Toda a soul de um homem - Fonoteca Municipal de Lisboa

ESTE E E SUPLE SU MENTO ENTO FAZ PARTE I INTE N GRANT RA E DA EDIÇÃ Ç O Nº N 7601 760 76 DO PÚ PÚBLICO BLICO LI , E NÃO N ÃO PO DE SE SER R VEN VENDIDO DIDO DO SEPAR SEPA SEEEE SE SSS EP E ADAME D NNTE NTE NN
Sexta-feira
28 Janeiro 2011
www.ipsilon.pt
João Maria Gusmão Pedro Paiva Blues Explosion Anna Calvi Nicholas Oulman
Toda a soul de um homem
Charles Bradley, 62 anos e um imenso primeiro álbum

Flash
Sumário
Charles Bradley 6
Toda a soul de um homem, e
dos outros que fi caram
no esquecimento
Anna Calvi 12
Rock com teatro lá dentro
Jon Spencer Blues
Explosion 14
A reedição de uma obra
fundamental
Nicholas Oulman 16
Tudo sobre o seu pai, Alain
Oulman
Poesia vs. Cinema 18
Uma história de cinefi lia
Odisseia 22
Quando o teatro une
o que tudo o resto separa
João Maria Gusmão
e Pedro Paiva 25
No mundo extraterrestre
Ficha Técnica
Directora Bárbara Reis
Editor Vasco Câmara,
Inês Nadais (adjunta)
Conselho editorial Isabel
Coutinho, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter, Simon
Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho,
Carla Noronha, Mariana Soares
Editor de fotografi a
Miguel Madeira
E-mail: ipsilon@publico.pt
valter
hugo mãe
estoura
no Brasil
“Titus
Andronicus”
em cantonês,
na encenação
de Tang Shu
Wing
Shakespeare em
português e maori
(e mais 36 línguas)
nos Jogos Olímpicos
de Londres
O ano parece estar a
começar bem para valter
hugo mãe, sobretudo no
Brasil. O escritor português
é um dos convidados da 9.ª
Festa Literária
Internacional de Paraty
(FLIP), que este ano
O lançamento
no Brasil de
“o remorso
de baltazar
serapião”
pôs o escritor
português
na capa dos
cadernos
Não são as obras completas de
William Shakespeare em 97
minutos, mas são as obras
completas de William Shakespeare
homenageará o modernista
Oswald de Andrade (1890-
1954). O argentino Andrés
Neuman, (autor de “O
culturais dos
três maiores
jornais do país
em 38 línguas, português incluído.
Em 2012, o Globe Theatre também
vai a jogo nas Olimpíadas de
Londres: o teatro dirigido por
Dominic Dromgoole propõe-se
apresentar cada uma das 38 peças
Viajante do Século”,
vencedor dos Prémios
Alfaguara e Crítica 2009), e
o norte-americano David
Remnick , editor da “The
do dramaturgo britânico numa
língua diferente, e a lista vai do
português ao maori, do lituano ao
cantonês, do aborígene ao urdu, do
árabe ao italiano, do xona ao
mandarim. É provavelmente o
New Yorker” e autor da
biografia de Barack Obama,
são os outros escritores já
confirmados.
Não por casa da FLIP,
mais ambicioso projecto
shakespereano alguma
vez empreendido:
nunca um teatro
conseguiu fazer
o pleno da obra
mas por causa de “o
remorso de baltazar
serapião”, valter hugo mãe
foi no sábado capa dos
cadernos culturais dos
“obra para muitas e
profícuas leituras” e fala da
sua linguagem inventiva,
do dramaturgo
em apenas
uma
temporada, e
muito menos
38 línguas
em 38 línguas.
para 38 obras:
“É uma ideia
Shakespeare
espantosamente
nunca foi uma
clara e ligeiramente
aldeia tão
tola”, admite
global
Dromgoole, mas
que talvez possa
mais importantes jornais
brasileiros (a “Ilustrada”,
da “Folha de S. Paulo”, o
“Sábático”, do “Estado de
S. Paulo”, e a “Prosa e
Verso”, de “O Globo”). O
primeiro romance do
escritor a chegar ao Brasil
acaba de ser lançado pela
Editora 34; durante a FLIP,
comparando a obra de valter
com a de Gonçalo M.
Tavares. O crítico Antonio
Gonçalves Filho, no caderno
“Sabático” do “Estado de S.
Paulo”, vai mais longe.
Escreve que “o que Raduan
Nassar fez pela literatura
brasileira com ‘Lavoura
Arcaica’, o poeta Hugo Mãe
mostrar até que
ponto Shakespeare é “uma
linguagem universal”.
O festival do Globe começa a 23
de Abril, dia do nascimento de
Shakespeare, e decorre ao longo
a Cosac & Naify lançará o
mais recente “A máquina
de fazer espanhóis”, um
dos melhores 20 livros de
2010 para o Ípsilon. Até
fez pela literatura de
Portugal com este livro”. E
diz que “o autor examina a
barbárie (...) com a força
crítica de um autêntico
das seis semanas seguintes. Do
alinhamento constam monstros
como o encenador lituano
Eimuntas Nekrosius (que já trouxe
dois dos seus assombrosos
Shakespeares ao Porto, “Macbetas”
agora, valter hugo mãe só
tinha visto publicada no
Brasil uma colectânea de
poemas.
A recepção a “o
escritor do seu tempo”. Na
“Ilustrada”, da “Folha de S.
Paulo”, o professor de teoria
literária Marcelo Pen diz que
hugo mãe “impressiona em
e “Otelas”), os teatros nacionais da
Grécia e da China, e os brasileiros
do Grupo Galpão (cujo “Romeu e
Julieta”, montado por Gabriel
Villela, também andou pelo Porto,
no FITEI de 2001, e ainda por Braga
remorso...”, Prémio
Literário José Saramago
2007, não podia estar a ser
mais efusiva. Luis Maffei,
poeta e professor de
narrativa delirante” com
“sintaxe (...) tortuosa, em
que se mesclam arcaísmos,
lusitanismos, expressão
popular e estrutura bíblica”.
e Coimbra). Shakespereanos de
todo o mundo, uni-vos: já não falta
assim tanto tempo.
Literatura Portuguesa, diz
no “Prosa e Verso” que é
A crítica é acompanhada de
um texto jornalístico de
Fábio Victor, “Novo
sotaque português”, que
junta a João Tordo, também
prémio Saramago, e os
considera “os expoentes da
nova geração literária de
Portugal”.
Entretanto, num
inquérito da “Folha”, hugo
mãe afirma que a sua
melhor descoberta do
Brasil foi a primeira vez
que ouviu Cartola: “Chorei
uma semana inteira porque
toda a minha dor de corno
me doeu de beleza”. Para
ele, o Brasil precisa de
descobrir “o projecto
musical A Naifa” e “a
palavra ‘lusa’ mais
engraçada é chuça-pitos”:
“É um insecto que mata
pintainhos. Aqui no Norte
do país usa-se para dizer de
homem que tem cara de
sonso, como um tarado
escondido”. João Tordo
escolheu “autoclismo”, que
no Brasil é “descarga”.
Isabel Coutinho
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 3
JORGE MIGUEL GONCALVES/ NFACTOS

Flash
Uma das
miragens
de Orson
Welles
pode
fi nalmente
tornar-se
realidade
É um dos
muitos
projectos
inacabados a
que o nome
de Orson
Welles esteve
ligado – mas
quem viu
fragmentos
diz que “The Other Side of
the Wind”, rodado em
1970, pode bem ser o
“testamento
cinematográfico” do
lendário actor e realizador.
E tudo aponta para que o
filme venha a ser
finalmente terminado nos
próximos meses, se se
confirmarem as notícias do
jornal “The Observer”: há
negociações para
Novo disco de Kanye
West no Verão
Ontem ainda estava nas listas dos
melhores de 2010, hoje já está a
preparar o assalto a 2011: Kanye
West anunciou segunda-feira no
Twitter que vai lançar um novo
disco no Verão. Este anúncio é feito
apenas dois meses depois do
lançamento do aclamado “My
Beautiful Dark Twisted Fantasy”,
considerado o disco do ano pelo
Ípsilon. O “rapper” norteamericano
não adiantou mais
detalhes sobre o disco.
Ainda na segunda-feira, Kanye
West escreveu no seu Twitter que o
seu disco em colaboração com
Jay-Z, “Watch the Throne” vai sair
daqui a dois meses. Jay-Z foi um dos
muitos convidados que
participaram em “My Beautiful
Dark Twisted Fantasy”. Depois de
4 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
completar “The Other Side
of the Wind”, e o realizador
Peter Bogdanovich estará
envolvido no resgate.
Como com quase todos os
filmes do autor de “O Mundo
a Seus Pés”, a história de
“The Other Side of the
Wind” parece ela própria
um filme. Em 1970, Welles
“desenterrou” e retrabalhou
uma a carreira de sucesso
enquanto uanto produtor, o
controverso troverso Kanye West já
lançou çou cinco discos em
seis anos. O álbum de
estreia, eia, “The College
Dropout”, pout”, foi
lançado çado em
2004 4
pelas as
editoras oras
Def Jam
e Roc-A- oc-A-
Fella. a.
O sucessor de “My
Beautiful Dark Twisted
Fantasy”, álbum do ano um
pouco por todo o lado,
não tarda
Ciclo
NUNO FERREIRA SANTOS
JP Simões, aka “o mais
português dos artistas
portugueses”, vai ao Porto
para um concerto gratuito.
No próximo domingo, às
19h, o artista vai estar no
Café au lait, no Porto, para
abrir o ciclo de concertos
Bodyspace au Lait. O ciclo
surge da colaboração
entre o “site” de crítica
musical Bodyspace e o
A história do projecto
inacabado “The Other Side
of the Wind” (à esquerda,
uma cena da rodagem) é
um dos inúmeros fi lmes da
vida de Orson Welles
extensamente um guião que
concebera durante uma
visita a Espanha em finais
dos anos 40, “Sacred
Monsters”, uma meditação
“dramática” sobre
Hollywood. O filme
acompanha a festa do 75.º
aniversário de Jake
Hannaford, cineasta
ficcional interpretado por
Vêm aí mais seis
livros livr de Bob Dylan
Bob Dylan Dy assinou um acordo
com a Simon & Schuster para a
publicação public de seis livros,
incluindo incluin o segundo e terceiro
volumes volum da autobiografia,
iniciada inicia em 2004 com a edição
de d “C “Chronicles: Volume One”.
Saber Sa S be que estão
definitivamente de d fi
a caminho
mais mai dois livros de memórias
do cantor c e compositor “é uma
notícia notí muito excitante para os
fãs de d Bob Dylan e para todos
os qu que se interessam pela
história histó do rock”, comentou o
porta-voz po da cadeia britânica
de livrarias Waterstone, Jon
Howells, H sublinhando que o
primeiro p volume de
Bob Dylan vai retomar a
autobiografi a iniciada com
“Chronicles: Volume One”
café-bar, que se juntam
para fazer um concerto
por mês, sempre com
entrada livre.
Quanto ao concerto,
de nada se pode estar
certo. JP Simões, que já
liderou projectos como
Pop Dell’Arte, Belle
Chase Hotel e Quinteto
Tati, tem planeado para
2011 o lançamento do seu
John Huston, que Welles,
segundo o “Observer”,
definiu como “um sacana de
um realizador (...) que cria as
pessoas e as destrói” (“é um
filme sobre nós”, terá dito a
Huston). Embora Welles
tenha repetidamente negado
essa componente
autobiográfica, o produtor
espanhol Andrés Vicente
Gómez diz que o
protagonista é uma
combinação de “Hemingway,
Huston e ele próprio”.
Rodado nos EUA com um
elenco que incluía ainda
Peter Bogdanovich, Dennis
Hopper, Claude Chabrol e
Mercedes McCambridge,
“The Other Side of the
Wind” foi financiado pelo
próprio Welles e por uma
produtora parisiense, Les
Films de l’Astrophore,
propriedade de Mehdi
Boushehri, cunhado do Xá
do Irão. Com o filme
montado a “96 por cento”,
Welles não conseguiu
interessar nenhum
distribuidor americano, um
dos investidores apropriouse
de dinheiro da produção,
e as relações entre realizador
e financiadores arrefeceram.
Enquanto os advogados
tentavam resolver as
questões legais, deu-se a
Revolução Islâmica, o Xá
tornou-se “persona non
“Chronicles” “foi
uma revelação” e
“estabeleceu um
novo padrão para o
que se pode
esperar de uma
autobiografia de uma
estrela de rock”.
Centrado nos anos de
formação de Dylan, a obra
esteve 19 semanas seguidas na lista
do “New York Times” dos livros
mais vendidos no sector de nãoficção.
A notícia é tanto mais
surpreendente quanto os fãs
começavam a recear que Dylan se
ficasse mesmo pelo primeiro
volume. Em 2008, a editora
anunciou que o músico começara a
trabalhar num próximo livro, mas
não houve qualquer confirmação
posterior e, em Agosto de 2010,
último trabalho a solo,
“Onde Mora o Mundo” No
novo álbum, sucessor
de “Boato” (2009), o
artista escolheu o jazz e
a música brasileira como
os principais géneros a
explorar. Mais uma caixa
de surpresas que pode
ser aberta, ou não, no
concerto deste domingo à
tarde.
grata”, e os materiais
filmados, por essa altura já
a salvo num cofre
parisiense, ficaram num
limbo legal que só começou
a ser resolvido nos anos 90.
Nessa altura, o canal de
cabo Showtime adquiriu
parte significativa dos
direitos, tencionando
trabalhar com Bogdanovich
na reconstrução do filme de
acordo com os desejos
originais do realizador. É
esse processo que parece
agora estar mais perto da
concretização. Jacqueline
Boushehri, viúva do
proprietário da Astrophore,
e Oja Kodar, companheira
de Welles e co-argumentista
do filme, estarão dispostas
a vender a sua parte dos
direitos (o comprador, tudo
o indica, será o Showtime).
Para Andrés Vicente
Gómez, completar o filme
será “uma traição”.
Françoise Widhoff, que
acompanhou as rodagens e
trabalhou com Welles no
seu filme seguinte, “F for
Fake”, também levanta
reservas. Mas isso não a
impede de considerar o
filme “uma obra-prima”,
“muito moderna e livre”.
Veremos se é mesmo desta
que “The Other Side of the
Wind” deixa de ser uma
miragem. Jorge Mourinha
uma “fonte
próxima” de
Dylan assegurou
à revista “Rolling
Stone” que não
existiam
quaisquer
projectos para a
publicação de um
segundo volume de
“Chronicles”.
Continua, de resto, a não se
saber quando sairá a aguardada
continuação das suas memórias,
já que a editora evitou arriscar
uma data. E também pouco abriu
o jogo no que respeita aos outros
quatro livros que Dylan se
comprometeu a escrever, tendo
apenas adiantado que um deles
terá como base o programa
“Theme Time Radio Hour”, que o
cantor mantém na rádio XM.

