EDITORI MUSICALI,UNA PASSIONE LUNGA UN SECOLO - Siae

VIVAVERDI IL GIORNALE DEGLI AUTORI E DEGLI EDITORI 

4 

ARTE CINEMA LETTERATURA MUSICA TEATRO RADIO TELEVISIONE 

DISTRIBUZIONE GRATUITA - ANNO 77 - N° 4 - LUGLIO • AGOSTO 2005 

Società Italiana degli Autori ed Editori 

VIVAVERDI 

Il giornale degli Autori e degli Editori 

EDITORI MUSICALI,UNA PASSIONE LUNGA UN SECOLO 

ENDRIGO la sua ultima intervista VENICE DAYS autori di nuovo protagonisti 

CINEMA l'invasione dei festival COCCIANTE-PANELLA Giulietta e Romeo, l'opera rivive 

CONTARELLO - LAUZI - PAOLINI l'arte di scrivere e di raccontare 

ROMA EUROPA FESTIVAL 20 anni vissuti “contemporaneamente” SIAE un bilancio positivo 

BOLLETTINO SOCIALE le notizie dalla Siae, la partecipazione al Midem 2006 

Giulio Ricordi

ENDRIGO VISTO DA WALTER MOLINO 

Tratto dal libro di Albertarelli, Gedda, Ronza Tv Game, edizioni Lo Scarabeo

siae 

VIALE DELLA LETTERATURA 30 

ANGELO DELLA VALLE 

È IL NUOVO DIRETTORE GENERALE 

Il nuovo Direttore Generale della Siae ha svolto 

tutta la sua carriera all’interno della Società della 

quale è entrato a far parte, vincitore di un concorso 

pubblico, fin dal 1971. Dirigente dal 1981, 

prima come Vice Direttore del Servizio 

Ispettorato Centrale, poi Direttore della Sezione 

Musica-Emittenza, è stato nominato Capo della 

Segreteria della Presidenza e della Direzione 

generale nel 1992. Nel 1994 è divenuto Vice 

Direttore Generale, assumendo dal 1998 anche 

l’incarico di dirigere la Divisione Autori ed 

Editori. Divisione che comprende le Sezioni 

dedicate alla Musica, al Cinema, al Teatro-Radio 

-Televisione, alla Letteratura ed Arti Visive, alla 

Lirica e alla Multimedilità. 

La profonda esperienza nelle problematiche 

nazionali ed internazionali connesse alla tutela 

del diritto d’autore, è stata quindi acquisita sul 

campo, grazie all’impegno nei più disparati settori 

e soprattutto alla gestione dei rapporti con i 

grandi utilizzatori di opere tutelate. Questa esperienza 

costituisce uno strumento fondamentale 

per il piano di rilancio che il nuovo Direttore 

Generale ha immediatamente elaborato affinché 

la Siae, dopo un lungo periodo di difficoltà, possa 

recuperare rapidamente efficacia di risultati nell’attuale 

scenario nazionale, in quello comunitario 

ed internazionale. 

Le questioni che si presentano sono molteplici e 

vanno da quelle relative allo sfruttamento delle 

opere tramite le nuove tecnologie a quelle altrettanto 

complesse del ruolo che tutte le Società di 

autori devono assumere nel nuovo contesto 

europeo e internazionale. 

Soddisfare queste esigenze, coniugandole con 

una sempre più adeguata tutela economica delle 

opere e con un miglioramento dei servizi per gli 

autori e gli editori, è il compito principale che si 

pone il nuovo Direttore Generale. “Un altro tema 

molto importante – ha dichiarato Angelo Della 

Valle – è quello di comunicare a tutti gli aderenti, 

non solo come lavora la Società, ma anche quali 

sono le priorità da affrontare. Per questo scopo 

utilizzeremo non soltanto Vivaverdi e il sito web, 

ma ho in programma una serie di incontri con gli 

autori e gli editori nelle principali città italiane 

per parlare direttamente con loro, ascoltare le 

loro esigenze e confrontarsi sui problemi da 

risolvere”. 

© Foto Giuseppe Ziliotto

VIALE DELLA LETTERATURA 30 

GIORGIO ASSUMMA 

NUOVO PRESIDENTE DELLA SIAE 

Mercoledì 12 ottobre la settima Commissione 

(Istruzione, Beni Culturali, Ricerca scientifica, 

Spettacolo e Sport) del Senato e la settima 

Commissione Cultura della Camera hanno 

espresso parere favorevole alla nomina dell’avvocato 

Giorgio Assumma, già designato il 20 settembre 

dall’Assemblea degli Associati Siae alla 

presidenza della Società Italiana Autori ed 

Editori. Il Presidente della Repubblica Carlo 

Azeglio Ciampi, ha poi firmato il Decreto di 

nomina. Subito dopo la ratifica parlamentare, il 

neopresidente s’è così espresso: “Ora è fondamentale 

che la Società operi nella più ampia 

autonomia, naturalmente nel rispetto delle leggi 

e delle norme”. E a proposito dei suoi primi 

impegni, il presidente Giorgio Assumma ha 

indicato l’intenzione di voler mettersi al più presto 

al lavoro “per riformare lo statuto della 

Società italiana Autori ed Editori e la legge sul 

diritto d’autore, con la collaborazione delle forze 

politiche, nei punti in cui si occupa della Siae, 

proprio per dare una migliore definizione del 

ruolo pubblico”. L’altra priorità segnalata dal 

Presidente è racchiusa nell’esigenza “di potenziare 

la rete periferica della Siae” per “lavorare 

meglio, con l’attuale personale, per la tutela economica 

dei diritti e garantire dunque più introiti 

ad autori ed editori”. 

L’avvocato Giorgio Assumma era stato designato 

in prima votazione, pressochè all’unanimità (50 

voti su 51, una scheda nulla) Presidente della 

Società Italiana Autori ed Editori (Siae), nel 

corso dell’Assemblea della Società svoltasi lo 

scorso 20 settembre nella sede di Roma. Nato a 

Civitavecchia nel 1935, Giorgio Assumma è uno 

tra i più noti studiosi e avvocati di diritto d’autore 

e dello spettacolo. Docente all’Università Statale 

di Roma III in Diritto dell’Editoria, insegna 

anche Diritto dell’Unione Europea 

all’Università romana Lumsa. È Presidente 

della Fondazione Internazionale Perseus- 

Studi Internazionali per le comunicazioni 

sociali che, in collaborazione 

con l’Università Cattolica di 

Milano, è sede di corsi di promozione per gli 

autori dell’Audiovisivo. Direttore della collana 

“Diritto e Pratica nelle attività culturali informative 

e ricreative” dell’editore Cedam, l’avvocato 

Assumma è autore, insieme al professor Giuseppe 

Corasaniti, del Codice del Diritto e dello Spettacolo, 

edito dalla stessa Cedam. È Autore di altri numerosi 

testi sul diritto dello spettacolo e sul diritto 

d’autore e da sempre ha affrontato temi legati al 

mondo della cultura e dello spettacolo. 

Nel primo discorso pronunciato a braccio davanti 

all’Assemblea della Società che l’aveva designato, 

l’avvocato Assumma aveva confessato d’aver 

accettato la designazione – dopo qualche 

titubanza iniziale – “perché ho pensato 

alla Siae del passato, ai grandi uomini, 

alle grandi battaglie che hanno portato 

l’ente a primeggiare e a divenire un 

bene della collettività, di tutta la collettività 

nazionale, indipendentemente 

dalle qualifiche di autori, di editori, di 

produttori e questo patrimonio culturale. 

Ho pensato, non si può, o meglio 

si deve fare di tutto, per evi- 

VIVAVERDI 

tare che la Siae perda la sua autonomia sotto un 

ennesimo Commissariamento. Addirittura – mi 

si passi l’espressione – che finisca nel cestino 

dei rifiuti di un liquidatore, supportando questa 

possibilità con il fatto che la legge sul diritto 

d’autore, che attribuisce l’esclusiva alla Siae nella 

riscossione e nella gestione dei Diritti, non è più 

in linea con i princìpi dell’Unione Europea, cosa 

non vera e che dovremo però comunque contrastare”. 

3

VIVAsommario 

10 

18 

S E R V I Z I 

40 

37 

26 

30 

PERSONAGGI Endrigo, la sua ultima intervista 10 

A Sergio 13 

Esempio unico di talento puro 14 

Sergio faccia di pietra 15 

Quanto mi dai se mi sparo 16 

AUTORI IN MOSTRA per fortuna ritornano 18 

CINEMA A tutto Festival 20 

PERSONAGGI Contarello, racconti dal cuore 22 

INCHIESTA Editore musicale, una passione lunga un secolo 26 

OPERA CONTEMPORANEA Giulietta e Romeo. Riccardo, Pasquale, Verona, l’amore 30 

AUTORITRATTI Lauzi, scrivere per 26 

ROMAEUROPA FESTIVAL Vent’anni di nomadismo culturale 37 

PERSONAGGI Paolini, l’arte di raccontare 40 

TELEVISIONE A.A.A. Cercasi autori comici di talento 42 

DIALOGHISTI Italiano, lingua di doppiatori 46 

DISCOGRAFIA Indipendenti non per caso 58 

È un ritratto inconsueto, quello di Sergio Endrigo 

che riproduciamo in copertina, nello scatto eseguito 

da Mariacristina Di Giuseppe. Ci restituisce 

un' idea di sospensione, in un'immagine del cantautore, 

come sempre, elegante e colta, che 

coniuga la musica con la poesia e la letteratura 

italiana e internazionale. L'intervista che pubblichiamo 

all'interno è stata raccolta da Michele 

Bovi, caporedattore centrale del Tg2, il 28 agosto, 

prima della morte. È l'ultima intervista, rilasciata 

a Vivaverdi. Una testimonianza e un bilancio 

appassionato di oltre cinquant'anni di carriera di 

uno dei più celebrato capostipite della canzone 

d'autore italiana. 

Anno 77 – Nuova serie 

Numero 4 

Luglio-Agosto 2005 

Bimestrale 

Direzione, redazione 

e amministrazione 

Viale della Letteratura, 30 

00144 Roma 

Centralino: 06.59901 

Redazione: 06.5990.2795 

Fax: 06.5990.2882 

ufficio.editoriale@siae.it 

www.siae.it 

Direttore responsabile 

Alberto Ferrigolo 

Comitato editoriale 

Linda Brunetta, Gianni Minà 

Oscar Prudente, Mimmo Rafele 

Coordinamento editoriale 

Stefano Micocci 

V I V A V E R D I 

Redazione 

Daniela Caramel, 

Antonella Gargiulo (segr. redaz. e ricerca fotografica), 

Daniela Nicolai, 

Letizia Pozzo 

Progetto grafico e impaginazione 

B&T Communication Company

LA SIAE AL MIDEM 2006 

La Società degli Autori ed Editori, assieme alle associazioni dei produttori discografici Afi, Fimi, Pmi e Scf e 

all'Imaie, parteciperà con uno stand, denominato "Italia in musica", alla 40 a edizione del Midem (Mercato 

Musicale Internazionale, www.midem.com) che si terrà dal 22 al 26 gennaio 2006 presso il Palais des 

Festivals di Cannes. Il Midem è il più importante mercato internazionale in campo musicale. Alla 39° edizione, 

l'anno scorso, erano presenti 9.313 partecipanti provenienti da 92 diversi paesi, 4.367 società e 2.140 

espositori con 313 stand, per una superficie espositiva totale di 9.083 mq. 

Il modulo di iscrizione allo stand si trova alla pagina 78 del Bollettino sociale di questo numero di Vivaverdi. 

42 

22 

R U B R I C H E 

VIGNETTA Endrigo visto da Molino 1 

SIAE Angelo della Valle è il nuovo Direttore Generale 2 

L’avvocato Giorgio Assumma nuovo Presidente 3 

VIVANTEPRIME 6 

VIVANOVANTANOVENOVITÁ 8 

VIVAHANNO DETTO Finanziaria 2006, la lunga notte dello spettacolo 44 

VIVADALL’INTERNO Siae 2004, un bilancio lusinghiero 48 

Musica, fonografico e oltre. I dati Siae 2004 50 

Assemblea Cisac, diffendersi o attaccare? 52 

Fondo solidarietà Siae, la fase di studio è conclusa 53 

Siae-Fapav, intesa antipirateria 54 

VIVAGLOSSARIO Il diritto d’autore è morale 55 

VIVAEVENTI 56 

VIVANELMONDO Sui diritti on-line 59 

VIVACONCORSI 60 

VIVAINRETE La bibblioteca è on-line 62 

ULTIMO APPLAUSO 64 

BOLLETTINO SOCIALE 72 

58 

80 

E R R A T A C O R R I G E 

In riferimento all’articolo “La vita è tutta un ballo” 

pubblicato su Vivaverdi n° 3 (maggio-giugno 2005), si 

precisa che l’Autore della canzone Romagna mia è di 

Secondo Casadei e non di Raoul Casadei. 

A proposito dell’articolo sul maestro Morricone 

(Vivaverdi n° 3, maggio-giugno 2005), si precisa che 

la direzione artistica del progetto”Io, Ennio Morricone” 

era di Lilli Greco. Italo “Lilli” Greco (Sezze Romano, 

1934) è un pezzo di storia della musica leggera italiana: 

diplomato in pianoforte, è assunto alla Rca Italia 

nel 1958, dove lavora ininterrottamente fino al 1989. 

In qualità prima di assistente musicale e poi di produttore, 

realizza i grandi successi di artisti come Gianni 

Meccia, Edoardo Vianello, Rita Pavone, Jimmy 

Fontana, i Flippers e Nico Fidenco. Dopo aver curato 

alcune storiche incisioni di Patty Pravo, è in prima 

linea nella stagione dei cantautori e realizza i primi 

dischi di Antonello Venditti, Francesco De Gregori 

prodotti dalla It e poi dalla Rca, e di Paolo Conte. La 

lista delle canzoni alla cui realizzazione ha preso 

parte è infinita e va da La partita di pallone a I 

Watussi, da Il barattolo a Sapore di sale, da Io che 

amo solo te a Il mondo, da Che sarà ad 

Abbronzatissima, da La bambola a Tripoli 1969, da 

Pazza idea a Roma capoccia, da Niente da capire a 

Mexico e nuvole, da Ogni volta a Via con me. 

COVERMEDIA 

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Stampa 

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Loc. Le Campora 

67038 Oricola (Aq) 

Registrazione alla Cancelleria del Tribunale 

di Roma n. 234 del 24.7.1948 

Questo giornale è pubblicato ai sensi della 

normativa della Siae e del Regolamento per 

l’esecuzione della legge 22 aprile 1941, n. 633, 

approvato con R. D. 18 maggio 1942, n. 1369 

Di questo numero sono state distribuite 

80.600 copie 

Chiuso in tipografia il 25 ottobre 2005 

Hanno collaborato a questo numero: 

Luca Barbarossa, Michele Bovi, Linda Brunetta, 

Daniela Caramel, Comitato di studio per le 

problematiche del Fondo di Solidarietà, 

Linda De Sanctis, Daniela d'Isa, Stefania 

Ercolani, Lisa Ginzburg, Giorgio Gosetti, 

Ugo Gregoretti, Bruno Lauzi, Sapo Matteucci, 

Stefano Micocci, Franco Migliacci, Gianni Minà, 

Franco Montini, Daniela Nicolai, Liliana Palermo, 

Vanessa Polselli, Letizia Pozzo, 

Giancarlo Pressenda, Oscar Prudente, 

Mimmo Rafele, Alberto Testa, Giuseppe Ziliotto 

In riferimento alle immagini pubblicate, l’editore 

e la direzione di Vivaverdi dichiarano la propria 

disponibilità all’assolvimento dei diritti di 

riproduzione per gli eventuali aventi diritto 

che non è stato possibile accertare 

Distribuzione gratuita 

P U B B L I C I T A ’ 

F O T O C R E D I T I

VIVAanteprime 

a cura di Letizia Pozzo 

INCENDIO SCELSIANO NELLA CAPITALE 

Tra il 6 ottobre e il 14 maggio un Festival ricorda 

Giacinto Scelsi (1905-1988). In tutta Roma saranno 

eseguite le musiche del più mistico dei compositori italiani. 

Appassionato delle filosofie orientali Scelsi cercò 

lo spirito del suono. Sarà possibile ascoltare le sue 

composizioni in numerosi concerti all’Auditorium Parco 

della Musica, a Santa Cecilia, a Villa Medici, 

all’Università La Sapienza, al Teatro dell’Opera, 

all’Accademia americana. In programma un convegno 

sulla figura del musicista, pittore e poeta, dal titolo Tre 

per Scelsi, il 9, 10 e 11 dicembre all’Auditorium del 

Goethe Institut di Roma. Ogni serata un’esecuzione 

musicale. Per informazioni: www.scelsi.it 

ALLA CASA DEL CINEMA ARTE 

E DOCUMENTARI 

Incontri con registi italiani e stranieri alla Casa del cinema 

di Roma. Tra gli incontri è da segnalare il 14 dicembre 

quello con i fratelli Taviani e una rassegna speciale 

sul documentario da gennaio. Dal 25 al 27 novembre 

2005 si svolge la quarta edizione di Neverland - 

percorsi al digitale, tre giorni d’incontri internazionali e 

proiezioni (dalle ore 16 alle ore 24, ingresso gratuito) 

sulle tecnologie digitali nei mestieri dell’arte e della 

comunicazione. Curata da Enzo Aronica, la manifestazione 

è l’occasione per indagare se, come e quanto la 

tecnologia digitale sia in grado di incontrare le moderne 

arti visive. È una “bottega di idee” con incontri internazionali, 

occasione per anteprime, proiezioni, presentazioni 

di libri, di nuove iniziative e curiosità dal mondo. 

CANZONI INEDITE 

DA TUTTO IL MONDO 

IN CILE 

Un teatro all’aperto, 

un’arena con il respiro 

mondiale della musica di 

tutto il mondo, è lo scenario 

della XLVII edizione 

del Festival della canzone, 

il 26 e 27 febbraio 2006 a Viña del Mar (Cile). 

Sono selezionate canzoni inedite o pubblicate dopo il 

1° marzo 2005 provenienti da tutto il mondo. Viene 

scelta una sola canzone per ciascun Paese. Il Festival 

vuole incoraggiare la creatività degli autori e compositori 

di musica popolare e incentivare lo sviluppo e lo 

scambio culturale tra i partecipanti. Per informazioni: 

www.canal13.com 

EFFETTI SPECIALI AL FUTURE FILM FESTIVAL 

DI BOLOGNA 

L’ottava edizione del Future Film Festival (Bologna 18- 

22 gennaio 2006) è dedicata all’animazione e agli 

effetti speciali al servizio dell’arte. Il programma del 

Festival, diretto da Giulietta Fara e Oscar Cosulich, si 

annuncia più ricco, con più incontri, più retrospettive 

ed eventi speciali dedicati all’universo digitale. Tra gli 

avvenimenti sarà proposto un incontro con una scuola 

d’animazione europea. I docenti avranno la possibilità 

di far conoscere la struttura in cui operano, favorendo 

uno scambio culturale tra i diversi paesi. 

LA PIÙ GRANDE ORCHESTRA GIOVANILE 

AL DISMA DI RIMINI 

Scuola Musicafestival, la manifestazione di riferimento 

per chi fa musica a scuola, è giunta al suo 

sesto anno di vita (11-13 marzo 2005). A Rimini, 

all’interno del Disma Music show, sarà possibile 

ascoltare la più grande orchestra giovanile del 

mondo con oltre 1.300 elementi provenienti da 

ogni regione d’Italia. La nuova edizione propone 

una nuova sezione interamente dedicata alla musica 

elettronica. Il Premio Net Music 1.0 è indirizzato 

a tutte le scuole che si occupano di musica realizzata 

con strumenti informatici. La sezione “ricerca” 

verrà aperta per la prima volta anche alle scuole 

del Secondo Ciclo. 

COMENCINI E METHA AL TEATRO DEL MAGGIO 

Dopo il debutto italiano di Carlo Ponti jr (nella foto), 

il Maggio musicale fiorentino punta su Verdi con una 

delle sue opere più amate, La traviata. È in programma 

dal 25 novembre al 9 dicembre e segna 

l’esordio a Firenze del direttore d’orchestra italiano 

Renato Palombo. La regia è di Cristina Comencini. 

Dal 20 al 31 gennaio torna lo spettacolo cult del 

maggio musicale Turandot di Puccini diretto da 

Zubin Metha con l’allestimento di Zhang Yimou, il 

regista cinese di Lanterne rosse. Per i 250 anni 

dalla nascita di Mozart sono in cartellone concerti 

di Abbado e Muti. Marzo vedrà anche il debutto, al 

Teatro Comunale, di Andrea Boccelli in un concerto 

diretto da Steven Mercurio. Nel periodo natalizio 

l’appuntamento con la danza vede protagonista 

Roberto Bolle nella tragedia di Romeo e Giulietta su 

musica di Riz Ortolani. 

PIÙ LIBRI PIÙ LIBERI TRA ROMA E TORINO 

Delle circa 50 mila novità editoriali prodotte ogni anno 

in Italia solo 3 mila sono facilmente reperibili nelle librerie, 

best seller editi da case editrici che possono giovarsi 

di campagne di promozione molto incisive. Per 

creare una vetrina di tutte le altre novità editoriali è 

nata l’idea di Più libri più liberi, la Fiera nazionale della 

piccola e media editoria che da 3 anni si svolge a 

Roma al Palazzo dei Congressi dell’Eur, dall’8 all’11 

dicembre. Sarà possibile consultare oltre 150.000 

volumi. E gli 8 spazi, dal Caffé letterario a quello dei 

Ragazzi fino alle sale per le conferenze, offriranno un 

palinsesto di convegni, incontri, presentazioni e performance. 

L’edizione 2005 sarà teatro della presentazione 

del programma di Torino capitale mondiale del libro 

con Roma.

© Werner Maresch 

A PARMA SUONI CORSARI 

Si rialza il sipario sulla X edizione del festival internazionale 

Parma Jazz Frontiere (16, 17, 18 dicembre, 

Teatro al Parco). La kermesse musicale, organizzata 

dall’Associazione culturale ParmaFrontiere, conferma 

la capacità di essere un evento-laboratorio, terreno 

d’incontro di artisti e “cantiere” per dare vita a nuove 

creazioni. Il programma propone ospiti come Misha 

Alperin (Russia), John Taylor (Inghilterra), Sylvain 

Kassap e Hélène Labarrière (Francia), Pino Minafra 

Sud Ensemble (Italia). Sarà dato spazio anche alle produzioni 

originali con il concerto Suoni Corsari - Appunti 

a Pier Paolo Pasolini e il Progetto Sarabanda con i 

complessi bandistici diretti dal M° Marco Remondini 

(www.parmafrontiere.it). 

ADA GENTILE IN GIAPPONE 

Dopo i concerti di fine ottobre, la compositrice Ada 

Gentile sarà a Kagoshima (Giappone) il 9 novembre, 

per eseguire nella stagione dei concerti dell’Università 

il brano Come dal nulla (per clarinetto basso), poi l’11 

novembre all’Università di Cosenza, il 12 novembre, a 

Roma al Goethe Institut, il 18 Dicembre al Parco della 

Musica, Sala Sinopoli. 

NATALE CON IL PRESEPE VIVENTE 

DI BOLLANI E RIONDINO 

I pensieri delle statue di un presepe vivente diventano 

canzoni in un singolare spettacolo, La cantata dei pastori 

immobili,messo in scena da David Riondino e Stefano 

Bollani. Il primo si è occupato del testo e sarà sul palco 

in veste di narratore; il secondo è l’autore delle musiche 

che eseguirà al pianoforte. Il 20 dicembre lo spettacolo 

è in programma al Teatro Comunale di Russi (Ra), il 21 

Dicembre al Teatro comunale di Marmirolo (Mn), il 29 

Dicembre a Porto San Giorgio (Ap). 

FAENZA: I NOMADI AL MEI 2005 

I Nomadi, Domenico Procacci con la Fandango e 

Red Ronnie sono tra le conferme del Mei 2005 che 

si terrà a Faenza il 26 e 27 novembre con anteprima 

il 25 sera al Teatro Masini. Verranno assegnati 

nell’edizione 2005: “Premio Italiano Musica 

Indipendente”, “Premio per il Miglior Videoclip 

Indipendente”, assegnati attraverso una giuria di 

giornalisti, e il premio “Fuori dal Mucchio” per il 

miglior album di esordio e i premi per il videoclip 

“Videoclipped The Radio Stars” e “AudioCoop”. Il 

Mei, giunto alla nona edizione, è l’avvenimento più 

importante per la musica indipendente italiana con 

25 mila presenze, 300 espositori e 400 artisti dal 

vivo, un appuntamento per il mantenimento e la diffusione 

della “cultura” indipendente. Numerosi i 

convegni sullo sviluppo della musica. Informazioni: 

mei@lamiarete.com (infoline 0546.646012) o 

www.audiocoop.it 

FESTIVAL DELLA SCIENZA A GENOVA 

La terza edizione del Festival della Scienza, che si svolge 

dal 27 ottobre all’8 novembre a Genova, si occupa 

delle “frontiere” della ricerca contemporanea, dalla fisica 

(di particolare attualità per le celebrazioni del centenario 

einsteniano) alle neuroscienze. Cervello, 

coscienza, memoria, sogni, emozioni raccontati da un 

neurofisiologo, sulla base di una profonda conoscenza 

delle cellule nervose, sono messi in scena da Lella 

Costa in una conferenza-spettacolo intitolata Neuroni e 

anima. L’attrice ricorda la frase di Einstein: “La mente 

che si apre a una nuova idea non ritorna mai alla 

dimensione precedente”. 

VIVAVERDI 

7 

TIME ZONE, LA VIA DELLE MUSICHE POSSIBILI 

La ventesima edizione del festival di musica contemporanea 

Time Zone, sulla via delle musiche possibili”, 

si terrà a Bari tra il 28 ottobre e il 29 novembre. Oltre 

alla presentazione di Insen, raffinato saggio multimediale 

sulla ricerca di suono puro nell’intersezione dell’impianto 

classico con il pianoforte di Ryuichi 

Sakamoto e “macchine elettroniche” di Alva Noto, è da 

segnalare l’incontro di Giovanni Sollima con Mauro 

Pagani. Tra i meriti della manifestazione, aver unito 

percorsi di ricerca disomogenei che hanno contribuito 

a ridefinire la geografia dei generi musicali distinti ed 

ingabbiati negli anni 80. 

GIOVANNI ALLEVI A NEW YORK 

Il compositore e pianista marchigiano Giovanni Allevi 

sarà il 18 novembre in concerto alla Casa del Jazz a 

Roma, mentre il 3 dicembre si esibirà nella Sala Verdi 

del Conservatorio di Milano. Ma queste due date 

sono solo un’anticipazione del tour vero e proprio, 

che vedrà Allevi suonare in Italia e all’estero dal gennaio 

del 2006. È già fissata anche la data del 15 

maggio 2006, in cui Giovanni Allevi, dopo il successo 

ottenuto nel marzo di quest’anno, ritornerà a suonare 

al Blue Note di New York. Saranno proposti i brani 

del suo ultimo disco per pianoforte No Concept

VIVAnovantanovenovità 

a cura di Daniela Caramel 

LUCA NESTI 

LA GENERAZIONE 

DI BEPPE MOLLISI 

Number One 

Studio 

Siciliano di origine 

ma lodigiano di adozione, 

il cantautore 

Beppe Mollisi ha realizzato 

Generazione, 

il suo quarto album. 

Il disco contiene sei canzoni che parlano di storie 

personali e di affetti familiari e trattano tragedie 

della nostra epoca. Disco ricco di contenuti e di 

sentimenti tradotti in musica. 

BRUNO LAUZI 

IL CASO DEL 

POMPELMO 

LEVIGATO 

Bompiani 

Un noir surreale 

segna l’esordio 

letterario di Bruno 

Lauzi. In un racconto 

dove il rapporto 

spazio-tempo è inesistente, 

strani protagonisti,tratteggiati 

con ironia, si 

avventurano alla 

ricerca di una pietramisteriosamente 

scomparsa. L’autore li accompagna lungo un 

percorso in cui si alternano spunti filosofici intrisi 

di humor, nonsense, riferimenti a personaggi reali, 

per sorprendere con il gusto dell’irrazionale e 

strappare un sorriso. 

GIANNA NANNINI 

IO 

Rizzoli 

Gianna Nannini racconta 

sé stessa con lo 

stile abituale: grintoso, 

sincero, irrequieto, 

sempre coerente e 

ricco d’umanità. Senza 

falsi pudori o falsi 

moralismi, l’autrice 

racconta l’infanzia di 

bambina ribelle dall’istinto 

fuggiasco, della 

sua vocazione artistica, 

dei successi e dell’impegno 

sociale. Ma racconta anche le cadute, le 

profonde sofferenze, la forza di rialzarsi e ricominciare 

a vivere. Io è il ritratto di una donna e di 

un’artista che non ha mai tradito sé stessa: emozioni 

forti e un messaggio d’amore universale. 

HO CAMBIATO IDEA 

Camion 

Sony Music 

Ho cambiato idea è il 

secondo album di Luca 

Nesti, un disco in cui il cantautore 

toscano racconta 

con spontaneità vita ed 

emozioni. I 13 brani dell’album spaziano dalla protesta 

ai sentimenti, musica rock alternata a brani 

melodici, voce calda e intensa. Sostiene l’artista: 

“Canzoni che esprimono l’urgenza di non restare 

indifferenti, né davanti all’amore né davanti all’ingiustizia”, 

dove cambiare idea significa non accettare 

di venire omologati dalla banalità del quotidiano. 

ANTONIO 

RANALLI 

NOMADI 

Editori Riuniti 

I Nomadi, gruppo 

che ha fatto la storia 

della canzone 

italiana, protagonisti 

della rivoluzione 

culturale degli 

anni ’60, precursori 

della canzone di 

impegno politicosociale, 

punto di 

riferimento del 

rock italiano, sono 

tuttora esponenti 

di spicco della musica contemporanea. Il volume 

percorre i quarant’anni della loro carriera e ne racconta 

la storia attraverso l’analisi di tutti i dischi e 

molte testimonianze, senza trascurare esperienze 

umane e sociali, le iniziative di solidarietà che 

compongono un album dei ricordi. 

LUIGI GIACHINO 

IMMAGINANDO 

IN MUSICA 

Cartman 

Luigi Giachino, musicista 

torinese, dopo diverse 

esperienze di composizione 

libera si è dedicato al 

teatro, agli audiovisivi, alla 

Tv. Questo testo, prefato 

da Luis Bacalov, è stato 

scritto con l’intendimento 

di creare un legame tra il mondo musicale e quello 

dell’immagine, tradizionalmente distanti se non 

addirittura in conflitto. A metà tra uno strumento 

di studio e un manuale di consultazione. 

IL MONDO DI BINDI 

IN UN OMAGGIO POSTUMO 

Associazione Culturale Il Mio Mondo/Imaie 

Umberto Bindi, artista scomodo nel panorama culturale 

della musica italiana quanto compositore sensibile, 

raffinato e innovativo, ha pagato con l’emarginazione 

le proprie scelte. Per ricordare il suo talento e 

le emozioni che le sue canzoni trasmettono, è stato 

realizzato Davanti all’orizzonte, un album che contiene 

il live di tre dei suoi brani più celebri, l’inedito che 

dà il titolo al disco ed altri pezzi interpretati dagli 

Armonium. Un modo per restituirgli il posto che gli 

spetta nella storia della canzone d’autore italiana. 

MICHELE PIERACCINI 

PRONTO A SPICCARE 

IL VOLO 

Ichnosound 

Avere una voce rassomigliante 

a quella di un 

“grande” può rappresentare 

un biglietto da visita, 

ma anche trasformarsi in 

handicap. Con affetto e una buona dose di autoironia, 

Michele Pieraccini prende le distanze dal suo ispiratore, 

Renato Zero, e tenta di librarsi con un disco 

dal titolo emblematico, In volo. Dodici tracce per un 

artista che vuole dimostrare autonomia e identità. 

FRANCO MONTINI, 

PIERO SPILA 

UN ATTORE 

CONTRO: 

GIAN MARIA 

VOLONTE’ 

RIZZOLI 

La figura di Gian Maria 

Volonté viene ricordata, 

a dieci anni dalla 

scomparsa, con un 

libro ed un Dvd (realizzato 

da Ferruccio 

Marotti) che ne ripercorrono 

la carriera artistica 

e raccolgono 

contributi e testimonianze 

di vari artisti, 

con un’intervista inedita con Adriano Sofri. Riemerge 

il ritratto di un uomo integerrimo, alieno da ogni compromesso, 

sempre “contro” ogni forma di emarginazione 

e ingiustizia. Artista “scomodo” che ha fatto 

dell’arte la ragione del suo impegno sociale e dell’impegno 

sociale la sua ragione di vita, mito che ha partecipato 

intensamente a una stagione difficile di 

un’Italia in trasformazione, punto di riferimento e 

maestro di vita la cui scomparsa prematura ha lasciato 

un grande vuoto nel panorama culturale italiano.

IRRIDUCIBILMENTE 

LOREDANA 

Edel Italia Srl 

Dopo una lunga assenza, Loredana Bertè torna a 

far sentire la propria voce. Il suo nuovo album, 

Babybertè, contiene 13 tracce i cui testi, ad eccezione 

delle tre cover, sono stati tutti scritti dalla 

cantante. Loredana ha registrato il disco “come si 

faceva una volta”, senza l’ausilio del digitale che fa 

perdere immediatezza e grinta, perché “il rock – 

sostiene – non è un’accozzaglia di suoni, ma un 

modo di essere, di stare al mondo”. Babybertè è 

dedicato “a tutti quelli che ancora credono nell’entusiasmo 

e nei poteri forti della musica”: canzoni 

da cui traspaiono rabbia e ricordi dolorosi, ma 

anche desiderio di ricominciare. 

UNA NINFA DANZA 

CON LA POESIA DI 

TENCO 

Egea 

La poesia di cui era permeato 

l’universo musicale 

di Luigi Tenco si 

ripropone creando 

nuove emozioni, grazie 

alla riscoperta di alcuni 

manoscritti di cui la famiglia dell’artista scomparso 

nel 1967 ha concesso la pubblicazione. Nasce così 

Danza di una ninfa, album che, oltre ai brani più 

amati del suo repertorio, contiene quattro testi inediti 

di Luigi Tenco, che due sensibili musicisti jazz, Ada 

Montellanico ed Enrico Pieranunzi, hanno interpretato 

creandone anche le musiche. Intatta l’essenza dell’indimenticabile 

cantautore genovese. 

VINCENZO 

MOLLICA 

PRATT & CORTO 

Einaudi 

A dieci anni dalla 

scomparsa di 

Hugo Pratt, 

Vincenzo Mollica 

dedica all’amico, 

ideatore del mitico 

Corto 

Maltese, un libro 

di ricordi in cui 

racchiude interviste, 

disegni inediti, 

testimonianze 

e omaggi di 

amici e colleghi. 

Si delinea così il 

ritratto di un grande disegnatore che, attraverso il 

suo personaggio più famoso, ha reso indimenticabili 

i luoghi visitati nel corso dei suoi viaggi trasmettendo 

il senso dell’amore e della libertà che 

nascono dalla fantasia, dal desiderio di conoscenza 

e dallo spirito di avventura. 

FRANCESCA MUSUMECI 

PISANI – UN POETA PER COMPAGNO 

Cuecm 

Il gesto d’amore di una donna per il compagno 

d’una vita: raccogliere i versi più significativi di 

Raffaele Pisani, un poeta che ha fatto della poesia 

“l’unica vera ragione di vita”. Le opere mettono in 

risalto la personalità dell’autore, la musicalità della 

poesia dialettale partenopea, la continuità ideale 

con E. A. Mario e Salvatore Di Giacomo: un messaggio 

per comunicare l’amore per le tradizioni e 

l’identità culturale della propria terra, vera ricchezza 

da tramandare alle nuove generazioni. 

ENZO JANNACCI 

PAROLE E 

CANZONI 

Einaudi 

Un libro e un Dvd, 

curati da Vincenzo 

Mollica, offrono una 

panoramica dell’universo 

musicale di 

Enzo Jannacci. Il 

libro, Poetastrica, è 

un canzoniere ragionato 

raccolto dallo 

stesso artista, arricchito 

da suoi scritti 

originali, mentre nel 

Dvd sono racchiuse 

le registrazioni di alcune delle più significative interpretazioni, 

molte delle quali tratte dalle sue apparizioni 

televisive. Dal teatro cabarettistico alla canzone 

d’autore, l’opera è un percorso attraverso la 

carriera di un artista poliedrico che, col suo fare 

ironico e surreale, ha fatto sorridere, commosso e 

lanciato spunti di riflessione sulle vicende umane. 

GIUNI RUSSO, 

INDIMENTICABILE 

VOCE 

Nar International 

Voce intensa, tonalità 

sublimi, toccante 

e struggente spiritualità. 

A un anno 

dalla scomparsa, 

Giuni Russo viene 

ricordata con la 

pubblicazione di un 

cofanetto contenente 

il Dvd del concerto 

registrato il 10 

settembre 1984, 

nell’ambito del “Mediterranea Tour”, e la riedizione 

dell’album A casa di Ida Rubinstein, quello che segnò 

la svolta della sua carriera e la sua scelta di un linguaggio 

che conciliava musica colta e popolare. 

Omaggio postumo alla donna e all’artista che collaborò 

con Franco Battiato, il quale ne ricorda “il talento 

naturale”. 

VIVAVERDI 

9 

LAVIA – FERRAZ 

DALL’ARGENTINA 

AL BRASILE 

autoproduzione 

www.sergiolavia.com - www.dileneferraz.com 

L’allegra malinconia della musica latinoamericana, il 

ritmo coinvolgente, l’esaltazione del suono degli strumenti 

e della chitarra in particolare, fanno da sfondo 

all’album De Argentina ao Brasil, di Sergio Fabian 

Lavia e Dilene Ferraz. I due artisti hanno rielaborato 

brani tradizionali e inserito musiche d’autore e pezzi 

scritti da loro stessi: le loro voci si fondono con la 

musicalità dei testi e l’armonia delle note che richiamano 

la cultura latinoamericana. 

TUFFO NEL PASSATO 

CON LE MUSICHE 

DEI FRATELLI PANZUTI 

Music Media 

Music Scene 

I nomi di Dante e Virgilio 

Panzuti (quest’ultimo 

deceduto da un decennio) 

sono legati ad alcuni 

tra i più celebri esponenti 

del mondo della musica 

italiana (Natalino Otto, 

Vittorio Paltrinieri, Gorni 

Kramer, solo per citarne 

alcuni), rappresentativi 

dell’evoluzione musicale 

tra gli anni ’40 e ’50. Dai 

78 giri dell’epoca, gelosamente 

custoditi, Dante 

Panzuti ha voluto riprodurre 

in tre Cd i brani e 

le esecuzioni più significative, 

per tramandare 

emozioni, speranze e 

memoria di un periodo e 

di un patrimonio entrato 

a pieno titolo nella storia 

della canzone italiana. 

Con una piccola dimenticanza 

(eccesso di modestia): 

manca il brano 

Aprite le finestre, che nel 

1956 vinse Sanremo. 

IL NUOVO AUTORITRATTO 

DELLA ROCKSTAR DI CORREGGIO 

Warner Music Italia 

Nome e cognome, settimo album di inediti di Luciano 

Ligabue, esprime l’unicità che ogni individuo porta 

con sé così come l’unicità del cantante che si esprime 

attraverso la sua arte. Ligabue, che in ogni disco 

ha raccontato una parte di sé, anche questa volta 

mette a nudo la sua anima, con i cambiamenti portati 

dal tempo e con tutta la sincerità e la forza trainante 

del rock. Dieci tracce di sentimenti e ricordi ma, 

soprattutto, di immenso amore per la vita che non va 

mai presa “né poco né troppo sul serio”.

VIVAVERDI 

10 

personaggi 

SERGIO ENDRIGO/L’ULTIMA INTERVISTA 

L’UOMO CHE NON RIDE 

È UN POETA FELICE 

di Michele Bovi 

Al manifesto de L’Uomo che Ride di Victor 

Hugo, una mano anonima aggiungeva un 

“non”. E quell’Uomo che Non Ride era l’incipit 

della scenetta. Alighiero Noschese, il caposcuola 

inarrivabile di tutti i Max Giusti, Max Tortora, 

Maurizio Crozza, aveva fatto di Sergio Endrigo 

una delle macchiette più gettonate del suo 

repertorio. Lo imitava rasentando la perfezione 

senza nemmeno ricorrere a trucchi speciali, 

sporgendo in avanti il mento come il don Vito 

Corleone di Brando, l’espressione mesta, la 

fronte corrugata e gli occhi socchiusi, circondato 

da ballerine abbigliate a lutto e singhiozzanti, 

lui vestito di nero sibilava un po’ le “esse” e 

parafrasava “Lontano dagli occhi” intonando: 

“…non fate le corna, non fatemi torto, jella non 

porto ma rider non so”. 

E Sergio Endrigo masticava amaro: non sopportava 

quell’imitazione ma neanche si azzardava 

ad intervenire per lo scrupolo di frapporre 

censure e limitazioni al lavoro di un altro 

artista. Poi la goccia fatidica sopra il livello di 

guardia. “Nell’ennesima parodia televisiva – 

racconta Endrigo – la canzone presa di mira 

diventò “Ci vuole un fiore” e sempre circondato 

da ballerine in vedovanza, Noschese mi rappresentò 

cantando: “Per far la bara, ci vuole il 

morto”. Troppo! Con me in quel momento c’era 

Sergio Bernardini, il patron della Bussola in 

Versilia. Sapevo che qualche sera dopo avrebbe 

ospitato proprio Noschese. “Digli che se riprova 

a dipingermi come il protagonista della 

Patente di Pirandello appena lo incontro gli 

spacco la faccia!” E da quel giorno Alighiero… 

dimenticò di inserirmi nel suo repertorio…” 

Paura della nomea di menagramo? 

Terrore. Per un artista equivale alla morte civile. 

Un mio zio compositore di sinfonie incantevoli 

era stato praticamente messo al bando per una 

diceria del genere, ovviamente alimentata da 

concorrenti di scarso talento ma di spietata 

determinazione. Ricordo una volta in uno studio 

di registrazione della Rca che qualcuno lo nominò 

e subito un fonico si esibì nel più volgare dei 

gesti di scongiuro, incassando una raffica di 

improperi da parte mia. 

Mia Martini pagò una parcella terribile per gli 

effetti di quella maledizione… 

Uno stato di emarginazione totale: impresari, 

discografici, colleghi, molti sogghignavano partecipando 

a quel gioco circolare di calunnie dettagliate, 

altri si dimostravano realmente impauriti 

dal contatto anche soltanto visivo con quella 

povera ragazza marchiata come dispensatrice di 

calamità. 

Lei cosa fece per aiutarla? 

Restavo fuori dal coro e insultavo i coristi quando 

mi capitavano a tiro. Cercavo di trasmetterle soli- 

Foto Mariacristina Di Giuseppe 

Il maestro Jaques Brel e gli altri modelli della chanson francese; la squadra Ricordi con il 

centravanti Gino Paoli: le nozze magiche tra melodia e testo da Tajoli a De Gregori; i 

profili retorici e reali delle muse ispiratrici Teresa, Maddalena e Annamaria. Il bilancio 

sereno e appassionato di oltre 50 anni di carriera nell'ultima intervista con il più 

celebrato capostipite della canzone d'autore italiana, scomparso l’8 settembre e 

registrata per Vivaverdi il 28 agosto 

darietà, l’affetto per l’essere umano fragile, la 

stima per l’artista tangibile. La invitai a partecipare 

ad un mio progetto discografico: un album 

di canzoni venete in cui lei cantò due brani: 

Cecilia e Donna Lombarda. Al ritorno da uno dei 

miei periodici viaggi in Brasile le feci conoscere 

una canzone che sembrava scritta per la sua voce: 

Milho Verde. Le piacque, la incise: un’esecuzione 

soave e delicata come una farfalla rosa. 

