleganz ausstrahlen.

Die Monumentalität der schönlinigen,

fast ornamentalen Darstellung wird unterstützt

durch die farbige Behandlung der Flächen. Durch

eine besondere Technik beim mehrfachen Einwalzen

der Druckstöcke entstehen vielfältige Strukturen,

die den Druck in die Nähe der Malerei bringt.

Die Künstlerin arbeitet mit der Positiv- und der

Negativform der ausgesägten Holzplatte und sie

fertigt nur Unikate an. Der intensive Arbeitsprozess

fordert ihren ganzen mentalen und körperlichen

Einsatz, der sich in der intensiven Wirkung

der Großformate zeigt.

Josiane Ginter stellt ihre Werke auf nationalen

und internationalen Ausstellungen und Kunstmessen

aus. Sie ist die Besitzerin einer alten Kirche,

die sie sowohl als Atelier als auch als Ausstellungsraum

nutzt.

Das rote Haar

Holzschnitt

Druck auf Holzplatte

200 x 125 cm

2016

104


Hunsdorf / Luxemburg

artistinderkirche.com

Die Träumerin in Rot

Holzschnitt

Druck auf Holzplatte

200 x 122 cm

2015

La rueda

Holzschnitt

Druck auf Leinen

130 x 200 cm

2015

105


Chris Gläser

Chris Gläser

Die Malerin Chris Gläser, geboren in Stuttgart, lebt

und arbeitet seit über 13 Jahren in Gerlingen und

Leonberg.

Ihre Bilder führen uns in »Traumwelten«, die sich

oft nach mehreren Schichten auf der Leinwand

entwickeln und entfalten. Konkrete und abstrakte

Elemente verbinden sich und ermöglichen so dem

Betrachter, sich eine eigene Traumwelt zu erschaffen.

Manche ihrer Bilder setzen sich mit zeitkritischen

Themen auseinander, andere entführen in

ein Wolkenkuckkucksheim. Manchmal wird auch

einfach ein Engel in die Welt geschickt.

Nach jahrelanger Tätigkeit in der Werbung, davon

20 Jahre in Frankfurt, kam sie über die Aquarellmalerei

zur Acryl/Mischtechnik in leuchtenden Farben.

Acrylic Ink, Ölfarben und Schellack setzen weitere

Akzente.

Eine Ausbildung hierfür erfolgte an der ABC Kunstschule

Paris, bei art.in.novalia und in der Kunstakademie

Gerlingen.

Mit der Eröffnung ihres Ateliers im Jahr 2012 wurde

der entscheidende Schritt für die Zukunft vollzogen.

Heute ist das Atelier lebendiger Arbeitsplatz,

Ausstellungsraum und Galerie für Dauer- und Sonderausstellungen.

Ausstellungen: Stuttgart, Leonberg, Gerlingen,

Seaham, Tata, ARTe 2018 Sindelfingen

Mondblumen

Acrylic Ink,

Schellack, Ölkreide

auf Leinwand

90 x 60 cm

2018

106


Leonberg / Deutschland

Der Engel

www.atelier-chris-glaeser.de

Acryl,

Mischtechnik

auf Leinwand

120 x 40 cm

2016

Ein Blatt

vom Baum

Acryl,

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 60 cm

2018

107


Barbara Goertz

Barbara Goertz

Die Münchner Malerin und Fotografin Barbara

Goertz beschäftigt sich in ihren Werken mit dem

visuellen Reiz von “Zeitspuren“. Ihr künstlerisches

Anliegen ist es, auf die besondere Ästhetik und

Ausdruckskraft von natürlicher Patina und Verwitterung

hinzuweisen. In ihren reliefartigen von

feinsten Materialrissen und Aufbrüchen geprägten

Werken verleiht sie Alterungsspuren eine Wertigkeit

und stellt damit deren übliche Wahrnehmung

in Frage.

In ihren Mixed Media Arbeiten vereint sie eine

Morphologie vom Verbergen und Offenbaren.

Indem dreidimensionale Fotodrucke und Malerei

auf einem Bildträger ineinander fließen, regt sie

den Betrachter dazu an, die primäre Wahrnehmung

zu hinterfragen. Das zerbrechliche und unvorhersehbare

Moment der Veränderung und Vergänglichkeit

soll über die spürbare Haptik des Bildträgers

in die Fotografie getragen werden.

So oszillieren die Bilder zwischen Abbildung und

fühlbarer Materialität, sie sind Beides: Projektionsfläche

und Reflexionsebene.

broken love

Fotografie

und Malerei

in Sandwich-

Technik, Aluminiumdruck

67 x 50 cm

2017

108


München / Deutschland

www.barbaragoertz.de

Regenwald

Mischtechnik

auf Leinwand

Triptychon

100 x 150 cm

2017

109


Edith Gräf

Edeldith

wurde 1970 in Heilbronn geboren und besuchte

bereits mit zwölf Jahren Portraitkurse in der ortsansässigen

Volkshochschule.

Während der Schulzeit sorgte sie immer wieder mit

ihren in die Hefte gekritzelten Pferdeskizzen für

Furore.

Nach fast zwanzigjähriger Schaffenspause kehrte

sie Anfang 2014 zur Malerei zurück. In ihren Bildinhalten

spielt sie gern mit Überraschungsmomenten,

indem sie den Betrachter mit oft düsteren

Farb(ab)gründen in Acryl und Öl konfrontiert, aus

denen die subtile Bedrohlichkeit in der einen oder

anderen Form diffus herauswächst. Sie nennt

ihre Kunst selbst „transrealistisch“ und gibt zu:

„Ich fische gern im trüben Teich der menschlichen

Seele“. Der menschliche Kern in seiner Zeitlosigkeit

steht im Zentrum der transrealistischen Kunst. Der

Mensch und sein Unterbewusstsein sind die entscheidenden

Elemente, die in realistischer Darstellungsweise

verdichtet werden.

Seit 2015 ist Edith Gräf Meisterschülerin von Nik

Golder (Mitbegründer des Kunststils „Transrealismus“

und Vorsitzender der antioffiziellen Kunstbewegung

„Vernissage“ aus der ehemaligen Sowjetunion)

und nimmt regelmäßig an professionellen

Ausstellungen teil.

2017 erstmals Teilnahme an der Kunstmesse

„Kunstschimmer“ in Ulm und Mitglied in Kunst

Stuttgart International e. V.

Danae

Öl auf

Leinwand

120 x 90 cm

2017

110


Bretzfeld / Deutschland

Apokalypse

Öl auf

Leinwand

100 x 160 cm

2015

www.artoffer.com/edeldith

111


Roswitha Gronemann,

Roswitha Gronemann

Betriebswirtin und freiberuflicher Coach, lebt und

arbeitet im eigenen Atelier in Ilshofen und Crailsheim,

Landkreis Schwäbisch Hall. Mit mehr Mut als

Können im Gepäck, 4 Semestern an der Haller Akademie

der Künste und einem Meisterkurs bei Prof.

Jo Bukowski widmet sie sich heute ganz der Kunst.

„Leben und Kunst ist für mich die ureigene Ausdrucksweise

das Leben zu gestalten, die innere

Landschaft als auch das Gebiet der äußeren Welt

neugierig zu erkunden. Malen als geistig-seelischer,

jedoch auch körperlicher Akt, setzt alle

Inspirationen frei, die Begeisterung für Farben und

Formen an sich, beeinflusst meine Kreativität und

lässt die Energien frei ins Bild fliesen.“

Ihre Malerei erkundet die Balancen und Zusammenhänge

in einem fragilen Dazwischen, einem

Schwebezustand zwischen Wissen und Ahnen,

zwischen Wunsch und Wirklichkeit, zwischen Geist

und Materie zu finden. Acryl, ökologischer Siebdruck

und Ölmalerei stehen im Vordergrund.

Neben Gemeinschaftsausstellungen waren ihre

Werke in mehreren Einzelausstellungen zu sehen.

Sie holte den 1. Preis beim Ilshofener Kunst- und

Malwettbewerb 2017 und ist nominiert für den

PALM Art Award 2019.

Transparenz

Bildfahne Acryl

auf Japan- und

Tranzparenzpapier

geschichtet und

gewachst

120 x 50 cm

2017

112


Ilshofen / Deutschland

www.kunschtart.de

Die Liegende

Acryl, Ölkreide und Sand auf Leinwand

100 x 100 cm

2014

113


Sabine Hampp,

Sabine Hampp

geboren in Überherrn (Saar), lebt und arbeitet in

Ilsfeld in der Nähe von Heilbronn.

Seit 1995 intensive Auseinandersetzung mit der

Malerei, insbesondere mit verschiedenen Techniken

und Materialien. Die Freiheit im Umgang mit

Acrylfarben und selbsthergestellten Struktur- und

Spachtelmassen aus Sanden, Erden, Steinmehlen

und Asche, unter Einbindung von leuchtenden

Pigmenten, Bitumen/Dachlack und diversen Collagen

fasziniert ebenso wie die Dynamik von Form

und Farbe – mal lieblich und ruhig – mal expressiv

und spannungsgeladen.

Seit vielen Jahren Dozentin für Malerei im eigenen

DachARTelier und freien Kunstakademien.

Seit 2006 regelmäßige Ausstellungstätigkeiten und

Messebeteiligungen.

Sie betreibt eine eigene Galerie in Ilsfeld, Kreis

Heilbronn.

Ohne Titel

Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 80 cm

2015

114


Ilsfeld / Deutschland

Ohne Titel

www.sabinehampp.de

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 100 cm

2016

Ohne Titel

Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 120 cm

2016

Ohne Titel

Mischtechnik

auf Leinwand

90 x 130 cm

2015

115


Sonja Hatzelmann

Sonja Hatzelmann

Seit nunmehr über 30 Jahren widmet sich Sonja

Hatzelmann in unterschiedlichen Techniken der

Malerei. Ihre Bilder in Acryl und Aquarell unterliegen

einem komplexen Entstehungsprozess. Das

heißt, das Werk entsteht während der Arbeit, wird

immer wieder betrachtet, behandelt, manchmal

zerstört und neu entdeckt, bis sich letztendlich das

fertige Werk präsentiert.

Das Abstrakte, die Reduzierung und das Experimentelle

sind ihr wichtig. Gegenständlichkeit

entwickelt sich nur manchmal und dann nur im

Minimalen und als Blickpunkte, die hervorgehoben

werden wollen. Weiterentwicklung und Veränderungsprozesse

sind Bestandteil ihrer Malerei.

Zyklus Höri 1

Acryl-Mischtechnik

auf ...

100 x 70 cm

2019

116


Dornstadt / Deutschland

www.sonjahatzelmann-art.com

Zyklus Höri 2

Acryl-Mischtechnik auf ...

100 x 70 cm

2019

117


Ilse Heffler

Ilse Heffler

Gedanken werden zu Bildern, Verborgenes wird

sichtbar. Für den Betrachter wird Leben, Kraft und

Phantasie spürbar. So in etwa kann man die Kunst

Ilse Hefflers in aller Kürze beschreiben. Ihr künstlerisches

Talent hat sie schon sehr früh festgestellt,

drängte schon in der Kindheit zur bildnerischen

Darstellung, verfolgte das aber nicht weiter. Erst

nach vielen Jahren, die sie ausschließlich der Familie

und ihrer beruflichen Verwirklichung widmete,

findet sie zurück zur bildenden Kunst. Inzwischen

bezeichnet sie sich als Malerin mit Leidenschaft.

Ihre Art zu malen hat für Außenstehende etwas

Geheimnisvolles: Sie liebt das Detail, hat dann

eine ausgesprochene, absolut spürbare Hinwendung

und Liebe zu den erdachten, aus dem Leben

gegriffenen Motiven, der Basis ihres Malprozesses.

Das Neue, das noch nicht Entdeckte, das Tiefgründige

entwickelt sich aber erst im Dialog mit dem

Betrachter. Sie malt einfach das, was sie antreibt,

was sie erinnert und was sie zeigen möchte. Und

überlässt es dem Betrachter, das ihm Passende,

vielleicht für ihn Angenehme dabei zu denken.

Diese Vibration von Seelischem, von realistischer

Impression und vertrauten Empfindungen macht

die Kunst Ilse Hefflers interessant.

Venezianische Masken

Öl auf Leinwand

60 x 80 cm

2018

118


Hornberg / Deutschland

ilsehd-art.jimdo.com

In the last summer

Öl auf Leinwand

100 x 100 cm

2018

119


Uta Heiland

Uta Heiland

wurde 1958 in Dresden geboren und lebt und arbeitet

seit 1990 in Baden-Württemberg. In Gerlingen,

in der Nähe von Stuttgart, befindet sich ihr

Atelier.

Sie malt überwiegend abstrakt mit Öl- und Acrylfarben

in verschiedenen Mischtechniken. Eine Ausbildung

bei der Künstlerin Chris Gläser führte Uta

Heiland in den Jahren 2010 bis 2012 an die Malerei

heran. In dieser Zeit, so sagt Uta Heiland selbst,

„habe ich bei dieser hervorragenden Künstlerin

die Grundlagen für mein weiteres künstlerisches

Schaffen gelegt.“

In den Jahren danach folgte durch regelmäßigen

Unterricht an der Freien Kunstakademie Gerlingen

bei einer Reihe von renommierten Künstlern,

zum Beispiel im Bereich der Zeichnung bei Prof.

Thomas Heger die Fortsetzung und Verfeinerung

dieser Ausbildung. Dabei war für die Künstlerin von

großer Wichtigkeit das beharrliche Arbeiten und

Entwickeln eigener Techniken.

Neben den Öl- und Acrylfarben geben insbesondere

die in den Mischtechniken verwendeten

Materialien, wie z.B. Sande, Spachtelmassen, Gold,

Rost und Wachs, den Kunstwerken von Uta Heiland

eine Dimension der Vielschichtigkeit. Ständig ist

sie dabei auf der Suche nach neuen Herausforderungen,

Materialien und Techniken.

Harmonie

Öl, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm, 2019

120


Gerlingen / Deutschland

www.atelierheiland.de

Intuition

Öl, Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 80 cm

2019

121


Nadia Heitmar

Nadia Heitmar

ist 1968 in Uster, Schweiz geboren.

Die kreativen Fähigkeiten der schweizerischen

Künstlerin italienischer Herkunft waren schon in

ihrer frühen Kindheit zu erkennen. Sie fand über

den Mal- und Zeichenunterricht und später über

die Aquarellmalerei zu ihren heutigen Ausdrucksformen

in Acryl.

Mit ungezählten aufeinanderliegenden Schichten

erarbeitet sie ihre Werke in einer persönlich entwickelten

Spachteltechnik, ganz selten mit Pinsel,

und verwandelt ihre inneren künstlerischen Vorstellungen

in eine dominante Flächenpräsenz, der

Formen, Farben und Strukturen.

Sie kann thematisch wie materiell aus einem breiten

Fundus agieren und so ihren unbegrenzten

Gestaltungsideen Ausdruck verleihen, die durch

aufmerksame Beobachtungen im täglichen Leben

und auf Reisen entstehen.

Nadia Heitmars Œuvre ist geprägt von zahlreichen

Ausstellungen und Messebeteiligungen, national

und international. Sie lebt und arbeitet im Herzen

des Zürcher Oberlandes, wo sie auch ihr eigenes

Kunstatelier betreibt.

„Farbschicht um Farbschicht, zusammengeführt

wie Wörter in einem Buch, die zu einer Geschichte

mit Tiefe führen, durchbrochen von unerwartetem

Licht, verstanden in einer neuen Sicht.“ Individuality Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm, 2018

122


Zürich / Schweiz

www.nadiaheitmar.ch

Elevation

Acryl auf Leinwand

80 x 80 cm

2018

123


Claudia Hiddemann-Holthoff,

Claudia Hiddemann-Holthoff

geboren in Dortmund, lebt und arbeitet in

Dortmund.

Für Projekte und Aufgaben in der Kunst geht die

Künstlerin vorab viele gedankliche Wege, arbeitet

an Entwürfen mit Skizzen, um letztendlich zum

Ziel zu kommen. Hierbei ist die Malerei wie eine

Geschichte, die Dritten offenbart wird.

Music with us -

MJ you are not alone

Öl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2014

Die Rückbesinnung auf Natur und Stadtlandschaft

ist ein Thema, mit dem die Künstlerin sich ein

Leben lang auseinandergesetzt hat. In den mit

den Jahren entwickelten „Drops“ werden Kreise

und Wellen ausgelöst, in denen Veränderungen in

Raum und Zeit angedeutet werden.

Der Ölmalerei in der modifiziert abstrakt realistischen

Interpretation geht die Künstlerin seit 2003

nach. In der Kunst wird auch eine soziale Aufgabe

gesehen, die nach Gegenkultur strebt. In der besonderen

Serie der Musikbilder werden Zeitepochen

sowohl kritisch als auch aus der Zeit

der Musiker interpretiert.

124


Dortmund / Deutschland

Music with us -

Billy Holliday

Öl auf Leinwand

70 x 70 cm

2011

Drops Ammonit

Öl auf Leinwand

100 x 120 cm

2013

www.hiddemann-holthoff.eu

www.atelier-azra.de

Drops Harbour

Öl auf Leinwand

100 x 120 cm

2011

125


Gabriele Hirschfeld

Gabriele Hirschfeld

ist in Stuttgart geboren und aufgewachsen.

Nach Berufstätigkeit und Kindererziehungsphase

hat sie sich die Welt der Kunst durch Mal- und Zeichenkurse

erschlossen.

Unterricht erhielt sie von Hans Köhler und Sylvia

Faragó; aktuell besucht Gabriele Hirschfeld die

Kurse von Michael Lesehr.

Durch die Bekanntschaft mit Ilka-Maria Benesch

und deren Werkstatt „Werapflege“ wendet sie sich

der Keramik zu. Dort erlernt sie die technischen

Grundlagen, um die Vielseitigkeit des Materials

Ton ausschöpfen zu können. Vertiefende Studien

folgen durch Fortbildungen bei Karin Stegmaier,

Margarete Stolz und Harald Jegodzienski.

Gabriele Hirschfelds künstlerischer Schwerpunkt

liegt in der Ausarbeitung der menschlichen Figur

in allen ihren Facetten. In letzter Zeit entstehen

Experimente mit abstrakten Formen, die Hinwendung

zur menschlichen Figur bleibt aber weiterhin

ihr zentrales Thema.

In den vergangenen Jahren hat sie sich an einigen

Ausstellungen beteiligt und war Mitglied der

Botnanger Künstlergruppe „Botnanger stellen aus“.

Seit 2011 betreibt Gabriele Hirschfeld die Galerie

„Kunst im Hinterhaus“ im Stuttgarter Westen.

Der Weg nach oben

Tonplastik, Acryl

ca. 52 x 50 x 23 cm

2017

126


Stuttgart / Deutschland

Drunter und drüber

Tonplastik, Acryl

ca. 32 x 30 x 15 cm

2016

Vereinbarung,

Tonplastik, Acryl

ca. 31 x 27 x 20 cm

2016

www.kunst-im-hinterhaus.de

127


Gila Hirth,

Gila Hirth

geboren in Nürnberg, drei Kinder, verheiratet,

lebt und arbeitet in Esslingen, Atelier Terra Cara.

Nach erfolgreichem pädagogischem Studium in

Würzburg/Esslingen mit einem Schwerpunkt Kunst

studierte sie an der Freien Kunstschule Nürtingen,

Schwerpunkt Bildhauerische Keramik bei Dora

Várkonyi, mit Abschlussausstellung.

Von Kindheit an ist Gila Hirth fasziniert von Kulturen

verschiedener Kontinente. Sie besucht Höhlenmalereien,

archäologische Fundstätten und

Museen und setzt sich mit Natur, Musik und Tanz

auseinander.

Ihre anmutigen Tonskulpturen von Frauen und

Tieren erzählen von der Sehnsucht nach der verlorenen

Einheit von Mensch und Natur und dem ewigen

Kreislauf des Lebens. Sie erinnern an Göttinnen

und mythische Kultobjekte alter Urreligionen.

Die Oberfläche des grob schamottierten Tons ermöglicht

gelegentlich einen geheimnisvollen Blick

ins Innere der Objekte.

Gila arbeitet mit Ton und spielt mit Oxiden, Engoben,

Paper Porzellan und Glasuren, um farbliche

Nuancen zu erzielen. Kleine Figuren lässt sie auch

in Bronze gießen. Die Keramiken brennt sie bei

1000° – 1200° C im Elektro- oder Rakuofen. Ihre

Objekte sind in internationalen Ausstellungen zu

sehen.

Große Sitzende

Keramik

90 x 50 x 50 cm

2007

128


Esslingen / Deutschland

Sonnwendtanz

Druck auf Papier

23 x 31 cm, 2018

www.artgila.de

Wandlung

Porzellan

16 x 30 x 22 cm

2017

Botschafterin

Keramik

47 x 26 x 32 cm

2018

129


Eva Hoppert

Eva Hoppert

wurde 1948 in Wien geboren. Sie studierte in den

Jahren 1995 bis 1999 an der Freien Kunsthochschule

Nürtingen, von 1999 bis 2001 an der Internationalen

Sommerakademie in Salzburg und von

2003 bis 2005 an der Europäischen Kunstakademie

Trier. Seit dem Jahr 2000 ist Eva Hoppert als freischaffende

bildende Künstlerin tätig und lebt und

arbeitet in Baden Württemberg.

In ihrer Malerei bewegt sie sich zumeist in Naturräumen:

aus der Vielfalt der Natur, aus den vegetabilen

Formen, aus natürlichen Licht- und Farbspielen

schöpft sie ihre Ideen und Vorstellungen. Sie

ist zugleich weit blickend und nah sehend, sie lenkt

den Betrachter gestisch und expressiv auf die in

der Natur verborgenen Sinnbilder wie Verwurzelungen,

Verflechtungen, Abdunkelungen, Farbnuancierungen

und Überblendungen.

Ganz wichtig für Eva Hoppert ist es jedoch, mit

jedem Bild auf den Bezug der äußeren Natur zur

inneren Natur – zum Sein des Menschen – aufmerksam

zu machen. Jedes Bild soll den Wunsch

thematisieren, sich in schöner Umgebung ganz

zu verlieren und doch zu der Erkenntnis zu kommen,

dass der übergroße Reichtum der Natur an

Farben und Formen, die ganze Fülle der Lebensmöglichkeiten

für uns nur aus der Distanz unseres

Selbstbewusstseins erfahrbar wird. Mit diesen

Streifzügen durch reale und verinnerlichte Gärten

begibt sich Eva Hoppert auf die Suche nach dem

Paradiesischen.

Ohne Titel

Mixed Media auf Leinwand, je 100 x 70 cm, 2015

130


Nürtingen / Deutschland

www.evahoppert-art.de

Ohne Titel

Mixed Media auf Leinwand, je 100 x 70 cm, 2015

131


Birgit Horn,

Birgit Horn

geboren in Hamburg, arbeitet als freischaffende

Künstlerin in ihrem Atelier in der Nähe Lüneburgs.

KUNST & RECYCLING - zwei Themen, die sie fortwährend

in ihrer Arbeit beschäftigen und die sie

versucht, ineinandergreifen zu lassen.

Die unterschiedlichen Herangehensweisen an die

Kunst wird in ihren Werken sichtbar, die sich teilweise

stark voneinander abheben, sodass sich ein

facettenreiches Bild ergibt.

Neben ihrer Kunst war Birgit lange Jahre Geschäftsführerin

eines kunststoffrecycelnden Betriebes und

ist jetzt als Upcyclerin in ihrer vor 5 Jahren gegründeten

Firma ,moebelArt b.horn‘ tätig.

