SUONO n° 519

N. XXX 

Editoriale 

Quanti buoi ci sono ancora 

nella stalla?A cura del direttore 

Tra pochi giorni (23 ottobre) saranno passati esattamente 16 anni 

dalla presentazione da parte di Steve Jobs dell’iPod. A distanza 

16 anni da allora l’iPod è più che in pensione (abbiamo dovuto 

googlare per essere certi di averlo scritto in maniera corretta tanto è 

desueto il termine!), sostituito da strumenti più performanti ma con la 

medesima visione di un nuovo concetto della fruizione musicale. Il suo 

geniale creatore, di cui invece ci si ricorda ancora bene il nome, ci ha abbandonato 

anch’egli… Questi 16 anni hanno però lasciato ben poca traccia 

nell’agorà dell’alta fedeltà, più interessata a difendere i suoi confini che 

ad ampliarli; solo in tempi recenti il fronte si è incrinato tra acquisizioni, 

nuove strategie e una timida apertura verso il nuovo (nuovo relativo, 

considerati i tempi di sviluppo e attuazione) che avanza: Sonus faber ha 

da poco in catalogo l’SF16, Klipsch apre il suo dipartimento “Digital”, 

McIntosh comincia le grandi strategie di avvicinamento (vedi in questo 

numero) e così via. Quasi 10.000 giorni buttati via o quasi, secondo il 

nostro parere, rispetto alla possibilità di rivitalizzare un settore sofferente 

in prima battuta proprio per la mancanza di ricambio perché nel frattempo 

un sempre maggior numero di persone, la “gente”, proprio per la 

facilità di accesso consentita dai nuovi strumenti ,si è messa (ri-messa) 

ad ascoltare musica generando un fiume potente anche se focalizzato su 

“rivoli” differenti dal passato. Come condurli alla causa del buon ascolto? 

C’è ancora la possibilità di chiudere il recinto prima che tutti i buoi siano 

fuggiti? È già passato l’ultimo treno o un biglietto nelle carrozze di coda 

è ancora disponibile? Pensando positivamente, una chance ce la daremmo, 

a patto di mettere in atto una profonda opera di ricostruzione nei 

valori, nella loro comunicazione, nella sostanza, nel prodotto: le aziende 

veramente hi-end, quelle che hanno davvero a cuore i valori e la qualità, 

possono offrire al mercato, ai consumatori, una prospettiva che una pur 

prodigiosa Sonos (vedi l’articolo all’interno della rivista) e le altre startup 

o ex start-up non prendono in esame, partendo da un punto di vista 

che abbraccia un pubblico più allargato. Se questo accadrà il gap che si 

è generato in questi 16 anni, dove è mancata l’assistenza al consumatore 

di prima fascia, potrà essere colmato, a patto che si affronti la sfida con 

un’opera sinergica tra i vari elementi della filiera professionale della 

riproduzione musicale. 

L’audio rimane strategico sia nella musica che oltre (vedi gli intelligenti 

personal assistant) e le indicazioni che provengono dal più grande salone 

dell’elettronica (l’IFA) confermano un interesse che travalica i soliti 

nomi noti ma torna a coinvolgere i grandi dell’elettronica. La presenza 

di questi colossi (se comprenderanno l’onda che cercano di cavalcare) è 

indispensabile per tornare a comporre quel tessuto di base che costituisce 

le fondamenta su cui riedificare il segmento di qualità della riproduzione 

sonora. Senza un percorso costituito da piccoli passi, il divario tra consumer 

e specialistico è troppo forte e rappresenta una barriera troppo 

grande per essere superata dai nuovi adepti. Ne dovrebbero tenere conto 

anche quelle che sono le nostre “finestre sul mondo”, i nostri negozi 

specializzati, nel proporre a loro volta soluzioni ipotizzate su vari step 

che rappresentino, di nuovo, le esigenze degli utenti. Perché senza questo 

processo virtuoso, l’alta fedeltà è destinata a inaridire come un lusso 

vacuo che porta inevitabilmente a una insoddisfazione costante. 

SUONO settembre 2017 3

Sommario 

N. XXX 

EDITORIALE ............................................................................3 

ANTENNA ...............................................................................8 

INSIDE DENTRO LA MUSICA 

UNA CUFFIA SALVERÀ L’HI-FI? Reportage London CanJam di Vincenzo Maragoni ......................20 

DA JEAN A JEAN Jean-Claude Reynaud di Paolo Corciulo .......................................30 

N. 519 

SETTEMBRE 2017 

DOSSIER 

GENERAZIONE... BOH? di Paolo Corciulo ................................................34 

CHANCE, RISCHIO O GRANDE DISILLUSIONE? di Salvatore Nocerino ....................38 

50 ANNI SENZA DI LUI In ricordo di John Coltrane di Antonio Gaudino ........................44 

TERRA E FUOCO Intervista a Carmen Consoli di Elena Marisol Brandolini ......................48 

UNA MAGIA JAZZ DA RIASCOLTARE INSIEME Intervista a Fabio Concato di Vittorio Pio ......50 

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

LA SOUNDBAR INCONTRA L’HI-FI Sonos Playbase de Il Tremila ..............................52 

GIRADISCHI Elac Miracord 90 a cura della redazione .........................................56 

UNITÀ PHONO VTL TP 2.5 II a cura della redazione ..........................................62 

PS AUDIO DS, Huron e altre storie a cura della redazione .....................................66 

LETTORE DIGITALE Rotel CD14 a cura della redazione .......................................72 

DIFFUSORI PMC Twenty 5.23 a cura della redazione .........................................76 

DIFFUSORI ProAc Response DT8 a cura della redazione ......................................80 

SECONDO NOI LA CLASSICA Medioevo e canto gregoriano di Andrea Sartini ...................84 

RIASSUNTO E A CAPO Neil Young di Antonio Gaudino .......................................86 

DIRECTOR’S CUT a cura di Antonio Gaudino ................................................88 

CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE ........................90

ANTENNA 

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McIntosh alla conquista del mondo 

Nuovi prodotti come se piovesse, un managment che si amplia e nuovi target da commercializzare per il 

marchio più iconico del settore Hi-Fi. 

Non meno di cinque nuovi prodotti, presentati a partire 

dal Monaco Hi-End, e l’inserimento di due nuove figure 

chiave nell’organico: McIntosh mette in soffitta la sua 

immagine di marchio conservatore e si accinge a una strategia 

a tutto tondo. I prodotti certificano quel che si è già fatto, la 

scelta delle persone e quel che si vuole fare da ora in avanti… 

Per questo partiamo dai due nuovi “innesti” nel managment del 

marchio per capire l’aria che tira nella casa americana e quali 

potrebbero essere le novità nel prossimo futuro. Sono entrati nel 

McIntosh Group Jérôme Mathieu e Jeff Poggi. Il primo ricoprirà 

la figura di Chief Product Development Officer (CPDO) per il 

personal audio e può vantare un’esperienza decennale in Parrott 

nel campo manageriale ma con un background da ingegnere. 

Poggi (che sarà co-Chief Executive Officer and Board member) 

ha lavorato per 20 anni tra Bose e Harman nel settore Car Audio 

che, per ammissione ufficiale di McIntosh, “è un segmento che 

rappresenta una chiave di volta per le nostre opportunità di 

sviluppo”. Poggi avrà anche il ruolo di responsabile dello sviluppo 

del settore Lifestyle e sovraintenderà all’operato dei marchi Sonus 

faber, Sumiko e Audio Research. Come si vede grandi manovre 

verso i nuovi segmenti della riproduzione, un treno che (ormai 

tutte le aziende se ne sono rese conto) non può più essere perso! 

In attesa delle novità che scaturiranno dall’inserimento dei nuovi 

innesti, molto più classiche le new entry in termini di prodotto, a 

partire da quello a nostro modo più significativo, almeno in termini 

di tendenze (vedi nell’articolo dedicato al genere), della meccanica 

in formato compatto MCT 80 dedicata alla linea mini della casa. 

L’apparecchio, affiancandosi all’MCT450, rende l’azienda una 

delle più prolifiche dello specifico segmento. “Prolifico” è inoltre 

un termine che ben si adatta al catalogo della casa americana 

6 SUONO settembre 2017

in fatto di integrati, che si arricchisce di 

ben due nuovi modelli per arrivare a un 

totale di sette. L’MA 8900 è un integrato 

ad alta potenza che utilizza alcune nuove 

soluzioni come il sistema Monogrammed 

Heatsinks (basato sulla scelta di materiali 

dalle migliori proprietà di conduzione 

termica) e, soprattutto, del nuovo modulo 

digitale DA1, facilmente sostituibile in caso 

di obsolescenza (piuttosto rapida nel caso di 

componenti dedicati alla conversione D/A). 

L’MA 9000 è il nuovo top di gamma, con potenza 

ancora maggiore e una pletora di dieci 

ingressi analogici (2 bilanciati, 6 sbilanciati 

MM e MC, entrambi con carico regolabile). 

Utilizza anch’esso il modulo DA-1 per la 

sezione di conversione digitale con ingressi 

sdoppiati sia ottico che coassiale. La sezione 

cuffia è particolarmente curata e, dettaglio, 

le alette di raffreddamento sono sagomante 

a riprodurre il monogramma del marchio. 

Se da un lato la meccanica può rappresentare 

un ritorno, il lettore CD è una certezza: 

in gamma ora sono due con la new entry 

dell’MCD 350, modello compatibile con il 

formato SACD. Dispone di uscite analogiche 

bilanciate e non e digitali coassiale e 

ottica. Effettua la lettura dei dati a 2x e 

utilizza una memoria buffer per migliorare 

la lettura e la correzione degli errori. 

Da segnalare, infine, l’ingresso sul mercato 

del processore A/V MX160, dotato anche di 

sistema di correzione acustica e in grado di 

leggere tutti i principali e numerosi formati 

utilizzati nella riproduzione cinematografica 

domestica. Prezzi ancora da definire... 

Il tremila 

Distributore: MPI ELECTRONIC SRL 

- www.mpielectronic.com 

Meccanica McIntosh MCT-80 

Dimensioni: 29,2 x 14,9 48,3 cm (lxaxp) 

Peso: 15 Kg 

Tipo: doppio laser compatibile CD (CD-R e 

CD-RW), SACD, MP3 e WMA Caricamento: a 

slitta Uscite: 1 coassiale, 1 ottica (entrambe 

24/192), 1 MCT proprietaria 

Amplificatore integrato McIntosh MA-8900 

Dimensioni: 44,45 x 19,37 x 55,88 cm (lxaxp) 

Peso: 34,10 Kg 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 

2 x 200 W su 8 Ohm stato solido Accessori 

e funzionalità aggiuntive: Ingresso cuffia, 

Controlli di tono Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 

+0,-0.5dB S/N (dB): 113 Phono: MM (0.25 mV/ 

KOhm) MC (2.5 mV/ Ohm) Ingressi analogici: 6 

RCA 1 XLR Ingressi digitali: Ottico / RCA / USB 

HiRes Note: modulo D/A a 32 bit incorporato, 

con USB 32/384 compatibile DSD 256 e DXV 

384 kHz 

Lettore digitale McIntosh MCD 350 



Tipo: da tavolo Formati compatibili: CD, MP3, 

SACD stereo, WMA Sistema di conversione audio 

D/A: 32 bit - 192 kHz Risp. in freq. (Hz): 4 - 20.000, 

±0.5dB THD (%): 0,002 S/N (dB): 108 Uscite analogiche 

RCA (V/Ohm): n°1 - 2.0 V/600 Ohm Uscite 

analogiche XLR (V/Ohm): n°1 - 4.0 V/600 Ohm 

Uscite digitali: Ottica, Coassiale 

Amplificatore integrato McIntosh MA 9000 

Dimensioni: 44,45 x 24 x 55,88 cm (lxaxp) 


Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 

2 x 300 W su 8 Ohm Accessori e funzionalità 

aggiuntive: Ingresso cuffia, Controlli di tono Risp. 

in freq. (Hz): 10 - 100, +0, -3dB THD (%): 0,005 S/N 

(dB): 114 Phono: MM (0,30 mV/ KOhm) MC (3 mV/ 

Ohm) Ingressi analogici: 6 RCA 2 XLR Ingressi 

digitali: Ottico / RCA / USB HiRes Note: Modulo 

di conversione DA-1 basato su processore 32/384 

a 8 canali in grado di leggere segnali DSD fino a 

256 e DXD fino a 384 via USB. ingrwssi ottici e 

coassiali a 24/192 

NUOVA SERIE 

www.pmc-speakers.com 

The definition of performance. 

vieni ad ascoltarle a Cassano d’Adda da: 

Visconti Alta Fedeltà 

Se amate la musica, 

noi, possiamo fare molto per Voi. 

Piazzale Gobetti 20062 Cassano d’Adda (MI) 

Tel: +39 0363 361120 

info@viscontialtafedelta.it 

7

ANTENNA 


Nuovi attori analogici 

Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) si è specializzata da oltre quarant’anni 

nella rimasterizzazione e ristampa sia in analogico che in 

digitale di tantissimi titoli, spesso leggendari, ricavati dalla ricerca un 

po’ in tutti i generi musicali dei nastri originali dai quali ripartire per 

ottenere prodotti di qualità superiore. Il ritorno d’interesse del vinile 

ha fatto cambiare idea all’azienda americana 

in merito al suo proposito, sorto qualche 

anno fa, di abbandonare il disco nero: 

oggi il catalogo in vinile è nuovamente 

ricchissimo, con continui miglioramenti 

nel lavoro di ristampa che coinvolgono 

quasi tutti gli aspetti di tale 

processo. Da qui una serie di innovazioni 

tecnologiche brevettare nel campo della masterizzazione 

e della stampa dei dischi. Molte di 

La testinja MasterTracker 

queste soluzioni originali sono state utili per la 

realizzazione dei suoi primi prodotti hardware: due giradischi completi 

di braccio, tre fonorilevatori dedicati e due pre-phono. Questa svolta è 

il frutto di numerose collaborazioni con diversi leggendari progettisti 

specializzati nell’hardware analogico. L’obiettivo è quello di offrire un 

livello di qualità all’altezza del marchio MFSL, a un costo moderato. 

I pre-phono (StudioPhono e l’UltraPhono) sono realizzati negli USA e progettati 

dall’ingegner Tim De Paravicini, già collaboratore 

per MoFI per la realizzazione dei circuiti di masterizzazione 

Gain 2 e Ultra Analog e 

noto per le sue amplificazioni anche 

con il marchio EAR; dispongono 

di un guadagno selezionabile, 

mono mode commutabile e 

un filtro subsonico. L’UltraPhono 

dispone anche di un amplificatore per 

Il giradischi UltraDeck 

cuffie di classe A, per chi ama ascoltare 

le cuffie di fascia alta. Entrambi i modelli 

di giradischi (StudioDeck e UltraDeck) sono a telaio rigido, progettati 

con la consulenza del veterano 

Allen Perkins, responsabile di Tim Parravicini 

molti disegni con trazione a 

cinghia per Sota, RPM e Spiral Groove. Da annoverare anche il contributo 

di un esperto nel controllo delle vibrazioni, Mike Latvis, della Harmonic 

Resolution Systems, che ha realizzato i piedini di accoppiamento al piano 

d’appoggio. Il piatto è in pesante Delrin, materiale noto per le sue qualità 

smorzanti. Il perno di rotazione del piatto è di tipo invertito in acciaio e 

sede in bronzo con tolleranze molto ristrette. Analoghe lavorazioni fini 

sono dedicate all’articolazione cardanica del braccio da 10 pollici, completamente 

regolabile, con canna dritta in alluminio e cablaggio Cardas 

(per la versione Ultra Arm). Ogni giradischi può essere dotato di un 

fonorilevatore dedicato tra i modelli 

StudioTracker, UltraTracker 

e MasterTracker, ognuno 

dei quali progettato 

in collaborazione 

con Allen Perkins. 

Questi fonorilevatori 

sono costruiti in Giappone, 

seguendo un disegno (a due magneti 

gemelli contrapposti con un angolo a V stretta) 

analogo a quanto visto nei bulini incisori dei torni 

Il giradischi StudioDeck 

usati per realizzare i dischi master, con l’intento di 

avvicinare il più possibile la lettura di un disco a quanto effettivamente 

inciso nella fase di mastering. Il doppio magnete V-Twins dovrebbe 

inoltre favorire una eccellente separazione stereo. 

Estremamente interessanti i prezzi previsti: i giradischi The StudioDeck e 

l’UltraDeck saranno infatti venduti tra i 1.000 e i 2.000 dollari, a seconda 

del modello di fonorilevatore scelto (che spaziano tra i 200 dollari della 

StudioTracker ai 700 della MasterTracker). Decisamente abbordabili 

anche i prezzi dei due pre-phono, con lo StudioPhono a quota 250 dollari 

e l’UltraPhono a 500. 

Carlo D’Ottavi 

Giradischi Mobile Fidelity Electronics StudioDeck 

Dimensioni: 50 x 13,7 x 36,2 cm (lxaxp) 

Peso: 8,5 kg 

Tipo: con braccio Telaio: rigido in MDF e lamina in acciaio 

e piedini antivibrazioni HRS Trasmissione: a cinghia con 

motore 300 RPM AC sincrono Piatto: in delrin 19 mm di 

spessore e 1,7 kg di peso Velocità (RPM): 33 e 45, cambio 

manuale Braccio: 10 pollici MoFi Studio Alzabraccio: idraulico 

Wow & Flutter (%): 0,17-0,25 Rumble (dB): 72 Note: cuscinetto 

piatto invertito in acciaio, sede in bronzo e teflon 

Braccio Mobile Fidelity Electronics StudioArm 

Tipo: dritto, canna in alluminio Articolazione: giunto cardanico 

Lunghezza (mm): 254 Massa effettiva (g): 35 Peso 

massimo ammesso (g): 5-10 Regolazioni: tracking force, 

VTA, azimuth e offset (+/- 2°) Antiskating: si Overhang 

(mm): 18 

Unità phono Mobile Fidelity Electronics StudioPhono 

Tipo: MM/MC Tecnologia: stato solido Impedenza MM 

(kOhm): 47 Impedenza MC (Ohm): 75, 100, 500, 1k, 10k, 

47k Note: guadagno regolabile 40-66 dB; distorsione THD 

< 0.01% (MM) / < 0.012% (MC). Alimentazione separata 

Giradischi Mobile Fidelity Electronics UltraDeck 


Peso: 10,4 kg 

Tipo: con braccio Telaio: rigido su piedni antivibrazione 

HRS Trasmissione: a cinghia, motore sincrono 300 rpm 

AC Piatto: in delrin da 33 mm di spessore e 3 kg di peso Velocità 

(RPM): 33 e 45, cambio manuale Braccio: 10 pollici 

MoFi Ultra Alzabraccio: idraulico Wow & Flutter (%): 0,017- 

0,025 Rumble (dB): 74 Note: base in MDF e tre lastre in 

allumino. Perno piatto invertito in acciaio indurito, sede in 

bronzo e zaffiro reggi spinta 

Braccio Mobile Fidelity Electronics UltraArm 

Tipo: dritto, canna in alluminio e cablaggio Cardas Articolazione: 

cardanica Lunghezza (mm): 254 Massa 

effettiva (g): 35 Peso massimo ammesso (g): 5-10 Regolazioni: 

tracking force, VTA, azimuth e offset (+/- 2°) Antiskating: 

si Overhang (mm): 18 

Fonorivelatore Mobile Fidelity Electronics StudioTracker 

Tipo: MM Tensione di uscita (mV): 3,5 Risp. in freq. 

(Hz): 20-20.000 Forza di appoggio (g): 1,8-2,2 Stilo: ellittico 

Impedenza di carico (Ohm): 47k/100pF Note: generatori 

V-Twin dual-magnet; corpo in polimero 

Fonorivelatore Mobile Fidelity Electronics UltraTracker 


(Hz): 20-25.000 Forza di appoggio (g): 1,8-2,2 Stilo: Nude 

Elliptical Impedenza di carico (Ohm): 47k/100pF Note: generatori 

V-Twin dual-magnet; corpo in lega di alluminio e 

acciaio inossidabile 

Fonorivelatore Mobile Fidelity Electronics MasterTracker 


(Hz): 20-25.000 Forza di appoggio (g): 1,8-2,2 Stilo: Mcro 

Line Impedenza di carico (Ohm): 47k/100pF Note: generatori 

V-Twin dual-magnet: corpo in lega d’alluminio e 

acciaio inossidabile 

Unità phono Mobile Fidelity Electronics UltraPhono 

Tipo: MM/MC Tecnologia: stato solido Impedenza MM (kOhm): 47 Impedenza MC (Ohm): 75, 100, 500, 1k, 10k, 

47k Note: guadagno regolabile 40-66 dB; THD < 0.006% (MM) / < 0.055% (MC). Uscita cuffia con stadio di amplificazione 

8V RMS Max, 62 Ohms, 1.5 W per canale e controllo di volume a 31 passi, 2dB per step da 0 a 62 dB. Alimentazione separata 

Mobile Fidelity Electronics al momento non è importata in Italia; sito: www.mofielectronics.com 


ANTENNA 


MISSION POSSIBLE 

Quando Moreno Conti ebbe l’idea di produrre tavolini per componenti Hi-Fi (1990) erano pochissimi i costruttori di questo 

tipo e questa storicità è uno degli elementi che ha permesso al marchio Solidsteel di conquistare una solida reputazione in 

tutto il mondo pur restando l’azienda di piccole dimensioni (“Our is a small Italian company” recita la pubblicistica 

aziendale). La morte del fondatore nel 2013 non ha frenato lo sviluppo aziendale affidato da allora ai 

due figli Gaetano e Manfredi (nella foto) che hanno via via razionalizzato il catalogo dividendolo in due linee, 

Hyperspike e Serie S. 

“I nostri tavoli Hyperspace Prestige sono i nuovi top di gamma perché hanno le parti strutturali finemente tornite 

e nuovi e innovativi ripiani in ceramica frutto di una ricerca durata un anno e mezzo: una lastra di ceramica viene 

alloggiata in superficie mentre all’interno del ripiano c’è schiuma poliuretanica di media e alta densità. I bordi 

sono resinati per permettere le forature e la parte opposta, il retro è in laminato. I bordi e la parte sottostante sono 

interamente verniciati e le superfici sono interamente antigraffio. La serie S, all’opposto, è nella gamma entry level il 

più economico. Il nostro scopo è quello di utilizzare lo stesso criterio tecnico basato sulle punte per produrre articoli 

che, in base al differente impiego di materiali, abbiano costi differenti”. Dal 2006 la gamma Hyperspike è anche 

completamente modulare e ha sostituito i prodotti saldati con piani ed elementi disaccoppiati con l’obiettivo 

di smorzare maggiormente le vibrazioni. 

Abbiamo chiesto ai due fratelli qual è l’obiettivo principale nel costruire mobili audio: “Avere un mobile progettato 

appositamente per l’audio/video è una prerogativa primaria per un buon ascolto: l’utilizzo di superfici come il cristallo 

o il vetro, che generano risonanze, l’abbiamo sempre escluso. La ceramica è un materiale estremamente rigido ma 

anche in grado di avere delle proprietà antigraffio e, insieme al telaio in acciaio, è in grado di smorzare le vibrazioni...”. 

Paolo Corciulo 

Un VPI per cominciare 

In principio fu il Player, giradischi essenziale nelle sue forme quanto 

ricco di elementi che lo rendono di fatto un sistema all-in-one: 

braccio, testina premontata, sezione phono e amplificatore cuffia 

integrati. Da questo prodotto in VPI hanno preso spunto per un’altra 

novità, questa addirittura promossa con il claim “il nostro primo 

giradischi sotto i mille dollari”. In realtà lo street price è addirittura 

sui 900 ma c’è un altro elemento importante in questo prodotto: il 

nome Cliffwood. Ai meno attenti dirà poco ma Cliffwood è il paese 

sede di VPI: in questo modo l’azienda ha voluto sottolineare come, 

anche se si tratta di un entry-level, è un prodotto realizzato proprio 

qui e non lontano migliaia di chilometri nel Far East. Giradischi 

essenziale, soprattutto per chi ha negli occhi l’opulenza di forme e 

materiali del resto della produzione: tavola in MDF da 32 mm di 

spessore sulla quale è stato montato il motore in AC da 600 RPM; 

piatto in alluminio e soprattutto un buon braccio da 9 pollici in 

alluminio che riprende la struttura Yoke su supporto Gimball, che 

sono la caratteristica di VPI. Prodotto semplice da utilizzare, di 

quelli che togli dall’imballo e fai partire, per cui in VPI hanno deciso 

di premontare una testina. Non una qualunque: hanno chiesto ai 

Giradischi VPI Cliffwood 

Dimensioni: 47 x 10 x 34,3 cm (lxaxp) 

Peso: 5,9 Kg 

Distributore: Audiogamma S.p.A. 

Via Pietro Calvi, 16 - 20129 Milano (MI) 

Tel.02.55.181.610 - Fax 02.55.181.961 

www.audiogamma.it 

Tipo: completo di testina Telaio: in MDF 

da 32 mm di spessore Trasmissione: cinghia 

Piatto: in alluminio da 30 cm Velocità 

(RPM): 33,3 e 45 Braccio: 9 pollici tipo Yoke 

in alluminio Note: Testina VPI/Grado Green. 

Possibilità di montare il braccio JMW 9. 

quasi vicini di casa di Grado di realizzare per questa esigenza una 

versione rivista della loro Green. Per chi ha voglia di fine-tuning è 

possibile montare su questa base, in alternativa al braccio di serie, 

un JMW 9 della stessa VPI. Consideriamo che lo Junior, l’attuale 

entry-level dell’azienda, in Italia è venduto a 2.000 euro (con 

testina Ortofon 2M Red), per cui lo sforzo del produttore per riuscire 

a proporre il Cliffwood è una scelta ben precisa e non casuale 

nel volersi proporre a un pubblico nuovo, magari lo stesso che ha 

iniziato ad acquistare vinile in tempi recenti 

e adesso cerca un prodotto per far evolvere il 

proprio sistema rimanendo ancora su prezzi 

“possibili”. Uno sforzo che speriamo venga 

riconosciuto anche dal distributore italiano di 

VPI che, al momento, in listino non ha ancora 

né il Player né tanto meno il nuovo Cliffwood. 

Vincenzo Maragoni 


ANTENNA 


Tagliamo i fili! 

Affidandosi a un laconico “compatibile con file 24 bit / 192 kHz” 

BryFi non affronta il nuovo con l’abituale e originale punto di vista 

di Bryston: manca il Bluetooth ma è presente l’AirPlay! Utilizza 

una doppia tripletta di altoparlanti che, secondo le informazioni 

aziendali, sono quelli che vengono utilizzati nel diffusore Mini 

A. Speaker e sono amplificati da una sezione di potenza (verosimilmente 

in Classe D) da 2x75 watt. Uno sportellino alla base del 

pannello anteriore copre il tasto di accensione, l’ingresso minijack, 

il volume (di tipo analogico come sottolineano in Bryston), 

le quattro porte USB tipo A (ma una viene sacrificata per il dongle 

del Wi-Fi) e la porta di rete Ethernet 10/100 Mbps con funzione 

UPnP. Sul pannello posteriore un secondo ingresso mini-jack 

e l’uscita per subwoofer nello stesso formato. Un elemento tra 

quelli positivi è che la sezione di controllo del BryFi BW-1 è di 

fatto costituita 

dal Raspberry 

Pi: una piattaforma 

che può 

regalare prestazioni 

e caratteristiche 

inversamente 

proporzionati 

al suo prezzo 

piccolo piccolo 

in cambio, però, di una forte personalizzazione hardware e 

software. 


Streaming Player Bryston BryFi BW-1 

Prezzo: € 2.210,00 

Dimensioni: 49 x 26 x 17 cm (lxaxp) 

Peso: 7,30 Kg 

Distributore: Audio Reference S.r.l. 

Via Giuseppe Abamonti, 4 - 20129 Milano (MI) 

Tel.02.29.404.989 - Fax 02.29.404.311 

www.audioreference.it 

Supporti compatibili: SSM (Solid State Memory) Tipo: stereo Tecnologia: 

a stato solido Amplificazione: 2 x 75 W su 8 Ohm in classe 

AB Risp. in freq. (Hz): 60 - 20.000 +/- 3 dB Ingressi analogici: 1 

RCA Ingressi digitali: USB High resolution (4), Ethernet (1), WiFi 

(1) Sistema di conversione D/A: 24 bit - 192 kHz Note: Ingressi 

analogici: 2x mini-jack 3,5 mm. Uscita: mini-jack 3,5 mm per subwoofer. 

AirPlay, UPnP, WiFi. Speaker: 2x woofer 16,5 cm; 2x midrange 9 cm; 2x 

tweeter 2,5 cm. Max SPL 115 dB. 

UN FUTURO BELLISSIMO 

Segni particolari? Bellissimo! Ma non è una novità, almeno per B&O che 

con il Beolab 50 ripercorre in termini di ricaduta tecnologica e in versione 

ridotta il percorso inaugurato con l’ammiraglia Beolab 90, mentre 

dal punto di vista del design ci si è ancora una volta “sbizzariti” con un 

diffusore a pianta triangolare e un disegno in cui la parte inferiore è 

stata concepita per sollevare visivamente il diffusore dal pavimento, 

dandogli un senso di stabilità al centro. 

BeoLab 50: un diffusore amplificato (con moduli IcePower) che utilizza la 

soluzione Active Room Compensation, basata sul controllo attraverso il 

DSP Analog Devices ADSP-21489 (400 MHz) per la correzione ambientale 

attraverso filtri di compensazione e l’originale Acoustic Lens Technology 

che, grazie a un sistema motorizzato, regola la dispersione del tweeter 

con vari settaggi. 

Il collegamento al diffusore avviene per via digitale tramite connessione 

fisica (24/192) o in wireless che nella modalità WiSA avviene a 24/96. 

Agostino Bistarelli 

Diffusori Bang & Olufsen BEOLAB 50 


Peso: 61 Kg 

Distributore: Bang & Olufsen Italia S.p.A. 

Via Santa Maria Valle, 3 - 20123 Milano (MI) 

Tel. 02.72.74.001 - Fax 02-89.01.05.20 

www.bang-olufsen.it 

Tipo: da pavimento N. vie: 3 Risp. in freq (Hz): 15 - 43,000 Altoparlanti: 

1 tw da 3/4’’, 3 midrange da 4’’, 3 wf da 10’’ Note: amplificato con 7 moduli 

IcePower da 300 W e controllato da DSP Analog Devices ADSP-21489 per 

calibrazione acustica. Ingressi USB e SPDIF a 24/192, ottico a 24/96. Wi-Fi. 


ANTENNA 


VOCE GROSSA 

La collocazione visiva della linea Reference K all’interno del sito di Canton la dice lunga su questi diffusori: non sono 

compresi in nessuna delle categorie, nemmeno in quella Hi-Fi dove ci saremmo aspettati di trovarli. In effetti già a un 

primo sguardo i Reference K dimostrano tanta sostanza, maggiormente in evidenza nel top di gamma 1K. Sistema a 

pavimento, come lo sono anche i 3K, 5K e 7K mentre il 9K è l’unico bookshelf, il 50K è un canale centrale e sub attivo. Tre 

vie e quattro altoparlanti per l’1K (stessa configurazione anche per gli altri tower della serie) con doppio woofer da 310 

mm per la gamma bassa, midrange da 180 mm e tweeter a cupola da 25 m. Proprio sugli altoparlanti in Canton hanno 

fatto un lungo lavoro tecnologico di affinamento dei componenti. Per woofer e midrange, ad esempio, sono intervenuti 

direttamente sulla struttura molecolare dell’alluminio per trasformarne una parte in una struttura di tipo ceramico e su 

questa hanno applicato elementi in tungsteno. Tutto ciò per ottenere una membrana che potesse estremizzare il rapporto 

tra peso, rigidità e smorzamento. Composito ceramico anche per la cupola del tweeter. Midrange con doppia sospensione 

e cestello in pressofusione di alluminio. Quattro connettori sul pannello posteriore, per bi-wiring e bi-amping, con possibilità 

di accettare cavi fino a 10 mmq e connettori a banana. Il modello 1K, insieme soltanto al 3K, mette a disposizione 

dei ponticelli per intervenire separatamente sulla gamma media e alta sulle posizioni -1.5 / 0 / +1.5 dB. Il sistema reflex 

del diffusore è nascosto nella base: il condotto è posizionato sul pannello inferiore e sfocia nella base sagomata che 

provvede a controllare il flusso dell’aria per disperderlo, in misura diversa, tra la parte anteriore e quella posteriore. 

Un sistema (denominato Bass-Guide con tanto di brevetto) che svincola abbastanza il reflex dalla posizione in ambiente 

del diffusore e ne semplifica la collocazione. Chiaramente la base è stata progettata e realizzata per sostenere il doppio onere del peso del diffusore (134 

chili per ogni unità) e della pressione dell’aria del condotto reflex. In realtà è tutto il diffusore a essere di grande solidità e bassa propensione alle risonanze: 

l’interno è stato adeguatamente rinforzato da diversi elementi orizzontali che vincolano le pareti e bloccano il propagarsi delle onde; ogni altoparlante, 

inoltre, ha una sua camera di risonanza distinta e separata. Finitura piano con dodici diversi strati di vernice. 


Diffusori Canton Reference 1K 

Prezzo: € 20.806,00 


Peso: 134 Kg 

Distributore: Hi-Fi United 

Via Manfredi, 98 - 29122 Piacenza (PC) 

Tel. 0523.71.61.78 - Fax 0523.71.60.76 

www.hifiunited.it 

Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex N. vie: 3 Potenza (W): 

500/900 Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz): 180-400- 

2800 Risp. in freq (Hz): 18-40.000 Sensibilità (dB): 89,5 Altoparlanti: 

2x Woofer 310 mm Ceramic Tungsten, 1x Midrange 180 mm Ceramic 

Tungsten, 1x Tweeter 25 mm Aluminum Ceramic Oxyd Rifinitura: 

piano, nero, bianco 

La mia prima volta 

“Il più semplice possibile!”. In sintesi il Cor, primo amplificatore 

della inglesePMC (Professional Monitor Company – nome 

, a questo punto, non così omen) è un inno al tradizionale 

approccio britannico all’Hi-Fi dove c’è molto dello zampino di 

Oliver Thomas (il figlio del fondatore Peter Thomas). Basato 

su una configurazione Darlington pura, con circuiti bilaciati 

e completamente analogico, l’integrato utilizza un sistema di 

monitoraggio del calore tramite chip mentre volume, controlli 

di tono e balance sono motorizzati; l’alimentatore è in MuMetal 

da 360 VA. Il progetto ha richiesto 4 anni di sviluppo dove, 

a detta degli interessati, una buona parte del tempo è stata 

dedicata ad accoppiare 

i componenti 

che “elettricamente possono essere uguali ma non sempre 

suonano nella stessa maniera”. Cura che si estende anche ai 

particolari: completamente costruito in Ingilterra, l’apparechio 

dispone di un telecomando orignale realizzato in alluminio e 

di un ingresso cuffia di qualità. 

Il tremila 

Amplificatore integrato Pmc Cor 


Peso: 12 Kg 

Distributore: Gammalta Group S.r.l. 

Via S. Maria, 19/21 - 56126 Pisa (PI) 

Tel. 050 2201042 - Fax 050 2201047 

www.gammalta.it 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 95 W su 8 

Ohm in classe AB Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 +0/-0.2dB 

5Hz THD (%): 0.001 S/N (dB): 101 Ingressi analogici: 4 

RCA 1 XLR 


ANTENNA 


L’elegante che mancava 

Nella parte alta del listino di Rockport Technologies si era creato un 

vuoto che l’azienda ha colmato con il modello Lyra: diffusore che 

si colloca tra i 300.000 euro del top di gamma Arrakis e i 130.000 

circa di Altair. Il nuovo arrivato, oltre a completare la gamma prezzi, 

si presenta con una caratteristica estetica che si stacca in maniera 

netta dai due modelli citati e tende a celare le sue caratteristiche 

e prestazioni dietro un design relativamente semplice. C’è un primo 

elemento di discontinuità, che molto probabilmente sta a indicare 

una nuova via intrapresa da Andrew Payor: l’uso dell’alluminio per 

la realizzazione dei due telai (uno dentro l’altro) che compongono 

il diffusore, mentre in Arrakis e Altair è stato utilizzato un doppio 

telaio in fibra di vetro, carbonio e speciali polimeri. Altra differenziazione 

estetica tra Lyra e i due Arrakis e Altair è la mancanza nel 

primo dei woofer laterali, quelli che sostanzialmente obbligavano a 

uno sviluppo molto evidente in profondità del mobile a svantaggio 

delle belle proporzioni. Qui la gamma bassa è affidata alla coppia di 

woofer da 25 cmm collocati sul pannello anteriore, come lo sono i due 

midrange che racchiudono il tweeter tipicamente in berillio. Anche 

gli altoparlanti per woofer e midrange hanno ricevuto degli step-up, 

forse meno nella composizione e più nel processo di lavorazione, che 

ora vede un passaggio ulteriore che ha il compito di dare ulteriore 

rigidità alla membrana, sempre realizzata con nove strati di fibra di 

carbonio e Rohacell. Al tweeter è stata aggiunta una guida d’onda 

che, oltre a controllare l’emissione nello spazio, permette anche un 

incremento della sensibilità media dell’altoparlante. 


Diffusori Rockport technologies Lyra 

Prezzo: € 187.000,00 


Peso: 254 Kg 


Via Giuseppe Abamonti, 4 - 20129 Milano (MI) 

Tel.02.29.404.989 - Fax 02.29.404.311 


Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex N. vie: 3 Potenza 

(W): minimo 30 Impedenza (Ohm): 4 Risp. in freq (Hz): 20 - 

30.000 -3 dB Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: 2x Woofer 25 cmm 

in fibra di carbonio; 2x midrange 16.5 cm in fibra di carbonio; Tweeter 

2,5 cm in berillio 

E DSD SIA! 

