L'EVEIL DU PRINTEMPS - Maison de la Culture d'Amiens

dossier de presse
théâtre
L’EVEIL DU PRINTEMPS
de Frank Wedekind
mise en scène et adaptation : Omar Porras
Teatro Malandro
Photo de répétition / © Marc Vanappelghem
jeudi 24 novembre / 19h30
vendredi 25 novembre / 20h30
à la Maison de la Culture d’Amiens
contact presse régionale : Sylvie Compère : s.compere@mca-amiens.com
renseignements, location : 03 22 97 79 77
prix des places de 11 à 26 euros
Maison de la Culture d’Amiens - Centre de création et de production - Direction : Gilbert Fillinger
Place Léon Gontier - CS 60631 - 80006 Amiens cedex1 - Tél. 33 (0)3 22 97 79 79 – Fax 33 (0)3 22 97 79 90
e-mail : accueil@mca-amiens.com - site : www.maisondelaculture-amiens.com

L’EVEIL DU PRINTEMPS
mise en scène et adaptation : Omar Porras
traduction et adaptation : Marco Sabbatini
assistant à la mise en scène : Jean-Baptiste Arnal
compositeur et direction musicale : Alessandro Ratoci
scénographie : Amélie Kiritzé-Topor
costumes : Irène Schlatter
perruques /maquillage : Véronique Nguyen
direction technique : Olivier Lorétan
accessoires : Laurent Boulanger
création son : Emmanuel Nappey
création lumière : Mathias Roche
administration : Florence Crettol
communication : Sara Dominguez
avec :
Sophie Botte Madame Gabor, Ilse et une jeune fille
Olivia Dalric Madame Bergmann, Frau Fliegentod et une jeune fille
Peggy Dias la Directrice et une jeune fille
Alexandre Ethève Hans et un professeur
Adrien Gygax Otto et Monsieur Gabor
Paul Jeanson Melchior
Jeanne Pasquier Wendla, Frau Knuppeldick et une jeune fille
François Praud Moritz et le Pasteur
Anna-Lena Strasse Martha et Frau Habebald
Production : Teatro Malandro, Genève, Suisse.
avec le soutien de : la Ville de Genève / Département de la Culture, République et Canton de Genève, Commune de Meyrin,
Pro Helvetia, Fondation suisse pour la Culture, Fondation meyrinoise pour la promotion culturelle, sportive et sociale, Fondation
Hans Wilsdorf, Fondation Leenaards
saison 11/12 - dossier de presse L’ÉVEIL DU PRINTEMPS – p. 2

PRÉSENTATION
Censurée lors de sa parution en 1890, attaquant de front l’hypocrisie morale et un puritanisme
exacerbé, L’Eveil du printemps de Frank Wedekind est une œuvre prodigieusement actuelle. Explorant
les frustrations, désirs et révoltes de l’adolescent appelé à devenir adulte, Omar Porras, dont les escales
amiénoises sont toujours une jubilation (on se souvient des Fourberies de Scapin la saison dernière),
nous entraîne dans un conte initiatique à la portée universelle.
Certainement l’une des œuvres les plus incontournables de l’histoire du théâtre, L’éveil du printemps de
Frank Wedekind est une peinture mi-réaliste, mi-fantastique des troubles de la sexualité naissante chez
un groupe d’adolescents. Premier à faire de la découverte de la sexualité un thème central, Wedekind
parle de ce temps où l’enfant se mue en adulte. Les questions sont concrètes. Les fleurs sont là, pas les
fruits. Le printemps n’épargne pas les personnages de cette «tragédie enfantine» : au cœur de
l’éclosion érotique, certains trouveront la mort... En 1891, cette mise à mal du puritanisme de l’éducation
prussienne a fait scandale. La pièce montre la jeunesse telle qu’elle est et pas telle qu’on voudrait
qu’elle soit, une jeunesse avec ses désirs, ses pulsions : sado-masochisme, onanisme, homosexualité,
débauche et même avortement et suicide. Omar Porras, dont les escales amiénoise sont toujours une
jubilation – rappelons-nous ses Fourberies de Scapin la saison dernière qui ont suscité l’ovation du
public –, de son art si singulier, s’empare de cette histoire en rien datée en fondant sa mise en scène
sur la jeunesse de son équipe et la musique, le langage qui mieux que tout autre traduit les émotions
des adolescents. L’éveil du printemps est une fable initiatique à la portée universelle, l’apprentissage du
désir au sein de l’ordre collectif, le passage de l’adolescence à l’âge adulte tel qu’il est vécu par chaque
être humain. Un grand bouleversement, en somme.
