intérieurs

INTÉRIEURS
Journal de l’exposition
Philippe KUZNICKI
Né en 1970 à Valenciennes,
vit et travaille dans le Calvados.
Le mode de fonctionnement des photographies
de Philippe Kuznicki se
décline presque toutes selon des
motifs identiques, voire d’obsessions.
Le corps nu y occupe la majorité de
l’espace : il s’agit le plus souvent d’un
corps nu, souffrant, parce qu’il est mis
en souffrance, parce qu’il est mis en
difficulté, parce qu’il subit une action
qui le transforme, le déforme. La lourdeur
le prend, l’entraîne vers le sol, et
peut-être au-delà.
C’est un corps qui résiste malgré tout.
C’est parfois un corps qui est effacé,
qui disparaît soit parce qu’il est masqué
par un objet, soit parce que la photographie
à un moment devient floue.
Les photographies portent en elles une
certaine interrogation dont on perçoit
assez vite qu’il pourrait s’agir d’une
traversée du miroir, vers un autre
corps ignoré.
Les images sont autant d’autoportraits
- le corps mis en scène est toujours le
même - et autant de questions sur la
réalité d’un corps à vivre, à soigner ou
à détruire, déformer, déranger et dont
de toute façon il faudra assumer la
“vanité”.
“Le corps disparaît au profit du lieu,
mais sa photographie reste axée
comme toute la majorité des photos
sur le corps dans son entier ou fragmenté.
Le lieu par son espace et son
architecture interroge ce corps et son
état. Le lieu ne vise pas une proximité
avec le spectateur, la photographie
empêche tout rapprochement “physique”
avec le corps, ce dernier se
confond avec le lieu. Mes autoportraits
conservent la même caractéristique
avec le choix du format, on est obligé
de se reculer. »
Philippe Kuznicki, 2003.
ACTUELLEMENT AU FRAC
PHILIPPE DURAND
Cabotages
exposition du 12 février au 21 avril 2010
EN ÉCHANGES
rencontre avec Philippe Durand et Joerg Bader
mardi 23 mars à 19h au Frac, entrée libre
Farida LE SUAVÉ
Née en 1969, vit et travaille à Flers.
Farida Le Suavé modèle des sculptures
en céramiques aux formes abstraites,
qu’elle associe le plus souvent à des
objets usuels, domestiques, relevant
parfois de l’intime : matelas, table,
drapé. Informes, ces sculptures de
grès suggèrent le pli, le repli des drapés,
tandis que leur texture de vernis et
leur couleur rosée évoquent la sensualité
du corps et de la chair. Sensation de
l’intime qu’elle accentue quand elle les
présente en couple, comme c’est le cas
dans Conversation, 2003.
“Extravagant, baroque, simple, ce travail
relève aussi du domaine de l’intime.
D’abord parce qu’il résulte de la
main qui le modèle, dresse, lisse, fait
exister une matière malléable et palpable,
onctueuse et ductile ; de “la terre à
la chair” explique t-elle. Cette action
induit tendresse et rondeur dans le
même temps qu’elle brutalise la terre,
contrariant sa montée régulière et bosselant
sa surface”.
Patrick Le Nouëne
Philippe Durand, Toubabou (piscine), 2010
impression pigmentaire, 40 x 53 cm chaque
Courtesy Galerie Laurent Godin, Paris
Sans titre, 2001
photographie noir et blanc,
110 x 160 cm
collection Frac BN
Conversation, 2003
céramique, grès ciré
INTÉRIEURS
Journal de l’exposition
Les œuvres présentes dans l’exposition
INTÉRIEURS engagent une exploration dans
des univers particuliers tant privés que publics.
Certaines sont le lieu de l’intimité quand d’autres
sont le révélateur de codes sociaux.
Si le médium photographique domine, ce dernier
est employé dans sa capacité à transcrire
le temps par des jeux de pose, de matière ou de
mises en scène, et à révéler la richesse de ces
espaces clos. La photographie est aussi l’œil
qui pénètre l’envers du décor, dévoile l’antre de
l’individu. Malgré la quasi-absence de ce dernier,
ces lieux sont empreints de sa présence
que ce soit dans son aménagement formel ou
dans le ressenti.