AGENDA CULTURAL FNAC
entrada livre
APRESENTAÇÃO
LONGE DO MEU CORAÇÃO
Livro de Júlio Magalhães
Este romance retrata com mestria e realismo o quotidiano dos portugueses que partiram em busca de uma
vida melhor, sonhando um dia regressar ricos à terra que os viu partir pobres.
29.01. 16H00 FNAC VISEU
MÚSICA AO VIVO
COUPLE COFFEE
Quarto Grão
A banda de Luanda Cozetti e Norton Daiello regressa com um trabalho inteiramente composto por
temas originais.
28.01. 22H00 FNAC COIMBRA
05.02. 17H00 FNAC CASCAISHOPPING
11.02. 17H00 FNAC STA. CATARINA
MÚSICA AO VIVO
NOISERV
A Day In the Day Of The Days
Noiserv cria peças musicais de um minimalismo capaz de atingir cada indivíduo na sua intimidade,
relembrando-lhe vivências, momentos e memórias intrincadas entre a realidade e o sonho.
28.01. 22H00 FNAC LEIRIASHOPPING
MÚSICA AO VIVO
BALLA
Equilíbrio
Neste trabalho, com letras de José Luís Peixoto, Miguel Esteves Cardoso, Pedro Mexia e do próprio Armando
Teixeira, mentor do projecto, a banda optou por uma abordagem electrónica.
29.01. 22H00 FNAC COIMBRA
30.01. 17H00 FNAC LEIRIASHOPPING
EXPOSIÇÃO
A HISTÓRIA DE TUDO AQUILO QUE É
Fotografias de Maria-do-Mar Pedro Rêgo
Novo Talento FNAC Fotografia 2010, Menção Honrosa
Exposição composta por sequências de uma a quatro fotografias cuja ligação é invisível, formal,
funcional ou poética.
26.01. - 26.03.2011 FNAC COLOMBO
apoio:
12.02. 22H00 FNAC LEIRIASHOPPING
20.02. 17H00 FNAC ALMADA
APRESENTAÇÃO MÚSICA AO VIVO LANÇAMENTO EXPOSIÇÃO
Consulte a AGENDA FNAC em:
http://cultura.fnac.pt

6 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Chegou a hora

de Charles
a sawsx
Bradley
Viu James Brown aos 14 anos e passou os 48 seguintes
a perseguir um sonho. Dormiu no metropolitano,
foi cozinheiro, carpinteiro, engraxador. Foi tudo o
que conseguiu enquanto a música teimava em
fugir-lhe. Até agora. Apresente-se “No Time For
Dreaming”, álbum que é a sua vida, portento soul
de um estreante de 62 anos. Mário Lopes
Um homem em fato-macaco caminha
por Bushwick, bairro de Brooklyn,
Nova Iorque, e canta: “Don’t tell me
how to live my life, when you haven’t
felt the pain”. Vemos um velho agarrado
a um rádio, de sorriso entreaberto,
e grandes planos de faces sem
sorriso - olhos que nos fixam, profundos
e tristes. Aquele, olhos cerrados
e cada ruga a dar força à expressão:
“The world is burning up in flames,
and no one wanna take the blame”.
Aponta: “Is it you? Or you?” Aponta
para si: “Me! Oh me”. Este homem
chama-se Charles Bradley. As ruas do
vídeo são aquelas em que cresceu.
São aquelas a que voltou, muito adulto,
há uma década. As que escolheu
quando, por fim, chegou a hora de se
revelar. A sua música é a sua vida e
ele esperou uma vida para a cantar.
Apresente-se “No Time For Dreaming”,
álbum imenso de um estreante
de 62 anos.
Charles Bradley sabia que conseguiria,
só não sabia quando. Nascido
em 1948 em Gainesville, Florida, mas
cidadão nova-iorquino desde muito
cedo, lembra-se de a irmã o levar ao
Apollo, a mítica sala de concertos no
bairro de Harlem. Tinha 14 anos e estava
perante James Brown, no mesmo
local onde, dois anos antes, o “Padrinho
da Soul” gravara o histórico “At
The Apollo”. Bradley não se lembra
de detalhes, mas a sensação ficou-lhe
gravada na pele. Explica-a avançando
uns anos e citando “I don’t want nobody
to give me nothing ( Just open
the door and I’ll get it myself )”, single
de 1969 de Brown: “A banda estava
no topo e ele tinha uma dinâmica impressionante,
punha tudo na perfor-
mance. E depois, era como se dissesse
‘não quero que ninguém me dê
nada, abram a porta e agarro-o eu
mesmo’.”
Nesse dia chegou a casa, pegou numa
vassoura, atou-lhe uma corda e
treinou os passos que vira em frente
ao espelho. Sabia o que queria. Queria
o palco e a energia da banda, queria
a soul. Esperou 48 anos. É o tempo
que separa o dia da revelação no
Apollo, do 25 de Janeiro em que editou
“No Time For Dreaming”. Entre
um e outro, viveu nas ruas de Nova
Iorque e foi cozinheiro em mil cidades,
da Big Apple ao Alasca. Foi engraxador,
canalizador e carpinteiro
– “mas a música esteve comigo toda
a vida”, em pequenos concertos em
pequenos bares, encarnando os ídolos
James Brown ou Otis Redding.
Charles Bradley falhou uma carreira
para poder gravar, aos 62 anos, um
álbum que põe em canção um percurso
de luta e labuta, de questionamento
e perseverança. De alma cheia
e sem amargura no alerta.
Em fundo, irrompe um ritmo de
bateria. A voz do entrevistado desaparece
por momentos. Comenta qualquer
coisa, recebe uma gargalhada
de volta. Nos estúdios da Daptone Records
– “No Time For Dreaming” foi
editado pela Dunham, a recente subsidiária
da editora que revelou Sharon
Jones & The Dap Kings e que deu novo
impulso a Lee Fields -, Charles Bradley,
na sua voz incrivelmente rouca,
com as palavras a saírem em cadência
lenta, ponderada, repete ao Ípsilon:
“Esperei tanto tempo por uma oportunidade.
Procurei-a e procurei-a honestamente,
porque sabia que iria
“Era como se nos
dissesse ‘não quero
que ninguém me dê
nada, abram a porta
e agarro-o eu mesmo’”
– sobre o momento
revelador em que viu
James Brown
chegar. Não sabia quando ou porquê,
mas ela chegaria”.
O que o coração procura
A Daptone Records, editora independente
sedeada em Brooklyn, é responsável
por alguma da melhor soul que
ouvimos na última década. Purista
até à medula, foi fundada por Gabriel
Roth, produtor e baixista dos Dap-
Kings (banda residente à semelhança
dos Booker T & The MGs da Stax ou
dos Funk Brothers da Motown), e por
Neal Sugarman, mentor dos The Sugarman
Three, mestres tardios do
funk. Ao longo dos anos, para além
de Sharon Jones e Lee Fields, a editora
recuperou outros veteranos como
a cantora gospel Naomi Shelton, e albergou
gente como a Budos Band,
responsáveis, com os Antibalas, pela
recuperação do afrobeat em território
americano.
Pelo meio, a editora viveu o seu
momento de maior exposição quando
o produtor Mark Ronson escolheu os
Dap-Kings como a banda ideal para
acompanhar uma cantora chamada
Amy Winehouse num álbum intitulado
“Back to Black”. Gabriel Roth, hoje
com 36 anos, não estava particularmente
interessado na britânica,
mas não podia negar aos seus músicos
e à editora o dinheiro que a empreitada
garantiria. Os Dap-Kings entregaram-se
ao trabalho e receberam os
louvores que sabemos: o disco de platina
que ganharam com o trabalho
está em destaque numa das divisões
da sede da Daptone. Dica: se alguma
vez passarem por lá, procurem na
casa de banho.
Gabriel Roth, Neal Sugarman e
comparsas procuram outra coisa. Procuram
“quem viva e sue o r&b”, como
descrito em 2008 no New York Times.
Foi isso que Roth reconheceu há onze
anos em Charles Bradley, na noite em
que assistiu a um dos seus concertos
enquanto Black Velvet (alter-ego inventado
pela irmã). Levou-o para o
estúdio e gravou-o com os Sugarman
3 e com os Bullets. Nesses singles,
Charles Bradley sobressai como discípulo
inspirado de James Brown –
“This love ain’t big enough for the
both of us” é uma verdadeira pérola
de groove, com uma batida quebrada
infernal. Aquele, porém, não era ainda
o Charles Bradley que ouvimos em
“No Time For Dreaming”.
Thomas Brenneck, membro da Budos
Band e da Menahan Street Band,
o combo soul que acompanha
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 7

8 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Bradley, partilha a visão de Roth.
A ele se deve, em grande parte, a
existência de “No Time For Dreaming”.
Foi ele que ajudou Bradley
a ultrapassar a depressão provocada
pela morte do irmão mais velho, assassinado
pelo seu sobrinho. Charles
Bradley: “O meu irmão lutou para
manter a família, foi o seu suporte
e como um pai para mim. E morreu
assim. O que digo em ‘No Time For
Dreaming’ é que fazemos muito bem
em sonhar, mas que é preciso acção,
que é preciso reagir para que o sonho
seja real”.
Pouco antes da entrevista, Tom
Brenneck recordou-nos o seu percurso
com Bradley. Começou assim:
“Charles é especial, um verdadeiro
diamante” - o trabalho de Tom foi
ajudar a lapidá-lo. Prosseguiu: “À
custa do seu passado, ele era diferente
de Sharon Jones ou Lee Fields,
performers refinados que tocavam
há décadas. Lee gravou o seu primeiro
disco, ‘Let’s talk it over’, em
1972 e Sharon tocava em bandas de
Queens e de Brooklyn desde os anos
1970, mas o Charles nunca teve um
trabalho contínuo que lhe permitisse
refinar a sua arte”.
Quando começaram a trabalhar
juntos, Brenneck e a banda sentiamse
como “miúdos que estavam a ter
o privilégio de tocar com James Brown.”
O que era tremendamente excitante,
mas não era o que Charles
Bradley podia ser: “Aquela música
não parecia adequar-se à sua personalidade,
só parecia servir uma ideia
de imitação”. Um dia, porém, Bradley
ouviu algumas novas canções
em que Brenneck trabalhava, canções
que nos descreve como “um
mergulho no lado mais negro da
soul”. E o cantor que não podia ser
James Brown mas estava ainda a
tempo de ser Charles Bradley,
reagiu imediatamente. Era aquele
o som: “descobri o que o meu coração
procurava”.
Começaram a jorrar histórias,
frases “simples e belíssimas, cantadas
com uma profundidade que as
torna únicas” (Tom Brenneck).
Charles descobrira por fim o seu
caminho e agarrava a oportunidade,
negada durante décadas, com
urgência e sofreguidão. Brenneck:
“Se o deixasse a cantar à solta, não
haveria estrutura, não haveria verso-refrão-verso.
Ele cantaria como
um pássaro durante horas, sem pausas,
deitando tudo cá para fora. Mas
é esse poder em bruto, é essa intuição
que o torna tão especial”.
Uma imensa dignidade
Tínhamos sido avisados que Charles
Bradley era um contador de histórias,
um conversador nato. E que
era também, como escrito no texto
de apresentação de “No Time for
Dreaming”, um homem humilde,
sem vestígios de mágoa pelo tempo
perdido e pelas oportunidades que
não teve. Não era exagero de marketing.
As primeiras palavras que
lhe ouvimos são estas: “Lutei tanto
por isto. Rezei, passei por tanto e
esperei que a oportunidade surgisse.”
A despedida fez-se assim: “Obrigado
por me dar a oportunidade de
falar e mostrar o que sou. Obrigado
por ouvir a minha história”. Entre
uma e outra, revela-se uma extrema
dignidade. Dignidade na forma como
continuou vida fora a “perseguir
o sonho” – dirá isto várias vezes -,
dignidade no olhar que, aos 62 anos,
lança sobre o mundo.
“No Time For Dreaming” é a sua
vida tornada alerta e denúncia de
uma América por quem, canta em
“Why is it so hard?” e diz-nos agora,
se sente traído: “Vejo adulação a

quem não a merece e vejo imensa
frustração. Somos todos filhos de
Deus, mas algumas pessoas não utilizam
esse dom de forma correcta.
Não o fazem na forma como tratam
os outros e como se tratam a si próprios”.
Mas a voz de Bradley, na sua generosa
rouquidão, no arrepiante
poder da sinceridade que expõe,
não tem pinga de ódio, não é um
grito de guerra. Tal como não o
eram os discursos inspiradores de
Martin Luther King, tal como não o
era o seminal “What’s going on”, de
Marvin Gaye, tal como não o é essa
tremenda canção de Aloe Blacc intitulada
“I need a dollar”. “Não pretendo
ser melhor que ninguém,
essa nunca foi a questão. Só estou a
tentar guiar-me de forma justa pela
vida. Sei como a violência torna o
mundo mais corrupto, sei como a
violência corrompe a mente, sei como
o ódio pode cegar”. Sabe.
Passou parte da adolescência a
viver nas ruas de Nova Iorque, dormindo
em carruagens de metropolitano
– “ia até ao fim de uma linha,
a polícia aparecia, fugia, entrava
noutra carruagem e repetia isto até
nascer o dia”. Depois, conseguiu
emprego ao abrigo de um programa
estatal de apoio a famílias desfavorecidas.
Tornou-se cozinheiro e
percorreu os Estados Unidos. Quando
se fartou de cozinhar, foi muitas
outras coisas – curiosidade: instalou
as canalizações na sede da Daptone.
A música, essa, parecia sempre
fugir-lhe - uma banda no Maine desfeita
quando os músicos foram combater
para o Vietname, oportunidades
de gravação na Califórnia que
nunca se concretizaram.
Em 2000, carregou uma carrinha
com o que tinha e regressou a casa.
Começou a tocar em clubes de
Brooklyn enquanto Black Velvet e
a música permitia-lhe por fim pagar
as contas. Depois morreu-lhe o irmão
e o mundo desabou sobre ele.
Foi a última provação. Pouco depois,
Gabriel Roth viu-o e levou-o
para a Daptone. Tom Brenneck
ouviu-o e deu-lhe a música que ele
há tanto perseguia.
48 anos depois, Charles Bradley
concretizou o seu sonho. Porque não
há agora tempo a perder, chamoulhe
“No Time For Dreaming”.
Ver crítica de discos págs. 28 e segs.
Os órfãos têm outra vez um lar
De 1969 a 1974 não só houve uma carrada de discos que, com mais ou menos suor funk, com mais ou menos recurso a
metais ou orquestras, elevaram a soul à condição de território experimental glorioso, como também se dá o caso de quase
todos esses discos terem sido fracassos comerciais que fi caram no esquecimento até à reedição – todas elas recentes. A
história da pop estava mesmo incompleta. João Bonifácio
Parece boutade mas não é: com a
publicidade certa, com sorte, com
o que quer que seja que faz com
que os olhos todos se virem para
o mesmo lugar num determinado
momento, Ronald Edward Lewis,
um americano que não nasceu
em Memphis na década de 1940,
podia ter um lugar na história
equivalente ao de Marvin Gaye.
O seu primeiro disco, editado
em 1974 na Stax, tinha tudo para
ser “o” disco: a voz de três oitavas
a ondear por entre uma suave
cortina melódica, um fundo jazzy
sempre em oscilações rítmicas e
por cima, ora trôpego, ora manso,
ora violento, ora melancólico, o
zumbir sem fundo da orquestra,
violinos a exponenciarem o rasgo
da voz, fl autas a cirandar por todo
o lado.
Podia apostar-se todas as fi chas
no disco – era impossível falhar:
tinha fundura, tinha corpo, tinha
balanço, tinha canções que se
atiravam aos seis minutos. E foi
o mais redondo falhanço, um
falhanço que encerra em si – pela
grandeza do disco e pela história
pessoal de Bond – o desamparo de
toda uma geração negra.
A Stax, em queda depois da
morte de Otis Redding, apostou
o dinheiro na produção e não
promoveu o disco quando
concluiu que este tinha um som
mais suave que o habitual na
editora. Bond foi para a estrada
sozinho defender um disco com
uma latitude sonora gigantesca.
Não havia discos nas lojas, quase
não havia gente nos concertos. (A
que havia nunca o esqueceu e é
graças a elas e para elas e os que
vierem a seguir que este texto
existe.)
Seguiu-se o costume: comas
inexplicáveis, pernas partidas,
depressão, drogaria, álcool. A
Swamp Dogg Segundo o próprio, deitou-se um
dia analfabeto e acordou um génio musical. Senhor
de um sarcasmo imenso e de um grande ouvido pop,
fez dos primeiros álbuns conceptuais políticos, “Total
Destruction to Your Mind”. Vão ao Youtube ouvir
“Synthetic World” pela vossa saúde.
coisa foi dura ao ponto de nem
as amizades lhe valerem – e que
amizades: Isaac Hayes era fã,
os Rotary Connection (Minnie
Riperton na voz) idem.
Bond nunca mais voltou
a gravar e fi cou em “coma”
mediático até ao ano passado
quando a Light In The Attic o
reeditou. Em Portugal só agora
chega às lojas esta obra seminal
que sintetiza de forma belíssima
uma vida tremendamente
violenta: os pais de Bond
separaram-se quando era miúdo
e ele, por razões que ainda hoje
não sabe explicar, não fi cou com
nenhum, crescendo em lares de
acolhimento (graças aos quais
conheceu o gospel na missa e a
country na rádio).
A ferida aberta na infância
reproduziu-se freudianamente na
vida de saltimbanco que levou em
adulto: tal como os pais biológicos,
os vários pais adoptivos nunca
fi caram com ele; e Bond acabou
a dormir nas ruas porque não
queria ser um peso para ninguém.
Hoje diz estar feliz com a reedição.
Música do outro mundo
Seria uma história bonita ou
triste conforme o olhar de cada
um, não fora ter-se repetido com
dezenas de artistas da soul dos
anos 1970: é que de 1969 a 1974 não
só houve uma carrada de discos
que, com mais ou menos suor
funk, com mais ou menos recurso
a metais ou orquestras, elevaram
a soul à condição de território
experimental glorioso, como
também se dá o caso de quase
todos esses discos terem sido
fracassos comerciais que fi caram
no esquecimento até à reedição –
todas elas recentes.
Em comum, além da soul, esses
discos só têm uma coisa: foram
feitos por negros e têm um olhar
impiedoso sobre a condição de ser
negro e viver na América.
Para sermos exactos, têm
mais um dado em comum, que
depende de como pesarmos esse
“esquecimento” a que foram
vetados. É que até àquela época
a única forma da música negra
conseguir pontuar nas tabelas
de vendas era esbranquiçar-se
– e os cantores e compositores
que fi caram nas margens foram
os primeiros a recusaram esse
namoro com o centro, os que
olharam à volta do ponto de
vista do negro. (O que não é o
mesmo que dizer que todos os
que olharam do ponto de vista
do negro fi caram à margem da
história.)
Podemos dizer: esses discos
foram abandonados quando foram
lançados, foram negligenciados
a posteriori e foram apagados da
história.
É certo que álbuns como “Stand”
(1969) ou “There’s a Riot Going On”
Lou Bond Abandonado pelos pais descobriu,
nas idas à missa, o Gospel. E, graças aos rádios das
várias famílias adoptivas que teve, ouviu a country.
Tinha tanto de baladeiro folk como de visionário e o
seu único disco é uma montanha, a peça que faltava
no puzzle da soul. Viveu nas ruas, passou fome,
esteve em coma, andou agarrado. Imensamente
humilde, agradece ao Senhor estar vivo. E nós,
como vamos agradecer-lhe ter existido?
(1971), de Sly and the Family Stone,
“Curtis” (1970), de Curtis Mayfi eld,
“Pieces of a Man” (1971), de Gil
Scott-Heron se tornaram icónicos,
e que gente famosa como James
Brown ou as Staples Singers
lançaram, nessa época, discos
acentuadamente políticos - basta
lembrar que Brown editou o single
“(Sing it loud) I’m black and I’m
proud” em 1969. Mas a verdade é
que o grosso da produção negra
não encontrou, no seu tempo,
eco em lado algum – é como se
houvesse uma cortina entre o
real que cantavam e os potenciais
consumidores. Entre quem fazia
a música e quem a ouvia alguém
escolheu não ouvir esta música
que só agora vem à tona.
A questão é: que discos são
esses, onde andam?
Não há uma resposta fi xa, isto
é, não há um único tipo musical
em jogo. Trata-se de gente
extremamente díspar que só
tem em comum a soul como casa
partida e a América negra como
chegada.
É gente como Lou Rawls,
homem de voz poderosa, de
crooner, que em 1972 deu uma
guinada na carreira e resolveu
olhar para o que andava mal
no mundo – daí resultou um
tremendo “Man Of Value”,
tematicamente de acordo com o
título. No outro extremo temos
a loucura dos Madhouse, que
foram buscar Nixon para a capa
do estupendo “Serve’em”, de 1972,
cujo título carregado de sarcasmo
denota logo a carga explosiva
da música, um funk assente em
riff s mais oloeados que pele de
modelo em foto de bikini, ou em
linhas de baixo tão gordurosas,
tão repletas de graves cheios,
roliços, gulosos que a espinha
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 9