Le chiacchiere sulla sfortuna non hanno coinvolto 

Sergio Endrigo, forse per la sua tempestività 

nell’intervenire su Noschese o forse perché 

quell’imitazione era così esilarante da palesare 

l’innocenza di contenuti e intenzioni. Ma l’immagine 

di artista e anche di uomo malinconico 

è sua compagna da sempre: per quei brani così 

intensi pur nella leggerezza della musica pop, 

per quelle interpretazioni così misurate nella 

compostezza scenica e melodica, per quei testi 

così garbatamente introspettivi pur nelle marcette 

per bambini sagaci. Cinquant’anni fa, al 

suo esordio, Sergio Endrigo per il pubblico di 

tutte le età era già un adulto. 

“Quando nel 1968 vinsi il Festival di Sanremo


VIVAVERDI 

11

VIVAVERDI 

12 

personaggi Foto 

con Canzone per te il settimanale Epoca mi 

dedicò la copertina. La didascalia recitava: 

‘Trionfa a Sanremo un vecchio signore’. Avevo 

35 anni. Ma anche alcuni colleghi hanno talvolta 

espresso giudizi curiosi sul mio aspetto. 

Ricordo una simpatica e bella cantante che mi 

disse: sembri un ingegnere più che uno di noi. 

E Adriano Celentano commentò a Sanremo nel 

1970: sembri un cowboy tra i grattacieli ” . 

L’uomo Endrigo è effettivamente una persona 

seria, coerente, rigorosa e non di rado spigolosa. 

L’artista è quanto di meglio il nostro paese 

sia riuscito a produrre nell’ultimo mezzo secolo 

di canzoni d’autore. Un adulto – anche quando 

anagraficamente non lo era – che però ha sempre 

affascinato i giovani, un artista dal target 

transgenerazionale: Io che amo solo te nel 1963 

fece sognare e innamorare eserciti di ragazzini e 

sbarbine, ma quel 45 giri conquistò anche i loro 

genitori e i genitori dei genitori, più di Oscar 

Carboni, più di Alberto Rabagliati. “È vero, 

negli anni ’60 mi rivolgevo a tutto il pubblico, 

dai minori di 16 agli ultrasessantenni. Non c’era 

distinzione nella proposta musicale. E non mi 

riferisco soltanto alle mie proposte, ma anche a 

quelle di Paoli, di Gaber, di Meccia, di tutti gli 

altri cantautori, di compositori-cantanti come 

Fidenco e Vianello. Oggi l’industria fabbrica 

offerte per giovani a spettro ridotto, che producono 

steccati, che ritardano o arrestano la crescita 

culturale”. 

Meriti e colpe dei discografici, un tempo audaci 

e illuminati, oggi miopi e tremebondi… 

Luoghi comuni con tante verità e parecchie eccezioni. 

Ho incontrato anche a quell’epoca ostacoli: 

il direttore delle vendite della Rca, Pulvirenti, era 

contrario all’uscita di Io che amo solo te perché 

reputava l’introduzione orchestrale eccessivamente 

lunga e raffinata: troppi archi, poca ritmica. 

Ma io ho sempre detestato la batteria! 

Ostacoli comunque superati… 

Sì, i discografici di quegli anni erano abbastanza 

rispettosi della volontà dell’artista: tante proposte, 

molti suggerimenti, rarissime imposi- 

zioni. C’era dialogo continuo che spesso si trasformava 

in dibattito allargato ad altri colleghi. 

Alla Ricordi facevo ascoltare i miei pezzi a Luigi 

Tenco, a Giorgio Gaber e loro facevano altrettanto; 

c’erano Nanni Ricordi e il suo vice Franco 

Crepax che incoraggiavano il confronto. 

Però con l’Rca ci fu un litigio che sfociò nel 

divorzio… 

Volevano che incidessi la versione italiana di un 

brano di Udo Jurgens: Warum Nur Warum. Mi 

rifiutai, insistettero al limite della soperchieria, 

me ne andai. 

La versione italiana di Warum Nur Warum fu 

incisa dallo stesso Jurgens con il titolo Peccato 

che sia finita così …quasi una dedica 

all’Endrigo fuggito. E quella cover riscosse tra 

l’altro un invidiabile successo… 

Riconosco che era una canzone piacevole, 

magari anche adatta al mio repertorio. Ma non 

potevo e non dovevo accettare l’intimazione 

dell’azienda per non creare un precedente 

rischioso. Sono un cantautore ed era giusto che 

incidessi le mie canzoni. Già un anno prima 

avevo commesso quello che considero l’unico 

errore della mia carriera, ossia registrare Se le 

cose stanno così, un brano composto dal maestro 

Bacalov con le parole di Alessandro Fersen, 

regista teatrale di chiara fama. Il disco vendette 

oltre un milione di copie. Una sera ebbi occasione 

di conoscere Fersen: lui era circondato da 

giornalisti e si confessò quasi imbarazzato per 

aver confezionato un prodotto di così modesta 

portata culturale. Un punto di vista che mi ferì a 

morte. C’era poi un’altra ragione per rifiutare la 

canzone di Jurgens: Ennio Melis, il direttore 

dell’Rca, manifestava più attenzione per i cantautori 

giovani, Francesco De Gregori e 

Antonello Venditti in testa. Era percettibile, 

insomma, l’orientamento a riverniciare il parco 

artisti: il mio fu un contropiede. 

Dettato anche da un pizzico di gelosia? 

Per De Gregori? L’ho sempre e soltanto ammirato: 

è il cantautore italiano che preferisco. 

Perché? 

Perché si applica con successo nell’infondere 

dignità alle canzoni attraverso testi di poesia 

brillante. Dal suo lavoro sono nate frasi come: 

“Capelli bianchi che si fermarono a una fontana 

a pettinare gli anni”. E riesce a coniugare poesia 

e melodia con efficacia straordinaria. È un 

matrimonio difficile, ma quando si consuma 

affiorano pagine indelebili. Mi piace ricordare 

Fontana e Migliacci con la loro bellissima: 

“Paese mio che stai sulla collina, disteso come 

un vecchio addormentato”. Non basta un testo 

fascinoso, il più geniale dei compositori 

potrebbe mettere in musica l’Inferno di Dante 

con esiti grotteschi. Se un testo incontra la giusta 

melodia il risultato è garantito a prescindere 

da ogni significato. Ricordo un brano di quando 

avevo 13 anni. Lo cantava Luciano Tajoli: “Il 

mare non ama i bastimenti alle catene, se il 

mare a nessun altro vuole bene, perché deve 

volerne a me?”. Suonava alla perfezione, nonostante 

l’evanescenza concettuale. Potrei fare 

altri esempi come “La pioggia non bagna il 

nostro amore quando il cielo è blu” oppure “Il 

mondo non si è fermato mai un momento, la 

notte insegue sempre il giorno ed il giorno 

verrà”, frasi che stese su pagina hanno poco 

senso ma che sposate alle rispettive melodie 

acquisiscono un’energia portentosa. 

Sta dicendo che il valore intrinseco dei due componenti 

- musica e testo – è trascurabile ai sensi 

del risultato della combinazione? 

Intendo dire che la canzone non deve necessariamente 

essere impregnata di poesia. Capolavori 

come Pippo non lo sa, Maramao perché sei morto 

o Il pinguino innamorato non erano stati corretti 

in bozza da Carducci. 

Un’equidistanza sorprendente per essere il 

cantautore italiano più apparentato con la poesia, 

che ha trasformato in canzoni i versi di 

Rafael Alberti, di Gianni Rodari, di Pier Paolo 

Pasolini, che ha inciso album assieme a 

Giuseppe Ungaretti e a Vinicius De Moraes. A 

ricordargli materialmente il poeta brasiliano de 

Mariacristina Di Giuseppe

Foto Giuseppe Ziliotto 

A SERGIO 

di Franco Migliacci 

La dignità e la fierezza di un uomo onesto. 

L'umiltà che suscita rispetto e ammirazione. 

La buona musica che non diventa mai rumore. 

L'arte di cantare l'amarezza degli umori perduti 

con una dolcezza infinita. 

La discrezione che teme il successo esagerato. 

Il racconto della realtà con l'immaginazione di un 

poeta. 

Un buon samba della sua lontana Bahia, fatto di 

tristezza e di allegria. 

L'amicizia per sempre, quella che non si spegne 

neanche con l'assenza. 

La vita, amico, è l’arte dell’incontro c’è sempre 

Paco, il variopinto pappagallo che Vinicius gli 

regalò oltre trentacinque anni fa. Paco spizzica 

carote nella sua imponente gabbia accanto alla 

finestra: è il più in forma di tutti in questa calda 

e umida giornata romana di fine agosto. 

Endrigo lamenta una serie di acciacchi, lotta da 

qualche tempo contro i mulini a vento che gli 

insidiano la salute. Lo scorso 15 giugno ha compiuto 

72 anni, è vedovo da 11, vive con la figlia 

Claudia nella sua personale Arca di Noè che 

ospita oltre a Paco cani e micetti. Se il fisico è 

provato, lo spirito tiene botta: “Nessun rimpianto. 

Ho realizzato tutti i miei sogni, centrato 

i bersagli. Neanche troppo rammarico per i 

miei ultimi quattro album, strangolati da promozione 

inesperta e distribuzione inadeguata. 

Dico la verità: all’inizio non credevo che la mia 

carriera sarebbe durata tanto a lungo. Al mio 

esordio discografico, con Bolle di sapone, passavo 

davanti alle vetrine della Ricordi a Milano, 

dove il disco era esposto e mi chiedevo: ma perché 

mai qualcuno dovrebbe acquistare proprio 

il mio 45 giri?” 

Sergio Endrigo è nato a Pola, capoluogo 

dell’Istria prima di passare nel 1947 sotto l’amministrazione 

jugoslava. Infanzia e adolescenza 

in povertà, dopo la prematura morte del padre, 


scalpellino del marmo, ma anche pittore e 

tenore autodidatta. Prima qualche mestiere 

improvvisato, poi l’avventura della musica: la 

prima chitarra, ingaggi come cantante e contrabbassista 

nelle orchestrine dei night-club, in 

seguito voce solista di un complesso di rango, 

quello del sassofonista Riccardo Rauchi. Nel 

1960 l’ingresso nell’ingegnosa area Ricordi, in 

squadra con Paoli, Tenco, Gaber, Jannacci, 

Bindi: la Juventus della canzone d’autore. 

Chi era il centravanti? 

Gino Paoli. Partì subito con canzoni bellissime, 

molte rimaste sconosciute. Il più apprezzato 

degli autori: ottimo per Mina, eccellente per 

Ornella Vanoni. Ma lui no, non volevano farlo 

cantare. Quel tono di voce così fuorischema, 

disallineato, poteva rivelarsi noioso, persino 

irritante. Meglio non tentare. Anche la mia voce 

risultava non conforme alla tipologia convenzionale: 

feci un’audizione alla Rai per cantare 

nell’Orchestra di Pippo Barzizza e venni scartato. 

Voce e stile eccessivamente “americanizzati” 

fu la motivazione del verdetto di condanna pronunciato 

dalla Commissione Ascolti. Poi, per 

Gino e per me, sappiamo come andò. 

Voi padri della canzone d’autore italiana a quali 

modelli vi ispiravate? 

Ci piaceva qualche fuoriclasse americano dello 

swing, tipo Nat King Cole. Tenco, che suonava 

anche il sax, adorava Paul Desmond. Bruno 

Lauzi era attratto dalle magie del musical alla 

VIVAVERDI 

13 

Gene Kelly, Bindi coglieva i frutti della sua formazione 

classica. Ma in prima battuta eravamo 

tutti affascinati dagli chansonnier francesi: 

dalla vecchia guardia di Charles Trénet ai più 

giovani Gilbert Bécaud, Charles Aznavour e 

soprattutto Georges Brassens. Io poi vivevo nell’incanto 

artistico di Jacques Brel, quei testi, 

quelle storie, quelle interpretazioni. Lo conobbi 

più tardi, a Roma nel 1964: era cordiale, 

sereno, gli confessai che senza la sua influenza 

non avrei mai potuto scrivere Viva Maddalena. 

Influenza a parte, qual è il metodo di scrittura di 

Sergio Endrigo? 

Scrivo alla chitarra. Parole e musica assieme. Il 

testo è fondamentale per stimolare la mia creatività. 

Se compongo soltanto la musica poi le 

parole non mi vengono più o mi fa difetto l’abilità 

per adattarle alla melodia. Accadde una volta 

a Napoli: scrissi di getto una traccia musicale 

che mi sembrava deliziosa. Non persi tempo a 

cercare le parole, telefonai a Sergio Bardotti che 

confezionò rapidamente un testo altrettanto 

ammaliante: Te lo leggo negli occhi. Divenne un 

successo per Dino. 

Perché non la cantò lei e comunque perché non 

l’ha mai incisa anche successivamente a Dino? 

Evidentemente in quel periodo avevo già il mio 

progetto discografico. La versione di Dino era 

perfetta, cosa avrei potuto aggiungere io a quel 

brano? Sono contento che l’abbia inciso recentemente 

Franco Battiato. La sua esecuzione è un

VIVAVERDI 

14 

personaggi 

omaggio importante, la mia sarebbe stata 

superflua. 

L’ispirazione di un testo è facilitata da un innamoramento? 

C’è stata sempre una Teresa, una 

Maddalena, un’Annamaria propellente della 

composizione? 

Nel mio caso soltanto un’Annamaria. Si chiamava 

così un’impiegata dell’Rca, musa ispiratrice 

anche per Io che amo solo te. All’inizio 

della mia carriera, quando cantavo nei nightclub, 

l’innamoramento era sistematico: le storie 

duravano circa 15 giorni, il tempo del contratto, 

lei era quasi sempre una frequentatrice 

abituale del locale, una spogliarellista, un’entreneuse, 

una guardarobiera. Amate molte, 

capita nessuna. 

Abbiamo già parlato di poesia e di verosimiglianza 

dei testi. Analizziamo le donne delle sue 

canzoni. Maddalena che regala notti bianche è 

la compagna ideale per un uomo? 

E’ la gioventù che regala notti bianche. Con 

Maddalena. Si comincia sempre con 

Maddalena, con l’attrazione sessuale. Non 

credo nella verginità, renderei obbligatorio il 

periodo di convivenza prima del matrimonio. 

Tantomeno credo nella donna per amico. 

Ingiungeva a Teresa di raccontare la verità sulle 

sue esperienze pregresse. Senza concederle il 

beneficio del dubbio o il velo di una pudica 

omissione… 

In amore ho stabilito il divieto di esibirsi in 

menzogne. 

Il protagonista di Via Broletto 34 era un uomo 

geloso o un paranoico? 

Un uomo geloso. 

Ma c’era bisogno di ucciderla? 

Convivevano. E lei lo tradiva spudoratamente. 

Mi ispirai ad un delittaccio di cronaca, conciato 

alla maniera di Brel. 

Brel continua ad influenzare le nuove generazioni? 

Avverto le tracce di Brel soltanto nei lavori dei 

Foto Mariacristina di Giuseppe 

grandi. I Quattro amici al bar di Paoli mi ricordano 

i tre giovani vitelloni che stornellavano gli 

sfottò la sera davanti al Circolo dei Notai: “I 

borghesi sono dei porconi più diventan vecchi 

meno sono buoni” e che da adulti si ritrovano a 

loro volta notai e Les Bourgeois. Anche la suggestiva 

I vecchi di Claudio Baglioni mi fa pensare 

a Brel e ai suoi commoventi Les Vieux. 

Alcuni autori delle recenti generazioni si 

mostrano attenti nella ricerca dell’opera dei 

Maestri: è fondamentale conoscere la storia se 

si vuol scrivere qualcosa che rimane; gli altri 

creano testi che diventano cenere nell’arco di 

un mese. Testi standardizzati e voci massificate, 

dal timbro esatto e saldamente intonate ma 

senza personalità, anonime. Natalino Otto e 

Achille Togliani, impeccabili per timbro e per 

intonazione, li riconoscevi fra un milione. 

Il modello di molti giovani cantautori è proprio 

Sergio Endrigo. 

Me ne sono accorto ed è quanto di più gratificante 

possa accadere ad un anziano signore – 

oggi Epoca potrebbe scriverlo con persuasione 

anagrafica – che per tutta la vita ha sperato di 

lasciare un’impronta del suo passaggio. I giovani 

mi coccolano con manifestazioni di stima, 

allestiscono concerti che esplorano il mio 

repertorio, incidono i miei brani, compilano 

album in mio onore: sono artisti già affermati 

come Vinicio Capossela, Sergio Cammariere, 

Tosca, Cristiano De André o in crescita inarrestabile 

come La Crus, il Parto delle Nuvole 

Pesanti o Simone Cristicchi che mi ha inoltre 

invitato a una partecipazione in voce per il suo 

ultimo lavoro. Ecco, quando ti senti di aver raggiunto 

il termine della strada e ti ritrovi circondato 

da una compagnia così vivace e grata, perdoni 

alla vita tutti gli oltraggi, anche il più invalidante, 

quello del deficit uditivo che a metà 

degli anni ’80 mi costrinse a ritirarmi dalle 

scene. Ero al festival di Sanremo, nel 1986: alle 

prove la mia esibizione era apparsa più che 

decorosa, poi in serata davanti al pubblico e alle 

telecamere dell’eurovisione, all’improvviso, il 

male. Non sentivo più l’orchestra e leggevo il 

ESEMPIO UNICO DI TALENTO PURO 

di Luca Barbarossa 

La scomparsa di Sergio Endrigo mi addolora 

profondamente. Endrigo, per un autore di canzoni, 

resterà un esempio unico di talento puro, unito ad una 

sobrietà comportamentale, frutto di una grandissima 

dignità umana. Le sue canzoni sono indimenticabili. 

Tutti ci siamo ispirati a lui ed io personalmente mi sono 

sempre chiesto perché un così grande autore e 

interprete fosse dai più così poco celebrato. Una delle 

piaghe di questi nostri tempi distratti e frettolosi è 

l'esaltazione della mediocrità, una sorta di rumore di 

fondo che porta a non distinguere più la grandezza e la 

magia di certi suoni. Caro Sergio, io per fortuna non ti 

scopro adesso, le tue canzoni mi hanno accompagnato 

per molto tempo, e sono sicuro che lo faranno ancora, 

ma questo non fa che aumentare il vuoto che lasci. 

disagio negli occhi del direttore mentre la mortificazione 

mi stringeva alla gola. Non sono mai 

guarito del tutto, ma ci sono state fasi sensibili 

di miglioramento, durante le quali sono tornato 

ad esibirmi e ad incidere. 

Insomma il bilancio è in netto attivo, sono riconoscente 

verso il mio pubblico e i miei simili in 

generale. Oggi mi piacerebbe dire al povero 

Noschese che l’Uomo che Non Ride è comunque 

un uomo felice.

Bruno Lauzi e Sergio Endrigo 

assieme a Franco Simone nel 2003 

SERGIO FACCIA 

DI PIETRA 

di Bruno Lauzi 

Il ’65 non avrebbe finito di sorprendermi. 

Quello fu l’anno in cui m’imbattei in 

Maddalena, ovvero nell’irruzione della cultura 

mitteleuropea nel nostro asfittico mondo provinciale, 

nel ciclone Endrigo. Come i meteorologi 

danno un nome di donna alle tempeste, io 

non trovo altro nome da dare alla rivoluzione 

più radicale avvenuta nel nostro mondo di intimisti 

un po’ sfigati, in cui il disagio non sapeva 

trasformarsi in invettiva… Mi rendo conto che 

queste affermazioni possono apparire esagerate, 

ma, siamo onesti, nel nostro mondo, 

comunque delizioso, di gatte, di poeti, di stelline 

vicine vicine, di aulici concerti, fino ad allora 

c’eravamo accontentati di volare esangui 

quando improvvisamente la vita irruppe con la 

crudezza propria della cronaca nera, svelandoci 

impietosamente il delitto passionale di Via 

Broletto, al numero 34… 

“E’ tanto bella la bimba mia 

e giura sempre d’amarmi tanto 

ma quando io la bacio 

lei ride e parla d’altro 

o mangia noccioline…” 

…mangia noccioline? Quando mai la protagonista 

di una storia d’amore, la musa ispiratrice 

di noi cantautori, unici poeti autorizzati, era mai 

stata mostrata nella sua squallida verità di donnetta 

da quattro soldi, con la crudezza di un personaggio 

da film di Rossellini, anzi, di Germi, 

così poco “angelicata” da non meritarsi neppure 

l’onore di essere chiamata “puttana”? 

Certe situazioni passionali si risolvono senza 

strepiti operistici da tenori sfiatati ma con l’understatement 

proprio dei veri signori: 

“Se passate da Via Broletto al numero 34, 

potete anche gridare, fare quello che vi pare, 

l’amore mio non vi sentirà: 

ora dorme, e sul suo bel viso 

ha l’ombra di un sorriso 

ma proprio sopra il cuore 

ha un forellino rosso, 

rosso come un fiore… 

Sono stato io, 

mi perdoni Iddìo, 

ma sono un gentiluomo 

e a nessuno dirò il perché...” 

Qui c’è tutto l’Endrigo mitteleuropeo, siamo ai 

girotondi gelidi di Schnitzler, al Carné di Alba 

tragica, a L’uomo di paglia di Germi, appunto… 

Con Sergio per la prima volta la donna si fa 

carne e sangue, per una “squinzia” che muore 

c’è in arrivo la sulfurea Maddalena, “che regala 

notti bianche”. Oggi può sembrare ridicolo, ma 

una frase così violenta non s’era mai sentita. 

“Regalare notti bianche” era come scrivere 

“scopare” sui muri di una chiesa, né alla radio di 

Stato s’era mai udito nulla di più scandaloso… 

Ci davamo di gomito, noi ragazzetti che avevamo 

capito… Endrigo era il nostro Brel, e Viva 

Maddalena la nostra Amsterdam…, erano 

quelli i primi micidiali attacchi al perbenismo 

piccolo borghese! 

Come si usava nella cultura mitteleuropea, le 

rivoluzioni si facevano in marsina, erano signori 

come Freud, come Karl Kraus, come il “triestino” 

Joyce, che sconvolgevano il luogo comune, 

le solide e stolide certezze… 

Il dalmata Sergio, “faccia di pietra”, era della 

partita. Come capita spesso ai timidi sarebbe 

stato lui quello demandato dal destino a dare 

una spallata decisiva al sistema canzonettistico 

italiano, cui mancava sempre “una lira per fare 

un milione”… prigioniero di mille vorrei-manon-posso… 

perso in un abisso di prevedibilità. 

Mentre lui… 

…lui, così longanesianamente antiretorico, che 

sicuramente ama più l’Autunno dell’Estate, i 

giorni di pioggia più dei tramonti infuocati, le 

scogliere dalmate più delle lande sabbiose della 

insostenibile riviera romagnola dove regnano i 

bagnini infoiati ed i botoli ringhiosi che sfuggono 

a mamme dimentiche e scatenate…, lui che 

ha il silenzio ed il pudore scontroso come cifra 

di lettura, chissà cosa darebbe per potere come 

Anna Magnani ad un certo punto sbottare e lanciare 

un urlo, uno solo, ma di tale portata che 

quello di Munch appaia un innocuo sbadiglio… 

Purtroppo non sarà mai nelle sue corde, quando 

ragazzo sceglierà uno strumento sarà il contrabbasso, 

il meno “caciarone” ma senz’altro il 

più essenziale. I suoi cantanti preferiti? I “sussurratori” 

brasiliani, Joao Gilberto e Vinicius in 

testa… 

Si è detto comunista, ma non sarebbe mai stato 

capace con la sua educazione austro-ungarica di 

prevaricare il prossimo in nome di un’astrazione. 

Oggi poi non giurerei che quella sia ancora 

la sua scelta di campo, ora che la sua faccia di 

pietra sembra nascondere più beffarde ironie 

che rabbiose indignazioni, basta leggere il suo 

introvabile romanzo (pubblicato in Svizzera da 

una sua devota estimatrice), dal titolo Quanto 

mi dai se mi sparo? La trama è meno fantastica 

di quanto possa sembrare a prima vista: è la storia 

di un cantante che si vede sopravanzare da 

qualunque scalzacane di scarse qualità canore e 

di ancor minori qualità contenutistiche, e che 

dunque vive circondato da fenomeni che saranno 

pure passeggeri ma che comunque, susseguendosi 

una stagione dopo l’altra, gli rubano la 

scena e il meritato successo. Decide dunque di 

annunciare l’ultimo concerto, nel vero senso 

del termine…, promette che alla fine del concerto 

si sparerà! Immaginarsi cosa succederà: i 

biglietti andranno a ruba, gli sponsor si affolleranno 

disposti a pagare qualsiasi cifra per un 

30” di spot durante la ripresa televisiva, a sua 

volta venduta a peso d’oro a qualche rete internazionale…, 

insomma, un affare di miliardi coi 

quali il nostro eroe si dileguerà, alla fine, infischiandosene 

della parola data e della coerenza 

ideologica… 

Quanto distante dalla risposta che nel ’66 aveva 

dato a La donna del Sud, una mia canzone d’amore 

che non vedeva in Maria, emigrata al 

Nord, una vittima del capitalismo ma solo una 

bellezza da desiderare. Allora il mio disinteresse 

per la questione meridionale lo scandalizzò, 

tanto che scrisse una canzone a sua volta che, se 

non erro, intitolò Il treno del Sud che iniziava 

dicendo: 

“Il treno che viene dal Sud 

non porta soltanto Marie…” 

…chiaramente rimproverandomi…Ora penso 

che sarebbe più indulgente e spenderebbe 

volentieri insieme a lei i tanti miliardi accumulati 

con quel tiro giocato idealmente a tutti i 

sepolcri imbiancati che ci circondano…

VIVAVERDI 

16 

SERGIO ENDRIGO 

QUANTO MI DAI SE MI SPARO? 

di Gianni Minà 

personaggi 

C’è una generazione di poeti popolari che, dall’inizio 

degli anni ‘60, sulla scia di Domenico 

Modugno, hanno cambiato non solo la storia 

della canzone italiana, ma i modi stessi della 

comunicazione, del come dire le cose, anche le 

più semplici, e di come interpretare gli aneliti, 

le ansie, le contraddizioni, i sentimenti di una 

società che cambiava, con versi e linguaggi in 

cui tutti si riconoscessero, anche quelli che avevano 

scoperto la lingua italiana solo dieci anni 

prima con l’aiuto del maestro Manzi nella trasmissione 

televisiva Non è mai troppo tardi. 

Non a caso proprio Modugno nella canzone 

Piove, con la quale ottenne la sua seconda sfolgorante 

vittoria al Festival di Sanremo, dopo il 

trionfo di Nel blu dipinto di blu (volare), cantava... 

Vorrei trovare parole nuove... ma piove 

piove..., che rivelava proprio la testarda ricerca 

di molti di questi poeti popolari (poi chiamati 

cantautori) di un linguaggio diverso che raccontasse 

in musica i sentimenti della gente con 

espressioni reali, vere, del linguaggio parlato, 

ma non per questo tanto lontane dalla poesia. 

Sergio Endrigo, veneto malinconico e romantico 

che lavorando nei night club in Italia e all’estero 

aveva cercato di uscire dal suo mondo di 

provincia senza perderne la poetica, è uno di 

questi artisti. Amava gli chansonnier francesi 

(Montand, Mouloudji e Leo Ferré), ma più 

ancora cantastorie di versi amari come 

Brassens, perché come molti della sua generazione, 

era stato affascinato forse dall’esistenzialismo, 

una filosofia che aveva influenzato anche 

la produzione musicale degli artisti più sensibili 

della Francia del dopoguerra. 

Il libro con il quale Endrigo denudò la società dello spettacolo. Come Brel in Belgio, 

Serrat in Spagna, Chico Buarque, Veloso e Gil in Brasile, o Pablo Milanes e Silvio 

Rodriguez a Cuba, o come Dylan e altri negli Stati Uniti, in quella irripetibile metà degli 

anni '60, Sergio aveva voglia di mettere nelle sue canzoni le storie della sua vita e quelle 

degli altri come lui 

Ma Endrigo, come Brel in Belgio, Serrat in 

Spagna, Chico Buarque, Veloso e Gil in Brasile, o 

Pablo Milanes e Silvio Rodriguez a Cuba, o come 

Dylan e altri negli Stati Uniti, in quella irripetibile 

metà degli anni ‘60, aveva voglia di raccontare 

le storie della sua vita e quelle degli altri 

come lui, con parole, implicazioni ed atmosfere 

di una stagione che rifiutava la retorica, era sazia 

di buoni sentimenti, sentiva il pericolo di un 

mondo che aveva già dimenticato le efferatezze 

della guerra e, in Italia in particolare, non ne 

poteva più della oleografia della canzonetta, talvolta 

ipocrita e rassicurante, proprio come voleva 

la società democristiana del tempo. 

Anche l’amore per i poeti popolari di questa 

generazione era qualcosa che si viveva nella 

società e risentiva delle sue contraddizioni. Così 

quella razza di cantastorie, fu fatta di poeti che 

lo divennero naturalmente, quasi senza saperlo 

e senza bisogno di affrontare sempre argomenti 

impegnativi. 

Come dice Gianni Borgna nella sua Storia della 

canzone italiana, “(...) Questi cantautori avevano 

cantato spesso l’amore con insolita verità e 

crudezza, spesso più per andare contro corrente 

che per diffondere un vero messaggio”. 

Questa esigenza venne dopo, quando i più sensibili 

di loro sentirono il dovere di farsi inter- 

preti delle ansie giovanili e non solo di quelle. 

Alcune canzoni di Sergio Endrigo come Via 

Broletto e Viva Maddalena furono però anticonformiste 

e, in un certo senso, politiche, 

prima perfino che la sinistra se ne accorgesse. 

E quanto, un artista come Endrigo, rompesse i 

canoni tradizionali, lo dimostra la sorpresa per 

la sua vittoria a Sanremo in coppia con il grande 

cantautore brasiliano Roberto Carlos, interpretando 

Canzone per te, un brano scritto con 

Sergio Bardotti (intellettuale che si occupava 

delle prime collane letterarie stampate sul 

disco) e che fece il giro del mondo, malgrado 

Sergio non avesse il sorriso stereotipato di un 

vincente della canzone, ma il pudore, e a volte 

l’amarezza, di un cantastorie triste. 

La festa appena cominciata è già finita/Il cielo 

non è più con noi... E poi Il nostro amore era 

l’invidia di chi è solo/era il mio orgoglio, la tua 

allegria e ancora (il nostro amore) è stato tanto 

grande che non sa morire/per questo canto e 

canto te. E infine un verso memorabile per l’epoca: 

la solitudine che tu mi hai regalato io la 

coltivo come un fiore. 

Fu una delle canzoni che dopo quelle di 

Modugno, di Bindi (Arrivederci o Il nostro concerto) 

di Paoli divenne un classico in tutto il 

mondo. Non succedeva dal tempo della grande

canzone napoletana e, salvo poche eccezioni, 

non succederà più. Quella fioritura di talenti 

che produsse anche Tenco e Gaber, De André e 

Piero Ciampi, Lauzi e Jannacci, Meccia e Don 

Backy o Rino Gaetano, Dalla e Battisti e più 

avanti gli autori più marcatamente politici come 

De Gregori e Venditti, o quelli più romantici 

come Cocciante e Baglioni o più pasoliniani 

come Renato Zero, o quelli più etnici come i 

Bennato, o Pino Daniele, o Battiato si è estinta, 

negli anni ‘80, quelli di certa disco-music e 

della colonizzazione finale della peggior musica 

anglo-americana. Fu allora che molti di questi 

talenti furono giudicati artisti superati. 

Ma da cosa? Da chi? E perché? Se ancora adesso, 

i ragazzi che spesso non conoscono le facce 

di questi cantautori, strimpellano le loro canzoni 

quando si ritrovano insieme a scuola o sulla 

spiaggia. Perché preferiscono queste canzoni, o 

ballano quelle estive di Edoardo Vianello e non 

quelle più moderne, o in teoria, più alla moda? 

Per questo il romanzo Quanto mi dai se mi 

sparo?, scritto nel 1995 da Sergio Endrigo con 

un tono beffardo che rivela un gusto dell’ironia 

che solo i suoi amici più intimi conoscono, mi 

sembra una metafora azzeccata e pungente, un 

tentativo non banale di raccontare le miserie 

artistiche attuali della canzone italiana, dirci 

quasi la sua maleducazione dovuta a un’orda 

barbarica di note, imposte dalle multinazionali 

del disco che ormai hanno fagocitato tutte quelle 

italiane e che hanno confuso, disperso e 

ingiustamente emarginato tanti talenti italiani, 

in cambio di qualche buona proposta, (quasi 

sempre figlia della musica nera) annegata in un 

mare di banalità e stronzate. 

Il dialogo fra i dirigenti della casa discografica 

di Joe Birillo (in cui evidentemente Endrigo si 

riconosce) sulla produzione da immettere nel 

mercato e sul fastidio che Joe Birillo rappresenta 

con la proposta delle sue canzoni, è emblematico 

della pochezza di questo mondo, della 

sua abdicazione ad ogni scelta artistica autonoma, 

della sua stupida fede in un presunto mercato 

artificialmente creato e sulla prova che 

questi pseudo-managers sono, in Italia, salvo 

poche eccezioni, solo degli impiegati che eseguono 

ordini che vengono da Londra, da New 

York o da Miami e non devono neanche pensare 

come mettere nei negozi i titoli imposti, perché 

insieme ai prodotti, arrivano, dall’estero, 

anche le disposizioni per l’uso e la campagna 

pubblicitaria da fare. 

Il dialogo del vertice aziendale della casa discografica 

di Joe Birillo è ancora più beffardo, direi 

quasi triste, perche è vero, reale, non è un’esagerazione 

grottesca. 

Ed è anche il frutto di una critica spesso incolta 

e così appiattita sulla paura di non essere in, alla 

moda, da accettare come interessante, singolare 

e bella qualunque trash (immondizia) venga 

sparata dalla musica di lingua inglese o da quella 

fasulla imposta dai network commerciali o da 

dj in vendita al miglior offerente, convinti che 

cantautori della classe di Endrigo o Pino 

Daniele “rovinano l’umore della radio”. 

Così non credo sia soltanto il gusto dell’humor 

nero, tanto caro a Endrigo, che faccia chiedere 

al vecchio e prestigioso cantautore Joe Birillo 

che vuole adeguarsi ai modi sensazionalistici 

dei tempi: 

VIVAVERDI 

17 


Quanto mi dai se mi sparo? 

È una scelta estrema che permette ad Endrigo di 

leggere beffardamente (come ha fatto per tutto 

il suo libro) la società della comunicazione in 

cui vive e nella quale (chissà perché?) pudore, 

buon gusto, decenza, ironia sono considerati 

retaggi di un’Italia provinciale, ancora non 

aperta all’Europa e dove prevalgono invece tic, 

riti e convinzioni secondo le quali l’annuncio 

del possibile suicidio di un maturo cantautore 

deluso, può non essere una tragedia, ma uno 

spettacolo e quindi un business. 

“No, non voglio parlar male degli italiani che mi 

hanno fatto vivere e lavorare per tutti questi 

anni. Il fatto è che ora sono distratti o lo sono 

diventati. Sono bombardati dai media, pensano 

di meno. (...) Non ce l’ho con i giovani, solo non 

mi piace l’uso che si fa di loro: consumismo 

spinto, superficialità, edonismo. A forza di farli 

inseguire beni di consumo si sta creando una 

società di futuri mostri”. 

Sono frasi di Joe Birillo per spiegare al proprio 

avvocato il suo gesto. Frasi che lo fanno apparire 

diverso e superato nella società dello spettacolo 

in cui vive. Nel suo beffardo esercizio di 

indovinare le reazioni che quella provocazione 

avrebbe suscitato, Endrigo-Birillo cerca di prevedere 

anche cosa avrebbero scritto, per un 

caso come quello, alcuni dei cosiddetti pensatori 

della nostra società. 

In questo parterre de roi, Sergio con molta 

magnanimità mette anche me, e con una capacità 

di sintesi che non credo di possedere, mi fa 

riassumere in due righe quello che in questo 

prologo ho detto in quattro pagine. Anche in 

questo, lo scrittore Endrigo, è stato geniale.

VIVAVERDI 

18 

autori in Mostra 

VENICE DAYS 

PER FORTUNA RITORNANO 

di Giorgio Gosetti 

Spetta alla visione e alla tenacia di alcune persone, 

all’interno delle associazioni di categoria 

degli autori cinematografici italiani (Anac e 

autori dell’Api), nonché alla sensibilità prima 

del Direttore della Mostra di Venezia, Marco 

Müller, e poi del Presidente della Biennale, 

Davide Croff, se la sezione autonoma della 

Mostra denominata Giornate degli Autori sono 

diventate in appena due anni una delle realtà 

più vive e originali della grande kermesse 

lidense. 

Volendo fare un po’ di storia per i lettori non 

esperti, si può ricordare che questa scommessa 

partì nel mese di marzo (come utopia) e in 

quello di maggio (come progetto) del 2004 

avendo per obiettivo una realizzazione di lì a 

tre mesi, alla fine di agosto. Cuore della scommessa 

era creare, al gran teatro della Mostra, 

dove le novità si centellinano nei decenni, un 

fermento innovativo attraverso uno spazio di 

cinema, d’incontro e di scambio che ritornasse 

a far parlare chi il cinema lo crea, lo ama e lo 

sostiene come impresa e come forma d’arte. Le 

regole del gioco erano altrettanto chiare: elaborare 

un progetto diverso dai tradizionali 

percorsi del festival, trovare le risorse necessarie 

per affermare un’indipendenza non soltanto 

di facciata (quantunque con il prezioso supporto 

della Biennale e delle sue strutture), 

inventarsi modalità originali che evitassero di 

replicare quanto già esisteva. 

Tra le ovvie discussioni e polemiche di quei 

giorni ricordo con particolare piacere (mi fu di 

leale stimolo e mi aiutò a sbagliare di meno) 

l’obiezione di un autore – uno dei migliori del 

nostro cinema – che si opponeva al progetto 

dicendo, in buona sostanza: “C’è davvero bisogno 

di coinvolgere il nome degli autori per 

Nella foto 

della pagina accanto, 

Giorgio Gosetti 

Grande attività e fermento sotto i pergolati e le tende della Villa degli Autori nel corso 

della seconda edizione delle “Giornate degli Autori” alla Mostra del cinema del Lido di 

Venezia. Tra discussioni impegnate, chiacchiere amene e produttori stranieri e 

distributori intenti a siglare importanti affari per il mercato cinematografico 

internazionale… 

legittimare l’ego di un selezionatore che vuole 

firmare un proprio progetto nel cuore del 

Festival vero e proprio?”. Nelle stesse ore altri 

osservavano: “Ha senso riproporre un modello 

e una contrapposizione che fu fervido concime 

di novità al tempo della grande contestazione 

degli anni ‘60 e ‘70 (dalla Quinzaine des 

Réalisateurs di Cannes alle Giornate di Campo 

Santa Margherita di Venezia), oggi che questa 

contrapposizione non esiste ed è anzi il direttore 

della Mostra a sollecitare la novità?”. 

Obiezioni e interrogativi mi hanno – ci hanno 

– accompagnato a lungo mentre lavoravamo 

alle prime Giornate degli Autori. 

Un anno dopo mi sembra di poter dire, anche a 

nome del Presidente Roberto Barzanti, dei 

vicepresidenti Citto Maselli ed Emidio Greco, 

degli autori che si sono impegnati al nostro 

fianco, che abbiamo trovato risposte convincenti. 

La prima edizione andò bene, la Siae ne 

fu parte determinante e testimone attento, la 

stampa ci diede un confortante “via libera”, il 

piccolo miracolo di rendere concreta un’utopia 

venne realizzato. Non era solo cinema ciò che 

gli appassionati trovarono nel recinto dei 

dodici film da noi selezionati, non erano solo 

stanche chiacchiere quelle che si facevano nell’appartata 

(ma frequentatissima) “Villa degli 

Autori” dove stabilimmo un quartier generale 

tanto aperto e accogliente da essere utilizzato a 

tutte le ore (anche per dormirci da registi stranieri 

particolarmente nottambuli), non era 

ripetitivo un programma che fece scoprire un 

documentario – L’incubo di Darwin dell’austriaco 

Hubert Sauper – tanto bello da competere 

con film a soggetto di tutta Europa e capace, 

dopo Venezia, di fare il giro dei festival del 

mondo, delle sale di tutto il continente, fino a 

conquistare l’Oscar europeo nel dicembre 

scorso. 

Esattamente un anno dopo, le Giornate degli 

Autori sono tornate al Lido con 12 film (stavolta 

di tutto il mondo), due eventi speciali e due 

iniziative in accordo con la 62ma Mostra e con 

la Settimana della Critica in onore di due 

cineasti italiani troppo spesso dimenticati, 

Alberto Lattuada ed Elio Petri. Per rendere 

possibile l’edizione 2005, tutti i soggetti che 

avevano tenuto a battesimo il progetto, si sono 

detti pronti a confermare il proprio sostegno 

ed anzi a incrementarlo con uno sforzo tutto 

particolare: dalla Direzione Generale Cinema 

del Ministero alla Bnl e Lottomatica/Gioco del 

Lotto, da Raisat alla stessa Siae fino ad una 

serie di sponsor tecnici che hanno confermato 

la felice anomalia di un’iniziativa in cui il capitale 

privato o associativo è importante almeno 

quanto quello pubblico nella sua proficua 

scommessa sulla cultura. Perché alle Giornate 

le vere star erano per davvero i film e i registi, 

le idee e le discussioni, non i divi di un solo 

giorno. C’erano anche quelli (da Willem Dafoe 

a Nathalie Baye, da Teresa De Sio ad Anna

Bonaiuto) a fare festa con noi; c’erano i registi 

italiani a portare per mano i loro colleghi stranieri 

(da Giuliano Montaldo a Mario Monicelli, 

da Daniele Luchetti a Ugo Gregoretti); pulsavano 

i grandi temi della cultura e della visione o 

le grandi battaglie di categoria e di civiltà dei 

nostri tempi. Ma vinceva soprattutto un modo 

diverso di vivere il valore aggregativo e colllettivo 

di un festival di cinema: non tanto evento, 

non semplice passerella ma occasione di scoperta, 

confronto, dialogo. Che si realizza 

vedendo insieme i film, trovando il tempo per 

parlarne e per approfondire temi ed estetiche, 

non consumando la 

cultura in piatti slogan 

di supina accettazione 

o effimero 

affossamento. 

Insomma, facendo, 

con modi nuovi e 

sensibilità del 

tempo, ciò che una volta garantiva la popolarità 

e il valore di quest’arte nuova e dei suoi santuari 

dedicati (i festival appunto). E facendolo 

con sano divertimento, tra un concerto e una 

cena, tra una chiacchiera e un incontro, senza 

paura di argomenti in apparenza poco adatti 

all’onnivoro consumo festivaliero (Come si 

scrive una storia? Che valore ha la difesa della 

lingua nell’epoca delle diversità culturali?) e 

senza l’angoscia delle etichette e dei formalismi. 

Vedere le sale gonfie di pubblico, ascoltare le 

domande di spettatori normali e appassionati, 

partecipare all’entusiasmo o alle polemiche di 

cineasti che parlano a cineasti, faceva un effetto 

del tutto singolare anche a chi, come il sot- 

toscritto, ha fatto dell’organizzazione culturale 

un progetto e un mestiere e dunque ne ha già 

viste tante. Gli ingredienti sono rimasti pochi e 

semplici: un quartier generale che diventava 

rapidamente “casa aperta”, la visione e la discussione 

ritrovate come modo della percezione, 

uno schermo a cielo aperto per completare 

un percorso di cinema che nella sala chiusa 

cominciava a mattina, lunghe notti spese per il 

puro piacere dello stare insieme. Tutto il contrario 

di ciò che fa evento, di ciò che finisce 

sulle pagine dei giornali. Eppure su quei giornali 

ci siamo finiti, con frequenza ogni giorno 

più confortante e in tutto 

il mondo, grazie alla 

forza dei film e a un 

pugno di autori dai nomi 

sconosciuti che in pochi 

giorni sono diventate 

vere star del cinema 

internazionale. Capita 

così che il piccolo (ma grande e ambizioso) 

esordio in bianco e nero di un ventiseienne 

georgiano aiutato da un coraggioso produttore 

francese (13 di Gela Babluani) sia arrivato da 

ignoto a Venezia e ne sia uscito con il Premio 

De Laurentiis-Leone del Futuro per la migliore 

opera prima di tutta la Mostra; che un provinciale 

canadese del Québec, Jean-Marc Vallée 

con Crazy, sia sbarcato in Europa da Carneade 

e ne sia ripartito come l’autentico “caso” dell’anno, 

fino ad essere premiato – pochi giorni 

dopo, a Toronto – come miglior film canadese 

dell’anno, sicché è ora candidato all’Oscar. È 

accaduto che Pasquale Scimeca, il cui La passione 

di Giosuè l’ebreo rischiava di finire nel 

cono d’ombra del cinema invisibile, abbia 

infiammato la Mostra con la sua polemica alta 

e rigorosa sui temi dell’intolleranza e della diaspora. 

