L'objet gardé, jeté, réinventé dans l'Art - Ville de Dijon

L'objet gardé, jeté,
réinventé dans l'Art
Sophie JOLIVET
Laura CHAMARANDE

L'objet gardé, jeté, réinventé dans l'Art Sophie Jolivet ; Laura Chamarande
Pourquoi traiter ensemble l'objet et le déchet dans l'art ? Parce qu'ils ne sont que deux états de la matière
artistique, qui peuvent être à la fois matière première et sujet de représentation.
I. Art et objet
Le centre Pompidou met en ligne des dossiers documentaires sur des thématiques et des travaux d'artistes.
Ainsi, la synthèse proposée ici s'inspire du dossier « l'Objet dans l'art au XXè siècle » réalisé par Margherita
LEONI-FIGINI, Vanessa MORISSET et la direction de l’action éducative et des publics, mis en ligne en 2004.
L'objet est présent dans l'art à toute époque, et dans tout contexte, mais c'est au XVIè siècle que la
représentation de l’objet inanimé devient autonome et constitue un genre à part entière, celui de la nature
morte, peinture d’objets qui posent, comme suspendus dans le temps et agencés par la main de l’artiste.
Crânes, instruments de musique, miroirs, corbeilles de fleurs et de fruits semblent enfermer le spectateur
dans le monde muet des choses. Les XVIè et XVIIè siècles hollandais sont riches en tables servies de
verres transparents et de fruits épluchés, tandis que les vanités s’affirment en France où brille un siècle plus
tard le génie incontesté de ce genre : Chardin.
Cézanne fait de la nature morte, car elle présente un répertoire inépuisable de formes, de couleurs et de
lumières, le champ de prédilection de sa création picturale. Les cubistes y voient le genre le mieux adapté
pour rendre, en peinture, la question de la représentation de l’espace.
Picasso, Nature morte à la chaise cannée, 1912 : Déjà en 1912 avec cette toile révolutionnaire, Picasso
introduit dans le tableau un bout de toile cirée pour le cannage et une corde pour matérialiser l’ovale du
cadre. Des éléments prélevés au réel remplacent donc, par endroit, la représentation et dialoguent avec les
parties peintes. L’objet ou plutôt des fragments d’objets réels envahissent la représentation.
Mais c’est à Duchamp que revient le geste radical transformant, par la seule déclaration de l’artiste, l’objet
quotidien manufacturé en œuvre d’art. Les premiers ready-made datent de 1913. (Exemple Duchamp,
Bottle, 1914). Depuis, l’objet sort du cadre de la peinture et envahit le monde réel se présentant en tant que
tel dans la scène de l’art. Il se prête aux détournements et aux assemblages les plus surprenants des
surréalistes, aux « accumulations », « compressions » et différents « pièges » des Nouveaux réalistes, aux
mises en scène de la nouvelle sculpture objective contemporaine, en passant par l’adhésion enthousiaste et
critique à la fois du Pop art américain qui a fait d’une société de consommation et de ses objets le sujet
principal de son art. L’objet interpelle l’art au XXè siècle, son statut et ses limites, qu’il repousse de plus en
plus loin.
I.1. Représenter l'objet : l'expérience cubiste
Les cubistes, dans les années 1910 représentent l'objet quotidien en superposant dans le même plan leurs
multiples facettes. L'objet ne bouge pas, mais en se déplaçant, le spectateur change la perspective qu'il a
sur l'objet à tout moment. C'est ce que cherche à représenter l'art cubiste. Les recherches plastiques de
Georges Braque (1882-1963) et de Pablo Picasso (1881-1973) sont les plus connues. (Exemple Le
Portugais de Georges Braque, 1912).
Ils les mettent en pratique d’abord dans la phase dite analytique où domine une « réalité de conception », à
laquelle se plie la représentation du monde. A partir de l’expérience des papiers collés, inventés par Braque
à l’automne 1912 et continuée par Picasso, commence l’autre phase dite synthétique du Cubisme qui se
caractérise par un retour à la réalité et une autre façon de dire le réel. L'objet y est comme « résumé », d'où
l'appellation synthétique.
