Il Tabloid del festival Time in Jazz 2005

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Il critico italiano Gianfranco Salvatore, curatore di un
interessante libro sulla Techno-Trance, scrive nella sua
prefazione: “Gli anni di techno e di musica digitale
hanno risvegliato nella nostra civiltà tecnologica e
metropolitana un’antichissima risorsa vitale: la capacità
di trascendere il proprio corpo per accedere, attraverso la
musica e la danza, alla dimensione dell’ignoto, dell’altrove
e dunque della trance”.
In un recente convegno, svoltosi a Venezia nel 2002 sul
tema “Musica e stati alterati di coscienza”, si è riflettuto
in modo approfondito sui poteri della musica che da
sempre modificano la nostra percezione emotiva e sull’associazione
sistematica tra musica e stati transitori di
alterazione delle attività psichiche (trance, estasi, sdoppiamento
o sovrapposizione di personalità, visione,
“viaggio” mistico, ecc.) che è riscontrabile alle più diverse
latitudini e nei riti a sfondo terapeutico e religioso di
molte culture e società tradizionali.
“Essa costituisce tuttora - si scrive nella prefazione al convegno
- un tratto caratteristico dei cosiddetti culti di possessione
africani e mediterranei, dello sciamanismo euroasiatico
e amerindiano, delle pratiche devozionali della
mistica islamica e anche di alcuni nuovi riti cristiani. Già
rilevata da Platone e Aristotele, questa singolare relazione
fra musica e stati non ordinari di coscienza è divenuta
oggetto di particolare attenzione soprattutto a partire dalla
seconda metà del secolo scorso a seguito di approfonditi
studi antropologici e storico-religiosi sulle tecniche e le
religioni ‘estatiche’ suscitando anche un certo interesse di
massa grazie alla particolare diffusione di alcune ricerche, come
quelle di Ernesto De Martino e Diego Carpitella sul tarantismo
pugliese o di Métraux sul vodu haitiano”.
E’ stato il grande fotografo sardo Franco Pinna a documentare
parte dello straordinario lavoro di De Martino: dalla inchiesta a
Tricarico del 1952 fino alla ricerca sul tarantismo nel Salento del
1959 passando per la “spedizione” in Lucania del 1952, questa
prima forma di “antropologia visuale” racconta in un interessante
libro fotografico quel rapporto tra Sud e magia e tra magia e musica
che è alla base, ad esempio, del nuovo fenomeno legato al tarantismo
pugliese, oggi prepotentemente alla ribalta.
Dal convegno di Venezia si evince quanto il contributo dell’etnomusicologia
si sia rivelato fondamentale nello studio sulle potenzialità
della musica in rapporto all'induzione verso condizioni estatiche
o di trance; in particolare, il noto saggio di Gilbert Rouget su
“Musica e trance” (1980) ha proposto una completa classificazione
dei vari fenomeni avanzando precise ipotesi sui rispettivi ruoli che
musica, danza, rito e finalità terapeutiche giocano nello strano
meccanismo dei riti di possessione.
Negli atti del convegno di Venezia si legge ancora: “Se per alcuni
anni la discussione scientifica sui rapporti fra musica e stati
non ordinari di coscienza è stata molto vivace e ricca di contributi
è nell’ultimo decennio che il dibattito si è progressivamente
attenuato, lasciando aperti non pochi interrogativi circa l’effettivo
‘potere’ - puramente emozionale e comunicativo o anche psicofisiologico
- della musica all’interno dei vari dispositivi terapeutici
e religiosi tradizionali. Paradossalmente, però, le questioni
sollevate si sono riverberate al di fuori degli ambiti scientifici,
favorendo indirettamente un proliferare di nuovi fenomeni: dallo
sviluppo di particolari tecniche terapeutiche con musica, quali ad
esempio la ‘respirazione olotropica’ sperimentata a partire dagli
il festival
Il segno e la musica verso la primordiale e sciamanica metafora dell’arte
Digital Trance
La Tiger Dixie Band e lo staff di Time in Jazz alla festa finale del Festival 2004
anni ‘70 dal medico praghese Stanislav Grof in California, a un
interesse crescente delle nuove generazioni occidentali per alcune
pratiche coreutico-musicali tradizionalmente connesse alla
trance o all’estasi”.
Un esempio tra tutte quelle dei rituali gnâwa del Marocco o dei dervisci
mevlevi turchi che avremo il piacere di ospitare proprio in
seno al nostro festival. Ma come riesaminare oggi il nesso musica/trance
e soprattutto come svolgere questo tema all’interno di un
festival di jazz come il nostro?
In Marocco, in occasione della festa della Achura i bambini ricevono
in dono dai genitori un piccolo tamburo (ta’rija) per praticare
il ritmo di possessione con cui si invoca la presenza della
santa Lala Mnena, che ha il potere di far entrare in trance. Nei
ritmi complessi e nelle danze di possessione praticate dalle tribù
Gnâwa (di cultura nera) e Jahjûka (di cultura bianca), il suono
delle percussioni influisce sul corpo alterando la frequenza delle
onde cerebrali e quindi inondando le zone sensibili del cervello.
Si verifica così un aumento della produzione di ormoni da parte
del sistema ghiandolare, che a sua volta influisce sulle emozioni
e sulla mente. Se lo stato di trance è uno stato di coscienza indotto
a livello fisico per liberare lo spirito, è per questo che nelle
cerimonie di trance si usano ritmi fortemente ossessivi, capaci di
provocare i necessari mutamenti fisici.
Si tende del resto a definire sommariamente “musica” un insieme
di suoni articolato e armonioso, mentre questi altro non sono
che onde vibrazionali e noi siamo fatti di vibrazioni elettromagnetiche.
In un altro interessante saggio sulla “Musica come
nutrimento”, Carlo Di Stanislao sostiene che la regolazione di
molte funzioni del corpo umano, animale o vegetale, è dovuta
proprio a onde vibrazionali coerenti (studi di Froelich, Popp, Del
Giudice, Kervran, Vithoulkas e altri recentissimi sugli effetti del-
l’omeopatia, della cromoterapia, del soft-laser, della
musicoterapia), e studiosi del calibro di Bienveniste affermano
che qualsiasi sostanza agisce attraverso la sua specifica
vibrazione, piuttosto che grazie alla sua composizione
molecolare.
Oltre all’elemento ritmico incalzante, è dunque l’elemento
sonoro a definire le potenzialità evocative e vibrative dello
tsunami sonoro che induce all’alterazione degli stati di
coscienza. Quel flusso stratificato e circolare fatto di loops
e campionamenti digitali che, come scrive ancora
Salvatore, “trasfigurano lo strato armonico verso uno strato
timbrico e/o di contrappunto forsennato”; ed è proprio questa
risultanza che il musicologo Roberto Agostini definisce
“contrappunto amelodico”.
La facilità di pilotare moderni sequencer, multieffetti digitali
e computer con programmi di registrazione musicale, ha
facilitato enormemente quel percorso che porta a trovare
una precisa e logica relazione tra una musica apparentemente
spoglia di contenuti armonici e priva (sempre apparentemente)
di pensiero costruttivo, anche se c’è un preciso
filo conduttore e un riferimento neanche troppo indiretto tra
il tardo Debussy, John Cage, Stravinskij e Xenakis con
quell’Ottocento teso verso uno sviluppo esasperato della
melodia e della densità armonica.
In questo contesto è evidente quanto il jazz abbia contribuito
in maniera forte, in quanto linguaggio musicale
nato nel Novecento, a rompere gli argini della corretta
armonia, dell’esasperata melodizzazione e dunque dell’estetica
canonica.
Il 18 Febbraio del 1969, il trombettista Miles Davis entra nello
studio “B” della Columbia assieme a Wayne Shorter, John
McLaughlin, Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Dave
Holland e Tony Williams. Sei mesi dopo l’album è nei negozi: si
intitola “In A Silent Way” e inaugura, a dispetto del titolo, l’era
meno silenziosa della storia del jazz con i suoi suoni acidi e duri.
Nello stesso momento i teorici e i giornalisti coniarono un termine
per definire un nuovo stile: quello della “fusion” che marcherà
fortemente gli anni Settanta e i primi Ottanta…
Ma se il concetto di fusione messo in atto dal trombettista
dell’Illinois rappresenta l’apertura estrema del jazz verso le altre
musiche, è nel messaggio intrinseco che bisogna trovare la chiave
che aprirà le porte alle “musiche altre” per andare verso una
visione più cosmopolita dell’arte che conduce il jazz, musica
“meticciata” per antonomasia, da una dimensione di nicchia verso
quella popolarità che oggi ha raggiunto il suo apice.
Se il popolo dei rave rappresenta quella risposta all’implosiva
condizione elitaria del jazz degli anni Settanta, è ora nelle grandi
kermesse estive che si può toccare per mano quella sorta di
ebbrezza collettiva che Gilbert Rouget constata come una nuova
necessità comunicativa: il movimento (in quanto opposto all’immobilità
estatica), il rumore (opposto al silenzio), la presenza di
altre persone (opposta alla solitudine) e l’iperstimolazione (opposta
alla privazione sensoriale) sono individuati e catalogati anche
da Gianfranco Salvatore come i punti cardine dell’esigenza di
incontro e di fruizione collettiva, e appartengono, a mio avviso,
sia al mondo del rave che a quello, ad esempio, del nuovo jazz
scandinavo, turco o newyorkese.
Time in jazz, che quest’anno diventa maggiorenne e che pensa
per eventi (non nel senso biecamente commerciale del termine) e
per incontri e scontri attraverso un armonioso bombardamento di
BERCHIDDA: L’AMMINISTRAZIONE COMUNALE
BEN’ENIDOS
BENVENUTI
KARIBU
WELCOME
BIENVENUE
BIENVENIDOS
VELKOMMEN
WILLKOMMEN
VELKOM
TERVETULOA
HOS GELDINIZ
BUN VENIT

stimoli e di accadimenti, non poteva non affrontare, nel segno e
nella musica, il “transire” verso la primordiale e sciamanica
metafora dell’arte.
* * *
“Though living in technologic and modern societies, techno and
digital music years awakened a very ancient and inner human life
property: a sort of capacity of transcending the body by means of
music and dance, setting off towards the unknown, the elsewhere
then into trance” said the Italian critic Gianfranco Salvatore in
his book’s preface on techno-trance.
In a recent conference on “Music and altered states of consciousness”
(Venice, Italy 2002), music power of modifying individual
emotional perception has been examined thoroughly. This
led to find a systematic relationship between music and temporary
altered states of mind’s activities as those experienced in
several traditional cultures’ healing, mystical and religious experiential
forms (trance, ecstasy, personality’s splitting, visionary
and mystical journey etc.).
As reported from the conference’s preface: “By now, this not
only is a specific legacy of the so-called African and
Mediterranean possession cults but of Euroasian and American
Indian shamanism, Islamic mysticism’s religious practices and
recent Christian rites as well. Not secluded to Plato and Aristotle,
the peculiar relationship between music and non-ordinary states
of consciousness (NOSC) have been highlighted by exhaustive
anthropological and historical investigations on ecstatic religions
and techniques since the end of the last century. Moreover, surveys
on Apulean tarantism phenomena (by Ernesto De Martino
and Diego Carpitella) or on Haïtian voodoo cult (by Métraux)
opened up to a widespread mass interest”.
First essay of “visual anthropology”, the interesting book by the
great Sardinian photographer Franco Pinna gave evidence to the
extraordinary De Martino’s work: Tricarico’s inquiry and
Lucania’s expedition in 1952 and his survey on Apulean tarantism
in 1959. Magic and the South, magic and music: a relationship at
the base of the cutting-edge interest for tarantism phenomenon.
According to Venice’s conference assumptions, ethnomusicology
has been forcefully conducive to studies on music’s potential
property of setting people into ecstasy or trance. At this purpose,
it’s worth mentioning Gilbert Rouget’s “Music and Trance”
(1980). His work is an extended analysis and classification of
diverse phenomena related to music and trance as well as a
developed theory on music, dance and healing practices’ specific
roles in rituals of possession. “Although very attentive and
active for several years, scientific debates on music and nonordinary
states of consciousness matters have continuously
diminished during the latest ten years. Nevertheless, many questions
on real music strength’s emotional, communicative and
psycho-physiological effects within traditional healing and religious
rituals left the matter open and indirectly gave way to other
non-scientific belief systems. So far, specific therapeutic music
techniques developed: in California during the ‘70s, the
holotropic breathwork by the Praguese physician Stanislav Grof,
and a new Western generations’ growing interest in choreuticmusical
practices traditionally linked to trance or ecstasy”.
Provided that and among all, this year we have the pleasure of hosting
Gnawa and Mawlawi rituals, respectively from Morocco and
Turkey. But how can we currently re-examine music/trance relationship
and develop the issue within a jazz festival of this sort?
In Morocco, during Ashura’s celebration, relatives are used to
give their children a small drum (ta’rija) as present. The instrument’s
possession beat allow them to recall on saint Lala
Mnena’s power of setting people into trance. Both Gnawa (from
blacks heritage) and Jajuka tribes (from whites heritage) feature
GIOVEDÌ 11 AGOSTO
Montalvu Foresta Demaniale Monte Limbara Sud - h. 06.00
MontAlbæ In > Paolo Fresu & Alborada String Quartet
“Scores”
in collaborazione con l’Ente Foreste della Sardegna
Stazioni ferroviarie
Olbia/Monti/Berchidda/Oschiri/Chilivani
partenza h. 10.59 > arrivo h. 12.33
“TEE / TrancEuropExpress”
Brittany Bagpipes & Orchestra di Launeddas di Luigi Lai
produzione originale
in collaborazione con Trenitalia e RFI
Ozieri, Basilica di Sant’Antioco di Bisarcio - h. 18.00
Bugge Wesseltoft & Sidsel Endresen
Berchidda, Piazza del Popolo - h. 21.30
Jon Balke Magnetic North Orchestra
Jacques Pellen “Celtic Procession” con Brittany Bagpipes
produzione originale
VENERDÌ 12 AGOSTO
Monti, Santuario di San Paolo Eremita - h. 11.00
Jon Balke & Bugge Wesseltoft Duo - produzione originale
Oschiri, Chiesa di N. Signora Di Castro - h. 18.00
Triptyque
Berchidda, Piazza del Popolo - h. 21.30
Gnawa Sidi Mimoun “Gnaoua project”
special guest: Karim Ziad - produzione originale
Bugge Wesseltoft New Conception of Jazz
SABATO 13 AGOSTO
Berchidda, Chiesa di San Michele - h. 11.00
Jon Balke piano solo
Berchidda, Chiesa di Santa Caterina - h. 18.00
Gnawa Sidi Mimoun “Gnawa acoustic project”
il festival
possession rituals based on dancing and complex beats. Here,
sounds from percussion affect the body by spreading inside
brain’s sensitive areas and altering its waves’ frequencies. Due to
the glandular system, a hormones production’s increase follows
and consequently influences emotions as well as mind greatly.
Providing that trance is a state of consciousness induced at a physical
level to freeing soul, this explains the use of obsessive rhythms
during trance rituals in order to cause the physical changes required.
Usually music is roughly described as a harmonic and articulated
sound as a whole, without taking into account that sounds are
nothing else than vibration waves as well as human being is
made from electromagnetic vibrations. According to Carlo Di
Stanislao’s impressive essay on “Musica come nutrimento”,
vibration waves do coherently influence numerous human, animal
and vegetable body’s functions (see also Froelich, Popp, Del
Giudice, Kervran, Vithoulkas and latest studies on effects related
to homeopathy, chromo-therapy, soft-laser and music-therapy).
Bienveniste and researchers of his same kind assume that more
than through its molecular composition any substance acts
according to its own peculiar vibration. Hence, the deluge of
sounds’ evocative and vibration strength causing the so-called
altered states of consciousness is strictly due to the sound element
in itself apart from any throbbing beat.
A sort of loop-digital-sample-bedded and circular stream “transforms
the harmonic surface into a frantic counterpoint” Salvatore
writes. And according to music researcher Roberto Agostini, “a
non-melodic counterpoint” results from the occurred and above
mentioned transformation.
By far modern sequencers, digital multi-effects and music
recording softwares’ access is now undisputedly easy. This has
managed to find out a specific and logic relationship between an
apparently harmonic content and constructing thought-bared
music with the nineteenth century’s sound features forcefully
aimed to develop melody and harmonic density. Nonetheless, the
later Debussy’s work, John Cage, Stravinskij and Xenakis have
a definite and mutual theme and a pretty direct reference to.
In the twentieth century, jazz has profoundly contributed to overcome
patterns a proper harmony, an exacerbating melody and
then aesthetics’ rules imposed.
On February 18th 1969, the trumpeter Miles Davis alongside
Wayne Shorter, John McLaughlin, Herbie Hancock, Chick Corea,
Joe Zawinul, Dave Holland and Tony Williams set out recording
in Columbia Records’ B studio. Six months later the album’s
release. Despite its title, “In a Silent Way” and its acid and harsh
sounds opened up to the jazz history’s noisiest period. At the same
time, theorists and journalists described this new born original
style deeply influencing the coming ‘70s and ‘80s as “fusion”.
Hence, the Illinois-born trumpeter definitely pointed jazz to other
musical directions. “Half-bred” music par excellence, jazz has
been progressively worldwide prized since then and at its popularity’s
apex today as a field of music.
Right opposite to the unwilling jazz’s élite condition faced in the
‘70s, rave’s summer reunions and followers now better represent
the new communicating need. According to Gilbert Rouget as
well as Gianfranco Salvatore, motion, noise, collective dimension
and hyper-stimulation play a key role in the urging of a collective
dimension. And in my opinion, they are also deeply concerned
with new jazz expressions coming from Scandinavia,
Turkey and New York.
Specifically conceived on its events’ inner meaning, Time in Jazz
Festival has been based on its ever stimulating strength since
ever. And now, turning to its 18th edition, arts as well as music
have just got to be committed to the “Trans-ire” toward art’s primordial
and shamanic symbolism.
Berchidda, Giardini Casa di riposo per anziani - h. 19.45
Gara di Poesia in lingua sarda con i poeti improvvisatori
Mario Masala, Bruno Agus e Giuseppe Porcu
Berchidda, Piazza del Popolo - h. 21.30
“Experimentum Mundi Remix” opera di musica immaginistica
- live di Giorgio Battistelli e Maurizio Martusciello
Mercan Dede Secret Tribe
DOMENICA 14 AGOSTO
Berchidda, Museo del Vino – h. 10.30
Presentazione dei libri “Musica e Architettura. Paesaggi
della contemporaneità” a cura di Salvatore Peluso e
“Paolo Fresu: la Sardegna, il Jazz” di Enzo Gravante
Berchidda, Museo del Vino - h. 12.00
Concerto Aperitivo con Angelo Lazzeri Quartetto
Nughedu San Nicolò, Chiesa di Sant’Antonio Abate - h. 18.00
Furio Di Castri & Gianluca Petrella Duo
Berchidda, Piazza del Popolo - h. 21.30
Michel Benita & Judith Darmont “Translate”
guests: Erik Truffaz, Philippe Garcia
Sex Mob - special guest: DJ Olive
LUNEDÌ 15 AGOSTO
Semida - Arboreto mediterraneo - Foresta Demaniale
Monte Limbara Sud - h. 11.00
Steven Bernstein “Special Mountain” Project
produzione originale
in collaborazione con l’Ente Foreste della Sardegna
Tempio Pausania, L’Agnata - h. 18.00
Danilo Rea “Il jazz incontra la musica d'autore:
omaggio a Fabrizio De Andrè” produzione originale
in collaborazione con la Fondazione Fabrizio De Andrè
“La Gallura di Fabrizio tra musica e e poesia”
mostra fotografica h. 10.00>21.00
Berchidda, Piazza del Popolo - h. 21.30
Gianluca Petrella Indigo Quartet
Bollywood Brass Band & Festa finale con giochi pirotecnici
Montalvu Foresta Demaniale Monte Limbara Sud
h. 06.30 del 16 agosto
MontAlbæ Out > Paolo Fresu & Alborada String Quartet
“ArvoPärtrance” - produzione originale
TUTTE LE SERE
Berchidda, per le vie del paese
Bollywood Brass Band - h. 19.30
Mistura Pura/Dj set - h. 20.30
TUTTE LE NOTTI
Berchidda, Cortili di Casa Meloni,, 11>15 agosto,
dopo i concerti
TRANCE di NOTTE / NOTE in TRANCE
rassegna di film etnografici a cura di Gianfranco Cabiddu
in collaborazione con l’Istituto Superiore Regionale Etnografico
Berchidda, Museo del Vino, 11>15 agosto - h. 24.00
The MiXzone/Dj set e live happenings a cura di Radio X
in collaborazione con il Museo del Vino e la Cooperativa
La Memoria Storica
PAV PROGETTO ARTI VISIVE
Mostre _ Esposizioni _ Eventi > 11-15 agosto
organizzazione e cura di
Giannella Demuro e Antonello Fresu
Arte tra le note > Piazza del Popolo
scenografie d’artista per i concerti serali di Time in Jazz
Bianco-Valente, Massimo Kaufmann, Nero Project,
Pastorello
Digit@l trance > Museo PAV/Cortili Casa Meloni/Sa Casara
a cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu
Bianco-Valente, Isabella Bordoni, Christian Chironi,
Emilio Fantin, Greta Frau, Nero Project, Antonio Riello,
Sara Rossi, Nico Vascellari
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* * *
Su critigu Gianfranco Salvatore, curadore de unu interessante
libberu subra sa Techno-Trance, iscriet in sa prefatzione: “sos
annos de techno e de musica digitale ant ischidadu in sa tziviltade
tecnologica e metropolitana una resursa antigoria e primaria:
sa capatzidade de trassendere su corpus pro intrare, cun sa musica
e cun sa danza, in sa dimensione de s’inconnottu, de s’atterue
e duncas de sa trance”.
In unu retzente cunvegnu subra su tema «Musica e stati alterati
di coscienza» fattu a Venezia in su 2002 s’est reflettidu in manera
prufunda subra sos poderes de sa musica chi dae sempre
mudana sa percetzione emotiva e subra s’associatzione sistematica
tra musica e istados transitorios de alteratzione de sas attividades
psichicas (trance, estasi, isdoppiamentu o sovrappositzione
de personalidade, bisione, 'viaggiu' misticu e atteru) chi si
podene acciapare in sas pius diversas latitudines e in sos ritos a
isfundu terapeuticu e religiosu de differentes culturas e sotziedades
traditzionales.
“Issa costituit galu – s’iscriet in sa prefazione a su cunvegnu – unu
trattu caratteristicu e connottu de sos cultos de pussessu africanos
e mediterraneos, de s’isciamanismu euroasiaticu e amerindianu,
de sas pratigas devotzionales de tzeltu misticismu indianu e puru
de tzertos ritos cristianos. Già connotta in Platone e Aristotele
custa singulare relatzione tra musica e istados non ordinarios de
cuscientzia est divennida ‘oe unu elementu de particulare attentzione
a partire dae sa segunda meidade de su seculu passadu gratzias
a sos istudios apprufundidos de antropologia e atteros de
carattere istoricu-religiosu subra sas tecnicas ei sas religiones
‘estaticas’ indziriende puru unu tzertu interessu de medas gratzias
a sa particulare diffusione de tzertas cheltas, coment’e a cussas de
Ernesto De Martino e Diego Carpitella subra su tarantismu
pugliesu o de Métraux subra su vudu haitianu”.
Ed est propriu su grande fotografu sardu Franco Pinna a aere
documentadu parte de s’istraordinariu trabagliu de De Martino:
dae s’inchiesta a Tricarico de su 1952 fenament’a sa chelta subra
su tarantismu in Salento de su 1959 passende pro s’ispeditzione
in Lucania de su 1952 custa primma fromma de 'antropologia
visuale' rellattat in unu interessante libberu fotograficu cussu rapportu
tra Sud e majia chi est a sa base, peresempiu, de cussu
fenomenu nou chi est ligadu a su tarantismu pugliesu e chi oe est
de moda tott’ue…
Dae su cunvegnu de Venezia si cumprendet cantu su cuntributu de
s’etnomusicologia siat istadu fundamentale in s’istudiu de sas
potentzialidades de sa musica in rapportu a s’indutzione versu tzertas
conditziones estaticas o de trance e in particulare su sadzu mentovadu
de Gilbert Rouget subra «Musica e trance» (1980) hat propostu
una classificatzione cumpleta de sos differentes fenomenos
avantzende ipotesis pretzisas subra sos rispettivos impreos chi
musica, danza, ritu e finalidades terapeuticas giogana in s’istrambulu
meccanismu de sos ritos de pussessione.
In sos matessi attos de su cunvegnu si legget galu: “si pro tzertos
annos sa discussione iscientifica subra sos rapportos tra musica e
istados non ordinarios de cuscientzia est istada meda ‘ia e ricca
de cuntenudos est in sos ultimos deghe annos chi su dibbatidu
s’est pianu pianu alleventadu, lassende abeltas paritzas preguntas
subra s’effettivu 'podere' – puramente emotzionale e comunicativu
ma puru psicofisiologicu – de sa musica a s’internu de sos dispositivos
terapeuticos e religiosos traditzionales.
Istrambotigamente, però, sas chistiones sullevadas si sunu abertas
a fora dae sos logos iscientificos, favorende indirettamente
una naschida de fenomenos noos: dae s’isviluppu de particulares
tecnicas terapeuticas cun musica, unu esempiu pro tottu sa 'respirazione
olotropica' isperimentada a partire dae sos annos '70 dae
su duttore de Praga Stanislav Grof in California, a unu interesse
En-Trance > Museo PAV
a cura di Valerio Dehò
Karin Andersen, Matteo Basilè, Paolo Consorti,
Massimo Kaufmann, Jorunn Monrad, Luisa Raffaelli,
Francesca Semeria, Nicola Troilo
Weblife - forme di vita nella rete > Cortili di Casa Meloni
a cura di Valentina Tanni
Alessandro Capasso/Abstract Codex, Yuli Ziv/Adam001,
Gustavo Romano/Cyberzoo, Stanza/Genomixer,
Singlecell & Doublecell, Luca Bertini/Vi-Con, Grégoire
Zabé/ VirLab, Raewyn Turner e Colin Beardon/World
Tree, www.8081.com/The Island
Progetto Neon: Feroci invalidi di ritorno dai paesi
caldi > Sa Casara
a cura di Gino Giannuzzi
Amae Artgroup, Andrea Melloni, Barbara Fässler,
Christine de la Garenne, Diego Zuelli, Letizia
Ronzini, Maria Vittoria Perrelli, Mauro Sampaolesi,
Monika Stemmer, Nark BKB, Nicola Gobbetto,
Roberta Piccioni, Sabrina Torelli, Sandrine
Nicoletta, Sergia Avveduti, Simone Barresi,
Sophie Usunier, Susanna Scarpa, Tu'm
V/ideo/azioni > Sa Casara
Francesco Casu, Erik Chevalier, Giovanni Coda,
Tore Manca, Mario Pischedda, Elisabetta Saiu,
Giulia Sale, Massimo Sanna, Danilo Sini
Stage/Backstage > Museo del Vino
installazione fotografica sul festival e i suoi artisti
attraverso lo sguardo di “professionisti” e
“non professionisti” dello scatto
Semida > Foresta Demaniale Monte Limbara Sud,
in permanenza
Clara Bonfiglio, Giovanni Campus, Bruno Petretto,
Pinuccio Sciola, Monica Solinas

