La revue Jump Cut

Incluant plusieurs critiques, dont celle d’El Topo et de Enter The Void
Table des matière La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
La revue
Jump cut
Novembre 2015, numéro 1
La revue alternative au
cinéma hollywoodien
Dossier spécial: Les jeunes dans le cinéma contemporain

Table des matière La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015

Table des matière La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Table des matières p.3
Présentation p.4
Dossier: les jeunes dans le cinéma contemporain
La voix de la dissidence p.5
Portrait du cinéma contemporain américain p. 11
Le déclin de l’empire américain? p.11
L’impérialisme culturel destiné aux jeunes p.16
Portrait comparatif du cinéma américain contemporain p. 21
Critiques de films
Faites l’amour et non la guerre! p.25
Pour l’amour d’une femme p.27
Vive la Palestine libre! p.29
Triste comédie musicale p.31
Sous LSD p.33
Le cinéaste Lars Von Trier

Présentation La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Présentation
Dans le cadre de mon cours Projet en cinéma, j’ai eu la chance de faire cette revue, qui synthétise
mes 3 années d’apprentissage dans le programme de cinéma et communication au Cegep André-
Laurendeau. Par rapport à la réflexion intellectuelle présent dans les textes et à sa forme, elle se situe
à un niveau pré universitaire. Afin de mettre en valeur une variété de films, la revue sera divisée en
deux parties :
La première partie contient des analyses approfondies sur trois œuvres contemporaines, qui
proposent chacune à leur manière une vision de la jeune génération. D’une part, j’ai décidé de
consacrer une analyse assez complète sur mon propre court métrage sorti en août dernier. Ce texte
sert en quelque sorte à synthétiser mes réflexions et mes analyses (par rapport à mon propre film) et
à présenter ma démarche cinématographique, qui par ailleurs, peut permettre d’introduire le type
d’œuvre qui sera analysé dans cette revue : des films formellement différents, par rapport au cinéma
dominant et qui aborde, généralement, des thématiques politiques. Les deux autres textes constituent
une analyse comparative entre deux films américains : Spring Breakers et Projet X. Le but de cette
analyse est d’être en mesure de cerner la vision respective des deux réalisateurs et de mettre en
opposition le cinéma commercial et le cinéma d’auteur indépendant (américain). La partie analyse se
conclut par un texte synthèse qui cherche à relever les caractéristiques du cinéma contemporain, à
partir de mes trois analyses précédentes.
La seconde partie concerne davantage la critique de cinq films qui couvrent le
cinéma des années 60 à aujourd’hui. Toutefois, les œuvres sélectionnés peuvent
être particulièrement difficiles d’accès. D’une part, j’ai toujours été attiré vers les
choses peut conventionnelle et marginaux et le cinéma ne fait pas exception à la
règle. D’une autre part, je considère que chacune des œuvres sélectionnés
méritent d’être connue et vue, par le plus grand nombre de gens. En fait, le but
ultime de la revue Jump Cut correspond à une valeur qui me tient à cœur, celle de
l’ouverture d’esprit. Pour cette raison, la mission fondamentale que je me suis
donnée tout au long de ce projet est de démontrer que le cinéma ne se limite pas
aux superproductions hollywoodiennes et qu’il existe une multitude de
conception et de manière de faire un film. Cette mission m’amène à proposer au
lecteur des textes le plus clairs et rigoureux possible, afin de le permettre d’avoir
des exemples concrets d’œuvre provenant de différents courants
cinématographiques. Au final, j’espère contribuer, modestement, à une prise de
conscience et à une libération des esprits par rapport à l’hégémonie
hollywoodienne.
Le cinéaste Gaspar Noé
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Analyse filmique La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
La voix de la dissidence
Analyse filmique du court métrage Québec socialiste
Depuis plusieurs années, nous pouvons observer une dépolitisation du cinéma québécois
et mondial, symbolisant une société elle-même dépolitisée et cynique. Souvent, les
œuvres se retrouvent à mettre en scène des problèmes personnels, symptôme d’une
société gangréné par l’individualisme et le culte du « je » au détriment du « nous. »
Mais à l’opposé à cette tendance cinématographique, certain cinéaste plus marginal
cherche à proposer des œuvres à caractère sociales, qui reflète et critique la société actuelle. C’est le cas
du jeune cinéaste Guillaume Gélinas avec son premier court métrage Québec socialiste. Ce film suit des
jeunes engagés politiquement, qui nous parle de leur mouvement politique visant à conscientiser la
jeunesse sur les enjeux actuels. Aussi, ils tentent de nous proposer une alternative au néolibéralisme. Cette
œuvre, qui se situe en marge des productions cinématographiques dominantes, cherche à réhabiliter un
type de cinéma qu’on croyait mort et enterré : le cinéma militant. En effet, le court métrage propose une
vision et une fonction très spécifique que le cinéma devrait avoir : celle de conscientiser la population et
remettre radicalement en question l’ordre établi. Par sa forme à la fois moderne, pour son côté subjectif et
autoréférentiel, c’est-à-dire, qu’il fait référence à lui-même et contemporaine, pour son côté hybride entre
la fiction et le documentaire, ce film donne la parole à la jeune génération, surtout, la frange la plus active
politiquement.
Une œuvre consciente d’elle-même
Afin de nous transmettre le message du
mouvement, l’équipe de tournage se veut nontransparente
et participe à l’action du film. Tout
d’abord, ce procédé stylistique cherche à
éradiquer le quatrième mur qui sépare
normalement l’équipe de tournage (ainsi que le
spectateur) et les acteurs. Par l’utilisation de la
voix off et l’effet miroir, qui nous permet de la
voir à travers les vitres, Québec socialiste installe,
d’une manière très subtile, une mise en abime, qui
nous permet d’assister à la captation d’un «
documentaire engagé » sur des jeunes militants
politique. Au final, ce procédé fortement
autoréférentiel amène Québec socialiste à être
conscient de lui-même (en tant qu’œuvre), ce qui
permet au court métrage de se distinguer des
autres productions, surtout les plus commerciaux.
Par ailleurs, les choix stylistiques jouent un rôle
important dans cette non-transparence, en
particulier dans l’utilisation de la caméra et du
son. Tout d’abord, les plans sont filmés en caméra
portée et parfois on sent la présence du
caméraman, en particulier, lorsque le zoom est
utilisé pour focaliser et recadrer un personnage.
Parfois même, on peut entendre la caméra faire le
zoom ou bouger, surtout lors des scènes qui se
déroulent à l’intérieur. De manière générale, on
pourrait ajouter que la caméra filme près de
l’action, comme lorsque Stéphanie arrive en
courant, à la fin du film, pour dire à Maxime et à
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Analyse filmique La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Charles que : « La police s’en vient! »
Contextuellement, celle-ci est utilisée pour «
capté » la contestation que le Québec connaît
depuis quelques années. Dans ce sens, la caméra
est utilisée pour donner la parole à la dissidence
politique, surtout chez les jeunes, pour qu’ils
expriment leur désaccord par rapport à la société
québécoise actuelle. Ensuite, la captation du son
aborde dans le même
sens. En effet, celleci
« capte en direct »
le point de vue des
m i l i t a n t s d u
mouvement et
permet qu’on puisse
entendre leur piste
de solution pour
améliorer la société
actuelle. Toutefois,
les bruits de fond, en particulier lors des scènes
qui se déroulent à l’extérieur, peuvent prendre
autant de place que les dialogues. Si cette
problématique peut sembler un défaut de
production, cela relève davantage du choix
esthétique principale de garder le tout, le plus
naturel possible. Paradoxalement, ce point faible,
à première vue, participe à rappeler au spectateur
que le son est capté par un perchiste, surtout
lorsque le vent souffle dedans. Le tout participe à
faire rappeler que le film est tourné. En sommes,
la caméra et le son sont les armes qui sont
utilisées, par le réalisateur, pour symboliser la
d i s s i d e n c e p o l i t i q u e , p a r r a p p o r t a u
néolibéralisme et participe à la non-transparence
de l’équipe de tournage.
Une autre chose qui est importante d’analyser est la
fonction que le réalisateur pourrait avoir dans le film. La
première fonction serait celle d’informer et d’incarner
(indirectement) le spectateur. En effet, celui-ci pose des
questions scolaire, le réalisateur les relances pour savoir
comment il compte financer leurs projets. D’ailleurs, ce
style pourrait se rapprocher du journalisme, dans la
mesure où l’on part à la rencontre des gens et on cherche
à informer le public sur des enjeux actuels.
Ce style, qui caractérise le cinéma
contemporain, cherche à se « métisser »
avec d’autres influences extérieures à celuici.
Dans cette perspective, il s’agit d’un
hybride entre le cinéma de fiction et le
journalisme, ce qui relève davantage du
postmodernisme cinématographique,
puisqu’on mélange des styles, parfois
opposé. Au final, le réalisateur pourrait être
considéré comme un personnage, au même
titre que les acteurs, puisqu’il participe à l’action du film
et inter agie avec eux, sans qu’on puisse le voir.
Finalement, les regards caméras occupent une place
importante dans les choix stylistiques. En effet, ceux-ci
pourraient avoir deux fonctions distinctes : La première
servirait à faire rappeler au spectateur la présence de
l’équipe de tournage. Par exemple, lorsque le réalisateur/
caméraman pose une question, souvent, les personnages
répondent en regardant dans la caméra. Cela permet une
interaction entre l’équipe de tournage et les militants du
mouvement et contribue à la non-transparence de celleci.
La seconde concerne un renvoi à notre position de
spectateur, en vue de nous obliger à nous positionner sur
les différents enjeux soulevés. En effet, le but du film est
de conscientiser le spectateur et ce procédé, qui détruit
toute distanciation, emmène une fonction davantage
participative, au niveau intellectuel. De plus, on pourrait
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Analyse filmique La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
rajouter que les personnages peuvent s’adresser
directement au spectateur, en particulier lorsque
Maxime cri après un « fédéraliste de gauche.» Au
final, le regard caméra est le procédé le plus
important qui est utilisé, pour remplir la fonction
militante du film.
La manipulation du spectateur ?
L’un des points fondamentaux qui
caractérisent le faux documentaire est de faire
passer une fausseté pour quelques choses de
réelle. Pour ce faire, les
procédés qui y sont
utilisés doivent
pratiquement relever de la
fiction hyperréaliste.
Dans cette perspective,
Québec socialiste opte
pour une esthétique très
naturelle, dont on sent
certaines influences provenant du dogme 95.
