SUONO n° 504

N. XXX
Editoriale
di Paolo Corciulo
Segnali di fumo dal
Consumer Technology
Show
Qualcosa dovrà pur significare la decisione da parte della CEA
(Consumer Electronics Association) di cambiare nome… La CEA,
per i non addetti ai lavori, è la potente associazione americana che,
tra le altre cose, organizza il CES; da qualche mese si chiama CTA
(Consumer Technology Association). A rigor di logica lo stesso CES
(Consumer Electronics Show) dovrebbe mutare la sua definizione
in CTS (Consumer Technology Show), sebbene cambiare nome
sarebbe impopolare e ogni esperto di marketing lo sconsiglierebbe.
La più grande manifestazione al mondo, fin dal 1967 dedicata
all’elettronica di consumo, ha da tempo mutato pelle e sempre
più lo sta facendo, come certificato dalla recente edizione 2016, a
tutti gli effetti un evento che funge da spartiacque con il passato;
l’enorme impatto delle tecnologie a tutto tondo per la casa e il benessere
personale
e di quelle, segnatamente
con valenza
ecologiche,
relative all’automobile,
hanno
ridisegnato i
contorni di una
manifestazione
che ricordo un
tempo totalmente
dedicata all’audio
prima e all’audio
video poi.
Già nel 2003, con
la chiusura del
Comdex (manifestazione
professionale
dedicata
all’informatica),
che segnava l’inizio
della progressiva commistione tra informatica e elettronica
in ambito domestico, le capaci superfici del Convention Center
di Las Vegas avevano aperto le porte ad “altri generi” dall’alta
fedeltà, secondo un progressivo percorso condiviso anche dall’altra
manifestazione monstre, l’IFA di Berlino. In entrambi i casi l’Hi-Fi
era diventata prima marginale, poi “sopportata” nei piani degli
organizzatori; verso la fine del primo decennio del nuovo secolo
la manifestazione americana ha tentato un recupero del settore
con la sezione “speciality audio”, circoscritta (confinata?) nelle
camere d’albergo a cui sembra tanto abituata del Venetian Hotel.
Un tentativo, un esperimento di far convivere interessi che procedono
a velocità distanti l’una dall’altra, come raccontato negli
anni da questa rivista, l’unica a non inebriarsi oltre misura di
quella che, in effetti, è stata un’opportunità (ricollegarsi all’ampio
tessuto connettivo costituito da una base potenziale molto ampia)
andata perduta. Anno dopo anno lo “speciality audio” è diventato
sempre più marginale fino al paradosso, nell’edizione 2016 del
CES, di non venire nemmeno citato tra le opportunità offerte a
chi affronta la fiera! Nonostante questo (o proprio per questo!) il
CES 2016 alcune indicazioni le ha fornite anche in questo settore:
innanzi tutto la conferma decisiva (degli elementi che la caratterizzano
parleremo nel prossimo numero di SUONO dedicato all’analogico)
che il
vinile non solo
è ancora vivo e
vegeto ma sta
tornando a essere
sempre più
un’opportunità
commerciale.
In secondo luogo
la rinascita
del coordinato
(o meglio dire:
sistema) di cui
parliamo nelle
pagine successive
di questo
numero: se,
come in passato,
la riproposizione
di questa
categoria di
prodotti coincide con un rilancio dell’ascolto della musica riprodotta,
forse possiamo guardare al futuro con una vena di ottimismo…
In terzo luogo, ma strettamente legato agli elementi che
ridefiniscono i coordinati, il frutto più importante delle decisioni
strategiche del CES: le aziende Hi-end si sono definitivamente
poste il problema di come abbassare il target e raggiungere la
montante marea di nuovi consumatori di musica che seguono
procedure e modalità lontane da quelle proposte in passato.
Di certo sarà un anno interessante...
SUONO febbraio 2016 3

Sommario
n. xxx
editoriale di Paolo Corciulo .............................................................3
CIAO DUCA di Guido Bellachioma e Paolo Carnelli ............................................6
L’UOMO CHE CADDE SULLA TERRA di Antonio Gaudino .....................................8
ANTENNA ..............................................................................12
inside dentro la musica
N. 504
FEBBRAIO 2016
LA PERDITA DELL’INNOCENZA L’evoluzione del concetto di Hi-end di Paolo Corciulo ...........20
CIARE L’ultima dei Mohicani di Paolo Corciulo e Fabio Masia ..................................28
UN MAESTRO “TUTTO A MANO” Ezio Bosso di Daniele Camerlengo ..........................32
il claviorgano al centro del villaggio di AAVV ..................................32
SULLE CORDE DI SHAWN Shawn Phillips di Franco Vassia ...................................36
UNIVERSI PARALLELI Arti & Mestieri di Danilo Sala ........................................40
AND THE OSCAR GOES TO... Morricone & Tarantino di Francesco Bonerba ....................44
selector tutto il meglio in arrivo sul mercato
LA MADRE DI TUTTE LE BATTAGLIE? di Paolo Corciulo ....................................48
SPECIALE COORDINATI
Samsung R6 a cura della redazione .......................................................54
Marshall Stanmore a cura della redazione .................................................56
Cambridge Audio Air200 a cura della redazione ............................................56
Pioneer X-HM82 a cura della redazione ...................................................57
Onkyo CS-N765 a cura della redazione ....................................................57
Bluesound Pulse 2 a cura della redazione ..................................................58
Naim Audio Mu-so Qb a cura della redazione ..............................................58
Geneva Lab AeroSphere Large a cura della redazione ........................................59
JBL Authentics L 16 a cura della redazione ................................................59
Arcam Solo Bar a cura della redazione ....................................................60
McIntosh RS100 a cura della redazione ...................................................60
Devialet Phantom a cura della redazione ..................................................61
Bang & Olufsen BeoSound 35 a cura della redazione ........................................61
STREAMING PLAYER Aria Aria a cura della redazione .......................................62
AMPLIFICATORE INTEGRATO Accuphase E 370 a cura della redazione ........................66
AMPLIFICATORE INTEGRATO Yamaha A-S1100 a cura della redazione ........................72
MINI DIFFUSORI ALLA PROVA DEL TEMPO di Emilio Paolo Forte ...........................78
DIFFUSORI Elac Debut B5 by Andrew Jones a cura della redazione .............................82
DIFFUSORI Russel K. Red 100 a cura della redazione .........................................86
AMATO MIO LP a cura di Carlo D’Ottavi ....................................................90
SECONDO NOI LA CLASSICA a cura di Pietro Acquafredda e Bruno Re ........................92
UN BAULE E IL SUO QUARTETTO a cura di Tito Gray de Cristoforis ..........................96
ESPERIENZE IN jazz a cura di Daniele Camerlengo ........................................98
OLTRE IL ROCK a cura di Guido Bellachioma ...............................................102
SOTTO LA COVER, LE STORIE di Francesco Bonerba ......................................104
SPECIALE RECENSIONI a cura di Guido Bellachioma, Daniele Camerlengo e Carlo D’Ottavi .....106
cut ‘n’ mix Concerti | Cinema | Libri | Società | Arte ........................116

n. xxx
Ciao Duca
Arrivederci,
eterno ragazzo delle stelle
Hello Spaceboy
You’re sleepy now
Your silhouette is so stationary
You’re released but your custody calls
And I want to be free
Don’t you want to be free
Do you like girls or boys
It’s confusing these days
But Moondust will cover you
Cover you
(David Bowie – Hallo Spaceboy, 1996)
Ricordare Bowie non è facile, né umanamente né artisticamente:
troppo zigzagante nelle sue rotte esplorative,
troppo volutamente contorto o spiazzante nelle provocazioni,
quasi sempre evidenti. Tali atteggiamenti spesso trovavano
terreno fertile nella poca predisposizione all’apertura mentale
della critica musicale, non solo
italiana, anche se pure dalle
nostre parti ne hanno
scritte di cotte e di
crude: è nazista,
non è nazista,
è glam, no
è soul, no è
post elettronico
e pre junglepop,
post e
pre allo stesso
tempo. Ma la
morte, si sa, monda
ogni peccato e
per qualche giorno abbiamo
assistito alla corte
dei miracoli nelle TV,
radio, quotidiani: chiunque
poteva dire quanto
fosse addolorato dalla
sua scomparsa,
quanto il
mondo avesse perso con la sua scomparsa, magari gli stessi che
negli anni ’70 stroncavano ogni suo disco, prima che questa
diventasse operazione sacrilega. Dato che della sua malattia
nessuno era al corrente, almeno tra i media, alcuni giovani eredi
dei “giornalisti” italiani dei ’70 si erano divertiti a sottolineare
radiofonicamente la pomposità arrogante di Blackstar. Dopodiché
è stato impossibile per i media tradizionali o per chi è legato
all’audience fare discorsi minimamente critici sull’artista inglese:
chi ha avuto ha avuto, chi ha dato ha dato, “scurdámmoce ‘oppassato,
simmo ‘e Napule paisá!”. Napoli, ovviamente, è citata solo
per la frase presa in prestito dalla celebre canzone partenopea
del 1944. Strano paese il Mondo. Oggi sono tutti orfani di Bowie,
anche quelli che non ne ascoltavano un brano da decenni e che,
magari, non si sarebbero accorti dell’uscita del suo “ultimo” album
se non fosse stato per l’eco mediatica di proporzioni galattiche.
Bowie ha sempre lottato contro questi luoghi comuni, compreso
quello della morte che deve avvenire in un certo modo, sempre
prevedibile: anche in questo caso ha smentito tutti con Blackstar,
di cui nessuno può negare la forza dirompente, ribadita dalla
scelta “bowiana” di pubblicarlo tra un compleanno, il 69esimo,
e la morte… artista fino in fondo, poco importa che fosse Ziggy
Stardust, il decadente uomo elettrico della trilogia berlinese o
il Lazarus dell’oggi/ieri. Musicalmente parlando Bowie ha rappresentato
e ancora rappresenterà moltissimo per diverse scene
musicali talvolta apertamente in contrasto tra loro. Le mille
stagioni che ha attraversato, nella logica matematica delle cose,
ci hanno affascinato, rapito, commosso o lasciato perplessi…
mai indifferenti. Per lui sarebbe stata la peggiore delle offese…
Eppure tra le tutte le sue canzoni (sparse tra dischi solisti, collaborazioni,
Tin Machine, colonne sonore), alcune consumate fino
a non poterne più (vedi alcune parti “berlinesi”), quella che mi
“arriva” forte in testa quando penso a lui è composta da pochi
accordi, molto Stones e dall’approccio rock minimale: Rebel Rebel
da Diamond Dogs del 1974, dove la sua chitarra elettrica e la sua
voce hanno urgenza espressiva, senza concessioni a sperimentazioni
varie. Eppure, c’era già tutto!
Guido Bellachioma
Il Camaleonte ha cambiato pelle (forse) per l’ultima volta.
Quel soprannome, uno dei tanti, Bowie se l’era guadagnato
per la sua capacità di adattarsi velocemente al contesto
musicale in cui viveva. In realtà l’artista inglese non si è mai
limitato a rincorrere le mode. È stato lui, quasi sempre, a fare
tendenza, gettando ogni volta stili e sonorità come colori su una
tela nuova di zecca. Il giorno in cui si presentò negli uffici
della Mercury Records, ad esempio, con una semplice
chitarra acustica e uno stilofono, per far ascoltare al
6 SUONO febbraio 2016

n. xxx
produttore John Anthony l’abbozzo di una
canzone intitolata… Space Oddity!!! Era il
giugno del 1969. Da quel momento Bowie
ha pubblicato venticinque album (oltre al
debut del 1967) e venduto circa 140 milioni
di dischi. Ha abbracciato il folk, il rock,
il pop, la new wave, l’hard rock, il funk,
il jungle. Ha sperimentato fino alla fine,
regalandosi (e regalandoci) a 69 anni, per
il suo ultimo compleanno, un album straordinariamente
inventivo e anticonformista
come Blackstar, destinato ancora una
volta a segnare la rotta per le generazioni
a venire. “Sono curioso di vedere stavolta
chi sarà il primo a imitarlo” ha dichiarato
al mensile “Rolling Stone” il produttore
Tony Visconti, commentando la strana
miscela di jazz e hip hop che caratterizza
l’ultimo lavoro di Bowie. “L’idea era quella
di buttarci dentro un po’ di tutto, senza
limitazioni. L’importante era provare ad
andare oltre al rock ‘n’ roll”. Andare oltre,
appunto. Una costante nella produzione
dell’artista inglese che ha probabilmente
avuto il suo picco nelle atmosfere oscure
e post moderne del concept album Outside
(1996). Un disco senza tempo, perpendicolarmente
sospeso sulla metà degli anni
Novanta ma intriso di almeno trent’anni
di musica, compresa gran parte di quella
che sarebbe venuta dopo. “È indubbio che
Bowie abbia insegnato a molte persone
come vivere. Ma è altrettanto vero che
ora ci ha insegnato anche come morire” ha
dichiarato il chitarrista John Ellis. Il visionario
videoclip di Blackstar ne è stata una
dimostrazione lampante. Pur martoriato
dalla lunga malattia, David Bowie ha voluto
restare aggrappato fino all’ultimo alla sua
vocazione artistica, non accontentandosi
di uscire di scena in punta di piedi. Ora il
significato di quelle immagini è più chiaro,
quasi fossero, più che un testamento,
un rituale propedeutico all’ultimo viaggio
verso l’infinito. Dietro di lui rimane la scia
delle radio impazzite che dalla mattina del
10 gennaio hanno ripreso a suonare tutte le
sue hit. Qualcuno si è svegliato pensando
a un tardivo omaggio per il suo compleanno,
festeggiato due giorni prima (Bowie è
nato l’8 gennaio del 1947). In realtà era
la colonna sonora per l’ultimo decollo del
Maggiore Tom.
Paolo Carnelli
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CA
SI
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n. xxx
Ciao Duca
L’uomo che cadde sulla terra
di Antonio Gaudino
Cantante pop, rocker glam, cantante soul,
innovatore dell’elettronica, rockstar...
Giovane fenomenale sospeso tra i generi,
attore, caratterista, icona della moda...
David Bowie è stato tutte queste cose e la sua grande influenza
nella musica è quasi troppo vasta da poterla considerare
nel dettaglio. Da Madonna a Nine Inch Nails, dai Depeche
Mode a Lady Gaga, dai Blur a Marilyn Manson fino a The Arcade
Fire, molti dei principali artisti di ieri e di oggi devono molto all’uomo
che ha messo il make-up e cantato viaggi nello spazio. Troppo
per tentarne una sintesi, persino per azzardare quel che in futuro
sopravvivrà del suo lavoro, arricchito dall’ultimo capitolo costituito
da quel triste ritorno che è Blackstar, 25° album ufficiale di Bowie
(vedi in altra parte della rivista). Più che abbastanza per arrischiare
un sguardo alla sua opera e stilare una top 24 delle sue canzoni,
sparse nella ricca discografia: la venticinquesima la lasciamo a voi, al
vostro personalissimo giudizio, a comporre una playlist che, una volta
ascoltata, rivela – se ve ne fosse bisogno – la grandezza dell’artista...
24. Modern Love (da Let’s Dance)
Per molti la frase “Bowie nell’era Let’s Dance” ha le stesse connotazioni
di “Dylan Goes Christian”, che è un modo per dire che ci vi
attendono grandi sorprese se siete disposti a guardare oltre certi
pregiudizi stabiliti. Al primo ascolto Modern Love ha un suono un po’
trash anni ’80: synth, coristi, un sax piazzato su poche note, è tutto
lì. In effetti, sentendo le prime note si potrebbe incorrere nell’errore
di scambiarlo per l’apertura di Footloose. Il carisma di Bowie e il
suo senso di esperto autore del pop trasformano però il brano in
una travolgente “head bop-inducing” a cui è impossibile resistere.
Twiggy e David Bowie nella foto originale scelta per la cover di Pin Ups
23. Bring Me the Head of the Disco King (da Reality)
Contrariamente a quanto spesso si pensa, Bowie ha pubblicato prodotti
di qualità verso la seconda metà della sua carriera. Questo è evidente
soprattutto in Bring Me the Head of the Disco King, la traccia finale
del suo ultimo (o così credevamo) album, Reality. Suona come una
registrazione fatta in qualche oscuro jazz bar e nella canzone Bowie
riflette sulla sua carriera. Non è un ascolto felice. Piuttosto, è una canzone
piena di rammarico e tristezza. Non c’è da meravigliarsi se la gente
pensasse che Bowie avesse chiuso per sempre con la musica. Anche se
il contorto, sinuoso e farneticante brano di sette minuti e più potrebbe
rivelarsi un po’ faticoso per alcuni, è il tipo di canzone che se colpisce
al momento giusto può perseguitarti per molto tempo dopo la sua fine.
22. Cat People (Putting Out the Fire) (da Let’s Dance)
Cat People è stata originariamente composta per il regista / scrittore
Paul Schrader per il remake, fondamentalmente mal concepito, del
classico horror Cat People (1982). Proprio come il film la canzone è
stata presto dimenticata. Ci voleva un esperto di revival come Quentin
Tarantino per riconoscere la grandezza di questo brano e inserirlo in
una sequenza fondamentale nel suo film Bastardi senza gloria (2009).
21. I’m Afraid of Americans (da Earthlings)
Ogni volta che si utilizza il modello di collaborazione “il vecchio
che incontra il nuovo” è possibile che il successo sia quello di un
“crapshoot”, ovvero un lancio di dadi preciso. In questo caso il lancio
è stato perfetto. Qualunque siano le vostre sensazioni per quanto
riguarda Trent Reznor come cantautore, si deve ammirare l’abilità
della sua produzione industriale. Certo, il versatile Bowie si inserisce
nel panorama musicale di Reznor come un guanto comodo, sia chiaro.
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n. xxx
20. Starman (da The Rise and Fall of Ziggy Stardust)
Uno dei punti focali del Ziggy Stardust concept album è certamente
Starman, che ha alcuni richiami a Hunky Dory, dato soprattutto dal
suo salto di ottava durante il travolgente ritornello della canzone.
Detto questo, dobbiamo dire che preferiamo ancora la versione di
Dewey Cox (si scherza, ovviamente).
19. Rebel Rebel (da Diamond Dogs)
Se mai dovessimo pensare a una canzone di Bowie perfetta come
colonna sonora di un evento sportivo, sarebbe questa. Ironica, dato
che i testi contengono soprattutto riferimenti a problematiche gender
come “You got your mother in a whirl / She’s not sure if you’re a
boy or a girl... ”. Spesso citato come l’elegia di Bowie ai suoi giorni
glam rock.
Uno scatto promozionale per il gruppo dei Kon-rads, nel 1963
18. Fashion (da Scary Monsters)
Mentre Mick Ronson è il chitarrista più spesso associato a Bowie,
Robert Fripp dei King Crimson qui, più che rivaleggiare per questa
eredità, ci offre qualche riff metallico intenso che aumenta l’influenza
reggae della canzone. Di assoluto valore.
17. Rock and Roll Suicide (da The Rise and Fall of Ziggy
Stardust)
Dimenticando per un istante i suoi numerosi ed elaborati costumi,
basterebbe questa canzone, il brano di chiusura di Rise and Fall of
Ziggy Stardust, a far intuire che Bowie era un uomo che godeva
della stravaganza e della teatralità. In meno di tre minuti il musicista
progredisce da un tranquillo “strimpellamento” di chitarra acustica a
un’ampollosa esplosione di corde della chitarra e di ottoni, fino alla
“distruzione” della chitarra. Notevole.
16. Ashes to Ashes (da Scary Monsters)
Cominciando con una linea di synth wonky che suona come un effetto
sonoro preso da un vecchio episodio di Doctor Who, Ashes to Ashes
rivisita il personaggio di Major Tom (da un altro brano di Bowie di
cui parleremo in seguito), mostrandolo come un drogato deperito.
Certamente una delle canzoni di Bowie che ha venduto meno e anche,
naturalmente, una delle suoi migliori.
foto: Roy Ainsworth
Bowie durante il periodo di Laughing Gnome nel 1968
15. TVC 15 (da Station to Station)
Più si ascolta la grandezza di Station to Station di Bowie (di ispirazione
Kraftwerk) e più si capisce quanto la tristezza possa diventare
penetrante fino ad annientare l’uomo stesso. Emotivamente depresso,
Bowie a quel tempo passa attraverso una nebbia di cocaina; ricorda
a malapena la registrazione e, a quanto sembra, fu ispirato da un’allucinazione
avuta da Iggy Pop. TVC 15 imbastisce la semplice storia
di una donna che viene risucchiata in un televisore, lasciando il suo
uomo alle spalle. I testi surreali contrastano in modo stridente con
l’intro honky-tonk del pianoforte. Ma, ripetiamo, che cos’è Bowie se
non fantastiche contraddizioni?
foto: Ray Stevenson
14. Suffragette City (da The Rise and Fall of Ziggy Stardust)
Wham bam thank you ma’am! Solo David Bowie può rendere
un suono sconsiderato e raffazzonato (veloce) così dannatamente
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n. xxx
Ciao Duca
Bowie con la moglie Angie e il figlio Zowie nel 1974
ascolto. Con i suoi strati di consistenza del suono e testi ultra criptici
manca volutamente dell’accessibilità pop di un Hunky Dory o Ziggy
Stardust. Detto questo, Sound and Vision è un brano ipnotico costruito
abilmente su strati di strumentazione. Quando Bowie trova
tempo per cantare realmente, sembra quasi non necessario. E, sul
serio, si poteva ascoltare quel riff di chitarra per tutto il giorno senza
stancarsi mai.
11. Queen Bitch (da Hunky Dory)
Scritto in onore dei Velvet Underground e Lou Reed, Queen Bitch
ha introdotto il genere trash anche grazie ai riff di chitarra di Mick
Ronson che hanno contribuito non poco a caratterizzare alcuni dei
migliori momenti glam-rock successivi di Bowie. Dura poco più di tre
minuti, giusto il tempo di timbrare il cartellino, ma il brano è forse
il più contagiosamente orecchiabile all’interno di un album pieno di
canzoni facilmente ascoltabili.
foto: Alamy
affascinante. Naturalmente questo scalfisce (graffia) solo la superficie
di un brano inesorabilmente orecchiabile, esplosione furiosa di
rock che suona come un numero di alta scuola e velocità del grande
Chuck Berry.
13. Changes (da Hunky Dory)
Il brano è primo singolo dell’album Hunky Dory. Ai tempi Bowie
riferì di aver scritto questa canzone come una parodia di canzoni
da discoteca. Considerando la natura camaleontica che la carriera
di Bowie avrebbe preso in seguito, passando con la sua personalità
musicale da un genere all’altro, frasi come “Changes are taking the
pace I’m going through” (I cambiamenti stanno prendendo il passo
che sto passando) rendono la canzone meno singolo pop e più simile
a un manifesto artistico. Inevitabile!
12. Sound and Vision (da Low)
Diciamolo chiaro: Low può essere un album eccezionale e uno dei
punti salienti della carriera di Bowie ma non è esattamente di facile
10. Golden Years (da Station to Station)
In una canzone caratterizzata principalmente da trame elettroniche
e techno di influenza mitteleuropea, Golden Years si offre come piacevole
stranezza nell’album. Spinto dal tipo di drumming funk/soul
che non sarebbe sembrato fuori luogo nell’album Young Americans,
la canzone imprime su Bowie il ruolo di cascamorto navigato ma
non ruffiano, con una base musicale elegante che, con un po’ di
brillante fantasia, avrebbe potuto far parte della colonna sonora
di Saturday Night.
9. Oh! You Pretty Things (da Hunky Dory)
Nonostante fosse stata originariamente pensata per essere il primo
singolo dell’album Hunky Dory, Bowie optò per Changes. Al tempo
sembrò essere la decisione giusta ma, a posteriori, non si può fare a
meno di pensare che questa magnifica canzone avrebbe meritato più
attenzione. Ancorato a qualche pianoforte “cabarettesco”, il brano
sale a un coro hooky di tale livello che probabilmente avrà fatto
ingelosire Paul McCartney.
8. The Jean Genie (da Aladdin Sane)
David Bowie ammirava molto i Rolling Stones. Per averne una prova
basta far girare sul piatto (o il lettore) questo brano. Guidato da un
riff di chitarra assassino e una grande armonica blues, questo brano
si pone come uno dei maggiori highlight dell’album Aladdin Sane.
David Bowie e Catherine Deneuve in The Hunger Photograph David Bowie con un libro di Buster Keaton, 1975
foto: Steve Schapiro
10 SUONO febbraio 2016

David Bowie
David Bowie fotografato da Anton Corbijn
7. The Man Who Sold the World (da The Man Who Sold
the World)
The Man Who Sold the World si pone come una delle canzoni più
raccapriccianti dell’opera di Bowie. Il fatto che i suoni vocali ricordino
il sibilo di serpente attraverso l’erba umida non migliora le cose.
Come molte canzoni di Bowie anche questa si è poi rivelata essere
uno standard molto popolare. La cover più famosa rimane senza
dubbio la versione inquietante e angosciata di Kurt Cobain a “MTV
Unplugged” dei Nirvana.
6. Ziggy Stardust (da The Rise and Fall of Ziggy Stardust)
Con uno dei fraseggi di chitarra più riconoscibili di Mick Ronson,
Ziggy Stardust / Bowie riassume la storia dell’album omonimo (e
The Man Who Fell to Earth, se siete così pronti). Alla fine, però, la
storia gioca un ruolo secondario per l’esuberanza pura che questa
traccia esprime.
5. Under Pressure (da Queen’s Hot Space)
Sì, possiamo dire che questa canzone sia tecnicamente in un album
dei Queen. E anche che è stata usata in innumerevoli trailer cinematografici
e televisivi. Hai necessità di rendere intensa l’ansia di
un personaggio dall’aspetto affascinante? Questa è la canzone per
te. In ultima analisi, tuttavia, ciò non toglie la linea di basso di John
Deacon o il modo in cui la voce di Freddie Mercury impenna o il
crooning sottostimato di Bowie. Brividi. Ci sono alcune canzoni che
meritavano di essere stra-cantate. Questa è una di esse.
4. Heroes (da Heroes)
Ogni volta che si discute la carriera di David Bowie la parola “camaleonte”
torna inevitabilmente in qualsiasi discorso e da qualsiasi
parte si inizi. Si, Bowie era davvero un maestro nel sapersi adattarsi
a tendenze e personalità di scena sempre diverse. Eppure una tale
caratterizzazione implica anche una freddezza, una disconnessione
non comune. Si connota in un’artista che mantiene emozioni e sentimenti
a cuore nudo a distanza. Tali sono le critiche spesso lanciate
a Bowie e ad artisti del suo stampo geniale. Poi c’è Heroes. Via la
teatralità. Via le regressioni musicali sovversive. Via qualsiasi senso di
ironia. Tutto quello che resta è un uomo che canta consapevolmente
sulle splendide, ipnotiche onde di rumori elettronici ondulanti che lo
circondano. Bowie scrisse originariamente la canzone dopo aver visto
una coppia di amanti incontrarsi sotto il muro di Berlino; incuriosito,
immaginò e ricostruì la loro storia, come spesso fa nei suoi migliori
brani. Si comincia con il sussurrato, il tubare, con il narratore che
implora la sua compagna di essere la sua regina. Circa tre minuti,
il tono di voce di Bowie si sposta drammaticamente in un lamento
emotivo non trascurabile. Con il tempo si arriva alla frase We’re
nothing / And nothing can help us (Siamo niente / E nulla ci può
aiutare), la sua voce è incrinata dall’emozione. Nonostante il suo
suono progressivo, Heroes si tradisce (nell’accezione positiva del
termine) verso alcuni sentimenti che sanno del suo vecchio stile. È il
racconto emotivamente avvincente di un uomo alla disperata ricerca
del conforto dell’amore e il calore sempre effervescente della felicità,
anche se solo per un giorno. Bowie aveva scritto canzoni tristi prima
ma non è mai sembrato così, beh, dolorosamente umano e grandioso
come in questo brano immortale.
3. Young Americans (da Young Americans)
Le parole “English glam rocker” e “Philly Soul” sembra che vadano
sottobraccio come Morrissey e McDonald’s. Eppure non solo Bowie
porta a termine il lavoro ma il risultato è una delle sue canzoni più
forti di sempre. Nel fluido suono di un sax a tutto volume e coristi
soul Bowie costruisce una canzone allegra su una situazione decisamente
infelice. Riesce persino a far scivolare un riferimento di A Day
in a Life. Se mai ci fossero stati dubbi a riguardo della poliedricità
di Bowie come artista musicale, questo brano (e l’intero album) li
frantuma tutti.
2. Space Oddity (da Space Oddity)
Si dice che oltre 45 anni dopo la sua prima uscita, Space Oddity rimane
una strana, stranissima canzone. Ispirata al capolavoro del 1968 di
Stanley Kubrick 2001: Odissea nello spazio la canzone interpreta il
racconto di “Major Tom”, uno sfortunato astronauta intrappolato alla
deriva nello spazio. Quando si ascolta Space Oddity si ha come la
sensazione di ascoltare due o tre parti diverse di canzoni fuse insieme
che Bowie fa sembrare coerenti, manifestando grande maestria
musicale. E chi non applaude alla geniale parte del bridge centrale?
1. Life on Mars? (da Hunky Dory)
Hunky Dory rimane l’album più piacevole di Bowie, sulla breve e
sulla lunga distanza. E la sua inclinazione alla teatralità “cabaresque”
non è mai stata più evidente che in questa surreale traccia. Partendo
dalla voce di Bowie lievemente poggiata su un pianoforte solitario,
la traccia sviluppa rapidamente di intensità, con l’aggiunta di un’impennata
di sezione d’archi che dà al brano una punteggiatura degna
di Broadway. Capolavoro!
SUONO febbraio 2016 11

antenna
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Sony: giradischi si ma con USB Hi-Res
Il ritorno al classico disco nero non sarebbe di per sé un fatto troppo eclatante
visto in quanti ci si stanno buttando a pesce a fronte di quote di mercato sempre
più interessanti (ne parleremo nel prossimo numero di SUONO). Se ci si riflette,
però, che “approdi al vinile” Sony (il creatore, insieme a Philips, del CD e della rivoluzione
digitale del 1982) fa un certo effetto! D’altronde, come affermato sempre
in queste pagine, una delle poche tendenze della riproduzione sonora emerse al
salone di Las Vegas è costituita dal vigoroso rafforzamento del manipolo vinilico;
e allora, evviva Sony, il cui giradischi sarà in vendita in Italia da maggio 2016,
anche se per ora non si conosce il prezzo del suo PS-HX500. Per l’apparecchio,
molto simile concettualmente a quanto già fatto da altri costruttori nipponici
come Audio-technica e Teac, Sony non ha rinunciato a un imprimatur digitale,
integrando uno stadio di conversione A/D con uscita USB per il collegamento al
PC e la conversione in file della musica rippata dal disco. Per distinguersi dalla
maggior parte dei concorrenti tale conversione è proposta anche ad alta risoluzione
sia in formato PCM che DSD, tanto per ribadire una supremazia digitale iniziata
col CD e passata con il formato SACD. Lo chassis del giradischi è costituito da un
telaio rigido in MDF da 30 mm di spessore su quattro piedini in gomma smorzante,
piatto in pressofusione di alluminio e tappetino in gomma spessa 5 mm, braccio
dritto con shell porta testina integrato e fonorilevatore MM premontato. Il sistema
di trasmissione è del tipo a cinghia piatta e sono previste le classiche velocità di
rotazione a 33 e 1/3 e 45 giri, con cambio elettronico. Inferiormente alla base e
nella sua parte posteriore è presente una scatola metallica che racchiude la parte
elettronica e i connettori del giradischi. Su una scheda unica in vetroresina sono
integrati sia il circuito phono MM che quello di conversione digitale A/D che impiega
un chip BB PCM4202 (consente la conversione sia in formato PCM WAV
da 44,1 ai 192 kHz che in DSDa 2,8 e 5,6 Mhz).
Carlo D’Ottavi
Giradischi Sony PS-HX500
Prezzo: € 4.675,00
Dimensioni: 43 x 6,50 x 36 cm (lxaxp)
Peso: 8 kg
Distributore: Sony Europe Limited
sede italiana
Via Rizzoli 4, 20132 Milano (MI)
Tel. 199.151.146 - Fax 02.6126690
www.sony.it
Tipo: completo di testina Telaio: rigido in MDF da 30 mm su quattro piedini in
gomma smorzanti Trasmissione: a cinghia piatta Piatto: pressofusione di alluminio
e tappetino in gomma da 5 mm Velocità (RPM): 33 e 45 Braccio: dritto
con shell integrato Alzabraccio: idraulico Note: fonorilevatore premontato di
tipo MM, scheda phono MM integrata, uscite analogiche linea e phono selezionabili,
scheda A/D per conversione in WAV fino a 192 kHz e DSD 2.8 e 5.6 MHz
con uscita USB per conversione in file su PC.
Technics ci ripensa e
torna al vinile
Più che ‘l dolor poté ‘l digiuno: è proprio il caso
di dirlo, anche se la decisione di sospendere la
produzione del giradischi Technics SL-1200 apparve
sciagurata fin dall’inizio... L’SL-1200 era il
modello di punta del marchio Technics, creato da
Panasonic nel 1965 e divenuto famoso proprio per
i giradischi (la casa era una strenue sostenitrice
della trazione diretta in tempi non sospetti... ).
Lanciato nel 1969, negli anni successivi l’SL-1200
venne promosso soprattutto come giradischi ad
altissima qualità per il mercato privato ma, già
allora, iniziò a essere usato dalle radio e nelle
discoteche perché molto solido e scarsamente
sensibile alle vibrazioni (i giradischi più economici
erano in legno e più avanti in plastica,
e molto meno stabili). Macchina innanzitutto
robusta, l’SL 1200, proposto al tempo in due
versioni, una con e una senza braccio (in questo
caso la scelta ricadeva tipicamente sullo SME),
presentava alcune innovazioni sostanziali come
lo chassis in metallo pressofuso e, naturalmente,
la trazione diretta, introdotta per prima proprio
dalla Technics. Venne definito “The Middle Class
Player System” ma, al di là dell’utilizzo nel settore
domestico, grazie alla presenza del pitch control (o
vari-speed) sia per i 45 che i 33, era estremamente
gradito ai dj e indicato per le loro evoluzioni sul
palco, tanto da diventare un vero e proprio must.
In produzione dal 1972 fino al 2010 – quando
Panasonic decise, con poca lungimiranza a dire
il vero, di chiudere la storia del marchio e quindi
anche di quel giradischi – ha inanellato in questi
anni sei differenti versioni con molte varianti e
ne sono stati venduti oltre tre milioni di esemplari.
L’oblio, sottolineato da una petizione per
la sua reintroduzione che ha spopolato sul web,
è durato solo quattro anni per il marchio e cinque
per il giradischi che è stato ora ripresentato, con
pochissime modifiche, al CES di Las Vegas di
quest’anno, in due versioni (quella più costosa
dovrebbe aggirarsi sui 3.600 / 4.000 euro). Tra
i pochi dati per ora rilasciati a Las Vegas c’è un
telaio notevolmente appesantito, in triplo strato
per la versione base, in quadrupla con l’aggiunta
di un quarto superiore in alluminio pieno per
12 SUONO febbraio 2016

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quella celebrativa, con un peso salito a 18 kg totali.
Il telaio si accoppia al piano d’appoggio tramite
quattro piedini smorzanti in gomma. Il motore
è naturalmente a trazione diretta con doppio
rotore superiore e, assieme al telaio multistrato
appesantito, dovrebbe permettere una riduzione
significativa della trasmissione delle vibrazioni del
motore al piatto. L’elettronica che è preposta al
cambio e controllo della velocità (33 e 1/3, 45 e
78 giri) consente anche la regolazione del pitch
control, +/-8% e +/-16% per le due più consuete
velocità. Il piatto è in alluminio con tacche intorno
per il controllo ottico / elettronico della velocità ed
è rivestito superiormente da uno strato in ottone,
realizzando così un elemento composito pesante
e smorzato. Il braccio ha il classico andamento a
esse della canna in alluminio nella versione standard
e magnesio in quella GAE. L’articolazione
rimane quella cardanica a cuscinetti. La versione
a tiratura limitata (1.200 pezzi) sarà in vendita
da questa estate; per quella “normale” occorrerà
attendere la fine dell’anno!
Carlo D’Ottavi
Giradischi Technics Grand Class SL-1200G
e SL-1200GAE
Prezzo: prezzo non disponibile
Dimensioni: 45,3 x 17 x 37,2 cm (lxaxp)
Peso: 18 kg
Distributore: Panasonic Italia S.p.A.
Via dell’Innovazione 3 - 20126 Milano (MI)
Tel. 02-67881 - Fax 02-66713316
www.panasonic.it
Tipo: con braccio Telaio: rigido in multistrato
su piedini smorzanti Trasmissione: diretta,
motore a doppio rotore superiore Piatto:
ottone con tappetino in gomma Velocità
(RPM): 33 1/3, 45 e, 78 Braccio: canna a esse
in alluminio e articolazione cardanica Alzabraccio:
idraulico Note: regolazione Pitch:
+/-8%, +/-16%, finitura in alluminio. Limited
Version SL-1200GAE con telaio con quarto
strato in alluminio pieno e braccio con canna
in magnesio.
SUONO febbraio 2016 13

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Il software che non amava Tannoy
Anche i computer hanno un’anima? Forse... ma quello dedicato ad Annuario deve avere un’animo bricconcello perché al momento di “estrarre” i dati
relativi al settore diffusori (per altro, oltre 1.041 prodotti e foto), si è “dimenticato” di Tannoy. Mancanza grave anche perché, esistendo un punto di
demarcazione tra chi appare sull’Annuario e chi no, appartenere ai cattivi senza esserlo è come il danno oltre alla beffa. Proviamo a porre rimedio
alla vicenda, chiedendo venia a lettori, al marchio stesso e pubblichiamo qui le informazioni incriminate. Cogliamo anche l’occasione per segnalare
che, riprendendo un’abitudine del passato più florido, da qui a poco renderemo disponibile un’integrazione dell’Annuario che faccia giustizia ai
pochi errori della versione di quest’anno e tenga conto dei nuovi prodotti immessi sul mercato dopo la sua pubblicazione.
Tannoy
Definition DC10T
Prezzo € 7.800,00
freq (Hz): 67-25.000 - 6 dB Sensibilità (dB): 90
Altoparlanti: 2 Wf 10 cm cellulosa e multifibra, Tw
cupola morbida 25 mm e magnete in neodimio Rifinitura:
Sugar maple, noce scuro Note: magneti
schermati; prezzo cadauno Dimensioni (l x a x p)
cm: 43 x 14 x 17 Peso (kg): 4,9
Mercury VRi
Prezzo € 280,00
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex
posteriore N. vie: 3 Potenza (W): 30-250 Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz):
200, 1400 Risp. in freq (Hz): 30-35.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: Wf 25cm carta
trattata, Dual Concentric Wf 25cm carta trattata, Tw
25mm cupola titanio con guida d'onda Tulip Rifinitura:
lucida nero Griglia: rimovibile Dimensioni
(l x a x p) cm: 33,9 x 112,5 x 32 Peso (kg): 34,5
Kingdom Royal
Prezzo € 60.000,00
Risp. in freq (Hz): 45-53.000 - 6 dB Sensibilità
(dB): 86 Altoparlanti: Wf 13 cm multifibra di
cellulosa rivestita,Tw 25 mm cupola alluminio e
magnete al neodimio Rifinitura: ciliegio e noce
scuro Note: crossover del quarto ordine Linkwitz-
Riley, cabinet in MDF con rinforzi interni Dimensioni
(l x a x p) cm: 17 x 20 x 25,5 Peso (kg): 4,5
Provato su SUONO 495 - 03/2015
Mercury V4i
Prezzo € 800,00
Tipo: surround Caricamento: bass reflex N. vie:
2 Potenza (W): 40 RMS Impedenza (Ohm): 8
Frequenze di crossover (Hz): 3.200 Risp. in
freq (Hz): 57-25.000 - 6 dB Sensibilità (dB): 86
Altoparlanti: Wf 13 cm cellulosa e multifibra, Tw
cupola morbida 25 mm e magnete in neodimio
Rifinitura: mela, quercia scura Note: magneti
schermati Dimensioni (l x a x p) cm: 17 x 30 x
12,15 Peso (kg): 2,6
Precision 6.1
Prezzo € 1.860,00
denza (Ohm): 8 Risp. in freq (Hz): 34-35.000
Sensibilità (dB): 89 Altoparlanti: 1 Woofer 15
cm, 1 Dual Concentric 15 cm e Tw 25 mm titanio
con tecnologia Tulip Waveguide Rifinitura: satinato
noce Note: biwiring con connessione di massa
per il cestello del woofer; versione in noce laccato
e nero laccato 3.800 euro Dimensioni (l x a x p)
cm: 31 x 100 x 28,3 Peso (kg): 14,7
Precision 6.4
Prezzo € 4.000,00
Tipo: da pavimento N. vie: 4 Potenza (W): 300
RMS Impedenza (Ohm): 8 Risp. in freq (Hz):
24-54.000 Sensibilità (dB): 96 Altoparlanti:
1 Wf 38cm, 1 unità concentrica 30 cm, SuperTw
25 mm magnesio/ceramica Rifinitura: legno
laccato e pelle Note: la cupola del tweeter trattata
criogenicamente, Tw con magnete al neodimio.
Versione rifinita in fibra di carbonio nera euro
80.000 Dimensioni (l x a x p) cm: 58,5 x 127,5
x 60 Peso (kg): 120
Mercury V1i
Prezzo € 300,00
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex frontale
N. vie: 2 Potenza (W): 10-70 Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz): 3200
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex
posteriore N. vie: 2 Potenza (W): 10-140
Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover
(Hz): 2600 Risp. in freq (Hz): 32-53.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 91 Altoparlanti: 2 Wf 15,2 cm
multifibra di cellulosa rivestita, Tw 25 mm cupola
alluminio e magnete in neodimio Rifinitura:
acero o noce scuro Griglia: tela scura staccabile
Dimensioni (l x a x p) cm: 20,4 x 99,5 x 28,1
Peso (kg): 14,7
Provato su SUONO 495 - 03/2015
Mercury VCi
Prezzo € 290,00
Tipo: centrale Caricamento: bass reflex N. vie:
2 Potenza (W): 10-70 RMS Impedenza (Ohm):
8 Frequenze di crossover (Hz): 2.900 Risp. in
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex
posteriore N. vie: 2 Potenza (W): 20-150 Impedenza
(Ohm): 8 Risp. in freq (Hz): 43-35.000
Sensibilità (dB): 88 Altoparlanti: 1 Dual Concentric
15 cm e Tw 25 mm titanio con tecnologia
Tulip Waveguide Rifinitura: laccato noce o nero
Note: biwiring con connessione di massa per il
cestello del woofer Dimensioni (l x a x p) cm:
22,4 x 33 x 25,7 Peso (kg): 6,8
Precision 6.2
Prezzo € 3.000,00
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex
posteriore N. vie: 3 Potenza (W): 20-175 Impe
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex con
doppio radiatore passivo N. vie: 3 Potenza (W):
20-200 Impedenza (Ohm): 8 Risp. in freq (Hz):
29-35.000 Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: 1
Woofer 15 cm, 2 Radiatori passivi 15cm, 1 Dual
Concentric 15 cm e Tw 25 mm titanio con tecnologia
Tulip Waveguide Rifinitura: noce satinato
Note: biwiring con connessione di massa per il
cestello del woofer. Versione rifinita laccata noce o
nera laccato euro 4.800 Dimensioni (l x a x p) cm:
31 x 105 x 35,2 Peso (kg): 21,6
Provato su SUONO 475 - 04/2013
Precision 6C
Prezzo € 2.350,00
Tipo: centrale Caricamento: doppio reflex pas-
14 SUONO febbraio 2016

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sivo N. vie: 3 Potenza (W): 20-175 Impedenza
(Ohm): 8 Risp. in freq (Hz): 29-35.000 Sensibilità
(dB): 90 Altoparlanti: 1 Woofer 15 cm, 2
Radiatori passivi 15 cm, 1 Dual Concentric 15cm e
Tw 25 mm titanio con tecnologia Tulip Waveguide
Rifinitura: nero laccato Note: biwiring con connessione
di massa per il cestello del woofer; prezzo
cadauno Dimensioni (l x a x p) cm: 58,5 x 23,7 x
25,6 Peso (kg): 11,7
in massello di noce Griglia: rimovibile Note:
connettori doppi per biwire. Mobile con centine
a croce di rinforzo interno, fortemente smorzato.
Regolazione alti /-3 dB. Versione Limited Edition a
13.600 € Dimensioni (l x a x p) cm: 45,6 x 95 x 33,6
Prestige Westminster Gold Reference
Prezzo € 44.000,00
Prestige Autograph Mini
Prezzo € 2.700,00
Dimensioni (l x a x p) cm: 25,6 x 95 x 29,2 Peso
(kg): 16,4
Revolution XT 6
Prezzo € 1.300,00
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N.
vie: 2 Potenza (W): 20-100 Impedenza (Ohm):
8 Frequenze di crossover (Hz): 2.300 Risp. in
freq (Hz): 68-54.000 - 6 dB Sensibilità (dB): 88
Altoparlanti: 1 unità Dual Concentric da 10 cm e
Tw 19 mm in titanio a guida d'onda Rifinitura:
teak chiaro o scuro Griglia: rimovibile Note:
cestello pressofuso Dimensioni (l x a x p) cm: 21
x 34,5 x 13 Peso (kg): 4
Provato su SUONO 394 - 07/2006
Prestige Canterbury Gold Reference
Prezzo € 28.000,00
buita N. vie: 2 Potenza (W): 20-250, 125 RMS
Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover
(Hz): 1100 Risp. in freq (Hz): 29-27.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 93 Altoparlanti: Dual Concentric
25,4 cm in polpa di cellulosa, Tw cupola 52 mm
alluminio/magnesio Rifinitura: noce con angoli
in massello di noce Griglia: rimovibile Note:
connettori doppi per biwire. Contollo alti /-3 dB.
Mobile con rinforzi interni, fortemente smorzato.
Dimensioni (l x a x p) cm: 40,6 x 110 x 33,8
Prestige Sterling Gold Reference
Prezzo € 6.750,00
Tipo: da pavimento Caricamento: a tromba N.
vie: 2 Potenza (W): 20-350, 175 RMS Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz): 200
(taglio acustico), 1.000 (elettrico) Risp. in freq
(Hz): 18-27.000 - 6 dB Sensibilità (dB): 99 Altoparlanti:
Dual Concentric 38 cm in polpa di cellulosa,
Tw cupola 52 mm alluminio/magnesio Rifinitura:
noce con angoli in massello di noce Griglia:
rimovibile Note: morsetti doppi per biwire,
regolazione alti +2/-6 dB. Mobile rinforzato internamente
con centine a croce e fortemente smorzato.
Dimensioni (l x a x p) cm: 98 x 139,5 x 56
Prestige Yorkminster SE
Prezzo € 20.000,00
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex alla
base N. vie: 2 Potenza (W): 25-120 Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz): 1.800
Risp. in freq (Hz): 46-32.000 - 6 dB Sensibilità
(dB): 89 Altoparlanti: Dual Concentric Wf 15cm
multifibra polpa di cellulosa, Tw 25mm ad anello,
rifasatore a ogiva, Omnimagnet Rifinitura:
espresso, medium oak Dimensioni (l x a x p)
cm: 22,1 x 40 x 30,2
Revolution XT 6F
Prezzo € 2.000,00
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex
alla base N. vie: 3 Potenza (W): 25-150 Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz):
250 e 1800 Risp. in freq (Hz): 38-32.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: Wf 15 cm multifibra
polpa cellulosa, Dual Concentric Md 15 cm
multifibra polpa cellulosa, Tw 25 mm anello, ogiva
Torus, Omnimagnet Rifinitura: espresso, quercia
Dimensioni (l x a x p) cm: 26,9 x 100,5 x 31,7
Tipo: da pavimento Caricamento: porta Dual
distribuita variabile N. vie: 2 Potenza (W): 20-
300, 150 RMS Impedenza (Ohm): 8 Frequenze
di crossover (Hz): 1.100 Risp. in freq (Hz): 28-
27.000 - 6 dB Sensibilità (dB): 96 Altoparlanti:
Dual Concentric 38 cm in polpa di cellulosa, Tw
cupola 52 mm alluminio/magnesio Rifinitura:
noce con angoli in massello di noce Griglia: rimovibile
Note: morsetti doppi per biwire, controllo
alti +/- 3 dB. Mobile con centine a croce di rinforzo,
fortemente smorzato. Dimensioni (l x a x p) cm:
68 x 110 x 48
Prestige Kensington Gold Reference
Prezzo € 16.000,00
Tipo: da pavimento Caricamento: porta distri
Tipo: da pavimento Caricamento: porta Dual
distribuita N. vie: 2 Potenza (W): 20-170, 85 RMS
Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover
(Hz): 1.800 Risp. in freq (Hz): 39-46.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 91 Altoparlanti: Dual Concentric
25,4 cm in polpa di cellulosa, Tw cupola 25 mm
alluminio/magnesio Rifinitura: noce con angoli
in massello di noce Note: regolazione +/- 3 dB da
1,8 kHz in su. Mobile internamente rinforzato con
centine a croce efortemente smorzato. Morsetti
doppi per biwire Dimensioni (l x a x p) cm: 39,7
x 85 x 36,8
Prestige Turnberry Gold Reference
Prezzo € 8.000,00
Tipo: da pavimento Caricamento: porta Dual distribuita
N. vie: 2 Potenza (W): 20-200, 100 RMS
Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover
(Hz): 1.300 Risp. in freq (Hz): 34-44.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 93 Altoparlanti: Dual Concentric
25,4 cm in polpa di cellulosa, Tw cupola 33 mm
alluminio/magnesio Rifinitura: noce con angoli
Tipo: da pavimento Caricamento: doppio reflex
posteriore N. vie: 2 Potenza (W): 50-250 Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz):
regolabile Risp. in freq (Hz): 23-22.000 - 6 dB
Sensibilità (dB): 93 Altoparlanti: 1 dual concentric
da 30 cm, Tw da 33 mm a guida d'inda Note:
biamplificabile; crossover regolabile; magnete in
alnico 5 Dimensioni (l x a x p) cm: 62 x 108 x
44,7 Peso (kg): 61,5
Revolution DC6T SE
Prezzo € 1.800,00
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex
posteriore N. vie: 2 Potenza (W): 20-180 Impedenza
(Ohm): 8 Risp. in freq (Hz): 30-35.000
Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: Wf 15 cm, 1
Dual Concentric 15 cm e Tw cupola 2 mm titanio
tecnologia Tulip Waveguide Rifinitura: espresso
Revolution XT 8F
Prezzo € 2.600,00
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex alla
base N. vie: 3 Potenza (W): 25-200 Impedenza
(Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz): 250 e
1800 Risp. in freq (Hz): 34-32.000 - 6 dB Sensibilità
(dB): 91 Altoparlanti: Wf 20 cm multi fibra
in polpa di cellulosa, Dual Concentrico: Md 20 cm
multi fibra in polpa di cellulosa e Tw 25 mm anello
e ogiva Torus Rifinitura: espresso, quercia Note:
dual concentrico con magnete unico Dimensioni
(l x a x p) cm: 31,7 x 108 x 34,5
SUONO febbraio 2016 15

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Liquida per tutti
Un pubblico che forse non ne vuole sapere di “guerre sante”, che ama la musica
ancora prima del supporto e della frequenza di risonanza; un pubblico che spesso
ha un archivio musicale ampio e ben diversificato, che ascolta la traccia giusta al
momento giusto, senza pensare troppo al formato, per godere del piacere della
musica in quanto tale. A questo tipo di utenza Onkyo ha dedicato una macchina
intelligente che riesce a mettere d’accordo un po’ tutti semplicemente riunendo
in un solo telaio le funzioni di lettore di musica “solida” e quello di musica liquida,
ovvero lettore CD e streamer di rete. Si tratta del C-N7050, un apparecchio le cui
dimensioni e l’aspetto (profilo sottile del carrello per il disco ottico, il display e i
pochi tasti per il controllo della meccanica) sono quelli di un classico lettore CD di
fascia media, sottolineate anche dall’ingresso USB-A, sempre sul pannello frontale,
funzione meno “nobile” di questo protocollo, che gestisce il collegamento diretto
in digitale con iPhone e tutta la famiglia dei dispositivi iOS di Apple, è compatibile
con pen-drive in formato FAT16
e FAT32 ma non supporta hub
né computer. La presenza di una
connessione Ethernet, invece, ci
segnala la natura polimorfa del C-N7050 e permette di inserire il lettore/streamer
all’interno di una rete DLNA per gestirne i contenuti audio a bassa, standard e
alta risoluzione grazie alla compatibilità con tutti i tipi di file più utilizzati. Dalla
connessione Ethernet è possibile gestire file audio in alta risoluzione sia PCM che
DSD: la conversione D/A è affidata al chip TI Burr-Brown PCM1795. Un DA830
a 32 bit a virgola mobile è utilizzato nella sezione di DSP. L’ampio display, pur
rimanendo essenziale nella grafica e nei colori, consente la visualizzazione di brani,
autori e titoli degli album, mentre il telecomando e soprattutto la app dedicata
garantiscono un’interfaccia di facile leggibilità e comprensione verso la completezza
delle funzioni offerte. Oltre alle uscite analogiche RCA sono presenti quelle
digitali coassiale e ottica che consentono il collegamento a un’unità D/A esterna.
Streaming Player Onkyo C-N7050
Prezzo: € 499,00
Dimensioni: 43,50 x 10,20 x 30,20
cm (L x A x P)
Peso: 4,60 kg
Distributore: Tecnofuturo S.r.l.
Via Rodi, 6 - 25124 Brescia (BS)
Tel. 030.2452475 - Fax 030.2475606
www.tecnofuturo.it
Supporti compatibili: CD, CD-R, CD-RW Formati audio compatibili: PCM,
WAV, Apple Lossless, FLAC, MP3 cbr, MP3 vbr, AAC, OGG Vorbis, WMA, Web
Radio Display: FL con info su traccia, artista, album Tipo: stereo Tecnologia:
a stato solido Risp. in freq. (Hz): 10 Hz - 70 kHz (192 kHz / 24-bit) THD (%):
0,003 S/N (dB): 115 Ingressi digitali: USB Standard (0), Ethernet (1) Uscite
digitali: Ottica (0), Coassiale (0) Convertitore D/A: 1 x PCM1795 Accessori
e funzionalità aggiuntive: Telecomando Note: compatibile DSD 5.6 mHz e
DNLA; gapless. App per iOs e Android.
Tutti guardano alla
Generazione M
Tra le tendenze emerse dal recente CES di Las Vegas
una delle più prepotenti certifica la tendenza (e la
necessità) da parte delle aziende Hi-end di “ricollocarsi”
almeno in parte affrontando il mercato dei nuovi
consumatori che, per comodità, usiamo definire Generazione
M, intesa come quella fascia di utenza che,
grazie alle nuove modalità di fruizione della musica,
può usufruirne come vuole e dove vuole... Fa comunque
impressione che accanto ad altri “mostri
sacri” persino uno dei marchi che finora si è rivolto
al gotha del gotha come Chord abbia, negli anni
recenti, intensificato questo percorso vero il nuovo.
D’altronde l’azienda inglese nel settore della conversione
D/A (quello più contiguo alle nuove opportunità) è
all’avanguardia e non da poco; così la logica evoluzione
di Hugo (You Go), il dirompente convertitore portatile
provato su SUONO 487 - maggio 2014, non poteva consistere
in nient’altro che in un ulteriore abbassamento
del prezzo. Così ora è la volta di Mojo (Mobile Joy), un
convertitore portatile ancora più piccolo, a sottolineare
come un nome classicissimo come quello di Chord sia
abbinabile al buon ascolto in movimento, pur sempre
di qualità: anche in questo caso, infatti, si è ricorsi a
un’architettura (FPGA) che lascia più ampia libertà ai
progettisti di interagire e personalizzare direttamente
la sezione di conversione rispetto alle soluzioni di conversione
D/A più comuni che sono, di fatto, blindate
e non modificabili. Il Mojo, infatti, utilizza il chipset
Artix-7 FPGA di Xilinx; il suo utilizzo più naturale è
quello di supporto per digital audio player portatili,
di smartphone e tablet iOS e Android (per questi c’è
bisogno di un cavo di tipo OTG). Con iPad e dispositivi
iOS in generale si può utilizzare il Camera Connection
Kit e abilitare l’uscita via USB; in combinazione si può
adoperare l’app Onkyo HF per abilitare la riproduzione
alle massime risoluzioni sia in PCM che DSD.
Naturalmente può essere abbinato anche a computer
Apple e Windows; mentre per i primi non c’è bisogno
di driver, per Windows (Vista, 7, 8, e 10) ce ne sono
di specifici da scaricare per un uso in modalità Direct
Sound, Kernel Streaming e Wasapi.
Il telaio in alluminio nero ha i bordi stondati che permettono
di infilare il Mojo in tasca senza possibilità
16 SUONO febbraio 2016