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I.2. Détourner l'objet : de Duchamp aux surréalistes
En 1913, Marcel Duchamp (1887-1968) expose une « sculpture » appelée Roue de bicyclette. (Duchamp,
Roue de Bycyclette, 1913). Deux objets quotidiens sont assemblés et collés l’un sur l’autre par l’artiste :
une roue de bicyclette et un tabouret. Ici rien ne sort de la main de l’artiste, qui réalise un collage en
assemblant deux objets usuels. Si les cubistes avaient entrepris la « désacralisation » de l'œuvre d'art en
incluant des éléments bruts prélevés au réel (collages) dans la peinture, Marcel Duchamp introduit l'idée que
l'œuvre n'a pas besoin d'être modelée plastiquement pour exister en tant que telle : c'est le regard que l'on
porte sur la chose qui en fait une œuvre d'art. Dans ce cas, un simple urinoir peut devenir une œuvre d'art
pour celui qui le regarde. Avec le mouvement des surréalistes, l'objet entre dans une nouvelle aventure, à la
recherche de l’irruption du rêve dans la réalité. (Exemple Duchamp, Fontaine, 1913).
Fidèle au principe de leur esthétique, illustrée par la phrase de Lautréamont : « Beau comme la rencontre
fortuite d’un parapluie et d’une machine à coudre sur une table de dissection », l’objet surréaliste est le fruit
du collage d’objets les plus inattendus, issus de la rencontre de deux réalités différentes sur un plan qui ne
leur convient pas. L’effet cherché est toujours la surprise, l’étonnement, le dépaysement comme celui
provoqué par l’irruption du rêve dans la réalité. L’association d’objets se faisant au nom de la libre
association de mots ou d’idées.
Plusieurs artistes se rattachent à ce mouvement : Man Ray (1890-1976), Alberto Giacometti (1901-1966),
Joan Miró (1893-1983), Victor Brauner (1902-1966), Max Ernst (1891-1976).
(Exemple Giacometti, Femme égorgée, 1932).
I.3. Une société d'objets : Pop art américain et nouveau réalisme
Les années 60 s’ouvrent, aux Etats-Unis comme en Europe, à l’enseigne de l’objet. C’est un retour au réel
que proposent les artistes pop, réel qu’ils identifient à la société de consommation, s’emparant le plus
souvent de ses images médiatiques pour la décrier et la proclamer en même temps. Pour les Nouveaux
réalistes, qui définissent leur art comme une « nouvelle approche perceptive du réel », l’objet devient un
protagoniste à part entière de leur moyen d’expression.
L’objet en tant que marchandise promu par la société de consommation se met en place, dans les années
60, avec son langage publicitaire et ses mass-media. Malgré la promotion au rang d’œuvre d’art de tels
objets ou de telles images, ce sont, le plus souvent, les rouages pervers d’une société de consommation que
ces artistes révèlent avec humour, ironie et inquiétude. Les caisses d’emballage de Warhol pour le jus de
tomates Campbell’s sont des faux ready-made, car réalisés par l’artiste qui fait graver sur les caisses le
graphisme publicitaire. Ces objets trompent l’œil et l’esprit, à l’image de la logique marchande. Chez les pop
artistes américains l’objet n’est que rarement introduit tel quel. Il est reproduit en trompe-l’œil ou sous une
forme grotesque par des agrandissements qui en altèrent le sens, en soulignent la trame, paraissant parfois
plus réel que le réel lui-même jusqu’à toucher l’irréel et l’inquiétant.
Claes Oldenburg (1929) imite des objets quotidiens, liés à l’univers de la marchandise alimentaire ou
vestimentaire, qu’on achète dans des échoppes ou des boutiques « bas de gamme ». Les répliques
qu’Oldenburg propose de ces objets sont agrandies, avec une mise à nu de la matière et une exacerbation
de la couleur. Sucettes géantes, hamburgers, casquettes, vestes, façonnés en plâtre et peints grossièrement
avec des coulures, envahissent l’espace et s’imposent à l’enseigne du mauvais goût.
