SUONO n° 501

Sommario 

N. XXX 

EDITORIALE di Paolo Corciulo ............................................................. 5 

ANTENNA ............................................................................... 6 

INSIDE DENTRO LA MUSICA 

IDENTIKIT DEL CONSUMO MUSICALE La rivoluzione non dorme mai di Francesco Bonerba .....16 

QUESTO È QUELLO CHE SONO Mario Biondi di Daniele Camerlengo .......................... 22 

N. 501 

NOVEMBRE 2015 

IL MIO VIAGGIO NELLA MUSICA Dario Chiazzolino di Stefano Dentice ........................ 26 

RICCARDO CHAILLY 30 ANNI DOPO La Scala dei desideri di Pietro Acquafredda ...............28 

JANIS: IL DOCUMENTARIO A little girl in Blues di Francesco Bonerba ......................... 32 

IL “PENDOLO” DI ZIBBA Zibba di Daniele Camerlengo ...................................... 34 

SUONAMI LA MIA CANZONE Francesco Gazzarra di Guido Bellachioma .......................38 

VENT’ANNI DI SUCCESSI LEAK Come eravamo una volta di Pier Paolo Ferrari ................. 42 

EUPHONIA: CHE COS’È LA FISARMONICA Bentornata Fisarmonica di Paolo Perilli ............50 

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

AMPLIFICATORE INTEGRATO Synthesis Roma 79DC a cura della redazione ................ 54 

GIRADISCHI Teac TN-300 di Carlo D’Ottavi ..............................................58 

AMPLIFICATORE INTEGRATO Audia Flight Three S a cura della redazione .................. 62 

SUBWOOFER PMC Twenty Sub a cura della redazione .....................................68 

CUFFIA Sonus Faber Pryma a cura della redazione ......................................... 72 

DOSSIER ................................................................................77 

DIFFUSORI B&W serie 800 a cura della redazione ......................................... 78 

DIFFUSORI Dali Opticon 1 a cura della redazione ..........................................86 

DIFFUSORI Technics SB-C700 a cura della redazione ......................................94 

SOTTO LA COVER, LE STORIE di Francesco Bonerba ......................................100 

OLTRE IL ROCK a cura di Guido Bellachioma ............................................... 102 

ESPERIENZE IN JAZZ a cura di Daniele Camerlengo ....................................... 106 

SECONDO NOI LA CLASSICA a cura di Pietro Acquafredda .................................110 

CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE ........................114 

4 SUONO novembre 2015

N. XXX 

Editoriale 

di Paolo Corciulo 

Chi si ferma 

LA 

È perduto! 

Nel momento in cui la riproduzione musicale 

ha “abbracciato” l’informatica, la dimensione 

digitale ha dato il via a un processo 

di evoluzione caratterizzato dalla velocità 

rapidissima tipica di quest’ultima. 

Solo pochi mesi fa disquisivamo sul mutamento 

dell’offerta digitale dalla dimensione 

del download a quella dello streaming, 

ipotizzando quest’ultimo come la 

soluzione elettiva per la fruizione della 

musica incorporea che, con indovinato neologismo, 

SUONO ha “battezzato” come 

musica liquida. 

Oggi quello stesso streaming da eccitante 

opportunità sembra essere scivolato al 

rango di esperienza insoddisfacente (almeno 

in misura parziale se più del’80% dei 

consumatori americani lo considera poco 

o del tutto tale!). Al tempo stesso quest’esperienza 

potrebbe diventare, almeno per 

gli amanti della qualità di riproduzione), 

un’esperienza unica, mai realizzata prima 

e culturalmente rivoluzionaria: poter usufruire 

della stessa qualità disponibile nello 

studio di registrazione equivale ad affermare 

che, infine, tra originale e copia non 

c’è distinzione! Ma queste cose le sapete: 

le ripetiamo ormai da anni... 

Quel che non sapete, forse, o percepite solo 

in forma di disagio, è il ritardo accumulato 

dalla filiera di produzione e distribuzione 

dell’Hi-Fi di fronte alla realtà che cambia. 

Anche di questo abbiamo parlato ma come 

spesso accade finché non si innescano le 

conseguenze concrete di un ragionamento 

quel ragionamento rimane solo un’astrazione 

(un’idea è soltanto un’idea... cantava 

Giorgio Gaber). 

Sabato 3 ottobre è stato l’ultimo giorno di 

apertura di uno storico negozio di Roma 

(trent’anni nella stessa sede), una piazza che 

già non eccede per offerta Hi-Fi. Nell’augurare 

ai titolari di mantenere inalterata quella 

passione che gli ho letto negli occhi, non 

posso non chiedermi se, oggi, non occorra 

anche altro, non occorra cambiare, dopo 

non aver cambiato troppo a lungo. 

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SUONO luglio 2015 5 

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ANTENNA 

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WOM: che botta! 

Nasce World of McIntosh, il nuovo “ombrello” del polo di lusso precedentemente conosciuto con 

il nome di Fine Sound e sotto il quale sono raggruppati McIntosh, Audio Research, Sonus Faber e 

Wadia (e forse non è finita… ). Un grande ed esclusivo evento ne ha celebrato la nascita a New York 

in concomitanza dell’inaugurazione della Town house del gruppo, un esclusivo palazzetto a Soho 

(ve lo descriveremo nel prossimo numero di SUONO) dove vivere un’esclusiva esperienza dedicata 

all’eccellenza sonora, tra vip e performance di eccellenza, dallo showcase di Joshua Bell alla personale 

di Keith Hearing alla collezione di Lio Malca… 

Nel frattempo le aziende del gruppo non stanno a guardare e Audio Research e Sonus Faber, in 

occasione del parigino Festival SON & IMAGE 2015, hanno presentato le ultime novità: il pre 

Reference 6 per la casa americana e la nuova coppia di diffusori Il Cremonese per quella vicentina. 

A partire dal primo prodotto in assoluto (l’SP-1, 1970) per proseguire con l’SP-3 (1973) fino alla 

nascita della serie Reference nel 1995, il preamplificatore rappresenta non solo una cifra stilistica 

importantissima della Audio Research ma anche uno dei settori in cui l’azienda americana ha scritto 

le pagine più belle. Alla lista dei riferimenti si aggiunge ora il Reference 6 che sostituisce il Reference 

5 e che, assieme al Reference 10 in due telai, rappresenta la massima espressione nel catalogo della 

casa. “Tutto è cambiato rispetto al Ref.5. No, anzi: i piedini sono gli stessi!” scherza Mike Tsecouras, 

nuovo CEO del gruppo che in anteprima assoluta ha presentato a noi di SUONO l’apparecchio, 

invitandoci ad ascoltarlo in fabbrica (anche questo reportage nel prossimo numero di SUONO… ). 

Joshua Bell nel suo mini-concerto. 

DJ Fhresh durante la sua esibizione 

Nel segno della continuità, invece, i nuovi diffusori Il Cremonese della Sonus Faber, ulteriore omaggio ad Antonio Stradivari nell’anno del trecentesimo 

anniversario dalla realizzazione del violino, conosciuto fino al ’700 come Joachim (dal nome del violinista proprietario dello strumento) e che venne ribattezzato 

“il Cremonese” nel 1961, quando divenne di proprietà della città di Cremona. Da un punto di vista tecnico, invece, il diffusore trae spunto, sia per 

fattore di forma che per soluzioni adottate, dai Lilium, pur facendo tesoro della ricaduta tecnologica degli ultimi top di gamma, a partire da “the Sonus Faber”. 

Vengono infatti utilizzati: il sistema Stealth Reflex System con due condotti d’uscita in posizione ortogonale, uno posteriore per il midwoofer e l’altro sotto 

la base, a pavimento, per i woofer e gli infrawoofer; il sistema Z.V.T. (Zero Vibration Transmission) per disaccoppiare il diffusore dal pavimento, qui implementato 

all’interno delle punte alla base del diffusore; le due lastre in Avional denominate “Dampshell” poste sulla testa e sulla base del diffusore; il sistema 

“Staggered Low Frequencies Emission Technology” che, per la prima volta dopo l’esperienza maturata con “the Sonus Faber”, ottimizza il funzionamento 

degli infrawoofers integrati nel cabinet. Entrambi i prodotti saranno disponibili sul mercato italiano a partire da novembre. 

Paolo Corciulo 

Serie twenty ® . L’audio assoluto. 

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a Cassano d’Adda da: 

Visconti Alta Fedeltà 

Se amate la musica, 

noi, possiamo fare molto per Voi. 

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20062 Cassano d’Adda (MI) 

Tel: +39 0363 361120 

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PREAMPLIFICATORE AUDIO RESEARCH 

REFERENCE 6 

Tutto, veramente tutto è cambiato nel Ref. 6 rispetto al Ref. 5: persino il percorso del cablaggio, il potenziometro del 

volume e il selettore degli ingressi, ora straordinariamente dolce nel suo funzionamento, entrambi sviluppati internamente 

dalla casa americana, così come la logica di controllo e di visualizzazione delle informazioni sul display (“Abbiamo 

dedicato un’infinità di tempo nel cercare di rendere più ergonomiche tutte le operazioni e la loro visualizzazione” ha affermato 

Tsecouras). È cambiato persino il design delle maniglie, ora così ergonomico da far sembrare quelle precedenti frutto 

della preistoria. Il pre linea utilizza inoltre sei valvole 6H30 nello stadio audio più una 6H30 e una 6550WE per la regolazione 

dell’alimentazione. Il design, infine, è il frutto di una mediazione tra la linea Galileo e i modelli più tradizionali. 

Dimensioni: 48 x 19,8 x 41,9 cm (lxaxp) 

Peso: 16,6 kg 

Distributore: Audio Natali 

Viale Alessandro Volta, 14 

51016 Montecatini Terme (PT) 

Tel. 0572-772595 - Fax 0572-913216 

www.audionatali.com 

Tecnologia: a valvole Ingressi: 4 XLR. 4 RCA Uscite: 2 variabili RCA e XLR, 1 record out Risp. in freq. (Hz): 0.5 - 200-000 +0-3 dB THD (%): 0.01 

Sens./imp. line (mV/kOhm): 20/120 bil - 10/60 sbil Livello uscita max (V): 26)-6H30P Impedenza uscita (Ohm): 200 Note: 6 x 6H30P. 

Diffusori Sonus Faber Il Cremonese 

Il nuovo diffusore è un 3.5 vie con cabinet a cinque lati realizzato in legno di noce laccato, vetro 

temperato, pelle e alluminio satinato nero come nel caso di Lilium e Aida. Gli altoparlanti sono stati 

sviluppati espressamente per la casa vicentina: il tweeter Arrow Point DAD (Damped Apex Dome), il 

midrange M18 XTR-04, i woofer W18XTR-12 e i nuovi infra-woofer W22XTR-16. Il filtro “Paracross 

Prezzo: € 38.125 

Dimensioni: 39,8 x 145 x 62 cm (lxaxp) 

Peso: 84 kg 

Distributore: MPI 

Via De Amicis, 10/12 

20010 Cornaredo (MI) 

Tel. 02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36 

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topology” fa largo uso di condensatori in olio Mundorf 

“Evo” e induttori Jantzen argento / oro / olio. 

Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex N. vie: 3,5 Potenza 

(W): 100 - 800 Impedenza (Ohm): 4 Frequenze di crossover (Hz): 

80 - 250 - 2500 Risp. in freq (Hz): 25 - 35.000 Sensibilità (dB): 92 

Altoparlanti: tweeter 28 mm, midrange 180 mm, woofer 2 x 180 

mm, subwoofer 220 mm. 

La struttura interna del nuovo diffusore Il Cremonese. 

I due woofer W18XTR-12 posti 

su una delle pareti laterali. 

Serie twenty ® . L’audio assoluto. 

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vieni ad ascoltarle a Chieti da: 

Un grande successo che va in scena 

da oltre quaranta anni 

Viale Benedetto Croce, 437 

66100 - Chieti Scalo (CH) - Italia 

Tel: +39 0871 562 198 

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SUONO novembre 2015 7

ANTENNA 


Con il DTS Play-Fi 

Gli smartphone sono oltre un miliardo ed entro il 2016 ne saranno attivati 

altri seicento milioni. L’utilizzo più diffuso che se ne fa ci riguarda da vicino: 

è lo streaming di file musicali. Questo ha generato una richiesta di librerie 

musicali digitali sempre più performanti e di un ascolto di qualità che 

sempre più si avvicini al livello del supporto originale. Il dispositivo mobile 

è simbolo di un prodotto facile da gestire e il più piccolo possibile; ecco il 

perché del rilancio dell’ascolto in cuffia come scelta prioritaria, sebbene 

non vada trascurata la possibilità di abbinare questi dispositivi a un sistema domestico Hi-Fi, possibilmente senza introdurre troppe complicazioni 

nei collegamenti, specie se questi vanno effettuati di volta in volta. La modalità elettiva per ottemperare a queste esigenze è quella di una connesione 

wireless: da un lato lo smartphone, dall’altro un diffusore amplificato con ingressi digitali e DAC interno. 

Paradigm, produttore nordamericano di diffusori sia per ascolti stereo che per sistemi mulitcanali AV, ha deciso di confrontarsi su questo terreno 

con la linea Premium Wireless Series, che si affida al DTS Play Fi, lo standard Wi-Fi ad alta risoluzione (formati non compressi 24 bit / 192 kHz e 

WAV, formati compressi senza perdite FLAC e ALAC 2 e quelli con perdite tipo MP3 e AAC) sviluppato da DTS ma compatibile anche con AirPlay. 

I componenti di questo ecosistema sono PW Link (ancora in fase di sviluppo) e PW Amp, rispettivamente un preamplificatore e un amplificatore 

integrato wireless, mentre PW 600 e il PW800 stereo sono sistemi wireless completi con diffusori attivi (entrambi con uscita per subwoofer). 

Tramite l’uso di un microfono, che trasmette i dati al ricevitore in 

modalità wireless, è possibile adattare la risposta dei diffusori in 

base alle caratteristiche acustiche ambientali, sfruttando la tecnologia 

proprietaria Anthem Room Correction (ARC). 

Carlo D’Ottavi 

PREMIUM WIRELESS SERIES 

Amplificatore integrato Paradigm PW AMP 

Dimensioni: 14,60 x 7,90 x 21,90 cm (lxaxp) 

Peso: 1,40 kg 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 

2 x 100 W su 4 Ohm in classe D Atnem Wireless 

in classe D Risp. in freq. (Hz): 20-20.000 +/- 1 dB 

Ingressi analogici: 1 RCA Ingressi digitali: 1 totali 

- Ethernet Note: connettività wireless 2.4 GHz e 5.0 

GHz; 802.11 g/n. Ingresso USB per aggiornamenti 

firmware. Sistema Anthem Room Correction ARC 

con incluso microfono di calibrazione. Finitura nera. 

Distributore: XFaudio 

Via Tiso da Camposampiero, 28 - 35123 Padova (PD) 

Tel. 049 8766571 - Fax 049 2106892 

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Diffusori Paradigm 

Premium Wireless PW 600 

Dimensioni: 16,5 x 25,4 x 14 cm (lxaxp) 

Peso: 3,4 kg 

Tipo: da supporto N. vie: 2 Potenza (W): 200 RMS 

amplificazione interna digitale Anthem Frequenze 

di crossover (Hz): 3.500 Risp. in freq (Hz): 45 - 

20.000 +/- 2 dB Sensibilità (dB): 91 Altoparlanti: 

disegno stereo ibrido a doppio tweeter a cupola 25 

mm raffreddato a ferrofluido e singolo midrange 

13 cm Rifinitura: bianca o nera Note: può essere 

connesso a un altro modello uguale per creare 

un sistema stereo classico. Ricezione wireless per 

segnali fino a 24 bit / 192 kHz. Anthem Room 

Correction. Uscita linea per subwoofer. 

Diffusori Paradigm Premium Wireless PW 800 

Dimensioni: 50,8 x 17,8 x 14 cm (lxaxp) 

Peso: 6.3 kg 

Tipo: vedi note N. vie: 2 Potenza (W): amplificato 

digitale 230 W Frequenze di crossover 

(Hz): 3.500 Risp. in freq (Hz): 45 - 20.000 +/- 2 

dB Sensibilità (dB): 91 Altoparlanti: 2 MdWf 

13 cm, 2 Tw a cupola 25 mm raffreddati a 

ferrofluido Rifinitura: bianca o nera Note: 

sistema stereo wireless, supporta segnale fino 

a 24/192. Ingressi Ethernet, linea RCA e USB 

per aggiornamento firmware. Uscita linea per 

subwoofer. 

SOPRA , RIVELA L’INVISIBILE 

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Via Rodolfo Falvo, 12/14 

80127 Napoli 

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Convertitore Wadia Digital di322 


Peso: 11,4 kg 

Distributore: High Fidelity Italia S.r.l. 

Via Collodi - 20010 Cornaredo (MI) 

Tel. 02-93611024 - Fax 02-93647770 

www.h-fidelity.com 

Frequenza di campionamento (kHz): 

PCM fino a 32/384, DSD fino a 3846 Risp. 

in freq. (Hz): 4 - 20,000 THD (%): 0.002 Ingressi 

digitali: 2 Optical Toslink, 2 S/PDIF 

coassiale, 1 USB “B” Uscite analogiche: 

RCA e XLR S/N (dB): 110 Note: Volume 

regolabile 0 - 4 Vrms, uscita cuffia con 

impedenza da 20 a 600 Ohm. 

ORA ANCHE CON IL DSD 

Il tempo corre veloce in Hi-Fi e i il rischio di obsolescenza (o la necessità 

di evoluzione) dei prodotti è sempre più forte. Uno dei tanti possibili 

case study coinvolge Wadia che, a poco più di un anno dal suo lancio, 

sostituirà il decoder 321 con il 322. Stessa la fascia di prezzo mentre le 

differenze tra le due macchine consistono nella raggiunta compatibilità 

con il formato DXD e nella presenza dell’uscita cuffia. 

Agostino Bistarelli 

Technics: il ritorno del giradischi 

In concomitanza con il cinquantesimo anniversario del marchio (ma anche 

a fronte di una petizione che ha visto il popolo del web unito nel richiederne 

a gran voce il ritorno) Technics torna a produrre un giradischi! Non si tratta 

del ritorno del mitico SL-1200 (dieci versioni dal 1972 al 2007) come molti 

anelavano ma di un giradischi tutto nuovo, ovviamente a trazione diretta: 

non a caso il primo giradischi a trazione diretta ad essere commercializzato 

al mondo, modello SP-10, era proprio della casa giapponese! 

Per ottenere nuove prestazioni in termini di controllo delle vibrazioni generate 

dal motore e della regolazione della velocità di rotazione è stato sviluppato un nuovo motore completamente ridisegnato che prevede 

uno statore coreless che minimizza la variazione di velocità dovuta all’iterazione tra l’angolo di rotazione e l’attrazione magnetica 

tra i due magneti di rotore e statore; i due rotori gemelli utilizzati riducono il 

carico del cuscinetto e minimizzano le fluttuazioni di rotazione, pur mantenendo 

una coppia elevata. Un sistema di controllo, poi, si incarica 

di selezionare il tipo di funzionamento nel momento dello spunto 

iniziale (coppia elevata) o nelle condizioni operative quando occorre 

la massima stabilità della velocità di rotazione. Viene inoltre 

utilizzato un olio ad alta precisione per impregnare i cuscinetti. 

Il prototipo del nuovo giradischi è stato esposto in occasione 

dell’IFA di Berlino 2015 mentre il lancio sul mercato è previsto 

nei primi mesi del 2016. 


DP TRADE 

Corso S. Maurizio, 79 

10124 Torino 

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ANTENNA 


La famiglia Exakt si allarga 

Con la Serie 5 Linn allarga il numero dei sistemi Exakt, la soluzione proprietaria della casa in fatto 

di diffusori attivi con Space Optimisation+ per la correzione acustica in ambiente. Due le nuove 

soluzioni: il Sistema Linn 520 e il Sistema Linn 530. Il 530 utilizza amplificatori con potenza di 

300 W e un sistema di bassi Isobarik, il tutto in un cabinet di soli 30 litri; il 520 dispone della 

stessa amplificazione di potenza Chakra e in un cabinet da 20 litri. Entrambi i sistemi utilizzano 

pannelli superiori in vetro molato in tre diverse finiture selezionabili (grigio, bianco o nero). 

Il nuovo rivestimento in tessuto Linn Fabrik consente di personalizzare il sistema audio con un look moderno ed elegante: le tre nuove cover sono 

state selezionate grazie alle loro proprietà acustiche ed estetiche e sono disponibili in otto diversi colori. Sono frutto di un processo di produzione 

completamente nuovo, che garantisce un fissaggio saldo delle cover sulle casse e ne previene le vibrazioni. Una volta installate le cover sui diffusori, 

grazie alle impostazioni precaricate per tutte le Linn Fabrik è possibile eliminare l’effetto del loro assorbimento basato sulle frequenze, oltre alla 

resistenza acustica che aggiungono agli altoparlanti. Linn, inoltre, ha stretto accordi di partnership con due famosi produttori di tessuti iconici, 

Timorous Beasties e Harris Tweed Hebrides, per creare nuove collezioni di cover per i suoi diffusori, che saranno disponibili dai primi mesi del 2016. 


Per info: www.linn.co.uk/music-systems/series-5 

NEL MONDO DI GRADO 

Nel cospicuo panorama di cuffie Grado la serie Prestige, a 

dispetto del suo nome, rappresenta la serie forse più popolare 

con prezzi che vanno dai 134 euro della più economica 

SR60e ai 462 euro del modello di punta SR325e (nella foto). 

La serie, dunque, comprende una fascia di prezzo piuttosto 

ampia ma ancora abbordabile per molti e che permette di 

entrare in possesso di cuffie già ricche di molti contenuti tecnologici, ben suonanti e ben costruite, secondo 

una tradizione tipica proprio del costruttore di Brooklyn. La serie Prestige è ora giunta alla sua terza 

versione con cinque modelli in catalogo che hanno subìto una radicale rivisitazione e un aggiornamento 

tecnico un po’ in tutti i loro aspetti. Mantenendo il concetto di cuffie aperte posteriormente, soluzione 

ritenuta musicalmente superiore, le principali innovazioni riguardano le membrane degli altoparlanti, con 

l’impiego di materiali che dovrebbero meglio smorzare le distorsioni introdotte dalle risonanze generate 

nei transienti dal corpo del padiglione auricolare in plastica. Un diverso polimero delle membrane è stato 

adottato su tutti i modelli della serie a partire dal modello base SR60e. L’SR80e si distingue dal modello 

inferiore per l’adozione di un cavo in rame OFC a quattro, invece di due, conduttori, con spinotto placcato 

oro. Conduttori che diventano otto nei modelli superiori, SR125e, SR225e e SR3325e con le bobine dei driver 

in filo di rame ad alta purezza, a cristalli allungati e orientati, UHPLC. I due modelli superiori aggiungono 

connettori rodiati al posto della placcatura in oro, corpo dei padiglioni in alluminio verniciato a polvere e 

cuscinetti in spugna ad anello con archetto rivestito in vera pelle per un miglior comfort e aspetto estetico. 


Distributore: Audioclub - www.audioclub.it 

Analisi degli spazi 

Sonos lancia Trueplay, il nuovo software 

dedicato alla calibrazione dei sistemi di 

diffusione della casa. Grazie all’app, al microfono 

del proprio iPhone o iPad e a uno 

speciale impulso sonoro emesso da alcuni 

sistemi Sonos (inizialmente PLAY:1, PLAY:3 

e PLAY:5, poi anche gli altri), il sistema può 

analizzare il modo in cui il suono si riflette su 

pareti, arredamento, finestre e altre superfici 

in un dato ambiente, regolando l’emissione 

sonora per fornire la migliore resa sonora. 


ELYSIUM 

Vicolo dell’Assunta, 5 

21052 Busto Arsizio (VA) 

T. 0331 635680 

www.elysiumsrl.it 

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PRE ALLO STATO DELL’ARTE 

Unità di controllo e di amplificazione separate (elettricamente 

e meccanicamente) per il nuovo preamplificatore 

C1100 di McIntosh, dotato di ingressi, secondo la casa, 

“con il più basso livello di rumore mai ottenuto in un pre 

McIntosh”. Rispetto al predecessore (C1000) vengono utilizzate quattro 

valvole in più per un totale di dodici e i circuiti presentano una reiezione maggiore, in 

modo da minimizzare i disturbi generati dai cavi di connessione. Nessuna concezione alle nuove forme di 

consumo sonoro, demandate ad altri due nuovi Pre (C52 e C47), che offrono a bordo il collegamento USB. 


Preamplificatore McIntosh C1100 


Peso: 23,6 kg 


Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI) 

Tel. 02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36 


Tecnologia: a valvole Ingressi: 6 XLR, 4 RCA, 2 fono Uscite: 2 variabili RCA e XLR THD (%): 0.005 S/N (dB): 107 Note: In due telai con unità di controllo e 

unità di preamplficazione con 6 valvole 12AX7a e 6 12AT7, uscita cuffia, fono MM e MC. Dimensioni e peso complessivi. 

Di uno… ce n’erano quattro! 

Non era ancora tempo delle videocamere né dei video - che in campo musicale sarebbero diventati nel 

tempo estremamente raffinati tanto da definire il modo in cui vediamo la musica - ma tra i tanti meriti dei 

Beatles c’è anche quello di aver sostanzialmente aperto la strada a quelli che vennero definiti “mini movies” 

che i quattro scarafaggi interpretarono con spirito innovativo. A partire dal 6 novembre i filmati che accompagnano 

i 27 singoli dei Beatles che hanno raggiunto la vetta della classifica UK e USA saranno disponibili in 

una edizione completamente restaurata digitalmente in 4k mentre i nuovi mix stereo e 5.1 (Dolby Digital e 

un DTS HD surround) sono stati realizzati partendo dagli originali master analogici dal team di Giles Martin 

(già vincitore di un GRAMMY® Award) insieme a Sam Okell presso gli Abbey Road Studios di Londra. Per quattro di questi video sono presenti un 

commento audio di Paul McCartney e un filmato introduttivo di Ringo Starr realizzati per l’occasione. Un team tecnico di 18 persone ha effettuato 

una pulizia fotogramma per fotogramma, intervenendo con il riequilibrio della gradazione di colore e un’opera di editing che ha avuto bisogno di 

mesi di lavoro ininterrotto. 1 è disponibile in versione CD + DVD e CD + Blu-Ray dove i video restaurati sono abbinati a ognuno dei brani del CD; è 

inoltre disponibile il nuovissimo 1+ che celebra la carriera dei Beatles in più di 200 minuti attraverso 50 filmati e video: i ventisette numero 1 vengono 

infatti affiancati da 23 ulteriori video in un disco aggiuntivo che includono versioni alternative, riprese rare e altri materiali appositamente restaurati. 


Qui il trailer: http://bit.ly/1OsERby 


GAROSI HI-FI 

Via Broletto, 7 

46100 Mantova 

T. 0376 328604 

www.garosihifi.it 

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ANTENNA 


ProAc, le “piccoline” 

A venti anni di distanza dagli Studio 100 Stewart Tyler, progettista e proprietario della casa inglese, presenta 

una versione riveduta e corretta di questi piccoli mini diffusori di grande successo, gli Studio SM 100. Viene 

utilizzato un woofer con nuova sospensione in gomma, un nuovo copri-polvere e un tweeter sviluppato in 

collaborazione con SEAS con cupola in seta, flangia frontale e sospensione cilindrica. Rivisitato anche il 

crossover con nuovi componenti montati su una scheda dedicata multi strato con cablaggi in rame privo di 

ossigeno, mentre la vaschetta ha i morsetti in split utilizzabili in bi-wiring e in bi-amplificazione. 

Diffusori ProAc Studio SM 100 

Prezzo: € 3.320,00 

Dimensioni: 203 x 406 x 254 cm (lxaxp) 

Peso: 12 kg 

Distributore: Audio Reference S.r.l. 

Via Giuseppe Abamonti, 4 - 20129 Milano (MI) 

Tel. 02.29.404.989 - Fax 02.29.404.311 

www.audioreference.it 

Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza (W): da 30 a 150 Impedenza (Ohm): 

8 Risp. in freq (Hz): 35 - 30-000 Sensibilità (dB): 88 Altoparlanti: 1 tw con cupola in seta da 25 

mm; 1 wf ProAc da 6 pollici con cono trattato Rifinitura: Ciliegio, mogano, acero, frassino nero, bianco 

Griglia: in crimplene. 

UN DUE, UN DUE… 

È oramai un dato di fatto che il mercato delle cuffie e degli auricolari sia in costante espansione: nel solo 2014 si stima che le vendite siano cresciute del 

10% rispetto all’anno precedente e abbiano fruttato al settore ricavi per oltre otto miliardi di dollari. Il 61% di questo volume di affari è mosso 

dalle cuffie in-ear, che stanno conoscendo una nuova giovinezza grazie alla possibilità di dialogare con gli smartphone. Questo 

sposalizio tra cuffie e mobile device è stato soprattutto incentivato da app sempre più sofisticate, come Runtastic, RunKeeper 

o Endomondo, utilizzate per monitorare le attività sportive; non è un caso, perciò, che secondo alcune previsioni il segmento 

delle cuffie dedicate al fitness dominerà l’8% del mercato entro il 2018. Galoppa a piè sospinto in questa direzione anche 

Jabra, storico brand specializzato nell’audio in movimento ad uso professionale. Basta aprire il sito del produttore danese per 

rendersene conto: in primo piano un uomo e due donne in abbigliamento sportivo che indossano rispettivamente cuffie 

per il cross-training (Jabra Sport Coach), la corsa (Jabra Sport Pulse) e il fitness (Jabra Sport Pace). Ad incuriosirci, in particolar 

modo, sono state le prime, le Sport Coach. Questi auricolari in-ear wireless dal costo di 150 euro, che i primi feedback dicono 

essere molto efficienti in quanto a stabilità e isolamento dai rumori esterni, sono progettati per lavorare parallelamente a un 

vero e proprio Coach digitale, contenuto nell’applicazione Jabra Sport Life (gratuita e disponibile per iOS e Android). Grazie a 

un sensore di movimento nascosto negli auricolari, il TrackFit, il personal trainer dell’applicazione può guidare con specifiche 

indicazioni vocali la propria attività fisica, registrando ogni movimento e oscillazione, consultabili in seguito nella propria scheda. 

Sebbene il Coach della Jabra non parli ancora italiano e la app, in base alle prime valutazioni, non sfrutti appieno le potenzialità e la 

sensibilità del sensore, le Sport Coach offrono un’idea chiara di quello che sarà il futuro dell’ascolto in movimento: senza fili, interconnesso, 

intelligente. E la musica? C’è anche quella, in sottofondo, scelta dalla library del proprio dispositivo o in streaming da app terze. 

Francesco Bonerba 


HI-FI DI PRINZIO 

Viale Benedetto Croce, 437 

66100 Chieti Scalo (CH) 

T. 0871 562198 www.focal.com 




SOUNDSMITH CON 

AUDIOREFERENCE 

QUATTRO! 

La distribuzione italiana di Soundsmith è passata 

ad Audioreference. L’azienda americana nata negli 

anni Ottanta del secolo scorso principalmente come 

importatrice di alcuni prestigiosi marchi Hi-Fi ha 

poi cominciato a sviluppare in proprio alcuni apparecchi, in particolare nel campo analogico. Il titolare 

e progettista Peter Ledermann si è impegnato soprattutto nello sviluppo di fonorilevatori ferro mobile, 

contraddistinte da una resa veloce, agile ed elevata musicalità. 

Nei sistemi ferro mobile (MI), sviluppati in proprio, il sistema cantilever / puntina / bobine è molto più piccolo 

rispetto a quello di un tradizionale sistema a bobina mobile. Nel sistema MI questo si traduce in una riduzione 

di inerzie nel movimento del cantilever, quinidi in una lettura più pronta e veloce del disco. La riduzione 

delle masse in gioco si traduce anche in uno spostamento delle risonanze a livelli molto più elevati ma 

d’intensità assai più ridotta, aiutando così la puntina a seguire più facilmente i solchi senza i rischi di perdere 

il contatto, provocando così distorsioni o, peggio, salti di traccia, anche nei solchi più complicati e ad alto 

contenuto dinamico. Altro vantaggio sta nella superiore robustezza del sistema sospensivo sollecitato in 

maniera meno violenta che nel caso delle MC. Soundsmith è talmente convinta della superiorità di questa 

tecnologia MI rispetto a quella MC grazie anche al fatto di averla sviluppata ormai da oltre trent’anni, cosa 

che risulterebbe piuttosto complicata e onerosa per ogni nuovo costruttore che volesse impegnarsi in 

questa tipologia rispetto ai molto più diffusi fonorilevatori a bobina o magneto mobile. 


CURIOSITÀ 

Grimm Audio ha sviluppato una versione speciale 

del suo monitor di riferimento del sistema LS1 per lo 

studio del Concertgebouw di Amsterdam. Per insierire 

un set surround nella sala controlllo dello Studio, 

un ambiente di dimensioni relativamente piccole, è 

stato necessario ridurre l’altezza degli stand integrati, 

sebbene il fattore di forma del diffusore ne consenta 

il collocamento vicino alla parete. Gli LS1 verranno 

utilizzati per la produzione di dischi e Blu-Ray e per 

la realizzazione di trasmissioni radio e TV in diretta. 


Per saperne di più: www.grimmaudio.com 

Top Gun 

“Il diffusore digitale più completo e potente mai progettato per uso domestico”: una definizione, 

quella della danese B&O, abbastanza impegnativa per definire il BeoLab 90, diffusore attivo nato 

per festeggiare i 90 anni di vita dell’azienda. Si tratta di un mix di design e acustica di alto livello 

che vede il punto di massima espressione tecnologica nel sistema Active Room Compensation, sviluppato da Bang & Olufsen con l’obiettivo di minimizzare 

l’influenza dei parametri acustici dell’ambiente d’ascolto e del posizionamento del diffusore sull’ascolto tramite DSP. Il diffusore dispone 

dell’esclusivo Beam Width Control e del Beam Direction Control, che agiscono sui numerosi driver (14 Scan-Speak destinati alla riproduzione della 

parte alta e media delle frequenze e orientati in varie direzioni) regolando l’ampiezza complessiva dell’emissione regolandone la direzione verso 

il punto di ascolto. Ben diciotto le linee di amplificazione affidate a moduli ICEpower differenziati per tweeter, midrange e woofer… Il diffusore, 

inoltre, dispone di una sezione di conversione digitale con ingresso USB a 24/192 e di collegamento wireless tra i due diffusori. II CEO di Bang & 

Olufsen Tue Mantoni ha già assicurato che la ricaduta tecnologica di questa ammiraglia (il diffusore è realizzato sulla base di un complesso cabinet 

in alluminio di più di 65 chili) sarà ampia anche sui modelli più abbordabili. BeoLab 90 sarà disponibile a partire dal 17 novembre, data del novantesimo 

anniversario di Bang & Olufsen, al prezzo di vendita di 34.995 euro. 


Per info: www.bang-olufsen.com. 


HI-FI CLUB (UNIAUDIO SRL) 

Viale Bacchiglione, 26 

20139 Milano 

T. 02 5692800 

www.focal.com 



ANTENNA 


WHAT’S NEXT? 

Se i servizi di streaming musicale come 

Deezer, Spotify o Tidal non vi fanno impazzire 

e dalla vostra postazione desktop 

preferite ascoltare musica su YouTube, 

gratis e senza pretese di qualità, è nata 

da poco tempo un’applicazione per Google 

Chrome a suo modo rivoluzionaria: 

si chiama UpNext Music Player (prima 

conosciuta con il nome di SoundCloudify) 

e l’ha creata un giovane vietnamita di nome Anh Trinh. Si tratta di un music player integrato alla barra 

degli strumenti del popolare browser che “pesca” musica da SoundCloud e YouTube permettendone 

la riproduzione in contemporanea con la navigazione su web. Il plugin consente di creare o importare 

proprie playlist e mette a disposizione delle chart divise per generi musicali (generate probabilmente 

da una media tra il numero di ascolti e il numero di like dei brani su SoundCloud). Nonostante la sua 

giovane “età”, a un primo utilizzo UpNext ci è parso funzionale, intuitivo, graficamente essenziale 

e privo di pubblicità; andrebbero perfezionate solo le playlist, esigue di numero e con brani poco 

conosciuti, e la riproduzione automatica, che anziché pescare musiche nuove sposta l’utente verso 

quelle già ascoltate. Un’estensione che promette di ritagliarsi una sua (ampia) fetta di pubblico e, 

chissà, magari anche di incrinare il dominio dei giganti dello streaming player sopracitati (sempre 

che non decidano di acquistarla prima!). 

Francesco Bonerba 

Starck in cuffia 


A scomparsa 

Trecento millimetri quadrati di superficie e 

cento di profondità (in altre parole: molto piccolo!) 

per il Meridian DSP320, un diffusore 

da incasso attivo che all’interno di questi ingombri 

contiene tutta l’elettronica del sistema, 

compresi i convertitori audio digitali e due 

stadi di amplificazione da 80W per il sistema 

a due vie. Un DSP installato a bordo consente, 

tramite un interruttore sul pannello anteriore, 

di combinare insieme i canali sinistro + destro, 

eliminando effetti di cancellazione e minimizzando 

la distorsione armonica. Sono presenti 

una protezione termica e dinamica in modo da 

poter utilizzare il sistema anche a livelli elevati 

senza possibili conseguenze. 


Distributore: Pixel Engineering 

www.pixelengineering.it 

Zik 3 è la versione di ultima generazione delle cuffie per audio e telefonia disegnate da Philippe 

Starck. Nuove colorazioni, design migliorato e compatibilità Bluetooth e NFC sono le principali 

caratteristiche del nuovo modello, che dispone di un pannello touch situato sull’intera superficie 

del padiglione destro dal quale si accede alle funzioni di base della cuffia in modo intuitivo. Il 

volume si controlla muovendo il dito verticalmente; muovendo il dito orizzontalmente è invece 

possibile cambiare brano, mentre un semplice tocco ferma la musica. Inoltre la Zik 3 rileva 

quando la cuffia viene posizionata intorno al collo e mette in pausa la musica, che riprende poi 

quando le si indossa nuovamente. Viene utilizzato un sistema di controllo adattivo del rumore 

che può essere gestito manualmente attraverso l’applicazione dedicata oppure in maniera automatica in base al rumore esterno. Un algoritmo 

brevettato da Parrot compensa l’isolamento dato dagli auricolari re-immettendo parte del rumore esterno. Durante una telefonata questa modalità 

permette di avere una percezione naturale della propria voce eliminando la sensazione di isolamento. Un’app dedicata permette di adattare 

le cuffie in base ai gusti musicali mentre l’effetto Concert Hall ricrea l’acustica di differenti ambientazioni. È possibile infine accedere ai preset 

audio degli artisti e ascoltare la loro musica nel modo in cui essi vorrebbero venisse ascoltata. Info su www.parrot.com/it. 


VIDEON HI-FI 

Via Armenia, 6/R 

16129 Genova 

T. 010 363607 www.focal.com 



ERRATA CORRIGE 

Le immagini sono belle quando 

i fotografi sono bravi… 

Per una nostra disattenzione nell’articolo su Peter Hammil apparso 

nello scorso numero (SUONO 500), alle pagine 52 – 55 

sono saltati i crediti dei fotografi che gentilmente forniscono il 

materiale fotografico; materiale che ci consente di realizzare articoli 

piacevoli da scorrere e di grande valore collezionistico, vista la qualità 

e l’unicità di alcune delle foto pubblicate. 

Ci scusiamo con i fotografi che con professionalità e grande abilità 

contribuiscono alla qualità generale di questa rivista. 

La redazione 

1 

1) Antonio De Sarno 

2) Francesco Pullè 

3) Luca Fiaccavento 

4) Fabio D’Emilio 

5) Francesco Desmaele 

2 

3 

4 

5 


INSIDE DENTRO LA MUSICA 

di Francesco Bonerba 

La rivoluzione 

non dorme mai 

“Cosa le servo signora?” “Vorrei un paio di etti di file in alta risoluzione, 

un chilo di CD freschi – quelli buoni però, con la confezione in plastica – 

e mezzo chilo di vinili stagionati. E prendo anche una bottiglia di succo 

di streaming”. 

Se fare la spesa di musica fosse così facile, a riassumere l’andamento 

del mercato basterebbe probabilmente una sola cifra, 

segnata al massimo da un più o un meno, come quella che 

indica l’onnipresente valore del PIL italiano. La rivoluzione digitale, 

invece, ha rimescolato le carte in gioco e aperto la partita per la conquista 

del panorama musicale a nuovi attanti, convinti di avere in mano 

le carte vincenti, definendo così uno scenario ricco di nuove incognite. 

Quanta musica ascoltiamo? Ne consumiamo più o meno 

che in passato? In quale modo? E perché? Per cercare di comprendere 

cosa stia accadendo al consumo di musica, al fine di meglio 

definire il contesto entro cui si muove a sua volta l’industria dell’Hi-Fi, 

abbiamo analizzato per voi i dati emersi da diverse ricerche di settore 

condotte principalmente da Nielsen, IFPI (International Federation 

of the Phonographic Industry), RIIA (Recording Industry Association 

of America) e MIDiA. 

La buona notizia è che, secondo 

gli studi condotti dall’IFPI, 

nel 2014 le revenue globali 

dell’industria discografica 

sono cresciute del 6,9%, toccando 

quota 6,85 miliardi di dollari. La brutta è che i ricavi complessivi 

del settore musicale si sono ridotti di uno 0,4%, scendendo a 14,97 

miliardi. La colpa di questo lieve decremento viene imputata a un calo 

delle vendite di musica su formati fisici (-8,1%) e dei download (-8%), 

mentre lo stato di attivo del settore sembra essere in gran parte dovuto 

al compartimento digitale, le cui entrate hanno raggiunto il 46% dei 

ricavi totali, pareggiando quelle delle vendite in formato fisico (l’8% 

restante è stato prodotto, invece, dai diritti di riproduzione – entrate 

derivanti dall’uso della musica registrata – e sincronizzazione – entrate 

derivanti dell’uso della musica in spot, film, videogiochi e televisione). 


IDENTIKIT DEL CONSUMO MUSICALE 

Le revenue del digitale hanno conosciuto nel solo 2014 una crescita 

del 39% rispetto all’anno precedente, producendo 1,55 miliardi di 

dollari complessivi, di cui un 23% derivante da 41 milioni di abbonati 

ai servizi musicali (ben 33 in più rispetto al 2010). Se a questo 23% 

si aggiungono i ricavi prodotti dallo streaming free, supportato dalla 

pubblicità, si raggiunge quota 32%, +27% rispetto al 2013. Non male 

ma ancora poco rispetto al 52% di incassi prodotti dai download di 

file digitali, che nel 2014 hanno comunque conosciuto un calo dell’8%. 

Inoltre, nel documento 2015 Mid-Year Revenue Data, la RIAA mostra 

come la sottoscrizione a pagamento ai servizi di streaming abbia 

subito una battuta di arresto: se nel 2014 aveva “prodotto” 7,9 milioni 

di sottoscrittori nei primi sei mesi dell’anno (+43% rispetto al 2013), 

nel 2015 la cifra si è stabilizzata a 8,1 milioni (+2,5%). Ciò che invece 

è aumentato significativamente è stata 

la media di quanto ogni utente spende 

per i servizi, salita dai 97 $ del 2014 ai 

118 $ del 2015; in parole povere, ci sono 

meno abbonati che spendono di più. 

Nonostante l’avanzata del digitale, tuttavia, 

occorre precisare che i profitti 

prodotti dalle vendite su supporti fisici 

differiscono profondamente, a seconda 

dei Paesi, da quel 46% precedentemente visto, rivelandosi ancora 

più che consistenti in molte nazioni come Francia (57%), Sud Africa 

(62%), Austria (65%), Polonia (71%), Germania (70%) e Giappone 

(78%). La musica liquida incalza i supporti tradizionali, insomma, 

ma il sorpasso vero e proprio non è ancora avvenuto. 

I mercati di riferimento 

La scena americana, recentemente analizzata da Nielsen nei documenti 

Music 360 Report (studio condotto tra luglio e agosto 2015 su un campione 

indicativo di 3.305 persone) e The Total Audience Report, è particolarmente 

utile a farsi un quadro più chiaro non solo degli utili prodotti 

dal settore ma anche di come gli utenti fruiscano realmente la musica. 

Il dato più eclatante è quello secondo cui il 91% della popolazione 

americana ascolta musica, dedicando ad essa più di 24 ore alla settimana. 

Questo risultato assume particolare rilievo all’interno del consumo 

medio che gli americani fanno dei media: il 93% degli adulti ascolta la 

radio in una media di 5 giorni a settimana per circa 12 ore complessive 

mentre l’87% delle persone viene raggiunto in 6 giorni per ben 36 ore 

dalla televisione; seguono smartphone (70% – 6 giorni – 7 ore), PC (54% 

L’industria della musica sta affrontando contemporaneamente 

tre transizioni: dal fisico 

al digitale, dal PC al mobile e dal download 

allo streaming. 

Edgar Berger, 

CEO Sony Music Entertainment 

Identikit USA 

Gli americani amano ascoltare la musica. Ciò che sta cambiando è il modo nel quale si 

accede e interagisce con essa (Nielsen Report) 

– 4 giorni – 5 ore) e tablet (35% – 5 giorni – 3 ore). Radio e TV, dunque, 

dettano ancora legge vantando rispettivamente la maggiore infiltrazione 

e il maggior tempo di fruizione settimanale. In particolare, si potrebbe 

dire che la metà delle 24 ore medie spese dagli americani ad ascoltare 

musica vengano trascorse in collegamento a un’emittente radiofonica, 

mentre le restanti 12 sarebbero da ripartire tra TV, dispositivi multimediali 

ed eventi live. L’egemonia della radio negli USA è confermata anche 

dal dato che la vede come la prima fonte attraverso cui gli ascoltatori 

entrano in contatto con musica nuova, versione confermata dal 61% 

degli intervistati (+7% rispetto al 2014); una percentuale notevole se 

messa a confronto con le altre più frequenti modalità di scoperta musicale: 

attraverso amici e parenti (45%), 

film e colonne sonore (31%), online o su 

app (25%), in TV (23%). Al fianco del 

centenario mezzo di comunicazione ad 

onde coabitano pacificamente i nuovi 

dispositivi che, pur guadagnando sempre 

più terreno, non sembrano configurarsi 

come delle alternative destinate 

a rimpiazzare i media tradizionali; nel 

corso di una settimana, secondo Nielsen, il 75% degli americani 

ascolta musica online (+12% rispetto allo scorso anno) mentre il 44% 

la riproduce su smartphone (+7% rispetto al 2014). Da qui si spiega il 

fatto che nella prima metà del 2015 siano state riprodotte in streaming 

circa 135 miliardi di tracce (+90% rispetto allo stesso periodo del 2014). 

Negli USA, dunque, di musica se ne fruisce, e tanta, attraverso media 

differenti che sembrano accontentare le necessità di una platea molto 

eterogenea. 

Quali sono, ci si potrebbe domandare a questo punto, gli ambiti nei 

quali questo enorme interesse verso le sette note viene capitalizzato? 

L’indagine suddivide il business musicale in nove compartimenti, 

stabilendo per ognuno di loro la percentuale (approssimata) di utenti 

che hanno scelto di investire in essi: concerti live (32%), supporti 

fisici (13%), servizi radio via satellite (11%), brani digitali (11%), festival 

musicali (10%), servizi di streaming online (7%), card regalo 

(7%), eventi musicali di piccole dimensioni (5%), eventi di dj (5%). 

Questo sintetico prospetto può essere ulteriormente ripartito in tre 

macro-aree: quella dell’esperienza live (52%), quella del possesso 

di un supporto, sia esso fisico o virtuale (31%) e quella dei servizi 


INSIDE 

Comportamento d’acquisto 

streaming, ancora minoritario a dispetto delle enormi potenzialità 

(18%). Questi tre indicatori variano sensibilmente a seconda delle 

fasce d’età: tra i teenager (13 – 17 anni) diventano 48% – 46% – 9%, 

mentre tra i millennials (come vengono definiti i nati a cavallo del 

nuovo millennio, di età inclusa tra i 18 e i 34 anni) sono 64% – 24% 

– 14%. In entrambi i casi risulta inequivocabile il fatto che in media 

oltre 8 consumatori su 10 preferiscano spendere in musica 

“concreta” (un evento o supporti riproducibili) anziché in servizi. 

Per quello che concerne invece la Gran Bretagna, storico e avido produttore 

e consumatore di musica, da uno studio pubblicato dall’istituto 

statistico MIDiA relativo all’anno 2013 emerge un profilo molto preciso 

dei consumi: il 70% degli inglesi afferma di ascoltare assiduamente 

la radio, il 38% guarda video musicali, il 35% compra CD, il 

32% guarda show musicali, il 22% canali di intrattenimento musicale, 

il 17% ascolta musica in streaming gratis, il 16% va a spettacoli live, 

il 14% compra online album o tracce 

singole, l’8% condivide musica online 

o usa servizi cloud, il 6% condivide 

musica offline e il 4% paga per un abbonamento 

online. Le statistiche aggiornate 

al 2014 sul sito della British 

Phonografic Industry (www.bpi.co.uk) su dati della Official Charts 

Company rivelano che tra giugno 2012 e giugno 2013 c’è stato un raddoppiamento 

del volume di streaming musicali, da 3,7 a 7,4 miliardi. 

Il trend è stato confermato anche nel 2014 (14,8 miliardi) e pare verrà 

ribadito nel 2015, dove nel primo semestre è già stato registrato un totale 

di 11,5 miliardi di streaming. A questo vertiginoso aumento dell’80% 

annuo circa corrisponde un decremento delle vendite: sempre la Official 

Charts Company, infatti, fornisce i dati di vendita del primo semestre 

2015 comparati a quelli del semestre dell’anno precedente, da cui si 

evince che si sono venduti meno CD (-5,7%) e meno tracce (-6,6%) e 

album (-12,3%) digitali. A questo progressivo calo dei supporti fisici è 

corrisposto un aumento delle sottoscrizioni a servizi digitali: se nel 2012 

i ricavi degli abbonamenti streaming erano equivalenti a 77 milioni di 

sterline, nel 2013 hanno raggiunto quota 103 milioni (+33,7%), toccando 

i 175 milioni nel 2014 (+65,1%). Questo aumento considerevole 

non è tuttavia servito ad arrestare l’inflessione negativa del mercato, 

che è passato da ricavi per 1,048 miliardi di sterline nel 2012 a 1,043 

miliardi nel 2013 (-0,5%) e a 1,030 nel 2014 (-1,6%). 

Tutte le facce dello streaming 

All’interno di questo sfaccettato panorama, lo streaming a pagamento 

viene sempre più investito della responsabilità di riportare 

ordine nel mercato, aumentando i profitti delle etichette e degli 

Dieci anni dopo il lancio dell’iTunes Store, 

la vendita dei CD copre ancora il doppio del 

volume di vendite del digitale. 

MIDiA Report 

autori e compensando l’emorragia provocata dal download illegale 

e dalla progressiva scomparsa dei supporti fisici. Lo confermano le 

parole di Edgar Berger, presidente internazionale e CEO di Sony 

Music Entertainment: “Credo che il nostro settore stia sostenendo 

bene questa fase: con il modello dell’abbonamento a pagamento 

stiamo costruendo un business destinato a durare”. Ugualmente 

ottimistica risulta la prospettiva che emerge dal documento Digital 

Musical Report 2015 curato dall’IFPI, secondo il quale nel settore 

dello streaming “Il potenziale di crescita per la categoria a pagamento 

è ancora tutto da sfruttare”, complici le previsioni di crescita 

della penetrazione globale degli smartphone (2,73 miliardi entro il 

2018, ovvero una copertura del 36,5% della popolazione mondiale) e 

il fatto che nei 13 mercati esaminati solo il 16% dei consumatori abbia 

già adoperato un modello a pagamento. 