Ihre künstlerischen Arbeiten visualisieren die persönlichen,

gesellschaftlichen und umweltproblematischen

Herausforderungen, mit denen sich der

Mensch in der heutigen Zeit konfrontiert sieht. Die

Umsetzung der Ideen erfolgt in unterschiedlichen

Kombinationen aus Malerei, Collage-Technik, Siebdruckelementen

oder Lichtinstallationen.

Birgit wirkte in einer RTL-Fernsehproduktion als

Upcyclerin mit und veranstaltet in ihrem Atelier

regelmäßig Siebdruck-Workshops mit Recyclingmaterialien.

Ihre Bilder und Objekte stellt sie seit 2017 national

sowie international aus.

digital king

Assemblage

47 x 102 x 47 cm

2017

132


Birgit Horn

Lüdershausen / Deutschland

blue harmony DREAMS

little luck IV

Acryl auf Leinwand

80 x 60 cm

2018

Acryl auf Leinwand

60 x 60 cm

2018

www.moebelart-horn.de

133


Ingrid Huober

Ingrid Huober

wurde in Wiener Neustadt (Österreich) geboren

und ist in Berlin aufgewachsen.

Nach einer Übersiedlung nach Baden-Württemberg,

wo sie viele Jahre lebte und ein zweijähriges

Kunststudium in Stuttgart absolvierte, zwangen

letztendlich Familiengründung, Kindererziehung

und berufliche Veränderung zu einem Abbruch

des Studiums.

Erst im Jahr 2003, nach einem Umzug ins Allgäu,

widmete sie sich wieder der Malerei. Zahlreiche

Teilnahmen an Kunstseminaren begleiteten diesen

Entschluss. Nach Beschäftigung mit vielen unterschiedlichen

Maltechniken ist nun die Pigmenttechnik

favorisiert. Pigmentfarben werden auf die

unbehandelte Leinwand aufgetragen und mit den

unterschiedlichsten Materialien verarbeitet. So hat

sich die Malerin mit Vorliebe für die warmen Farben

und einer gewissen Harmonie in ihren Bildern

einen eigenen Stil geschaffen. Es spielt immer

wieder der Zufall eine Rolle, ob es eine abstrakte

oder gegenständliche Komposition wird.

Mit über 120 Ausstellungen im südlichen Raum und

im benachbarten Ausland und als 1. Vorsitzende

des Künstlerkreises Oberstaufen seit 14 Jahren

kann sie auf eine gewisse künstlerische Erfahrung

zurück blicken.

Nach dem Bade

Mischtechnik

auf Leinwand

70 x 50 cm

2015

134


Oberreute / Deutschland

Geheimnisvolles Bali

Pigmente auf Leinwand

50 x 70 cm

2015

www.ingrid-huober.de

Der Tradition verpflichtet

Pigmente auf Leinwand

60 x 80 cm

2016

Auf der Suche nach

dem inneren Frieden

Pigmente auf Leinwand

50 x 100 cm

2015

135


Andreas Hürlimann,

Andreas Hürlimann

Jahrgang 1960, Schweizer, lebt und arbeitet in der

Nähe von Zürich, reist durch die ganze Welt.

Andreas Hürlimann fotografiert seit über dreißig

Jahren. Bereits ab Beginn interessierte er sich

besonders für die grafische Wirkung der Motive.

Der Künstler fängt mit dem Auge seiner Kameras

ungewöhnliche Ansichten von Steinen ein. Die

Werke entführen den Betrachter in eine geheimnisvolle

Welt. Es sind eher mal Gesamteindrücke,

mal besonderes Licht oder grafische Formationen,

Oberflächen, Formen und Farben, die uns in ihren

Bann ziehen.

Valley_of_fire 1

Fotografie, 2012

Valley_of_fire 2

Fotografie, 2012

Valley_of_fire 3

Fotografie, 2012

Auf weltweiten Reisen findet Andreas Hürlimann

seine Motive. Grandiose Strukturen der Natur,

Licht, Formen und Farben – das sind die Bestandteile

seiner Kunst. Was es genau ist, wo es fotografiert

wurde, soll eher in den Hintergrund treten.

Entscheidend ist, was der Betrachter in diesen

Bildern sieht. Der Betrachter sollte sich etwas Zeit

nehmen, um die Steinsichten auf sich wirken zu

lassen. Vielleicht bekommt er Lust, sich mit dem

eigenen Bedürfnis nach schönen Eindrücken,

Eleganz und Spannung auseinander zu setzen.

Oder er findet dabei einfach Ruhe und Besinnung.

136


Zürich / Schweiz

www.steinsichten.ch

Corkscrew_canyon

Fotografie, 2012

Chishui

Fotografie, 2015

137


Andreas Hürlimann

Coyote_buttes 3

Fotografie, 2012

Coyote_buttes 1

Fotografie, 2016

138


Zürich / Schweiz

Coyote_buttes 2

Fotografie, 2016

Coyote_buttes 5

Fotografie, 2016

139


Andreas Hürlimann

Dunhuang 2

Fotografie, 2015

Dunhuang 1

Fotografie, 2015

140


Zürich / Schweiz

Coyote_buttes 4

Fotografie, 2012

Valley_of_fire 4

Fotografie, 2016

141


Barbara Ihme,

Barbara Ihme

geboren in Bad Cannstatt, lebt und arbeitet in

Berghaupten im Kinzigtal.

Zeitgenössische Farbmalerei mit graphischen und

dynamischen Akzenten, Farb- und Formharmonie,

aus dem Wesen der Farbe heraus gemalt, durchkomponiert

mit malerischer Sicherheit. Formen

und Bewegungen wie das Leben sie schreibt, Themen

und Texte, welche Fragen stellen zum Wesenhaften

und Wesentlichen.

Barbara Ihmes Aquarelle, oft umschrieben als

„schwebende Lyrik“, „gemalte Poesie“, „europäische

Abwandlung chinesischer Tuschmalerei“,

geben Raum und verdichten zugleich - bringen

das, was in und zwischen uns lebt, in eine lebendige

Präsenz und auf den Punkt.

Studium Kunstgeschichte, Malerei, Pädagogik,

Kunsttherapie mit Diplomabschluss. Sie ist tätig

als Künstlerin, Therapeutin, Dozentin, Autorin und

Coach in Kunstprojekte mit Managern. Sie war viele

Jahre Vorstand im Forum Künstlerinnen e. V.

Seit 1981 zahlreiche Ausstellungen in Deutschland

und Europa mit Werken in Privatsammlungen,

Museum Köln, Sammlung Galerija SUG, Cavle in

Rijeka, Kroatien.

Buchveröffentlichung „Spirale oder panta rhei“ –

ein Kompendium über das Zeichen und Phänomen

Spirale.

Kraft

macht Sinn

Aquarell

56 x 42 cm

2012

142


Berghaupten / Deutschland

Wasser für Alle

www.ihme-art.com

Aquarell

30 x 30 cm

2014

Blaupause

BAZAAR

Aquarell

70 x 100 cm

2010

Aquarell

50 x 70 cm

2010

143


JOHannaS

JOHannaS

war bis 2003 selbstständige Unternehmerin sowie

in verschiedenen Führungspositionen bei internationalen

Unternehmen tätig. Seit 1994 befasst

sie sich mit Kunst, Schwerpunkt Experimental-Art,

Mediale Kunst und Konzeptkunst. Ihr persönlicher

Stil basiert auf verschiedenen, künstlerischen

Studiengängen in Malerei, Druckgrafik und experimenteller

Kunst.

Fremde Länder und Völker sind ihr großes Interesse

und haben auch in ihren Bildern ihren Ausdruck

gefunden. Kultur- und Studienreisen in Ländern

wie Iran, Japan, Asien, USA, Australien und in

diverse Länder Mittel- und Südamerikas.

Gesicht-B

Mosaik, Photopainting, Acrylglas

30 x 30 cm, 2014

Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien,

Teilnahme an Kunstmessen weltweit wie Art Miami,

Art Shanghai sowie Ausstellungen in diversen

Museen, unter anderem im Frauenmuseum Bonn,

6th Goyang Festival Seoul oder im MOCA Museum

of Contemporary ART, Peking.

Ihre Inspiration schöpft sie aus dem Weltgeschehen.

Durch das Spiel mit den Farben, Techniken

und Materialien kommunizieren ihre Bilder auf

einer gefühlvollen und philosophischen Ebene

mit dem Betrachter und laden ihn ein zu eigenen

Assoziationen und Träumen. Neben experimenteller

Malerei, Collagen, Fotografie und Skulpturen

befasst sie sich auch mit Konzeptkunst. Mit den

Medienarbeiten „Digital Art Painting“ möchte sie

dem Betrachter eine andere Seite der Kunst näher

bringen. Ihre Devise: „ONE WORLD ONE LOVE“,

davon lässt sie sich leiten.

144


St. Gallen / Schweiz

Blickfang

www.johanna.ch

Mosaik, Photopainting, Acrylglas

120 x 80 cm, 2014

Elemente der Erde

Univers-Mosaik, Photopainting, Acrylglas

70 x 127 cm, 2014

145


JOHannaS

smile – 14 / smile – 19 (aus Serie smiles)

Mosaik, Photopainting Acrylglas

35 x 46 cm

2015

146


St. Gallen / Schweiz

Cow 53 darkblue / Cow 1-66 pink (aus Serie Cows)

Photopainting auf Acrylglas oder Leinwand

Variable Grössen

30 x 30 cm, 50 x 50 cm, 100 x 100 cm, 2017

147


JOHannaS

Visual Code F

Photopainting Mosaik

Unikat auf Acrylglas

90 x 90 cm, 2017

Visual Code G

Photopainting Mosaik

Unikat auf Acrylglas

90 x 90 cm, 2017

148


St. Gallen / Schweiz

Trees black

Photopainting auf

Alu-Dibond Butlerfinish

80 x 120 cm

2017

People white

Photopainting auf

Alu-Dibond Butlerfinish

100 x 90 cm

2017

149


Dr. Käthe Karcher-Rollwage

Dr. Käthe Karcher-Rollwage

ist schon seit ihrer Studienzeit nebenher künstlerisch

tätig.

Es begann mit Kursen in Zeichnen und Aquarellmalen,

im Laufe der Jahre kamen verschiedene

Drucktechniken dazu (Hoch-, Tiefdruck, sowie

Lithografie), etwas später Malerei und Skulptur.

Sie ist Mitglied der Ateliergemeinschaft No.2 sowie

beim Kultur-und Kunstverein Ditzingen. Dort ist sie

auch für die Sparte „Bildende Kunst“ zuständig.

An Ausstellungen hat sie sowohl in Ditzingen, in

Stuttgart und in der näheren Umgebung mehrfach

teilgenommen, ebenso in der Partnerstadt

Rillieux-la-Pape Lyon.

In jüngster Zeit beschäftigt sie sich thematisch mit

dem Mikrokosmos.

Goldregen

Acryl auf

Leinwand

200 x 140 cm

2016

150


Ditzingen / Deutschland

Verdichtung

Dispersion und Acryl

auf Leinwand

100 x 80 cm

2014

ka.rol@t-online.de

Grüne Zellen

Acryl auf Leinwand

80 x 80 cm, 2016

151


Andrea Kautzmann

Andrea Kautzmann

„Art meets soul“

Als gebürtige Mannheimerin lebt und arbeitet die

Künstlerin in der Nähe von Kassel. Als ausgebildete

Brückenbaukonstrukteurin (Ingenieurbau), konstruierte

sie viele interessante Projekte.

BRÜCKEN bauen...

Die Brücke einer kommunikativen Kunst, eine

Brücke zwischen den Welten. Getrenntes vereinen,

Menschen zusammen führen, Unwegsames und

Abgründiges überbrücken.

Im Jahr 2000 setzte sie ihre Liebe zur Malerei (sie

malt seit Ihrem 15. Lebensjahr in Öl) autodidaktisch

in die Existenz einer freischaffenden Künstlerin um.

Ihre Werke spiegeln ihre Kreativität in der Fantasie,

die Verbundenheit mit allem Sein, das spontane

Fühlen und Spüren, welches sich in Formen und

Farben Ausdruck verschafft, geleitet vom tiefen

Vertrauen in das Leben.

Das Wichtigste in ihrem Schaffen ist immer die

Energie der Werke und die der Menschen, um genau

hier eine Symbiose zu erstellen, die in harmonischer

Beziehung zueinander steht.

Mit Begeisterung experimentiert sie mit Materialien,

stellt aus geriebenen Edelsteinen Farben her,

fügt Blattgold, Federn, Holz in ihre Werke ein. Sie

malt in Öl und Aquarell Mischtechniken.

SEIN

Aquarell mit

gemahlenen

Edelsteinen

Lapislazuli und

Malachit mit

24 Karat Blattgold

70 x 50 cm

2009

152


Staufenberg / Deutschland

Die Quelle

Öl auf Leinwand

mit echten Federn,

Muschel, Gelbgold

und Edelsteinen.

80 x 40 cm

2008

www.akinawa-art.de

Morgenröte

Aquarell mit gemahlenem Edelstein

Lapislazuli mit 24 Karat Blattgold

50 x 70 cm

2011

153


Andreas Kerstan

Andreas Kerstan

wurde 1957 in Ludwigsburg geboren. Im Jahr

2008 schuf Andreas Kerstan seine ersten Kopfskulpturen.

Er verarbeitet in seinen Werken Gebrauchsgegenstände

der Vergangenheit und

Gegenwart. Alte Perückenköpfe, Uhren, Radios,

Schreibmaschinen, Musikinstrumente oder

Telefone werden zu einer neuen Einheit, einer

modernen Kopfskulptur, verarbeitet. Im Mittelpunkt

seiner Arbeiten steht dabei immer der

heutige, industrialisierte Mensch der Gegenwart,

der mit einem alten Uhrschlüssel “aufgezogen”

wird und der dann im wahrsten Sinne des Wortes

“tickt”, wie er soll. Die Köpfe von Andreas Kerstan

symbolisieren die Mechanisierung unseres täglichen

Handelns. Der Tagesablauf wird bestimmt

durch den gleichmäßigen wiederkehrenden Fluss

ewiger Wiederholung – im Rhythmus des Ticken

einer Uhr, alle 24 Stunden beginnt alles von vorn.

Seit 2012 stellt Andreas Kerstan regelmäßig in

Galerien und auf zahlreichen nationalen und internationalen

Kunstmessen aus, so zuletzt 2017 in

Elizabethtown, USA, ARTe Sindelfingen, Spectrum,

Miami, USA, 2018 Kölner Liste und 2019 ArtExpo,

New York, USA.

Seit 2016 ist Andreas Kerstan Mitveranstalter

der ARTe, die führende Kunstmesse für zeitgenössische

Kunst in der Metropolregion Stuttgart.

Wächter der Zeit,

Rebirth

Objekt

Holz, Metall,

Mechanik

20 x 20 x 60 cm

2014

154


Althütte / Deutschland

www.andreas-kerstan.de

Watchtower

Objekt

Holz, Metall, Backsteine

25 x 25 x 80 cm

2015

155


Kathleen Kilchenmann,

Kathleen Kilchenmann

geboren in Zürich, Schweiz, lebt und arbeitet in

Horb a. N., Kreis Freudenstadt.

Die Inspirationen zu ihren Bildern bezieht sie durch

die Natur, Landschaften und Architektur, die sie vor

Ort fotografiert. Zusätzlich dienen Fundstücke aus

der Natur (Rinden oder Geflechte), asiatische Papiere,

sowie Ausschnitte aus Magazinen und Zeitungen

zu ihren kreativen Quellen. Alle diese Materialien

werden mit verschiedenen Farbschichten auf Leinwand,

Papieren und Holzkörpern kombiniert. Durch

das Wechselspiel von Collagieren, Decollagieren und

Farbschichtungen gelingt es ihr diese stark abstrahierten

Farbräume mit Licht und Schatten zu füllen.

Standort I

Mischtechnik/Collage/

Rinde/Asche

auf Leinwand

50 cm

2019

Die Arbeiten stellen dabei eine besondere Form

des Umgangs dar, zum einem in der Hingabe

an den malerischen Prozess, zum anderen in der

Reflexion über Ursprung und Gestalt der Form. In

ihnen spiegelt sich die Liebe zur Natur ebenso wie

Irrwege ökologischer Zerstörungen durch gegenwärtige

Gesellschaftsmodelle. Seit 2014 entstehen

dreidimensionale Bilder und Objekte, die mit der

gleichen Technik bearbeitet werden. Die bemalten

Holzkörper und Würfel können spielerisch verschoben,

gewendet oder neu angeordnet werden, so

dass sich immer wieder neue Aspekte des Werkes

ergeben und der Betrachter Teil des Kunstwerkes

wird. Sie stellt Ihre Werke regelmäßig in Galerien,

öffentlichen Institutionen, sowie nationalen und

internationalen Kunstmessen aus. Ihre Werke befinden

sich in Institutionen in U.S.A., Schweiz, Deutschland

und Niederlande.

Bei Tag

Mischtechnik/Collage/

Rinde/Asche

auf Leinwand

50 cm

2019

156


Horb a. N. / Deutschland

www.kathleen-

kilchenmann.de

Variation of Landscape I

Mischstechnik/Collage/

Rinde/Papiere

auf Leinwand

100 x 140 cm

2018

157


Kathleen Kilchenmann

Farb_Felder I

Mischtechnik/Collage/Rinde auf Leinwand

60 x 60 cm

2019

Sommerzeit/Erntezeit I

Mischtechnik/Collage/Stroh auf Leinwand

100 x 100 cm

2018

158


Horb a. N. / Deutschland

Nach der Ernte I

Mischtechnik/Collage/Stroh auf Leinwand

100 x 100 cm

2018

Nach der Ernte II

Mischtechnik/Collage/Stroh auf Leinwand

100 x 100 cm

2019

159


Christa Klebor

Christa Klebor

lebt und arbeitet als Malerin und Fotografin in

Stuttgart und malt sowohl mit dem Pinsel als auch

mit Licht.

Spontanität, Leichtigkeit, Farbenfreude und positive

Mitteilungen bestimmen ihre Arbeiten. Ihr

künstlerisches Ausdrucksmittel mit dem Pinsel ist

die expressionistische Malerei. Farbige Fragmente

prallen aufeinander und sie schafft neue Zusammenhänge

und Stimmungen von Formen und Farben

in Kombination mit verschiedenen Materialien.

Lange beschäftigt sie sich schon mit dem Thema

„Frauen“. Augenzwinkernd verbildlicht sie in der

Serie Shopping-Glück nicht perfekte Alltagswesen,

die aber Stolz und Würde ausstrahlen.

Bei ihrer Lichtmalerei stehen sowohl alltägliche

Gegenstände, als auch Menschen oder Architektur

im Fokus. Mit einem Klick entsteht ein völlig

neues Bild mit kreativen Mustern, verblüffenden

Farbüberlagerungen oder atmosphärischen Strukturen

– ohne weitere Bearbeitung. Nichts ist im

nächsten Augenblick so, wie es gerade noch gesehen

und wahrgenommen wurde. Die Bilder laden

zum Spekulieren ein und lassen virtuelle Pinselstriche

erahnen – Lichtspuren, die ihre Malerei gut

ergänzen. Die filigranen Licht-Gemälde mischen

Moment und Vergangenheit in eine poetische

Geste.

Die Künstlerin blickt auf zahlreiche Ausstellungen

im In- und Ausland zurück.

Sophie im

Glück

Mixed Media

auf Papier

60 x 49 cm

2015

160


Stuttgart / Deutschland

www.ck-kreativwerkstatt.de

www.ck-fotoladen.de

Wilhelma

Lichtmalerei

50 x 70 cm, 2015

Fliegende

Elemente

Lichtmalerei

50 x 70 cm, 2015

Finish zum Outfit

Mixed Media auf

Leinwand

120 x 40 cm, 2015

161


Corinna Kleindorp

Die Faszination der Natur mit ihrer Schönheit,

Einzigartigkeit und Verschiedenartigkeit, steht im

Mittelpunkt des Schaffens der Malerin. Deshalb

lebt sie mitten in der Natur des Schwarzwaldes. Sie

lässt sich aber auch von ihren vielen Reisen, die sie

seit Jahren unternimmt, inspirieren. Betrachtet man

ihre Landschaftsimpressionen, sieht man keine

Abbildungen von Fotografien, sondern eine Transformation

von Geschautem, Wahrgenommenem

und Erlebtem. Was entsteht, ist eine unwirkliche

Wirklichkeit, der sich der Betrachter nicht entziehen

kann. Die Werkserie der Fragmente greift

nochmal Details aus den Landschaften auf, die sie

noch weiter in die Abstraktion geführt, darstellt.

Seit 1994 beschäftigt sie sich intensiv mit der Malerei

durch kontinuierliche Studien und zahlreichen

Seminaren bei namhaften Dozenten.

Corinna Kleindorp

Schneeschmelze III

Mischtechnik auf

Leinwand

100 x 80 cm

2017

Seit 2008 präsentiert sie ihre Werke der Öffentlichkeit

auf nationaler und internationaler Ebene. Einige

davon befinden sich im privaten Besitz wie z.B.

Deutschland, Italien, Taiwan und Dubai, aber auch

in öffentlichen Räumen.

Corinna Kleindorp arbeitet als freischaffende

Künstlerin.

Gletscherspalten

Mischtechnik auf

Leinwand

80 x 120 cm

2017

162


Seewald / Deutschland

www.cor-art.de

Erdbeerfeld frühmorgens

Mischtechnik auf

Leinwand

100 x 100 cm

2018

Strohballen

Acryl auf Leinwand

120 x 100 cm

2018

163


Erika Koch,

geboren in Bad Liebenzell, lebt und arbeitet, nach

Zwischenstationen in Stuttgart und München, wieder

in Bad Liebenzell.

Ihr Talent für grafisch-technisches Zeichnen wurde

zu ihrem Beruf. Mehr und mehr entwickelte sich

aber auch ihr Interesse am künstlerischen Wirken.

Fortbildungskurse, Kontakt mit anerkannten Künstlern

sowie ein Studium an der FKS Stuttgart mit

Abschluss in freier Malerei im Januar 2016 bezeugen

ihren weiteren Werdegang.

Es finden sich bei ihren Arbeiten Natur in Reinkultur,

aber auch farbig-kreative und intuitive

Kompositionen, die einem eindeutig grafischen

Verständnis folgen. Beginnend mit experimenteller

Malerei werden nun auch immer mehr malerische

Komponenten beigefügt.

Am Morgen

Mischtechnik, Acryl

auf Leinwand

40 x 40 cm

2018

2 Äpfel

Mischtechnik, Acryl

auf Leinwand

40 x 40 cm

2018

164


Erika Koch

Bad Liebenzell / Deutschland

Vegetation II

www.erikakoch.de

Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm

2015

Vegetation III

Acryl auf Leinwand

100 x 80 cm

2018

165


Angelina Kober-Buchholz

Angelina Kober-Buchholz

1973 in Bosnien-Herzegowina geboren und lebt

seit 2000 mit ihrer Familie in Lauterstein.

Malen ist für Angelina Kober-Buchholz seit 2006

die gewählte Ausdrucksform. Sie sagt: “ Malen oder

die Dinge direkt auszusprechen liegt mir mehr, als

mein Tun in geschriebenen Worten zu erklären.

Für mich ist Malen eine Art Ventil, über das ich den

Druck meiner Gedanken entspannen kann und mit

dem ich ausdrücke was mir wichtig ist und was mich

bewegt.“ Dabei geht es ihr insbesondere um die

Vielfalt der auf der Erde lebenden Menschen mit all

ihrer Einzigartigkeit und Schönheit. Ihre derzeitigen

Arbeiten sind von Veränderungen und Wandlungen

unserer heutigen Gesellschaft geprägt. Angelina

Kober-Buchholz zeigt uns die Veränderungen unserer

Lebensgrundlagen, dabei ist es ihr Anliegen, Augen

zu öffnen und zum positiven Handeln anzuregen.