Andy Warhol (1930-1987) est la figure la plus représentative du Pop Art. C’est à l’image de l’objet que
s’attaque Warhol. Reproduisant à l’infini, par le procédé de la sérigraphie, l’image publicitaire ou des massmedia,
Warhol lui enlève sa substance, l’inscrivant dans le vertige du multiple, du banal, promu néanmoins
au rang d’œuvre d’art. (Exemple Warhol, Campbell's Soup, 1968).
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« Je veux être une machine », proclame t-il, en légitimant son procédé mécanique de reproduction de
l’image, écho d’une société sans âme que son œuvre représente et par là-même critique. Il se fait le
représentant d’une société capitaliste à son apogée mais qui est néanmoins troublée par l’image de la mort.
Accidents routiers, chaises électriques incarnent l’autre face de son art.
Le 27 Octobre 1960, chez Yves Klein, rue Campagne Première à Paris, advient la naissance officielle du
Nouveau Réalisme qui réunit une dizaine d’artistes : Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Yves Klein,
Martial Raysse, Daniel Spœrri, Jacques Mahé de la Villéglé, Jean Tinguely. Leur signature sera suivie de
celle du critique qui sera leur porte-parole, Pierre Restany. La déclaration, qui tient en deux phrases,
annonce le programme : « Le jeudi 27 Octobre les Nouveaux Réalistes ont pris conscience de leur
singularité collective. Nouveau Réalisme = nouvelle approche perceptive du réel ».
A ces premiers noms s’ajouteront ensuite ceux de César, Gérard Deschamps, Mimmo Rotella et Niki de
Saint Phalle. L’année suivante Restany, dans un texte intitulé 40° au dessus de Dada, situait ce mouvement
dans la filiation de Dada et de Duchamp.
Tout en présentant des démarches très différentes, ces artistes ont en commun le même intérêt porté à
l’imagerie de la culture de masse dont ils s’approprient les objets. « Les Prisunics sont les musées d’art
moderne » osera affirmer Raysse.
Si Arman « accumule » ses objets selon une logique quantitative qui en efface la singularité, César, qui fait
des tôles de voiture son objet fétiche, les « compresse », pour aboutir à des immenses parallélépipèdes qui
tiennent au sol comme des sculptures polychromes. Spœrri, avec ses « tableaux-pièges », capte des
instants du réel en s’appropriant les restes de repas qu’il place avec leur plateau à la verticale. Raysse
élabore des assemblages où l’image photographique de femmes, anonymes et stéréotypées, joue avec
l’objet réel dans une véritable « poésie objective », tandis que Tinguely, avec ses machineries absurdes et
complexes, agrégats d’objets mécaniques bruyants, enclenche des mécanismes incohérents et infernaux à
l’image de notre monde contemporain. (Exemple Tinguely, Machines, à partir de 1966).
I.4. Mises en scène de l'objet
L'objet est reconnu à la fois comme un sujet de représentation et une matière première. L'artiste s'en inspire
et s'en sert librement en fonction de ses choix esthétiques, et des messages qu'il souhaite transmettre.
L'objet est employé pour réintéroger l'histoire de l'art contemporain, pour témoigner de son temps ou le
dénoncer, pour ses qualités esthétiques, pour sa charge émotionnelle, ou encore en tant que paradigme
d'une situation mise en scène par l'artiste.
Une exposition, L’état des choses, présentée au Musée des Beaux-Arts de Nantes en 2003 questionnait les
artistes et l'objet avec la présentation de quelque 200 pièces issues des collections des FRAC 1 .
Nous proposons ici quelques portraits d'artistes, notamment bourguignons, qui proposent des regards très
personnels de l'utilisation d'objets dans l'art.