Premièrement, les choix de mise en scène
vont dans ce sens et s’incarnent plus précisément
dans les choix de décors et d’éclairage. Tout
d’abord, on cherche à recréer le mode de vie des
jeunes. Par exemple, lors de la première rencontre
avec le réalisateur, les décors cherchent à recréer
l’univers de deux jeunes adultes qui vivent
ensemble. Ensuite, l’éclairage est entièrement
naturel et n’utilise aucun effet artificiel. Par
exemple, l’éclairage de la scène avec Stéphanie et
Maxime s’appuie sur la lumière du soleil et donne
un éclairage de jours. Toutefois, ce choix entraine
certaines faiblesses esthétiques, comme les
moments qui sont sous-éclairés dans la voiture de
Maxime, qui fait presque disparaitre le
personnage. Ensuite, le jeu des acteurs est
très naturel à un point qu’on oublie, par moment,
qu’ils sont des comédiens. On pense, par
exemple, à la scène du souper d’amoureux entre
Stéphanie et Maxime, ainsi que la discussion dans
la voiture du personnage principal. En sommes, la
crédibilité du court métrage repose en grande
partie sur ces choix de mise en scène.
D e u x i è m e m e n t , l e m o n t a g e e s t
principalement rattaché au
propos du film. Tout d’abord, la
temporalité du récit se veut
linéaire et cherche à démontrer
que l’équipe de tournage à
passer plusieurs jours, voire
même plusieurs semaines à
côtoyer le mouvement. Malgré
cette linéarité, par rapport à la
structure temporelle du récit, cela n’empêche pas
de briser la continuité visuelle, fait de manière
intentionnel par le montage. Par exemple, la scène
de Stéphanie et Maxime contient un montage en
parallèle qui vient interrompre les parties typiques
au « documentaire » : entrevue presque
journalistique avec les personnages, discours
explicitement politique et militant, etc. De plus,
on retrouve beaucoup de Jump Cut, dans un style
godardien, lors des scènes de couples, qui sert
aussi d’ellipse, par rapport au montage
temporelles. Bien que la musique ne soit pas
omniprésente dans le film, elle peut avoir
certaines fonctions particulières. Par exemple,
lors du souper d’amoureux, la chanson Take My
Breath Away joue en musique extradiégétique, à
l’extérieur de la scène et donc rajoutée au
montage. Ce choix de pièce fait directement
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Analyse filmique La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
référence au film Top Gun, qui sera visionné
un peu plus tard dans la scène. Sa fonction est à la
fois autoréférentielle (par rapport au cinéma) et
intertextuelle (par rapport au fait que cette
chanson a obtenu un grand succès.) De plus, la
chanson Toujours plus mais toujours moins du
groupe québécois Anonymus critique les
politiques d’austérité et accompagne
des images (lors du générique du
début), qui pourrait faire appelle à
une révolte contre cette politique
économique. Bref, le montage
accompagne le propos du film et
brise la continuité visuelle dans les
scènes.
Portait de la jeunesse militante
À la suite de l’échec du référendum de 80,
mais plus encore après celui de 95, les
gouvernements, péquiste et Libéraux ont tous
deux appliqué des politiques de « compression
budgétaire », qui visait ultimement à démanteler
le « modèle québécois.» Ces politiques de type
néolibéral, dont les origines philosophiques
proviennent du monde anglo-saxon, visent à
diminuer l’intervention de l’État dans les sphères
économiques et sociales. Les nombreuses
suppressions de postes et la vision très marchande
qu’entraine cette idéologie emmènent une forte
contestation au sein de la population. L’un des
exemples les plus éloquents a été la crise
étudiante de 2012. Cet évènement majeur dans
l’histoire du Québec a amené des centaines de
milliers de jeunes à s’opposer à la hausse brutale
des frais de scolarité, proposé par le
gouvernement Charest. La base militante du
mouvement du film, pourrait s’incarner dans cette
jeunesse qui s’oppose farouchement au politique
d’austérité, et qui a d’ailleurs essayé de partir un
mouvement de grève en hivers 2015.
En fait, Québec socialiste représente une tendance
qu’on retrouve au sein de
la jeunesse actuelle.
D’une part, celle-ci est à
la recherche de nouveau
véhicule politique pour
incarner ces aspirations,
dont Option nationale
(O.N.) et Québec solidaire
(Q.S.) serait les plus
connues, sur la scène
politique provinciale.
D’une autre part, le
mouvement fictif cherche à proposer un projet
politique actuel, qui se base sur des enjeux pouvant
rassembler les jeunes comme l’environnement et
d’autres enjeux sociaux. On pourrait ajouter que le
projet politique du mouvement s’appuie sur une
critique du capitalisme actuelle et de l’individualisme,
qui l’amène à embrasser un socialisme démocratique
comme principale alternative à la société actuelle.
Toutefois, il est important de se demander si la jeunesse
représente réellement un terreau fertile à ce type de
projet.
En effet, si les « carrés rouges » représentent la base
militante du mouvement et que le court métrage
symbolise cette frange de la jeunesse québécoise, il
existe aussi d’autres jeunes, probablement autant
politisés, mais qui ne partage pas nécessairement les
idées véhiculées dans ce film. Selon certains sondages
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Analyse filmique La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
récents, le parti numéro 1 chez les jeunes
serait le Parti libéral du Québec (P.L.Q.)
Malheureusement, Québec socialiste aborde très
peu cette réalité et se contente de prêcher aux
converties, comme le fait, hélas, bon nombre de
films engagés. De plus, les médias dominants
dépeignent souvent les jeunes comme étant «
individualistes » et
des « citoyens du
monde », tout en
diabolisant ces
fameux « carrés
rouges », comme le
montre de façon
éloquente le
traitement
médiatique de la
crise étudiante. Curieusement, cette vision de la
jeunesse, qui nous est vendue par les médias,
correspond aux valeurs du néolibéralisme. En fait,
les médias dominants, qui sont souvent sous
contrôle d’homme extrêmement riche, proposent
une vision de la jeune génération qui correspond
à leur projet politique. Dans ce sens, le court
métrage représente une contre thèse de ce que les
médias de masse nous projettent. De plus, il
s’appuie sur la jeune génération pour porter une
critique de la société actuelle. Au finale, cela
révèle une seconde thématique centrale à l’œuvre,
soit la marginalité politique.
Un autre aspect qui est important à analyser,
c’est le rapport du mouvement avec la question
nationale. Celle-ci est à la base de leur alternative
politique et correspond aussi à une tendance
qu’on retrouve chez les jeunes, celle d’aborder
concrètement l’enjeu de l’indépendance du
Québec. Par exemple, Charles Beauregard
nous explique que le meilleur moyen de contrer
les accords de Libre-échange, qui donne des
pouvoirs démesurés aux multinationales, est que
le Québec puisse négocier lui-même ses propres
traités. Toutefois, l’indépendance véhiculée par ce
mouvement est conditionnée à un projet politique
de type socialiste, dont le nom du
film symbolise cette vision d’un
éventuel pays. Ensuite, le
nationalisme qu’on retrouve dans
Québec socialiste aborde dans le
même sens. En effet, le court
métrage propose comme thèse que
le néolibéralisme va à l’encontre
de l’intérêt général (ou nationale).
D a n s c e t t e p e r s p e c t i v e , l e
nationalisme se veut un rempart contre le
capitalisme actuel, puisqu’il serait apte à défendre
les intérêts d’un plus grand nombre de gens. Au
final, le nationalisme véhiculé dans ce film,
représente l’une des formes qu’on pourrait y
retrouver chez les jeunes : une adhésion au «
Québec d’abord » (patriotisme), accompagné
d’une forme d’internationalisme (un désir de
s’ouvrir et de participer au monde.)
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Analyse filmique La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Comme nous avons pu le constater, Québec socialiste est une œuvre anticonformiste tant
par son propos que par certains de ses choix stylistiques, surtout en ce qui concerne la nontransparence
de l’équipe de tournage et son caractère hybride. Dans un contexte marqué par
le réveil d’une partie de la population et sa contestation, par rapport au politique d’austérité,
le film cherche à donner la parole à des jeunes et à symboliser la révolte populaire, par sa
tonalité extrêmement contestataire. Dans un sens, il s’agit d’utiliser le cinéma et ses divers
procédés (caméra, son et mise en scène), au même titre que certaines personnes vont sortir
dans la rue pour manifester. En sommes, il s’agit d’une autre façon, plus culturelle,
d’exprimer son désaccord et sa vision du monde, qui certes, ne doit pas prétendre à convertir
qui que ce soit, mais qui peut certainement contribuer modestement au débat public. De plus,
la forme de cinéma que propose le réalisateur représente une sorte de cinéma militant « pur et
dur », dans la mesure où le court métrage propose explicitement un projet politique au
spectateur, auquel il cherche ultimement son adhésion. De ce point de vue, il s’agit de l’un
des rares films québécois à être ouvertement pour l’indépendance du Québec et à proposer
une sortie du capitalisme actuelle. Par rapport aux deux autres œuvres qui seront analysées
dans les pages suivantes, le court métrage propose une vision politiquement engagée de la
jeune génération et sont opposition, par rapport à la société actuelle.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Portrait du cinéma contemporain
américain
Analyse comparative entre Spring Breakers et Projet X
Mise en contexte
Il y a quelques années, sortaient deux films : Spring Breakers et Projet X, respectivement d’Harmony
Korine et de Nima Nourizadeh. Ces deux œuvres, loin d’être des chefs d’œuvres du cinéma,
représentent chacune à leur manière, ce qu’on pourrait appeler le cinéma contemporain. D’une part,
l’aspect formel contient des éléments originaux, qui méritent notre attention. D’une autre part, les
thématiques abordées sont le reflet de la société actuelle, en particulier celle que les jeunes entre 18 et
30 ans ont grandie. L’analyse comparative suivante cherchera à dresser un portrait du cinéma
contemporain, sur le plan stylistique et thématique, tout en essayant de distinguer la vision respective
des deux réalisateurs. L’autre aspect qui sera analysé est leur rapport avec leur public cible, puisque
comme nous allons le voir, certains de ces films ont eu un certain impact sur le public.
Le déclin de l’empire américain?
Analyse filmique de Spring Breakers réalisé par
Harmony Korine
Si le cinéma américain est surtout connu pour ces mégas productions, il existe
néanmoins certains cinéastes qui cherchent à proposer des œuvres originaux et
radicalement différentes de ce qu’on est habitué de voir. C’est le cas d’Harmony
Korine qui rentre dans la catégorie des cinéastes indépendants. Tout d’abord, il a
commencé sa carrière comme scénariste pour le film Kids réalisé par Larry Clark,
qui fera aussi Ken Park, un autre film scénarisé par le cinéaste américain. Plus
tard, il réalisera son premier long métrage, Gummo, considéré comme une œuvre
d’avant-garde, ce qui est plus tôt rare aux États-Unis. Par la suite, il sortira
d’autres œuvres qui déconstruisent les conventions du cinéma dominant, pour
proposer quelques choses de beaucoup plus uniques et hors-norme. D’ailleurs, le cinéaste est très critique du
cinéma actuel et trouve que les productions ressemblent trop à ce qu’on faisait à l’époque de Griffith (années
1910), mais avec quelques évolutions techniques. Toutefois, Harmony Korine opère un virage « commerciale
» avec son dernier film, Spring Breakers. Sortie en 2013, cette oeuvre raconte l’histoire de jeunes filles, qui
durant leur congé scolaire (l’équivalent de la semaine de relâche aux Québec), décide d’aller au Spring Break,
une sorte d’évènement festive ou la débauche est particulièrement au rendez-vous. Malheureusement, les
quatre amies n’ont pas assez d’argent et décident d’aller cambrioler un restaurant, afin de payer leur voyage.