Seit 2016 hat sie die Zusatzausbildung als Kunstassistentin

absolviert und unterstützt Menschen mit und

ohne Behinderung in ihrem künstlerischen Arbeiten.

Ein von ihr durchgeführtes Kunstprojekt wurde mit

Unterstützung der Lebenshilfe Göppingen und Haus

der Familie Göppingen mit dem 2. Inklusionspreis

des Landkreises Göppingen ausgezeichnet. Ihren

Blickwinkel erweitert sie regelmäßig durch Weiterbildung

an Kunst-Akademien bei etablierten Künstlern.

Seit 2009 hat Kober-Buchholz zahlreiche Einzel- und

Gruppenausstellungen durchgeführt. Sie ist Mitglied

in der Künstlergilde Ulm und im Kunstverein

[KUN:ST] Stuttgart International e.V.

Völkerwanderung Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm, 2017

166


Lauterstein / Deutschland

www.kurikorium.de

Serie „Ansichten

und Aussichten“

Gierschlund

Mischtechnik auf

Leinwand

60 x 90 cm

2018

167


Bettina Kohlen

lebt und arbeitet in Korntal und unterrichtet in

ihrem Atelier Gestaltung mit Ton, Oberflächenbearbeitung

und unterschiedliche Brenntechniken.

„Die menschliche Figur in Zeit und Raum“ beschäftigt

Bettina Kohlen bereits seit Beginn ihrer künstlerischen

Arbeit. In ihren Bronzen fasziniert sie vor

allem das Studium des Bewegungsapparates des

menschlichen Körpers. In Zeit und Raum setzt sie

die verschiedenen Lebensphasen des Menschen

um. Es gilt, die eigene „Balance“ des Lebens zu

finden. Die Darstellung erfolgt naturalistisch bis

abstrakt.

Im keramischen Bereich arbeitet sie figürlich und

objektbezogen. Hier stehen mehr das Experimentieren

mit den verschiedenen Brandtechniken sowie

die technische Bearbeitung der Oberflächen

im Fokus. Auch Fundstücke, wie Eisen oder Stein

werden gern mit Keramik kombiniert.

Bettina Kohlen

Schaukel

Bronze, Stahl

60 x 135 x 15 cm

2016

Sie hat verschiedene Lehraufträge u.a. bei der

Handwerkskammer Stuttgart. Mitgliedschaften

bestehen seit 2012 bei der GEDOK, Stuttgart,

seit 2016 bei Sculpture Network und [KUN:ST]

International.

168


Korntal / Deutschland

Klimmzug

www.artwork-kohlen.de

Bronze, Stahl

60 x 100 x 15 cm

2016

Blüte

Steinzeug, Keramik

im Tonnenbrand

32 x 17 x 32 cm

2016

169


Monika Krautscheid-Bosse

Monika Krautscheid-Bosse

Die international bekannte Künstlerin Monika

Krautscheid-Bosse lebt und arbeitet in Neustadt

- Wied. Sie absolvierte ein Studium der Freien Malerei

bei Prof. Thiele und Prof. Dr. Markus Lüpertz.

Meereswind

Öl, Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2016

Ausstellungstätigkeiten im In- und Ausland sowie

zahlreiche Künstlerporträts in der Presse und den

Medien machten sie bekannt. Ab 1980 wendet sie

sich dem Expressionismus zu und entwickelt ihren

persönlichen Malstil. Die Gestaltungsarten und

technischen Ausdrucksmittel der Künstlerin spannen

sich über die klassischen Techniken wie Mischtechniken

bis hin zu Öl- und Acrylmalerei und collagierten

Exponaten.

Die malerischen Prozesse der Künstlerin beeindrucken

auf anziehende Weise und lassen den

Betrachter dieser Naturvisionen in frei komponierte

Bildwerke eintauchen, um zu verweilen. Das

Oeuvre der Künstlerin ist vielfältig angelegt und

gekonnt wiedergegeben. Expressionistische Tendenzen

vermischen sich mit symbolischen Elementen

und farbigen Kompositionen. Ihre Bildsymbolik

beschäftigt sich mit dem Gesehenen und Erlebten,

sowie den inneren Eindrücke von Träumen.

Im November 2011 erhielt Sie die Ernennung

zur Europa-Künstlerin von der Europa-Union.

Im Januar 2013 bekam sie den Internationalen

Syrlin Kunstpreis.

170


Neustadt / Deutschland

Aufbruch

Mischtechnik

auf Leinwand

60 x 50 cm

2018

www.art-moro.de

Es wird Dunkel

Öl, Acryl auf

Leinwand

80 x 80 cm

2018

Stadt in Blau

Öl, Acryl auf

Leinwand

100 x 100 cm

2018

171


Gerhard Lämmlin,

Gerhard Lämmlin

geboren in Lörrach, lebt und arbeitet in Neustadt

an der Weinstraße.

Er bezieht seine Ideen und Bildkompositionen häufig

aus Impressionen und Eindrücken, die er von

seinen vielfältigen Reisen mitbringt. Dabei entstehen

Werke, die nicht die Realität abbilden, die vielmehr

Ausdruck seiner Gedanken, Stimmungen und

Erinnerungen sind. Lichteinfälle auf bizarre Landschaften

und ungewöhnliche Farbkombinationen

exotischer Gesteinsformationen werden ebenso

„verarbeitet“ wie die nachhaltigen freundschaftlichen

Begegnungen mit Einheimischen.

Moniz 28

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand

90 x 90 cm, 2015

Lämmlins Bilder entstehen aber auch „Just for

fun“, wenn er, einem inneren Drang folgend, zu

Pinsel, Spachtel und Farbe greift und in einem häufig

emotionalen Prozess energie- und spannungsgeladene

abstrakte Gemälde erzeugt.

Vielschichtig trägt er Acrylfarbe in kraftvollen,

meist leuchtenden Farben auf. Durch Beimischung

unterschiedlicher Materialien, wie Schellack, Sand,

Marmormehl u.a. gibt er den Flächen eine haptische

Struktur, die zusammen mit gezielt eingesetzten

Gestaltungsmitteln den Bildern eine spürbare

Spannung verleiht. Weniger das fertige Bild als

vielmehr der Prozess des Entstehens, die andauernde

Auseinandersetzung zwischen kopfgesteuerten,

geplanten Aktionen und bauchgefühldominierten

Spontanaktionen sind für ihn emotional

bedeutsam.

172


Neustadt a. d. Weinstraße / Deutschland

Morteratsch, ein Gletscher

zieht sich zurück I

www.gerhard-laemmlin.de

Acryl, Mischtechnik

auf Leinwand

90 x 90 cm

2015

Morteratsch, ein Gletscher

zieht sich zurück II

Acryl, Mischtechnik

auf Leinwand

90 x 90 cm

2015

Ist der Weg wirklich

das Ziel ?

Acryl, Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 80 cm

2015

173


Anya Lauchlan,

Anya Lauchlan

eine Künstlerin in der Tradition der Schule von

Paris, trainiert durch M. Khazanov, selbst ein

Schüler von Marc Chagall.

Mitglied von La Maison des Artistes & Künstler

in Frankreich.

Russell & Chapple, Erster Preis für „Daydreamer“.

Fellow Free Artists & Sculptors, London

Mitglied der DACS UK.

Etruscan Summer Sun

Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm

2009

174


Frankreich / Großbritannien

www.anyalauchlan.com

Etruscan Summer Water

Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm

2009

175


Margareta Anna Leuthardt-Schwager,

Margareta Anna Leuthardt-Schwager

lebt und arbeitet in der Agglomeration von Basel.

„Erlaube Deiner Energie mit der Sonne zu reisen“.

Mit diesem Gedanken gestaltet Margareta Anna

Leuthardt-Schwager ihre Arbeit an der Leinwand,

auf Papier, mit Gips oder Ton. Sie absolvierte Studien

an der Europäischen Kunstakademie in Trier,

an der Freien Kunstakademie in Augsburg und an

den Schulen für Gestaltung in Basel, Bern/Biel und

Zürich.

Kurze Momente der Wahrnehmung und Intuition

inspirieren die Künstlerin zu ihren Arbeiten, die sie

in vielseitigen Techniken ausführt. Innere Bilder,

Gefühle, Empfindungen von Licht und Farbe sind

Inspiration, persönlicher Ausdruck, diese wiederum

mit klar gesetztem Duktus, unverkennbar in der

Kraft und Bestimmtheit. Auf Studienreisen und in

der freien Natur nimmt sie Augenblicke auf, die sie

im Atelier umsetzt und dabei die Energie fließen

lässt. Ihre Kunst soll für den Betrachter eine aufbauende

Energie abgeben, das Auge erfreuen, die

Seele in die Harmonie zurückbringen.

Kunst ist „Von Seele zu Seele grüßen“.

Fließen

(Serie)

Ink Wash,

Chinesische

Tusche, Aquarellstift

auf

Steinpapier

100 x 70 cm

2018

176


Dornach / Schweiz

www.margareta-leuthardt.ch

Fließen

(Serie)

Ink Wash,

Chinesische

Tusche, Aquarellstift

auf

Steinpapier

100 x 70 cm

2018

Fließen

(Serie)

Ink Wash,

Chinesische

Tusche, Aquarellstift

auf

Steinpapier

100 x 70 cm

2018

177


Philipp Liedl,

Philipp Liedl

geboren in Esslingen am Neckar, ist promovierter

Physiker und arbeitet auch als freischaffender

Künstler in Stuttgart.

In seinen abstrakten Werken experimentiert er

als Autodidakt mit Farben und Formen auf Leinwand.

In die Bilder werden neben Acrylfarben

auch metallische Elemente und andere Materialien

einbezogen. Seine Formensprache hat sich in den

vergangen Jahren von sehr dynamischen hin zu

formal stark reduzierten Bildinhalten entwickelt.

Die Reduktion der Inhalte auf ihre wesentliche Wirkung

steht in seinen jüngeren Werken im Vordergrund.

Auf diese Weise verbindet Philipp Liedl die

analytische Vorgehensweise in der Physik, die Welt

nach formalen Gesetzen zu beschreiben, mit den

gestalterischen Freiheiten der Kunst und versucht

damit die Grenzen zwischen diesen beiden Disziplinen

aufzulösen.

Infinity

Acryl auf

Leinwand

60 x 60 cm

2012

Seine Arbeiten sind seit 2008 auf zahlreichen nationalen

sowie internationalen Ausstellungen und

Messen zu sehen, darunter: Wahrnehmung, Idee,

Umsetzung: Kunst und Innovation im Dialog, Steinbeis-Stiftung,

Haus der Wirtschaft Stuttgart 2015

- Fine Art Fair, Houston 2013 - Galeria Mazowiecka,

Warschau 2011 - Galleria Poliedro 2010, Triest - Red

Dot Art Fair und Select Art im Rahmen der Art

Basel Miami Beach 2012 - Farbwelten, Algordanza

Young Art Plattform, Chur 2009 - Galerie Lutz,

Stuttgart 2008.

Sand Lines

Acryl auf

Leinwand

100 x 80 cm

2010

178


Stuttgart / Deutschland

Copper Fire

www.philipp-liedl.de

Mischtechnik auf Leinwand

150 x 80 cm, 2015

Rot Blau

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 80 cm

2014

179


Andreas Lindenberger

wurde 1957 in Kornwestheim geboren, heute lebt

und arbeitet er in Markgröningen. Seit seiner Ausbildung

zum Buchdrucker beschäftigt sich Andreas

Lindenberger mit den verschiedensten Maltechniken.

Im Vordergrund seiner Acrylmalerei steht für

ihn der Erlebnisakt des Malens.

In den letzten fünf Jahren entstanden viele Werke

in Acryl, deren Marmoriercharakter zwar bekannt

wirkt, deren Technik jedoch vom Künstler lange

vorbereitet und experimentell erarbeitet wurde.

Die in Schwingung versetze Farbe fließt und strömt

einerseits organisch und somit den Fluss des Lebens

beinhaltend und wird andererseits kompositionell

gesteuert und aktiv von der Hand des

Künstlers kontrolliert.

Das verblüffend einfache Prinzip dieser Bilder

besteht darin, dass verschiedene Farbpfützen auf

dem flach ausgebreiteten Bildträger verteilt werden

und diese sich dann durch Schaukelbewegungen

,,eigenständig“ auf der Bildfläche verteilen.

Was so einfach klingt, ist in der Praxis vertrackt und

im visuellen Ergebnis komplex.

Eine der Schwierigkeiten bei diesem Verfahren

liegt darin, dass die Konsistenz der Farbsubstanzen

ganz genau abgestimmt sein muss. Die Farbe darf

nicht zu dünnflüssig, aber auch nicht zu zäh sein.

Sie darf nicht zu schnell trocknen, vor allem aber

dürfen die unterschiedlichen Farben sich nicht

zu einem grauen oder braunen Einerlei mischen.

Durch akribische Materialforschung und einem

stetigen Prozess des Perfektionierens entstehen

diese faszinierenden Resultate.

Joshua tree

Acryl auf

Leinwand

100 x 140 cm

2015

Aufgerissen

Acryl auf

Leinwand

100 x 150 cm

2014

180


Andreas Lindenberger

Markgröningen / Deutschland

www.aliart.de

Blood sweat

and tears

Acryl auf

Leinwand

140 x 100 cm

2012

Californication

Acryl auf

Leinwand

120 x 100 cm

2014

181


Inge Louven,

Inge Louven

geboren in Aachen, lebt und arbeitet seit 25 Jahren

in der Nähe von Zürich, seit 2011 in Hombrechtikon.

Die bewegte Landschaft des Zürcher Oberlandes

hat sie dazu angeregt, ihre Wahrnehmung mit

künstlerischen Mitteln zu erweitern.

Beim Malen vermischen sich innere Bilder mit den

Formen und dem Spiel der Farben in ihrer Umgebung.

In ihren Werken schimmern Stimmungen,

Freuden und Erlebnisse durch. Durch mannigfaltige

Schichtungen und Überlappungen des Materials

und der Farbe erreicht sie, dass sich dem

Betrachter dreidimensionale Bewegungsräume eröffnen,

in denen er innere Räume entdecken kann.

Ausserdem liebt sie das Pendeln zwischen Materialien

und den unterschiedlichen Herausforderungen

von Malerei und Gestalten. Die Arbeit mit verschiedenen

Ton- und Holzarten ist für sie ein sinnliches

Vergnügen, bei dem Sehen und Fühlen intensiv

verschmelzen und „greifbare“ Ästhetik entsteht.

Mit der 2013 gegründeten Firma Atelier TonArt

AG, Kunst | Galerie | Consulting verbindet sie ihre

Berufung Kunst mit dem Beruf Consulting. Bei den

Workshops „Erfolgreich Kunst verkaufen“ unterstützt

sie auch junge Künstler, sich im Kunstmarkt

zu etablieren. In Ihrer Galerie Atelier TonArt AG

bietet sie etablierten Künstlern wie Newcomern

eine Ausstellungsplattform.

Zyklus heimliche

Welten

(0674)

Resonance

Gouache

auf Leinwand

140 x 120 cm

2018

182


Hombrechtikon / Schweiz

Zyklus Island

(0672)

Materialien, Acryl,

Mischtechnik

90 x 150 cm

2017

Zyklus Island

(0496)

Materialien, Acryl,

Mischtechnik

90 x 90 cm

2018

www.ateliertonart.ch

www.ilou-art.ch

183


Vera Ludwig-Loster,

1958 geboren und aufgewachsen in Schweinfurt,

lebt und arbeitet seit 1982 im Raum Stuttgart.

Dem frühzeitigen Interesse an Kursen für Fotografie,

SW-Vergrößerung, Modellieren in Ton und

Aquarellieren folgte das Studium in Würzburg an

der Fachhochschule für Gestaltung mit dem Abschluss

als Dipl. Grafik-Designerin.

Nach 10 Jahren Tätigkeit in verschiedenen Werbeagenturen,

zuletzt als Art Director, erfolgte

1992 der Schritt in die Selbstständigkeit mit einem

Büro in Leonberg. Die Entwicklung von kreativen

Werbestrategien, vom Konzept über Layout, Text,

Realisation bis zum Druck bestimmten den beruflichen

Werdegang.

2014 begann der entschlossene Rückzug aus dem

Fulltime-Arbeitsalltag und seit 2015 hat sie ihre

experimentierfreudige Vorliebe für Acryl- und

Mischtechniken (Ölfarbe, Acrylic Ink, Pigmente …)

entdeckt.

Ihre Bilder erzählen von Veränderung, Zerstörung

und Schöpfung, vom Zeitgeschehen, von menschlicher

Sichtweise sowie Prägung und Einflussnahme,

der Geschichte und den Elementen unserer Erde

oder sie interpretieren klassische Malthemen (Venus,

Torso, Badende, Taurus …).

Entfaltung

Acryl auf

Leinwand

100 x 70 cm

2019

184


Vera Ludwig-Loster

Leonberg / Deutschland

www.vl-artwork.de

Four Elements / Air

Enso Circle

Acryl auf Leinwand

20 x 20 cm

2019

Four Elements / Water

Enso Circle

Acryl auf Leinwand

20 x 20 cm

2019

185


Sigrid Mägerle,

Sigrid Mägerle

geboren in Nendingen, einem kleinen Vorort von

Tuttlingen, wo sie lebt und arbeitet. Seit geraumer

Zeit wird sie von der Malerei in den Bann gezogen.

Ihrer malerischen Hand lässt sie überwiegend bei

Landschaftsbildern in Verbundenheit mit Abstraktion

freien Lauf.

Ihre Leidenschaft wird von ihrem Inneren befeuert:

Kraft – Schwäche, Wut – Liebe, Licht – Schatten,

Wärme – Kälte, Angst – Freude, Egoismus –

Freundschaft, Lob und Tadel, Neugier auf das,

was entsteht.

Inspirationen für die schöpferische Kraft bekommt

Sigrid Mägerle auch auf ihren zahlreichen Reisen

durch die geheimnisvolle Welt, aber auch durch

ihre Familie und ihr Zuhause mit einem wundervollen

Garten. Häufig vermischen sich verschiedene

charakteristische Züge, wodurch die oft einfache

Realität zur abstrakten mystischen Landschaft verzaubert

wird. Auch aus selbstgeschossenen Fotos

werden kreativ veränderte Landschaften.

Die Bilder der Malerin Sigrid Mägerle sind Unikate

und werden meist auf Leinwänden mit verschiedenen

Materialien aufgetragen. Der Hauptbestandteil

der Werke besteht meist aus Acrylfarbe.

Die Leidenschaft des Geistes, der Hände und des

Herzens » wherever you go, whatever you do «

schlägt sich in ihren Bildern nieder.

Luftaufnahme II

Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 80 cm, 2019

186


Tuttlingen / Deutschland

www.sigrid-maegerle.de

Abendsonne

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 100 cm

2019

187


Klaus May,

geboren in Heidenheim, lebt und arbeitet in

Allmersbach im Tal, in der Nähe von Stuttgart.

Schriftlithograph – ein Berufsbild aus vergangenen

Tagen. Aber, gute Schriftästhetik ist zeitlos.

Kalligraphie und Schriftästhetik integrierte er

schon früh in seinen Bildern. Bild/Text-Spannung

stand somit lange Zeit in seinem Fokus.

Alle Macht ist in Dir!

Kalligrafie mit Japan-Pinsel

Fotografie, Digital-Painting

38 x 52 cm

2014

Beeinflusst durch die Bilderstellung und Bildbearbeitung

für die Werbebranche veränderte sich

sein Stil. Heute fließen Fotografie, digitale Dunkelkammerarbeit,

Digi-Painting, Body-Painting, gezeichnete

und gemalte Bildelemente, Typografie

und Kalligrafie oft gemeinsam in seine Bilder

mit ein.

Über viele Jahre hinweg war eine seiner Leidenschaften

der Budo-Sport. Die Ästhetik der Bewegung

und das Gedankengut des Bushido faszinierten

ihn. Aus diesen Neigungen heraus

entstanden Bilder wie »Die rote Geisha« oder

»Frau mit Katana«.

Seine Liebe zum Wald dokumentiert er nicht nur

mit seinen Bonsais, sondern auch in seinen Bildern.

Und - jede Gegend hat ihre Geschichten und

Mythen - auch das sind Inhalte seiner Werke.

188


Klaus May

Allmersbach / Deutschland

Frau mit Katana

Fotografie, Composing, Digital-Painting

58 x 88 cm, 2014

www.may-fotografik.de

Rote Geisha

Fotografie, Composing

Digital-Painting

60 x 90 cm

2014

189


Verena Mayer

Verena Mayer

ist in Stuttgart geboren, lebt und arbeitet als freie

Künstlerin mit eigenem Studio in Karlsruhe. Geboren

als Tochter einer Gärtner-Familie, liegt die

Achtung vor der Schönheit der Natur seit Generationen

in ihrer Familie: Pflanzen, Blumen und die

Weite der Natur sind der Dipl.-Designerin eine

stete Inspirationsquelle.

Schicht für Schicht bauen sich ihre Bilder auf, die

– mal informell, mal expressiv – ihre Geschichten

erzählen, Welten, Emotionen und Situationen entstehen

lassen. Schichten überlagern sich, scheinbar

fertige Motive werden übermalt oder zerstört,

um eine neue lasierende Dimension entstehen zu

lassen. Das Zusammenspiel von deckenden und

lasierenden Farben und Flächen sowie gestischen

Linien sind ihre Ausdruckmittel.

Im Zentrum der Arbeiten von Verena Mayer steht

häufig die Blumen- und Pflanzenwelt, neuinterpretiert

durch eine Balance aus geplanten Studien

und zufälligen Momenten. Verena Mayer arbeitet

zyklisch an drei Motivreihen: Abstrakt, Blüten und

Wolken/Himmel. Ihre Werke befinden sich in privaten

Sammlungen und wurden in Ausstellungen in

Europa und USA gezeigt.

Beginnings

Acryl und Öl

auf Leinwand

120 x 80 cm

2017

190


Karlsruhe / Deutschland

www.verenamayer.de

Die Knospe

Acryl und Öl auf Leinwand

70 x 50 cm

2016

Vergiss mich nicht

Acryl und Öl auf Leinwand

70 x 60 cm

2016

191


Volker Mayr

Volker Mayr

Die bildende Kunst und der Journalismus prägen

sein Leben. Die Liebe zur bildenden Kunst hat der

Großvater, der rheinische Maler Otto Gloßmann

geweckt, bei dem er das Malen erlernte. Die

Liebe zum Wort und dem Ausdruck seiner Wahrnehmungen

durch die Sprache war nicht minder

groß, deshalb die journalistische Arbeit neben der

bildenden Kunst.

Nach dem Studium der Geschichte, Politik und

Publizistik mit Master-Abschluss war er Rundfunkredakteur

und Moderator. Zugleich hat er die

Malerei weiter entwickelt und leidenschaftlich

betrieben mit vielen Ausstellungserfolgen.

Kunst gehört für Volker Mayr zu den schönsten

Möglichkeiten, Gefühle auszudrücken und zu

erzeugen. Was Komponisten mit Musik, möchte er

mit Bildern: die Seele der Betrachter zum Schwingen

bringen – also Emotionen auslösen.

Seit 1985 malt Volker Mayr im Stil des abstrakten

Expressionismus. Er bietet Betrachtern die größtmögliche

Freiheit der eigenen Interpretation. Im

Mittelpunkt stehen die Arbeiten in Öl auf Leinwand.

Breiten Raum nehmen die Gouachen ein,

meist als Mischtechnik durch zusätzliche Verwendung

von Ölkreide und Pastellstift.