« Notre époque est celle du mélange : notre culture, notre théâtre sont métissés. C’est l’amalgame des
cultures qui fait la richesse du travail artistique. » Omar Porras
Hervé Pons
Une fable initiatique...
Paru en 1891, mais créé non sans scandale en 1906, L'Eveil du printemps (Frühling Erwachen) demeure une
œuvre incontournable dans l'histoire du théâtre. Sa peinture des troubles de la sexualité naissante chez un groupe
d'adolescents, son réalisme psychologique et la qualité de ses intuitions seront admirés par Freud lui-même.
Wedekind porte en effet très loin pour son époque la réflexion sur le problème sexuel dans une société
foncièrement puritaine.
Brocardant joyeusement les instances religieuses, pédagogiques et parentales, le dramaturge allemand n'hésite
pas à attaquer frontalement l'hypocrisie morale de son époque, qui règle le problème posé par l'éveil à la sexualité
en ignorant purement et simplement celui-ci ! Ainsi, Frau Bergmann évite soigneusement d'expliquer à sa fille
Wendla, tiraillée entre l'innocence et la curiosité, comment naissent les enfants, la condamnant à perdre d'abord
sa virginité avec Melchior, puis sa vie lors d’un avortement forcé. Moritz, quant à lui, a de la peine à se concentrer
sur ses études et finit par se suicider d’une balle dans la tête. Hans et Otto découvrent de leur côté leur attirance
mutuelle. Melchior, enfin, le plus téméraire et le mieux informé sur les mécanismes du sexe, est envoyé en maison
de correction, avant de rencontrer un mystérieux personnage qui va changer le cours de son destin...
La pièce de Wedekind est une fable initiatique à la portée universelle. Elle explore de façon à la fois symbolique et
poétique l'apprentissage du désir au sein de l'ordre collectif, le passage de l'adolescence à l'âge adulte tel qu'il est
vécu par chaque être humain.
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PRÉSENTATION
Entretien avec Omar Porras - adaptation et mise en scène
Qu'est-ce qui a motivé votre choix de mettre en scène L'éveil du printemps ?
Ce texte apparaît comme incroyablement actuel. Il explore les peurs et les désirs, les angoisses et les
découvertes qui jalonnent la parabole de l'enfant appelé à devenir adulte: la difficulté de grandir, la
tentation d'éterniser l'enfance, le rêve d'en préserver la richesse émotionnelle, de continuer à explorer
les territoires du rêve et du fantasme. Ce sont là des thèmes qui nourrissent depuis longtemps ma
recherche théâtrale : l'enfance vue comme un univers fantastique, la nostalgie de cette beauté que le
monde des adultes semble devoir détruire impitoyablement, frustrant les adolescents de leurs rêves. J’y
retrouve aussi l'idée propre aux artistes et aux poètes que cette fantaisie peut et doit être conservée, car
l'art, comme le rappelle Baudelaire, est justement « l'enfance retrouvée à volonté ».
Quels sont les axes principaux de cette nouvelle mise en scène ?