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di farsi male. Sul lato lungo sono collocati i tre pulsanti a sfera, sui lati corti da una parte
ci sono gli ingressi e dall’altra le uscite per cuffia in formato mini-jack (due non è una
configurazione usuale, per cui un segno più in pagella). Una di queste uscite può essere
configurata anche in modalità a uscita linea fissa (3 V) che ci permette di collegare il
Mojo a un ingresso aux di un sistema audio o amplificatore per essere utilizzato come
DAC esterno. Per l’uscita cuffia Chord dichiara una compatibilità in un range di 4-800
Ohm con una potenza erogata che va da 35 a 720 mW; i dati ufficiali parlano di un tempo
di ricarica di circa 4 ore per una autonomia di circa 10.
Convertitore Chord Electronics Mojo
Prezzo: € 599,00
Dimensioni: 6 x 4 x 2 cm (lxaxp)
Peso: 0,2 kg
Distributore: GTO S.r.l., Via Petrarca 43/A - 40136 Bologna (BO)
Tel. 051.627.14.47 - Fax 051.0337294
www.gto.it
Sistema di conversione: FPGA proprietario, Spartan 6
Frequenza di campionamento (kHz): PCM fino a 384 kHz
/ 32 bit; DSD 64 e 128x Ingressi digitali: 1 x USB 44 kHz / 192
kHz, 16 / 32 bit; 1 x digitale ottico; 1 x digitale coassiale 44 kHz /
384 kHz compatibile, 16 / 32 bit Uscite analogiche: 2 x 3,5 mm.
Note: Compatibile con file DSD fino a 768 Khz.
In onore delle
capitali nordiche
L’approdo di Vifa, rinomato costruttore
di altoparlanti, al prodotto finito
passa attraverso un omaggio alle
capitali nordiche; così dopo Copenhagen
(presentato su SUONO 502)
è la volta di Helsinki, un sistema
portatile chiaramente destinato a
suscitare un W.A.F. positivo visto
che l’aspetto si ispira a una borsetta
femminile. Bellezza che non toglie
nulla alla sostanza visto che il telaio
è realizzato in un unico solido pezzo
in alluminio e il sistema è caricato con
due woofer da 60 mm in opposizione
(force balanced configuration) che
vengono supportati da due radiatori
passivi che estendono e potenziano
la gamma più bassa. Nell’esiguo spazio
a disposizione sono stati collocati
anche due full range, ospitati in volumi
separati, da 50 mm con cono in
alluminio e magnete al neodimio. Il
rivestimento utilizzato è in Kvadrat,
un tessuto idrorepellente dalle ottime
proprietà acustiche, oltre all’aspetto
elegante e moderno. Il sistema è
compatibile Bluetooth (con aptX) e
dispone di una app per iOs e Andrid
per il controllo delle funzioni.
Agostino Bistarelli
Per info:www.gammalta.it
SUONO febbraio 2016 17

antenna
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Entry level anche per M.F.
Con il recente pre-phono MX-VYNL (MM-MC) Musical Fidelity amplia la serie MX che si
colloca tra la entry level V90 e la M3 e comprende l’MX-DAC, un convertitore D/A (PCM
e DSD) e l’MX-HPA, un amplificatore per cuffia. La serie gioca sul tema dei “1.000 euro”,
quello che per molti è visto come un limite difficile da far convivere con le correnti spese familiari. Un limite che, per essere precisi, la serie MX
non supera attribuendo a ognuno di questi tre prodotti il prezzo di listino di 990 euro.
L’MX-VYNL è un apparecchio compatto (220 mm la larghezza, poco più di 50 l’altezza) ma è ben proporzionato, al punto che se lo vedi da solo
puoi anche immaginare un prodotto di dimensioni standard e non mini, come è in realtà. Il telaio è in alluminio satinato con bordo inferiore e
superiore del pannello frontale leggermente inclinato, caratterizzato da un elemento visivamente più forte costituito dall’unica manopola collocata
all’estrema destra. Ha il compito di selezionare il guadagno dei due ingressi, uno in formato RCA e l’altro in XLR, con connettore mini a cinque
poli: un piccolo switch a ridosso dei connettori permette di passare dall’uno all’altro con una piccola spia sul pannello frontale che segnala l’uso
della connessione bilanciata. Allo stesso modo anche le uscite sono sdoppiate in RCA e XLR ma, in questo caso, in formato standard. I valori
selezionabili riguardano il carico per MC e MM: nel primo caso possiamo scegliere nella scala 10-20-50-100-200-400-800-1,2k-47k Ohm;
per la seconda 50-100-200-300-400 pF. Tutti questi valori sono riportati direttamente sulla manopola in questione. Sempre direttamente
dal pannello frontale un ulteriore switch ci permette di effettuare un’ulteriore regolazione in merito al guadagno con posizione 0 e +6 dB: per
una sensibilità media di 300 mV otteniamo 5 mV per MM e 0,8 mV per MC su posizione 0 dB; 2,5 mV per mm e 0,4 mV per MC su posizione
+6 dB. Un ulteriore switch permette, inoltre, un piccolo controllo sulle frequenze più basse selezionando EQ su IEC o RIAA: nel secondo caso,
secondo le indicazioni del produttore, sulla prima posizione si ottiene un roll-off delle frequenze molto basse, addirittura subsoniche.
Agostino Bistarelli
Unità phono Musical Fidelity MX-VYNL
Prezzo: € 990,00
Dimensioni: 22 x5,3 x 21.5 cm (lxaxp)
Peso: 1,9 kg
Distributore: Audiogamma S.p.A.
Via Pietro Calvi, 16 - 20129 Milano (MI)
Tel. 02.55.181.610 - Fax 02.55.181.961
www.audiogamma.it
Tipo: MM/MC Tecnologia: stato solido
Sensibilità (mV): selezionabile: 2,5/5 - 70
(MM) - 0,8/0,4 - 12 (MC) Note: Ingressi
bilanciati e sbilanciati.
18 SUONO febbraio 2016

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SUONO febbraio 2016 19

inside dentro la musica
La perdita dell’innocenza
di Paolo Corciulo
Dall’epoca dei “padri fondatori” almeno tre generazioni di prodotti
e imprenditori si sono alternate in un mercato da allora molto
mutato; localizzazione vs. globalizzazione, artigianato & industria:
quale può essere, oggi, il ruolo dell’Hi-end e cosa non fa più parte
di questa definizione?
In alcuni ambienti imprenditoriali si dice che “i padri creano, i figli
consolidano e i nipoti dilapidano”, intendendo con ciò come in sole
tre generazioni ogni impero, anche il più florido e possente, si può
dissolvere con una deriva che via via nel tempo diventa sempre più rapida
e irrefrenabile; basta considerare in tal senso come la rendita di posizione
che ha caratterizzato caste sociali ed economiche in passato oggi non
“tiene” più… Lo stesso termine “rendita di posizione” sembra ora desueto,
travalicato dall’incalzare di una società dove la capacità di reazione è
diventata non solo un elemento fondante ma un valore primario, spesso
anche ben retribuito! L’impatto di nuovi strumenti di comunicazione e di
lavoro ha modificato tanto il rendimento delle aziende quanto il peso di
questo aspetto in una società sempre più competitiva dove il successo è
basato sull’efficienza ancor più che sulle caratteristiche di prodotto, visto
che questo si è molto
livellato in termini di
qualità in conseguenza
degli effetti della globalizzazione.
Insomma: un
1877 Uno strumento riproduce la voce umana che
interpreta la filastrocca “Mary had a little lamb”. È
nato il fonografo!
panorama assai lontano da quello che si trovarono ad affrontare i cosiddetti
“padri fondatori” della riproduzione sonora. Per comprendere quale
sia stata la genesi del segmento di eccellenza del nostro settore occorre
però tracciare comunque, se pur per sommi capi, i confini e il panorama
che, allora, i “padri” si trovarono ad affrontare...
Alla fine dell’Ottocento (con Edison) e all’inizio del “secolo breve” con
la nascita dell’amplificazione a valvole (Lee De Frest – triodo – 1906) si
gettano le prime basi della riproduzione sonora; poco dopo, tuttavia, il
20 SUONO febbraio 2016

Evoluzione del concetto di Hi-end nella riproduzione sonora
A sinistra: 1936 Vede la luce il finale di potenza Quad 1. A causa dei bombardamenti che distruggono i locali della sua azienda, solo dopo la fine della seconda Guerra Mondiale Peter
J. Walker (1916 – 2003) riprenderà l’attività, puntando sul nascente mercato domestico (QUAD è l’acronimo di Quality Unit Amplifier Domestic). Nel 1956 Walker realizza il suo primo
diffusore, il leggendario ESL57, che rimarrà in produzione per 28 anni!
Al centro e a destra: 1945 Con la creazione dell’altoparlante concentrico Duplex, Altec dà vita al suo primo diffusore di dimensioni domestiche (oltre 90 cm di altezza per
76 di larghezza e 40 di profondità!). Mobile in noce e versioni da parete o da incasso molto più ridotte…
sopraggiungere della Grande Guerra drena risorse e interesse per cose
superficiali come il futile mondo dell’intrattenimento, rimandando al
dopoguerra e all’avvento del sonoro nel cinema (1926) la nascita di un’attività
massiva nel campo della riproduzione sonora (merito della Western
Electric che si dedica con impeto in quella “strana” impresa). Si tratta,
evidentemente, dei primi instabili vagiti del settore se circa dieci anni
più tardi l’azienda americana decide di dismettere l’attività: un gruppo
dei suoi tecnici darà invece vita alla Altec, che ristabilisce rapidamente
una sorta di monopolio nella riproduzione sonora finalizzata alla sonorizzazione
dei cinema. Se gli amplificatori a valvole sono grossi e costosi,
i diffusori non sono da meno: bisognerà aspettare il 1945 perché veda la
luce il Duplex, un altoparlante di dimensioni compatte che consentirà la
nascita del primo diffusore “domestico” della Altec!
D’altronde proprio il primo dopoguerra è uno snodo cruciale per lo
sviluppo dell’Hi-Fi che, in un primo periodo, trova condizioni favorevoli
allo sviluppo del suo segmento Hi-end, in buona parte frutto del lavoro
di piccoli artigiani più che di industrie (eccetto la stessa Altec e qualche
altro). Non si tratta solo di quell’inevitabile entusiasmo e ripresa economica
che hanno caratterizzato in particolare la fine della Seconda Guerra
Mondiale ma anche degli effetti di una politica perseguita attraverso i
programmi di training tenuti durante e subito dopo la guerra allo scopo
di garantire il reinserimento dei reduci che creerà in questi veterani la
conoscenza di alcune tematiche dell’elettronica. A cavallo tra gli anni
’40 e ’50, infatti, nonostante buona parte dei sistemi per la riproduzione
sonora fossero costituiti dalle cosiddette consolle o da sistemi completi
e da pavimento, si trattava di soluzioni abbastanza costose a causa
dell’ingente investimento di risorse nella “carrozzeria” (generalmente
di legno, spesso sagomato) più che nei componenti, in genere gli stessi
reperibili nei kit per autocostruttori. È questo il brodo di cultura che
consente a svariati self-made man di muovere i primi passi nel settore,
quasi univocamente motivati dalla stessa pulsione: “realizzare un sistema
di riproduzione sonora di qualità soddisfacente visto che quelli in
commercio non lo sono... ”. Se andate a leggere le biografie di molti dei
personaggi che hanno calcato il settore dell’Hi-Fi sembrano quasi una la
copia dell’altra: questa la motivazione, questi gli inizi (piccole produzioni
per amici e/o compagni di università), questa la ragione di un piccolo
successo che via via si allarga…
La società civile sta attraversando un periodo particolarmente florido
sia economicamente che in termini di ottimismo (è il periodo della ricostruzione)
mentre il processo di industrializzazione cominciato agli
inizi del ’900 ha raggiunto una maturità e una diffusione che consente
anche a piccoli artigiani di evolvere in un curioso coacervo tra artigianato
e industria, essenziale (perlomeno in questa prima fase) per lo sviluppo
dell’Hi-Fi; tutt’ora il mix tra quella robustezza e la stabilità preponderanti
nella produzione industriale con la sensibilità e l’attenzione alla
1949 Nasce il 50W1, il primo amplificatore McIntosh. Frank H. McIntosh (1906 –
1990) durante la seconda Guerra Mondiale era a capo della divisione radio e radar
della War Productions Board americana; al ritorno riprende la sua attività in una
piccola società di consulenza per la progettazione di stazioni radio e sistemi audio
ed è proprio nella richiesta di amplificazioni di alta qualità che incontra Gordon
Gow (1946), insieme a cui svilupperanno il trasformatore “Unity Coupling” (il nome
verrà coniato solo a metà del 1954 in occasione di un concorso apparso sulla rivista
High Fidelity).
SUONO febbraio 2016 21

inside
1952 Saul Marantz (1911 –
1997) realizza nella sua abitazione,
anche grazie al contributo
della moglie, il suo
primo prodotto Hi-Fi.
Durante gli anni Ottanta la
Marantz verrà acquistata
dalla Philips, poi nel 2001
la Marantz Japan acquista il
marchio da Philips e approda
l’anno successivo insieme a
Denon alla holding D&M.
1952 Appare sul mercato lo Scott 99 D Scott, un amplificatore integrato mono da
22 Watt. In produzione fino al 1964, consentiva il collegamento per sintonizzatore,
TV e nastro (Tape Monitor) e disponeva di controlli di tono, selettore del volume e
loudness (a variazione continua) e filtro subsonico. Nel 1946 Hermon Hosmer Scott
(1909 – 1975), uno dei pionieri nel settore Hi-Fi, aveva fondato la HH Scott, Inc. Laureato
al Massachusetts Institute of Technology ha realizzato più di cento brevetti
in elettronica. Nel 1957 l’azienda si trasferisce a Maynard, Massachusetts. Nel 1966
smette di operare attivamente, nel 1985 viene acquistata da Emerson Electronics.
1952 Il preamplificatore Marantz Consolette utilizzava un circuito fono doppio mono
ad alto livello con la possibilità di variare trentasei differenti curve per l’equalizzazione.
qualità senza compromessi tipiche del buon artigiano caratterizzano,
almeno nell’immaginario, il prodotto Hi-end. È un periodo di grandi
trasformazioni che porta alcuni soggetti a emergere e altri, come accade
in questi casi, a scomparire (e quasi nessuno se ne ricorderà in seguito),
non essendo stati in grado di intuire la portata dei cambiamenti in atto.
Oltreoceano è il periodo in cui emergono alcuni dei nomi storici che
hanno caratterizzato l’alta fedeltà, da Frank McIntosh a Saul Marantz
passando per Avery Fisher e così via.
Il primo finale frutto della collaborazione tra McIntosh e Gordon Gow
(che rimase poi alle redini della società fino alla fine degli anni Settanta,
è infatti uno dei “padri” che ho avuto modo di conoscere) risale al
1949: il 50W-1 venne creato per le necessità particolari di un cliente
che aveva bisogno di un amplificatore a bassa distorsione in grado di
mantenere un’elevata stabilità anche con carichi difficili… Del 1955 è
il mitico Audio Consolette di Saul Marantz. In un modo o nell’altro,
passando comunque per cambi di proprietà e approdo a finanziatori
di media o grande dimensione, questi marchi sono giunti fino ai giorni
nostri più o meno fedeli all’immagine e al “messaggio” degli esordi.
Diversamente accadde ad altri due protagonisti del tempo altrettanto e
forse anche più grandi: Hermon Hosmer Scott compare sul mercato nel
1947; Avery Fisher, suo diretto concorrente per lunghi anni, esordisce
ancora prima, nel 1945. Entrambi lo fanno con aziende e prodotti che
portavano il loro nome.
Ho avuto la fortuna di conoscere il mercato Hi-Fi mentre questi nomi,
se pur già nelle vesti di nobili decaduti, erano ancora in auge: il mio
primo amplificatore era un Fisher e anche allora nessuno avrebbe avuto
da ridire se la scelta fosse caduta su questo marchio piuttosto che
sull’imperante alternativa costituita dal Marantz Model 1030! Ma se la
storia ha portato profondi mutamenti “genetici” nei marchi citati (ma
che potremmo definire frutto di un patrimonio genetico già indirizzato
verso il Mid-end), quando non li ha estromessi dal mercato, l’epopea di
un marchio come Harman Kardon ci chiarisce che tali mutamenti sono
in maniera preponderante il frutto dei mutamenti socio economici della
società e del mercato da quei giorni ad oggi più che di una predisposizione
ad affrontare questo o quel segmento di mercato. Dopo i tuner (il primo
prodotto nel 1958) Sidney Harman e Bernard Kardon diedero vita nel
1959 alla linea Citation; basta guardare quegli apparecchi per rendersi
conto di come declinassero in maniera completa il concetto di Hi-end di
allora (ma anche di oggi!). Eppure proprio la H.K. (in tempi più recenti
seguita da Bose) è forse l’azienda che maggiormente ha cambiato pelle
da allora ad oggi e sarebbe riduttivo considerare le nuove rotte perseguite
solo come il frutto dei mutati interessi dei “nocchieri”. Certamente Sidney
Harman si è rivelato più uomo d’affari che “professore”, terminando la
sua carriera professionale con un tentativo di diventare tycoon e trascinando
la società di elettronica che possedeva verso i lidi del consumer
più puro: oggi i “separati” praticamente non esistono più nel catalogo
del marchio che è ormai parte di un gruppo più grande di aziende con
interessi nella riproduzione sonora a tutto tondo.
Meglio così delle tante comete (se viste su un lasso di tempo lungo):
una per tutte la parabola discendente, ora con ritorno di fiamma, della
casa che fu di Edgar Villchur, l’inventore della sospensione pneumatica,
e che vide tra le sue fila anche Henry Kloss: la Acustic Research fino ai
primi anni ’80 era un autentico riferimento di qualità; poi, con il mutamento
dei tempi, è stata acquistata dal colosso cinese Audiovox che ne
1953 Sidney Harman (1918 – 2011) fonda insieme a Bernard Kardon (il suo capo
nel precedente lavoro che si ritirerà quasi subito dall’attività), la ditta omonima di
cui rimarrà al timone a lungo. Dopo aver trasformato un impero da svariati miliardi
di dollari in una vera e propria galassia di aziende (di cui fanno aprte JBL, Infinity,
Beker, AKG e Allen & Heath), poco prima della morte si trasformerà in un tycoon
acquistando il Newsweek (e i suoi debiti!) per 1 dollaro nel 2010.
22 SUONO febbraio 2016

Evoluzione del concetto di Hi-end nella riproduzione sonora
1954 Edgar Marion Villchur (1917 – 2011) realizza la sospensione pneumatica e la
utilizza in Acoustic Research che dirige dal 1954 al 1967. È stato educatore, inventore
e scrittore e il suo desiderio da giovane era quello di diventare sceneggiatore per il
teatro. Durante la seconda Guerra Mondiale viene formato dall’esercito americano in
un programma per la manutenzione e la riparazione di radio, radar e altre attrezzature.
Dopo la guerra, apre un negozio nel Greenwich Village, dove ripara radio e
costruisce su misura sistemi casalinghi per alta fedeltà.
ha praticamente rinnegato, salvo un recente ritorno nel settore Hi-Fi, le
origini. È interessante notare come in questa ottica in molti casi i “nobili
natali” vengano vissuti più come un peso che come una risorsa: provate a
visitare i siti di alcuni nomi altisonanti del passato ancora attivi e spesso
non troverete cenno agli storici percorsi che li hanno resi famosi. Quasi
che ogni legame con il passato venga vissuto, con spirito di rottamazione,
come un impedimento più che una risorsa! E non si tratta di poca cultura
o disorganizzazione legata ai pionieristici esordi (e chi ci pensava, allora,
che per molti di loro ci sarebbe stata una storicità da preservare… ?); è
una scelta che dà agio a quelle aziende di travalicare i limiti di filosofie e
progetti originali, vestendo il prodotto principalmente con il marketing
che, come il denaro, non ha odore!
Storie simili anche al di qua dell’oceano: non molto tempo fa (SUONO
501 – novembre 2015) abbiamo ripercorso l’epopea di Leak dai suoi
esordi (1934) fino alla consunzione avvenuta tra la fine degli anni Sessanta
e gli inizi del decennio successivo. Eppure quella rapida eclissi ha
tutt’oggi tantissimi estimatori, a dimostrazione che non fu il prodotto a
“cedere” ma la capacità di adattarsi ai cambiamenti dei tempi… Stessa
sorte per Lowther mentre le creature di Peter Walker, che fondò la Quad
nel 1936, o di Gilbert Briggs, sono finite in mani orientali nei più recenti
capovolgimenti del mercato, mantenendo chi più chi meno una loro
“decenza”. Per quasi tutte queste storie rimangono gli inizi pionieristici:
il primo prototipo di un altoparlante a sospensione pneumatica nacque
nella cucina di Rosemary Vilchiur, la moglie di Ed; Briggs costruì il suo
primo diffusore nella cantina della sua casa situata in una valle dello
Yorkshire solcata dal fiume Wharfe, che avrebbe dato nome al marchio…
Nel vissuto della maggioranza di questi personaggi c’era una genuina
passione per la musica: non è un caso che sia Saul Marantz che Avery
Fisher, una volta conclusa la loro “missione”, siano diventati filantropi
nel settore musicale (a entrambi sono intitolate delle concert hall alla
cui realizzazione contribuirono con le loro donazioni)…
L’arrivo degli anni Sessanta costituisce un ulteriore spartiacque: è il
momento dei registratori reel to reel, viene introdotta la tecnica stereo,
il multitraccia e, soprattutto, arrivano i transistor: possedere il know
how in merito stabilisce nuove “soglie di ingresso” e ridisegna la mappa
Evoluzione della specie
Nelle foto: prima industrializzazione alla Altec Lansing, la fabbrica modello
della Linn, realizzata nel 1980 dall’architetto Richard Rogers. Alto livello
di automazione (con due macchine SMD e magazzino completamente
automatizzato) destinata a una produzione unicamente Hi-end!
1956 La posa della prima pietra della sede di Anaheim di Altec Lansing, a lungo uno
dei più grossi centri di produzione Hi-Fi.
SUONO febbraio 2016 23

inside
In alto: 1958 Se il primo diffusore a sospensione pneumatica fu l’AR-1 (1954), subito
un successo, due anni più tardi è la volta degli AR-2, una versione semplificata e
meno costosa del precedente modello. Negli anni successivi Vilchiur approfondisce
le problematiche della gamma alta e nasce il tweeter a cupola con radiazione diretta
che viene brevettato e utilizzato nel 1958 negli AR-3, considerati il capolavoro
del progettista: sono in mostra al Museo Nazionale di Storia Americana presso lo
Smithsonian Institute di Washington.
In basso: 1959 Harman Kardon dà vita alla prima coppia di prodotti Hi-end, il
pre Citation I e il finale Citation II. Il progetto è di Stewart Hegeman, uno dei grandi
progettisti di apparecchi a valvole dell’epoca. L’apparecchio offriva controlli di tono
separati per canale e utilizzava 9 ECC83/12AX7 e 5 ECC81/12AT7.
del potere (una sorta di prova generale di quanto poi accaduto massicciamente
nell’era del digitale!): è il momento di nomi come Pioneer,
Yamaha, Sony, Sansui. Poi l’ingresso massiccio dei produttori giapponesi
negli anni Settanta… A ben vedere il tempo che ci separa da allora è stato
scandito da mini-ere che hanno ognuna sommovimenti e nuovi equilibri
dove si alterna da un lato l’effetto “divide” generato dal possesso o meno
del “sapere” e dall’altro la possibilità (quasi una necessità genetica) di
condividerlo e renderlo disponibile in maniera massiccia! Celebri rimangono
le lotte tra le aziende per imporre i loro formati; altrettanto celebri
i “tonfi” eccellenti di chi rimane fuori dal gioco: Elcaset, Betacam, Video
2000, Mini Disc. Nel periodo in cui veniva lanciato il compact disc ebbi
la fortuna di viaggiare sovente in giro per il mondo e apprezzare i molteplici
tentativi da parte di più aziende di imporre il loro formato per la
lettura al laser, prima che il cartello Philips – Sony soverchiasse gli altri,
non senza “rigurgiti” anche assai postumi: perché, altrimenti, proporre
in tempi relativamente recenti l’alternativa SACD vs. DVD Audio che,
in sostanza, non ha favorito né l’uno né l’altro?
Nella road map dell’evoluzione tecnologica, caratterizzata dall’impennata
rappresentata dall’approdo alle tecnologie digitali, un elemento di
continuità è rappresentato dal rapporto tra industrializzazione e artigianato
(anch’esso in costante evoluzione) che ha portato in massima
parte i produttori a trasformarsi da piccole realtà “one man band” a
più o meno piccole aziende, rendendo “periferici” gli altri quando non
del tutto invisibili. Ognuno ha interpretato a suo modo e con le armi a
disposizione le mutate esigenze del mercato ma fondamentalmente possiamo
identificare alcune linee guida principali che hanno caratterizzato
chi offriva prodotti di eccellenza: c’è ci ha “venduto l’anima al diavolo”
cedendo l’azienda a finanziatori di multinazionali, spesso orientali (ma
è una tendenza che attualmente sembra tornare sui suoi passi); chi ha
potuto appoggiarsi a strutture industriali più grandi e “amiche” (il caso
tipo è quello di Linn che non avrebbe potuto diventare quella che è se i
Tiefenbrun non avessero posseduto un’azienda meccanica a più largo
raggio d’azione) e chi, il più a lungo possibile, ha cercato di mantenere
vivo l’aspetto artigianale del suo lavoro, pur all’interno di strutture industriali.
Il caso più eclatante è molto vicino a noi ed è quello della Sonus
Faber nel periodo di Franco Serblin, ma si tratta più dell’eccezione che
della regola, considerando che Serblin già allora era una sorta di mosca
bianca avulsa alle tematiche “seriali” che pure l’azienda affrontava e
doveva affrontare.
In tempi recenti abbiamo assistito al completo ribaltamento delle logiche
abituali: una volta era il genio, l’artigiano, l’inventore a dare la
linea che poi veniva assorbita dal processo industriale. I più grandi
laboratori di ricerca affidavano agli specialisti il compito di intuire e
interpretare i frutti più estremi della loro ricerca “pura”: è il caso della
strana relazione tra il NatLab (il laboratorio di ricerca della Philips) e
alcune aziende di ben altre dimensioni come la Micromega, al tempo
di Daniel Schar. Oggi sono determinati movimenti d’opinione, frutto di
ingenti risorse intraprese, a dare vita a modelli di sviluppo che solo in
seguito possono essere utilizzati da piccoli produttori e artigiani! Forse
è un caso, forse no, ma proprio l’avventura da costruttore di Daniel
Schar si è conclusa (benché l’azienda sia stata tra le avanguardie del
digitale) proprio lì dove per il rilancio, in un mondo ancor più digitale,
è stato necessario appoggiarsi a patrimoni finanziari di ben altra portata!
In tempi ancor più recenti (e in uno stato di crisi latente dell’Hi-end
24 SUONO febbraio 2016

Evoluzione del concetto di Hi-end nella riproduzione sonora
A sinistra e al centro: 1973 Ivor Tiefenbrun fonda la Linn con lo scopo di produrre il giradischi Sondek LP 12, tutt’ora in commercio. Per farlo si appoggia alla Castle Precison,
azienda meccanica di famiglia. Nel 2007 il figlio Ghilad rilancia l’azienda introducendo la linea DS, digital streamer, con il primo prodotto Hi-end di questo tipo: primo in
assoluto e primo di una ampia gamma di prodotti destinati alla musica liquida.
A destra: 1980 Nascono gli Snail, il primo avveniristico e utopico progetto di Franco Serblin (1939 – 2013); solo tre anni più tardi vedrà la luce Sonus Faber, azienda che riportò
in auge i mini diffusori e il fascino delle essenze lignee.
per cui “tutto è in vendita”) lo stesso Bob Stuart, genio e precursore nel
campo digitale, ha dovuto cedere il controllo finanziario di Meridian a
una cordata di grandi investitori parte della galassia che ruota attorno
a giganti quali Richemont e New Regency, sebbene Bob sia tuttora in
grado di sviluppare innovazioni sostanziali in questo settore (vedi in altra
parte della rivista). L’attuale fase attraversata da economia e sviluppo
industriale punta su un modello che, favorendo la diffusione massima
dei beni, quasi inevitabilmente lo fa a danno della qualità.
In un panorama così tratteggiato esiste ancora e quale può essere il ruolo
del prodotto Hi-end? E il principio stesso dell’Hi-end, dell’alta fedeltà
o dei prodotti di eccellenza (perlomeno
quello “tradizionalmente”
tramandato fino ad oggi) non è
messo a repentaglio proprio perché
è (o dovrebbe essere... ) un irrituale
connubio di artigianato –
industrializzazione dove al primo
sono connessi gli assetti legati alla
qualità e al secondo quelli della
diffusione?
Nell’arco dello scorso secolo e di
quello in corso abbiamo assistito
a una progressiva specializzazione
produttiva durante la quale l’attività artigianale o è riuscita a trasformarsi
in attività industriale o, più di frequente, ha dovuto capitolare, ricercando
soggetti in grado di garantire capitali ingenti per finanziare l’aumentato
fabbisogno. Non solo sono aumentate le dimensioni del mercato ma
ne è cambiata la faccia: inizialmente le sorti dell’artigiano erano legate
all’esistenza di una clientela fissa, di ridotte dimensioni, una sorta di
“prodotto a km zero”. L’ampliamento del mercato e la sua polverizzazione
(oggi assoluta, grazie alla presenza di un mercato virtuale online)
rendono indispensabile per le sorti di un marchio anche di nicchia la
presenza di infrastrutture costose e ad alta complicazione gestionale,
elementi lontani dalla gestione del tradizionale “buon padre di famiglia”
di un tempo. Non che la dimensione artigianale ne venga così completamente
cancellata: da un lato essa è avvalorata dalla richiesta, da una
1984 Il Meridian MCFD è stato il primo lettore CD audiofilo; l’azienda era stata anche
la prima casa inglese a produrre un CD e la prima al mondo a produrre diffusori
attivi, cavallo di battaglia nel passato della filosofia di Bob Stuart e Allen Boothroyd,
i fondatori dell’azienda (1977).
parte di utenza, di un’elevata qualità del prodotto e del servizio che lo
contraddistingue; dall’altro la storia ci insegna che a una cultura monolitica
centralizzata e fondata sul concetto di uniformità succede o si
alterna una cultura basata sulla differenziazione e sulla specificità. Ma
che cosa identifica, al giorno d’oggi, il prodotto di eccellenza (nel nostro
caso il prodotto Hi-end visto che il termine, sebbene si attagli a tutti i
segmenti di maggior pregio, viene utilizzato quasi esclusivamente nel
settore della riproduzione musicale)? Specificità, differenziazione, aspetti
di eccellenza nelle performance e nell’aspetto, servizio pre e post vendita
sono probabilmente i principali aspetti da esaminare ma quanti marchi
e prodotti tra quelli inseriti nell’Annuario
(e più in generale presenti
nel mondo) sono in grado di ottemperare
questi aspetti?
Una Ferrari è sicuramente scomoda,
il cambio assai meno morbido
di quello di una Mercedes, ma ha
comunque un’accelerazione e una
velocità di punta che la distinguono.
Un vestito di sartoria ha la sua
unicità, una teiera dell’Ottocento
ha aspetti non propagabili all’omologo
attuale. Quale può essere l’atout
dell’Hi-end? Non sono certo le performance assolute che, soprattutto
oggi, sono a ricasco della grande industria che segna, con l’introduzione
o il ritiro dal mercato dei componenti, l’orizzonte nel quale muoversi,
soprattutto nell’ambito del digitale. Proprio qui, se ci si attiene alle performance,
assistiamo al paradosso estremo: prodotti economicissimi frutto
di una logica industriale sono decisamente più performanti, più aggiornati,
almeno sulla carta, dei prodotti cosiddetti “di eccellenza”. Cosa vera,
maggiormente, soprattutto se ci si muove in quel crogiuolo in perenne
evoluzione che è l’area di mercato caratterizzata dalla sovrapposizione
tra elettronica e informatica! Non sono da meno le caratteristiche del
“vestito”, perlomeno in termini di qualità e robustezza, dove i numeri
della produzione industriale garantiscono logiche di efficienza sconosciute
all’artigianato: i prodotti di gamma alta dei marchi consumer
SUONO febbraio 2016 25

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1999 Studente al MIT, collaboratore per A.R. (dove sviluppò insieme a Vilchiur gli AR-1), KLH, Advent (che fondò) e Cambridge Sound Works, Henry Kloss (1929 – 2002) ha
dato vita a quel fenomeno di costume che è stata la radio Tivoli.
(in particolare quelli giapponesi) hanno livelli costruttivi, contenuti in
termini di componenti e qualità dello chassis, irraggiungibili dai vari
Waiss, dCS e simili che, pure, ci provano…
Esistono ancora margini di manovra in termini di inventiva sebbene
contingentati dai paletti costituiti da potenziali tecnologiche determinate
“più in alto”: Gordon Rancking non ha certo inventato l’USB ma
ne ha rivoluzionato l’utilizzo sviluppandone un’applicazione asincrona;
il lavoro di Ed Meitner in merito a SACD e DSD ha fatto si che questa
tecnologia non tramontasse e, come accaduto recentemente, ritornasse
addirittura in auge...
Discorso a parte merita, con dovuta menzione, l’intuizione di Franco
Serblin con Sonus Faber che riuscì a coniugare aspetti tipici dell’artigianato
a una produzione vagamente commerciale; va altresì detto che
proprio i termini di quell’equilibrio
furono oggetto di diatriba all’intero
dell’azienda e la ragione per cui
Franco si allontanò dal marchio
che aveva creato. Qualcosa di
quell’humus è sopravvissuto se,
2001 Meteore: Slimm Device introduce per prima uno streamer, lo Sqeezebox.
Il successo è immediato e l’azienda entra nelle mire di Logitech che la rileva. La gamma
di prodotti si amplia ma il fenomeno si spegne.
proprio il gruppo di cui fa parte l’azienda
vicentina (ieri Fine Sound,
oggi World of McIntosh), ha puntato
forte sull’idea di luxury Hi-Fi e
la sta declinando in maniera decisamente inusuale, puntando sul servizio
e sul senso di appartenenza.
Altri, non molti, meriterebbero di essere citati ma va detto che il panorama
è lastricato di buone intenzioni perché l’asticella di ingresso
nel mondo della riproduzione sonora è oggi posta più in alto che in
passato, almeno se si vuole conseguire una certa rilevanza. Interessanti
in tal senso i casi di Slim Device e Simple Audio, per certi versi molto
simili. Agli inizi del nuovo millennio un vero e proprio “genietto”, Patrick
Cosson, dette vita alla Slimm Device e al suo Squeezebox, il primo rivoluzionario
streamer che si sia affacciato sul mercato. A SUONO ne fummo
folgorati offrendo un saggio delle sue prestazioni in occasione di un Top
dove il termine “musica liquida” non era ancora di pubblico dominio!
Poi Cosson, al culmine del successo, vendette tutto alla Logitech che,
dopo un iniziale entusiasmo, valutò troppo piccolo (e lo è se si pensa
ai numeri di mouse e tastiere!) il suo potenziale; così, il prodotto è progressivamente
sparito dal mercato. Emblematico anche il caso di Simple
Audio: l’azienda nasce da un gruppo di “transfughi” di Linn, insoddisfatti
dalla scelta della casa scozzese di presidiare unicamente il target più
elevato nei lettori streaming, pur disponendo di know how e risorse tra
le più massicce. Capitanata da Peter Murphy, Simple Audio prova a sviluppare
il suo prodotto sulla base di un modello di organizzazione ormai
tipico: progettazione occidentale e produzione orientale. Il riferimento
è al tempo stesso Apple (a cui gli
apparecchi si ispirano nell’aspetto)
e il target di Sonos, una fascia di
mercato dove Simple Audio conta
di posizionarsi un pochino più in
alto, forte anche del superamento
dell’unico limite evidente dei prodotti
californiani: l’impossibilità di
gestire i formati ad alta risoluzione.
Poi, però, le release del software
tardano a essere rinnovate e per lungo tempo la lettura dei file high
resolution si ferma a 24/96… Nel 2014 Simple Audio viene acquistata
da Corsair, gigantesco fornitore di terze parti per PC. E Simple Audio
scompare dai radar, almeno da quelli legati al mercato dell’alta fedeltà.
Purtroppo non bastano le buone idee per raggiungere il successo e
spesso, in mancanza pure di quelle, è soprattutto un marketing ruspante
legato alle parole chiave del nostro settore, reiterate pedissequamente nel
tempo, a costituire la “chiave di ingresso” di sedicenti prodotti Hi-end sul
mercato. Se si analizza l’offerta sotto questa luce sussistono effettivamen-
26 SUONO febbraio 2016

Evoluzione del concetto di Hi-end nella riproduzione sonora
In alto: 2016 Dal 1953, anno di fondazione in cui Joseph Grado (1924 – 2015) trasformò
il negozio di frutta della propria famiglia in un atelier per la produzione di
fonorivelatori, la newyorkese Grado è rimasta fedele ai suoi valori artigianali. Tutt’oggi
i prodotti della casa vengono prodotti negli stessi locali di Brooklyn.
In basso: 2002 Gordon Rankin (1957) comincia la ricerca che lo porterà a sviluppare
per Ayre il primo DAC con USB asincrona. Nel 1981 ha dato vita alla Waveleight Audio,
è stato musicista e auto-costruttore.
te pochi prodotti e ancor meno marchi che si possano definire Hi-end se il
termine coincide col l’appellativo “di eccellenza”! Per tornare al paragone
con il mondo automobilistico, anche la Ferrari è comunque un prodotto
industrializzato, sebbene offra alcune performance di vertice, l’esclusività
e il servizio connaturato al prodotto d’élite e al suo immaginario.
Possiamo dire altrettanto di gran parte dei prodotti similari in Hi-Fi?
Probabilmente di pochissimi... e il paradosso più evidente è che quasi mai
a un prodotto di questo tipo corrisponde un “servizio”, inteso in maniera
la più ampia possibile, sebbene sia e sarà, almeno così la pensiamo noi,
altamente strategico non solo per ciò che offre e offrirà al “cliente” ma,
soprattutto, come tornasole della capacità di chi offre prodotti e servizi
di fornirli in maniera efficiente. Efficienza non solo verso il cliente ma a
tutto campo: oggi è possibile, visto che gli strumenti di gestione che ci
vengono messi a disposizione sono inclusivi, non distinguono (entro certi
limiti) tra società grandi e società piccole ma piuttosto tra società che
hanno chiaro o meno il loro target; offrono grandi opportunità a patto
di avere un piano chiaro delle proprie esigenze. Opportunità trasversali
che prescindono le dimensioni aziendali e, in parte, persino gli investimenti
necessari: ci sono piccole aziende efficientissime (Sonos è una di
esse) e giganti che sembrano balene spiaggiate! L’efficienza del servizio
fornito (che vuol dire customer care ma anche capacità di pensare e
aggiornare il prodotto in maniera opportuna) è determinante in quelle
che via via vengono definite start up di successo o killer app e, in sostanza,
quell’efficienza è la grande eminenza grigia che sta dietro prodotti,
specialmente quelli di nuova generazione, e ne tira i “fili”. Efficienza che
si tramuta in emozioni destinate al pubblico a cui sono rivolte: in questo
senso il valore che abbiamo definito “di concretezza” di un prodotto e di
un marchio ne diventa un fattore ineludibile se si vogliono perseguire
risultati soddisfacenti. Oggi il vero fattore discriminante tra questo e
quel prodotto è proprio questo: trovare soddisfatte le proprie esigenze, a
volte prima di essere coscienti di averle… Se seguite SUONO da qualche
tempo avrete percepito come a volte alcuni prodotti sono dei veri fuori
quota: tutto sembra semplice e scontato, peccato che “gli altri” quelle
caratteristiche non le abbiano.
Siamo convinti che questi elementi di demarcazione siano in grado di
distinguere oggi alcuni prodotti da altri e che solo ottemperandoli si
possa parlare di vero Hi-end; che, in altre parole, si sia all’alba di un
nuovo concetto di Hi-end, lontano dalle polverose convinzioni del passato
via via state svuotatesi delle intuizioni e colpi di genio che le avevano
generate. D’altronde il mercato si è di fatto ulteriormente radicalizzato
e se molti degli apparecchi e dei marchi Hi-end sentono la necessità di
ricollocarsi (ed è quanto sta accadendo, ad esempio, per Naim con Muso,
per Micromega con la linea My, per Audioquest con i DAC portatili, per
Arcam con la rSeries e così via), esiste ancora uno spazio, probabilmente
ancor più di nicchia, per l’eccellenza; perché un buon sarto, un buon
calzolaio e, perché no, un eccellente prodotto per riprodurre la musica
sono merce rara ma ricercata, proprio in contrapposizione al mainstream,
che oggi consente di ottenere risultati di media qualità con minor
sforzo che in passato. A questo tipo di cliente occorre però offrire quel
registro di emozioni e performance, quell’appartenenza più che a un prodotto
a una filosofia, tipici degli status symbol; una definizione, quest’ultima,
che ci piace interpretare nella sua accezione più positiva, ovvero di
appartenenza a una condizione d’élite come quella di chi ama davvero
la musica e la sua riproduzione.
SUONO febbraio 2016 27

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di Rocco Mancinelli
Ciare: l’ultima
dei mohicani
Era l’ultimo esempio di industria italiana
specializzata nel settore. Ora c’è il fondato
rischio che certe lavorazioni artigianali, come
la produzione di coni per altoparlanti in carta,
scompaiano per sempre...
Il nome per esteso, Costruttrice Italiana Altoparlanti Radio Elettronica
ai più non dirà niente; l’acronimo CIARE, invece, ha attraversato
la storia dell’alta fedeltà, rappresentando l’eccellenza italiana,
un tempo in buona compagnia, poi sempre più solitaria (perlomeno se si
sta parlando di una dimensione aziendale) fino al recente triste epilogo.
Nei suoi stabilimenti nascevano trasduttori per ogni tipo di applicazione:
radio, TV, strumenti musicali, Hi-Fi, car e sistemi pro con la particolarità
di utilizzare principalmente coni in carta, tecnologia di cui l’azienda
deteneva il know how assieme a pochi altri al mondo. Nata come ditta
individuale nel 1951, per volontà del fondatore Dino Giannini era rimasta
un’azienda a conduzione familiare, affidata successivamente alla figlia
del fondatore. Nel tempo il giro di affari era cresciuto esponenzialmente,
fondato principalmente sulla produzione per terzi: il primo stabilimento,
troppo piccolo, nacque già nel 1969, quando l’azienda si trasferisce in un
edificio di 3.500 mq; da quel momento il personale cresce fino a quasi
200 unità e la produzione arriva a toccare i due milioni e mezzo di pezzi
l’anno! Molti di questi sono, però, destinati a un unico cliente (Meyer
Sound): la garanzia di ordini regolari e abbondanti ha permesso all’azienda
di fiorire ma nel momento in cui Meyer si allontana da CIARE diventa
evidente il vuoto causato dal non aver coltivato in parallelo altri fornitori.
È la prima grande crisi dell’azienda ma a entrare in crisi è, soprattutto,
il modello autarchico propugnato dai Giannini. Se costruirsi tutto da
soli (bobine, centratori, bordi, coni, membrane per alte frequenze, tweeter
e driver a compressione ma persino le macchine per costruirli!) ha
contribuito a creare un know how invidiabile, il non aver sfruttato un
vantaggio competitivo di questa portata (gli altri costruttori si limitavano
a formare in casa membrane per alte frequenze e a “trattare” coni e bordi)
associato all’incapacità di stare al passo con i tempi è risultato decisivo:
mentre altre aziende del settore si evolvevano in termini strumentazione
di misura e software di modellazione, la CIARE rimaneva ferma. Se la
possibilità di ideare e produrre quasi tutti i componenti chiave in casa
garantiva cicli di lavorazione brevi, prima di raggiungere un risultato
soddisfacente per il cliente si rendeva necessario un numero maggiore
di cicli di prototipazione. In un modello di sviluppo dove il tempo è tutto,
il ritardo nel riallinearsi è stato fatale. Non conosciamo i piani della
Eighteen Sound che ha rilevato il marchio; certo è che se il patrimonio
della CIARE, che abbiamo provato a raccontare nelle pagine che seguono,
andasse perduto, sarebbe un gran peccato!
28 SUONO luglio 2015

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UN AMORE DI CELLULOSA
Uno dei grandi vanti dell’azienda è stata la
realizzazione delle membrana in polpa di cellulosa,
lavorazione effettuata a partire dalla
scelta delle materie prime più adatte per la
preparazione dell’impasto iniziale. Si, perché
è proprio dall’impasto che bisognava partire
per ottenere un risultato soddisfacente e pregno
del know how maturato in tanti anni di
esperienza fatta sul campo. Un po’ come accade
per i grandi chef che sono i primi a buttar
giù una ricetta ma sono anche i primi a non
seguirla in quanto sono i piccoli accorgimenti
frutto di un affinamento progressivo che poi
fanno la vera differenza sul prodotto finale.
La scelta quindi inizia con il tipo di cellulosa
da utilizzare per continuare sugli additivi aggiunti
per ottener impasti adatti a vari scopi;
poi i leganti per compattate il cono a fine lavorazione...
Un altro passaggio molto importante
è quello della triturazione della cellulosa
per ottenere fibre lunghe oppure molto sottili,
a secondo del tipo di cono da realizzare. Per
questo erano state messe a punto due tipi di
macchine distinte con ingranaggi e ruote dentate
molto differenti fra loro, in grado di sminuzzare
la cellulosa a fibre lunghe e spesse e a
fibre corte e sottili. La preparazione della mescola
è cruciale perché da questa derivano la
qualità e le caratteristiche del prodotto finito e
solo dopo la realizzazione della membrana di
può verificare la bontà della preparazione. In
questa fase ingredienti, dosaggi e procedure
sono ben definite ma la componente umana
e il tocco della persona esperta fanno sempre
la differenza sopratutto in produzioni dove il
controllo automatico non è garante in assoluto
di risultati certi. Un po’ come il pizzico
di sale aggiunto a metà cottura, quel QB che
è necessario e fa la differenza!
In questa come in altre occasioni o altri ambiti
ci è capitato di vedere attraverso gli occhi
dell’addetto esperto che, nonostante avesse
seguito alla lettera un protocollo “granitico”
ha la sensazione che bisogna “correggere”
la mescola attuando delle piccole aggiunte.
Non sapremo mai se si tratta di interventi
determinanti, ma non avremmo mai prove
del contrario. Comunque, ben venga il fattore
umano!
SUONO luglio 2015 29

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SPIDER MEN
Una delle lavorazioni tecnicamente avanzate e delicate realizzate direttamente in
casa era lo stampaggio sia degli spider che delle membrane dei driver in alluminio e
addirittura in titanio. Lo stampaggio non è una operazione semplice che restituisce
risultati costanti, se non si dominano tutti i passaggi delle fasi lavorative.
Per questo, CIARE realizzava in casa anche gran parte dei macchinari e delle matrici
di stampa, anche perché certi affinamenti produttivi venivano messi a punto durante
le fasi di lavorazione. La realizzazione degli spider, partendo da un tessuto ad alto
spessore e utilizzando stampi riscaldati, è operazione delicata ma mai come quella
della formatura delle membrane dei tweeter in cui una sottile lamina metallica viene
“spremuta” lungo due matrici dallo spessore interno infinitesimale. Tuttavia anche
la realizzazione degli spider e della installazione sulle membrane è operazione che
viene fatta a mano su maschere di riscontro che simulano le condizioni di utilizzo e
installazione finale. In pratica sono stati realizzati dei supporti con modelli di altoparlanti
su cui vengono posizionate le sospensioni, incollate e trattate.
Le operazioni di movimentazione e di stoccaggio in attesa dell’essiccazione dei collanti
sono molto delicate e anche queste sono soggette il più delle volte alla sensibilità
dell’operatore che deve tener conto di una serie di paramenti, molti anche di tipo
ambientale in quanto al variare delle condizioni atmosferiche variano anche i tempi
di “maturazione” dovuti ai materiali che spesso sono igroscopici o a lento rilascio
di solventi.
Oggi sembra anacronistico pensare a produzioni di massa così dipendenti dai fattori
esterni, ma in ogni produzione di qualità le variazioni dovute a fattori esterni
sono inevitabili e si possono solo apportare gli opportuni fattori correttivi che, nella
maggioranza dei casi, fanno parte della sensibilità dell’operatore e della suo livello
di competenza maturato con l’esperienza. E sono proprio quelli a fare la differenza!
30 SUONO luglio 2015

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ORIGAMI HI-FI
La parte più delicata della realizzazione di una membrana
in polpa di cellulosa con un processo produttivo
di tipo a immersione, risiede nella preparazione di una
amalgama e un bagno opportuno ma bisogna anche
seguire passo passo tutte le fasi, ognuna delle quali
ha tempi modalità e condizioni molto rigide e richiede
gran manualità e sensibilità. La amalgama di fibre
di cellulosa sminuzzate e mescolate ad altri materiali
inerti e leganti, deve essere ben dosata e mantenuta
in una sospensione omogenea e bene distribuita nella
vasca di pescaggio. A questo punto un setaccio traforato
con la forma a cono dell’altoparlante da realizzare
viene immerso nella vasca ed estratto con decisione.
In questa fase raccoglie le fibre nel suo percorso che
si adagiano sulla superficie e perdono la maggior parte
dell’acqua. Il “colino” viene lasciato ad asciugare
un certo tempo e poi viene immesso in una macchina
che comprime la cellulosa fra il colino traforato e
uno stampo che darà la forma alla parte anteriore del
cono, tramite un trattamento termico che asciugherà
il cono e consoliderà le fibra le une con le altre. A questo
punto il cono, quasi del tutto asciutto e vicino alle
caratteristiche meccanico fisiche del prodotto finito,
verrà analizzato con l’unico metodo certo: la misura
della massa finale tramite una bilancia di precisione.
Se rientra nelle specifiche allora il cono passa alla lavorazione
successiva, altrimenti rientra negli scarti di
lavorazione e i risultati ottenuti diventano determinanti
per apportare le opportune modifiche e correzioni
alle fasi produttive precedenti in modo da avere i coni
successivi che rientrano all’interno delle specifiche di
produzione. Ogni passaggio deve essere effettuato con
estrema delicatezza ma anche con una certa celerità,
basti pensare che il cono è delicatissimo prima della
formatura e deve essere maneggiato senza deformare
la struttura e che gli equilibri del bagno si sospensione
sono molto delicati e variano con estrema facilità.
CIARE ospitava spesso tecnici stagisti anche provenienti
dall’estero che effettuavano periodi di formazione,
in quanto era una delle poche aziende al mondo
a produrre membrana in carta con questo processo
produttivo, ottenendo risultati con un elevato controllo
di qualità.
Ci sono altri metodi per ottenere coni in cellulosa stampata:
questo era uno dei più delicati ma al contempo
accurati per ottenere risultati che coniugano rigidità
e leggerezza dei coni. Anche se si tratta di un processo
molto delicato e che deve essere mantenuto sotto
controllo da personale esperto (ma anche talentuoso!),
il risultato è ancora oggi un punto di riferimento almeno
per quanto riguarda alcuni tipi di coni di grandi
dimensioni, impiegati prevalentemente nel settore
professionale.
SUONO luglio 2015 31

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di Daniele Camerlengo
Un Maestro
“tutto a mano”
Come fa un autore particolarmente prolifico, che sfida se stesso su più piani, ad aver pubblicato un
unico, se pur abbondante, lavoro su disco? Lo abbiamo chiesto al diretto interessato!
Ezio Bosso è, per cosi dire, nato musicista, visto che frequenta
l’arte delle sette note dall’età di quattro anni grazie agli
insegnamenti di una prozia pianista e del fratello anch’egli
musicista. Già a 16 anni debutta come solista in Francia e inizia
a girare le orchestre di mezza Europa. Da subito si distingue
per la sua notevole poliedricità che gli consente, a partire dalle
composizioni classiche, scorribande tanto con le grandi orchestre
sinfoniche che con quelle da camera o solistiche, con “incursioni”
nel mondo del cinema (la colonna sonora di Io non ho paura di
Gabriele Salvatores) e nel teatro, nella danza e nella sperimentazione
con la musica contemporanea. Eppure, nonostante l’immensa
mole di opere, composizioni e collaborazioni, al suo attivo vanta
un unico disco solista ufficiale, The 12th Room, costituito da due
parti, separate anche fisicamente in altrettanti dischi: dodici brani
uno, un’unica suite da 45 minuti, senza interruzione, l’altro... Quasi
a sottolineare almeno due delle anime del musicista…
Come ti sei avvicinato a questo meraviglioso strumento
che è il pianoforte?
Quando penso alla musica la concepisco come un fattore magico
della preesistenza, una vera magia, come quella delle favole; in
particolare, mi piace citare quella di Harry Potter: non è il mago a
scegliere la bacchetta magica ma è quest’ultima a scegliere il mago!
Sono convinto che sia così: lo strumento viene da te. A volte i genitori
hanno un ruolo determinante nella scelta dello strumento,
altre volte è la vita che decide per te. Spesso noi uomini vogliamo
relegare le cose belle, quelle magiche, a dei fattori pratici e anche
un po’ cinici; nella musica, invece, è tutto diverso: da posture
strane, da cose meccaniche nasce una poesia infinita.
Un rapimento vicendevole… C’è stato lo zampino di qualcuno,
oppure un ascolto che ti ha affascinato?
Da bambino mi entusiasmavo solo per la musica: ogni volta che
32 SUONO febbraio 2016