- Christian Boltanski (1944) : Tous les objets qu'il convoque dans ses dossiers, ses livres, ses collections, audelà
d'apparences modestes, confinant parfois à la dérision, sont les dépositaires d'un souvenir qui leur
procure un fort pouvoir émotionnel. Qu'il présente ces objets sous forme de vitrines, d'archives, de réserves
ou simplement d'expositions, il les met en scène dans l'espace, mais aussi dans le temps. (Exemple
Boltanski Untitled Reserves, 1989). Chaque objet nous replonge à sa manière dans le passé : le passé
personnel, réel ou fictif, dramatique ou comique, de l'artiste, le passé d'un objet, ou le passé de l'humanité
entière. Ce sont des reliques.
1 http://www.cnap.culture.gouv.fr/index.php?
page=presentation&rep=listeAnnuaire&type=detail&idInstitution=658&idEvenement=2711&evenement=letat-deschoses-tresors-publics-20-ans-des-frac
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- Bertrand Lavier (1949) s’inscrit dans le sillage ouvert par Duchamp questionnant avec ses ready-made la
limite entre art et non art. Cette limite, devenue de plus en plus mince, est remise en question avec ses
objets anodins de la vie de tous les jours : « frigidaires » ou armoires aux lignes rigides, pièces froides tirées
de leur contexte et installées dans le musée. Avec ses objets peints des années 80, Lavier résout le dilemme
entre art et non art. La peinture acrylique appliquée en couche épaisse parodiant la touche de Van Gogh fait
sortir ces objets du simple statut de ready-made. La peinture recouvre exactement, comme le souligne Jean-
Hubert Martin, ce dont elle parle. L’objet qui repose au sol nous interpelle donc de son ambiguïté même :
objet et peinture à la fois, donc ni totalement l’un ni totalement l’autre. Par le recours à la superposition d’un
objet sur un autre, comme par exemple une chaise sur un réfrigérateur, Lavier renoue avec la thématique de
la sculpture et de son socle. Contrairement aux apparences, Lavier se réclame plus de Brancusi que de
Duchamp, et ses dispositifs subtils de mise en scène montrent, à travers l’objet, une remise en cause de la
sculpture elle-même.
- Le britannique Tony Cragg recompose, à partir d'objets en plastique courant, des représentations figurées,
comme la lune ou la palette, conservée au Frac de Bourgogne. (Cragg, Palette, 1985) 2 .
- Piggy Banck -un cochon-tirelire géant- 1998, œuvre de Lilian Bourgeat, est présentée d'Avril à
Septembre au Musée Rude, dans le cadre de la biennale Rhin-Rhône, en partenariat avec le Consortium de
Dijon.
- Chris Jordan
3 , Midway, message from Gyre, 2009, est présenté dans l'exposition Tout garder ? Tout
jeter ? Et Réinventer ?, séquence « objets jetés ».
I.5. Art et design
Les artistes des années 80 analysent et s'intéressent aux frontières entre l'objet d'art et l'objet usuel. Ils
interrogent « le statut paradoxal des créations issues du design industriel ».
A cette époque, dans les années 80-90, le design industriel, dans les lofts, petits appartements, ateliers
d'artistes, sert à la fois de mobilier et de décor. Cette double fonctionnalité du design intrigue beaucoup les
artistes du moment. Ils créent alors à cet égard, des œuvres se situant « à la frontière du design et des arts
plastiques ». Ironiquement et de manière critique, les objets demeurent alors « désignés » ; ainsi que
déplacer de leur champ d'utilité initial.
Ainsi, le point de vue sur l'œuvre d'art change : il ne s'agit plus de contempler ce genre d'œuvre, mais d'y
réfléchir. Les artistes réfléchissent à la place même de l'objet dans son environnement ainsi que dans
l'environnement, et à son utilité.