O che il documentario tutto pugliese di 

Davide Marengo, Craj-Domani, scritto, voluto 

e cantato da Teresa De Sio insieme a un gruppo 

di fantastici musicisti ottuagenari tra cui 

Matteo Salvatore, sia stato proiettato per un 

pubblico giubilante che applaudiva ogni 

sequenza, ogni canzone, fino a trascinare nell’entusiasmo 

la giuria di studenti di cinema che 

gli ha conferito il Premio Micciché per un 

esordio italiano di valore. Ma è l’insieme della 

selezione ad aver vinto – e per distacco – la 

volata dell’originalità e del rigore a questa 

Mostra 2005. Il giudizio – com’è ovvio – non ce 

lo diamo da soli, ma lo ricaviamo da commentatori 

non facili agli entusiasmi come i critici di 

Le Monde, Variety, il manifesto. 

Insomma, una selezione di autori per gli autori, 

magari intenta nella pensosa patina della 

“noia d’autore”? Non si direbbe proprio, a 

vedere le reazioni del pubblico, i commenti dei 

blog su Internet, il piacere con cui alcuni tra i 

più prestigiosi sensali internazionali di cinema 

(i sales agents, i produttori stranieri, i grandi 

distributori) hanno speso il loro soggiorno 

veneziano a fare affari, incontrare registi, discutere 

di possibili film sotto i pergolati e le 

tende della “Villa degli Autori”. In alcuni giorni 

sembrava che l’unico, autentico “mercato 

cinematografico” di Venezia si svolgesse intorno 

alla nostra sezioncina. Non ce ne siamo mai 

vergognati, piuttosto inorgogliti perché il cinema 

esiste davvero solo se circola, si vende, si 

compra, si progetta e si realizza. 

Giorgio Gosetti 

Delegato delle Giornate degli Autori 

VIVAVERDI 

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VIVAVERDI 

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cinema 

L'IMPORTANZA DELLE RASSEGNE 

A TUTTO FESTIVAL 

di Franco Montini 

L'annuncio della nascita di un festival 

cinematografico a Roma, sponsorizzato 

dal Comune e voluto dal sindaco Veltroni, 

la cui prima edizione dovrebbe svolgersi 

dal 13 al 21 ottobre 2006, ha messo in 

fibrillazione il settore. L'appuntamento 

romano si annuncia come una kermesse 

ricca, con ambizioni internazionali, che 

rischia di diventare un concorrente 

pericoloso e in grado di scalfire perfino il 

prestigio della Biennale Cinema, da 

sempre il festival italiano più importante e 

l'unico davvero conosciuto nel mondo. 

Cresce il numero delle rassegne 

Non meraviglia, dunque, che al di là degli auguri 

di circostanza e delle generiche promesse di 

collaborazione emerse nella conferenza stampa 

nella quale, proprio durante la Biennale, Veltroni 

ha annunciato ufficialmente la nascita di 

“Cinema-Festa Internazionale di Roma” fra 

Nella foto, Alberto Barbera e 

(sotto) Felice Laudadio; 

nell’altra pagina Emanuela Martini 

e Daniele Segre 

Roma e Venezia sia già iniziata una sottile guerra 

non dichiarata, anche perché le date di svolgimento 

delle due manifestazioni sarebbero 

quanto mai ravvicinate. 

E pensare che proprio per evitare sovrapposizioni, 

doppioni, esasperate concorrenze, poco 

più di un anno fa, è nata l’Afic (Associazione 

Festival Italiani di Cinema), cui fanno capo una 

trentina di manifestazioni. “La nostra associazione 

– spiega Alberto Barbera, che ne è il presidente 

– si è costituita sul modello di un coordinamento 

europeo dei festival di cinema che 

esiste da una decina d’anni. Il nostro obiettivo è 

anche quello di incoraggiare lo scambio di 

esperienze e collaborazioni fra le varie iniziative; 

favorire la circuitazione dei film; proporci 

come interlocutore unico nei confronti del 

Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, che 

è il principale finanziatore di molte iniziative, 

anche per individuare dei criteri di assegnazione 

il più possibile trasparenti e condivisi. La 

scelta di svolgere la manifestazione di Roma in 

autunno – prosegue Barbera – mi lascia perplesso; 

perché non mi pare che esista un 

numero sufficiente di film, in particolare italiani, 

per alimentare due manifestazioni così 

grandi, senza contare che immediatamente 

dopo si svolgerebbe il Festival di Torino, che, 

Venezia a parte, è ormai il più importante 

appuntamento italiano. Inoltre sono assai dubbioso 

anche sul fatto che i media possano 

garantire adeguata copertura giornalistica a due 

manifestazione tanto ravvicinate”. 

Ma spostare le date del prossimo futuro festival 

di Roma è meno semplice di quanto possa 

apparire: il fatto è che i festival cinematografici 

italiani, fra grandi, piccoli e medi sono tanti, 

tantissimi. Esistono festival di ogni tipo: rassegne 

centrate sui generi (dalla commedia, al 

thriller, al noir); festival dedicati agli esordi; ai 

rapporti fra cinema e letteratura, cinema e pittura, 

cinema e cucina, cinema e montagna; 

festival monografici su attori e registi; festival 

retrospettivi su momenti determinanti della 

storia del cinema e ancora festival di documentari, 

cortometraggi, animazione, nuove tecnologie, 

perfino di trailer. 

Negli ultimi anni si è assistito ad una straordinaria 

proliferazione di iniziative, che, oltre che 

al Ministero, si appoggiano sui contributi degli 

Enti Locali. “Il successo dei festival – commenta 

Felice Laudadio, direttore del festival di 

Taormina e in passato di molte altre importanti 

iniziative compresa la Biennale Cinema – è 

frutto di varie concause, a cominciare dalla sparizione 

di quel tessuto di cineclub e cinema 

d’essai che offrivano spazio e visibilità al cinema 

d’autore. Poi c’è da considerare l’offerta 

della televisione: lo spazio dedicato al cinema 

da tutte le reti generaliste si è molto ridotto; i 

film di qualità sono diventati pochissimi e confinati 

in orari impossibili. Insomma per il pubblico 

dei cinefili, i festival stanno diventando 

l’unica occasione per consumare un certo cinema. 

Infine, fatto tutt’altro che secondario, i 

costi di un festival cinematografico sono assai 

più contenuti rispetto a manifestazioni che 

puntano sullo spettacolo dal vivo. Alla luce dei 

tagli sempre più consistenti sulla cultura, per 

un assessorato organizzare manifestazioni di 

teatro o musica è diventato proibitivo e, di conseguenza, 

si punta sul cinema”. 

“I festival – concorda Barbera – sono di fatto 

diventati un circuito alternativo, dove si possono 

scoprire film altrimenti invisibili, perché 

rifiutati da una distribuzione e da un mercato 

sempre più concentrati su un unico tipo di prodotto. 

Credo che in futuro i festival dovrebbero 

sviluppare questa missione e funzionare come 

una vera e propria rete”. 

“I festival continuano ad aumentare – fa notare 

Emanuela Martini, direttore del Bergamo Film

Meeting – grazie ad un crescente consenso di 

pubblico. Le proiezioni festivaliere nelle grandi 

città, come in provincia, come nei centri più 

piccoli e decentrati, sono sempre seguitissime. 

La cosa può sorprendere se si pensa che da un 

certo punto di vista, grazie alle nuove tecnologie 

(Dvd, Internet, telefonia) le possibilità di consumo 

si sono moltiplicate. Oggi ognuno di noi 

ha a portata di mano un patrimonio cinematografico 

vastissimo, ma di fronte a questa materia 

sterminata c’è bisogno di qualcuno che 

indirizzi le singole scelte; ebbene credo che i 

festival, soprattutto per ciò che riguarda personali 

e retrospettive, svolgano oggi questa 

importante funzione e non è un caso che lo spazio 

dedicato al cinema del passato sia in crescita 

in quasi tutte le manifestazioni”. 

Ma i festival di cinema che si organizzano in 

Italia sono davvero un numero esagerato che 

andrebbe ridotto? “Non ne sarei troppo convinto” 

risponde Maurizio Di Rienzo che con 

Peppe D’Antonio ha diretto la più recente edizione 

festival Linea d’ombra di Salerno e collabora 

con molte altre iniziative festivaliere. 

“Certamente – chiarisce Di Rienzo – esistono 

delle rassegne un po’ inutili, realizzate solo per 

elargire qualche premio e fornire visibilità a 

qualche assessore. Ma l’esistenza di tanti festival 

non rappresenta obbligatoriamente un fatto 

negativo. In molti piccoli centri sprovvisti di 

sale, i festival sono l’unica, irrepetibile occasione 

per tenere vivo l’amore per il cinema e il 

grande schermo. In tanti altri casi sono l’unica, 

irripetibile occasione per mostrare dei film che 

altrimenti resterebbero preclusi al pubblico di 

quella città. Quando mai gli abitanti di 

Marzameni, piccolo centro della Sicilia, dove si 

svolge annualmente un festival, avrebbero 

potuto vedere La storia del cammello che piange, 

il documentario italiano candidato quest’anno 

all’Oscar? Posso testimoniare, per 

avervi partecipato personalmente, che quella 

sera in piazza a vedere il film c’erano mille persone: 

lo ritengo un fatto culturale di grande 

importanza. In altri casi i festival sono l’occasione 

per mostrare documentari e cortometraggi, 

ovvero film che non hanno alcuna visibilità 

sul mercato. Se soprattutto d’estate, nei 

centri turistici, accanto alle sagre paesane e alle 

fiere della piadina, si organizzano anche rassegne 

di cinema, che semigratuitamente offrono 

film di qualità, personalmente ne sono felice e 

andrei piano nel chiedere cancellazioni”. 

Tuttavia, se da un lato il numero dei festival e 

dei frequentatori è in crescita, dall’altro l’interesse 

dei media nei confronti delle kermesse di 

cinema sta progressivamente scemando. A 

parte i grandi appuntamenti internazionali 

(Cannes, Venezia, Berlino) lo spazio che i maggiori 

quotidiani nazionali e le più importanti 

emittenti radio/televisive dedicano ai festival è 

davvero modesto. Come spiegare questo apparente 

paradosso? “Il fatto – risponde Emanuele 

Martini – non riguarda i festival in particolare, 

ma il cinema in genere. A parte qualche eccezione, 

nei giornali il cinema è ormai identificato 

come gossip e pettegolezzo. È molto cresciuto 

lo spazio dedicato alla presentazione dei pochi 

film evento e alle interviste con i divi, mentre 

sono stati ridotti drasticamente gli interventi 

critici. In poche parole si tende ad eliminare la 

riflessione sul cinema e poiché i festival, o 

almeno buona parte di essi, propongono una 

riflessione, ecco che i media tendono ad ignorarli”. 

Questo atteggiamento penalizza in particolare 

le manifestazioni che puntano sulle scoperte, 

le cinematografie emergenti, i nuovi 

autori. “Fino a qualche anno fa – ricorda 

Laudadio – i festival rappresentavano l’occasione 

per portare alla ribalta registi sconosciuti. 

Grazie ad ‘Europa Cinema’, che all’epoca 

dirigevo, un regista come Stephen Frears 

divenne famoso da un giorno all’altro. Oggi 

cose del genere non accadono più, non perché 

i festival hanno perso la capacità di individuare 

giovani autori meritevoli, ma semplicemente 

perché i critici non vengono più inviati a 

seguire le varie manifestazioni. È già tanto se le 

varie testate spediscono ai festival un cronista, 

il quale spesso non ha neanche la possibilità di 

vedere i film, ma si limita ad intervistare gli 

ospiti di turno, sempre che si tratti di star già 

note e celebrate. In questo modo il prezioso 

lavoro di ricerca dei festival viene semplicemente 

sprecato”. 

Ma c’è anche di più, prosegue Laudadio, “l’esasperata 

attenzione dei media nei confronti del 

divismo, obbliga i festival a stravolgere le proprie 

tradizioni per dare spazio alle star. Con un 

rischio ulteriore: gli attori famosi, o per lo meno 

i loro agenti, consapevoli dell’importanza di 

certe presenze ad una manifestazione, cominciano 

a chiedere cifre esorbitanti per intervenire 

in questo o quel festival. Il rischio è che anche 

da noi accada quello che è già avvenuto in 

Francia e che ha coinvolto personaggi del calibro 

di Catherine Deneuve e Gérard Depardieu, finiti 

sotto inchiesta per avere chiesto e ottenuto fondi 

in nero per presenziare a manifestazioni di 

cinema”. Sfuggire alla logica dell’evento, per 

costruire festival che siano realmente interessanti 

da un punto di vista culturale non è facile. 

“L’assessorato o lo sponsor privato che finanzia 

un’iniziativa – fa notare Barbera – vorrebbe che 

la manifestazione in oggetto ottenesse dai media 

un’attenzione a livello nazionale, ma la cosa è 

sempre più difficile, così il rischio concreto è 

quello di perdere progressivamente le risorse a 

disposizione. Sarebbe importante che finanziatori 

pubblici e privati di festival si convincessero 

dell’importanza di creare saldi legami con il territorio 

e con il pubblico locale, senza avere, 

come spesso accade, ambizioni esagerate”. I 

tagli alle risorse pubbliche sul Fus (Fondo Unico 

dello Spettacolo) certo non aiutano; ci sono 

festival anche importanti che negli ultimi anni 

hanno subito contrazioni pesanti. Il finanziamento 

del Bergamo Film Meeting è stato ridotto 

ad un quarto rispetto a quattro anni fa, passando 

da 80mila a 20mila euro. Stessa sorte per il 

Festival di Bellaria, dedicato da sempre al cinema 

indipendente italiano. In occasione dell’edizione 

2005 del festival adriatico, il coondirettore 

Daniele Segre ha lanciato l’allarme: “Stiamo 

assistendo ad una vera e propria ‘pulizia culturale’ 

da parte del governo, a fronte di in panorama 

generale in cui i maggiori festival si appiattiscono 

sempre più sui ‘modelli Tv’ di totale omologazione. 

Bellaria ha un’importanza strategica 

poiché si propone come vetrina di un presente 

creativo, in cui i giovani possono lavorare insieme 

in varie laboratori di formazione. Tutti noi 

cineasti indipendenti abbiamo cominciato da 

qui. Eppure a causa dei drastici tagli, il futuro del 

festival è appeso ad un filo”. Purtroppo, verrebbe 

da aggiungere, come il futuro di tante altre 

meritorie iniziative culturali.

VIVAVERDI 

22 

personaggi 

UMBERTO CONTARELLO 

RACCONTI DAL CUORE 

di Alberto Ferrigolo 

È uno dei principali sceneggiatori italiani. Ha scritto film per Salvatores, 

Calogero, Zaccaro, Piccioni, Amelio, da solo o come co-autore. Arrivato a Roma, 

da Padova, assieme a Carlo Mazzacurati e Enzo Monteleone a metà anni '80. Ora 

un romanzo, che è già una sceneggiatura e sarà presto un film di Francesca 

Archibugi. Colloquio sul mestiere di scrittore per il cinema 

È la storia di un infarto. Il suo. E di una passione 

per la scenaggiatura. Poi è storia di amicizie, 

intense, diverse. Di una vita sentimentale caotica 

nella quale Alberto, il protagonista, tenta di 

mettere ordine andando a convivere con Carla. 

Ma la casa che li dovrebbe accogliere, la dimora 

della loro intimità, si trasforma presto in un 

grande appartamento freddo, vuoto, privo di 

orizzonti. Lo specchio del loro rapporto muto. 

Come il sesso. Prevale il tormento, “la voce” 

professionale di Alberto si affievolisce mentre 

crescono preoccupazioni e incombono agenti e 

produttori carichi di richieste. Alberto è assediato, 

e nel frangente arriva – “come il morso di 

una carpa sdentata” – l’’infarto. 

Per il protagonista è una frustata, un segnale, 

un grande punto interrogativo, una domanda 

aperta sul proprio futuro. La storia è anche 

quella di una generazione comoda e “irresponsabile”, 

che ha amato molto i lussi e poco le 

convenzioni, più gli amori intensi, travolgenti e 

appassionati che le fedeltà. E che, alla soglia 

della mezza età, si trova già con gli acciacchi a 

fare i conti con un passato che brucia. 

Un’autobiografia. Trama nella trama. 

Alberto è Umberto Contarello, padovano trapiatato 

a Roma da più di due decenni, classe 

1957, al suo romanzo d’esordio (Una questione 

di cuore, Feltrinelli, libro che s’è aggiudicato il 

Premio Berto e che sarà un film di Francesca 

Archibugi), ma con alle spalle un cursus honorum 

di scrittura di grande talento. È uno dei 

principali sceneggiatori italiani per il cinema 

(vedi box), di quella generazione che scrive film 

pluripremiati, amati e visti dal pubblico, e che 

contempla nomi come Gualtiero Rosella e Lucia 

Zei o Francesco Bruni, Enzo Monteleone, 

Doriana Leondeff, Lara Fremder, Claudio Fava 

e Monica Zappelli. Giovani sceneggiatori che 

hanno padri nobili in Vincenzo Cerami o 

Stefano Rulli e Sandro Petraglia. Gente che si 

ritrova e scrive insieme, si alterna e allo stesso 

tempo intreccia nella vita, nelle storie, nelle 

frequentazioni, nei lavori. 

Ora Contarello sta per cominciare a scrivere il 

nuovo film di Salvatores, “una storia che sappiamo 

sarà ambientata in una nave mercantile, 

una cosiddetta ‘carretta del mare’ e il cui titolo 

provvisorio è Il popolo dell’acqua. Un lavoro 

che si profila molto impegnativo” dice. A breve 

uscirà il film di Amelio, che ha scritto, e poi, da 

Una questione di cuore il film della Archibugi. 

Com’è passare dallo scrivere per il cinema a un 

romanzo? Com’è accaduto? 

Come sempre, per tutto quel che mi riguarda, 

non per caso. Anche se ho sempre nutrito un 

senso di sana soggezione verso la letteratura e 

nei confronti della parola scritta fine a se stessa: 

è un linguaggio che non chiede altro che quel 

che dà. Ho sempre letto con molta ammirazione 

tutti quegli scrittori che possedevano questa 

specie di talento, difficile da definire in astratto, 

ma che quando uno lo incontra sa bene di 

conoscere… 

E che cos’è? 

È la lingua. 

Cosa intendi per lingua? 

La personalità della lingua, anzi la voce. Forse la 

parola giusta è la voce. 

Di un libro cosa ti interessa di più? 

Quando leggo un libro – forse per una deformazione 

professionale al contrario, e per il 

WHO’S WHO 

UMBERTO CONTARELLO Nato a Padova nel 1958, Umberto Contarello è 

laureato in Lettere e Filosofia e lavora come sceneggiatore professionista 

dal 1982. Come autore di varietà tv è coautore di Fantastico 8 e come 

autore di fiction è cosceneggiatore della Piovra 7 e coautore del soggetto 

della Piovra 8. Per il cinema è coautore di soggetto e sceneggiatura di 

Marrakech Express per la regia di Gabriele Salavatores, finalista al premio 

Solinas; coautore di soggetto e sceneggiatura de Il toro (Leone d’Argento 

alla mostra di Venezia) Vesna va veloce, La lingua del santo (regia di Carlo 

Mazzacurati). Cosceneggiatore de Il carniere (finalista al Premio David di 

Donatello) e Un uomo per bene, entrambi per la regia di Maurizio Zaccaro. 

Autore di soggetto e sceneggiatura di Il metronotte per la regia di 

Francesco Calogero, Luce dei miei occhi per la regia di Giuseppe Piccioni. 

Autore della sceneggiatura de L’aria che respiro, tratto dalla vicenda del 

Petrolchimico di Porto Marghera e di Ovunque sei (regia Michele Placido). 

Coautore della sceneggiatura de La stella che non c’è (Gianni Amelio). 

mestiere che faccio passo molto tempo attorno 

all’architettura delle storie, alla loro composizione 

–, mi accorgo che la storia è in realtà quel 

che m’interessa meno. I libri che mi emozionano 

e attraggono, mi obbligano a un tempo separato 

dalle cose, sono i libri che hanno una voce. 

Più potente dell’intreccio, della drammaturgia 

che viene raccontata. 

La voce equivale alla bella scrittura? 

No, non so cosa sia la bella scrittura. So solo che 

esiste una scrittura che mi parla e una che non 

parla. Quando una scrittura mi parla la chiamo 

voce. 

In che modo ti parla? 

Difficilmente dei libri che mi fanno pensare o 

che mi emozionano saprei ricostruire a distanza 

di tempo i fili della narrazione. Quel che mi 

rimane dentro è una specie di intimità, cioè la 

sensazione che la scrittura veicola un qualcosa 

che è… 

…l’anima del libro…? 

Sì, è molto simile… Per me che ho una tradizione 

famigliare di storia orale, la voce, l’anima 

di un libro è una sorta di malìa. Come essere 

dinanzi a un narratore speciale del quale potresti 

restare ad ascoltare qualunque cosa, perché 

non ascolti quel che racconta ma la sua voce. Un 

libro potente per me è questo. 

La tua scrittura ha questa voce? 

Non ho mai minimamente immaginato, né 

pensato di avere una voce, né le capacità. 

Ognuno si misura naturalmente con quello che 

considera letteratura o considera cinema e si fa 

il proprio esame in base a dei modelli alti e non 

Foto Talos Buccellati

assi o deteriori. Non ho mai pensato di poter 

utilizzare quello che so fare e in un ambito che 

non fosse quello che, a fatica, dopo molti anni 

un pochettino ho imparato a fare. 

Com’è la tua scrittura? 

Non credo di essere uno di grandissima fantasia. 

Sono una persona che deve vivere un’esperienza, 

anche piccola, per poi dilatarne il confine 

o metterla in relazione con altre fino a comporre 

un filo che può assomigliare a una narrazione, 

a una storia. 

Quindi storie come parte del proprio vissuto… 

Come sempre. Penso che tutti i lavori che ho 

fatto sono sempre stati dei prolungamenti di 

cellule di cose che ho attraversato. Il segreto 

della mia piccola immaginazione sta un po’ nel 

lavorare in questo modo. In questo caso c’era 

una piccola cellula importante, perché una 

breve malattia ha la sua importanza, delle connotazioni 

esistenziali. Ho provato a lasciarmi 

andare a occhi chiusi su come poteva andare a 

finire quella storia di quell’individuo alle prese 

con questa ferita che gli arriva inaspettatamente 

in un momento non qualsiasi della sua vita. 

Bene, gli elementi ci son tutti, sbattiamo nel 

frullatore…, ma come si parte? Da dove si 

comincia a scrivere? 

Quando si hanno gli elementi per una storia, 

più che immaginare lo svolgimento, la cosa 

fondamentale è avere un senso musicale degli 

stessi, che ti fa dire se stanno bene, cantano 

bene insieme o stonano. Come per le prime 

note di una canzone… 

Cioè l’abbrivio, l’attacco o lead di un articolo… 

È la stessa cosa? 

Abbrivio, parola giustissima. Per raccontare il 

profilarsi del sintomo della malattia m’è venuta 

l’immagine della carpa, questo pesce che 

morde. È l’abbrivio. Finita questa fase non ho 

mai pensato d’aver scritto una cosa che potesse 

avere una copertina ed esser messa nello scaffale 

d’una libreria. Sono stati gli altri a dirmelo. 

Sono stati altri a riconoscere l’oggetto e a incoraggiarmi. 

Come spesso avviene sono gli altri a 

vedere qualcosa di te che tu non vedi. A dare un 

senso. Io spesso faccio ma non so cosa. 

Qui la storia è un’autobiografia, ma cosa significa 

invece scrivere per il cinema? 

C’è una grande differenza tra scrivere un’autobiografia 

e scrivere biografie. Personalmente, 

eccetto qualche raro caso, sin dall’origine dell’idea 

ho sempre raccontato in fin dei conti un 

pezzo, un frammento più o meno grande della 

biografia di qualcuno che conoscevo. Sotto 

mentite spoglie, trasfigurato, rimescolato, ma al 

fondo riesco solo a raccontare di persone che in 

qualche modo ho attraversato. Il livello di 

conoscenza non necessariamente deve esser 

profondo, ma per me un film è sempre la biografia 

di qualcuno. Persone che mi hanno 

risuonato dentro, con cui sono per un po’ 

entrato in una sorta d’intimità. 

Qualche esempio? 

Il Toro, Marrakech Express, penso a Luce dei 

miei occhi, ma anche Ovunque sei, La lingua 

del santo. Tutte storie che nascono da una relazione 

tra me, i registi, gli autori con i quali ho 

avuto la fortuna di lavorare dall’inizio, quando 

proprio si fabbricava e si cominciava a tessere 

l’idea. 

Cosa ti piace delle storie? 

A me piacciono gli esseri umani, mi incuriosi

VIVAVERDI 

24 

personaggi 

scono, sono la cosa che mi diverte ancora di 

più. Non sono un appassionato di natura…, 

tolto il mare, dove sto bene, per il resto mi 

piacciono solo le persone… 

Ciacole, bar, incontri, piazze, fughe. Roba veneta… 

Sì, anche perché provengo da una grande tradizione 

famigliare. Mio padre, lui sì, era un grande 

affabulatore, un grandissimo attore che mi 

ha probabilmente trasmesso…, il codice famigliare… 

Quello della mia famiglia è un lessico 

della narrazione. Tutto passava di lì o si trasformava 

in narrazione. 

Quindi in una recita… 

Anche. Quindi in una performance… A partire 

da mio nonno Umberto, che era capocomico di 

una Compagnia drammatica, il modo di stare 

insieme in questa famiglia molto numerosa 

passava per il racconto orale. Io nasco da lì. E 

sono arrivato a questo mestiere – incosciamente 

– facendo fruttare quest’unica dote. 

Sei laureato in Filosofia, ha qualche significato? 

Ti ha dato vantaggi? 

Ho fatto Filosofia perché a quei tempi era la 

facoltà che allontanava di più ogni possibilità 

concreta di lavoro…, e quindi mi sembrava un 

modo bello, interessante, per passare quattro 

anni. Sono stati anni bellissimi… 

Tutto qui? Hai fatto poi scuole particolari? 

No, non ho fatto nulla. 

Come arrivi a fare lo sceneggiatore? 

Sono venuto a Roma poco dopo che da Padova 

s’erano trasferiti Carlo Mazzacurati e Enzo 

Monteleone, a metà anni 80, in totale e meraviglioso 

incanto per tutto quel che poteva succedere. 

Non ho ricordi di quel periodo nei quali 

noi vivessimo con una meta. Avevamo un desiderio, 

una curiosità, che era semplicemente 

quella di dire: “Ci piace il cinema”. E l’unico 

modo, il modo più semplice, che costa meno 

per provare a farlo è scrivere. Perché non devi 

scomodare nessuno e quindi, in totale leggerezza 

e divertimento, ci siamo messi a inventare 

un po’ di storie, a scribacchiarle, proporle di 

qua e di là, Quello che però ricordo di più era 

l’incanto di Roma, questo senso di libertà di 

stare in un altro posto, di iniziare una cosa che 

non si sapeva fare. Non ho ricordi di ansia da 

prestazione, di formalizzazione di una carriera. 

Tutto è avvenuto in maniera casuale. Poi uno 

può dire: a forza di cercare di fare una cosa, uno 

la fa. 

Hai fatto fatica? 

Non è un’espressione che userei. Poi è vero, ho 

fatto anche fatica, perché ho lavorato tanto, 

perché veniamo anche da una cultura in cui c’è 

un rigore dentro che si scontra con una pigrizia 

infinita. Poi ho imparato a darmi un metodo – 

io che sono una persona disordinata –, un 

metodo decente non perfetto, fantastico. Ho 

fatto la mia fatica ma mi verrebbe da ridere a 

parlarne. 

Come si comincia a “sgrezzare” una storia? 

Lavori da solo o con altri? 

Non esiste secondo me una figura fantasmatica 

dello sceneggiatore che lavora da solo. In Italia, 

come minimo, lavora con l’autore. Che è colui il 

quale si prende dall’inizio la responsabilità, e la 

condivide con lo scrittore, del dipanarsi dell’idea 

e del progetto di scrittura. E invece chi – 

come succede anche da noi ma più frequentemente 

in America –, acquisisce un prodotto a 

uno stato finito, non completo ma che ha caratteristiche 

definite come una sceneggiatura e 

lavora alla sua realizzazione, è più classificabile 

come un regista. Ma sono teorie del tutto indicative. 

Come avviene l’incontro sceneggiatore-autore? 

Per me è abbastanza usuale che mi venga in 

mente qualcosa che non è già una storia ma 

semmai un nucleo che, a orecchio, sento possa 

sprigionare una intensità sufficiente a reggere 

una trama. Quando sento di avere in mano un 

qualcosa che mi sembra contenga questa robustezza 

dentro, che non è inizialmente una robustezza 

di trama ma una robustezza di senso, di 

necessità, allora semplicemente penso quale 

sarebbe l’autore che mi piacerebbe vedere 

impegnato. Lo chiamo e gliela vado a raccontare. 

Questa è un modo. Poi ci sono gli approcci 

inversi. L’autore con un’idea più formata che 

mi chiede di entrarci: stabiliamo il livello di 

intensità e procediamo. 

Film, film-verità, documentari. Quale rapporto 

con la realtà? 

Adoro i documentari, non faccio il regista ma è 

una scuola, A parte che oggi la parola documentario 

ha per fortuna assunto diversi significati, 

ma per esempio ci sono adesso dei film di verità 

che contengono un mistero, una complessità, 

una inafferrabilità che è assolutamente paragonabile 

a un film cosiddetto di finzione… Quel 

che conta è lo sguardo. Se mi si passa il paragone, 

alla fine, così come per me in letteratura 

conta la voce, al cinema conta lo sguardo. È lo 

sguardo che trasforma la storia in un modo o in 

un altro, che gli fa prendere una piega o l’altra. 

In realtà una storia o un film è sempre la sintesi 

della relazione che passa tra l’autore e quella 

storia. Sullo schermo scorre sempre il risultato 

d’una relazione. 

Come nascono le tue storie? 

Non ho un’immaginazione pura, ho un’immaginazione 

che ha molto bisogno di nutrimento. 

A casa, da solo, guardando il soffitto, dormo. 

Non mi viene in mente assolutamente niente. 

Quelle poche cose che mi vengono in mente è 

perché ho sentito qualcosa, ho parlato con 

qualcuno. Spesso mi viene in mente qualcosa 

mentre parlo. La mia immaginazione nasce dal 

racconto orale. Da solo, se mi metto lì e mi dico 

“adesso penso ad una storia”, mi addormento.

Alle 5 del pomeriggio guardando la televisione 

– e ti garantisco che sono in grado di guardare 

programmi inauditi – ad un certo punto devo 

uscire, anche solo andare al bar a vedere che 

succede, chi c’è, cosa si fa. 

E cosa accade? 

Il problema è che non succede niente, non succede 

mai niente. Succede se provochi un po’ 

che succeda qualcosa. 

A quale dei film alle cui sceneggiature hai collaborato 

sei più affezionato? 

Sono i film che mi fanno venire in mente 

momenti importanti o belli o significativi, che 

hanno accompagnato il tempo della lavorazione. 

La scrittura del Toro è stata una scrittura 

bellissima, sono stati bellissimi i sopralluoghi, 

l’incontro con Sandro Petraglia e Stefano Rulli, 

con Carlo Mazzacurati, che è un mio amico e 

con il quale lavorare è una fortuna. Perché lavorare 

con il tuo migliore amico, anche nei 

momenti di durezza, è quasi inaudito pensare 

perfino che ti paghino… Cosa c’è di più sublime 

che poter inventare una storia con un 

amico? 

Sono poi legatissimo a Luce dei miei occhi, 

perché è un film che anche se è stato frutto di 

una scrittura molto laboriosa, faticosa e per 

certi aspetti persino dolorosa, è però un film 

nato assieme a Giuseppe Piccioni da un materiale 

di vita che ci ha legato e nel quale ci potevamo 

riconoscere entrambi perché era un 

materiale molto intimo. Sono molto legato a La 

lingua del Santo, perché mi ha riportato assieme 

a Carlo Mazzacurati a rivedere e a riguardare 

il posto in cui siamo nati e cresciuti, Padova, e 

perché contiene anche un’idea di spensieratezza 

nell’affrontare durezze e sconfitte, un sentimento 

che mi è caro e sento vicino. 

E ai registi? 

Sono molto legato a questo prossimo film di 

Gianni Amelio, perché posso dire che era uno 

dei miei desideri, quasi un sogno non appena 

ho cominciato questo mestiere, di lavorare con 

lui. Il lavoro con lui è stata un’ulteriore possibilità 

per imparare un po’ meglio a fare il mio 

mestiere. Infatti non credo di poter dire “so 

fare lo sceneggiatore”: lo so fare forse ogni volta 

un po’ meglio, ma è l’intensità e la ricchezza, la 

profondità dei rapporti con chi realizzerà il film 

che ti fa fare i passi in avanti. 

Una continua “educazione sentimentale”…? 

Mi pare lo dica De André che scrivere una canzone 

è simile al gesto di un pescatore che butta 

la sua rete e che poi con molta tranquillità e 

serenità cerca di vedere che cosa rimane impigliato. 

Per me una storia è una sorta di inventario, 

nel senso che quando l’attenzione si focalizza 

su quella storia si sta scartando altro. 

Cosa t’ interessa di più in questo momento storico? 

Posso dire quello che vorrei fosse una storia. 

Quello che cerco in una storia per un film è 

sempre di più qualcosa che serva – non dico a 

capire – ma almeno a porsi delle buone 

domande su come stiamo al mondo oggi. 

Sapere come sono gli esseri umani che sono 

vicini a me, quelli a cui il mio amo può arrivare. 

Una storia per il cinema deve saper guardare un 

po’ dentro le persone. Un tempo ero più interessato 

al fare delle persone, al loro rapporto 

materiale con l’esistenza. Adesso voglio sapere 

cosa c’è, quale magma si muove dentro gli esseri 

umani. 

Che differenza c’è tra le storie per il cinema e 

storie per la televisione? 

Le storie per la Tv mi pare abbiano una possibilità 

molto buona – e che il cinema che facciamo 

noi fisiologicamente non è in grado di assolvere 

– di affrontare una grandissima questione di 

questo paese, che è la mancanza di memoria. 

Pensi che la Tv scavi di più del cinema? Che sia 

più aderente al passato? Un bel paradosso… 

Penso che la Tv, il racconto televisivo nel suo 

complesso (non amo la parola fiction) quando è 

ben fatto, e non sempre accade anche perché è 

difficile farlo bene, contribuisca a dar vita ad 

una sorta di Almanacco che ricostruisce in termini 

popolari – nel senso migliore e positivo – i 

fili della storia di questo paese. Non necessariamente 

della Grande Storia, ma è come se la Tv 

potesse mettere una pezza a questa specie di 

difficoltà di dare una cronologia alle esistenze 

collettive. Sono sicuro che oggi, se mi si chiedesse 

di avere uno sguardo cronologico sugli 

avvenimenti collettivi, magari anche quando si 

riferiscono a vicende private, farei molta diffi- 

coltà. La Tv mi sembra invece un buon modo, 

attraverso la narrazione, per ordinare questo 

tempo che s’accavalla come le onde e del quale 

non si riesce a districare la trama. 

Se dovessi pensare ad una storia per la televisione, 

una biografia, un personaggio, chi ti piacerebbe 

vedere rappresentato? 

La Tv che mi piacerebbe fare, che ha senso fare, 

è una Tv che racconti finalmente in modo bello, 

con un autore importante, una figura come 

Franco Basaglia, lo psichiatra veneziano che è 

una figura italiana enorme, conosciuta e appiattita, 

semplificata solo per elementi un po’ triti, 

stereotipati, e che invece ha aspetti biografici 

che raccontano anche la natura un po’ bella di 

questo paese. La Tv potrebbe poi raccontare 

anche figure più complesse, controverse. Il 

passo che il racconto televisivo deve fare è fidarsi 

della capacità del pubblico di divertirsi e 

appassionarsi a personaggi e figure più complessi 

di quelli che vengono normalmente scelti. 

E sullo schermo cosa scorre invece? 

È un periodo in cui si scelgono personaggi che 

riflettono un po’ anche il clima complessivo, 

ma c’è una proliferazione di sai e santità che mi 

sembra un po’ eccessiva… 

Vai molto al cinema? Un film che ritieni 

importante? 

Dipende molto dai periodi. Di solito quando 

lavoro molto ci vado un po’ meno. Posso però 

dire che il film per me più importante degli 

ultimi anni è la Venticinquesima ora di 

Spike Lee. 

Cosa contiene? 

Parla di una questione chiave, almeno per quella 

che grossolanamente posso chiamare la mia 

generazione insieme alle generazioni limitrofe: 

è la questione della responsabilità. Un film con 

una caratura epica fortissima e che con molto 

dolore ci dice anche una cosa atroce: che non 

c’è più per nessuno la possibilità di andare 

altrove rispetto al portato delle proprie responsabilità. 

Mi sovviene una bellissima poesia di 

Costantino Kavafis che si chiama La città e che 

dice: “Dovunque andrai la tua città ti verrà 

sempre dietro”. Ecco, nel finale l’idea di un 

padre che possa esistere per il proprio figlio un 

posto dove rifarsi una verginità, un’esistenza, 

dove poter cancellare la propria responsabilità 

– che è il nocciolo della cultura degli anni 

Settanta – muore. Il padre incarna quella cultura 

lì e il figlio invece non ce l’ha più. 

Avrai un ruolo nel film della Archibugi sul tuo 

romanzo? 

No, Francesca prenderà il romanzo e, come 

nella tradizione lo scriverà lei o con chi vorrà e 

farà il suo film dentro a quel romanzo. Mi sembra 

giusto che l’autore di un romanzo personale, 

con un rapporto anche di grande amicizia 

con Francesca, con una storia in parte vera, non 

ingombri, non crei ostacolo all’appropriazione 

del materiale.

VIVAVERDI 

26 

mestieri 

MUSICA 

EDITORE, UNA PASSIONE 

LUNGA UN SECOLO 

di Oscar Prudente 

Condizione necessaria per la nascita di una 

canzone è che vi sia un autore che la scriva: la 

logica musicale è inoppugnabile, non concede 

scorciatoie. Meno chiaro, per i più, non esclusi 

gli stessi aspiranti autori, è in quale modo da 

questo concepimento la canzone, prodotto in 

sé astratto, riesca poi a prender forma e materializzarsi: 

in quale modo – con quale “levatrice” 

– trovi la sua strada nel mondo, ovvero nel 

mercato, diventando così un’opera concreta. 

La risposta è: l’editore. È lui “il mezzo”, il tramite 

della nascita di una canzone. È infatti l’editore 

che trasforma l’idea in un’opera in 

grado di essere diffusa nel mercato e quindi 

sfruttabile economicamente, a vantaggio dell’autore 

e anche proprio. Una professione viva 

fin dall’Ottocento, attraverso la diffusione 

della musica, ovvero all’epoca la stampa e il 

noleggio degli spartiti. Nel tempo, l’avvento 

della registrazione musicale ha cambiato le 

carte in tavola, e allo scenario si è aggiunta in 

seguito la figura del discografico: la crescente 

tendenza degli artisti ad essere contemporaneamente 

autori e interpreti ha infatti finito 

per complicare ulteriormente la situazione, per 

cui definire oggi quali siano esattamente i 

compiti dell’editore è meno facile di quanto 

non appaia… 

Tuttavia, per un giovane autore ignorare l’editore 

– bypassarlo – e rivolgersi direttamente ad 

un discografico sarebbe un errore grave, come 

spiega qui di seguito Filippo Sugar, presidente 

della Sugarmusic Publishing: “Se non si ha una 

realizzazione di qualche tipo (demo, provini, 

un accordo con un interprete) l’editore è l’unico 

interlocutore possibile: un discografico non 

ti dà nemmeno l’appuntamento”. E in ogni 

Di fianco, Filippo Sugar. 

Nella pagina accanto, 

in senso orario dal basso, 

Paolo Corsi, Chuck Rolando, 

Claudio Buja con 

Carmen Consoli 

e Toni Verona (foto piccola) 

Come nasce una canzone? Come si afferma? Basta scriverla e musicarla? E poi, chi la 

sostiene e la veicola? Breve inchiesta sul mestiere dell'editore musicale e sulla sua 

trasformazione, tra passato, presente e futuro: “Brutto no, ma faticoso sì”. Specie nell'era 

di Internet, tra diritti lesi e vilipesi. Il ruolo “primario” della Siae. Parlano i principali 

protagonisti del settore 

caso se te lo dà, è sempre meglio andarci in 

compagnia dell’editore, che ha pur sempre un 

certo appeal e anche un ruolo “fondamentale”, 

suggerisce ancora Sugar. “È stato importante 

soprattutto all’inizio: è il primo soggetto – 

diciamo imprenditoriale – che ha fatto della 

musica un lavoro, e che ha avuto come missione 

quella di divulgare la musica degli autori e farla 

arrivare a più persone possibile, anche creando 

modalità in base alle quali tale attività potesse 

essere remunerata, meccanismi che potessero 

offrire la possibilità agli autori di vivere della 

propria arte e quindi sollecitandoli anche a non 

aver paura delle proprie idee, incentivandoli ad 

avere creatività. Oggi in una certa misura l’editore 

è sempre a contatto con l’idea, che lo unisce 

all’autore, e lo sollecita ad avere la sensibilità 

di comprenderne il valore aiutando così l’autore 

stesso a dirigere il frutto della propria 

creatività verso il miglior approdo nel mare 

magnum del mercato”, continua Sugar. 

“Siamo gli immobiliaristi della canzone, 

abbiamo investito in terreno e chi costruisce lo 

fa come vuole: un palazzo, una casa di vetro, 

una piramide, un teepee indiano”, rilancia 

Chuck Rolando, direttore della Sony Music 

Publishing: “Siamo quelli del terreno su cui 

costruisci, investiamo sul diritto d’autore e la 

proprietà intellettuale”. Tempo fa l’editore era 

proprio una “fonte”, un intermediario fra chi 

cantava e chi scriveva o componeva e che, 

spesso e volentieri, non era affatto lo stesso 

artista: “Il nostro ruolo è sempre quello di 

gestire questo legame, ma avendo a che fare 

sempre di più con strutture e artisti autonomi 

– nel senso che fanno proprio tutto da sé –, la 

nostra funzione è più quella di instaurare un 

rapporto con loro più che creare un ponte tra 

loro e qualcun altro; vengono da noi o perché 

hanno bisogno di una verifica obbiettiva o 

anche – non va assolutamente dimenticato – 

perché la nostra forza multinazionale è, tra 

l’altro, anche quella di gestire un giro di incassi 

a livello mondiale”, sottolinea Rolando. 

Alla major rispondono le altre major. L’editore 

è più che altro un talent scout o, se si preferisce, 

“un ‘identificatore’ di talenti e un divulgatore 

delle opere attraverso anche dei mezzi di 

comunicazione nuovi, che non sono più quelli 

unicamente legati al successo del discografico”, 

afferma e spiega Paolo Corsi, amministratore 

delegato della Emi Music Publishing 

Italia: “L’editore nasce con la funzione di 

divulgatore dell’opera dell’ingegno. Poi, dopo

l’invenzione del disco, l’editore ha circoscritto 

il proprio campo d’azione alle figure degli 

autori e dei compositori, mentre il discografico 

si è concentrato sull’interprete, sempre con lo 

scopo di divulgare la musica, però attraverso 

un determinato supporto. La musica è sempre 

più diffusa: c’è sempre e comunque bisogno di 

chi interpreta le opere, ma soprattutto c’è 

bisogno di chi le compone e le scrive e non 

sempre le due figure coincidono. L’editore ha 

il compito di identificare, di scoprire e poi di 

divulgare, di rendere note al mondo le opere 

scritte dagli autori e dai compositori”. 