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sempre pius mannu dae parte de sas dzeneratziones noas pro
tzertas praticas coreuticas-musicales ligadas dae sempre a sa
trance o a s’estasi”.
Unu esempiu tra totu cussas de sos rituales gnâwa de su Marocco
o de sos derviscios Mevlevos turcos chi amus su piaghere de
ospitare propriu in sinu a su festival nostru.
Ma comente si diat rijaminare ‘oe su nessu ei su rapportu musica/trance
e, ispecialmente, comente affrontare custu tema a s’internu
de unu festival jazz coment’e su nostru?
In Marocco, in s’occasione de sa festa de s’Achura sos piseddos
ant in donu dae sos babbos e dai sas mamas unu tamburu minoreddu
(ta’rija) pro pratigare su ritmu de pussessione ‘ue si incremensat
sa presentzia de sa santa Lala Mnena chi at su podere de
faghere intrare in trance. In sos ritmos cumplessos e in sos ballos
de pussessione pratigados dae sas tribù Gnâwa (de cultura niedda)
e Jahjûka (de cultura bianca) su sonu de sas percussiones influit
subra su corpus movende sas frecuentzias de sas undas tzerebrales
e duncas inundhende de ormones dae parte de su sistema giangulare,
chi a borta sua, influit in sas emotziones e in sa mente. Si s’istadu
de trance est unu istadu de cuscentzia indottu a livellu fisicu
pro liberare s’ispiritu est pro custu chi in sas tzerimonias de trance
si impittan ritmos ossessivos capatzos de provocare sos netzessarios
cambiamentos fisicos.
De su restu si chircat de definire in modu summariu ‘musica’ s’umpare
de sos sonos articulados e armoniosos mentres custos no sunu
atteru che undas vibratzionales e nois semus fattos de vibratziones
elettromagneticas. In un’atteru interessante sadzu subra «Musica
come nutrimento» Carlo di Stanislao sustenit chi sa regulatzione de
paritzas funtziones de su corpus umanu, animale o vegetale, est
devida propriu a undas vibratzionales coerentes (istudios de
Froelich, Popp, Del Giudice, Kervran, Vithoulkas e atteros retzentes
subra sos effettos de s’omeopatia, de sa cromoterapia, de su softlaser
e de sa musicoterapia) e istudiosos de su calibru de Bienveniste
affirmana chi ondzi sustantzia agit attraversu s’ispetzifica vibrazione
sua pius che gratzias a sa cumpositzione molecolare.
A parte s’elementu ritmicu ossessivu est duncas s’elementu
sonoru a definire sas potentzialidades evocativas e vibrativas de
su tsunami sonoru chi non giughet a s’alteratzione de sos istados
de cuscientzia. Cussu riu istratificadu e circulare fattu de loops e
campionamentos digitales chi, comente iscriet ancora Salvatore:
“trasfigurana s’istratu armonicu pro andare in unu istratu timbricu
e/o de contrapuntu foraessidu” ed est propriu custa resultant-
il festival
zia chi su musicologu Roberto Agostini definit 'contrappunto
amelodico'.
Sa fatzilidade in su ghidare modernos sequenzer, multieffettos
digitales e computer cun programmas de registratzione musicale
at fatzilitadu meda custu caminu chi giughet ‘oe a buscare una
pretzisa e logica relatzione tra una musica chi diat parrere ispodzada
de contenudos armonicos e briva (galu in modu apparente)
de pensamentu costruttivu – puru si b’at unu pretzisu filu cunduttore
e unu referimentu mancu gasi indirettu tra su tardu
Debussy, John Cage, Stravinskij e Xenakis – cun cussu
Ottighentos tesu versu unu ilviluppu esasperadu de sa melodia e
de sa densidade armonica.
In custu cuntestu est evidente cantu sa musica jazz apat contribuidu
in manera forte, in cantu limbadzu musicale nadu in su
Noighentos, a chilivrare sas tremas de sa curretta armonia, de s’esasperada
melodicidzatzione e duncas de s’estetiga canoniga.
Su 18 de Frealdzu de su 1969 su trumbettista Miles Davis intrat
in s’istudiu B de sa Columbia umpare a Wayne Shorter, John
McLaughlin, Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Dave
Holland e Tony Williams. Ses meses pius’a tardu cussu tribagliu
est in sas buttegas. S’intitulat «In A Silent Way» e dat s’incomintzu,
a dispettu de su titulu, a s’era sa pius pagu silentziosa de
s’istoria de su jazz cun sos sonos suos ischidos, fortes e marcados.
In cussu matessi mementu sos teoricos ei sos periodistas
imbentana unu istile nou: cussu de sa «fusion» chi ad’a marcare
in manera forte sos annos settanta ei sos primos annos ottanta…
Ma si su cuntzetu de fusione imbentadu dae su trumbettista de
s’Illinois rappresentat s’abertura estrema de su jazz a sas atteras
musicas est in su messadzu cuadu chi bisondzat de buscare sa
giae chi podet aberrere sas giannas a sas atteras musicas pro
andare versu una bisione pius cosmopolita de s’arte chi ghidat su
jazz, musica morighada e musinada pro antonomasia, dae una
dimensione de pagos versu cussa popularidade chi oe at apidu su
massimu rescontru.
Si su populu de su rave rappresentat sa resposta a s’implosiva
conditzione elitaria de su jazz de sos annos settanta como est in
sos affiotos mannos de dzente de s’istìu chi si podet toccare pro
manu cussa lanta cullettiva chi Gilbert Rouget cunstatat comente
una netzessidade comunicativa noa: su movimentu (in cantu
oppostu a s’immobilidade estatica), su burdellu (oppostu a su
selentziu), sa presentzia de attera dzente (opposta a sa soledale)
ei s’iperistimulatzione (opposta a sa brivatzione sensoriale) sunu
individuadas e catalogadas puru dae Gianfranco Salvatore
comente sos puntos printzipales de s’esigentzia de s’incontru e
de sa fruitzione collettiva e appartenin, a bisu meu, sia a su
mundu de su rave che a cussu , peresempiu, de su jazz nou iscandinavu,
turcu o newyorkesu.
Time in jazz, chi custu annu est divennidu de edade madzore e
chi pensat pro eventos (no in su sensu pius commerciale de su
termine) e pro incuntros e iscuntros cun unu armoniosu bumbardamentu
de istimulos e de cosas chi sutzedini no podiat no imbestire,
in su signu e in sa musica, su ‘transire’ versu sa primordiale
e isciamanica metafora de s’arte.
Referenze bibliografiche/References/Referentzias bibliograficas
1. “I Viaggi nel sud di Ernesto de Martino”, a cura di/edited
by/curadu dae Arturo Zavattini, Franco Pinna e Ando Gilardi,
Bollati Boringhieri editori (maggio/May/maju1999)
2. “Techno-Trance”, a cura di/edited by/curadu dae Gianfranco
Salvatore, saggi di/saggios de/essays by/saggios de R. Agostini,
D. D’Arcangelo, M. De Dominicis, S. Guerra Lisi, G. Lapassade,
P. Pagoda, G. Salvatore, Castelvecchi editore
(maggio/May/maju1988)
3. Gilbert Rouget “La musique et la trance”, Gallimard Editions
/ Paris 1980, “Musica e Trance”, Edizione italiana riveduta e
accresciuta/ revised and enriched/editzione italiana curretta e
accreschida, Einaudi Editore (Torino 1986)
4. “Gnâwa & Jahjûka Trance”, www.italyproduces.com/morocco/musica
5. “Musica e stati alterati di coscienza: una questione ancora
aperta” , Istituto Interculturale di studi musicali comparati,
Seminario internazionale di studi/International
Conference/Seminariu internatzionale de istudios (Venezia,
24/26 gennaio/January 2002/‘ennardzu, www.cini.it/fondazione/03.istituti/iismc/eventi/asc2002.htm
6. “La musica come nutrimento. Generalità ed aspetti legati al
modello medico cinese” - Dietetica Medica Scientifica e
Tradizionale, a cura di/edited by/curadu dae Carlo Valente e
Carlo di Stanislao, CEA Edizioni (Milano 1999)

Paolo Fresu incontra il Quartetto
Alborada per l’apertura della diciottesima
edizione di Time in Jazz; all’alba,
e si tratta di una novità assoluta
per la manifestazione, nell’incantevole
paesaggio del Monte Limbara, la
tromba del musicista berchiddese e i
violini di Anton Berovski e Sonia
Peana, la viola di Nicola Ciricugno e
il violoncello di Piero Salvatori offriranno
al pubblico una prova dell’intesa
raggiunta in anni di proficua collaborazione.
Un incontro che testimonia
la poliedricità del trombettista
sardo, sempre pronto a misurare la
sua ormai riconosciuta naturalezza
artistica con il mondo “classico”.
Si comincia alle 6:00, ma sarà bene
muoversi con il giusto anticipo per
coprire la distanza che separa
Berchidda dalla località
“Montalvu” (30 minuti di macchina
e 15 di camminata), primo suggestivo
“teatro” di Time in Jazz; una
levataccia, per i jazzofili berchiddesi,
che sarà ampiamente ricompensata
dallo spettacolo offerto.
Scores è il titolo di questo primo concerto
di Paolo Fresu e Alborada (il
secondo, all’alba del 16, chiuderà il
festival con un programma diverso),
titolo tratto a piè pari da quello di un
cd (pubblicato dalla CAM Records)
che raccoglie due colonne sonore
scritte dal trombettista per i film Il più
crudele del giorni di Ferdinando
Vicentini Orgnani (dedicato alla
vicenda della giornalista Ilaria Alpi) e
L’isola di Costanza Quatriglio.
giovedì 11 agosto 2005
L’11 agosto al sorgere del sole Paolo Fresu apre il festival col Quartetto Alborada
L’alba di Time in Jazz
Paolo Fresu e il Quartetto Alborada
Dai nomi “sacri” come quelli di
Claudio Monteverdi e Erik Satie, passando
per trascrizioni di musica tradizionale,
sino, ancora, a composizioni
originali delo stesso Fresu e di altri
componenti del gruppo, il cammino
musicale di questa formazione si snoda
lungo l’asse di nuove avventure sonore,
per approdare all’ambizioso progetto
di suonare composizioni commissionate
ad importanti autori contemporanei
di musica colta e del cinema.
Nato nel 1996, il Quartetto Alborada
ha un repertorio che privilegia la
5
musica barocca e quella del
Novecento, con particolare attenzione
per il minimalismo e uno spazio per le
composizioni originali. Fin dall'inizio
l'attività del quartetto si è sviluppata in
due direzioni distinte ma tra loro correlate:
da un lato, l'attività quartettistica
alimentata dalla ricerca e dallo studio
in funzione di un continuo arricchimento
del repertorio; dall'altro, le
collaborazioni a progetti nell’ambito
del jazz contemporaneo.
Impegnato (dal 1998) nel progetto
Voyage en Sardaigne di Enzo Favata,
che fonde suggestioni etniche con
influenze jazz, e poi in Heartland di
David Linx, Diederik Wissels e
Paolo Fresu, il Quartetto Alborada ha
partecipato alla realizzazione della
colonna sonora del film L'âge d'or di
Luis Buñuel nell'ambito della rassegna
“Musique Lumière” nel 1997, e
preso parte a numerose rassegne
nazionali e internazionali. Il suo
repertorio abituale comprende, tra le
altre, musiche di John Dowland,
Carlo Gesualdo principe di Venosa,
Johann Sebastian Bach, Erik Satie,
Michael Nyman, Arvo Pärt, Karl
Jenkins, Alberto Ginastera, John
Cage, Astor Piazzolla, Philip Glass e
Morton Feldmann.
TrancEuropExpress: cinque stazioni in musica
Cornamuse e launeddas dialogano sui binari
La prima giornata del festival propone uno dei
progetti più interessanti e spettacolari di questa
edizione di Time in Jazz: un concerto "a tappe"
nelle stazioni ferroviarie lungo la tratta Olbia-
Chilivani. Protagoniste, le cinque cornamuse dei
Brittany Bagpipes e le launeddas di Luigi Lai e di
quattro suoi allievi della Scuola Civica di Musica
di Cagliari, che si alterneranno in una sorta di
staffetta musicale nelle diverse stazioni. Il pubblico,
imbarcato su un treno appositamente allestito,
troverà alle diverse fermate ora l’una ora
l’altra formazione, per poi ascoltarle riunite insieme
alla tappa finale nella stazione di Chilivani.
Patrick Molard
Un evento originale del festival che rinnova il
sodalizio tra Time in Jazz, Trenitalia e RFI (Rete Ferroviaria Italiana), già collaudato con successo
lo scorso anno (allora ne fu protagonista Uri Caine), e che nel titolo, "TrancEuropExpress", allude
chiaramente al contesto ferroviario e al tema di questa edizione del festival.
Il treno partirà alle 10:59 dalla stazione di Olbia (che mette a disposizione del pubblico i suoi
parcheggi), dove ad accolgliere gli spettatori-viaggiatori saranno i musicisti bretoni, per trovare
nella successiva fermata a Monti il gruppo di Luigi Lai. Ancora cornamuse nella stazione di
Berchidda, e poi le launeddas in quella di Oschiri. Il "viaggio musicale" terminerà a Chilivani
(arrivo previsto alle 12:33), con le launeddas alla prima pensilina e le cornamuse su quella esterna,
prima di un embrassons-nous finale che a mo’ di processione condurrà i viaggiatori verso una
degustazione dei prodotti offerti dagli sponsor berchiddesi del festival. Il treno ripartirà infine
alle 13:16 per riportare il pubblico a Olbia (e nelle fermate intermedie).
L’ensemble di cornamuse appositamente riunito per l’occasione è composto da musicisti del
Bagad (tipico gruppo della musica bretone, a base di cornamuse, bombarde e percussioni) de
Concarneau (Yann Cariou, Hervé Le Floc'h, Yann Pelliet) e del Bagad d’Auray (Pascal Guingo),
ed è guidato da Patrick Molard, considerato come uno dei migliori solisti dello strumento in
Europa. Questa stessa formazione comparirà in serata accanto alla “Celtic Procession” di Jacques
Pellen nel secondo concerto in Piazza del Popolo, mentre Molard sarà di scena anche venerdì 12
(ore 18:00) nella Chiesa di N.S. di Castro a Oschiri, insieme al fratello Jacky e a Jacques Pellen.
Luigi Lai, presente a Berchidda con un gruppo di allievi, è il più grande virtuoso vivente dello
strumento simbolo della musica tradizionale sarda. Anche lui, come Molard, ha diffuso con successo
nell’ambito jazz (con collaborazioni con “giganti” come Ornette Coleman e l’Art
Ensemble of Chicago) lo strumento tradizionale più antico, popolare e seducente dell’isola.
Brittany Bagpipes & Orchestra di Launeddas di Luigi Lai
Stazioni ferroviarie di Olbia, Monti, Berchidda, Oschiri, Chilivani
Partenza da Olbia ore 10,59 arrivo a Chilivani ore 12,33
Quota di partecipazione al viaggio euro 5,00

6
Sarà la Magnetic North Orchestra
a inaugurare la serie dei concerti
sul palco centrale di Piazza del
Popolo, alle 21.30 dell’11 agosto.
Il gruppo diretto da Jon Balke
nasce dall’idea di unire un sestetto
jazz, un quartetto d’archi e un
gruppo di percussionisti, e poter
così esplorare quante più sonorità
possibili. Sette sono infatti i musicisti
che accompagneranno il
piano e la tastiera del leader della
formazione: Per Jorgensen alla
tromba e voce, Fredrik Lundin ai
sax tenore e soprano e al flauto,
Bjarte Eike e Peter Spissky ai violini,
Tom Pitty al violoncello,
Ingar Zach e Helge Norbakken
alle percussioni.
Una fusione di diversi continenti
musicali, frutto delle molteplici
esperienze maturate dal pianista
norvegese: “Il mio intento – scrive
– non è quello di sfruttare la
musica di altre culture: ho vissuto
esperienze fantastiche nelle strade
e nelle piazze dell’Asia e
dell’Africa, ma tornando a casa
ho sempre provato a dimenticarle,
cercando di capire piuttosto su
quali criteri quelle culture fossero
state costruite. Per capirle occorre
spostare il centro dell’attenzione:
nelle musiche non occidentali si
giovedì 11 agosto 2005
Un nuovo linguaggio che viene dal Nord
Il suono magnetico di Jon Balke
Jon Balke e la Magnetic North Orchestra
dà risalto alla presenza, alla concentrazione
e allo stato d’animo
degli esecutori, non si cerca di
focalizzare la tonalità, le scale, i
pattern ritmici e quant’altro noi
pensiamo.”
Dal suo debutto nel 1992 al Vossa
Jazz Festival in Norvegia, la raison
d’être della formazione scandinava
è sempre stata quella di
creare una produzione originale
partendo dall’energia racchiusa nel
jazz tradizionale, nella musica
classica contemporanea e nelle
sonorità originarie dell’Africa settentrionale
ed occidentale.
Jon Balke, pianista, compositore,
produttore, è considerato fin dal
suo debutto (nel 1974) una delle
nuove leve della “free improvised
music”. Il pubblico berchiddese
potrà apprezzare le sue qualità in
altre due occasioni. La prima, il 12
agosto alle 11 nel Santuario di San
Paolo Eremita a Monti, in un intrigante
duo con un altro pianista
scandinavo, Bugge Wesseltoft, per
una delle tante produzioni originali
di Time in Jazz. E ancora in una
chiesa campestre, quella di San
Michele a Berchidda, dove sabato
13 (sempre alle 11) saluterà il pubblico
di Time in Jazz con un concerto
di piano solo.
Una nuova Celtic Procession
Musica bretone, jazz e ritmi africani nel progetto di Jacques Pellen
Jacques Pellen (ph. Eric Legret)
Tiene banco la musica bretone nella prima giornata di Time in Jazz 2005: dopo
“TrancEuropExpress”, concerto ferroviario “a tappe” con la partecipazione delle Brittany
Bagpipes, tocca stavolta alla Celtic Procession di Jacques Pellen menare le danze in Piazza del
Popolo, nel secondo set della serata inaugurale. Un concerto che, oltre alle stesse cornamuse
reduci dalla performance del mattino nelle stazioni, vedrà la presenza di due ospiti d’eccezione
come il percussionista algerino Karim Ziad e l’enfants du pays Paolo Fresu alla tromba e al
flicorno. I due “stranieri” completeranno un ensemble interamente bretone formato da Jacques
Pellen alla chitarra, Erik Marchand alla voce, Jean-Michel Veillon al flauto, Jacky Molard al
violino, Ronan Pellen al cistre e al violoncello, Hélène Labarrière al contrabbasso e Patrick
Molard, Pascal Guingo, Yann Cariou, Hervé Le Floc'h e Yann Pelliet alle cornamuse.
Laboratorio permanente ma mutabile nel tempo, nei suoi quindici anni di vita la Celtic procession
ha ospitato personalità di spicco del jazz europeo e della musica bretone, assumendo
di volta in volta diverse sembianze musicali, sia dal vivo che in studio. Jacques Pellen è da
sempre l’anima di una famiglia in continua ricerca di nuove sonorità, come testimoniamo i
sette album registrati in questi anni. L’apporto del percussionista algerino Karim Ziad dona una
veste “africana” alla Celtic Procession; la sua conoscenza profonda della metrica tradizionale
della sua terra conferisce una nuova connotazione musicale al progetto. Scrive Pellen:
“L’incontro con Karim Ziad ha precipitato la processione in un diluvio binario che ero finora
riuscito a lasciare da parte. C’è meno jazz, si può dire, e c’è più transe, ma senza essere tendenza,
e basata soprattutto sulle danze bretoni.” Altrettanto importante il contributo di Paolo
Fresu, già presente in precedenti versioni del gruppo, atteso in uno dei suoi territori preferiti,
la ritmica.
Con la creazione della Celtic Procession negli anni Ottanta, Pellen (nato a Brest nel 1957) è tra
i musicisti che più contribuiscono all’evoluzione della musica bretone. Per quasi dieci anni il
chitarrista si è confrontato con il temperamento, con l’utilizzo di micro-intervalli, cercando di
immaginarne l’effetto, di applicarli alla polifonia, di sovrapporli. Un processo che lui stesso
chiama “dalmatizzazione” della musica della Bretagna centrale, uno studio della suddivisione
del tempo.
Altro progetto nato dall’unione di tre musicisti bretoni - Jacques Pellen e i fratelli Patrick et
Jacky Molard - è Triptyque, in scena il 12 agosto alle 18 nella Chiesa di N.S. di Castro a
Oschiri: un progetto nato nel 1993 e che vanta un’intensa attività, con partecipazioni a festival
internazionali e tournée in Europa, Canada e Yemen. Considerato il successo musicale del
momento, questo trio colpisce la critica per la capacità di creare un linguaggio autentico con
la musica e gli strumenti tradizionali e per la vastità del repertorio, che spazia dal jazz alla
musica moderna a quella tradizionale.

Gnawa project
Canti e danze in arrivo dal Marocco
Nell’ideale capitolo del
festival dedicato alle
musiche etniche rientrano
i Gnawa Sidi
Mimoun, in arrivo da
Casablanca per aprire
la serata del 12 e per
un concerto acustico
nella Chiesa di Santa
Caterina alle 18 del
giorno dopo. Guidati
dalla voce e dal ganbri
(il tradizionale liutotamburo
a tre corde) di
Abdelkabir "Cheb", i
cinque musicisti-danzatori
metteranno in
scena la festa che precede la fase rituale della
Lila, il complesso rituale coreutico-musicale dei
Gnawa del Marocco. Suoni e danze ancestrali,
melodie ipnotiche e ritmi ossessivi, capaci di
portare alla trance, cui si unirà come special
guest il percussionista algerino Karim Ziad.
***
I Gnawa del Marocco sono i discendenti degli
schiavi neri deportati dai paesi dell'Africa occidentale
subsahariana (Mauritania, Senegal,
Mali, Niger, Guinea). (…)
Musicisti e danzatori, i Gnawa praticano una
complessa liturgia coreutico-musicale (lila,
derdebà), che riattualizza il sacrificio primordiale
e la genesi dell'universo attraverso l'evocazione
delle sette principali manifestazioni
dell'attività demiurgica divina, i sette mlùk, rappresentati
da sette colori (…).
I mlùk sono evocati da sette "divise musicali",
sette cellule melodico-ritmiche (um), ognuna
delle quali, ripetuta e variata, dà origine a una
delle sette suites che costituiscono il repertorio
Karim Ziad (ph. E. Rastoin)
coreutico-musicale del
rituale dei Gnawa. Nel
corso di queste sette
suites sono bruciati
sette diversi tipi di
incenso e i danzatori
sono ricoperti da veli di
sette colori differenti.
Ognuno dei sette mlùk
è accompagnato da un
seguito di "personaggi",
identificabili dalla
musica, dal canto e dai
passi di danza: queste
entità, trattate come
"presenze" (hadràt)
che il principio di
coscienza incontra nello spazio/tempo estatico
(hal), sono messe in relazione con complessi
mentali e comportamenti umani.
Scopo del rituale è reintegrare ed equilibrare le
energie fondamentali del corpo umano, le stesse
energie che sostengono i fenomeni sensibili
e l'attività creatrice divina. (…)
Preceduto da un sacrificio animale (…), il
rituale notturno inizia con l'apertura e la consacrazione
dello spazio, l’aada ("abitudine",
forma rituale), durante la quale i musicisti
Gnawa eseguono una danza vorticosa suonando
i qraqèb e due grossi tamburi a doppia
membrana (tbola).
Il successivo intervento del ganbri apre il
trèq (sentiero), la successione, rigidamente
codificata, del repertorio rituale di musiche,
danze, colori e incensi, che guida nel viaggio
estatico attraverso i dominî dei sette mlùk,
fino alla rinascita nel mondo ordinario, alle
prime luci dell'alba.
Antonio Baldassarre
venerdì 12 agosto 2005
Con “Boogie”
il nuovo (jazz) è servito
La "New Conception of Jazz" di Bugge Wesseltoft
Pianista, tastierista,
compositore e
produttore, Bugge
Wesseltoft è da
anni uno dei protagonisti
della
nuova scena jazz
europea. Il suo
interesse per molteplici
generi
musicali (dal jazz
al soul, dalla
musica d’avanguardia
alla classica)
ha portato nel Bugge Wesseltoft
1995 alla creazione
della New Conception of Jazz, il progetto
con il quale “Boogie” chiuderà la serata del 12
sul palco centrale di Piazza del Popolo.
Si tratta della summa della ricerca musicale di
“Boogie”: la formula vincente e la peculiarità
del programma è data da basi ritmiche sempre
molto groovy, e molta improvvisazione. Con
Wesseltoft saranno sul palco centrale Ole
Morten Vaagan al contrabbasso e al basso elettrico,
Andreas Bye alla batteria, Rikard
Gensollen alle percussioni e all’elettronica,
oltre al dj Jonas Lonna. Una formazione totalmente
diversa da quella che nel lontano 1996
registrò il primo album del progetti, e frutto
delle esperienze maturate da Wesseltoft negli
ultimi dieci anni, che l’hanno portato alla realizzazione
di diversi album e, proprio l’anno
scorso, a un ritorno alle radici della New
Conception of Jazz. “Film Ing”, con le sue risonanze
di pianoforte malinconicamente nordiche,
i sintetizzatori robustamente funkeggianti,
le atmosfere techno e ambient, è suo ultimo
capolavoro. Già con “Moving” (2001) tuttavia,
7
registrato in soli
tre giorni nel suo
ormai leggendario
studio di registrazione
a Oslo,
Wesseltoft aveva
osato dove altri
avevano fallito,
compiendo un
vero e proprio
balzo nella galassia
del “Future
Jazz”, con un
sapiente mélange
di melodia, ritmo
e soul. Questa sua
nuova identità – dopo le atmosfere rarefatte dei
suoi esordi alla Ecm di Manfred Eicher negli
anni ’90 - mette d’accordo i jazzisti più tradizionalisti
con coloro che meglio si identificano
con i generi più disparati: deep house, techno e
ambient.
Oltre a un inedito e promettente duo con l’altro
pianista norvegese presente al festival, Jon
Balke (venerdì 12 al Santuario di San Paolo
Eremita a Monti, alle 11), Bugge Wesseltoft
sarà impegnato anche nella prima giornata del
festival, giovedì 11 alle 18, nella Basilica di
Sant’Antioco di Bisarcio, a Ozieri, con Sidsel
Endresen.
L’incontro con questa cantante, compositrice e
poetessa risale al 1993 e ha portato alla realizzazione
di tre album, l’ultimo, “Out Here. In
There” del 2002. Entrambi norvegesi, entrambi
esponenti di un NU jazz tutto nordico, hanno
saputo trarre il meglio dalle loro diverse esperienze,
dimostrando una capacità di allargare
continuamente i propri orizzonti musicali che ha
riscosso un vasto successo di pubblico e critica

8
Il 17 agosto 1996 Giorgio Battistelli presentava
a Berchidda il suo Experimentum Mundi
(“Opera di musica immaginistica” per percussioni,
voci, maestri selciaroli, bottai, falegnami,
arrotini, fabbro-ferrai, pasticciere, muratori
e scalpellino”) chiudendo la nona edizione di
Time in Jazz, “(S)colpire… La percussione.” A
nove anni di distanza Battistelli torna a
Berchidda, aprendo la serata del 13 col nuovo
“Experimentum Mundi Remix”, che ben si
adatta al tema “Digital trance” di questa diciottesima
edizione.
Una rivisitazione del capolavoro del compositore
romano (il progetto debuttò 24 anni fa),
ricomposto ed interpretato da Martux-m - al
secolo Maurizio Martusciello - e dallo stesso
Battistelli, che provoca il confronto fra il suono
concreto generato nella sua crudezza vitale e i
campionamenti elettronici nella loro essenza
inorganica.
Percussionista, compositore e musicista elettronico,
Maurizio Martusciello è la principale novità dell’organico,
che comprende per il resto la solita nutrita orchestra
di artigiani - i bottai Alfredo Sannibale e Gianni Sannibale, i
falegnami Silvio Tamburri e Alberto Casini, il pasticciere
Marcello Di Palma, i selciaioli Antonio Innocenzi e Oberdan
Carpineti, i muratori Ciro Paudice e Maurizio Verdosci, i
fabbri Fabio Sannibale e Edoardo Borgianni, gli arrotini
Miro Carpineti e Aldo Sardilli, lo scalpellino Fernando
Carpineti e i calzolai Sergio Leandri e Guido Salustri -, oltre
alle voci di Paola Calcagni, Ida Sannibale, Annarita Severini
sabato 13 agosto 2005
Experimentum Mundi Remix
Torna a Berchidda l’orchestra “artigianale” di Battistelli
Experimentum Mundi
e Elvira Tamburri e alle percussioni di Nicola Raffone.
Battistelli, attingendo all'Encyclopédie di Diderot e
D'Alembert (uno dei testi capitali dell'Illuminismo), ha generato
con Experimentum Mundi un'opera di teatro musicale
genuina e sorprendente, in grado di restituirci la nostra
memoria e una perduta identità. L'orchestra, costituita dai
sedici artigiani che suonano i ferri del loro mestiere, rievoca
la vita di villaggi ormai scomparsi, attraverso timbri e richiami
perduti nel tempo.
Le note digitali di Martux-m accostano questa visione alla
nostra contemporaneità: Experimentum
Mundi Remix diviene così uno splendido
affresco musicale di gesti, gente, paesaggi e
racconti scomparsi per sempre, frammenti di
memoria resuscitati da un presente frenetico
ed artificiale.
Tra i fondatori del gruppo di ricerca e sperimentazione
musicale Edgar Varèse e del gruppo
Beat 72, il compositore Giorgio Battistelli riceve
nel 1991 il premio Cervo per la Musica
Nuova e nel 1992, con Keplers Traum, il premio
della SIAE per un'opera lirica rappresentata in
prima assoluta all'estero. Con “Experimentum
Mundi” (1981) ha raccolto successi e riconoscimenti
in tutta Europa. È il direttore artistico
della Biennale Musica 2004 di Venezia.
La scrittura musicale di Battistelli, non immune
da influenze avanguardistiche, sviluppa
una vivida drammaturgia del suono anche
nelle composizioni più strumentali.
Maurizio Martusciello ha preso parte a numerosi
festival in Francia, Italia e Inghilterra. Nel 1997 fonda,
insieme a Filippo Paolini, METAXU, uno dei gruppi più
apprezzati sulla scena elettroacustica-sperimentale.
Collabora con il gruppo di cinema sperimentale Cane
Capovolto ed il gruppo Cellule d'Intervention Metamkine. Ha
fondato numerosi progetti di musica elettronica sperimentale,
fra i più interessanti d'Europa. Nel 2003 è stato fra i protagonisti
dell'evento conclusivo del Romaeuropa Festival 2003
con un progetto sulla sinfonia n. 2 di Mahler Resurrection,
realizzato con il pianista Danilo Rea.