Inoltre, si legge nel documento, da 

questa espansione deriveranno anche 

vantaggi per gli artisti, che “Vengono 

remunerati sulla base di un periodo 

continuo e ricevono una somma 

determinata dall’accumulo di pagamenti derivati dagli stream, 

[…] una rendita assicurata nel tempo, destinata a crescere con 

l’aumento della base di consumatori delle stesse piattaforme”. Che 

le formule “freemium” (versione gratuita di un servizio a pagamento 

con maggiori funzionalità) e premium proposte dalle sempre più 

numerose e potenti piattaforme di streaming come Spotify, Deezer 

e Tidal siano destinate a durare, ad aumentare i profitti complessivi 

del mercato e quelli degli artisti, è un dato ancora da verificare; per il 

momento, l’unico elemento certo è che essi hanno contribuito positivamente 

ad arginare il fenomeno della pirateria musicale. Fenomeno 

che, secondo più pareri, ha avuto e sta avendo effetti disastrosi sul 

settore. L’IFPI stima che il 20% degli utenti che accedono a internet 

tramite rete fissa usufruisca con regolarità di servizi che infrangono 

il copyright musicale. Una percentuale simile viene fornita da un 

sondaggio dell’IPO (Intellectual Property Office) condotto tra marzo 

e maggio 2015 e pubblicato nel luglio successivo, secondo cui dei 

15,6 milioni di utenti inglesi che accedono alla musica online il 26% 

ha fruito contenuti illegali. È soprattutto la RIAA a quantificare, 

sul proprio sito ufficiale, i drammatici risultati della pirateria, “12,5 

miliardi di dollari per l’economia USA, 70.000 lavori persi e due 

miliardi di paghe in fumo”. Senza entrare nel merito di queste cifre, 

ci sono almeno quattro considerazioni che circoscriverebbero la 

pirateria entro una dimensione meno allarmistica: 


IDENTIKIT DEL CONSUMO MUSICALE 

1) Il dato di fatto che i consumi musicali, nonostante una crisi che va 

avanti da anni, nel 2014 abbiano registrato una situazione complessivamente 

in attivo; 

2) La constatazione che, come evidenziato in un documento della commissione 

europea del 2013, intitolato Digital Music Consumption on 

the Internet: Evidence from Clickstream Data e realizzato a seguito di 

un’analisi su 16.000 consumatori europei, “La maggioranza della musica 

consumata illegalmente non sarebbe stata comunque acquistata 

legalmente se i siti pirata non fossero stati disponibili”; 

3) L’osservazione, espressa da Joe Karaganis, autore di una ricerca condotta 

dall’ American Assembly (istituto di politica della Columbia University 

fondato da Eisenhower) e condensata in un documento intitolato 

Copy Culture in the US and Germany, che “I pirati più incalliti sono 

anche coloro che spendono di più in musica registrata”; 

4) L’evidenza che la pirateria abbia semplicemente riempito il vuoto 

creato dalla mancanza momentanea di un valido sostituto. Come afferma 

infatti Olav Torvund, ex professore di diritto all’università di Oslo, “Se le 

persone hanno la possibilità di usufruire di una buona offerta legale, che 

non costa molto ed è facile da usare, la useranno perché a quel punto 

è meno interessante scaricare illegalmente”. 

A tal proposito, sono sempre gli autori dello studio Copy Culture in the 

US and Germany ad aver registrato una diminuzione del download 

illegale in concomitanza alla possibilità di utilizzare servizi legali di streaming; 

del 30% di americani che ha copiato o scaricato gratuitamente file 

musicali, sostengono, il 46% ha indicato di farlo meno grazie alla nascita 

di nuovi servizi come Spotify. Molto più dei sistemi coercitivi di “website 

blocking” proposti dall’IFPI – nella realtà dei fatti incapaci di arginare la 

pirateria, che troverà comunque un sistema per aggirare l’ostacolo – lo 

streaming legale diviene una concreta e perseguibile alternativa al download 

illegale. Ne è una lampante dimostrazione il “modello norvegese”. 

In Norvegia il 75% degli introiti del mercato musicale provengono dai 

servizi di streaming come Spotify e Tidal/WiMP, che stanno soppiantando 

le vendite di musica fisica (-42% nell’ultimo anno) e digitale (-15%); 

è senza dubbio un effetto di questa incredibile percentuale il fatto che, 

come riscontrato da un’indagine condotta a dicembre 2014, solo il 4% dei 

norvegesi under 30 usi piattaforme di file sharing illegale per ascoltare 

musica (nel 2009 la percentuale era del 70%) e solo meno dell’1% ha 

questa come sua unica fonte di “approvvigionamento”. 

Verrebbe dunque da chiedersi perché, se il modello dell’abbonamento 

a servizi streaming è così performante, la sua crescita (a pagamento) sia 

ancora molto lenta nella stragrande maggioranza dei paesi. La risposta 

risiede probabilmente nel fatto che questi servizi abbiano ancora delle 

lacune strutturali, più evidenti in alcuni mercati, meno in altri. Nel panorama 

USA, ad esempio, dove il consumatore medio è probabilmente 

meno abituato a spendere di quello scandinavo, interrogati sul perché 

non sottoscrivono abbonamenti gli americani hanno risposto: è troppo 

costoso (46%), posso ascoltare musica streaming gratis (42%), non 

userei abbastanza il servizio (38%) (dati Nielsen). Il 78%, inoltre, ha 

affermato di non essere intenzionato ad abbonarsi a un servizio nei successivi 

sei mesi. “Molti utenti” si legge in un’analisi su musicindustryblog. 

wordpress.com elaborata su dati MEDiA, “non sono interessanti nell’avere 

a disposizione tutta la musica del mondo e a spendere 9,99 $ per un 

mese di musica. Mentre i super fan musicali sono felici di pagare per la 

possibilità di avere qualsiasi cosa, chi ascolta musica mainstream non 

lo è affatto. […] Così ora l’industria musicale è costretta a confrontarsi 

con consumatori che non hanno mai sottoscritto un abbonamento e 

non intendono farlo”. Il motivo è di questo diniego ha almeno due cause: 

troppa scelta e mancanza di filtri / suggerimenti adeguati. Da uno studio 

statistico risulta, infatti, che su un catalogo complessivo offerto dai servizi 

di streaming di circa 25 milioni di titoli, solo il 5% viene realmente 

frequentato dagli utenti, e di questo l’1% è costituito dal catalogo delle 

superstar campioni di incassi. 

Si tratta della “Tirannia della scelta”, ovvero quando l’eccesso di 

scelta si traduce nella mancanza di scelta. Google ha costruito un impero 

multimiliardario proprio partendo dall’esigenza degli utenti di trovare 

un’informazione precisa nel dispersivo mare magnum del web; allo stesso 

modo, adesso c’è la reale necessità di un sistema che “addomestichi” i 

205 anni di riproduzione ininterrotta offerta dai servizi di streaming. In 

questo panorama, riacquista nuovamente valore il concetto di nicchia e 

di offerta semplificata e mirata (vedere alla voce Netflix, che ha creato da 

zero uno show, House of Cards, basandosi sulle analisi delle preferenze 

degli utenti). “La popolarità durevole della radio” si afferma sempre su 


INSIDE 

musicindustryblog “deriva dalla sua semplicità. Un errore che comunemente 

si fa nella strategia di un prodotto è partire dalla convinzione che 

molte caratteristiche equivalgano a un prodotto di migliore qualità. […] 

È piuttosto vero che più sono sofisticate le caratteristiche di un servizio, 

meno benefit verranno percepiti dall’utente”. Per questo, come si legge 

nel documento IFPI, l’attuale attenzione delle piattaforme di streaming 

online è tutta rivolta a semplificare la fruizione dei contenuti e, soprattutto, 

alla “Digital curation”, ovvero a un’offerta editoriale “cucita su misura 

dei vari gruppi di consumatori. Hans-Holger Albrecht, CEO di Deezer, 

sottolinea l’importanza per la fidelizzazione dell’utente delle canzoni 

messe in evidenza e dei consigli editoriali personalizzati: se la gente va 

oltre la ricerca, vivendo l’esperienza completa di un sistema su misura, 

allora si sente legata alla piattaforma”. La sfida del futuro, insomma, si 

combatte sulla capacità di prevedere, con sofisticati algoritmi (tutti, da 

Beats Music a Spotify, stanno già sperimentando soluzioni del genere), 

i gusti del pubblico, costruendo attorno ai singoli un’esperienza su 

misura che vinca anche le perplessità di quanti finora hanno fruito 

musica solo sporadicamente o illegalmente. 

Cosa aspettarci dal futuro? 

Volendo tirare le somme di questa 

lunga ricognizione, la situazione così 

delineata dai dati appena esposti 

mostra un mercato in buona salute 

che, al di là della evanescenza di cifre 

e statistiche in continua evoluzione, 

nella sua ridefinizione possiede anche 

un’intrinseca coerenza. Il formato del 

CD (complici alcune “forzature”, vedi la scelta di Apple di rimuovere 

i lettori dai propri Mac) sta lentamente morendo, un’agonia che da 

un lato manifesta l’attaccamento degli appassionati al supporto fisico 

in generale e, dall’altro, attraverso la parallela rinascita del vinile e il 

successo del Record Store Day (di cui abbiamo già parlato su SUONO 

498), esprime a chiare lettere l’insoddisfazione, già da tempo covata, 

per un prodotto dal costo eccessivo e dalla qualità spesso troppo 

trascurata. 

L’ipotesi di un ritorno del vinile nelle vesti di formato dominante non è 

quindi del tutto inverosimile… Pur rimanendo un prodotto di nicchia (ma 

le nicchie, come appena visto, non sono mai da sottovalutare), il vinile 

ha aumentato del 54,7% le sue vendite nel solo 2014, arrivando 

a valere il 2% delle revenue globali del mercato discografico (fonte IFPI) 

I principali servizi offrono tutti più di 30 milioni di 

brani e hanno un approccio e una qualità ormai 

simile. Il valore aggiunto è rappresentato dalla 

curation, dalle raccomandazioni e i consigli. 

Francis Keeling 

Universal Music 

e il 7% di quello americano (fonte RIIA). Se in Inghilterra si stima che, 

seguendo questo trend, l’LP potrebbe in tempi brevissimi superare i dati 

di vendita del 1994, negli USA la situazione è analoga: nella prima metà 

del 2015 i dischi neri hanno prodotto 221,8 milioni di dollari di incassi, 

59,1 milioni in più di quanto abbiano prodotto tutti i sistemi di streaming 

supportati da pubblicità sommati (fonte digitalmusicnews.com). 

Questo significa che i supporti musicali fisici, con ogni probabilità, 

non si estingueranno (così come non 

si sono estinti i libri, soppiantati da 

PDF pirata o abbonamenti a sterminate 

library online), almeno fintanto 

che un vasta platea di persone continuerà 

a preferirli all’immaterialità 

di un file o un flusso di dati. Questo 

non frenerà, ovviamente, la rapida 

avanzata gli utenti “liquidi”, a cui per 

scelta non interessa granché l’oggetto disco e che già ora stanno progressivamente 

migrando dal download dei file, anch’esso in rapida 

discesa, verso lo streaming in abbonamento. Sarà su questo terreno, 

unitamente a quello dell’alta fedeltà musicale – album e servizi 

lossless, offerti spesso come incentivo all’acquisto / abbonamento 

– che si giocherà gran parte della partita futura. Con un’importante 

precisazione da fare. La presenza della radio, ancora oggi predominante 

nel panorama del consumo musicale, dimostra l’efficacia della 

sua formula: diversificare la proposta su base contenutistica e geografica 

e offrire una mediazione umana specializzata, che accompagni 

l’ascoltatore alla scoperta e comprensione di ciò che sta ascoltando. 

Una ricetta senza tempo che non è detto che algoritmi, sondaggi e 

automatismi riescano a replicare con successo. 


INSIDE 

Questo è 

quello che 

sono 

Sono passati più di dieci 

anni da quando il famoso dj 

inglese Norman Jay inserisce 

a sorpresa This Is What You 

Are nella scaletta del suo 

programma alla BBC 1. 

Da allora Mario Biondi 

non si è più fermato! 

di Daniele Camerlengo 

Grazie a suo padre (Stefano Biondi) si è avvicinato alla musica 

e ha raggiunto la consapevolezza che la sua voce potesse 

accompagnare una carriera artistica intensa e ricca di successi. 

E lui stesso racconta l’intensità di questo rapporto che si lega in 

musica ai suoi primi ascolti: “Insieme, mentre viaggiavamo in auto, 

ascoltavamo sempre i famosi Stereo8; è stato lui a darmi le migliori 

dritte ed è grazie a lui che ho ascoltato tanta, tantissima musica... ”. 

Comincia così, in maniera intima e familiare, la “confessione”di 

Mario Biondi a SUONO. 


Come è entrato il soul nella vita di Mario Biondi e in che 

modo lo ha fatto suo? 

Il merito è tutto di mio padre, lui mi ha cresciuto nella musica 

e mi ha incoraggiato sempre a vivere di questo. Sicuramente 

i primi ascolti sono stati i suoi dischi, i suoi provini e i suoi 

lavori discografici, che puntualmente conoscevo a memoria; 

da buon figlio piccolino imparavo tutto, ascoltavo e ripetevo 

a pappagallo. 

L’incontro con Ray Charles? 

Ho cominciato a calcare i palchi delle piazze a 13 anni. Quando 

ho intrapreso la carriera del piano bar, lavoravo in uno dei locali 

più prestigiosi di Taormina. Mi è capitato di fare da spalla a Fred 

Buongusto, Franco Califano, Peppino Di Capri e, un giorno, a 

Ray Charles. Credo fosse il 1990. Non ho pensato troppo a chi 

avessi di fronte, ho cantato e basta. Sarà stata l’incoscienza 

giovanile. 

Come descriveresti il tuo percorso? 

Un giorno un mio amico di Roma mi manda delle mail dicendomi 

che ero alla 26° posizione della BBC; io, incredulo, andai 

a controllare: era vero! Da allora è cambiato tutto, sicuramente 

in meglio, e oggi ho la fortuna di poter vivere di quello che amo. 

Come è nata la collaborazione con la Walt Disney? Ti 

sei divertito maggiormente nella veste di cantante o di 

doppiatore? 

Fare il doppiatore è divertentissimo ma, ovviamente, è un anche 

un grande impegno e ci vuole molta attenzione e serietà, perché 

occorre unire capacità attoriali a grande controllo della voce e 

tempi definiti e precisi. Personaggi come Marco Guadagno mi 

hanno sempre sostenuto e dato il supporto giusto per esprimere 

quest’arte che è il doppiaggio. 

Destrutturare le proprie convinzioni e certezze per mettersi 

alla prova con nuovo materiale sonoro: come viene 

alla luce Beyond? 

Sicuramente nasce dalla ricerca di qualcosa di nuovo e stimolante, 

che mettesse più a fuoco alcune cose che avevo già fatto in passato 

ma che non avevano un certo tipo di sonorità; sonorità che sono 

riuscito a raggiungere con Beyond, grazie alla collaborazione con 

David Florio e Massimo Greco, ai Dap-Kings e a Bini & Martini, 

grazie ai testi di D.D. Bridgewater, di Bluey degli Incognito, di 

Nick The Nightfly, di Jeff Cascaro e di Alain Clark. Ho raggruppato 

un po’ i miei vecchi amici e, grazie a loro, sono riuscito ad 

avere più forza. 

foto Ale Fonta Run 

In che modo fai dialogare le partiture con i testi, specialmente 

quando vengono elaborati da Bernard Butler (ex 

chitarrista degli Suede) e Dee Dee Bridgewater? 

Non c’è una regola. Il brano che ho dato a Dee Dee, per esempio, 

esisteva già da anni nei miei cassetti, è saltato fuori per questo 

disco quasi per caso ma non aveva ancora un testo. Una sera 

sono andato al Blue Note di Milano a vedere il concerto della 



INSIDE 

Bridgewater e, quando ci siamo incontrati per salutarci, mi è 

venuta l’idea di proporle di scrivere le parole per questa canzone. 

Ha accettato subito e credo abbia fatto un lavoro eccezionale. 

Il soul, il jazz, il funky, il reggae, la dance… tali arricchimenti 

hanno permesso di donare alla tua voce una nuova 

luce. Quanto si è rivelato prezioso il contributo di David 

Florio e Massimo Greco? 

David e Max sono due veri professionisti e insieme a me hanno 

messo cuore, anima e nottate in questo progetto. Il loro contributo 

è stato fondamentale: ci siamo intesi subito, eravamo sempre sulla 

stessa lunghezza d’onda e ci capivamo senza bisogno di troppe 

parole, forse perché siamo tutti e tre siciliani. 

Le atmosfere che prendono vita grazie al calore della 

tua voce vengono amplificate dalla bellezza dei testi e 

delle melodie. In quale delle tredici tracce traspare un 

passaggio della tua vita, della tua carriera o semplicemente 

una dedica? 

Come dicevo prima, anche questo progetto mi rispecchia molto; 

ho voluto focalizzare l’attenzione su quelle che sono le sonorità e 

credo che Beyond mi rappresenti in pieno. 

Nel disco ospiti i Dap-Kings, gruppo musicale funk/ 

soul di Brooklyn, band di Sharon Jones che ha collaborato 

con la compianta Amy Winehouse. Cosa ci puoi 

raccontare di questa collaborazione? 

Il tutto nasce dalla mia idea di dare quel tipo di sonorità a quel 

brano. Avevo pensato a Chicco Capiozzo, con lui ho vissuto grandi 

avvenimenti anche in America e fu proprio lui a dirmi che per 

me i Dap-Kings si sarebbero messi a disposizione subito. È stato 

davvero così! Gli abbiamo mandato il provino in mp3 e loro, in 

meno di due giorni, sono entrati in studio e, registrando in presa 

diretta e senza clic, ci hanno regalato questa perla: fantastici! 


I tuoi album occupano sempre i primissimi posti della 

classifica iTunes e sei stato uno dei primi artisti italiani 

ad avere un profilo sul social network Ping. Che ne pensi 

di questo nuovo modo di fruire musica? 

Beh, come si dice, di necessità virtù; ultimamente si andava verso 

il download selvaggio da qualsiasi fonte possibile e immaginabile 

mentre ora, grazie a tutti i motori di ricerca e a queste nuove 

tendenze del web, tutto viene maggiormente regolamentato, e 

questa è una cosa buona. 

Quali sono i tuoi ascolti preferiti? E ancora, dovessi compilare 

una playlist, quale artista non mancherebbe mai? 

Sono diverse le cose che ascolto, tutto quello che è attualità ma 

anche i miei vecchi dischi di Al Jarreau che ascoltavo da ragazzo. 

Spesso mi capita di accendere il mio giradischi e ascoltare i 33 giri 

alla vecchia maniera, oppure prendo lo Stereo8 degli anni ’70... 

lo Stereo8 di Gianni Bella! Persona che stimo, alla quale voglio 

un sacco di bene e poi, senza dubbio, un precursore di un certo 

tipo di sound, di musicalità e di soul all’italiana. 


INTERVISTA MARIO BIONDI 

La profondità della tua voce e il carisma della tua personalità 

a quale crooner ti avvicina? 

Detto da me penso che valga ben poco, molto spesso non mi ritrovo 

in alcune descrizioni perché sono cresciuto con Al Jarreau, 

che è una sorta di crooner jazz con una tendenza alla fusion. Le 

band inglesi agli inizi del duemila mi accostarono a Sinatra, poi 

man mano c’è stato l’accostamento a Barry White, a Isaac Hayes, 

insomma, a vocalità abbastanza basse. 

Pablo Picasso diceva: “L’artista mediocre copia, il genio 

ruba”. Mario Biondi cosa ha rubato? 

Mah, non so, non sono bravissimo a rubare e non sono per niente 

bravo a copiare. Quello che ho sempre cercato di fare è imparare e 

acquisire, forse, una forma di ruberia. Probabilmente ho cercato 

di acquisire da tutti. 

troppo ristretti, trovano 

grande difficoltà nel 

prepararsi al dopo. Devono 

essere molto bravi 

a non farsi sopraffare dal 

successo e dalle regole del 

mondo della discografia. 

Mario Biondi nella vita di 

tutti i giorni? 

Nella vita di tutti i giorni sono 

un padre che cerca di incastrare 

gli impegni lavorativi con il 

tempo da dedicare ai figli, un 

po’ come tutti i genitori. 

Cosa ne pensi del ruolo dei talent show? In cosa sono utili 

e in cosa sono deficitari? 

Credo che attualmente sia l’unico modo che i giovani hanno per 

provare a sfondare in questo mondo; forse, però, a causa dei tempi 

Sei padre di sette pargoli 

che ti rendono 

felice e sicuramente 

ispirano le tue creazioni. 

Chi di loro è 

vicino alla tua professione? 

Alcuni di loro studiano 

canto, altri studiano 

musica; sono grandi 

appassionati e hanno 

tante curiosità. Ascoltano 

i miei dischi e le 

prime recensioni sono 

le loro. Sono stati i 

primi a decretare che 

alcuni pezzi del mio 

ultimo album sarebbero 

andati bene. Sicuramente, 

essendo 

cresciuti a pane e 

musica, sono 

tutti abbastanza 

ispirati 

ma io mi 

auguro che intanto studino e che portino a casa dei risultati soddisfacenti. 



Concerti, un bel disco rock, o magari cantato in italiano. 

Cosa accadrà nel tuo futuro prossimo? 

In testa ho tante idee, cerco sempre di immaginare il futuro, di vedere che 

cosa potrà succedere andando avanti... Il Rock potrebbe essere una bella 

idea… Un bel disco Rock. Sono ancora tantissime le cose che devo fare e 

tantissime le cose che voglio fare nella musica e per la musica; mi piacerebbe 

perlustrare ancora le varie sfumature e sfaccettature della musica 

mondiale e tutte le tendenze di sound e di ritmica, quindi penso che 

stimoli e materiale da esplorare non manchino. Adesso fino a dicembre 

penserò solo al tour che tra Italia e Europa mi impegnerà molto. 


INSIDE 

di Stefano Dentice 

Il mio 

viaggio 

nella musica 

La sua elocuzione solistica è incardinata su un virtuosismo fluente, erudito e intensamente espressivo: 

indubbiamente è un astro nascente della chitarra jazz tricolore. Attraverso questa intervista racconta 

il suo vissuto artistico e personale. 

Appena trentenne Dario Chiazzolino ha già al suo attivo illustri 

e significative collaborazioni con numerosi musicisti di caratura 

internazionale, tra cui Bob Mintzer, Andy Sheppard, Russell 

Ferrante, Jimmy Haslip, Billy Cobham, Dave Liebman, Horacio 

“El Negro” Hernandez, Roy Hargrove, Bobby Watson e Dominique Di 

Piazza. Chiazzolino è una fulgida promessa che, molto presto, occuperà 

un posto privilegiato nell’olimpo del jazz nazionale. 

Quando hai imbracciato la chitarra per la prima volta? 

Avevo undici anni, era il Natale del 1996. Ricevetti una chitarra 

classica come regalo dai miei genitori. In quel preciso istante iniziò 

il mio viaggio nella musica. Non sapevo a cosa sarei andato incontro 

ma avevo capito che c’era una particolare connessione tra me 

e quello strumento. 

Hai effettuato studi di chitarra classica? 

Non ho effettuato studi di chitarra classica durante il mio percorso, 

però sono sempre stato attratto dall’equilibrio sul quale questa musica 

è plasmata. Sono appassionato di due autori classici che ritengo mi 

abbiano maggiormente ispirato: Bach e Chopin. Negli anni ho spontaneamente 

tratto ispirazione dal loro linguaggio, senza imparare 

necessariamente i brani di repertorio, tranne alcuni frammenti. 

Tu e il jazz: è stato un vero e proprio colpo di fulmine? 

Direi proprio di sì. Quando è arrivato è stata una vera e propria folgorazione. 

Ero adolescente e suonavo la chitarra elettrica, attirato dai 

suoni taglienti e aggressivi tipici del linguaggio rock. A un certo punto 

ho avvertito l’esigenza di scoprire ed esplorare nuove dimensioni 

musicali. Ero alla ricerca di quella musica che potesse darmi nuovi 


INTERVISTA DARIO CHIAZZOLINO 

spunti per il fraseggio, che potesse farmi andare oltre. Ecco, in quel 

momento è arrivato Charlie Parker. 

Quali sono i chitarristi che hanno fortemente influenzato 

il tuo stile? 

La lista potrebbe essere molto lunga ma in realtà sono tre i nomi che 

sintetizzano i concetti chitarristici a mio avviso più importanti. Tre 

generi e stili diversi, tre personalità distinte che hanno dato un sostanziale 

contributo al mondo della chitarra. Mi riferisco a Jimi Hendrix, 

Wes Montgomery e Django Reinhardt. 

Hai avuto il privilegio di calcare svariati e prestigiosi palchi 

in tutto il mondo, in nazioni quali Francia, Spagna, Germania, 

Svizzera, Inghilterra, Scozia, Russia, Croazia, Stati 

Uniti. Qual è stato il live che ti è rimasto particolarmente 

impresso? 

La musica, spesso, regala forti emozioni e offre l’occasione di suonare 

con grandi musicisti in posti incredibili. Credo che la cosa più 

importante sia ciò che riesco a creare con la musica stessa e con gli 

artisti con cui condivido il palco. Non posso fare a meno di citare la 

collaborazione con gli Yellowjackets: è stata una parentesi di grande 

soddisfazione nella strada percorsa sino a oggi. 

Spesso e volentieri ti rechi negli States per concerti e tour. 

Quali sono le differenze sostanziali che intercorrono tra il 

jazz statunitense e quello nostrano? 

Mi reco negli States per svariati motivi: recording session, live, insegnamento, 

e ho avuto la possibilità di conoscere e addentrarmi da vicino nel 

tessuto musicale americano. Ciò che ho trovato sostanzialmente diverso 

è l’approccio alla musica. Il musicista statunitense è generalmente più 

pragmatico, suona senza troppi fronzoli. Esprime ciò che ritiene utile 

in quel preciso momento, senza una nota in più né una in meno, molto 

spesso senza coinvolgere il proprio ego artistico ma cercando sempre di 

far parte di un “tutto”. In Italia, invece, si tende a filosofeggiare. Credo, 

però, che il nostro approccio sia più poetico e passionale. 

C’è stato un musicista in particolare che ha elargito preziosi 

consigli per la tua crescita artistica? 

Non c’è un musicista in particolare. L’opportunità di misurarmi con 

grandi musicisti per i quali nutro una forte stima mi ha dato delle 

conferme e una forte spinta per continuare ostinatamente a percorrere 

questo cammino. Nell’esperienza dal vivo sono più i fatti a insegnare, 

che le parole. La musica dice sempre la verità. 

Oltre a essere un chitarrista sei anche un brillante compositore. 

Come affronti il fascinoso mondo della composizione? 

Mi rivolgo alla composizione con la stessa intenzione che adopero 

nell’improvvisazione. Se si pensa alla sua definizione, la composizione 

è essa stessa improvvisazione, che viene però fotografata ed elaborata. 

Per me l’aspetto compositivo nasce da uno spunto musicale, da una 

melodia, talvolta anche da un giro di accordi o da un groove. Ciò che 

rimane costante è la spontaneità. Appena ho la giusta ispirazione ci 

lavoro fin quando non ottengo un risultato che mi soddisfi. In alcuni 

casi il processo è molto rapido mentre alcune volte occorre più tempo 

per elaborare l’idea. 

C’è un tuo brano originale che più ti rappresenta artisticamente? 

Credo sia difficile pensare solo a un brano specifico che sintetizzi la 

mia identità artistica. Quando scrivo musica per realizzare i miei dischi 

cerco di rimanere fedele a me stesso e al contempo di guardare avanti, 

mettendomi in gioco il più possibile. Ogni disco è uno spaccato di vita, 

un percorso musicale che si chiude e che nello stesso tempo dà vita a un 

nuovo scenario. Potrei citare alcuni brani ai quali sono profondamente 

legato: Awake, Paint your Life e Lost in the Jungle. Composizioni che 

fanno parte dei miei ultimi cinque anni di produzione musicale e con 

i quali molto spesso vengo identificato. 

Quali sono i tuoi progetti per l’immediato futuro? 

Fra qualche mese uscirà il mio nuovo lavoro discografico in quartetto 

con Antonio Faraò al piano, Dominique Di Piazza al basso e Manhu 

Roche alla batteria. L’album si intitola Red Cloud, edito dall’etichetta 

torinese Tu Kool Records, ma per ora non posso dire altro se non che 

ci sarà un lungo tour di presentazione. 


INSIDE 

di Pietro Acquafredda 

La Scala dei desideri 

Oggi Riccardo Chailly è per tutti un direttore affermato, di valore, e dalla carriera gloriosa; non più 

il “figlio” del compositore Luciano, al vertice della Scala, dove il giovane Riccardo, ventenne, aveva 

mosso i primi passi dal podio, come assistente di Abbado. Nel 1984, al tempo di questa intervista, egli 

era in grande ascesa ma ancora giovane. Per questo è interessante riscoprire come la pensava allora 

un giovane direttore. 

Salisburgo, estate 1984, un pomeriggio piovoso. Incontrammo 

Riccardo Chailly in un bar, a due passi dalla sala grande 

del festival, quarantotto ore dopo il suo concerto con i 

Wiener Philharmoniker e Alexis Weissenberg – in programma il 

Concerto n.3 di Rachmaninov e la Sinfonia n.5 di Čajkovskij (che 

aveva mandato il pubblico in delirio) e subito dopo le prove del 

Requiem di Verdi, diretto da Karajan, alle quali solo Chailly era 

stato autorizzato ad assistere. Ma il fatto nuovo e importante di 

quella edizione del festival di Salisburgo era la chiamata di Chailly, 

per espressa volontà di Karajan, a dirigere l’opera inaugurale del 

festival di quell’anno, il Macbeth di Verdi. Karajan, per problemi 

di salute, aveva voluto come suo sostituto il giovane direttore (31 

anni appena), primo italiano a dirigere l’inaugurazione del famoso 

festival internazionale, fra mugugni, critiche e anche qualche 

cattiveria. Quell’intervista, pubblicata sul mensile “Piano Time”, 

la riproponiamo ai lettori di SUONO ora che Chailly, coronando 

il sogno, legittimo, di una vita, è stato nominato direttore musicale 

del più grande teatro d’opera, salutato con favore anche dai 

milanesi, suoi concittadini. 

Ovvio che lei si senta lusingato, inutile chiederglielo. Ci 

sveli, allora, qualche segreto del “demiurgo” salisburghese 

in prova. 

Innanzitutto, sono onorato di essere forse l’unico direttore ad 

avere ufficialmente accesso alle prove del Maestro, sia a Salisburgo 

che a Berlino. Sono rimasto colpito dal lavoro di scavo di 

Karajan, ogni volta che sale sul podio, compresa questa mattina. 

In particolare, con il Requiem di Verdi (Chailly dirà sempre Verdi 

Requiem, chissà perché, ndr.) e la Patetica di Čajkovskij, una 

sinfonia con la quale sono praticamente cresciuto, a cominciare 

dalle prime incisioni mono, sempre di Karajan. Di questa stessa 

sinfonia possiedo anche una delle sue prime incisioni stereo con 

i Berliner Philharmoniker. E, raffrontando le due registrazioni 

con la prova di questa mattina, è interessante vedere come il suo 


RICCARDO CHAILLY 30 ANNI DOPO 

lavoro di scavo sia ancora oggi inesorabile. Per Verdi in particolare, 

poiché debutterò in ottobre a Berlino con la mia orchestra 

nel Requiem di Verdi, le prove di questi giorni mi hanno suggerito 

ancora altre ipotesi di riflessione. 

In particolare? 

Innanzitutto la fedeltà a quanto Verdi scrive e desidera. Ma anche, 

e può sembrare un assurdo, come a volte non bisogni seguire alcune 

indicazioni “di tempo” segnate da Verdi in partitura. Karajan 

gli è fedele nel senso che conosce Verdi più profondamente di ciò 

che è indicato in partitura. Una conoscenza approfondita di un 

autore – come Karajan la possiede senza dubbio di Verdi – a volte 

suggerisce di non fare anche quello che è espressamente indicato. 

Chi conosce dal di dentro tale problema può capire quanto dico. 

In Bruckner, ad esempio – ho appena inciso e portato in tournée 

la sua Sinfonia n.7 – è fondamentale porsi tale problema. Le revisioni 

di Novak vanno liberate di aggiunte di revisione dettate 

da Nikisch (per le quali ha avuto sempre il consenso dell’autore?) 

al tempo della prima esecuzione. 

È soddisfatto di come la critica ha accolto il Macbeth che 

ha appena diretto? 

Enormemente. Direi che è stata un’apoteosi europea ed extraeuropea, 

soprattutto per la parte che mi riguarda, quella musicale; 

mentre è stato criticato, quasi coralmente, l’allestimento. Non 

voglio entrare nel merito né schierarmi da una parte o dall’altra. 

Constato una realtà. Musicalmente ho avuto la gioia di essere 

stato riconosciuto, più che dai grandi giornali (“Stuckenschmidt” 

ha titolato il suo articolo “Un trionfo per Chailly”; il “Times” di 

Londra ha ugualmente elogiato la mia direzione, per non dire 

dei giornali viennesi, sempre molto polemici ma di grande peso 

culturale, come “Die Presse”, che ha “ammirato” il mio Macbeth) 

dal successo di pubblico, che alla fine di ogni recita ritrovo sempre 

crescente; è questo che mi onora più di tutto. E, infine, le parole 

di elogio di Karajan che ha assistito all’ante prova generale, alla 

generale e alla prima dell’opera, oltre che al mio concerto sinfonico 

dell’altro ieri, dal palcoscenico. Tutto questo mi ha veramente 

commosso. 

I giornali italiani, al confronto, le sono sembrati un po’ 

tiepidi? 

Ne ho letti alcuni, vagamente – qui si fa fatica a trovarli. Confesso 

apertamente di leggere i giornali e ascoltare i dischi, a differenza 

di molti colleghi che dichiarano esattamente il contrario, mentre 

poi leggono avidamente quel che si scrive di loro e, in caso di 

recensioni negative, vanno anche in bestia. Se devo parlare della 

critica italiana, fra la stampa europea mi è sembrata quella più 

tiepida. Ma ciò non mi farà assolutamente cambiare il mio giudizio 

di entusiasmo per questo Macbeth, e per il riconoscimento 

generale riscontrato in Europa. 

Ascolta i dischi regolarmente in fase di studio, per cavarne 

suggerimenti e formulare ipotesi interpretative? 

A tal proposito: quale edizione dell’opera verdiana l’ha 

maggiormente interessata? 

Due almeno. Il nastro del Macbeth con De Sabata e la Callas, 

per l’inaugurazione della Scala, nel 1952 (una lettura così geniale 

dell’opera che meritava di essere studiata a fondo, senza 

però restarne galvanizzati, anzi da dimenticare immediatamente 

dopo) e quella di Abbado, in disco, che per me rappresenta la 

più bella edizione dell’opera. Un’interpretazione magistrale e 

definitiva! Per tornare alla critica musicale, mi rallegra particolarmente 

l’ammissione generale che la mia lettura del Macbeth, 

nel bene e nel male, è diversa da quella di Claudio (Abbado, ndr.). 

Considero una vittoria essere riuscito a trovare una mia strada, 

affrancandomi dalla bellezza e dal fascino di quella di Abbado 

che conoscevo bene, avendo seguito all’epoca tutte le prove con 

Abbado e Strehler. 

Tra breve ci sarà un Macbeth anche in Italia, diretto da 

Muti, per l’inaugurazione della stagione del Teatro San 

Carlo. Andrà ad ascoltarlo? 

Ah, non lo sapevo. 

Ha dischi in uscita o registrazioni già programmate? 

Proprio ieri è stato presentato qui, a Salisburgo, nel corso di una 

festa della Decca, Andrea Chénier con Pavarotti e Caballé; a fine 

anno uscirà The Rake’s Progress e, successivamente, un album 

interamente dedicato a Čajkovskij (Giulietta e Romeo, Francesca 

da Rimini) con l’Orchestra di Cleveland... 

Quando tornerà a dirigere in Italia? 

A dicembre, per due concerti, uno a Firenze al Teatro Comunale 

e l’altro a Milano, per la Stagione RAI; a giugno poi, alla Scala, 

riprendo Andrea Chénier con Carreras. 

Perché, di recente, Martha Argerich ha disertato il concerto 

al Maggio Fiorentino, sotto la sua direzione? 

Per motivi che hanno a che fare con la sua vita privata. Tanto è 

vero che, poi, ha partecipato alla tournée in Spagna, con me e 

con l’Orchestra fiorentina. Non credo, perciò, che ce l’avesse con 

Firenze (o con me). Problemi personali. 


INSIDE 

Quando farà un regalo a suo padre, che ora è al Carlo 

Felice di Genova, dirigendo l’orchestra di quel teatro? 

Con mio padre c’è un pourparler per un concerto con l’Orchestra 

genovese. Vi fui invitato, forse otto anni fa, ma poi non se ne fece 

nulla, per ragioni burocratiche e finanziarie. Successivamente 

non sono più andato a Genova, semplicemente perché non sono 

stato invitato. Può darsi, invece, che ora... anche se io e mio padre 

non abbiamo mai amato collaborare insieme ufficialmente. 

Quando lui aveva responsabilità di vertice ha sempre evitato di 

scritturarmi, per non suscitare logici attacchi... 

Ora la situazione è cambiata. Lei è un direttore e non 

più, semplicemente, il figlio di... 

Sì, anche perché pare che la richiesta sia venuta dall’orchestra. 

Perciò, forse, andrò a Genova. Mi permetta di aggiungere qualcosa 

che interessa direttamente la sua rivista pianistica (“Piano 

Time”, ndr.): in autunno termineremo la registrazione dei Concerti 

per pianoforte di Beethoven, e la Fantasia corale, con Alicia 

de Larrocha e l’Orchestra della Radio di Berlino. Abbiamo già 

inciso il Primo, Terzo e Quinto; usciranno tutti all’inizio dell’85. 

A proposito del concerto dell’altro ieri, il Concerto per pianoforte 

n.3 di Rachmaninov l’avevo già diretto, con Weissenberg e 

l’Orchestra di Cleveland; da allora mi ero riproposto di dirigerlo 

anche in Europa con lo stesso pianista. Poi c’è stata l’opportunità 

di farlo a Salisburgo, dove mancava da più di un decennio. 

Il successo del nostro concerto merita più alta considerazione, 

perché Rachmaninov in Austria è considerato un musicista di 

“seconda classe”. Io combatto strenuamente tale opinione e per 

dimostralo, l’anno prossimo, porto in tournée la mia orchestra 

negli Stati Uniti, con la Sinfonia n.2 di Rachmaninov, che considero 

un capolavoro nel suo genere. 

Insomma, può ritenersi soddisfatto. 

Inaugurare il Festival di Salisburgo è il massimo traguardo per 

qualunque direttore, sebbene si tratti di un traguardo che mette 

il direttore in una posizione fra le più ambite ma anche fra le 

più scomode. Non posso dimenticare che sono stato l’unico a 

succedere a Karajan, nell’inaugurazione del festival. 

I grandi direttori italiani, Muti o Abbado, non hanno 

mai avuto tale onore? 

Abbado, come anche Muti, hanno diretto e dirigono regolarmente 

a Salisburgo, ma non hanno mai inaugurato il festival. Nel mio 

caso, in particolare, c’è stato il passaggio dello scettro direttamente 

dalle mani di Karajan. 

Ora la invidieranno. 

Non può chiederlo a me. Ora, superata questa che considero 

la prova del fuoco, sono ormai definitivamente fuori pericolo. 

L’anno prossimo tornerò a Salisburgo per la ripresa del Macbeth 

e per un concerto ancora con i Wiener Philharmoniker. 

(“Piano Time”, anno II, n.19 – Ottobre 1984) 


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INSIDE 


photo Getty Images 

A little girl in Blues 

Chi era Janis Joplin? Chi si nascondeva realmente dietro il ruggito della sua voce blues e quella incontenibile carica 

di energia che trascinò con sé milioni di anime? Quale propellente emozionale innescava da un lato la potenza del 

suo canto e dall’altro le vertiginose discese verso la dipendenza dalla droga? Sono domande a cui, per fortuna, il 

documentario della regista nominata all’Oscar Amy J. Berg (Deliver Us from Evil, An Open Secret) non risponde. 

Presentato in anteprima mondiale alla 72. Mostra Internazionale 

d’Arte Cinematografica di Venezia – dove abbiamo 

avuto la fortuna di vederlo, circondati da una platea emozionata 

e attentissima – e in sala dall’8 ottobre, Janis è un documentario 

preciso e ben confezionato, che evita sia la facile e lacrimosa retorica 

di cui sono spesso intrisi i biopic sia la tentazione di delineare in 

modo manicheo e superficiale l’identità di 

una figura mitica come la Joplin. Contrariamente 

a quanto fece nel 1974 Howard Alk 

con il suo documentario, Amy Berg non si 

limita ad aggregare materiali di repertorio 

annullando la propria presenza e lasciando che a parlare siano i grezzi 

materiali di repertorio ma manipola e orchestra narrativamente una 

moltitudine di documenti eterogenei e in parte inediti, affidando le 

parole della Joplin alla voce penetrante della cantautrice statunitense 

Charlyn “Chan” Marshall. Da questa operazione di abile messa in 

Non hai idea di quanto sia 

difficile essere me 

Janis Joplin 

forma, più patinata del documentario del 1974 ma decisamente più 

godibile, emerge un’immagine vividamente polifonica della cantante, 

che lo spettatore ricostruisce muovendosi tra le lettere che la Joplin 

scriveva alla famiglia, le testimonianze della sorella e del fratello, le 

interviste a chi la conobbe da vicino e le riprese dei concerti e del suo 

lavoro in sala di registrazione. 

Si fa così conoscenza con l’adolescente Janis, 

ragazzina “fuori dal coro”, lontana dai canoni 

estetici degli anni Sessanta e con un carattere 

schietto e impetuoso, che i compagni di 

classe avevano paura di portare nei bar, dove 

puntualmente scatenava una rissa, e che i membri del gruppo Alpha 

Phi non esitarono a definire “uomo più brutto dell’anno”. In un’intervista, 

anni dopo, la Joplin affermerà – con un sorriso forzato dietro il 

quale si nasconde l’enorme ingombro della profonda solitudine che 

caratterizzerà la sua intera vita – di non aver mai superato il fatto che 


JANIS IL DOCUMENTARIO 

nessun ragazzo le abbia mai chiesto 

di accompagnarla al prom di 

fine anno. È proprio il desiderio di 

essere accettata, amata, considerata, 

congiuntamente alla scoperta 

del proprio talento e all’amore per 

miti musicali come Otis Redding, 

Ornette Coleman, Billie Holiday 

e Aretha Franklin, a innescare la 

miccia che la avvicina sempre più 

al palco, spinta verso quel contatto 

con il pubblico che lei stessa definisce 

analogo al “feedback di un 

diffusore”, un’onda di energia che 

dal cantante passa agli spettatori e 

viceversa. Un contatto che sarà la 

prima e forse unica vera dipendenza 

di Janis Joplin, costantemente 

alla ricerca di un crescente sostegno 

umano in grado di silenziare il 

rumore delle proprie insicurezze e 

risanare le ferite di gioventù. 

Tralasciando, però, i suoi turbamenti 

interiori e la sua frenesia di 

trasformarsi nella star che avrebbe 

spazzato via le proprie fragilità, la 

Joplin possedeva un talento artistico 

e una serietà professionale 

probabilmente mai del tutto valorizzati 

e apprezzati, messi in luce 

dai tanti materiali raccolti nel 

documentario. Sebbene la Berg si 

focalizzi molto, attraverso le testimonianze raccolte, sugli aspetti più 

drammatici della vicenda biografica della cantante di Port Arthur, la 

composizione sapiente di riprese che la ritraggono al lavoro o mentre 

è sul palco delinea un percorso di crescita artistica che rende omaggio 

alla sua grandezza. Nonostante la dipendenza da droga e alcol, amici 

e colleghi testimoniano all’unisono come la Joplin cercasse sempre 

di essere sobria e lucida prima di una registrazione o un concerto, 

affinché i suoi fan e la sua arte non risentissero mai di quegli eccessi ai 

quali si abbandonava consapevolmente 

tra un impegno lavorativo 

e l’altro. I primissimi piani sul suo 

volto teso e vibrante di passione, 

la carica elettrica della sua musica 

enfatizzata dalle immagini rumorose 

e stinte di quegli anni e la 

lucidità con cui parla ai propri genitori, 

nelle lettere private, delle 

proprie scelte umane e lavorative, 

contribuiscono così a magnificare 

il valore dell’artista Janis Joplin. 

Nessuno saprà mai veramente 

perché quella notte del 4 ottobre 

1970, nonostante il lungo periodo 

in cui si era progressivamente 

allontanata dalla droga (e avvicinata 

all’alcol), la cantante abbia 

deciso di iniettarsi quell’ultima 

letale dose di eroina. Una cosa, 

però, emerge in modo netto dal 

documentario di Amy Berg e dai 

documenti raccolti: Janis Joplin 

era un talento straordinario che 

non ebbe mai l’opportunità di 

sbocciare. La sua stella è nata 

in modo burrascoso e cresciuta 

in pochissimo tempo (aveva 24 

anni quando registrò Big Brother 

and the Holding Company 

e 27 quando fu trovata priva di 

vita al Landmark Motor Hotel ad 

Hollywood), incatenata ai propri demoni giovanili e sprovvista di 

un mentore in grado di guidarla alla scoperta delle proprie reale 

potenzialità (quale fu Paul A. Rothchild nell’ultimo periodo). La sua 

fiamma artistica e umana si è estinta prematuramente, non rivelando 

mai quanto a lungo e con quali forme avrebbe potuto ancora bruciare. 

Senza dubbio, a distanza di quasi mezzo secolo, la forza della sua voce 

e del suo carattere restano immutate, e il film della Berg è un’ottima 

opportunità per riscoprirle nel loro massimo splendore. 

Passerà presto in mani private la Porsche 

356C 1600 Cabriolet che Janis Joplin acquistò 

usata nel 1968 per 3.500 dollari. Originariamente 

di colore bianco perla, la cantante 

la affidò a un suo amico, Dave Roberts, che 

nel giro di un mese la “affrescò” con coloratissime 

decorazioni psichedeliche, un autentico 

murales su quattro ruote cui diede il titolo di 

“The History of the Universe”. L’auto divenne 

così riconoscibilissima, un’autentica icona di 

quegli anni che segnalava, ovunque andasse, 

la presenza della Joplin; era talmente riconoscibile 

che quando fu rubata, nel 1969, 

il ladro pensò bene di ritinteggiarla interamente 

di grigio. Fortunatamente l’auto fu 

rintracciata e il disegno originario interamente 

recuperato. Dopo la morte della cantante, 

l’auto cadde in disuso fino al 1995, quando 

gli eredi della Joplin decisero di prestarla alla 

Rock and Roll Hall of Fame Museum di Cleveland, 

dove è stata esposta finora. Il prossimo 

10 dicembre la mitica Porche sarà battuta 

all’asta a New York, con un valore che si stima 

raggiungerà la cifra di circa 350 mila euro. 


INSIDE 

di Daniele Camerlengo 

Il 

“pendolo” 

di Zibba 

foto Nicolò Puppo 

Muovitisvelto è conoscenza acquisita e diffusa, è legame estemporaneo forte e decadimento immediato, 

sicuramente il racconto della vita artistica di Zibba, segnato dal cromatismo episodico del suo continuo 

vagabondare musicale. 

Sembra quasi sfuggirla, una definizione, una classificazione, 

Zibba, costantemente alla ricerca di un orizzonte musicale 

il più ampio possibile (“Cerco di essere libero, di suonare 

quello che mi piace senza troppi filtri... ”) e che non precluda generi, 

partner (ampie le collaborazioni, ultima quella con Alex Britti) e 

ambiti, senza disdegnare nulla, nemmeno il Festival di Sanremo, al 

quale ha partecipato nel 2014 nella sezione “Nuove Proposte” con 

il brano Senza di te, arrivando fino alla finale e vincendo il Premio 

della Critica Mia Martini e il Premio Sala Stampa “Lucio Dalla”. 

Un’esperienza di cui Zibba traccia un ricordo per nulla enfatico: 

“Ci siamo sentiti a casa; lo staff ha davvero fatto di tutto per 

far sì che noi piccoli artisti ci sentissimo considerati al pari dei 

grandi”. Lo abbiamo incontrato poco dopo la presentazione del 

suo ultimo album… 


INTERVISTA ZIBBA 

Nel testo della canzone Muovitisvelto che dà il titolo 

all’album, il grazie alle “donne, a quelli che ascoltano, 

alle pellicole da mattatoio e alle case di cura” cela una 

dedica particolare a persone o avvenimenti importanti 

che ti hanno dato forza? 

Quell’elenco nasconde decine di significati ma è senz’altro vero 

che sono tutte cose che hanno una grande importanza per me, 

che mi hanno sorretto nei momenti di dubbio e fatto in qualche 

modo diventare la persona che sono. In cammino ma su una 

strada che comincia a farsi riconoscere. 

La tua formazione si è costruita e fortificata grazie alla 

dura gavetta, oggi quasi dimenticata. Qual è stata l’esperienza 

che ti ha arricchito più di ogni altra? 

Di certo i chilometri in furgone. Le parole, i programmi, le cose 

discusse e le canzoni scritte mentre si viaggia sono il colore a 

tutto quanto e in qualche modo il vero obbiettivo. Si dice che il 

viaggio sia la cosa più importante. Nella musica, per me, funziona 

allo stesso modo. 

Hai la fortuna di collaborare con gli Almalibre che, oltre 

a essere la tua seconda famiglia, sono musicisti di 

altissimo livello, una mistura di esperienza e talento. 

Descrivici la qualità del rapporto con loro. 

Amichevole ma anche molto professionale. Sappiamo dove sono i 

confini tra il lavoro e il cazzeggio e siamo tutti molto consapevoli. 

Ci piace l’idea di costruire insieme e di far parte di qualcosa. 

L’incontro con Niccolò Fabi? 

Avvenne grazie al Collettivo Dal Pane, parentesi davvero emotiva 

per me. Da lì è nata la stima reciproca e la voglia di fare qualcosa 

insieme. In studio è stato magico, ero davvero emozionato. 

Le voci e i ricordi di luoghi e storture 

del passato che evocano la durezza di 

vissuti neri come la pece e la ricerca 

della calma che sana. Cosa vuole trasmettere 

Ovunque nella duplice versione 

di canzone e monologo che vede 

ospiti Marco Ferrando, Matteo Monforte 

e Andrea Balestrieri? 

Quello che trasmette. Non amo decidere io 

cosa gli altri debbano provare ascoltando la 

mia musica. Credo che ognuno meriti la propria 

verità quando ascolta. 

La tua passione per la scrittura ti ha portato a realizzare 

nel 2013 Me l’ha detto Frank Zappa in due versioni e 

per due case editrici differenti (il cartaceo per Editrice 

Zona, la versione digitale per Matisklo Edizioni, entrambe 

con interventi di Eugenio Finardi e Matteo Monforte, 

illustrazioni di Matteo Anselmo). Immagino sia stata 

un’esperienza molto appassionante. 

Di certo divertente. La cosa bella è che questo libro nato per gioco 

sia diventato quasi subito uno spettacolo teatrale. E devo ringraziare 

Sergio Sgrilli per avermi aiutato a vivere questo piccolo sogno. 

Sentire le mie parole recitate in teatro è stato strano, molto bello. 

Raccontaci il tuo rapporto con le arti. 

Non sono un amante dell’arte nel senso comune. Sono un grande 

rispettoso delle motivazioni che stanno dietro l’artista senza 

preoccuparmi troppo di voler riconoscere forzatamente il genio. 

Come nascono i tuoi testi e come li avvicini al trasporto 

vibrante del sonoro? 

In modo piuttosto fluido. Piacevolmente casuale a volte. Lascio 

che l’ambiente attorno e le coincidenze facciano il loro lavoro e 

sto ad ascoltare. Se scrivo per me scrivo perché ne ho bisogno 

come si ha bisogno di una seduta psicoanalitica. Se scrivo per 

gli altri è tutto diverso. Metto in gioco la mia piccola esperienza 

e tutta la passione che ho. E ascolto, sempre. 

Nel disco ospiti Niccolò Fabi, Bunna, Omar Pedrini, Leo 

Pari, Patrick Benifei, importanti presenze che impreziosiscono 

l’album e la tua esperienza creativa. Quali sono 

i loro pregi migliori? 

Di essere persone. Meravigliosamente in linea con loro stesse. 

Questo mi fa innamorare. Il regalo di condividere una canzone 

è tra i più grandi che ricevo. 

Un riferimento stilistico o vocale che 

è stato sempre presente sin dagli inizi 

della tua carriera. 

Tom Waits. Il suo modo di concepire il suono, 

le composizioni, mi ha aiutato a voler conoscere 

un’altra musica, altri artisti, e a forgiare 

il mio stile sotto l’esempio di chi ha usato la 

musica senza farsi usare dalla stessa. 

foto Nicolò Puppo 


INSIDE 

Raccontaci un aneddoto vissuto durante un tuo concerto, 

un incontro inaspettato o un’ispirazione creativa 

condivisa che ha sorriso alla tua sensibilità. 

La prima mail di Lorenzo Jovanotti arrivata di notte mentre stavo 

sdraiato su un materasso in studio. Ha ispirato in quell’istante 

la prima canzone dell’album. 

Qual è il tuo poeta preferito e ne hai disseminato qualche 

traccia nelle tue produzioni? 

La poesia è roba da poeti. Amo le poesie di Bukowski perché traduce 

le sensazioni in modo così brutalmente vero che non puoi 

che sentirti parte di quella cosa, di quel momento. 

Quale artista o brano sarà sempre presente nelle tue 

playlist? E ancora, cosa ne pensi della musica liquida e 

dei servizi come Spotify? 