10 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
começa a comichar, seguese-lhe
o pescoço, depois desce
até aos pezinhos a modos
que na mesma altura em
que os braços se arribam
e ao fi m de uma canção
nota-se que o corpo entrou
involuntariamente no
modo “dança”.
E se quisermos falar de
coisas do outro mundo,
temos os Boscoe, combo
que durou um só disco,
homónimo, de 1973 – mas
um magnífi co disco: malhas
de guitarra bluesadas a rastejar,
spoken-word, fl autas a tropeçar na
pauta: em “Writin’ on the wall” é
assim durante seis minutos antes
de entrar um breve interlúdio
aparentado da soul que logo
descola rumo a uma névoa de
ganza. Frase chave: “We were so
busy kissing somebody’s ass that
we forgot about the past”.
Ainda no outro mundo, mas
no capítulo dedicado às vozes
é impossível não abençoar a
reedição de “The Baby Huey Story:
The Living Legend”, disco de 1971
que reuniu – um ano após a sua
morte – vários temas de Baby
Huey, homem gigantesco que
nunca gravou em vida. Encontrase
lá a mais demoníaca,
demencial e espantosa versão
de sempre de “A Change
is gonna come”, de Sam
Cooke, transformada de
balada dorida em soul
fantasmagórica (primeiro)
e funk psicadélico sideral
(por fi m).
Mas há dois homens que
merecem ser vistos com
mais atenção. O primeiro é
Eugene McDaniels que em
1969 lançou “Outlaw”, disco
que além de ser senhor de um
balanço tão swingado que até faz
babar (o wurlitzer, a guitarrinha
picada) ainda dispara para outros
lados a meio de cada canção. Dois
anos depois McDaniels voltava
com “Headless Heroes of The
Apocalypse” e uma noção ainda
mais própria da música negra (o
baixo, por exemplo, não era tão
proeminente como é usual na soul
da época), agora fazendo pontes
entre o gospel, arranjos lounge e a
bluezada desafi nada que sempre
marcou o seu som, sem abdicar de
um olhar politizado, ou social se
quiserem.
Se McDaniels é um pioneiro, o
louco Swamp Dogg não lhe fi ca
atrás. Dogg era uma personagem
única, que dizia de si mesmo
ter-se deitado um dia analfabeto
e acordado no dia seguinte
um génio. Em 1970 atirou uma
granada louca chamada “Total
Destruction to Your Mind”, que
tem em “Synthetic world” a mais
perfeita encarnação da soul-pop
que não abdica de pensar – um
órgão de derreter mel coxas
abaixo, a voz plena de sarcasmo,
o ritmozinho dolente e de repente
ali os metais, a guitarra wah-wah,
o acelerar do tempo da voz – uma
canção de (como dizer?) génio.
Não contente e com o rabo quente
Dogg voltou no ano seguinte com
“Rat On!”, um disco com uma das
capas mais hilariantes da história
da pop – e mais pesadão, mais
funkalhão que o anterior.
Baby Huey Um pequeno
mostrinho de peso, era também
um monstro de voz e de autoflagelação,
com um talento tão
grande quanto auto-destrutivo.
Só foi publicado depois da
morte passando à história
como figura de culto. A
reedição em CD, já no século
XXI, mudou o seu lugar no
panteão.
Low Rawls Essencialmente
um crooner, com uma carreira
que oscilou entre o charme e o
lamechas, tornou-se mais
político que nunca em 1974 e
assinou um dos mais
tremendos álbuns acerca da
velha questão: o que é isto de
ser um homem?
O que é que há de tão
impressionante nestes dois
homens? O facto de – antes de
Marvin Gaye e Stevie Wonder lá
chegarem – comporem álbuns
conceptuais, tanto ao nível do som
como dos assuntos abordados.
É curioso notar que a
história ofi cial proclama que
a independência dos artistas
negros se deve a Stevie Wonder
(que também se politizou em
“Innervisions”, de 1973, três anos
antes do seu génio partir para
um exílio de onde só voltou sob o
nome de Prince) e Marvin Gaye.
Podemos argumentar que além
de terem canções tremendas
Gaye e Wonder têm o peso que
têm porque fi zeram discos
conceptuais. É bom notar, no
entanto, que antes disso já Curtis
Mayfi eld tinha fundado a sua
própria editora, a Curtom, em
1970 e também ele tinha um
programa.
A história neste aspecto
é exclusiva, porque o
território que Wonder,
Gaye e Mayfi eld – pese a
sua grandeza – marcaram
já tinha sido explorado
por Swamp Dogg e por
Eugene McDaniels, cujo
rótulo de pioneiros valeu
zero na conta bancária.
Graças ao hip-hop
Podemos perguntar-nos porque
raio é que um ou outro disco
permaneceu durante bastante
tempo no imaginário colectivo
enquanto a maior parte dos outros
não. A resposta terá de incluir uma
espécie de atitude de resistência
face à indústria, que toda esta
gente partilhava. Por outro lado
responsabilizar exclusivamente
os brancos pela enormidade de
música negra que fi cou posta
de parte não só parece abusivo
como também maniqueísta e
excessivamente simplifi cador
– por alguma razão os Boscoe
apontavam o dedo à própria
comunidade negra.
A única coisa que sabemos
é como é que alguns destes
discos evitaram o completo
oblívio: graças ao hip-hop.
Quando o hip-hop ganhou
consciência do passado,
quando foi à procura das
suas raízes começou a
usar samples de toda
esta gente. Para dar
dois exemplos simples,
“Jagger the Dagger”, de
Eugene McDaniels, foi
usado por uma data de
grupos, dos A tribe Called
Quest aos Gravedigazz; e se
formos à obra de Lou Bond
verifi camos que em 1996 os
Outkast usaram um sample de
“To the establishment” (sem a
mais pequena dúvida e sombra de
exagero uma das maiores canções
de sempre) em “Wailin’”, Prodigy
usou o mesmo sample em “Trials
of Love” (2000) e por aí fora, numa
lista que inclui Mary J Blidge.
Os discos que quiseram olhar de
forma negra para o negro fi caram
quase todos de fora. Lentamente
pequenas vinhetas foram sendo
extraídas, fazendo-os regressar
sob a forma de base sonora.
No século XXI ressuscitaram
em reedições de coleccionador,
obrigando a uma revisão histórica:
antes 1969 era o ano em que os
Led Zeppelin nasceram, agora
podemos dizer que é o ano do
fenomenal “Cryin’ in the streets”,
de George Perkins & the Silver
Stars.
Uma última nota: Lou Bond
pensou durante muitos anos que
tinha nascido em Memphis e só
quando aos 13 anos conheceu uma
tia é que fi cou a saber que tinha
nascido em Chicago.
De certa maneira estamos no
mesmo pé que ele: pensávamos
que tínhamos vindo dali e afi nal
(também) viemos dacolá.
Do pouco que se sabe de Lou
Bond percebe-se que ele deseja
apenas que o Senhor lhe dê paz,
uma reforma tranquila e que a sua
música seja ouvida.
Seja feita a sua vontade.

John Tilbury sexta 4
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música
4 / 5 Fevereiro 22h00 M/3
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Estudou música clássica na infância,
mas depois de ouvir David Bowie resolveu
pedir aos pais uma guitarra
eléctrica, que nunca mais largou.
Na adolescência andou perdida por
formações de jazz, mas há cinco anos,
depois de perceber que também sabia
cantar, resolveu lançar-se à aventura.
Quem a viu em palco no último ano
ficou rendido. A ladeá-la dois músicos,
mas é ela que se impõe, misteriosa
e poderosa, em guitarra e voz.
Brian Eno e Nick Cave cederam aos
seus encantos. Agora, aos 28 anos,
Anna, inglesa de ascendência italiana,
prepara-se para o mundo.
A propósito do seu álbum de estreia,
escrevíamos aqui, há duas semanas,
que era constituído por canções
rock descarnadas, mas ao mesmo
tempo cheias de romance e
sumptuosidade. A sua performance
vocal é quase operática, um teatro de
sombras exposto em canções de sentido
dramático e som nocturno eléctrico.
Às vezes são ternas, outras imponentes.
Um pouco como ela, confessa.
Há músicos que têm dificuldade
em comunicar as suas criações
por palavras. No seu caso, que
está nessa posição pela primeira
vez, como se tem sentido?
É importante saber explicar aquilo que
se fez, mas ao mesmo tempo é uma
posição desconfortável, porque inevitavelmente
temos que falar de nós
próprios e isso, para mim, não é fácil.
Na verdade, sou bastante tímida.
Nos concertos tem uma
presença muito intensa. O palco
acaba por ser o local onde
suplanta essa inibição?
Diz-se que os artista são muito tímidos
e deve existir alguma verdade nisso.
No meu caso sinto que estar em palco
me proporciona expor uma parte de
mim que normalmente está mais resguarda
no meu quotidiano. Mas o
palco é isso mesmo, permite-nos ser
maiores do que a vida. Nunca gostei
de músicos ou de actores que vão para
palco para serem a máscara do que
são no dia a dia. Isso não me interessa
nada.
O palco é uma experiência
libertadora nesse sentido?
Sim, totalmente. Podemos expor
emoções que normalmente tendemos
a esconder, da fúria à ternura. No meu
dia à dia não gosto de ser o centro das
atenções. Ali sinto que através da mú-
Terna é a fúria
É uma das revelações dos últimos meses. Inglesa de ascendência italiana, acabou de lançar u
Uma dualidade que ela acaba por refl ectir também, diz-nos. Vítor B
12 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
sica posso expressar-me totalmente.
E as canções que estão no disco acabam
por expressar também essa dualidade,
algumas vezes ternas, outras
iradas.
Em palco faz-se acompanhar
apenas de dois músicos, mas
o som acaba por ter qualquer
coisa de grandioso. O mesmo
sucede no disco, onde parece
existir um balanço entre o
minimalismo dos recursos e
um tipo de música que tem
qualquer coisa de teatral.
Sim, concordo. O álbum acaba por
expor essas duas facetas, uma mais
intimista e outra mais poderosa. É
uma combinação de fragilidade e de
força. Uma das minhas maiores influências
é a música clássica e, pelo menos
naquela que me agrada, consigo
descortinar essa tensão, que acaba
por originar momentos de distensão
e alívio também. Gostava que as minhas
canções conseguissem captar
todas essas nuances e, nisso, os arranjos
orquestrais são importantes.
“Apenas comecei
a cantar há cinco
anos. Antes tinha
imensa vergonha
e nem me atrevia...
Quando digo isto hoje
as pessoas riem-se
mas é verdade.
Comecei a cantar
a ouvir Maria Callas,
Edith Piaf e Nina
Simone, tentando
imitá-las e, ao mesmo
tempo, tentando
entendê-las”
Gosto dessa pressão entre instrumentos
tocados com precisão como a guitarra
e elementos mais orquestrais.
Parece ter as ideias precisas
sobre o que pretende para as
canções. Demorou mais de dois
anos a registá-las precisamente
para que chegasse a um estágio
onde não tivesse dúvidas sobre o
que pretendia para o disco?
Não. Dúvidas temos sempre. Demorei
o tempo que demorei, foi uma procura,
não sinto que tenha sido muito ou
pouco. Foi o necessário.
Quando se quer criar temos que
aprender a lidar com a dúvida. Mas
isso não nos pode fazer parar. Tinha
uma ideia global daquilo que queria
e que era fazer um álbum que expressasse
paixão, onde as canções nos
pudessem transportar para outro universo.
Queria canções com atmosfera,
capazes de nos fazer transportar para
outra dimensão qualquer. Para mim,
cada canção, deveria funcionar como
um mini-filme. Tinha essa ideia muito
presente, mas é claro que no de-
Quem a viu em
palco no
último ano
ficou rendido,
como Brian
Eno e Nick
Cave

