R O T O p A L C O - Emilia Romagna Teatro

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8 - 12 marzo Teatro Storchi TEMPORALE di August Strindberg traduzione Luciano Codignola uno spettacolo di Giorgio Strehler regia Enrico D’Amato con in ordine alfabetico Umberto Ceriani, Gianpaolo Corti, Franco Graziosi, Giulia Lazzarini, Piero Mazzarella, Laura Pasetti, Franco Sangermano, Nicole Vignola, Gaia Zoppi scene Ezio Frigerio costumi Franca Squarciapino musiche Fiorenzo Carpi luci Geardo Modica fonica Roberto Piergentili Piccolo Teatro di Milano Scritto e rappresentato nel 1907, Temporale ha come protagonista un signore vestito di bianco prossimo alla vecchiaia che si avvia ad una definitiva pacificazione con la vita, ma prima di approdarvi, deve chiudere qualche conto coi fantasmi del passato. L’azione si svolge in un’emblematica giornata della tarda estate nordica, fra i lampi di un rovescio temporalesco in arrivo: e come un improvviso acquazzone estivo, dal nulla riappare Gerda, la ex-moglie da cui si era separato dieci anni prima. La sua apparizione rinfocola antiche tensioni, rischia di alterarne i precari equilibri, fino a quando la donna esce per sempre di scena con la stessa velocità con cui la pioggia si esaurisce, lasciando l’uomo pronto ad affrontare più serenamente l’ultimo tratto di strada. In questo dramma da camera, “l’attesa quasi angosciosa di un temporale di fine estate – scrisse Strehler – con a tratti solo un lontano rombo di minaccia che arriva, non uccide e non trasforma, né lava, né risolve alcunché per coloro che l’hanno aspettato perché prigionieri del loro piccolo mondo privato, della loro privata disperazione, della loro sostanziale mancanza di reciproca pietà”. 4 Giorgio Strehler e il Piccolo Teatro di Milano “Un teatro d’arte per tutti”: con questa formula, nel 1947, nasceva il Piccolo Teatro di Milano, il primo teatro stabile italiano. La formula indicava una forte tensione etica alla massima qualità espressiva, libera da condizionamenti e, allo stesso tempo, un’idea di teatro come diritto e opportunità aperta a tutti, non elitaria. Con Giorgio Strehler il teatro di regia diventa centrale nel sistema teatrale italiano. Gli assi portanti del suo vastissimo repertorio saranno la serie di regie goldoniane Arlecchino, servitore di due padroni (con Marcello Moretti prima e Ferruccio Soleri poi nel ruolo della maschera) Il campiello, Le baruffe chiozzotte, e gli storici allestimenti brechtiani, da L’opera da tre soldi a Vita di Galileo. “Un testo non è quello che si vorrebbe fosse: è quello che è. Scoprire questo quello che è è il primo compito del regista, anche al di là delle mode, delle false interpretazioni precedenti, degli usi”. Teatro da camera, Kammerspiel in tedesco, indica una composizione drammatica caratterizzata da uno spazio scenico raccolto, pochi personaggi, introspezione psicologica, al fine di creare un’atmosfera di intimo coinvolgimento con lo spettatore. Formula lanciata da Max Reinhardt in una piccola sala del Deutsches Theater con l’allestimento di Spettri di Ibsen (1906), il Kammerspiel annovera tra i suoi autori, oltre a Strindberg, Frank Wedekind (Risveglio di primavera, 1906) e Klaus Mann (Revue zu Vieren, 1925). Il Kammerspiel ha avuto un’influenza anche sui film europei di Murnau (L’ultima risata, 1924), sul cinema etico di Robert Bresson (Il diario di un curato di campagna, 1950), nella serie dei Racconti morali (1963- 1972) di Eric Rohmer e ovviamente, sull’opera del maestro svedese Ingmar Bergman. Strindberg secondo Ingmar Bergman “Non potete capirlo, ma la lingua di Strindberg è lo svedese più bello che si possa immaginare! “Per un giovane era importante incontrare un ribelle che possedesse le parole! Io non le avevo, e in lui potevo trovare tutto ciò che desideravo. E poi in lui c’era la contraddizione. Poteva affermare una cosa e all’indomani il suo contrario. Detestava la donne, e le amava; nel corso dello stesso giorno di una donna poteva dire le cose più terribili e poco dopo scriverne le cose più belle “Penso che i miei primi lavori fossero… insomma, copiavo Strindberg. La sua vitalità, la sua rabbia, io la sentivo dentro di me, credo davvero di aver scritto una serie di pièces strindberghiane.” Testi tratti da Olivier Assayas e Stig Björkman, Conversazione con Ingmar Bergman, 1990. Strindberghiano. L’aggettivo indica una forte tensione soggettiva di tipo ossessivo di fronti ai fatti della vita. Nel teatro di Strindberg vi è spesso solo un soggetto protagonista di una vicenda interiore che, da sola, assicura l’unità all’azione, al tempo e al luogo. Scriveva l’autore nel 1907 ad un amico: “la mia vita intera mi pare spesso che sia stata messa in scena per me, perché io insieme la patisca e ne dia relazione… Tutta la mia attività di scrittore non è che un mutamento di opinioni dal peggio al meglio, un ripudio del mio vecchio retroterra personale, una lotta contro i vecchi ideali (= pregiudizi) e per questo sono così pieno di contraddizioni, così disarmonico.”