Elles réussiront à s’y rendre et rencontreront, après quelques jours de fête intensive, un dealer de drogue
locale surnommée Alien. Pour ce film, Harmony Korine décide de faire appel à des personnalités connues,
comme Selena Gomez (chanteuse pop et vedette au Disney Channel), Vanessa Hudgens (aussi une vedette au
Disney Channel), ainsi que James Franco dans le rôle d’un gangster.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Une oeuvre formaliste?
D’entrée de jeu, Spring Breakers se présente
comme une œuvre très formaliste et la
construction des images vont dans ce sens et
l’utilisation de la caméra sert ce but. Par exemple,
à la fin du film, on retrouve un plan filmé à
l’envers. Ces choix de cadrages, parfois
originaux, mise clairement sur l’aspect formel de
l’œuvre : on construit des belles images au
détriment d’une
symbolique plus
profonde. En soi, il
s’agit d’une
caractéristique qui
pourrait correspondre au
maniérisme : on créer
des œuvres maitrisé
visuellement, mais sans
contenue (message) réel. Certains choix, parfois
très audacieux, comme cette caméra « libre », qui
sort de nulle part pour aller filmer la scène où les
ralentis vont dans ce sens. Cela pourrait expliquer
la construction très esthétique des images, qui
mise énormément sur les couleurs. Tel un tableau
de peinture, les plans se présentent, visuellement,
comme de véritables œuvres d’art. Par ailleurs,
certains plans sont construits en mettant une
fonction particulière aux couleurs choisies. On
pense, par exemple, à la scène vers la fin du film
ou les filles et Alien marchent sur un pont avec un
Bikini et une camisole jaune. Cette couleur,
cherche à mettre de l’emphase sur ces
personnages pour nous indiquer qu’ils seront
importants dans l’action à venir. En sommes, la
caméra et l’image se présentent avec une grande
maitrise esthétique.
Ensuite, les choix de mises en scène servent
généralement à nous plonger dans l’univers du
film. Tout d’abord, les choix des costumes ne sont
pas négligeables. D’une part, le fait que les quatre
filles sont principalement en Bikini pourrait
symboliser le caractère hypersexualisé du Spring
Break. De plus, le côté « gangster » du personnage
d’Alien (interprété de manière très réussie par James
Franco) pourrait, quant à lui, symboliser le côté
beaucoup plus violent du film. Ensuite, les choix de
certains décors ou certains lieux peuvent avoir une
signification particulière. Par exemple, le personnage
d’Alien vit dans une grosse maison. Celle-ci pourrait
signifier que son travail de dealer de drogue lui
rapporte beaucoup d’argent. Aussi,
le personnage collectionne les
armes à feu. Comme nous le
verrons, le personnage d’Alien
symbolise les États-Unis et en
particulier le rêve américain. Dans
ce sens, il pourrait refléter la
fascination qu’ont les Américains
pour les armes à feu et la violence.
Bref, la mise en scène est l’un des
aspects les plus importants, afin de symboliser le côté
sombre, hypersexualisé et particulièrement violent du
film.
Outre les choix de mise en scène, Korine opte pour
une narration non conventionnelle et non linéaire. Ce
choix, qui constitue l’une des forces stylistiques du
film, s’incarne principalement dans une temporalité
indéfinie ou l’on représente, parfois, une multitude de
visions différentes de certains évènements. On pense,
par exemple, à la scène du vol dans le restaurant ou
l’on retrouve le point de vue à la fois extérieur de
l’évènement, mais aussi à l’intérieur de l’action. En
plus de mélanger les temporalités, le cinéaste
déconstruit de manière radicale les règles très
conventionnelles de la continuité visuelle et narrative.
Résultat, le récit se veut extrêmement déstabilisant
pour le spectateur et contribue à l’expérience
cinématographique de celui-ci. En sommes, ce choix
de structure narrative pourrait représenter celle d’un
rêve, dans la mesure où celui-ci est structuré de
manière illogique et fait éclater toute forme de
temporalité.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Ensuite, le montage sonore est un aspect
important dans Spring Breakers. Premièrement,
on retrouve des voix extradiégétiques (over) des
personnages qui viennent commentées ou
amenées des réflexions personnelles. Ce procédé
stylistique, avec le montage des plans, contribue à
la multiplicité des points de vue. Deuxièmement,
le choix des musiques et plus largement de
l’ambiance sonore est omniprésente. Tout
d’abord, il décide de faire appel à Skrillex pour
composer la bande-son du film. Ce choix pourrait
correspondre à
l’aspect plus
c o m m e r c i a l d u
film, puisque le DJ
est à son apogée et
s o n s t y l e d e
m u s i q u e , l e
dubstep, est très
apprécié par les
jeunes. D’autre pièce, comme du hip-hop et des
chansons plus pop figure aussi dans le film. Le
choix de la musique va avec l’ambiance festive du
film et pourrait plaire à un jeune public.
Troisièmement, chaque séquence se termine avec
un bruit de fusil en sourdine. Cela pourrait
permettre, par rapport à sa fonction symbolique,
de prédire et d’amener graduellement la suite du
film et en particulier à la scène finale de fusillade.
Bref, le son contribue à l’ambiance générale du
film.
Toutefois, le film contient aussi des influences
issues du vidéoclip. On les retrouve surtout dans
la séquence d’ouverture et dans celle du Spring
Break. La première commence sur la chanson
Scary Monsters et Nice Sprites de Skrillex. Le
montage et le filmage des plans, avec un léger
effet de ralentit, suit la rythmique, mi-tempo, de
la chanson. Ensuite, la mise en scène nous plonge
directement dans l’univers du Springs Break : le
sexe et la consommation d’alcool seront au
rendez-vous. D’ailleurs, le choix de faire des gros
plans sur les seins et sur des simulations d’acte
sexuel va dans ce sens. La seconde séquence
contient un montage beaucoup plus rapide et suit,
encore une fois, la rythmique de la musique. D’une
manière générale, cette séquence cherche à mettre
de l’emphase sur le côté excitant de l’évènement,
surtout par sa rapidité et par les mouvements,
parfois rapides, de la caméra. En sommes, les
séquences influencées par le vidéoclip reprennent
les codes (tel un pastiche) de celle-ci : montage
plus ou moins rapide selon la musique, emphase
sur le caractère érotique de la
f e m m e , p r o m o t i o n d e
l’hédonisme, etc. D’ailleurs,
nous avons presque
l’impression de regarder un
clip musical à musique plus,
q u ’ u n f i l m d ’ a u t e u r s
américains. Finalement, il
s ’ a g i t d ’ u n s t y l e t r è s
monstratif, qui caractérise les vidéoclips des
chansons plus commerciales.
Génération Britney Spears
Spring Breakers représente la jeune génération qui
à grandit dans la première décennie des années
2000. Cette « génération Britney Spears » se
caractérise, notamment par l’hypersexualisation
des jeunes filles. On le remarque particulièrement
lors des scènes de fêtes ou les filles, très peut
habiller, parfois même sein nu, se livre à des actes
sexuels de toute sorte. Sans toutefois être une
dénonciation de l’érotisation des jeunes filles, le
film de Korine agit comme un miroir en nous
renvoyant directement l’image de la femme qui est
projetée dans les publicités et dans les vidéoclips.
On pense à ceux des chansons plus commerciales,
qui par ailleurs, alimentent le répertoire musical de
cette génération et du film en générale. En fait, on
pourrait presque parler ici d’une radicalisation de
la libération sexuelle, qui donne ce qu’on pourrait
appeler, la femme émancipée à l’ère post-moderne.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Ensuite, on retrouve un côté « libertaire », qui
représente l’esprit du Spring Break. Cette
immense débauche se caractérise par l’idéologie
de la transgression, qui cherche à briser toute
règle morale et en particulier ceux des sociétés
traditionnelles. Résultat, cette recherche du plaisir
et des sensations amène les personnages à
expérimenter toute sorte de choses, comme la
consommation de drogue
(cocaïne) et de sexe.
Paradoxalement, cette
hédoniste (recherche du
plaisir) s’avère purement
illusoire, comme nous
a l l o n s l e c o n s t a t e r
ultérieurement. Le côté «
gangster » est aussi
important et est incarné par une multitude de
cliché : trafic de drogue, arme à feu, règlement de
compte avec un rival, etc. Aussi, le film utilise
l’intertextualité pour faire des références
culturelles, qui pourrait interpeler la jeune
génération. Par exemple, on retrouve une affiche
de Lil Wayne sur un mur et de la musique Hip
Hop, dans la bande son. Au final, Spring
Breakers cherche à symboliser une jeunesse
alimenter, par la culture dominante américaine et
l’intertextualité dans le film occupe cette
fonction. Le film représente propose une vision
clairement libertaire de la jeunesse.
La fin du rêve américain?
Outre les thématiques énumérées précédemment,
celle de l’évasion en est une centrale. Tout
d’abord, le but de cette expérience, pour les
quatre filles, repose sur une fuite de leur vie
quotidienne. En effet, le Spring Break est centré
sur l’idée de mettre une pause à ses études pour
aller faire la fête pendant quelques jours. Cet
aspect de la thématique de l’évasion est
principalement représenté par les personnages de
Brit, Candy et Cotty. Toutefois, le personnage de
Faith représente un second sens à l’évasion, qui
correspond davantage à la société traditionnelle.
Comme nous pouvons le voir au début du film, le
personnage de Selena Gomez est très religieux
(chrétienne) et comme nous l’avons vue
précédemment, le Spring Break représente la
transgression au code
morale. Dans ce sens, le
film symbolise, dans une
interprétation plus «
conservatrice », l’abandon
des repères plus
traditionnels de la société
(famille, religion, école,
etc.) au nom de l’idéologie de la transgression, et
de l’hédonisme. Au final, Spring Breakers pourrait
être le reflet d’une société post-traditionnelle et
hypermoderne.