Di Spotify penso che sia una cosa buona, una delle più utili inventate 

negli ultimi anni nel settore della musica digitale. Grazie 

a questo programma sono riuscito a ritrovare versioni e pezzi 

che non sentivo da anni. Nella mia playlist non mancherà mai 

Moondance di Van Morrison. 

Rimasi affascinato dalla tua scrittura e dalla profondità 

avvolgente della tua voce grazie alla meravigliosa Regalami 

di te scritta e interpretata nel progetto discografico 

Bassvoice Project di Silvia Bara e Pippo Matino. Cosa regaleresti 

di te a questo mondo devastato da mille brutture? 

Tutto ciò che posso regalare sta nelle mie canzoni. Non ho grandi 

regali per il mondo ma credo che, nonostante il devasto, come 

dici tu, al mondo ci si stia ancora bene, per ora. 

Che legami hai con il jazz? 

È la musica che sentiva mio padre. È una delle espressioni che 

amo. Uno dei modi migliori di dire determinate cose. Il romanticismo 

è nel jazz. E ne abbiamo bisogno. 

Cosa comporta essere padre e artista e cosa ha rinnovato 

in te? 

Comporta essere poco a casa e una lotta continua tra sentimenti 

e sensi di colpa più o meno giustificabili. Non ha rinnovato 

qualcosa in particolare, salvo qualche istinto di sopravvivenza. 

Ha aperto sicuramente una finestra su tutto portando luce e 

chiarezza. 

Adesso, oltre alla promozione del tuo ultimo disco, cosa 

ti aspetta? Teatro, cinema, televisione? 

Riposo, spero. Poi ho mille progetti, come sempre, e credo che 

prima o poi li produrrò tutti. Di certo voglio continuare a scrivere 

e fare tutto quello che sto facendo. Non immagino una vita migliore 

o più intensa. Nonostante la fatica incessante e i conti da 

fare con le motivazioni, sono decisamente uno di quelli fortunati. 

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INSIDE 

di Guido Bellachioma 

Suonami 

la mia 

canzone 

Le apparenti stravaganze sonore di Francesco Gazzara, eccellente compositore/tastierista romano, 

sono in realtà frutto di un percorso artistico estremamente ragionato e al tempo stesso passionale. 

Gazzara Play Genesis è la sigla con cui ha scelto di pubblicare Play Me My Song… chiaro atto 

d’amore per la band inglese. 

Il suo debutto nella discografia ufficiale, l’album One (come 

Gazzara, Irma Records) risale al 1996, dopo alcuni 12” pubblicati 

nei primi anni ’90 in collaborazione con il compianto 

amico e produttore fiorentino Ernesto De Pascale (13 febbraio 

1958 – 13 febbraio 2011). Prima ancora c’erano stati molti concerti 

nell’underground rhythm ‘n’ blues romano (con i P.U.B.), alcuni 

anche all’estero nella scena mod europea, e molti eventi nazionali 

(live e in studio) con i toscani Hypnodance dello stesso De Pascale 

e Massimo Altormare. 

Raccontaci la tua storia… 

Quando ho cominciato lo strumento dell’epoca era un organo elettromagnetico 

della Pari, niente di paragonabile ai cloni odierni 

dell’Hammond ma uno strumento a parte, difettoso ma con una 

sua personalità. Prima dell’esordio discografico la mia attività si 

divideva già allora (come oggi) tra produzioni in studio, concerti e 

le prime colonne sonore, in quei tempi solo per il teatro e la televisione. 

Ero davvero troppo giovane, nel 1984 dovetti dare l’esame in 

SIAE da minorenne in quanto da semplice e temporaneo assistente/ 


INTERVISTA FRANCESCO GAZZARA 

uditore di studio del M° Amedeo Tommasi (anche uno dei migliori 

pianisti jazz italiani di tutti i tempi) mi ritrovai presto a scrivere 

alcuni brani con lui per uno sceneggiato della RAI. In quel periodo, 

a parte la contingenza di live e produzioni, la mia passione per i 

Genesis e per altre band, piuttosto selezionate, del prog, trovava 

più spazio negli studi di pianoforte classico e nelle sperimentazioni 

sugli ultimi sintetizzatori analogici dell’epoca (un Arp Odissey 

bianco inciso in tanti demo su quarto di pollice a bobine Teac). 

One cambia molte cose… 

Con questo album, ritenuto ancora oggi tra quelli pioneristici del 

genere acid jazz in Italia e non solo, arrivarono anche 10.000 copie 

vendute, il cammeo dell’organista inglese James Taylor (JTQ), 

una lunga serie di tour, anche internazionali (Giappone, Russia, 

Portogallo), e concerti prestigiosi (Montreux Jazz Festival e Jazz 

Cafè di Camden, Londra). Come Gazzara, una band jazz/funk a 

tutti gli effetti con influenze elettroniche, soundtrack e lounge, 

sono seguiti altri cinque album (l’ultimo nel 2013 e un prossimo in 

lavorazione). La title-track dell’album The Spirit Of Summer, grazie 

al remix del DJ newyorkese Dave Warrin, diventò nel 2002 una hit 

sulla scena black e dance internazionale. Le influenze maggiori del 

progetto: Eumir Deodato, Sound Of Philadelphia, Henry Mancini, 

John Barry, Marcos Valle, Herbie Hancock, ecc. 

Le colonne sonore sono importanti nella tua vita artistica? 

Si, contemporaneamente ai miei dischi, dal 2000, ho iniziato a 

scrivere colonne sonore per il cinema e la TV, collaborando con 

numerosi registi (Giuseppe Ferrara, Cristina Comencini, Peter Del 

Monte, Luca Archibugi, Francesca Muci, Maurizio Panici, Carlo 

Alberto Pinelli, Nicola Molino, Gino Cammarota), continuando 

nel decennio successivo con un intermezzo nel mondo dei jingle 

pubblicitari (Jeep, Disaronno, Fernet Branca, Sky FX). Tra le colonne 

sonore realizzate: Donne di mafia (2000, regia: G. Ferrara), 

Segretario particolare (2007, regia: N. Molino), Siamo tutti 

vecchi (2010, regia: F. Muci), Eduardo, la vita che continua (2014, 

regia F. Saponaro). Tra quelli che hanno utilizzato miei brani originali 

nella soundtrack: Controvento (2000, regia: P. Del Monte), 

Bianco e nero (2007, regia. C. Comencini). Last but not least, 

i progetti discografici paralleli: Hammond Express, due album 

non solo all’insegna dello storico “sound” ma anche alla ricerca 

di un linguaggio innovativo per l’organo jazz, e The Piano Room, 

tre album di matrice progressive con una formazione particolare 

ovvero piano/organo, batteria e contrabbasso. Per me restare nel 

mondo della musica in maniera più estesa possibile è stato infine 

inevitabile, vista anche l’eterogeneità del mio percorso di studio 

parallelo, tra i corsi di composizione sperimentale e musica elettronica 

al Conservatorio Santa Cecilia di Roma, quelli di musica 

da film con il M° Mario Nascimbene e il M° Carlo Savina a Latina, 

il diploma in Music Production and Sound Engineering presso il 

Media Production Services di Brixton (Londra) e, infine, la laurea 

in etnomusicologia all’Università La Sapienza di Roma. 

Perché Genesis, come nasce questo progetto e il rapporto 

con quel tipo di musica più in generale. 

REGISTRARE IN VATICANO 

Come location della session pianistica è stata scelta la Sala Assunta 

(all’interno dello Stato Vaticano), dotata di un bel riverbero naturale e 

sede di molte registrazioni storiche (Quartetto Cetra, Ennio Morricone). 

Le (poche) partiture esistenti sono state riviste al setaccio, altre sono 

state scritte di sana pianta. Arrangiamenti fedeli alla struttura degli 

originali, dunque, ma senza eccessi di virtuosismo, velocità leggermente 

più aggressive rispetto a quelle conosciute – per dare un senso “live” al 

tutto, nella tradizione dei Genesis dal vivo – e, soprattutto, la messa in 

risalto di parti nascoste che a volte escono solo dagli ascolti in cuffia degli 

originali rimasterizzati. Questi sono alcuni dei tanti dettagli assegnati di 

volta in volta a strumenti diversi. 

Come assistente alla produzione e al missaggio è intervenuto Stefano 

Corato (nella foto), attualmente responsabile dei programmi musicali 

della Radio Vaticana, ma negli anni ’80 e ’90 produttore interno della 

RCA con vasta esperienza di sound orchestrale, avendo lavorato anche 

negli Abbey Road Studios e con Ennio Morricone. Curiosamente Stefano, 

che è un amico e collega dai tempi di una compilation BMG con gruppi 

emergenti romani del 1990 (fortemente voluta anche da Francesco Di 

Giacomo del Banco), è anche un ottimo contrabbassista che, tra le tante 

session orchestrali, partecipò anche a quelle per l’album Di terra del 

Banco Del Mutuo Soccorso. 

Il mio incontro con la musica dei Genesis è indelebile. Risale a una 

visita domenicale al mercato di Porta Portese di Roma nel 1979, 

dodicenne già stanco delle lezioni di pianoforte classico, opposte 

alla disco music in vinile dell’epoca e cioè il mio primo approccio 

corporale alla musica. Tra le bancarelle del vinile rimasi colpito da 


INSIDE 

una copertina con una band tutta a sedere e solo il cantante in piedi, 

al centro, con una maschera geometrica di cartone. Tenda turchese 

sullo sfondo, occhiali e basettoni sul palco, chitarre doppio manico: 

Genesis Live per qualche mese non lasciò più il mio giradischi 

mentre continuavo a rileggere il breve racconto Sci-Fi horror di 

Peter Gabriel sul retro cover. Il colpo del Mellotron nell’apertura di 

Watcher Of The Skies – combinato col brusio del pubblico – lasciò 

il suo segno indelebile. Avevo deciso di essere un musicista e se oggi 

lo sono è anche grazie a quel disco. Certo negli anni a seguire ero 

già un collezionista dei Genesis 

(tra cassette live, bootleg, EP in 

vinile e video in VHS ancora di 

pessima qualità), avendone scoperto 

a ritroso tutta l’era Gabriel, 

i primi tre album dell’era Collins 

e concedendomi il lusso di comprare 

in contemporanea all’uscita 

Duke, i primi album solisti di 

Tony Banks e Mike Rutherford 

(tastierista e bassista dei Genesis), 

i primissimi Private Parts 

& Piece di Anthony Phillips 

(chitarrista originale) in vinile. 

Ancora quindicenne non esitai 

poi a vederli dal vivo (entrambe 

le date) nel settembre del 1982 

al Palasport di Roma. Eppure in 

qualche modo, a parte inevitabili 

echi inconsci nei miei primi 

commenti sonori, i Genesis restavano 

lontani, come genere, 

dallo stile delle produzioni in cui 

mi trovai poi impegnato professionalmente. 

Semmai aprirono 

le mie orecchie, come semplice 

ascoltatore, ad altro progressive 

rock di matrice soprattutto 

inglese. Gentle Giant, EL&P e 

Yes, soprattutto per l’evidente 

coinvolgimento tastieristico, 

Pink Floyd, King Crimson, Van 

Der Graaf Generator, Camel per 

un’emozione più universale e per 

quel gusto indomito nel cercare 

di produrre sempre e comunque 

un sogno, un qualcosa che non 

ti aspetta e ti porta altrove, “off 

the manual”. Ma ecco che all’improvviso, qualche anno fa, tutto 

torna a galla. All’inizio il bisogno irrefrenabile di ricostruire il passato, 

attraverso lo studio quotidiano al pianoforte di quasi tutto 

il repertorio dei Genesis, almeno quello in cui è presente la vera 

quintessenza “banksiana” del gruppo. Poi l’ipotesi di realizzare il 

sogno di una vita: un album di solo piano con i loro brani che mi 

venivano meglio. 

Qual è stata la “scintilla”? 

È stato un pianoforte Bosendorfer Grand Coda ad accendere, il 1° 

agosto 2013, il progetto Gazzara Plays Genesis: 19 tracce della leggendaria 

band inglese scelte accuratamente dal periodo 1970-1980. 

Gli ascolti di una vita mi hanno suggerito la chiave interpretativa, 

ovvero il tentativo di non fare ancora una volta soltanto “i Genesis 

al pianoforte” ma qualcosa di più profondo. Una sorta di colonna 

sonora di un film immaginario, dedicato ai ricordi collettivi di chi ha 

masticato tutta la musica della storica band, periodi pre e post Gabriel 

compresi. Nei dodici mesi seguenti 

le sovraincisioni di un trio di archi 

(Fabrizio Paoletti, violino, Giulia 

Nuti, viola, Giorgia Pancaldi, violoncello) 

e dei numerosi strumenti 

suonati dal fiatista Dario Cecchini 

(flauti, sassofoni, clarinetto basso) 

– oltre alle mie tastiere vintage 

più vicine all’universo prog rock e 

cioè organo Hammond, Mellotron 

e sintetizzatori – hanno portato a 

termine l’album Play Me My Song, 

il cui titolo ricorda un verso del 

classico The Musical Box dall’album 

Nursery Cryme. 

La mia volontà era quella di riprodurre 

nel disco quel viaggio 

acustico tra atmosfere oniriche e 

cinematografiche, con un pizzico 

di campagna inglese nel mezzo, tipico 

dei primi Genesis. Ecco spiegati 

quindi anche l’artwork della 

copertina e la scelta dei formati 

LP vinile gatefold e CD digipack, 

entrambi doppi. Per un “viaggio” 

del genere era importante che la 

copertina – ricca di riferimenti 

alle prime celebri copertine della 

band inglese – fosse disegnata ex 

novo ad olio da un vero artista, 

Ugo Micheli. Una tavola come la 

sua non poteva, però, essere stampata 

soltanto negli spazi angusti 

di un CD, ma anche in quelli più 

ampi del vinile formato gatefold, 

la cui apertura a doppia anta vuole 

mostrare tutti i dettagli e la cura 

dell’artwork di Play Me My Song. 

Proprio per l’attenzione e la cura al dettaglio ho scelto di pubblicare 

l’album con la label IRMA Records, con cui ho lavorato spesso in passato, 

nonostante non sia nota per un catalogo legato al progressive (a 

parte gli album del mio progetto The Piano Room). L’esperienza nel 

mercato discografico e la passione musicale dell’A&R Umbi Damiani 

– che è anche un musicista e ha vissuto l’era del prog in prima persona 

– hanno fornito un ulteriore tassello di qualità all’operazione. 


INSIDE 

di Pier Paolo Ferrari 

Come eravamo una volta 

La storia dell’alta fedeltà audio è costellata di marchi autorevoli che sono stati in grado di conquistarsi 

un blasone e una reputazione molto alti. Nel tempo sono diventati autentici “miti” creando un alone 

di leggenda nell’immaginario collettivo. Gli esempi sono tanti: QUAD, McIntosh, Marantz, Tannoy, 

JBL, Garrard, Thorens, AR e altri. Alcuni di questi brand sono ancora in attività, altri hanno cessato 

da tempo di esistere... 

La Leak fa sicuramente parte di questo ristretto numero di 

nomi illustri, con una particolarità sostanziale: sebbene essa 

non sia più in attività dal lontano 1979 i suoi apparecchi continuano 

a essere desiderati, apprezzati, ascoltati al di là di qualsiasi 

effetto nostalgia o di mero e semplice collezionismo audio. Il motivo 

di questo affermarsi con tanta forza fra gli appassionati di mezzo 

mondo si spiega attraverso un’insuperabile qualità, affidabilità e 

longevità degli apparecchi di questa importante ditta di Londra, che 

hanno ottenuto un enorme successo all’epoca e continuano indiscutibilmente 

a ottenerlo ancora oggi! 

Sebbene il vasto consenso internazionale e il grandissimo successo 

commerciale con le sue elettroniche a valvole nel periodo d’oro 

dell’alta fedeltà audio, Leak seppe conquistarsi un posto di primo piano 

anche per la progettazione di apparecchiature Hi-Fi come giradischi, 

diffusori e tuner. Sul finire degli anni Cinquanta, difatti, Harold 

J. Leak, forte dell’enorme successo commerciale ottenuto, comprese 

che la linea dei prodotti della Casa doveva essere allargata a tutti i 

componenti dell’impianto audio. Da più parti era stato sollecitato a 

offrire un range completo di apparecchi: il nome Leak era diventato 

sinonimo di alta qualità e gli appassionati desideravano possedere 

un impianto tutto Leak! 

Ecco così nascere, all’inizio del 1960, il rivoluzionario diffusore Leak 

Sandwich, frutto di precedenti anni di gestazione e prove, con diaframma 

del cono dell’altoparlante costituito da fogli in alluminio. 


DAL TL 12.1 ALLO STEREO 70: VENT’ANNI DI SUCCESSI LEAK 

Si assiste anche all’evoluzione dei tuner Leak, iniziata nei primi 

anni Cinquanta, con l’uscita sul mercato dell’audio del fantastico 

Leak Trough-Line II (1962), 

1 

un vero capolavoro di tecnica e 

prestazione Hi-Fi. Per tutti gli 

anni Sessanta Harold J. Leak si 

cimenterà anche nella fabbricazione 

di giradischi e Pick-Up: 

nel 1968 vede la luce un ottimo 

giradischi, il Leak Truspeed 

Turntable, equipaggiato con 

braccio Leak Mark 4 dall’insolita 

curvatura (foto 11). 

Per la verità Harold Leak aveva 

già fatto costruire nel 1948 (da 

uno dei suoi migliori tecnici) il 

braccio Leak Mark 1 Moving- 

Coil-Pick-Up; via via questo era Leak TL 12 Point-One (1948-1951) 

stato sviluppato e perfezionato a 

tal punto che molti eccellenti giradischi 

dell’epoca, come il Gar- 

2 

rard 301 o il Thorens TD-124, ne 

erano equipaggiati stabilmente. 

D’altronde Harold Joseph Leak 

può essere considerato come uno 

dei più grandi pionieri dell’audio 

proprio perché ha saputo 

rivoluzionare completamente 

gli standard dell’allora nascente 

industria Audio! 

Nel 1934 Leak aveva fondato l’omonima 

ditta: dal 1936, quando 

la casa londinese produce il suo 

primo finale di potenza per public 

address, fino alla seconda 

Leak TL 1O Point-One (1954-1956) 

metà degli anni Quaranta, l’ingegner 

Leak studia con impegno 

un circuito che sia in grado di 3 

ottenere requisiti di eccellenza 

nella riproduzione del suono, 

sia in campo professionale che 

in quello amatoriale. Nel 1945 

sbalordisce il mondo dell’audio 

con un prototipo di amplificatore 

che entrerà per sempre nella 

storia della riproduzione sonora 

per le sue doti insuperate di 

qualità e affidabilità: il finale è il 

leggendario Leak Type 15 Point- 

One che, primo fra tutti, riesce 

a presentare una distorsione armonica 

totale inferiore addirit- 

prima della vendita del marchio. 

tura allo 0,1%, valore impensabile alla fine degli anni Quaranta. Nel 

1947 il finale Type 15 a quattro stadi viene modificato e nel 1948 H. 

Harold J. Leak con il figlio John D. (marketing manager) nel 1968, poco 

J. Leak presenta alla critica internazionale il nuovo amplificatore a 

tre stadi: è il Leak TL 12 Point-One, ovvero uno degli apparecchi meglio 

suonanti e più famosi nella 

storia dell’Alta fedeltà. 

Nel 1949 inizia la produzione 

vera e propria del TL 12.1 (foto 

1) che sarà adottato in moltissimi 

studi di registrazione sia 

Europei che Americani, toccando 

paesi anche in Estremo 

Oriente. Negli Stati Uniti, poi, 

Harold Leak avrà un successo 

travolgente e subito il suo amplificatore 

verrà acclamato come 

uno dei migliori prodotti audio 

in assoluto (foto 3). Quello che 

accade dopo la commercializzazione 

del TL 12 Point-One è 

una storia piena di fama e di 

gratificazioni, consensi positivi 

e vendite impensabili al giorno 

d’oggi. Dopo i primi successi 

internazionali ecco apparire 

sul mercato l’incredibile finale 

Leak TL 10 Point-One del 1954, 

successore del favoloso TL 12, 

munito di un suono permeato 

di una raffinatissima musicalità 

che ancora oggi lo fa essere uno 

dei migliori prodotti audio mai 

realizzati (foto 2). Avviata verso 

una fama planetaria, a partire 

dalla fine degli anni Cinquanta 

la Leak rinnova la sua linea 

di produzione e presenta l’eccellente 

serie di elettroniche a 

tubi. Nel 1957 escono sotto una 

veste più moderna i finali monofonici 

TL 12 Plus, TL 25 Plus 

e TL 50 Plus; essi resteranno 

in produzione per un decennio 

fino al 1967 e le loro straordinarie 

virtù li faranno diventare 

degli autentici best-seller (foto 

5, foto 6). I tre finali monofonici 

hanno linee estetiche del tutto 

simili e ciò che li differenzia tra 

loro è la potenza di uscita che 

ovviamente viene espressa per 

mezzo di tubi finali diversi. La 

circuitazione elettrica, i tubi 

d’ingresso e quelli sfasatori sono 

uguali, mentre lo stadio finale presenta nel TL 12 PLUS una coppia 

di pentodi EL84, nel 25 PLUS una coppia di EL34 e nel 50 PLUS 


INSIDE 

5 

una coppia di KT88; le potenze, perciò, sono rispettivamente di 12 

Watt, di 25 Watt e di 50 Watt in circuito ultra-lineare. 

Come detto in precedenza il finale mono Leak TL 12 PLUS viene 

prodotto a partire dal 1957 e il nome è già una garanzia: quello del 

leggendario capostipite TL 12 Point-One del 1948 (foto 4). Questo 

finale monofonico è la somma degli sforzi Leak in campo audio, forse 

uno dei migliori amplificatori mai realizzati; presenta una costruzione 

compatta e assai gradevole che da quel momento in poi sarà 

adottata dalla casa per tutte le sue elettroniche future. Le linee estetiche, 

infatti, si distaccano in maniera decisa dal passato, soprattutto 

nella forma del telaio, che risulta più piccolo dei modelli precedenti, 

e nella sua verniciatura in tre differenti colorazioni. 

Il Leak TL 12 PLUS veniva venduto in coppia con il suo preamplificatore 

Leak Varislope III monofonico (foto 7) mentre l’equipaggiamento 

valvolare era della massima qualità allora disponibile. Il finale 

montava tubi Mullard che garantivano (e tutt’oggi garantiscono…) 

eccellenti performance e notevole affidabilità nel tempo. All’amplificatore 

si potevano inoltre affiancare altri preamplificatori della 

casa come il Pre-Mono Leak Point-One Plus, il Leak Varislope III 

e, successivamente, con l’avvento della stereofonia, i preamplificatori 

Point-One Stereo e Varislope Stereo (foto 8). Una dinastia di 

4 

Leak TL 25 Plus (1958-1959) 

Sostanzialmente gli apparecchi stereofonici di questa serie sono le 

versioni doppie dei mono precedenti con una circuitazione denominata 

“a triplo anello (TL) di controreazione” o negative-feedback 

e un impiego di valvole quasi identico (EF86 in ingresso nella serie 

mono al posto del doppio triodo ECC83 sempre in ingresso nella 

serie stereo). 

Il notevole punto di forza delle elettroniche Leak rimane l’utilizzo dei 

trasformatori sia in uscita che di alimentazione; oltre ai componenti 

di alto livello qualitativo, infatti, l’impiego di valvole di eccellente 

fattura e lo straordinario circuito elettrico, quello che imprime una 

musicalità al di sopra della media, è il trasformatore Leak (costruito 

su specifiche Leak dalla nota ditta Hinchley) a produrre realmente 

sonorità fantastiche: una miscela di suoni armoniosi e trasparenti 

come di rado capita di ascoltare. 

Ad oggi non esiste purtroppo una tecnica di costruzione che possa uguagliare 

la bontà sonica di un trasformatore Leak e che quindi riesca a 

elaborare quella alchimia magica che solo i tecnici di allora seppero 

trovare. Consoliamoci, perciò, del fatto che ancora oggi, magari a fatica, 

è possibile reperire questi oggetti del passato in condizione ottimale, 

per gustare in piena era digitale il meraviglioso suono da essi prodotto! 

Leak TL 12 PLUS (1962) 

preamplificatori dal suono notevolmente musicale, muniti di una 

costruzione molto accurata che li fanno essere anche oggi oggetti 

desiderabili per un ascolto di elevata qualità. 

Nel 1958 la Leak colloca sul mercato il suo primo finale stereo, il Leak 

Stereo 20, ed è subito un grande successo di vendite. L’amplificatore 

verrà costruito fino al 1967 in migliaia di esemplari, anche dopo l’avvento 

dei primi finali a stato solido; il suo responso musicale risulta 

dolcissimo e dettagliato allo stesso tempo e si interfaccia molto bene 

con i moderni componenti dell’impianto audio (foto 9). Nello stesso 

anno viene presentato il finale stereofonico Leak Stereo 50 mentre 

nel 1964 esce il finale stereo Leak Stereo 60 (foto 9 bis). 

I due finali ricalcano totalmente la filosofia progettuale e le linee 

estetiche del Leak stereo 20 elargendo, però, potenze superiori 

dell’ordine di 25 e 30 watt per canale; la musicalità rimane quella 

dello Stereo 20 anche se con una maggior spinta dinamica generale. 

6 

Leak TL 50 Plus (1959) 


Una grande esperienza musicale. 

Disponibile nelle eleganti finiture lacca piano o makassar con frontale 

cromato. Il modello TD 550 si pone al vertice della prestigiosa produ- 

zione Thorens. Derivato dal TD 350, è dotato di un telaio sospeso con 

trazione a cinghia sul bordo esterno del piatto. Le generose dimensioni 

del giradischi permettono anche il montaggio di bracci da 12 pollici. 

La base del braccio è realizzata in fibra di carbonio in grado di assicurare 

un accoppiamento molto rigido tra braccio e piatto. Il telaio sospeso può 

essere inoltre comodamente regolato in altezza. Un silenzioso motore 

sincrono AC controllato elettronicamente garantisce una partenza imme- 

diata alla velocità scelta. Ampia flessibilità di collegamenti è assicurata 

poi dalla presenza di uscite bilanciate (XLR) sbilanciate (RCA) e jack.

INSIDE 

L’era dello stato solido Leak 

Nel 1967 termina la produzione 

di apparecchi a valvole Leak 

dopo un ventennio di grandi 

successi commerciali e critiche 

entusiastiche da parte di 

tecnici, appassionati e cultori 

del bel suono ad alta fedeltà. 

Alla fine degli anni Sessanta il 

nome Leak è sinonimo di alta 

qualità, layout professionale e 

alta ingegnerizzazione, un mix 

derivato dalla grande serietà e 

bravura dei tecnici di una ditta 

che ha saputo conquistarsi 

una fama invidiale in campo 

mondiale; il merito principale 

è comunque del fondatore Harold 

Joseph Leak, vero genio 

della riproduzione Hi-Fi che 

con lungimiranza credette nel 

crescente mercato dell’audio. 

Dal 1968 inizia la produzione 

di elettroniche a stato solido 

che porterà alla commercializzazione 

di due splendidi 

amplificatori integrati: il Leak 

Stereo 70 (foto 8b) e il Leak 

Stereo 30 Plus (foto 8c). In 

verità la costruzione e distribuzione 

di un amplificatore 

a transistor era già iniziata 

nel 1963/64, quando la Leak 

aveva introdotto l’integrato 

Leak Stereo 30, un piccolo 

capolavoro di qualità tecnica e 

bontà musicale della potenza 

di 15+15 watt RMS (foto 10). 

Lo Stereo 30 verrà prodotto 

per cinque anni e venduto in 

oltre 40.000 esemplari! Questo 

integrato, incorporante il 

pre e il finale, ebbe un notevole 

successo all’epoca nonostante 

alla Leak fossero ancora in 

produzione le elettroniche a 

valvole e nonostante possa essere 

considerato il primo apparecchio 

a transistor costruito 

in Inghilterra e, molto probabilmente, 

in Europa. Ancora 

una volta Harold J. Leak aveva 

saputo guardare lontano, anticipando 

quel boom Hi-Fi di 

7 

Leak Varislope III (1957-1958) 

8 

Leak Varislope Stereo (1963) 

8b 

Leak Stereo 70 (1968) 

8c 

Leak Stereo 30 Plus (1968) 

apparecchi a stato solido compatti 

che di lì a qualche anno 

sarebbe “esploso” in tutto il 

mondo. 

Il 1968 è anche l’anno in cui 

Harold J. Leak matura l’idea di 

ritirarsi dall’azienda che aveva 

fondato nel lontano 1934. Le 

ragioni sono molteplici, non 

ultima la sua salute, che in 

quegli anni era divenuta precaria. 

Inoltre si era verificata 

una situazione abbastanza delicata 

per via della tassazione 

alquanto pesante che il governo 

inglese aveva applicato 

alle aziende del settore audio 

e, pertanto, anche alla Leak. 

Va inoltre considerato come la 

concorrenza, all’epoca, stesse 

diventando molto agguerrita: 

soprattutto dal “Sol Levante” 

cominciavano ad arrivare 

apparecchi quali amplificatori 

integrati a stato solido, giradischi, 

registratori e diffusori 

dall’aspetto ammiccante e dal 

prezzo assai più abbordabile 

rispetto a quelli occidentali. 

Stava, in sostanza, nascendo 

quella che sarebbe stata chiamata 

“l’invasione Giapponese 

dell’Hi-Fi” che provocherà un 

terremoto commerciale non 

indifferente. 

La forte concorrenza, di cui si 

accennava prima, stava indirizzando 

in tal modo la strategia 

commerciale dei costruttori 

occidentali verso nuovi orizzonti, 

sia in Inghilterra che 

in America, e cioè nei Paesi 

più importanti del panorama 

dell’audio internazionale. La 

guida di una ditta importante 

e sempre presente sul mercato 

con apparecchi che tenessero 

il passo con i vari competitor 

stava assumendo, dunque, 

contorni non poco stressanti... 

La produzione e le vendite 

della Leak erano consistenti 

e l’azienda risultava essere in 

ottima “salute” con un’ottima 


il primo amplificatore integrato al mondo 

Nuvistor Tubes 

Amplificatore Integrato Nu-Vista 800 

Nu-Vista 800 è un superlativo amplificatore integrato da 300 watt per canale 

ed è l'unico al mondo ad adottare nuvistori. 

I nuvistori sono stati inventati nel 

1950 per risolvere i numerosi problemi 

tecnici dei tubi convenzionali 

in fatto di affidabilità, di rumore e 

microfonicità. Offrivano prestazioni 

eccezionali, grande uniformità tra 

esemplari uguali, dimensioni estremamente 

ridotte e basso consumo. 

Ma durante la loro fase di sviluppo 

il transistor prese il sopravvento e fu 

preferito al Nuvistore, spazzandolo 

letteralmente via dal mercato. Fino 

a 15 anni fa, quando Musical Fidelity 

creò il suo primo Nu-Vista in edizione 

limitata, sold-out in pochi mesi. 

Oggi, quindici anni dopo, questi 

prodotti mantengono un alto valore 

di mercato grazie all'eccellente 

suono, unito ad una elevata qualità 

costruttiva. Adesso, grazie alle 

nuove tecnologie SMD, Musical 

Fidelity può offrire Nu-Vista 800, 

l'unico amplificatore in commercio 

che unisce il vecchio e il nuovo, la 

tradizione con l'innovazione. 

Nuvistori insieme a tecnologie 

SMD e semiconduttori di ultima generazione 

per un prodotto senza 

pari e in grado di prestazioni davvero 

senza alcun compromesso. 

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INSIDE 

9 

Leak Stereo 20 (1962-1963) 

posizione di mercato; i diffusori Sandwich avevano riscosso un 

ragguardevole successo commerciale nonché eccellenti giudizi da 

parte degli operatori di settore (il Sandwich e il Mini-Sandwich 

saranno gli ultimi prodotti assemblati nella sede di Londra a Brunel 

Road e nella filiale a Downham Market con il marchio Leak!); 

nonostante ciò, H. J. Leak aveva capito che se avesse voluto lasciare 

l’azienda, quello sarebbe stato il momento storico in cui 

vendere al miglior offerente. 

Di acquirenti, all’epoca, ce n’erano parecchi: le voci di una possibile 

vendita e la decisione, perciò, che stava prendendo piede, fecero 

in modo che ci fossero vari contendenti per l’acquisto della ditta. 

In primo luogo si fece avanti la storica ditta Ferrograph, famosa 

negli anni passati per gli straordinari registratori a bobine; poi la 

Farnell di Leeds, che all’epoca distribuiva gli apparecchi Tandberg, 

10 

Leak Varislope Stereo (1963) 

e la APT, Associated Power Transformers, parzialmente in mano al 

Governo inglese. Il vero interesse e l’offerta migliore, però, furono 

a opera della Rank Organisation con Sede a Bradford, Inghilterra, 

per conto del suo amministratore delegato. La Rank Organisation 

aveva all’epoca molteplici interessi nel settore audio e aveva acquistato 

nel 1959 il prestigioso marchio inglese Wharfedale. La 

trattativa fra la Rank e la Leak si protrasse per qualche tempo e 

alla fine Harold Leak accettò la consistente offerta della Rank per 

1.034.000 sterline (oltre un milione di pound!) contro le altre offerte 

di 900.000 sterline, sia della Farnell che della APT. Una somma, 

questa, davvero eclatante per l’epoca, che dimostra quanto la ditta 

di Brunel Road valesse e fosse apprezzata e stimata in ogni angolo 

del pianeta! La Rank Organisation vendeva diffusori Wharfedale in 

un mercato più ampio rispetto alla vendita dei diffusori Leak (anche 

se gli speaker Leak risultavano molto più sofisticati) ma, viceversa, 

la Leak aveva eccellenti e avanzate competenze tecniche in merito 

alle elettroniche a stato solido: in tal modo i due marchi potevano 

positivamente coesistere. Fra le due ditte, insomma, esistevano 

prodotti simili e differenti allo stesso tempo che avrebbero potuto 

ampliare il business della nuova proprietà. 

Nel gennaio del 1969, così, la Leak divenne la Rank - Leak Organisation 

e Harold J. Leak, il fondatore, il padre e padrone, l’ingegnere 

tecnico del suono con la passione per l’alta fedeltà, l’amministratore 

oculato e responsabile, l’uomo che sapeva anticipare sempre 

11 

Leak Truspeed Turntable (1968) 

i tempi con i suoi prodotti di alta qualità, stava per lasciare definitivamente 

l’azienda che aveva guidato e in cui aveva creduto per 

oltre 35 anni (si sarebbe ritirato a vita privata fino al giorno della 

sua scomparsa, avvenuta il 27 agosto del 1989). Cominciò allora un 

nuovo corso che sarebbe continuato per altri dieci anni: la Sede di 

Brunel Road fu definitivamente chiusa nel 1971 e l’operatività della 

fabbrica fu spostata nella ditta di Airedale Works a Idle, Bradford, 

nello Yorkshire. La vendita dell’azienda comportò un riassetto sia 

dello staff tecnico che dei dipendenti; diverse decine di persone 

lasciarono completamente la sede a Londra mentre altri impiegati 

si licenziarono dalla filiale di Downham Market. Altri ancora, però, 

rimasero con la nuova ditta. 

Nel 1979, orfana del suo fondatore e sotto i colpi di una concorrenza 

sempre più serrata, il nuovo marchio Leak-Rank Organisation 

chiuderà i battenti, sebbene di fatto questo leggendario brand non 

terminerà mai di battere nel cuore e di deliziare l’udito visto che 

oggi, a oltre sessant’anni da allora, tantissimi appassionati di musica 

e di riproduzione audio, sparsi in tutto il mondo, prediligono 

ascoltare musica con apparecchiature vintage Leak! 


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INSIDE 

di Paolo Perilli 

Bentornata 

fisarmonica! 

Abbiamo intervistato Marco 

Tiranti, artigiano accordatore, 

costruttore di 

fisarmoniche e 

ideatore del brevetto 

Euphonia, che 

poi è anche il 

suo marchio. 

Castelfidardo è la sua 

città e anche la patria 

indiscussa di questo particolare 

strumento a mantice; così, ne 

abbiamo approfittato per farci 

raccontare un po’ di storia e tecnica. 

Se in passato c’è stato uno strumento musicale oggetto di pregiudizi 

soprattutto tra i giovani, è stato la fisarmonica. Accostata 

spesso alle feste di piazza o alla musica degli “anziani”, 

probabilmente perché una buona parte della cultura legata a questo 

strumento è di origine popolare, nell’immaginario collettivo giovanile 

la fisarmonica era da relegare solo ad alcune situazioni ben distanti da 

rock ed elettronica, generi che andavano per la maggiore fino a qualche 

anno fa. Fortunatamente oggi la situazione sta cambiando e, grazie a 

diversi fattori concomitanti, la fisarmonica sta iniziando a ottenere 

la giusta attenzione anche dai giovanissimi. Il merito principale va 

ai molti cantautori e band emergenti che, sulla scia della riscoperta e 

rivalutazione della musica popolare in voga da qualche anno, hanno 

iniziato a includerla nei loro set. Gli italiani Vinicio Capossela, Mannarino 

e Après La Classe ma anche gli statunitensi Beirut o il bosniaco 

Goran Bregovic la utilizzano costantemente, raccogliendo ampi consensi 

anche tra gli adolescenti. Non volendo poi considerare le sale da 

ballo dedite al liscio, nelle quali lo strumento è sempre stato presente, 

e il moltiplicarsi di quelle dove si balla il tango, genere musicale ultimamente 

molto in voga. In questo vortice positivo bisogna includere 

anche alcuni musicisti che l’hanno introdotta nella classica e nel jazz e 

quindi nel gotha della musica “colta” – basti pensare a Richard Galliano 

e Antonello Salis. 

Uno strumento che merita quindi un approfondimento. Non ci siamo 

fatti sfuggire la possibilità di parlarne con chi le fisarmoniche le smonta, 

le accorda e le costruisce proprio nella patria italiana di questo strumento, 

Castelfidardo nelle Marche. Marco Tiranti è un professionista 

stimato soprattutto dagli addetti ai lavori; ha contribuito a migliorare 

lo strumento tradizionale con delle modifiche di sua invenzione, sempre 

più apprezzate e utilizzate da musicisti professionisti che fanno 

conoscere il suo marchio, Euphonia, in giro per il mondo. Lo abbiamo 

incontrato nella piccola cittadina marchigiana, nel suo laboratorio da 

artigiano vecchia maniera, molto lontano dai “vezzi” industriali. Tiranti 

ci ha aperto le porte e ci ha raccontato un po’ di storia e di prospettive 

future di questa realtà che ancora oggi contribuisce a far apprezzare il 

nostro Paese all’estero. A chi volesse approfondire l’argomento, consigliamo 

di visitare il suo sito internet, www.tirantifisarmoniche.it. 

Come ti sei avvicinato al mondo delle fisarmoniche? 

Ho iniziato la mia attività nella maniera più “classica”, anche perché 

non esistono scuole o corsi professionali per costruire o riparare fisarmoniche: 

nel 1979 sono andato a bottega da un artigiano che faceva 

questo lavoro. In principio non ero un entusiasta, anche perché a quei 

tempi quel tipo di strumento era visto come di “provincia” o addirittura 

per anziani. Si veniva da un periodo musicale che prediligeva gli strumenti 

elettrici. Seguendo le indicazioni di mio padre (anche lui lavorava 

in questo settore) e facendo esperienza da questo artigiano ho iniziato 

la mia avventura. Nel 1986 ho aperto la mia attività, che consisteva 

principalmente in quella di accordatore. Accordavo le fisarmoniche 

per altre aziende e poi, intorno agli anni ’90, ho diversificato un po’ 

il mio lavoro e all’accordatura ho accostato assistenza e riparazione. 


EUPHONIA: CHE COS’È LA FISARMONICA 

alta della tastiera le voci non hanno più quella caratteristica impennata 

verso le frequenze più acute. 

Gli altri musicisti come vedevano queste modifiche? 

Inizialmente con grande scetticismo. Più tardi, con il passaparola, ho 

visto che la cosa è stata apprezzata e oggi sono in molti a chiedermi 

di fare la modifica sul proprio strumento o a comprarne uno nuovo di 

zecca già “preparato”. Dal 2009 è nata quindi l’idea di costruire nuove 

fisarmoniche sotto il marchio Euphonia, caratterizzate dall’applicazione 

dell’omonimo brevetto. Vorrei però sottolineare che non mi sento 

un vero costruttore, mi sento ancora un accordatore riparatore e un 

piccolo artigiano. Sto costruendo strumenti nuovi da zero soltanto 

perché lavorando per terzi non potrei fare tutte le modifiche per me 

necessarie mentre con le “mie” fisarmoniche posso sbizzarrirmi come 

voglio e la soddisfazione finale è di gran lunga maggiore. 

In alto: Marco Tiranti al lavoro. A seguire: il cuore di una fisarmonica, ovvero 

dove sono contenute e posizionate le voci responsabili in gran parte del 

suono dello strumento. 

Più tardi, nel 2008, è arrivato il brevetto Euphonia. In pratica fu una 

conseguenza della mia assistenza ai musicisti che molto spesso mi 

chiedevano di intervenire sul suono del loro strumento per eliminare 

quelli che, secondo loro, erano dei “difetti” ma che in realtà potremmo 

considerare caratteristiche sonore originali di questi strumenti. 

Ad esempio? 

Ad esempio il fatto che sulla parte alta della tastiera il suono diventi 

molto fino e sottile. Per me era normale perché, essendo le “note” più 

piccole, era ovvio che producessero quelle determinate frequenze. Da 

quel momento, facendo delle prove e rompendo anche del materiale, 

sono arrivato a mettere insieme un meccanismo attraverso il quale 

riesco a ottenere un suono più omogeneo. In pratica, suonando la parte 

Quali sono gli elementi che caratterizzano maggiormente il 

suono delle fisarmoniche? 

La fisarmonica è uno strumento un po’ variegato perché ha delle parti 

in legno e altre in metallo. I legni non sono tutti uguali: il legno della 

cassa armonica è di un tipo mentre il legno che adoperi per quelle che 

vengono chiamate “suoniere” (dove vengono attaccate le voci) è di un 

altro. Ogni azienda miscela e personalizza questi aspetti, ottenendo così 

timbri e comportamenti diversi degli strumenti. Oltre a differenze dal 

punto di vista timbrico, esistono fisarmoniche profondamente diverse 

anche dal punto di vista strutturale. Forse dovremmo dire che non 

esiste “la” fisarmonica ma “le” fisarmoniche. Quella che adoperi per la 

musica leggera o popolare è del tipo a “bassi standard”; se invece vai al 

conservatorio, lo strumento presenta una seconda tastiera cromatica 

e si chiama a “bassi sciolti”. Qui a Castelfidardo solo il 30% dell’intera 

produzione è destinato al tipo da conservatorio, il resto riguarda i 

modelli tradizionali. Il modello tradizionale si divide in ulteriori sottogruppi. 

Se fai il liscio devi accordare lo strumento in una certa maniera, 

se fai il jazz devi accordarla diversamente e questo vuole dire che non 

è possibile avere una fisarmonica e suonare qualsiasi genere musicale. 

Chi fa il liscio vuole un Musette che prevede una “stonatura” rispetto 

al classico LA a 440Hz. Con il Musette si hanno tre voci che suonano 

assieme, una a 440 Hz, una a 443 Hz e un’altra a 338 Hz. Quando metti 

assieme queste tre voci ottieni esattamente quel suono caratteristico 

definito, appunto, Musette. Generalmente un jazzista preferisce invece 

un comportamento più “piatto” (tutto a 440 Hz) oppure con un leggerissimo 

spostamento. Il concertista di musica classica, a sua volta, 

preferirà senz’altro l’accordatura perfetta a 440 Hz, che non prevede 

quei “battimenti” tipici delle Musette. 

Come è visto, oggi, il mondo della fisarmonica? 

Andiamo a toccare un argomento molto complesso. In Italia, se parli 

a un pubblico giovane, la fisarmonica è vista come quello strumento 

popolare adatto alle sagre e alle feste di piazza. Difficilmente, oggi, un 

ventenne si avvicina a questo strumento, sebbene molti cantautori lo 

stiano fortunatamente rivalutando. Mi capita spesso di sentirlo anche 

nei dischi pop ma poi non lo “vedi” nei video e non ha lo stesso spazio 

di altri strumenti. Nel mondo e in modo particolare in tutta l’Europa 

la visione della fisarmonica è molto diversa. In alcune parti della 


INSIDE 

Germania e dell’Austria, ad esempio, la fisarmonica tradizionale (che 

per noi è l’organetto) la insegnano anche nelle scuole. La Francia, 

poi, potremmo considerarla la patria della fisarmonica, la utilizzano 

tantissimo e spessissimo; banalmente, se vedi uno sketch in TV che 

prevede uno strumento musicale, sarà proprio la fisarmonica. Anche 

nella musica balcanica lo strumento principe resta ancora oggi quello. 

Immagino che questi paesi abbiano una loro tradizione di 

costruttori. Perché, ancora oggi, la fisarmonica italiana è 

molto ricercata? 

Per la qualità. La “peggiore” azienda italiana è certamente da considerare 

migliore di tanti altri costruttori europei. Questa realtà porta con 

sé fattori positivi e negativi perché la qualità si paga. Non a caso oggi 

abbiamo perso buona parte del mercato delle fisarmoniche da studio 

(quindi più economiche) perché un prodotto italiano “economico” costa 

comunque troppo. Oggi una fisarmonica da studio cinese la trovi in 

negozio a 400 euro. A noi è rimasta solo quella fetta di mercato d’élite 

che è rivolta ai professionisti. 

Quanti anni ha la fisarmonica? 

Dal punto di vista costruttivo non esistono dei documenti che attestino 

con precisione la paternità di questo strumento. Un primo esemplare 

pare sia stato brevettato in Austria nella prima metà dell’800 dal 

costruttore di organi e pianoforti Cyrill Demian. Per quanto riguarda 

la “nostra” tradizione, di certo il primo in zona fu Paolo Soprani. Si 

pensa addirittura (ma potrebbe essere una leggenda metropolitana) 

che durante la famosa battaglia di Casterlfidardo si sia ritrovato un 

qualche esemplare dal quale si impostò poi una produzione. A Stradella 

dovrebbero aver creato il primo prototipo italiano mentre qui 

nelle Marche Paolo Soprani creò la prima industria nella seconda metà 

dell’Ottocento; più tardi arrivò il cugino Settimio Soprani e poi diversi 

nomi tra cui la Scandalli e la Frontalini a Numana, che furono i primi 

a pensare ad un consorzio. Esempio eclatante fu la Farfisa (Fabbriche 

Riunite di Fisarmoniche), nata nell’immediato dopoguerra. 

Come vedi il futuro della produzione italiana? 

Spero non avvenga ma credo che se continueremo così la fetta di mercato 

destinata all’esportazione andrà ridimensionandosi nel tempo. 

Non possiamo più “buttare” nel mercato migliaia di strumenti l’anno 

a un costo elevato. Quantità e qualità non vanno d’accordo. 

A meno che non si prenda un’ulteriore fetta di mercato internazionale... 

L’Europa ce l’abbiamo già tutta. Poi c’è una parte di mondo che vorrebbe 

acquistare i nostri strumenti ma in quel caso c’è il problema 

dell’importazione e degli enormi dazi. Oggi stiamo esportando tanti 

strumenti anche in Cina, solo che lì si corre il rischio che piano piano 

le industrie orientali inizino a curare maggiormente i propri prodotti 

“copiando” i nostri. Mi è capitato di smontare delle fisarmoniche cinesi 

e mi sono accorto che stanno migliorando molto nella qualità generale. 

Ovviamente non potranno mai avvalersi di alcuni materiali di pregio 

che sono prerogative di casa nostra (ad esempio, gli abeti della Val di 

Fiemme), però riescono a costruire strumenti innegabilmente validi. 

Per tornare alla tua domanda sulla produzione nazionale, io sono uno 

Dall’alto: Uno strumento aperto per una revisione; voci pronte per essere 

montate; restauro di un mantice; particolare di una voce. 

dei firmatari del consorzio Music Marche nato qui a Castelfidardo nella 

fine degli anni ’90. Fin da allora e ancor più adesso, sono convinto che 

anziché vederci come dei concorrenti dovremmo unirci per sfruttare 

tutte le nostre potenzialità (sono veramente tante) per creare prodotti 

ancora migliori e “irripetibili”. Mi piacerebbe che Castelfidardo 

fosse vista come un centro di riferimento assoluto per la qualità nella 

costruzione delle fisarmoniche (e non solo). Forse ci permetterebbe 

di vivere meglio producendo meno e in modo ancor più esclusivo. 

L’unione fa la forza! 


SOPRA, 

RIVELA L’INVISIBILE * 

Grazie a 20 anni di esperienza audio ed all’eredità 

della serie Utopia, Sopra, concentrato dello 

“Spirit of Sound” Focal, ha dovuto affrontare 

la sfida della compattezza. Con i brevetti del 

circuito magnetico NIC, della sospensione TMD 

e del tweeter IHL, Sopra oltrepassa i limiti della 

riproduzione sonora in termini di trasparenza, 

precisione e ricchezza armonica. Il suo design 

puro e le sue performance uniche esaltano la 

sensibilità dell’ascoltatore, rivelandogli l’invisibile: 

la vera essenza della musica. Il desiderio di 

restituire ai diffusori il proprio posto in casa oggi 

si concretizza con Sopra. 

Distributore per l’Italia: Tecnofuturo srl - www.tecnofuturo.it - info@tecnofuturo.it - T. 030 24 52 475

SELECTOR 

a cura della redazione 

AMPLIFICATORE INTEGRATO 

Synthesis Roma 79DC 

Piccoli ma belli! Per quanto 

scontata possa risultare 

la definizione, ben si attaglia 

al costruttore marchigiano 

la cui evoluzione è 

avvenuta nel segno di una 

ragionevolezza che non ha 

mai perso contatto con la 

realtà ma anche con quella 

costante attenzione al bello 

che risulta essere una sorta 

di elemento essenziale nel 

codice genetico del marchio. 

La serie Roma, che 

piccola (di dimensioni) non 

è, risulta di fatto la prova 

di maturità e, non a caso, è 

la più nutrita dal punto di 

vista degli elementi elettronici, 

con ampie aperture 

sul “nuovo che avanza”... 

Dopo un ventennio di 

produzione di piccole 

ma spesso eleganti 

elettroniche valvolari o ibridi 

dal rapporto qualità/prezzo 

quasi imbattibile la marchigiana 

Synthesis ha raggiunto, 

più che una maturità, un equilibrio 

tra prodotti, aspettative 

e capacità commerciali che le 

consente di presentare al mondo 

intero un catalogo molto 

ben equilibrato nell’offerta, che 

spazia tra prodotti anche molto 

costosi e quella linea che al 

tempo la impose all’attenzione 

del pubblico... 

Tra questi la serie Metropoplis, 

con tre amplificatori integrati a 

valvole, è quella di costo decisamente 

più elevato, con prodotti 

a partire da oltre 11.000 euro. 

A “calare” incontriamo la linea 

Action, costituita da tre amplificatori 

integrati caratterizzati 

da un design differente, e 

la linea di base, Prime, legata 

ad alcuni prodotti storici a cui 

sono associati alcuni dei primi e 

maggiori duraturi successi della 

casa, come le amplificazioni 

della serie Nimis. Attualmente 

è possibile creare un sistema 

interamente Prime aggiungendo 

agli amplificatori, ora anche 

disponibili come pre e amplificatori 

finali, sintonizzatori, lettori 

CD anche con DAC separati 

e, per finire, un paio di tipi di 

diffusori, da stand o pavimento 

(rispettivamente Melody e Debut). 

Tra le ultime due si colloca 

la serie Roma, in un certo senso 

sintesi o punto di equilibrio 

(nonché la più azzeccata di tutte 

a parer nostro), costituita da un 

pre phono, ben sei amplificatori 

integrati (tre interamente valvolari, 

due ibridi e uno digitale), 

un lettore CD, un DAC e un 

ampli per cuffia. 

Il Roma 79DC è uno dei tre 

Roma in “quasi mezzo formato” 

(26 cm di larghezza), una 

soluzione, in termini di telaio 

e dimensioni, condivisa con il 

DAC e l’ampli per cuffia, tutti 

e tre tra gli ultimi nati, visto 

che sono stati presentati per la 

prima volta all’ultimo Monaco 

Hi-end. Un formato che, nel 

caso di un pre phono, non è del 

tutto trascurabile oltre ad essere 

abbastanza lontano da quello 

adottato da quegli apparecchi 

che rappresentano le radici storiche 

del marchio, se non per 

una equivalente armonia nella 

penna che ne ha vergato il design 

e per la netta prominenza 

del legno nell’aspetto. 

