Il Tabloid del festival Time in Jazz 2008

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Esiste una architettura che si esprime attraverso la
sovrapposizione di diversi elementi scelti con cura che,
di volta in volta e stratificandosi l’uno sull’altro, creano
un complesso edificio in grado di ospitare arredi dalle
forme pulite e dalle linee nette.
Questa ha bisogno di tempo e risponde alle esigenze di
una geografia umana che si evolve modificandosi, a
volte repentinamente ed a volte impercettibilmente, colmando
lo spazio vuoto con edifici invisibili.
I materiali di costruzione sono le idee mentre le linee
architettoniche sono la somma delle diverse esperienze
che, inanellate in successione, formano una lunga e
solida trave capace di reggere il peso enorme del tempo
e le sollecitazioni dettate dagli accadimenti.
Architetture sociali? Architetture viventi?
Non c’è un termine adeguato. Perché queste nella realtà
non esistono ma ci piace credere che appartengano
alla storia dell’umanità più di qualsiasi monumento
conosciuto e più di qualsiasi luogo simbolico della terra
conosciuta. Dalle Piramidi al Colosseo, dalla Tour
Eiffel al non-spazio del Ground Zero di New York.
Naturalmente parliamo non di luoghi visibili agli occhi
del mondo ma di epicentri creativi capaci di suggerire
altrettante architetture percepite attraverso i sensi ma
mancanti di una struttura tradizionale dove la pietra
d’angolo sono le genti e le mura di contenimento sono
l’energia collettiva.
Il mio pensiero più concreto va ai luoghi d’arte all’aperto.
Ad alcuni teatri dell’Ottocento, alle arene ed ai
giardini italiani ma ancora di più ai luoghi laddove la
casualità della storia ha generato una nuova architettura
dentro l’architettura. Non solo Ground Zero dunque ma,
uno per tutti, la Chiesa di Santa Maria dello Spasimo di
Palermo posta nell’antico quartiere della Kalsa dove
secolari piante di fico si inerpicano, impavide e sprezzanti
del luogo, tra i muri della antica basilica tendendo
i propri rami verso il cielo.
Un soffitto che non c’è ne rende la struttura lirica ancorché
architettonicamente incompleta ed è li che la successiva
mano dell’uomo si sostituisce alla storia sovrapponendo
gli elementi esistenti con idee contemporanee
ed innovative ma ancor più con la visionarietà e la poesia.
Se esiste dunque un pensiero di architettura collettiva
capace di costruzioni immense ed invisibili tese verso il
cielo di certo Time in Jazz è una di queste. Perché in
il festival
Dentro gli spazi di un’architettura collettiva
Ancora una volta il mistero è nel lavoro imperfetto dello scalpellino
Paolo Fresu (Foto Roberto Cifarelli)
venti anni ha costruito solo con rena di fiume e con
argilla disegnando la stravagante forma di un palazzo
dalle cento stanze fatto di altrettante porte che mettono
in comunicazione ampi spazi creativi.
Possiamo contare su fondamenta solide come il bianco
granito sul quale si poggia Berchidda ma contiamo
anche su pietre lavorate una ad una da scalpellini raffinati
che danno forma a blocchi non perfettamente squadrati
ma distinti da segni arcaici che sanno di vento e di
acqua. Come le trachiti e i basalti dei nuraghi che salgono
verso il cielo anticipando e suggerendo
l’aspirazione dei fichi secolari della Chiesa dello
Spasimo di Palermo.
Ed allora non poteva mancare, tra gli innumerevoli temi
di Time in Jazz, quello dell’architettura degli spazi e dei
suoni. Perché da sempre questa è stata il vero elemento
suggeritore di un festival che il tempo e l’umanità hanno
costruito giorno per giorno ponendo pietre intagliate,
sovrapponendone di più grandi, disegnando architravi e
ricavando porte sempre aperte verso il nuovo.
Piramidi o nuraghi? Alte torri o Grattacieli?
È nelle architetture di Bach e negli incastri poliritmici
di Steve Coleman che troveremo le risposte? Oppure
nei giochi linguistici degli archi e degli ottoni? Oppure
ancora nelle performance degli artisti visivi o nelle
riflessioni più concrete dei veri architetti?
Ancora una volta il mistero è nel lavoro imperfetto
dello scalpellino. Di colui che lascia il segno o che disegna
con il solo sguardo progettando un ponte invisibile
ed immaginario tra un’isola ed il mondo. Prosciugando
le distanze dei mari e colmandone lo spazio con immensi
architravi.
Paolo Fresu

B’at una architettura chi s’isprimit cumpondzendhe a
istratos divessos elementos seberados cun campiana e
chi, de ‘orta in borta e postos unu subr’a s’atteru, dzenerant
unu palattu cumplessu chi podet ospitare mobilias
dae sas formas pulidas e dae sas linias nettas.
Custa at bisondzu de tempus e respondhet a sas esigentzias
de una geografia umana chi si medzorat modifichendhesi,
a bortas in presse e a bortas cun addaju,
pienendhe s’ispatziu boidu cun palattos invisibiles.
Sos materiales de costrutzione sunt sas ideas ei sas
linias architettonicas sunt sa summa de sas diversas
esperientzias chi, una in fattu a s’attera, cumponent una
trae longa e forte capatza de muntennere su pesu de su
tempus ei sas sulletzitatziones dettadas dae su chi sutzedit.
Architetturas sotziales? Architetturas viventes?
No b’at termine chi potat descriere in modu giustu. Ca
custas in sa realidade no esistint, ma nos piaghet de
creere chi appartenint a s’istoria de s’umanidade pius de
ondzi monumentu connottu e pius de ondzi logu simbolicu
de sa terra. Dae sas piramides a su Colosseu, dae sa
Tour Eiffel a su no-ispatziu de su Ground Zero de New
York.
Naturalmente semus faeddhendhe no de logos visibiles
a sos ojos de su mundhu ma de epicentros creativos in
gradu de dittare atterettantas architetturas, pertzepidas
gratzias a sos sensos ma chi faltant de una istruttura traditzionale,
ue sa pedra de s’angulu est sa tzente ei sos
muros de cuntenimentu sunt s’energia cullettiva.
Su pensamentu pius cuncretu andhat a sos logos de
s’arte chi sunt fora in logu abertu. A tzertos treatos de
s’Ottighentos, a sas arenas e a sos giardinos italianos,
ma ancora pius a sos logos ue sa casualidade de s’istoria
at dzeneradu una architettura noa in sinu a
s’architettura, Duncas no solu Ground Zero ma, unu tra
tottu, sa Cheja de Santa Maria dello Spasimo de
Palermo, in s’antigoriu rione de sa Kalsa, ue piantas
seculares de figu pigant, chena timoria peruna e intrepidas
de su logu, tra sos muros de s’antiga basiliga tendendhe
sos ramos a su chelu.
Una bovida chi no b’est rendhet s’istruttura lirica primma
chi architettonicamente incumpleta et est igue chi sa
manu de s’omine si sostituit a s’istoria sovrapponendhe
sos elementos esistentes cun ideas cuntemporaneas e
noas ma pius ancora cun visionariedade e poesia.
Si esistit duncas unu pensamentu de architettura collettiva
capatzu de costrutziones infinidas e invisibiles chi
s’accerant a chelu, de tzertu Time in Jazz est una de
custas. Ca in vinti annos at costruidu solu cun rena de
riu e cun ludzana disegnendhe s’istravagante forma de
unu palattu dae sas chentu istantzias fattu de atterettantas
jannas chi ponent in comunicazione grandes ispatzios
creativos.
Podimus contare subr’a fundhamentas robustas comente
su granitu biancu subra a su cale s’apposentat
‘Elchiddha ma contamus puru subra pedras tribagliadas
dae piccapedreris raffinados chi dant formas a bloccos
chi no sunt perfettamente isquadrados e chi sunt distintos
dae sinnos arcaicos chi ischint de ‘entu e de abba.
Comente sos trachites ei sos basaltos de sos nuraghes
chi pigant a su chelu antitzipendhe e sudzerendhe
s’aspiratzione de sas figos seculares de sa Cheja de
s’Ispasimu de Palermo.
E tandho no podiat mancare tra sos tantos temas de
Time in Jazz cussu subra s’architettura de sos ispatzios
e de sos sonos. Proitte dae sempre est istada su ‘eru elementu
sudzeridore de unu festival chi su tempus ei
Time in Jazz 2007: le Fresiadi
il festival
s’umanidade ant costruidu de die in die pondzendhe
pedras intagliadas, subrapondzendheche atteras pius
mannas, disegnendhe volumes e ricavendhe jannas
sempre abertas verso su nou.
Piramides o nuraghes? Turres altas o grattacielos?
Est in s’architettura de Bach o in sos incastros poliritmicos
de Steve Coleman chi amus a buscare sas rispostas?
Oppuru in sos jogos limbisticos de sos arcos e de
sos istrumentos de ottone? Oppuru ancora in sas performances
de sos artistas visivos o in sas riflessiones pius
cuncretas de sos beros architettos?
Ancora una ‘orta su misteriu est in su tribagliu imperfettu
de su piccapedreri. De chie lassat su signu o disegnat
cun una mirada progettendhe unu ponte invisibile
e immaginariu tra un’isola ei su mundhu. Sulzendhe sas
distantzias de sos mares e pienendhe s’ispatziu cun
immensos architraves.
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Paolo Fresu

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il festival
Time in Jazz nel segno di “Arkitekturae”
S e t t e g i o r n i f i t t i d i a p p u n t a m e n t i :
m u s i c a m a a n c h e a r t e e c i n e m a a l l a
v e n t u n e s i m a e d i z i o n e d e l f e s t i v a l
Il jazz contemporaneo di Steve
Coleman, Uri Caine, Don Byron,
Mark Feldman con Sylvie
Courvoisier, Chris Speed con Jim
Black. La coinvolgente energia dei
Funk Off. Gli archi di Ernst
Reijseger, Giovanni Sollima, Larissa
Groeneveld e del quartetto Alborada.
Gavino Murgia fra jazz e musica etnica,
le voci della tradizione sarda del
Cuncordu e Tenore di Orosei e quelle
d’autore di Ornella Vanoni e di Paola
Turci. E’ un cast come sempre prestigioso
e variegato ad andare in scena
per la ventunesima edizione di Time
in Jazz. E saranno sette giorni fitti di
appuntamenti, seguendo la formula
ben collaudata che prevede musica (e
non solo) dal mattino a notte fonda,
in spazi deputati – come l’arena allestita
nella piazza centrale di
Berchidda, teatro dei concerti serali –
ma anche in luoghi meno “canonici”:
i boschi del Monte Limbara, le chiese
campestri nei dintorni del paese e
degli altri centri, fra Logudoro e
Gallura, in cui faremo tappa: Olbia,
Ozieri, Tempio Pausania, Oschiri,
Monti, Pattada e Luras. Persino treni,
stazioni e una delle navi che collegano
l’isola al “continente”, saranno
ancora una volta fra le location del
festival. Che anche quest’anno,
all’indomani della settimana berchiddese,
vivrà un prolungamento a
Sassari: forte del riuscito debutto dell’anno
scorso, il 17 e il 18 agosto
torna infatti la rassegna Time in
Sassari.
Ogni edizione del festival ruota intorno
a un tema differente, un leitmotiv
che attraversa e caratterizza programmaticamente
il cartellone. Nel corso
degli anni, Time in Jazz ha così viaggiato
attraverso il nuovo tempo del
jazz e le prove d’autore, ha forzato i
confini per spingersi nei territori
delle sonorità etniche e di quelle digitali,
ha sperimentato relazioni e consonanze
fra musica e parola, musica e
poesia, musica e immagine, musica e
gioco, musica ed enogastronomia.
Questa edizione promette un nuovo
capitolo di questo viaggio fra le
galassie espressive: e il titolo
“Arkitekturae” suggerisce quali
saranno stavolta gli spunti tematici.
Musica e architettura, l’arte del
tempo e quella dello spazio, arti
distinte ma affini, a partire dalla loro
essenza numerica, matematica, e che
non a caso condividono concetti
come ritmo, armonia, grandezza, proporzione,
intensità, struttura, composizione,
oltre alle interconnessioni -
spesso strettissime - nello sviluppo
dei rispettivi percorsi storici.
“Musica e architettura” era anche il
titolo di un laboratorio di architettura
che si è tenuto quattro estati fa a
Berchidda (per iniziativa del
Comune, del Dipartimento di
Architettura della Facoltà di
Ingegneria dell’Università di
Cagliari, del Formez e della Camera
di Commercio di Sassari). Il tema era
l’organizzazione dello spazio urbano,
delle modalità con le quali si confrontano
e interagiscono il festival e
la sua musica con il paese, la sua vita,
le sue strade, le piazze e i suoi paesaggi
aperti. Ed è anche su questi elementi
che Time in Jazz svilupperà la
sua edizione numero ventuno, mettendo
in relazione le architetture dei
luoghi con quelle sonore, ritmiche,
armoniche, contrappuntistiche dei
suoi tanti appuntamenti musicali.
Ma non solo musicali: perché se il
jazz, non senza sconfinamenti in altri
territori sonori, fa come sempre la
parte del leone, anche il cinema, con
una rassegna di film e documentari
scelti dal regista Gianfranco Cabiddu,
e le arti visive, con mostre, eventi
espositivi, performance e progetti site
specific allestiti in luoghi e spazi differenti
di Berchidda, sono parte integrante
di questo festival votato da
sempre ad esplorare la molteplicità
dei linguaggi dell’espressione e i loro
possibili incroci e “contaminazioni”.
E’ una delle edizioni più ricche di
contenuti e impegnative nella storia
di Time in Jazz. Uno sforzo reso possibile
grazie al contributo delle
Istituzioni che sostengono la manifestazione
– l’Unione Europea e il
Fondo Europeo di Sviluppo
Regionale, il Ministero per i Beni e le
Attività Culturali (Direzione
Generale per lo Spettacolo dal vivo),
la Presidenza della Regione
Autonoma della Sardegna,
l’Assessorato allo Spettacolo e
Attività Culturali, l’Assessorato al
Turismo e l’Assessorato alla Difesa
dell’Ambiente della Regione
Autonoma della Sardegna, l’Ente
Foreste della Sardegna, il Comune di
Berchidda, la Provincia di Olbia-
Tempio, la Comunità Montana del
Monte Acuto, le Amministrazioni
Comunali di Ittireddu, Luras, Monti,
Olbia, Oschiri, Osilo, Ozieri, Pattada,
Sassari e Tempio Pausania, la
Fondazione Banco di Sardegna e la
Fondazione Fabrizio De André – ma
anche grazie alla collaborazione di un
folto stuolo di enti e aziende: 3A
Arborea, AutoOggi, Autoservizi Fab
srl, Cantina Sociale del Giogantinu,
Cantina del Vermentino di Monti,
Dedicare, Distilleria Lucrezio R.,
Ente Musicale di Nuoro, Geasar,
Florvivaistica “La Fumosa”,
Meridiana, Museo del Vino di
Berchidda, Musical Box, Nuova
Casearia srl, Pincar, Rau Arte
Dolciaria, RFI, Corsica Ferries -
Sardinia Ferries, Secauto, Su
Senabrinu, Trenitalia, Wi-Fi
Company, L’Agnata, Nuvole production
srl, Sardares, Enoteca Demuro,
Cantine Surrau, La Fumosa, F.lli
Naseddu, F.lli Puliga.

sabato 9 agosto 2008
Sabato 9 agosto con la “concertazione navale” a bordo della nave della Corsica Sardinia Ferries
In rotta verso il festival con i
Funk Off e Paolo Fresu
La marching band protagonista anche delle parate nelle strade e della festa finale di ferragosto
La ventunesima volta di Time in Jazz prende il via con
un appuntamento inaugurale ormai consueto: la “concertazione
navale” a bordo di una nave della Corsica
Sardinia Ferries in viaggio dal “continente” alla
Sardegna. Un evento che si ripete per il terzo anno consecutivo
grazie alla collaborazione della compagnia di
navigazione. Dopo la Gangbé Brass Band e la Kocani
Orkestar, protagoniste delle precedenti traversate in
musica, stavolta è il turno di una formazione tutta italiana:
sabato 9 agosto, saranno infatti i Funk Off ad accompagnare
la traversata da Civitavecchia (partenza ore
15:30) al porto sardo di Golfo Aranci (arrivo alle 21:45)
a bordo della “Mega Smeralda”, nave gioiello della
Corsica Sardinia Ferries.
Ospite d’eccezione della scatenatissima marching band,
Paolo Fresu. E sarà un ulteriore motivo di interesse e di
curiosità vedere il trombettista sardo (nonché ideatore e
direttore artistico di Time in Jazz) misurarsi con tutta
l’energia del funk, del soul, del jazz e del R&B dei quindici
musicisti capeggiati dal sax baritono di Dario
Cecchini: Mirco Rubegni, Luca Poggiali e Emiliano
Bassi alle trombe, Sergio Santell, Tiziano Panchetti,
Andrea Pasi, Claudio Giovagnoli, Giacomo Bassi e
Funk Off
Nicola Cipriani ai sassofoni e Giordano Geroni al sousaphone,
con Francesco Bassi, Alessandro Suggelli,
Luca Bassani e Daniele Bassi alle prese con rullante,
piatti, cassa e percussioni leggere
Il giorno dopo il loro sbarco in Sardegna, i Funk Off
aprono a Monti (a una decina di chilometri da
Berchidda) la lunga serie di impegni che li attende “in
terra ferma”: domenica 10, alle 18, nella Cantina sociale
del Vermentino. Dario Cecchini e soci saranno di casa
in questa edizione di Time in Jazz: li ritroveremo tutti i
giorni (intorno alle 19:45) nelle strade del paese, impegnati
nelle parate musicali che precedono i concerti
serali; e poi sul palco di Piazza del Popolo per la festa
finale che la sera di Ferragosto, con l’immancabile prologo
di fuochi artificiali, accompagnerà il festival verso
l’epilogo.
Con i Funk Off dovremo scordarci le marching band a
cui ci ha abituato la tradizione: loro rileggono e aggiornano
la lezione di New Orleans e delle bande nostrane
attraverso la lezione di George Clinton, Maceo Parker e
James Brown ma anche di Frank Zappa e delle nuove
tendenze hip-hop e jungle. Deus ex machina del gruppo,
Dario Cecchini compone e arrangia tutte le musiche:
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ritmi funk, dispari, latini e rock, si fondono in brani con
strutture che ora si rifanno al jazz, ora se ne distaccano
del tutto, e dove spesso l’improvvisazione si inserisce in
contesti compositivi di ricerca, senza preclusione di stili
e sonorità. Il tutto con una forte componente spettacolare
e coreografica.
Nati nel 1998, i Funk Off hanno all’attivo un bel bagaglio
di collaborazioni (dal vivo e in studio di registrazione
con musicisti come Paolo Fresu, David Liebman,
Stefano Bollani, Gegè Telesforo, Maurizio Giammarco,
Rudy Migliardi, Marco Tamburini, Gianluca Petrella,
Antonello Salis, Bengi Benati) e di esibizioni sui palchi
di prestigiosi festival internazionali, da Montreux a
Instanbul a Vienne. A Umbria Jazz sono ormai di casa.
Invitati nel 2003 come ospiti per il trentennale del festival,
hanno colorato e riempito le strade di Perugia con la
loro musica, approdando poi sul palco di un entusiasta
James Brown. Da allora, per i Funk Off, è diventata una
consuetudine timbrare il cartellino ad ogni edizione del
festival umbro: anche in quella appena passata, dove (il
20 luglio) hanno celebrato il loro concerto numero cinquecento.
Tre i dischi all’attivo: l’ultimo, Jazz On, è
uscito l’anno scorso per la Blue Note.

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domenica 10 agosto 2008
Alla distilleria Lucrezio R il primo appuntamento del festival
L’ALAMBICCO DI SUONI DEL KILÌM TRIO
Kilìm Trio
L’intensa settimana del ventunesimo Time in Jazz si apre in uno dei luoghi simbolo della produzione
enogastronomica di Berchidda, la distilleria Lucrezio R, che offre e ospita nei suoi spazi il primo concerto
in calendario: protagonista, la mattina di domenica 10 a partire dalle 11, il Kilim Trio, formazione
sotto la cui insegna si riconoscono tre volti ben noti nel panorama musicale sardo: il chitarrista
Massimo Ferra, il contrabbassista Massimo Tore e il percussionista Roberto Pellegrini.
Musicisti attivi sia nell’ambito della musica “colta” sia in quello del jazz e dell’improvvisazione, il loro
sodalizio artistico va avanti da quasi tre lustri: i primi passi del trio risalgono infatti al 1994, mentre è
di due anni dopo il battesimo discografico, “La strana storia di Teddy Luck”, frutto del successo al concorso
internazionale del festival jazz di Sant’Anna Arresi del 1996. All’epoca si presentavano come
Massimo Ferra Trio. Poi, nel 2005, la pubblicazione (per l’etichetta cagliaritana Tairà) del secondo
album, Kilìm appunto, vale a lanciare la nuova denominazione del trio.
Ottimi strumentisti ed esecutori raffinati, Ferra, Tore e Pellegrini non cedono mai a tentazioni virtuosistiche,
prediligendo l’interplay e il dialogo strumentale, distillando suoni e silenzi, lasciando intuire
equilibri ed intese ben consolidati. E’ un discorso musicale improntato all’originalità, quello del Kilìm
Trio, votato all’improvvisazione e al suono acustico, con radici nel jazz, naturalmente, ma che trascende
le divisioni fra i generi.
Ci ha già incantato tre estati fa, nella magica cornice l’indomani mattina (lunedì 18, alle 11:30), altra incon-
naturale del Monte Limbara, in due indimenticabili albe sueta location, la Casa circondariale sassarese di San
di Time in Jazz. “Nomen omen”, potremmo dire: Sebastiano, per il concerto che vedrà accanto all’ensem-
Alborada, infatti, in catalano significa proprio luce delble d’archi la tromba e il flicorno di Paolo Fresu.
l’alba. Il quartetto d’archi con Anton Berovski e Sonia Nato nel 1996, il quartetto Alborada ha un repertorio che
Peana ai violini, Nico Ciricugno alla viola e Piero privilegia la musica barocca e quella del Novecento, con
Salvatori al violoncello, ritorna ora al festival per due particolare attenzione per il minimalismo e le composi-
diversi impegni. Il primo è il doppio concerto (alle 21:30 zioni originali composte e arrangiate ad hoc da autori
e alle 22:30) che completa la prima giornata di Time in contemporanei e dagli stessi componenti del gruppo. La
Jazz, quella di domenica 10: a Olbia, nella Basilica di San sua attività si è sviluppata da subito in due direzioni
Simplicio, presenta “Ethos”, titolo (e repertorio) del suo
recente disco in cui fonde, come scrive
Paolo Fresu nelle note di copertina,
“il misticismo di Arvo Pärt con il
minimale di Michael Nyman, la latinità
di Villa Lobos e di Federico
Mompou con le geometrie di Karl
Jenkins”, passando attraverso brani
originali scritti dagli stessi componenti
del gruppo. La sera di ferragosto,
a mo’ di interludio fra il concerto
di Don Byron e la festa finale con i
Funk Off, ritroveremo i quattro
dell’Alborada impegnati a suonare
sul tetto di uno degli edifici che si
affacciano sulla piazza: da qui il tito-
distinte ma tra loro correlate: da un lato la ricerca e lo
lo della loro performance,
“Arch’intetto”, giocosa allusione
allo strumentario dell’ensemble e
all’insolito “teatro” in cui va in
scena.
Spetterà ancora a loro inaugurare la
due giorni di Time in Sassari, prolungamento
della kermesse berchiddese,
domenica 17 (alle 18) nella
chiesa di Babbu Eternu a Osilo. E Alborada string quartet
DOMENICA 10 AGOSTO
BERCHIDDA
Distilleria Lucrezio R
Ore 11,00
Kilìm Trio
MONTI
Cantina Sociale del Vermentino
Ore 18,00
Funk Off
OLBIA
Basilica di San Simplicio
Ore 21,30 e 22,30
Alborada String Quartet:
“Ethos”
Dedicato a Edgard Varèse
I suoni luminosi dell’Alborada
Il quartetto d’archi a Olbia con “Ethos”. E a Berchidda “Arch’intetto” prima della festa finale
studio in funzione del continuo arricchimento del repertorio,
partendo dagli studi classici che ognuno dei musicisti
ha approfondito per anni; dall’altro le collaborazioni
a progetti attivi nel campo della musica contemporanea,
del jazz e della world music. Rientrano in questo
secondo ambito le partecipazioni a progetti come Voyage
en Sardaigne del sassofonista Enzo Favata (dal 1998 al
2002), Heartland di David Linx, Diederik Wissels e
Paolo Fresu, Heart Strings, con la cantante americana
Sheila Jordan, Billy Drummond, Roberto Cipelli e
Attilio Zanchi, e Il rito e la memoria: un suggestivo
incontro tra la musica religiosa delle
antiche confraternite della Sardegna,
le sonorità classiche degli archi e il
jazz di Paolo Fresu e Diederik
Wissels, a volte impreziosito dalle
voci mediterranee del tunisino
Dafher Youssef e della cantante sarda
Elena Ledda.
Sempre con Paolo Fresu, Scores è
invece il progetto (e il disco del 2003)
che, come suggerisce il titolo,
raccoglie le musiche scritte dal trombettista
per i film Il più crudele del
giorni di Ferdinando Vicentini
Orgnani (dedicato alla vicenda della
giornalista Ilaria Alpi) e L’isola di
Costanza Quatriglio. L’Alborada presta
i suoi archi anche ad un’altra
colonna sonora firmata da Fresu (e
fissata su disco), quella per il film “Te
lo leggo negli occhi” di Valia Santella,
prodotto dalla Sacher Film di Nanni
Moretti e presentato alla Mostra del
Cinema di Venezia (nella sezione
Orizzonti) edizione 2004.