“Se le vie sono differenti, lo scopo è
uno solo”. Il messaggio fondamentale
del Maestro Sufi Jalal ud-Din Rumi,
fondatore della scuola dei Dervisci
Rotanti, è anche la forza motrice del
lavoro dell’artista turco Mercan Dede,
protagonista il 13 del secondo concerto
in Piazza del Popolo, con i suoi
Secret Tribe. La ricerca della creazione
di un linguaggio universale e il tentativo
di fare incontrare due generi
musicali apparentemente distanti sono
tra i suoi scopi, come per una trasposizione
musicale della filosofia Sufi dell’armonia
degli opposti. Mercan Dede
ritiene che mettendo insieme suoni
digitali, elettronici con quelli di strumenti
fatti con le mani, “umani”, può
nascere un linguaggio universale, in
grado di unire il vecchio e il nuovo,
l’antico e il moderno, l’Oriente e
l’Occidente. Il contrasto fra sonorità
elettroniche e tradizionali porta al
nucleo della filosofia Sufi che guida
questo artista: “Non sono cose real-
Mercan Dede
mente separate”, dice: “L’essenza del
Sufismo è il contrasto: ogni cosa esiste con il suo opposto.”
L’elettronica e la tradizione folklorica turca sono i due convergenti
opposti del progetto musicale di Mercan Dede (qui alle
prese con ney, bendir, voce, piatti e campionamenti), che sarà
accompagnato sul palco da Aykut Sütoglu al clarinetto e alla
tromba, Göksel Baktagir al kanun, Hüseyin Ceylan e Ismail
Pesluk alle percussioni e dalla danza di Mira Burke.
In questi ultimi anni il musicista-dj-producer turco ha raccolto
un grande successo di critica e di pubblico nel suo paese e in
tutta Europa. Ma per Dede, il cui nome deriva da un personag-
sabato 13 agosto 2005
Elettronica e tradizione Sufi
Mercan Dede Secret Tribe
gio minore di un noto romanzo turco contemporaneo, il viaggio
fino a qui è stato lungo e decisamente poco convenzionale. Nato
in uno sperduto villaggio della Turchia, Arkin Ilicali (questo il
suo vero nome) rimane affascinato dal suono del ney (il flauto
tradizionale turco) mentre ascolta la radio: ha solo sei anni. Da
allora alla nascita del gruppo Secret Tribe, nel 1997, matura le
esperienze più disparate. Più che gli studi di giornalismo intrapresi
all’università di Istanbul, un ruolo importante lo ha giocato
la sua passione per la fotografia, che lo ha portato in Canada
per un’esposizione a Saskatoon, dove deciderà poi di stabilirsi,
9
cimentandosi per la prima volta come
dj. All’alba della rivoluzione techno,
il giovane turco sceglie il nome d’arte
di Arkin Allen (ma anche quello di
Poundmaker) e ben presto raggiunge
una certa fama negli ambienti technotribalhouse,
affiancato da percussionisti,
vocalisti e musicisti vari.
Compone diversi album nelle vesti di
Arkin Allen, sino al debutto come
Mercan Dede, nel 1987, con il primo
disco, Sufi Dreams. Progetto techno
minimalista, il disco ottiene ottime
recensioni. Nel 1997 nasce Secret
Tribe: Mohammad e Faruuk Shams, il
percussionista Scott Russell ed il violinista
canadese Hugh Marsh sono
alcuni dei musicisti che, negli anni,
hanno contribuito ad arricchire le file
della formazione. Ad essi si sono uniti
anche i danzatori dervisci, Isaiah Sala
e successivamente Mira Burke. Con
questa formazione registra quattro
album, l’ultimo dei quali, Sufi
Traveller, nato dalla combinazione
dei due precedenti album, è frutto di
una serie di concerti in Nord America nell’estate 2004.
Il poliedrico Arkin Allen/Mercan Dede partecipa ad eventi in
tutto il mondo (Montreal, Montreux, Stati Uniti, Kazakhistan,
Bahreyn, Istanbul e Parigi). Numerose le sue produzioni per la
danza, con collaborazioni con Pina Bausch, e attualmente per il
nuovo progetto Orman Sehir (Jungle City), con la compagnia
turca MDT. L’elemento della danza è d’altronde fondamentale
nella tradizione musicale turca, e presente anche in Secret Tribe;
la celebre danza rotante è un vero e proprio servizio liturgico,
ricolmo di un intenso e rigoroso simbolismo.

10
L’ensemble umbro presenta
dal vivo il suo secondo album
Angelo Lazzeri Quartetto
Aperitivo con
Angelo Lazzeri
Altro appuntamento ormai consolidato nel cartellone di Time in
Jazz è quello col concerto aperitivo al Museo del Vino, che prevede
ogni anno la presentazione di un nuovo album di una formazione
emergente nel panorama sardo o nazionale. Domenica
14, alle 12, il quartetto del chitarrista Angelo Lazzeri presenterà
dal vivo il secondo lavoro discografico, per la nuova etichetta
Giotto Music di Perugia.
Nato circa cinque anni fa, il gruppo è formato da alcuni dei
musicisti più rappresentativi dell'area umbra: i quattro componenti
hanno una notevole esperienza musicale alle spalle e suonano
composizioni originali dello stesso Angelo Lazzeri - una
matrice stilistica, la sua, da ricercarsi fra il jazz di John Scofield,
Ornette Coleman e Pepper Adams -, le cui sonorità vengono
suscitate dalla fusione delle due voci soliste della chitarra e del
sax baritono di Rossano Emili. Completano l'organico Daniele
Mencarelli al contrabbasso e Fabrizio Morganti alla batteria.
Lazzeri, nato a Nuoro nel 1971, risiede a Perugia dal 1990, dove
ha intrapreso l’attività professionale come musicista, suonando
in teatri e club in Italia ed Europa. Accompagna a un intenso
lavoro didattico l’attività concertistica, che lo ho portato al
“Festivaletteratura” di Mantova, a Umbria Jazz, al Festival
Musica sulle Bocche e in molte altre rassegne minori. Suona
nella Perugia Jazz Orchestra diretta da Mario Raja. Dopo il
primo disco Mirto, edito dalla Wide Sound, eccolo alla seconda
prova in sala d’incisione.
domenica 14 agosto 2005
Translate
La musica e l’immagine
Ospiti prestigiosi al fianco di Michel Benita
L’ingresso nell’era digitale di uno dei protagonisti del jazz
europeo, il contrabbassista Michel Benita, avviene nel
2003, grazie all’incontro con la VJ Judith Darmont.
Translate, il progetto che aprirà la serata del 14 sul palco
centrale di Piazza del Popolo, è il frutto di questa collaborazione;
i due lavorano qui in modo analogo (con campionamenti,
loop e elettronica) al trattamento in tempo reale di
forme preesistenti, giocando con le figure effimere che portano
allo spazio mentale del loro pubblico.
Judith Darmont è una VJ che, come fanno i DJ con la musica,
rimodella in tempo reale i suoi materiali video attraverso
il laptop, mentre Michel Benita campiona se stesso e tratta
il materiale sonoro appena creato, dal vivo, sul palco.
Translate diviene così una sorta di “laboratorio a due cervelli”,
come è stato definito di recente.
L’improvvisazione è il filo che guida musica e immagini, in
un rapporto libero e interattivo: le sequenze visive e il discorso
del contrabbasso, in un gioco di stimoli reciproci, producono
una miscela imprevedibile,
tanto auditiva quanto visiva,
basata sulla sorpresa e sulle
interferenze.
Aperto per natura alle collaborazioni,
Translate presenta a
Berchidda due ospiti del calibro
di Eric Truffaz, un trombettista
"figlio" di Miles Davis e Jon
Hassell, ben noto per la sua capacità
di mescolare jazz ed elettronica,
e Philippe Garcia (alias
Kpt’n Planet), eccellente batterista
che porta in dote al progetto,
insieme ai propri suoni, la sua
conoscenza di altri codici musicali,
come hip-hop, drum’n’bass
e dub. Raccolti intorno al "groove"
del basso e alle sequenze del
computer di Michel Benita, tutti
si fondono intimamente nelle
immagini di Judith Darmont che
sono come dei “film sonori” in Michel Benita
cui ognuno può portare il proprio immaginario.
Contrabbassista dalle sonorità profonde, calde e vive,
Michel Benita è considerato una delle rivelazioni degli anni
Ottanta e un pilastro del jazz europeo; il suo percorso artistico,
le sue esperienze, le sue collaborazioni rivelano un
musicista impegnato, entusiasta, curioso.
Nato ad Algeri nel 1954, in Francia dal 1959, Michel Benita
ha iniziato la sua carriera nel 1976 suonando con Jean-Marc
Padovani, Guy Lafitte e Bill Coleman. A Parigi dal 1981, collabora
con numerosi artisti (Eric Barret, Aldo Romano, Daniel
Humair, Enrico Rava, Michel Portal, Archie Shepp, Peter
Erskine), prima di diventare compositore e leader, dal 1988,
alla guida del quartetto Préferences, con Rita Marcotulli
(piano), Dewey Redman (sax) e Aldo Romano (batteria). Da
allora prosegue le sue numerose collaborazioni (“Palatino” di
Aldo Romano, Nguyên Lê, Dino Saluzzi) e realizza nuovi
progetti, con dei brani originali per quattro esposizioni con
scenografie del designer americano Hilton McConnico, tra il
1996 e il 1999. Tra il 2000 ed il
2001 Benita forma ben due gruppi:
ELB (Peter Erskine/batteria e
Nguyên Lê/chitarra) e la formazione
composta da Gaël Horellou
(sax alto) e Philippe Garcia (batteria
e sampler). Con quest’ultimo
suona anche nel Ladyland
Quartet di Erik Truffaz, nel 2002,
in una tournée mondiale.
Judith Darmont (Grenoble,
1968) ha esordito nel 1987 con
delle scenografie per la televisione,
ma nel corso degli anni si
è impadronita dei nuovi mezzi
multimediali, ottenendo nel
2000 la consacrazione come
video-artista. Così la descrive
Pierrick Alain, del magazine
Télérama: “Potrebbe essere
nipote dell’artista Tamara
Lempicka e figlia di Mac Intosh,
l’inventore del computer”.

Sex Mob è una delle più eccitanti
band dell’attuale scena newyorkese.
La formazione diretta da Steven
Bernstein si esibirà a Berchidda nel
secondo set di domenica 14, unica
data italiana per quest’estate, con
DJ Olive come special guest.
I Sex Mob sono nati dalla collaborazione
di Bernstein con il sassofonista
contralto Briggan Krauss, il
bassista Tony Scherr e il batterista
Kenny Wollesen; ma nelle registrazioni
del gruppo si possono incontrare
altri protagonisti della scena
jazz contemporanea, come John
Medeski, Roswell Rudd, Marcus
Rojas e David Tronzo. Dal 1998,
anno dell’acclamato CD per
Knitting Factory/Columbia “Din of
Inequity”, questa formazione ha
guadagnato la pole position tra le
nuove proposte musicali della
Grande Mela.
Tra le maggiori caratteristiche del
gruppo quella di “trasfigurare” con
una forte dose di humour materiali
eterogenei grazie alle eclettiche
sensibilità dei quattro musicisti.
Nelle loro interpretazioni può capi- Steven Bernstein (ph. Alan Nahigian)
tare di ascoltare versioni assolutamente
esilaranti di brani di Prince, Ellington, Lennon e McCartney, passando magari per una
divertente ripresa della “Macarena”, mentre fra i suoi dischi “Sex Mob Does Bond” reinterpreta
la musica di John Barry per i film del mitica 007. Ma il dato palese è certo la fedeltà a un
progetto coerente, che secondo le stesse parole di Bernstein si basa fondamentalmente sul dato
melodico: “Cerchiamo melodie veramente solide e ne sviluppiamo gli aspetti più intensi con un
umorismo preso maledettamente sul serio”.
Steven Bernstein e i Sex Mob, vincitori di diversi premi, suonano in tour mondiale da ormai 9
anni. La loro musica viene trasmessa dalla National Public Radio (NPR), dalla MTV e in
Saturday Night Live.
domenica 14 agosto 2005
Il trombettista Steven Bernstein
di scena coi Sex Mob
T rasfigurazioni in musica da New York
11
Bernstein, arrangiatore e compositore,
suona uno speciale strumento
a coulisse, diffuso agli albori del
jazz ma poi abbandonato, che –
dice – gli permette di avvicinare il
suono della tromba a quello della
voce umana. Questo strumento,
unito a una particolare predilezione
per Armstrong e allo studio con
insegnanti della vecchia generazione,
conferisce al suo sound una
qualità “old time” molto robusta,
dall'intenso vibrato e dalla spontanea
espressività.
Qualità che sarà possibile apprezzare
forse maggiormente nell’altro
concerto di Steven Bernstein a
Time in Jazz: la mattina di
Ferragosto, alle 11, dell’Arboreto
Mediterraneo della Foresta
Demaniale Monte Limbara Sud, va
in scena infatti lo “Special
Mountain Project”, una produzione
originale nel corso della quale l’americano
potrà esibire tutto il suo
istrionico repertorio. Il trombettista
è d’altronde un rappresentante
ideale di una dote comune a molti
dei talenti emersi negli ultimi anni
sulla scena musicale downtown
newyorchese, l’inclinazione cioè a spaziare con bella noncuranza e spregiudicatezza da un
genere all'altro, da un contesto musicale al suo esatto contrario. Tra le sue attività si evidenziano
quella di direttore musicale dei Lounge Lizards, di compositore e arrangiatore per il cinema
(tra l'altro nella colonna musicale del “Kansas City” di Robert Altman), di turnista sopraffino
nelle registrazioni di Lou Reed e Sting. Ma le doti del trombettista di origine ebraica non si fermano
qui: il suo atteggiamento è stato efficacemente paragonato a quello di un detective, che
cerca stimoli come fossero indizi nel calderone delle musiche contemporanee, inglobandone gli
elementi in un proprio universo coerente, non per scoprire il colpevole di un delitto, ma per
inseguire un costante impulso espressivo e creativo.

12
Time in Jazz allarga i suoi
confini e per la prima
volta nella sua storia propone
un concerto dall’altra
parte del Limbara, nel
territorio di Tempio
Pausania, a una trentina
di chilometri da
Berchidda. Lo fa in collaborazione
con la
Fondazione Fabrizio De
Andrè per battezzare un
progetto originale dedicato
al grandissimo cantautore
genovese che fece
della Sardegna, e in particolare
della Gallura, la
sua terra d’adozione. Il
pianista Danilo Rea, uno
dei principali protagonisti
della scena jazz italiana,
ha raccolto l’invito di
Paolo Fresu e della
Fondazione De Andrè di Danilo Rea
offrire al pubblico del festival
(il pomeriggio di Ferragosto, alle 18) un tributo
personale all’indimenticabile Faber proprio nel suo
buen retiro dell’Agnata.
Il nome di Danilo Rea potete trovarlo tra i credits di dischi
di Mina, Claudio Baglioni e Fiorella Mannoia: ricercatissimo
nel giro del pop e della musica leggera, dove
conta un lungo elenco di collaborazioni in concerto e in
sala di registrazione, trova però nel jazz l’acqua in cui
nuotare. Con una solida preparazione accademica (si è
diplomato al conservatorio “S.Cecilia” di Roma), una
virtuosistica padronanza del suo strumento, una felice
lunedì 15 agosto 2005
Sulle tracce di Faber
Il jazz incontra la musica d’autore:
l’omaggio di Danilo Rea a Fabrizio De Andrè
vena improvvisativa e
un’esperienza vastissima,
il quarantottenne pianista
romano (ma di natali
vicentini) è uno dei nomi
di spicco della musica
improvvisata in Italia.
Chet Baker, Lee Konitz,
Steve Grossman, Bob
Berg, Michael Brecker,
Billy Cobham, Aldo
Romano, Dave Liebman,
Joe Lovano: sono alcuni
dei più prestigiosi jazzisti
tra i tanti cui Danilo Rea
ha avuto occasione di
affiancare la propria
tastiera. E poi il quintetto
di Giovanni Tommaso, il
blasonatissimo gruppo
Lingomania, e Doctor 3,
una delle più apprezzate
formazioni nostrane, di
cui condivide le fortune
con il bassista Enzo
Pietropaoli e il batterista Fabrizio Sferra.
Jazz, pop, musica leggera ma anche “colta”: eccolo
dunque impegnato, come solista, nell’opera di Roberto
De Simone Requiem per Pier Paolo Pasolini, sotto la
direzione di Zoltan Pesko al teatro San Carlo di Napoli,
e in ensemble al “Rossini Opera Festival”, al teatro di
Pesaro dedicato all’autore del Guglielmo Tell, nel progetto
Rossini mon amour.
Senza dimenticare il suo disco più recente, Lirico, un
omaggio personale in chiave jazz alla grande tradizione
operistica.
L’isola nel cuore
Il “rifugio” di un poeta in uno stazzo tra i boschi
Fabrizio De André scelse l'Agnata per realizzare il
e un campo da tennis del progetto originale non
suo sogno di bambino, iniziato quando aveva cin-
vennero mai realizzati. Disse una volta Dori:
que anni e la famiglia lo aveva rifugiato dalla guer-
"Finiremo per cercare le palline da tennis nel
ra nella tenuta di famiglia vicino ad Asti. Lì aveva
bosco", e rideva; ma c'era poco da ridere se si
imparato ad amare la terra e le piante fino a deci-
pensa che senza interventi pubblicitari, senza teledere
che "da grande" avrebbe avuto una tenuta
fono, solo attraverso il tam tam degli ospiti la sto-
come quella tutta per sé. Parlava volentieri della
ria di questa “fazenda” è finita sul Financial
sua “fazenda” di Tempio, comprata una trentina
Times. Nessuno capì mai se Fabrizio volesse esse-
d'anni fa, quando era soltanto uno "stazzo", un
re considerato un contadino. I suoi amici raccon-
appezzamento quasi abbandonato con un palazzottano
che in realtà con Fabrizio si parlava più di
to tipico gallurese in granito fine Ottocento,
poesia che di agricoltura, nonostante le centinaia
immerso in una foresta di querce da sughero,
di volumi che studiò per coltivare la sua terra, e
costruito sulle rocce. E naturalmente con una leg-
non sempre i suoi ospiti conoscevano la storia di
genda di un enorme tesoro sepolto fra gli alberi e
quella Agnata che lo aveva ammaliato. Per lo più,
cercato invano per anni. Gliene aveva parlato
all’Agnata, i suoi ospiti erano legati alla storia
Giovanni Mureddu, un autista di Tempio. Fabrizio
sarda, come Salvatore Sechi di Tempio Pausania,
ne comprò 150 ettari. Tre corpi di terreno con nomi
alto funzionario della Presidenza della
che sembravano usciti dalle sue canzoni, Tanca
Repubblica, per Fabrizio soprattutto musicista
Longa, Donna Maria, l'Agnata. Una trentina di
anni fa vi andò a vivere con Dori Grezzi, nel palaz-
Fabrizio De André nella sua casa all’Agnata
concentrato sullo studio del fagotto, per ricreare
con uno strumento "colto" il suono etnico pastozotto
dell'Agnata, a lume di candela, senza telefono, in un terreno abbandonato, completamente rale delle "launeddas". Per giocare a scopa scelse Alberto Santini, un amico che viveva a
incolto, in un'asprezza da western americano. Con una tenacia da pioniere sardo riuscì a ristrut- Viterbo e che per una quindicina d'anni lo aiutò nei lavori dell'Agnata, con abbastanza fanatiturare
la stalla ed iniziò ad allevare i vitellini da carne, e poi maialini, e poi a seminare gli orti, smo da costruire vicino a Viterbo una villa chiamata Agnatina. Le loro partite a scopa erano
e poi a produrre uova, e poi a coltivare l’ulivo e la vite e tutto quello che poteva servire per un sempre molto serie: guai a chi li disturbava. Ma se Fabrizio sì allontanava un momento Alberto
ristorante. Innalzò il solaio ricavandone una mansarda e restaurò un'altra stalla diroccata attrez- gli truccava l'elenco dei punti ed al suo ritorno accortosi di quell’inganno, tutti a ridere come
zata poi come dispensa. Dopo tre anni il palazzotto diventò quasi abitabile e Fabrizio caparbia- ragazzi. Si rideva davvero, non soltanto come ragazzi, quando all’Agnata piombava Beppe
mente vi andò a vivere con Dori tra una tournée e l'altra. In un altro piccolo rudere sistemò una Grillo, amico d'infanzia e di famiglia, caro a Fabrizio come un fratello. Con lui è come se uscis-
cucina ricavandone una camera per i custodi. Così, riuscì a fondare il ristorante, subito diventase dallo spesso involucro di autodifesa costruitosi addosso per schivare difficoltà fastidiose
to famoso.
create dall'invadenza dei curiosi.
Fabrizio si divertiva a giocare con quella terra, e ha giocato anche col rio Capriuneddu che In quell’ambiente così familiare amava comporre le sue canzoni: curava parole e musica
attraversa la tenuta. Costruì uno sbarramento ricavandone un lago per l'irrigazione ma anche fino alle prime luci dell’alba.
per accogliere delle trote trovate in una pozza d'acqua, attirando anatre e gallinelle d'acqua. “Il mio nome resterà con le mie canzoni” commentava divertito a chi gli rispondeva: “tu
Sulla costa della collina progettò con l’aiuto dell’Ing. Visicale, e successivamente realizzò con pensa a campà”.
Dori, un edificio di otto stanze e una piscina ricavata nella roccia, mentre un campo per le bocce
Marco Ladu e Mariella Panu

lunedì 15 agosto 2005
Energia e creatività dell'Indigo Quartet
Gianluca Petrella anche in duo con Furio Di Castri
Toccherà a Gianluca Petrella il compito di
aprire la festa finale di Time in Jazz, alle 21:30
del 15; una delle star del jazz made in Italy, e
presente al festival anche in uno spettacolare
duo con Furio Di Castri, domenica 14 alle 18
nella Chiesa di Sant’Antonio Abate a Nughedu
S. Nicolò.
Con il suo Indigo Quartet il trombonista pugliese
unisce il senso più vivo della tradizione con le
istanze più moderne del suono contemporaneo.
Nel nucleo concettuale della filosofia del gruppo
trovano spazio tracce dixieland e quell’impronta
di “musicista alternativo” che Petrella
propone anche in altri aspetti della sua produzione.
Lavorando da solo nel proprio studio,
tagliando e cucendo loop, pattern, campionature
e “nuovi suoni” elettronici (Gianluca si diverte
spesso ad “uscire” dai panni del jazzista, proponendo
travolgenti serate D-Jay Set, che lo vedono
spesso protagonista delle notti di alcuni locali
di tendenza) è riuscito a tradurre il materiale
base per un quartetto, senza però, opportunamente, perdere di
vista la matrice acustica e fondamentalmente jazzistica.
Spazio alla Bollywood Brass Band per la festa
finale di Time in Jazz: la formazione anglo-indiana,
già di scena tutti i giorni intorno alle 19.45
nei concerti pre-serali lungo le vie del paese,
potrà infine esibire il suo repertorio sul palco
centrale, il 15, col consueto corredo di fuochi
pirotecnici della Teo Fireworks, col quale Time
in Jazz saluta il suo pubblico.
Band multirazziale anglo-indiana, la Bollywood
Brass Band nasce nel 1992 dall’incontro artistico
tra la street-band londinese Crocodile Style e
Johnny Kalsi, leader della Dhol Foundation e
maggior esponente della musica Bhangra in
Inghilterra. L’introduzione del dhol, percussione
indiana dal suono particolarmente alto, ha segnato
la svolta decisiva nel percorso artistico della
formazione londinese. La Bollywood Brass Band
è stata subito protagonista della stagione consacrata
alla celebrazione Diwali, il festival delle
luci, per poi dedicarsi alla musica per matrimoni,
ottenendo un enorme consenso in Inghilterra. Ma
Gianluca Petrella (ph. Studio Jackson)
Un gruppo nato un anno e mezzo fa che riesce a sorprendere
per la straordinaria energia di base e con, in più, in organico,
Gran finale con la
Bollywood Brass Band
Quattro donne nella formazione anglo-indiana
La Bollywood Brass Band
negli ultimi anni le performance vanno ben oltre
le occasioni nuziali. Il loro repertorio è infatti
costituito dalle canzoni più famose di film vecchi
e nuovi tratti dalla nutrita filmografia di Bombay,
forse la più prolifica al mondo; musiche popolari
del Punjab, i classici di musicisti indiani, influenze
samba, reggae, funk, jazz, balcaniche e world
music. Una miscela coinvolgente e ipnotica, dove
gli intrecci eleganti dei fiati sono sostenuti da
incalzanti ritmi bhangra. Vivace e suggestivo
anche l’impatto scenico, con l’impiego di costumi,
l’accompagnamento con passi di danza di
Simmy Gupta, e le immagini tratte dai blockbusters
di Bombay che verranno proiettate sullo
sfondo del palco in sincronia con la musica dal
vivo di Sahra Moore (sax soprano, melodica) Will
Embliss (tromba), Kay Charlton (tromba e flicorno),
Dave Jago (trombone), Tim Smart (trombone),
Alice Kinloch (susafono), Philippe
d’Amonville (batteria), Nick Cattermole (bass
drum, percussioni) e Jas Daffu (dhol).
13
oltre alla propulsiva spinta del leader, l’esperienza
di Paolino Dalla Porta al contrabbasso,
l’intelligente apporto di Fabio Accardi
(tra i nomi nuovi più seguiti anche Oltralpe)
alla batteria, e Francesco Bearzatti, il miglior
“nuovo talento” del jazz nazionale 2003
(“Musica Jazz”), al sax tenore e clarinetto.
Altro nuovo progetto di Petrella è quello che
lo vede in duo col contrabbassista milanese
Furio Di Castri; i due suonano insieme da
poco più di un anno, anche nel quintetto
Outline. Hanno registrato per la Wide Sound
il disco Under Construction, che costituirà
parte del repertorio offerto al festival; quella
seguita dal duo è una strada di esplorazione e
dissacrazione dei suoni bassi, capace di giocare
come poche altre sul ribaltamento dei
ruoli tradizionali dei due strumenti che guidano
l’avventura. L’accurata elaborazione
del materiale musicale non prevede nessun
suono “midi”, piuttosto percussioni sugli
strumenti, mani, carta, mollette o bacchette varie, filtrate o utilizzate
accanto a samples montati su un computer.