Il 79DC è un preamplificatore 

dedicato sia ai fonorilevatori 

magneto mobili che a bobina 

mobile, al contrario del piccolo 

pre phono Brio della serie Prime, 

con uscita a elevata tensione 

e un guadagno relativamente 

basso, dedicato quindi solo a fonorilevatori 

MM. Al contrario, 

Prezzo: € 1.790,00 

Dimensioni: 26 x 9,5 x 38 cm (lxaxp) 

Peso: 5 Kg 

Distributore: Synthesis 

Via Vanvitelli 14/a - 62010 Morrovalle (MC) 

Tel.+39 0733 567474 - Fax +39 0733 567154 

http://www.synthesis.co.it 

UNITÀ PHONO SYNTHESIS ROMA 79DC 

Tipo: MM/MC Tecnologia: ibrida FET/valvole Risp. in freq. (Hz): 

20-20.000 +/- 0,5 dB Impedenza MM (kOhm): 47 Impedenza 

MC (Ohm): 22/47/100/150/330/1000 S/N (dB): > 80 (MM), > 60 

(MC) Note: guadagno selezionabile tra 40 (MM) e 60 (MC) dB. 

Stadio d’amplificazione con 1 ECC83C (MM) e 1 JFET a basso rumore 

(MC), stadio d’uscita con doppio triodo ECC82C. Frontale 

in massello rosso/nero, dark o nero 


TEST 

I connettori sono abbastanza 

distanziati fra loro e consentono 

un accesso agevole al terminale 

di massa che accetta qualsiasi 

tipo di cavo terminato anche 

con forcelle: si tratta di uno 

dei talloni di Achille di molti 

pre phono di piccole e medie 

dimensioni in questo caso risolto 

egregiamente. I connettori RCA 

sono saldati direttamente al PCB 

mentre la vaschetta IC è fissata 

al pannello posteriore in acciaio 

INOX lucidato a specchio. 

il nuovo omaggio all’analogico 

dispone di una più che buona 

versatilità in fatto di sensibilità, 

impedenza e capacità di carico: 

con un selettore posto frontalmente 

all’interno dell’ampio 

display centrale possiamo scegliere 

il guadagno tra due valori 

fissi: 40 e 60 dB. Esperienza ci 

insegna che sono valori solitamente 

più che buoni per amplificare 

i segnali della maggior 

parte dei fonorilevatori, senza 

dover ricorrere a trasformatori 

esterni che elevano la tensione. 

Le eccezioni possono riguardare 

sicuramente i modelli MC 

dotati di tensione d’uscita veramente 

bassa, diciamo da 0,3 

mV in giù, per i quali o si ricorre 

ai già sopraddetti trasformatori 

d’uscita o step up, o ad altri pre 

phono con un guadagno maggiore, 

superiore ai 70 dB. 

Le varie sezioni sono disposte in 

modo razionale e spaziato proprio 

in funzione delle esigenze 

di cui prima. Come accennato 

l’involucro prevede un frontale 

in legno lavorato, come in tutta 

la serie delle elettroniche Roma. 

In questa serie il frontale, visto 

dall’alto, si presenta ricurvo ed 

è suddiviso in tre fasce. Quella 

centrale è la più importante, 

presentando anche i comandi e 

il display dell’apparecchio. Proprio 

la presenza dei comandi è 

un elemento piuttosto raro e 

comodissimo in questa tipologia 

di elettroniche. Solitamente, 

anche in dispositivi molto più 

costosi di questo, le regolazioni 

fini, quando presenti (quali la 

variazione del carico capacitivo, 

resistivo e il guadagno), sono 

realizzate tramite micro interruttori 

posti nel pannello posteriore 

o dentro l’apparecchio 

stesso. Nel caso del Roma 79DC 

oltre all’interruttore d’accensione 

abbiamo una grossa manopola 

per selezionare il carico 

capacitivo o d’impedenza, oltre 

a un piccolo interruttore MM/ 

MC che seleziona il guadagno in 

tensione. Qualora si abbia a che 

fare con un fonorilevatore MM 

o MC ad alta uscita il guadagno 

fisso è di 40 dB. Nel caso di abbinamento 

con un fonorilevatore 

MC a bassa tensione d’uscita 

il pre-phono sfrutta un ulteriore 

stadio a JFET per elevare il 

guadagno portandolo a 60 dB. 

Nei test eseguiti il Roma 79DC 

ha superato brillantemente la 

prova, amplificando adeguatamente 

fonorilevatori con uscita 

da 0,4 mV, con un rumore di 

fondo praticamente inudibile e 

una eccellente resa dinamica. I 

valori selezionati sono visibili 

grazie a un display posto al centro 

del frontale, una comodità 

anch’essa molto rara in apparecchi 

simili. Possono sembrare 

utility non fondamentali ma per 

trovare l’abbinamento ideale 

tra fonorilevatore e pre phono 

è più che mai indispensabile 

fare prove, confrontando a 

orecchio i risultati a seconda dei 

valori scelti durante la messa a 

punto; poterlo fare e verificare 

con grande rapidità e semplicità 

ci sembra un po’ l’uovo di 

Colombo. Una soluzione che, 

tuttavia, molti concorrenti 

continuano a ignorare, quasi a 

conferma che l’audiofilo debba 

necessariamente convivere con 

operazioni scomode e faticose. 

Il resto dell’involucro del Roma 

79DC è in lamiera e il pannello 

posteriore, liberato dai vari 

switch di regolazione, presenta 

solamente la vaschetta IEC per 

l’alimentazione e le prese RCA 

d’ingresso e uscita del segnale 

phono. 

La soluzione adottata dalla 

casa marchigiana è una buona 

semplificazione che, però, non 

aggiunge tantissimo alla semplicità 

e flessibilità d’uso o alle 

prestazioni strumentali. In ogni 

caso il beneficio di soluzioni 

“servoassistite”, almeno nelle 

selezione dei carichi, potrebbe 

rivelarsi un valore aggiunto 

rispetto ad altre soluzioni 

“posticce” (implementate con 

connettori volanti o a innesto 

rapido) oppure con dip switch. 

Comunque l’apparecchio è 

stato pensato per un impiego 

“stabile” e con una sola configurazione 

attiva quindi, una volta 

messo a punto, limiti e molte 

delle facility di ottimizzazione 

diventano, al tempo stesso, 

superate. 

L’ascolto è stato effettuato con 

fonorilevatori MC ad alta e bassa 

uscita come Sumiko Black 

Bird, Lyra Helicon e Kiseki 

Purpleheart, rispettivamente 

da 2,5 e 0,4 mV d’uscita. Considerando 

che per Sumiko, oltre 

all’elevato livello della tensione 

d’uscita, viene consigliato un 

carico d’impedenza di 47 kOhm 

è, da un punto di vista elettrico, 

assimilabile a un classico MM 

ad alta uscita; sono invece più 

tipicamente MC, con uscita medio/bassa, 

gli altri due fonorilevatori. 

In generale il pre phono 

italiano sembra assecondare alquanto 

le caratteristiche sonore 

di ciascun fonorilevatore abbinato, 

senza particolari preferenze 

o un protagonismo eccessivo. 

Un certo arrotondamento, 

specie sugli acuti, riscontrato 

con alcune delle configurazioni 

elencate, è difficile da attribuire 

necessariamente alla presenza 

delle valvole nel circuito del 

Roma 79DC, che si contraddistingue 

per una influenza discreta 

sulla rappresentazione 

sonora. In alcuni casi limare 

alcune asprezze o luminosità un 

po’ esagerate può tornare utile 


SELECTOR 

2 

1 

I componenti sono selezionati e 

di qualità, con resistori a strato 

metallico all’1% e condensatori in 

polipropilene metallizzato. 

Il collegamento di massa, 

fissato al pannello e allo 

chassis è fra i più funzionali; 

da usare con qualsiasi tipo 

di cavo 

3 

6 

5 

I quattro piedi, in 

plastica, sono fissati al 

fondo dell’apparecchio e 

poggiano a terra tramite 

un anello di neoprene 

antiscivolo che ha anche 

l’effetto di isolamento 

dalle vibrazioni. 

4 

NUOVO CON STILE 

Lo chassis in lamiera ferrosa stampata 

presenta i bordi arrotondati e le giunzioni 

saldate fra loro con un effetto vintage 

ma di qualità e un livello di finitura e 

di resa che fanno onore allo stampo 

artigianale dell’azienda. Il pannello 

posteriore, in acciaio INOX lucidato 

a specchio, è applicato alla struttura 

posteriore e sostiene la vaschetta IEC 

di alimentazione, mentre i connettori 

RCA sono saldati direttamente sul 

PCB. All’interno è presente un ampio 

PCB in cui è implementata gran parte 

dell’elettronica dell’apparecchio, ad eccezione 

dei comandi posti sul frontale 

che sono gestiti da un microcontrollore 

in abbinamento a un display e da un 

collegamento al PCB principale con un 

flat cable che agisce sugli integrati di 

potenza ULN2003 per l’azionamento 

dei relè (3). Il trasformatore toroidale 

(5) è posto al di fuori del PCB e fissato 

direttamente al fondo dell’apparecchio, 

mentre le varie alimentazioni sono implementate 

nelle immediate vicinanze 

delle sezioni con circutiti di stabilizzazione 

e grandi capacità d filtro (6). Tutte 

le commutazioni dei carichi resistivi e 

capacitivi vengono attivate dai relè blindati 

in modo da minimizzare il percorso 

del segnale e salvaguardare la qualità 

dei contatti. Il circuito di commutazione 

introduce anche l’ulteriore amplificazione 

per lo stadio MC che impiega un 

JFET K170F (1). 


TEST SYNTHESIS ROMA 79DC 

per un ascolto lungo e rilassato, 

ed è stato molto apprezzato 

con Lyra Helicon, modello 

non più in produzione ma per 

lungo tempo ritenuto uno dei 

migliori nello scandagliare ed 

evidenziare ogni minimo particolare 

presente nei solchi 

dei dischi. Una tendenza che 

in sistemi un po’ troppo votati 

a questa missione può portare 

a uno squilibrio timbrico. Con 

il Synthesis si riesce, soprattutto 

con un carico tra i 330 

e i 1.000 Ohm, a riequilibrare 

la situazione, trovando un 

eccellente timbro neutrale, 

luminoso quando serve, con 

una risposta estesa e regolare. 

Il pickup Kiseki può apparire 

totalmente diverso dall’Helicon, 

il classico guanto di velluto 

che nasconde un pungo di 

ferro. Tali caratteristiche non 

vengono perdute e, anche in 

questo caso, l’equilibrio ottenibile 

promette lunghi ascolti 

nei quali la fatica d’ascolto 

risulta una gradita assente. 

Un suono relativamente più 

freddino si ottiene con Sumiko 

Black Bird o anche con l’AT-F7 

di Audio-Technica, forse anche 

a causa di un livello d’uscita di 

0,35 mV un po’ al limite per 

questo pre-phono; il suono 

rimane un poco esile anche 

provando con diversi settaggi 

d’impedenza, consigliata intorno 

ai 100 Ohm. 

In generale, dunque, l’intervento 

musicale del pre phono 

Synthesis si rivela alquanto 

delicato, assecondando il carattere 

del fonorilevatore abbinato, 

con una leggera tendenza 

al calore e all’arrotondamento, 

che può essere spesso a fin di 

bene con certi pickup MC sin 

troppo analitici. Chi preferisce 

maggiormente un suono di 

questo ultimo tipo, più veloce, 

fresco e brillante, deve rivolgersi 

altrove: primi esempi che 

vengono in mente sono il piccolo 

Nagra BPS (a pile), un po’ 

più costoso, o il Silver Cube di 

Lehmann Audio, decisamente 

più costosi ma che possono 

dare l’idea del potenziale di 

certi fonorilevatori che fanno 

della trasparenza e il dettaglio 

spinto la loro principale 

vocazione. 

Nel complesso, però, il Roma 

79DC si fa apprezzare tanto 

per l’ottimo aspetto (design 

e finitura) che per la facilità 

d’uso, sebbene la facility della 

presenza di settaggi sul frontale 

dell’apparecchio, compreso 

il display che evidenzia i valori 

selezionati, vada valutata nella 

giusta prospettiva dunque 

né esaltata eccessivamente né 

deprecata per eventuali limiti. 

Va piuttosto rivelato come in 

merito, da parte della casa, 

non esista una filosofia forte e 

ben delineata che dia contorni 

netti all’apparecchio, favorendo 

così un approccio leggermente 

ondivago che non sembra 

privilegiare nessun aspetto 

con determinazione. Proviamo 

a fare qualche paragone con gli 

esempi citati... 

Il pre fono della Esoteric (la 

cui prova abbiamo riproposto 

nel numero 500 di SUONO) 

ha due ingressi indipendenti, 

non utilizza microprocessori 

ma solo commutatori meccanici 

che agiscono sui relè in 

quantopreferibili dal punto di 

vista meccanico: ciò offre una 

regolazione rapida e ottimale 

al variare delle condizioni di 

utilizzo che, viste le possibilità 

di collegamento, possono essere 

molteplici. 

Nel caso del Roma 79DC il 

collegamento è unico e, per 

ipotesi, si sarebbe potuta risparmiare 

la sezione di gestione 

e i display in favore di una 

differente gestione dei costi di 

produzione. Il Nagra, invece, 

L’OPINIONE 

Sfuggendo 

agli archetipi 

caratteristici di 

un segmento ben 

radicato (oltre 100 

anni di analogico: 

evviva!) il costruttore marchigiano 

sfida i pregiudizzi con un 

prodotto che per dimensioni, 

look e funzionalità si allontana 

dal classico ma, in un certo senso, 

rivisita con gusto e sostanza la 

lettura del disco nero. Come tutti 

gli apparecchi della serie Roma 

anche questo è un bellissimo 

oggetto, in grado di scatenare 

quelle ansie di possesso tipiche 

del microlusso, che oltre alle 

“sirene” della nostra vanità colpisce 

moderatamente nel portafoglio, 

diventando sogno possibile. Se 

si aggiungono le performance, 

ampiamente all’interno della 

fascia di appartenenza, ecco un 

valido elemento con cui comporre 

un sistema che tra gli elementi 

a corredo, ha anche il pregio di 

ben interfacciarsi con i parner 

nella difficile messa a punto 

dell’analogico 


punta alla ottimizzazione sia in 

termini di amplificazione che 

di adattamento a livello hardware 

ma, visto che una volta 

effettuato l’abbinamento non 

si ha più bisogno di intervenire, 

scavalca tutta la sezione di 

commutazione, ottimizzando a 

dismisura collegamenti e stabilità 

delle connessioni che, di 

fatto, non ci sono. 

Questo nonostante la somma 

dei valori espressi nell’apparecchio, 

uniti a prestazioni 

comunque di buon livello e 

a un prezzo ancora accessibile, 

ne facciano un prodotto 

particolarmente appetibile, 

con il valore aggiunto di una 

italianità che non inciderà 

sulle performance macontribuisce 

senz’altro a una certa 

weltanschauung! 

SUONOGRAMMA 

1 CAPACITÀ DI ANALISI DEL DETTAGLIO ................... 1 

2 MESSA A FUOCO E CORPOSITÀ ............................... 2 

3 RICOSTRUZIONE SCENICA ALTEZZA ........................ 1 

4 RICOSTRUZIONE SCENICA LARGHEZZA .................. 2 

5 RICOSTRUZIONE SCENICA PROFONDITÀ ................. 1 

6 ESCURSIONI MICRO-DINAMICHE ........................... 1 

7 ESCURSIONI MACRO-DINAMICHE .......................... 2 

8 RISPOSTA AI TRANSIENTI ....................................... 1 

9 VELOCITÀ ............................................................... 1 

10 FREQUENZE MEDIE E VOCI...................................... 2 

11 FREQUENZE ALTE ................................................... 1 

12 FREQUENZE MEDIO-BASSE .................................... 2 

13 FREQUENZE BASSE ................................................. 1 

14 TIMBRICA ............................................................... 1 

15 COERENZA .............................................................. 1 

16 CONTENUTO DI ARMONICHE .................................. 2 

Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da 

-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed 

esprime la congruità della prestazione con prodotti 

analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo. 

IL VOTO DELLA REDAZIONE 

COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Il livello è molto alto sia per la realizzazione 

che per la scelta dei materiali. La sezione di 

amplificazione e di equalizzazione sono, invece, 

piuttosto “scolastiche”. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Ad eccezione di alcuni aspetti che potrebbero ridurre 

l’interfacciabilità dell’apparecchio sia con i 

fonorilevatori che con gli apparecchi che sono a 

valle del sistema, le regolazioni e la semplicità 

di utilizzo sono a livelli elevati. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Praticamente “trasparente”; se interviene, è a 

fin di bene. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Una solida tradizione unita alla robusta filiera 

distributiva fanno del marchio una certezza. La 

linea Roma, inoltre, si sta sviluppato in maniera 

lucida e coerente. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Ottimo equilibrio tra il piacere per gli occhi e 

quello per le orecchie, in un pre importante ma 

ancora classificabile come microlusso. 

I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza 

dell’apparecchio. Il fattore di concretezza 

rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del 

prodotto, del marchio e del distributore. 


SELECTOR 

di Carlo D’Ottavi 

GIRADISCHI 

Teac TN-300 

Sarà anche una semplice 

moda passeggera, come 

l’ha definita qualche tempo 

fa un certo Neil Young, 

ma il piccolo grande successo 

del disco continua 

e lo dimostra la quantità 

di costruttori che hanno 

nuovamente inserito nei 

propri cataloghi uno o 

più giradischi. Il caso di 

Teac è abbastanza significativo 

in quanto non è 

propriamente questo il 

settore nel quale il costruttore 

giapponese ha 

raccolto, nella sua ormai 

lunga storia, i maggiori 

consensi e successi. 

Dopo un periodo di involuzione 

che ha visto 

il marchio rivolgersi soprattutto 

alla fascia più consumer 

del mercato, tanto da sembrare in 

declino, come molti altri marchi 

storici giapponesi, siamo di fronte 

ad un cambio di marcia: da un 

lato torna l’interesse per l’Hi-Fi 

di buon livello, puntando ancora 

una volta sul digitale e sulla musica 

liquida in particolare; dall’altro 

rispuntano inaspettatamente 

i giradischi... 

Per quest’ultimo segmento di 

mercato, ad eccezione di qualche 

discrepanza tra quanto presente 

nel sito globale e in quello euro- 

peo, la tendenza è abbastanza 

se di prodotti destinati al vinile 

“puro” (più o meno) e un’altra 

serie più evocativa che ricorda 

molto da lontano le antiche fonovalige 

agli albori della riproduzione 

domestica. 

I due giradischi più vicini al settore 

Hi-Fi sono il TN-200 e il TN- 

300 (il modello in prova) e sembrano, 

a prima vista, identici, ma 

a differenziarli è il fonorilevatore 

montato, in entrambi i casi MM, 

di serie: un Skytec CR2861 del valore 

di circa 20 euro nel modello 

più economico TN-200, e un 

modello Audio-Technica AT95E 

da 50 euro per il TN 300 qui in 

prova. Ad un esame più appro- 

fondito, invece, si apprezza anche 

da trovare in apparecchi di questo 

tipo e un sistema di appoggio 

più sofisticato di quello installato 

sul TN-200, in cui sono impiegati 

piedini in gomma. Entrambi i giradischi, 

“for serious music fans”, 

così come sono definiti dal costruttore, 

posseggono di serie una 

scheda pre-phono MM chiamata 

EQ, che può essere utilizzata nel 

caso si possegga un amplificatore 

con ingressi solo linea, oppure 

esclusa utilizzando un pre-phono 

esterno e un’uscita USB di tipo A 

per il riversamento digitale direttamente 

su computer, utilizzando 

il convertitore analogico-digitale 

incorporato. 

L’apparecchio è disponi- 

chiara: una clas- 

un livello di finitura del TN-300 

bile in differenti finiture 

davvero difficile 

laccate nera, rossa e 

Prezzo: € 399,00 

Dimensioni: 42 x 11,9 x 34,1 cm (lxaxp) 

Peso: 4,8 Kg 

Distributore: Exhibo S.p.A. 

Via Leonardo da Vinci, 6 

20854 Vedano al Lambro (MB) 

Tel. 039 4984.1 - Fax 

www.exhibo.it 

GIRADISCHI TEAC TN-300 

Tipo: completo di testina Telaio: rigido in MDF su piedini morbidi 

in alluminio e gomma Trasmissione: a cinghia Piatto: alluminio 

pressofuso ad elevata inerzia e tappetino in gomma Velocità 

(RPM): 33 e 1/3, 45 Braccio: dritto, bilanciato dinamicamente, shell 

rimovibile, contrappeso in alluminio e antiskating Alzabraccio: 

Manuale Wow & Flutter (%): 0,2 Rumble (dB): 60 Note: finitura 

nera, rossa, ciliegio o bianca. Fonorilevatore montato di serie MM 

Audio Technica AT95E. Scheda Phono MM e convertitore A/D 

48kHz/16bit interni. Uscite analogiche linea e Phono MM, e digitale 

USB. Coperchio incluso. 


TEST 

Lo shell è in alluminio pressofuso e consente l’installazione di testine 

di varie lunghezze. L’innesto rapido è preciso e con un buon serraggio 

al braccio. 

in gomma da porre inferiormente 

alle sue fiancate, in modo da non 

graffiare e produrre “rumori” con 

la superficie laccata del giradischi. 

Va segnalato come l’apparecchio, 

una volta tirato fuori dall’imballaggio, 

sia “votatamente pulg ‘n’ 

play” e pronto per suonare in pochi 

secondi, una volta poggiato 

su un ripiano ben messo in bolla: 

basta applicare sul suo perno 

il piatto e sfruttare uno dei suoi 

fori per allungare la cinghia di trasmissione 

all’alberino del motore, 

facendola girare intorno... 

Per il resto il fonorilevatore MM 

dell’Audio-Technica AT95E è 

già premontato e settato nel 

modo corretto, peso di lettura e 

antiskating compreso. A questo 

punto servono due cavi di segnale 

per collegare l’uscita phono, preamplificata 

con apposita scheda 

interna o bypassata per la connessione 

a un pre-phono esterno 

o a un amplificatore integrato 

provvisto di tale funzionalità integrata. 

La selezione tra i due tipi 

di uscite si effettua tramite un sebianca 

e in 

ciliegio, forse 

la più classica e 

per certi versi bella. 

La versione giunta in redazione è 

in un vistoso rosso, non il “rosso 

Ferrari” ma una versione leggermente 

più chiara, che fa un bel 

contrasto con i comandi, il braccio, 

il piatto e i piedini in alluminio. 

Il telaio è una sottile tavola 

in MDF, laccata con una finitura 

brillante ad alto spessore su tutti 

i lati e anche sui bordi interni 

delle forature con effetto “incapsulamento” 

abbastanza raro sopratutto 

in questa fascia di prezzo. 

Inferiormente un coperchio 

nasconde elettronica, cavetteria 

varia e parte della meccanica del 

giradischi. Ai quattro angoli del 

telaio sono piazzati i piedini che 

accoppiano il giradischi al piano 

d’appoggio. Questi elementi, così 

importanti per l’assorbimento 

delle vibrazioni che possono essere 

trasmesse dal mobile, sono 

realizzati in modo non banale, 

specie se riferite alla classe del 

prodotto: si tratta di elementi in 

gomma molto flessibile e un anello 

esterno in alluminio che realizzano 

una struttura complessa 

per il disaccoppiamento con il 

piano d’appoggio. L’elettronica 

nascosta dal coperchio inferiore 

comprende la scheda phono EQ 

per permettere il collegamento 

diretto a un preamplificatore che 

accetta solo ingressi di linea, e l’uscita 

diretta selezionabile con un 

commutatore, senza cioè alcun 

intervento di preamplificazione 

da parte del giradischi Teac. Sulla 

stessa scheda, accanto alla sezione 

analogica d’uscita, abbiamo 

quella di conversione in digitale 

con l’uscita USB che è incentrata 

s u 

u 

n 

chip Burr 

Brown, non 

proprio l’ultimo grido nel settore 

digitale e forse il tallone di Achille 

del sistema anche se ancora il 

più diffuso in apparecchi dotati di 

connessione USB per la registrazione 

dei vinili. 

L’alimentazione ha un adattatore 

di tensione esterno e posto nella 

spina da muro con cui termina il 

corrispondente cavo. Tra gli altri 

elementi collocati inferiormente 

abbiamo un piccolo regolatore 

della velocità di rotazione del 

motore tramite due piccoli potenziometri. 

La regolazione, comunque, 

non è prevista per un utente 

comune e i due trimmer sono difficilemnte 

raggiungibili in condizioni 

normali. Superiormente alla 

base il motore in corrente continua 

è posizionato in modo che il 

suo alberino in rame pieno sia 

all’interno del piatto, in modo che 

non si veda dall’esterno. Il piatto 

in pressofusione di alluminio è 

dunque internamente sagomato 

per contenere la cinghia di trasmissione 

che va poi allungata 

e fatta girare intorno all’albero 

motore, sfruttando uno dei fori 

praticati superiormente nel piatto. 

Noccandolo, risuona, sebbene 

tale vibrazione scompaia del tutto 

una volta poggiato sopra di esso 

il tappetino in gomma. Il cambio 

tra le sue canoniche velocità è 

elettronico, liberando l’ascoltatore 

dal noioso cambio manuale 

con lo spostamento della cinghia 

di trasmissione tra le due pulegge 

di diverso diametro che solitamente 

hanno i giradischi manuali. 

Il selettore di velocità è posto 

accanto al comando simile di accensione 

/ spegnimento, posti in 

parallelo alla canna del braccio. Il 

braccio di lettura ha la canna dritta, 

lo shell porta fonorilevatore 

rimuovibile, tenuto in posizione 

stringendo un collarino. L’articolazione 

è del tipo a cuscinetti per 

entrambi i movimenti sui due assi 

cardinali. Il contrappeso è dotato 

della classica ghiera di taratura 

ma naturalmente per la massima 

precisione sarà sempre meglio 

fare affidamento alla classica 

bilancina. Unica altra regolazione 

possibile è quella dell’antiskating, 

tramite una piccola manopola posta 

alla base circolare del braccio. 

In pratica agisce su una piccola 

molla a sbarra che frena o meno 

il perno di rotazione orizzontale 

del braccio. Non è invece possibile 

variare il VTA o l’Azimuth, un 

aspetto molto importante da considerare 

se vorrete cambiare il fonorilevatore 

di serie; in quel caso 

dovrete necessariamente affidarvi 

a modelli dal corpo e puntina alti 

quanto quello dell’AT95 di serie. 

Non manca il coperchio inseribile 

tramite le classiche cerniere posteriori 

e con due piccoli inserti 

Il piatto è in alluminio pressofuso, abbastanza leggero, tornito 

esternamente e nella ghiera interna in cui aderisce la cinta di trazione. 

Anche il foro interno è tornito con un profilo conico autocentrante che 

si innesta al perno centrale. 


SELECTOR 

Il guscio in alluminio è fissato alla 

membrana in gomma abbastanza 

cedevole che consente al piede di 

flettere in ogni direzione. 

La base del braccio sostiene 

il meccanismo alza-braccio 

e quello dell’antiskating. 

Si tratta di un’asticella 

in acciaio armonico che 

spinge su un asse in 

ottone solidale con il 

braccio la cui pressione è 

determinata dalla ghiera 

di regolazione: semplice 

ed efficace. 

Il perno e il motore 

sono fissati alla 

tavola tramite una 

ghiera metallica. 

Il motore è 

sospeso mentre 

il perno ha un 

innesto con il 

piatto in ottone 

di tipo conico 

autocentrante. 

Il PCB è suddiviso in due sezioni, una per l’alimentazione regolata 

per la rotazione del motore, differenziata per 45 e 33 giri, e l’altra per 

l’amplificazione ed equalizzazione del segnale, che può essere digitalizzato 

e trasferito tramite USB. Per l’amplificazione è utilizzato un JRC 8080 mentre 

per la conversione e la trasmissione USB un Burr Brown PCM2900E. 

PLUSVALORI 

L’architettura è abbastanza semplice 

ma efficace e ben ottimizzata per 

quanto riguarda l’isolamento con il 

piano di appoggio che impiega quattro 

piedi troncoconici in alluminio 

stampato e al suo interno è dotato 

di una membrana sagomata in gomma 

fissata alla tavola con una vite al 

centro; ciò rende la struttura sospesa 

e libera di flettere in ogni direzione. 

Anche il motore presenta un efficace 

isolamento meccanico in quanto “appeso” 

tramite tre elementi in gomma 

cedevole alla placca in metallo solidale 

alla tavola. Il braccio è fissato 

per mezzo di un grande elemento in 

plastica troncoconico molto ampio e 

irrobustito da nervature interne che 

fa da supporto all’articolazione e ai 

dispositivi per l’alzo del braccio e la 

regolazione dell’antiskating. I cavi 

di collegamento con i contatti dello 

shell confluiscono in un PCB in cui è 

saldato il cavo coassiale schermato 

terminato con un connettore rapido 

che si innesta nella sezione attiva che 

al suo interno contiene quanto necessario 

per la selezione e la regolazione 

della rotazione del motore e la sezione 

dedicata all’amplificazione del segnale 

e della equalizzazione RIAA. I due 

commutatori rotativi sotto il braccio 

selezionano la differente alimentazione 

del motore per la velocità e l’interruttore 

generale di alimentazione. 


TEST TEAC TN-300 

lettore posto vicino ai terminali 

RCA sul pannello posteriore. Non 

lontani ci sono la presa per il cavo 

di corrente che nella spina di rete 

comprende un piccolo alimentatore, 

l’interruttore e la presa 

USB di tipo A per il collegamento 

al computer. In questo caso 

il giradischi incorpora dunque 

anche una scheda di conversione 

analogico-digitale. 

Il primo ascolto è stato effettuato 

sfruttando l’EQ phono interno, 

collegando quindi il giradischi 

direttamente a un ingresso linea 

dell’integrato utilizzato. Il risultato 

non è esattamente esaltante 

e risulta al di sotto delle attese, 

pur considerando il fatto che si 

sta utilizzando un fonorilevatore 

MM economico come l’AT95E 

(valore = circa una cinquantina di 

euro). Il suono è alquanto timido 

e la scena si concentra all’interno 

dei diffusori sebbene lo stage sia, 

sostanzialmente, piccolo seppur 

proporzionato; non si amplia, 

però, neppure spingendo molto 

sul volume, soluzione difficile da 

perseguire, tra l’altro, a causa di 

una tensione d’uscita, con l’EQ 

in funzione, non troppo elevata 

per l’ingresso linea. Il timbro è 

piuttosto buono e se la risposta in 

frequenza è smorzata agli estremi 

tale calo appare piuttosto simmetrico, 

non portando a un suono 

troppo squilibrato in un senso o 

nell’altro. Certo se il basso non è 

molto presente gli alti appaiono 

poco rifiniti ed eleganti ma anche 

loro sono, diciamo così, discreti e 

poco invadenti. 

Meglio allora collegare l’uscita 

non preamplificata a una unità 

phono esterna, nel nostro caso 

un Moth RIAA MM/MC. Già con 

questa elettronica si riesce a tirar 

fuori dal sistema giradischi + 

fonorilevatore molto di più, con 

un suono che si fa decisamente 

più decoroso e degno di buoni 

ascolti. La scena si allarga visibilmente 

anche oltre i diffusori, 

dando meno l’impressione di un 

ascolto in scala ridotta come nelle 

condizioni precedenti. Anche 

la tridimensionalità acquista una 

sua dignità mentre la risposta in 

frequenza si estende e si fa più 

regolare, con un calo agli estremi 

banda “fisiologico”, legato ai 

limiti del fonorilevatore di serie. 

Tutto è migliorato, anche la dinamica 

e persino l’impulsività 

si fanno un po’ più apprezzabili. 

Vivacità e velocità rendono l’ascolto 

più fresco e piacevole. Nel 

complesso il suono è cresciuto 

in quantità e qualità, ed è decisamente 

più vitale di prima; 

resta qualche stranezza qua e là 

nel timbro e nel rilievo eccessivo 

che viene dato a certi strumenti 

rispetto ad altri. 

L’ultimo passo consiste nella 

sostituzione del fonorilevatore 

di serie AT95E; noi lo abbiamo 

fatto con un modello a bobina 

mobile AT F7 sempre dell’Audio 

Technica. Certo, il salto economico 

non è proprio insignificante: 

considerando la classe del giradischi, 

in pratica il costo finale si 

raddoppia ma, proprio in questa 

ipotesi limite, risiede la possibilità 

di testare se il Teac TN-300 

sia in grado di posizionarsi in 

una fascia superiore di performance. 

Lo shell staccabile, con 

l’antico sistema del collarino da 

allentare, tanto semplice quanto 

efficace, farà storcere forse il 

naso ad alcuni puristi (anche se 

è presente in bracci di classe di 

prezzo a triplo zero) ma è assai 

comodo quando si deve sostituire 

un fonorilevatore! La scelta 

della AT F7 è stata favorita anche 

dal fatto che ha dimensioni geometriche 

identiche a quelle del 

modello di serie, pertanto non si 

creano problemi di altezza ideale 

(leggi VTA) nello scambio; 

meglio, comunque, munirsi di 

una di quelle schede, che trovate 

anche su internet, che aiutano 

ad allineare il fonorilevatore 

nel modo corretto. Noi abbiamo 

usato un classico cartoncino 

della Rega, perfetto per il nostro 

caso. Regolato peso di lettura e 

anti-skating, abbiamo proceduto 

all’ascolto con l’apparecchio, per 

così dire, “al massimo delle sue 

potenzialità”. In effetti con questa 

configurazione si può verificare 

come questo giradischi, pur 

chiaramente economico, possa 

crescere e di molto nelle sue 

prestazioni. I risultati, peraltro, 

non tardano ad arrivare: la scena 

si fa finalmente ampia, svincolandosi 

dal posizionamento dei 

diffusori; il basso ora è presente, 

con un buon livello d’impulsività 

e in grado farsi sentire anche dal 

nostro corpo, come prima sembrava 

impossibile. Nella timbrica 

prevale la chiarezza, un elemento 

caratterizzante di questa bobina 

mobile e, piuttosto, il TN-300 

sembra in grado di non snaturare 

o mortificare le doti del fonorilevatore: 

davvero un ottimo risultato. 

Probabilmente l’AT F7 può 

rappresentare un investimento 

sproporzionato per questo giradischi 

ma certamente il Teac 

merita qualcosa di superiore alla 

economica AT95E e alle prestazioni 

dello stadio phono e della 

opzione USB! In altre parole, 

come giradischi stand alone ha 

molte potenzialità da valorizzare 

e che cominciano a rappresentare 

una valida alternativa ai marchi 

storici che hanno preso piede 

nel middle end dei tempi bui... 

E chi guarda al suo ritorno (o a 

una protratta permanenza) nel 

settore dell’analogico può guardare 

a questo giradischi, le cui 

caratteristiche intrinseche sono 

apprezzabili così come l’aspetto, 

cercando di trovare il modo di 

elevarne sensibilmente le potenzialità, 

andando a guardare nei 

cataloghi di Grado, Ortofon serie 

2M, Goldring serie 2000, o Audio-Technica 

AT100E (con prezzi 

intorno ai cento euro). 


1 Capacità di analisi del dettaglio ...................2 

2 Messa a fuoco e corposità ...........................2 

3 Ricostruzione scenica altezza .......................1 

4 Ricostruzione scenica larghezza ...................1 

5 Ricostruzione scenica profondità .................1 

6 Escursioni micro-dinamiche ........................1 

7 Escursioni macro-dinamiche .......................1 

8 Risposta ai transienti ...................................1 

9 Velocità .......................................................2 

10 Frequenze medie e voci ...............................1 

11 Frequenze alte .............................................2 

12 Frequenze medio-basse...............................2 

13 Frequenze basse ..........................................1 

14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................1 

16 Contenuto di armoniche ..............................2 






COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Eccellente finitura e realizzazione della parte 

meccanica e funzionale rispetto al prezzo complessivo, 

anche se la presenza dei sub dispositivi 

(testina e sezione attiva) è penalizzante. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Pur tenendo conto di quanto sopra e sotto esposto, 

siamo di fronte a un plug ’n’ play completissimo. 

Ottimo per cominciare, proseguendo 

senza doverlo sostituire... 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Ben al di sopra, se coadiuvato dai giusti parner, 

di quanto aspettato dallo stesso costruttore che 

penalizza le performance abbinandolo a partner 

mediocri. 


Tutto da verificare questo “ritorno” all’analogico. 

Se sia solo un fuoco di paglia lo dirà il tempo. La 

concretezza del marchio, invece, non si discute. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Per quanto riguarda livelli di finitura, opzioni e 

altre caratteristiche è ben al di sopra della sua 

fascia di appartenenza. 






SELECTOR 


AMPLIFICATORE INTEGRATO 

Audia Flight Three S 

Sembrerà strano ma la 

apparente dovizia di alternative 

che si presentano 

a chi intende acquistare 

un amplificatore integrato 

di pregio ma di prezzo 

ancora ragionevole, una 

volta sfrondate delle proposte 

improbabili, di quelle 

irragionevoli e di quelle 

“per esigenze particolari”, 

si riduce di molto nelle alternative. 

Anche per questo 

un’amplificazione “solida” 

di nome e di fatto come 

quella proposta dalla casa 

italiana brilla di luce riflessa 

oltre che di luce propria 

La possibilità di configurare 

l’apparecchio fino a 

renderlo una completa 

centrale audio poi davvero 

non guasta! 

L’interessante percorso del 

costruttore del centro Italia 

nel settore dell’amplificazione, 

con cui è cominciata la sua 

avventura in campo audio, si è 

arricchito e articolato nel tempo, 

nonostante l’azienda abbia 

mantenuto un “passo” cauto e 

ragionevole, come si addice a 

un piccolo artigiano quale Audia 

Flight (confidenzialmente 

solo Audia) è e vuole essere. 

Quattordici prodotti in tutto 

(a cui si dovrebbe aggiungere 

a breve un DAC con controllo 

di volume) divisi in tre linee: 

quella Classic, da cui è iniziato 

il percorso della casa; la linea 

di eccellenza Strumento, che ha 

proiettato il costruttore nell’agone 

dell’Hi-end più elevato; la 

Three Series, il tentativo di approcciare 

il segmento del micro 

lusso nella sua versione più 

elevata. All’interno delle varie 

linee una certa discontinuità di 

prodotto; nove prodotti in una, 

tre in un’altra e due soli nella 

gamma di approccio: un lettore 

CD e un ampli integrato, 

recentemente aggiornato nelle 

funzioni e nell’aspetto. L’FL 

Three, questo l’oggetto in questione, 

è un integrato linea con 

possibilità di essere arricchito 

da una scheda phono MM/MC 

e da una scheda con DA 24 bit 

/ 192 kHz. Tra i vari aggiornamenti 

rispetto alla versione 

precedente spicca la scelta di 

aver rinnovato il design con 

un frontale che si ispira alla 

linea di vertice, caratterizzato 

dal display a forma di sorriso 

(qui disassato e ancorato su 

un pannello frontale di minor 

spessore 

che nella 

linea 

Strumen- 

to), 

solu- 

zione 

che lascia 

supporre come, a breve, 

anche il lettore CD verrà 

“rinnovato”. 

Un tentativo di rafforzare la logica 

di una proposta che, complessivamente, 

lo diciamo preventivamente, 

manca ancora di 

una sua completa coerenza, né 

alcune scelte (dai nomi degli 

apparecchi a un investimento 

residuale in termini di comunicazione 

attraverso il sito che 

“grida vendetta”) sembrano 

contribuire a una maggiore 

chiarezza. Tutto ciò, peraltro, 

non aggiunge né toglie niente 

Prezzo: € 2.750,00 

Dimensioni: 45 x 11 x 44 cm (lxaxp) 

Peso: 16,50 Kg 

Distributore: Audio Living Design 

Via Pantanelli, 119 - 61025 Montelabbate () 

Tel.0721.472.899 - Fax 

http://www.audiolivingdesign.it 

AMPLIFICATORE INTEGRATO AUDIA FLIGHT THREE S 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 80 W su 8 

Ohm (160 W su 4 Ohm) in classe AB Accessori e funzionalità 

aggiuntive: Telecomando, Ingresso cuffia Risp. in freq. (Hz): 

1-450.000 - 3 dB THD (%): < 0,05 S/N (dB): >95 Phono: MM ( mV/ 

KOhm) MC ( mV/ Ohm) Ingressi analogici: 4 RCA 1 XLR Uscite 

analogiche: 2 RCA Note: scheda phono opzionale euro 390; scheda 

DAC 192KHz/24bit con ingresso USB opzionale a 390 euro 


TEST 

La dotazione di ingressi è 

notevole: 4 linea RCA, 1 XLR e 1 

TAPE in e out. U ingresso linea 

è configurabile per il phono se 

si installa la scheda opzionale, 

mentre l’ingresso USB (anch’esso 

opzionale) risulta indipendente. 

È presente anche il pre out per la 

biamplificazione in abbinamento 

ad altro finale. 

al Three S dove la S sta per... 

non lo sappiamo, ma certamente 

non per Strumento, 

visto che si tratta di una linea 

totalmente differente sebbene 

l’estetica sia simile e... insomma, 

lo vedete no? Concludiamo 

l’analisi preventiva con una 

nota di biasimo per il display. A 

noi non piace (ci ricorda il sorriso 

del Joker!) ma questa può 

essere considerata un’opinione 

come tante; quel che davvero 

non va è che a fronte di uno 

sforzo comunque encomiabile 

in termini di interfaccia uomomacchina, 

si abbia in cambio 

una soluzione poco leggibile e 

parca di informazioni: nemmeno 

il livello del volume viene 

visualizzato! Ogni apparecchio 

è una sintesi e un compromesso, 

quelli “economici” (rispetto 

almeno al taglio dell’azienda) 

lo sono di più ma qui si sono 

investite risorse in una direzione 

“poco efficiente”... 

Sempre in termini di utilizzo, 

la selezione degli ingressi avviene 

tramite la pressione dei 

pulsanti posti sul frontale in 

modo sequenziale ed è anche 

presente la funzione di personalizzazione 

del nome degli 

ingressi anche se tale operazione 

risulta estremamente 

farraginosa e un po’ fuori 

tempo, considerate le opzioni 

che via via vengono proposte i 

merito alla gestione dei dispositivi. 

Da sottolineare invece 

la regolazione del volume che 

avviene in modo continuo e 

molto “analogico” considerato 

che si tratta di un potenziometro 

motorizzato, e l’attivazione 

del mute che di fatto porta il 

volume gratamente a zero ruotando 

il potenziometro e, una 

volta disattivato, riporta la manopola 

alla regolazione precedente: 

una vera chicca anche se 

la rotazione è piuttosto lenta e 

la riduzione del livello avviene 

in modo non eccessivamente 

tempestivo. L’apparecchio è 

anche dotato di un pulsante 

per la disconnessione dei diffusori 

per l’utilizzo della uscia 

cuffia che può essere utilizzata 

anche con i diffusori inseriti. 

Il telecomando dispone di una 

serie di tasti polifunzionali che 

rendono di immediata attivazione 

la regolazione del volume 

ma rendono necessaria la scelta 

di commutare gli ingressi e 

poi selezionarli in modo sequenziale. 

La regolazione del 

volume avviene non in modo 

continuo ma a piccoli scatti 

che, nel caso di abbinamenti 

con sorgenti ad alto livello di 

uscita, non consente una regolazione 

fine del livello minimo, 

tanto che, se si vuole ascoltare 

a basso volume in orari notturni, 

bisogna intervenire manualmente 

con la manopola del 

volume. 

L’ascolto dell’apparecchio si è 

svolto con una insolitamente 

ampia pletora di partner: dai 

piccoli Dali Opticon 1 (in prova 

in questo stesso numero 

di SUONO) ai grandi Triangle 

Magellan Cello, utilizzati 

come riferimento nella nostra 

sala d’ascolto o i Jean Marie 

Renaud Abscisse, insoliti partner 

dal carattere irrituale. Le 

varie configurazioni hanno 

evidenziato qualche caratterizzazione 

derivante dall’abbinamento; 

caratterizzazioni che 

determinano il risultato sonoro 

e di misura tale da ponderare 

alcune scelte, dato che con altre 

ciò non avviene. 

Nel caso dei Dali, i più economici 

piccoli diffusori utilizzati, 

l’abbinamento fornisce 

risultati altalenanti: ottimo, 

perfino sorprendente in alcuni 

casi, un po’ più deludente 

in altri. Fondamentalmente 

c’è una piacevolezza di fondo 

che rimane un po’ con tutti i 

generi in particolare, però, con 

le voci e le medie. L’arpeggio 

della chitarra acustica è fluido 

e naturale, privo di metallicità 

eccessiva. La voce femminile è 

ricca nei particolari e nelle inflessioni 

con qualche leggero 

accenno di asprezza, cosa che 

vale anche con il pianoforte, 

nei passaggi più acuti e/o forti. 

Si tratta di intemperanze di 

breve durata che denunciano 

più che altro una finezza di 

grana non eccezionale dei diffusori 

di classe relativamente 

economica. È anche vero che 

passando a un SACD della 

Stockfish il suono si fa più caldo 

e certi graffi prima percepiti 

paiono scomparire. La voce 

maschile, anche quando molto 

virile è ben riprodotta e, probabilmente, 

è proprio il piccolo 

formato dei Dali a impedirgli 

di diventare eccessivamente 

gonfia e sovradimensionata. 

Se il basso appare contenuto, 

affascina per la sua precisione, 

pulizia e nettezza. Un 

brano di percussioni stupisce 

per la resa: le dimensioni della 

scena sono grandi, i diffusori 

scompaiono totalmente e la 

tridimensionalità è davvero 

affascinante, suscitando un 

senso di realismo inaspettato. 

Tutto ciò si amplia in modo 

molto più spettacolare e convincente 

con i Triangle, grandi 

diffusori da pavimento, dotati 

di uno dei bassi più belli per 

potenza, profondità ma anche 

per la loro relativa insensibilità 

al loro posizionamento. Il confronto 

con uno splendido fuoriclasse, 

il finale Accuphase A36, 

attuale nostro riferimento, dimostra 

che si può fare ancora 

di più ma non a questo prezzo! 

In questa ottica segnaliamo le 

note che distanziano l’Audia da 

una perfezione che non è comunque 

prevista dal target di 

appartenenza: la brillantezza 

dei Triangle viene messa più in 

evidenza e in alcuni casi si nota 

un appena percepibile velo che 

cala sulla scena sonora rispetto 

al riferimento. Ma, lo ripetiamo, 

rapportandoci alla classe 

d’appartenenza dell’integrato 

italiano non si può che rimanere 

ben impressionati da quanto 

riesce a fare! 

La qualità sonora della scheda 

phono, anche nella modalità 

d’abbinamento più 

ostica, come nel caso MC a 


SELECTOR 

SRC AD1895 e DAC 

CS4398 sono al centro 

del progetto oltre a 

componenti selezionati, 

componenti SMD e 

resistenze MELF. 

I morsetti di potenza sono 

di tipo economico ma molto 

funzionali, con una eccellente 

meccanica di serraggio e una 

ghiera antifrizione efficace 

e funzionale con tutti le 

terminazioni. Gli RCA sono di 

tipo a pannello molto robusti 

e ben posizionati 

Un cilindro in alluminio pieno 

con scavata la gola per una 

guarnizione O-Ring! 

Semplice, elegante efficace... 

La scheda è suddivisa in due sezioni, una dedicata 

alla ricezione del segnale digitale proveniente dalla 

connessione USB (realizzata da Amanero e applicata tramite 

connettori a pettine di tipo rapido), l’altra che si occupa 

della ricezione del segnale digitale audio, della conversione 

e dello stadio di uscita. A bordo sono presenti anche le 

alimentazioni dedicate per ogni sezione e i disaccoppiatori 

del segnale digitale. 

IO SONO FLESSIBILE 

Lo chassis è in lamiera ferrosa pesante 

ripiegata sulla quale sono fissati un 

grande PCB che ospita gran parte 

dell’elettronica espressamente dedicata 

al trattamento del segnale 

analogico sia per la sezione linea con 

annesso il preamplificatore e la regolazione 

del volume, sia per quella di 

potenza. In prossimità del connettore 

di rete è presente il filtro di alimentazione, 

l’alimentatore di stand-by e 

successivamente due trasformatori 

distinti, fissati al fondo dell’apparecchio 

con i circuiti secondari distinti 

e differenziati per le varie sezioni, se 

ne rilevano tre di tipo duale e due 

singoli sul trasformatore di grandi 

dimensioni che vanno ad alimentare 

i rispettivi circuiti di filtraggio e 

livellamento, collocati in prossimità 

delle sezioni specifiche. 

A ridosso del pannello anteriore è in 

parte implementata la logica di controllo 

che gestisce anche la selezione 

degli ingressi, posta su un altro 

PCB posteriore collocato a ridosso 

dei contatti RCA e collegato al PCB 

principale tramite flat cable. Viene 

anche comandata la rotazione del 

potenziometro (1) motorizzato con 

un andamento però a scatti e non 

fluido e continuo e alcune funzioni di 

personalizzazione degli ingressi come 

il nome o la luminosità del display, 

con modalità abbastanza basilari. 


TEST BRYSTON B 135 SST2 

1 

Lo stadio di potenza 

impiega una coppia 

di transistor bipolari 

ON MJL3281A e 

MJL1302A per 

canale. È presente un 

sensore termico di 

protezione. 

La selezione dei 

carichi e delle 

impostazioni del 

guadagno a secondo 

del tipo di testina, si 

effettuano tramite 

lo spostamento dei 

microinterruttori 

seguendo uno 

schema di 

combinazioni 

opportune. I selettori 

sono piccoli, delicati 

e in posizione 

scomoda, ma si 

utilizzano per il 

tempo necessario 

all’ottimizzazione di 

una testina. 

Il PCB della scheda fono evidenzia una 

impostazione “dual mono” con la sezione di 

ricezione del segnale di basso livello e quella di 

equalizzazione RIAA che impiega per ogni canale 

l’abbinamento di un Analog Devices SSM2019 

e un National LME49710 il cui guadagno è 

facilmente configurabile, mentre l’uscita linea 

è realizzata con una coppia di transistor ST 

BDX53C e BDX54C. 

Adiacente al primo ingresso linea è 

presente una serie di mini contatti a 

pettine per l’installazione della scheda 

opzionale che condivide il primo 

ingresso e viene occupato dal phono 

quando installato, mentre la scheda 

opzionale USB è posta lontano dal 

PCB e collegata tramite connettori 

rapidi e cavi monopolari al PCB 

principale, in cui viene immesso il 

segnale audio. 

Non si può classificare il prodotto 

come modulare ma come un sistema 

flessibile che può accettare due 

schede fra loro molto differenti e 

con poche limitazioni dal punto di 

vista funzionale, considerato che per 

il phono gli interventi di ottimizzazioni 

sono di tipo meccanico e per 

la scheda digitale è presente, al momento, 

un solo ingresso e nessun tipo 

di settaggio personalizzato tramite 

interfaccia dell’apparecchio. 

I dispositivi di potenza sono installati 

direttamente su un dissipatore collocato 

quasi al centro dell’apparecchio; 

hanno nelle vicinanze gli alimentatori 

di potenza e lo stadio pilota che 

ingloba al suo interno il particolare 

circuito di feedback in corrente. 

Da notare che le alette del dissipatore 

sono collegate fra loro tramite due 

nastri adesivi antivibrazione che annullano 

il fastidioso effetto “armonico” 

dei dissipatori in alluminio di ampie 

dimensioni. 


SELECTOR 

al banco di misura 


La risposta in frequenza è molto estesa e non presenta 

attenuazioni agli estremi banda. L’estensione oltrepassa 

i 100 kHz e in basso si apprezza l’accoppiamento in DC. 

Si nota tuttavia una variazione della risposta in funzione 

del carico resistivo, comunque contenuta all’interno di 

circa 0,5 dB, dovuta alle scelte progettuali che non innalzano 

artificiosamente il fattore di smorzamento. Le 

stesse scelte progettuali danno luogo ad un livello di 

distorsione significativo e costante sia in frequenza che 

nell’interno arco operativo di amplificazione. Il decadimento 

armonico è comunque molto rapido e il tappeto 

di rumore molto basso e privo di componenti spurie, a 

riprova di un eccellente impianto di alimentazione. La 

potenza di 110 Wrms per una THD+N=1% oltrepassa 

notevolmente quella dichiarata di 80 Wrms. 

bassa tensione d’uscita Audio 

Technica, dimostra una buona 

neutralità timbrica oltre 

alle già citate buone capacità 

d’amplificazione. Si tratta 

di un modello relativamente 

economico che, se non ha tra 

le sue migliori caratteristiche 

una dinamica strabiliante o 

un basso iper profondo, offre 

in compenso una notevole 

estensione e regolarità nell’estensione 

della risposta in frequenza, 

un colore più chiaro 

e luminoso che con i modelli 

maggiori. Tutte caratteristiche 

che ritroviamo puntualmente 

replicate nell’abbinamento 

con l’integrato Audia Flight. 