Cette mise en scène se fonde sur ces deux éléments essentiels: la jeunesse et la musique. La
jeunesse: celle de l'équipe destinée à interpréter une pièce dont c'est justement le sujet. Les comédiens
ne jouent pas des enfants, mais l’idée que l’on se fait d’eux. L’idée au sens platonicien du terme, c’est à
dire l’absence de l’enfance. Quant à la musique, c’est l’expression artistique qui traduit selon moi, le
mieux les émotions, les rêves et les révoltes, l'angoisse et la nostalgie du passage à l'état adulte. Le
spectacle se construit sur un mode musical où les scènes s’enchaînent selon une harmonie secrète qui
crée parfois une fluidité qui a quelque chose d’insaisissable et aérien.
Comment se construit le jeu des comédiens ?
Dans la méthode de travail du Teatro Malandro, une place prépondérante est accordée aux
improvisations des acteurs. Ce sont eux qui produisent les états d’âme. Pour ma part, c’est comme si je
donnais des coups de baguette qui provoquent des étincelles. Ces étincelles représentent leur
spontanéité, c’est là la matière avec laquelle je travaille. Je les accompagne pour qu’ils prennent
conscience de leur corps dans l’espace. Je leur parle d’un mouvement et d’un rythme qui déclenchent
des situations et des événements inespérés et surprenants. La mise en scène
n’est pas préméditée. C’est l’inconscient qui dirige. Au fil des
répétitions, un univers poétique se dessine, je suis moi-même surpris et ému de voir l’évolution de notre
travail. Les acteurs sont souvent très étonnés d’eux-mêmes. Les improvisations et la liberté que je leur
donne leur permettent d’aller dans des directions inattendues et découvrir des voies
incroyablement fécondes.
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PRÉSENTATION
Entretien avec Amélie Kiritzé-Topor - scénographie
« Un terrain comme une peau aux multiples mues, une écorce »
Brigitte Prost : L’Eveil du printemps est une pièce dont les didascalies ne donnent que peu de
précisions spatiales : l’action de déroule dans une chambre, une rue, sous un chêne, dans un jardin ou
un cimetière. Ce qui apparaît de façon plus évidente, ce sont peut-être des ambiances ?
Amélie Kiritzé-Topor : Oui. Et la symbolique de ces ambiances importe plus que la réalité concrète
des espaces. Les espaces intérieurs sont des murs clos, comme autant d’indicateurs du monde
autoritaire des adultes (notamment dans la scène avec les professeurs devant lesquels Melchior
comparait comme devant un tribunal).
BP : Les espaces extérieurs, quant à eux, ouvrent sur une parole poétique et libre : ce sont des chemins
qui reflètent la vie intérieure des personnages. Cette dimension est très présente dans votre travail.
AKT : C’est vrai, c’est un fil rouge. La déambulation physique des adolescents dans la nature est un
cheminement intérieur. Cela, je l’ai appréhendé très tôt. J’ai cherché aussi à transposer les lieux de
prédilection de l’adolescence aujourd’hui. Les espaces de liberté où la parole est sans tabou et où
l’imaginaire peut se débrider, ce sont peut-être les espaces que l’on peut dire « entre- deux », comme
les parkings, les escaliers, les terrains vagues, les chantiers d’accès interdit ou les espaces désaffectés.
Des espaces entre ville et nature, comme les adolescents sont entre l’enfance et l’âge adulte.
BP : Comment définiriez-vous in fine votre scénographie ?
AKT : Comme un terrain de jeu pour les comédiens et les personnages de l'histoire, un terrain
suffisamment neutre, mais assez riche de recoins pour suggérer grâce aux corps, aux costumes, et au
texte le temps de l'intrigue, le mythologique, le réaliste, la violence, et l'amour. Un terrain comme une
peau aux multiples mues, une écorce.
Propos recueillis par Brigitte Prost, Maître de Conférences à Rennes 2-Université européenne de Bretagne. Elle enseigne
également au Conservatoire de Rennes ainsi qu’à l’Ecole du Théâtre National de Bretagne (TNB). Elle est Experte à la
Direction générale des Affaires culturelles (DRAC) et à la ville de Rennes pour le spectacle vivant.