correr do processo temos que nos
adaptar às surpresas e às dúvidas que
vão surgindo.
Imagino que goste de filmes
que projectem uma certa
transcendência, que não sejam
de todo “realistas”.
Sim, é verdade. Tenho tendência para
coisas que não sejam esteticamente
realistas, mas que não o sendo, nos
ajudem a perceber e a sentir a realidade
à nossa volta de uma forma, por
vezes, mais profunda. É isso que sinto
ao ver filmes de David Lynch, Gus
van Sant, Wong Kar-wai ou Hitchcock,
para quem a música era muito importante
na criação dos momentos de
tensão e distensão dramática.
Deve estar saturada que lhe
falem de PJ Harvey, como termo
de comparação, mas quando
se está a começar são naturais
essas analogias. Por outro lado
contou na produção com Rob
Ellis, habitual colaborador dela,
o que não deve ajudar a dissipar
comparações.
Tem razão, mas não deixa de ser chato
ser confrontada com isso a toda a
hora, até porque é preguiçoso. Respeito
imenso o trabalho de PJ Harvey,
é uma grande artista, mas não creio
que tenhamos muito a ver, sinceramente.
As minhas influências são muito
diferentes e o que tento fazer com
as canções também.
O que a levou a escolher Rob
Ellis para a produção?
Ele gosta da mesma música clássica
que eu, de Ravel a Olivier Messiaen,
e é alguém que entende quando digo
que ao tocar guitarra tento imaginá-la
como se fosse uma orquestra. A guitarra
tem que ser extremamente expressiva.
A comunicação com ele é
fluída e isso é raro de encontrar.
É filha de pai italiano e gosta de
dizer que esse facto acaba por
reflectir-se na sua música. De
que forma?
O meu pai é da Toscânia e ali encontro
um pouco da vibração que está presente
na minha música, qualquer coisa
entre a vulnerabilidade e a vontade
resistente e apaixonada de viver em
toda a plenitude. Por outro lado foi
através do meu pai que descobri Maria
Callas, a ópera italiana e compositores
clássicos como Lorin Maazel, de
quem gosto.
Voltando às comparações, Brian
Eno, que a tem elogiado muito,
também não resistiu a uma,
quando disse, depois de a ver
pela primeira vez ao vivo, que
tinha sido o melhor primeiro
concerto que vira de alguém,
depois de Patti Smith há muitos
anos atrás.
Ok, é verdade, mas é diferente...[risos].
Aí ele estava apenas a comparar
o tipo de emoção que havia sentido e
não estava a colocar-me na mesma
prateleira que Patti Smith.
Ele também disse outra coisa
interessante: que não precisava
dos serviços dele como
produtor porquê você já sabia
exactamente o que queria fazer.
Acho que o que ele queria dizer é que,
normalmente, produz grupos que,
por uma razão ou outra, estão num
processo de alguma indefinição. Não
é o meu caso, é verdade. É lisonjeiro
ouvir isso da boca de alguém como
ele. Não creio que alguma vez me tenha
querido comparar a Patti Smith.
Normalmente é mais a Siouxsie Sioux,
que ouvi pela primeira vez depois de
me começaram a falar dela.
Nick Cave também lhe
endereçou palavras de elogio.
Deve ser óptimo, claro. Mas
também lhe coloca alguma
pressão em cima agora que
lança o primeiro álbum.
Não a sinto, a sério. Estou a fazer apenas
aquilo em que acredito e é óptimo
sentir que há pessoas que gostam do
que faço. Tivemos oportunidade de
nos conhecermos [andou em digressão
com os Grinderman de Nick Cave]
e foi um grande momento porque ele
é um dos meus heróis musicais.
Não tem qualquer treino vocal,
mas possui uma voz muito
personalizada. Canta desde
muito nova?
Apenas comecei a cantar há cinco
anos. Antes tinha imensa vergonha e
nem me atrevia... [risos]. Quando digo
isto hoje as pessoas riem-se mas é
verdade. Comecei a cantar a ouvir
Maria Callas, Edith Piaf e Nina Simone,
tentando imitá-las e, ao mesmo
tempo, tentando entendê-las.
E percebeu o que faz delas
cantoras de eleição?
A sua força advinha da forma extremamente
vulnerável como cantavam.
Foi assim que comecei, praticando
seis horas por dia, tentando encontrar
a minha voz através delas. Aprendi
ouvindo, trabalhando no duro até
perceber como poderia tirar o máximo
da minha voz, mas é verdade que
nunca estudei técnica. Talvez um dia,
quem sabe, mas nesta fase o melhor
professor que posso ter é conhecer a
minha voz, pegar na guitarra e começar
a cantar.
Numa entrevista confessava
que ainda não atingiu, com
as palavras, o nível que sente
já ter alcançado enquanto
compositora e cantora. O que
falta?
Com as palavras ainda não me sinto
tão à vontade, mas acabo por não dissociar
as duas realidades – a música
e as palavras. É um processo inconsciente
a forma como escrevo. Às vezes
é necessidade. Ando sempre com um
gravador atrás para registar esses momentos.
Às vezes é apenas uma ideia
tosca, mas depois as coisas vão ganhando
forma em termos líricos e em
termos melódicos. Gosto da depuração
que o tempo traz. Cada nota, como
cada palavra, deve justificar-se
por si própria. Se estiverem lá por estar
não me interessam e de imediato
vão para o lixo.
de Anna Calvi
um disco de canções ternas mas também imponentes.
Belanciano
SÃO
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QUINTA A DOMINGO ÀS 21H00
SALA PRINCIPAL M/3
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guitarras:
Carlos Manuel Proença
José Maria Nóbrega
Fernando Araújo
José Manuel Neto
Ricardo Rocha
e
Orquestra Sinfonietta de Lisboa
Dirigida pelo Maestro
Vasco Pearce de Azevedo
Carlos
do Carmo
o fado e os
músicos
APOIO À DIVULGAÇÃO
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 13

Jon Spencer é por estes dias um homem
feliz. Em 2008, fartou-se de estar
farto dos Blues Explosion e juntouse
novamente a Judah Bauer e a Russel
Simins. Os Blues Explosion
regressaram, mas não para preparar
o sucessor de “Damage”, o último álbum
de originais, editado em 2004.
Há dois anos que andam a tocar as
canções de “Orange” ou “Now I Got
Worry”, dois dos monumentos que
gravaram na década de 1990. Entretanto,
Jon Spencer mergulhou nos
arquivos para devolver ao mundo, em
generosas reedições, a história toda:
os berros e guitarradas da extraordinária
e mui suada invenção que a banda
nova-iorquina deflagrou nas fuças
da música popular urbana quando os
anos 1990 andavam entretidos em ser
muito sérios e compenetrados.
E por isso Jon Spencer é um homem
feliz. Feliz de uma forma peculiar:
“Ainda estou lixado com todo o
rock’n’roll de merda que existe por
aí. Era assim antes e é assim agora.”
Estar lixado, como sabemos, é um
óptimo combustível criativo. “Vejo
falta de imaginação e falta de criatividade”.
Pausa: “Falta de tomates”.
Ora, isso irrita o homem feliz que é
hoje Jon Spencer. Até porque se há
coisa que nunca faltou aos Jon Spencer
Blues Explosion foi um nada discreto
par de tomates. A edição de
“Year One” e as reedições de “Extra
Width”, “Orange”, “Now I Got Worry”,
“ACME” e “Controversial Negro”,
cobrindo o período de 1991 a 1998,
são explícitas quanto aquele pormenor
anatómico.
Voltemos ao início. Jon Spencer continua
“lixado” como sempre. Não foi
isso, porém, que tornou os Blues Explosion
especiais. Em 1994, Spencer
dizia à revista Mojo, “se andar tudo à
volta do ‘vai-te foder’, então pura e
simplesmente não há esperança”. Homem
formado no underground do
punk americano, integrou em 1985 os
Pussy Galore, niilistas ferozes que se
propunham, a partir de esconsas caves
de Washington ou Nova Iorque,
homenagear e destruir no mesmo gesto
o cânone rock’n’roll. A banda onde
também encontrávamos Neil Michael
Hagerty, que formaria depois os maravilhosamente
decadentes Royal
Trux, era, argumenta Spencer, uma
manifestação de “horror total” e de
“ódio” perante a mediocridade vigente.
Era, classifica, “uma trip negativa”.
Os Blues Explosion escolheram outra
forma de confronto, a celebração: “[a
banda] somos nós a gritar ‘o rock’n’roll
é uma coisa belíssima, é música fantástica,
alegre, exultante, bonita e estranha.
É música que tem a misteriosa
vibração da electricidade, é subir a um
palco e atingir um pico de êxtase comunal
em que seja possível perdermonos.”
14 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
A verdade
Feita esta inflamada declaração que
podia ter saído das tiradas à pregador
profano que lhe ouvimos nos concertos,
ouvimos-lhe uma frase importante:
“Os Jon Spencer Blues Explosion
somos nós a dizer ‘é isto o rock’n’roll,
e é isto que rock’n’roll pode ser’”. Esse
movimento constante entre dois
desejos - o de encarnar o passado
projectando-se no futuro -, foi e é o
segredo da banda que gravou com o
veterano bluesman RL Burnside, mas
que também chamou o então “state
of the art” Beck para uma colaboração;
que resgatou o pioneiro soul Rufus
Thomas em “Now I Got Worry” e
que, depois, entregou a produção de
“ACME”, entre outros, a Dan The Automator,
respeitado produtor hip hop,
ou a Calvin Johnson, herói do punk
de Washington, fundador dos Beat
Happening e da K Records.
O “primitivista” Jon Spencer
Nos concertos dos Blues Explosion
não há (nunca houve) alinhamento
definido. Jon Spencer, invariavelmente
de cabedal negro, canta e meneia
as ancas como um Elvis em “speeds”,
rebola pelo chão como Lux Interior
e estica a mão até ao “theremin” para
que o zumbido eléctrico se torne ainda
mais intenso e perturbador. Atrás
de si, Russel Simins toca como poderosíssima
locomotiva que mantém
tudo em movimento feroz, sem uma
única falha (Simins nunca dá um tiro
ao lado). A seu lado, Judah Bauer, guitarrista
com a história toda na ponta
dos dedos, desdobra-se em sons cavernosos,
em guitarra slide infernal:
colide o funk com riffalhada Stones,
surge corrosão punk em groove
rhythm & blues.
Um concerto dos Jon Spencer Blues
Explosion é um festim arrebatador.
Uma cerimónia profana sem regras
para cumprir, com o mestre-de-cerimónias
Spencer a assomar como figura
que encarna todos os gloriosos
excessos do rock’n’roll: a sua sede
inconformista, a sua noção de espectáculo
e a sua caminhada no fio da
navalha, acenando com prazer micro
clichés (os vibratos Elvis no final das
frases ou a auto glorificação típica do
hip hop: “Raise your hand for the
Blues Explosion”) e uma vontade de
ser, à uma, provocação e exaltação
hedonista: “I’m talking about fucking!
Eating pussy! Making love! Sucking
cock!”, incita algures em “Controversial
Negro”.
Por tudo isso, a banda nunca foi
consensual. Nos Estados Unidos, por
exemplo, acusaram-nos de desrespeitar
o blues (eles que nunca foram uma
banda de blues) e de ridicularizar os
músicos e cantores negros (eles a
quem Rufus Thomas chamava “my
people”, eles que gravaram e andaram
em digressão com um verdadei-
dos Jon Spencer Blues E
Nos anos 1990, abalaram certezas com um descaramento épico, mostrando sem paninhos q
ser daí em frente. Ouvimos as reedições da sua discografi a e exclamamos: agradeçamos a
ro bluesman, RL Burnside, primo de
Muddy Waters). Pondo de parte as
acusações delirantes de racismo, feitas
por “branquelas arranjadinhos,
totós da música vivendo em medo e
cheios de sentimentos de culpa liberal”
(citamos o texto de apresentação
de “Controversial Negro”, título que,
como se depreende, é uma reacção à
“polémica”), os Jon Spencer Blues
Explosion eram acusados, genericamente,
de não serem sinceros. De não
serem, atente-se, verdadeiros.
Convencionou-se que a noção de
verdade é aquilo que separa o trigo
do joio no blues, no rock’n’roll ou no
punk. Mas a ideia de verdade não interessa
a Jon Spencer. Não tem qualquer
relação com o que são e com
aquilo que interessa nos Blues Explosion.
“Nah, não compro nada disso”,
resmunga. “Podes fazer o que quiseres,
podes dizer a maior mentira do
mundo. Rock’n’roll significa libertares-te
e apresentares ao mundo diferentes
versões de ti próprio. O relevante
é isto: fazer por ti mesmo, arcando
com as responsabilidades que
isso acarreta. Os Blues Explosion fizeram
o seu próprio caminho e, onde
quer que tenhamos chegado, chegámos
através de suor e muito trabalho”.
Trabalho e acção.
Spencer define-se como um “primitivista”
que não acredita em “técnica”,
mas sim em “paixão”. Quando
abordamos discos como o celebrado
“Orange” ou “Now I Got Worry”,
obras-primas de trabalho de estúdio
onde encontrávamos colagens sonoras
vanguardistas ou ideias de produ-
“Ainda estou lixado
com todo o rock’n’roll
de merda que existe
por aí. Era assim
antes e é assim agora.
Vejo falta de
imaginação e falta
de criatividade.
Falta de tomates”
Jon Spencer

Explosion
quentes que raio era isso do rock’n’roll e que raio podia
aos deuses pela Blues Explosion. Mário Lopes
O trio infernal,
Judah Bauer,
Russel
Simins,
Jon Spencer
ção hip hop fluindo harmoniosamente
entre a amálgama de guitarras,
teclados reverberantes e baterias ribombantes,
quando tentamos mergulhar
no processo criativo da Blues
Explosion, Spencer não tem mais a
dizer que isto: “Não separo a música
em cantos diferentes da sala. Quase
tudo acontece a um nível subconsciente.
Quando ouço discos ou quando
vejo concertos, não tiro notas para
utilizar mais tarde. Tenho sons na
cabeça e sinto-os nas entranhas. É
instintivo. Se acredito, ajo”.
Entre 1992 e 1998, os álbuns dos
Blues Explosion saíram com cadência
próxima a um por ano e os concertos
terão andado próximo do milhar.
Afloraram o mainstream quando
“Afro”, single de “Extra width”, começou
a passar na MTV, e estiveram
quase a instalar-se nele com o sucesso
de público e crítica de “Orange”.
Não chegaram lá. Ou melhor, chegaram
por interposta pessoa, quando
no início dos anos 00 começámos a
ouvir falar do “renascimento do
rock’n’roll” e de bandas como os White
Stripes. Ultrapassados pelos acontecimentos
e pelo frenesim mediático,
passaram a ser vistos como sobreviventes
de um passado longínquo –
não terá ajudado o facto de “Plastic
Fang” e “Damage”, álbuns de 2002 e
2004, serem os mais conservadores
e menos inspirados da banda.
Daí para cá, Jon Spencer dedicou-se
aos Heavy Trash, ao lado de Matt Verta-Ray,
ex-Speedball Baby, e Judah
Bauer integrou, por exemplo, a banda
de Cat Power. “Sentia-me esgotado e
queria tocar outro tipo de música,
com outras pessoas”, confessa o vocalista.
Agora? Agora que nos fala desde
Nova Iorque, acabado de chegar
de uma digressão australiana, tudo
mudou. Regressaram aos concertos,
nos últimos tempos têm passado de
quando em vez pelo estúdio e até pode
ser que haja um novo disco a caminho
“Tem sido óptimo voltar a tocar
com os Blues Explosion e foi óptimo
reeditar o catálogo. Fi-lo por
uma razão apenas: não estavam disponíveis
e acho que são bons”.
Bons?
Nos anos 1990 do grunge, nesses
anos 1990 em que os géneros se queriam
estanques e bem compartimentados,
os Jon Spencer Blues Explosion
abalaram certezas com um descaramento
épico, mostrando sem paninhos
quentes que raio era isso do
rock’n’roll e que raio podia ser daí em
frente.
Duas décadas depois, a sua música
não envelheceu um ano que seja.
Mantém uma carga icónica impressionante,
uma vitalidade inescapável,
um fulgor criativo inimitável. Agradeçamos
aos deuses do rock’n’roll pela
Jon Spencer Blues Explosion.
Ver crítica de discos págs. 28 e segs.
SÃO
LUIZ
JAN ~ 11
SÃO
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JAN ~ 11
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SEXTA E SÁBADO ÀS 21H00
DOMINGO ÀS 17H30
SALA PRINCIPAL
VÍDEOS FÁBIO IAQUONE, LUCA ATTILII MÚSICA ORIGINAL E DIRECÇÃO MUSICAL MÁRIO LAGINHA COREOGRAFIAS PAULO
RIBEIRO CENOGRAFIA NUNO LACERDA LOPES FIGURINOS BERNARDO MONTEIRO DESENHO DE LUZ RUI SIMÃO DESENHO
DE SOM FRANCISCO LEAL VOZ E ELOCUÇÃO JOÃO HENRIQUES ASSISTÊNCIA DE ENCENAÇÃO MANUEL TUR INTERPRETAÇÃO
JOSÉ MANUEL BARRETO, RAQUEL TAVARES (FADISTAS); EMÍLIA SILVESTRE, PEDRO ALMENDRA, PEDRO FRIAS (ACTORES);
CARLA RIBEIRO, FRANCISCO ROUSSEAU, MÁRIO FRANCO (BAILARINOS); MÁRIO LAGINHA, CARLOS PIÇARRA ALVES, MÁRIO
FRANCO, DIOGO CLEMENTE, MIGUEL AMARAL (MÚSICOS) COLABORAÇÃO ESPECIAL EM VÍDEO ALBANO JERÓNIMO, ANTÓNIO
DURÃES, JOÃO REIS, TERESA MADRUGA PRODUÇÃO TEATRO NACIONAL SÃO JOÃO COLABORAÇÃO OPART M/12
CO-PRODUÇÃO
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BILHETES À VENDA EM WWW.TEATROSOALUIZ.PT,
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Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 15
silva!designers