E’un rito che si ripete per il quarto anno consecutivo:
Time in Jazz saluta un nuovo giorno
con un concerto sulle balze del Monte
Limbara, scenario mozzafiato per vivere in
musica l’emozione del risveglio della natura
all’alba di lunedì 11.Ad accompagnare il sole
che sorge all’orizzonte, da quella linea lontana
che separa il cielo dal mare e la luce dal
buio della notte, sarà stavolta il violoncello di
Ernst Reijseger, uno tra i più originali protagonisti
della musica di improvvisazione europea.
Olandese, classe 1954, ha cominciato a suonare
lo strumento quando aveva appena otto
anni, stimolato da subito dalla sorprendete
varietà di forme che l’arte di combinare suoni
può assumere. Studia al conservatorio di
Amsterdam finché (nel 1974) uno dei suoi
maestri, il famoso violoncellista Anner
Bijlsma, gli consiglia di interrompere gli studi,
spingendolo così a seguire la propria strada.
Una strada che in realtà Ernst Reijseger aveva
già imboccato: fin dai primi anni Settanta lo
troviamo infatti impegnato con la musica
improvvisata. Sean Bergin, Martin van
Duynhoven, Derek Bailey, Michael Moore,
Alan Purves, Franky Douglas, il Theo
Ernst Reijseger
Loevendie Consort, il Guus Janssen Septet,
l’Amsterdam String Trio, la ICP orchestra di
Misha Mengelberg, il quintetto di Gerry
Hemingway, il Trio Clusone (con Michael
Moore e Han Bennink), Louis Sclavis, Trilok
Gurtu, Franco D’Andrea, l’Amsterdam String
Trio: l’elenco di nomi rende l’idea della varie-
lunedì 11 agosto 2008
L’importanza di chiamarsi Ernst
Per Reijseger concerto all’alba, il progetto “TreCellos” e le musiche per Werner Herzog
Aperta da Ernst Reijseger all’alba, la mattina dell’11 prosegue
con un altro evento ormai consueto a Time in Jazz: quello
che va in scena fra treni e stazioni, grazie alla collaborazione
di Trenitalia e RFI (Rete Ferroviaria italiana), quest’anno
ha per protagonisti la cantautrice Paola Turci e il
“danz’autore” Giorgio Rossi. Due anni fa hanno inaugurato
il loro sodalizio artistico firmando Cielo, un “concerto danzato”
costruito intorno a un gioco di rimandi e richiami tra la
voce profonda e levigata dell’una e la danza aerea dell’altro.
ATime in Jazz, la loro performance si inserisce in un evento
articolato in tre parti e altrettante tappe. Titolo: “Line(e)arie”.
Si comincia alle 9:45 nella stazione ferroviaria di Berchidda,
con la Banda musicale “Bernardo De Muro” che accoglie gli
spettatori-viaggiatori in partenza col treno per
Olbia alle 10:17. All’arrivo nella stazione del
capoluogo gallurese (alle 10:51), comincia
l’esibizione di Paola Turci e Giorgio Rossi che,
dopo un trasferimento in bus e grazie alla collaborazione
della Geasar, proseguirà poi, a mezzogiorno
e mezzo, nell’aeroporto Olbia Costa
Smeralda: uno spazio simbolicamente in tema
col loro Cielo.
Una ragazza con la chitarra, una bella voce e
una presenza solare: Paola Turci debutta così,
nel 1986, al Festival di Sanremo e vince il
Premio della Critica con L’uomo di ieri. Da
allora ad oggi tornerà sul palco della città dei
fiori altre otto volte (anzi, nove, se contiamo
l’apparizione accanto a Max Gazzè nell’ultima
edizione), raccogliendo ancora allori dalla critica
e un primo posto nel 1989 nella sezione
“Nuove Proposte”. Sono gli anni dei primi
dischi: Ragazza sola, ragazza blu (1988),
Paola Turci (1989), Ritorno al presente (1990),
e di canzoni come L’uomo di ieri, Sarò bellissima, Bambini,
Frontiera. Il 1993 è l’anno del quinto album, il celebratissimo
Ragazze, ma anche di un brutto incidente d’auto. E’dura,
ma sa uscirne. Una sgommata e via, il disco del ritorno, ha
un piglio rock: firma la title track Vasco Rossi.
E’ l’inizio di un nuovo percorso più decisamente pop-rock
ben fotografato da Oltre le nuvole (1997), album di cover,
ma è meglio dire rifacimenti, di pezzi cari alla Turci: brani
di musicisti e gruppi come Simple Minds, Pretenders, John
Waite, Howard Jones. Time for letting go di Jude Cole, nella
versione della cantautrice romana diventa Sai che è un attimo:
un successo, come tutto l’album che raccoglie il disco
tàdiesperienzediErnstReijsegernelsuointeso
percorso artistico.
Unendo ad una grande maestria un uso non
convenzionale dello strumento, aggiunge una
dose di humor e teatralità alla sua musica:
sono caratteristiche che si colgono al meglio
nelle esibizioni solistiche di Reijseger. Ma il
di platino e spiana la strada al seguente Mi basta il paradiso
(2000). Canzoni nate da una ritrovata voglia di riflettere e di
comunicare: Questa parte di mondo (2002) è fatto così, con
pochi musicisti e un paio di presenze di prestigio. L’uscita
dell’album porta un’intensa attività concertistica: un anno
sui palchi durante il quale Paola Turci registra dal vivo Stato
di calma apparente (2004), dodici brani del suo repertorio,
più due inediti e una cover per un disco che “unisce diverse
prospettive di una stessa anima”. Interamente scritto da lei,
l’ultimo disco, Tra i fuochi in mezzo al cielo (2005), è un
lavoro intimo, istintivo, un viaggio in zone emotive sinora
inesplorate. La cantautrice affronta qui i difficili temi del
dolore, dell’abbandono, della morte; come in Rwanda, dove
si accosta alla tragedia del paese africano (e per questo viene
premiata da Amnesty International).
Gli ultimi anni l’hanno vista impegnata nei tour legati all’album,
ma anche in esperienze nuove e diverse, come la direzione
artistica del festival “Venere elettrica”, dedicato al rock
al femminile. Ma soprattutto è iniziata la collaborazione con
Giorgio Rossi, uno dei più creativi coreografi e danzatori italiani,
col quale ha firmato il coraggioso progetto di Cielo.
Una precoce vocazione per la scena, porta Rossi a formarsi
a Milano, poi al Conservatoire National des Arts du Cirque
et du Mime a Parigi, per muovere presto i primi passi importanti
della carriera con Joseph Russillo e con Carolyn
7
suo rapporto aperto con la musica, con tutta la
musica, gli permette di calarsi perfettamente
nei contesti più differenti pur mantenendo
sempre riconoscibile la propria cifra stilistica.
Non deve dunque sorprendere se tra le tante
esperienze e collaborazioni dell’olandese
figurano quelle con il Tenore e Cuncordu di
Orosei, una delle migliori espressioni del
canto polivocale sardo: il progetto “Colla
Voche”, già applaudito cinque anni fa a
Berchidda, e le musiche per i film di Werner
Herzog “The White Diamond” e “The Wild
Blue Yonder” che ascolteremo la mattina di
mercoledì 13 tra gli alberi del demanio forestale
del Limbara, e poi, lunedì 18 nell’ultimo
concerto della due giorni diTime in Sassari (e
in questo caso con l’accompagnamento delle
immagini dei film).
Nel frattempo, un altro impegno attende
Ernst Reijseger a Berchidda: martedì 12 (ore
21:30) lo ritroveremo infatti in compagnia di
altre due violoncellisti, la connazionale
Larissa Groenewald e il nostro Giovanni
Sollima, per dare vita al progetto
“TreCellos”, primo evento in programma sul
palco “centrale” di piazza del Popolo per questa
edizione di Time in Jazz.
Concerto a tappe per voce danzante e corpo sonoro
Paola Turci e Giorgio Rossi portano il loro “Cielo” nella stazione e all’aeroporto di Olbia
Paola Turci e Giorgio Rossi
Carlson che, nel 1980, lo vuole con sé nella compagnia
Teatro Danza la Fenice di Venezia. Nei primi anni Ottanta
lavora come solista con Dominique Petit e Jean Rochereau,
fonda a Milano il Teatro Alogeno e nel 1984 è cofondatore
della compagnia Sosta Palmizi con la quale crea gli spettacoli
Il cortile (1985), Tufo (1986) e Perduti una notte (1989).
Arrivano prestigiosi impegni anche in ambito internazionale:
coreografo per il film di Terry Gilliam Le avventure del
barone di Munchausen (1987), cura le coreografie per lo
spettacolo Alice di Lindsay Kemp (1988), collabora con la
College Dance Company di Oslo (1989) e il Grif Theatre di
Amsterdam (1990).
Sciolto nel 1990 il nucleo fondatore di Sosta Palmizi, prosegue
il sodalizio artistico con la coreografa
Raffaella Giordano per realizzare spettacoli
come I forestieri (1992), Balocco e Danze rosa
blu (1994). Una riunione del nocciolo storico di
Sosta Palmizi porta frammenti da Il cortile al
festival dei Due mondi di Spoleto (1995) e alla
partecipazione in alcune scene del film Io ballo
da sola di Bernardo Bertolucci. Due coreografie
lo vedono collaborare con il musicista norvegese
Jon Balke (ospite a Berchidda tre anni
fa): Come nuvole (1996) e il concerto Expo 97.
Nel 1998 partecipa con Piume alla Biennale
della Danza di Lione, e riceve il premio della
critica come miglior danzatore e coreografo.
Nuove sperimentazioni e nuove produzioni
segnano gli anni più recenti: Caso (2001), un
progetto di improvvisazione tra musica, danza e
poesia in cui si esibisce di volta in volta con artisti
diversi: musicisti come Paolo Fresu, Danilo
Rea, Gianluigi Trovesi, il poeta Vasco
Mirandola e Stefano Benni; Gli scordati, per sei
danzatori su musiche originali di Giovanni Venosta; Lolita
(2003), con lo scrittore Stefano Benni e il jazzista Paolo
Damiani; Alma (2004), un assolo ispirato ai testi di Pavese,
Neruda e Alda Merini; La Favola Esplosa (2005), libera
interpretazione delle Fiabe Italiane di Italo Calvino; A. Paz.
(2006) una creazione tra danza, parole e immagini suscitata
dall’opera (e la vita) del compianto Andrea Pazienza; e
appunto quel Cielo che ora lo porta a Time in Jazz al fianco
di Paola Turci per rinnovare l’affascinante simbiosi tra una
voce danzante e un corpo sonoro in una cornice inconsueta,
fra treni e binari, fra viaggiatori di passaggio e spettatori consapevoli.

8
Da molti anni Chris Speed e Jim Black
sono due vere punte di diamante della
new wave jazzistica contemporanea.
Attivi, anche insieme, in molti gruppi
presi a riferimento quando si voglia
delineare la mappa del “new jazz”,
sono universalmente riconosciuti fra i
più attenti, intelligenti, sensibili e
talentuosi musicisti che oggi operano
sulla scena newyorkese più attiva.
Entrambi a Time in Jazz con
l’ensemble di Uri Caine per le
“Variazioni Goldberg”, li vedremo in
azione insieme martedì 12 a Tempio
Pausania (ore 18), nella chiesa di San
Lorenzo, in un estemporaneo duo che
promette scintille e atmosfera degna di
un vero evento.
Compositore, clarinettista e sassofonista
di rara qualità, Chris Speed è nato
a Seattle nel 1967 e il suo entourage
artistico ospita nomi come quelli di
Human Feel (vera e propria incubatrice
dei migliori talenti delle architetture
del jazz attuale), Yeah NO, Trio Iffy,
Pachora e The Clarinets. E’ inoltre
membro fondatore dell’AlasNoAxis e
del John Hollenbeck’s Claudia
Quintet, formazioni con le quali è stato
spesso in tour anche in Italia.
Spostatosi a New York nel 1992, è
entrato immediatamente a far parte
degli importanti Bloodcount di Tim
Berne, trampolino di lancio verso collaborazioni
assolutamente essenziali
come quelle con le band più creative
della scena newyorkese, come il
sestetto di Dave Douglas, il Bar
Kokhba di John Zorn, il Same River Twice di Myra Melford e il trio di Mark Dresser
con Anthony Coleman. Accanto all’attività prettamente jazzistica, ha sempre coltivato
la grande passione per le forme più ricercate della musica popolare dell’Est europeo,
formando anche (dopo lunghi viaggi “culturali” in Bulgaria, Grecia, Turchia,
Siria e Macedonia) una formazione di primo riferimento, Pachora. Oggi è considerato
alla stregua dei più grandi specialisti del settore tangenziale al jazz e ai nuovi pia-
martedì 12 agosto 2008
Un violoncello dalla terra dei tulipani
L’ o l a n d e s e L a r i s s a G ro e n e v e l d e n s o l i t a i re i l 1 2
mattina e poi in piazza del Popolo per “TreCellos”
Larissa Groeneveld
Dopo Ernst Reijseger, protagonista del concerto all’alba di
lunedì 11 sul Monte Limbara, un’altra virtuosa del violoncello
in arrivo a Time in Jazz dalla terra dei tulipani: Larissa
Groeneveld, en solitaire martedì 12 (alle 11) nella chiesetta di
Santa Caterina, nella campagna alle porte di Berchidda. La
ritroveremo poi in serata (ore 21:30) sul palco di piazza del
Popolo per dare vita al progetto TreCellos insieme a Giovanni
Sollima e allo stesso Reijseger, che l’anno scorso l’ha voluta in
studio (insieme al pianista Frank van de Laar) per registrare
l’album Do you still.
Larissa Groeneveld si è formata al conservatorio Sweelinck di
Amsterdam con Dimitri Ferschtman, diplomandosi col massimo
dei voti. Ha poi continuato gli studi con Natalia Gutman
all’Hochschule für Musik di Stoccarda, in Germania, e seguito
masterclass di Mstislav Rostropovich e Yo Yo Ma. Nel 1984 ha
vinto il primo premio al concorso internazionale “Luis
Coleman”, in Spagna, e nel 1992 è stata finalista all’ARD Duo-
Competition a Monaco. Si è esibita con musicisti come Herman
Krebbers e Reinbert de Leeuw, e ha tenuto numerose tournée in
Europa e nelle due Americhe. E’ stata anche solista con diverse
orchestre, tra cui la Netherlands Philharmonic, la Stuttgarter
Philharmoniker e i Berliner Symfoniker. Docente (dal 2001) al
Conservatorio Reale dell’Aia, suona uno strumento del 1765
costruito dal veneziano Domenico Busan.
Con la pianista Ellen Corver e il violinista Vesko Eschkenazy
(subentrato tre anni fa a Peter Brunt) fa parte dell’Osiris Trio.
Nato nel 1988, l’ensemble ha all’attivo un’intensa attività concertistica
con tournée nei cinque continenti (compresa una visita
di stato con la Regina d’Olanda) e un palmarés che conta
diversi allori raccolti in patria, tra cui il premio “Philip Morris
Finest Selection” e l’“Annie Bosboom Prijs”. La sua discografia
abbraccia due secoli di musica per trio con pianoforte, spaziando
da Haydn ai lavori di compositori contemporanei.
Un duo
che promette
scintille
Chris Speed e Jim Black il 12 pomeriggio nella
chiesa di San Lorenzo a Tempio Pausania
Chris Speed e Jim Black
MARTEDÌ 12 AGOSTO
BERCHIDDA
Chiesa di Santa Caterina
Ore 11,00
Larissa Groeneveld
violoncello solo
TEMPIO
Chiesa di San Lorenzo
Ore 18.00
Chris Speed
& Jim Black duo
Produzione originale
Time in Jazz
BERCHIDDA
Piazza del Popolo
Ore 21,30
Ernst Reijseger,
Giovanni Sollima
& Larissa Groeneveld:
“TreCellos”
Produzione originale
Time in Jazz
BERCHIDDA
Piazza del Popolo
Ore 23.00
Steve Coleman
& Five Elements
neti del folk, capace di creare un entusiasmante
e vivo mix tra musica
improvvisata, folk dell’Est europeo e
musica moderna medio orientale.
Attualmente è attivo con molti progetti
di Uri Caine e del quartetto di Ben
Perowsky. “Rising star” per due anni
consecutivi (2004 e 2005) nel celebrato
Critic’s Poll del magazine Down
Beat, è stato importante “resident
artist” nell’edizione 2004 del festival
jazz di Copenhagen, dove si esibito
con diversi gruppi, proponendosi
quale artista assolutamente sensibile e
poliedrico. Nell’aprile del 2006 ha
infine fondato la Skirl Records, etichetta
specializzata in musica creativa
“made in Brooklyn”.
Il pari età Jim Black (anche lui nato
nel 1967 a Seattle) è il più classico
esempio di “batterista pensante”, di
sensibilità e bravura sul serio rare.
Nato musicalmente in campo jazzistico
alla prestigiosa Berklee School of
Music e poi, artisticamente, accanto a
Tim Berne e a Dave Douglas (con quest’ultimo
nella straordinaria ed amatissima
esperienza del Tiny Bell Trio),
Black è da anni a capo del prestigioso
AlasNoAxis (con Hilmar Jensson alle
chitarre, Chris Speed al sassofono e al
clarinetto e Skli Sverisson al basso
elettrico), sorta di monumentale
omaggio al post rock in odore di jazz,
nonché straordinario laboratorio di
ricerca ritmica e tessitura solistica,
diventato in breve tempo un “must”
(cadenzato da incisione a incisione)
della celebre e ricercata etichetta tedesca Winter & Winter. Anche Jim Black fa parte
dei Pachora con Chris Speed, Skuli Sverisson e Brad Shepik. E’ proprio in questo
ensemble che propone i tratti più creativi e liberi della propria arte musicale, utilizzando
strutture ritmiche davvero peculiari e in grado di “sporcare” la tradizione della
percussione classica del mondo balcanico, con giocattoli e attrezzi vari che apportano
all’architettura musicale del gruppo una totale e coloratissima ricchezza musicale.

L’uomo giusto al momento giusto.
La geniale intuizione del
direttore artistico del festival di
Berchidda è corretta. Nessuno,
più di Steve Coleman, può oggi
dare davvero un senso compiuto
al tema di questa edizione di
Time in Jazz, poiché la sua filosofia
musicale è proprio ciò che
meglio si può agganciare al
significato più profondo di
“architettura”. Con i suoi Five
Elements, in attività dal lontano
1981, l’esemplificazione è poi
praticamente perfetta. Ne avremo
una riprova nell’attesa esibizione
di martedì 12 a Berchidda,
quando Steve Coleman (sax contralto),
Jonathan Finlayson
(tromba), Tim Albright (trombone),
Jen Shyu (voce), Thomas
Morgan (basso) e Marcus
Gilmore (batteria), saliranno sul
palco di piazza del Popolo per
chiudere la serata. Ma sarà non
meno interessante, già nel
pomeriggio del giorno prima
Steve Coleman
(lunedì 11, alle 18), accostare le
architetture sonore, e in questo
caso rigorosamente “unplugged”, di una versione
ristretta del gruppo, con quelle fatte di pietre e segni del
tempo del bellissimo santuario di Madonna di Castro, a
pochi chilometri da Ozieri.
Steve Coleman è - in assoluto - tra i protagonisti di rilievo
del jazz contemporaneo; tra gli artisti che meglio
hanno ereditato la lezione dei grandi maestri del passato
di cui propongono uno sviluppo logico, continuando
nel solco segnato da Duke Elllington, Charles Mingus,
John Coltrane in un continuo confronto tra il jazz e le
altre musiche del mondo.
Dagli anni Ottanta, con una sintesi che ha combinato la
pulsazione swing con i ritmi del funk e dell’hip-hop,
Coleman ha esteso la sua indagine alle tradizioni africa-
martedì 12 agosto 2008
Architetture sonore per tre violoncelli
Ernst Reijseger, Larissa Groeneveld e Giovanni Sollima aprono i concerti in piazza del Popolo con TreCellos
Viole, violini, violoncelli: gli strumenti ad
arco sono un refrain quest’anno a Time in
Jazz. E non potrebbe essere altrimenti in
un’edizione all’insegna dell’architettura. Del
resto, aldilà dell’etimologia, non è proprio
sugli archi che la musica, almeno quella che
chiamiamo “classica” o “colta”, ha edificato
le sue massime architetture? Tre violoncellisti
caratterizzano questo capitolo ideale del festival
(un capitolo che si apre domenica 10 con
il doppio concerto del quartetto Alborada a
Olbia): l’olandese Ernst Reijseger, uno tra i
più originali esponenti della musica di
improvvisazione europea, in solo all’alba di
lunedì 11 (ore 5:45) sulle pendici del Monte
Limbara; Larissa Groeneveld, anche lei in
arrivo dal paese dei tulipani, di scena la mattina
dopo (martedì 12, ore 11), nella chiesetta
di Santa Caterina, nelle campagne di
Berchidda; e infine Giovanni Sollima, un virtuoso
dello strumento che ama spingersi oltre
le frontiere fra le musiche, atteso giovedì 14
(ore 11), nella chiesetta di San Michele.
Summa di questo trittico di violoncellisti,
“TreCellos”, la produzione originale che li
vedrà riuniti in apertura della serata del 12
(ore 21:30), per il primo dei concerti in programma
sul palco “centrale” del festival, in
Piazza del Popolo.
Ernst Reijseger, Larissa Groeneveld 3 (foto di Marco Borggreve), Giovanni Sollima
Gli incastri poliritmici dell’“architetto” Steve Coleman
L’altosassofonista con i suoi Five Elements a Berchidda e in versione acustica a Madonna di Castro
ne, asiatiche e cubane; creando gruppi e progetti in cui
interagiscono musicisti di jazz e cantanti rap, percussionisti
latinoamericani e vocalist asiatici. Il tutto pronto a
creare un mélange particolarmente intenso e coinvolgente,
dove si stratificano e convivono le esperienze più
diverse che sicuramente oltrepassano i confini dello
steccato prettamente jazzistico, esondando in territorialità
sicuramente più vaste, sempre sistematicamente e
dannatamente coinvolgenti.
In una proposta così ricca e vitale, oltre al confronto con
altre tradizioni musicali Steve Coleman ha contemporaneamente
approfondito il suo legame con la tradizione
jazz, ad esempio con il bebop di Charlie Parker (vecchio
grande amore del padre), che appare come uno degli sti-
9
moli più travolgenti nella sua
musica.
Nato a Chicago il 20 settembre
del 1956, Steve Coleman
ha studiato con una leggenda
locale quale il sassofonista
Von Freeman e successivamente
si è trasferito a New
York. Qui, a Brooklyn, a metà
degli anni Ottanta, ha dato vita
al collettivo musicale M-Base
insieme ad altri futuri protagonisti
del jazz d’oggi, come il
sassofonista Greg Osby e la
cantante Cassandra Wilson.
Coleman è stato attivo come
leader con numerose formazioni:
il piccolo ed oggi ormai
storico gruppo dei Five
Elements, l’orchestra The
Council Of Bilance, il gruppo
con tre rapper, Metrics, il
quartetto di sax e ritmica
Renegade Way e altri ancora,
fra cui l’interessante e recente
Lucidarium. Geometrie e
ritmo sono le basi primarie del
suo pensiero musicale, straordinariamente
sempre in perfetto
equilibrio con tutti i colori della tavolozza musicale
tout-court. Grande sostenitore della continuità della
musica nera per eccellenza, quello che davvero colpisce
ed affascina della sua proposta sono gli sprazzi di
rhythm & blues latenti, le improvvisazioni secondo i dettami
post-free, l’impiego di radicali tappeti “jungle”
(spesso accostati a tangenziali figurazioni vocali di chiaro
stampo iper-metropolitano); il tutto energicamente
proposto su straordinari sottofondi ritmici binari.
Jazz che solo apparentemente può sembrare di “nicchia”,
ma che trasmette invece il grande significato di comunicazione
ecumenica, travolgendo spesso tutto e tutti (critica
compresa) e regalando concerti che, quasi sistematicamente,
si trasformano in veri eventi musicali.