Par exemple, Franz West s'interroge sur « la limite entre l'art et le magasin de meuble » (West, Auditorium,
1992). Dans cette pièce, il a installé, négligemment (et volontairement) des divans de métal réalisés à l'aide
de tubes d'acier soudés. Ce mobilier -inconfortable- ne remplit donc pas sa fonction première de divan : il
n'est pas confortable, et si un homme s'y installe il ressentira une gène. La distance avec la fonction
habituelle de l'objet est ainsi établie, et inversement : la sculpture en elle-même prend une valeur d'usage.
Les visiteurs peuvent s'assoir sur ces divans sculptés. « West propose ainsi au visiteur d'éprouver l'œuvre
par le contact avec son corps ». Ce « contact », assez moderne, déroute le visiteur, qui n'y est pas habitué,
et qui n'était venu que pour « admirer » une sculpture. « [I]l est amené à s'asseoir sur ce qu'il désirait
regarder ». « En somme, l'œuvre qu'il était venu voir disparaît au profit de son usage, l'intérêt visuel est
évincé par la découverte tactile de l'objet » 4 . Ainsi, West fait disparaître toutes les normes préatablies
concernant l'œuvre d'art et l'objet. Ici, ses divans tissent un lien entre l'art et la réalité. Les deux demeurent
dorénavant intrinsèquement liés.
2 http://www.faux-mouvement.com/04Expositions/04_Pedagog/pedago/fiches/craggf.html
3 http://www.chrisjordan.com/
4 Art et design : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-ARTS-ET-DESIGN/ENS-arts-et-design.htm
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Tobias Rehberger, quant à lui, s'intéresse au lien entre l'objet et son environnement. Par exemple, avec son
œuvre Outsiderin et Arroyo grande (2002), installée au Centre Pompidou, il étudie justement la relation
objet-environnement. (Rehberger, Tobias Rehberger, Outsiderin et Arroyo grande, 2002). On remarque
ici soixante-six lampes en verre jaune et vingt-deux lampes en velcro. « Les lampes sont reliées à un
capteur de lumière fixé à l'extérieur du Musée, ainsi qu'à un variateur d'intensité, de sorte que la lumière
intérieure est modifiée en fonction de l'éclairage extérieur. […] Elle [l'œuvre] est en constante interaction
avec son environnement ».
On constate donc que les artistes de cette fin de XXè siècle jouent avec l'objet et ses références : le
contexte, le cadre, l'environnement, sa fonction, son utilité... Travailler sur l'objet d'art et son design leur
permet de comprendre le monde dans lequel ils évoluent, ou tout du moins, d'essayer de le comprendre.
II. Art et déchet
Cette présentation est un résumé partiel de l'ouvrage de Gérard Bertolini, Art et déchet : le déchet, matière
d'artistes, en collaboration avec l'auteur 5 .
Le déchet occupe une place importante dans l'art contemporain, devenu le matériau privilégié d'un grand
nombre d'artistes. Certains sont connus, d'autres moins, et il n'est pas toujours facile de distinguer les
productions artistiques de l'artisanat. Dans notre civilisation écartelée entre la sur-consommation et la
préservation de la nature, le regard des artistes est plus que jamais sollicité pour accompagner nos
réflexions.
L'artiste choisit le déchet souvent pour des raisons économiques, c'est un multi-matériau facile à trouver, et
généralement immédiatement disponible, mais aussi pour des raisons idéologiques, par une démarche de
rejet d'une société dans laquelle il ne se reconnaît pas, ou qu'il entend critiquer. En mettant en scène le
déchet dans une création artistique, il offre au spectateur sa propre réflexion pour l'amener à s'interroger à
son tour. Les artistes travaillant autour du déchet, ne se revendiquent pas d'un courant artistique en
particulier, mais d'une démarche personnelle.
Ce dossier propose quelques repères et des portraits d'artistes dont le parcours s'est librement inspiré de
déchets.
II.1. Le déchet : invention d'un thème.
