11A Francesca da Rimini 1 - Biblioteca civica di Rovereto

FRANCESCA DA RIMINI
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Giorgio Barini, Riccardo Zandonai e la “Francesca da Rimini”, “Nuova Antologia” L/1037, 1.4.1915 - pp.
458-60
Pochi anni fa, nel 1908, trovandomi a Milano, lessi nei giornali la notizia che al Politeama Chiarella, a
Torino, andava in scena un’opera nuovissima di un giovane sconosciuto, un trentino che aveva studiato nel
Liceo musicale di Pesaro con Pietro Mascagni, e nel quale si avevano grandi speranze: l’opera era Il grillo del
focolare, dal poetico racconto di Carlo Dickens; l’autore Riccardo Zandonai. L’impressione indimenticabile in
me destata da quello spartito vivace, spigliato, elegantemente scritto, fu profonda: rare volte un esordiente si è
presentato al pubblico tanto sicuro del fatto suo, dimostrando subito di possedere un temperamento così
felicemente dotato, come apparve fin dal primo momento lo Zandonai. Vennero poi Conchita e Melenis, due
nuove eloquenti dimostrazioni del valore non comune del giovane maestro: e, all’Augusteo, due opere
sinfoniche gustose e caratteristiche, una Serenata medioevale ed un Poema sinfonico.
Quest’anno, pure all’Augusteo, Riccardo Zandonai ha diretto una sua serie di impressioni sinfoniche dal
titolo complessivo Primavera nella valle di Sole [sic]: ricordi della sua terra natale, visioni campestri, dolci alla
memoria e al cuore e dolorose insieme perché non scindibili dal pensiero angoscioso delle tristi condizioni di
quella terra tormentata. Alba triste, Primavera nel bosco, Il ruscello, L’eco, Sciame di farfalle sono i titoli delle
cinque parti in cui è diviso il ciclo sinfonico: cinque quadri, cinque paesaggi ricchi di colore magistralmente,
organicamente composti, freschi e luminosi. Quadri ho detto: la forza pittorica che in essi è racchiusa è
ammirevole; Riccardo Zandonai possiede una tavolozza musicale inesauribile; la sua orchestra ha una stupenda
varietà di tinte; la sua scrittura è sicura e scorrevole; il disegno nitido ed equilibrato. Pochi elementi tematici tra
loro affini e spesso derivati l’uno dall’altro gli bastano per un discorso musicale sviluppatissimo.
Nella facilità del comporre e nella molteplicità delle risorse armonistico-contrappuntistiche e strumentali si
cela però qualche carattere negativo: premesso che il soggetto scelto e la forma con cui è attuato hanno un vizio
d’origine consistente nel fatto che nei particolari e nell’insieme la ragione costantemente descrittiva esclude
troppo risolutamente slanci passionali e momenti emotivi mantenendo in tutta la vasta composizione ciclica un
certo carattere di impassibilità persistente che diffonde nell’uditorio un senso di freddezza; d’altra parte il
compositore nel calore della elaborazione musicale si lascia vincere dal suo temperamento ed è portato dalla sua
stessa meravigliosa abilità a dare al pezzo uno svolgimento organico, quasi perdendo di vista a un certo punto lo
stesso movente del suo lavoro: così lo schema formale si sovrappone quasi meccanicamente alla vaghezza
indefinita della visione: il tema, inquadrandosi, assume atteggiamenti alquanto forzati ed esagerati, giungendo
per ragioni esterne di euritmia a sonorità non rispondenti al significato iniziale. In tal guisa alla esteriorità
sostanziale si aggiunge la esteriorità formale: ed è evidente che la genialità dello Zandonai è davvero assai forte,
visto che ciò non ostante egli è riuscito a scuotere e avvincere l’uditorio, che ha applaudito vivacemente queste
impressioni sinfoniche colorite e fresche.
Pochi giorni dopo al teatro Costanzi è andata in scena la più recente opera dello Zandonai, Francesca da
Rimini, sulla tragedia di Gabriele d’Annunzio, che Tito Ricordi ha ridotto alle dimensioni volute per un libretto
d’opera, sfrondandola da moltissime superfluità descrittive, da molti tratti di colore non necessari allo sviluppo
scenico-drammatico: sintetizzandola cioè e rendendola snella e sobria. Già fu scritto di questo spartito nella
Nuova Antologia quando fu eseguito la prima volta al teatro Regio di Torino lo scorso anno: ora il pubblico di
Roma ha accolto con feste grandi il nuovo lavoro del maestro trentino, che è apparso solido, brillante,
armonioso e a tratti di ammirevole efficacia drammatica. Certamente il poema influisce sensibilmente sulla
musica: per ciò il primo atto è nella prima parte tutto colori e armonie vivaci, senza molta profondità fino
all’ultima scena, allorché cioè con Paolo giunge amore e porta seco un alito di vita vera; una più calda e
fremente atmosfera invade la corte polentana; una nota di sentimento si leva al di sopra delle belle
ornamentazioni e fa palpitare i cuori.
Nel secondo atto il fragore della battaglia predomina: gli episodi che vi si intrecciano ne restano ombrati,
quasi offuscati: v’è un gridore affannoso, sapientemente organizzato perché nell’apparente furiosa
incompostezza giunga a poderosi effetti di sonorità prepotente: gli effetti sono trovati, ma in tanti suoni non
molta è la musica. Più musica è nel terzo atto: musica delicata e gentile che si accoppia alla canzone di
calendimarzo cui presiedono le rondini... impagliate; musica affettuosa e talvolta ardente nella scena d’amore tra
i due cognati: ma qui l’ombra di Dante ottiene il solito risultato smorzatore che fatalmente diminuisce tutte le
Francesche e tutti i Paoli che da tempo immemorabile si aggirano sulle scene drammatiche e liriche: quell’amore
che giunge dall’uno all’altro cuore attraverso un libro, e nel libro per interposta persona; che va dall’uno
all’altro dei “duo cognati” non direttamente, ma riflesso dalle pagine distese sul tranquillo leggio, è
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eccessivamente letterario, e per ciò anche la musica che ne riproduce gli atteggiamenti sa di letteratura: per
fortuna è buona letteratura, e nei suoni delicati si rivela un sentimento che ha in sé calore e forza espansiva
sufficiente per avvincere l’uditorio, che dimentica allora gli episodietti (tutti letterari) intesi ad apportare colori e
colori, senza che l’azione drammatica e psicologica se ne avvantaggino.
Eccoci al primo quadro del quarto atto: qui veramente la letteratura e i riempitivi scompaiono: la scena tra
l’insidioso e perverso Malatestino e l’angosciata Francesca procede animosa e fiera, benché interrotta ad ogni
momento dai lontani urli strazianti di Montagna de’ Parcitadi: qui passioni ardenti cozzano forte tra loro, e la
musica ha impeti e accenti vigorosi. Ancor più animato e tragicamente scandito è ogni motto del dialogo tra
Gian Ciotto e Malatestino: la gelosia feroce che tempestosamente dilania il cuore dello sposo tradito e la
viperesca arte torturatrice del minor fratello scattano con fremebonda violenza, commentate superbamente dalla
musica, tutta spezzature subitanee e scorci affannosamente vibranti. Qui il temperamento drammatico di
Riccardo Zandonai si afferma in tutta la sua efficacia; ma il pubblico, malato di letteratura, preferisce l’amore
librario e le rondinelle pellegrine e rimane esitante e freddo al termine della scena poderosa. La seconda parte
dell’atto si dilunga ancora nel chiacchierio delle ancelle, nei ricordi del passato, nei ragionamenti sulla piccola
statura di Biancofiore e altre divagazioni ornamentali; ma vien Paolo e con lui riappare il tema dell’amore, che è
la più ampia e sentita frase melodica dello spartito, e vale a diffondere luci subitanee e calde nel grigio
minaccioso che avvolge gli adulteri: e rapida piomba su loro la vendicatrice furia omicida di Gian Ciotto.
Inutile è ripetere quanto ho già accennato circa la maestria ammirabile di Riccardo Zandonai e le qualità e
attitudini straordinarie che fanno di lui uno dei più forti musicisti italiani viventi: inutile rilevare qualche neo,
messo in maggior rilievo dagli episodi riempitivi che ancora rimangono nel dramma non ostante i coraggiosi
morsi delle forbici affilate: né poteva esser diversamente perché se si eliminava tutto il superfluo non si arrivava
a serbar vivi due atti. Basti ricordare che con Francesca egli fa ancora un gran passo innanzi nell’arringo
musicale drammatico: e questo suo procedere con passo sicuro alla conquista delle più alte cime dell’arte è
nuova e valida conferma delle speranze che in lui si ripongono per un nuovo rifiorire del teatro lirico italiano.
NOTA. – La Francesca da Rimini ha avuto al teatro Costanzi una esecuzione eccellente sotto ogni aspetto, e
nel complesso e in ogni particolare di attuazione. Protagonista ammirabile Rosa Raisa per voce pura e calda di
bellissimo timbro, per accento efficacissimo, per azione espressiva; buon Paolo il tenore Pertile dalla voce
estesa, solida, flessibile; ottimo Gian Ciotto il baritono Danise, eccellente cantante, attore coscienzioso;
Malatestino eccezionale il tenore Nardi che impersona alla perfezione la torbida figura del giovine malvagio.
Impetuoso Ostasio il basso Berardo Berardi dalla voce calda e robusta; delicata e finissima Samaritana la
graziosa Olga Matteini; valente Smaragdi Flora Perini; abili e disinvolte le quattro ancelle di Francesca: Maria
Verger, Maria Galeffi, Ines Serracchioli, Ida Manarini; ottime le altre parti, e l’orchestra e il coro. Ammirato
l’allestimento scenico nella sua complicazione forse non assolutamente necessaria; ottimi i costumi e gli attrezzi.
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Nicola Cilenti, La “Francesca da Rimini” di R. Zandonai, “La Vittoria”, 11-12.3.1915 - p. 5, col. 1-2-3-4-5-6
(con foto di Zandonai, E. Vitale, R. Raisa, A. Pertile, G. Danise)
L’OPERA DI POESIA
La tragedia di Gabriele d’Annunzio ha quindici anni di vita. Rappresentata per la prima volta al Costanzi il 9
dicembre 1901, essa doveva tornarci, sulle stesse scene, iersera, nella nuova veste musicale creatagli dal maestro
Zandonai, e nella quale ha trovato, a Torino come a Milano, a Londra come a Modena e a Pesaro, già quelle
lietissime accoglienze che non s’ebbe al suo primo affacciarsi alla vita scenica.
La Francesca da Rimini tuttavia, pur contenendo in sé i difetti di esuberanza e quelli più specifici del teatro
dannunziano, resta ancor oggi opera altissima di poesia, fra le meglio pensate ed espresse dall’autore delle
Laudi e della Figlia di Jorio. Sappiamo con quale amore, con quanta vigile diligenza il poeta abbia frugato nello
studio del costume, derivando la verità del senso storico e d’ambiente “dal padre Dante, dal Barberino, dai poeti
bolognesi, dai cronisti, dai novellatori, dai miniatori, dai documenti più rari e più diversi”. E sappiamo quanto a
lui piacque la parola d’elogio del suo giudice più onesto e più dotto, Isidoro Del Lungo.
Alla Francesca dannunziana nocquero però la sua stessa vastità, la sua stessa ricchezza di particolari, la sua
stessa paziente religiosità di ricerca, che la resero pletorica come opera di teatro, in un paese dove passano per
autori fortunati di teatro Giannino Antona-Traversi, Alfredo Testoni, Domenico Tumiati, e dove un purchessia
autore francese di pochades e di vaudevilles, a traverso la ditta di Dina Galli e Ci, può tenere innumerevoli sere
il cartellone, mentre il pubblico oblia e diserta autori nostri forti e pensosi come Butti e Bracco.
La Francesca da Rimini ha inoltre un atto, il secondo, artificioso e convenzionale, che devia un po’ l’opera
dal suo senso d’umanità e di verità. Ma anche nell’episodio della battaglia il poeta ebbe intera la visione del
quadro scenico; e via, diciamolo forte, questa tragedia dannunziana non è solamente opera originale e magnifica
di poesia, ma opera schietta di teatro, in cui le figure centrali di Paolo e di Francesca, di Gianciotto e di
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Malatestino son vigorosamente scolpite e vivono la loro vita reale, drammatica: d’amore e di passione,
d’angoscia e di vendetta. E chi non senta ancor oggi la bellezza essenziale del primo, del terzo e del quarto atto
della Francesca da Rimini è destinato per sempre ad esser cieco di fronte alle più pure espressioni d’arte.
Riccardo Zandonai, affrontando la nobilissima fatica di musicare l’opera di Gabriele d’Annunzio, trovò in
Tito Ricordi il riduttore felice e sapiente del libretto. Dei quattromila versi all’incirca in cui la tragedia si
componeva non ne son rimasti nella sua riduzione che un mille e duecento; e se molti episodi lirici e scenici
sono stati aboliti o limitati, il centro vivo dell’azione è rimasto integro.
I versi, le didascalie, le scene, se ben ridotte, non sono state toccate né offese. E il poeta vi parla ancora, col
suo linguaggio inimitabile, ricco e armonioso.
Delle persone del dramma non ritroviamo più Bannino né il mercatante, il fanticello, il medico, l’astrologo,
che formavan tanta parte episodica nel terzo atto. E così son spariti alcuni fra i partigiani di Guido Minore da
Polenta e altri di quelli di Malatesta e qualcuna delle donne di Francesca.
Il primo atto si è quindi alleggerito di tutta la lunga scena di violenza fra Ostasio e Bannino; e la gente di
contorno e di sfondo ai quadri scenici dice più brevi parole.
Il terzo atto, senza gli episodî del mercatante, dell’astrologo, ecc. corre più spedito. Anche la dolce,
soavissima canzone di calendimaggio è stata abbreviata di qualche strofe.
Il quarto e quinto atto ne formano uno solo diviso in due quadri, poiché l’antico atto quarto finisce ora con la
breve, drammaticissima scena tra Gianciotto e Malatestino, essendo stata completamente tagliata via quella
ultima fra Paolo, Malatestino e Gianciotto. Ma, nella nuova veste, sarebbe desiderabile l’abolizione pressoché
completa dell’inutile secondo atto (che nulla dice all’azione necessaria della tragedia, se se ne tolga l’episodio
cruento di Malatestino) e una più vasta rappresentazione del quarto atto, ch’è appunto il più vivo d’azione, il più
tragico, il più fosco. Riccardo Zandonai non ha invece voluto rinunziare agli effetti sonori della battaglia e al
comento orchestrale del “màngano” poderoso.
Così come n’è risultato, il libretto della Francesca da Rimini è tuttavia agile, drammatico, liricissimo, atto ad
ispirare veramente un’anima di musicista poeta. E Riccardo Zandonai ha senza dubbio, per questo lato, avuta
più fortuna che non Pietro Mascagni con la Parisina, dove l’azione ristagna spesso in esuberanze verbali e pur
dove molto invece il compositore avrebbe potuto tagliare e sorvolare se ingenuamente non avesse accettato il
poema con dedizione assoluta.
Come Riccardo Zandonai è riuscito a dare un’anima musicale a Francesca da Rimini? Come e fin dove è
egli riuscito ad aderire al poema tragico di Gabriele d’Annunzio?
LA MUSICA
Il successo che l’ultima opera dell’autore di Conchita e di Melenis ha ottenuto dovunque si sia rappresentata
e le critiche e le cronache abbondanti che il successo determinò ci risparmiano ora una lunga analisi.Basterà
dunque accennare, per la prima rappresentazione romana di iersera dello spartito di Zandonai, a qualche
elemento specifico della musica dei quattro atti della tragedia e procedere poi sinteticamente a una conclusione
generale dell’opera.
La scena del primo atto rappresenta una corte nelle case dei Polentani, che si ravviva subito del gaio
cicaleccio delle Donne di Francesca intorno al Giullare. Ma la musica di tutta la prima metà di quest’atto
procede senza interesse, tagliata via in fretta dal compositore sopra recitativi informi che non danno affatto il
senso d’ambiente e non riescono a rappresentarci la vivacità scherzosa del dialogo. Il primo momento di
interesse sorge alla canzone accennata su la viola, dal Giullare: “Or venuta che fue l’alba del giorno...” che
s’interrompe con l’irosa minaccia di Ostasio; e le parole di costui sono comentate dal musicista con indubbia
efficacia. Ma il dialogo seguente fra Ostasio e Ser Toldo ci riporta a un recitativo noioso e scolorito che dura
fino alla scena seguente, dove il coro delle donne annuncia l’entrata di Francesca e di Samaritana. Da questo
momento sino alla fine dell’atto Riccardo Zandonai ci appare veramente compenetrato nello spirito della
tragedia, coloritore sapientissimo e ricco di gusto. E se il canto di cui egli ha inteso di rivestire la giovanile
dolcezza di Samaritana, su note esageratamente acute, non ci convince e ci sembra anzi inadeguato al soave
personaggio, la figura di amore e di passione di Francesca è data intera e non ci abbandonerà più. Il finale
dell’atto è mirabilmente suggestivo. La scena s’è coperta un poco d’ombra. Le donne annunziano la presenza di
Paolo che viene dalla parte del giardino, mentre i tre donzelli sulla loggia suonano e comentano così il carattere
dolce e triste di tutta la scena. E Paolo entra, quasi immobile, dal cancello, adesso che il coro s’attenua sulle
parole della canzone Per la terra di maggio... L’atto si chiude sulla scena quasi muta dell’offerta della rosa.
Samaritana risale alle logge piangendo; certo, basta qui la sola bellezza del dramma, e la liricità del quadro, a
suscitare la più grande commozione; ma il musicista ha saputo seguire e sentire, appunto, tutta la bellezza del
momento scenico e adattarvi i suoi colori sottili con raro senso di aderenza. La melodia che in orchestra si
sprigiona ad esprimere il fato d’amore e d’angoscia di Francesca e i motivi della canzone arcaicamente trovati
sul violoncello e la viola sono perfettamente intonati ora a quel senso d’ambiente che sembrava prima smarrito o
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evitato. Il finale del primo atto è dunque, fra gli episodî musicali della Francesca, uno dei più felici e dei più
indovinati.
Il secondo atto, com’era nella tragedia dannunziana il più manchevole, lo è anche dal lato musicale. Qualche
àttimo di sincerità nel dialogo fra Paolo e Francesca non basta a coprire il vuoto desolante ond’è espresso. Si
accoglie quasi con un senso di liberazione quindi la apparizione irata di Gianciotto, che risulta significativa e
ben definita. Ma la scena seguente di Malatestino, che dovrebbe far fremere e metter brividi di drammaticità,
non riesce a scuotere né ad avvincere. Riccardo Zandonai, se ha intesa la figura di Gianciotto, è passato accanto
a Malatestino senza neppure sfiorarne il carattere e l’essenza drammatica. Non lo ha capito, non lo ha sentito
affatto. Ed anche per ciò il secondo atto, che poteva avere in questo episodio un valore notevole di arte, si
conclude com’era cominciato: in mezzo a un fragore assordante di legni, d’ottoni e di timpani che, insieme alle
grida dei balestrieri e degli arcieri, vorrebbero significarci l’impeto e l’ardore della battaglia. La pagina
orchestrale è indubbiamente scritta bene e le voci diffuse della folla sulla scena son trattate da un maestro sicuro
dei suoi mezzi; ma tutto ciò non basta a farci mutare il giudizio generale sul secondo atto.
L’atto terzo è il migliore, il più ispirato dei quattro musicati da Riccardo Zandonai. È tutto pervaso di
lirismo, ed è sempre contenuto in una linea purissima di melodia e di strumentale. Il compositore ha tratto in
parte dai nostri settecentisti quel vago sapore arcaico di cui frequentemente si compiace quando affida la sua
ispirazione in prevalenza agli archi: violini, viole, violoncelli con sapientissima combinazione dei clarini e
dell’oboe, e quando ritma le cadenze in forma d’arpeggi sottili. Quest’atto ha due scene principali: quella delle
donne echeggianti in ritmo di danza la bellissima Canzone alla Primavera e quella del bacio di Paolo e
Francesca sul leggìo dov’è aperto il libro della Historia di Lancillotto del Lago. La canzone è cosa
delicatissima, piena di stile, tutta compenetrata della ingenua freschezza dei musicalissimi versi di Gabriele
d’Annunzio; e meriterebbero maggior rilievo di quello che s’ebbe ier sera.
Ma il momento di culminazione musicale, dove lo Zandonai aderisce perfettamente al testo e dimostra di
vibrare a contatto delle anime della tragedia, è tutto il duetto d’amore di Paolo e Francesca, così acutamente
preparato dallo stato d’animo della donna.
La frase di congedo di Francesca alle sue ancelle, Felice primavera!, smorza, in forma di perorazione, la
scena precedente d’allegrezza canora e l’orchestra comenta appassionatamente l’episodio, finché una nuova
frase dell’oboe annunzia la venuta di Paolo. Segue il colloquio d’amore che, ripeto, è la pagina più efficace e
ispirata di tutta l’opera. Ma, si badi, la melodia neppur qui si conclude nei confini dell’aria o del motivo vero e
proprio; fluisce invece libera e densa d’emozione dal fluir medesimo delle parole del poema, le contrassegna e
le accompagna; le rivive pienamente. È qui la dimostrazione più chiara della capacità di Riccardo Zandonai ad
esprimere la materia lirica, con una eleganza e una sincerità di gusto che pochi dei moderni hanno, in confronto
di lui. Peccato che la scena meravigliosa del bacio trovi, verso la fine dell’atto, attenuata in un momento la
purezza della sua linea: quando l’orchestra riempie la pausa con eccessiva ed irritante sonorità!
Nel quarto atto la materia drammatica incalza. Ma il musicista ci riappare stanco e scialbo. La scena infatti è
qui tutta superata dal sarcasmo bieco e dalla ferocia tragica di Malatestino. Ma questi nemmeno ora riesce a
caratterizzarsi, a specificarsi lucido e aguzzo come una spada, tal quale il poeta lo ha visto e significato.
L’episodio del Montagna prigioniero non ci dà alcun guizzo di terrore; né, più tardi, in confronto dell’ira e della
vendicativa collera di Gianciotto, Malatestino trova mai veramente un accento di verità e di forza: ché anzi
talora la musica, credendo di renderlo ironico e sottilmente maligno, lo veste d’un innaturale colore dolciastro
ed elegiaco.
Questa prima parte del quarto atto, se trova verso la fine qualche momento di forza e di vigor tragico, lo
deve alla figura di Gianciotto che, come già dissi, è stata dal musicista compresa e quasi sempre rivelata. Ed
eccoci all’ultima parte della tragedia, che s’apre sul sonno angoscioso di Francesca, mentre le donne parlano
sommessamente vegliando nella sua camera. Il chiacchierio delle ancelle e il risveglio improvviso di Madonna
non contengono nulla di notevole. Solo quando Francesca, avendo congedate Donella, Garsenda ed Altichiara,
s’indugia con Biancofiore a parlar di Samaritana, la musica si rifà soave e tenera e nell’orchestra trema
veramente qualche lacrima, dopo che il violoncello ha accennato il tema intorno alle parole: O Biancofiore,
piccola tu sei! Ma il nuovo duetto fra Paolo e Francesca e l’amplesso ardente che precede la uccisione degli
amanti non convincono pel modo onde il musicista ha voluto renderli. Si torna all’artifizioso, all’enfatico,
all’insincero. Perché tutta quella sonorità di strumentale? Il compositore ha creduto forse di significare la
potenza ultima del dramma, e non è riuscito invece che a un superficiale clamore d’ottoni e di timpani. Si capiva
un pieno vibrante d’archi sulla meravigliosa scena d’amore; ma non il fragore esasperato, che ricorda forse il
discepolo malaccorto di Pietro Mascagni. Tutto il resto dell’atto, quindi, e la finale vendetta dello Sciancato si
perdono in questo fragore che può ottenere il suo effetto sul pubblico ma non s’eleva per nulla alla grandezza
possente della tragedia.
Da questa rapida scorsa alla musica dei quattro atti della Francesca da Rimini possiamo conclusivamente
stabilire che Riccardo Zandonai è riuscito assai meglio a ravvivare dell’opera sua le parti liriche anziché quelle
drammatiche. Perciò la fine del primo e tutto il terzo atto rimangono affermazioni nobilissime d’un artista che
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merita comunque il diritto al consentimento del pubblico e della critica. E se il musicista non è stato altrettanto
felice nella scelta dei mezzi al secondo e al quarto atto, bisogna tuttavia riconoscere che egli ha sbagliato ma
non ha ceduto mai alle vecchie forme volgari, e veramente per lui superate, del melodramma italiano. Egli,
questo giovane della nostra più seria e più colta e più attenta generazione, vale dunque ad indicarci una via
nuova, poi che porta in sé i segni certi di una più chiara sensibilità e d’una più moderna elevazione delle forme
dell’arte sua. Ché, s’egli si muove ancora nei limiti d’un sapiente ecclettismo, egli vuole pur manifestarlo con un
raro talento e con una personale visione, scegliendo ed elaborando tra i vari elementi di coltura e di studio quelli
che poi sa rivivere e trasformare a traverso il proprio temperamento. L’avere scelto intanto per soggetto della
più recente fatica l’opera eccelsa di Gabriele D’Annunzio ed essere riuscito in gran parte a contenerla in sé e
nella sua anima per riesprimerla musicalmente dimostra in Riccardo Zandonai l’assoluta potenzialità e la degna
preparazione al compimento di altre così nobili fatiche d’arte, ma più totali e più organiche e più decisive.
L’INTERPRETAZIONE
La Francesca da Rimini è tale opera che non abbisogna solo di cantanti valorosi ma di artisti
intelligentissimi, si attori efficaci. Il cantante infatti non si trova di fronte al solito libretto melodrammatico in
cui le parole abbiano valore soltanto se riferite alla musica, oltre di che sarebbero trascurabili, ma deve qui
invece sentire continuamente la bellezza della forma onde s’esprime il contenuto della tragedia e dar quindi la
massima vita scenica alle vicende dell’azione. Diciamo subito che la prova fu ieri sera quasi completamente
vinta dai bravissimi interpreti del Costanzi.
Rosa Raisa fu una Francesca perfetta. La sua voce bellissima, sicurissima di timbro e d’intonazione si
contenne sempre in una linea di passionalità aderente al personaggio alto e difficile. La sua figura fisica, il suo
intuito mirabile di attrice, tutto, del resto, concorse a che la Raisa esprimesse con la più chiara forma il dramma
profondo dell’eroina dantesca. Nessuna esagerazione in lei, come nessun momento di assenza dalla visione
totale del dramma. Fu soave e tenera, e angosciosa e fremente secondo lo richiedeva l’azione. Si vede, si sente
ch’ella è innamorata della sua parte, che l’ha studiata con grande amore, con commossa anima, che l’ha
accettata intera e intera le si è donata. E ciò è degno indubbiamente d’una grande artista. Chi, iersera, non s’è
sentito penetrare il cuore alle parole di Francesca e Samaritana nel primo atto, Anima cara, piccola colomba; e a
quelle del duetto del terzo atto, Paolo, datemi pace!, dette dalla Raisa con la più sincera emozione?
Ottimo Paolo apparve il tenore Aureliano Pèrtile. La sua parte, specialmente nel secondo e nel quarto atto, è
aspra di difficoltà; ma il Pertile seppe superarla con onore. La sua voce ebbe momenti di grande efficacia nel
magnifico declamato del terzo atto, Perché volete voi – ch’io rinnovi nel cuore la miseria – di mia vita?
Il baritono Giuseppe Danise, cara conoscenza del pubblico del Costanzi, era nelle vesti di Gianciotto. La
parte di Giovanni lo Sciancato, così piena di rilievo sia dal lato teatrale che da quello musicale, trovò in questo
artista una magnifica espressione. Sin da quando lo Sciancato appare nel secondo atto per la botola, tutto in
arme, su la scala della Torre Mastra, il Danise dimostrò di possedere a pieno il violento e feroce personaggio.
Egli disse con magnifico impeto la minaccia Per Dio, gente poltrona, razzaccia sgherra e fu efficacissimo nella
breve serrata scena del quart’atto fra Gianciotto e Malatestino.
Il quale Malatestino, già sacrificato dalla musica di Zandonai, non trovò nel tenore Nardi l’interprete
adeguato. Manca al Nardi la figura fisica di Malatestino, che dovrebbe vivere d’una vita ardentissima sulla
scena. Iersera il più scolpito dei personaggi della Francesca dannunziana era irriconoscibile: senza corpo e
senz’anima. Però, ripeto, la colpa non è tutta del Nardi che, se anche fosse riuscito a lavorar astutamente di
scena, non poteva costruire una parte che il musicista non gli ha dato.
Un magnifico Ostasio fu invece il Berardi. La parte è breve e dura quanto metà del primo atto, ma è chiara,
decisa, vigorosa. Il Berardi la espresse con la sua maschia voce e con l’intuito scenico che lo distingue. Giova
poi notare che il valoroso basso si adattò a una parte scritta per baritono, per la sua viva deferenza al maestro
Zandonai e alla Impresa. Ma il personaggio di Ostasio, mercé la sua validissima opera, non fece che
guadagnarne.
Bene la Matteini nelle vesti di Samaritana, che presenta non lievi difficoltà di canto. E bene nelle loro parti
secondarie la Perini (una Smaragdi, la schiava, assai dolce e piena di grazia), la Galeffi (Donella), la Verger
(Altichiara), la Manarini (Garsenda), la Seracchioli (Biancofiore), il tenore Sabatano (Ser Toldo Berardengo) e
il basso Gironi (il Giullare) e il Pastorelli e il Lanzi.
Le masse apparvero ben fuse e distrubuite; forse troppo numerose e affollate da non potersi agevolmente
districare nella scena del secondo atto (sulla cima della torre malatestiana), che in ogni modo riuscì d’un effetto
grandioso. Non molto armoniosa sembrò invece la danza delle donne di Francesca, nella canzone alla
Primavera (terzo atto).
Ma i costumi, ma gli scenarii: una gioia acutissima per gli occhi. Le scene non possono essere più sapienti,
intonate più perfettamente al senso d’ambiente. E gli effetti di luce, specie nell’episodio della battaglia,
riuscitissimi.
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Di tutto ciò l’Impresa del Costanzi, coadiuvata da Tito Ricordi, da Carlo Clausetti e dai suoi migliori
elementi di coreografia, di scena, di macchinari, merita la più sincera, la più alta lode. Questo spettacolo è stato
allestito con degnissimo senso d’arte, con profusione completa di mezzi; e non poteva dunque non ottenere il
caldo successo di ammirazione del grande pubblico di Roma.
La Francesca di Riccardo Zandonai trovò il migliore dei suoi collaboratori nel maestro Edoardo Vitale, che
la concertò con lungo e paziente studio, con sincerissimo amore; e la diresse iersera con tutta la sua anima di
artista coscienzioso e valorosissimo. Edoardo Vitale riuscì a comunicare il suo sacro fuoco all’orchestra, che se
ne compenetrò perfettamente, e ci diede un’esecuzione dell’opera veramente ammirevole per fusione e calore
drammatico.
LA CRONACA DEL SUCCESSO
L’enorme folla convenuta in teatro si dimostrava, fin dall’inizio dello spettacolo, ansiosa e impaziente.
Ma non appena il maestri Vitale è comparso sul podio, il silenzio s’è fatto religioso, solo interrotto dalle
proteste contro i soliti pervicaci ritardatarii.
Lo spettacolo è cominciato alle 8.30 precise. Tutto il primo atto è stato ascoltato con appassionata
attenzione, che s’è alla fine, dopo la scena meravigliosa che lo conclude, mutata in consentimento unanime,
spontaneo, pieno. Vi sono tre chiamate agli interpreti valorosissimi, poi altre due al maestro Vitale che appare
insieme a Riccardo Zandonai, acclamato fervidamente; e ancora altre due chiamate in cui il musicista ritorna
solo alla ribalta.
Nell’intervallo, che dura più di tre quarti d’ora per metter sù la magnifica scena del secondo atto, è notata la
presenza, in un palco di secondo ordine, di Sua Eccellenza il presidente del consiglio on. Salandra, che si mostra
sereno e attento. Ciò vale a determinare nella sala, fra le discussioni sulla Francesca, i più varii commenti di
neutralisti e... interventisti. Ma in prevalenza si conclude con l’intuire che la situazione italiana si va...
rischiarando.
Il secondo atto, com’era da prevedersi, non è stato accolto con lo stesso entusiasmo del primo. Tuttavia,
poiché il finale prende, se non per la musica per la originalità del momento scenico, si hanno tre chiamate: una
agli interpreti, una in cui Zandonai si presenta col maestro Vitale, e l’ultima in cui il musicista torna solo.
Il successo ha culminato grande e schietto al terzo atto. Il pubblico lo ha seguito e ne ha ammirata tutta
l’intima bellezza.
La Raisa e il Pèrtile hanno d’altra parte dato il rilievo più felice al grande duetto di Paolo e Francesca. Non
si poteva far meglio; non si poteva meglio esprimere per virtù di canto e d’arte scenica il bellissimo squarcio
lirico. Il Pèrtile è stato salutato da un grande applauso a scena aperta, che s’è rinnovato caldissimo, per lui e per
la Raisa, alla fine dell’atto. Si numerano dodici chiamate agli artisti, a Zandonai, al Vitale, che ha diretto con
magnifico senso d’arte.
L’autore è costretto infine a presentarsi solo, fra deliranti acclamazioni.
Il quarto atto, se attenua un po’ il successo magnifico del terzo, non toglie nulla al fervore con cui
generalmente la Francesca ha iersera trionfato.
Alla fine della prima parte v’è stato un lungo applauso, e alla fine dell’opera altre cinque chiamate
complessive agli artisti, al Zandonai, al maestro Vitale.
Il successo è dunque stato completo. Lo spettacolo è finito alle 12 e tre quarti.
53
Alberto Gasco, Francesca da Rimini di Zandonai al Teatro “Costanzi”, “La Tribuna”, 12.3.1915 - p. 3, col. 3-
4-5
C’è da tremare nell’imprendere a rivestir di note un poema drammatico di Gabriele d’Annunzio. Si sa che
canone fondamentale di ogni buon libretto d’opera è la chiarezza dell’eloquio, l’incisività del periodo, la sintesi
del pensiero. Sotto questo triplice aspetto un lavoro teatrale del d’Annunzio sembra precisamente l’opposto di
quel che deve essere un dramma per musica. Si sa infatti che il nostro massimo poeta vivente ama cesellare il
verso adornandolo di parole peregrine, smaltandolo di aggettivi rari, e prodiga senza freni le immagini, le
similitudini, i ricordi storici e mitologici, anche quando il dramma giunge al parossismo e la necessità stringe le
anime eroiche. La sua poesia, carica di fiori e di orpelli, obbliga il musicista ad un lavoro minuto di analisi: non
basta rendere l’idea, il sentimento, bisogna mettere in rilievo ad una ad una le parole se non si vuol essere
infedeli al testo prezioso. E allora si corre il rischio di fare come Pietro Mascagni per “Parisina”: comporre cioè
un’opera di valore artistico non dubbio ma di effetto teatrale incerto.
Il maestro Zandonai sarebbe forse annegato nel pelago letterario dannunziano se l’editore Ricordi,
assumendo l’ufficio di collaboratore del poeta, non fosse sopraggiunto in tempo a salvarlo. Tito Ricordi non ha
avuto soverchi (e dannosi) riguardi verso il testo della tragedia. Con un coraggio leonino ha tagliato via brani
Francesca da Rimini/6