10
mercoledì 13 agosto 2008
Requiem per un pianeta morente
Ernst Reijseger, Mola Sylla, e il Cuncordu e Tenore de Orosei: concerto al Limbara e cineconcerto a Sassari
Il violoncello di Ernst Reijseger; il canto wolof di Mola Sylla, una tra le voci più
particolari della tradizione senegalese; il Cuncordu e Tenore de Orosei (Piero Pala
e Massimo Roych: voche e mesuvoche; Gianluca Frau: contra; Mario Siotto: bassu;
Patrizio Mura: voche e scacciapensieri), una delle migliori espressioni della
tradizione polivocale sarda. Sono i protagonisti delle colonne sonore di due fra gli
ultimi film di Werner Herzog, The
White Diamond (del 2004) e The Wild
Blue Yonder (dell’anno dopo) che
ascolteremo in concerto, la mattina
mattina del 13 (ore 11) fra gli alberi e
la macchia mediterranea del Demanio
Forestale Monte Limbara Sud, sopra
Berchidda. Si intitola Requiem for a
dying planet il progetto che ricrea dal
vivo le magiche atmosfere dei film:
l’appuntamento con il cine-concerto,
ovvero con l’aggiunta delle immagini
tratte dalle due pellicole, è invece cinque
sere dopo, lunedì 18, a Sassari, per
l’atto conclusivo della due giorni di
Time in Sassari.
La musica ha sempre avuto un ruolo
centrale nel cinema di Werner Herzog.
Non è mai stata un’aggiunta ma sempre
parte integrante di ogni sua crea-
Un'immagine dal film "The Wild Blue Yonder"
zione. In questi due film, il regista di
Un’autentica icona della canzone italiana, al centro del
concerto con cui Time in Jazz, per il quarto anno consecutivo,
rende omaggio a Fabrizio De André: all’Agnata, nei
giardini dello stazzo vicino a Tempio Pausania che il cantautore
genovese scelse come uno dei suoi luoghi di ritiro
preferiti (oggi è un’apprezzatissima azienda rurale destinata
al turismo di qualità), il pomeriggio del 13 agosto (ore
18) è di scena Ornella Vanoni. Ad accompagnare la cantante
milanese - che lo scorso autunno ha firmato il suo
album numero cinquantatré, Una bellissima ragazza - due
musicisti eclettici che sanno coniugare tecnica e feeling: al
pianoforte Paolo Jannacci (figlio d’arte del grande Enzo) e
alla chitarra Michele Ascolese (ha esordito proprio con la
Vanoni, nel 1985, ed è stato stretto collaboratore di De
André) .
“Una goccia di splendore” è il titolo scelto per
l’appuntamento, come sempre organizzato in collaborazione
con la Fondazione Fabrizio De André: titolo preso in
prestito dalla recente “autobiografia per parole e immagi- Ornella Vanoni
ni” dell’indimenticabile Faber curata da Guido Harari.
Ornella Vanoni, come si sa, ha esordito sulla scena come attrice nella scuola del Piccolo
Teatro di Milano diretta da Giorgio Strehler. Tra le prime interpreti dei drammi di Brecht,
a questa esperienza teatrale ha legato il suo primo successo come cantante, Le canzoni della
Mala, un repertorio di brani di grande impatto drammatico. Nel 1960 un altro incontro fondamentale,
quello con Gino Paoli, inaugura un sodalizio artistico e sentimentale: Senza fine
è scritto per lei. La Vanoni alterna per qualche anno la musica agli impegni teatrali: vince il
premio S. Genesio come miglior attrice per “L’idiota” e “La fidanzata del bersagliere”, nel
1964 approda a Broadway col “Rugantino”. Poi, c’è solo la musica: nel 1964 vince il
Festival di Napoli con Tu si ‘na cosa grande di Modugno, nel ‘68 è seconda a Sanremo con
Casa Bianca di Don Backy, e inanella una serie di canzoni che fanno epoca: Io ti darò di
più, La musica è finita, Tristezza, Una ragione di più, L’appuntamento, Domani è un altro
giorno.
Ornella Vanoni si afferma come raffinata interprete della canzone d’amore italiana. Ma non
si adagia sugli allori. Nel 1974 fonda la sua casa discografica, inaugura il fortunato sodalizio
con il produttore Sergio Bardotti e stringe incontri importanti: con Toquinho e Vinicius
capolavori come Aguirre, Nosferatu e Fitzcarraldo la usa per compiere un ulteriore
passo: “Voglio usare l’immaginazione e il suono in un modo che non avete mai
incontrato prima”, scrive all’inizio della produzione del suo film The Wild Blue
Yonder (L’ignoto spazio profondo). Un film di fantascienza sui generis, girato come
un documentario, fondendo alcune spettacolari riprese della Nasa nello spazio, con
immagini raccolte invece negli abissi
sotto la calotta antartica, in un meccanismo
di sospensione sempre magico e
conturbante.
Altrettanto si può dire del precedente
The White Diamond, che Herzog ha
girato aggregandosi alla spedizione di
un ingegnere inglese impegnato a sorvolare
a bordo di un aerostato le gigantesche
cascate Kaieteur in Guyana.
Su queste memorabili immagini,
Herzog ha innestato le musiche di
Ernst Reijseger (compositore di tutto il
materiale), la voce del senegalese Mola
Sylla e le polifonie del Tenore e
Concordu di Orosei. L’effetto finale è
quello di una trance fuori dal tempo e
dallo spazio, un intreccio virtuoso e
ipnotico di suoni e voci in un audace
incontro fra jazz d’avanguardia e tradizioni
arcaiche.
Una goccia di splendore per Fabrizio
Ornella Vanoni protagonista del consueto
omaggio a De André nei giardini dell’Agnata
in collaborazione con
Florovivaistica
la Fumosa
De Moraes registra nel 1976 La voglia, la pazzia,
l’incoscienza, l’allegria: un successo internazionale; con i
New Trolls il doppio Io dentro, io fuori; con il cantante
Gepy un singolo da alta classifica, Più.
Gli anni Ottanta portano la maturità e un nuova consapevolezza
artistica: la “Signora della Canzone Italiana” firma
sempre più spesso i brani che interpreta, come Vai
Valentina e Il marinaio. Continuano anche gli incontri: con
Loredana Berté, Caterina Caselli, Gerry Mulligan, Lucio
Dalla. E Gino Paoli: il loro tour in coppia nel 1985 è un
trionfo. L’anno dopo è invece un cast di stelle jazz ad
affiancarla nel doppio album Ornella &…: musicisti del
calibro di Gil Evans, George Benson, Herbie Hancock,
Ron Carter, Lee Konitz, Michael Brecker, Herbie Mann,
Steve Gadd.
Gli anni Novanta cominciano all’insegna della collaborazione
con Mario Lavezzi, produttore e autore di tante canzoni
di successo. Nel 1996 esce Sheherazade, disco d’oro
che vede la partecipazione di Paolo Fresu e del musicista
ugandese Geoffrey Oryema. Dalla collaborazione ancora
con il trombettista sardo e con il produttore e arrangiatore Beppe Quirici, due anni dopo
nasce l’album Argilla.
Nel 2001 pubblica due dischi di cover degli anni Sessanta e Settanta: Un panino, una
birra… e poi (disco di platino) e, a ruota, E poi… la tua bocca da baciare che darà il via a
un riuscito tour dei migliori teatri italiani. Altre interpretazioni in Sogni proibiti: stavolta la
cantante milanese si misura con il meglio di Burt Bacharach che per l’occasione firma e
arrangia per lei un nuovo brano, Love is (still) the answer.
Dopo quasi vent’anni dal precedente incontro artistico, nel 2004 Ornella Vanoni ritrova
Gino Paoli per registrare un album di inediti, Ti ricordi? No non mi ricordo: la successiva
tournée, come nel 1985, registra record d’incasso ai botteghini dei più importanti teatri. Un
successo che merita di essere consegnato alle tracce di un doppio CD e DVD (VanoniPaoli
Live). Poi, lo scorso settembre, il cinquantatreesimo album della cantante, Una bellissima
ragazza: prodotto da Mario Lavezzi raccoglie dodici brani e tante firme eccellenti fra gli
autori (Ron, Grazia Di Michele, Renato Zero, Pacifico, Renzo Zenobi, fra gli altri) e fra i
musicisti (Mario Biondi e ancora Paolo Fresu).
Enoteca
Demuro
Cantine
Surrau
F.lli
Puliga

mercoledì 13 agosto 2008
Il piano solo, le Variazioni Goldberg, il duo con Paolo Fresu e quello con Don Byron
Uri Caine si fa in quattro
Il pianista americano fra i protagonisti più attesi del festival
Tecnica impeccabile, senso dello swing, grande verve
improvvisativa, una feconda vena compositiva, una vastissima
cultura musicale, una giusta dose di humor. Queste le doti
dell’eclettico Uri Caine, un musicista che ama superare i confini
fra i generi e gli stili per dare forma al suo pensiero musicale,
spaziando con disinvoltura dal jazz d’avanguardia all’elettronica,
dal klezmer al rock. Alla musica classica: sono
famose le sue visionarie riletture di Schumann, Mahler,
Wagner, Verdi, Mozart e soprattutto delle “Variazioni
Goldberg” di Johann Sebastian Bach, “piatto forte” dei ben
quattro impegni che attendono il pianista americano in questa
edizione di Time in Jazz. Già consegnata alle tracce di un
album di otto anni fa, Caine proporrà la sua personale reinterpretazione
del capolavoro bachiano in una versione e con un
ensemble diversi rispetto a quel memorabile precedente discografico:
saranno Barbara Walker (voce), Joyce Hammann
(violino), Drew Gress (contrabbasso), John Swana (tromba),
Chris Speed (clarinetto), Jim Black (batteria) e DJ Olive (consolle
dj) a salire con lui sul palco “centrale” di piazza del
Popolo nel secondo set della serata di mercoledì 13.
Ma già nel primo (ore 21:30), troveremo Uri Caine seduto al
suo pianoforte accanto alla tromba e al flicorno di Paolo Fresu
per rinnovare un incontro nato proprio qui al festival di
Berchidda edizione 2002, maturato negli anni seguenti attraverso
tanti concerti, e fissato sul disco “Things” nel 2006. Un
disco denso di feeling e di atmosfere differenti, lirico e
raffinato, specchio fedele dell’intesa perfetta tra i due
musicisti, alle prese con un repertorio che alterna standard a
brevissime composizioni originali, rivisita pagine di
Gershwin, Miles Davis e l’Irving Berlin di “Cheek to Cheek”,
ma anche il barocco di Monteverdi (“Sì dolce è il tormento”)
e un cavallo di battaglia di Mina come “E se domani”.
Altri due appuntamenti contribuiranno a precisare lo
sfaccettato profilo artistico di Uri Caine: la sera dell’11, un
doppio concerto in solo nella Basilica di Sant’Antioco di
Bisarcio, nelle campagne di Ozieri (alle 21 e alle 22); e il
pomeriggio del 14 (ore 18), nella chiesa di San Nicola di
Carana, a Luras, in duo con il clarinettista Don Byron, partner
artistico di lunga data e tante esperienze con cui condivide più
affinità: l’eclettismo, lo studio dei repertori classici della
musica ebraica, l’attenzione per autori e generi del passato ma
con una prospettiva sempre modernissima.
Classe 1956, Uri Caine ha iniziato a studiare il pianoforte con
Uri Caine (Foto di Robert Lewis)
Bernard Pfeiffer a Filadelfia (la città dove è nato) quando
aveva dodici anni. Il maestro richiedeva ogni settimana al giovane
allievo una nuova composizione che veniva poi rielaborata,
estesa, deformata e arricchita. Questo tipo di approccio si
rivelerà basilare per lo sviluppo non solo della tecnica sulla
tastiera ma anche della teoria jazzistica di Uri Caine. Quando
si iscrive all’università, il pianista è già coinvolto nella scena
jazz della sua città. Studia composizione con George
Rochberg e George Crumb, contemporaneamente segue i
corsi di letteratura: questi studi, insieme all’elevato ambiente
familiare, favoriscono quella flessibile e raffinata cultura che
emergerà successivamente in tutti i suoi lavori. Suona intanto
con i grandi jazzisti di passaggio a Filadelfia, da Freddie
Hubbard a Joe Henderson, da Phil Woods a Lester Bowie. La
combinazione tra le frequentazioni jazzistiche e approfonditi
corsi di musicologia, contribuiranno a forgiare l’eclettismo e
l’apertura del pensiero musicale del pianista.
Trasferitosi a New York, registra i primi due dischi come solista,
“Sphere music” nel 1993 e “Toys” nel 1995 per la JMT,
la prima etichetta di Stefan Winter. Il secondo contiene una
citazione della Prima Sinfonia di Mahler che, su insistenza
dello stesso Winter, porta Caine ad immergersi profondamente
nella musica del grande compositore boemo. Il risultato sarà
pubblicato nel 1996 per la nuova etichetta Winter & Winter.
11
Nato come colonna sonora di un film documentario per la
regia di Franz Winter, “Urlicht/Primal Light” diventa un
piccolo classico contemporaneo e indica nuove direzioni
nella rilettura del repertorio “colto”: una rivisitazione ricca
di intelligenza, cultura, humour, rispettosa delle partiture originali
ma anche molto personale, che porta a Uri Caine il
primo premio della Toblacher Kompanierhaus, un riconoscimento
di norma assegnato alla migliore esecuzione “ortodossa”
dell’anno.
Nel 1997 è la volta di “Wagner e Venezia” dove l’autore del
“Tristano” viene arrangiato per una piccola formazione di
archi, fisarmonica e pianoforte. Un nuovo cambio di fronte
ed ecco “Blue Wail”, un disco in trio (con James Genus e
Ralph Peterson jr.) costruito su materiale originale; poi, nel
1999, il ritorno al repertorio mahleriano con il doppio
“Gustav Mahler in Toblach”, registrato dal vivo a Dobbiaco,
la cittadina che vide la nascita di molti capolavori del compositore
boemo. Nello stesso periodo, l’eclettico Caine realizza
“The Sidewalks of New York”, dedicato a Tin PanAlley
e agli albori della grande canzone americana, quindi si accosta
con “Love Fugue” ai lieder di Schumann di
‘‘Dichterliebe”‘ e, con “The Goldberg Variations” rilegge a
modo suo Bach. La sua vena inesauribile partorisce nel 2001
tre nuovi cd: “Solitaire” (al piano solo, come dal titolo),
“Rio”, registrato dal vivo nella città brasiliana con diverse
formazioni, e “Bedrock 3”, in trio con Tim Lefebvre al basso
e Zach Danziger alla batteria.
Ancora una scorribanda sul fronte classico, nel 2002, con
“The Diabelli Variations”, arrangiamenti e improvvisazioni
per pianoforte e orchestra sull’opus 120 di Beethoven, e
ancora un cd sulle canzoni di Mahler, “Dark Flame” nel
2003. “Live at the Village Vanguard”, in trio con Drew Gress
e Ben Perowsky (2004), “Shelf Life”, seconda uscita del
Bedrock trio (2005), una rilettura di pagine di Mozart (“Uri
Caine Ensemble Plays Mozart”, del 2006), il già citato
“Things” in duo con Paolo Fresu, “The Classical Variations”
(dell’anno scorso) e il recentissimo “The Othello Syndrome”
(ancora una libera interpretazione dell’opera di Verdi), sono
le più recenti prove discografiche di Uri Caine. Che, accanto
a una produzione così vasta e variegata, conta collaborazioni
con musicisti come Dave Douglas, John Zorn e soprattutto
Don Byron, presente in sei dei diciannove album firmati dal
pianista americano.

12
E’ la dimostrazione vivente di
quello che può nascere dal connubio
tra una preparazione classica
fatta di impegno e studi tradizionali,
e un’innata curiosità e
voglia di sperimentare. Vedere,
anzi, ascoltare per credere il suo
concerto solistico in programma
la mattina del 14 nella suggestiva
cornice della chiesetta di San
Michele, nella campagna intorno
a Berchidda. Ma anche il progetto
“TreCellos”, di scena due
sere prima sul palco in Piazza
del Popolo, che lo vedrà in compagnia
di due colleghi di strumento,
gli olandesi Ernst
Reijseger e Larissa Groeneveld.
Giovanni Sollima nasce palermitano
e violoncellista, figlio
d’arte. Il padre Eliodoro, compositore
e pianista, è stato
docente di composizione nonché
direttore al conservatorio di
Palermo. Giovanni cresce respirando
musica, studia al conservatorio
della sua città, si perfeziona
a Salisburgo con Antonio
Janigro e a Stoccarda con Milko
Kele. La sua carriera di violoncellista
inizia presto portandolo
a fruttuose collaborazioni sia in
Italia che in campo internazionale.
Suona con grandi musicisti
come Claudio Abbado,
Giuseppe Sinopoli, Franco
Ferrara, Jorg Demus e Martha
Argerich. Interprete raffinato,
ma profondamente curioso e
creativo, il musicista siciliano si
cimenta nella sperimentazione
più originale, creando suggestive
contaminazioni tra generi
diversi. Rock, jazz, electric e
musica etnica confluiscono nella
sua produzione dando vita a un
originale miscuglio musicale
dal forte impatto emotivo.
Una base classica da cui partire,
nuove frontiere da sperimentare
creano l’inconfondibile stile
Sollima per il quale il musicista
si avvale di strumenti acustici
provenienti da tutto il mondo;
alcuni sono addirittura di sua
invenzione, e portano nomi esotici
o dal richiamo mitologico:
l’aquilarco, per esempio, o il d
touch o ancora il body-cello.
Il suo peregrinare per i palcoscenici
di tutto il mondo non gli
fa però dimenticare l’isola di
origine e la sua storia spesso
drammatica. Nel 1993 scrive
L’“Agnus Dei” del Requiem per
le vittime della mafia, una
messa composta da diversi artisti
su testo dello scrittore e saggista
Vincenzo Consolo.
L’occasione è quella del primo
anniversario della strage di
Capaci, il luogo l’affascinate e
grandiosa Cattedrale di
Palermo. Ma tra le sue produzione
più originali vanno sicuramente
ricordate le interpretazioni
di due brani di Jimy Hendrix,
“Angel” e “Purple Haze”, dove
il violoncello incontra forse per
la prima volta il rock puro di un
grande della musica di tutti i
tempi.
Un lavoro tanto originale non
poteva non attirare l’attenzione
di grandi musicisti e interpreti:
direttori come Riccardo Muti,
Gidon Kremer, Yuri Bashmet,
Daniele Gatti, Ivan Fischer;
solisti come Yo-Yo Ma, Mischa
Maisky, Viktoria Mullova,
giovedì 14 agosto 2008
La seduzione del violoncello
Giovanni Sollima in solo il 14 mattina nella chiesa di San
Michele e due sere prima nel progetto “TreCellos”
BERCHIDDA
Chiesa di San Michele
Ore 11,00
Giovanni Sollima
violoncello solo
LURAS
Chiesa di San Nicola di Carana
Ore 18,00
Don Byron & Uri Caine duo
Produzione originale Time in Jazz
Giovanni Sollima
Mario Brunello, Bruno Canino,
Katia Labeque, Enrico Dindo,
Julius Berger, David Geringas,
Larry Coryell, Mauro Pagani;
interpreti vocali come Ruggero
Raimondi, Patti Smith, Vinicio
Capossela, Morgan, Edoardo
Bennato, Elisa; coreografi come
Karole Armitage, Bebe Miller,
Fabrizio Monteverde, Micha
van Hoecke, Carolyn Carlson.
Questo suo talento creativo
capace di fare incontrare elementi
apparentemente inconciliabili
affascina i palcoscenici di
tutto il mondo. Canada, Stati
Uniti e Giappone sono solo
alcuni di questi. Nel 2000 tiene
GIOVEDÌ 14 AGOSTO
un concerto alla Carnegie Hall:
primo italiano nella storia dell’auditorium
americano ad aver
eseguito nella sala principale un
intero programma di proprie
musiche e ad essere omaggiato
con una standing ovation. Ma a
New York c’è anche la Knitting
Factory, autentico tempio dell’underground
che consacra il
musicista siciliano come il Jimy
Hendrix del violoncello. Una
bizzarria direbbero in molti, un
grande e originale successo con
il quale debutta alla Scala di
Milano nel gennaio dell’anno
scorso davanti a un teatro gremito,
eseguendo tra gli altri anche
originali arrangiamenti di brani
barocchi. La fantasia e la voglia
di sperimentare e stupire di
Sollima non si ferma qui e, sempre
nel 2007, si esibisce in Alto
Adige a una temperatura di
meno venti gradi suonando un
inedito violoncello di ghiaccio
creato appositamente per lui. Il
suo ultimo album, “We were
trees”, uscito a maggio, è un
nuovo seducente caleidoscopio
di suggestioni inaspettate in cui
confluiscono musica africana,
fandango, testi senegalesi e collaborazioni
importanti: una fra
tutte quella con la grande Patty
Smith.
BERCHIDDA
Piazza del Popolo
Ore 21,30
Mark Feldman & Sylvie Courvoisier duo
BERCHIDDA
Piazza del Popolo
Ore 23,00
Gavino Murgia quintet: “Megalitico”
Coproduzione originale Time in Jazz
e Locus Festival di Locorotondo