Ha un doppio ruolo il neo arrivato DAC Abacus di Heed Audio: va a rivitalizzare la serie Elixir, si colloca strategicamente 

tra la serie Modulare e i più costosi Obelisk e Thesis (costituito dal solo amplificatore integrato omonimo) e 

introduce la conversione da DSD nativo. Sull’Abacus poche le informazioni tecniche ufficiali, come da tradizione 

Heed Audio, che solo a richiesta diretta ci fornisce qualche dato tecnico come quello del processore utilizzato 

per la sezione di conversione DA che, in questo caso, è uno stagionato ma sempre valido AK 4490 con supporto nativo per il DSD, fino a 5.6448 

MHz, mentre per il PCM il dato è 32 bit / 384 kHz su USB e 24 bit / 192 kHz su tutti gli altri ingressi. I progettisti di Heed Audio puntano molto l’attenzione 

sullo stadio analogico del loro convertitore, quello che alla fine caratterizza sonicamente la macchina e sul quale è più facile intervenire per fine-tuning. Nel 

caso dell’Abacus sono stati utilizzati in questa sezione componenti discreti. Per gli ingressi ottici e coassiali è stata utilizzata un’interfaccia AKM IC mentre per 

l’USB la classica XMOS. Lo stadio analogico e i filtri utilizzano sezioni di alimentazioni separate. Quattro i filtri disponibili: linear phase fast roll-off, linear phase 

slow roll-off, minimum phase fast roll-off, minimum phase slow roll-off, mentre per il DSD abbiamo il normal (attraverso il convertitore Delta Sigma) e il direct 

(percorso diretto dalla stadio di conversione). La selezione dei filtri è controllabile direttamente dal telecomando in dotazione. Il display OLED sul frontale 

mostra il sampling rate del file in ascolto e l’ingresso selezionato. A proposito di ingressi, sul pannello posteriore quelli disponibili: coassiale RCA, coassiale 

BNC, due ottici, USB e uno spazio vuoto (ma previsto nella selezione degli ingressi) da utilizzare per prossimi sviluppi hardware della macchina; uscita RCA. 


Convertitore Heed Audio Abacus 

Prezzo: € 1.090,00 


Peso: 4,5 Kg 

Distributore: DML Audio 

Via Del Salice, 28 - 47822 Santarcangelo di Romagna (RN) 

Tel. 0541.62.39.05 - Fax 0541.62.67.61 

www.dmlaudio.it 

Frequenza di campionamento (kHz): PCM: 32bit/384 kHz - DSD 5.6 

MHz Risp. in freq. (Hz): da 3 Hz Ingressi analogici: RCA Ingressi 

digitali: BNC, 2x ottico, USB Uscite analogiche: linea RCA Note: Filtro 

DSD 50 kHz come standard da Scarlet Book 


ANTENNA 


L’anello mancante 

Si era creato un “buco” all’interno del listino dei giradischi 

di Gold Note: quello tra l’entry level Valore (intorno ai 1.000 

euro) e la coppia Giglio e Mediterraneo (grossomodo tra 4.000 

e 6.000 euro). Ora arriva il Pianosa con i suoi 2.750 euro che a 

un primo sguardo veloce è molto vicino come stile alla coppia 

top di gamma, con l’elemento in legno inferiore (da 50 mm di 

spessore) dalle forme morbide e dal design elegante e raffinato. 

Curve che non sono solo estetiche (secondo la letteratura 

aziendale richiamano le colline di certe zone della Toscana) 

ma aggiungono anche ulteriore rigidità al pannello: il legno 

scelto è il noce italiano, stagionato e stabilizzato a temperatura, 

quello che combina rigidità ed elevata massa. Questo pannello 

è ulteriormente rinforzato con elementi in acciaio da 3 mm 

di spessore, il tutto vincolato a un secondo pannello di MDF 

da 20 mm laccato nero. Tre grossi piedi in acciaio fungono da 

disaccoppiamento meccanico con la superficie di appoggio del 

giradischi. Il piatto del Pianosa, da 23 mm di spessore, è realizzato 

in Sustarin: un copolimero senza pori, facilmente lavorabile 

con elevate caratteristiche 

di stabilità nel 

tempo, resistenza all’attrito, 

combinazione di resistenza e rigidità, 

deformazione 

permanente minima e ottima resistenza alla flessione. Il giradischi 

è già completo di braccio, si tratta del B5.1, realizzato 

dalla stessa Gold Note: canna da 9 pollici in alluminio 6000 

rettificato (conosciuto anche come Anticorodal, in lega con 

silicio e magnesio) da 10 grammi di massa dinamica effettiva, 

con VTA regolabile, anti-skating a filo, azimuth regolabile con 

grani, cablaggio interno con Hyper Litz schermato OFC. Motore 

sincrono a 12 V PMW con selezione e controllo elettronico 

della velocità. 


Giradischi Gold Note Pianosa 

Prezzo: € 2.750,00 

Distributore: Akamai S.r.l. 

Via della Gora, 6 - 50025 Montespertoli (FI) 

Tel.+39 0571 675005 - Fax +39 0571 675013 

www.goldnote.it 

Tipo: con braccio Telaio: basamento in noce da 50 mm accoppiato con 

uno zoccolo MDF di 20 mm e rinforzato con una piastra in acciaio inox 

da 3 mm Trasmissione: cinghia Piatto: Ultra Dead Design Sustarin 

da 23mm di spessore Velocità (RPM): 33,3 e 45 con cambio elettronico 

e regolazione fine Braccio: B5.1 Wow & Flutter (%): 0,1 Rumble 

(dB): -77 Note: motore sincrono 12 Volt High Torque sincrono con 

alimentazione esterna PWM. Cuscinetto del perno in acciaio e bronzo 

temperato. Finiture disponibili: walnut, laccato nero, laccato bianco. 

NUOVE FRONTIERE PER DALI 

La collaborazione tra Lenbrook (proprietaria dei 

marchi Bluesound, Nad e PSB) e Dali comincia 

a dare i suoi frutti, partendo dal 

settore wireless dove la casa danese ha 

deciso di utilizzare la piattaforma BluOs (in 

grado di garantire lo stream a 24/192 con 

compatibilità con Roon e MQA e provvisto 

di App) per il suo sistema Callisto costituito da un 

hub digitale e da diffusori wireless amplificati in grado di riprodurre 

segnali fino a 24/96. Sono disponibili ingressi coassiale, ottico (2), 

USB e analogico (2 gli ingressi che vengono convertiti in digitale) e 

l’apparecchio è compatibile bluetooth. I diffusori utilizzano un woofer da 16,5 

cm in fibra di legno e un sistema tweeter ibrido a cupola e nastro e sono alimentati da un ampli in classe 

D. Al momento ancora da definire l’introduzione sul mercato. 

Agostino Bistarelli 

Pathos in Italia direttamente 

La casa vicentina ha deciso di distribuirsi direttamente nel nostro 

paese: dopo tanti anni di proficua collaborazione si conclude così 

il rapporto di partnership distributiva tra Pathos acoustics e Music 

Tools. A partire da settembre, pertanto, la gestione commerciale 

del mercato italiano sarà di responsabilità diretta di Pathos. 

Per info: sales@pathosacoustics.com 


INSIDE DENTRO LA MUSICA 

di Vincenzo Maragoni 

Una cuffia salverà l’Hi-Fi? 

Cresce l’interesse intorno al CanJam e al suo modo di presentare e far conoscere i prodotti. Siamo 

andati all’edizione di Londra per cercare di capire il segreto di questo successo. 

15e 16 luglio: l’appuntamento è al Park Plaza Westminster, 

giusto dall’altra parte del Westminster Bridge, quello che 

termina a ridosso del palazzo omonimo e dell’imponente 

Big Ben. È qui che si svolge il CanJam London 2017: l’edizione britannica 

di una serie di eventi che vengono realizzati anche a Los Angeles, 

Singapore, New York e Denver (il punto di partenza di tutta l’organizzazione). 

CanJam nasce nel 2006, anche se allora la sua denominazione 

era National Head-Fi Meet, poi diventata per un paio di anni HeadFest 

fino ad assumere, nel 2008, l’attuale nome. Da allora l’evento è stato 

presente a Los Angeles, Chicago, New York, Londra, Singapore e al Rocky 

Mountain Audio Fest a Denver. Per il 2018 è possibile che vengano 

aggiunte ulteriori due location a quelle già in calendario, una delle quali 

sarà molto probabilmente Shangai. L’edizione 2017 di Londra ha accolto 

1.600 appassionati con un incremento del 20% rispetto al 2016; 62 gli 

stand, spesso con più marchi, presenti all’evento. Se non si conosce la storia 

del CanJam è lecito pensare che dietro ci sia un’organizzazione complessa 

e articolata, magari una di quelle nate dall’accordo delle aziende 

produttrici. Niente di più sbagliato: CanJam nasce “dal basso”, perfetto 

esempio di come saper interpretare e gestire le esigenze di appassionati 

che si ritrovano dietro un social media. In questo caso parliamo del 

forum Head-Fi (head-fi.org), la più ampia comunità che ruota intorno 

al mondo della cuffia e dell’audio portatile. Un forum che, evitando le 

risse verbali e le inutili chiacchiere da bar tipiche di situazioni nostrane, 

ha saputo conquistarsi una posizione da influencer del settore fino alla 

massima consacrazione dell’organizzazione del CanJam, in collaborazione 

con Ethan Opolion. Head-Fi ha saputo raccogliere le esigenze e 

gli interessi di un “nuovo pubblico” di appassionati della riproduzione 

audio, molti dei quali provenienti dall’esperienza con iPod e simili e che 

cercavano un modo per far evolvere lo strumento utilizzato e la qualità 

dell’ascolto. Una comunità consapevole ed esperta, che cerca nel forum 

risposte a nuove domande e non solo uno spazio dove riversare richieste 

assurde o, ancora peggio, creare scompiglio. Una comunità che alla fine 

anche le aziende tengono in considerazione, come dimostra il caso di 

iBasso che, in fase di progettazione del proprio nuovo DAP top di gamma, 

ha sondato proprio le richieste degli iscritti ad Head-Fi. Un nuovo 

pubblico ampio come numero e come possibilità di utilizzo di strumenti 

diversi per ascoltare musica (mobile, computer…). Lo stesso pubblico 

che molti degli operatori nazionali ha snobbato, valutando l’iPod come 

una semplice moda e non come uno strumento fondamentale (a modesto 

avviso di chi scrive) per il passaggio tra due generazioni di “ascoltatori”. 

Uno strumento, l’iPod e simili, che a distanza di qualche anno si sono 

trasformati nei DAP ad alta risoluzione che ormai conosciamo bene e 

con loro i modesti auricolari bianchi di serie si sono trasformati in una 

nuova generazione di cuffie ad alte prestazioni e, non di rado, prezzo 

contenuto. Proprio questi nuovi appassionati hanno prima popolato 

gli spazi di Head-Fi (e anche di altri spazi dal contenuto simile) e poi le 

stanze delle diverse edizioni del CanJam. Qui si respirava un’atmosfera 

diversa, simile a quanto registrato all’evento Headroom del marzo scorso, 

sempre a Londra e sempre dedicato al mondo della cuffia e dell’audio in 

mobilità. Qui gli appassionati che arrivano sono consapevoli delle novità 

che trovano - potere dei social media e della buona organizzazione delle 

aziende presenti - e che vogliono provare. Anche gli espositori hanno un 


REPORTAGE LONDON CANJAM 

La grande Ballroom del Park Plaza Westminster ha ospitato l’edizione 2017 del 

CanJam a Londra con i suoi 1.600 partecipanti e i 62 espositori. 

Da sinistra Jude Mansilla e Ethan Opolion: il primo è il creatore di Head-Fi, l’altro 

è il braccio operativo in CanJam. 

approccio diverso: sono meno “ingessati”, non presentano i loro prodotti 

come “i migliori del mondo” ma, anzi, invitano a fare confronti e verifiche 

con altri simili. L’atmosfera è in generale sempre molto rilassata e meno 

formale, i prodotti si toccano, si provano, spesso è possibile parlare 

direttamente con il progettista. Anche i metodi di vendita sono 

diversi e diversificati rispetto all’Hi-Fi tradizionale: crowdfunding, 

vendita diretta dal sito, riferimenti continentali e non distributori 

nazionali, rivenditori anche non proprio Hi-Fi, piattaforme come 

Amazon e simili… La sensazione è che questo possa essere, anzi sia, 

l’esempio e il traino anche per i prodotti più tradizionali. Sempre 

che i prodotti e i produttori tradizionali abbiano voglia di cercare 

una nuova strada… 

Oltre alle edizioni americane ed europee per il 2018 è ormai certa almeno una data in Cina per il 

CanJam. Inevitabile visto il numero di produttori cinesi presenti nelle varie edizioni dell’evento. 

TANTO IN POCO SPAZIO 

Il nuovo amplificatore per cuffia A5 Fiio prende il posto del precedente E12A anche se a un colpo d’occhio 

veloce i due sembrano piuttosto uguali. La linea, in effetti, è simile come è simile la struttura tecnica 

anche se qui in Fiio hanno lavorato di affinamento e di precisione per tirare fuori un amplificatore di 

nuova generazione, con componenti migliorati e, con essi, le prestazioni numeriche, come la distorsione 

e il rapporto segnale-rumore; miglioramenti anche nella sezione di alimentazione, con una tensione di 

lavoro più alta (11 V) e una maggiore gamma dinamica. A bordo operazionali del calibro di MUSES02 e LME49600, ai quali si aggiungono resistenze in film metallico. 

La batteria integrata è formata da tre celle in serie per un totale di 880 mAh per circa 13 ore di autonomia; può essere ricaricata via USB o con il charger dedicato e, in 

questo caso, il “pieno” di energia arriva in due ore e mezza. Amplificatore per cuffia senza la sezione di conversione D/A (a questi Fiio ha dedicato un’altra piccola serie 

specifica), quindi l’ingresso è analogico in formato mini-jack da 3,5 mm, lo stesso che troviamo in uscita per la cuffia. Entrambi i connettori sono realizzati con un telaio 

di acciaio lavorato in CNC e un anello di tenuta interno: in questo modo il contatto tra sede e connettore è solido per cui anche in movimento sono scongiurati falsi 

contatti. Accanto a questi il selettore per il guadagno, regolabile su due posizioni, così da potersi adattare più facilmente a cuffie con diverse impedenze. A proposito 

del carico Fiio dichiara la potenza del suo A5 in un range che va da 32 a 300 con un risultato di 800 e 150 mW. Il prezzo è di 152 euro. 

Distributore: Audio Azimuth - www.audioazimuth.it 


INSIDE 

AUGURI IN MUSICA (HI-RES) 

iBasso festeggia i suoi primi dieci anni e lo fa con un prodotto ad alte prestazioni: il DAP DX200, che già 

dalla sigla lascia intendere essere un’evoluzione del DX100 presentato nel 2012 e ormai pronto a lasciare 

il posto a una macchina più moderna e prestazionale. Un nuovo prodotto che l’azienda ha realizzato 

a stretto contatto con l’ampia comunità di Head-Fi, raccogliendo e valutando le tante indicazioni e 

i suggerimenti che arrivano da questo importante forum che ha saputo crescere ed evolversi fino a 

diventare un vero e proprio influencer mondiale per tutto quello che riguarda il mondo della cuffia e 

dell’audio in mobilità in generale. Un modo nuovo di sviluppare un prodotto, con attenzione a quello che 

“la base” chiede e cerca: una sorta di condivisione social di un progetto audio. Già a un primo sguardo il 

DX200 comunica tutta la sua consistenza: il display multi-touch copre quasi tutto il panello frontale (con 

risoluzione di 768 x 1280); il telaio è in alluminio aeronautico lavorato in CNC con un elevato senso di 

solidità; schermo per interferenze RF e EMI; la manopola del volume è meccanica ed è protetta da una 

barretta di alluminio che a sua volta integra i comandi elettronici del controllo delle tracce. A bordo del 

DX200 un processore Arm Cortex A53 con struttura a 8 Core; a seguire la sezione di decodifica D/A che 

utilizza una coppia di Sabre ES9028PRO 8 Core (era un singolo 9018S singolo core nel DX100) grazie 

ai quali è possibile utilizzare file audio sia PCM (a 32 bit / 384 kHz) che DSD512, mentre nel DX100 era 

supportato solo il PCM 24/192. A tutto questo si aggiunge una versione focalizzata sulle funzioni audio 

di Android 6.0 con player 

audio Mango integrato. Ne consegue che i numeri del DX200 schizzano in alto, come testimoniato dai 125 dB per il rapporto segnale/rumore e i -114 

dB per la THD (sensibili i progressi, dunque, rispetto al precedente DX100, che aveva valori rispettivamente di 116 e -94 dB). In evidenza la presenza di una porta USB 

tipo C con ricevitore Xmos XU208 che permette di utilizzare il lettore come un vero e proprio DAC esterno a supporto di computer Windows, Apple e Linux: il primo 

ha bisogno di driver (messi a disposizione da iBasso) mentre gli altri due, come sempre, sono pronti all’uso immediato. Ancora in tema di connessioni: uscita SPDIF, 

utilizzabile con mini-ottico o coassiale; line-out con mini-jack da 3,5 mm; slot per mini-SD; per la cuffia abbiamo a disposizione un’uscita single-ended e una bilanciata 

da 2,5 mm. In dotazione con il DX200 la custodia, il cavo USB-C, il coassiale e quello definito burn-in, da utilizzare nelle prime ore di utilizzo del player per stabilizzare 

circuiti e componenti elettronici. Il prezzo è di 990 euro. 

Distributore: Audio Point Italia - www.audiopointitalia.it 

NOBILE DISCENDENZA 

In Pioneer hanno fatto un lungo lavoro di ricerca e affinamento sui materiali e sulla struttura della cuffia flagship SE-Master1 e dal 

top di gamma, come inevitabilmente succede in ogni settore di mercato, deriva ora una seconda cuffia che riprende alcuni elementi 

tecnici e alla quale tende in fatto di prestazioni sonore. SE-Monitor5 la sigla, per una cuffia chiusa con trasduttori dinamici e struttura 

sovraurale. Le dimensioni importanti dei padiglioni nascondono un sistema a doppia camera, dove la seconda (più piccola di quella 

principale) ha il ruolo di controllare la pressione alle spalle del trasduttore per limitare fenomeni di compressione. Il risultato, secondo 

Pioneer, è una gamma bassa più pulita e controllata, con pochi fenomeni di risonanze e una maggiore discesa in frequenza. Un 

elemento importante in questo processo è la forma e la composizione del padiglione e, di conseguenza, delle due camere 

di risonanza: è stato ampiamente utilizzato il magnesio così da contenere il peso e, allo stesso tempo, aumentare la rigidità 

strutturale. Trasduttore da 50 mm realizzato con nano-fibre di polpa di cellulosa naturale, bobina mobile con filo in alluminio 

rivestito in rame, anche per il cestello dell’altoparlante è stato utilizzato il magnesio, risposta in frequenza accreditata da 5 a 

85k Hz. In dotazione tre diversi cavi per altrettanti utilizzi: uno da 1.6 metri con connettore da 3.5 mm sbilanciato; uno da 3 metri 

con doppio connettore da 3.5 mm sbilanciato; uno da 1.6 metri con doppio connettore bilanciato da 2.5 mm a 4 poli; in tutti i casi 

il cavo è di tipo Litz. Doppia scelta per il cuscinetto: uno in velluto e uno in pelle, per entrambi l’imbottitura è in memory foam per 

adattarsi meglio alla forma dell’orecchio. L’archetto si innesta nel padiglione con un meccanismo in duralluminio con sistema in gomma 

che ha il compito di isolare meccanicamente il più possibile proprio il padiglione dal suo supporto. 

Prezzo: € 1.130,00 Peso: 480 g. Distributore: Pioneer Italia - www.pioneer.it 

NUOVA SERIE 

www.pmc-speakers.com 

The definition of performance. 

vieni ad ascoltarle a Mantova da: 

GAROSI RENZO HI-FI, 

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Via Broletto, 7 - Mantova 

Ph / Fax +39 0376 328604 

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INSIDE 

VOCE AUTOREVOLE 

Un nome di riferimento del settore cuffia che non presenta novità tutti i giorni: l’emozione degli organizzatori 

del CanJam London 2017 era forte nell’annunciare la presenza di Stax e del suo nuovo SRM-T8000, 

amplificatore dedicato al difficile carico delle proprie cuffie che si colloca direttamente al top di gamma e 

che dopo tanti anni va a sostituire, come prodotto di riferimento, l’attuale SRM007TII. Il prezzo dovrebbe 

collocarsi (ancora non è stato ufficializzato) nella zona 6/7.000 euro. A differenza degli attuali amplificatori 

il nuovo SRM-T8000 si differenzia già per le dimensioni, con la larghezza che raddoppia e supera i 30 cm. 

Altro elemento di differenziazione è la presenza a bordo del primo trasformatore toroidale mai utilizzato 

da Stax per i suoi amplificatori. La struttura è quella ibrida con una coppia di triodi 6922 per lo stadio di 

ingresso e semiconduttori, chiaramente in alta polarizzazione, per quello di uscita. Le due 6922 sono 

collocate su una scheda fisicamente separata dal resto dell’elettronica di bordo, così da tenerle lontane 

il più possibile da vibrazioni e rumori che possono rientrare. In questo senso è di aiuto anche la combinazione 

tra il telaio di alluminio a-magnetico e i piedini isolanti, anche questi in alluminio. Due uscite sul 

pannello frontale da utilizzare con tutte le cuffie Stax Pro con connessione a cinque poli. In ingresso: due 

RCA e un XLR, cui si aggiunge un ulteriore ingresso al momento non attivo e pronto (secondo quanto 

comunicato ufficialmente dal produttore) ad accogliere prossimi ed eventuali formati. L’SMR-T8000 

utilizza la funzione External Bypass che permette di utilizzare il controllo del volume da sorgenti esterne. 

Amplificatore per cuffie Stax SRM-T8000 

Dimensioni: 32 x 10,3 39,5 cm (lxaxp) 

Peso: 7.3 kg 

Tipo: Ibrido Risp. in freq. (Hz): 1 - 115.000 THD (%): 0,01 Ingressi: 2x RCA, 

1x XLR Uscite: 2x connettori 5 poli per cuffie Stax Pro Impedenza cuffie: 

50k Note: Massimo livello di uscita: 470 V RMS. Guadagno: 60 dB. 

Distributore: Pro Audio International S.r.l. 

Via Guido Guinizelli, 15 - 20127 Milano (MI) 

Tel. 0236589184 

www.proaudiointernational.it 

INVERSAMENTE PROPORZIONATO 

Ancora prima delle sue caratteristiche tecniche e di utilizzo il Naos di Ultrasone si presenta 

con quattro cifre: 48, 18, 6 e ancora 6 dove le prime tre sono i millimetri delle sue dimensioni e 

l’ultima è il peso in grammi. Stiamo parlando di qualcosa di simile a una delle tante pen-drive 

che riempiono la borsa del computer e i cassetti della nostra scrivania. E proprio al mondo 

dell’informatica-audio è destinato principalmente il piccolo Neos. Ultrasone lo indirizza specificatamente 

agli “audiomobili” già nella compilazione della scheda tecnica: nessuna informazione 

su chip e configurazione adottata, evidenza alla dotazione di cavi grazie ai quali possiamo 

collegare il Naos a qualsiasi computer, tablet e smartphone. Il solo dato tecnico evidenziato 

è la possibilità di gestire file audio PCM fino a 24 bit / 192 kHz. Come dire: è più importante il 

risultato che non il modo con il quale lo si raggiunge. Dimensioni ridotte e funzionalità ridotte 

al minimo: da una parte l’ingresso mini-USB, dall’altra l’uscita jack 3.5 mm. Cavi adattatori in 

dotazione permettono di interfacciarsi facilmente in ingresso con dispositivi in formato USB-A, USB-C, Ligthing e OTG. L’uscita analogica può essere utilizzata sia come 

uscita linea che per collegare una cuffia, sebbene in questo caso sia necessario che la sorgente abbia la regolazione del volume in uscita. Più che per una valenza strettamente 

tecnica il Neos ha un importante significato strategico e commerciale: un produttore di cuffie di livello medio-alto si affaccia al mondo dell’audio in mobilità 

con un prodotto a proprio nome, certificando in questo modo un settore in sviluppo verso il quale tutti gli operatori devono confrontarsi e fare delle proposte credibili 

e facilmente utilizzabili anche (e soprattutto) da un pubblico di non esperti. 

Convertitore Ultrasone Naos 

Prezzo: € 169,00 

Dimensioni: 0,48x0,18x0,16 cm (lxaxp) 

Peso: 0,06 kg 

Frequenza di campionamento (kHz): 24 bit - 192 kHz Ingressi digitali: 

USB mini Uscite analogiche: Mini-jack 3.5 mm S/N (dB): 110 Note: in dotazione 

cavi adattatori per USB-A, USB-C, Lightning, OTG. 

Distributore: Texim 

Via Concordia 6 - 20838 RENATE (MI) 

Tel. 0362-923811 - Fax 0362-9238205 

www.texim.it 


REPORTAGE LONDON CANJAM 

PRONTO ALLE SFIDE 

Scarne le notizie ufficiali (la sensazione è che sia una scelta ben precisa per far salire la curiosità) 

sul nuovo amplificatore per cuffia top di gamma di Auris Audio, che porta il nome di 

Headonia. Supera in listino l’attuale HA2 SE con un prezzo che dovrebbe aggirarsi intorno ai 

6.000 euro. L’obiettivo dell’Headonia è quello di poter gestire tutte le cuffie in commercio, 

anche quelle dal carico più difficile nel range compreso tra 32 e 600 Ohm. In Auris Audio 

sono talmente sicuri della stabilità di erogazione di potenza (fino a 3 watt dichiarati) del loro 

Headonia che hanno collocato sul pannello frontale due uscite per la cuffia, una in formato 

XLR e l’altra jack da 6,3 mm, utilizzabili contemporaneamente. Sulla parte superiore dell’amplificatore 

due distinti regolatori di impedenza dedicati alle due uscite. Ancora sulla parte 

superiore quelle che sono le star dell’apparecchio, le due 2A3 utilizzate in single-ended e, 

tra di loro, la singola ECC99. Come da tradizione Auris Audio finiture in legno ed elementi 

(manopole e piedi) in alluminio. 

Amplificatore per cuffie Auris Audio Headonia 


Peso: 17 kg 

Tipo: a valvole single-ended Potenza (W/Ohm): 3 Ingressi: 

4 linea Uscite: cuffia: bilanciato e sbilanciato Impedenza cuffie: 

tra 32 e 600 Note: Valvole utilizzate: 1x ECC99, 2x 2A3. 

Sensibilità di ingresso: 1 V. Resistenza di ingresso: 100k Ohm. 

Distributore: Labtek 

Viale del Lavoro, 46 - 32010 Pieve D’Alpago (BL) 

Tel. 0437.37.01.76 - Fax 0437.37.01.77 

www.labtek.it 

IL BINAURALE AMA LA CUFFIA 

Tanto colorate le sue camicie quanto serio e professionale diventa Mike 

Valentine quando parla del suo lavoro. Al CanJam London mi presenta la 

novità dei Master Tape Copy di alcune delle sue registrazioni, ora disponibili 

per l’acquisto direttamente dal sito della sua etichetta discografica Chasing 

The Dragon (chasingthedragon.co.uk). Questi nastri da un quarto di pollice 

derivano direttamente dai master realizzati in fase registrazione con due 

macchine Studer restaurate e modificate in parte dallo stesso Mike e in parte 

presso gli Air Studios a Londra: si tratta di uno Studer A820 da mezzo pollice 

e uno Studer A80 15ips CCIR da un quarto di pollice. Una produzione limitata, 

considerato il tempo e l’attenzione per creare le singole copie, che inevitabilmente 

si riflette sul costo, 360 sterline. La presenza di Mike Valentine e del 

catalogo di Chasing The Dragon al CanJam è motivata dalla registrazione 

binaurale di uno dei titoli di questi Master Tape Copy: in particolare si tratta 

del titolo Mozart by Candelight, registrato in direct-to-disc nella chiesa St. 

Martin in The Fields a Trafalgar Square a Londra. Mike è uno dei pochi ad abbinare la registrazione direct-to-disc con il metodo binaurale. In una esibizione 

dedicata al mondo della cuffia l’ascolto di una registrazione binaurale è un momento da ritagliarsi nella giornata e godersi appieno. Il front end scelto da 

Mike Valentine per l’ascolto dei suoi demo era costituito da una cuffia Stax SR-L700 e da un amplificatore Tron Antares in versione DeLuxe; per le tracce 

demo sono stati utilizzati file DSD e WAV 24/192, anche questi disponibili per il download dal sito ufficiale. Chiaramente ho focalizzato l’attenzione su 

come e quanto una registrazione binaurale possa essere differente da quella tipicamente multi-microfonica più facilmente utilizzata. La collocazione nello 

spazio è decisamente avvertibile, i singoli strumenti sono ben distinti l’uno dall’altro con un senso di 3D tangibile e assolutamente godibile. Nel catalogo 

di Chasing The Dragon sono disponibili sei titoli in Master Tape Copy (di cui uno in binaurale); cinque titoli in LP direct-to-disc e sei in binaurale; sei titoli 

in CD; una dozzina di digital download in DSD e WAV HD. 

Per info: www.chasingthedragon.co.uk 


INSIDE 

NON CHIAMATEMI PICCOLO! 

Facile, molto facile fare l’errore di sottovalutare il DiGiGrid Q basandosi 

solo sul suo aspetto, sulle sue finiture poco eleganti e un appeal 

che il tipico utente di Hi-Fi non subisce. Il piccolo Q entra nella linea 

Desktop Series di DiGiGrid, l’azienda nata dalla fusione di Waves 

(leader nel settore dei plugin audio) con DiGiCo (riferimento per la 

realizzazione delle consolle per mixing). La Desktop Series propone 

soluzioni di basso ingombro, utilizzabili negli spazi ridotti delle 

sale di registrazione o dei sistemi Hi-Fi home o, come suggerisce il 

nome della serie di appartenenza, per un uso in scrivania abbinato 

al computer. Il Q è l’amplificatore per cuffia della serie: con i suoi 10 

centimetri per lato e le viti a vista non brilla certo per design e colpo d’occhio 

ma le sue doti migliori sono quelle che non si vedono, come spesso succede 

per i prodotti di origine professionale. Sul pannello frontale le due uscite per cuffia in formato 3,5 e 6,3 mm; su quello posteriore 

l’ingresso RCA, l’XLR AES/EBU e la porta di rete Cat5. Questa permette di collegare il Q a un network con altri prodotti DiGiGrid tra i quali il modello S, un hub Ethernet 

che utilizza quattro porte di rete compatibili con il protocollo Dante. A questi ingressi cablati si aggiunge la connessione Bluetooth. L’alimentazione del piccolo Q arriva 

dall’alimentatore 12 V esterno dedicato o via PoE. Sul pannello superiore la manopola che regola il livello di uscita della cuffia con vistosa scala di led colorati. Fino a 8.8 

V in uscita su un carico di 600 Ohm, mentre il carico minimo dichiarato è di 16 Ohm. Il prezzo in Italia è in via di definizione, in UK è intorno alle 400 sterline. 

Distributore: AudioLink - www.audiolink.it 

L’OTL PER COMINCIARE 

La storia di Feliks Audio è interessante almeno quanto i suoi prodotti e, anche se molto sinteticamente, 

la proponiamo qui di seguito. Siamo a Lubliniec, nel sud della Polonia, anno 1967: è 

qui che Henryk Feliks realizza un amplificatore a valvole per chitarra dietro richiesta diretta di 

un gruppo rock locale. Questo segna la sua carriera professionale che per i successivi 25 anni è 

focalizzata proprio su amplificatori per uso da palco e PA. All’inizio degli anni ’90 Henryk prova 

a defilarsi da questo settore per iniziare a progettare e costruire, quasi per hobby, ancora amplificatori 

a valvole ma stavolta per uso Hi-Fi: ne realizza diversi per sé e per i propri amici. Una 

piccola produzione assolutamente artigianale che raccoglie sempre più consensi fino al punto 

che la nuova generazione di Feliks (i tre figli di Henryk) inizia a gestire commercialmente il tutto 

e crea nel 2005 il marchio Feliks Audio. Nuova generazione ma idee ancora ben allineate allo stile 

del fondatore: realizzazione a mano con materiali reperiti quanto più possibile vicino alla sede dell’azienda. Al CanJam Feliks Audio ha presentato il nuovo entry-level 

per la sezione degli amplificatori per cuffia, l’Espressivo. Piccolo e poco costoso ma che a un ascolto, seppur veloce, ha dimostrato prestazioni interessanti e da tenere 

conto per un sistema low-price di qualità. Single-ended OTL con una coppia di 6N1P nella sezione pre e una seconda di 6NSP di potenza, tutte NOS; alimentatore 

toroidale custom made stabilizzato; circuito di bias automatico, per cui non è richiesto nessun intervento manuale anche dopo la sostituzione delle valvole. A proposito 

di re-tubing, la stessa Feliks Audio suggerisce le possibili varianti alla coppia di 6N1P con E88CC, 6N23P, 6DJ8 o 6922. Tre ingressi linea e l’interessante plus di un’uscita, 

così da poter utilizzare l’Espressivo anche come preamplificatore. Sul pannello frontale l’unica uscita per cuffia in formato jack da 3,6 mm. Il carico ideale suggerito dal 

produttore è quello oltre i 100 Ohm (fino a 600) con una potenza dichiarata di 400 mW. 449 dollari il prezzo ufficiale sullo store del produttore. 

Amplificatore per cuffie Feliks Audio Espressivo 


Peso: 3,5 kg 

Tipo: a valvole Potenza (W/Ohm): 400 mW Risp. in freq. (Hz): 15 - 

45.000 THD (%): 0,4 Ingressi: 3x linea RCA Uscite: 1x linea RCA Impedenza 

cuffie: 100 - 600 Note: Valvole. 2x 6N1P, 2x 6N6P. Prezzo sul sito 

del produttore: 449 USD. 

Distributore: OnLine 

http://feliksaudio.pl 

UN NUOVO FUTURO PER L’AUDIO MOBILE 

Come tipico di THX, il prodotto non sarà in vendita come elemento singolo ma entrerà a far parte 

integrante di un altro certificato diventando di fatto “invisibile”. Quello presentato al CanJam 

per l’Europa è l’amplificatore per cuffia denominato semplicemente AAA, dove l’acronimo 

sta per Achromatic Audio Amplifier. Quello sotto i nostri occhi è una vera e propria scheda, 

racchiusa in un essenziale case trasparente, che lascia in vista componenti e schemi. L’elemento 

fondamentale dell’AAA è il circuito TSTHX-88 sviluppato da Triad Semiconductor: caratteristiche 

principali sono la riduzione della distorsione armonica e della intermodulazione, un alto livello 

di rapporto segnale-rumore (siamo a -137 dB). A questi si aggiungono una bassa richiesta di 

potenza (THX dichiara addirittura 100 ore di autonomia) in una configurazione che richiama 

lo schema della Classe G, per cui l’amplificatore potrà essere utilizzato facilmente con prodotti 

per uso in mobilità, anche se la potenza dichiarata rimane sempre sufficiente: sono dichiarati 

2.2 V su 300 ohm e 2x63 mW su 16 ohm. In dimostrazione al CanJam London 2017 l’AAA ha pilotato senza problemi e con ottimi risultati sul piano timbrico sia una 

PM-3 di Oppo che una Sennheiser HD 800, in questo caso con una configurazione dual-mono cosi da rispondere adeguatamente alle richieste della cuffia tedesca. 

Per info: www.thx.com 


INSIDE 

È NATA UNA STELLA 

Una delle maggiori attrazioni del CanJam London 2017, attesa da tanti appassionati ai quali 

Sonoma ha dedicato una saletta separata con alcune unità M1 pronte all’ascolto. In realtà, più 

che una cuffia, questo è un vero e proprio sistema completo di elettronica dedicata da utilizzare 

in simbiosi con la cuffia. Elettronica che integra l’amplificazione, il DSP e la doppia sezione di 

conversione DAC e ADC di supporto agli ingressi digitali e analogici. La cuffia del sistema M1 è 

la prima al mondo a utilizzare il diaframma elettrostatico HPEL (High-Precision Electrostatic Laminate) 

sviluppato da Warwick Audio Technologies. Un sistema elettrostatico tradizionale utilizza una membrana conduttiva tra 

due armature metalliche. Il sistema HPEL, detto in maniera molto sintetica e semplice, si distingue per il fatto di utilizzare una 

membrana flessibile molto sottile (15 micron) che può fare a meno della griglia anteriore, quella che si trova dal lato dell’orecchio. La membrana è tenuta in sede da una 

struttura posteriore e tutto il sistema è stato progetto e sviluppato utilizzando il metodo a elementi finiti FEA. Secondo i progettisti la presenza della griglia anteriore 

costituisce un elemento di disturbo alla corretta propagazione del suono e la soluzione HPEL apporta dei vantaggi in questo senso. Gli elevati standard di produzione 

permettono di contenere in 0,8 dB le possibili differenze tra canale destro e sinistro. Il padiglione della cuffia M1 è realizzato in pressofusione di magnesio, scelto per 

la sua struttura rigida e la leggerezza, che lo rendono il partner perfetto per la particolare struttura della membrana. Anche l’archetto utilizza un materiale scelto per le 

sue determinate caratteristiche strutturali, il Poliamide 12, che combina resistenza all’uso e alto smorzamento meccanico. Per i cavi dedicati al collegamento tra cuffia 

ed elettronica Sonoma ha dato vita a una partnership con Straight Wire che ha realizzato, su richieste ben specifiche, un sistema di cablaggio a bassa capacità (50 pF/m) 

composto da rame OFC con rivestimento in argento; l’isolante è in polietilene. La struttura del cavo è fatta in modo da non avere massa in comune: i due canali e i due 

conduttori sono tenuti il più possibile distanti tra di loro, con elementi in kevlar che aggiungono resistenza al tutto. Come tutte le cuffie elettrostatiche anche questa, 

nonostante le sue particolarità, necessita di un amplificatore ad alto voltaggio: in questo senso è stata sviluppata l’elettronica che è parte integrante del sistema M1, 

che opera in configurazione single-ended con FET discreti. Lo stesso amplificatore mette a disposizione ingressi analogici RCA e mini-jack 3.5 mm, digitali coassiale e 

USB 2.0. Il coassiale gestisce PCM fino a 24 bit / 192 kHz mentre l’USB arriva a 32 bit / 384 kHz e DSD 128 via DoP. Chip ESS Sabre per la conversione DA e AKM per quella 

AD. Il telaio è in alluminio lavorato CNC. Il carattere sonoro del sistema M1 è riassumibile come “dolce con fermezza”: la precisione tipica dell’elettrostatico qui si fonde 

e si esalta con una potenza elevata, ma anche a livelli di pressione elevati rimane di fondo una qualità elevata, senza apparenti segni di distorsione. La gamma bassa 

è netta e ben delineata, anche se forse non profondissima; la media e l’alta sono estremamente raffinate, delicate ma ben presenti allo stesso tempo. La collocazione 

nello spazio è ai massimi livelli mai ascoltati in cuffia: le distanze tra gli strumenti sono ben percepibili e la loro posizione è ferma e delineata adeguatamente. Prezzo 

non popolare ma prestazioni eccellenti. 