Ensuite, le personnage d’Alien prétend être
l’incarnation du rêve américain. Celui-ci a été
renvoyé de l’école et a perdu des membres de sa
famille. Aujourd’hui, il a réussi à se relever, grâce
au gangstérisme. Cette vision cherche à démontrer
que n’importe qui vivant une vie difficile peut s’en
sortir et devenir heureux. La fonction de ce
personnage pourrait être d’incarner cette croyance
chez beaucoup d’Américains. Toutefois, le film
nuance cette vision en y apportant une symbolique
assez percutante, dans sa façon dont elle pourrait
être interprétée. En effet, lors du règlement de
compte chez son rival, à la fin du film, le
personnage d’Alien se fait tirer dessus et meurt. De
plus, on l’entend, en voix over, parler de « rêve »
quelques secondes avant. Puisque qu’Alien prétend
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
représenter le rêve américain, cette séquence
finale pourrait directement évoquer la fin de ce
rêve ou du moins, son potentiel déclin. Le côté
illusoire du Spring Break pourrait aller dans ce
sens. Tout d’abord, à la suite de leur arrestation et
de leur libération par le gangster, les quatre filles
vont connaitre une véritable décente en enfer
(symboliser entre autres par la violence.) La scène
où l’une d’entre elles se fait tirer dessus en est un
bon exemple. Comme nous l’avons vue
précédemment, la fonction symbolique du Spring
Break est l’évasion par rapport à la société
traditionnelle. Cette fuite vers le bonheur et une
certaine jouissance camoufle la perte de repère
dans nos sociétés, qu’elle soit reliée à la fois ou la
famille, au nom d’un hypothétique plaisir qui
serait interdit. Métaphoriquement, cela pourrait
symboliser la société américaine en déclin, dont la
« fête » (représenté par le Spring Break) permet
de maintenir l’illusion du « bonheur » auprès de
la population. Dans un sens beaucoup plus
métaphorique, Spring Breakers pourrait
représenter la décadence de la société américaine
(et de la civilisation occidentale) et incarne une
vision pessimiste de la société actuelle.
En conclusion, Spring Breakers se présente comme une
œuvre très artistique, par sa construction des images et très
formaliste dans son montage non conventionnel. Par ailleurs,
celle-ci contribue à placer formellement le film en
opposition radicale au cinéma dominant et peut le rendre
difficile d’accès auprès du spectateur qui s’attendrait à voir
une œuvre plus classique. En terme de courant, ce long métrage pourrait être considéré comme un film maniériste,
puisque l’aspect visuel et formel de l’œuvre est davantage mis en évidence au détriment du scénario et des
personnages qui peuvent s’avérer particulièrement faibles, si on les regarde au premier degré. Par ailleurs,
lorsqu’on prend le temps d’analyser cet aspect, le film devient beaucoup plus intéressant qui en a l’air à première
vue. D’une part, l’œuvre semble porter un certain regard pessimiste, par rapport à la société actuelle, qu’on semble
associer à une sorte de décadence festive. De plus, la construction des personnages est un reflet de notre société
contemporaine. Par exemple, les personnages féminins incarnent une sorte de « girl Power » ou la femme
s’émancipe radicalement des structures « oppressives » traditionnelles (famille et religion) pour embrasser sa
libération totale (surtout au niveau des meurs). Cette image d’une femme libre et émancipée représente en quelque
sorte la victoire du féminisme au sens classique du terme, qui prônait l’émancipation des femmes, dans les sociétés
plus conservatrices. De plus, les personnages féminins représentent une version beaucoup plus « trash » et «
hypersexualisée » des filles de 18 à 25 ans, ce qui peut rendre difficile l’identification des jeunes filles à ces
personnages, sauf peut-être pour le côté « femme libre. » Finalement, Spring Breakers cherche à devenir LE film
de la jeune génération. Les différentes références culturelles populaires, en passant par le choix des actrices
(Selena Gomez) et du compositeur de musique (Skrillex) va dans ce sens et joue avec l’intertextualité et le
pastiche (de vidéoclip) pour aller chercher son public cible. Malheureusement, le film est peut-être beaucoup trop
formaliste et complexe (sur certains aspects) pour aller chercher un large public (chez les jeunes). Dans ce sens, il
s’agit d’un film qui combine les deux extrêmes, le cinéma « commercial » et le film « underground. » Bref, Spring
Breakers est un film commercial marginal.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
L’impérialisme culturel destiné aux jeunes
Analyse filmique de Projet X réalisé par Nima Nourizadeh
Dans un registre plus « commercial », Projet X est un film qui a eu un certain impact
auprès du public, surtout chez les plus jeunes. D’entrée de jeux, il s’agit du premier long
métrage de son réalisateur, Nima Nourizadeh. D’origine britannique et iranienne, ce jeune
réalisateur a principalement œuvré à l’extérieur du monde du cinéma. En fait, il vient du
domaine de la publicité et du vidéoclip, ce qui n’est pas négligeable et à un impact réel sur
le film. Ensuite, Projet X a été écrit par Michael Bacall et Matt Drake et produit par Todd
Phillips. Dans ce sens, il ne s’agit pas de « cinéma d’auteur », mais bien d’un film «
commercial », puisque le réalisateur n’a pas de contrôle total sur les étapes de production, en particulier, pour
l’écriture du scénario. Ensuite, ce « teen movie » raconte l’histoire de Thomas, un jeune, pas très populaire, qui
s’apprête à célébrer son anniversaire. Ses amis, en particulier Costa, décident de lui organiser une fête chez lui.
Malheureusement, le tout va commencer à dégénérer lorsqu’une armée de jeunes va débarquer dans son domicile
pour venir fêter avec lui. Enfin, tous les acteurs de ce film ne sont pas des « vedettes » et la plupart d’entre eux
gardent leur prénom pour leur personnage respectif.
Un film hybride ?
Pour commencer, Projet X se présente avec
une sorte de non-transparence très assumée, ce
qui peut assez surprendre, pour un film «
commerciale. » Dès le départ, le personnage de
Costa s’adresse directement au spectateur (par le
regard caméra) pour nous annoncer que c’est
l’anniversaire de son ami Thomas. Par ce procédé
stylistique, il nous invite directement à participer
à l’évènement et installe les bases du film : nous
faire vivre le Projet X.
Toutefois, cette non-transparence prend tout son
sens, lorsque la mère de Thomas fait référence à
la présence du caméraman. Cette caractéristique
assez originale fait en sorte que le caméraman est
un personnage dans le film (nommé Dax) et
participe directement à l’action. Si on le voit que
très peu, à l’exception de son reflet dans les vitres
et quelques plans durant la fête, on rappelle
constamment sa présence et les autres
personnages interagissent avec lui. Celui-ci les
répond en voix off, comme lorsque Costa lui offre
un vers de shooter et qu‘il lui dit qu’il ne boit pas
d’alcool. De plus, le summum de cette
participation à l’action du film se produit lorsque
Dax se fait donner un coup entre les jambes par
un nain, en colère, qui sort du four. Enfin, le
personnage de Dax pourrait correspondre à
plusieurs fonctions dans le long métrage. La
première serait autoréférentielle, ce qui permet de
nous rappeler que le film est tourné. La seconde
serait celle d’un personnage, comme les autres,
qui participe à l’action du film. La troisième et
dernière serait d’incarner le spectateur, afin qu’on
puisse vivre la fête de Thomas. Dans cette
perspective, la fonction de celui-ci se veut
beaucoup plus participative que contemplative et
pourrait expliquer le processus d’identification du
s p e c t a t e u r a u f i l m , q u i s e r a a n a l y s é
ultérieurement.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
L’utilisation de la caméra sert à « capter »
l’évènement. Tout d’abord, la caméra portée est
amplement utilisée avec le zoom, surtout dans les
parties qui pourraient faire penser à un
documentaire. Toutefois, puisque le concept du
film est d’enregistrer sur pellicule l’anniversaire
de Thomas, il faudrait davantage parler d’un
vidéo amateur que d’un documentaire sur la fête
de quelqu’un. Ensuite, certains choix de cadrage
cherchent à nous donner accès à des moments
beaucoup plus intimes.
C’est notamment le cas
lorsque la caméra filme
entre les cadres de portes.
Par exemple, lorsque
Thomas et Alexis
s’apprêtent à coucher
ensemble, la caméra les
observe, ce qui donne une
impression de violer leur
intimité et possède un côté
voyeurisme. De plus, on retrouve plusieurs types
de caméra, comme ceux des « agents » de
sécurité, celle des voitures de police et les
caméras de télévision. En effet, cela porte à croire
que Dax n’est pas le seul à avoir tourné le film et
que Projet X a été filmé avec plusieurs caméras.
Par ailleurs, cela nous donne accès à une
multiplication des points de vue, surtout
lorsqu’elles sont accompagnées de regard caméra,
comme pour les « agents » de sécurité. En
conclusion, ce procédé est largement rependu tout
au long du film. D’une part, celle-ci est utilisée
pour parler directement au caméraman et faire en
sorte qu’il participe à l’action. D’une autre part,
celle-ci sert au personnage du film pour qu’ils
nous donnent leur point de vue ou leur
témoignage sur la situation (surtout pendant la
fête.) Finalement, celle-ci vient briser la
distanciation entre le film et le spectateur et nous
renvoie à notre position en faisant en sorte que les
personnages s’adressent directement à nous.
La mise en scène nous plonge, de manière
réaliste, dans l’évènement. Tout d’abord, les
décors sont naturels et démontrent un certain
réalisme au film. On pourrait ajouter que les lieux
de tournages symbolisent en soi le mode de vie du
personnage : un jeune étudiant qui vit dans une
famille aisée ou les parents, surtout le père, gagne
bien leur vie. Les éclairages sont généralement
naturels. Toutefois, il y a aussi des éclairages plus
artificiels, surtout lors des scènes de fête. Ensuite,
le jeu d’acteur est interprété de
manière à ce que chacun d’entre
eux incarne son personnage à la
perfection. Malgré quelques
clichés typiques des « teen
movie », on se retrouve avec
une capacité pour le spectateur
de se reconnaitre dans les
différents personnages. Au
début du film, la réaction des
autres jeunes, lorsqu’ils se font
inviter à la fête de Thomas, cherche à nous
démontrer que le personnage est inconnu de ses
camarades. Par ailleurs, cette scène est très
importante pour comprendre la suite, puisqu’on
comprend qu’ils vont tenter d’inviter l’école au
grand complet à participer à l’évènement. Enfin,
le film contient quelques effets spéciaux
(pyrotechnie), qui sert à rendre l’évènement
encore plus chaotique, surtout vers la fin. Bref, la
mise en scène est orchestrée pour nous faire vivre
et nous donner envie de faire partie de
l’évènement. Elle sert aussi à introduire les
différentes thématiques du film, comme la quête
de popularité et les diverses expérimentations.
