Mise en page 1 - FRAC Basse-Normandie

CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
Réseau académique des galeries d’art 2008-2009
9 RUE VAUBENARD 14000 CAEN 02 31 93 09 00 www.frac-bn.org
Le FRAC.BN bénéficie du concours du Ministère de la Culture et de la Communication, Direction Régionale des Affaires
Culturelles de Basse-Normandie et de la Région Basse-Normandie.

CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
SOMMAIRE
- PRÉSENTATION DU FRAC BASSE-NORMANDIE
- TEXTE DE PRÉSENTATION DE L’EXPOSITION CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
- “QUELQUES PISTES”
- “QUELQUES RÉFÉRENCES”
- KNUT ASDAM, MARTINE ABALLÉA, JEAN-LUC ANDRÉ :
NOTICES BIOGRAPHIQUES ET REVUES DE PRESSE

CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
LE FRAC BASSE-NORMANDIE
Une histoire de l'art au présent
C'est bien en ces termes paradoxaux que peut se nommer l'action des Frac. Dès 1983, le parti a
été pris de réunir des œuvres qui n'avaient a priori que leur seule contemporanéité à faire valoir,
afin de constituer un patrimoine, trésor régional au risque du présent.
La collection du Frac Basse-Normandie fait état aujourd'hui de plus de 900 œuvres de près de 400
artistes. En évolution permanente, la collection trouve sa cohérence dans des lignes de force qui
vont de la peinture abstraite à un ensemble photographique qui s'approprie le paysage, le portrait,
le corps et dont une large part fait écho à la construction d'une image en relation à l'architecture.
Plus récemment, c'est la place de l'humain dans la société contemporaine (systèmes urbains, sociaux
et informatifs) qui est questionnée dans des œuvres aux médiums diversifiés (photographie,
sculpture, vidéo, installation). Enfin une section est consacrée aux œuvres en rapport à l'Histoire
contemporaine.
Une collection en mouvement
D'abord conçue comme un ensemble d'œuvres disponibles pour des expositions sur le territoire
régional dans les différents lieux susceptibles de les accueillir (musées, centres, d'art, centres culturels,
sites historiques), le Frac Basse-Normandie bénéficie depuis 1996 d'espaces d'expositions
propres. L'activité d'expositions se répartit donc selon ces deux axes : l'un de diffusion de la collection
sur le territoire régional, l'autre d'expositions au Frac dans lesquelles sont invités des artistes
contemporains dans des expositions monographiques ou thématiques. Il est en effet essentiel au
Frac d'être en contact direct avec la création contemporaine, échanges fructueux dans le flux vivant
de l'actualité de l'art.
La rencontre
Outre cette rencontre permanente par l'exposition, c'est à une éducation du regard et à la sensibilisation
des publics que le Frac Basse-Normandie consacre une large part de son activité. Les services
culturels et éducatifs mettent en place ces formations dans le cadre de nombreux échanges
et collaborations qui vont de l'école primaire à l'université. Au public adulte, il est proposé des rencontres
avec des artistes, des conférences, des soirées vidéo ou encore la visite commentée du
samedi après-midi.
Le Frac propose en accès libre un important fonds documentaire, monographies d'artistes contemporains,
ouvrages généraux et revues. La banque de données Vidéomuseum qui répertorie l'ensemble
des collections des Frac et des principaux musées d'art contemporain français y est consultable.
La collection du Frac Basse-Normandie est consultable en ligne : www.frac-bn.org/collection.htm
Contact pour les enseignants :
Julie Laisney, Chargée des publics
julie.laisney@wanadoo.fr - 02 31 93 92 41

CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
TEXTE DE PRÉSENTATION DE L’EXPOSITION CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
Les œuvres de Knut Asdam, Martine Aballéa et Jean-Luc André ouvrent au spectateur les portes de
jardins étranges et inquiétants. La végétation, loin de ses fonctions traditionnelles d'agrément ou
d'alimentation, y est la métaphore d'états psychologiques incertains ou sert de support à des fictions
futuristes.
Knut Asdam interroge la manière dont chaque individu vit aujourd'hui dans la ville, une ville qui est
créée par ceux qui l'habitent autant qu'elle les façonne. La série Psychasthenia 10 (2000-2001) est
constituée de photographies nocturnes d'immeubles d'habitation qui évoquent la capture d'image
par des caméras de surveillance. La lumière verdâtre, l'absence de toute trace d'activité humaine,
la taille monumentale des bâtiments - amplifiée par le cadrage en contre-plongée - confèrent à ces
scènes urbaines un caractère irréel, proche de la science-fiction. L'émergence d'arbres au milieu
des tours de béton renforce cette impression. Cette nature importée par la main de l'homme ne fait
en effet que conforter, en donnant à l'œil un point de comparaison, le sentiment que la ville n'a pas
été bâtie à son échelle.
Martine Aballéa aime mélanger la fiction et la réalité, le beau et l'inquiétant. Possédant cette faculté
de séduire avant de révéler des pouvoirs malfaisants, voire destructeurs, le monde végétal
l'inspire régulièrement. Ainsi, la série Epaves du désir (1995) est constituée de photographies noir
et blanc de paysages - marais aux eaux stagnantes, arbres morts, verdure enfermée derrière un
portail sinistre - dont la désolation contraste avec les douces couleurs pastel qui les recouvrent. Le
texte qui leur est associé joue également sur l'ambiguïté en juxtaposant des termes a priori contradictoires.
Comme le laisse entendre le titre de la série, la végétation est ici, comme c'était le cas
dans les peintures romantiques du XIXème siècle, la représentation métaphorique d'un état
intérieur, psychologique ambivalent.
Jean-Luc André crée en 1998 la BAnque Aléatoire DE Récit (Baaderbank). Selon lui, « le monde est
un vaste réservoir de récits potentiels, la Baaderbank est l'organisme le plus adapté au travail de
matérialisation de ces potentiels. ». Les Peintures transgéniques (2006-2007) sont représentatives
de cette démarche qui procède par appropriation et piratage du réel tel qu'il apparaît notamment
dans les médias. Utilisant la facture classique de la peinture figurative, Jean-Luc André y réunit et
hybride deux événements emblématiques du XXIème siècle : la guerre en Irak et les expérimentations
menées dans les champs d'OGM. Champignons méduses, Citrouilles gothiques et Salades
verticales peuplent un univers futuriste aux relents apocalyptiques où la nature, comme l'indiquent
les textes qui accompagnent chaque peinture, a été bouleversée par des incidents industriels et
autres manipulations génétiques. Un monde fictionnel et pourtant pas si éloigné du nôtre.

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Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
“QUELQUES PISTES” (I)
Le rapport de l’homme à son environnement :
- la végétation comme révélateur d’un milieu de vie inadapté à l’homme : les arbres présents
dans les photographies de Knut Asdam, en donnant à l’oeil un point de comparaison, une
échelle, mettent en évidence le caractère disproportionné des immeubles par rapport aux
êtres qu’ils abritent. Le titre de la série Psychasthenia #10 - en référence à la psychasthénie,
état névrotique caractérisé par le doute et la neurasthénie - semble confirmer le mal-être que
peuvent ressentir les habitants dans un tel environnement.
- le paysage comme métaphore d’un état psychologique incertain : comme l’indique le titre de
la série (Epaves du désir) ainsi que des oeuvres (Espoirs moisis, Compassions fétides,
Chagrins infestés, Larmes caustiques), les paysages dévastés de Martine Aballéa sont avant
tout la métaphore d’un état psychologique ambivalent.
- l’expression de préoccupations de type écologique : les Peintures transgéniques de Jean-
Luc André et les textes qui les accompagnent évoquent un monde où incidents industriels et
manipulations génétiques ont profondément modifié la nature et transformé certains
légumes en éléments nuisibles à l’homme.
La création de fictions prenant pour point de départ la réalité :
- une ambiance évoquant les films de science-fiction : les lieux photographiés par Knut
Asdam (banlieues résidentielles de Paris, Oslo et Berlin) pennent l’apparence, du fait de
l’éclairage (photographies prises de nuit dont la lumière semble verdâtre), du cadrage (photographies
prises en contre-plongée et tronquant les immeubles dont la hauteur apparaît
alors potentiellement infinie) et de l’absence de toute présence humaine, de scènes de films
de science-fiction.
- des paysages à la fois vrais et faux : les marais, sous-bois et jardins qui apparaissent dans
les oeuvres de Martine Aballéa sont bien réels mais les couleurs pastels qui les recouvrent ne
correspondent pas à celles observables dans la nature. Les paysages ainsi crées sont à michemin
entre fiction et réalité, beauté et inquiétude.
- l’appropriation et le piratage du réel : Jean-Luc André s’inspire de faits marquants du début
du XXIème siècle (la guerre en Irak, les champs d’OGM) pour créer des univers complètement
fictifs mais qui mettent en lumière certains risques auxquels s’expose l’humanité.
Le rapport texte/image :
- le détournement des codes de la publicité : les oeuvres de Martine Aballéa empruntent à la
publicité l’association d’une image et d’un texte ainsi que l’enjolivement de la réalité (ici, par
l’ajout de couleurs pastels à des paysages tristes). Mais, contrairement à la publicité dont le
message doit être facilement et rapidement compris par tous, les oeuvres de Martine Aballéa
jouent sur l’ambiguité.
- l’illustration d’un récit imaginaire : l’écrit occupe une place importante dans l’oeuvre de
Jean-Luc André. Ses Peintures transgéniques sont ainsi accompagnées de textes de fiction
qui décrivent, avec un humour et un style propres à l’artiste, le contexte dans lequel ces
étranges légumes sont apparus.
La série :
toutes les oeuvres de l’exposition font partie de séries, c’est-à-dire d’ensemble d’oeuvres
explorant un même sujet ou témoignant d’une même recherche formelle.