Due autentici virtuosi impegnati a indicare
nuove direzioni per la più classica coppia
di strumenti, violino e pianoforte, e a
disegnare i tratti di una possibile musica
da camera del futuro. Lirismo, immaginazione,
intensa energia: sono le frecce
nell’arco di Mark Feldman e nei tasti di
Sylvie Courvoisier, l’affiatatissimo duo
che potremo applaudire sul palco di piazza
del Popolo nel primo set della serata
del 14, e poi, due giorni dopo (sabato 16,
ore 18), sui pendii del Monte Acuto, per
accompagnare l’ultimo tramonto del ventunesimo
Time in Jazz con un programma
dedicato al grande compositore (e
architetto) Iannis Xenakis. Ma anche
Time in Sassari, il prolungamento della
kermesse berchiddese, li chiama sul suo
palco: domenica 17, intorno alle 23, in
piazza del Palazzo Ducale.
Nato a Chicago, Mark Feldman si è trasferito
nel 1986 a New York, dove ha
lavorato in studio di registrazione con
Cheryl Crow, i Manhattan Transfer,
Diana Ross, Carol King e The Might BE
Giants. Violinista e compositore, ha
vinto il primo premio dei critici della
rivista Down Beat come talento emergente
nel 1994, 1995 e 1999. Solista in
vari gruppi europei - come la Basel
Sinfonietta e la Big Band di George
Gruntz (Svizzera), la WDR Radio
Orchestra e la WDR Big Band
(Germania), la UMO Big Band
(Finlandia) — e nella Sweet Basil
Monday Nite Big Band a New York, ha
suonato con jazzisti del calibro di John
Zorn, Billy Hart, John Abercrombie, Joe
Lovano, Dave Douglas, Bill Frisell, Uri
Caine, Elline Elias, Tom Harrell, Ray
Anderson, Don Byron, Trilok Gurtu,
Anthony Davis e Pharoah Sanders.
Il suo nome compare in più di cento
dischi, compresi i suoi Music for Violin
Alone e Music for Violin and Piano (in
duo con Sylvie Courvoisier), e The
String Quartets di John Zorn. A
Nashville, dove ha vissuto tra il 1980 e
l’86, ha inoltre partecipato alle registrazioni
di qualcosa come duecento album –
tra cui quelli di artisti come Johnny
giovedì 14 agosto 2008
Con Mark Feldman e Sylvie Courvoisier nuove direzioni per la più classica coppia di strumenti
Musica da camera del futuro per violino e pianoforte
Il duo sul palco centrale, al tramonto sul Monte Acuto e nella prima serata di Time in Sassari
Mark Feldman & Sylvie Courvoisier
La materia che si fa suono; la stratificazione sonora e litica; la forma; il vuoto e il
pieno, l’interno e l’esterno. Parte da questi elementi primordiali “Megalitico”, coproduzione
originale di Time in Jazz e del Locus Festival di Locorotondo, in Puglia (in
provincia di Bari), commissionata a Gavino Murgia, uno dei nomi di spicco della
scena jazzistica e “di confine” sarda. Per dare forma al progetto – in programma sul
palco di piazza del Popolo nella seconda parte della serata di giovedì 14 - il sassofonista
nuorese ha convocato un organico in cui si riconoscono volti noti del jazz transalpino,
come Michel Godard
(tuba e serpentone) e Frank
Tortiller (vibrafono e marimba), e
di quello nostrano, come Luciano
Biondini (fisarmonica) e Pietro
Iodice (batteria). Con loro anche
il videomaker, tecnoartista e
mediattivista campano Giacomo
Verde e gli scatti del fotografo
Donato Tore. Jazz e suoni mediterranei,
per un excursus in musica
e immagini fra elementi primordiali
e architettonici di
Sardegna e Puglia.
Polistrumentista (suona tutta la
famiglia dei sassofoni, ma anche
strumenti della tradizione isolana,
come le launeddas, e canta con
una notevole voce baritonale),
Gavino Murgia è da tempo impegnato
in un percorso che si snoda
fra jazz ed etnofonia: nel suo curriculum
figurano infatti esperienze
in svariati contesti musicali
con musicisti come Pietro Tonolo,
Paolo Fresu, Michel Godard, Don
Gavino Murgia
Cash, George Jones, Willie Nelson,
Tammy Wynette e Jerry Lee Lewis – ed
ha suonato nei gruppi dei cantanti
country-western Loretta Lynn e Ray
Price. Come compositore ha ricevuto
commissioni dal Kronos Quartet e dalla
WDR Radio Orchestra. Oltre al duo con
Sylvie Courvoisier, conta collaborazioni
con Lee Konitz, The Arcado String Trio,
Tim Berne e Bobby Previte.
Nata e cresciuta a Losanna, in Svizzera,
Sylvie Courvoisier vive da dieci anni a
New York. Pianista e compositrice, ha
suonato e registrato con musicisti come
John Zorn, Ikue Mori, Joey Baron, Tim
Berne, Tony Oxley, Yusef Lateef, Dave
Douglas, Joëlle Léandre, Herb
13
Robertson, Butch Morris, Tom Rainey,
Mark Dresser, Ellery Eskelin, Fred Frith
e Michel Godard. Tra i suoi lavori,
Concerto for electric guitar and chamber
orchestra (1999), con Fred Frith
come solista, tre Balbutiements per quartetto
vocale e soprano (1995-2000), e
Ocre de Barbarie, una performance
musicale per metronomi, automatons,
organo a manovella, piano, tuba, sax,
violino e percussioni, commissionata dal
Vidy Theater e dal Donaueschingen
Musiktage Festival (1998). Abaton, con
Mark Feldman e Erik Friedlander
(2004), Malphas, con musiche di John
Zorn interpretate in duo con Feldman
(2006), Lonelyville, col suo quintetto
(2007), e un album per piano solo, Signs
and epigrams (sempre dell’anno scorso),
sono le sue ultime realizzazioni
discografiche.
Oltre a suonare intensamente da una
dozzina d’anni alla testa di proprie formazioni
nei più importanti festival di
musica classica e jazz d’Europa, Stati
Uniti e Canada, fa parte del trio Mephista
(con Ikue Mori all’elettronica e Susie
Ibarra alla batteria), del quintetto di Herb
Robertson (con Tim Berne, Tom Rainey
e Mark Dresser), del quartetto di Yusef
Lateef e del trio di Vincent Courtois.
Attivo dal 1997, il duo con Mark
Feldman propone proprie composizioni e
musiche di John Zorn.
Gavino Murgia fra parole e pietre
Il polistrumentista nuorese presenta “Megalitico” e duetta
con Francesco Sotgiu e lo scrittore Gavino Ledda
Moye, Mal Waldron, Al di Meola, Djivan Gasparian, Rabih Abou Kalil e Sainkho
Namtchylak.
Fra i diversi progetti in cui è impegnato c’è il duo, attivo da un paio d’anni, con Francesco
Sotgiu, un percussionista affine per esperienze e sensibilità artistica: il pomeriggio di ferragosto
(ore 18), avremo modo di vederlo in azione a Pattada, nella chiesa di San
Giovanni. Ma a rendere speciale l’appuntamento sarà, nella seconda parte, l’incontro fra
le musiche di Gavino Murgia e i testi scritti e interpretati da Gavino Ledda. Lo scrittore
di Siligo è noto ai più per la sua
prima opera, “Padre padrone”, il
romanzo autobiografico di un
pastore analfabeta che diventa dottore
in glottologia. Quando uscì, nel
1975, il libro (e poi il film che ne
trassero poco dopo i fratelli
Taviani) fece scalpore e, tradotto in
trentanove lingue, ottenne un grosso
successo editoriale, con un
milione e mezzo di copie vendute.
Dopo “Lingua di falce” (del 1977),
il lavoro di Gavino Ledda è andato
concentrandosi sulla ricerca e la
sperimentazione di un nuovo idioma,
basato anche sul recupero del
sardo arcaico. Una lingua “a quattro
dimensioni”, che scardina le
convenzioni della lingua tradizionale,
conia nuovi termini, gioca con
prefissi e suffissi, mescola e giustappone
sardo e italiano, latino e
greco, per esplorare nuove modalità
espressive e rappresentare la
complessità della materia, della
natura, dell’Universo.

14
Time in Jazz presenta
anche quest’anno alcune
novità editoriali e discografiche
legate o collegate
al festival, alla sua storia,
ai suoi protagonisti.
E’ il caso di “Il canto:
mare e terra”, uno studio
sul Cuncordu e Tenore
de Orosei firmato dal
nuorese Luca Devito,
collaboratore di Time in
Jazz, che in questa recentissima
pubblicazione
(edita da Nuovi
Equilibri) ha aggiornato
e in parte riscritto la tesi
con cui quattro anni fa si
è laureato in Etnomusicologia al
DAMS di Bologna, la città dove
vive e lavora.
Il Cuncordu e Tenore de Orosei
è l’unico gruppo tradizionale di
canto polivocale sia sacro che
profano ancora presente in Sardegna.
Lo studio di Devito, spiega
e racconta in modo semplice
ma esaustivo la ricchezza del
canto a tenore e del canto a cuncordu
nei suoi diversi aspetti: il
suono, il verso, la parola, il
contenuto, l’armonia, la melodia,
il rito nel quale si inserisce
la musica. I documenti sonori
raccolti nel cd allegato al libro
offrono un riscontro concreto
alle analisi contenute nelle 128
pagine di questa pubblicazione
che verrà presentata a Time in
Jazz nel suo momento più idoneo:
mercoledì 13 (ore 11) al
Demanio Forestale Monte
Limbara Sud, subito prima del
concerto del Cuncordu e Tenore
de Orosei con Enrst Reijseger e
Mola Sylla.
Per tradizione, la mattina di
Ferragosto, al Museo del Vino
di Berchidda (ore 11), è dedicata
a una novità recente nel panorama
discografico sardo.
Quest’anno sono due. Il debut
album del quartetto Aghera (di
cui parliamo nell’articolo qui
sotto) e un doppio antologico
tratto dalle registrazioni del
vasto archivio di Time in Jazz.
Si intitola emblematicamente
“Then and now” (letteralmente
“allora e adesso”) e raccoglie,
come in un album di ricordi,
venti brani, uno per ciascuna
edizione del festival, in ordine
rigorosamente cronologico. Si
va dunque dalle note del Billy’s
Garage Trio del compianto bat-
E’ tra le più interessanti proposte apparse
di recente sulla scena jazzistica sarda. Un
ensemble tutto affiatamento e interazione,
fantasia e intuizione, con Pierluigi
Manca al contrabbasso, Andrea Granitzio
al pianoforte, Emanuele Conti al sax e,
alla batteria, Daniele Russo, subentrato
di recente ad Andrea Ruggeri. Il nome
che si sono dati, Àghera, nell’antico dialetto
sardo significa “aria”. Parola da
associare in libertà, come entro un arabesco
di suoni. Nato nel 2005, il quartetto
ha da poco firmato il suo disco d’esordio
(“Àghera”, appunto) a cura di Gianni
Menicucci di Tajrà Edizioni e
Produzioni. E in questo lavoro – che presentato
dal vivo la mattina di ferragosto,
nel consueto concerto-aperitivo al Museo
del Vino (ore 12) - è proprio l’aria a sug- Aghera
gerire la direzione di pensiero per raggiungere
l’essenza, la fonte di una forza
ispiratrice, un istinto. “La musica è il tentativo di dare forma al pensiero, di comunicare
energia, di spiegare una inclinazione, descrivere un luogo. I suoni, nel percorso
che compiono attraversando l’aria, s’impregnano di significati e di interpretazioni
diverse”, racconta Andrea Granitzio, portavoce del gruppo: “l’album è il frutto di un
lavoro di composizione che ha avuto inizio non appena siamo stati in grado di percepire
i suoni circostanti, di catturarli, e quindi di condividerli”.
venerdì 15 agosto 2008
Pagine di musica da leggere e ascoltare
Luca Devito presenta il suo libro “Il canto: mare e terra”.
Doppio cd antologico per venti Time in Jazz.
terista Roberto
“Billy” Sechi, fra i
protagonisti del primo
Time in Jazz nel lontano
1988, all’incontro
nel segno del
“Passavamo sulla
terra leggeri” di
Sergio Atzeni, fra la
musica di Paolo Fresu
e le parole di Lella
Costa catturate l’anno
scorso nell’edizione
numero venti. In
mezzo, tante pagine di
musica ed emozioni
irripetibili firmate da
musicisti del calibro
di Carla Bley, Jon Hassell, gli
indimenticabili Steve Lacy e
Jeanne Lee, o consegnate a progetti
come la “Roccellanea
Suite” scritta a quattro mani da
Paolo Damiani e da Gianluigi
Trovesi, “Sonos ‘e memoria &
Friends”, l’“Italia-Senegal
Project” con il percussionista
Fulvio Maras e i musicisti di
Dakar, “Il brutto anatroccolo”
con la voce di Benito Urgu che
rilegge la favola di Andersen.
“Venti anni di Time in Jazz sono
difficili da raccontare ma fortunatamente
la musica parla da
sola”, scrive Paolo Fresu nelle
sue note di copertina.
Questo doppio album è allora
un ottimo mezzo per “annodare
ricordi, pensieri ed emozioni” e
ricostruire il percorso di quell’esperienza
unica e straordinaria
che è Time in Jazz.
VENERDÌ 15 AGOSTO
BERCHIDDA
Museo del
Vino/Enoteca regionale
Ore 11,00
Presentazione del cd
“Aghera” (Edizioni Tajrà)
e del doppio album antologico
di venti edizioni
di Time in Jazz
Presentazione delle bottiglie
da collezione
di Time in Jazz 2008
In collaborazione con la
Cantina Sociale Giogantinu di
Berchidda,
con la Cantina Sociale del
Vermentino di Monti
e con Lucrezio Rau
C’è qualcosa di nuovo nell’Aghera
Il quartetto sardo presenta il suo disco d’esordio nel concerto-aperitivo di ferragosto al Museo del Vino
“Àghera” diventa allora una lezione di
sensibilità e stile, un lavoro ricco di
intensità emotiva, etereo e intimista, ma
dal temperamento appassionato in cui
l’eleganza strumentale evoca immagini
e sensazioni. La fantasia e la passione
costruttiva hanno dunque un largo margine
di applicazione lavorando sul
ritmo, sul timbro, sulle variazioni tematiche.
Un sound originale che non
nasconde l’inclinazione alla melodia e,
come in un quadro impressionistico,
rivela una grande efficacia comunicativa.
Così, fin dalle prime battute, la
musica del quartetto si trasforma in suggestione,
visione, sogno, narrazione.
Ma non perde mai di vista
l’immediatezza e il gioco, lasciando trasparire
una vena disinvolta e vivace che
esprime sensualità, leggerezza e facilità
d’ascolto. Sforzandosi di cogliere le
coincidenze, quasi onomatopeiche, tra il movimento della loro musica e quello dell’aria,
gli Àghera sono riusciti ad organizzare i suoni in una nuova geografia sonora,
dilatandone i confini convenzionali in modi mutevoli e mediante combinazioni
sempre nuove.
Dopo Berchidda, altro impegno per il quartetto lunedì 18 a Ittireddu (Ss), nell’ambito
della due giorni di Time in Sassari: nella Chiesa di San Giacomo alle 18.

Nel corso della sua carriera, Don Byron si è messo in luce interpretando la musica di
artisti diversi per epoche e stili di riferimento: da Duke Ellington a Igor Strawinsky,
da Lester Young a Henry Mancini a Sly Stone. Due anni fa ha lanciato un nuovo progetto
dedicato alla musica di un’icona del soul e del R&B degli anni
Sessanta/Settanta, il sassofonista e cantante Junior Walker (1931-1995). Consegnato
alle tracce del disco Do the boomerang - che contiene le cover di alcuni fra i maggiori
successi di Junior Walker, come Shotgun, Cleo’s Mood, I’m a roadrunner, What does
it take (to win your love), oltre a una versione di There it is di James Brown - il progetto
approda a Berchidda la sera di ferragosto. Sul palco di piazza del Popolo, accanto
alle ance di Don Byron (sax
tenore e clarinetto), un organico
che vede David Gilmore alla chitarra,
George Colligan all’organo
Hammond, Brad Jones al basso,
Rudy Royston alla batteria e il
cantante Dean Bowman. E sarà
un magnifico prologo alla festa
finale con i Funk Off.
Don Byron si è dato da tempo a
esplorare le più differenti tradizioni
musicali e a dare forma a
quello che lui chiama un “suono
al di sopra dei generi”.
Clarinettista, sassofonista, compositore
e arrangiatore, ridefinisce
i connotati di ogni musica con
cui si confronta - classica, salsa,
hip-hop, funk, rhythm & blues,
klezmer - e di ogni stile del jazz,
dallo swing al bop alle improvvisazioni
più estreme.
Jazzista dell’anno al referendum
della rivista specializzata Down
Beat nel 1992, da allora viene
costantemente eletto miglior clarinettista
dai critici e dai lettori
delle più importanti testate internazionali.
Apprezzato tanto per la
sua instancabile creatività quanto
per il suo virtuosismo strumenta-
le, ha presentato una messe di progetti nei maggiori festival di tutto il mondo.
Classe 1958, nato e cresciuto nel Bronx, Don Byron è entrato subito in contatto con
la musica grazie al padre, che suonava il contrabbasso in un gruppo di calypso, e alla
madre che era invece pianista. Negli anni della sua formazione musicale, mentre studia
clarinetto classico con Joe Allard, suona e arrangia brani salsa per gruppi liceali.
Più avanti studia con George Russell al Conservatorio del New England e, a Boston,
suona con vari gruppi jazz.
Le sue collaborazioni comprendono dischi e concerti con una lunga e variegata serie
di musicisti e gruppi: Mario Bauza, la Duke Ellington Orchestra, John Hicks, Tom
Cora, Bill Frisell, Vernon Reid, Marc Ribot, Cassandra Wilson, Hamiet Bluiett,
Anthony Braxton, Geri Allen, Marilyn Crispell, Reggie Workman, Craig Harris,
David Murray, Leroy Jenkins, Bobby Previte, Gerry Hemingway, DD Jackson,
Douglas Ewart, Brandon Ross, Steve Coleman, Living Colour, Ralph Peterson, Uri
Caine, Steve Lacy, Bang On A Can All-Stars, Medeski Martin & Wood, Angelique
Kidjo, Carole King, Daniel Barenboim, Salif Keita, l‘orchestra sinfonica di Atlanta,
Joe Henry, fra gli altri.
Figura di spicco della scena newyorchese da ormai una ventina d‘anni, Don Byron ha
preso parte ad un ampio raggio di progetti. Direttore artistico jazz all’Accademia di
musica di Brooklyn dal 1996 al 1999, ha curato una serie di concerti per il Next Wave
Festival e ha debuttato con il suo spettacolo per bambini Bug Music for Juniors. Dal
venerdì 15 agosto 2008
Il sax-clarinettista rilegge la musica di un’icona del Soul
DON BYRON, TRIBUTO A JUNIOR WALKER
E a Luras da non perdere il duo con Uri Caine
VENERDÌ 15 AGOSTO
Don Byron (Foto di Till Krautkraemer)
BERCHIDDA
Museo del vino/Enoteca regionale
Ore 12.00
Concerto aperitivo con il gruppo Aghera. In collaborazione con l’etichetta discografica Tajrà
PATTADA
Chiesa di San Giovanni
Ore 18.00
Gavino Murgia, Gavino Ledda, Francesco Sotgiu: “Bainzu et Bainzos”
Produzione originale Time in Jazz
15
2000 al 2005 è stato Artist-in-Residence al New York’s Symphony Space, dove ha
messo in piedi la sua Adventurers Orchestra rileggendo in una serie di concerti le
musiche di autori assai differenti fra loro, come Henry Mancini, Sly Stone, Igor
Stravinsky, Herb Alpert e gli Earth, Wind and Fire.
Altri progetti comprendono gli arrangiamenti dei musical di Stephen Sondheim, un
lavoro commissionato dal Kronos Quartet (There Goes the Neighborhood), brani originali
per il film muto Scar of Shame, per un telefilm del 1961 di Ernie Kovacs e per
Strange Fruit, un documentario di Joel Katz sulla canzone resa famosa da Billie
Holiday. Ha anche scritto e suonato per le compagnie di danza di Donald Byrd, Bebe
Miller, Mark Dendy e Ellen
Sinopoli, e partecipato ai film
Kansas City di Robert Altman e
Lulu on the Bridge di Paul Auster.
Ampia e assortita anche la sua
produzione discografica. Dal sorprendente
album d’esordio,
Tuskegee Experiments del 1992,
ha registrato molto e con successo:
Don Byron Plays the Music of
Mickey Katz (del 1993), è un
omaggio ai brillanti e ironici lavori
di Mickey Katz, misconosciuto
musicista klezmer degli anni
Cinquanta; Music for Six
Musicians (1995) esplora invece
un importante lato della sua identità
musicale, il retaggio afro-arabico
della famiglia e dell’ambiente
in cui è cresciuto; No-Vibe Zone
(1996), un palpitante live con il
suo quintetto; Bug Music (1996),
una personale rilettura della nascente
Swing Era e della musica di
Raymond Scott, John Kirby e del
giovane Duke Ellington. Ispirata
dal funky e dall’hip-hop, Nu
Blaxploitation (1998) è invece
una meditazione musicale che lo
vede impegnato con il suo gruppo
Existential Dred, il poeta Sadiq e
l’icona rap Biz Markie in performance che ricordano i pezzi spoken-word di Gil Scott-
Heron, Amiri Baraka e Henry Rollins; Romance With The Unseen (1999), in quartetto
con il chitarrista Bill Frisell, il bassista Drew Gress e Jack De Johnette alla batteria,
spazia dal repertorio meno conosciuto di Ellington (“A Mural from Two
Perspectives”) ai Beatles (“I’ll Follow the Sun”), a brani originali dello stresso Don
Byron.
Con A Fine Line: Arias & Lieder (del 2000), Byron continua a forzare i confini stilistici
esplorando ed espandendo la definizione di canzone, da Robert Schumann e
Giacomo Puccini a Roy Orbison e Stevie Wonder. You Are #6, del 2001, è ancora un
omaggio ai ritmi e alle sue radici latine e afro-caraibiche, mentre Ivey-Divey (ispirato
alle registrazioni di Lester Young con Nat King Cole e Buddy Rich) è il suo primo
album al sax tenore, e ottiene la nomination ai Grammy per il miglior disco strumentale
(oltre ad essere eletto disco dell’anno dalla rivista Jazz Times).
Fra le sue incisioni più recenti, A Ballad for Many, un album di sue composizioni eseguite
dall’ensemble Bang On A Can All-Stars, e il già citato Do the Boomerang (uscito
alla fine del 2006). Don Byron compare in ben sette album di Uri Caine, a testimonianza
di una collaborazione duratura e di un’intesa felice fra due musicisti affini
per intelligenza, curiosità, eclettismo. Anche per questo motivo è assolutamente da
non perdere la loro esibizione in duo, in programma giovedì 14 (ore 18) a Luras, nella
chiesa di San Nicola di Carana.
BERCHIDDA
Piazza del Popolo
Ore 21.30
Don Byron: “Do the boomerang
The music of Junior Walker”
BERCHIDDA
Piazza del Popolo
Ore 23.00
Festa finale: Alborada String Quartet: “Arch’in tetto”
Fuochi d’artificio & Funk Off
Produzione originale Time in Jazz