interi, episodi lunghi a base di narrazioni desunte dalle annose cronache, geniali divagazioni poetiche, scene di
colore e di ambiente, diradando la selva fitta sino a farne un’oasi nella quale le persone, non più celate dalle
troppe fronde, potessero apparire in tutta l’avvenenza loro, agili e pronte all’opera di amore e di morte.
Dalla opulenta e farraginosa “Francesca” di Gabriele d’Annunzio è stato così tratto un libretto di forza
drammatica insueta e pur sempre dovizioso di bellezze poetiche. Non sarà facile allo Zandonai trovare un altro
poema che possegga l’ideale armonia, la robustezza e la varietà di questo. Egli può ringraziare il sommo Iddio –
e specialmente l’editore Ricordi – di aver potuto mettere le sue forze di operista a profitto di un’opera letteraria
e teatrale di merito insigne. Il successo che la “Francesca da Rimini” ha ottenuto iersera sulle scene del
“Costanzi” – successo non artificioso e duraturo – deve attribuirsi in parte assai ragguardevole alla tragedia. La
musica del maestro trentino, applicata ad un libretto mediocre, non avrebbe potuto conquistare l’applauso
clamoroso che ieri suonò giulivo dopo la conclusione di ogni atto.
Ad ogni modo, dalla “Conchita” e dalla “Melenis” alla “Francesca da Rimini” il cammino compiuto da
Riccardo Zandonai ci sembra assai notevole. Il compositore si è accorto del danno derivante dal continuo
frastagliamento del discorso musicale e ha cercato di introdurre nelle scene capitali della nuova opera periodi
melodici di buon respiro. In tal guisa quel senso di pena che si avvertiva ascoltando tanti e tanti brani di
“Conchita” e “Melenis”, costituite da una pluralità di frammenti industriosamente collegati fra loro, è diminuito
di assai. Il discorso asmatico permane soltanto in qualche scena dialogata che, appunto, riesce fredda e
mediocremente espressiva all’audizione in teatro.
Fra tutti gli episodi della “Francesca” quello che si innalza ai vertici dell’ispirazione è l’arrivo di Paolo
Malatesta nella casa dei signori di Ravenna. In questa scena – che chiude l’atto primo – lo Zandonai ha cantato
liberamente e con una emozione genuina. Il momento è squisito. L’ansia che stringe il cuore di Francesca
nell’ora nuziale si dilegua a un tratto e cede a un senso di voluttuoso abbandono quando il bellissimo Paolo
appare, al di là della cancellata fra gli arbusti fioriti. Una “viola pomposa” – vetusto e disusato strumento che
partecipa della “viola da gamba” e del violoncello, pur avendo una speciale risuonanza – inneggia a la sospirata
felicità con una lunga melodia che freme di tenerezza. L’orchestra accompagna morbidamente il motivo senza
adombrarlo: le donne della Ravennate, disposte in corona su la loggia, mormorano insinuanti: “Per la terra di
maggio...” e il loro canto si disposa a quello della viola. Francesca coglie una rosa dall’arca scolpita e la porge a
colui che ella crede il suo sposo... Quadro gentile e nuovo: festa d’amore e di poesia che la musica dello
Zandonai colorisce d’incanto e che dà a chi guarda e ascolta una soddisfazione intera.
Lo Zandonai, con il suo accorgimento finissimo, ha saputo valutare in giusta misura la potenza espressiva
della melodia scaturita dall’animo suo in un istante di estasi rara e non l’ha abbandonata. Così il motivo
amoroso svolto nel finale del primo atto ricompare in ognuno degli atti successivi. Lo ritroviamo nella scena
della battaglia quando i due cognati si scambiano le prime parole torbide, evocando il ricordo del loro incontro
nel crepuscolo di maggio; lo riudiamo nella scena della dedizione di Francesca e poi ancora nell’ultimo duetto
mentre Gianciotto è all’agguato. Si può dire che questa melodia rischiari magicamente tutta la vicenda d’amore:
peccato che sia sola...
Se nella “Francesca da Rimini” ci fossero state soltanto tre o quattro idee melodiche altrettanto belle, l’opera
avrebbe in sé una forza vitale sorprendente.
Invece (perché negare l’evidenza?) il materiale tematico della “Francesca da Rimini” non è cospicuo. Le
scene iniziali del primo atto fluiscono rapide ma non avvincono perché la musica che [si] accompagna ad esse è
povera di disegni originali. Nel secondo atto il fragore persistente non riesce a nascondere l’assenza quasi totale
di temi vibranti e scultori quali il dramma richiederebbe. Nel terzo episodio, per gran ventura, lo Zandonai
ritrova un soffio vivido di ispirazione e così la sua vittoria diventa sicura. Tutta la scena tra Francesca e le
ancelle – che cantano e danzano nel giorno in cui la Primavera ritorna con il suo corteo di rondini – ha grazie
leggiadre di melodia. Qui si respira a pieni polmoni: nell’aria è la frescura dell’Adriatico e il profumo delle
prime viole. I musici intonano sui loro strumenti un ritornello incantevole: Biancofiore, Garseda [sic], Adonella
e Altichiara ci regalano una “canzone a ballo” un po’ monotona ma piena di carezze. La scena è seducente, la
musica spontanea. Dei tormentosi clamori di guerra appena resta in noi un ricordo ingrato...
Il terzo atto termina con la famosa lettura del libro e il conseguente bacio di Paolo a Francesca. Lo Zandonai
ha sentito profondamente l’episodio e lo ha reso con una dignità degna della massima approvazione. Il
progresso degli effetti, nello svolgersi della scena, è splendidamente ottenuto.
Si giunge per gradi alla erotica conclusione che solleva in orchestra un’ondata fragorosa, subito placata.
Mentre Francesca, vinta, s’accascia, la musica si fa mite, suadente, perfida consigliera...
Non è possibile restare inerti dinnanzi alle vaghezze multiple della musica che avvolge questo terzo atto, nel
quale la umana passione prorompe e Primavera esulta. E di fatti iersera, appena calato il velario, il pubblico con
uno scatto sincero acclamò poderosamente il maestro e volle che egli si ripresentasse al proscenio sei o sette
volte. Fu un successo schietto e giusto, al quale ognuno recò lietamente il proprio fervido contributo.
Il quarto atto, per converso, non ebbe un esito smagliante. La scena tra Malatestino e Francesca e quella tra i
due fratelli interessarono grandemente per la vigoria superba dell’accento e il cupo colore orchestrale, ma per la
Francesca da Rimini/7

scarsità di temi espressivi non consentirono un giudizio entusiastico. I vari momenti drammatici di questo atto
sono più coloriti dall’orchestra che musicalmente tradotti. Il motivo di Gianciotto – motivo alquanto wagneriano
ma disegnato fermamente – si trova a far da solo le spese di un lungo brano di musica e sopporta con fatica la
dura bisogna. Tuttavia l’acerbo colloquio fra l’odioso Malatestino e il tradito Gianciotto lascia una impressione
tragica indelebile per le appropriate sonorità strumentali [e] la incisività della declamazione. Il musicista, che ha
saputo efficacemente commentare una tale scena, possiede indiscutibilmente le più belle qualità di compositore
drammatico che si possano desiderare in un giovane operista.
L’ultimo episodio della tragedia, a nostro parere, mostra qualche segno di stanchezza. Il poetico motivo
iniziale, soavemente susurrato a più riprese dall’orchestra, piace immensamente; non altrettanto può dirsi della
lunghissima scena tra Francesca e Biancofiore e dell’angoscioso duetto degli adulteri cognati. Il vero calore
comunicativo non c’è che nell’a due finale condotto sul già sfruttato motivo dell’incontro di Paolo e Francesca.
E la susseguente catastrofe tragica scatena nella massa strumentale un’acre tempesta di suoni e nulla più.
Da quanto abbiamo scritto sin qui è facile concludere che la Francesca da Rimini di Riccardo Zandonai deve
essere giudicata come opera non perfetta ma sotto vari aspetti bella, fascinosa e significativa. Del resto anche là
dove l’estro inventivo del compositore non dà frutti copiosi la bravura eccezionale del tecnico basta a tenere
avvinta l’attenzione dell’ascoltatore.
Lo Zandonai conosce l’orchestra intimamente e ne usa da saggio signore. A citare uno ad uno gli episodi
strumentali ammirevoli della nuova partitura si penerebbe non poco, tanto essi sono numerosi. Si può affermare
che per quanto riguarda la veste orchestrale della Francesca da Rimini tutti iersera fossero concordi nel
rilevarne la mirifica ricchezza e il buon gusto esimio.
Resta a vedere qual posto convenga assegnare all’opera dello Zandonai nella produzione contemporanea. Su
questo punto non sarà facile mettere d’accordo i critici i quali, se bene ugualmente affetti dalla mania di
classificare, hanno ciascuno per proprio conto un sistema di classificazione. E poi, in realtà, la tragedia lirica
della quale andiamo discorrendo, pur senza avere una individualità piena, si distacca alquanto dalle solite forme
del melodramma italiano contemporaneo. Si nota in essa una maggiore dignità di stile, una maggiore ricchezza
sinfonica, oltre a un quasi totale abbandono delle viete formule retoriche...
Wagner fa di tanto in tanto capolino ma non spadroneggia: nel tessuto armonico e orchestrale si avverte
l’influenza dei modernissimi maestri tedeschi e francesi, ma tale influenza non diventa mai tirannica. Così lo
Zandonai riesce a mantenersi abbastanza indipendente e a conservare la fisionomia di musicista italiano,
malgrado egli non si palesi come un vero e proprio innovatore. La “Francesca da Rimini”, per chi ben veda, è
l’opera egregia di un periodo di transizione. Melodica quanto basta per sedurre il pubblico, armoniosa senza
ricercatezze peregrine, irrobustita ma non appesantita da una molteplicità di elementi sinfonici, essa ha un
merito precipuo: quello di essere equilibrata ed euritmica. Nella “Francesca” tutto è dosato, calcolato con uno
scrupolo meraviglioso del compositore, cauto e guardingo quanto altri mai.
Si può criticare unicamente la tendenza dello Zandonai a sforzare le voci dei cantanti sino all’ultimo limite,
costringendoli a gridare, talora senza una plausibile ragione. V’è più di un passo che deve dar da pensare alla
protagonista dell’opera, qualora essa non sia una cantatrice abile e resistente... Per fortuna iersera questa parte
era affidata alla signorina Rosa Raisa, la quale seppe superare ogni ostacolo, ogni insidia, rivelandosi artista
destinata a certa gloria.
La Raisa ha voce stupenda e cuore appassionato. Il suo canto è morbido, commovente, sicurissimo; la sua
figurazione scenica è nobilmente espressiva e originale. Ella fu iersera una trionfatrice e il pubblico le diede
attestati solenni del suo favore.
Il tenore Aureliano Pertile affrontò con successo la parte di “Paolo” e si fece largamente apprezzare per la
chiarezza del timbro e la forza squillante della voce. Buono il Danise nella parte di “Giovanni lo sciancato”;
valorose e soavissime le signore Olga Matteini e Flora Perini nelle rispettive parti di “Samaritana” e
“Smaragdi”. Il basso Berardi fu un “Ostasio” robusto ed anche il Nardi (Malatestino) e il Gironi (giullare)
meritarono lode.
Gli altri artisti – tra i quali ci piace rammentare Maria Verger, Maria Galeffi, Ines Serracchioli e Ida
Manarini, le quattro ancelle di Francesca – cantarono efficacemente.
L’orchestra, diretta dal maestro Vitale in modo magistrale, ebbe a volta a volta la maschia violenza e la
squisita dolcezza desiderate dal compositore. Il Vitale fu un amico ingegnoso ed un alacre collaboratore dello
Zandonai: a buon diritto egli comparve al proscenio accanto al compositore, insistentemente evocato dal
pubblico.
I cori furono impeccabili, l’allestimento scenico, oltremodo lussuoso, parve superiore ad ogni previsione. In
complesso, si tratta di uno spettacolo di ordine elevatissimo, al quale tutta Roma accorrerà plaudente. È da
sperare che la nostra cittadinanza non si lascerà sfuggire l’occasione di onorare Riccardo Zandonai, il forte
musicista che rapidamente incede verso la fama lusinghiera, scortato dalla sorridente fortuna.
Francesca da Rimini/8

54
Alberto De Angelis, La “Francesca da Rimini” di R. Zandonai al Costanzi, “Il Tirso” XII/11, 14.3.1915 - p. 1,
col. 1-2-3-4-5-6 (con foto di Zandonai, A. Pertile, G. Danise, F. Perini, O. Matteini, R. Raisa, B. Berardi)
Rileggendo prima della rappresentazione il libretto della Francesca tratto dalla tragedia di Gabriele
d’Annunzio, serrato, incisivo, drammaticissimo, io m’era domandato sgomento se era possibile che un
compositore avesse potuto aggiungervi una maggiore musicalità, raggiungere un più alto lirismo, trarre da quel
profondo scandaglio di anime un più evidente disegno di caratteri. Non era forse possibile – mi dissi poi, dopo
aver ascoltato la partitura dello Zandonai, la quale ha pure ottenuto dal pubblico del Costanzi un’accoglienza
entusiastica, in alcuni momenti trionfale. Successo ben meritato, se si pensi alla meravigliosa sapienza del
giovanissimo musicista trentino, all’innato dono del senso degli effetti e delle esigenze teatrali che nessun altro
giovane musicista italiano certamente possiede al pari di lui. – Ma una maggiore efficacia era però possibile
raggiungere. Critici e pubblico, pur dimostrandosi lieti ed orgogliosi di una sì alta affermazione del valoroso
musicista irredento, quasi unanimemente riconobbero essere i pregi dell’opera più nella forma che nella
sostanza, più nella sensazione della dinamica esteriore dell’ambiente e dei personaggi che in quella intima
spirituale, più nella descrizione che nella penetrazione, più nel colore che nel disegno. Sopratutto ammirarono
dello Zandonai la ricchezza, la varietà, la spigliatezza dell’istrumentale, armonizzazione delle voci con
l’orchestra di una costante eleganza.
Trovare nell’opera dell’Autore di Conchita pretesti per una critica alla sua struttura teatrale e ai suoi
procedimenti tecnici sarebbe quindi se non impossibile assai difficile. La Francesca da Rimini è anzi un’opera
che dà un senso di soddisfazione compiuta. Ma essa non riesce quasi mai a destare nello spettatore una
commozione profonda, a trascinarlo a mezzo di un atto all’applauso entusiastico. Gli è che la musica segue la
tragedia quasi sempre nella sua superficie, difficilmente la interpreta o la penetra; dirò di più: in alcuni punti la
efficacia della poesia sorpassa quella della musica e pur ne è da questa svalutata.
Questo giudizio può riferirsi ad esempio alla scena del bacio alla fine del III atto, ed a quella della morte dei
due amanti: scene culminanti della tragedia e che non trovarono interpretazione musicale adeguata. Non già che
manchi adesione tra poesia e musica: la connessione è anzi fra di essi intimissima, ma è una intimità quasi
esclusivamente di forma e di colore. Neppure vi serpeggia per entro una prepotente vena di ispirazione
personale e di ideazione melodica la quale valga a sedurre di per sé stessa l’ascoltatore. Sarebbe arrischiato
negare allo Zandonai una sua personalità musicale; ma sarebbe non meno facile non riconoscergliene una ben
distinta. Ricca di tutti i procedimenti tecnici di cui la musica s’è accresciuta dalla metà del secolo scorso in poi,
lo Zandonai sa estrarre da essa i più vaghi ed i più efficaci, sa trasformarli, plasmarli, assorbirli, imprimendo
anche loro un suo proprio carattere. Né diverso metodo egli usa nelle manifestazioni delle sue ideazioni.
Studioso profondo ma sopratutto dotato di una intelligentissima e rara facoltà di assimilazione, ad ogni scuola,
ad ogni autore specialmente del periodo di tempo sopra detto egli si abbevera; e pure, sebbene qualche sua
speciale predilezione per questo o per quel sommo autore possa talvolta a sprazzi apparire, mai di nessuno egli
reca le particolari stigmate impresse, mai di nessuno ripete non dico le idee ma neppure lo stile. Eppure la sua
originalità è scarsa; difficilmente egli offre all’ascoltatore impressioni di stupore per il carattere particolare di
un’idea; al contrario questo quasi s’acquieta nella sua musica come nella compagnia di fidatissimi amici: la sua
personalità, in quanto ispirazione, sembra se mai come l’estratto di disparate personalità e scuole d’arte
accomunate in un crogiuolo e passate quindi in uno spesso filtro adoperato da un artefice onesto e scrupoloso ed
espertissimo nella sua arte: non è musica di un’epoca.
Questi giudizi potranno sembrare un po’ duri, e potranno anche essere un poco esagerati – lo sono anzi come
tutti quelli i quali tendono a incidere un’affermazione particolare – ma se anziché riferirli al brillantissimo
successo di una serata essi sono attribuiti alla considerazione di un’opera in una epoca storica non sembreranno
arrischiati, come non sono nelle intenzioni malevoli. Il difetto dello Zandonai è il difetto di quasi tutti i giovani
d’oggidì, ricercatori in ogni campo dell’arte: nutriti di studi, tormentati dall’ansia del nuovo, essi raggiungono
spesso una invidiabile perfezione tecnica ma non sempre fa in essi egualmente riscontro la ispirazione, o la
ispirazione è soffocata dagli studi, dall’amor della novità, dall’attrazione di questo o di quel maestro. Essi
daranno complessivamente al nostro tempo il carattere di un periodo di transizione, di preparazione dolorosa, di
una ricerca paziente di stati di spirito, di una rinnovazione di forme. Preoccupazioni lodevolissime, le quali
impedendo però talvolta all’animo di espandersi liberamente ostacolano la creazione di opere di bellezza
assoluta o di secolare fama. Rallegriamoci nel constatare che lo Zandonai è in queste file fra i primi, fra i più
valorosi.
Se egli – la sua grande giovinezza ne dà ragione a sperarlo – cercando più a fondo nel suo animo riuscirà a
raggiungere le fonti più pure ed intime della sua sensibilità, noi potremo in lui annoverare uno dei più grandi
musicisti dell’Italia moderna.
Francesca da Rimini/9