Os poetas, foi
Alain que os
levou a
Amália; as
músicas
também
Alain Oulman tinha um íman. A sua
presença puxava outras, qualquer cidade
onde se demorava o suficiente
para o seu magnetismo ensopar o ar
enviava-lhe como oferendas aos deuses
os seus seres mais criativos. À sua
volta, por entre garfadas da melhor
comida e goles dos melhores vinhos,
gente ligada às artes passava noites
inteiras em animadas tertúlias. Oulman
sentava toda a gente à mesa, mas
depois era como se desaparecesse.
Era alérgico aos holofotes, confundiase
com a sala, era aquele que nas fotografias
ou nos vídeos da noite apa-
16 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Em “Com que Voz”,
documentário sobre
Alain realizado pelo
seu filho Nicholas
Oulman, descobre-se
a história de
um homem que não
queria ser contado
e cujo nome tentou
resguardar sempre da
avidez dos holofotes
recia sempre em segundo plano, aquele
que escapa aos olhares mais rápidos
e que só uma visualização atenta e
cuidada consegue descortinar, aquele
com quem toda a gente falava e se confessava
mas de quem se sabia pouco
mais do que a sua ocupação do momento
e o imenso talento.
O escritor israelita Amos Oz ignorou
durante anos que Alain Oulman
era músico e tivera um passado vital
para a história do fado e para a idolatria
a Amália Rodrigues. Não era,
afinal, apenas o seu editor francês na
Calmann-Lévy. Em “Com que Voz”,
documentário sobre Alain realizado
pelo seu filho Nicholas Oulman, descobre-se
a história de um homem que
não queria ser contado e cujo nome
tentou resguardar sempre da avidez
dos holofotes. Daí que Nicholas ache
“chocante” que, em tantas horas que
Alain e Amos estiveram lado a lado,
comparando palavra a palavra as traduções
para francês dos textos do
israelita, nunca o seu pai tenha aproveitado
uma pausa para um cigarro
ou um café para deixar escapar um
“‘Olha, nunca te disse, mas sabes que
também faço música?’”.
Nicholas tem um nome para isto
– compartimentação. E é uma das
revelações que “Com que Voz” trouxe
ao filho realizador: “Como é que
uma pessoa consegue compartimentar
tanto a vida? Não sabia que isto
era tão drástico”. Ou seja, no máximo
da sua reserva, Alain dividia de forma
tão rigorosa cada área da sua vida,
que só se permitia mostrar uma das
suas facetas a quem tinha de lidar directamente
como ela. Era uma postura
quase geométrica: se alguém se
colocar junto a uma pirâmide, dela
não terá outra imagem que não a do
lado escolhido. Talvez que, como o
filme de Nicholas sugere, alguma coisa
desta postura provenha da pressão
que subitamente recaiu sobre si após
a morte do seu irmão mais velho, José.
Até aí um espírito livre, com o irmão
destinado a prosseguir os negócios
do pai em Lisboa, Alain tinha
estudado música na Suíça, começado
a compor, partido para Nova Iorque
e ficado absolutamente fascinado
com o jazz.
José, que ouvira nas palavras do
general De Gaulle um chamamento
com reverberação interior, alistou-se
na Royal Air Force com o desígnio de
libertar a Europa do jugo nazi, e num
voo picado em 1944 despenhou-se em
solo holandês. Alain foi então chamado
a vir para Lisboa, deixando a sua
vida e assumindo a do irmão. Mas
houve sempre uma recusa deste papel.
E enquanto passava os dias no
escritório da empresa familiar, em
Lisboa, de auscultador colado ao ouvido
a tratar de assuntos relacionados
com carvão, cereais ou café, ao lado
da pesada papelada burocrática destacavam-se
outras folhas onde a sua
mão caía repetidamente. As pautas,
onde rabiscava notas todo o dia, permitiam-lhe
a fuga constante ao fado
dinástico que parecia cercá-lo. O outro
fado, aquele que havia de confundir-se
com a voz de Amália, consumirlhe-ia
a criatividade durante os anos
seguintes, depois de ter dirigido teatro
nos Lisbon Players (onde conheceu
Felicity Serra, a mulher) e, mais
tarde Eunice Muñoz e João Perry em
“The Rainmaker” de Richard Nash.
Depois, Amália começa a revolução:
canta Camões, canta Alexandre
Lá na sombra, era Alain
“Com que Voz”, fi lme de Nicholas Oulman sobre o pai Alain Oulman, estreou-se ontem. Tempo para c
mudou o fado e Amália, mas que foi também encenador, editor de Amos Oz e dono de um magnetis m

O’Neil, canta David Mourão-Ferreira,
canta o disco “Busto” (1962), um assombro
interpretativo com o piano
intrometido numa fórmula que até
então era musicalmente mais limitada.
Os poetas, foi Alain que os levou
a Amália; as músicas também. Quando
a polémica estalou, Amália teve de
responder pela ‘heresia’ de cantar
Camões e de confiar a mais portuguesa
das músicas a um compositor estrangeiro.
“Que eu saiba o Alain não
é estrangeiro; que eu saiba nasceu no
Dafundo”, respondeu na RTP.
Lisboa-Paris
-Nova Iorque-Lisboa
Nicholas Oulman viveu com o pai dos
onze aos dezoito anos, em Paris. Depois
de ter sido preso pela PIDE,
Alain foi libertado com um considerável
esforço diplomático e deportado.
De certa forma, descobriu aí uma
nova liberdade, e seguiu sozinho para
França, deixando a família em Portugal
e dedicando-se obcecadamente
à editora literária Calmann-Lévy, casa
de autores como Amos Oz, Patricia
Highsmith ou Chaterine Clément, e
pela qual foi publicado em pleno Estado
Novo o livro de Mário Soares
“Portugal Bailloné” (“Portugal Amordaçado”).
Foi lá que viveu até à morte
aos 61 anos (1990), chegada quando
Nicholas se iniciava nas artes dos
filmes. Em 1993, Nicholas partiu para
Nova Iorque para estudar cinema e
por lá andou, a realizar “umas curtasmetragens
nos Estados Unidos, aquelas
coisas que uma pessoa quando
pensa que vai ser o próximo não sei
quantos…”.
Regressou a Portugal em 2002 e
quando preparava o argumento para
a sua primeira longa foi abordado pelo
Museu do Fado para saber da existência
de materiais que ajudassem a
montar uma exposição sobre o pai.
“Quando o meu pai faleceu muitas
das coisas foram postas em caixotes,
andámos de um país para o outro,
depois estive dez anos em Nova Ior-
a conhecer o compositor que e
s mo raro. Gonçalo Frota
que... Sabia que existiam certas coisas,
mas estava tudo desorganizado”.
Ao fazer esse trabalho de desencaixotamento,
Nicholas descobriu um filme
a desenhar-se por moto próprio à sua
frente, ao ser confrontado “com todas
as áreas de que tinha ouvido falar como
filho e não como pessoa do outro
lado da barreira”. Como pai, recorda
Nicholas, Alain “não era uma pessoa
de grandes conversas, era um trabalhador,
‘workaholic’, e nunca falava
muito daquilo que fazia”.
Mas nesse processo, Nicholas percebeu
logo que a sua maior dificuldade
seria contar a história do pai quando
ele se esquivava espantosamente
de todos os momentos públicos. “Como
o meu pai estava sempre em segundo
plano, sabia que não ia haver
muita coisa, mas na verdade não encontrei
absolutamente nada”. Foi um
mergulho nos arquivos em seco, sem
nada que o amparasse. Por isso, “Com
que Voz” vai levantando o véu sobre
Alain Oulman, desembocando numa
cena final que, para Nicholas, é o desfecho
inevitável, Alain de súbito em
voz e imagem, num ensaio com Amália,
que desnuda num par de minutos
“a relação de trabalho, amizade, admiração
e respeito” entre os dois.
Confortável com o facto de o perí-
odo retratado maioritariamente no
documentário ntário respeitar a um
tempo que, ue, como filho,
Nicholas não viveu – nas- nascido
em 1967 e tendo
passado toda a Infância
a
em Portugal, ugal, via esporadicamenteente
o pai até
ir viver com om ele em Paris
no final al dos anos
s
70 –, Nicholas holas sabia
que tinha a aí uma
defesa para ara evitar
uma terrível errível
armadilha: ha: a
de “fazer er
um filme e
simplesmente
de um
Nicholas Oulman viveu com
o pai dos onze aos dezoito anos,
em Paris
Filho de um filho sobre o Pai?
Nicholas diz que é, antes, um
filme sobre a vida de uma
pessoa e as escolhas que ela
teve de fazer
filho sobre o pai”. O que queria era
contar a vida de uma pessoa e as escolhas
que esta teve de fazer. Para
isso, foi fundamental a presença da
mãe em frente às câmaras, único garante
de que “Com que Voz” não se
tornaria uma peça de glorificação,
fazendo Alain humano aos olhos do
público. “Se fosse um filme de glorificação,
passados dez minutos já estava
toda a gente farta. Sem entrar em
intimidades devassas, era importante
mostrar também o lado humano. É a
história de uma pessoa, que fez coisas
boas e menos boas; se calhar há quem
tenha sofrido pelas escolhas que ele
fez. Só mostrar as qualidades tornálo-ia
sobre-humano”.
Daí que se oiça Felicity confessar
que talvez ele nunca se devesse ter
casado ou ter filhos, numa sequência
que tanto pode ser justificada pela
frequente ausência da vida familiar
devido aos obsessivos períodos criativos,
como também deixa no ar uma
ambiguidade relativamente à sexualidade
do compositor. Nicholas nega
a intenção, mas diz que a interpretação
lhe passou igualmente pela cabeça
na montagem e preferiu não a subtrair.
Não passando de uma coincidência,
o filho lembra que na vida comum
que tiveram em Paris Alain “trabalhava
e às sextas-feiras normalmente
havia um jantar com autores, pessoas
com quem trabalhava ou elementos
de júris de prémios literários que era
preciso cortejar”. “Havia essas tertúlias
lá em casa, depois eles saíam, eu
ficava em casa, e aí já não sei o que
acontecia”. As interpretações estão
aí para ser feitas e, para seu espanto,
há quem lhe tenha dito que este não
é um filme sobre Alain Oulman, mas
sim sobre mulheres abandonadas:
Felicity e Amália.
É provável que para o escasso público
para quem o nome de Alain Oulman
soasse já familiar, “Com que Voz”
seja na mesma uma enorme descoberta.
Para Nicholas, no entanto, não
mudou nada de relevante na imagem
que tem do pai. Na sua memória, virão
sempre em primeiro lugar as discus-
sões que tiveram quando Alain lhe
chamava ch c amava a atenção para alguma
coisa co c isa ou o dia em que, aos 13
anos, an anos, o pai lhe passou pela primeirame
m ira vez o volante do carro
para pa para as mãos.
Ver Ve Ver crítica de filmes págs.
33 3 e segs.
JOÃO HENRIQUES
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Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 17

Poetas a quem o
ensinou a
A poesia portuguesa em diálogo com o movimento das imagens do cinema. O cinema “faz parte
nenhum momento em que não me lembro de não ter visto fi lmes”, diz-nos José Miguel Silva, um
“Poemas com Cinema”. Francisco Valente
“Persona” e
“Lágrimas e
Suspiros”, de
Ingmar
Bergman
“Morreu a mais bela mulher do mundo”,
escreveu Ruy Belo sobre Marilyn
Monroe, para quem pediu “em
vez de marilyn dizer mulher”. A eternidade
da imagem de Marilyn, superior
à mortalidade da vida, encontrava
também caminho no movimento
da poesia de Ruy Belo, onde
viveria ainda o calor da imagem de
Natalie Wood (“eu sei que deanie
loomis não existe/mas entre as mais
essa mulher caminha/e a sua evolução
segue uma linha/que à imaginação
pura resiste”).
Em “Poemas com Cinema” (Assírio
& Alvim) é-nos proposto um olhar
sobre esses caminhos: a poesia portuguesa
em diálogo com o movimento
das imagens do cinema. “Queríamos
lançar pistas para uma reflexão
sem dar uma leitura teórica”, diz
Rosa Maria Martelo, co-organizadora
da antologia. “A estrutura da antologia,
no fundo, remete para essas
pistas.” O resultado é um trabalho
inédito na edição portuguesa: um
livro exclusivamente centrado na
poesia portuguesa e nos seus pontos
de contacto com outra forma de escrita
— a das imagens e da sua montagem.
“Conhecíamos algumas antologias
mas não havia uma para a
poesia portuguesa”, diz Martelo,
“achámos que poderia ser interessante
ver como a situação se equacionava”.
O ponto de partida é “um
texto de Herberto Helder que faz
uma reflexão entre a poesia de tradição
moderna e o cinema”, afirma.
“Era a sua ideia de território partilhado
que nos interessava pôr em
evidência, e esse território prende-se
muito com a tradição moderna: a da
poesia da imagem.”
Um refl exo da vida
A associação entre cinema e poesia
resultará, no fundo, do fascínio mútuo
pela projecção de imagens, espelhada
na montagem dos versos e planos
de cada uma das formas de expressão.
“Poemas com Cinema”
sugere, em primeiro plano, uma relação
dos poetas com o cinema como
fonte de inspiração emocional. “O
cinema é uma experiência emocional
e intelectual pelos desafios que coloca,
uma interpelação que pode motivar
a escrever”, diz José Miguel Silva
(n. 1969). “Faz parte do ar que
respiramos. Não houve nenhum mo-
18 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Armando Silva Carvalho
poeta e tradutor dos livros de Ingmar
Bergman “Lágrimas e Suspiros,
seguido de Persona e Dependência” e
“Fanny e Alexandre”
“Fui para o cinema de calções, vi muita coboiada e
gozei que nem um bruto com a veloz realidade das
fitas, ensinaram-me a ver o mundo para lá do
salazarento à minha volta”. Antes da faculdade,
via imagens pelo cinema ambulante, “medíocres
filmes de cobóis e melosos xaropes com Milu e
António Silva”, até se dedicar ao “filme de autor,
Fellini ou Bergman, e alguma ‘nouvelle vague’ que
me passou por cima.”

cinema
a ver
do ar que respiramos. Não houve
dos poetas da antologia
“Nostalgia”
e “Stalker”, de
Tarkovsky
mento em que não me lembro de não
ter visto filmes.”
O poeta, incluído na antologia, é
dos exemplos mais marcantes da presença
do cinema na poesia portuguesa,
uma escrita que chama as experiências
vividas nas salas. “Um dos
primeiros cineastas que me interessou
foi Tarkovsky, com ‘Nostalgia’
(1983) e ‘Stalker’ (1979). Na minha
adolescência, foi marcante. Podia ser
comparado às grandes obras literárias:
a lentidão, o cuidado com a
composição das imagens. Foi uma
revolução.” Hoje evoca John Cassavetes
como referência. “‘Maridos’
(1972) provocou-me uma comoção
muito grande: pessoas comuns numa
noite de farra, com conversas banais,
com quem não teríamos dificuldades
em falar ou adoptar uma perspectiva
diferente para os abordar. Acabou
por ser um filme chave na minha estética.”
Armando Silva Carvalho (n. 1938),
poeta e tradutor dos livros de Ingmar
Bergman (“Lágrimas e Suspiros, se-
José Miguel Silva
“Um dos primeiros cineastas
que me interessou foi
Tarkovsky, com ‘Nostalgia’
(1983) e ‘Stalker’ (1979). Na
minha adolescência, foi
marcante. Podia ser
comparado às grandes obras
literárias: a lentidão, o cuidado
com a composição das
imagens. Foi uma revolução.”
guido de Persona e Dependência” e
“Fanny e Alexandre”, ed. Assírio &
Alvim), evoca o cinema como uma
descoberta de um mundo para além
da sua realidade. “Fui para o cinema
de calções, vi muita coboiada e gozei
que nem um bruto com a veloz realidade
das fitas, ensinaram-me a ver o
mundo para lá do salazarento à minha
volta”. Antes da faculdade, via imagens
pelo cinema ambulante, “medíocres
filmes de cobóis e melosos xaropes
portugueses com Milu e António
Silva”, até se dedicar, em Lisboa,
ao “filme de autor, Fellini ou Bergman,
e alguma ‘nouvelle vague’ que
me passou por cima.” A sua experiência
no cinema enquanto “argumentista
profissional” assim como junto
à mesa de montagem ajudaram-no “a
cortar metodicamente no tempo para
conseguir a síntese na escrita.”
Pedro Mexia (n. 1972) também viveu
com o cinema na escrita e na sua
vida profissional. O universo do poeta,
ex-subdirector da Cinemateca e
tradutor de “Notas sobre o Cine-
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T 220 120 220
Rui Horta
O TNSJ É MEMBRO DA
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direcção, espaço
cénico, desenho de luz
Rui Horta
coreografia
Rui Horta, em conjunto
com todos os intérpretes
textos
Rui Horta
Tiago Rodrigues
música e direcção musical
João Lucas
assistente do coreógrafo
Anabelle Bonnery
interpretação
Gilles Baron
Katarzyna Sitarz
Marcus Baldemar
Milán Újvári
Noemí Viana Garcia
Silvia Bertoncelli
Vít Barták
músicos
Anthony Wheeldon
(guitarra e electrónica)
DJ Ride
(turntable e electrónica)
Marco Santos
(percussão e electrónica)
Paulo Temeroso
(sopros e electrónica)
banda filarmónica Banda
da Sociedade Carlista
(Montemor-o-Novo)
Teatro
Nacional
São João
5+6
Fev
2011
co-produção
Centro Cultural de Belém
O Espaço do Tempo
Centro Cultural Vila Flor
TEMPO – Teatro Municipal
de Portimão
Câmara Municipal
de Montemor-o-Novo
TNSJ
dur. aprox. 1:30
M/12 anos
sábado 21:30
domingo 16:00
www.tnsj.pt
LINHA VERDE 800-10-8675
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 19
fotografia Zsófia Gergely, design Joana Monteiro