16
“Inizia lo studio dello strumento all’età di undici anni
nella Banda Musicale ‘Bernardo De Muro’ di
Berchidda, suo paese natale.” Recita così la biografia
ufficiale di Paolo Fresu, e questo è anche l’incipit
obbligatorio per chiunque voglia raccontarne le storia.
Un po’ come il “c’era una volta” delle favole. La favola
del trombettista sardo più famoso al mondo prosegue
poi con la palestra nei gruppetti pop-rock, il diploma
al conservatorio, la scoperta del jazz, i seminari di
Siena, il rapido decollo e l’irresistibile ascesa sulla
scena nazionale, europea, mondiale. E narra ancora di
300 dischi registrati, di centinaia di concerti all’anno,
di premi e riconoscimenti prestigiosi, di copertine sui
giornali, fiumi di articoli, interviste e un coro unanime
di stima e apprezzamento.
Chissà però se questa bella storia, con tutte le sue pagine
già scritte e le tante che ancora ci riserva, avremmo
potuto raccontarla se a Berchidda non ci fosse stata la
banda “De Muro”. Chissà se Paolo avrebbe mai rinunciato
a un comodo impiego per scegliere invece
l’incognita della musica. Oggi forse sarebbe dirigente
di un’importante società di telecomunicazioni. Oppure
lo troveremmo accanto al papà Lillino a curare le
vigne e scrivere poesie. Di certo sarebbe sempre quella
splendida persona che stimiamo per i suoi valori
umani. Ma il jazz, la musica, avrebbe perso tanto. E
sabato 16 agosto 2008
allora, evviva la “Bernardo De Muro”, grazie per aver
insegnato al ragazzino Fresu come muovere i primi
passi fra le note.
Lui, si sa, ha un legame insolubile con la sua
Berchidda. Un legame che si è portato appresso quando
è andato a vivere dall’altra parte del mare, a Parigi,
a Bologna, e che lo segue ogni giorno nel suo interminabile
giro del mondo in musica. A Berchidda Paolo
torna ogni volta che può, perché qui ritrova una parte
di se stesso, la più profonda. E quando torna, quando
può, c’è tempo anche per una rimpatriata con la banda.
Anche stavolta, nell’ultima giornata del festival, la
mattina del 16 (intorno alle 11) nel cortile della casa di
C’era una volta
una banda e un ragazzino
con la tromba
Paolo Fresu ritrova in concerto la “Bernardo De Muro”
con cui ha mosso i primi passi nella musica
riposo “Maria Bambina”. Per l’occasione la “Bernardo
De Muro” si tira a lucido e, sotto la bacchetta di
Antonio Meloni (anche lui trombettista) che la dirige
da sei anni, propone un repertorio all’altezza del prestigioso
“ospite”: brani di George Gershwin
(“Summertime”), Louis Armstrong (“What a wonderful
world”), Miles Davis (“So what”), Sidney Bechet
(“Petit fleur”), Ennio Morricone (“Nuovo Cinema
Paradiso”), degli stessi Paolo Fresu (“Yatra”) e
Antonio Meloni (“B.B.D. Blues”), oltre al “tormentone”
dello scorso Time in Jazz, quel “Berchidda Blues”
portato in dote al festival da Nick The Nightfly.
Anche l’organico si rimodula per la circostanza, assu-
La banda Bernardo De Muro con un giovanissimo Paolo Fresu (il primo a sinistra della seconda fila)
mendo la fisionomia di una vera e propria big band:
Manuela Mutzu al flauto traverso, Stefania Modde al
quartino, Stefania Brianda, Raffaele Apeddu, Francesca
Chirigoni, Rita Delrio, Giuseppe Casu e Francesco Fois
ai clarinetti, Antonella Nieddu al sax soprano, Rossella
Fois al contralto e Armando Sannitu al tenore; Agostino
Casu, Domenico Delrio, Ezio Desole, Fabio Aini e
Marco Dente alle trombe, Gianni Crasta e Davide
Laconi ai flicorni; Giovanni Addis e Piero Fresu ai
tromboni, Luciano Demuru, Giuseppe Casula e
Graziano Desole ai baritoni, Nino Sini e Marco Pudda
ai bassi, Sergio Meloni, Francesco Sini e Ninnio Fresu
alle percussioni. A rinforzare i ranghi, alcuni musicisti
Paolo Fresu con la banda di Berchidda (Festa della Musica del 2004)
attivi in importanti progetti (come la band dei Frizzanti,
Gatto Panceri e il Funky Project): Marcello Zappareddu
alla chitarra, Giantore Budroni alle tastiere, Alfideo
Farina al basso e Roberto Pitzoi alla batteria.
Intitolata al grande tenore Bernardo De Muro, la banda
musicale di Berchidda è stata fondata nel 1914. A
un’intensa attività concertistica, interrotta solo durante
la seconda guerra mondiale, affianca da sempre un
prezioso impegno didattico, indispensabile per garantire
un continuo ricambio nelle sue file e sviluppare
talenti: come quello di un certo Paolo Fresu, che a
undici anni iniziava a suonare la tromba nei suoi ranghi.
C’era una volta...

Jazz Club
Al jazz club tira Viento Rojo
Al Museo del Vino il gruppo dei borsisti del
Seminario jazz di Nuoro e dj set con DJ Cris
Appuntamento immancabile
per chi ama far tardi: al Museo
del Vino, tutte le notti dopo i
concerti in piazza del Popolo,
apre i battenti il jazz club. La
formula, quest’anno, prevede
due diversi momenti: si comincia
con la musica dal vivo dell’ottetto
Viento Rojo, si prosegue
con le selezioni musicali di
DJ Cris, “fabbro del sottosuolo”
(così si legge nel suo spazio
in MySpace) che “forgia manufatti
sonori che raccontano di
Sardegna e del suo rumore di
fondo”. Attivo dal 1986, il dj
nuorese conta già un precedente
a Time in Jazz: la sigla che
l’anno scorso apriva le serate
sul palco di piazza del Popolo
era farina del suo sacco: un
patchwork sonoro fatto di frammenti
di canti a tenore, poesie
in sardo, riff jazz, loop, battiti
elettronici e glitch. C’è il suo
zampino anche nel Quartetto
N.2 di Michael Nyman nella
versione che il quartetto d’archi
Alborada (fra i protagonisti di
questa edizione del festival) ha
consegnato alle tracce dell’album
“Éthos”.
A Nuoro deve le sue origini
Viento Rojo
anche il gruppo Viento Rojo: a comporne i ranghi sono
infatti gli allievi selezionati ad hoc nella scorsa edizione
del Seminario Jazz che si tiene ogni estate, da vent’anni,
nel capoluogo Barbaricino: Angiolina Staffiere (voce),
Andrea Mocci (sax), Francesco Lento (tromba), Matteo
Pastorino (clarinetto), Andrea Cocco (pianoforte e fisarmonica),
Bartolomeo Barenghi (chitarre), Andrea
Ambrosi (contrabbasso) e Roberto Giaquinto (batteria).
Organizzato dall’Ente Musicale di Nuoro con la direzio-
ne artistica di Paolo Fresu, il Seminario Jazz è una delle
più importanti iniziative didattiche nel panorama italiano.
Ogni edizione richiama più di cento giovani (e spesso
giovanissimi) musicisti, che trovano qui un’ottima opportunità
per approfondire la conoscenza della teoria e della
pratica del jazz. La formuala prevede undici intense giornate
di immersione totale nella teoria e nella pratica del
jazz, con lezioni strumentali, musica d’insieme e prove
aperte di gruppo affidate a un corpo docente consolidato
17
nel corso degli anni e che
conta diversi protagonisti
della scena jazzistica nazionale:
tra gli altri, Tino
Tracanna (per la classe di sassofono),
Maria Pia De Vito
(per quella di canto), Bruno
Tommaso (armonia jazz),
Roberto Cipelli (pianoforte),
Attilio Zanchi (contrabbasso),
Ettore Fioravanti (batteria),
oltre allo stesso Paolo
Fresu (tromba). Al termine di
ogni edizione, il Seminario
conferisce una borsa di studio
ai migliori allievi di ciascuna
classe di strumento. Parte
integrante del riconoscimento
è l’invito ai borsisti a costituirsi
in gruppo per proseguire
insieme il proprio percorso,
possibilmente anche attraverso
un’attività concertistica
che trova appunto nel festival
Time in Jazz e nello stesso
Seminario di Nuoro le prime
opportunità concrete.
Raccolto l’invito, gli otto
musicisti selezionati nella
scorsa edizione si sono riuniti
sotto le insegne di Viento
Rojo perseguendo l’idea di
comporre brani originali e di
arrangiarli sfruttando le caratteristiche e il background
musicale di ciascun componente, ma cercando anche di
mantenere un’unità stilistica in tutte le composizioni.
Dopo Berchidda, la riprova è attesa sul palco di Time in
Sassari nella prima serata in piazza del Palazzo Ducale
(domenica 17), e poi in quella inaugurale della rassegna
di concerti che accompagna, come sempre, il Seminario
Nuoro Jazz che dal 27 di questo mese fino al 6 settembre
festeggia la sua ventesima edizione.

18
Mandato in archivio a Berchidda il ventunesimo
festival, Time in Jazz pianta le tende per due giorni
nella vicina Sassari. Rinnovando la formula
collaudata con successo l’estate scorsa, il 17 e il
18 agosto va infatti in scena la seconda edizione
di Time in Sassari. L’epicentro è nella Piazza del
Palazzo Ducale: in cartellone, alcuni dei protagonisti
della settimana berchiddese ma anche musicisti
e progetti appositamente invitati per
l’occasione. Apre la prima serata (domenica 17
agosto, ore 21:30) Viento Rojo, il gruppo formato
dai migliori allievi dell’ultima edizione dei
Seminari Jazz di Nuoro. A seguire il duo di Mark
Feldman e Sylvie Courvoisier.
Due concerti anche la sera di lunedì 18. Si comincia
con “Homescape”, il progetto del chitarrista
franco-vietnamita Nguyên Lê in compagnia del
cantante e suonatore di oud tunisino Dhafer
Youssef: suoni acustici ed elettrici, arcaici e digitali,
echi di oriente e battiti tecnologici, suggestioni
mistiche e squarci metropolitani per questo
collaudato lavoro, pubblicato su disco due anni
fa. Grande chiusura con il Requiem for a dying
planet del Cuncordu e Tenore di Orosei con Mola
Sylla ed Ernst Reijseger, stavolta nella sua versione
integrale, con la proiezione delle immagini
tratte dai film di Werner Herzog The White
Diamond e The Wild Blue Yonder.
Time in Sassari 17 e 18 agosto 2008
E con Time in Sassari la musica continua
Il 17 e il 18 il prolungamento di Time in Jazz con
alcuni protagonisti del festival e appuntamenti ad hoc
Paolo Fresu e il gruppo dei Futa Jazz Ensamble
A Time in Sassari è atteso anche il quartetto
Alborada per due diversi impegni. Il primo è
in realtà ad Osilo (a una quindicina di chilometri
da Sassari) nella chiesa di Babbu
Eternu, il pomeriggio del 17 (ore 18). Sarà
invece la Casa circondariale di San
Sebastiano, a Sassari, ad ospitare l’indomani
mattina (lunedì 18, alle 11:30) il concerto che
vedrà accanto all’ensemble d’archi la tromba
e il flicorno di Paolo Fresu.
Oltre a Osilo, altra tappa “extra moenia” a
Ittireddu (a cinquanta chilometri circa da
Sassari): lunedì 18, nella chiesa di San
Giacomo (ore 18) suona l’Aghera Quartet, già
protagonista tre giorni prima del “Concerto
aperitivo” di Ferragosto a Berchidda.
Insieme alla musica, Time in Jazz porta a
Sassari anche un pezzetto della sua storia e
del suo territorio: i cortili del Palazzo Ducale
ospitano infatti una mostra di fotografie e dei
manifesti realizzati in ventuno edizioni del
festival, e una selezione dei migliori prodotti
dell’enogastronomia berchiddese e dell’area
del Monte Acuto. A completare il programma,
la presentazione de “La sardegna di dentro” e
“La Sardegna di fuori”, due volumi firmati
dal giornalista Giacomo Mameli in un cofanetto
edito dalla CUEC: il 18 alle 20:30.
DOMENICA 17 AGOSTO
Osilo, Chiesa di Babbu Eternu - Ore 18.00
Alborada String Quartet: “Ethos”
Sassari, Piazza del Palazzo Ducale - Ore 21.30
Viento Rojo (Gruppo Borsisti Nuoro Jazz 2007). In collaborazione con l’Ente Musicale di Nuoro
Sassari, Piazza del Palazzo Ducale - Ore 23.00
Mark Feldman & Sylvie Courvoisier duo
LUNEDI 18 AGOSTO
Sassari, Casa circondariale di San Sebastiano - Ore 11.30
Alborada String Quartet con Paolo Fresu: “Ethos”
Ittireddu, Chiesa di San Giacomo - Ore 18.00
Aghera
Sassari, Piazza del Palazzo Ducale - Ore 20.30
Presentazione dei libri “La Sardegna di fuori” e “La Sardegna di dentro” di Giacomo Mameli
presenta Paolo Fresu
Sassari, Piazza del Palazzo Ducale - Ore 21.30
Nguyên Lê & Dhafer Youssef: “Homescape”
Sassari, Piazza del Palazzo Ducale - Ore 23.00
Cuncordu e Tenore de Orosei, Ernest Reijseger, Mola Sylla: “Requiem for a dying planet”
con la proiezione di un montaggio di immagini dei film di Werner Herzog “The white diamond” e “The wild blue yonder”
PAV - Progetto Arti Visive a cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu
Cortili di Palazzo Ducale 17-18 AGOSTO
Racconti di jazz - Mostra fotografica antologica sui ventuno anni di Time in Jazz
Cortili di Palazzo Ducale 17-18 AGOSTO
Arte in rete - Rassegna di web art
Cortili di Palazzo Ducale 17-18 AGOSTO
L’Enogastronomia berchiddese e dell’area del Monte Acuto. Degustazioni

info@timeinjazz.it
Mercoledì 11 agosto 2005
Mercoledì 11 agosto 2005

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Traversata marittima Civitavecchia/Golfo Aranci - Ore 15.30-21.45
Funk Off & Paolo Fresu: “Concert-azione navale”
Produzione originale Time in Jazz in collaborazione con la Sardinia Ferries
Berchidda, Distilleria Lucrezio R, Ore 11.00
Kilìm Trio
Monti, Cantina Sociale del Vermentino - Ore 18.00
Funk Off
Berchidda, MontAlbae In > Montalvu, Foresta Demaniale Monte Limbara Sud - Ore 05.45
Ernst Reijseger violoncello solo
In collaborazione con l’Ente Foreste della Sardegna
Stazione ferroviaria di Berchidda - Ore 10.00
Banda Musicale “Bernardo De Muro” di Berchidda + guest: “Line(e)arie cap. 1”
Produzione originale Time in Jazz in collaborazione con Trenitalia e RFI
Stazione ferroviaria di Olbia - Ore 11.00
Paola Turci & Giorgio Rossi: “Line(e)arie cap.2”
Produzione originale Time in Jazz in collaborazione con Trenitalia e RFI
Berchidda, Chiesa di Santa Caterina - Ore 11.00
Larissa Groeneveld violoncello solo
Tempio, Chiesa di San Lorenzo - Ore 18.00
Chris Speed & Jim Black duo
Produzione originale Time in Jazz
Berchidda, Demanio Forestale Monte Limbara Sud – Ore 11.00
Cuncordu e Tenore de Orosei, Ernst Reijseger, Mola Sylla: “Requiem for a dying planet”
Tempio Pausania, L’Agnata - Ore 18.00
Ornella Vanoni: “Una goccia di splendore” Dedicato a Fabrizio De André
Produzione originale Time in Jazz in collaborazione con la Fondazione Fabrizio De André
Berchidda, Chiesa di San Michele - Ore 11.00
Giovanni Sollima violoncello solo
Luras, Chiesa di San Nicola di Carana - Ore 18.00
Don Byron & Uri Caine duo
Produzione originale Time in Jazz
Berchidda, Museo del Vino/Enoteca regionale – Ore 11.00
Presentazione del cd “Aghera” (Edizioni Tajrà)
e del doppio album antologico di venti edizioni di Time in Jazz
Presentazione del libro “Cuncordu e Tenore di Orosei - Il Canto: mare e terra” di Luca Devito
(Edizioni Stampa Alternativa/Nuovi Equilibri) In collaborazione con le rispettive Case editrici
Presentazione delle bottiglie da collezione di Time in Jazz 2008
In collaborazione con la Cantina Sociale Giogantinu di Berchidda, con la Cantina Sociale del
Vermentino di Monti e con Lucrezio Rau
Berchidda, Museo del vino/Enoteca regionale - Ore 12.00
Concerto aperitivo con il gruppo Aghera
In collaborazione con l’etichetta discografica Tajrà
Pattada, Chiesa di San Giovanni - Ore 18.00
Berchidda, Giardini della Casa di Riposo Maria Bambina - Ore 11.00
Architettura degli strumenti:
Banda Musicale “Bernardo De Muro” di Berchidda, special guest Paolo Fresu
Direttore: Antonio Meloni
Berchidda, Nuovo Cinema - Ore 16.00
Rassegna di film a cura di Gianfranco Cabiddu
In collaborazione con l’Istituto Superiore Regionale Etnografico
11>16 agosto - Berchidda, luoghi e orari vari
Happening a cura di Giorgio Rossi
il programma
Olbia, Basilica di San Simplicio - Ore 21.30 e Ore 22.30
Alborada String Quartet: “Ethos”
Dedicato a Edgard Varèse
Berchidda, Museo del Vino-Enoteca regionale - Ore 23.00
“Calici di stelle” A cura del Museo del Vino/Enoteca regionale della Sardegna
Aeroporto di Olbia/Costa Smeralda - Ore 12.30
Paola Turci & Giorgio Rossi: “Line(e)arie cap. 3”
Produzione originale Time in Jazz in collaborazione con Geasar
Oschiri, Chiesa di Madonna di Castro - Ore 18.00
Steve Coleman special project
Produzione originale Time in Jazz
Ozieri, Basilica di Sant’Antioco di Bisarcio - Ore 21.00 e Ore 22.00
Uri Caine piano solo
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 21.30
Ernst Reijseger, Giovanni Sollima & Larissa Groeneveld: “TreCellos”
Produzione originale Time in Jazz
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 23.00
Steve Coleman & Five Elements
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 21.30
Paolo Fresu & Uri Caine duo
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 23.00
Uri Caine ensemble: “The Goldberg Variations”
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 21.30
Mark Feldman & Sylvie Courvoisier duo
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 23.00
Gavino Murgia Quintet: “Megalitico”
Coproduzione originale Time in Jazz e Locus Festival di Locorotondo
Gavino Murgia, Gavino Ledda, Francesco Sotgiu: “Bainzu et Bainzos”
Produzione originale Time in Jazz
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 21.30
Don Byron: “Do the boomerang - The music of Junior Walker”
Berchidda, Piazza del Popolo - Ore 23.00
Festa finale:
Alborada String Quartet: “Arch’intetto”
Fuochi d’artificio & Funk Off
Produzione originale Time in Jazz
Berchidda, MonTramonto Out > Monte Acuto – Ore 18.00
Mark Feldman & Sylvie Courvoisier duo
Dedicato a Iannis Xenakis
11>14 agosto - Berchidda, itinerante - Ore 19.45
Funk Off
11>15 agosto - Berchidda, dalle Ore 24.00
Jazz Club
concerti e jam sessions
BIGLIETTI:
12/13/14 AGOSTO PLATEA INTERO € 22,00 • RIDOTTO € 19,00 • TRIBUNA INTERO € 17,00 • RIDOTTO € 14,00
15 AGOSTO PLATEA INTERO € 12,00 • RIDOTTO € 10,00 • TRIBUNA INTERO € 10,00 • RIDOTTO € 8,00
ABBONAMENTI:
(solo platea con posti numerati) INTERO € 60,00 • RIDOTTO € 50,00

PAV - progetto arti visive
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PAV - Progetto Arti Visive
a cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu
Arte tra le note
Piazza del Popolo - 12/15 agosto
scenografie d’artista per i concerti serali di Time in Jazzrealizzate da artisti nazionali e internazionali presenti
in mostra al Festival
Sergia Avveduti, Marco Giovani, Lorenza Lucchi-Basili, Alessandro Meloni, Nero Project
Architecture Play
Sa Casara - 10/16 agosto
a cura di Laura Barreca
Andrea Aquilanti, Sergia Avveduti, Andrea Dojmi, Flavio Favelli, Charlotte Ginsborg, Marco
Giovani, Elastic Group, Lorenza Lucchi-Basili, Chiara Passa, Pietro Ruffo, Andrea Sala,
Francesco Simeti, Sissi, Nico Vascellari, Marina Vergiani
Lo spazio debole
Sa Casara - 10/16 agosto
a cura di Giannella Demuro e Ivo Serafino Fenu
Peter Belyi, Dafne Boggeri, Stefano Cagol, Robert Gschwantner, Clara Luiselli, Marcello
Maloberti, Pietro Sedda, Nero Project, Pastorello, Danilo Sini, Gabriele Talarico
Poeticamente Abitare
Sa Casara - 10/16 agosto
rassegna video a cura di Mario Gorni e Gabi Scardi
Keren Amiran, Dario Bellini, Lorenzo Casali, Graw e Boekler, Luca Pancrazzi
Lavori in corso
nelle vie del paese - 10/16 agosto
interventi / performance / installazioni realizzati da alcuni degli artisti presenti in mostra
Andrea Aquilanti, Riccardo Benassi, Tonino Casula e Pi Keohavang, Andrea Dojmi, Marco Giovani,
Alessandro Nassiri, Chiara Passa, Nero Project, Gianfranco Setzu, Francesco Simeti
Mustica Tower
Sa Casara - 10/16 agosto
videoinstallazione di Nino Mustica
BabelFish/Senza fissa dimora
Casa Sanna - 10/16 agosto
Archetipi, mappe, memorie, figure di una città dell’immaginario
rassegna di giovani artisti a cura di Mariolina Cosseddu
Pietruccia Bassu, Giusy Calia, Coquelicot Mafille, Roberta Luche, Gianfranco Setzu, Carlo Spiga
I colori del nero
Museo del Vino - 10/16 agosto
opere di Alessandro Meloni
Broadcast yourself
Sa Casara - 10/16 agosto
viaggio nell’universo di youtube alla ricerca di arte e architetture
Abitare lo spazio
Falegnameria Arredo Più - 10/16 agosto
arte e design a cura di Giannella Demuro
Erik Chevalier, Aldo Contini, Paola Dessy, Giuliana Fanelli, Caterina Lai,
Alessandro Meloni, Gianni Nieddu, Igino Panzino, Bruno Petretto,
Pietrolio, Gianfranco Setzu, Danilo Sini, Monica Solinas
I muri dei suoni
Cimitero vecchio - 10/16 agosto
installazione site-specific di Gianni Filindeu in collaborazione con l’Università di Alghero e Artscapes
Il racconto dello spazio
Cortili di Casa Sanna - 10/16 agosto
rassegna di video di architettura
a cura di Salvatore Peluso e Giuseppe Vallifuoco in collaborazione con INARCH
Alessandra Ballerini, Claudia Ciceroni, Morena Frisanco,
Ugo Licciardi, Miriam Marchitto, Manuela Serra
Video, architetture e tracce sonore
Saloni parrocchiali - 10/16 agosto
video di architettura a cura di Marco Brizzi e iMage
archi-tectonics (Winka Dubbeldam), Artefactory, Caipirinha Productions, Filippo Macelloni,
next architects, Edgar Pera, Stadium (phantas-mix), squint/opera, Fabio Turcheschi, Simone
Muscolino, Francesco Monaco
Xenakis architetto di suoni
Ex caseificio La Berchiddese - 10/16 agosto
installazione video e sonora a cura di Maria Paola Cau
Fuori tutti
Sa Casara - 10/16 agosto
intervento ambientale sonoro a cura di Maria Paola Cau
Stage / Backstage
Museo del Vino - 10-16 agosto
installazione fotografica collettiva sul festival e i suoi artisti attraverso lo sguardo
di “professionisti” e “non professionisti” dello scatto
Affiches
Jolly Jazz Café - 10/16 agosto
i manifesti di Time in Jazz
Semida
Foresta Demaniale Monte Limbara Sud - in permanenza
arte natura ambiente nella Foresta demaniale Monte Limbara Sud di Berchidda