Bien que de très nombreux artistes tout au long de l'histoire aient exploité des ressources disponibles issues
de déchets (la colle d'os), et que ceux-ci, surtout biologique, soit présent dans certaines œuvres (Bruegel,
Jérôme Bosch), l'art académique n'aborde que très peu la thématique du déchet en tant que telle. C'est en
grande partie dû au fait que le terme même est relativement récent : il prend forme avec l'industrialisation,
remplaçant l'immondice et l'ordure. Des démarches artistiques visant à mettre en scène le déchet ne
deviennent tangibles qu'à partir de la première moitié du XXè siècle, au moment où les courants artistiques
d'un genre nouveau (cubisme, dadaïsme, surréalisme, art brut...) s'intéressent à la valeur de l'art, à son objet
et son corollaire, le déchet.
5 Bertolini Gérard, Art et déchet, le déchet, matière d'artiste, Aprede/Le Polygraphe, 2002.
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II.2. Détourner l'objet : de Duchamp aux Surréalistes
Ainsi les surréalistes, autour d'André Breton, à partir de 1924 s'intéressent aux « déchets » précisément en
ce qu'ils témoignent du rejet, de la non-conformité aux normes sociales, morales ou esthétiques. En 1948, à
l'initiative de Dubuffet, de Paulhan, et de Breton, nait la Compagnie de l'art Brut, qui sera dissoute en 1961.
Aux racines anciennes, l'art brut, c'est à dire un art spontané, sans intention de faire œuvre, acquiert sa
légitimité. Les artistes ont souvent exploité dans leur création les rebuts de toutes sortes : Hauterives, dans
la Drôme, connu pour le « palais idéal » du facteur cheval, est un exemple très célèbre. D'autres courants
peuvent être cités, comme l'arte povera italien, ou encore le Trash art (littéralement art des ordures), fruit de
la junk culture (culture de pacotille, du non-sens et du déchet).
(Exemple d'Art Brut, avec Gérard Pascual, Véloterie du Père Gaston, 1975, Musée des Beaux-arts de
Dijon).
Depuis 1945, la société de consommation, industrielle et urbaine, constitue le thème dominant de l'art
contemporain, quel que soit le courant dans lequel l'artiste s'inscrit. L'artiste renvoie à la société les images
de ses dysfonctionnements et sa création participe des grands enjeux de la condition humaine. Ainsi les
guerres, totalitarismes, tensions mondiales ont marqué particulièrement les œuvres d'artistes comme Miró,
Picasso, Dalí, Villeglé, Hains, Malevitch, Boltanski, Christo... Les mutations profondes de la société, comme
l'industrialisation, l'exode rural, la surconsommation, la mondialisation, l'augmentation considérable des
écarts entre riches et pauvres, entre Nord et Sud, inspirent les artistes, et certains s'expriment par la
figuration du déchet.
La vision de Baudrillard renvoie à un « nouvel ordre fécal » : la course au supermarché est assimilée à un
va-et-vient digestif : il faut éviter la stagnation, assurer la circulation ; le ralentissement des débouchés fait
surgir le spectre de l'économie constipée ; l'accumulation devient vite dangereuse. Comme jadis les
médecins stércoraires, les conjoncturistes se penchant sur le contenu des caddies. Durée de vie élevée et
réemploi font figure de rétention anale, copromanie sinon coprophagie. Dans le contexte d'une filière
inversée, l'homme est devenu anus d'un système de production-distribution. L'être humain apparaît aux
contestataires comme déchet du système (Bertolini, p.16)
II.3. Productivité, commercialisation, consommation, mondialisation, marges
Alors que les « producteurs » ont tendance à considérer l'art comme improductif, le déchet constitue lui
aussi un improductif de la société technologique. Or, les matières inutiles pour l'industrie, rejetées par elles,
alimentent l'art, lui-même considéré comme inutile, superflu. Pour ceux qui conviennent de l'utilité de l'art, en
intégrant les déchets dans sa démarche, l'artiste les transforme, leur donne une nouvelle utilité. Les marges
de la ville constituent des lieux privilégiés à la fois de l'accumulation des déchets et de la vie des marginaux.