Ensuite, le montage mélange des styles. Pour
commencer, la structure temporelle du récit est
très classique, puisqu’elle est clairement divisée
en trois actes : situation initiale (lorsqu’ils
organisent la fête, invitent les gens, etc.), les
péripéties (la fête de Thomas avec c’est différente
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
situation) et le dénouement (le lendemain
lorsque les parents reviennent.) Ce schéma
narratif très conventionnel constitue, en quelque
sorte, l’empreinte des « majors » sur le film et
place Projet X dans la catégorie des films
commerciaux pouvant plaire à un large public.
Toutefois, ce choix narratif va de pair avec le
concept du film, qui est de « capter » la journée
d’anniversaire de Thomas et fait partie du
réalisme du long métrage. Dans ce sens, le
montage des différentes scènes et des trois actes
construit la temporalité du récit en 24 heures.
Cependant, ce respect du montage du temps
n’empêche pas de briser, intentionnellement, la
continuité visuelle
en mettant quelques
faux raccords et des
j u m p s c u t . O n
r e t r o u v e
principalement ce
procédé stylistique,
q u i d é c o u l e d u
cinéma moderne,
dans les scènes plus « Home movie.» On pense,
par exemple, a lorsqu’ils prennent des choses
dans les rangées au magasin. Ensuite, la
musique occupe une place très importante dans
le film et sert principalement à mettre de
l’ambiance dans les différentes scènes. Les
choix musicaux correspond principalement à du
Hip-Hop et à des pièces plus dansantes pour
accompagner la fête. Toutefois, on retrouve une
chanson de Metallica, Battery, qui est joué
lorsque le quartier prend en feux et que les
policiers cherchent à disperser la foule. Ce choix
de chansons participe à rendre la scène encore
plus chaotique. Finalement, on retrouve un type
de montage qui reprend le style du vidéoclip
lors de certaines scènes de fête. Le montage des
plans se veut beaucoup plus rapide et suit la
rythmique des musiques sélectionnées. Par
ailleurs, ces scènes, qui reprennent les codes des
clips commerciaux, se veulent davantage
monstrative et présentent les personnages en
train de s’amuser. Bref, le montage témoigne du
caractère hybride de Projet X.
En sommes, Projet X mise sur la non-transparence
(surtout du caméraman) pour nous rappeler et assumer
le fait que le film est tourné. Par ailleurs, ce procédé,
proche du modernisme cinématographique, distingue le
film des autres productions américaines, surtout les
Blockbuster. Toutefois, la structure temporelle du récit,
bien que respectant le concept du film, le situe
davantage dans le classicisme (structure en trois actes.)
Ensuite, Projet X puise plusieurs de ses sources
d’inspiration (surtout stylistique) à l’extérieure du
cinéma. On pense par exemple au côté « film amateur »
et aux influences vidéoclips. D’ailleurs,
rappelons qu’il s’agit du premier film du
réalisateur, Nima Nourizadeh et que
celui-ci vient du milieu de la publicité et
des vidéoclips. Ce qui nous amène à
considérer Projet X comme une œuvre «
métissé » qui sort de la forme
conventionnelle du cinéma et cherche à
créer une œuvre qui le transcende sur
certain point. Autant, nous avons pu constater que le
cinéma à influencer d’autre domaine, comme la
télévision, autant, il est aujourd’hui lui aussi influencé
par d’autres domaines, comme le vidéoclip. En fait, on
pourrait presque parler ici d’inter influence, puisque
chacun des médias audiovisuels (publicité, télévision,
cinéma, etc.) reprennent les codes de l’autre pour les
insérer dans son propre média. Par ailleurs, cela
contribue à leur évolution respective (au niveau formel)
et représente, contextuellement, l’emprise du discours
sur le métissage dans nos sociétés. Finalement, nous
sommes probablement en train de rentrer dans une
époque où tous pourraient devenir réalisateurs de film et
nous serions plus obligés d’avoir une expertise dans ce
domaine. L’accessibilité des moyens de production
(caméra moins couteuse, logicielle de montage
accessible, etc.) est probablement la cause pour
expliquer cette tendance. Bref, Projet X, par son
mélange de style et d’influence pourrait rentrer dans le
courant postmoderne.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Identification aux personnages
La thématique centrale du film est la quête de
popularité. Tout d’abord, on nous présente le
personnage de Thomas comme un « loser » ou du
moins, comme une personne qui ne se fait pas
beaucoup remarquer par les autres. La fête, en soi,
représente un moyen pour ce personnage d’être
davantage connu, ce qui va fonctionner. Par ce
personnage, on cherche à faire croire au
spectateur que s’il
veut être reconnu,
il doit être prêt à
prendre des
risques. Toutefois,
cela peut entrainer
une identification
du spectateur, à ce
personnage, ce qui
peut l’amener à
faire comme lui.
D’ailleurs, c’est
dans cette identification aux personnages que le
film frappe le plus. Ici, on cherche à illustrer la
jeunesse avec tous ces différents clichés : le gars
qui n’a pas beaucoup d’amis (Thomas), la « chick
» de l’école (Alexis), l’adolescent qui veut vivre
différentes expériences (Costa), etc. Cela pourrait
amener le (jeune) spectateur à se reconnaître chez
ces personnages et dans leur action.
Les différentes expériences abordent dans ce
sens. En effet, on nous présente diverses
expérimentations qui pourraient être reliées à la
jeunesse, dans la mesure où lorsqu’on est jeune,
on est porté à expérimenter plusieurs choses.
Toutefois, le film en fait l’apologie et montre que
ça peut être « cool. » L’une d’entre elles
correspond à la consommation d’alcool et de
drogue. Celle-ci fait intégralement partie de la
fête et contribue à sa dégénération. Dans ce cas,
on cherche à démontrer des jeunes qui
expérimente, de façon excessive la consommation
d’alcool et qui en subissent les conséquences.
Ensuite, la sexualité est aussi une autre expérience
qui est abordée dans le film, puisqu’on voit des
gens qui s’apprêtent à avoir des relations
sexuelles ensemble. C’est notamment le cas de
J.B. et de Thomas, avec Alexis. Cette thématique
de la sexualité chez les jeunes correspond au
traitement de l’hypersexualisation. En sommes,les
différentes expérimentations contribuent à donner
un portrait de la jeune génération et nous
indiquent qu’elles sont en quête
d’expérience de vie diverse.
Américanisation de la jeunesse
L’empreinte « major » se fait
particulièrement sentir dans le
message global du film. D’une
part, on fait, plus ou moins
explicitement, la promotion du
rêve américain. Cela renvoie directement au
personnage principal, qui cherche à passer d’un
inconnu à quelqu’un de populaire. Cette vision,
largement répandue dans les films américains, fait
partie de l’idéologie principale véhiculée par
Hollywood et contribue à nous vendre du rêve.
De plus, l’aspect culturel est aussi omniprésent.
C’est notamment le cas de la sélection des pièces
musicales, qui proviennent toutes d’artistes
américains (souvent commerciale) et contribuent
à vendre la culture marchande à la jeunesse et à
leur imposer une vision américanocentriste
(seules la culture et les valeurs américaines
doivent exister.) Ensuite, on semble promouvoir
une vision hédoniste à la jeunesse, avec comme
valeur suprême le plaisir et la transgression. Le
tout est accompagné de l’individualisme, qui met
de l’importance sur le « je ». Cette idéologie se
reflète surtout dans le fait
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
que les jeunes ne pensent pas aux conséquences
de leurs actes et cherche à tout prix à « jouir
sans entrave » pour reprendre la formule de mai
68. Dans cette perspective, le film véhicule
abondamment l’idéologie libertaire. Toutefois,
le film pourrait être aussi considéré comme une
métaphore de la société de surconsommation.
Par la consommation d’alcool et de drogue de
manière excessive, on cherche à démontrer que
plus qu’on consomme, plus qu’on va être «
Dans cette seconde perspective, le film fait la
promotion du capitalisme auprès de la jeunesse et
plus précisément de l’idéologie de la
consommation. De plus, le choix du quartier avec
ses grosses maisons contribue aussi à promouvoir
le capitalisme, en présentant des gens qui sont
bien nantis. Enfin, malgré son côté « progressiste
» au niveau formel, le film n’est pas si différent
des autres productions hollywoodiennes et
p r o m e u t l e s v a l e u r s a m é r i c a i n e s .
Malheureusement, Projet X s’inscrit dans
l’impérialisme culturel américain et participe,
peut-être indirectement, à l’américanisation de
la jeunesse.
En conclusion, Projet X se présente comme une œuvre bien maitriser, voir même surprenante au niveau
formel. Son caractère clairement hybride, par son mélange de style, le distingue des autres productions
commerciales. Paradoxalement, cette maitrise formelle masque une faiblesse scénaristique et le récit se
veut simple, mais efficace. Toutefois, le film met tout en œuvre pour nous donner envie de faire partie de
la fête et même d’imiter celle-ci, notamment en faisant en sorte que le spectateur s’identifie au
personnage ou aux évènements présenter tout au long du film. Cela n’est pas sans conséquence, puisque
certaine personne, notamment ici au Québec, ont tenté de reproduire ce genre de fête et cela s’est mal
terminés. Dans cette perspective, Projet X est la preuve que le cinéma peut avoir un impact réel sur les
gens et à de quoi relancer le fameux débat sur l’influence qu’une œuvre peut avoir sur la vie des gens.
Cependant, ce type d’événement a contribué à la renommer du film et probablement aussi, à sa
popularisation. Métaphoriquement, le long métrage nous propose la vision d’une Amérique capitaliste et
individualiste, par son adhésion au rêve américain. Bref, derrière ces apparences de « progressisme », on
retrouve la véritable vocation du cinéma hollywoodien, soit de servir de bras idéologique à l’impérialisme
américain.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Portrait comparatif du cinéma
américain contemporain
Retour sur Spring Breakers et Projet X.
Malgré le fait que les deux films
visent un public plus jeune, leur
traitement stylistique et thématique
se distingue sur certains points.
Tout d’abord, la construction des
plans et plus largement des scènes
relève de deux styles très
différents. Le premier (Spring Breakers) se
distingue par sa construction artistique des images
où le cadre est l’équivalent d’un tableau de
peinture. Les différentes scènes misent
énormément sur un éclairage artificiel coloré et
sont très esthétiques. Alors que le second (Projet
X) tant davantage vers une construction des
scènes et des plans ancrés dans le réel (réalisme),
afin de nous faire vivre un évènement fictif.