Cuffia Sonoma M1 

Prezzo: € 5.695,00 

Peso: 303 g 

Tipo: aperta Trasduttori: elettrostatici Risp. in freq. (Hz): 10 - 60.000 Auricolari: Area: 3570 mmq 

Note: Sistema con amplificatore / DAC dedicato: ingressi digitali e analogici; sezione DAC a 32 bit / 

384 kHz; sezione ADC a 32 bit / 384 kHz; DSP a 64 bit; configurazione single-ended a FET discreti. 


www.sonomaacoustics.com 

ALLA MODA SI AGGIUNGE LA QUALITÀ 

Il marchio V-Moda, anche se ancora poco noto in Italia, ha alle sue spalle una storia di circa 13 anni. Nasce 

da una considerazione del suo fondatore Val Kolton in merito al fatto che, secondo le sue osservazioni 

dell’epoca, non esistevano cuffie che potessero abbinare lo stile e il design alle qualità sonore. 

Il prodotto V-Moda nasce in collaborazione con il designer Joseph Bucknall che prova a rendere la 

cuffia dell’azienda personale e il meno possibile allineata agli standard mondiali. V-Moda raccoglie 

un enorme successo presso il mondo dei DJ e da qui al grande pubblico che li segue: a oggi sono 

oltre quattro milioni le cuffie V-Moda vendute in tutto il mondo. Da allora questi prodotti non 

hanno abbandonato lo stile personale e per certi aspetti ben deciso: un elemento che caratterizza 

le cuffie è la possibilità di cambiare la placca in alluminio che copre esternamente il padiglione, 

potendo scegliere in un ampio catalogo dove non mancano colori e soggetti anche molto sgargianti. 

Clamore e successo che hanno portato V-Moda a essere acquisita da Roland nel 2016, uno 

dei maggiori nomi a livello mondiale per l’audio professionale. Un boost economico e di know-how 

tecnico che ha permesso un ampliamento del catalogo e la possibilità di utilizzare nuovi elementi 

e fornitori. Al CanJam London 2017 V-Moda ha presentato Crossfade 2 Wireless, evoluzione del 

modello precedente. Tanti gli spunti tecnologici di questa cuffia, a cominciare dal brevetto Dual- 

Diaphragam: in sintesi lo stesso driver è costituito da due parti, dove quella centrale è chiamata a 

riprodurre la gamma media e alta mentre l’anello periferico contribuisce per quella più bassa. In quanto 

cuffia attiva a bordo della Crossfade 2 Wireless è integrato e condensato il cuore tecnologico del Vamp, 

l’amplificatore/DAC che costituisce uno dei maggiori successi commerciali dell’azienda sin dai primi anni, qui 

denominato Micro Vamp. È presente anche il codec Qualcomm aptX, quello che cura la trasmissione e ricezione 

dei segnali audio via Bluetooth per preservarne al massimo la qualità e spingersi anche in territorio HD. Anche se destinata a un uso prevalentemente senza fili 

la Crossfade 2 Wireless può essere utilizzata anche in modalità cablata (con cavo fornito), con lo switch per l’esclusione del circuito elettronico integrato per un 

uso completamente passivo. 

Cuffia V-Moda Crossfade 2 Wireless 

Prezzo: € 360,00 

Peso: 309 g 

Tipo: chiusa Trasduttori: dinamici Impedenza (Ohm): 32 Risp. in freq. 

(Hz): 5 - 40.000 Sensibilità (dB): 100 Cavo: con microfono Auricolari: 50 

mm Dual-Diaphragam Note: Clip di copertura dei padiglioni sostituibili. 


http://v-moda.com 


INSIDE 

di Paolo Corciulo 

Da Jean a Jean 

50 anni fa nasceva l’azienda francese che porta il nome del suo fondatore. 50 primavere dopo i principi 

ispiratori rimangono gli stessi e nel passaggio da un Jean (Jean-Marie) a un altro Jean (Jean-Claude) c’è 

tutta la logica del rapporto padre - figlio ma anche di più… 

Jean-Marie Reynaud (1938 - 2011) inizia la sua attività lavorativa 

negli anni ’60 come elettrotecnico presso la Hitone, 

azienda di amplificatori a valvole che l’arrivo del transistor 

porta rapidamente alla scomparsa, proprio come accadde a molte 

altre realtà del tempo. Reynaud, che oltre a essere un tecnico è 

anche un musicista, viene sollecitato dai suoi clienti a continuare 

l’attività e nel 1967 si mette in proprio dando vita a un’azienda che 

porta il suo nome: l’obiettivo, almeno inizialmente, è ovviamente 

quello di sviluppare amplificatori a valvole (ne vengono realizzati 

tre differenti modelli) ma, quasi a sorpresa, prende invece forma 

abbastanza rapidamente un diffusore, il Pavane, che diventa il 

primo prodotto ufficialmente marchiato JMR (si trattava di un 

3 vie da scaffale con woofer da 25 cm). 

Pur essendo un’azienda giovane e piccolissima, grazie alla personalità 

e alle idee del suo fondatore JMR comincia a riscuotere 

un discreto credito nell’agone Hi-Fi, credito che si concretizza 

quando, più grande e stabilizzata, continua a professare le idee 

originali e una certa impermeabilità alle sirene del mercato, 

a favore delle proprie convinzioni; Jean-Marie è un umanista 

sui generis: fermamente convinto della validità della ricerca di 

laboratorio (meno nei materiali e nelle soluzioni sensazionali 

“spesso nati più per concetti di marketing rispetto a un progresso 

reale”), non trascura l’importanza dell’ascolto: “L’orecchio aiuta 

a fare le proprie scelte, le convalida, ma serve a confermare 

o a negare i risultati di laboratorio: in nessuna circostanza 

una modifica viene apportata a orecchio; se il risultato non è 

soddisfacente vengono eseguiti nuovi cicli di misurazione e/o si 

sceglie di adottare nuove soluzioni tecniche...”. Un fautore del 

metodo olistico ante litteram, diremmo oggi! 

Non particolarmente prolifico in termini di modelli (tutt’ora la 

gamma ne comprende 14), preferisce metterli piuttosto a punto 

nel tempo, come nel caso dell’Offrande, uno dei cavalli di battaglia 

della casa. La sua scomparsa il 31 marzo 2011 lascia un 

vuoto e un grande eco nell’Hi-Fi francese e non solo visto che, 

nel tempo, il marchio, pur mantenendo le sue dimensioni a livello 

artigianale (oggi la sede occupa circa 2.000 mq a Barbezieux in 


INTERVISTA JEAN-CLAUDE REYNAUD 

Charente, con una dozzina di dipendenti) assume una rilevanza 

internazionale visto che più di metà del fatturato è destinato 

all’estero. 

Orfana del fondatore ma confortata dalla presenza del figlio, che 

nel tempo gli si è affiancato, JMR festeggia quest’anno i 50 anni 

di presenza sul mercato ma anche il successo di una formula a 

cavallo tra l’artigianale e l’industriale, che è al tempo stesso la 

giusta ottica per un prodotto Hi-Fi (qui il termine viene utilizzato 

come sinonimo di Hi-end) ma anche alchimia difficilissima da 

mantenere in un settore, come tutti, sottoposto alle regole della 

globalizzazione e a un assembramento (determinato dalle sempre 

più frequenti acquisizioni) che colpisce soprattutto i costruttori 

di diffusori. 

Abbiamo incontrato l’altro Jean, Jean-Claude Reynaud; ecco che 

cosa ci ha raccontato... 

Raccontaci per sommi capi che cosa è JMR... 

La società è stata creata da mio padre nel 1967, così il prossimo 

anno festeggeremo il 50mo anno di vita . It’s a long time… Siamo 

sempre stati una società a dimensione “uomo”, a partire dal 

nome, che sottolinea la presenza di una visione molto personale 

del suono che ci piace. C’è sempre una persona dietro quello che 

facciamo e sono sempre persone, un gruppo di persone, quelle che 

lavorano per creare il prodotto, grazie a un approccio artigianale 

nel produrre, stabile nel tempo. 

Siete una realtà faberless con progettazione interna e 

produzione estera o producete direttamente qualcosa 

e che cosa? 

Tutti i progetti sono realizzati da una sola persona che sono io 

(mio padre lo ha fatto prima di me e io cerco di fare il mio meglio! 

– ride, ndr) perché, ancora, un marchio che corrisponde a 

un nome significa una scelta, un gusto. Oggi quel gusto è il mio 

e il prodotto è frutto della mia vision! 

Per quello che riguarda i componenti noi lavoriamo con diverse 

società e tutti i nostri prodotti sono realizzati in OEM: non costruiamo 

driver, non costruiamo mobili ma tutto viene realizzato sulla 

base delle nostre specifiche, anche i condensatori sono custom 

made, i cavi sono i nostri cavi. Tutto quello che c’è in un nostro 

diffusore è realizzato unicamente per noi. 

Le nuove tendenze in fatto di diffusori tendono a concentrare 

in un prodotto una serie di tecnologie e competenze 

sempre maggiori… Voi volete rimanere tradizionali 

produttori di diffusori o guardate a nuovi temi e istanze? 

In fondo sei giovane! 

Ho 47 anni e sono “quasi” un giovane! Ho lavorato cinque anni 

come designer a un sistema attivo completo che abbiamo poi 

È possibile per questa formula sopravvivere nell’era 

della globalizzazione che punta alla concentrazione, soprattutto 

nel campo dei diffusori? 

Notizie come la chiusura della fabbrica inglese di Tannoy per 

me sono brutte notizie! La questione, in effetti, è assolutamente 

attuale, io e mio padre la pensavamo allo stesso modo in merito: 

la molla principale non può essere il business ma deve restare la 

passione. La prima cosa deve essere un prodotto che incontra le 

necessità di una persona, piuttosto che cercare di fare un prodotto 

bene accetto dal mercato. Penso che questo possa rappresentare 

un tipo di approccio differente da quello generalmente utilizzato. 

Anche perché noi abbiamo scelto di rimanere piccoli ma reattivi 

perché non abbiamo bisogno di grandi numeri per sopravvivere. 

In questo modo anche nei momenti in cui il mercato non è particolarmente 

favorevole (e oggi il mercato è perlomeno “strano”) 

noi possiamo sopravvivere perché abbiamo posizionato le nostre 

aspettative a un livello non particolarmente elevato. 

Questa è la ragione per cui rispettiamo i nostri piani e possiamo 

rimanere fedeli alle esigenze dettate dalla nostra filosofia. Non 

siamo orientati verso le tecnologie d’effetto (fashion tecnology) 

ma perseguiamo la nostra visione che cerca di corrispondere con 

le necessità dei consumatori. Questa è la principale ragione per 

cui riusciamo ad andare avanti: abbiamo un rapporto di fedeltà 

con il consumatore che diventa trans-generazionale, clienti che 

conoscevano il nostro marchio per merito dei padri e dei padri 

dei padri! Il nostro prodotto entra nelle famiglie i cui componenti 

hanno modo di apprezzarne il suono di generazione in 

generazione! 


INSIDE 

in frequenza incredibilmente piatta e tante altre caratteristiche 

allo stato dell’arte ma per me l’obiettivo non è questo; l’obiettivo 

è quello di trovare un modo di ottenere più performance e un migliore 

suono tenendo bene a mente che il prodotto deve avere quel 

soul, quell’anima, che da sempre ricerchiamo: questa è la sfida! 

Ci sono due modi di utilizzare un DSP; molti lo utilizzano per 

risolvere i problemi dei driver ma sappiamo che i driver funzionano 

sia dal punto di vista elettrico che meccanico e non puoi 

controllare i problemi meccanici con l’elettricità! O perlomeno 

non tutti… Quindi non puoi trasformare un altoparlante cattivo 

in buono solo con la correzione acustica via DSP. Alcuni non lo 

sanno e tentano di correggere i vari parametri senza ottenere 

però un suono naturale; i driver vengono stressati nel tentativo 

di fare quello che non sono in grado di fare… 

Nel nostro caso cerchiamo di progettare e costruire il miglior 

sistema possibile per via passiva, utilizzando il DSP solo per 

il crossover, e questo è tutto: il più semplice possibile. Invece 

di tentare di raddrizzare la risposta di un drive non adatto, noi 

utilizziamo un driver che lo sia il più possibile, così il DSP può 

essere utilizzato nel crossover per ottenere un allineamento temporale, 

utilizzandone il 2% delle capacità di calcolo. Questo è il 

mio punto di vista. 

fatto vedere a Parigi nel 2015. Si tratta di una vision del futuro 

che vedrà sempre più prodotti farne parte; i tempi cambiano, 

vero, ma non così velocemente come ci saremmo aspettati. Sto 

cercando di fare il mio meglio per tenere aggiornata la nostra 

linea di diffusori più tradizionali e proporre nuove tecnologie e 

nuovi prodotti in futuro. Abbiamo bisogno che le nuove generazioni 

siano interessate nella riproduzione del suono di qualità e 

quindi dobbiamo rispettare i loro bisogni e il modo di esaudirli 

(lo streaming, le operazioni nel dominio digitale), sebbene siamo 

principalmente, io stesso lo sono, persone nate nel dominio 

analogico. Mi sento un po’ un ponte tra queste due condizioni: 

completamente analogico o nativo digitale. Bisogna però tenere 

a mente che comunque tutto quello che accade all’interno di 

un diffusore deve poi essere “umanizzato”. Per me è una sfida 

affrontare il disegno di una “cosa” che sia digitale ma rispecchi 

gli ideali di un diffusore JMR. Buona parte di quei 5 anni sono 

stati dedicati a cercare di rendere più umano possibile il suono 

del prodotto! La ricchezza dei vari timbri sonori, come seguire 

l’interpretazione... Insomma tutte quelle caratteristiche che per 

me e prima di me per mio padre erano importanti all’interno 

delle performance di un prodotto. 

Grazie al digitale oggi in laboratorio puoi ottenere una risposta 

Consideri JMR come parte di una scuola francese o, per 

così dire, ballate da soli? 

Certamente c’è una scuola francese dal punto di vista delle caratteristiche 

sonore ma mio padre usava dire spesso che la musica 

francese è molto specifica: se ascolti Debussy o Ravel ci sono un 

sacco di colori in questa musica, differenti strumenti differenti 

e nuance. È molto complessa e necessita di una grande capacità 

interpretativa da parte di uno strumento di riproduzione. 

La scuola francese è legata alla precisione e a una forte presenza 

del tweeter con una naturalezza acustica molto pronunciata e 

strumenti il più possibile reali. A volte questo sound francese è 

un po’ troppo prezioso, quasi troppo ricco. Nella mia esperienza 

come sound engineer mi spingevano a essere più live, più fast, 

più dinamico... 

È più facile o più difficile essere “un figlio di…”? 

È duro, più duro. Perché le aspettative nei tuoi confronti sono 

molto elevate. Come sai mio padre era molto rispettato nel settore 

e ben conosciuto in tutto il mondo per la sua forte personalità, 

per la sua visione e la sua capacità di camminare anche da solo 

senza mai seguire la massa. 

All’inizio, quando sono arrivato nella società, avevo la mia esperienza 

come sound engineer; non sono uscito dalla scuola ed 

entrato nella società del papà: avevo una mia esperienza lavorativa 

ed era quello che avevo voluto per arrivare in maniera confortevole 

nella società. Ciononostante ci sono state sin da subito 

grosse aspettative da parte di chi mi considerava “il successore”; 

la società ha una lunga storia e ci si aspettava che io fossi bravo 

come mio padre. Spero di essermi dimostrato tale, mantenendo 

il mio punto di vista, sebbene questa pressione abbia reso ovviamente 

tutto più difficile. 


INSIDE DOSSIER 


Generazione… boh? 

Essere nati in un determinato momento storico determina in buona parte le proprie abitudini, il modo 

di pensare e, soprattutto, di comunicare. Non a caso ogni generazione ha le proprie icone, elementi 

cult differenti, aspirazioni e riferimenti. Accade anche nella musica e nel suo consumo... 

Poco prima della pausa estiva ho avuto modo di tenere una 

lezione a un publico di giovani (sotto i 18 anni) provenienti da 

tutta Italia in occasione di uno stage a pagamento (dico questo 

per sottolineare che, almeno un po’, dovessero essere motivati) sul 

giornalismo. Alla domanda “Quanti di voi è mai entrato in un’edicola?” 

ha riposto positivamente una sola persona, aggiungendo un po’ 

imbarazzato di averlo fatto unicamente per acquistare una ricarica per 

il telefonino… ! Alla domanda “Quanto conta per voi la musica nella 

vita?” all’unisono tutti hanno risposto con un “10” che, suppongo, 

fosse il massimo di una scala da 1 a 10. 

È evidente, al di là di questo piccolo test, la cui validità statistica è 

chiaramente minima, che ci troviamo di fronte a una rivoluzione più 

che un’evoluzione culturale, anche se alcuni paletti sembrano lasciare 

intendere che, almeno nel campo della comunicazione, più che le cose 

stesse è il modo di raggiungerle o di fruirne che è cambiato drammaticamente. 

Ma che si tratti di informazione, e SUONO inevitabilmente 


CAMBIO GENERAZIONALE 

GENERAZIONE Z 

1997 – 2015 

Nati nel nuovo secolo o giù di lì sono i veri nativi 

digitali, iperconnessi, ipermultimediali, riescono 

a gestire una mole elevatissima di informazioni 

predilegendo gli aspetti di rapidità a quelli di accuratezza. 

Le modalità di “ingaggio” sono completamente 

cambiate! 

MILLENNIANS 

1980 – 1996 

Figli delle nuove tecnologie (ma spesso attenti 

più alla forma che alla sostanza) sono abituati a un 

mondo liquido dalle poche certezze dove tutto 

può trasformarsi e dalla morte delle ideologie. 

Perenni figli di papà tendono a esperienze per 

interposto avatar... 

GENERAZIONE X 

1965 – 1979 

A cavallo tra realtà e virtuale (dai primi videogames 

ai computer) è figlia della disillusione e di un 

modo di pensare pragmatico. Ha cominciato ad 

apprezzare la dimensione nomade della portabilità 

e una flessibilità che non è intaccabile dalle 

dottrine ideologiche. 

BABY BOOMERS 

1947 – 1964 

Figlia del dopo guerra e della ricostruzione, è la 

generazione che ha disegnato il mondo che c’è 

ma che sta cambiando con un atteggiamento che 

svaria ampiamente tra ottimismo e nichilismo: i 

suoi poli di riferimento si stanno disgregando, dal 

mito “on the road“ ai grandi temi sociali e politici. 

deve affrontare il problema di come raggiungere con il suo “sapere” 

le nuove generazioni, o del mercato della musica, occorre confrontarsi 

con nuove modalità (e prodotti che e riflettono) della fruizione 

musicale. Anche perché Millennians (nati tra il 1980 e il 1996) e Generazione 

Z (1997 - 2015), a cui appartiene il gruppo che “non mette 

piede in edicola” (e che, si può supporre, non legge giornali di carta) 

rappresentano una quota consistente dell’intera popolazione: quasi 

il 50% negli USA e non molto di meno da noi in Italia. 

Questa metà della popolazione ha abitudini e metodologie di consumo 

che si distaccano da quelle delle generazioni precedenti; un fatto 

di per sé non insolito, sebbene con l’avvento del nuovo secolo sia 

avvenuta una rivoluzione o quantomeno una cesura nell’evoluzione 

tecnica e culturale che separa i nuovi “alieni” da chi li ha preceduti: si 

tratta della Generazione X (1965 - 1979) e dei i Baby Boomers (1947 

- 1964) a cui mi pregio di appartenere (cantando sovente Born in the 

Fifties - copyright: The Police) e il residuo sparuto gruppo di chi è nato 



La “rivoluzione” del cinematografo 

La rivoluzione dei nativi digitali 

prima ancora e che, al tempo, non si sentiva la necessità di etichettare. 

Questo accadeva forse proprio per una sorta di andamento a strappi 

nell’evoluzione culturale che prevede anche momenti di stanca o, più 

semplicemente, in ragione di strumenti in passato meno evoluti e 

invadenti come il marketing e la necessità di segmentare il mercato 

per cercarne in ogni elemento la profilazione più aderente ai reali 

modelli di consumo. Proprio questa necessità - si è parlato anche 

di Generazione M (in movimento) e Generazione C (perennemente 

connessa) - sottolinea la difficoltà da parte delle altre generazioni di 

comprendere i mutamenti avvenuti in seguito allo tsunami culturale 

legato al nuovo secolo. Forse niente di nuovo, visto dal lato dei vecchi 

(anche gli spettatori della prima proiezione dei fratelli Lumière scapparono 

terrorizzati di fronte al treno che, dallo schermo, sembrava 

investirli a tutta velocità) ma certamente un problema se si produce, si 

vende o si fa conoscere carrozze a cavallo nell’era del motore a scoppio 

(e di quello elettrico o a idrogeno che seguirà…)! In questo senso la 

comunità Hi-Fi si è ancora una volta chiusa a riccio nella sua torre 

d’avorio dove già si era relegata in occasione del grande trauma degli 

anni ’90; allora i grandi produttori consumer decisero di abbandonare 

o limitare la loro permanenza nell’audio (il paradosso è che oggi vi 

vogliono rientrare, cosa che farebbe un gran bene al settore, ma sono 

ostacolati dalle difficoltà e delle resistenze di quei paletti che hanno 

contribuito a piantare…). 

In fondo il breve test sul campo da me effettuato un elemento concreto 

lo sottolinea: quel 50% che non legge e si rapporta alla realtà con 

modalità che sono sconosciute a noi vecchi, ama la musica come buna 

parte del restante 50%! Lo fa approcciandosi alla riproduzione musicale 

in maniera differente che più che dileggiata andrebbe studiata per 

sviluppare un modello di crescita che porti inevitabilmente il nuovo 

consumatore a elevare la qualità dei suoi consumi, cosa insita con l’aumento 

dell’età e del potere d’acquisto! Bisognerebbe guardare a queste 

nuove modalità di consumo scevri da preconcetti e chi lo ha fatto o lo 

farà ha avuto e avrà successo, anche perché in ogni passaggio epocale 

ci sono elementi meno buoni ma anche altri da cui prendere spunto… 

Pensate solo per un momento all’introduzione del personal computer: 

si narra che la grande difficoltà a imporlo ai manager consistesse nel 

fatto che questi fossero abituati a farsi gestire la corrispondenza dalle 

segretarie e trovassero “volgare” doversi scrivere una lettera da soli!?! 

Come giudichereste oggi qualcuno che si comporta così? Non esiste 

dunque solo una questione generazionale (per la quale i miti, gli eroi 

e gli obiettivi di ogni generazione rimangoono gli stessi e differenti tra 

loro) ma anche dei cambiamenti epocali che, specialmente in settori 

tecnologici, sono senza ritorno. 

Se vi piace viaggiare, vi procurate una vettura e non una carrozza a 

cavalli; allo stesso modo occorre prendere atto dei pro e dei contro 

delle nuove forme di utilizzo della musica… 



di Salvatore Nocerino 

Una chance, un rischio 

o la grande disillusione? 

Comprendere i grandi cambiamenti che hanno caratterizzato le modalità di fruizione della musica 

significa non solo capire come cambiano i tempi e come “impattano” le nuove generazioni; significa 

intuire come saranno i servizi e gli apparecchi che ci attendono; in poche parole, come sarà il futuro, 

a meno di non richiudersi tenacemente nella torre d’avorio (e la storia, in quel caso, è nota). 

Un aspetto importante che riguarda la musica registrata è 

il fatto che il suo arrivo ha in parte significato la perdita di 

quella dimensione pubblica che da sempre ha connotato la 

musica. Con la registrazione e la diffusione del disco, infatti, la maggior 

parte dell’ascolto musicale è diventato privato. Ad accentuare 

maggiormente questo aspetto sono state le innovazioni tecnologiche 

come le audiocassette, i walkman, le autoradio e i CD, che hanno 

dato luogo ad altre possibilità di ascolto ancor più interessanti. Oggi 

con l’MP3 e l’affermazione della musica liquida, tutto ciò è portato 

a livelli ancor più estremi. 

Le implicazioni della musica come dato informatico sono molto 

discusse e d’importanza estremamente rilevante anche a livello economico. 

Qualsiasi supporto veicoli la musica, questa resta sempre 

tramite di testi intesi incorporati in un prodotto culturale e per 

connotazione ricchi di messaggi simbolici, che rispondono alla libera 

interpretazione del pubblico di riferimento influenzandone fortemente 

le decisioni e, pertanto, la vita. L’MP3 ha realizzato, grazie 

a strumenti come l’iPod e lettori MP3, smartphone e affini, ciò che 

già era cominciato col walkman, ovvero ha conferito alla musica 

un’ulteriore elemento di utilità ascrivendola anche a colonna sonora 

della nostra vita, proprio come avviene nei film o nelle serie TV. 

La registrazione sonora sradica di fatto la musica dal suo luogo 

d’origine e la porta ovunque nel mondo, oggi come mai prima nella 

storia. Così facendo, si diffonde e influenza generi e culture (è indirettamente 

anche fonte di diffusione di strumenti musicali di culture 

straniere, verso i paesi che riesce a raggiungere), cosa che spesso 

comporta anche la creazione di nuovi generi. Un fattore significativo 

di cambiamento che avviene all’origine della registrazione sonora 

è la durata dei brani. Dall’introduzione del disco di Berliner si crea 

uno standard di durata del singolo brano come già prima era successo 

con il cilindro di Edison. Il disco a 78 giri che anticipa l’LP a 

33 giri (introdotto poi nel ’48 e destinato, assieme alla registrazione 

su nastro magnetico, a cambiare la concezione della musica sotto 

molti aspetti) e il 45 giri (che utilizzava sempre il microsolco e la 

stessa tecnologia dell’LP e conteneva esattamente per ogni facciata 

la durata esatta di una canzone), poteva contenere pochi minuti 

di registrazione per facciata (inizialmente si registrava solo una 

faccia, successivamente fronte e retro). Probabilmente nessun tipo 



Nel lontano passato la fruizione della musica era un fatto elitario demandato alla filantropia dei potenti. 

di registrazione, nemmeno in futuro, potrà invece mai essere fedele 

alla realtà della musica suonata dal vivo (come testimonia qualsiasi 

musicista e buon ascoltatore): l’amplificazione degli strumenti attraverso 

i pickup ma anche semplicemente con microfoni, il fatto stesso 

che si passi per l’amplificazione che poi trasmette a sua volta attraverso 

i diffusori, fa parte del complesso mondo della manipolazione 

del suono che, talvolta, diventata a sua volta elemento compositivo. 

In seguito l’avvento del supporto digitale a metà degli anni Ottanta 

ha di fatto aperto le porte a una ulteriore “rivoluzione”: il venir meno 

del supporto fisico. Già sul finire degli anni ’90 la musica si poteva 

trasmettere attraverso la neo diffusa rete internet e di lì a poco si 

potrà scaricare, fruire e condividere da e tra i computer attraverso i 

servizi di telefonia. I primi anni del nuovo millennio decreteranno 

il successo del Compact Disc ma già tra il 2004/2005 si deve fare 

spazio alla concorrenza digitale che vede la smaterializzazione del 

supporto, ovvero quella che presto verrà definita (proprio da questa 

rivista) musica liquida e che inizialmente opererà con il file sharing, 

migrando poi verso lo streaming, sia audio che video. Grazie all’MP3 

(MPEG Layer III) e alla diffusa rete informatica è stata possibile la 

diffusione di file audio musicali in quantità illimitata, di ogni genere 

ed epoca storica. Ciò non solo ha determinato la smaterializzazione 

del supporto ma ne ha condizionato definitivamente la distribuzione, 

che avviene inesorabilmente attraverso il web. Prima di tutto 

a proliferare è stata la pirateria, attraverso le piattaforme di filesharing 

come Kazaa, Napster e successivamente emule e Torrent che 

diedero luogo a una lotta spietata alla pirateria nella quale furono 

coinvolti film, libri, videogiochi e qualsiasi altra cosa veicolabile 

via web. In seguito i file digitali verranno venduti legalmente attraverso 

piattaforme come iTunes e portali e-commerce come Amazon 

(caso interessante per la vendita incrociata di vari supporti 

fisici e non), conteggiando diversi miliardi di unità che sommate 

al download illegale, attesta numeri impressionanti. Anche qui il 

repertorio di riferimento coincide col core business dei generi musicali, 

cioè il repertorio Pop Rock e interessa principalmente ma 

non esclusivamente la musica giovanile. Inoltre i lettori MP3 come 

l’iPod (e successivamente gli smartphone come l’iPhone) hanno 

sostituito ampiamente il walkman, creando un nuovo e fiorente 

mercato e dimostrandosi uno strumento molto più congruo al nuovo 

formato digitale legato al download e allo streaming. Tutto questo 

non comporta però la totale scomparsa del supporto, anzi, esso 

prolifera, e ogni supporto viene conservato e archiviato assieme ai 

rispettivi repertori e dispositivi di riproduzione. Inoltre va segnalato 

che la stessa musicologia ha riconosciuto l’importanza e la centralità 

del supporto disco come documento musicale, al pari delle partiture. 

Il mercato discografico sfrutta in larga misura la sfera emotiva 

legata alla registrazione sonora e al supporto di cui si serve. Fra tutti 

i supporti, l’LP sembra aver acquisito in questi anni la dimensione 

dell’oggetto simbolo dell’industria discografica e della musica stessa. 

In parte perché è stato il supporto più utilizzato nella storia della 

musica registrata e in parte perché con il suo design e la sua grafica, 

veicolo di numerose informazioni, è divenuto il principale vettore 

della storia della musica e di certo ne ha influenzato il corso. 



Con la nascita del fonografo di Eison nasce la serialità della musica il cui accesso 

diventa più ampio e semplice. 

Tra gli elementi caratterizzanti della musica liquida, l’abbattimento 

dei prezzi al consumatore e l’intersecarsi di due categorie industriali 

(discografica e informatica) e delle reti telematiche. Per quanto la 

qualità del file digitale fosse inizialmente scarsa (venivano spesso 

diffusi file con alti livelli di compressione per il più rapido e facile 

trasferimento di memoria virtuale attraverso la rete), i servizi internet 

sarebbero presto migliorati, consentendo la diffusione di file 

di alta qualità. Tra il 2010 e il 2013 il formato CD dovrà dividere 

più di metà del mercato con il servizi di download estreaming. La 

rete ha permesso attraverso il formato MP3 la diffusione di file audio 

in quantità e contenuto potenzialmente illimitati. Ovvia conseguenza 

di quanto appena detto è che la distribuzione principale è 

diventata immateriale (resta sempre la distribuzione materiale del 

vinile e del CD, questo non va dimenticato, perché i due formati 

non sono mai scomparsi). iTunes e Amazon sono tra i casi più degni 

di nota nell’e-commerce, per quanto riguarda la distribuzione 

digitale. Anzi, Amazon va segnalato anche per quanto riguarda una 

singolare distribuzione incrociata che spesso permette, unitamente 

all’acquisto di musica su supporto (sia se si acquista un CD, un LP 

o una musicassetta) la possibilità attraverso l’audiorip di scaricare 

nell’immediato (appena effettuato il pagamento dell’ordine) il disco 

in formato audio MP3. L’interesse del consumatore e del mercato 

punta verso la nuova dimensione tecnologica e sulla trasportabilità 

di questa in dimensioni il più possibile contenute (ovvero lettori MP3 

di piccole dimensioni o smartphone che danno la possibilità di unire 

più tecnologie e diminuire al minimo l’ingombro fisico dell’oggetto). 

Il genere musicale di riferimento per la più ampia fetta di mercato 

è, come accennato, il Pop Rock. Ciò dipende anche dal fatto che il 

pubblico più giovane è da tempo addestrato all’utilizzo delle nuove 

tecnologie informatiche, spesso esperto di informatica e strumenti 

elettroacustici. Resta che nessun genere musicale può sfuggire 

alla rete, anzi, sotto molto aspetti la rete si presenta talvolta come 

un disordinato e confuso archivio di informazioni capace di documentare 

e diffondere (una volta era impossibile anche solo pensare 

di ascoltare certi dischi relativi a piccole produzioni o riuscire a 

trovare un film VHS del 1918) quanto di più remoto c’è al mondo. 

Il repertorio Pop Rock si aggiudica agli inizi del XXI secolo il 92% 

del mercato totale, lasciando il restante mercato al Jazz, alla musica 

classica, musica da film, quella di tradizione orale e il resto 

del mondo musicale. Scenario nettamente opposto a quello che 

si presentava circa 50 - 60 anni prima, dove la musica classica e 

il Jazz rappresentavano la stragrande maggioranza del repertorio 

musicale complessivo. Seppure risulti appurata una certa elasticità 

di un pubblico più giovane, capace di apprezzare formati come l’LP 

pur facendo un uso trasversale dei vari formati, la tendenza in linea 

di massima vede l’ascolto analogico destinato a precisi generi e a una 

fascia d’età adulta o avanzata. Questa fascia di utenza ricerca qualità 

sonora e precise marche per i componenti relativi alla riproduzione 

del suono. Un tipo di ascolto principalmente casalingo. Il CD, invece, 

non incontra questo tipo di ostacoli, prestandosi a un uso sia su apparecchi 

domestici che portatili. L’ascolto digitale, infine, si sottrae 

per sua natura alla riproduzione domestica affidandosi all’ubiquità 

della rete e alla trasportabilità di lettori MP3 e smartphone. Questi 

dispositivi si possono sincronizzare wireless a qualsiasi apparecchio 

di fortuna si trovi in giro, sebbene l’ascolto più diffuso sembra continui 

a essere quello in cuffia. Resta comunque da considerare una 

fetta non indifferente di utenza capace di identificarsi in modo critico 

con i vari formati, simboli e oggetti per la riproduzione del suono, che 

non fa fatica ad ascoltare trasversalmente LP, CD e streaming audio. 

Nel complesso la fonografia, che si tratti di registrazione analogica 

o digitale, de-sacralizzando e de-socializzando la musica (rendendo 

ripetibile l’evento e privatizzando l’ascolto) ha avuto l’effetto di 

creare nell’ascoltatore (che ricordiamo è libero di ascoltare tutta 

la musica che vuole quando vuole) il desiderio di una musica che 

non si possa ascoltare ovunque e in qualsiasi momento. Musica 

con una precisa collocazione spaziale e temporale, che riacquisti 

quella dimensione collettiva di cui si parlava prima. Questo avvie- 

Il Walkman, lo strumento che assicurò l’ascolto di musica in movimento. 



Lo ricordate ancora? È l’iPod. Penato per il download ella musica ha fatto la fortuna 

della Apple. 

ne nella musica dal vivo, che continua a fare grandi numeri anche 

oggi. Il live business, infatti, ha conosciuto un incremento notevole 

già dal 2006, rendendo le esibizioni dal vivo la principale risorsa 

finanziaria delle band (laddove la musica liquida ha dato un duro 

colpo mercato della musica su supporto fisico). Il rilancio del live 

risponde sicuramente a una smania semi-consapevole per l’evento 

irripetibile, proprio mentre la musica registrata diventa gratuita. 

La gratuità, però, corrisponde a una perdita di valore. Lo spettacolo 

dal vivo, invece, non si può condividere con chi non è presente nel 

luogo e all’ora dell’evento e non si può copiare. Resta, dunque, un 

momento esclusivo che può essere vissuto solo una volta. Il concerto 

valorizza e impone un ascolto costante e ininterrotto, ricco di coinvolgimento 

personale e collettivo che mette in rapporto il pubblico 

con il musicista e i musicisti con il pubblico, con la musica che si 

dipana ovunque e rimbalza tutto intorno. L’idea dello spettacolo 

dal vivo come tour di promozione del nuovo album viene capovolta. 

L’album oggi promuovere la performance dal vivo ed è necessario 

a ottenere più ingaggi. 

Per contro grazie a internet e all’MP3 con uno sforzo finanziario modesto 

si può creare una collezione mastodontica e accedere alle più 

recondite conoscenze. Il collezionismo di file digitali è letteralmente 

esente da particolari vincoli economici e di spazio. Una connessione 

relativamente buona e una discreta quantità di memoria rigida 

hanno infatti permesso il proliferare delle maggiori piattaforme 

di filesharing. Si tratta di forme estreme di collezionismo dove tutto 

è disponibile e tutto può essere condiviso. Reynolds definisce questo 

fenomeno sharity, termine coniato dalla crasi delle parole share, charity 

e rarity. Sulle piattaforme di file sharing sono disponibili discografie 

complete e rarità, a titolo completamente gratuito. Un aspetto 

fondamentale che cambia nel digitale rispetto al collezionismo del 

disco in vinile è che mentre in quest’ultima forma di collezionismo 

l’aspetto dominante è la possibilità di avere qualcosa che nessun 

altro può avere, in quella che Reynold definisce Sharity si tratta di 

mettere le mani su qualcosa che nessun altro ha e renderlo istantaneamente 

disponibile a tutti. Il fondatore di Mutant Sound (sito che 

si occupa di materiale musicale per cosi dire esotico, poiché fuori 

catalogo e raro), Jim distingue tra il collezionista di dischi e l’appassionato 

di musica, puntualizzazione molto comune tra i collezionisti 

online e non, che desiderano separare chi cerca il pezzo raro da chi 

semplicemente vuole trasmettere agli altri il suo grande amore per 

la musica. Internet elimina i costi, e i file sono infinitesimamente 

compatti. I downloaders, infatti, forti di questi due aspetti, sono 

affetti da questa fame cronica di collezionismo e i primi tra loro sono 

proprio gli autori stessi di questi blog di condivisione, che riempiono 

montagne di hard disc e che a un certo punto collezionano più la 

velocità con cui riescono a pubblicare materiale nuovo rispetto agli 

altri che non musica in sé. Spesso nel fare questo perdono l’interesse 

tanto per la musica che per le dimensioni della propria collezione, 

al punto di procurarsi gli album ancor prima della pubblicazione. 