Er ist vertreten in den Sammlungen von Deutscher

Bank und Vattenfall.

May Be A

Phenomenon

Öl auf

Leinwand

100 x 80 cm

2018

192


Berlin / Deutschland

www.volker-mayr.de

May Be Bebop

Öl auf Leinwand

100 x 80 cm, 2018

Ready For Red, Yellow And Blue

Öl auf Leinwand

100 x 80 cm, 2018

193


Ute Meyer,

Ute Meyer

geboren 1957, arbeitet seit 1999 als bildende

Künstlerin mit eigenem Atelier in Flensburg.

In den Achtziger Jahren beendete sie ihr Kunstpädagogikstudium

an der Pädagogischen Hochschule

in Flensburg mit dem 2. Staatsexamen und 2006

schließt sie die Ausbildung zur Kunsttherapeutin ab.

Seit 30 Jahren ist sie in der offenen Kinder – und

Jugendarbeit tätig. Die künstlerische Arbeit mit

den Kindern und Jugendlichen beeinflusst ihren

eigenen Ausdruck hinsichtlich Spontaneität und

Direktheit im Umgang mit Form und Farbe.

Sie malt direkt am Meer und im Garten auf großformatigen

Leinwänden in Öl. Diese Bilder zeigen

die Zusammenfassung einer Stimmung in der

Landschaft von einem Tag. Pastoser Farbauftrag,

zügige Pinselstriche und kräftige Farben, abstrahierte

Formen, die immer den Gegenstand erkennen

lassen, kennzeichnen ihren Stil bei der Malerei

im Freien. Figurstudien in der Landschaft und

Makrostudien vom Strand malt Ute Meyer nach

eigenen Fotografien und Skizzen im Atelier. Diese

Bilder halten im Gegensatz zu den Bildern, die

draußen entstehen, einen Augenblick fest. In ihren

Arbeiten sind Wind, Licht und Luft spürbar.

Seehund / Knudshoved / DK

Öl auf Leinwand

80 x 100 cm

2017

194


Flensburg / Deutschland

Aus der Zeit gefallen

www.utemeyer.de

Öl auf Leinwand

90 x 70 cm

2018

Spätsommer

Öl auf Holz

60 x 50 cm

2018

Weidenröschen und Anemonen

Öl auf Holz

50 x 60 cm

2018

195


Beate Münch

Beate Münch

ist in Mannheim geboren, lebt und arbeitet in

Mainz.

Ihre Arbeiten sind inspiriert von der Natur, von

Gefühlen oder Erfahrungen im täglichen Leben

und finden Ausdruck im abstrakten Expressionismus.

Der Arbeitsprozess beginnt mit einer Idee.

Dann übernimmt die Intuition die Führung ohne

detaillierte Planung. Schicht für Schicht entsteht

die Arbeit. Beate Münch experimentiert mit den

Materialien um den Überraschungsmoment zu finden.

Sie arbeitet an mehreren Werken gleichzeitig.

Dadurch entsteht ein Dialog zwischen den Arbeiten.

Beim Wechsel von einer Arbeit zur anderen

entstehen weitere neue Ideen und Grenzen gibt es

erst gar nicht.

Ihr Hauptanliegen ist es, den Betrachter zum Nachdenken

anzuregen und etwas zu finden, was ihn

direkt anspricht. Er soll Glück und Freude empfinden

und sich einfach wohlfühlen.

Deep

Summer

Vibes

Mischtechnik

auf Acryl

120 x 100 cm

2019

196


Beate Münch

Mainz / Deutschland

www.beamuench.net

Flower Garden

Mischtechnik auf Acryl

120 x 100 cm

2019

197


Elisabeth Nagel

Elisabeth Nagel

lebt und arbeitet in Aidlingen. Ihre intensive Auseinandersetzung

mit der Aquarell- und Acrylmalerei

begann 2006. Seit 2007 folgten dann regelmäßige

Teilnahmen an Studienreisen, Workshops, Mal-Reisen

und Mal-Seminaren mit kooperativer Arbeit

in kleinen Gruppen mit dem Ziel der Erforschung

und Verfeinerung der Techniken der Aquarell- und

Acrylmalerei.

Heute sind die künstlerischen Arbeiten von Elisabeth

Nagel Aquarelle, Acrylbilder und Skulpturen

aus Stein und Modelliermasse. Ihre moderne Acrylmalerei

verbindet Acrylfarbe mit Pigmenten, Sand,

Strukturpasten und Spachtelmasse.

Durch verschiedene Malutensilien wie Spachtel,

Pinsel und Schwämme entstehen spannungsvolle

und harmonische Arbeiten. Inspiration für ihre

Werke holt sich die Künstlerin aus der Natur sowie

aus dem täglichen Leben.

Die Künstlerin zeigt regelmäßig ihre Werke in

Einzel- oder Gruppenausstellungen und auf Kunstmessen,

so in 2018 u.a. auf der Jahresausstellung

[KUN:ST] International, Burg Stettenfels in Untergruppenbach,

Kunst und Kultur Aidlingen, 750 Jahre

Deufrigen, Kunstprojekt in Aidlingen, ARTe in

Sindelfingen und InterArt Galerie zur Langen Nacht

der Museen in Stuttgart. 2017 präsentierte sie ihre

Arbeiten u.a. in der Villa Eugenia in Hechingen und

auf Burg Kalteneck in Holzgerlingen.

Mann mit Turban

Sandstein

31 x 16 x 16 cm

2017

198


Aidlingen / Deutschland

www.atelier-elisabeth-nagel.de

Verlorene Segel

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand

90 x 100 cm

2016

199


Sabine Oecking

Sabine Oecking

wurde 1965 in Muenchen geboren und ist dort

aufgewachsen. Die Kunst wurde ihr in die Wiege

gelegt, ihr Vater, ein Maler, ihre Mutter eine Goldschmiedemeisterin.

Seit ihrer Gymnasialzeit setzte

sich Sabine Oecking mit Kunst, vornehmlich figürliches

und abstraktes Malen, auseinander.

Nach Ausbildung und einer internationalen Karriere

in der IT kehrte sie ab 2013 zu den künstlerischen

Anfängen ihrer Jugendjahre zurück. Seit 2013

betreibt sie ihr eigenes Atelier in Dortmund und

nahm ab 2013 Unterricht an der Kunstakademie

in Bad Reichenhall. In den Jahren 2015 und 2016

belegte sie die Meisterklasse bei Professor Adam

Jankowski. Über ihre Kunst sagt sie selbst: „Mein

Lebensmotto „lebe wild und gefährlich“ drückt sich

auch in meinen Bildern aus. Ich liebe es mit Formen

und Farben zu spielen. Ich bin neugierig und experimentiere

viel. Ich möchte Gefühle festhalten, Momente

konservieren und dabei dem Betrachter eine

positive Atmosphäre übermitteln und ein Lächeln

ins Gesicht zaubern.“

Sabine Oecking ist Mitglied in den Kunstvereinen

Dortmund und München sowie bei [KUN:ST]

International. Seit 2014 wird sie durch die Galerie

Arte Casa in Port d’Andratx auf Mallorca in Spanien

vertreten. Ausgewählte Werke findet man auch bei

Artfinder und bei Saatchi Art.

Sie stellt regelmäßig in Galerien und auf Kunstmessen

aus.

Glück und Leben 6

Sprühlack auf Leinwand

120 x 100 cm

2016

200


Dortmund / Deutschland

Glück und Leben 7

Sprühlack auf Leinwand

120 x 100 cm

2016

Leben in der Natur

Acryl und Sprühlack auf Leinwand

120 x 100 cm

2016

www.atelier-oecking.de

201


George Emil Odthermat

George Emil Odthermat

George Odermath lebt und arbeitet als Kunst Fotograf

in Mühlheim. Für ihn ist Fotografie stets eine

subjektive Konstruktion der Realität, die nochmals

verstärkt wird durch die nachträgliche Bearbeitung

seiner Bilder. In diesem konzeptionellen Prozess

entstehen ungesehene Strukturen und Zusammenhänge,

die durch Form und Farbe sich zu einer

neuen Sichtweise verbinden. Diese Vielfalt etwas

zu sein, geht einher mit dem Verlust von klarer

Ordnung und Struktur. Dafür gewinnt der Betrachter

so etwas wie eine vorläufige Freiheit, gewohnte

Denkmuster in Frage zu stellen.

Der künstlerische Ansatz entspricht der Frage, was

dem Menschen Orientierung verleiht. Seinen Bildern

nach zu urteilen, ist es eher die uneindeutige

oder organische Struktur. Alles geschieht, nichts

ist. Die Welt besteht aus Ereignissen, nicht aus

Dingen. Diese quantenmechanische Perspektive

erlaubt ihm sich in seinen Bildern, auf einer metaphysischen

Suche zu machen nach der Textur des

Unsichtbaren.

Init

Fotografie - Digitaldruck

auf Fotopapier

60 x 80 cm

2018

202


Mühlheim / Deutschland

www.fotofine.de

Multiversum

Fotografie - Digitaldruck

auf Fotopapier

60 x 80 cm

2018

203


George Emil Odthermat

Seahorse dream

Fotografie - Digitaldruck

auf Fotopapier

60 x 80 cm

2017

204


Mühlheim / Deutschland

www.fotofine.de

Across the universe

Fotografie - Digitaldruck

auf Fotopapier

60 x 80 cm

2017

205


Päivyt Niemeläinen

Helsinki in Finland is her home town. Nowadays

she makes paintings, mixed media works, and

installations. She likes to use different materials.

Cool Evening (diptych)

Mixed Media on Board, 72 x 67 cm, 2010

From the year 2000 solo exhibitions in Finland,

Belgium, France, Germany, Portugal and the USA.

Participations in collective exhibitions and art fairs

in Finland, Australia, Bulgaria, China, England,

France, Denmark, Germany, Italy, Japan, Malta,

Portugal, Russia, Slovakia, Spain, Sweden and the

USA. Notable participation in Biennale di Venezia

2014, in Southern Nevada Museum of Fine Art

Las Vegas USA 2013, Museo d’Arte di Chianciano,

Triennale Internationale d’Art Contemporain de

Paris, Cité International des Arts 2013, Höstsalong

and Edsvik Konsthall Sollentuna Sverige 2009.

Artworks are published in international art publications

in Finland, Bulgaria, China, England,

France, Germany, Italy, Portugal, Russia and the

USA. Paintings in public and private collections

in Finland, Austria, Bulgaria, Denmark, Egypt,

France, Germany, Italy, Malta, Portugal, Russia

and the USA.

Impressions and phenomenons of nature are sources

of her working. Also human life – ingood and

bad – is in the focus of her art. Over the past few

years she has made anti-war art against greediness

for money and violent oppression. These artworks

act as a comment on behalf of peace.

206


Päivyt Niemeläinen

Helsinki / Finnland

www.paivytniemelainen.fi

Birds had flown away

Mixed Media on Board

96 x 100 cm

2010

207


Doris Noeske

Doris Noeske

wurde auf dem „platten Land“ in Schleswig Holstein

geboren und wuchs in Elmshorn auf.

Ihr künstlerisches Leben begann sie mit der Herstellung

von Marionetten und keramischen Wandbildern.

Nach einigen Jahren der Wanderschaft

kam sie 2001 zurück in den Stuttgarter Raum, um

wenige Jahre später in ihrem eigenen Atelier am

historischen alten Leonberger Marktplatz eine alte

Heimat neu zu finden.

Ihre Acrylbilder spiegeln diesen langen Werdungsprozess

wider. Gerne nimmt sie Formen und

Farben in der Natur mit der Kamera auf und lässt

sich davon für ihre Bilder inspirieren. Sie hat sich

mittlerweile ganz der experimentellen, informellen

abstrakten Malerei verschrieben. Seit ein paar

Jahren bemalt sie auch Plexiglas, die als Stehlen

für die Außen- wie auch für die Innendekoration

gedacht sind.

Nr. 46

Acryl auf

Leinwand

60 x 90 cm

2019

Bei diversen Dozenten an verschiedenen Kunstakademien

hat sie die Vielfalt der Malerei sowie den

Umgang mit unterschiedlichen Materialien studiert.

Sie ist neben [KUN:ST] International Stuttgart

auch Mitglied der Malgruppe K-maeLeon Leonberg,

des Kulturforums Rutesheim und der Künstlergruppe

38/40 in Augsburg.

Nr. 47

Acryl auf

Leinwand

60 x 90 cm

2019

208


Leonberg / Deutschland

www.doris-noeske.com

Nr. 48

Acryl auf

Leinwand

120 x 100 cm

2019

Nr. 43

Acryl auf

Leinwand

120 x 100 cm

2019

209


Andrea Pachner-Bauer

Andrea Pachner-Bauer

beschäftigt sich seit 2004 sowohl mit gegenständlicher

Malerei als auch überwiegend mit der

abstrakten Acrylmalerei. Seit 2010 arbeitet sie ausschließlich

im Bereich der abstrakten Acrylmalerei.

Über ein Jahrzehnt hinweg, von 2004 bis 2014,

hatte sie Privatunterricht bei namhaften Dozenten

und setzte sich intensiv mit der Materie auseinander.

So fand sie ihren Malstil und erlernte die damit

verbundenen Techniken.

Abstrakt I

Acryl auf Leinwand

80 x 80 cm, 2012

Seit 2006 stellt sie regelmäßig in Einzel- und Gruppenausstellungen

aus. In den Jahren 2015 und 2016

belegte Andrea Pachner-Bauer bei der Art Company

einen einjährigen Intensivkurs in den Bereichen

Skulptur, Zeichnung, Druckgraphik, Kunstgeschichte

und Malerei mit erfolgreichem Abschluss an der

Freien Kunstakademie Esslingen.

Neben ihrer Mitgliedschaft im [KUN:ST] International

ist sie auch Mitglied in der Künstlergruppe

Palette Schramberg.

210


Esslingen / Deutschland

pachner-art@web.de

Abstrakt III

Acryl auf Leinwand

60 x 80 cm, 2013

Abstrakt IV

Abstrakt II

Acryl auf Leinwand

80 x 100 cm, 2013

Acryl auf Leinwand

60 x 80 cm, 2013

211


Ingrid Pfeffer,

geboren 1967 in Mosbach (Baden) - dort hat sie

auch ihr Atelier und ihren Wohnsitz. Sie arbeitet

als freischaffende Künstlerin und im Bereich Grafik

und Werbung.

Rebecca

Acryl auf Leinwand

100 x 80 cm

2015

Ingrid Pfeffer hat ihr Schaffen den „Farben der

Seele“ und der „Seele der Farben“ gewidmet.

Leuchtende, heitere Transparenz wechselt mit

dunklen, deprimierenden Tiefen. Ihre Farbexplosionen

sprengen das enge Korsett gängiger Malerei.

Mit Pinsel, Kohle und Kreide schaut sie ins Herz

des Dargestellten. Ihre Gemälde sind spannungsgeladen

und emotional, verbinden Gegensätze

zur Einheit. Durch kontrastreiche Farbgebung

erreicht sie Bildeindrücke, die magisch in ihren

Bann ziehen. Fotorealistische Details werden durch

Abstraktionen verstärkt. Es ist „das Bild hinter dem

Bild“, das Empfinden des Betrachters, „da ist noch

so viel mehr“. Es sind Geheimnisse, die sich offenbaren

und trotzdem unerklärbar bleiben.

Regelmäßige Mal-Aufenthalte im In- und Ausland

(Italien, Spanien, Portugal, Frankreich, Peru, Mexiko,

Kuba, China) sowie die Begegnung mit Menschen,

Natur und Kultur sind ihre Inspiration. Die

Künstlerin hatte bereits zahlreiche Ausstellungen

im In- und Ausland.

Flamenco

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 80 cm

2015

212


Ingrid Pfeffer

Mosbach / Deutschland

Siesta bei der Klippenkapelle

Senhora da Rocha

www.ingrid-pfeffer.de

Mischtechnik auf Leinwand

80 x 100 cm

2015

Havanna 2013

Acryl und Kreide auf Leinwand

100 x 80 cm

2015

213


Annegret Poschlep

Annegret Poschlep

Malen bedeutet für Annegret Poschlep die progressive

Umsetzung von Momentaufnahmen. Form,

Linie, Text, Bewegung, Musik, Duft oder doch nur

Farbe? Ausgehend von der sinnlichen Wahrnehmung

speichert sie Motive, die sie nach Bedarf über

schnelle Skizzen sichtbar werden lässt und im Work

in Progress in ihrer Malsprache ausarbeitet.

ease of being

Mixed Media auf Leinwand, 30 x 30 cm, 2018

Primär entstehen ihre Bilder mit Farbe und unterschiedlichsten

Malmaterialien wie Wachs, Lack,

Kla4Lack, Bitumen, Steinmehlen, Metalle und

Oxidationen, die es ihr im Bildaufbau ermöglichen,

Zwischenräume, Verkrustungen, Häutungen, Vergängliches,

Wiedergeburt, Fließendes aufzubauen,

zu zerstören und neu wiederzugeben. Es entwickelt

sich in Verbindung der Farbe, Form und Linie eine

Eigendynamik der Bildebenen, die sie zu einer

vollkommenen Bildkomposition führt.

Seit einer ersten Begegnung mit dem Maler Peter

Casagrande ist Annegret Poschlep vom Fluss der

Farben fasziniert. Diese Begeisterung lässt sie

nicht los und verführt sie immer wieder zu neuer

experimenteller Malerei. So entstehen immer

wieder Zyklen in Schütttechnik mit Pigment und

Lasuren, Fließtechnik mit ihrer eigenen Farbe

„Kla4Lack“ oder Floating-Paint mit Acryl und Öl.

„Die abgebildeten Werke sind aus der Werkreihe

„floating paint“ und entstanden 2017 und 2018 in

einem Bilderzyklus von ca. 40 Werken, die ich teilweise

mit Zeichnungen ergänzt habe.“

214


München / Deutschland

loneliness

Mixed Media auf Leinwand, 30 x 30 cm, 2018

www.annegretposchlep.com

215


Gaby Pühmeyer,

Gaby Pühmeyer

geboren 1954 in Stuttgart.

1996 bis 1998 Studium an der Fachhochschule für

Kunsttherapie Nürtingen, 1998 bis 2004 Studium

an der Freien Kunstakademie Nürtingen im Bereich

Figürliche Keramik bei Dora Vàrkonyi. Seit 2004

Keramikatelier Terra Cara in Esslingen.

Bei der Gestaltung ihrer Arbeiten lässt Gaby Pühmeyer

sich von der Welt der Mythen und Träume

und von der Natur inspirieren; ebenso von Symbolen,

die seit Jahrtausenden die Menschheitsgeschichte

begleiten. Als Material wählt sie Ton, da

er wie kein anderes Material geeignet ist, sich auf

vielfältigste Weise plastisch formen zu lassen. Alle

Objekte sind aus grob schamottiertem Ton aufgebaut.

Er verleiht der Oberfläche der Skulpturen

und Objekte eine lebendige Struktur.

Auch die Verwendung der Farben ist für sie von

großer Bedeutung. Vor allem verwendet sie Blau,

Türkis und Weiß, die Farben des Himmels, in

allen Schattierungen. Blau gilt als magische und

zauberische Farbe und kann so am besten dazu

beitragen, ihre Ideen zu transportieren.

Seit vielen Jahren beschäftigt sie sich mit dem

Thema Tier und Mensch, wobei das Verhältnis

des Menschen zu Tieren und zu seiner Umwelt ihre

Werke gerade in letzter Zeit vermehrt beeinflusst

hat. Tiere sind nicht nur im Außen für Menschen

wichtige Symbole, sie können auch wie in Mythen

und Märchen als Selbstdarstellungen seelischer

Prozesse verstanden werden.

Seelenfischerin

Keramik

94 cm, 2014

216


Esslingen / Deutschland

Standing

Keramik, 95 cm, 2013

Der goldene Fisch

Keramik

44 cm, 2016

www.objekte-aus-ton.de

217


Andrea Rathert-Schützdeller

Andrea Rathert-Schützdeller

Freischaffende Künstlerin, Dozentin für Freie

Malerei a. d. Freien Kunstakademie Gerlingen,

Malreisen bei „artistravel“, Kurse und Vorführungen

bei „boesner“. Gründung von „andreARS“ als

Kreativpunkt für Malerei und Projekte. Mitglied der

„Kreativen Klasse“ - Berufsverband Ruhr.

Die Intention der Künstlerin liegt in ihrer persönlichen

Auseinandersetzung mit den Erlebniswelten

und Erfahrungen ihres Unterbewusstseins und der

Realität.

Eine starre, reglementierte Vorgehensweise wird

bei ihr durch einen „flow“ von ständig erfolgenden

Entscheidungsprozessen ersetzt und führt zu Werken

mit harmonischen Farbklängen und symbolhaften,

gestischen Zeichnungen.

Deutlich figurativ zeigt sich Andrea Rathert-Schützdeller

in den Zyklen „FRAU/SEIN“ und „Begegnungen“,

da bei diesen Themen der für sie übliche

Ausdruck über Farbe, Form und Linie an die Grenzen

der eindeutigen Aussage stößt.

Der Satz „Bilder haben ein Äußeres und ein

Inneres, sie bergen Geschichten und geben der

Phantasie Raum“ beschreibt die Werke und die

Einstellung der Künstlerin und erklärt deren breiten

künstlerischen Ausdruck.

Grenzgänger 1

Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 70 cm

2016

218


Essen / Deutschland

Grenzgänger 2

Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 70 cm

2016

www.rathert-schuetzdeller.de

www.andrea-rs.de

Grenzgänger 3

Mischtechnik

auf Leinwand

70 x 70 cm

2016

219


Andrea Rathert-Schützdeller

FRAUSEIN Nr.4

Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2015

FRAUSEIN Nr.5

Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2015

220


Essen / Deutschland

FRAUSEIN Nr.6

Acryl auf Leinwand

100 x 100 cm, 2015

FRAUSEIN Nr.11

Acryl auf Leinwand

80 x 120 cm, 2015

221


Manuela Rathje,

Manuela Rathje

geboren in Kiel in Deutschland, lebt und arbeitet

als bildende Künstlerin in Flintbek in Deutschland.

Nachdem sie 30 Jahre als Bankkauffrau ihre Berufung

gefunden hatte, besann sich die Künstlerin

Manuela Rathje 2012 auf ihre Wurzeln, die bereits

in der Kindheit und später über den anfangs ausgeübten

Beruf als Bauzeichnerin deutlich in der

bildenden Kunst ihren Platz fanden.

Mittels autodidaktischen Studiums und Fortbildungen

baute sie auf der bereits vorhanden Affinität

zur Malerei auf und entwickelte schnell ihren unverkennbaren

Stil, der in einer Mischung aus Neoexpressionismus

und Realismus sowie unglaublich

ausdrucksstarken Farbkompositionen eine frische

Dynamik vermittelt, die es dem Betrachter leicht

macht, Zugang zu den teils tiefsinnigen Werken zu

finden.

Ein Schlüsselerlebnis, das heute die Arbeit von

Manuela Rathje stark prägt, ist die kunstpädagogische

Ausbildung 2012 zur Atelierista gewesen. In

ihrer Malerei wendet sie diese Form des Umgangs

mit der Förderung- dem prozesshaften Malens an

und gibt diese seit 2013 in ihrem Atelier Manou

an Jugendliche und Erwachsene weiter, um dem

Künstlerischen einen Raum zu geben.