A l'affût des failles du système, l'artiste entend explorer un territoire délaissé, relégué dans l'indignité par la
culture traditionnelle. A partir de ce qui est rejeté comme sans utilité, sans intérêt, sans valeur économique,
l'enjeu consiste à découvrir et à produire d'autres, ou de nouvelles richesses. L'artiste prend l'ordure à
rebours, à contre-courant pour la magnifier, la sublimer, en extraire la poésie ou l'ironie.
(Exemple, présentés dans cette exposition, les photographies et textes de Philip Poupin, concernant la
décharge de Dandora, Nairobi, au Kenya.)
(Exemple, Gaspard R. , Les Méduses, 1994).
(Exemples, présentées dans cette exposition, Michèle Marlien, Mandalas de la vie quotidienne, 2001).
Les mandalas sont constituées de sacs plastiques découpés en lanières crochetées.
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II.4. L'engouement pour la récup'
Le déchet est un matériau surabondant, qui « court les rues » des villes (et les campagnes), gratuit (libre
accès aux décharges, avec quelques réserves) ; il suffit de se baisser pour le cueillir, le glaner, le récupérer.
Parmi les récupérateurs, on peut distinguer ceux qui le font par nécessité, et ceux qui le font par goût. Parmi
ceux-là, il faut encore séparer ceux qui le font par snobisme de ceux qui choisissent la sobriété et l'esprit
d'épargne.
Ainsi certains artistes dits ferrailleurs, parmi lesquels César tient une place de choix, récupèrent leur
matières premières dans les décharges et casses automobiles. Si l'artiste a avoué avoir récupéré par
nécessité au début de son œuvre, il est resté fidèle à sa matière première une fois le succès venu. Le
déchet est une source d'inspiration esthétique, un goût sensible pour la « trouvaille ». Ainsi Dubuffet est
considéré comme un « cueilleur de hasards », et écrit : « je pris conscience que les moyens les plus simples
et les plus pauvres sont les plus féconds en surprise. […] J'ai toujours aimé, c'est une espèce de vice, ne
mettre en œuvre de matériaux que les plus communs, ceux auxquels on ne songe pas d'abord parce qu'ils
sont trop vulgaires. […] Mon art est une réhabilitation des valeurs décriées » 6 .
Pour ses sculptures, Picasso, que Cocteau surnomma « roi des chiffonniers », fouillait lui aussi dans les
poubelles et les dépotoirs, pour en extirper des choses dédaignées par les autres, et il aimait le hasard des
rencontres. (Exemple Picasso, Tête de Taureau, 1943).
II.5. Le déchet : témoin et contre-témoin
Arman, artiste éboueur, transvase le contenu de poubelles ou de corbeilles de ses amis ou de jeteurs
anonymes et les met en vitrine, dans des boites transparentes sous plexiglas (Petits déchets bourgeois,
1959). « Si tu évites de regarder ta poubelle, si tu te bouches le nez, c'est peut-être parce que tu ne veux
pas te voir, te sentir », explique -t-il 7 .
Pour l'université de Bourgogne, l'artiste a réalisé une œuvre monumentale en 1976. Il s'agit de Divionis
Mechanica Fossilia.
Daniel Spœrri a produit des tableaux pièges, en fixant et en figeant des « tranches de vie » à travers les
restes de repas qu'il accroche au mur, acceptant leur décomposition.
Dans le Trash-art, les tabous deviennent objet de provocation, jusqu'au malsain, au pornographique ou au
sadique. Ces œuvres agressives témoignent sans doute du mal-être de l'artiste lui-même dans une société
dans laquelle il ne se reconnaît pas. Provoquer, choquer, constitue un moyen d'affirmer son existence, en
cherchant ce qui peut encore faire réagir. D'autres y voient les signes d'un art en complète décrépitude. En
réalité, le déchet en lui-même n'est pas obscène. Il le devient lorsqu'il n'est pas ordinairement à la place qui
lui est assignée. Ainsi le déchet est un objet qui n'est pas à sa place.