Com’è ampiamente noto questa forma di collezionismo (digitale) 

ha fatto diverse vittime nell’industria discografica, primi tra tutti 

gli artisti e i settori che dipendono strettamente da essa, come la 

stampa musicale, i negozi di dischi e molte altre attività. Per fortuna 

lo streaming si dimostra essere una grande soluzione da questo 

punto di vista. Pur non risolvendo il problema relativo all’ascolto 

concentrato, poiché offre un’enorme quantità di informazione musicale, 

lo streaming quantomeno legalizza l’ascolto di musica digitale 

pagando le royalties ai musicisti e alle etichette. 

L’iPod rappresenta l’applicazione estrema del collezionismo (non 

nella sua concezione tradizionale) con fenomeni di compulsione 

alla caccia, riorganizzazione infinita e accumulo, assumendo una 

dimensione ontologica. 

Le modalità di ascolto della musica sono cambiate moltissimo oggi 

ma sappiamo che erano varie già prima della musica registrata e 

dipendevano (come continua a essere anche oggi) da fattori di tipo 

pratico sociale e culturale. La reintroduzione di un sistema di ascolto 

come l’LP avviene in un momento storico molto particolare e 

probabilmente quasi opposto alle modalità odierne e più comuni 

di ascolto. Infatti, laddove l’LP vuole un ascolto domestico e concentrato 

dovuto a numerosi fattori, gli ultimi anni 2000 hanno visto 

una proliferazione di articoli, relativi agli effetti nocivi della vita in 

rete sulle nostre capacità di concentrazione. Si potrebbe dire che il 

ritorno di uno strumento che prevede un ascolto concentrato avviene 

in un momento in cui il genere umano fa fatica a prendersi un po’ 

di tempo per concentrarsi sull’ascolto musicale. La sovrabbondanza 

BIBLIOGRAFIA 

- Lidia Baratta, www.linkiesta.it - Il grosso grasso mercato dei concerti 

in mano alle multinazionali 

- Simon Reynolds, Retromania, musica cultura pop e la nostra ossessione 

per il passato, ISBN Edizioni, Milano 2011 

- Luca Cerchiari, Il disco, musica tecnologia e mercato dal positivismo 

al web, Casa editrice Odoya 2014 

- Dominik Bartmanski & Ian Woodward, Vinyl: The Analog Record in 

the Digital Age, Bloomsbury Academic, 12/02/2015 



Sempre connessi. In realtà il dettato di Carly Fiorina, allora CEO di HP (“in qualsiasi momento, in qualsiasi posto, qualsiasi cosa”) è realizzabile a partire dall’era degli smartphone, 

primi strumenti multimediali ubiqui. 

di stimoli a cui ci sottopone la rete, infatti, sembra essere la causa 

della dilagante facilità di distrazione, che viene definita sindrome 

da deficit di attenzione e la cui causa è proprio il sovraccarico di dati 

che riceve il cervello. Ad esempio non esiste un vero corrispettivo in 

musica della lettura rapida ma possiamo ascoltare musica facendo 

altre cose come leggere un libro, una rivista, lavare i piatti e rifare i 

letti, o navigando in internet. Ciò rende fragile l’esperienza musicale 

(non è un fenomeno che avviene solo in campo musicale), lasciandoci 

un segno flebile nel cuore e nella mente. 

Volendo analizzare alcune tipologie di ascolto per così dire portatile, 

inoltre, potremmo individuare nell’atto di girare in macchina 

con l’autoradio a tutto volume una sorta di contributo alla vitalità 

cittadina, mentre nell’utilizzo dell’iPod con le cuffiette (un po’ come 

avveniva già dagli anni ’70 con il walkman) una sorta di fuga dalla 

vita da strada. La funzione shuffle, che permette di esimere l’ascoltatore 

dalla scelta del brano, e l’usanza di alcuni ascoltatori di 

riprodurre solo frammenti di alcuni brani per poi passare a quello 

successivo sono indice del frenetico ascolto portatile odierno. Secondo 

Reynolds questa tecnologia offre a un ascoltatore onnivoro 

nel dilagante panorama sonoro della musica Pop l’esenzione dalla 

scelta, mettendogli a disposizione quello che l’industria musicale 

più mercificata predilige. 

Viene da chiedersi se questi aspetti non abbiano in qualche modo 

indotto gli ascoltatori di musica verso la strada del supporto, in particolare 

quello analogico. È probabile che i fenomeni relativi a questo 

tipo di ascolto che si fa della musica oggi vadano a far parte di quel 

quadro che ha prodotto la rinascita del supporto LP. L’abbondante 

varietà e facilità di accesso di cui si dispone oggi, soprattutto nel 

settore musica, sembra aver ottenuto proprio l’effetto opposto. Le 

testimonianze a riguardo vanno da voci quali quelle di Reynolds, 

Bartmanski, Woodward ed Evans a quelle di distributori che lavorano 

sul campo. A ulteriore riprova di quanto detto le testimonianze 

di vari articoli pubblicati verso la fine del primo decennio del 2000, 

secondo i quali il downloading provoca apatia e indifferenza. Non indugiano 

inoltre nell’indicare sintomi ancora più profondi e più gravi, 

nel momento in cui sostengono che l’accessibilità abbia fatto in modo 

che gli ascoltatori dessero per scontato la musica in sé, al punto che 

questa non necessiti più di quella passione e quel profondo impegno 

emotivo che vi sono sempre stati legati. Questo tipo di fruizione è 

esattamente l’opposto del modo di esperire la musica nell’epoca a cui 

appartiene e si sviluppa invece il vinile. Laddove il vinile è il supporto 

utilizzato in un’epoca in cui la musica era un tesoro prezioso al quale 

venivano (e vengono tutt’ora) attribuiti spiccati poteri comunicativi 

fondamentali, l’iPod invece appartiene a un’epoca in cui, sebbene la 

musica sia ampiamente più diffusa e tutti ne ascoltino molta più di 

quanto non si facesse prima, l’ascolto non indica necessariamente 

un investimento emotivo. Le origini di questo svilimento secondo 

il dottor Adrian North, psicologo musicale dell’università di Leicester, 

si possono trovare nel passaggio dall’analogico al digitale. 

Inizialmente, infatti, la musica veniva trasformata in un oggetto da 

comprare e custodire con parsimonia e riguardo. Ora, invece, è stata 

liquefatta, convertita in dati informatici trasportabili e trasmissibili 

da un apparecchio all’altro con somma facilità e velocità. L’MP3, 

secondo questa teoria, svaluta doppiamente la musica; in parte 

perché ce n’è troppa e in parte perché si insinua nella quotidianità 

degli ascoltatori come una corrente o come un fluido. Per certi versi 

ha cominciato ad assomigliare a un servizio pubblico come il gas e 

l’elettricità, perdendo la fruibilità tipica dell’opera d’arte. Ciò l’ha 

resa in qualche modo una costante dovuta, e non più qualcosa di 

ambito e desiderabile. In ogni caso Reynolds decreta che la registrazione, 

sia essa analogica o digitale, ha l’effetto di de-sacralizzare e desocializzare 

l’esperienza di musica perché rende l’evento ripetibile e 

ne privatizza la dimensione collettiva. A sostegno di ciò cita Jacques 

Attali, che afferma che il ruolo rituale e la funzione sociale e catartica 



Ieri, oggi e anche domani? La rinascita del vinile è sorprendente in termini di trend 

commerciale ma rappresenta la perfetta antitesi al consumo liquido (nella foto Marlene 

Dietrich – 1956). 

della musica vengono erosi dalla facoltà individuale di accumulare 

registrazioni e ascoltarle a piacere perdendo il Kairos, il momento 

clou dell’evento, per arrendersi a Chronos, il tempo quantificato del 

lavoro e dello svago. 

C’è anche un altro fattore importante da considerare: un’imperfezione 

può essere un vantaggio così come la perfezione può risultare 

sterile. Questo è il motivo per cui i media non sono dei semplici strumenti 

ma anche un messaggio pieno di significato. Il medium è un 

oggetto culturalizzato, è così che se ne avverte in primis la percezione 

sociale. Per molte persone la cosa più importante non è tanto quello 

che ascoltano ma come lo ascoltano e come suona. Il mezzo con cui 

ascoltano è tanto importante quanto il contenuto; la conoscenza e 

il gusto musicale, infatti, possono essere giudicati non solo in base 

a ciò che si ascolta ma anche attraverso la mediazione di ciò che si 

vede e di altri sensi ancora che accompagnano l’ascolto. In questo 

modo l’ascolto diviene come molte altre arti, dove la mediazione del 

rapporto avviene attraverso oggetti di consumo dal valore estetico 

e tecnologico, e in questo caso specifico si parla di musica e suono. 

Un rapporto simile, parlando di cucina, può essere evidenziato nelle 

preferenze di uno chef rispetto a una tecnica o a un’altra, e nella preferenza 

di un marchio piuttosto che un altro in termini di prodotto 

o di utensileria. Ancora più vicino al nostro caso sono le preferenze 

di un chitarrista rispetto a una particolare marca di chitarre, forma 

o corde. Molti ancora vedono nel vinile un veicolo per un contatto 

più puro e diretto con la musica. 

In ultima analisi c’è un ampio gruppo di amanti dell’LP, quelli 

che adottano un approccio ibrido e che usufruiscono in maniera 

parallela dei diversi formati di ascolto e delle diverse interfaccia, 

piuttosto che utilizzare esclusivamente un supporto a discapito di 

un altro. Altri ancora, affezionati e amatori del vinile, convengono 

sul fatto che esso offra un’esperienza uditiva caratteristica. In ogni 

caso c’è una cerchia di amanti del vinile per la quale il formato non 

ha mai perso il suo status. Si tratta dei DJ: molti di questi, infatti, 

continuano a lavorare col vinile, nonostante i cambiamenti del 

mondo circostante. Uno dei motivi per cui questo avviene è che il 

vinile si è trasformato, per così dire, in un formato organico nel 

momento in cui sono comparsi i formati digitali, che rappresentano 

il formato per così dire sintetico della musica. 

Per un DJ suonare l’LP significa avere la possibilità di creare 

qualcosa di crudo e grezzo, non ottenibile con una produzione 

puramente digitale e sintetica; così è testimoniato in Vinyl di Bartmanski 

e Woodward dal duo Techno dei Paresque, che parla di 

suono analogico per gente analogica. A supporto di questa caratteristica 

Michael, anche conosciuto come Puresque, sostiene che 

quando si è a casa nella propria intimità si può tranquillamente 

ascoltare la radio, ma se in nostra compagnia c’è ad esempio una 

ragazza, non accenderemo mai una radio né metteremo su un CD 

avendo a disposizione un giradischi. Infatti, sostiene, è l’unico tra 

questi strumenti a rendere l’ambiente sensuale, caldo e accogliente. 

Il suono caldo e organico del vinile viene spesso contrapposto a 

quello pulito e clinico dei formati digitali. 

Un altro elemento interessante che questa volta riguarda la pratica 

rituale del vinile è l’elemento visivo che entra in gioco durante 

l’ascolto personale ma anche la visione d’insieme che si ha del DJ 

durante le serate nei club, quindi non solo del disco in sé. Laddove 

infatti l’ascolto domestico è legato al piatto che gira, alla ricerca del 

solco con la puntina e al braccetto che trasporta il suono dal disco 

all’amplificatore, l’elemento visuale del DJ che suona nel club è 

invece pubblico. C’è una fisicità diversa tra un DJ che riproduce LP 

e uno che utilizza un’interfaccia digitale. C’è un diverso linguaggio 

corporeo, che nel primo caso è molto più accentuato, tanto per il 

DJ all’opera quanto per il pubblico di riferimento che osserva, 

senza contare il contatto visivo diverso che avviene durante quella 

che potremmo chiamare la raccolta del suono dal disco attraverso 

il braccetto e la puntina. L’LP e il libro cartaceo sono due media 

che occupano lo stesso ruolo, con l’unica differenza che il libro 

non necessita della mediazione di un dispositivo di riproduzione. 

Nell’ascolto domestico il vinile non si può ignorare, come invece 

facilmente può avvenire nella riproduzione in serie di file MP3. Il 

disco va cambiato di lato a un certo punto e il movimento circolatorio 

attira l’attenzione. Non è un ascolto totalmente passivo, 

tutt’altro, richiede una certa attenzione, come fosse un ospite, il che 

fa del vinile l’equivalente musicale dello slow food, laddove l’ascolto 

digitale ha introdotto grandi innovazioni, come un’ampia mobilità 

e accessibilità. Una testimonianza del valore del vinile nel modo 

della fruizione può venire anche da Gino Nobile (proprietario dello 

storico negozio di Ragusa, Magic Music) che ricorda l’utilizzo che se 

ne faceva già dagli anni ’60 quando era ragazzino e ha cominciato 

a comprare 45 giri senza avere supporto per ascoltarlo. Tra amici, 

dice, ognuno comprava qualche disco senza avere un giradischi e 

poi si andava a casa di qualche altro amico che ne possedeva uno 

per ascoltarli insieme. Il vinile al tempo andava fortissimo: “Per 

questo è tornato il vinile”, afferma, “perché è un momento di condivisione. 

Inoltre il bello è che è un supporto che si può tenere in 

mano, è come un libro. Come leggere un libro.” 


INSIDE 

di Antonio Gaudino 

50 anni senza di lui… 

Sax soprano e tenore e flauto, nato a Hamlet, North Carolina, nel 1926, il 17 luglio del 1967, a New York, ci 

lasciava uno dei più grandi jazzisti di tutti i tempi, John Coltrane. 

Uno dei maestri del jazz, essenziale figura di collegamento tra 

il jazz moderno post-bop e la scuola free. Iniziò la sua carriera 

in gruppi di rhythm and blues; poi, all’inizio degli anni ’50, 

fu scritturato da Dizzy Gillespie per la sua Orchestra, in cui suonò il 

sax alto. Nel 1955, balzando al centro dell’attenzione da un relativo 

anonimato, fu chiamato da Miles Davis a far parte del suo quintetto. 

Nelle sue incisioni con Miles, il tenorista dimostra chiaramente la sua 

derivazione da Dexter Gordon; in alcuni passaggi denota anche una 

certa incoerenza, che però si alterna a improvvise illuminazioni di 

notevole forza e originalità. Round Midnight dà un primo assaggio 

della sua carica emozionale (Talest Trees). Nell’anno e mezzo della sua 

permanenza con Davis Coltrane lavorò molto sul suo linguaggio tentando, 

come in seguito spiegò a Wayne Shorter, di prendere le mosse dal 

centro della frase per dirigersi poi simultaneamente in entrambe le direzioni. 

Il risultato pratico è un fiotto continuo di arpeggi in semicrome 

che muovono salendo a spirale. I Problemi degli accordi costituivano 

la sua ossessione e il passaggio, nel 1957, nel quartetto di Thelonious 

Monk, segnò la necessaria fase successiva. Il senso armonico di Monk 

era profondamente originale e Coltrane apprese con lui a suonare quasi 

galleggiando sopra gli inciampi ritmici di Monk’s Moode le ondate 


IN RICORDO DI JOHN COLTRANE 

sobbalzanti dell’accompagnamento pianistico in Nutty. 

Dopo aver lavorato con i maestri del Bop – Gillespie, Miles e Monk 

– Coltrane si mise in proprio. Le sue migliori esecuzioni del primo 

periodo – Good Bait, Lush Life e Traneing In – generarono uno slancio 

ritmico nuovo e personale, le volate sul sassofono si coagulano 

nei famosi sheets of sound, cortine di suono; lunghe, acuminate note 

affiorano dalla complessa trama con forza incisiva (More Lasting than 

Bronze e John Coltrane). L’incontro con l’altro grande innovatore, il 

pianista Cecil Taylor (Coltrane Time), viceversa, mostra che, sebbene 

Coltrane stesse cercando di disincagliarsi dalle strettoie dell’hard bop, 

non aveva ancora superato le strutture funzionali dell’armonia come 

Taylor od Ornette Coleman. 

Miles Davis, che pure era alla ricerca di un impianto formale più libero 

ed elastico, avanzò a quell’epoca la proposta di adottare l’atemporalità 

modale della musica indiana (Kind of Blue), e Coltrane trovò la libertà 

armonica di quella concezione assai illuminante ai fini della sua ricerca. 

Nel 1959 Coltrane raggiunse infine la prima maturità con la pubblicazione 

di due importanti album. Dotato di una sonorità uniforme 

intensa su un registro di tre ottave, si dimostrò capace delle sottigliezze 

necessarie per interpretare il delicato Naima o il turbolento blues Mr. 

P. C. (Giant Steps). C’era una nuova austerità e disciplina nel suo stile, 

e in Harmonique (Coltrane Jazz) affiorano anche segni di un nascente 

interesse per gli armonici e le doppie note. Nelle sue mani il sax soprano 

fa la sua comparsa in un brano indissolubilmente legato al suo nome, il 

lirico e amabile My Favourite Things. Più importante fu la formazione 

del suo storico quartetto, comprendente McCoy Tyner al pianoforte, 


INSIDE 

Jimmy Garrison al contrabbasso ed Elvin Jones alla batteria; un organico 

scelto come campo di battaglia per le sue inesauste esplorazioni. 

L’energia e le dense trame accordali di Tyner, la sua abilità nel sostenere 

accompagnamenti interattivi che favorissero l’immergersi del 

sassofono del leader nei meandri dell’armonia; la solidità di Garrison 

e il suo senso del collettivo; i ritmi multidirezionali di Elvin Jones che 

avviluppavano Coltrane: tra il 4/4 scandito dal piatto della batteria 

di Elvin Jones, gli aggressivi ritmi incrociati e il repertorio pesante, 

ammaliatore, del sax tenore, l’uditorio fu spinto a trovare un nuovo 

modo di accostarsi alla musica. Nel periodo di contratto discografico 

con la label Impulse! il quartetto produsse una serie ininterrotta di 

capolavori. Molti dei critici che avevano salutato con favore Giant 

Steps fecero ostentatamente pollice verso a chilometriche esecuzioni 

come Chasin’ the Trane (Live at the Village Vanguard) ma dovettero 

ricredersi di fronte alla suite A Love Supreme, un’opera in quattro parti 

di ispirazione religiosa che sarebbe, a sua volta, divenuta un ulteriore 

punto di svolta. 

Tra il 1960 e il ’65 Coltrane aveva lasciato esecuzioni classiche 

come Blues Minor (Africa Brass), Transition (Transition) e Out of 

This World (Coltrane), una tenera e robusta rilettura di canzoni (Ballads), 

e aveva felicemente collaborato con Eric Dolph, sia in concerto 

che su disco. Con Elvin Jones si era fatto pioniere di un nuovo modo 

di far respirare su archi ritmo-melodici più lunghi. A questo punto 

Coltrane trasse nuovi stimoli dai giovani alfieri della New Thing. 

Affascinato dal Free Jazz, il grande esperimento collettivo di Ornette 

Coleman esplorò le possibilità offerte dalla libera improvvisazione 

collettiva, allargando il quartetto ad Aechie Shepp, Pharoah Sanders, 

Marion Brown, John Tchicai, Freddie Hubbard, Dewey Johnson e Art 

Davis (Ascension). La sua musica densa, rabbiosa, richiedeva ormai 

pressantemente un batterista più elastico e libero di Elvin Jones. 

Coltrane chiamò nel gruppo il sassofonista Pharoah Sanders, di cui lo 

stimolava l’approccio allo strumento alquanto energico e tormentato, 

e aggiunse, alla batteria, il mobile, fluttuante Rashied Ali. Il successivo 

periodo creativo di Coltrane alterna tesori e pagine incerte. Quello 

che si può ritenere il miglior album, Meditations, vede i due tenoristi 

intrecciarsi, lottare, esplorare la musica fino ai suoi estremi vertici 

emotivi sopra un ribollire ritmico che però non scade mai nel caos. 

Un’esecuzione come Naima (Coltrane Live at the Village Vanguard 

Again!), in cui la grandiosità di Coltrane racchiude nel suo centro un 

contorto assolo di Sanders, presenta una notevole simmetria. Con 

l’uscita di Tyner e Jones, piano e batteria, rimpiazzati dalla seconda 

moglie di Coltrane, Alice, al pianoforte, e da Rashied Ali, Coltrane 

ancora una volta ributtò tutte le sue conquiste nel calderone per aprire 

una nuova fase sperimentale, interrotta solo dalla sua improvvisa 

scomparsa. Tralasciando per un istante le considerazioni sul gruppo, 

l’ultimo Coltrane appare caratterizzato dalla pura maestosità della 

sua voce strumentale, particolarmente evidente nel suo album in 

duo con Rashied Ali, Interstellar Space, e in Offering, che è incluso 

nell’ultimo album da lui inciso, Expression. 

L’influenza di John Coltrane sul corso del jazz è stata enorme, anche 

se limitata alle sue acquisizioni anteriori alla volta free, e dopo la sua 

morte la pubblicazione di album inediti è stata ininterrotta. Tranquillo, 

introspettivo, modesto, John Coltrane sembra aver dedicato quasi 

interamente la sua esistenza alla ricerca musicale e spirituale. 

JOHN COLTRANE 

A Love Supreme: The Complete Masters 

Impulse! Records 

John Coltrane (ts), 

Elvin Jones (d), 

McCoy Tyner (p), 

PLUS 

Jimmy Garrison (b), 

Archie Shepp (ts) & Art Davis (b) 

Registrato. 9 e 10 dicembre 1964 e 26 luglio 1965. 

Il 9 dicembre 1964 Coltrane e il suo “quartetto classico” hanno registrato A Love 

Supreme, che è stato certificato Album Gold nel 2001 per vendite superiori a 

500.000 copie. Molto meno noto è che Coltrane, il suo quartetto (con McCoy Tyner, 

Jimmy Garrison e Elvin Jones) e due musicisti aggiuntivi, il sax tenore Archie Shepp 

e il bassista Art Davis, sono tornati nello studio il giorno successivo per tagliare 

di nuovo la parte iniziale della suite. Anche se abbiamo avuto l’idea di ciò che è 

accaduto durante quel secondo giorno con la pubblicazione di due take numero 1 

e 2 di A Love Supreme DeLuxe Edition del 2002, l’immagine completa di quello che 

è successo - in altre parole, tutti i take, overdub e la chiacchierata in studio - è ora 

disponibile in A Love Supreme: The Complete Master, pubblicata per celebrare sia 

il cinquantesimo anniversario della session di registrazione che il 60° anniversario 

dell’etichetta Verve, con la ripubblicazione di miriadi di cataloghi, esclusive digitali 

e box set promesse fino alla fine del 2016 e 2017. Ashley Khan, che ha scritto le 

note a margine della Deluxe Edition, ancora una volta scrive alcune note per The 

Complete Master e c’è un’introduzione personale in A Love Supreme di Carlos Santana 

(per il quale Khan ha recentemente curato l’autobiografia). Ci sono ulteriori 

informazioni sul live set ad Antibes ma soprattutto è interessante l’iconografia che 

è stata scoperta, in particolare, per questa pubblicazione. 

La questione di quale musica sia stata o non pubblicata prima diventa un po’ 

complicata, quindi abbiate pazienza, è l’invito che rivolgiamo a tutti coloro che 

hanno amato e amano Coltrane e questo straordinario album. Innanzitutto chiariamo 

che questi commenti si riferiscono al set di 3 CD, poiché esiste anche un 

set più “economico” di 2 CD che viene pubblicato contemporaneamente solo per 

confondere le acque (giochi commerciali della discografia). Quindi, nel set di 3 CD, 

il disco 1 ci dà l’album stereo originale, quello che venne rilasciato sul vinile come 

Impulse!, e che precedentemente apparve sull’Edizione Deluxe, oltre a due brani 

registrati mono inediti: la Parte III Pursuance e la Parte IV Psalm. Questi provengono 

dai master personali di Coltrane Mono Reference destinati ai suoi ascolti personali 

e casalinghi. Essendo tracce stereo riportate nella versione originale, mono, 

si tratta di composizioni che non aggiungono niente alla nostra conoscenza di 

questi pezzi. Il disco 2 comprende undici tracce in tutto, di cui quattro brani pre- 


XXX XXX 

cedentemente apparsi su Deluxe Edition. Queste 11 tracce rappresentano tutte le 

tracce sopravvissute ai due giorni in cui Coltrane ha registrato A Love Supreme - il 

quartetto del giorno uno e il sestetto del giorno due. Dal primo giorno, la session 

del quartetto, le due alternative take di Resolution (precedentemente apparse 

nella Deluxe Edition); da questo stesso quartetto ora abbiamo altri due overdub 

vocali su Acknowledgement (overdub 2 e overdub 3) e una versione undubbed 

di Psalm in The Complete Master. Le overdub di Acknowledgement suggeriscono 

che Coltrane stava sperimentando con una tessitura di voce più spessa alla fine; 

finalmente decise di andare con il primo overdub vocale sulla traccia pubblicata. 

Nella versione undubbed di Psalm Coltrane suona il sassofono e manca la risoluzione 

(la versione pubblicata contiene un secondo corno - sassofono alto - e 

ovviamente la risoluzione). 

Dalla sessione del sestetto del giorno successivo, in altre parole il “Quartetto classico” 

più Shepp e Davis, abbiamo le takes 1 e 2 di Acknowledgement nella Deluxe 

Edition, a cui ora si aggiungono take 3 (breakdown con chiacchierata in studio), 

take 4 (in alternativa), take 5 (falsa partenza), take 6 (in alternativa) dello stesso 

pezzo - cioè Acknowledgement del sestetto. L’intero disco 3, l’unico riconosciuto 

live di A Love Supreme al Festival Mondial du Jazz Antibes il 26 luglio 1965, fu 

precedentemente pubblicato nella Deluxe Edition nel 2002. Per quanto riguarda 

la session del “sestetto”, The Complete Master, è la prima volta che abbiamo tutte le 

6 take di Acknowledgement, la sezione di apertura della suite, nella loro interezza 

dal gruppo esteso. Ci offre uno spaccato di come Coltrane ha consentito alla 

propria musica di svilupparsi in studio. Dove si stesse dirigendo con questo pezzo 

particolare non lo sapremo mai, perché la versione definitiva di A Love Supreme è 

ovviamente la versione del quartetto registrata il giorno prima. Ma quello che 

abbiamo oggi in mano è uno sguardo sul suo pensiero musicale e sull’uso di due 

sassofoni che alla fine saranno consolidati con l’aggiunta di Pharoah Sanders. 

Nella prima metà del 1965 vediamo che il suono di Coltrane diventa sempre più 

esternamente legato (certamente l’influenza di Albert Ayler con cui suonò per 

un periodo si fece sentire), e dopo aver registrato Ascension il 28 giugno 1965, sia 

con Archie Shepp che Pharoah Sanders nella formazione (e, in modo significativo, 

Art Davis), Sanders entrò a far parte definitivamente del gruppo di Coltrane nel 

settembre del 1965. Il pensiero di Coltrane sull’inclusione di Art Davis nelle registrazioni 

del sestetto è meno chiaro; certamente l’espressione del tempo diventa 

un po’ più ambigua con due bassi e probabilmente stava pensando a un approccio 

più astratto al tempo che si compie quando Rashied Ali sostituì Elvin Jones e Alice 

Coltrane sostituì McCoy Tyner ma che, come si dice, è un altro vaso di Pandora. 

Album essenziale e oggi ancor più completo con l’inclusione di ciò che era stato 

“scartato” dal genio Coltrane, che forse non riteneva il tutto compatibile all’interno 

di un album concept composto, come è noto, da tre suite più una (Psalm), 

suite ipnotiche e straordinarie che influenzeranno, inevitabilmente, anche il rock 

progressive (che fu susseguente a questo album) per la lunghezza dei brani e 

l’improvvisazione, cosa che precedentemente a Coltrane era impensabile nel rock 

e in altri generi musicali. Capolavoro immortale e oggi completo. 


INSIDE 

di Elena Marisol Brandolini 

Terra e fuoco 

È tornata prepotentemente e anche se sostiene che la musica non è tutto, per Carmen Consoli (Catania, 

1974) le sette note svolgono un ruolo predominante nella vita, così come le proprie radici... 

La nota cantautrice siciliana è stata a Barcellona il 29 e 30 giugno 

scorsi per tenere due concerti nella Sala Jamboree, con il 

suo trio, Claudia della Gatta al violoncello ed Emilia Belfiore 

al violino. Con l’occasione ha partecipato a un incontro pubblico presso 

l’Istituto Italiano di Cultura, discorrendo con la direttrice Roberta 

Ferrazza della musica e della figura di Rosa Balistreri. Ne abbiamo 

approfittato per intervistarla... 

Cominciamo da questo tour che l’ha portata a Barcellona: 

qui ha registrato un grande successo. 

Portare la propria musica fuori da casa e trovare qualcuno che la celebra 

assieme a te: quando questa cosa succede chiudo gli occhi e la dedico 

a mio padre perché mi piace molto. 

Oggi all’IIC avete fatto un percorso nella sicilianità, da Pirandello 

a Rosa Balistreri: che cos’è per Carmen Consoli la sicilianità? 

Innanzitutto le origini, un legame molto forte con i miei antenati, con questa 

terra che evoca un po’ il mal d’Africa. Il siciliano è terra e fuoco, è agrodolce, 

è come l’ostrica che più si allontana dallo scoglio più s’indebolisce. 

Cambia il concetto di sicilianità nel tempo? 

Cambia, come cambia il concetto di multi-culturalità. Oggi la sicilianità 

è un multi-comunitarismo, un popolo pronto a cambiare e a 

plasmarsi per accogliere culture diverse. Vedo lo sforzo e la volontà 

dei miei corregionali nell’accogliere questi stranieri che vengono 

a bussare alle nostre porte, con un atteggiamento di apertura. Ciò 

non ha a che fare con il multi-culturalismo ma con il multi-comunitarismo 

che, per me, si colloca a un gradino superiore: si è pronti 

a plasmarsi, cambiarsi. 

Le proprie origini che si mischiano con quelle degli altri? 

E si rinnovano, bianco e nero che si mescolano e diventano una 

sorta di grigio. Noi siamo questo miscuglio: Federico II di Svevia 

ci tramanda la convivenza tra popolazioni diverse e il fatto di 

fonderci insieme. La Scuola Poetica Siciliana, che nasce prima 

di quella toscana, è questo e in fondo la poetica dell’italiano è 

molto legata a questa lingua che è il siciliano. Sicilianità vuol 

dire saper essere come l’acqua: prendere la forma delle diverse 

cose, adattandosi. 


INTERVISTA MARIO CACCIA 

Pirandello è uno dei suoi scrittori preferiti: che sicilianità 

esprime? 

Pirandello esprime una sicilianità umoristica. Lui parla della 

tragedia riuscendo a farti sorridere, questo è l’umorismo, il sentimento 

del contrario. È un siciliano piuttosto innovativo perché 

indaga nei meandri della psiche, quando la psicanalisi era agli 

inizi. Io rivaluterei anche Verga, la mia proposta è sostituire 

Mastro don Gesualdo ai Promessi Sposi, non perché sia siciliano 

ma per il campione di umanità che rappresenta. 

Parliamo di Rosa Balistreri, lei hai cantato alcune sue 

canzoni, le ha tributato vari omaggi. Che voce è quella 

di Rosa Ballistreri? 

È una voce antica, un’anima antica, più antica del suo tempo. È la 

voce dei nostri avi, è una voce profonda stimolata da un’urgenza, 

non dal desiderio di successo. Il suo è un canto di dolore ma di 

un dolore che trasforma le avversità in opportunità. Un esempio 

di donna molto forte che riesce a trasformare il proprio destino 

anche se non completamente. 

Qual è il rapporto di Rosa Balistreri con la Sicilia? 

È un rapporto di contrasto, figurarsi che è ancora sepolta a Firenze... 

basti pensare a Terra ca nun senti. Rosa è l’esempio di una 

donna che proviene da una famiglia molto povera e che riesce ad 

essere visionaria, si circonda di artisti, pittori, letterati, perché 

pensa che la cultura possa salvarci. Come diceva Peppino Impastato, 

che la cultura ci avrebbe salvato dalla bruttezza. 

Ha cantato al concerto per i 25 anni della strage di Capaci 

e Borsellino; quando avvennero i fatti, lei era ancora 

adolescente. Cosa ricorda di quei giorni? 

I miei genitori erano in Spagna e io in casa di un’amica di mia 

madre; quando diedero la notizia al telegiornale fu come la fine 

di un sogno. Perché in Sicilia si stava cominciando a respirare 

un’aria di pulizia. Quella strage fu come un “adesso basta!” e 

per noi fu come vedere sotterrate le nostre speranze. Ero molto 

giovane, militavo nei centri sociali, fu un duro colpo, un lutto. 

Poi fu ancora più dura la revisione che ne fu fatta, sulla magistratura, 

sul ruolo di questi giudici: nel passato ci è toccato anche di 

celebrare di nascosto l’anniversario della scomparsa di Falcone 

e Borsellino. 

È cambiata la Sicilia da allora? 

La mafia è cambiata, ha messo da parte la pistola, ha cambiato 

vestito, si è ripulita. Ma è la mentalità mafiosa che dobbiamo 

combattere, il raggiro del popolo per ottenere altri fini. La mafia 

è la menzogna e l’inganno dietro ideali romantici e questa mentalità 

è stata esportata in tutto il mondo. 

Perché la chiamano cantantessa, cantante e poeta? 

In realtà si trattò di un errore di grammatica. Avevo un fonico anglofono 

che non sapeva quale fosse il femminile di cantante. C’era 

un cane che abbaiava e allora disse: “Fate stare zitta la canessa 

che deve cantare la cantantessa”. Fu così che nacque il termine 

e, siccome non mi sono mai definita una cantante, mi piace più 

essere una cantantessa, cioè non prendermi troppo sul serio. 

Cos’è la musica per lei? 

Avevo un papà musicista e fece con me quello che io faccio con 

mio figlio: mi diede una chitarra e imparai a suonare prima che a 

parlare. Esprimevo tutti i miei pensieri già musicati, per cui è un 

linguaggio a me consono, lo utilizzo non solo per fare concerti ma 

in tutte le manifestazioni della mia vita. Per me è come un’urgenza, 

quando devo esprimere qualsiasi tipo di sentimento utilizzo 

la musica. Utilizzo anche altre cose, cucino, faccio bricolage... 

La musica non è tutto nella mia vita, tanto che mi sono anche un 

po’ ritirata per sei anni, ho fatto la mamma, ho seguito gli affari 

di famiglia, ho aiutato mia madre dopo la morte di mio padre, poi 

mi è ritornata questa passione. Sono tornata a Catania, perché 

desidero che mio figlio cresca lì, che acquisisca certi modi che 

Catania ha ancora nell’approccio con le persone. Mi piace molto 

la mia città, la trovo elegante e umana. 


INSIDE 

di Vittorio Pio 

Una “magia” jazz 

da riascoltare 

insieme 

foto Giovanni Daniotti 

Sarà l’ospite musicale di Sintonie High-End Video Exhibition che si terrà il 22 e 23 settembre prossimi 

al Palacongressi di Rimini. Fabio Concato ne approfitterà per presentare Gigi, il recente album dai toni 

crepuscolari condiviso con il trio jazz guidato dal pianista Paolo Di Sabatino, a cui l’artista milanese è legato 

da amicizia e stima. 

festeggio una ricorrenza importante”, 

esordisce Concato, “ovvero i miei primi quaranta 

“Quest’anno 

in musica, per cui mi sono voluto fare questo regalo 

davvero speciale. Si tratta di un lavoro spontaneo, nato 

sul palco. Dopo tanti concerti in cui la gente ci chiedeva quando 

sarebbe uscito il disco, lo abbiamo fatto per davvero, cercando 

di fissare quello che via via, sui diversi palcoscenici, abbiamo 

costruito. Ognuno di noi ha portato in dote le proprie emozioni 

e quello che si ascolta è la verità di quell’istante unico e irripetibile, 

eppure continuamente rinnovato, che è rappresentato 

dalla magia della musica”. E quella magia Concato cercherà di 

trasmetterla anche in occasione della ventesima edizione di Sintonie 

High-End Video Exhibition: insieme a Di Sabatino sarà 

ospite della manifestazione sabato 23 settembre alle 16 e i due 

artisti visiteranno la rassegna, ascolteranno insieme al pubblico 

il vinile del disco e ne faranno ascoltare alcuni brani dal vivo, 

voce e pianoforte. 

Fra lei e il jazz intercorre una lunga storia d’amore, in 

questo caso suggellata dall’amore che aveva Gigi, che 

tutti sanno essere suo padre… 

Il jazz come la bossa nova rappresenta un incrocio obbligato per 

tutti coloro che amano la musica di qualità. Ho avuto la fortuna 

di avere in famiglia papà, che nutriva una grande passione al riguardo. 

Gigi (mi piace sempre chiamarlo così) mi ha avvicinato a 

essa con divertimento e me l’ha fatta amare. Lui ascoltava molto 

jazz e i suoi eroi erano Chet Baker, Bill Evans, Gerry Mulligan. 

Ma adorava anche la bossa nova, meglio se suonata e cantata 

da Joao Gilberto e i palchi di Broadway, quelli illuminati dalle 

grandi canzoni di Cole Porter e George Gershwin. 

Quasi inevitabile, quindi, che la sua vita prendesse una 

deriva artistica… 

Mio padre era spesso via per il suo lavoro ma quando era a casa 

suonava anche la chitarra. E io, non appena ho avuto le mani 

abbastanza grandi per appoggiarle sul manico della sua, l’ho 

fatto, anche se tentare di riprodurre gli accordi della bossa o del 

jazz era complicato, come dico nella canzone che gli ho dedicato. 


FABIO IN RICORDO CONCATO DI E JOHN IL SUO COLTRANE “GIGI” 

foto Roberto Manzani 

Improvvisavo suonando un pettinino, una sorta di kazoo; sono 

un’autodidatta, tutto quello che ho espresso con la musica lo 

avevo già dentro. 

Come è nata, invece, la collaborazione con Di Sabatino? 

Ci siamo conosciuti qualche anno fa, quando lui ha realizzato un 

disco dedicato alle voci. Feeling istantaneo come spesso accade 

nel jazz e quindi tante serate in giro. Diciamo che questa è la logica 

evoluzione del lavoro precedente firmato insieme a Fabrizio 

Bosso e Julian Mazzariello. Solo che qui ci siamo concentrati sulle 

cose mie piuttosto che sulle pagine storiche e dorate dei colleghi. 

Qual è il valore aggiunto di una musica come il jazz al tuo stile? 