Claudio Buja, managing director della 

Universal Music Italia, pone invece l’accento 

sulla “tutela dell’opera” di cui l’editore è il proprietario 

insieme all’autore. Un aspetto “del 

quale ci si dimentica spesso”, sottolinea. 

“Mentre nell’Ottocento questa funzione era 

svolta dall’editore in maniera primaria perché 

accanto all’autore gli consentiva di rappresentare 

l’opera e quindi di diffonderla – spiega 

Buja –, ora il suo ruolo, anche se è stato ridimensionato 

dalla presenza del discografico, è 

pur sempre quello di tutelare l’opera, di svilupparla 

in tutti i suoi utilizzi”, compresi quei 

nuovi canali che non dipendono dallo sfruttamento 

di un master discografico. In questi casi 

esiste “la proprietà della canzone – ovvero il 

copyright – che è sempre dell’autore: ma l’au- 

tore ha al fianco nel 99% dei casi anche un 

editore, ovvero la persona che deve tutelarlo – 

impedendo gli utilizzi non consentiti – e diffondere 

la conoscenza della composizione non 

soltanto attraverso la realizzazione discografica, 

ma attraverso tutte quelle possibilità che ci 

sono per portare la canzone alla conoscenza del 

grande pubblico: che si tratti di una sincronizzazione 

pubblicitaria, di un digital right, un 

download attraverso Internet o la telefonia 

mobile”. 

Per i rappresentanti delle major, dunque, l’attività 

editoriale sembra concentrarsi sulla pura 

diffusione – e difesa – di un catalogo: altri tuttavia 

non possono permettersi delle limitazioni 

di questo genere. “L’individuazione di chi 

ha talento” rimane sempre la caratteristica 

principale di un editore anche per Toni 

Verona, general manager dell’Ala Bianca 

Group, etichetta indipendente specializzata 

nella canzone d’autore, secondo il quale tuttavia 

la distinzione fra editore e discografico, 

parallelamente a quella fra autore e interprete, 

è diventata negli anni assai labile: “Anni fa esisteva 

una netta divisione tra discografia ed editoria. 

Addirittura all’interno delle multinazionali 

c’erano bilanci separati, responsabili 

distinti che in taluni casi non sapevano nemmeno 

cosa facesse l’una parte rispetto all’altra, 

tant’è che certi artisti che firmavano discogra- 

VIVAVERDI 

27 

ficamente non apparivano editorialmente. 

“Oggi siamo tutti costretti a lavorare in una 

direzione completamente diversa, non solo 

perché siamo in una fase di rivoluzione tecnologica, 

ma perché il mercato è globalizzato” 

dice Verona. Occorre dunque parlare di “un 

imprenditore che deve essere in grado di lanciare 

dei progetti”. 

E l’attività imprenditoriale, sottolinea Anna 

Galletti, amministratore della Galletti-Boston, 

altra sigla indipendente, è cambiata negli ultimi 

anni grazie alle nuove tecnologie: “Sono 

cambiate le modalità per rendere più o meno 

nota una canzone” afferma. Per il resto, si tratta 

più di un’evoluzione pratica che concettuale: 

“Io vedo l’editore ancora come la persona – 

perché il rapporto umano è la cosa fondamentale 

– che crede in un autore, si appassiona in 

una canzone e cerca di portarla al successo. Il 

gusto stesso di scovare una qualche canzone 

nuova, un autore nuovo e mettercela tutta per 

cercare di portarla al successo, credo che questa 

fosse l’attività di una volta e lo è tuttora”. 

Franco Daldello, consigliere delegato della 

Peer Southern Productions, parla di una professione 

che nel corso degli anni non è cambiata 

fondamentalmente ma che è comunque a

VIVAVERDI 

28 

mestieri 

“doppio binario”: uno artistico – appunto la 

scoperta dei talenti – e un altro amministrativo: 

ovvero offrire all’autore “la massima assistenza 

affinché sia in Italia che all’estero i suoi 

proventi siano assicurati da una corretta 

amministrazione”. Chiude Alessandro Savasta, 

publishing manager delle Edizioni Suvini 

Zerboni, alle prese forse con il mercato più difficile 

di tutti, quello della musica “seria”: l’editore, 

a suo avviso, “deve dare la possibilità ad 

un giovane compositore di fare carriera”, al di 

là dell’occasionale passaggio in radio di qualche 

esecuzione. Per un catalogo contano “i 

nomi e le opere che possano rimanere nel 

tempo”. 

Il che non è facile, viste le condizioni del mercato 

e non solo in quello della musica classica, 

tanto che il contratto in esclusiva è diventato 

una rarità circoscritta ad artisti di ormai provato 

valore: “I rapporti sono molto elastici, 

nessuno è più in grado di garantire la sopravvivenza 

a un autore dandogli un fisso mensile 

per campare”, spiega Corsi; la regola è piuttosto 

quella dell’opera singola o dei contratti a 

tempo limitato, anche per volontà degli stessi 

artisti: “Prima c’erano vincoli contrattuali che 

facevano un po’ sorridere, contratti di 5 anni 

più 2, ovvero sette anni di accordo il che significava 

andare in pensione dopo tre accordi firmati”, 

ricorda Verona. 

“Tenere molti rapporti di esclusiva, che poi 

non portano a nulla, crea solo frustrazione. 

Quindi noi ne abbiamo pochi e quei pochi che 

abbiamo cerchiamo di farli lavorare al massimo”, 

conferma Sugar. Più possibilista Buja: 

“Accanto ad autori molto consolidati abbiamo 

autori giovani che stanno crescendo e che 

dovrebbero essere quelli che ci garantiscono lo 

sviluppo della nostra attività nei prossimi 

anni”. Più difficile invece è la situazione in 

mercati più di nicchia, come quello della 

musica da ballo, come spiega Galletti: 

“Esistono sia contratti di esclusiva con determinati 

autori, soprattutto di una certa levatura, 

sui quali si investe in maniera massiccia e 

soprattutto nel tempo; in altre occasioni invece 

si fanno contratti (Bollettini modello 112, ndr) 

opera per opera, soprattutto con i più giovani, 

anche perché occorre metterli alla prova. Nel 

settore della musica da ballo i brani sono molto 

Di fianco, 

Franco Daldello; 

nella pagina che segue, 

Alessandro Savasta 

e Anna Galletti 

lenti a partire, non è come nella musica dance 

che in sei mesi sai già se un pezzo funziona; il 

ciclo vitale di un’opera dance è sicuramente 

molto più breve rispetto a quello di un’opera 

da ballo su cui però devi insistere, devi promozionarla, 

devi lavorarci sopra per dei mesi, se 

non per degli anni”. Una delle difficoltà per le 

case editrici – dalla quale paradossalmente la 

figura dell’editore ne esce rafforzata – è che la 

struttura del mercato, e quindi dei diritti d’autore, 

sembra cambiata: il dominio indiscusso 

del vinile prima e del Cd poi appare assai meno 

solido, grazie all’avvento delle nuove tecnologie 

o del sempre maggiore utilizzo delle canzoni 

direttamente nelle pubblicità o nel cinema: 

tutti canali che evitano di passare per un discografico 

ma che per essere sfruttati hanno bisogno 

di un editore che sappia riconoscere le 

loro possibilità e utilizzarli per la promozione. 

Le strategie possibili sono diverse, come spiega 

Sugar: “Noi siamo anche editori di musica 

classica e nell’ambito della musica classica la 

cosa più importante è far arrivare un brano ad 

una esecuzione; dopodiché è ovviamente fondamentale 

la maggior diffusione possibile – 

dai dischi a qualsiasi altro mezzo, come le partiture. 

Anche nel caso della musica leggera è 

importante fare arrivare un brano ad una esecuzione, 

tuttavia in questo settore attualmente 

la stampa degli spartiti non ha più il valore che 

aveva 40 o 50 anni fa. Le possibilità possono 

essere varie: un progetto discografico, quindi 

portare quel brano ad un cantante, ad un artista; 

il cinema, che è una strada interessantissima; 

la televisione, qualsiasi mezzo di divulgazione 

che abbia la musica come parte del suo 

contenuto”. 

Trovare un ‘interprete adeguato per una canzone 

non è sempre semplice però, avverte 

Rolando, che addita l’esempio di Andrea 

Bocelli o Gianni Morandi: “È sempre più raro, 

anche se rimane una grande parte del nostro 

lavoro. Tra i giovani è più raro trovare un interprete 

puro, oppure trovi la via di mezzo: la 

Pausini, che vuole i brani da fuori ma vuol scrivere 

con chi glieli propone”. 

“La stampa della musica a favore dei musicisti 

che suonano dal vivo si fa sempre, è un veicolo 

promozionale”, afferma Corsi, che precisa: “La 

promozione più importante è nel circuito 

internazionale dei nostri consociati. Per esem- 

pio, quando ci dicono che c’è un interprete 

internazionale che sta cercando canzoni, noi 

promuoviamo le opere dei nostri autori per far 

sì che quell’artista le ascolti ”. Per quel che 

riguarda i canali offerti dalle nuove tecnologie, 

la difficoltà è quella di trovare degli strumenti 

che garantiscano la giusta remunerazione degli 

autori: “Fatta eccezione per iTunes che paga 

regolarmente, la norma sul digitale è la pirateria”, 

conferma Corsi, il quale sottolinea: “Chi 

utilizza la musica deve essere cosciente di dover 

pagare, e questo è un fatto di educazione su cui 

l’industria si deve impegnare fortemente con la 

Siae per spiegare perché questo sia giusto”. 

Per Buja la promozione è quasi un “porta a 

porta”: “Si contattano le case discografiche e 

gli interpreti, e si propongono canzoni in catalogo 

che possono essere considerate loro adatte. 

Ma abbiamo anche altri tipi di promozione: 

proponiamo il nostro repertorio attraverso le 

agenzie di pubblicità per un utilizzo di sincronizzazione 

pubblicitaria per campagne radiofoniche 

e televisive; inoltre attraverso un contatto 

che passa dall’ufficio ‘nuove tecnologie 

Universal’ cerchiamo di inserirlo in siti 

Internet o nella telefonia mobile, in maniera 

che ci si possa avvicinare alla canzone non 

necessariamente attraverso la sola produzione 

discografica”. 

“Una volta si andava alla casa discografica, e lì 

si chiudeva la questione”, ricorda Daldello: 

oggi invece occorre innanzitutto trovare un 

intreprete o registrare un demo, compito in cui 

l’editore può fare da intermediario, assumendo 

così anche un ruolo da produttore; ma in 

secondo luogo “ogni buon editore che si 

rispetti ha un archivio dati, un data base”, 

indirizzi – a volte migliaia – ai quali vengono 

inviati spartiti e basi midi. Una scelta obbligata, 

questa, per chi si occupa di musica – come 

quella da ballo – che verrà soprattutto eseguita 

dal vivo più che affidata solo ad un supporto 

discografico, spiega Galletti: “Abbiamo una 

mailing list di migliaia di nomi che è costante

mente aggiornata; si fanno migliaia di invii ma 

è un costo che riusciamo a sopportare; poi per i 

brani più significativi si registra il videoclip, 

esistono delle trasmissioni televisive che li 

mettono in onda, soprattutto – purtroppo – 

canali televisivi privati che hanno programmi 

specifici di musica da ballo e fanno passano i 

videoclip di orchestre. Ma al di là della musica 

da ballo ci occupiamo anche di altri settori, 

come il genere latino, salsa cubana, dominicana: 

in questo caso abbiamo delle modalità di 

promozione diverse, più simili a quelle della 

musica leggera. Questa promozione si rivolge 

soprattutto alle fiere salsere o ad altri eventi di 

quel genere e poi è diretta anche all’estero, 

come accade al settore in crescita della musica 

lounge-chillout”. 

Discorso analogo per il settore della musica 

classica: “Abbiamo una banca dati di oltre 

4mila indirizzi in tutto il mondo”, spiega 

Savasta, di qui il ricorso a mezzi di informazione 

come riviste specializzate o newsletter via 

Internet da inviare a tutti i potenziali clienti 

interessati ad eseguire – dal vivo o in studio – 

una particolare opera in catalogo. 

Quanto ai mezzi di comunicazione più importanti, 

“si occupano soprattutto di grandi eventi”, 

come indica Verona, che in Italia ne vede 

essenzialmente tre: Sanremo, il concerto del 

Primo Maggio, il Festivalbar (“l’unica compilation 

che vende”). Ma entrare nel circuito di chi 

può permettersi di partecipare a tali eventi non 

è affatto semplice, né per un editore né per un 

artista ancora da far conoscere al grande pubblico. 

Per questo Verona insiste sulla qualità 

del prodotto: “Il disco, come negli anni ’60 e 

’70, dovrebbe essere un po’ il punto d’arrivo e 

non di partenza del gruppo, dell’artista, della 

band, che soltanto dopo essersi collaudati con 

del Live ed essersi fatti conoscere con molta 

attività dal vivo e attraverso il web dovrebbero 

poter fare il passo successivo con dei dischi che 

abbiano dei contenuti interessanti non solo 

per una cerchia di aficionados in un territorio 

determinato, ma aprire un po’ le porte ad un 

mercato che possa guardare anche all’estero; 

un prodotto frutto di tutte le esperienze che si 

sono fatte, anche delle contaminazioni musicali 

e sonore che si sono vissute andando in 

giro a suonare”. 

Quello dell’editore è insomma un lavoro per il 

quale serve una precisa vocazione: l’editore “è 

innnamorato dell’autore, della canzone: una 

canzone rimane nel cuore dell’autore molto più 

a lungo di quanto rimanga il successo del disco 

nel cuore del discografico; finito quel successo 

il discografico deve farne subito un altro”, spiega 

Daldello, il quale sottolinea le difficoltà nei 

rapporti attuali fra i due settori: “Attualmente la 

nostra maggior preoccupazione è l’attacco sferrato 

da una parte della discografia, che tende ad 

abrogare l’articolo 180 (ovvero l’esclusività 

della percezione dei diritti d’autore alla Siae): i 

discografici, cosiddetti ‘utilizzatori dell’opera’, 

d’altra parte ci sono necessari, perché senza di 

loro la divulgazione dell’opera è difficile; opera 

che nello stesso tempo vorrebbero però pagare 

sempre di meno”. 

Insomma, una professione che ha davanti un 

futuro ancora roseo, nonostante la rivoluzione 

Internet abbia colto un po’ tutti di sorpresa, 

come spiega Rolando: “La musica sta diventando 

magari non protagonista come una volta, 

perché ce n’è troppa, ma è dappertutto: noi 

dobbiamo mantenerne la qualità e la gestione, 

lottare contro la pirateria”; proprio Internet e i 

digital rights, non legati alla vendita del supporto 

discografico, daranno maggiore impor- 

VIVAVERDI 

29 

tanza alla professione di editore, sostiene Buja. 

Per Galletti e Sugar a giocare un ruolo primario 

sarà proprio la Siae, se questa riuscirà a garantire 

remunerazioni “in linea con il maggior 

consumo di musica che esiste”: e “maggiori 

risorse per gli editori significano maggiori 

investimenti sulla creatività e gli artisti”. 

Sui controlli della Siae ritorna Daldello: 

“Purtroppo negli ultimi anni abbiamo notato 

una flessione dovuta ad una serie di ragioni: la 

più importante è il comportamento scorretto di 

molte orchestre, che suonano i successi di ieri e 

di oggi ma poi nei programmi scrivono i titoli di 

altre canzoni. La Siae è molto presente in periferia, 

ma è molto più occupata ad incassare che 

a controllare: incassa bene, ma controlla molto 

poco”. Ma la responsabilità è in parte anche 

degli stessi autori, continua Daldello: “Ormai 

svolgiamo un’attività a livello continentale e 

l’autore, per sapere quanto succede, dovrebbe 

frequentare maggiormente e stare a fianco degli 

editori. Saltando l’editore probabilmente non 

viene nemmeno a conoscenza dei problemi che 

riguardano la remunerazione del suo lavoro”. 

La disponibilità di risorse rimane, a detta di 

Savasta, il problema principale da affrontare: 

“Ogni volta si parla di tagli ai fondi destinati allo 

spettacolo e agli eventi di carattere culturale: i 

festival hanno pochi soldi e quindi fanno pochi 

concerti, chi esegue la musica contemporanea 

continua a chiederci sconti perché ha pochi 

soldi per pagare il noleggio, per pagare i solisti, 

per fare il concerto, per muoversi. Produrre è 

diventato molto costoso anche per noi”. 

Quello della musica contemporanea, conclude 

Savasta, appare per un editore un futuro “brutto 

no, ma faticoso sì”.

VIVAVERDI 

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opera 

GIULIETTA E ROMEO 

RICCARDO, PASQUALE, VERONA, L'AMORE 

di Stefano Micocci 

“Le pietre, l’aria, le persone e la città. 

Dal cielo scende l’aria e si fa respirare. Amore, 

vita, morte, questa è la città. 

Ma c’è nell’aria un odio che si può toccare. 

Verona, L’amore, Giulietta, L’amore, Romeo, 

Verona…”. 

Roma, che mai come stasera è Roma caput mundi. 

È il 16 settembre e sono le 21. Il cielo è coperto, 

minaccioso. L’atmosfera è unica, siamo al 

Colosseo, dentro il Colosseo. Solo Paul McCartney 

aveva avuto questo onore. C’è un palcoscenico 

montato, delle luci non ancora spettacolari che 

fremono per essere liberate da un maghetto francese, 

tal Jacques Rouveyrollis, che abbiamo conosciuto 

e apprezzato nei concerti di Cocciante ai 

tempi del tour La Grande Avventura. Una impeccabile 

organizzazione a cura di Friends e Partners, 

Comune di Roma, Airc, Telecom, la 

Soprintendenza Archeologica e il Ministero per i 

Beni e le Attività Culturali che hanno allestito una 

tribuna per i giornalisti, non solo italiani. E una 

platea di circa trecento invitati, “crema” della 

società civile, il pubblico più difficile del mondo! 

Ma non fa niente, a Cocciante piacciono le grandi 

avventure e altrettanto le sfide. Quella di Notre 

Dame de Paris è stata stravinta da Riccardo 

Cocciante e Pasquale Panella, quest’altra è appena 

partita: l’appuntamento è a Verona per la prima 

mondiale, il primo giugno 2007. 

La serata al Colosseo sembrerebbe un’anteprimalancio 

un po’ eccessiva e invece si propone un 

preciso obiettivo, è parte di un vero e proprio progetto: 

sarà devoluto a favore della ricerca sul cancro, 

all’Airc, 1 euro per ogni biglietto venduto al 

pubblico che assisterà alle rappresentazioni di 

Giulietta e Romeo nel lungo tour che toccherà le 

principali città del mondo fino al 2015. La prevendita 

dei biglietti è iniziata già in questo mese di 

Di fianco, 

Pasquale Lino Panella; 

nella pagina che segue, 

Riccardo Cocciante 

in una Foto di Michel Figuet 

Diretta-differita d'una visione, una pre-visione, un'anteprima assoluta della nuova opera 

di Riccardo Cocciante e Pasquale “Lino” Panella. Cocciante, da solo sul palcoscenico, 

interpreta tutti come un one man opera, mostra ai futuri attori cantanti come devono 

interpretare Giulietta, Romeo, Verona, le risse, la festa, l'amore, la morte, la storia infinita. 

Artista unico nel panorama italiano, è assistito spiritualmente in platea da Panella, che 

commenta per Vivaverdi l'eccezionale evento che ha luogo dentro il Colosseo 

settembre. Ma in questa notte di fine estate l’artista 

nato a Saigon, vissuto a Roma, Parigi, Miami e 

Dublino, ce la offre in anteprima, da solo sul 

palco, one man opera: come un gladiatore, lui con 

quel fisico solo apparentemente piccolo, in realtà 

è una forza della natura. Manca poco all’inizio del 

primo atto, Riccardo sta per interpretare Giulietta, 

naturalmente Romeo, ma anche Mercuzio e 

Tebaldo, Fra’ Lorenzo e Benvolio, i Montecchi e i 

Capuleti; le liti, l’affronto, l’odio, l’amore, la festa, 

la maledizione e la benedizione, le spade, la vita, 

le ferite, la morte. Tutto da solo. Tutto in una 

notte. Ed eccolo sul palco, raccoglie i primi 

applausi, e lui, candido per natura ma anche per 

scelta, si presenta dicendo con un fil di voce: 

“Tutto qua”. 

Al pubblico spetta il compito d’immaginare i ballerini 

e gli immancabili acrobati, le diverse scenografie, 

i cori, le facce dei futuri protagonisti, le 

lacrime in scena e quelle emozionate del pubblico 

degli adolescenti, gli applausi a scena aperta e 

tutto il resto: a tratti, le vedremo forse, le future 

immagini, proiettate sulle pietre sacre della storia, 

ma sarà frutto della nostra immaginazione, uno di 

quei piccoli miracoli che compiono gli artisti, o 

meglio, alcuni di loro: Richard Cocciante, nella 

sua carriera, ne ha fatto qualcuno in più. 

L’abbiamo visto e ascoltato all’Olympia di Parigi, 

nel gennaio del ’94, cantare in francese per i suoi 

parigini, ma anche cantare nella stessa città, per 

12.000 persone a distanza di pochi giorni, nel 

grande Auditorium della Città della Scienza, con il 

pubblico francese che gli richiedeva di cantare 

qualche pezzo nel suo italiano, per poi spellarsi le 

mani negli applausi, smentendo ogni pregiudizio 

culturale da parte loro, nei nostri confronti. 

E poi quel mese di Teatro Sistina a Roma: 40 

repliche del concerto de La grande Avventura, 

tutto-esaurito ogni sera, ai tempi in cui Gianni 

Marsili con Paddeu, rilanciavano il Teatro come 

luogo di musica, ideale per i cantautori . Ma oggi, 

dentro il Colosseo, è la sera dei miracoli, leggete 

cosa sta dicendo adesso Cocciante: “Buonasera… 

Tutto qua. Non c’è altro aggettivo che questo: che 

sia buona la sera… Il luogo è una meraviglia del 

mondo. E di questa meraviglia, tra poco romperemo 

il silenzio. Tutto il resto è semplice, è tutto 

qua: tra poco ci saranno la musica, le parole, il 

canto, la luce… la giovinezza spezzata. Che per un 

autore significa “maturità” . Giulietta e Romeo è 

anche questo: sopravvivere alla propria giovinezza 

innamorata perché qualcuno deve raccontarla o, 

meglio, cantarla… perché il canto rende infinita la 

vita. Questa non è un’anteprima ma la manifestazione 

d’un segreto, l’intimo incontro tra musica, 

parole e canto, quando scena e personaggi sono 

ancora un luminoso abbaglio. Un segreto che può 

essere svelato, ad alta voce, una volta sola… Tutto 

qua. Grazie infinite dal canto nel quale soltanto è 

infinita la vita, è infinito l’amore”.

VIVAVERDI 

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VIVAVERDI 

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opera 

Prima di farci travolgere dal canto, parliamo con 

Pasquale Panella, autore del testo di Giulietta e 

Romeo, sì, prima Giulietta e poi Romeo… 

“Giulietta e Romeo è italiana di nascita, come 

novella che passa di mano da Luigi Da Porto a 

Masuccio Salernitano, a Matteo Bandello: una 

novella, non ancora teatro, superiore in Bandello 

al dramma di Shakespeare, una storia talmente 

congenita all’uomo. La perdita della giovinezza, 

l’amore tanto grande in quanto non dura. Questo 

“non durare” è tanto grande!”. 

Intanto Cocciante canta: 

Giulietta, perché? 

Romeo, perché? 

Perché questo amore 

Muore per amore 

Perché? 

Panella e Cocciante 

nel concerto al Colosseo 

del 16 settembre scorso 

Di fianco la locandina 

dell’opera contemporanea. 

Insistiamo con Pasquale Panella, l’uomo che dice: 

“se devo chiedere un parere autorevole, lo chiedo 

a me”, ma noi siamo abbastanza d’accordo con 

l’opinione che lui ha di lui. Chi lo conosce bene, sa 

che la sua natura simile a quella di Carmelo Bene, 

lo avrebbe portato a film suoi tipo Capricci o 

Nostra Signora Dei Turchi, a dischi suoi, a distanze 

eccessive dal pubblico di maggioranza. E allora 

un giorno ha deciso di scrivere canzoni, lui che 

avrebbe potuto scrivere un libro alla settimana! 

Cominciò con Enzo Carella, raggiungendo quasi 

da subito risultati originali, raffinati ma anche 

graditi dal pubblico. Provò a trottolare con Minghi 

con successo, mentre tutti conoscono Don 

Giovanni e gli altri dischi con Lucio Battisti. Notre 

Dame De Paris, non è una casualità, un colpo di 

genio, perchè aveva già scritto svariati esperimenti 

per una via italiana al musical, vere e proprie 

perle, ma di “bigiotteria”, perché è così che definisce 

il musical: tra i tanti anche un’Odissea per 

un Ulisse troppo vero come Carella, un artista 

viaggiatore, uno che a Itaca non è ancora tornato. 

“Il loro amore è un oltraggio al mondo e alla contemporaneità! 

Due che si amano stabiliscono la 

Foto Miki 

più assoluta, esclusiva contemporaneità d’essi 

soli, circondati da esseri risibili e inattuali. 

L’attualità è essere soli al mondo, soli in due, circondati 

da cattivi esempi. Chi si ama è un’offesa 

agli affari, all’amministrazione locale: sto parlando 

dell’amore in fiamme, dell’amore insensato, 

della vampa nascente, dell’incendio che sa d’esser 

doloso. I nostri amori in anticipo sulla vita, quelli 

che nascono di nascosto, non manifesti per istinto, 

occultati alle più vicine e basse e alle più lontane 

e alte gerarchie, l’amore che nessuna forza dell’intero 

arco parlamentare può rappresentare, che 

sfugge alla statistica e al sondaggio, all’analisi di 

mercato, quell’amore senza prodotto. Ma soprattutto, 

finalmente, senza futuro. L’abbiamo conosciuto, 

mi vorrei rovinare… parlare del primo 

amore, dell’amor primo… è importante che 

Romeo fantastichi all’inizio per Rosalina, ma lo 

sanno tutti, è il suo amore costruttivo ossia non è 

l’amore, è dicibile ossia è futuro, è arredamento, è 

casa, famiglia, figli e un buon lavoro, non è amore, 

è adeguatezza. Poi Giulietta, il crollo del futuro, 

l’ora è adesso, la breve eternità umana tra l’usignolo 

e l’allodola, gli uccellini di Shakespeare che 

qui, stasera, non ci sono, qui c’è il canto umano, 

l’usignolo è lui, l’allodola è lei… Giulietta e Romeo 

è storia nostra, di noi creature viventi, è storia 

nostra, mortale. Primo in questo senso, l’amore: 

che l’eventuale secondo o terzo e via non sono che 

parodia… tutta la vita lo è un po’, escluso quell’amore, 

primo come primo esempio senza dimostrazione. 

Tutti lo conoscono, anche chi non lo 

conobbe, perché lo ha sognato… dopo di che 

morimmo… fermami, non farmi più parlare…”. 

Infatti non parla più, si ferma. “L’amore ferma il 

mondo…” sussurra quasi segretamente. 

Cocciante canta i Montecchi: 

Cercate lite voi qui? 

La lite siamo 

Noi. 

E canta il Principe: 

Avete un rancore 

Che non sa la ragione 

Come fosse un amore… 

L’Artista, solo in scena, canta i Capuleti e i 

Montecchi insieme: 

Maledizione a Verona 

Benedizione a Verona 

Se l’odio vince, muore 

L’amore vince e muore 

Dice Panella: “L’amore breve che preferisce morire 

piuttosto che continuare ad essere, o diventare, 

‘mondo’. Quando ero più giovane, volavo con la 

mia auto, avrei voluto che non esistessero tragedie 

sulla terra non perché fossi buono ma perché non 

mi disturbassero. Correvo all’amore… ’il mondo’ 

non poteva darmi che fastidio. C’è odio tra le due 

famiglie di Verona, un odio precedente alle sue 

ragioni, c’è il mondo, volano ‘parole d’aria’, non si 

sa perché, la ragione è nell’essere umano, e questi 

esseri umani la trovano: si odiano perché loro due 

si ameranno. Si ameranno? Sì. E, in quel momento, 

la parola politica, la parola affaristica diventerà 

tremante parola d’amore, fine a se stessa e delirata 

in due. E questo non va bene al mondo, è cosa dell’altro 

mondo: la stessa circolazione delle merci è 

frutto di una controversia, c’è chi ce le ha e chi 

vuole averle e c’è chi ne ha bisogno, e in mezzo 

cosa c’è? L’ingaggio di un duello, la contrattazione… 

L’amore è un abbaglio, rende ciechi e disinteressati 

se non all’amore. E’ una lotta tra due 

cecità, l’altra è quella dell’odio. L ’amore nascente, 

questa grande tentazione, questo squilibrato tentativo… 

ma siamo nel mondo… appare subito il 

suo acquirente: una morte sollecita… c’è convenienza… 

può sembrare incredibile, c’è convenienza 

anche per gli amanti. Diventano, anche 

loro, subito merce, alimenti del sogno, della leg-

Foto Armando Rotoletti 

genda, scena, novella, teatro, finzione della nostra 

morte innamorati. In musica. Parole d’aria dell’odio, 

parole d’aria dell’amore, arie musicali…”. 

Bella questa teoria di Panella, l’amore non muove 

il mondo, casomai lo ferma, e poi questo titolo, 

prima Giulietta e poi Romeo… Shakespeare non è 

nemmeno citato. In italiano questo titolo ha 

anch’esso una sonorità amorosa: Giulietta e 

Romeo sono già un abbraccio. 

“Sono due adolescenti, due bambini… due pazzi 

d’amore, le famiglie due maniche di stronzi, il 

mondo è quello che è, ossia altro da loro. Cosa 

credi che cerchino? Un posto nascosto, una notte, 

gli occhi negli occhi, chiusi… o lì, così, o in nessun 

posto. Tutto questo cos’è? Non è mondo, 

volendo, non è nemmeno vita. La vita, con le sue 

premure — dove, quando, come — è un intralcio, 

un ostacolo. L’amore abbatte il mondo come barriera, 

come spalliera d’edera oltre la quale non c’è 

altro che il posto per farlo, l’amore. Cosa vuole la 

voglia? Esaudirsi, spirare… Nei due duelli 

Tebaldo, il cugino di Giulietta, urla ‘questo lo 

scanno’ ossia Romeo, l’altro seme… di mezzo c’è 

Mercuzio… il seme sprecato, la giovinezza. Muore 

ammazzato per errore, come una figura metaforica 

tolta di mezzo, una ridondanza della giovinezza, 

un’iperbole. Romeo uccide Tebaldo perché lui ha 

ucciso Mercuzio, e questi due muoiono scivolando 

sul corpo di Romeo: giovinezza che se ne va. È il 

dramma dell’ovvio, la bella banalità: eccezionale è 

la sua messa in scena… è sempre un corpo a corpo 

con la banalità! Così per i duellanti, così per noi. 

Siamo tutti un po’ tiranni, eleviamo la banalità al 

rango di ministra delle cose del mondo, di ministra 

per lo spettacolo. Giulietta e Romeo, poi il 

nulla, un nulla che si fa strada torpidamente, con 

Foto Miki 

la spietata espansione della nebbia o del sipario. 

Un veleno assopisce Romeo che svanisce dormendo, 

lei si sveglia dalla sua narcosi, il cuore le batte 

e poi le scoppia, lei lo sente squarciarsi, lo induce 

a spaccarsi… È il momento dell’espansività: lei 

muore per l’esplosione del sentimento, il cuore, 

espanso, scoppia… tutto accade dentro, non c’è 

sangue né spadino, è la morte in sé, occulta e 

occultata come l’amore, la morte è l’amore, il 

petto di Giulietta è il più intimo palco nascosto, su 

questo palco di teatrale intimità forse già troppo 

esposta. Si vede che i due muoiono ma non si vede 

dove… e, finalmente, l’amore è eterno, diventa 

‘amor da morti’, ‘t’amo fino a morire’ va oltre, 

entra nel linguaggio, nella chiacchiera d’amore dei 

vivi in platea, se ne esce dal teatro, defluisce e va 

per strada, entra nel loro arredamento ma dura 

più della lavatrice e del tinello, entra come un tarlo 

nei mobili. L’opera è una deflagrazione, nella sua 

semplicità, è il racconto della fine, colpisce i protagonisti 

ma risparmia il pubblico. La morte di 

una ragazza è odorosa, aromatica, infinita, è una 

forma di vita altrui. È una canzone che, finendo, 

VIVAVERDI 

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non finisce più, alle volte, di ricominciare. E gli 

voglio bene a questa canzone, a questa forma 

breve, a questo dispiacere di perdere la giovinezza, 

dispiacere che essa insinua sempre coi suoi versi e 

la sua musica. Dispiacere insieme al sospetto, 

quale sospetto? Un dubbio forse… spezzata la giovinezza 

resta quel dubbio… quale? Un vero 

sospetto e un vero dubbio sono indicibili. E io 

non voglio dirli, anzi, più vanitosamente, non so 

dirli. Vorrei parlare a vanvera e, quanto lo vorrei, 

non avere recensori, per favore… a un certo punto 

la questione è tra te e il pubblico, tra te e te stesso 

quando, come adesso, sei in platea… tu, io…”. 

Due ore di canto estremo, Cocciante comincia a 

carburare, non è stanco, anzi felice per la sfida 

vinta, è la fine del secondo atto, incrocia il canto di 

Fra’ Lorenzo, dei Montecchi e dei Capuleti: 

Perché la vita invidia/ questo amore e l’uccide 

Questa vita, che è viva, uccide/ questo amore che 

muore qui 

L’amore che non vivrà mai/e che mai morirà 

Perché?

VIVAVERDI 

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BRUNO LAUZI 

SCRIVERE PER 

di Bruno Lauzi 

autoritratti 

Ognuno di noi vorrebbe lasciare una traccia del 

proprio passaggio sulla Terra e fino dagli albori 

della civiltà si ritrovano incisioni nelle caverne 

a testimoniare l’interesse dei nostri antenati a 

fissare nella pietra le prime immagini di un 

mondo fumigante, sorgente dai vapori primordiali 

raccontati da Stravinskj ne La saga della 

primavera… fino ad arrivare al quotidiano 

stillicidio di inutili ammassi di chiacchiere e 

“paparazzate” che a volte ci fanno amaramente 

pentire di doverli decifrare… La traccia che 

oggi lasciamo dietro di noi è spesso così poco 

lusinghiera che la bava di una lumaca dà 

miglior prova di sé…, ma nulla è perduto definitivamente 

finché esisterà l’eccezione, 

l’Artista cui è demandato il compito storico di 

raccontare la Vita con sublime maestria. Sono 

gli artisti che ci salvano dalla inutilità dei 

mediocri resoconti che ci sommergono: qua e 

là dalle pagine insospettabili di una qualche 

gazzetta si alza una voce e si è salvi…, ecco allora 

la penna sulfurea dei Longanesi, dei Flaiano, 

dei Montanelli che ci mostrano impietosamente 

la distanza tra il vero genio e il pennivendolo…, 

ed ecco nascere il Giornalismo, 

ovverosia l’arte di scrivere stringatamente per 

tutti gli assetati. 

Vi starete chiedendo, alla Totò: “Ma questo 

dove vuole arrivare?” 

Ammetto d’averla presa un po’ alla larga, d’altra 

parte quando mi è stato chiesto di scrivere 

su questa splendida rivista di me e delle mie 

imprese e farmi per una volta giornalista mi 

sono sentito una vocina nell’orecchio sibilarmi 

un imperativo che suonava come un “Radames 

discolpati!“ di antica memoria… in soldoni, ne 

sarei stato capace? 

“Diecimila battute”, mi offre impietosamente 

l’amico Oscar Prudente. Hai detto prospero! 

50 battute per 30 righe fanno circa 7 cartelle…, 

e questa è la prima… 

Avrete capito che per me scrivere è stato fin 

dall’inizio un gioco che solo per caso è diventa- 

Bruno Lauzi mentre 

legge il primo numero 

di Vivaverdi 

“Scrivete sempre in modo da essere voi stessi i primi a meravigliarvi di ciò che avete 

scritto, evitate le secche del luogo comune e soprattutto del politically correct, scoprite 

ciò che nascondete dentro di voi”. È il consiglio dato agli studenti da Bruno Lauzi. Ma 

anche il filo rosso di una vita intera trascorsa a comporre testi di canzoni, musica, 

poesie, romanzi. Fino all'ultimo caso editoriale: “Il caso del pompelmo levigato”, per 

l’appunto. Testimonianza su una nobile arte in prima persona 

to una professione. Fin da ragazzino, quando 

con gli altri compagni di sogni si progettava il 

futuro, ed il nostro quartiere, la Foce a Genova, 

stava inconsapevolmente diventando il centro 

di una piccola rivoluzione culturale che per 

comodità fu definita Scuola Genovese, io ero 

stato designato a diventarne lo storico, quello 

che l’avrebbe raccontata… 

Non chiedetemi perché, ma credo dipendesse 

dal fatto che la mia voce parve inadatta al 

canto, essendo simile piuttosto a quella del 

tipico vecchietto da film western. Il tempo ha 

fatto giustizia di questo preconcetto, così come 

ha dimostrato che la cosiddetta “scuola” non è 

mai esistita, per l’assenza contemporanea dei 

maestri e degli allievi: nessuno di noi ha mai 

incrociato, se non geograficamente, la vita dell’altro. 

Aveva ragione Pasolini quando in uno 

dei suoi Scritti corsari ebbe a dire: “Quando 

qualcuno non capisce, fabbrica scaffali…”. 

Non nego che uno dei miei sogni era quello di 

diventare Premio Nobel per la Letteratura, 

poiché una volta che si sogna bisogna farlo in 

grande, ma oggi, visti i criteri di assegnazione 

me n’è passata la voglia: pensate che non l’ebbero 

Proust, Kafka, Joyce, Borges…, credo 

neanche Ionesco, ma non sono certo. 

Comunque, sappiate che scrivere non è difficile, 

sempre che conosciate un congruo numero 

di vocaboli ed auspicabilmente il loro significato, 

e soprattutto la grammatica e le sue sfumature 

(è tremendo l’assassinio del 

Congiuntivo che si va perpetrando). Mentre a 

Varese davo una mano a correggere le bozze dei 

suoi libri, l’amico e maestro Piero Chiara mi 

spiegò che il problema appunto non era scrivere 

ma piuttosto “cancellare”, cioè togliere il 

superfluo, praticamente quasi tutto, un po’ 

come fece Michelangelo con le sue sculture… 

(e con questo fa due cartelle…!). 

Nella mia già non breve vita ho scritto di tutto e 

su tutto. Lo scrittore è un logorroico silenzioso, si 

sente in dovere di interloquire su ogni argomento. 

Provate però a chiedergli perché, probabilmente 

non capirà la domanda, ritenuta superflua: 

oh bella!, si scrive perché è inevitabile, il 

bisogno di raccontare (“raccontare è raccontarsi” 

disse Jack London a suo tempo…, o era 

Steinbeck…, che importa? Come odio le citazioni 

alla Biagi…, non sapendole fare!) è insopprimibile 

e lo portiamo nel nostro Dna ed è ciò che 

ci differenzia dalle bestie. Stabilito questo punto, 

il problema sarà allora quale mezzo di trasporto 

utilizzare per far viaggiare le idee. 

Da ragazzo pensavo che vestire di parole la 

musica fosse il massimo della comunicazione 

possibile, un lavoro piacevole, come pescare le 

trote in un laghetto per la pesca sportiva, dove 

abboccano da sole, bastava non dimenticarsi 

che l’ascoltatore non è interessato alla poesia 

ma si contenta di quel che lo sembra, che 

“suona” così poetico da commuoverlo fino alle 

lacrime. Bastava buttare lì l’esca giusta, il binomio 

cuore/amore, ed era fatta! Portate nell’aria 

dalle musiche gradevoli e dagli arrangiamenti 

accattivanti di “mille violini suonati dal vento” 

le parole sono così volate leggere per qualche 

decennio della mia vita professionale, con 

grande soddisfazione per me e per coloro che

le ascoltarono con la necessaria ingenua partecipazione. 

Per coloro invece che non ci volevano “stare” e 

cercavano risposte epocali, una parte degli 

scrittori di canzonette, i miei colleghi “parolieri” 

si cimentarono in una gara a chi sosteneva 

le tesi più banalmente condivisibili, del tipo 

“siamo tutti fratelli”, “viva la pace, abbasso la 

guerra”… Non ci vuole molto per capire che, 

non avendo mai accettata simile logica stavo 

cominciando ad annoiarmi… e così, da un disgusto 

all’altro, sono arrivato alla fine della terza 

cartella… ma che fatica! 

Contrario ad ogni retorica ho sempre concepito 

i miei testi “amorosi” come dei bigliettini da 

passare sotto la porta di quella stanza chiusa in 

cui ogni mio ascoltatore è rinchiuso, vuoi per la 

sofferenza che la solitudine gli provoca, vuoi al 

contrario per godersi da solo la momentanea 

felicità… come monadi leibniziane il “pubblico” 

è una somma di singole anime assetate di 

condivisione, in attesa di conferme ai propri 

stati d’animo. Diventa così ovvio progettare il 

testo tenendo conto delle linee guida che tracciano 

i confini del “territorio dell’amore”, 

come argutamente l’ha definito Paolo Conte ne 

La giarrettiera rosa… e né più né meno di 

come avrei agito se avessi dovuto corteggiare 

una ragazza, io ho sempre cercato di meravigliare 

( “è del poeta il fin la meraviglia…”) con 

l’imprevedibilità del soggetto, con qualche 

sorpresa talmente nascosta da non sembrare 

neanche tale… Qualche esempio? Non sarebbe 

corretto farne, neppure nei miei propri 

riguardi, sarebbe una sorta di spionaggio industriale 

e sarebbe sciocco svelare, per un cuoco 

dei sentimenti, i segreti della “cottura”… 

È più facile parlare dei testi destinati a ritrarre 

il protagonista, colui che canterà poi quella 

precisa canzone. Un paio d’esempi: quando il 

comune amico Serge Reggiani mi presentò 

Georges Moustaki, mi annunciò la sua natura 

levantina che faceva di lui una specie di pastore 

errante nel Mediterraneo. Mi venne istintivo 

presentarlo agli italiani come uno “con questa 

faccia da straniero” (inventato, perdonatemi la 

civetteria, sei anni prima di “con quella faccia 

un po’ così…”). Ne risultò un successo così 

clamoroso che Georges definì il mio testo 

migliore dell’originale. 

La tormentata vita sentimentale della Vanoni 

mi suggerì per L’appuntamento la lapalissiana: 

”Ho sbagliato tante volte ormai, che lo so già 

che una volta in più che cosa può cambiare 

nella vita mia?”. L’Italia intera ne convenne… 

e i rendiconti Siae pure… 

Solo quel simpatico “naive” di Piero Focaccia 

avrebbe potuto essere creduto se avesse detto 

ad una signora ”fuggisca con me”, tanto che 

ero certo che avremmo bissato il grande successo 

di Permette signora quando gli scrissi 

Chi rovina gli Italiani (è la sua ignorantità): 

purtroppo non avevo calcolato che quasi nessuno 

si accorse dello strafalcione, a cominciare 

VIVAVERDI 

35 

dai discografici! Avevo tirato troppo la corda, 

c’è un limite a tutto. 

Per concludere il discorso vi offro un piccolo 

scoop in esclusiva per Vivaverdi. Sapete chi è il 

“piccolo uomo” che non deve andare via? Non 

ci vuole una zingara per indovinarlo, Concetta: 

quel tale sono io e l’esclamazione è di mia 

moglie Giovanna, gridata nel bel mezzo d’una 

sana lite coniugale… è da allora che pretende 

due ventiquattresimi su ogni pubblica esecuzione… 

così imparo ad essere rimasto! 