Pedro Mexia
“Um dos meus filmes preferidos é ‘Paris, Texas’
(1984). A questão que põe sobre o casal... Acho que
não tenho escrito sobre outra coisa”
“Paris Texas”,
de Wim
Wenders, e
“Pickpocket”,
de Robert
Bresson
matógrafo” de Robert Bresson “foi
formado por alguns filmes”, diz-nos.
“No caso de Bresson, o impacto é
nítido: são filmes que têm muita importância,
por razões estéticas e não
só. Não posso negar que o seu catolicismo
me interessa.” Para Mexia,
o cinema é também uma experiência
emocional, à semelhança do que poderá
alimentar a inspiração da escrita.
“Vemos filmes que nos dizem
muito pela altura em que os vimos,
o que não deixa de ser poético. Lembro-me
de um filme do qual tinha
uma ideia sublime: ‘Verão de 42’ de
Robert Mulligan, a descoberta da
sexualidade com Jennifer O’Neill. Na
altura, teve um impacto brutal, e não
desprezo o impacto de filmes menos
bons. Gosto muito do lado emotivo
do cinema em que a estética não é
tudo.” O poeta vê ainda paralelos na
sua escrita. “Um dos meus filmes
preferidos é ‘Paris, Texas’ (1984). A
questão que põe sobre o casal...
Acho que não tenho escrito sobre
outra coisa.”
Um movimento para a escrita
Para além desse fascínio, coloca-se a
questão sugerida pelos últimos capítulos
da antologia: uma influência do
cinema que abre novos caminhos na
escrita poética. No fundo, uma montagem
de imagens no ecrã que intervém,
pelo trabalho do autor, na montagem
dos seus versos e na projecção
das suas palavras. Segundo Rosa Maria
Martelo, “a relação entre a poesia
e visualidade é muito importante na
construção da ideia moderna de poesia,
como no fascínio pela velocidade
e movimento. A captação deste e
a relação com a imagem coloca-se de
maneira muito forte, e tanto a poesia
como o cinema respondem a isso.”
Pedro Mexia lembra o espírito de
contaminação das artes no século XX.
“As primeiras obras-primas do cinema
a serem discutidas começam com
Griffith em 1917. Em 1922, temos ‘The
Waste Land’ de T.S. Elliot, em que a
montagem de referências é um exercício
intensíssimo de citações e influências
culturais.” Com o surrealismo
vem o surgimento da “grande escola”,
adaptações de poetas (Robert
20 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Desnos, Antonin Artaud) dominadas
por “uma lógica do insólito e da associação”.
Mais tarde, surgem artistas
multifacetados como Jean Cocteau,
que “dividiu a sua obra completa em
poesia para teatro ou para cinema”,
ou Pasolini, que explorou a verbalidade
na poesia e cinema. Em Portugal,
afirma Mexia, “vemos ‘Trás-os-
Montes’ (1976) de António Reis e não
estranhamos aquela pessoa ter escrito
poesia.”
Joana Matos Frias, co-organizadora
da antologia, esclarece que “entre poesia
e cinema, como com outra arte,
não existe tradução ou a sua possibilidade”,
mas “um processo de metamorfose
que pode ter consequências
distintas.” Na antologia, essa mutação
existe em Herberto Helder ou Manuel
Gusmão, onde “a relação com o cinema
é estruturante da sua própria poética,
mas o modo como cada um pode
pensá-la é único.”
Para Manuel Gusmão (n. 1945),
“vários filmes” passam na sua poesia:
“‘A Fera Humana’ (1938) de Renoir
ou ‘Johnny Guitar’ (1954) de
Nicholas Ray, com importação de
frases que sei hoje de cor”, diz-nos.
“É por associação às imagens do cinema
que monto a minha biografia.
‘Deus Sabe Quanto Amei’ [Minnelli,
1958] surge relacionado com acontecimentos
da minha vida afectados
pelo filme que trato de contar [no
poema].” O poeta assume, deste modo,
o desejo de montagem pessoal a
partir das imagens dos outros. “O
que me interessa na narrativa e na
imagem cinematográfica, e como
maneira para transpor para a poesia,
é a alucinação. Interessa-me fazer
narrativas com a montagem das imagens
do cinema.”
Na antologia, Gusmão cria o seu
movimento poético a partir de “Crónica
de Ana Madalena Bach” (1968)
de Jean-Marie Straub e cruza as suas
memórias de “O Herói Sacrílego”
(1955) de Kenji Mizoguchi com “Rapsódia
em Agosto” (1991) de Kurosawa.
“É a possibilidade de montagem entre
realizadores diferentes, e em poesia
isso é a possibilidade da citação.” A
experiência de visionamento e memória
toma as imagens dos filmes,
pela sua escrita, como já suas. “Muitas
vezes, não tenho a certeza de como é
uma imagem no filme, e sei que há
casos em que a modifiquei. O que me
interessa é essa modificação.” O jogo
de citação, para Gusmão, é fonte de
criação para o “fazer da linguagem”,
um ponto comum entre as duas expressões
artísticas. “Godard joga muito
com elementos do jogo de palavras
quando fala, por exemplo, de ‘fauxtographie’
[“falsa-tografia”, “Fim-de-
Semana”, 1967]. Isso é um exercício
poético: recorrer a algo da linguagem
verbal ou à manipulação retórica da
linguagem no cinema.”
Os diálogos entre o cinema e a poesia
revelam, assim, uma inspiração
pela projecção das suas imagens que
nos ensina a ver melhor. Como escreveu
Ruy Belo, “poemas onde o cinema
me ensinou a ver”. Ou Godard,
fechando “Pedro o Louco” (1965)
com versos de Rimbaud, encontrando
a eternidade na junção do sol com
o mar.
“Crónica de
Ana Madalena
Bach”, de
Straub,
“Johnny
Guitar”, de
Nicholas Ray
e “Deus Sabe
Quanto Amei”,
de Minnelli
Manuel Gusmão
“Vários filmes” passam na sua poesia: “‘A Fera
Humana’ (1938) de Renoir ou ‘Johnny Guitar’ (1954)
de Nicholas Ray, com importação de frases que sei
hoje de cor. É por associação às imagens do cinema
que monto a minha biografia. ‘Deus Sabe Quanto
Amei’ [Minnelli, 1958] surge relacionado com
acontecimentos da minha vida afectados pelo filme
que trato de contar [no poema].”

Stieg
por Eva
A companheira do escritor Stieg Larsson,
Eva Gabrielsson, publicou as suas memórias.
Um desejo de vingança mais do que grandes
revelações Isabel Coutinho
O último Verão que Eva Gabrielsson
passou com o seu companheiro, o
escritor sueco Stieg Larsson, foi diferente
dos outros. Finalmente, o casal
tinha tempo um para o outro. Stieg
assinara o contrato para a publicação
de três livros da série “Millennium” e
estava feliz. Nessas férias os dois visitaram
amigos e alugaram uma cabana
no arquipélago de Estocolmo. No final
do mês de Agosto, em que Stieg fez
50 anos, o escritor disse timidamente
à arquitecta com quem vivia há 32
anos: “E se nos casássemos agora?”.
Combinaram então que, no Outono,
fariam uma festa para comemorarem
os 50 anos. Chamariam os amigos
e, no final, revelariam que se tratava
da festa de casamento. “Desde
uma viagem que fizemos a Lisboa, em
2001, guardávamos para a festa dos
nossos 50 anos uma garrafa de vinho
do Porto ‘Quinta Noval 1976’. Contudo
não tivemos tempo, nem para o
casamento, nem para a festa. Esta
garrafa aparece no segundo volume
de ‘Millennium’, no apartamento novo
de Lisbeth Salander. A garrafa está
agora na minha cozinha. Nunca a irei
abrir”, escreve Eva Gabrielsson em
“Millénium - Stieg et moi”, livro de
memórias publicado a semana passada,
em França, pela editora Actes Sud.
Escrito pela viúva de Stieg, com a ajuda
da jornalista francesa Marie-Françoise
Colombani, a obra conta a sua
versão dos acontecimentos que viveu
depois da morte do escritor, em 2004,
e fala da sua indignação quando se
viu confrontada com a lei da sucessão
sueca. Quando não há testamento, os
herdeiros são os familiares mais próximos,
neste caso o irmão e o pai de
Stieg.
Tudo teria sido diferente se, naquele
Outono, Stieg e Eva se tivessem casado.
O escritor morreu a 9 de Novembro,
num hospital de Estocolmo,
na sequência de uma crise cardíaca:
sentiu-se mal ao subir as escadas do
edifício onde trabalhava, a redacção
Ao ritmo a que vão
as coisas, escreve Eva,
não ficará admirada
se um dia deparar
com o nome
do companheiro
numa garrafa de
cerveja, num pacote
de café ou a dar nome
a um carro
da revista “Expo”. Eva estava noutra
cidade. Quando chegou o companheiro
estava morto. Nas memórias conta
com pormenor o que se passou nesses
dias, nos meses e nos anos seguintes.
Os direitos já foram vendidos para
dezanove países mas ainda não foram
adquiridos para Portugal.
Vingança
“Millénium - Stieg et moi” tem cerca
de 200 páginas e não nos revela nada
de muito surpreendente. Embora Eva
conte de forma estruturada e, por vezes,
detalhada, o que se passou na sua
vida antes e depois da morte de Stieg
Larsson, já contou grande parte do
que ali é descrito em entrevistas, nomeadamente
naquela que deu ao ípsilon,
em Estocolmo, o ano passado
(edição de 30 de Abril 2010). A novidade
é a publicação de uma carta que
Stieg escreveu antes de partir para
África, em 1977, e que ela só encontrou
depois da sua morte; a transcrição dos
diários de Eva dos últimos anos onde
assistimos, passo a passo, ao processo
de ruptura entre ela e a família de
Stieg. Perpassa no livro um desejo de
vingança e o relato de uma cerimónia
com textos da mitologia escandinava,
que lhe serviu de terapia, é revelador
da perturbação de Eva depois da morte
de Stieg e depois de ter perdido tudo:
até a esperança.
No último capítulo Eva fala do quarto
volume da série – o manuscrito que
Larsson deixou inacabado e que teria
como título provisório “A Vingança
de Deus” – mas não dá pormenores.
Conta que no dia seguinte à morte de
Stieg, a irmã de Eva foi entregar a mochila
do escritor na redacção da “Expo”.
Esse saco continha a sua agenda,
com o sumário e detalhes da edição
da revista que preparavam, e o computador
portátil que pertencia à revista.
Ali estavam os seus artigos, a
correspondência, as suas investigações,
os contactos das fontes, etc. “O
quarto volume de Millennium encontra-se
aqui...talvez.”, escreve Eva.
“Tem mais de duas centenas de páginas
pois quando fomos para férias,
no último Verão que passámos juntos,
Stieg já tinha escrito mais de 160”, diz
Eva, que arrisca afirmar que o seu
companheiro talvez tenha conseguido
escrever mais 50 páginas até ao dia
em que morreu. “Não pretendo contar
aqui a trama do quarto volume.
Mas tenho vontade de dizer que, neste
livro, Lisbeth liberta-se pouco a
pouco dos seus fantasmas e dos seus
inimigos. Cada vez que ela se consegue
vingar de uma pessoa que lhe fez
mal, fisicamente ou psicologicamente,
apaga a tatuagem que para ela representa
essa pessoa. Enquanto os
piercings correspondem a um fenómeno
de moda entre as pessoas da
sua idade, para Lisbeth as tatuagens
são uma pintura de guerra”, lê-se na
página 184.
Eva conta que Stieg escreveu duas
mil páginas em dois anos, “quase sem
notas, sem pesquisa, a não ser em relação
a pequenos detalhes, sem in-
Tudo teria sido diferente
se, naquele Outono, Stieg e Eva
se tivessem casado
vestigação”. Como é que isto foi possível?,
pergunta. A explicação que dá
é simples: “São as nossas vidas e os
nossos 32 anos de vida em comum
que formam a base de dados destes
livros. São fruto da experiência de
Stieg, mas também da minha. Dos
nossos combates, das nossas lutas,
das nossas viagens, das nossas paixões,
dos nossos medos... Estes livros
são o puzzle das nossas vidas.”
É por isso que Eva não consegue
dizer o que é que nos livros vem dela
ou do companheiro. Coloca-se sempre
numa posição ambígua. Tanto diz
que Stieg gastou anos de trabalho em
cada livro, como diz que tinham uma
linguagem comum, escreveram várias
ENCENAÇÃO e REALIZAÇÃO VÍDEO
JOÃO LOURENÇO
MÚSICA
MAZGANI
CENÁRIO
ANTÓNIO CASIMIRO
JOÃO LOURENÇO
BERTOLT BRECHT
ESTRUTURA PATROCINADA PELO
APOIO
vezes juntos. Conta também que em
2005, o seu representante fez uma
proposta ao pai e irmão de Stieg, os
herdeiros segundo a lei sueca, e à editora
Norstedts, para que ela ficasse
com a gestão dos direitos morais da
obra de Stieg, de maneira a poder trabalhar
nos textos do companheiro e
terminar o quarto volume. Os Larsson
recusaram. Eva continua a lutar por
ter esse direito. Não quer que o nome
de Stieg Larsson continue a ser “uma
indústria e uma marca”. Ao ritmo a
que vão as coisas, escreve, não ficará
admirada se um dia deparar com o
nome do companheiro numa garrafa
de cerveja, num pacote de café ou a
dar nome a um carro.
FIGURINOS
BERNARDO MONTEIRO
COREOGRAFIA
CLÁUDIA NÓVOA
SUPERVISÃO AUDIOVISUAL
AURÉLIO VASQUES
LUZ
MELIM TEIXEIRA
[ m/12 ]
QUARTA A SÁBADO 21H30 DOMINGO-MATINÉE 16H00
VERSÃO JOÃO LOURENÇO | VERA SAN PAYO DE LEMOS
DRAMATURGIA VERA SAN PAYO DE LEMOS
COM
ANTÓNIO PEDRO LIMA | CÁTIA RIBEIRO
CARLOS MALVAREZ | CRISTÓVÃO CAMPOS
FRANCISCO PESTANA | JOÃO FERNANDEZ
LUIS BARROS | MAFALDA LENCASTRE
MAFALDA LUÍS DE CASTRO | MARTA DIAS
MIGUEL GUILHERME | MIGUEL TAPADAS
PATRÍCIA ANDRÉ | RUI MORISSON
SARA CIPRIANO | SÉRGIO PRAIA
SOFIA DE PORTUGAL
VASCO SOUSA
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 21

FRANÇA
22 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Nanterre
BURKINA FASO
Bobo-Dioulasso
ALEMANHA
Berlim
Palermo
ITÁLIA
Tel Aviv
ISRAEL