Forse la capacità di sapersi rinnovare. Ho avuto il privilegio di 

lavorare con altri musicisti straordinari del calibro di Stefano Bollani 

come Franco Cerri e Renato Sellani, restando incantato dalla 

loro straripante umanità. Ne ho conosciuti poi altri come Paolo 

Fresu o Enrico Pieranunzi, che è anche un profondo conoscitore 

dell’estetica di Bill Evans, che non smetto di ascoltare ancora 

oggi, provando sempre nuove emozioni. Penso che il jazz goda di 

foto Alberto Peconio 

un ottimo momento e piace anche alle generazioni successive alla 

mia. Ci sono anche musicisti giovani molto interessanti: uno di 

questi è il fantastico pianista di origine armena Tigran Hamasyan, 

un vero mago: oppure Lars Danielsson, un contrabbassista svedese 

più grande di età ma sconosciuto ai più. Di entrambi consiglio 

di approfondire le rispettive incisioni. 

Quarant’anni di musica: voltandosi indietro cosa scorge? 

Tanti incontri bellissimi e una coerenza di percorso. Il mio pubblico 

non mi ha mai abbandonato, anzi, le fila si sono rinforzate. 

Certo oggi rispetto a quando ho iniziato io mi sembra proprio 

che sia cambiato tutto. Ragionare su un disco prevedeva un team 

affiatato, delle idee, un budget. Ora da una parte è meglio che 

un album possa anche autoprodursi e diffondersi secondo altri 

canali, dall’altra c’è un impoverimento generale, adesso si pensa 

più ad arraffare facendo cassa di risonanza sul piccolo schermo 

attraverso i talent. Ma di X Factor autentico io, onestamente, 

ne vedo poco. 

Cosa chiede di più alla sua carriera? 

Non molto di più rispetto a quanto sto facendo. Scrivo sempre 

cose nuove ma non è necessario che finiscano su un disco, vista 

la situazione in cui versa il mercato. Sono stato fermo per oltre 

dieci anni perché mi sono voluto e dovuto concentrare su altri 

obiettivi, ma adesso che ho risentito in maniera consolidata il 

calore della gente per me è tornato fondamentale andare in giro 

e stare in mezzo alla gente. Cantare nelle piazze come a teatro, 

mischiando repertorio e formazioni. Poi, dal momento che sono 

fuori dal tritacarne di quello che resta della discografia, senza 

pressioni mi piacerebbe approfondire e magari tradurre il repertorio 

di grandi brasiliani come ho già fatto per Chico Buarque, 

allargando lo spettro ad altri giganti del calibro di Tom Jobim, 

Caetano Veloso e Gilberto Gil. 


tabili manchevolezze dei medesimi 

che, proprio per la loro principale 

virtù (uno spessore di pochi 

centimetri), non sono in grado 

di contenere (a meno che le re- 

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

de Il tremila 

La Soundbar incontra l’Hi-Fi 

E se... ? Certo, “il dubbio è scomodo ma la certezza 

è ridicola (Voltaire)” e l’evoluzione del mercato 

autorizza a sfuggire alle classiche categorie 

della mente. Ma da qui a immaginare che una 

Soundbar suoni bene ce ne passa! O no? 

Breve ma indispensabile 

riassunto: le soundbar 

nascono tipicamente per 

essere piazzate sotto i televisori 

moderni a sopperire delle inevi- 

Prezzo: € 799,00 


Peso: 8,60 kg 

Distributore: Nital S.p.A. 

Via Vittime di Piazza Fontana, 54 - 10024 Moncalieri (TO) 

Tel.011.899.68.04 - Fax 011.899.62.25 

www.nital.it 

STREAMING PLAYER SONOS PLAYBASE 

Tipo: multicanale Tecnologia: a stato solido Ingressi digitali: 

Ottico (1), Ethernet (1), WiFi (1) Accessori e funzionalità aggiuntive: 

Telecomando, Controlli di tono, Loudness Decoder 

surround integrato: Dolby Digital Note: sistema multiamplificato 

con 6 mid, 3 tweeter e 1 subwoofer indipendenti e controllati 

da DSP. Abbinabile a tutti i sistemi SONOS e collegato 

al televisore con connessione digitale ottica con opzione per 

miglioramento dei dialoghi e modalità notturna. 


TEST SONOS PLAYBASE 

Per certi versi la nuova PlayBase è accumunabile al Play5 (la singola unità può funzionare 

anche in stereo). Il confronto diretto mostra le doti di competitività in ambito 

audio puro del PlayBase in questa modalità, mentre 2 Play5 sono superiori da questo 

punto di vista ma costano anche sensibilmente di più. 

gole della fisica, tra le poche cose 

se non certe almeno plausibili, 

vengano rivoltate come calzini) 

altoparlanti in grado di emettere 

suoni plausibili almeno in campo 

Hi-Fi, che però non è (o non era) 

il loro compito precipuo. Aggiungiamo 

che la ragion d’essere delle 

soundbar, e il motivo del loro successo, 

è proporre una rappresentazione 

sonora accettabile delle 

colonne sonore in luogo di una 

complicazione logistica (5.1, 7.1 e 

oltre canali) proposti per l’home 

theater di qualità e, aggiungeremmo 

noi, impraticabili per la maggioranza 

della nostra specie…! Il 

fallimento dei giganteschi amplificatori 

multicanale (e del multicanale 

stesso) e della schiera di 

diffusori che i vari e progressivi 

standard vorrebbero ci si piazzasse 

in casa ha dato spazio in questo 

modo alle soundbar, intese quale 

addendo dello schermo televisivo; 

uno spazio ritagliato all’interno 

del nuovo focolaio domestico di 

natura elettronica. Va aggiunto 

che proprio l’evoluzione del mercato, 

o quelle che siamo abituati a 

definire “le nuove modalità dell’ascolto 

musicale”, hanno generato 

una “massa” di consumatori 

musicali dotati di dispositivi di 

tipo portatile per la riproduzione 

sonora, che approdano a quel 

focolaio con le loro esigenze. Così 

da qualche anno si assistite a un 

ritorno di attenzione da parte dei 

produttori di soundbar per le esigenze 

della musica sia in termini 

di qualità della riproduzione sonora 

che della compatibilità dei nuovi 

lettori multimediali itineranti 

con il sistema stanziale presente 

tipicamente nel salotto di casa 

che per volontà o obtorto collo si 

è trasformato nell’impianto principale 

anche per la musica, visto 

che obiettivamente pochi riescono 

a far convivere separatamente il 

televisore con il sistema Hi-Fi. 

Ex start-up ormai di successo, la 

californiana Sonos, votata al successo 

di massa, nel 2013 aveva 

abbracciato anche il settore A/V 

con un prodotto invero abbastanza 

tradizionale per i suoi standard, 

neanche particolarmente esaltante: 

Playbar. Oggi torna alla carica 

con la Playbase (offerta allo stesso 

prezzo) e con un manifesto di intenti 

(Una bella TV si vede. Ma 

un cattivo audio si sente) che è 

tutto un programma, di un certo 

interesse anche in ambito audiofilo 

perché un sistema completo 

di riproduzione sonora basato su 

uno streaming player è davvero 

difficile da comporre agli stessi 

prezzi e men che meno un tradizionale 

sistema Hi-Fi! Il punto 

chiave è l’eventuale qualità sonora 

offerta: accettabile, indecente, 

sorprendente? 

Sonos ci ha abituato a tante sorprese, 

interpretando e recuperando 

con gli apparecchi dedicati 

principalmente alla riproduzione 

musicale (Play:1, Play:3 e Play:5) 

soluzioni tecniche poco utilizzate 

in passato (diffusori attivi e multiamplificazione) 

o troppo precocemente 

esecrate come i DSP; nel 

caso di Playbase l’implementazione 

di queste soluzioni alla ricerca 

di un effetto spaziale pronunciato, 

tipico delle riproduzioni delle colonne 

sonore, ha sortito un “effetto 

di risulta” davvero interessante; 

utilizzato per la sterofonia il sistema 

è in grado di fornire prestazioni 

davvero interessanti! Tanto 

interessanti da far concorrenza in 

casa propria con apparecchi che 

a opinione di SUONO rappresentano 

delle vere killer app come il 

Play:1 e il Play:5, provati in passato 

da questa rivista. 

Il paragone tra il Play:1 (il più piccolo 

sistema pensato per la musica) 

e Playbase è tutto a favore di 

quest’ultimo, il che sarebbe logico 

e quasi inevitabile in termini di costi, 

meno per il fatto che Playbase 

è chiamato a svolgere anche altre 

funzioni. Quel che colpisce, invece, 

è il fatto che l’accoppiata Play:1 

+ Sub (che invece ha un costo 

superiore), benché pensato specificatamente 

per la musica, non 

prevalga o lo faccia solo in parte 

rispetto alla Playbase destinata 

all’A/V. Se quasi inevitabilmente 

le performance nella porzione 

delle basse frequenze risulti preferibile 

con Play:1 + Sub, in termini 

di ricostruzione scenica e piacevolezza 

complessiva è preferibile il 

“vituperato” strumento per l’A/V! 

Anche nel caso del confronto con 

un Play:5 (studiato per funzionare 

sia come unica unità che in coppia, 

nel primo caso meno costoso di 

Playbase) siamo di fronte a una 

profonda scossa dei nostri parametri 

abituali e dei valori aspettati. 

I due prodotti sono al tempo 

stesso molto simili e molto differenti, 

pensati in epoche vicine fra 

loro, anche se pochi mesi in ambito 

tecnologico possono significare 

“ere geologiche”. 

Un unico collegamento ottico, oltre alla presa ethernet (l’apparecchio si collega anche in 

wi-fi), limita fortemente l’utilzzo nell’ambito audio tradizionale. Per il collegamento al tv, 

Sonos ha scelto questo formato cosiderandolo più popolare e meno complesso dell’HDMI. 


SELECTOR 

SUONOGRAMMA 

10 gli altoparlanti alimentati da singole 

unità di amplificazione in Classe D. I comandi 

sono a sfioramento per il volume 

o il cambio traccia e, uniti alla spia di alimentazione, 

costituiscono l’interfaccia di 

bordo ma tutte le regolazioni avvengono 

più comodamente tramite app. 

La prima differenza macroscopica 

è costituita dalle dimensioni: 11 litri 

il Play 5 e 15,8 litri il Playbase! 

Quindi apparentemente il Playbase 

risulta “volumetricamente” 

quasi il 40% più grande del Play:5 

anche se poi è il form factor che fa 

la differenza, e non solo a livello 

estetico! Il Play:5, seppur più piccolo, 

ha un’estensione e un impatto 

più deciso del Playbase. Ovvio 

però che i sei centimetri scarsi in 

altezza della Playbase sono imbattibili 

e inarrivabili e, complessivamente, 

l’apparecchio restituisce 

un suono molto concreto, potente 

e che ha ben poco da invidiare al 

Play:5 con alcune “interpretazioni” 

soprattutto in gamma media 

che creano un suono interessante 

e per nulla scontato. Non sono 

solo le dimensioni in altezza a 

fare la differenza però, anzi: il 

Play:5 è molto poco profondo e 

potrebbe essere più accomodante, 

anche posto sotto un televisore 

in un mobile basso. La scelta della 

casa è stata, in entrambi i casi, di 

dotare gli apparecchi (sia per chi 

è indirizzato verso l’audio puro 

che chi lo è verso l’A/V) di connessioni 

minimali al televisore: 

Playbase ha un unico ingresso 

ottico mentre Play:5 è dotato di 

ingresso linea analogico e, come 

descritto anche nel manuale di 

uso, si può utilizzare in forma non 

compressa per la riproduzione 

dell’audio del televisore anche se 

si possono verificare varie forme 

di ritardo nella sincronizzazione 

con tempi variabili da caso a caso. 

È quindi nelle specifiche relative 

all’audio abbinato a un display 

che i due apparecchi differiscono 

sensibilmente in quanto non solo 

la connettività ma anche la post 

elaborazione del segnale è più 

specifica per la riproduzione di 

solo audio o dei flussi collegati al 

video. Eppure, dal punto di vista 

solo audio, il Playbase beneficia 

della tecnica di ottimizzazione 

ambientale e, almeno a grandi linee, 

sfrutta un’architettura molto 

simile a quella del Play:5 per la 

creazione di un campo sonoro virtuale 

attraverso i vari altoparlanti 

indipendenti fra loro. Nel Play:5 è 

presente la possibilità di regolare 

il balance mentre nel Playbase no, 

nonostante la regolazione del balance 

nel Play:5 non dia gli stessi 

effetti che siamo abituati ad ascoltare 

negli impianti tradizionali, 

anche perché l’intervento avviene 

prevalentemente in gamma alta e 

medio-alta. Playbase, invece, durante 

la riproduzione del flusso 

audio legato al video si arricchisce 

di due funzioni estranee agli 

altri prodotti (ad eccezione della 

precedente Playbar): la modalità 

suono di notte e quella di miglioramento 

dei dialoghi. Due funzioni 

espressamente legate alla 

riproduzione dei flussi audio del 

video e particolarmente utili soprattutto 

quando implementate 

bene, che aumentano notevolmente 

l’usabilità e fruibilità di 

un impianto audio-video. Certo, 

può sembrare un atteggiamento 

eretico quello di “deturpare” il 

segnale originale delle colonne 

sonore, ma il fatto è che la mancanza 

di standard funzionali e 

soprattutto di cultura nel post 

processing delle tracce multicanale 

comunque non rende fruibile 

l’ascolto in condizioni “comuni 

e frequenti”. Quindi, ad eccezione 

delle sale A/V multicanale o di altre 

installazioni molto spinte, gli 

interventi di “miglioramento & 

ottimizzazione” smart possono 

solo che essere una mano santa 

nella maggior parte delle condizioni 

di utilizzo. C’è poi da notare 

che proprio Sonos, che pure non 

ha un lungo passato e una storia 

dedicata all’audio, raggiunge 

risultati estremamente concreti 

sul trattamento del segnale audio, 

e ha distanziato notevolmente i 

concorrenti. Una distanza raggiunta 

anche con la capacità di 

ricostruzione della scena a partire 

da un oggetto largo poco più di 

70 cm: tra i sistemi “tradizionali” 

non c’è integrato A/V di fascia 

bassa dotato di sistema di correzione 

ambientale con microfono 

annesso e con 5 o più diffusori che 

riesca a ricreare un campo sonoro 

plausibile ma al contempo godibile 

al pari del Playbase! 

In questo scenario il Playbar risponde 

anch’esso a tanti dei bisogni 

in una installazione A/V, 

anzi, al momento del lancio fu 

una vera rivelazione anche se 

in modalità stand alone non 

era in grado di creare un campo 

sonoro completo e ampio 

come fa la Playbase: abbinato 

al Playsub raggiungeva risultati 

molto godibili in A/V ma 

nettamente meno raffinati per 

quanto riguarda la riproduzione 

di musica, sia nella timbrica che 

nella ricostruzione della scena. 

In questi due parametri, invece, 

il Playbase diventa un vero osso 

duro per sistemi potenzialmente 

concorrenti ma anche, in assoluto, 

per una catena più tradizionalmente 

Hi-Fi. 

1 Capacità di analisi del dettaglio....................2 

2 Messa a fuoco e corposità.............................2 

3 Ricostruzione scenica altezza........................1 

4 Ricostruzione scenica larghezza....................2 

5 Ricostruzione scenica profondità..................2 

6 Escursioni micro-dinamiche.........................2 

7 Escursioni macro-dinamiche........................2 

8 Risposta ai transienti....................................1 

9 Velocità........................................................1 

10 Frequenze medie e voci................................2 

11 Frequenze alte..............................................1 

12 Frequenze medio-basse...............................2 

13 Frequenze basse...........................................1 

14 Timbrica.......................................................1 

15 Coerenza......................................................1 

16 Contenuto di armoniche...............................1 

Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da 

-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed 

esprime la congruità della prestazione con prodotti 

analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo. 

IL VOTO DELLA REDAZIONE 

COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Un concentrato di tecnologie e elementi impossibile 

da trovare a pari prezzo. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Peccato per la limitazione, tanto in ambito 

audio che A/V, determinata dal tipo di connessione. 

L’interfaccia è la più solida e affidabile tra 

quelle in giro e assicura una esperienza d’uso di 

altissimo livello. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

L’utilizzo di un DSP forse reintepreta la performance 

sonora ma l’archetipo scelto è dei 

migliori e l’esperienza sonora è ottima! In grado 

di competere ad armi pari nella sua fascia di 

prezzo con i sistemi tradizionali. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Da start up a certezza, con uno sguardo paradossalmente 

conservatore su certi particolari, 

per Sonos secondari. Il tutto all’interno di un 

ecosistema ormai granitico. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Sorprendente anche utilizzando l’apparecchio 

“fuori target” per la pura riproduzione della musica. 

Quasi impossibile assemblare un sistema 

concorrente. 

I voti sono espressi in relazione alla classe di appartenenza 

dell’apparecchio. Il fattore di concretezza 

rappresenta il valore nel tempo e l’affidabilità del 

prodotto, del marchio e del distributore. 


SELECTOR 

a cura della redazione 

GIRADISCHI 

Elac Miracord 90 

Sebbene il Miracord 90 

possa essere da un lato 

considerato un omaggio 

o una edizione Anniversary 

– festeggia infatti il 

90mo anno di attività della 

Elac, che a quel tempo era 

in altre cose affaccendata 

(radar e sonar) – esiste 

comunque una storicità 

nel nome Miracord: giradischi 

con quel nome vennero 

prodotti dalla casa 

tedesca a partire da metà 

degli anni ’50. 

Che l’attuale Miracord 

90, appena presentato 

al Monaco Hi-End, 

rappresenti qualcosa di più 

che un omaggio o un modo di 

festeggiarsi addosso lo rivela 

proprio la natura dell’apparecchio 

e il momento storico 

dell’azienda che in gran parte 

di quei 90 anni preferì rifugiarsi 

nella produzione unicamente 

di diffusori, attività per 

la quale è conosciuta in tutto 

il mondo. 

Ma vuoi per l’inserimento di 

capitale fresco, vuoi per l’accorta 

guida manageriale, vuoi 

soprattutto, chiosando e prendendo 

spunto dal film dei fratelli 

Coen, perché questo non 

è un paese per… “produttori 

di soli diffusori”, oggi Elac si 

propone come marchio che 

affronta l’Hi-Fi a tutto campo 

(streamer e, con l’acquisizione 

di Audio Alchemy, anche 

elettroniche), sebbene il suo 

catalogo di diffusori rimanga 

il più corposo. 

All’interno di questa logica l’originalità 

del prodotto non è 

più un optional ma un elemento 

fondante e, come nel caso 

del rivoluzionario (una piccola 

rivoluzione ma pur sempre 

una rivoluzione) 

Element EA 

101EQ-G 

provato su 

SUONO 513 (febbraio 2017), 

anche l’esordio (o il ritorno?) 

di Elac nell’analogico vanta 

un’originalità persino superiore 

a quella del capostipite 

che annoverava braccio e altri 

parte realizzate da terzi, segnatamente 

Dual. 

Il Miracord 90, invece, appare 

farina del sacco della casa 

tedesca, per quanto in un’era 

di globalizzazione si possa 

parlare di originalità; proprio 

il braccio, pur mostrando alcuni 

elementi che ricordano 

quelli di altri produttori, nel 

suo complesso appare 

esclusivo e realizzato 

ad hoc per ELAC 

con alcune soluzioni 

di pregiata 

“fattura”. Per 

le regolazioni 

bisogna ricorrere 

a dime e 

a una bilancia 

esterna, ma 

si tratta di 

operazioni 

che verranno 

effettuate 

raramente in 

seguito alla 

sostituzione 

Prezzo: € 2.600,00 


Peso: 17,1 kg 

Distributore: LP Audio 

Via della Tesa, 20 - 34138 Trieste (TS) 

Tel. 040.56.98.24 

www.lpaudio.it 

GIRADISCHI ELAC MIRACORD 90 

Tipo: completo di testina Telaio: rigido in MDF e alluminio 

Trasmissione: a cinghia Piatto: alluminio da 6,5 kg Braccio: 

dritto in fibra di carbonio altezza 35 mm, peso 6,5 kg Note: 

Testina Audio Technica, braccio in carbonio, motore con doppio 

disaccoppiamento. Piedini in silicone speciale. Alimentatore del 

motore esterno. 


TEST 

della 

testina. C’è da 

notare che il contrappeso 

aderisce al perno tramite due 

O-ring molto stretti, che consentono 

una regolazione accurata 

del peso di lettura e inibiscono 

movimenti accidentali 

o indesiderati. Il cablaggio 

scorre all’interno della canna 

e del supporto cilindrico del 

cardano senza intralciare il 

movimento e la regolazione 

in altezza. 

La scelta di un piatto ad alta 

massa distingue ulteriormente 

l’apparecchio, praticamente 

unico nella sua classe di 

prezzo; il foro, tuttavia, ha 

un gioco abbastanza ampio 

e ne consegue che la collocazione 

perfettamente in asse 

del piatto al contropiatto è 

praticamente “impossibile” e, 

anche se estremamente lieve e 

poco accennata, è apprezzabile 

una rotazione eccentrica del 

piatto con, in certi casi, anche 

una posizione non del tutto 

complanare fra piatto e contropiatto. 

Il posizionamento 

del piatto sul 

contropiatto 

Il punto di presa sulla testina 

utilizza una leggera lamina in 

alluminio tenero che si può 

piegare facilmente anche con 

una lievissima pressione. Tuttavia 

è facile riportarla nella forma 

corretta ed è anche possibile 

rimuoverla del tutto allentando 

le viti di sostegno della testina, 

anche se in questo caso 

risulterebbe necessario regolare 

l’allineamento. 

DATI RILEVATI 

BRACCIO 

lunghezza (“): 9.33 

ETL (mm): 237 

PTS (mm): 217.5 

OvH (mm): 19.5 

Peso sulla puntina senza contrappeso (gr): 17.1 

Contrappeso (gr): 105 

PIATTO 

Diametro (mm): 297 

Massa totale rotante (gr): 6470 

Diametro perno (mm): 12 

Legenda 

ETL = effective tonearm lenght PTS = distanza 

tra gli assi OvH = overhang 

non è molto agevole a 

causa del peso del piatto e lo 

spazio esiguo a disposizione 

fra piatto e base in cui le punte 

delle dita, poco prima del raggiungimento 

della posizione di 

riposo, vengono “compresse” 

energicamente! Tuttavia, alzando 

e spostando la posizione, 

con pochi tentativi si riesce 

a minimizzare l’effetto di non 

complanarità e non assialità. 

Poiché i piedini non sono regolabili 

in altezza è fondamentale 

che il piano d’appoggio sia ben 

in piano. Tra l’altro il particolare 

rivestimento estetico della 

base del giradischi renderebbe 

molto scomodo un intervento 

manuale un po’ alla cieca senza 

voler, ogni volta, sollevare 

il giradischi. La scelta è stata 

dunque quella della ricerca 

della massima efficacia nel sistema 

di smorzamento tramite 

questi non banali accoppiatori 

con il piano d’appoggio, affidando 

a quest’ultimo l’onere 

della orizzontalità del sistema. 

Nonostante peso, massa e sospensioni 

elastiche sparse un 

po’ dappertutto, il sistema 

sembra suscettibile alle basse 

frequenze con rumori che 

si trasmettono sia attraverso 

il piano di appoggio che dalla 

base del giradischi. Sollecitazioni 

in alta frequenza, 

invece, sembrano abbastanza 

attenuate con l’effetto di ridurre 

rumori di trascinamento 

e di rotazione del motore e 

di altre sollecitazioni ad alta 

frequenza. 

Il controllo di velocità elettronica 

ci toglie anche la relativa 

scocciatura di spostare 

manualmente la cinghia, tra 

due puleggie, quando si cambia 

la velocità di rotazione del 

piatto. Un led, vicino alla manopola 

di controllo, ci indica, 

cambiando colore, quando la 

velocità corretta è raggiunta. 

L’avviamento del giradischi è 

molto lento e con poca coppia 

applicata, probabilmente per 

non sollecitare inutilmente 

la cinghia di trasmissione. 

Una volta raggiunta la 

velocità di rotazione, invece, il 

motore reagisce, anche se non 

proprio repentinamente, alle 

sollecitazioni, correggendo la 

velocità per riportarla a quella 

nominale. 

Il braccio, del tipo cardanico 

con una canna in carbonio, 

termina con uno shell costituito 

in pratica da due pezzi: 

uno incollato direttamente alla 

canna in carbonio che termina 

con una asola lungo la quale 

far scorrere la vite di fissaggio 

del pezzo mobile inferiore che 

contiene i due tradizionali fori 

per il fissaggio del fonorileva- 

Sulla sinistra le connessioni 

con doppio RCA a pannello, 

estremamente robuste; dal lato 

opposto il connetore DIN a 3 poli 

per l’alimentatore esterno che 

fornisce una tensione di 18 V in 

continua. 


SELECTOR 

L’isolamento fra piatto e base 

viene effettuato con un sistema di 

contropiatto disaccoppiato tramite 

quattro elementi in sorbotane. 

Il perno in acciaio da 12 

millimetri di diametro è 

collocato in una sede in 

bronzo molto profonda e 

poggia in basso su una sfera 

di rubino industriale da 8 

millimetri di diametro. 

Il tutto è cosparso di grasso 

molto viscoso e adesivo. 

La parte della sede della 

bronzina è dotata di 

coperchio anch’esso in 

bronzo mentre il supporto 

della bronzina e quello 

dell’asse, che assolve 

anche alla funzione di 

contropiatto, sono in 

alluminio tornito dal pieno. 

QUASI PERFETTO 

La base è in MDF ad alto spessore, 

impiallacciata sui lati a vista per le 

versioni in legno e ricoperta con uno 

spesso strato di vernice per le versioni 

laccate. Anche la parte inferiore, non 

a vista, è rivestita con uno spesso 

strato di vernice trasparente che isola 

e salvaguarda l’MDF alleggerito dalla 

fresatura per gli incassi dei dispositivi. 

Il piatto è realizzato dalla tornitura 

di un blocco unico di alluminio in 

cui è ricavato nella parte inferiore la 

sede per l’innesto sul contropiatto. Si 

tratta di un modello a massa elevata, 

praticamente “unico” nella sua classe 

di prezzo, uno dei pochi di questo tipo 

in assoluto, se si considera che è scavato 

dal pieno. Il disaccoppiamento 

del piatto ha comunque dato luogo 

ad una eccentricità nella rotazione 

del piatto seppur lieve: le grandezze 

in gioco sono notevoli per quel che 

riguarda il momento di inerzia del 

piatto e la suscettibilità alla vibrazioni. 

Il motore è collocato in un cilindro in 

alluminio fissato agli estremi tramite 

due centratori simili a quelli utilizzati 

negli altoparlanti in prossimità della 

bobina mobile, che consentono un 

movimento verticale ma mantengono 

tenacemente la posizione rispetto 

al piano orizzontale. Il gruppo a sua 

volta è fissato su un pannello in metallo 

avvitato alla base in MDF tramite 

tre giunti elastici in gomma. 


TEST ELAC MIRACORD 90 

La lunghezza del braccio si attesta sui 9 pollici e un terzo, che lo colloca fra i 

bracci più lunghi della categoria, nove pollici nominali. La canna è in fibra di 

carbonio su cui è stato innestato, da un lato, il terminale in allumino, che funge 

da supporto alla barretta rotante di sostegno della testina che consente la 

regolazione fine dell’orientamento. È possibile la regolazione del VTA. 

All’altro estremo della canna è 

innestato il supporto in alluminio 

che fa parte del giunto cardanico 

su cui agiscono i cuscinetti ed 

è dotato di un prolungamento 

filettato che fa da sostegno al 

contrappeso che si trova così 

in asse alla canna. L’antiskating 

è implementato con il piccolo 

peso fissato su una barra in 

alto al supporto cardanico del 

movimento. Eccellente la precisione 

meccanica e la totale assenza di gioco 

negli accoppiamenti. 

tore e include anche il “dito” 

per sollevare o abbassare manualmente 

il sistema dal disco. 

Una volta fissato il fonorilevatore 

al pezzo inferiore si fissa 

quest’ultimo tramite una vite 

al pezzo fisso superiore. In 

pratica con il solo fissaggio 

superiore possiamo angolare e 

far avanzare o arretrare, lungo 

il foro ad asola, il fonorilevatore, 

in modo da allinearlo correttamente. 

La regolazione degli 

angoli di offset e overhang 

avviene in modo facile senza 

troppe contorsioni con le dita 

o pericoli per la puntina. Un sistema, 

questo dello shell sdoppiato 

in due pezzi, che non è 

nuovissimo ma è più funzionale 

di quanto si creda, ritrovabile 

anche in bracci di elevato 

livello realizzati da Clearaudio, 

Funk Firm o altri. Il fonorilevatore 

di serie è già premontato 

e allineato ma un controllo è 

sempre meglio farlo. Il braccio 

consente, oltre alla regolazione 

del peso di lettura, con un sistema 

semplice quanto efficace 

e stabile, senza dover ricorrere 

a micro viti per il fissaggio 

del contrappeso, l’antiskating 

con pesetto appeso a un filo, in 

modo del tutto simile a quelli 

visti in molti giradischi Pro- 

Ject. Ultima, ma non meno 

importante, è la regolazione in 

altezza, il VTA: basta allentare 

una vite che fissa la colonna 

dell’articolazione alla base del 

braccio e farla scorrere, delicatamente, 

in alto o in basso fino 

a quando non trovate l’altezza 

ideale, cioè quella che pone 

il sistema di lettura perfettamente 

orizzontale mentre legge 

un disco. Il fonorivelatore 

montato, nero come il braccio, 

è marchiato Elac D90 E 

18 ma il costruttore dichiara 

che deriva da un modello MM 

di Audio-Technica. Fortunatamente 

non si tratta dei soliti 

modelli super economici made 

in Japan come gli onnipresenti 

AT91 e AT95 che, per carità, 

per quanto costano fanno benissimo 

il loro lavoro, ma non 

sono proprio all’altezza di un 

giradischi di questo livello. 

Il modello montato sembra 

derivato dall’AT-440MLa con 

stilo ellittico e profilo Micro 

Line, con bobine in rame di 

elevata purezza. 

Quando si ha a che fare con 

un fonorilevatore MM di 

solito l’interfaccia con 

uno stadio phono 

è semplice e 

spesso automatica 

per 

quanto riguarda 

l’impedenza 

di 

carico, fissa 

a 47 kOhm, 

Il motore è in corrente continua 

del tipo coreless, espressamente 

progettato per avere l’asse 

rotante a basso momento 

angolare e una coppia molto 

elevata anche a bassi giri in 

rapporto ai motori tradizionali 

con indotto in ferro. La velocità 

e la coppia vengono regolate 

tramite un alimentatore dotato di 

rilevamento tachimetrico. 


SELECTOR 


l fondo della base è chiuso da una lastra in 

metallo su cui sono installati i quattro piedi di 

appoggio realizzati in silicone da uno stampo 

unico. Si tratta di un elemento cilindrico su cui 

sono stati praticati dei fori a diamentro variabile 

per fornire una struttura differenziata che reagisce 

alla sollecitazioni. La parte superiore del piedino, 

inoltre, è dotata di una protuberanza che si innesta 

nel foro della lamiera su cui poggia la vite di fissaggio 

che, a sua volta, si fissa all’elemento che poggia sul piano: 

ne consegue un totale disaccoppimento fra il giradischi e il 

piano di appoggio in quanto l’unico elemento in contatto comune è 

il supporto in silicone. Tuttavia l’accoppiamento è abbastanza rigido e 

non isola in particolar modo il gruppo di lettura da rumori impulsivi e 

da sollecitazioni a bassa freqeunza presenti sul piano di appoggio. 

ma questo è un modello già di 

una certa sofisticazione per il 

quale viene consigliato anche 

un carico induttivo tra i 100 

e i 200 microF. Meglio avere 

quindi un buon stadio phono 

che consenta questa regolazione 

e il fonorilevatore ve ne 

sarà grato. In particolare con 

il nostro sistema con diverse 

amplificazioni e diffusori, tutti 

di livello alto, abbiamo potuto 

constare come variando questo 

parametro si possono bilanciare 

le caratteristiche, soprattutto 

timbriche, avvicinando 

le prestazioni dei vari sistemi 

provati insieme al suono che 

preferiamo. 

Nel suo insieme il sistema 

presenta un’ottima musicalità, 

una naturalezza piacevole 

con il timbro un po’ più aspro 

o caldo, a seconda di come 

abbiniamo elettricamente 

il fonorilevatore allo stadio 

phono che segue, ma sempre 

nell’ambito di una corretta 

neutralità e buona estensione 

in frequenza. I risultati che si 

ottengono con il fonorilevatore 

di serie sono già più che buoni 

ma si capisce che il Miracord 

90 può fare molto di più. A dispetto 

di alcune incongruenze, 

alcune attenzioni tecniche ed 

estetiche non sembrano corrispondere 

a risultati altrettanto 

gratificanti. Il sistema 

di lettura con un braccio molto 

ben fatto, di massa media 

e versatile, può permettersi 

tranquillamente fonorilevatori 

di maggior pregio, soprattutto 

tra quelli che sono in grado di 

restituire un dettaglio ancora 

superiore e un punch dinamico 

altrettanto più incisivo. Non è 

difficile trovare modelli anche 

MC che possano fare al caso, 

come Ortofon serie Quintet, 

Sumiko BPS, Grado o Audio- 

Technica. Comunque non abbiate 

fretta, quello che già c’è 

potrebbe bastarvi. 

In termini merceologici l’apparecchio 

si pone in una fascia 

di mercato del tutto particolare 

e insidiosa. Non è un modello 

super economico, spartano, 

all-in-one e, diciamolo, come 

spesso capita di osservare, clone 

di modelli simili di scuola 

Rega o Pro-Ject, quindi non 

pare rivolto ai neofiti né ai 

giovani. Non è neppure un colosso, 

alcuni 

dei quali si 

possono ammirare 

all’IFA di Berlino o al CES 

di Las Vegas ma assai difficilmente 

li ritroverete su robusti 

scaffali di qualche negozio Hi- 

Fi. Non è tronfiamente lussuosamente 

lucidato a specchio, 

silver o gold ma è un giradischi 

“normale”, di un certo peso 

senza per questo richiedere 

degli scaricatori di porto per 

spostarlo e sufficientemente 

regolabile e versatile, rivolto 

quindi a un cliente maturo ed 

esperto. Nulla di eclatante magari 

ma tutto fatto bene e con 

materiali di eccellenza, leggi 

palla in rubino, elementi in 

silicone e sorbotane, canna in 

carbonio e MDF, scavato e laccato 

ovunque ad alto spessore. 

L’obiettivo di Elac sembra 

quello di offrire un giradischi 

dalle eccellenti potenzialità 

musicali, dalle solide fondamenta 

e che possa attrarre chi 

vuole un’ottima base analogica 

senza doversi svenare o precludersi 

importanti possibilità di 

sviluppo e miglioramenti. Senza 

voler tirare fuori la vecchia 

storia del garbage in = garbage 

out di scuola Linn, dobbiamo 

però ribadire, ancora una volta, 

come con una buona base 

si è già sulla strada giusta per 

ottenere grandi risultati. 









9 Velocità........................................................2 





14 Timbrica.......................................................2 

15 Coerenza......................................................2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Eccellente scelta di materiali e di soluzioni, in 

particolar modo nei punti critici del sistema. Si 

colloca “solo” ai vertici di una categoria a causa 

di qualche samagliatura ma con poco avrebbe 

potuto essere una killer app! 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Massima versatilità nelle regolazioni e nella ottimizzazione 

della geometria di tracciamento: 

pratiche e molto efficaci. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Prestazioni di alto livello nella versione standard; 

il braccio e tutto il sistema possono beneficiare 

sensibilmente di testine più performanti. 

Grande versatilità del sistema, che accetta di 

buon grado testine anche molto spinte. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Voto all’azienda che affronta un segmento di 

mercato ancora inesplorato. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Costo conveniente se si considerano i vari 

elementi che compongono il giradischi: braccio, 

testina, perno, motore e piatto in genere 

equipaggiano prodotti di una fascia almeno “il 

doppio” di quella del Miracord! 






SELECTOR 


UNITÀ PHONO 

VTL TP 2.5 II 

I principi di David 

Manley sono legati alla 

semplicità del disegno puntando 

molto sulla brevità 

del percorso di segnale, sui 

pochi componenti impiegati 

ma della migliore qualità 

possibile. Ben presto 

la concorrenza ha portato 

David a dotare i suoi amplificatori 

di una serie di 

accessori, dal telecomando, 

ai circuiti di controllo 

e sicurezza elettronici che 

di certo hanno complicato 

la loro realizzazione, ora 

però più affidabile e all’altezza 

dei migliori concorrenti.. 

La produzione VTL si 

mantiene concentrata 

sulle amplificazioni, 

compresi un paio di pre-phono. 

Il modello di punta TP 6.5 

Signature con doppi ingressi e 

uscite, di cui uno XLR e quello 

più economico, il TP 2.5 di cui 

una prima versione fa la sua 

comparsa agli inizi del nuovo 

secolo mentre alla fine del 2016 

viene presentata l’attuale che, a 

dispetto di un look del tutto simile 

a quella precedente (come 

pure il prezzo rimasto lodevolmente 

invariato), si presenta 

decisamente più versatile. 

Al di la delle soluzioni tecniche 

utilizzate per la seconda serie 

del T.P. 2.5 crediamo che quello 

che più interessa al potenziale 

acquirente è il fatto che, per 

esempio, con un fonorilevatore 

di tipo MC sia ora possibile 

scegliere tra cinque valori di 

carico tra 100 e 47 kOhm contro 

il valore fisso precedente 

di 500 Ohm. Il guadagno è 

selezionabile tra tre valori da 

42 ai 62 dB, con quest’ultimo 

particolarmente utile con i fonorilevatori 

a bassa tensione 

d’uscita. La sensibilità d’ingresso 

è rimasta invariata per 

l’ingresso MM, mentre è stata 

migliorata per quello dedicato 

ai modelli MC, passando dai 0,5 

mV della vecchia versione ai 0,2 

mV del modello attuale. Sono 

modifiche non di poco conto 

in quanto aumentano sensibilmente 

la capacità di adattarsi a 

un numero molto più vasto di 

fonorilevatori. A fronte di questi 

intelligenti miglioramenti si 

è adottato il sistema di modificare 

il settaggio dell’elettronica 

tramite piccoli jamper sparsi 

per la scheda madre, vicino a 

valvole o altro che è bene non 

toccare con il pre-phono acceso. 