INTERVISTA ezio bosso
vedevo uno strumento diventavo felice. Mio fratello maggiore, che
è stato anche un po’ il mio papà, avendo dodici anni più di me, si
accorse subito che la musica era la mia felicità e convinse il resto
dei miei familiari a farmi andare avanti nel mio percorso musicale.
Quindi hai iniziato gli studi… raccontaci il tuo percorso,
cosa ti è piaciuto e cosa no.
Appartengo all’ultima generazione di musicisti che ha studiato
con metodi di studio ottocenteschi, particolarmente rigidi. All’età
di quattro anni la mia insegnante era una prozia: non mi ha fatto
toccare il pianoforte finché non ho imparato il solfeggio. Ho appreso
prima a leggere la musica che a leggere le parole. Quando
sento che le persone abbandonano la musica per colpa del solfeggio
rimango stupito; è come non voler parlare più perché non si
vuole imparare la grammatica. Volevo conoscere questo linguaggio
meraviglioso per arrivare al piano, per me era un’urgenza. Non mi
piaceva quel metodo, io volevo suonare Bach, ma lei mi insegnava
solo la tecnica. Questo era un sacrificio nella sua accezione più
bella nella sacralità di arrivare. Poi il mio ultimo maestro, quello
vero, mi disse: “lo so che tu vuoi fare il diverso, io ho ottant’anni
e so quello che faccio, tu adesso fai come faccio io e poi troverai
la tua strada.”
La Figura di riferimento di quel periodo, un Eroe o un
periodo musicale.
Da bambino il mio mito era Franz Liszt e, di nascosto, dirigevo Les
Préludes di Liszt. Nel corso della mia carriera ho diretto tanta
storia della musica ma mai Les Préludes di Liszt; suono Chopin,
che però era protetto da Liszt, e mi piaceva molto anche Niccolò
Paganini. In effetti, li vedevo come dei supereroi con i loro capelli
lunghi e le basette. Anche io, da grande, ho avute le basette e mi
sono accorto che vestivo ottocentesco… quei personaggi erano
dentro me.
C’era un Compositore più moderno che ti affascinava
sempre in quel periodo…
Da bambino amavo Claudio Abbado, mi sembrava di conoscerlo
da sempre, era una persona gentile. Mi ricorderò sempre di un
“Pierino e il lupo” con Benigni, all’epoca avevo 10 anni. Poi l’ho
conosciuto a vent’anni e ho suonato con lui nella sua orchestra,
la Chamber Orchestra of Europe. Col tempo ho avuto anche la
fortuna di diventare suo amico. Altro personaggio per me particolarmente
importante è Ludwig Streicher.
amano la mia musica, la considerano un loro arricchimento. Se
fossi stato un buon musicista di cinema avrei fatto tutti i film di
Salvatores, ma per me è stato bello così, è stata una palestra di
umiltà: infilare i tuoi pensieri nei tempi di un montatore, di un
regista o di un produttore.
Come vedi l’Italia dal punto di vista della musica, della
cultura e delle arti, vivendo fuori dal nostro Paese?
Vedo un Paese spaccato a metà: da una parte le persone hanno
desiderio di arte, di bellezza, di poesia, di cultura, dall’altra chi
amministra ne ha un po’ paura e questa paura li inibisce. La musica
libera fa perdere il senso del tempo, un’altra magia che sottolineo
sempre ai miei colleghi quando dirigo o ai miei studenti quando
li ascolto; ti rendi conto di possedere uno dei più grandi poteri
dell’universo che è il tempo. Si dice persino “rubare il tempo”, quel
tempo possiamo farlo correre o fermalo, questo è il grande potere
che abbiamo noi musicisti. Dobbiamo esserne responsabili, chi ci
mette le mani, chi organizza e chi scrive, deve usare questo potere
con responsabilità, come diceva lo zio di Peter Parker: “Da ogni
grande potere deriva una grande responsabilità.”
Qual è l’insegnamento più importante che trasmetti ai
tuoi allievi?
Il più grande insegnamento della musica è ascoltare… un bravo
musicista sa ascoltare e quando ascolti sei generoso, non suoni mai
per te, suoni sempre affinché l’altro suoni meglio di te; questi vasi
che comunicano creano il “terzo suono”, quello che non è scritto.
Favorire l’ascolto dell’altro, renderlo chiaro, su questo lavoro.
In una tua playlist, quali brani o compositori non mancherebbero
mai?
Non mancherebbero mai Bach, Les Préludes di Liszt, brani di John
Cage, Chet Baker, Miles Davis, Paolo Fresu… troppi da elencare.
La dodicesima stanza è il tuo primo disco fisico, pertanto
fino ad ora hai vissuto in un mondo musicale liquido.
Cosa ne pensi?
Ho varcato quel confine perché la gente me lo chiedeva. In passato
nessuno mi faceva fare un disco. Per il mio lavoro ho registrato
tanto, anche in luoghi importanti come Abbey Road; ho lavorato
Sei famoso in Italia anche per le colonne sonore che hai
realizzato per i film di Gabriele Salvatores: Io Non Ho
Paura, Quo Vadis Baby? e il recentissimo Il Ragazzo
Invisibile. Ti piace il ruolo del compositore di “musica
per immagini”? Rifaresti la stessa esperienza?
Ripeterei l’esperienza. Devo ammettere che la colonna sonora del
film più famoso tutto era tranne che musica da cinema; potrei dire,
anzi, che sia stata un insulto per chi fa musica da cinema. Un bravo
comico romano mi disse che non facevo colonne sonore ma piccole
poesie inserite poi nelle colonne sonore. Alcuni registi e coreografi
SUONO febbraio 2016 33

inside
C’è un aneddoto della tua carriera che ricordi con molto
piacere?
Me ne vengono in mente due, il primo è divertente: mentre dirigevo
un’orchestra, il primo violino, grandissimo strumentista russo,
mi disse: “Maestro, però lei ogni volta ci chiede il massimo e finisce
le prove come se avesse fatto non uno ma quattro concerti
assieme, invece bisogna risparmiare le energie”. Gli risposi che
solo attraverso l’energia la musica ci regala il feedback della conoscenza;
e se uscendo dalla porta mi cadesse un pianoforte sulla
testa? Morirei avendo come ultimo pensiero quello di aver suonato
un po’ moscio. Voglio sempre suonare fino in fondo, ogni giorno,
dando tutto me stesso. Il secondo riguarda la donna che amo, l’ho
conosciuta proprio mentre suonavo, mi sono girato e lei era lì…
con i più grandi fonici del mondo, e nessuno capiva perché le case
discografiche non fossero interessate, nonostante il pubblico mondiale
mi chiedesse dove poter trovare la mia musica. Per un po’ è stata
una frustrazione, poi decisi di condividere un pezzo della mia storia
regalando alle persone l’accesso alle mie composizioni; così, ho pubblicato
tutto in modo che vi potessero accedere. A Spotify preferisco la
bellezza del gesto di mettere il disco e fermarsi un attimo. Un disco è
una fotografia di un momento, come quando trovi delle vecchie foto;
tutte le mie registrazioni sono quasi live, mi piacciono le foto vecchie,
quelle di Whitman con il difetto, mi piace il rumore della vita. Mi piace
l’idea che ci sia l’imperfezione e il respiro della gente.
The 12th Room rappresenta un percorso unico, dodici
stanze alle quali hai dato dei nomi emblematici.
Sono dodici stanze della vita di chiunque. Non pensiamo mai a
quanto in realtà siano importanti le stanze. Quelle che racconto
sono stanze che ho vissuto, dal cui incontro sono nati dei racconti
come quello di The Tea Room, del veterano inglese che vuole apparecchiare
la stanza più bella per liberarsi dell’orrore della guerra,
legarsi a una stanza bella per scappare dal buio della violenza. Ho
realizzato un libro fatto di piccoli racconti che portano a quella
dodicesima stanza che in realtà è la tredicesima.
La Sonata No.1 in G minor è colore ed emozione. Perché
hai scelto questa forma musicale?
La forma sonata è arrivata da sola e allo stesso tempo sono legato
ad essa. Le mie composizioni derivano quasi tutte da quella forma
ancora da esplorare e da cambiare, proprio come ha fatto il mio
papà Beethoven. La sonata è un percorso. La forma è importante
nella musica perché è una responsabilità: io vivo, non è solamente
espressione di cuore e amore, essa pervade le nostre cellule, entra
nel cuore ma deve farci pensare. Split Postcards From Far Away
(The Tea Room) è una piccola sonata, dove c’è un’ introduzione
che diventa movimento veloce, un trio e poi la coda.
Hai avuto una brutta esperienza di salute e attraverso
di essa sei riuscito ad apprezzare la bellezza della vita.
Penso sia molto importante ridere e gioire della propria vita;
spesso cercano di farmi fare “il testimonial della sfiga”, vogliono
stigmatizzare la mia malattia a scopi mediatici. Sono un uomo
che ha una disabilità evidente in mezzo a un’umanità che ha altri
gravissimi disagi interiori che non si vedono, tristezze varie. Dico
sempre che sorridere avvicina più dei passi, fa andare molto più
lontano, apre molte più porte.
Come nascono le tue composizioni?
Attraverso lo studio: faccio tante ricerche, sono probabilmente un
esploratore di ciò che gli uomini danno per scontato. Ho scritto sul
respiro, sui cartelli stradali, sul mare, sugli alberi. Suono tutto a
memoria, dirigo tutto a memoria, ricordo tutto ciò che ho suonato
nella vita e questo crea in me, probabilmente, una tecnica per
scrivere di cui io sono inconsapevole. Non chiedetemi come si fa,
non lo so, però bisogna innanzitutto studiare.
Dirigere cosa significa, come lo spiegheresti a un
profano?
Dirigere è la dimostrazione della magia. Con una bacchetta si
scatenano il paradiso e l’inferno, la forza e la delicatezza, dirigere
è stare insieme agli altri, è motivare, è essere mentore. In inglese
è una delle parole più belle: conducting, condurre come un filo
tra tutti, condurre l’elettricità come fa il rame. Alle volte vorrei
stare seduto, aspettare l’orchestra che arriva e prende l’applauso.
Descrivici il tuo rapporto con le arti.
Mi piace molto leggere ma adoro tutte le arti. Spesso mi etichettano
come minimalista, forse perché ho un cognome a cinque lettere
come tutti gli esponenti ufficiali: Glass, Young, Reich, Riley. Il mio
rapporto con il minimalismo nasce grazie alle idee di Sol LeWitt
e David Tremlett: ho avuto la fortuna di ispirarmi alla ricerca
dell’essenza che ti stupisce. Mi piace tutto ciò che arricchisce e
migliora le nostre vite.
Il libro Le dodici stanze di Monsieur Hannibal dello scrittore
Hervé Jaouen sembra avere delle vicinanze concettuali
con il tuo lavoro discografico.
Come direbbe Goethe, si tratta di un’affinità elettiva; probabilmente
anche lui si ispirò a questa teoria misteriosa, la vita non è un
tempo ma essa è uno spazio e lo spazio è infinito, basta viverlo…
Adesso cosa ti aspetta?
Ora inizia questa tournee mista di presentazioni ma sicuramente
tornerò a suonare con il mio amico Mario (Brunello) e avrò tanto
altro da fare...
34 SUONO febbraio 2016

inside
di Franco Vassia
Sulle corde
di Shawn
Nato a Fort Worth, in Texas, il 3 febbraio 1943, Shawn Phillips può essere considerato un totem della
musica senza confini, una vera e propria leggenda vivente.
Il cantautore americano ha attraversato stili ed epoche musicali, ha
partecipato da protagonista al Festival dell’Isola di Wight (dove
nelle tre edizioni iniziali, 1968-1970, salgono sul palco anche Bob
Dylan, Jimi Hendrix, Joe Cocker, Free, Who, Miles Davis, Jethro Tull,
Ten Years After, Moody Blues, Leonard Cohen), ha collaborato con
tutti i migliori artisti dell’epoca: da Donovan a Joni Mitchell, da Eric
Clapton a Van Morrison, dai Juicy Lucy a Stevie Winwood. Prima d’intraprendere
la strada del folk, Shawn muove i primi passi all’ombra del
poeta / scrittore Jack Kerouac e nei circuiti della Beat Generation. Successivamente,
influenzato dalle nuove sonorità indiane che appaiono
all’orizzonte verso la metà degli anni Sessanta, si avvicina alle filosofie
orientali e al sitar di Ravi Shankar. Studia la tecnica del respiro che gli
servirà per modulare la voce in modo personalissimo. Miscelando le
sonorità apprese in India con il folk di chiaro stampo americano e a
testi non convenzionali, Shawn Phillips si trasferisce a Londra per dar
vita a I’m a Loner, edito nel 1964 per la Columbia, album fortemente
innovativo per quel periodo; Shawn, titolo del secondo lavoro nel 1965,
si dedica invece alla rilettura di classici, da Pete Seeger a Barry McGuire
(autore della bellissima Eve of Destruction); nello stesso periodo conosce
Tim Hardin e dà lezioni di chitarra a Joni Mitchell. Il menestrello
gallese Philip Donovan Leitch (la risposta europea a Bob Dylan) lo invita
a suonare il sitar nel suo terzo 33 giri, Sunshine Superman del 1966.
La musica di Shawn, fortemente contaminata e internazionale, trova
la giusta dimensione in Italia, a Positano, dove si trasferisce nel 1967.
È un momento particolarmente creativo il cui frutto è Contribution,
COLLABoration
1974
Second CONTRIBUtion
2015
opera pregevolissima, incisa a Londra per la A&M (1970) dove, oltre ad
avvalersi della presenza di personaggi del calibro di Stevie Winwood,
Jim Capaldi e Chris Wood dei Traffic, sono riscontrabili “profumi”
Rhythm and Blues. Il lavoro successivo, Second Contribution (1970),
è eccellente e il sodalizio avviato con Paul Buckmaster genera autentici
capolavori. Buckmaster è un abilissimo arrangiatore (famoso per la sua
collaborazione con i primi lavori di Elton John e, in Italia, con Angelo
Branduardi) che tende ad armonizzare il rock con accattivanti partiture
sinfoniche e classicheggianti. L’album contiene The Ballad Of Casey
Deiss, l’autentico manifesto dell’artista, ballata di struggente bellezza
sorretta da un testo altamente lirico: “C’era un uomo dai lineamenti
giovanili / c’era un ragazzo dagli occhi tristi / che guardava al mondo
36 SUONO febbraio 2016

INTERVISTA Shawn Phillips
esterno ma scrutava dentro di sé / alto e maestoso e pieno di vita /
nella sua esistenza parlava molto raramente / nella sua mente implorava
luce dipingendo percezioni / cercando di catturare ciò che
scorgeva nel suo conflitto dubbioso / una volta a Lisbona, due volte a
Londra/vagabondando tutto il tempo / alla ricerca di una divinità /
prese Diana per moglie / di bambini ne avevano chiesti / due erano
morti senza conoscere la vita/e della terza non so nulla / ma se vive
sarà certo gentile / Casey aveva un marchio di semplice valore / e
una stella in mezzo agli occhi/nelle mani aveva una lama d’accetta
/ il simbolo greco del tuono e del fuoco / una notte tra il pianger dei
cieli / venne fuori e prese la sua ascia / tagliando legna per riscaldare
il cuore / il fulmine cadde e mio fratello morì / non portargli vino da
lontani vigneti/non raccontargli storie della potenza degli abissi /
ma auguragli pace e saggezza eterna/perché morì e la morte venne
dalla luce”.
Altri brani degni di nota sono la monumentale She Was Waitin’ For Her
Mother At The Station in Torino And You Know I Love You Baby But
It’s Getting Too Heavy To Laught, Sleepwalker e Steel Eyes. L’enorme
quantità di materiale accumulato con Buckmaster viene utilizzato per la
realizzazione di Collaboration, che esce nello stesso anno (1971) con la
partecipazione creativa di Peter Robinson, tastierista degli storici Quatermass,
della versione originale di Jesus Christ Superstar e dei Brand
X, già presente nei due lavori precedenti ma qui particolarmente attivo.
Nei due anni successivi altrettanti dischi: Faces, 1972, che recupera
materiale inutilizzato del 1968 (tra cui We, destinata a diventare un
singolo di successo) e Brightwhite, 1973, registrato negli States, lavoro
che risente di una maggiore innervatura rock. Nel 1974, ancora sotto la
guida di Buckmaster e di Robinson, incide Furthermore, ispirato dalla
figura del padre, James Atlee Phillips, poeta e scrittore. Il successivo
periodo è alquanto confusionario per Shawn che, incapace di trovare
la giusta dimensione, tenta continue incursioni in generi alquanto
spiazzanti: Do You Wonder del 1975 è, infatti, alquanto leggero mentre
tenta strade e aforismi funky; Rumplestiltskin’s Resolve (1976), invece,
sembra ritrovare gli antichi fasti. Spaced, del 1977, chiude il capitolo
intrapreso con la sua storica etichetta, la A&M.
Nel 1978 il passaggio alla RCA e
il conseguente terremoto sonoro
con Trascendence, dove c’è l’ingombrante
produzione di Michael
Kamen (Madonna, Pink Floyd,
Rush, Metallica, etc). Successivamente
si concede un lungo periodo
di riflessione e di letargo fino a
Beyond Here Be Dragons, 1983,
dove fa capolino anche la musica
elettronica, dato che la produzione
è di Michael Hoenig, tastierista dei
bravi Agitation Free, uno dei gruppi
cardine del krautrock tedesco.
Ancora un lungo periodo di silenzio
fino a che, nel 1994, in Canada,
esce Thruth If It Kills, che non aggiunge nulla di nuovo pur contenendo
belle canzoni. Shawn si ritira in buon ordine dal mondo musicale e, una
volta stabilitosi ad Austin, in Texas, si occupa di volontariato nel locale
corpo dei Vigili del Fuoco. Nel 1997, a oltre trent’anni dal suo esordio,
ritorna in pista con un tour che tocca l’Inghilterra, il Canada e il Sud
Africa. Nel 1999 ritorna in Italia. Negli anni 2000, trasferitosi a vivere
a Port Elizabeth in Sud Africa, ritrova parte della grinta degli anni migliori
e pubblica diversi album, tra live, nuovo materiale e canzoni mai
incise prima. L’ultimo è Infinity del 2014. Si parla da qualche tempo di
un suo possibile tour europeo in acustico, che dovrebbe toccare anche
l’Italia. Divertente che durante la conversazione alterni parole in idioma
italo-campano, frutto dei tanti anni vissuti a Positano, e nell’inglese
delle sue origini.
Hai lasciato il segno nella musica degli anni ’70 con album
straordinari... da Contribution a Second Contribution, fino
a Rumplestiltskin’s Resolve. Hai avviato collaborazioni
invidiatissime e i migliori musicisti dell’epoca facevano a
gara per poter suonare con te. Eri uno dei personaggi più
ricercati...
Sì, è vero. Con l’aggravante che, purtroppo, oggi l’industria della musica
è molto cambiata. Gli anni ’80 sono stati quasi interamente occupati
dalla musica dance e uno dei miei più grandi problemi è che non ho mai
potuto disporre di un singolo, di un 45 giri. Anche per questo motivo
SUONO febbraio 2016 37

inside
FavoUrite THINGS
1974
INFinity
2015
l’industria non si è più interessata a me. Dopo qualche anno trascorso a
pensare ho realizzato che, alla fine, questo non è nient’altro che un gioco
per l’industria musicale. Così ho continuato a fare le cose di sempre e,
ogni tanto, riesco anche a trovare dei soldi per realizzare un nuovo disco.
È questo il segreto che mi ha permesso di produrre altri album, come
quello su cui sto lavorando adesso. Sono stato anche tra i primi nella
storia della musica a chiamare i fan per produrre il disco di un artista.
Ci tengo a sottolineare di non aver niente a che spartire con l’industria
musicale. Per qualche anno negli Stati Uniti ho fatto un altro lavoro,
molto diverso da quello di un tempo. M’interessavo veramente della
vita e della morte: dove abitavo non passava giorno che non ci fossero
collisioni fra auto ad alta velocità. Quasi quotidianamente dovevo praticare
interventi respiratori, massaggi cardiaci, curare ferite. Ho fatto il
medico (tecnico di medicina) nel corpo dei Vigili del Fuoco, in Texas.
Quindi, dopo aver vissuto per lungo tempo in Italia, sei tornato
in Texas...
Ho vissuto per ben tredici anni a Positano. Ma, nonostante il lavoro di
vigile del fuoco occupi gran parte del mio tempo, continuo a comporre e
suonare, perché credo che la mia musica sia unica. Amo molto la grande
musica, quella orchestrale ma, come ho avuto modo di dire prima, non
scrivo quasi più di situazioni immaginarie e, soprattutto, di cose che
derivano direttamente dalla quotidianità. Credo sia difficile trovare
qualcuno che possa avere delle analogie con la mia immaginazione, anche
se penso che siano in tanti a identificarsi con l’esperienza della vita.
La tua produzione è molto variegata: dopo un inizio particolarmente
folk ti sei avvicinato a quasi tutte le discipline musicali,
dalla musica etnica al R&B, dal funky all’elettronica.
Oggi scrivo canzoni. Non credo di essere un cantautore nel vero senso
della parola quanto, piuttosto, un compositore. Sono quasi trent’anni
che scrivo musica classica, sul genere di Bach. Musica complicata, con
una linea che sale e un’altra che scende. Hai capito? (Ride, mentre con
la voce compie alcune scale classiche). Una scala scende e va “n’coppa”
all’altra, nello stesso momento.
Hai detto che ti senti maggiormente un compositore. Ricordo,
però, alcune tue liriche. Strofe bellissime che mantenevano
degli agganci con la tradizione dell’antica Grecia, testi
molto profondi con chiare attinenze con la cultura classica.
Sì… sì... però era un altro periodo della mia vita.
Con Dylan e con Donovan sei stato uno dei primi ad ampliare
la forza del testo, contribuendo non poco a una crescita
delle parole. Il testo di The Ballad Of Casey Deiss, del resto,
è eloquente...
Il merito è di mio padre. Lui era uno scrittore, un autore vero. Una
volta ho tentato di leggergli una mia lirica. Dopo averla letta con
molto trasporto, stavo soltanto aspettando che mi dicesse: “Bravo,
sta bene figlio mio!”. E lui, invece, mi ha “acchiappato” per il collo
dicendomi: “Stammi a sentire, o guagliò... Sto scrivendo da oltre
mezzo secolo e, posso garantirti, non c’è nessuno al mondo che
possa scrivere qualcosa di meglio delle cose create da Dio”. Grazie
per l’incentivo! Hai capito?
38 SUONO febbraio 2016

INTERVISTA Shawn Phillips
In quali posti hai suonato nel 1999 in Italia?
Sei! Questo è il quinto... Ho suonato a Sesto Calende, a Udine, a Pesina,
a Verona, a Torino e a Bolzano, anzi, non era propriamente Bolzano...
ci dovevi andare n’coppa alla montagna con l’auto.
Hai ancora tantissimi ammiratori in Italia...
Sì... sono molto sorpreso. Ricordo quando siamo andati in cima a quella
montagna, dicendo “Madonna mia! Ma chi verrà a vedere questo
concerto?”. Invece era pieno.
Rumplestiltskin’s Resolve
1974
FURTHERMORE
2015
Penso che Second Contribution faccia parte di un patrimonio
imperdibile. E Contribution? E Rumplestiltskin’s
Resolve? Anche quelli erano grandi dischi...
Sai perché era un capolavoro? Perché un disco è per sempre... un
disco quando è fatto non si cambia più (almeno per me). Quando è
fatto è fatto! Per sempre...
Come hai trovato il nostro Paese? Molto diverso da quando
vivevi a Positano? Allora c’erano formule, valenze ed esperienze
nuove... la grande ondata sembrava non avere mai
fine e, anche se erano abbastanza identificabili alcune matrici
americane e inglesi, era possibile cogliere “istinti” italici.
Ho sempre pensato che la musica sia essenzialmente europea, questo
continente ha un’anima decisamente musicale. Prendi, per esempio,
Riccardo Cocciante con Mano a Mano (cantata anche da Rino Gaetano
e il New Perigeo). È una canzone bellissima. Gli italiani hanno una dote
che gli altri Paesi non hanno: la consapevolezza della gioia di vivere. Hai
capito? Questa gioia non c’è in nessun’altra parte del mondo! Gli Stati
Uniti non hanno ancora 250 anni, sono come un bambino. Quando ero
a Positano, attraversavo un ponte di legno che aveva oltre trecento anni;
tutte le volte che lo attraversavo pensavo che soltanto quel ponte aveva
cento anni in più degli Stati Uniti. Sono dei bambini...
Hai nostalgia di Positano e di Napoli? Sei stato un testimone
degli anni migliori della storia di quelle città. C’erano la
N.C.C.P., il primo Alan Sorrenti...
Edoardo Bennato...
Sono dischi che, tra l’altro, quasi non risentono dell’usura
del tempo. Possiedono componenti e caratteristiche di una
modernità difficile da scalfire. Credo che The Ballad Of
Casey Deiss sia una delle canzoni più belle di tutti i tempi.
Ora i miei dischi sono tutti disponibili, dato che nel 2014 hanno
ristampato anche Faces e Rumplestiltskin’s Resolve, gli unici che
mancavano. La Polygram, che ne deteneva i diritti, è stata assorbita
dalla Universal e per un anno io e Arlo (il mio manager) ci siamo
sbattuti per trovare la chiave risolutiva di questo problema. C’erano
problemi di diritti e, oltretutto, non sapevamo dov’erano finiti i nastri
(mentre, in una personalissima fusione tra dialetto napoletano
e lingua inglese, si lascia andare a colorite imprecazioni). Beyond
Here Be Dragons è uno dei miei dischi preferiti perché prodotto da
Michael Hoenig (solista d’elettronica e musicista con Agitation Free
e Tangerine Dream).
Parli ancora molto bene l’italiano, anche se sarebbe più
corretto dire il dialetto napoletano...
È come andare in bicicletta... una volta che lo hai imparato non lo
scordi più!
Quanti anni sono che manchi dall’Italia?
Dal 1999. Molti anni, troppi; ormai torno, più o meno, ogni vent’anni!
Si respirava un’aria particolarissima. Purtroppo, da allora,
molte cose sono cambiate, e non in meglio. Sono rimasti in
pochi a fare arte e musica...
Oggi è soltanto una questione di affari. Esiste soltanto l’industria. Questo
è il vero problema. Dopo aver partecipato a un festival musicale, a
Cordville, alcune persone mi hanno chiesto d’insegnare in una piccola
scuola per cantautori. Due funzionari delle edizioni Ascap e BME, avvicinandosi,
si sono raccomandati:
“Una canzone deve essere un
verso, un coro, un verso, un verso,
un coro”. Ho risposto loro che
questo era il modo più sbagliato
per scrivere una canzone. La cosa
più importante in una canzone
è che né la musica né le liriche
siano prevedibili. Non devi capire
dove la canzone sta andando.
THE BEST OF
1974
Se capisci dove sta andando, la
canzone non ti tocca.
Una canzone non costruita ma che arriva direttamente dal
cuore, senza preconcetti e programmazioni…
Ecco. Questo è il punto.
SUONO febbraio 2016 39

inside
di Danilo Sala
Arti & Mestieri
e gli universi paralleli
foto Elena Vecchi
Jazz, rock, retaggi etnico-mediterranei, echi progressivi, una girandola di suoni per questo
nuovo, eccellente, disco del gruppo torinese; un degno erede dei loro classici anni ’70 come Tilt
(Immagini per un orecchio) del 1974 e Giro di valzer per domani del 1975 o Rumore Rosso di
Venegoni & Co. del 1975.
Il rientro definitivo nella formazione del chitarrista Gigi Venegoni
ha fornito al batterista Furio Chirico (l’unico elemento sempre
presente) il tocco ideale di classe per connettersi al meglio con la
sua innata irruenza esecutiva. Oggi gli Arti & Mestieri hanno raggiunto
l’equilibrio ideale per la loro musica, così complessa eppure estremamente
spontanea.
Universi Paralleli è un disco importante per diversi motivi:
è il primo “vero” album in studio dopo 15 anni, è quello che
sancisce il ritorno con la Cramps; forse, però, non tutti sanno
che è figlio di un progetto live partito dal Giappone…
Furio Chirico: È vero. Dopo tanti anni gli A&M hanno finalmente
un vero e proprio team, formato dal management, ovvero Sfera
Entertainment nella persona di Amy Ida, dalla mia direzione
artistica e dalla produzione musicale di Gigi Venegoni, come era
accaduto con Tilt. Solo che allora c’era Franco Mamone, grandissimo
manager e artefice del contratto con la Cramps. L’attuale
management, invece, ha reso possibile l’accordo con la major
giapponese King Records, essenziale per uscire in maniera importante
su quel territorio. Il primo obiettivo del nostro team
è stato creare un paio di eventi fondamentali per rilanciare la
formazione, tra cui il concerto del quarantennale a Tokyo dello
scorso luglio, in cui sono stati coinvolti quanti più elementi possibili
della storia degli A&M.
QUinto Stato
1979
GIRO DI VALZer PER DOMANI
1975
Quanti musicisti della formazione originale erano presenti
a Tokyo?
F.C.: In Giappone eravamo quattro elementi sui sei della formazione
storica. Oltre a me c’erano Gigi Venegoni, Arturo Vitale e Beppe Crovella.
Il fatto di essere partiti proprio dal Giappone non è casuale:
il rapporto tra gli A&M e il Paese del Sol Levante è da sempre
molto forte, molto particolare.
Gigi Venegoni: Ogni volta che andiamo lì, sembra di prendere un’astronave
e scendere su un altro pianeta. Spiace un po’ dirlo, ma è così.
La cosa che mi colpisce di più è che da parte loro si percepisce tutto il
rispetto per il musicista in quanto donatore di emozioni e felicità. Con-
40 SUONO febbraio 2016

INTERVISTA ARTI & MESTIERI
trariamente a quanto accade nella società italiana, in Giappone come
musicista sei assolutamente messo sullo stesso piano, se non preferito,
ad altri professionisti come l’avvocato o il dottore, perché sei considerato
in grado di donare gioia in senso spirituale ed emotivo. Al termine del
concerto di Tokyo tutto il pubblico si è alzato in piedi, tributandoci tre
minuti di applausi e, devo ammettere, mi sono emozionato. Non è una
questione di egocentrismo, è che percepisci la vibrazione delle persone
che ti ringraziano per quel tuo dono.
Universi Paralleli potrebbe essere definito un concept album,
in quanto tutti i brani sono legati da una sorta di filo conduttore.
Come è nata l’idea?
F.C.: Tornando in aereo dal Portogallo dopo il Gouveia Art Festival,
aprile 2013, leggevo un articolo molto interessante su questi “universi
paralleli”. È veramente un concetto che racchiude tante cose, sia dal
punto di vista scientifico che psicologico, come il doppio e molte altre
situazioni. Così sono andato da Gigi Venegoni e Iano Nicolò, che erano
seduti lì vicino, e gli ho detto che secondo me sarebbe stato un ottimo
tema per un disco nuovo, sia a livello di testi che come ispirazione musicale.
È partito tutto da lì. Ci è voluto un anno di lavoro continuativo
ma alla fine ce l’abbiamo fatta.
Come è avvenuta la composizione dei brani?
G.V.: Ho cominciato con quella che chiamo “composizione auto distruttiva”;
compongo 100 pezzi e ne butto via 90, ho una specie di dissenso
interiore che mi dice quando bisogna andare avanti e quando bisogna
fermarsi perché non c’è niente di buono. Grazie a questo ferreo
lavoro di selezione, quando ho portato i primi provini al gruppo
sono stati subito accolti con un discreto entusiasmo. In questo
modo ho aperto una strada affinché anche gli altri potessero metterci
del loro, potendo già contare su una buona base di partenza.
Il primo brano che ho salvato tra quelli composti è stato Alter Ego:
l’ho fatto ascoltare a Furio e mi ha detto che secondo lui la strada era
quella giusta. Da lì siamo andati avanti. È stato molto importante
l’apporto di Piero Mortara perché mi ha aiutato a lavorare sugli
arrangiamenti ritmici, armonici e melodici. Personalmente come
chitarrista sono legato mani e piedi, anche emotivamente, alla presenza
di un tastierista, un po’ come avveniva per Pat Metheny e Lyle
Mays: secondo me sono stati uno dei più grandi esempi di proficua
collaborazione tra un chitarrista e un pianista. Lavorare con i due
strumenti è molto difficile: se non ti coordini bene ti sovrapponi
e fai dei pasticci. Bisogna capire dove sta lo spazio armonico del
pianoforte, che è molto più esteso rispetto alla chitarra. Poi c’è
proprio un gusto di arrangiare che io e Piero abbiamo sviluppato
grazie a una collaborazione che dura ormai da sette anni.
Come si sono svolte le sedute di registrazione?
G.V.: Il disco è stato registrato come si fa oggi. Tutto quello che necessitava
di una sala di presa sonora coibentata acusticamente è stato registrato
in questo studio stupendo che è Aenima Recordings. Lì abbiamo fatto
la batteria, le voci, il violino e alcune parti di chitarra di Marco Roagna.
Poi io mi sono portato tutto il lavoro a casa e ho cominciato a occuparmi
della post produzione: ho aggiunto strumenti, ho registrato tutte
le mie chitarre, in qualche situazione ho dovuto registrare anche degli
altri violini. Ho lavorato in questa regia che ho portato a casa mia dove
ho impiegato non meno di 60 giorni tra post produzione e mix perché
andavano messe a posto tutta una serie di cose. Ma soprattutto perché
tutti gli A&M, soprattutto io e Furio, seguivano questo sogno di realizzare
finalmente un disco degli A&M che non desse la sensazione ai nostri fan
di essere l’ennesimo disco fatto solo per far vedere che esistiamo ancora.
TILT
1974
Sicuramente è stato sorprendente che la Cramps vi abbia consentito
di realizzare un album completamente nuovo invece
di puntare sulle solite e pur encomiabili ristampe, magari
con bonus tracks.
F.C.: È vero. La proposta, abbastanza sorprendentemente anche per noi,
ci è arrivata direttamente dalla Sony, che ha rilevato la Cramps qualche
Gigi Venegoni
UniverSI PARALLELI
2015
foto Hiroyuki Yoshihama
SUONO febbraio 2016 41

inside
anno fa. L’idea era quella di rilanciare una formazione storica ma ancora
funzionante, forse l’unica assieme agli Area che continua a suonare senza
cambiare direzione, non inquinandosi come purtroppo hanno dovuto
fare altre formazioni per sopravvivere. In realtà alcune cose con la Sony
erano già avvenute, come l’acquisizione e la ristampa di Tilt e Giro di
Valzer. Probabilmente ha influito anche il successo della collana sul Prog
italiano uscita in edicola con “La Repubblica”: ha venduto quattro volte
di più di quella inglese. Anche i titoli della collana meno venduti hanno
comunque raggiunto le otto/diecimilia copie, che sono tantissime per
progetti non commerciali. Magari ora alla Sony proveranno a far fare
un disco nuovo anche agli Area, chissà.
Tra gli ospiti presenti nell’album spicca indubbiamente il
nome di Mel Collins...
F.C.: Possiamo dire che Mel sia ormai diventato un nostro collaboratore,
dato che con noi aveva già fatto altre cose in passato. Tutto è nato da un
incontro a Parigi con Gigi Venegoni. Mel gli ha confessato che per lui
gli A&M rappresentano il modo “diverso” di fare il prog. Suonare con
i King Crimson o con gli A&M per lui significa stare su due mondi differenti:
uno anglosassone e uno mediterraneo. È per questo che la sua
collaborazione con noi è così incisiva: sui due pezzi in cui è presente ha
lavorato di brutto, non si tratta di comparsate magari limitate al classico
solo. Specialmente il brano di sax soprano non è per niente facile: l’interpretazione
è molto libera ma non è un solo “free” in cui puoi fare quello
che vuoi, il tempo c’è e non c’è ma devi stare dentro a una struttura. Per
farlo bene non ci vuole solo tecnica ma anche espressività e Mel ci ha
perso del tempo prima di essere completamente soddisfatto del risultato.
Noi, d’altro canto, nei concerti che facciamo insieme omaggiamo sempre
i King Crimson: quando uscirà il live che abbiamo registrato in Giappone
avrete modo di ascoltare la versione di Starless che abbiamo suonato.
Lo stesso Mel mi diceva che è stato come suonare Starless negli anni ’70
ma con dei suoni di oggi.
Un’altra particolarità di Universi Paralleli è di avere in scaletta
anche quattro brani cantati, con testi lunghi e articolati.
Sembra che nell’economia del gruppo la voce e i testi siano
diventati più importanti rispetto al passato.
F.C.: Sicuramente è dipeso molto dalle tematiche dell’album, che
andavano trasmesse anche attraverso la poetica, la parola. Iano
Nicolò ha delle caratteristiche particolari, che in futuro riusciremo
a sfruttare ancora meglio, ovvero la capacità di dare vita a “investigazioni
vocali” affatto facili da gestire. Trattandosi di tecniche
tibetane poi riprese da Demetrio Stratos c’è sempre il rischio che chi
ascolta si faccia un’idea sbagliata. In questo album Iano ha deciso di
escludere queste tecniche, cantando in modo forse più tradizionale.
G.V.: Per me esiste solo un prototipo di cantante prog, che è Jon
Anderson degli Yes. Lui è un cantante che non ha nulla a che vedere
con la vocalità del rock, si è formato sugli stilemi del prog con una
voce originalissima e un registro che quasi nessuno ha al mondo.
Iano ha fatto degli sforzi enormi per entrare nella filosofia del prog,
del jazz rock, della produzione originale degli A&M. Tra l’altro è
molto importante dire che, a parte L’ultimo imperatore, dove ho
scritto le liriche, gli altri testi sono suoi. C’è stata finalmente una
collaborazione come si deve: lui mi ha mandato dei testi, io e Piero
abbiamo provato a comporre delle musiche, lui ha provato a cantarle...
insomma, abbiamo provato fino a quando non si è sentito
a suo agio.
La bonus track presente nella versione italiana dell’album
sancisce anche la nascita della collaborazione con Lino Vairetti
degli Osanna.
F.C.: Lino aveva scritto questo testo su Francesco Di Giacomo, intitolato
NATO, e a noi faceva piacere averlo come ospite nel nostro disco.
G.V.: la cosa interessante è che io non sapevo che il testo fosse dedicato
a Francesco. Mi sono solo trovato in mano un testo che mi ha commosso,
tant’è che ho composto la musica in dieci minuti. Come diceva Lucio
Battisti, un buon testo ti suggerisce sempre una buona melodia, e infatti
questo era il segreto di Mogol e Battisti. Dopo aver arrangiato e suonato
il nuovo brano, Lino l’ha cantato in un giorno in un modo strepitoso e poi
dopo ci ha detto a chi era dedicato. In questo modo la cosa ha assunto
una valenza doppia.
Universi Paralleli è disponibile in diversi formati, tra cui anche
in vinile, purtroppo singolo.
F.C.: Per mantenere anche in vinile una qualità sonora che premiasse
il lavoro di Gigi avremmo dovuto far uscire un doppio LP, cosa
che purtroppo non è stata possibile per i costi troppo elevati. Così
abbiamo dovuto condensare il tutto in un unico LP. Con un massimo
Furio Chirico
foto Yoshika Horita
42 SUONO febbraio 2016
foto Elena Vecchi

INTERVISTA ARTI E MESTIERI
foto Hiroyuki Yoshihama
foto Elena Vecchi
Piero Mortara
di 39 o 40 minuti a disposizione, abbiamo dovuti tagliare tra i 15 e
i 20 minuti rispetto al CD.
Che caratteristiche ha invece la versione giapponese in CD
Blu Spec?
F.C.: La versione giapponese della King Records ha una bonus track
differente dalla versione italiana della Sony. I Giapponesi hanno voluto,
come sempre, un’esclusiva per il loro mercato e così abbiamo inserito
un brano che ha una storia stranissima. È un pezzo nato da una collaborazione
tra me e Gigi. Tempo fa avevo registrato un’intera sequenza di
ritmiche, praticamente un brano completo solo della traccia di batteria.
Quando ci hanno detto che l’etichetta Giapponese voleva una bonus
track ho proposto a Gigi di completarlo. Gli ho chiesto di immergersi
nel mondo degli anni ’70 contaminandoli quanto più possibile con le
ricerche medio orientali, un po’ alla Mahavishnu Orchestra, perché la
batteria l’avevo pensata un po’ tra il jazz rock e il medio-oriente. Gigi ha
composto le parti nel giro di pochissimo e quando lo abbiamo suonato
in Giappone ha avuto un successo pazzesco. S’intitola La Porta del Cielo.
In realtà c’è una traccia per sola batteria anche nell’album,
Comunicazione primordiale.
F.C.: È una vera e propria canzone per batteria. Anche questa, come La
Porta del Cielo, è nata come un percorso segnato da strumenti antichi e
metallofoni, per poi avvicinarsi gradualmente alla percussione suonata a
mano e alla batteria. È un’analisi storica, fisica e psicologica della musica.
La mia idea era quella di far capire come la comunicazione sia nata con
suoni vocali e percussioni, che poi sono state la prima forma ritmica che
ha permesso di costruire strutture musicali.
Facciamo un passo indietro agli anni ’80: Acquario (1983) e
Children’s Blues (1985) testimoniano come per gli A&M non
si sia trattato di anni bui, tutt’altro.
F.C.: Quella degli anni ’80 era una formazione più jazzistica, che forse
pochi conoscono, anche se in quel periodo eravamo spesso in televisione
perché il gruppo piaceva molto al giornalista Gianni Minà. In quel periodo
abbiamo fatto anche festival importanti come Cannes, proprio grazie
all’amicizia di Gianni, e dirette su Radio Montecarlo. Però è innegabile che
fosse un momento degli A&M molto distante dagli A&M originali. L’unico
trait d’union era quella vena leggermente jazzistica che c’era già agli inizi e
che gli A&M hanno sempre mantenuto. Ero rimasto da solo e non ho fatto
altro che inserire dei musicisti che fossero più vicini a quel tipo di sound.
G.V.: Quell’esperienza jazzistica è stata qualitativamente fantastica, ma
il vero sound degli A&M è dato dal contrasto tra la tradizione ritmico
compositiva dei modelli anglo-americani e la grandissima attenzione al
contenuto mediterraneo e melodico.
Dopo una pausa di quindici anni, il ritorno di A&M è poi avvenuto
con Murales (2000). Un album molto interessante dove
eravate di nuovo insieme anche con Beppe Crovella.
F.C.: Il progetto era estremamente interessante perché finalmente potevamo
lavorare con due tastiere e dare un colore differente, non essendoci
più il sax e i fiati di Arturo Vitale. C’era di nuovo un bel sound, però si
sentiva la mancanza di un direttore artistico.
G.V.: Un gruppo è un gruppo, deve suonare insieme, deve condividere,
deve partecipare agli arrangiamenti, non si può fare tutto in laboratorio.
Universi Paralleli è un disco di un gruppo, Murales è un disco di alcuni
compositori, che hanno scritto brani eseguiti da alcuni artisti. Universi
Paralleli ha funzionato perché c’era un gruppo che ha interpretato e
suonato il materiale.
Due parole su Lautaro Acosta, che al violino sostituisce egregiamente
Giovanni Vigliar.
F.C.: Lautaro è uno dei violinisti più bravi attualmente in circolazione.
Lo stesso Mel Collins, in Giappone, mi ha confidato che è stato il migliore
che ha avuto modo di ascoltare negli ultimi anni. Ormai è diventato
uno degli elementi importanti del suono degli A&M, anche se ha una
personalità diversa rispetto a Vigliar: meno classica, più latina, unita a
una grande capacità musicale.
Ricordi di TILT...
G.V.: All’epoca (1974) ero assolutamente vergine in ambito di industria
discografica. Facendo un paragone con i nostri tempi, possiamo
dire che la Cramps investì su di noi come se fossimo i Rolling
Stones. Ci mandarono in un ottimo studio a Roma, lo Chantalain, di
proprietà di Bobby Solo, tenendoci nella Capitale per un mese. Poi
coinvolsero Paolo Tofani per farci finire il mix, dato che la registrazione
era stata resa un po’ difficoltosa da un tecnico americano che
dopo essere costato tantissimo si diede alla fuga (Peter Kaukonen,
fratello di Jorma dei Jefferson Airplaine/Hot Tuna; ndr.). Però tutto
ciò che riguardava Tilt era grandioso: la realizzazione della copertina,
la registrazione del disco, il modo in cui Mamone ci inserì subito in
un circuito di concerti – tra giugno e dicembre del 1974 siamo stati
visti da 150 mila persone. Abbiamo fatto il Parco Lambro, i supporter
per Gentle Giant, PFM, Area; con la PFM facemmo sia il concerto
pomeridiano che quello serale, e nei teatri c’erano dai tremila ai
quattromila spettatori al giorno. Era una realtà veramente incredibile
per uno come me che fino a quel momento era stato sempre solo in
casa a registrare.
SUONO febbraio 2016 43

inside
di Francesco Bonerba
Foto: Kevin Mazur/Getty Images for Universal Music
And the Oscar
goes to...
…non lo diciamo, per scaramanzia. Ma vi spieghiamo perché quest’anno Ennio Morricone ha buone
possibilità di vincere la statuetta dorata più ambita al mondo. E perché, comunque vada, la sua presenza
al fianco di Quentin Tarantino agli Oscar è già un successo per la musica di alta qualità.
Cinque nomination e una sola statuetta (onoraria), nel 2007,
“per i suoi magnifici e multi-sfaccettati contributi nell’arte
della musica per film”: Morricone rischia la sorte che toccò ad
altri compositori come Alex North (autore delle colonne sonore di film
come Un tram chiamato desiderio, Cleopatra e Quei bravi ragazzi),
nominato ben quattordici volte e premiato solo per l’insieme della sua
opera. Non che un Oscar in più possa aumentare la fama mondiale di
un artista già immortale (basti pensare che Kubrick non ne vinse mai
neanche uno), ma di certo sarebbe un peccato se il Maestro italiano, la
cui creatività sembra non risentire minimamente dei suoi ottantasette
anni, non trovasse un riconoscimento unanime dell’Academy almeno
su un film. Se poi il film per il quale è candidato quest’anno, The Hateful
Eight di Quentin Tarantino, sia davvero quello che meglio rappresenti
la carriera di una vita (ben 528 le produzioni a cui ha partecipato!), è
davvero difficile dirlo e forse non così essenziale.
In passato, infatti, Morricone è stato candidato all’Oscar per I giorni del
cielo (Terrence Malick, 1979), Mission (Roland Joffé, 1987), Gli intoccabili
(Brian De Palma, 1988), Bugsy (Barry Levinson, 1992) e Malèna
(Giuseppe Tornatore, 2001), film per i quali ha spesso ottenuto altrove
riconoscimenti altrettanto ambiti (Golden Globe, BAFTA, ASCAP, etc.);
le musiche che lo richiamano subito alla mente, tuttavia, appartengono
in larga misura alle colonne sonore realizzate per Sergio Leone: Per un
pugno di dollari (1964), Per qualche dollaro in più (1965), Il buono,
il brutto, il cattivo (1966), C’era una volta il West (1968), Giù la testa
(1971), C’era una volta in America (1984). Questi lavori, valsi a Morricone
solo due Nastri d’argento (1965, 1985) e un BAFTA (1984), sono
stati amatissimi da pubblico, compositori e registi, che continuano a
utilizzarli o a trarne suggerimenti per nuovi lavori, verificandone ad
ogni utilizzo l’incredibile resistenza all’usura del tempo.
Lo dimostra nei fatti uno dei più grandi estimatori di Morricone (e del
cinema di Leone), Quentin Tarantino, che in Kill Bill – Vol. 1 e Vol. 2,
Inglorious Basterds e Django Unchained ha utilizzato oltre venti tra le
musiche composte dal Maestro italiano. “Avevo otto anni”, racconta il
regista a “La Repubblica”, “quando, a causa della passione insana che
mia madre nutriva per Clint Eastwood, mi vidi per la prima volta la
Trilogia del Dollaro di Sergio Leone con le sue musiche. Solo qualche
anno dopo, però, iniziai a collezionare vinili in maniera metodica e
i suoi 33 giri erano sempre tra gli album che cercavo con maggiore
attenzione”. Negli scorsi anni Tarantino ha cercato a più riprese di
coinvolgere il compositore nella realizzazione della colonna sonora di
un suo film, senza grossi risultati: nel 2009, già al lavoro sul kolossal
Baarìa, di Giuseppe Tornatore, Morricone dovette rifiutare la composizione
delle musiche di Inglorious Basterds e nel 2013, per Django
Unchained, si limitò alla scrittura della canzone inedita Ancora tu, cantata
da Elisa. Seguirono alcune polemiche nate da un’affermazione del
Maestro in cui dichiarava la sua perplessità in merito alla disinvoltura
con cui Tarantino aveva abbinato in un solo film musiche provenienti
da diversi lavori, poi sfumate in una riaffermazione di stima verso
44 SUONO febbraio 2016

MORRICONE & tarantino MUSICHE DA OSCAR
Morricone & Tarantino
Quindici brani del compositore
utilizzati dal regista americano nel
suo cinema, per riscoprire i punti di
intersezione tra i due artisti
Kill Bill – Vol. 1 (2003)
• DEATH RIDES A HORSE
Da uomo a uomo (1968)
Kill Bill – Vol. 2 (2003)
• PER UN PUGNO DI
DOLLARI (PRIMA)
Per un pugno di dollari
(1964)
• A SILHOUETTE OF
DOOM
Navajo Joe (1966)
Brian De Palma e Ennio Morricone al lavoro sulla colonna sonora de Gli Intoccabili (1988).
il regista e nell’apertura a future collaborazioni, a
patto di poter creare una soundtrack coerente.
Così, quando nel 2015 Tarantino ha raggiunto Morricone
a Roma per chiedergli di persona se potesse
musicare il suo nuovo film, The Hateful Eight, il Maestro
ha inizialmente tentennato e, infine, accettato
la proposta, nonostante le riprese del film fossero già
concluse e avesse da lavorare alla partitura de La
corrispondenza di Tornatore. In cambio, Tarantino
gli ha dato carta bianca: “Ha composto la colonna
sonora solo leggendo lo script, senza abbinare i
pezzi a delle scene specifiche”, ha raccontato il regista
a “Variety”, “Era tutta musica d’atmosfera,
era quello che pensava andasse bene per il film,
che potesse funzionare in momenti diversi, ma
niente di specifico. Mi ha dato la colonna sonora
e basta. Era mio compito inserirla nei momenti
giusti”. Per far fronte al poco tempo a disposizione,
circa un mese, Morricone ha riutilizzato alcune
musiche realizzate nel 1982 per il film La cosa di
John Carpenter e rimaste da allora inedite, che si
sposano magnificamente con i set invernali, i personaggi
inquieti e le sequenze “pulp” presenti anche in
The Hateful Eight; al contempo il Maestro si è immerso
nell’atmosfera “tarantiniana” per realizzare
qualcosa di completamente nuovo, di coerente, per
l’appunto, con l’opera specifica. Alla fine il sodalizio
artistico a lungo atteso si è compiuto, anche per la
gioia del pubblico, e sembra aver soddisfatto a tal
punto Tarantino che il regista ha già proposto al
compositore di lavorare per il suo prossimo film:
“Vedere il Maestro registrare negli studi di Praga”,
ha raccontato, “o osservarlo provare a Londra (il 9
dicembre 2015 Morricone ha eseguito una registrazione
speciale della soundtrack del film allo Studio 3
di Abbey Road - in foto a pag. 42 - dirigendo la Czech
National Symphony Orchestra, ndr.), è stato come
avere un concerto personale del mio compositore
preferito”. Una definizione, quest’ultima, che Tarantino
ha utilizzato anche durante la cerimonia dei
Golden Globe quando, chiamato a ritirare in vece di
Morricone il premio per la Migliore colonna sonora
originale (terzo della sua carriera), lo ha paragonato
a compositori di musica classica come Mozart, Beethoven
e Schubert. E ha ribadito che, finora, l’artista
italiano non ha ancora ricevuto un Oscar per uno dei
film da lui musicati.
La vittoria ai Golden Globe, di solito, è vista di buon
auspicio per la conquista della statuetta, per la quale
Morricone parte dunque favorito. Analizzando la
rosa degli altri quattro contendenti al premio, inoltre,
tre sembrano poco “pericolosi”: Carter Burwell è
alla sua prima nomination con Carol ed è probabile,
nonostante la sua ventennale carriera, che debba
sudare ancora un po’ prima di ottenere un Oscar;
anche Jóhann Jóhannsson, compositore islandese
emerso lo scorso anno con le musiche di The Theory
of Everything e quest’anno in lizza per l’ultima opera
di Denis Villeneuve, Sicario, difficilmente conquisterà
la statuetta. John Williams, invece, con le
sue quarantaquattro nomination (più di chiunque
altro nella storia) e cinque Oscar (l’ha superato solo
Alfred Newman, nove statuette), è difficile venga
nuovamente premiato per la colonna sonora di Star
Wars: Il risveglio della Forza; la soundtrack, infatti,
nonostante si destreggi con abilità nel reinventare
• IL TRIELLO
Il buono, il brutto e il cattivo
(1966)
• L’ARENA
Il mercenario (1968)
• IL MERCENARIO
(RIPRESA)
Il mercenario (1968)
Grindhouse:
Death Proof (2007)
• PARANOIA PRIMA
Il gatto a nove code (1971)
Inglourious Basterds (2009)
• ALGERI 1 novemBRE
1954 (con Gillo Pontecorvo)
La battaglia di Algeri (1966)
• L’incontro CON LA
FIGLIA
Il ritorno di Ringo (1965)
• MYSTIC AND SEVERE
Da uomo a uomo (1968)
• RABBIA E TARANTELLA
Allonsafan (1974)
Django Unchained (2012)
• DOPO LA CONGIURA
I crudeli (1966)
• UN MONUMENTO
I crudeli (1966)
• RITO FINALE
Città violenta (1970)
• THE BRAYING MULE
Two Mules for Sister Sara
(1970)
SUONO febbraio 2016 45

inside
Quentin Tarantino e il direttore della fotografia Robert Richardson sul set di The Hateful Eight. In basso, i protagonisti del film.
brillantemente temi musicali cari a milioni di fan, non ha la stessa potenza
evocativa di altri suoi meravigliosi lavori. Resta, dunque, Thomas
Newman (figlio di Alfred), che ha realizzato le musiche dell’ultimo film
di Spielberg, Il ponte delle spie. Nonostante ben undici nomination agli
Oscar e tre ai Golden Globe, il bravissimo compositore sessantenne
autore delle colonne sonore di film come American Beauty, Alla ricerca
di Nemo e Skyfall, non ha ancora portato a casa alcun premio e,
vista la sua assenza tra i candidati ai Golden Globe, rischia di restare
a mani vuote anche quest’anno.
Non sarebbe inoltre la prima volta che un Oscar per un film viene assegnato
dopo un Oscar alla carriera: è accaduto, ad esempio, nel 1982
a Henry Fonda, per la sua interpretazione nel film Sul lago dorato, e
nel 1987 a Paul Newman, per Il colore dei soldi, premio che l’attore
non ritirò personalmente come protesta per il numero di volte in cui
era stato candidato, sette, e mai premiato. Se un evento del genere si
verificasse, tuttavia, Morricone sarebbe il primo compositore a ricevere
una statuetta dopo quella alla carriera, e andrebbe così ad unirsi alla
ristretta famiglia dei musicisti italiani premiati dall’Academy, composta
da Nino Rota (Il padrino - Parte II, 1975), Giorgio Moroder (Fuga
di mezzanotte, 1979), Nicola Piovani (La vita è bella, 1999) e Dario
Marianelli (Espiazione, 2008). E la statuetta si aggiungerebbe alle 75
già vinte da altri straordinari talenti “made in Italy” come Vittorio De
Sica, Federico Fellini, Milena Canonero, Carlo Rambaldi, Dante Ferretti,
Federica Lo Schiavo, Vittorio Storaro, Lina Wertmüller, Giuseppe
Tornatore, Roberto Benigni e Paolo Sorrentino. Una vittoria di Morricone,
soprattutto, porrebbe ancora una volta i riflettori sull’energia
inesauribile della creatività made in Italy, valore unico al mondo e
non quantificabile, “marchio di fabbrica” che rappresenta i tanti
italiani alla ricerca dell’eccellenza nei più
disparati ambiti, dall’esplorazione
spaziale (Samantha Cristoforetti)
ai misteri della fisica del CERN di
Ginevra (Fabiola Gianotti, sua
nuova direttrice).
Più in generale l’Oscar e i suoi ben
quattro riconoscimenti dedicati
al suono (miglior colonna sonora,
canzone, missaggio e montaggio sonoro), uniti ai tanti altri premi di
settore (vedi Box a pag. 45) rappresentano, anno dopo anno, una dichiarazione
inequivocabile dell’importanza della componente acustica
nel medium cinematografico. Senza addentrarsi nella teoria del cinema,
che riconosce da decenni al suono la funzione di “coinvolgere lo
spettatore acusticamente, spazialmente ed affettivamente nel tessuto
filmico” (Elsaesser e Hagener), basta banalmente provare a togliere
la soundtrack o i temi a film come Il Signore degli Anelli, Jurassic
Park o Ritorno al futuro, o eliminare dal missaggio gli effetti sonori
di capolavori della sci-fi come Terminator 2, Matrix o Gravity, per
comprenderne il valore imprescindibile. L’ambito cinematografico,
inoltre, offre un preziosissimo banco di prova per un suono senza
limiti o compromessi; lo sapeva bene George Lucas quando, nel 1980,
all’indomani dell’uscita in sala de L’Impero colpisce ancora, chiese
all’ingegnere del suono Tomlinson Holman di creare un certificato di
qualità che garantisse allo spettatore la certezza di trovarsi in una sala il
cui audio fosse il migliore possibile nonché il più fedele alla volontà del
regista. La nascita del TXH ha provocato un terremoto nel mondo degli
esercenti, dando il via alla nascita di nuove sale dotate di avveniristici
impianti audio; una trasformazione culminata con la recente creazione,
nel 2012, del sistema Dolby Atmos, che scompone il suono in un
massimo di 128 “eventi sonori” e attraverso un processore intelligente
li propaga nello spazio (anche verticalmente, con diffusori collocati sul
soffitto) in base alla relazione che intrattengono con le immagini, dando
vita a una vera e propria “scenografia sonora”. Il fatto che i tre maggiori
incassi di tutti i tempi, Avatar, Titanic e Star Wars: Il risveglio della
Forza, siano film ad altissimo tasso spettacolare e pluripremiati per
i loro aspetti sonori la dice lunga sia sull’attenzione prestata dalle
major all’aspetto sonoro sia sul crescente riconoscimento
che il pubblico conferisce, talvolta anche
inconsapevolmente, a proiezioni
tecnicamente ineccepibili, anche sotto
il profilo audio.
Lo stesso Tarantino ha compiuto per
The Hateful Eight una scelta apparentemente
anacronistica: quella di
girare in pellicola e in formato Super
46 SUONO febbraio 2016