L’esserci dilungati a considerare nel suo complesso la personalità di Riccardo Zandonai quale si manifesta
nella Francesca ci impedisce di seguire l’opera nei suoi particolari.
La esecuzione avutasene al Costanzi è stata perfettissima per merito del M. Edoardo Vitale, il quale ha
diretto la partitura con vero amore, e degli artisti, alcuni dei quali avevano già rappresentato la loro parte nelle
precedenti esecuzioni dell’opera in altre città d’Italia. Conoscenza nuova per Roma era la signorina Rosa Raisa
la quale interpretò la parte della protagonista e che, efficacissima nella scena, fece sfoggio di una voce morbida
e gagliarda. Nella stessa interpretazione la Raisa aveva già riportato un successo memorabile al Teatro
Comunale di Modena, tanto che lo Zandonai stesso volle suggerirla come la più degna interprete per il nostro
massimo teatro. Il Danise, un rude Gianciotto, si conquistò la intera ammirazione dell’uditorio per la sua arte
interpretativa, a cui aggiunse carattere la sua voce robusta; e piacquero senza riserve il tenore Aureliano Pertile
(Paolo), un giovane che possiede delle superbe qualità di voce, prescelto anch’esso dal Maestro Zandonai per
avere eseguito la stessa parte al Regio di Torino riportando un successo caloroso e significativo; il basso Berardi
(Ostasio), attore correttissimo e cantante di grandi mezzi; il Nardi, un Malatestino sghignazzante e sinistro; il
giullare – Gironi – e le signore Olga Matteini, una giovane che ha dimostrato possedere dei mezzi vocali
ecccellenti, e Flora Perini, simpaticamente nota al nostro pubblico, nelle rispettive parti di Samaritana e di
Smaragdi. Anche bene le parti minori.
La mise-en-scène, curata dal Cav. Clausetti venuto espressamente da Milano, non avrebbe potuto essere più
signorile e grandiosa. Ogni particolare fu minuziosamente curato.
Direttore d’orchestra ed artisti furono fatti segno alle più calorose dimostrazioni di ammirazione, ma
naturalmente la mèsse maggiore degli applausi andò a Riccardo Zandonai, il trionfatore della serata, il quale,
vivamente acclamato, comparve più volte alla ribalta a ringraziare con la sua simpatica aria serena e disinvolta,
additando cordialmente al pubblico i suoi interpreti e facendo gesti come se egli, l’artefice principale di quel
magnifico successo, non vi avesse contribuito e come a dire di non averne... colpa!
55
T[ommaso] Montefiore, Francesca da Rimini di Gabriele d’Annunzio e Riccardo Zandonai, “La Concordia”,
12.3.1915 - p. 2, col. 3-4
Il tragico caso di Francesca dei Polenta ha spesso tormentato il desiderio dei compositori musicali dopo che
Silvio Pellico, destando largo sebbene brevissimo successo di popolarità, volle trasportarlo sulla scena. Le opere
imbastite su quel soggetto sono infatti parecchie: se ne registrano una quindicina, fra cui talune dovute a maestri
illustri come il Generali, che aprì la serie nel 1829, Mercadante, Cagnoni, Ambroise Thomas e Luigi Mancinelli.
Nessuna di queste opere ebbe vita lunga e se ne imputò spesso la colpa alle difficoltà dell’argomento, giacché
tutto l’interesse si concentra nella scena d’amore e di morte così da scemare l’importanza dell’azione foggiata
per giungere fin là. Gabriele d’Annunzio, affrontando come drammaturgo l’arduo compito, seppe condurre la
tragedia con abile artifizio, vi introdusse possenti elementi di emozione; più ancora, la circondò di un’atmosfera
suggestiva e conquistatrice, in guisa che l’onda armoniosa della parola sembra quasi attendere il suono musicale
per completare il fascino sottile e misterioso.
Per rendere adatta la tragedia alla veste musicale occorreva sfrondarla. L’operazione fu compiuta senza
risparmio e spesso vi si scorge la voluttà del chirurgo che non bada a deformare qualche figura come ad esempio
quella di Malatestino del quale il D’Annunzio ha cura di far conoscere l’animo perverso al primo presentarsi, o
a mozzare qualche episodio di cui rimane troppo evidente la manchevolezza.
Per buona ventura la musica del Zandonai rende quasi invisibili tali difetti, in parte forse inevitabili date le
vaste proporzioni della tragedia dannunziana. Innanzi tutto egli ne ha penetrata tutta la poesia; ha circonfuso
l’ambiente di un colore soave, tenero, appassionato, per cui i due principali personaggi Paolo e Francesca
effondono dintorno una seduzione irresistibile. L’onda sonora si sprigiona dall’orchestra fra mille trovate
d’impasto spesso originali, avvolge il dramma e si fonde con esso per comporre opera d’arte di altissimo valore.
Il nostro pubblico che apprezzò l’ingegno promettentissimo del Zandonai in “Conchita” e in “Melenis” ora
con “Francesca da Rimini” lo saluta trionfatore in linea prima fra i più acclamati compositori del teatro lirico
nazionale. Sopratutto lo saluta con gioia maestro schiettamente italiano, non inquinato da infiltrazioni o da
lusinghe straniere, quasi baluardo d’italianità fra le balze del suo Trentino. Il progresso della tecnica orchestrale,
veramente prodigioso, non impedisce dunque alla voce di essere sovrana nel dramma in musica; la caratteristica
fondamentale della nostra scuola non dovrà dunque sommergere nella evoluzione dell’arte: l’opera del Zandonai
è di ciò nuovo inoppugnabile esempio e, non fosse che per questo, si impone come modello ai giovani dubbiosi.
Infatti l’orchestra non è mai sopraffatrice: essa incornicia l’azione, la commenta; sostiene, accenta il canto
vocale. Nondimeno la polifonia risulta sempre piena: fattore massimo del doppio risultato è l’impiego
magistrale degli strumenti ad arco le cui risorse sono inesauribili.
Francesca da Rimini/10

La novissima opera del Zandonai, che giunge al Costanzi dopo i brillanti successi riportati prima, un anno fa,
al Regio di Torino, poi a Modena, a Pesaro, e confermati clamorosamente iersera tra noi da un pubblico
elettissimo ed imponente, è cosparso di bellezze d’ogni ordine.
Nell’atto primo in cui si svolge l’antefatto della tragedia è ammirevole la scena che l’apre, scoppiettante di
gaiezza femminile; il dialogo fra Ostasio e Ser Poldo [sic], dove si ferma l’inganno teso a Francesca, va rilevato
per l’opportunità di quella forma del “recitar cantando”, antica tradizione italica istaurata dagli stessi inventori
dell’opera, per cui si afferra ogni parola scandita dall’attore-cantante. Dolcissima è l’affettuosità fraterna che si
rivelano Francesca e Samaritana per il prossimo distacco. La sopravvenienza di Paolo, atteso dalla corte dei
Polenta fra festosi concenti, dà luogo a un quadro musicale pieno di suggestione commovente. Già la fatalità si
disegna nell’onda armoniosa tenerissima che avvolge i personaggi. Un applauso scrosciante dà la misura
dell’effetto prodotto sugli astanti dalla magnifica introduzione.
L’atto secondo è un poco greve invece; l’affannosa descrizione della fervida battaglia offusca le grazie
profuse nella scena tra Paolo e Francesca, dove va notata una purissima frase melodica che la signoreggia.
Il fragore e l’ansietà dei combattenti è schiacciante per la soverchia insistenza.
Il terzo atto si offre come gemma preziosa: vago è il coretto delle donzelle salutanti il sole di marzo e la loro
danza leggiadra; la passione di Francesca è ritratta con angoscia penetrante; il duo di lei con Paolo contiene
frasi vibranti da ricercare le intime fibre. Il maestro Zandonai è acclamato con entusiasmo e deve presentarsi più
volte al proscenio coi collaboratori degnissimi di lui.
Nell’atto quarto scoppia il dramma con una robustezza che fa contrasto felicissimo coll’atto precedente. La
scena tra Gianciotto e Malatestino è di una violenza selvaggia e si segnala come una delle migliori pagine della
nobilissima partitura. Le fa seguito il riboccante fremito dell’ultima scena d’amore, dalle frasi calde e quasi
disperate, poi la rapidissima catastrofe.
Il Zandonai ha compiuto con la sua Francesca da Rimini un lavoro di grande bellezza e di grande sincerità,
lavoro che sarà sempre più gustato nelle successive rappresentazioni. Il pubblico l’ha tuttavia interamente
compreso manifestando il compiacimento con uno di quegli slanci che rendono pallida la solita claque
importuna, per ventura quasi immota iersera. Fu insomma un successo pieno, ardente, un successo reale che
onora l’artista e l’arte.
Per dire dell’esecuzione basterebbe una frase: fu all’altezza dell’opera. Il maestro Vitali [sic] riuscì interprete
sommo; i cantanti superbi per mezzi vocali e per valore scenico. Raramente s’incontra un insieme simile e siamo
lieti di constatarlo senza le restrizioni cui tanto spesso siamo costretti. Avemmo nella Raisa (Francesca) e nel
tenore Pertile (Paolo) due interpreti veramente insuperabili; voci fresche, bene educate: due artisti misurati che
cantano e non strillano mai. Il Pertile possiede poi una mezza voce deliziosa e riesce spesso incantevole.
Tutti gli altri ottimi nelle loro parti: il Danise (Gianciotto), il Nardi (Malatestino), il Berardi (Ostasio), la
Verger, la Matteini colle donzelle del coro, il Gironi nella parte di Giullare.
L’orchestra filò alla perfezione. Le masse corali, l’allestimento scenico concorsero alla riuscita dello
spettacolo eccezionale.
56
Enrico Boni, “Francesca da Rimini” del M. R. Zandonai, “Il Popolo romano”, 11.3.1915 - p. 2, col. 3-4
Il libretto della nuova opera del m. Riccardo Zandonai non ha bisogno di essere soverchiamente illustrato,
ché a tutti è noto come codesta Francesca messa in musica dal maestro triestino [!] altro non è se non la
Francesca dannunziana, alleggerita di una notevole quantità di versi e sfrondata di tutti gli episodi secondari che
non avevano vincolo di necessità con la vicenda drammatica.
È sparito Bannino, scomparso l’astrologo; è stato soppresso quel mercatante che alla prima rappresentazione
del poema sollevò le proteste del pubblico per la interminabile enumerazione di stoffe preziose, ed egualmente
soppresse sono state le figure minori di partigiani di Guido e dei Malatesta.
La parte di Smaragdi, la schiava di Francesca, è stata ridotta ai minimi termini. Quanto a una delle ancelle,
Alda, è stata licenziata.
Il libretto ha perduto magnifici versi e non poche sottigliezze. Sarà forse diventato più agile; ma il sacrifizio
ha giovato solamente in parte, ché codesta Francesca, pur ridotta ad una psicologia sommaria, rimane tuttavia,
considerata musicalmente, opera di dimensioni eccessivamente ampie.
Ora non si scrive più come il cuore detta ma secondo le formule più astruse della scienza fonica. E come gli
autori, anche perché a corto di idee, tendono a farsi sempre più complicati, l’andare a teatro dopo una giornata
di lavoro intenso al quale ci costringe la vita moderna e rimanervi per quattro o cinque ore per ascoltare musiche
prevalentemente cerebrali finisce col diventare una fatica vera e propria.
Francesca da Rimini/11

Certo, il poema dannunziano aveva in sé elementi tali di bellezza da tentare un musicista; e Riccardo
Zandonai, scegliendolo, fu più felice che nello scegliere un soggetto di antipatico verismo come Conchita o una
banalità come Melenis.
L’opera non costituisce una novità nel senso assoluto della parola, poiché dopo la prima rappresentazione al
Regio di Torino ha già percorso vari teatri dell’Italia e dell’estero. Vediamo quindi brevemente quale sia stato il
lavoro del musicista.
Francesca da Rimini non ha preludio. Pochi accordi di viola e il velario si apre sulla corte della casa dei
Polentani.
La prima scena è formata dal gaio cinguettio delle donne motteggianti il giullare. L’arrivo di Ostasio con Ser
Toldo è caratterizzato rudemente. Con l’uscita dei due la calma torna in orchestra, e il maestro si rivela coi suoi
caratteristici tratti nel coretto delle donne, sorretto da un pedale di liuto.
La scena tra Francesca e Samaritana è improntata a una mestizia dolente. La musica tende ad assumere
calore e spesso vi riesce. Il dialogo tra le due sorelle è interrotto dal coro che irrompe festosamente. Meno
efficace è la ripresa del duetto, costruito su tessiture acutissime. E siamo alla parte più notevole dell’opera, il
finale del primo atto.
Il tramonto accende di bagliori il giardino che si scorge al di là della corte. Dall’alto delle logge le donne di
Francesca si sono aggruppate graziosamente. Un musico svolge sulla viola pomposa una larga frase suggestiva
– che riapparirà nei momenti capitali della tragedia – , sostenuta da pizzicati del liuto e dal piffero. Paolo appare
dal giardino e s’avanza. Francesca coglie per lui dal rosaio fiammeggiante ch’è nell’arca in mezzo alla corte
una rosa vermiglia e che con gesto soavemente lento l’offre al sopravvenuto.
La carezza della frase della viola passa come un fremito nell’orchestra e conchiude mirabilmente l’atto – il
migliore dell’opera – comunicandogli una impronta di arte severa e nobilmente espressa.
Azione e musica si fondono qui nella più perfetta resultanza, e il maestro raggiunge finalmente la
commozione testimoniando ancora una volta della sua grande coltura e del suo buon gusto.
Il secondo atto ci porta in piena battaglia sulla torre dei Malatesta.
Dopo un breve dialogo di Francesca con l’Armigero, s’inizia col sopraggiungere di Paolo un lungo duetto
che avrà più riprese.
Specialmente notevole è la vibrante frase della donna: “Questo cimento è il giudizio di Dio per la saetta”
che sarà poi riudita a traverso il fragore del finale. Ben colorito è l’irrompere del coro degli uomini d’arme e
assai ben caratterizzata la rude figura dello Sciancato.
La musica si fa tumultuosa con l’arrivo di Malatestino, e finalmente la rumorosità che a più riprese è apparsa
in quest’atto si scatena nel modo più assordante, mentre la battaglia riprende con rinnovato furore.
Atto, codesto, piuttosto debole. Ché se lo strepito può impressionare un ascoltatore superficiale, non trarrà
certo in inganno uno che abbia qualche dimestichezza con l’arte della musica. Qui ci troviamo appunto nello
stesso caso del secondo atto di Melenis, in cui il frastuono non riesce a mascherare la esiguità del contenuto
musicale. L’episodio finale della battaglia è condotto orchestralmente con grande perizia ma ha un valore
musicale assai relativo.
Per contro, il terzo atto contiene pagine di indiscutibile bellezza, specie nella seconda metà.
Dopo la canzone a ballo, contenuta in forme bene appropriate, l’arrivo di Paolo è preparato con sapienza.
Il duetto s’inizia felicemente e subito si fa notare la frase di Francesca: “Paolo, datemi pace!”, cui fa
degnamente seguito il leggiadro movimento che fiorisce con le parole di Paolo: “Inghirlandata di violette
m’appariste ieri”.
Il dialogo si svolge, nobilmente ispirato, con rari momenti di stanchezza, fino alla fine dell’atto, che rinnova
la stessa commozione del primo episodio e pel quale non si possono avere che parole di elogio.
Nell’atto seguente il maestro non si mantiene alla stessa altezza. Il quarto quadro a malgrado di pregi
orchestrali non risulta molto convincente. Il primo duetto tra Francesca e Malatestino interrotto dagli urli del
prigioniero non ha grande evidenza, anche per la mancata figurazione musicale del tipo di Malatestino. Né
molto persuasive appaiono le scene seguenti, a contrasti vivi di luci e d’ombre ma forse troppo inutilmente
fragorose.
Meglio è l’ultima parte dell’atto che ci riconduce nella stanza di Francesca, e s’inizia con uno dei soliti
procedimenti orchestrali cari al m. Zandonai.
L’atto culmina nel nuovo duetto d’amore tra Paolo e Francesca, che si snoda con ricchezza di colore ma non
con altrettanta sincerità di calore.
Il finale, breve e tragico, è comentato da un nuovo scatenarsi di tutte le forze dell’orchestra.
Che cosa rappresenta codesta Francesca nella produzione artistica del m. Zandonai? Senza dubbio un passo
notevolissimo, un indiscutibile progresso. Il m. Zandonai è musicista di bella sapienza tecnica, e questa
magnifica padronanza orchestrale egli riafferma brillantemente. Basterebbe il primo atto della nuova opera, il
modo dignitoso, bene appropriato col quale egli ha saputo rivestire musicalmente il quadro dannunziano per
meritare al giovine maestro gli onori della vittoria.
Francesca da Rimini/12

Riccardo Zandonai, come abbiamo già accennato, si mostra anche qui con tutti i suoi caratteri essenziali:
pregi e difetti.
Egli è sempre l’artefice esperto dei più svariati e audaci impasti, delle più strane sovrapposizioni polifoniche.
Nella Francesca, come in Conchita, come in Melenis, ricorrono frequentemente le spezzettature in piccoli
periodi, quegli speciali disegnini d’archi scanditi da pizzicati e avvivati qua e là da lievi tocchi di legni.
Ma qui più che altrove, a causa della maggior mole del lavoro, si delinea quello che è sempre stato il punto
debole del m. Zandonai: la povertà delle idee melodiche; o meglio la povertà di idee melodiche efficaci e
persuasive.
L’insolita rumorosità onde si riveste qua e là questa nova fatica d’arte del maestro non copre le
manchevolezze melodiche dell’opera.
Il discorso si svolge con procedimenti preziosi, avvalorandosi di tutte le risorse di una tavolozza smagliante
e di una capacità tecnica che non è comune; ma, ove si tolgano quegli episodi cui abbiamo accennato, questo
discorso appare meglio adatto a suscitare il compiacimento nell’ascoltatore che a parlare alla sua anima.
Non è qui il caso di tornare sulla questione estetica da noi già altre volte trattata: se cioè in un’opera
moderna debba la melodia palesarsi nelle forme tradizionali o debba meglio ricercare quei mezzi espressivi che
più le convengono. E quindi, nel caso specifico del m. Zandonai, se egli dovesse esprimersi in un modo
piuttosto che in un altro, tenuto anche conto del libretto che s’era accinto a musicare.
La questione di forma è per noi di secondaria importanza. L’opera d’arte deve dare una commozione,
qualunque sia il mezzo adoperato dall’artista per conseguire questo fine essenziale.
Ciò che nella musica del m. Zandonai, ad onta di pregi veramente peregrini, troppo raramente avviene.
E allora, dinanzi a questo continuo affannarsi delle nostre più belle energie giovanili dietro delle forme
d’arte meravigliose ma che possono considerarsi come tessuti smaglianti gittati a ricoprire vacuità di ossature
troppo scheletriche, vien fatto a noi, che pur aneliamo con tutte le forze dell’anima a un rinnovamento artistico,
di arrestarci sfiduciati e di chiederci se abbiano poi tutti i torti coloro che, riferendosi all’essenza divina della
musica, preferiscono quella commossa sincerità di espressione, vanto tutto italiano, la quale per un fato
malevolo sembra non possa riuscire ad accordarsi che imperfettamente con l’evoluzione delle forme musicali
moderne.
57
A[driano] B[elli], Il successo della “Francesca da Rimini” di R. Zandonai al Teatro Costanzi, “Corriere
d’Italia”, 11.3.1915 - p. 3, col. 1-2-3-4
L’opera s’apre con un brevissimo brillante preludio in cui appare subito affidato ad una viola dietro il velario
il tema del giullare. La prima scena tra le quattro ancelle di Francesca e il Giullare procede rapida e spigliata
sotto forma di cicaleccio che si svolge sopra rapidi ed eleganti ritmi di danza. È una pagina gaiamente
spensierata che si segue con vero diletto e che mostra subito la mirabile mano di colorista nel suo autore. Nel
dialogato, agli accenni dei personaggi principali della tragedia rispondono in orchestra come un presagio, cupi
attraverso la garrula vivacità del cicaleccio, i temi dei protagonisti e delle situazioni salienti dell’opera.
Attraverso la scena dialogata tra Ostasio e Messer Toldo in cui si rivela l’intrigo teso per il matrimonio di
Gianciotto, si giunge all’arrivo di Francesca.
La pagina di delizioso sapore arcaico è formata di uno sfondo soave e squisito affidato al coro interno delle
donne sul quale si muove e si svolge il dialogo tra Francesca e Samaritana.
Qui la melodia ispirata e nobilissima assurge a una dolcezza di espressione veramente toccante specie
quando sulle parole “E si vivrà, oimè – si vivrà tuttavia!” le voci delle due donne si riuniscono e si fondono con
effetto magnifico. L’avvicinarsi di Paolo e il suo sopraggiungere dà modo allo Zandonai di continuare nella sua
ascesa con pagine sempre più forti e complesse. Il tema incisivo di Paolo affidato agli ottoni è quasi subito
sopraffatto da un’onda travolgente di squisito e delizioso lirismo.
È l’ora della gioia mista a profonda commozione. Le ancelle inneggiano alla bellezza degli sposi, Francesca
trepida si avanza verso Paolo per offrirgli una rosa, Samaritana singhiozza da un lato. Il quadro suggestivo è
commentato da un mormorio leggerissimo dell’orchestra che sorregge la melodia affidata a tre istrumenti
all’antica che sono in alto sulla balconata (una viola pomposa, un piffero e un liuto), mentre il coro delle donne
mormora sommesso “A convito selvaggio – in contrada lontana – Uno cor si domanda...”. Il pezzo si svolge
soavissimo fino alle ultime note che si perdono come un sospiro. L’effetto è irresistibile. Quando si chiude il
velario, il pubblico che ha seguito tutto l’atto con crescente ammirazione scoppia in un applauso calorosissimo
che si muta in vera ovazione all’apparire dello Zandonai. Si hanno tre chiamate agli artisti e quattro all’autore.
L’impressione unanime è favorevolissima. Si nota il grande progresso fatto dal musicista, la nobiltà della
forma, la ricchezza della sua tavolozza orchestrale. Il successo di questo primo atto è stato assolutamente
trionfale.
Francesca da Rimini/13

Il secondo atto è in forte contrasto col primo. È l’atto della battaglia. Se il primo era tutta serenità, questo è
come una violenta chiazza scarlatta sulla quale si muovono tutte le principali figure del dramma.
Alla scena realistica della battaglia in cui si palesa tutto il valore sinfonico del geniale maestro trentino si
avvicendano episodi non privi di valore come il duetto tra Paolo e Francesca con la impressionante scena del
giudizio di Dio, il sopraggiungere di Gianciotto e l’entrata di Malatestino sopra uno strano e insistente ritmo che
caratterizzerà poi sempre durante tutta l’opera il tristo personaggio. Il quadro grandioso si chiude con una
violenta ripresa della battaglia resa attraverso la sinfonia orchestrale, il coro su declamato libero, il suono delle
buccine, gli urli delle donne, gli insistenti rintocchi delle campane in modo violento e veramente
impressionante. Al chiudersi del velario lo Zandonai è chiamato tre volte.
L’atto, di grande ardimento, è stato affrontato dal giovane musicista con sicura coscienza di riuscita.
È stato costruito con una veduta di linea ampia e vigorosa. La prima volta appare però oscuro nei suoi
procedimenti all’ascoltatore che rimane come abbagliato da una grande luce e stordito dal grande fragore
dissonante; ma non esitiamo nell’affermare che questo atto dà la misura del valore di Riccardo Zandonai.
Il terzo è pervaso da una profonda melanconia e da un indefinibile senso di dolore. Le prime scene scorrono
rapide col canto delle ancelle, con le frasi tristi di Smaragdi e i richiami di Francesca fino a giungere ad una
delle pagine meglio riuscite del lavoro: la canzone della primavera, affidata a due soprani e due contralti e
accompagnata da un’orchestrina all’antica posta sul coretto dei musici. La pagina è ispirata, fresca e di un
indovinatissimo sapore arcaico, e propaga all’uditorio un grande senso di soave melanconia. L’episodio appare
però un po’ troppo lungo ripetendosi integralmente due volte. Tagliare tutta la ripresa affidata ai contralti
crediamo sarebbe di grande vantaggio alla scena. Il duetto finale tra Paolo e Francesca si svolge sopra frasi
veramente ispirate. Qui il musicista si abbandona liberamente alla melodia, una melodia semplice, pura,
italianissima. Non è un’onda melodica travolgente e impetuosa che s’imponga per larghezza di linee e che si alzi
e si allarghi in un’imponente parabola: la melodia dello Zandonai è intima, tenera e appassionata con un
irresistibile e sempre sicuro effetto di commozione. Le frasi “Paolo, datemi pace!” e “Inghirlandata di violette
m’appariste ieri” sono di effetto irresistibile. L’atto però diminuisce d’interesse alla lettura del libro ove il
dialogato non ha la forza di rimanere all’altezza delle pagine precedenti; ma riprende poi alla chiusa
commentata con grande abilità e profonda poesia dall’orchestra e dalle voci in lontananza che ripetono
“Primavera! Primavera!”.
Al chiudersi del velario il pubblico prorompe in un applauso scrosciante, calorosissimo. Il maestro è evocato
alla ribalta ben otto volte tra un’ovazione delirante. Il pubblico della platea è tutto in piedi inneggiando al
musicista che ha vinto una grande battaglia. L’atto è giudicato il migliore di tutti. Il successo dell’opera è ormai
assicurato.
Il quarto atto è diviso in due parti: la delazione di Malatestino e la morte di Paolo e Francesca. La prima è
tutta di tinte fosche. Il dramma sta per scoppiare. Il duetto tra Francesca e Malatestino scorre rapido verso la
scena principale dell’atto: la rivelazione di Malatestino a Gianciotto.
La situazione drammaticissima è resa ancora più potente dalla musica. Il dialogato tra i due fratelli è
commentato dall’orchestra con effetto teatrale immancabile e il velario si chiude infatti tra applausi vivissimi.
La seconda parte ci trasporta nella camera di Francesca. Il primo duettino tra Francesca e Biancofiore, soave
nell’espressione e squisito nella fattura, appare un po’ lungo.
La scena ultima tra Paolo e Francesca è piena di passione e di grande effetto, non solo per il valore della
melodia ma anche per il pregio del commento orchestrale. Le voci prima disgiunte si avvicinano a poco a poco,
si sovrappongono con disegni diversi per fondersi poi in un unisono grandioso e travolgente. L’entrata di
Gianciotto è rapidissima e rapida la catastrofe. L’atto si chiude con quattro chiamate all’autore.
***
Volendo far seguire all’analisi sommaria qualche impressione sul valore del nuovo lavoro, diremo anzitutto
come con questa Francesca Riccardo Zandonai veda consacrata definitivamente la sua fama di operista. Fino ad
ora ci era apparso quasi esclusivamente come sinfonista; con questa nuova opera ha mostrato di saper anche
toccare la corda del sentimento e in alcune scene ha raggiunto infatti un irresistibile effetto di commozione. Il
suo commento melodico è tutto intimo e personalissimo. La frase – come sopra accennavamo – è breve, ma
incisiva e convincente. È una melodia plasmata sul dramma e sulla stessa parola, fino a raggiungere la più
perfetta rispondenza. Il dramma dannunziano, meravigliosamente ridotto da un grande competente: Tito
Ricordi, ha trovato nella musica dello Zandonai una veste quale migliore non avrebbe potuto desiderare. Lo
Zandonai è un aristocratico dell’arte musicale; e nel suo lavoro infatti tutto è squisito e rifinito, tutto eletto ed
elevato dalla forma melodica all’istrumentazione, dalla armonizzazione all’espressione di ogni minimo
dettaglio. Riccardo Zandonai ha dal Grillo del focolare a questa Francesca, attraverso Conchita e Melenis
compiuto un cammino veramente colossale. Il giovane musicista trentino, che salutammo con entusiasmo fin da
Conchita, mostra di voler trovare una via propria e forse le è vicino. Egli procede da Wagner, da cui ha appreso
la potente polifonia, e da Debussy alla cui smagliante tavolozza hanno attinto non pochi dei suoi colori; ma non
volendo essere un imitatore ha saputo assimilare la virtù di quei grandi cercando di dare alla sua arte
Francesca da Rimini/14