Ma, soprattutto, il lato noioso 

della faccenda è che bisogna 

togliere il coperchio avvitato 

al telaio dell’apparecchio per 

mezzo di un nutrito numero di 

piccole viti. Il consiglio è quindi 

quello di, una volta tolto il coperchio, 

tenere aperto il TP 2.5 

finché non avete trovato i valori 

che più vi soddisfano prima 

di richiudere il tutto. Anche il 

selettore tra MM e MC è realizzato 

tramite dip switch e, considerando 

che questo pre-phono 

ha due ingressi distinti tra MM 

e MC, forse sarebbe stato meglio 

mettere un interruttore esterno, 

magari tra le due coppie d’ingressi, 

per la loro selezione. L’unica 

spiegazione che si può dedurre 

è che la soluzione attuale 

Prezzo: € 3.860,00 


Peso: 11,00 kg 

Distributore: Audio Living Design 

Via Pantanelli, 119 

61025 Montelabbate (PU) 

Tel.0721.472.899 - Fax 

http://www.musictools.eu 

UNITÀ PHONO VTL TP 2.5 II 

Tipo: MM/MC Tecnologia: a valvole Sensibilità (mV): minimo 

0,2 Risp. in freq. (Hz): 10-50.000 +0, -1 dB Impedenza MM 

(kOhm): 47 Impedenza MC (Ohm): 100, 250, 470, 1k, 4k, 47k 

S/N (dB): 85 (MM), 70(MC) Note: valvole impiegate: 1x12AU7, 

2x12AX7 e 1x12AT7. Guadagno: 42, 56 o 62dB. 


TEST 

pur se scomoda è quella che permette 

di accorciare al massimo 

il percorso del segnale. L’unico 

comando accessibile direttamente 

dal pannello frontale, accanto 

all’interruttore principale, è costituito 

così da una levetta che 

seleziona lo stato tra mute, operativo 

e rumble. Il pur esaustivo 

manuale d’istruzione, completo 

di grafici relativi alle prestazioni 

elettriche di questa unità, manca 

però di illuminarci proprio alla 

voce rumble. 

Abbinando fonorilevatori MM e 

successivamente MC, abbiamo 

rilevato un carattere timbrico 

abbastanza simile tale da presumere 

che sia tipico di questo 

modello, accanto ad alcune differenze 

che fanno propendere 

L’ascolto è stato effettuato “a cuore 

aperto” in modo da effettuare 

rapidamente i cambiamenti nei 

settaggi. Gli jamper sono sparsi per 

la scheda madre, vicino a valvole o 

altro che è bene non toccare con il prephono 

acceso 

per l’ascolto con fonorilevatori 

a bobina mobile. Gli elementi in 

comune sono legati a una timbrica 

ricca e dettagliata, brillante in 

alto, precisa in basso. L’impressione 

è quella di una risposta 

in frequenza un po’ sbilanciata 

verso l’alto con una progressiva 

attenuazione verso il basso. Questo 

è particolarmente evidente 

con i fonorilevatori MM, specie 

quelli di medio livello che spesso 

hanno caratteristiche timbriche 

simili. Il passaggio ad un modello 

a bobina mobile di livello superiore 

e molto equilibrato nella 

risposta in frequenza e dal timbro 

neutro si abbina decisamente 

meglio con il TP 2.5. In questo 

caso il pre-phono, si dimostra 

più corretto e regolare, esaltando 

ulteriormente le sue doti di 

trasparenza, dettaglio e pulizia. 

Il basso appare ancora 

leggermente attenuato, 

I connettori RCA sono del tipo a 

pannello, direttamente avvitati alla 

lamiera. Meccanica robusta e molto 

spazio a disposizione. Sono disponibili 

due coppie separate, anche se non 

indipendenti per ingresso MM e MC e 

una coppia uscita linea. Molto efficace il 

collegamento di massa. 

per altro estremamente netto e 

pulito. Tutto sommato quello 

che adesso è un minimo sbilanciamento, 

può essere contenuto 

tramite l’abbinamento con 

fonorilevatori particolarmente 

generosi verso le basse frequenze 

(pensiamo a Kiseki, Benz o 

Grado) piuttosto che con modelli 

molto più freddi e radiografanti, 

vedi certe Lyra, Sumiko e Audio- 

Technica di alto bordo. Questo 

è un apparecchio che va inserito 

in un sistema dalla risposta 

generosa, quanto ferma e netta 

in basso come è il caso dei Pro- 

Ac Response DT8 (in prova in 

questo numero di SUONO) o i 

Triangle, riferimento nella sala di 

ascolto della rivista. Il carattere 

timbrico, eccellente e ricco, le sue 

doti dinamiche più che buone, 

l’agilità e la fluidità del suo 

suono suggeriscono, 

come generi musicali 

d’elezione, 

prevalente- 

mente quella acustica sia per 

pochi strumenti che per la 

grande orchestra. Meno indicati 

quei generi che richiedono 

una esplosività e un suono 

martellante, come certo rock, 

disco e così via. Il TP 2.5 Serie 

II va dunque inserito in un sistema 

con una certa attenzione 

a queste sue caratteristiche sonore 

ed è indirizzato più ad un 

pubblico smaliziato ed esperto 

che preferisce l’introspezione e 

l’accuratezza musicale, agli effetti 

più vistosi e smaccatamente 

sgargianti. 

Le funzionalità sono essenziali, 

ottima la versatilità con valori 

elettrici di accettazione e guadagno 

che ne ampliano notevolmente, 

la possibilità di abbinamento 

con i più differenti 

fonorilevatori. Il risultato offre 

sonorità raffinate, eleganti ed 

accurate che richiedono solo 

una certa cautela negli abbinamenti 

e nell’inserimento nella 

catena audio. Considerando il 

tutto il prezzo appare un po’ 

alto ma certo non scandaloso 

per godere appieno del vinile, 

soprattuto se si considera che lo 

si fa con un VTL. Anche questo 

è un valore... 


SELECTOR 

La componentistica 

è di elevata qualità 

anche se il montaggio 

non è fra quelli più 

smaccatamente 

“vintage”. 


I jumper sono installati 

direttamente sul 

PCB e il ponticello è 

stato ricoperto con 

della guaina termo 

restringente per 

facilitare le operazioni 

di inserimento e 

rimozione. 









9 Velocità........................................................1 





14 Timbrica.......................................................2 

15 Coerenza......................................................2 







L’accesso alle 

regolazioni tramite 

jumper è fra i meno 

intuitivi che si siano 

visti. Viene in aiuto il 

manuale e si tratta di 

una operazione che 

si fa raramente, ma 

forse la disposizione 

apparentemente 

disordinata ha 

privilegiato alcune 

restrizioni sul percorso 

del segnale. 

COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Un approccio spartano e smaccatemente artigianale 

che si contrappone ad un dispendio di 

risorse notevole. Il voto è una media tra i due. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Un po farraginosa le procedure di ottimizzazione, 

ampie le potenzialità dell’apparecchio che 

consentono la configurazione di un sistema per 

il vinile al top. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

La certezza di ottenere il massimo dagli elementi 

in gioco grazie anche al facile interfacciamento 

e un carattere spiccato. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

A quasi 25 anni dalla nascita la solidità di questo 

piccolo artigiano è indubbia come la sua politica 

che non ha mia perso la bussola nella ricerca di 

obiettivi “alternativi”. 

QUALITÀ E VERSATILITÀ 

ILa costruzione mostra una filosofia ad 

ampio respiro anche se l’impostazione 

dell’apparecchio è molto essenziale 

e con poche chance al superfluo. 

Tuttavia, non mancano scelte poco 

“vintage” e tradizionali sopratutto per 

un pre phono a valvole, anzi: spicca il 

grande PCB su cui è sviluppato tutto 

il circuito e oggetti come i jumper 

(utilizzati prevalentemente in ambito 

informatico) e trimmer di precisione. I 

jumper, anche se più economici di altre 

soluzioni, comunque garantiscono 

un collegamento abbastanza stabile 

e duraturo, anche se meno pratico da 

utilizzare. Il trasformatore di alimentazione 

toroidale è fissato al fondo con 

un elemento in gomma, mentre tutti i 

circuiti di livellamento e stabilizzazione 

sono sul PCB. Vengono impiegati 

nove condensatori da 270µF a 400V 

e uno da 68µF a 500V, valori inusitati 

per un prodotto di questa categoria. 

È presente anche un setto metallico 

che separa il trasformatore dal resto 

del circuito. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Per un formato, quello analogico, che rischia 

disparire è giusto dedicare qualche sforzo in più 

scevro da mere considerazioni di convenienza. E 

un VTL è per sempre! 






SELECTOR 


MECCANICA + CONVERTITORE 

PS Audio: DS, Huron e altre storie 

Alcuni feedback dei lettori 

sul test dedicato al PS Audio 

DirectStream Memory Player 

(apparsa su SUONO 515 

- maggio 2017) ci hanno indotto 

a ritornare sulla categoria 

delle sorgenti, alle problematiche 

legate alle meccaniche 

e più in generale al 

percorso del segnale digitale. 

L’argomento si è espanso a 

macchia d’olio fino a generare 

questa prova atipica, quasi 

irreplicabile altrove (per 

la mancanza degli elementi 

che la costituiscono) e dunque 

praticamente unica con 

un risultato che magari non 

fa luce a una domanda mal 

posta (come suona una meccanica?) 

ma può risultare 

particolarmente utile nella 

comprensione delle moderne 

problematiche della codifica 

digitale e delle performance 

degli apparecchi di questo 

tipo. 

Svariati anni fa un articolo 

apparso su SUONO 

in merito all’influenza 

della unità di lettura sulle 

performance sonore diede il 

via a una lunga riflessione 

sull’influenza della meccanica 

all’interno della riproduzione 

da supporti digitali. In questo 

lasso di tempo, come accade 

frequentemente per tutto ciò 

che attiene le problematiche 

digitali, molte cose sono cambiate 

condizionando, a prescindere 

dal valore assoluto 

del quesito, la valutazione in 

merito... 

Innanzitutto sotto la spinta 

della musica “incorporea” che 

ha conquistato larghe fette di 

mercato e delle ovvie logiche 

legate alla globalizzazione, 

sono scomparsi quasi del tutto 

i costruttori delle meccaniche 

di lettura riducendo il panorama 

delle scelte che si presenta 

a chi si avventura nella 

costruzione di un lettore digitale 

di supporti destinati alla 

riproduzione musicale. Per 

certi versi si tratta di un paradosso 

perché mai come ora 

l’unità di lettura, a prescindere 

MECCANICA PS AUDIO DIRECTSTREAM MEMORY PLAYER 

Prezzo: € 9.000,00 

Tipo: doppio laser per lettura CD, DVD e SACD 

con supporto a: AVCHD, HRx, SACD, CD, CD-R/RW, 

DVD±R/RW, DVD±R DL Caricamento: frontale con 

vassoio Uscite: AES/EBU, 3 x coax, 3 x IIS Note: supporto 

a formati FLAC, APE, WMA, MP3, M4A, AAC, 

DTS, AC3, WAV, DSF, MKA, PCM, OGG contenuti nel 

disco ottico o nella memoria di massa collegabile 

alla presa USB frontale. 

CONVERTITORE PS AUDIO DIRECTSTREAM JUNIOR 

Prezzo: € 5.900,00 

Sistema di conversione: DSD Sovracampionamento: 

PCM e DSD a 20 x DSD Risp. in freq. 

(Hz): 20-20.000 +/- 0.25dB THD (%): 0.03 Ingressi 

digitali: I2S, coassiale, XLR, TOSLINK, USB, Ethernet 

Uscite analogiche: 2 RCA (low 0.170V/100 Ohm 

e normal 1.3V/100 Ohm) 2 XLR (low 0.340V/200 

Ohm e normal 2.6V/200 Ohm) Display: a matrice di 

punti monocromatico Note: modulo di rete Bridge 

II integrato; controllo di volume e bilanciamento, 

supporto a Tidal e MQA. 

CONVERTITORE PS AUDIO DIRECTSTREAM 

Prezzo: € 8.500,00 

Sistema di conversione: DSD Sovracampionamento: 

PCM e DSD a 20 x DSD Risp. in freq. 

(Hz): 20-20.000 +/- 0.25dB THD (%): 0.03 Ingressi 

digitali: XLR, RCA, TosLink, USB asincrono 24/192 

e DSD DoP, due I2S Uscite analogiche: 2 RCA (low 

1.41V/100 Ohm e high 2.81/100 Ohm) 2 XLR (low 

3.15V/200 Ohm e high 5.3V/200 Ohm) Display: 

touch screen Note: uscita linea a trasformatori. 

Modulo di rete Bridge II opzionale 1.500 EURO installabile 

nello slot 

Distributore: MPI ELECTRONIC SRL- Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI)- Tel.02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36- http://www.mpielectronic.com 


TEST 

PSAudio è stato tra i primi a standardizzare un collegamento digitale secondo 

la trasmissione IIS (flusso dati separato dal clock e trasmissione bilanciata 

del segnale), utilizzando un cavo HDMI standard. La possibilità di veicolare 

anche segnali DSD è riservata all’abbinamento tra l’MDP e il Direcstream in 

quanto l’estrazione dei dati nativi da un supporto ottico è ancora limitata dalle 

normative del HDCP. Con convertitori di altre marche (nella foto a destra il 

collegamento con il Matrix di cui si parla nel testo) comporta comunque alcuni 

benefici nelle performance. 

da quella di conversione, sta 

assumendo un’importanza 

maggiore che in passato, in 

funzione del rimescolamento 

delle categorie di prodotti che 

offre il mercato. L’ampio sviluppo 

dei convertitori stand 

alone, dei convertitori più 

ampli cuffia e degli amplificatori 

integrati con a bordo una 

unità di conversione fa si che 

chi giustamente non vuole rinunciare 

alla sua biblioteca di 

supporti fisici possa trovare 

proprio nell’unità di lettura 

il giusto complemento privo 

delle inutili ridondanze che, 

ad esempio, offre il tradizionale 

lettore CD integrato dove 

è presente un’ulteriore unità 

di conversione la cui prematura 

obsolescenza condiziona 

l’intero apparecchio. 

Se da un lato, interpretando 

una esigenza di mercato, si 

sono dunque riaffacciati prodotti 

appartenenti a quella 

categoria che impropriamente 

sull’annuario definiamo “meccaniche” 

(intendendo l’intero 

apparecchio e non solo l’unità 

di lettura), dall’altro questi 

apparecchi, perlomeno nella 

meccanica vera e propria, 

sono abbastanza standardizzati. 

Anche costruttori che 

in passato dedicavano i loro 

sforzi a questo segmento, se si 

eccettua dCS e Weiss, si sono 

orientati su questa linea se 

non per consigliare, addirittura, 

l’utilizzo di meccaniche 

terze come accade per MSB e 

Playback Design con la loro 

partnership con Oppo; due autentiche 

autorità in materia di 

digitale che per certi versi con 

le loro scelte “sminuiscono” 

l’importanza della meccanica 

ma non quella del trasporto 

del segnale... Addirittura Andreas 

Koch ha sviluppato una 

scheda dedicata per l’Oppo per 

estrarre e trasportare il segnale 

digitale secondo un protocollo 

proprietario! 

Questo tipo di priorità ci riporta 

in generale alle modalità di 

valutazione di un’unità di lettura, 

separatamente dal suo 

convertitore: ha senso allora 

parlare in generale di caratteristiche 

sonore di questo tipo 

di apparecchi o ha più senso 

inserire perlomeno nel contesto 

la modalità di trasporto dei 

dati e quindi “tirare dentro” 

inevitabilmente il convertitore? 

E se così fosse, quali caratteristiche 

allora “valorizzano 

l’unità di lettura”? Possiamo 

identificare almeno due elementi 

distintivi: la maggiore 

o minore capacità di adattarsi 

ai molteplici formati con cui 

viene codificata la musica e, 

appunto, le modalità, magari 

molteplici, di trasmissione del 

segnale. Un ulteriore elemento 

è costituito dalla GUI (Graphical 

User Interface), aspetto 

assai trascurato in genere in 

Hi-Fi e in particolare nei lettori 

CD dove, addirittura, i 

contenuti grafici per il quale il 

formato era predisposto sono 

stati mortificati quando non 

aboliti in toto. 

Da ognuno di questi punti di 

vista (e non solo da questi) il 

lavoro di PS Audio è encomiabile 

visto che il costruttore è 

stato tra i primi a intuire la 

necessità di “mutazione” del 

settore proponendo con determinazione 

la formula del 

separato (meccanica + convertitore) 

e la coabitazione 

tra la dimensione liquida e 

quella materica della musica. 

Con l’attuale meccanica, il Directstreamer 

Memory Player, 

la pletora di formati accettati 

diventa davvero ampia: da 

quelli più comuni come il CD 

e l’SACD ai file musicali depositati 

in forma materica e ad 

alta risoluzione che vengono 

trasferiti in maniera diretta al 

convertitore esterno tramite il 

collegamento I2S proprietario. 

A questi va aggiunta la possibilità 

di utilizzare all’interno 

dell’ecosistema di uno streamer 

di contenuti musicali immateriali 

e delocalizzati, ottenibile 

con la scheda opzionale 

Bridge che consente la connessione 

ethernet (il Directstreamer 

Memory Player stesso dispone 

di una presa di rete che 

serve però esclusivamente per 

la gestione dei metadati relativi 

ai brani e alle copertine). 

Una pletora di possibilità che 

forse rappresentano la norma 

in ambito informatico ma sono 

abbastanza uniche in quello 

Hi-Fi! Come il predecessore 

(siamo alla seconda generazione 

di unità di lettura PS Audio) 

l’apparecchio adotta un ampio 

display a sfioramento, soluzione 

tutt’ora con poco seguito da 

parte dei concorrenti se si eccettua 

Classé... In sostanza in 

termini di versatilità siamo al 

massimo, perlomeno rispetto 

a quanto offerto nel segmento 

di competenza! 

Ma, come abbiamo sottolineato 

in apertura di questo articolo, 

sono le modalità di trasporto 

(e quindi le caratteristiche 

di interfacciamento di quanto 

sta a valle) a rappresentare, 

in termini di performance, il 

tratto distintivo di una unità 

di lettura. Da questo punto di 

vista vale la pena riportare le 

note d’ascolto formalizzate in 

occasione del test della meccanica 

(SUONO 516 - giugno 

2017): “le effettive prestazioni 

a livello sonoro si collocano a 

un livello quasi indescrivibile, 


SELECTOR 

il comportamento al banco di misura 

del DS e del DS Junior mette in 

evidenza il gran lavoro effettuato a 

partire dai primi rilasci del DS che 

è stato comunque in vendita oltre 

un anno prima del lancio del Junior. 

Sebbene i due prodotti condividano 

gran parte delle soluzioni relative 

all’architettura di conversione 

del segnale digitale, le differenze 

hardware sono piuttosto evidente 

a partire dal fatto che nel DS, a differenza 

dello Junior, viene utilizzato un 

trasformatore di uscita sul segnale 

linea. Inoltre, nello Junior il modulo 

di comunicazione di rete (il Bridge) 

è integrato all’interno del PCB a differenza 

del DS in cui è sostituibile 

tramite uno slot con innesto rapido. 

Differenze da un certo punto di vista 

“marginali” ma anche significative 

(ad esempio il trasformatore) che 

rendono necessari alcuni adattamenti 

dei software di gestione del 

dispositivo, in quanto la sezione 

dedicata al trattamento “puro” del 

segnale rimane pressoché invariata, 

ma tutto quello che coinvolge le altre 

sezioni del circuito devono essere 

giocoforza ottimizzate ad hoc per 

le due macchine. 

Gli apparecchi godono quindi di un 

aspetto duale di sovrapponibilità 

con al tempo stesso una biforcazione 

nelle ottimizzazioni che li allontana 

sempre di più che man mano si ottimizzano 

i risultati. Di sicuro si tratta 

di uno degli approcci più “illuminati” 

evidenti sulla risposta dell’apparecchio 

con una “sovrapponibilità” 

soprattutto in banda audio in tutte le 

versione. d’altronde non è da questi 

dati che si individuano le differenze 

progettuali e quelle che poi hanno 

impatto sulla resa acustica, anzi, per 

questo c’è ancora molta strada da 

far per azzardare correlazioni diretal 

banco di misura 

del settore in quanto la tentazione di 

“standardizzazione” è sempre dietro 

l’angolo e l’azienda invece tende a 

portare avanti il lavoro con un approccio 

sia parallelo, per le componenti 

comuni, ma anche distinto per 

la valorizzazione delle peculiarità di 

ogni singolo apparecchio. 

Ci son state molte versioni “ufficiali” 

e non è dato sapere quante versioni 

in prova e quante varianti sono 

state tentate prima delle proposte 

ufficiali: se ne contano disponibili 

sul sito PS Audio cinque per il DS e 

tre per lo Junior, il che è ragionevole 

considerato l’anno che separa i due 

apparecchi. Già dalla prime versioni 

si apprezzano poche variazioni 

DirectStream 

elevatissimo, che mette in discussione 

tanti luoghi comuni 

riguardo alle meccaniche 

tradizionali e non di lettura 

del formato CD red Book e 

altri tipi di supporti, come ad 

esempio il CD dati o il DVD 

dati o audio e, per ultimo ma 

non ultimo, il SACD. Praticamente 

tutti sembrano beneficiare 

del sistema di estrazione 

dei dati contenuti sul disco 

ma soprattutto del trasporto 

al DAC. Sebbene per più motivi 

nell’eterna diatriba su chi 

maggiormente influenzi la riproduzione 

sonora tra meccanica 

e DAC sia quest’ultimo a 

prevalere, l’MDP applica una 

sorta di effetto a espansione 

sull’apparecchio che si trova 

a valle limitando le differenze 

tra i migliori e i meno dotati”. 

In quella occasione vennero effettuati 

dei test con il Matrix 

(SUONO 515 - maggio 2017), 

un convertitore di prezzo relativamente 

contenuto rispetto 

all’accoppiata con convertitori 

PS Audio, ottenendo ottimi risultati 

(con l’unica limitazione 

dell’impossibilità della riproduzione 

del formato DSD e 

SACD). Anche con la pletora 

di prodotti PS Audio (dunque 

potendo usufruire a pieno della 

connessione proprietaria), le 

differenze tra Direct e Junior 

(che pure sono convertitori di 

acclarato pregio differente) il 

gap tra l’uno e l’altro risultava 

assottigliato, a riprova del fatto 

che esprimere opinioni degne di 

fondamento sulle qualità sonore 

di un qualcosa non può eluderne 

le condizioni di utilizzo ne 

la considerazione del fatto che 

quel che si giudica è un insieme, 

mai un singolo elemento... A 

questa considerazione, proprio 

grazie al lavoro di PS Audio, va 

aggiunto ora anche un elemento 

temporale, relativo al rilascio 

di questa o quella release del 

firmware utilizzato in un prodotto. 

Anche questo è un valore o 

un valore aggiunto nel momento 

in cui il produttore opera con 

prontezza e capacità. Nel caso 

di PS Audio, la prima settimana 

di giugno è stato rilasciato l’aggiornamento 

firmware (Huron) 

per il DirectStreamer e qualche 

giorno dopo per il DS Junior. Il 

rilascio è stato monitorato anche 

attraverso il forum di PS Audio 

in un thread dedicato appositamente 

alla nuova versione del 

firmware. La cosa desta un certo 

interesse non tanto per le modalità 

di proposta e di supporto al 

pubblico in senso generale (in 

quanto in altri ambiti commerciali 

si tratta di procedure ampiamente 

utilizzate da anni che 

hanno ben poco di innovativo) 


TEST PS AUDIO DS URON 

al banco di misura 

te e incontrovertibili fra causa ed 

effetto. Tuttavia, l’architettura del 

DirectStreamer e di altri pochi prodotti 

in commercio, consentono il 

controllo diretto di quello che accade 

nella fase di conversione e per questo 

i progettisti si possono permettere 

il lusso di sperimentare e di metter 

in campo varianti da poter valutare 

DirectStream Junior 

con un panel di ascolto. 

Possiamo osservare una certa costanza 

nell’impostazione del DS almeno 

fino all’introduzione dell’ultima versione, 

l’Huron, in quanto, oltre alla 

costante attenuazione all’estremo 

superiore effettuata nel dominio 

analogico con un filtro collocato a 

poco oltre i 55 kHz con una pendenza 

di circa 6 dB si notano piccole variazioni 

all’estremo inferiore e un lieve 

innalzamento della risposta in alta 

frequenza prima dell’intervento 

del filtro. Sono evidenti invece gli 

interventi di filtratura e di mascheramento 

del rumore, che comunque 

mantiene una impostazione costante 

che tende a innalzarsi dopo i 50 kHz 

in seguito alla configurazione del 

DAC, che fino alla versione Huron 

è rimasta invariata. Si nota invece 

una trasformazione radicale in seguito 

alla variazione dell’upsampler 

che passa dai 10xDSD a 20xDSD a 

partire dal rumore di fondo che ora 

rimane costante a livelli molto bassi 

fino a 100 kHz. Anche la risposta in 

frequenza mostra un andamento 

costante senza innalzamenti fino 

all’intervento del filtro analogico il 

cui punto di intervento rimane invariato. 

Si apprezzano anche evidenti 

riduzione della distorsione armonica 

e da intermodulazione fra i vari aggiornamenti 

con un miglioramento 

sensibile con l’Huron i particolar 

modo sui formati CD 44.100 Hz a 16 

bit che sembrano beneficiare particolarmente 

del post processing. 

Tuttavia, in tutte le varianti firmware 

è evidente una eccellente realizzazione 

della sezione hardware sia per 

il basso rumore di fondo sia per le 

caratteristiche dello stadio di uscita 

che è in grado di mettere in evidenza 

le variazioni introdotte dai filtri 

software, di entità spesso inferiore 

ma che hanno un effetto tutt’altro 

che marginale nella riproduzione. Ed 

è proprio per questo motivo e per 

le affermazioni del progettista che 

pensiamo l’avventura tutt’altro che 

finita ma addirittura al suo inizio i 

visto che, il funzionamento di base 

è stato appena stravolto (da 10xDSD 

a 20xDSD). 

ma nel settore Hi-Fi si tratta di 

una sorta di piccola rivoluzione 

tecnologica e culturale che, 

senza mezzi termini, possiamo 

considerare come apripista della 

nuova era dei prodotti “ad alta 

godibilità” per l’utente. 

I punti chiave di questa politica 

sono di fatto due. Da un 

lato vale l’affermazione che ci 

ha rilasciato Ted Smith (uno 

dei progettisti PS Audio), dopo 

un lungo carteggio relativo alle 

modalità e agli obiettivi di questi 

aggiornamenti; Smith ci ha dichiarato 

che sebbene l’hardware 

possa sempre essere migliorato, 

dal punto di vista software 

non è ancora stato trovato il 

limite, lasciando intendere che 

una continua politica di miglioramento 

del firmware possa 

produrre incrementi nelle performance 

ancora sconosciuti! 

Dall’altro l’entità di questi 

“miglioramenti” e la volontà di 

perseguirli determina il valore e 

il valore “atteso” di un sistema. 

Come potete immaginare ci siamo 

subito messi all’opera e senza 

girare troppo intorno all’argomento, 

con un bell’ingresso 

a gamba tesa sulle impressioni 

di ascolto, possiamo affermare 

che il risultato è strepitoso, 

quasi un inno all’audiofilia nel 

senso stretto del termine che 

identifica tutti gli appassionati 

che anelano migliorare “a tutti i 

costi”. Anche se poi la maggior 

parte delle volte “lo fanno col 

ripenso...”, e dopo un momento 

di iniziale entusiasmo tornano 

sui loro passi, giù, come arieti 

a cercar conferme e rassicurazioni! 

In questo caso siamo di 

fronte al concetto di miglioramento 

“assoluto”, quello senza 

compromessi e senza perplessità! 

Il miglioramento che non 

si fatica a percepire, quello che 

passa subito e rimane vivo anche 

dopo molte ore di ascolto, quello 

che senti quando torni indietro, 

quello che ti fa dimenticare l’ansia 

da paragone e ti libera dagli 

ascolti critici. 

Entrando più in profondità, possiamo 

dire che si vive la tipica 

esperienza in cui la maggior definizione, 

luminosità e chiarezza 

della gamma alta non si traduce 

in aumento di livello, anzi, 

in prima istanza si è portati ad 

alzare il livello del volume come 

se si volesse vivere l’evento musica 

ancora più coinvolti. Però 

si tratta di un coinvolgimento 

che non affatica, naturale, che 

scorre fluido soprattutto nella 

gamma media e mediobassa, 

in cui si apprezza ancor di più 

il contributo della nuova versione 

del software. Per usare 

un termine ormai ampiamente 

diffuso, oltre a un aumento del 


SELECTOR 

Insieme al “vecchio” Perfect Wave Transport, ora fuori produzione (vedi foto di apertura) 

abbiamo utilizzato la nuova unità di lettura Memory Player e i convertitori DS Junior e 

DS (qui sopra) della stessa casa, oltre al Matrix Audio X-Sabre Pro provato su SUONO 515. 

P.R.a.T., ci troviamo di fronte anche 

a una musicalità e una fluidità 

che non sempre coesistono con il 

ritmo e punch. Ma l’aspetto più 

sorprendente è il beneficio che 

ne ha tratto il DS JR che, inizialmente, 

anche se caratterizzato da 

uno spiccato family sound con il 

DS, mostrava un suono più compassato, 

più levigato ma senza 

particolari impennate di vigore e 

piglio. Un caratterizzazione che, 

abbinata a una fluidità comunque 

lodevole, lo avevamo inteso 

come il più “analogico/vinilista” 

dei DAC di ultima generazione, 

soprattutto per quei canoni di 

smussatezza e godibilità di alcuni 

setup analogici. Eppure oggi sfodera 

una definizione e un ritmo 

inaspettati, come se l’upgrading 

fosse stato tagliato proprio su di 

lui! Tutto ciò potrebbe indurre a 

pensare che siamo di fronte a uno 

stravolgimento timbrico dell’apparecchio 

(che potrebbe dirottare 

verso altri equilibri e “non piacere” 

più come un tempo, o meglio 

come quando lo si scelse fra tanti) 

ma non è così: proprio da questo 

punto di vista viene in aiuto il paragone 

analogico e quei casi in cui 

un fonorilevatore fa la differenza 

e, pur non alterando sostanzialmente 

la timbrica totale, introduce 

un dettaglio, una grazia e una 

definizione tali da rendere inutile 

perdere tempo con definizioni e 

“tentativi” di quantificazioni su 

gamma alta, bassa, media, etc.! 

Si tratta di un netto, percepibile 

e indiscusso aumento di qualità, 

universalmente percepito. 

Appurato il salto evolutivo, poi si 

apprezzano le differenze fra il DS 

e il DS JR e con altri DAC di riferimento 

in quanto il miglioramento 

è indiscusso ma i due apparecchi 

hanno una caratterizzazione molto 

spiccata e di fatto estremamente 

migliorata. Si assottigliano invece 

le differenze con DAC anche molto 

differenti come tecnologie e classi 

di prezzo ma guadagna ancor più 

terreno il Junior che assurge a un 

concreto ruolo di killer nella sua 

fascia di prezzo, calcolando anche 

il bridge a bordo che, con l’aggiornamento, 

beneficia anch’esso di 

alcune migliore soniche e funzionali. 

Se prima dell’aggiornamento 

gli apparecchi non manifestavano 

una particolare predilezione sugli 

ingressi e per qualche formato 

in particolare, come se fossero 

di bocca molto buona e, 

comunque, prevalesse il 

sistema di sovracampionamento 

interno, con 

l’aggiornamento rimane 

abbastanza mantenuta 

l’elevata qualità per ogni 

ingresso ma vengono 

privilegiate in particolar 

modo le connessioni con 

le due meccaniche PS Audio 

e con il collegamento 

di rete tramite il Bridge 

II come se, in barba alle 

due “opposte” sorgenti 

(una del tutto fisica e l’atra 

completamente “liquefatta”), 

prevalesse la 

connessione I2S (tramite 

HDMI per il transporter 

e interna per il Bridge). 

Il sistema completo, quindi, anche 

se molto elevato come classe 

di prezzo, sembra valorizzare in 

assoluto i due estremi dell’offerta 

musicale (contando che l’aggiornamento 

del bridge ora offre 

pieno supporto a Tidal nativo 

e MQA) e l’abbinamento con il 

DMP consente la riproduzione 

dei SACD, senza sottovalutare 

anche le altre connessioni che comunque 

supportano il DoP. Ma il 

più grande beneficio è percepibile 

per i formati CD (oramai viene da 

considerarli a bassa risoluzione!) 

come se l’impianto di sovracampionamento 

e di filtratura completamente 

rinnovato fosse stato 

pensato in modo particolare per la 

valorizzazione e il miglioramento 

di uno dei formati comunque più 

diffuso e, inoltre, più bisognoso di 

accortezze dal punto di vista della 

conversione. I formati ad alta, 

invece, sarebbero già di per sé 

meno suscettibili alle condizioni 

al contorno. Un fatto noto, ampiamente 

testato sul campo, ma 

particolarmente apprezzato nelle 

sessioni di ascolto in occasione del 

nuovo firmware sia tramite il DS 

che il DS JR. 

In sintesi, anche alla luce del recente 

upgrading software, il sistema 

DirectStreamer, nella sua 

essenza, propone un modello tutto 

nuovo di affrontare la conversione 

audio, non tanto nella tecnologia 

di base, che è stata affrontata da 

altri costruttori in tempi in cui 

non si parlava di convertitori 

Sigma Delta e R2R, quanto nella 

realizzazione di una piattaforma 

hardware e di una software che, 

a distanza di quasi due anni dal 

lancio, ha visto molte varianti 

software, fra cui l’ultimo rilascio 

che ha “stravolto” l’apparecchio, 

sempre offerto a titolo gratuito 

ai possessori del prodotto, anche 

quelli della prima ora! Il termine 

di aggiornabilità dei prodotti viene 

spesso abusato in quanto, anche 

se sono disponibili aggiornamenti, 

migliorie e correzioni di malfunzionamenti, 

non siamo mai 

incappati in una trasformazione 

“quasi” totale dell’apparecchio 

che, volenti o nolenti, mette sia 

gli utenti che i costruttori innanzi 

a uno scenario nuovo da cui è difficile 

sottrarsi oggi. 

Infine l’unità di lettura sottolinea 

il fatto che i giochi attorno 

al CD, apparentemente conclusi, 

possono ancora arricchirsi in una 

certa misura nei casi in cui si dispone 

di una collezione musicale 

in forma solida: se non sono stati 

“liquefatti” il modo migliore per 

riprodurli passa per un sistema 

di lettura che “aggira” le limitazione 

del Red book! Il DMP 

consente anche la riproduzione 

del SACD e, per giunta, se si ha 

musica “liquida” ma su chiavetta 

USB (PCM o DSD) è sempre più 

semplice passare per un lettore 

“fisico”. Per tutte le altre situazione 

si passa per la rete e, per 

questo, il Bridge è una soluzione 

praticamente sovrapponibile. Da 

un certo punto di vista la proposta 

di McGowan oggi abbraccia 

tutte le possibilità, a patto di usare 

il sistema Full PSAudio… 


SELECTOR 


LETTORE DIGITALE 

Rotel CD14 

L’eccezione che conferma 

la regola o quel che non ti 

aspetti. In passato Rotel ci 

aveva abituati a uno sviluppo 

dei nuovi prodotti 

per affinamenti progressivi, 

ora il passo è un po’ 

più lungo, proprio in un 

segmento di mercato che 

invece manifesta una staticità 

crescente dovuta a 

scelte del consumatore che 

si orientano anche altrove. 

Un prodotto destinato allo 

zoccolo duro del mercato. 

Nel corso degli anni la 

strategia di Rotel nello 

specifico segmento 

dei lettori CD ha sposato alcuni 

elementi di stabilità ed evoluzione 

per affinamenti progressivi 

poco cari all’audiofilo tipo, 

sempre alla ricerca della novità 

ma molto validi in termini di raggiungimento 

di un soddisfacente 

rapporto costi/prestazioni. Se si 

esclude infatti la grande cesura 

avvenuta all’inizio de nuovo secolo, 

quando dall’RCD-855 (un 

multibit/ladder basato su TDA 

1541) si è passati a progetti più 

tradizionali e condivisi, l’evoluzione 

della gamma di lettori della 

casa è proseguita nel tempo 

con un certo numero di varianti 

anche dal costo variabile, nonostante 

differenze assai meno 

evidenti sia dal lato strutturale 

che da quello progettuale: stesse 

alimentazioni, stessa struttura, 

stessa progettazione... Giusto un 

“salto” avvenuto con l’adozione 

del DAC Burr Brown che non costituisce 

un balzo epocale ma una 

semplice evoluzione tecnologica! 

Le scelte commerciali più attuali 

(ma anche una progressiva 

perdita di importanza della 

categoria “lettori CD”) hanno 

indotto in tempi recenti l’azienda 

a rendere essenziale la line up 

del genere: sostanzialmente ora 

è costituita da un apparecchio e 

mezzo, considerando il fatto che 

il CD14 è il diretto discendente 

dell’RCD 1572 (l’unico altro lettore 

CD in catalogo) o, se si vuole 

e si esamina la cosa in termini 

cronologici sulla base dell’uscita 

dei due apparecchi, l’RCD 1572 

Prezzo: € 699,00 


Peso: 5,90 kg 

Distributore: Audiogamma S.p.A. 

Via Pietro Calvi, 16 

20129 Milano (MI) 

Tel. 02.55.181.610 - Fax 02.55.181.961 

www.audiogamma.it 

LETTORE DIGITALE ROTEL CD14 

Tipo: da tavolo Formati compatibili: CD, CD-RW, MP3 Convertitore 

audio D/A: Wolfson Sistema di conversione audio 

D/A: 24 bit - 192 kHz Separazione canali (dB): 115 Risp. in 

freq. (Hz): 20 - 20.000 THD (%): 0,002 S/N (dB): 118 Uscite 

audio analogiche: Stereo Uscite analogiche RCA (V/Ohm): 

n°1 - 0,5 V/100 Ohm Uscite digitali: Coassiale Note: Sezione 

di alimentazione indipendente per circuiti digitali e analogici. 

Condensatori ultra-veloci. Display grafico LCD a 4 righe. iOS / 

Android control App. 


TEST 

è l’evoluzione in alto del CD14. 