MORRICONE & tarantino MUSICHE DA OSCAR
Panavision 70 mm, lo stesso utilizzato in film come Ben Hur (1959) e
assente sul grande schermo dal 1966. Si tratta di uno standard costosissimo
che ha il doppio dello spazio della pellicola 35 mm, consentendo
una qualità dell’immagine sei volte superiore e un audio con molte più
tracce. Riportando in auge questo formato, che potrà essere apprezzato
appieno solo in particolari sale, Tarantino ha ribadito la posizione
sostenuta da registi come Scorsese, Nolan e Abrams, ovvero che la
pellicola garantisce una naturalezza dell’immagine ancora irraggiungibile
dal digitale e che, ad oggi, rappresenta il supporto più sicuro per
la conservazione di un’opera cinematografica; cosa ancora più importante,
Tarantino ha scelto di girare il proprio film nella massima qualità
consentita, l’“Hi-end del cinema”, quella che, nonostante il supporto
“obsoleto”, è anche la più apprezzabile nelle sale all’avanguardia dotate
di impianti IMAX e Dolby Atmos (senza dimenticare che, scegliendo le
pellicola per i propri film, ha consapevolmente contribuito a preservare
la storia del cinema e, con essa, la sopravvivenza della Kodak e dei suoi
dipendenti, in crisi da molti anni).
Già da tempo l’industria del cinema, consapevole della sfida lanciata
dal web e dai crescenti servizi in streaming, sta puntando tutto sulla
qualità della fruizione filmica, producendo kolossal sempre più
spettacolari e giustificando l’aumento del biglietto dei multisala con
l’introduzione di nuovi effetti (il 3D), impianti audio iperrealistici
(Dolby Atmos) e formati (come l’IMAX) che regalano una visione
imparagonabile a quella domestica. Atteggiamento che, unito a un
pubblico sempre meno abituato a pagare per la fruizione dei contenuti
audiovisivi, sta lentamente e drammaticamente spazzando via la
Morricone ritira l’Oscar alla carriera nel 2007.
“terra di mezzo” delle piccole sale che, ogni anno, chiudono a decine
per l’impossibilità di competere con impianti enormemente costosi.
La buona notizia, però, è che questa corsa verso la qualità senza
compromessi, che le masse non avrebbero mai conosciuto e stimolato
senza il passaggio dai contenuti liquidi “low-fi” del web dei primordi,
sta rappresentando la nascita di una nuova linea di demarcazione
tra esperienza appagante e fruizione insoddisfacente, ridefinendo
verso l’alto gli standard ai quali eravamo abituati. Questo “innalzamento
dell’asticella”, a nostro giudizio, non potrà che giovare alla
causa dell’alta fedeltà e di quanti sapranno convogliarla e soprattutto
proporla nel giusto modo. Tarantino docet.
SUONO & CINEMA: NON SOLO OSCAR
Bob Beemer e Ben Burtt (a destra, nella foto con il
regista J. J. Abrams): due nomi che forse non vi diranno
niente nonostante i quattro Oscar che questi
signori hanno vinto a testa, rispettivamente per il
miglior missaggio (Dreamgirls, Ray, Il Gladiatore e
Speed) e montaggio sonoro (Star Wars, I predatori
dell’arca perduta, E.T., Indiana e l’ultima crociata). Dal
1930 l’Academy assegna questi due premi a personalità
di spicco del mondo dell’audio che hanno
contribuito a rendere indimenticabili alcune pietre
miliari della storia del cinema. Ma l’Oscar è solo una
delle tante istituzioni che nel corso degli anni hanno
deciso di dare un riconoscimento al lavoro dei tecnici
del suono, un mestiere certosino e altamente
qualificato, spesso poco valorizzato. Ecco, dunque,
una rapida rassegna dei premi più prestigiosi del
mondo conferiti in questo ambito.
In seno agli Emmy Awards, il più importante premio
televisivo internazionale nato nel 1949, vengono assegnati
i Creative Arts Emmy Award, dedicati a chi
lavora dietro le quinte delle serie TV e che prevedono
ben otto premi per il reparto audio tra missaggio
e montaggio. Un solo premio ma molto prestigioso
è quello assegnato dal BAFTA (British Academy of
Film and Television Arts), la massima istituzione europea
in fatto di cinema che, nata nel 1947, dal 1968
assegna il premio per il miglior sonoro; decisamente
più giovane, invece, il Critics’ Choice Movie Award
che, nonostante i vent’anni di attività, assegna un
riconoscimento tecnico per il suono solo dal 2009,
anno in cui vinse Avatar. Hanno invece mezzo secolo
di vita i Cinema Audio Society Awards che assegnano
ben sette premi a quelle personalità operanti
in ambito televisivo e cinematografico distintesi per
la qualità del loro lavoro sull’audio; particolarmente
interessanti i “Cas Technical Achievement Award”
conferiti ai dispositivi più performanti utilizzati
nei contesti della produzione e post-produzione.
Hanno sede rispettivamente a Barcellona e Madrid,
invece, i Gaudí Awards e i Goya Awards; rivolte alle
produzioni spagnole, le due istituzioni premiano
dal 2009 e dal 1987 il miglior direttore del suono.
Di recentissima introduzione il premio per il miglior
suono / sound design conferito dal 2012 in seno ai
Guldbagge Award (letteralmente, scarabeo d’oro),
il più importante riconoscimento cinematografico
svedese. Sono invece estremamente tecnici i premi
conferiti dall’Hollywood Post Alliance, associazione
specializzata nella comunicazione rivolta
a chi opera nella post produzione e che dal 2006
premia il miglior audio di film, televisione e spot
pubblicitario. Concludiamo con il Satellite Award
che dal 1996 conferisce annualmente trentadue
riconoscimenti tecnici e artistici ai migliori film e
serie TV dell’anno, giudicati da oltre 200 giornalisti
facenti parte dell’International Press Academy (IPA);
tra questi, un premio va al miglior montaggio e missaggio
sonoro, che finora ha visto sul podio il lavoro
svolto su film particolarmente amati dal pubblico
come Whiplash, Drive, Il cavaliere oscuro e Star Wars:
Episodio III - La vendetta dei Sith.
SUONO febbraio 2016 47

selector tutto il meglio in arrivo sul mercato
di Paolo Corciulo e Agostino Bistarelli
Coordinati: la madre di
tutte le battaglie
Coordinati? Bleah... Ma se dedicate un po’ di attenzione alla lettura di questo articolo, non
è escluso che quel Bleah si trasformi in Wow! Perché i coordinati sono la madre di tutte le
battaglie; perché, ragionando fuori dal coro (e sapete che a noi piace), si può scoprire che…
Mario affronta il traffico
del sabato pomeriggio
per arrivare fino
al SuperMegaTronic più grande
della sua città, quello che sembra
il più fornito e, per questo, adatto
ai suoi bisogni. Si avvicina al ragazzo
con la felpa gialla con scritto
“staff” e gli lancia la sua richiesta,
che somiglia molto a un vero e
proprio SOS: “Vorrei acquistare
un sistema wireless, sai, quelli
che ti fanno sentire musica senza
fili in tutta casa...”. “Allora”, gli
risponde il ragazzo, “ne abbiamo
di piccoli, medi e grandi, bianchi,
neri e grigi, tra 200 e 600 euro,
con i bordi tondi e dritti!”. “Ok,
ma cosa mi serve per utilizzarne
uno, che file posso usare? Vanno
bene il mio computer e il tablet?
Di tutti i CD che ho che me ne
faccio?”. “Allora, ne abbiamo di
piccoli... ”.
Mario, in realtà, siamo noi, tutti
noi che con un minimo di spirito
critico abbiamo iniziato da tempo
a guardare l’impianto “buono” in
salotto con un occhio diverso dopo
aver ascoltato due “scatolette” di
nuova generazione che suonavano
in maniera assolutamente diversa
da come ci saremmo aspettati per
il loro ingombro e prezzo, entrambi
ridotti. Mario siamo noi che ci
siamo stancati degli zeri nel valore
della distorsione e della risposta
in frequenza piatta che più piatta
non si può ma che è piatta anche
nel trasferirci l’indice delle emozioni.
Mario siamo noi che stiamo
imparando nomi e sigle nuove che
arrivano sul mercato e che portano
qualche novità, non tanto nelle
prestazioni degli apparecchi ma
soprattutto nel modo in cui loro
si interfacciano e interagiscono
con l’utente. Dietro lo stupore, in
genere, si nasconde l’ignoranza o
l’errata valutazione di un fenomeno,
di un elemento tra quelli presi
in considerazione: è quel che sta
accadendo in generale per l’Hi-
Fi ed è soprattutto quello che sta
accadendo in un segmento strategico
della riproduzione sonora
48 SUONO febbraio 2016

SPECIALE coordinati
che, udite, udite, è quello dei coordinati
o, più correttamente, dei
“sistemi”, da sempre riflesso di
tutto il mondo storico dell’Hi-Fi.
Se si ripercorre la storia dell’alta
fedeltà si scopre facilmente come
proprio la soluzione all-in-one sia
stata quella che agli inizi degli anni
’50 ha consentito alla riproduzione
sonora di entrare nelle case. Ingombranti
(le tecnologie del tempo
non consentivano che di crearli
così), opulenti, quasi sempre con
pregiati cabinet in legno massello,
i sistemi di allora rappresentavano
la chiave di accesso alla materia
per una ragione ben chiara: costituivano
un modo semplice e
facilmente inseribile nelle mura
domestiche per ascoltare musica!
Il postulato, però, “barcollava”
nelle performance sonore, perché
l’effetto ergonomico era vanificato
da scelte di componenti a basso
costo, spesso quelli che venivano
venduti anche in kit. Il fatto che
il singolo utente (vedi l’articolo
dedicato all’Hi-end che apre questo
numero di SUONO) fosse in
grado, con gli stessi componenti o
migliori, di ottenere performance
superiori, determinò una fertile
fase di sviluppo degli apparecchi
per riprodurre musica e la nascita
dei componenti separati. L’esigenza
di base rimase... Non a caso
vent’anni più tardi il coordinato
torna di moda, sebbene si possa
sostenere che l’idea di un sistema
per la riproduzione musicale costituita
da un tutt’uno non sia mai
passata di moda, come testimonia
l’uso di realizzare anche i separati
in versione predisposta per il
montaggio in rack o in un più “domestico”
mobiletto ad hoc; questa
soluzione, mitigata dalla presenza
dei fianchetti (che, se ci pensate,
oggi sono una contraddizione in
termini) costituisce un retaggio
del passato, svuotato completamente
del suo contenuto… !
L’arrivo dei coordinati giapponesi
è stato comunque dirompente in
quanto, almeno in teoria, propose
concetti legati alla semplicità
(di scelta, di uso, di compatibilità
estetica e ambientale) e un’economicità
prima sconosciuta, unita
alla promessa di una qualità
accettabile: nel momento della
massima espansione commerciale
dello “stereo” in molti avevano
in casa un sistema a rack e questo
elemento costituì, almeno a nostro
giudizio, un fattore positivo che
soverchia i molti aspetti negativi
che pure hanno caratterizzato l’introduzione
dei coordinati secondo
la filosofia orientale: le troppe lucine,
l’indulgenza verso una certa
effettistica, la mancata ricerca di
una coerenza sonora. Azzardiamo
che siano state proprio queste caratteristiche
a sviare l’attenzione
da un elemento chiaro, concreto e
essenziale, tanto da ripresentarsi
costantemente: le persone hanno
bisogno di inserire armonicamente
l’Hi-Fi nelle proprie abitazioni,
hanno bisogno di oggetti semplici
e non hanno a disposizione somme
illimitate…
Il coordinato di un tempo era costituito
da un numero sostanzialmente
ben definito di elementi che
lo componevano; altrettanto ben
definite erano le funzioni di ognuno
di essi. Di fatto si verificava una
condizione molto vicina alla mono-funzione:
il giradischi faceva
suonare il disco in vinile, l’amplificatore
provvedeva a erogare potenza
e a selezionare gli ingressi,
i diffusori a tramutare l’impulso
elettrico in meccanico... I sistemi
fondati sulle migliori conoscenze
tecniche e su budget considerevoli
osavano persino la separazione tra
pre e finale, l’utilizzo di un braccio
acquistato separatamente. Funzioni
che, tuttavia, poco o nulla
toglievano al concetto di monofunzione
di questi prodotti; si
Siamo tutti rack: la nascita dei componenti separati non affievolisce il senso e la necessità
di considerare le apparecchiature per la riproduzione sonora come un sistema.
trattava, piuttosto, di far aumentare
il valore percepito del proprio
sistema audio in termini di
status symbol (come ancora oggi
succede nell’ostentazione di certi
nomi), a prescindere dal loro reale
ed efficace funzionamento. L’inizio
della disgregazione di questa
condizione monolitica arriva con
l’affermazione a livello popolare
della musica in formato digitale,
dapprima con la comparsa del CD
e successivamente con la musica
liquida. Fenomeni, soprattutto il
secondo, che hanno provveduto a
scardinare in maniera netta valori
e dogmi del settore. L’approdo alle
tecnologie digitali ha disgregato
le tradizionali categorie utilizzate
per definire i vari prodotti Hi-Fi
mono-funzione dando vita a dei
veri e propri “ibridi” fino a poco
tempo fa, di fatto, inesistenti: il
DAC che diventa spesso anche pre
digitale (quando non viene integrato
a uno streamer di rete o a
una meccanica di lettura per dischi
ottici o, ancora, a una sezione
di potenza per diffusori); l’amplificatore
per cuffia che, arricchendosi
di uno stadio di conversione
digitale, diventa quasi un sistema;
i diffusori attivi che, con a bordo
quello stesso stadio, vivono di
vita propria. La risposta, proprio
noi “addetti ai lavori”, ce la siamo
ritrovata sotto il naso, sia nella
gestione quotidiana della rivista
che nel lavoro annuale di revisione
dell’Annuario; la realizzazione,
anno dopo anno, dell’Annuario ci
ha, infatti, posto di fronte a un
sempre maggiore numero di casi
di questo genere: in che categoria
rientra questo apparecchio? Sempre
in Annuario c’è una sezione
che da qualche tempo più di altre è
oggetto di questi dubbi: quella dedicata
ai sistemi coordinati. Fino
a qualche anno fa qui abbiamo
inserito i sistemi classicamente
definiti tali, quelli di dimensioni
midi e mini con tanto di amplificatore,
diffusori, lettori CD o giradischi
e così via. Negli ultimi anni la
sezione ha pian piano cominciato
ad accogliere anche altri prodotti,
magari di difficile catalogazione.
Da pochi elementi ci siamo accorti
che il numero stava crescendo
per inglobare soluzioni sempre
più diverse l’una dall’altra e di catalogazione
sempre più difficile. I
sistemi coordinati sono diventati,
alla fine, come le “varie ed eventuali”
delle riunioni di condominio:
tutto quello che non è chiaro
e definito va a finire qui dentro!
Un mix di sigle e, soprattutto,
di tecnologie e funzioni che, alla
fine, ci ha fatto sentire un po’ tutti
come il Mario di prima, quello che
SUONO febbraio 2016 49

selector
si trova di fronte a delle realtà che
lo spaventano e incuriosiscono
allo stesso tempo.
Un segmento, dunque, quello dei
coordinati, che sta cambiando
molto; questo ci ha indotto a un
lungo e articolato lavoro per la revisione
che ci ha portato a elaborare
nuovi metri di valutazione di
quello che dovremo aspettarci da
un prodotto moderno ed efficace,
oggi già sotto gli occhi di tutti... Il
problema più grande in questa
fase di costruzione è stata elaborare
nuovi punti fermi, anche alla
luce del fatto che quelli vecchi non
sono più in grado di fotografare la
realtà attuale; il valore di un apparecchio
oggi non è determinato dal
suo peso e dalle sue dimensioni,
elementi che al più ne suggeriscono
la destinazione d’uso. Prendete
un DAC definito “portatile” come
il Chord Hugo (leggero e piccolo):
è possibile che vada come e meglio
di un DAC domestico (pesante e
grosso), eludendo quei limiti che
un tempo erano legati alle dimensioni:
midi, mini e micro in
tal senso pari sono! Altri dati di
targa sono altrettanto fallaci: potenza,
distorsione... non sono più
elementi discriminanti laddove la
globalizzazione ha livellato verso
l’alto certe performance. Ma, attenzione:
non stiamo affermando
che tutti gli apparecchi siano
uguali ma solo che gli elementi
che li distinguono oggi sono anche
altri, a cominciare dalla destinazione
d’uso: una volta allargate
le stesse modalità di ascolto alla
mobilità si aggiungono nuovi
elementi alla lista delle necessità.
Che cosa me ne faccio di un
sistema ben suonante se è troppo
ingombrante per essere utilizzato
in un viaggio breve dove il primo
obiettivo è mantenere un bagaglio
ridotto? Meglio qualcosa di più
piccolo, di più adatto... L’appassionato
è abituato a ragionare per
assoluti ma se già questo metodo
mostrava i suoi limiti in passato
oggi è assolutamente inadatto. Diventa
essenziale stabilire una lista
delle priorità e delle caratteristiche
minime indispensabili, esattamente
come si farebbe dovendo
scegliere tra smartphone, tablet e
PC (portatile o meno) per gestire
i propri dati e il proprio lavoro.
Analogamente a come ci si comporta
verso strumenti del genere,
nel giudizio complessivo di questo
e quel modello assume un’importanza
vitale un elemento fino a ora
quasi estraneo al settore della riproduzione
musicale: l’esperienza
d’uso.
Interfaccia e interazione sono i
nuovi elementi di sfida che i produttori
di Hi-Fi devono considerare
nei loro prodotti: alcuni già
lo fanno, altri ancora non lo hanno
capito, altri... non lo faranno
mai. Interfaccia e interazione
sono oggi la sostanza di un prodotto,
l’elemento caratterizzante,
la nota che distingue più di altri
l’uno dall’altro e, soprattutto, la
porta di ingresso alle possibilità
offerte da quel prodotto. La commistione
con l’informatica ha reso
certamente i prodotti elettronici
più versatili ma questa versatilità
comporta una complicazione
nell’utilizzo: se l’utente medio
in passato trovava il timer di un
videoregistratore così complicato
da non utilizzarlo, come se la
caverà con i prodotti odierni destinati
“solo” alla riproduzione
della musica ma certamente più
complessi? La chiave di accesso
è indubbiamente costituita
dall’interfaccia (oggi, con le app,
addirittura un prodotto a sé) e
dal tipo di interazione possibile
con quel prodotto e, credeteci, le
esperienze sono tra le più varie:
dall’assolutamente inaccettabile al
“quasi” perfetto (quasi perché noi
siamo, per vocazione e necessità,
incontentabili!). Un’esperienza
L’idea di predisposizione in rack condiziona tutt’ora la costruzione degli apparecchi:
nessuno li monterà in un mobile ma vengono ancora forniti con fianchetti aggiuntivi
che servivano per mantenere la compatibilità fra installazioni a rack e stand alone.
forse non oggettiva ma tangibile
il cui effetto si somma a un’altra
miriade di sensazioni dovute
alla natura del prodotto e che,
nell’insieme, generano un metaforico
bleah o un wow! Disagio o
approvazione certo determinati da
criteri di giudizio che si basano su
elementi non soggettivi; anche tra
le proprie emozioni, però, si può
stabilire una scala di valori, soprattutto
se proprio questo è uno
dei compiti che vi siete preposti!
E, soprattutto, quella “sensazione”
è costante e ripetibile... Questo
divario tra “bleah” e “wow!” è un
importante fattore di discernimento
tra prodotti, soprattutto
quelli destinati alle nuove fruizioni
della musica liquida: non mente
mai ed è un fenomeno che, dopo
averci lasciati allibiti, siamo ora in
grado di affrontare con strumenti
critici…
Ma che succede? SUONO non
parla più di “prestazioni”? Chi ci
segue sa bene come e quanto siamo
stati e siamo (e saremo!) attenti
a proporre su queste pagine
prodotti di valore, quelli che hanno
dato e danno tuttora un contributo
fondamentale al piacere di
ascoltare la musica. Chi ci segue
sa altrettanto bene come, da tempo,
abbiamo integrato nel nostro
paniere di valori di giudizio anche
altri elementi che concorrono al
piacere di possedere un oggetto:
siamo stati i primi (e unici!) a parlare
di “fattore di concretezza” in
merito a un prodotto o addirittura
a un produttore. Allo stesso modo
occorre ora introdurre un elemento,
l’usabilità, che si combina con
l’esperienza d’uso e che, in fondo,
determina la soddisfazione finale
dell’utilizzatore. Abbiamo cercato
un termine che lo determinasse,
che fosse specifico ma allo stesso
tempo comprensivo di tanti altri
significati: abbiamo scelto “piacevolezza”.
Piacevolezza indica quanto siamo
soddisfatti nell’interagire / utilizzare
/ possedere un determinato
oggetto, un aspetto che va oltre
quelle che sono le peculiarità
specifiche della sua categoria di
appartenenza. Se ampliamo il discorso
ai fatti di tutti i giorni possiamo
trovare “piacevole” un paio
di scarpe che, pur non essendo realizzate
in cuoio super selezionato,
sono morbide e non ci stancano;
può essere “piacevole” un film
perché in quel momento solletica
i nostri sentimenti, a prescindere
dal suo taglio tecnico e dalla qualità
della regia. Allo stesso modo,
può essere piacevole un prodotto
che riproduce musica senza che la
tecnologia che esso utilizza sia ben
nota e/o di livello riconosciuto?
50 SUONO febbraio 2016

SPECIALE coordinati
Magari per qualcuno è necessario
avere qualche bella valvola in vista
per il proprio amplificatore, per
altri lo è annusare l’essenza pungente
di vero legno dei propri diffusori.
Ma è sempre così? Sonos,
a suo tempo, ci ha insegnato ad
apprezzare la possibilità di avere
con facilità e con una spesa sostanzialmente
contenuta musica
in ogni angolo della nostra casa,
a prescindere dalla storicità del
nome e dalla consistenza delle tecnologie
utilizzate. E se queste riflessioni
sono valide per ogni tipo
di prodotto, “l’esperienza” con i
coordinati di nuova generazione
è portata all’ennesima potenza in
ragione della loro multifunzionalità
che li fa risultare più complessi
dei prodotti singoli.
Esistono ovviamente anche altri
indicatori per definire la qualità
di un coordinato sebbene incidano
anch’essi in maggiore o minore
misura sull’esperienza d’uso. Uno
dei più complessi e nuovi riguarda
la possibilità di collegamento in
rete e la misura in cui ciò accade
portando il prodotto a far parte di
un ecosistema. è un tema su cui
si giocherà il prossimo futuro del
settore e, con esso, il successo di
determinati prodotti e marchi. Il
tema è affrontato in maniera diversa
dai diversi produttori, dove
l’obiettivo comune è (o dovrebbe
essere) la semplicità di realizzazione
e di gestione di questa rete: il
protocollo DLNA è quello che, assieme
ad altri elementi, dovrebbe
semplificare il tutto. DLNA vuol
dire, in prima battuta, semplicità
di inserimento del prodotto nella
rete locale e della gestione delle
sue funzioni e contenuti. Elemento
fondamentale per molti, soprattutto
per chi è meno abituato a un
impatto “informatico”, per chi è
abituato a spingere play per far
partire il CD e, in genere, a usare
il solo comando di start per ascoltare
musica. Il tentativo di alcuni
produttori più illuminati è quello
Unità emozionale di misura negativa.
Unità emozionale di misura positiva.
di minimizzare e semplificare il
set-up iniziale e le operazioni successive:
arrivano così in aiuto app
dedicate, procedure guidate (quelli
che in genere vengono chiamati
wizard) di supporto, procedure
ben delineate e, soprattutto, ben
scritte e ben comunicate all’utente.
Un’operazione, quella di semplificazione,
necessaria, visto che il
mondo della rete locale e di quella
esterna è in continuo divenire e
crescere: dispositivi di memoria
locali, remoti, servizi di streaming
e di download e condivisione di
chissà quanti e quali altri servizi
e componenti presenti sulla rete.
Operazioni complesse e delicate
che solo una buona architettura
tecnologica riesce a portare a
compimento senza intoppi e senza
errori. Semplicità ed efficacia allo
stesso tempo: chi non può/potrà
offrirli ai propri clienti non ha futuro!
Su questo argomento Sonos
è stato precursore dei tempi: ha
saputo affrontare il tema della rete
proprietaria in maniera netta e decisa
e lo ha fatto diventare un suo
punto di forza rispetto ad altre realtà
che, proprio in tal senso, presentano
evidenti lati negativi. Una
rete locale proprietaria ha senso
se è ben fatta, se è funzionale e,
soprattutto, se nel corso del tempo
l’azienda provvede a mantenerla
“viva” e funzionale, se l’utente
non ha problemi ad accedervi e,
al contrario, ottiene solo benefici
nell’entrare in un sistema che è sì
chiuso ma completo e funzionale.
Solo il tempo ci dirà se questa
scommessa sarà vinta, se chi ha
comprato questi prodotti si ritroverà
per le mani uno scattante purosangue
o un ronzino sfiancato,
se l’azienda sarà in grado di sostenere
adeguatamente la propria
linea o se i numeri del mercato
non potranno sostenere l’investimento
iniziale. In questo Sonos
è stato precursore e il tempo ha
dato loro una risposta sicuramente
positiva. Una notevole valenza
è costituita anche da quella che
possiamo definire “autonomia
sonora”, ovvero la possibilità che
il prodotto in questione riesca a
suonare senza la necessità di elementi
ulteriori: in passato questo
è stato visto (a ragione) come un
limite ma oggi l’integrazione di
tecnologie ed elementi “confinanti”
è in grado di fornire prestazioni
vicine a quelle che in teoria erano
state indicate come ideali. Grazie
alla possibilità di prevedere come
e quali componenti andranno
“matchati”, utilizzando in modo
corretto la bi-amplificazione, i
benefici sono ampi ma ancora
di più lo sono quelli derivanti
dall’utilizzo dei DSP, oggi molto
più performanti ed economici che
in passato. Vi possiamo garantire
che l’esperienza di un sistema ottimizzato
è sorprendente rispetto
ai canoni tradizionali a cui siamo
abituati. Ecco perché i coordinati
moderni ottemperano il postulato
forse più importante (e quasi
sempre travisato) del genere:
assemblare più elementi insieme
garantisce la possibilità di ottimizzare
gli abbinamenti e, in sostanza,
di migliorare il rapporto costi/
SUONO febbraio 2016 51

selector
prestazioni! Vero anche che il ciclo
vitale del prodotto chiuso è legato
a doppio filo con il componente a
più rapida obsolescenza! Quindi
bisogna comprendere quali siano
gli elementi critici o quelli che,
potenzialmente, possono essere
aggiornati e attualizzati.
Un altro elemento (anzi: una condizione
opportuna) è quello del
wireless. Wireless vuole o vorrebbe
dire entrare a far parte di un
ecosistema in continua espansione
e aderire a servizi che in parte
ancora non sono stati inventati!
Servizi che si appoggiano a una
rete di comunicazione in rapidissima
espansione. Wireless, oggi,
non significa senza cavo, anzi: il
paradosso è che significa “essere”
cablati! Nell’accezione più profonda
e “connessa” del termine. La
possibilità di usufruire di servizi
di streaming puro, di web-radio
e di download (i primi e i terzi disponibili
ormai in definizione CD
e anche oltre) con diverse formule
di abbonamento e acquisto accresce
enormemente la versatilità di
un sistema, ulteriore pilastro su
cui è stato edificato il concetto di
coordinato.
Infine un ulteriore elemento che
ricorre in questi prodotti e che,
a torto o a ragione, viene citato
come fattore di discrimine: la
compatibilità con formati audio
ad alta risoluzione. Una vera esigenza
tecnica o una trovata marketing?
Indubbiamente l’audio
HD è un must di questi ultimi
anni, un elemento tecnico che i
vari prodotti (a qualunque categoria
essi appartengano) ostentano
con orgoglio. Rimane di fondo
il tema inconfutabile che un’alta
risoluzione non implica naturalmente
un’elevata qualità tecnica
del file audio corrispondente;
per questo, se non ci aspettiamo
sempre e comunque il coro degli
angeli, ben venga che il sistema
che andiamo ad acquistare sia in
grado di farci ascoltare, eventualmente
anche in modo “non” nativo,
musica in PCM 192, 384 kHz
e DSD che sia. È ipotizzabile in un
futuro non lontano che il paradigma
di Carly Fiorina (qualsiasi
cosa, in qualsiasi posto e in qualsiasi
momento) si arricchisca di
un “qualsiasi modo”, frutto degli
altri parametri descritti: se oggi è
insensato riprodurre in streaming
un file ad alta risoluzione su uno
smartphone in movimento è anche
vero che le inutili duplicazioni
(di apparati e di standard in cui è
codificata la musica) sono destinati
a scomparire: in funzione delle
nostre necessità, che si riflettono
sul prodotto con cui le vogliamo
attuare, ci verrà fornita la qualità
migliore in quelle determinate
condizioni! Se si considera, inoltre,
il fatto che per loro natura i
prodotti a base informatica sono
upgradabili con facilità via software
(quando previsto e quando
possibile), gran parte del discorso
sulle performance viene demandato
a una scelta di fondo di apparecchiature
che non abbiano
vincoli eccessivamente limitanti
e alla capacità organizzativa delle
aziende di aggiornarne la release!
Con i prodotti di nuova generazione
è necessario comunque un
primo approccio di set-up, una
configurazione necessaria per
portare la macchina a esprimere
le sue massime prestazioni e/o
funzionalità. Una serie di operazioni
che l’audiofilo tradizionale
non è abituato a fare e che in molti
casi non vuole fare prima ancora
di non saper fare. Un blocco mentale
che lo riporta nella sua zona
di comfort che arriva dal funzionamento
semplice e lineare dei
componenti del suo impianto
storico, quello composto da prodotti
mono-funzione. Lo stesso
blocco mentale che impedisce a
molti di accettare e ascoltare con
una certa apertura e curiosità
quelli che sono i nuovi prodotti
Ritorno alle origini: il sistema come espressione di eccellenza. Alto artigianato e soluzioni
(tra le altre un sistema che abbatte le vibrazioni interne) per Lyravox, società
con sede ad Amburgo, che propone ben tre modelli. È controllabile via app, dispone
di collegamento USB, ethernet e Bluetooth con aptX. Varie le essenze lignee lucidate
in cui viene fornito. Davvero bellissimo!
e le nuove tecnologie a essi collegati.
Chi non prova ad accettare il
nuovo, o quanto meno a fare un
timido tentativo di conciliazione
preventiva, rischia di perdere delle
belle realtà. E con esse il modo
di ascoltare musica, con un buon
livello qualitativo, in situazioni
che possono essere anche diverse
dalla solita configurazione “due
diffusori equidistanti e il divano
in mezzo”. Possiamo ormai
ascoltare musica in ogni situazione,
con sorgenti differenti tra
loro e ottenere un alto livello di
piacevolezza, con la musica che
torna al suo originario compito di
espressione e supporto dei nostri
sentimenti del momento e non di
veicolo di stress da ansia da prestazione
dell’impianto che la sta
riproducendo. Recenti statistiche
ci parlano di percentuali bulgare
(siamo al 90% circa) di persone
che ogni giorno ascoltano musica,
il doppio di qualche decennio fa
quando farlo era quasi un lusso
e/o uno status symbol. Oggi è indubbiamente
più facile ascoltare
musica in qualsiasi momento e
in qualsiasi luogo, basta volerlo.
Venti euro al mese e Tidal, ad
esempio, ci mette a disposizione
tutta la musica che vogliamo/riusciamo
ad ascoltare all’interno
della sua libreria di 25 milioni di
tracce accessibili; soprattutto, ci
offre una qualità CD, lo stesso CD
(singolo) che compreremmo con
quei venti euro mensili. Qualcuno
è già pronto a obiettare che serve
sempre e comunque una connessione
e anche di buona qualità,
senza sapere che una delle funzioni
di Tidal è di utilizzare una
parte della memoria del dispositivo
per ascoltare la musica scelta
quando siamo obbligatoriamente
offline (in aereo, ad esempio).
Aggiungiamo anche la disponibilità
di musica da scaricare a normale
e alta risoluzione, in maniera
semplice e, cercando bene, anche
senza spendere troppo. Già, forse
è il “non sapere” l’elemento che ci
frena maggiormente dall’accettare
questi nuovi prodotti e le tecnologie
che li accompagnano, il “non
sapere” che ce li fa immaginare
difficili da configurare e gestire.
Magari questo può essere (molto
parzialmente) vero per quelli più
smart e più net-oriented ma sicuramente
non lo è per un sistema
che accetta il Bluetooth o AirPlay,
i due sistemi wireless più alla portata
di tutti che il mercato possa
presentare: uno o due pulsanti da
attivare e nulla più. Tanto diverso
dal play del lettore CD? Forse no
(anzi, sicuramente no!); in cambio
ci si apre un mondo di funzionalità
e possibilità di utilizzo che vanno
ben oltre il dischetto in policarbonato.
Basta volerlo e saperlo.
52 SUONO febbraio 2016

NON AVEVI
SENTITO?
LA QUALITÀ DEL SUONO È SEMPRE MOLTO IMPORTANTE
I TUOI FILM E LA TUA
MUSICA SUONERANNO
MEGLIO
Le Klipsch Reference Tractrix
Horns ® offrono la più limpida
e naturale riproduzione del
suono grazie ad una precisa
curvatura della tromba e a una
finitura in gomma modellata
a compressione per lo
smorzamento delle risonanze.
LA POTENZA DEL RAME
I famosi woofer in rame Cerametallic TM
Klipsch sono straordinariamente
leggeri e al contempo rigidi,
per riprodurre un’incredibile risposta
alle basse frequenze con minima
distorsione.
ALTA EFFICIENZA =
SUONO MIGLIORE
Il sistema Linear Travel Suspension
dei nostri tweeter al titanio,
riduce la distorsione, offrendo
una riproduzione estremamente
naturale e cristallina delle alte
frequenze.
UN DESIGN
STRAORDINARIO
PER UN SUONO
STRAORDINARIO
I pannelli anteriori senza
giunzioni rifiniti in polimero
spazzolato nero e le griglie
asportabili a fissaggio magnetico
della serie Reference Premiere,
denotano un design molto lineare
che accompagna
un suono di straordinaria
potenza.

selector
a cura della redazione
COORDINATI
SAMSUNG R6
Piccola ma doverosa premessa:
nel 1999 Samsung
introduce la gamma YEPP
di lettori con memoria di
massa. Solo due anni dopo
(ottobre 2001) arriverà l’i-
Pod... L’azienda coreana (a
dire il vero anche Philips e
pochi altri) aveva intuito
la rivoluzione che avrebbe
attraversato la musica;
che per sviluppare il progetto
occorresse occuparsi
anche dell’aspetto software,
la vera forza di Apple,
è un’altra storia... Non
solo: YEPP era l’acronimo
per “young, energetic, passionate
person”: a essere
centrato fu dunque anche
il target, sebbene poi il
progetto si rivelò una
grande opportunità
incompiuta...
Aben vedere la storia di
Samsung nell’Hi-Fi è
fatta di enormi potenzialità
(il direttore di questo
giornale, che l’ha visitata, parla
di centri ricerca mirabolanti!)
spesso incompiute, come
nel caso della gamma YEEP
ma anche del DA-E750 (provato
su SUONO 489 – ottobre
2014), rimasto una boutade per
quanto eccitante (dove si è mai
visto un coordinato / soundbar
a valvole?).
Anche per il progetto “R” sono
state messe in campo ingenti
risorse: nel 2013 è stato creato
a Santa Clarita, in California,
non lontano dagli Studios
Hollywoodiani, l’Audio
Lab, struttura di
ricerca dove lavorano
una
quindicina di persone dirette
da Allan Devantier; ingegnere
di spicco del Canadian National
Research Council prima e
della Harman Industries poi,
il responsabile del progetto “R”
ha voluto all’interno del proprio
team cinque musicisti (ma
ve li immaginate gli orientali a
combattere con un approccio
umanistico?). Devantier ci ha
spiegato: “I musicisti sono una
parte attiva dello sviluppo di un
nuovo dispositivo; per la creazione
dell’R6 e dell’R7 abbiamo
realizzato migliaia di modelli
3D al computer per trovare la
forma ideale in grado di gestire
il miglior suono possibile, sottoponendoli
di volta
in volta
a l l e
“ottime orecchie” che avevamo
a disposizione. Abbiamo ascoltato
i suoni prodotti a lungo e
con estrema attenzione”.
Il risultato di questo sforzo è
una gamma composta da due
sistemi omnidirezionali caratterizzati
da un originale design
che ne consente (nel caso
del modello maggiore R7) una
sospensione “aerea”, appeso
al soffitto. L’R6, l’apparecchio
qui in prova, è invece un sistema
di più piccole dimensioni il
cui corpo principale è costituito
da due gusci separati lungo
la longitudine accoppiati fra
loro e rifiniti con la flangia del
tweeter nella parte alta e quella
del woofer, collocato in posizione
opposta, nella parte bassa.
All’interno è contenuta anche
l’elettronica di gestione e amplificazione
mentre la batteria
è nel basamento inferiore.
Il woofer, con la membrana
in carta da 12,5 cm e la
sospensione in gomma rovesciata,
emette verso la
base, dove è stato ricavato
un elemento in plastica
cromata con un profilo
a cuspide leggermente
curvato. Sulla faccia
anteriore sono collocati
i comandi a sfioramento
per l’accensione, la
selezione degli ingressi e la
regolazione del volume e il
tasto play/pausa. La pressione
Prezzo: € 299,00
Dimensioni: 15,7 x 23,2 x 15,7 cm (lxaxp)
Peso: 1,8 kg
Distributore: Samsung Electronics Italia
Via C. Donat Cattin, 5 - 20063 Cernusco Sul Naviglio (MI)
Tel. 02.92.18.91 - Fax 02.92.141.801
www.samsung.it
DIFFUSORI Samsung R6
Diffusori: sistema omnidirezionale con tweeter da 25 mm e woofer
da 12,5 Telecomando: via app Note: Wireless e Bluetooth.
Formati compatibili: AAC, MP3, OGG, AIFF, ALAC, WAV, Flac fino
a 192/24 prezzo cadauno.
54 SUONO febbraio 2016

test
Il tweeter a cupola morbida è collocato in
alto con un diffrattore acustico e il woofer
emette verso il basso attraverso una feritoia
circolare che corre lungo la base al cui
interno è contenuta la batteria Li-Ion da 12V
e 2800mA.
combinata del tasto play e degli
ingressi mette l’apparecchio
nella modalità “ascolto” per
l’avvio delle procedure guidate
tramite app di configurazione
manuale della rete wireless entro
cui verrà inserito il sistema.
Grazie alla sua natura l’R6 è in
grado di offrire una decorosa
scena sonora quasi a prescindere
dalla posizione; sorprende,
invece, che proprio all’interno
di una libreria l’apparecchio
manifesti i maggiori limiti in
tal senso! È inoltre possibile indirizzare
un segnale stereo anche
a un’unica unità, in favore
di una trasportabilità maggiore
ma… scordatevi la soglia minima
di qualità che definiamo
Hi-Fi. Utilizzando una coppia
di apparecchi il costo lievita a
circa 600 euro ma è ipotizzabile
un confronto con un setup
tradizionale (integrato più
due diffusori) senza che l’R6
sia perdente di default… A quel
punto il fattore discriminante
potrebbe essere la modalità di
utilizzo da voi scelta: il collegamento
Bluetooth è abbastanza
“standard” mentre quello alla
rete segue una procedura un po’
farraginosa ma comunque favorita
da una serie di indicazioni
guidate abbastanza chiare ed
efficaci
in più
situazioni e
con diversi dispositivi (sebbene
ci siano alcune differenze tra la
gestione iOS e quella Android).
Nel caso del collegamento alla
rete c’è sempre bisogno di una
rete Wi-Fi preesistente e già
configurata e funzionante... Il
sistema non è DLNA compliance
e, di fatto, necessita della app
per funzionare e abbinarsi con
le altre risorse già presenti nelle
rete domestica; per utilizzare
musica presente sul computer
bisogna installare un’altra applicazione
per condividere i
contenuti a differenza, ad esempio,
del caso DLNA o ancor più
dell’Airplay. Certo l’aderenza a
uno dei due standard o anche
a tutti e due non è di per sé garanzia
di eccellenti funzionalità
e usabilità (altrimenti non
assisteremo a un proliferare di
apparecchi e app che tentano
di semplificare e ottimizzare i
processi) ma consente di usare
i prodotti con gran parte delle
apparecchiature esistenti. Nel
caso di Samsung, però, bisogna
inserire “strati” intermedi che
fanno
da tramite
solo per consentire
il funzionamento del
dispositivo e non per “andare
oltre” le performance di base.
Qual è, dunque, l’ipotetico profilo
dell’utente tipo dell’R6? È
evidente che non è quello di un
fruitore di musica “strutturato”
e verticale ma, piuttosto, di
un consumatore generico a cui
fornire un apparato il più possibile
plug ‘n’ play, con i pregi
e i limiti di questa soluzione.
Da ciò si evince che la gestione
della musica e, soprattutto,
della collezione musicale non
è uno degli obiettivi principali
della funzionalità del sistema
mentre vengono valorizzati i
servizi di streaming. Il sistema
è pensato per essere usato da un
dispositivo mobile/portatile e
non come un oggetto inserito in
un ecosistema, quasi a mo’ di
peer to peer, anche se poi sono
state implementate funzioni
di collegamento a televisori
(gli R6 sono pensati per essere
abbinati a televisori dotati di
funzionalità smart o di collegamento
Bluetooth, solo che la
compatibilità del prodotto viene
proposta per i modelli prodotti
dopo il 2012 e solo in seguito a
una verifica della compatibilità
del televisore con la funzione
SondConnect). La funzione di
multiroom è molto ben implementata
nella app e il sistema
risponde molto rapidamente e
velocemente all’abbinamento
fra più dispositivi e al controllo
master di tutti. Il sistema è inoltre
dotato di una batteria abbastanza
capiente da 12V 2800
mA, indicativamente sufficiente
per una durata media di sei ore
di musica a livelli “medi”. L’R6
sembra pensato più per essere
trasportato che per essere utilizzato
in portabilità: è praticamente
imprendibile e bisogna
stare attenti a non introdurre
la punte delle dita nella feritoia
del tweeter per non gravare
sulla lente acustica superiore
(come peraltro esplicitato nel
manuale di istruzioni che, nota
di servizio, presenta molte incongruità).
Inoltre i comandi
a sfioramento sulla parte anteriore
si attivano abbastanza
facilmente, rendendo ancor
più complesso il trasporto del
prodotto.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Soluzione complessa e originale sebbene i tweeter
necessiterebbero di soluzioni più mirate.
Nella media l’elettronica.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Un valore aggiunto che si scontra, però, con
un design apparentemente in contrasto con le
finalità del prodotto.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Limitata dalla mancata compatibilità DLNA:
l’apparecchio è utilizzabile solo attraverso l’app
proprietaria e mal si interfaccia con DNS in rete.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
A bassi e medi livelli la riproduzione risulta
gradevole e di buon “riempimento” anche se un
controllo del loudness più intelligente/reattivo
avrebbe giovato.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Voto alto all’azienda ma la filosofia volta alla
sostituzione più che all’aggiornamento, unita
alla rapida obsolescenza della categoria, pesa!
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Nel nuovo che avanza c’è di meglio...
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 55

selector
Marshall Stanmore
Prezzo: € 399,00
Dimensioni: 35 x 18,5 x 18,5 cm (lxaxp)
Peso: 5,1 kg
Distributore: Marshall
Marshall Stanmore
Amplificatore: 2x20 + 1x40 watt Diffusori:
2x Tw 1,9 cm - 1x Wf 13,5 cm
Cambridge Audio
Air200
Più che una connettività spinta o funzioni
particolari il motivo per mettere in casa
uno Stanmore è il fascino del marchio e il
richiamo estetico ai grandi monitor da palco
della stessa Marshall. Connessioni via
cavo in formato mini-jack analogico e ottico
digitale; wireless con streaming Bluetooth
aptX: senza funzioni di rete lo Stanmore è
dedicato a chi vuole musica senza complicazioni.
Ottanta watt erogati sulla coppia
di tweeter e l’unico woofer: quello che otteniamo
è un punch elevato, un sound avvolgente
e un grande coinvolgimento. La
natura “analogica” dello Stanmore è confermata
dall’assenza di un’app di controllo
e dalla presenza di tre manopole fisiche che
regolano classicamente volume, alti e bassi.
Non è come stare su un palco ma il piccolo
Stanmore qualche brividino di piacere lo
dà comunque.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Pesante e consistente, aggiungi pure la cura
elevata dei particolari che lo assimilano ad un
ampli da palco. Suggestioni!
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Per dimensioni e peso lo Stanmore è una via di
mezzo tra un prodotto fisso e uno trasportabile.
O forse ha i vantaggi di entrambi.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■
La più bassa del lotto di prodotti presi in esame:
un paio di analogici, un digitale e l’immancabile
Bluetooth, senza ombra di rete.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Un pezzo rock ascoltato con lo Stanmore è coinvolgente
per il nome del produttore ma anche,
e soprattutto, per il sound che ne otteniamo.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Si sta ampliando velocemente la gamma prodotti
di questa sezione di Marshall: speaker, cuffie e
recentemente anche uno smartphone.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
399 euro (anche online, direttamente dal sito
Marshall) si scontrano con prodotti dal prezzo
simile ma con maggiori funzionalità, sopratutto a
livello di network.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Il telaio è solido e non vibra nemmeno quando
la pressione sonora è alta, grazie alla elevata
potenza e al subwoofer di buone dimensioni.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
L’app è semplice e oltre le web-radio offre poco
di più. Per utilizzare Spotify Connect bisogna
servirsi dell’app specifica.
Prezzo: € 549,00
Dimensioni: 45 x 22 x 17,4 cm (lxaxp)
Peso: 5,1 Kg
Distributore: Hi-Fi United
Via Manfredi, 98 - 29122 Piacenza (PC)
Tel. 0523.71.61.78 - Fax 0523.71.60.76
www.hifiunited.it
Air200
Sintonizzatore: radio internet Amplificatore:
in Classe D, 200W, ingressi
Ethernet, Wifi, analogico Aux Diffusori:
2 altoparlanti BMR da 6 cm,
subwoofer 16,5 Componenti: integrato
Telecomando: si Note: diffusore
wireless con Airplay e Bluetooth aptX.
Internet radio con 5 preselezioni.
L’Air200 è il top della gamma destinata
alle nuove generazioni in casa Cambridge.
Compatibilità AirPlay, come sottolinea la
sua stessa sigla, ma anche Bluetooth aptX
e Wi-Fi ma senza funzionalità evolute di
rete (DLNA, per esempio) e audio HD; un
ingresso mini-jack per la compatibilità con
sorgenti analogiche. La sezione di potenza
da circa 200 watt in Classe D è dedicata a un
sistema 2.1 che utilizza una coppia di speaker
full-range BMR (Balanced Mode Radiator
a profilo piatto) da 6 cm e un subwoofer
da 16 cm. L’app dedicata permette semplicemente
di selezionare e scegliere le web radio
station da ascoltare; per Spotify Connect
c’è bisogno dell’app specifica. Un piccolo
telecomando in dotazione replica i comandi
presenti sulla parte superiore dell’Air200.
versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
No DLNA e audio HD; gli ingressi AirPlay e Bluetooth
permettono di utilizzare le più comuni sorgenti
wireless. Per quelle analogiche c’è il mini-jack.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
La gamma bassa è potente, anzi, in certi momenti
diventa... prepotente. Nella parte più alta
manca un po’ di presenza e precisione.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Cambridge dovrebbe pescare con meno parsimonia
nelle funzioni di rete dei suoi tanti streamer
e regalare qualcosa all’Air200!
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Senza DLNA e audio HD il prezzo di listino
dell’Air200 risulta un po’ elevato, soprattutto
perché tanti concorrenti offrono più funzionalità
e versatilità.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
56 SUONO febbraio 2016

SPECIALE COORDINATI
Pioneer X-HM82
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
In evidenza per i diffusori la fibra di vetro del
midwoofer; anche l’elettronica in generale regala
feedback positivi sulla sua struttura.
Prezzo: € 599,00
Dimensioni: Elettronica 29 x 10 x 33 -
Diffusori 15,6 x 26,6 x 25,8 cm (lxaxp)
Peso: 4,8+4,3 Kg
Distributore: Pioneer Italia
Via R. Lepetit, 8 - 20020 Lainate (MI)
Tel. 02.93911 - Fax 02.9391300
www.pioneer.it
Pioneer X-HM82
Tipo: midi Lettore CD: R/RW Sintonizzatore:
AM/FM Amplificatore:
2x50 @4 Ohm Diffusori: 2 vie - Tw
2,5 cm - MWf 12 cm Telecomando:
si Note: AirPlay, Wi-Fi, Bluetooth,
Audio HD PCM (fino a 192 kHz) e DSD
(2,8 MHz), Ethernet, Spotify Connect,
vTuner.
Elettronica multi-formato più una coppia di
diffusori: il tutto in dimensioni compatte e,
nel caso della prima, con buona versatilità.
In evidenza la possibilità di streaming in
HD: PCM fino 192 kHz (Wav, Flac, Aiff) e
DSD 2,8 MHz su rete cablata e USB, PCM
fino a 48 kHz su rete wireless. Funzionalità
di rete: AirPlay, Wi-Fi (IEEE802.11 b/g) con
due antenne, DLNA 1.5 DMR certificato,
Spotify ready e web-radio su piattaforma
vTuner. Meccanica di lettura CD R/RW.
Connessioni: USB per collegamento in digitale
per iPod / iPhone / iPad, Bluetooth
3.0 aptX, ingresso digitale ottico, doppio
analogico RCA, mini-jack, uscita cuffia e
uscita per subwoofer attivo, porta Ethernet
10/100. Display LCD sul pannello frontale;
telecomando e app (iOS e Android) per la
gestione delle funzioni. Firmware aggiornato
all’estate 2015. Sezione di potenza da
2x50 watt in Classe D.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Per un sistema compatto e relativamente poco
costoso c’è tutto e di buon livello: connessioni
cablate e non, audio HD e app.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
A questo prezzo c’è poco da chiedere oltre: tiri
fuori dalla scatola l’impianto e poco dopo hai
musica di buona qualità da tante fonti diverse.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Per stanze di dimensioni piccole e medie il sistema
è sufficiente e completo; in alternativa si può ricorrere
all’uscita pre-out collegando un sub.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Pioneer sta attraversando un periodo di grandi e
profonde rivoluzioni societarie e di riposizionamento
sul mercato; urgono news sul prossimo futuro.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Lo street price si annuncia ancora più favorevole.
Disponibile il modello X-HM72 con diffusori
più semplici a cento euro in meno. Comunque
un buon affare.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
Onkyo CS-N765
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Nel suo piccolo (come dimensioni) la struttura è
buona e con componenti di qualità; lo stile è quello
asciutto tipico di molta della produzione Onkyo.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Telecomando e app permettono di gestire facilmente
e intuitivamente tutte le sue funzioni principali
e anche la gestione delle librerie audio da rete.
Prezzo: € 599,00
Dimensioni: elettronica:
21,5x11x9x33x1 - diffusori:
15,4x24,5x25,8 cm (lxaxp)
Peso: 5+3,6 Kg
Distributore: Tecnofuturo S.r.l.
Via Rodi, 6 - 25124 Brescia (BS)
Tel. 030.2452475 - Fax 030.2475606
www.tecnofuturo.it
Onkyo CS-N765
Tipo: midi Lettore CD: si Sintonizzatore:
AM/FM Amplificatore: 2x22
@ 4 Ohm Diffusori: D-055 2 vie: Mw
12 cm, Tw 2,5 cm Cuffia: 150+150
mW Componenti separati: sintoamplificatore
/ CD e diffusori Telecomando:
si Note: Sistema micro
Audiophile composto da sintoampli /
CD CR-N755 e diffusori a 2 vie D-055;
compatibile PCM 24 bit / 192 kHz e
DSD 5.6 MHz; porta di rete DLNA; ingressi
analogici e digitali (USB-ottico,
coassiale).
Fattore-forma quanto di più vicino a un sistema
audio tradizionale, con l’elettronica
principale e i due diffusori. In e out analogici,
l’ingresso USB e i due ottico e coassiale
e la porta di rete dalla quale (con la USB)
gestire file audio anche in HD: PCM fino a
24 bit / 192 kHz e DSD nativo 5.6 MHz, con
sezione di conversione con chip AK4490
VERITA. Lo streaming Bluetooth aptX è
possibile solo con l’acquisto del dongle dedicato.
La porta USB sul frontale gestisce
il collegamento con iPod e gli altri iDevice
in digitale. L’app Onkyo Music permette
di sfogliare le librerie musicali in rete (con
supporto DLNA) e accedere direttamente
ad alcuni servizi remoti come Spotify. Uscita
cuffia da 150+150 mW utilizzabile con trasduttori
tra 16 e 600 Ohm di impedenza.
versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Ingressi analogici, digitale, rete DLNA, USB, audio
HD PCM e DSD, meccanica CD e radio, uscita
cuffia e un buon amplificatore: serve altro?
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
L’aggiunta di un subwoofer attivo (pre-out
dedicato) aggiunge il giusto punch in basso;
buona il resto della gamma, definita e precisa.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Azienda solida, con un catalogo ampio e ben diversificato;
il firmware del sistema è aggiornabile
(via rete e USB) e questo è un elemento positivo.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Poche mancanze (il dongle per il Bluetooth
in primis) e tanti plus per il piccolo sistema di
Onkyo: una soluzione low-cost per apprezzare
la musica HD e la rete.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 57

selector
Bluesound Pulse 2
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Solido ma dall’aspetto abbastanza lineare, al
limite dell’anonimo. Il consistente telaio in plastica
non vibra nemmeno quando la pressione
sonora è elevata.
Prezzo: € 799,00
Dimensioni: 42 x 19,8 x 19,2 cm (lxaxp)
Peso: 6,12 Kg
Distributore: Pixel Engineering S.r.l.
Via San Francesco 4 - 21013 Gallarate (VA)
Tel. 0331.78.18.72 - Fax 0331.71.85.21
www.pixelengineering.it
Bluesound Pulse 2
Formati audio compatibili: PCM, AIFF,
WAV, Apple Lossless, FLAC, MP3 cbr, MP3
vbr, AAC, WMA, Web Radio Tipo: stereo
Tecnologia: a stato solido Amplificazione:
3 x 80 W su 8 Ohm in
classe D Risp. in freq. (Hz): 45-20k THD
(%): 0,005 Ingressi digitali: Ottico (1),
USB Standard (1), Ethernet (1), Wi-Fi
(1) Accessori e funzionalità aggiuntive:
Ingresso cuffia Note: altoparlanti 2
full-range da 6 cm e 1 wf da 13 cm; Bluetooth
4.0 aptX
Seconda generazione dei prodotti Bluesound
e del Pulse 2 nello specifico con processori
di maggiore potenza (Arm A9) e una
migliore connettività. Rimane la possibilità
di realizzare un sistema multiroom articolato
e flessibile con i diversi componenti
della serie ma anche la chiusura verso il
protocollo DLNA (la rete locale Bluesound
è proprietaria), streaming audio 24 bit / 192
kHz, la compatibilità con la maggior parte
dei file audio, l’interfaccia semplificata verso
un buon numero di servizi di streaming
e download (Tidal in testa), il supporto a
MQA. A bordo una sezione di potenza da
80 watt che triamplifica un woofer e due
full-range. Connessioni cablate Ethernet,
USB-A, combo - Toslink 3,5 mm; wireless
Wi-Fi e Bluetooth 4.0 aptX; uscita cuffia.
App per mobile (iOS, Android) e fisso (OSX
e Windows).
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
La non adesione al protocollo DLNA getta
qualche ombra sul Pulse 2; rispetto alla prima
versione spunta l’uscita cuffia e un processore
più potente.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
File compressi, a pieno formato e in HD: il Pulse
2 è pronto a gestire l’audio in tutte le sue forme
e da diverse piattaforme, locali e remote.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Il livello sonoro è buono, così come la gamma
medio-alta; quella bassa soffre un pochino se
esageriamo con il volume.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Bluesound è un brand di NAD e questo è un dato
rassicurante. Rimane il dubbio sul futuro di un
sistema operativo chiuso verso il mondo DLNA.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Solifità e gestione HD fanno, almeno in parte, digerire
un prezzo non proprio popolare
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
Naim Audio
Mu-so Qb
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Alla solita elevata qualità strutturale tipica di
Naim il Mu-so Qb aggiunge un design essenziale
ma curato, da perfetto prodotto lifestyle.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Le dimensioni compatte permettono di collocarlo
più facilmente in confronto con il Mu-so
grande. Connettività semplificata.
Prezzo: € 895,00
Dimensioni: 21 x 21,8 x 21,2 cm (lxaxp)
Peso: 5,6 Kg
Distributore: Green Sounds
Via Manfredi 98 - 29122 Piacenza (PC)
Tel. 0523.462021
www.greensounds.it
Naim Audio Mu-so Qb
Amplificatore: 4x50 + 1x100 Diffusori:
2 Tw, 2 Md, 1 Wf ellittico, 2 Radiatori
passivi ellittici Note: UPnP, AirPlay,
Ethernet, Wi-Fi Ingressi audio: ottico
S/PDIF8 (fino a 96 kHz), USB tipo A
per iPod, Bluetooth aptX. Formati
supportati: WAV, FLAC e AIFF (fino a
24/192), ALAC (fino a 24/96). Case in
fibra di vetro e alluminio.
Il nuovo Mu-so Qb prova a contenere in un
case più compatto tecnologie e componenti
già visti sul precedente Mu-so. Simile la
sezione di controllo (DSP a 32 bit), qualche
watt in meno, simili gli altoparlanti che perdono
un woofer ma acquistano due radiatori
passivi. Per la compattezza del frontale
rispetto al Mu-so originale, le due coppie di
tweeter e midrange sono state angolate di
45 gradi, divergenti tra di loro, per ampliare
meccanicamente il fronte sonoro. Buona
compatibilità con diversi formati audio,
anche in HD ma solo per PCM. UPnP e
AirPlay, Bluetooth aptX, Spotify Connect e
Tidal. Con l’app dedicata (iOS e Android) è
possibile creare e gestire una rete con 5 unità
collegabili tra di loro, sia della serie Mu-so
che Uniti e Naim streaming in genere.
versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Ci sono le connessioni wireless che contano, un
ingresso analogico che è sempre comodo, UPnP e
rete locale. Manca il supporto per DSD.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Quasi difficile credere che da un cubotto così
piccolo possa venire fuori così tanta musica, di
buona qualità e di adeguato livello sonoro.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Naim sta riversando nella serie Mu-so i suoi
punti di forza e il forte know-how acquisito
nella distribuzione in rete di contenuti audio.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Meno di 900 euro di listino per un prodotto che
è un concentrato di funzionalità e tecnica, con il
plus non irrilevante di un design coinvolgente.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
58 SUONO febbraio 2016

SPECIALE COORDINATI
Geneva Lab
AeroSphere Large
Prezzo: € 969,00
Dimensioni: 40 x 40 x 32 cm (lxaxp)
Peso: 8 kg
Distributore: Sounders S.r.l.
Via Giovanni Bellezza, 11
20136 Milano (MI)
Tel. 02/4222855 - Fax 02/4232716
www.sounders.it
Geneva AeroSphere Large
Amplificatore: cinque canali con
DSP Diffusori: 2.1 - 2x Tw 2,5, 2x Mw
10 cm, 1x SubWf 16 cm Note: Diffusore
singolo con sistema 2.1 multiamplificato
in Classe D con DSP; disponibile
app di controllo per iOS e Android;
collegamenti Wi-Fi DLNA, AirPlay, Bluetooth
aptX.
Tanta attenzione al design e alla facile connessione
e gestione delle diverse sorgenti
cablate e non. È il profilo sintetico dell’AeroSphere
Large di Geneva dalla forma quasi
circolare, che integra un sistema 2.1 a cinque
altoparlanti multi-amplificato in Classe
D con DSP con algoritmo proprietario.
Sono preferiti e semplificati i collegamenti
wireless (AirPlay, DLNA, Bluetooth 2.1 con
protocollo aptX) ma è presente anche un
input analogico mini-jack. Per espandere le
connessioni è possibile aggiungere (in wireless)
l’unità Base che integra lettore CD, sinto
radio FM/Dab + e un ulteriore mini-jack.
Della AeroSphere è disponibile la versione
Small di dimensioni più compatte (23 cm di
diametro) e solo due speaker (tweeter da 2,5
cm e midwoofer da 10). Si può realizzare un
piccolo sistema multiroom che conta fino a
quattro AeroSphere, gestibili via app (iOS
e Android).
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Alluminio e plastiche di buona qualità: il design dei
prodotti Geneva è molto particolare ma ti lascia
sempre una sensazione di consistenza e solidità.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
L’app (per iOS e Android) permette di gestire
tutte le funzionalità del prodotto e la gestione
della rete in cui è inserita; particolarmente chiara
la grafica.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
AirPlay, DLNA e Bluetooth coprono le principali
esigenze di collegamento wireless, l’opzione del
modulo Base per CD e FM/DAB. No audio HD.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
La suggestione che sia una “lampada” o un elemento
di arredo a suonare è forte; allineato allo
standard Geneva (e quindi buono) il suono.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Geneva ha ormai superato ogni esame e si è ritagliato
un proprio ruolo stabile e ben definito; la
serie AeroSphere riflette queste caratteristiche.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Poco meno di mille euro per un sistema audio
che è anche un elemento di arredo, bello da vedere
e valido nelle sue funzioni di ascolto.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
JBL
Authentics L 16
Prezzo: € 999,99
Dimensioni: n.d.
Peso: n.d.
Distributore: JVC Kenwood Italia
Via G.Sirtori 7/9 - 20129 Milano (MI)
Tel. 02.20.48.21 - Fax 02.29.516.281
www.kenwood.it
JBL Authentics L 16
Amplificatore: 6 x 50W Note: Sistema
sonoro high-end connettività
wireless Bluetooth, DLNA, AirPlay, Nfc
per pairing automatico Ingresso Aux
per connettere il lettore MP3 o altre
sorgenti musicali Porta bass-reflex.
Design volutamente old-style, con finitura
in legno e griglia a scacchi che richiama una
certa produzione JBL di qualche anno fa
(Century L100 per la precisione). Si tratta
di un doppio tre vie (ma esiste anche l’L8 a
due) con una sezione di amplificazione da
6x50 watt in Classe D: un piccolo JBL al
100%, con tanto punch e una gamma bassa
potente che non ti aspetti da un prodotto
di dimensioni sostanzialmente contenute.
Tanta roba dentro l’L16, a cominciare da un
imprevedibile ingresso phono MM, un ingresso
analogico mini-jack, analogico RCA
(selezionabile linea o phono), un digitale
ottico (24 bit / 96 kHz) e due USB per la
sola ricarica e aggiornamento firmware; per
il wireless compatibilità AirPlay, Bluetooth
(anche NFC), Wi-Fi con supporto DLNA.
App JBL Music. Circuito Clari-Fi per l’equalizzazione
dei file compressi.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Curato nei particolari e ben solido, anche nei
momenti di maggior pressione sonora; non ci
sono rumori e vibrazioni anomali.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Non è facilmente trasportabile per il peso non
proprio piuma, per cui è adatto a un uso sostanzialmente
statico. Telecomando e app per
il controllo a distanza.
versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Facile l’inserimento in rete, in rilievo il phono MM
e una buona dotazione di ingressi cablati e non;
punto negativo le USB che non gestiscono audio.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Un JBL in piccolo con la sua gamma bassa piena
e potente, pressione sonora che riempie facilmente
una stanza di medie dimensioni.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
JBL da tempo sta dimostrando una notevole vivacità
nel settore dei diffusori / sistemi wireless, con
soluzioni per diverse esigenze.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Non proprio contenuto: ma la completezza delle
funzioni e il risultato sonoro sono comunque di
un certo pregio.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 59

selector
Arcam Solo Bar
Prezzo: € 1.300,00
Dimensioni: 100 x 13 x 11 cm (lxaxp)
Peso: 6,4 Kg
Distributore: MPI
Via De Amicis, 10/12
20010 Cornaredo (MI)
Tel. 02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36
www.mpielectronic.com
ArCAM Solo Bar
Amplificatore: 100 watt in Classe
D Diffusori: 4x 100 mm, 2x 25
mm Note: Soundbar; ingresso HDMI
compatibile 4K; ingressi digitali ottico e
coassiale; ingresso analogico mini-jack;
Dolby e DTS; ricevitore Bluetooth aptX;
App per iOS e Android; disponibile
subwoofer attivo Solo Sub da 300 watt e
woofer 250 mm a 1.000 euro.
Il fattore forma e la sigla ricordano una
soundbar ma la soluzione offerta da Arcam
aggiunge alle funzioni audio-video
tipiche del genere una discreta connettività
da sfruttare anche per l’audio. Quindi
in/out HDMI con gestione dei formati
HD audio-video, ingresso digitale ottico e
coassiale, ingresso analogico, connettività
Bluetooth aptX, uscita per subwoofer, uscita
per microfono. La correzione ambientale
assistita (con microfono e software integrato)
interviene per compensare asimmetrie
della stanza e zone di particolare livello di
riflessioni. La sezione di potenza integrata,
dichiarata da Arcam per 100 watt, è sufficiente
a riempire adeguatamente una stanza
anche non proprio piccola; con l’aggiunta
del subwoofer wireless dedicato (Solo Sub)
sale, naturalmente, la pressione e l’estensione
della gamma bassa.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Telaio in alluminio di buon peso e resistenza, la
massa della Solo Bar è superiore a quanto il suo
stile soft lasci immaginare.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Nasce soundbar ma è utilizzabile anche come
hub digitale audio. Mancano le funzioni di rete
ma sono presenti ingressi audio, video, digitali e
analogici e Bluetooth aptX.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Il sistema di correzione ambientale può essere
d’aiuto in alcuni casi così come la possibilità di aggiungere
un subwoofer (wireless dedicato o cablato
generico).
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Il sound della Solo Bar è focalizzato sulla gamma media,
con gli estremi alti presenti ma in secondo piano;
l’aggiunta del subwoofer completa l’emissione.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Su Arcam c’è poco da aggiungere; il Solo Bar, a
cavallo tra HT e audio, forse ha bisogno di una
maggiore definizione dei propri obiettivi.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
1.300 euro non sono pochi, sopratutto se consideriamo
le poche funzioni di rete del prodotto; il prezzo
quasi raddoppia se aggiungiamo il sub dedicato.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
McIntosh RS100
Prezzo: € 1.500,00
Dimensioni: 20,8 x 32,3 x 20,3 cm (lxaxp)
Peso: 6,8 Kg
Distributore: MPI
Via De Amicis, 10/12
20010 Cornaredo (MI)
Tel. 02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36
www.mpielectronic.com
60 SUONO febbraio 2016
McIntosh RS100
Amplificatore: 60 watt Diffusori: Tw
1,9 cm - Wf 10 cm Note: Diffusore
wireless attivo, streamer di rete, supporto
PCM 24/192, DTS Play-Fi, DLNA,
possibilità di rete fino a 16 unità,
uscita subwoofer, potenziometri e
vu-meter, USB per firmware, ingresso
RCA e uscita subwoofer, supporto per
servizi streaming.
Nel suo primo sistema wireless con streamer
di rete integrato McIntosh non ha
rinunciato a proporre i suoi elementi estetici
e strutturali più identificativi. La parte
più innovativa del prodotto è il suo uso in
wireless, con funzionalità di rete DLNA e
supporto per DTS Play-Fi su rete Wi-Fi per
streaming in multi-room semplificato (fino
a otto coppie di diffusori) e wireless audio
senza perdita. Sezione di potenza da 60 watt
per un tweeter in titanio e woofer a lunga
escursione; supporto diretto per diversi
servizi di streaming e download (non tutti
disponibili in Italia). La porta Ethernet è
disponibile solo con un adattatore opzionale
su porta USB (solo per aggiornamento
firmware, no audio); un ingresso analogico
RCA e uscita per subwoofer. App per iOS e
Android, solo Windows per computer fissi.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Alluminio e vetro, come da tradizione dell’azienda;
design forzatamente “classico” che forse
si addice poco al tipo di prodotto e relativo uso.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
La collocazione verticale obbligata e il bass
reflex posteriore vincolano in qualche modo il
posizionamento in ambiente.
versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Il DTS Play-Fi aiuta nella realizzazione di un sistema
multi-room, c’è supporto per DLNA ma è
scarna la dotazione di ingressi.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Gamma bassa poco incisiva, che va affinata e
ottimizzata con la regolazione della distanza
del reflex dal muro; altissime smussate.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Un prodotto che per il suo stile estremamente
personale sembra destinato ai McIntosh addicted.
E gli altri?
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
1.500 euro è più un prezzo tipicamente McIntosh
che non da mercato di diffusori wireless
destinati a un pubblico ampio.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.