Tirando le conclusioni, i testi che ho più amato 

sono Il Poeta, Ritornerai, Se tu sapessi e Ti 

ruberò, nella prima parte di carriera, e Io e il 

mare (per Bindi), L’ufficio in riva al mare, 

Canzone per l’America, Almeno tu 

nell’Universo e soprattutto Il colore tuo, questi 

ultimi tre scritti sulle musiche di Maurizio 

Fabrizio, nella seconda parte. Il mio merito in 

certi casi è stato relativo: ci sono musiche che è 

impossibile “servire” male! Ma quanta poca 

musica valida è in circolazione di questi 

tempi… Io ho provato, come i librettisti 

d’Opera di un tempo, a provocarne la nascita 

scrivendo i testi prima che il compositore mi 

obbligasse a scelte forzate, scegliendo metriche 

e percorsi che lo obbligassero ad uscire dai 

canoni consueti e prevedibili, ed è stato proprio 

nel corso della creazione delle canzoni de 

Il dorso della balena scritte di concerto con 

Fabrizio che mi sono imbattuto involontariamente 

nella Poesia, quando mi sono accorto 

che in parallelo ai testi stavano nascendo versi

VIVAVERDI 

36 

“autonomi” che non avrebbero potuto venir 

musicati perché bastavano a sé stessi… 

Vorrei che si riflettesse di più sull’autonomia 

della Poesia, prima di dire la solita cavolata, e 

cioè che i testi delle canzoni sono anch’essi 

“poesia”. La Parola ha una sua musicalità che 

prescinde dall’accompagnamento musicale, il 

quale, se c’è, finisce inevitabilmente per svilirla, 

non nel senso che essa perda valore ma perché, 

dal momento della fusione con la Musica, 

essa stessa non potrà mai più conoscere la propria 

valenza… Mi rendo conto che il terreno è 

minato, per questo proverò a fare un esempio: 

come posso ormai sapere il valore del testo di 

Ritornerai se non posso liberarmi di quell’ossessivo 

ritmo da bolero raveliano? 

I sentimenti che susciterà nell’ascoltatore 

saranno in qualche maniera indecifrabili e la 

loro corretta fruizione dipenderà da fattori 

emotivi comunque circoscritti dalla struttura 

ritmica di sostegno. Liberando la Parola dalle 

pastoie di una convivenza forzata ci accorgeremo 

di esserci scavati una via di fuga dalla inevitabile 

banalità del “già ascoltato”. Ed ecco che 

scrivo: 

“Un altro giorno dato in pagamento/all’infame 

cambiale/ 

fino all’esaurimento/del debito iniziale…” 

Cosa ci metti sotto,un valzer,un tango, un 

rock? E ancora: 

“Lampi d’estate/queste tue malcelate/quoti- 

diane dentate nella vita./Andarsene da qui/ 

l’unica uscita/ma traversare la stanza/ è una 

salita”. Come si può musicare questa Poesia? 

Come si fa a farla piacere a tutti? Come farla 

accettare in società? Il fatto è che scrivere non 

è una vanità dello scrittore ma un suo bisogno 

profondo, è il suo Karma, il suo Destino, e se le 

canzoni ne sono l’aspetto più immediato ed 

ingenuo, mano a mano che si “cresce” anche il 

testo più concettoso finisce per sembrare un 

linguaggio troppo adolescenziale, e tu non ti 

diverti più… 

Così sono nati i miei primi tre libri di poesie (il 

quarto è in faticosa costruzione…), I mari 

interni e Riapprodi, unificati poi in un solo 

volume dal titolo Versi facili, ed Esercizi di 

sguardo, entrambi pubblicati dalle Edizioni 

Marittime , cioè da me…, introvabili se non 

sul mio sito: www.brunolauzi.com. 

Ora sono entrato in una fase nuova, che mi fa 

privilegiare la prosa, il racconto lungo o 

romanzo breve, come volete chiamarlo. Credo 

che questa scelta di linguaggio sarà definitiva, 

d’ora in avanti sarò destinato a raccontarmi per 

interposti personaggi. Onestamente ci ho 

messo vent’anni per arrivarci tra crisi di creatività 

e ripetuti abbandoni per scoramento, più 

un numero imprecisato di porte sbattute in 

faccia, e se non fosse stato per l’appoggio 

determinante di Franco Battiato che ne ha 

perorato la pubblicazione presso la Bompiani, 

il mio incredibile Il caso del pompelmo levigato 

sarebbe ancora posteggiato nel regno dei 

sogni… Perché l’ho definito incredibile? 

Perché ha sorpreso anche me che ho iniziato a 

scriverlo in un caldo e noioso pomeriggio 

dell’84 lasciandomi andare ad una sorta di 

“scrittura automatica” che si è andata sviluppando 

per germinazione spontanea. 

Ultimamente, invitato ad intervenire ad un 

seminario di scrittura creativa per giovani studenti, 

mi è venuto da affermare il seguente 

principio: “Scrivete sempre in modo da essere 

voi stessi i primi a meravigliarvi di ciò che 

avete scritto, evitate le secche del luogo comune 

e soprattutto del politically correct, scoprite 

ciò che nascondete dentro di voi”. 

Il successo crescente del libro sta a dimostrare 

che la fantasia non è morta, c’è ancora spazio 

lontano dai biechi calcoli dei venditori di 

fumo. A questo proposito non resta che rilevare 

la situazione penosa in cui versa ormai la 

musica cosiddetta “leggera” in tutto il mondo: 

sento di essere giunto in un porto sicuro, e 

sono lieto che mi abbiate dato l’opportunità di 

affermarlo. In 12.600 battute.

ROMAEUROPA FESTIVAL 

VENT’ANNI DI NOMADISMO CULTURALE 

di Vanessa Polselli 

Peony Pavillon 

(Peter Sellars,1998) 

anniversari 

È il 1986 quando Jean-Marie Drot, direttore 

dell’Accademia di Francia a Roma, forte della 

presenza di Monique Veaute, direttore artistico, 

propone a Giovanni Pieraccini di avviare 

un festival capace di portare a Roma il 

“contemporaneo”. La proposta, semplice in 

sé, non è però di facile attuazione perché se 

non tutti i compagni di Drot sono da subito 

d’accordo a lasciare che Villa Medici (sede 

dell’Accademia di Francia) perda i suoi connotati 

di edificio “esterno” e “separato” dalla 

vita romana per trasformarsi invece in un 

centro di fertili scambi e di incontri culturali 

intensi, da parte sua Roma è, negli anni 

Ottanta, tutt’altro che il trionfo della cultura 

internazionale e contemporanea, immersa 

com’era allora nella sua millenaria autosufficienza 

(questo ci aveva raccontato Federico 

Fellini). Tant’è vero che della necessità di 

aprire la città alle nuove tendenze e alle tensioni 

artistiche si fa, sin dall’inizio, interprete 

proprio lo stesso Comune di Roma. Nato 

quindi come ponte fra l’Italia e la Francia, il 

Festival ha, anno dopo anno, allargato i confini 

della città di Roma ad artisti provenienti 

da ogni parte del mondo, latori di una cultura 

e di una storia che resta, anche quando non 

ascoltata, manifestazione e racconto della 

nostra stessa storia. 

Senza mai aver avuto un luogo unico d’attività, 

ma allestendo di volta in volta i suoi spettacoli 

in svariati spazi, convenzionali o meno, 

il Festival ha fatto del nomadismo – a leggere 

le cose secondo una giusta prospettiva storica 

– un punto di forza perché non si è identificato 

con alcun luogo, mentre la sua identità e 

la sua riconoscibilità si sono legate sempre di 

più agli artisti ed agli spettacoli ospitati: un 

festival, dunque, come variegata e poliedrica 

comunità di sguardi e percorsi. 

1986-2005. A lasciar scorrere gli occhi lungo 

le annate, tra letteratura, arte visiva, musica, 

teatro, danza, cinema emerge subito la 

domanda a cui gli organizzatori hanno tentato 

di dare, di volta in volta, una risposta, sug- 

In questo 2005 il RomaEuropa Festival compie venti anni di vita, e due decenni sono in 

genere un intervallo di tempo più che sufficiente per definire l'identità di un'iniziativa e 

per verificarne le ragioni d'essere. Un excursus e un bilancio ripercorrendo quattro lustri 

di iniziative, spettacoli e appuntamenti culturali attraverso il cartellone di Villa Medici, 

sede dell'Accademia di Francia 

gerendo possibili percorsi e orizzonti visivi, 

giacché una risposta definitiva, si sa, non è 

mai possibile in quest’ambito: un festival, 

dunque, quale luogo del contemporaneo, 

parola difficile che, ambigua e onnivora, 

include senz’altro tutte quelle esperienze 

artistiche che hanno interpretato, raccontato 

o anche negato, ciascuna secondo i propri 

strumenti, la nostra società e la dimensione 

della nostra esistenza in essa, spesso sfaldando 

i confini dei linguaggi e ridisegnando l’estetica 

delle arti. 

Poiché il 1986 è l’anno della nascita – e come 

spesso avviene le rotte del viaggio sono già 

tracciate all’inizio –, gli eventi e gli artisti 

ospiti hanno una loro genetica importanza: 

sotto il titolo di “Barocchi e Tendenze”, filo 

rosso di quest’edizione, si declina un viaggio 

da una parte lungo le musiche e la cultura del 

Seicento e, dall’altra, lungo le esperienze 

artistiche che si muovono armonicamente fra 

i diversi linguaggi. “Barocco”, dunque, è il 

concerto presentato da Claudio Ambrosini ed 

il suo Ex Novo Ensemble, o l’incontro fra 

passato e presente consumato sul mito di 

Fedra ne Le Racine di Sylvano Bussotti, o 

anche la filologica interpretazione della 

musica di Rameau e Charpentier da parte de 

Les Arts Florissant, sicuramente uno dei 

migliori gruppi vocali e strumentali, a livello 

internazionale, di musica barocca. 

Superamento dei confini linguistici e attenzione 

alle nuove tendenze espressive si legge 

invece nella parola che cerca corpo, spazio e 

voce sulla scena (l’incontro fra la scrittura 

letteraria di Valerio Magrelli e quella scenica 

VIVAVERDI 

37 

di Giorgio Barberio Corsetti), o anche nel 

video che investiga se stesso in quanto arte (le 

opere presentate da Studio Azzurro, Mario 

Martone e Federico Tiezzi) o, ancora, nella 

musica che vive e si origina dal rapporto con 

la scena (le colonne sonore di Massimo 

Terracini, Fulvio Maras e Paolo Modugno). 

Accanto a queste esperienze leggiamo (nel 

programma) anche la presenza dell’estrosa e 

provocatoria coreografa Regine Chopinot, 

accanto a quella veramente trasversale di 

Philippe Decouflé, mentre la musica raggiunge 

il suo apogeo con Turangalîla, il canto 

d’amore dalle sonorità complesse ed innovative 

di Olivier Messiaen, presente al concerto 

con la sua partitura in mano, mentre 

l’Orchestra di Santa Cecilia la interpretava 

sotto la direzione di un misurato Kent 

Nagano. 

Teatro, musica, danza, arte: da questo 1986, il 

festival, negli anni, sembrerebbe non aver 

abdicato ai suoi principi costitutivi, nel bene 

e nel male, con spettacoli talvolta anche “difficili” 

o non perfettamente riusciti, ma 

comunque coerenti con tale linea artistica. 

Lunga è la teoria di artisti che hanno presentato 

in questi venti anni le loro visioni pericolose, 

dissacranti o irriverenti (talvolta 

anche fastidiose) al sedentario pubblico 

romano: tra questi, per cominciare dal teatro, 

Peter Sellars (1998, 1999, 2002, 2003), 

Robert Wilson (1998, 2001, 2002), e la 

Socìetas Raffaello Sanzio di Romeo 

Castellucci, sicuramente tre dei maggiori 

registi contemporanei e più volte ospiti del

VIVAVERDI 

38 

anniversari 

Festival: accanto alle opere di Sellars quali 

Peony Pavilion (1998), che parte da un testo del 

poeta cinese Tang Xianzu (XVI sec.), e The Story 

of a Soldier (1999), che traduce in epoca 

moderna, attraverso i latinos (gli immigrati 

messicani in America), il senso di esclusione 

vissuto da Stravinskij, ci sono il Woyzeck (2002) 

di Büchner, che Wilson ha costruito insieme 

alla musica di Tom Waits, espressione visiva, 

rarefatta e non retorica del sentimento, e 

Voyage au bout de la nuit (1999) della Socìetas 

Raffaello Sanzio, trascrizione in forma di dolorosa 

partitura vocale del celebre dramma di 

Céline. Ma queste sono solo alcune delle opere 

che hanno raccontato, con testi di tradizione, 

una storia tutta contemporanea, con un linguaggio 

che non ha concesso molto alle abitudini 

dello spettatore; e se scorriamo velocemente 

i cartelloni, saltano fuori i nomi del belga Jan 

Fabre (1987, 2001), che riunisce in sé i ruoli di 

regista, drammaturgo, coreografo e scenografo 

dando vita a un teatro personalissimo e provocatorio, 

in cui ogni materia e funzione del corpo 

si fanno linguaggio di scena; il gruppo catalano 

de La Fura dels Baus, nato alla fine degli anni 

Settanta come compagnia di strada e approdato 

poi ai più importanti palcoscenici internazionali, 

conservando sempre quella particolare 

vocazione alla scomoda denuncia oltre che al 

dialogo non convenzionale con lo spettatore; 

Giorgio Barberio Corsetti, presente nel cartellone 

del festival fin dalla prima edizione del 

1986 ed ospitato nel 2003 in un singolare esperimento 

drammaturgico in collaborazione con 

Giovanni Lindo Ferretti, ex leader dei CCCP; 

William Kentridge, che mescola animazione e 

spettacolo dal vivo, denunciando senza retorica 

la dura condizione di vita nel Sudafrica dell’apartheid; 

Alessandro Baricco o Stefano Benni, 

entrambi chiamati a mettersi in scena attraverso 

letture che chiedono alla parola di farsi spazio 

e spettacolo; Francesca Lattuada con il suo 

circo che racconta storie più che offrire solo 

numeri di acrobazia, o Bartabas, che attorno al 

cavallo ha costruito un altro modello di vita; 

Frank Castorf, infine, il cui sguardo crudelmente 

fisso su un mondo omologato denuncia 

la nevrosi quale condizione dominante ed abituale 

nella vita quotidiana. 

Il palcoscenico, zona franca, si è trasformato 

così nel luogo ideale per un attraversamento 

delle frontiere – nel senso linguistico ed artistico, 

geografico e sociale –, dove gli artisti mesco- 

lando in modo libero e denso di significato ogni 

forma e linguaggio, hanno cercato l’espressione 

ed il modo adatto a dare voce alle tensioni del 

mondo contemporaneo, alle sue contraddizioni, 

alla sua molteplicità di messaggi e di strumenti 

di comunicazione. 

Non a caso, infatti, alcune delle opere ospitate, 

soprattutto per la danza e per la musica, hanno 

presentato un uso strumentale o critico della 

tecnologia: tecnologia come mezzo per indagare 

e sperimentare le molteplici possibilità del 

suono (da Berio a Nono a Xenakis) oppure quale 

elemento che modifica il rapporto dell’uomo 

con il corpo e con lo spazio, agendo sulla percezione 

stessa – veicolo primo dell’esperienza. 

Alla danza soprattutto, ontologicamente, si 

mostra affidato in questo ultimo ventennio del 

ventesimo secolo il racconto del corpo – ovvero 

della vita in prima persona. E così le coreografie 

dicono di un corpo sempre in movimento 

oppure immobilizzato, apparentemente libero 

e pronto alle più estreme esperienze eppure 

spesso insensibile, insoddisfatto, incapace di 

avvicinare un altro corpo, di reagire al circostante; 

il corpo come zona di confine fra dentro 

e fuori, fra l’interiorità ed il mondo esterno, 

non più negato: esso è l’uomo stesso, nella sua 

totalità. Da Susanne Linke a Karin Saportà; dalla 

divertita danza senza “stile” di Jean Claude 

Gallotta a quella innovativa e colorata della 

Compagnie Montalvo-Hervieu; da Michael 

Clark e i DV8 a Jirí Kylián (cha ha abbattuto il 

tabù di una danza consacrata alla giovane età, 

creando una straordinaria compagnia di ultraquarantenni) 

e Angelin Preljocaj fino al White 

Oak Dance Project, compagnia di giovani danzatori 

guidata dalla grande esperienza di 

Mikhail Baryshnikov, e ai giovani – ma non 

troppo – gruppi italiani (Enzo Cosimi, Lucia 

Latour, Virgilio Sieni, Paola Rampone, 

Kinkaleri, Sosta Palmizi) per giungere poi a 

nomi che sembrerebbero abitare ormai soltanto 

i manuali quali Trisha Brown, Carolyn 

Carlson, Alain Platel, Merce Cunningham, 

William Forsythe, Maurice Bejart e Bill T. Jones. 

Il corpo recuperato dalla danza moderna, s’è 

detto, ma anche quello che dalla tradizione ha 

recuperato la propria ragione, i propri ritmi ed 

un immaginario ancestrale come è il caso del 

flamenco (1990, 1991, 1992, 1995, 1997 – con le 

compagnie di Blanca Del Rey, Cristina Hoyos, 

Joaquin Ruiz), o del patrimonio culturale asiatico, 

con il Balletto dell’Accademia Reale Khmer 

(1997) o con le interpretazioni del Ramayana da 

parte di compagnie indiane, tailandesi e balinesi 

– e qui lo spettacolo è anche rito. 

Scorrendo il programma, emerge tuttavia con 

evidenza come sia la musica a esser sempre il 

vero fulcro del festival, in una gamma di possibilità 

che comprende il repertorio classico contemporaneo 

come le avanguardie elettroniche, 

passando per le tradizioni popolari. 

Nato come festival di musica contemporanea – 

ha ospitato Bussotti (1986, 1988), Xenakis 

(1988, 1994), Maderna (1992), e poi Boulez 

(1987, 1988, 1991), Berio (1991, 1995), Heiner 

Goebbels (2000) e Michael Nyman (2001) –, 

negli anni RomaEuropa ha ampliato la propria 

programmazione fiino ad includere, accanto 

alle raffinate composizioni contemporanee, 

punto fermo per tutti i venti anni, le musiche 

del Novecento in molte delle sue declinazioni, 

compreso lo sterminato panorama dell’ultima 

musica elettronica: dal progetto intermusicale 

che ha affiancato Manu Dibango all’Orchestra 

Nazionale di Lille (nel 1989), all’apertura alle 

musiche del mondo con i primi concerti italiani 

di Cheb Khaled (1990), Angelique Kidjo 

(1990), Cesaria Evora (1992), Taraf de Haidjuk 

(1993), fino agli incontri singolari quali quello, 

rivoluzionario, tra Robert Wilson e Philip Glass 

(Monsters of Grace 2.1), quello, più meditato ed 

evocativo, tra Bill T. Jones e Max Roach, il più 

grande batterista vivente (Another History of 

Collage), o anche quello, tutto barocco, fra 

François Raffinot e Michael Nyman (Garden 

Party, 1990). 

E così, con il passare degli anni, RomaEuropa 

Festival una sua identità l’ha costruita, e crescendo, 

talvolta in modo discontinuo, ha sviluppato 

un percorso artistico che ha fatto della 

capitale un palcoscenico della modernità, sia 

essa quella accattivante, colorata e divertita, che 

quella più difficile della denuncia e della sperimentazione, 

rinnovando ogni anno la sfida 

piuttosto difficile presentata da un mondo 

dominato sempre più da una globalizzazione 

sorda ed egoista. Ma molto poco cosmopolita.

In alto, a seguire: 

Tèatre Zingaro (Bartabass, 1990); 

Compagnie Emile Dubois 

di Jaan-Caude Gallotta (1987); 

Endstation Amerika 

(Frank Castorf, 2001); 

Merce Cunningham 

Dance Company (2003); 

Woyzeck (Robert Wilson, 2002) 

Sotto, Martha Graam 

Dance Company (1996)

VIVAVERDI 

40 

personaggi 

MARCO PAOLINI 

L'ARTE DI RACCONTARE 

di Lisa Ginzburg 

Uno che ci pensa su. Che dopo zaffate di istinto, 

rapidissime, poi invece ragiona e sceglie lentamente. 

“Sarei un pazzo, se certa energia che mi 

rimanda il pubblico non la tenessi stretta, senza 

buttarla via”, dice. Ma anche se consapevolmente 

contento dei grandi successi degli ultimi anni 

(da Vajont in poi), Marco Paolini sente che è 

arrivato il momento di cambiare qualcosa. 

Anche questo, è il rigore professionale: cogliere 

i cambi di vento, quegli snodi che permettono di 

convogliare vecchie energie verso nuovi traguardi. 

Un lavoro-video su Venezia, ancora 

acerbo ma pieno di promesse. Letture esplorative 

di testi vari. Viaggi, alla ricerca di nuovi codici 

espressivi. Avendo sempre in mente i rischi 

da non correre. Scadere nella recitazione gratuita, 

per esempio. Non svalutare l’eccezionale 

talento di affabulatore imprestandolo a performances 

obbligate, troppo consuete. “I classici 

sono una cosa straordinaria, ma quando in cartellone 

ci sono soprattutto (quasi solo) quelli, 

qualcosa non va. Vuol dire che non c’è coraggio 

di sfidare altre interpretazioni del presente. Che 

l’invenzione non sta lavorando”. Niente rifacimenti, 

dunque. Se ha letto in modo mirabile 

Moby Dick (anni fa alla radio), ora per Paolini 

non è tempo di cimentarsi con altre grandi pagine 

della letteratura. Continuare a raccontare, sì: 

ma cose nuove, e in modo diverso. 

Il rapporto con la carta stampata resta sempre 

intenso. Dopo l’amore per il testo di Luigi 

Meneghello Libera nos a malo (amore fruttuosamente 

condiviso con Gabriele Vacis), ora Il 

sergente, ultimo spettacolo in cartellone, è frutto 

di una visitazione lunga e articolata del 

Informare l'opinione pubblica attraverso il teatro. E così il pubblico, più che un attore, ha 

finito con il considerarlo un giornalista. Lui non se la prende perché è conscio della 

differenza tra i due generi narrativi ed espressivi e perché “l'intervento del corpo cambia 

tutto”. Il significato profondo del “teatro civico” 

romanzo di Rigoni Stern. Per sondare il livello di 

“dicibilità” del testo, Paolini ha lavorato mettendo 

alla prova un suo pubblico scelto, molto 

ristretto, del quale si fida. Ma non funzionava. 

Così, rigoroso, paziente, ha ricominciato da 

capo. Viaggiando nella ex Unione Sovietica per 

respirare l’aria dei luoghi. Gli piaceva in generale 

che fosse un lavoro in grado di parlare non di 

un singolo, un sopravvissuto, un testimone, ma 

che descrivesse invece come non si sopravvive, 

la disumanità di una esperienza collettiva. 

Il punto di vista d’insieme è qualcosa che sembra 

percorrere l’intero filo della produzione teatrale 

di Paolini. Degli Album (si veda il box accanto), 

nuova creatura libraria dopo Teatro civico, è 

stato detto che sono una grande opera corale. 

Monologhi, molte storie sparse, ma il cui scorcio 

narrativo sembra dato piuttosto dall’occhio di 

un singolo. Ed ecco profilarsi un altro rischio da 

aggirare: non essere un autore ingombrante. 

Restituire i fatti, ma senza mettersi in primo 

piano. Tanto bene ci è riuscito, Marco Paolini, 

che gli succede di essere preso, anziché per un 

attore, per un giornalista. Lui non se la prende. 

Convinto come è della profonda differenza che 

esiste tra informazione e teatro (perché nel teatro 

c’è l’intervento del corpo, che cambia tutto). 

E convinto, ancora di più, del significato del fare 

un teatro “civico”. Lo straordinario impatto che 

Sopra, Marco Paolini in 

Il Sergente (foto di Monika Bulaj) 

e con I Mercanti di Liquore 

“Song n° 32” in una foto 

di Marco Caselli 

gli spettacoli di Paolini hanno sul pubblico (a 

cominciare da Vajont, l’”orazione civile” che 

sbancò lo share inchiodando davanti al piccolo 

schermo milioni di spettatori), dipende tra le 

altre cose da questo: dalla forza dirompente che 

si sprigiona da storie raccontate con un’intelligenza 

pari a una sapienza della fisicità. È contento 

dell’ottima qualità del suo repertorio 

video. Dipende, dice, dal vantaggio dell’autoprodursi 

(lavorare quindi da anni con una équipe 

di persone e un regista con i quali la fiducia è 

assoluta). E poi, quando si fa qualcosa di poco 

teatrale, è più facile “bucare lo schermo”. Il 

risultato video della diretta di uno spettacolo di 

teatro di narrazione, è sempre migliore rispetto 

a normali riprese di spettacoli. Fatto salvo che, a 

monte, è necessario (come fu nel caso di 

Vajont) un palinsesto televisivo abbastanza 

intelligente da dare spazio e giusto orario a trasmissioni 

del genere. 

Ma l’arte di raccontare, da dove arriva? In principio 

è stato raccontare storie ai bambini, e scoprire 

di attanagliare anche gli adulti. Dopodiché, 

inoltrarsi nella spirale complessa della struttura 

di una narrazione. Una spirale che deve essere 

capace di trasformarsi nella linea curva di un 

arco. Non è facile, trovare un linguaggio che 

segua la curvatura di una sequenza sintattica

GLI ALBUM DI MARCO PAOLINI 

TEATRO COME ROMANZO DI FORMAZIONE 

“Gli Album sono i cosiddetti binari morti. Scarti, roba da tagliare. 

Quelle cose che si buttano, ma si mettono da parte perché 

non si sa mai” dice Paolini nel prologo-descrizione che “apre” 

i primi due Dvd degli Album (Gli Album di Marco Paolini, Einaudi 

Stile libero). Usciti in maggio (la seconda parte a fine settembre), 

gli Album costituiscono, si potrebbe dire, un nuovo genere 

narrativo e visivo. In linea con l’intera produzione artistica di 

Paolini il teatro è raccontato, la grande storia è tagliata su 

misura del microracconto autobiografico; ma dal racconto, 

come in un gioco a spirale, si sviluppa un commento video, 

una propaggine di sequenza di immagini che potenzia le parole. 

La giuria del Premio Pieve di Santo Stefano dedicato ai 

diari, quest’anno ha deciso di dare una menzione speciale a 

Paolini. Lui però, ancora nella ripresa-prologo, ci tiene a precisare 

che gli Album non corrispondono alla forma-diario. Sono 

piuttosto autobiografia in diretta; meglio ancora, “una palestra 

per imparare a raccontare”. Le vicende si dipanano, lente e 

avvincenti, sempre giocando sul doppio binario di macro e 

microstoria. Questo di sicuro, non un binario morto. Se è vero 

che attraverso tali e tanti scorci il passare del tempo è affrontato 

con leggerezza, è perché le storie sono considerate con 

irriverenza verso quella che è la loro contestualizzazione nel 

mondo, e totale rispetto invece verso i dettagli. 

Linguaggio abilissimo, tutto costruito sui particolari. Gestualità 

di Paolini, e corrispondente commento visivo, che avvalora 

queste storie italiane ma che potrebbero essere universali. 

Silenzi che parlano, lunghi discorsi che nel fondo tacciono. La 

scoperta del teatro come romanzo di formazione. E dietro, 

come in un gioco di pannelli mobili, il ’68 e il lento tramontare 

di certo cattolicesimo giovanile, gli anni ’70 e la droga, lo 

sport, la scoperta dei lunghi viaggi come mito geografico-narrativo… 

Impariamo, riflettiamo, ricordiamo guardando gli 

Album. Ma senza lasciarci prendere dalla malinconia di una 

visita ai bauli di lettere e fotografie custoditi in soffitta. No. 

Rimaniamo spettatori allegramente. Perché c’è la musica, ci 

sono le immagini, ci sono le trovate scenico-attoriali del talento 

inesauribile di Marco Paolini a rendere tutto vivo, presente. 

Utile: come dovrebbero essere utili tutte le memorie davvero 

capaci di parlare. (Lisa Ginzburg) 

mente perfetta, in un mondo dove la sintassi è 

scomparsa e tutto è sincopato, paratattico. Dove 

ogni espressione è frammento, balbettìo, 

scheggia. Molti anni fa, Paolini partecipò a 

Livorno a uno stage tenuto da Wim Wenders. E 

da lui sentì dire una frase: “Le storie oggi, sono 

un surrogato della esistenza di Dio. Perché mettono 

ordine nel caos, visto che ormai viviamo in 

un linguaggio di schegge”. A quella frase, negli 

anni Marco Paolini ha ripensato moltissime 

volte. Nel polverone della illetteratezza, in questa 

babele di minimali schegge, ciò che più ha 

senso è opporre forze espressive centripete, 

radicate. Gli archi tesi della sintassi. Grandi racconti. 

Spazi da imparare a gestire, dosando la 

forza così da arrivare in fine con la stessa energia. 

Creando apici e affondi, silenzi e brusìi. I 

picchi e le valli di una storia. Un po’ come un 

Lawrence Sterne moderno, Paolini ha effettivamente 

il talento unico di aprire decine di excursus, 

inanellare parentesi su parentesi, contare 

sull’intelligenza di un pubblico che sappia insieme 

a lui inerpicarsi su per le chine degli antefatti 

e poi a precipizio ridiscendere lungo la deriva 

scivolosa degli accadimenti. Ogni teatro di narrazione, 

dice Paolini, deve saper essere una 

semplificazione. Ma proprio perché si tende a 

semplificare, è facile risultare dei demagoghi, 

persone molto amate per qualche tempo, ma 

segnate dal destino, presto o tardi, del ripudio. 

Per raccontare davvero, dunque, mantenersi 

semplici e sempre umili. Dissezionare le storie 

così da renderle racconti, ma sempre rimanendo 

in secondo piano, dietro di esse. 

Il futuro è pieno di spazio. Raccogliere e pubblicare 

gli Album ha voluto dire dare forma e confezionare 

un lungo passato, e liberarsene. Però 

vivere una pausa creativa senza enfatizzarla, 

senza isolarsi, restando autoironici e ricettivi, è 

una sfida che solo un’intelligenza pulsante, esigente, 

intransigente come quella di Marco 

Paolini può riuscire a fare. Di un silenzio tanto 

aperto e saggio, vedremo i frutti. Ma è difficile 

immaginare che non saranno buoni. 

Foto Angelo Radaelli

VIVAVERDI 

42 

intervista 

TELEVISIONE 

A.A.A. CERCASI AUTORI 

COMICI DI TALENTO 

di Linda Brunetta 

È uno di quegli annunci che tutti prenderemmo per falso, uno scherzo di uno di quei 

produttori un po' sadici che alla frase “Avrei un'idea divertentissima per la Tv” iniziano 

subito a grattarsi come se fossero assaliti da un'improvvisa allergia. Questa volta 

sembrerebbe invece un annuncio attendibile. Arriva da Paramount Comedy, nuovo canale 

tematico firmato Mtv Italia e trasmesso sul Canale 115 della piattaforma Sky. Parla Pietro 

Galeotti, curatore del “Cantiere della creatività” 

Il canale Paramount Comedy si propone di 

trasmettere serie, film, telefilm, show locali 

e internazionali, tutti scelti secondo il criterio 

del “divertimento intelligente e mai 

banale”. Incredibile! Esiste ancora qualcuno 

che ha il coraggio di usare la parola “intelligente” 

e non se ne vergogna. Evidentemente 

qualcuno che ha scoperto che esiste un pubblico 

ancora dotato di neuroni in azione e 

pronto a pagare pur di sfuggire ai boccheggianti 

reality di terza generazione sulla 

Famiglia Adams di Cellino San Marco. 

Paramount Comedy ha in progetto “Il 

Cantiere del Comedy”, un impegno nei confronti 

di chi vuole iniziare a fare parte del 

mondo della comicità in 

Queer eye 

e Absolutely Fab, 

serie Tv sul canale 

Paramount Comedy. 

Sotto, i loghi 

del canale 

Paramount Comedy 

modo attivo, come autore o come interprete. 

Per questo ha affidato a Pietro Galeotti, 

autore storico di Fabio Fazio, ma anche 

molto attivo sul piano delle battaglie e delle 

iniziative in favore della nostra professione 

di Autori (è fra i promotori del Premio 

Ideona), il compito di selezionare gli aspiranti 

scrittori e comici dando loro una possibilità 

di misurarsi ed esprimersi. 

Sul depliant illustrativo dell’iniziativa c’è 

scritto che gli scrittori comici di talento sono 

numerosi, ma non riescono ad imporre le 

proprie idee, perché si consumano mestamente 

nel lavoro di scalettatori di format o a 

trasformare in show i contratti delle star 

televisive. 

Questa drammatica visione dell’attività degli 

autori radiotelevisivi italiani è realistica 

secondo te? 

Lo dico con amarezza, per moltissimi autori 

è così. Con l’avvento del format, e il fatto che 

sono solo le case di produzione a stabilire le 

regole del gioco, la figura dell’autore si è 

progressivamente svilita. È vero che all’interno 

del format è possibile mettere un po’ 

di creatività, ma è anche vero che se uno ha 

un progetto originale è difficile che qualcuno 

glielo produca. 

L’idea del “Cantiere” è tua o della 

Paramount? 

È mia. Ho proposto al 

direttore del recentissimo 

canale 

Paramount Comedy l’idea del 

Cantiere, che è un po’ figlia di 

Ideona, perché vuole rimettere al centro 

la figura dell’autore, almeno per quanto 

riguarda la televisione. Invece di fare la solita 

campagna acquisti di comici, e nella 

migliore delle ipotesi mettere insieme l’ennesimo 

show-catalogo, ho proposto di capovolgere 

l’approccio. Come per le case, anziché 

dal tetto, partiamo dalle fondamenta: 

mettiamo insieme una squadra di autori, che 

ragionino a prescindere dal cast, che svilup-

pino delle idee, dei caratteri, dei testi e poi 

cerchiamo degli attori in grado di interpretarli 

al meglio. Mi sembra che in questo 

modo ci siano più possibilità di dare un 

segno di originalità. Di solito avviene che si 

contatta il comico che si porta la sua squadra 

di autori di fiducia e si lavora sul suo repertorio 

per renderlo televisivo. È un problema 

che si ritorce anche sui comici stessi. Si 

ritrovano a fare Zelig , per esempio, dando 

fondo a tutto il loro repertorio per fare al più 

una stagione e per poi ritrovarsi quella successiva 

con un sacco di difficoltà. Lavorando 

sui contenuti si dovrebbe favorire anche chi 

va in onda, perché avrebbe materiale nuovo 

e qualche idea in più. 

Mi ricorda il modo di lavorare di parecchio 

tempo fa. Il nostro gruppo per esempio (La 

Tv delle Ragazze, Avanzi) lavorava insieme 

agli attori sui personaggi nuovi da mandare 

in onda, evitando il riferimento al loro eventuale 

repertorio teatrale o cabarettistico 

Se gli autori possono lavorare sull’idea del 

cantiere, luogo in cui si lavora insieme, ci 

possono essere più possibilità di sviluppo. 

Noi vogliamo dare all’autore il luogo dove 

mettere in pratica le sue idee, se sono percorribili. 

Trovo che sia un esperimento 

coraggioso: il canale mette a disposizione un 

contratto e la possibilità di produrre delle 

idee originali. 

La vostra ambizione è quella di trovare nuovi 

modi di far ridere o che altro? 

Uscire dal cliché in cui il comico ha un suo 

personaggio, ha un tormentone che ripete 

sei volte durante il monologo e poi esce di 

scena. A me, per esempio, piace molto lo 

sketch, se fatto bene con dei caratteri 

moderni. A mio avviso oggi la comicità non 

sta parlando delle persone reali, non sta 

parlando di noi. Si producono personaggi 

“regionali” o estremizzati, mentre si ride 

poco dei mestieri o di persone che incontriamo 

tutti i giorni. 

Non ritieni invece che manchi la satira, la 

satira politica? 

Non c’è più il gusto di indagare o prendere 

in giro il costume. 

Come è riuscito a fare Alberto Sordi, ad 

esempio? 

Esatto. Sordi si divertirebbe moltissimo a 

prendere in giro certe figure come il manager 

o la pierre, che non si sa esattamente che 

mestiere sia. Manca un pochino di sana 

ferocia sulla figura sociale, senza scivolare 

nella comicità grossolana che produce solo 

macchiette. 

Basta, quindi, con il comico “barzelletta”, 

senza carattere? 

Tutti i nuovi contenitori della comicità 

attuale, a parte Assolo (La 7), impongono i 

tre minuti: devi avere un buon ingresso, una 

buona battuta finale e tre tormentoni, non ti 

è richiesto proprio nient’altro, non puoi 

cesellare il personaggio. Devi far ridere dall’ingresso 

in scena, dal costume. Già lavorare 

su tempi un po’ più dilatati oggi sembrerebbe 

rivoluzionario. Per esempio sto lavorando 

con Teocoli. Nonostante il suo grande 

talento, tutti trovano sempre qualcosa da 

tagliare, come se 30 secondi in più fossero 

una minaccia, potrebbero essere invece un 

valore aggiunto. 

Pensi che esista una possibilità di essere 

lucidi e graffianti nei programmi di culto che 

manderete in onda? Come South Park, 

Mash, Absolutely Fab, che – pur non essendo 

nuovi – sono molto più satirici e divertenti 

di certe commedie anche americane 

attuali? 

Questo è il vero dramma, perché la rete ha 

una library immensa e qualificatissima. Non 

pretendo di raggiungere quella qualità, ma 

voglio provare a lavorare su una sit-com italiana 

che sia almeno un gradino più in alto di 

quelle che vanno in onda. Anche se per il 

momento forse è impossibile raggiungere il 

livello dei dialoghi delle sit-com americane, 

soprattutto se ci dicono che il pubblico non 

sarebbe in grado di capire… 

Ma se capisce la sit-com americana perché il 

pubblico non dovrebbe capire anche quella 

nostrana? 

Il paradosso è che lo stesso produttore 

manda South Park senza nessuna censura, 

mentre quello che produciamo noi ha mille 

incomprensibili filtri. 

Una bella premessa è proprio la totale libertà 

editoriale che promettete. È il requisito 

fondamentale per la comicità. 

Noi cerchiamo di dare una scossa. L’unica 

condizione per il momento è il basso costo. 

Se ci fosse un’idea buona garantiamo massima 

libertà sui contenuti. L’esperienza che 

abbiamo, sia te che io, è che quando si parte 

da un’idea, la sua realizzazione la fa trasformare 

completamente, perché passa attraverso 

il filtro del committente, dell’appaltante, 

di chi è di passaggio nei corridoi, di 

chiunque. Qui ci sono meno filtri e la possibilità 

di usare un linguaggio un po’ più 

moderno, che non vuol dire spregiudicato. 

Sta già arrivando molto materiale? 

Abbastanza. In genere sono tutte proposte 

molto orecchiate, ovviamente, da quello che 

c’è in tv, ma qualcosa di interessante c’è, e 

accettiamo proposte fino alla fine di settembre. 

Se Vivaverdi dovesse uscire in ritardo 

rispetto alla vostra dead line per l’invio dei 

testi, pensi che rifarete un’altra selezione 

l’anno prossimo? 

Penso che nella primavera del 2006 ci sarà 

un’altra tornata. Noi intanto con il gruppo 

che si formerà vogliamo iniziare a produrre 

qualcosa già da fine gennaio. 

Perché c’è un tetto di 35 anni per gli aspiranti 

autori? Siete sicuri che la comicità sia 

appannaggio di questa fascia d’età? 

Oltre quell’età si presume che uno abbia già 

cambiato mestiere o si sia già stabilizzato nel 

suo. 

Ho letto sul vostro sito che la prima cosa 

richiesta è la cessione totale dei diritti sulle 

proposte inviate, che ne farete di quelle che 

non utilizzate? 

Mi sono irritato anch’io, ma mi hanno spiegato 

una serie di ragioni legali per garantire 

la rete. Quello che posso garantire io è che se 

uno viene con un’idea, è sua e se va in onda 

verrà tutelato. L’emittente rivendicherà solo 

la sua parte di titolarità. 

E tutto il materiale che non verrà utilizzato? 

Ritorna indietro all’autore 

Non mi resta che farvi gli auguri per la 

riuscita dell’esperimento, che potrebbe far 

capire che una comicità libera fa più ridere: 

“Una rivoluzione copernicana rispetto al 

tradizionale modus operandi della televisione” 

annuncia il progetto. 

Per gli interessati consultare il sito: 

www.paramountcomedy.it

VIVAhanno detto 

a cura di Vivaverdi 

FINANZIARIA 2006 

LA LUNGA NOTTE 

DELLO SPETTACOLO 

I tagli del Governo al Fus rischiano di 

comportare anche una decurtazione delle 

entrate per il diritto d'autore? Con quali 

conseguenze per il mondo degli artisti e per 

la creatività artistica in genere? 

“Il Governo ha varato ieri la finanziaria da 20 

miliardi, che prevede un taglio degli oneri sociali sul 

lavoro dell'1% (2 miliardi di euro). Destinati alla 

correzione del deficit 11,5 miliardi. La copertura: 

taglio di 6,2 miliardi a carico delle amministrazioni 

statali, 2,5 nella sanità, 3 per gli enti locali e 1 nel 

pubblico impiego. In un decreto la stretta fiscale, 

dall'acconto Irap alle partecipazioni esenti”. 

Il Sole 24 Ore, 30 settembre 2005 

TELEGRAMMA DEL CDA SIAE 

AL PRESIDENTE AGIS 

Il Consiglio di Amministrazione della Società 

Italiana degli Autori ed Editori, riunito il 14 ottobre 

2005, esprime il proprio sostegno alla manifestazione 

a difesa della cultura e della creatività italiana, 

contro i preannunciati ed ulteriori tagli del Fus. 

Il taglio allo spettacolo rappresenta un grave vulnus 

economico per tutte le attività musicali, teatrali, 

cinematografiche e radiotelevisive. Gli autori ed 

editori italiani - protagonisti essenziali di ogni 

impresa culturale - ritengono che oltre a produrre 

effetti pesantemente negativi per tutte le attività 

spettacolistiche, con pesanti riflessi sul livello 

occupazionale del settore, inciderebbe sul progresso 

sociale e culturale del nostro Paese. 

L'investimento in arte, cultura e spettacolo dovrebbe, 

invece, essere al centro degli interessi dello Stato e dei 

cittadini, a salvaguardia non solo del lavoro, delle 

professioni, delle aziende, ma anche di ciò che 

dovrebbe stare più a cuore all'intera comunità: 

ritrovarsi e riconoscersi in una comune identità 

culturale. 

“La Mostra di Venezia? Probabilmente non si farà. Il 

Centro sperimentale di cinematografia? Dovrà 

sospendere l'attività didattica. La Cineteca 

nazionale? Sarà costretta a interrompere i progetti di 

restauro. Le Fondazioni liriche si limiteranno a 

pagare gli stipendi ai dipendenti. I teatri stabili e le 

compagnie di prosa rischiano l'inattività. Fantasie 

pessimistiche? Niente affatto, semplicemente sono le 

inevitabili conseguenze del taglio di 164 milioni di 

euro operato sul Fus (Fondo unico dello spettacolo) 

dalla Finanziaria approvata dal Governo. 

Il Fondo unico dello spettacolo è stato tagliato di oltre 

il 35%, passando da 464 a 300 milioni di euro. 

All'interno di questo taglio la quota a disposizione del 

cinema passerebbe da 84 milioni a 54 milioni, cui si 

aggiungerebbero altri 7,5 milioni di tagli ai fondi 

Lotto, che nel 2005 hanno messo a disposizione del 

cinema 8 milioni di euro e che nella previsione della 

Finanziaria il prossimo anno saranno ridotti a 500 

mila euro. La lirica, ipotizzando che la sua quota sul 

Fus restasse invariata, scenderebbe da 222 a 143 

milioni di euro. Le perdite della prosa, complessiva 

delle risorse provenienti dal Lotto, sarebbe di circa 30 

milioni di euro: da 89 a 69”. 

la Repubblica 4 ottobre 2005 

ALBERTO 

FRANCESCONI 

PRESIDENTE AGIS 

“Se questo Governo 

ritiene gli investimenti 

uno spreco ce lo dica 

chiaramente e ci 

prepareremo a investire 

le nostre risorse 

nell'ignoranza”. 