14
JAZZ E NU JAZZ
tra ritmo e contaminazione
nei DJ set di Mistura Pura
Federica Grappasonni/Dj set Mistura Pura
Un suono che incontra un altro suono, un’interferenza fra vari
generi musicali, una pozione magica dove si mischiano espressioni
di mondi e momenti storici apparentemente diversi e lontani
tra loro.
La dimensione ballabile e percussiva presente nel jazz sin dalle sue
origini; le influenze della musica asiatica e di quella africana nel
jazz e nel blues; l’incontro del jazz con il samba; il latin jazz,
l’elettronica e il jazz progressivo dei paesi nordici… sono questi i
tratti musicali catturati e messi a confronto nel dj set Mistura Pura
di Federica Grappasonni, che ad oggi rappresentano il cuore delle
produzioni Lounge e Clubbing. E dunque dalla bacchetta magica
di Art Blakey – detentore del ritmo, in particolare nel suo periodo
Bebop, 1946, che s’impose a quello della West Coast – alla dimensione
più popolare, funky e disco, di Miles Davis – anticipatore di
tendenze musicali – alla melodia bossa novista di Tom Jobim -
interpretata a fine anni cinquanta, tra i tanti, da Joao Gilberto, Stan
Getz, Charlie Byrd, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Sarah
Vaughan… - fino ad arrivare alle modernissime produzioni nu jazz
che vedono nelle etichette indipendenti Compost Records, Far
Out, Schema Records, Ninja Tune, per citarne alcune, il meglio dei
nuovi orizzonti jazz dance. Ogni passaggio, da un periodo all’altro,
è intervallato da campionamenti (legali) registrati dalla dj nell’arco
dei giorni e delle notti: urbani e di periferia, di campagna e
di mare: è qui che ogni forma di vita ha il suo ritmo e il suo suono
prima ancora di divenire musica.
Il Mistura Pura dj set (Federica Grappasonni) si caratterizza dai
nuovi linguaggi della bossa nova e del jazz. Dopo il debutto a
Milano nel 2000, comincia a sperimentare percussioni dal vivo da
accompagnare alla musica jazz selezionata. La notte di Natale
2002 organizza la serata “Homeless” nel Dormitorio Comunale di
viale Ortles: la dj, nelle vesti anche di direttrice artistica, si fa
accompagnare da quattro percussionisti scelti dai gruppi di batteria
di percussioni dei Mitoka Samba. Nel giugno del 2004 è invitata
come dj ufficiale per festeggiare i cinquant’anni della Rai a
Cannes: nella splendida cornice della terrazza del Palais du
Festival, Federica prepara un live set dai suoni lounge-jazz accompagnata
da un sassofonista, una cantante e un percussionista. A
ottobre esce il primo singolo della dj producer, “Bossa Colorata”,
brano a metà tra la bossa e il samba, raccolto nella compilation
“Milano Clubbing” (etichetta Aries/ distribuzione Audioglobe).
DJ/set
un melting-pot totale sicuramente reversibile
Digital e Trance:
faranno male?
Digital Trance. Bel tema, ho pensato subito. E poi ce n’è a
bizzeffe… anche se in realtà di questi termini abbiamo
piene le orecchie e sebbene non esista nulla che li abbia
mai legati storicamente, almeno così come ce lo saremmo
aspettato.
Forse c’entra la filosofia, o parte di essa. Da quando esiste
la mania dell’etichetta o della catalogazione a tutti i costi,
abbiamo una concezione più o meno sicura di questo tema.
Ma la verità è che non esiste niente di “puro” che unisca i
due termini sotto lo stesso tetto. O meglio, non esiste con i
crismi della catalogazione d.o.c. O forse , invece, è sempre
esistito; nella Babele analitica del tempo digitale o nelle
teste pensanti delle nuove
architetture futuribili, nel
pennello con le setole
antiche di qualche estremo
pensatore d’immagine.
Gli artisti, quelli veri,
faranno festa. Con la
musica è diverso, ma ce
la faranno lo stesso.
Dietro a quei due termini
c’era forse una sorta di
minimalismo storico:
quello acustico di Steve
Reich o quello elettronico
di Philip Glass; forse
entrambi benedetti dall’anima
di Terry Riley o
della mente di qualche
californiano bruciata
dagli acidi. Oggi segue le
rotte del rave o quelle
antesignanamente “out” che uscivano dai locali alternativi
di San Francisco, veicolati dalle filosofie “corrotte” (così
dicevano a quel tempo) del Rhythm and Noise Ensemble di
Naut Humon, capace di definirsi “traffic controller”, principe
delle “sinfonie rumoristiche” ; dissonanti, metallurgiche
eppure in un certo senso wagneriane, avrebbe forse scritto
Lester Bangs. Poi è cambiato tutto e il testimone, dopo essere
passato dalle terre australiane a quelle islandesi e poi
ancora da quelle svizzere a quelle d’Albione, finalmente al
Nord dei Nord, oltre a quella Germania che ne ha fatto un
marchio di fabbrica per Ibiza e succursali. E Wesseltoft è
sembrato esserne padrone assoluto per un lungo momento;
addirittura geniale quando ha ipotizzato “nuove concezioni
jazzistiche” metabolizzate dalla macchina. Ancora una volta
salta in mente il pensiero di quel sant’uomo di Brian Eno,
primo – fra tutti – a stabilire la legge che – per essere salvata
e vivificata – la musica delle macchine avrebbe dovuto
essere comunque guidata dall’uomo. E’ un po’ ciò che più
nelle gambe e meno nella mente profetizzò Paul Oakenfeld,
quando partorì l’idea – sposata poi da tutti i locali che si
rispettano e tremendamente alla moda - delle zone “chill
out”, per riportare alla realtà un fisico martoriato da pressioni
sonore una volta impensabili. C’è poi la trance: in questo
senso, una sorta di discesa nel Maelstrom totale, lasciando
probabilmente alle spalle l’abrasivo e il subliminale.
Vengono in mente altri due nomi: Meredith Monk e
Diamanda Galas, guarda caso anche loro invitate a festival
che portano il termine “jazz” nel proprio nome. E Peter
Gabriel, oppure Robert Fripp, ben consci del fatto che la
purezza del suono più acustico sia una sorta di trance elettronica
in un mondo che è fatto di imbecillità imperante,
capace di ridurre il suono
a un mero esercizio di
divertimento tout-court.
Difficile? Per niente, se
si pensa alle centinaia di
migliaia che ogni anno,
ad un certo punto della
settimana, in piena notte,
fuggono dalle bombe
delle città e si rifugiano
nell’entroterra di spiagge
desolate, hangar abbandonati
e si avvinghiano a
torri di casse e diffusori
issate sul pianale di un
rimorchio di Tir, per
godersi bombe nelle
orecchie firmate da mr.
Decibel in persona.
Digital Trance non è
nulla oppure il tutto contemporaneo:
più o meno
una mappa aggiornata di ciò che non dovrebbe essere più
nelle corde di un violino, anche se di violini è ovviamente
sempre più piena la possibilità. Anche, con le dovute differenze,
nelle aree disco più tradizionali della riviera romagnola.
Moda, letteratura, arte e tendenza: dentro c’è tutta la
digital trance possibile ed immaginabile. Uno dei siti di riferimento
di un movimento che non può nascere - anche se lo
vorrebbe - perché il tema è troppo “vasto”, troppo “sporco”
e troppo “furbo” è Elektrobar.com dove psytrance, chillout,
house e trip-hop + storico drum&bass la fanno da padrone
accanto a veri e propri “Starship Trooper” come Atmos,
Astrix, S-Range oppure Lemon 8. E intanto, Gianluca
Petrella, fa girare nel suo lettore, spazi onirici che abbracciano
finlandesi che imitano Sun Ra oppure teutonici deejays,
figli degeneri dei Kosmische Kuriere dei Settanta.
Digital Trance, insomma. E questo non può essere che un
inizio. Klaus, intanto, ride sotto i baffi e Fresu è in cucina a
preparare il pranzo.
Vittorio Albani

I poeti improvvisatori
della Sardegna
Gara poetica improvvisata sul tema “La trance”
Bruno Agus
Mario Masala
Giuseppe Porcu
Un cantore-bambino e due adulti: quest’anno la
proposta degli improvvisatori a Time in Jazz ha
un’articolazione molto particolare. Saranno di
scena tre poeti estemporanei di generazioni
diverse: Giuseppe Porcu di Irgoli, 19 anni, perito
agrario fresco di diploma all’Istituto Bernardo
Brau di Nuoro, sulla scena delle sagre da appena
un anno, affiancherà Bruno Agus di Gairo (48),
che ha iniziato la sua carriera nel 1981, e Mario
Màsala di Silanus (70), che fu a sua volta un
enfant prodige, avendo esordito sui palchi delle
gare a soli sedici anni, nell’agosto del 1951, nel
suo paese natale per la festa di San Lorenzo.
Il debutto di Giuseppe Porcu, nella primavera del
2003 a Nule durante un concorso a premio riservato
ai poeti orali, ha rappresentato una novità di
rilievo, dal momento che da oltre mezzo secolo
non si registrava un esordio in età così verde. Il
pubblico ha sùbito mostrato di gradire molto questa
presenza nuova e inattesa, tanto che il numero
delle gare, nella stessa stagione del 2003, è
notevolmente cresciuto rispetto alla media degli
ultimi dieci anni.
Mario Màsala, Bruno Agus e Giuseppe Porcu
costituiscono oggi -in una gara poetica che li
veda protagonisti insieme- il confronto più credibile
fra le tre generazioni che rappresentano,
essendo ciascuno di loro il maggior vessillifero
della propria.
Quella di Time in Jazz 2005 potrà forse essere
un’occasione più che propizia, davvero utile a chi
ha interesse a farsi un’idea diretta e precisa -
verificata sul campo - della situazione del canto
improvvisato negli spettacoli di piazza Sardegna:
nel solco della tradizione, certo, ma anche nell’apertura
a eventuali innovazioni e arricchimenti,
nella forma e nella sostanza.
Paolo Pillonca
DJ/set & altri eventi
15
The MiXzone
Tutte le notti
al Museo del Vino
dj set e live happenings
a cura di Radio X
Digitale dalla nascita. Dall’ottobre del 1995 quando - prima in Europa - ha iniziato a trasmettere
musica in diretta via Internet. Ma non solo. Radio X è digitale nel Dna musicale,
con quella innata predilezione per i suoni inventati o campionati attraverso macchine elettroniche.
Ma anche per il ruolo creativo affidato alla figura del dee-jay, vero e proprio alchimista
digitale, manipolatore di beats e campioni, Grande Sacerdote del misterioso Rituale
del Groove, che esso si celebri tra le luci di un club o nel buio denso e pulsante di un programma
radio.
Radio X è una piccola anomalia nella storia dell’emittenza. Intanto perché nasce prima
come web radio che come stazione fm (dove va in onda in provincia di Cagliari sui 96.8
Mhz). E poi per altri motivi. Per il fatto di non fare pubblicità, se non a iniziative promosse
dalla stessa radio. Per il fatto di ricavare dalla rete e dalle attività live, anziché dagli spot,
le sue principali risorse di sostentamento. Per il fatto di non essere forse neppure più una
radio in senso stretto, ma una eX – radio, una community devota all’elettronica e alla sperimentazione,
un catalizzatore di progetti editoriali e musicali provenienti un po’ da tutta
Europa, anche grazie alla partnership con Tiscali da cui nel 1999 è nato il felice esperimento
di MUSIX (looking for the perfect bit), primo esempio di etichetta on line interamente dedicata
alla sperimentazione digitale e ai suoni emergenti.
A Radio X il festival Time in Jazz ha chiesto di curare per questa edizione del festival una
vetrina dedicata alle sonorità digitali mescolate dalle abili mani dei dee-jay. Riprendendo così
il titolo di uno dei format della webradio cagliaritana, il Museo del Vino ospita per ciascuna
delle cinque serate del festival una MixZone che mette a confronto e in sinergia tra loro deejay
e sperimentatori elettronici di diversa estrazione e diverso orientamento. Dal minimalismo
all’electro clash, dalla drum’n’bass più parossistica all’energia vitale del break beat, sino alle
contaminazioni nordiche tra elettronica e jazz, passando per paesaggi sonori che richiamano
l’immaginario cinematografico o profumi esotici che arrivano da paesi lontani...
I cinque dj sets di Berchidda – aperti anche all’interazione con musicisti live, territorio di
sperimentazione sempre più spesso frequentato nelle serate di Radio X - diventeranno subito
dopo il festival una speciale compilation on demand da ascoltare via Internet all’indirizzo
www.radiox.it oppure www.radioxonline.com

16
Gli autori dei saggi raccolti
nel volume “Tecno
Trance – Una rivoluzione
musicale di fine millennio”
(AA. VV. a cura
di G. Salvatore,
Castelvecchi, Roma,
1998) condividono -
assieme a non pochi
musicologi e antropologi,
sociologi della religione
e storici della
danza, psicanalisti e
musicoterapeuti, neomistici
ed edonisti incalliti,
“psiconauti” e frequentatori
di rave parties,
discoteche, centri
sociali - due idee forti:
che quella famiglia di
nuove musiche comprese
sotto la definizioneombrello
di ‘techno’
abbiano (definitivamente?)
trasformato alcuni
modi tradizionali di
comporre, produrre,
riprodurre, ascoltare e
ballare suoni organizzati;
e che tanto i creatori quanto gli utenti di tali musiche vi
attribuiscano un notevole potere sul corpo e sulla psiche.
Si tratterebbe, insomma, di un fenomeno complesso che ha a che
fare sia con la creatività artistica che con gli stati di coscienza; con
il pensiero musicale, e con la fede in un potere trascendente della
musica; con un hic et nunc dell’esperienza musicale, ma anche
con un suo Altrove, situato nell’acronìa di un Eterno Ritorno.
Stiamo parlando di qualcosa che, viste le premesse, sembra
innescare una duplice rivoluzione, nell’estetica e nell’etica
musicale, e più in generale nel rapporto tra la musica e l’uomo.
Un rapporto che da circa mille anni - cioè dalla nascita
nell’Occidente europeo di una musica “laica”, sganciata da
necessità liturgiche o devozionali, e soprattutto dal dominio
della chiesa cattolica su modi e forme, occasioni e strumenti
del fare musica - non si presentava più accompagnato da tali
problematiche, e di tale complessità.
Alcuni aspetti di questa rivoluzione rappresentano anche
l’estrema conseguenza di un secolo di musica afroamericana,
cioè del radicamento del blues e del jazz - e di tutti i
generi che variamente ne discendono - nelle pratiche musicali
extra-accademiche, neo-popolari, di massa. Se ne
riscontrano gli effetti non soltanto nei modi di fare musica,
sempre più alla portata di tutti, ma anche nella competenza
comune, sempre più “afroamericanizzata”: si pensi a come
e quanto il blues feeling sia stato acquisito, negli ultimi due
o tre decenni, perfino tra gli interpreti e il pubblico della
canzone italiana. Di fatto, poi, un certo “colore” afroamericano
viene sentito, dagli utenti di qualsiasi musica, come il
segno di una maggiore vicinanza alle “origini” della comunicazione
musicale: un “atto” primordiale condividibile
secondo modelli psichici, rituali e sociali che valorizzano il
momento della ricezione e della partecipazione. Di conseguenza,
il comportamento musicale degli ascoltatori esprime
una crescente funzionalizzazione dell’oggetto musicale:
nella danza o nella meditazione, nel relax o nell’eros, attorno
alla vita interiore o alla vita di relazione. Di pari passo,
l’ascolto musicale tende a farsi sempre meno astratto: ora
somatizzato, ora psichicizzato, spesso teso verso una percezione
“integrale” ma mai esclusivamente “mentale”.
digital trance
Techno-trance
La trance, i rave e il “bisogno di trascendenza”
Eppure ci si sbaglierebbe a ritenere che tutte queste radicalizzazioni
finiscano per limitare, della musica, la prospettiva
strettamente estetica. Pensiamo a come le competenze del
“compositore” divengano via via più diffuse anche presso i
“non musicisti”, attraverso l’uso ormai quotidiano del computer
domestico, e di programmi e software musicali una volta
assai specialistici, ma oramai sempre più alla portata dell’utente
comune. Se, una volta, la semplicità della forma strofica
consentiva a chiunque, magari fischiettando, di inventare una
canzone, il “computer di massa” ha reso estremamente vicini
(e al limite interscambiabili) compositori ed utenti della house
music e poi della “techno”, musica che si esprime attraverso
due fattori entrati a far parte della capacità di chiunque: accesso
friendly alle tecnologie informatiche, e logica sequenziale.
La disponibilità di queste tecnologie, spesso a basso costo,
non solo ha trasformato in potenziali musicisti i dj (come è
stato rilevato anche in altre occasioni), ma ha radicato intuizioni
formali, capacità strutturanti, paesaggistica sonora presso
lo stesso pubblico. Tutto ciò costituisce il presupposto di
una creatività diffusa, virtualmente di massa, per giunta applicata
a forme aperte e perfino complesse: il che certo non limita
ma espande la prospettiva estetica, democratizzando la consapevolezza
del processo artistico.
E come si fa a sostenere, aprioristicamente, che una semplificazione
delle procedure compositive conduca inevitabilmente
ad un impoverimento delle possibilità musicali? In questo
do it yourself le risorse offerte sia dalla sintesi elettronica che
dal campionamento digitale del suono hanno esaltato la sensibilità
timbrica, mentre la facilità di costruzione ritmica derivante
dalla possibilità di produrre sequenze percussive pilotate
da una tastiera e articolate in tempo “non reale”, step by
step, ha enormemente contribuito all’invenzione poliritmica.
La combinazione di questi due fattori, col mettere in primo
piano timbri e ritmi, non fa altro che portare a compimento un
processo che, dal tardo Debussy a John Cage, o da Stravinskij
a Xenakis e a Nancarrow, ha lungamente impegnato le più
belle intelligenze del Novecento musicale “cólto”, dopo un
Ottocento che aveva portato il suo mito dello sviluppo melodico
e della densità armonica fino all’implosiva crisi del
wagnerismo. A questo
riguardo, dunque, certe
innovazioni della techno
potrebbero essere
tranquillamente considerate
nel senso della
continuità storica.
Stupisce, peraltro,
anche l’estrema concretezza
- questa sì una
novità estetica, un
segno di discontinuità,
una frattura - con cui
certi materiali musicali
vengono messi in opera
nella techno: la riduzione
del dato melodico
fino al suo azzeramento,
la definitiva trasfigurazione
dello strato armonico
in puro alone timbrico,
o la sua sostituzione
in un contrappunto
forsennato, la cui
unica ragione diviene
ritmica. Se la techno,
come scrive Roberto
Agostini, è un “flusso
sonoro stratificato e circolare”,
allora ogni “strato” - o sequenza di loops - può essere
inteso come una “voce” che, nella tessitura complessiva, è
al tempo stesso indipendente e in relazione paritetica e dialettica
con le altre “voci”, con gli altri “strati”. E’ proprio quest’idea
di contrappunto amelodico a “smontare” vecchi criteri
strutturali, a mescolare le carte. Ecco dunque come il dominio
del timbro e della pulsazione, elevato a livelli di assoluta
necessità e sufficienza, va a capovolgere il tradizionale buon
senso musicale, portando i parametri espressivi (tratti prosodici,
agogici, dinamiche, accenti; e volume, e sound) a farsi
strutturali, e quelli strutturali a diventare accessori (melodia,
armonia) o totalizzanti e invasivi (metro e ritmo).
Altri (…) insistono invece più sul fatto - altrimenti raro ed
episodico, da un millennio circa a questa parte - che proprio
a tale capovolgimento di ruoli gli utenti della techno attribuiscano
un effetto euforico, come in un carnevale di suoni,
una “musica alla rovescia” dove tutto può accadere, e dove
tutto quello che accade provoca effetti neurofisiologici e psicosomatici.
(…)
Una tale relazione può in effetti essere illuminata da vari punti
di vista. La si può ad esempio registrare presso gli stessi utenti
della musica techno: frequentatori di rave parties e discoteche
dichiarano di ascoltare e danzare questa musica, in certe
specifiche condizioni ambientali e collettive, per trarne un
effetto che chiamano in vari modi: “sballo”, “alterazione”, ma
soprattutto “trance”.
Alla gente bisogna dare ascolto, anche quando si esprime in
maniera “poco scientifica”. Può essere oggetto di discussione
cosa si intenda veramente quando nel rave viene invocata una
vera e propria “trance”, ma la scarsa considerazione nella
quale spesso è tenuto l’argomento dipende anche da certe sue
distorsioni giornalistiche o sociologistiche. Concentrandosi
attorno agli aspetti più pittoreschi del fenomeno, il chiacchiericcio
dei media ne ha infatti appiattito le peculiarità sui soliti
luoghi comuni del sensazionalismo, la fenomenologia in semplici
“si fa per dire”. Si tende, ad esempio, ad accostare la
danza e la trance (o certi tratti musicali - come l’iteratività - e
la trance) in un acritico rapporto di causa ed effetto. Non meno
sbrigativo è l’evocare (…) la demonicità della “possessione”

per stigmatizzare ogni forma di trasporto fisico
indotto dalla musica. Fenomeni di grande portata
finiscono così per smarrire, nel vaniloquio da bar
o da parrocchia, il loro significato più profondo.
Ma una competenza meglio approfondita sarebbe
più consona, quando si chiamano in causa due tra
le più profonde esperienze psicofisiche dell’uomo:
la capacità di giocare con lo spazio, il ritmo,
l’equilibrio, che si esprime attraverso la danza, e
quella sapienza mistica e tecnica sviluppata dai
primordi dell’umanità per modificare gli stati di
coscienza ordinaria, per proiettarsi “altrove”, per
calarsi anima e corpo nella trance.
Ma, in fondo, i luoghi comuni e le semplificazioni
che si sentono in giro scaturiscono da certi automatismi
che andrebbero indagati nella più recente
storia delle idee. Pur nata in Europa, la dimensione
del rave party deve all’America - oltre all’ispirazione
afroamericana portata dalla house music - anche certe idee seminali, suggestioni potenti e
versatili che si possono oggi riconoscere, ad esempio nella riscoperta della propria cultura autoctona,
quella amerindia, in qualche tarda deriva dell’utopismo naturalista e proto-ecologista, alla
Thoreau, nonché nel persistere di certe idee dei movimenti controculturali degli anni Sessanta, tra
hippismo e dintorni, e più recentemente nel dilagare di uno spiritualismo dopolavoristico di
impronta New Age. Non c’è da stupirsi di quanta eterogeneità possa raccogliersi attorno a un
unico nucleo di idee iniziali. Accade semplicemente che movimenti anche molto differenti abbiano
diversamente rielaborato i medesimi princìpi, distanti per scopi e identità ma solidali nella
ricerca del superamento di un’idea-guida della cultura Occidentale: la dicotomia corpo/anima.
Che in ultima analisi, laicizzata e filtrata da ogni sovrastruttura religiosa, si può ridurre a un’altra
opposizione posta dall’antropologia culturale, quella tra natura e cultura. Parole-chiave come
“neotribale” o “psichedelico”, che da tempo risuonano nella musica e nella cultura giovanili, in
qualche modo hanno preparato gli animi alla rivoluzione della techno-trance: culturalmente “rivoluzionaria”
proprio per l’attacco che sembra sferrare a dicotomie quali quelle citate.
Ma ripartiamo dal livello della semplice evidenza. Quel che dice la gente, riferendosi a un’esperienza
direttamente provata, a un proprio vissuto personale, merita sempre ascolto. Se nei rave, o
in generale nel consumo musicale della techno, viene proiettato il desiderio di attivare un meccanismo
in grado di intervenire sui propri stati di coscienza, e se questo desiderio viene identificato
con aspirazioni nebulosamente ma dichiaratamente “spirituali”, ben oltre la semplice attività
psicomotoria, vuol dire che tra il ballo e lo sballo si agitano precisi contenuti latenti. Nelle caligini
del “giorno dopo”, dopo una notte di techno-trance, quel che resta è il senso di aver celebrato
un’esperienza che forse non è solo di tipo edonistico. Se questo è quanto molti utenti della techno
si sforzano di indicare, spendendo con disinvoltura un termine impegnativo e inesorabilmente
“scientifico” come trance, il loro sforzo di capire se stessi andrebbe aiutato, decodificato.
L’implicazione più immediata è che, nell’attribuire oggi alla musica una funzione e un potere, si
resuscita la dottrina dell’ethos platonico e aristotelico. Cioè si risveglia, dalla storia delle origini
della coscienza, un’attitudine radicata in tecniche addirittura preistoriche, quando attività elementari
e primarie - come contemplare il cielo stellato o immedesimarsi nel flusso di un suono
naturale - cominciavano ad essere elaborate, trasformandosi in una risorsa umana, nell’intuizione
di un pattern. Indispensabile anticamera del pensiero scientifico e tecnico. Ma anche della chia-
digital trance
17
ve ritmica che regola la nostra esistenza nel
mondo, e il rapporto fra immanenza e trascendenza,
e i possibili modi di inserirsi negli interstizi
fra spirito e materia, imparando a servirsene,
ad usare la propria persona come una batteria di
energie capace di alimentare esperienze estreme.
Servendosi di ogni accessorio disponibile. Fra cui
anche, e soprattutto, il suono organizzato.
Su questo modo di inquadrare il problema pesa la
posizione, autorevole e imprescindibile, di Gilbert
Rouget, massimo studioso vivente dei rapporti fra
musica e trance. Rouget ha sostenuto, sulla base di
un campionario storico-fenomenologico piuttosto
esaustivo, che una relazione di stretta consequenzialità
fra un certo stimolo musicale e un’alterazione
degli stati di coscienza non è dimostrabile.
Ciò ha improvvisamente reso più prudenti tutti gli
studiosi. Prudenza forse eccessiva, giacché l’imponente
studio dell’etnomusicologo francese non nega la tesi di una relazione consequenziale, ma
solo la sua dimostrabilità allo stato attuale delle ricerche. Anzi, il suo lavoro di documentazione
mostra che, anche se non si può attribuire meccanicamente un certo effetto a un preciso parametro
musicale, la presenza della musica in molti rituali estatici e di possessione è dovunque sentita come
altamente significativa. Egli stesso ammette che, nei fenomeni presi in esame, la musica - pur non
potendo essere considerata una causa scatenante tout court - rappresenta una sorta di medium emozionale
che favorisce la creazione di quelle condizioni neuro-psico-fisiologiche da cui la trance
viene appunto innescata. Ora, con l’ammissione che esistono condizioni della trance che le sono
necessarie, anche se non sufficienti, e che tra i fattori che agevolano l’instaurarsi di uno stato di
trance vi è anche la funzione emotiva della musica, lo stesso scetticismo di Rouget cade un po’ in
contraddizione, limitando la portata generale della sua tesi, ed enfatizzandone la posizione negativa:
semplicemente, “Non è (ancora) dimostrabile che...”. (…)
“Techno-trance” è un’espressione che ha avuto fortuna soprattutto in Italia per indicare l’intero
spettro antropologico-musicale del fenomeno, cioè ambedue le “idee forti”. Altrove la definizione
di ‘techno-trance’ viene attribuita solo al sottogenere di un altro sottogenere (la techno,
appunto) e considerata come una delle tante gemmazioni di un movimento musicale che, pur
mostrando innegabili tratti di omogeneità, si presenta parcellizzato in una miriade di definizioni,
ciascuna ritenuta rappresentativa di un stile: acid house, Chicago house, Detroit techno,
hardcore, Balearic, indie dance, garage, speed garage, deep house, progressive house, gabba,
trance, intelligent techno, ambient, jungle, hardbag, happy hardcore, breakbeat... Si dira: non
è certo cosa nuova che, nell’universo della musica extracolta, le definizioni applicate a stili e
generi siano molto più numerose dei loro effettivi referenti. Ma il fatto che ciascuna di queste
sotto-definizioni applicate a quanto sta tra la house music e la techno music si limiti ad indicare,
il più delle volte, una differenziazione ristretta ad una singola variante di un singolo parametro
(ad esempio il valore metronomico espresso dalla quantità di battiti per minuto), ribadisce
con forza il carattere eminentemente funzionale di questa musica. Ogni microgenere, indatti,
esprime la sua variante in maniera talmente omogenea da soddisfare tanto l’esigenza di un
missaggio “fluido”, sentita dalla maggior parte dei dj, quanto l’attribuzione, da parte degli utenti,
di particolari “poteri” a determinate caratteristiche agogiche o sonore. (…)
Gianfranco Salvatore