Ma la scheda phono dell’amplificatore 

italiano è in grado di 

fare anche di meglio: abbinandovi 

la bobina mobile Sumiko 

Black Bird, capace di prestazioni 

superiori specie in fatto di 

dettaglio, definizione e basso 

ben controllato quanto potente, 

il risultato è notevole. La 

sua tensione d’uscita elevata e 

il carico consigliato di 47 kOhm 

suggeriscono un settaggio MM 

per la scheda phono; in effetti, 

in questo caso, la resa è molto 

buona, se non di più: eccellente 

la resa dinamica con rumore di 

fondo inesistente mentre dettaglio, 

particolari e immagine 

sono molto buoni. 

Caso a parte è rappresentato 

dalla scheda DA che, invece, 

testimonia un approccio minimale 

della casa verso la musica 

liquida: non accetta segnali 

DSD e rappresenta l’unico 

ingresso digitale disponibile 

(cosa che fa un po’ a cazzotti 

con una, peraltro ampia, dotazione 

di ingressi); in compenso, 

tuttavia, offre performance 

davvero notevoli in relazione al 

prezzo e comunque apprezzabili 

in assoluto. 

Quest’ultima notazione sottolinea 

al tempo stesso i meriti 

dell’approccio al mercato da 

parte della Audio Flight, che 

procede per piccoli passi, e i 

rischi e i limiti che si paventano 

tipicamente all’artigiano 

che si affaccia sul mondo ora 

in permanente evoluzione della 

riproduzione sonora. Al netto 

delle chiacchiere, comunque, 

la soluzione proposta dalla 

casa italiana risulta solidamente 

ancorata al principio ispiratore 

del buon suono prima di 

tutto. L’obiettivo è raggiunto e 

il Three S, nel ristretto novero 

di alternative di cui accennavamo 

all’inizio di questo articolo, 

si piazza nel gruppo di testa, 

soprattutto se l’utente che vi 

si rivolge ha aspettative di tipo 

“tradizionale”. 









9 VELOCITÀ ............................................................... 2 





14 TIMBRICA ............................................................... 3 

15 COERENZA .............................................................. 2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Di buon livello, ben ingenierizzata, a cavallo fra 

artigianale e industriale. 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Ottime le caratteristiche elettriche dell’apparecchio 

che però mostrano caratterizzazioni molto 

marcate in seguito alle scelte progettuale. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

L’elevato numero di ingressi e la possibilità di 

upgradare le due sezioni opzionali ampliano le 

possibilità di utilizzo. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Con i giusti partner si ottengono risultati al di 

sopra della classe di appartenenza con performance 

anche di rilievo dell’uscita cuffia. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Il marchio ha a lungo stentato a decollare nonostante 

gli ottimi presupposti. Oggi la distribuzione 

è più solida. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

In questa classe di prezzo le alternative “di qualità” 

non sono tante e quelle più squisitamente 

industriali prestano il fianco a critiche ben più 

aspre di quello che si possono fare al D.U.T. 






il nuovo riferimento Hi-End 

Where Swiss Precision Meets Exquisite Refinement 

I componenti CH Precision sono da 20 anni a questa parte i primi prodotti 

che ho recensito in grado di pareggiare in termini di velocità, dinamica e densità 

d'informazioni musicali, le prestazioni dei miei sistemi di riferimento. Nello 

stesso tempo i prodotti CH Precision ne migliorano tutti i possibili punti 

deboli, con i quali avrei pensato di dover sempre convivere, per avere linearità 

e musicalità in parti uguali. Il testimone è stato definitivamente passato. 

Alan Taffel (The Absolute Sound) 

www.audiogamma.it

SELECTOR 


SUBWOOFER 

Pmc Twenty Sub 

La ragione per cui un costruttore 

come PMC si confronta 

con l’impopolare 

(almeno tra gli audiofili) 

segmento dei subwoofer 

è chiara: nel mondo professionale, 

da cui la casa 

proviene, il sub è utile, anche 

molto, e viene ampiamente 

utilizzato! Dall’alto 

del suo palmares riuscirà 

la casa britannica a superare 

i preconcetti che il 

settore Hi-Fi nutre in merito? 

Non è forse in questi 

“luoghi bassi” che la linea 

di trasmissione offre il suo 

meglio? 

Se al momento della lettura 

di questo articolo anche 

voi, come una larga 

fetta della popolazione terrestre, 

siete entrati in contatto con l’universo 

di Spectre, l’ultimo kolossal 

delle avventure di James 

Bond, sappiate che nelle pieghe 

della maxi produzione dedicata 

all’agente “al servizio di sua 

maestà britannica” si cela un 

piccolo ma significativo contributo 

da parte di PMC. Non che 

questo, naturalmente, testimoni 

in qualche misura la qualità dei 

prodotti o ne condizioni il nostro 

giudizio ma l’evento, uno 

dei tanti che vede coinvolta l’azienda 

britannica nelle 

produzioni musicali 

professionali, sottolinea 

la principale vocazione 

professionale 

ma anche l’equivoco 

da cui la Professional 

Monitor Company, 

al secolo PMC, non 

ha ancora deciso 

o saputo uscire. Il 

nome stesso dell’azienda 

indurrebbe 

in errore perché, 

se di professionale 

si tratta, come mai 

siamo qui a disquisire 

su un subwoofer 

il cui utilizzo 

ha notoriamente 

difficoltà ad entrare nelle consuetudini 

degli audiofili e rappresenta, 

invece, un elemento 

essenziale nella riproduzione 

musicale a fini professionali? La 

risposta più semplice ma anche 

la meno esatta sarebbe questa: 

nonostante la linea consumer 

fruisca di una elevata ricaduta 

tecnologica dal mondo professionale 

nel caso di PMC, come 

di altri costruttori, i due universi 

sono ancora molto distanti: gli 

altoparlanti utilizzati, ad esempio, 

sono quasi del tutto differenti 

e nel consumer non sono 

previsti sistemi attivi, cavallo 

di battaglia del professionale. 

Si potrebbe obiettare che, comunque, 

una parziale ricaduta 

tecnologica da un mondo all’altro 

esiste, segnatamente per 

l’adozione in entrambi della 

linea di trasmissione. Proprio 

la tecnologia ATL, nel caso dei 

subwoofer, rappresenta effettivamente 

un valore aggiunto, in 

quanto aumenta la collocabilità 

in ambiente e l’abbinabilità ad 

altri sistemi. Per questa ragione, 

e senza voler determinare una 

classifica di merito, più dei diffusori 

attivi (soluzione pur auspicabile) 

è proprio il sub il primo 

prodotto che verosimilmente 

appartiene pienamente ai due 

universi, anche se la differente 

destinazione d’uso è evidente, 

a partire dai manuali di utilizzo 

in cui la sezione dedicata all’ingresso 

digitale, nel manuale 

“consumer”, è del tutto saltata, 

considerato che tale modalità 

è pensata solo per il segmento 

pro, per giunta in abbinamento 

ai sistemi PMC. 

Il Twenty Sub è, comunque, 

il primo subwoofer della casa 

dedicato alla serie di diffusori 

domestici denominata Twenty 

(modelli 21, 22, 23, 24 e 26). 

L’apparecchio è caratterizzato, 

contrariamente a molti concorrenti 

e per soddisfare i requisiti 

della Transmission Line, da un 

pronunciato sviluppo verso l’alto 

e in profondità a scapito della 

larghezza: i pannelli frontale e 

posteriore hanno una lieve inclinazione 

all’indietro mentre sotto 

quello inferiore è presente una 

base che prolunga posteriormente 

l’impronta del diffusore 

al pavimento. Il diffusore utilizza 

due woofer da circa 18 cm di 

diametro caricati in linea di trasmissione 

proprietaria ATL con 

sfogo nel pannello posteriore. 

La frequenza di taglio è selezionabile 

tra cinque diversi valori 

da 50 fino a 200 Hz. Inoltre, la 

pendenza del filtro di crossover 

nei dintorni di queste frequenze 

di taglio è anch’essa variabile tra 

6, 12 e 18 dB per ottava. Il tutto 

viene comunicato all’utilizzatore 

Prezzo: € 4.087,00 

Dimensioni: 20 x 55 x 51,6 cm (lxaxp) 

Peso: 23 kg 

Distributore: Gammalta Group S.r.l. 

Via S. Maria, 19/21 - 56126 Pisa (PI) 

Tel.050 2201042 - Fax 050 2201047 

http://gammalta.it 

SUBWOOFER PMC TWENTY SUB 

Tipo: amplificato Potenza: 400 RMS in classe D N. vie: 1 Impedenza 

(Ohm): 4 Frequenze di taglio (Hz): selezionabile 

50/80/120/150/200 Risp. in freq. (Hz): 22-200 Altoparlanti: 

2 Wf PMC17,7 cm carta trattata Controlli: frequenza di taglio, 

pendenza 6 / 12 / 18 dB Rifinitura: noce, amarone, nero diamante, 

quercia Note: caricamento linea di trasmissione ATL. 

Dedicato in particolare ai diffusori twenty 21-22-23-24 e 26. 


TEST 

tramite un display posto nel ricco 

pannello posteriore accanto 

ai selettori. L’amplificazione 

interna è in classe D, con una 

potenza continua di 400 Watt. 

È disponibile un equalizzatore 

specifico che permette il setup: 

le connessioni sono sia di tipo 

analogico stereo bilanciato XLR 

(ma sono inclusi convertitori 

sbilanciati nel kit) che AES/EBU 

digitali, inutilizzabili nell’ambito 

consumer, mentre le uscite sono 

configurate per essere filtrate o 

meno, con un guadagno fisso o 

variabile. È possibile gestire il 

tipo di ingresso, la sensibilità, il 

guadagno e il volume, alla pari 

della linea di fase con passi da 

cinque gradi. La sezione di ingresso 

e di elaborazione e quella 

di potenza utilizzano un’architettura 

molto semplice e non 

eccessivamente performante: 

ben allineata la sezione di potenza 

(realizzata con un modulo 

Hypex), meno adatta quella di 

ingresso, in cui gran parte dell’elettronica 

è stata sviluppata per 

soddisfare alcun esigenze particolari 

di abbinamento con i sistemi 

attivi proprietari di PMC, 

dedicati al mondo del pro, non 

molto aperti e integrabili con 

altri sistemi. È un peccato che 

gran parte dello sviluppo ad hoc 

del sistema, che è sicuramente 

un valore aggiunto nel settore 

In alto è presente il display e 

i quattro pulsanti di controllo 

per il setup, mentre nella 

parte inferiore trovano posto 

gli ingressi e le uscite sia 

analogiche che digitali. Al 

lato sono presenti anche due 

connettori tipo RJ-45 per il 

collegamento di un comando 

remoto, specifico dei prodotti 

destinati all’utilizzo Pro dove 

vengono sfruttati anche i 

collegamenti digitali AES 

visto che nel consumer non è 

possibile. 

professionale, incrementi delle 

funzionalità per le quali non sia 

stata pensata una ricaduta nel 

settore consumer. Il tipo di carico 

e le caratteristiche di risposta, 

per contro, facilitano in modo 

molto particolare l’abbinamento 

con un’ampia gamma di diffusori 

dalle più “disparate” caratteristiche, 

anche se gran parte dei 

problemi legati all’abbinamento 

non si risolvono semplicemente 

con un carico di tipo TL o con 

qualunque altro tipo di soluzione 

di questo tipo. 

Sono noti i benefici della linea di 

trasmissione in gamma bassa e 

non stupirà scoprire che il sistema 

offre opportunità molto interessanti 

a scapito, ad esempio, 

GUARDA SE SEI IN BASSO 

Le operazioni di setup e di ottimizzazione 

si effettuano abbastanza facilmente 

nonostante le tante scelte 

a disposizione grazie a un sistema a 

quattro tasti e un display retroilluminato 

che indica le opzioni e lo stato di 

funzionamento. I punti di intervento 

e le entità delle regolazioni non sono 

del tutto lineari come indicato nel 

manuale di installazione ed è bene 

effettuare le regolazioni e l’ottimizzazione 

con l’emissione dei satelliti 

tramite un sistema di rilevamento 

anche non eccessivamente preciso 

ma che consenta, comunque, di rilevare 

le variazioni “relative” fra le varie 

scelte, soprattutto quelle relative alla 

degli ingombri, caratteristica la 

cui minimizzazione diminuisce 

significativamente l’impatto 

psicologico del sub (perché alla 

fine un sub + sat o un diffusore 

da pavimento non sono poi tanto 

differenti!) e l’impatto reale 

nell’ambiente domestico; ne beneficiano 

anche prestazioni “assolute” 

in termini di pressione 

e potenza sopportata: nel caso 

del PMC Twenty Sub si tratta 

pur sempre di due altoparlanti 

da 16 cm, peraltro abbastanza 

tradizionali, customizzati ma 

senza particolari peculiarità rispetto 

alle produzioni di serie e 

di alto livello. 

L’abbinamento con sub e “satelliti”, 

comunque, è sempre un 

fatto delicato e coinvolge troppo 

intimamente l’impostazione dei 

satelliti che nella maggior parte 

dei casi, con l’aggiunta di un 

sub, viene stravolta. Tuttavia, 

anche se i problemi di carattere 

generale rimangono tali, 

i risultati sono stati molto più 

promettenti e prestanti rispetto 

alle soluzioni più gettonate. 

Va certamente valutato, però, il 

costo di una soluzione di questo 

tipo, che non è secondario; 

in sostanza il sistema non è, di 

default, necessariamente più general 

purpouse rispetto a quelli 

messa in fase fine fra l’emissione del 

sub e quella dei diffusori principali. 

La posizione nel pannello posteriore, 

tradizionali, anche se spesso va 

meglio e in certe condizioni si 

abbina meglio ai satelliti. Non 

può risolvere in assoluto le 

problematiche di abbinamento 

fra sub e sat e se il suo utilizzo 

è assolutamente consigliabile 

nel caso di situazioni particolari 

dove la soluzione sub + sat è 

inevitabile, in assoluto andrà valutato 

caso per caso il paragone 

con una torre tradizionale o altre 

possibili soluzioni. 

Le condizioni in cui è stato inserito 

il sub e gli abbinamenti 

con sistemi sia di grandi che 

di piccole dimensioni, tuttavia, 

hanno messo in evidenza un 

tipo di comportamento molto 

incline all’abbinamento senza 

alcuna difficoltà anche ai più 

disparati generi musicali, differenziandosi 

in modo netto 

da tante altre installazioni in 

cui il sub tende a sovrapporsi 

ai diffusori principali oppure a 

essere particolarmente localizzato 

in ambiente. Per dovere di 

cronaca il sistema più efficace, 

semplice e funzionale di installare 

il sub è in modalità passiva, 

tramite la connessione linea che 

proviene dal preamplificatore o 

da un adeguato sdoppiatone ad 

Y successivamente al controllo 

master del volume. Ogni tipo 

anche se in alto, e il display (leggermente 

incassato nel pannello) non 

facilitano la lettura delle informazioni. 


SELECTOR 

La sezione di ingresso e di gestione è sviluppata da PMC con la sezione di recezione dei segnali dotata di 

disaccoppiatori e alimentazioni stabilizzate e dedicate ad ogni sezione. Il modulo di potenza è un classe D 

Hypex da 400 Watt su 4 Ohm con ingresso analogico del segnale. 

Il modulo attivo è 

installato su sei torrette 

in teflon disaccoppianti 

in un vano posteriore 

isolato dal carico 

acustico. 

Gli altoparlanti sono accoppiati 

direttamente al mobile tramite 

boccole in metallo e non hanno 

guarnizione di tenuta. 

ODE ALLA TL 

Il progetto si basa ancor più che negli 

altri prodotti della casa sul carico a linea 

di trasmissione e offre ancor meno limitazioni 

rispetto ai sistemi a torre, in 

quanto non c’è la necessità di posizionare 

nel mobile anche gli altoparlanti 

per le vie superiori. Il condotto, quindi, 

è di tipo ripiegato all’interno e verso il 

fondo è stato ulteriormente ricavato il 

vano per l’alloggiamento dell’amplificazione, 

che è completamente separato 

dal vano di carico. 

Tutta la linea, come peraltro anche nei 

sistemi tower, è completamente rivestita 

sulle pareti interne di poliuretano 

a celle aperte bugnato, per ridurre le 

caratteristiche risonanze che si innescano 

nelle linee di trasmissione anche a 

scapito di una perdita di efficienza della 

linea che, nel caso di sistemi amplificati, 

non sarebbe così determinante ai fini 

dell’allineamento. 

I due woofer, collegati in parallelo fra 

loro sono realizzati da SEAS su specifiche 

PMC mentre l’amplificazione è un 

modulo Hypex UcD400MP in classe D 

e la sezione di ingresso utilizza a monte 

un ADC Burr Brown PCM4202 per i segnali 

analogici e un SRC 43821 per quelli 

digitali per essere inviati al DSP Texas 

TAS3108 che provvede al tagli e all’equalizzazione. 

Successivamente il segnale 

va a due DAC Wolfson WM8718S, 

uno per l’ingresso analogico Hypex e 

l’altro per l’uscita analogica passante. 


TEST PMC TWENTY SUB 



COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Ottima valutazione per il mobile e le scelte 

fondanti (leggi linea di trasmissione); più “nella 

norma” la sezione elettronica. 

Il sistema utilizza due altoparlanti da 8 Ohm di impedenza 

nominale, collegati in parallelo fra loro e inseriti nel 

carico a linea di trasmissione. Si apprezzano influenze 

molto contenute della linea di trasmissione con un picco 

lievemente accennato intorno ai 125 Hz. Il sistema è 

allineato a livello acustico in modo da sfruttare al massimo 

l’estensione in basso, anche tramite l’incremento 

di emissione all’estremo inferiore dell’apertura di cui 

si apprezza solo un lieve accenno di emissione della 

risonanza a 125 Hz. Invece è presente un breack up dei 

due woofer con un’emissione significativa intorno a 2 

kHz che viene abbastanza attenuata anche con filtrature 

a bassa pendenza. Il finale non presenta alcun tipo di 

correzione abbinata al diffusore e l’estensione raggiunge 

i 48 kHz considerata la Fs di campionamento a 96, 

ma può essere impostata una linea di equalizzazione 

parametrica molto flessibile nella scelta del punto di 

intervento e nell’ampiezza della correzione. 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Inappuntabile dal punto di vista acustico, meno 

raffinato per quel che riguarda la sezione attiva 

e il front end di gestione del segnale. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Il tipo di carico e le caratteristiche di risposta 

facilitano in modo molto particolare l’abbinamento 

con una ampia gamma di diffusori. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

In grado di fornire costantemente quel quid 

nelle performance che ne giustificano l’utilizzo 

in particolar modo in condizioni limite. 


Una delle realtà emergenti del mercato, ache se 

con uno sviluppo non ancora del tutto coerente. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Soluzione costosa rispetto alla concorrenza che 

offre l’eccellenza in particolari condizioni a cui è 

espressamente dedicato. 





di soluzione con il segnale che 

entra nel sub per essere poi 

reindirizzato ai satelliti complica 

notevolmente l’installazione 

e peggiora in larga misura le 

prestazioni dell’intero sistema. 

In altri termini, un eventuale taglio 

attivo della sezione alta non 

può essere effettuata dal circuito 

interno del sub. Tale soluzione 

potrebbe rivelarsi funzionale in 

ambito pro ma poco pulita ed 

elegante, specie considerando il 

doppio passaggio che il segnale 

analogico fa nel sub (le regolazioni 

avvengono nel dominio digitale 

e, dunque, sono prima digitalizzate 

e poi riconvertite in analogico). 

Il decadimento delle prestazioni 

nel doppio passaggio per quanto 

riguarda il segnale inviato al sub 

è irrilevante ma diventa un collo 

di bottiglia per quanto riguarda il 

resto della banda. 

A questo proposito, un ingresso 

di alto livello e ad alta impedenza, 

per intenderci quello che si 

preleva in parallelo ai diffusori 

di potenza, potrebbe essere molto 

utile nel settore consumer: è 

molto meno rozzo e approssimativo 

di tante altre situazioni, oltre 

a non introdurre nel sistema, in 

condizioni ottimali, disturbi o 

altre perturbazioni. Premesso 

ciò, con certi diffusori, quelli 

di piccole dimensioni, sarebbe 

stato molto utile poter ridurre 

l’estensione in basso oppure ridurne 

il tipico rigonfiamento in 

gamma mediobassa per ottenere 

un’emissione complessivamente 

omogenea, con risultati non 

del tutto soddisfacenti. Con sistemi 

più importanti e molto 

meno enfatizzati agli estremi 

banda (con addirittura un basso 

articolato), invece, i risultati 

sono stati eccellenti anche senza 

alcun intervento sui diffusori 

principali. Da un certo punto di 

vista ci troviamo di fronte al caso 

più felice in cui più che con un 

subwoofer si ha a che fare con un 

“bass extender”! In questi casi è 

stato possibile anche ottimizzare 

il posizionamento in ambiente 

e, grazie alle regolazioni fini 

della fase relativa, l’emissione si 

nascondeva “alla vista” e il passaggio 

dai diffusori principali è 

diventato molto amalgamato e 

senza fenomeni di oscuramento 

o di abbagliamento. 

Timbricamente il Twenty sub 

non si colloca fra i sistemi ad 

elevato punch ma fra quelli con 

un’ottima estensione molto articolata, 

soprattutto con tagli 

abbastanza alti in cui ci si può 

spingere leggermente più in alto 

che con altri sistemi compatti 

in sospensione pneumatica, nei 

quali è preferibile soffermarsi 

solo sulle note più basse. Ad 

esempio, con gli ATC 20 SLC, un 

sistema attivo biamplificato, i risultati 

sono stati estremamente 

soddisfacenti considerato il naturale 

calo in basso del sistema a 

sospensione pneumatica, grazie 

al collegamento analogico fra i 

due sistemi che preleva il segnale 

direttamente dal pre linea dotato 

di doppia uscita. 

Nell’abbinamento con i diffusori 

della stessa gamma, anche 

modelli importanti, il sub riesce 

comunque a fornire quel plus (a 

volte appena accennato, a volte 

ampiamente percepibile) che è il 

“sale” della riproduzione musicale 

di alta qualità. E, per inciso: i 

diffusori utilizzati per la colonna 

sonora dell’ultimo Bond sono i 

monitor tre vie PMC IB2! 


SELECTOR 


CUFFIA 

Sonus Faber Pryma 

Il lusso. Come si declina in 

Hi-Fi? Sonus Faber sembra 

avere da tempo le idee chiare 

in merito e ha lavorato 

alla creazione di un polo del 

lusso che comprende oggi 

alcuni dei marchi in assoluto 

più blasonati. Ciò non 

di meno alcuni segmeti del 

mercato sono rimasti scoperti. 

Ed ecco cominciata 

l’opera per riempirli... 

Con Pryma la casa vicentina 

si affaccia al prorompente 

mercato dell’ascolto 

in cuffia, ancora sottovalutato 

in Italia ma di cui è 

ben conscio chi abbia una 

“vision” internazionale. 

Semmai il punto è riuscire 

a non cadere nell’impasse, 

sorprendentemente comune 

a molti costruttori 

di elettroacustiche, 

quando no il settore delle 

approciaci 

mancherebbe, è 

rendere l’esperienza 

esclusiva, come cuffie: sempre 

elettroacustiche 

sono ma con le 

loro regole ben 

precise, non 

sempre ottemperate! 

Quello a cui 

Sonus Faber 

non rinuncia, e 

vedrete... 

Quello di Pryma è un caso 

curioso: la riservatezza 

che circonda queste cuffie 

non è dovuta solo al fatto che 

si tratti, come sottolinea il nome, 

della prima esperienza della casa 

vicentina in quest’ambito ma, più 

probabilmente, a una strategia di 

marketing che sta lavorando proprio 

in questo fragoroso silenzio. 

Il tuffo della new entry italiana 

nel segmento che più di ogni altro 

“tira” al momento (solo a mo’ di 

esempio: sia Moon che Pass sono 

anch’essi approdati qui... ) è stato 

orchestrato ad arte giocando sulle 

corde dell’esclusività, della brama 

di possesso di uno status symbol. 

Il primo centinaio di esemplari 

della Pryma sono finiti nelle mani 

di personaggi dello Star 

System 

e opinion maker ben prima che la 

distribuzione ufficiale, tutt’ora in 

stand-by, abbia preso il via. Al più 

è possibile prenotarne “al buio” 

una copia! Così, in maniera virale 

e con un effetto di simulazione 

(un tempo si diceva “con il passaparola”), 

Pryma ha cominciato ad 

apparire in maniera “unofficial” 

ma altrettanto efficace, usufruendo 

di testimonial imprevisti e imprevedibili 

e del tutto inattesi. 

Nonostante la sua aura da Status 

Symbol, Pryma non è un oggetto 

destinato a vagare esclusivamente 

nei sogni visto che l’asticella del 

prezzo è stata già fissata (quando 

la cuffia verrà commercializzata) 

a 499 euro. Non poco, non troppo 

e, soprattutto, posta in un seg- 

mento di mercato 

non eccessivamente affollato di 

concorrenti altisonanti: Sennheiser, 

Grado, Shure, Beyerdynamic, 

Audiotechnica e pochi altri, 

spesso nemmeno con il modello 

top. Pryma (non solo per il fatto 

di essere la prima e la sola cuffia 

Sonus Faber!) è, invece, salvo 

smentite future, un top di gamma 

che, semmai, genererà in ricaduta 

altri modelli... 

La cuffia viene offerta in cinque 

differenti versioni sulla base del 

colore del guscio, a cui si somma 

la possibilità di alternare tre differenti 

finiture (marrone chiaro 

e scuro, nero) dell’archetto, realizzato 

in vera pelle da artigiani 

italiani di primaria importanza 

(ma di cui è inibita la diffusione 

del nome), per un totale di quin- 

dici combinazioni. La realizza- 

zione dell’archetto, che nella 

parte inferiore è rivestito di 

microfibra ipoallergica, 

ricorda per un’analogia 

fortemente voluta le 

cinture di pregio, con 

la particolarità della 

presenza di quattro 

fori su entrambe le 

estremità; ardiglione 

(il “cosino” a forma di 

asticella presente nel- 

le cinture, qui un perno 

con un nottolino a farfalla 

di chiusura) e la fibbia, en- 

trambi in acciaio, verniciato poi 

con un prodotto antigraffio, sono 

solidali con ognuno dei gusci. 

Prezzo: € 1.299,00 

Peso: 310 g 


Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI) 

Tel. 02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36 


CUFFIE SENNHEISER HD 800 

Tipo: chiusa Trasduttori: dinamici Cavo: con microfono e 

anti aggrovigliamento Auricolari: 38 mm. 


TEST 

L’altoparlante da 38 mm 

di diametro è incapsulato 

in un contenitore plastico 

e fissato al supporto 

tramite una ghiera 

sempre in plastica. I cavi di 

connessione, insolitamente di 

grande diametro, presentano 

un percorso molto breve 

fino al connettore, robusto e 

decisamente inusuale nel settore 

delle cuffie portatili ma anche in 

quelle di uso domestico. 

La regolazione della cuffia avviene 

pertanto per quattro posizioni 

prefissate più tre intermedie ma 

con un posizionamento asimmetrico 

dell’archetto (che, però, 

poco o nulla incide sull’indossabilità). 

Non è difficile, pertanto, 

trovare la propria posizione ideale 

con il vantaggio/svantaggio del 

fatto che, comunque, il numero 

delle regolazioni non è infinita 

ma nemmeno effimera: una volta 

fissata resta tale, a dispetto di 

eventi accidentali... 

Va detto che una volta ottenuta 

questa condizione gran parte del 

comfort è determinato dai cuscini, 

realizzati in similpelle ipoallergica 

che riveste un materiale 

molto morbido e consente all’insieme 

di aderire, adattandosi, 

alla forma del capo, avvolgendo 

l’orecchio in maniera molto salda 

senza, per fortuna, generare 

un effetto ventosa. I cuscinetti 

avvolgono l’orecchio con una 

sensazione piacevole, specie se vi 

piace l’effetto di una cuffia chiusa 

(l’isolamento è quasi totale!); in 

sostanza il peso della cuffia grava 

fondamentalmente sull’o- 

recchio, con un effetto dissimile 

da buona parte delle cuffie che, 

invece, pesano principalmente 

sulla sommità del capo. Il fatto 

che questo sia preminentemente 

il punto di contatto che sorreggere 

l’intera cuffia può generare 

in determinati casi una pressione 

più o meno evidente sul collo, in 

prossimità della mandibola. 

Anche la forma dei padiglioni è 

il frutto di un design e una realizzazione 

originali: le parti in alluminio 

sono a cura di un fornitore 

che normalmente opera nel 

campo dell’occhialeria e dell’accessorio 

di lusso; si tratta di una 

fusione di alluminio per le calotte 

(sulla sommità delle quali sono 

presenti dei forellini di cui parleremo 

in seguito) che vengono 

poi galvanizzate e verniciate con 

una vernice ceramica antigraffio, 

la stessa utilizzata per la fibbia. La 

parte esterna dei gusci, invece, è 

realizzata in nylon trasparente e 

successivamente retro-verniciata 

e trattata anch’essa per essere immune 

ai graffi. Ad eccezione del 

trasduttore 

(di ori- 

gine giapponese, realizzato da un 

concorrente sul cui nome, anche 

qui, vige il riserbo), tutto il resto 

è sviluppato e realizzato in Italia! 

Da un punto di vista sonoro la cuffia 

mostra, fin dai primi ascolti, di 

essere molto efficiente, caratteristica 

che torna particolarmente 

comoda in abbinamento con un 

iDevice dove, lo anticipiamo, la 

Pryma è un partner particolarmente 

azzeccato: difficilmente 

abbiamo ascoltato meglio da un 

“telefonino” e con Spotify l’abbinamento 

risulta addirittura 

straordinario! In abbinamento 

con un amplificatore per cuffie 

di natura home la notevole energia 

spigionata all’interno dei padiglioni 

è comunque benvenuta: 

la velocità di attacchi e rilasci, 

la capacità dinamica e il fatto di 

proporre in questo modo il messaggio 

sonoro senza particolari 

controindicazioni in termini di 

correttezza sonora sono, senz’altro, 

le caratteristiche migliori di 

questa cuffia. 

La tavolozza sonora offerta all’ascoltatore 

vira verso colori caldi 

ed enfatici, con un bilanciamento 

che 

tende a valorizzare la parte bassa 

delle frequenze, dove la Pryma 

scende notevolmente verso l’estremo 

inferiore della gamma con 

grande pienezza e, eventualmente, 

un pizzico di articolazione in 

meno di quanto garantirebbe una 

eccellenza assoluta (ma con un 

effetto puchy notevole che rende 

ogni ascolto molto vivido!). Nella 

porzione opposta delle frequenze 

assistiamo a una rappresentazione 

sonora che tende a indurire un 

po’ verso gli estremi, pur mantenendo 

corpo e una apprezzabile 

precisione, mentre nella gamma 

media si assiste a una rappresentazione 

piuttosto enfatica da un 

punto di vista tonale ma con le 

voci abbastanza indietro da un 

punto di vista spaziale. In assoluto 

la Pryma non è una di quelle 

cuffie in cui l’headstage è molto 

pronunciato; nonostante ciò, non 

incorre in quell’effetto eccessivamente 

near field che, pure, molte 

cuffie manifestano. Tutto questo 

concorre a un’esperienza sonora 

complessiva molto gradevole che 

ottempera gli standard di eccel- 

lenza relativa al segmento di prez- 

zo di appartenenza. 

Qualche incertezza, una su tutte: 

pur avendo provveduto a un’at- 

tenta opera di disaccoppiamen- 

to in vari punti della cuffia tali 

accorgimenti vengono parzial- 

mente vanificati dal fatto che 

esiste, invece, un accoppia- 

mento tra le varie parti della 

struttura metallica, elemento 

che rende la cuffia rumorosa; 

non tanto ma in modo avverti- 

bile! Più che un’incertezza una 


SELECTOR 

Il connettore è fissato 

saldamente al supporto ma 

anche al profilo in alluminio 

pressofuso del guscio 

esterno. La connessione 

avviene con un doppio 

scatto che garantisce 

un contatto stabile e al 

riparo da disconnessioni 

accidentali. 

Il cavo impiega 

un rivestimento 

gommoso antiaggrovigliamento 

e un particolare 

sdoppiatone 

a Y ad anello. 

Il microfono è 

collocato sul cavo 

destro in buona 

posizione ma con 

un tastino poco 

accessibile. 

La parte a contatto 

con la testa è 

in microfibra 

ipoallergenica 

mentre l’esterno è 

in vera pelle, tutto 

rigorosamente cucito 

a mano. 

Il guscio in pressofusione ha 

le sedi per le viti di fissaggio, 

cinque per il pannello e le 

altre per il rivestimento 

esterno e per il supporto 

delle fibbia in acciaio. 

FARINA DEL MIO SACCO 

L’ingegnerizzazione è molto ben 

organizzata, soprattutto in considerazione 

del fatto che si tratta 

della prima release di un prodotto 

comunque complesso come lo sono 

le cuffie. C’è da notare, ad esempio, 

che il supporto in plastica di sostegno 

dell’altoparlante, oltre a essere 

verniciato nella parte esterna, 

presenta una inclusione in fase di 

stampo della gomma di appoggio 

e di isolamento in modo che il contatto 

fra il pannello e il guscio sia il 

più possibile aderente, ermetico e 

privo di vibrazioni. Questa soluzione 

è raramente utilizzata persino dai 

più accreditati costruttori di cuffie, 

anche se risulta molto elegante e 

funzionale. 

Il profilo della guarnizione, di colore 

bianco, segue l’andamento del guscio 

anche in prossimità dell’inserto 

in acciaio della fibbia, che presenta 

un accoppiamento meccanico molto 

sensibile alle tolleranze di lavorazione 

meccanica. I cuscinetti vengo tenuti 

in posizione da quattro potenti 

magneti al neodimio fissati nella parte 

interna del pannello plastico. L’emissione 

posteriore dell’altoparlante 

dispone dell’ampio spazio del guscio 

di sostegno che è parzialmente occupato 

da un pannellino in tessuto 

assorbente fustellato per adattarsi 

alla geometria del guscio. 


TEST SONUS FABER PRYMA 


Il padiglione è completamente indipendente dall’archetto e si può rimuovere facilmente intervenendo sulla 

regolazione dell’altezza, praticando gli stessi movimenti che si fanno regolando una cinta con fibbia. 

50 

Ohm 

40 

30 

20 

10 

0 

10 Hz 

Modulo dell’impedenza degli altoparlanti 

Sonus Faber Pryma 

Impedenza canale sinistro 

Impedenza canale destro 

100 

scelta, invece, quella del cavo di 

collegamento; in merito non condividiamo 

l’approccio utilizzato. 

Staccabile e separato per i canali, 

nella migliore tradizione Hi-Fi, 

ottimo al tatto e per le capacità 

di anti-aggrovigliamento, viene 

fornito unicamente nella versione 

con microfono, tasto risponditore 

e connettore mini-jack, senza 

nemmeno l’adattatore, quasi a 

delimitare il campo di utilizzo. 

La scelta di non fornire altro tipo 

di cavo se da un lato ci sembra 

limitativa, apre senz’altro le porte 

alle possibili personalizzazioni 

di chi si dedica al rigging e desidera 

“applicarsi” sulla Pryma. Si 

tratta, comunque, a nostro modo 

di vedere, di una contraddizione 

in termini o, se preferite, di una 

inutile limitazione del prodotto! 

Come giudicare dunque nel complesso 

questo primo approccio 

della Sonus Faber al mondo delle 

cuffie? La Pryma va considerata, 

in molti sensi, un prodotto non 

classificabile, perlomeno con le 

categorie, alcune certamente usurate, 

fino a ora utilizzate. La presenza 

di microfono e tasto risponditore 

ne fanno intuire un utilizzo 

principalmente “on the go”, come 

sottolineato anche dalle performance. 

Al tempo stesso le dimensioni, 

il peso, la costruzione e il 

prezzo della cuffia, la classificano 

come un prodotto fuori dalla mischia, 

in quanto decisamente più 

raffinata e costosa (un 25% in più) 

del concorrente per antonomasia, 

Beats. Ma sarebbe riduttivo considerare 

la Pryma una cuffia adatta 

unicamente agli smartphone, 

sebbene in questa configurazione 

i risultati siano davvero molto 

soddisfacenti! Come accennato, 

anche in ambito home la Pryma 

si piazza in un segmento di mercato 

medio-alto, sebbene lontano 

da quella fascia di prezzo che ci si 

poteva aspettare traslando il tipico 

posizionamento merceologico 

utilizzato per i diffusori della casa 

(soprattutto gli ultimo modelli) 

in quello per le cuffie. Da questo 

punto di vista la Pryma sembra 

più esplorare quel fondamentale 

segmento del microlusso che anche 

noi consideriamo elemento 

propulsore del mercato, pur abbracciando 

gli stilemi che fanno 

1k 10k 20k 

la felicità del tipico cliente della 

casa vicentina. E questo è il primo 

punto certo riguardante la 

Pryma: l’utente Sonus Faber che 

intendesse passare all’ascolto in 

cuffia si troverà, come dire, “a 

casa”. Il secondo è che questa capacità 

di fare Status Symbol mostra 

un’attrattiva, per così dire, 

super partes: nel caso in oggetto 

è stato trovato un apprezzabile 

equilibrio in quanto l’apparenza 

è coadiuvata da performance di 

un livello consono. I puristi storceranno 

il naso, disquisiranno sui 

microscopici plus o minus delle 

performance della cuffia che, sicuramente, 

non è la migliore in 

assoluto come anelano o “la solita 

Sonus Faber” come gli inevitabili 

detrattori (in Hi-Fi non è possibile 

avere aficionados senza generare 

un’inevitabile controparte…!) 

avranno preconizzato senza nemmeno 

averla vista... 

Sia come sia la cuffia è ottima, 

all’interno del suo range di prezzo 

e, in fondo, questo prodotto non 

è dedicato ai puristi. Per tutto il 

resto, oltre a Mastercard, nulla è 

più come Pryma! 

L’impedenza degli altoparlanti si attesta intorno ad un valore 

nominale di 30 Ohm anche se fra i due trasduttori c’è una 

differenza di circa 4 Ohm e una variazione in prossimità 

delle risonanza di altri 4 Ohm. La camera dietro all’altoparlante 

comunica con l’esterno tramite otto forellini che 

interagiscono con il carico acustico sia nella parte bassa 

dell’emissione che, parzialmente, in gamma media. Le variazioni 

nel modulo sono abbastanza contenute e i cavi di 

collegamento non introducono variazioni significative in 

entrambi i canali, esibendo una notevole simmetria nonostante 

si tratti di una cavo sottile e con connettore a 4 poli 

per il supporto del microfono. 









9 VELOCITÀ ............................................................... 2 





14 TIMBRICA ............................................................... 1 

15 COERENZA .............................................................. 1 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Ottimo l’approccio ingegneristico di tutte le 

componenti, in particolare gusci e i supporti. 

COMODITÀ 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

La forma dei padiglioni, la cedevolezza e il 

peso penalizzano il prodotto a scapito di altre 

soluzioni (soprattutto nella scelta dei materiali) 

indovinate. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Elevata se si pensa al multipurpose, meno in 

movimento a causa degli ingombri. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Eccellenti i risultati con i sistemi portatili a 

basso consumo. Maggiormente allineate alla 

categoria di appartenenza le performance con 

i sistemi home. 


Idee chiare in termini di stile, meno per quel che 

riguarda i canoni sonori e funzionali. Nel complesso 

uno Status Symbol “di confine”. 


In questa fascia molti prodotti eterogenei ma, 

per molti aspetti, le Pryma mostrano un elevato 

valore in questa valutazione. 






Il direttore responsabile e quello tecnico di SUONO esplorano le nuove frontiere dell’audio 

Più si riesce a guardare indietro, 

più avanti si riuscirà a vedere. 

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SELECTOR DOSSIER 

Nuova vita al diffusore 

È patrimonio di tutti e nessuno e, stando alla vulgata, poco sarebbe cambiato nel tempo perché 

“non si può andare contro le leggi fisiche”. Eppure l’evoluzione delle elettroacustiche è costante e, 

almeno secondo la nostra opinione, non è stata ancora del tutto scritta... 

Vanno da pochi euro a molti zero ma sempre di diffusori 

parliamo. Se da un lato il settore delle elettorcustiche 

sembra aver già detto tutto o quasi tutto, d’altro canto 

a ben vedere continua a manifestare una evoluzione costante di 

gusti e tecnologie all’interno del cui range ogni costruttore, anche 

piccolo (la biblica vittoria di Davide contro Golia) può trovare la 

sua personale via d’accesso. 

E proprio questa eterogeneità, racchiusa nella domanda che ha 

una e mille risposte (“Come è possibile che i giganti dell’elettronica 

a volte facciano peggio dei piccoli costruttori?”), è fonte di 

smarrimento per il consumatore che, troppo spesso, non trova 

un percorso logico su cui basare le proprie scelte. Eppure una 

logica c’è: nella profilazione dei prodotti, nelle scelte progettuali, 

realizzative e di utilizzo dele risorse; solo che non è solo votata 

al miglioramento delle performance! Nel tempo e in particolare 

dallo scorso numero di SUONO abbiamo dato vita a una riflessione 

in merito, cercando di delineare i percorsi affrontati dalle varie 

aziende. Questo dossier testimonia e conferma ulteriormente 

l’enorme ricchezza del settore, che consente percorsi individuali 

anche a volte molto differenti (né più né meno buoni di 

altri) e che, semmai, proprio nella grande varietà nasconde 

il trabocchetto di un eccesso di opportunità che, sommato al 

desiderio di presenziare e far fronte a ogni esigenza di mercato, 

rappresenta il grande equivoco su cui si possono infrangere le 

energie, per paradosso, proprio di chi più ne ha, a vantaggio 

di chi, per necessità, intuito o pura fortuna, vira su soluzioni 

più specifiche. In questo modo si può verosimilmente spiegare 

il fatto che, nonostante tutto, il predominio delle grandi 

aziende non sia assoluto! Ma l’ipotesi è coerente anche con le 

apparenti o concrete incoerenze dell’offerta di fronte a cui il 

consumatore ha una sola opportunità: affrontarle preparato. 

Qui proviamo a fornire alcuni strumenti in merito... 



di Paolo xxxxxx Corciulo xxxxxx 

Serie 800: evoluzione 

della specie 

È il cavallo su cui fare la corsa, il riferimento (ma le leadership sono “liquide” e perennemente messe 

in discussione) da studiare, emulare, combattere. Ne Bowers ne Wilkins ci sono più, ma uno stuolo 

di igegneri e le ingenti risorse devolute in ricerca garantiscono che dalla fucina della casa inglese 

escano continuamente “cose”. Anche quelle che stravolgono un successo lungo 36 anni... 

Era il 1979 quando l’inglese 

B&W, con un balzo in avanti 

rispetto alla sua produzione 

dell’epoca, presentava l’801, il 

suo primo studio monitor, testato 

dalla Emi e installato dalla 

Decca nei suoi studi di registrazione. 

Il prezzo, oltre un milione 

lire, era per il tempo notevole: 

più del doppio del modello top 

nella produzione di allora (DM 

6, 570.000 lire) o di altri classici 

dell’epoca come AR 10 pigreco 

(570.000 lire) o Allison 1 

(620.000 lire). Pochi osavano, 

allora, avventurarsi oltre la barriera 

del “milione di lire”: Acoustat, 

Beveridge, Infinity (con il 

mirabolante sistema Quantum 

Reference)… 

Si era, insomma, ai prodromi 

dell’Hi-end, sfiorato, testato, 

coccolato quasi dieci anni prima 

con la nascita dei DM 70 

(1970), un progetto il cui prezzo 

al pubblico era pari a dieci volte 

qualsiasi precedente prodotto 

(Bowers ne era così affezionato 

che in rete girano foto in cui la 

lapide sulla sua tomba, con un 

pizzico di humor nero, ne raffigura 

l’effige!). Il prezzo degli 801 

ne facevano un mito, per molti 

destinato a rimanere tale. Non 

per i giornalisti di SUONO che, 

in seguito alla prova dell’epoca, 

adottarono gli 801 come diffusori 

di riferimento e tali sarebbero 

rimasti per lunghi anni. 

Progenitori della serie 800, si 

può bene dire che gli 801 contenessero 

già, in nuce, molte delle 

intuizioni che poi sono state 

confermate ed evolute nella serie 

nei successivi trenta e più anni 

lungo una storia che racconta i 

miglioramenti di una gamma che 

a buon diritto possiamo considerare 

una delle più longeve al 

mondo! Vale per la scelta di una 

unità separata per le frequenze 

(allora rigorosamente caricate in 

sospensione pneumatica, mentre 

quando materiali e tecnologie lo 

hanno consentito si è fatto altrimenti) 

e vale, soprattutto, per un 

abbozzo di quello che poi, sotto 

forma di “costole”, setti interni e 

poi vera e propria struttura interna 

rappresenta, in generale, un 

passo storico nella progettazione 

dei diffusori: le scelte di rinforzo 

interne del mobile. 

A ben vedere, inoltre, l’esame 

delle evoluzioni, dal progenitore 

801 alla attuale serie 800, racconta 

anche come e quanto, in 

generale, si sia potuto fare nel 

campo delle elettroacustiche. Il 

“woofer a padellone” che caratterizzava 

gli 801, ad esempio, è entrato 

nella storia, anche quando 

nuove possibilità hanno consentito 

soluzioni in grado di estendere 

maggiormente verso il basso 

le capacità di riproduzione; la 


NUOVA VITA AL DIFFUSORE 

801 prima 

ha cambiato pelle 

(trasformandosi da sospensione 

pneumatica in bass reflex con 

l’avvento della versione Matrix), 

poi ha continuato la sua vita ed è 

rimasta nel catalogo generale della 

casa inglese (non in quello italiano), 

andando definitivamente 

in pensione solo nel 2010! Come 

dire: è solo in tempi recenti che si 

è decretato il definitivo tramonto 

dei grandi woofer da 38 cm! 

In questi anni, però, è avvenuto 

anche un riallineamento delle 

gerarchie all’interno della serie 

1990 

1979 

800: gli 801 da top assoluto di 

gamma diventano una sorta di 

corpo estraneo, affiancato a una 

serie di sistemi invece omogenei 

capitanati da una new entry, il 

modello 800. 

Storia nella storia, occorre anche 

dire che la sigla 800 viene utilizzata 

in un primo momento per 

un curioso diffusore sicuramente 

top di gamma (per profusione di 

altoparlanti, costruzione e prezzo), 

completamente slegato dagli 

2010 

stilemi della serie 800: il primo 

800 è un diffusore molto 

sottile con sviluppo in 

altezza e alloggiamento 

del woofer in una sorta di 

forma triangolare posta a 

mezza altezza. Solo in seguito 

la 800 cambia radicalmente 

(doppio woofer 

da 25 cm) e diventa 

a tutti gli effetti il top di 

gamma della serie 800, 

adottandone soluzioni 

tecniche e aspetto che 

beneficia, grazie ai wo- 

ofer più piccoli, di un 

design più filante del 

modello 801. 

Nell’arco della sua lunga 

vita la serie 800 (inaugu- 

rata allora dal solita- 

rio progenitore 801) 

ha subìto sostanzial- 

mente sei differenti 

revisioni, inclusa l’ultima: nel 

1987 quando è stata introdotta 

la tecnologia Matrix; nel 1998 

con la ricaduta tecnologica dal 

prototipo (o poco più) Nautilus; 

nel 2001 con la versione a tiratura 

limitata Signature; nel 2004 

con la serie D e l’introduzione 

del tweeter al diamante; nel 2010 

con la versione Diamond, ulte- 

riore miglioramento della serie 

precedente. 

LA STORIA DELLA SERIE 800 

- 1979 Nasce l’801, diffusore a sospensione pneumatica (diventerà 

reflex all’introduzione della versione Matrix): il prezzo in Italia viene 

fissato a 1.200.000 lire! 

- 1981 Con l’introduzione del modello 802 si dà vita a una gamma 800 

(1.310.000 lire mentre le 801 vengono prezzate 1.960.000 lire). 

- 1987 L’anno precedente (1986), in occasione del ventesimo 

anniversario della casa, era stata presentata la tecnologia Matrix 

che trova applicazione nella serie 800 (e nell’801) l’anno successivo. 

Sempre nel 1987, a dicembre, muore John Bowers. 

- 1990 Nasce il modello 800 con sviluppo in altezza, doppio carico 

reflex, cinque altoparlanti e posizionamento merceologico come 

nuovo top di gamma (costavano più del doppio degli 800 e avevano 

poco a che fare con gli 801). 

- 1997 Il modello 800 entra a far parte della serie Matrix 

(800 Matrix) mantenendo il ruolo di top di gamma e il 

doppio carico reflex, ora affidato a 2 woofer da 

30 cm! 

- 2015 Lancio della serie 800 D3. 

- 1998 A distanza di cinque anni dalla nascita 

del progetto dei diffusori “a chiocciola” 

Nautilus (1993) viene presentata la serie 

Nautilus 800, che beneficia della ricaduta 

tecnologica soprattutto sulla gamma medioalta, 

praticamente identica al Nautilus, mentre 

viene “interpretata” per la parte bassa. 

- 2001 Nasce il Signature 800. il doppio carico 

reflex viene sfruttato con altoparlanti da 25 

cm in modo da ottenere ingombri minori che 

nel modello 801. In tiratura limitata il diffusore 

viene creato per festeggiare trentacinquesimo 

anniversario della B&W e proposto con una 

finitura Tigers Eye gloss finish. 

- 2004 Lancio serie 800D, la prima con 

tweeter in diamante. 

- 2010 Lancio 800 Diamond e definitiva 

pensione per il modello 801. 



Quel che dovete sapere 

D2 

D3 

Il nuovo cestello 

del mid nonostante 

abbia molte più razze 

e sia più massiccio, 

risulta più leggero del 

precedente. L’utilizzo 

di un anello di gomma 

lorende anche meno 

risonante. 

Il supporto del tweeter 

diventa in alluminio 

pieno, al posto del 

guscio pressofuso in 

lega leggera. 

La modellizzazione al computer 

Il cono oggi è realizzato come 

fosse l’ala di un aereo: due 

profili geometricamente perfetti 

distanziati da un supporto di “aria” 

durissima! 

Cambia il colore ma “il 

senso” è lo stesso: tessuto 

impregnato e indurito 

con risvolto esterno 

per la sospensione/ 

non sospensione FST. 

Colpisce il diametro 

molto più piccolo che in 

precedenza. 

80 SUONO novembre 2015 

Il pannello curvo viene incollato alla struttura 

matrix in multistrato e viene stretto in una 

morsa dall’elemento metallico e dal supporto 

dell’altoparlante.

NUOVA VITA AL DIFFUSORE 

La nuova testa abbandona il Marlan ma ancor di più il sistema si 

installazione del mid (con tirante dal fondo e la culla elastica di 

sospensione “gelatinosa”). Pertanto, anche in conseguenza dell’utilizzo 

di una fusione in alluminio di suo più risonante, è stata creata una 

struttura interna a raggiera che, stando dalla sperimentazione, ha visto 

intraprendere più strade, con sperimentazione di supporti interni di 

ordine pari e dispari! La crociera a 5 punte l’ha spuntata e sostiene il 

rinnovato cestello del medio FST. 

Quello che avreste 

voluto sapere 

Alcune scelte effettuate dallo staff che ha realizzato 

la nuova serie 800 hanno fatto scalpore; altre non 

sono state capite o sono state mal intepretate. 

Proviamo a dipanare la materia con l’aiuto della 

logica e di quelle (poche) certezze di cui disponiamo, 

perché questa, comunque, non è una spy story! 

L’adozione di un pannello anteriore curvo ha reso 

necessario un elemento di raccordo fra il cestello 

dell’altoparlante e la superficie del mobile. L’inserto 

metallico assolve principalmente a questa funzione. 

La nuova forma produce 

un sistema privo di 

giunzioni anteriori 

se non per la sezione 

superiore e il fondo. Si 

rende necessaria però 

una soluzione di raccordo 

fra i due altoparlanti e la 

superficie curva molto 

accentuata. Il connubio 

fra giunto cilindrico e 

altoparlante proietta 

molto avanti il tutto, non 

solo per motivi funzionali 

ma probabilmente anche 

per scelte estetiche. 

Il male del nostro tempo è (o 

perlomeno così decreta SUONO) 

costituito dall’ansia che porta le 

persone a dover prendere comunque 

posizione sugli eventi, 

indipendentemente dal fatto che 

l’evento sia più o meno noto o 

che gli elementi sulla base dei 

quali sono stati elaborati commenti 

e (pre)giudizi siano validi, 

condivisibili, indotti o effimeri... 

Non ne è esente l’Hi-Fi, tanto 

meno, ed è quasi inevitabile che 

l’annuncio da parte di un leader 

di mercato (tanta gloria, altrettanta 

invidia) generi commenti 

non unanimi, sebbene la fondatezza 

degli stessi (nel bene e nel 

male) sia quasi sempre basata su 

presupposti risibili. Sarebbe perlomeno 

compito di chi si occupa 

di comunicazione quello di fare 

chiarezza; nella maggior parte 

dei casi, però, questo non accade 

poiché l’analisi da parte dei comunicatori 

si basa essa stessa su 

errati stilemi di comunicazione. 