Niara

Mischtechnik in Acryl, 100 x 100 cm, 2018

222


Flintbek / Deutschland

Blue

Nugget

Mischtechnik

in Acryl

140 x 100 cm

2018

www.ateliermanou.de

Nala

Mischtechnik

in Acryl

120 x 100 cm

2018

223


Sieglinde Rehm,

Sieglinde Rehm

geboren 1948 auf der Schwäbischen Alb, lebt und

malt in Leonberg und hat seit 1999 zusammen mit

einem Partner ein Bildhaueratelier in Korntal-Münchingen

in einem früheren Bauernhof. Parallel zu

ihren Tätigkeiten als Lehrerin und als Fachbereichsleiterin

in verschiedenen Volkshochschulen machte

sie eine Ausbildung zur Kunsttherapeutin.

Seit Jahren belegt sie Kurse bei renommierten

Künstlern an verschiedenen Kunstakademien, setzt

sich mit neuen Techniken und Methoden auseinander

und sucht und entwickelt so ihren eignen

künstlerischen Weg.

Die Arbeiten von Sieglinde Rehm befassten sich

lange sowohl als Skulpturen (Marmor, Sandstein,

Holz) und als Acryl-Collagen mit zeitkritischen,

sozialen und politischen Themen. In jüngerer Zeit

interessieren sie vor allem die Themen Menschen

in Bewegung und Landschaften mit weitem Blick.

Bei Nacht

Acryl, Kohle auf

Leinwand

70 x 50 cm

2016

224


Sieglinde Rehm

Leonberg / Deutschland

www.sieglinde-rehm-art.de

Orient – gestern und heute

Collage, Mischtechnik

43 x 61 cm, 2013

Die Wüste lebt

Acryl auf Leinwand

80 x 100 cm, 2018

225


Dr. Horst Reul

Dr. Horst Reul

wurde in Palling geboren. Er lebt seit 1972 in Illertissen.

Seit er denken kann, zeichnet und malt er. Studium

der Technischen Chemie (Dipl.-Ing.), der Wirtschafts-

und Sozialwissenschaften (M.A.), (Dr. phil.).

Er war freiberuflich als Bauchemiker und vereidigter

Sachverständiger. sowie als Hochschullehrer tätig.

Ab 1989 Fortbildung und Vertiefung seiner Fertigkeiten

an verschiedenen Kunstakademien und Workshops.

Seit 2014 arbeitet Dr. H. Reul professionell

als Kunstmaler. Schon seit seiner Jugend, fasziniert

ihn das menschliche Antlitz und die menschliche

Gestalt. Das Innere, das sich besonders im Auge

widerspiegelt, versucht er immer wieder zeichnerisch

und malerisch darzustellen. Das Wichtigste für ihn

ist das Sehen, das damit einhergehende Kommunizieren

und Erleben der Mitwelt. Dabei kommt dem

malerischen Zeichnen, der ästhetischen, handwerklich

sauberen Expressivität besondere Bedeutung

zu. In seiner Malerei setzt er sich nicht nur mit der

Faszination des Menschen in all seiner Schattierung

auseinander, sondern auch mit dessen Mitwelt und

Beziehungswelt. So kann zum Beispiel der Blick eines

Pferdes oder einer Kuh, aber auch die stets sich

ändernde Gestalt einer Wolke oder die Lichtspiegelung

auf der Oberfläche einer Quitte zum malerischen

Festhalten auffordern. Ein entscheidender

Aspekt seiner Arbeiten ist das Licht.

Er stellt seine Bilder in Einzel- und einer Vielzahl

von Gruppenausstellungen im In- und Ausland aus.

Verschiedene Ankäufe. Er ist u. a. Mitglied in den

Kunstvereinen Senden, Neu Ulm, der Künstlergilde

Ulm und in KUN:ST International, Stuttgart.

moment II

Pastell auf Papier

40 x 50 cm

2018

226


Illertissen / Deutschland

www.horst-reul.de

Quitten

Pastell auf Papier

60 x 80 cm

2018

227


Gesa Reuter

Gesa Reuter

In Norddeutschland geboren hat Gesa Reuter

schon immer eine enge Verbindung zu den Elementen

Wasser, Wind, Luft, Licht und nordische

Himmel verspürt. Sie malt diese Landschaften und

die Weite intensiv seit 1996, wobei die abstrakten

Landschaften für sie keine zwingend real existierenden

Landschaften sein müssen sondern vielmehr

innere Landschaften, Gefühle, Stimmungen

und Emotionen abbilden.

Die Abstraktion dient dabei der Verdichtung des

Gefühlten und des Wesentlichen und soll den Betrachter

anregen, eigene Stimmungen und Gefühle

wahrnehmen zu dürfen.

Seit einigen Jahren beschäftigt sie sich schwerpunktmäßig

mit Aquarell- und Gouachetechniken,

da das Malen in dünnen wässrigen Schichten den

Bildern eine spezielle Leichtigkeit und viel Licht

gibt, Schichten scheinen durch und ergänzen sich

in der Gesamtwirkung und sorgen für Tiefe und

Vielschichtigkeit.

Gesa Reuter stellt seit 2016 im In- und Ausland

aus, hat bereits Sammler in Deutschland, Europa,

Canada, USA, ist in öffentlichen Sammlungen vertreten

und für Kunstpreise nominiert worden. Sie

ist Mitglied der DAG, 2019 war sie Gewinnerin des

Ostsee-Stipendiums des Vereins für Meereskultur

im Kunsthaus Stove.

Baltic Night

Aquarell auf Papier

24 x 40 cm

2019

228


Detmold / Deutschland

www.gesareuter.art

And the Day bleeds

into Nightfall

Aquarellmischtechnik

auf Papier

50 x 64 cm

2019

229


Martina Rick,

geboren und aufgewachsen in Düren in Nordrhein-Westfahlen,

lebt sie mit ihrer Familie seit

1994 in Nordstemmen im Landkreis Hildesheim.

Seit 2004 arbeitet sie als freischaffende Künstlerin

und seit einigen Jahren auch als Dozentin in der

Erwachsenenbildung der VHS Hildesheim. Im Juni

2014 gründete sie das „Kunsthaus Nordstemmen“

und 2015 den gleichnamigen Kunstverein.

Martina Rick

Impulse

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 80 cm

2016

Martina Ricks Bilder werden in einem intensiven

und spontanen Prozess erarbeitet. Sie wachsen

quasi Schicht für Schicht und es entsteht eine

Tiefe, ähnlich einer dritten Dimension, die auch

haptisch erfassbar ist. Die entstandenen strukturellen

Farbinformationen kommunizieren auf mehreren

Ebenen und sind doch mit den momentanen

Gedanken und Emotionen prall gefüllt.

Jedes Bild, jede aufgetragene oder wieder abgetragene

Farbschicht, spiegelt das Leben mit all

seinen Facetten wider. Schicht für Schicht „wachsen“

spannungsgeladene und kraftvolle Bilder.

Dabei wird auch mit stark abstrahierten Schemen

und „Zeichen“ gearbeitet, die immer nur Spuren

ans Tageslicht kommen lassen.

230


Nordstemmen / Deutschland

Shadows on the wall

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 100 cm

2015

www.mrick-art.de

Ohne Titel

Ohne Titel

Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 120 cm

2016

Mischtechnik

auf Leinwand

100 x 120 cm

2016

231


Elisabeth Röder

Elisabeth Röder

lebt und arbeitet in Augsburg als freie Künstlerin,

ist Mitglied im BBK-Schwaben-Nord und Augsburg,

[KUN:ST] International, KV Aichach und KV

Bobingen.

Landmanalaugar

Mischtechnik auf Leinwand

90 x 90 cm, 2016

Seit 2000 stellt sie ihre Werke in Einzel- und Gruppenausstellungen

in Deutschland, im europäischen

Ausland und USA aus. Mehrfach erfolgten

Ankäufe von Arbeiten durch die öffentliche Hand.

„Mein kreatives Arbeiten gibt mir die Freiheit, das

zum Ausdruck zu bringen, was ich mit meiner Seele

höre, mit meinem Herzen denke und mit meinen

Augen fühle. Leben eben!

Durch die langjährige Erfahrung habe ich mir die

Fähigkeit erarbeitet, mich und meine künstlerische

Position zu begreifen und immer wieder neu zu

finden. Farbe ist der direkte Weg zu Gemüt und

Emotionen und ein unverzichtbares Medium sowohl

in meiner Malerei als auch in der Druckgrafik.

Der Bildraum auf Leinwand wird zur Bühne von

bewusstem Dasein, Veränderung, Werden und

Wachsen und geheimnisvoller Wirklichkeit. Im

Malprozess verwandeln sich Erlebnisse und Erinnerungen

in facettenreiche neue Farbräume, die

sowohl an gewaltige als auch an stille Naturereignisse

erinnern und in neue Welten entführen.

Dabei entstehen Arbeiten, die etwas Rätselhaftes

enthalten, das dem Betrachter viel Raum für seine

persönlichen Interpretationen lässt.“

232


Augsburg / Deutschland

Sulfatar

Mischtechnik auf Leinwand

70 x 60 cm, 2016

www.elisabeth-roeder.de

Floating lava

Mischtechnik auf Leinwand

90 x 90 cm, 2016

233


RoFabér,

gebürtiger Arnstädter (Thüringen), studierte an

der School of Applied Arts Heiligendamm, an der

Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig - Academy

of Visual Arts und war Gaststudent an der

Burg Giebichenstein University of Art and Design

Halle. Seit seiner freischaffenden Tätigkeit beteiligte

er sich an Ausstellungen im In- und Ausland

und wurde durch Preise und Stipendien gefördert.

Seine Werke befinden sich in privaten Sammlungen,

Institutionen, Unternehmen, Konzernen und

Museen. RoFabér ist kein Künstler im konventionellen

Sinn. Er unterwirft sich keinem Stil, keinem

Markenzeichen. In seinen Arbeiten, die immer eine

Gratwanderung zwischen Abstraktem und Konkretem

sind, bleibt er frei und unabhängig. So sucht

er ständig nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten

und Techniken in den Bereichen der Zeichnung,

der Grafik, der Malerei und der Fotografie. Um

Geschehnisse, Empfindungen und Beobachtungen

aus dem Unterbewusstsein freizusetzen, dienen

Filme, Bücher, Fotos, Dinge der Werbebranche,

des täglichen Lebens und Eindrücke von Reisen

sowie die Begegnung mit Menschen als Inspirationsquelle.

Seine künstlerischen Werke faszinieren

den Betrachter, vermitteln Spannkraft, Expressivität,

psychologische Tiefe und Nachdenklichkeit.

Trotz aller Widersprüchlichkeit sind seine Werke

im Grundgedanken inhaltlich und technisch durch

eine Geschichte vereint - die des komplizierten

Umwegs, einer Mehrdeutigkeit und Wiederholung

der Geschichte der Welt - einer Welt, in der Nichts

endgültig ist.

The flight of the sun

Implikationscollage, Giclée Fine Art Print KODAK

Photopapier, AluDibond, 120 x 100 cm, 2016

234


RoFabér

Leipzig / Deutschland

info@rofabeer.com

The lady of the dictator

Implikationscollage, Giclée Fine

Art Print KODAK Photopapier,

AluDibond, 120 x 100 cm, 2016

Broadway-Melody

Implikationscollage, Giclée Fine

Art Print KODAK Photopapier,

AluDibond, 120 x 100 cm, 2016

235


Gabriele Rostan

Gabriele Rostan

Malen ist für mich Kreativität mit allen Sinnen,

ein Spiel mit Form und Farbe, Neugierde auf das

Abenteuer mit bildnerischen Techniken und experimentelle

Lust. Nach Jahren der gegenständlichen

Malerei bevorzuge ich nun die Abstraktion, immer

auf der Suche nach neuen Wegen beim freien

Gestalten.

Nicht eingeengt sein, mich einlassen auf verschiedene

Techniken und Materialien, Fragmente und

Teile zusammenfügen zu einem sinnvollen Ganzen

- wenn das Ziel unbekannt ist, bin ich frei für

Überraschungen. Ausprobieren, Neues hinzufügen

und wieder wegnehmen, spielerisches Gestalten

im Dialog mit meinem Bild bis zur Fertigstellung.

Spannend sind für mich ungewöhnliche Kombinationen

ganz verschiedener Materialien wie Erden,

Asche, Zement, Rost, Bitumen, handgeschöpfte

Papiere, Stoffe, Naturfarben.

Was vermag Abstraktion heute noch zu leisten?

,, ...Wir werden keine Welt gestalten und wollen es

auch nicht direkt. Sich gestalterisch denkend zu

bewegen genügt fürs Erste, vielleicht wird etwas

Neues daraus ... als Selbstläufer, in der Hoffnung,

dass es auch schön aus dem Ruder läuft und wunderbare

Bastarde bildet.“

Zitat: Bernd Ribbeck, Berlin

Das Eis wird

schmelzen

Mischtechnik

Acryl, Zement,

Sand, Bitumen

auf Leinwand

100 x 80 cm

2015

236


Untereisesheim / Deutschland

www.gabriele-rostan.de

Deep Blue

Mischtechnik

Acryl, Sand,

Asche, Bitumen

auf Leinwand

120 x 100 cm

2015

237


Anne Ruffert,

Anne Ruffert

Lehrerin, lebt und arbeitet in Köln und ist seit

2016 Mitglied im Co-Atelier in Köln und anderen

Netzwerken.

Sie lässt Holzrinden und Äste in einem anderen

Kontext neu erscheinen. Die ansonsten unbeachteten

Holzstücke strahlen ihre ureigene Schönheit

wieder aus. Zusammen mit anderen Naturmaterialien

geben sie Acrylbildern eine neue Ausdruckskraft

und zeigen eindrucksvoll ihre vorhandenen

und bisher vielleicht weitgehend unbeachteten

Oberflächenformen.

Die von der Künstlerin bei der Malerei verwendeten

Naturmaterialien und Naturtöne verdeutlichen

zudem die Erdverbundenheit dieser Materialien

und verleihen dem Betrachter konkrete Interpretationsmöglichkeiten

für die abstrakten Bilder.

Weitere Interpretations- und Gestaltungsmöglichkeiten

der Natur setzt sie in Holzskulpturen und mit

Fotografien durch besondere Farbgebungen und

Kontraste um.

Ihre Kunstwerke bleiben meist ohne Titel, der Betrachter

soll selbst entscheiden, was er sieht.

Baumrinde

Foto auf

Aludibond

60 x 50 cm

2018

238


Köln / Deutschland

www.anneruffert.com

Sturm

Mischtechnik

mit Holz auf

Leinwand

120 x 80 cm

2018

Fließend

Mischtechnik

auf

Leinwand

60 x 100 cm

2017

Eiswald

Mischtechnik

auf Leinwand

75 x 115 cm

2017

239


Kirsten Schankweiler

Kirsten Schankweiler

Die Natur in ihrer unendlichen Vielfalt ist für Kirsten

Schankweiler Inspiration und Ideengeber für ihre

abstrakten Arbeiten. In einem intuitiven Prozess

entstehen ihre Werke: Schicht für Schicht aufgebaut,

umgewandelt, experimentell bearbeitet und

abstrahiert. Mit Collagen, flüssigen und pastosen

Acrylfarben in Kombination mit Materialien wie

Sand, Nussschalen, Lacke, Steinmehle, Pigmente

entstehen vielschichtige Kompositionen mit Struktur

und Tiefe.

Die Künstlerin über ihre Werke:

„Bilder zu malen, die Harmonie und eine angenehme

Atmosphäre mit positiver Energie ausstrahlen

ist mein Bestreben. Mein Ziel ist ausdrucksstarke

Werke zu schaffen, die den Betrachter berühren

und ihn auch noch nach langer Zeit Neues entdecken

lassen. Kompositionen, die die Fantasie

anregen, dem Betrachter Raum für eigene Interpretation

lassen.”

Kirsten Schankweiler wurde 1975 in Limburg/Lahn

geboren. Das Interesse an der Malerei und der

Kunst an sich begleitete sie schon von Kindesbeinen

an. Von 2009 bis 2013 studierte sie in Mainz

Malerei. Seit dem ist sie als freischaffende Künstlerin

tätig und nimmt regelmäßig an Workshops

zur Weiterbildung teil. Seit 2013 präsentiert sie ihre

Werke in ihrer eigenen Galerie, der galerie mainz

(www.galeriemainz.de) in der Mainzer Altstadt.

Herbstliche Landschaft

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 100 cm

2017

240


Mainz / Deutschland

Swing of Nature

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 200 cm

2015

www.kirstenschankweiler.de

241


Christine Schenk

wurde in Graz geboren, studierte in Wien Handelswissenschaften

(seit 2014 in Graz Jus) und führte

eigene Unternehmen. Gleichzeitig pflegte sie ihre

musische Begabung (mit 7 Jahren 1. Solo- u. Orchester-Konzert

unter Prof. Liebminger, ab 15 unter

Prof. Leo Preis, Prof. Sophie Roler, Univ. Prof. Dr. Sir

Karl Haidmayer) sowie ihre gestalterische Begabung

intensiv und hatte 1995 über den international

anerkannten Grazer Maler Prof. Peter Richard

Oberhuber ihre ersten Kontakte mit expressionistischer

Kunst. In praktisch zwei Leben mussten auf

der einen Seite immer wieder wechselnde existenzille

Anforderungen bewältigt werden, dazu das

Familienleben, das u. a. auch aufs diplomatische

Parkett führte, während auf der anderen Seite die

Vita ein ebenso engagiertes künstlerisches Engagement

und spannende Entwicklungen aufzeigte.

Christine Schenk lebt und arbeitet in Graz und

temporär immer wieder in Wien.

Die Künstlerin dokumentiert auf ihre ganz eigene

Weise zeitkritische, aber auch sehr subtile, intime

Lebensumstände, die ihren expressionistischen Arbeiten

mit surrealen Elementen einer besonderen

Dramaturgie unterwerfen. Das Auf und Ab unseres

Lebens prägt uns, verändert uns. Das tragende

Element aber bleibt eine letztlich positive Sichtweise,

die es uns möglich macht mit allen Lebensumständen,

wie sie auch sein mögen, umzugehen.

Christine Schenks Arbeiten sind neben Österreich

weitläufig international vertreten. Sie hat zwischen

1995 und 2011 an vielen TV-Präsentationen in

Österreich und Serbien mitgewirkt.

Christine Schenk

Seeteufel

Öl auf Leinwand

50 x 60 cm, 1997 Alle Fotos ®Kipper

242


Graz / Österreich

christinemschenk@gmail.com

Kopflos mit Klopfkopfgangart

Öl auf Leinwand

80 x 60 cm, 2016

African-Life

Öl auf Leinwand

80 x 60 cm, 1996

Verhinderung

Öl auf Leinwand

120 x 80 cm, 2000

243


Marlis G Schill

Marlis G Schill

geboren in der DOCUMENTA-Stadt Kassel, kommt

nach Studien- und Arbeitsaufenthalten in Frankfurt/Main,

Paris und Straßburg 1990 nach Stuttgart,

wo sie als freiberufliche Künstlerin lebt.

Nach mehrjährigem Studium an Freien Kunstakademien

widmet sie sich neben der Öl- und Acrylmalerei

vor allem dem Holzschnitt und der Radierung.

Dabei ist es ihr wichtig, alle Arbeiten im Eigendruck

und ausschließlich als Unikate zu erschaffen.

Zwei scheinbar diametral entgegengesetzte

Themen bestimmen Leben und Werk der Künstlerin:

Zum einen VERWURZELUNG, zum anderen

UNTERWEGS SEIN. Für Marlis G Schill ist das eine

ohne das andere nicht denkbar.

Seit vielen Jahren stellt die Künstlerin national wie

international erfolgreich in Galerien und auf Messen

aus, so z.B. New York (2019); ART Karlsruhe,

ARTe Sindelfingen, Budapest, Frankfurt/Main,

Lausanne (2018); Berlin, Luxemburg, Köln, San Sebastian

(2017), Mailand, Straßburg, Stuttgart (2016).

Galerievertretung: Galerie m beck, Homburg /Saar.

Arbeiten der Künstlerin befinden sich in privaten

Sammlungen in Frankreich, USA und Deutschland.

Die Erlöse aus ihren Arbeiten fließen regelmäßig in

Kinderhilfsprojekte.

Herbstlicht

Aquatinta,

Kaltnadel

Radierung

auf Bütten

Aufl. 1 Ex.

36 x 32 cm

2017

Morser

Impressionen

No 4

Holzschnitt

Unikat

Handabzug

35 x 50 cm

2018

Arboretum 2

Aquatinta,

Kaltnadel

Radierung

auf Bütten

Aufl. 1 Ex.

36 x 32 cm

2017

244


Stuttgart / Deutschland

www.marlisgschill.de

Erlkönigzyklus

No 1

Holzschnitt

Unikat

Handabzug

45 x 35 cm

2018

Weites Land

Öl auf Leinwand

80 x 60 cm

2018

245


Marlis G Schill

Vereinzelt Schauern

Öl auf Karton

40 x 80 cm, 2018

246


Stuttgart / Deutschland

In meinem Revier

Acryl, Collage auf Bristol

50 x 70 cm, 2018

247


Ruth Schleeh

ist bereits seit mehr als 25 Jahren als freischaffende

Künstlerin tätig. 1986 markiert den Beginn ihrer

künstlerischen Arbeit. Damals verband sie ihren

mehrjährigen Aufenthalt in Belgien mit ersten

künstlerischen Studien in Kohle und Aquarell. Zurück

in Deutschland nahm sie mehrjährigen Privatunterricht.

Schnell entwickelte sie ihre eigene,

unverkennbare Technik.

Nr. 95

Mischtechnik auf Leinwand, 120 x 100 cm, 2015

Ihre zumeist großformatigen, unverkennbaren Werke

sind eine Komposition aus Flächen, Farben und

Linien, die den Betrachter oft in das Bild hineinziehen

und ihn eher nachdenklich stimmen.

Über ihre Motivation zu malen, sagt sie selbst:

„In vielen Schichten trage ich Farbe auf und auch

wieder ab, um dann in der weiteren Bearbeitung

wieder Ruhe in das Bild zu bringen. Bilder als Spiegel

gelebten Lebens, nicht gefällig, sondern vielschichtig.

Vielschichtig wie das Leben selbst. Jede

Übermalung stellt die vorangegangene Schicht in

Frage, was eine ständige Auseinandersetzung zur

Folge hat. Großflächige Formen stehen in Kontrast

zu kleinteiligen Linien.“

Ruth Schleeh stellt Ihre Werke seit vielen Jahren

auf nationalen und internationalen Ausstellungen

und Kunstmessen aus - so z.B. in 2015 auf der Art

Innsbruck, der Berliner Liste, der Art International

in Zürich und in 2016 auf der ARTe Stuttgart und in

der Galerie Kunstraum Wien.

248


Ruth Schleeh

Renningen / Deutschland

www.ruth-schleeh.com

Nr. 79

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 120 cm, 2016

249


Gisela Schleicher

Gisela Schleicher

In den 80ern entdeckt sie die Malerei als Kraftquelle

für sich und sie wird ein fester Bestandteil in

ihrem Leben. Ihr Interesse gilt der abstrakten und

informellen Kunst. In Kursen und an Kunstakademien

erlernt sie Techniken und verschiedene Herangehensweisen.

Dann studiert sie an der Akademie

für Kunst in Lahr und seit 2005 arbeitet sie in ihrem

Atelier in Freiburg.

Gisela Schleicher arbeitet überwiegend mit Acrylfarben

in Mischtechnik, bei der verschiedenen

Materialien in das Bild eingearbeitet werden.

Die Erfahrung, dass sich durch die intensive Korrespondenz

zwischen ihr als Künstlerin und der

Leinwand ungeahnte Räume öffnen, machte sie

mutiger.

Sie selbst sagt:

„Als ich aufhörte, immer nur schöne Bilder malen

zu wollen, tat sich ein Tor auf. Mit Mut und Neugierde

betrat ich immer wieder einen neuen Raum.