un’espressione nuova e tutta personale. Ha usato il leit-motiv, non alla maniera wagneriana ma solo per
rievocare rapidamente e quasi istantaneamente un personaggio, un’idea, un motivo d’emozione; si è servito qua
e là delle formule debussiane non per fare dell’impressionismo musicale ma per creare in certi determinati
momenti una soavissima atmosfera armonica intorno ai suoi personaggi. Le formule di Wagner e di Debussy
sono state italianizzate e riscaldate con una forma melodica veramente sentita e aristocraticissima.
Lo Zandonai è riuscito a scolpire in modo magnifico i suoi personaggi; ogni figura – meno forse quella di
Paolo – ha i suoi mirabili e decisi contorni che non si perdono più in tutta l’opera; e così Francesca, Gianciotto,
Malatestino e le donne balzano fuori musicalmente con un risalto stragrande. Ma (è strano!) di fronte a tutta
questa perfezione di concezione e aristocrazia di forma si prova specie verso la fine dell’opera come un senso di
stanchezza. È la forma del discorso melodico e della sua veste armonica poco varia e uniforme che genera il
fenomeno; o è invece la tensione di fronte alle molteplici bellezze che si presentano una dopo l’altra rapide, sì
che appena si giungono a percepire? Non sappiamo; certo è che ad un certo momento l’attenzione dell’uditore
appare come satura e si genera un senso di stanchezza.
In ogni modo questa Francesca rimarrà come un documento prezioso non solo per qualità tecniche ma per
nobiltà, per dignità, per elevatezza di concezione artistica. Le formule melodrammatiche di sicuro successo, i
soliti effetti di immancabile riuscita sulle masse sono stati nobilmente aboliti dallo Zandonai il quale ha evitato
ogni accenno a volgarità, e là dove il libretto glie lo consentì ha trovato anche accenti appassionati ed espressivi.
Francesca non è ancora l’opera perfetta, qualcosa le manca; ma non ci fa velo la ammirazione per la squisita
opera d’arte e per l’ingegno fervido del suo autore nello affermare che da Riccardo Zandonai l’arte italiana può
a buon diritto attendere il capolavoro.
***
L’esecuzione è apparsa sotto ogni rapporto pregevole. Protagonista era Rosa Raisa che è stata per tutti una
vera rivelazione. Questa giovanissima artista possiede una voce calda, intonata, che sale con facilità agli acuti e
che sa modularsi con metodo mirabile a tutte le esigenze della parte. Ma quando la scuola è ottima la riuscita è
sempre sicura, e la Raisa è allieva della celebre Barbara Marchisio! Scenicamente compose con bella linea la
figura di “Francesca” e riuscì così nelle dolci e soavi scene del primo atto, come in quelle di sgomento, di
dolore, di passione e di disperazione del resto dell’opera sempre efficace e seppe farsi ammirare ed applaudire
dall’imponente ed esigentissimo uditorio di ieri sera. La sua è stata un’affermazione artistica che le aprirà la via
per una carriera brillantissima.
Nella parte di “Paolo” si affermò un artista anch’esso nuovo per Roma: Aureliano Pertile, che disse tutta la
sua parte con bella voce e con giusta espressione facendosi meritatamente applaudire.
Il baritono Giuseppe Danise diede per voce robusta e per vigoria di slancio un ottimo risalto alla parte di
“Gianciotto”, e così anche efficacissimo si mostrò Luigi Nardi in quella molto difficile vocalmente e
scenicamente di “Malatestino”. Il basso Berardi (Astasio) [sic] in una parte baritonale mostrò come sempre di
essere artista coscienzioso e dotato di voce bella e poderosa. Ottime le altre parti minori, la Matteini
(Samaritana), la Seracchioli (Biancofiore); la Manarini (Garsenda), la Verger (Altichiara), la Galeffi (Donella),
la Perini (la schiava), e così Sabatano (Ser Toldo), Gironi (il Giullare), Pastorelli (il Balestriere) e Lanzi (il
Torrigiano).
Edoardo Vitale ha concertato l’opera con grande coscienza artistica, con impegno e con vero entusiasmo
riuscendo a dare grande ed efficace risalto a tutte le finezze armoniche e strumentali che costituiscono uno dei
grandi pregi del lavoro. Ottimi i cori istruiti dal maestro Nepoti.
Riuscitissime le scene dello Stroppa e di bellissimo effetto il movimento delle masse, specie al secondo atto;
merito questo di Carlo Clausetti che ha curato con grande competenza e con energia inesauribile la messa in
scena.
[...]
58
T. O. Cesardi, Francesca da Rimini al “Costanzi”, “La Vita”, 11-12.3.1915 - p. 3, col. 1-2-3
Bisogna risalire, io credo, nei fasti del Costanzi a venticinque anni addietro, alla prima rappresentazione di
Cavalleria rusticana, per trovare un termine di confronto al successo unanime, sincero, profondo di quest’opera
di Riccardo Zandonai.
Sì, unanime, perché tutto il pubblico è stato avvinto, preso, dominato dall’alta poesia del dramma musicale, e
trasportato come in un’atmosfera di sogno e d’ideali: sincero perché l’applauso prorompente veniva da ogni
ordine di palchi, da ogni ordine di cittadini, da tutto insieme un pubblico commosso e maravigliato, e profondo
altresì perché l’impressione che ognuno ha risentito da questa nobile manifestazione d’arte è di quelle che non si
cancellano perché segnano un solco nell’anima.
Francesca da Rimini/15

L’opera ha già avuto altri pubblici che l’hanno esaltata e la critica ha già lietamente constatato il passo
gigantesco fatto dall’autore di Conchita, quantunque a far passi di tali proporzioni le sue gambe non appaiano
ciclopiche.
Il maestro Zandonai con questa sua Francesca da Rimini è ormai entrato in prima linea nella scarsa pattuglia
dei nostri maggiori che o sembrano stanchi o deviano come vinti da incertezze fastidiose o da affannose e
disfortunate ricerche. La sua forte giovinezza lo difende da questi pericoli che avvertono i primi segni
dell’esaurimento e forse del decadimento.
La sua arte è vibrante, appassionata, la sua musica è sopratutto onesta e sincera.
Impresa ardua quant’altre mai tradurre e comentare le mille imagini del poema dannunziano, rendere la
multiforme figurazione del suo pensiero: ma poiché il dramma è tutto nell’anima di Paolo e di Francesca, i due
atti più intensi di commozione e di sentimento musicale sono senza dubbio il primo ed il terzo. L’attesa per
l’arrivo di Paolo
vestito d’una veste che si chiama
frode nel dolce mondo
e il ritorno dell’amato con la prima rondine sono le due soste profonde dell’amore che nasce, che si rafferma
e che finirà con la morte come quello di Tristano per Isolda sua.
E in questi due atti la musica dello Zandonai è così profondamente espressiva, ha una così viva ed immediata
significazione umana, da aggiungere nuova magnificenza alla poesia di Gabriele d’Annunzio. Il secondo atto
invece è una chiazza di colore, uno squillo di battaglia, un episodio d’ambiente. Ma quale ricchezza di
tavolozza! Che barbaglio di colori, che freschezza di tinte, che vivacità di contrasti!
Perché lo Zandonai, oltre ad avere pensiero eletto, è un musicista profondo, grandissimo signore
dell’orchestra da cui trae polifonie maravigliose con instancabile opulenza. Ben potrebbe di lui ripetere il
Carducci che “mille anime infonde ai sonanti metalli”. E l’orchestrazione è un po’ come la moda dei vestiti: il
pensiero è di tutti i tempi, essa invece invecchia e tradisce [l’]età implacabilmente. Lo Zandonai, senza le
astruserie dello Struss [sic], senza le ricercatezze del De Bussy, senza pedissequi servilismi a Riccardo Wagner,
è di una squisita modernità unicamente perché sa riuscire nuovo, inattesamente, imprevedutamente nuovo.
***
Ma non è alle tre di notte che posso cominciare a riordinare le mie modeste impressioni critiche: scrivo
soltanto, e di fretta, note di cronaca sulla serata lieta e festosa, una di quelle serate come raramente accadono in
teatro, quando una corrente immediata si stabilisce fra palcoscenico e uditorio, e allo spettacolo presiede un
buon genio tutelare.
Una interprete eccezionale è stata la signorina Rosa Raisa, magnifico temperamento lirico e superba
figurazione della mesta eroina dantesca. Ella ha cantato tutta la sua difficile parte con la nobiltà di linee e di stile
di una grandissima artista, mentre ha dato alla interpretazione drammatica tutta la eccellenza della sua figura,
l’ampiezza del gesto, la squisitezza del sentimento. Vero e ammirabile soprano drammatico, la signorina Raisa è
anche un attrice di altissima classe, di quelle che nobilitano ed elevano un personaggio. L’impressione da lei
destata è stata profonda, e l’ammirazione suscitata si è tosto tradotta in fervido entusiasmo.
Valoroso compagno le è stato il Pertile, un tenore dalla voce nervosa, che egli sa spendere con arte finissima,
ottenendo effetti di forza ed insieme di dolcezza veramente deliziosi. Ebbe applausi a scena aperta nel grande
duetto del terzo atto e divise colla bellissima Francesca gli onori del trionfo.
Di tutti gli altri interpreti non posso dire che bene. Occorrerebbe tutto il libro delle laudi del buon Gabriele...
che nessuno ancora ha messo in musica.
Il Danise ha cantato con potenza e con grande carattere la parte di Gianciotto e il Nardi è stato un magnifico
Malatestino dall’Occhio, così come il bravo Berardi ha saputo dare il più grande rilievo alla parte di Ostasio.
Fresche e chiare e dolci le voci delle donne di Francesca, tra le quali per gentilezza squisita cantava la
Verger, così come la devota Smaragdi era impersonata dalla valente ed elegante Perini.
Non mi è possibile ricordare tutti – ma tutti hanno fatto egregiamente il loro dovere, dal giullare (il buon
Cironi [sic] che è un fedele del Costanzi) all’ultimo corista, all’ultima comparsa.
Il maestro Vitale ha trasfuso tutto il fuoco dell’autore alla sua eccellente orchestra ed ha veramente meritato
le feste che il pubblico gli ha largamente tributate.
L’allestimento scenico sontuoso e ogni più minuta cura d’ogni più minuscolo particolare tradiva la diligenza
grande, lo studio grandissimo e l’amore infinito che Emma Carelli ha dato a questo magnifico spettacolo.
Chi ha potuto numerare le chiamate all’autore? E a che vale la statistica di fronte a una sola parola che è la
più lieta constatazione del risultato conseguito ed è insieme augurio amorevole e presagio sicuro di altre nobili e
ugualmente fortunate battaglie?
Quella parola si chiama trionfo – e, per una volta tanto, risponde a schietta verità.
Francesca da Rimini/16
59

f[ranco] rain[eri], Il grande successo della Francesca da Rimini di Gabriele d’Annunzio e Riccardo Zandonai
al Teatro Costanzi, “Il Piccolo”, 11-12.3.1915 - p. 3, col. 2-3-4-5 (con foto di Zandonai; foto di E. Vitale;
disegno grande di R. Raisa in mezzo alla pagina e in basso medaglioni-caricatura di C. Clausetti e di G. Danise)
I più vecchi frequentatori del Costanzi hanno dovuto far appello ai loro ricordi più lieti e più annosi per
ritrovare un successo degno di star al paragone con quello che ha raccolto iersera la Francesca da Rimini di
Zandonai. Successo grande, pieno, completo, entusiastico nel quale la nota caratteristica si deve dire sia
consistita nella assoluta unanimità dei consensi. E sì che gli applausi, alla fine di ogni atto, erano così prolungati
da dar tempo ai meno persuasi di titubar nella fede...
Fede la quale accoglieva in sintesi il parere e il sentimento – cervello e anima – di tutti gli spettatori adunati
in folla nella sala sfolgorante di luci e di bellezza: assistere finalmente, e contribuire, al trionfo di un’opera
italiana. Così, senza aggettivi: ché guasterebbero la purità e la semplicità della gioia iersera provata e trasparente
da tutti i volti, oltre che lietamente espressa nel rapido e fitto scambio d’impressioni, consueto ad una prima
rappresentazione.
Si pensava in fondo, iersera, che il teatro sarebbe dopotutto una gran bella cosa se l’orizzonte del
palcoscenico e della platea – cui l’arcoscenico dovrebbe servire da... arcobaleno – non fosse invece così di
sovente coperto di nuvole minacciose...
Dunque serata solenne e solennemente trionfale. La cronaca, quella ch’è ricercata quando si riduce ad una
semplice espressione aritmetica, segna un numero... imprecisabile di chiamate: saranno state, in complesso,
trenta o più? Certo è che il nostro pubblico, prima soddisfatto poi convinto poi commosso, si è abbandonato a
manifestazioni tali da farlo rassomigliare – almeno se le cronache transoceaniche non mentono – ad un pubblico
americano!
Per essere esatti soggiungiamo che il momento culminante del successo fu dopo il terzo atto; il primo ebbe
pure molte chiamate per gl’interpreti, per il maestro Vitale, per Zandonai.
Vennero poi, per ordine di suffragi crescenti, il quarto atto nelle sue due parti e il secondo, del quale peraltro
si apprezzava altamente la poderosa struttura sinfonica e l’efficace e vivace evidenza del quadro scenico.
Ma parlando del magnifico successo con una certa commozione, quale è data anche dalla rarità del fatto da
tempo in qua e dalla compiacenza per la nuova e questa volta clamorosa vittoria del più forte dei giovani
compositori nostri, non si può esimersi – come accade appunto a chi... è commosso – dal rivolgere subito un
pensiero alle persone che hanno contribuito ad ottenere quel successo e a darci il raro godimento artistico e
spirituale che l’ha accompagnato e l’ha seguìto.
E ricordiamo anzi tutto Vitale. Ecco un direttore, già per tante ragioni stimato ed amato dal pubblico romano,
che iersera – se fosse lecito dir così a chi della carriera artistica ha già percorsa tutta la florida via – ha ancora
fatto un passo innanzi: l’esecuzione impeccabile, diremo meglio l’interpretazione vivida, colorita, smagliante,
efficacissima di Francesca da Rimini si deve per la massima e miglior parte a lui, e costituisce davvero un titolo
di merito insigne per un artista l’aver saputo condurre con così splendido risultato al conspetto del pubblico
giudicante un’opera, una partitura complessa, spesso ardua nelle intime significazioni, sempre richiedente una
cura minuziosa e intelligente in particolari, che la maggior parte delle volte accolgono delicate e sottili
intenzioni artistiche, preziose per l’effetto dell’insieme.
Di siffatti meriti si accorse del resto prima d’ogni altro il pubblico, che volle largamente, affettuosamente
rimunerare l’illustre direttore chiamandolo un’infinità di volte al proscenio e tributandogli grandi feste.
Non vogliamo, dopo Vitale, graduare il conferimento dei premi e dei castighi (castighi per verità non ve ne
possono essere...); ma tuttavia ci sembrerebbe di peccare contro un elementare senso di giustizia non rilevando
subito che la signorina Rosa Raisa e il tenore Pertile furono entrambi protagonisti eccellenti della vittoriosa
opera, veramente all’altezza di essa e della solenne circostanza. Erano, l’una e l’altro, sconosciuti al pubblico
nostro. Non si potrebbe davvero farsi conoscere meglio di così. La Raisa, che ha una voce bellissima, dolce e
forte, vellutata e squillante, fresca ed estesa, intonatissima, la adopera con arte consumata, mirabile tanto più in
una cantante giovane com’ella è; e per giunta dimostrò iersera d’aver inteso il personaggio dell’eroina dantesca
componendolo in una nobile linea d’interpretazione. Il Pertile è stato anch’egli una rivelazione graditissima,
poiché canta con maestria e fraseggia con vigore d’intenzioni e con splendida chiarezza: si ebbe – ricordiamolo
a cagion d’onore – un bell’applauso a scena aperta durante la scena d’amore del terzo atto.
Ottimo a fianco dei protagonisti apparve il Danise nella parte importantissima di Gianciotto, ch’ebbe in lui
specialmente magnifico rilievo vocale; dopo la prima parte dell’ultimo atto gli spettò col Nardi – Malatestino,
buon cantante e coscienzioso artista – un particolare tributo di applausi.
Assai apprezzate anche la Flora Perini nella parte della schiava Smaragdi, la Matteini (Samaritana) e le
quattro donne di Francesca; e poi il bravo basso Berardi (Ostasio) e il Gironi (Giullare).
Bisogna infine lodare senza riserve il coro, egregiamente istruito dal maestro Nepoti, e l’orchestrina di
strumenti antichi che suonava sul palcoscenico, nonché l’orchestra più vera e maggiore. Assai decorosi parvero
Francesca da Rimini/17

gli scenari e assai belli i costumi: il tutto, parte artistica e parte scenica, fatica particolare del cav. Clausetti, il
ben noto animatore e... tutore di spettacoli.
Ma... non si può terminare in buona coscienza un resoconto, sia pure affrettato, della serata di ieri senza
avere assolto il dovere di dire esplicitamente una parola di lode – ciò che non siam soliti di fare – all’Impresa.
La quale ha il merito d’aver voluto e saputo condurre alla scena, durante una stagione che si svolge in
circostanze difficili ed anormali come questa, e con grande decoro artistico, uno spettacolo di grande importanza
artistica come questa Francesca.
Non solo, ma ha il merito d’aver creduto nel talento e nella fortuna di Zandonai ai tempi men felici e men
leggiadri per lui e per le opere sue, le quali, pur ricche di pregi, non costituivano certo allora una cospicua
risorsa per la cassetta.
È venuta ora Francesca, e il pubblico si propone di far larga ammenda della sua apatia. Farà benissimo.
[...]
60
Franco Raineri, Il grande successo di Francesca da Rimini di d’Annunzio e Zandonai, al Costanzi, “Il Giornale
d’Italia”, 12.3.1915 - p. 3, col. 3-4-5-6/p. 4, col. 1-2 (con foto di R. Zandonai, E. Vitale, R. Raisa)
Mentre – calato il sipario su la duplice vendetta di Gianciotto – la bufera infernal che mai non resta menava
già con la sua rapina gli spiriti danteschi di Paolo e Francesca, la gran folla magnifica s’avviava alle uscite
recando nel cuore e nella mente, per la prima volta dopo tanto tempo, una persuasione confortante e concorde:
quella d’aver ascoltata una nuova opera italiana bella e commovente, d’essersi infine trovata di fronte un
musicista giovane e geniale, cui la Provvidenza – e sia lode a Lei, per l’arte e per noi – ha voluto largire, oltre la
sapienza, la scintilla.
E davvero che, per chi pretenda i critici di mestiere sempre in contrasto nel giudizio con la maggioranza del
pubblico, questa volta il resoconto suscita un atroce disinganno. Perché mai forse così come oggi la critica
spassionata deve procedere d’accordo con la cronaca lietissima dello spettacolo, per concludere insomma che
iersera Roma, a un anno circa di distanza dalla prima vittoriosa apparizione della “Francesca” a Torino, ha
conferito meritatamente a Zandonai e a questa sua più recente e nobilissima creatura d’arte gli onori del trionfo.
Onori, poi, che – si passi il bisticcio – onorano assai il nostro pubblico romano, dimostratosi iersera giudice
sereno ed intelligente, disposto sì alla severità ma anche al più commosso e sincero entusiasmo quando... ci sia
qualcuno capace di destare nei petti la sacra fiamma da troppo tempo sopita.
Così è avvenuto che – a traverso le melodie fascinose di questo piccolo e fecondo maestro trentino cresciuto
da pochi anni con tenacia di nobili sforzi nell’arringo del teatro musicale fino a conquistarsi un posto fra i
primissimi – è avvenuto, dico, che si sia pienamente verificata, sotto il controllo di una moltitudine, una profezia
apparsa su le colonne di questo giornale all’epoca di “Conchita” (88) , una profezia che torna tanto più opportuno
ricordare oggi, con i tempi che corrono...
Disse allora il nostro Nicola d’Atri che non gli pareva lontano il giorno nel quale si sarebbe compiuta, sa un
irredento, la redenzione del dramma musicale italiano. “Conchita” si è fatta seguire a breve distanza da
“Francesca”, e “Francesca” è per l’appunto – o noi c’inganniamo (ma in tal caso saremmo in parecchi, anzi in
moltissimi) – l’opera che segna, nel teatro italiano di musica, la redenzione del canto, antica e autentica gloria
nostra, dalle soperchierie dello straniero, la redenzione del dramma lirico dalle influenze della nebbiosa
concettualità moderna o, come si dice ora di nuovo, dal giogo della “Kultur”. I destini politici della più grande
patria, poi, sebbene si trovino in pieno fermento d’angoscia, fanno sì che Zandonai è oggi ancora un irredento.
Per quanto tempo?
Ma, poi che abbiamo citato una profezia, ci sia concesso di ricordare anche dello stesso profeta – il d’Atri è
stato davvero, e non fu piccola audacia qualche anno fa, il "profeta" del compositore trentino oggi illustre – un
giudizio sintetico su l’opera che iersera ha conseguito così clamorosa vittoria. In occasione della "'prima" di
“Francesca da Rimini” al Regio di Torino il nostro eminente collega scriveva che “il temperamento musicale
coloristico dello Zandonai, già rilevato nella “Conchita”, trova nella nuova opera esplicazione altamente poetica
e si completa con l’affermazione di un altro temperamento che è in lui: quello del melodista, che lirizza e canta.
Tutta la "Francesca", salvo alcune scene come quella della battaglia, è materiata di musica melodica e cantabile:
le voci secondo la grande tradizione italiana regolano la condotta musicale del dramma, non l’orchestra;
l’orchestra dipinge, descrive con frammenti ad essa apprestati dalle melodie vocali”.
Tale giudizio, sorto dalle impressioni del momento che la consuetudine ha ormai consacrato come l’unico
giusto per le critiche teatrali – e cioè subito dopo la prima comparsa dell’opera in teatro – ci sembra ancor oggi
esprimere felicemente, almeno in genere, i caratteri di questa “Francesca”, arrivata a noi dopo una serie di
sentenze, tutte favorevoli.
Francesca da Rimini/18

Basterebbe, crediamo, il primo atto della tragedia dannunziana, così com’è stato visto dal musicista, per farci
dire: ecco, veramente, un quadro musicale. E non intenderemmo riferirci affatto, con questo, a quel tipo di
musiche modernissime che specialmente all’estero si raccomandano come “tableaux” o come “exquisses” alla
buona volontà e alla fantasia dell’ascoltatore dopo averle eccitate con certi titoli stranamente naturalistici e di
gergo pittorico.
No: questo primo atto di “Francesca”, tra la corte di logge e di cancelli delle case dei Polentani e il giardino
di maggio fiorito e solatio, è quadro nel senso che ci apparisce come una figurazione sonora delle immagini
liriche ond’è intessuta la trama del paesaggio poetico disegnato da Gabriele d’Annunzio. Su quelle immagini lo
Zandonai, con animo di musicista moderno, ha dipinto nei suoni un paesaggio musicale arcaico. Negate, se
potete, di non aver rivissuto iersera, per virtù di suggestioni dolci e penetranti, una scena del duecento nostro
misterioso e pittoresco, di non averla vista e di non averla sentita culminare nel quadro della rosa vermiglia
offerta dalle mani della vergine sposa a Paolo il Bello, mentre la canzonetta gentile delle donne intona la sua
cadenza sul ritmo della viola pomposa, del piffero e del liuto.
Un paesista, dunque, di vera efficacia descrittiva; ma anche e soprattutto un lirico animato dalla voce
fremente dell’estro e un drammaturgo capace delle più solide e più geniali strutture.
Zandonai – si rallegrino quanto lacrimavano ormai la morte del canto melodico – canta: se pure le sue opere
precedenti non ce ne avevano convinti abbastanza, “Francesca” ce ne dà la prova invincibile. E canta con
libertà, con sincerità, con italianità di sentimento; canta creando, senza averli preordinati su schemi formali,
periodi melodici che assumono valore drammatico e senso musicale da una fonte purissima di bellezza artistica:
l’inspirazione. Periodi che s’accordano mirabilmente sul sonante splendore dei versi dannunziani e che,
musicalmente, si direbbe talora, e proprio quando la lirica è più alta e vibrante, si atteggiano finanche in rime,
coi riflessi di certe caratteristiche risoluzioni e il reiterarsi strofico di determinate figurazioni e cadenze.
Tutto ciò é, se non erriamo, poesia: poesia nella sua espressione più artistica, vale a dire in un momento che
supera di gran lunga quel certo stato di vaga concitazione che serve a fantasticare poeticamente, ma non a
concepire un poema e neppure soltanto un sonetto degni di tal nome. Poesia, insomma, che trascendendo in un
mondo superiore, quello dei suoni, i modi e le forme proprie ai poeti e ai grandi poeti, non nega né offusca gli
uni e le altre, e anzi ne fa disciplina al libero esprimersi dello spirito creativo.
Del resto, qual meraviglia se un artista della tempra di Riccardo Zandonai venuto finalmente in contatto con
un artista della tempra di d’Annunzio si sia lasciato tutto compenetrare dalla nobiltà formale e dalla bellezza
ideale del poema di lui, conferendo a questo, “alitante deo”, il fascino d’una musica più che animatrice,
integratrice? Non è in tal modo che si compie la fusione miracolosa della poesia e della musica, sognata troppo
spesso invano da musicisti e poeti e... dal pubblico?
E di elementi lirici che s’inseguono e si sviluppano e si snodano con una freschezza e una esuberanza tali da
apparire come linfa vitale è percorsa tutta l’opera e n’è pervasa fin nelle fibre che si direbbero più ascose, fin
nelle persone che si direbbero più secondarie e meno significative: è l’ambiente che Zandonai ha liricamente
visto, con sguardo acuto e penetrante d’artista, è l’atmosfera di quel dramma di ferocia e di lussuria in cui egli
ha soffiato l’alito possente del suo lirismo, che accarezza e che scuote, che riscalda e che agghiaccia, che
blandisce e che trascina, nei sospiri d’amore, nelle fiamme del desiderio, nel tripudio della passione: amore,
desiderio, passione, tre volte amore come nelle tre terzine dantesche, amore protagonista, dominatore fatale
nella tragedia di Paolo e Francesca.
Ma se in tutto e per tutto, sempre, ciecamente, il musicista si fosse dato in braccio al suo spontaneo
sentimento lirico, quello – tanto per intenderci – che iersera, com’era naturale, ha trovato più immediata
rispondenza negli animi degli spettatori e che sprigiona dall’opera tanto poter di fascino, l’opera, il dramma
musicale non ci sarebbe stato. E la tragedia stessa dannunziana sarebbe stata tradita nella ragione della sua
dinamica ed irresistibile potenza. Ond’è che lo Zandonai, cervello sereno di montanaro oltre che anima
appassionata di poeta, ha posto a frutto le sue doti naturali e la sua tecnica di drammaturgo e ha concepito, ha
organizzato il dramma, che pertanto risulta, in musica, mirabilmente chiaro ed efficace com’è in versi.
Ché anzi questi, sfrondati appunto per necessità della scena musicale e ridotti quantitativamente ad una
classica solennità, appaiono essi stessi, così, d’assai più efficaci e più chiari di quel che sia il bellissimo testo
originale...
Prendete, se avete voglia di far passare al musicista... drammaturgo un esame, prendete il secondo atto –
tutto, così com’è – e la prima parte dell’ultimo, cioè la scena nella quale Malatestino, bieco e brutale amante
respinto, svela perfidamente a Gianciotto la colpa dei due cognati. Ebbene: in quel secondo atto che sembra con
le sue rudi sonorità e i suoi accesi colori quasi una stonatura fra le delicatezze del primo e il calor passionale del
terzo, Zandonai ha riposto, come un nobile scultore che si vale d’ombre e di luci, il segreto della bellezza del
primo e del terzo: ha trovato, in d’Annunzio, un quadro vasto e a fragorose tinte con nel mezzo un tenero
episodio fatto di gentilezza e d’intimità; e l’ha musicalmente sbozzato alla brava, mantenendo alla battaglia il
ruolo di protagonista, affermando in orchestra la sua sapienza di sinfonista e di colorista e, infine, giovandosi
abilmente del contrasto nell’economia del lavoro.
Francesca da Rimini/19