“Third Generation”,
Habimah National
Theatre (Tel Aviv) /
Schaubühne (Berlim)
A dramaturga e encenadora
israelita Yael Ronen tem feito
sucessivas experiências de
cruzamento das narrativas
identitárias de Israel com
histórias contíguas como a
da Palestina, da Alemanha e
da Polónia. “Third
Generation” é a última dessas
experiências.
“Shakespeare Salvato
dai Ragazzini”, Teatro
Garibaldi alla Kalsa
(Palermo)
O Teatro Garibaldi investe na
produção de textos clássicos
com um elenco formado por
adolescentes da burguesia e
do proletariado de Palermo.
No ano passado, o cineasta
Raoul Ruiz rodou um
documentário com eles,
“L’Estate Breve”.
“Médée”, Théâtre de
Nanterre-Amandiers
(Nanterre)
Depois de uma viagem ao
Burkina Faso, o encenador
Jean-Louis Martinelli quis
fazer uma “Medeia” só com
actores africanos. Vieram de
Bobo-Dioulasso para ensaiar
e estrear em Nanterre. A peça
continua em digressão e
estará no Porto em Maio.
Teatros de portas abertas ao
mundo
Yael Ronen pôs israelitas, palestinianos e alemães a lamberem as feridas
do Holocausto e da ocupação. Matteo Bavera abriu um teatro num
bairro infrequentável e salvou miúdos com textos de Shakespeare. Jean-
Louis Martinelli levantou uma “Medeia” do chão do Burkina Faso. Hoje e
amanhã, eles vêm ao Porto dizer o que o teatro pode fazer pelo mundo –
numa sala, o S. João, que tem o mundo inteiro nas traseiras. Inês Nadais
Há quatro anos, quando o barbeiro
argelino Samir Moussa foi preso na
Rua Cimo de Vila por suspeita de ligações
ao terrorismo internacional,
o Porto acordou para o facto de ter o
mundo inteiro, Al-Qaeda eventualmente
incluída, nas traseiras do Teatro
Nacional S. João (TNSJ). Até hoje,
esse mundo de barbearias argelinas,
lojas de pedras preciosas bengalis,
talhos “halal” e balconistas paquistaneses,
de um lado, e, do outro, o mundo
do S. João, onde nem a parte da
Rua do Cimo de Vila que é mais “nacional”
(a das tascas com presuntos
suspensos do tecto e “boîtes” à antiga
portuguesa) costuma entrar, continuam
a ser realidades paralelas. Mas é
de casos em que o teatro saiu à rua
que se vai falar hoje e amanhã no
TNSJ: o colóquio que abre o programa
Odisseia traz ao Porto a israelita que
pôs judeus, palestinianos e alemães
a lamberem juntos as feridas do Holocausto
e da ocupação, o italiano que
reabriu um teatro em ruínas num
bairro infrequentável de Palermo e
salvou miúdos da delinquência com
textos de Shakespeare, e o francês
que foi ao Burkina Faso levantar uma
“Medeia” do chão para depois a estrear
em Nanterre. Dizem que é como
andar de bicicleta: depois de aprender
como se faz, nunca se esquece.
Yael Ronen ( Jerusalém, 1976) tem,
digamos, andado várias vezes de bicicleta
nos últimos anos. Faz política
por outros meios desde que, em 2005,
estreou “Plonter” no Cameri Theatre
de Tel Aviv – lá fora o Governo construía
um muro para isolar a Faixa de
Gaza, lá dentro ela juntava israelitas
e árabes israelitas num drama político
sobre a interminável história de
violência de Israel em que todas as
partes do conflito perdiam a face. Três
anos depois, foi para Wroclav trabalhar
com actores polacos sobre a memória
do Holocausto (ou seja: abrir a
ferida da colaboração da sociedade
civil polaca no extermínio dos judeus
da Europa), ao mesmo tempo que o
encenador polaco Michal Zadara fazia
o movimento inverso e se instalava
em Tel Aviv para tratar o outro lado
da questão (a história mal contada dos
polacos anónimos a quem muitos judeus
devem a vida) com actores israelitas.
Dessas linhas cruzadas resultou
um díptico, “Bat Yam” / “Tykocin Express”,
que resume o método de trabalho
de Yael Ronen: nos espectáculos
dela, os actores não representam,
mudam verdadeiramente de pele (e
com eles os espectadores). “Third
Generation” (2009), coprodução do
Habimah National Theatre de Tel Aviv
com a Schaubühne de Berlim, foi a
sua última e mais transformadora experiência:
um espectáculo triangular
em que quatro israelitas, quatro palestinianos
e quatro alemães da terceira
geração pós-Holocausto abrem
as bonecas russas de uma longa narrativa
de culpa e vitimização.
É provável que amanhã, no Porto,
Ronen repita o que disse ao Ípsilon
por telefone, desde Tel Aviv, quando
lhe perguntámos o que é que o teatro
pode fazer pelo entendimento israelo-árabe:
“Como é óbvio, absolutamente
nada. E no entanto as pessoas
são influenciadas pelas mais variadas
coisas: incidentalmente, uma dessas
coisas pode ser a minha peça de tea-
“O conflito israeloárabe
incomoda-me
demasiado no meu
dia-a-dia. Se me
limitasse a montar
Shakespeare
e Molière, sentir-me-ia
uma hipócrita”
Yael Ronen
tro. De qualquer modo, não é um tema
que eu possa evitar. O conflito
israelo-árabe incomoda-me demasiado
no meu dia-a-dia. Se me limitasse
a montar Shakespeare e Molière, sentir-me-ia
uma hipócrita”. Também
não seria o Habimah (de que o seu
pai, Ilan Ronen, é aliás um dos directores
artísticos) a pedir-lhe para evitar
o tema: as missões estatutárias do teatro
nacional israelita incluem “produzir
peças que confrontem as relações
israelo-árabes, as tensões entre
judeus religiosos e seculares e entre
israelitas imigrantes e nativos, e ainda
o estatuto da mulher, a corrupção
burocrática, o fosso geracional, o Holocausto”.
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 23

24 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
O Garibaldi,
em Palermo,
é absoluta
mente
singular
(ou pelo
menos era,
até às obras
de restauro
que ainda não
estão terminadas):
sem
tecto e sem
palco, é um
teatro onde
qualquer pes
soa, qualquer
gato, pode
entrar a
qualquer hora
“O melhor teatro
que se pode fazer
é o teatro não
profissional.
É o único que muda
realmente as pessoas”
Matteo Bavera,
Teatro Garibaldi
Quando se estreou em Berlim,
“Third Generation” tinha em cima um
estágio de um mês em que os actores
tiveram de lidar em conjunto com
todo o pesado historial dos seus passados
cruzados, uma série de encontros
com especialistas (historiadores,
jornalistas, terapeutas) e visitas de
estudos a lugares cruciais da “Shoah”
e do conflito israelo-palestiniano
(campos de concentração, memoriais,
“checkpoints”). “Sentimos alívio
nos espectadores, como se finalmente
alguém falasse daquilo de que todos
queremos falar mas não temos
coragem. Sobretudo na Alemanha”,
diz Ronen. É tudo mais fácil entre israelitas
e alemães, por causa da distância:
“Com os alemães sentimos o
poder de perdoar, o poder de esquecer.
Com os palestinianos, ainda é
tudo muito emocional. E há uma linha
vermelha: sempre que aparecia a
comparação entre o Holocausto e a
ocupação, era o fim da discussão”.
Por lamber feridas que estão longe
de sequer começar a cicatrizar, e
questionar a importância desproporcionada
do Holocausto na identidade
israelita, o Governo não ficou demasiado
contente com a peça: “O Ministério
dos Negócios Estrangeiros achou
que este triângulo era demasiado explosivo”.
“Third Generation” provocou
“discussões apaixonadas, verdadeiras
lutas entre espectadores” no
Habimah, mas não conseguiu sair de
Tel Aviv para fazer a programada digressão
num país onde, mesmo não
podendo fazer, “como é óbvio, absolutamente
nada”, o teatro é uma forma
verdadeiramente popular: “Aqui
as pessoas vão mais ao teatro do que
ao futebol. Mas os três teatros de repertório
produzem em hebraico. As
audiências não são muito mistas”.
Ninguém acredita verdadeiramente
que venham a sê-lo nos próximos
tempos. Debaixo do Habimah, as au-
toridades de Tel Aviv fizeram construir
um abrigo anti-aéreo que pode
acolher até 1600 pessoas em caso de
bombardeamento.
Garibaldi, teatro aberto
Dois mil quilómetros a Oeste de Tel
Aviv, numa cidade mais a Sul da Europa
do que certos pontos do Norte
de África, Matteo Bavera (Santa Agata
de Militello, Sicília, 1955) também
decidiu aventurar-se numa zona de
guerra: Kalsa, um bairro infrequentável
de Palermo (um teatro em ruínas
inaugurado em 1862 pelo próprio Garibaldi
e depois sucessivamente abandonado
e reconvertido em cabaré,
cinema porno, “hall” de boxe, e à volta
todos os tipos de tráfico e de criminalidade,
a pobreza e a Máfia, outra
história interminável). Chamou um
encenador, Carlo Cecchi, e perguntou-lhe
se queria reabrir o Garibaldi
com ele: “Aquilo não era só a ruína
de um bairro em ruínas. Era o espelho
da história trágica de Palermo e da
Itália. As guerras, as Brigadas Vermelhas,
a Máfia, num século passámos
de um horror a outro”, recordava Cecchi
há uns anos ao “Le Monde”.
Quando Bavera o ocupou, em 1996,
o Garibaldi estava abandonado há 30
anos e a população do bairro tinha
pilhado todo o recheio, mas o encanto
era justamente esse: era “o esqueleto
de um teatro”, uma sala verdadeiramente
aberta à cidade, sem tecto
nem palco, onde qualquer pessoa
(qualquer gato) podia entrar a qualquer
hora. A primeira encenação de
Cecchi para o Garibaldi foi um “Hamlet”
(“Queria reabrir um teatrofantasma
com um fantasma. As pessoas
do bairro vieram. Pensavam que
a peça tinha sido escrita para elas porque
ouviam um homem a dizer ao
filho: tens de te vingar”), e a partir daí
o teatro começou a funcionar a duas
velocidades: cruzando a atenção aos
autores locais (Emma Dante, Davide
Enia, Franco Scaldati, Giuseppe Massa)
com a atenção aos grandes do teatro
europeu (Chéreau, Brook, Dodin,
Warlikowski), e depois investindo numa
formação de públicos que é uma
verdadeira formação artística, através
do projecto “Shakespeare Salvato dai
Ragazzini”, que põe adolescentes de
Palermo a fazerem os clássicos.
“É o nosso grande cartão-de-visita”,
diz ao Ípsilon Matteo Bavera, lembrando
que o cineasta Raoul Ruiz foi
a Palermo de propósito para filmar o
projecto para o documentário
“L’Estate Breve” (e também que Wim
Wenders termina o seu “Palermo
Shooting” com imagens do “mais belo
teatro do mundo, o Garibaldi”).
“Nunca faço audições para o projecto.
Encontro uns miúdos, que depois
trazem outros, e a companhia formase
sozinha. Quando começámos, houve
um criminoso aqui do bairro que
me pediu para pôr as suas duas filhas
no projecto. E depois descobrimos
um miúdo que se escondia para assistir
aos ensaios e depois na escola
dizia Shakespeare de cor. O melhor
teatro que se pode fazer é o teatro não
profissional. É o único que muda realmente
as pessoas”, explica o director
do Garibaldi. Nos últimos 14 anos,
viu o teatro passar de ruína “off-limits”
a acontecimento europeu, mas
“foi muito difícil”: “Um teatro significa
luzes e projectores, e o bairro
vivia sobretudo do tráfico. As luzes
não eram bem-vindas. Às tantas perceberam
que éramos um teatro, não
espiões da polícia. E quando alguém
roubava a vespa de um espectador,
eu punha-me a gritar e a mota acabava
por aparecer. Isso também tem a
ver com o facto de termos falado, nas
nossas peças, do proletariado palermitano,
que é invisível mas ainda existe,
e dos imigrantes, que vivem numa
espécie de enclave fora da civilização.
E também se deve aos miúdos, que
fizeram a ponte com o bairro”.
Veio o bairro, vieram os espectadores,
veio até a especulação imobiliária:
“O bairro mudou verdadeiramente
por causa de um teatro”, sublinha
Bavera. Esse teatro está fechado há
três anos para restauro e como, apesar
de tudo, esta ainda é “uma história
siciliana”, as obras demoraram
tempo a mais e parte do dinheiro desapareceu.
“O nosso projecto foi traído
– só queríamos reforçar a segurança,
mas vedaram o teatro à luz do
sol e perdemos as maravilhosas paredes
descascadas que ainda eram do
tempo do Garibaldi. Vamos perder
imenso tempo a reverter as obras”.
A lição do Garibaldi, apesar de tudo,
é que nenhum tempo é tempo
perdido, nenhum público é público
perdido. Amanhã, Bavera vem ao Porto
contar essa história – e Yael Ronen
contará a dela, que também ainda
não sabemos se irá acabar bem. Jean-
Louis Martinelli (Rodez, 1951), director
do Théâtre Nanterre-Amandiers,
estará na mesma mesa para dizer como
se vai ao Burkina Faso encontrar
uma “Medeia”. Depois disso talvez o
TNSJ, e o seu público, possam começar
ir ao fim da rua Cimo de Vila sem
ser como quem vai ao fim do mundo.

FOTOGRAFIAS DE DANIEL ROCHA
O mundo extraterrestre
Nas obras de João Maia Gusmão e Pedro Paiva, inesperadas, insolentes, divertidas e profundas,
as leis do universo humano cessam de ser úteis. Eis “Breve História da Lentidão e da
Vertigem”. Nuno Crespo
João Maria Gusmão (Lisboa, 1979) e
Pedro Paiva (Lisboa, 1977) conheceramse
na Faculdade de Belas Artes em Lisboa
onde ambos estudaram pintura e
começaram a expor conjuntamente
em 2001. Em 2005 ganharam o Prémio
EDP Novos Artistas e tornaram-se num
fenómeno de popularidade, reconhecimento
e interesse. Foram convidados
para a Bienal de São Paulo, estiveram
na Manifesta e em 2009 foram os representantes
oficiais de Portugal na
53ª Bienal de Veneza. Já este ano a
londrina Tate Modern (um dos museus
mais importantes do mundo)
adquiriu para a sua colecção um conjunto
de treze filmes da dupla, escolha
feita com a ambição de ser uma amostra
coerente do conjunto da totalidade
da obra de Paiva e Gusmão.
Sempre ligados à Galeria Zé dos
Bois e mais tarde à galeria Graça Brandão,
fizeram exposições muito relevantes
para a construção do que se
pode chamar “cena da arte portuguesa
contemporânea”: os seus “Eflúvios
Magnéticos” (2006) e a “Abissologia”
(2008) inauguraram novas modalidades
estéticas e introduziram novos
vocábulos no discurso artístico português.
São jovens e o trabalho que
desenvolvem é uma novidade, não
por ser recente, mas por constituir
uma abordagem inesperada e fértil
O trabalho destes
artistas não
é contemplativo.
O espectador
é colocado
na situação
de explorador
extravagante: tem
de descobrir
movimentos,
subtilezas, segredos
aos processos criativos e por as suas
obras serem inesperadas, insolentes,
divertidas e profundas.
Se o seu trabalho tem boa recepção
crítica, coleccionadores e uma circulação
internacional pouco comum
para artistas portugueses, isso não se
deve a operações de relações públicas:
recusam a mediatização pessoal,
porque só o trabalho é público. Acompanharam
o Ípsilon na visita à sua
mais recente exposição em Lisboa,
mas não se deixam citar ou fotografar:
as imagens que importam são as das
obras e as palavras são as dos ensaios
que escrevem.
As coisas com rabo de peixe
Gusmão e Paiva criam coisas que no
seu conjunto constroem uma dimensão
(fluida, vaga e inconstante) na
qual as leis do universo humano cessam
de ser úteis: passam a corresponder
a simples artifícios retóricos,
palavras ocas sem sentido ou significado.
Se à primeira vista os seus filmes,
fotografias e esculturas são simples
peças humorísticas (criam situações
insólitas que provocam riso: mesmo
tratando-se de um riso cínico que assinala
um território de compreensão),
depois percebe-se tratar-se de
peças pertencentes a um mais vasto
mecanismo de criação de imagens.
Não é uma máquina reprodutiva a
qual torna visível o mundo, mas a
criação da visibilidade, a qual surge
no trabalho destes artistas como lugar
de decepção.
A exposição recentemente inaugurada,
“Breve História da Lentidão e
da Vertigem”, tem como mote uma
história acerca das coisas que terminam
em rabo de peixe: “conta-se que
[...] os marinheiros podiam ver e ouvir
nas marés perigosas, imaginando
o que lhes faltava, Vénus despidas
declinadas nas rochas, sorrindo e
suspirando canções hipnóticas [...]
conta-se ainda que os marinheiros
inebriados imaginando a genitália da
ilha dos amores [...] se atiravam ao
mar descobrindo tarde demais ser
difícil a cópula com ais fêmeas, porque
afinal tinham escamas.” (texto
da exposição)
A história aprendida de Horácio é
constituída por diferentes camadas,
não se trata só da sereia ou da ebriedade
dos marinheiros, mas de uma
metáfora potente acerca da visão
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 25