SPECIALE COORDINATI
Devialet Phantom
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Devialet assicura che il suo Phantom può raggiungere
i 16 Hz in soli 20 litri per una pressione interna
equivalente a 174 db! Diremmo solido...
Prezzo: € 1.690,00
Dimensioni: 25,3 x 25,5 x 34,3 cm (lxaxp)
Peso: 11 Kg
Distributore: Devialet
10, place Vendome - 75001 Parigi
Tel. +33-616-753904
www.devialet.com
Devialet Phantom
Amplificatore: 750 watt Note: processore
800 MHz dual-core ARM Cortex;
DAC TI PCM1798; tecnologie proprietarie;
utilizzabile singolo, stereo o
multiroom; disponibile hub proprietario,
pressione max 99 db; Disponibile
versione Silver Phantom da 3.000 watt
a 1.990 euro.
Stile, costruzione e funzionalità assolutamente
peculiari per il Phantom: diffusore
attivo wireless gestito da computer, come
da tradizione dei prodotti Devialet. Compatibile
con tutti i formati audio, chiaramente
anche in HD, così come è pronto a gestire
la maggior parte dei servizi di streaming e
download. Connettività Wi-Fi dual band
(a/b/g/n 2.4 GHz & 5 GHz), Ethernet Gigabit,
Homeplug AV2, ingresso ottico. Componenti
custom e tecnologie proprietarie.
Sistema a due vie sul frontale, due subwoofer
ai lati in grado di generare fino a 99
db di pressione sonora con amplificazione
proprietaria (ADH Analog Digital Hybrid)
da 750 watt (disponibile versione Silver
Phantom da 3.000 watt). Disponibile hub
dedicato per realizzare una rete proprietaria
per multiroom fino a 24 unità collegare
in wireless e gestita da app dedicata (per
dispositivi mobili e computer fissi).
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Forma, peso e aspetto molto poco comuni che
influenzano la stessa collocazione in ambiente
del prodotto. Un apripista!
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Da un vero e proprio computer è lecito aspettarsi
versatilità e flessibilità elevatissime: le premesse ci
sono tutte, aspettiamo il prossimo futuro.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Gamma bassa molto incisiva anche se, a seconda
dell’ambiente e del posizionamento, non sempre
a fuoco; voci in secondo piano.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Come azienda Devialet ha dimostrato di poter dire
delle cose nuove in merito all’amplificazione, e il
Phantom apre un’ulteriore strada.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
Quasi 4.000 euro per due diffusori e relativo hub
(configurazione minima consigliata) sono tanti
soldi: l’originalità e le tecnologie proprietarie
costano...
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
Bang & Olufsen
BeoSound 35
Prezzo: € 2.295,00
Dimensioni: 100 x 13 x 12,5 cm (lxaxp)
Peso: 6,5 kg
Distributore: Bang & Olufsen Italia
Via Santa Maria Valle, 3
20123 Milano (MI)
Tel. 02.72.74.001 - Fax 02-89.01.05.20
www.bang-olufsen.it
B&O BeoSound 35
Amplificatore: 4 x 80 watt Diffusori:
2 Tw 1,9 cm - 2 Wf 10 cm Note: Air-
Play, Bluetooth, DLNA (DMR), Spotify
Connect, Deezer. File supportati MP3,
WMA, AAC, ALAC, FLAC, WAV, AIFF
fino a 24 bit / 192 kHz.
Disegno lineare ed elegante, case in alluminio
dal profilo ottagonale, elevata connettività
wireless: il BeoSound 35 si pone come
interfaccia audio per la casa moderna per
sorgenti mobili e in rete. AirPlay, Bluetooth
4.0, DLNA (DMR), Wi-Fi (2.4 e 5 GHz),
compatibilità con la maggior parte dei file
audio anche in HD, fino a 24 bit / 192 kHz
per le connessioni Ethernet e ottico, 24 bit
/ 48 kHz per quelle wireless. È presente anche
un ingresso analogico RCA. Utilizzando
l’app BeoMusic o il telecomando BeoRemote
One possiamo utilizzare il BeoSound 35
in un sistema BeoLink Multiroom. La stessa
app diventa l’interfaccia diretta per i servizi
(Spotify e Deezer in testa) che il BeoSound
35 gestisce direttamente. Agli estremi del
telaio i due tweeter, verso il centro i due
midwoofer: il DSP di bordo provvede ad
ampliare il fronte sonoro. La sezione di potenza
eroga 80 watt (in Classe D) su ognuno
dei quattro speaker.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
L’alluminio di buon spessore utilizzato per il
telaio dona al tutto un’elevata solidità e rigidità,
nonostante il metro di lunghezza.
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Facile da utilizzare in rete, sia con altri prodotti
B&O che con soluzioni esterne. Il display integrato
è piccolo ma l’app sopperisce anche a
questo.
versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Le connessioni sono quelle universali; la gestione
della rete tutta B&O è semplificata dal software
proprietario; manca il supporto per il DSD.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Il DSP, tra le altre, interviene nel boost in gamma
bassa e nell’ampliamento del fronte sonoro
con un risultato convincente per entrambi.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
B&O sta ampliando il catalogo con prodotti di diverso
prezzo e funzionalità, con l’ulteriore plus di
una versatilità sempre più spinta.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
50% design e 50% tecnologia: i prodotti di B&O
sfuggono ai classici parametri di valutazione del
prezzo.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 61

selector
a cura della redazione
Streaming Player
Aria Aria
Il vero fattore di demarcazione
nel settore della
musica liquida è il profilo
utente, radicalmente separato
tra chi è intenzionato
(ed è in grado) a sfruttare
tutte le enormi potenzialità
della commistione informatico
– elettronica e
chi, per capacità o scelta,
il computer dopo il lavoro
non vorrebbe vederlo
neanche in fotografia. A
questi ultimi è destinato un
prodotto come l’Aria anche
se, sotto sotto, in maniera
palese o meno, sotto il cofano
troverete in un caso e
nell’altro le stesse cose!
Le rivoluzioni, anche
quelle piccole, sono tali
anche perché rimescolano
le carte in tavola, gli equilibri,
le rendite di potere... E infatti
chi se lo sarebbe immaginato un
Made in Spain nell’olimpo della
riproduzione musicale? Può accadere
se il “campo di gioco” è
costituito dalla musica liquida,
una sorta di punto zero del settore.
E se si hanno cose da dire...
In questa luce va letto l’excursus
della DigiBit, azienda proprietaria
del marchio Aria, fondata nel
2007 come start-up con base a
Madrid e reparto ricerca & sviluppo
“diffuso” tra la Spagna e
l’Inghilterra, un vero riferimento
a livello europeo per il software
informatico. Il primo frutto
della casa (2008) è Sonata, un
music server “incapsulato” in
un touch screen principalmente
dedicato all’archiviazione della
musica classica. Non a caso, visto
che il ripping e la gestione
dei metadati legati alla musica
classica costituiscono una problematica
quasi unica nel suo
genere: anche considerando situazioni
di ripping e di editing
dei metadati fatti a mano nei
modi tradizionali, un sistema
in automatico offre un servizio
al di sopra delle aspettative con
risultati migliorabili o meglio
personalizzabili da utenti dotati
di competenza e dedizione. Con
l’assenza di uno solo di questi
requisiti, in genere, si ottengono
risultati poco soddisfacenti...
Nel 2013 vedono la luce un’implementazione
del sistema per
l’Oppo che consente di trasformarlo
in un music server e il
primo prodotto hardware della
casa, l’Aria, un music server
che funge anche da player e
consente di rippare i dischi con
una gestione particolarmente
ricca dei metadati, orientata
alla classificazione dei titoli del
genere “classica”. Per la “scatola”
dell’Aria, l’apparecchio qui in
prova, viene “scomodata” la penna
del designer Ochoa & Diaz-
Llanos che sviluppa l’originale
design dell’apparecchio sotto
un preciso input: deve sembrare
un prodotto Hi-Fi, non deve
sembrare un prodotto Hi-Fi
tradizionale… !
Prezzo: € 4.675,00
Dimensioni: 43 x 6,50 x 36 cm (lxaxp)
Peso: 8 Kg
Distributore: Audio Reference S.r.l.
Via Giuseppe Abamonti, 4 - 20129 Milano (MI)
Tel. 02.29.404.989 - Fax 02.29.404.311
www.audioreference.it
STREAMING PLAYERT ARIA ARIA
Supporti compatibili: CD, CD Text, CD-R, CD-RW, DVD Audio,
DVD Video, DVD-R, DVD-RW, DVD+R, DVD+RW, DVD Ram,
DVD Ram Formati audio compatibili: PCM, AIFF, WAV, Apple
Lossless, FLAC Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Ingressi
digitali: USB Standard (2), Ethernet (1), WiFi (1) Uscite digitali:
Coassiale (2), XLR (1) Convertitore D/A: opzion32/192 con USB
2.0 compatibile DSD) Note: Legge i formati DXD (32bit/352,8
kHz), DSD1/2, bit perfect. Ripping con DVD-R Teac. 2 HDD da 2
TB (versione base); versione con DAC euro 5.475, con trasformatore
toroidale 5.415, con entrambi 6.150. Anche versioni con
SSD 2TB a prezzo maggiorato.
62 SUONO febbraio 2016

test
La principale chiave di lettura
dell’apparecchio è proprio nella
destinazione d’uso stabilita dal
costruttore che, al netto dei luoghi
comuni, delle idiosincrasie e
delle tenaci convinzioni (a volte
sbagliate) del consumatore,
è quella della persona che non
vuole avere niente a che fare con
un computer, ascolta prevalentemente
musica classica che
vuole anche rippare e dispone
di un impianto Hi-Fi magari
datato ma certamente di alta
qualità. Bell’obiettivo visto che,
comunque la si legga, la gestione
della musica classica avviene
per via informatica! Da qui ogni
genere di barbarie e nonsense
che stanno costellando le scelte
di chi imbocca questa strada
e, sostanzialmente “maschera”
un computer da apparecchio
Hi-Fi, andando incontro a varie
complicazioni.
Al tempo stesso va detto che
questo profilo viene “drammaticamente”
soddisfatto in ogni sua
parte e in ogni piccolo aspetto
dall’Aria che, naturalmente, non
può però essere esente dall’equivoco
di base. Un piccolo assaggio?
Il mobile dell’apparecchio,
così attentamente studiato da
Ochoa & Diaz-Llanos e reso
compatibile con il taglio medio
degli apparecchi Hi-Fi da 43
cm è ampiamente ridondante
rispetto al contenuto interno!
Poco male, si dirà, visto che l’Aria
è pensato per essere poggiato
in orizzontale su un mobile
piano, non fa rumore, dispone
di un design magari ardito ma
che lo allontana il più possibile
dalle apparenze di un personal
computer. Le caratteristiche di
“utilità” meccanica delle costose
implementazioni dello chassis
non hanno comunque nessuna
correlazione con prestazioni o
necessità; anche quella della
dissipazione del calore è di secondaria
importanza in quanto
l’energia in gioco è veramente
poca cosa. Certamente l’assenza
di ventole o di cose rumorose fa
solo piacere sia agli appassionati
sia a quanti tengono apparecchi
accesi nella zona living domestica:
rumori molesti, fischi o
altro non sono mai piacevoli, a
prescindere dal fatto che provengano
da computer o da altri
“aggeggi”. Per contro, naturalmente,
il fatto che non è possibile
un modo alternativo per
impilare l’apparecchio...
Per il funzionamento non sono
necessari particolari settaggi
da parte dell’utente, anzi, se si
pensa all’utilizzo come
una sorgente digitale
spdif lo
start up è semplicissimo, rapido
e alla portata di chiunque.
In ogni caso, è descritto addirittura
nel manuale di istruzioni, il
dealer è l’unico referente abilitato
ad “aprire” il cofano e mettere
le mani nel “gruppo motore”,
soluzione che rappresenta
il pregio (la semplicità nell’utilizzo
standard) dell’apparecchio
ma anche la sua massima controindicazione:
l’utente standard
non può intervenire sulle
configurazioni (tutto ciò che
non è standard) se non attraverso
il dealer; pertanto, se da
un lato questa soluzione garantisce
una stabilità delle prestazioni
a differenza di quanto
accade costantemente
con i “computer”,
dall’altro si perde
in versatilità e ricchezza
offerte dal
L’apparecchio
è adagiato in uno
chassis “a componenti
discreti” che utilizza una
serie di lastre in alluminio
sagomate e fissate fra loro tramite tiranti e
distanziali. Se da un lato questa soluzione
risulta molto dispendiosa in termini di materiali
e lavorazioni, per contro per piccole tirature risulta
molto efficace e flessibile in quanto la produzione
si basa esclusivamente sulla lavorazione di lastre piane in
alluminio tramite frese verticali a controllo numerico.
La versione con solo le uscite
digitali dispone di due connettori
coassiali, uno RCA e l’altro BNC,
una di tipo bilanciato AES/
EBU e infine una I2S tramite
connettore RJ-45. A fianco è
presente il connettore USB per
il collegamento di DAC audio
a patto di installare i driver
necessari per Windows. All’altro
connettore USB si può collegare
una memoria esterna. Infine il
collegamento di rete RJ-45 e la
vaschetta IEC di alimentazione
con interruttore generale.
sistema, in quanto utilizza software
e soluzioni ampiamente
rodate (Jriver e Windows server
2011). Anche i driver per l’eventuale
DAC esterno da collegare
(a meno che non si scelga l’addon
della casa) devono essere
messi a disposizione dal fornitore…
In sostanza la semplicità e
l’immediatezza di alcune fazioni
preco-
SUONO febbraio 2016 63

selector
1
2
La scheda di conversione
DD è un’interfaccia
Hi Face 1.0.3 USB
2Spdif custom che
deriva direttamente
dalla M2tech Evo,
caratterizzata da
uscite multiple
digitali tutte
indipendenti (isolate
galvanicamente) e da
clock ad alta precisione e
stabilità.
I vari elementi
che compongono
la struttura sono
stati pensati in modo
modulare e ad incastro tali
da essere abbastanza flessibili
nell’implementazione e nella
disposizione degli elementi interni. Il sistema di chiusura superiore,
per evitare viti di fissaggio a vista e lasciare solo il marchio scavato
sull’alluminio, è dotato di una imbragatura, anch’essa in alluminio,
ripiegata con due innesti a slitta e due alette di fissaggio poste sul retro.
3
La CPU è collegata
al dissipatore in
alluminio che a sua
volta è a contatto con
la parete inferiore
che favorisce la
dissipazione del
calore, comunque
ridotto in seguito
all’utilizzo di una CPU
a basso consumo.
fattore di forma
All’interno di un pianale piatto Aria
può offrire alcune soluzioni versatili
di configurazioni accessorie come, ad
esempio, l’alimentazione lineare, uno
stadio di uscita analogico al posto di
quello solo digitale e varie soluzioni di
capacità di archiviazione in funzione
dei dischi di memoria utilizzati.
L’apparecchio è realizzato intorno a
un computer di tipo industriale compatto
che monta una CPU Intel Atom
N2600 e un disco mSATA Kingston
da 30 GB su cui è installato il sistema
operativo. Il minicomputer è collegato
al DVD-RW Teac e ai due dischi
Toshiba da 2.5 pollici da 2 TB ciascuno
tramite connessione SATA. Sono
presenti inoltre due collegamenti USB
riportati sul pannello posteriore per
la connessione di un disco esterno e
per un dispositivo USB Audio in aggiunta
a quello presente a bordo che,
in questo caso, è un adattatore DD
Hi Face del tipo OEM implementato
ad hoc con alimentazione dedicata e
collegamento USB alla motherboard.
L’alimentatore standard è un Mean
Well RD-65A con uscite a +5VDC a
6A e +12VDC a 3A. Tutti i componenti
sono fissati saldamente al
pianale in alluminio con supporti
ad hoc per sfruttare anche l’effetto
dissipante in quanto non sono
presenti ventole per la circolazione
forzata dell’aria.
64 SUONO febbraio 2016

test ARIA ARIA
L’opinione
Per audiofili non
audiofili. Nel mare
del nonsense che
caratterizza la
liquida (perché
mai mascherare un
computer come se
non fosse un computer quando
serve un computer? boh...),
la definizione si attaglia bene
all’Aria: se lo si affronta come ci si
aspetterebbe dal classico cliché
audiofilo, l’esperienza sarà tutta
un “ma perché questo non lo fa
visto che potrebbe farlo?” ecc. ecc.
Vista la chiara destinazione d’uso
dell’apparecchio, interrogatevi
sulle vostre esigenze, domandatevi
se siete interessati a intervenire
pesantemente sull’editing di ogni
disco che rippate. Se la risposta è
“si” ci sono molte altre (complesse)
soluzioni più performanti.
Altrimenti sappiate che la
strada per il paradiso non deve
necessariamente passare per il
purgatorio!
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Molto ben dimensionati gli elementi all’interno
del progetto sia a livello hardware che software.
Il sistema si basa su una versione personalizzata di Jriver Media Center MC19 e la app di controllo iOS Jremote,
anch’essa ottimizzata e personalizzata soprattutto per la gestione remota delle funzioni basilari del server.
In questo modo è possibile anche copiare file sulla memoria collegata in USB oppure in rete senza ricorrere
a un computer ma solo attraverso la app. È presente anche una versione per Android dotata delle stesse
funzionalità ma con un’estetica differente e meno intuitiva e piacevole di quella per IOS.
stituite si pagano in termini di
complicazione nella gestione
nel momento in cui il sistema
“automatico” richiede un intervento
“umano”. Se si acquista
musica liquida in formato digitale
il sistema non “arricchisce”
i metadati, operazione che deve
essere fatta a mano o attraverso
una sezione della app, oppure
intervenendo direttamente sui
file che sono raggiungibili in
rete (ma a questo punto decade
l’immediatezza d’uso offerta da
aria e ogni “allontanamento” di
computer, uno dei presupposti
del progetto).
La fruizione dei servizi di musica
in streaming, inoltre, dipende in
modo diretto dagli accordi commerciali
fra il fornitore di servizi
e il gestore della piattaforma
media server (in questo caso
non Aria ma JRiver, quindi un
terzo; si tratta di un case history
in quanto JRiver ha interrotto
per ora le trattative con Tidal:
uno dei servizi più gettonati del
momento, pertanto, non è ancora
disponibile per via di una
scelta non di Aria ma del suo fornitore).
I servizi di multi zona
e di trasmissione ethernet della
musica, infine, non sono stati né
pensati da Aria né tanto meno
ancora implementati (si suppone
perché il progetto iniziale di
Aria era diverso, ovvero quello
di un server dedicato e macchina
monolitica). In compenso, per
quella che può essere la nostra
esperienza in merito (e la difficoltà
nel determinare differenze
con un delta assoluto assai risibile)
la macchina, per quanto
possa “suonare” un oggetto che
non suona (o il cui suono dipende
in grande parte dal DAC
collegato), suona molto bene, al
vertice tra quelle di questo genere
fino ad ora testate!
usabilità
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
ll connubio fra hardware, piattaforma media,
server e app rappresenta uno dei più potenti,
flessibili strumenti per ascoltare musica liquida.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Ottimamente strutturato per soddisfare molteplici
esigenze, soprattutto quando non si richiede
interventi particolari da parte dell’utente.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
L’uscita digitale a bordo e il collegamento di un
DAC esterno USB, considerando anche il pieno
supporto dei formati ad alta risoluzione, restituiscono
risultati di tutto rilievo.
fatt. concretezza n n n.c.
Destinato a essere “aggiornato”, ma non ci dovrebbero
essere problemi se il costruttore manterrà
una policy di upgrading e manutenzione.
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
La fascia in cui si colloca è abbastanza alta ma
in specifiche condizioni soddisfa pienamente le
esigenze dell’utente.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 65

selector
a cura della redazione
Amplificatore integrato
Accuphase E 370
Se si prendono tutte
le brochure dei prodotti,
dalle prime a quelle più
recenti, è facile notare
come l’approccio di Accuphase
sia rimasto pressoché
invariato, anche se
sono trascorsi circa 40
anni dal primo prodotto!
Una gestione oculata dei
cambiamenti, che si riflette
anche sul ciclo vitale dei
prodotti, che non equivale
ad immobilismo, anzi! .
Difficile distinguere tra
un modello e l’altro
quando si tratta di integrati
Accuphase visto che il design,
pur non avendo la forza iconica
di un McIntosh, è comunque
tradizionalmente ancorato
a certi stilemi. Eppure “sotto al
cofano” qualcosa, anzi molto,
bolle, anche nel caso di un marchio
tradizionalmente considerato
conservatore come questo!
Piccola parentesi aggiuntiva:
Accuphase poi tanto conservatore
non è se si considera che è
uno dei fautori della correzione
a m -
bientale
(total-
mente
trascurata dal mercato italiano),
che è stata all’avanguardia nel
campo della conversione digitale
(addirittura antesignana nel
dotare i suoi lettori CD di un
ingresso digitale!) e controcorrente
nel promuovere con forza
la multiamplificazione passiva
proprio attraverso i sui integrati.
Ma i luoghi comuni sono duri
a morire… Ne beneficia il look
d’antan (neanche troppo fuori
moda: che allora i progettisti
della casa fossero all’avanguardia?),
rassicurante e profumato
dell’Hi-Fi di una volta, inclusa
l’incongruenza, così tipica
però, dei fianchetti presenti per
mascherare una predisposizione
a rack che non viene praticata da
anni (dell’argomento parliamo
in altra parte di questo numero).
Insomma: prendi Accuphase e
sai cosa prendi, cosa ancor più
vera se si considerano i pilastri
filosofici con cui la casa ha affrontato,
senza più rinunciarvi,
il settore degli amplificatori
integrati. Innanzitutto il taglio:
al di là delle
sigle gli
integrati
Ac-
Prezzo: € 7.900,00
Dimensioni: 46,50 x 17,10 x 42,20 cm (lxaxp)
Peso: 22,70 Kg
Distributore: High Fidelity Italia S.r.l.
Via Collodi - 20010 Cornaredo (MI)
Tel.02-93611024 - Fax 02-93647770
http://www.h-fidelity.com
AMPLIFICATORE INTEGRATO ACCUPhase E 370
Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 100 W su
8 Ohm in classe AB Accessori e funzionalità aggiuntive: Telecomando,
Ingresso cuffia, Controlli di tono, Loudness Risp. in
freq. (Hz): 20 - 20.000 -0.5dB THD (%): 0.05 Ingressi analogici:
2 RCA (142 mV/20 kOhm) 2 XLR (142 mV/40 kOhm) Uscite analogiche:
2 RCA (1.13 mV/50 kOhm) Note: uscita cuffia supporta
impedenza di carico fino a 8 Ohm
66 SUONO febbraio 2016

test
Le connessioni di segnale
sono concentrare nella parte
centrale dell’apparecchio, con
una disposizione ergonomica
e comoda da raggiungere. I
connettori XLR sono posti in
basso e non sono di intralcio
alle altre connessioni RCA, più
snelle e flessibili. I morsetti di
potenza con doppia connessione
per due coppie di diffusori o
per collegamenti in bi-wiring
sono poste al lato destro
dell’apparecchio in posizione
molto ravvicinata anche se al
sicuro da cortocircuito.
cuphase si dividono in “poco al
di sotto dei 100 watt e poco al
di sopra dei 100 watt”, con una
new entry relativamente recente
(1989, l’introduzione dell’E
405 - 170 Watt), che sancisce la
classe del “quasi 200” o, meglio,
del raddoppio rispetto a quella
precedente. Attualmente quattro
sono i modelli che in un arco
di prezzo compreso tra i 5.500
euro (E 260) e i 12.900 (E 600)
declinano differenze che, evidentemente,
vanno ben al di là
della potenza di ciascun prodotto:
anche tra l’apparecchio “appena
sotto i 100 watt” e quello
“appena sopra”, il 370 in prova,
la differenza di prezzo è di oltre
2.000 euro. Eppure un altro
caposaldo della casa è quello
di lavorare per affinamenti più
che per rivoluzioni, determinando
anche un ciclo di vita
del prodotto abbastanza lungo;
affinamenti che se da un lato
certamente rispondono a logiche
industriali (ricordiamo che
l’azienda opera a cavallo tra una
dimensione artigianale e quella
industriale), dall’altro sono
indirizzate al costante
miglioramento
del
prodotto. Esattamente come accade
nel 2002 con il sistema di
regolazione del volume AAVA,
introdotto nel pre C2800 e poi
approdato nel 2005 all’integrato
E 550 e utilizzato in seguito
anche negli apparecchi che
gradualmente rimpiazzavano i
precedenti modelli.
Le sigle degli apparecchi, invece,
ci aiutano a capire le “generazioni”
di prodotto e quali cambiamenti
comportano: la presenza
della cifra “70”, quella della generazione
di prodotti “odierna”,
sembra contraddistinguere un
approccio progettuale che punta
su una trasformazione sostanziale
dello stadio di potenza in
quanto, nonostante materiali,
componenti e architettura siano
rimasti abbastanza costanti
nel tempo, cambia in modo significativo
il damping factor dichiarato
e rilevato che, da valori
sostanzialmente bassi e “costanti”
nel tempo, si impenna
in modo verticale:
oscillava
intorno a
un valore 100, un
po’ come elemento comune
a tutti gli ampli della casa, per
innalzarsi a circa 200 nella serie
“60” (almeno per gli integrati)
e arrivare infine al 400/500 di
oggi! Una curiosità: il primissimo
E 202 aveva la possibilità di
selezionare tre livelli di regolazione
del fattore di smorzamento
fra soft (1, un bel po’ basso!)
medium (5, comunque ben peggiore
di un asfittico monotriodo
non controreazionato) e normal
(50, ancora basso per uno stato
solido)… Un secondo elemento
di cambiamento è costituito
dall’enfasi riservata al comando
del loudness: la funzione è presente
praticamente con le stesse
impostazioni, quelle dichiarate
nelle brochure e rimaste identiche
in quarant’anni di storia
del marchio. Ciononostante il
pulsante che in precedenza era
“occultato” dietro il pannello in
cui si trovano i comandi accessori
è stato ora portato fuori e collocato
in posizione decisamente
molto importante, a fianco della
manopola del volume e del tasto
mute.
In termini di interfaccia di comunicazione
l’elemento più
evidente è la ridefinizione di
alcuni aspetti, soprattutto
nel modo di “chiamare le cose”:
il tasto “ext pre2”, ad esempio,
ora è “power in”, e sono comparsi
a fianco del display informazioni
accessorie inerenti al
funzionamento del DAC e alla
selezione dell’ingresso specifico.
In altri termini, il pannello
frontale dell’E 370 sembra una
ridefinizione di quello del E460
e ha molto meno in comune
con quello utilizzato nel suo
predecessore E 350. Rimane la
considerazione che le scelte effettuate
in modo “hardware” sul
pannello frontale collidono con
una certa necessità di flessibilità
nella gestione delle informazioni
restituite all’utente (vedi anche
le considerazioni del display, più
avanti nel testo). Ci chiediamo
anche quanto le indicazioni “option
1” e “option 2” siano al limite
dell’anacronistico, considerando
per giunta che il sistema è
servocontrollato e non azionato
con rinvii meccanici. Con queste
premesse sarebbe stato più
“flessibile” effettuare altre scelte
e non man mano appiccicare
“pezze” posticce che tolgono un
po’ di magia ed esclusività ad Accuphase
nell’ambito dell’estetica
e del rispetto della tradizione.
In termini qualitativi non abbiamo
mai avuto alcun dubbio
nell’affermare l’assoluto livello
della sezione di preamplificazione
presente anche nelle serie
economiche degli integrati
Accuphase ma, con l’E 370, ora
la parte più pregiata della sezione
pre presente sui sistemi di
alta gamma arricchisce anche
prodotti più abbordabili come
SUONO febbraio 2016 67

selector
I moduli di potenza
sono realizzati con un
layout uguale e non
simmetrico per ogni
canale, per ottenere
gli stessi risultati di
ottimizzazione del
percorso del segnale
sui due canali.
A ridosso dei
morsetti di
uscita il circuito
di protezione a
rapido intervento
è realizzato con
MOSFET ad alta
velocità e bassa
impedenza.
La regolazione del volume avviene
con il sistema AAVA realizzato
con una rete di partitori resistivi
attivati tramite commutatori
a stato solido controllati da
mircoprocessore.
La sezione di controllo dei toni è realizzata
con un circuito indipendente e analogico
e “alla vecchia maniera”, che si inserisce o
disinserisce tramite un tasto che attiva i
commutatori a stato solido.
L’ingresso cuffia è collegato
all’uscita della sezione di
preamplifcazione e consente il
pilotaggio di cuffie anche a bassa
impedenza.
rassicurante
Lo chassis è realizzato con la tipica
struttura a controtelaio portante sul
quale sono fissati i vari componenti. In
questo modo è possibile accedere anche
alla parte sottostante rimuovendo
il coperchio inferiore. Quello superiore
è fissato al telaio e sono presenti due
fiancate in alluminio estruso con la
funzione principalmente estetica di
raccordo. Al centro è presente la sezione
di alimentazione costituita da
un trasformatore toroidale incapsulato
dotato di secondari separati per le varie
sezioni e un filtro per la sezione di
amplificazione con due condensatori
da 30.000 µF ciascuno. La sezione di
preamplificazione è implementata in
un grande PCB collocato proprio dietro
il pannello frontale, in cui è sviluppato
anche il sofisticato sistema di regolazione
del volume di Accuphase, l’AAVA,
realizzato con un sistema di commutazione
a stato solido che impiega una
serie di CMOS HC4053A e reti resistive
di attenuazione implementate con resistori
SMD ad alta precisione. Gli stadi
di amplificazione e di implementazione
dei controlli di tono e del loudness
impiegano circuiti integrati della serie
4580P. I segnali provengono dalla sezione
posteriore tramite cavi schermati
collegati alle morsettiere di ingresso
realizzate con connettori saldati sui
PCB. Nella parte posteriore è presente
inoltre il vano per l’alloggiamento
68 SUONO febbraio 2016

test Accuphase E 370
2
Anche se i contatti sono di quelli
saldati sullo stampato, la meccanica
e il contatto elettrico sono
eccellenti. I morsetti di potenza
sono molto funzionali e accettano
ogni tipo di connessione anche se
sono abbastanza vicini fra loro.
Lo slot per le due schede opzionali impiega due
connettori multipolari per la connessione di un
DAC, un pre fono o in alternativa un ulteriore
ingresso linea.
La sezione di
preamplificazione utilizza
una linea di alimentazione
dedicata e indipendente.
Le manopole del volume
e del commutatore sono
di alluminio pieno e
offrono una sensazione
di azionamento molto
“old style”, anche se
i controlli poi sono
servoassistiti.
delle schede opzionali che sfrutta due
sedi a scorrimento e un innesto rapido
posteriore a 32 poli, anch’essi collegati
tramite cavi schermati al PCB principale
di preamplificazione. Nel pannello
anteriore, al centro dei due Vu Meter, è
posto il display a segmenti che indica
la regolazione del volume e, in questa
nuova serie, anche l’informazione
accessoria della frequenza di campionamento
del segnale in ingresso della
scheda DAC, collegata come optional.
Un altro passo avanti nella sempre più
complessa gestione delle informazioni
e del modo di presentarle all’utente.
Indubbiamente una funzione utile sia
per quanto riguarda il livello di attenuazione,
scarsamente leggibile dal
riferimento sulla manopola del volume,
sia per la sezione digitale.
Le due sezioni finali sono implementate
ciascuna sul proprio dissipatore
con i transistor di potenza Sanken
A1186 e C2837 disposti in modo da
ottimizzare il percorso del segnale.
Si nota sulle alette la disposizione di
un nastro telato adesivo che riduce il
fastidioso rumore tipico dei dissipatori
di alluminio di grande spessore. I
circuiti di protezione dei diffusori ad
alta velocità di intervento sono stati
implementati direttamente sul PCB
a ridosso dei morsetti di potenza e
impiegano mosfet ad alta velocità
e circuiti di rilevamento di anomalie
gestite dal circuito di controllo.
SUONO febbraio 2016 69

selector
al banco di misura
suonogramma
1 Capacità di analisi del DETTAGLIO.................... 2
2 Messa a fuoco e corposità................................ 2
3 Ricostruzione scenica altezza......................... 2
4 Ricostruzione scenica larghezza................... 2
5 Ricostruzione scenica profondità.................. 2
6 Escursioni micro-dinamiche............................ 1
7 Escursioni macro-dinamiche........................... 1
8 Risposta ai transienti........................................ 1
9 Velocità................................................................ 1
10 Frequenze medie e voci...................................... 3
11 Frequenze alte.................................................... 2
12 Frequenze medio-basse..................................... 2
13 Frequenze basse.................................................. 2
14 Timbrica................................................................ 2
15 Coerenza............................................................... 2
16 Contenuto di armoniche................................... 2
La risposta in frequenza è decisamente estesa e del tutto
insensibile alla regolazione del livello. La sensibilità della
sezione di preamplificazione è abbastanza alta ma in
nessuna condizione, nemmeno con regolazioni molto alte
del livello, si nota un innalzamento del rumore di fondo.
In condizioni di utilizzo standard, con una sorgente da
2Vrms in ingresso, la risposta si estende fino a 80 kHz a
-3 dB su 8R con variazioni minime in funzione del carico,
evidenti prevalentemente all’estremo superiore anche
se con discostamenti decisamente minimi a seconda del
carico. La sezione di potenza evidenzia l’elevato fattore
questo. Inoltre anche le funzionalità
aggiuntive arricchiscono
l’usabilità del prodotto in quanto
adesso il display al centro dei Vu
Meter, oltre a indicare il livello
di regolazione del volume,
consente anche di visualizzare
informazioni del formato digitale
in ingresso della scheda
opzionale DAC-40. D’altronde
nelle precedenti versione della
scheda, prima dell’introduzione
dell’ingresso USB, il digitale
veniva pensato come una connessione
“unica”; anche con
il DAC-30, in cui l’USB supportava
formati fino a 96 kHz,
le cose non erano mutate. Ora,
invece, i tre ingressi sono distinti
e differenziati, possono essere
selezionati singolarmente e costituiscono
di fatto tre ingressi
digitali indipendenti con quello
USB che supporta segnali PCM
fino a 192 kHz. Non potendo più
servirsi solo della scelta singola
“Option 1” tramite la manopola
di selezione, Accuphase ha dovuto
implementare un ulteriore
tasto di selezione e tre led che
indicano quale dei tre ingressi
(ottico, coassiale e USB) è stato
selezionato.
C’è da chiedersi se e quando
di smorzamento in seguito a un’insensibilità al carico,
in particolar modo nel range della banda audio. La potenza
rilevata supera quella dichiarata raggiungendo i
121Wrms su 8R con una THD+N dell’1%, valore che si
raggiunge in modo abbastanza repentino all’approssimarsi
del clipping e rimane in tutto il range operativo a
livelli estremamente contenuti. Anche la distorsione da
intermodulazione è priva di componenti sia di ordine
pari che dispari e sono assenti frequenze spurie in banda
e fuori banda, attestando un’esecuzione e implementazione
esemplare del prodotto.
uscirà un’ulteriore scheda DAC
con supporto a DSD oltre che a
PCM e come interverranno in
Accuphase; certo è che, avendo
fatto scelte di comunicazione
prevalentemente di tipo hardware,
sarà complicato attualizzarle.
La sezione di potenza,
invece, ha acquistato una sorta
di verve in più rispetto alla precedenti
produzioni, con un’impostazione
più viva ma al contempo
composta e compassata,
con un livello di godibilità elevato
e nessun accenno di fatica
di ascolto. Al top, come al solito;
e that’s it!
Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da
-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed
esprime la congruità della prestazione con prodotti
analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Grande profusione di mezzi risorse e grande
accuratezza nella realizzazione, al limite del
manicale e, talvolta, quasi ridondante.
banco di misura ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Dati eccellenti per quanto riguarda l’accuratezza
a livello elettrico e funzionale, pur senza spiccare
per quanto riguarda la sezione di potenza.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Tanti ingressi, molte soluzioni in “uscita”, facilità
di interfacciameto elevata. Che altro può
servire? E quel che non c’è (DAC e fono) si può
aggiungere...
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Nel solco della tradizione... ed è un bene! In
grado di soddisfare ogni genere di aspettativa
in linea con la classe dell’apparecchio
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Monolitico! Una certezza che è di buon auspicio
per il futuro dei prodotti non troppo industriali
ne troppo artigianali
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Se la potenza non è sufficiente, la qualità si allinea
alla serie superiore.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
70 SUONO febbraio 2016

40 ANNI DI INNOVAZIONE
TECNOLOGICA DEDICATI A VOI
UNA NUOVA GENERAZIONE,
UNA CLASSE DIFFERENTE.
Dotata della tecnologia delle premiate serie Platinum,
Gold e Silver per un’inimitabile performance musicale e audio/video.
La nuova generazione Bronze è la ragione perfetta per migliorare.

selector
a cura della redazione
Amplificatore integrato
Yamaha A-S1100
Da molti punti di vista
la serie di amplificatori
integrati Yamaha rappresenta
un case studio
in grado di contraddire
alcuni dei luoghi comuni
del settore. Nell’ottica
evidenziata dall’articolo
che apre questo numero di
SUONO (dedicato alle “fortune”
dell’Hi-end) l’analisi
di questo apparecchio
risulta complementare a
quello che lo precede per
analizzare il modo in cui le
aziende hanno affrontato
la contraddizione artigianato
- massificazione.
Il tema di fondo trattato in
questo numero di SUONO
riguarda l’eccellenza nella
riproduzione sonora e come essa
sia stata interpretata nei modi
più disparati (e come possa esserlo
in futuro… ) in un ambito
che per sua stessa natura risulta
a cavallo tra artigianale e industriale.
Se nelle pagine che avete
appena letto o sfogliato si parla
di un prodotto che rappresenta
un buon esempio dell’approccio
artigianale alla materia non c’è
dubbio che la multinazionale
Yamaha, impegnata su più
fronti (dalle moto agli strumenti
musicali passando per l’Hi-Fi)
rappresenta l’altra faccia della
medaglia. Più di altri costruttori
consumer, inoltre,
Yamaha, per scelta e per vocazione,
ha sempre cercato di
offrire quel qualcosa in più per
ergersi al di sopra del prodotto
di massa, atteggiamento assai
raro soprattutto in passato, nelle
logiche delle aziende orientali.
Una sorta di “contrappeso” ad
Accuphase, dunque, dove le
percentuali dell’approccio artigianale
e di quello industriale
sono invertite… Sarà anche per
questo, forse non è un caso,
che i due integrati presentati
in queste pagine si assomigliano
molto? Di certo negli ultimi
anni abbiamo assistito a un particolare
ritorno di fiamma per
l’Hi-Fi pura a due canali della
casa del diapason che dopo aver
quasi monopolizzato con i suoi
prodotti il mercato audio video
è tornata alle origini… Accade
non molti anni fa, a metà del
2013, in occasione del 125mo
anniversario, quando venne
presentato l’A-S3000, l’integrato
(provato su SUONO 480
– ottobre 2013) che per contenuti
tecnologici costituisce la
flagship dell’azienda e ha dato
vita a una linea di amplificatori
di taglio alto costituita inizialmente
dall’A-S1000 (2013) e
l’A-S2000 (2014), sostituiti poi
dagli attuali A-S2100 (provato
su SUONO 497 – maggio 2015)
e A-S1100, l’apparecchio attualmente
in prova. Una delle prime
Prezzo: € 1.699,00
Dimensioni: 43,5 x 15,7 x 46,3 cm (lxaxp)
Peso: 23,3 Kg
Distributore: Yamaha Music Europe GmbH - Branch Italy
Viale Italia, 88 - 20020 Lainate (MI)
Tel.02.935771 - Fax 02.9370956
http://www.yamaha.it
Amplificatore integrato Yamaha A-S1100
Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 160 W su 8
Ohm in classe A Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 THD (%): 0,025
S/N (dB): 100 Phono: MM ( mV/ KOhm) Ingressi analogici: 3
RCA (200 mV/47435 kOhm) Note: pre out, biwiring
72 SUONO febbraio 2016

test
al centro dell’apparecchio
sono collocati i connettori di
ingresso e uscita del segnale,
mentre ai lati sono disposte
le due coppie di morsetti di
potenza per una doppia coppia
di diffusori o, ancor meglio, per
un collegamento in bi-wiring. I
morsetti di potenza sono molto
efficienti e consentono un ottimo
serraggio in sicurezza di qualsiasi
tipo di cavo
considerazioni che si può fare
su questa linea è proprio quella
relativa al top di gamma che,
non a caso, abbiamo definito
flagship: non ha subìto mutamenti
e sembra rappresentare
più un esercizio di stile che un
segmento davvero da presenziare.
Sulla gamma medio alta, invece,
Yamaha ci crede davvero,
tant’è che nel lasso di due anni
si è provveduto ad alcuni affinamenti
che, tra l’altro, hanno dato
luogo a un riscontro sostanziale
nelle prestazioni delle ultime
versioni, non così evidente dal
punto di vista strumentale ma
particolarmente evidente nei
test di ascolto.
La seconda considerazione (che
a caduta ne porta molte altre)
deriva da uno sguardo un po’
più approfondito alla gamma
che, udite udite, è composta da
tre prodotti di potenza molto
simile (attorno ai 100 W, esattamente
come accade in casa
Accuphase!), anche se la forbice
tra il prezzo del modello più
economico e quello più costoso è
di circa 3.000 euro, pari a un incremento
del 200% sul modello
più economico. La potenza non
più come valore discriminante?
Da tempo ci affanniamo a dirlo,
esattamente come nel caso di
peso e dimensioni (a proposito:
i tre integrati di punta Yamaha
pesano tutti attorno ai 24 kg…
). Accade qui, come nel caso del
concorrente citato, perché entrambi
hanno adottato un approccio
volto all’ottimizzazione
produttiva: una soluzione tipica
della grande azienda ma, in questo
caso, una scelta valida anche
per un costruttore relativamente
piccolo come Accuphase! In altre
parole si parte da un unico
progetto e lo si reinterpreta,
spesso per sottrazione, nelle varie
fasce di mercato in cui si vuole
operare. Quel che conta per
il consumatore è che gran parte
delle potenzialità di un progetto
vengano declinate in tutti i
prodotti della gamma mentre
le differenze (e le reason why?)
andranno ricercate in elementi
spesso destinati ad aumentare
o indirizzare la versatilità di un
apparecchio: all’utente stabilire
se necessarie per lui o meno e,
conseguentemente, determinare
come ottimizzare i suoi investimenti.
Nel caso dell’A-S1100
(come sapete ci piace a volte
svelare il nome dell’assassino in
anticipo) questa logica è portata
al suo apice consentendo all’apparecchio
di ottenere un bilanciamento
tra costi e prestazioni
elevatissimo!
A fronte di un delta di circa 500
euro (abbastanza importante visto
che rappresenta circa il 25%
del costo del prodotto) l’A-S1100
deve rinunciare per riduzione
all’ingresso bilanciato (comunque
uno solo nel 2100), dispone
di un’uscita cuffia semplificata
e di componentistica leggermente
più commerciale rispetto
a un apparecchio, l’A-S2100,
che a sua volta è una demoltiplica
“conveniente” del top di
gamma! In compenso la sezione
di potenza è identica, con finali
e trasformatore uguali (solo i
condensatori di filtro hanno una
capacità di poco inferiore) e le
prestazioni, sia quelle dichiarate
che quelle ottenute al banco di
misura, sono sostanzialmente le
stesse. La presenza di una sezione
fono sia MM che MC è a sua
volta una chicca non comune in
questa fascia di prezzo e, in assoluto,
negli integrati attuali; per
di più è quasi la stessa di quella
implementata nell’A-S2100 che
era stata a sua volta ottimizzata
rispetto a quella installata nel
flagship A-S3000. L’A-S1100
beneficia anche, sempre a fronte
di un’ottimizzazione produttiva,
della presenza dei Vu Meter: il
predecessore (A-S1000) non li
aveva e difficilmente si troveranno
su un apparecchio di questo
prezzo... Che poi i Vu Meter siano
utili o meno è un’altra questione:
di certo contribuiscono
al fascino di questo apparecchio,
davvero notevole! Il look vintage
beneficia anche della tipica
costruzione a rack del mobile,
“tamponata” poi dalla presenza
dei fianchetti. A ben vedere
una contraddizione in un apparecchio
che si affida a moderni
criteri costruttivi visto che è il
frutto di un errato retaggio del
passato: chi mai inserirebbe
oggi un apparecchio di questo
genere in un rack?
Un ulteriore aspetto di quel
retaggio duro ad evolvere (ma
per tanti versi ancora molto
piacevole da utilizzare… ) sono
gli “organismi” di comando e
controllo, come ad esempio levette,
manopole e selettori che
fanno parte, almeno nella fattura
e nella sensazione al tatto,
della vecchia scuola, quella in
cui i leveraggi meccanici e gli
azionamenti dovevano essere
robusti, precisi e duraturi. Tuttavia
oggi gli azionamenti e le
regolazioni sono servoassistiti
e gestiti da un microcontrollore.
In pratica tanta robustezza
aziona dei micro commutatori
oppure, per quanto riguarda il
volume, il potenziometro agisce
come un riferimento per la
regolazione, effettuata comunque
tramite un chip. Tutto ciò
non ha particolari ripercussioni
se non sui costi di produzione
e su una latenza di risposta alle
regolazioni che a volte può essere
fastidiosa: quando si ruota il
selettore degli ingressi, ad esempio,
l’ingresso viene commutato
con un attimo di ritardo. Stessa
cosa accade per il selettore degli
altoparlanti in cui i relè scattano
molto dopo la rotazione del
commutatore. Nella regolazione
dei toni, invece, appena si sposta
uno dei potenziometri degli alti
o dei bassi si sente chiaramente
lo scatto del relè che commuta
dal circuito diretto a quello con
la sezione dei toni inserita. Anche
se certe soluzioni potevano
essere implementate in altro
modo e in certi casi la latenza
può risultare fastidiosa il risultato
è indubbiamente fra i più
SUONO febbraio 2016 73

selector
La sezione di alimentazione impiega
condensatori di filtro ad alta capacita e
condensatori distribuiti lungo le linee di
alimentazione per abbassare ulteriormente
l’impedenza. In prossimità dei dispositivi di
potenza sono presenti delle barre di rame ad alto
spessore.
La scheda phono è collocata nella parte più in basso
delle connessioni, all’interno di un contenitore in
lamiera di schermatura. Il selettore per la scelta di
fonorilevatori MM/MC è posto a fianco dei connettori
RCA. Il circuito di preamplificazione è realizzato a
componenti discreti e deriva direttamente da quello
installato sui prodotti di punta nel catalogo Yamaha..
di “serie” ma ottimo
Lo chassis è realizzato con una
doppia intelaiatura portante a più
elementi, fissati a loro volta al pannello
posteriore e a quello anteriore,
realizzati in lamiera ripiegata e
zincata. Il pannello frontale, in cui
sono collocati gran parte dei circuiti
logici di controllo e i comandi meccanici
e i Vu-Meter, è realizzato con
un pannello in alluminio fissato allo
chassis e, in un certo senso, isolato
dal resto dell’apparecchio dal pannello
in lamiera anteriore.
A ridosso del pannello posteriore
sono fissati i tre PCB disposti su tre
livelli dove sono collocati i connettori
di ingresso e i circuiti di commutazione
e preamplificazione. Sulla
scheda superiore sono presenti il
microcontrollore per la gestione dei
segnali in ingresso e uscita (che si
occupa della ricezione dei comandi
e della regolazione fisica del livello
del volume in cui ha un sensore di
posizione analogico del potenziometro)
e la sezione di preamplificazione,
che adotta tre regolatori di
livello NJU72321 della NJR, gli stessi
utilizzati nell’A-S3000 per la regolazione
del volume e dei controlli
di tono. Nell’utilizzo si percepisce
sempre un certo ritardo fra l’azionamento
di un comando e l’effettiva
attuazione: lo scatto del relè in
ingresso avviene dopo la rotazione
74 SUONO febbraio 2016

test Yamaha A-S1100
La regolazione del volume avviene tramite l’azionamento
di un potenziometro motorizzato ALPS che agisce su un
controllore a stato solido del volume. Il tasto mute attiva
una procedura di rotazione della manopola del volume con
memorizzazione della posizione iniziale. Togliendo il mute la
manopola ritorna alla posizione di origine..
Gli ingressi e le uscite sono disposti su un PCB di commutazione
collegato alla sezione di preamplificazione tramite cavi coassiali
per il segnale e monopolari per alimentazione e comandi.
I morsetti sono realizzati
direttamente da
Yamaha e mostrano
una meccanica molto
efficiente e funzionale
per la connessione di cavi
terminati in qualsiasi modo
e in particolare per quelli
spellati.
del selettore e dopo l’accensione del
led, anch’essa lievemente ritardata.
La scheda phono è posizionata
in fondo alla sezione di ingresso,
chiusa in un contenitore metallico
schermante. Il circuito è realizzato a
componenti discreti distintamente
per la sezione MM e MC, con due alimentazioni
duali separate e distinte
da ±20 per l’una e ±18V per l’altra. Le
commutazioni avvengono tramite
relè attivati dal circuito di controllo
servoassistito. I componenti attivi
sono prevalentemente a tecnologia
SMD con l’utilizzo, però, di condensatori
tradizionali sia a film che elettrolitici,
opportunamente distribuiti
lungo le linee di alimentazione di
segnale; si nota anche l’impiego di
microinduttori sull’ingresso ad alta
compattazione. I due finali sono installati
su dissipatori in alluminio
posti all’interno dello chassis con
i dispositivi di potenza assemblati
sul PCB in modo da minimizzare il
percorso del segnale e da sfruttare
al massimo la lunghezza dei reofori
per le connessioni.
L’alimentazione utilizza un solo
trasformatore di rete dotato di più
uscite separate per i canali di potenza,
alimentati indipendentemente
uno dall’altro con una filtratura con
quattro condensatori da 18.000 µF
ciascuno per le sezioni di preamplificazione
e di gestione.
SUONO febbraio 2016 75