La Repubblica, 

4 ottobre 2005 

ENZO GENTILE 

VICEDIRETTORE AGIS 

“Nel 2005 c'è stato un taglio del 9% rispetto allo 

scorso anno con una percentuale di riduzione uguale 

sia per la musica, sia per il cinema, sia per il teatro. 

Sarebbe sbagliato però pensare a una disattenzione 

del Governo perché si tratta piuttosto di una 

tendenza generale a sottovalutare l'impegno di circa 

200 mila persone che lavorano in questo campo, 

spesso senza ammortizzatori sociali. Bisogna che lo 

spettacolo venga considerato un elemento strategico 

per il nostro Paese, non valutando i fondi come una 

elargizione, bensì come un investimento”. 

Il Tempo, 3 ottobre 2005 

Foto Contrasto 

GIGI PROIETTI 

“Non voglio mugugnare. Non so ancora quanto mi 

darà lo stato per il 2005 perché noi siamo privati e 

ci spetta una quota esigua; comunque ritengo che 

il mercato teatrale non possa seguire la legge della 

domanda e dell'offerta. Se io fossi nei panni delle 

istituzioni cercherei il massimo delle risorse, ma 

stabilirei anche regole chiare e automatiche per la 

loro distribuzione. Attualmente c'è troppa discrezionalità: 

ogni anno cambia tutto e la produzione 

è scoraggiata. I costi aumentano mentre i prezzi al 

botteghino devono calare per catturare il pubblico”. 


LUCA DE FUSCO 

REGISTA E DIRETTORE STABILE DEL VENETO 

“Mi è stata comunicata la cifra che riceverò per il 

2005, ma non ancora corrisposta. Subirò una 

decurtazione del 4%, ma io ho già attuato la 

programmazione del 2006. Lo Stato ha tempi da 

terzo mondo e noi abbiamo tempi europei. Il 

problema è che, a prescindere dai tagli, le 

sovvenzioni non sono aggiornate al costo della vita. 

C'è poi il paradosso che alcune compagnie private 

hanno visto aumentare i loro contributi, al contrario 

degli stabili che si trovano nelle peggiori condizioni 

di cui si abbia memoria”. 


DOMITIJ KITAJENKO 

DIRETTORE D'ORCHESTRA 

“Non riesco a capire come un governo non voglia 

dare soldi per la cultura di un Paese che è il centro 

della cultura in Europa. Avevo in programma 

concerti con il Maggio Fiorentino che sono spariti e 

quattro concerti alla Scala, di cui è rimasto uno solo. 

Ma l'Italia è simbolo di storia e cultura in tutto il 

mondo, e anche San Pietroburgo dove sono nato, è 

orgogliosa di essere la Venezia del Nord”. 

.Com, 12 ottobre 2005 

LUCIANO LIGABUE 

“Il futuro è pieno di guai per chi non sostiene la 

cultura. I film hanno bisogno di sostegno 

soprattutto per opere prime e opere di qualità che 

possono avere vita dura al botteghino”. 

la Repubblica, 15 ottobre 2005

ROCCO BUTTIGLIONE 

MINISTRO PER I BENI E LE ATTIVITÁ CULTURALI 

“Impossibile tenere aperti i musei con tagli per 198 

milioni di euro. Mi impegnerò per scongiurare questa 

autentica sciagura. È assurdo tagliare 

selvaggiamente sulla cultura. Quest'anno il turismo 

clturale è aumentato del 4% mentre i turisti in totale 

sono calati dell'1%. Con i musei chiusi o ad orario 

ridotto quanti stranieri verranno ancora in Italia? 

Sappiamo che le risorse sono quelle che sono e che 

dobbiamo fare meglio con meno, ma ci sono limiti 

oltre cui non si può andare. Oltre c'è l'abisso del 

degrado.Mi impegno a prosciugare ogni sacca di 

inefficienza e sprechi e propongo il sistema francese di 

autofinanziamento della cultura. Sono pronto ad 

aumentare i prezzi dei biglietti d'ingresso dei musei e 

a tassare ogni passaggio in Tv, Internet e cinema dei 

film. Lo Stato però non può far mancare così 

clamorosamente il suo contributo. (…) Non si deve 

pensare che si possa tagliare sulla cultura con 

maggiore facilità che altrove”. 

La Stampa, 4 ottobre 2005 

“Ci sono film già avviati che aspettano i soldi per 

continuare e per i quali quest'interruzione può significare 

la fine delle attività. Tutto il cinema italiano è 

arrabbiatissimo e anch'io lo sono. (…) E comunque 

sui tagli della Finanziaria ho lanciato tempestivamente 

un grido di allarme: se si prosegue su questa 

strada si rischia di liquidare il nostro patrimonio. 

Sarei costretto a chiudere un certo numero di archivi 

e di musei. Dunque, i tagli devono rientrare”. 

Il Sole 24 Ore, 9 ottobre 2005 

“Il settore della cultura è già stato tagliato e tagli 

ulteriori lo condannano a morte. E' quanto ho detto 

al Governo. La cultura è un corpo vivo, sono grato a 

chi lo capisce e meno a chi la butta in politica(…) 

la cultura non è di parte, appartiene a tutti”. 

la Repubblica, 14 ottobre 2005 

GIORGIO ALBERTAZZI 

“I tagli sono un provvedimento brutale. Questo 

Governo considera il teatro una spesa, uno spreco, 

non un investimento che lo Stato fa per i suoi 

cittadini. Questo Governo è incapace di vedere 

nella cultura un'identificazione di sé e per questo 

va criticato e combattuto anche con uno sciopero”. 


ROBERTO BENIGNI 

“In Italia l'arte non interessa più. Non servono tagli 

ma molto tempo, denaro, talento, lavoro, e la cultura 

in Italia conta sempre meno. Tutto lo spettacolo e il 

cinema in particolare non interessano più, visto che 

non si dà loro alcun valore. (…) Si vede che mancano 

i fondi perché non c'è una fioritura dei giovani. 

Abbiamo così tanti grandi talenti che potrebbero 

girare il mondo ed è triste che ciò non accada”. 

Il Giornale dello Spettacolo, 7 ottobre 2005 

“La cultura è arrivata al fondo e ora le tagliano pure 

il Fondo. Del resto in questo Paese ormai tagliano 

tutto. Ora ci tagliano anche l'anima. Eppure è la 

cultura che ci fa venire voglia di vivere”. 


SALVATORE ACCARDO 

“È agghiacciante. Quello che sta succedendo e che 

si prefigura con i tagli allo spettacolo è semplicemente 

un massacro. Per tutta la cultura, ma in 

particolare per i giovani. (…) So e parlo dei giovani 

musicisti, ma è un massacro che non investe 

solo la musica, investe tutto, il teatro, la danza, e 

sono le nuove generazioni a venir tagliate fuori. 

(…) Dobbiamo anche chiederci da dove viene 

tutto ciò. Una risposta arriva dal fatto che in 

Italia c'è sempre stata un'ignoranza smisurata 

sulla musica, non si insegna a scuola, e questa 

mancanza gravissima si ripercuote su chi ci governa 

che è portato a non capirne niente, non solo di 

musica ma anche di cultura. Non si diventa colti 

e curiosi per folgorazione divina: senza un'educazione 

adeguata nelle scuole siamo tutti fregati. 

E temo, inoltre, che così facendo le prossime due 

generazioni non potranno nemmeno sapere 

(e quindi gustare) cos'è la musica classica”. 

l'Unità, 7 ottobre 20055 

MARCO TULLIO GIORDANA 

“Non si tratta di chiedere elemosine, ma di 

considerare che i cittadini delegano allo Stato una 

serie di spese, dalle strade alla sanità, alla cultura 

e noi chiediamo soldi che ci spettano per gli 

investimenti che un Paese fa sul proprio futuro”. 


MASSIMO GHINI 

“Dinanzi allo sconcerto per i tagli decretati dalla 

Finanziaria al Fondo unico dello Spettacolo, e che 

penalizzano, mortificano e di sicuro condannano a 

morte vasti settori dello spettacolo e della cultura 

italiani, mi vengono in mente le parole del 

Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi 

pronunciate pochi giorni or sono: 'Il grado di civiltà 

di un Paese si misura anche dal numero dei suoi 

teatri. È nel teatro che si rispecchia l'identità di un 

popolo'. Se nel teatro, nel cinema, nella musica si 

riducono con un taglio di 164 milioni a soli 300 i 

milioni di euro disponibili, le conseguenze disastrose 

ricadono prima di tutto sull'occupazione di 

migliaia e migliaia di operatori dello spettacolo, 

attori, registi, tecnici e personale delle scuole di formazione. 

Ma ricadono anche sulla 'qualità della 

vita' degli italiani, costretti a rinuciare ad una 

identità culturale e artistica frutto di una tradizione 

creativa riconosciuta e celebrata in tutto il mondo”. 

l'Unità, 7 ottobre 2005 

STHEPHÁNE LISSNER 

SOVRAINTENDENTE TEATRO LA SCALA 

“Se le cose restano così la stagione è a rischio. Ci 

dovrà essere un ridimensionamento. Non c'è solo il 

problema del Fus. C'è anche il probelma dei soci 

fondatori. Lo Statuto della Scala prevede che i soci 

fiinanzino la Scala pagando l'8% della 

contribuzione del Fus. C'è il rischio che i soci privati 

si pongano una domanda: perché dobbiamo pagare 

tanto se il Governo si ritira? Se non possiamo portare 

a termine la stagione di cui abbiamo già venduto 

biglietti e abbonamenti, si pone un problema con gli 

artisti, un problema di credibilità e di rispetto degli 

artisti. (…) Se un domani non possiamo rispettare 

questi impegni, se la Scala vuole invitare i migliori 

artisti mondiali, se si comincia a dire che la Scala 

non rispetta gli impegni, beh… Vuol dire che si 

aprono le porte per dire che la Scala è di serie B a 

livello internazionale. Vedremo per la stagione. Il 

punto è convincere il Governo a tornare sulla propria 

decisione. L'arte e la cultura rappresentano un 

collante e lo sviluppo della democrazia. È una 

battaglia che dobbiamo combattere tutti e che la 

Scala combatte da oltre 200 anni”. 

Corriere della Sera, 11 0tt0bre 2005

VIVAVERDI 

46 

ACCADEMICI E DIALOGHISTI TRA DIALETTI E TRADUZIONI 

ITALIANO, LINGUA DI DOPPIATORI 

di Letizia Pozzo 

rieti 

Cinematografia e Tv hanno un notevole peso 

tra i fattori di mutamento della lingua nazionale: 

su questo punto si sono trovati d’accordo sia 

gli universitari che i professionisti del settore, 

i doppiatori, protagonisti del convegno. “Se le 

ricerche indicano che in Italia il 50% della 

popolazione non legge nemmeno un libro l’anno 

e i ‘veri lettori’ non superano il 7%, è chiaro 

che il principale mezzo di unità linguistica 

nazionale è l’audiovisivo”. 

I dati li ha presentati Eleonora Di Fortunato 

dell’Aidac, la quale ha sottolineato come “il 

prodotto cinematografico in Italia sia per la 

maggior parte di origine straniera: viene doppiato 

e rappresenta il modello di tutti, anche 

degli autori italiani. Oggi i ritmi forzati imposti 

dalla ‘catena di doppiaggio’ e da una bassa qualità 

del prodotto iniziale hanno causato un precipitare 

della lingua verso zone che spesso toccano 

il ridicolo, come l’improbabile lingua dei 

tv-movies in cui strutture sintattiche classicheggianti 

si accompagnano a errori di grammatica 

in una lingua definita doppiaggese. È 

frequentissimo sentire in una versione italiana 

il verbo ‘contattare’ per ‘chiamare’, termini 

entrati nel linguaggio corrente; si tratta di 

un’omologazione linguistica che colpisce 

soprattutto i ragazzi dai 5 ai 13 anni – ha concluso 

Di Fortunato –, i quali passano gran parte 

del tempo tra videogiochi e Tv, dedicando alla 

lettura appena 7 minuti al giorno. Se il vocabolario 

di base dell’italiano è di 6-7.000 parole, i 

dialoghi dei cartoni animati non contengono 

più di 250 parole, sempre le stesse. I bambini 

finiscono con il diventare destinatari passivi di 

un codice di comunicazione deciso da adulti e 

Nella pagine accanto, 

da sinistra, Mario Paolinelli, 

Iean Paul Sarthou, 

Patrick Poivey, 

Eleonora Di Fortunato, 

Filippo Ottoni 

La nostra lingua è influenzata da film e fiction? Quali problemi pone la traduzione di 

dialetti ed espressioni gergali? Il doppiaggio può facilitare la circolazione dei prodotti 

cinematografici? L'Università di Leeds del Regno Unito, La Sapienza di Roma, 

l'Associazione Italiana Dialoghisti Adattatori Cinetelevisivi (Aidac) hanno promosso lo 

scorso settembre (17 e 18, Biblioteca Comunale Paroniana di Rieti) il primo convegno 

internazionale sul tema “Tradurre ‘voci’, tradurre voci locali” 

tutte le iniziative a difesa dei minori sembrano 

preoccuparsi più della pubblicità, del sesso e 

della violenza e non vedono invece il pericolo 

dell’analfabetismo dell’offerta 

televisiva”. 

Sui rischi della banalizzazione 

del linguaggio nei film destinati 

ad un vasto pubblico in 

Italia e in Francia, ha messo 

in guardia anche Jean-Louis 

Sartou del Syndicat national des auteurs et des 

compositeurs (Snac). 

In questo quadro l’uso di forme dialettali si 

aggiunge alle difficoltà abituali del doppiaggio. 

Dopo il successo de Il Padrino di Francis Ford 

Coppola del 1972, negli adattamenti si è 

cominciato a usare sistematicamente il dialetto 

per sottolineare caratteristiche etniche, sociali 

e perfino psicologiche del personaggio originale. 

Come ha ricordato Chiara Ferrari, docente 

dell’Università di Los Angeles, “il doppiaggio 

favorisce l’uso di un umorismo locale e 

anche di espressioni dialettali. The Nanny, la 

popolare serie televisiva ambientata a 

Manhattan, per esempio, ha perso – nella versione 

italiana intitolata La Tata –, i tratti linguistici 

delle proprie origini ebree per assu- 

mere i contorni di un’italo-americano di famiglia 

ciociara accompagnato da una lista completa 

di stereotipi”. Sergio Patou-Patucchi 

dell’Università Pio V, autore 

della ricerca sul tema La reale 

influenza dell’opera cinetelevisiva 

sulla lingua italiana 

parlata, preparata per il Cnr, 

ha sostenuto che “l’interpretazione 

dello stereotipo statunitense 

del Tipo-Umano-Italiano, una sorta di 

‘maschera’ della Nuova Commedia dell’Arte 

Cinematografica, deve essere reso in modo 

efficace nella versione doppiata con espressioni 

idiomatiche e giochi di parole”. 

“L’italiano è la lingua che parlano i doppiatori”, 

diceva Flaiano. Nel citarlo, Filippo Ottoni, 

“maestro” di dialoghi, ha spiegato le difficoltà 

di rendere certi personaggi caratterizzati dal 

linguaggio dialettale. Come nel caso della versione 

originale americana del film Big night, 

dove due immigrati si esprimono in un italiano 

inventato, ridicolo e grottesco perchè nessuno 

dei due attori conosce la nostra lingua. “Nelle 

scene in cui dovrebbero comunicare nella lingua 

madre, si abbandonano a una sorta di italianese 

degli immigrati, un gramelot nemme-

“ASINC”, NUOVA RIVISTA 

DEL DOPPIAGGIO 

Sta per venire alla luce una nuova rivista dedicata ai doppiatori 

al doppiaggio e ai tutti i problemi relativi, diretta 

dal giornalista Glauco Benigni. Per il momento metterà 

le sue radici sulla Rete con un aggiornamento quindicinale. 

La versione cartacea, invece, sarà realizzata con 

edizioni speciali dedicata a eventi particolari e manifestazioni 

significative, come possono essere – ad esempio 

– le “Giornate Professionali del Cinema” o il la Mostra del 

cinema di Venezia. Per questo motivo la periodicità della 

pubblicazione verrà stabilita di volta in volta. Gli intenti, il 

programma di massima, si possono leggere sul sito 

www.asinc.it: Il doppiaggio di un’opera audiovisiva si 

può fare in molti modi – è scritto –, ma farlo bene è difficile. 

Sono necessari tempo, talento e risorse. E poi è 

indispensabile, per l’Opera, gli Autori, gli Artisti, i Tecnici 

e l’Industria, che Qualcuno si impegni a valutarlo, perché 

se è vero che il doppiaggio degno di nota è quello che 

non si nota, bisogna pur mettere in grado il pubblico di 

coglierne armonie e disarmonie”. Per informazioni scrivere 

a: redazione@asinc.it 

no supportato da una precisa provenienza 

regionale – ha raccontato Ottoni –: si tratta di 

due fratelli emigrati in America dall’Italia per 

aprire un ristorante, i quali non potevano 

esprimersi in siciliano o napoletano senza 

venir identificati come mafiosi o camorristi. 

Bisognava farli esprimere in un altro dialetto 

che non rimandasse a tipologie criminali. 

Trovai così la soluzione utilizzando l’abruzzese, 

perchè l’Abruzzo è la regione italiana dalla 

quale provengono la maggior parte dei cuochi 

che sono sparsi un po’ ovunque per il mondo e 

che non rimanda a una tipologia sociale precisa. 

Il film ha così riscosso grande successo grazie 

ad un doppiaggio che ha confermato come 

si possa facilitare la circolazione dei film da un 

Paese con semplici soluzioni linguistiche più 

adatte al significato dell’opera”. Al di là delle 

questioni tecniche, le potenzialità del doppiaggio 

quale mezzo per esportare il nostro cinema, 

oltreché per importarlo, sono state esaminate 

nel corso di una tavola rotonda alla quale 

hanno partecipato Mario Paolinelli dell’Aidac, 

Lucia Bistoncini, direttore della Sezione cinema 

della Siae, Gregory Snegoff, dialoghista e 

attore americano e Glauco Benigni, direttore 

delle strategie tecnologiche della Rai. 

“Pochi sanno quanto sia complessa l’operazio- 

ne di travasare un ordine di idee in un altro, 

riadattandolo e reinterpretandolo, in definitiva 

ricreandolo – ha sostenuto Paolinelli –. È 

necessario, ad esempio, che le istituzioni europee 

rendano possibile la nascita di un’Agenzia 

internazionale del doppiaggio per capire la 

realtà produttiva di ogni paese, studiarne le 

risorse artistiche, predisporre piani formativi 

e strumenti contrattuali comuni, analizzare i 

flussi dell’import-export, offrire un punto di 

riferimento per aziende che intendano sponsorizzare 

la realizzazione del doppiaggio. 

Quanti film italiani potrebbero essere esportati 

all’estero con una buona edizione nella lingua 

del Paese al quale sono destinati?” si è chiesto 

Paolinelli auspicando anche una formazione 

universitaria per gli adattatori europei. 

“In Italia la Siae fa la sua parte per garantire 

economicamente il lavoro dei dialoghisti, considerati 

spesso autori ‘in ombra’, anche se – ha 

ricordato il direttore della sezione cinema della 

Siae, Lucia Bistoncini – fino agli anni ’90 la 

figura dell’adattatore non era ancora riconosciuta, 

mentre ora riceve un equo compenso. 

Occorrerebbe colmare il vuoto contrattuale tra 

adattatori e committenti magari con un riferimento 

ad un codice deontologico per valorizzare 

il diritto morale dell’autore troppo spesso 

nascosto dalle questioni economiche”. 

Greg Snegoff, attore e direttore di doppiaggio 

americano, ha detto che “in America un gran- 

de regista come Mel Brooks è stato pagato 

250.000 dollari per un doppiaggio di un film 

risultato poi un flop, quando un’ottima edizione 

sarebbe costata appena 50.000 dollari”. Un 

fatto che dimostra quanto poco sia ancora considerata 

la figura professionale del dialoghista. 

E Snegoff ha proposto di tentare un esperimento: 

doppiare gratuitamente un film italiano 

(che nessun produttore vorrebbe doppiare) 

in lingua inglese e francese per verificarne poi 

la possibilità di diffusione all’estero. 

Glauco Benigni, infine, ha esortato gli adattatori 

dicendo: “Voi autori del doppiaggio non 

sapete difendere il vostro lavoro. È come se 

voleste arare un campo con una cetra. Per fortuna 

la Siae non utilizza solo la cetra ed è organizzata 

in modo articolato per farvi pervenire 

un giusto compenso”. Il problema del doppiaggio 

deriverebbe, per il giornalista Rai, da 

una questione di appalti: “I prezzi sono perversi 

e con l’avvento della pay-tv bisognerebbe 

al più presto creare un Authority che regolamenti 

il settore e riconosca le traduzioni come 

una risorsa. Sono tutti autorizzati a vendere la 

benzina o il sale? No, esistono regole specifiche 

in ciascuno dei due settori. E allora perché 

chiunque si può improvvisare adattatore o traduttore?”

VIVAdall’interno 

SIAE 2004 

UN BILANCIO LUSINGHIERO 

Il bilancio della Siae per l’anno 2004 (che qui presentiamo 

in sintesi, ma che i lettori hanno l’opportunità di leggere 

in dettaglio in un apposita pubblicazione separata 

già inviata ai loro indirizzi) è uno dei migliori degli ultimi 

12 anni, non solo perché presenta un attivo di 3 milioni 

e 647 mila euro dopo le imposte, ma anche perché – in 

un momento di stagnazione dei consumi – la raccolta 

per diritto d’autore è stata incrementata del 2,5% rispetto 

all’anno precedente. Anche il comparto dei servizi 

per conto terzi (Agenzia dell’entrate, Enpals e Inps) evidenzia 

un risultato positivo, prima delle imposte, di 

2 .030.204 euro con un utile – dopo le imposte – 

di 128.362 euro. Il totale degli incassi per diritto d’autore 

(importo lordo) è stato di 523.253.029 euro. 

Nel settore della Musica gli incassi risultano sostanzialmente 

stabili, con un incremento dell 1,3% rispetto 

al 2003. Ma l’aumento effettivo è superiore se si considera 

che nel 2004, in ottemperanza a specifiche norme 

contabili, non è stato imputato un importo di 7,8 milioni 

di euro, che benché riferibile all’esercizio dello stesso 

2004, è stato contabilizzato all’atto dell’incasso avvenuto 

nei primi giorni del 2005. 

Ottimo il risultato degli incassi nel settore dei concerti, 

riviste e varietà, che registra un aumento del 7,7%, 

mentre gli incassi per i diritti di riproduzione meccanica 

(cioè per le opere musicali registrate su supporti) hanno 

subito un decremento del 3,3%, in relazione al calo 

delle vendite. Si tratta d’uno spostamento significativo, 

che riveste un notevole valore sociologico nel panorama 

della fruizione musicale: la musica e lo spettacolo 

dal vivo, infatti, attirano sempre di più il pubblico, mentre 

il settore discografico manifesta ancora la sua soffe- 

Un attivo di 3 milioni e 647 mila euro dopo le imposte, un incremento della raccolta per 

diritto d'autore del 2,5% sul 2003. Uno dei migliori risultati degli ultimi 12 anni. Lettura 

sintetica e per linee generali del Bilancio 2004 della Società degli Autori ed Editori 

renza, solo in parte compensata dalla vendita dei supporti 

videografici e, in particolare, dei Dvd cinematografici 

e musicali. Anche il ballo è stazionario, con un 

aumento della raccolta dei diritti pari all’1,6%. 

Il settore maggiormente connesso alle forme di diffusione 

più tecnologicamente avanzate, cioè la multimedialità, 

ha registrato un balzo del 58% rispetto all’esercizio 

del 2003, frutto soprattutto d’importanti accordi con 

grandi aziende telematiche e telefoniche. Questo settore 

sta, per altro, ottenendo risultati ancora migliori 

anche per l’anno in corso, grazie a ulteriori accordi e a 

un monitoraggio sempre più esteso degli utilizzi di 

opere tutelate. 

La sezione Dor presenta un aumento degli incassi del 

2%, mentre il Cinema registra un incremento del 20% 

rispetto all’anno precedente, considerando gli introiti dei 

diritti della copia privata video, che risentono positivamente 

delle nuove tariffe finalmente adeguatesi, anche 

nel nostro Paese, alla media europea. Per il cinema, 

bisogna segnalare positivamente anche il rinnovo degli 

accordi per equo compenso con le emittenti nazionali 

generaliste e la regolarizzazione di importanti emittenti 

satellitari, che hanno corrisposto anche compensi per 

attività pregresse. 

La sezione Opere Letterarie e Arti Figurative (Olaf) 

evidenzia una crescita degli incassi del 19,7%, in buona 

parte riferibili alla reprografia (diritti sulle fotocopie di 

opere tutelate) cresciuta del 16,9%. Anche l’andamento 

della raccolta per le voci tradizionali (opere letterarie e 

arti visiva) si segnala per un aumento del 23%. 

La sezione Lirica presenta un aumento del 12,6%, 

conseguente in buona parte anche alla maggiore diffusione 

delle utilizzazioni di “revisioni” e riadattamenti di 

opere di pubblico dominio. 

Nel settore dei Servizi per conto terzi, bisogna innanzitutto 

ricordare che le vigenti convenzioni con Enpals, 

Rai, Inps e Agenzia delle entrate, stipulate negli ultimi 

cinque anni hanno dato un apporto economico al bilancio 

di circa 46,7 milioni di euro annui, permettendo un 

consistente contributo all’ assorbimento dei costi della 

struttura aziendale. Il ruolo di questi servizi, inoltre, è 

essenziale per garantire una presenza capillare sul territorio 

che genera benefici rilevanti per la raccolta dei 

diritti d’autore. Nell’ambito dei servizi per l’Agenzia delle 

entrate, i proventi sono diminuiti di circa 2,2 milioni di 

euro, nonostante il maggior numero di accertamenti 

effettuato dalla Siae. La ragione sta nel fatto che, in

seguito agli accordi sottoscritti con l’Agenzia delle 

entrate, la misura dei conguagli a favore della Siae si è, 

nella sostanza, ridotta come diretta conseguenza del 

piano di contenimento della spesa pubblica cui devono 

attenersi tutti gli organismi pubblici. 

I servizi delegati da enti vari registrano un incremento 

dell’8,7%, mentre i proventi derivanti da interessi finanziari 

manifestano un aumento di 1,1 milioni di euro. 

Nell’ambito dei costi, è interessante notare che la Siae 

ha già realizzato da alcuni anni una razionalizzazione 

generalizzata dei costi grazie al dimensionamento dei 

fabbisogni, alla definizione di condizioni di acquisto più 

favorevoli, alla concentrazione dei volumi, alla gestione 

di procedure competitive e alla rinegoziazione dei contratti 

preesistenti. Il risparmio nominale nell’ambito dei 

costi della produzione, dal 1998 al 2004, ammonta a 

circa 6,3 milioni di euro. In realtà, il risparmio effettivo è 

nettamente superiore se si tiene conto dell’inflazione 

nell’arco degli ultimi 6 anni e del radicale cambiamento 

della struttura operativa della Società, conseguente da 

un lato all’eliminazione dell’imposta sullo spettacolo, dall’altro 

all’introduzione, appunto, di nuovi servizi per 

conto terzi. Servizi che hanno richiesto un sensibile 

incremento qualitativo e quantitativo di risorse per lo 

svolgimento delle attività richieste da diversi committenti 

(Agenzia delle entrate, Enpals, Inps, Rai, ecc.). 

La Siae è riuscita in breve ad operare efficacemente 

una ristrutturazione della propria attività, compensando 

la fonte di reddito dell’imposta spettacolo, che incideva 

per 75 milioni di euro e riducendo significativamente i 

costi rispetto al valore della produzione. 

Nel 2004 i costi della produzione sono aumentati del 

4,2% rispetto al 2003, ma il valore della produzione è 

cresciuto del 5%: la struttura dei costi si è dunque sviluppata 

in corretta relazione con lo sviluppo del business, 

risultando inferiore alla crescita dei proventi. 

È importante, infine, ricordare brevemente l’iter di 

VIVAVERDI 

49 

approvazione del bilancio, che viene presentato dal 

Direttore generale al Consiglio d’Amministrazione che lo 

approva, previo parere del Collegio dei Revisori della 

Siae (Collegio il cui Presidente è nominato dal Ministero 

dell’Economia) e certificazione della Società di revisione 

Reconta Ernst &Young (certificazione che la Siae ha praticato 

volontariamente da anni). Successivamente il 

bilancio è stato approvato, il 28 giugno di quest’anno, 

dall’Assemblea degli Associati e quindi sottoposto alle 

Autorità di vigilanza, la Presidenza del Consiglio e il 

Ministero per i Beni e le Attività culturali. Il 21 luglio 

scorso il Ministro per i Beni e le Attività culturali, Rocco 

Bottiglione, ha pubblicamente dichiarato che i conti 

della Siae sono in ordine e che il suo bilancio presenta 

un attivo di 3 milioni e 647 mila euro; in seguito le 

Autorità vigilanti hanno approvato i bilancio consuntivo 

2004 e quello preventivo 2005, ratificando così positivamente 

la politica economica della Società.

zie anche all’ impennata di vendite dell’ iPod (il 

piccolo lettore di musica digitale prodotto dalla 

Apple Computer) che in pochi mesi ha superato i 

20 milioni di esemplari venduti) e all’introduzione 

dei sistemi di scaricamento legale come iTunes, 

con cui la Siae fin dal mese di novembre del 

2004 ha concluso un’importane contratto per la 

tutela dei brani scaricati. Quello digitale è, insomma, 

un mercato in crescita, dalle fortissime 

potenzialità, ma il rapporto Ifpi sottolinea come 

attualmente la quota dei profitti sia ancora 

all’1,5% del totale, anche se le previsioni segnalano 

aumenti a due cifre per i prossimi 5 anni. 

Tornando all’Italia, il calo dei prodotti musicali 

registrato nelle edicole, si può spiegare da un 

punto di vista più generale, non solo con la saturazione 

d’un bacino in forte crescita da anni, ma 

anche col boom delle vendite di libri abbinati a 

quotidiani e periodici, che sono entrati nelle edicole 

in diretta concorrenza con i supporti musicali, 

orientando diversamente le scelte dell’acquirente. 

L’altro fenomeno in espansione è rappresentato 

dalle vendite dei Dvd musicali, ma, se ci riferiamo 

alla spesa per la musica in generale, non 

possiamo non rilevare il grande balzo in avanti 

VIVAVERDI 

51 

della musica dal vivo, che nel 2004, secondo 

fonti dell’Assomusica, ha registrato 1,5 milioni di 

spettatori in più, con un incremento del 54,1% 

del totale degli incassi. 

D’altra parte il mercato discografico italiano, che 

l’Ifpi situa all’ottavo posto nel mondo, negli ultimi 

dieci anni presenta cadute e riprese. Dai 138,9 

milioni di pezzi venduti nel 1995, in tre anni si 

passa ai 101,4 del 1998, per risalire ai 112 del 

2000, con una media, fino al 2003 di 110 milioni 

di pezzi, per arrivare poi alla flessione del 2004.


ASSEMBLEA GENERALE CISAC 

DIFENDERSI O ATTACCARE? 

di Alberto Testa 

Il 9 Giugno 2005 si è tenuta a Dublino, in Irlanda, 

l’Assemblea Generale della Cisac, la Confederazione 

Internazionale delle Società di Autori e Compositori. 

C’erano praticamente tutti, in rappresentanza degli autori 

e dei compositori, nonché degli editori, provenienti da 

tutto il mondo. Mi è sembrato giusto sentirmi forte, perché 

l’unione di tutte le forze creative sarà l’unica arma 

contro le infinite voglie di non tenere in considerazione il 

Diritto d’Autore. Certo, molti interventi hanno riguardato 

e preso in considerazione, in particolare, gli aspetti 

amministrativi di una simile organizzazione mondiale: 

approvazioni di Bilanci e lettura delle relazioni relative ad 

assemblee e incontri svoltisi in precedenza. 

Terminate le formalità – però – si sono trattati vari 

argomenti basilari: ecco qui di seguito e in queste poche 

righe il mio sintetico “rapporto”. Più che altro le mie sensazioni 

su quanto è stato detto a proposito di: difesa del 

diritto d’autore; lotta alla pirateria; salvaguardia delle 

diversità culturali; sviluppo e addestramento informatico 

nelle società autori; progetto mi3p: codice mondiale 

unico per ogni opera 

Questi argomenti sono stati trattati con molto calore e 

con interessamento di tutti. Alla prossima riunione spero, 

però, che verranno presentati dalle varie Società resoconti 

di “azioni compiute in proposito”, offrendo a tutti gli 

altri i suggerimenti per intraprendere le stesse “azioni” 

nel proprio paese. 

In tutto il mondo le dinamiche del lavoro degli autori sono in forte evoluzione e radicale 

cambiamento. L'occasione di una riunione internazionale della Confederazione delle 

Società di autori e compositori a Dublino evoca ad un autore alcuni interrogativi e 

altrettante considerazioni contenuti in questo breve “rapporto” 

Naturalmente sarà importante che tali informazioni vengano 

diffuse ben prima delle riunioni, in modo da aver già 

pronte osservazioni e risposte da parte dei vari delegati. 

E questo anche perché le leggi tra un paese e l’altro sono 

assai diverse e quel che è consentito là, può non essere 

consentito qui. 

Interessantissimo il Progetto di “Sviluppo e addestramento 

informatico” da diffondere fra tutte le Società di 

Autori al fine di preparare al meglio il personale e metterlo 

in grado di usare i mezzi più attuali. Questo progetto 

dev’esser coordinato dalla Cisac ma sviluppato – secondo 

i propri mezzi – da ogni Società. 

Su tale argomento sono d’accordo, ma penso che non 

dobbiamo limitarci a combattere gli attacchi che vengono 

fatti al Diritto d’Autore. Penso invece che dobbiamo 

essere noi Società di autori ad arrivare prima. Gli Autori 

sono creatori? E allora creiamo noi le armi di attacco a 

chi vuole espropriarci! 

Dobbiamo essere noi i primi hackers, naturalmente in 

positivo! Fare in modo che quando i ladri (di denaro e di 

cultura) tenteranno di arrivare, noi avremo già sviluppato 

altri sistemi per contrastarli e respingerli mettendoli in 

fuorigioco. 

Il Progetto mi3p che dovrebbe dare un codice ad ogni 

opera, spero che riguardi e tanga conto veramente di 

ogni opera depositata: musicale, letteraria, teatrale, cinematografica, 

visiva, tecnica… 

È una formula necessaria; per cui occorre accelerare al 

massimo tale procedura. 

Non sono molto abituato a questo tipo di riunioni e credo 

che – più che parlare – sia necessario agire. Da bravo 

autore di parole, ritengo che le parole siano troppo 

importanti per essere spese in arzigogoli. Perciò il mio 

resoconto finisce qui. 

Lasciatemi però ripetere: difendersi o attaccare ? 

Io vi ho detto come la penso. A voi la scelta. 

Alberto Testa, autore

FONDO DI SOLIDARIETÁ SIAE 

LA FASE DELLO STUDIO È CONCLUSA 

di *** 

Lettera del Comitato di Studio per le problematiche del Fondo di Solidarietà Siae, 

che ha da poco concluso i lavori e ha consegnato i risultati al Cda perché li faccia pervenire 

all'Assemblea con eventuali osservazioni e proposte 

Al momento abbiamo completato la prima fase dei 

lavori, rispondendo alle domande posteci 

dall’Assemblea che ci ha nominati con sua delibera del 

25/2/2004, e abbiamo consegnato il nostro elaborato 

al Consiglio di Amministrazione della Siae perché lo 

stesso CdA. lo faccia pervenire con le sue osservazioni 

ed eventuali proposte all’Assemblea. 

Per questo motivo riteniamo che una nostra eventuale 

anticipazione sui contenuti, prima che l’Assemblea 

possa esaminarli, sarebbe una mancanza di riguardo 

verso la stessa Assemblea alla quale non abbiamo 

ancora potuto fornire tutte le eventuali informazioni integrative. 

Questo Comitato, formato da componenti di pressoché 

tutte le Associazioni degli autori, editori e concessionari 

Siae, può senz’altro affermare di aver lavorato in completa 

armonia e serenità e di essere arrivato alle sue 

conclusioni all’unanimità, dopo un lavoro serio, approfondito 

e svolto con il comune intento di dare finalmente 

sistemazione definitiva agli annosi problemi del Fondo di 

Solidarietà, con una serie di provvedimenti che, se 

l’Assemblea concorderà sulla linea da noi proposta, 

potrebbero essere adottati entro pochi mesi, dopo l’ulteriore 

necessario completamento del nostro lavoro 

insieme con le sezioni Siae e i necessari approfondimenti 

giuridici, fiscali e finanziari per l’approntamento 

degli strumenti operativi definitivi. 

È con viva soddisfazione che noi tutti componenti di 

questo Comitato possiamo dichiarare che quando un 

certo numero di persone lavorano animate da spirito di 

servizio e con l’unico fine di tendere ad una conclusione 

positiva e condivisa è alla fine inevitabile, che si arrivi al 

risultato in perfetta armonia e addirittura, come avvenu- 

VIVAVERDI 

53 

to nel nostro caso, all’unanimità, pur partendo da posizioni 

iniziali variegate e molto differenziate. 

Desideriamo da ultimo ringraziare la Siae per il prezioso 

aiuto delle sue strutture e dei validissimi consulenti messici 

a disposizione. 

*** I componenti del Comitato di Studio per le problematiche 

del Fondo di Solidarietà Siae



SIAE E FAPAV 

UN'INTESA 

ANTIPIRATERIA 

Lo scorso 13 ottobre il Segretario Generale della 

Federazione Antipirateria Audiovisiva (Fapav), Luciano 

Daffarra e il Direttore generale della Siae, Angelo 

Della Valle, hanno firmato un importante protocollo 

d’intesa per rafforzare la tutela del diritto d’autore nel 

campo dell’audiovisivo e coordinare al meglio l’attività 

antipirateria. 

L’incontro, presso la Direzione Generale della Siae a 

Roma, si è svolto alla presenza di John Malcom, 

Direttore delle Operazioni Antipirateria della Mpa, la 

Motion Picture Association, organizzazione internazionale 

per la difesa delle opere cinematografiche e di 

Silvano Guariso, Sostituto del Presidente della Siae. 

Tra le misure di contrasto alla pirateria, presenti nel 

protocollo d’intesa l’avvio di campagne di comunicazione 

rivolte ai consumatori e in particolare agli stu- 


L'importante protocollo, che rafforza l'azione di lotta alla contraffazione e la rende più 

efficace sul piano operativo, legislativo e tecnologico, è nato alla presenza di John 

Malcom, direttore delle operazioni antipirateria a livello mondiale della Motion Picture 

Association (Mpa) 

denti. John Malcom ha affermato che le attuali campagne 

di comunicazione antipairateria, sia negli Stati 

Uniti, sia in Europa e in Asia, non hanno dato i frutti 

sperati. 

Proprio per questa ragione, la Siae, con i partner 

dell’Emca (European Music Alliance) ha intrapreso una 

serie di contatti con il Ministero dell’Istruzione per 

avviare una campagna di sensibilizzazione al rispetto 

del diritto d’autore presso le scuole secondarie. 

La lotta alla pirateria audiovisiva nel nostro Paese ha 

dato notevoli risultati anche grazie alla collaborazione 

delle associazioni che tutelano autori, editori e produttori 

con le Forze dell’ordine. In base ai primi dati 

(inediti) disponibili per il 2005, forniti dal Ministero 

dell’Interno, nei primi quattro mesi dell’anno sono stati 

sequestrati complessivamente 1.433.269 prodotti 

audiovisivi contraffatti, tra apparecchiature per registrazione, 

Dvd, Cd, videocassette e musicassette. Il 

prodotto pirata in formato digitale, che è anche quello 

maggiormente soggetto alla contraffazione, ricopre 

all’incirca il 10-15% del mercato totale dell’audiovisivo 

in Italia. L’Mpa calcola che in tutto il mondo questo 

tipo di pirateria arrechi danni, solo per quanto riguarda 

i prodotti americani, per oltre tre miliardi di dollari 

l’anno, con pesanti ripercussioni per gli autori e per le 

aziende del settore, con ingenti perdite di posti di 

lavoro. John Malcom, dopo aver scambiato importanti 

informazioni con Della Valle sulle strategie della lotta 

alla pirateria, ha assicurato alla Siae la collaborazione 

della Mpa.

VIVAglossario 

a cura di Giancarlo Pressenda 

IL DIRITTO D'AUTORE È MORALE 

di Giancarlo Pressenda 

Vivaverdi pubblica a puntate questo glossario, che comprende alcuni tra i termini più 

utilizzati nel mondo della Siae e nel diritto d'autore. Talvolta si è privilegiata la semplicità 

e la sintesi rispetto al tecnicismo del linguaggio giuridico e anche all'approfondimento. 

L'attuale legge italiana sul diritto d'autore n. 633/1941 e successive modificazioni (si veda 

la “Biblioteca giuridica” all'indirizzo www.siae.it) è ovunque abbreviata nella sigla L. A. 

INTERNATIONAL STANDARD 

WORK CODE (ISWC) 

Nato nel 1995 l’ Iswc è un Codice alfanumerico 

Internazionale Iso (Organizzazione Internazionale per 

la Standardizzazione) che viene attribuito univocamente 

ad ogni opera musicale consentendone così 

l’immediata identificazione in tutto il mondo. Il codice 

Iswc è costituito dalla lettera T seguita da una 

sequenza di 9 cifre e conclusa da una cifra di controllo. 

Attualmente l’assegnazione dei codici Iswc è 

in corso di attuazione e la Siae svolge funzioni di 

Agenzia Regionale Iswc per il territorio italiano. 

INTERNATIONAL STANDARD 

RECORDING CODE (ISRC) 

L’Isrc, la cui nascita risale al 1989, è un codice alfanumerico 

internazionale Iso (Organizzazione 

Internazionale per la Standardizzazione) che viene 

attribuito univocamente ad ogni registrazione sonora 

o audiovisiva di musica. Mentre l’Iswc identifica quindi 

l’opera musicale ai fini della percezione e della 

distribuzione dei diritti d’autore, l’Isrc identifica univocamente 

a livello internazionale ciascuna singola 

registrazione ai fini della individuazione del produttore 

proprietario e della percezione e distribuzione del 

diritto connesso del produttore fonografico. Il codice 

Iscr è costituito da 12 caratteri. L’Agenzia internazionale 

per l’amministrazione dei codici Isrc è presso la 

Federazione Internazionale dell’Industria Fonografica 

(Ifpi) con sede a Londra, mentre l’Agenzia Nazionale 

per l’Italia è la Fimi (Federazione Industria Musicale 

Italiana) con sede a Milano. 

LICENZE LEGALI O OBBLIGATORIE 

Le licenze legali e le licenze obbligatorie costituiscono 

forme di limitazione al diritto esclusivo degli autori, 

consentite dalla Convenzione di Berna in via di 

eccezione. La licenza legale è una licenza di utilizzazione 

delle opere le cui condizioni non sono negoziate 

tra le parti (autore e suoi aventi causa da un lato 

ed utilizzatore dell’opera dall’altro) ma sono dettagliatamente 

stabilite dalla legge. Nella licenza obbligatoria 

invece la legge impone all’autore di rilasciare un 

determinato tipo di licenza (sottraendogli quindi il 

potere di rifiutarla) ma la determinazione del compenso 

rimane oggetto di negoziazione tra le parti. 

Gli istituti delle licenze legali ed obbligatorie sono 

conosciuti soprattutto dalla legislazione anglo americana 

in materia di copyright (particolarmente nota la 

licenza legale Usa in materia di riproduzione su 

disco delle opere musicali) mentre sono più rari nella 

legislazione europea che tende a salvaguardare per 

quanto possibile il diritto esclusivo degli autori. 

Tuttavia, anche nella legislazione italiana si possono 

ravvisare le caratteristiche delle licenze legali o 

obbligatorie per quelle utilizzazioni per le quali anziché 

il pieno diritto esclusivo viene riconosciuto agli 

autori solo un diritto a compenso 

(così ad esempio l’equo compenso dovuto agli autori 

ai sensi dell’art. 58 per l’esecuzione di opere radiodiffuse 

in pubblici esercizi può essere qualificato 

come una licenza obbligatoria mentre l’equo compenso 

previsto dall’art. 70 per la riproduzione di 

opere in antologie scolastiche presenta molte delle 

caratteristiche tipiche della licenza legale). 