18
Dervisci è un termine persiano che
significa monaco implorante.
L’etimologia riconduce alla parola
araba darwish che significa povero
perché perdendo Dio (l’Amato),
l’uomo ha perso tutto ciò che possedeva.
Derviscio è l’uomo caduto
nella prigione terrena, è il povero.
Un proverbio musulmano dice che
siamo tutti poveri, eccetto Dio. Il
povero, però, grazie alla virtù del
canto, del suono e della danza può
addentrarsi nel cammino di ricongiungimento
col divino. È quello
che fanno i dervisci mevlevi, chiamati
anche dervisci rotanti, che,
attraverso una danza vertiginosa
ricercano la percezione di Dio dentro
di sé e l’unione col divino. E
come in tutte le cerimonie che si
rispettano neanche un gesto è frutto
del caso: il danzatore, medium tra
cielo e terra, con la mano destra
aperta e rivolta verso il cielo accoglie
la grazia divina, mentre con la
mano sinistra aperta, col palmo
rivolto verso il basso, la trasferisce a
terra. In un crescendo vertiginoso i
Dervisci, accompagnati dalla musica
mistica del nay (flauto verticale),
ruotano su se stessi: il piede sinistro,
che ha la funzione di perno, fissato
al pavimento mentre l’altro dà la
spinta che permette la roteazione su
se stessi. Per evitare il capogiro tengono
la testa inclinata verso destra e
gli occhi fissi sul palmo della mano
sinistra. Ogni aspetto della danza,
i dervisci
L’ESTASI MISTICA DEI DERVISCI
Una danza per congiungersi al divino
dei vestiti e degli atteggiamenti ha
un valore altamente simbolico: il
lungo abito, che roteando forma un
cerchio, rappresenta il cosmo che
tutto avvolge; la lunga veste bianca
rappresenta il sudario, il mantello
nero la tomba, l’alto cappello cilindrico
la pietra tombale che il derviscio
pone sulle passioni terrene. La
danza dei Dervisci comincia con una
preghiera al profeta Maometto.
Senza mai stancarsi la voce profonda
del Derviscio invoca inizialmente
una sola sillaba hû che sta per Lui,
Allah, per poi evolversi nelle sette
sillabe lâ ilâha illâ-llah - non c’è Dio
se non Allah. I Dervisci si spogliano
dei loro mantelli neri, simbolo dell’oscuro
mondo terreno in cui l’anima
è chiusa, e iniziano lentamente a
volteggiare, con le braccia incrociate.
Quando, in un rapido incedere, le
rotazioni diventano sempre più veloci,
i danzatori distendono le loro
braccia: aprono la mano destra verso
il cielo per accogliere il divino e la
sinistra verso il basso per donare
l’influsso del Dio ai mortali. Il
Derviscio, in un incessante e sempre
più veloce volteggiare, raggiunge
l’estasi, e quando sembra cadere in
trance la musica si ferma. Il
Derviscio continua a danzare nel
silenzio ed è’ in quel momento che,
allontanato dalla mente ogni contatto
con la materialità terrena, entra finalmente
in contatto con il divino.
Angela Manca di Mores

info@timeinjazz.it
Mercoledì 11 agosto 2005
Mercoledì 11 agosto 2005

22
Abbonamenti (solo platea)
Intero euro 55,00
Ridotto euro 45,00
Biglietti interi
Platea euro 17,00
Tribuna euro 14,00
(*) Platea euro 8,50
(*) Tribuna euro 7,00
Biglietti ridotti
Platea euro 14,00
Tribuna euro 11,00
(*) Platea euro 7,00
(*) Tribuna euro 5,50
Ridotti
ragazzi dai 10 ai 12 anni,
soci Time in Jazz,
studenti CTS,
adulti oltre i 65 anni e
portatori handicap
(**)
Ingresso libero
(***)
Quota di partecipazione
al viaggio euro 5,00
il programma
Montalvu - Foresta Demaniale Monte Limbara Sud - 06.00
MontAlbæ In > Paolo Fresu & Alborada String Quartet
“Scores”
11
in collaborazione con l’Ente Foreste della Sardegna
Stazioni ferroviarie di Olbia, Monti, Berchidda, Oschiri e Chilivani
partenza Olbia 10,59 > arrivo Chilivani 12.33
“TEE / TrancEuropExpress” ***
Brittany Bagpipes & Orchestra di Launeddas di Luigi Lai
produzione originale - in collaborazione con Trenitalia e RFI
Monti, Santuario di San Paolo Eremita - 11.00
Jon Balke & Bugge Wesseltoft Duo
12
produzione originale
Oschiri, Chiesa di Nostra Signora di Castro - 18.00
Triptyque
Berchidda, itinerante - 19.45
Bollywood Brass Band
Berchidda, Chiesa di San Michele - 11.00
Jon Balke piano solo
13
Berchidda, Chiesa di Santa Caterina - 18.00
Gnawa Sidi Mimoun “Gnawa acoustic project”
Berchidda, Giardini della Casa di riposo per anziani - 19.45
Gara di Poesia in lingua sarda
con i poeti improvvisatori Mario Masala, Bruno Agus e Giuseppe Porcu
14
Berchidda, Museo del Vino – 10.30
Presentazione dei libri “Musica e Architettura. Paesaggi
della contemporaneità” a cura di Salvatore Peluso e
“Paolo Fresu: la Sardegna, il Jazz” di Enzo Gravante
Berchidda, Museo del Vino - 12.00
Concerto Aperitivo con Angelo Lazzeri Quartetto
Nughedu San Nicolò, Chiesa di Sant’Antonio Abate - 18.00
Furio Di Castri & Gianluca Petrella Duo
Semida - Arboreto mediterraneo - Foresta Demaniale Monte Limbara
Sud - 11.00
15
Steven Bernstein “Special Mountain” Project
produzione originale, in collaborazione con l’Ente Foreste della Sardegna
Tempio Pausania, L’Agnata - 18.00
Danilo Rea “Il jazz incontra la musica d'autore:
omaggio a Fabrizio De Andrè” - produzione originale
in collaborazione con la Fondazione Fabrizio De Andrè
TUTTE LE SERE
Berchidda, per le vie del paese - 19.30
Bollywood Brass Band
Berchidda, luoghi variabili - 20,30
Mistura Pura/ Dj set
PAV PROGETTO ARTI VISIVE
organizzazione e cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu
Mostre _ Esposizioni _ Eventi • 11>15 agosto
Arte tra le note > Piazza del Popolo
scenografie d’artista per i concerti serali di Time in Jazz
lBianco-Valente, Massimo Kaufmann, Nero Project, Pastorello
Digit@l trance> Museo PAV, Cortili di Casa Meloni/Sa Casara
a cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu
Bianco-Valente, Isabella Bordoni, Christian Chironi,
Emilio Fantin, Greta Frau, Nero Project, Antonio Riello,
Sara Rossi, Nico Vascellari
En-Trance > Museo PAV
a cura di Valerio Dehò
Karin Andersen, Matteo Basilè, Paolo Consorti,
Massimo Kaufmann, Jorunn Monrad, Luisa Raffaelli,
Francesca Semeria, Nicola Troilo
Weblife - forme di vita nella rete > Cortili di Casa Meloni
a cura di Valentina Tanni
Alessandro Capasso/Abstract Codex, Yuli Ziv/Adam001, Gustavo
Romano/Cyberzoo, Stanza/Genomixer, Singlecell & Doublecell,
Luca Bertini/Vi-Con, Grégoire Zabé/ VirLab, Raewyn Turner e
Colin Beardon/World Tree, www.8081.com/The Island
Ozieri, Basilica di Sant’Antioco di Bisarcio - 18.00
Bugge Wesseltoft & Sidsel Endresen
Berchidda, itinerante - 19.45
Bollywood Brass Band
Berchidda, Piazza del Popolo - 21.30
Jon Balke Magnetic North Orchestra
Jacques Pellen “Celtic Procession” con Brittany Bagpipes
produzione originale
Berchidda, Piazza del Popolo - 21.30
Gnawa Sidi Mimoun “Gnawa project”
special guest: Karim Ziad
produzione originale
Bugge Wesseltoft New Conception of Jazz
Berchidda itinerante - 19.45
Bollywood Brass Band
Berchidda, Piazza del Popolo - 21.30
“Experimentum Mundi Remix”
opera di musica immaginistica
live di Giorgio Battistelli e Maurizio Martusciello
Mercan Dede Secret Tribe
Berchidda, itinerante - 19.45
Bollywood Brass Band
Berchidda, Piazza del Popolo - 21.30
Michel Benita & Judith Darmont “Translate”
guests: Erik Truffaz, Philippe Garcia
Sex Mob
special guest: DJ Olive
“La Gallura di Fabrizio tra musica e poesia”
mostra fotografica - 10.00>21.00
Berchidda, Piazza del Popolo - 21.30
Gianluca Petrella Indigo Quartet *
Bollywood Brass Band ** & Festa finale
con giochi pirotecnici
Montalvu - Foresta Demaniale Monte Limbara Sud - 06.00 del 16 agosto
MontAlbæ Out > Paolo Fresu & Alborada String Quartet
“ArvoPärtrance” - produzione originale
TUTTE LE NOTTI
Berchidda, Piazza del Popolo, dopo i concerti
TRANCE di NOTTE / NOTE in TRANCE
rassegna di film etnografici su musica e trance a cura di Gianfranco
Cabiddu in collaborazione con l’Istituto Superiore Regionale Etnografico
Berchidda, Museo del Vino,11>15 agosto - 24.00
The MiXzone (***)/Dj set e live happenings
a cura di Radio, X in collaborazione con il Museo del
Vino e la Cooperativa La Memoria Storica
Progetto Neon: Feroci invalidi di ritorno dai paesi
caldi > Sa Casara
a cura di Gino Giannuzzi
Amae Artgroup, Andrea Melloni, Barbara Fässler, Christine
de la Garenne, Diego Zuelli, Letizia Ronzini, Maria Vittoria
Perrelli, Mauro Sampaolesi, Monika Stemmer, Nark BKB,
Nicola Gobbetto, Roberta Piccioni, Sabrina Torelli,
Sandrine Nicoletta, Sergia Avveduti, Simone Barresi, Sophie
Usunier, Susanna Scarpa, Tu'm
V/ideo/azioni > Sa Casara
Francesco Casu, Erik Chevalier, Giovanni Coda, Tore Manca, Mario
Pischedda, Elisabetta Saiu, Giulia Sale, Massimo Sanna, Danilo Sini
Stage/Backstage > Museo del Vino
installazione fotografica sul festival e i suoi artisti attraverso lo
sguardo di “professionisti” e “non professionisti” dello scatto
Semida > Foresta Demaniale Monte Limbara Sud, in permanenza
Clara Bonfiglio, Giovanni Campus, Bruno Petretto, Pinuccio Sciola,
Monica Solinas

PAV - progetto arti visive
MUSEOPAV
CORTILI DI CASA MELONI
SA CASARA
Arte tra le note
scenografie d’artista
Bianco-Valente, Massimo Kaufmann,
Nero Project, Pastorello
Digit@l trance
a cura di Giannella Demuro e
Antonello Fresu
Bianco-Valente, Isabella Bordoni,
Christian Chironi, Emilio Fantin,
Greta Frau, Nero Project, Antonio Riello,
Sara Rossi, Nico Vascellari
En-Trance
a cura di Valerio Dehò
Karin Andersen, Matteo Basilè,
Paolo Consorti, Massimo Kaufmann,
Jorunn Monrad, Luisa Raffaelli,
Francesca Semeria, Nicola Troilo
Feroci invalidi di ritorno
dai paesi caldi
a cura di Gino Giannuzzi
Amae Artgroup, Andrea Melloni,
Barbara Fässler, Christine de la Garenne,
Diego Zuelli, Letizia Ronzini,
Maria Vittoria Perrelli, Mauro Sampaolesi,
Monika Stemmer, Nark BKB,
Nicola Gobbetto,Roberta Piccioni,
Sabrina Torelli, Sandrine Nicoletta,
Sergia Avveduti, Simone Barresi,
Sophie Usunier, Susanna Scarpa, Tu'm
Weblife
a cura di Valentina Tanni
Alessandro Capasso/Abstract Codex, Yuli
Ziv/Adam001, Gustavo Romano/Cyberzoo,
Stanza/Genomixer, Singlecell & Doublecell,
Luca Bertini/Vi-Con, Grégoire Zabé/ VirLab,
Raewyn Turner e Colin Beardon/World Tree,
www.8081.com/The Island
V/ideo/azioni
Francesco Casu, Erik Chevalier,
Giovanni Coda, Tore Manca, Mario
Pischedda, Elisabetta Saiu,
Giulia Sale, Massimo Sanna, Danilo Sini
Stage/Backstage
installazione fotografica sul festival e i suoi
artisti attraverso lo sguardo di “professionisti”
e “non professionisti” dello scatto
Semida (in permanenza)
Clara Bonfiglio, Giovanni Campus, Bruno
Petretto, Pinuccio Sciola, Monica Solinas
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PAV - progetto arti visive
Digit@l
Trance
L’arte contemporanea
in scena a Berchidda
Bianco-Valente/ Isabella Bordoni / Cristian Chironi
Emilio Fantin / Greta Frau / Nero Project / Antonio Riello
Sara Rossi / Nico Vascellari
Anche se visto attraverso la lente raffreddata
del tempo, il percorso evolutivo compiuto dall’essere
umano, particolarmente in questi secoli
recenti, appare straordinario e ricco di aspettative,
oltre che di incertezze. L’impressione è,
infatti, quella di trovarsi in un momento topico
per la “specie” umana. L’impensabile accelerazione
del progresso tecnologico e digitale
sembra imporre un nuovo passaggio del testimone:
dall’homo sapiens all’homo technologicus.
Quella che a prima vista può apparire,
infatti, come un’improbabile e disturbante ibridazione
linguistica si rivela, piuttosto, come
l’epifania di un futuro non troppo lontano, anzi,
parrebbe, già in fieri.
È innegabile, infatti, che l’uomo contemporaneo
stia già attraversando un panorama esistenziale
tecnologico e post-umano, la cui manifestazione
primaria è quella che porta ad affiancare
ed integrare la complessa struttura umana, con
quella artificiale, come confermano in modo
inconfutabile i vari e ormai familiari dispositivi
biotecnologici.
E se forse, le innovazioni e le sperimentazioni
tecnologiche in ambiti eticamente “sensibili”
accendono ancora il dibattito sulle sempre più
fragili ed aleatorie problematiche identitarie, è,
invece, già ormai pienamente accettato e condiviso
il processo che ha interessato il crinale comunicativo,
quello che ha portato ad un’integrazione
pressoché osmotica tra la comunicazione biologica
umana e quella virtuale delle macchine.
Ma nonostante la presenza sempre più invasiva
dell’elemento tecnologico nella vita quotidiana
abbia prodotto una trasformazione profonda e,
di conseguenza, nuovi rapporti con la realtà
sociale, culturale, politica del nostro tempo,
ancora molti fattori legano l’homo technologicus
al suo predecessore. Tra questi il bisogno
ancestrale di liberarsi, di tanto, in tanto, dalle
strutture collettive e sociali per raggiungere e
liberare gli strati profondi del sé.
Questo desiderio di “perdersi” dell’individuo, si
esprime nel concetto di trance, sia nella sua
accezione più tradizionale sia, soprattutto, nella
sua estensione tecnologica e digitale. Infatti, se
la distorsione del normale stato di coscienza e la
conseguente alterazione delle capacità
percettive e sensoriali sono da sempre legati
alla definizione del concetto di trance, ciò è
ancor più vero oggi che le nuove e sofisticate
tecnologie informatiche - sollecitando una sorta
di estensione “elettronica” della capacità
percettiva – facilitano l’accesso a quella sorta di
“stravolgimento” visivo e sonoro che contraddistingue
gran parte delle più recenti sperimentazioni
artistiche contemporanee.
È proprio da ciò, infatti, che spesso deriva quella
componente ipnotica e insieme straniante di
molte delle opere che nascono dall’utilizzo del
mezzo elettronico o digitale, opere che danno
vita alla rassegna internazionale d’arte contemporanea
Digit@l Trance.
Giannella Demuro
dall’alto, in senso antiorario:
Bianco-Valente
Emilio Fantin
Nico VAscellari
Cristian Chironi
Sara Rossi

PAV - progetto arti visive
En-Trance
Karin Andersen / Matteo Basilé / Paolo Consorti
Massimo Kaufmann / Jorunn Monrad / Luisa Raffaelli
Francesca Semeria / Nicola Troilo
Non è vero che il mondo possa essere visto dal di dentro
o dal di fuori. C’è una terza possibilità: vederlo
dalla soglia.
D’altra parte non è vero si dice sempre che si “viene
al mondo”? Quindi un passaggio regolamentato esiste.
Basta trovarlo e non abbandonarlo mai. Fin a che
sarà possibile, naturalmente. Allora il modesto gioco
linguistico del titolo (“Entrance-Trance”) è un semplice
richiamo mnemotecnico alla nostra possibilità
di esistenza. La trance non ci porta fuori, ma ci conduce
dentro. Essere fuori di sé spesso equivale a perdersi,
ad addentrarsi però in un altro “spazio interiore”
alla Hubbard. Almeno fino a che il significato
della parola Io resta confinato ad una percezione del
sé oggettiva. Siamo tutti hegeliani, verrebbe certe
voglia di dire, ma non sempre e non per sempre. Ci
sono dei vantaggi a non scambiare la filosofia con la
religione.
Molte volta la perdita del sé, risulta positiva, come
accade nella sessualità. Altre volte deve essere così e
basta, come durante il dolore che si prova per la perdita
della persona amata. Il cordoglio è uno spazio
che la cultura ha occupato in nome dell’individuo. “Ti
dico io come ti devi comportare per fare bene la tua
parte di essere umano.” Quindi tutti i riti relativi, gli
abiti, i gesti, i discorsi, i colori adeguati, gli occhiali
scuri e tutto il resto. Sesso e morte sono i due estremi
della vita, in mezzo ai quali abbiamo costruito le
autostrade, il denaro e la televisione: ma in mezzo,
appunto. Cerchiamo sempre di conquistarci degli
spazi estremi. Nel celebre romanzo di Hesse “Il Lupo
della steppa” la porta del cabaret-inferno in cui il protagonista
finisce per perdersi è nascosta, non appare a
tutti. Se il Mondo è una grande proiezione
dell’Anima, allora è chiaro che i segreti sono altrettante
piccole porte che dobbiamo trovare.
Sappiamo del resto, per abitudine se non per esperienza,
che uscire vuol dire entrare da qualche altra
parte. Il segreto delle porte è questo, mettono in
comunicazione, collegano stati d’animo o stanze dell’anima.
Sono lì immobili, bisogna cercarle, ma alcune
volte bisogna anche tenerle di vista per una possibilità
di rientro.
Alla fine l’arte propone un viaggio provvisorio, le sue
porte sono visibili, certe volte anche troppo. Ma la
funzione è la stessa. La trance artistica è permanente,
si trasforma all’interno della visione che si raccoglie
in un’immagine digitale o meno. Comunque si tratta
di qualcosa in cui ci si fa trasportare e l’opera d’arte
resta porta o finestra o specchio (per regalare un
ricordo ad Alice) oltre i quali vi è un mondo immaginato,
vero, certo, che l’artista ha preparato per sé. E
questo che ci offre. Perdersi o ritrovarsi, o tutte e due
le cose, è una questione di scelta. Oppure basta non
scegliere e farsi portare. Anche così non è male, forse
è anche più divertente. Ma le chiavi della porta, è così
da San Pietro a Prodi, qualcuno deve averle. Alla fine
è l’artista il proprietario di casa è meglio non scordarlo.
Entriamo e usciamo dai suoi appartamenti ed è
per questo che poi ritroviamo la strada del ritorno.
Altrimenti sarebbe impossibile,anche per lui. La sua
trance ha il biglietto di ritorno, altrimenti la perdita di
sé sarebbe totale e irreversibile.
Abbiamo parlato di limiti e di confini, le nostre En-
Trance non sono pubblicate sulle pagine gialle, ma
non visibili e vivibili. Con la provvisorietà di un’
esperienza da cui riaversi, il nostro abbandono della
mente non è una vacanza, ma un viaggio di studio. È
così come tutte le esperienze che portano a uscire da
sé stessi per entrare nelle case immaginarie da cui è
composto il Mondo-Anima, quello ci tocca di abitare
coscienziosamente e senza altre alternative. Siamo
attratti dalla vita sempre sospesa tra il Nulla e il Tutto,
per questo la trance è una simulazione di uscita, di
spostamento in una dimensione che esclude la quotidianità
e da questa è esclusa. L’arte vive questo confine
arido e selvaggio in cui tante porte attendono i
viaggiatori. Ma a guardarle bene sono altrettante
opere d’arte.
Valerio Dehò
dall’alto, in senso antiorario:
Karin Andersen
Nicola Troilo
Luisa Raffaelli
Massimo Kaufmann
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Migliaia di siti nascono e muoiono ogni giorno. Milioni di utenti si connettono e disconnettono
senza posa. Internet è un grande ecosistema che vive riconfigurandosi
incessantemente. È un habitat fatto di tecnologia e pensiero, che si evolve secondo
una logica organica. È frequentato da esseri umani, che si aggirano sotto forma di
avatar, nicknames e numeri IP, ma anche da altre forme di vita. È la vita artificiale,
robotica, costruita con stringhe di codice autogeneranti. Che prende le forme più
diverse: ipnotici esserini in movimento, disegni cinetici o virus dispettosi. Un viaggio
affascinante tra tecnologia e biologia, tra naturale e artificiale. Nove progetti web
d’artista per conoscere la fauna della rete.
anche i virus si innamorano Protagonisti di una travagliata storia d’amore, “Yazna”
e “++”, sono due codicilli infetti partoriti dall’immaginazione e dalla programmazione
di Luca Bertini. Per il progetto “Vi-Con” (il titolo fa riferimento alla prima proposta
della composizione testuale T9 del cellulare quando si cerca di scrivere “ti
amo”), Bertini ha messo a punto due virus che si rincorrono nei computer della rete.
Sostanzialmente innocui, i due worm hanno il solo scopo di cercarsi, come due innamorati
costretti alla separazione. Nel caso in cui dovessero riunirsi, le istruzioni del
software daranno luogo ad una di tre possibilità: rottura (si lasciano), fusione (si uniscono
per formare un solo file) o procreazione (generano un piccolo nuovo virus).
Vi-Con - http://www.vi-con.net
algoritmi artistici La ricerca di Alessandro Capozzo si focalizza nella creazione di
software generativi e/o interattivi, realizzati utilizzando il software Processing come
strumento principale. Abstract Codex è un contenitore di opere computazionali estetiche.
Il principale obiettivo del progetto consiste nell’indagare le possibilità della
programmazione come medium espressivo. In quest’ottica il codice è la materia formante
l’opera digitale e allo stesso tempo processo creativo (svelato). Gli algoritmi
e le strategie computazionali sono quindi intesi come elementi costruttivi e di organizzazione
formale. Abstract Codex - http://www.abstract-codex.net
il bestiario digitale Singlecell (2001) e Doublecell (2002) sono dei bestiari online.
Come i bestiari medievali, i due siti includono creature di ogni specie, frutto della
programmazione creativa di un gruppo di artisti internazionali. Tutti gli esseri digitali
inclusi nel progetto sono forme di vita artificiale, molte delle quali derivano il
proprio aspetto e il proprio comportamento dall’interazione con l’utente. I lavori in
mostra sono del Singlecell Collective, composto da: Sami Arola, Ed Burton, Peter
Cho, Joshua Davis, Chris Fahey, Juha Huuskonen, Golan Levin, Casey Reas, Jarkko
Salminen, Jared Schiffman, Manny Tan, Martin Wattenberg e Marius Watz.
Singlecell & Doublecell - http://www.singlecell.org
all’orizzonte c’è un’isola L’Isola è costituita da diversi macroambienti (spiaggia, foresta,
macchia mediterranea, montagna, valli). 80/81 vuole proporre con questo sitoambiente
un nuovo tipo di interfaccia di rete. Il lavorare su concetti come ambiente e
immersività pone il baricentro dell’utenza non più sul contenuto del sito, ma sulla figura
dell’utente. L’immersività che si propone non è sempre descrittiva, è piuttosto rappresentativa
ed evocativa. www.8081.com non è solo un’isola poetica, ma anche uno
stato dell’arte delle tecnologie e della riflessione artistica e filosofica sulle nuove modalità
e strategie di comunicazione. The Island - http://www.8081.com
specie in via d’estinzione Cyberzoo è uno zoo virtuale dove è possibile sperimentare,
in tutta sicurezza, le forme di vita più selvagge e pericolose della rete: i virus. La missione
di questo particolare giardino zoologico, creato dall’artista argentino Gustavo
Romano, è quella di preservare le “specie in pericolo” (cioè i virus ormai obsoleti e
dimenticati) nell’ambiente in cui sono nate e vissute (la rete). Lo zoo dei codici dispettosi
applica i principi che regolano la biosfera ad un nuovo ecosistema: quello dell’informazione,
detto anche infosfera. Un tour nel biobarco digitale è un’occasione per
scoprire la vera natura dei virus. Cyberzoo - http://www.cyberzoo.org
remixando il dna I punti in comune tra la programmazione e la genetica sono evidenti.
Cos’è infatti il DNA se non un codice? Seguendo le strade creative che questo parallelo
può tracciare, l’artista inglese Stanza ha utilizzato un frammento del proprio codice
genetico per realizzare il progetto Genomixer. Il sito racchiude una serie di esperimenti
generativi composti a partire da questi dati, utilizzati perlopiù per offrire al visitatore
inedite composizioni musicali. Le stringhe di codice genetico si trasformano in
codice binario e si combinano tra loro per diventare musica. Genomixer -
http://www.genomixer.com
coreografie contagiose Virlab è un progetto sperimentale in 3D che permette di
generare virus danzanti. Microbi e infezioni, divisi dall’autore Grégoire Zabé in tre
categorie (virus organici, morali o numerici), diventano protagonisti di surreali danze
meccaniche, in parte guidate dai clic dell’utente, in parte generate in modalità random
dal software. L’utente può scegliere i protagonisti del bizzarro balletto e la configurazione
del palcoscenico tridimensionale in cui si muovono. L’accostamento
virus-danza è stato scelto dall’autore per la sua potenza evocativa, essendo il movimento
e il mutamento caratteristiche imprescindibili di ogni forma di vita. VirLab -
http://www.nobox-lab.com/virlab
avatar adam Adam001, dell’artista russo Yuli Ziv, è una creatura umanoide che abita
la rete. E’ un personaggio virtuale formato da tutti i frammenti di energia umana che
lasciamo in giro per il web. Quando tutte le schegge di vita vengono messe insieme
il loro risultato è Adam, metà uomo metà entità artificiale. Il suo aspetto, nudo e indifeso,
rispecchia tutto ciò che tendiamo a nascondere nella vita reale ma che spesso
sveliamo tramite i nostri alter ego virtuali. La nostra sensibilità, il nostro dolore, i
nostri segreti. Adam è un’entità universale e simboleggia ogni abitante della rete.
Adam001 - http://www.yuliziv.com/adam001.html
ecosistemi informativi WorldTree, della coppia di programmatori Raewyn Turner e
Colin Beardon, è un software che prende a prestito la metafora dell’albero per raccontare
la vita delle informazioni sulla rete. Il tronco e le foglie sono fatte interamente
di lettere, prelevate in tempo reale dai motori di ricerca. Il testo cresce e rende
la chioma dell’albero rigogliosa, con l’aiuto di sei uccelli, che l’utente può posizionare
a suo piacimento. Con l’arrivo dell’autunno, anche l’albero digitale perde le sue
foglie-lettere, che dopo essere cadute a terra, vengono spazzate via da una virtuale
folata di vento. World Tree - http://www.cs.waikato.ac.nz/~cbeardon/WT/
Valentina Tanni
PAV - progetto arti visive
forme di vita nella rete
W E B L I F E
Internet e ricerca visiva: le nuove frontiere della net-art
Prima colonna, dall’ alto verso il basso
Alessandro Capozzo/Abstract Codex
Gustavo Romano/Cyberzoo
80/81/The Island
Luca Bertini/Vi-Con
Seconda colonna, dall’alto verso il basso
Yuli Ziv/Adam001
Stanza/Genomixer
Singlecell Collective/Singlecell & Doublecell
Grégoire Zabé/VirLab
Raewyn Turner e Colin Beardon/World Tree