selector
al banco di misura
suonogramma
1 Capacità di analisi del DETTAGLIO.................... 2
2 Messa a fuoco e corposità................................ 3
3 Ricostruzione scenica altezza......................... 2
4 Ricostruzione scenica larghezza................... 2
5 Ricostruzione scenica profondità.................. 2
6 Escursioni micro-dinamiche............................ 2
7 Escursioni macro-dinamiche........................... 2
8 Risposta ai transienti........................................ 2
9 Velocità................................................................ 2
10 Frequenze medie e voci...................................... 2
11 Frequenze alte.................................................... 2
12 Frequenze medio-basse..................................... 2
13 Frequenze basse.................................................. 2
14 Timbrica................................................................ 2
15 Coerenza............................................................... 2
16 Contenuto di armoniche................................... 2
La risposta in frequenza è molto estesa e per nulla condizionata
dal carico o dalla regolazione del livello tramite
il potenziometro del volume. La distorsione è solo lievemente
accennata con una prevalenza di componenti
di ordine dispari ma con un decadimento armonico abbastanza
rapido. Le componenti da intermodulazione
simmetriche sono lievemente accennate e assenti le altre.
Nonostante la sensibilità dell’apparecchio sia piuttosto
alta il tappeto di rumore si mantiene a livelli molto bassi
nelle normali condizioni di utilizzo ipotizzate con livelli
piacevoli e old style, pressoché
sconosciuto in questa fascia di
prezzo.
Dal punto di vista sonoro quasi
ogni parametro eccede la media
della categoria e la rappresentazione
offerta è caratterizzata da
un’omogeneità su ogni parametro
degna di nota, con una particolare
menzione per la capacità
di messa a fuoco dei protagonisti
dello stage, particolarmente credibili
e materici. Una segnalazione
a parte per lo stadio fono,
che eccede decisamente la classe
di appartenenza del prodotto
risultando definitivo se non
si hanno esigenze particolari o
front end tanto problematici da
richiedere un’elettronica ad hoc.
Nella media lo stadio cuffia che,
comunque, garantisce buone
performance con buona parte
delle cuffie in circolazione. Se
in termini di performance sonore
probabilmente qualcuno
dei concorrenti (circa 60 nella
fascia tra 1.200 e 2.000 euro)
può competere con l’A-S1100,
quasi nessuno ha i numeri per
confrontarsi sugli altri parametri
selettivi. La semplificazione
circuitale e l’assenza della sezione
bilanciata in ingresso pur
riducendo in parte la componentistica
e le sezioni circuitali
di ingresso intorno a 2Vrms, in cui si ottengono le massime
prestazioni dell’apparecchio in termini di rumore
e spurie in banda e fuori banda, evidenziando una cura
dell’alimentazione e delle filtrature notevole.
La distorsione si mantiene molto bassa in tutto il range
di amplificazione con una prevalenza di terza armonica
e la totale assenza della seconda, conseguentemente
alle scelte di configurazione. Al clipping si arriva in modo
abbastanza repentino raggiungendo una potenza di
uscita di circa 105 Wrms su 8R per una THD+n all’1%.
non giustificherebbero una riduzione
dei costi al pubblico così
importante; dobbiamo tuttavia
abituarci (soprattutto nei casi in
cui questo va a favore del consumatore)
al fatto che sempre più
spesso il prezzo al pubblico viene
determinato non tanto dai costi
di produzione ma dall’analisi e
da tutte le valutazioni effettuate
sulla fascia di destinazione! In
tale ottica l’A-S1100 in prova dimostra
il miglior rapporto Q/P
della categoria (e una versatilità
ai vertici) risultando l’apparecchio
a minor fattore di obsolescenza
rispetto ai consimili nel
catalogo Yamaha.
Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da
-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed
esprime la congruità della prestazione con prodotti
analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
UN lavoro di ottimizzazione per affinameto del
progetto originale che qui viene declinato rinunicando
ad orpelli ma mantenendo la sostanza.
banco di misura ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Quasi la fotocopia dei modelli maggiori; dunque
ottimo visto l’abbattimento del costo.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Ampia dotazione di ingressi che non trascura
ogni tipo di utilizzo. Non si sente la mancanza
dell’ingresso XLR, unica differenza con i modelli
maggiori
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
La trasparenza è la dote principale di un apparecchio
che non vuole imporsi ma non concede
spazio alle colorazioni.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Passo dopo pass, una conferma dopo l’altra.
Occorrerà inventare una nuova scala valoriale
solo per Yamaha?
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Come cogliere due piccioni con una fava o, per
meglio dire, questo è il frutto di un lavorodi razionalizzazione
ben fatto.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
76 SUONO febbraio 2016

selector
di Emilio Paolo Forte
Kef LS50, Sonus faber
Minima Vintage e LS3/5a:
Mini diffusori alla prova
del tempo
La scuola inglese è stata un riferimento assoluto per la produzione di diffusori da stand di qualità, anche
grazie agli investimenti nella ricerca della BBC, l’ente radiotelevisivo di stato britannico principale
sviluppatore di progetti e committente per la realizzazione di diffusori di qualità.
Ancora oggi il massimo
esponente della scuola
inglese nonché archetipo
di tutti i diffusori da stand è
l’LS3/5a, un progetto della BBC
di quarant’anni fa, un due vie in
cassa chiusa equipaggiato con
trasduttori della Kef (T27 e B110,
rispettivamente tweeter da 27
mm e midwoofer da 110 mm),
nato per le esigenze interne del
servizio BBC e poi dato in licenza
a partire dal 1975 alla Rogers
per la produzione su larga scala
e vendita sul mercato, nel rispetto
delle specifiche del progetto
(quindi, con obbligo di impiego
dei trasduttori Kef). Nel 1982 anche
la Spendor ottenne la licenza
di produrre e vendere gli LS3/5a
con proprio marchio e successivamente,
nel 1988, si aggiunsero
la Harbeth e poi altri licenziatari
minori (Chartwell, Goodmans,
Audiomaster, Decca, Ram, Stirling
e la stessa Kef che fino ad allora
si era limitata a fornire i suoi
trasduttori ai vari licenziatari del
progetto). Nel 1987 sono intervenute
alcune piccole migliorie ai
trasduttori e crossover che hanno
portato la versione nativa da
15 Ohm alla versione conosciuta
come LS3/5a 11 Ohm (cosa che
rende incompatibili le componentistiche
delle due versioni). Infine
dal 1991 la BBC ha introdotto
un’ultima variazione al progetto
originario, approvando la versione
biwiring.
La brevissima sintesi serve a tracciare
un minimo di linee guida per
uno dei modelli più longevi e di
successo nella storia dell’alta fedeltà
(è stato in produzione per
circa vent’anni) e con le quotazioni
più alte mai raggiunte rispetto
al prezzo di vendita originario e
in continua ascesa per la forte richiesta
dell’usato, soprattutto dai
mercati asiatici. Parlare di diffusore
da stand, esprimere giudizi
senza aver mai ascoltato nelle
condizioni migliori una coppia
di LS3/5a significa un po’ parlare
senza piena cognizione di causa:
i pregi e i difetti di un mini diffusore
sono stati già scritti in quella
pagina di storia. E non è un caso
se ancora oggi quel progetto venga
preso come riferimento da tutti i
costruttori che vogliano cimentarsi
nella realizzazione di un diffusore
grande quanto una “scatola
da scarpe”.
Una recentissima e apertamente
dichiarata sfida è venuta dalla Kef
con l’LS50, un diffusore caratterizzato
da un trasduttore “dual
concetric” in bass reflex che,
secondo il “white paper” (documento
interno che pubblica i dati
sulle finalità del progetto, le fasi
dello sviluppo, le misure e i risultati
ottenuti prima di passare
alla fase realizzativa e di commercializzazione)
non solo è ispirato
all’LS3/5a ma ne migliorerebbe significativamente
le prestazioni in
termini di trasparenza, tenuta in
potenza e dispersione in ambiente.
Il miracolo Kef sarebbe stato
consentito dagli attuali potenti
mezzi informatici a disposizione,
un robusto investimento nella ricerca
e dalle economie di scala che
solo la Gold Peak, il colosso asiatico
attuale proprietario del glorioso
marchio inglese, poteva permettersi,
immettendo sul mercato
l’LS50 a poco più di 1.000 euro
la coppia, prezzo decisamente
inferiore rispetto alle quotazioni
raggiunte su eBay per una coppia
di vecchie LS3/5a originali.
Un prodotto che si colloca nel
mezzo è invece il Sonus faber
Minima Vintage. Si tratta della
riedizione del celebre Minima
del 1984, il capolavoro di Franco
Serblin. Il progetto è rimasto
esattamente identico rispetto alla
versione originale, sempre col
tweeter Dynaudio D28, mentre il
woofer Seas si avvantaggia di piccoli
aggiornamenti nel disegno del
cestello che consentono ora una
maggiore escursione dinamica,
pur preservando l’equilibrio e la
trasparenza di sempre. Questo
diffusore può essere considerato
come il classico colpo di genio
italico, nato senza il supporto dei
potenti mezzi della BBC o di una
holding asiatica ma grazie all’intuizione
e maestria di uno dei massimi
progettisti italiani.
Quante cose sono cambiate nel
mondo dei mini diffusori nel lasso
di questi quarant’anni? Una
risposta almeno parziale deriva
dalla possibilità che ho avuto di
ascoltare e confrontare in diversi
setup gli LS50, i KEF LS3/5a
Raymond Cook Special Edition,
i Rogers LS3/5a Limited Edition
(parliamo in entrambi i casi di
LS3/5a 11 Ohm biwiring, ovvero
degli esemplari più recenti e, si
spera, più performanti del celebre
progetto BBC) e i Sonus faber Minima
Vintage. Le amplificazioni
principali con cui sono stati ascoltati
i diffusori sono state: Audio
Research Ref. 3 e Ref. 110; McIntosh
C2500 e MC302. Sorgenti
Marantz SA11s3 e Thorens TD124
con SME4 e Benz LP collegato al
pre phono interno del McIntosh
C2500 oppure al pre phono Benz
PP1-T9. Cablaggi vari e linee elettriche
dedicate.
I Kef LS50 hanno bisogno di un
rodaggio estenuante prima che i
78 SUONO febbraio 2016

mini dffusori alla prova del tempo
trasduttori concentrici inizino a
sciogliersi e a lavorare a dovere.
Si tratta di un equipaggio mobile
estremamente rigido e leggero in
lega di alluminio e magnesio. La
prima evidenza che si coglie all’ascolto
è che si tratta di un diffusore
che necessita più corrente di
quanto non richiedano gli LS3/5a,
restituendo in cambio escursioni
dinamiche e impatto (nel vero
senso fisico di movimento di aria)
sconosciute agli altri protagonisti
di questo approfondimento. Il
suono è grande, potente, inimmaginabile
per un diffusore di
questa taglia, perlomeno nella
sua accezione classica (altra cosa
sono le new entry dove convivono
l’utilizzo della soluzione attiva, la
multiamplificazione e l’uso dei
DSP). Attenzione, però, a non
farsi prendere la mano altrimenti,
a volumi realistici e in ambienti
eccessivi (oltre i 20 mq), il bellissimo
equilibrio timbrico rischia di
essere alterato dall’indurimento
della gamma medio-alta. In effetti
nessuno si sognerebbe mai di
strapazzare con bordate di watt un
LS3/5a che fa della raffinatezza di
emissione il suo punto forte: ecco,
bisogna ricordare che l’LS50 nasce
dichiaratamente come erede
degli LS3/5a, con il plus di dare
qualche soddisfazione in più in
termini di estensione in basso (è
pur sempre una cassa in bass reflex)
e dinamica. Come accennavo
queste caratteristiche del progetto
si pagano in termini di osticità
nel pilotaggio: ho ascoltato i Kef
LS3/5a Raymond Cook SE andare
divinamente (e in un ambiente
ben oltre i 20 mq) pilotati da soli
8 watt di un Air Tight 300B; mi
sono commosso di fronte ai Rogers
LS3/5a 15 Ohm pilotati da 12
watt di un Marantz 8B originale.
Un Kef LS50 con questi watt nemmeno
si muove, o meglio, resta
anemico e poco contrastato...
L’impostazione timbrica dell’LS50
è di quelle che il breviario
audiofilo riconosce come neutra e
trasparente, è un progetto molto
solido d’impostazione moderna
che non aggiunge note di calore/
colore allo spettro sonoro non
dovendo enfatizzare o camuffare
nulla, anche grazie all’ottima
estensione e tenuta in potenza su
cui può contare. Al confronto gli
LS3/5a, un sistema a sospensione
pneumatica in gamma medio
bassa fanno quel che possono,
rinunciando a ogni tentativo di
enfatizzazione che se da un lato
avrebbe aiutato a scandire meglio
il giro di basso rischia, dall’altro,
di insidiare la purezza della magnifica
gamma media. La macrodinamica,
per scelta progettuale,
resta decisamente sacrificata
mentre tutto il lavoro del woofer
è ottimizzato per la microdinamica
della gamma media. In gamma
media, con le voci umane in particolare,
gli LS3/5a stabiliscono un
mirabile equilibrio di ricchezza
di sfumature, calore, credibilità e
corposità che nessun altro diffusore
da me ascoltato è riuscito ad
oggi a eguagliare. Non fa eccezione
l’LS50 che nella sua maggiore
neutralità, nettezza e trasparenza
sbilancia la resa musicale verso
toni piuttosto radiografanti che
svelano la mediazione microfonica,
facendo scivolare l’ascoltatore
dall’illusione di una voce incarnata
e palpabile a una voce riprodotta,
per quanto magnificamente
riprodotta.
Molte realizzazioni, o meglio, molti
set-up degli audiofili, perseguono
pervicacemente la trasparenza,
chiarezza e intellegibilità ad ogni
costo (quante volte abbiamo sentito
dire: “Finalmente è caduto un
altro velo”). Ma con le voci, in particolare,
se cade un velo di troppo
siamo arrivati alle tonsille, la voce
non è più credibile, prevalgono
toni androidi e metallici sull’incarnato
che il nostro orecchio
ben conosce. E la magia di vedere
materializzata nella nostra stanza
l’artista di turno svanisce irrimediabilmente.
Quando con gli
LS3/5a si parla di mirabile equilibrio
è proprio perché questo diffusore
non persegue alcun record,
anzi, sembra proprio ottimizzato
per la voce umana, al punto che
con altri programmi musicali può
apparire meno contrastato e coinvolgente
degli LS50 e, addirittura,
la scarsa consistenza in basso può
richiamare l’impressione di una
certa nasalità. Eppure gli LS3/5a,
quando correttamente interfacciati
e valorizzati con pochi watt
di qualità, hanno qualcosa di magico
e irripetibile che ancora oggi
li rende nella comunità audiofila
uno dei più ambìti oggetti del desiderio
oltre che un oggetto da collezione.
Per me l’LS3/5a resta una
insostituibile pietra di paragone
su cui “rifarmi le orecchie” prima
di analizzare gli altri diffusori da
stand.
L’LS50, come accennato prima, è
un diffusore moderno votato alla
trasparenza e neutralità ad ogni
SUONO febbraio 2016 79

selector
costo. Eccessivo per le voci ma
con strumenti acustici e software
più complessi, questa analiticità
consente di ottenere un effetto
monitor spietato. Dal punto di
vista della ricostruzione scenica,
altro punto di forza di questa tipologia
di diffusore, l’LS50 sembra
privilegiare stand almeno da 70
cm e una forte angolazione rispetto
al punto di ascolto con incrocio
appena avanti o appena dietro il
punto di ascolto, se si vuole ottenere
una prospettiva ottimale. Occorre,
infatti, tener presente che
il tweeter è collocato al centro del
woofer (è un “dual concentric”) e
quindi resta molto più in basso rispetto
a un tweeter tradizionale.
Con l’LS50 si deve quindi lavorare
molto più rispetto agli altri mini
diffusori per riuscire a ottenere un
palcoscenico credibile, soprattutto
in altezza.
Il Minima Vintage si inserisce invece
in questo summit prendendo
il buono di entrambi i concorrenti.
Sa essere dinamico e contrastato
come l’LS50 mantenendo
la morbidezza dell’incarnato
delle voci propria dell’LS3/5a. È
un diffusore più ostico rispetto
all’LS3/5a ma non così esigente
come l’LS50, sapendo adattarsi
meglio di quest’ultimo a pilotaggi
di differente potenza, rendendo
ogni volta risultati comunque piacevoli.
Il tweeter Dynaudio D28 ha
una marcia in più rispetto ai driver
degli altri concorrenti, e si sente.
Il Minima Vintage tende a portare
un po’ più in avanti i protagonisti
sul palcoscenico ideale illuminandoli
e conferendo loro una
plasticità e uno stacco sul resto
dell’evento come è raro ascoltare.
L’LS3/5a ha un’impostazione più
arretrata mantenendo comunque
un significativo stacco tra protagonisti
e comprimari. L’LS50
è quello che valorizza di più la
resa dei comprimari, rendendo
intellegibile in maniera omogenea
l’intero messaggio musicale
senza indulgere nell’effetto magnificazione
della gamma media,
più evidente sull’LS3/5a e molto
evidente sul Minima Vintage. Ovviamente
il risvolto della medaglia
è che con l’LS50 si apprezza una
definizione eccellente su tutto il
palcoscenico ma si perde la suggestione
della plasticità dei protagonisti
sul palcoscenico che gli altri
due diffusori riescono a rendere.
In sintesi, relativizzando questa
esperienza d’ascolto posso dire
che il Kef LS50 è il diffusore più
completo e versatile del gruppo.
Esteso, coerente, con un basso
e una dinamica significativi e
un’ottima ricostruzione scenica,
può essere una scelta definitiva
a prescindere dal lignaggio delle
elettroniche a monte, potendo
tranquillamente onorare set-up
importanti in ambienti di dimensioni
contenute (entro i 20 mq).
Fortemente consigliato anche per
gli appassionati di musica classica
e sinfonica in particolare, essendo
in grado di ricreare enormi sale
da concerto nel vostro ambiente
e riuscendo a mettere ben a fuoco
ciascuno strumento, anche i più
defilati e gregari.
Il Sonus faber Minima Vintage
è il diffusore più caratterizzato
tra quelli presi in esame: si avverte
una leggera enfasi presente
in gamma medio-alta e sul
medio-basso, però all’ascolto è
dannatamente piacevole, riesce
a illuminare letteralmente alcune
partiture (in particolare i software
intimistici ma anche la classica,
da un punto di vista strettamente
“visivo”, è molto appagante) esaltando
molto il parametro della
profondità. Voci e strumenti, infatti,
sono collocati tra il fronte
dei diffusori e la parete di fondo
secondo una sequenza in 3D
molto suggestiva proprio perché
i protagonisti si materializzano in
mezzo alla stanza e non restano
proiettati oltre la parete di fondo
(per cui fondamentale è lasciare
più spazio possibile tra diffusori
e parete di fondo per apprezzare
questa dote peculiare: se possibile,
meglio disporre i diffusori
sul lato stretto della stanza, visto
che i Minima Vintage sono
poco sensibili, se inclinati molto
verso il punto di ascolto, alla vicinanza
della parete laterale). La
suggestione della scena sonora
virtuale è senza dubbio la più intensa
percepibile all’ascolto dei tre
modelli. Rogers e Kef LS3/5a offrono
un ascolto apparentemente
più dimesso e meno contrastato.
Tuttavia, quando in campo entra
una voce, questa viene scolpita a
tutto tondo tre passi avanti alla
parete di fondo. L’equilibrio tonale,
pur se non caratterizzato da
escursioni particolarmente spinte,
è meravigliosamente ricco, morbido
e credibile anche se i bianchi
non sono abbaglianti e i neri non
ricordano delle voragini. Proprio
questo modo di porgere il messaggio
musicale le rende ancora oggi
predilette da numerosi appassionati
in tutto il mondo.
Per quanto riguarda gli accoppiamenti
con le elettroniche, sia i
McIntosh (che beneficiano anche
80 SUONO febbraio 2016

mini dffusori alla prova del tempo
della possibiità di uscite a varie
impedenze) che gli Audio Research
a disposizione si sono confermati
ottimi interfacciamenti,
anche se il primo mi è parso
egualmente a suo agio con i tre
è particolarmente piaciuto con gli
LS3/5a, forse un po’ troppo snaturati
dal rigore dei Reference. In
ambienti entro i 20 mq gli LS3/5a
sono una delizia anche con piccole
amplificazioni di qualità, come gli
8 watt dell’Air Tight 300B, i Leben
CS300 e CS600, i Sugden in classe
A “and so on…”. Per i Minima
Vintage consiglio almeno 30 watt
buoni. Per gli LS50 ci vuole della
corrente: i 110 watt del Reference
110 se li è bevuti tranquillamente
restituendo in più di qualche
occasione un impatto dinamico
notevole!
Malgrado i quarant’anni che dividono
idealmente i tre progetti,
nonostante nuovi materiali e nuove
tecnologie, i tre mini - protagonisti
sembrano tutti nati ieri a
conferma del fatto che gli oggetti
dell’alta fedeltà particolarmente
riusciti non temono una rapida
obsolescenza (ma anche di una
certa staticità del progresso tecnologico
in materia..!).
Stabilire quale di questi progetti
sia il più riuscito diventa allora il
risultato di una preferenza personale
piuttosto che il sintomo
dell’essere riusciti a individuare
la reale superiorità di un progetto
sull’altro. Questo anche perché la
regola della coperta corta vuole
che l’inevitabile ottimizzazione insita
nel compromesso di diffusori
così piccoli vada a valorizzare, laddove
non ad esaltare, alcune cose
su altre: tutto non si può avere.
Meglio lasciar spazio all’ascolto
per capire se la vostra musica
preferita riesce ancora ad emozionarvi,
lasciando al cuore la scelta
giusta...
Clavimania
diffusori mentre il secondo non mi
Uno strumento unico
(uno dei pochi claviorgani al mondo)
Un ensemble unico
(Massimiliano Muzzi of Strichen &
Orchestra da camera del Maggio Musicale Fiorentino)
Un programma unico
(per la prima volta i brani per claviorgano eseguiti con un claviorgano e registrati)
Un’occasione unica
(Villa Rondinelli a Fiesole)
Una registrazione allo stato dell’arte
(realizzato in DXD con la supervisione di SUONO)
SUONOrecords
Per info: http://www.suono.it/E-Shop/SUONOrecords/Claviorganum-n-SR012

selector
a cura della redazione
Diffusori
Elac Debut B5 by Andrew Jones
“La sfida massima per
un costruttore sta, più
che nel realizzare un modello
no limits, nel creare
un prodotto dall’ottimo
rapporto qualità/prezzo”.
L’affermazione è di un progettista
ed è ancor più valida
in una fase del mercato
come questa in cui i marchi
di pregio cercano di riposizionarsi
andando a “pescare”
nell’ampio bacino
dei nuovi fruitori di musica
riprodotta che si è venuto
a creare. La linea Debut
è stata creata con questo
target bene in mente...
Debut è una linea di
diffusori della tedesca
Elac che appartiene a
una fascia di prezzo tra le più
basse in Hi-Fi: si parte dal singolo
canale centrale C5 da 275
euro per passare ai tre modelli
da piedistallo o ripiano (A4, B5
e B6), rispettivamente da 350
euro i primi due e 430 euro il
terzo, e finire con l’unico modello
da pavimento previsto per
ora, l’F5, proposto a 830 euro.
Il fatto che dal modello C si passi
al modello F ci fa immaginare,
inoltre, che siano in arrivo
altri modelli intermedi oltre a
una linea di tre subwoofer.
La gamma è stata realizzata
da Andrew Jones: entrato
come vicepresidente nel reparto
americano d’ingegneria
del costruttore tedesco, Jones
è uno dei più esperti progettisti
nel settore, vantando una lunga
esperienza in merito. Le sue
prime collaborazioni furono
con l’inglese Kef, poi l’americana
Infinity e, infine, la sua
partecipazione al sorprendente
ritorno in campo audio di alto
livello di Pioneer con la progettazione
dei diffusori della
linea esclusiva TAD, diventata
poi un marchio a sé. Potrebbe
sorprendere che la sua prima
collaborazione con Elac non
avvenga, come si sarebbe potuto
immaginare, con una linea
di punta, visto anche il grande
successo di critica dei prodotti
TAD; probabilmente, però, anche
Jones deve aver condiviso
la convinzione secondo cui la
vera scommessa sia quella di
realizzare un prodotto economico
ma di alto valore: non a
caso la gamma creata da Jones
si chiama Debut e costituisce
l’entry level del costruttore tedesco.
Scopi e target di questa
linea dal prezzo contenuto e le
linee semplici li ha esplicitati
lo stesso Jones: “L’abbiamo
progettata pensando ai nuovi
audiofili, tenendo bene a
mente l’effetto che volevamo
ottenere: Wow! Un ascolto
che tocchi il cuore più che la
testa… Il target sono i nuovi
appassionati di musica ma anche
chi voglia semplicemente
trovare una soluzione per il
secondo impianto a un costo
più che ragionevole”.
L’ambiziosa strada è stata
aperta con il modello in prova,
il B5. Si tratta di un diffusore
da piedistallo o libreria
compatto, progettato, stando
a quanto dichiarato dal progettista,
cercando di ottenere una
buona estensione alle basse
frequenze, sacrificando giusto
un po’ l’efficienza. L’impiego
di una bobina e un magnete
Prezzo: € 350,00
Dimensioni: 20 × 34,2 x 22,2 cm (lxaxp)
Peso: 5,2 kg
Distributore: LP Audio di Luca Parlato
Via della Tesa, 20 - 34138 Trieste (TS)
Tel. 040.56.98.24
www.lpaudio.it
DIFFUSORI Elac Debut B5 by Andrew Jones
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza
(W): 20-120 Impedenza (Ohm): 6 Frequenze di crossover
(Hz): 3000 Risp. in freq (Hz): 44 - 20.000 Sensibilità (dB): 87 Altoparlanti:
Wf 13 cm; Tw cupola 25 mm Rifinitura: Nero vinilico
satinato Griglia: sì.
82 SUONO febbraio 2016

test
più grandi del solito, sempre
secondo Jones, dovrebbero
aiutare il diffusore a produrre
un impatto e una dinamica superiori
alle previsioni. E se non
bastasse, per ottenere risultati
ancora più significativi in questo
ambito, ci si può rivolgere
al modello immediatamente
superiore (B6) o a quello da
pavimento (F6). In realtà Jones
non è nuovo alla sfida di
progettare diffusori di costo
contenuto, avendola affrontata
già ai tempi di Pioneer prima
di TAD. Se nella progettazione
di diffusori senza compromessi
come i TAD la sfida era quella
di realizzare diffusori, non
ottimi ma semplicemente straordinari,
per ottenere risultati
da best buy nella categoria economica
l’esame di ogni componente
e lo studio dei tempi
di realizzazione hanno il loro
peso. D’altro canto ci sono caratteristiche
meccaniche di un
altoparlante che hanno una
certa influenza da un punto di
vista sonoro e molto meno sul
fronte dei costi; in questo senso
Jones ritiene che la possibilità
di progettare altoparlanti
personalizzati, gli altoparlanti
realizzati da terzi “su specifiche
del cliente”, può risultare
decisivo per fare la differenza.
Il condotto presenta ampie
svasature ai bordi e risulta
ben raccordato con il
pannello. Nonostante
l’emissione posteriore,
il sistema è facilmente
collocabile vicino alla
parte di fondo.
I morsetti, di fascia
economica, sono
in posizione molto
ravvicinata e bisogna
fare attenzione a
cortocircuiti con cavi
spellati multi trefolo.
Nessuna controindicazione
per terminazioni a banana o
a forcella.
In termini di messa a punto, se
per dei piccoli ma non minuscoli
diffusori come questi la
condizione ideale sembra essere
quella del tradizionale collocamento
su piedistalli da 60
cm di altezza, può sorprendere
il fatto che non sia necessario
porli a ridosso della parete di
fondo per rinforzare la risposta
alle basse frequenze. Se possibile,
dunque, meglio collocarli
ad almeno mezzo metro o più
di distanza, visto che è proprio
la loro generosità (ma anche la
qualità dei bassi) a sorprendere
sin da subito: chi si aspetta un
suono magari valido e corretto
ma piccolo e scarso sul basso,
rimarrà alquanto sorpreso dal
carattere di questi B5! Fin dalle
prime impressioni l’equilibrio
timbrico sembra favorire proprio
questa gamma di frequenze
rispetto alle alte. Vero ma
non in assoluto... Man mano
che si procede con gli ascolti si
apprezza infatti un’apertura di
tutto rispetto, con una pulizia
e limpidezza eccellenti. Non ci
si può aspettare un’estensione
da primato ma l’impressione
è quella di un delicato decadimento
oltre un certo livello.
Probabilmente il tweeter è stato
scelto proprio per le sue prestazioni
che mediano una certa
raffinatezza e una buona sottigliezza
di grana con l’estensione:
stiamo parlando pur sempre
di un prodotto entry level e
pazienza se non percepiremo i
30 kHz; quello che viene riprodotto
non solo risulta piacevole
ma anche ben controllato e
corretto. Tanto meglio se musicalità,
dettaglio e scioltezza
sembrano quelli di prodotti di
una fascia di mercato più elevata.
La generosità del basso
aiuta la ricostruzione di un’immagine
quanto mai ampia, ricreando
un vero piccolo grande
muro del suono davanti a noi.
Si può giocare con il volume
con molta più libertà di quanto
si potrebbe immaginare e
il passaggio dall’abbinamento
con due finali monofonici,
chiaramente esagerati come
categoria ma non per l’eccellente
risultato, a un integrato
comunque ben potente come
lo Yamaha A-S1100 non è risultato
per niente traumatico.
I B5 continuano a suonare
sorprendentemente
bene,
corretti, producendo
una
massa sonora
di tutto rispetto.
La sensibilità
dichiarata è media
ma abbiamo notato
come per arrivare a
certi livelli di pressione
occorra spingere
un po’ sull’acceleratore
e fornire un’adeguata
manciata di watt. Il
dato positivo è che anche
ad alti volumi non sembrano
insorgere compressioni
udibili: niente indurimenti
e il lavoro degli altoparlanti,
a cui contribuisce
sicuramente un crossover
ben realizzato e dedicato
alle loro caratteristiche,
mantiene un’apprezzabile
morbidezza di fondo visto che
eventuali durezze appaiono un
elemento sconosciuto a questi
diffusori. Tutto è molto equilibrato
dove vivacità e dinamica
abbondante non si traducono
mai in una rappresentazione
sguaiata della musica (cosa
frequente negli entry level).
Per contro, a bassi livelli i B5
mantengono la capacità di riprodurre
un suono pieno, caldo
e al contempo equilibrato.
L’obiettivo del progettista di
introdurre diffusori piuttosto
economici (costano quanto
mezzo smartphone di ultima
generazione) ma nettamente
più validi di quelli dei computer
o flat TV per attrarre anche
utenti che neanche sospettano
l’esistenza dell’Hi-Fi sembra
essere stato centrato; stessa
cosa dicasi per “l’obiettivo di
riserva”: fornire agli audiofili
un prodotto che senza stravolgere
i canoni tradizionali
offra molto a poco. Semmai
Ad una realizzazione
apparentemente economica
si contrappongono numerosi
accorgimenti che valorizzano
la produzione e le prestazioni
dell’altoparlante, i magneti
sono accoppiati e incollati
con gran cura e le lavorazioni
meccaniche mostrano una
precisione sconosciuta
in questa fascia di prezzo.
SUONO febbraio 2016 83

selector
Nonostante l’esiguo spessore delle pareti
del mobile e una sensazione di esilità nel
maneggiamento del sistema, i componenti
sono fissati in modo molto robusto e inseriti
quasi a pressione nelle sedi ricavate nel
pannello.
Il corpo è in ottone dorato e lo
scivolamento non è dei più fluidi. Il
corpo esterno non consente una presa
efficace per serrare cavi non terminati
che non beneficiano della ghiera
antifrizione.
Il tweerer è dotato di una griglia
di protezione in lamiera traforata
tenuta in sede dalla ghiera in
plastica di raccordo che copre le
viti di fissaggio degli altoparlanti.
La cupola del tweeter è in seta trattata, si
nota l’ampio foro di comunicazione fra la
parte posteriore della membrana e la camera
interna che offre un carico acustico smorzato
e con una bassa frequenza di risonanza.
tutto quel che si può
l mobile è realizzato con pannelli in
mdf di basso spessore, poco sopra i
dieci millimetri, ricoperti da un rivestimento
in vinile con finitura spazzolata
molto spessa, resistente ai graffi e che,
tramite un tenace incollaggio, conferisce
alla esile struttura una rigidità
fuori dal comune.
Le pareti interne sono rivestite con
materiale fonoassorbente abbastanza
efficace nel controllo delle riflessioni
interne. Il cestello del woofer,
in lamiera stampata, è incassato in
una sede molto precisa con un foro
estremamente ampio che non costituisce
un impedimento all’emissione
posteriore della membrana ma solo
lo spazio necessario a un accoppiamento
meccanico stabile e a tenuta.
L’attenzione ai dettagli si apprezza
anche nella realizzazione del
filtro crossover che presenta uno
schema abbastanza semplificato,
anche grazie alle caratteristiche
elettriche degli altoparlanti, e impiega
componenti di elevata qualità
con due dei tre induttori avvolti in
aria e condensatori a film da 100
Volt. È presente una resistenza di
attenuazione in serie al tweeter
che riduce di quasi 10 dB il livello
di emissione per allinearlo a quello
del woofer sensibilmente più basso
e senza escamotage per l’aumento
dell’emissione.
84 SUONO febbraio 2016

test Elac Debut B5 by Andrew Jones
al banco di misura
suonogramma
1 Capacità di analisi del DETTAGLIO.................... 3
2 Messa a fuoco e corposità................................ 3
3 Ricostruzione scenica altezza......................... 2
4 Ricostruzione scenica larghezza................... 3
5 Ricostruzione scenica profondità.................. 2
6 Escursioni micro-dinamiche............................ 2
7 Escursioni macro-dinamiche........................... 2
8 Risposta ai transienti........................................ 2
9 Velocità................................................................ 2
10 Frequenze medie e voci...................................... 3
11 Frequenze alte.................................................... 2
12 Frequenze medio-basse..................................... 3
13 Frequenze basse.................................................. 2
14 Timbrica................................................................ 2
15 Coerenza............................................................... 2
16 Contenuto di armoniche................................... 2
La risposta in frequenza risulta molto lineare e priva di
perturbazioni dovute e risonanze e riflessioni particolari,
considerata la realizzazione del sistema impostata
su una linea estremamente economica. Tuttavia alcune
soluzioni sembrano essere state abbastanza proficue,
in particolar modo riguardo alla dispersione angolare
all’estremo superiore e per le risonanze del mobile e
gli effetti diffrattivi degli spigoli ai bordi. Sono molto
ridotte anche le frequenze spurie che fuoriescono dal
condotto di accordo, a riprova di una buona attenuazione
all’interno del mobile e di ridotti fenomeni di turbolenza
all’interno del tubo reflex.
La particolare conformazione del tweeter, arretrato rispetto
alla flangia e con un profilo di raccordo, sembra
concentrare la risposta entro i 30 gradi di angolazione
per ridursi repentinamente al di là.
il difficile sarà comunicare
l’esistenza di questo prodotto
al suo potenziale pubblico, soprattutto
quello più giovane.
Elac è un marchio forte, da
poco tempo passato da una
gestione padronale a quella
di un’azienda di medie-grandi
dimensioni e viene qui ripercorsa,
magari in un’ulteriore
e originale chiave di lettura,
la problematica che pone
aziende come questa a cavallo
tra l’artigianato e l’industriale.
Le prime risposte del marchio
tedesco sono costituite proprio
dall’assunzione di Andrew Jones,
uno dei primi atti della
nuova direzione e, a ben vedere,
un segnale significativo: tra
i meriti di Andrew (che abbiamo
intervistato qualche tempo
fa, vedi SUONO 451 – aprile
2011) c’è sicuramente quello
Questa caratteristica, unita anche a una buona estensione
in basso ma senza particolari enfasi, facilita l’inserimento
in ambienti anche abbastanza riflettenti con un campo
sonoro concentrato nel punto di ascolto abbastanza
ampio. L’impedenza degli altoparlanti è stata pensata
per la realizzazione di un filtro abbastanza semplice e
al contempo efficace impiegando un ridotto numero
di componenti. Si ottiene un incrocio con una pendenza
abbastanza decisa e con il modulo dell’impedenza
complessivo che non scende mai sotto i 5 Ohm, anche
se in prossimità della frequenza di accordo e di quella di
crossover i valori si innalzano notevolmente. Il modulo
tuttavia, nonostante la scarsa linearità, non costituisce
un carico difficile da pilotare ma potrebbe dar luogo a
qualche variazione timbrica abbinando il diffusore ad
amplificatori a basso fattore di smorzamento.
di aver adottato un metodo
olistico nella progettazione,
affiancando sensibilità umanistica
(quella che gli consente
di essere uno dei migliori nella
messa a punto di un sistema) a
conoscenza tecnica.
Elac, inoltre, ha risorse per
trovare la chiave marketing
giusta; vedremo se avrà anche
le idee. Questo mercato ne ha
un grande bisogno...
Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da
-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed
esprime la congruità della prestazione con prodotti
analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
I risultati ottenuti con un dispiego di mezzi così
contingentato fanno ben sperare anche sulle
prossime serie di fascia più alta.
banco di misura ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Eccellenti risultati, frutto di requisti ben definiti
e di un progetto ottimamente eseguito.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
Ottima l’interfacciabilità con l’ambiente e con
partner anche di bassa potenza, nonostante la
sensibilità non sia delle più alte.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Una piacevole rivelazione un po’ in tutti i parametri,
di quelle che nonostante tutto ti fanno
tornare la voglia di ascoltare musica incondizionatamente
a costi un tempo impossibili!
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■
L’unico neo del marchio è non avere la fama che
merita. Tutto lascia supporre che rimedieranno...
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Da oggi un nuovo riferimento nell’entry level,
a riprova del rinnovato interessamento delle
grandi aziende per il settore.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 85

selector
a cura della redazione
Diffusori
RUSSEL K. Red 100
Un classico, anzi una
puetra miliare della storia
hi-fi può essere declinato
oggi in maniera originale?
Russell Kaufman, che ha
vissutto l’epopea dei piccoli
monitor BBC, pensa di si
e propone la sua versione
della “specie”. Profuma di
vintage ma non disdegna
soluzioni atipiche per il genere
e anche un look che in
alcune finiture strizza l’occhio
al nuovo che avanza.
Sliding doors, ovvero:
può il caso determinare,
a caduta, fatti e sorti
delle persone? O, ancora: che
cosa sarebbe successo a Russell
Kauffman se, a fronte della
precisa richiesta della madre,
avesse accettato l’impiego da
agente immobiliare? Se il Russell
Kaufmann tredicenne obbligato
a trovarsi un lavoretto,
non avesse optato per il ruolo
di commesso da Lasky’s (uno
dei più famosi negozi londinesi
di elettronica, una vera mecca
dell’Hi-Fi di allora) a Tottenham
Court Road? Comincia
così, in parte per caso in parte
per passione, la carriera di questo
protagonista dell’Hi-Fi inglese
che negli ultimi trent’anni
ha attraversato il mercato con i
più svariati compiti: commesso
di Lansky’s, per l’appunto (con
il compito di vendere cuffie e
fonorivelatori); membro dei
panel d’ascolto delle riviste
inglesi; importatore, all’inizio
del nuovo secolo, di Nordost
e Densen; progettista (durante
l’intero arco di
tempo preso in considerazione)
presso
buona parte dei costruttori
inglesi di
diffusori; e, in ultimo,
consulente per
l’israeliana Morel,
per la quale ha realizzato
la flagship
“Fat lady”, un colosso
da 32.000 dollari
a tre vie e quattro
altoparlanti...
Ultimo atto delle sue
avventure? No, solo
penultimo, perché
Mr. Kauffman ha recentemente
deciso
di creare un proprio
marchio, Russell K., che ha
già partorito la serie Red, costituita
da tre diffusori: Red
50, Red 100 e Red 150. I primi
due sono da supporto o scaffale
(piuttosto grande e robusto per
le 100), il terzo da pavimento a
tre vie. Kauffman li disegna e
progetta nel Regno Unito per
farli poi realizzare in Polonia
dove, sembra, ci sia ancora un
cospicuo numero di fabbricanti
di altoparlanti. Si aggiungano
le convinzioni del progettista
in merito alla costruzione del
cabinet: secondo Kauffman,
infatti, la presenza di pannelli
smorzanti finisce per essere
più controproducente che utile
in quanto assorbirebbe anche
molti micro dettagli, riducendo
la dinamica e rendendo il
suono di un altoparlante meno
“pronto”; senza pannelli assorbenti,
sempre secondo le
dichiarazioni del progettista, le
pareti del mobile si muovono in
accordo con il driver, mentre la
robustezza delle pareti sarebbe
sufficiente per non indebolire
la risposta alle basse frequenze
e, contemporaneamente, così
leggere da smettere di vibrare
rapidamente... Condivisibile o
meno questa visione, unita alla
Prezzo: € 1.690,00
Dimensioni: 40 x 26 x 27 cm (lxaxp)
Peso: 8 Kg
Distributore: MondoAudio
via Provinciale, 59/J - 24060 Cenate Sopra (BG)
Tel.035.561554 - Fax
http://www.mondoaudio.it
DIFFUSORI RUSSEL K. Red 100
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex accordato a 35Hz
N. vie: 2 Potenza (W): 100 Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di
crossover (Hz): 2.200 Risp. in freq (Hz): 30 - 22.000 Sensibilità
(dB): 88 Altoparlanti: Unità bassa da 6,5’’ in carta trattata, tweerer
da 25 mm a cupola morbida Rifinitura: in legno naturale o
laccatura lucida Griglia: su richiesta Note: progetto personale
realizzato da Russell Kauffman, progettista storico di Morel e
B&W. Cabinet in MDF da 16 mm, frontale 19 mm. Senza materiale
assorbente. Realizzata a mano in Europa. Finitura legno 1.990
€, laccata 2.290 €
86 SUONO febbraio 2016

test
scelta di altoparlanti “fuori dal
coro” e realizzati, almeno a detta
del costruttore, su specifiche,
allontana i prodotti Russell K.
da quel marasma di discendenti
dei progetti BBC che, pure,
avendo fatto scuola, rappresentano
l’humus in cui Kauffman
è cresciuto professionalmente.
Il Red 100 oggetto di questa
prova è stato il primo prodotto
commercializzato dalla casa e,
a conferma di quel legame in
gran parte indissolubile rappresentato
dalla scuola inglese,
a prima vista appare come l’ennesimo
diffusore a due vie in
una scatola (magari un po’ più
grande di quella per le scarpe!)
che ricorda alcuni classici diffusori
soprattutto del passato,
alcuni dei quali sono tornati in
voga, vedi i Graham LS-5/9 o
alcuni Harbeth.
In questo modo, pur appartenendo
formalmente alla categoria
dei cosiddetti bookshelf,
il Red 100, considerando la
trentina di centimetri di profondità,
terminali compresi, e
la loro altezza, difficilmente potrà
trovare posto in una libreria
dovendo essere collocato, piuttosto,
su piedistalli robusti e
alti almeno una cinquantina di
centimetri. Giova ricordare ancora
una volta, tuttavia, che in
La morsetteria, singola
(niente bi-wire o bi-amp),
prevede l’impiego di due
robusti morsetti universali
che sporgono dal
pannello posteriore, non
essendo stato previsto
l’utilizzo di una vaschetta
incassata nel mobile. Se
questo da un lato facilita
il collegamento anche
con cavi di grossa sezione,
dall’altro, visto che sono
stati posizionati in maniera
ravvicinata (e il corpo del
morsetto è in metallo non
isolato), aumenta il rischio di
un corto circuito.
questo modo alla fine l’ingombro
è uguale a quello di un diffusore
a torre, magari gli stessi
Red 150, con un impatto visivo
appena meno invadente...
In termini di installazione,
come spesso accade con diffusori
di questa taglia, occorre
una maggiore attenzione che in
altri casi nel posizionamento:
meglio optare per una certa
distanza dalle pareti laterali
“compensando” l’eventuale
perdita di vigore nella porzione
bassa dello spettro, avvicinando
più del solito il diffusore
alla parete posteriore: in questo
modo si ripristina un apprezzabile
equilibrio tonale mentre
viene mantenuta un’apprezzabile
sensazione di veridicità
della scena sonora in profondità
e larghezza.
In termini di performance sonore
va notato come il pianoforte,
da sempre considerato
come uno degli strumenti musicali
più difficile da riprodurre
per la sua timbrica, la sua ricchezza
armonica, l’estensione
della sua risposta in frequenza,
la dinamica (in pratica per tutti
i parametri!), venga riproposto
dal diffusore – che abbiamo
messo alla prova sfruttando
due CD, uno Hyperion e l’altro
Deutsche Grammophone,
dedicati espressamente a questo
strumento – in maniera
decisamente soddisfacente nonostante
la filosofia di registrazione
di questi due dischi non
potrebbe essere più differente.
Nel CD dell’etichetta inglese,
dedicato a brani di Debussy,
il suono appare delicato, soffuso,
quasi ovattato, riproponendo
elementi comuni anche
ad altra produzione di questa
casa. La DG, invece, fedele alla
sua filosofia sonora, ci propone
un suono molto più presente,
brillante, dinamico e in primo
piano.
Tutto ciò viene puntualmente
riproposto dai Red 100 che
rende riconoscibili le due diverse
registrazioni veramente
ad occhi chiusi: non ci si può
sbagliare tra quale sia un DG
e quale un Hyperion... Non si
tratta solo di un fatto di timbrica,
più delicata per l’Hyperion,
più dinamica, con un’immagine
più piena, nel CD tedesco; in
entrambi i casi ritroviamo una
scena ampia tale da occupare
tutto o quasi l’ambiente davanti
a noi sebbene, nel caso
Hyperion, tenda a svuotarsi un
po’ al centro. In poche parole i
Red 100 sembrano essere
una perfetta
lente d’ingrandimento,
trasparente
e
lucida, di
quanto gli
viene proposto.
Passando a un disco
ECM, con il polistrumentista
Terje Rypdal,
ritroviamo la cristallina
pulizia e trasparenza tipiche
di questa etichetta. Il silenzio,
le pause, rendono ancora
più impressionanti gli
sbalzi dinamici che seguono.
I colpi di basso elettrico, in
questo caso, sono meno imponenti
che con diffusori di
altra stazza ma il basso, se non
profondissimo, fin dove arriva
è così netto, pulito, stretto nel
senso di articolato che quasi
sembra rimbalzare tra una
nota e l’altra. Un basso così
facile da seguire nei saliscendi
da non porre mai una nota sopra
l’altra (leggi: privo di code
indebite). Il suono si libera e
diffonde ben oltre i diffusori e
la scelta del loro posizionamento
non appare così vincolante.
La piccola orchestra, in una
vecchia registrazione Decca,
dei Waltz – Jazz Suite N.1 di
Shostakovich è un autentico
piacere per le orecchie con gli
strumenti facilmente riconoscibili
per timbro e posizione. Le
voci, soprattutto quelle femminili,
appaiono molto gradevoli,
i cantanti solisti sono in primo
piano senza eccesso di protagonismo
ma molto presenti,
quasi tangibili e naturali; chissà
se questo è un retaggio dei
monitor BBC...
Negli abbinamenti con l’elettronica
il diffusore è sembrato
alquanto esigente;
persino il potente integrato
Yamaha A-S1100 non sembra
Il woofer, anche se di fascia
economica, è stato realizzato
su specifiche con alcuni
accorgimenti sull’equipaggio
mobile, le espansioni polari e
l’accoppiamento fra la membrana
e la bobina.
SUONO febbraio 2016 87

selector
I morsetti hanno
una ottima
meccanica di
serraggio con una
buona presa e una
efficace ghiera
antifrizione.
La basetta è in vetronite con componentistica
di ottima qualità e con uno schema abbastanza
semplice. Non sono impiegati resistori di
attenuazione nemmeno sulla linea del tweeter.
La flangia del tweeter è in
materiale termoplastico
caricato con agglomerati inerti
e la piastra di supposto della
membrana è in vetronite.
La parte centrale in
piano del cestello
poggia sul mobile
grazie alla fresatura
che accetta il risvolto in
lamiera.
L’equipaggio mobile a lunga escursione del woofer beneficia di una espansione polare
forgiata che ingloba il polo centrale, la cavità di allungamento della corsa e il foro
centrale di decompressione della cavità dietro il parapolvere. Le espansioni polari sono
fissate e incollate molto accuratamente al magnete e al cestello.
old style con garbo
Il progetto è stato pensato appositamente
per evitare l’utilizzo di assorbente
all’interno del volume di carico e per
ridurre il più possibile qualsiasi impedimento
alla radiazione posteriore della
membrana del woofer. Si nota infatti un
foro molto ampio e una svasatura al bordo
che allontana lo spigolo del mobile
in prossimità della sospensione. Inoltre,
tra le soluzioni “estreme” del costruttore
si nota anche l’installazione degli altoparlanti
direttamente a contatto con il
pannello, senza interposizione di sigillante
fra flangia e piano in legno. Questa
scelta ha generato una complicazione
non indifferente dovuta alla forma del
cestello in lamiera stampata che non
è in piano nella parte di contatto con
il mobile.
Si è reso necessario effettuare una fresatura
in modo da far penetrare il risvolto
di lamiera nel pannello anteriore e far
aderire la parte interna al supporto. Il
volume interno del mobile è suddiviso
in tre vani separata da due pannelli in
MDF che presentano una serie di piccoli
fori molto distanziati fra loro per mettere
in comunicazione le tre cavità. La soluzione
tende sicuramente a irrobustire
la struttura ma al contempo innesca
riflessioni interne a frequenze molto
alte in seguito all’assenza di materiale
fonoassorbente e anche in concomitanza
con l’interazione della serie di fori e
del volume delle cavità.
88 SUONO febbraio 2016

test RUSSEL K. Red 100
al banco di misura
suonogramma
1 Capacità di analisi del DETTAGLIO.................... 3
2 Messa a fuoco e corposità................................ 2
3 Ricostruzione scenica altezza......................... 0
4 Ricostruzione scenica larghezza................... 2
5 Ricostruzione scenica profondità.................. 1
6 Escursioni micro-dinamiche............................ 2
7 Escursioni macro-dinamiche........................... 2
8 Risposta ai transienti........................................ 2
9 Velocità................................................................ 2
10 Frequenze medie e voci...................................... 3
11 Frequenze alte.................................................... 1
12 Frequenze medio-basse..................................... 2
13 Frequenze basse.................................................. 1
14 Timbrica................................................................ 2
15 Coerenza............................................................... 2
16 Contenuto di armoniche................................... 2
La risposta in frequenza denota una marcata interazione
delle risonanze interne al mobile e l’emissione della
membrana del woofer. l’andamento oltre a non essere
particolarmente lineare (presentando un avvallamento
in gamma media caratterizzato dall’emissione del woofer)
è condizionato anche da due emissioni di elevata
intensità collocate intorno a 200, 300 e 750 Hz che hanno
riscontro anche nella curva dell’impedenza.
Le risonanze fuoriescono a livelli significativi anche
dal condotto di accordo posto nella cavità in basso.
All’estremo superiore si nota una marcata irregolarità
dell’emissione a circa 8.500 Hz anch’essa con un riscontro
sulla curva di impedenza dell’altoparlante che, tuttavia,
presenta un modulo costante compensato all’estremo
superiore e una risonanza a circa 1200 hz, collocata abbastanza
lontana dalla frequenza di incrocio.
accordarglisi pienamente, in
quanto esalta i limiti dei Russell
K., segnatamente dal punto
di vista dell’estensione e potenza
in basso o di una certa grana
sugli alti, aspetti che con prodotti
di maggior costo e qualità
(vedi i “sempreverdi” Pass rispetto
allo Yamaha), sono assai
meno marcati.
L’aspetto un po’ retrò nella
versione legno, più audace in
quella laccata con frontale rosso
e corpo nero, è certamente
un elemento distintivo per originalità
e ha, al tempo stesso,
radici ben piantate nel passato;
a ben vedere riflette il carattere
sonoro che se non ne fa il diffusore
più corretto nel timbro,
dinamicamente potente o dalla
ricostruzione scenica gigantesca,
ha dalla sua trasparenza
e naturalezza, piacevolezza e
Anche il modulo dell’impedenza del woofer evidenzia
una compensazione dell’induttanza della bobina mobile
con un lieve innalzamento al crescere della frequenza,
comunque molto contenuto. Ciò ha favorito il costruttore
nella scelta di filtri con un minor numero di componenti,
in particolar modo quelli dedicati alla compensazione.
Infatti, sulla linea del woofer è utilizzato un solo induttore
e una rete RLC, mentre sulla linea del tweeter è applicata
una cella del secondo ordine e comunque una rete RC
di compensazione.
L’impedenza complessiva, anche se decisamente poco
lineare, non scende al di sotto dei 7 Ohm nella banda utile,
ad eccezione dei circa 3 Ohm a 20 kHz e non costituisce un
carico difficile da interfacciare, in considerazione di una
sensibilità non eccessivamente bassa e della mancanza di
partitori resistivi di attenuazione sulla linea del tweeter.
definizione che non possono
lasciare indifferenti e che colpiscono
per una sorta di “bellezza
originale”. Il prezzo, infine,
considerando anche la sterlina
in perenne salita sull’euro, non
appare scandalosamente alto,
specie se lo si confronta con
quello di tanti conterranei, tra
i più celebrati, tutti discendenti
di quel marchio di fabbrica costituito
dai progetti BBC.
Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da
-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed
esprime la congruità della prestazione con prodotti
analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo.
il voto della redazione
Costruzione ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Impostazione economica ma con soluzioni mirate
sia all’ottimizzazione che all’ottenimento di
obiettivi molto precisi.
banco di misura ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■
La risposta è fortemente caratterizzata dagli
effetti collaterali delle soluzioni adottate.
Versatilità ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Buona abbinabilità con varie amplificazioni,
preferibilmente quelle con adeguata potenza,
e pochi limiti nel posizionamento in ambiente.
Ascolto
■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■
Una verve inaspettata per la scuola inglese che
fa dimenticare qualche caratterizzazione, per
altro in linea con il progetto originale.
fatt. concretezza ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Valutazione riferita al personaggio più che
all’azienda che muove i suoi primi passi. Tutto
in divenire...
qualità/prezzo ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■
Un giusto equilibrio tra echi del passato e possibilità
del presente con una realizzazione che
beneficia di costi di produzione ridotti.
I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza
dell’apparecchio. Il fattore di concretezza
rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del
prodotto, del marchio e del distributore.
SUONO febbraio 2016 89

selector
di Carlo D’Ottavi
I grandi dischi dell’età dell’oro di RCA
Verso la metà degli anni
Cinquanta del secolo
scorso viene definita la
tecnica di registrazione stereofonica
che richiede, per la sua fruizione
a livello domestico, l’utilizzo di
sistemi ad alta fedeltà a due canali.
Un sistema audio di qualità costava
molto anche allora, figurarsi un
sistema a due canali che richiedeva
il raddoppio di amplificatori e
diffusori, oltre che nuovi fonorilevatori
con un diverso cavo fono!
Per questo motivo i destinatari dei
primi dischi stereofonici – quasi
esclusivamente incisioni di musica
classica e, in particolare, del
genere sinfonico, che valorizzava
appieno il potenziale del nuovo
formato – furono pochi e benestanti
appassionati dal fine palato
musicale e audiofilo. Tra le case
che più si distinsero in quest’epoca
rientra sicuramente la RCA
con i dischi della serie LSC, tutti di
grande qualità artistica e sonora.
Il periodo d’oro è quello che va dal
1958 al 1965. La cosa buffa è che
la qualità sonora di questi dischi
andava ben oltre le potenzialità
dei sistemi audio del tempo. Per
questo motivo non vennero particolarmente
apprezzati per l’aspetto
strettamente audiofilo più
di quanto non lo fossero altre produzioni
della concorrenza meno
curate. Dopo il 1965 la serie LSC
esce dal catalogo RCA; la produzione
di dischi di musica classica
della casa americana proseguirà,
spesso con i migliori artisti in circolazione,
ma la qualità dei dischi,
dal punto di vista delle registrazioni,
andrà progressivamente calando.
Una corsa al ribasso spinta
dalla crescita esponenziale delle
vendite di dischi 33 giri in campo
pop e rock, fino a poco tempo
prima legati molto più al formato
45 giri. Il volume d’affari possibile
con il pop si dimostra ovviamente
di altre dimensioni rispetto a quello
realizzabile con la classica o il
jazz; per questo motivo le etichette,
talvolta anche major come la
RCA, adeguarono ben presto tutti
i propri generi allo standard pop.
Si dice che il tempo è galantuomo
e forse è vero almeno per quei
dischi capostipiti della stereofonia
come gli RCA LSC. In piena
ascesa del digitale gli appassionati
analogici hanno riscoperto alcuni
dischi in vinile di quella che è stata
chiamata a posteriori “The Golden
Age”; ormai da tempo fuori catalogo,
si potevano trovare ancora
in qualche scaffale di piccoli rivenditori,
soprattutto negli USA
e a Londra. Una volta esplosa la
riscoperta, grazie anche alla rivista
americana “The Absolute Sound”
e il suo mentore, H. Pearson, ci fu
una specie di corsa all’accaparramento,
a volte compulsivo a volte
dettato dal business del collezionismo,
delle prime stampe originali
di questi dischi, che oggi sono
dunque scomparsi definitivamente
dai negozi. Chi li ha o se li tiene
ben stretti o li vende a carissimo
prezzo, spesso anche esagerato. Se
le quotazioni dei vinili originali di
RCA LSC, così come quelle dei
Mercury SR, li rendono praticamente
intoccabili, per nostra fortuna
sono intervenute negli ultimi
tempo alcune piccole ditte che si
sono incaricate di recuperare, là
dove possibile, i nastri originali di
quei dischi, per ristamparne nuovi
in vinile pregiato e con copertine il
più fedele possibile agli originali.
Subito si è presentato il problema,
prima di tutto filosofico, della
fedeltà sonora delle ristampe,
LSC - 1934
Bartok Concerto per
Orchestra
Reiner/ Chicago SO
tenendo anche presente le ben
maggiori possibilità di riproduzione
dei giradischi attuali. Le rimasterizzazioni
sono qualcosa di
affascinante e, specie nella musica
pop, possono avere un senso laddove
vi sia anche l’approvazione
dell’artista, creatore dell’opera
Un suono naturale e rilassante, non appariscente; aggettivo,
quest’ultimo, che fa riferimento alle recensioni del disco originale,
probabilmente legato a certe interpretazioni stile tour
de force che alcuni direttori, anche di grande livello, hanno
dato di questa pagina bartokiana, per non parlare delle registrazioni digitali ugualmente
spettacolarizzate a forza. Se si ascolta questo lavoro dal vivo ci si accorgerà benissimo
come non ci sia alcun bisogno di tali enfatizzazioni. Al punto che anche la ristampa AP
appare molto più vicina al reale di quanto non facciano tanti presunti dischi audiophile.
Il rilassante fa riferimento ai movimenti centrali nei quali dominano l’ironia e la mestizia,
mentre la conclusione è letteralmente un immaginario volo sopra la pianura ungherese, con
richiami alle melodie di quelle terre ormai lontane per il compositore esule in una New York
e un’America mai del tutto amata (siamo nei tremendi anni Quaranta del ventesimo secolo).
originale. Quando, però, si tratta
di dischi così lontani, dove è assai
improbabile che musicisti e compositori
siano ancora vivi, l’argomento
diventa ancor più delicato
e arbitrario. In alcuni casi, però,
ci si è potuti avvalere dei tecnici
e ingegneri del suono dell’epoca
per avere una testimonianza concreta
sul suono reale di quelle orchestre,
in quelle sale da concerto,
con quegli esecutori. In tal caso è
giustificato il tentativo di migliorare,
senza stravolgere, il suono da
trasferire su vinile, anche in virtù
del superiore potenziale nella
stampa, a tiratura limitata, di cui
sono in grado alcune piccole ditte
coinvolte in questa impresa.
È certamente il caso della Analogue
Productions che, tra gli altri,
ha puntato da tempo le sue attenzioni
proprio ai dischi RCA LSC.
Della Living Stereo Classic la Analogue
Productions ha nel tempo
pubblicato 25 titoli che comprendono
alcuni dei dischi originali più
quotati. Tutta la produzione, replicata
anche in SACD, fa ricorso a
stampe su vinile originale da 200
grammi realizzati presso la Quality
Record Pressing di Salina negli
USA. Si sono mantenute le qualità
soniche tipiche di quei dischi,
caratteristiche che distinguono
piuttosto chiaramente la diversa
filosofia sonora degli RCA LSC
rispetto, ad esempio, alla “rivale”
Mercury SR. La forza commer-
90 SUONO febbraio 2016