Ich begriff, dass meine künstlerische Entwicklung

aus einer Reihe nicht endender Lebensräume

besteht. Viele habe ich bereits hinter mir gelassen,

viele unentdeckte liegen vor mir. Ich bin eine Suchende,

immer wenn ich einen dieser Räume verlasse,

tut sich ein Neuer auf. Dies fasziniert mich,

daraus schöpfe ich mein kreatives Potenzial, meine

Leidenschaft und mein Schaffensdrang.“

landscape red

Acryl, Collage auf Leinwand

100 x 120 cm

2018

250


Freiburg / Deutschland

landscape grey

Acryl, Collage auf Leinwand

50 x 150 cm

2017

www.gisela-schleicher.de

251


Henny Schlüter

wurde in Neustrelitz geboren. Sie studierte in München

Betriebswirtschaftslehre und Architektur und

begann parallel zum Beruf mit der Malerei. Nachdem

sie sich viele Jahre mit fast allen Kunsttechniken

befaßt hatte, arbeitet sie heute ausschließlich

mit Papier als Malmedium. Maluntergrund ist die

Leinwand, weil sie Festigkeit gibt und die Farben

strahlen läßt.

Papier erscheint zunächst profan, offenbart aber

bei intensivem Arbeiten mit ihm vielfältigste Eigenschaften,

die der Künstlerin völlig neue Möglichkeiten

für ihre Kunst eröffnet haben.

B-1 (Serie Galaxy)

Malerei mit Papier

auf Leinwand

80 x 80 cm

2016

Henny Schlüter

Sie entwickelte besondere Techniken für die Behandlung

und Anwendung der Papiere und hatte

so eine neue Bildsprache zur Verfügung. Durch die

Verwendung eines gewöhnlichen Materials für einen

ungewöhnlichen Zweck kann sie sich auch ihr Anliegen

erfüllen, mit ihrer Kunst neue Wege zur Befreiung

von konventionellen Sehweisen aufzuzeigen.

Seit 2009 stellt Henny Schlüter regelmäßig national

und international aus. Ihre Arbeiten wurden u. a.

bereits präsentiert in London, Wien und Barcelona,

auf der ART Innsbruck, 2017 auf der XI. Florence

Biennale in Florenz, 2018 im Salon d‘Art Caroussel

du Louvre in Paris.

B-3 (Serie Galaxy)

Malerei mit Papier

auf Leinwand

80 x 80 cm

2016

252


Planegg / Deutschland

www.hennyschlueter.de

Japanese Affairs

Cai Piranha

Malerei mit Papier auf Leinwand

100 x 50 cm, 2017

Malerei mit Papier

auf Leinwand

100 x 80 cm

2017

253


Betty Schmidt

Betty Schmidt

1951 in Meinerzhagen geboren, ist zeit ihres Lebens

Autodidaktin. Nach langjähriger Arbeit im

EDV- Bereich, der nur durch Wahr-Falsch, Schwarz-

Weiß geprägt ist, sehnte sie sich nach Farbe. Dies

war der Beginn ihrer künstlerischen Tätigkeit. Sie

begann im Jahr 2000 mit der Malerei, besuchte

Workshops bei namhaften internationalen Künstlern

und treibt stetige Weiterbildung.

Seit 2012 ist ihr künstlerischer Schwerpunkt die

„gestische Fotografie“, die sie ständig verfeinert.

In der Fachsprache heißt die Technik „Intentional

Camera Movement“, also bewusstes Bewegen

der Kamera während der Belichtungszeit. Durch

die lange Belichtungszeit, gepaart mit gestischen

Bewegungen des Körpers lösen sich Konturen auf,

verschmelzen miteinander, es entstehen „gemalte

Bilder“ in der Kamera.

Die Utensilien eines Malers sind Pinsel, Farben und

Malgründe. Bei Betty ist die Kamera der Pinsel.

Der Auftrag und das Mischen der Farben ihre

Körperbewegung und ihr Malgrund ist das, was sie

als reale Wirklichkeit mit eigenen Augen entdeckt.

Ihre Bilder werden auf einer hochwertigen Leinwand

gedruckt und auf Keilrahmen aufgezogen,

um den malerischen Eindruck der Fotografie zu

unterstützen.

Sweet Carolina

gestische Fotografie

80 x 120 cm

2018

254


Greene / Deutschland

www.betty-schmidt.de

Licht und Schatten

gestische Fotografie

80 x 120 cm

2018

255


Elena Schmidt

studierte Malerei an der Freien Kunstschule

Stuttgart und an der EKA Trier. Seit 2004 arbeitet

sie mit benutzten Teebeuteln und Teefiltern -

einem Abfallprodukt. Man kann die Arbeiten von

Elena Schmidt als „Upcycling-Kunst“ bezeichnen.

Elena Schmidt

Cheryl

Teefiltercollage

Mixed Media auf Leinwand

60 x 60 cm, 2016

Tee findet sich in allen Weltkulturen, ist Heil- und

Gesundheitsmittel und sorgt für Wohlbefinden an

Körper und Geist. Jeder benutzte Filter zeigt in

sich ein Wechselspiel von Entstehen und Vergehen,

Veränderung und Altern auf. Jeder Filter ist

ein Unikat in Farbe, Struktur und Transparenz. Bei

den Portraits bildet die Teefiltercollage eine Art

„Schutz-Haut“, die dem jeweiligen Portrait Identität

und Einzigartigkeit verleiht. Die Werkreihe

„Let‘s play together“ vereint etwa 30 Portraits von

Kindern unterschiedlichster ethnischer und religiöser

Herkunft. Die Werkreihe „Emotionen“ verfolgt

die Frage nach der Würde im Alter.

Elena Schmidt arbeitet als Dozentin für Kinder und

Erwachsene. 2014 und 2015 wurde sie im Rahmen

des Ezbet Community Centre Development Project

(DAAD gefördert) nach Kairo/Ägypten eingeladen,

um Kinderkunst-Projekte zu planen und

durchzuführen.

Regelmäßige Einzelausstellungen, Ausstellungsbeteiligungen

und Teilnahme an Kunstmessen im

In- und Ausland seit 1996. 2005 erhielt sie den

Kunstpreis der Herrenberger Kunsttage, 2013 den

Publikumspreis der Ausstellung „Auferstehung“

im Kloster Hegne in Allensbach.

256


Hildrizhausen / Deutschland

Fatma

Teefiltercollage

Mixed Media auf Leinwand

60 x 60 cm, 2016

Maha

Teefiltercollage

Mixed Media auf Leinwand

60 x 60 cm, 2016

www.elena-schmidt.de

257


Georg H. Schmidt

Georg H. Schmidt

Farben und Formen als eigenständige Symbole/

Chiffren unserer Welt beschäftigen ihn seit frühester

Jugend: zunächst realistisch, später gestisch,

expressiv und intuitiv arbeitend. Farben und

Formen begreift er als materielle und immaterielle

Erscheinungen, die Emotion und Ratio gleichermaßen

spiegeln. In den letzten Jahren erforschte

er mit seinen Bildern den abstrakten Farbraum in

seinen Tiefendimensionen, gestaltet durch die optisch-räumlichen

Wirkungen der Farbe. Sein Ziel ist

es, eine dynamische Balance zwischen Farben und

Formen herzustellen, um das Auge des Betrachters

zu Erkundungen im Bildraum einzuladen.

Farben sind für ihn wie Musik. Sie haben ihre

eigene Schwingung und ihren eigenen Klang. Im

kreativen Flow fühlt er sich wie ein Dirigent, der

das Zusammenspiel aller Gestaltungselemente

reflektiert und optimiert. Dann entsteht ein Energiefluss,

der positive Gefühle transportiert. Diese

positive Energie in seinen Bildern dem Betrachter

zu vermitteln, ist das Ziel seiner Arbeit.

Blue

Motion

Acryl auf

Leinwand

60 x 50 cm

2019

258


Düsseldorf / Deutschland

www.farben-formen.com

Kubisch

Acryl/Ölkreide auf Leinwand

80 x 80 cm

2019

259


Gertrud Schneider,

geboren in Hermannstadt, Rumänien, Siebenbürgen,

lebt und arbeitet seit über 30 Jahren in Stuttgart.

Gertrud Schneider

www.gertrud-schneider.de

Ihre Bilder offenbaren Motive in einem Grenzbereich

zwischen gerade noch Erkennbarem und dem

weiten Feld des Irrationalen. Greifbar nahe ist die

erinnerte und gefühlte Natur. Die Ruhe und Friedfertigkeit,

den Zauber der Natur hervorzuheben schafft

sie durch Überlagerungen von Farbflächen in miteinander

harmonierenden Farbtönen. Das Einarbeiten

von Strukturen der unterschiedlichsten Art formen

das Bild und spannen den Bogen zwischen vermeintlicher

Realitätsspieglung und purer Imagination.

Die eigene sinnliche Wahrnehmung des Erlebten

und Gesehenen, durch positive Energien getragen,

fließt in die Bildgestaltung mit ein.

Die Arbeiten entwickeln sich im Laufe ihres Entstehungsprozesses.

Es sind dynamische Prozesse, in

denen Gertrud Schneider ihren Bildern Freiheit und

Spontaneität verleiht. Verschiedenste bildnerische

Techniken, wie Acryl- oder Ölfarben, als Lasur oder

in pastoser Form, werden mit zum Teil natürlichen

Materialien zusammengeführt. Jeder Moment wird

an der Leinwand ausgelebt und eingefangen. Eine

generierte Ästhetik des Lebendigen und Assoziativen

offenbaren dem Betrachter ein Erlebnis emotionaler

Ungebundenheit. Das Figürliche, Wirkliches

und Unwirkliches können entdeckt, gespürt und

durch die eigene Wahrnehmung erklärt werden. Seit

2007 zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen.

Konnex I

Öl auf Leinwand

80 x 120 cm

2015

260


Stuttgart / Deutschland

Im Fluss I

Mischtechnik auf Leinwand

40 x 40 cm

2016

Nordsee I

Mischtechnik auf Leinwand

50 x 100 cm

2016

Strömungen

Mischtechnik auf Leinwand

50 x 70 cm

2016

261


Petra Schoch

Petra Schoch

Seit über 20 Jahren setzt sich Petra Schoch mit

verschiedenen Techniken und Materialien intensiv

auseinander.

Auf der Leinwand entstehen Werke experimenteller

Acrylmalerei zwischen leuchtender Farbigkeit und

bewusster Reduktion. Durch Weiterbildungen bei

namhaften Künstlern und in freien Kunstakademien

sowie durch Autodidaktik erlernte die zertifizierte

Mal- und Ausdruckstherapeutin neue Sichtweisen

expressiven Schaffens. Zahlreiche Schichten von

Farbkombinationen bis hin zum pastosen Materialauftrag

prägen ihre Bilder.

Der Tag...Du bist erwacht

Mischtechnik auf Leinwand

40 x 120 cm

2017

In ihrem ‚Zentrum für kreative Lebensgestaltung‘

begleitet Petra Schoch die Teilnehmer durch einen

intuitiven Malprozess. Dieser ist geprägt von Stimmungen

und Gefühlen jedes einzelnen Teilnehmers.

Die Künstlerin genießt selbst diese freie Ausdrucksmöglichkeit.

Wie ein Neubeginn, eine Geburt, eine

tiefe Verbundenheit mit dem eigenen Sein, folgt sie

in ihren Werken dem, was sich im Entwicklungsprozess

zeigt. Emotionen und Gedanken spiegeln sich

in ihren Bildern wider.

Seit 1999 nimmt die Künstlerin regelmäßig an Einzel-

und Gruppenausstellungen teil. Darüber hinaus

fertigt sie Auftragsarbeiten von Firmen und Privatkunden

aus dem In- und Ausland an.

262


Nordheim / Deutschland

www.kreativraum-nordheim.de

Morgentau

Mischtechnik auf Leinwand

80 x 120 cm

2017

263


Dietmar Schönherr

ist 1960 in Weingarten geboren, lebt und arbeitet

in Hechingen, am Westrand der Schwäbischen Alb,

rund 60 km südlich von Stuttgart. Dort betreibt

er das Atelier am Turm, ein ehemaliges Ladengeschäft,

das als Werkstatt und Ausstellungsraum

dient.

Dietmar Schönherr

Nach dem Kuss

Mischtechnik auf Leinwand

60 x 60 cm, 2016

Seit 1992 ist er wieder künstlerisch tätig, zunächst

mit Zeichnungen und Aquarellen, später mit Acryl,

experimenteller Malerei und Druck. Schwerpunkt

seiner aktuellen Arbeiten sind Malerei und Druckgrafik

zum Thema Köpfe und Körper, entfremdet,

skurril, teils expressiv, teils surrealistisch.

Es sind Bilder mit Köpfen von Frauen und Männern,

von Paaren, die sich lieben, sich suchen, sich nah

sind und innerlich doch weit weg, sich fremd sind

oder entfremdet haben, gefangen sind in Beziehungen,

Konventionen oder der eigenen Fantasie.

Ihn inspirieren Gesichter, Gesichter aus der Straßenbahn

oder beim Einkaufen, aus Illustrierten

oder Filmen und meist sind es die ungewöhnlichen,

auffallenden, nicht gängig schönen Gesichter,

die ihn zu einem Bild anregen. Die Köpfe sind

unter den Aspekten Liebe, Verträumtheit und

Intimität, Sehnsucht und Suche nach Wärme versus

Schuldzuweisung und Anklage, Resignation und

Abwehr, gar Verachtung und Geringschätzung des

Partners oder Distanz zu betrachten.

Die dazugehörigen Titel der Bilder verstärken

diesen Eindruck und hinterlassen Fragen beim

Betrachter oder lösen diese auf.

264


Hechingen / Deutschland

Gras drüber

Acryl auf Holz

90 x 60 cm, 2015

www.schoenherr-kunst.com

Augenmaß

Acryl auf Holz, Tapete

74 x 94 cm, 2014

Das doppelte

Lottchen

Acryl auf Holz

60 x 80 cm, 2013

265


Andrea Schwery

Kunst mal anders

wurde 1984 in Wilhelmshaven geboren.

Sie malt schon seit ihrer Kindheit. Jedes bisschen

Taschengeld trug sie in den nächsten Laden, der

Malutensilien führte.

Seit 2013 lebt und arbeitet sie als freischaffende

Künstlerin in Wil, im Kanton Sankt Gallen in der

Schweiz.

Seit Oktober 2017 kann sie im eigenen Atelier

arbeiten.

Sie hat schon auf einigen Ausstellungen mit ihren

Werken glänzen können. Einzusehen sind diese auf

ihrer Website.

Ihr Motto lautet: Kunst ist Ansichtssache.

Im privaten Leben ist sie verheiratet und hat vier

Kinder.

Ausser-Irdisch

Künstlerstift auf Aquarellpapier

50 x 65 cm

2018

266


Wil / Schweiz

Offengelegter Verrat

Warum Anders?

Künstlerstift auf Aquarellpapier

Künstlerstift auf Aquarellpapier

50 x 65 cm

41 x 51 cm

2018 2018

www.kunstmalanders.wordpress.com

267


Gabriele Seitz

Gabriele Seitz

geboren 1951 in Furth im Wald, lebt in Radebeul.

Nach einer Lehre als Zahnarzthelferin, den Studien

der Wirtschafts- und Erziehungswissenschaften

und der Religionspädagogik arbeitet sie vorrangig

als künstlerische Fotografin. Sie ist Gründungsund

Vorstandsmitglied des Radebeuler Kunstvereins,

Mitglied im BBK, in der VG BILD-KUNST, in

Foto-Foren und KünstlerInnengruppen wie der

GEDOK Leipzig. Sie hat Einzel-, Gruppen- und Preisausstellungen

im In- und Ausland ausgerichtet,

bzw. daran teilgenommen. Ihre Arbeiten hat sie in

Bildbänden publiziert, wie in „Dresdner Künstler

im Blick. In 190 + 9 Ateliers“.

Die Porträtaufnahmen von Gabriele Seitz leuchten

klar in einem altmeisterlichen Hell-Dunkel. Sie sind

„wie ein Zugang zur Welt hinter den Dingen … Die

Atmosphäre gewinnt eine geistige, zeitlose Dimension.

Es ist die Aufforderung zum Dialog“.

L. Rojas Sanoja, Galeristin

Gabriele Seitz fotografiert auch Moorlandschaften

und drückt ihre Erlebnisse in Haiku-Lyrik aus. „Sie

lädt den Betrachter auf eine poetische Wanderung

durch die Natur ein, zeigt Bilder einer faszinierenden

Landschaft und schenkt so eine kostbare Stille …“

Heinz Weißflog, Kunstkritiker

Karl-Heinz Adler,

Künstler, Dresden

SW-Fotografie

Handabzug

60 x 40 cm

2014

Wolfgang Bruchwitz,

Künstler, Dresden,

SW-Fotografie

Handabzug

60 x 40 cm

2014

www.gabrieleseitzfoto.de

268


Radebeul / Deutschland

Anklamer

Stadtbruch,

SW-Fotografie

Handabzug

50 x 70 cm

2015

269


Max Seiz

Max Seiz

wurde 1927 in Schwäbisch Gmünd geboren und

arbeitet seit 1953 als freischaffender Künstler in der

Stilrichtung der klassischen Moderne. Mit seinem

Gesamtwerk und der überwiegenden Darstellung

des Menschen in seinen künstlerischen Arbeiten

gehört er weit über die Landesgrenzen hinaus zu

den bedeutenden, lebenden Bildhauern und

Malern.

Wichtige Ausstellungsorte waren mitunter das

Haus der Kunst München, die Piccadilly Gallery

London, das Bundesfinanzministerium Bonn, die

Living Art Biennale Johannesburg und Kapstadt,

die Academie des Beaux Arts Paris, die FIDEM

Weltausstellung der Modernen Kunstmedaille

Paris, Köln, Bremen und Nürnberg, das Museum

Sammlung Hurrle Durbach und zahlreiche internationale

Kunstmessen wie die ART Basel, Schweiz,

die St`ART Straßburg, Frankreich und die ART

Luxemburg.

Die Werke von Max Seiz befinden sich weltweit in

privaten und öffentlichen Sammlungen, so in den

USA, Kanada, Südafrika und vielen europäischen

Ländern. In Baden-Württemberg sind seine Werke

unter anderen in der Staatsgalerie Stuttgart,

dem Kunstmuseum Stuttgart, der Kunsthalle

Würth in Schwäbisch Hall und in dem Museum im

Prediger in Schwäbisch Gmünd zu finden.

Internationale Standorte seiner Werke sind das Königliche

Museum in Antwerpen, Belgien, oder das

Denkmal des Kaisers Haile Selassi in Äthiopien.

Hoffnung

Bronze

48 x 42 x 31 cm

1978

270


Schwäbisch Gmünd / Deutschland

www.g-v-n.de

Abendstimmung

Bronze

40 x 25 cm

2012

Also sieht

der Mensch

Bronze

29 x 22 cm

1967-2007

Der Freiheit

freier Geist

Bronze

117 x 44 x 54 cm

1986

271


Natalia Simonenko

Natalia Simonenko

ist in St.Petersburg geboren, lebt und arbeitet in

Stuttgart.

Ausgebildet an der Kunstakademie Ilya Repin in

St. Petersburg widmet sie sich dem Genre der

Porträt-, Stillleben- und Landschaftsmalerei. Die

Themen dafür entdeckt sie auf Reisen, beim Besuch

im Zirkus und Theater oder der Arbeit mit

einem Modell.

Die intensiven Ausdrucksfarben der Bilder, sowohl

der Personendarstellungen als auch der

Landschaftsbilder, entsprechen dem Naturell der

temperamentvollen Malerin und übersetzen ihr

emphatisches Weltempfinden unmittelbar in Farben.

Die Künstlerin bearbeitet die Leinwand nicht

nur mit dem Pinsel, sondern auch mit in Farbe

getunkten Stofffetzen, um weichere Übergänge

zu erzielen und einzelne Nuancen besser herauszuarbeiten.

Unabhängig von den Moden des Kunstmarktes

bekennt sich Natalia Simonenko zu einem Realismus,

der in der Nähe der Licht- und Luftmalerei

des Impressionismus angesiedelt ist. Obwohl sie

in manchen ihrer Bilder partiell an die Grenze zur

Abstraktion vorstößt, bleibt das Gegenständliche

immer erhalten. Ein Bild sollte etwas erzählen und

nicht nur eine schöne Farbfläche sein. Daher sei es

nötig, auch realistische Elemente ins Bild zu bringen,

betont die Künstlerin. Mein Ziel, erzählt sie,

sei es, eine Mischung aus einer realistischen Genremalerei

und einer impressionistischen Maltechnik

und Bildatmosphäre zu erschaffen.

Zwielicht

Öl auf Leinwand

100 x 160 cm, 2013

272


Stuttgart / Deutschland

Der Träumer

Öl auf Leinwand

120 x 50 cm, 2016

www.natalia-simonenko.com

Schlafende Flamingos

Öl auf Leinwand

150 x 50 cm, 2016

Mondzeit

Öl auf Leinwand

100 x 160 cm, 2015

273


Maja Smoltczyk

Der Mensch in all seinen Facetten und Stimmungen

ist das Hauptthema der Berliner Bildhauerin

Maja Smoltczyk. Das Faszinierende an ihren Arbeiten

ist vor allem deren besondere Lebendigkeit,

die zu einem starken emotionalen Ausdruck führt,

in dem sich der Betrachter wiederfinden kann.

Egal, ob Porträtbüsten, Ganzkörperfiguren oder

abstrahierende Darstellungen – sie schafft es auf

besondere Weise, aus der Einmaligkeit des Naturbildes

das Allgemeingültige herauszuarbeiten und

das Augenmerk der Betrachter auf das Wesentliche

der dargestellten Figur zu lenken. Ihre Porträts

idealisieren nicht, sondern machen sich auf die Suche

nach dem Kern der jeweiligen Persönlichkeit.

Die prägenden Regungen und Gemütsverfassungen

der Dargestellten werden über eine Momentaufnahme

hinaus zusammengefasst und reflektiert.

Maja Smoltczyk

Alter Sitzender oder

Was rennt ihr ?

Bronze

129 x 70 x 91 cm

2003

Ihre Werke sind regelmäßig in Ausstellungen zu

sehen. Seit dem Jahr 2013 auch international mit

der Teilnahme an einer internationalen Skulpturenausstellung

in Schweden. Es folgten Ausstellungsund

Messebeteiligungen in den USA, der Schweiz

und 2016 auch in Österreich. 2013 wurde ihr der

Auftrag erteilt, den ehemaligen regierenden

Bürgermeister von Berlin, Herrn Walter Momper,

zu porträtieren.

Die gebürtige Berlinerin Maja Smoltczyk lebt und

arbeitet, nach mehrjährigen Aufenthalten in Hamburg,

Baden-Württemberg, Amsterdam, Brüssel,

Bielefeld und Frankfurt a. M., wieder in Berlin.

274


Berlin / Deutschland

Walter Momper

Bronze

39 x 19 x 26 cm

2013

www.bildhauerin-berlin.de

www.bildhauerin.berlin

275


Günther Sommer

1952 wurde er in Stuttgart geboren. 1972-1977 studierte

er an der Kunstakademie Düsseldorf, er wurde

Meisterschüler von Prof. R.Sackenheim. 1977-1979

folgte ein Studium der Anglistik und Kunstgeschichte

in Tübingen und Stuttgart. Seit 1979 beschäftigt

er sich mit der Malerei, Zeichnung, Druckgrafik,

Büchern, Objekten und mit Publikationen. Er hatte

Lehraufträge für Kunst am Gymnasium und an der PH

Ludwigsburg.