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Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
“QUELQUES RÉFÉRENCES” (I) : quelques jardins d’artistes
Gloria FRIEDMANN (1950, Allemagne)
Hier+Jetzt (Ici et maintenant), 1997
D'un propos fort engagé, relevant parfois de l'acte militant,
les œuvres de Gloria Friedmann soulèvent les incohérences
de l'individu face à son environnement naturel. Fil conducteur
de son œuvre depuis les années 80, la nature comprise
tant sous la forme de l'animal, de l'organique que du
paysage, est envisagée dans son rapport conflictuel au
pouvoir politique, économique et les contradictions
écologiques qui en découlent. Puisant dans l'imagerie de la
propagande politique, ou dans les composants technologiques
emblèmes d'une société dictée par la rentabilité, elle y superpose, mêle ou oppose des éléments
naturels, animaux empaillés, ossements créant le constat d'un « langage impossible », une sorte
de « hiatus » inévitable.
“Il y a des nombres qui font mal. 1933 est un nombre qui a fait mal et fera mal encore longtemps. Et qui
doit faire mal. Le mémorial Hier und jetzt (ici et maintenant) rappelle la justice nazie de Hambourg. Le
côté de mur qui regarde la ville porte une photographie panoramique de Hambourg aujourd’hui. La biodiversité
des plantes va du choux-fleur au cactus, de la rose à l’ortie. Des végétaux bons ou mauvais, d’ici
ou des pays étrangers. Les juges, eux, ont signé chacun un contrat pour s’occuper d’une plante. J’espère
que cette école de jardinage rappellera aux juges leur fonction de soigner et de bien traiter ceux qui sont
en face d’eux.” (Gloria Friedmann)
Jeff WALL (1946, Canada)
A Spaling Held by a Post (Arbrisseau soutenu par un tuteur), 2000
ektachrome sur boîte lumineuse, 50,5 x 40,5 cm
Tate Modern, Londres
Depuis la fin des années 70, Jeff Wall crée des images photographiques
qui se situent entre le cinéma, la photographie et la
peinture. Ses œuvres, qui sont rarement de simples instantanés,
sont le résultat d'une rigoureuse mise en scène. L'artiste déjoue
nos attentes envers une photographie qui serait une "tranche dans
le réel", il cherche surtout à questionner la représentation, à montrer
que toute image est une fabrication, avec ses enjeux et son discours.
Ses photographies,de grand format et présentées dans des
caissons lumineux afin de faire référence au tableau, sont souvent
inspirées d'œuvres appartenant à l’histoire de l’art.
“A Sapling Held by a Post (2000) offre un plan rapproché d’un
arbrisseau soutenu par un tuteur, démonstration de l’interdépendance manifeste qui règne entre la
nature et l’homme. Comme une allégorie de la fragilité de la nature dans cet environnement dominé,
perverti par l’homme, la photographie du Canadien Jeff Wall, surtout connu pour ses mises en scène, est
étonnamment touchante. La perfection espérée du jardin confère à la violence envers la nature des
gestes artificiels et forcés qui rappellent combien la botanique et l’art des jardins emploient la force.
L’image est ici ambiguë entre le sauvetage, le soin et la blessure.”
(source : Bénédicte Ramade, “Délicieux jardins de peintres”, L’Oeil, n°588, février 2007)