Proveremo immodestamente a 

fare di meglio... 

Il punto focale della nuova serie 

800 della B&W è costituito dalla 

decisione da parte del marketing 

dell’azienda di “spostare” il 

posizionamento merceologico 

del prodotto verso l’alto. Tale 

decisione, il cui merito non è 

possibile approfondire ma che 

rappresenta un dato di fatto, ha 

generato al tempo stesso un’opportunità 

e un obbligo da parte 

dei progettisti e di chi finalizza 

il prodotto: la scelta di riposizionare 

la serie 800 in una fascia di 

mercato più elevata ha permesso 

di destinare molte risorse al 

progetto sia da un punto di vista 

tecnico che estetico, determinando 

di conseguenza un compromesso 

sul prodotto in funzione 

del costo spostato verso l’alto. 

Una vera manna per lo staff di 

ingegneri che animano il centro 

di Steyning! Al tempo stesso, 

però, una gamma di prodotti che 

eredita tradizione e un segno di 

continuità dal passato aveva l’obbligo 

di manifestare elementi di 

miglioramento facilmente percepibili 

dall’utenza. Ecco, pertanto, 

la necessità di “magnificare” quegli 

elementi del nuovo progetto 

che si possono raccontare con 

più semplicità, persino a scapito 

di altri eventualmente anche di 

maggior impatto sulle qualità del 

prodotto (performance, processi 

industriali di produzione... ) ma 

più specifici, meno comprensibili 

e sicuramente di minor impatto 

“narrativo”. 

Un ulteriore elemento di cui 

tenere conto (non solo nel caso 

della nuova gamma B&W!) e 

che invece viene spesso sottovalutato 

è costituito dal fatto 

che nell’ambito della produzione 

industriale i processi produttivi 

evolvano: così, spesso, certe cose 

non conviene più produrle in un 

certo modo e ci sono altre strade, 

magari anche più efficienti ed 

economiche, che conducono a 



risultati migliori, a prescindere 

dal desiderio/necessità di evoluzione 

del prodotto. In sostanza: 

ogni tempo ha i suoi eroi! 

Così la comunicazione attorno 

alla nuova Serie 800 si è concentrata 

su alcuni “cavalli” sicuri; 

l’enfasi sui nuovi materiali 

utilizzati nei coni, letta in questa 

luce, è quantomeno ridondante 

o, peggio, sviante rispetto agli 

elementi fondanti dell’evoluzione 

del prodotto. Il Continuum 

Cone è, in linea di principio, 

molto simile al Kevlar: si tratta 

di un materiale composito 

con una matrice in tessuto e un 

trattamento impregnante, esattamente 

come il Kevlar. Stessa 

cosa per l’Aerofoil Cone, simile 

al precedente cono in composito 

Rohacell e carbonio. Semmai la 

scelta di un nuovo tessuto per 

la matrice e la composizione del 

trattamento impregnante, che 

hanno determinato differenti caratteristiche 

meccaniche, ha permesso, 

stando alle informazioni 

e alla modellizzazione illustrate 

dalla casa, di modificare la frequenza 

di transizione dal regime 

pistonico a un regime di breakup, 

per consentire un maggior 

controllo sulla direttività senza 

penalizzare la distorsione non 

lineare e la regolarità della risposta! 

Allo stesso modo più che la 

novità in sé è interessante riflettere 

sul fatto che la possibilità di 

utilizzare una schiuma sintattica 

più adatta ad essere organizzata 

in forme complesse (gli strati 

esterni in fibra di carbonio del 

sandwich hanno “solo” cambiato 

grado e forma), consentendo 

una distribuzione variabile dello 

spessore del cono, permette a 

parità di peso una frequenza di 

break-up più alta. Se da un lato 

tutto ciò ci porta a riflettere sui 

possibili margini di miglioramento 

nel campo del comportamento 

di un altoparlante, così 

come illustrati da B&W, dall’altro 

non deve distoglierci dagli 

eventuali rischi connessi a una 

modellizzazione esasperata: il 

limite di questo approccio (attenzione: 

non stiamo dicendo 

che ciò accada in questo caso!) 

è alla radice, è legato ai modelli 

che si utilizzano e alla loro bontà. 

Per stessa ammissione della 

B&W, per il comportamento di 

molti materiali e la loro modellizzazione 

si ricorre a consulenze 

esterne perché la mole di lavoro 

e le risorse necessarie sarebbero 

ridondanti nello specifico, persino 

per un grande costruttore 

come B&W! 

Nel settore dei diffusori accadono 

cose strane e quella che apparentemente 

sembrerebbe una 

partita senza chance di vittoria, 

tra piccoli costruttori e giganti 

del settore, può a volte (per 

fortuna, per intuito) concludersi 

non tanto lontano dalla parità, 

proprio in funzione della capacità 

del “grande” di interpretare 

bene o meno la grande mole di 

dati a sua disposizione. Va comunque 

considerato che per i 

primi l’eventuale buon risultato 

è il frutto di un evento episodico 

(seppur talvolta ripetibile), per i 

secondi di una costante... 

Alcune migliorie (serie 800 D3 

versus serie 800 D2) non hanno 

impattato sul costo di produzione, 

come nel caso di una 

ottimizzazione delle forme; altre, 

in quanto non visibili, hanno 

avuto meno rilevanza mediatica, 

come nel caso dell’adozione di un 

frontale composito in metallo e 

legno al posto del solo legno, o 

dell’irrobustimento del sistema 

Matrix, dovuto a un “ingrassamento” 

dello spessore dei pannelli, 

ora in multistrato e non più 

in MDF. Altre ancora rispondono 

a una semplificazione o razionalizzazione 

dei costi ed è giusto 

chiedersi se l’abbandono del 

Marlan abbia avuto un impatto 

considerevole sulle prestazioni e 

sui processi produttivi. Di fatto, 

il primo effetto è quello di aver 

“demolito” un mito che reggeva 

da almeno due decadi; quanto il 

connubio fra materiale e nuove 

forme sia più efficiente, invece, 

sarà il tempo a stabilirlo. 

Quel che è epocale nella nuova 

line up della serie 800 è la quasi 

totale riprogettazione e un conseguente 

riposizionamento del 

modello 803, che rinuncia a uno 

dei tre woofer (elemento di raccordo 

con il modello successivo 

804) in favore di due di maggiori 

dimensioni e a un midrange, invece, 

di minori dimensioni. L’impatto 

della prima di queste due 

scelte “avvicina” il diffusore a 

quello di fascia superiore (802), 

la seconda è quasi un marcia indietro 

verso le scelte effettuate 

per questo modello nei primi 

tempi. Una soluzione che tende a 

sancire la definitiva sospensione 

di quella crasi tra i modelli inferiori 

e superiori rappresentata 

dalla 803. In altre parole i tre 

modelli maggiori (803, 802 e i 

prossimi 800) oggi appartengono 

a una stessa famiglia sempre 

più distante dalle altre due unità 

(804 e 805) che, oltre a diventare 

almeno parzialmente “orfane”, 

manifestano chiari elementi di 

discontinuità (la forma del mobile, 

un minor incremento dei 

costi) pur beneficiando di quella 

che, a buon diritto (e non per 

abuso), possiamo definire ricaduta 

tecnologica. 

Come effetto secondario va anche 

detto che, proprio in ragione 

della nuova fascia di mercato 

occupata, gli elementi della linea 

800 D2 più che prodotti “precedenti” 

e dunque in qualche misura 

“superati” diventano piuttosto 

“altri prodotti” nei quali, entro il 


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solco della tradizione e persino 

in misura maggiore, il rapporto 

Q/P può risultare esaltato. Perché 

l’eccellenza non ha prezzo (e 

se chiedi il prezzo, non la meriti... 

!); perché più in alto si va 

più risibili e a caro prezzo sono 

i miglioramenti. Nel merito del 

prezzo, poi, va fatta un’ulteriore 

riflessione e un distinguo: mediamente 

assistiamo, a cinque 

anni dalla precedente release, 

a un incremento del 30% nei 

modelli più piccoli (tra il 35% 

e il 40% nei due modelli superiori, 

dainterpretare alla luce 

delle precedenti considerazioni), 

maggiorazione che “ci può 

stare”; a fare scandalo è stato 

invece l’aver quasi raddoppiato 

il prezzo degli 803 ma, lo 

abbiamo sottolineato, siamo 

di fronte a un nuovo prodotto 

diverso da quello precedente 

(gli 803 D2). Naturalmente saranno 

le performance a stabilire 

la congruità di queste scelte e, 

altrettanto naturalmente, non 

conoscendo al momento la 

misura degli “improvements” 

apportati nella nuova serie 

800, non possiamo valutarli, 

né le sparute prove fino ad ora 

effettuate, quasi sempre in condizioni 

non controllate, possono 

aiutarci a definirne l’entità. 

Ci sentiamo però in grado di 

vaticinare il fatto che, quasi di 

default, non ci sia dubbio che 

ci saranno; perché debbono esserci! 

E l’entità, a ben vedere, 

non è nemmeno di primaria 

importanza. Perché comunque 

quella infinitesima o evidente 

misura che li rappresenta è lo 

specchio dell’irragionevole ragione 

che funge da motore della 

riproduzione sonora; è quel 

qualcosa che non conosci nello 

specifico ma ti tocca l’anima e 

fugge costantemente in avanti, 

in attesa che tu la rincorra... 

Vecchia e nuova serie a confronto 

? 

805 D2 805 D3 804 D2 804 D3 803 D2 803 D3 802 D2 802 D3 801 D2 801 D3 

Modello 805 804 803 802 800 

Versione D2 -> D3 D2 -> D3 D2 -> D3 D2 -> D3 D2 -> D3 

Tipo scaffale pavimento pavimento pavimento pavimento 

N.vie: 2 3 3 3 3 

Tweeter (mm): 25 25 25 25 25 

Midrange (n./cm): - 1 x 13 

Woofer (n./cm): 1 x 16,5 2 x 16,5 

1 x 15 -> 1 x 

13 

3x17,5 -> 2 x 

18 

1 x 15 1 x 15 

2 x 20 2 x 25 

Larghezza (cm): 23,8 23,8 30,6 -> 33,4 36,8 -> 39 45 -> ? 

Altezza (cm): 42,4 101,9 116 -> 116 113,5 -> 121,2 118 -> ? 

Profondità (cm): 34,5 34,5 45,7 -> 49,8 56,3 -> 58,3 64,5 -> ? 

Peso (kg): 12,6 33 41 -> 65,5 72 -> 94,5 102 -> ? 

Prezzo (,00): 4.500 -> 6000 7.000 -> 9000 9000 -> 17.000 14.000 -> 22.000 22.000 -> 30.000 


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Gold e Silver per un’inimitabile performance musicale e audio/video. 

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DIFFUSORI 

Dali Opticon 1 

Value for money? Il 

tema, caro in passato soprattutto 

ai costruttori 

inglesi, sembra essere tornato 

in auge e declinato a 

più ampio raggio da quei 

costruttori che hanno energie 

e lucidità di intenti. 

Esaminare uno dei prodotti 

di questo tipo tra gli 

ultimi nati, ha non solo un 

valore specifico ma anche 

una valenza più generale 

nelle tendenze in atto. 

“Realizzare un prodotto state 

of the art richiede certamente 

ingegno e risorse ma la vera 

sfida è quella di essere in grado 

di progettare un entry level 

di qualità, visti gli inevitabili 

vincoli che ne condizionano la 

realizzazione”. Saggezza spicciola 

di un progettista, qualche 

anno fa... 

In effetti c’è stato un intero 

periodo, ante globalizzazione, 

nel quale veniva quasi teorizzata 

l’impossibilità, salvo per 

i colossi dell’elettronica, di 

realizzare prodotti economici 

per la riproduzione della musica. 

È stato in quel periodo 

che sono quasi spariti i produttori 

inglesi, alfieri di quella 

intuizione che fu il “value for 

price”. I tempi cambiano e gli 

assiomi anche, specie da quando 

l’enorme potenziamento 

delle telecomunicazioni ha 

ravvicinato i confini dei paesi 

del mondo, dando il via a uno 

spostamento delle potenzialità 

produttive verso lidi più a buon 

mercato. La commistione con 

l’informatica, poi, introducendo 

ritmi e modalità di produzione, 

distribuzione e consumo 

differenti ha fatto il resto, riportando 

al centro del mercato 

le problematiche e le soluzioni 

per il primo approccio in materia 

di riproduzione sonora. 

Un aspetto che ha investito 

pesantemente i produttori di 

elettroniche, apparentemente 

meno quelli di elettroacustiche 

che, comunque, devono 

vedersela con l’evoluzione di 

quel semplice “articolo” definito 

diffusore, oggi sempre più 

omnicomprensivo, amplificato 

e/o “digitale” che sia! 

Le aumentate prospettive hanno 

comportato la necessità di 

sviluppare prodotti in grado 

di un maggior numero 

di esigenze, 

cosa che ha spinto 

i produttori di 

elettroacustiche 

a riconsiderare 

e razionalizzare 

Prezzo: € 1.300,00 


Peso: 4.5 Kg 

Distributore: Pixel Engineering S.r.l. 

Via San Francesco 4 - 21013 Gallarate (VA) 

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Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza 

(W): 25 - 100 Impedenza (Ohm): 4 Frequenze di crossover 

(Hz): 2.000 Risp. in freq (Hz): 62 - 26.500 +/- 3 dB Sensibilità 

(dB): 86 Altoparlanti: 1 x tw cupola morbida da 26, 1 x midwoofer 

con mebrana in fibra di legno da 12 cm Rifinitura: bianco, 

nero, noce Griglia: tela 


TEST 

l’offerta dei propri cataloghi. 

La chiave con cui questo è avvenuto 

rappresenta non solo 

una cifra stilistica aziendale 

ma, molto più prosaicamente, 

una delle chiavi del possibile 

successo futuro. O, ribaltando 

il ragionamento, quali sono le 

chiavi di un successo che sembra 

arridere a Dali, soprattutto 

nel nord Europa, e che la pone, 

secondo alcuni, quale principale 

concorrente di B&W, unanimemente 

considerato leader di 

mercato? Uno degli aspetti che 

nel corso del tempo ha caratterizzato 

il costruttore danese, 

suscitando anche notevoli perplessità, 

è l’enorme quantità di 

linee e prodotti in catalogo; linee 

che in gran parte tendono 

a sovrapporsi a livello merceologico 

e (non sempre) a livello 

funzionale e prestazionale. 

Come altri costruttori questa 

“dovizia”, inizialmente focalizzata 

nel far fronte a ogni esigenza 

e segmento di mercato, 

ha lasciato il passo a una più 

centrata identificazione dei 

bisogni primari del consumatore: 

la griglia di prodotto si 

sta assottigliando anche se in 

misura ancora modesta, con 

un effetto di maggior chiarezza 

nella segmentazione dei prodotti 

e delle tecnologie in essi 

implementate. Qualche indicazione 

in più può essere fornita 

dalla recente presentazione di 

un lavoro effettuato sugli altoparlanti 

(principalmente sui 

gruppi magnetici dei woofer, 

molto meno dei tweeter) in 

cui si fa esplicitamente riferimento 

a tre linee (Opticon, 

Epicon e Rubicon) che, di fatto, 

potrebbero “scalzare” le altre 

serie. 

Questo investimento di energie 

mostra come la casa intenda 

concentrarsi su un aspetto 

specifico dei trasduttori, adoperando 

un approccio differente 

proprio da B&W (vedi 

in questo stesso numero di 

SUONO) che, invece, concentra 

sui materiali dei coni le 

sue energie. Ancora, per continuare 

nell’analogia: la casa 

inglese dedica notevoli risorse 

alla costruzione e all’aspetto 

dei suoi diffusori, aspetto che 

al contrario è trascurato da 

quella danese. E, infine, B&W 

parte nella sua rivisitazione dal 

vertice mentre la Dali, con la 

serie Opticon, lo fa dal basso. 

Entrambe le aziende, comunque, 

alla pari di Focal (che 

potrebbe di diritto inserirsi in 

un trittico di aziende di riferimento 

e di cui abbiamo trattato 

nello scorso numero di questa 

rivista), mantengono internamente 

la falegnameria e le problematiche 

di produzione. La 

serie Opticon, dunque, assume 

un’interessante valenza se 

immaginata come icona della 

diversità di approccio al mercato, 

indipendentemente dal 

fatto che questa sia o meno la 

chiave più valida per aprire le 

porte al successo! 

Articolata secondo uno schema 

che attualmente va per la 

maggiore (due bookshelf e tre 

torri, più quanto necessario 

per comporre un sistema A/V), 

la serie abbraccia la fascia di 

mercato che va dai 700 ai 

3.000 euro circa; non proprio 

una prima fascia ma quasi. La 

gamma è caratterizzata dalla 

presenza ai due estremi di due 

prodotti che si differenziano 

sostanzialmente dagli altri: gli 

Opticon 1 e gli Opticon 8. Nel 

modello più piccolo appaiono 

un tweeter e un midwoofer 

utilizzato solo per questo prodotto; 

in quello più grande si 

nota la presenza di una coppia 

di woofer da 20 cm (da 8 pollici). 

Tutti gli altri modelli condividono 

lo stesso midwoofer 

da 16,5 cm, lo stesso tweeter da 

28 mm e il tweeter a nastro (ad 

eccezione dell’Opticon 2). Uno 

scenario che, in un certo senso, 

esprime come la linea Opticon 

sia contraddistinta da varie 

declinazioni e abbinamenti a 

seconda delle necessità di due/ 

tre attori (tweeter a nastro, 

tweeter a cupola da 28 e woofer 

da 16,5). Le due eccezioni agli 

estremi sono probabilmente 

necessarie a “completare” una 

linea e a soddisfare esigenze e 

richieste di mercato. 

La Opticon 1 e il bookshelf più 

piccolo (il secondo, di maggior 

litraggio, appartiene alla tipologia 

che si dice risponda alle 

aspettative del pubblico americano, 

che ha la necessità di 

sonorizzare ambienti più gradi 

e assorbenti dei nostri) della 

linea: si tratta di un diffusore 

di dimensioni davvero minute 

caratterizzato, per questo ma 

non solo, da una eccellente 

capacità di interfacciarsi con 

l’ambiente, dimostratosi altrettanto 

“disponibile” anche 

nei confronti dell’elettronica 

abbinata. 

A un primo approccio al prodotto 

colpisce in particolar 

modo la scelta dell’azienda di 

aderire a dei canoni estetici 

minimali. Vero che la bellezza, 

tanto più in un prodotto Hi- 

Fi, è cosa del tutto opinabile, 

ma il design degli Opticon 1 (e 

di tutta la linea in generale) 

è quanto mai datato, praticamente 

lo stesso riproposto da 

anni, refrattario a quei tentativi 

di inserimento armonico 

nell’ambiente domestico che 

I morsetti hanno il corpo in 

plastica; la caratteristica forma 

favorisce una presa eccellente 

che consente una coppia di 

serraggio notevole. I connettori 

sono abbastanza distanziati e 

facilmente accessibili, nonostante 

l’esiguo spazio a disposizione. 



1 

Il filtro è installato a ridosso della vaschetta posteriore in cui è 

collocato anche il condotto di accordo in posizione obliqua per 

ottimizzare lo spazio e la collocabilità in ambiente. Lo schema 

è molto semplice e ben dimensionato, i componenti sono di 

fascia economica, il condensatore in serie al tweeter è di tipo 

elettrolitico bipolare. 

2 

Il cestello del woofer è in pressofusione di 

alluminio e mostra un disegno robusto 

e al tempo stesso aerodinamico. La 

membrana è realizzata con il caratteristico 

impasto misto a base di legno e cellulosa. 

La superficie esterna, dopo la formatura è 

liscia e tratta con materiale indurente, mentre 

all’interno si apprezza la tipica texture delle 

membrane in carta. 

“VISION” VINCENTE 

La filosofia alla base dei prodotti Dali di 

fascia bassa, oltre ad indirizzare al meglio 

le risorse sugli aspetti che contano, 

sembra anche impostata a mantenere 

una filosofia progettuale costante che 

ormai viene perseguita con gran determinazione, 

a partire dai filtri a bassa 

pendenza (1). In genere, per ottenere un 

buon livello di filtratura a bassa pendenza 

si deve poter disporre di altoparlanti 

fatti ad hoc oppure pensati in un modo 

tale che, quasi sempre, non fanno parte 

delle serie “di primo prezzo”. Invece, e 

forse è proprio questo il punto di forza 

di Dali: la qualità dei trasduttori si 

distacca dalla mischia e si percepisce 

anche nei sistemi entry level. I piccoli 

nuovi Opticon 1 ne sono un esempio 

considerato che il woofer (2) appartiene 

alla più recente produzione, equipaggiata 

con l’innovativo magnete SMC, 

mentre il tweeter (3), in quanto il più 

piccolo della serie, è il meno “spinto” tecnologicamente 

rispetto agli altri della 

serie Opticon. Anche la realizzazione del 

mobile e dei vari elementi della struttura 

evidenziano quelli che per Dali sono i 

punti “inalienabili” nel determinare la 

qualità dei suoi prodotti e quelli in cui, 

si può sorvolare. Quindi, la struttura 

principale del mobile è in MDF rivestito 

con pellicola vinilica simil legno, ad 

eccezione del pannello anteriore che 

per effettuare le fresature di raccordo e 

portare a filo gli altoparlanti esterni (ma 


TEST TECHNICS SB C700 

Il gruppo magnetico del 

tweeter è il più semplice 

della serie e non è dotato di 

camera di decompressione 

nella parte posteriore alla 

membrana ma solo di un 

elemento in feltro molto 

compatto che assorbe 

l’onda posteriore e abbatte 

la risonanza. 

Il diametro della bobina 

mobile è da 26 mm e, come 

anche gli altri, è immersa 

in ferrofluido presente 

all’interno del traferro. 

La flangia è avvitata al magnete con 

tre bulloni e l’equipaggio mobile è 

tenuto in posizione da due perni. La 

flangia ha un particolare disegno che 

“stringe in una morsa” l’equipaggio 

mobile all’interno del traferro. 

3 

Il tweeter è composto sostanzialmente da tre 

elementi accoppiati fra loro: magnete, equipaggio 

mobile solidale con il pannello di supporto in plastica 

ed elemento esterno di raccordo e di fissaggio che 

sempre più frequentemente assolve alla duplice 

funzione di flangia del tweeter e di profilo di raccordo 

con il mobile. 

ancor di più per ridurre gli impedimenti 

e le ostruzioni nella parte posteriore della 

membrana del woofer, aspetto sottovalutato 

spesso da molti costruttori) è 

stato lavorato e laccato con una ottima 

finitura lucida brillante. Per “far respirare” 

il più possibile l’altoparlante nella parte 

posteriore, Dali tende ad aumentare lo 

spessore dell’anello esterno del cestello 

in modo da portare il più possibile in 

posizione arretrata la membrana e allontanarla 

dal bordo interno del foro di 

montaggio sul pannello. D’altronde, i 

cestelli, le ghiere e le guarnizioni sono 

tutti elementi progettati in casa: sono 

poi realizzati in gran parte da terzisti su 

rigide specifiche e presenti in esclusiva 

solo per i prodotti Dali. Anche solo 

considerando la flangia di sostengo del 

tweeter, notiamo l’elevato spessore del 

supporto e le varie nervature di rinforzo 

collocate sia sul perimento esterno 

a contatto con il mobile, sia su quello 

interno che diventa parte integrante 

del trasduttore. È anche vero però che 

la classe di prezzo degli Opticon non è 

poi fra le più basse nell’ambito hi fi; comunque 

sia certi valori non sono assolutamente 

comuni; sempre in casa Dali, 

quando si sale di prezzo aumenta anche 

il valore degli aspetti “accessori” oltre ad 

offrire alcune migliorie dei trasduttori 

che seguono però, man mano che si 

alza la posta, la legge che per piccoli 

miglioramenti seguono sempre grandi 

investimenti! 



MAGNETISMI E ALTRE STORIE 

La parte più evidente di un altoparlante è quella “a vista” e, da 

sempre, è più semplice e diretto magnificare le peculiarità di un 

trasduttore tessendone le lodi in particolar modo su quel che si vede 

e su quelle caratteristiche che poi hanno una certa rispondenza 

all’atto pratico, almeno per quanto riguarda l’esperienza comune a 

cui tutti siamo soggetti. In altre parole, la membrana, la sua forma e 

le sue caratteristiche acustiche sono per forza di cose determinanti 

sulla resa sonora rispetto ad altre caratteristiche più squisitamente 

legate alla “produzione”! O almeno così siamo portati a ragionare in 

modo più o meno cosciente di fronte ad un altoparlante o di fronte 

ad un fenomeno ignoto (teoria in gran parte soddisfatta da molte 

delle componenti di un altoparlante…). 

Come la “corrente” tende a spaventare, perché è un pericolo 

“invisibile, ancor di più si diffida di un campo magnetico che oltre 

ad essere poco visibile è anche subdolo nelle sue manifestazioni! 

Un campo magnetico ad esempio ha l’antipatica propensione ad 

“opporsi” ad ogni tipo di variazione che lo circonda, mettendo in 

moto forze ed effetti decisamente inaspettati ma solo in condizioni 

molto particolari tali da essere tangibili e degni di nota. In altre 

parole quello che succede avvicinando due calamite: fino ad un 

certo punto non succede (o meglio non ci si accorge di...) nulla, 

poi, di punto in bianco le calamite si attraggono e non si riesce a 

contrastarle; così, quasi all’improvviso! 

Gli effetti “secondari” generati dai campi magnetici sono ancora più 

flebili e si fanno sentire solo in condizioni ancora più particolari, e 

fra le tante c’è quella delle correnti parassite che si innescano nei 

materiali conduttori immersi in un campo magnetico variabile. 

Faremo un esempio poco attinente con il campo dei traduttori ma 

forse più vicino all’esperienza comune: quello dei freni dinamici di 

un treno! Un disco metallico solidale con l’asse delle ruote del treno 

ruota insieme ad esse, in genere molto velocemente. Se si avvicina 

un potente campo magnetico al disco si genera una forza che tende 

a frenare la rotazione del disco. Forza generata dalle correnti indotte 

che, a loro volta, fanno surriscaldare il disco per cui c’è dissipazione 

di energia che frenerà la corsa del treno (povero treno...). Il tutto 

senza attrito, senza energia elettrica e senza “sforzi”: accade solo 

avvicinando un magnete al disco! 

In tempi in cui era difficilissimo disporre di magneti ad alte 

concentrazioni, tale fenomeno era praticamente solo descritto e 

difficilmente tangibile in natura (ad eccezione appunto del treno e 

altre, gravose, situazioni) ma oggi, con neodimio e altre leghe ad alta 

concentrazione è alla portata di tutti fare un piccolo esperimento: 

basta prendere un magnete molto potente, avvicinarlo ad un 

pannello in metallo amagnetico (significa che la calamita non si 

attacca) e spostarlo sulla superficie. Come per incanto accade un 

fatto inaspettato: più tentiamo di farlo scorrere velocemente, più il 

magnete si oppone anche strenuamente al movimento impresso; 

se invece lo allontaniamo dal pannello metallico nulla accade (non 

si era attaccato prima perché si sarebbe dovuto attaccare ora?). A 

questo punto è chiaro che il fenomeno diventa tangibile quando 

alcune grandezze in gioco diventano sufficientemente grandi, come 

appunto la concentrazione di campo magnetico, la conducibilità del 

materiale amagnetico ed anche le forze le accelerazioni impresse al 

magnete. Quanto accade invece all’interno di un altoparlante è cosa 

molto più complessa e disseminata di “effetti secondari” che però, 

alla base sono il frutto dello stesso fenomeno: in sostanza, ogni volta 

che un altoparlante tenta di muoversi, si innescano forze intorno ad 

esso che si oppongono e che inoltre generano anche calore (come 

se non bastasse quello invece generato dalla bobina mobile per far 

funzionare l’altoparlante…) 

Dali, ha proposto una soluzione decisamente interessante per 

risolvere la problematica legata alla geometria e alle funzionalità 

dei gruppi magnetici dei woofer ad alta escursione che di fatto 

innescano effetti tangibili dovuti alle correnti parassite, escogitando 

un materiale ad alta permeabilità magnetica e, al contempo, a 

bassissima conducibilità elettrica, il fattore che più è legato, oltre 

al campo magnetico, all’insorgenza del fenomeno. Si tratta di 

un materiale a base di polveri ad alta permeabilità magnetica 

compattate ad alta pressione in modo da fornire una resistenza 

elettrica altissima e quindi ridurre drasticamente gli effetti legati alle 

correnti parassite e alla curva di isteresi di saturazione del campo. 

Il ciclo produttivo messo a punto dalla casa danese è differenziato 

per le nuove serie in catalogo in cui, i gruppi magnetici presentano 

via via soluzioni sempre più raffinate, a partire da quella base 

implementata nella serie Opticon (A), in cui solo il polo centrale è 

realizzato con il materiale SMC mentre nella serie Rubicon (B) appare 

anche un anello in rame utilizzato nel polo centrale del magnete 

e nella serie Epicon (C), quella la vertice, gli elementi diventano 

tre e sono completati da due anelli di Farady in alluminio, uno in 

alto e l’altro in basso alle espansioni polari. Va sottolineato come la 

membrana incida molto meno di quanto c’è nel gruppo magnetico, 

di cui non si parla spesso e che, anzi, troppo frequentemente viene 

sottovalutato, anche dai costruttori più “consumer”! 

L’altro aspetto fondamentale per la riuscita di un buon altoparlante 

è infine l’accuratezza delle lavorazioni meccaniche, in quanto tutto 

si gioca in spazi molto piccoli ed estremamente ravvicinati fra 

loro: prima regola per un ottimo risultato è quella di realizzare una 

lavorazione precisa dei componenti; poi, successivamente i materiali 

possono contribuire al risultato. Ovviamente, è tutto da stabilire 

quanto sia complesso ottenere un polo magnetico in SMC e quanto 

questo incida sulle economie di scala ma ottenerne addirittura 

tre, per giunta con innesti anulari in alluminio, è sicuramente più 

complesso che reallizzarne uno solo!. 

A B C 



negli ultimi anni hanno trasformato 

le apparecchiature 

Hi-Fi in oggetti di arredamento. 

Contano le performance, 

sembra volerci dire la Dali, 

ma il piacere dell’occhio non 

guasterebbe! 

Criptico, invece, il messaggio 

che la casa ci lancia attraverso 

le sue scelte inerenti la realizzazione 

del mobile: da un lato 

il buffle del diffusore appare 

addirittura superiore alla classe 

di appartenenza (anche se 

i 700 euro, a ben vedere, non 

sono mica pochi!), dall’altro il 

resto del cabinet è realizzato 

nella massima economia anche 

dal punto di vista delle finiture. 

Quasi sprezzante questo made 

in Danimarca che sembra un 

made in Cina! Più verosimilmente, 

dietro queste decisioni 

si cela la convinzione che prima 

vengono gli altoparlanti, poi il 

vestito... 

Il collocamento merita qualche 

nota di merito particolare: se gli 

Opticon 1 si comportano come 

ogni classico diffusore di piccole 

dimensioni (che va posto su 

altrettanto classici piedistalli 

di dimensioni di base adeguate 

e altezza intorno ai 60 cm o 

poco più), non è da escludere o 

considerare inaccettabile a priori 

il posizionamento a scaffale 

o mensola, che beneficia della 

scelta di posizionare la porta 

di accordo (sul pannello posteriore) 

in maniera inclinata 

e in modo da risultare comunque 

lontana un minimo dalla 

parete di fondo, almeno per la 

profondità della vaschetta! Se 

il diffusore non sembra particolarmente 

sensibile alla vicinanza 

della parete di fondo 

(sempre che non si pretenda di 

addossarle al muro), è preferibile 

tenerlo abbastanza lontano da 

quelle laterali perché in questo 

modo gli Opticon 1 si dimostrano 

in grado di scomparire dalla 

scena, ricostruendo un soundstage 

particolarmente ampio 

e profondo, con molto spazio tra 

i vari musicisti. 

Una volta identificata la posizione 

migliore abbiamo cominciato 

la sessione di ascolto rimanendo 

subito letteralmente basiti dalla 

capacità del diffusore di riproporre 

una scena sonora ampia, 

salda e credibile, decisamente 

tipica di prodotti di tutt’altro 

litraggio. Le buone prestazioni 

ci hanno indotto, dopo il consueto 

“giro” di partner, a portare 

al limite le performance del 

diffusore interfacciandolo con 

un front end che rappresenta 

una soluzione spesso utilizzata 

come riferimento nella nostra 

saletta. Con il lettore DCS Puccini 

collegato direttamente al 

finale Accuphase A36 si ottiene 

una rappresentazione sonora 

sorprendente piacevole: le voci 

risultano (sia quelle femminili 

che quelle maschili) dettagliate, 

ricche di particolari, proporzionate 

e ben inserite nella scena. 

Nessuna durezza o sfrigolio 

eccessivo sulle alte frequenze. 

L’impulsività non manca e anzi 

stupisce, segno di ottima prontezza 

e velocità nella risposta. 

Se la profondità nella ri- 

sposta in frequenza non 

può essere da record, 

viene ampiamente 

compensata dal 

dettaglio, controll 

o 

e 

La posizione arretrata 

assolve prevalentemente ad 

funzioni di salvaguardia della 

membrana e molto meno a quelle 

acustiche, con effetti comunque 

positivi sulla dispersione. 

pulizia che va riflettendosi in 

una scena ampia e tridimensionale 

tale da far scomparire 

letteralmente i diffusori. E qui 

via via che ci si allontana dalla 

parete di fondo l’effetto si fa 

più spettacolare e avvincente, 

senza contrizioni della gamma 

bassa, straordinariamente a 

fuoco e profonda, considerando 

le dimensioni e la classe del 

diffusore. Certo non è questa 

la condizione in cui verranno 

principalmente utilizzati gli 

Opticon 1 (per quanto... ) ma è 

rassicurante sapere che i limiti 

del diffusore possono essere “tirati” 

molto in alto! 

Anche ritornando sulla terra e 

interfacciando il diffusore con 

un sistema adeguato alla 

ipotizzabile 

I tweeter della serie, ad 

eccezione degli Opticon 

1, sono da 28 mm di diametro 

e dispongono di una camera 

posteriore di decompressione e di 

un elemento in feltro smorzante. 

fascia di utilizzo, si confermano 

molte delle note molto positive 

precedentemente apprezzate. 

Piacevolezza e naturalezza, in 

particolare in gamma media 

dove l’arpeggio della chitarra 

acustica appare di una scorrevolezza 

disarmante e molto 

dolce, costituiscono la cifra del 

diffusore. Qualche asprezza e 

durezza appare invece, di tanto 

in tanto, con le voci, soprattutto 

femminili, nella porzione 

più alta e nei passaggi più forti. 

Bene comunque il pianoforte 

acustico. Il timbro in generale 

appare leggermente più scuro 

e grezzo con le voci maschili, 

ma stiamo parlando di piccole 

differenze davvero. 

Se in generale tutto appare 

un po’ ridimensionato rispet- 

to all’abbinamento di maggior 

classe, gran parte delle eccellen- 

ti qualità intraviste rimangono 

inalterate e solo leggermente 

ridotte in scala, a conferma 

delle enormi potenzialità di 

un diffusore che, pur essendo 

posizionato nel segmento più 

elevato della fascia bassa di mer- 

cato, mostra caratura di classe 

assoluta. 













9 VELOCITÀ ............................................................... 3 





14 TIMBRICA ............................................................... 2 

15 COERENZA .............................................................. 2 


La risposta in frequenza, per un diffusore di questa taglia 

è molto estesa e abbastanza lineare anche se presenta 

una attenuazione in prossimità della frequenza di incrocio 

che sembrerebbe caratterizzare il sistema con una 

impostazione di tipo loudness. 

Tale caratterizzazione scompare completamente nei rilevamenti 

fuori asse, evidenziano invece una eccellente 

dispersione del tweeter e una buona determinazione 

delle attenuazioni di filtro che non danno luogo a cancellazioni 

nella sovrapposizione delle emissioni dei due 

altoparlanti. Anche il tipo di caricamento acustico che non 

insegue estensioni in basso inadatte al piccolo diametro 

dell’altoparlante, consente collocazioni anche a ridosso 

della parete di fondo beneficiando dell’incremento di 

pressione in gamma bassa. 

C’è da notare che il risultato è di un certo rilievo, considerato 

lo schema minimalista del filtro che è poco più di 

un primo ordine sul woofer. I fenomeni di cancellazioni 

sono assenti nei rilevamenti sul piano verticale verso 

l’alto anche in posizioni molto angolate, mentre verso il 

basso si comincia ad apprezzare la cancellazione di fase 

della sovrapposizione dei due altoparlanti, pur in misura 

comunque molto contenuta, dovuta anche al fatto che 

l’emissione del tweeter in basso è limitata oltre che dalla 

attenuazione di filtro anche dalle caratteristiche fisiche 

del trasduttore, poco incline a scendere in basso c(ome si 

nota dal modulo di impedenza che mostra un lievissimo 

picco di risonanza molto smorzato intorno ai 1500 Hz). 

Il modulo dell’impedenza si attesta sostanzialmente 

fra i carichi semplici: in basso scende fino a sfiorare i 

4 Ohm. Se si considera anche una buona sensibilità, 

l’abbinamento con amplificazioni perfino di bassa potenza 

restituirà risultati di pressione adeguata e senza 

eccessive complicazioni dovute al carico. 






COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Le risorse sono distribuite prevalentemente su 

alcuni dettagli senza però che gli altri siano del 

tutto ignorati anzi! 


Perfettamente in linea con le specifiche del 

progetto. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Si abbinano con facilità e disinvoltura sia all’ambiente 

che alle amplificazioni privilegiando 

comunque ottime catena a monte. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

La gamma alta e il senso di rifinitura cedono il 

passo al resto della gamma che si rivela un piccolo 

ma solido punto di riferimento. 

L’OPINIONE 

Non è carino ma 

lo ammetto ci sono 

cascato, per merito 

proprio dei Dali che 

qualche birba del 

corpo redazionale ha posizionato 

in sala d’ascolto in posizione 

defilata, facendo credere che a 

suonare fossero dei grandi diffusori 

da pavimento. Potete anche 

supporre che sia (sempre stato o 

diventato) sordo, l’età c’è tutta. Io 

preferisco pensare che gli Oticon 1 

sono dei mini davvero straordinari, 

soprattutto per la capacità di 

dimenticare le dimensioni e il 

rango che gli è stato attribuito e 

saper suonare come un grande 

diffusore, che è differente 

dall’essere un diffusore grande... 

Tanto è raro incontrare qualche 

cosa che ti sorprende, tanto è 

doveroso segnalarlo con tutta 

l’enfasi possibile, anche a rischio di 

diventare ridondanti che, in questo 

caso, c’è poi la realtà e le orecchie 

di ognuno a dare conforto. E 

il responso ragionevole è che 

difficilmente, se le condizioni a 

contorno vi obbligano ad utilizzare 

un diffusore di piccole dimensioni, 

troverete di meglio nella pletora 

dei possibili contententi. 

Sic et simpliciter 


FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Determinazione e idee chiare si associano ad 

una storia di lunga data. Votazione massima se 

non per una esitazione dovuta ad un trascorso, 

nel nostro paese, ancora non del tutto lineare... 


Il costo non è fra i più economici ma se rapportato 

ai “mostri” sacri del consumer siamo comunque 

al di sopra come convenienza e prestazioni. 






EXCLUSIVE HI-END & VIDEO 

Il Centro Della Musica 

Via Bologna 11 - Legnano (MI) 

Tel./Fax 0331.453884 

www.ilcentrodellamusica.com 

info@ilcentrodellamusica.com



DIFFUSORI 

Technics SB-C700 

è un bene, a nostro 

modo di vedere, il ritorno 

dei grandi dell’elettronica 

sul piccolo ma qualificato 

palcoscenico dell’hi-fi. 

Sono portatori di soluzioni 

e qualità, declinate 

soprattutto nella fascia 

medio bassa del mercato. 

Da Technics, per tradizione 

e “missione aziendale” 

ci si aspetta di più e questo 

entry level di fascia media 

ne è la testimonianza. Saprà 

l’azienda giapponese 

sollecitare l’animo di un 

consumatore già esperto? 

Tra i tanti modi per festeggiare 

una ricorrenza 

importante (e cinquanta 

anni di vita lo sono!), Technics 

ha trovato indubbiamente uno 

dei più validi, annunciando (in 

occasione del recente IFA) il 

ritorno in produzione e la commercializzazione 

di un giradischi 

(sebbene questa avverrà 

solo nel prossimo anno)! 

Technics uguale giradischi... 

Quasi una missione collegata 

alla storia stessa del marchio; 

tutt’al più Technics uguale registratori, 

se si pensa in un’ottica 

vintage e a quella pietra 

miliare che si rivelò il RS-1500 

con il suo “nasone”. Eppure, a 

ben vedere, il trend più significativo 

della casa che fu il braccio 

audio dell’impero di Konosuke 

Matsushita è, soprattutto, quello 

dedito ai diffusori. Il Technics 

1 fu il primo diffusore prodotto 

della casa e negli anni il cammino 

del marchio è stato contraddistinto 

da una costante ricerca 

nel campo delle elettroacustiche: 

gli SB 1000 (1973), il primo 

tre vie in Giappone con un tweeter 

a cupola; gli SB 7000 (1975), 

laboratorio di ricerca sulla fase 

lineare; i giganteschi SB 10.000 

(1977) a tromba ed 

emuli dei JBL. Poi an- 

cora e soprattutto: gli 

SB-RX 50 (1986) con 

altoparlante a mem- 

brana piatta; l’evoluzione 

monstre dei 

giganteschi SB-AFP 

1000 (1988); l’esperimento 

tecnologico 

e di design 

degli SST-1 (1988), 

un doppio carico a 

tromba... 

Si può dire che, 

con alterni successi, 

Technics non abbia 

mai smesso, fino a 

quando il marchio 

venne messo in stand-by, di 

sviluppare materiali e soluzioni 

per le elettroacustiche, quasi 

incredula che il mercato non le 

tributasse altrettanto successo 

e quel ruolo di leadership tecnologica 

che nelle elettroniche e 

nel digitale (ricordate il sistema 

MASH?) aveva saputo conquistare 

grazie alla forza economica 

del gruppo e alle ingenti risorse 

devolute in ricerca. 

D’altronde i diffusori giapponesi 

sono stati visti sempre con un 

po’ di sospetto dal mondo non 

orientale, tranne rare eccezioni. 

Tra queste vanno annoverati i 

mitici diffusori elettrostatici 

Stax, tanto suadenti quanto 

limitati in certi aspetti e, a un 

livello più abbordabile, i meno 

idiosincratici e più tradizionali 

modelli della serie NS di casa 

Yamaha. Eppure, anche al di 

là di questi ormai storici esempi, 

proprio nella storia recente 

abbiamo assistito a un inatteso 

ritorno d’interesse verso l’audio 

e verso le elettroacustiche di 

alto e altissimo livello da parte 

di costruttori storici giapponesi 

che da tempo sembravano aver 

abbandonato questo settore. 

Pioneer, ad esempio, che ha 

creato un brand a parte di vero 

lusso, ad altissimo potenziale, 

come TAD, o Sony, che produce 

ormai da qualche anno diffusori 

molto apprezzati anche dall’Hiend 

americana... 

Prezzo: € 1.300,00 


Peso: 8.5 Kg 

Distributore: Panasonic Italia S.p.A. 

Via dell’Innovazione 3 - 20126 Milano (MI) 

Tel.02-67881 - Fax 02-66713316 

http://www.panasonic.it 

DIFFUSORI TECHNICS SB-C700 

Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza 

(W): 50 Impedenza (Ohm): 4 Frequenze di crossover (Hz): 

2.500 Risp. in freq (Hz): 45 - 80.000 -10 dB Sensibilità (dB): 

85 Altoparlanti: coassiale con tweeter a cupola da 19 mm e 

midwoofer piatto da 16 cm Rifinitura: bianco lucida Griglia: 

tela acustica fissata magneticamente 


TEST 

Non stupirà, dunque, scoprire 

che anche il ritorno di Technics 

(ne abbiamo diffusamente 

parlato su SUONO 495 - marzo 

2015) sia stato caratterizzato da 

una line up che prevede in ognuna 

delle due linee (Reference 

Class Serie 1 e Premium Class 

Serie 700) una coppia di diffusori 

(e questo è probabilmente 

abbastanza scontato) e che quei 

diffusori siano, ognuno a loro 

modo, sufficientemente “non 

convenzionali”. Una sola coppia 

per serie, al momento, ma è 

quanto basta; della serie 700, in 

particolare, fa parte il diffusore 

da piedistallo qui in prova: un 

due vie con forma caratterizzata 

dalle fiancate curve e, soprattutto, 

dall’adozione di un sistema 

di altoparlanti concentrico che 

riprende i concetti sviluppati 

per gli SB-RX 50 e anche, più 

o meno, lo stesso litraggio e dimensioni 

(30 x 48 x 28,2 cm). 

Un diffusore, insomma, che è 

un misto di soluzioni costruttive 

molto raffinate unite ad altre più 

nella norma. 

Sfruttando la contemporanea e 

fortunata presenza di amplificatori 

di natura e categoria diversi, 

compreso il partner elettivo 

dello stesso marchio (l’integrato 

SU-C700), abbiamo potuto 

mettere in atto un set d’ascolto 

particolarmente articolato. 

La vaschetta dei contatti 

è di tipo economico ma 

con una forma e una 

disposizione dei morsetti 

abbastanza ergonomica 

che sopperisce alle 

dimensioni molto 

compatte e ravvicinate 

dei connettori. Il corpo 

è in metallo rivestito in 

plastica e offre un buon 

serraggio con cavi spellati o 

terminati a forcella. Ottima 

anche la soluzione con cavi 

terminati a banana. 

Meritano in tal senso di venire 

citate le note d’ascolto dei più 

significativi case study partendo 

dall’abbinamento con l’integrato 

di recente introduzione 

Arcam FMJ A29 (80+80 Watt), 

che mette in evidenza un basso 

ben agile, forse leggermente 

contratto, cosa che si riflette 

sulla riproposizione della scena 

sonora che appare contratta in 

maniera maggiore che con altri 

abbinamenti, più vicina ai diffusori 

che, in altri casi, scompaiono 

letteralmente. Le voci e 

gli strumenti solisti risultano in 

primo piano, il suono appare più 

piatto e meno brillante e vario 

che in altri casi, rivelando come 

questo tipo di interfacciamento 

non risulti dei migliori. 

Al contrario, utilizzando il finale 

Accuphase A 36 (soli 30 

Watt ma in splendida classe A) 

e sfruttando l’uscita preamplificata 

del lettore digitale DCS 

Puccini, soluzione che spesso 

utilizziamo nella nostra sala 

d’ascolto, i diffusori Technics si 

lasciano guidare in modo sorprendente, 

a testimonianza delle 

potenzialità, a volte inespresse, 

di questo diffusore: il suono risulta 

particolarmente articolato, 

estremamente profondo e ben 

controllato, dimostrando come 

il diffusore sia in grado di gestire 

l’energia nella porzione inferiore 

delle frequenze senza far confusione. 

Mano a mano che si sale 

in frequenza la riproposizione 

fornita dai Technics si mantiene 

positiva, solo con qualche intemperanza, 

specie sui registri 

più alti di strumenti come il pianoforte 

o il sassofono; asprezze 

che ritroviamo anche nella voce 

di un soprano nei passaggi più 

acuti e difficili. 

Si tratta di indurimenti che si avvertono 

a volume molto elevato 

e quindi frutto dell’avvicinarsi 

dei limiti dell’uno, dell’altro o 

di entrambi i partner utilizzati. 

Con l’integrato della stessa casa 

si assiste all’abbinamento probabilmente 

più indovinato. Potrà 

sembrare scontato ma in questo 

settore niente va dato per ovvio! 

Fatto sta che ascoltando gli stessi 

dischi, oltre a ritrovare un basso 

controllato quanto articolato e 

profondo, un filo meno grandioso 

di quanto ottenuto con l’Accuphase, 

troviamo una risposta 

in frequenza più regolare e un 

comportamento più omogeneo 

e coerente lungo tutto lo spettro 

musicale. Voci, pianoforte e fiati 

non sono mai sguaiati o esageratamente 

aggressivi e a dominare 

è piuttosto un equilibrio particolarmente 

riuscito. L’integrato 

Technics ha tra 

le sue peculiarità 

la funzione LAPC 

che ha lo scopo di 

adattare l’abbina- 

ta ampli-diffusore 

alle caratteristiche 

dell’ambiente nel 

quale sta suonando. 

Effettuata la 

commutazione, in 

questo caso si ottengono 

dei risulta- 

ti decisamente più 

evidenti rispetto a 

tanti abbinamenti 

tentati nel lungo 

corso dei test ef- 

fettuati: il suono 

sembra farsi più vivace e presente; 

non è detto che questo 

effetto piaccia a tutti o sempre 

ma dà, in effetti, un’opzione di 

scelta in più a questa abbinata. 

Più in generale, sembra che il diffusore 

sia in grado di riproporre 

comunque un suono equilibrato 

e bilanciato, con il pregio non da 

poco di apparire buono un po’ in 

tutte condizioni, generi e volumi 

d’ascolto. 

Certo gli SB-C700 vanno interfacciati 

al meglio se si vogliono 

ottenere le performance ottimali 

(la loro impostazione sonora 

richiede elettroniche raffinate, 

trasparenti e precise), cosa doverosa 

considerando che il prezzo 

non è poi così contenuto. 

C’è un’ampia differenza tra un 

suono che tende a diventare 

poco raffinato e performance di 

assoluto rilievo che ne fanno un 

possibile partner duraturo.Meritano 

un po’ di attenzione perché 

i risultati arriveranno. 

1986: la casa giapponese 

presenta gli SB RX 50, i primi ad 

adottae una struttura coassiale 

piatta che successivamente 

avrebbe equipaggiato i 

giganteschi SH-AFP 1000 (1988) 

utilizzati dalla Vienna State 

Opera 



Il morsetto, di fascia economica, 

è però dotato di corpo metallico 

rivestito in plastica e ghiera 

antifrizione che facilita il serraggio 

dei cavi spellati e terminati. La 

ghiera non sempre scorre con facilità 

all’interno della capsula esterna. 

Il cestello in pressofusione è stato 

disegnato per sostenere al suo 

interno il sospensorio del tweeter 

coassiale e la doppia sospensione 

della membrana del midwoofer, 

una verso l’esterno e l’altra verso 

il centro. Il moto al woofer viene 

impresso da un cono in alluminio 

fissato alla membrana piatta 

esterna, realizzata in compound. 

Nella parte inferiore è 

presente l’etichetta ìche 

evidenzia un modello 

di produzione consono 

alle grandi aziende, 

con la identificazione 

ben definita del 

prodotto e del luogo di 

produzione. 

Il condotto di accordo e i setti interni 

di rinforzo sono rivestiti da un 

tappetino in filtro trapuntato e cucito 

sugli elementi. All’interno è anche 

presente una notevole quantità di 

assorbente acustico sempre a base di 

agglomerato di feltro. 

RITORNO AL PASSATO 

Il mobile e l’ingegnerizzazione del 

prodotto destano gran curiosità in 

particolar modo per l’approccio industriale 

e al tempo stesso artigianale di 

produzione che coinvolge due modus 

operando che spesso collidono: certe 

lavorazioni possono essere eseguite 

esclusivamente con macchinari ben 

combinati, altre invece devono essere 

realizzate esclusivamente a mano da 

operatori anche abbastanza esperti. Ad 

esempio, gran parte degli elementi che 

compongono sia il mobile che le componenti 

degli altoparlanti necessitano 

di una ingenierizzazione molto spinta 

ma l’assemblaggio dei trasduttori coassiali 

e le “rifiniture” funzionali all’interno 

del mobile possono essere effettuate 

esclusivamente a mano e solo in alcune 

fasi del montaggio, con un dispendio 

di risorse ed energie importante se si 

pensa alla classe di appartenenza del 

prodotto, almeno nei canoni standard 

dell’alta fedeltà. Ad esempio, i setti interni 

di rinforzo e il condotto di accordo 

sono rivestiti con un pannello in feltro 

abbastanza compatto e ricoperto da un 

tessuto molto leggero cucito a trapunta, 

decisamente inusuale in prodotti di 

questa fascia, mentre le pareti interne 

sono rivestite con un pannello sempre 

in feltro ma senza il rivestimento 

a trapunta. Le razze del cestello del 

woofer sono inglobate in elementi in 

gomma e i cavi di collegamento hanno 



Lo spessore massimo delle pareti 

laterali oltrepassa i 4 cm che 

poi vengono ridotti agli estremi 

per ottenere dal altop esterno il 

caratteristico rigonfiamento al 

centro definito da Technics “con 

forma ad entasi”. 