MATRICE (MASTER RECORDING) 

La matrice di registrazione o master recording è la 

registrazione audio o video originaria dalla quale vengono 

poi tratte le copie da porre in circolazione. La 

matrice è di proprietà del Produttore e non può 

essere utilizzata senza la sua autorizzazione ai sensi 

dell’art. 72 L. A. I diritti del Produttore sulle registrazioni 

realizzate durano per 50 anni dalla data di fissazione 

della registrazione ai sensi dell’art. 75 L. A. 

(vedi anche “diritti connessi”). 

MORALE 

(DIRITTO MORALE D’AUTORE) 

Il sistema di tutela dell’autore apprestato dalla legge 

prevede accanto ai diritti di utilizzazione economica 

dell’opera, anche diritti morali d’autore che sono 

preordinati a proteggere la sensibilità e la personalità 

dell’autore e non hanno direttamente un contenuto 

economico. Tali sono, in primo luogo, il diritto di 

rivendicazione della paternità dell’opera, il diritto di 

opporsi a deformazioni, mutilazioni o danneggiamenti 

dell’opera che possano pregiudicare la sua reputazione 

o il suo onore, il diritto – ove previsto – alla 

menzione del nome dell’autore, il diritto di mantenere 

l’opera inedita. Poiché i diritti morali sono intimamente 

legati alla sensibilità e alla personalità dell’autore 

essi sono inalienabili e “personalissimi” e non 

possono essere esercitati da altri che dall’autore 

stesso. I diritti morali non hanno termini di durata e 

quindi non sono limitati nel tempo; dopo la morte 

dell’autore il diritto morale può essere esercitato dal 

coniuge o dai figli o, in mancanza, dai genitori o altri 

ascendenti e discendenti diretti. Ove sia richiesto da 

finalità pubbliche anche il Presidente del Consiglio 

può intervenire a tutela del diritto morale dell’autore. 

Al diritto morale d’autore sono dedicati gli articoli dal 

20 al 24 della L. A. ma tutto il corpo della legge sul 

diritto d’autore è in più punti permeato dal concetto 

del diritto morale. Gli articoli 168-170 della L. A. dettano 

inoltre alcune norme particolari per quanto 

attiene i giudizi relativi all’esercizio del diritto morale 

d’autore. Alcuni diritti di natura morale sono riconosciuti 

anche agli artisti interpreti ed esecutori, come 

il diritto alla menzione del nome nei limiti stabiliti dall’art. 

83 L. A. e il diritto di opporsi alla diffusione di 

esibizioni che possano essere pregiudizievoli per il 

loro onore o la loro reputazione (art. 81 L. A.).

VIVAeventi 

a cura dell'Ufficio organizzazione Eventi 

AREZZO, 12/17 LUGLIO 

AREZZO WAVE LOVE FESTIVAL 

Arezzo Wave si conferma uno degli eventi 

musicali internazionali più importanti per l’impegno 

multiculturale. Dal 12 al 17 luglio si 

sono alternati su dodici palchi artisti emergenti, 

selezionati dalla Fondazione Arezzo Wave, e 

artisti noti. Accanto al cartellone musicale 

anche spettacoli, laboratori e incontri d’arte, 

letteratura, cinema, teatro, fumetto e fotografia. 

La Siae era presente con il Siae Point, 

punto informativo al Main Stage dello Stadio 

Comunale dove si sono esibiti Elio e le Storie 

Tese, Motorhead, The Kills, Antony & The 

Johnsons, Negramaro e Afterhours. Sul Wake 

Up e lo Psycho Stage si sono alternati altri 19 

gruppi, selezionati tra i 1.570, che hanno partecipato 

al concorso nazionale Arezzo Wave 

Band e, per la prima volta, si sono esibite le 

band segnalate dalle testate specializzate. 

Nelle tre sale del Centro Affari e Convegni di 

Arezzo s’è svolto infine Elettrowave, un vero e 

proprio festival nel festival, meeting di cultura 

digitale che durante l’anno ha decretato i vincitori 

della lunga selezione nazionale 

Elettrowave Challenge. Nell’ambito della sezione 

Cult Wave gli incontri con i registi Emir 

Kusturica e Matteo Garrone e un’iniziativa in 

ricordo di Pasolini, a 30 anni dalla morte. 

ROMA, 17 SETTEMBRE 

LA NOTTE BIANCA AL BURCARDO 

Il 17 settembre scorso la Siae ha partecipato 

per il secondo anno a La Notte Bianca con l’apertura 

notturna del Museo Teatrale del 

Burcardo (nella foto Vanessa Gravina e Marco 

Marelli). Nonostante la pioggia incessante che 

ha disturbato la serata, nelle sale del Museo 

sono state organizzate visite guidate alla 

mostra Le viole di Eleonora Duse e alle collezioni 

di costumi, accessori e oggetti di scena 

appartenenti ai grandi nomi del teatro italiano. 

Nel Palazzetto di particolare pregio storico ed 

artistico, ben noto a esperti e a studiosi del 

teatro, è stata offerto un ampio programma di 

musica e poesia. Gli attori Vanessa Gravina e 

Marco Marelli nel recital Amore è fuoco hanno 

rappresentato i versi dei poeti – da Francesco 

Petrarca ad Alda Merini – che in ogni tempo 

hanno cantato l’amore e la passione. Il cantautore 

Andrea Parodi ha raccontato, attraverso 

le canzoni, gli incontri più significativi della sua 

carriera: quello con Maria Carta, Fabrizio De 

Andrè, la cantante israeliana Noa e il chitarrista 

Al Di Meola. Il gruppo etno-folk dei 

Mediterranti ha proposto i ritmi e i canti della 

tradizione mediterranea. Hanno potuto eseguire 

solo in parte il loro programma il trio 

Polimnia Ensamble, una delle formazioni di 

punta della Associazione Musikstrasse del 

Gruppo Editoriale Bixio, e i maestri Claudio 

Anguillara, Lorella Boldrini, Francesco D’Atri e 

Vincenzo Di Piro, fermati purtroppo dalla pioggia 

scrosciante. L’afflusso dei visitatori e l’apprezzamento 

ricevuto ha confermato la vocazione 

del Burcardo a essere ideale punto d’incontro 

e accoglienza per iniziative culturali e 

di diffusione del patrimonio artistico che la 

Siae istituzionalmente tutela. 

2-4 SETTEMBRE, 

BORDIGHERA JAZZ & BLUES 

Dal 2 al 4 settembre, presso i giardini Lowe di 

Bordighera, s’è svolta la rassegna “Bordighera 

Jazz & Blues”, giunta alla 13 a edizione (nella 

foto Filippo Gasparro con Expresso Blues 

Band). Realizzata dall’Associazione 

MusicaTeatro e presieduta da Enzo Bruno, la 

kermesse musicale ha ospitato artisti di fama 

internazionale come Ike Turner, Kid Creole e 

Kool and the Gang. Rinnovando una partnership 

che dura da anni, la Siae era presente con 

il Siae Point. Nel corso della serata conclusiva 

è stata consegnata la targa Siae 2005 al gruppo 

musicale Expresso Blues Band, come riconoscimento 

per i musicisti italiani emergenti. 

AULLA, 21-24 LUGLIO 

PREMIO LUNEZIA 

Si è svolta ad Aulla (Massa Carrara) la decima 

edizione del Premio Lunezia che il suo 

ideatore, Stefano De Martino, ha dedicato al 

valore musical-letterario delle canzone italiana. 

Il vincitore assoluto, Gianluca Grignani, ha 

ricevuto dal Direttore della sezione 

Organizzazione Eventi Siae, Filippo Gasparro 

(nella foto con Grignani) “l’Albero della creatività”, 

scultura in bronzo dell’artista Sandro 

Soravia, per l’album Il re del niente, mentre 

alla vincitrice della Sezione Giovani Autori di 

Testo, Elettra Fiorini (19 anni, di Arezzo), è 

stata assegnata dalla Siae una targa per la 

canzone Ho disegnato. Tra gli artisti che si 

sono esibiti nella serata finale del 24 condotta 

da Pippo Baudo, applauditissimi Grignani, 

Elisa, Andrea Parodi (la voce dei Tazenda ha 

vinto la prima edizione di una sezione dedicata 

alla musica Etno) ed Enrico Ruggeri. La 

Società era presente con il Siae Point.

TERMOLI, 23-24 SETTEMBRE 

SPAZIO D’AUTORE 

Il 23 e 24 settembre si è svolto a Termoli il 

concerto “Pax Mundi”. Due serate dedicate a 

Papa Giovanni Paolo II e alla sua alla figura 

spirituale. Il Premio “Spazio D’Autore 2005” è 

andato a Enrico Ruggeri e ai Nomadi. Il 

Premio speciale Siae è stato consegnato ai 

Cugini di Campagna (nella foto) dal direttore 

dell’Ufficio organizzazione Eventi, Filippo 

Gasparro, che ha illustrato le finalità del “progeto 

Emca” verso i giorvani. Tra i partecipanti 

alla due giorni musicale, Anna Tatangelo, Paul 

Moss, The Joyful Gospel Ensemble, Franco 

Fasano e i Matia Bazar. Il tema della musica 

come strumento di comunicazione sociale è 

stato al centro di un convegno presso la Sala 

Consiliare del Comune. Oltre al Sindaco, sono 

intervenuti Remo Di Giandomenico, Luigi 

Barion (Presidente Afi), Daniele Venturi 

(Presidente Papaboys), Filippo Gasparro 

(Dirigente Siae), Pino Scarpettini (Direttore 

Artistico della manifestazione) e il cantautore 

Roberto Bignoli. I rappresentanti di Afi e Siae 

hanno sottolineato l’importanza dell’educazione 

dei giovani alla fruizione “legale” della musica, 

citando l’iniziativa internazionale condotta 

insieme a Imaie nell’ambito del “progetto 

Emca” (European Music Copyright Alliance) 

per l’educazione degli studenti delle scuole 

secondarie. 

BRUXELLES, 22 SETTEMBRE 

INCONTRO EUROPEO 

SUL PROGETTO EMCA 

Bruxelles ha ospitato nei giorni scorsi un significativo 

meeting dei partner europei del progetto 

Emca (European Music Copyright 

Alliance). L’iniziativa, cui aderiscono per l’Italia 

l’Afi (Associazione Fonografici Italiani), l’Imaie 

(Istituto per la tutela dei diritti degli Artisti 

Interpreti Esecutori) e la Siae, è sostenuta da 

organizzazioni e associazioni europee che rappresentano 

e tutelano i diritti degli autori, dei 

produttori discografici e degli artisti. In Italia, il 

progetto trova numerosi sostenitori, tra cui 

Fipi Italia, Musica & Dischi, Coram e Rai Trade. 

L’obiettivo dei partner è la realizzazione di iniziative 

nei confronti dei giovani studenti per 

educarli e spronarli alla fruizione “legale” della 

musica. Il progetto, che oltre l’Italia coinvolge 

Spagna, Germania, Inghilterra, Francia e 

Belgio, vede i rappresentanti Emca di ogni 

nazione impegnati in una prima fase sperimentale 

destinata a un certo numero di scuole 

medie, con la diretta partecipazione di studenti, 

insegnanti e genitori. L’incontro di Bruxelles 

ha consentito l’analisi congiunta delle attività 

educative svolte nelle varie nazioni nel primo 

biennio di attività e ha permesso ai partner la 

conoscenza diretta delle varie metodologie in 

uso e la ricerca di protocolli più adeguati e 

validi a livello internazionale. L’attività svolta 

dai partner italiani, coordinata da Isabella 

Longo e patrocinata dal Miur (Ministero 

dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca) è 

VIVAVERDI 

57 

stata particolarmente apprezzata per la strategia 

di approccio e l’aspetto metodologico, 

opportunamente orientati – attraverso strumenti 

didattici multimediali – verso un pubblico 

particolarmente giovane. Si sta avviando in 

questi giorni l’attività parallela per il coinvolgimento 

di molti istituti scolastici nelle città di 

Milano, Roma e Palermo. Nel corso dell’incontro 

di Bruxelles è stata rilevata l’opportunità di 

una informativa diretta verso altre istituzioni 

internazionali, già presenti e attente ai programmi 

di sensibilizzazione contro la pirateria 

discografica e multimediale. I partner europei 

si ritroveranno il prossimo gennaio a Cannes, 

in occasione del Midem 2006, per ulteriori 

incontri programmatici. 

VIAREGGIO, 21-23 LUGLIO 

FESTIVAL TEATRO CANZONE 

GIORGIO GABER 

Dal 21 al 23 luglio si è svolta, nella Cittadella 

del Carnevale di Viareggio, la seconda edizione 

del Festival Teatro Canzone Giorgio Gaber, 

alla quale hanno partecipato numerosi ospiti. 

La Società era presente al Festival con il Siae 

Point. La manifestazione, nata lo scorso anno 

e diventata subito appuntamento di grande 

rilievo, ha il duplice intento di promuovere e 

sostenere il Teatro Canzone come genere 

autonomo e specifico nella cultura teatrale italiana 

e sensibilizzare il pubblico, attraverso la 

testimonianza di grandi nomi dello spettacolo, 

sull’eredità lasciataci da Gaber. La Siae ha poi 

premiato i 5 finalisti del Concorso Teatro 

Canzone, che si propone di individuare artisti 

in grado di rappresentarne il genere: Rocco 

Papaleo, Osvaldo Ardenghi, Filippo Bessone, 

Simone Cristicchi e Bob Messini. Il 20 luglio 

ha aperto il Festival il convegno “Destra, 

Sinistra …o Giorgio Gaber?” con filosofi, politici 

e giornalisti, da Fausto Bertinotti a Mario 

Capanna, Vittorio Feltri, Giulio Giorello, Sandro 

Luporini, Valdo Spini, Andrea Tagliasacchi, 

coordinati da Curzio Maltese. Nell’ambito della 

manifestazione, la Siae ha voluto attribuire – a 

sorpresa – il premio più ambito (l’”Albero della 

Creatività”) a Francesco Guccini, che aderisce 

alla Società dal 1967.

VIVAVERDI 

58 

LA NUOVA PMI 

INDIPENDENTI 

NON PER CASO 

di Daniela d'Isa 

discografia 

Foto di gruppo 

della nuova associazione PMI 

Sotto, Caterina Caselli 

con Mario Limongelli 

Mario Limongelli è dal mese di luglio il presidente 

della nuova Associazione di produttori 

musicali indipendenti, Pmi, costituitasi dopo 

l’uscita dalla Fimi di circa 75 etichette. 

Limongelli, general manager di Nar 

International (label che annovera tra gli altri, 

artisti come Loredana Bertè, Povia, Milva, 

Toto Cutugno, Giorgio Faletti, Annalisa 

Minetti, Paolo Belli…), ex vice presidente 

Fimi, ha accettato la carica, come spiega in 

questa intervista, “per spirito di servizio” e 

perché è “un entusiasta del lavoro e della 

musica”: “La figura del produttore fonografico 

indipendente – sottolinea – deve essere conosciuta, 

purtroppo in sei anni che sono stato in 

Fimi non abbiamo mai avuto visibilità”. 

È per ragioni di visibilità che ve ne siete andati? 

È una delle ragioni, e direi che il vero errore di 

Fimi è non avercela accordata. Il vecchio statuto 

annoverava noi indipendenti come un 

“gruppo di lavoro”. Noi volevamo avere una 

nostra assemblea consultiva, pur riconoscendo 

sovrana l’assemblea Fimi. Poi volevamo un 

nostro presidente, un po’ come succede nella 

Confindustria per i piccoli industriali. Alla 

Fimi non andavano bene le nostre richieste: 

temevano che volessimo fare un’associazione 

dentro l’associazione ed è andata come è 

andata. Però noi cerchiamo il dialogo, abbiamo 

molti scopi ancora in comune e abbiamo 

chiesto di dialogare anche con Fimi. 

Qual è esattamente il lavoro del produttore 

discografico indipendente? 

Intanto lo chiamerei produttore musicale. Di 

qui a qualche anno il disco come supporto sarà 

solo un ricordo. Ed è per questo che noi indipendenti 

giudichiamo importante il ruolo 

della musica on line. Molti di noi si sono già 

attrezzati per vendere con Internet. Alcuni 

sono già operativi come Sugar, Edel e Do it 

yourself. Per quanto riguarda il nostro lavoro, 

Storia e ruolo del produttore fonografico. Colloquio con Mario Limongelli, presidente 

della nuova Associazione del produttori musicali indipendenti, costituitasi di recente 

dopo l'uscita di 75 etichette indipendenti dalla Fimi 

lei ha presente il ruolo del produttore cinematografico? 

Lavora su un copione, cerca gli 

attori, cerca un regista. Noi non abbiamo il 

copione, ma il provino di una canzone e da lì 

cerchiamo l’arrangiatore, il cantante, lo studio 

di registrazione e ci adoperiamo perché quella 

canzone diventi un successo. In una parola 

siamo degli “artigiani” della musica. 

Qual è il programma della Pmi? 

In estrema sintesi, vogliamo aiutare la produzione 

musicale indipendente trovando le 

risorse necessarie a promuovere la nostra 

creatività in Italia e all’estero. La creatività italiana 

c’è ed è più viva che mai. Certo la scoperta 

di nuovi talenti è faticosa e il margine di 

rischio è fortissimo, ma ne vale la pena. 

Ci sono poi scopi comuni a tutto il mondo 

della musica colpito come sappiamo da una 

preoccupante contrazione nelle vendite: 

penso alla lotta alla pirateria, alla richiesta di 

una legge sulla musica che da tanti anni si fa 

attendere… 

Che scadenze vi siete dati a breve? 

Vorrei poter nominare tutti i membri di Pmi, 

mi limiterò quindi a citare almeno il presidente 

onorario, personalità di spicco del 

mondo artistico musicale e imprenditoriale, 

Caterina Caselli Sugar e i due vice presidenti 

appena eletti: Paolo Franchini della Edel e 

Claudio Ferrante della Carosello. Ad oggi 

abbiamo avuto incontri interessanti e collabo- 

NASCE LA FEDERAZIONE 

SISTEMA MUSICA ITALIA 

Con un comunicato congiunto Luigi Barion, 

Presidente dell'Afi (Associazione Fonografici Italiani) 

ed Enzo Mazza, Presidente della Fimi (Federazione 

industria musicale italiana) il 7 ottobre scorso hanno 

annunciato che “è stato siglato un accordo che crea 

la Federazione tra le associazioni di categoria di 

Confindustria Afi e Fimi. La Federazione, che aggrega 

le due storiche rappresentanze dell'industria discografica, 

avrà l'obiettivo di unire in uno sforzo 

comune la tutela del settore in un momento di particolare 

trasformazione dell'industria musicale” 

rativi con la Scf (cui abbiamo conferito il 

mandato per la riscossione dei nostri diritti), 

con la Siae, con la Rai. Al presidente 

Petruccioli abbiamo chiesto, in vista di 

Sanremo, “pari dignità” rispetto alle altre 

associazioni e ho buone speranze anche perché 

all’incontro era presente il direttore artistico 

di Sanremo Gianmarco Mazzi, che conosce 

molto bene le nostre esigenze. A 

Petruccioli e al direttore di Raiuno Del Noce, 

con Caterina Caselli abbiamo chiesto anche se 

è possibile studiare la possibilità di una striscia 

quotidiana notturna con la quale spiegare 

il ruolo del produttore musicale indipendente 

e farne vedere il lavoro. Al Governo italiano 

chiediamo di investire nei giovani, anche con 

delle agevolazioni (ce ne sono per il cinema e 

l’editoria): per esempio potrebbe esserci un 

abbattimento fiscale sull’opera prima… 

Vogliamo dialogare con tutte le istituzioni che 

operano nel nostro settore, vogliamo incontrare 

il mondo della politica, quello della 

scuola, le società di collecting, gli organizzatori 

di concerti. 

Il mio desiderio, in realtà, è radunare sotto 

un’unica bandiera tutti produttori indipendenti. 

Sa che all’estero gli indipendenti sono 

molto più uniti? Pensi che in Inghilterra l’associazione 

che li raccoglie conta oltre 700 

aziende… Se anche noi, mantenendo ognuno 

la propria identità, ci accordassimo, potessimo 

contare di più arrivando a coprire una 

quota di mercato attorno al 25%...

VIVAdal mondo 

LE LICENZE MULTIMEDIALI E LA COMMISSIONE EUROPEA 

SUI DIRITTI ON-LINE 

di Stefania Ercolani 

Lo studio attribuisce il ritardo nello sviluppo dell’offerta 

musicale on-line nell’Unione Europea rispetto agli Usa, 

trascurando di considerare che un analogo ritardo, se 

non maggiore, esiste negli Usa rispetto all’Europa (e al 

Giappone) per quanto riguarda i servizi di musica attraverso 

i telefoni cellulari. L’analisi dei mercati musicali 

on-line parte quindi da un assunto parziale e non esplora, 

come pure sarebbe stato necessario e utile, i fattori 

tecnologici – quale il livello di penetrazione della banda 

larga –, che pure hanno un rilievo prevalente ai fini della 

diffusione dei servizi via Internet. Manca inoltre 

un’adeguata valutazione delle differenze tra le utilizzazioni 

non interattive, come il simulcasting e lo streaming, 

e quelle on-demand, la più importante delle quali è 

rappresentata dallo scaricamento di brani sul Pc o su 

apparecchi dedicati come I-Pod della Apple. 

Lo studio è anche cosparso di errori fattuali e denota 

una certa confusione tra la gestione collettiva dei 

diritti d’autore e quella dei diritti connessi. Tuttavia, 

esso rappresenta un passo avanti nella comprensione 

delle finalità dell’amministrazione collettiva dei diritti 

rispetto a recenti prese di posizione della Direzione 

Generale Concorrenza dell’Ue, che ha qualificato come 

auspicabile o addirittura necessaria la concorrenza tra 

le società degli autori per attirare i clienti dai vari paesi 

della Comunità. Questa posizione ignora il rischio che il 

mercato unico europeo si traduca in concreto in una 

corsa al ribasso delle tariffe per l’uso delle opere, poiché 

ogni utilizzatore su scala sovranazionale avrebbe la 

possibilità di scegliere il paese dove le tariffe sono più 

basse o – peggio ancora – dove le modeste dimensioni 

o il cattivo funzionamento della società locale possono 

facilitare l’evasione dei diritti. 

La vertenza comunitaria sull’Accordo di Santiago, 

sul quale le società basavano le licenze multiterritoriali 

(ormai bocciato dall’autorità antitrust Europea), ha almeno 

sensibilizzato la Commissione sulla difesa dei diritti 

d’autore. Lo studio riconosce quindi che l’unica forma di 

concorrenza “sana” tra le società degli autori è quella 

per l’acquisizione degli associati. Questo significa che 

ciascuna società deve, da una parte, consentire ai suoi 

Ancora una volta la musica su Internet è al centro del dibattito europeo, questa volta non 

per la lotta allo scambio illegale di file musicali o per il lancio di nuovi prodotti ma per lo 

studio pubblicato dalla Commissione Europea il 7 luglio scorso, che tratta della gestione 

collettiva dei diritti d'autore e dei diritti connessi 

iscritti di ritirare il mandato per i diritti sulle utilizzazioni 

on-line, lasciando a ciascuno di essi la scelta della società 

che meglio corrisponda alle sue esigenze; dall’altra, 

le stesse società devono organizzarsi in modo da poter 

offrire licenze multiterritoriali per le utilizzazioni via 

Internet le quali sono, strutturalmente, transfrontaliere. 

Questi due obiettivi sono condivisibili; i problemi 

nascono però quando lo studio passa ad esaminare gli 

strumenti per raggiungerli, proponendo un radicale stravolgimento 

della rete di contratti di rappresentanza reciproca 

tra le società, quella rete che ha assicurato la 

legalità dello sfruttamento delle opere mediante una 

sola licenza comprendente le opere di tutto il mondo. 

Infatti, lo studio propone che i repertori attualmente 

gestiti dalle società nazionali siano affidati ad un numero 

ridotto di società (due o tre, al massimo quattro). 

Ciascun utilizzatore on-line dovrebbe quindi ottenere più 

di una licenza per il suo servizio, corrispondendo alle 

società abilitate i diritti in funzione delle dimensioni e 

della appetibilità dei repertori che ciascuna di esse 

amministra a livello europeo o mondiale. Se questa ipotesi 

si concretizzasse, nel medio periodo, dovrebbe 

sparire la licenza unica e dovrebbe sparire la parità di 

trattamento delle opere amministrate collettivamente. 

Le reazioni degli ambienti interessati allo studio della 

Commissione sono state numerose e variegate. 

Scontato, come c’era da aspettarsi, il favore delle maggiori 

associazioni europee di utilizzatori per una opzione 

che privilegi la libertà di scelta dell’utilizzatore tra le 

società di gestione, con la correlata concorrenza sulla 

tariffe per diritto d’autore. 

Le società europee, dopo aver analizzato lo studio 

evidenziandone le lacune e gli errori fattuali, hanno 

adottato un atteggiamento costruttivo, decidendo di 

VIVAVERDI 

59 

raccogliere la sfida ed elaborare una propria opzione, 

che individui una nuova articolazione delle licenze per le 

utilizzazioni on-line, compatibile con i principi comunitari 

della concorrenza e, al tempo stesso, garantista circa il 

livello delle tariffe. Questo significa dare agli aventi diritto 

la libertà di scegliere la loro società e agli utilizzatori 

la possibilità di ottenere la licenza anche in un paese 

diverso da quello dove hanno la sede d’affari; ciò richiede 

l’instaurazione di una sorta di “collaborazione competitiva” 

e quindi virtuosa tra le società, che comporterà 

prevedibilmente che solo le società più attrezzate 

possano svolgere il ruolo di sportello per il rilascio delle 

licenze paneuropea, anche per conto dei repertori stranieri. 

Spetta alle società stesse elaborare i criteri e i 

requisiti in base ai quali una società di amministrazione 

collettiva dei diritti possa ottenere dalle altre e/o dai 

titolari dei diritti il mandato per le utilizzazioni on-line. 

L’introduzione di criteri e requisiti che una società 

deve soddisfare per la rappresentanza dei diritti on-line 

non esclude che società di minori dimensioni continuino 

ad avere un ruolo preciso e importante per le utilizzazioni 

a livello nazionale, ad esempio attraverso la telefonia 

mobile. Le società nazionali potranno altresì assicurare 

la ripartizione dei diritti sulla base del principio del 

paese di destinazione del servizio, in modo che anche 

in futuro sia rispettato il principio di territorialità dei diritti 

d’autore e non sia compromessa la tutela dei repertori 

locali, a salvaguardia della diversità culturale. 

Il funzionamento del nuovo modello di rappresentanza 

tra società è fondamentale per il futuro dell’amministrazione 

dei diritti on-line, un mercato che attualmente 

costituisce una frazione non rilevante del giro di affari 

delle società ma che sta gia assumendo un ruolo cruciale, 

visto l’orientamento del pubblico a forme di fruizione 

alternative a quelle tradizionali.

VIVAconcorsi 

a cura di Daniela Nicolai 

Tutte le segnalazioni di concorsi e premi riportate in queste pagine sono fatte a scopo puramente informativo 

e senza alcuna responsabilità da parte della Siae. Per i testi integrali dei bandi e per conoscere le modalità di 

partecipazione è necessario rivolgersi agli organizzatori delle singole manifestazioni. Gli organizzatori di 

premi e concorsi sono pregati di inviare, a corredo del bando o del regolamento, un’illustrazione e, se 

possibile, una rassegna stampa relativa alla manifestazione, nonché una comunicazione circa i risultati della 

stessa. I concorsi che compaiono in questa rubrica saranno pubblicati anche in una apposita sezione del sito 

Internet della Siae insieme a quelli che non è stato possibile segnalare a causa dei tempi redazionali. 

TALENTI JAZZ MARTINA 2005 

Il concorso nazionale per gruppi jazz emergenti è organizzato 

dall’Associazione culturale Antiphonae con il 

patrocinio del Comune di Martina Franca. Alla selezione 

sono ammessi gruppi da uno a sei elementi i cui componenti 

non abbiano già inciso, sia a proprio nome che 

in altre formazioni. Per partecipare al concorso occorre 

inviare, fra l’altro, un Cd con due brani: il primo dovrà 

necessariamente essere Estate di Bruno Martino, mentre 

il secondo dovrà necessariamente essere originale, 

composto da uno o più componenti del gruppo; tutto il 

materiale richiesto dal bando dovrà essere inviato, 

entro il 3 dicembre 2005, a: Concorso “Talenti Jazz - 

Martina 2005”, c/o Pasquale Mega, Via Lelio Fanelli 65, 

74015 Martina Franca (Ta). Il gruppo vincitore sarà premiato 

con 1.500 euro. Per chiarimenti e per richiedere 

il bando telefonare al numero 335.5912037 oppure 

inviare una e mail a assoanti@virgilio.it, sito Internet 

www.antiphonae.it. 

PREMIO IL LITORALE 

Il Centro Culturale Ronchi Apuana bandisce il Premio 

nazionale di poesia e narrativa Il Litorale, giunto all’ottava 

edizione. Il concorso si articola in cinque sezioni: 

poesia singola, silloge, volume edito di poesie, narrativa 

o racconto, giovani. Gli elaborati dovranno pervenire 

entro il 31 dicembre 2005 al centro Ronchi 

Apuana, Casella Postale n.42, Ufficio Postale di 

Ronchi, 54039 Ronchi (Ms). È prevista una quota di 

partecipazione. Per informazioni rivolgersi al numero 

0585.245485, e mail il.litorale@virgilio.it. Il bando si 

può consultare sul sito www.literary.it. 

PREMIO VALENTE FAUSTINI 

Con il patrocinio della Banca di Piacenza e con il contributo 

del Comune di Piacenza, il comitato organizzatore 

bandisce la ventottesima edizione del Premio nazionale 

di poesia dialettale Valente Faustini. Si può partecipare 

con non più di una poesia scritta in un dialetto parlato 

nel territorio nazionale. Ogni copia dovrà essere corredata 

da una traduzione letterale. Gli elaborati e il materiale 

richiesto dal bando devono pervenire, entro il 31 

dicembre 2005, alla segreteria del premio, presso 

Famiglia Piasinteina, Palazzo Fogliari, via San Giovanni 

7, 29100 Piacenza. Al primo classificato andrà un premio 

di 500 euro. Per informazioni: tel. 0523.328394, 

e mail segreteria@premiofaustini.it. 

DRINKING SONGS 

La fondazione olandese Jan Vermulst bandisce un 

concorso per canzoni dedicate al buon bere. I testi 

devono essere in inglese, francese, tedesco, spagnolo 

o latino. Il premio per il primo classificato è di 

1.000 euro. Le partiture dovranno essere inviate 

entro il 31 dicembre 2005 a Drinking Songs 

Composition Competition, P.O. box 347, 1180 AH 

Amstelveen, The Netherlands e, in busta chiusa, il 

proprio motto o pseudonimo e i propri dati anagrafici 

a Stichting Jan Vermulst, Aarle-Rixtelseweg 14, 5707 

GM Helmond, The Netherlands oppure all’indirizzo di 

posta elettronica info@janvermulst.org. Per ulteriori 

informazioni si può consultare il sito www.222.janvermulst.org 

o inviare una e mail a info@janvermulst.org 

oppure janvermulst@janvermulst.nl. 

PREMIO LETTERARIO 

CITTÀ DI OFFIDA – JOYCE LUSSU 

È indetto il premio nazionale annuale di narrativa “Città 

di Offida – Joyce Lussu” riservato a volumi di racconti. 

Potranno concorrere gli autori di raccolte (composte da 

almeno 5 racconti in lingua italiana) pubblicati in prima 

edizione dal gennaio 2004 al dicembre 2005. Le case 

editrici che intendano far partecipare opere da loro pubblicate, 

dovranno inviare 10 copie, entro il 31 gennaio 

2006, a: Premio Città di Offida Joyce Lussu, Comune di 

Offida, Corso Serpente Aureo 66, 63035 Offida (Ap). 

All’autore dell’opera vincitrice verrà assegnato un premio 

di 3.000 euro. Per ulteriori informazioni: tel. 

0736.888706, e mail biblioteca@comune.offida.ap.it. 

THE JOHN DRYDEN 

TRANSLATION COMPETITION 

Entro il 12 febbraio 2006 è possibile iscriversi alla 

John Dryden Translation Competition organizzata dalla 

British Comparative Literature Association e dal British 

Centre for Literary Translation della University of East 

Anglia. Saranno premiate le migliori traduzioni da qualsiasi 

lingua in inglese di opere di poesia, prosa o 

dramma. I testi non devono superare le 25 pagine. È 

prevista una quota di iscrizione. Per ulteriori informazioni: 

Dr. Jean Boase-Beier, John Dryden 

Translation Competition, School of Literature and 

Creative Writing, University of East Anglia, Norwich, 

NR4 7TJ England, e mail transcomp@uea.ac.uk, sito 

Internet www.bcla.org. 

CONCORSO MICHELE PITTALUGA 

Il Comitato Permanente Promotore del Concorso 

Internazionale di Chitarra Classica Michele Pittaluga - 

Premio Città di Alessandria, organizza il 7° Concorso 

Internazionale di Composizione per Chitarra Classica. 

Tema del concorso è la composizione di un’opera per 

chitarra con flauto, o violino o arpa della durata da 9 a 

15 minuti. Per iscriversi i concorrenti dovranno inviare il 

materiale richiesto dal bando alla segreteria del concorso, 

Piazza Garibaldi 16, 15100 Alessandria; fax 

0131.235507, tel. 0131.251207, www.pittaluga.org, 

concorso@pittaluga.org. La scadenza per l’inoltro delle 

domande è il 31 marzo 2006. È prevista una quota di 

iscrizione. L’autore della composizione prima classificata 

riceverà un premio di 3.000 euro. 

COUPS DE VENTS 

Il Conseil Général du Nord et le Conseil Général du 

Pas - de - Calais organizzano il concorso internazionale 

di composizione per orchestra sinfonica nell’ambito 

della biennale di Lille Coups de vents. Il concorso è 

aperto a tutti. La data limite per l’iscrizione è il 3 aprile 

2006. Le opere presentate, di durata compresa fra gli 

8 e i 10 minuti, dovranno essere inedite, manoscritte o 

stampate in formato A3. Non sono ammesse trascrizioni. 

Il materiale, come richiesto nel bando, dovrà essere 

inviato a: Coups de vents, Concours International de 

Composition, Domaine Musiques, 2 rue des Buisses, 

F59000 Lille. All’opera prima classificata sarà attribuito 

un premio di 10.000 euro. Il modulo di iscrizione si può 

scaricare dal sito www.coupsdevents.com. 

Per informazioni: Tel : + 33 (0)3 20 63 65 98, 

e mail: coupsdevents@domaine-musiques.com.

CONCORSO LEO WATCHER 

L’Accademia musicale estiva di Villa Bernocchi e la Pro 

loco di Premeno in collaborazione con il Teatro 

Filodrammatici di Milano bandiscono la prima edizione 

del premio di drammaturgia Leo Watcher per opere teatrali 

di genere comico-brillante. I testi potranno avere un 

massimo di 6 personaggi e dovranno essere inediti e 

mai rappresentati. Non sono ammesse opere tradotte o 

adattamenti di testi narrativi o drammaturgici. Il testo vincitore 

verrà messo in scena dal teatro Filodrammatici. 

Gli elaborati devono pervenire, insieme al materiale 

richiesto dal bando, entro il 10 aprile a: Concorso Leo 

Watcher, via Roma 9, 28818 Premeno (Vb). Per informazioni: 

tel. 0323.587043, e mail villabernocchi@yahoo.it, 

sito Internet www.comune.premeno.vb.it. 

MUSICA E ARTE 

L’Associazione culturale Musica e Arte bandisce il 

Concorso di Composizione Musica e Arte, aperto a tutti 

gli allievi di Conservatori o istituti musicali italiani e agli 

studenti di musicologia delle Università italiane. La 

seconda edizione del Concorso riguarda composizioni 

inedite, mai eseguite e mai premiate per soprano ed 

orchestra da camera della durata massima di 10 minuti. 

Le partiture dovranno essere inviate entro il 26 febbraio 

a Associazione culturale Musica e Arte, Via 

Cosimo Giustizi 9, 00151 Roma. Il bando completo è 

disponibile sul sito www.musicaearte.it. Per informazioni: 

tel. 06.58209051, e mail concorso@musicaearte.it. 

PREMIAZIONI 

PIRANDELLO IN BREVE 

L’Assodartetotale comunica che il concorso “Pirandello 

in breve 2004” per testi teatrali su Internet è stato vinto 

da Antonio Iavazzo con Il nettare e il colibrì. 

MUSICA SENZA PAROLE 

Il concorso “Musica senza parole” 2004 è stato vinto 

dal brano Melodie Rouge di Aichino-Peretti. Il premio 

alla carriera fisarmonicista è andato a Athos Bassissi, 

quello per “La ragazza con la fisarmonica” a Emanuela 

Torrini, il premio “I solisti nella musica da ballo” a 

Fiorenzo Tassinari, il trofeo alla carriera “Orchestra” a 

Raoul Casadei, il premio “Orchestra rivelazione dell’anno” 

a Barbara la donna di cuori e infine il trofeo alla carriera 

“Autore” a Edoardo Vianello. 

PARCO NAZIONALE DELLE CINQUE TERRE 

Paolo Boggio, compositore di Vercelli, è il vincitore del 

secondo concorso nazionale di composizione “Parco 

Nazionale delle Cinque Terre” con l’opera di teatro musicale 

La verità sul caso Colemar. 

PREMIO LETTERARIO I FIUMI 

I vincitori della settima edizione del premio letterario “I 

Fiumi” sono Sergio Cardinali per la poesia, Marco 

Tombeni per la narrativa, Salvino Lorefice per il teatro e 

Maurizio Elba per la musica leggera. Il premio “Cultura 

e futuro” riservato ai ragazzi è andato a Luca Sassi e 

Matteo Frasson. 

CORTOPOTERE 2005 

Il concorso Cortopotere 2005 ha assegnato i seguenti 

premi: miglior cortometraggio di fiction a Il dolore degli 

altri di Laura Chiassone; miglior documentario a Tratti 

indosso di Valeria Spera; miglior opera di ricerca a 

Frammenti di risveglio di Fabrizio Personeni. Premio 

della direzione artistica a Aspettando il treno di 

Chaterine McGlivray e premio del pubblico a Post it di 

Michele Rho. I premi del concorso provinciale sono 

andati a Enjoy the silence di Beppe Manzi; Nausea contrattualista 

di Michele Caedei; Tim e Tom di Simone 

Maffioletti e Alessio Girella. 

PREMIO DI POESIA 

COLUCCIO SALUTATI 

I vincitori del premio internazionale di poesia Coluccio 

Salutati sono, per la sezione A Giovanni Buzi per la lirica 

Sguardo e per la sezione Giovani Anastasia Bullo per la 

lirica Tramonto. La medaglia del Presidente della 

Repubblica è andata a Mario Luzi alla memoria. Secondi 

e terzi classificati: per la sezione A Maurizio Fabbian 

con Una vita nuova e Sara Ferraglia con Straniero in 

piazza Duomo; per la sezione Giovani Valentina Colonna 

con Sorrideva la luna e Selene Favuzzi con Filo 

Invisibile. 

PREMIO PELTUINUM 

La giuria del Premio di poesia, narrativa e grafica 

Peltuinum ha scelto i vincitori dell’edizione 2005. Per la 

sezione poesia in lingua italiana è risultata vincitrice 

Antonietta Tafuri; per la sezione narrativa (racconto) 

Romana Morelli; per la sezione narrativa per l’infanzia 

Vanes Ferlini. Per la sezione grafica non sono stati 

assegnati premi. 

ROCCO RODIO 

Il quarto concorso europeo di composizione per organo 

Rocco Rodio si è concluso con l’assegnazione dei 

seguenti premi: per la sezione organo solista è stato 

assegnato il 2° premio ex-aequo a Gianandrea Paletta 

per Rocket e Ezko Kikoutchi per Chaine; per la sezione 

musica sacra per la liturgia è stato assegnato il 2° premio 

ex-aequo a Carlo Tommasi per Canto Notturno e 

Giuseppe Mignemi per Virgo Genitrix. 

RINASCITA PIEDILUCO 

Il quinto concorso letterario europeo organizzato dall’associazione 

Rinascita Piediluco è stato vinto da Giuliana 

Sanvitale. Al secondo posto Igea Frezza Federici e al 

terzo Giuseppe Gentili. 

VIVAVERDI 

61 

BALLABELLARADIO FESTIVAL 

La sesta edizione del Ballabellaradio Festival si è conclusa 

a Rimini con la vittoria dei Teta con il brano Senza 

parole; secondi classificati i Motel Woodoo con 

Solamente adesso. Al terzo posto i Fever Dream con 

Fall down a star. 

PREMIO RIVIERA 

Il concorso letterario Premio Riviera ha assegnato i 

seguenti riconoscimenti: segnalazione della giuria per 

una poesia inedita a Giorgina Busca Cernetti; riconoscimento 

speciale della giuria a Tiziana Zago. Primo classificato 

per la sezione poesia inedita: Katia Marionni. 

Primo classificato per la sezione poesia edita Graziano 

Ciacchini. Il premio per una novella inedita è andato a 

Sergio Firpo e il riconoscimento speciale della giuria a 

Maddalena Fioretti. Il premio Mariele Ventre è andato a 

Gabriella Schiara. Il premio per una lirica inedita sul 

Garda è andato a Maria Francesca Giovelli.

VIVAin rete 

LA BIBLIOTECA È ON-LINE 

a cura di Maria Rosaria Grifone 

Una delle metafore ricorrenti per descrivere 

Internet è quella della biblioteca: proprio come una 

biblioteca, la Rete contiene infatti una quantità 

enorme di documenti, ha i suoi cataloghi e i suoi 

strumenti di ricerca. A differenza di una biblioteca 

reale, però, Internet sembra non avere limiti nella 

capacità di contenere informazioni. Addentrarsi nel 

web alla ricerca di bibliografie, cataloghi, periodici 

e testi può apparire, perciò, un’operazione vasta e 

complessa. Cercare con successo tra i cataloghi 

e i documenti disponibili in Internet, tuttavia, non 

presenta difficoltà maggiori rispetto alla ricerca di 

un testo in una grande biblioteca. 

D’altronde, ogni biblioteca, per sua natura, è una 

realtà dinamica sia per la continua acquisizione di 

pubblicazioni e materiali di consultazione di varia 

specie, sia per i servizi che mette a disposizione 

dell’utenza e che la rendono non chiusa in se stessa 

ma aperta verso l’esterno. 

Se la biblioteca intesa in senso tradizionale è un 

insieme di documenti cartacei raccolti in un luogo 

ben preciso, quindi fruibili da coloro che possono 

recarsi sul posto, la biblioteca digitale, invece, è 

una raccolta di testi in formato elettronico, resa 

disponibile attraverso Internet e quindi consultabile 

da chi utilizza un computer e un collegamento alla 

rete. Una raccolta digitale consente, dunque, di 

superare le barriere spaziali e temporali e di accedere 

all’informazione ricercata in tempi veloci e da 

qualsiasi luogo. 

I siti delle singole biblioteche sono ormai molto 

numerosi. Generalmente offrono informazioni sulla 

biblioteca stessa, sulla sua collocazione, sugli 

orari di accesso, sulla qualità e sulla consistenza 

delle collezioni. Sempre più spesso, inoltre, le 

biblioteche – grandi e piccole, pubbliche e private 

– danno la possibilità agli utenti di consultare on 

line i cataloghi. In alcuni casi è previsto un supporto 

agli utenti nella ricerca delle informazioni bibliografiche 

attraverso l’interazione diretta (via mail, 

forum o chat) con bibliotecari esperti. Talvolta, 

particolarmente in ambito universitario, è possibile 

trovare anche servizi avanzati come la prenotazione 

del prestito di un volume o l’attivazione di procedure 

per il prestito interbibliotecario. Esistono, 

poi, diversi repertori di siti bibliotecari che posso- 

no essere consultati per scoprire l’indirizzo nel 

web della biblioteca che si sta cercando o per 

individuare quali biblioteche in una certa area geografica 

sono dotate di servizi di rete. 