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Progettare, costruire, modulare, ricreare, giocare o dialogare con lo spazio attraverso
le infinite possibilità di interazione con esso: con queste declinazioni i 15 artisti coinvolti
nella mostra collettiva Architecture Play! impegnano le loro opere e articolano
gli interventi all’interno dell’ex Casara di Berchidda. Taluni con interventi di natura
installativa, in altri casi la presenza di fotografie, disegni, sculture, videoproiezioni e
videoinstallazioni site-specific trasforma gli spazi del lavoro in nuovi percorsi visivi e
cognitivi, anche grazie all’uso di nuove tecnologie in grado di portare lo spettatore
“all’interno dell’opera” rendendolo attivo e partecipe di essa. La riflessione sull’architettura
nasce naturalmente dall’aspirazione -forse antropologica- di indagare se
stessi attraverso lo spazio intorno; una costante ricerca dei codici di comunicazione
espressi dalla comunità contemporanea, raccolti e rielaborati secondo concetti e strategie
operative individuali.
La relazione tra arte e architettura si esprime nell’esigenza di reinterpretare lo spazio
come luogo altro da sé, rappresentazione di regole geometriche, virtualità, presenza
fisica, ossessione, documentazione di azioni fisiche, memoria dello spazio.
Arte e architettura si fondono felicemente nel lavoro fotografico di Lorenza Lucchi
Basili, Spazio Sessantuno, Berlino, 2006, una serie di quattro fotografie realizzate negli
interni del Museo Ebraico di Berlino progettato da Libeskind. La riflessione sull’architettura
come dimensione d’incontro tra tecnologia e post-umano si ritrova nel video
Metaphoric BCN, 2008, di Elastic Group. A dimostrazione della validità di questa combinazione,
la videoinstallazione di Chiara Passa, Replicating Architecture, 2008, mostra
come un’architettura pubblica viene rimodellata attraverso una sequenza random di
linee e forme fluide, che riproducono la struttura di un codice genetico. Nella doppia
videoproiezioneArchitecture, 2008,AndreaAquilanti riunisce l’interno e l’esterno dello
spazio espositivo in un’unica dimensione, facendo si che disegno e immagine video
appaiano e scompaiano grazie alla partecipazione fisica dello spettatore.
Il dialogo tra arte, design e architettura si realizza compiutamente nella scultura di
Andrea Sala, Warm Red Mobile, 2007, un totem contemporaneo dove la struttura
geometrica aperta si congiunge alla base conica di cemento, parte imprescindibile
dell’opera. La scultura Meccanismo d’orologio n°17, 2007, di Sergia Avveduti
ingrandisce ironicamente la struttura interna di un orologio, trasformandola in un
tavolino dalle fattezze liberty. La complessa scultura INTERNO ROGER E GAL-
PAV - progetto arti visive
Alla Casara 15 artisti invitati da Laura Barreca giocano con lo spazio e le sue infinite possibilità interpretative
Architecture Play
Andrea Aquilanti, Sergia Avveduti, Andrea Dojmi, Elastic Group, Flavio Favelli,
Charlotte Ginsborg, Marco Giovani, Lorenza Lucchi-Basili, Chiara Passa,
Pietro Ruffo, Andrea Sala, Francesco Simeti, Sissi, Nico Vascellari, Marina Vergiani
Dall’alto a sinistra: Nico Vascellari, Marco Giovani, Elastic Group, Sergia Avveduti, Francesco Simeti, Andrea Dojmi, Charlotte Ginsborg, Pietro Ruffo, Flavio Favelli, Andrea
Sala, Marina Vergiani, Lorenza Lucchi-Basili, Chiara Passa, Sissi, Andrea Aquilanti
LET, 2008 di Flavio Favelli, è un assemblaggio di mobili di diversa provenienza,
ottenuta attraverso una meticolosa opera di ritrovamento, manipolazione e ricomposizione,
fino ad ottenere un oggetto unico, senza tempo. Il collage su carta di
Francesco Simeti, Linee di fuga, 2005, utilizza l’immagine di un evento tragico,
ripetendola schematicamente in una struttura geometrica, fino a ricreare una composizione
astratta, e solo apparentemente decorativa. Il tema della contestazione politica,
vissuta in chiave progettuale è al centro del lavoro di Pietro Ruffo, Memoriale per
le vittime del W.T.C., New York, un vero e proprio progetto architettonico, spiegato
in tre grandi stampe e in un video.
Il rapporto tra arte e architettura ha inoltre un risvolto antropologico nel video di
Charlotte Ginsborg, The Mirroring Cure, 2006, in cui la costruzione di un grattacielo
viene osservata attraverso le parole e le aspettative di chi lavora al suo interno. Al contrario,
un luogo già dimesso come un complesso di archeologia industriale diventa
occasione di un poetico viaggio nel video di Marina Vergiani, Percorsi dell’ex-acciaieria,
1998. Un unico piano sequenza percorre le rotaie degli antichi spazi di lavoro,
rigorosamente in bianco e nero.
Le silhouette di oggetti provenienti dalla vita quotidiana diventano macchinose strutture
nelle immagini create da Marco Giovani. Il trittico Doppiogioco, 2004-2005
riporta simbolicamente in superficie le ossessioni di tutti i giorni, sotto forma di ombre
e velature dai contorni soffusi. La tensione esistente tra architettura e corpo umano
rivive nella videodocumentazione di T, 2003, performance di Sissi realizzata spingendo
un enorme struttura di gommapiuma e nel video The walk, 2003, dove l’artista
passeggia lentamente lungo il costone di una struttura architettonica posticcia di colore
bianco, forse come nei meandri del pensiero. Nel video di Nico Vascellari,
Nico&the Vascellaris, 2005 l’artista chiama a raccolta tutta la sua famiglia per ricreare
l’architettura della casa attorno a sé, durante un’esibizione. Le dinamiche familiari
si intrecciano tra loro dando vita ad un’azione di grande intensità. A chiudere il percorso
espositivo della mostra, l’installazione en plen air di Andrea Dojmi Illumination
Complete #6, 2008 trasforma lo spazio del gioco in un luogo di passaggio, di meditazione,
un campo di forze che vive dell’azione e della partecipazione di chi l’attraversa.
Laura Barreca

PAV - progetto arti visive
25
Lo spazio debole
Peter Belyi, Riccardo Benassi, Dafne Boggeri, Stefano Cagol, Robert
Gschwantner, Clara Luiselli, Marcello Maloberti, Nino Mustica,
Alessandro Nassiri, Nero Project, Danilo Sini, Gabriele Talarico
Sempre più, nell’ambito delle esperienze visuali del
Contemporaneo, l’architettura, i suoi ambienti, le sue
strutture, sono proposte come epifanie del disagio
esistenziale del singolo e/o della società. Sono luoghi
fluidi e insidiosi, labirintici percorsi dell’essere,
strutture complesse, policentriche e casuali, mai unidirezionali,
viceversa imprevedibili. Ne consegue
uno “spazio debole”, relativo, che confligge con la
definizione classica dell’architettura come insieme di
scienze e tecniche tese a strutturare e dare forma
all’ambiente esperenziale dell’uomo. Se, cartesianamente,
quello architettonico era uno spazio a tre
dimensioni, è nelle teorie moderne che l’architettura
diviene una spazialità a quattro dimensioni, comprendendo
anche il tempo come veduta partecipe e
dinamica rispetto alla “scatola muraria”, in un rapporto
empatico tra l’uomo e la condizione architettonica
in cui vive. Per l’arte contemporanea, il passo
che trasforma tale condizione in esperienza esistenziale,
è breve e consequenziale. In tale contesto
l’approccio razionale e strutturalista che dovrebbe
soggiacere a ogni creazione architettonica cede il
passo a una visione irrazionale e destrutturata dello
spazio, sia esso il macrospazio metropolitano sia
esso il microcosmo domestico. Emblematiche e a
loro modo precursive sono le case di Edgar Allan
Poe, specchio dei sensi di colpa, delle fobie e delle
angosce dei propri abitanti e che conducono direttamente
a tutta quella produzione cinematografica horror
e splatter degli ultimi decenni, a partire da La
casa di Sam Raimi del 1983: quattro mura viste
come una sorta di organismo dotato di vita propria,
minaccioso e incombente, reso autonomo da una tecnologia
ipertrofica e pervasiva. Il russo Peter Belyi
parte da una concezione costruttivista per creare luoghi
dell’assenza, frammenti di memoria di un passato
da dimenticare. Danilo Sini, coi suoi notturni suburbani,
coglie insiemi architettonici in prospettive
sghembe, cupe scenografie di un teatro dell’assurdo.
L’austriaco Robert Gschwantner riflette, viceversa,
su un materiale come l’olio combustile, sulle sue
valenze simbolico-economiche ed estetiche per opere
fortemente strutturate eppure di spiazzante fluidità
visiva. Dafne Boggeri propone un’architettura contaminata,
ibridata da differenti pulsioni visive e sonore.
Le periferie urbane, i quartieri-dormitorio di
Riccardo Benassi si caricano di valenze biomorfiche
che conducono a una lettura critica dello spazio urbano.
Anche Alessandro Nassiri attraversa spazi urbani
nel tentativo, destinato al fallimento, di una metaforica
fuga da una tentacolare prigione metropolitana.
Disegni di prigioni in progress, campi di sterminio e
forni crematoi, momentaneamente abbandonati da
una mano distratta compongono l’opera di Nero project.
Gli interni borghesi di Pietro Sedda, viceversa,
proteggono ritualità orgiastiche contemporanee,
clandestine eppure necessarie. Animati e pulsanti
sono i notturni urbani di Stefano Cagol ove ogni
bagliore denuncia un evento, una storia reale o, almeno,
possibile. Il lavoro di Clara Luiselli ruota intorno
ai temi della precarietà, della mutazione, della fragilità
dell’esistenza, mediante una manualità che vorrebbe
fermare il tempo. Marcello Maloberti mette in
scena una visione corale e caleidoscopica della realtà
palermitana in una sorta di lanterna magica carica
di gestualità ed espressioni che rimandano al neorealismo
cinematografico. Perennemente in bilico tra
pittura e fotografia è Gabriele Talarico, che propone,
infine, uno spazio umanizzato caratterizzato dalla
solitudine, dall’oscurità e dalla negazione.
Giannella Demuro e Ivo Serafino Fenu
Stefano Cagol, Robert Gschwantner, Marcello Maloberti, Riccardo Benassi, Dafne Boggeri, Nero Project,
Clara Luiselli, Alessandro Nassiri, Peter Belyi, Nino Mustica, Gabriele Talarico, Danilo Sini

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PAV - progetto arti visive
Arte tra le note
Scenografie d’artista per i concerti di Time in Jazz
Sergia Avveduti, Marco Giovani, Lorenza Lucchi-Basili, Alessandro Meloni, Nero Project
Maria Lai, Nero Project, Tim Rollins and K.O.S.
È sempre più stretto, a Berchidda, il legame tra arte e musica, e lo è particolarmente
in questa ventunesima edizione dedicata al tema dell’architettura e della
“costruzione dello spazio”.
Berchidda, infatti, è luogo di spazi. Spazi fisici e geografici, come la piazza dei
concerti, le vie del centro invase dal pubblico, i piccoli luoghi consacrati nascosti
tra gli alberi delle campagne circostanti il paese. Ma anche luogo di spazi costruiti
dal suono, dalla musica che disegna paesaggi, traccia sentieri, delinea orizzonti.
E di spazi attraversati dall’arte, evocati, abitati, stravolti dall’impeto del processo
creativo.
Ma è il palco dei concerti serali, nella Piazza del Popolo, il luogo in cui
Abitare lo spazio
Una falegnameria ancora in attività ospita una mostra dedicata al design
con arredi d’autore e opere di artisti
Erik Chevalier, Aldo Contini, Paola Dessy, Caterina Lai, Alessandro Meloni, Gianni Nieddu, Igino Panzino,
Bruno Petretto, Pietrolio, Gianfranco Setzu, Danilo Sini, Monica Solinas.
Caterina Lai, Gianni Nieddu
Sebbene distinte e autonome, le ricerche condotte nell'ambito della sperimentazione
artistica e del design sono spesso entrambe volte ad analizzare il rapporto
con lo spazio, sia esso interno od esterno.
Nel design, come nell'arte, progettualità e creatività interagiscono, realizzando equilibri
di forme e volumi, rapporti cromatici e materici che si traducono in oggetti che
sono nuovi modi per percepire e strutturare lo spazio, abitativo e urbano.
maggiormente si percepisce la dimensione altra dello spazio, il luogo in cui
musica e arte visiva concorrono alla creazione di uno spazio sempre nuovo,
mutevole, dinamico. Dove la presenza degli artisti sul palco non è illustrazione
al sonoro, bensì processo interattivo che coinvolge i diversi linguaggi
dell’arte.
Lo confermano le “scenografie” di quest’anno: l’iconografia classica ma straniante
di Sergia Avveduti, i rigorosi dettagli architettonici delle immagini di
Lorenza Lucchi-Basili, le evanescenze minimali di Marco Giovani, la gestualità
bicromatica di Alessandro Meloni, la disturbante attualità di Nero Project,
costruzioni immaginifiche per il nostro presente.
Con la dimensione spaziale si sono confrontati anche gli artisti qui presenti, accostandosi
ad essa con linguaggi e modalità differenti, interpretandola con interventi
cromatici e plastici riconducibili alle singole ricerche. L'originalità e unicità dell'opera
d'arte si accosta così, in questa occasione, alla serialità tecnologicizzata del
design. L'opera cessa di essere un oggetto percepito dall'esterno per divenire parte
integrante dello spazio umano.

PAV - progetto arti visive
Archetipi, mappe, memorie, figure di una città dell’immaginario
B A B E L F I S H
Senza fissa dimora
Gianfranco Setzu, Roberta Luche, Coquelicot Mafille,
Pietruccia Bassu, Carlo Spiga, Giusy Calia
Giusy Calia, Pietruccia Bassu, Roberta Luche, Coquelicot Mafille, Carlo Spiga, Gianfranco Setzu
Senza fissa dimora è una formula agile e leggera per indicare
il senso instabile e fluido dell’abitabilità contemporanea.
Nessuna residenza è certa perché nessun ambiente
rimane lo stesso a lungo: i confini si perdono e si dilatano
nel divenire inarrestabile del tutto. Il nomadismo del
corpo alla ricerca del luogo ideale è anche nomadismo
della mente in viaggio verso luoghi desiderabili. La città
è fulcro di questo groviglio di risorse affettive e relazionali:
gli artisti invitati hanno proposto edifici come sistemi
emozionali o come impalcature mitiche e incantate.
Nelle immagini di mani che si toccano e si sovrappongono
di Coquelicot Mafille c’è l’offerta di infinite possibilità
di relazione nel caos del contesto urbano. Le mani
acquistano dimensioni sovrareali e, affisse sui muri,
diventano vasti territori percorribili, mappe gigantesche
di ideali tracciati urbani. Perciò affida al proprio lavoro la
scaramantica pretesa di allontanare la paura della solitudine
e dell’assenza e lo fa anche attraverso la propria
segreteria telefonica dove vengono registrati i messaggi
di voci amiche che, al momento buono, possono essere
riascoltate quanto si vuole fino a riempire malinconiche
serate domestiche. Nella casa natale si può rappresentare
un intimo rito familiare, come fa Petruccia Bassu che
costruisce una sorta di spazio sacrale con indumenti
appartenenti alla nonna. Si tratta di un intervento che
mette in scena radicate memorie personali e indaga le
ragioni più profonde e inconscie della propria individualità,
come nel video in cui una giovane donna spalma con
amorevole cura un unguento medicamentoso su una
pezza di lana a lenire ferite non sempre visibili. Così la
casa, la città, la memoria e la corporeità sono bisognosi di
cure a attenzioni per non cedere all’usura del tempo che,
come un tarlo, corrode lentamente ricordi e relazioni.
Per Roberta Luche il mondo abitabile prende la forma di
un labirinto che, nella mitica rappresentazione della cittàmadre,
si fa simbolo del luogo dei luoghi. Nei tortuosi
percorsi dal centro alla periferia, dalle profondità degli
inferi alla luce solare, è insito il senso più arcaico e primigenio
dell’origine della vita. Non è un caso che
Roberta Luche quel labirinto lo realizzi con il pane, simbolo
per eccellenza della fertilità e del ciclo vitale e lo
adagi su una coperta di lana ad accentuare la sacralità
della tradizione passata e presente.
L’inquietudine della realtà urbana si concretizza per
Giusy Calia nei luoghi di pena e di dolore come i manicomi
abbandonati che, simili a gigantesche imbarcazioni
dopo un naufragio, galleggiano nel vuoto delle vite perse.
Con l’obbiettivo fotografico Giusy Calia ha voluto esplo-
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rare un universo rovesciato dove gli oggetti dimenticati e
non rimossi parlano ancora di esistenze consumate nella
paura e nella follia. Luoghi spettrali in cui echeggiano
voci sommesse che narrano storie che si vorrebbe non
ascoltare e che la luce e il colore trasfigurano nella magica
visione di una architettura sommersa.
L’architettura come archivio inesauribile di narrazioni è
punto di partenza anche per Gianfranco Setzu che individua
nella tipologia del mecenate il vero artefice della città.
È il caso di CesareAugusto il cui ritratto, fiero e virile, campeggia
su sfondo scuro così come oscura e raffinata è
l’atmosfera che lo accoglie, ad accentuare le trame ambigue
e volitive del potere dominante. La musica che accompagna
l’installazione è invece discordante e contemporanea,
una musica da club urbano che rimanda volgarmente
ai palazzinari odierni, a quelli che hanno trasformato le città
in deliranti centri commerciali. Infine Carlo Spiga si aggira
per le vie cittadine (Sound Lines) con un quaderno di
appunti dove registra, nei piccoli fogli colorati, una serie di
sensazioni regolate dai ritmi sonori che il contesto urbano
trasmette. Suoni, rumori, percezioni visive e olfattive creano
situazioni inedite e inusuali secondo una struttura ritmica
che ridisegna l’ambiente circostante.
Mariolina Cosseddu

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Dedicado ad
Alessandro Meloni
PAV - progetto arti visive
I colori nel nero
Il gesto alchemico della pittura
Nato alla fine del
secondo conflitto
mondiale, l’Informale
non è una scuola o uno
stile quanto piuttosto
un’“etichetta”, un
denominatore comune,
che riunisce correnti e
poetiche artistiche
distinte, riconducibili
tuttavia ad un astrattismo
non-geometrico,
volto ad indagare le
intime possibilità della
materia, del colore, del
Alessandro Meloni, opere su tela
segno e del gesto piuttosto che la forma, generalmen- Nelle prime prove Meloni concentra la sua attenziote
assente o debolmente strutturata.
ne sulle valenze costruttive del dato cromatico che
Nel tempo le istanze sono mutate e oggi le poetiche organizza in bicromie oppositive di rossi e di neri. Le
dell’Informale non sono più quel vasto fenomeno forti tensioni dinamiche create dal colore impongono
sociale che aveva dominato gli scorsi decenni ma, prospettive molteplici in cui la forma si offre in geo-
“liberate” dalla matrice “rivoluzionaria” che ne metrie libere e in volumi dinamicamente definiti che
aveva impregnato e attivato le dinamiche storiche, evocano spazi turbinosi.
continuano ancora, accanto alle altre pratiche artisti- Già in questa prima fase, tuttavia, appare evidente la
che, a delineare il paesaggio visivo contemporaneo, volontà dell’artista di focalizzare la sua indagine attor-
forti dell’esperienza estetica maturata a partire da no al segno inteso come entità primordiale della defi-
quegli anni.
nizione e della strutturazione spaziale, per arrivare –
E in questo ambito si muove la ricerca sperimentale attraverso la creazione di una personale grammatica
di Alessandro Meloni, che attratto dalle potenzialità segnica che attinge direttamente a quel patrimonio di
espressive della dimensione gestuale e segnica della percezioni depositate dal reale al di là della soglia della
pittura, fa propria la lezione di Franz Kline e degli coscienza – alla costruzione di uno spazio autonomo,
altri grandi maestri dell’Informale.
inedito e altro rispetto a quello già esistente.
La gestualità creativa
di Meloni – decisa,
potente e violenta,
apparentemente automatica
ma intimamente
dominata da un preciso
e meditato ritmo
costruttivo – traduce
così, con un lessico
pittorico fedele alla
raffinata riduzione
cromatica dei neri e
dei rossi, quel repertorio
iconografico percettivo
che, sostanziandosi
nell’opera,
diventa la “traccia esistenziale”
della realtà.
Una realtà che l’artista riesce a decodificare grazie
alla sua sensibilità emotiva e che ripropone, alterata e
trasfigurata, nell’opera.
Nei lavori più recenti la ricerca di Meloni si evolve e
arriva a penetrare gli strati più profondi e protetti dell’interiorità,
provocando un inaspettato slittamento di
senso. L’opera cessa di essere la proiezione dello spazio
creato dall’artista e rivela una nuova, autonoma
ed inedita dimensione figurale sfrangiata e lacerata
messa ancor più in evidenza dalla materia pittorica
neutra che separa i diversi campi cromatici:
l’evocazione “alchemica”di un’umanità che affida
all’azione catartica della pittura l’incontro sofferto e
tormentato con il doloroso disagio dell’esistere.
Giannella Demuro

PAV - progetto arti visive
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Il muro dei suoni
Una costruzione complessa ed instabile allestita in un vecchio cimitero abbandonato è il progetto site-specific che
ha realizzato la Facoltà di Architettura di Alghero con la cura dell’architetto e musicista Gianni Filindeu
Il muro dei suoni rappresenta il
tentativo di realizzare una successione
di ambienti molto semplici
i cui elementi costitutivi
appartengono sia alle modalità di
costruzione dello spazio che a
quelle riferite alla composizione
musicale.
L’obiettivo è indagare nuove possibilità
offerte ad entrambe le
discipline dal ripensamento
comune intorno ad uno stesso progetto.
Non si tratta di musica
espressa spazialmente o di uno
spazio “sonorizzato” ma di una
costruzione complessa ed instabile
la cui finalità espressiva non è
rappresentata dalla forma finale
(spaziale e musicale) ma di essa
ne costituisce, semmai, il risultato.
Formata da circa 2500 contenitori
per bottiglie in plastica, la
costruzione è articolata in tre
ambienti connessi da un corridoio
centrale di 40 metri. In ognuno di
essi viene costantemente riprodot-
Gianni Filindeu
ta una musica attraverso un
impianto di diffusione sonora composto da elementi, dismessi o prestati, recuperati
da impianti audio non professionali (per la maggior parte si tratta di casse
acustiche per pc casalinghi e lettori MP3 portatili). Al termine del Festival ogni
elemento utilizzato ritornerà al proprio uso abituale. Il corridoio centrale è musicalmente
articolato in due settori spaziali alternati da composizioni musicali differenti
entrambi semplicemente definiti “tratti” e “nodi”. Da ogni “nodo” è possibile
raggiungere uno dei tre ambienti maggiori. Il primo ambiente presenta
l’articolazione di un percorso
obbligato al quale corrisponde
una composizione musicale caratterizzata
da progressioni armoniche,
cellule melodiche e poliritmie
in “loop” .
Il secondo ambiente ha la configurazione
spaziale di una corte in
cui, a differenza del primo, non
esiste un percorso preordinato ma
esso viene suggerito attraverso la
disposizione di alcuni elementi a
terra. La composizione musicale
associata ad esso presenta una
progressione armonica molto
semplice composta da una
sequenza di 4 accordi per 8 battute
ciascuno (32 battute totali).
Attraverso una successiva addizione
di elementi, la composizione
si complica progressivamente
aprendo a differenti possibilità
interpretative. Il terzo ambiente è
costituito da una stanza di forma
stretta ed allungata nel cui terminale
viene riprodotta, da parte di
un solista, una musica improvvisata
sulla base di uno “standard” Jazz. In esso si potrà accedere una persona alla
volta in modo da forzare il più possibile una esperienza creativa individuale.
In collaborazione con l’Associazione culturale Artscapes
Gianni Filindeu

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architettura
Video, architetture e tracce sonore
V i d e o d i a r c h i t e t t u r a d a l f e s t i v a l i M A G E
archi-tectonics (Winka
Dubbeldam), Artefactory,
Caipirinha Productions, Filippo
Macelloni, next architects,
Edgar Pera, Stadium (phantasmix),
squint/opera, Fabio
Turcheschi, Simone Muscolino,
Francesco Monaco
Nella produzione architettonica contemporanea il
video è strumento di espressione progettuale e
documentodi alcuni rilevanti tratti della ricerca
del nostro tempo. Nel video di architettura il
confronto con la ricerca musicale è fonte di spunti
significativi. La traccia sonora opera in sinergia
con le immagini in movimento e concorre alla
concretizzazione del contenuto comunicativo di
cui il documento audiovisivo, nella sua
completezza, è veicolo.
In occasione del Festival Time in Jazz, iMage
offre un percorso attraverso alcune delle opere
video più significative per la loro coesione tra
suoni, immagini e architetture. Dai suoni della
città raccolti in presa diretta, alla colonna sonora
sapientemente costruita per assecondare i tempi
del racconto e delle visioni dell’architettura. Il
programma include contributi di architetti e
filmmaker italiani e internazionali. Ne emerge un
panorama
composito che mette in evidenza le espressioni di
alcuni tra gli autori più validi del nostro tempo.