I vari pannelli, i rinforzi anulari 

e le tramezzature, sono incollati 

e assemblati fra loro con incavi 

e fresature. Successivamente, 

lo scheletro viene lavorato e 

poi laccato anche nella parte 

interna. Inoltre, dopo la finitura 

vengono effettuate nuovamente 

alcune lavorazioni meccaniche 

per facilitare l’accoppiamento 

meccanico con l’altoparlante. 

Dunt essed quate vero odi 

torersp erupta dolorate 

que quamus volutemporio 

con ratis estiist, omnis 

alit eumVerehenem que 

voluptaeptas moloreicim aut 

molupietusam atesUmenis 

at a volupie necullo rehenis 

nobis autas est, officto 

offictorit fuga. Nequis 

quissedi 

I componenti sono di ottima qualità con condensatori in serie 

al tweeter a film e induttori a bassa impedenza interna. Sono 

presenti due PTC a disco in serie agli altoparlanti di protezione 

da sovraccarico. 

un rivestimento in neoprene. Anche la 

presenza di un setto di rinforzo anulare 

che collega le pareti laterali dotato di 

traversa interna, lascia presupporre una 

ricerca molto spinta della riduzione di 

vibrazioni e di risonanze spurie del mobile 

anche se, le pareti laterali, in seguito 

alla scelta dell’effetto bombato al centro, 

sono comunque molto spesse. Infatti, 

la forma esterna lascerebbe presagire 

una certa rispondenza all’interno del 

mobile in cui, però, la forma è quella 

di un semplice parallelepipedo e le 

due pareti laterali, che oltrepassano 

i 4 cm si spessore al centro, vengono 

assottigliate esternamente agli estremi 

per ottenere la caratteristica forma 

bombata al centro. La laccatura è di elevata 

qualità sia nella finitura sia nella 

lucentezza ottenuta a fine verniciatura. 

Un livello manifatturiero molto elevato, 

tipico delle produzioni giapponesi anche 

se la produzione è cinese a riprova 

che non è il luogo a fare la differenza. 

La realizzazione del filtro invece, non 

sembra mostrare picchi di eccellenza al 

pari degli altri aspetti in seguito ad una 

installazione dei componenti molto ravvicinata 

su un piccolo PCB e all’adozione 

di due termistori di protezione (PTC) in 

serie ai due altoparlanti che, pensando il 

prodotto abbinato al suo amplificatore, 

non dovrebbero mai essere “chiamati” 

in causa anche in considerazione alle 

modalità di protezione dell’amplificatore 

integrato. 













9 VELOCITÀ ............................................................... 3 





14 TIMBRICA ............................................................... 2 

15 COERENZA .............................................................. 2 


La risposta in frequenza è molto estesa e particolarmente 

lineare anche agli estremi banda, senza evidenziare 

un’impronta di tipo loudness ma molto curata nella zona 

di incrocio che non evidenzia particolari dissimmetrie 

nemmeno fuori asse. La pendenza del taglio è di 18 dB/ 

oct effettivi con una lieve sovrapposizione delle emissioni 

nell’intorno dell’incrocio. 

Si notano all’estremo superiore della banda di frequenze 

delle anomalie probabilmente dovute alla lente acustica 

posta davanti al tweeter che tende ad estendere la risposta 

fuori asse e creare dei fenomeni di cancellazione 

in asse. In ogni caso la risposta in asse e fuori asse sia 

sul piano orizzontale che su quello verticale è molto 

regolare e controllata. 

Il modulo dell’impedenza si attesta in un range da circa 

4 a 10 Ohm soprattutto in alta frequenza in cui basse impedenze 

potrebbero mal interfacciarsi all’amplificatore. 

L’OPINIONE 

Oggigiorno sono 

saltati un po’ 

dappertutto le classi 

valoriali che ci hanno 

accompagnato 

nelle scelte più ampie, dagli 

elettrodomestici alle calcolatrici 

per uso scolastico (mi viene da 

pensare a proposito, ma esistono 

ancora le calcolatrici scientifiche 

tipo HP?). Di fronte a situazione 

che non si possono “classificare” 

la prima sensazione è quella di 

disagio, a cui ne seguono altre che, 

in casi come quello del sistema 

Technics (che ci ha accompagnato 

in redazione per un bel po’ di 

tempo con la sua buona musica) 

offrono molti spunti di riflessione 

in quanto: se è riduttivo pensare 

un impianto hi fi come ad un 

elettrodomestico, è anche vero 

che l’industria oggi ha fatto passi 

In effetti, il circuito LAPC di ottimizzazione dell’ampli, 

evidenzia pochissime correzioni soprattutto in alta frequenza, 

come a suggerire un buon abbinamento a priori 

con il diffusore per il quale è stato pensato il sistema. 

da gigante e rappresenta una 

alternativa in passato impensabile. 

Se è vero che la classe di prezzo 

della serie C700 si attesta su 

livelli molto alti se pensata per il 

segmento consumer, è altrettanto 

vero che in ambito hi fi e per i 

risultati che offre, rappresenta, 

sotto certi punti di vista, un nuovo 

punto di riferimento. Non male 

come rientro, no? 

Fabio Masia 






COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Valutazione complessiva al limite dell’eccellenza 

con pochi attori che possono avvicinarsi 

sia come realizzazione sia come contenuti 

tecnologici. 


Ottima interfacciabilità e ingenierizzazione che 

vede il diffusore abbinabile con risultati davvero 

interessanti. Bassa la sensibilità ma ottima la 

linearità. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Facilmente posizionabile in ambiente e molto 

gradevole alla vista. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Lineare, rigoroso e con un buon appeal, senza 

però quel pizzico di “magia” che in genere ci si 

aspetta da un prodotto della stessa classe. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Il marchio è una garanzia. L’operazione “ritorno” 

chissà... 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

Dal punto di vista estetico funzionale, un sistema 

dai pochi concorrenti, sotto altri presupposti 

invece la partita è più complessa. 






nicolabiagini.it 

“ 

Our goal is, as always, 

to deliver that performance 

in the home as it was originally 

captured in the studio” 

Peter Thomas 

Owner & Chief Designer 

PMC 

Prenotate una sezione di ascolto presso uno dei nostri negozi qualificati e rimarrete stupiti. 

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Distribuito da: Gammalta S.r.l. 

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SELECTOR 


foto di Barry Feinstein 

Janis, tra luci e ombre 

Pearl, il suo album capolavoro, pubblicato postumo, fu l’ultimo regalo di Janis Joplin ai suoi fan. Un lavoro che 

la entusiasmava enormemente, come mostra il sorriso che sfoggia nella foto scelta per la cover dell’album. 

Difficile immaginare l’intricato groviglio di avvenimenti che turbinarono nella vita della ruggente diva del blues 

prima e dopo quel singolo scatto. 

essere già in studio. A mezzogiorno arrivò, 

indossò il suo costume e si sedette. Abbiamo parlato, 

“Doveva 

parlato e parlato, mentre io scattavo, scattavo e scattavo. 

L’avrei incontrata anche il giorno dopo per proseguire, ma non 

fu possibile perché morì”. Sono queste le parole con cui Barry Feinstein, 

celebre fotografo di icone hollywoodiane prima (Marlene Dietrich, Judy 

Garland, Charlton Heston, Steve McQueen) e rock dopo (Bob Dylan, 

George Harrison, the Rolling Stones), scomparso nel 2011, racconta il 

suo ultimo incontro con Janis Joplin, poche ore prima che morisse. 

Era il 3 ottobre 1970 e in quei giorni la cantante e i membri della band 

con cui aveva cominciato a lavorare da qualche mese, la Full Tillt Boogie 

Band, stavano registrando, sotto l’attenta supervisione del produttore 

dei The Doors, Paul A. Rothchild, i brani di un nuovo album. Quel 

sabato la Joplin si trovava negli studi del Sunset Sound Recorders 

di Los Angeles per ascoltare la traccia strumentale del brano Buried 

Alive in the Blues, scritto da Nick Gravenites e registrato una settimana 

prima; la mattina successiva, domenica, era prevista l’incisione della 

parte vocale. Incisione che non avvenne mai, trasformando il testo 

della canzone, che nell’album Pearl venne lasciata con la sola base 

strumentale, in quella che potrebbe essere una malinconica descrizione 

del mondo dal punto di vista della defunta Joplin: “Sunday morning 

everybody’s in bed, I’m / On the street, I’m talking out of my head, / 

This dumb brick wall ain’t heard a word / That I’ve said, / I’m buried 

alive in the blues / I’m buried alive, oh yeah, in the blues / I’m buried 

alive, somebody help me, in the blues”. 

In questa pagina, in alto, uno degli ultimi scatti con cui Barry Feinstein 

immortalò la Joplin nel 1970; in basso, la cover dell’album postumo Pearl. 

Nella pagina seguente, la cantante ritratta da Baron Wolman nel 1968 nella 

casa dell’artista Spaulding Taylor e nel 1967 nell’appartamento della stessa 

Joplin, a San Francisco. 


Sotto la cover, le storie 

foto di Baron Wolman 

Contrariamente a quello che si può pensare, “Pearl”, soprannome 

datole da Dave Richards e poi fatto proprio dalla cantante, stava 

vivendo in quei primi giorni di ottobre un momento abbastanza 

positivo della propria vita: il giovedì precedente il tragico evento 

aveva concordato con il proprio avvocato, “Bob” Gordon, l’accordo 

prematrimoniale in vista delle nozze con il ventunenne Seth 

Morgan, conosciuto un paio di mesi prima; parallelamente, aveva 

riscritto il proprio testamento, includendo i genitori e la sorella, 

precedentemente esclusi, e destinando 2.500 $ per una festa in 

suo onore nel caso in cui fosse morta. Lo stesso giorno, scrive 

Myra Friedman nel libro Janis Joplin. Morire di blues, “Si recò 

in un salone di bellezza per farsi fare delle mèches ai capelli. 

Aveva seguito una sorta di cura dimagrante e s’era abbronzata, 

passando varie ore in piscina. Non era normale, per Janis, un 

comportamento simile. Tutti erano colpiti dal suo aspetto particolarmente 

attraente e dall’intangibile aura che la circondava”. 

Quando la vide arrivare in studio quel sabato sera, per le prove di 

Buried Alive in the Blues, il pianista canadese Richard Bell le disse: 

“Ridi e salti come una matta Janis”, e lei, di rimando, “Vedi, ho 

un segreto”, alludendo all’imminente matrimonio con Morgan, di 

cui nessuno sapeva ancora nulla. La Friedman riporta che “Janis 

era felicissima all’idea di incidere la parte cantata di domenica. 

C’era una luce solare nel suo sorriso e nei suoi occhi”. Quella 

stessa luce e gioia che, probabilmente, aveva catturato qualche ora 

prima Feinstein, ritraendola su quella poltrona vittoriana, quasi 

nascosta dai suoi monili, i lunghi indumenti e le inconfondibili 

piume sul capo. 

Uno scatto simile era stato realizzato due anni prima dal fotografo 

Baron Wolman, che per il neonato magazine “Rolling Stones” 

immortalò i Rolling Stones, Frank Zappa, i Who, Jimi Hendrix, 

Iggy Pop, i Pink Floyd, Bob Dylan, i Grateful Dead, Jim Morrison e 

molti altri. “Janis aveva un lato chiaro e uno oscuro, e io lo sapevo. 

Ma non mi interessava il suo lato oscuro, volevo quello chiaro. In 

fondo era solo una ragazzina di poco più che vent’anni” affermerà 

Wolman in un’intervista. Ed è decisamente l’aspetto più tenero e 

infantile quello che emerge dalla foto che ritrae la Joplin immersa 

tra tappeti e cuscini dalle fantasie orientali, con in testa un colbacco 

di pelo, seduta su una sedia a forma di x in legno intagliato 

posta nell’attico dell’appartamento dell’artista Spaulding Taylor, 

a San Francisco. “Quella fu invece un’occasione in cui le lasciai 

mostrare il suo lato dark” racconta sempre Wolman riferendosi 

questa volta a un altro celebre scatto, quello in cui la Joplin posò, 

nella propria casa di Haight-Ashbury, sempre a San Francisco, 

davanti a una serie di poster che la ritraevano, realizzati su scatti 

di Bob Seidemann e appesi su una parete della propria stanza. 

“Baron, what do you think about this? I’m the first hippie pin-up 

girl!”, commentò la Joplin, prima di iniziare il servizio. 

Quando Feinstein catturò i suoi ultimi sguardi, la Joplin aveva 

ricominciato da tre settimane, dopo diversi mesi di astinenza, ad 

assumere eroina. Quella notte, nella camera 105 del Landmark 

Motor Hotel al 7047 Franklin Avenue di Hollywood, ne assunse 

una dose particolarmente pura; l’effetto non fu immediato: ebbe 

il tempo di buttare la restante eroina nel cestino chiudendo la siringa 

in una custodia (un ultimo, finale ravvedimento?), scendere 

in reception, parlare con il portiere, comprare delle sigarette e 

tornare in camera. 

Non un suicidio, non uno sbaglio, non un epilogo inevitabile: la fine 

di Janis Joplin, ironicamente scandita dalle parole mai pronunciate 

di Buried Alive in the Blues, fu come la vita della cantante, come gli 

scatti dei tanti fotografi che la ritrassero, in bilico tra luci e ombre 

di un’icona mai pacificata, in continua lotta con se stessa. 

foto di Baron Wolman 


SELECTOR 

a cura di Guido Bellachioma 

Ellesmere 

LES CHÂTEAUX DE LA LOIRE 

Btf/AMS 

L’ISOLA DEI SUONI 

www.edizioninpe.it 

Ellesmere nasce da un’idea 

di Roberto Vitelli, bassista e 

chitarrista dei Taproban. In 

contrasto col sound di questi 

ultimi, decisamente di stampo 

prog bombastico, con gli 

Ellesmere si focalizza su un 

raffinato approccio, acustico e 

sinfonico al tempo stesso, realizzando 

una suite di quaranta 

minuti nello stile dei primi 

Genesis e di Anthony Phillips 

(quello di The Geese and the 

Ghost, 1977). Come suggerito 

dal titolo, ogni sezione della 

suite è dedicata a uno degli 

antichi castelli francesi lungo 

il fiume della Loira. Passaggi 

acustici, classici e arpeggi di 

chitarra a 12 corde fanno da 

sfondo a melodie di archi e 

flauto (John Hackett, vero e 

proprio virtuoso dello strumento, 

è ospite in quasi tutti 

i brani), e il Mellotron è protagonista 

di ulteriori orchestrazioni. 

La lista degli ospiti 

include, tra gli altri, Daniele 

Pomo (RanestRane) alla batteria 

e alle percussioni, mentre 

il maestro Luciano Regoli 

(Raccomandata con ricevuta di 

ritorno, Samadhi) ha contribuito 

con multiple armonie vocali 

su quattro pezzi. Ciliegina 

sulla torta: la rara apparizione 

dello stesso Anthony Phillips 

come narratore. Lo stupendo 

dipinto di copertina è stato 

appositamente realizzato da 

Luciano Regoli e rende al meglio 

nella lussuosa versione in 

LP gatefold a tiratura limitata. 

Buona la qualità della registrazione 

e ben curato il missaggio. 

www.ellesmere-project.com 

TRA MUSICA, FUMETTI E 

RAZZISMO 

“Una storia a fumetti è una 

capsula del tempo, che spesso 

ci raggiunge dagli anni passati 

e ci dice qualcosa sul mondo 

in cui vive”: Alessandro 

Bottero, grande appassionato 

di musica e collaboratore di 

Classic Rock Italia, autore del 

saggio Il razzismo nei fumetti, 

edito da NPE – Nicola Pesce 

Editore (280 pagine), chiarisce 

con queste parole come nessun 

tema possa sfuggire al mondo 

dei fumetti, che rispecchia il 

contesto nel quale sono prodotti. 

Da All-Negro alle Black 

Panter passando per Martin 

Luther King e Luke Cage, una 

lunga analisi sulla storia del 

razzismo nella società americana, 

delle lotte antirazziste 

Alessandro Bottero 

IL RAZZISMO NEI FUMETTI 

Nicola Pesce Editore 

16,90 euro - 280 pagine 

alla luce delle tracce emerse 

dai fumetti pubblicati in quegli 

anni. Alessandro è scrittore, 

critico, sceneggiatore, 

traduttore, editore. Da oltre 

LE PLAYLIST DEL MESE 

Due gruppi straordinari, entrambi 

inglesi, che con le proprie composizioni 

hanno attraversato la storia del 

rock contemporaneo, sia pure con 

stili molto diversi e con risultati odierni 

piuttosto contrastanti. I Queen del 

post Freddie Mercury non hanno certo 

incantato e, soprattutto, non hanno 

rispettato il pensiero dei fan su cosa 

fare di quei classici, ormai immortali. 

Una loro canzone esprime al meglio 

il proprio modo di andare avanti: The 

Show Must Go On. Per i King Crimson il 

discorso è diverso perché Robert Fripp, 

senza la cui presenza non possono neanche 

essere ipotizzati come sigla, è 

sempre stato Mr. King Crimson. Oggi la 

band ha ripreso, dopo tanti anni, molti 

classici del passato, sia pure con una 

formazione diversa da quella originale… 

persino con tre batterie. 

vent’anni agita il mondo del 

fumetto e con incursioni al di 

là del politicamente corretto. 

Da segnalare, nel 2013, il 

suo libro L’uomo d’acciaio: 

da Nembo Kid a Superman, 

che la critica ha riconosciuto 

come l’opera definitiva sul personaggio. 

Fabio Rossi 

QUANDO IL ROCK DIVENNE 

MUSICA COLTA: STORIA DEL PROG 

Chinaski - Edizioni 

14 euro 

IL ROCK È MUSICA COLTA? 

www.chinaski-edizioni.com 

Di libri sul rock progressivo, 

internazionale o italiano, ce ne 

sono molti e non sempre indi- 

songs 

Queen 

1 A Night at the Opera 

BOHEMIAN RHAPSODY 

1975 

2 Innuendo 

INNUENDO INNUENDO 

1991 

3 Sheer Heart Attack 

KILLER QUEEN 1974 

4 Innuendo 

THE SHOW MUST GO 

ON 1991 

5 The Game 

CRAZY LITTLE THING 

CALLED LOVE 1980 

6 News of the World 

WE WILL ROCK YOU/WE 

ARE THE CHAMPIONS 

1977 

7 A Day at the Races 

SOMEBODY TO LOVE 

1976 

8 Jazz 

FAT BOTTOMED GIRLS 

1978 

9 Sheer Heart Attack 

STONE COLD CRAZY 

1974 

10 A Day at the Races 

TIE YOUR MOTHER 

DOWN 1976 

11 Miracle 

I WANT IT ALL THE 1989 

12 A Kind of Magic 

WHO WANTS TO LIVE 

FOREVER? 1986 

13 A Night at the Opera 

YOU’RE MY BEST FRIEND 

1975 

14 Jazz 

DON’T STOP ME NOW 

1978 

15 Queen 

NEVERMORE 1973 

Queen 


Oltre il rock 

spensabili, come in altri settori 

musicali. Le qualità maggiori 

di Quando il rock divenne 

musica colta sono la grande 

passione e l’umiltà espositiva 

dell’autore, messe al servizio 

soprattutto dei neofiti che si 

avvicinano al genere. Fabio 

Rossi, nato a Roma nel 1961, 

proviene dall’heavy metal, 

mondo confinante in cui ha 

operato sul web, e la capacità 

non “talebana” di affrontare 

la scrittura risulta vicina ai 

lettori. La struttura del libro è 

piuttosto semplice ma efficace: 

analisi dello sviluppo all’inizio 

degli anni ’70 e della crisi di 

fine decade (anche se in questo 

caso non siamo sempre d’accordo), 

i migliori dischi, descrizione 

di parte della scena 

italiana, monografie sui gruppi 

inglesi più rappresentativi, 

traduzioni di testi, sitografia e 

bibliografia. 

TERRY BOZZIO A ROMA 

www.planetliveclub.com 

Passerà anche a Roma (20 novembre) 

Terry Bozzio nell’ambito 

della presentazione in Europa 

del suo nuovo progetto 

solista. Sul palco utilizzerà il 

più grande set di percussioni 

Terry Bozzio 

e batteria esistente. L’artista, 

vera leggenda musicale, 

è conosciuto in tutto il mondo 

per le collaborazioni con 

Rodolfo Maltese con Francesco Di Giacomo 

ADDIO CHITARRISTA 

GENTILUOMO 

Rodolfo Maltese ha smesso di percorrere 

le strade del mondo alle 20:00, più 

o meno, del 3 ottobre 2015. Un uomo 

coraggioso che negli ultimi anni ha 

quotidianamente affrontato una subdola 

malattia, la più diffusa nelle sue 

molteplici forme: il tumore. Lo conoscevo 

da tanti anni, prima ancora che 

diventasse il chitarrista del Banco del 

Mutuo Soccorso, ancora militante in 

una band di musica leggera, gli Homo 

Sapiens. Quando entra nella band dei 

fratelli Nocenzi (Vittorio e Gianni) e di 

Francesco “Big” Di Giacomo dona ai 

loro dischi la sua sensibilità artistica, 

così aperta, in particolare verso il jazz e, 

ovviamente, il mondo della chitarra. Di 

occasioni d’incrociarlo ce ne sono sta- 

Frank Zappa, Jeff Beck, UK, 

Brecker Brothers, HoBoLeMa 

(Allan Holdsworth, Tony Levin 

foto di Claudio Petrucci 

te tante e di apprezzarlo come artista 

ancora di più. Mi piace ricordare due 

momenti comuni, tralasciando i tanti 

targati Banco. 

1) L’incontro con Tommy Emmanuel, 

il più importante chitarrista acustico 

contemporaneo. A fine 2001 dirigevo 

il Ritual, club romano nato sulle ceneri 

del Memphis Belle, e doveva esibirsi, il 

5 e il 6 dicembre, un mio amico australiano, 

proprio Tommy. Qualche giorno 

prima mi telefona Rodolfo: voleva suonare 

un brano in acustico con lui. Nella 

seconda serata dovevano duettarci anche 

Alex Britti, Michele Zarrillo e Marco 

Manusso… per me nessun problema. 

Nel primo pomeriggio, unico tra quei 

chitarristi, Rodolfo arriva e lo aspetta. 

Verso le 17 si mette con al bar con lui, 

felice come un bimbo, a provare il brano 

da eseguire, sempre col sorriso sulle 

labbra: gioca e si diverte con grande 

professionalità… e la sera fa la figura 

migliore di tutti i partecipanti. 

2) 6 luglio 2007: Beatlesmania al Centralino 

del Tennis al Foro Italico. Lui e 

Massimo Alviti alle chitarre acustiche 

e Francesco Di Giacomo alla voce presentano 

alcune canzoni dei Beatles. 

Un concerto emozionante ed emozionato, 

un ristoro per la mente e per il 

cuore… e Rodolfo sempre a sorridere 

dolcemente mentre dice che “I Beatles 

erano gli antesignani dello spirito 

prog”. 

Alle 10:30 di martedì 6 ottobre la Cattedrale 

di San Barnaba, nell’omonima 

piazza a Marino (Roma), ha ospitato 

le sue esequie e in quella occasione, 

ancora di più, abbiamo capito quanto 

la gente lo apprezzasse. Proprio 

quel giorno scrissi: “Questa mattina 

abbiamo dato l’ultimo saluto terreno a 

Rodolfo Maltese, per noi semplicemente 

Rudy... c’erano tanti amici e semplici 

appassionati che volevano bene a questo 

signore gentile, che sarebbe stato 

benvoluto da tutti anche se non fosse 

stato il chitarrista del Banco, persino se 

non fosse stato un artista in generale. 

Ti vogliamo bene, Rudy, oggi c’è troppo 

silenzio nel nostro cuore”. 

Guido Bellachioma 

e Pat Mastelotto) e per i progetti 

solisti. Bozzio ha deciso 

di celebrare il cinquantesimo 

anniversario dalla sua prima 

lezione di batteria con un 

nuovo spettacolo intitolato An 

Evening With Terry Bozzio, e 

il tour in Europa toccherà più 

di dieci nazioni. Sul palco ci saranno 

solo lui e le percussioni. 

Ma non si tratterà di un semplice 

clinic o di un seminario, 

sarà un vero e proprio concerto 

per sola batteria e percussioni. 

Una performance unica, 

intensa, dinamica, spirituale, 

melodica, orchestrale, d’atmosfera. 

A questo serve una 

strumentazione così originale. 

Chi non lo ha mai visto dal vivo 

non ha idea di cosa lo attenda. 

È un musicista affascinante, 

misterioso, che suona con la 

batteria. È capace di creare 

pattern di note basse con la 

cassa e al tempo stesso produrre 

delle melodie indipendenti 

con i tamburi. Il suo stile va 

dal jazz alla musica classica 

fino ai suoni etnici, utilizzando 

gli stili percussivi di tutto 

il mondo: è in grado d’ipnotizzare 

il pubblico e affascinarlo 

con un’esperienza variegata, 

eccitante e piena di passione. 

Il suo ultimo tour ha attraversato 

tutta l’America ed è stato 

un grande successo, così come 

i suoi più recenti concerti in 

Europa (nel 2012 è stato l’headliner 

del Jazz Festival di 

Francoforte, il più antico festival 

jazz mondiale, mentre nel 

2013 ha fatto il tutto esaurito 

in Svezia, Germania, Europa 

dell’Est e Francia). Attenzione: 

non si tratta di un assolo 

di batteria che va avanti in ma- 


SELECTOR 

niera forsennata per due ore di 

fila. Stiamo parlando di musica 

“fatta” con la batteria, con 

Bozzio che compone in tempo 

reale creando le linee di basso 

con i piedi e le linee armoniche 

e melodiche con le mani grazie 

alle percussioni intonate. 

Il suono respira, la forma può 

ricordare quella della musica 

classica ma sono presenti anche 

dei loop elettronici e degli 

effetti percussivi di atmosfera, 

oltre a momenti più impetuosi 

che faranno saltare in piedi 

il pubblico! Afferma Bozzio: 

“L’unica cosa che voglio è fare 

musica con la batteria”. 

GLI AREA PER IMMAGINI 

www.arcanaedizioni.com 

A raccontare il percorso artistico 

degli Area (International 

POPular Group) e la brevissima 

esistenza, fulminea e miracolosa, 

di Demetrio Stratos, ci hanno 

provato in molti. Nessuno, però, 

prima d’ora, era arrivato così vicino 

all’essenza di un’arte eventuale, 

prodigiosa, politicizzata 

e comunitaria, rivoluzionaria e 

popolare, sperimentale e altissima 

come i fotografi Silvia Lelli 

e Roberto Masotti. Fotografare 

voci e suoni è il loro mestiere 

ma nel caso di Demetrio e Area 

la vicinanza, la frequentazione, 

la simmetria poetica li mise in 

condizione di cogliere – di vedere, 

appunto – quanto a un 

occhio poco allenato era e resta 

inaccessibile. Questo libro di 176 

pagine, però, non è soltanto la 

cronaca e la testimonianza di 

un incontro; rappresenta, piuttosto, 

un’ulteriore riflessione 

sul fare musica, sul dispiegare 

la voce, sul dare corpo ai suoni, 

ovvero i gangli concettuali 

sui quali si fondava l’estetica 

musicale del gruppo. Quando 

poi Stratos decise di staccarsi 

dagli Area e proseguire i suoi 

funambolici e scientifici esperimenti 

vocali la sfida si spostò su 

un piano diverso ed eccitante. 

“Abbiamo cercato di mostrare 

qualcosa attorno alla vocalità 

di Stratos, prepotente e misteriosa, 

per sua natura inafferrabile. 

Non c’è un modo naturale 

per farlo se non ponendosi dentro 

il problema stesso e in una 

posizione di privilegiata, se non 

Lelli e Masotti 

STRATOS E AREA 

Arcana Edizioni 

176 pag. 

forzata, vicinanza, tale da mostrarci 

impudicamente e provocatoriamente 

la lingua, la gola” 

scrivono Lelli e Masotti nel 

testo che accompagna gli scatti. 

BLACK WIDOW IN CONCERTO 

L’etichetta genovese, una delle più interessanti 

del panorama rock italiano, 

curerà nella propria città una serie di 

concerti da fine ottobre ad aprile, in tre 

differenti location. 

LA CLAQUE 

11 dicembre - Delirium IPG + La fabbrica 

dell’assoluto (con Pino Ballarini 

ex Rovescio della medaglia) 

16 gennaio - The New Trip + Jus Primae 

Noctis. 

TEATRO GOVI DI BOLZANETO, 

DEDICATO A RINA E GILBERTO GOVI 

6 febbraio - Goblin Rebirth + Il Segno 

del comando 

5 marzo - Latte e miele + Spettri 

2 aprile - Delirium I.P.G. + Il tempio 

Immagini edite ma in gran parte 

inedite formano il corpo “vocale” 

di quest’opera unica, capace 

di restituire, attraverso fotografie 

di straordinaria bellezza, il 

senso ultimo di una voce, e di 

una musica, inimitabili. 

Lelli e Masotti: sigla creata in 

occasione della collaborazione 

con il Teatro alla Scala che, a 

partire dal 1979, riunisce due 

tra i maggiori fotografi d’arte 

e spettacolo viventi. Nati a Ravenna, 

hanno entrambi terminato 

gli studi a Firenze. Si sono 

trasferiti a Milano nel 1974. Da 

allora operano esplorando soprattutto 

le performing art e le 

musiche, producendo fotografie 

e organizzandole in esposizioni, 

installazioni e pubblicazioni. In 

mostre recenti si sono dedicati 

ai direttori d’orchestra, a John 

Cage, al pianoforte, alla natura, 

al paesaggio e ai teatri in Italia. 

Il loro vasto archivio è fonte 

inesauribile per l’editoria e la 

produzione discografica. Loro 

opere sono presenti in collezioni 

private e pubbliche. Per 

Arcana Roberto Masotti ha già 

pubblicato Keith Jarrett - Un 

ritratto (2015). 

delle clessidre (set acustico) 

IL CANCELLO DEL CINABRO 

31 ottobre - Il cerchio d’oro con Pino 

Sinnone (The New Trip) e Giorgio 

“Fico” Piazza (Ex Pfm) 

14 novembre - Zuffanti & Z Band 

19 dicembre - Goad + 5 Friends (tributo 

ai Gentle Giant) 

23 gennaio - Merry Go Round + Panther 

& C. 

20 febbraio - Psycho Praxis + Promenade 

27 febbraio - Gleemen (con Marco 

Zoccheddu, ex Osage Tribe, Duello 

Madre, Nuova Idea) 

19 marzo - Errata Corrige + Flower Flesh 

9 aprile - Nathan + Fungus 

www.blackwidow.it 

songs 

King Crimson 

1 In The Court of the 

Crimson King 

21ST CENTURY 

SCHIZOID MAN 1969 

2 Red 

RED 1974 

3 Lizard 

LIZARD 1970 

4 Islands 

ISLANDS 1971 

5 Red 

STARLESS 1974 

6 Starless and Bible Black 

THE GREAT DECEIVER 

1974 


Crimson King 

THE COURT OF THE 

CRIMSON KING 1969 

8 In The Wake of Poseidon 

IN THE WAKE OF 

POSEIDON 1970 

9 Lizard 

CIRKUS 1970 


Crimson King 

EPITAPH 1969 

11 Islands 

SAILOR’S TALE 1971 

12 Larks’ Tongues in Aspic 

EASY MONEY 1973 

13 Larks’ Tongues in Aspic 

EXILES 1973 

14 Red 

FALLEN ANGEL 1974 

15 In The Wake of Poseidon 

CAT FOOD 1970 

King Crimson 


Oltre il rock 

Max Gazzè 

MAXIMILIAN 

Universal Music 

NUOVO ALBUM PER MAX 

GAZZÉ 

www.maxgazze.it 

Maximilian è il titolo del 

nuovo progetto discografico 

del cantautore romano in 

uscita proprio in questi giorni. 

L’album di Max esce a due anni 

di distanza dall’ultimo in studio, 

Sotto casa (2013) e dopo Il 

padrone della festa (scritto 

con Daniele Silvestri e Niccolò 

Fabi). Il disco è stato anticipato 

dal singolo La vita com’è, ai 

vertici delle classifiche dei singoli. 

Gran fermento anche sul 

fronte dei concerti: sono aperte, 

infatti, le prevendite delle 

prime quattro date del tour, a 

partire da febbraio 2016: Bologna 

(5, Estragon Club); Milano 

(10, Alcatraz); Roma (19, 

Atlantico Live); Firenze (25, 

Obihall). 

PFM: LIVE IN LONDON 

La Premiata Forneria 

Marconi suonerà l’11 novembre 

alla Dingwalls di Londra. 

Un ritorno ai fasti del passato, 

quando la band incideva 

per la Manticore, etichetta di 

Emerson, Lake & Palmer e 

partecipava alle trasmissioni 

televisive della BBC. Occasione 

per verificare la nuova line 

up prima di partire per il tour 

nordamericano, comprendente 

concerti a Los Angeles (Whisky 

a Go Go), Montreal (Teatro 

Rialto), New York (Highline 

Ballroom) e una crociera rock 

tra Miami e le Bahamas con 

gruppi come, tra gli altri, Yes, 

Marillion, Allan Holdsworth, 

Anathema Caravan, IO Earth, 

Nektar, Moon Safari, Änglagård. 

Gazpacho 

MOLOK 

Kscope 

GAZPACHO: E FANNO 9! 

www.gazpachoworld.com 

Dalla Norvegia arriva Molok, 

successore dell’ottimo Demon 

del 2014. Il nono album 

in studio dei Gazpacho (oltre 

a tre live, tra cui Night of 

the Demon, sempre del 2015) 

si conferma su livelli molto 

alti, tra rock oscuro e suoni 

etnici che sparigliano le carte. 

Edito in CD, vinile e digitale 

in alta definizione, presenta 

i seguenti brani: 1) Park 

Bench – 2) The Master’s Voice 

– 3) Bela Kiss – 4) Know 

Your Time – 5) Choir of Ancestors 

– 6) ABC – 7) Alarm – 

8) Molok Rising. La versione 

CD ha Algorithm in più, inserita 

come settima traccia. 

GLI ANATHEMA VISTI DA 

LASSE HOILE 

A Sort Of Homecoming, su 

Kscope, diretto da Lasse Hoile 

(Steven Wilson/ Katatonia/ 

Opeth), è lo stupefacente film 

sul concerto degli Anathema 

tenutosi il 7 marzo 2015 nella 

suggestiva cornice della Cattedrale 

di Liverpool, loro città 

natale. Vincent Cavanagh della 

band afferma: “Sono davvero 

felice che ci sia la testimonianza 

di questa notte così particolare. 

Come può confermare 

chiunque dalle parti di Liverpool, 

avere la possibilità di 

esibirsi in un luogo immenso 

come la cattedrale anglicana 

Anathema 

Gazpacho 

è un onore pazzesco; solo a 

guardare la copertina sembra 

di essere a Erebor”! Gli 

Anathema, nati intorno alla 

seconda metà degli anni ’90, 

hanno speso la loro carriera 

facendosi promotori di un genere 

musicale capace di andare 

al di là delle definizioni e, con 

il passare del tempo, si sono 

affermati come una delle più 

seguite e acclamate rock band 

britanniche. L’ultima loro fatica, 

Distant Satellites del 2014, 

è stata definita un miracolo a 

livello compositivo, come dimostra 

la positiva accoglienza 

ricevuta in tutti i paesi europei 

e non solo, grazie anche all’esteso 

tour, elettrico e acustico. 

Lasse Hoile cattura alla perfezione 

i cento minuti acustici 

del set in alta definizione; ben 

quindici i brani eseguiti dal trio 

acustico (composto da Daniel 

Cavanagh, Vincent Cavanagh e 

Lee Douglas, cui si è aggiunta 

la sezione ritmica di John Douglas 

e Jamie Cavanagh, oltre al 

talentuoso violoncello di David 

Wesling). Per l’occasione si è 

unita alla band la nota violinista 

Anna Phoebe per una suggestiva 

versione di Anathema. L’audio 

è stato registrato e mixato 

da Christer-André Cederberg, 

che ha lavorato anche nei tre 

precedenti album: Distant Satellites, 

Universal e Weather 

Systems. È la prima uscita live 

per gli Anathema in audio 5.1 

(curato da Bruce Soord, leader 

dei Pineapple Thief). 

Trailer video: 

https://www.youtube.com/ 

watch?v=C_6vNJcaPEc 


SELECTOR 

a cura di Daniele Camerlengo 

Una fiumana di corpi roventi 

di passione provenienti da 

tutta Italia hanno invaso le 

strade e le piazze di una gloriosa 

città che sta tentando di 

rinascere a nuova vita, nonostante 

le tristi vicissitudini che 

l’hanno colpita: circa sessantamila 

persone domenica 6 

settembre hanno risposto alla 

chiamata del jazz italiano per 

animare con i suoni il centro 

storico della città e contribuire 

nell’opera di sensibilizzazione 

indirizzata ad accelerare 

i tempi della ricostruzione 

dell’Aquila. Oltre cento concerti 

che hanno coinvolto oltre 

seicento musicisti. Paolo Fresu, 

la SIAE e il Ministro Dario 

Franceschini sono gli ideatori 

di questa giornata che passerà 

alla storia e che speriamo 

smuova coscienze e danari. 

Questo mese ospite della rubrica 

è Fabio Ciminiera, scrittore, 

critico e autore di programmi 

radiofonici e televisivi nonché 

redattore di Jazz Convention 

(www.jazzconvention.net). Si 

occupa di jazz e di musica in 

generale ed è una delle anime 

del Pescara Jazz Festival. 

Enrico Rava 

WILD DANCE 

ECM Records 

Enrico Rava 

10dita less 

Ogni musicista di jazz trascorre 

una vita tra cadute artificiali 

e convalescenze emotive, vittima 

del prodigioso tentativo 

di sanare infauste lacune accademiche 

o tornire congenite 

spigolature giovanili di un 

talento che è distratto dal brillio 

estetico tipico della giovane 

età. Determinanti sono gli 

incontri umani e di spirito che 

il caso muove a favore del jazz 

e dei loro interpreti, generazioni 

distanti, canute o corvine 

che siano, che si producono in 

sfregamenti e usure anatomico-cognitive, 

sfiorandosi per 

poi accogliere o lasciarsi dominare 

completamente dalla 

situazione. Questi movimenti 

di vita che catturano il tempo 

terreno somigliano all’irrequieto 

scalpitare di corporeità 

sonore che decidono di seguire 

assieme un percorso o un ideale 

sonoro. Questo è proprio 

l’intento che ha spinto Enrico 

Rava e il suo quartetto, dopo 

due anni di lavoro, a realizzare 

Wild Dance per la prestigiosa 

ECM Records di Manfred 

Eicher. Un disco estasiante 

ed evasivo, un viaggio vissuto 

attraverso il trasporto intimo 

dell’unisono scaturito dalla 

tromba di Rava e dal trombone 

di Gianluca Petrella, dilezione 

e intuito supportati da 

una band giovane impreziosita 

dal soffice ed elegante chitarrismo 

di Francesco Diodati e 

dalla scintillante guida ritmica 

di Gabriele Evangelista al 

contrabbasso ed Enrico Morello 

alla batteria. I brani che 

compongono il disco sono tutti 

originali di Rava tranne Improvisation, 

che è una performance 

creativa dell’intera 

formazione. 

Slobber Pup 

POLE AXE 

RareNoiseRecords 

Slobber Pup 

songs 

Daniele Camerlengo 

1 Double Trouble 

PUBLIC IMAGE LTD (PIL) 

2015 

2 The Yabba (NYC Live 

Session) 

BATTLES 2015 

3 Just Play 

MATTEO BORTONE 2015 

4 Ribot Robot 

WALTER BELTRAMI 2015 

5 Thrace 

SOKRATIS SINOPOULOS 

QUARTET 2015 

6 Sea and Grass 

STEPHAN MICUS 2015 

7 Yam 

ROTEM SIVAN TRIO 2015 

8 White Piano 

SIMONE GRAZIANO 2015 

9 Il Paradiso Degli Sciocchi 

RAFFAELE CASARANO 

2015 

10 Formaldehyde 

EDITORS 2013 

11 Loop 43 

SCISMA 1999 

12 Gravity 

JOE MORRIS 2001 

13 Migrante (Intro) 

BISCA 2001 

14 Wake Up 

RAGE AGAINST THE 

MACHINE 1992 

15 Hobo Rag 

FRANCESCO BEARZATTI 

TINISSIMA 4ET 2015 

Colature d’ascia 

Viscosa come alcune malsane 

tentazioni il cui richiamo lento, 

a volte, passa inosservato e, 

nella calma apparente, prepara 

ed edifica devastanti rappre- 


Esperienze in jazz 

sentazioni sonore. Istinti e fremiti 

di pura improvvisazione 

colano e saturano ambienti, 

soddisfano voglie e prurigini 

di un sentire diverso e libero. 

Il cucciolo bavoso torna 

a farsi vivo più incazzato che 

mai grazie alla poderosa camera 

strumentale messa su 

da quattro luminosi interpreti 

della nuova scena creativa 

mondiale: Jamie Saft (organo 

e tastiere), Joe Morris 

(chitarra), Mats Gustafsson 

(sax) e Balazs Pandi (batteria). 

Pole Axe è il titolo della 

seconda fatica discografica dei 

Slobber Pup (cane bavoso) 

registrata nel dicembre 2013 

al Jamie Saft’s Potterville International 

Sound studio tra le 

montagne Catskills e pubblicata 

dalla RareNoiseRecords: 

tre intense suite colme di incontenibili 

desideri di rabbia e 

furibonde pulsioni di sangue, 

un free jazz incendiario incitato 

e scandito dal sassofono 

solido e corrosivo di Gustafsson 

e dal batterismo infetto di 

Pandi, che lascia senza fiato e 

disegna gli spazi ritmici occlusi 

dal dialogare sonico del duo 

Morris-Saft. 

Francesco Bearzatti e Tinissima 4et 

THIS MACHINE KILLS FASCISTS 

CAM Jazz 

Comporre un tributo a 

Woody Guthrie e riuscire 

a spuntarla… 

Nel cuore della notte quel risveglio 

di soprassalto che aiuta 

a buttar giù righe di prosa 

sonora, quella sorgente creativa 

che nasce d’improvviso e 

dopo molti letti, sedotti e abbandonati, 

fiorisce in canti o 

pitture di vita, amor e di protesta. 

Cercare in questo #mondojazzotturato 

di sentirsi 

utili e stimolare una riflessione 

sana, vestendo i panni di 

provetti reagenti culturali e 

fornire una originalità di note 

e atmosfere ritmiche che sia 

attraente esteticamente ma 

soprattutto pragmatica per il 

sociale, quest’ultimo soggetto 

e vittima. Francesco Bearzatti 

e il Tinissima 4et (Giovanni 

Falzone alla tromba, 

Danilo Gallo al basso e alla 

batteria), formazione divenuta 

riferimento del jazz europeo, 

sono i protagonisti del nuovo 

album This Machine Kills 

Fascists omaggio a Woody 

Guthrie (“this machine kills 

fascists” era una scritta adesiva 

che “indossava” la sua 

chitarra). Il pensiero compositivo 

del sassofonista friulano 

che per profondità d’animo e 

di sguardo è vicino al ribelle e 

irregolare Okemah che, come 

nessun altro, ha cantato l’America 

delle cadute e degli ultimi, 

la cui eredità ha influenzato 

il fior fiore del cantautorato 

incazzato: Bob Dylan, Joan 

Baez, Bruce Springsteen, Billy 

Bragg e i The Clash, solo per 

Francesco Bearzatti e Tinissima quartet 

citarne alcuni. Un energico 

viaggio musicale nella vita di 

Guthrie unendo al jazz marcato 

Tinissima elementi della 

tradizione popolare americana 

degli anni ’30 e ’40 e il bagno 

emozionale che caratterizza la 

mistura di tali interpreti e la 

loro fusione creativa. È ora di 

tornare a sputare il rospo e di 

dire cosa cazzo non funziona 

in questo mondo cari jazzisti… 

Francesco Bearzatti ha aperto 

le danze. 

È davvero possibile scegliere 

tre dischi e pensare che questa 

scelta sia rappresentativa? Ce 

ne vorrebbero almeno mille. E 

per provare a recuperare questo 

gap c’è la playlist di quindici 

brani proposta al termine 

dell’articolo. Anche da quella, 

però, restano fuori tonnellate 

di titoli. I tre dischi scelti sono 

Grace di Jeff Buckley, Matane 

Malit di Elina Duni e i titoli 

pubblicati da Wayne Shorter 

per la Blue Note all’inizio degli 

anni Sessanta. 

Fabio Ciminiera 

Senza tempo 

Grace di Jeff Buckley è 

l’album di una voce potente e 

sottile, l’album di canzoni malinconiche 

e capaci di fissarsi 

nei sentimenti in maniera indelebile. 

È un disco compatto e 

Jeff Buckley 

GRACE 

Columbia 

coerente, ossessivo e ipnotico, 

carezzevole e dolce: riesce a essere 

tutto questo senza impastare 

nessuna delle sue qualità. 

Grace è in grado di sollecitare 

corde differenti brano dopo 

brano. Buckley “spoglia” le cover 

scelte dalla firma degli autori 

- Lilac Wine dal repertorio 

di Nina Simone, Hallelujah di 

Leonard Cohen, il canto senza 

tempo di Corpus Christi Carol 

- e ne rende all’ascoltatore versioni 

estremamente personali. 

È, in una parola, un disco mai 

banale. La voce entra sinuosa 

sull’arpeggio di chitarra con 

cui si apre il disco, segnando 

l’ingresso in un lavoro costruito 

come un tutt’uno e con 

grandissima maestria. L’eco 

del cantato con cui si chiude 

Dream Brother, la traccia conclusiva, 

lascia una sospensione 

irrisolta, resa ancor più profonda 

dal fatto di sapere che è, 

in pratica, l’ultima espressione 

messa su disco da Buckley 

in vita. I repentini cambi di 

scena, la capacità di alternare 

ritmi vorticosi e aperture 

languide senza soluzione di 

continuità, chitarre eteree e taglienti: 

il disco è il frutto di un 

disegno condotto con estrema 

raffinatezza, con la lucidità del 

grande artista. E per questi, e 

tantissimi altri motivi, Grace 

torna di continuo nel lettore. 

Per motivi generazionali ho 


SELECTOR 

foto Merry Cyr 

Jeff Buckley 

scoperto prima Jeff e poi, sulla 

scorta dell’ascolto di Grace, 

sono arrivato a Tim Buckley, il 

padre di Jeff. Entrambi protagonisti 

di vicende burrascose e 

di una morte in giovanissima 

età. Il primo ascolto di Grace 

è stato fulminante, capace di 

soddisfare tanto l’amante del 

rock storico quanto il cercatore 

curioso di novità. E, per molti, 

è stato l’ultimo disco, in ordine 

di tempo, in grado di connettere 

le due anime. 

In una differente dimensione 

Il percorso di Elina Duni è il paradigma 

efficace di una “prassi” 

presente nel panorama attuale, 

una musica capace cioè di misurarsi 

con il jazz, con le tradizioni 

popolari, con la modernità, con 

l’improvvisazione. La cantante 

- nata in Albania e cresciuta 

in Svizzera - ha una personalità 

forte e una presenza magnetica 

sul palco. Matane Malit è il secondo 

disco di un quartetto relativamente 

canonico, cantante 

accompagnata dal piano trio, 

ed è il primo pubblicato per la 

ECM di Manfred Eicher. Rispetto 

al primo lavoro, Baresha, il 

quartetto cerca una dimensione 

più compatta, mette da parte gli 

standard del jazz e i capisaldi della 

canzone d’autore per andare a 

esplorare un repertorio di brani 

tradizionali albanesi e di composizioni 

originali, vicini a quelli 

nelle forme e nelle dinamiche. 

Dal vivo interpreta, ad esempio, 

una toccante versione di Addije, 

Addije Amore e porta a contatto 

tra loro le canzoni dell’esilio e 

Elina Duni 

MATANE MALIT 

Editions of Contemporary Music 

Elina Duni 

songs 

1 All along the watchtower 

JIMI HENDRIX 

EXPERIENCE 

2 Happy Trails 

QUICKSILVER 

MESSENGER SERVICE 

3 Call me a dog 

CHRIS CORNELL 

4 I just want to make 

love to you 

MUDDY WATERS 

5 Love for sale 

CHET BAKER 

6 Try 

JANIS JOPLIN 

7 Cortez The Killer 

NEIL YOUNG 

8 John The Revelator 

GOVT MULE 

9 Don’t let the sun catch 

you crying 

ROBBEN FORD 

10 Behind the Yashmak 

ESBJORN SVENSSON 

TRIO 

11 San Lorenzo 

PAT METHENY GROUP 

12 Song for my father 

HORACE SILVER 

13 In Walked Bud 

THELONIOUS MONK 

14 Happiness 

GRANT LEE BUFFALO 

15 Starless 

KING CRIMSON 

Fabio Ciminiera 

delle partenze. Una lettura efficace 

e, purtroppo, estremamente 

intrisa di attualità e storia. Come 

si diceva, è il modo di andare 

avanti tenendo i piedi ben piantati 

nella tradizione, è il modo di 

fare una sintesi che sia coerente 

e personale, una sintesi che non 

rinnega nulla ma che tutto cerca 

di sovvertire. Anche in questo 

caso è la voce a rapire immediatamente, 

a condurre attraverso i 

brani, a sottolineare il filo logico 

e narrativo seguito dai temi. 

Non posso negare l’intenzione di 

chiudere la terna di dischi con un 

classico del jazz. Mi sono dato un 

monito, però: non scegliere un titolo 

indicato da tutti, come Kind 

of Blue di Miles Davis o A Love 

Supreme di John Coltrane, senza 

per questo scendere di livello o 

presentare titoli troppo difficili 

da reperire. La scelta “premia” 

Wayne Shorter e i dischi pubblicati 

dal sassofonista all’inizio 

degli anni Sessanta per la Blue 

Note. Night Dreamer, JuJu, 

Speak No Evil, The Soothsayer, 

Et Cetera, The All Seeing 

Eye e Adam’s Apple - in ordine 

cronologico - sono i dischi di un 

grande Maestro in evoluzione 

ma già solido ed estremamente 

consapevole del proprio messaggio: 

il sassofonista li pubblica 

nel breve volgere di tre anni, dal 

1964 al 1966. Shorter continua 

ancora oggi a manifestare il proprio 

punto di vista con altissima 

creatività e slancio, con un quartetto 

stabile nel tempo e disposto 

a improvvisare e utilizzare le melodie 

- le composizioni “storiche” 


Esperienze in jazz 

Wayne Shorter 

dal sassofonista e le linee “incontrate” 

nel fluire del concerto - in 

maniera del tutto personale. I 

dischi citati fotografano Shorter 

in un periodo di grande fulgore: 

l’inizio della sua carriera da leader, 

subito dopo l’uscita dai Jazz 

Messengers di Art Blakey e parallelamente 

alla partecipazione al 

foto Robert Ascroft 

Secondo Quintetto di Miles Davis. 

Shorter sarà una delle spine 

dorsali della formazione guidata 

dal trombettista, con la registrazione 

di moltissimi brani firmati 

da lui, con uno scambio serrato e 

proficuo sulle idee utili per l’improvvisazione. 

Questi titoli hanno 

una serie notevole di qualità: 

musicisti di altissimo spessore; 

composizioni bellissime, diventate 

a loro volta standard, come 

Infant Eyes, Footprints, Witch 

Hunt, Adam’s Apple tra le altre; 

la tensione della creazione 

e la visione del risultato. Il mio 

rapporto personale con questi 

dischi è stato strano. Sono titoli 

Blue Note, realizzati da una sorta 

di dream team tra il Secondo 

Quintetto e il quartetto di John 

Coltrane e, quindi, sono arrivati 

in casa abbastanza presto: entrare 

in sintonia con loro è stato, 

in realtà, un processo più lungo. 

Non perché siano respingenti o 

difficili - facilissimi non sono, lo 

dico per chi volesse usarli come 

“primi dischi per avvicinarsi al 

jazz” - ma la quantità di materiale 

che c’è dentro è davvero enorme: 

stratificata, decisamente 

ordinata, connessa e coerente. 

La musica di Shorter impone 

un “percorso” di riflessione e 

presa di coscienza, impone la 

ricerca degli appigli per leggere 

e trovare il proprio modo di interagire 

con essa. Ma, alla fine, è 

estremamente gratificante. Sono 

stato indeciso fino all’ultimo se 

proporre Shorter o i dischi di un 

altro grande jazzista uscito dai 

Messengers, vale a dire Horace 

Silver... una traccia rimane nella 

playlist qui pubblicata: trovate 

anche i dischi di questo grande 

pianista nel catalogo Blue Note. 

