ra i rapporti annuali dell'arte - The European Foundation Centre

34 Fondazioni civili
La mappa delle fondazioni d’artista italiane è estremamente variegata. Sono quasi 50 quelle
censite nella nostra indagine e 27 quelle analizzate. Per ogni soggetto si aprono strade
possibili, nate da storie uniche, legate al percorso dell’artista, che spesso si intreccia
e si sovrappone con il contesto della produzione creativa. Ci sono fondazioni promosse dalle
famiglie di grandi personalità scomparse e altre create dai protagonisti ancora attivi nello scenario
contemporaneo, mossi dal bisogno di fare «qualcosa di più». In tutte si riconosce l’esigenza
di tramandare, proseguire e lo sforzo comune per preservare una memoria condivisa,
in un Paese che sembra spesso incapace di tutelare questo patrimonio come parte della sua
identità. Un esempio è il Museo Marino Marini, a Firenze nato sotto l’egida di un grande artista
della plastica italiana del secolo scorso, diventato attrattore di esperienze che guardano
ai linguaggi contemporanei, dalla video arte alla poesia o alla musica sperimentale, in dialogo
con la scena internazionale. E all’esperienza, unica al mondo, di Cittadellarte, a Biella, quasi
un’opera work in progress che traduce il pensiero e la ricerca di Michelangelo Pistoletto, in
una sorta di «Città del Sole», luogo di formazione in cui l’arte è protagonista della società civile.
Una strada seguita a Roma dalla Fondazione Baruchello, che oltre ad occuparsi della promozione
dell’opera dell’artista, lavora sulla formazione culturale e artistica, con residenze e
workshop.
Se molte sono le fondazioni «private», quelle nate nel nuovo millennio hanno adottato prevalentemente
la forma «di partecipazione», ovvero sono aperte al coinvolgimento di nuovi soggetti
pubblici e privati: una scelta non solo strumentale, per ripartirne gli oneri, ma una priorità
strategica e una modalità di relazione con l’esterno. Questo è il modello della fondazione
Con una conversazione «doppia», tra arte e design, percorriamo
due storie: quella della Fondazione Achille Castiglioni
e della Fondazione Arnaldo Pomodoro. Entrambe
«di partecipazione», ma con percorsi in due direzioni.
La prima è nata nel 2011. La seconda, in meno di vent’anni ha
avuto tre vite, rese possibili dalla forza di chi l’ha creata.
Spirito Design
Dopo dieci anni di attività,
con la scomparsa
del grande designer e architetto,
lo Studio Museo
di Achille Castiglioni
si è trasformato, alla
fine del 2011, in una
fondazione di partecipazione.
Il Presidente, e
figlio di Achille, Carlo
Livio Castiglioni ci racconta
l’evoluzione del
progetto, al tavolo dello
studio del Maestro, attorno
al quale si raccolgono
ancora oggi le sedie
da lui progettate e
quelle dei più importanti
designer del suo tempo,
con cui lavorava e si
confrontava. Come que-
Achille Castiglioni
ste sedie, ogni oggetto
dello studio, compresi
gli oggetti anonimi che egli conservava in una grande vetrina,
compone un racconto dell’insegnamento, dei valori e della visione
del designer. La Fondazione, oltre a tramandare queste
storie, vuole crearne di nuove, con una forte apertura
ai giovani designer e architetti che hanno costruito un pezzo
della storia della città.
L’idea della fondazione era nelle volontà di Achille Castiglioni?
Mio padre non ha mai pensato a una fondazione. A lui interessava
il rapporto con i giovani, soprattutto come docente. Quando
è scomparso, abbiamo pensato al futuro dello studio, che
era quello di un artigiano del design, che lavorava quasi da solo,
per mantenerne vivo lo spirito, con le sue caratteristiche
progettuali, di lavoro e di insegnamento. Lo abbiamo aperto
come «studio vivente» nel quale si potessero «toccare» gli
oggetti e spiegare il progetto, la sua evoluzione fino al prodotto.
Grazie all’impegno di mia sorella Giovanna, questa prima
fase ci ha portato oltre 4mila visitatori l’anno. Con un finanziamento
della Triennale abbiamo archiviato e digitalizzato
una massa importante di documenti. Nel 2011, abbiamo
pensato ad un salto qualitativo, organizzativo e di gestione:
trasformare lo studio in una fondazione nella quale potessero
entrare altri soggetti, per fare di più.
Con quali obiettivi nasce la fondazione? Come si è tradotta la
visione di Castiglioni nei suoi obiettivi?