Dall’alto: Morena Frisanco, Manuela Serra
architettura
Nei Cortili di Casa Meloni una rassegna di video
di architettura in collaborazione con l’IN/ARCH
IL RACCONTO
DELLO SPAZIO
Alessandra Ballarini, Morena Frisanco,
Manuela Serra, Ugo Licciardi,
Miriam Marchitto, Claudia Ciceroni
In questi ultimi anni la rivoluzione tecnologica
ha profondamente trasformato tanto il
nostro modo di vivere e di abitare quanto
specificatamente le modalità operative del
progettare e fare architettura. A partire dalla
consapevolezza della profondità di questo
cambiamento, e nell’ottica di esplorarne
una pluralità di aspetti, implicazioni ed
opportunità, l’IN/ARCH – Istituto
Nazionale di Architettura, organizza da
anni, nella sede di Roma, master tematici
volti alla comprensione delle trasformazioni
in atto. La rassegna Il racconto dello spazio
è una selezione dei video prodotti nell’ambito
dei master su “Il video e la comunicazione
dell’architettura”, curata da Salvatore
Peluso e Giuseppe Vallifuoco e realizzata da
Alessandra Carusi, in collaborazione con
l’IN/ARCH Sardegna: un’esplorazione
delle competenze tipiche del cinema nel
campo della narrazione, della regia, del
31
montaggio e della fotografia, affiancate da
una riflessione critica sulle specificità linguistiche
del video di architettura. Nuovi
modi per imparare a raccontare lo spazio,
grazie alle opportunità generate dall’incontro
tra architettura e nuove tecnologie digitali,
con un’ottica aperta agli scambi interdisciplinari
stimolati e accelerati proprio
dalla diffusione del digitale, ed in particolare
all’incontro tra ricerca artistica e ricerca
scientifica: come orizzonti di frontiera
generatori delle tecniche, e delle metafore
capaci di renderle vive e significanti, che
hanno cambiato e cambieranno il nostro
modo di stare al mondo.
In collaborazione con
SARDEGNA

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architettura
Xenakis, architetto dei suoni
All’ex Caseificio omaggio al compositore e architetto greco con tre sale dedicate alle“geometrie sonore”
di “Metastasis”, alla musica stocastica e agli studi di percezione sonora nello spazio.
“L’artista gioca con le forme proprio come lo
scienziato o il credente. Il musicista lo fa in modo
ancor più sistematico, poiché vive simultaneamente
nel microcosmo del suono e nel macrocosmo
delle architetture più vaste, come se si trovasse
in una millefoglie fatta di strati trasparenti
in tutti i sensi”.
In queste parole Iannis Xenakis, uno degli esponenti
più radicali e incisivi delle avanguardie
musicali del ‘900, esprime l’essenza del suo
lavoro di musicista che si unisce al lavoro di
ricerca costante sulla matematica e l’architettura.
Reduce dell’esperienza traumatica e rivelatrice
della guerra di resistenza, Xenakis approda a
Parigi nel 1947, dove comincia a lavorare come
ingegnere addetto ai calcoli nell’atelier di Le
Corbusier, contemporaneamente avvia da autodidatta
la carriera di compositore.
Nel 1951, al conservatorio di Parigi incontra Olivier Massiaen che lo
spinge a percorrere la strada di una ricerca interdisciplinare: filosofia,
matematica, architettura, fisica e biologia troveranno sintesi espressiva
nella sua ricerca musicale. Nello studio Le Corbusier lavorerà per dieci
anni, collaborando ai progetti per la città di Chandigarh e al convento
di Sante-Marie de la Tourette, per cui fu incaricato di progettare le facciate,
che Le Corbusier definì “pan de verre musiciaux “.
Una affine sensibilità nei confronti della natura, dei classici, e nel contempo
della modernità, gli studi di Le Corbusier sulla proporzione e il
ritmo confluiti nel “ Modulor ”e utilizzati da Xenakis nella progettazione,saranno
terreno di confronto in questi dieci anni.
Il punto d’incontro tra l’architettura e la musica si realizza con il
Padiglione Philips per l’Esposizione Internazionale di Bruxelles del
1958, la cui genesi geometrica nasce dalle “geometrie sonore” della
partitura musicale “Metastasis” (1953-1954),suo capolavoro
d’esordio. La struttura del Padiglione Philips costituita da superfici
curve o griglie di “glissandi” che si intersecano a definire lo spazio
sonoro, ospitava il Poème Électronique, un’opera multimediale firmata
da Le Courbusier con musica, composta da Edgar Varèse e dallo
stesso Xenakis.
Se la musica seriale reintroduce il pensiero puro della matematica nella
composizione musicale proponendo un sistema caratterizzato da proprietà
geometriche e quantitative, Xenakis contribuisce a definire geometricamente
la forma musicalle a partire dalle masse sonore.
Negli anni successivi la ricerca musicale si eprime nelle opere musicali
stocastiche (definite da suoni ripartiti nel tempo e nello spazio che
seguono leggi di probabilità ) e Xenakis lavora sulla trasposizione di
queste teorie scientifiche nell’arte secondo quel processo di trasforma-
Iannis Xenakis, Metastasis
zione chiamato sostituzione per analogia: il calcolo
delle probabilità (“Pithoprakta”e
“Achopirris” ), la teoria dei giochi (Duel,
Strategies), la teoria cibernetica (“AnalogiquesA
et B”), la teoria degli insiemi e del calcolo vettoriale
(Nomos Gamma). Uno dei primi ad utilizzare
l’informatica e il calcolatore per la composizione
musicale, da “Orient-Occident” (1960)
fino a “La Légende D’Eer” (1977).
In sintonia con il suo pensiero è l’uso della rappresentazione
grafica e geometrica della composizione
musicale che consente di comporre
seguendo” forme e tessiture”e di cui la trascrizione
su partitura tradizionale è solo un modo
per decodificare la rappresentazione grafica nel
linguaggio musicale tradizionale.
Lavora a opere multimediali come i “ Polytopes
“, installazioni musicali , mix di suoni e luci, che
scaturiscono dall’integrazione di architettura, nuove tecnologie e
immagini proiettate. Xenakis ha creato Polytopes per il padiglione
francese dell’Esposizione di Montréal (1967), per lo spettacolo
Persepolis (Iran, 1971) e ha realizzato il Polytpope di Cluny (Parigi,
1972), il Polytope di Micene (1978), il Diatope in occasione dell’inaugurazione
del Centro George Pompidou (Parigi, 1978).
Xenakis studia le modalità di percezione sensoriale, e le applica a sperimentazioni
sullo studio delle posizioni degli ascoltatori e dell’uso
dello spazio nelle sale d’ascolto.
Ha fondato due centri di ricerca, nel 1965 e 1967: rispettivamente il
Cemamu (Centre de Mathématique e Automatique Musicales) di
Parigi e il Cmam (Center for Mathematical and Automated Music),
presso l’Università dell’Indiana.
Il 2 luglio 2008, all’Auditorium Rai Arturo Toscanini di Torino,
l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai, in occasione del XXIII
Congresso Mondiale degli Architetti Uia, ha dedicato Iannis Xennakis
il concerto della serata di gala. In prima esecuzione assoluta è stata eseguita
la versione originale di Metastaseis ,manoscritto che è stato ritrovato
da poco in un archivio.Un evento reso unico anche dalla presenza,
in platea, di Francoise Xenakis, vedova del compositore, morto nel
2001 a Parigi.
Anche il Time in Jazz nella sua XXI edizione dedicata all’ architettura
vuole rendere omaggio al grande compositore e architetto con un concerto
di ……ed un allestimento del PAV curato da… e da …….
Tre sale dedicate alle“geometrie sonore” di “Metastasis”, alla musica
stocastica e agli studi di percezione sonora nello spazio.
Maria Paola Cau
Bambini
tutti fuori !!!
Architettura e musica
I bambini, le strade, i vicoli, le
piazzette: ecco il territorio ,il
regno perduto dei bambini che
un drago luminescente ha richiuso
in casa, zitti immobili quasi
senza anima. L’anima del gioco
stava solo in strada, non esisteva
un gioco “in casa”.
Grida, richiami, litigi, cantilene
riempivano l’aria e le madri, da
casa sapevano dove stavano i
piccoli. Banditi e carabinieri,
nascondino, il gioco della
corda…. su una strada per lo più
bianca di polvere a giocare con
figurine ricavate da scatole di
cerini o alle cinque pietre. E poi
girotondi e giochi di ruolo come
madama Dorè o i “passi degli
animali”, moscacieca o lunghi
trenini cantanti. La libertà degli
spazi aperti, sicuri, a misura di
bambino, strade vive e mai solo
luogo di passaggio.
A far da silenziosa guardia ai
bambini c’erano i vecchi, seduti
fuori degli usci, d’estate a “su
friscu”, d’inverno a “su sole”.
Vicoli come stanze all’aperto,
animate da voci di bimbi, musica
per le orecchie e per il cuore.
M. P. C.

la Fondazione
La Fondazione Banco di Sardegna
un ruolo primario nella promozione culturale e nello sviluppo sociale
La Fondazione Banco di
Sardegna ha per la sua unicità
nella regione un ruolo primario
nello sviluppo economico e
nella crescita del capitale
umano, sociale e culturale del
territorio sardo. Nel perseguire
questi scopi, la Fondazione può
promuovere direttamente o
insieme ad altri enti la realizzazione
e la gestione di infrastrutture
e la produzione di servizi
che consentano il miglioramento
della qualità di vita della
comunità, la crescita endogena
del territorio in tutti i suoi
aspetti e l’insediamento delle
attività produttive.
La Fondazione persegue finalità
di interesse pubblico e di utilità
sociale. In particolare, promuove
lo sviluppo socio-economico
della Regione
Sardegna, anche assumendo
partecipazioni in imprese bancarie
e finanziarie operanti sul
territorio. Persegue i suoi
scopi, nell’ambito di prestabiliti
settori d’intervento, mediante
l’assegnazione di contributi o
finanziamenti a progetti e iniziative altrui, oppure mediante la promozione
di progetti propri e proprie iniziative, anche in collaborazione con altri soggetti.
Può esercitare soltanto imprese strumentali alla realizzazione degli
scopi statutari, con ambito d'azione circoscritto ai settori rilevanti previsti
dall'articolo 4, primo comma. e può altresì detenere partecipazioni di con-
La nuova sede della Fondazione Banco di Sardegna a Sassari
33
trollo in enti e società che
abbiano come oggetto esclusivo
l'esercizio di tali imprese.
Assicura il sostegno alle organizzazioni
del volontariato, ai
sensi dell'articolo 15 della
legge 11 agosto 1991, n° 266.
La Fondazione ha Sede legale a
Cagliari e Sede amministrativa
e Segreteria generale a Sassari.
La sede della Fondazione si
trova in un palazzo storico
costruito intorno alla metà del
1800 dall’impresario Antonio
Andrea Tola, su progetto dell’ingegnere
Fasoli, di proprietà
prima dei banchieri fratelli
Costa e successivamente dei
Conti Ledà d’Ittiri. Il palazzo è
ubicato nella zona di prima
espansione del centro urbano di
Sassari, nelle immediate vicinanze
di Piazza d’Italia, centro
nevralgico della città. Il palazzo,
di gusto sobrio ed elegante,
aveva in origine al proprio
interno un elegante teatro di
ridotte dimensioni, noto come
Teatro Goldoni, inaugurato il
26 dicembre 1881. Il Teatro fu
demolito dopo pochi anni per rendere lo spazio funzionale alle operazioni
bancarie e commerciali, vista la nuova destinazione a sede della Banca
d’Italia.
L’attività dell’Ente si svolge in questo edificio, dove sono ubicati la
Presidenza, la Segreteria generale e gli uffici.

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il territorio
S E M I D A
Arte natura ambiente per il progetto nato in collaborazione
con il Comune di Berchidda e l’Ente Foreste Sardegna
Bruno Petretto
In un’epoca dove la vita virtuale, divisa sapientemente tra fiction
e reality show, diventa paurosamente più reale della realtà,
l’arte, pur così innegabilmente figlia delle nuove tecnologie, osa
ancora una volta un’inversione di rotta rivolgendo la sua attenzione
all’ambiente circostante come già faceva, a partire dalla
fine degli anni Settanta, quel movimento artistico conosciuto
come Land Art o Earth Art: una nuova volontà di intervento sull’ambiente
che, concependo opere in grado di dare nuova dignità
ad un territorio ignorato, interviene direttamente sulla natura,
“insinuandosi” in essa, per recuperare il senso profondo del
silenzio e del contatto con le radici, fisiche e metaforiche.
In questo contesto, all’interno dei grandi progetti visivi del Time
in Jazz e in collaborazione con l’Ente Foreste Demaniale della
Sardegna, nasce Semida museo di arte e natura realizzato sul
Monte Limbara.
Importanti i nomi che finora si sono cimentati in questo seducente
incontro con il Limbara: Clara Bonfiglio con Attraverso,
una porta in metallo con intagliato il titolo stesso, invito ad andare
oltre un limite divenuto soglia, ingresso verso una dimensione
altra, spazio intagliato, negato, da un foglio di metallo nero da cui
emerge il nulla che prende i mutevoli colori della natura; simile
il lavoro di Monica Solinas, una finestra, soglia che non contempla
alcun tipo di attraversamento se non quello ottico-mentale;
una sorta di stop obbligato, cornice che esalta la bellezza della
natura e ce ne ricorda l’insoluto mistero, ricordo della nostra
estraneità; Pinuccio Sciola ha trattenuto la forza di una roccia
congiungendola con una catena di ferro a due grandi massi di
granito; Sciola imbriglia la natura e paradossalmente, attraverso
le catene, ne restituisce l’indomita libertà; Bruno Petretto rac-
chiudendo un enorme masso dentro una gabbia di ferro, usa il
rigore delle linee metalliche per esaltare la plasticità di quelle
naturalistiche e la gabbia diventa teca protettrice attraverso la
quale ammirare la potenza e la sacralità del luogo.
Ultima, ma solo in ordine cronologico, è l’opera di Giovanni
Campus, artista che sin dagli anni ’70 concretizza il suo “fare
arte” in un rapporto dialettico con l’ambiente del quale individua
l’incredibile forza energetica e ne assapora il continuo divenire.
Il rigore formale e la profonda attenzione per i materiali,
tratti distintivi di tutta la sua ricerca, sono particolarmente evidenti
nell’opera realizzata appositamente per Semida,
Coordinate del tempo.
L’artista tende nel paesaggio una grossa corda organizzando percettivamente
e emotivamente lo spazio. La corda-segno svela
significati antichi e ne crea di nuovi attraverso una tensione che
non è solo puramente fisica ma, anzi, fortemente allegorica nella
primaria volontà di affrontare l’incognita del vissuto quotidiano
attraverso rapporti geometrici di spazio determinati da regole
non ancora codificate.
Arte dunque che sa sfidare convenzioni e consuetudini per
osare, per creare percorsi nuovi, misteriose Semidas – sentieri –
in un continuo divenire che non si oppone alla natura ma ne
svela le suggestioni: sentieri in cui perdersi per poi, finalmente,
trovarsi.
Sonia Borsato
tel. 334 1485072

il territorio
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PAV - progetto arti visive
Stage/Backstage
Il festival e i suoi artisti attraverso lo sguardo di professionisti e non professionisti dello scatto
Che movimento, a Time in Jazz. Cinque giorni di corse attorno a Piazza del
Popolo. Il quarto giorno può capitare di incontrare uno per la prima volta,
Dov’eri? Qua, da lunedì. Qua sì, ma di corsa, e in corsa ci si incontra solo
per caso. Non è utile d’altronde indugiare per i giovani dell’associazione,
dalla piazza alla sede alle mostre. E neppure al pubblico conviene attardarsi,
per non perdere eventi che talvolta si sviluppano in contemporanea, o quasi.
Poi, quando il festival è finito e stai assorbendo gli scatti e le emozioni,
degli altri scatti ti vengono in soccorso, a raccontarti quello che avevi
perso: ecco Iva Bittova – dov’eri quando cantava così? – ecco Jeanne Lee
a Bisarcio, solenne. Fotografare Time in Jazz è un modo, uno dei più nobili,
per rallentarlo, salvarlo: rivoluzione filosofica, rappresaglia linguistica.
Si lascia fotografare Time in Jazz, da tutti. Quelli ufficiali, di fotografi, ai
aggirano come ladri davanti alla prima fila. Girano per le chiese, le mostre,
i sentieri. Cercano le finezze. Maniaci dello scatto, per chi li guarda storto
dalla prima fila. Tutti gli altri – volontari, spettatori, artisti, anche – in
modo più grossolano, cercano piuttosto una testimonianza, prove, documenti.
E poi, a volte, anche loro trovano la foto comme il faut. Ma in un
posto come la Berchidda di quei giorni forse è più facile, dicono.
Cosa si potrebbe fare con lo sterminato materiale fotografico raccolto a
Berchidda in venti edizioni del festival? Se ne potrebbe riempire una parete,
certo, per una mostra. Insieme, si potrebbe, specie per le primi edizioni,
recuperare la memoria storica della manifestazione e dei suoi vent’anni. Le
foto più antiche, e più “artigianali”, hanno un fascino particolare, raccontano
anche la Berchidda di vent’anni fa, le metamorfosi di Piazza del Popolo.
E poi beh, quante piccole storie, dentro e fuori dal festival; c’è il racconto
di quel bambino in bicicletta che girava sempre quel festival lì, sempre in
mezzo a tutti – aveva domande per ognuno – e alla fine lo vedete, che assiste,
davanti al camion del service, la bicicletta ferma.
La filosofia che muove questa mostra è per così dire enciclopedica, da Jon
Hassell ai volontari agli anziani della piazza. C’è Paolo Fresu con una birra
in mano, e il trombettista in mille pose, e a volte c’è solo la tromba, e Paolo
Fresu lo devi immaginare tu, perché dev’essere lui, lì, è la sua mano, quella.
Magia del non detto, in molti scatti d’autore. E così in tante fotografie
restano dei movimenti a metà, delle azioni abbozzate, delle espressioni
incompiute. Lì si ferma l’occhio del lettore, da lì si staccano forme, incanti,
romanzi.
Fabrizio Crasta