La scena, poi, fra lo Sciancato e quel “dall’Occhio” – ch’è, per il dramma, la scena necessaria da cui deriva
la catastrofe – ha acquistato nella musica, per il gioco e lo sviluppo dei temi gagliardi e tipicamente ritmici dei
due interlocutori, un rilievo di magnifica evidenza, al tempo stesso che in scena il musicista rivela un nuovo
aspetto dell’arte sua, trattando il recitativo melodico con intenzioni realistiche e con poderoso vigore.
Tuttavia il paesista, il lirico, il drammaturgo che si contengono nell’esile e minuscola persona – ormai
anch’essa avviata, proprio come persona, alla popolarità – non bastano a caratterizzare la figura del maestro né
la sua musica, iersera così unanimemente applaudita. Che dunque?
Si è che la musica di Riccardo Zandonai, tutta ma specialmente “Francesca”, è – come accennavamo in
principio – francamente e modernamente italiana nel sentimento, nel gusto, nella estetica stessa per cui
s’esprime su la scena divisa finora fra verdiani, wagneriani ed ora debussyani: musica d’un italiano che non
ignora certo siffatti movimenti d’arte ma che di essi ha assimilato nel proprio temperamento originale le
conquiste tecniche.
È – penso – caso bizzarro o categorico ammonimento quello che rivela, proprio di questi giorni, alla capitale
d’Italia, al cervello della nazione, una ricca, limpida, impetuosa fonte d’italianità, scaturita là su le balze del
fatidico Trentino? (89)
61
Edoardo Pompei, “Francesca da Rimini” di R. Zandonai al “Costanzi”, “Il Messaggero”, 11.3.1915 - p. 5, col.
2-3-4
La prima rappresentazione di Francesca da Rimini del maestro Zandonai costituiva l’avvenimento più atteso
dell’attuale stagione lirica al Costanzi, pertanto il miglior pubblico di Roma erasi raccolto ieri sera nella sala
magnifica per intendere e giudicare la recente produzione del giovane e valoroso compositore trentino. Il
successo che all’opera decretarono a suo tempo Torino, Pesaro, Modena, trovò pirna conferma ieri sera: ogni
atto ebbe accoglienze festose e al calar del velario il maestro Zandonai e gli interpreti vennero evocati
innumerevoli volte al peoscenio. Né il giudizio del pubblico – pure attraverso le difficoltà di sorprendere in una
sola audizione le mille bellezze profuse nello spartito, e fra le inevitabili nervosità di una prima prova – poteva
essere diverso: quel pubblico avvertiva nello svolgimento degli episodi musicali una grande serietà artistica, una
sincera nobiltà di intendimenti, i segni squisiti di una tempra di musicista ricca di originalità, di buon gusto e di
coltura.
Fra i giovani musicisti in Italia non v’ha alcuno che possa eguagliare lo Zandonai nel difficile magistero
strumentale. Egli possiede non solo il dominio assoluto della dottrina e la sapienza e la coscienza degli effetti
orchestrali noti più o meno a quanti hanno consuetudine coll’orchestra, ma ha lo spirito audace della ricerca, la
sicurezza della dinamica del grande organo orchestrale. Egli conosce e sa tutte le forze strumentali, espressive
ed intime di ogni singolo strumento, di ogni famiglia di strumenti; ha un criterio particolarmente adatto a
rendere ogni colore nelle infinite varietà dei toni, dei chiaroscuri, dei contrasti. Egli è sopratutto un colorista, e il
suo strumentale saldo, vario, ricco di sfumature acquista nella trattazione, tutta personale, un carattere
profondamente suggestivo.
E tutto è colore in questa Francesca da Rimini. Il maestro stesso così ha definito i suoi atti: il primo è
serenità; il secondo, con la battaglia, i fragori, gli urli, le campane, è a forti tinte scarlatte; il terzo, quello della
lettura e del bacio, è di colore azzurro; la prima scena del quarto, la delazione di Malatestino, è in grigio ferro; il
quadro finale, dove la tragedia precipita, ha il colore dell’acqua stagnante. E chi ascolta la musica sente che
queste definizioni coloristiche hanno veramente un significato.
Altro segno particolare dell’orchestrazione dello Zandonai è questo, che le sonorità non raggiungono gradi
d’intensità soltanto per raddoppio di parti, per sovrapposizione di suoni, ma per peculiari atteggiamenti, per
varietà di impasti e di timbri, per ingegnosissimi accoppiamenti. Vi è nello strumentale di Francesca da Rimini
un senso spontaneo di ricerca che dona ad essa freschezza e direi quasi originalità, e per entro le figurazioni
schematiche circola sempre in abbondante copia lo spirito che vivifica le movenze e i sentimenti, e l’orchestra
racconta e discorre, proietta luce e tenebre nelle persone del dramma a seconda delle significazioni psicologiche
che esse hanno nella loro vita scenica.
Ma in tutto questo ricco trapunto orchestrale, fra tanta bellezza di sottili disegni musicali l’idea melodica non
ha quasi mai un respiro ampio e profondo, e si ha tutta la impressione che il compositore miri piuttosto,
nell’abbondanza esuberante dei mezzi a sua disposizione, a trascurare di proposito o per una invincibile
deficienza del suo temperamento il periodo largo, senza raggiungere nel declamato quella intensità di
espressione, quel soffio potente e largo della vera ispirazione che giustificano il voluto ostruzionismo di quelle
idee melodiche che costituiscono e costituiranno sempre l’essenza di ogni opera destinata a vincere gli urti del
tempo.
Francesca da Rimini/20

Al primo atto l’entrata di Francesca è annunziata da un coro leggiadrissimo delle sue giovani donne. Ella
appare sulla loggia insieme a Samaritana, la “piccola colomba” che implora la sorella di non andare sposa, e tra
una varietà di piccoli episodi, la delicatezza di taluni impasti orchestrali, il guizzare di qualche frase felice, si
arriva all’apparizione di Paolo, appoggiata al suono di tre strumenti antichi: una viola pomposa a cinque corde
con sotto altre corde metalliche di risonanza, un piffero e un liuto. Paolo non dice parola, Francesca rimane
immobile ed egli si ferma, e stanno l’una contro l’altro guardandosi senza parola e senza gesto. Poi ella si separa
dalla sorella, coglie una grande rosa vermiglia e la offre a Paolo. E sulla scena – profondamente suggestiva – e
sul dolce canto che si sprigiona dalla viola e dall’orchestra cade il velario.
Il secondo atto è il meno felice dell’opera. La scena della battaglia, pure trattata con mirabile sicurezza, non
ha musicalmente corrispondenza cogli episodi guerreschi.
La padronanza di tutti i meccanismi, di tutti gli effetti istrumentali, di tutte le sonorità non rendono la scena
immaginata dal poeta: tutti i valori particolari di ogni strumento, tutte le prepotenze del pieno orchestrale non
dànno che frastuono, che rumore; manca, attraverso il poderoso lavoro orchestrale, la frase, il motivo che susciti
l’impressione esatta del momento che si vuol descrivere. E nemmeno il duetto tra Paolo e Francesca, nel lungo
declamato, ha ricchezza d’ispirazione geniale, quel senso di calore, di vigore e di passione che lo stato d’animo
dei due personaggi farebbe supporre in quell’istante in mezzo al divampare della battaglia.
Il terzo atto è veramente superbo per la signorilità della forma e la bellezza del canto. Qui l’ispirazione si
innalza e tutta la musica si anima e si riscalda. La leggiadra canzonetta delle quattro donne, ravvivata da squisite
figurazioni di danza, il canto appassionato di Paolo e la frase di Francesca, dolcemente melodica, e tutto il
duetto fra Paolo e Francesca, vibrante di passione e di impeto lirico, suscitarono nell’uditorio la più schietta
ammirazione.
Ed eguale successo ebbe la prima parte del quarto atto, così vigorosamente scultorio ed incisivo, e così pure
l’ultima parte, riboccante di sentimento.
Dal Grillo del Focolare, l’opera con ma quale iniziò la sua carriera di compositore, a questa Francesca da
Rimini, attraverso la Melenis e la Conchita, lo Zandonai ha compiuto meravigliosi progressi. La sua personalità
artistica si è affinata, individualizzata, ed egli procede ormai sicuro nella sua via colla certezza magnifica di chi
ha un nobile ideale da raggiungere. E del successo di ieri, successo sincero ed entusiastico, lo Zandonai, che ha
un temperamento musicale di primo ordine, virtù di sentimento, virtù di cultura, ha il diritto di andare
orgoglioso.
L’esecuzione della nuovissima opera riuscì conforme all’avvenimento artistico. Tutti gli interpreti si
rivelarono degni dell’ardua prova, e in singolar modo il maestro Vitale, che tutta la sua vigile cura, tutta la sua
grande coscienza d’artista sereno e forte portò alla concertazione e alla direzione dell’opera. E mai applauso fu
più meritato di quello che con unanime consenso volle più volte decretargli l’uditorio imponente.
Una gradita rivelazione fu per ognuno degli spettatori la signorina Raisa Rosa, un’artista sconosciuta al
nostro pubblico ma meritevole veramente di figurare nel nostro massimo teatro. La sua voce bellissima, fresca,
estesa, squillante ella profuse senza risparmio nei quattro atti, cantò con passione, con calore, con un senso
d’arte mirabile, mentre nella espressione scenica riuscì ad essere un’interprete di non comune valore. E fu – è
superfluo aggiungerlo – entusiasticamente applaudita, insieme al tenore Pertile, anch’egli fin qui ignoto a noi
ma per la potenza dei suoi mezzi vocali capace di superare le non lievi difficoltà della partitura. Il Danise
impersonò con grande arte la figura di Gianciotto e fu come sempre cantante nobilissimo; il Berardi, nella breve
parte di Ostasio, dette una nuova prova della gagliardia della sua voce; ottimo Malatestino per efficacia scenica
il Nardi; squisita cantante ed interprete valorosa Flora Perini nella parte della “Schiava”. E poi tutti gli altri, e
cioè: la Matteini, la Verger, la Seracchioli, la Menarini [sic], la Galeffi, il Sabatano, il Gironi, il Pastorelli, il
Lanzi concorsero colla loro bravura al successo dell’opera.
L’allestimento scenico, curato con particolare amore dal comm. Tito Ricordi e da Carlo Lausetti [sic], e i
costumi sfarzosi apparvero degni del lietissimo avvenimento artistico.
[...]
62
Fausto Torrefranca, La “Francesca da Rimini”, “L’Idea nazionale”, 12.3.1915 - p. 6, col. 1-2
La Francesca da Rimini di Tito Ricordi e Riccardo Zandonai, che abbiamo sentita ieri sera al Costanzi, ha
avuto successo. E aggiungiamo che da un certo punto di vista – che non è di certo il nostro, decisamente
contrario al solito operismo commerciale di marca ricordiana – merita il successo che ha avuto. Il quale non è
stato per tutti gli atti entusiastico ed unanime né di uguale intensità, sebbene unanimemente si giudichi che
l’opera nel suo complesso sia vitale e possa correre, almeno per qualche tempo, le scene italiane e straniere. Ma
è bene astenersi dal fare profezie, che con la critica non hanno mai avuto e non avranno nulla da fare. Più tosto è
Francesca da Rimini/21

necessario che io vi confessi che, nella mia qualità di critico musicale, ho assai poco da dirvi su questa
Francesca.
Avrei molto da dirvi se, uscendo dal mio campo – cosa che sarebbe assai di mio gusto – mi ritraessi all’anno
nel quale sentimmo qui a Roma la Francesca nella sua genuina veste di pura poesia e... non la capimmo. Fu la
letteratura, si dice. Ma fu invece la – come dire? – la cafonaggine di gran parte del pubblico che non era capace
di accettare tutte le squisitezze del lavoro dannunziano e, se anche ne fosse stato capace, non avrebbe voluto a
nessun patto fare a Dante Alighieri il torto di ammirare Gabriele D’Annunzio. Non so se siamo ancora un po’
cafoni in quanto spettatori di opere di poesia, non è mio compito di dirlo né tantomeno di dimostrarlo, ma so
bene che siamo ancora tali in quanto ascoltatori di musiche; e so che fra qualche tempo, quando ci si accorgerà,
migliorando, che questa è la dolorosa verità, si penserà con un pochino di simpatia a coloro che hanno il
coraggio e, se meglio vi piace, la faccia tosta di dirlo.
E allora forse ci accorgeremo che questa Francesca ha avuto successo perché essa è una di quelle finzioni
drammatiche che, pur potendosi reggere da sé, possono comportare un accompagnamento di musiche in grazia
di tutta la veemenza e di tutto lo struggimento dell’anima lirica che vi restano come sospesi fra parola e parola,
fra verso e verso, tra momento e momento del fatale andare dell’azione tragica.
La Francesca da Rimini dannunziana è un lavoro di altissima stilizzazione poetica ma, a punto e per ciò che
la stilizzazione di ogni elemento vi ha aggiunto la sua massima espressione, si sente ancora al di là del nitore
della frase, al di là della chiarità dell’immagine, al di là dello splendore di ogni minima frattura del verso, tutta
la complessa ed accesa intimità lirica, tutta la solare luminosità figurativa che hanno imperiosamente voluto
quella stilizzazione. Stilizzazione può essere – anzi più spesso è – povertà, ma può anche essere, come qui,
ricchezza, dirittura, densità. Neve delle cime che avvalla e forma ghiacciai, si rassoda, si addensa, si fa
cristallina e trasparente, si fa verde come di una vaga nostalgia di prato, sonora, ma come degli echi dell’interno
fervore musicale della terra, liscia e lucida come il più alto pensiero specchio del mondo; una si frantuma anche,
si lacera per mille ferite e invita verso l’oscuro fondo dei suoi crepacci, là dove serpeggia la vena dell’acqua
perenne, dell’acqua che anima di musica le cime silenziose e di vita le piane più lontane.
***
Diciamo dunque la verità vera. Gabriele d’Annunzio è stato il vero trionfatore della serata, proprio come,
scusate il paragone che sembra e non è irriverente, il Sardou è il vero autore della Tosca pucciniana.
Aggiungiamo che il grande Verga è quello della Cavalleria mascagnana. La giovane scuola italiana, da
venticinque anni a questa parte, non ha fatto altro che aggiungere della musica ad opere di poesia – o più
semplicemente di teatro – che già si reggevano da sé e da sole avevano conosciuto il successo. Il fenomeno si
ripete identico a se stesso ad ogni nuovo autore che casa Ricordi o casa Sonzogno mettono in valore. L’ultimo è
lo Zandonai, e lo Zandonai non è sostanzialmente diverso dagli altri. È più colto del Puccini, più fine e più
scaltro di orecchio per quel che ha riguardo all’orchestra, è meno proclive del lucchese ai motivetti ballabili; è
meno istintivo del Mascagni ma anche di lui meno grossolano. Tuttavia è sempre, suo malgrado, “marca
Ricordi”. E questo – faccia pure gli scongiuri di rito il giovane maestro trentino – questo lo rovinerà. Sappiamo
ad esempio che il Finale del quarto atto era diversamente scritto e che il Ricordi non lo ha accettato; e sentiamo
senza che nessuno abbia bisogno di dircelo che certe cadenzacce, certi effettoni, certe banalità romanzettaie che
troppo spesso intervengono a prendere per il collo gli spettatori o a solleticarli sotto il ganascino son “articoli di
smercio sicuro” voluti dal direttore della casa Ricordi. E sino a quando avremo, come abbiamo, non due case ma
una casa e mezza editrice di musica in Italia le cose non potranno non peggiorare. Oggi come oggi non si può
fare del nuovo in Italia. Un giovane musicista, fosse anche un genio, è sempre una vittima, mai e poi mai un
trionfatore.
Applauditelo, se vi piace, ma abbiate anche un po’ di compassione per lui che è “come lo schiavo al remo,
nella galèa che ha nome Disperata”.
***
Voi capite benissimo come io non possa essere del parere di tutti quegli idioti che giudicano che in
quest’opera dello Zandonai mancano il periodo largo, la frase italianamente melodica, il motivo commovente.
Siccome è acquisito oramai, alle patrie tradizioni di cultura, che un critico non debba sapere un ette né di
tecnica musicale né tanto meno di storia, così è anche naturale che tanti egregi ed illustri colleghi pensino che la
musica italiana sia stata sempre caratterizzata da quello che essi chiamano melodia. Anzi, ingenuamente
pensano che, all’infuori dell’opera, nulla ci sia stato di veramente notevole nella nostra storia, se si eccettui, per
la musica sacra, il Palestrina.
Provate, amici miei, a chieder loro se sanno di che tipo fossero le musiche, ad esempio, del trecento, ossia
quelle che ieri sera lo Zandonai avrebbe voluto riprodurre negli episodi del primo atto (l’arrivo di Paolo) e del
terzo (canzonetta delle donne), e se stessero bene insieme, per quell’epoca storica, la viola pomposa, il piffero e
il liuto che le eseguivano.
Provatevi a chieder loro se non sarebbe stato utile allo Zandonai studiare un po’ le musiche dell’Ars nova
fiorentina per trarne degli elementi stilistici da idealizzare; e fare con ciò il massimo onore all’opera poetica
Francesca da Rimini/22

dannunziana nella quale lo stesso processo è evidente per quanto riguarda la lingua, ed ha raggiunto tanta
efficacia espressiva.
Ma a che pro aprire tutte queste questioni? Io non finirei più di parlarvene, voi vi annoiereste e poi sarebbe
fatica buttata al vento: non avrei infatti nessun contraddittore.
Ma riassumerò le mie impressioni dicendo che alla viola pomposa avrei preferito l’organetto portativo,
l’organetto a tastiera con ventiquattro canne che, collocato sul ginocchio sinistro, si suonava con la destra,
mentre l’altra mano si manovrava un piccolo mantice posto dietro le canne. È l’organetto che vediamo nelle
mani della Santa Cecilia del Raffaello, è l’organetto che adorna, insieme al salterio, al piffero, al monocordo,
alcuni fregi dei della Robbia, strumento dolcissimo e intenso di suono, strumento casalingo che fa, nel trecento,
quello che il liuto nel cinquecento, il cembalo nel sei-settecento e quello che il pianoforte oggi.
E se a questi due episodi io penso, a preferenza degli altri di questa Francesca, non è soltanto perché io,
facendo professione di storico della musica, sento e vivo queste cose più degli altri, ma perché si tratta delle
scene meglio riuscite della partitura, ed esse mi fanno pensare a quello che lo Zandonai avrebbe potuto fare con
il suo talento di assimilatore e di stilizzatore se si fosse deciso d’essere in tutta l’opera più umanista e meno
uomo del suo tempo. Uomo del suo tempo non solo ma, ahimè, uomo della sua ditta.
Sono queste le qualità che mi fanno sperare che lo Zandonai, povero e secco quale sinfonista, possa invece
contribuire ad innalzare il medio livello del gusto presso il pubblico dei teatri lirici: cosa che oggi importa assai
più della creazione di capolavori. I capolavori sono sempre sorti da terreno lavorato da una finissima cultura o
rinverginato da una fresca barbarie di vita; ma non possono sorgere in un’epoca di fiacchezza, di incertezza e di
cafonaggine quale è ancora la nostra.
Per ciò io mi compiacerò nel vedere lo Zandonai abbandonare, sia pure per insufficiente ispirazione
melodica, che del resto è segno, buon segno, dei tempi, le vie della facile melodietta che sviene o che
singhiozza. La melodia pendolare che è la sola risorsa del Puccini in lui quasi non esiste più. Se casa Ricordi
gliene fa esplicita ordinazione egli vi regala quell’inghirlandata di violette m’appariste ieri che ha mandato in
sollucchero tutta la beozia pucciniana della galleria e della platea e che è invece, per un uomo anche solo di
gusto mediocre, semplicemente irritante. O vi infligge quella orribile cadenza di: mostrava ella nudato al mio
dolore, dello stesso atto.
Egli invece preferisce il lavoro fitto e frequente delle allusioni orchestrali: giuoco di timbri, di brevi ritmi, di
passaggi rapidi o lenti che rinforzano volta per volta il tono di una parola, che rallentano o accelerano l’abbrivio
di un verso, che sospendono talora una sola parola come in un centro di luci riflessa da cento specchietti.
In questo lavoro di pure intenzionalità egli riesce assai spesso efficace, come nel brano Nemica ebbi la luce,
dello stesso terzo atto. Ma a lungo andare questo procedimento induce un senso di sazietà. Gli è che lo Zandonai
manca di qualità propriamente sinfoniche – ciò che abbiamo visto fin troppo nelle Impressioni sinfoniche di
fresca memoria – ossia manca di quelle qualità che sole potrebbero rendere continuative, logiche, discorsive
quelle intenzionalità e quei momenti allusivi e, se meglio vi [ ]gestivi che l’arte sua di orchestratore va
sperperando in qua e in là.
La sua declamazione è sempre studiata e ricca di una sensibilità specifica piuttosto rara a trovarsi: quella
dell’intervallo melodico, donde la frequenza di modulazioni più o meno passeggere. Ma anche qui l’arte di
connettere insieme in un tutto che non sia né puccinescamente banale né francesemente prezioso gli manca.
Basti per tutti l’episodio che avrebbe dovuto essere uno dei più intensi della lettura del libro, dove Paolo
comincia col dire: Ah le parole che i miei occhi incontrano, e che è privo di carattere. Migliore è la lettura di
Francesca: Certamente, ella dice, io vi [sic] prometto.
Un’altra caratteristica assai significativa delle musiche dello Zandonai è questa, che certi elementi stilistici
sono portati volta per volta all’esasperazione. Così, nel primo atto, il brano di Francesca: Anima cara, piccola
colomba è tutto fatto di note lunghe attraverso le quali il ritmo si snoda stentatamente affaticando cantante e
spettatori. È in tono con la poesia questa curiosa stilizzazione fatta tutta di tensioni? Rileggetela e vedrete di no.
Ma insomma, riassumendo affrettatamente il buono e il meno buono che ci è dato di riscontrare in
quest’opera dello Zandonai, concludiamo col dire che noi lo vorremmo libero da due servitù: la prima quella di
casa Ricordi, la seconda quella dell’Austria che ancora domina la città che l’ha visto nascere. Noi lo vogliamo
più nostro come artista e come cittadino. Come cittadino innanzi tutto: perché così vuole l’ora pregna di futuro
che l’Italia attraversa. Nostro non per trattato ma con la guerra: con la guerra che varrà a rigenerare presso di noi
tante cose decadute e degenerate e, prima di ogni altro, la musica.
***
Degli interpreti dirò brevemente. La signorina Rosa Raisa è ottima attrice e buona cantante. È un’allieva
della Marchisio, del conservatorio di Napoli. L’autore deve esserle grato dell’arte con la quale riuscì a vivere,
anche nei momenti meno felici, il personaggio di Francesca.
Il tenore Pertile (Paolo) e il Danise (Gianciotto) furono anch’essi efficaci. Quest’ultimo non ha certamente
superato tutte le difficoltà mimiche delle quali è piena la scena con Malatestino (quarto atto) ma è doveroso
riconoscere che la scena sarebbe difficile anche per un attore.
Francesca da Rimini/23