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PARCOURS
Frank Wedekind - auteur dramatique
Né à Hanovre en 1864, Frank Wedekind, auteur dramatique allemand, décède à Münich en 1918. D’un père
médecin et d’une mère cantatrice ayant fui l’Allemagne pour leurs idées politiques et leurs activités
révolutionnaires, Frank Wedekind mène une vie voyageant à travers les grandes métropoles européennes
fréquentant les cercles littéraires, les artistes bohême, les gens du cirque. Il s’intéresse aux figures excentriques et
marginales qui s’opposent à l’hypocrisie qui caractérise la société bourgeoise.
De son temps, Frank Wedekind fait figure de provocateur, briseur de tabous, toujours prêt à violer les conventions
esthétiques et à contester les prescriptions de la morale. En 1890, installé à Munich, il écrit L’Eveil du printemps,
une pièce longtemps considérée comme scandaleuse, décrivant l’avènement de la sexualité chez un groupe
d’adolescents. Un texte provocateur qui ne manque pas de révéler chez l’auteur le caractère précurseur de son
génie et de l’apparenter aux grands éducateurs de la nouvelle Europe.
Le diptyque Lulu, composé de L'Esprit de la terre (1895) et de La Boîte de Pandore (1902), adapté au cinéma par
G. W. Pabst et à l'opéra par Alban Berg, est l'autre chef-d'œuvre sulfureux d'une production théâtrale qui compte
une vingtaine de titres, parmi lesquels il faut aussi citer Le chanteur d'opéra (1897) et Le Marquis de Keith (1901).
Omar Porras - mise en scène et adaptation
Né en Colombie, il se forme à la danse et au théâtre en Europe. En 1990, Il fonde à Genève, le Teatro Malandro,
centre de création, de formation et de recherche. Sa technique théâtrale, axée sur le corps du comédien, la
segmentation de ses mouvements dans l’espace et l’utilisation des masques allie le geste chorégraphique à la
musique et, ce faisant, s’inspire à la fois des traditions occidentales et orientales.
Dans ses spectacles, Omar Porras explore des textes classiques avec Ubu Roi (Théâtre du Garage, 1991), Faust
de Marlowe (Théâtre du Garage, en 1993), Othello de Shakespeare (Comédie de Genève, en 1995), Les
Bakkantes d’après Euripide (Forum de Meyrin, en 2000), Ay ! QuiXote d’après Cervantès (Théâtre Vidy, en 2001),
Pedro et le commandeur de Lope de Vega (Comédie- Française, en 2006) et Les Fourberies de Scapin (Théâtre
de Carouge, en 2009), mais aussi les textes modernes et contemporains avec La Visite de la vieille dame de
Friedrich Dürrenmatt (Théâtre du Garage, en 1993 pour une première version et au Forum de Meyrin, en 2004
pour une seconde version), Striptease de Slawomir Mrozek et Noces de sang de Garcia Lorca (respectivement
dans les Ateliers de Sécheron et à la Comédie de Genève, en 1997) ou encore Maître Puntila et son valet Matti de
Bertolt Brecht (Théâtre Forum Meyrin, en 2007). En tant qu’acteur, il a joué dans plusieurs de ses créations
comme sous la direction d’autres metteurs en scène.
En 2006, Omar Porras aborde l’univers de l’opéra avec L’Elisir d’amore de Donizetti à l’Opéra National de Lorraine
; Il Barbiere di Siviglia de Paisiello au Théâtre Royal de la Monnaie puis à Lausanne en 2007. Cette même année,
il met en scène Die Zauberflöte au Grand Théâtre de Genève et en 2009 La Périchole à l’Opéra de Lausanne.
En parallèle, Omar Porras organise et dirige de nombreux ateliers pour comédiens et danseurs, notamment dans
les Ateliers de Paris avec Carolyn Carlson, au Théâtre du Grand T à Nantes et au SPAC à Shizuoka.