Aussi, le choix de prises de vue se différencie sur
certains aspects. D’une part, Harmony Korine
utilise une caméra qui frôle la virtuosité, par
moments, en particulier pour certains cadrages
originaux et pour la caméra « libre. » D’une autre
part, Nima Nourizadeh opte pour une prise de vue
plus proche du film amateur, voire même du
documentaire. De plus, il mise sur une nontransparence
du caméraman (rappelle sa présence
et participe à l’action). Cela n’est pas le cas chez
Korine, malgré le fait qu’on peut deviner sa
présence par certains mouvements de caméra,
surtout lorsque celle-ci filme plus rapidement,
comme dans la scène du vol de restaurant. Sur ce
point, Projet X se présente comme une œuvre
beaucoup plus moderne que Spring Breakers.
Rappelons que le cinéma moderne cherche à
rappeler au spectateur la fabrication du film
(fonction autoréférentielle.)
En sommes, la construction des plans et des
scènes se veut beaucoup plus esthétique et
artistique dans le premier et beaucoup plus
réaliste dans le second.
Un autre aspect qui les différencie est par
rapport à la fonction que donnent ces deux œuvres
au spectateur. D’une part, Harmony Korine désire
que le spectateur soit davantage contemplatif
devant son film, telle une œuvre d’art. Pour cette
raison, il mise énormément sur le côté visuel et
beaucoup moins sur le côté intellectuel, ce qui
représente en soi la définition qu’on pourrait
donner au maniérisme. D’une autre part, Nima
Nourizadeh cherche à donner envie au spectateur
de faire partie de l’évènement et donne un rôle
beaucoup plus participatif au spectateur,
notamment en utilisant Dax (le caméraman) pour
incarner celui-ci. Toutefois, les deux réalisateurs
se rejoignent en cherchant à créer une expérience
cinématographique chez le spectateur, qui ne mise
pas sur l’aspect intellectuel (ou réflexif, si on
préfère.) Ensuite, chacun d’entre eux utilise sa
mise en scène pour nous plonger dans l’univers de
son film respectif. Le premier cherche à incarner
u n m o n d e v i o l e n t o u l a f e m m e e s t
particulièrement érotisée, tandis que le second
cherche à nous faire vivre l’anniversaire de son
personnage principal. En sommes, les deux
réalisateurs proposent une vision opposée de la
fonction du spectateur, mais utilisent leur mise en
scène respective pour nous plonger dans leur
propre univers.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Le traitement du montage est aussi très différent
d’un film à l’autre. Premièrement, le montage des
plans est beaucoup plus visible dans le film de
Korine que dans Projet X. Celui-ci utilise une
structure non linéaire qui détruit pratiquement
toute continuité visuelle et narrative. Sur ce point,
c’est Spring Breakers qui se veut beaucoup plus
moderne et audacieux en déconstruisant les codes
du cinéma classique dominant. Pour sa part, le
second film reprend une structure narrative
beaucoup plus classique, principalement par
souci de réalisme. En effet, le concept du film fait
en sorte qu’on « capte » sur pellicule la journée
d’anniversaire de Thomas. Pour cette raison, on
utilise une structure temporelle qui se déroule en
24 heures, alors que pour le premier film, la
structure temporelle pourrait se passer en
quelques jours ou en une semaine. Toutefois, les
deux oeuvrent reprennent les codes du vidéoclip,
surtout ceux des chansons plus commerciales et
adopte un style beaucoup plus monstratif.
Cependant, les influences de vidéoclips sont
encore plus apparentes dans le film de Nima
Nourizadeh, surtout qu’il s’agit du domaine dont
ce réalisateur est issu. En sommes, le montage
dans le premier film se veut beaucoup plus horsnorme
que le second. Toutefois, les deux sont
Même si les deux films misent davantage sur
l’aspect formel que thématiques, les deux œuvres
contiennent certaines thématiques semblables,
mais traitées différemment. Tout d’abord, les
thématiques centrales ne sont pas tout à fait les
mêmes. S’ils ont en commun la thématique de la
fête et de la transgression, le premier parle
davantage d’évasion, alors que le second aborde
celle de la quête de popularité. Ensuite,
l’hypersexualisation occupe encore plus de place
dans Spring Breakers, que dans Projet X, même si
elle est abordée à travers les scènes d’acte sexuel.
Les deux films sont aussi fortement imprégnés de
l’idéologie libertaire. Toutefois, le second film
semble davantage le promouvoir que le premier.
Finalement, les deux œuvres proposent une vision
diamétralement opposée de la société américaine
contemporaine. Métaphoriquement, le premier
symbolise le déclin et la décadence des États-
Unis, alors que le second continue à faire vivre le
rêve américain à travers ces personnages.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Comme nous l’avons vue tout au long de cette analyse, les deux œuvres ont une manière différente de traiter
de leur sujet. Si à la base, le public cible s’avère être le même et qu’on nous parle de « party » et de débauche,
ceux-ci n’ont pas eu le même impact. D’une part, Spring Breakers se présente comme une œuvre maniériste,
dont la construction des différentes scènes ainsi que le montage s’avère être formellement, extrêmement
maitrisé. Dans ce sens, le film pourrait facilement rentrer dans la catégorie du cinéma d’auteur et du cinéma
indépendant, puisque ce type de film ne peut pas plaire à tous. D’une autre part, Projet X se présente comme
une œuvre hybride, dont l’identification au personnage du film est l’une de c’est principale arme pour aller
chercher son public. De plus, le film est formellement construit pour donner envie au spectateur de faire partie
de la soirée. Dans ce sens, le film pourrait aller chercher un public beaucoup plus large, d’autant plus qu’il
reprend certains codes du cinéma classique, alors que Spring Breakers cherche à les déconstruire
radicalement. Ensuite, on pourrait davantage préciser le public cible, par les principaux protagonistes des
films concernés. Le premier met en scène des personnages féminins, ce qui pourrait signifier que le film désire
aller chercher davantage ce public. Toutefois, comme il a été mentionné dans l’analyse de cette œuvre,
l’image de la femme est peut-être beaucoup trop « Trash » et « hypersexualisé » pour plaire largement à un
jeune public féminin de 18 à 25 ans. De plus, si le film pourrait plaire à des « partys girls » qui aiment une
certaine débauche, le long métrage est probablement beaucoup trop formaliste pour celle-ci. Au final, Spring
Breakers s’avère être une œuvre difficile d’accès surtout qu’il ne faut pas le regarder au premier degré et peut
être trop complexe (sur certains point) pour son public cible. Quant à Projet X, ces protagonistes pourraient
davantage aller chercher un jeune public masculin. Toutefois, le film pourrait réussir à ratisser large, si son but
fonctionne auprès du spectateur. Pour ces raisons et pour son côté divertissant le film pourrait être considérer
comme une œuvre beaucoup plus commerciale, malgré certains choix stylistique un peu plus marginale
(comme la non-transparence). Au final, le succès de Projet X auprès de la jeune génération pourrait
s’expliquer par le fait que le long métrage semble vendre un gros fantasme de jeunesse : celle de vouloir tout
transgresser et surtout, de s’amuser. Il se peut aussi que la jeune génération se reconnaisse dans cette œuvre.
Dans cette perspective, l’identification du spectateur s’avère nettement réussie et efficace. Finalement, il est
curieux de constater que le film d’auteur difficile d’accès utilise des personnalités connues dans son choix
d’acteur, alors que le film commercial utilise des acteurs non professionnels. Comme quoi le choix de mettre
des vedettes dans son film ne signifie pas automatiquement un énorme succès au box-office.
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Analyse comparative La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Tentative de définir le cinéma contemporain
D’entrée de jeux, il sera difficile d’énumérer des
codes bien définis pour le cinéma contemporain
étant donné son caractère hétérogène. Toutefois,
on peut énumérer quelques composantes en se
basant sur les œuvres analysés précédemment
(incluant le court métrage Québec socialiste.)
D’une part, le cinéma contemporain pourrait se
caractériser par son côté hybride, voire même
transcendantal. En effet, les œuvres
contemporaines vont chercher des éléments qui
sont extérieurs au cinéma. Résultat les films, à
l’image de la société, se « métisse » et rend les
frontières entre les différents genres et styles
encore plus flous. De plus, chaque domaine, par
cette hybridité, participe à s’influencer
mutuellement et transforme radicalement ses
propres codes. En sommes, le cinéma actuel
cherche à se mélanger avec les autres domaines
pour créer des œuvres qui pourraient, au final,
transcender ses propres codes. On pourrait penser
ici aux œuvres interactives ou à la réalité
virtuelle.
Une seconde caractéristique est sa conscience
que quelques le précédé. Dans cet esprit qu’on
pourrait associer au postmodernisme, le progrès
n’est plus possible et toute nouvelle avant-garde
s’avère difficile à concevoir. Dans cette
perspective, certains cinéastes vont se
réapproprier les codes de courants ou de genres
déjà existants pour les mettre dans ses propres
œuvres. Cela pourrait expliquer pourquoi certains
cinéastes contemporains utilisent le pastiche
(imitation de style) et la citation d’autres œuvres.
Toutefois, certains cinéastes pourraient chercher à
pousser ses codes encore plus loin, comme nous
l’avons vue précédemment dans l’analyse
consacrée à Québec socialiste, qui cherche à
pousser plus loin l’héritage du cinéma direct, en
s’inscrivant cependant dans une forme de
documentaire plus actuelle. En sommes, le cinéma
contemporain se veut conscient que quelques choses le
précèdent et s’inscrit directement dans l’histoire du
cinéma.
Les thématiques sont tout aussi difficiles à
cerner, puisqu’elles sont aussi très hétérogènes.
Toutefois, en se basant sur les analyses
précédentes (des deux films américains), on
peut mentionner une certaine évolution par
rapport aux mœurs. En effets, nous vivons dans
une société ou l’image de la femme se veut
particulièrement érotisée, notamment dans la
publicité et dans les vidéoclips. Résultat, la
thématique de l’érotisme et de la sexualité est
probablement abordée de façon plus crue et
sans pudeur, surtout si l’œuvre est influencée
par l’industrie de la pornographie. Ensuite, une
autre thématique pourrait être importante et
c’est le rapport qu’entretiennent les œuvres
avec la société de surconsommation. Comme
nous le savons tous, le cinéma est parfois
fortement relié au capitalisme (surtout les
grosses productions). Résultat, les films se
retrouvent à devoir prendre position, parfois
favorablement et parfois défavorablement au
capitalisme. Finalement, on pourrait ajouter une
certaine tendance vers une forme
d’individualisme dans la manière de traiter les
différentes thématiques. C’est notamment le cas
avec les deux longs métrages comparés
précédemment, qui mettent de l’avant le plaisir
individuel. En sommes, les thématiques dans le
cinéma contemporain agissent comme un miroir
de la société actuelle.
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Faites l’amour et non la guerre!
Au cours des années 60, le
c i n é m a a c o n n u u n e
véritable révolution avec
l’arrivée de la nouvelle
vague. Le Québec ne fait pas
exception à la règle et plonge
lui aussi dans la modernité cinématographique.
