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Enrico Mitrovich
Galleria Ghelfi Vicenza
Il giardino segreto
di Giovanna Grossato
La preziosa piccola mostra (poco più di una ventina di dipinti
a olio) recentemente conclusasi alla Galleria Ghelfi di Vicenza
dal romantico titolo “Il giardino segreto” è stata un’occasione
per dimostrare di nuovo l’intelligente, sensibile cultura
pittorica di Enrico Mitrovich. Artista veneto (Vicenza 1962) dotato
fine e poetica ironia, egli si serve per esprimere la sua
visione del mondo, oltre al tradizionale cromatico olio su tela,
di titoli sustanziali, che contengono informazioni scientifiche
ed oggettive con valore traslato. Parte integrante dell’opera,
le sommesse citazioni per nulla saccenti o didascaliche,
sono tratte dalla realtà contemporanea, mediate da una
riflessione leggera e profonda insieme e vanno a costituire
la struttura fondativa di questa serie di dipinti. Nel catalogo
che accompagna la mostra e che include un testo di Francesco
Mezzalira, “Elogio del giardino”, Mitrovich stesso rivela
il significato metaforico del “The secret garden”, mutuato dal
romanzo di Frances H.Burnett: se si sostituiscono alle varietà
arboree i quadri, una galleria o una collezione d’arte può trasformarsi
in un giardino di cui un bravo gallerista, un curatore
o un collezionista diviene giardiniere. Egli, scegliendo con
cura le piante, riuscirà sia a valorizzarne le singole qualità in
un contesto non originario (lo studio dell’artista), sia ad armonizzarne
la presenza come insieme. Anche questa capacità
di Mitrovich nel cogliere “affinità elettiva fra due discipline diverse,
la botanica e la pittura” è un’attitudine di chi sa guardare
prima ancora che rappresentare. Comune ai bambini,
ai poeti e agli artisti, l’istinto di lasciarsi condurre dalla curiosità
e dall’immagamento è una caratteristica del fare e del pensare
di Mitrovich: un po’ scienziato e un po’ visionario, consapevole
che - come scrisse il grande architetto Louis Khan-
“Il senso della meraviglia è così importante per noi perché
precede la conoscenza. Precede la cultura.” Oltretutto con
la sua opera Mitrovich entra, senza l’aria di volerci entrare,
anche nel vivo di un dibattito molto presente oggi a livello
globale, relativo alle responsabilità etiche di figure (galleristi,
curatori, collezionisti, istituzioni, mecenati, mercanti e, ovviamente,
artisti) che, a diverso titolo, si muovono sulle opere
d’arte. Del tutto congrui, dunque, i titoli che l’artista assegna
ai propri dipinti: dettagliati e circostanziati, essi non coinvolgono
solamente i soggetti naturalistici, che hanno tuttavia
da parte di Mitrovich un’attenzione particolare, ma anche gli
atteggiamenti umani. O, per meglio dire, i diversi aspetti della
natura umana e animale, fortemente interlacciati tra loro, si
offrono all’osservazione artistico-scientifica di Mitrovich. Così
è per gli uccelli - cardellini, pettirossi e lucherini - variamente
impegnati in importanti attività come il Gruppo di cardellini
che visita l’Erbario Sabbati (olio su tela, cm 217x145); oppure
protagonisti, assieme agli uomini, di veri e propri narrazioni
Surf
Una delle tante possibili accezioni del verbo to surf
olio su tela, cm 34x44
Un lucherino visita il giardino segreto di Demetra
Demetra è la dea delle piante. Nel suo giardino segreto protegge e coltiva
piante che la paleobotanica ritiene estinta da 400 milioni di anni
olio su tela, cm 35x46
epiche come in All Blacks Haka against a European Robin.