Cinema
CINEMARCH
Rassegna di Cinema per TIME IN JAZZ 2008 ARKITEKTURAE
PROGRAMMA
CINEMARCH
dal 12 al 15 Agosto - ore 16
Cinema Comunale Piazza del Popolo
12 METROPOLIS
di Fritz Lang
13 APPUNTI DI VIAGGIO
SU MODA E CITTÀ
di Wim Wenders & Frank Gehry
Creatore di sogni di Frank Gahry
14 KOYAANISQATSI
di Godfrey Reggio
15 TIME IN JAZZ “E VENTI”
di Gianfranco Cabiddu e
Ferdinando Vicentini Orgnani
Metropolis
Regia Fritz Lang; 1927
Durata: 153’B/N muto
Il tocco di Lang è magico, ma già lanciato
nella modernità. Il film è tratto da un della
von Harbou, moglie del regista, e pubblicato
nei primi , ma si discosta notevolmente
dalla trama del racconto. Le immagini della
città del e delle tecnologie immaginate nel
stupiscono per la loro modernità, mentre il
messaggio è riconducibile alle istanze di
rivalsa sociale più edulcorate e politicamente
corrette. Proprio in virtù di ciò, sarà lo
stesso Fritz Lang, in un’intervista del , a
“rinnegare” in parte il proprio magistrale
lavoro:“Ho spesso dichiarato di non amare
Metropolis: perché è impossibile per me
oggi, accettare il “messaggio” del film. È
un’assurdità quella di dire che il cuore è
l’intermediario fra le braccia e la mente.
Cioè, evidentemente, tra l’impiegato e il
datore di lavoro, il lavoro e il Capitale. Il
problema è sociale, e non morale. Ci credevo
mentre giravo il film, come avrei potuto
terminarlo altrimenti? Ma in seguito
cominciai a capire che non andava.
Ciononostante, oggi Metropolis è considerato
una delle pellicole più importanti nella
storia del cinema.
Ascorrere il programma di Time in Jazz 2008, la
prima impressione è che sia molto riduttivo parlare di
festival di sola musica Jazz. Anche questo anno infatti
il “tema” dato Architeturae, nelle intenzioni di direttori
artistici e organizzatori, è stato come da tradizione
declinato nelle varie discipline che fanno del
Festival Time in Jazz il terreno fertile per il superamento
dei confini e il dialogo tra musica, cinema, arte
e scrittura.
Viaggiare ed esplorare d’altra parte è la nostra costante.
E se è vero che un po’ tutti i luoghi si assomigliano
è quell’ansia di scoprire, di ritrovare se stessi e di
conoscere che fa cambiare anche la percezione dei
luoghi.
Bisogna immaginare spazi, innovare e costruire, nel
rispetto della propria storia, nuovi percorsi d’incontro
e di scambio dove l’arte, l’artificio del cinema e della
musica, disegnano uno spazio di “nuovo”. Solo così si
può dare un senso rinnovato alla vita.
In altre parole, mettere assieme cinema, musica e
architettura è stata nella scelta dei film il passaggio
obbligato e necessario per lo sviluppo del tema.
L’uno (con)tiene le altre discipline. Il tema dell’architettura
è stato ed è una delle frontiere che hanno spinto
anche il cinema, e i cineasti ad interrogarsi ed
“osare” spingendoli non a caso in direzione nuove,
nella ricerca di nuove forme di integrazione e sperimentazione
tra linguaggi diversi.
Appunti di viaggio
su moda e città
(Aufzeichnungen
zu Kleidern
und Städten)
Regia di Wim Wenderso
colore 81’. - Produzione Giappone,
Germania, Francia .
Documentario-intervista col noto
sarto – pardon, stilista – giapponese
Yamamoto con interventi parlati
fuori campo del regista sulla moda
come strumento di comunicazione.
Commissionato dal Centre
Pompidou di Parigi, è un elegante
esercizio di regia audiovisiva (molto
spazio al video, con la Sony come
“sponsor”) che sfiora l’operazione di
promozione pubblicitaria. Ma c’è
sempre Wenders dietro la macchiana
da presa così oltre all’analogia tra
moda e cinema, sartoria e regia, c’è
il parallelismo interessante tra
Tokyo e Parigi, città e luoghi
costruiti dall’uomo.
.Koyaanisqatsi
Regia di Godfrey Reggio.
Documentario, colore 83’
Musica Philip Glass
Durante la fine degli , Godfrey Reggio,
impiegato all’Institute for Regional
Education, inizia a lavorare ad un innovativo
avente come motivo basilare la natura
e la vita moderna. Nel lui e iniziano a
girare il , che richiederà 6 anni di riprese,
montaggi, nuove riprese e rimontaggi
prima di essere completato. Componente
fondamentale per il film è anche la musica
composta da . La particolarità del film
è la completa assenza di dialoghi. Il film
guida lo spettatore attraverso un viaggio
che inizia con la natura per passare successivamente
all’intervento dell’uomo e
diventa sempre più frenetico, il tutto sottolineato
da una colonna sonora molto
accattivante. Koyaanisqatsi è una parola
della lingua e significa “vita in tumulto”.
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Nei film che presentiamo si inizia con un doveroso
omaggio alla visione espressionista e futuribile con un
film capolavoro, lo “storico” Metropolis di Fritz
Lang del 1927, per poi inoltrarsi nel territorio della
sperimentazione cinematografica, architettonica e
musicale con Koyaanisqatsi: pietra miliare di un cinema
di pura percezione con le musiche di Phillip Glass
dove il rapporto natura, città musica suono raggiunge
livelli altissimi. Tra questi due film “estremi” c’è un
momento di riflessione, rappresentato dai due documentari
di ricerca d’autore: due grandi cineasti, e
Wim Wenders, si mettono “direttamente” in scena
interrogando due artefici del nostro tempo: il grande
architetto americano Frank O. Gehry e lo stilista giapponese
Yohji Yamamoto. Con una sesibilità scoperta e
poetica, i registi indagano per analogia, per contrasti,
per simboli. La città e lo spazio urbano, l’habitat e i
vestiti come senso di abitare un corpo, e il cinema che
osserva questi cambiamenti, medium in grado di testimoniare
la bellezza e l’equilibrio delle forme.
Per chiudere il 15, giorno dedicato alla grande festa
finale di Time in Jazz, è presentato in anteprima un
“Work in progress” di casa nostra: il “primo montaggio”
di “E venti” film Documentario realizzato durante
l’edizione 2007 del Festival, dove nella varietà dei
luoghi e locations, dei tempi, degli artisti e dei suoni
si ritrova l’Architetturae originale del Festival Time in
Jazz.
Creatore di Sogni
Frank Gehry (1929) e S. Pollack sono amici
da molti anni. Quando Frank gli proprose di
girare un documentario su di lui, Sydney gli
rispose: “Sei matto. Non ho mai fatto un
documentario in vita mia e non so nulla di
architettura”. E l’altro: “Perciò sei perfetto”.
Pollack impiegò 5 anni a farlo. Canadese,
ebreo (vero cognome Goldberg), Frank O.
Gehry è architetto di una originalità che sfiora
la perversione. Forse non è nemmeno un
vero architetto, come, in fondo, non lo era
Frank Lloyd Wright. È famoso – si fa per dire
– per il Museo Guggenheim di Bilbao, da
anni un’attrazione turistica, ma anche per il
mega-albergo The Fish di Barcellona, la Walt
Disney Concert Hall di Downtown (L.A.), la
D.G. Bank di Berlino. Ama costruire edifici
che inventino spazi, accolgano e riflettano la
luce, sfidino la pesantezza dei materiali: “Gli
piacciono la linea spezzata, la curva, il tondo,
l’ottuso, ciò che s’innalza e sfida la gravità
perché non sale a piombo, ma si attorciglia,
scende, si rialza, si piega, si biforca”. Pur
nella complessità della struttura temporale, è
un film semplice: Pollack riprende l’amico
con una telecamera digitale, insieme chiacchierano,
scherzano, ricordano, si divertono.
Gehry risponde quando ne ha voglia, oppure
disegna i suoi sketch e costruisce un modellino
di carta, taglia, incolla, prova, riprova
come un ragazzino che gioca con carta e forbici.
Come contrappunto, c’è uno specialista
che non ama il suo lavoro, lo critica, gli rimprovera
gli sprechi, l’esibizionismo, le nevrotiche
fantasticherie.

SEGUE DA PAGINA 38
38
Architetture
“ecosostenibili”?
“Edifici ricoperti di foglie,…rifugi mimetizzati nel
verde o sotto il suolo… design integrato con l’ambiente
….la città abbandona il cemento e si trasforma in una
foresta artificiale, per un nuovo ecologismo”
Dal museo agli edifici pubblici,dall’albergo alla
microabitazione è tutto un fiorire di progetti verdissimi:
il Musée du Quai Branly del francese
Jean Nouvel con la sua facciata lunga duecento
metri completamente verde curata dal Botanico ed
artista Patrick Blanc con cento cinquanta specie
arboree diverse provenienti da tutto il mondo e
così la Fondation Cartier e poi Emilio Ambaz,
precursore di questo tipo di interventi con la sua
teoria “green over the grey” e lo spettacolare edificio
della Prefectural International Hall di
Fukuoka, e ancora gli elvetici Herzog & de
Meuron autori del Ricola Marketing Building a
Laufen in Svizzera con la sua pensilina vegetale.
L’architettura copia la natura e cattura le sue
forme per adattarsi meglio al paesaggio: i progetti
dell’architetto Manuelle Gautrand per le autostrade
francesi o il centro culturale J.M. Tjbaou a
Noumea in Nuova Caledonia di Renzo Piano.
Anche intorno a noi molte architetture verdi!!! Un
verde un po’ diverso da quello dei grandi progetti
“verdi” del mondo ma che ci induce a riflettere a
quelli che sono gli effetti o che potrebbero essere
dell’applicazione di normative o mode “verdi” a
tessuti già compromessi da un rinnovamento edilizio
a volte poco garbato che ha stravolto interi
centri storici della Sardegna in barba ad un progetto
verde bellissimo, “Pergolati di vite” di
Costantino Nivola degli anni cinquanta per Orani.
La natura crea opere di rara poesia che l’uomo
non dovrebbe scordare intervenendo a recuperare
e a rendere “eco” le case e i centri abitati.
Vicino all’Isola ecologica di Green Jazz una piccola
installazione per riflettere sul senso di
“architettura verde”…… Green Pulse/Case dal
cuore verde. Maria Paola Cau
Green Jazz
Jazz è nero,
no jazz è verde!
L’associazione Time
in Jazz in
collaborazione con
l’amministrazione e
quanti contribuiscono
alla gestione della
tutela dell’ambiente e
dei rifiuti a
Berchidda, nei giorni
del Festival contribuisce
con una
“riflessione pratica”
sul tema della raccolta
dei rifiuti che riguarda non solo i giorni del Festival,
ma la vita di tutti i giorni.
“Riuso e riciclo” nell’ accezione corrente significa
ridurre la quantità di “spazzatura” cioè l’ultimo stadio
dei rifiuti che finisce in discarica o ad un inceneritore
evitando di contribuire alle emissioni nocive in atmosfera,
che come sappiamo è un grande affare.
Dopo il Protocollo di Kyoto chi ha crediti di emissione
di CO² come i paesi in via di sviluppo, può
rivenderli a chi supera i limiti (da “Il carbonio è un
grande affare” pubblicato sul Sole 24 Ore del 10
marzo 2008).
La direttiva europea sui rifiuti, varata tre anni fa, definisce
quello che è spazzatura e quello che non lo è, e
da le linee guida cui i governi possono attenersi per
regolare il loro operato.
La situazione in Campania ha portato davanti ai
media un campionario di comportamenti umani che
non possiamo definire “lontani” o estranei a noi.
Napoli, nell’immaginario collettivo, è il caos dei rifiuti
ma ricordiamo anche durante l’emergenza l’opera
creativa di numerosi writers, “l’Urlo di Munch” dietro
un montagna di spazzatura.
E l’area portuale di
Napoli è anche il centro
di raccolta, smistamento
e preparazione
al riuso di tonnellate
di vestiti usati che dal
Nord Europa partono
per l’Africa, così
come mostrato in un
cortometraggio andato
in onda a tarda serata
su Rai 3,“Viaggio di
una maglietta”.
E questo ci avvicina a quello che nel resto del mondo
è un approccio al “riuso e riciclo” molto diverso dal
nostro, certo non regolamentato da leggi, ma da bisogni
primari: ricordiamo i bambini delle discariche di
Phon Phenn, Nairobi, Lagos, i cartoneros di Buenos
Aires, Rio, San Paolo e i carretti con i campanelli di
Cina, India e così via, ma anche i giocattoli di latta
riciclata dei bambini del Burkina Faso, i sandali fatti
con i copertoni delle nostre auto, prodotti in Marocco
ma in vendita anche nelle nostre spiagge.
Crediamo che la strada affinché le “regole” possano
essere interiorizzate, sia partire dai piccoli gesti, da
quelli che sembrano piccoli disturbi: portare i rifiuti
che abbiamo prodotto fino al primo contenitore utile
può essere un disagio, perché spesso (e la vita di tutti
i giorni ce lo insegna) non è sotto casa.
Al Festival Time in Jazz, quest’anno, piccole isole
ecologiche per differenziare saranno dislocate nel
centro storico, frutto di una collaborazione tra
l’amministrazione comunale, gli esercenti, gli addetti
alla gestione dei rifiuti e l’associazione Time in Jazz.
Jazz è verde?
Pensiamo di sì se verde è il nostro cuore… M.P.C.

Dietro le quinte del ventunesimo festival Time in
Jazz
Organizzazione: Associazione culturale Time in
Jazz
Direttore artistico: Paolo Fresu
Coordinamento Generale: Luca Nieddu e
Giannella Demuro
Coordinamento Arti Visive: Giannella Demuro e
Antonello Fresu
Coordinamento Cinema: Gianfranco Cabiddu
Segreteria e amministrazione: Mariella Demartis
Coordinamento Artistico: Vittorio Albani e
Stefania Conte
Ufficio Stampa: Riccardo Sgualdini, Daria
Corrias
Logistica: Andrea Sannitu
Logistica concerti esterni: Tonino Casu
Logistica concerti in montagna: Enrica Brianda
Logistica Jazz Club: Fabrizio Crasta
Responsabile spazio concerti: Gian Paolo Crasta
Gestione strutture piazza: Enrica Brianda
Immagine e comunicazione: P.A.V.
Progetto allestimento piazza: Studio Peluso
Salvatore Peluso con Barbara Cadeddu, Roberto
Lallai, Miriam Manconi, Roberta Milia
Direzione Palco: Luca Devito
Direzione palco concerti esterni: Antonio Calvia
Audio: Blustudio di Alberto Erre
Tecnici:
Valeria Bella
Giacomo Bomboi
Antonio Casu
Raimondo Carneglias
Chiara Luccio
Fabrizio Montixi
Back line: Musical Box
Responsabile Giambattista Zerpelloni
Luci e scenotecnica: Blustudio
Pianoforti:
Responsabile e accordatore: Luigi Corda
Tecnici: Salvatore Cardia e Michele Montis
Registrazioni: Fabrizio Dall’Oca
Trasporti interni: responsabile Oreste Meloni,
Tore Casu, Claudia Desole, Francesco Ledda,
Lucio Mu, Marcello Pianezzi, Roberto Scanu
Tour assistants: Gloria Armas, Simona Lippi,
Alessandra Spigno
Logistica accoglienza: Rossana Sanna, Maria
Murrighili, Raffaella Piga, Michela Rotondale
Info point: Giovanni Busetto, Antonio Camassa,
Giovanna Demuru, Nina Demuru, Grazia
Dettori, Ada Grifoni, Valeria Manconi, Angela
Murrighili, Daniela Pianezzi, Gabriella
Pianizzola, Ilaria Serra, Angelo Zucchi
Biglietteria: Gibo Borghesani, Salvatore Dettori,
Caterina Mannu, Maria Antonietta Mazza,
Agnese Pianezzi, Antonella Piga
Strappo: Valentina Nieddu, Paola Puggioni
Merchandising: Rossella Calvia, Maria Paola
Casu, Lorella Fresu, Cinzia Sini, Raffaella Sirico
Backstage e catering: Stefania Brianda, Alessia
Campus, Elena Carta, Laura Casu, Samuela
Casu, Francesca Ledda, Maria Teresa Manca
Servizio mensa: Elia Saba
Ricezione servizio mensa: Francesca Dalfino,
Rita Ines Mura
Squadra logistica: Nicola Addis, Giovanni
Bailardi, Edoardo Brungiu, Jacopo Calvia,
Cristiano Casu, Michela Casu, Raffaele Craba,
Jacopo Deiana, Antonio Demuru, Dino
Mignogna, Simone Mu, Enrico Natalini,
Emiliano Paris, Romano Pianezzi, Tore Piga,
Michele Pinna, Mariella Sini, Riccardo Soddu,
Giuseppe Spanu
Squadra allestimenti PAV: Sonia Borsato, Marica
Busia, Cristian Buccioli, Maria Paola Cau,
Mariolina Cosseddu, Ivo Serafino Fenu, Toni
Grandi, Gianni Melis, Fabrizio Pezzotti, Checco
Pinna, Danilo Sini
Progetto grafico: Danilo Sini
Mostre: Gabriele Crasta, Amedeo Apeddu,
Tommaso Canu, Paolo Casedda, Marco Casu,
Emma Crasta, Gloria Fois, Matteo Fozzi, Denise
Fresu, Antonella Leoni, Michela Marongiu,
Francesco Masia, Antonio Meloni, Marta
Nieddu, Claudia Pirinu, Annalisa Sanna, Giulia
Sanna, Francesca Sannitu, Letizia Spolitu,
Nicola Spolitu, Carmela Tositori, Marta Uleri
Settore cinema: Sandro Bartolozzi, Antonio
Cauterucci
Stage cinema: Silvia Capitta, Manuel Cavalieri,
Michele Fenu, Clemente Gaetano, Chiara
Morgano, Francesca Scanu, Giovanni Zoppeddu
Progettazione e stampa abbigliamento: M&M di
Monica e Maria Antonietta
Tipografia: Sarprint z.i. Tossilo Macomer
Cartellonistica: Paco Print Alatri
Progettazione, web design e software CMS
powered by bizConsulting S.r.l.
Contact Center Dedic@re
Agenzia viaggi: Medtravel Genova, Sartourist
Cagliari
Consulenza legale: Simona Putzu
Consulenza amministrativa: Elabora Snc di
Lucio Mu
Consulenza del lavoro: Giancarlo Fenu e Studio
Fara-Lieto
Si ringraziano:
l’Unione Europea e il Fondo Europeo di
Sviluppo Regionale
il Ministero per i Beni e le Attività Culturali
(Direzione Generale per lo Spettacolo dal vivo)
la Presidenza della Regione Autonoma della
Sardegna e il presidente Renato Soru
l’Assessorato allo Spettacolo e Attività Culturali
della Regione Autonoma della Sardegna e
l’Assessore Maria Antonietta Mongiu
l’Assessorato del Turismo della Regione
Autonoma della Sardegna e l’Assessore
Luisanna Depau
il Comune di Berchidda e il sindaco Sebastiano
Sannitu
il Comune di Ittireddu e il sindaco Gavino
Apeddu
il Comune di Luras e il sindaco Maria
Giuseppina Careddu
il Comune di Monti e il sindaco Giovanni Maria
Raspitzu
il Comune di Olbia e il sindaco Gianni
Giovannelli
il Comune di Oschiri e il sindaco Antonio Perinu
il Comune di Osilo e il sindaco Giovanni Manca
il Comune di Ozieri e il sindaco Leonardo Ladu
il Comune di Pattada e il sindaco Fabio
Pastorino
il Comune di Tempio Pausania e il sindaco
Antonio Pintus
la Provincia di Olbia/Tempio e il presidente
Pietrina Murrighile
l’Assessore Provinciale alla Cultura Elena Burrai
La Fondazione Banco di Sardegna, Antonello
Arru e Salvatore Rubino
il Banco di Sardegna, il presidente Antonio
Franco Farina, il direttore generale Natalino
Oggiano e Maria Grazia Cadoni
il Banco di Sardegna di Berchidda, il direttore
Paolo Pittorru,Valeria Canu, Giorgio De Giorgi,
Lorenzo Demuro, Francesco Pianezzi, Daria
Solinas
L’Ente Foreste della Sardegna, il direttore generale
Graziano Nudda, Carlo Murgia, Massimo
D’Angelo, Alessio Sussarello, Piera Abeltino e il
personale della Foresta Demaniale Monte
Limbara Sud
la Fondazione Fabrizio De Andrè, Dori Ghezzi e
Franco Maciocco
L’Agnata, Nuvole production srl, Sardares,
Enoteca Demuro, Cantine Surrau, La Fumosa,
F.lli Naseddu, F.lli Ganau
L’Ente Musicale di Nuoro e il presidente Angelo
Palmas
tutti gli artisti visivi per la loro partecipazione,
Galleria Monica De Cardenas, Milano; Galleria
Francesca Minini, Milano, Monitor, Roma, Galleria
Pack, Milano
Trenitalia e Leonardo Ghisu, Enea Maccioni
RFI e Silvano Campedel, Marella Peddis e
Rinaldo Atzeni
La Corsica Ferries - Sardinia Ferries: Ewan
Lonmon e Cristina Pizzuti
La Geasar: Lucio Murru e Pancrazio Azzena
Meridiana: Silvio Pippobello e Donatella
Achenza
la Cantina Sociale del Giogantinu e Sergio
Crasta
la Nuova Casearia e Salvatore Piga
la Distilleria Lucrezio R e Pasquale Rau
RAU Arte dolciaria e Raffaela Rau
Autoservizi Fab e Gianfranco Asara, Graziella
Asara, Marco Asara
Arborea: Francesco Casula, Stefano Reali,
Ruggero Bizzarri,
dietro le quinte del XXI festival Time in Jazz
la Cantina del Vermentino di Monti e Gianni
Sanna
FIAT Pincar e Opel AutOggi
Secauto Andrea e Simone Cuccu
Allianz Group S.p.A. c/to Lloyd Adriatico Olbia
Florvivaistica ”La Fumosa”: Marcello Scanu
Wi - Fi Company
Athena srl
Musical Box
Antonella Usai e lo staff del Museo del Vino
STL – Berchidda, Anna Pala e Mauro Pinna
L’Hotel Nuova Limbara
L’Hotel Sos Chelvos
Serv.Inn srl e Andrea Demuru
Il campeggio Tancarè e Isè Demuru
Pensieri Floreali
il parroco di Berchidda don Salvatore Delogu
il parroco di Ittireddu don Pierluigi Sini
il parroco di Oschiri don Fabio Nieddu
i comitati delle chiese di San Michele e Santa
Caterina
Tutte le signore del progetto … a pranzo da, a
tavola con
il sign. Giandomenico Fresu
Pannonica Music, Vittorio Albani e Stefania
Conte
Verdearancio s.r.l. e Giovanna Mascetti
Il personale del Comune di Berchidda
il Comando Stazione dei Carabinieri di
Berchidda
il Comando Vigili Urbani
la compagnia barracellare di Berchidda
L’Associazione Volontari Ambulanza di
Berchidda e il presidente pro tempore Salvatore
Chirigoni
le Associazioni Volontari Ambulanza
il paese di Berchidda
L’associazione culturale Time in Jazz
Presidente: Paolo Fresu
Vicepresidente: Lucio Mu
Segretaria: Mariella Demartis
Soci fondatori: Nicola Casu, Tetta Demuru,
Gianfranco Demuru, Salvatore Dettori Massimo
Laconi, Antonio Meloni, Martino Meloni,
Gianni Menicucci, Mimmia Piga, Giuseppina
Sanciu, Roberto Scanu e Riccardo Sgualdini
Responsabile sezione Musica: Paolo Fresu
Responsabili sezione Arti Visive: Giannella
Demuro e Antonello Fresu
Responsabile sezione Cinema: Gianfranco
Cabiddu
Time in Jazz è un’associazione culturale senza
fini di lucro, costituita nel dicembre 1997. I soci
fondatori sono i volontari che per dieci anni, dal
1988 al 1997, hanno composto lo staff organizzativo
del festival Internazionale Time in Jazz di
Berchidda.
La scelta di fondare un’associazione, con sede a
Berchidda, è stata dettata da esigenze di carattere
organizzativo e gestionale in una struttura
meglio definita. Time in Jazz ha potuto godere
così di un riconoscimento dell’attività culturale
svolta da parte delle istituzioni locali e nazionali.
Oltre all’organizzazione e al coordinamento del
festival internazionale Time in Jazz,
l’associazione ha allargato nel corso degli anni il
proprio ventaglio di proposte, creando al suo
interno specifiche aree di attività culturali. Nel
1998 nasce la rassegna Altri Tempi, dedicata al
cinema sardo, al teatro e alla musica. Lo stesso
anno prende il via “Aprile non dormire”, dedicata
alla presentazione di opere editoriali e teatrali.
A giugno è poi il momento della Festa della
Musica, il primo appuntamento musicale prima
del grande festival ferragostano.
E’inoltre di proprietà dell’associazione una collezione
privata permanente di arte contemporanea
in Sardegna, oggi ospitata dal Museo del
Vino/Enoteca Regionale di Berchidda, e la rivista
quadrimestrale di arte e cultura contemporanea
“Ziqqurat” diretta da Giannella Demuro.
A queste attività si aggiunge quella di archiviazione
del materiale prodotto e raccolto nel corso
degli anni. Un prezioso patrimonio di documenti
e testimonianze che compongono la memoria
storica - registrazioni audio e video, ritagli di
giornali, fotografie, disegni, manifesti - per la
promozione di tutte le attività culturali che i linguaggi
della musica e dell’arte in genere possono
suggerire. In questo senso, l’associazione è
un vero e proprio laboratorio di idee e progetti
culturali che stimolano l’interazione fra le diverse
attività artistico-creative. Riflesso diretto di
questa attività di archiviazione, la pubblicazione
di cinque cd tratti da altrettanti concerti di recenti
edizioni del festival.
Per informazioni:
Associazione culturale Time in Jazz
Via Pietro Casu, 29/a - 07022 Berchidda (OT)
tel. (+39) 079703007 - fax (+39) 079703149
e-mail: info@timeinjazz.it
www.timeinjazz.it
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