Il pallino di mio padre, rimane nel nostro spirito: coinvolgere
i giovani. Vogliamo un luogo in cui possano presentare le loro
creazioni e trovare un punto di riferimento. Oggi c’è un problema
culturale. Quando i designer come mio padre hanno
iniziato, si sono trovati nella condizione unica di poter lavorare
con imprenditori che avevano capito l’importanza
IL GIORNALE DELL’ARTE, N. 321, GIUGNO 2012
FRATELLI DI TAGLI: I MUSEI DEGLI ARTISTI
Il sogno dell’artista è diventare museo cioè fondazione.
Tutte hanno lo stesso problema: una dote finanziaria
che garantisca la sostenibilità. Senza, il futuro ha due strade:
limitare le attività o chiudere
di rischiare e su questo hanno sviluppato le loro imprese.
Negli anni ‘60 il design offriva a un’azienda un elemento di
distintività rispetto alle altre, oggi è più difficile e corriamo
il rischio che il design diventi esclusivamente moda. Occorre
ripartire dal processo di produzione intellettuale: conoscere
le capacità produttive dell’azienda, sfruttarle al
meglio e trovare l’innovazione. Rispetto a questo, la funzione
della fondazione deve essere di promozione: puntare sui giovani
e creare collegamenti con le aziende. Il Politecnico di Milano,
con cui lavoriamo, ci fa avere idee e ci aiuta a far circolare
questo modello.
Prima e dopo la nascita della fondazione: cosa è cambiato?
Siamo entrati in una nuova ottica, esterna allo studio. Con
la mostra Casa Castiglioni, presentata a Milano e oggi richiesta
in altre città, abbiamo fatto rivivere gli oggetti, mostrando
come debbono essere usati, in relazione alla componente progettuale.
Durante il Salone del Mobile abbiamo presentato lavori
di giovani architetti e stiamo lanciando un concorso per la
progettazione del logo della fondazione.
Creare una fondazione è comunque un processo complesso,
un lungo iter burocratico. Abbiamo scelto il modello di
partecipazione, in cui è entrata, come socio promotore, la
Triennale di Milano, come garanzia istituzionale e di diversificazione
degli obiettivi, ma la sostenibilità è un tema critico.
Anche dopo la costituzione della fondazione, la famiglia
continua a sostenerla per circa il 40-50%. Il passo successivo
è coinvolgere anche le aziende, perché possano fornire il loro
contributo come soci partecipanti.
Tra i progetti futuri, vorremmo che in una città come Milano,
si creasse un network di studi di designer. L’AMAD (Archivi
Milanesi di Architettura e Design), l’associazione che abbiamo
creato, ha l’obiettivo di creare un «museo aperto e diffuso»
nella città. MB e SN
Uscire dalla torre d’avorio
Raccontiamo una storia paradigmatica per leggerne altre
nel suo sviluppo. Un’evoluzione, grandi investimenti di
energie, mentali, fisiche ed economiche. La revisione di un
progetto. A gennaio 2012, dopo sei anni di attività, chiudono
a Milano i meravigliosi spazi di Via Solari della Fondazione
Arnaldo Pomodoro. Fu Giulio Argan a consigliare all’artista
di creare una fondazione per salvaguardare il suo lavoro.
Una realtà non autocelebrativa, noiosa, ma viva e
aperta ai giovani e alle discipline. Non solo per lo studio
delle opere, la tutela dai falsi, la gestione della collezione e
dell’archivio. Il collega Messina lo avvisò «la fondazione è
come la barca, occorrono soldi e tanti per mantenerla viva nel
tempo».
La Fondazione Arnaldo Pomodoro nasce nel 1995 su iniziativa
del Maestro, «ho sempre sentito in me il coinvolgimento
sociale, il desiderio di uscire dalla torre d’avorio dello studio,
certo che lo scultore debba coinvolgersi con il tessuto urbano».
La dota di una collezione e della sede nel cuore di Milano,
in vicolo dei Lavandai, una pertinenza del suo studio storico
dagli anni ’60: «una delle più belle zone della città, dove
si possono ammirare certe pietre dove si legavano i barconi,
perché dai Navigli arrivavano le cose da fuori città».
Pomodoro sceglie una formula giuridica della fondazione di
partecipazione, pensando di accogliere nel tempo, oltre alla
famiglia, coloro che condividono la sua visione. Si dota di un
Consiglio di eminenti figure del mondo culturale ed economi-
Alberto Burri, a Città di Castello, dove la relazione tra pubblico e privato diventa lo zoccolo
duro della tutela di due grandi collezioni: Palazzo Albizzini, che racconta il Burri «storico»,
quello dei Sacchi, delle Combustioni, dei Cellotex, dei Cretti, e gli Ex- Essiccatoi, che riguarda
l’ultimo periodo, dalla fine degli anni ’70 fino alla scomparsa del maestro.