I due apparecchi hanno lo stesso 

PCB a cui mancano i componenti 

per l’uscita XLR nel caso 

del CD14! Da segnalare, inoltre, 

anche se congrua con le attuali 

tendenze del mercato, la scelta 

di utilizzare nella categoria “lettori 

CD” una soluzione tecnologica 

per la conversione digitale 

che almeno sulla carta è meno 

aggiornata rispetto a quanto 

scelto nel campo dell’amplificazione 

(il Rotel A14 provato 

nello scorso numero di SUONO 

utilizza un AKM di ultima generazione) 

dove il convertitore a 

bordo di quest’ultimo (sempre 

in via teorica) è più moderno di 

quello del lettore, pur essendo 

le due macchine della stessa generazione 

e della stessa famiglia. 

In questo senso per il lettore 

CD ha sempre prevalso la logica 

degli affinamenti progressivi, 

almeno rispetto all’ RCD 1572, 

visto che il CD14 deriva direttamente 

da questo e non dai 

precedenti sistemi. Di fatto è 

proprio l’RCD 1572 ad aver segnato 

uno strappo con le precedenti 

soluzioni utilizzate in merito 

mentre il CD14 rappresenta 

l’“economizzazione” di questo 

“strappo” con una politica che 

in passato aveva comunque consentito 

ai prodotti della casa di 

poter vantare un value for money 

elevato. La ricerca del nuovo 

sembra invece demandata a 

quel campo in perenne fermento 

degli ampi-hub-digitali, i cui 

confini sono ancora tutti da verificare. 

Il layout del CD14, infatti, 

contrariamente a quanto 

eravamo abituati con le varie 

generazioni di prodotti precedenti, 

è stato completamente 

ridisegnato: gli ampi PCB ampiamente 

distribuiti su tutta la 

superficie interna dell’apparecchio, 

ad esempio, oggi sono stati 

condensati e ricablati e l’apparecchio 

si allinea esteticamente 

al layout tradizionalmente utilizzato 

per questi prodotti. Lo 

stadio di uscita e l’elettronica al 

contorno, anche se con evidenti 

chicche estetiche, sono comunque 

rimasti pressoché invariati. 

Anche il display, ora a matrice 

di punti rispetto a quello a led 

utilizzato in passato, rivela l’intenzione 

di adattare la macchina 

a esigenze che stanno drammaticamente 

cambiando (in questo 

caso parliamo della problematica 

relativa alla comunicazione 

delle informazioni all’utente): la 

leggibilità è assolutamente imparagonabile 

rispetto ai modelli 

precedenti! Una rivoluzione invero 

a metà finché le informazioni 

che vengono veicolate al 

display resteranno scarse come 

in passato. Si sono comunque 

facilitate altre necessità accessorie, 

come ad esempio la programmabilità 

di alcune funzioni 

o la possibilità di aggiornare il 

firmware della macchina, tutte 

operazioni che necessitano di 

un display a matrice per essere 

ben gestite, mentre per quel 

che abbiamo potuto apprezzare, 

i settaggi “spinti” si possono 

fare attraverso un’app passando 

per l’amplificatore A14. Magari 

sarebbe stata auspicabile una 

migliore leggibilità e godibilità 

da lontano delle informazioni 

essenziali, quelle relative alla riproduzione 

dei soli CD, visto che 

non si possono cambiare filtri o 

altre regolazioni e l’apparecchio 

non sembra supportare CD dati 

mp3 e altre cose estranee al CD 

Audio. Sull’info sheet presentata 

anche nel sito Rotel “operativo” 

è indicato che l’apparecchio supporta 

la riproduzione dell’mp3, 

mentre nel manuale di istruzioni 

non viene fatta menzione alcuna 

sia ai formati audio supportati 

(ad esempio wav, wma, ogg vorbis...) 

sia a quelli fisici (ad esempio 

CD-RW, CD-R e così via). 

Poiché il supporto del formato 

(mp3) è subordinato alla capacità 

dell’apparecchio di gestire 

cartelle, sottocartelle e quantità 

di file (e non viene fatto nessun 

cenno in tal senso nel manuale) 

riteniamo verosimile che l’apparecchio 

non sia pensato per 

questo tipo di utilizzo al di là del 

fatto che possa farlo in maniera 

minimale. In termini operativi 

va infine segnalato che il vassoio 

della meccanica a slot in, non 

È presente una sola coppia di uscita 

linea RCA e una digitale coassiale, 

molto distanziate fra loro. Presente 

anche il collegamento proprietario 

di comunicazione che consente di 

controllare il CD quando collegato 

all’amplificatore integrato A14. 

La connessione rs-232 è di servizio 

per interventi di manutenzione e 

aggiornamento. 

uscendo completamente dal corpo 

dell’apparecchio, impedisce 

l’estrazione agevole del disco. 

Per il resto in termini costruttivi 

e di utilizzo il prodotto si allinea 

ai valori aspettati per un prodotto 

di qualità con riferimento alla 

specifica fascia di prezzo. 

In termini sonori il prodotto 

sfodera un suono che si rivela 

estremamente piacevole e seducente, 

come in sostanza accadde 

con le prime macchine che 

installarono il DAC Wolfson e 

che per molti versi ha segnato 

un’epoca. Un suono che soprattutto 

per i formati CD risulta 

gradevole e raramente appuntito 

anche con registrazioni di 

scarsa qualità. A voler cercare 

il pelo nell’uovo si tratta di un 

suono un po’ d’antan considerando 

che il segmento dei DAC 

è progredito e oggi molti costruttori 

optano per una riproduzione 

sonora più dettagliata 

e meno arrotondata, senza peraltro 

essere fastidiosa; in un 

certo senso, è questo il livello di 

evoluzione, almeno nell’estetica 

di riproduzione. D’altronde 

è nelle stesse premesse di Rotel 


SELECTOR 

La meccanica di lettura è 

espressamente realizzata per il 

supporto del formato CD con 

laser e sopratutto con l’asse 

di rotazione specifico per il 

supporti a bassa velocità. 

L’asse, infatti, è molto lungo e 

distanzia il disco dal motore. 

La lettura avviene a 1x. 

È presente un circuito di 

alimentazione dei circuiti di 

controllo e di stand by, mentre 

quello relativo alla sezione di 

conversione e di amplificazione 

è di tipo tradizionale con un 

trasformatore a lamierini e 

circuiti differenziati 

per le varie sezioni. 

Il DAC è un Wolfson WM8740SE 

sfruttato in questa occasione 

per la decodifica di segnali 

a 44.1Khz 16 bit. Le 

linee di alimentazione 

e di trasmissione sono 

ampiamente filtrate con 

condensatori di varie 

tecnologie collocati quasi a 

ridosso delle connessioni sul PCB. 

Coesistono sul PCB componenti di tipo 

SMD e a montaggio tradizionale, 

per di più di vari livelli di qualità 

e tolleranza. I resistori a strato 

metallico sono all’1% e a impasto, 

abbinati a condensatori elettrolitici 

a basso ESR e corazzati ad alta 

concentrazione. 

LO STANDARD EVOLVE 

L’impostazione del CD 14 evidenzia 

l’assoluta propensione al supporto 

dell’esclusivo formato CD con una 

meccanica di lettura dedicata che fa 

capo a un microcontroller Toshiba, 

un TC94A93MFG, sviluppato per il 

supporto di altri formati anche compressi 

e altri utilizzi sempre nel settore 

audio. Il microchip si interfaccia 

anche con il sistema di gestione dei 

motori e dei sensori che si occupano 

del trascinamento e della correzione 

dei movimenti. 

Il sistema è implementato a bordo del 

grande PCB e sostituisce in pratica 

i front end SONY e quelli Mediatek, 

che hanno avuto vita meno duratura 

di SONY. La meccanica è installata 

su una culla in lamiera stampata 

che consente la regolazione fine 

della posizione del gruppo di lettura 

e del vassoio di caricamento che 

non fuoriesce del tutto dal pannello 

anteriore, anche se lo spessore e il 

montaggio non sembrano precludere 

un’installazione più avanzata 

verso l’esterno. Lo stadio di uscita 

e la sezione di filtraggio utilizzano 

amplificatori operazionali Texas N 

E5532 e Burr Brown OPA2604. 

Le alimentazioni risultano sovradimensionate 

per le condizioni di impiego, 

comunque pensate per ridurre 

al minimo interferenze e disturbi di 

rete e alimentazione. 


TEST ROTEL CD14 



La risposta mostra una lieve attenuazione all’estremo inferiore 

dovuta al filtro DC presente in uscita e un andamento 

estremamente lineare in gamma alta. Estremamente 

contenuta la presenza di alias fuori banda, anche se non 

vengono effettuati upsampling massicci del segnale. 

Eccellenti i risultati a livello elettrico in cui sono assenti 

disturbi di alimentazione e spurie in banda e fuori banda. 

Assente qualsiasi componente di distorsione armonica 

e da intermodulazione. Eccellente anche la risposta alla 

sollecitazione TIM in cui sia i filtri digitali che lo stadio 

di uscita analogico esibiscono una risposta da manuale 

anche al massimo livello di uscita. 









9 Velocità........................................................1 





14 Timbrica.......................................................2 

15 Coerenza......................................................2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Il prodotto si allinea su livelli di alta gamma con 

soluzioni scolastiche ma funzionali nel tempo. 

(e nel sottile gioco di coerenza 

con il passato e innovazione ragionata) 

il fatto di non tentare 

boutade eccessive, forte di un 

certo carattere conservatore da 

parte degli utilizzatori-tipo e dei 

loro canoni espressivi. Questo 

approccio alla riproduzione, 

infatti, non rappresenta affatto 

un problema se si pensa al 

CD14 come a un lettore stand 

alone inserito in un qualsiasi 

sistema di riproduzione e, anzi, 

per certi aspetti l’apparecchio 

rappresenta anche una grande 

opportunità di avere un lettore 

nuovo ma con un’impostazione 

gradevole e musicale. Stride 

almeno un po’, invece, questo 

tipo di impostazione sonora, se 

in abbinamento al suo “unico” 

partner elettivo, l’amplificatore 

A14, in cui la sezione digitale 

dà luogo a un’impronta sonora 

abbastanza differente da quella 

del CD14, che si può leggere 

in due modi: un’opportunità di 

verificare due approcci sonori 

differenti (che mettono in crisi 

il totem della riproduzione assoluta) 

o una sorta di apertura, 

nel caso di una line up costituita 

da computer più ampli con 

convertitore, a nuovi codici 

sonori generazionali, evidentemente 

differenti da quelli di 

chi utilizza il CD! La qual cosa ci 

porta a una considerazione più 

generale: oggi i lettori CD non 

si dovrebbero più costruire o, 

meglio, non si possono più costruire, 

intendendo con questo 

la realizzazione di un prodotto 

completamente o in gran parte 

originale. Se si costruiscono è 

per soddisfare un piccolo manipolo 

di utenti “esigenti”. Proprio 

queste esigenze riducono 

il manipolo di concorrenti del 

CD14, sulla carta una trentina 

ma veramente pochi nella fascia 

di prezzo presa in considerazione 

e se si considera quelli validi. 

In questa condizione Rotel “irrompe” 

da sempre offrendo non 

tanto qualcosa di molto orientato 

quanto, piuttosto, qualcosa 

di ragionevole nella logica del 

buon padre di famiglia (formula 

giuridica che rende il senso delle 

cose). Una costanza di presenza 

sul mercato e performance che 

rappresenta una sicurezza e che, 

in questo segmento di mercato, 

è il valore in più che pochi possono 

vantare... 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Uno dei pochi apparecchi che non manifesta la 

saturazione con un segnale TIM in uscita, anche 

a 0 dBFS: un risultato veramente notevole! 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Voto riservato all’utilizzo come puro lettore CD 

stand alone. Se parte di un insieme più articolato, 

app e altre utility sono ancora da rivedere. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Suono estremamente piacevole e seducente, i 

cui canoni hanno segnato un’epoca. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Valore molto alto per un prodotto che fa gran 

parte di quello che serve e dovrebbe godere di 

lunga vita, a meno di stravolgimenti del segmento 

di appartenenza. 


Voto per il valore percepito; un punto in più in 

base alle performance, in un’area di mercato 

dove i concorrenti stentano a palesarsi, forse 

per poca competitività, forse per consunzione. 






SELECTOR 


DIFFUSORI 

Pmc Twenty 5.23 

Sempre più calata 

nell’ambito consumer, la 

PMC di Peter Thomas continua 

ad ampliare il suo 

raggio d’azione (è appena 

stata inaugurata la nuova 

fabbrica) e in occasione del 

suo 25mo anniversario si è 

regalata una nuova linea 

la Twenty5. 

Presentata quasi a sorpresa 

in occasione del 

salone di Monaco del 

2016, l’ultima nata tra le linee 

di diffusori di PMC, la twenty5, 

da un lato festeggia una importante 

ricorrenza aziendale, 

dall’altro (lo diciamo per una 

sensazione “a pelle” più che 

per incontrovertibili riscontri 

oggettivi) segna un salto qualitativo 

non tanto o non solo nel 

prodotto ma nelle modalità di 

progettazione. Nelle chiacchierate 

che abbiamo avuto con lo 

staff della casa inglese abbiamo 

rilevato come una sorta di 

nuova consapevolezza, unita 

a una maggior fiducia nell’utilizzo 

di strumenti scientifici 

nel processo di progettazione 

e determinazione del risultato 

aspettato. Sarà anche l’ingresso 

di linfa nuova che si affianca 

alla vecchia guardia, come 

nel caso di Oliver Thomas, il 

figlio del proprietario e progettista, 

che dopo aver lavorato 

per un periodo presso il team 

di formula 1 Red Bull ha contribuito 

con le sue conoscenze 

e ricerche in aerodinamica 

all’evoluzione della trasmission 

line, concetto al quale la 

PMC si affida ormai da anni 

nella progettazione dei suoi 

diffusori, che ora si avvale di 

una doppia porta con specifico 

design della griglia denominata 

Laminair. Il compito o l’obiettivo 

del sistema Laminair è 

quello di ridurre la turbolenza 

del flusso che percorre la porta 

d’accordo con una maggiore 

efficenza del sistema “testimoniata” 

dalla pletora di grafici e 

analisi effettuate con l’accelerometro 

che ci vengono sottoposti 

in fase di presentazione 

della nuova gamma. Gamma 

che in termini di prodotti ricalca 

fedelmente la precedente 

twenty: 2 modelli da scaffale 

e tre da pavimenti, due a due 

vie e uno che utilizza anche 

un midrange. Le similitudini, 

almeno a sentire lo staff 

dell’azienda, finiscono qui in 

quanto la nuova linea “ha in 

comune con il passato qualche 

vite e… il grado di inclinazione 

dei diffusori da pavimento”! 

Al netto dell’enfasi tipica 

della pubblicistica aziendale 

si può comunque affermare 

che effettivamente quasi ogni 

aspetto del progetto sia stato 

quantomeno rivisitato, con 

l’eccezione del tweeter (che è 

lo stesso della serie precedente) 

e del woofer, che invece è 

cambiato radicalmente. Ora 

è un corsa lunga con cono in 

fibra di vetro (invece che in 

carta) e motore più efficiente; 

proprio il woofer nella serie 

Prezzo: € 4.146,78 

Dimensioni: 16,2 x 90,7 x 33 cm (lxaxp) 

Peso: 15 Kg 

Distributore: Gammalta Group S.r.l. 

Via S. Maria, 19/21 - 56126 Pisa (PI) 

Tel. 050 2201042 - Fax 050 2201047 

www.gammalta.it 

DIFFUSORI PMC TWENTY5.23 

Tipo: da pavimento Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover 

(Hz): 1.800 Risp. in freq (Hz): 28 - 25.000 Sensibilità 

(dB): 86.5 1W 1m Rifinitura: Walnut, Amarone, Oak, Diamond 

Black 


TEST 

twenty rappresentava probabilmente 

il punto più debole 

del progetto. Scompare invece 

la possibilità di biwiring... 

Il crossover è praticamente 

sovrapponibile al precedente 

anche se gli altoparlanti sono 

molto differenti, il che (visto 

che una cosa simile accade 

anche nel caso dei ProAc in 

prova in questo stesso numero 

di SUONO, vedi più avanti) 

apre a un’interessante elemento 

di riflessione... Da un certo 

punto di vista, infatti, decade 

la bella favola (abusata) sui 

filtri crossover, in cui si pensa 

che i valori dei componenti e 

lo schema siano scelti con attenzione 

maniacale, quando 

invece le reti di compensazione 

sono le stesse anche per 

altoparlanti fra loro estranei, e 

i tagli usano schemi standard 

e comunque ricorrenti, anche 

per altoparlanti molto differenti. 

Per contro proprio questa 

considerazione ci dice che i 

risultati dipendono da altri fattori 

dove, per carità, anche le 

scelte tecniche “corrette” hanno 

la loro importanza ma a far 

la differenza è comunque ben 

altro. Un “altro” spesso non 

pubblicizzato, non tanto per il 

I morsetti sono installati 

su un pannello in metallo. 

Il corpo in metallo e la 

filettatura a passo fine 

consentono un serraggio 

molto tenace del cavo. 

mantenimento di 

un progetto o segreto 

industriale quanto per la 

sua ovvietà, legata a una capacità, 

magari poco evocativa ma 

certamente basilare, di saper 

mettere insieme i pezzi di un 

progetto! Tornando invece nello 

specifico, va segnalato che il 

mobile dei diversi modelli, pur 

rimanendo simile in termine 

di volume interno, utilizza una 

differente mescola dell’MDF e 

fruisce di un differente posizionamento 

dei plinti interni. 

Il nuovo sistema di appoggio 

con due staffe in acciaio, inoltre, 

alleggerisce esteticamente 

la struttura, dando più slancio 

alla linea e al contempo appesantendo 

anche la base, che diventa 

ancor più stabile anche 

grazie alla rigidità delle staffe. 

Poiché la serie Twenty e la 

nuova Serie Twenty5 rimangono 

entrambe in catalogo (e 

quest’ultima è caratterizzata 

da prezzi di listino maggiori 

nell’ordine del 20/30%) di 

fatto più che di una nuova 

versione o di una evoluzione 

di linea occorre parlare a tutti 

gli effetti di una nuova gamma 

di prodotti offerta da PMC 

che, al limite, avendo limitato 

le finiture della serie Twenty 

a quella più economica, vuole 

marcare il differente posizionamento 

sul mercato. 

Come già accadde per la 

serie Twenty, anche nel 

caso della Twenty5 la 

nostra attenzione è caduta 

sul modello 23, il 

più piccolo dei floorstanding 

disponibili. Una volta 

messo nelle condizioni di utilizzo 

una delle caratteristiche 

che contraddistinguono questo 

prodotto è il facilissimo posizionamento 

in ambiente che ci 

ha spinto fino ad accostare la 

coppia di diffusori alla parete 

di fondo, con risultati sorprendenti: 

un aumento della 

corprosità in bassa frequenza 

naturalmente (che mantiene 

però un ampio controllo) 

senza che la scena sonora 

subisca cambiamenti repentini 

e/o peggiorativi. 

Davvero 

una “ecletticità” 

ragguardevole! 

Anche dal punto 

di vista dell’interfacciamento 

il 

diffusore si comporta 

in maniera “generosa”; tenendo 

conto però del fatto 

che il diffusore è leggermente 

meno efficiente dell’omologo 

nella linea Twenty, l’unica 

accortezza è quella di orientarsi 

verso amplificazioni robuste, 

non necessariamente 

caratterizzate da una particolare 

accuratezza. 

Nelle condizioni migliori di 

utilizzo si avverte quello che, 

a questo punto, possiamo 

considerare 

una sorta 

di marchio 

di fabbrica 

aziendale: un 

effetto che è riduttivo 

definire monitor, 

visto che il suono 

risulta ricco, dettagliato 

e con un’immagine ampia 

e scolpita.Una performance 

confortata da un’emissione 

sonora ricca di energia, a memoria 

superiore a quella dei 

Twenty23. La tavolozza sonora 

offerta risulta molto estesa 

e accurata agli estremi banda 

con performance particolari 

nella riproduzione delle voci e 

un notevole grado di realismo 

della rappresentazione sonora. 

Questa caratteristica, unita a 

una notevole articolazione agli 

estremi bassi della gamma e a 

una precisione che non scade 

in iperanalicità in gamma alta 

rendono l’ascolto particolarmente 

piacevole con ogni genere 

musicale, senza che uno 

o l’altro risulti “di elezione”. 

Un ascolto che a tratti può risultare 

Uno dei fornitori di eccellenza 

è SEAS, in particolar modo per i 

tweeter che equipaggiano anche 

le serie al vertice del catalogo. 

Per la nuova Twenty5 il woofer è 

stato completamente ridisegnato 

nell’equipaggio mobile e nella 

membrana, non più in carta ma in 

fibra sintetica G-Weave. 


SELECTOR 

Il woofer ha il cestello in alluminio pressofuso 

aerodinamico con l’equipaggio mobile a vista. 

La flangia del cestello non è completamente piatta 

per cui è necessaria una piccola guarnizione per 

assicurare la tenuta. 

La cupola è in Sonolex, un tessuto impregnato con una trama sottile che 

si adatta alla modellazione della cupola e della sospensione. La griglia 

esterna in acciaio con aperture esagonali di grandi dimensioni è stata 

disegnata per modellare la risposta fuori asse del tweeter. 

Il gruppo magnetico 

dispone di una 

camera posteriore di 

decompressione riempita 

di assorbente che abbassa 

notevolmente la frequenza 

di risonanza del tweeter. 

Le due barre in acciaio sono installate tramite 

due bulloni di grande diametro ma non a 

diretto contatto con il pannello di fondo 

attraverso quattro rondelle in sughero. 

AVANZAMENTO LAVORI 

La struttura del mobile risulta estremamente 

rigida in seguito a una 

ottima realizzazione e al fatto che 

le pareti interne che costituiscono 

la linea di trasmissione ripiegata si 

rivelano elementi di rinforzo eccellenti. 

Le superfici interne sono rivestite 

con pannelli bugnati che riducono 

leggermente l’efficienza della linea di 

trasmissione ma al contempo abbattono 

le risonanze spurie e le riflessioni 

che in genere si innescano in sistemi 

di questo tipo. 

Gli altoparlanti sono installati a diretto 

contatto con il pannello anteriore tramite 

bulloni che si avvitano su innesti 

in metallo annegati nell’MDF. La rigidità 

della struttura nel suo complesso 

è coadiuvata dalla presenza di due 

barre in acciaio inox fissate al fondo 

che ampliano la pianta di appoggio 

e non accennano la benché minima 

flessione. Il tweeter è realizzato da 

SEAS su specifiche e mostra più elementi 

in comune con quelli utilizzati 

nella serie Fact che nella precedente 

Twenty, mentre il woofer evidenzia 

particolarità molto caratteristiche di 

Peerless anche se la membrana e altri 

piccoli accorgimenti sono inediti e 

probabilmente realizzati su specifica 

del costruttore. Il filtro utilizza uno 

schema abbastanza tradizionale con 

una doppia cella a 12 dB/oct per ogni 

driver. 


TEST PMC TWENTY 5.23 











9 Velocità........................................................2 





14 Timbrica.......................................................3 

15 Coerenza......................................................3 


La risposta in frequenza è molto estesa e abbastanza 

lineare con una lieve attenuazione poco al di sopra della 

frequenza di incrocio fra tweeter e woofer. In alto si 

nota la lieve attenuazione oltre i 16 kHz che si evidenzia 

maggiormente fuori asse, caratteristica del tweeter 

SEAS. Il woofer, ridisegnato rispetto a quello impiegato 

nella serie Twenty, mostra un modulo dell’impedenza 

praticamente sovrapposto al precedente ma senza la 

lieve anomalia in precedenza centrata intorno a 1500 

Hz. Anche la risposta in alto è più estesa e meno caratterizzata 

ed esibisce un’estensione i verso il basso 

decisamente inconsueta in merito all’azione della TL. 

perfino “impegnativo” rispetto 

a un easy listenig, ma per quelli 

a cui piace il coinvolgimento il 

risultato è strepitoso. 

In sostanza tutte le evidenze 

(analisi costruttiva, banco di 

misura, ascolto) sembrano 

convergere sul fatto che un 

concreto passo in avanti sia 

stato compiuto con la nuova 

serie Twenty5 e il fatto che 

questa linea sia comunque 

il frutto dell’evoluzione 

della Twenty 

consente in questo senso 

di percepirne con più precisione 

l’entità. In un mondo 

ormai funestato da un marketing 

pervasivo che fa leva, nei 

Il condotto è particolarmente privo di disturbi e risonanze, 

un risultato molto apprezzabile anche grazie all’adozione 

massiva di assorbente acustico di varia natura che, 

sebbene riduca l’intervento della Linea di Trasmissione, 

riduce proporzionalmente anche gli effetti secondari 

negativi e del profilo aerodinamico installato a ridosso 

della porta. Il modulo dell’impedenza, sempre al di sopra 

dei 6 Ohm, una buona sensibilità e le caratteristiche di 

smorzamento in gamma bassa della Linea di Trasmissione 

consentono un buon abbinamento con moltissimi 

amplificatori a stato solido ma anche a valvole a basso 

fattore di smorzamento. 

peggiori casi, sull’analfabetismo 

funzionale e l’ignoranza 

di ritorno (cavallo di battaglia 

di molti scritti di SUONO), è un 

bel segnale! Meno lo è l’entità 

dello sforzo economico definito 

da PCM per commisurarlo. 

Se si riesce a matenere un certo 

distacco verso il maggior 

esborso, il prodotto è garanzia 

di gran soddisfazione sia per 

l’integrabilità in ambiente che 

per le prestazioni complessive. 

E, si sa, non viviamo in un 

mondo perfetto... 






COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Eccellente scelta di materiali e finiture con un 

incremento del valore percepito anche solo 

alla vista. 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Perfettamente in linea con i presupposti di progetto: 

risposta estesa ma senza particolare caratterizzazione 

e carico facilmente sopportabile. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Ottima abbinabilità con amplificazioni anche 

non eccessivamente potenti sebbene le caratteristiche 

di riproduzione portano l’utente a 

volere un po’ di più in termini di punch e coinvolgimento 

alzando la manopola del volume. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Un livello incondizionatamente coinvolgente, 

che non lascerà impassibili. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Un prodotto “senza tempo”, che potrà soddisfare 

molti senza particolari compromessi. 


Meno favorevole che per la linea Twenty ma 

l’incremento di performace per alcuni “non ha 

prezzo”... 






SELECTOR 


DIFFUSORI 

ProAc Response DT8 

ProAc è uno dei pochi 

costruttori puri rimasti: 

smaccatamente anglosassone 

nella proprietà, specificatamente 

concentrato 

sulla produzione di diffusori, 

quasi unicamente a due 

canali (un unico centrale 

la concessione al mondo 

dell’A/V). 

La casa inglese sembra 

riflettere un universo 

molto particolare, pervaso 

di grande intuito e coraggio: 

tradizione e sfrontatezza sono i 

principali ingredienti che l’hanno 

caratterizzata e, con i DT8 fra 

le mani, l’impressione è che tali 

principi siano ancora ben saldi 

nell’humus aziendale! 

Per quanto riguarda la tradizione 

il marchio è una “garanzia”, 

almeno in merito alle soluzioni 

tecniche consolidate nel tempo; 

relativamente al coraggio, abbiamo 

visto prodotti trasversali e innovativi 

che in parte hanno mantenuto 

il loro appeal nel tempo, 

come ad esempio i Tablette, che 

rappresentano una pietra miliare 

nel mondo dell’alta fedeltà, soprattutto 

se si pensa al momento 

storico in cui sono stati presentati; 

poi altri sistemi, come ad esempio 

quelli della serie Future, che 

hanno determinato veramente il 

“futuro” ma, a dispetto del nome, 

non hanno avuto la stessa fortuna, 

nonostante le prestazioni di assoluto 

rilievo per l’epoca. Ed è forse 

la tradizione che di volta in volta 

torna a dettare le regole massime, 

lasciando un certo spazio all’innovazione 

e agli esperimenti, anche 

se sempre all’interno dei canoni 

tradizionali ProAc. Sempre a 

proposito dei Future, il progetto 

era andato molto fuori alle righe, 

con il medio a emissione dipolare 

e il pannello anteriore, di conseguenza, 

trapezoidale e “smussato” 

ai bordi. Canoni con molta 

probabilità troppo osé per essere 

facilmente accettati da un mercato 

così conservativo come quello Hi- 

Fi (noi ne parlammo assai bene 

ma non fu sufficiente), ma i risultati 

comunque non hanno frenato 

l’indole coraggiosa dell’azienda. 

Per quanto riguarda invece i criteri 

più tradizionali, le cose sono 

chiare oltre ogni ragionevole dubbio: 

cabinet a sviluppo verticale 

con pannelli in MDF rivesti internamente 

di pannelli in bitume, 

altoparlanti fissati direttamente 

al pannello anteriore a contatto diretto 

(cosa che ha reso necessario 

far realizzare flange hoc) e schema 

di filtro praticamente invariato da 

anni per i sistemi a due vie, con 

una cella del terzo ordine sul tweeter 

e una del secondo sul woofer 

con un taglio intorno ai 3 kHz. Piccole 

ma significative modifiche le 

abbiamo invece notate nel corso 

degli anni sul condotto di accordo 

dei sistemi a torre in cui, dal 

pannello posteriore è “migrato” su 

quello inferiore, con notevoli benefici 

in termini di interazione e 

inserimento in ambiente. Soluzione 

comune sia ai sistemi della serie 

Response sia quelli della serie 

Studio che, seppur distinti da una 

differente classe di appartenenza, 

Prezzo: € 3.325,00 


Peso: 26 Kg 


Via Giuseppe Abamonti, 4 

20129 Milano (MI) 

Tel.02.29.404.989 - Fax 02.29.404.311 


DIFFUSORI PROAC RESPONSE DT8 

Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza (W): 20 - 

180 Impedenza (Ohm): 4 Risp. in freq (Hz): 38 - 30.000 Sensibilità (dB): 

90 Altoparlanti: 1 tw da 25 mm in seta a cupola morbida, 1 wf da 16,5 cm 

con membrana in polpa di cellulosa e mica, 1 wf da 16,5 cm con membrana 

in polipropilene. Rifinitura: cliegio, frassino nero, mogano, acero, bianco, 

quercia naturale Griglia: tela acustica in crimplene Note: disponibile anche 

con finitura in ebano oppure in palissandro a 4.005 Euro. 


TEST 

condividono gran parte delle soluzioni 

semplici ma efficaci smaccatamente 

ProAc. 

Questa comunanza è sottolineata 

dalla pubblicistica aziendale che 

nel presentare i nuovissimi DT8 

ne annovera i natali a una discendenza 

dagli Studio 148 che, 

addirittura, sostituirebbero. In 

linea di massima la serie Studio 

si dovrebbe collocare nella fascia 

“sottostante” alla serie Response. 

Quindi parlare di “sostituzione” 

sarebbe in altri casi fuori luogo. 

Va però detto che mentre i prodotti 

Response, un po’ tutti in tutte le 

evoluzioni del catalogo, sono stati 

“omogenei” almeno nei principi, 

anche se proposti a prezzi con ampie 

variazioni da modello a modello, 

la “classe” Studio ha visto prodotti 

altalenanti come qualità e 

come “discendenza”, tanto che, ad 

esempio, gli Studio 100 hanno fatto 

storia a sé e molti altri sistemi 

(Studio 110, 120 e “limitrofi”) non 

erano minimamente assimilabili 

agli Studio 100 per prestazioni, 

componenti utilizzati, e prezzo, 

quasi a disattendere una regola 

non scritta ma pedissequamente 

applicata nelle gamme di prodotto 

Hi-Fi: tutti i modelli successivi 

al capostipite dovrebbero essere 

“discendenti” o almeno assimilabili, 

e non prodotti a se stanti 

con pochi elementi in comune! 

Qui l’animo anarchico di Stewart 

Tyler, al tempo stesso Chairman e 

Chief Designer dell’azienda, deve 

averci messo lo zampino! 

In questo coacervo di nobili 

discendenze spicca, come 

detto, il nuovissimo DT8 che, 

I morsetti sono 

installati su un 

piano in MDF con i 

terminali interni che si 

avvitano direttamente 

sul PCB. Scomoda 

la collocazione, ma 

accettano ogni tipo di 

connessione. 

contraddistinto da soluzioni più 

tradizionali di casa ProAc, esibisce 

al contempo un altro aspetto 

decisamente unico nel suo genere, 

usualmente abbastanza ignorato 

dalla gran parte dei costruttori. Si 

tratta dell’utilizzo di due woofer 

dello stesso diametro ma dotati 

di membrane, equipaggi mobili e 

gruppi magnetici molto differenti 

fra loro, collegati elettricamente in 

parallelo e che impiegano il medesimo 

volume di carico acustico. 

La prima considerazione che 

consegue dall’analisi del prodotto 

è la “classificazione” standard: si 

tratta di un due vie, di un due vie 

e mezzo o c’è bisogno di un’altra 

definizione ad hoc? 

La risposta non è né diretta né 

univoca ma ricorrendo a classici 

criteri e analizzando il tipo di circuito 

di separazione a livello elettrico 

si tratta di un due vie classico, 

in quanto i due altoparlanti, 

seppur con emissioni differenti, 

sono connessi in parallelo. Molti 

potrebbero obiettare sul fatto che 

a livello acustico e non elettrico si 

tratterebbe di un due vie e mezzo, 

oppure di qualcos’altro considerato 

che la parte di sovrapposizione 

dei due woofer non è comunque 

omogenea; si tratta infatti di un sistema 

che devia dalle regole e dalle 

classificazioni standard e che, 

per questo ringraziamo ProAc, ha 

rotto, e anche di molto, gli standard. 

D’altronde, se prendiamo 

un altoparlante equipaggiato con 

un doppio cono e con una ogiva 

al centro, e lo colleghiamo diretto 

all’amplificatore senza crossover, 

siamo portati a classificarlo 

come un largabanda monovia, 

quando nella realtà ci sono più 

di tre emissioni distinte e “problematiche” 

che di fatto potrebbero 

lasciar adito a classificazioni 

addirittura del tipo: a tre vie con 

filtratura passiva. Si tratta di una 

piccola rivoluzione soprattutto se 

rapportata all’azienda britannica, 

in quanto la risposta complessiva 

è stata ottenuta con l’adattamento 

delle caratteristiche degli altoparlanti 

su un impianto testato e 

consolidato negli anni. In realtà, 

a nostro parere, questo è il valore 

di maggior entità che Tyler riesce 

a trasmettere negli anni attraverso 

le sue creazioni! Da notare che 

continua a rimanere invariata la 

disposizione simmetrica della 

posizione del tweeter, mentre 

i due woofer sono disposti 

in modo simmetrico con il 

tweeter al centro, anche se le 

emissioni sono molto differenti 

fra loro prevalentemente in gamma 

media. Quindi, anche da questo 

punto di vista, non si potrà 

utilizzare la formula ricorrente 

di “configurazione 

D’Appolito” (tra l’altro 

nemmeno soddisfatta 

dalle dimensioni interasse 

e dalla frequenza 

di crossover) o simmetrica 

che dir si voglia. 

Quando sono cominciati i test d’ascolto, 

abbiamo potuto apprezzare 

la facilità di inserimento in 

ambiente e l’ottimo mantenimento 

di una scena 

acustica anche nelle installazioni 

più a ridosso 

della parete posteriore. 

Sembra quasi una formula 

scontata ma da quando Pro- 

Ac ha impiegato la soluzione di 

far emettere il reflex verso il pavimento, 

i paramenti di emissione 

in gamma bassa e soprattutto di 

estensione e articolazione sono 

migliorati sensibilmente sia 

per le serie Response che per 

le Studio. I DT8, inoltre, si abbinano 

abbastanza bene anche 

ad amplificazioni non particolarmente 

robuste sebbene, forse 

in seguito a un carico un po’ più 

basso di molti altri sistemi ProAc 

della stessa classe, sia preferibile 

utilizzare amplificazioni non necessariamente 

ad alta potenza ma 

con una buona riserva di energia; 

in questo modo si ottengono risultati 

molto soddisfacenti già con 

un collegamento bi-wiring per 

arrivare a una biamplificazione 

passiva, in cui il miglioramento 

è tangibile in particolar modo in 

gamma media. 

Nelle migliori condizioni di utilizzo 

va rilevato come il carattere 

dell’ultima creatura di Tyler 

Il tweeter è uno Scan Speak serie 

D2604, mentre i due woofer sono 

realizzati da SEAS su specifiche, 

a partire dalla flangia piatta del 

cestello, unica nel suo genere, e dalle 

membrane, una in pasta di cellulosa 

e l’altra totalmente sintetica. 


SELECTOR 

I due woofer condividono esclusivamente il cestello, mentre le 

membrane, gli equipaggi mobili e le sospensioni sono molto 

differenti. Anche i magneti sono sensibilmente differenti, con quello 

di maggior diametro impiegato nel midwoofer. 

Il condotto di accordo è posto sul pannello inferiore al 

quale è fissato il piano di appoggio a terra tramite due 

elementi in MDF avvitati al fondo. 

Il tweeter ha una frequenza di risonanza molto bassa nonostante non sia accentuata la 

camera posteriore. La membrana a cupola presenta all’interno un anello di materiale 

smorzante che modifica l’emissione periferica e ottimizza la risposta fuori asse. 

SFIDA ALLE CONSUETUDINI 

L’impostazione del cabinet ricalca 

fedelmente quella che si potrebbe 

definire la regola aurea di ProAc: 

mobile a torre senza rinforzi interni, 

pannelli bituminosi ad altro spessore 

incollati all’interno, flange degli 

altoparlanti a diretto contatto con 

l’MDF e componenti di filtro installati 

sulla linea di massa. 

Quasi una linea di pensiero, una 

filosofia aziendale, altro che tecniche 

di costruzione, per non parlare 

del tweeter installato fuori asse in 

modo simmetrico! Eppure nei DT8 

assistiamo all’introduzione di un 

piccolo stravolgimento in quanto 

i due woofer collegati in parallelo 

fra loro sono abbastanza differenti 

l’uno dall’altro ma connessi al 

classico filtro con cella del terzo 

ordine sul tweeter e del secondo 

sulla coppia di woofer. L’esecuzione 

è eccellente con un livello di finitura 

impeccabile. 

Colpisce in particolar modo la pulizia 

e l’accuratezza delle giunture 

e dei particolari come ad esempio i 

fori di ampie dimensioni che, grazie 

alle flange maggiorate dei woofer, 

consentono un flusso d’aria nella 

parte posteriore dell’altoparlante 

privo di ostacoli e impedimenti. 