Feroci
invalidi
di ritorno
dai paesi
caldi*
Letizia Renzini
Rassegna di video
contemporaneo
per Progetto Neon
Feroci invalidi di ritorno dai paesi caldi è un titolo-pretesto, e senza chiedere
sono certo che Tom Robbins me lo lascerebbe utilizzare per parlare d’altro.
Mi distraggo (la parola ha un suono, forse addirittura un rumore come di
strappo) pensando che il risultato ottenuto sia un paesaggio variabile, come
in quel gioco di carte acquistato nel sud della Germania nel corso di una
vacanza piovosa nei primi anni ’80 -pare fosse nato per ingannare il tempo
durante i viaggi in carrozza- dove è possibile raccordare la linea dell’orizzonte
di ogni frammento con la linea di orizzonte di qualsiasi altro elemento
del gioco, dando origine in questo modo a un paesaggio infinito e
infinitamente variabile, senza soluzione di continuità.
Che in qualche modo adesso mi sembra sia lo stesso meccanismo utilizzato
da Tom Robbins per costruire le sue storie, da cui continuamente germinano
altre storie che potenzialmente potrebbero avere lo stesso sviluppo di
quella che pare essere la storia portante e che forse sono una sola storia
continuamente variata.
Da minimi slittamenti originano mutamenti incontrollabili.
Seduto fuori di casa, abito in campagna da un anno circa, leggendo (Kurt
Vonnegut, HOCUS POCUS, 1990) il mio sguardo periferico coglie un
movimento, una lepre attraversa il mio campo visivo, veloce; torno alla lettura,
dopo pochi attimi ancora un’intrusione, questa volta due lepri saltellando
in direzione opposta; riprendo a leggere, gli occhi intercettano un’altra
presenza, un giovane fagiano che passa proprio là dove sono passate le
lepri. Cinema.
Video è un termine che non definisce nient’altro che una tecnica, e pure quella
con grande approssimazione. Dentro può starci qualsiasi cosa. Immagini in
movimento. E suoni, spesso. Agevole, facile da trasportare. Denso.
Compresso nella superficie del dvd, insieme con altri video, in obbedienza
a un disegno preordinato e arbitrario, che si definisce per assonanze ma
anche in obbedienza al caso, forse soprattutto ricostruendo un percorso personale
di incontri e di esperienze. E che si fa strumento per altri incontri,
ancora.
Gino Giannuzzi
(*Tom Robbins, Fierce Invalids Home From Hot Climates, 2000)
PAV - progetto arti visive
SIMONE BARRESI •
SANDRINE NICOLETTA •
CHRISTINE DE LA GARENNE •
ANDREA MELLONI •
BARBARA FASSLER •
SABRINA TORELLI •
PASCALE GUINET •
LUCIANO MAGGIORE •
MARIA VITTORIA PERRELLI •
ROBERTA PICCIONI •
LETIZIA RENZINI •
MAURO SANPAOLESI •
TU’M •
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PAV - progetto arti visive
V/ideo/azioni
immagini in movimento a Sa Casara
Risulta particolarmente interessante parlare di videoarte
in occasione del 18° compleanno del festival, perché,
anche se ha ormai superato la soglia dei quarant’anni,
questo affascinante mix di arte e tecnologia continua ad
essere considerata un’espressione artistica giovane, in
costante e velocissima evoluzione, ancora alla ricerca di
nuovi confini.
Con l’avvento del televisore l’immagine elettronica è
entrata prepotentemente nelle case, violando la privacy
del focolare, rivoluzionando la sensibilità quotidiana.
Sin dai primi attimi di vita, lo schermo è stato visto da
artisti lungimiranti come Fontana, come nuova frontiera
da esplorare, continente vergine da coltivare con i fertili
semi dell’arte. Eppure la videoarte arriva in Italia relativamente
tardi: solo negli anni ’70 si inizia ad averne
un’idea concreta.
Il video diventa strumento attraverso il quale l’artista,
sperimentatore per eccellenza, si pone domande, analizza
la realtà quotidiana, preannuncia nuove ere e anticipa valori
futuri.
L’immagine in movimento, infatti, è la forma di espressione
che meglio riesce a cogliere la contemporaneità,
ovvero percepisce a pieno il mutamento sostanziale nella
concezione di successione temporale. Nel video il reale
sfuma e fluttua con l’irreale dentro il corpo dell’immaginario
movendosi tra visibile e invisibile. La video arte si
insinua nel tempo contemporaneo lacerandolo, creando
bolle che non possono scoppiare, che non vengono colmate
se non da domande costanti. La tecnologia ci mette
davanti alla natura immateriale dell’immagine: la rappresentazione
elettronica non ha bisogno del reale per rappresentare
la realtà. Il video somma così due approcci
opposti all’opera d’arte: uno di pura manualità, di “saper
fare”, e l’altro del puro immaginario, dell’aereo che
attinge dai più profondi serbatoi dell’immaginario
umano. La cultura elettronica offre strumenti raffinatissimi
per la produzione di immagini figlie dei dubbi e dei
sogni dell’umanità al punto da non vedere più la tecnologia
come supporto per nuovi effetti ma come autonoma
portatrice di valori nuovi. Il video, infatti, ha la possibilità
di infrangere i tradizionali concetti di scena, spazio,
tempo, narrazione sovrapponendo diversi livelli spazio
temporali. La dimensione della videoarte è fuori dalla
dimensione temporale, polverizza quelli che sono i nostri
vincoli, i nostri confini, ha infranto sin dai suoi esordi
quelli che si sarebbero rivelati i limiti dell’era moderna:
lo spazio, di cui siamo sempre più privati, e soprattutto il
tempo, bene di cui siamo sempre più avidi e unico a non
poter essere comprato. È sicuramente questo uno dei
motivi principali del suo indubbio fascino.
Ma come si integra tutto questo con una realtà isolana,
dove concetti come quelli di spazio e tempo sembrano
essere sottoposti a regole autonome, a nuove chiavi di lettura?
Come si rapporta un territorio vincolato da innegabili
limiti fisici ad un mezzo artistico che non conosce vincoli?
Non poteva che essere amore, la videoarte non poteva non
incarnare il mito isolano del viaggiare restando fermi, del
non abbandonare l’isola pur sfondando i confini geografici
delle volte claustrofobicamente stretti.
Com’è facile immaginare, se in Italia la videoarte è arrivata
in ritardo rispetto al resto del mondo, in Sardegna, un
po’ per limiti geografico-culturali e un po’ innegabili esigenze
economiche, la videoarte si è sviluppata con ulteriore
ritardo e pochi sono gli artisti che ci si sono cimentati
con interesse, costanza e seria ricerca. Per questo un
approccio con la realtà isolana è doveroso e innegabilmente
interessante.
La produzione videoartistica manifesta un elemento estetico
imprescindibile: la libertà, del mezzo e dell’autore.
Caratteristica certo non da poco e che non poteva non
affascinare la personalità eccentrica e indomita di chi,
come Mario Pischedda, ha fatto della libertà un modus
vivendi. Artista poliedrico e modernamente inquieto, ha
trovato nel filmato una profonda libertà espressiva tuffandosi
nella sua dimensione plurisensoriale. Erik Chevalier
usa il video per interagire e graffiare la realtà, cimentandosi
con la contemporaneità in continuo stato dialettico.
Per Giulia Sale il video è l’arrivo naturale di una pratica
artistica dedicata all’uso del mezzo fotografico e usa
entrambi per frugare nell’intimità, personale e altrui, in un
gioco voyeristico che scuote lo spettatore. Danilo Sini,
personalità complessa, camaleontica e irriverente, non
poteva esimersi dal cimentarsi con il video per la sua forza
e immediatezza, per continuare a raccontare la perdita
delle illusioni, il disagio esistenziale e portare avanti la sua
poetica dell’ironica impossibilità.
Giovanni Coda ricorre al video per rivedere il contemporaneo
con i suoi stessi mezzi, per cimentarsi con una realtà
che guizza veloce, e che va inseguita il più delle volte
verso confini che non desideriamo, per condannare scelte
e situazioni che non possiamo condividere.
Tore Manca utilizza il video per analizzare il delicato
mondo dell’inconscio, per affrontare coraggiosamente
un’analisi, una radiografia quasi, dell’organismo umano,
con tutti i suoi dubbi su identità e mutazione, a confronto
con lo spirito dei nostri tempi.
Realtà interessante della videoarte sarda è stato il SUIF
(Solo Una Immensa Fragilità) gruppo “guidato” da una
profonda libertà creativa nell’utilizzo del mezzo elettronico
come portatore del profondo lirismo che sta oltre la
materia. La scissione del gruppo ha permesso lo sviluppo
di tre interessanti personalità autonome: Mario Sanna,
Elisabetta Saiu e Francesco Casu.
Massimo Sanna, formatosi nel mondo della musica elettronica,
utilizza il mezzo elettronico per rappresentare la
ricerca di una interiorità che deve convivere con l’elettronizzata
vita contemporanea. Elisabetta Saiu ha un background
più “tradizionale” venendo dalla pittura e dalla
scenografia, le cui tracce si ritrovano evidenti nei suoi
video, mezzi che utilizza per riflettere sulla situazione di
abbrutimento e inconsapevolezza della società umana
davanti agli eventi mondiali.
Francesco Casu, infine, guarda con attenzione alla possibilità
del fare arte attraverso un processo che si rivela più
mentale che concreto, con una evocazione di tipo poetico
che attinge direttamente dall’immaginario onirico.
dall’alto, in senso antiorario :
Giovanni Coda
Giulia Sale
Massimo Sanna
Erik Chevalier
Danilo Sini
Elisabetta Saiu
Mario Pischedda
Francesco Casu
Sonia Borsato

PAV - progetto arti visive
scenografie d’artista sul palco di Piazza del Popolo
ARTE TRA LE NOTE
Robert Gligorov (2003) Giorgio Urgeghe (2004) Maggie Cardelus (2002)
Digital trance è il titolo scelto da Time in Jazz per celebrare
l’edizione che quest’anno compie il suo diciottesimo anno
d’età. Per festeggiare l’evento Time in Jazz e il PAV (Progetto
Arti Visive), in un connubio ormai consolidato negli anni,
mettono sul palco linguaggi diversi uniti però da uno spirito
comune: la trance. Trance come passaggio da uno stato di
coscienza a un altro e che provoca una percezione alterata del
proprio corpo, proprio come succede a ognuno di noi quando
sta per addormentarsi, non più consapevole di cosa gli accade
intorno. Ed è proprio un invito a passare oltre, a “transire”,
quello che sembrano suggerire le scenografie di quest’anno.
Prima a salire sul palco, accompagnata dalla musica della
Magnetic North Orchestra, è la scenografia di Bianco-Valente.
I due artisti fissano sulla tela immagini di cellule cerebrali -
riprese al microscipio - alterate dall’introduzione di alcune
sostanze chimiche che distorcono la percezione della realtà
esterna e del nostro modo di interagire con essa.
Abbinata alla musica catartica degli Gnawa, la scenografia di
Massimo Kaufmann sembra invitare lo spettatore a ricercare,
nascosti tra migliaia di cerchi colorati, visi, oggetti, paesaggi,
proprio come capita davanti alle immagini stroboscopiche
prodotte da un computer. Ma anche in questo caso il bombardamento
sensoriale di colori sgargianti ha una funzione
ipnotica che induce a modificare la consapevolezza di sè e
dell’ambiente.
Affidata ai Nero Project, gruppo che fa capo al PAV, la
scenografia dei dervisci che, nella terza serata, ruoteranno sul
palco danzando al ritmo dei Mercan Dede Secret Tribe. In un
in edicola il nuovo numero della rivista del PAV
dedicata all’arte contemporanea
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gioco di luci e di vento i dervisci propongono, nel loro incessante
volteggiare, un distacco dalla materialità terrena, una
leggerezza che si tramuta in volo.
Uno spazio alterato come quello del sogno ce lo suggerisce la
scenografia di Pastorello. Alberi spogli, una figura femminile,
una casa: elementi umani e naturali che si affiancano ma non
si toccano. Immobili nella fissità del proprio spazio in un
luogo che non c’è, creano, in chi li osserva una sospensione
del senso.
Chiude la rassegna la scenografia dei Nero Project che, affascinati
dal volo, mandano in orbita quintali di vecchi giornali.
Tutto - politica, economia, cultura - appallottolato a formare
pianeti, in un gesto irriverente ma catartico.
Angela Manca di Mores
ZIQQURAT
Torna in edicola e in libreria Ziqqurat, la rivista di arte contemporanea
e cultura in Sardegna e nel Mediterraneo nata
nel 2000 a cura di Giannella Demuro e Antonello Fresu.
Espressione del PAV-Progetto Arti Visive e caso pressochè
unico in Sardegna di luogo di riflessione e dibattito sull’arte
contemporanea, la rivista porta nel suo nome un progetto
editoriale attento ad affermare la peculiarità così come l’interconnessione
con realtà esterne affini proprie della scena
artistica isolana. La ziqqurat, edificio di culto di area mesopotamica,
si manifesta infatti, unico esempio conosciuto in
tutto il Mediterraneo occidentale, in forma analoga nel grande
altare megalitico presente nell’isola a Monte d’Accoddi.
Nell’ambito di uno sviluppo crescente nel campo delle arti
visive in Sardegna, che negli ultimi decenni ha visto il sorgere
di istituzioni ad esse specificamente dedicate, l’affermazione
di artisti sardi in ambito nazionale e internazionale,
il raffinarsi del dibattito critico e della consapevolezza
dei pregi e limiti del sistema isolano, Ziqqurat si propone
uno scopo ambizioso: fornire gli strumenti di una
rivista specialistica alla riflessione sugli eventi del recente
passato in via di storicizzazione, indicando allo stesso
tempo le tendenze in corso e le evoluzioni possibili.
La pausa che ha segnato il percorso della rivista negli ultimi
mesi ha inevitabilmente caricato il nuovo numero, il n.
9, di una ricchezza e urgenza di temi ormai ineludibili.
L’editoriale di Giannella Demuro, a presentazione dell’ultima
uscita, registra i mutamenti in corso nella politica
e società mondiali e si interroga lucidamente sulle
possibili implicazioni per la pratica e teoria artistica
attuali. L’inasprirsi del livello di scontro sociale e degli
innumerevoli conflitti internazionali dalle radici lontane,
ma dall’esplosività – è proprio il caso di dire – sempre
più prossima nel tempo e nello spazio, fa sì che
anche un ambito ‘protetto’ come quello dell’arte non
possa sottrarsi ad una riflessione critica matura.
E questo nei limiti che il sistema dell’arte stesso le asse-
gna, stretto com’è tra la logica di mercato e quel paradosso
tipico connaturato al fenomeno artistico, che nel
momento stesso in cui afferma la propria gratuità è destinato
a creare per ciò stesso, presto o tardi, nuovo valore
economico. Senza contare che la visibilità e la capacità di
incidenza dell’arte sulla realtà non sono, e non possono
essere, a dispetto della sua pretesa di universalità, minimamente
paragonabili a quelle dei prodotti mediatici.
Ma è proprio su queste evidenti e ben note contraddizioni
che l’arte può costruire la sua alternativa di senso e valore.
E Ziqqurat continua a farlo dal suo punto di vista affatto
peculiare, costitutivo sin dalla fondazione: quello della
periferia, concetto ormai ampiamente utilizzato ma sempre
più portatore di ambiguità, come nella lettura che ne
fa Marco Senaldi nel suo saggio su Suburbia; periferia
rappresentata dagli artisti operanti in Sardegna che, pur
nella ‘regionalità’ di ambito e visibilità, possono in molti
casi legittimamente aspirare ad un riscontro nazionale ed
internazionale; periferia di senso e alterità di vedute messi
in campo da quegli artisti di area mediterranea che, spesso
già riconosciuti da mercato e istituzioni, non per questo
rinunciano a proporre interpretazioni ogni volta spiazzanti,
a costo di perdere quella riconoscibilità di stile che
assicura loro posizioni di mercato.
Ecco allora Vedovamazzei e Stefano Arienti insieme a
Gianni Nieddu e Pinuccia Marras, le recensioni delle
principali mostre tenutesi in Sardegna e l’attività della
Merano Kunsthalle, la generazione di Primo Pantoli
accanto alle nuove promesse dell’Accademia di Belle Arti
di Sassari, e ancora news nazionali e internazionali e anteprime
delle mostre.
Per chi volesse conoscere meglio il percorso di Ziqqurat,
dall’anno scorso è possibile visitare la versione telematica
della rivista sul sito www.ziqqurat.org, ricco di materiale
d’archivio sui numeri precedenti.
Lia Turtas

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cinema
TRANCE DI NOTTE / NOTE IN TRANCE
si snoda tra musica e trance la rassegna di film etnografici prodotta in cooperazione con l’ISRE di Nuoro
Il Festival questo agosto compie 18 anni: sarà l’entrata nell’età
adulta che, dopo diciotto anni vissuti avventurosamente,
ci spinge a varcare l’orizzonte del reale, per andare ad
esplorare i confini della percezione, dove la musica si fa traghettatrice
verso altri mondi, verso il contatto con gli dei,
l’altro da sé. Un Festival che esplora e si mette in rapporto
con le culture orientali ed africane, da una parte, e la sperimentazione
sonora e visiva moderna del digitale e dell’elettronica,
dall’altra. All’interno di un festival così concepito
non poteva mancare, per la sezione “Immagine e Cinema”,
un viaggio cinematografico, tra lo storico e l’antropologico,
sotto forma di piccola rassegna di documentari etnografici
che ha per tema le varie forme di “trance” legate alla musica,
in diverse culture.
Nelle culture originarie, si sa, la musica è sempre legata ad
una fruizione pubblica in occasione di rituali tra i più vari:
matrimoni, funerali, riti di passaggio, ecc. Fare musica è
quindi di per sé celebrazione di un rito.
Nello specifico dei rituali comunemente detti di trance, alterazione
percettiva della coscienza, la musica ha un ruolo
essenziale, combinato strettamente a diversi elementi: il ritmo
del respiro, la vocalizzazione delle formule religiose, i testi
cantati, i movimenti del corpo, simili a danze. In questi contesti la musica e la sua esecuzione
danno alla gente l’energia per sostenere se stessi attraverso gli eventi critici della vita; nello stesso
tempo procurano una comunicazione emotiva tra i presenti per unirli in uno sforzo comune e
far sentire ognuno come parte del gruppo.
La musica, la danza, il rito
Souhait d'Extase (Jean Claude Penrad, 1997)
Dal 1982, con cadenza biennale, l’Istituto Superiore
Regionale Etnografico, - l’ente creato dalla Regione per
promuovere lo studio della vita dell'Isola nelle sue trasformazioni
e nelle sue manifestazioni tradizionali e di
raccogliere la documentazione e la conoscenza della
lingua, delle tradizioni popolari e della storia della
Sardegna - organizza la rassegna internazionale di film
etnografici. Caratteristica della Rassegna è quella di
dedicare ogni edizione a un tema di attualità e di particolare
interesse etnoantropologico.
La manifestazione costituisce una delle rare occasioni
in Italia nelle quali sia possibile assistere a una panoramica
delle produzioni internazionali incentrate su un
determinato argomento.
I film che vengono presentati a Berchidda sono stati scelti
sulla base di una ampia rappresentatività cerimoniale e
culturale che riguarda, pur nella stringatezza della selezione,
tutti i continenti.
Caratterizzati dalla presenza più o meno costante della
musica e dei canti, essi riescono a dare un’idea della
considerazione sviluppata sia da Pietro Sassu sia da
John Baily nei due saggi pubblicati nel catalogo della
rassegna nuorese “Musica e Riti”; vale a dire della frequente
identificazione della musica con il rito. Pietro
Sassu ritiene che “almeno nelle società tradizionali e
comunque in quelle di tradizione orale, al di là della
funzione che la musica può assumere nel rito, il
momento stesso della produzione musicale è rito in sé
compiuto… quando, con un'attenta analisi dei dati, si
giunge al riconoscimento della funzionalità della musica
all'interno del rito, può accadere che il "fare" musica
Barbara et ses amis ... (Carmen Opipari e Sylvie Timbert, 1997)
con le modalità e le qualità sue proprie costituisca il
nucleo centrale e, forse, la più profonda finalità del rito
stesso”. È quanto ci sembra di poter sostenere osservando,
per esempio, il lamento funebre e il tarantismo
del Salento con una valutazione attenta dei risultati
delle indagini di De Martino e di Carpitella (Sassu,
1998). E, ancora, il musicologo inglese John Baily, nel
suo testo su Musica e riti in Afghanistan scrive: “Perché
accade che in molte società l'esecuzione di un rituale
implichi una performance musicale? Se, come molti
hanno sostenuto, fare musica, così come usare il linguaggio,
è una caratteristica universale dell'esistenza
umana, allora il suo stretto legame con il rituale potrebbe
anche essere un universale…
La musica e la danza non sono solamente accompagnamenti
del rituale, essi sono il rituale. Il loro compito,
dal punto di vista di coloro che le utilizzano, è
sicuramente di condurre ad uno stato alterato di
coscienza, una forma di trance o estasi, che porta ad
una trasformazione temporanea dell'individuo. I partecipanti
interpretano questo stato psicologico come una
“forma di comunicazione spirituale” (Baily, 1998).
L’augurio è che attraverso queste proiezioni il festival
di Berchidda ampli ancora di più la sua forza di comunicazione
interculturale e offra ulteriore occasione di
riflessione sullo straordinario catalogo di espressioni
musicali e rituali che costituisce una delle grandi ricchezze
dell’umanità.
Paolo Piquereddu - Direttore Generale
Istituto Superiore Regionale Etnografico
La trance non è altro che l’occasione di comportarsi pubblicamente
secondo un modello riconosciuto da tutti allo
scopo di liberarsi dalla propria sofferenza interiore. Un
decorso musicale e gestuale come esperienza socializzante,
in un rapporto di alleanza e non di conflitto con la
divinità, la quale per mettendo al posseduto di identificarsi
con essa gli fornisce il mezzo per esorcizzare il
male sia esso reale o immaginario. Nel nostro piccolo
viaggio filmico si passa dai rituali dal Tibet a quelli della
Siria, dalla musica rutilante del candomblé brasiliano
all’ipnotico vorticare dei Sufi, ai misteriosi riti Vudù tra
Montreal e Haiti.
Un viaggio dove la musica si incontra con il rito, che
assomma in se questi elementi che costituiscono l’essenza
stessa del rito, della vita. Una musica da “vivere”
insieme. Dato il tema specifico è stata scelta “naturale”
chiedere la collaborazione dell’Istituto Superiore Regionale
Etnografico di Nuoro, che da trenta e più anni in Sardegna
promuove un prestigioso Festival Internazionale dedicato ai
Documentari Etnografici, che al tema del rapporto Musica
e Rito ha dedicato l’intera edizione del Festival 1998; ribadendo
così quello spirito di collaborazione tra il Festival
Time in Jazz e l’Istituto Etnografico che, come nel caso felice di Ethnografie di Paolo Fresu, progetto
speciale per la celebrazione del trentennale dell’Istituto nuorese, ha portato molti bei frutti.
Gianfranco Cabiddu - Direttore sezione Immagini e Cinema Festival Time in Jazz