Sa Visite de la vieille dame de Friedrich Dürenmatt a été récompensée par le Prix romand des spectacles
indépendants en 1994 et Pedro et le commandeur a été doublement nominé aux Molières 2007 - pour la mise en
scène et l’adaptation. Enfin, la Colombie lui a décerné l’Ordre National du Mérite en 2007 ainsi que la Médaille du
Mérite Culturel en 2008.
Il vient par ailleurs de célébrer les vingt ans de sa Compagnie, le Teatro Malandro, avec Bolivar : fragments d’un
rêve (Chateauvallon, 2010), et a également signé au Japon, en janvier 2011, une reprise de El Don Juan de Tirso
de Molina avec la troupe du SPAC (Shizuoka Performing Art Center).
Pour la saison 2011-2012, outre L’Eveil du printemps, il prépare Les Cabots une pièce chorégraphique menée
avec Guilherme Bothelo, Compagnie Alias.
Marco Sabbatini - traduction et adaptation
Il enseigne la stylistique française à l’École de traduction et d’interprétation, et la littérature italienne à l’Université
de Genève, après avoir été critique littéraire au Journal de Genève (1993-1997) et au Temps (depuis 1998).
Tout en étant aux côtés d’Omar Porras comme dramaturge depuis près de dix ans Marco Sabbatini en est à sa
quatrième collaboration comme traducteur ou adaptateur. En 2000, il l’a accompagné sur Les Bakkhantes d’après
Euripide, suivi par Ay ! Quixote, un spectacle inspiré de Cervantès, avant de se confronter à El Don Juan en 2005.
Depuis plus d’un an, il travaille à cette nouvelle création, L’Eveil du printemps.
Marco Sabbatini est aussi l’auteur d’un livre sur Alberto Savinio, L’Argonauta, l’anatomico, il funambulo, publié à
Rome par Salerno. Il a traduit, pour Les Belles Lettres, l’œuvre poétique complète de l’humaniste italien Leon
Battista Alberti.
Suisse d’origine italienne, il est très attaché à la culture de la Péninsule qu’il s’évertue à faire découvrir. En 1996, il
organise Futurismo, une manifestation autour du futurisme italien à Genève, puis, l’année suivante, une exposition
pluridisciplinaire intitulée Dante/Pasolini. Il donne aussi de nombreuses lectures publiques de textes de futuristes
italiens, de Dante, de Pasolini ou du poète Mario Luzi. Il fonde, en 1989, le Groupe universitaire de théâtre italien Il
Ghiribizzo pour lequel il écrit, traduit, adapte, joue et met en scène des pièces de théâtre.
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Les comédiens
Sophie Botte - Madame Gabor, Ilse et une jeune fille
Elle a travaillé sous la direction de Fabrice Melquiot dès 1996 et entamé ensuite une formation à l’école Claude Mathieu. En
tant que comédienne, elle collabore avec plusieurs compagnies et explore des textes classiques, en passant aussi bien par des
formes clownesques, le jeu masqué ou le cabaret. Elle joue au côté de Michel Bouquet dans L’Avare avant de rencontrer Omar
Porras à Genève pour la création des Fourberies de Scapin.
Olivia Dalric - Madame Bergmann, Frau Fliegentod et une jeune fille
Elle entre au Studio Théâtre sous la direction de Jean-Louis Martin-Barbaz en 1997. Formée à l’Ecole Jacques Lecoq, elle
expérimente le masque dans un large répertoire allant de Brecht à Shakespeare. Après des collaborations régulières avec le
Théâtre régional des Pays de la Loire et plusieurs compagnies telles que L’Omnibus, Balagan et La Mandarine blanche, elle
intègre en 2009 le Teatro Malandro pour la création des Fourberies de Scapin.
Peggy Dias - La Directrice, Madame Schmidt et une jeune fille
Elle se forme à l’Ecole Parenthèses dès 1993, puis à celle du Théâtre National de Chaillot et se passionne pour le jeu masqué.