CCÔÔTTÉÉ JJAARRDDIINN
Knut Asdam, Martine Aballéa, Jean-Luc André
Collection Frac Basse-Normandie
“QUELQUES RÉFÉRENCES” (II) : quelques jardins d’artistes et de chercheurs
Ian Hamilton FINLAY (1925, Ecosse)
Little Sparta, depuis 1978
Dabord poète, Ian Hamilton Finlay fait des expériences en
matière de poésie concrète. A partir de 1967, il travaille à la
réalisation de Stonypath (rebaptisé Little Sparta en 1978)
au sud d’Edimbourg, à la fois jardin et oeuvre d’art, aidé de
plusieurs collaborateurs et de sa femme. Il a déposé dans
plusieurs jardins-musée d’Europe des extensions de son
domaine et expose parfois des sculptures dans des salles
de musées.
“Le maître des lieux a un jardin très cultivé, mais il est vrai
qu’il y travaille depuis plus de trente ans. Sa culture picturale
est un fertilisant précieux, surtout celle qui concerne la peinture de paysage du XVIIème siècle
français. Il en retient la rigueur et le sens de la composition qui permettent d’organiser le désordre végétal
du jardin anglais. Délibérément néo-classique, Finlay entend construire un espace maîtrisé , construit
comme une sculpture, tenu comme une mise en pages. Il y dispose donc des petits monuments
érigés ici et là. Chacun constitue un moment pour la méditation, le recueillement du visiteur et relève
d’une attitude vis-à-vis du monde en invoquant des modèles dont l’histoire est chargée. Ici, chaque point
de vue contient un tableau et chaque tableau contient une morale.”
(source : Christophe Domino, A ciel ouvert, Editions Scala, 1999)
Peter FISCHLI et David WEISS (1952 et 1946, Suisse)
Garten (Jardin), conçu et réalisé dans le cadre de
Skulpturen Projekte 97, Münster (juin-septembre 1997)
Peter Fischli et David Weiss travaillent en duo et depuis
plus de vingt ans à contre-courant de la culture savante,
sur le monde du quotdien qu’ils savent prélever sans
complaisance et surtout avec une énergie à la fois critique
et amusée.
“Leur attention méticuleuse aux choses ordinaires leur
fait concevoir et exécuter par de vrais jardiniers un
jardin potager qui n’a rien en somme de particulier. Prévu pour pouvoir nourrir une famille de douze personnes,
il associe légumes, fruits et fleurs, avec juste un peu plus d’exubérance qu’il n’est strictement
nécessaire. Microcosme complet, avec remise à outils, banc pour le repos, serres et compost, tout ou
presque ici accepte les contraintes de la productivité, sans négliger les précautions écologiques : toute
une série de considérations qui forment elles aussi un ordre dans le projet de jardin, mais qui ne relèvent
en rien de quelque idée d’art que ce soit, ni même de la moindre intention de cet ordre. Présenté dans
le cadre d’une exposition de sculpture, le jardin n’a pour autant rien d’autre à dévoiler que ses qualités
de jardin. En donnant le seul spectacle de la productivité potagère, Fischli et Weiss demandent à leurs
visiteurs de regarder un objet non-artistique comme un objet esthétique, et de retrouver ainsi au sein de
la vision sur le monde ordinaire la puissance de fascination qu’ils ont pour le monde tel qu’il est, d’entretenir
le regard fasciné sur la réalité, en l’occurence végétale du potager, sur le rougissement des
tomates ou sur ce qu’il y a de précieux et d’utile à un beau parterre de laitues.”
(source : Christophe Domino, A ciel ouvert, Editions Scala, 1999)