L’esigenza di futuro prende diverse forme: dalla pura conservazione, archiviazione e valorizzazione
delle opere e del patrimonio materiale dell’artista, alla sfida di continuare a interpretarne
il pensiero e la visione in azioni rivolte al futuro, per i giovani.
Sorge la tentazione di individuare una dicotomia tra un modello di fondazione puramente conservativo,
potremmo dire «dormiente», e uno più proiettato all’esterno, al confronto, all’esercizio
di un ruolo attivo e, potremmo dire, socialmente responsabile. Se però ascoltiamo le storie
di questi soggetti, e allarghiamo lo sguardo al contesto in cui si trovano ad agire, anche la
«semplice» conservazione appare uno sforzo prezioso, per nulla scontato e autoreferenziale
Da qui al tema critico, per tutte, della sostenibilità e della sopravvivenza il passaggio è breve:
la reazione alla crisi è resistere, limitare le attività all’essenziale, aumentando però il rischio
di essere percepiti come «cosa privata» e diminuendo le opportunità di coinvolgimento e partecipazione
di soggetti esterni.
Un dato importante e incoraggiante è l’attenzione ai giovani come destinatari privilegiati della
progettualità, un esempio è la Fondazione Merz, con attività formative, borse di studio, premi
e iniziative dedicate, e, nelle più illuminate, la consapevolezza dell’importanza di lavorare
in rete, con il territorio e con altre realtà. Forse, al di là della crisi, questo è proprio il punto
da cui ripartire. Maddalena Bonicelli e Santa Nastro
co. Dopo pochi anni, si
trasferisce in un’area di
archeologia industriale
in periferia, a Rozzano,
ristrutturato da Pierluigi
Cerri. «Una forzatura.
Era l’unico luogo in cui
mi potevo permettere un
grande spazio per le
sculture e in cui ho potuto
esporre per la prima
volta le opere destinate
alla mia fondazione».
Dal 2005 «cercavo
un luogo per realizzare
“Novecento”, la grande
opera che mi era stata
commissionata per la
fine del millennio. Mi
indicarono la vecchia
fabbrica delle grandi
turbine della Riva Cal- Arnaldo Pomodoro, 2009
zoni, in via Solari. L’incontro
fu meraviglia. Ne acquistai mille metri, poi diventati tremila,
per trasferire quello che avevo iniziato a Rozzano».
Lo straordinario luogo, restaurato da Cerri accedendo a bandi
di finanziamento regionali, apre con i migliori auspici per
portare a Milano stimoli di pensiero contemporaneo, per contribuire
a risvegliare le grandi risorse di innovazione della città.
Nasce nella certezza che molti amici, imprese e istituzioni,
si affiancheranno per non perdere l’opportunità di una nuova
fucina di idee. Apre con una grande mostra sull’idea di collettività
della cultura plastica del ‘900, molto radicata in Italia,
alla quale fanno seguito personali di scultori come Gianni
Kounellis documentato da Olmi, di artisti che hanno avuto
importanza cruciale nella vita di Arnaldo come Gastone Novelli
e Lucio Fontana, figure internazionali mai presentate in
Italia come Cristina Iglesias e Magdalena Abakanowicz e altri
giovani e meno noti. Oltre alle attività espositive, ci sono
teatro, reading, conferenze, proiezioni cinematografiche, attività
educative.
La Fondazione diventa un’opera in se stessa, work in progress,
come l’affascinante labirinto che in sei anni Arnaldo, classe
1926 e spirito da ragazzo, ha costruito nelle viscere della sua
fabbrica della cultura.
Trova un partner di percorso convinto come UniCredit. Poi
cambiano i vertici e il contesto. Per il resto, su un budget annuo
di circa 1,5 milioni di euro almeno un milione sono risorse
proprie. Dall’amministrazione pubblica non arriva
un euro, oltre agli apprezzamenti, copiosi anche dai privati
alle vernici glamour, con il bel mondo schierato.
E se la Fondazione non viene integrata nel progetto di territorio,
Arnaldo deve guardare al futuro. Si prospetta la terza fase
di vita della fondazione: «visitando lo studio di Noguchi a
New York, nel quale ero stato prima della sua morte, l’ho trovato
così umano, vero, vicino, che mi ha fatto venire il desiderio
di imitarlo. Sapere di lasciare il luogo in cui hai lavorato,
dove si vedono le tracce, si sentono gli odori…». Diventerà
una casa museo. Come dice Flaminio Gualdoni, il
critico che lo ha molto seguito, «non per congelare un’immagine
nella storia, ma per fare della figura dell’artista ciò
che è stata - nella vicenda di via Solari e in quella di Rozzano
- un luogo di studio e di elaborazione che lo riguarda,
ma soprattutto sulla pratica della scultura». CSM
© CARLO ORSI