tosca - Angers Nantes Opéra

Cette histoire veut nous faire comprendre que sur scène, nous aussi
voyons de véritables acteurs, et que la vie réelle pénètre jusque sur le
théâtre, indépendamment de la fiction qu’on nous représente.
... cela tout en nous représentant des fictions réalistes qui sont censées
représenter le pur réel.
Ces nuances sont sans doute difficiles à saisir sans avoir écouté Paillasse,
mais on nage en plein paradoxe sur cette question de la vérité, qui est à la
fois celle des gens sur scène et celle de la scène représentée (avec une
tension insoluble entre les deux).
Les compositeurs n’ont pas hésité à s’en amuser, puisque le titre de
cavalleria rusTicana de Pietro Mascagni (“Chevalerie rustique”) fait
explicitement référence à la transposition des codes de théâtre habituel
dans un milieu modeste. Et de fait, on y retrouve en une heure tous les
ingrédients habituels : adultère, jalousie, dévotion, délation, duel.
Le compositeur ne se cache pas, de la sorte, d’exploiter sur un sujet
nouveau les structures préexistantes.
On pourrait dire de même pour fedora de Giordano, avec son récital de
piano au milieu de l’acte II, qui pose la question du statut de ce qui est
présenté sur scène.
Le mouvement se répand en Italie, et l’on parle aussi de vérisme pour les
drames historiques (tout ce qui imite le réel d’une façon ou d’une autre),
ou tout simplement pour la période de composition postverdienne.
Ce qui pousse les commentateurs à retirer leur compositeur favori de
cette catégorie quasiment infamante.
• Elle suppose un côté près du réel, avec des effets vocaux
racoleurs pas toujours jugés de bon goût.
• Elle met toute une période dans le même sac, aussi lorsque l’on
veut distinguer un compositeur, on l’en ôte.
• Il est vrai que l’étiquette est parfois attribuée abusivement. Par
exemple pour Ponchielli, qui écrit la Gioconda d’après Hugo dans une
couleur très verdienne.
du coup, la différenciation est un peu épineuse.
Le vérisme peut aussi bien désigner l’ensemble de la période qui succède
à Verdi qu’un mouvement musical précis qui se définit à partir de ses
sujets. Ou, de façon plus retorse, par sa musique.
Si on le prend au sens le plus restreint, on peut y inclure Leoncavallo,
Mascagni, Catalani, éventuellement Giordano.
Ponchielli n’en est pas - et Montemezzi non plus bien évidemment
(il appartient déjà à la période suivante de toute façon). On en retire
généralement Puccini pour le distinguer, comme au-dessus de cette
catégorie un peu honteuse.
En réalité, on trouve du vérisme chez Puccini : il TaBarro, BoHèMe, voire
BuTTerfly en sont. Manon lescauT, bien qu’adaptée du roman du XVIIIe
que l’on sait, en a le ton (une grande attention à la vraisemblance, un
enchaînement vif des scènes, sans grands airs, des foules bigarrées,
un goût pour le misérabilisme). Mais la farce précisément datée mais
intemporelle Gianni Schicchi ou le conte cruel Turandot n’en sont pas.
Venons-en à la question telle qu’elle nous était posée, autour de Tosca.
Tosca, par sa volonté de suivre au plus près une journée historique (beau
comme l’antique), et sous un jour très concret (la torture, la cérémonie
pendant l’interrogatoire, la fausse exécution) a quelque chose de
vériste.
Musicalement, ce style se repère par son goût pour les grandes phrases
larmoyantes, souvent doublées aux cordes. On table sur la séduction
mélodique et le pouvoir lacrymal de la musique.
Les effets vocaux peuvent contenir le cri, du moins ainsi que le veut
la tradition - d’où le reproche qui est fait lorsque ce style contamine
l’esthétique beaucoup plus « classique », altière et épurée de Verdi. Les
orchestres ont entendu Wagner, et il y a quelque chose de straussien
(très simplifié) dans ces grands élans.
Un drame très émotionnel, proche de ce qu’on appellerait un mélodrame,
au sens non musical du terme.
TOSCA Dossier pédagogique / Angers Nantes Opéra 2008/09
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