En 1969, le cinéaste Jean-Pierre Lefebvre sort
Jusqu’au cœur, une
f i c t i o n m o d e r n e
mettant en vedette deux
figures emblématiques
de la culture
québécoise : Robert
Charlebois et Claudine
Monfette. Ce film très
complexe raconte
l’histoire d’un homme
(Robert Charlebois, dans le rôle de Garou) dont la
société s’empare pour lui imposer le sens de la
guerre. Avec ce long métrage, le cinéaste
québécois réussit à faire une œuvre qui balance
habilement l’aspect stylistique et thématique.
Une première chose qui est frappante, c’est la
maitrise du montage. Celui-ci se veut
structurellement en opposition radicale avec le
classicisme hollywoodien, par sa non-linéarité et
son côté presque fragmenté. Par ailleurs, le
montage introduit une certaine complexité à
l’œuvre et force le spectateur à la réflexion
intellectuelle pour en comprendre le sens. Par
exemple, dans une scène où l'on voit Garou
marcher dans la rue, le montage nous bombarde
de publicité. Symboliquement, le cinéaste cherche
à dénoncer l’aliénation des Québécois (représenté
par Garou) par la société de consommation et
critique aussi l’impérialisme culturel américain
(symbolisé par les publicités de coca-cola.) Bref,
le montage de Jusqu’au cœur se veut à la fois
moderne et déstabilisant, pour le spectateur.
Une autre chose marquante est la
construction des images. Même si
on pourrait reprocher un certain
manque de virtuosité dans
l’utilisation de la caméra, les images
et particulièrement les couleurs sont
bien réussies. En effet, le film varie
entre des images colorées (vert,
rouge, etc.) avec des plans en noir et
blanc typiques de l’époque, ce qui
apporte une certaine originalité dans
la conception des images. Petite mention spéciale
à ce long plan fixe de Mouffe, cadré en gros plan,
face caméra, qui nous donne l’impression qu’elle
nous regarde et s’adresse à nous. Ce plan est
génial!
Le film se démarque aussi par un message
antiguerre et « peace and love.» En effet, cette
œuvre cherche à refléter les mouvements de
contestation, par rapport à la guerre du Vietnam et
utilise l’amour d’un couple comme principal
symbole d’opposition. De plus, certaines scènes
cherchent à démontrer l’évolution des mœurs et
l’ouverture à d’autre forme de sexualité, surtout
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
l’homosexualité, comme le démontre les images
du couple gai et lesbien qui s’embrasse sur le
divan. Bref, il s’agit d’un film qui représente la
génération des années 60 et 70.
Réal : Jean-Pierre Lefebvre Scén :
Jean-Pierre Lefebvre Pays : Québec
(Canada) Années : 1969 Courants :
nouvelle vague québécoise.
Finalement, Jean-Pierre Lefebvre nous livre une
œuvre formellement et thématiquement bien
maitrisée. De plus, il pourrait se démarquer des
autres films québécois modernes, par le fait qu’il
n’intègre pas d’éléments issus du cinéma direct.
Encore aujourd’hui, Jusqu’au cœur demeure
pertinent pour certaines de ses critiques sociales,
en particulier celle qui concerne la société de
consommation. Hélas, il est peut-être un peu trop
complexe et difficile d’accès pour les amateurs de
films commerciaux. Toutefois, pour ceux qui
désirent découvrir le cinéma moderne, il s’agit
d’un bon exemple, notamment en ce qui concerne
la mise en évidence de certains procédés
stylistiques (comme le montage) et de la
subjectivité de l’auteur. En sommes, il s’agit
d’une version québécoise de la nouvelle vague.
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Pour l’amour d’une femme
Ce qui était censé être une
œuvre cantonnée dans les
marges du cinéma est vite
devenu un film culte.
Succédant le très
déstabilisant Fando Y Lis
(1968), qui causa une
émeute lors de sa sortie au
Mexique, El Topo de
l’artiste multidisciplinaire Alejandro
Jodorowsky propulsera le
phénomène des Midnight
Movie. Ces séances qui
diffusaient des œuvres
marginaux à minuit,
principalement à New
York. Ensuite, le film est
divisé en deux parties : la
première constitue la
quête d’El Topo (joué par Jodorowsky) qui
consiste à défier les quatre maitres du désert
pour obtenir le cœur de Mara (qui lui a lancé le
défi). La seconde partie consiste à creuser la
sortie du tunnel pour libérer les habitants de la
grotte. Pour ce film, Alejandro Jodorowsky nous
présente une œuvre fascinante, dont l’amour
d’une femme n’est qu’un prétexte pour nous
p l o n g e r d a n s u n e q u ê t e s u r r é a l i s t e ,
accompagnée de violence et d’érotisme.
Premièrement, Jodorowsky utilise un tas de
symbolisme, parfois percutant, pour faire passer
ses messages. Tout d’abord, la violence est
extrêmement présente et elle est souvent
montrée
de façon brutale, presque gore. On pense à la scène du début
ou El Topo rentre dans un village bourré de cadavre et de
bonhomme pendu. Contextuellement, cette œuvre, qui
s’inscrit dans la contre-culture, pourrait chercher à exprimer
de manière provocante une opposition à la guerre (comme
celle du Vietnam), puisqu’on démontre souvent des innocents
qui se font tuer. Ensuite, le film contient beaucoup
d’érotisme et de symbolisme à caractère sexuel. On pourrait
penser à la scène de fouettage entre les deux femmes, la
sexualité entre celle-ci, ainsi qu’une
roche qui « éjacule. » Dans son
contexte, cela pourrait symboliser la
libération des meurs et l’ouverture à des
pratiques sexuelles plus marginale.
Toutefois, le film contient de multiples
références bibliques, comme les noms
des chapitres (psaume, apocalypse,
etc.), la « résurrection » d’El Top, etc.
En sommes, il s’agit d’une œuvre en
phase avec son époque et qui utilise souvent de façon
brillante la mise en scène pour faire passer ses messages.
Fidèle aux œuvres surréalistes, El Topo nous montre des
images fortes, afin de marquer l’esprit du spectateur. Dans ce
sens, il s’agit d’un film qui travaille à nous faire vivre une
expérience inoubliable. On pense, entre autres, à la scène du
massacre des êtres difformes dans le village. Aussi, une autre
image marquante est lorsque la femme en noir liche un fruit,
afin de simuler une relation sexuelle orale à Marra. De plus,
on retrouve une scène où il dénonce l’esclavagisme des noirs,
par la bourgeoisie. Par des scènes et des images fortes,
Jodorowsky amène, dans certains cas, un regard critique sur
la société.
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Au finale, El Topo est une œuvre fascinante qui
fera vivre une expérience visuelle et intellectuelle
au spectateur. Malgré son point de départ, la quête
pour gagner le cœur d’une femme, il ne s’agit pas
d’un film d’amour. Par ailleurs, cette thématique
pourrait symboliser l’idée d’être prêt à tout pour
être avec quelqu’un, qui finit par nous trahir.
Outre la richesse thématique, l’aspect visuel
surprend par moment pour certains choix de
cadrages originaux (il filme par en dessous) et
pour la bande-son, qui est parfois assez
expérimentale et indépendante de l’image (un
peu comme dans Fando Y Lis). Bref, El topo est
un film culte qui faut voir au moins une fois
dans sa vie, même si l’expérience n’est pas faite
pour tout le monde.
Réal : Alejandro Jodorowsky Scén :
Alejandro Jodorowsky Pays : Mexique
Années : 1971 Courants : Néo
surréalisme
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Vive la Palestine libre!
Le cinéaste Jean-Luc
Godard a profondément
marqué le cinéma avec des
œuvres comme À bout de
souffle (1959) et La
chinoise (1967). En 1968,
il crée le groupe Dziga
Vertov, avec Jean-Pierre Gorin, consacré à des
œuvres militantes maoïstes. En 1970, il reçoit
avec la coréalisatrice Anne-Marie Miéville une
commande de
l ’ O r g a n i s a t i o n d e
libération de la Palestine
(OLP), pour faire un
f i l m s u r l a l u t t e
palestinienne intitulée,
Jusqu’à la victoire.
Toutefois, le projet fut
inachevé et les
principaux « acteurs »
sont tous morts au combat. Quelques années
plus tard, les images du projet avorté ont été
reprises et le film Ici et ailleurs a vue le jour.
Cette œuvre combinant reportage et fiction,
retrace le processus de fabrication d’un film, en
reprenant les images de Jusqu’à la victoire.
Dans ce film, Jean-Luc Godard et sa
coéquipière nous livre une œuvre à la fois
engagée, tout en parlant de la fabrication de ce
même film.
Premièrement, les deux réalisateurs
présentent de façon surprenante et moderne la
conception d’une œuvre cinématographique. Tout
d’abord, on utilise beaucoup de symbole et de référence
en lien avec le cinéma. Par exemple, on voit une grosse
caméra avec des « acteurs » qui se place devant avec
des photos en main. Cette scène cherche à symboliser la
prise de vue et la captation de l’image, tout en
démontrant le fait qu’un film est, au finale, une
construction visuelle. Une autre scène surprenante est
lorsqu’on voit une jeune dame, face caméra, se faire
diriger sous nos yeux par le réalisateur (en voix off). Ce
procédé relevant de la non-transparence cherche à
d é m o n t r e r q u ’ u n e œ u v r e
cinématographique est en fait une
manipulation du spectateur, puisqu’on
cherche à nous faire croire quelques
choses de fictives. En sommes, le
spectateur découvrira comment on fait
u n f i l m , d a n s u n s t y l e
fondamentalement autoréférentiel.
Deuxièmement, les thématiques de
base font référence à une situation politique, celle du
conflit israélo-palestinien. Il faut saluer le courage du
groupe Dziga Vertov de prendre une position claire en
faveur de la Palestine, ce qui est plutôt rare en Occident.
En fait, il s’agit davantage d’une œuvre d’appuis à ce
peuple opprimé, ce qui a été rarement fait au cinéma.Par
contre, on pourrait reprocher aux deux réalisateurs le
manque de « pédagogie » par rapport à ce conflit très
complexe. Cela fait en sorte que le spectateur qui n’est
pas automatiquement pro-palestinien ne pourra pas se
faire une opinion sur le sujet. D’autant plus que
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
l’apologie de la révolution armée risque de créer
une mauvaise image des « Arabes », que le
spectateur pourrait associer au « terrorisme.»
Bref, le gros défaut d’Ici et ailleurs est qu’il
prêche aux converties.