Günther Sommer arbeitete mit Theatern in Esslingen,

Heilbronn und Ulm zusammen, er kuratierte für Kommunen

im Kreis LB Ausstellungen und Kunstprojekte

Günther Sommer macht Ausstellungen in Deutschland

und im europäischen Ausland, er erhielt Preise

und viele seiner Arbeiten befinden sich in öffentlichen

und privaten Sammlungen.

blu

Mischtechnik

auf Papier

50 x 70 cm

2019

In Günther Sommers figürlicher Malerei und Zeichnung

wird mitunter eine starke Beziehung zum Theater

sichtbar: Sommers Bild-Inszenierungen schaffen

imaginäre Räume für expressive Figuren. Traumentrückte

Szenarien exotischer Welten zeigen die e i n e

dem Menschen existentiell zugehörige Bewusstseinsebene,

der Sommer in anderen Bildern die ebenso

wesentliche Dimension der menschlichen Arbeit und

der damit verknüpften Abhängigkeiten des Menschen

als zentralen Bildinhalt gegenüberstellt.

Aktuell von Bedeutung ist auch die Beschäftigung

mit musikalischen Themen und Musikerportraits.

gialloblu

Mischtechnik

auf Papier

50 x 70 cm

2019

276


Günther Sommer

Kusterdingen / Deutschland

meat beat

Objekt

Mixed Media

19,5 x 14 cm

2018

Heads

Buchobjekt Terracotta

und Mixed Media

26,5 x 27 cm, 2019

Dylan

Buchobjekt Terracotta und Mixed Media

42 x 29 cm, 2019

New Moon

Objekt Mixed Media

19,5 x 14 cm, 2018

www.guenthersommer.de

277


Soussen

Soussen

„So zickig wie sich meine Bilder im Entstehungsprozess

geben, so unprätentiös sind sie, wenn sie

fertig sind.“

Eine selbstbewusste Aussage. Ob digital oder analog,

Soussen fühlt sich in jedem Medium wohl und

experimentiert sehr erfolgreich, um „Nicht-Mögliches“

zu überschreiten. Erst dann ist sie zufrieden.

Soussen arbeitet abstrakt, vielseitig, vielschichtig!

Sie spielt gekonnt mit den Strukturen, die sich

beim Materialauftrag ergeben: Beton, Marmormehl,

Acrylfarben, Pigmente auf Bauplatten oder Leinwand

ohne Rahmen. Zu Beginn gibt es nur die Farbpalette,

danach sagt ihr das Geschehen auf dem

Bildträger, wie es weitergeht und sie lässt das zu!

Für sie ist es wichtig, dass ihre Arbeiten „erlebbar“

sind, sie erlaubt Betrachtern, ihre Werke anzufassen,

die Oberfläche zu berühren um deren Haptik

zu erfahren. Ein ganz besonderes Privileg!

Eine weitere Innovation ist die digitale Ebene in

Ihren Arbeiten. „Augmented Reality“, bei der sie

mit Hilfe einer App ihrem Portfolio eine innovative

Ausdrucks- und Darstellungsmöglichkeit hinzufügt.

Doch sie legt Wert darauf, dass Ihre Arbeiten sehr

wohl ohne diese Ebene „funktionieren“.

ADAM 4.0 - Vorsicht zerbrechlich

Beton, Zement, Beize, Bitumen, Acryl auf Leinwand

Diptychon, 2 x 120 x 100 cm

2018

278


Oberding / Deutschland

www.soussen.de

Beton Landschaft

Beton, Zement, Stahlwolle, Wachs, Rost, Acryl auf Bauplatte

30 x 120 cm

2018

279


Eva Specht

Eva Specht

Beheimatet in Winnenden bei Stuttgart kommt Eva

Specht schon früh in Berührung mit dem Material

Ton. Seither beschäftigt Sie das Thema in unterschiedlicher

Weise und Intensität.

Sie selbst sagt „Ton ist meine Leidenschaft. Das

Material erdet mich, zentriert mich und gibt mir

Ausdrucksmöglichkeit“

Nach einem technischen Beruf folgte 2005 die

Gründung einer eigenen Keramikwerkstatt. Während

anfänglich der Schwerpunkt bei Kursangeboten

für Kinder und Erwachsene lag, ergänzte sich

dieser zwischenzeitlich um die Kreation eigener

Arbeiten.

In ihrer aktuellen Schaffensphase thematisiert sie

eigenwillige und ausdruckstarke Köpfe.

Oft provoziert Eva Specht durch die Verwendung

unterschiedlicher Materialien Spannungen im Ton.

Dadurch entstehen zufällige Risse und Brüche,

die dem Betrachter den Blick in tiefere Schichten

ermöglicht und die Zerbrechlichkeit des Lebens

erahnen lässt.

Innerhalb des über mehrere Wochen andauernden

Arbeitsprozesses verwendet sie neben Steinzeug

auch Porzellan, Paperclay, Glas, Metall und Scherbenstücke.

Diese sind zum Teil Fundstücke mit

eigenen spannenden Geschichten, die nun ihre

Kopf-Skulpturen beleben.

Abwesend

Keramik

34 cm

2018

280


Winnenden / Deutschland

www.evaspecht.de

Gefangen

Keramik

33 cm

2017

281


Hans-Werner Stahl

Hans-Werner Stahl

ist in Stuttgart geboren und arbeitet in seinem

Atelier innerhalb des „Künstlerhof“ in Rottenburg

am Neckar.

Für ihn soll Kunst das Leben darstellen. Entsprechend

lautet der Leitsatz für seine Arbeit:

„Dem Leben Form geben.“

Er will Situationen, Emotionen und Eindrücke so

einfangen, dass der Betrachter davon berührt

wird und bei seinen Arbeiten verweilen möchte.

Seine Skulpturen aus Holz, Bronze und Kunststoff

und auch seine Gemälde beziehen sich immer auf

konkrete Gefühle oder einen bestimmten Ausdruck,

seien es z.B. Freude, Angst, Berühren, Ruhe,

Träume oder auch Verzweiflung. Eben alles, was

das Leben bietet.

Hans-Werner Stahl begann mit Holzbildhauerei,

um sich anschließend mit Bronzeskulpturen zu

beschäftigen. Parallel dazu entwickelte er Gemälde,

die je nach Beleuchtungsart, Tageslicht oder

UV-Licht völlig andere Eindrücke entwickeln. Der

Betrachter wird damit in eine geradezu mystische

Welt entführt und erlebt intensive Farbeindrücke,

die weder mit Acryl oder Öl entstehen können.

Sehnsucht

Bronze

34 cm

2014

282


Rottenburg / Deutschland

Konvektion 6

www.bildhauer-stahl.de

Mischtechnik, 120 x 100 cm, 2015

Objekt Ooohh2

Mischtechnik, 100 x 120 cm, 2014

283


Anja Stemmer

ist in Konstanz geboren, lebt und arbeitet freiberuflich

in München.

Farb-Materie und Dynamik sind die beiden Dimensionen,

die ihr Arbeitsgebiet in der Malerei abstecken.

Ungebremster Tatendrang und Optimismus

finden sich wieder in informellen Kunstwerken, die

den Mut zu kraftvoller Gestik und lebhafte Farbgebung

in einen dynamischen künstlerischen Prozess

einbringen. So entstehen Bilder voller physischer

Präsenz und haptischer Qualität. In expressiv-abstrakten

Arbeiten fokussiert die Künstlerin auf die

Farbe und auf deren materielle Qualitäten, um den

Betrachter in den Bann zu ziehen.

Farbe transportiert Emotion – doch Emotionen

sind flüchtig, wie auch manche Schichten auf ihren

Bildern transparent und andere fast überdeckt

sind. Durch die Überlagerung entstehen Spuren

und Strukturen, Farbklänge, Bildelemente kristallisieren

sich heraus. Diese Anspielungen laden den

Betrachter zum Verweilen ein und dazu, immer wieder

neue Zugänge zu einem Motiv zu entdecken.

Das gekonnte Spiel mit dem Zufall, basierend auf

der Beherrschung der Materie und einem letztlich

zielgerichteten, wenn auch nicht vollständig planbaren

Vorgehen macht den Reiz der Werke aus. Mit

ihren leuchtenden Farben verführt die Malerei den

Betrachter dazu, Schicht für Schicht in die Tiefe zu

gehen, die Bilder so zu entschlüsseln und den eigenen

Assoziationen freien Lauf zu lassen. Anja

Stemmers Werke sind in privaten Sammlungen in

Deutschland und Österreich, der Schweiz, Großbritannien

sowie in den USA und Costa Rica zu finden.

Anja Stemmer

Confluences III

Mischtechnik

auf Leinwand

120 x 90 cm

2015

284


München / Deutschland

Butterfly

www.stemmer.info

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 70 cm, 2016

Sonnenklar

Collage, Mischtechnik auf Leinwand

70 x 130 cm, 2015

285


Anja Struck,

Anja Struck

geboren in Hamburg, lebt und arbeitet in

Lüneburg. Der Drang zur Malerei und Kreativität

ist ihr ständiger Begleiter.

Nach dem Abitur studierte Anja Struck zuerst

Freie Kunst an der Muthesius Kunsthochschule

Kiel, anschließend folgte Kunstpädagogik an der

Universität Lüneburg. Nach dem Referendariat

in Barendorf bei Lüneburg beschloss sie als freie

Künstlerin zu arbeiten und zu lehren. Aus dem

Wunsch heraus neben Zeichenstift und Pinsel

auch mit technischen Mitteln umgehen zu können,

folgte das Grafik- und Designstudium an der

Hamburger Technischen Kunstschule. Zur Vertiefung

der malerischen Fähigkeiten ließ sie sich

im Rahmen des Studiengangs Malerei bei Prof.

Markus Lüpertz an der Kunstakademie Bad Reichenhall

inspirieren.

2013 erhielt Anja Struck den Kulturförderpreis

des Landkreises Lüneburg.

„Der Mensch - seine Mimik, seine Gestik, der Blick,

die Stimmung, die ihn umgibt. Gefühle. Gedanken.

Das ist es, was mich fasziniert. Die Welt, in der wir

leben, verändert sich in rasender Geschwindigkeit.

Klar geglaubte Grenzen befinden sich in Auflösung.

So auch in meiner Malerei. Der Mensch in

Bewegung ist ein weiterer Schwerpunkt in meinen

Arbeiten. Als Resultat der künstlerischen Studien

erleben die Betrachter, wie Grenzen im Bild verschwimmen,

Unschärfen entstehen, Motive verwischen,

Momente verfliegen.“

im flug

Öl auf Leinwand

100 x 60 cm

2017

286


Lüneburg / Deutschland

www.anja-struck.de

das licht der dämmerung

Öl auf Leinwand

30 x 110 cm

2018

lichtinsel berühren

mein gesicht

Öl auf Leinwand

60 x 60 cm

2018

287


Brigitte Struif

Brigitte Struif

ist in Osterode geboren, lebt und arbeitet in

Hachenburg. Sie ist Mitglied im BBK RLP Mainz

und BBK Bonn, Rhein-Sieg, im FrauenMuseum

Bonn und Kunstforum Westerwald (2. Vorsitzende).

Ausstellungen in Galerien u.a. und Beteiligung

an Kunstmessen im Inland, z.B. Berlin, Bonn,

Frankfurt, Hachenburg, Lahnstein, Ludwigshafen,

Mainz, Marktheidenfeld, Merseburg, Meersburg,

München, Pulheim bei Köln, Schwetzingen,

Stuttgart u.a.

Im Ausland, z.B. Belgien (Brüssel), China (Shanghai),

Frankreich (Paris, Strasbourg), Italien (Mailand,

Verona, Neapel), Lettland (Riga), Luxembourg,

Österreich (Innsbruck), Polen (Warschau), USA

(New York) u.a.

MARKETS (hier: BAZAAR

und WELLNESS-MARKET)

Acryl auf Papier

36 x 48 cm

in 10-mm-Passepartout

und schwarzer Leiste

2004 – 2019

Eine 12-teilige Werkreihe,

die sich mit Märkten

nserer Zeit befasst wie

TECDAX, ARTMARKET

usw. Wenngleich in sehr

abstrahierter Form, die

es kaum vermuten lässt -

so ist doch ursprünglich

der Grundriss des Historischen

Hachenburger

Marktplatzes die Inspiration

für die Bilder gewesen,

die sich in der Fortführung

immer freier gestalteten.

288


Hachenburg / Deutschland

www.brigitte-struif.de

DIE FÜLLE DES LEBENS

Acryl auf Leinwand

80 x 100 cm,

2003/19

Dieses Bild zeigt auf malerische

Weise auf, welchen Anforderungen

wir im Alltag vermehrt ausgesetzt

sind, allein durch die Fülle

ständig neuer Informationen,

Updates, Vorschriften, News und

Fake-News - doch im Bild bieten

zwei Seerosen, altherkömmliche

Symbole für Reinheit und Klarheit,

einen „Ruheplatz für den

Geist, einen Platz zur Kontemplation“

an, auf einem Tableau

liegend, fragil umschleiert.......

289


Dalya Taffet

Dalya Taffet

wurde 1965 in Kronstadt, Rumänien geboren.

Seit 1991 lebt und arbeitet sie im Hegau am

Bodensee.

Besonders wichtig ist ihr die Auseinandersetzung

mit Menschen und deren Gefühlen, die individuelle

Darstellung des Ausdrucks, das Verlassen von

vorgegebenen Grenzen, frei und intuitiv zu sein.

Ob in Öl, Acryl oder Kohle, ob Zeichnung oder

Malerei, stellt sie dabei durch spontane Lineaturen

oder mehrschichtige Bildebenen und vor allem mit

wenigen Farbflächen lebendige und aussagekräftige

Kompositionen dar.

Dalya Taffet beteiligt sich an Einzel- und Gruppenausstellungen.

Sie ist Mitglied der Künstlergruppe

„Singener Maler“ in Singen am Hohentwiel. Ihre

Arbeiten befinden sich national und international

im privaten und öffentlichen Besitz.

Akt männlich

Acryl, Ölpastell

auf Papier

100 x 70 cm

2013

290


Singen (Hohentwiel) / Deutschland

www.dalya-taffet.de

Augenblick

des Glücks

Acryl auf Leinwand

105 x 150 cm

2013

291


Klaudia Thiel

ist in Gernsbach bei Baden-Baden geboren, lebt

und arbeitet heute in Aspach bei Stuttgart. Sie

studierte Kunst und Deutsch in Karlsruhe und ging

verschiedenen Lehrtätigkeiten nach. Seit 2011 ist sie

freischaffende Malerin.

Nach ihrer ersten Ausstellung 1984 in der Weißenhofsiedlung

in Stuttgart hatte sie zahlreiche Ausstellungen

in Baden-Württemberg, vor allem im Raum

Stuttgart. 2016 /2017 zeigte sie ihre Arbeiten auch

international, so in Kopenhagen, Elizabethtown

(USA) und 2018 auf der art3f in Paris. Auf der ARTe18

Sindelfingen gewann sie den [Kun:st] Preis 2018 des

Kunst Stuttgart International e. V. in der Wettbewerbskategorie

Malerei.

In ihren abstrakten Bildern verwendet sie Acrylfarben

in Verbindung mit vielen andere Materialien

(Sand, Asche, Baumwolle, Papyrus- und Japanpapiere,

etc.). Inspiriert von realen Dingen, Stimmungen,

Klängen, Landschaften und der Natur setzt sie

Farben, Formen, Linien und Texturen im Wechselspiel

zwischen kreativem Handeln und analytischer

Betrachtung in abstrakte Kompositionen um.

Parallel widmet sie sich dem Bearbeiten von Papier.

Mit diesem Material äußert sich die Künstlerin über

Ruhe, Zyklus und Zeit der Natur als Widerspiegelung

des Lebens. Haptisch werden die Papiere

erkundet und durch Faltung und Verformung in eine

kreative, auf das Wesentlichste reduzierte Gestaltung

gebracht. Das oft störrische, manchmal aber

auch sehr empfindliche Material legt letztendlich

die Gestaltung fest.

La coquille

Herbstlicht

Papier bearb. auf Karton

70 x 90 cm

2018

Papier bearb. auf Holz

47 x 57 cm

2017

292


Klaudia Thiel

Aspach / Deutschland

klaudiathiel@t-online.de

Rough

Acryl, Pappe und

Tusche auf Karton

31 x 46 cm

2015

293


Klaudia Thiel

Emotion

Acryl, Sand

120 x 100 cm

2017

294


Aspach / Deutschland

Walpurgisnacht

Acryl auf Karton

41 x 57 cm

2016

295


Andrea Titscherlein

Andrea Titscherlein

Ihre Bilder sind inspiriert durch die Begeisterung

am Umgang mit Farben und Materialien, an der

Begegnung und Nutzung unterschiedlicher Techniken,

an den vielfältigen Kombinationsmöglichkeiten

dieser Komponenten und der Lust auf einen

Entstehungsprozess.

Ihre Inspirationsquelle ist dabei das Leben selbst.

Sie fühlt sich in Lebensthemen ein, nimmt Spuren

im Inneren und Äußeren sowie Impulse wahr und

gibt ihnen einen ästhetischen Ausdruck.

Es gibt keine Skizzen oder bewusste Vorstellungen

vom fertigen Bild. Stattdessen taucht sie ein

in einen Prozess, der mit einem Farbauftrag oder

dem Auftragen unterschiedlicher Materialien,

wie Sumpfkalk, Marmormehl oder Haftputzgips

beginnt. Dann geht sie in den Dialog mit dem

sichtbar gewordenen, greift zu weiteren Farben

oder Materialien, wie Sand, Kreiden, Pigmenten,

Beizen, Tuschen, Kohle - zu dem, was das Innere

erspürt. Es wird aufgetragen, abgetragen, gekratzt

und vermalt, verändert, weiter- und neugestaltet

– in diesem Dialog schwingt sie mit dem, was sich

herauskristallisiert und lässt sich ein - solange bis

innere Ruhe einkehrt.

Im Ruhrgebiet geboren und aufgewachsen lebt sie

heute am Rande von Duisburg.

es fügt sich Acryl auf HDF-Platte, 50 x 50 cm, 2019

296


Duisburg / Deutschland

www.andrea-titscherlein-art.de

bitter-milchig-süß

Mixed Media auf Leinwand

60 x 60 cm-

2018

297


Marita Tobner

Marita Tobner

Die freischaffende Künstlerin Marita Tobner ist

1961 in Ulm geboren und aufgewachsen; die Kunst

hat sie in jeder Lebensphase begleitet. Über die

Zeichnung und Fotografie ist sie schließlich zur

Malerei gekommen. Von 2005 bis 2015 hat sie an

zahlreichen Kunstkursen und Workshops Freie

Malerei der Ulmer Schule (Künstlergilde) und der

Kunstakademie Esslingen teilgenommen.

Grundthema ihrer Malerei ist die Liebe zum Leben.

So entstehen Momentaufnahmen vor dem Hintergrund

gesammelter Erlebnisse und Erfahrungen

aus dem Alltag, dem Banalen und verdichten sich

zu Geschichten. Die Arbeiten thematisieren die

vielfältigen Aspekte des menschlichen Seins, ihr

Wesen und deren Beziehungen und Ambivalenzen

zu- und untereinander. Die Umgebung, der Bildraum

lässt sich nicht einfach Stereotypen zuordnen,

abstrakte und gegenständliche Elemente

durchdringen den Bildraum und geben in diesem

Spannungsfeld den Blick frei auf inneres und äußeres

Erleben.

Eine kraftvolle Farbgestaltung, die Verwendung

verschiedenster stilistischer Mittel und Techniken,

sowie die Dynamik der Grafik erzeugen neue

vielschichtige Geschichten mit Details, die anderen

verborgen bleiben. Die Arbeiten entstehen seriell

in Mischtechnik (Acryl, Öl, Holz- oder Linolschnitt,

Collage, Malerei und Zeichnung).

all that she wants

Mixed Media auf

Ulmer Holzgrund

80 x 80 cm

2016

298


Ulm / Deutschland

www.marita-tobner.de

Frida

Mixed Media auf

Leinwand

70 x 100 cm

2017

Nora´s Albtraum

Mixed Media auf

Ulmer Holzgrund

70 x 100 cm

2017

299


Martina Unterharnscheidt

Martina Unterharnscheidt

Geboren und aufgewachsen in Köln.

Längerer Auslandsaufenthalt in Spanien in den

80er Jahren; dort auch erste Begegnung und Beschäftigung

mit dem Textilen Material und seinen

künstlerischen Ausdrucks- und Verwertungsformen;

erste Studien der Textilkunst u.a. bei den

Künstler*innen Jolande Machemer, Dörte Bach,

Dorle Stern-Straeter. 2013/14 Meisterschülerin bei

Britta Ankenbauer.

Seit 2004 als freischaffende Künstlerin tätig. 2013-

2019 mehrmonatige Studienreisen in Spanien, 2016

Ernennung zur Europakünstlerin, 2016/17 Studium

Freie Kunstakademie Augsburg. 2019 Unesco Dialoger,

Projekt sevengardens.

„Übertreibungen, Verfremdung von Vertrautem und

das Herauslösen einzelner Merkmale zeigen Wege,

Textiles aus anderen Perspektiven zu sehen. Der Verzicht

auf Farbe als Zusatzreiz führt auf das Wesentliche

von Material und Technik. Begriffe wie Natur,

Blätter, Baumwolle, Leinen, Beizen, Lauge ... lösen

Textiles aus festgelegten Zuordnungen und machen

den elementaren und naturnahen Bezug deutlich.

Das Entstehen individueller Bilder ermöglicht dabei

subjektive Erfahrungen. Das ist mein Ziel.“

Insipido-01

Pigmente, Tinte,

Wachs auf Ecoprint

60 x 40 cm

2019

300


Martina Unterharnscheidt

Bad Münstereifel / Deutschland

www.martina.unterharnscheidt.com

Burbuja

Pigmente, Tinte, Wachs auf Ecoprint

100 x 70 cm

2019

301


Dorothee Vermaaten

Dorothee Vermaaten

ist im Raum Kleve aufgewachsen, arbeitet seit

20 Jahren freiberuflich als Malerin und hat ihre

Werke auf zahlreichen internationalen Ausstellungen

präsentiert.

In ihrem Malstil werden das Figürliche und Naturformen

nicht realistisch betont sondern abstrahiert.

Nicht die Absicht, ein bestimmtes Motiv auszuführen,

bestimmt das Bild, sondern die ersten Setzungen

führen zu Assoziationen, die weiterverfolgt

werden. Zufall, Spontaneität und Phantasie bilden

in einem zügigen Arbeitsprozess unterschiedliche

Themen aus, die von Farbe und Tagesstimmungen

angestoßen sind. Verwischungen, Farbverläufe und

lineare Eingriffe in den Bildraum prägen die auf Assoziationsfelder

und Bildinseln reduzierten Werke.

Das bildhafte Denken der Malerin öffnet durch

den selektiven Fokus ihrer Bildfelder trotz Schemenhaftigkeit

und kraftvoller Unschärfen den Blick

für glaubwürdige Naturausschnitte. Mal glasig,

kompakt oder krustig, mal linear, verwaschen oder

schuppig bietet sich ein variantenreiches Angebot

zum Nachsinnen über diese Formwelt, die Spüren

und Empfindsamkeit für den offenen Bildraum

anregt. (Auszug Text Dr. Dirk Tölke)

Via Dolorosa

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 60 cm

2018

302


Stolberg / Deutschland

Giverny en hiver

Mischtechnik

auf Leinwand

120 x 80 cm

2018

www.dorothee-vermaaten.de

Check In

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 120 cm

2016

303


Dorothee Vermaaten

Holothurien

Mischtechnik

auf Leinwand

80 x 60 cm

2018

Kristinehamn

Mischtechnik

auf Leinwand

70 x 100 cm

2017

304


Stolberg / Deutschland

Hambacher Forst

Mischtechnik

auf Leinwand

50 x 100 cm

2018

Connemara

Mischtechnik

auf Leinwand

70 x 100 cm

2017

305


Eva Vogt

wurde in Bratislava geboren und lebt seit 1989

in Deutschland. Sie lebt und arbeitet in Kronau.