Elle suit alors l’enseignement de Christophe Patty et de Mario Gonzalez avec qui elle collaborera dans plusieurs créations. Elle
participe à des stages avec Ariane Mnouchkine. Elle travaille avec diverses compagnies notamment avec Annibal et ses
éléphants et Oposito. En 2004, elle crée sa propre compagnie La Bande à Lulu. Elle fera partie de la distribution des
Fourberies de Scapin mises en scène par Omar Porras.
Alexandre Ethève - Hans, Un professeur
Né à la Réunion, il s’installe à Paris en 2002 pour suivre des cours de théâtre. Il intègre diverses compagnies dont la troupe
parisienne Viva la commedia et la compagnie Tutti quanti. Parallèlement il se forme à l’école Florent tout en assistant
Christophe Patty, maître de masque au conservatoire national de Paris. En 2008, il rencontre Omar Porras et joue dans Les
Fourberies de Scapin. Depuis il a rejoint le Théâtre Nomade et enseigne le masque au Laboratoire de Formation au Théâtre
Physique.
Adrien Gygax - Otto, Monsieur Gabor
Diplômé de l’AICOM et de l’Ecole Philippe Gaulier, il participe à de nombreux spectacles musicaux tels que Le Livre de la
jungle en France ou Starmania en Suisse. Collaborateur régulier de la compagnie Evaprod, il participe aux côtés de Floriane
Iseli et Jacint Margarit à la création de plusieurs pièces, tant comme comédien qu'auteur. Il est cofondateur de la compagnie
The Last Baguette.
Paul Jeanson - Melchior
Il se forme auprès de Jean-Louis Martin Barbaz, au Studio Théâtre d’Asnières. En 2004, il crée la compagnie des Sans cou et
fait graviter son travail autour de l'improvisation et l'écriture. Il développe entre autre un concept de Cabaret alternatif. Ses deux
derniers projets sont Masques et nez et J’ai couru comme dans un rêve. A la Comédie-Française, il travaille sous la direction
de metteurs en scène tels que Denis Podalydès et Benno Besson. En 2009 dans le rôle d'Octave, il collabore au spectacle des
Fourberies de Scapin mises en scène par Omar Porras.
Jeanne Pasquier - Wendla, Frau Knuppeldick et une jeune fille
Formée à l’Ecole Internationale de Théâtre Lassaad à Bruxelles, une école où le corps occupe une place centrale, elle y étudie
divers styles de théâtre, comme la Commedia dell’Arte, la tragédie, la pantomime et le clown. A sa sortie de l’école en juin
2010, elle participe à deux créations musicales de Michèle Millner, Sicily Jump en Sicile, puis Albahaca, au Théâtre de Poche à
Genève. En juin 2011, elle a chanté dans Rabelais la nuit de Serge Martin.
François Praud - Moritz et le Pasteur
Elève à l’ESTBA en 2008, il suit parallèlement une formation en chant lyrique au Conservatoire de Bordeaux. Pianiste, il
développe une activité de compositeur. Il entre à la Comédie- Française en septembre 2010 en qualité d’élève-comédien et
participe à la création de L'Opéra de quat' sous sous la direction de Laurent Pelly, mais travaille aussi avec Alfredo Arrias,
Jacques Allaire, Jérôme Deschamps, Catherine Hiegel et Marie-Sophie Ferdane. En juillet 2011, il a présenté un concert de
ses propres compositions (piano-voix) au Théâtre du Vieux Colombier de la Comédie-Française.
Anna-Lena Strasse - Martha et Frau Habebald
Formée au chant et en musique à Hambourg, où elle fit partie de la troupe de l’Opéra, puis au Conservatoire National d’Art
Dramatique de Paris, elle joue sous la direction de plusieurs metteurs en scène et réalisateurs, notamment de Tom Stromberg
et Miguel Alexandre. On a pu la voir dernièrement dans un film de Philippe Le Guay, V comme Vian au côté de Julie Gayet et
Laurent Lucas.
saison 11/12 - dossier de presse L’ÉVEIL DU PRINTEMPS – p. 7