28 febbraio - 12 marzo Teatro delle Passioni FRAGILE drammaturgia e regia César Brie testi César Brie, Maria Teresa Dal Pero con Lucas Achirico, Daniel Aguirre, Maria Teresa Dal Pero, Alice Guimaraes aiuto regia Mercedes Campos oggetti di scena Gonzalo Callejas luci Gianpaolo Nalli costumi Donuta Zarzyka Teatro de Los Andes Emilia Romagna Teatro Fondazione 28 febbraio - 19 marzo Teatro delle Passioni OTRA VEZ MARCELO con Mia Fabbri, César Brie musica Pablo Brie scenografía Gonzalo Callejas realizzazione fotografica Marina Chávez Prudencio luci e suono Isadora Angelini, Luca Serrani organizzazione Giampaolo Nalli testo e regia César Brie Teatro de Los Andes Emilia Romagna Teatro Fondazione 5 César Brie è argentino. E’ arrivato in Italia poco meno che ventenne nei primi anni Settanta come rifugiato politico, fondando a Milano il collettivo Tupac Amaru e lavorando nei centri sociali milanesi. Nel 1980 l’incontro con Iben Nagel Rasmussen, che porta alla formazione del gruppo Farfa e al confronto diretto con l’esperienza dell’Odin Teatret di Eugenio Barba. Nel 1991 Brie fonda in Bolivia, con Naira Gonzales e Giampaolo Nalli, il Teatro de Los Andes. Con Modena ha un rapporto privilegiato: in questa città ha mostrato quasi tutti i suoi spettacoli. Sapienza compositiva, conoscenza profonda della partitura dell’attore, ricerca della precisione e della semplicità, esercizio quotidiano, lunghe fasi di decantazione del materiale poetico: sono queste alcune delle costanti che permettono a César Brie di allestire spettacoli così vibranti, dove l’attore è centrale. Creazioni organiche in cui il registro comico e lo sdegno si alternano, ricche di immagini e situazioni che toccano la sensibilità dello spettatore, lo commuovono, senza mai arrivare alla retorica e al comizio. Sostiene César che il pubblico deve prima abbassare le sue difese, allora puoi raggiungerlo in profondità. Fragile esplora il tema delle paure che popolano la fine di un’infanzia, raccontando un’adolescenza. “L’adolescenza”, specifica Brie, “di chi non si rassegna a seppellire nell’abitudine i suoi sogni, il suo candore, le sue inquietudini, i fili che pulsano a ogni istante e che non riescono a rivelarsi.” Importanti testi di ispirazione sono stati Nascita e morte di una massaia di Paola Masino e L’erba rossa di Boris Vian. Otra vez Marcelo affronta i temi del coraggio civico e dei desaparecidos: è dedicato alla figura di Marcelo Quiroga Santa Cruz (1931-1980), uomo dalla profonda sensibilità artistica e dalla forte passione politica. L’una lo portò a ricevere il premio Faulkner con il romanzo Los Deshabitados, l’altra ad opporsi nelle vesti di parlamentare alle dittature di Barrientos e Banzer, a lottare per la difesa della sovranità nazionale, per ottenere la nazionalizzazione del petrolio. “Mi sembra di aver imparato più sulla Bolivia studiando la vita e le opere di Marcelo, che non attraverso tutte le mie precedenti letture”, scrive Brie in una nota. L’intervista Fragile è un progetto di spettacolo che avevi già qualche anno fa, vero? Come costruisci uno spettacolo, da cosa parti, di quanto tempo hai bisogno? Il tempo dipende dal lavoro di ricerca da svolgere e dalla complessità dell’ argomento e la quantitá e qualità degli attori. Di solito faccio gli spettacoli tra un tempo di 3 a 12 mesi. Parto da un tema, oppure da un testo, creo immagini e allegorie intorno a questo tema e poi un giorno comincio a montare il materiale uscito. Faccio molte domande agli attori e ricevo risposte preziose. Il testo, quando lo scrivo, viene fuori parallelamente al lavoro di ricerca. Quanto è importante per te l’attore? L’ attore è fondamentale. Quanto è importante per una compagnia avere un repertorio, cosa sempre più rara in Italia? Noi abbiamo un repertorio perche gli spettacoli li sentiamo ancora vivi. Alcuni spettacoli sono durati dieci anni, altri sono morti prima. Un mio monologo ha la veneranda età di sedici anni e ho ancora voglia di farlo e non mi sembra sia invecchiato. Altri spettacoli esauriscono in un paio di anni la loro linfa vitale. A quindici anni dalla fondazione, che bilancio puoi trarre dall’esperienza al Teatro de Los Andes, anche in rapporto agli artisti che hai fatto crescere? E come vedi il futuro? Il Teatro de los Andes è stato il grande progetto teatrale della
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