Knut ASDAM
Né en 1968 à Trondheim (Norvège), vit et travaille à Oslo et Paris.
Psychasthenia 10, #6 et #24, 2000-2001
photographies couleur, 125 x 189 cm
Collection Frac Basse-Normandie
Knut Asdam est photographe, il utilise également d'autres supports comme le film, la vidéo ou
encore des dispositifs construits. Cherchant à définir la place et le rapport des hommes dans une
architecture urbaine en constante mutation, il tente d'analyser l'espace et de le comprendre en
terme d'usage, de désir et d'histoire. Ses photographies s'attachent ainsi à retranscrire l'impact de
l'environnement urbain sur la liberté individuelle et la communauté.
Psychasthenia 10, dont le titre fait référence à un texte de Roger Caillois « Mimétisme et psychasténie*
légendaire » publié en 1935 dans la revue Minotaure, se compose d'une série de photographies
nocturnes d'immeubles d'habitation qui évoquent la capture d'image par des caméras
de surveillance. La tonalité particulière, à la fois livide et douce, de l'éclairage urbain confère à la
rigidité verticale de l'architecture une étrange sensualité. Les végétaux irradiés qui cernent les
immeubles soulignent l'aspect fantomatique de la scène. En lieu et place d'une présence humaine,
ce sont les immeubles qui semblent s'élever comme des corps au milieu de la nuit.
* Psychasthénie : état névrotique caractérisé surtout par le doute, la neurasthénie.

Knut ASDAM
autres photographies de la série Psychastenia 10, 2000-2001
Psychasthenia 10, #6, 2000
photographie couleur, 125 x 189 cm
Collection Frac Basse-Normandie
Psychasthenia 10, #20, 2000
photographie couleur, 125 x 189 cm
Psychasthenia 10, #10, 2000
photographie couleur, 125 x 189 cm
Psychasthenia 10, #16, 2000
photographie couleur, 125 x 189 cm
Collection Frac Basse-Normandie
Psychasthenia 10, #8, 2000
photographie couleur, 125 x 189 cm
Psychasthenia 10, #8, 2000
photographie couleur, 125 x 189 cm

Martine ABALLÉA
Née en 1950 à New York, vit et travaille à Paris.
Espoirs moisis, Compassions fétides, Chagrins infestés, Larmes caustiques,
de la série Epaves du désir, 1995
photographies noir et blanc coloriées, texte sérigraphié, 90 x 60 cm
Collection Frac Basse-Normandie
“Martine Aballéa arrive à Paris en 1973. Scientifique de formation, elle aurait aimé devenir physicienne.
A défaut, elle nous propose de faire l’expérience d’une réalité qui glisse peu à peu des rêves
tantôt teintés de nostalgie et de merveilleux, tantôt d’angoisse et d’inquiétude. Son oeuvre regroupe
des photographies, des objets, des installations, des livres d’artistes, des projets d’affiches et de
placards publicitaires... Possédant cette faculté de séduire avant de révéler des pouvoirs malfaisants,
voire destructeurs, le monde végétal inspire régulièrement Martine Aballéa. L’étrangeté
s’infiltre dans ses photographies noir et blanc de fleurs, retouchées de couleur, dont l’esthétique
proche du chromo nous révèle un monde situé entre fiction et réalité. En incrustation, des textes de
longueurs variables, écrits dans une typographie désuète, alimentent cette “inquiétante étrangeté”.
Quelquefois, c’est toute l’installation qui participe de la réalité et du mensonge, comme au Centre
d’art Le Parvis à Tarbes en 1998, où l’artiste a imaginé un Magasin fantôme. Chacun des produits
exposés - des boîtes de conserve aux couleurs irréelles - a subi une transmutation esthétique inattendue.
Ou encore son exposition au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Hôtel passager, en
1999, qui jouait sur le désir d’accueillir le visiteur dans un simulacre d’hôtel où tout (depuis la réception
jusqu’aux chambres, en passant par le bar-restaurant) semblait vrai et faux à la fois.” (“Martine
Aballéa”, Le Livre du Frac-collection Aquitaine - Panorama de l’art d’aujourd’hui, Le Festin, 2002)
Pour la série Epaves du désir, Martine Aballéa a coloré des photographies noir et blanc et leur a
associé un texte, empruntant ainsi les codes des affiches publicitaires. Cependant, le texte, sérigraphié
dans une typographie surannée, ne propose pas un slogan univoque mais associe des termes
contradictoires. De même, la douceur des couleurs pastel contraste avec la désolation des
lieux photographiés (marais aux eaux stagnantes, arbres morts, vue frontale d’un portail infranchissable
et inquiétant). Comme le laisse entendre le titre de la série, ces paysages ne décrivent pas
tant la réalité qu’un état intérieur, psychologique ambivalent. Ils sont représentatifs de la volonté de
Martine Aballéa de créer des oeuvres mélangeant le beau et l’inquiétant, la fiction et la réalité.