Il migliore repertorio di Opac (acronimo di Online 

Public Access Catalog) italiani – il sistema, cioè, 

che permette la consultazione gratuita di cataloghi 

in rete – è ospitato sul sito dell’Associazione 

Italiana Biblioteche (www.aib.it). Il repertorio è suddiviso 

in due sezioni, una dedicata ai cataloghi collettivi 

nazionali e una relativa ai cataloghi collettivi 

regionali, provinciali, comunali e ai cataloghi di singole 

biblioteche. Per ciascun Opac vengono forniti 

brevi note informative e una serie di link alle pagine 

di ricerca e a quelle eventuali di istruzioni per 

l’uso. Oltre al repertorio, l’Aib ha realizzato il Meta- 

Opac Azalai Italiano (Mai). Si tratta di un sistema di 

interrogazione unificato dei cataloghi bibliotecari 

italiani su Internet che permette di inviare una 

medesima ricerca a più Opac contemporaneamente. 

Mai permette di selezionare in anticipo quali 

cataloghi interrogare (in base alla collocazione 

geografica o al tipo di biblioteca) e poi fornisce 

una maschera in cui è possibile specificare i 

termini di ricerca. Il risultato dell’interrogazione 

viene composto in un’unica pagina 

web che mostra l’output di ogni 

catalogo, completo di pulsanti e collegamenti 

per visualizzare la scheda 

bibliografica o per raffinare la ricerca. 

Un altro strumento per interrogare 

via Internet i cataloghi delle biblioteche 

italiane è offerto dal Servizio 

Bibliotecario Nazionale 

(http://opac.sbn.it/) a cura dell’Istituto Centrale 

per il Catalogo Unico delle Biblioteche Italiane e 

per le informazioni bibliografiche (Iccu). Biblioteche 

Italiane (http://wwwbiblio.polito.it/it/documentazione/biblioit.html) 

è un ulteriore repertorio di siti 

bibliotecari. Costruito e gestito dal sistema bibliotecario 

del Politecnico di Torino, raccoglie l’elenco 

di tutte le biblioteche italiane ed europee, universitarie 

e non, presenti nel web. Grazie ad una 

mappa interattiva della penisola e al data base 

organizzato per regioni, permette di accedere ai 

siti Internet delle biblioteche universitarie e di altri 

enti pubblici e privati sparsi su tutto il territorio 

nazionale. 

La Biblioteca nazionale centrale di Roma 

(Bncr) partecipa al Servizio Bibliotecario Nazionale 

(Sbn) dal 1988 e con la Biblioteca dell’Istituto di 

Archeologia e Storia dell’Arte forma un Polo Sbn. I 

dati bibliografici dei documenti acquisiti sono 

periodicamente trasferiti nel Catalogo online, a cui 

è possibile accedere attraverso il sito 

www.bncrm.librari.beniculturali.it/. Il Catalogo contiene 

le accessioni della Bncr dal 1988 e della 

Biblioteca di Archeologia e Storia dell’Arte dal 

1998, oltre a recuperi di cataloghi precedenti relativi 

a documenti posseduti dalle due biblioteche. 

La Biblioteca nazionale centrale di Roma ha il 

compito di raccogliere e conservare la produzione 

editoriale italiana a livello nazionale e locale (che 

riceve in virtù della legge per la consegna degli 

stampati e delle pubblicazioni), documentare la 

principale produzione estera ed in particolare quella 

dedicata al nostro Paese, produrre servizi bibliografici 

nazionali, diffondere e rendere disponibile il 

proprio patrimonio. Attualmente la Biblioteca 

conserva oltre sei milioni di volumi e un 

patrimonio audiovisivo e multimediale in 

continuo incremento. Dal sito della 

Bncr è possibile entrare nella 

Biblioteca Nonantolana Virtuale che 

permette agli studiosi di consultare 

a distanza il corpus dei manoscritti 

medievali della Biblioteca dell’abbazia 

di Nonantola, smembrata nel 

corso dei secoli, di cui si conservano 

45 codici nella Biblioteca nazionale centrale 

di Roma. 

Il catalogo on line della Biblioteca Nazionale 

Centrale di Firenze (www.bncf.firenze.sbn.it) consente 

di interrogare una base dati di circa un milione 

di registrazioni bibliografiche. La Biblioteca dispone 

di un patrimonio di oltre 5.300.000 volumi, 

oltre a periodici, incunaboli, manoscritti, edizioni 

del XVI secolo e autografi. Il catalogo in linea comprende 

tutte le monografie italiane pubblicate a 

partire dal 1984, tutti i periodici le cui pubblicazioni 

hanno avuto inizio dal 1988, tutte le monografie 

straniere pubblicate dal 1989, tutte le opere (italia-

ne o straniere) pervenute in Biblioteca dal 1989, 

per acquisto, dono, cambio o altro, indipendentemente 

dall’anno di stampa. 

La Bncf è impegnata da molti anni in progetti italiani 

ed europei per la costituzione della biblioteca 

digitale ed ha realizzato un’importante massa di 

documenti digitali, ricercando soluzioni per i problemi 

connessi al trattamento dell’immagine, allo 

studio dei formati e alla salvaguardia e alla tutela 

dell’originale. La BNCF è anche sede pilota nella 

creazione del Servizio Bibliotecario Nazionale 

(SBN). Il Progetto Galileo realizzato dalla Biblioteca 

Nazionale Centrale di Firenze si propone, inoltre, 

di sviluppare un modello integrato di sistema informativo 

applicato ad un importante fondo di manoscritti. 

Il fondo galileiano della Bncf, in cui sono 

raccolti quasi tutti gli autografi di Galilei fino ad 

oggi conosciuti, rappresenta una delle documentazioni 

più importanti della storia della scienza fra 

‘600 e ‘700. Obiettivo finale del progetto – oltre 

alla creazione di una base di dati e immagini dell’intero 

fondo galileiano della Bncf ed al completamento 

delle trascrizioni dei documenti inediti – è 

la creazione di uno strumento che consenta sia la 

catalogazione di altri fondi di manoscritti di notevole 

complessità, sia la ricerca in rete. 

Dopo quelle di Roma e di Firenze, la Biblioteca 

Nazionale “Vittorio Emanuele III” di Napoli è la 

maggiore biblioteca italiana, con un patrimonio di 

oltre due milioni di libri, senza contare manoscritti, 

papiri e periodici. Dal 2002 il catalogo della Bnn è 

consultabile in Internet collegandosi al sito 

www.bnnonline.it. Il database bibliografico comprende 

tutti i documenti acquisiti dalla biblioteca a 

partire dal 1990 e quelli, di data anteriore, inseriti 

nel catalogo in linea attraverso lavori di recupero 

del retrospettivo, mediante riversamenti o nuove 

schedature. Oltre a poter effettuare la ricerca 

attraverso un modulo di interrogazione flessibile e 

che permette raffinamenti progressivi, l’utente 

remoto può ricevere attraverso la posta elettronica 

i risultati delle proprie interrogazioni. Una sezione 

del sito è dedicata, inoltre, alla Biblioteca digitale 

che viene periodicamente incrementata ed 

aggiornata. Tra i testi e i documenti digitalizzati è 

possibile trovare i manoscritti autografi dei “Canti” 

di Giacomo Leopardi. 

Un passo importante verso un sistema organico di 

accesso al patrimonio librario italiano è rappresentato 

dalla recente nascita del sito www.internetculturale.sbn.it. 

Il progetto, promosso dalla Direzione 

Generale per i Beni Librari e gli Istituti Culturali del 

Ministero per i Beni e le Attività Culturali, è stato 

realizzato dall’Istituto Centrale per il Catalogo 

VIVAVERDI 

63 


Unico delle Biblioteche Italiane e per le informazioni 

bibliografiche (Iccu). Attraverso il sito, l’utente 

può fare ricerche bibliografiche nelle oltre 2.300 

biblioteche collegate, ma anche consultare on line 

i documenti e i volumi digitalizzati, tra cui manoscritti 

e partiture musicali. In particolare, il sito 

offre una versione aggiornata del catalogo collettivo 

Sbn che consente di interrogare in modo integrato 

15 milioni di record bibliografici presenti nei 

cataloghi centrali e locali delle biblioteche e degli 

istituti culturali italiani. Il sito offre ad ogni utente, 

sia esso uno specialista, un appassionato o un 

curioso, la possibilità di avviare una ricerca secondo 

le proprie esigenze, accedendo sia alle informazioni 

bibliografiche sia ai contenuti digitali; per 

questi ultimi, a partire dall’autunno, è prevista l’attivazione 

di un sistema di e-commerce. La vera 

novità di Internet Culturale è rappresentata, però, 

dalla possibilità di svolgere visite virtuali a veri luoghi 

della cultura, navigare all’interno di mostre, 

visitare rassegne specifiche su alcuni degli autori 

più importanti del panorama letterario e musicale 

italiano e, nella sezione “Viaggi nel testo”, consultare 

percorsi monografici strutturati per ipertesti 

che illustrano la vita e l’opera di importanti personalità 

della musica e della letteratura italiana. 

Grazie all’innovativa impostazione di Internet 

Culturale, le ricerche bibliografiche forse non verranno 

più considerate un’attività da iniziati, destinata 

solo ai bibliotecari o ai ricercatori, ma saranno 

finalmente ritenute una parte importante del bagaglio 

culturale di tutti.

l’ultimo applauso 

SERGIO CITTI 

UN POETA DI BORGATA 

di Daniela d'Isa 

Lo scrittore Vincenzo Cerami ha ricordato che Pier 

Paolo Pasolini diceva “che le persone più intelligenti 

che conosceva erano Moravia e Sergio”. 

Sergio è Sergio Citti, regista, “l’anima poetica 

della borgata romana” con quella tipica sensibilità 

di certi romani, come è stato ricordato, scomparso 

martedì 11 ottobre dopo lunga malattia e sofferenza 

all’età di 72 anni. Ed era anche un uomo 

che, come certi vecchi che non hanno più nulla da 

perdere, diceva le cose in faccia e per come erano. 

“Mi mancherà molto – ha dichiarato ancora 

Cerami a Maria Pia Fusco di Repubblica –, è un 

perzzo importante della mia vita. Ho conosciuto 

Sergio in contemporanea con Pasolini. E dopo la 

morte di Pier Paolo l’amicizia è diventata più stretta, 

ho scritto Ostia, Casotto, Storie scellerate, 

quasi tutti i suoi film. Non aveva la struttura borghese 

dell’artista, quando pensava a una storia 

aveva una visione religiosa, quasi mitologica, face- 

va pensare al preborghese, ai racconti picareschi. 

Come Pasolini non raccontava il mondo borghese, 

ne rifiutava il linguaggio, ma se per Pier Paolo era 

un’operazione intellettuale e poetica, per Sergio 

era naturale. I detrattori l.o chiamavano naif e a 

volte era una forma di razzismo”. 

Sergio Citti ha condensato nella sua persona e nel 

suo cinema spiazzante e fuori da qualsiasi canone 

il sottoproletariato urbano diseredato e spesso 

incattivito ma non per questo disumanizzato. 

Proprio per questo Pasolini lo aveva voluto non 

solo come aiuto regista ma anche come consulente 

per il dialetto romanesco in quasi tutti i suoi film 

a partire dal primo, Accattone, di cui il fratello di 

Sergio, Franco, fu l’indimenticabile protagonista. 

Fellini gli chiese di curare i dialoghi delle Notti di 

Cabiria, Bolognini quelli di La notte brava e La 

giornata balorda, Bertolucci quelli del suo film d’ 

esordio La commare secca. E poi una lunga stagione 

produttiva, significativa e ricca di titoli. 

Sergio Citti sul set di 

Fratella e sorello 

“Con la morte di Sergio Citti – ha detto il Sindaco 

di Roma Walter Veltroni – Roma, e non solo, perde 

uno tra i più sensibili protagonisti della sua vita 

culturale, del suo impegno civile. Perde, soprattutto, 

un ‘punto di vista’ della societa’ che ha fatto 

discutere e crescere diverse generazioni’’. (V.V) 

Foto Pamela Gentile

© American Cinematographer 

TONINO DELLI COLLI, 

MAESTRO DI FOTOGRAFIA 

Tonino era un ragazzetto che sognava di fare il cinema. 

Suo padre, guardia giurata ai cancelli di 

Cinecittà, era riuscito a infiltrarlo nella squadra di un 

importante direttore di fotografia, con modestissime 

mansioni. Poco più che un piccolo facchino. 

Un sabato, finito di girare, nel riportare come sempre 

la macchina da presa in magazzino Tonino 

inciampò e la pesante “Mitchell” cadde per terra. 

Per fortuna non c’era anima viva e soltanto il lunedì 

successivo si sarebbe scoperto l’accaduto, l’entità 

del danno e l’identità dell’autore. E la vocazione cinematografica 

del piccolo apprendista sarebbe stata 

stroncata sul nascere. Così Tonino passò la domenica 

rannicchiato su una panca della basilica di San 

Giovanni in Laterano immerso nella preghiera: “Dio 

fa che la macchina non si sia rotta!”. E a dire 

Paternoster e Avemarie. 

Fu esaudito. Il lunedì la “Mitchell” funzionava benissimo 

e Tonino potè diventare, a poco a poco, quel 

maestro della fotografia che abbiamo tutti ammirato 

e amato. Soprattutto amato per quel che mi riguarda, 

perché l’aneddoto dickensiano che ho riferito fu 

la prima cosa che Tonino mi raccontò quando ci 

conoscemmo, e io concepii di colpo una simpatia 

incontenibile per quel piccoletto, dalla voce ironica e 

dal ghigno scanzonato: stavo per cominciare il mio 

primo film e Tonino ne avrebbe diretto la fotografia. 

Aveva appena finito di girare Accattone e dopo i miei 

Nuovi Angeli lo aspettavano Mamma Roma e La 

ricotta. Alfredo Bini, il produttore intuendo lo straordinario 

talento non ancora pienamente espresso e 

riconosciuto, da operatore “mattoliano” lo aveva 

promosso operatore “pasoliniano”, con un intermezzo 

minore gregorettiano. 

Fu il mio primo precettore cinematografico. Bini, diffidando 

(non a torto) dei miei difetti di esordiente, 

me lo aveva messo alle costole come un carabiniere. 

“Ogni tanto arriva qualche bellimbusto che pretende 

de riinventà er cinema” mi diceva, sfottendomi 

col suo romanesco tuscolanense, quando proponevo 

qualche soluzione che a lui pareva incongrua o 

strampalata. Oppure, se impiegavo troppo tempo 

nel preparare una sequenza: “Ricordate qual è il 

primo dovere del regista: portà ogni giorno er quadruccio 

a casa!”. Er quadruccio era la pellicola 

impressionata; portarlo a casa voleva dire rispettare 

ogni giorno il piano di produzione. 

Poi, dopo quel film (del 1961) le nostre strade non 

si sono più incrociate, ma l’amicizia è rimasta salda, 

viva e complice e i precetti del mio maestro non li ho 

mai dimenticati. E per quasi cinquant’anni ho portato 

sempre il quadruccio a casa ... (Ugo Gregoretti) 

SANDRO BOLCHI, 

SIGNORE DEL ROMANZO TV 

Sì, è banale, ma è anche terribilmente vero: con 

Sandro Bolchi è morta la televisione, quella nata 

negli anni ’50 e già da un pezzo soppiantata dalla 

tivvù. La televisione che al suo apparire aveva sbalordito 

l’Italia, e che nel giro di pochi anni era già 

un fenomeno sociale straordinario, la televisione 

che faceva chiudere i cinema, che univa le famiglie 

di uno stesso pianerottolo (spesso di un intero 

palazzo) davanti all’unico apparecchio disponibile. 

Televisione come gigantesco strumento educativo 

di massa e, al tempo stesso, straordinaria macchina 

di intrattenimento. Autentica cultura popolare, 

prodotta da autentici intellettuali. 

Susanna Bolchi, unica figlia di Sandro, che mi ha 

consegnato una testimonianza tenerissima su suo 

padre, ricorda di avere fatto l’esame di maturità 

sui testi critici dei Promessi Sposi studiati a fondo, 

sottolineati, chiosati da suo padre prima di cominciare 

anche solo a pensare di potere “sceneggia- 

VIVAVERDI 

65 

re” il capolavoro di Manzoni. 

“Qualche critico – ricorda Susanna – lo accusò di 

essere stato troppo aderente al testo, praticamente 

‘illustrativo’; lui non capiva, anzi lo condiderava 

un complimento. ‘Illustrare’ il romanzo era il massimo 

risultato a cui tendeva”. 

Ma in quella ‘illustrazione’ c’era un’enorme spessore 

culturale, la ‘rilettura’ del testo, che qualche critico 

ingenuo avrebbe voluto vedere in una superficiale 

revisione della trama; Bolchi la operava in 

profondità, nelle strutture della narrazione, nel 

ritmo del racconto, nella scelta e nella direzione 

degli attori. Veniva dal teatro, Bolchi, e, con l’umiltà 

e l’inconsapevolezza dei veri innovatori, andava 

già oltre il cinema. Faceva, appunto, la televisione, 

luogo deputato del romanzo popolare, del feuilleton 

nel senso nobile del termine (Balzac, Eugène 

Sue), del racconto a puntate (Dostojevskij). Non a 

caso nella filmografia di Bolchi ci sono due grandi 

romanzi del grande autore russo, I fratelli 

Karamazov e I demoni. 

E attraverso la televisione fece conoscere agli italiani 

grandi capolavori della nostra letteratura, 

alcuni poco conosciuti, come Il mulino del Po o Il 

cappello del prete, o mai raccontati per immagini, 

come appunto I promessi sposi. Fino al più moderno 

dei grandi classici, La coscienza di Zeno, 

romanzo difficile e in un certo senso labirintico, di 

cui ricordo invece il nitore della messa in scena e 

una geniale idea di cast: affidare il ruolo del protagonista 

a Johnny Dorelli. 

Ho chiesto a Susanna Bolchi, diventata una della 

più affermate e intelligenti produttrici di fiction televisiva, 

come suo padre aveva vissuto la mutazione 

genetica dalla televisione alla tivvù. “Con grande 

serenità”, mi ha risposto. Era troppo intelligente, 

Bolchi, e troppo interno ai modi di produzione televisivi, 

per non capire quanto fosse inevitabile questo 

passaggio. Con tutto il suo corteo di mediocrità, 

di nevrosi da Auditel, di ‘industrializzazione’ di 

una produzione che lui aveva sempre, giustamente, 

considerato ‘artistica’. “Guardava le fiction che 

hanno preso il posto degli ‘sceneggiati’ senza 

alcun disprezzo o nostalgia per una passata età 

dell’oro, ma con lo spirito aperto e critico di sempre. 

Continuando fino all’ultimo a lavorare a nuove 

idee, a nuove proposte”. 

Il grande rimpianto è che la tivvù gli abbia negato 

di realizzare i suoi ultimi, grandi progetti: I Viceré 

e La morte di Ivan Iljc. “Della sceneggiatura del 

romanzo di De Roberto dissero: ci sono troppe 

carrozze”, ricorda con una punta di amarezza 

Susanna. Del capolavoro di Tolstoj, con tutta probabilità, 

dissero che era troppo triste… 

Immagino il tuo sorriso di fronte a tanta disarmante 

pochezza, maestro Bolchi, mi alzo in piedi e ti 

batto le mani, anche a nome di tutti quelli che 

fanno la tivvù cercando di non dimenticare la grande 

lezione della televisione… 

Sandro Bolchi è scomparso la mattina del 2 agosto 

scorso a Roma. (Mimmo Rafele)


L’EREDITÀ ARTISTICA 

DI LAURA CARLI 

© Radio Vaticano 

A 98 anni, nella casa di riposo Zangheri della sua 

Forlì, se n’è andata Laura Carli (per l’anagrafe 

Laura Russo), per decenni prestigiosa protagonista 

del teatro di prosa italiano e figura indimenticabile, 

nella maturità, degli sceneggiati televisivi 

della Rai, che allora erano quasi sempre tratti da 

importanti opere letterarie. Figlia della proprietaria 

della ditta di feltri Bonavita, e quindi parente di 

Mario Bonavita, il primo “cantautore” italiano, 

Laura Carli aveva esordito nel teatro nel 1932 e 

ben presto era diventata una prima attrice, recitando 

con alcuni dei padri della prosa italiana: 

Gandusio, Ruggeri, Benassi, Donadio, Calindri e 

Giulio Stival, cioè tutti i maestri della recitazione 

prima dell’era di Gassman, Buazzelli, Strehler, 

Ronconi ecc. 

Nel ’50 e nel ’51 era stata anche direttrice del 

Teatro dei Satiri di Roma. Aveva poi lavorato con 

vari teatri stabili italiani ed era stata anche voce 

recitante nel Persefone alla Scala. Lunghissimo il 

suo impegno negli sceneggiati Rai e nel doppiaggio 

cinematografico, dove la sua eredità è stata presa 

dal figlio Carlo Baccarini, grande maestro del genere, 

mentre la sua eredità artistica è stata raccolta 

dalla nipote, Maria Laura, diventata negli ultimi anni 

la stella del musical italiano. Era stata anche scultrice 

con busti in creta di colleghi e parenti, che ha 

lasciato al Museo del Teatro di Forlì. Dal 1987 si 

era ritirata nella casa di riposo Zangheri, nella sua 

terra di Romagna, dove fino all’ultimo ha ricevuto 

molti amici e compagni di avventure teatrali, fra i 

quali Valeria Valeri e Massimo Foschi. Nel ’92 aveva 

pubblicato un libro di memorie intitolato Mi piace 

parlare (di me). (Gianni Minà) 

AUSTIN FORTE, 

L’UOMO DALLA “TROMBA D’ORO” 

Mi ha salutata con una battuta scherzosa quella 

notte, come era nel suo stile ed io mi sono addormentata 

sorridendo, la mattina seguente era in 

coma: emorragia cerebrale invasiva. È morto quello 

stesso giorno, il 26 maggio. 

Musicista, compositore, pittore. Nel 1959 a 

Viareggio viene indetto il concorso “Tromba d’oro”, 

Austin partecipa e lo vince per quattro anni consecutivi 

e così il titolo di “Tromba d’oro italiana” lo 

accompagna per tutta la vita. Nacque ad Orsogna 

(Chieti), ma presto si trasferì a Napoli con la famiglia, 

il padre Alberto era professore di trombone al 

teatro San Carlo di Napoli e lui studiò la tromba in 

tenerissima età. I suoi maestri lo consideravano 

un bambino prodigio, infatti era ancora un bambino 

quando vestito da balilla suonò l’attenti in piazza 

del Plebiscito in occasione della venuta a 

Napoli di Hitler e Mussolini. 

Presto non gli bastò la musica per esprimere la sua 

sensibilità artistica e iniziò a percorrere una strada 

parallela: la pittura. Entrambe lo portarono al successo. 

“La musica, la pittura sono il mio lavoro. 

L’Arte è il mio mestiere ed è il mio modo di avere 

rapporti con il mondo: la possibilità di capire e farmi 

capire è solo questa!” dirà Austin in un’intervista. 

Giovanissimo ha suonato con orchestre come 

quella di Angelini, Petralia, Segurini mentre cominciava 

a dipingere con il maestro Ruggiero e si perfezionava 

successivamente alla scuola di Galante, 

Casciaro, Carignani, Tafuri. Nel ’52 vinse il concorso 

come prima tromba al teatro San Carlo di 

Napoli ma vi restò per poco perché il suo spirito 

libero lo portò a formare una sua orchestra con i 

più famosi solisti del momento. Debuttò alla 

Bussola di Viareggio e Sergio Bernardini, col pubblico 

del suo famoso locale, ne decretò il successo. 

Poi arrivò il momento delle grandi tourné all’estero: 

Sud America, San Paolo, Caracas e alcuni 

anni più tardi il Carnegie Hall di New York. 

Ma la nostalgia lo riportava sempre in Italia e qui 

nel ’61 vinse il Festival di Napoli con la splendida 

canzone Credere cantata da Nunzio Gallo e Milva, 

e nello stesso anno un’altra vittoria gli arrise: 

Canzonissima con Sedici anni, interpretata da 

Nunzio Gallo. 

Partecipò sempre nella rosa dei primi posti ad 

altre edizioni di Canzonissima e a vari Festival di 

Napoli e Sanremo con canzoni di successo. Ormai 

lo chiamavano il “trombautore” per le sue musiche 

e arrangiamenti. Questa definizione lo faceva sorridere 

ma gli piaceva. 

Era spiritoso e autoironico. Alla domanda di un 

giornalista, in occasione di una sua personale di 

pittura, se avrebbe mai abbandonato la tromba 

per il pennello rispose: “Mai! Sono stato abbandonato 

da tre donne. Dicevano che amavo la tromba 

più di loro. È vero, io dormo con la tromba. Per 

me è una missione totale!” 

Nel ’59 iniziò una collaborazione artistica con 

Roberto Murolo che è durata negli anni. Con lui 

scrisse anche varie canzoni tra cui Ricordati di 

Napoli dalla quale fu tratto l’omonimo film. E furono 

diversi i film per cui scrisse delle musiche: Il 

successo, Il sorpasso, Avventura a Capri, Il figlioccio 

del padrino, La duchessa di S. Lucia. 

Tra gli incontri che ha spesso ricordato con entusiasmo 

c’è quello con Xavier Cugat ed Abbe Lane, 

con i quali nacque una collaborazione per alcuni 

film, con Totò e con Ingrid Bergman che incontrò

a St. Tropez. Lei gli chiese di suonare Il tempo 

passa e va, motivo conduttore di Casablanca e da 

quel giorno questa bellissima musica fece parte 

del suo repertorio. È stato più volte ospite di trasmissioni 

televisive tra cui Domenica in, Pronto 

Raffaella, Ieri, oggi e domani, Sereno variabile, 

Adesso musica… 

Nell’85 ad Ischia in occasione degli “Incontri del 

cinema” gli fu consegnato da parte delle Industrie 

Discografiche e dell’Ente del Turismo Napoletano il 

“Disco d’Oro”. I suoi album sono veri e propri concerti 

per tromba. Ha sempre amato Napoli e la 

canzone Papule nun murì era il suo canto d’amore 

e di speranza per questa città composto in occasione 

del sisma del 1980. E poi ancora Io t’ho 

incontrata a Napoli, Si tuorne a Napule scritta con 

Roberto Murolo, Napoli capitale. 

Era un uomo entusiasta della vita e pieno di idee. 

Negli anni ’60 creò a Napoli l’edizione musicale e 

discografica “Carfor” che era frequentata dai grandi 

calibri del momento come Bonagura, Tito 

Manlio, Zanfagna, Pugliese, Russo… Come scrissero 

di lui, “musica e pittura erano le rotaie del 

suo incontenibile artistico furore”. Ha tenuto per 

anni una sua Galleria a Napoli, nella centrale 

Piazza Carità: il “Centro d’Arte A. F. 22” con esposizione 

permanente. Ha esposto all’Hotel Hilton di 

New York e in numerose città italiane tra cui 

Milano “Galleria Montenapoleone”, Roma “Galleria 

Fidia” e “La Marguttiana”, e ancora Palermo, 

Napoli, Capri, Sorrento… E proprio a Sorrento, nel 

’76, ricevette una targa d’oro con la quale fu proclamato 

“Pittore dell’anno” oltre alla coppa “Oscar 

della Pittura 1976” e molti altri riconoscimenti tra i 

quali il “Premio Napoli” in un concorso di pittura 

estemporanea al Maschio Angioino nel ’59. 

Disse di lui Domenico Rea: “Estravagante, tormentata 

personalità quella di Austin Forte… Egli avverte 

insieme il sentimento della solitudine e in acceso 

contrasto quello della socialità. Le sue scene 

pittoriche apparentemente di massa contengono 

creature che pur nella confusione coltivano una 

propria personale vicenda, una propria solitudine”. 

La vita artistica e privata di Austin è stata movimentata. 

Un matrimonio fallito alle spalle, poi la 

cantante jazz Maria Kelly, sua compagna nella vita 

e nell’arte per molti anni, e infine il nostro incontro 

nel ’93. Ci siamo rivisti nel ’94, anzi lui mi ha cercata 

perché sapeva che ero in un momento molto 

triste dalla mia vita, era così allegro, umano, stravagante, 

tenero, sicuro di sé… Mi ha aiutata, e dal 

momento che ero un’attrice ho cominciato a condurre 

i suoi spettacoli. Avevo 25 anni meno di lui 

ma presto ci siamo innamorati e così è cominciata 

la nostra vivace vita insieme. Sono tante le cose 

che abbiamo realizzato in undici anni. Presto ha 

riconosciuto in me delle capacità pittoriche, le ha 

incoraggiate ed è stato il mio grande maestro. 

Nel ’96 abbiamo effettuato la nostra prima mostra 

a Napoli al Circolo Artistico Politecnico. Poi ha 

avuto un’idea originale: ha voluto restituire alla 

Canzone Napoletana un’atmosfera di riflessione 

riproponendo il valore della poesia ed è nato un 

nostro album Napoli versi e musica in cui parole e 

suoni viaggiano paralleli. Ha ideato due manifestazioni 

sostenute dalla Regione Campania che abbiamo 

portato avanti negli anni: “Napoli Capitale” e il 

“Gran Premio Vesuvio d’Oro” in cui accanto ad artisti 

di prestigio venivano premiati giovani talenti, 

perché Austin amava e incoraggiava i giovani. 

Non era proprio facile vivergli accanto, perché lui 

non era un uomo comune: volitivo, capriccioso, 

VIVAVERDI 

67 

geniale, superstizioso, autoironico, brillante, geloso, 

istintivo, passionale…, tutto in lui era estremo. 

Negli anni abbiamo trovato un equilibrio, e la certezza 

del nostro amore irrinunciabile al di là di 

ogni bufera ci ha portati al grande passo. Ci 

siamo sposati il 25 Marzo del 2004. È stato l’anno 

più bello della nostra vita insieme, ormai placati 

e sereni, con una nuova felicità nel cuore e pieni di 

speranza siamo andati incontro all’incognito domani. 

Ora spesso, e con una luce nuova mi tornano 

alla mente le parole della sua canzone Sedici anni: 

“Non piangere perché il tuo tempo non ha incontrato 

il mio, tu sei il domani, io l’oggi che va…”! 

(Liliana Palermo)


PIETRO CONSAGRA, 

L’ARTE A DUE DIMENSIONI 

Ad accoglierlo a Roma fu lo studio in via Margutta 

del prezioso, munifico amico-rivale Renato 

Guttuso. Pietro Consagra arrivava da Mazzara del 

Vallo in una Roma che appena uscita dal dopoguerra, 

fremeva nella voglia di rinnovarsi. Nello 

studio fascinoso del suo conterraneo si creò, 

attraverso le ferventi discussioni sulla “rinascita” 

della pittura, i suoi primi amici: Turcato, Leoncillo, 

Morlotti, Birolli, Dorazio, Guerrini, Accardi. Figlio di 

un “girovago”, cresciuto in una casa proprio fuori 

dal paese di quella terra sanguigna e terrestre che 

è la Sicilia, grazie “all’andazzo scombinato della 

vita del padre”, lo scultore, come scrisse, rifiutò la 

vita che gli si prospettava. Scelse lo studio e 

soprattutto il disegno, e intanto maturava anche l’idea 

di uscire da quell’isolamento. 

Nel ’44 arrivò a Roma al seguito delle truppe alleate: 

trovò aiuto nel Partito comunista, a cui era già 

iscritto, e poi in Guttuso con cui creò un sodalizio 

strettissimo, destinato però a finire con una dolorosa 

frattura. In quegli anni fervidi di idee di rinnovamento, 

accesi da mille dibattiti e ricchi di voglia 

di creare, la disciplina di partito a uno come lui 

non poteva che andare stretta, così come la linea 

del realismo socialista di cui Guttuso era custode 

e portavoce. 

La rottura arrivò dopo un viaggio a Parigi e l’incontro 

con le opere di Picasso, Léger, Giacometti. 

Così il 15 marzo del 1947 con Accardi, Attardi, 

Dorazio, Guerrini, Perilli, Sanfilippo, Turcato, 

Consagra, fondò il gruppo “Forma”. Nacque così 

la sua scelta per l’astrazione che indagò lungo 

tutta la vita fino alla morte. La sua scultura, diceva, 

nasceva dal disegno e si costruiva attraverso 

il disegno: ”Il disegno contiene in sé tutta la mia 

scultura”. Studiando il costruttivismo l’artista scopre 

la bidimensionalità dell’opera. “Ho scartato la 

tridimensionalità della scultura perché la frontalità, 

e quindi il carattere bidimensionale, mi è apparso 

subito come il più ricco di apertura. La frontalità è 

nata dentro di me come alternativa al totem, cioè 

alla scultura che doveva sorgere al centro di uno 

spazio ideale”. 

Per tutti gli anni Cinquanta e i primi Sessanta, la 

sua fu una scultura rigorosamente bidimensionale, 

che si svolse in cicli chiamati dall’artista Colloqui. 

Poi arrivarono i Ferri trasparenti, i Piani sospesi e i 

Piani appesi e con la Pop Art il colore, i rossi, i 

gialli, i verdi. E poi i marmi, il granito blu del 

Brasile, il diaspro nero, il bianco di Macedonia per 

gli Addossati, due lastre di forma simile ma di 

materiale e colore diverso accostate l’una all’altra. 

Indimenticabile l’idea di Città frontale realizzata in 

cemento bicolore, bianco e nero, nella scultura 

alta diciotto metri che creò per la fiumara riarsa di 

Tusa, in Sicilia, come la stella d’acciaio chiamata 

La porta del Belice che, rifacendosi a un sogno di 

Goethe, fu progetta per la Gibellina ricostruita 

dopo il terremoto: alta 24 metri, ancora oggi 

accoglie i visitatori e veglierà su di lui, che – per 

espresso desiderio – ha voluto essere sepolto proprio 

a Gibellina. 

Pietro Consagra è morto a Milano il 16 luglio all’età 

di 85 anni dopo lunga malattia. (Linda De 

Sanctis) 

GIANPIERO BIANCHI, 

IL TEATRO DELL’INCANTESIMO 

Attore e uomo di teatro di grande personalità, varesino 

nato nel 1945, interprete duttile e brillante, 

Giampiero Bianchi aveva alternato ruoli del repertorio 

classico a spettacoli ispirati al costume e all’attualità, 

profondendo in ogni personaggio la sua 

energia e la sua grande sensibilità. Molto dotato per 

il genere brillante, Bianchi – come ebbe a dire Ugo 

Ronfani – amava rimettersi in discussione e confrontarsi 

con testi a volte scomodi, come Drive di Paula 

Vogel o pungenti e sottili come Piccoli crimini coniugali 

di Eric Emmanuel Schmitt. La sua carriera teatrale 

si lega al Teatro Stabile di Genova, per il quale 

ha lavorato dal 1967 al 1976, ma non trascura 

intermezzi cinematografici e televisivi. Con la sua 

partecipazione alla fiction Incantesimo, in onda su 

Raidue, si era imposto di recente anche all’attenzione 

del grande pubblico. Nel corso della sua lunga 

carriera, Bianchi ha lavorato con registi come 

Gabriele Lavia, Antonio Calenda, Sergio Fantoni, 

Valter Malosti. Con Giuseppe Cederna e Marco 

Cavicchioli aveva partecipato alla creazione dello 

spettacolo Gol! Tacalabala per la regia di Giorgio 

Gallione, che raccoglie riflessioni sul calcio ad 

opera di scrittori, poeti, giornalisti e calciatori. 

Giampiero Bianchi è deceduto il 16 luglio scorso. 

(D. N.) 

LEONILDO MARCHESELLI, 

L’INVENTORE DELLA FILUZZI 

Il 24 giugno 2005 è morto Leonildo Marcheselli, 

considerato il “papà” della filuzzi, un particolare tipo 

di ballo liscio che si è diffuso nel secolo scorso 

nelle balere bolognesi frequentate dai “filuzziani”. 

Questi erano i giovani ballerini dell’alta borghesia 

che “filavano”, ovvero si spostavano da una balera 

all’altra cercando di attirare l’attenzione delle ragazze 

con movimenti coreutici spettacolari. Leonildo 

Marcheselli nacque a Longara di Calderara di Reno 

il 20 luglio 1912, da una famiglia contadina. Fin da 

bambino si interessò alla musica e apprese a suonare 

vari strumenti musicali, dall’ocarina all’organetto 

e il mandolino con i maestri Ferri e Tonelli. Negli 

anni Trenta formò un trio filuzziano col quale si esibì 

nei locali bolognesi finché nel 1938 entrò a far 

parte del Quartetto Bolognese dell’Allegria specializzato 

nell’eseguire partiture sinfoniche di propria elaborazione. 

Grazie al Quartetto, Marcheselli uscì dal 

mondo delle balere e delle serenate ed entrò nell’ambiente 

professionale dell’orchestrale, prendendo 

parte a trasmissioni radiofoniche e incidendo dischi 

con la Durium. Negli anni Settanta la filuzzi cedette 

il passo al liscio romagnolo di Casadei, di maggior

impatto commerciale, ma continuò ad essere 

apprezzata nelle serate di ballo dei festival e delle 

riunioni estive. Leonildo Marcheselli è autore di oltre 

600 brani di musica da ballo: valzer, polke, mazurke, 

tanghi e filuzzi, fra cui ricordiamo Pgr, Fiocchi di 

neve, Giulietta, Vispa Teresa, Valzer del cuore. 

(Daniela Nicolai) 

MATTEO SALVATORE, 

CANTORE POLITICO E SOCIALE 

Lo scorso 27 agosto, all’età di 80 anni, il cantautore 

pugliese Matteo Salvatore è morto. Nato ad 

Apricena (in provincia di Foggia) nel 1925, ebbe 

un’infanzia poverissima durante la quale conobbe la 

fame e l’emarginazione. Dopo aver provato svariati 

mestieri, conobbe un violinista cieco, il maestro 

Pizzicoli, dal quale apprese a suonare e ad eseguire 

il repertorio delle serenate napoletane, bagaglio 

indispensabile per il mestiere di musicista da strada. 

Si trasferì prima a Benevento e poi a Roma, 

dove, vivendo in una baracca con moglie e figlia, si 

guadagnò da vivere suonando canzoni napoletane 

nei ristoranti dei quartieri alti. Qui venne notato dal 

regista Giuseppe De Santis che gli chiese di registrare 

canzoni popolari pugliesi per il film Uomini e 

lupi. Matteo Salvatore compose quattro ballate e le 

consegnò al regista, come ebbe ad affermare, 

“spacciandole per canti popolari”. È il suo primo 

passo come “autore”, anche se avviene, come tanti 

altri eventi della sua vita in maniera controversa e 

discutibile. Sempre nei locali della capitale, venne 

scoperto da Claudio Villa, che lo portò con sé in 

alcune tournée all’estero. Queste esperienze lo 

introdussero nel mondo dell’industria discografica, 

in un settore di nicchia come quello della musica 

popolare che tuttavia conobbe, negli anni Settanta, 

un momento di grande interesse e diffusione. 

Scoperto dagli intellettuali e apprezzato dai musicologi, 

divenne l’emblema di un certo modo di raccontare 

il Sud attraverso la ballata politico-sociale in 

cui, con la sua voce originalissima, dal timbro 

acuto, raccontava storie d’amore e di miseria, di 

allegria e di tristezza ispirate alla vita quotidiana e 

alle sofferenze della gente del popolo. Incide il suo 

primo Lp, Il lamento dei mendicanti a Milano nel 

1966 mentre è del 1972 Le quattro stagioni, 50 

canzoni incise per la Rca-Amico. 

Di carattere diffidente e spigoloso, Matteo 

Salvatore non ebbe rapporti facili con i suoi produttori 

e con i media. Ad allontanarlo dal mondo della 

discografia ci fu anche la vicenda poco chiara della 

morte della sua compagna, che lo portò anche in 

carcere. Poi di nuovo la miseria e il tentativo di ritornare 

sulla scena con incisioni e tournée autogestite. 

Ammirato da molti cantautori meridionali della 

nuova generazione, che lo ritengono un maestro, 

Matteo Salvatore ha saputo raccontare la sua terra 

con una grande forza poetica. Nel 2001 ha collaborato 

al libro edito da Stampa Alternativa La luna 

aggira il mondo e voi dormite a cura di Angelo 

Cavallo, nel quale rievoca le incredibili vicende della 

sua vita picaresca e racconta il suo modo di espri- 

mere attraverso la musica la cultura popolare. 

(Daniela Nicolai) 

VIVAVERDI 

69 

HENGHEL GUALDI, 

UN GRANDE TRA I GRANDI DEL JAZZ 

Virtuoso del clarinetto, il jazzista Henghel Gualdi è 

scomparso la notte del 15 giugno. 81 anni, di 

Correggio, Gualdi si iscrisse al conservatorio Achille 

Peri di Reggio Emilia dove si diplomò in clarinetto. 

Durante la guerra, affascinato dalle grandi orchestre 

americane di Glenn Miller e Tommy Dorsey, si 

avvicinò alla musica Jazz e all’improvvisazione. La 

popolarità di Gualdi oltrepassò l’Italia. In America 

collaborò con i più grandi musicisti come Bill 

Coleman, Chet Baker, Count Basie, Gerry Mulligan, 

Paquito D’Rivera, Sidney Bechet, Albert Nicholas, ha 

suonato con Louis Armstrong e con Lionel 

Hampton, Teddy Wilson e Joe Venuti. 

Celebre una sua tournée negli Stati Uniti con 

Luciano Pavarotti. Ha scritto oltre mille brani musicali, 

inciso 20 album discografici e 5 colonne sonore 

di film per il regista Pupi Avati, continuando la 

sua attività di solista in Italia e all’estero con grandi 

musicisti come Andrea Griminelli e Romeo 

Tuduraky, collaborando inoltre con la C. B. Band 

Orchestra. Gualdi è stato una figura di musicista 

che ormai non esiste più: quello che ha fatto una 

lunga gavetta e molti anni di ‘orchestrale’ suonando 

nelle balere di tutt’Italia il liscio e i ‘classici’, ma 

sempre con il jazz nel cuore. 

Negli anni ‘80 ricevette un premio intitolato a Benny 

Goodman proprio per la sua tecnica al clarinetto, 

ma Gualdi non se n’è mai vantato. “La sala da ballo 

mi ha dato da mangiare, ho dovuto fare questa professione, 

ma il jazz l’ho sempre avuto nel cuore”, 

amava ripetere il clarinettista che negli ultimi anni 

insegnava ai ragazzi in vari seminari. La notizia 

della sua scomparsa ha destato molta commozione 

a Bologna, dove era conosciuto per i suoi concerti 

sia in luoghi 

istituzionali che nei jazz club. “E’ stato sicuramente 

il più grande clarinettista della sua generazione, più 

di tanti altri più noti – dice Gilberto Baroni del Chet 

Baker club – forse la paura dell’aereo gli ha impedito 

di suonare di più negli Stati Uniti. Per i giovani ha 

fatto molto, suonando spesso con la Dams Jazz 

Orchestra che ha tenuto a battesimo”. 

Gualdi aveva partecipato anche a molti festival, tra 

cui Umbria Jazz, ed aveva diretto orchestre in molti 

programmi televisivi. “Con il suo concerto ho sempre 

chiuso il cartellone della stagione – ha ricordato 

Giovanni Serrazanetti della Cantina Bentivoglio – ma 

quest’anno non è successo, e mi dispiace molto. 

Lui suonava solo le note giuste, come diceva 

Parker, era uno straordinario musicista’’. (V.V)

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martedì e giovedì anche 

dalle 14.30 alle 16.00) 

UFFICIO DI GESTIONE 

DEL FONDO 

DI SOLIDARIETA’ 

tel. 06 59902355/2352 

fax 06 59902633 

BIBLIOTECA E RACCOLTA 

TEATRALE DEL BURCARDO 

tel. 06 6819471 

fax 06 68194727 

Roma - via del sudario, 44 

biblioteca.burcardo@siae.it 

www.theatrelibrary.org 

(apertura al pubblico: 

dal lunedì al venerdì 

dalle 9.00 alle 13.30)

EDITORI MUSICALI,UNA PASSIONE LUNGA UN SECOLO - Siae

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