Les Tambours divin de l’Amdo
(II PARTE)
Realizzazione:Marie-Claire Quiquemelle - Produzione:
CNRS France e Institut des Nationalites de l’Academie
des Sciences Sociales de Chine [1998 - 51’ - Betacam,
colore, francese]
Lungo i percorsi dei mondi tibetani, cinesi e mongoli,
nell'Est della provincia multiculturale del Qinghai,
l'Amdo è stato, e resta, un luogo di spicco della cultura
tibetana. Agricoltori-pastori, gli abitanti del paese di
Reb gong sono dei ferventi buddisti (la valle non conta
meno di trenta monasteri, per la maggior parte antichi)
ma, allo stesso tempo, praticano una religione popolare
che ha come fulcro piccoli templi laici dove sono
venerati gli "dei del territorio" - spesso assimilati a
montagne sacre - la cui protezione è indispensabile per
allontanare gli influssi malefici e apportare serenità e
prosperità alla comunità. In onore degli dei del territorio,
ogni anno, nel mezzo del sesto mese lunare, si
celebra il "Rituale dell'estate". Sono feste non buddiste,
interdette ai monaci che durante questo tempo si
ritirano nei loro monasteri. I maestri di questi rituali
sono degli sciamani-medium chiamati lha wa. Dopo
gli anni 80, la rinascita di queste feste, che erano state
vietate per più di venticinque anni, è un'affermazione
dell'identità tibetana del paese di Reb gong.
Marie-Claire Quiquemelle lavora al Centro della Ricerca
Scientifica CCN.R.S.) dal 1970. Attualmente lavora
all'URA 1069 "Civilisation Chinoise". Consigliere cinematografico
per la Cina al Centro Pompidou, dal 1980.
Voodoo, home and abroad
Le Vaudou
Realizzazione: Isaac Isitan - Produzione: Productions ISCA; Cinéma Libre Marc Bisaillon
Canada [1991 - 46’ - Dati tecnici: Betacam, Colore, Francese].
Religione o stregoneria? Culto del potere o setta magica? Girato a Montréal e Haiti, questo documentario
descrive la storia e le pratiche del vodù. Il regista ha impiegato due anni per ottenere la fiducia
degli esperti praticanti di questa religione e la sua pazienza è stata ovviamente ripagata. Mentre
evita le trappole del senzazionalismo "LeVaudou" ci mostra alcuni rituali autentici come pure uno
zombie di "vita reale". Il film rivela questa religione dall'interno, come sistema di credenze e di pratiche
e come un sistema sociale, che si occupa non solo del benessere fisico e mentale della sua gente,
ma anche dell'amministrazione della giustizia. Ad Haiti, oggi, si assiste ad un "revival" del "vodù"
come affermazione dell'anima nera e delle radici africane del popolo haitiano e il film mostra quanto
importante questo culto sia in un paese che conta più di 50.000 sacerdoti e sacerdotesse vodù.
Isaac Isitan. Nato in Turchia nel 1952. Studia dapprima diritto all'Università d'lstanbul poi si
dedica alla produzione e alla regia. In Canadà dal 1980, ha al suo attivo numerosi documentari
che hanno ricevuto riconoscimenti in Canada e in altri paesi, ed un centinaio di reportages.
cinema
Siria
Souhait d'Extase
Realizzazione: Jean Claude Penrad - Produzione: CNRS Audiovisuel,
Francia [1997 - 29’ - Betacam Colore]
Presentazione di un rituale musulmano sufi praticato dal ramo damaschino
di Rifa’iyya di Damasco, in Siria. Quest’ordine mistico è unito al suo fondatore,
Sheykh Ahmad b ‘Ali al-Rîfâ’î (1118-1183), per il tramite di una
catena di maestri spirituali che legittimano l’azione dell’attuale califfo.
Il Dhikr rappresentato è quello del giovedì sera. Raccoglie i membri della
Rifa’iyya accomunati da una serie di procedure formali mirate a ricordare
la Divinità, a glorificare Dio e gli ultimi profeti. La musica, i canti, gli
incantesimi e la gestualità rientrano nella stessa tensione mistica che evoca
gli attributi di Dio e implora l’intercessione del profeta, della sua famiglia
e dei santi. Le diverse fasi del Dhikr sono rappresentati nella loro successione
reale: preghiera e recitazioni coraniche, concerto musicale ritmato
con tamburi e cimbali, lettura della Sura Ya Sîn e di estratti di una raccolta
rifa’î, il Dhikr propriamente detto segue alle pratiche penitenziali, intervento
di un derviscio “tourneur” nella tradizione della Mawlawiyya, e infine
preghiera di chiusura e benedizione.
Jean-Claude Penrad, antropologo, ha studiato alla Sorbona e presso
l’I.N.A.L.C.O.(Institut National des Langues et Civilisations Orientales).
Nel 1984, a seguito di lavori sul campo e di diverse pubblicazioni, diventa
ricercatore e docente E.H.E.S.S. (Ecole des Hautes Etudes en Sciences
Sociale). É animatore del seminario Religione e società nell’Africa orientale
e dopo il 1995 è nominato responsabile del F.R.A.N (Formation à la
Recherche en Afrique Noire). Inizia ad occuparsi di antropologia visuale
nel 1993, dopo un breve ma intenso processo formativo a Marsiglia con
Pierre L. Jordan e Silvia Paggi. Filma i rituali musulmani a Zanzibar, alle
Comore e in Siria. Il suo progetto di ricerca sulle confraternite musulmane
è caratterizzato metodologicamente dal ricorso all’antropologia visuale.
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Pakistan - Turchia - Macedonia
I am a Sufi, I am a Muslim
Realizzazione: Dirk Dumon - Produzione: BRTN -
Document, Belgio [1993 - 52’ - 16 mm, colore inglese]
La conoscenza dell'Islam giunge in Occidente principalmente
attraverso i media nella sua forma fanatica del
fondamentalismo. Senza dubbio questo crea dei pregiudizi
contro di esso. Meno conosciuto è il Sufismo, che è basato
sulla conciliazione, armonia e amore fraterno. Questa
forma mistica dell'Islam può essere rinvenuta quasi ovunque
nel mondo mussulmano. I sufi desiderano trovare Dio
attraverso l'estasi. Il Sufismo si adatta ai bisogni di ognuno.
Ci sono gli asceti, c'è l'estasi mistica e ci sono i santi
uomini. Il Sufismo risponde ai bisogni di coloro che non
sono capaci di abbracciare completamente l'insegnamento
mussulmano. La musica è molto importante tra i Sufi
dell'India e del Pakistan. La musica Qawali, è la vera fonte
d'ispirazione: Nusrat Fateh Ali Khan ne è l’ esponente più
importante e conosciuto. La sua fama è giunta anche in
Europa e negli Stati Uniti. In questo programma egli appare
in una festa religiosa vicino a Lahore. Altre sequenze
sono state girate in Pakistan, in Macedonia. Dove c’è una
gran rinascita del sufismo popolare e in Turchia, dove sono
stati ripresi i Dervisci.
Dirk Dumon, cineasta documentarista, lavora attualmente
nel Dipartimento Culturale della radio e della
televisione belga. Ha diretto circa 50 documentari di
ambito socio - antropologico. I suoi film sono stati trasmessi
in televisione in Belgio, Germania, Stati Uniti,
Svizzera, Canada, Francia, Sud Africa, ecc.
Brasile
Barbara et ses amis au pays du candomblé
Realizzazione: Carmen Opipari e Sylvie Timbert - Produzione: Calounga Films/Timbert/Opipari,
Francia, Brasile [1997 - 52’- Colore Betacam, Portoghese e Francese]
Nel culto delle divinità afro-brasiliane, il Candomblé è una religione iniziatica imperniata
sulla possessione. Come stimare nel loro giusto valore le relazioni che legano un (futuro) iniziato
alla sua divinità, legame impresso con tutta la sua forza durante la possessione? Per
entrare in questo mondo il film ha come guida alcuni bambini che giocano al Candomblé.
Attraverso la simulazione della rappresentazione, le bambine rasentano la danza di possessione.
Perché ambiscono tanto ad essere possedute? Che cosa offre loro il Candomblé: feste, rifugi,
sicurezza, protezione?
Carmen Opipari, antropologa e Sylvie Timbert, specializzata in estetica e in cinema, hanno
realizzato in collaborazione diversi film di interesse etnoantropologico : Ere/Ere, Son Image
ou Celle de l'autre? 1999; Marlene de Oxum, 1999; Barbara et ses Amis au Pays du
Candomble, 1997 ; Ebo, Sacrifice, Offrande et Nourriture,1993; Ere les Enfants Terribles du
Candomble, 1993; A Pipoca: il Pop-Corn de Dio,1992; Paul, Apprenti-Ambianceur, 1991.

32
Mercoledì 11 agosto 2005
frammenti di storia del piccolo centro della Gallura
Non si hanno dati certi sull'origine del toponimo Berchidda, ma
sono diffuse alcune ipotesi fra le quali riportiamo qui di seguito le
più accreditate. Secondo alcuni studiosi il suo nome deriverebbe
dal tedesco Berg (montagna); per altri avrebbe origine dal latino
pergula (pergolato); altri la farebbero discendere dal termine latino
quercus (quercia). Per altri, infine, scaturirebbe da un'etimologia
preromana (forse nuragica) della quale si è perso il significato.
La presenza dell'uomo è attestata nel territorio fin da 2.000 anni
prima di Cristo. Testimonianze si trovano soprattutto nei ripari
sotto roccia diffusi un po' in tutta la zona e particolarmente
abbondanti nel colle del Monte Acuto. Numerosi dolmens,
domus de janas, nuraghi, strutture difensive megalitiche disseminati
nel territorio (S. Caterina, S. Andrea, San Michele, Monte
Acuto, Giolzia) attestano la presenza di comunità con impronte
religiose, sociali e culturali similari. Attività preponderanti di
queste popolazioni erano l'agricoltura nelle regioni pianeggianti
e la pastorizia in quelle di collina o di montagna. Rimangono
molti dubbi sulla penetrazione punica nel territorio. Il ritrovamento
di alcune monete del periodo fa pensare, almeno, all'esistenza
di contatti commerciali tra le popolazioni locali e i mercanti
punici stanziati lungo le coste.
Con la sconfitta dei Punici ad opera dei Romani anche
Berchidda fu interessata dalla nuova dominazione. I rapporti tra
la popolazione locale e quelle esterna furono caratterizzati da
una integrazione, probabilmente forzata dei nuclei che abitavano
nelle aree più basse. Queste comunità abitavano in piccole
fattorie, di cui rimangono tracce in varie zone, dislocate un po' in
tutta la pianura e praticavano la monocoltura cerealicola. Altri
nuclei di popolazione locale preferirono sfuggire alla nuova
dominazione rifugiandosi nella montagna e dedicandosi ad attività
soprattutto pastorali. Il cippo dei Balari, ritrovato presso S.
Salvatore di Nulvara testimonia la divisione esistente tra le
popolazioni romanizzate e quelle che resistevano. Presso
Berchidda passava l'asse viario che collegava Castro con Olbia.
In località Silvani sono state individuate tracce dell'unico ponte
che permetteva il guado del fiume Mannu. Nelle vicinanze del
paese fu rintracciato agli inizi di questo secolo un tesoretto
monetale attualmente esposto al Museo Sanna di Sassari; più
recente il ritrovamento di alcuni miliari che dovranno essere
oggetto di studio da parte degli storici. Scarse testimonianze
sono state finora rintracciate sul periodo bizantino (secc. VI-X)
riscontrabili forse solo in alcuni toponimi. Di certo le attività
Berchidda
produttive subirono pesanti contraccolpi per la difficoltà nel
reperire sicuri sbocchi commerciali per i prodotti cerealicoli.
Probabilmente il territorio veniva controllato dalle truppe di
stanza a Castro, dove sono state rintracciate in località San
Simeone consistenti tracce di fortificazioni bizantine. La popolazione
viveva distribuita in numerosi piccoli centri dei quali i
principali erano Berchidda, situata più ad occidente, presso il
Monte Ruinas, S. Salvatore di Nulvara, Restelias. Con il progressivo
distacco della Sardegna da Bisanzio si rese necessario
per gli abitanti dell'isola rafforzare in maniera autonoma le proprie
difese realizzando delle rocche che avessero funzioni di
difesa e di controllo del territorio. Un ruolo di primo piano negli
equilibri politici mediterranei assunse il castello di Monte Acuto
del quale si tratta altrove. Durante i secoli XII e XIII il territorio
di Berchidda fu conteso tra Pisani e Genovesi in quanto zona di
passaggio tra Logudoro e la Gallura e area a grande produttività
cerealicola. Nel XIV secolo il territorio fu oggetto di contesa
politica e militare tra i catalani e l'ultimo giudicato superstite,
l'Arborea, del quale Berchidda fece parte per lunghi decenni.
Con il secolo XV i Catalani raggiunsero il completo controllo
infeudando il territorio a Bernardo De Centelles.
Nei secoli XV-XVIII la dominazione catalana e quella spagnola
determinarono una crisi sociale ed economica tra le più gravi che
la popolazione abbia conosciuto. Il dominio piemontese in
Sardegna coincise con un mutamento radicale nei comportamenti
e nelle abitudini dei berchiddesi; dal 1725 in poi l'opera
intelligente e saggia dei sacerdoti favorì la trasformazione radicale
del paese, abitato da ladri e sfaticati, in una comunità attiva,
onesta e laboriosa. Nonostante l'aria e l'acqua malsane gli 883
abitanti riuscirono a ottenere risultati soddisfacenti dalla loro
attività agropastorale, ma furono sottoposti ad una esazione feudale
tra le più alte di tutta la contea di Oliva. In questo periodo
si verificò, a causa di una pestilenza che decimò la popolazione,
lo spostamento del centro abitato al di qua del torrente Riu
Zocculu; in questa circostanza fu abbandonato il culto di S. Sisto
cui era intitolata la chiesa parrocchiale fino ad allora e fu introdotto
quello di S. Sebastiano.
Dal 1825 Berchidda entrò a far parte della provincia di Ozieri
alle dipendenze del distretto di Oschiri. La presenza di tre chiese
prospicienti la piazza principale costituiva una caso unico nell'isola:
ai lati della chiesa parrocchiale edificata nel XVII sec.si
trovavano la chiesetta del Rosario e la chiesa di Santa Croce. Tra
le varie popolazioni dell'isola che vivevano in precarie condizioni
economiche i Berchiddesi erano considerati laboriosi e quasi
tutti erano proprietari della casa di abitazione e di piccoli appezzamenti
di terra nei quali praticavano l'allevamento e la coltivazione
dei vigneti.
Le donne erano dedite alla tessitura del lino e della lana e i disegni,
da esse realizzati sulle coperte, venivano considerati tra i più
graziosi ed eleganti. La consegna della corrispondenza veniva
espletata attraverso un corriere che settimanalmente raggiungeva
il centro di Oschiri; l'attività amministrativa veniva svolta
nella case private del sindaco o del segretario, mentre l'attività
didattica durava cinque mesi ed era svolta dal parroco che riceveva
una retribuzione pari a 16 lire. In questo periodo si registrarono
dei contrasti con i paesi di Oschiri e di Monti per il possesso
delle terre; i berchiddesi furono privati dei territori oggetto
di contesa con gli Oschiresi, mentre rimasero proprietari dei
terreni situati in prossimità di Monti. Nel 1913 fu costituita per
interessamento di Pietro Casu la banda musicale.
Gli anni successivi alla seconda guerra hanno visto i berchiddesi
abbracciare in maniera convinta e decisa l'ideale cooperativistico.
Sono sorte importanti attività nel settore lattiero-caseario (malinconicamente
chiusa una delle più antiche cooperative sarde del
settore), vitivinicolo, olivicolo; gli allevatori locali sono stati tra i
primi nell'isola a credere nella selezione del bestiame soprattutto
ovino; a questo proposito costituisce un appuntamento importante
per gli operatori del settore la tradizionale manifestazione ovinicola
che si svolge nel mese di maggio. Hanno, infine, raggiunto
una discreta notorietà prodotti tipici quali vino, dolci, insaccati,
carni, pasta fresca. Particolarmente attivi sono gli artigiani che
lavorano il legno, il ferro, l'alluminio e il sughero.
Tra i monumenti più importanti figurano le rovine del castello
del Monte Acuto che recentemente è stato sottoposto ad alcuni
lavori di pulizia e di risistemazione. Alcune mura imponenti, una
cisterna per la raccolta dell'acqua, detriti e calcinacci vari costituiscono
gli aspetti architettonici rimasti di una struttura di grande
rilievo storico che attende ancora di essere sottoposta a studi
più approfonditi. Nelle vicinanze è stato di recente scoperto un
dolmen che è stato considerato dagli studiosi uno dei più grandi
e interessanti del Mediterraneo. Ha riacquistato il suo antico
splendore, in seguito ad una intelligente operazione di restauro,
lo stupendo altare policromo barocco.
Giuseppe Sini

i riti dell’argia
Il rituale dell’ARGIA
la musica e la danza in Sardegna
come terapia del dolore
Oggi si sente parlare pochissimo dell’argia, piccolo
ragno diffuso in Sardegna prima della lotta
anti malarica e attivissima nelle campagne proprio
durante questo periodo estivo. La sintomatologia
di chi viene punto è assai grave anche se
i casi mortali sono veramente rari.
C’è stato un tempo, non così lontano, in cui in
Sardegna era diffuso un rituale magico, esorcistico,
collettivo, legato al morso di un animaletto piccolo
e molto velenoso; alcuni lo descrivono come un
ragno, altri come una grossa formica: si tratta dell’argia
(la variopinta), Latrodectus Tredecinguttatus,
un ragno che con il suo morso provoca nell’uomo
un gravissimo stato tossico confusionale.
Attorno a questo animaletto tanto temuto e odiato,
sono sorte anche singolari leggende: per alcuni
l’argia sarebbe l’unica superstite dello sterminio,
voluto da Dio, di tutti gli animali velenosi
presenti nella nostra Isola; per altri sono anime di
morti che per i loro gravi peccati sono stati banditi
dall’inferno e rimangono sulla terra tramutati
in argia: argia vedova, la nera, argia nubile, la
bianca, argia sposa, maculata di rosso.
Il pericolo che questo animaletto rappresentava
per l’uomo e per il bestiame in una economia
agro-pastorale tecnicamente poco sviluppata, condizionava
il ricorso a cerimonie particolari cariche
di esorcismi e magie che avevano anche il fine di
teatralizzare momenti di vita quotidiana legati a
schemi tradizionalmente rigidi e moralistici.
L’argia pungeva d’estate, in campagna, prevalentemente
durante i lavori di mietitura, di spigolatura
o di raccolta dei legumi. Le sue vittime erano
soprattutto uomini. Dopo la puntura si subiva una
vera e propria possessione da parte dell’animale:
dolori violentissimi, disturbi visivi, ansia vivissima
con depressione, pianto, sensazione di morte,
confusione mentale, tremiti, congestione del
volto, talvolta forte eccitazione sessuale. L’unica
Mutilla europea
speranza di salvezza era scoprire le caratteristiche
dell’argia colpevole e a questa indagine partecipava
tutta la comunità. L’argia che possedeva la sua
vittima doveva essere messa allo scoperto entro
tre giorni dalla puntura perché, solo dopo essere
stata individuata, avrebbe permesso al malato la
sua guarigione. Ma come avveniva il rito?
La persona morsa, l’argiato, veniva sotterrato sino
al collo nel letame e attorno a lui si danzava, si cantava,
si suonava, si pronunciavano scongiuri come
“comare arza mia, comare arza mia,
non fattedas male a sa persona mia,
no fatedas male a sa mia persone,
bos happ’a narrer mutos e cantones
de ogni zenia,
comare arza mia, comare arza mia”.
La danza era eseguita da tre schiere ognuna formata
da sette donne: nubili, sposate e vedove,
perché l’argia poteva essere bianca, maculata di
rosso, o nera. Il seppellimento nel letame (1)
aveva lo scopo di favorire la sudorazione e quin-
di l’espulsione del veleno, ma rappresentava
anche un simbolismo di morte e di rinascita che
trova affinità con molti riti diffusi in tutto il bacino
del Mediterraneo.
L’esorcismo del ballo tondo, che avvolgeva l’argiato
nel suo incantesimo, era una vera e propria
festa e, paradossalmente, nella tragica situazione,
bisognava essere allegri, divertirsi, scherzare, perché
l’argia richiedeva l’allegria e la trasgressione
dei partecipanti altrimenti non sarebbe andata via,
così in alcune zone della Sardegna, nei canti si
ricorreva ai doppi sensi anche sfrenati.
Tundu su ballu pro Deu
tundu faghidelu andare.
sas coscittas de comare
sutta s’imbiligu meu.
tundu su ballu pro Deu
Il cantare osceno era in alcuni paesi accompagnato
da gesti “terapeutici” con una marcata
connotazione sessuale: le donne ballavano tirando
su le sottane e mostrando i genitali. Il fine
esclusivo di questa esibizione era quello di far
ridere l’argiato, il quale riusciva a farlo solo
quando usciva dalla condizione di trance, cioè
quando l’argia lo abbandonava. La risata segnava
così il ritorno alla vita e dava inizio al banchetto
finale: su cumbidu.
1 La cura con il letame fu sostituita più tardi dall’uso
di borse di acqua calda, diversi strati di
coperte di lana, altre volte il corpo della vittima
si immergeva in una tinozza piena d’acqua, tenuta
costantemente calda accanto ad un fuoco.
Maddalena Corrias
Si ringrazia il giornale”Piazza del popolo” di
Berchidda, per la gentile concessione dell’articolo
e delle immagini
33
Nelle parole di uno
scrittore la memoria di
un’antica danza
UN BALLO
PER VIVERE
Pietro Casu, scrittore e poeta berchiddese,
in “Notte Sarda” dedica
alcune pagine al rituale dell’argia
così come avveniva a Berchidda.
“È il mese di giugno, Peppe Mu,
punto dall’argia, viene portato
agonizzante in paese su una barella,
deposto in una buca e ricoperto
di letame, tra scongiuri e benedizioni.
Una vecchia lo interroga sul ragno
che lo ha punto ma il poveretto
non sa dare alcuna risposta. E’
necessario, pertanto, che ballino a
turno tre schiere di donne: sette
nubili, sette sposate e sette vedove
per individuare il tipo di argia che
lo possiede.
Il rituale inizia fra canti, suoni,
scongiuri ma il miracolo non si
compie. Peppe sta sempre peggio
e la danza delle donne non ottiene
alcun effetto. La motivazione del
fallimento si saprà più tardi: una
presenza maligna, un antica amante
delusa, Rosa Prippa, ha preparato
una fattura, che si è rivelato
più forte di ogni danza rituale.
Così, il giorno di San Pietro, dopo
un’atroce agonia, Peppe Mu passa
ad altra vita.”

34
il territorio
L’Arboreto mediterraneo del Limbara
dedicati allo studio e alla ricerca botanica gli spazi polifunzionali di Sa Dispensa
Il progetto riguarda i fabbricati di servizio
dell’Arboreto mediterraneo del Limbara, un
giardino botanico dedicato agli alberi e agli
arbusti del Mediterraneo con le sue rappresentazioni
evolutive, ecologiche e geografiche.
L’area è dislocata nella località Sa
Dispensa, sul versante sud del complesso
del Limbara di competenza dell’Ente
Foreste della Sardegna. L’area stessa è
caratterizzata dalla compresenza di vari fattori
ambientali, quali la preesistenza dell’insediamento
umano, l’esistenza di segni fondamentali
come il corso d’acqua, i versanti,
la radura, la corona di rocce culminali.
Le diversificazioni geomorfologiche, geopedologiche
e microclimatiche determinano una
molteplicità di ambienti tale da consentire,
all’interno della radura, l’inserimento di specie
con diverse esigenze ecologiche.
Il panorama permette l’orientamento nel quadro
della vasta struttura ambientale della regione,
verso il Limbara a nord, il Rio Mannu a
sud, il Monte Acuto e il Coghinas a ovest.
L’organizzazione dell’Arboreto concentra,
all’interno delle sue rappresentazioni filogenetica,
ecologica e geografica le esigenze di
autoecologia delle singole specie con i caratteri
ambientali specifici del luogo.
L’edificio di servizio dell’Arboreto si articola
in tre volumi realizzati con setti di cemento
armato rivestiti in granito e collegati da una
copertura metallica in acciaio inox satinato
Mario Brunello (foto Nanni Campus)
che li configura come un complesso unitario.
Da ovest verso est la copertura si sviluppa
inquadrando inizialmente il Monte Acuto,
successivamente coprendo la Sala
dell’Arboreto, piccolo spazio museale di fruizione
pubblica dove il visitatore potrà trovare
tutti i supporti informativi che gli saranno
necessari alla comprensione del grande testo
vivente che è l’Arboreto vero e proprio. La
copertura continua verso est accanto al corpo
del museo, lasciando libero lo spazio d’ingresso
e configurando un vuoto a tutt’altezza,
un generoso portale di accesso alla zona di
visita vera e propria. Prosegue quindi verso
sud su uno spazio destinato a uffici e biblioteca,
per poi abbassarsi verso su uno specchio
d’acqua che sarà realizzato nella radura.
I primi schizzi di progetto nascono da un’interpretazione
della tipologia dello stazzo gallurese,
su cui si basa la maggior parte delle
costruzioni rurali della zona. In seguito a un
ulteriore sopralluogo la riflessione progettuale
ha improvvisamente messo in secondo
piano la matrice tipologica, privilegiando il
ruolo dell’immagine dell’edificio in relazione
alla topologia del luogo, definito delle montagne
circo-stanti.
Distaccandosi da una tipologia nota l’edificio
Risposta sussurrata ad una comunicazione eccessiva, ad una provocazione
che rischia di essere sempre più il fine e non il mezzo della
ricerca artistica, la Land Art, o Earth Art, nasce alla fine degli anni
Settanta concependo opere che riescano a dare nuova dignità ad un
territorio ignorato, intervenendo direttamente sulla natura, “insinuandosi”
in essa, recuperando il senso profondo del silenzio e del contatto
con le radici, fisiche e metaforiche. È in questo contesto che, all’interno
dei grandi progetti visivi del Time in Jazz e in collaborazione
con l’Ente Foreste della Sardegna, nasce Semida museo di arte e natura,
realizzato sul Monte Limbara, dove la severa maestosità della
natura si svela in un selvaggio trionfo, Semida – sentiero nella lingua
locale – procede attraverso percorsi ben più misteriosi rispetto al puro
godimento estetico e la ricerca concettuale.
Gli artisti intervengono sul luogo con opere appositamente pensate e
realizzate cercando di entrare in risonanza con il paesaggio attraverso
una profonda riflessione sui rapporti etico-estetici. Le forme e i colori
dell’arte si uniformano ad una legislazione antica e assoluta come
quella della natura che diviene, contemporaneamente, ispirazione,
creatrice e giudice dell’opera d’arte.
Chi sale dal sentiero principale viene “accolto” da un intreccio sorprendente
di rami forti come sentieri e sentieri che si ramificano per tutto il
paesaggio. In questo labirinto ne appare un altro, quello proposto da
Clara Bonfiglio con il suo lavoro: una porta in metallo con intagliato
sopra la scritta “attraverso” che dà il titolo all’opera. Una porta… attraverso…
andare oltre un limite divenuto soglia, ingresso verso una dimensione
altra. Una scritta, spazio intagliato, negato, da un foglio di metallo
nero emerge il nulla che prende i mutevoli colori della natura.
affronta le “difficoltà che emergono nell’interrogare
i luoghi (...) nell’affrontare uno spazio
macroscopico, di cui non si ha esperienza”.
L’estendersi della copertura metallica sui corpi
rivestiti di granito gioca un duplice ruolo.
Da un lato si riconnette alle colline rocciose
che si stratificano a differenti quote salendo
verso le cime del Limbara ed inquadrando ad
ovest il Monte Acuto.
Dall’altro si configura come “elemento estraneo
legato alla contemporaneità”, la cui comparsa
sulla montagna sottolinea la dilatazione
del concetto di città e rimanda all’“uso allargato
del territorio” da parte di chi popola l’insediamento
urbano, oggetto di molti scritti e
progetti di Maciocco negli anni seguenti.
Coerentemente a questa impostazione topologica
il complesso ricerca, nella disposizione insediativa,
nel suo “disporsi nei luoghi più opportuni”,
una relazione con il luogo e il territorio.
L’andamento dei corpi di fabbrica attua una
chiara separa-zione tra esterno e interno
dell’Arboreto, attraverso un effetto di sorpresa
per chi, attraversando il portale a doppia
altezza, si introduca nella radura interna
destinata ad accogliere la rappresentazione
del modello filogenetico; per chi oltrepassi la
radura e osservi l’edificio dall’alto questo
appare come una concrezione rocciosa, alla
stessa scala degli affioramenti di roccia su cui
si può salire per osservarlo.
Giovanni Macciocco
SEMIDA
Arte natura ambiente per il progetto nato in collaborazione
con il Comune di Berchidda e l’Ente Foreste Sardegna
Giovanni Campus, Coordinate del tempo, 2004
Un sottile schermo di plexiglas arancio è invece l’opera di Monica
Solinas. Una finestra, soglia che non contempla alcun tipo di attraversamento
se non quello ottico-mentale; una sorta di stop obbligato, imperativo
dalla duplice finalità: da un lato cornice che esalta la bellezza
della natura e ce ne ricorda l’insoluto mistero; dall’altro ricordo della
nostra estraneità: non facciamo parte di questo misterioso mondo e
quando vi entriamo non è mai dalla porta principale.
E, procedendo nel cammino, si è attratti dall’opera di Pinuccio Sciola, la
forza della roccia trattenuta da una catena di ferro che congiunge i massi
di granito, si snoda, attraversa la montagna. Sciola imbriglia la natura
attraverso linee sinuose e, paradossalmente, attraverso catene ne restituisce
l’indomita libertà. Opera come privilegio, come se la natura fosse talmente
generosa da prestarsi al gioco nella tacita consapevolezza che la
sua forza dirompente potrebbe piegare queste e ben altre catene.
Poco discosto l’intervento di Bruno Petretto: una gabbia metallica incornicia
un enorme masso che già artisti secolari come gli agenti atmosferici
hanno plasmato in forme di levigata bellezza. Il rigore delle linee metalliche
esalta la plasticità di quelle naturalistiche e la gabbia diventa teca protettrice
attraverso la quale ammirare la potenza e la sacralità del luogo.
La recente opera di Giovanni Campus è una grossa corda tesa attraverso
il paesaggio ad organizzare percettivamente e emotivamente lo spazio.,
svelando significati antichi e ne crea di nuovi attraverso una tensione che
non è solo propriamente fisica ma, anzi, fortemente allegorica.
Arte dunque come misterioso percorso – Semida –, continuo divenire
che non si oppone alla natura ma ne svela le meraviglie, sentiero in cui
perdersi per poi, finalmente, trovarsi.
Sonia Borsato