Au final, ce film engagé s’avère être une
réflexion sur la fabrication d’un film et il est
formellement bien construit. Toutefois, le film ne
se base pas sur un récit avec des « personnages
», comme c’est le cas habituellement. Dans ce
sens, il s’agit d’une œuvre représentative du
modernisme cinématographique, à la fois pour
son côté autoréférentiel, ces thématiques
politiques et sa structure narrative qui brise les
règles de continuité. En sommes, cette œuvre
plaira aux amateurs de cinéma et sera vénérée
par les militants(e)s antisionistes (pro
palestinien.)
Réal : Jean-Luc Godard, Anne-Marie
Miéville et Jean-Pierre Gorin (Groupe
Dziga Vertov) Scén : Jean-Luc Godard,
Anne-Marie Miéville et Jean-Pierre Gorin
(Groupe Dziga Vertov) Année : 1974
Pays : France et Palestine Courant :
cinéma moderne
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Triste comédie musicale
.5
En 2000, le cinéaste danois Lars Von
Trier remportait la palme d’or à
Canne pour son chef -d’œuvre,
Dancers In The Dark. Ce film a été
influencé, en partie, par le Dogme 95,
un mouvement d’avant-garde créer
par Von Trier lui-même et succède
Les idiots
(1998), une
œuvre emblématique
de ce mouvement. De
plus, il met en vedette
une panoplie d’acteurs
dont les plus connues
sont Catherine
Deneuve et la
chanteuse islandaise Bjork. L’histoire raconte
celle d’une immigrante d’origine tchèque, Selma
Jezkova (Bjork), qui est passionnée de comédie
musicale. Son jeune fils possède une maladie
visuelle dégénérative (comme elle) et Selma
décide d’économiser de l’argent pour sa future
opération. À la suite de nombreux évènement, elle
sera condamnée, après un procès, à la peine
maximale. Avec Dancers In the Dark, Lars Von
Trier nous pond un véritable chef-d’œuvre, qui
mélange habilement les genres et les styles, tout
en ayant des thématiques fortes, qui feront
réfléchir le spectateur.
Tout d’abord, la prouesse technique du film se
trouve dans son hybridité des genres et des styles.
On retrouve, lors des séquences mélodramatiques,
un filmage pratiquement documentaire. Par
ailleurs, celle-ci est en partie influencée par le
dogme 95 et elles se caractérisent par un très
grand naturalisme, la marque de fabrique de Von
Trier. De plus, la caméra portée est à la fois
inspirante et hallucinante, puisqu’elle nous
donne l’impression que nous sommes au cœur
de l’action. Aussi, par ses mouvements et ses
zooms constants, on peut
avoir l’impression de
sentir la présence du
caméraman, qui filme la
scène. Ensuite, les
séquences de comédie
musicale sont découpées
mécaniquement, par les
cent petites caméras numériques qui captent de
façon simultanée la scène. De plus, on remarque
une forte influence constructiviste dans le
montage, qui peut faire penser à du Dziga
Ve r t o v. S a n s o u b l i e r l ’ o r c h e s t r a t i o n
impressionnante de la mise en scène, dont le
cinéaste va même jusqu’à utiliser les bruits
ambiants, afin de créer la rythmique, pour
démarrer les chansons. On pense, par exemple,
à la scène de l’usine où il utilise le bruit des
machines. De plus, dans un style clairement
postmoderne, il fait référence à d’autres œuvres
et cite La mélodie du bonheur. Bref, Lars Von
Trier se présente comme un génie dans sa
maitrise technique.
Ensuite, le film aborde des critiques sociales
fortes qui feront réfléchir le spectateur. L’une
d’entre elles correspond à la peine de mort. En
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
effet, le personnage de Selma est faussement
accusé du meurtre de son voisin, Bill, qui lui a
volé son argent qu’elle gardait pour l’opération de
son fils Gene. Dans ce sens, le cinéaste danois
s’attaque aux injustices du système carcéral
(américain), puisqu’elles peuvent condamner à
mort une personne innocente. Ensuite, à travers le
personnage de Linda (la femme de Bill), Von
Trier s’attaque aussi à la société de
surconsommation actuelle, qui amène les gens à
dépenser au point de s’endetter. Plus largement,
c’est le capitalisme, à l’américaine, qui est visé
dans cette critique sociale. Toutefois, le film parle
aussi de lui-même et du cinéma en général
(surtout des comédies musicales.) En fait, le
cinéaste en vient à poser de manière habile une
mise en abime sur son propre film, comme
lorsque Selma dit qu’elle aimerait être actrice
dans une comédie musicale. Bref, les thématiques
de Dancers in the dark sont à la fois engagées et
fortement autoréférentielles.
Au final, Lars Von Trier nous livre un véritable
chef-d’œuvre, par sa maitrise thématique et
stylistique. De plus, ce film touchant possède un
jeu d’acteur incroyablement émotionnel par
moment, surtout celle de Bjork. Ensuite, il s’agit
de l’un des meilleurs films du cinéaste danois et
d’un incontournable pour quiconque s’intéresse
au grand œuvre du cinéma. Finalement, il s’agit
d’une œuvre inspirante qui marquera le spectateur
par sa virtuosité.
Réal : Lars Von Trier Scén : Lars Von Trier
Pays : Pays-Bas, Suède, Danemark,
Finlande, Islande, Allemagne, France, États-
Unis, Royaume-Uni et Norvège. Année :
2000 Courants : cinéma postmoderne.
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
Sous LSD
.5
Le cinéaste franco-argentin
G a s p a r N o é a f a i t
récemment parler de lui
pour son dernier film Love
(2015). Ce long métrage
racontant une relation
amoureuse passionnelle
s’est fait remarquer pour ces scènes sexuellement
explicites et filmées en
3D. Dans ce contexte, il
me semblait pertinent de
découvrir ce cinéaste «
provocateur », mais
extrêmement talentueux,
en visionnant son film
précédent Enter The Void.
Cette œuvre aborde, entre autres, le thème de la
consommation de drogue et est inspirée du livre
tibétain des morts, dont le personnage principal lit
un exemplaire. Après sa mort, il se retrouve à vivre
ce que le livre d’écrit : lorsqu’une personne meurt,
son âme se détache de son corps et se met à flotter.
De plus, il peut revivre les évènements de sa vie et
rentrer dans les objets et les autres corps. Malgré
quelques faiblesses d’ordre scénaristique, Enter
The Void nous plonge dans un trip complètement
hallucinante, dont le côté visuel est fortement
maitrisé et extrêmement audacieux.
La construction des images et plus largement
l’ambiance des scènes relève pratiquement de la
virtuosité technique. Tout d’abord, l’utilisation de la
Tout d’abord, l’utilisation de la caméra subjective
se veut plus que maitriser et, avec l’utilisation du
son et du montage, il réussit à nous immerger
dans la vie du personnage. Au début du film,
Oscar se retrouve dans son appartement et se met
à fumer de la drogue. Cette scène, par
l’utilisation judicieuse de la caméra subjective,
nous fait vivre l’expérience d’être sous l’effet
d’une drogue hallucinogène. Un peu plus tard, le
personnage principal se
promène dans les rues de
Tokyo et discute avec son
ami du livre tibétain des
morts. D’une part, cela nous
donne l’impression d’avoir
une discussion bien banale
avec une personne et les
regards caméras contribuent à amplifier ce
sentiment immersif. D’une autre part, le dialogue,
en soi, résume la suite du film et représente une
sorte de mise en abime extrêmement subtile (on
parle du film dans le film.) Finalement, une scène
complètement hallucinante est celle de la relation
sexuelle filmée en vision subjective. Celle-ci est
accompagnée d’une ambiance sonore qui nous
plonge directement dans la peau du personnage
(cœur qui bat, bruit de respiration, etc.) Toutefois,
cette scène est beaucoup plus provocante qu’elle
nous laisse croire. En effet, la femme en question
avec qui nous avons cette relation sexuelle est la
sœur d’Oscar (Linda.) L’âme du personnage, qui
flotte et peut rentrer dans les objets et les corps,
entre dans celui d’un homme en train d’avoir une
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Critiques de films La revue Jump Cut Le 27 novembre 2015
une relation sexuelle avec sa sœur. Bref, cette
scène évoque implicitement une relation
incestueuse entre un homme et sa sœur.
La caméra omnisciente, qui représente l’esprit
d’Oscar, est tout aussi impressionnante. Celle-ci
se présente comme un immense (faux) planséquence,
dont le montage sert à effacer les cuts.
Lorsqu’elle pénètre les objets, comme des lampes,
les effets visuels sont extrêmement bien réussis et
d o n n e u n e f f e t
psychédélique au film,
qui par ailleurs, pourrait
être relié à la
c o n s o m m a t i o n d e
drogue. Ensuite, une
scène extrêmement
maitrisée au niveau
visuel est celle du Love Hotel. En effet, la caméra
omnisciente se promène d’une pièce à l’autre et
nous montre explicitement des gens en train
d’avoir différents actes sexuels. Malgré ces
influences pornographiques, cette scène est
fortement esthétisée, notamment avec l’éclairage
généralement en rouge et les parties génitales qui
sont illuminées. Finalement, une scène qui est très
surprenante est lorsque la caméra entre dans le
ventre d’une femme. En effet, Enter The Void
nous montre de façon très audacieuse toutes les
étapes de la conception d’un être humain. De la
pénétration accompagnée de l’éjaculation, sans
oublier la fécondation de l’ovule et la naissance
du petit bébé, qui sera filmé en caméra
subjective, tout y est. Bref, la caméra
omnisciente, accompagnée du montage et des
effets visuels, permet de créer plusieurs moments
qui marqueront l’esprit du spectateur.
Au final, Enter The Void est une œuvre extrêmement
formaliste, qui cherche à procurer une expérience
cinématographique, à la foi visuelle et sensorielle. Avec un
style presque expérimental, pour ces nombreux effets
visuels, Gaspar Noé nous offre l’un des films les plus
impressionnants jamais faits. De plus, il a l’audace d’être
filmé presque entièrement en caméra subjective et en planséquence,
et ce, même lorsqu’on utilise la caméra
omnisciente, puisque nous continuons à incarner le
personnage d’Oscar, mais sous la
forme d’un esprit. Toutefois, cette
grande maitrise technique masque
quelques faiblesses, comme un
manque cruel d’action, qui,
accompagné de la longueur du film,
peut devenir un peu lassant. De plus,
son manque de message et la
simplicité du scénario peuvent être une autre grande
faiblesse. Par contre, certains de ces défauts correspond à
la définition qu’on pourrait donner au maniérisme, qui
mise davantage sur la forme (l’aspect visuelle et
technique) que sur le contenue (le message.) Bref, il s’agit
d’une expérience cinématographique immersive et d’une
œuvre unique dans l’histoire du cinéma.
Réal : Gaspar Noé Scén : Gaspar
Noé Pays : France, mais tourné à
Tokyo et au Québec (Montréal.)
Année : 2010 Courants :
Maniérisme.
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