L’interno del mobile è riempito 

con materiale fonoassorbente in 

schiuma espansa molto efficace. 


TEST PROAC RESPONSE DT8 



Il progetto è caratterizzato dalla risposta asimmetrica 

dei woofer in particolar modo in gamma media, in cui i 

fenomeni di cancellazione dovuti alla sovrapposizione 

delle emissioni sono in gran parte ridotti dalla differente 

risposta dei due. Un risultato ottenuto a livello meccanico 

e non a livello elettrico, in quanto le curve di attenuazione 

del filtro sono abbastanza comuni a molti sistemi a 

due vie ProAc. Ne consegue una risposta molto lineare 

ed estesa con una dispersione altrettanto regolare sia 

sul piano verticale che su quello orizzontale. Il modulo 

dell’impedenza scende sotto i 4 Ohm senza oltrepassare 

i 3,5 Ohm con un andamento non critico... 

prenda un po’ le distanze dagli 

abituali valori aspettati per il 

suono ProAc: con i DT8 c’è più 

sangue e vita rispetto al solito e 

una apparente minor raffinatezza 

che fa pensare a un suono più 

monitor che in passato. Abbiamo 

utilizzato l’aggettivo “apparente” 

perché solo dopo un periodo di 

acclimatazione, buona per sgretolare 

gli abituali pregiudizi 

tipici dell’audiofilo, 

si scopre una piacevolezza 

complessiva 

della rappresentazione 

sonora offerta 

dal diffusore davvero 

elevata. 

Una volta abituati dalla 

porzione bassa della 

gamma di frequenza non si apprezza 

più una certa immanenza 

quanto la capacità di coinvolgimento 

e il ritmo che rappresenta 

la chiave di lettura di questo diffusore 

che anche in gamma alta va 

conosciuto per essere apprezzato. 

In sostanza con i DT 8 si è trovata 

una mediazione (di prezzo e performance) 

tra i valori tipici delle 

due linee principali di prodotto 

ProAc che tornano a intrecciarsi 

in un mélange che richiede solo 

una virtù, la pazienza, per essere 

apprezzato. 









9 Velocità........................................................2 





14 Timbrica.......................................................2 

15 Coerenza......................................................2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Altoparlanti “su misura” e soluzioni coraggiose 

e anticonvenzionali rendono il marchio, tradizionale 

per definizione, uno degli alfieri delle 

ricerca di “cambiamento”. 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Il progetto, consolidato nel tempo, si sposa perfettamente 

con gli adattamenti sulla risposta 

dei singoli componenti. 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

Ottimi gli abbinamenti con le amplificazioni con 

ampio margine di scelta in basa a raffinatezza e 

potenza. Collocazione in ambiente facile. 

ASCOLTO 

■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Un carattere che non ti aspetti che non colpisce 

al primo colpo ma alla fine ammalia. 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

Uno dei “passi lunghi” di ProAc, spesso illuminanti 

e in grado di aprire nuove strade, non 

sempre concretizzate nel tempo. 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

Un’occasione per unire i pregi di una riproduzione 

di qualità superiore con i costi della linea più 

economica. 






SELECTOR 

di Andrea Sartini 

Ars Antiqua 

Nel Basso Medioevo il canto gregoriano era ormai quasi definitivamente scritto. Al fine di ampliare il servizio 

liturgico, quindi, prese forma una pratica in ambito sacro che consisteva nel dividere il coro in due gruppi e 

nel fare intonare parallelamente un canto gregoriano al primo e la stessa melodia, trasportata a distanza di 

una quarta o una quinta, al secondo. 

La prima voce, quella che 

intonava il canto gregoriano, 

veniva chiamata 

vox principalis, la seconda voce 

era invece denominata vox organalis. 

Nacque un nuovo tipo di 

canto che, nonostante si basasse 

sul canto gregoriano, non poteva 

più essere definito monodico; fu, 

al contrario, il primo esempio di 

polifonia di cui abbiamo testimonianza: 

l’organum. Con il termine 

“polifonia” intendiamo la tecnica 

della composizione musicale 

che utilizza più linee melodiche 

contemporaneamente; tali linee, 

dette anche “parti” o “voci”, sono 

indipendenti tra loro, sia per la 

melodia che per il ritmo, anche 

se il loro complesso segue determinate 

regole armoniche. 

L’organum, plurale organa, era 

una composizione polifonica 

del XII - XIII secolo, contraddistinta 

dall’uso di un canto della 

tradizione gregoriana nella voce 

inferiore, aumentandone la durata 

dei suoni, al quale venivano 

sovrapposte delle linee melodiche 

nelle voci superiori (da una a 

tre), di cui la più acuta adottava 

rapidi vocalizzi, detti melismi. 

L’organum, quindi, non era considerato 

una composizione “originale”, 

bensì rappresentava un 

arricchimento della tradizione 

gregoriana. In latino organum ha 

il significato di “piccola macchina”, 

inteso come un oggetto capace 

di compiere un’azione; allo 

stesso modo anche gli strumenti 

musicali erano considerati organa, 

tanto che oggi con il termine 

“organico” intendiamo l’insieme 

di strumenti presenti nella composizione. 

Ben presto gli esperimenti 

iniziali dei primi organa 

portarono a una complessa 

trama polifonica in cui il canto 

gregoriano utilizzato divenne 

solo il pretesto. La cattedrale di 

Notre Dame fu costruita a partire 

dal 1163 e consacrata nel 1182. 

Quando si parla di organum si fa 

riferimento al grande repertorio 

prodotto dai monaci che vissero 

nella cattedrale parigina. Grandi 

compositori di organa furono i 

monaci Leoninus e il suo successore 

Perotinus, attivi appunto 

ANONIMO: I CONSOLI DI MILANO DAVANTI A FEDERICO BARBAROSSA CHIEDONO CLEMENZA 

Federico I di Hohenstaufen (1122-1190), divenuto Imperatore del Sacro Romano Impero nel 1152, discese in Italia nel 1154 

con il proposito di farsi incoronare re della penisola, volendo ristabilire il controllo sui Comuni delle regioni settentrionali, 

sfuggito da qualche anno alla corona tedesca. 

tra il XII e il XIII secolo, ricordati 

sotto il nome della Scuola 

di Notre Dame; un viaggiatore 

inglese anonimo, che studiò a 

Parigi intorno al 1275, scrisse 

di questi affermando che Leoninus 

scrisse un Magnus Liber 

Organi, una raccolta di organa 

a due voci, riveduto e ampliato 

da Perotinus in seguito. Questi 

due monaci furono forse i primi 

nomi di “autori musicali” pervenutici, 

anche se non era ancora 

dell’epoca il concetto attuale di 

“compositore”. Presto l’organum 

divenne più complesso e formato 

da più voci, costruite dal cantus 

firmus, ovvero il canto gregoriano 

da cui l’autore trovava spunto 

per la composizione. Gli organa 

di Perotinus distesero nel tempo 

le note del cantus firmus 

fino all’inverosimile, rendendolo 

quasi irriconoscibile: la voce 

che cantava queste lunghe note 

fu chiamata tenor (da cui il nostro 

“tenore” come estensione 

vocale) proprio perché “teneva” 

le note. Le voci superiori, invece, 

coprivano una gran numero 

di suoni intonati sulla medesima 

sillaba: queste voci furono dette 

“melismatiche”. Con il termine 

“melisma” si intende una ornamentazione 

melodica che fa corrispondere 

una gran quantità di 

note alla stessa sillaba. Il contrario 

di un canto melismatico è il 

canto sillabico. Nel XII secolo, 

una volta fissato definitivamente 

l’insieme dei canti gregoriani 

consentiti da Roma, gli stimoli 

creativi si spostarono verso la 

consuetudine di arricchire i canti 

mediante l’aggiunta di note o 


Medioevo e canto gregoriano 

AMOS CASSIOLI: BATTAGLIA DI LEGNANO 

Nel 29 maggio 1176, con la Battaglia di Legnano, l’imperatore dovette ammettere la sconfitta, scendendo a patti con i Comuni e confermandone ufficialmente 

l’autonomia con la pace di Costanza (1183). 

Esempio di organum parallelo 

di un nuovo testo; ciò avvenne 

parallelamente in due modi: 

1) Inserendo delle frasi melodiche 

all’interno di un canto preesistente, 

ottenendo così un tropo 

o una sequenza; 

2) Costruendo una o più linee 

melodiche parallele a un canto 

gregoriano (cantus firmus), ottenendo 

un mottetto. 

Il tropo è un canto medievale di 

carattere sacro, tuttavia mai accettato 

dalla liturgia ufficiale, ottenuto 

dall’aggiunta di un nuovo 

testo a una melodia preesistente 

(spesso un vocalizzo privo di un 

testo originario), oppure all’integrazione 

nel canto di alcune 

frasi melodiche nuove, o tutti e 

due i casi assieme. La sequenza 

segue lo stesso principio del tropo 

applicato al vocalizzo finale di 

un’alleluja. Il mottetto, invece, è 

una composizione sacra o profana 

polifonica a tre o quattro 

voci, su testi in lingue differenti, 

comparsa a partire dal XII secolo 

e costruita su una melodia preesistente. 

Tra il 1260 e il 1280 il monaco 

tedesco Francone da Colonia 

scrisse il trattato Ars cantus 

mensurabilis, illustrando nuove 

tecniche per la durata delle 

note. Il trattato ebbe una notevole 

diffusione in tutta Europa, 

poiché introduceva un metodo 

di misurazione delle durate 

innovativo, tanto da essere 

tutt’oggi utilizzato: la durata 

delle note veniva associato alla 

forma della nota stessa, le durate 

si suddividevano in lunghe 

e corte con un rapporto preciso 

tra loro, di cui il valore più 

lungo era rappresentato dalla 

duplex longa o maxima, seguita 

dalla longa, la brevis e infine 

semibrevis. Il rapporto tra le 

durate era rigorosamente ternario, 

detto anche “perfetto”, con 

riferimento alla Trinità: questo 

significa che ciascuna nota si 

poteva suddividere in tre della 

sua durata immediatamente 

più veloce, ad esempio una 

longa equivaleva a tre brevis; 

la suddivisione binaria, invece, 

era considerata imperfetta, 

utilizzata più raramente, verrà 

meglio teorizzata nel Trecento 

nei trattati dell’Ars Nova. 


SELECTOR 


Neil Young: riassunto e a capo 

Ci sono artisti il cui lavoro collettivo è così impossibile classificare se non - in sostanza - come “one-man genere”. In cima alla lista 

c’è Neil Young, così stravagante, utopico, capriccioso e imbarazzante che una volta la sua casa discografica ha cercato di citarlo in 

tribunale per materiale “non rappresentativo” (il periodo Geffen). Una guida all’acquisto, quindi, pone la domanda: quale Neil Young? 

Rocker elettrico, solitario e sofferente romantico, hippie acustico, country rocker o padrino del grunge? Di sicuro Neil Young è il grande 

camaleonte del rock, che cercheremo di raccontare attraverso la scelta di alcuni suoi album a parer nostro fondamentali, nella speranza 

di riuscirci, proprio ora che in Giappone hanno deciso di ristampare in remastered edition HQ gran parte della sua sconfinata discografia. 

EVERY KNOWS THIS IS NOWHERE 

Reprise – 1969 

Dopo aver abbandonato i Buffalo Springfield per incamminarsi da solo 

nei suoi momenti country e nei suoi deliri elettrici, Neil Young pubblicò 

il suo album di debutto nel gennaio ’69. Sei mesi dopo nel suo secondo 

album lo ritroviamo con una band: i Crazy Horse. Erano insieme da solo 

tre settimane quando hanno registrato questo brillante L.P. che include i 

classici Cowgirl In The Sand e Down By The River, che includono anche 

gli intensi esercizi di chitarra di Young. 

AFTER THE GOLD RUSH 


Registrato nella sua casa nel Topanga Canyon - le orecchie più attente 

potrebbero sentire i cani nel cortile - Neil Young fece seguire 

ai suoi LP con i Crazy Horse e CSN & Y (Déjà Vu) alcune delle sue 

canzoni migliori, riteniamo. A parte Southern Man, dove il suono 

(Bird, I Believe In You e Only Love Can Break You Heart) è più 

dolce, anche se liricamente ancora permeato dalla confusione e 

dalla disillusione. 


Neil Young 

TONIGHT’S THE NIGHT 


La sua casa discografica non ha voluto pubblicare questa antitesi al più 

accattivante Harvest (che ritenevano di più facile di comprensione per 

i consumatori), registrato dal vivo in una scia di tequila. Apparso due 

anni dopo, è uno degli album rock più estremi e più tetri mai realizzati. 

Dedicato al chitarrista dei Crazy Horse Danny Whitten e al tecnico di 

Young Bruce Berry, entrambi morti per overdose di eroina. 

DECADE 


Neil Young non è mai stato interessato a rendere le cose più semplici per 

se stesso né per altri. Da qui, a differenza di altri grandi artisti, questo è 

sul serio uno dei pochi Best Of e Greatest Hits che potevano servire come 

introduzione alla sua musica in modo quasi totale. Questa incredibile 

eccezione racchiusa in 2 CD (in vinile, ai tempi, erano 4 LP) inizia con i 

Buffalo Springfield e finisce con Stills-Young e, tra di loro, include rarità 

e classici, sia da solista che con i Crazy Horse. Imperdibile. 

RUST NEVER SLEEPS 


I due essenziali LP di Rust (Live Rust seguì cinque mesi dopo) sono stati 

descritti come “quel che i Sex Pistols non hanno mai fatto” (uscirono in 

periodo punk e il contrasto con gli inglesi fu una provocazione pubblicitaria, 

probabilmente). Metà acustico, metà elettrico, le canzoni erano 

parti uguali che influenzano la commozione e la minaccia costante dei 

“rumori” che Young ha sempre tradotto dalla sua anima alle proprie 

canzoni. Tra i tanti momenti salienti, My My, Hey Hey (la rivisitazione 

elettrica Hey Hey, My My) con menzione particolare a Johnny Rotten 

e Powderfinger. In fondo, una forma di ringraziamento per aver risvegliato 

il rock ‘n’ roll che prima del punk sonnecchiava da troppo tempo. 

UNPLUGGED 


Nonostante le continue battaglie con MTV, la possibilità di reinventare 

il suo vecchio materiale per un pubblico giovane era irresistibile. 

Il risultato: un’eccellente retrospettiva acustica e anche la cosa 

più vicina a un Best Of suonato dal vivo “senza cavi”. Comprende 

i classici (Like A Hurricane, con pump-organ invece della chitarra) 

e canzoni meno suonate del solito nei suoi live album e tour, 

come Transformer Man: meno vocoder e più auto-harp. Uno dei 

migliori Unplugged MTV di sempre. 


SELECTOR 


Luca Aquino 

AQUSTICO VOL. 2 

Rvb - 2017 

Magie acustiche 

Aquino è uno di quegli artisti che per natura ama indagare la natura 

delle musiche possibili, creando suoni che evocano immagini che 

restano nella mente come impronte sulla sabbia: indelebili. 

T 

ag’s Smile, Frangetta, 

Luna di Ghiaccio, La 

danza delle cicogne, 

Lei, Cip e ciop, White Sky, Blue 

Vessel, Blue Sky e in più accoglie 

nel suo orizzonte sonoro 

musiche di altri e le rilegge 

a modo suo, comodamente, 

come nel caso della quinta 

traccia Lei dell’istrione Charles 

Aznavour, così come La 

danza delle cicogne, composta 

del fidato e amico fisarmonicista 

Carmine Ioanna. Non 

sono sue invenzioni, anche 

se sono una parte consistente 

dell’Universo Aquino e del suo 

nuovo album. Ma non c’è da 

meravigliarsi: tutto l’album, 

dall’inizio alla fine, rispecchia 

in pieno lo stile di questo musicista 

ed è una testimonianza 

vivissima della sua ammirevole 

creatività. 

Da notare che Aqustico Vol. 2, 

diversamente dai lavori che lo 

hanno preceduto, è un album 

quasi del tutto acustico, in cui 

Aquino fa un minore ricorso 

alla strumentazione elettronica, 

o almeno così sembra, 

quasi che sia alla ricerca di 

una sua intimità che vuole 

cogliere e porgere ai più sensibili, 

anche quelli abituati 

agli effetti con i quali filtra 

il suono magico della sua 

tromba. C’è qua e là qualche 

richiamo, eco, bisbiglio che 

attira la nostra attenzione ma, 

in generale, Aqustico Vol. 2 si 

concentra sulla bellezza del 

suono, sulla sua magia quando 

esso è spoglio di qualsiasi 

artificio. Possiamo affermare 

che siamo in presenza di un 

lavoro esemplare: per la godibilità 

di questa piacevolezza 

di quasi 42 minuti di musica, 

per il livello sonoro della 

registrazione ma, più di ogni 

altra cosa, per lo spessore e 

il carisma di ogni nota che 

Luca Aquino ci fa assaporare 

da anni, e in questo album 

ancor di più. 

Traks 

TK 

Titolo 

1 White Sky 

2 Tag’s Smile 

3 Frangetta 

4 Luna di ghiaccio 

5 La Danza delle cicogne 

6 Cip e Ciop 

7 Lei 

8 Blue Sky 

9 Blue Vessel 


Antonio Faraò 

EKLEKTIK 

Warner Music - 2017 

Director’s cut 


Maneggiare 

con cura 

Antonio Faraò ci offre la sua visione unica e il suono della musica nera 

contemporanea. 

E 

klektik combina diversi 

stili, come hip-hop, 

rap, ballads soul, funk, 

techno, soul e R&B in qualcosa 

che è immediatamente riconoscibile 

ai dintorni del jazz e 

allo stesso tempo sfida ogni definizione. 

Faraò, una vita a realizzare 

album straordinari di 

jazz, sembra sentire l’esigenza 

di cambiare senza dimenticare 

la sua storia e le linee guida del 

jazz che si trasforma in quel che 

negli anni ’80 veniva definito 

“Jazzy”. Eklektik rappresenta 

la veridicità della musica nera: 

far viaggiare le persone mentre 

ascoltano la varietà diffusa del 

suo talento, che spunta dietro 

ogni singolo brano. Una sorta 

di guida della black music, nella 

migliore innovazione. Le canzoni, 

un mix di originali di Faraò, 

suonati da grandissimi musicisti 

invitati dal pianista italiano 

per questo nuovo lavoro, suona 

piacevolmente nelle orecchie. 

E così, a distanza di quattro anni 

dal precedente e ottimo Evans, il 

jazzista nativo di Roma ma cresciuto 

a Milano, compone dodici 

brani e invita collaboratori 

quali il dramme Manù Katché, 

Marcus Miller, Snoop Dogg e 

Robert Davi. Un album difficile 

da afferarre, è come una saponetta: 

se lo prendi piano scivola, 

se lo prendi forte schizza via, ci 

vuole equilibrio per farlo proprio. 

Tra tempi dispari e pari, 

recupera sonorità anni ’70, così 

come sonorità modernissime 

che guardano al presente e al 

futuro. Considerarlo un passo 

avanti, sarebbe un errore, perché 

ogni album di Antonio ha 

sempre alzato l’asticella più in 

là del precedente lavoro; in questo 

caso ci sono novità sonore 

solide, fresche, radiofoniche da 

Jazz Fm made in USA, che vivono 

in modo diffuso sparse nelle 

12 tracce che il pianista ci offre, 

lasciandoci felicemente spiazzati 

durante l’ascolto di questo 

nuovo album. Una registrazione 

avventurosa del XXI secolo. Da 

non perdere! 

Traks 

TK 

Titolo 

1 Eklektic “Intro” 

2 Line 

3 I Send to You 

4 Motion 

5 Europe 

6 News from 

7 Quiet 

8 Part of You 

9 Frammenti 

10 Nueva quarto 

11 Through the Day 

12 Rough 


CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE 

L’uomo che 

ricreò 

la donna 

di Massimo Bargna 

Il fumettista pop britannico che si è inventato una costellazione di eroine insolenti, sexy e raffinate, 

tra suggestioni musicali e cinematografiche. 

Tutti amiamo sognare ma ci sono persone che hanno il dono di 

far sognare gli altri, sollevandoli per un momento dalla routine e 

asperità della vita quotidiana. A questa categoria di “benefattori 

dell’umanità” appartiene sicuramente Des Taylor, illustratore londinese 

di grande talento che è ormai diventato una stella nell’ambito della 

cultura Pop. Il suo legame con la musica è strettissimo, tanto che fra i 

suoi estimatori e clienti c’era anche il compianto Michael Jackson che 

gli ha commissionato dei lavori ai tempi di Dangerous. L’opera di Des si 

concentra sulla forma femminile attraverso una serie di eroine sexy che 

si rifanno al mondo sfavillante del burlesque, delle pin-up e delle dive del 

jazz e del grande schermo. Ragazze bellissime e dal fascino conturbante 

ma che, lungi dall’essere delle bambole senza cervello, dimostrano spirito 

di indipendenza, forza di carattere e ottimismo. La più famosa fra loro 

è Vesha Valentine, cantante e attrice di origini italiane che richiama la 

Sophia Loren di Tu vuo fa l’Americano e la Silvana Mangano di El negro 

zumbon. E poi ci sono Katie Rogers, malata di shopping compulsivo, 

Scarlett Couture, una specie di James Bond in gonnella, e l’esordiente 

Blue Lotus, che strizza l’occhio all’universo delle supereroine col mantello 


della DC, la casa editrice di fumetti 

americana per cui Des ha realizzato 

splendide copertine. 

Come hai iniziato a disegnare 

fumetti e come sei riuscito a 

trasformare questa tua passione 

in un lavoro? 

Ho cominciato come designer 

grafico — ci racconta Des, che è 

un tipo simpatico e alla mano — 

creando illustrazioni per riviste 

femminili come “Cosmopolitan”, 

“More”, “Company” e altre. Ma 

dopo che mi ruppi il tendine della 

rotula del ginocchio destro, rimasi 

fuori gioco per un anno. Fu in quel 

periodo che mi prese la passione 

del fumetto e inventai i personaggi 

per cui sono conosciuto oggi. 

Da dove trai l’ispirazione per 

i personaggi glamour delle 

tue storie? 

Gran parte della mia ispirazione 

risale agli spettacoli televisivi e ai 

film degli anni Sessanta e Settanta 

come In like Flint, Matt Helm, 

Man from Uncle, Star Trek, Mission 

Impossible e alcune pellicole 

di Elvis. Le ragazze sembravano 

sempre perfette con naturalezza. 

Qual è il tuo rapporto con la 

cultura pop e gente del calibro 

di Andy Warhol e Roy 

Lichtenstein che diedero dignità 

artistica al fumetto? 

A introdurmi alla Pop Art sono 

stati artisti come Johnny Romita 

Sr, Jack “King” Kirby, Jose Garcia 

Lopez e Sal Buscema. Kirby, in particolare, 

era in anticipo sui tempi 

e la sua arte ispira ancora grandi 

artisti del livello di Bruce Timm, 

Steve Rude e il tardo Darwyn Cooke. 

Lichtenstein, artista pop degli 

anni Sessanta influenzato dai fumetti, 

ha avuto una forte influenza 

su di me a causa di tutto questo. 

Sono curioso di sapere quali 

sono i tuoi canti e le tue 

band preferite e che generi 

musicali hanno influenzato 

il tuo lavoro. 

Mi attraggono i compositori di colonne 

sonore come Lalo Schifrin, 

Roy Budd, Michael Giachinno, 

John Barry, Quincy Jones (che 

tra l’altro collaborò per i dischi 

di di Michael Jackson e Frank Sinatra), 

Alan Silvestri e John Williams, 

quest’ultimo autore delle 

musiche di Indiana Jones, Guerre 

stellari e Jurassic Park. Non posso 

lavorare senza l’atmosfera che 

la loro musica diffonde nel mio 

studio mentre disegno. L’energia 

di Michael Jackson mi mette in 

movimento. Ascolto la versione 

live di Another Part Of Me quasi 

ogni giorno. 

Vorrei che raccontassi ai nostri 

lettori del tuo incontro 

con Michael Jackson. 

L’ho visto in due occasioni, nel 

’92 e nel 2002. La prima volta gli 

ho mostrato una mia opera nel 

backstage durante il Dangerous 

Tour. Rise del mio accento londinese 

e mi disse quanto amava le 

mie illustrazioni. La seconda volta 

ho avuto l’onore di presentarlo sul 

palco per il Killer Thriller Party 

a Londra. Fu molto divertente e 

rimasi scioccato che si ricordasse 

ancora chi fossi. Memorabile fu 

anche la corsa in un negozio per 

procurargli delle caramelle e fermare 

un taxi per farlo uscire dal 

palazzo. Una folla si era ammassata 

fuori dal club e il servizio di 

sicurezza non riusciva a portarlo 

alla sua macchina. Così corsi fuori 

sul retro e bloccai un taxi nero. 

Avreste dovuto vedere la faccia del 

conducente quando gli dissi chi 

era il cliente che stava caricando... 

Il tuo personaggio più strettamente 

legato alla musica 

è Vesha Valentine, una cantante 

sexy, ballerina e attrice 

di talento nata a New York 

da genitori italiani. Come ti 

è nata l’idea? 


CUT ‘N’ MIX 

È una storia divertente. Mia moglie mi sfidò a fare qualcosa che nessun 

altro potesse fare per San Valentino. Così mi presi nove mesi di tempo 

per creare il personaggio, disegnare le tavole, scrivere la storia, trovare 

un editore e spedire l’album in tempo per la festa degli innamorati. 

E tutto senza che lei sapesse niente! Da qui il nome Vesha (che deriva 

da quello di mia moglie Wiesia) e Valentine. 

Hai una passione speciale per gli anni Quaranta e Cinquanta 

l’età dell’oro di Hollywood, la “fabbrica di sogni”, e per le grandi 

dive come Ava Gardner, Rita Hayworth e Marylin Monroe. È 

un’epoca che non hai vissuto tranne che sullo schermo della 

TV. Cosa ti colpisce tanto di quel periodo? 

La classe e lo stile! Le donne avevano un’eleganza e una bellezza naturali. 

Il modo in cui si vestivano e si atteggiavano mi mettevano soggezione. Nei 

miei film preferiti c’erano sempre scene divertenti di come gli spasimanti 

reagivano alle loro moine. Anche gli uomini erano molto eleganti, sempre 

infilati in abiti ricercati. Al giorno d’oggi il tipo medio che incontri per 

strada non ha più quel genere di stile... e di cavalleria. 

Cosa significa per te disegnare? Mi sembra che il tuo scopo 

principale sia di far vivere alla gente storie da sogno come nei 

vecchi film in bianco e nero. 

Proprio così. Mi piace divertire e portare gioia ai miei lettori. Per riuscirci 

torno indietro a un’epoca in cui le cose erano più semplici. Quando leggo 

sui social media i commenti dei miei ammiratori che dicono quanto 

amano ciò che sto facendo, mi sento invogliato a continuare a creare 


nuove opere e personaggi. 

Ho l’impressione che ti piaccia molto il cinema italiano, 

film come La dolce vita di Fellini, ispirato alla figura della 

Gardner, e attrici come Sophia Loren, Gina Lollobrigida e 

Silvana Mangano... 

Sottoscrivo. Sirene come Sophia Loren, Monica Vitti e Claudia Cardinale 

sono i miei classici preferiti. Monica Bellucci mi piace ma l’attrice 

italiana che amo di più è Maria Grazia Cuccinotta. Signore, che corpo! 

Conosci il fumettista italiano Milo Manara? Cosa ne pensi del 

suo lavoro e dei suoi personaggi femminili sexy? 

Ricordo di aver visto per la prima volta i disegni di Manara alla scuola 

d’arte. Il suo stile è molto gradevole ma personalmente trovo le sue 

opere troppo erotiche. A me piace lasciare qualcosa all’immaginazione. 

Cosa ne dici della musica italiana? C’è anche qualche cantante 

e compositore italiano a stimolare la tua creatività? 

Certo. Ma il genere di musica italiana che mi piace va sul funky: Puccio 

Roelens e Mario Molino (un genere che ricorda le colonne sonore dei 

film blaxploitation, ndr.). Il mio tema sono preferito è l’epica colonna 

sonora di Riz Ortolani per I giorni dell’ira usata anche in due altri film 

che amo, Monkey Kung Fu e più recentemente Django di Quentin Tarantino. 

Se dovessi scegliere una musica da ascoltare mentre cammino 

per strada sarebbe questa. 



CHI ERA VESHA VALENTINE? 

E, soprattutto: come è stato possibile che il suo nome e il suo talento siano 

rimasti finora sconosciuti al nostro pubblico? Tanto più inspiegabile è la cosa se 

si considera che questa strepitosa show-girl, che passava con disinvoltura dal 

cabaret al burlesque, dal cinema al musical, era di origini inequivocabilmente 

italiane. Da un lontano e fulgido passato riemerge la storia di questa diva 

dimenticata la cui fama, bellezza e sensualità non aveva nulla da invidiare a 

quella di altre stelle degli anni d’oro di Hollywood come Lana Turner, Veronica 

Lake e Ava Gardner. Nata a Brooklyn nel 1941, Vesha Di Maria, in arte Vesha 

Valentine, era la figlia illegittima di una starlette di nome Linda che perì in un 

incidente aereo lasciandola orfana in tenera età. Ma buon sangue non mente. 

Cresciuta dai nonni, la piccola Vesha rivelò presto un’innata predisposizione 

per il mondo dello spettacolo. La sua infanzia la trascorse a spiare gli show 

musicali da dietro le tende. E già allora aveva chiaro in testa che il suo destino 

era di diventare una star. Negli anni Cinquanta, all’età di sedici anni, volò a 

Parigi dove iniziò la sua carriera come ballerina e cantante del Club Renard, 

uno dei locali notturni più in vista della ville lumière. Da allora fu un continuo 

susseguirsi di successi. La straordinaria bellezza di Vesha non poteva passare 

inosservata e passò poco tempo prima che il cinema si interessasse a lei. I film 

girati a Cinecittà come “La divina seduttrice” la immortalarono come la nuova 

dea del grande schermo. Poi arrivò Hollywood. Vesha rientrò negli Stati Uniti 

dove l’attendeva la fama, il successo, l’amore ma anche molte disavventure. 

Ma perché rovinarvi questa eccitante storia quando potete gustarne il proseguo 

sfogliando le pagine di “The Vesha Valentine”, il bellissimo libro illustrato 

pubblicato da Des Taylor nel 2011? 

Quali sono i tuoi prossimi progetti? Il tuo stile dai tratti semplici 

e i colori brillanti sembra influenzato dai cartoni animati. Hai 

mai pensato di portare i tuoi personaggi sul grande schermo? 

Attualmente sto completando il prossimo fumetto di Scarlett Couture, 

l’avventura di un nuovo personaggio, Blue Lotus, una superoina votata 

a combattere la criminalità e un’opera dedicata al mio lavoro di artista. 

Riguardo ai cartonometraggi, il mio primo libro, The Trouble With Katie 

Rogers, è stato opzionato per uno spettacolo televisivo e ho ricevuto l’offerta 

di un produttore per girare un programma animato su Blue Lotus. 

Stiamo a vedere cosa porterà il futuro… 

Hippie 

o quel che rimane 


Il fenomeno del movimento hippie compie 

cinquant’anni, mezzo secolo dallo storico Human 

Be-in, il raduno che si tenne a San Francisco nel 

1967 e che risultò propedeutico per la leggendaria 

Summer of Love. 

Dalla costa Occidentale a quella Orientale (Woodstock, 1969) un 

movimento culturale a tutto tondo si allargò a macchia d’olio e rese 

quasi possibile l’utopia di un mondo migliore; pacifismo (mettete dei 

fiori nei vostri cannoni), libertà sessuale e moda che condizionarono 

cinema, letteratura, musica e l’arte in generale. Ma cosa rimane di 

quel tempo cinquant’anni dopo? 

Valori morali magari utopistici ma edificanti, creatività spumeggiante, 

un grande anelito a navigare fuori del mainstream in quella 

che venne definita controcultura e, al netto di tutto, un periodo 

particolarmente creativo per la musica, anche se non altrettanto 

felice: molti dei suoi protagonisti hanno poi trovato una prematura 

morte nell’abuso di droghe. 

San Francisco viene celebrata per quello che, non è ridondante 


IN ALTO: Abiti tipici del tempo esposti in occasione del cinquantenario della nascita 

del movimento hippie. 

A DESTRA: L’ingresso della storica dimora di Janis Joplin a Ashbury Road 

affermarlo, fu uno degli eventi che cambiarono il mondo (creando la 

scintilla anche per le lotte universitarie e la rivoluzione sessuale) ma, al 

di là di quelli che oggi consideriamo come diritti acquisiti, cosa è rimasto? 

Non sembrano chiederselo gli abitanti della città californiana che 

oggi sfrecciano rapidi per le strade, assai più che allora trasformati in 

colletti bianchi, con le eccezioni dei pochi che più che personaggi fedeli 

alla linea sembrano dei sopravvissuti e si aggirano nei luoghi di culto di 

allora, diventati delle sorte di set da reality. Questo è quel che rimane di 

un movimento che per quasi un decennio aspirò realmente a cambiare il 

mondo, senza riuscirsi ma lasciando un’eredità ricchissima se pur datata: 

dai gruppi musicali che trovarono qui la lor sponda agli scrittori della 

beat generation, da Warhol ai diritti degli omosessuali… 

Una mostra ne ripercorre gli aspetti più legati alla moda, un museo permanente 

ci ricorda gli eventi e i personaggi stampati nell’empireo di una 

cultura che, pur coincidendo per alcuni con il proprio periodo formativo 

(e quindi indimenticabile), ha scritto comunque capitoli importanti su 

ecologia, non violenza, antimilitarismo e, in generale, sulla cultura della 

tolleranza. Quel che invece non c’è più è il sogno, l’utopia, la creatività 

fuori dagli schemi. Oggi occorre cercarla nell’X-Factor e accontentarsi 

così, ma San Francisco vale comunque una visita… 



PILLOLE DA 3000 MCG 

ROCKIN’1000 DA ESPORTAZIONE 

In principio (2005) fu una riunione di fan dei Foo Fighters, un po’ tantini magari: 1.000 musicisti che 

all’unisono suonarono Learn to Fly con l’intento di convincere il gruppo a suonare a Cesena. Obiettivo 

raggiunto ma soprattutto raggiunto un inaspettato successo che in poche ore trasformò in virale il video 

dell’evento (oltre 39 milioni di visualizzazioni). Rockin’1000 in poco tempo divenne una band e, soprattutto, 

un format da esportare, ultimamente in una cornice d’eccezione: ai piedi del Monte Bianco, in una valle 

a pochi minuti da Courmayeur, si sono ritrovati 240 cantanti, 241 bassisti, 260 batteristi, 267 chitarristi e 

29 tastieristi, per un totale di 1.039 musicisti provenienti da tutto il mondo. Rockin’1000 Summer Camp 

nella sua originalità è oggi un progetto molto ben strutturato che attraverso i suoi video condivide con 

i comuni mortali ogni tappa del programma, attraverso paesaggi naturali italiani che mozzano il fiato. 

L’UKULELE A TAHITI 

La musica nelle isole di Tahiti gioca un ruolo fondamentale per conoscere, comprendere e, 

soprattutto, vivere in prima persona lo spirito della popolazione: le melodie polinesiane accompagnano 

le attività collettive, soprattutto le celebrazioni religiose che si tengono in luoghi 

suggestivi come gli antichi Marae, siti sacri immersi nella natura. La musica e le tipiche danze 

polinesiane costituiscono un tratto inconfondibile di queste terre lontane. Ori Tahiti, la danza 

polinesiana, era anticamente legata ai diversi aspetti della vita quotidiana per esprimere gli 

stati d’animo, come forma di seduzione o come modalità di venerazione e preghiera agli dei, 

come espressione di sfida nei confronti di un nemico o, al contrario, forma di accoglienza verso 

i visitatori; movimenti molto delicati e allo stesso tempo pieni di energia, accompagnati dagli 

strumenti musicali tradizionali, come percussioni, strumenti a corda e flauti. 

Numerosi i festival e gli eventi che vengono organizzati ogni anno per tramandare questa 

tradizione anche alle generazioni più giovani. Tra questi l’Ukulele Festival, dall’11 al 17 settembre, 

con una serie di appuntamenti dedicati a questo strumento tipico delle isole del Pacifico. 

750 VOLTE GIOTTO 

Magister Giotto, ovvero un percorso espositivo multimediale organizzato in concomitanza con la ricorrenza dei 750 anni dalla nascita dell’artista, 

la cui vita e le cui opere vengono raccontate presso la Scuola Grande della Misericordia di Venezia. Musica e narrazione giocano un ruolo fondamentale: 

il visitatore vive un’esperienza unica e immersiva nell’opera giottesca, accompagnato dalla voce di Luca Zingaretti e dalla colonna sonora 

che Paolo Fresu ha composto per l’occasione, trasmessi individualmente ai visitatori in cuffia (Yamaha HPH- M82); un pianoforte Disklavier, inoltre, 

crea un background musicale unico, che unisce la performance “live” dello strumentista alla riproduzione Hi-Fi della voce e degli strumenti che la 

accompagnano. Nell’occasione Yamaha Music estenderà l’esperienza musicale a serate organizzate con artisti italiani. 

ROMA E IL CINEMA 

Lo stretto rapporto tra Roma e il cinema dura ormai da 

decenni. Sono tanti i film che, nel corso degli anni, hanno 

avuto come sfondo la Città Eterna, un set cinematografico 

perfetto per qualsiasi genere di film. La storia del cinema 

romano inizia nel 1924 con la fondazione dell’Istituto Luce 

e poi, a 10 anni di distanza, di Cinecittà. Sono tantissime le 

pellicole che, grazie alla maestosità dei monumenti e alla 

bellezza dei vicoli e dei quartieri, sono diventate famose: 

dalla scena della Fontana di Trevi con Marcello Mastroianni 

e Anita Ekber a Vacanze Romane o, più recentemente, 

La grande Bellezza, con i luoghi di Roma immortalati da 

Sorrentino: il Colosseo, le Terme di Caracalla, il Gianicolo 

o Palazzo Spada. Così Uno più (azienda specializzata in 

arredamento ma anche fornitore dell’amaca Amanda del 

film di Paolo Sorrentino) ha realizzato l’infografica “Roma 

città del cinema” che ripercorre la storia del cinema a Roma. 

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SUONO n° 519

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