Le plastique constitue le matériau fétiche de la société de consommation, produit en quantité industrielle,
difficilement dégradé, symbole de pollution. Capable de se substituer pratiquement à toute autre matière, il
devient la matière par excellence. Polymorphe, il est matériau aux mille usages. En 1961, Martial Raysse
dans « Objet », assemble ironiquement, en forme de bouquet, des bouteilles, bidons et flacons en plastique,
ainsi que des brosses nylon à long manche. En 1967, lassé par les compressions, César se lance dans les
expansions : des coulées libres de polyuréthanne envahissant l'espace.
6 Jean Dubuffet, Prospectus et tous écrits savants, Paris : Gallimard, 1967.
7 Arman, cité dans Isabelle Lacomte-Depoorer, Le pop Art, flammarion, 2001.
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III. Conclusion
De la matière d'artiste au sujet de représentation, l'utilisation de l'objet et du déchet témoigne de pratiques
artistiques parfois marginales, parfois dérangeantes, résultat de choix artistiques toujours ancrés dans le
contexte social dans lequel l'artiste évolue.
L'objet et le déchet peuvent être présentés tels quels ou transformés, peu importe le parti de l'œuvre choisi,
car en deça d'une transformation physique, le changement peut résulter d'un autre regard, porté sur les
choses, y compris les plus courantes, les plus banales, les plus humbles.
En cela, l'artiste est plus que jamais utile à la compréhension du monde.
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Sophie JOLIVET
Laura CHAMARANDE

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Sources bibliographiques
Centre Pompidou, site documentaire de l'exposition (détail des liens) :
- L'Objet dans l'art au Xxè siècle, 2004 : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-objet/ENS-objet.htm
- Le Cubisme : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-cubisme/Cubisme.htm
- L'œuvre
de Marcel Duchamp : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-Duchamp/ENS-duchamp.htm
- L'Art surréaliste : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-surrealisme/ENS-surrealisme.htm
- Le Pop Art : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-newrea-EN/ENS-newrea-EN.htm
- Le Nouveau Réalisme : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-nouvrea/ENS-nouvrea.htm
- Yves Klein : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-yves_klein/ENS-Yves_Klein.htm
- Christian Boltanski : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-boltanski/ENS-boltanski.htm
- Art et design : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-ARTS-ET-DESIGN/ENS-arts-et-design.htm
Autres liens
- Dossier sur le plastique du MAM de Saint-Etienne : http://www.mam-st-etienne.fr/data/documents/Le-plastique-estdesign.pdf
- Musée de l'objet, à Blois : http://www.museedelobjet.org/musee/presentation.php
- Vidéo de Patrick Sapin : http://patricksapin.org/video/
- L'ingénioserie de Véronique Devif : http://www.ingenioserie.com/
- Catherine Scellier : http://catherinescellier.over-blog.com/
- Michèle Marlien : http://web.mac.com/michele.gaspart/iWeb/michele%20marlien.com
- Gérard Bertolini, Art et déchet. Le déchet, matière d'artiste, Angers : APREDE ; le Polygraphe, 2002.
- Gérard Bertolini, Déchets et Design. Les ambassadeurs du futur, Société Alpine de Publication, Grenoble, 1998.
- Léa Vergine, Quand les déchets deviennent art, Editions Skira, 2007.
Dans le salon de lecture de cette exposition
A votre disposition :
- La Fabuloserie, Art hors les normes, art brut, Albin Michel, 2009, (Bibliothèque municipale de Dijon)
www.fabuloserie.com
- L'art et le recyclage, Institut de retraitement des matières potentiellement créatives, IRMAPOC, Blois : Ecole d'art de
Blois, 2002.
- L'art du recyclage, actes du colloque, Saint-Etienne, 28-29 novembre 2006, Publications de l'Université de Saint-
Etienne.
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