Bénédicte Hébert saisit l’intimité d’une chambre
par la source lumineuse de l’écran de télévision
allumé ou dans le reflet de ce dernier. Il
se dégage de ses photographies Sans titre une
ambiance chaude et sensuelle accentuée par
les formes rondes du mobilier et des tissus. En
écho, les sculptures informes de couleur chair
de Farida Le Suavé, tels des fragments de
corps, se répondent comme un couple, ce que
souligne leur titre Conversation. Les œuvres de
Dieter Appelt et Philippe Kuznicki plongent
quant à elles le regard dans des cadres plus
inquiets, proche du cloisonnement, à l'image
des individus qui les habitent. Dieter Appelt
photographie ainsi les lieux où vécut le poète
controversé Ezra Pound. Ici le souvenir d’une
chambre est reconstitué par les couches successives
de lumière. Pour Philippe Kuznicki le
lieu “interroge le corps et son état”. Son corps
INTÉRIEURS
DIETER APPELT, LYNNE COHEN, DAN GRAHAM
FARIBA HAJAMADI, BÉNÉDICTE HÉBERT, KAREN KNORR
PHILIPPE KUZNICKI, FARIDA LE SUAVÉ
COLLECTION FRAC BASSE-NORMANDIE
exposition du 8 mars au 8 avril 2010
au CRDP de Basse-Normandie 21 rue du Moulin-au-Roy, Caen
9 rue Vaubenard 14000 Caen +33 (0)2 31 93 09 00 www.frac-bn.org
ficelé tel un vestige de statue antique semble
disparaître dans le désordre d’un atelier
contrecarré par l’ordonnancement du reste de
la pièce. Le corps est soumis par l’habitacle
dans lequel il vit.
Entre espace public et privé, Fariba Hajamadi
juxtapose dans Bed and Razors, Swarms of
Reasons, deux univers intimes pourtant destinés
à la vue de tous. Le décor d’un salon avec
canapé côtoie ainsi un cabinet de curiosité où
trône une guêpière entourée d’insectes, renvoi
symbolique au corps féminin. Karen Knorr
parodie les idées reçues de la beauté et du bon
goût. Elle positionne un personnage en Diane
Chasseresse avec son arc, raccord avec le
décor à l’antique qui l’entoure. Lynne Cohen et
Dan Graham soulèvent la rigueur avec laquelle
les individus agencent les intérieurs, synonymes
de vecteur social. Lynne Cohen traque des
intérieurs qui ressemblent à de véritables
mises en scène. La symétrie caractérise la
photographie Men’s Club, cadre formel dont
seul le statut social permet l’accès. Issu du projet
Homes for America, le diptyque photographique
Living-room of Model House – Salon of
Model House, both view of same house, Staten
Island, N.Y, 1967 de Dan Graham, fait le constat
de l’incidence de l’architecture moderne des
années 60 sur l’aménagement intérieur,
constructions et motifs en série s’avèrent
incontournables.

INTÉRIEURS
Journal de l’exposition
Dieter APPELT
Né en 1935 à Niegmegk (Allemagne),
vit et travaille à Berlin.
Dieter Appelt construit ses photographies
comme des sculptures, en
superposant des couches de lumière. Il
expérimente le dispositif de la photographie
dans sa capacité à traduire et
capturer le passage du temps dans
l’image, à considérer l’image comme le
dépôt de souvenirs fragmentés.
Admirateur d’Ezra Pound, il réalise en
1981 une série de photographies des
lieux où vécut le poète. « Il en résulte
pour lui une conception de l’image photographique
comme stratification,
comme construction de dépôts successifs,
superposition de prises de vue
qu’il applique aussi bien à son propre
visage qu’à des objets peu identifiables.
Ce sont les modalités d’application de
ce principe qui varient, et aussi les dispositifs.
Ezra Pound, 1981
photographie noir et blanc,
29 x 39 cm
collection Frac BN
Dan GRAHAM
Né en 1942, vit et travaille à New York.