A tutti gli altri una parola di lode: se la meritano tutti. Buono l’allestimento scenico. Quanto al maestro
Vitale, chi si contenta gode. Noi non godiamo. Perché siamo gli eterni scontenti? Già, proprio così.
63
Goffredo Bellonci, Impeto di musiche nuove sovra una passione eterna – “Francesca da Rimini” del M.
Zandonai, “Orfeo”, 14.3.1915 - p. 1, col. 1-2-3-4 / p. 2, col. 1-2-3
L’opera d’arte
Riccardo Zandonai l’han salutato innovatore della nostra musica e del nostro melodramma, liberatore
dell’Italia dalla schiavitù tedesca: e sono scherzi della retorica alla moda, in questi giorni di furiosa rivolta
dell’ignoranza contro la cultura. Bastava dire che la Francesca da Rimini è una bella opera, una sicura
testimonianza di un prossimo, qui da noi, rifioramento musicale. Ma codesta faccenda dell’antitesi a Riccardo
Wagner e ai musicisti di Germania incomincia ad essere insopportabile: un secolo di germanesimo, del pensiero
e dell’arte, non possiamo liberarcene se non a patto di assimilarlo, di farlo nostro, di riviverlo in noi, di
ucciderlo in noi, e d’andar oltre. È un momento spirituale, il germanesimo, che come tutti i momenti dello
spirito umano saltarlo non si può: se volessimo ignorare il pensiero tedesco e la musica tedesca, a pensare e
comporre come se il Kant e l’Hegel, il Beethoven e il Wagner non fossero stati al mondo, penseremmo e
comporremmo assai poveramente, su la falsariga dei classici. Le idee e le musiche di codesti uomini sono state
per un secolo le idee e le musiche di tutto il mondo civile: in esse il nostro spirito ottocentesco s’è manifestato
intero, e non c’è dunque rimedio: occorre, ad andare innanzi, rifar questa via con nuova lena e con nuovi
propositi, e non veder il cammino chiusoci innanzi a codeste forme, anzi largo ed aperto. Il problema è qui: non
rimanerci chiusi dentro, che sieno per noi un’alta siepe la quale ci nasconda la vista e ci argini in un errore
ignoto; ma saperne l’ingresso e l’uscita, vederle dall’alto della propria libertà spirituale, e potere liberamente
segnar a sé la mèta senza paura e senza pericolo di restarci presi, da quelle forme, di restarci smarriti, in
quell’errore. Speditezza di movimenti che non l’acquisti se non riesci a sentire lo spirito di quei filosofi e di quei
musicisti distaccato da te, chiaro innanzi la tua conoscenza, se dopo averlo vissuto, codesto spirito, non riesci,
con un atto di volontà, a veder nella tua coscienza te, che sei uno, ed esso ch’è un altro. Così anche si conosce il
mondo, e nel mondo, avendolo conosciuto, ci si muove, e con tanta più libertà quanto più frequente fu la nostra
adesione e il nostro distacco dalle cose: che non si avrebbe se non volessimo conoscerle, le cose, e ci stessimo
contenti alla nostra accidia o se, desideratele e possedutele, ci lasciassimo dominare dalla passione e
smarrissimo la coscienza di noi stessi. Voglio dire che la musica tedesca non si può ignorarla e non si deve
praticarla: poveri coloro che non lo seppero, e poveri coloro che vivono prigionieri del suo spirito.
Lo Zandonai non è di questi: il suo Wagner, e anche il suo Strauss, li conosce bene. Si sente ch’egli è di
quelli spiriti maschi, i quali si levano più forti da ogni abbraccio, da ogni abbandono; e vuol veder chiaro in quel
che fece ieri, e il cieco istinto illuminarlo, e la sensitività bruta assottigliarla. Nelle sue opere c’è volontà, c’è
ascesi; ha voluto al caos delle forme che egli aveva innanzi, alle reminiscenze, ai fantasmi d’altrui che facevano
impeto nella sua anima dar ordine, organismo proprio. Ha affermato sé stesso, con un atto di coscienza, contro
codeste forme e codeste scuole. Certo, a volte in questa sua coscienza c’è buio, e c’è smarrimenti nel suo spirito;
ma nessuno può negare allo Zandonai una dirittura artistica, uno sforzo continuo di ascensione, una progressiva
conquista di uno stile ond’è singolarissimo tra gli altri musicisti italiani. In questa Francesca da Rimini lo stile è
quasi raggiunto: se dicessi che è già formato e che si snoda coerente in ogni episodio dell’opera mentirei: molte
volte, troppe volte sentiamo che c’è soluzione di continuo, che il musicista, toccato un vertice suo, ricasca giù
stanco e smarrito nelle foreste sapute, che insomma spesso dopo aver conquistato con uno sforzo supremo sé
stesso (e che altro significa aver stile se non essere coerentemente e inimitabilmente sé stesso?) s’illude e ci
illude con una mirabile ma intellettuale e superficiale sapienza tecnica. Ma che progresso! In Conchita e in
Melenis i più diversi modi d’arte, da quelli del Wagner a quelli del Mascagni, da quelli dello Strauss a quelli del
Debussy, erano – direi – sofferti dallo Zandonai: gli sgusciavan di mano e gli crescevano innanzi come il tema
magico allo stregone novizio del Dukas; ed egli s’affannava invano a volerli ridurre sotto la propria potestà.
Dunque, non c’era verso che egli individuasse un personaggio e sapesse dare al discorso musicale una coerenza
stilistica, poi che le diverse forme s’individuavano da sé e soverchiavano il suo spirito. Ma la sua esperienza era
così vasta, e così pronta la sua forza d’assimilazione, e così impetuoso e parvente lo sforzo di non lasciarsi
soverchiare, che si comprendeva ch’egli sarebbe giunto a dar ordine alla sua orchestra e organismo alle sue
melodie. La Francesca da Rimini non è già più una promessa.
Tragedia, ch’è senza dubbio la meglio equilibrata del d’Annunzio, fu essa composta in quelli anni felici
dell’arte d’annunziana che han nome dalle Laudi. Ed è ricca di abbandoni lirici ma povera di drammaticità: le
persone non raccolgono nelle parole il loro spirito profondo, anzi si distendono e si smarriscono nelle frasi e
nelle strofe. C’è abbondanza di architettura e di decorazioni: quadri, quadri, quadri, e poca sostanza d’anima:
ricchezza di colori e di suoni, e miseria di parole; l’organismo di questa tragedia non si manifesta nei contrasti
Francesca da Rimini/24

delle persone, ma nelle strofe dei canti, nella distribuzione dei colori, nella conchiusa levigatezza delle
architetture. Non si ricorda una sola parola di quelle eterne, che, espressesi da un urto drammatico, rivelano una
verità dello spirito, e nemmeno un personaggio nella sua viva umanità: non Paolo, non Francesca, non
Malatestino: le scene, sì, quelle si ricordano, le ancelle con il giullare, la battaglia, la canzone della primavera...
E son belle davvero, di una loro chiusa bellezza strofica, che dobbiamo ammirare anche noi, se bene desiderosi
di altra più intima arte da questa. Ma il musicista, trovandosi innanzi un libretto così fatto, non avrebbe forse
dovuto sminuirne i difetti? metter la drammaticità dove mancava, e attenuar la lirica dove era troppa? Riccardo
Zandonai ha invece seguito punto per punto Gabriele d’Annunzio, ed ha abbellita l’opera del poeta nei luoghi
belli, senza rafforzarla nei luoghi deboli. Gli è che lo Zandonai ha un concepimento strofico dell’arte: la sua
musica non può andare innanzi per lungo tempo da sola, sorretta da una forza intima ond’essa sgorghi diversa e
coerente, anzi c’è bisogno che ritorni armonici e ritmici le dieno da fuori una organicità che da dentro non
potrebbe sempre avere. Difetto, codesto, che si muta in pregio quando lo Zandonai riesce a manifestare tutto sé
stesso come nella seconda metà del primo atto e nella prima metà del terzo: allora sentiamo che egli può, che
egli sa portare nel melodramma un senso nuovo della “scena” musicale, ben diverso da quello dei nostri operisti
dell’ottocento, e tuttavia schiettamente italiano. Qui non abbiamo più le distese melodie romantiche che davan
ordine intorno alle “arie” a tutta l’opera musicale: c’è brevi melodie, grande abbondanza di modulazioni che le
spezzano con molta delizia nostra, e mirabile ricchezza di ritmi. Tutte codeste cose, composte insieme da un
uomo che possiede la tecnica modernissima come pochi e che ci si muove per entro senza impaccio, essendosi
anche fatta una orchestra sua propria per virtù di accostamenti strumentali originalissimi, dànno all’opera un
sapor nuovo e nello stesso tempo antico: s’ha l’impressione di un innesto della musica post-wagneriana sul
tronco della nostra musica romantica.
Il male è che un tale innesto, ad esser fecondo, ha bisogno di quella continuità che vi ho mostrata in
principio; se no, se dunque si ricasca nei ricami tecnici o peggio ancora nei frusti schemi melodici dell’opera
italiana, la struttura strofica mette in luce la povertà inventiva piuttosto che dare ad essa valore. Il secondo atto
non persuade proprio per questo: il d’Annunzio l’aveva disegnato con arte superficialissima; e quei suoi uomini
d’armi strillavano senza riuscir mai a comunicare un brivido della battaglia, comparse e non attori. Lo Zandonai
ha rivestito i versi con una ricchezza armonica e ritmica da meravigliare, ottenendo effetti di sonorità molto
belli; ma non ha saputo trovare un motivo, una frase che desse una vera sostanza musicale alla battaglia. Per
giunta, ha costrutto l’atto con due riprese del pandemonio bellico, le quali lo serrano, sì, e lo conchiudono, e
tuttavia non riescono che a far sentire di più il suo vuoto. E badate che la ripresa non può conferir in nulla
all’effetto perché quella descrizione materialistica, estrinseca della battaglia, dispiegò la forza e la violenza dei
suoi colori sin dal principio e appar anzi menomata dal ritorno strofico.
Lirico piuttosto che drammatico, lo Zandonai ha una natura di sensuale e preferisce al discorso intimo
l’abbandono sensibile, che è sempre breve. La sua arte, di necessità, è dunque frammentaria, come l’arte del
d’Annunzio, e deve cercar l’organismo in quella struttura strofica che ho detto: coerenza vera e propria,
melodica o sinfonica non può averla, e con questo non voglio notare un difetto ma darmi ragione dei limiti di
codesto musicista nostro. La via che egli s’è dato a percorrere fu aperta gloriosamente dal Verdi con il Falstaff,
dove le “arie”, le larghe frasi melodiche del melodramma mancavano affatto, ed era invece una meravigliosa
collaborazione del canto e dell’orchestra: l’orchestra manifestava con ricchezza di ritmi e di temi inconsueta
all’opera italiana, e con potente continuità, la pienezza spirituale dei personaggi, e la declamazione accentuava
la parola con prodigiosa fusione del ritmo verbale col suo ritmo musicale. Lo Zandonai vuole anch’egli
“parlare” le sue melodie e intensificarle con un complesso lavoro armonico e melodico; ma non sempre riesce: a
volte nello sforzo esaspera le voci o l’orchestra senza ottenere nessun effetto profondo. Quando la sua vena
s’apre più felicemente, allora sì egli ci dà pagine nuove e davvero sue, le quali bastano a far della Francesca da
Rimini la più singolare, forse, di tutte le opere della nostra giovane scuola: intendo, sovra tutto, della seconda
parte del primo atto e del terzo atto intero. Qui anche le influenze wagneriane, straussiane e debussiane non
s’avvertono più, che pur si notano negli altri atti: anche se egli si giova di modi che son propri a Wagner
(progressioni annunciano Paolo come annunciarono Tristano) senti che si son fatti sostanza sua, si son fusi
organicamente nello spirito dell’artista. Dal coretto delle donne “Oimè che adesso io provo...” sino alla fine del
primo atto l’incanto non si rompe mai: le bellezze si succedono continue, in un’onda lirica larga e meravigliosa.
Il canto lamentevole di Samaritana e il trepido declamato di Francesca rendono con evidenza, e comunicano a
chi ode, il sentimento delle due creature che s’annuncia. Il discorso volubile delle donne che gridano l’arrivo di
Paolo e quella prorotta invocazione di Francesca alla sorella “Ah, tu ora, tu ora pigliami” mettono in tutta la
scena un’ansia di attesa sovra la quale il bel tema d’amore proposto dalla “viola pomposa” si eleva con una
improvvisa tenerezza, con un profondo calore che persuadono e trascinano. Ma guardate: lo Zandonai ha
raggiunto l’espressione compiuta in un momento lirico e per virtù di mezzi lirici, non drammatici. Lo
svolgimento dell’atto è corale e sinfonico: la parola musicale, dove si distende tutto lo spirito, tace. Il terzo atto
è lo stesso: se ben considerate esso è racchiuso dalla canzone della Primavera che lo fiorisce nel mezzo e
l’inghirlanda alla fine, quando ritorna lontana; e si svolge per gradi, crescendo, dopo pause ed arresti durante la
Francesca da Rimini/25

scena tra Paolo e Francesca, sino al prorompere di tutta l’orchestra nel bacio. Ed ogni episodio di
quell’appassionato dialogo d’amore non tanto vale per sé (e vi hanno certo bellezze inconsuete e nuove, specie
nel canto di Paolo) quanto per l’insieme: elementi, sono, di una pagina lirica piuttosto che drammatica, che si
giova anche qui di mezzi sinfonici e corali. Il punto più debole dell’atto è proprio quello che avrebbe dovuto
essere, in una concezione drammatica, più forte, quello dove la parola avrebbe dovuto giungere alla sua
massima virtù musicale: intendo la lettura del libro galeotto.
La scena che mostra invece una notevole potenza drammatica è quella del quarto atto, tra Gianciotto e
Malatestino: c’è violenza, c’è brutalità, ma badate che questa brutalità e questa violenza sono raggiunti meglio
per forza di ritmi e colori orchestrali che per intima musicalità del dialogo tra i due fratelli. Lo Zandonai ha
sentito, egli, il cupo orrore della scena infame e ce l’ha dipinto, ce l’ha reso sensibile con la sua tavolozza ricca e
mirabile, ce l’ha insomma descritto.
In questa analisi rapida ho voluto piuttosto studiare la natura del musicista che non la sua opera. La
Francesca da Rimini non bisogna giudicarla secondo un ideale dramma musicale, che molti augurano e che il
Pizzetti persegue: è un’opera concepita e resa liricamente, a larghi respiri, a lunghe onde strofiche; un’opera
dove l’antitesi tra il melodramma italiano e il dramma wagneriano si parifica in una sintesi, che certo ha una
vera e propria originalità, un suo proprio organismo. Ed è bella: c’è innumerevoli piccoli episodi orchestrali che
fermano il nostro gusto e lo incantano un momento, anche in quel secondo atto che è il meno felice. E se le
persone non si manifestano nella loro individualità per una profonda virtù drammatica, sono ad ogni modo,
ciascuna, descritte con molta evidenza: ciascuna ha suscitato nel musicista un diverso brivido musicale che egli
risente e fa sentire a noi con i colori della sua orchestra e con i modi della sua melodia. Malatestino, Smaragdi,
Samaritana si individuano mirabilmente nel nostro spirito.
Gli interpreti diedero del resto alle parti un forte risalto drammatico: la signorina Rosa Raisa non solo canta
con morbidezza di voce e con forza straordinaria, ma anche recita da grandissima attrice: rare volte mi è occorso
di vedere espressi con tanta intelligenza i più sottili trapassi drammatici. E bene cantarono e recitarono accanto a
lei la signorina Olga Matteini (Samaritana) che ha una voce assai dolce e singolar gusto di atteggiamenti, e la
signorina Flora Perini (Smaragdi). Il tenore Pertile (Paolo), il basso Berardi (Ostasio), il Danise (Gianciotto), il
Nardi (Malatestino) e il Gironi (giullare) furono applauditi dal pubblico, e lo meritarono.
E tutti seppe muovere, a tutto seppe dar vita piena – alle musiche e agli artisti – il maestro Vitale.
Credo dunque che la Francesca da Rimini debba essere annoverata tra le nostre belle opere contemporanee,
e che vi si riveli finalmente libero e compiuto Riccardo Zandonai. Dire che egli ha rinnovato la musica e aperte
vie nuove al genio italiano non si può, senza ingiuria al più cotennoso buon senso; ma sarebbe da stolidi negare
che codesto artista italiano si è conquistata una originalità, e la manifesta con sicurezza di mezzi. Egli è oramai
su la via che conduce all’opera perfetta.
La cronaca dello spettacolo – Il grande successo – Vitale – I cantanti
Al geniale saggio critico di Goffredo Bellonci – che per l’occasione eccezionale di questo grande
avvenimento d’arte ha accolto l’invito di scrivere per l’Orfeo una pagina d’impressioni e di osservazioni
estetiche sulla Francesca da Rimini, nella quale non si sa se più ammirare la forma smagliante o l’acutezza e
l’originalità della disamina di tutto lo spartito, riuscita severa e serena ad un tempo – facciamo seguire qualche
breve nota di cronaca.
La sala del Costanzi era sfolgorante, ricolma di pubblico magnifico e imponente: non un posto vuoto. Nelle
alte gallerie una vera moltitudine; nel parterre e nei palchi tutto l’olimpo dell’aristocrazia, della politica, della
letteratura. In un palco di seconda fila si notava il Presidente del Consiglio con la famiglia.
Ogni atto si chiuse fra applausi, acclamazioni entusiastiche. Fin dal primo atto, col finale così suggestivo, si
delineò il successo schietto e imponente, senza che una voce discorde fosse sorta ad attenuare l’unanime
consenso.
[“]Bisogna risalire – scrive T. O. Cesardi – nei fasti del Costanzi a venticinque anni addietro, alla prima
rappresentazione di Cavalleria rusticana, per trovare un termine di confronto al successo unanime, sincero,
profondo di quest’opera di Riccardo Zandonai.
Sì, unanime, perché tutto il pubblico è stato avvinto, preso, dominato dall’alta poesia del dramma musicale, e
trasportato come in un’atmosfera di sogno e d’ideale: sincero perché l’applauso prorompente veniva da ogni
ordine di palchi, da ogni ordine di cittadini, da tutto insieme un pubblico commosso e maravigliato, e profondo
altresì perché l’impressione che ognuno ha risentito da questa nobile manifestazione d’arte è di quelle che non si
cancellano perché segnano un solco nell’anima[”].
La Francesca da Rimini del maestro Zandonai segna dunque una data memorabile nella storia del teatro
d’opera italiano, tanto il nuovo melodramma ha una forma espressiva di carattere singolare e originale e una
profonda e immediata significazione umana.
Ogni pagina, ogni episodio, diremmo quasi ogni nota, ebbe il suo risalto e suscitò quella somma di emozioni
che sogliono rimanere incancellabili nella memoria e nella fantasia degli spettatori. Sicché alla fine dello
Francesca da Rimini/26

spettacolo, chiusosi con una ovazione magnifica, in una calda esplosione d’entusiasmo, in una di quelle
manifestazioni di solenne apoteosi, rimase in quanti vi parteciparono l’impressione di aver consacrato alla
popolarità, e definitivamente, un altro giovane musicista italiano, del quale le prime prove come il Grillo del
focolare, Conchita e Melenis facevano presagire la odierna e grande vittoria.
E dopo l’illustre compositore sia reso omaggio all’animatore dello spettacolo, a Edoardo Vitale, a cui
dovette riuscir caro, insieme alle feste tributategli dal pubblico in una forma così solenne quale da tempo
immemorabile non si aveva esempio, il giudizio del comm. Tito Ricordi, il quale – dopo la prova generale –
ebbe a significargli tutto il suo pieno consentimento per la mirabile e impeccabile concertazione. Fu quella di
Edoardo Vitale una nobile fatica, cui soccorse, oltre il vivido ingegno, una sensibilità squisita, un gusto
aristocratico e una fraterna solidarietà per il giovane musicista. L’orchestra parve trovare tutte le sue voci, tutti i
suoi slanci, tutte le sue più dolci sfumature, in un’armonia e in una precisione ritmica, come dalle canne di un
organo perfetto. Il maestro Vitale comprese e intese così profondamente il poema d’annunziano e la musica
dello Zandonai, che le mille imagini, le multiformi figurazioni, i disparati stati d’animo ebbero una vivida
rappresentazione, con magnificenza di contrasti e varietà di colori. Avendo dinanzi a sé una partitura complessa
e meravigliosa per polifonia e per spunti melodici di carattere schiettamente italiano, l’eminente direttore volle
esserne l’interprete severo e geniale, l’animatore sicuro e profondo. E il pubblico lo volle nelle venticinque
chiamate al proscenio, a fine d’ogni atto, accanto a Riccardo Zandonai, come per significare la stretta
indissolubile intimità tra il creatore e chi diede forma e anima espressiva alla Francesca da Rimini. Ogni
applauso a Edoardo Vitale era un saluto e un omaggio incondizionato, un tributo d’onore e di stima, una prova
di non comune simpatia.
Rosa Raisa fu una protagonista come non crediamo possa trovare emulazioni: una Francesca compiuta in
atteggiamenti poetici e patetici e dalla voce morbida, suggestiva, ampia, sicura, educata a quella scuola della
Marchisio da cui uscirono tante insigni cantatrici. Pel suo temperamento versatile, privilegiato, squisito, ella
cantò con nobiltà e con quel sentimento ch’è tanta parte dello stile di una musica.
Il tenore Pertile, un Paolo di “stile” quale D’Annunzio lo scolpì nel poema, fraseggiò con arte deliziosa, con
purezza d’accento, con impeccabile intonazione; e cantò con voce limpida e squillante, così che i suoi acuti
ebbero un risalto magnifico. Egli è, oltre che cantante magnifico, sicuro, vigoroso, interprete sovrano, signore
nelle figurazioni sceniche, campione del bel canto.
Il baritono Danise, un artista che in questa stagione al Costanzi ha dato la prova di quanto valga un vigoroso
temperamento accoppiato a una bella voce, a traverso opere di carattere l’una diversa dall’altra, fu un Gianciotto
caratteristico. Nel quarto atto, nella scena con Malatestino, ebbe momenti truci e spiccatamente drammatici, a
cui il canto, irto di difficoltà e profuso di note acutissime, accrebbe significazione.
Tutti gli altri cantarono con slancio e sicurezza: Flora Perini, che cantò con la sua armoniosa calda voce di
mezzo soprano, la Matteini, una Samaritana piena di dolore, di gentilezza, il Berardi, che cantò con la sua bella
voce di basso, il Gironi, la Verger, il Nardino [sic] caratteristico Malatestino, la Galeffi, la Seracchioli, la
Manarini, il Lanzi, il Sabatano e il Pastorelli.
La mesa in scena fu curata in tutti i suoi dettagli: una vera opera d’arte: vi presiedette con quell’autorità che
ormai gli è universalmente riconosciuta il cavaliere Carlo Clausetti, venuto espressamente da Milano.
La Casa Ricordi, oltre che dal Clausetti, era rappresentata dal comm. Tito Ricordi.
E infine una parola di lode incondizionata all’illustre signora Emma Carelli, che è riuscita a porre in scena la
Francesca con vera munificenza.
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“Francesca da Rimini” di Zandonai al Costanzi, “Musica” IX/6, 15.3.1915 - p. 1, col. 4 / p. 2, col. 1-2 (con un
ovale raffigurante Rosa Raisa)
La nuova opera di Riccardo Zandonai, preceduta da due altri successi a Torino e a Pesaro, ha dato occasione
al nostro pubblico di mostrare le sue simpatie e il suo gusto, sicuramente ed altamente, verso un tipo di
melodramma che non è lo straussiano, non è il debussiano, ma è l’italiano, il tradizionale italiano che va da
Monteverdi a Verdi. La Francesca di d’Annunzio e di Zandonai è una schietta manifestazione d’italianità, con i
suoi mezzi e meriti gloriosi, con i suoi pregi e difetti irreducibili: una manifestazione che proviene dal vecchio
ceppo, ma che nel nascere, crescere e maturare è andata raccogliendo quegli elementi di necessario progresso
che la rendono vigorosa, efflorescente, vitalissima. Tali manifestazioni il maestro trentino ha sempre dato dal
Grillo del focolare e prima ancora con i suoi nostalgici poemetti lirici; ma esse non erano compiute ed integrate
da un dramma umano e da una poesia smagliante come questa di Gabriele d’Annunzio. Il quale, più che con gli
altri poemi tragici da teatro, con la Francesca ha fatto opera musicale e musicabile. Senonché il penetrare e
riprodurre ed esaltare la musicalità più che di verso di sentimento dannunziano non era compito lieve, e averlo
Francesca da Rimini/27

assolto, anzi superato – come non è accaduto alla frigidità del Franchetti e al disequilibrio (sebben talora
geniale) del Mascagni – è titolo encomiabile di Riccardo Zandonai.
Non esamineremo l’opera musicale segnalando le bellezze del canto, le intenzioni e la dovizia della
strumentazione, e anche la caducità e qualche concessione al cattivo gusto: è già stato fatto largamente dalla
loquacità dei quotidiani. Diremo solo e a mo’ di conclusione che oggi, così stanti i valori musicali, Zandonai
raccoglie tutte le eredità della nostra grande opera ed agita solo, nel suo pugno, la fiaccola che riprende e
continua il cammino vittorioso della genialità latina.
***
La esecuzione è stata nel complesso efficace, in grazia del consueto amore ed acume col quale concerta e
dirige Edoardo Vitale: la protagonista Rosa Raisa ha prodigato, affermandosi artista di primissimo ordine, tutta
la sua dolce voce e la sua azione scenica, e gli altri han tutti sentito la varia importanza della parte.
65
f[ranco] rain[eri], “Francesca da Rimini” di Zandonai al Costanzi, “Il Giornale d’Italia”, 29.3.1916 - p. 3, col.
5
Quante volte è accaduto ad un’opera nuova di tornare appena a un anno di distanza su le stesse scene,
desideratissima, e – meglio ancora – di ritrovarvi più calde, più unanimi, più commosse le già magnifiche
accoglienze che la salutarono un anno prima al suo apparire? Questa è stata – né più né meno – la sorte della
Francesca da Rimini, la quale ieri sera, in virtù della sua meravigliosa avvincente bellezza e di una esecuzione
quanto mai efficace, ha conseguito nuovamente, e per decreto concorde della folla adunata in teatro, un
autentico grande successo.
Qui, registrando con sincero compiacimento le fortune sempre più vaste ed ormai incontestate della
splendida opera di Zandonai, saremmo tentati di ricordare che le nostre previsioni d’un anno fa erano giuste:
Francesca, scrivemmo, è piaciuta, ma più e meglio piacerà quando il pubblico, scendendo dal seggio riservato
ai giudici togati, si lascierà persuadere dalla sottile e penetrante malìa di quella musica passionale e geniale,
dalla potenza di quella tragedia dannunziana che nulla invidia ai greci, dal fascino di poesia e d’umanità, infine,
che la tragedia musicale così com’è stata espressa dal Zandonai emana e che la circonda della luce propria ai
capolavori. Era questa, per chi avesse già goduta l’avventurata sorte d’intuire le bellezze della meravigliosa
creatura, una facile profezia. E il voto, formato l’anno scorso da una gran parte degli spettatori, di riavere presto
Francesca era già un segno di ciò che iersera s’è avverato: il pubblico, sceso di cattedra, è divenuto, qual è,
un’accolita di persone mortali dotate d’un’anima semplice e d’un cervello ben coltivato, accessibili ai più elevati
sentimenti che l’arte possa suscitare, pronte ed anzi desiderose, innanzi all’opera celebrata [e] seppur
deferentemente discussa da critici e da musicisti, di riacquistar fede nell’asserita rinascita del melodramma
nostro, italiano e genuino, vissuto dalla voce umana e sorretto e colorito dalla sinfonia orchestrale. Ridotto alla
sua più nobile e più propria funzione, il pubblico iersera ha tratto – come l’unanime entusiastico consenso degli
applausi e dei commenti dimostrava chiaro – godimenti artistici rari intensi profondi dall’opera migliore del
genialissimo musicista trentino: e l’opera, dalla serata trionfale di ieri, si è elevata, nella impressione comune,
alle maggiori altezze che oggi siano concesse in teatro. Appunto ieri l’altro, a proposito di Primavera in Val di
Sole, la suite sinfonica del Zandonai rieseguita domenica scorsa all’Augusteo, preferivamo esprimere la nostra
fiducia nel “uomo teatrale” per eccellenza: Francesca è sopraggiunta subito a confermare quanto quella fiducia
sia ben fondata. E l’arditezza di quest’uomo teatrale, che innestando nel vecchio ma vivo tronco del
melodramma italico il sangue giovane ed ardente dell’arte sua nobilissima ed austera ma tutta moderna e
palpitante, ha aperto alle nostre speranze una vita nuova, ha assunto nelle valide sue mani la riaccesa fiaccola
della tradizione evoluta e trasformata, e proseguendo con cosciente baldanza nel cammino sul quale già illustri
maestri nostri han tanto progredito in questi ultimi tempi, sta compiendo felicemente la non facile impresa
d’elevare e nobilitare e rinvigorire il gusto del pubblico, del “popolo teatrale”, insomma, di verdiana e gloriosa
memorioa.
Dell’esecuzione di iersera abbiam già detto che fu mirabile: di essa il merito precipuo, oltre che all’illustre
maestro Vitale il quale a Francesca ha votato con vera anima d’artista un vivo amore e riesce a trasfonderlo in
tutti gli elementi dello spettacolo, oltre che – insomma – al direttore incomparabile, venne riconosciuto a Rosa
Raisa, protagonista superba e magnifica per la bellezza della voce e il vigore dell’espressione scenica. Ella fu,
iersera, una vera trionfatrice e il pubblico volle tributarle le più affettuose manifestazioni di incondizionata
ammirazione.
Eccellenti compagni le furono, per ogni riguardo, il tenore Pertile e il baritono Rimini, quest’ultimo nuovo
per Roma nella parte di Gianciotto; efficacissimo parve il Nardi nella parte del perfido Malatestino. Lodevoli le
parti minori e cioè la Morano, la Lauri, la Martino, la Caravaglia [sic]; il Paci. Splendido l’allestimento.
Francesca da Rimini/28