il territorio
35

36
enogastronomia
Un percorso tra i sapori millenari della tradizione
Jazz e... d’intorni
Chi trascorre a Berchidda i giorni di
“Time in Jazz” è come investito da
una gigantesca onda sonora, anomala,
che ti travolge con il suo turbinio di
eventi e ti costringe a trascorrere in
apnea una settimana dentro un’incalzante
atmosfera satura d’arte varia. In
quei giorni tutto sa di musica, d’arte e
poco d’altro. Tanto che passa in
secondo piano un importante aspetto
del “genius loci” berchiddese che è il
suo patrimonio enogastronomico.
Anche a livello massmediatico
Berchidda è diventato sinonimo di
musica, avendo trovato per giunta il
suo profeta, che in giro per il mondo,
con la sua tromba, distilla note trasudanti
identità e fierezza sardo-berchiddese.
Eppure i vini di produzione
locale, su tutti il fragrante vermentino,
i formaggi, i salumi, i dolci, il miele, i
succulenti piatti della cucina tradizionale,
uniti ad una organizzazione economica
e sociale ancora oggi di forte
aggregazione, hanno rappresentato in
passato e costituiscono tuttora un
motivo di vanto e di orgoglio, e concorrono
ad alimentare la rinomata
“pompa” berchiddese.
Stenta ancora in paese a farsi strada
non dico la realtà ma neanche il pensiero
che il cibo rappresenti un semplice
rifornimento di calorie, non
importa di che origine, per coprire il
fabbisogno energetico di una macchina
da lavoro quale sembra siamo
destinati a diventare, se non ci predisponiamo
ad una sana ribellione. Un
buon bicchiere di vino in compagnia,
una fumante zuppa consumata nel
sagrato delle chiese campestri, un
sospiro, un piccante pecorino stagionato
addomesticato da un dorato passito
di vermentino e altre leccornie
sono ancora oggi l’antidoto contro la
vita caotica, il ritmo insostenibile e
nevrastenico della modernità.
Sono, la ricotta cun abbattu, sos brungiolos,
sas tiliccas, sas panaffittas cun
ozu casu, su tattalliu, sas panadas,
rimedio salutare e richiamo ad uno
stile di vita più lento. Su concu, sa laldadina,
sos maccarrones furriados,
sas casadinas, su cattò, sa cozzula
elda sono un forte stimolo a tuffarsi
con ostentata avidità, da quell’arca
del gusto che è l’enogastronomia berchiddese,
nel suadente mare delle
golosità locali, oltre i marosi del fastfood
diluviante nel mondo.
Un forte stimolo, fortunatamente
ancora ben accolto dai berchiddesi,
ma rivolto anche agli ospiti, specialmente
se corroborato dalla magia
della musica. Perché in fin dei conti
anche l’arte culinaria stringi stringi è
musica. Basta assistere alla preparazione
de “sa suppa” sotto gli olivastri
di Santa Caterina. Come in un concerto
jazz si affrontano diversi strumentisti
che passano dagli assolo alla
fusione dei suoni, alternando ritmi
Uno scorcio di Berchidda
incalzanti ad altri più lenti. E guai a
sbagliare i tempi delle entrate! Il tutto
all’insegna dell’improvvisazione. “A
oju” si direbbe a Berchidda, come si
fa per “sa suppa” e in genere per i
piatti della tradizione.
Gli ingredienti, carne di pecora, formaggio
fresco, pecorino grattugiato,
pane “ladu” per zuppa, pomodori
pelati e concentrato, cipolla, prezzemolo,
sedano, basilico, olio, sale e
“dulcis in fundo”, secondo la più antica
tradizione, ozu casu, rigorosamente
“a oju”, costituiscono le note di un
concerto suonato da abili massaie. E
così nella frizzante aria primaverile
sfrigola in apposita casseruola “armonica”
la polpa di pecora tagliata a pezzetti
in profumata compagnia di aglio,
prezzemolo e pomodoro; accanto
risponde il bubbolio fumante di carne,
cipolle, sedano, basilico e sale tramutandi
in saporito brodo, mentre risuona
nel tagliere il ritmico sminuzzare
del prezzemolo e del formaggio fresco.
Esauriti questi assolo e sfumato il
fruscio del brodo filtrato si assiste alla
colorita fusione, con rimestio veloce e
ritmato, degli ingredienti finchè il
pane non si attorce immerso nella
zuppa calda e fragrante. E poi altro
non s’ode che brusio lento di papille
gaudenti e allegri conversari.
Se “Time in Jazz” coltiva ancora l’ambizione
di indicare un modello resistenziale
all’invadente e uniformatrice
globalizzazione dovrebbe integrarsi di
più, fondersi sarebbe l’ideale, con la
cultura materiale locale in un contesto
in cui musica, profumi, sapori e saperi,
berchiddesi e “istranzos” siano il
collante di uno stile di vita da gustare
con lentezza durante il festival, ma il
cui sapore ti accompagni per tutto
l’anno e ti spinga a ricercare i tempi e
i modi per placare la sete, indotta dalla
modernità, di una vita più naturale.
Come il vermentino a fermentazione
naturale, appunto, da portarsi sui
gioghi del Limbara durante i concerti
mattutini per sentire in bocca il
profumo fresco di macchia mediterranea
e ammirare attraverso il cristallo
le minute bollicine che sembrano
raccogliere la luce delle stelle
cacciate dal sole sorgente.
E magari, finito il concerto, sciamare
per gli stazzi di “Pedru Fadda” e
“Nunzia”, portare a tavola dalla
mensola in granito de “sa contonada”,
esposta ad ovest, “su concone”
con latte di capra rappreso in yogurt
dagli aromi di montagna o gustare la
candida ricotta di capra, ricamata coi
ghirigori dai riflessi dorati del miele
nero dei pastori: “s’abbattu”. E non
sarebbe da meno puntare alle sorgenti
di “Sa Rocchesa,” o di “S’Eritti”
per consumare una colazione più
robusta: non dico “sas ungeddhas”
(piedini di maiale in gelatina) offerte
qualche anno fa da un cacciatore dal
ferreo stomaco ad un “malcapitato”
ospite d’una giornata di caccia a
“Terramala”, ma che dire di una “laldadina”
( impanata ripiena con lardo
e cipolle) insaporita con le squisite
salsicce locali e accompagnata da un
bicchiere di “Terra saliosa”, un rosso
tanto persistente quanto la sospensione
infinita delle note soffiate da
Paolo Fresu metamorfosatosi in suonatore
di launeddas. Se poi volessi al
meglio entrare in sintonia con le
balze del Limbara, lussureggianti di
corbezzoli, una dozzina di ravioli di
carne di cinghiale e una seada con
miele delicatamente amaro onorerebbero,
maritati con vermentino
superiore, la tua prima colazione;
vermentino che ritrovi puntuale nella
versione più delicata ad accompagnare
i dolcetti (tiliccas, sospiri,
amaretti) offerti dai priori nelle chiese
campestri dopo i concerti e di
nuovo nella sontuosa versione superiore
ad accompagnare la zuppa berchiddese:
armonia di profumi, sapori
e colori che esaltano l’identità dei
luoghi (le chiese immerse nella natura)
e delle genti che li popolano. E
anche se la campagna agostana
ingiallita e odorosa di fieno in disfacimento
non ti offre la livrea colorata
delle mille fioriture ci pensano i
formaggi a restituirti coi loro profumi
la magia delle primavere sarde.
E se poi all’ombra dei possenti olivastri
o di querce maestose ci scappa
“unu sultu”, la siesta dei sardi satolli, lo
fai in buona compagnia, dei silenti abitatori
dei dolmen di Santa Caterina, dei
nuraghi di San Michele e del Castello
di Monte Acuto nei pressi di San
Marco. Immerso nella storia, nella lontananza
e nella lentezza della storia.
In fondo sono cose semplici quelle
già suggerite e le altre a seguire, gesti
o meglio “res gestae” della gola che ti
consentono di attutire l’eccesso di
velocità di giornate vissute al massimo:
un sorso de “inu ac cottadu”
nella cantina di Ninnio e Lineddu in
centro storico con il profumo di selce
e terra che promana dalla pavimentazione
ultra secolare, la succulenta
zuppa berchiddese assaporata nel
clima tra il francescano e il boccaccesco
delle feste campestri, i sospiri che
sbucano dappertutto e occhieggiando
ti invitano a morderli, una sapida
panada. Per compiere questi peccati
di gola basterebbe tra un concerto e
l’altro frequentare i luoghi: bar, ristoranti,
laboratori artigiani, Museo del
vino, che caratterizzano in versione
identitaria le loro attuali offerte e
chissà che non si avvicini l’anno in
cui i cibi precotti, preconfezionati
della cucina fast-foodizzata non siano
cacciati da sa “cozzula elda” (focaccia
con ciccioli di maiale), “brungiolos”(dolcetti
di ricotta o formaggio
fresco), cattò (dolce di mandorle e
zucchero), e nei ristoranti, relegati in
un cantuccio i piatti della cucina
internazionale, la facciano da padroni
“concu”, “fae e laldu”, “cassola de
petta anzonina”, “maccarrones furriados”,
“matta e fae frissa”, capisaldi di
una ristorazione d’identità che valorizza
il lento fluire del tempo.
Per finire la giornata in buona compagnia
non perdere, in piazzetta, il goloso
intervallo tra i concerti serali, e
lasciati condurre dai sommeliers e
dallo staff della Cantina “Giogantinu”
nel dorato mondo dei vermentini in
abbinamento coi dolci della tradizione.
E se poi finiti i concerti hai ancora
gambe sufficienti per arrivare alle terrazze
del Museo del vino, il fresco
della collina consiglia, in abbinamento,
una fumata di sigari e la morbida
grappa locale di monovitigno: gli
effluvi dolci e rotondi dell’alcool che
si fondono, nell’aria che respiri, col
fumo azzurrino e profumato dell’avana
o dell’imperdibile toscano ti
daranno il coraggio e l’allegria necessari
per affrontare l’ancora lunga
immersione nell’onda musicale berchiddese.
Perciò, quest’estate, quando
vieni a Berchidda, compi un
primo fondamentale gesto simbolico:
liberati dell’orologio e lasciati guidare
dal filo d’Arianna della musica
seguendo il ritmo della natura. Dài
valore al tempo e alle cose semplici e
ti accorgerai quanto valgano, come fa
la massaia berchiddese nel cucinare
“su concu”: per ben dodici ore lascia
che la testa di maiale, disossata e condita,
resti a contatto con sale, pepe ed
aglio prima di unirci in cottura cipolle,
cavoli e patate, aggiusta sapientemente
il cibo di sale e pepe e poi con
lentezza studiata serve un pasto divino
che sfida i vini più strutturati. E
capirai quando avrai ben gustato
quella delizia che il tempo è danaro
non quando lo bruci freneticamente
nel quotidiano intreccio dei bisogni
indotti, ma quando lo lasci fluire a
ritmo della natura, della buona musica
e della buona cucina. Che la vita ti
sia lieve.
Angelo Crasta

spazio libri
Paolo FresuMusica & Architettura
La Sardegna, il Jazz Paesaggi della contemporaneità
Un libro su Paolo Fresu è,
ovviamente, anche un libro sul
Jazz ma, forse, ancor di più
sulla Sardegna. Una panoramica,
un flash, un elenco su un
personaggio partito da un paesino
della provincia di Sassari
(Berchidda) e diventato cittadino
del mondo. Una storia dentro
la musica, ma anche oltre la
musica, perchè sono molteplici
gli interessi che hanno legato e
legano Fresu alla sua terra e al
mondo afro-americano.
Tutto nasce da una proposta
fatta da Enzo Gravante a Paolo
Fresu: raccontare la vita del
trombettista attraverso una
lunga intervista affiancata da un
racconto iconografico di ben
ottanta foto (anche esso prezioso)
per ripercorrere la crescita e
l'evoluzione di Fresu nel corso
della sua formidabile carriera.
Alla base di questa iniziativa,
subito accettata dal musicista,
c'è una lunga e solida amicizia
tra i due in cui un elemento non
secondario è stato l'interesse e
l'ammirazione di Gravante nei
confronti della Sardegna...
“isola lontana, culla di diverse
civiltà, fisica ed onirica in tutte
le manifestazioni...ma anche la
fierezza e il gusto che provano i
suoi abitanti nella gelosa della
loro identità. Gente che ha
avuto, come pochi, il coraggio
di sfidare la solitudine, una
stato d'animo non sempre nega-
tivo come ci hanno fatto credere
a scuola...” (dalla prefazione
di Gravante).
Dai complessi musicali al trasferimento
di Bologna e, poi, di
Parigi; dalle diciassette edizioni
di “Time in Jazz” (il libro è uscito
nel novembre del 2004) al
“Django d'or”, Fresu parla di se
stesso, della musica che gli è
sempre girata intorno, delle
emozioni, di Miles Davis e di
Chet Baker, ma anche del padre
Lillino e del lavoro nei campi, di
tutta un'epica minore e maggiore
che ha guidato le sue scelte e
creato una delle personalità tra
le più brillanti del panorama
musicale e jazzistico del mondo.
Oggi Paolo Fresu è un nome di
statura internazionale che duetta
con Bojan Z o con Ornella
Vanoni, che si esibisce al
Festival di Montreaux o di
Montreal, tenendo fermo, però,
il suo primo punto di riferimento
che resta il Quintetto, la più
longeva formazione del jazz italiano.
Ma un successo così
vasto e precoce non è mai qualcosa
di casuale. Alla bravura
tecnica e allo stile, con gli anni
divenuto sempre più personale
e riconoscibile, Fresu ha abbinato
una non comune capacità
gestionale di se stesso e delle
proprie idee sempre al passo coi
tempi. E poi, altro elemento che
ne fanno un musicista completo
ed onnivoro, gli interessi per il
teatro, la danza, il cinema, discipline
che ha conosciuto componendo
tante colonne sonore.
È appena uscito, per i tipi della Gangemi
Editore di Roma, il libro “Musica &
Architettura. Paesaggi della contemporaneità”.
A cura di Salvatore Peluso, contiene
scritti di Gianni Agnesa, Andreu Arriola,
Enrico Corti, Angelo Crasta, Carmen Fiol,
Paolo Fresu, Sebastiano Gaias, Lucio Nardi,
Salvatore Peluso, Giorgio Tedde.
Il libro prende le mosse, e il titolo, dal laboratorio
di architettura che si è tenuto l’estate
scorsa a Berchidda. Il tema era l’organizzazione
dello spazio urbano, delle modalità
con le quali si confrontano e interagiscono il
festival e la sua musica con Berchidda e la
sua vita, le sue strade e piazze o i suoi paesaggi
aperti. È dal 1988 che in questo luogo,
sospeso (in bilico, quasi) tra l’austera introversione
del massiccio del Limbara e la
radiosa apertura della valle coltivata, un
festival internazionale di musica e un paese
di 3.200 abitanti intrecciano, anche fisicamente,
la loro travolgente e per certi versi
imprevedibile storia. Una storia sempre in
progressiva trasformazione, molteplice, e
con la spiccata propensione ad apparire
“impossibile”…
La prima parte del libro è quella che ha maggiore
autonomia, e respiro più ampio e largo
rispetto allo specifico del laboratorio, essendo
dedicata al tema dei rapporti tra musica e
architettura, e/o musica e spazio. Sono presenti
spunti più teorici (la matematica, i
sistemi formali, Bach, Escher…). E poi l’aspetto
“costruttivo” (fisico, materiale…) che
è dell’architettura ma anche della musica, e
le suggestioni al riguardo che provengono da
altre forme artistiche come, per esempio, il
cinema o la letteratura. Da Giorgio Tedde,
poi, il punto di vista di un compositore contemporaneo
(che riparte dalla sua prima formazione
come fisico…). E infine alcune
architetture per la musica realizzate in
37
Catalogna, e raccontate dai progettisti
Carme Fiol e Andreu Arriola.
La seconda parte è specificamente dedicata a
raccogliere e documentare il percorso e i
risultati progettuali, con le proposte per
Berchidda elaborate dai gruppi di lavoro
durante il laboratorio. A partire dalla preliminare
formulazione dei temi, docenti e tutors
ne illustrano ipotesi, ragioni, funzionamento,
implicazioni.
La terza parte si propone di interrogare sul
senso dell’operazione gli artefici e/o gli interlocutori
che hanno reso possibile il laboratorio
stesso: l’Amministrazione Comunale, il
Dipartimento di Architettura dell’Università
di Cagliari, il Formez, e l’associazione Time
in Jazz, con un contributo dello stesso direttore
artistico del festival, Paolo Fresu.

Organizzazione: Associazione Culturale
Time in Jazz
Direttore artistico: Paolo Fresu
Coordinamento Arti Visive: Giannella
Demuro e Antonello Fresu
Coordinamento Cinema: Gianfranco
Cabiddu
Coordinamento Generale: Riccardo
Sgualdini
Segreteria Organizzativa: Rosi Culurgioni
Coordinamento Artistico: Vittorio Albani
Amministrazione: Mariella Demartis
Segreteria amministrativa: Maria Antonietta
Mazza
Accessibilità e servizi: Gian Paolo Crasta
Accoglienza e Info: Patrizia Mu
Immagine e comunicazione: P.A.V.
Ufficio Stampa: Riccardo Sgualdini,
Fabrizio Crasta, Carolina Scoppola Iacopini
Coordinamento concerti in montagna:
Enrica Brianda
Progetto allestimento piazza: Studio Peluso
Salvatore Peluso con Barbara Cadeddu,
Roberto Lallai, Miriam Manconi, Roberta
Milia
Fornitura e montaggio delle strutture piazza:
Marcegaglia Building S.p.A.
Audio: Blustudio
Fonico: Alberto Erre
Tecnici: Cisco Marras
Pinuccio Ledda
Stefano Melis
Direzione Palco: Luca Devito
Assistente: Antonio Calvia
Luci e scenotecnica: Blustudio
Responsabile: Gesuino Mannu
Datore Luci: Tony Grandi
Assistenti: Antonio Casu
Pianoforti:
Service: Penty Service
Responsabile: Walter Mostallino
Assistenti: Antonio Sau, Luca Nieddu,
Gaetano Pascarella
Accordatore: Marcello Fanutza
Registrazioni:
Service: Blustudio
Fonico: Fabrizio Dall’Oca
Trasporti interni: Beppe Lodde, Tonino
Casu, Tore Casu, Francesco Ledda
Merchandising: Rossella Calvia, Ilaria
Serra, Maria Paola Casu, Daniela Pianezzi,
Alessandra Basciu
Biglietteria: Rossana Sanna, Antonella Piga,
Donatella Pianezzi, Agnese Pianezzi, Enrica
Brianda, Gibo Borghesani, Valentina
Nieddu, Paola Puggioni, Laura Campus,
Sara Sini, Anna Sini, Marco Fiori, Erika,
Salvatore Dettori
Info point e accoglienza: Patrizia Mu,
Fiorella Meloni, Maria Murrighile, Grazia
Pianezzi, Enrica Carbini, Silvia Bruno
Backstage e catering: Michela Rotondale,
Giulia Carta, Antonio Casula, Gabriele
Meloni
Servizio mensa: Francesco Nieddu, Enrico
Natalini
Squadra allestimenti e security: Giuseppe
Mazza
Squadra allestimenti PAV: Sonia Borsato,
Angela Manca di Mores, Andrea Melis,
Lia Turtas, Sergio Scavio, Checco Pinna,
Danilo Sini, Carlo Simula, Mirco Meloni
Punto ristoro: Piero Sannitu, Pasquale
Abeltino, Mara Fenu
Servizi: Chicca Licheri, Mattia Mulas,
Francesca Tugnoli
Tour assistants: Francesca Cavassa,
Vincenza Macis, Paola Musina, Gloria
Armas, Francesco Lenza, Andrea Sannitu
Le immagini del manifesto, della brochure
e della locandina sono di Nero Project
Progettazione grafica e merchandising:
Danilo Sini
Computer grafica: PAV
Stampa abbigliamento: Waltale
Cartellonistica: PacoPrint, Alatri
Web design e software CMS powered by
bizConsulting S.r.l.
Agenzia viaggi: Medtravel, Genova
Consulenza amministrativa: Elabora Snc
di Lucio Mu
Consulenza del lavoro:
Giancarlo Fenu
Studio Fara-Lieto
Si ringraziano:
l’Unione Europea – Fondo Europeo
di Sviluppo Regionale
il Ministero per i Beni e le Attività Culturali
(Direzione Generale per lo Spettacolo dal vivo)
la Presidenza della Regione Autonoma della
Sardegna e il presidente Renato Soru
l’Assessorato allo Spettacolo e Attività
Culturali della Regione Autonoma della
Sardegna e l’assessore Elisabetta Pilia
l’Assessorato del Turismo della Regione
Autonoma della Sardegna e l’assessore
Luisanna Depau
il Comune di Berchidda e il sindaco
Sebastiano Sannitu
il Comune di Monti e il sindaco Giovanni
Maria Raspitzu
il Comune di Nughedu San Nicolò
e il sindaco Giovanni Antonio Re
il Comune di Ozieri e il sindaco Giovanni
Cubeddu
l’assessore alla Cultura del Comune di
Ozieri Ottaviano Contu
il Comune di Oschiri e il sindaco Antonio
Perinu
il Comune di Olbia e il Sindaco Settimo
Nizzi
la Provincia di Olbia/Tempio e il presidente
Pietrina Murrighile
la VI Comunità Montana “Monte Acuto”
e il presidente Maria Antonietta Mazzone
la Fondazione Banco di Sardegna
e il presidente Antonello Arru
Salvatore Rubino
il Banco di Sardegna e il presidente Antonio
Sassu
il Banco di Sardegna di Berchidda
e il direttore Bruno Pirone
l’Ente Foreste della Sardegna, il direttore
generale Graziano Nudda e il personale della
Foresta Demaniale Monte Limbara Sud
la Direzione di Trenitalia e Silvano
Campedel della RFI
la Cantina Sociale del Giogantinu
e Sergio Crasta
la Distilleria Lucrezio R e Pasquale Rau
RAU Arte dolciaria e Raffaela Rau
la Nuova Casearia e Salvatore Piga
Autoservizi Fab e Gianfranco Asara,
Graziella Asara, Marco Asara
FIAT Pincar e Opel AutOggi
Lloyd Adriatico
RAS
Simona Putzu
Filomena Menicucci
Pannonica Music e Vittorio Albani
Verdearancio s.r.l. e Giovanna Mascetti
Saudades Tourneen (Thomas Stoewsand,
Karin Kreisl, Giorgia Cadinu)
Antonio Baldassarre
Ballkan World Music Management
(Olsi Sulejmani)
Ton All (Bertrand Dupont)
Ponderosa Music (Titti Santini, Paolo
Caiani, Aronne Galimberti)
Deluxe Production (Jonathan Miltat)
Impact Soc. Coop. (Renato Criscuolo)
Saint Louis Music Center Roma (Francesca
Gregori)
l’Associazione Jazz à Junas e il sindaco
Jean-Paul Lauze della Mairie di Junas
Stefania Conte
Jamal Ouassini
Fabrizio Dall’Oca
Paolo Pillonca
Sergio Benoni
Gianfranco Salvatore
Luigi Onori
Nguyên Lê e Dominique Boker
il direttore del Festival jazz di Rabat Majid
Bekkas
la direttrice dell’Istituto Italiano di Cultura
a Rabat Wanda Grillo
Tar e Giuseppe Mazza
il presidente dell’Istituto Superiore
Regionale Etnografico Giuseppe Chines
e il direttore Paolo Piquereddu
l’Ente Musicale di Nuoro e il presidente
Angelo Palmas
i comitati delle chiese di San Michele e
Santa Caterina
il vescovo di Ozieri Sebastiano Sanguinetti
il parroco di Monti don Luca Saba
la Pro Loco di Monti Domenico Pes
il parroco di Nughedu San Nicolò don
Chiarino Delogu e la signora Maria
dietro le quinte del XVIII festival Time in Jazz
Antonietta Cau
il parroco di Oschiri don Aurelio Pigozzi
Marco Ladu, la Fondazione
Fabrizio de Andrè e Dori Ghezzi
Salvatore Crasta, Patrizia De Leonardi
e Giuseppina Gambino della Medtravel
Antonella Usai, la cooperativa La Memoria
Storica lo staff del Museo del Vino
Donatella Achenza e Andrea Pietrobelli
della Meridiana
Agostino Mela
il Comando Stazione dei Carabinieri di
Berchidda
l’Associazione Volontari Ambulanza di
Berchidda e il presidente pro tempore
Salvatore Chirigoni
il parrocco di Berchidda don Gianfranco Pala
la Pro Loco di Berchidda
i Giardini della Casa di Riposo per Anziani
la Confraternita del Vermentino
lo staff comunale
gli elettricisti e gli operai del Comune
il paese di Berchidda
tutti gli artisti.
L’associazione culturale Time in Jazz
Presidente: Paolo Fresu
Vicepresidente: Lucio Mu
Segretaria: Mariella Demartis
Soci fondatori: Nicola Casu, Tetta Demuru,
Gianfranco Demuru, Salvatore Dettori
Massimo Laconi, Antonio Meloni, Martino
Meloni, Gianni Menicucci, Mimmia Piga,
Giuseppina Sanciu, Roberto Scanu e
Riccardo Sgualdini
Responsabile sezione Musica: Paolo Fresu
Responsabili sezione Arti Visive: Giannella
Demuro e Antonello Fresu
Responsabile sezione Cinema: Gianfranco
Cabiddu
Time in Jazz è un’associazione culturale
senza fini di lucro, costituita nel dicembre
1997. I soci fondatori sono i volontari che
per dieci anni, dal 1988 al 1997, hanno
composto lo staff organizzativo del festival
Internazionale Time in Jazz di Berchidda.
La scelta di fondare un’associazione, con
sede a Berchidda, è stata dettata da esigenze
di carattere organizzativo e gestionale in
una struttura meglio definita. Time in Jazz
ha potuto godere così di un riconoscimento
dell’attività culturale svolta da parte delle
istituzioni locali e nazionali.
Oltre all’organizzazione e al coordinamento
del festival internazionale Time in Jazz,
l’associazione ha allargato nel corso degli
anni il proprio ventaglio di proposte, creando
al suo interno specifiche aree di attività
culturali. Nel 1998 nasce la rassegna “Altri
Tempi”, dedicata al cinema sardo, al teatro
e alla musica. Lo stesso anno prende il via
“Aprile non dormire”, dedicata alla presentazione
di opere editoriali e teatrali. A giugno
è poi il momento della “Festa della
Musica”, il primo appuntamento musicale
prima del grande festival ferragostano.
Èinoltre di proprietà dell’associazione una
collezione privata permanente di arte contemporanea
in Sardegna, oggi ospitata dal
Museo del Vino/Enoteca Regionale di
Berchidda, e la rivista quadrimestrale di
arte e cultura contemporanea “Ziqqurat”
diretta da Giannella Demuro.
A queste attività si aggiunge quella di archiviazione
del materiale prodotto e raccolto nel
corso degli anni. Un prezioso patrimonio di
documenti e testimonianze che compongono
la memoria storica - registrazioni audio e
video, ritagli di giornali, fotografie, disegni,
manifesti - per la promozione di tutte le attività
culturali che i linguaggi della musica e dell’arte
in genere possono suggerire. In questo
senso, l’associazione è un vero e proprio laboratorio
di idee e progetti culturali che stimolano
l’interazione fra le diverse attività artisticocreative.
Riflesso diretto di questa attività di
archiviazione, la pubblicazione di cinque cd
tratti da altrettanti concerti di recenti edizioni
del festival.
Per informazioni:
Associazione Culturale Time in Jazz
Via Nulvara, 2 - 07022 Berchidda (Ss)
tel. (+39) 079703007
fax (+39) 079703149
e-mail: info@timeinjazz.it
web: http://www.timeinjazz.it
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