Anche rinoceronti, zebre, pulcini, pesci o bulldog hanno un
importante ruolo in questa stramba ma acutissima “comedie
humaine” e, naturalmente, a maggior ragione, la stessa razza
umana, come in Visita al Louvre. Ritratto virile in restauro. Malgrado
l’impostazione surreale dei temi, Enrico Mitrovich risulta
un grande interprete della modernità e fa ciò che un artista
deve: parlare, dipingendo, di cose del suo tempo. Le sue
opere intrise di un acuto zeitgeist si pongono come immagine
pittorica intensamente vissuta: l’olio su tela, secondo la più
classica tradizione, interpreta i miti moderni con un linguaggio
perfettamente coerente e dice la sua opinione, affilata, difforme
ma non forzata, priva di ovvietà e, a volte, sottilmente
coinvolta e sofferente. Con un lessico scabro ma di grande di
tenuta espressiva ed estetica, privo di ammiccamenti, anche
quando sembra averne: nel tenero pettirosso in equilibrio su
un soffione. Anche qui si tratta di una piccola analisi sul mondo:
Surf è il titolo dell’olio su tela, cm 44x34. Sottotitolo: “Una
delle tante possibili accezioni del verbo to surf”.
Galleria Ghelfi
Contra’ Pescherie Vecchie, 29 - 36100 Vicenza
www.galleriaghelfi.com
Nell’ambito della sezione “Attori, artisti, poeti al MANN”
della XVII edizione degli “Incontri di Archeologia”, al Museo
Archeologico di Napoli è stata allestita la mostra
fotografica “LITERNUM” del fotografo napoletano Aniello
Barone, organizzata dal Servizio Educativo della Soprintendenza
Speciale per i Beni Archeologici di Napoli
e Pompei di intesa con la Provincia di Napoli, territorialmente
competente per l’area del Foro dell’antica città
romana, e curata da Antonello Scotti. Il luogo dal quale
nasce e prende il titolo questo lavoro è Liternum, sito
Aniello BARONE
Attori, artisti, poeti al MANN
XVII Ed. Incontri di Archeologia
di Pasquale Lettieri
archeologico presso Lago Patria, frazione del comune
di Giugliano in Campania, nella provincia di Napoli, dal
2009 Parco Archeologico. Qui Barone ha “ritratto” l’unica
colonna che svetta sui restanti reperti. Archeologia romana
o industriale, tempio di preghiera o tempio di lavoro,
casa di dei o di fatiche, eternità o tempo? Queste sono
alcune delle domande che ci si pone osservando questo
trittico. Il lavoro è allestito in modo da essere “scoperto”,
rendendo le tre immagini, per come sono state “accomodate”
nello spazio, reperti per lo sguardo. Le tre grandi
foto sono infatti, al centro della sala, rivolte verso la parete
di fondo, e lo spazio utile per guardarle è ridotto al
minimo. Lo spazio diventa elemento dialogante con le
immagini e con chi, guardandole, le pensa. L’ambiente,
cantiere entropico, trasforma il movimento costitutivo
delle tre immagini in orizzonte metastorico. Si forma, così,
un metodo assiomatico per riconoscersi in quanto operai
di traduzione, scopritori. Colonna o ciminiera, reperto o
rudere? Forse, totem residuale della fabbrica della storia.
Aniello Barone, stimato tra più bravi fotografi italiani,
è nato e vive a Napoli. Compiuti gli studi di sociologia,
ha cominciato a dedicarsi alla sua ricerca antropologica
sulle realtà urbane e suburbane dell’area metropolitana,
con uno sguardo speciale agli sviluppi e ai processi evolutivi
dell’immigrazione e delle periferie. Ha esposto i suoi
lavori in varie e prestigiose sedi estere e insegna Sociologia
della Fotografia all’Accademia di Belle Arti di Napoli.
La Napoli di Aniello Barone è la personale visione di un
territorio geograficamente marginale, dei suoi non-luoghi
sempre al centro di progetti di trasformazione e riqualificazione.
Lontano dall’idea di considerare la sua città in
preda a un’emergenza permanente, Barone è in controtendenza
nella ricerca costante della vita che pulsa in un
universo urbano dove è sempre possibile scovare segnali
di un’umanità di passaggio. L’interesse per le subculture,
l’ambiente e la marginalità sociale che da sempre caratterizza
la sua ricerca, si associa a un’esplorazione della
propria terra, condotta attraverso suggestioni improvvise,
accostamenti anche imprevisti, in cui è sempre rintracciabile
un segnale del vivere collettivo comune a tutte le
grandi metropoli del nostro pianeta.
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