Amato mio LP
ciale di RCA le permise in quegli
anni di impiegare le migliori orchestre,
grandi direttori e solisti e
tecnici del suono. Se non bastasse,
gli accordi con altre grandi label,
come la Decca, permisero a RCA
di usufruire anche di alcuni tra i
più grandi ingegneri del suono
come K. Wilkinson.
Ma cosa hanno di speciale questi
dischi RCA serie LSC? In generale
sembra di assistere a un concerto
dalla decima fila dell’auditorium:
il suono, dunque, non è diretto,
squillante e vivace come nei migliori
Mercury ma, in compenso,
sono ariosi, eterei e concreti allo
stesso tempo. Alcuni li definiscono
sensuali. Meno diretti dei
Mercury, non sono comunque
asettici, cercando di conquistare
l’ascoltatore più con il cuore
che con il cervello. Per esempio
il violino solista, pensiamo ad
Heifetz, Sibelius o Szeryngs nella
Sinfonia Spagnola di Lalo, risulta
lucido, avvolgente, fa sognare, è
vivo, davvero capace di toccare
tutte le corde sentimentali. In un
Mercury tutto appare più diretto,
corposo e scattante. Come in ogni
tipica questione audiofila a volte
si fa preferire l’interpretazione di
LSC-2111
Debussy La Mer/ Ibert Escales
Munch/ Boston SO
Principali elementi caratterizzanti sono la dinamica e l’ampiezza del soundstage.
L’ascolto della versione AP conferma una larghezza e pienezza della scena che fa
veramente scomparire i diffusori, anche da pavimento (come nel nostro caso);
sono soprattutto gli archi a farsi onore con il loro timbro distintivo, occupando
a tutta larghezza la sala. In fatto di dinamica Mercury faceva forse meglio ma al
costo di qualche asprezza e lucidità di troppo. Se poi pensiamo che siamo nel
1958, è tutto veramente impressionante.
LSC-2471
Rapsodie di Liszt ed Enescu
Stokowsky/ RCA SO
un tipo, altre volte l’altra visione,
ma entrambe risultano particolarmente
affascinanti e legittime.
Uno dei maggiori punti di forza
dei dischi RCA è nella riproduzione
degli archi, dai violini ai
contrabbassi. L’immagine è ampia
e si estende ben al di qua dei
diffusori, con un suono generale
morbido ma, al contempo, nitido
al punto da distinguere facilmente
le varie famiglie di archi sia per
timbro che per posizione sul palco.
Distinzione e insieme riempiono
la sala d’ascolto di vibrazioni e fremiti
come poche altre volte capita
di ascoltare. Fiati e percussioni
mantengono quella prospettiva
arretrata, proprio come dal vivo.
Rispetto a quanto siamo abituati
ad ascoltare nelle registrazioni più
spettacolari il risultato di questa
scelta tecnica si traduce in suoni
meno aggressivi e in una dinamica
leggermente ammorbidita.
L’impatto non è dunque dei più
violenti e, per esempio, la Sagra
della Primavera di Stravinsky
sarà più convincente ed esaltante
in una registrazione digitale. Ma
la correttezza timbrica e il fascino
complessivo dei dischi RCA fa sì
che quello che forse manca si lasci
Suono incredibile per la sua maestosità: c’è
apprezzamento unanime per la bellezza delle
grandi ondate musicali che si riversano nella sala
d’ascolto. In questo caso diciamo che la Analogue
Productions ha potuto giocare facile data la bellezza del programma; l’istinto del
direttore è stato quello di rendere queste pagine, specie quelle di Liszt, ancor più
trascinanti, con trattenute e accelerazioni che non possono che attirare sia il neofita
che l’esperto conoscitore di queste musiche. La registrazione, soprattutto, conferma
le parole entusiastiche dedicate alla prima stampa originale di questo disco. C’è poi
talmente tanta finezza e delicatezza nei timbri e nei suoni dei vari strumenti che mai,
neppure nei passaggi più complessi, si ha l’impressione di forzature e aggressività.
Una vera goduria.
facilmente immaginare senza far
soffrire l’ascoltatore. Tra i titoli più
interessanti della serie Analogue
Productions dedicati ai dischi
RCA dell’età dell’oro abbiamo testato
l’AAPC 1934 con Fritz Reiner
alla testa della Chicago Symphony
Orchestra, che eseguono il
Concerto per Orchestra di Bela
Bartók, l’AAPC 2111 con Munch
e la Boston Symphony Orchestra,
dedicato al tema del mare e con
La Mer di Claude Debussy come
titolo principale e, infine, l’AAPC
2471 con Stokowsky e la RCA Victory
Orchestra, che esegue alcune
Rapsodie di Liszt ed Enesco.
Come tutti gli altri dischi della serie
AP si possono facilmente trovare
da Sound and Music a prezzi
tutto sommato ragionevoli, certo
lontani dai prezzi da collezione
degli originali che, in quanto tali,
hanno un altissimo valore; queste
ristampe, però, musicalmente
parlando non sono da meno e possiedono
il vantaggio della silenziosità
dei dischi nuovi, fatti con le
tecnologie e l’accuratezza migliori
possibile, pur rispettandone le
splendide caratteristiche sonore
che hanno fatto grandi i dischi di
quel periodo.
pillole
Roger Waters
Amused to Death
Analogue Productions – 2 LP 200 g
Terzo album solista
dell’anima dei Pink
Floyd, l’artista ci
racconta come i
media, televisione
in particolare, abbiano
condizionato le ultime generazioni;
non a caso in copertina troviamo
un bambino ipnotizzato da uno
schermo televisivo. È il vero
successore di The Wall.
Air
Moon Safari
Parlophone Records – 1 LP 180 g
Acclamato debutto,
1998, del duo
electro postmoderno
francese. Fu
originariamente
registrato su un Fostex D80 mentre
gli archi furono arrangiati dalla
leggenda della musica David
Whitaker presso gli studi Abbey
Road a Londra. Analogico nell’anima.
Miles Davis
Vol. 1
Blue Note Records – 1 LP Mono Standard
Primo di due volumi
con i quali la Blue
Note presentava un
giovanissimo Davis
accompagnato da
due quintetti di spicco. Registrato tra
il 1952 e il 1953, Davis reinterpreta
classici in chiave Hard Bop
mostrando la via ai suoi epigoni
prima della svolta di Kind of Blue.
Bill Evans
Trio 64
Verve – 1 LP Standard
Evans al piano con
Gary Peacock al
basso e Paul Motian
alla batteria.
Semplice, elegante
e democratico, in questo disco si
trova il più grande virtuoso del piano
jazz della sua generazione dialogare
con i suoi compagni in un modo
che avrebbe stabilito un criterio
standard del jazz.
SUONO febbraio 2016 91

selector
a cura di Tito Gray de Cristoforis
Lunga vita al Costanzi
Con l’andata in scena della
quindicesima e ultima replica
de Lo schiaccianoci per la coreografia
di Giuliano Peparini
(nella foto) si abbatte un record
assoluto per le produzioni
di balletto nella storia del
Teatro dell’Opera di Roma. La
produzione, infatti, ha segnato
il tutto esaurito dalla prima
all’ultima rappresentazione,
nessuna esclusa, con oltre
900.000 euro di incasso e più
di 20.000 spettatori. Secondo
il Sovrintendente Carlo Fuortes
“Il nuovo allestimento de
Lo schiaccianoci è stata una
scommessa che il Teatro ha
vinto. La forza di questa produzione
è nella pluralità stilistica
e la grande capacità di
parlare a pubblici diversi, incuriosire
e portare in sala i più
giovani. Il Teatro crede nella
danza, nel suo Corpo di Ballo e
nel suo futuro. Per questo vorrei
ringraziare la Direttrice
Eleonora Abbagnato, i Primi
Ballerini, i Solisti e il Corpo di
Ballo per il grande impegno e
il lavoro che stanno facendo”.
L’Orchestra, i Primi Ballerini,
i Solisti e il Corpo di Ballo del
Teatro dell’Opera di Roma
possono andare fieri di questo
successo; il teatro, come è
facile ricordare pensando solo
a quello che succedeva un anno
fa, è un organismo fragile, ancora
convalescente. Questa
produzione potrebbe segnare
una svolta nel rapporto fra il
Costanzi e Roma.
Va detto che le condizioni erano
sicuramente favorevoli: Lo
schiacchianoci è una scelta tipica
– e particolarmente poco
originale – per il periodo natalizio.
Inoltre la partecipazione
di un coreografo di fama internazionale
come Peparini e di
uno dei più importanti direttori
per balletto, David Coleman,
avrà sicuramente attirato
il pubblico straniero presente
a Roma in occasione del giubileo.
Ma quali che siano i motivi
del successo di questa produzione
il risultato non cambia: il
Costanzi non è morto, è ancora
in grado di dare un servizio
alla città e di farlo al meglio. Il
prossimo appuntamento della
Stagione di Balletto 2015 - 16
Giuliano Peparini
del Teatro dell’Opera di Roma
è con Grandi Coreografi: Balanchine,
Millepied, Forsythe,
Nureyev dal 26 febbraio al 2
marzo 2016.
Minore delle maggiori o
maggiore delle minori?
Les pêcheurs de perles (I pescatori
di perle), opera lirica in tre
atti di Georges Bizet su un libret-
92
SUONO febbraio 2016

Secondo noi la classica
to di Michel Carré ed Eugène
Cormon, non è certo uno degli
spettacoli più frequenti sui cartelloni
dei grandi teatri. L’Opera
di Firenze non si è lasciata scoraggiare
dalla tiepida reputazione
dell’opera francese e ha deciso
di rappresentarla dal 24 al 28
febbraio, in un allestimento del
Teatro Verdi di Trieste.
I pescatori di perle non gode
certo della fama delle sue sorelle
maggiori (Carmen e L’Arlesienne)
ma, pur non essendo
considerata uno dei capolavori
di Bizet, è un’opera dall’indubbio
valore artistico; il libretto,
ambientato a Ceylon, fu proposto
a Bizet da Léon Carvalho,
impresario dell’indipendente
Théâtre Lyrique di Parigi, nel
1862. Nonostante l’intreccio
fosse male architettato e i
versi del libretto non fossero
di grande qualità il compositore
accettò l’incarico e, il 30
settembre dell’anno successivo,
l’opera andò in scena nel
teatro di Carvalho, riscuotendo
un buon successo. La
critica parigina commentò
positivamente la prima de Les
pêcheurs de perles sebbene
diverse testate insinuarono
che in sala ci fosse una nutrita
claque piazzata strategicamente
in platea dallo stesso
Bizet, e che le chiamate sul
palco al compositore non fossero
affatto genuine ma merito
esclusivo della partigianeria
che si era portato appresso. Ad
ogni modo, l’opera rimase in
cartellone al Théâtre Lyrique
con 18 rappresentazioni fino
al 1863; dopodiché non venne
più rappresentata fino a quando,
nel 1886, dopo la morte di
Bizet, non ci fu la prima esecuzione
italiana alla Scala. Da
allora Les pêcheurs de perles
entrò a far parte del repertorio,
seguendo più in piccolo lo
stesso destino della Carmen e
venendo spesso rappresentata
nella traduzione italiana e con
un gran finale composto per la
versione scaligera. A Firenze
va in scena il testo originale di
Bizet con l’Orchestra e il Coro
del Maggio Musicale Fiorentino
e un cast internazionale che
comprende Eva Mei e Ekaterina
Sadovnikova nel ruolo di
Leïla, la protagonista femminile,
Francesco Demuro e Jesus
Il tempo è galatuomo?
È una delle più famose violiniste europee,
un’interprete poliedrica il cui
repertorio spazia dal barocco al pieno
Novecento. È stata anche la protagonista
di un famoso caso editoriale quando,
nel 2005, i download da iTunes del
suo primo disco – contenente le Quattro
Stagioni di Vivaldi – superarono di
gran lunga tutti i record di ascolti per
un disco di una semisconosciuta violinista
classica. È Janine Jansen, e suona
uno Stradivari Barrere del 1727.
La giovane violinista olandese, che ha
un contratto in esclusiva con la Decca,
pubblica ora il suo nuovo disco, contenente
il Concerto per violino op. 77 di
Brahms e il Concerto per violino e orchestra
n. 1 di Bartòk, due fra le più importanti
pagine della musica per violino.
In particolare, il Concerto di Brahms è
sempre stato una pietra di paragone
per i violinisti che intendono praticare
il grande repertorio; scritto nel 1878, il
Concerto venne dedicato da Brahms al
grande violinista Joseph Joachim, che
aiutò il compositore nella stesura della
parte di violino e che fu l’interprete della
prima esecuzione a Lipsia nel 1879. Il
concerto di Brahms nacque con la precisa
intenzione di essere un punto di
svolta nella scrittura violinistica, sino a
quel momento dominata dal concerto
di Beethoven; l’autore si rivolse a Joachim
durante la stesura dell’opera per
avere i suoi autorevoli pareri in materia
strumentale. Lo sforzo congiunto
dei due portò alla creazione di questo
concerto che, sebbene fosse stato giudicato
tecnicamente ineseguibile per
un violinista vivente, divenne subito
un pezzo di fondamentale riferimento
per il violinismo romantico.
Ben diverso dalla profonda intesa artistica
che legò Brahms a Joachim fu il
rapporto fra Bartók e Stefi Geyer, la dedicataria
del secondo concerto per violino
del compositore ungherese. Nel
1908 Bartók, profondamente innamorato
della Geyer, le consegnò l’opera in
segno del suo affetto; tuttavia la Geyer,
non ricambiando il sentimento del
compositore, rifiutò la partitura, che
restò chiusa in un cassetto sino a molti
anni dopo la morte di Bartók, avvenuta
nel 1945. Il concerto fu pubblicato col
nome di Concerto per violino e orchestra
n. 1 op. postuma solo nel 1959,
sebbene fosse stato riesumato per la
prima esecuzione l’anno precedente.
Strutturato in forma di rapsodia in due
movimenti (lento – veloce), il concerto
Leon come Nadir e Luca Grassi
e Stefano Antonucci come Zurga,
i protagonisti maschili; dirige
Ryan McAdams.
è presto diventato un passo obbligato
per comprendere l’opera di Bartók
e in generale il solismo nel Novecento
storico, soprattutto dopo la prima storica
incisione a opera di David Oistrakh.
Il tempo, i gusti e la fama separano
talmente la Jansen da Oistrakh che un
confronto fra le due esecuzioni non sarebbe
possibile neanche volendo.
Certo è che la violinista olandese ci
regala una pagina godibilissima, in
cui il dialogo fra il solista e l’orchestra
è reso possibile anche dall’Orchestra
dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia
e dalla London Symphony Orchestra
dirette da Antonio Pappano, che la
accompagnano passo passo nella sua
personale ricerca sonora su queste due
grandi pagine.

selector
di Bruno Re
La musica si ascolta…
ma si vede anche!
La possibilità di vedere le interpretazioni dal vivo dà nuove emozioni, amplifica l’ascolto, si traduce
in un modo per condividere quella meravigliosa esperienza che si chiama “suonare”.
Il discorso è valido per la musica da camera, certo, ma soprattutto per i grandi complessi orchestrali: poter vedere gli input che un direttore
riesce a trasmettere a tutta l’orchestra è, a mio avviso, impagabile! Le performance di una grande orchestra, soprattutto se famosa e quindi
con un carnet di impegni nutritissimo, sono nella maggior parte dei casi molto “routinières”: considerate che a fronte di un’ora e mezza/due di
concerto (media per tutte le formazioni, con poche eccezioni), il direttore ha a disposizione mediamente quindici ore di prove, se va bene. Davvero
pochine se si vuole lavorare di fino. In una mia passata intervista il violoncellista responsabile dei celeberrimi Wiener Philharmoniker mi ha candidamente
confessato: “In orchestra siamo tanti, il direttore è uno. Secondo lei chi vince tra i due?”. Capirete, quindi, di quale statura musicale un
direttore abbia bisogno per imporre la sua visione (interpretazione) della musica. È per questo che abbiamo deciso di presentarvi per primo Sir Roger
Norrington, direttore che fa storcere la bocca a molti ma che, se visto a lavoro, lascia a bocca aperta. Avremo modo di spiegarvi il perché in seguito...
I vantaggi dei video live non si esauriscono qui. Le registrazioni discografiche di molti blasonati solisti non sono certo esenti dai famigerati
“tagli”; col digitale, oggi, tutto è possibile, o quasi. Due notine fuori posto? Niente paura, una paio di “francobolli” appiccicati ad arte dei
maghi dell’editing risolvono tutti i problemi. Live è invece sinonimo di risultati reali, privi di artifizi, senza possibilità di replicare quanto
fatto. Onore al merito di chi supera la prova proponendo risultati di grande rilievo. Intendiamoci: non ci si deve mettere a cercare il pelo
nell’uovo con la lente di ingrandimento. Questo è il metodo più sbagliato che si possa immaginare per approcciarsi a un’interpretazione. Si
deve ricercare la coerenza del discorso musicale, lo svolgimento della frase, la presentazione al pubblico del materiale musicale. Anche io
posso declamare una poesia in pubblico in un italiano “pulito” e senza sbagliare la pronuncia nonostante le mie orgogliosamente vantate
ascendenze romane. Di certo, però, il mio risultato sarà di gran lunga inferiore (e voglio essere ottimista!) a quello di un Albertazzi o di un
Foà. Come vedete il discorso è un po’ complesso. Non vi preoccupate, lo riprenderemo in seguito...
ASSOLUTAMENTE DA NON PERDERE
BEETHOVEN
https://www.youtube.com/watch?v=MRyzOVLq2BE
La Primavera
Isabelle Faust, Alexander Melnikov
Durata 23 m 06 s
Siamo di fronte a un CD premiato dalla rivista francese “Diapason”
con il Diapason d’or nel 2012. A un primo ascolto si rimane incantati
dalla coerenza del discorso musicale, dai dettagli perfetti. Chapeau!
Non è facile sentire tanta sensibilità da parte di strumenti moderni!
Perché, ovviamente, qui non siamo di fronte a un’esecuzione “filologica”. Il timbro del pianoforte parla con accento Steinway o Boesendorfer, quello del violino parla di corde
in metallo nonostante sia un autentico Stradivari (ovviamente montato alla moderna). Non siamo certo di fronte a quegli strumenti di “transizione” (montati originali o copie
che dir si voglia) che queste pagine richiederebbero. Ma quanta grazia, quanta sapienza nel dosare il suono! Raro sentire dei veri “piano” con strumenti moderni: oggi tutti
tendono a strillare a più non posso, alla faccia della musica che hanno davanti sul leggio! E la celeberrima sonata beethoveniana è un capolavoro di detto e non detto, di mezze
tinte e chiaroscuri che solo i più raffinati sanno cogliere. Proprio come la stagione foriera dell’esplosione estiva che dà il titolo a questa meravigliosa sonata. Ovviamente i
miei colleghi “puristi della filologia” troveranno qualche dettaglio fuori posto in questa lettura, soprattutto negli ultimi due movimenti. Non date retta, loro di certo non sanno
fare di meglio. Ancora tanto di cappello di fronte a questi due giovani artisti che incantano con la loro poesia. E cos’è la Musica se non Poesia?
94 SUONO febbraio 2016

Secondo noi la classica
HAYDN
https://www.youtube.com/watch?v=GR5F0nAYFXU
Le Stagioni
Solisti di canto: Haydn Society of Boston dir: Norrington
Durata 2h 35m 53s
Sontuosa produzione targata BBC Proms, Oedipus Coloneus.
Video realizzato in occasione di un concerto pubblico tenuto
in una grande sala non specificata nelle note di copertina. Una
produzione che certo non ha lesinato sulla massa orchestrale
e corale, sui solisti e sul direttore. Le Stagioni è un Oratorio profano concepito da Haydn negli ultimi anni della sua attività, sul solco dei grandi Oratori haendeliani.
Ricordo che, dopo la musica di Palestrina salvaguardata dalla Santa Romana Chiesa, il Messiah è stata la prima opera a essere stata regolarmente
eseguita per tutto il Settecento, anche dopo la morte dell’autore. A cavallo tra il Settecento e l’Ottocento la musica apprezzata era ancora solamente quella
contemporanea (le beffe del destino!); la riscoperta della musica antica avverrà buoni trent’anni più tardi. È quindi evidente che il vecchio Haydn, che nella sua
lunga vita aveva già sperimentato tutti i generi musicali, sia stato irresistibilmente attratto dall’Oratorio: grandiosi affreschi uniti da un filo rosso (una storia,
un argomento, sacro o profano che sia) che si dipanano tra ampie pagine orchestrali, recitativi e arie accompagnate per lo più dall’orchestra. Un’attendibile
ricostruzione storica degli Oratori di Haydn pone oggettivi problemi di strumentazione: strumenti barocchi o moderni? Qui i bostoniani mettono in campo
quanto di meglio la ricerca organologica ha scoperto fino ad ora: corni naturali, oboi, clarinetti e fagotti “di transizione” (con poche chiavi), oltre all’immancabile
fortepiano, accordatura con il la = 430 Hz.
Dopo i dettagli mi sembra doveroso passare al vero protagonista, Sir Roger Norrington. Il baronetto è passato all’onore delle cronache per la sua integrale delle
Sinfonie beethoveniane, eseguite rispettando i metronomi originali (il metronomo fu brevettato da Mälzel nel 1816). Un’operazione niente affatto gradita dalla
maggior parte dei nostri contemporanei, direttori o meno. Tempi troppo veloci rispetto a quelli ai quali siamo abituati (sic!). Ma li ha scritti lo stesso Beethoven,
di suo pugno, e lui il metronomo l’aveva appena conosciuto e apprezzato! Avremo modo di parlare di questo nei prossimi numeri. Per farla breve, Norrington
ha approfittato di questa esperienza per presentare uno stile di direzione molto essenziale, quasi minimalista. Non gesticola come un forsennato neanche nei
passaggi più veloci, triste spettacolo al quale ci hanno abituato troppi direttori, ma scandisce serafico il “tactus”, la pulsazione base del ritmo, come si conviene
a questa musica. Non dubitate, chi suona in orchestra sa benissimo come andare a tempo anche senza un mulino a vento davanti e i bostoniani sono svegli e
raffinati. Il risultato è sorprendete: una frase fluida, scorrevole, che accarezza le orecchie. Godetevi, ad esempio, lo splendo ternario (in realtà è un tempo composto,
ma non voglio andare sul difficile... ) che inizia circa a 1h 58 m: pura libidine! Bravissimi tutti, coro e orchestra, ma soprattutto guardate lui, Norrington.
Gesti essenziali, calati nella musica, che farebbero danzare anche le sedie della vostra cucina! La prestazione davvero eccellente dei cantanti solisti è la ciliegina
sulla torta che rende piena giustizia a questo sublime capolavoro haydniano. Provare per credere! Per quanti non lo conoscono sarà un’esperienza davvero
entusiasmante!
SCHUBERT
https://www.youtube.com/watch?v=O52r9_bXWBw
Ottetto
Janine Jansen “e i suoi amici”
Durata 1h 06m 13s
Quando i Conti erano anche mecenati oltre che “nobili amatori”
della musica! Correva l’anno 1824 e il Conte Ferdinand
Troyer, clarinettista “amatore”, commissionò a Schubert questo
Ottetto (quintetto d’archi con contrabbasso, clarinetto, fagotto
e corno). Lo scopo evidente era quello di avere buona musica da suonare con i suoi amici mantenendo un ruolo di primo piano. La struttura è molto classica:
gli archi sono contrapposti ai fiati, tra i quali il clarinetto ha una parte di notevole rilievo. Risultato: una piccola orchestra da camera, assai gestibile e in grado
di proporre risultati musicali più che piacevoli, nella quale i due gruppi strumentali dialogano amenamente tra di loro guidati per lo più dalle loro prime parti,
primo violino e clarinetto, per l’appunto. Le grandi dimensioni di questo lavoro schubertiano (guardate il minutaggio, decisamente inusuale per un lavoro
cameristico) sono ampiamente giustificate dai suoi contenuti: sei ampi movimenti che propongono tutta la tavolozza di colori ed emozioni che faceva vibrare
la gaudente Vienna del primo ’800.
Decisamente di ottimo livello questa ripresa live della Avrotros Klassiek ambientata in un concerto dal vivo del Festival di Utrecht di quest’anno. Sulla scena
troviamo Janine Jansen “e i suoi amici” (sic!). La Jansen è una violinista olandese emergente che ha già mietuto successi come solista sui più prestigiosi palcoscenici
del mondo con importanti orchestre e direttori, ma che ama molto il repertorio cameristico. Onore al merito! È nella musica da camera, ben più che
nei grandi lavori con orchestra, che si apprezzano le doti di raffinatezza musicale e di eleganza dello stile. E qui la Jansen non si risparmia, incantandoci con la
sua bravura di camerista e di concertatrice. Di pari livello i suoi “amici”, anch’essi veri virtuosi dei loro strumenti oltre che ottimi musicisti. L’intesa è eccellente,
come confermato dagli sguardi che l’intelligente regia coglie spesso, e la musica scorre via veloce con un fraseggio agile e raffinato. Davvero un bel concerto!
La ripresa del suono è multi-microfonica (come si può ben constatare dal video) ma molto equilibrata e naturale.
SUONO febbraio 2016 95

selector
di Tito Gray de Cristoforis
Un baule e il suo quartetto
Il 22 giugno 1943 la giovane Elisa Pegreffi, dopo aver terminato gli studi all’Accademia di Santa Cecilia di Roma, salì su
un treno alla stazione Termini per tornare a casa, a Novellara. Portava con sé un baule che, probabilmente, conteneva
tutti i suoi effetti personali che andavano portati via dalla capitale. Dovevano stare, come la loro proprietaria, al sicuro.
Elisa Pegreffi, secondo
violino del Quartetto
Italiano e moglie di
Paolo Borciani, è morta a Milano
agli inizi di questo nuovo
anno; aveva alle spalle 93 anni
di età e una delle più strabilianti
carriere nella musica da
camera della storia del nostro
Paese. Nata il 10 giugno 1922
a Genova, Elisa Pegreffi incontra
Paolo Borciani all’Accademia
Chigiana di Siena nel
’42; insieme a Franco Rossi e
a Lionello Forzanti cominciano
a studiare il Quartetto di
Debussy, che resterà per sempre
il loro cavallo di battaglia.
Con l’armistizio i quattro sono
costretti a separarsi – chi sui
monti e chi sfollato, come Elisa
– ma, appena finita la guerra,
si cercano per tornare a suonare
insieme. Così nell’estate
del 1945 si trovano a casa di
Borciani, a Reggio Emilia, e
iniziano ad accordarsi: il primo
concerto del Quartetto Italiano
si tiene a Carpi in quello
stesso anno. Il lavoro di ricerca
del Quartetto prosegue a ritmi
serratissimi, anche dopo che
Forzanti lascia il gruppo nel
’47 e viene sostituito da Piero
Farulli. I quattro raggiungono
un’intesa musicale che nessun
altro gruppo aveva mai toccato
in Italia. Diventano, insomma,
una famiglia, una famiglia di
quelle in cui si litiga, si hanno
idee diverse e discussioni accese,
ma sempre una famiglia...
Poi Pegreffi e Borciani mettono
letteralmente su una famiglia,
sposandosi nel gennaio
del ’53; in quello stesso anno
nasce Mario. Nonostante le
difficoltà per tenere unito il
Quartetto, continuano a suonare:
è il piacere di suonare
insieme, derivato dalla consapevolezza
che farlo con le persone
che si ama apre la porta
a un’intimità altrimenti inaccessibile,
a spingerli a perseguire
quella strada che pochi,
forse nessuno, aveva mai intrapreso
in Italia. L’amore per
quella famiglia, per quella musica,
non finisce col Quartetto,
sciolto nel 1980. Elisa e Paolo
hanno conservato tutto il loro
amore e tutta la loro musica,
e l’hanno consegnata a coloro
che li hanno conosciuti, che li
hanno ascoltati, che a loro si
sono ispirati.
Il baule della giovane violinista
oggi è al sicuro, ed è riempito
da quanto di più prezioso Elisa
avesse mai avuto. Il vecchio
baule della nonna Lisa è diventato
un oggetto di scena, il più
amato dalla compagnia di famiglia
Borciani, e contiene la
sua famiglia, suo figlio Mario,
i suoi nipoti e tutta quella tribù
di musicisti, cantanti e attori
che è germinata dalla vita di
Elisa Pegreffi e di suo marito, e
che farà musica e teatro insieme
ancora per molti anni.
96 SUONO settembre 2014

selector
a cura di Daniele Camerlengo
Se son rose…
Sono sicuro che questo nuovo
anno da poco iniziato porterà
numerosi piaceri musicali,
scoperte straordinarie di interpreti
e formazioni, nuovi
luoghi e spazi dove fruire il
jazz ma soprattutto ci invita
a impegnarci nella promozione
e nella diffusione di questo
linguaggio a noi caro cercando
di sostenerlo in ogni modo
e di trasferire alle nuove generazioni
quel fuoco che brucia
dentro noi, ci cambia e rende
migliore la qualità del vivere su
questo nostro martoriato pianeta.
Lodevole l’iniziativa della
selezione nazionale per una
residenza destinata a giovani
jazzisti di età compresa tra 18
e 30 anni da trascorrere presso
l’ambasciata d’Italia a Copenaghen
nel periodo 15 giugno –
15 settembre 2016, nata dalla
collaborazione tra Ambasciata
d’Italia, IIC – Istituto italiano
di Cultura e MIDJ – Associazione
Nazionale di Musicisti di
Jazz, per motivare i giovani
jazzisti italiani verso la realtà
e la scena internazionale
grazie a un processo di scambio
e a un percorso di crescita
professionale e umana. Potete
trovare maggiori info sulle attività
dell’Associazione MIDJ
cliccando questo indirizzo web:
www.musicisti-jazz.it. Qualcuno
direbbe chi ben comincia…
Ospite della rubrica lo scrittore,
critico, insegnante e pianista
jazz Sergio Pasquandrea.
Da oltre dieci anni si occupa di
critica musicale per la rivista
“Jazzit”. Ha collaborato anche
con il “Giornale della musica”,
“Jam Session”(magazine
pubblicato dalla Sidma) e con
i blog “Nazione Indiana”, “La
poesia e lo spirito”, “Jazz nel
pomeriggio”e “World Social
Forum”.
Daniele Camerlengo
Josh Shpak
Astatic
Interrobang Records
Josh Shpak
Cromoestatica
Il futuro è nei gesti e nelle intenzioni
di chi lo sa ascoltare, riempie
i polmoni, stimola l’audacia
compositiva e guida le dinamiche
creative lungo un percorso sconosciuto
ai molti ma che porta a una
destinazione di sublime piacere.
Un debutto che scorre veloce e
sintetizza una saggezza e una
brillantezza che rendono Josh
Shpak un predestinato. Astatic,
licenziato dalla bostoniana Interrobang
Records, è il suo Ep di debutto
e lo ha realizzato mettendo
assieme un collettivo di giovani
talenti che hanno saputo integrare
le loro visioni musicali realizzando
un poderoso intero/sonoro
che vive nella bellezza del cangiante
domani. Le costruzioni
ritmiche di Aaron Liao e Patrick
Simard sono di inaudita
intensità, soggiogano le geniali
sonorità elettroniche ed esaltano
il suono originale e melodico della
tromba di Shpak. Il jazz è spinto
al limiti del proprio potenziale comunicativo
e vive nel complesso
dinamismo degli arrangiamenti.
La copertina realizzata dall’artista
Leigh McCloskey e il
feedback immaginifico delle sei
tracce, favorito dal contributo della
sezione d’archi e dell’armonica
di Roni Eytan,dona meraviglia a
tutto il lavoro discografico.
Felice Clemente & Javier Pérez Forte
songs
Daniele Camerlengo
1 Lazarus
David Bowie
2016
2 Gaïa
Lionel Loueke
2015
3 Tyrannis
No BS! Brass Band
2015
4 I Hate
Luca Nostro Quintet
2015
5 3+2
Sam Sadigursky
2015
6 Quiso
Kenny Wheeler &
John Taylor
2015
7 Novelho
Clare Fischer
2015
8 Proximity
Enrico Pieranunzi
2015
9 The Stalker
Mauro Gioia
2015
10 Push
Roxy Coss
2016
11 The Seeker
David Gilmore
2015
12 Up!
Mack Avenue
SuperBand
2016
13 Farewell
Lucian Ban &
Elevation
2016
14 Soul Provider
Brian Andres & The
Afro-Cuban Jazz
Cartel
2013
15 Enfant
John Zorn
1988
Camminare in versi
Testimoniare un legame di
amicizia fraterna attraverso le
coloriture musicali di due ricchezze
artistiche e strumentali
porta con sé un fascino e una
gioia difficili da descrivere. Dieci
anni di intese, di fusioni sonore,
98 SUONO febbraio 2016

Esperienze in jazz
di poesia d’anima e di melodie
femminee. Il chitarrista Felice
Clemente e il sassofonista/
clarinettista Javier Pérez Forte
hanno voluto celebrare questo
tempo assieme con Evoluciòn,
la loro terza uscita discografica
edita dalla etichetta Crocevia
di Suoni Records. Un disco che
racconta ciò che li ha avvicinati e
come durante il loro percorso di
suoni siano riusciti a identificare
e prendersi cura di uno spazio
di musica dove stili e linguaggi
cercano di abbellirsi vicendevolmente,
dove la scoperta di nuove
possibilità creative rende il loro
camminamento in versi piacevole
e duraturo. Intensità e dialogo
emozionale fanno sì che l’ascolto
delle nove tracce sia uno straordinario
e avvincente respiro
di vite in equilibrio tra ciò che
è stato e l’inaspettato abbraccio
della scoperta.
Battling Siki
suite FOR Battling SIKI
Gaya Music
Piombo e guantoni ribelli
Momenti di vita travagliata che
attraversano il Vecchio Continente
e portano con sé sangue
e speranze; il protagonista di
questo precario nomadismo
è Battling Siki, esponente
della storia della boxe mondiale,
e il contrabbassista Mauro
Gargano ha voluto raccontarlo
con l’album Suite for Battling
Siki, attraverso preziosi suoni e
voluttuosi costrutti compositivi
che provengono dalla sua “voce
di dentro”, quella consapevole
di cosa voglia dire abbracciare e
portare avanti la missione dura
del boxeur. Il Jazz veste i panni
del narratore e lo fa mostrando
tutta la sua cangiante bellezza.
Le fasi salienti della vita del pugile
senegalese vengono scandite
dalle immagini melodiche
e dalle sferzanti idee ritmiche
di una formazione (Jason Palmer
tromba, Ricardo Izquierdo
sax tenore e contralto, Manu
Codjia chitarra, Bojan Z piano
e fender rhodes, Jeff Ballard
batteria) che oltre a mettere su
musica edifica geniali maschere
noir, diversificando i respiri e le
aspettative dei round, grazie anche
alle voci recitanti di Adama
Mauro Gargano
Adepoju e Frederic Pierrot che
fanno rivivere i frammenti di
conversazione in cui l’allenatore
motiva e sprona il suo pugile alla
vittoria finale.
Frutto dell’ispirazione
Da poco ho fatto delle ristrutturazioni
in casa e i lavori hanno
interessato anche la stanza che
uso come studio. E che ci azzecca?,
direte voi. Ci azzecca perché
ho dovuto spostare i dichi,
inscatolarli e poi rimetterli a
posto a lavori conclusi. Ne ho
dunque approfittato per fare
una cernita e dare una bella
sistemata. E ho pensato che il
lavoro del critico musicale ha
i suoi indubbi pro. Il principale
è che si viene in contatto con
tanti musicisti, si entra ai concerti
gratis e si ascolta, sempre
gratis, tanta bellissima musica.
Il contro è che di musica
bellissima, o anche solo bella,
ce n’è tanta, ma proprio tanta:
talmente tanta da riuscire soverchiante.
Per inciso: il jazz
non è affatto in crisi. Anzi, se
una crisi c’è, è una crisi di sovrapproduzione.
C’è molta più
musica – e intendo: buona musica,
spesso ottima musica – di
quanta persino un ascoltatore
professionale come me riesca
a gestire. Figuriamoci il pubblico
di semplici appassionati.
Risultato: la maggior parte di
quella musica passa ignorata.
Non so bene quale possa essere
la soluzione ma il problema
c’è, e secondo me è grave.
Comunque, tutto ciò per dire
che capita, come è capitato a
me, che rimettendo in ordine
gli scaffali ci si imbatta in una
pila di CD dei quali si era rimossa
l’esistenza. Sono i dischi
arrivati, ascoltati magari una
volta (certe volte – lo ammetto
– mezza volta) e messi da parte
perché mi parevano meritevoli
di maggior attenzione. Sono i
buoni propositi, quelli che “appena
ho un attimo lo ascolto
meglio”. A volte l’attimo diventa
settimane, mesi. A volte, sad
but true, anni. Lo so, non è bello
da ammettere, ma per quanto
mi riguarda è un problema di
coscienza. Un disco è frutto di
studio e impegno: i musicisti
hanno impiegato ore per registrarlo,
settimane per le prove,
mesi per trovare lo studio e il
produttore, anni per sviluppare
le proprie abilità e raggiungere
un livello professionale. Liquidare
tutto ciò con un ascolto
distratto mi pare ingiusto. Bisogna
riflettere, riascoltare,
ripensare. E serve tempo, che
spesso non ho. Dunque, quando
l’amico Daniele Camerlengo mi
ha proposto di scrivere questo
pezzo, ho pensato: ecco, è il
momento di rimettere mano a
quella pila ed espiare, almeno
in parte, la dimenticanza. I tre
dischi che seguono non sono
affatto “i migliori”, ammesso
che una simile classifica abbia
senso. Sono semplicemente
quelli che, in quel particolare
momento, mi hanno più ispirato
a scriverne.A posteriori mi
sono reso conto di aver scelto
tre dischi che sono parecchio
distanti da ciò che comunemente
si intende per “jazz” ma
non fraintendiamoci: adoro il
jazz, amo alla follia l’hardbop
e mi piace la musica che mi fa
schioccare le dita e battere il
piede. Però ci sono più cose in
terra (lasciamo perdere il cielo)
di quante possa vederne chi tira
su uno steccato e decide che da
questa parte c’è il jazz, dall’altra
i barbari. Da buon agnostico,
sono convinto che le certezze
assolute somiglino pericolosamente
ai paraocchi. E io, invece,
preferisco avere il campo visivo
il più sgombro possibile.
Sergio Pasquandrea
Dino Betti Van Der Noot
Notes Are But Wind
Stradivarius
Risolvete l’enigma
Cominciamo da Dino Betti
Van Der Noot e dal suo Notes
Are But Wind e cominciamo con
il dire che Dino Betti Van Der
Noot rimane per me un enigma.
SUONO febbraio 2016 99

selector
O meglio, rimane un enigma
come un compositore (compositore
puro, ossia non strumentista:
già per questo una mosca
bianca nel jazz) di tale originalità
e pregnanza espressiva sia
rimasto per molto tempo praticamente
ignorato. Betti, per inciso,
è del 1936, quindi non certo
un esordiente. Dopo un silenzio
discografico più che decennale,
durato per tutti gli anni Novanta,
ha ricominciato a incidere e
ha prodotto alcuni dischi uno
più bello dell’altro, tutti lodati
dalla critica e premiati dalle riviste
di settore. Ma nonostante
ciò non c’è stato, almeno a mia
notizia, uno solo dei maggiori
festival italiani che si sia degnato
di invitarlo. Notes Are But
Wind è un perfetto ritratto della
sua musica. I cinque lunghi
brani che lo compongono (il più
breve sfiora i nove minuti) sono
vere e proprie narrazioni in musica,
nelle quali si fonde un materiale
all’apparenza eterogeneo:
jazz, fusion, echi rock, tecniche
compositive eurocolte, sonorità
etniche (il primo brano ha come
solisti un flauto cinese e un’arpa
celtica), citazioni di canzonette
popolari. Dico “all’apparenza”
perché poi, all’ascolto, risulta
miracolosamente unitario. E
il merito va condiviso fra gli
ottimi solisti – non li cito tutti
per motivi di spazio, né ne cito
solo alcuni per non far torto a
nessuno – e il compositore, che
ha tagliato le partiture su misura
per loro. E torno a pormi la
domanda iniziale: come mai un
compositore di tale originalità e
pregnanza rimane defilato dalla
scena? Forse la risposta è già
contenuta nella domanda.
Fuori da certi giri o fuori giri?
Se vogliamo continuare a parlare
di musicisti fuori da – diciamo
così – certi giri, ebbene
ecco a voi Uomo invisibile,
Odwalla
Uomo invisibile
Autoprodotto
l’ultima creatura auto-prodotta
dagli Odwalla, il gruppo di
percussioni fondato nel 1989
dal musicista eporediese (non è
una malattia genetica, significa
che è di Ivrea) Massimo Barbiero.
Per questo decimo CD
la band accoglie al suo interno
due musicisti africani, più altri
ospiti come il batterista Israel
Varela e ben quattro voci:
Marta raviglia, Gaia Mattiuzzi,
Sabrina Olivieri e Manuel Attanasio.
La musica degli Odwalla
(così come quella dell’altra formazione
storica di Barbiero,
gli Enten Eller) si è sempre
mossa tra vertici distanti: il
jazz, in particolare quello più
orientato verso la ricerca e la
sperimentazione di nuovi linguaggi;
la musica europea contemporanea;
la musica africana.
A questo si è unito un interesse
costante per la performance e in
particolare per la danza. Qui, i
punti di partenza sono due:
Uomo invisibile, il capolavoro
di Ralph Ellison che è una
grande metafora della condizione
esistenziale afroamericana
contemporanea, e le favole, a
loro volta grandi metafore del
reale. Attorno ad essi il gruppo
costruisce sette affreschi sonori
brulicanti di colori cangianti,
(poli)ritmi, voci cantanti e
narranti. E danza, che nel CD
non si vede ma nell’originale,
registrato dal vivo, c’era. Spirito
e terra, intelletto e corpo, senza
soluzioni di continuità...
Per finire in bellezza
Pop Corn Reflections del Rosario
Di Rosa Trio, con il leader
al pianoforte, Paolo Dassi a contrabbasso
ed elettronica e Riccardo
Tosi alla batteria e anche
lui all’elettronica, è composto da
nove brani tutti costruiti su ostinati
ritmici e serie melodiche, al
Rosario Di Rosa
Rosario Di Rosa Trio
Pop Corn Reflections
Nau
di fuori di quella che è la logica
improvvisativa corrente in un
gruppo jazz, vale a dire l’improvvisazione
su chorus armonico.
Qui, piuttosto, siamo nei pressi
dell’elettronica, o del minimalismo
(uno dei pezzi è esplicitamente
dedicato a Steve Reich),
o del serialismo (un altro brano
è basato su uno dei Klavierstücke
Op. 19 di Arnold Schoenberg).
Ognuno dei pezzi parte da un’idea
compositiva – per lo più un
songs
Sergio Pasquandrea
1 Nick Drake
FIVE LEAVES LEFT
1969
2 Beethoven
klaVIERSONATEN
(Arthur Schnabel)
1932-1935
3 Sainte Colombe
CONCERTS A DEUX
VIOLES ESGALES (J.
Savall/W. Kujken)
1992
4 Joni Mitchell
BLUE
1971
5 Fabrizio De Andrè
RIMINI
1978
6 Marisa Monte
rose AND CHARCHOAL
1994
7 Miles Davis
SKETCHES OF SPAIN
1960
8 Chico Buarque
ConstruÇÃO
1971
9 Bill Evans
sunday at THE VILLAGE
Vanguard
1961
10 Sonny Clark
COOL STRUTTIN’
1958
11 Eric Dolphy
OUT TO lunCH
1964
12 J. S. Bach
GOLDBERG Variations
(Glenn Gould)
1981
13 Charles Mingus
THE BLACK SAINT AND
THE SINNER LADY
1963
14 Ornette Coleman
THE SHAPE OF JAZZ to
COME
1959
15 Keith Jarrett
faCING YOU
1971
pattern ritmico o melodico – che
fa da mattone costruttivo e da
collante strutturale. Con, in più,
un uso costante del live electronics
che aggiunge un ulteriore livello
di complessità sonora.
100 SUONO febbraio 2016

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selector
a cura di Guido Bellachioma
Dal blues bianco
al jazz rock
Le playlist di SUONO, sorta
di guida all’ascolto in pillole,
continuano a proporre artisti,
canzoni, album o stili che hanno
contribuito ad arricchire il
pentagramma contemporaneo.
Questa volta tocca a un artista
che viene considerato una vera
e propria università del blues
bianco: John Mayall, armonicista,
cantante, chitarrista, pianista
e soprattutto guida spirituale
di quei Bluesbrakers che nelle
loro fila hanno visto la crema
della scena americana e, soprattutto,
britannica: Eric Clapton,
Peter Green, Mick Taylor, Harvey
Mandel, Freddy Robinso,
Dick Heckstall Smith, Jack
Bruce, Keef Hartley, Aynsley
Dumbar, Jon Hiseman, Mick
Fleetwood, Dr. John, Paul Butterfield
e tanti altri. Dal 1966
al 1972, il suo periodo più creativo,
stellare, anche se ancora
oggi gira il mondo in concerto
con buoni risultati, sebbene sia
nato il 29 novembre 1933… 82
anni! Allora è vero che il blues è
una musica senza tempo!
L’altra playlist è dedicata ai
migliori album del jazz-rock
europeo, àmbito nel quale l’Italia
produsse lavori notevoli,
subito dopo la lezione del jazzelettrico
di marca davisiana e
prima della trasformazione in
fusion. Una sola eccezione alla
completa appartenenza europea:
la Mahavishnu Orchestra
che, in realtà, è una multinazionale
della musica visto che
John McLauglin alla chitarra
è inglese, Billy Cobham alla
batteria è panamense, Jerry
Goodman al violino è americano,
Jan Hammer alle tastiere è
nato nell’allora Cecoslovacchia
e Rick Lair al basso è irlandese…
ma il compositore unico
dei brani di Inner Mounting
Flame è McLauglin.
songs
European ’70 Jazz Rock LP
1 Inner Mounting Flame
Mahavishnu
orchestra
1971
The Mahavishnu Orchestra
the INNER MOUNTING FLAME
2 Perigeo
Perigeo
1972
Perigeo
azimut
3 Six
Soft Machine
1973
4 Maledetti
Area
1976
5 Expresso II
Pierre Moerlen’s Gong
1978
Expresso II
pierre MOERLEN’S GONG
6 Unorthodox Behaviour
Brand X
1976
Unorthodox Behaviour
brand x
7 Septober Energy
Centipede
1971
8 2
Agorà
1976
2
agorà
9 Tilt (Immagini per un orecchio)
Arti e Mestieri
1974
Tilt
arti E MESTIERI
10 We’ll Talk About It Later
Nucleus
1970
11 Sconcerto
Baricentro
1976
Sconcerto
BariCentro
12 One of a Kind
Bruford
1979
One of a Kind
Bruford
13 Of Queues and Cures
National Health
1978
14 2
If
1970
2
if
15 Illusion
Isotope
1974
102 SUONO febbraio 2016

Oltre il rock
In arrivo
The Mute Gods
Do Nothing Till You
Hear From Me
Inside Out
Do Nothing Till You Hear From Me, in uscita a gennaio,
è il disco di esordio dei Mute Gods, nuovo, ennesimo
super gruppo sospeso tra i generi, composto da
tre artisti che in questo periodo collaborano spesso
tra loro: Nick Beggs (basso, chitarra, Chapman Stick,
tastiere, programmazione e voce – Kajagoogoo,
Steve Hackett, Steven Wilson), Roger King (tastiere,
programmazione, chitarra, cori, produzione e
masterizzazione – Gary Brooker dei Procol Harum,
Steve Hackett) e Marco Minnemann (batteria, chitarre
– Aristocrats, Steven Wilson, Joe Satriani).
Anche qualche ospite è della partita: il tastierista
Adam Holzman (Miles Davis, Steven Wilson), il polistrumentista
Rob Reed (Magenta), il batterista Gary
O’Toole (Steve Hackett, China Crisis, Kyle Minougue),
il batterista Nick D’Virgilio (Spock’s Beard) e altri.
“Viviamo in un momento di accresciuto fondamentalismo
religioso; le persone mettono davanti
ai propri proclami l’ira di Dio e parlano a
suo nome. Ma Dio ha mai indicato questi cattivi
profeti come suoi PR? Le persone che in questo
mondo dovrebbero realmente essere ascoltate
sono, purtroppo, quelle che più spesso sono
messe a tacere. La voce delle persone ragionevoli
sembra essere troppo silenziosa rispetto
all’aggressività di questi uomini. The Mute
Gods vuole affrontare proprio questo squilibrio”.
Il disco, musicalmente parlando, risente
dei trascorsi di Beggs, vero leader della band,
in stili eterogenei (progressive rock, pop, Celtic,
funk, soul) miscelati piuttosto bene. Incisione
equilibrata. Pubblicato dalla Inside Out
che, insieme alla casa madre Century Media,
è stata acquistata dalla Sony Music.
songs
John Mayall’s Songs ’66 - ’72
1 Room to Move
The Turning Point
1969
6 Walking On Sunset
Blues From Laurel
Canyon
1968
7 The Laws Must Change
The Turning Point
1969
8 California
The Turning Point
1969
12 Someday After A While
(You’ll Be Sorry)
A Hard Road
1967
13 The Bear
Blues from Laurel
Canyon
1968
14 Accidental Suicide
Back To The Roots
1971
John Mayall
theturning POINT
2 Good Time Boogie
Jazz Blues Fusion
1972
John Mayall
Blues Breakers WITH Clapton
4 Bare Wires Suite
Bare Wires
1968
5 The Death Of J.B. Lenoir
Crusade
1967
9 Memories
Memories
1971
John Mayall
BACK TO THE ROOTS
15 Nature’s Disappearing
USA Union
1970
John Mayall
memories
John Mayall
Jazz Blues FUSION
10 The Supernatural
A Hard Road
1967
3 Hideaway
Blues Breakers with
Eric Clapton
1966
John Mayall
Crusade
11 Have You Heard
Blues Breakers with
Eric Clapton
1966
John Mayall
usa UNION
SUONO febbraio 2016 103

selector
di Francesco Bonerba
Nothing has
changed...
...anche ora che non c’è più, nulla è cambiato: il
camaleontico David Bowie è sempre tra noi. La sua
scomparsa è solo un’ennesima trasformazione che questa
volta segna il passaggio da presenza in carne ed ossa a
icona impalpabile e immortale della musica mondiale.
Fino all’ultimo istante della propria vita David Bowie ha con
coerenza ribadito l’inesistenza di un grado di separazione tra
la propria essenza e la sua immagine di artista; con l’estrema
umiltà e discrezione che appartiene solo ai grandi ha nascosto la sua
malattia a tutti non resistendo, al contempo, all’impulso di raccontarla a
milioni di persone nel videoclip della canzone Lazarus. Perché quando
sei un artista autentico, totale, l’arte si nutre inevitabilmente della tua
vita e viceversa, in un circolo virtuoso o vizioso che magnifica o uccide.
David Bowie ha assecondato il fato avverso per scegliere di andarsene
come desiderava, pubblicando il suo ultimo album, Blackstar, tra
il giorno della sua nascita e quello della sua morte: una metafora, ci
piace immaginare, del fatto che l’arte sia stata il vero riempitivo della
sua esistenza.
Anche la stella nera che fa da cover alla sua ultima opera diventa, chissà,
l’ultimo riferimento alla più famosa tra le maschere indossate da Bowie
lungo la sua carriera, quella di Ziggy Stardust, alieno approdato sulla
Terra nel 1972 e ora finalmente ritornato al suo pianeta natale, un astro
oscuro collocato chissà dove nell’infinità del cosmo. “Alcuni sostengono
che sia una cover “semplice”, realizzata in cinque minuti”, ha affermato
Jonathan Barnbrook, designer che ha curato cinque copertine di Bowie
negli ultimi quindici anni, “Penso che oggi ci sia un fraintendimento
in merito alla semplicità. L’immagine contiene l’idea della mortalità:
evoca un buco nero che risucchia qualsiasi cosa, il Big Bang, l’inizio
dell’universo, ammesso che ci sia una fine. Anche la scelta di rendere
il disco un oggetto che dall’immaterialità assume lentamente una
sua dimensione fisica e contemporaneamente dei graffi sulla sua
superficie è a sua volta un commento alla mortalità umana”. Concetto
reso ancora più spettacolarmente nell’edizione in vinile, in cui la cover
presenta un ritaglio a forma di stella che rende visibile il disco nero, il
cui colore va progressivamente sbiadendo. Quella di Blackstar è solo
una delle cover emblematiche che hanno caratterizzato la carriera
dell’artista inglese e che hanno contribuito ad alimentare la mitologia
del suo personaggio.
Ne è un fulgido esempio Nothing has changed, raccolta dei suoi
brani migliori uscita nel 2014, per la quale sono state scelte tre diverse
immagini, una per ogni edizione dell’album: il triplo CD deluxe/digitale
presenta uno scatto di Jimmy King del 2013, l’edizione doppio CD/
digitale una (meravigliosa) foto di Steve Schapiro del 1975 e il doppio
vinile un’immagine di Mick Rock scattata nella casa dell’artista, ad
Haddon Hall, Beckenham, nel 1972. “Bowie che guarda se stesso in uno
specchio”, ha raccontato Barnbrook, “è un archetipo abbastanza forte
per comunicare al pubblico che si tratta di una raccolta di musiche
entro cui è racchiuso l’intero percorso artistico di Bowie e non uno
specifico periodo. Il riferimento delle immagini è ovviamente a Oscar
Wilde e al suo Il ritratto di Dorian Gray”. A cosa starà pensando, Bowie,
mentre si specchia? Alla sua giovinezza? Alla propria identità? Al tempo
che avanza? Qualsiasi cosa gli passi per la testa, nonostante i 42 anni
che separano il primo e l’ultimo scatto, lui è ancora lì, più vecchio
ma sempre intento a riflettere la propria arte/immagine nel mondo e
viceversa. Nulla, in effetti, è cambiato: declinata attraverso le passione
la vita assume una propria rassicurante circolarità. Eppure, il flusso
degli eventi non è arrestabile, il tempo scorre in una direzione univoca.
104 SUONO febbraio 2016