Depuis ses débuts en 1964, Dan
Graham fut tour à tour galeriste, écrivain,
théoricien, photographe, vidéaste,
architecte. Son œuvre se révèle tout
aussi polymorphe, influencée par l’art
conceptuel mais aussi ancrée dans le
contexte politique, social et culturel
dans lequel elle est créée. En 1966, il
signe son œuvre manifeste Homes for
America, un article en double page
dans Arts Magazine, qui a pour sujet le
développement de formes architecturales,
héritées du mouvement
moderne et appliquées à la construction
en série de maisons populaires et
leurs aménagements intérieurs.
Issu de ce projet Living-room of Model
House- Salon of Model House, both
view of same house, Staten Island,
N.Y., 1967 présente en diptyque des
Par exemple, la prise de vue pourra se
répéter des milliers de fois sur la
même plaque, avec un diaphragme très
fermé – un système d’engendrement
d’images emprunté notamment à la
chronophotographie de Marey et aux
photographies futuristes de Bragaglia
ou de Coburn. Un objet placé sur une
sellette tournante et très peu éclairé
par des flashs intermittents dépose
peu à peu de multiples facettes qui se
mêlent et se confondent. »
Michel Frizot
Lynne COHEN
Née en 1944 à Racine (Etats-Unis),
vit et travaille à Ottawa (Canada)
Men’s club, 1989
photographie noir et blanc,
cadre en formica, 72 x 91 cm
collection Frac BN
photographies d’intérieurs de maisons
américaines, privilégieant la symétrie
dans la composition du mobilier et
celle des motifs peints, révélant une
mise en scène ostentatoire et naïve.
Les deux pièces photographiées n’offrent
pas de perspectives extérieures,
la baie vitrée du living-room est voilée
et le miroir du salon reflète le motif en
trompe-l’œil du premier plan.
L’agencement des plans se redouble et
s’abolit, dans le même plan où il se
projette.
Chaque photographie est accompagnée
d’une légende manuscrite indiquant la
fonction de la pièce ainsi que le type
d’habitat et leur localisation géographique.
Ainsi, sous la forme codifiée de
l’illustration de magazine de décoration,
Dan Graham fait une typologie de
l’usage social de l’habitat.
Issue du Pop Art et attirée par le minimalisme
et l’art conceptuel, Lynne
Cohen opte pour la photographie,
médium qui va lui servir à faire la liaison
entre « l’objet ordinaire et l’objet
artistique». Les lieux photographiés
par l’artiste, toujours vides de toute
présence humaine, sont un constat
d’une réalité si extraordinaire que l’on
se demande si l’artiste n’ a pas ellemême
réalisé l’agencement. Elle photographie
des « d’installations » trouvées
dans des espaces aussi divers que
des appartements, des bureaux, des
lieux fermés (Corridor, Men’s Club), ou
plus récemment, des champs de tir,
des laboratoires...
Selon elle, “l’emplacement du mobilier
dit clairement qui est le maître des
lieux. Il délimite une frontière entre eux
et nous. La présence humaine ne se fait
pas seulement sentir dans la disposition
du mobilier ; les canapés et les
chaises ressemblent à des gens, les
pièces contiennent de nombreuses
allusions au corps humains : mannequins,
schémas ou silouettes. Souvent
aussi on perçoit une présence humaine
un peu inquiétante, on décèle un indice
d’une activité qui vient de se terminer
ou s’apprête à commencer”.
En photographiant à la chambre grand
format et utilisant la lumière du lieu,
un cadre identique aux couleurs contenues
dans l’image, elle transforme le
simple tirage photographique en
tableau ou composition picturale. C’est
un attrait pour le réel qui se révèle «
plus fort » que l’imaginaire qui la
pousse à renforcer l’impression par
l’ajout de cadres formatés.
Living-room of Model House- Salon of Model House, both view of
same house, Staten Island, N.Y., 1967
photographie couleur, diptyque, 102 x 72 cm
collection Frac BN
INTÉRIEURS
Journal de l’exposition
Fariba HAJAMADI
Née en 1957 à Ispahan,
vit et travaille à New York.