Si tentò iersera una novità: al terzo atto, nella “canzone a ballo” ch’esalta l’avvento della primavera,
dovrebbero le ancelle di Francesca danzare mentre cantano; e invece esse iersera si limitarono a cantare, mentre
Erminia Gerla, la leggiadra aggraziatissima danzatrice, e quattro sue compagne componevano vaghi quadri
d’una delicatezza e d’un gusto squisiti che ricordavano, senza copiarli, i capolavori pittorici del nostro
Quattrocento. La novità merita ogni più ampia lode perché oltre tutto le cantatrici, libere dalla preoccupazione
della danza, cantarono meglio e le danzatrici danzarono ch’era un piacere a vederle.
Francesca da Rimini, riconsacrata quest’anno dal più completo e più meritato dei successi, avrà numerose
repliche.
66
A[lberto] G[asco], “Francesca da Rimini” al Teatro Costanzi, “La Tribuna”, 30.3.1916 - p. 3, col. 1
La Francesca da Rimini, apparsa fulgidamente al “Costanzi” un anno fa, aveva lasciato di sé vivo desiderio.
I molti schietti ammiratori della magnifica tragedia dannunziana vestita da Riccardo Zandonai di musica spesso
melodiosa e sempre ben colorita, vagheggiavano il ritorno dell’opera prediletta. Il loro voto è stato felicemente
soddisfatto. Francesca si è ripresentata col marito sciancato e con l’amante bellissimo su quel palcoscenico
romano che già era stato per lei un vittorioso agone. E il nuovo saluto rivolto alla gentile dama dai suoi fedeli ha
avuto un carattere di affettuosità assai particolare. Ogni atto del dramma lirico si è chiuso fra applausi più o
meno calorosi, ma sempre ispirati a simpatia profonda.
I consensi sono stati unanimi riguardo al delicato episodio finale del primo atto – la gemma della partitura –
e al terzo episodio che termina con la fatale lettura del libro erotico. Il secondo quadro invece ha lasciato un po’
freddo l’uditorio ed anche la prima parte dell’ultimo atto non ha sedotto il pubblico. Ma alla fine dell’opera
l’ovazione rivolta agli interpreti ed al valoroso Vitale ha sanzionato il successo dell’importante e piacente
lavoro.
Non possiamo che accogliere il giudizio dettagliato espresso dal pubblico: è un giudizio saggio e ponderato.
Le parti migliori dell’opera sono effettivamente quelle in cui predomina una nota di mite elegia. Per quanto egli
ami grossir sa voix e scatenare bufere orchestrali clamorose, Riccardo Zandonai ci sembra sincero soltanto
quando canta con semplice e fluida melodia le soavi pene d’amore di una creatura eletta e il fascino sottile di
una snervante primavera. Egli appartiene alla famiglia dei Catalani e dei Puccini: anzi, precisamente come
Puccini talora usa violenza al proprio stile, indugiando nella descrizione di scene torve che nell’anima sua di
sentimentale poeta non possono dare eccitazione feconda. Malgrado la scena della tortura di Tosca e le risse
violente della Fanciulla del West, il vero Puccini si trova soltanto nel tenero addio di Mimì e di Rodolfo;
malgrado gli urli degli armigeri malatestiani che rendono corrusco il secondo atto della Francesca, Riccardo
Zandonai si svela a noi per intero soltanto quando dà a una “viola pomposa” una melodia nella quale la dolcezza
alquanto melanconica di un crepuscolo amoroso è magicamente espressa.
L’atto della fragorosissima battaglia non solo è povero di musica realmente sentita e originale ma grava
come un esorbitante carico di zavorra su la nave infiorata e armoniosa. È un vero peccato ch’esso non possa
venire soppresso.
Basta: le impressioni del pubblico e le nostre su questa Francesca sono perfettamente concordanti e perciò
non occorre insistere troppo in proposito. Si tratta di un’opera non ugualmente felice in ogni sua parte, non
riboccante di ampie idee musicali ma, nell’insieme, attraente, nobile e composta con infallibile intuito teatrale:
un’opera – insomma – che merita alti encomi e che la critica ha il dovere di collocare tra le migliori
manifestazioni artistiche della giovane scuola italiana.
Lieti del successo iersera decretato alla Francesca dal pubblico più elegante di Roma, riconosciamo che non
piccola parte di esso si deve all’interpretazione squisita degli artisti e alla vigorosa direzione del maestro
Edoardo Vitale. La signorina Rosa Raisa ha superato se stessa – è tutto dire! – nella grande scena d’amore
dell’atto terzo. Il suo canto così pieno di malìe ha indotto a commozione tutti gli ascoltatori. Quanta grazia in
ogni gesto di questa artista incomparabile ma pervenuta a celebrità dopo appena tre anni di carriera teatrale. Noi
non riusciamo ad immaginare una “Francesca” diversa da lei. Alla Raisa iersera il pubblico rivolse approvazioni
entusiastiche. Ella trionfò come una regina ammirata ed amata.
Eccellente “Paolo” il tenore Aureliano Pertile, artista stimatissimo per robustezza dei mezzi vocali e il calore
passionale dell’accento. Il Pertile, insieme con la Raisa, ebbe i primi onori. Quanto al baritono Rimini, possiamo
affermare che la sua interpretazione del personaggio di “Gianciotto” abbia ottenuto lodi incondizionate; ottimo
“Malatesta” [sic] il tenore Nardi, a noi già da tempo favorevolmente noto.
La parte di “Samaritana” ebbe dalla signorina Morano tutto il desiderabile rilievo e la Zinetti seppe essere
una garbata “Smaragdi”. La canzone delle ancelle di “Francesca” fu resa dalle signorine Martino, Lauri, Torelli
e Garavaglia in modo delizioso.
Francesca da Rimini/29

I cori del Costanzi si dimostrarono all’altezza della loro fama; ricca e di buon gusto la messa in scena. Uno
spettacolo dunque di pregio elevato, la cui fortuna presso il gran pubblico appare sin d’ora sicura.
67
Bruno Barilli, La “Francesca da Rimini” di Riccardo Zandonai al Teatro Costanzio, “La Concordia”,
30.3.1916 - p. 3, col. 4-5
La réprise della fascinosa Francesca da Rimini di Riccardo Zandonai al nostro Costanzi ha segnato un
nuovo grande memorabile trionfo per il geniale maestro trentino.
Nella sala sfolgorante, prima che Edoardo Vitale salisse al suo posto di battaglia e di vittoria, era il fremito
dell’attesa; dell’attesa calda, fervida di alcune ore di oblio, di bellezza, di gioia; dell’attesa che ci arde l’anima
nell’imminenza di rivedere una creatura amata. E quando Francesca apparve ai nostri occhi mortali nelle non
mortali forme di Rosa Raisa, ci sentimmo presi nel cerchio d’amore che Riccardo Zandonai seppe foggiare nel
raro metallo della sua ispirazione, del suo fervore d’arte e della sua sapienza.
Non vogliamo qui riesaminare con critica meticolosità l’ultima opera dello Zandonai, che porta ormai
impresso l’indelebile suggello della fama.
Noi qui vogliamo soltanto con sincero cuore dare il tributo di calda ammirazione ch’egli merita a questo
giovine che reca nuovi lauri al nome italiano; a questo singolare artista che a trentadue anni si gloria di cinque
opere, tutte belle e vitali; che nel volgere di poche settimane diede qui, nell’eterna Roma, prova luminosissima
di ciò ch’egli valga e possa, facendosi ammirare nei tre più disparati generi della produzione musicale che sia
dato immaginare: musica religiosa (90) , sinfonica (91) e teatrale: a questo grande figlio della nuova Italia, redenta
con l’amore e col sangue.
L’esecuzione dell’opera insigne fu superiore ad ogni elogio; superiore sotto certi riguardi a quella della
decorsa stagione. E non vi è in ciò da stupirsi.
Non è dato tutti i giorni, infatti, di trovare un’accolta di artisti del valore e della nobiltà di quelli che iersera
impersonarono gli scultorei caratteri partoriti dal mito e dalla altissima fantasia di Gabriele D’Annunzio.
Rosa Raisa, Aureliano Pertile, il Rimini, il Nardi! Nomi che avranno in arte un’eco perenne; spiriti che
seppero vivere, rivivere la tragedia mirabile con una evidenza impressionante.
La Raisa, a cui gli Dei consentirono i loro doni più rari, bellezza di volto e voce da meravigliare, celebrò
iersera un altissimo trionfo. Con ineffabile soavità seppe rendere le ansie dell’anima amante del primo atto, così
ricco di prodigiosa suggestione, così sottilmente languido e sensuale; seppe gridare la passione tumultuosa
nell’atto secondo, mirabile prototipo di tragedia corale, pagina magnifica della partitura, purtroppo incompresa
dal pubblico; fu immensamente grande nell’atto terzo, materiato di dolcezza, di voluttà e di frenesia; fu sublime
nel quarto, così denso di contrasti, così profondo nell’esaltazione dell’Amore di donna mortale.
Degno compagno le fu il Pertile, la cui voce meravigliosa ha ancora acquistato in limpidezza e in forza.
Attore corretto se non sempre disinvolto, dette della sua parte un’interpretazione dignitosa e armoniosa. Divise
con la Raisa gli onori del memorabile trionfo. Scultoreo, imponente, tout-à-fait dans sa peau, il Rimini, baritono
di grande stile, artista consumato, che della dura parte di “Gianciotto” seppe fare una vera creazione.
Parea balzato su da una mischia medievale; fortissimo cantante, raccolse anche egli larga mèsse di plausi e di
allori. Prezioso cantante, genialissimo attore il Nardi (Malatestino) così caro al maestro Zandonai che
giustamente ne apprezza le elette e rare qualità d’artista. Nella mirabile scena tra i fratelli all’inizio del quarto
atto, squarcio drammatico che basterebbe da solo a dare la misura del singolare ingegno di Riccardo Zandonai,
egli raggiunse non comuni altezze e fu freneticamente applaudito. Eccellenti il Paci (Ostasio), la signora Zinetti,
deliziosa “Smaragdi”, la signorina Morano, soavissima “Samaritana”, le donne di Francesca (signore Lauri,
Martino e Garavaglia), Arturo Pellegrino, ottimo giullare.
Maestro e donno fra cotali artisti Edoardo Vitale, che a questa novella esecuzione di Francesca dedicò tutto
il suo fervore, tutta la sua sapienza e probità, fu evocato alla ribalta ad ogni fine d’atto fra applausi interminabili,
doveroso tributo d’ammirazione, d’affetto e di stima per la sua infaticabile attività.
Belli gli scenari – gli stessi dell’anno scorso – e splendidi i costumi, specie quelli della Raisa, degni delle
Mille e una notte; molto discussa e, secondo noi, a ragione condannata l’introduzione delle danzatrici nella
canzone a ballo del terzo atto: stonatura di pessimo gusto, cacciata non si sa perché in un quadro di suprema
bellezza.
Facciamo voti perché le cose tornino in pristino, come l’anno scorso.
Numerose repliche avrà certo questa Francesca trionfale, che segna una data memoranda nell’aureo libro
dell’arte italiana.
Francesca da Rimini/30
68

d. o., Francesca da Rimini di Riccardo Zandonai al Teatro Costanzi, “L’Idea nazionale”, 30.3.1916 - p. 3, col.
4-5
Il felice successo che conseguì lo scorso anno quest’opera di Riccardo Zandonai iersera ebbe a rinnovarsi:
alcuni spettatori affermavano essa piacesse ancora di più: certamente piacque assai e i frequenti e caldi applausi
assunsero quel carattere di convincimento che si riconosce subito e non inganna alcuno. Il destino dell’opera è
dunque segnato e la Francesca del giovane maestro trentino è fra le poche contemporanee che sopravviveranno
alla tumultuosa stagione dell’esordio? La cosa pare probabile, i lieti presagi cominciando ad avverarsi, quei lieti
presagi innanzi ai quali si trovarono disarmati persino i critici che hanno fama di severità grande e invitta.
Qualche dubbio può far sorgere il secondo atto, quello del bellicoso episodio dell’alta torre, in cui il
fragorosissimo motivo descrittivo della battaglia soffoca i partiti drammatici e passionali e necessari all’azione:
il dramma è nello sfondo e non nella prima linea, o almeno i due drammi, il principale e il sussidiario, non sono
così fusi come dovrebbero essere: la musica poteva forse correggere e superare l’errore evidente della tragedia
ed è da supporre che il senso teatrale di Giuseppe Verdi avrebbe risoluto l’arduo quesito. E ancora, dopo
l’ammirabile scena d’amore colla quale si chiude il terzo atto, il dramma musicale scema di pregio, cioè è
sempre pieno di vita e robusta, ma non dice più quello che aveva detto “la pietà dei due cognati”. Pare che
Dante vieti eternamente di procedere oltre, dopo che scrisse:
Quel giorno più non vi leggemmo avante.
Tuttavia il Zandonai volle mostrarsi scrupolosamente fedele al poema del d’Annunzio e la sua è stata
definita, e con perfetta giustizia, un’opera dannunziana, un’interpretazione di quello ch’era l’arte del nostro
poeta allorché concepì ed espresse la Francesca, interpretazione che si rivela nell’elegantissimo e profondo e
melanconico sensualismo di queste note, nella cura paziente d’ogni elemento di descrizione, nell’affetto a ogni
particolare, nell’analisi instancabile da cui risulta la ricchezza del quadro, in quel tanto di prezioso, di raffinato,
di esteticamente compiuto che pare attenui la sanguigna violenza delle persone e del tempo evocato in
un’atmosfera di bellezza. Quest’aria si respira negli istanti salienti del dramma musicale: la fine del prim’atto
ch’è incantevole, la scena d’amore del terzo che ha reale potenza dominatrice. Ed è vano dire che questa non è
quella di Dante; lasciamo Dante da parte; la Francesca che qui si vede non è la Francesca di Dante, è un’altra
donna, ed è altra cosa la scena che narrano le quattro immortali terzine del quarto [sic] canto dell’“Inferno”.
Dimentichiamo: dimentichiamo persino che lo spunto di questo momento drammatico è nella Divina Commedia.
Consideriamo questi due innamorati, che non sono nemmeno più due colpevoli, quasi si presentassero a noi per
la prima volta: quanta tenerezza e che fremito di desiderio non disegna e non canta la nuova musica e con quale
dolcezza e con quale passione le voci non s’alternano e non cospirano e come l’orchestra le seconda e le
colorisce!
Questa se non è la scena dantesca è veramente la scena del d’Annunzio, elevata alla potenza massima:
questo è il dramma musicale del tempo nostro, una schietta cooperazione, geniale talvolta, come nel caso nostro,
e pertanto dobbiamo fissarne anzitutto il tipo artistico, diciamo pure letterario, rinfrescando l’antico precetto:
omnes artes cognatione quadam inter se continuantur.
Rosa Raisa, in tutto il fulgore della sua giovane bellezza slava, riebbe il trionfo con quale di già fu salutata
quando la canora Francesca cominciò a vivere fra noi: alla fresca sua voce, al suo magnifico accento ch’è
veramente quello di questa musica declamata, si raccomanda in grande parte la fortuna dell’opera, il cui valore
ella intende mercé la forte intelligenza e la rara squisitezza dell’anima.
Esagererei se dicessi che gli altri interpreti sono di tempra eguale, tuttavia sarei anche ingiusto se negassi al
tenore Pertile e al baritono Rimini il contributo che hanno recato a questa prima salda confermazione dell’opera
vittoriosa: il canto del Pertile e il vigore drammatico del Rimini parvero e sono degni di encomio. Così col
maestro Vitale loderò l’orchestra e gl’interpreti delle parti minori: il Nardi, selvaggio Malatestino, e la Martino,
la Lauri, la Garavaglia, la Torelli, la Zinetti, ch’erano le ancelle, buone cantatrici e donne graziose.
Il pubblico fu contento, anche s’era occupato da pensieri maggiori, ché le notizie le quali giungevano dal
campo sotto Gorizia lo richiamavano ad altra realtà: tuttavia plaudendo al d’Annunzio e al Zandonai, al poetasoldato
e ferito [e] al maestro che oggi rappresenta pel suo ingegno italiano e per le speranze che suscita la
patria comune, gli spettatori erano sempre nel glorioso e tragico clima della guerra liberatrice.
69
“Francesca da Rimini” del M. Zandonai al “Costanzi”, “Il Popolo romano”, 30.3.1916 - p. 2, col. 3
La Francesca da Rimini del m. Zandonai era attesa e desiderata.
Oramai l’opera si è solidamente affermata tra le più significative e vitali apparse in questi ultimi anni ed ha
ammiratori numerosi e ferventi: sì che cotesta ripresa costituì un successo largo e spontaneo, decretato da un
uditorio folto ed elegantissimo.
Francesca da Rimini/31

L’esecuzione fu impeccabile.
I due maggiori interpreti erano gli stessi, ammiratissimi, dello scorso anno: la signorina Raisa e il tenore
Pertile, ed a loro spettarono le maggiori feste.
Rosa Raisa, insuperata creatrice del personaggio della protagonista, destò ancora una volta grande
ammirazione. La bellezza della voce si completa con una interpretazione scenica delle più felici. Ell’è una
Francesca deliziosa, volta a volta illanguidita di melanconia o ingenuamente soave o vibrante di passione, ma
sempre personale, sempre efficacissima.
Accanto alla signorina Raisa trionfò Aureliano Pertile, l’acclamato tenore salito rapidamente a grande
rinomanza. Il Pertile, che in questa stagione ha avuto largo campo di sfoggiare le sue ottime qualità
interpretando con grande successo parecchie opere, riportò il più lusinghiero giudizio nella parte di Paolo, che è
uno dei suoi cavalli di battaglia.
Egli è cantante di grandi mezzi, che sa tuttavia disciplinare con una ottima scuola, tanto da potere ottenere
bellissimi effetti così nel declamato drammatico come nel canto piano, susurrato a mezza voce, colorito ed
animato di commosso sentimento.
Il geniale artista, seguito dal pubblico con costante interesse, ebbe lunghi e meritati applausi.
Il racconto del terzo atto gli valse speciali feste, che si rinnovarono calorosamente al chiudersi del velario,
dopo lo squisito duetto d’amore.
Il Rimini, e vocalmente e scenicamente risultò un ottimo Gianciotto, come il Nardi fu un caratteristico
Malatestino.
La signora Zinetti seppe farsi ammirare nella parte di Smaragdi, e la signorina Morano rese con grazia quella
di Samaritana.
Le donne di Francesca formarono una fresca e simpatica corona. Ricordiamo le signore Martino, Lauri,
Garavaglia e Torelli.
Lo spettacolo fu guidato con altissimo intelletto d’amore dal m. Vitale, il quale a questo nuovo vittorioso
cimento ha dato tutto il fervore della sua anima d’artista. Il pubblico volle esprimere al maestro illustre la
propria ammirazione e lo evocò numerose volte alla ribalta tra scroscianti applausi.
Magnifico l’allestimento scenico e bene affiatate le masse.
Nell’odierna riproduzione abbiamo notato due piccole novità, entrambe discutibili. L’una, quei quattro
trombettieri che nell’infuriare della battaglia si presentano col loro bravo passo di musica applicato sulle trombe
come se si trattasse di una parata, e l’altro la visione coreografica nel terzo atto la quale, pure essendo eseguita
benissimo, svisa nondimeno tutto il carattere della canzone a ballo che deve essere svolta con gaia semplicità
dalle donne di Francesca, e in tutti i casi mai con quei costumi non rispondenti al tempo né all’ambiente.
[...]
70
g[iuseppe] m[aria] v[iti], “Francesca da Rimini” al “Costanzi”, “La Vittoria”, 29-30.3.1916 - p. 2, col. 5
Le “prime” – prima nella stagione – si seguono e s’inseguono al Costanzi con un ritmo disperato. Non si ha
tempo di assaporare una Manon che l’altra viene a darle lo sgambetto: non appena Puccini crede di aver messo
radici nel repertorio ecco che il glorioso Verdi gli contende... la percentuale. Ma nemmeno Verdi può dormire
tranquillo. Fra l’Aida e l’Otello, Zandonai ha fatto capolino. Un saluto di sfuggita: il tempo di stringergli la
mano per esprimergli ancora una volta la nostra ammirazione per il suo nobile sforzo di innestare sulle grandi e
innegabili conquiste fatte dai genii autentici d’oltralpe – in fatto di polifonia e di colorito musicale – il buon
ramo della melodia di nostra razza. L’innesto Zandonai ha verzicato che è un piacere. I germogli hanno una
soavità primaverile che innamora. Si presenta la fioritura. Lasciate che questa terribile tormenta della guerra si
dilegui, lasciate che ritorni un poco di calma nell’atmosfera, e il roseto non tarderà a dare le sue più rosse rose.
Del resto, il tenero verde dei germogli ci piacque pur ieri: ci piacque ancora. Segno buono.
Ci sono delle opere che dopo due anni dalla nascita portano rughe nauseose. Non è la veneranda vecchiaia: è
il decadimento brutale per libertinaggio senza amore.
La Francesca da Rimini di Zandonai non ha altre rughe che quelle prodotte dalla meditazione profonda sulle
giovani fronti pensose. La meditazione profonda: ecco già un buon correttivo per il ramo troppo selvaggio della
melodia nostrana. La sorveglianza severa sulle sorgenti abbondantissime delle melodie nostrane: ecco già un
innesto di sicura riuscita. Bastò questa disciplina su sé medesimo perché Giuseppe Verdi potesse giungere al
capolavoro perfetto di Aida, di Falstaff, di Otello.
Ma i giovani hanno voluto tentare un altro correttivo: le applicazioni su vasta scala delle nuove conquiste nel
campo della tecnica musicale. Non hanno avuto torto. Zandonai ne ha dato, ripeto, una prova luminosa con
questa Francesca che il pubblico ha apprezzato fin dal suo primo apparire e apprezza e ama e, in fondo,
predilige ancora oggi.
Francesca da Rimini/32

Ieri sera, per questa reprise, il miglior pubblico di Roma s’era dato convegno al Costanzi per applaudire il
giovane maestro, mirabilmente servito (servire è un verbo che qui va preso nella sua migliore e più religiosa
accezione: è il servire di Kundry) dai suoi interpreti.
I quali, ad eccezione del baritono Rimini, erano poi quelli che già udimmo lo scorso anno su queste stesse
scene, con lo stesso identico piacere.
La parte della protagonista è stata ancora una volta affidata a Rosa Raisa. L’altr’anno ella fu una rivelazione:
quest’anno ella non ci fece pentire delle nostre lodi osannanti. C’è sempre pericolo di cadere sull’iperbole
quando ci si trova dinnanzi a un fatto nuovo. Non poche “montature” trovano la loro spiegazione in questa
psicologia della critica. Rosa Raisa ha rinnovato in noi la fresca meraviglia.
Gli è che la Raisa ha delle qualità essenziali: ha una voce che può contare fra le più belle del nostro teatro
lirico. Nulla le manca: limpidezza, espressione, ampiezza. Il gesto, forse, è ancora un poco troppo stilizzato.
Nell’Aida ella rievoca una figura di Mestrovic. Ieri sera nella Francesca ella ebbe la rigidezza d’una figura
preraffaellita.
Del resto, il leggendario personaggio del dugento può bene sopportare una riproduzione scenica
squisitamente arcaica.
Il tenore, Aureliano Pertile, è un cantante correttissimo. Egli sa animare con un soffio di passione travolgente
il suo “ruolo” d’ardore. A volte, col canto e col gesto egli seppe trascendere i limiti della figura umana di Paolo.
Seppe essere l’Amore irresistibile: il fato d’amore. Fu un’ondata di soavità avvolgente.
Il baritono Rimini è stato magnifico nella parte di Gianciotto, in cui egli ha prodigato le sue qualità di
cantante e di interprete.
Efficacissimo il Nardi che fu tutto ferocia e perversità. Qualche suo accento ci agghiacciò.
Tutte le altre parti furono “tenute” a meraviglia.
Vitale fu, come al solito, un collaboratore fraterno di Zandonai.
71
[Giuseppe Maria] Viti, “Francesca da Rimini” de M. Zandonai au Costanzi, “L’Italie”, 30.3.1916 - p. 5, col. 2
Les premières – premières dans cette saison lyrique – se suivent et se poursuivent d’un rythme désespéré.
Une des deus Manon chasse l’autre et tous les deux se font flanquer à la porte par un opéra de Verdi, qui à son
tour est vaincu par un autre opéra de Verdi. Mais l’Immortel Chantre ne réuissit pas non-plus à rester maître du
camp.
Entre Aida et Othello, M. Zandonai fait son apparition: le temps de se faire applaudir par ses admirateurs
enthousiastes, qui sont déjà une légion. Désormais M. Zandonai est au nombre des personnalités les plus
marquantes du monde musical. Il a droit de cité dans l’Olympe artistique: dans cette partie de l’Olympe, du
moins, où habitent les Muses Lyriques.
C’est pourquoi le public d’élite, habitué des premières romaines, s’était donné rendez-vous, hier soir, au
Costanzi, pour la première de Francesca da Rimini.
Nous avons déjà eu l’occasion de parler de la valeur esthétique et musicale de cette œuvre remarquable lors
de ses représentations à Rome, l’an dernier. Nous nous contenterons donc de faire la chronique de cette soirée
exceptionnel qui a confirmé les succès déjà obtenus par le drama de MM. d’Annunzio et Zandonai.
Le rôle de la protagoniste avait été confié, encore une fois, à Mlle Rosa Raisa. L’année dernière elle fut une
révélation pour le public. Hier elle ne nous fit pas repentir de nos applaudissements enthousiastes. Lorsqu'on fait
nous éblouit pour la première fois, nous risquons presque toujours d’exagérer nos impressions admiratives.
Nombre d’emballements n’ont d’autre source que dans cette psychologie collective. Or, Mlle Raisa, hier soir,
nous a ravi tout comme l’annér dernière. la charmante artiste a une voix qui peut compter parmi les plus belles:
rien ne lui manque: limpidité, harmonie, ampleur, justesse, expression, école impeccable, viennent s’ajouter à un
jeu parfait et à une élegance et une grâce exquises. Peut-être son geste est-il quelquefois un peu stylisé. Dans le
rôle d’Aida elle nous rappellait Mestrovic. Dans le rôle de Francesca elle évoquait quelques tableaux de
préraphaélite. D’ailleurs le personnage légendaire qu'elle incarnait pouvait bien supporter la stylisation si chère
aux peintres primitifs. Mlle Raisa est bien en tout cas l’héroïne légendaire telle que nous nous l’imaginons el te
public, qui a compris encore une fois qu'il se trouvait en présence d’une grande artiste, le lui a prouvé par ses
ovations enthousiastes.
Le ténor, M. Aureliano Pertile, est un chanteur des plus corrects, qui a animé d’un souffle de passion ardente
le rôle plein de difficultés de Paolo. Il a remporté le même succès que l’an dernier, dans ce même rôle.
M. Rimini a été excellent dans le rôle de Gianciotto, où il a prodiguè ses grandes qualités de chanteur et
d’interprète.
Mlle Morano a été une exquise Samaritana et ella a brillamment surmonté toutes les difficultés techniques
dont son rôle est [ ]mé.
Francesca da Rimini/33