Sotto la cover, le storie
Come mostra magistralmente la cover di The Next Day, un semplice
quadrato bianco con una scritta nera che si sovrappone all’immagine
del 1977 di Masayoshi Sukita scelta come cover all’album capolavoro
Heroes. “Non ha importanza quanto ci proviamo, non potremo mai
liberarci dal passato. Ci muoviamo al rallentatore verso il giorno successivo,
abbandonando il passato perché non abbiamo altra scelta”:
queste le parole, sempre di Barnbrook, che racchiudono il senso dell’insolita
scelta. Quanti artisti continuano ad essere associati all’immagine
polverosa che il pubblico ne conserva, magari risalente all’epoca d’oro
dei loro primi successi? Anche per Bowie Heroes ha rappresentato un
punto di svolta e un’inevitabile “àncora mentale” per lui e i suoi milioni
di fan; trentasei anni dopo, è giunto il momento di andare avanti, non
rinnegando il passato ma celebrandolo e al contempo oscurandolo
parzialmente con qualcosa di nuovo.
Tornando all’immagine di Sukita e compiendo un balzo di un quarto
di secolo, la foto si ispira al quadro Roquairol dell’artista tedesco Erich
Heckel, da cui attinse anche Iggy Pop che,
nella cover del suo album The Idiot, compare
in una posa simile. Non è un riferimento
pittorico, invece, l’immagine che
campeggia sull’album Low (1977), in cui
Bowie compare “travestito” da Thomas
Jerome Newton, alieno che interpreta nel
film The Man Who Fell to Earth (1976),
per il quale erano inizialmente previste le
musiche dell’album, poi scartate dal regista
Nicolas Roeg. L’immagine fu pensata
dal musicista per creare un rimando visivo
al titolo, dove low sta in realtà per
“low profile”.
provenienza aliena, sembra anticipare di due decenni la composizione
liquida del micidiale androide polimorfo T-1000 in Terminator 2.
Il suo aspetto, secondo il giornalista Peter Doggett, è “l’archetipo
dell’artificialità – glitterato, pitturato, tinto, decorato con un fulmine,
la carne di freddo marmo, deformato da una lacrima d’argento,
scolpito, emaciato, fiero, vulnerabile e fondamentalmente alieno”. Nel
secondo album, invece, Ziggy appare più defilato, ritratto in posa vicino
al 23 di Heddon Street, Londra. L’effetto pittorico della copertina, che la
rende contemporaneamente così realistica e così sfuggente, fu ottenuto
dal grafico Terry Pastor colorando i 17 scatti in bianco e nero realizzati
dal fotografo Brian Ward, il cui studio era proprio in Heddon Street.
Sul significato dell’insegna K. West – in molti pensarono che fosse una
sorta di codice segreto che stesse a indicare “quest” (ricerca) – Bowie
ha lasciato che fioccassero le più stravaganti interpretazioni; si trattava,
in realtà, del nome di una società di distribuzione di pellicce al primo
piano dell’edificio, di cui oggi è scomparsa ogni traccia.
Fu sempre Brian Ward a fotografare il
“Duca Bianco” (dal personaggio comparso
per la prima volta in Station to
Station, ricalcato sulla sua biografia) per
l’immagine della copertina di Hunky
Dory (1971), che si rifà ad alcune pose
di Marlene Dietrich e mostra il volto di
Bowie rivolto verso l’alto, con l’aria persa
tra i suoi pensieri. L’artwork della foto
fu curato da George Underwood (che
collaborò anche alla copertina di Ziggy
Stardust and the Spiders from Mars),
amico d’infanzia dell’artista che, all’età di
quattordici anni, a causa di una discus-
È ugualmente di origine extraterrestre
Ziggy Stardust, l’alter-ego che ha accompagnato
Bowie lungo tutta la sua
Alcuni degli scatti che il fotografo Masayoshi Sukita realizzò nel
1977 per la cover di Heroes, con la scelta finale evidenziata in rosso.
sione su una ragazza, lo colpì nell’occhio;
da allora, Bowie ha sempre avuto una
pupilla più aperta dell’altra (in medicina,
carriera e che è protagonista delle cover di due dei suoi album più
celebri e amati: Aladdin Sane (1973) e The Rise and Fall of
Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972). Nel primo,
nell’immagine forse più iconica della sua intera carriera, realizzata
dal fotografo Brian Duffy con la collaborazione del make-up artist
Pierre Laroche, l’artista compare a torso nudo, con i capelli ramati, gli
occhi chiusi, l’incarnato rosato sul volto privo di sopracciglia e attraversato
da fulmine rosso e blu (in una dichiarazione, Duffy affermò di
essersi ispirato al simbolo presente sul suo fornello elettrico!); su una
scapola, sospesa, una goccia di un fluido che, oltre a enfatizzarne la
anisocoria), difformità che dà l’impressione che i due occhi siano di
colore diverso. Da quel momento in poi i due sono diventati inseparabili,
tanto che il cantante scrisse per lui la canzone Song for Bob Dylan,
tributo a Bob Dylan, di cui l’amico era appassionatissimo. “In seguito
mi disse di avergli fatto un favore”, ammette Underwood, intervistato
recentemente, dopo la scomparsa del musicista, “Ha dato tanta felicità
e gioia a moltissime persone, questa è la magnifica eredità che lascia
alle sue spalle. Passerà alla storia. Era una persona adorabile. Mi
faceva ridere… mi mancherà”. Mancherà a molti, l’alieno trasformista
Bowie, di ritorno finalmente sul pianeta Anthea.
SUONO febbraio 2016 105

selector
Yuja Wang
Ravel
Deutsche Grammophone
2015
Avvicinandosi alla soglia dei trent’anni
la pianista cinese si sta progressivamente
liberando dalle vesti di ragazza
prodigio di ferro e sexy, immagine sulla
quale anche le case discografiche hanno
insistito sin troppo. Con la maturità anche le
pagine pianistiche più virtuosistiche, come
quelle di Ravel, si mostrano nei colori e nelle
sfumature di cui abbondano. La sua collaborazione
con l’orchestra zurighese è ormai
di lunga data (iniziò nel 2003), per cui non
sorprende la grande intesa che ha con essa e
il fatto che il direttore la definisca una della
loro famiglia. Nel concerto in sol maggiore
di Ravel la pianista riesce a mantenersi in
un saggio equilibrio tra sentimentalismo e
chiarezza, come si evince già dal primo movimento:
qui la Wang parte delicatamente
e poi si lancia senza freni verso vertiginose
scale, mantenendo tuttavia una lettura netta
e pulitissima. L’adagio centrale scorre con
le sue tenui sonorità; si vorrebbe, forse, un
pizzico di intensità interpretativa in più ma
è la linea dell’equilibrio quella scelta e forse
la più vicina proprio a Ravel. Nel terzo
movimento, quello nel quale i riferimenti
jazzistici sono più evidenti, la velocità non
mette certo in difficoltà la pianista cinese
che, però, riesce a unire grazia e dolcezza,
evitando un tour de force fine a se stesso.
Anche il secondo concerto, quello per la
mano sinistra, viene affrontato nello stesso
stile interpretativo. Chiarezza nel fraseggio,
freschezza e sicurezza che non vengono mai
meno, anche nei momenti più concitati. In
realtà è un brano più oscuro, specie nell’inizio,
rispetto allo scoppiettio quasi continuo
che Ravel propone nel suo primo concerto
pianistico. Ma il contrasto tra la fase più meditativa
e l’esplosione finale è forse ancor
più eccitante. Probabilmente la voglia di non
apparire una macchina da guerra e di limita-
106 SUONO febbraio 2016

APPENA USCITI - GRANDI CLASSICI O RECUPERATI Analisi tecniche a cura di Paolo Perilli
Classica
Identikit
TK DR Titolo
Maurice Ravel - Piano Concerto in G
Major, M. 83
1 17 1. 1. Allegramente
2 16 2. 2. Adagio assai
3 16 3. 3. Presto
Gabriel Fauré
4 14 4. Ballade In F Sharp, Op.19
Maurice Ravel - Piano Concerto For The
Left Hand In D, M. 82
5 16 5. 1. Lento
6 15 6. 2. Allegro
7 15 7. 3. Tempo I
re l’esuberanza l’ha condotta verso una lettura
più tranquilla di quanto ci si potrebbe
aspettare, confermando comunque la sua
voglia di crescere per affrontare un repertorio
più ampio e completo. Bella lettura della
Ballade per pianoforte solo di Fauré. Wang
cattura il flusso della musica in un lavoro in
cui la sottigliezza del ritmo e la capacità di
andar fuori quelle lunghe linee melodiche
senza soluzione di continuità è tutto.
Ottima la ripresa in perfetto stile Deutsche
Grammophon dove chiaramente spicca il
pianoforte della giovane (anche se non più
giovanissima) Yuja Wang. L’intera esecuzione
è godibilissima; l’orchestra è magicamente
integrata con i passaggi pianistici
che, per cause di forza maggiore, vengono
percepiti come se fossero ascoltati dalla
quinta fila di un auditorium. Non da troppo
lontano e neanche eccessivamente da vicino.
Il giusto equilibrio a cui l’etichetta tedesca
ci ha abituati negli anni.
Il valore di dinamica media (DR15) rilevato
dal software Algorithmix ci tranquillizza
circa un trattamento da manuale e anche
le figure di Lissajous risultano molto ben
proporzionate, definite e quasi circolari;
quest’ultima caratteristica denota un ottimo
equilibrio tra dinamica e spazialità stereofonica.
Brava Deutsche Grammophon,
da molti criticata negli anni scorsi per la
relativa “staticità” delle registrazioni dal
sapore “antico”; oggi da considerare come
un esempio a cui tendere.
In sintesi, un programma nel quale l’artista
si mostra a suo agio, al pari dell’orchestra.
Registrazione limpida e chiara in sintonia
con l’interpretazione.
Carlo D’Ottavi
Yuja Wang: pianoforte
Lionel Bringuier: direttore
Tonhalle-Orchester Zurich
traccia 1 -Piano Concerto In G, M. 83 1. Allegramente
traccia 4 - Ballade In F Sharp, Op.19
SUONO febbraio 2016 107

selector
David Bowie
BLACkSTAR
ISO Records / Columbia /
Sony Music - 2016
Non è semplice scrivere a così pochi
giorni dalla scomparsa di David
Bowie. Troppi eventi si sono
accavallati in troppo poco tempo: l’uscita
del nuovo album, il ventiseiesimo nella discografia
dell’artista inglese, nel giorno del
suo sessantanovesimo compleanno, seguito
appena due giorni dopo dalla notizia della
sua morte per una lunga malattia di cui in
pochi erano a conoscenza. Qualcuno, appena
un mese prima, lo aveva descritto in gran
forma a New York alla prima del musical
Lazarus, scritto insieme a Enda Walsh e
diretto da Ivo van Hove. In realtà Bowie
stava lottando da tempo con un tumore al
fegato. Inevitabile che il calvario personale
si riflettesse anche nella composizione
e nelle atmosfere del nuovo disco, ciononostante
lontanissimo da una monocorde
elegia: chi aveva avuto modo di ascoltarlo in
anteprima, infatti, aveva parlato di un lavoro
affascinante, sperimentale, un ulteriore
salto in avanti in una carriera piena di evoluzioni
e scarti improvvisi, anche se velato
da una luce strana. Il video promozionale
di Blackstar aveva mostrato Bowie nelle
vesti di un profeta cieco, il volto coperto
da bende e gli occhi sostituiti da due pietre
nere. Una donna caudata apriva l’elmetto
di una tuta spaziale per prelevare il teschio
dell’astronauta defunto (il Major Tom di
Space Oddity?). Immagini che facevano
intendere come Bowie avesse iniziato a interrogarsi,
più che su un ipotetico futuro,
sul momento preciso del trapasso dalla vita
alla morte. Ancora più espliciti erano stati i
fotogrammi girati per il clip di Lazarus, con
l’artista inglese sofferente in un letto, poi
intento a scrivere il suo testamento prima
di scomparire all’interno di un armadio.
Musicalmente, il contenuto di Blackstar è
abbagliante. Come sa esserlo solo una stella
mentre si trasforma in una supernova,
prima di spegnersi per sempre. La voglia di
sperimentare è confermata anche dal cast
dei musicisti, completamente inedito. Si
tratta, infatti, della band di Donny McCaslin,
sassofonista della scena di New York,
un quartetto formato anche dal batterista
Mark Giuliana, dal bassista Tim Lefebvre
e dal tastierista Jason Lindner. Bowie li
ha “scoperti” in un piccolo jazz club della
Grande Mela nella primavera del 2014. Su
consiglio di una sua amica ha prenotato
un tavolo davanti al palco e ha assistito al
loro concerto fino alla fine, andandosene
senza dire una parola. Il contatto ufficiale
è avvenuto via email qualche giorno dopo.
Inizialmente sono stati solo McCaslin e Giuliana
ad essere coinvolti nella registrazione
di un nuovo brano, Sue (Or in a Season of
Crime), poi pubblicato nella compilation
Nothing Has Changed. Ma nel gennaio del
2015 tutti e quattro i musicisti sono stati
convocati al Magic Shop Studio di New York
per iniziare a lavorare, insieme al produttore
Tony Visconti, a quello che sarebbe
diventato l’ultimo album del Duca Bianco.
Rispetto al precedente e dignitosissimo The
Next Day (2013) si avverte chiaramente la
voglia di Bowie di lanciarsi senza rete in
territori completamente nuovi. “I musicisti
di Donny McCaslin sono stati straordinari”,
ha ammesso Visconti in un’intervista su
“Rolling Stone”, “Sono stati in grado di suonare
praticamente qualsiasi cosa gli chiedessimo,
dal Krautrock all’hip-hop al jazz.
Il risultato è un’incredibile fusione sonora
108 SUONO febbraio 2016

APPENA USCITI - GRANDI CLASSICI O RECUPERATI Analisi tecniche a cura di Paolo Perilli
Rock
Identikit
TK DR Titolo
1 6 Blackstar
2 5 ‘Tis A Pity She Was A Whore
3 5 Lazarus
4 5 Sue (Or In A Season Of Crime)
che non è possibile ricondurre ad alcun genere
musicale in particolare”. Sicuramente
grande attenzione è stata riservata alle ritmiche:
il drumming di Giuliana è spesso
scivoloso e frammentario, altre volte scarno
ed essenziale, ma sempre ingegnoso nel posizionamento
degli accenti e nell’interazione
con gli altri strumenti. In questo senso
la nuova, tagliente versione di Sue (Or in
a Season of Crime) sembra riprendere le
suggestioni jungle di Earthlings (1997), ma
la contaminazione è comunque a più ampio
spettro, come dimostrano le ultime tre tracce
dell’album: canzoni apparentemente più
canoniche eppure avvinghiate a una bolla di
creatività palpabile e per certi versi disperata.
Vitale. Come sa essere chi è consapevole
di non avere più molto tempo da vivere e
troppe cose ancora da dire…
Dal punto di vista tecnico invece (purtroppo!)
Blackstar rappresenta alla perfezione
tutto ciò contro cui stiamo combattendo da
anni. Il volume di uscita è esageratamente
e inutilmente alto e tutti gli strumenti sono
impastati, in special modo sulle medio basse.
La voce, ad esempio, molto equilibrata
dal punto di vista tonale, non riesce a uscire
adeguatamente dal magma ritmico. Senza
dubbio il Duca avrà previsto un sound con
una base “piatta” su cui far viaggiare il sax
5 6 Girl Loves Me
6 6 Dollar Days
7 6 I Can’t Give Everything Away
che la fa da padrone su tutto il disco, però il
risultato è troppo confuso per apprezzare le
innumerevoli varianti armoniche nel senso
che intendiamo in Hi-Fi. Peccato perché
Blackstar è un album musicalmente coraggioso
e poteva esserlo anche dal punto
di vista tecnico. Il valore dinamico medio
complessivo (DR5) riportato dal software
Algorithmix la dice lunga...
Paolo Carnelli
traccia 1 -Blackstar_L
traccia 7 - I Can’t Give Everything Away_L
SUONO febbraio 2016 109

selector
Le pagine pianistiche presenti
in questa raccolta
contengono molta della
migliore scrittura del genere non
solo di Debussy ma del Novecento
storico tutto. Le Images e i Préludes
furono suddivisi dall’autore
in due parti; i secondi, in particolare,
costituendo un lavoro più
corposo, di ben ventiquattro pezzi,
furono raccolti in due libri: Livre
I e Livre II. Proprio i Preludi,
già nel nome, ricordano Chopin
per l’opera omonima fino a risalire
al Clavicembalo Ben Temperato
di Bach. A differenza di
questi grandi predecessori, però,
Debussy non realizzò una raccolta
sistematica seguendo un certo
ordine in base, ad esempio, alla
tonalità. In questo caso c’è una
grande libertà formale, con alcuni
brani più complessi e altri decisamente
più scorrevoli e lineari.
Comune anche alle sei Images è
la difficoltà tecnica e interpretativa
richiesta all’interprete, e una
forte suggestione extra-musicale,
naturalistica, dalla quale discende
poi, come per il suo grande
contemporaneo Ravel, la definizione
di compositori impressionisti.
Sebbene tale accostamento
sia semplicistico e non di rado
fuorviante, i titoli dati a questi
brani suggeriscono spesso, piuttosto
che delle immagini ben precise,
delle impressioni, sfumate,
degli stati d’animo. Difficile non
trovare corrispondenza tra titoli
come Nebbie, Foglie Morte, Brughiere
o Fuochi d’Artificio e ciò
che si ascolta. Tutti pezzi raccolti
nel secondo libro dei Préludes. Le
Images sono costituite da sei brani
divisi equamente in due serie
e scritte un decennio prima, tra il
1901 e il 1907. Sono stati definiti
“evocazioni di stati interiori” ma,
anche in questi, non mancano le
suggestioni naturalistiche esterne.
Hyperion presenta le Images
al completo e il secondo libro dei
Préludes nella raffinata interpretazione
di Marc André Hamelin,
pianista e compositore canadese.
Virtuoso dello strumento, tanto
da aver interpretato tutte le più
impegnative pagine romantiche,
come quelle dei contemporanei,
affrontando spesso pagine poco
esplorate. Da qui nasce la sua una
sensibilità fuori dal comune che,
proprio in queste composizioni,
gli permette di cogliere la loro
anima ed essenza.
Marc-André Hamelin
Hyperion (CDA67920) - 2014
Dal punto di vista tecnico assolutamente
nessun problema
per ciò che concerne la dinamica.
Tutti i picchi musicali
sono molto liberi di estendersi
e risolversi naturalmente e non
sembrano essere pilotati artificialmente
da compressori o
limiter di sorta. Per la musica
classica non è un comportamento
atipico ma vale sempre
la pena sottolinearlo. La ripresa
microfonica sembra essere
stata effettuata abbastanza da
lontano, così che chi ascolta
la registrazione abbia la sensazione
di trovarsi in mezzo a
un ipotetico pubblico e non di
fronte al pianoforte; una scelta
importante e decisamente
caratterizzante che però non
ci sentiamo di giudicare. Dal
punto di vista strettamente sonoro
l’effetto è molto realistico
e anche coraggiosamente poco
“spettacolare”. In sintesi una
registrazione estremamente
pulita, silenziosa, calda e ben
dettagliata, come da tradizione
dell’etichetta Hyperion.
Carlo D’Ottavi
traccia 3 - Images - Mouvement_L
Classica
DebuSSY:
IMAges &
Préludes II
Identikit
TK DR Titolo
1 15 Reflets dans l’eau
2 18 Hommage à
Rameau
3 14 Mouvement
4 16 Cloches à travers les
feuilles
5 16 Et la lune descend
sur le temple qui fut
6 14 Poissons d’or
7 19 Brouillards
8 15 Feuilles mortes
9 17 La Puerta del Vino
10 14 Les fées sont
d’exquises danseuses
11 12 Bruyères
12 15 General Lavine.
Excentric
13 18 La terrasse des
audiences du clair
de lune
14 13 Ondine
15 14 Hommage à S.
Pickwick Esq
16 15 Canope
17 15 Les tierces alternées
18 14 Feux d’artifice
traccia 11 - PrÇludes - Bruyäres_L
110 SUONO febbraio 2016

APPENA USCITI - GRANDI CLASSICI O RECUPERATI Analisi tecniche a cura di Paolo Perilli
Dewa Budjana
Rock
HASTA Karma
Moonjune Records - 2015
Il chitarrista indonesiano
Dewa Budjana torna a far
parlare di sé. È trascorso
appena un anno dall’eccezionale
Surya Namaskar
ed eccolo di nuovo in pista,
che strizza l’occhio al jazz
acustico e alla world music,
grazie anche alla presenza
del leggendario vibrafonista
newyorchese Joe Locke e alla
sezione ritmica della Unity
Band di Pat Metheny (Ben
Williams al contrabbasso e
Antonio Sanchez alla batteria).
La performance di Dewa
è ancora una volta stellare, con
un’attenzione maggiore per la
chitarra acustica; in questo
caso, però, l’“extra vibration”
è soprattutto merito dei legni
di Locke. Fortunata è stata
l’intuizione di sostituire il più
canonico pianoforte acustico
con il vibrafono.
Come al solito tutti i brani
sono stati incisi in una sola
giornata, in questo caso ai
Kaleidoscope Sound Studios
di New York, con i quattro
musicisti chiamati a eseguire il
repertorio rigorosamente live,
privilegiando la freschezza
traccia 1 - Saniscara_L
Identikit
TK DR Titolo
1 8 Saniscara
2 9 Desember
3 8 Jayaprana
4 8 Ruang Dialisis
5 8 Just Kidung
6 7 Payogan Rain
dell’interplay scaturito dall’incontro
in sala di registrazione.
Eppure in termini tecnici il
disco è relativamente rispettoso
delle dinamiche anche
se di fondo rimane un po’ di
confusione generale tra gli
strumenti; più che un problema
derivante dall’operazione
di mastering (come spesso
accade), potrebbe trattarsi di
scelte effettuate in sede di mix.
In ogni caso è un lavoro abbastanza
godibile dal punto di
vista tecnico e per gli amanti
del jazz rock “vecchia scuola”.
Una volta tornato a Giacarta
Dewa ha poi incaricato il fido
Indra Lesmana di effettuare
alcune sovraincisioni di tastiera
e melodica, confezionando
l’ennesimo gioiello musicale.
Paolo Carnelli
traccia 2 - Desember_L
SUONO febbraio 2016 111

selector
Continua l’evoluzione,
apparentemente senza
fine, del quartetto di
Varsavia. Se nel lontano 2003
il debut album Out of Myself
aveva definito a grandi linee il
sound del gruppo – prog a tinte
dure caratterizzato da forti infiltrazioni
gotiche e da uno spiccato
senso della melodia, atmosfere
claustrofobiche ma anche
oniriche, in linea con quanto già
prodotto da band come Porcupine
Tree e Opeth – nel corso
degli anni il corpus artistico dei
Riverside si è via via arricchito
di elementi presi in prestito dal
metal, dalla psichedelia e dal
progressive rock sinfonico degli
anni ’70. Love, Fear and the
Time Machine rappresenta un
ulteriore momento di discontinuità:
tutto suona, infatti, più
ovattato e distante, anche nei
momenti più energici. Il focus è
posto in maniera evidente sulla
voce del leader Mariusz Duda,
sulle melodie vocali e sui testi,
anche a costo di dover abbassare
sensibilmente il volume
Riverside
Inside Out - 2015
Rock
Love, FeAR
AND the TIMe
MACHINe
Identikit
TK DR Titolo
1 8 Lost (Why Should I
Be Frightened by a
Hat?)
2 8 Under the Pillow
3 7 #Addicted
4 7 Caterpillar and the
Barbed Wire
5 8 Saturate Me
6 10 Afloat
7 7 Discard Your Fear
8 7 Towards the Blue
Horizon
9 9 Time Travellers
10 8 Found (The
Unexpected Flaw of
Searching)
degli amplificatori. L’ingegnere
del suono ha avuto il buon
gusto di alzare il volume di
uscita senza le inutili esagerazioni
del mainstream. Il sound
è moderno, con voce piuttosto
poco riverberate e una sezione
ritmica composta e poco
“graffiante” ma ben presente.
In sostanza un lavoro godibile
con un risultato tecnico non disprezzabile
in assoluto e molto
buono considerando il genere.
Abbiamo preso in considerazione
il secondo e il sesto brano
della raccolta. Il primo dei due,
abbastanza vario nella propria
evoluzione e quindi ben rappresentativo
dell’intero album,
riporta le chitarre e gli organi in
buona evidenza ma sempre in
modo controllato (forse troppo).
La seconda traccia che abbiamo
analizzato, Afloat, è invece una
canzone con solo voce, chitarra
elettrica e organo dall’atmosfera
abbastanza tranquilla. In questo
caso si è raggiunto il valore
massimo rilevato dal software
Algoritmix: DR10.
Il risultato complessivo è un
ibrido malinconico, un heavy
rock depotenziato in salsa
new wave dove il basso e
la chitarra pulita si ritagliano
spazi importanti accanto alle
elettriche. Tanti anni fa gli
svedesi Landberk provarono a
fare qualcosa di simile ma non
furono capiti. Speriamo per i
Riverside che il loro tentativo
abbia maggiore fortuna.
Paolo Carnelli
traccia 2 - Under the Pillow_L
traccia 6 - Afloat_L
112 SUONO febbraio 2016

APPENA USCITI - GRANDI CLASSICI O RECUPERATI Analisi tecniche a cura di Paolo Perilli
Provate a inserire la parola
“juggernaut” in un
motore di ricerca: la
definizione che otterrete, ovvero
quella di “forza inarrestabile,
reale o metaforica”, calza
a pennello per questo quartetto
romano formato da Andrea
Carletti (chitarre), Roberto
Cippitelli (basso), Matteo D’Amicis
(batteria) e Luigi Farina
(chitarre). La band muove i
suoi primi passi nell’inverno
del 2006. La ricerca artistica
si indirizza verso un suono poderoso
e grave che possa sintetizzare
il linguaggio del metal,
la violenza dell’hardcore e un
immaginario gotico. Dopo la
realizzazione del debut album
...Where Mountains Walk
(2009), però, le coordinate
Juggernaut
TRAMA!
Subsound Records - 2014
cambiano: pur mantenendo le
sue caratteristiche minacciose
e viscerali, la musica della
band ha sviluppato un gusto
cinematografico e una propensione
a evocare scenari più
grotteschi e surreali. Il lavoro
delle due chitarre, lo spirito
selvaggio ma rigoroso della
batteria e l’aggiunta di un’ampia
varietà di altri strumenti
come glockenspiel, trombone,
flicorno e tastiere vintage
(Fender Rhodes e Mellotron)
innalzano Trama! alle vette
zheul e RIO di band apocalittiche
come Present e Univers
Zero, finora senza eguali nel
nostro paese.
In termini di qualità di ascolto
va effettuata una premessa:
una delle cose che più ci
emoziona nel rock duro è il
colpo allo stomaco, la “botta”.
Quest’ultima è data dall’alternanza
di piano e forte musicale
o anche da colpi netti di batteria
e percussioni in genere.
Ecco, qui non l’abbiamo. Signori
Juggernaut ringraziate
Rock
Identikit
TK DR Titolo
1 9 Via del Serpente 13,
ore 20
2 5 Pietra Grezza
3 5 Ballo Excelsior
4 5 Egregoro
5 5 Crapula
6 4 V.I.T.R.I.O.L.
7 5 Tenet
il vostro tecnico del suono che
per tutta la durata dei momenti
“incazzati” del vostro disco
ha fatto sì che non ci sia neanche
1 dB (no, dico, uno!) di
dinamica. Complimenti. Ora
avete un disco che suona fortissimo;
peccato che in quei
momenti non si percepisca
bene neanche cosa diavolo
stia facendo il batterista. Wow,
molto trendy. Nelle parti dove
la musica è più quieta si lascia
apprezzare un buon mix e un
discreto equilibrio timbrico.
Pensavamo che il disastro perpetrato
(e anche stupidamente
desiderato) dai Metallica per il
loro Death Magnetic del 2008,
per il quale migliaia di fan si
sono lamentati ufficialmente
dello scempio, avesse insegnato
qualcosa. Pare di no.
Paolo Carnelli
traccia 4 - Egregoro_L
traccia 7 - Tenet_L
SUONO febbraio 2016 113

selector
Classica
Phantasm
William LAWes:
The ROYAL CONSORT
Linn Records (CKD 470) - 2015
Verso la metà del Seicento,
alla corte inglese di Carlo
I, uno dei più apprezzati
musicisti di corte, William Lawes
(1602-1645) compose, organizzò
e infine raccolse una corposa collezione
di musiche da danza per
allietare i ricevimenti nei palazzi
reali londinesi. Nessuna casa discografica
o musicista si era, fino
ad oggi, spinta verso una registrazione
integrale di questo genere;
ci ha pensato adesso il gruppo
Phantasm, diretto da Laurence
Dreyfus e composto da quattro
violisti, Dreyfus compreso, e da
una tiorbista. L’integrale è talmente
corposo da non entrare in
un solo CD o SACD; pertanto il
secondo disco impiegato contiene
anche una raccolta di Consort,
ovvero di composizioni per organo
positivo, suonato da Daniel Haley,
il cui suono si lega perfettamente
con il gruppo Phantasm a organico
variabile, a cinque o sei viole
o con la tiorba al posto di una
di queste. Alla fine sono ben 145
minuti di musica che sorprende
per il suo fascino e complessità,
variando a tal punto da essere, a
dispetto dalla sua originaria funzione,
poco ideale per danzare.
In realtà ballare questi pezzi sarebbe
in molti casi impossibile:
le frasi composte da Lawes sono
di lunghezza spesso irregolare e
il ritmo cambia sovente in modo
inaspettato. Tra l’altro questa caratteristica
fa apparire molte delle
composizioni ancora più moderne
e audaci. Il suono è ricco di colori
e sfumature, qualcosa da assaporare,
con la tiorba di Elizabeth
Kenny che dona ai ritmi una definizione
supplementare. In alcuni
momenti la musica si fa trascinante
con le dinamiche marcate, rendendo
più brillanti le sonorità. Le
progressioni degli accordi vanno
in direzioni inaspettate e c’è una
scioltezza contrappuntistica che
abbaglia nei movimenti più veloci.
Una raccolta ben documentata,
incredibilmente ben suonata e
ben registrata. Non sarà musica
propriamente danzabile ma la
musicalità estroversa favorirà il
buon umore dell’ascoltatore. La
registrazione risulta una giusta
miscela tra vivacità e sonorità
più delicate e raffinate, gli archi si
distribuiscono sulla scena, pure
ampia, della chiesa oxfordiana,
in modo ordinato e distinto, con
l’entrata dell’organo positivo mai
invadente ma comunque puntuale
e presente nei suoi interventi.
Carlo D’Ottavi
Scottish Chamber Orchestra
MOZART: DiveRTIMeNTI
Linn Records (CKD 479) - 2015
IDivertimenti e le Serenate
hanno un posto solitamente
di secondo piano tra le composizioni
del periodo classico e
romantico. Nella memoria collettiva
non rivestono certo, per importanza,
il ruolo ricoperto dalla
musica strumentale più alta (sinfonie,
concerti per strumento solista,
ecc.) o rispetto al repertorio
operistico. La prospettiva cambia
non di poco quando si tratta di
composizioni di Mozart la cui
inventiva e il sentimento sono
presenti in quantità producendo
qualcosa di molto più gratificante
di un semplice intrattenimento.
Anche la selezione effettuata per
la produzione di questo doppio
disco pare particolarmente curata
e intelligente. Nella serenata
K375 è stata scelta una versione
successiva, del 1781, nella quale
gli oboi sono sostituiti da clarinetti
ma il dialogo con i corni e
fagotti è semplicemente mirabile.
I rapporti di volume sono ben
ponderati in modo che rimanga
chiaro e senza prevaricazioni l’intreccio
tra le varie voci. I quattro
divertimenti furono composti
come musiche d’occasione da
essere eseguite durante feste e
banchetti nei giardini del Palazzo
Arcivescovile di Salisburgo;
più leggeri e lineari, rispettano
comunque la classica forma sonata,
risultando però delle brevi
sequenze di variazioni, minuetti e
così via, anche qui con clarinetti
al posto di oboi, corni e fagotti a
farla da padrone su brillanti tonalità
maggiori. Va detto che un’alternanza
nell’uso dei clarinetti
con gli oboi, delle prime versioni,
avrebbe reso il tutto più vario
nei timbri. Ma queste scelte sono
anche quelle che più distinguono
questo doppio disco dalle versioni
storiche registrate molti anni fa
dalla Decca in mono e stereo, eseguite
dai Wiener sotto la direzione
di Boskovsky. Rispetto a quelle
versioni antiche l’interpretazione
attuale appare molto più spigliata
ed esuberante, per alcuni forse
persino un po’ fuori dallo stile
classico. La registrazione è molto
dettagliata, in Hi-Res 24/192 per
catturare anche i 30 kHz delle armoniche
superiori dei clarinetti
ed estendere la dinamica in modo
generoso. Ciononostante la brillantezza
si fonde perfettamente
con la dolcezza e delicatezza del
programma, giusto per ricordare
che sempre di musica d’intrattenimento
si trattava.
Carlo D’Ottavi
114 SUONO febbraio 2016

APPENA USCITI - GRANDI CLASSICI O RECUPERATI Analisi tecniche a cura di Paolo Perilli
Jazz
La capacità di accostare
realtà e consuetudini
stilistiche distanti e di
Racha Fora
RACHA S’MILes:
TRIBute To MILes
Jazz Tokyo - 2015
percorrere le loro esistenze artistiche,
misteriose e affascinanti
ha, nel corso della storia del jazz,
identificato e reso celebri grandi
musicisti e l’irrequietezza del
loro genio creativo. Miles Davis è
stato uno dei padri di questa metodologia
sperimentale che era
sinonimo di rottura e astrazione
da ciò che per i jazzofili, i critici
e i tanti colleghi era la normale
conduzione e conservazione di
un linguaggio già di per sé ricco
di fioriture culturali. Il quartetto
Racha Fora (composto da una
sezione ritmica brasiliana e restanti
giapponesi) ha raccolto
ed elaborato l’insegnamento
del trombettista statunitense
facendo migrare i suoi grandi
capolavori in una dimensione
ignota ma dalle grandi potenzialità
espressive. Racha S’Miles:
Tribute To Miles è un progetto
discografico che ha come scopo
quello di far rinascere il repertorio
degli anni ’50 – ’60 di Miles
attraverso un nuovo suono che
fonda il jazz con i ritmi brasiliani
nativi e che vede la straordinaria
partecipazione del NEA Jazz
Master Dave Liebman. Hiroaki
Honshuku esprime in questo
album tutto il suo amore per
la “tromba di Alton” regalando
otto reinterpretazioni dei brani
di Miles Davis e quattro composizioni
originali, dove si percepisce
l’influenza degli studi avuti con il
pianista e teorico George Russell.
Daniele Camerlengo
Hiroaki Honshuku: flute/
EWI
Rika Ikeda: violin
Mauricio Andrade: nylon
guitar
Rafael Russi: electric bass
Benhur Oliveira: pandeiro
Special Guest: Dave Liebman
- soprano sax
Banda del Bukó
Rosmarinus
Riverberi - 2015
Un esperimento sociale
di attrazione di corpi
sonanti, nessuna patente
da esibire che li autorizzasse a
esercitare il mestiere più bello del
mondo, o almeno tra i più gratificanti;
solo la voglia, la passione,
il comune obiettivo di formare
un ensemble musicale che regali
gioia e sana distrazione al popolo.
Il risultato è stato a dir poco sbalorditivo:
appassionati neofiti,
musicisti amatoriali, maestri di
conservatorio, di età diverse, giovani,
meno giovani, teste bianche,
insieme a far musica con un’energia
pazzesca, un nuovo concetto
di ordine… prima la grandezza
dell’uomo poi la gratificazione dei
suoni e delle note. Rosmarinus è
il titolo del disco d’esordio della
Banda del Bukò, prima produzione
di Riverberi presentata in
occasione della serata inaugurale
dell’edizione 2015 del prestigioso
festival beneventano diretto
dal trombettista Luca Aquino.
Proprio il “soffiatore di ottone
sannita” ha voluto scommettere
su questa masnada di trenta elementi
senza guida e con l’unico
folle intento di trovarsi nella dimensione
musicale. Un album
realizzato per ricordare l’odore
dei sentimenti del primo anno
vissuto assieme e che contiene la
dedica a Emanuele Vicerè, uno dei
fondatori della banda scomparso
prematuramente. Le otto tracce
passano in rassegna brani tradizionali
della tradizione klezmer,
araba, balcanica e campana interpretati
con energia, miscelando
suoni e umori contagiosi a ritmi
ancestrali. Difficile stare fermi,
bisogna ballare, muoversi senza
sosta. Alé la musique!
Daniele Camerlengo
Giampaolo Vicerè: Fisarmonica
Fabrizio De Cunto: Tromba
Stefano Cocca: Sax soprano/tenore
Domenico Panella: Percussioni
Giovanni Serena: Percussioni
Emanuele Pontoni: Sax baritono
Antonietta Rossi: Trombone
Dario Spulzo: Chitarra acustica
Vincenzo Sessa: Chitarra
Francesco De Luca Basso: elettrico
Edoardo De Cunto: Sax contralto
Antonio De Luca: Sax tenore
Vincenzo De Ianni: Alto sax
Carlo Corso: Batteria
Luca Lonardo: Percussioni
Dario De Mercurio: Percussioni
Mauro Terracciano: Tromba
Danilo Romano: Voce-armonica
Davide Zarrelli: Oboe
Daniela Zuzzolo: Voce-percussioni
Emanuele Vicerè: Percussioni
Cristina Visconti: Voce-percussioni
Sara Barbara Iengo: Voce e percuss.
Francesca Mazzoni: voce e percuss.
Roberta Zollo: Clarinetto e percussioni
Luana Preziuso: Voce e tromba
SUONO febbraio 2016 115

cut ‘n’ mix concerti | cinema | libri | società | arte
LAGUNA BRU di
Federico Geremei
A febbraio Venezia si mette in mostra e in maschera, noi ci teniamo
lontani da frizzi & lazzi e vi portiamo in una cittadella della musica
ottocentesca. Antichissima e moderna
San Polo è il più piccolo dei quartieri
– ops, sestieri – e quello
in cui l’oleografia di Venezia si
distilla più densa di presìdi iconografici:
il ponte di Rialto sul
Canal Grande, i tanti bacari, due
delle Scuole Grandi. Ospita la
piazza – ops (bis), il campo – con
più metri quadri della città (dopo
San Marco) e la chiesa con più
metri cubi di tutte, la basilica dei
Frari. A due passi da quest’enorme
totem tridimensionale d’arte,
fede e mattoni si apre una corte
raccolta e silenziosa, sul campo
San Stin. Alle spalle scorre
il canale San Giacomo dall’Orio
e in mezzo si trova il Palazzetto
Bru Zane.
Il contenitore è un edificio di
fine Seicento, il contenuto è ricco
ed il suo nucleo – immanente,
tangibile, ideale e reale – è il patrimonio
musicale francese del
Grande Ottocento. Nato subito
dopo la rivoluzione, è esploso nel
1830 e s’è affievolito col primo
conflitto mondiale. Un secolo
abbondante di fermenti creativi
con due fulcri, Parigi e Venezia.
Al Palazzetto Bru Zane, Centre
de Musique Romantique
Française la Fondazione Bru
ha affidato un compito delicato
e prezioso, la riscoperta e la
valorizzazione di quell’universo
espressivo. Il cuore delle attività
è la ricerca musicologica: si mette
sulle tracce di partiture inedite
o dimenticate – spulciando e
confrontando archivi, contattando
i discendenti dei compositori,
vagliando fonti diverse – e le fa
“rivivere”. Idem per libretti da
116 SUONO febbraio 2016

catalogare e digitalizzare e altro
ancora con rigorosi “cantieri di
ricerca” tematici. Non compie
soltanto, si fa per dire, un’opera
di rinvenimento e sistematizzazione
analitica, stimola il confronto
tra esperti. E, soprattutto,
ne rende fruibili i risultati a
specialisti e non. Soddisfacendo
i primi e incuriosendo i secondi
con la produzione editoriale su
supporti tradizionali, con l’arricchimento
della mediabase e
col calendario di appuntamenti:
esecuzioni live al Palazzetto
e fuori (una ogni dieci giorni, in
media), incontri (uno al mese) e
sessioni di guida all’ascolto (per
i più piccoli, la domenica).
Sono passati tre secoli da quando
gli Zane, una delle ventiquattro
famiglie tribunizie che amministravano
la neonata Serenissima,
vollero dotarsi di un casino nobile
per l’intrattenimento colto. Tra
gli antenati forse non vantavano
– a dispetto degli slanci autopromozionali
di alcune antiche
pergamene – Vipsanio Agrippa
(oui, quello del Pantheon) ma
l’opulenza ha rincorso il blasone
e non s’è badato a spese per le
maestranze. Hanno chiamato tre
star dell’epoca, talentuose e ricercate
da nobili, dogi & co.: Antonio
Gaspari per gli ambienti,
Abbondio Stazio per gli stucchi e
Sebastiano Ricci per gli affreschi.
Le pitture di quest’ultimo – uno
dei pionieri del barocchetto, attivo
anche al Palazzo Colonna di
Roma – hanno steso allegorie su
pareti e volte col tema del doppio
che ricorre ovunque. Nelle
quattro coppie dei medaglioni
(Giunone e Pan, Ercole e Giove,
Mercurio e Diana, Nettuno e Anfitrite),
nel Tempo che rapisce
la Verità e in Ercole tra Gloria
e Virtù. Dualità che riverberano
quelle tra la Francia e la laguna
e che fanno di questa cittadella
di ricerca applicata un “corpo
esterno” (ma non estraneo) nel
cuore di Venezia. Locale e internazionale,
discreta e iperattiva
dal primo giorno. Dieci anni fa gli
ultimi proprietari l’hanno ceduta
e nell’autunno del 2009 ha riaperto
le porte dopo un complesso
restauro. Le nuove fondamenta,
per esempio (e per farsi un’idea),
sono state poste seguendo i dettami
della Soprintendenza per
rispettare le tecniche tradizionali:
solo pali di larice e doppio
strato di tavole. Il passato rinasce
così al Palazzetto, evocato ma
non ingessato. Come nelle intenzioni
del regista del “Cavalier
Hervé alla conquista dei Bouffes-
Parisiens”, prima collaborazione
tra il Palazzetto e il Teatro La
Fenice: “La storia si svolge tra
il Medioevo e i nostri giorni.
Un sabato sera. O un martedì
mattina. Ma in nessun caso il
giovedì pomeriggio (perché il
giovedì c’è La piste aux étoiles, lo
sanno tutti). Dunque, in costume
d’epoca, armatura e scarpe da
ginnastica”.
SUONO febbraio 2016 117

cut ‘n’ mix
LIBRI
Antonino Fontana
Cane Crudo
Robin Editore 264 pp. – 14 euro
John Lee è un giovane artista
italo-americano che,
una volta ritornato in Italia,
scopre nella casa della madre
una foto in cui sono
raffigurate quattro persone,
una delle quali gli assomiglia
moltissimo; gli altri
tre, invece, sembrano essere
Ringo Starr, Paul Mc-
Cartney e George Harrison. Nella ricerca della soluzione
al mistero della foto Lee intraprenderà un
viaggio da Milano alla Bovesia, cuore dell’Aspromonte,
tra misteri, reticoli affettivi e inspiegabili
accadimenti. Il racconto, un filo ad altissima tensione,
si svolge nella Calabria grecanica, a Bova, piccolo
e arroccato borgo dove sono nati i “Cani Neri”,
band che negli anni ’60 si esibisce a Milano cantando
in cover i successi dei Beatles e che con il quartetto
di Liverpool condivide irrisolti misteri. Un
viaggio tra musica, ’ndrangheta e altri poteri occulti
sullo sfondo declinato con ritmo incalzante dall’esordiente
Antonino Fontana, personaggio polivalente
che si divide tra l’attività di ebanista praticata
in gioventù, quella di architetto (abbracciata, ripudiata
e di nuovo abbracciata) e la scrittura…
Agostino Bistarelli
Robert Wyatt
Different EVERY Time
Giunti 448 pp. – 29 euro
Robert Wyatt, nato a Bristol
il 28 gennaio 1945, è uno
degli artisti più rappresentativi
e al tempo stesso
amati dell’ormai lunga
storia della musica moderna,
quella uscita fuori dagli
orrori della Seconda Guerra
Mondiale e che, dopo la
nascita del R ‘n’ R, ha saputo
creare un territorio di frontiera senza rigide
barriere a livello stilistico: jazz, rock, poesia, suoni
d’avanguardia, rivisitazione di origine classica,
blues, fremiti etnici. Insomma: un caleidoscopio in
cui si ricreava un nuovo universo sonoro. Robert
Wyatt, batterista/voce dei Soft Machine nei primi
tre album (nel terzo c’è il capolavoro Moon in June;
fu poi estromesso per l’accentuata diversità rispetto
al desiderato nuovo corso, più dichiaratamente
post-jazzistico), dal primo giugno 1973 è costretto
sulla sedia a rotelle a causa di un incidente. Nonostante
ciò ha prodotto dischi leggendari come Rock
Bottom e ha cantato splendide canzoni di altri, per
esempio Shipbuilding di Elvis Costello, senza mai
perdere la sua connotazione di appartenenza culturale
profonda, lontana dagli schemi rigidi della
società britannica. La Giunti ha da poco pubblicato
la sua biografia autorizzata, Different Every Time,
opera di Marcus O’Dair, che ha scritto di musica per
il “Guardian”, l’“Independent”, il “Financial Times” e
“Jazzwise”, ed è un collaboratore regolare di BBC 6
Music e BBC Radio 3. Il titolo è stato ricavato dalle
prime parole della struggente Sea Song, uno dei
brani manifesto del capolavoro Rock Bottom, edito
il 26 luglio 1974. Lungo la strada Wyatt ha lavorato
con musicisti come Brian Eno, Björk, Jerry Dammers,
Charlie Haden, David Gilmour, Paul Weller, Nick
Mason, Michael Mantler, Carla Bley. L’autore ha
intervistato tutti loro e quasi chiunque abbia avuto
un ruolo nella vita di Wyatt (o viceversa) da cinquant’anni
a questa parte. Questa è la prima biografia
di Robert Wyatt ed è stata scritta con la sua
piena collaborazione. Così ricorda Chris Cutler,
batterista degli Henry Cow: “A renderlo unico non
era tanto la sua tecnica – comunque formidabile –
quanto il suo approccio allo strumento e la capacità
di generare parti. Robert sembrava pensare in termini
di riff e melodie, il che è un pochino insolito tra i
batteristi, specialmente nel rock. E poi aveva una
tecnica impressionante. E i suoi assoli! Sempre qualcosa
di diverso”.
Comprende illustrazioni della moglie Alfreda Benge
e fotografie tratte dall’archivio privato di Wyatt e
Benge. Tradotto da Alessandro Achilli, giornalista
e grande conoscitore dei suoni canterburyani, e
con prefazione di Jonathan Coe.
Guido Bellachioma
Reinhard Kleist
CASH - I SEE A DARKNESS
BAO Publishing 224 pp. – 19 euro
Esce il 18 febbraio, a distanza
di dieci anni dalla sua
prima pubblicazione e in
una nuova edizione riveduta
e corretta, con un’appendice
a colori, Cash - I See
A Darkness, graphic novel
firmata da uno dei più originali
autori di biografie a
fumetti d’Europa, Reinhard
Kleist. Il disegnatore e scrittore tedesco, infatti, non
è nuovo a questo genere e ha realizzato diversi libri
nei quali ha dato vita con le sue matite a personaggi
come Lovecraft, Elvis Presley e Fidel Castro. In
particolare, ha raccontato la storia di Hertzko Haft
e Samia Yusuf Omar nei volumi The Boxer e Der
Traum von Olympia; il primo è stato un boxeur che
all’età di sedici anni riuscì a sopravvivere ai nazisti
e a scappare da Auschwitz, la seconda una velocista
africana che, dopo aver rappresentato la Somalia
ai giochi olimpici di Beijing del 2008, è annegata
nel 2012 nel tentativo di raggiungere le coste di
Malta su una “carretta del mare”, in fuga dagli
estremisti islamici del suo paese. La stessa sensibilità
e bravura che caratterizza questi lavori è presente
anche in Cash - I See A Darkness, che prende
il nome dall’omonimo brano di Will Oldham, inserito
da Cash nell’album American III: Solitary Man
del 2000. Autentico “western dell’anima”, come
qualcuno l’ha definito sul web, il libro prende le
mosse dal Johnny Cash Live at Folsom Prison del
1968, punto di partenza anche del film di James
Mangold, Walk the Line (2006), rispetto al quale la
graphic novel di Kleist si distingue per una maggiore
intensità della narrazione e fedeltà ai fatti. Il
libro è diviso in tre capitoli cronologici (1935 – 1956;
1957 – 1967; inverno del 1968) incorniciati da una
cornice circolare; il tratto di Kleist, preciso e attentissimo
ai volti, accompagna ed emoziona il lettore
pagina dopo pagina, sostenuto da un uso della
gabbia meticoloso, ricco ma sempre intellegibile,
geometrico ma affatto privo di godibili evasioni,
sempre funzionali alla storia. Un’opera unica, vibrante
e fascinosa, imperdibile sia per gli appassionati
di Cash che per quanti desiderino scoprire
per la prima volta l’affascinante storia della sua vita.
Un’anteprima sfogliabile del libro è visionabile
all’indirizzo http://issuu.com/baopublishing/docs/
preview_cash.
Francesco Bonerba
118 SUONO febbraio 2016

L’avventuriero del Rio delle Amazzoni
con la passione per il jazz
Dal 25 al 28 febbraio 2016, al
Cinema Massimo di Torino, va
in scena la seconda edizione del
Seeyousound International
Music Film Festival, primo
evento italiano ad essere interamente
dedicato al connubio
tra musica e immagini declinato
attraverso il cinema e il video
d’autore. “Music is the weapon”
è il titolo della rassegna di film
internazionali che gli organizzatori
hanno selezionato per raccontare
“la forza della musica
come arma di aggregazione di
massa”. Tra le opere presentate
Don’t think I’ve Forgotten:
Cambodia’s Lost Rock and Roll
(2014) e They Will Have to Kill
Us First, dedicati rispettivamente
alla resistenza musicale che i
cambogiani opposero alla furia
assassina dei Khmer Rossi negli
anni Settanta e alla lotta dei musicisti
del Mali contro il divieto
di fare musica imposto dagli
islamisti radicali nel loro paese.
The Night James Brown Saved
Boston celebra invece il mitico
concerto tenutosi a Boston il 5
aprile 1968 che sedò la minaccia
di un’imminente rivolta popolare
dopo l’assassinio di Martin Luther
King. Oltre a questa rassegna,
il programma si articolerà
in tre categorie – lungometraggi,
cortometraggi e videoclip – che
raccolgono una selezione di lavori
provenienti da tutto il mondo
e sempre all’insegna della mescolanza
tra cinema e musica.
Ulteriori informazioni su www.
seeyousound.org.
Francesco Bonerba
“Con il jazz ho conosciuto il più
grande amore della mia vita”.
Una dichiarazione che ad alcuni
potrebbe apparire enfatica e perfino
un po’ snob. Ma se a farla è un
dongiovanni come Mister No, l’eroe
dei fumetti di casa Bonelli che
ha spezzato il cuore a una schiera
interminabile di donne meravigliose,
c’è proprio da prenderla
sul serio. Il famoso avventuriero,
statunitense di origine ma trapiantato
nella foresta amazzonica, non
ha mai nascosto la sua passione
viscerale per gli standard del jazz, i
locali fumosi di Harlem in cui negli
anni Trenta si sviluppò questo genere musicale e,
naturalmente, le belle cantanti bluesche che ondeggiando
davanti al microfono ti fanno sognare.
A celebrare il mito di Mister No e il suo stretto
legame con la musica di matrice afroamericana
sono arrivati due volumi che faranno la gioia dei
suoi ammiratori. Il primo è Come un romanzo.
La vita spericolata di un eroe ribelle, 288 pagine
a colori, un mix fra pagine in prosa e sequenze a
fumetti per far raccontare al diretto protagonista la
propria storia. Si comincia dagli albori, da quando
cioè il nostro era un ragazzino scapestrato che vagabondava
per le strade della Grande Mela e andava
ad ascoltare jazz dalle uscite di
servizio dei locali notturni: “Non
mi stancavo mai di ascoltarlo”,
ricorda Mister No, “anche frequentando
quartieri dove un “fiocco di
neve” come me non era ammesso”.
Ed è stringendo amicizia con un
certo Pete Du Bois che apprese
il significato della sua canzone
preferita:“mettiamo che vivi una
vita da schifo, senza un lavoro né
un futuro. Cioè, mettiamo che sei
un nero come me. Beh, passeggiare
cantando Oh When the Saints
Go Marching In non risolve i tuoi
guai, ma aiuta a sopportarli... ”.
Il secondo libro è il monumentale Il tempio dei
maya, 334 pagine, riedizione a colori in maxi formato
e copertina rigida di quella che, forse, è la più
avvincente avventura di Mister No. Sicuramente
la più classica, visto che non manca nessuno dei
suoi ingredienti tipici: l’ambientazione affascinante
nell’inferno verde della foresta del Brasile,
la lotta fra mille peripezie con i cattivi di
turno, la difesa della cultura, della libertà
e dell’ecosistema del popolo indio e le
divagazioni romantiche con una ragazza
incantevole, in questo caso l’archeologa
Patricia Rowland. Il tutto nelle splendide
tavole del miglior disegnatore di Mister
No, Roberto Diso, con una colorazione
che esalta il fascino variopinto della fauna
e flora amazzoniche. Ad aprire la storia è
proprio l’incontro con il pianista jazz Dana
Winter, venuto ad esibirsi in una squallida
bettola di Manaus. I Only Have Eyes for
You di Harry Warren (la cui interpretazione
dei Flamingos’ fu inserita nella colonna
sonora del film American Graffiti) fa da
prologo e chiusura al racconto. Sì, perché
nel suo eterno girovagare per il mondo,
Mister No, eroe cinico dal cuore tenero sul
modello del Bogart di Casablanca, ha sempre avuto
un punto di riferimento: le canzoni e le musiche con
cui nei momenti di gioia ha espresso la sua vitalità
esuberante e che, nei momenti di maggior difficoltà,
lo hanno confortato riportandolo con la memoria
alla sua città natale.
Massimo Bargna
SUONO febbraio 2016 119

cut ‘n’ mix
Pillole da 3000 Mcg
Se lo dite VOI…
Il mio regno per una scarpa o toglietemi tutto ma non la mia scarpa. O, ancora: dietro un grande uomo c’è sempre una
grande scarpa. Boh… Così sembra, però, visto che il connubio tra Kendrick Lamar (due Grammy Awards nel 2015 e undici
nomination nel 2016) e Reebok sarebbe “portatore sano” di “un messaggio di pace e unità” (così recita il comunicato stampa),
per ricondurre alla quiete le strade di Compton e di tutte le altre città che vivono conflitti tra gang rivali. Come possa la tomaia
grigia in Premium Suede e la suola Gum di una Classic Leather (la scarpa unisex di Reebok) rappresentare un simbolo di unità
tra culture è cosa che rimando a chi legge, a patto di scoprire che cosa è un “premium suede” e un “gum”!
Ci pensa ROCCO
Ricevo (e non voglio domandarmi perché sono inserito in questa mailing listi) il seguente appello: “I ragazzi hanno
il diritto di ricevere formazione su una delle cose più importanti nella vita: il sesso. Unisciti a Rocco affinché i giovani non
cerchino informazione nella pornografia”. Il “Rocco” in questione è Rocco Siffredi o, come dire, una grande minchia
che dà del minchione… Boh.
Com’è che non riesco più a VOLARE?
“Con tua moglie che lavava i piatti in cucina e non capiva, con tua figlia che provava il suo vestito nuovo e sorrideva,
con la radio che ronzava, per il mondo cose strane, e il respiro del tuo cane che dormivaaaaaa!”.Secondo
Red Bull (ti mette le aaaaliii) “Tutti possono provare a volare” o, almeno, è quel che sperano le squadre più creative,
fantasiose e spericolate d’Italia che potranno sfidare la forza di gravità durante il Red Bull Flugtag. A me pare il volo
del tacchino ma chi vuole partecipare può iscriversi fino al 13 marzo sul sito www.redbullflugtag.it.
Identità e riscatto
All’interno del complesso di Città della Scienza ha aperto i battenti AlmaFlegrea, la brasserie birrerie più grande di Napoli,
un punto di incontro dove la musica vuole essere la vera protagonista. Il nome Alma (anima) Flegrea si riferisce ad una zona,
quella Flegrea appunto, e in particolare a Bagnoli, il quartiere legato alle acciaierie, dove attraverso la musica si tenta una
sorta di rinascita dopo il degrado post industriale e soprattutto dopo il grave episodio dell’incendio del 4 marzo 2013. Non
solo musica, però: a parte la buona programmazione musicale si potranno gustare specialità alla brace (bracerie a carbone
ecologico) accompagnate da birre spillate e artigianali di abbazia.
Originali però!
Il portale Aristofonte è, recito pedissequamente, “Il sito di incontri online dedicato agli uomini che cercano relazioni
con donne più giovani e alle donne che prediligono gli uomini più grandi di loro”. Chi l’avrebbe mai detto? E chi meglio
della protagonista dell’ultima versione cinematografica di Biancaneve può incarnare il top della virginea icona sexy
nell’immaginario dei vecchi lumaconi? Per la cronaca lei è Lily Collins, mi ricorda mia nipote e questo, a mio parere,
non favorisce la libido…
DATEVE foco
“Divo Nerone – Opera rock”(Giugno 2016) promette di essere il più sensazionale spettacolo d’intrattenimento made
in Italy mai realizzato, dove i fasti dell’Impero romano rivivranno attraverso scenari tridimensionali che riprodurranno
fedelmente le sontuosità architettoniche dell’epoca, ricreate nei luoghi esatti del passato dove l’imperatore
visse e agì. Proiezioni immersive con spettatori e attori avvolti dall’atmosfera del periodo favoriranno un viaggio
nel tempo che racconterà quattordici anni di vita del tiranno, costellato da tutti i protagonisti di allora. Un kolossal
musicale messo in scena in due lingue, italiano e inglese, frutto del lavoro del vincitore di due Grammy Awards
Franco Migliacci, del regista e coreografo dei più acclamati musical italiani, Gino Landi, del tre volte Premio Oscar
Dante Ferretti, scenografo di grandi produzioni hollywoodiane, e della costumista Premio Oscar Gabriella Pescucci.
Si accettano scommesse sulle scelte musicali, improbabile una colonna sonora di Lando Fiorini… !
120 SUONO febbraio 2016

Yvette Vickers miss luglio 1959 Playboy
I magIcI tempI della glorIosa
golden era stanno tornando!
potremo non avere lo stesso carIsma
dI Yvette…
… Ma sapREMO EccITaRVI UgUaLMENTE!
suono 505
VINILE VOLUME TERZO
in edicola a metà marzo – prenotalo su www.suono.it

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Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di febbraio 2016.
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