Fariba Hajamadi développe une
réflexion conceptuelle de l’image
considérant que celle-ci doit être “travaillée
comme les mots d’une phrase”.
Ses œuvres présentent un univers
ambivalent et polysémique.
Puisant dans les archives qu’elle a
constituées depuis des années lors de
visites dans les musées du monde
entier, elle réalise des montages où se
juxtaposent les images provenant de
lieux divers. Ces montages sont
ensuite transférés sur toile ou sur panneaux
de bois, parfois retouchés ou
simplement recouverts d’un filtre
coloré. Ces compositions « hybrides »
s’articulent en polyptiques où les lieux
sont recréés selon des thématiques
imaginaires.
Bed of Rasors, Swarms of Reasons,
dont le titre est emprunté au poète
mexicain Octavio Paz, illustre la façon
dont le jeu des images redoublé du jeu
des mots attise la curiosité du spectateur
et l’incite à démêler le sens des
lectures possibles.
Dans cette œuvre sont juxtaposés deux
espaces. L’un, privé, évoque le salon
d’une demeure historique ; l’autre,
public, celui d’un musée d’histoire
naturelle où trône de façon incongrue
parmi des insectes, une guêpière. La
tonalité de l’ensemble est trouble, sensuelle.
A l’évocation d’un monde plein
Karen KNORR
Née en 1954 à Francfort-sur-le-Main (Allemagne),
vit et travaille à Londres
Dans la série Connoisseurs dont fait
partie la photographie The Analysis of
Beauty, Karen Knorr parodie les idées
reçues de la beauté et du bon goût
encore prégnant dans la société britannique
à laquelle elle appartient.
Shattering an Old Dream of Symetry
(Briser un vieux rêve de symétrie) met
en scène une femme dont la pose de
trois-quart et l’arc qu’elle tient renvoient
aux personnages de la mythologie
peints sur les murs alors que la
porte reprend clairement un vocabulaire
antique.
de raffinement et de séduction s’opposent
des signes de mort avec les collections
d’insectes et de violence physique
et sociale symbolisé par le corset.
La question du temps et de la mémoire
est mise à l’épreuve, les agrégats
d’images de Fariba Hajamadi recomposent
une sorte de “musée imaginaire”
où chaque spectateur tentera
vainement d’identifier son propre souvenir.
Bed of Razors / Swarms of Reasons, 1993
photo émulsion sur panneau de frêne
176,4 x 154,3 cm
Bénédicte HÉBERT
Née en 1967 à Saint-Hilaire du
Harcouet, vit et travaille à Caen.
Bénédicte Hébert centre son travail sur
les enjeux et les statuts de l’image.
Qu’elle utilise la photographie ou la
vidéo, ses œuvres sont autant de questionnements
sur la notion de représentation.
Shattering an old Dream of Symmetry, 1988,
cibachrome sur papier, cadre en bois
avec plaque de cuivre, 57,5 x 57,5 cm
collection Frac BN
Sans titre, 1997
photographies couleur
contrecollée sous plexiglass
50 x 35 cm chaque
Ses photographies captent l’univers
intimiste, la chambre, le fouillis d'objets
quotidiens ou bien encore une
nature morte de fleurs, dans le reflet
éteint de l'écran du téléviseur. Celui-ci
sert alors de cadre à l'image, perd sa
fonction de diffuseur en ne devenant
que récepteur passif d’une autre
image.
L'écran, “cette lucarne sur le monde",
qui d'ordinaire déverse son flux d'images
ininterrompu devient dans ces photographies
tantôt source lumineuse,
tantôt miroir réfléchissant l'espace
environnant.
Par de multiples mises en abymes,
Bénédicte Hébert sème le doute en
invitant le spectateur à s'interroger sur
l'exactitude de ses perceptions visuelles.
“Connaisseurs et Collectionneurs des
Grandes œuvres d’Art ont construit
leurs demeures et leurs jardins, choisi
leurs tableaux et leur mobilier, selon
les règles néo-classiques de la
Symétrie et de l’Ordre, des
Convenances et de la Beauté, qui assurent
une position d’Hommes de Goût.”
Karen Knorr, catalogue Compustures, 1987.