M. Leone Paci a été très apprécié dans le rôle d’Ostasio, ainsi que Mme Zinetti dans celui de Smaragdi et M.
Nardi dans celui de Malatestino. Un bon point aux “donne” de Francesca que le public a fort admirés.
La mise en scène était splendide, les chœurs excellents.
Le maestro Vitale a dirigé l’orchestre avec beaucoup d’entrain et de virtuosité. Il a été un collaborateur
fraternel de M. Zandonai.
72
f. c., La stagione al Costanzi, “Musica” X/7, 10.4.1916 - p. 3, col. 1
[...]
È andata poi in scena la Francesca da Rimini di Zandonai, non troppo desiderata dopo questa edizione, che è
peggiore di quella dell’anno scorso. Valenti interpreti ne sono stati la Raisa e il Rimini, sempre a posto nelle
parti selvaggie e violente. Non così il Pertile il cui timbro di voce non si adatta all’alto e talvolta possente
lirismo dell’amante infelice. Le masse, corale e orchestrale, che ben conoscono dopo i cimenti di un anno fa la
difficile partitura dello Zandonai, hanno assolto egregiamente al loro compito sotto la esperta direzione del
maestro Vitale
[...]
73
“Francesca” e R. Zandonai al Costanzi, “Il Giornale d’Italia”, 25.12.1921
L’inaugurazione della stagione lirica al “Costanzi” avverrà dunque lunedì prossimo alle 20.30 precise, nella
sera tradizionale di Santo Stefano, con la Francesca da Rimini di Riccardo Zandonai, opera che è tra le più
acclamate di questi ultimi tempi e che per la bellezza della concezione artistica e l’ampiezza delle sue linee
teatrali costituisce uno spettacolo di grande attrattiva.
La scelta di quest’opera, così italiana nella musica, il soggetto stesso, i nomi degli autori – Riccardo
Zandonai, nativo di Rovereto ora redenta e di Gabriele d’Annunzio che ideò la magnifica tragedia – daranno
all’inaugurazione quel carattere d’italianità che era da tante parti invocato: poiché, mentre nei teatri dell’estero
si fa ora un’aspra guerra ad opere ed artisti nostri, è giusto che in Italia almeno avvenga la “valorizzazione”
della produzione italiana. E l’inaugurare la grande stagione lirica della Capitale con la Francesca vuol dire
consacrare anche davanti agli occhi degli stranieri la continua vitalità dell’opera italiana, che si rinnova ed
assume, come appunto in Francesca, le forme più moderne senza divenire astrusa per il gran pubblico; e
significa anche consacrare il nome del nuovo e genialissimo operista che viene, giovane, ad aggiungersi al
gruppo famoso che fa capo a Pietro Mascagni, a Giacomo Puccini, a Umberto Giordano, al Cilea, al
Montemezzi.
Valori d’arte e valori teatrali sono questi nomi, che molto significano all’estero. Se altri nomi, come questo
di Riccardo Zandonai si aggiungono, ascriviamolo a fortuna. Ed è necessario che il massimo teatro della
Capitale assuma anche questa funzione di utile propaganda, quando le circostanze lo consentano.
Così lunedì sera il pubblico di Roma saluterà sul podio del “Costanzi” Riccardo Zandonai – che si affermerà
anche come direttore di singolari attitudini, del resto già rivelate altrove – subendo il fascino della sua musica; e
saluterà in lui il giovane ed operoso artista vissuto finora lungi da ogni scalpore, solo intento al proprio lavoro.
E nel corso della stagione il pubblico di Roma, come già per quasi tutte le nuove opere dei nostri più amati
ed acclamati autori viventi, fino al Trittico di Puccini, fino al Piccolo Marat, sarà chiamato giustamente a dare il
primo giudizio sulla novissima opera dell’autore di Francesca, l’opera che s’intitola anch’essa italianamente
alla nostra popolarissima ed affascinante leggenda di Giulietta e Romeo.
74
R[affaello] De Rensis, “La Francesca da Rimini ” di Zandonai, “Il Messaggero”, 28.12.1921 - p. 3, col. 4-5-6
All’inaugurazione solenne e austera dei concerti all’Augusteo è seguita l’inaugurazione solenne e brillante
del teatro Costanzi. Intorno all’uno e all’altro una fioritura rigogliosa di canti, suoni e balli, ovunque.
Navighiamo in pieno oceano musicale e la nostra barchetta si lascia dolcemente trascinare dalle ondate
incessanti. I tormenti della esistenza sociale, politica, intima, specie dopo il già troppo prolungato dopo guerra,
sono stati investiti dalla marea musicale che li attenua, li annulla letificando animi, spiriti e corpi.
S’aggiunga che tanto l’Augusteo quanto il Costanzi, i due massimi istituti della vita artistica romana, hanno
riaperti i loro battenti con lavori di autori nostri soddisfacendo un desiderio generale. Nulla di più logico, del
Francesca da Rimini/34

esto, perché non si comprende la ragione di inaugurare, come si faceva per il passato sospinti da un falso
snobismo, le nostre più cospicue cerimonie artistiche con il riconoscimento e l’esaltazione del genio altrui,
quando di genio la nostra razza ne ha ancora da vendere. Né sostenendo e tutelando questo diritto dell’arte
nostra, come noi abbiamo fatto in ogni occasione e da quando l’infatuazione esotica annebbiava le menti della
generazione di cui facciamo parte, facevamo del conservatorismo servile dal quale, vivaddio, eravamo e siamo
ancora lontani; ma si trattava di una sensibilità natìa (non usiamo a bella posta l’aggettivo nazionale o
patriottico) ottusa nei più ed oggi per virtù reattiva decisamente trionfante.
In un giro non lungo di anni abbiamo avuto la fortuna di assistere alla nascita e al decadimento dell’anzidetta
infatuazione esotica, col sano ritorno ad un sentimento di razza invano conculcato e rinnegato.
Per circostanze indipendenti da ogni volontà si stava per iniziare le rappresentazioni al Costanzi con i
Maestri Cantori. Noi di quest’opera siamo ammiratori caldi e convinti, ma ci sarebbe immensamente dispiaciuto
se avesse dovuto prendere il posto della Francesca di Zandonai, la quale, a parte ogni paragone non possibile,
aveva il compito di caratterizzare la cerimonia inaugurale, appunto come l’ha caratterizzata e significata.
E poi, guardate un po’ com’è interessante la figura di questo nostro rude montanaro trentino: tozzo e
quadrato, con l’occhio acuto e fisso verso un punto lontano, forse non percettibile, cammina calmo, sereno,
senza soste, senza tornare indietro preoccupandosi appena quanto basta di ciò che avviene intorno a lui,
guadagnando terreno, attingendo vertici; baldo e sicuro di giungere. Dove e quando, egli non lo sa e forse non
vuol saperlo: sa soltanto che cammina diritto.
Guardate invece gli altri nostri maestri giovani e di eterne belle speranze: corrono e toccano un primo
scalino, si arrestano, cadono, ricorrono e ricadono, esercitando questo loro acrobatismo sempre nello stesso
cerchio... o circolo vizioso. E poi si piegano a destra e a manca, innanzi e indietro, cogliendo e raccattando la
materia o gli elementi di materia per riempire la bisaccia e riversarla un bel giorno, in forma di note e accordi,
sul paziente pentagramma. Vi sono altri maestri ancora che logorano il loro talento nella ricerca laboriosa del
nuovissimo, lasciandosi abbagliare dai trovati senza dubbio geniali ma altrettanto personali e di natura
eccezionale provenienti d’oltr’Alpe. Essi si tengono deliberatamente discosti dall’anima e dal canto del popolo e
perciò partoriscono un’arte di eccezione e quindi di decadenza. Sono i cosiddetti avveniristi e internazionalisti,
in buona o mala fede non importa, che si scalmanano per importare una merce ostica al nostro palato e che da
venti anni (ormai l’esperimento dura da troppo tempo per insistervi) non ancora ottengono una sola vibrazione
della psiche collettiva.
Zandonai invece è della stirpe evoluzionista tipo immortale Verdi, e dal tenue romanticismo del Grillo del
focolare alla passionalità luminosa di Conchita, dalla coreografia ellenica di Melenis alla tragica umanità di
Francesca, è tutto un procedere verso la conquista dell’espressione, che a traverso un magistero tecnico
indiscutibilmente formidabile deve accostare l’opera d’arte alla folla. E questo accostamento, questa
penetrazione, avvengono lentamente, sicuramente. La personalità in germe, latente nelle prime opere, va man
mano crescendo, fiorendo e diramandosi, e con Francesca quasi carpisce quella fiaccola del genio musicale
italiano... che per buona ventura non è ancora spenta.
Zandonai, tra i suoi colleghi e coetanei di cui abbiamo fatto cenno, è il solo o quasi che della rinascita in
Italia della musica strumentale – fenomeno importantissimo e nobilissimo – con tendenze decisamente e
giustificatamente moderniste (perché nessuno oggi s’azzarda più a sostenere che si debba retrocedere nel
passato) abbia saputo profittare con senso squisito di misura e di equilibrio. Questa rinascita della musica
strumentale doveva influire fortemente sull’indirizzo dell’opera teatrale; ma che il sinfonismo sia proprio quello
destinato a risolvere l’eterno conflitto fra la parola e la musica sovrapponendosi e dominando, non abbiamo mai
creduto neppure quando il fanatismo degli strumentatori in Italia inneggiava vittorioso all’egemonia
dell’orchestra.
Ora questa fase è per nostra fortuna superata e la necessità di un’arte più rispondente all’indole di nostra
gente va affermandosi giornalmente. Chi questa necessità istintivamente sentì subito e praticò è appunto il
maestro Zandonai che, se nel momento acuto dell’orgia strumentale per poco non venne ricacciato nel branco
dei passatisti, oggi si trova, perché ha camminato rapido, anche più innanzi di coloro che per voler saltare su
secoli di tradizioni si sono spezzati l’osso delle reni.
Egli ha sempre ascoltato la voce immensa e multiforme del popolo, pur non sapendola o volendola
riprodurre: vi si opponeva la crisi tormentosa di una musicalità in fieri.
L’opera
Anche dalla Francesca emerge evidente il dissidio tra la materia ancora poco duttile e il sentimento umano
schietto, ingenuo e profondo. Ed il dissidio non è di facile risoluzione, poiché dove il dramma d’anime leva il
suo grido più alto e trova più diritte le vie del cuore delle masse, è là che l’artista ricorre, inconsapevolmente o
trascinatovi dall’istinto, a forme meno libere, più strofiche e, diciamolo pure ché nessuno più ormai se ne
offende, tradizionali. Così alla fine del primo atto, in quasi tutto il terzo atto, nel recitativo di Gianciotto e nel
duetto di questi col Malatestino, ecc.
Francesca da Rimini/35

Ma noi non dobbiamo giudicare in appello l’opera, che rivede per la terza volta le scene del Costanzi e che
gira per tutti i teatri. Non dobbiamo segnalare nuovamente la bellezza poetica di tutto il primo atto e di tutti [i]
numerosi quadri descritti con mano maestra e irresistibilmente seducenti.
Quella signorile gentilezza di ambiente ricondotta sul teatro da Gabriele d’Annunzio non solo è stata
perfettamente intesa da Zandonai ma intensificata, illuminata con i suoi smaglianti e delicatissimi ricami sonori.
Non dobbiamo notare la manchevolezza del secondo atto, in cui è stato ripetuto ed aggravato l’errore
dannunziano che nella riduzione del poema drammatico a libretto avrebbe potuto essere evitato con la
successione dei due episodi: ma si capisce come anche a Zandonai, che non disdegna le audacie, abbia sorriso la
sovrapposizione del colloquio dei due cognati sullo sfondo fragoroso della battaglia, fecondo di effetti
musicali... però non raggiunti. Né, infine, dobbiamo indicare all’ammirazione del pubblico, che li ha compresi,
ammirati, l’intero delizioso terzo atto, la scena impressionante tra l’orbo e lo sciancato del quarto atto, quella
angosciosa e sensuale tra Paolo e Francesca. A noi non resta che il gradito compito di registrare la lieta
accoglienza fatta all’opera e all’autore e la cronaca dell’esecuzione. La quale è apparsa assai accurata sia dal
lato musicale che da quello scenico. Il maestro Zandonai è anche un’eccellente bacchetta che sa scoprire e
mettere in rilievo non solo le ossature tematiche e strumentali ma anche i dettagli, gli ornamenti e i colori più
tenui. E la sua opera che è, per quanto finemente e limpidamente, assai elaborata ha bisogno appunto di una
bacchetta indagatrice, sicura, scrupolosa come la sua. Aggiungasi che la falange orchestrale, pronta e agguerrita,
gli ha ubbidito con mirabile esattezza.
Anche gl’interpreti hanno gareggiato per valentia e volontà, a cominciare dalla protagonista Gilda Dalla
Rizza, che sebbene afflitta da una lieve indisposizione ugolare si è mantenuta, tranne nel primo atto, all’altezza
della non facile incarnazione. Nel terzo atto, per gentilezza e stile di movimenti, per dolcezza di canto emesso
con vigile distribuzione di respiri, ella ha data novella prova della versatilità interpretativa che le ha reso la
rinomanza di cui gode.
La voce tersa, vigorosa, rotonda del tenore Michele Fleta si è effusa con fluidità ed ha perfettamente seguite
le ondulazioni della sua parte; mentre non sempre il carattere di Paolo il bello, che ce lo immaginiamo
contenuto e pensoso anche nei momenti di fervida passionalità, è stato reso tale da lui. Piccola menda, alla quale
se vuole il Fleta, che è intelligentissimo, può facilmente riparare.
Una figura fortemente scolpita è stata quella di Gianciotto, riprodotta dal giovane baritono Maugeri con
opportuna brutalità e violenza. Nel colloquio, che non vogliamo chiamare duetto, tra lui e Malatestino la
drammaticità della scena si è scatenata col più turbinoso vigore.
Degni di encomio il tenore Palai nei panni di Malatestino perverso e feroce, e il baritono Besanzoni nella
parte di Ostasio: meritevoli di menzione il Malfatti (ser Toldo), De Vecchi (il Giullare), la Vitulli, dolcissima
Samaritana.
Le donne di Francesca, corrette, vivaci, rispettose, malinconiche a seconda delle situazioni, hanno
contribuito validamente alla riproduzione storica e politica dell’ambiente. Le lievi danze del terzo atto non son
sembrate rispondenti e intonate al momento psicologico; mentre i piccoli e deliziosi cori sparsi qua e là per la
partitura e il gran coro finale del secondo atto (che però per la distribuzione delle masse hanno un po’ del
vecchio melodramma) si son diffusi nell’aria armoniosi e affiatati, del che va data lode all’istruttore maestro
Consoli.
Quando avremo nominati il régisseur Francioli e il direttore scenico Ansaldo avremo forse non dimenticato
alcun cooperatore del riuscitissimo spettacolo inaugurale della stagione, che in tal modo si apre sotto i più
favorevoli auspici.
Alla fine di ogni atto il maestro Zandonai da solo e insieme ai principali interpreti è stato ripetutamente
evocato ed acclamato.
[...]
75
R[oberto] Forges-Davanzati, La “Francesca da Rimini ” al Costanzi, “L’Idea nazionale”, 28.12.1921 - p. 3, col.
2-3-4
Di aver finalmente scrollata l’inesplicabile consuetudine di inaugurare la stagione d’opera con Wagner o con
altro repertorio straniero, l’impresa del Costanzi può esser soddisfatta. Senza discutere qui del cosmopolitismo
in arte, e anche accettandolo, si può esser facilmente d’accordo nel dire che in casa nostra per far bene gli onori
di casa dobbiamo cominciare con rispettare noi stessi.
Di avere scelta Francesca da Rimini, lo spartito più giovanilmente sano della nova generazione musicale,
come spettacolo di inaugurazione, può essere ancor più soddisfatta.
Iersera, nella sala del Costanzi, il gran pubblico che si ritrovava non soltanto col desiderio di ascoltare e
riascoltare Francesca ma con la affettuosa disposizione di celebrare un rito d’arte e di buona mondanità, s’è
Francesca da Rimini/36

accolto volentieri con slancio spontaneo nell’applauso cordiale e ripetuto al maestro Zandonai che era sul podio
a dirigere la sua musica.
Iersera nella sala c’è stato buon calore di italianità. L’ovazione piena e pronta che ha salutato il Re, la
Regina, il Principe ereditario; le salve d’applausi che hanno accompagnato la musica fragorosa e sussultante
dell’inno reale, si sono mirabilmente fuse con tutto il sentimento del pubblico, felice di riconoscere nella
Francesca i segni di nobiltà di un’arte italiana. Nel grido: viva l’Italia, ch’è stato gettato dalla galleria, non si è
concluso un cerimoniale di acclamazioni ma è stato quanto era nei cuori.
Quando Francesca era venuta sulle scene del “Costanzi”, il suo autore, italiano, italianissimo, aveva tuttavia
nel petto l’amarezza dell’esule. La sua terra, il Trentino, era Italia ed era tuttavia un cuneo straniero di
prepotenza austriaca, a continua minaccia dell’Italia bella. Oggi Riccardo Zandonai sale sul podio a inaugurare
la stagione della Capitale, di Roma che è finalmente capitale anche per la sua terra: e, prima che il velario si apra
sul fragore dell’antica contesa guelfa e ghibellina, egli può finalmente, attaccando le note dell’inno, salutare il
suo Re che è Re anche sulla sua terra, fino al Brennero.
Viva l’Italia! E nel grido era salutata la poesia di Dante, che primo diede a Francesca l’immortalità, era
salutata la poesia di Gabriele d’Annunzio, il poeta-soldato, era salutata la musica dell’autore redento e che,
appunto in questi accenti di italianità, aveva, prima della guerra vittoriosa, gettato un’altra voce della stirpe.
Viva l’Italia! E tutte le cose dette e non dette, pensate e non pensate, consapevoli o istintive, sono state
raccolte da quel grido, mentre davano a questa prima rappresentazione un’intimità appassionata che altre volte
era mancata.
E non per questo è stato sforzato il valore artistico dell’opera, il valore dell’esecuzione. Gli applausi agli
artisti e al maestro Zandonai, ripetutamente chiamato da solo al proscenio, sono stati quali dovevano essere:
schietti, spontanei, calorosi. Per una musica che ha soprattutto una virtù di misura stilistica; che anche dove cede
alla sonorità riesce a sfuggire la banalità retorica; che ha grazie di atteggiamenti canori, languori accorati di
passione, squisite tristezze di presentimenti.
Fra Puccini, che aveva nella Fanciulla del West ceduto ad un esotismo violento, e Mascagni che con Isabeau
s’era abbandonato ad una esasperazione sonora ed esteriore, questa contemporanea Francesca da Rimini del
giovane trentino della nova generazione musicale si presentò con virtù proprie, innegabili. Virtù di espressione
più che di inspirazione. Ché anche oggi, in una riposata e tranquilla accoglienza come quella di ieri sera, le idee
e gli accenti e i sentimenti musicali dell’autore appaiono fragili, limitati. L’ampiezza sonora, alla quale, come
nel primo e nel terzo atto è possibile abbandonarsi, è più di sviluppo decorativo che di intimità e di linguaggio
melodico, anche nei momenti di passione.
La musica non raggiunge mai profondità vive di emozione, ché anzi perde le virtù di levità e di tenuità
squisite dei momenti migliori dell’opera quando vuol essere travolgente come nella passione durante la
battaglia, come nel colloquio finale dei due amanti prima della morte cruda. Ma quanta grazia di accenti
luminosi, quanta dolcezza triste è nel femminile primo atto, tra le ancelle gaie e festose, l’attesa contenuta di
Francesca, l’improvviso tenerissimo sbigottimento di Samaritana! Quale vaghezza di canto, quale atmosfera di
amore e di morte è nel femminile terzo atto, nell’ingenuità di Biancofiore, nella misteriosa complicità di
Smaragdi, nel colloquio d’amore in cui Paolo stesso è tutto languore e smarrimento!
Queste virtù sono state iersera pienamente intese dal pubblico con una sensibilità di gusto veramente
confortante. E l’opera ha avuto la riconsacrazione di un successo senza sottintesi.
Sotto la direzione esperta dell’autore ha prevalso, nel canto e nell’orchestra, l’elemento decorativo di
quest’opera, che si presenta ad affreschi chiari e trasparenti, dolci e armoniosi negli episodi d’amore, esteriore e
fiacco in quello della battaglia, abile di luci e d’ombre nell’episodio della denunzia rabbiosa di Malatestino.
Questa Francesca più che dramma di persone vive, travolte di passione in un’ora di fosca vita e di duro
battagliare, appare con una sua magia di antica istoria. Effigiata in quadri espressivi, che improvvisamente si
anima e si muove in una luce lunare, così come Heine imaginava ripetersi il mito di Gianfredo Rudello su dagli
arazzi del vecchio castello, fluttuanti al vento notturno.
Riccardo Zandonai, cui l’orchestra ha obbedito docilmente, è riuscito a mantenere sempre l’incanto di questa
evocazione e dare carattere agli episodi, che pretendono a robustezza e incisione di accenti, come il soliloquio di
Gianciotto e di Malatestino, fortemente eseguito dal baritono Maugeri e dal tenore Palai. Francesca era Gilda
dalla Rizza, la cui voce rotonda e disegnata era iersera velata nelle note alte per un’incresciosa indisposizione.
Paolo il tenore Fleta, un artista che ha accenti di forza e di grazia vocali da farlo piegare alle più diverse
interpretazioni. Il pubblico li ha chiamati, con gli altri, ad ogni fine d’atto, salutandoli di applausi meritati. Né
noi sapremmo rimproverare un difetto di drammaticità nei protagonisti, poiché, se mai, lo stile decorativo
dell’opera ci fa credere più interessante quella parte della loro interpretazione che è sobria di gesti, rifugge dalle
espansioni canore e preferisce l’accentuazione armoniosa e la dizione scandita.
Ci parvero una stonatura le danze al terzo atto, soprattutto per quelle ballerine in maglia e scarpini rosa,
anacronistici e fastidiosissimi. Possibile che non ne abbia per primo sentito il fastidio il maestro Zandonai?
Francesca da Rimini/37

Tutti gli atti furono applauditi; con maggior fervore il primo e il terzo e l’episodio di Gianciotto e
Malatestino.
È nel cuore di tutti che la nuova opera di Riccardo Zandonai, Giulietta e Romeo, sia quale merita l’arte
italiana, né morta né moritura.
76
m[atteo] i[ncagliati], “Francesca” al Costanzi, “Il Piccolo”, 27-28.12.1921 - p. 3, col. 1
[nb: l’articolo riproduce, con solo qualche piccola modificazione, il paragrafo “Lo spettacolo” dall’articolo,
dello stesso Incagliati, riportato dal “Giornale d’Italia” del 28.12.1921 – cfr. n. 79]
77
La sala
Ecco – per le lettrici che non hanno assistito a questo spettacolo del Costanzi, dove ogni anno nella serata di
Santo Stefano si celebra la maggior festa dell’eleganza – ecco com’erano vestite le signore che apparivano
numerosissime in ogni ordine di posti.
Non farò una rassegna particolare delle personalità e delle loro toilettes – la sola lista dei nomi richiederebbe
uno spazio grande. Contentiamoci di uno sguardo sintetico gettato nei palchi e nelle poltrone per fissare le
caratteristiche degli abbigliamenti come appaiono nei loro colori e nelle loro linee generali. Nelle serate che
seguiranno, a teatro meno affollato, avremo agio di rendere più interessante questa rassegna della eleganza con
descrizioni particolareggiate.
Ma incominciamo dal notare la presenza nei palchi di Corte della famiglia reale. Il Re e la Regina siedono
nel palco di proscenio, ed alla fine del primo atto, quando il pubblico s’accorge della loro presenza, scoppia
un’ovazione prolungata con evviva al loro indirizzo: i Sovrani, il principe ereditario e le principesse si alzano e
s’inchinano. Il Re veste in borghese. La Regina aveva un abito di satin mauve chiaro e portava sulle spalle una
volpe grigia. Semplice e modesto come sempre l’abbigliamento delle principesse nei loro corsages di tinte
sobrie.
Nella sala è tutto un luccichìo di paillettes, di perle di jais e di lamés nei colori nero, granata e grigio-perla
su fondi di tessuto nero e di toni armonizzanti.
Erano drappeggiati di velluto, di satin, di crespo marocain, di chiffon, di mantilly che mostravano ornamenti
di frangie di cordonetto o di perle di jeis, ornamenti costituiti in gran parte da panneaux ricamati di paillettes,
pendenti dai fianchi e strascicanti. Erano centurati di nastro ciré, di fiori artificiali e di catene di metallo, e di
galaliithe.
Nessun cappello, o pochissime toques minuscole, drappeggiate a turbante e portate specialmente nelle
poltrone. Nelle pettinature predominava lo stile semplice, rotondo, a ondulazioni, con acconciature di verreries
nere, bandeaux di perle e semplici nastri cingenti la fronte. Poche le pettinature artistiche drappeggiate a volute
e adorne di pettini di ultima novità.
Fra le signore che ricordo di avere veduto erano degne di ammirazione la P.ssa Giovannelli, in nero, Donna
Elsie Torlonia in abbigliamento grigio, la marchesa Godi di Godio. La marchesa Misciatelli. La contessa
Antonelli, signora Pavoncelli, signora Ceresa marchesa di Bagno. Donna Ruspoli Maria Contessa di Samnuj.
Marchesa Patrizi. La signora Nicolaj in un elegante abbigliamento di duvetyne bianco adorno di astrakan nero.
La baronessa Compagna. Contessa Ceriano-Grazioli. Signora Falbo, Contessa e contessine Andreozzi.
Marchesa Serlupi, donna Corinna dall’Ongaro Fabris, donna Bianca Varvaro, Principessa Maria Antici-Mattei.
Marchesa di Bagno, signora Vurtz, contessa Guardi, duchesse Sforza Cesarini. Contessa Ceresa. Signora
Tabanelli, contessa Rossi, signora Montorsi, signorina Moglia, signora Romano, ecc.
g. n.
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