Neben einem Studium der Wirtschaftsinformatik

und Mathematik an der Universität Bratislava und

der Privaten Deutschen Akademie für Wirtschaft

in Stuttgart war Eva Vogt jahrelang als Softwareentwicklerin

tätig.

Eva Vogt

Dum spiro spero -

Solange ich atme, hoffe ich

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 100 cm, 2016

Ihre künstlerische Ausbildung begann in frühester

Jugend: 1962 – 1973 Kunstkurse und Kunstausbildung

an Mittelschule und Gymnasium,

Bratislava. Von 1965-1969 Kunstschule für Kinder

und Jugendliche im Jugend-Zentrum Bratislava,

Fachrichtung Bildende Kunst und von 1970 bis

1975 Künstlerische Ausbildung beim akademischen

Maler Prof. Josef Ilecka, Prof. Ján Želibský

und Prof. Peter Matejka Bratislava von der Hochschule

für Bildende Künste Bratislava.

In der Zeit von 2013 bis 2015 widmete sie sich der

Acrylmalerei bei Deborah Wulff. Parallel dazu

arbeitete sie an Skulpturen in Ton und Keramik

bei Petra Jung. 2015 - 2016 Seminare und Kurse

bei renommierten Künstlern: Gabriele Musebrink,

Ute Hoeg, Bettina Hachmann, Ines Hildur, Conny

Niehoff, Iris Lehnhardt, Isolde Folger, Ilona Griss-

Schwärzler, Friederike Meintke, Ulla Schönhense,

Alfred Hansl.

Seit 2013 ist sie freiberufliche Künstlerin und

betreibt in Kronau eine eigene Kunstschule. Sie

ist Mitglied im Kunstkreis Karlsdorf-Neuthard,

2. Vorsitzende, Kunstraum Neureut, Syrlin,

Galerie Artoffer, [KUN:ST] International.

306


Sehnsucht

Mischtechnik auf Leinwand

120 x 40 cm, 2016

Kronau / Deutschland

www.Art-Eva-Vogt.de

Das Leben in mir

Mischtechnik auf Leinwand

100 x 60 cm, 2016

Trennung

Mischtechnik

auf Leinwand

70 x 70 cm, 2016

307


Ellen von der Linden

Ellen von der Linden

thematisiert individuelle Charakterdarstellungen

von Personen, Landschaften, Natur, Architektur,

Stillleben, Akt und auch die Umsetzung von aktuell

kritischen Themen – alles in eigener Farbgebung

und gefühlvoller Empfindung.

Sie ist immer offen für Neues, wagt sich gerne

auf unbekanntes Gebiet und sucht förmlich die

Herausforderung. Aquarell, Zeichnung, experimentelles

Arbeiten, Acryl- und Ölmalerei, Plastiken

in Ton und Bronze kennzeichnen ihre wichtigsten

Schaffensperioden.

Im Gegensatz zu ihrem Naturell bleibt sie künstlerisch

unruhig. Es hält sie nicht an einem Ort und

schon gar nicht in geschlossenen Räumen. Sie

drängt nach draußen, muss sehen, fühlen, neue

Eindrücke aufnehmen und verarbeiten, Bilder

verinnerlichen.

Erkennbar ist, dass Ellen von der Linden sich nicht

festlegt, sondern stets aufgeschlossen ist für

neue Sujets und vor allem ungewöhnliche Blickwinkel.

Zahlreiche Studienaufenthalte in Italien,

Niederlande und der Schweiz vermitteln ihr neue

Themen und Sehweisen und festigen die ihr eigene

unverkennbare Handschrift.

Ihre Gemälde laden ein, sich in das Bild hinein zu

versetzen, es zu verinnerlichen und sich darin wohl

zu fühlen – in einer Welt des Alltags.

Sie war wiederholt auf zahlreichen Ausstellungen

im In- und Ausland vertreten, namentlich in

Deutschland, Schweiz, Italien, Polen und den

Niederlanden.

Grain in the wind

Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2018

308


Willich / Deutschland

www.ellenvonderlinden.de

Sunny winterday

Acryl auf Leinwand

100 x 120 cm

2017

Summertime

Acryl auf Leinwand

100 x 120 cm

2017

309


Magdalena Washington

Magdalena Washington

ist 1960 in Edessa, Griechenland, geboren und seit

1980 als Künstlerin in der freien Malerei tätig. Seit

2014 ist sie wieder stärker aktiv, nimmt regelmäßig

an Ausstellungen teil und verfeinert ihre Techniken

durch Teilnahme an Workshops bei namhaften

Künstlern.

Unter Kunst versteht sie nicht nur den zarten Pinselschwung,

sondern das Arbeiten mit verschiedenen

Materialien, Techniken, Stilen und Farben.

Ihre einmaligen Werke realisiert sie, indem sie sich

von ihrer Inspiration und Phantasie treiben lässt.

Sie erschafft dadurch lebendige Strukturen, die

nicht nur mit den Händen, sondern auch durch die

Augen fühlbar werden. Das Kommunizieren mit der

Oberfläche erlaubt es ihr auf eine ganz besondere

Entdeckungsreisen zu gehen und durch das Vereinen

unterschiedlichster Techniken, dem Spagat

zwischen Spontanität und Instinkt, ein harmonisches

Ganzes zu erschaffen.

Voller Neugierde und Experimentierfreudigkeit

kombiniert sie innerhalb ihrer Kunst überwiegend

Sand, Lacke, Beizen, Tusche, Marmormehl, Sand,

Kaffee und Pigmente auf unterschiedlichen Malgründen,

z.B. Leinwand oder Holz.

Fireball

Pigmente, Marmormehl, Tuschen, Beizen und Sand auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2019

310


Vöhringen / Deutschland

www.miss-wash.de

Time Machine

Marmormehl, Lasuren aus Beizen, Pigmente und Sand auf Leinwand

Diptychon 2x 70 x 90 cm

2017

311


Michael Weick

wurde 1951 geboren. Seine Jugend und Ausbildung

erlebte er in Freiburg. Nach einem Ingenieurstudium

arbeitete er in verschiedenen Positionen

im mittleren Management eines großen Elektronik

Konzerns. Seit 1975 wohnt er in Backnang.

Schon als Schüler hatte er Neigungen zu künstlerischer

Betätigung. In den 90’er Jahren gestaltete

Michael Weick erste Holzskulpturen mit Kettensägen.

Seit 2010 intensivierte er seine Beschäftigung

mit der Holzbearbeitung und der Gestaltung

von Skulpturen mit Kettensägen. Michael Weick ist

freischaffend künstlerisch tätig und sehr vielseitig.

2013 war er Teilnehmer beim 18. Internationalen

Bildhauersymposium in St. Blasien im Schwarzwald.

Seine dort in einer Arbeitswoche geschaffene

Skulptur erzielte bei der abschließenden Auktion

den höchsten Erlös für die Stadt St. Blasien. Seit

Mai 2015 ist Michael Weick mit einer Skulptur auf

dem Skulpturenpfad in Weissach im Tal bei Backnang

im öffentlichen Raum für drei Jahre vertreten.

Im Januar 2016 war er Teilnehmer an der Kunstmesse

ARTe in Sindelfingen.

Er hatte verschiedene Einzelausstellungen, unter

anderen bei der Kreissparkasse in Backnang. Weiter

nimmt er regelmäßig an Gruppenausstellungen

teil. Seine Arbeiten befinden sich im öffentlichen

Raum, in privaten Sammlungen und in verschiedenen

Geschäften und Kunstgalerien im Raum

Stuttgart und in der Schweiz.

Winterjacke

Buche, 80 x 60 cm, 2015

312


Michael Weick

Backnang / Deutschland

www.kunst-am-holz.de

Elfriede

Kiefer

180 cm

2015

Note

Buche

150 cm

2013

313


Yvonne Welman

Yvonne Welman

After her education at the academy of arts Tilburg

( NL) she worked as a teacher in arts and art

history. To improve her qualities as a painter she

took lessons in 16e and 17e centuries oil painting

techniques. She works with open acrylics in a

layering technique. The textile fabrics in a lot of the

paintings are personal stories.

Because she likes to make narrative paintings her

work has to be realistic. The stories cover gender

equality, social issues, art history and personal issues.

She does explore the Zeitgeist from a female

point of view.

Serendipity, time and technique each play their

part during the process of creating the paintings.

It takes a lot of time to create her work which makes

it possible to add a new idea. This is in great

contrast with all the images that we are surrounded

with most of the day. She creates a more complex

strip story from all the images we see every day. Inspiration

from artists like Breughel, Jeroen Bosch,

Georgia O‘ Keefe, Camille Claudel or Neo Rauch.

She has received awards in the Netherlands,Germany,

U.K, U.S.A. and other countries.

Portait of Hans Welman

Acryl auf Leinwand, 50 x 50 cm, 2019

314


Schoonhoven / Niederlande

www.yvonne-welman.com

Apenrots / Kingpin

Mixed media on canvas

150 x 150 cm

2017/2018

315


Manfred Wendel

wurde 1965 im Ruhrgebiet geboren und studierte

in Duisburg und an der Folkwang-Schule in Essen

Kunst auf Lehramt. Er arbeitet als Kunsterzieher

im Westerwald.

Während und nach dem Studium war er Mitglied

der Ateliergemeinschaft im Wasserturm zu Hohenbudberg

in Duisburg.

Wendel begann etwa 2010 intensiv mit Draht zu

arbeiten. Für seine Arbeiten verwendet er neben

unterschiedlichen Drähten auch Fundstücke,

Knochen und Papier. Die meist aus Pergaminpapier

bestehenden Segelflächen verstärken dabei die

Dreidimensionalität der Raumzeichnungen. Abgesehen

davon, dass dieser Begriff eine gewisse

Tradition hat (Calder), setzen sich seine Drahtobjekte

in der Regel aus Drahtbögen zusammen, die

zwischen den Endverbindungen nur zweidimensional

gebogen sind, also gezeichneten Linien entsprechen.

Erst durch die Verbindungen erreichen

sie ihre Räumlichkeit, werden zu Raumzeichnungen.

Sie haben meist keine bestimmte Standfläche, vielmehr

sind die Objekte bewusst auf Allansichtigkeit

hin konzipiert. Wie der Betrachter sie stellt, hängt

oder legt, ist ihm überlassen.

Kokon

geglühter

Eisendraht,

Petgaminpapier,

Pigmente

40 x 35 x 35 cm

2015

Cover

geglühter

Eisendraht, Holz,

Pergaminpapier,

Pigmente

ca. 50 x 38 x 35 cm

2015

316


Manfred Wendel

Alpenrod / Deutschland

www.manfred-

wendel.de

Der Schwarm

geglühter Eisendraht,

Pergaminpapier,

Pigmente,

LED-Leuchtmittel

ca. 100 x 50 x 50 cm

2017

317


Petra Wenski-Hänisch

hat in Trier studiert und ist Diplom Designerin (FH),

freischaffende Künstlerin sowie Dozentin und

Konzeptkünstlerin.

Petra Wenski-Hänisch

BlattWerk -

die Unvollkommene

Aluguss

45 x 33 x 10 cm, 2016

Ideeunterstützend für ihre Exponate sind die

ursprünglichen Dinge des Lebens aus der Natur,

die uns meist profan erscheinen. Beim genauen

Hinsehen erkennt man wunderbare ausdrucksstarke

Farb- und Formenvielfalten. Mit Feingefühl

bettet die Künstlerin Petra Wenski-Hänisch alltägliche,

bildliche Eindrücke konzeptionell in surreale

Fantasielandschaften ein.

Die Liebe zum Ursprünglichen stellt sie im Thema

„BlattWerk“ mit explizit zum Einsatz gebrachten

Materialien dar, die im Ursprung aus der Erde

stammen. Ein Geschenk der Natur, welches ihrer

Kunst dient, um die Wertigkeit der menschlichen

Emotionen an Hand der Wertigkeit des Materials

auszudrücken.

Die Edelmetall-Arbeiten zum Thema „Blattwerk“

wurden im Wachsausschmelzverfahren von der

Künstlerin hergestellt und spiegeln die sensible,

emotionale Kontaktaufnahme der Menschen zueinander

und zum Betrachter im Schutze der Natur,

eingehüllt in Blätter, wider. Im Schaffensprozess

der Strukturbilder und der Skulpturen reflektiert

die Künstlerin durch die Kraft der figürlichen und

malerisch bildlichen Ausdrucksformen die gefühlsbetonte

Kommunikation.

318


Böblingen / Deutschland

www.atelier-regenbogenkunst.de

BlattWerk - die Liebenden

925er Silberguss, Stein

8 x 13 x 6 cm, 2016

BlattWerk - die Beschützten

925er Silberguss, Leinwand im Rahmen

22 x 22 x 3,5 cm, 2016

319


Marlies Wilhelm

ist seit ihrer Kindheit von der Malerei begeistert.

Seit 2003 ist sie als Künstlerin im Bereich der freien

Malerei tätig. Bei verschiedenen Malkursen lernte

sie die Acrylfarben kennen und lieben, es folgten

Weiterbildungen bei diversen freien Kunstakademien

bei namhaften Künstlern.

Marlies Wilhelm

Irgendwo in Afrika

Acryl, Mischtechnik, Collage auf Leinwand

30 x 140 cm

2015

Marlies Wilhelm bereitet es viel Freude und sie ist

immer wieder fasziniert, wenn sie durch die Vielfalt

der Möglichkeiten mit und durch die Farben

kreativ sein kann! Ihre Acrylbilder gestaltet sie

überwiegend mit Spachtelarbeiten sowie mit den

unterschiedlichsten Materialien, Mischtechniken

von Formen und Farben sowie unterschiedlichsten

Strukturen. Während der Entstehung des Bildes

inspiriert sie der zunächst geistige Entwurf, der

sich dann stufenweise bis zum endgültigen Bild

manifestiert.

Vor allem die abstrakte, experimentelle Malerei

hat es ihr angetan. Viele Ideen und Motive hierzu

sammelt sie meistens in der Natur sowie in der

Umgebung oder auf Reisen und lässt sich von

der Vielfalt der Farben und Motive inspirieren. So

manches abstrakte Acrylbild war ursprünglich eine

Fotografie.

Bei zahlreichen Ausstellungen im Inland waren ihre

Bilder schon zu betrachten.

320


Nordheim / Deutschland

marlies-acryltechnik.de

321


Marlies Wilhelm

Impressionen am Wegesrand I

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 100 cm, 2015

Impressionen am Wegesrand III

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 100 cm, 2015

322


Nordheim / Deutschland

Impressionen am Wegesrand IV

Acryl, Mischtechnik auf Leinwand, 80 x 100 cm, 2015

323


Friedhelm Wolfrat

Friedhelm Wolfrat

„Du beleidigst alles was ich unter Malerei verstehe.

Es geht gegen alles was ich mir vorstelle. Das ist

spannend. Das fasziniert mich. Das gefällt mir. Ich

habe eine Schwäche dafür.“

Zitat Prof. Markus Lüpertz zu den Arbeiten

von Friedhelm Wolfrat Dezember 2017

Korallen

Acryl auf Leinwand

30 x 30 cm

2017

„Für den Maler Friedhelm Wolfrat ist die Leinwand

ein Erlebnisfeld, ein Ort, an dem die Dinge sich

entwickeln dürfen. Mit großem Wurf und viel Leichtigkeit

gelingt es ihm, fröhliche Kompositionen zu

zaubern. Ihm gelingt eine stimmige, zusammenhängende

Harmonie von Farbe und Form mit einer

außerordentlichen Präsenz, die den Betrachter

gänzlich beflügelt.“

Zitat INTERNATIONALE KUNST HEUTE 2016

Ingrid Gardill

324


Reutlingen / Deutschland

www.wolfrat-art.de

My Love – My Life

Acryl auf Leinwand

100 x 80 cm

2017

325


Ralph D. Woop

Ralph D. Woop

geboren 1957 – »Meister der Schwarzen Kunst«,

Schriftsetzer, Drucker, Buchbinder, Grafiker, Reprograf

und gestaltender Künstler, Bewahrer der

Zeitenbrücke in der darstellenden Kunst.

Vergangenheit und Gegenwart in Momenten eingefangen,

für die Zukunft edel mit einem historischem

Druckverfahren konserviert.

Seine Leidenschaft ist es, Menschen für den

Wandel ebenso zu begeistern wie für den gegenwärtigen

Moment und das Bewahren historischer

Drucktechniken.

Auch als Auftragsarbeit vereint er alles in einem

Kunstwerk, das den Charakter des Kunden trägt

– in dem nur das Schicksal darüber entscheidet,

wie lange es der Zukunft erhalten bleibt. Noch

während dieser »blauen« Phase der Cyanotypie

entwickelte er für sich ein weiteres Konzept der

bildlichen Darstellung, der Pyrographie. Daraus

entstand das Projekt »BrennHolz« – in Holz gebrannte

Bilder. Seine erste Idee war es, unter

anderem eine Serie von Portraits der »UNSTERBLI-

CHEN« zu beginnen. Portraits bereits verstorbener

Künstler, die ihre Unsterblichkeit in Holz gebrannt

manifestiert – und seine Reise geht weiter ...

Auf der Suche

nach Atlantis

Cyanotypie

65 x 108 cm

2017

Confusion

illuminierte

Cyanotypie

90 cm

2017

326


Ralph D. Woop

Weissach im Tal / Deutschland

Die Unsterblichen –

Norma Jean Baker

www.graphische-manufaktur.de

Die Unsterblichen –

Amy Winehouse

Pyrographie

61 x 88 cm

2018

Pyrographie

101 x 71 cm

2018

Die Unsterblichen –

Prince Rogers Nelson

Pyrographie

61 x 88 cm

2018

Paranoiac Visage – Salvador Dali 1935

Pyrographie

61 x 88 cm

2018

It´s only

Rock ‚n‘ Roll

Pyrographie

60 x 60 cm

2018

327


Rudi Worofka

Rudi Worofka

wurde in Klagenfurt geboren, verbrachte lange

Jahre in Wien und lebt und arbeitet heute in

Nürtingen, Baden-Württemberg.

Talent zum Zeichnen brachte ihn in erst späten

Jahren zur Malerei. Seine künstlerische Ausbildung

erhielt er an verschiedenen renommierten Kunstakademien

in Österreich und in Deutschland. Neben

nach wie vor bunten und figurativen Arbeiten auf

Grundlage von Fotos oder Collagen entstehen aber

auch abstrakte Arbeiten mit Freude an den Farben

und deren Übergängen und Begrenzungen.

So finden sich in seinen Arbeiten ebenso realistisch

dargestellte Allegorien, Stillleben und Landschaften

wie auch abstrakte, verinnerlicht farbig-kreative

Kompositionen, die aber einem grafischen Verständnis

und der Freude am Detail folgen.

„Was ist ein Bild? Ein Bild von uns selbst. Ein Bild

von der Welt. Ein Bild unserer Sehnsucht, oder ein

aggressives? Ein Bild, das alles übersteigt. Vielleicht

eins, das uns befreit. Ein Bild voller Geheimnis.“

Franz Hitzler

Äpfelchen

Acryl auf

Leinwand

80 x 60 cm

2015

328


Nürtingen / Deutschland

Illusion

Acryl auf Leinwand

80 x 80 cm

2015

Was ist morgen?

Acryl auf Papier

50 x 65 cm

2017

329


Ketsela Wubneh-Mogessie,

Ketsela Wubneh-Mogessie

geboren in Addis Abeba, Äthiopien, lebt und arbeitet

in Graz, Österreich.

Ihr Interesse liegt an der Vielfalt der malerischen

Ausdrucksmöglichkeiten. Sie experimentiert mit

verschiedenen Techniken und Materialien, wie

Sand und Papier. So malt sie mit Aquarellfarben

ebenso wie mit Acryl- und Ölfarben. Neben realitätsnahen

Werken beschäftigt sie sich mit abstrakten

Darstellungen.

Ihr künstlerisches Spektrum erweiterte sie in

verschiedene Stilrichtungen. Neben der Malerei

gilt ihre Leidenschaft der Fotografie. Durch die

Einarbeitung eigener Fotos in die gemalten Werke

schafft sie es unterschiedliche Realitäten zu verbinden.

Sie verarbeitet aktuelle Geschehnisse mittels

ihrer malerischen Ausdrucksweise und integriert

vielfältige Motive. Denn Kunst ist für sie auch dazu

da, um auf diese Art und Weise auf aktuelle Themen

Bezug zu nehmen.

Kunst und Kultur spiegeln die Gesellschaft wider.

Neben der Malerei verarbeitet sie daher kulturelle

Aspekte auch in ihren Büchern. Zum einen in dem

Kochbuch „Ostafrikanisch Kochen – Gerichte und

ihre Geschichte“ sowie dem Sprachreiseführer

„Deutsch – Amharisch, Eine Begegnung mit Äthiopien“.

Unterwegs

Acryl und

Öl auf

Leinwand

50 x 40 cm

2006

330


Graz / Österreich

www.africa-cuisine.info

Der Morgen

im Gebirge II

Diptychon

Acryl auf Leinwand

50 x 120 cm

2018

Richtungen II

Mischtechnik

auf Leinwand

60 x 60 cm

2018

Der Weg III

Mischtechnik

auf Leinwand

50 x 70 cm

2016

331


Irene Ziegler-Selle

Irene Ziegler-Selle

Vitalität und Leidenschaft Irene Ziegler-Selles

finden ihren künstlerischen Ausdruck in vielgestaltigen,

farbintensiven, geradezu eruptiven Bildern.

Vulkanismus, so Prof. Helge Bathelt, Leiter des

ältesten Stuttgarter Kunstvereins und Vorsitzender

der europäischen Kulturgemeinschaft, wäre eine

passende Stilbezeichnung für Ziegler-Selles künstlerisches

Schaffen. Leider werde der Begriff schon

anderweitig benutzt.

Bei der Wahl der Werkstoffe und Werkzeuge

nimmt die Künstlerin sich jegliche Freiheit. Sie

mischt gerne verschiedenste Materialien und Techniken,

am liebsten arbeitet sie in Multi-Mix-Technik.

Der Farbauftrag ist dynamisch, malerisch hier, gespritzt,

geschüttet dort. Spachteln, kratzen, ritzen

und manch andere Technik mehr gehört für Ziegler-Selle

zum künstlerischen Handwerk. Die schiere

Experimentierfreude lässt die Künstlerin immer

wieder Grenzen überschreiten. Titel gibt Irene

Ziegler-Selle ihren Arbeiten nicht. Das schränke die

Wahrnehmung des Betrachters zu sehr ein, sagt sie.

Geboren 1946 in Arnsberg, examinierte Krankenschwester

und diplomierte Sozialpädagogin, war

Irene Ziegler-Selle fast 40 Jahre im Schuldienst

tätig. Seit ihrer Pensionierung malt sie fast jeden

Tag in ihrem Nufringer Atelier, gibt Kunstunterricht

und hat jüngst eine Fortbildung zur Kunstassistentin

abgeschlossen.

Ohne Titel

Mixed Media

auf Leinwand

90 x 70 cm

2017

332


Nufringen / Deutschland

www.ziegler-selle.de

Ohne Titel

Acryllack auf Pappe

70 x 80 cm

2016

Ohne Titel

Mixed Media auf Leinwand

60 x 60 cm

2018

333


334


335


336



Jahrbuch 2020

Kunst Stuttgart International e. V.

ISBN 978-3-947408-18-4

kun-st-international.de

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