Martine ABALLÉA
autres oeuvres de la série Epaves du désir, 1994-1995
Âmes mutilées, 1995
photographie noir et blanc coloriée,
texte sérigraphié, 90 x 60 cm
Collection FNAC
Convulsion des envies, 1995
photographie noir et blanc coloriée,
texte sérigraphié, 90 x 60 cm
Collection FNAC
Curiosité flétrie, 1995
photographie noir et blanc coloriée,
texte sérigraphié, 90 x 60 cm
Collection FNAC
Colères délabrées, 1995
photographie noir et blanc coloriée,
texte sérigraphié, 90 x 60 cm

Jean-Luc ANDRÉ
Né en 1955 à Caen, vit et travaille à Paris.
Salades verticales, de la série des Peintures transgéniques, 2007
acrylique sur toile, 65 x 54 cm
Citrouilles gothiques, de la série des Peintures transgéniques, 2006
acrylique sur toile, 92 x 73 cm
Champignons méduses, de la série des Peintures transgéniques, 2006-2007
acrylique sur toile, 73 x 92 cm
Collection Frac Basse-Normandie
Jean-Luc André est artiste et théoricien, membre du groupe de musique expérimentale Déficit des
Années Antérieures (DDAA), il est également professeur à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts de Bourges.
Son travail couvre un champ trés diversifié de pratiques : dessin, installation, vidéo, son, et aussi écriture.
Il a publié Le bord du réel en 2000, ouvrage théorique sur le statut de l'image dans les pratiques
contemporaines de l'art.
La création de BAADERBANK, BAnque Aléatoire DE Récit, synthétise ces différentes pratiques en une
organisation générale d'appropriation et de piratage du réel. Le monde est une vaste réserve de récits
potentiels, la Baaderbank se donne pour objectif la matérialisation de ce potentiel. François Dagognet
écrit dans Le trouble : "une perception directe, tranquille, nous trompe; il faut, en effet, une épreuve, une
secousse, pour que surgisse ce qui était éloigné ou tapi..."
Jean-Luc André écrit à propos de ses Peintures transgéniques : “Depuis les temps immémoriaux où
Monsieur Onkkrr-Onkkrr recouvrait les parois de sa caverne jusqu’à nos jours, la représentation de
champs de bataille est un registre de l’histoire de l’art qui traverse tous les siècles. Ce XXIe siècle débute
par une guerre incertaine dont un des champs est l’Irak. Mais il y a aussi d’autres champs plus discrets
où se déroule une autre bataille incertaine : l’expérimentation secrète d’OGM.Il devenait donc urgentissime
pour la BAnque Aléatoire DE Récit de réunir et d’hybrider ces deux événements emblématiques de
ce nouveau siècle : la guerre impériale et les organismes génétiquement modifiés...
La création des images est en rapport avec cette nouvelle combinaison. Il s’agit d’appréhender le champ
pictural comme champ opératoire de l’hybridation Guerre-OGM, donc à la fois comme champ de bataille
et comme champ de culture des nouvelles formes (par exemple : culture de champignons-méduses, de
courgettes-sapins de noël, de pommes de terre-profiterolles, etc.) La réalisation des tableaux fait appel
à une facture classicisante pour éviter de polluer le champ d’expérimentation des nouvelles pousses par
une “écriture” trop idiosyncrasique. C’est ici la “neutralité” de la facture figurative classique qui est
recherchée au bénéfice de la réussite de l’hybridation.Cependant un phénomène de “larsen” (amplification
de décorations, de médailles, de cartouches etc.), que l’on pourrait attribuer à une résonance historique
des symboles, peut, par endroit, venir encombrer l’image et perturber l’expérience... “ (texte de
présentation de l’exposition DONG! DONG! à la Galerie Lara Vincy, 2007)