La playlist presenta brani singoli 

ma, davvero, cercate i dischi nella 

loro integrità... è ancora più 

gratificante sia per chi consiglia 

che per chi deciderà di seguire il 

consiglio. Ho cambiato almeno 

dieci volte i brani scelti - se aveste 

a disposizione lo storico del file, 

la playlist conterrebbe non meno 

di cento titoli - e rappresenta un 

misto di inviti alla scoperta, di 

omaggio a grandi musicisti, di 

gusti personali. 

The Future of Cable 


SELECTOR 

a cura di Bruno Re 

Classica in rete: 

istruzioni per l’uso 

Conversione verso la liquida di un possessore di circa 4.000 dischi… perché in rete è bello, perché in 

rete si può. Basta far caso ad alcune avvertenze... 

Un articolo di musica 

sulla Rete curato da 

un “antico”? Sembra 

un ossimoro ma è così. Permettetemi 

di presentarmi, visto che 

la maggioranza di voi di certo 

non conosceranno il mio nome. 

Mi interesso di musica antica da 

una vita, ho una cattedra di strumento 

antico presso un blasonato 

Conservatorio di Stato, sono 

stato responsabile del settore 

musica classica di molte riviste 

di Hi-Fi per circa trent’anni, ivi 

compreso SUONO, con il quale 

ho collaborato parecchi anni or 

sono. Circa tre anni fa ho smesso 

con l’attività giornalistica. Scrivere 

delle novità discografiche a 

lungo andare stanca, criticare i 

colleghi musicisti e dar retta alle 

case discografiche ancor di più. 

“Finalmente posso ascoltare tutti 

i CD che voglio senza vincoli 

di consegna della recensione in 

tempi brevi e senza priorità” mi 

son detto. “Voglio ascoltare quello 

che più mi piace e mi ispira al 

momento!” continuavo a dirmi. 

Nobile punto di partenza, direte 

voi, che però si è infranto contro 

la mia confusionaria gestione dei 

circa 4.000 CD che invadono il 

mio appartamento. Sono finito 

ad ascoltare a loop solo pochi dischi 

decorosi che ero riuscito a 

estrarre dal magma informe che 

ormai occupa (tutt’ora!) casa. 

Un giorno, sacramentando perché 

non riuscissi a trovare una 

delle dodici versioni dello schubertiano 

Arpeggione in mio possesso, 

mi è venuta l’dea di cercarla 

su YouTube. Miracolo! Ne 

ho trovate diverse versioni, alcune 

delle quali che non avevo mai 

sentito. Mi si è aperto un mondo 

e mi è cambiata la vita. Ascoltare 

buona musica classica, ben 

registrata, diversa ogni giorno? 

Su YouTube è possibile e a costo 

zero! Lì potete trovare i riversamenti 

di moltissimi CD e molte 

registrazioni dal vivo di grandi 

eventi realizzate dai maggiori 

gruppi che operano sui canali 

TV a pagamento. Tutto gratis! 

Ovviamente ogni medaglia ha il 

suo rovescio: accanto ai capolavori 

su YouTube viaggiano tonnellate 

di immondizia. Musica 

mal registrata, interpretazioni 

di dilettanti allo sbaraglio, insiemi 

davvero imbarazzanti, ce 

n’è per tutti i gusti. Ovviamente 

dopo qualche ricerca mal riuscita 

l’utente medio si spazientisce 

e getta la spugna: bisogna perdere 

davvero tanto tempo per 

trovare la “perla rara”. L’ambizione 

di questa rubrica è quella 

di segnalarvi le perle rare, video 

o solo audio, che vale davvero la 

pena ascoltare e vedere a colpo 

sicuro, senza perdere tempo. 

Chiedo scusa a tutti se le scelte 

che proporrò saranno penalizzate 

dai miei gusti musicali. Mi 

sembra inevitabile. Quanti amano 

la musica antica e “classica”, 

l’Ottocento strumentale e un 

po’ di operistica pre-verdiana, 

troveranno belle sorprese in 

questa rubrica. Chiedo perdono 

agli altri, mi piace fare e scrivere 

solamente di quello che so e che 

sento nel cuore. Mi rendo conto 

di essere fuori moda in un mondo 

di tuttologi e che la parola dignità 

oggi è un po’ demodé ma, 

in fondo, l’avevo detto all’inizio: 

sono un antico. 

110 

SUONO novembre 2015

Secondo noi la classica 

PICCOLA GUIDA PER I NAVIGANTI SU YOUTUBE 

Contenuti dei link 

Bisogna ammetterlo: a volte è un problema capire 

cosa si sta ascoltando, YouTube è davvero avaro di 

informazioni su programma, esecutori, luoghi di 

registrazione, anno di produzione. A volte si hanno 

maggiori indicazioni cliccando sulla finestra “mostra 

altro” posta subito sotto le indicazioni (come detto, 

spesso vaghe) del programma, altre volte non si è 

così fortunati. Nel caso dei file audio da CD spesso 

nei primi secondi di ascolto viene mostrato il retro 

del CD stesso, prima dell’inevitabile immagine del 

quadro o della fotografia che vi accompagnerà per 

tutto l’ascolto. Anche in questo caso non è facile ricavare 

dati utili, spesso la foto è piccola e sfuocata. 

A volte nel “mostra altro” si trova la tracklist che consente 

di spostarsi agevolmente da un brano all’altro. 

Come ascoltare i link 

Il consiglio principale è di collegare l’impianto Hi-Fi 

al PC. Non è difficile e il risultato non è disdicevole, 

sempre che si disponga di una scheda audio medio/ 

buona. La stessa Linn, uno dei produttori Hi-end, 

ha più volte realizzato demo utilizzando brani dalla 

rete, a ricordare che questo tipo di sorgente non è 

affatto male! 

Qualità del suono 

Anche se i puristi dell’Hi-Fi estrema probabilmente 

avranno da ridire, le registrazioni dei video dal vivo 

realizzate dai maggiori produttori presenti su tutti 

i network hanno una qualità mediamente simile 

a quella di un PCM a 16/44,1. I più smaliziati conoscono 

bene i problemi legati al pubblico (posizionamento 

dei microfoni, risonanza dell’ambiente, 

rumori del pubblico e di scena... ) e sicuramente 

metteranno in conto la situazione ambientale. A 

tutti posso garantire che le scelte fatte partono da 

un livello di qualità decoroso e che mi limiterò a segnalarvi 

solo pochi titoli che ritengo vere “chicche” 

musicali, magari non capolavori ma qualcosa che 

vale assolutamente la pena di avere a disposizione. 

Pubblicità 

La pubblicità, ahinoi, regna sovrana su YouTube 

e rompe tutto quello che di rompibile c’è in un 

essere umano di sesso maschile, immaginando 

però che il problema sia il medesimo anche per le 

signore… ! Per risolverlo ho trovato un programmino 

assai efficace chiamato Adblock Plus (ABP); 

gratuito, basta cercarlo su Google, facilmente 

scaricabile ed estremamente efficiente. Con la 

pubblicità bloccata si può godere di un ascolto 

fluido, e tutto fila liscio! Intendiamoci, non sono 

uno sponsor dei produttori di questo software, 

se volete potrete trovarne altri magari altrettanto 

buoni. L’uso di questo freeware mi sembra però 

indispensabile per godere appieno quanto state 

ascoltando, pena vedere (e sentire!) interruzioni 

pubblicitarie cadenzate ogni 10/15 minuti che reclamizzano 

ogni sorta di prodotto. 

Happy (?) end 

Per ultimo, il boccone più duro da mandare giù, 

quasi a contrappeso delle meraviglie del paradiso 

gratuito dei video e degli audio in assoluto 

più belli in circolazione al momento. In seguito a 

qualche problemino legale a proposito dei copyright, 

YouTube sta mettendo in atto una politica di 

eliminazione di alcuni titoli. Potrebbe capitare che 

una mia segnalazione vi porti in un vicolo cieco 

perché il link è stato cancellato, magari il giorno 

prima. State sicuri che ciò che viene proposto nella 

rubrica è seguìto da svariati mesi e che quindi 

è improbabile che venga rimosso. Vi consiglio comunque, 

se trovate qualcosa che vi piace, dietro i 

miei suggerimenti o in una vostra ricerca in proprio 

(state sicuri che, una volta assuefatti, vi verrà 

la voglia di smanettare!), di salvarlo sul vostro 

hard disk utilizzando semplici programmi gratuiti 

e facilmente reperibili in rete, tra i quali: Free Youtube 

Downloader (www.freemake.com/it/free_video_downloader) 

o aTube Catcher (www.atube. 

me/video). Attenzione, però! Contrariamente 

all’ABP, che blocca le pubblicità, questi freeware al 

momento dell’installazione vi chiederanno di aggiungere 

al vostro PC alcune funzioni aggiuntive 

(toolbar e quant’altro): tutta immondizia che porta 

un rallentamento delle prestazioni del vostro 

PC, spam e pubblicità indesiderata. Siate quindi 

molto accorti a non spuntare queste opzioni e a 

scaricare SOLO il programma. 

ASSOLUTAMENTE DA NON PERDERE 

BEETHOVEN 

www.youtube.com/watch?v=9kYJZoDrFeQ 

Scansiona il codice 

e visualizza il video. 

Triplo Concerto, Fantasia Corale 

Perlman, Ma, Barenboim 

Filarmonica di Berlino, dir. Barenboin 

Durata 58’ 46’’ 

Fatti, non parole e onore al merito! Questo è un video dal vivo, registrato 

presso la sala dei Filarmonici di Berlino a Tiergarten. Il triplo di Beethoven è 

una splendida pagina poco visitata dai grandi solisti ed è un peccato. Fresca, 

brillante, spumeggiante, è un vero inno alla gioia, ben più del tristino finale 

della nona che relega il vate di Bonn al misero ruolo di autore dell’inno della 

Comunità Europea. Guardando questo video si può capire perché questa partitura sia così temuta dai solisti. La difficoltà tecnica delle parti dei tre strumenti (violino, violoncello, 

pianoforte) è davvero grande. Se si aggiungono i numerosi momenti d’insieme (unisoni, domande e risposte... ), che richiedono un affiatamento musicale dei tre 

protagonisti assolutamente perfetto e assai difficile da ottenere, risulta evidente che non molte grandi “star” si cimentano nell’ardua impresa per poco più di 35 minuti di 

musica. Ma che musica! In questo caso il risultato è di altissimo livello. In una esecuzione dal vivo come questa si resta a bocca aperta per l’insieme, la puntualità tecnica, il 

suono; nessuna sbavatura, nessuna incertezza, le note sempre nitide, pulite, intonate. Tutto fila a puntino. Una registrazione live che sarebbe eccellente anche per un disco, 

a dispetto dell’editing, piani montaggio e altre simili diavolerie tecniche! Chapeau! Conclude il video la Fantasia Corale op. 80 per pianoforte, coro e orchestra, sempreverde 

nazionalpopolare dal sicuro impatto emotivo ma dallo scarso spessore musicale che anticipa un celebre tema della nona Sinfonia (alla faccia dei “prestiti” di Haendel!). 

Buona la resa sonora di YouTube anche se non priva di qualche rimbombo. Ma siamo dal vivo! 

SUONO novembre 2015 

111

SELECTOR 

HANDEL 

www.youtube.com/watch?t=1&v=UcknsYVgdkMHaendel 

Handel’s Water Music & Music For The Royal Fireworks 

Le Concert Spirituel, dir. Niquet 

Durata 71’ 15’’ 

Scansiona il codice 

e visualizza il video. Sontuoso video live sponsorizzato dalla BBC presso la 

mitica Royal Albert Hall di Londra. La destinazione di 

queste due grandiose suite orchestrali è l’esecuzione all’aperto, sono musiche 

destinate alle fastose celebrazioni reali di metà ’700. Per evidenti ragioni acustiche 

Haendel richiede un organico dove i fiati la fanno da padrone (suonano 

più forte). In questa ricostruzione le cose sono state fatte in grande, in orchestra 

troviamo: 18 oboi barocchi, 8 fagotti e due controfagotti barocchi, 9 trombe naturali 

(senza meccanica), 9 corni naturali (taccio a proposito dei 6 flauti a becco che tanto sono a buon mercato): è un’impresa davvero titanica. Oggi è già difficile reperire una 

tale quantità di questi strumenti su piazza, trovare poi gente brava che sia in grado si suonarli al meglio è ancora più difficile! Gli archi quasi dovrebbero sparire (nonostante i 

5 leggii di primi violini, altrettanti di secondi e via dicendo) ma l’accurata presa del suono rimedia in parte all’inconveniente. Dal punto di vista esecutivo non tutto va liscio (è 

una ripresa dal vivo!): nella massa qualche fiato stonato c’è e magari a tratti si porta appresso tutta la fila (per gli ottoni senza meccanica il problema non è da poco!) con risultati 

a volte imbarazzanti. Ma questo “è il bello della diretta”, una diretta che fa comunque onore a tutti. Da parte sua Niquet sfoggia un’allegra nonchalance saltellando di fronte 

a questo mostruoso organico. La conduzione è di buon livello, con tempi sempre spigliati e accattivanti, senza tralasciare la cura del dettaglio. Una registrazione faraonica 

e assolutamente godibile che evoca i fasti di una grande tradizione musicale. La domanda che viene spontanea è: ci pensate a fare un’operazione del genere in Italia dopo i 

recenti tagli del FUS (Fondo Unico per lo Spettacolo)? Inimmaginabile! In una serata come questa gli inglesi probabilmente si sono bruciati un quarto delle sovvenzioni che 

quest’anno il FUS stanzierà nel prossimo anno all’Accademia Nazionale di S. Cecila... I brevi interventi della presentatrice della BBC non disturbano più di tanto e forniscono 

qualche utile informazione supplementare. Qualità del suono: signori siamo in una grande sala, per di più dal vivo e senza vedere microfoni dalle telecamere. Certo è perfettibile, 

ma ancora non mi capacito di come siano riusciti a trovare un suono simile! Eppure anche io di dischi ne ho registrati parecchi nella mia carriera e so come funziona. 

STRAUSS 

1) https://www.youtube.com/watch?v=zaAorqR0ICk 

Durata 25.30 

2) https://www.youtube.com/watch?v=JteREaN0JNQ 

Durata 24.51 

Vier letzte Lieder 

Jessie Norman 

I Vier letzte Lieder (Gli ultimi quattro canti) possono 

essere considerati il testamento spirituale di Richard 

Strauss. Composti nel 1948, quando il Mae- 

Scansiona i codici 

e visualizza i video. 

stro aveva 84 anni, ovvero un anno prima della sua 

scomparsa, sono pagine dense di poesia e atmosfera. Pur essendo un barocchista convinto di fronte a un simile monumento musicale non posso fare a meno 

di commuovermi. Confesso che alla mia veneranda età non mi vergogno di versare ogni tanto qualche lacrima di commozione ascoltando tanto ben di Dio. 

Di queste meraviglie vi propongo due versioni firmate da Jessie Norman, soprano americano, classe 1945. Capirete da soli che entrambe sono un po’ datate. La 

prima proposta è un “solo audio” e a mio avviso è la migliore. Il link non dà notizie sulla registrazione ma la Norman appare in ottima forma. Di sicuro è abbastanza 

giovane e questo caposaldo del suo repertorio è eseguito alla perfezione, supportata da un’orchestra e una direzione anch’esse di ottimo livello. Peccato 

che YouTube non fornisca il nome del direttore e dell’orchestra. Bella la scelta dei tempi, scorrevole la frase senza tralasciare i dettagli. La qualità del suono è 

decisamente buona per un file audio a occhio e croce certamente datato. 

Se poi volete divertirvi con gli ascolti a confronto potete vedere la ripresa del concerto diretto da Sawallish alla testa dell’orchestra della Suisse Romande. Certo 

vedere la musica dal vivo, condividere le emozioni degli interpreti e le situazioni emotive dà un’emozione diversa. Anche qui siamo un po’ indietro con gli anni, 

Sawallish è nato nel 1923 e scomparso nel 2013, in questo video sembra avere circa 70 anni. Fate voi i calcoli. Non è mai stato un direttore irruente (alcuni 

lo consideravano un Travet della bacchetta e non avevano tutti i torti) e questa lettura conferma le sue abitudini. Posata, meditata, per il mio gusto un filino 

troppo statica, anche se sul cronometro risulta più breve della precedente di un paio di minuti (in coda ci sono applausi e ringraziamenti). La frase stenta un po’ 

ad andare avanti, il gusto per il dettaglio diventa quasi maniacale e tende a travalicare il contenuto poetico del testo. La parte audio presenta tutti i problemi 

delle riprese live, aggravati dalla presunta età. 


CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE 

Tutti pazzi per la musica… 

al cinema! 

di Rocco Mancinelli 

Al grande pubblico è sempre più gradita (il successo di Amy lo conferma) la visone dei film musicali. 

Che si tratti di lungometraggi-evento programmati in cartellone per pochissimi giorni o di veri e propri 

film, la musica torna al centro del palcoscenico. Oops… dello schermo! 

Il concerto degli One Direction? 

120.000 spettatori in 

due giorni per un milione 

e trecentocinquantamila euro 

di incasso! La metà, quasi esatta, 

per i Led Zeppelin, 60.000 

spettatori per 650.000 euro di 

incasso. Troppo pop, troppo 

facile? Queen Rock Montreal 

(1981): in tre giorni ha 

ottenuto nei cinema un incasso 

di 500.000 euro, al pari della 

stagione live del Metropolitan 

New York… E ancora: i Muse, 

con 30.000 spettatori e 300.000 

euro di fatturato. 

Dati che confermano come 

la musica, oltre che un modo 

onorevole di investire le proprie 

risorse, è anche un settore che 

rende, a patto di rispettare poche 

ma ben definite regole: innanzitutto 

una grande attenzione alla 

qualità dei contenuti, poi la capacità 

di realizzare un evento social. 

La presenza nei cinema per un 

brevissimo periodo o, addirittura, 

sfruttando le meraviglie del 

cinema digitale, la realizzazione 

dell’evento unico e contemporaneo; 

è stato il caso, ad esempio, 

della diretta via satellite nei 

cinema del mondo dal Soldier 

Field di Chicago (andata in onda 

lunedì 6 luglio alle ore 19.30) 

di Fare Thee Well, il concerto 

che celebrava i cinquant’anni 

di carriera dei Grateful Dead, a 

distanza di vent’anni dal giorno 

dell’ultimo concerto che il gruppo 

tenne proprio al Soldier Field di 

Chicago nel 1995 con Jerry Garcia, 

allora leader della band. Un 

evento simile, Subsonica Day, 

ha animato i palcoscenici italiani 

con un incontro esclusivo con 

la band, collegata in diretta via 

satellite con le sale cinematografiche 

e un evento a 360°, pieno di 

anteprime assolute, con le riprese 

di un concerto sperimentale e 

innovativo e la trasmissione del 

cortometraggio inedito Specchio. 

Anche la stagione cinematografica 

che ci apprestiamo a vivere sarà 

ricca di appuntamenti da non 

perdere per gli appassionati 

di musica: gli addetti ai lavori, 

ormai, complice anche la crisi 

economica e di ispirazione che 

ha colpito registi, produttori e 

sceneggiatori, sanno bene che 

la formula “musica al cinema” 

funziona e che una rockstar sposta 

più folla di un qualsiasi divo 

hollywoodiano. Così, persino l’ultimo 

Festival di Venezia non è rimasto 

insensibile a questo trend 

e ha inserito nella sua programmazione 

opere che hanno riguardato 

direttamente o indirettamente 

Lou Reed, Janis Joplin e 


Heart of a Dog prende spunto dal rapporto tra la Anderson e Lou Reed e 

dalla sua morte. 

l’icona rock italiana Vasco Rossi, 

addirittura presente come super 

ospite. L’avverbio si riferisce indirettamente 

al film Heart of a 

Dog presentato in concorso da 

Laurie Anderson, musicista americana 

e per vent’anni compagna 

di Lou Reed. Si pensava che il 

film, presentato come un’opera 

sul ricordo, sulla perdita delle 

persone che amiamo, fosse interamente 

dedicato alla scomparsa 

del marito, il rocker Lou Reed, 

cantautore e poeta scomparso 

due anni fa. In realtà Heart of a 

Dog,prendendo probabilmente 

spunto dal dolore per la perdita 

del marito, personaggio ingombrante 

che la regista non nomina 

mai (compare pudicamente solo 

nell’ultimissima inquadratura 

nei panni di un medico), diventa 

un film diario di 75 minuti pieno 

di immagini e parole, musiche e 

disegni, ricordi d’infanzia e super8 

di famiglia, immagini della 

sua New York post-11 settembre. 

Una sorta di flusso di coscienza 

cui ha fatto da collante, quasi da 

filo rosso emotivo, l’amatissima 

cagnetta Lolabelle. “Sono partita 

dalle mie storie personali per 

realizzare un film originale e capace 

di affrontare temi universali 

che lo spettatore è invitato a 

guardare da punti di vista diversi. 

Mi avevano chiesto un film sul 

senso della vita, ma ho spiegato 

loro che non ne avevo uno”. Così 

il film ha cambiato rotta ed è 

diventato un film sulla perdita 

(di sua madre, del suo cane, di un 

amico artista, persino dei neonati 

nella culla), ma anche sull’amore: 

“Tutto ruota intorno a questo 

sentimento”. Il risultato, come 

spesso accade per opere di questo 

tipo, ha diviso il pubblico. Alcuni 

lo hanno applaudito a scena 

aperta, uscendo dalla proiezione 

con gli occhi rossi, mentre altri 

non lo hanno capito ritenendolo 

troppo sofisticato, quasi incomprensibile. 

“È il risultato della 

mia immaginazione e dei miei 

ricordi” si è quasi giustificata la 

regista. Ad ogni modo, su tutto 

il film aleggia la presenza dello 

scomparso marito: “Ho cercato 

di trasfondere in ogni immagine 

della pellicola l’energia e lo 

spirito del mio amore”. Sempre 

a Venezia è stato presentato fuori 

concorso Janis, il documentario 

di Amy Berg che racconta le 

tappe principali della vita della 

cantante Janis Joplin, dall’esibizione 

di Monterey Pop nel 

1967 a Woodstock nel 1969 fino 

al Festival Express nel 1970: ne 

parliamo nella prima parte di 

questo numero della rivista. La 

musica è molto presente anche 

nel film in concorso A Bigger 

Splash di Luca Guadagnino. Oltre 

ad avere probabilmente la più 

bella colonna sonora del Festival, 

il film racconta la storia di una 

celebre rockstar in crisi vocale, 

interpretata da Tilda Swinton, 

mentre il suo ex, Ralph Fiennes, 

è un discografico che ha prodotto 

i Rolling Stones. Ma la vera chicca 

del Festival di quest’anno è 

stata senz’altro la partecipazione 

di Vasco Rossi che ha calcato il 

tappeto rosso per Il decalogo 

di Vasco, il film di Fabio Masi, 

selezionato per la nuova sezione 

Incontri – Cinema nel giardino. 

Si è trattato di uno show in piena 

regola con il rocker di Zocca 

scatenato sul tappeto rosso. Il 

decalogo di Vasco si snoda 

in dieci capitoli ed è un surreale 

viaggio in auto di due amici e 

un cartonato (la sagoma di Vasco), 

posto nel sedile posteriore; 

come nella favola di Pinocchio, 

la sagoma prende vita e osserva 

il mondo fuori dal finestrino… 

Il ritratto di Vasco procede per 

circa un’ora attraverso visioni, 

fantasie, emozioni, immagini e 

contenuti inediti dalle “Lezioni/ 

Laboratorio” di Bologna al ritiro 

fisico e spirituale nei luoghi “segreti” 

della Puglia, sulla spiaggia 

di Castellaneta. 

La stagione cinematografica che 

ci apprestiamo a vivere non si 

occuperà però solo di grandi 

nomi della musica rock. Praticamente 

in contemporanea 

arriveranno sullo schermo due 

film che raccontano due personaggi 

eccentrici, borderline, 

ingombranti, sublimi musicisti 

dalla vita maledetta (se non fosse 

vera, sembrerebbe scritta da uno 

sceneggiatore particolarmente 

ispirato): Miles Davis e Chat 

Baker. Don Cheadle, attore nero 

con un passato non proprio insignificante 

(Oscar per Rwanda, 

nonché la partecipazione a molti 

blockbuster, citiamo soltanto 

la serie Ocean’s e Avengers) è 

ricorso al fundraising per racimolare 

il denaro necessario per 

realizzare Miles Ahead in cui 

interpreta il protagonista. Dopo 

una lunga gestazione e a un anno 

di distanza dal primo ciak il film 

debutterà al 53° New York Film 

Festival a ottobre, nel corso della 

serata di chiusura. Il titolo è stato 

ispirato dall’omonimo album del 

1957 in cui Miles duettava per 

la prima volta con Gil Evans e 

la sua orchestra. Al centro del 

racconto non c’è l’intera vita del 

divino trombettista ma il suo 

A Bigger Splash: a Pantelleria, in un dammuso con vista superba, alloggiano 

Marianne (Swinton), rockstar afona, e Paul (Schoenaerts), 

direttore della fotografia. 

periodo più buio, gli anni del 

silenzio e della deriva, quando 

nella seconda metà degli anni ’70 

Miles Davis sparì letteralmente, 

entrando in una spirale autodistruttiva. 

“Miles era tante cose: 

un artista supremo e un tesoro 

nazionale ma anche un enigma 

per tutti coloro che lo circondavano, 

specialmente durante gli 

anni di silenzio” ha dichiarato 


Il rapporto tra la settima arte e la musica ha profonde 

radici: il primo film sonoro è stato proprio 

un film dedicato al jazz, The jazz singer, di Alan 

Crosland, interpretato da Al Jolson. 

Il successo planetario di Amy, il docu-drama (di 

cui abbiamo parlato in questa rubrica nel numero 

499 – luglio 2015) , in pochi mesi ha già racimolato 

7.638.000 dollari negli USA e 835.000 euro nel 

nostro paese. 

Non solo divi: La Segretaria Dei Beatles narra la 

storia delle mitica band vista dagli occhi di Freda 

Kelly, cuore pulsante del fanclub internazionale… 

Cheadle in una recente intervista. 

Nel cast anche Ewan McGregor 

nei panni di un reporter della 

rivista Rolling Stone. 

Anche Ethan Hawke ha dovuto 

sudare le proverbiali sette camicie 

per raccogliere i fondi per 

girare e interpretare Born to be 

blue, film diretto dal canadese 

Robert Brudeau che racconta la 

tribolata vita di Chet Baker dagli 

anni Settanta in poi. Il film, 

presentato al Toronto Film Festival 

di quest’anno, inizia con 

Miles in prigione a Lucca. A farlo 

uscire dal carcere ci penserà un 

produttore hollywoodiano per 

proporgli di girare un film sulla 

sua vita. Sul set conosce la sua 

futura compagna Jane (Carmen 

Ejogo, già ammirata nei panni 

della moglie di Martin Luther 

King in Selma) che l’aiuterà nei 

difficili anni della disintossicazione. 

Quando alcuni spacciatori, 

cui doveva una grossa cifra, gli 

spaccano letteralmente la faccia, 

o meglio i denti, la sua carriera 

sembra finita. Invece, grazie 

anche all’aiuto di Jane, riesce a 

riprendersi, ad allenarsi reinventando 

il modo di suonare la 

tromba e a ottenere nuovi ingaggi 

(lo ricordiamo nel ’74 proprio a 

Umbria jazz). Da non perdere 

l’interpretazione di Ethan Hawke 

e la straordinaria colonna sonora 

suonata dal quarantenne pianista 

canadese David Braid. Ma lo 

sguardo del cinema e della TV 

sulla musica non si esaurisce di 

certo qui. Ci sono progetti ancora 

in fase embrionale, come il Sinatra 

di Martin Scorsese (con 

il suo attore feticcio Leonardo Di 

Caprio), che ha già l’approvazione 

della famiglia Sinatra (la figlia 

In Miles Ahead Don Cheadle interpreta Miles Davis. 

Tina sarà il produttore esecutivo) 

ma vedrà la luce solo dopo che 

il grande regista avrà finito di 

girare un film su un serial killer 

(indovinate interpretato da chi? 

Leonardo Di Caprio, avete indovinato) 

o il biobic su Freddie 

Mercury. In merito a quest’ultimo, 

sembra che lo script giaccia a 

Hollywood da sette anni; qualche 

tempo fa correva voce che Sacha 

Baron Cohen avesse accettato di 

dirigerlo e interpretarlo, notizia 

poi smentita da Brian May; altre 

voci davano interessati al progetto 

David Fincher e Stephen 

Frears ma per il momento è tutto 

fermo. La lista dei film, insomma, 

sembra infinita e va ingrossandosi 

ogni giorno di più. Sempre 

Martin Scorsese è impegnato 

addirittura in due progetti: un 

racconto video dei cinquant’anni 

di attività dei Grateful Dead, di 

cui sarà produttore esecutivo, e 

un biopic dedicato ai Ramones, 

che dovrebbe vedere la luce non 

prima del 2016. Gli fa compagnia 

Ron Howard con The Beatles 

Live Project, una raccolta di 

materiali video girati dai fan. A 

Toronto è stato presentato Love 

& Mercy, il film sulla delicata 

e controversa vicenda umana di 

Brian Wilson, il leader dei Beach 

Boys. A interpretare il suo ruolo 

sono stati chiamati due attori: 

Paul Dano per gli anni della giovinezza 

e John Cusack per quelli 

della maturità. Il ruolo di Eugene 

Landy, il medico manipolatore, è 

stato invece assegnato a Paul Giamatti. 

Saranno sviscerati tutti gli 

aspetti che ruotano intorno alla 

musica, anche il complesso e per 

certi versi inquietante rapporto 

che esiste tra una band e i suoi 

fan, come nel film No Manifesto, 

di Elizabeth Marcus, che 

getta uno sguardo sulla carriera 

dei Manic Street Preachers, realizzato 

in tredici anni di lavoro. 

In questo lunghissimo elenco 

non potevano certo mancare i 

Guns N’ Roses: Marc Canter, autore 

della biografia Recklwess 

Road: Guns N’ Roses and 

the Making of Appetite For 

Destruction, ha promesso un 

documentario ricco di rivelazioni 

sulla band heavy metal. Sempre a 

proposito di heavy metal, il bassista 

dei Metallica Robert Trujillo 

ha prodotto un documentario 

su Jaco Pastorius, il più grande 

chitarrista del basso elettrico che, 

dopo una serie di proiezioni in 


È l’evento musicale – cinematografico per eccellenza: 

The Wall (realizzato in 4K e Dolby Atmos),fresco 

di una tre giorni di proiezioni che si è tenuta il 29 

e 30 settembre e l’1 ottobre a cura di Nexo Digital, 

uno dei principali protagonisti del genere. 

Quali emozioni devono aver provato i fan degli 

Who lo scorso dicembre quando, dopo 35 anni 

dall’uscita, è tornato nelle sale Quadrophenia in 

versione restaurata e digitalizzata? 

Sempre lo scorso anno una certa rilevanza l’aveva 

suscitata David Bowie Is, il tour cinematografico 

nella mostra del Victoria & Albert Museum di Londra 

dedicata a David Bowie (ne abbiamo parlato 

su SUONO). 

sala, sarà visibile sulla piattaforma 

Netflix (da ottobre anche 

in Italia). Looking For Bon si 

intitolerà invece l’omaggio su 

pellicola dedicato all’ex cantante 

degli AC/DC Bon Scott, 

morto tragicamente nel 1980. 

Julien Temple, dopo The Great 

Rock And Roll Swindle e Joe 

Strummer. The Future 

Is Unwritten sembra averci 

preso gusto e ha girato The 

Ecstasy of Wilko Johnson, 

novanta minuti dedicati alla figura 

dell’ex chitarrista dei Dr. 

Ethan Hawke in Born to be blue è Chet Baker. 

Feelgood, malato di cancro e dato 

per spacciato già da un paio di 

anni. In questo lunghissimo 

elenco non possiamo non citare 

The Damned: Don’t You 

Wish That We Were Dead, 

un documentario dedicato alla 

leggendaria punk band inglese 

The Damned. Diretta da Wes 

Orshoski, che ha curato e prodotto 

anche il documentario dedicato 

al Lemmy dei Motorhead. 

Oltre al documentario su Jaco 

Pastorius la piattaforma Netflix 

renderà disponibile anche What 

Happened, Miss Simone?, 

un meraviglioso ritratto dell’eccentrica, 

scostante ma allo stesso 

tempo formidabile cantante Nina 

Simone, che tanto ha commosso 

il pubblico del Sundance 2015. 

Sull’altro progetto, Nina, interpretato 

da Zoe Saldana, è invece 

sceso un misterioso silenzio. 

Quincy Jones ha invece prodotto 

Keep on keepin’ on, storia di 

Clark Terry, grande trombettista, 

mentore di Miles Davis, morto 

all’inizio di quest’anno. La regista 

Dorsay Alavi, sempre con il sistema 

del fundraising, sta finendo di 

girare una biografia del sassofonista 

Wayne Shorter (interpretato 

da Bill Cosby), ex spalla di Miles 

Davis e fondatore dei Weather 

Report, intitolata Zero Gravity. 

Vedrà la luce anche Mavis!, 

il primo documentario dedicato 

alla leggenda della musica 

gospel/soul e dei diritti civili 

Mavis Staples. L’opera ripercorrerà 

sessant’anni di musica e di 

battaglie per i diritti civili attraverso 

le testimonianze di veri e 

propri mostri sacri della storia 

della musica come Bob Dylan, 

Bonnie Raitt e Jeff Tweedy dei 

Wilco. Anche il gangsta rap di Los 

Angeles ha attirato l’interesse di 

produttori e registi e se il progetto 

su Tupac Shakur, assassinato nel 

1997, non vedrà la luce, almeno 

per il momento – “le persone 

coinvolte non sono veramente 

rispettose delle eredità di Tupac”, 

ha dichiarato il regista John Singleton 

rinunciando al progetto – a 

breve (dopo il clamoroso esordio 

al box office americano) uscirà 

nelle nostre sale Straight Outta 

Compton, il film di F. Gary Gray 

su ascesa e declino dei Niggers 

With Attitude, storico collettivo 

gangsta rap in cui hanno militato 

tre dei padri del genere: Dr. Dre, 

Ice Cube e Eazy-E. Concludiamo 

questa carrellata con il progetto 

forse più ambizioso: America 

Epic, un documentario in tre 

parti accompagnato da un lungometraggio 

intitolato The American 

Epic Sessions, prodotto 

da Jack White, T. Bone Burnett e 

Robert Redford. Nelle intenzioni 

il documentario dovrebbe raccontare 

la nascita della musica 

moderna in America ed è quindi 

ambientato negli anni ’20, nei 

primi anni in cui i talent scout 

delle case discografiche giravano 

per il paese alla ricerca di nuovi 

suoni. Stiamo parlando dei primi 

vagiti del blues, del country, del 

gospel e via dicendo… 

Rocco Mancinelli 


CUT ‘N’ MIX 

E CHISSENE FREGA 

Posso sopravvivere senza...Il tremila? 

Oltre 16.000 e-mail non lette testimoniano o l’una o l’altra: una 

grande pigrizia del destinatario o il ridondante uso dello strumento… 

Propendo per la seconda ipotesi, inclusi gli orrendi fenomeni 

di spam per i quali a volte su dieci e-mail se ne possono cestinare… 

dieci. Vanno bene poi le ripetute istanze di “Enlarge Your Penis” (in 

fondo, quale maschio non desidererebbe poter vantare un orgoglioso 

Walter? – definizione di Luciana Littizzetto) ma come porsi su “Come 

eliminare i tuoi peli”, in netto contrasto con il precedente e, onestamente, 

in posizione assai defilata nella personalissima classifica di 

“E chi se ne frega” che qui inauguriamo. 

2) Quasi una vittima sacrificale: 

apprendiamo che Albano 

Carrisi compare nell’ultimo disco 

di Alan, Viaggio in Italia. 

A parte l’inquietante quesito 

(ma chi c..zo è Alan?), ve l’immaginate 

un brano che “È un 

vero e proprio inno sulla fratellanza” 

e nel cui videoclip “Tra 

boschi, vigneti e uliveti Alan e 

Al Bano ci raccontano, in musica, 

il vero valore dell’amicizia” 

(le frasi in corsivo sono da 

comunicato stampa)? Quando 

la fantasia… ecc. ecc. 

1) Il primo posto spetta invece a 

un triplo “E chi se ne frega” destinato 

all’evento sapientemente 

cesellato nel comunicato stampa 

qui riportato per sommi capi: “La 

duchessa Samantha De Grenet si 

è sposata con abito disegnato su 

di lei da XXX… Quasi un matrimonio 

da Guinness dei primati: 

la De Grenet ha risposato dopo 

dieci anni lo stesso uomo, il manager 

Luca Barbato, con un abito 

della stessa stilista”. Chissenefrega 

che si sposa, che è una duchessa 

(ma dai?) e che si risposa; o no? 

3) O anche: ma che v’anno fucilato 

le recchie? Apprendo con esagerato 

stupore che a distanza di quasi 

vent’anni il record dei Los del Rio 

e della loro Macarena è stato infranto 

da Enrique Iglesias che con 

la sua Bailando è riuscito a entrare 

nella Top10 dei brani più programmati 

dalle radio Americane con una 

canzone in lingua spagnola. 

Ce n’è quanto basta... 

LIBRI 

Alberto Basso 

JOHANN SEBASTIAN BACH. 

MANUALE DI NAVIGAZIONE. 

Aragno Editore 

1.495 pp. – 95 euro 

Dieci anni fa ci sorprese l’uscita in libreria di una 

fondamentale ricerca mozartiana firmata da Rudolph 

Angermuller, a capo del Mozarteum di Salisburgo, 

dal titolo Mozart. 1485/86 bis 2003, 990 pagine divise in due tomi, 

che recava come sottotitolo “Date (e dati, ndr.) riguardanti la vita, le opere, e 

la storia della loro ricezione, dei Mozart”. Sì dell’intera famiglia una sorta di 

grande albero, secolare, con tanti rami, del quale il frutto più prelibato è 

stato senza dubbio Wolfgang, e che affondava le sue radici nella seconda 

metà del Quattrocento, quando per la prima volta compare un Mozart, 

notato nella grafia antica “Motzhart, Andris”, e siamo nel 1485/6. Da 

quella data, nei due preziosissimi tomi, si trova annotato ogni particolare 

riguardante vita e opere dei Mozart. E, man mano che ci si avvicina a 

noi, quasi di ogni giorno abbiamo notizia di fatti e persone della grande 

famiglia. Insomma tutto quello che avreste voluto sapere su Mozart e la 

sua famiglia e non è possibile trovare in nessun altro libro che questo. 

Da quel momento in avanti e fino al 2003 – il libro uscì l’anno seguente, alla 

vigilia del duecentocinquantesimo anniversario della nascita del “divino” 

Wolfgang, che cadeva nel 2006 portandosi dietro l’inevitabile carrozzone 

ben retribuito delle celebrazioni – nessun particolare riguardante i Mozart, 

soprattutto Wolfgang, risulta ora più sconosciuto agli studiosi. 

Potete perciò immaginare la nostra gioia quando poco tempo fa abbiamo 

letto di un’analoga impresa (in tre copiosi tomi) uscita in Italia (i volumi 

su Mozart, in tedesco, furono pubblicati da Hans Schneider-Tutzing) 

presso l’editore Aragno, a firma Alberto Basso: Johann Sebastian Bach. 

Manuale di navigazione. 

Alberto Basso è uno studioso di vaglia di Johann Sebastian Bach e già 

alla vigilia del 1985 – proclamato “Anno Europeo della Musica”, per la 

concomitante nascita, nel 1685, di Bach, Haendel e Domenico Scarlatti 

– terzo centenario della nascita del grande musicista, pubblicò presso 

l’editore Edt di Torino i due volumi intitolati Frau Musika. La vita e le 

opere di J.S.Bach (972 pagine). In quei due volumi va cercato il seme di 

questa sua recentissima fatica nella quale – come si legge nel risvolto di 

copertina – Alberto Basso, “sotto la forma di un dizionario atipico, riprende, 

aggiornandolo e integrandolo, l’incandescente materiale di composizioni, 

persone, luoghi, ambienti, situazioni, eventi e altro ancora che fanno del 

sommo musicista di Eisenach il supremo rappresentante dell’ars musica”. 

Diversamente dalla ricerca mozartiana di Angermuller prevale in Basso 

l’aspetto pratico. Lo sottolinea il sottotitolo, “manuale di navigazione” 

nell’universo bachiano, una sorta di bussola per non affondare mai e 

trovare sempre la giusta rotta per raggiungere ogni porto nel quale si 

vuole gettare l’ancora di una conoscenza più approfondita. A maggiore 

sottolineatura di tale intento pratico della sua ricerca bachiana, Basso 

l’articola secondo i gradi e le divisioni della “retorica” antica, che è l’arte 

della conoscenza. Una prima parte, che rappresenta l’exordium classico, 

presenta una cronologia sommaria della vita di Bach e della sua famiglia; 

la seconda, narratio, si articola su duemila voci circa, in forma di dizionario, 

o enciclopedia se si preferisce, ciascuna delle quali ragguaglia su singole 


composizioni o personalità dell’universo 

bachiano; la terza e ultima, 

egressus, non è che una miniera 

ricchissima di appendici, ben undici, 

consistenti in tabelle o elenchi, 

che terminano con l’indice dei 

nomi, compresi quelli relativi alla 

bibliografia, proprio come si trova 

anche nei due volumi di Angermuller, 

dove il nome del curatore, 

come autore di saggi, ricorre per 

pagine e pagine. 

Pietro Acquafredda 

Enrico Trentin 

STORIE TESE ILLUSTRATE 3: 

2003-2011 

Shockdom 

368 pp. – 15 euro 

Nel terzo volume 

della 

biografia illustrata 

di Elio 

e le Storie 

Tese realizzato 

dal fumettista 

Enrico 

Trentin 

vengono descritti 

quelli che l’autore definisce 

“gli anni dell’indipendenza 

discografica della band”, ovvero 

il periodo di enorme prolificità 

del gruppo che ha realizzato 

oltre 170 istant CD nell’arco di 

5 anni. Si tratta del periodo di 

definitiva consacrazione della 

band la cui storia viene narrata 

attraverso ogni tipo di documento: 

le schede delle canzoni 

edite e inedite, le scalette dei 

concerti, una video-discografia 

particolarmente ricca... Tutto 

quel che accade, insomma, 

dall’album Cicciput all’annuncio 

dell’inizio della lavorazione al futuro 

Album Biango con passaggi 

obbligati sulle reazioni alla presenza 

iconoclasta sanremese e 

la partecipazione a “Zelig Circus” 

e “Parla con Me”, che hanno contribuito 

al successo della band. 

Iltremila 

Se la musica è 

assolutamente 

trasversale 

Discutendo con il direttore dei 

contenuti di questo numero di 

SUONO, con particolare riferimento 

al servizio sulle nuove 

forme di consumo della musica, 

mi è tornata in mente una ricerca 

di mercato effettuata lo scorso 

anno da Coca Cola in occasione del 

lancio della campagna #dilloconunacanzone, 

che ha messo titoli e 

frasi di canzoni italiane e straniere 

sulle etichette delle bottiglie della 

nota bevanda. 

Perché “riesumare” un’inchiesta in 

parte già vecchia? In parte perché, 

nonostante un anno rappresenti 

un’era nel perenne divenire delle 

nuove forme di consumo musicale 

(è bastato poco per passare 

dal download allo streaming!), le 

considerazioni su quel report sono 

ancora valide; in parte perché le 

inchieste di questo tipo di solito 

abbracciano il mondo ma da quel 

mondo sembra essere “esentato” 

proprio il nostro Paese, sulle cui 

tendenze permane quasi sempre 

un alone di mancata definizione 

che rende difficile ogni 

valutazione… 

Ma che universo disegna l’indagine 

realizzata su di un campione 

di 600 intervistati tra i 13 e i 

35 anni? Per il 48,3% degli intervistati 

la musica è “svago”, segue 

chi la definisce “comunicazione” 

(23,3%), “cultura” (19,8%) e, fanalino 

di coda, “suono” (8,5%); 

i valori relazionali e ludici attribuiti 

alla musica prevalgono, 

quindi, su quelli funzionali. Per 

l’ampia maggioranza degli intervistati, 

infatti, l’esperienza musicale 

è un “fatto sociale”: ben il 

75% del campione parla sempre 

o spesso di musica con gli amici 

e lo fa più per empatia che per 

saccenza: per l’89% dei giovani 

parlare di musica è un modo per 

esprimere le proprie emozioni 

(affermazione largamente condivisa 

dalle ragazze, per il 93,8%), 

mentre per l’81% parlare di musica 

con altre persone è un modo 

per conoscerle meglio. Ben il 47% 

degli intervistati ascolta la musica 

senza far nient’altro. Sono 

più spesso le ragazze ad abbandonarsi 

all’“ascolto dedicato” rispetto 

ai maschi (49,9% vs. 44%). 

I giovanissimi sono, invece, più 

multitasking: solo il 36% dedica 

alla musica un ascolto esclusivo 

contro il 57,1% dei venticinque/ 

ventinovenni e il 53,7% dei trenta/ 

trentacinquenni. 

Il mezzo più utilizzato per ascoltare 

la musica, infine, è YouTube 

(75,5%), seguito a stretto giro dalla 

radio (72,7%, con un ascolto che si 

assesta all’82,3% da parte dei trenta/trentacinquenni 

e al 59% dei 

HYDE PARK 

CORNER 

tredici/diciannovenni) e dai file 

archiviati sul computer (71,5%). 

Più distaccati i CD (52,7%, utilizzati 

soprattutto dalle ragazze e dai 

trenta/trentacinquenni) e i “servizi 

dedicati” come Deezer e Spotify 

(44,3%), il cui uso si è sviluppato 

solo ultimamente… 

L’indagine, insomma, delinea un 

universo assai differente da quello 

di anche solo dieci anni fa ma indubbiamente 

ribadisce l’importanza 

dell’ascolto musicale all’interno 

del percorso sociale delle persone, 

in particolare dei giovani. Un buon 

punto dal quale ripartire? 

Iltremila 


CUT ‘N’ MIX 

PILLOLE DA 3000 MCG di Iltremila 

Da un altro punto di vista 

Su Spotify ha debuttato Artune, 

“la prima audioguida emozionale al 

mondo” che sceglie un capolavoro 

dell’arte e coinvolge grandi artisti, 

ognuno dei quali realizza una playlist 

di cinque brani ispirandosi alla 

visione del quadro, con un breve 

commento in voce che ne accompagni 

l’ascolto e la integri. Fiorella 

Mannoia, Gianni Morandi, Niccolò Fabi, Caparezza, Frankie hi-nrg mc, 

Giuliano Sangiorgi, Francesco Renga, Elio, Franz di Cioccio e la Banda 

Osiris hanno così creato la loro personale playlist ispirata alla visione del 

quadro L’Ortolano di Arcimboldo. 

Vendemmia in musica 

Martedì 13 ottobre, alle ore 21.00, presso il casone nella tenuta Mazzolada 

(Portogruaro - VE), va in scena una particolare vendemmia: la raccolta 

delle uve viene abbinata a una serie di brani musicali, cinque etichette 

per cinque diverse musiche. Sarà possibile assaggiare il mosto nuovo in 

un tripudio musicale tra note dello spartito e l’armonia che si effonde 

dal bicchiere. 

info@mazzolada.it 

La musica… è in video! 

“La musica che passa attraverso le immagini è sicuramente il futuro perché 

punta a offrire la visibilità sui social network e su YouTube, che si sta profilando 

sempre più come il presente e il futuro della circuitazione della musica”. 

Così il Direttore artistico del “Biella Festival Autori e Cantautori”, Giorgio 

Pezzana: il 24 ottobre, al Teatro Sociale Villani di Biella, sono attesi i dodici 

finalisti della manifestazione che giunge quest’anno alla sua diciassettesima 

edizione. Al vincitore andrà la realizzazione del videoclip del suo 

brano e la relativa promozione stampa. 

Festival di frontiera 

Apre con un concerto degli Oregon 

(25 ottobre – Teatro Due, ore 

18.00) la Ventesima edizione del 

ParmaJazz Frontiere Festival. Fra gli 

artisti in programma Mark Turner 

con il suo quartetto (4 novembre) 

e Django Bates (11 novembre). 

www.parmafrontiere.it 

Tra sacro e “profano” 

Diciottesima edizione per il Padova 

Jazz Festival (dal 9 al 15 novembre) 

con un programma che ospita big 

della più consolidata tradizione 

jazzistica (come Kurt Elling) ma 

che punta anche sull’originalità, 

con artisti che vanno dai Bad Plus 

al Groove Lab di Ameen Saleem. Il 

Teatro Verdi ospiterà le tre serate 

finali del festival ma molti spunti 

Non c’entra niente ma… 

Se non ne avete mai assaggiato 

uno… non siete mai stati bambini! 

L’Azienda Biscotti P. Gentilini festeggia 

i suoi 125 anni di vita. Tutto 

cominciò in un piccolo laboratorio 

artigianale dove Pietro Gentilini 

creò gli Osvego, i Novellini, le Margherite, 

i Brasil, i Vittorio… 

Ora le vicende della famiglia che 

è entrata nella case degli italiani 

vengono raccontate in un libro... 

sonori verranno anche dall’Hotel 

Plaza, che per tutta la settimana 

del festival si trasformerà in un jazz 

club (due concerti quotidiani, uno 

nel tardo pomeriggio e uno serale) 

dove transiteranno artisti legati 

soprattutto alla scena mainstream. 

www.padovajazz.com 

Questo invece c’entra 

A Ravenna, fino al 18 dicembre, 

torna “I venerdì in Jazz”, la rassegna 

musicale del Mariani, all’Osteria 

Passatelli di Ravenna. Le serate 

inizieranno con l’aperitivo in jazz 

proposto dai presidi Slow Food 

del territorio, proseguiranno con 

la cena al Passatelli con piatti della 

tradizione (menù alla carta) per 

scaldarsi, nel dopocena, con la 

grande musica jazz. 

Questo così così... 

Cremona è di nuovo pronta, dal 21 

al 29 novembre, ad accogliere tonnellate 

di torroni di tutti i tipi, forme 

e sapori, provenienti da tutte le parti 

d’Italia, per uno degli eventi gastronomici 

più attesi e amati dell’intero 

territorio italiano. Sgranocchiare si, 

ma non solo: ci sarà infatti anche 

spazio per concerti e spettacoli musicali con la Brianza Parade Band, un 

collettivo di quasi quaranta elementi che, armati di trombe, tamburi, flauti e 

altri strumenti, attraverserà le vie di Cremona suonando un repertorio di brani 

presi in prestito dal rock moderno e dal pop internazionale. 

Apoteosi tango 

Dal 25 dicembre al 3 gennaio 2016 si 

terrà all’Aldobaraldo, storico tempio 

della danza, la quattordicesima edizione 

di Torino Anima Tango: musica 

live, aperitivi e tanta sensualità! 


Clavimania 

Uno strumento unico 

(uno dei pochi claviorgani al mondo) 

Un ensemble unico 

(Massimiliano Muzzi of Strichen & 

Orchestra da camera del Maggio Musicale Fiorentino) 

Un programma unico 

(per la prima volta i brani per claviorgano eseguiti con un claviorgano e registrati) 

Un’occasione unica 

(Villa Rondinelli a Fiesole) 

Una registrazione allo stato dell’arte 

(realizzato in DXD con la supervisione di SUONO) 

SUONOrecords 

Per info: http://www.suono.it/E-Shop/SUONOrecords/Claviorganum-n-SR012

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Casella postale 18340 - Roma Bravetta 

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Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 

Direttore editoriale 


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Hanno collaborato 

Pietro Acquafredda, Agostino Bistarelli, Francesco Bonerba, Daniele Camerlengo, Stefano Dentice, 

Carlo D’Ottavi, Pier Paolo Ferrari, Rocco Mancinelli, Paolo Perilli, Bruno Re. 

Abbonamenti: annuale Italia € 60,00 (all inclusive). 

Pagamenti: c/c postale n. 62394648 o bonifico (IBAN: IT04W0760103200000062394648) 

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scritta dell’Editore. 

La testata fruisce dei contributi statali diretti di cui alla legge 7 agosto 1990/n. 250. 

Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di novembre 2015. 

INDICE INSERZIONISTI 

Aldinet 31 Il Centro Della Musica 93 

Audio Graffiti 113 Mpi - McIntosh 21 

Audiogamma - Pro-Ject 37 Mpi - Thorens 45 

Audiogamma - Musical Fidelity 47 

Mpi - Monitor Audio 85 

Audiogamma - CH Precision 67 

Mpi - Sonus Faber 

IV Cop. 

Audiogamma - Esoteric II Cop., 3 

Soundissimo 5 

Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 76, 121 

Tecnofuturo 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 53 

Gammalta Group - Pmc 99 

Gammalta Group 6, 7 Troniteck Distribuzione 109 

High Fidelity Italia - Roksan 83 Vizeum - Technics 49 

High Fidelity Italia - Accuphase 

III Cop. Yamaha Music Europe Gmbh - Branch Italy 41

SUONO n° 501

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