26 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
dos homens. A qual é lugar de engano
e decepção: julga-se que as imagens
dizem as coisas tal-qual elas são,
mas depois descobre-se terem rabo
de peixe.
Este acontecimento assinala a existência
de uma zona de indecisão e
intervalo na qual é possível assistir-se
à criação de figuras, fantasmas e fábulas.
Esse intervalo expressa o que
está entre as coisas e as imagens que
os homens fazem delas e é para esse
lugar que confluem todas as aparições
e alucinações. Não existe qualquer
tipo de lamento face a esta tragédia
do olhar humano porque é:
“inevitável que existem problemas
sem solução” (ibidem).
Esta história introduz o visitante
da exposição no contexto adequado
para poder integrar os diferentes
fragmentos que constituem as muitas
obras, as quais são acontecimentos
insólitos: animais voadores, frutos
pairantes e batatas com poderes de
levitação.
Se por um lado, as imagens produzidas
pelo olhar humano são lugar de
decepção por não se poder copular
com a realidade, por outro são fonte
de prazer: descobrem-se as capacidades
criativas e projectivas inerentes
à inteligência e isso é o garante do
prazer da arte.
Estar sujeito a enganos e a erros
perceptivos é o motivo estético do
trabalho de Gusmão e Paiva e é daqui
que surge o insólito fixado nas fotografias
em que os gatos voam, as galinhas
ficam bêbedas, os objectos,
permanecendo iguais, multiplicamse
e certas comidas têm o poder de
fazer os guerreiros vencer dragões
cuspidores de fogo.
Como conclusão escrevem os artistas:
“há quem chame ao que não
se vê indiscernível e nessa sequência
em que o homem se alimenta do
mundo, representando e idealizando
o que o rodeia, também ele é devorado
pelos monstros marinhos e por
todos os desconhecidos que espreitam
à esquina.”
Reconstrução do paganismo
Se o fantástico e inesperado é um dos
fios da trama do conjunto destes trabalhos,
outro é a reconstrução do paganismo,
isto é, Gusmão e Paiva, herdeiros
do Caeiro de Pessoa, são os
descobridores da natureza e reconhecem
no natural, isto é, em todo o fenómeno
que se manifesta, uma divindade.
Os artistas constroem uma ambição
sensível que anula a lógica
discursiva e conceptual e dá lugar ao
anseio pelo contacto directo com todas
as coisas: “toda a coisa que vemos,
devemos vê-la sempre pela primeira
vez, porque realmente é a primeira
vez que a vemos” escreve Caeiro no
“Guardador de Rebanhos”.
Recuperar o olhar primitivo é apresentado
pelo mestre de Álvaro de
Campos como um pasmo. Ele que não
tem filosofia, mas “sentidos… / se falo
na Natureza não é porque saiba o
que ela é, / mas porque a amo, e amoa
por isso” , e é um poeta cujo o olhar
é “nítido como um girassol […] e o
que vejo a cada momento / é aquilo
que nunca antes eu tinha visto, / e eu
sei dar por isso muito bem… / sei ter
o pasmo essencial.” (ibidem)
Se, como escreve o Guardador de
Rebanhos, “a nossa única riqueza é
ver” e os pensamentos “todos sensações
[…] pensar uma flor é vê-la e
cheirá-la / e comer um fruto é saberlhe
o sentido”, então está-se no reino
em que as coisas recuperam uma voz
própria e falam na primeira pessoa.
E este discurso, já não conformado à
matriz humana, revela-se fonte de
espanto. Ver as coisas sem filosofia,
sem projecção ou representação, é
ficar pasmado porque se submete ao
As ligações
estabelecidas entre
filme, esculturas
e o reino animal
são de tal modo novas
e férteis que criam
um horizonte
extraterrestre
permanente risco de tomar o rabo de
peixe pela musa mais bela e inspiradora.
E o trabalho de Gusmão e Paiva
são um caso exemplar deste risco.
“Sempre se julgou encontrar no reino
animal, entre os bichos fabulados
e os verdadeiros, uma ingenuidade
[...]. Esse mistério — o do homem e do
mundo — surge assim [...] numa Zoologia
Extraterrestre que estuda [...] o
que liga a morte ao mundo e o que
liga o mundo à vida, à vida sem considerações,
só soluço, lampejo.” Esta
frase dos artistas enquadra as acções
animais nos seus trabalhos enquanto
preocupação zoológica, a qual não
ensaia uma classificação das espécies
animais, mas uma fixação descritiva
das formas improváveis como os animais
(reais, possíveis e imaginários)
se comportam. Veja-se o filme “O sonho
de uma raia” ou as fotografias
“Gato a Cair” e “Galinha Bêbeda”,
Os animais de Gusmão e Paiva são
extraterrestres porque a sua origem
reside no anseio de compreender os
ritmos formativos das formas visíveis.
A sua estratégia não é a ridicularização
das criações fantásticas (como as coisas
que terminam em rabo de peixe),
mas fazer a sua genealogia. E nesse
esforço descobre-se o reino fabulado
com a região privilegiado do pasmo
essencial de Caeiro. Uma zoologia não
dirigida exclusivamente ao reino animal,
mas a todas as formas reconhecíveis:
a descrição que materializam
estende-se dos animais aos sólidos
geométricos e aos movimentos celestes
e planetários (veja-se os modelos
astronómicos das câmaras obscuras
“Acerca do Movimento Astronómico”
e a fotografia “Sistema Planetário”).
Nestes trabalhos nem tudo são fábulas
e metáforas barrocas. Essa exuberância
formal e conceptual é acompanhada
por um esforço de rigor
traduzido em filmes de acções escultóricas
ou, se se preferir, de esculturas
em movimento.
O trabalho destes artistas não é contemplativo.
O espectador é colocado
na situação de explorador extravagante:
tem de descobrir movimentos,
subtilezas, segredos. Os enigmas propostos
não são feitos pelo simples
prazer do difícil, mas são desafios colocados
à sensibilidade e exigidos pela
complexidade imaginativa das fábulas
que criam.
Tudo diz respeito a uma elaborada
técnica de construção de objectos e,
desta forma, todos os filmes e fotos
podem ser vistos como documentação
de processos de criação escultórica.
A relação não é literal ou didáctica
(os objectos não estão ao lado dos
filmes como se deles fossem ilustrações),
mas existe.
As ligações estabelecidas entre filme,
esculturas e o reino animal são
de tal modo novas e férteis que criam
um horizonte extraterrestre, ou seja,
são obras onde se assiste à extrapolação
e exorbitância do curso habitual
da órbita celeste.

James
Blake
Tem 22 anos
e é dos “acontecimentos”
de 2011. Pág. 28
Charles
Bradley Uma
estreia aos 62 anos,
um monumento de
soul. Pág. 28
LIEVEN VAN ASSCHE/ AFP
Mike Leigh
Um instantâneo
desencantado sobre
a solidão: “Um ano a
mais”. Pág. 33
PEDRO CUNHA
Camané
quatro noites
no S. Luiz.
Pág. 30
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 27

Discos
James Blake:
já um dos
“acontecimentos”
de 2011
28 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Pop
A voz
visionária de
James Blake
Ritmo, alma e silêncio.
Atitude visionária,
minimalismo elegante e
uma voz que suspende os
sentidos. Eis o álbum de
estreia de James Blake.
Vítor Belanciano
James Blake
James Blake
Atlas, distri. Universal Unive
mmmmm
O inglês James
Blake, 22 anos,
marcou o ano
transacto com
três magníficos
EPs (“The bells
sketch”, “CMYK”
e “Klavierwerke”)
“Klavierwerke”). Para os mais
atentos, não é nen nenhum
desconhecido. O álbum á de estreia,
que agora é lançado lançad em todo o
mundo, surge env envolto com o
carimbo de “acontecimento”, “aco
com
o que isso tem te de potenciador
de curiosidade curios e também
de possíveis poss efeitos
prejudiciais.
prejud
Ou Ou seja, não é um
álbum álbu para o qual se
parta par com um olhar
límpido. lím Como
acontece aco quase
sempre sem nestes casos,
o olhar o de muitos já
está es radicado em
juízos ju pré-definidos.
Até A nesse sentido
será s uma obra
incontornável i
de
2011. 2 A história de
James J Blake, como
todas, t é nova e
velha. v Nova,
porque po aquilo que
tem para propor é
realmente sin singular. Velha,
porque é recorrente reco na música
popular surg surgirem projectos em
determinado determinado momento do
crescimento de uma
linguagem (neste (n caso do
dubstep) que qu a elevam a novos
patamares, patamares, criando vasos
comunicantes comunicant com um
público mais ma plural.
Aconteceu Aconteceu ccom
Arthur Russell
com o movimento movi “disco”,
apesar de só recentemente ter
sido redescoberto; redesc com os
Portishead nno
período pós-
hip-hop; ou
com os The xx,
mais recentemente, recente através de
um som minimalista, atmosférico,
de emoções quase suprimidas.
Acontece agora com James Blake,
alguém que emerge na cena
londrina do dubstep para criar uma
sonoridade também ela minimalista,
espaçosa, alojando algumas
dinâmicas do dubstep (os subgraves,
os ecos, o design sonoro)
para erguer a sua própria realidade,
projectada em baladas soul cheias
de distorção, lamentos em forma de
narrativas lacónicas e voz alterada
digitalmente, algures entre Bon Iver,
Antony e André 3000 dos OutKast.
Há momentos de quase silêncio,
mas também apontamentos
electrónicos quase industriais. Há
batimentos cardíacos digitais
(“Unluck”, “Wilhelms scream”),
mudanças de intensidade quase
gospel (“Measurements”), mas
também canções vulneráveis em
carne viva ao piano (“Limit to your
love”, versão de uma canção da
canadiana Feist, ou “Give me my
month” e “Why don’t you call me”).
Composto, produzido e gravado
inteiramente por Blake, o álbum
apresenta-se tal e qual foi feito no
seu quarto, porque recusou as
sugestões das editoras que o
pretendiam regravar com um
produtor. Fica-lhe bem a atitude.
Porque é um disco de canções
secretas, de climas introspectivos,
de sensibilidade melódica, com uma
economia narrativa e pormenores
digitais de produção únicos, e que
apetece partilhar com poucos,
apesar de, felizmente, muitos se
irem deixar enredar nas suas
malhas. Ainda bem.
Monumento
soul
A estreia de Charles Bradley,
62 anos. Mário Lopes
Charles Bradley
No Time For Dreaming
Dunham / Daptone Records
mmmmm
No fim, tudo se
resume a esta a voz. voz.
Uma voz
imponente, toda oda
ela urgência,
uma voz em
que acreditamos, sem cinismo
e sem reservas. Há algo de
demasiado real, de
indiscutivelmente verdadeiro
na voz de Charles Bradley, 62
anos e álbum de estreia acabado o
de editar – e, sim, temos perfeita a
consciência que “verdade” é um m
conceito de aplicação perigosa na
música popular. Ainda assim, é isso
que sobressai neste monumento o
soul que é “No Time For Dreaming”. ing”.
Álbum sem tempo, tem o órgão ão
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
hammond fervilhando para se
destacar ou remetendo-se, humilde,
aos bastidores da canção, tem os
metais acentuando frases ou
oferecendo novos escapes
melódicos, tem percussão para
acentuar a elegância do ritmo e um
vibrafone que dá tom de fantasia
nocturna a música que é suor de
vida, que é realidade “in your face”,
sem espaço para escapismo.
Charles Bradley não poderia estar
em melhor companhia. A Menahan
Street Band, composta por membros
da Budos Band, dos Dap-Kings, dos
Antibalas ou dos Expressions,
acompanhantes desse digníssimo
veterano chamado Lee Fields, é um
super grupo versado e rodado em
toda a música negra. Não são meros
conhecedores de todo o funk e toda
a soul: são verdadeiramente a soul e
o funk. Quando se lhes depara uma
voz como a de Charles Bradley, de
uma rouquidão exigente, dramática
na catarse e na ternura, é como se
cumprissem o seu destino.
Quando ouvimos uma voz como a
de Charles Bradley, falar de
revivalismo torna-se um absurdo.
Sim, “No Time For Dreaming” é um
álbum de soul clássica, filiação Stax,
James Brown, Marvin Gaye. Mas que
isso não nos desvie do essencial:
Bradley não surge aqui como
veterano que nos recorda mitos de
ontem. Construiu-se nessa história
para se apresentar perante nós,
agora, com a sagacidade de uma
vida longa e com a ambição de um
novato desejoso de deixar a sua
marca.
“No Time For Dreaming” é um
álbum de acusações e de alertas, de
salvação e concórdia. É a vida de um
homem ou, perdoe-se a
redundância, a alma de um homem
tornada canção. Estupendas
canções: o desespero sem
resignação do primeiro single, “The
world (is going up in flames)”, a
exuberância de “Golden rule” ou a
autobiografia como motor criativo
nas turbulentas “How How long” long e “Why Why
is it it so
hard”
–
Charles
Bradley:
a alma de
um homem
tornada
canção
nelas, a soul como vitória sobre os
tormentos da vida.
E, em todas elas, a elegância e
sabedoria da Menahan Street Band:
metais em desvio afro-beat em “The
world (is going up in flames)”, a
citação enviesada de “Season of the
witch”, pelos Vanilla Fudge, em “I
believe in your love”, as figuras de
guitarra apontando a uma
inesgotável fonte soul chamada
Steve Cropper (dos Booker T & MGs)
e i, controlo perfeito das dinâmicas
musicais, seguindo Bradley nos seus
caminhos de angústias não
resolvidas, de questionamento
social, de conforto e pacificação
encontrados nos braços de uma
mulher.
Charles Bradley, 62 anos, é o
presente. Valeu a pena a espera.
Blues
Explosion
é o número 1
Reedição da discografia que
interessa. Mário Lopes
Jon Spencer Blues Explosion
Year One
mmmnn
Extra Width
mmmmn
Orange
mmmmm
Now I Got Worry
mmmmn
Controversial
Negro
mmmnn
ACME
mmmnn
Todos Shove;
distri. Popstock
SSer
os Jon Spencer Blues
EExplosion,
maravilhosos
bbastardos
do rock’n’roll que
rreescreveram
a história toda

Ser os Jon
Spencer Blues
Explosion,
maravilhosos
bastardos do
rock’n’roll que
reescreveram
a história
toda sem que
ninguém
percebesse o
que se estava
a passar, não
terá sido nada
menos que
glorioso
sem que ninguém percebesse
exactamente o que se estava a
passar, não terá sido nada menos
que glorioso. Na nossa memória,
pelo menos, fixaram-se assim:
“Bellbottoms”, toda ela o groove
bombástico do imenso Russel Simins
(o baterista), o uivo tresloucado de
Spencer, o vocalista que encarnou
Jagger e Presley como em BD de Lux
Interior, e os riffs de Judah Bauer
montados em fluxo de consciência.
O início com orquestração à Isaac
Hayes, a libidinosa aceleração final e
o rock’n’roll a cumprir-se como
possibilidade de futuro, como
descontrolo cuidadosamente
encenado para nossa libertação.
Os Jon Spencer Blues Explosion,
confirmamo-lo agora, vinte anos
depois de se terem formado das
cinzas dos Pussy Galore, foram
precisamente isso, uma libertação.
As reedições que nos devolvem tudo
aquilo que interessa da sua carreira,
ou seja ,da compilação “Year One”
(os álbuns, EPs e demais gravações
do primeiro ano de vida) a “ACME”,
editado em 1998, quando o grito de
todos os conce rtos, “The blues is
number 1!”, já tinha ensurdecido q.b.
o mainstream, mostram-nos que
sim. Confirma-se. É isso mesmo Jon,
“the blues is number 1” - e agora, em
reedições “deluxe”: “Extra Width”
em conjunto com “Mo Width”,
“Orange” com “Experimental
Remixes”, “Now I Got Worry” com
16 faixas bónus, “ACME” com “XTRA
ACME”, e o ao vivo “Controversial
Negro” aumentado com as canções
de um outro concerto, registado em
1994.
Aquilo que começou como colisão
furiosa e aparentemente
desgovernada de ruído punk e
bravado rockabilly (com versão de
Jerry Lee Lewis, “Lovin’ up a storm”,
em “Year One”) tornou-se
rapidamente uma máquina criativa
impressionante. Em “Extra width”
(1993), com “Afro”, com “Soul
typecast”, os Blues Explosion
abrem-se à soul e aos teclados
Booker T sem perder as qualidades
corrosivas e experimentam o
estúdio de forma consistente,
criando algo como “Inside the world
of the Blues Explosion” - bateria e
Hammond trabalhados como
produção hip hop. Em “Orange”
(1994), floresce tudo o que
semearam anteriormente. O estúdio
torna-se, mais que nunca, um
instrumento fundamental, e as
canções transformam-se em
laboratório de experiências: “play
the blues, punk!”, outro berro
emblemático, mostra que se
mantém a pose confrontante, mas,
nesta altura, os Blues Explosion
surgem como algo novo – uma banda
experimental que desconstruía o
blues em estilhaços, que
transformava o legado dos Meters
em funk para sintetizador e cowbell
(“my father was sister Ray”, avisa
Spencer), que demonstrava prazer
genuíno em chafurdar na sujidade e
no ruído – tinham o rock’n’roll como
base de tudo e as ancas como alvo
privilegiado.
Com “Orange”, os Blues Explosion
venderam às centenas de milhar e
encheram concerto atrás de
concerto das suas intermináveis
digressões. “Now I Got Worry”
(1996) foi a resposta ao novo
estatuto. Abre com um berreiro
tétrico, acelera demencial no
“hardcore” de “Identify” e, em
“Fuck shit up”, versão dos Dub
Narcotic Soundsystem, leva a um
extremo vanguardista, psicótico, a
inspiração nas produções hip hop
aflorada em “Orange”. “Now I Got
Worry”, versão negra do seu
exuberante antecessor, é o segundo
melhor álbum da Blues Explosion.
Depois dele, “ACME” (1998).
Produzido em grande parte por
Dan The Automator, é um festim de
Farfisas e produções luxuriantes. São
os Blues Explosion concentrados
como nunca antes na textura do som,
na demanda do groove soul, mas
falta-lhe o sentido de urgência dos
álbuns anteriores. Falta-lhe, por
exemplo, a chama que ilumina
“Controversial Negro”, bootleg ao
vivo de um concerto no Tucson, em
1996, que preserva para a posteridade
o portento que era em concerto da
banda agora regressada aos palcos.
Spencer, exibicionista como se
deseja, provocador como se impõe,
exaltava a multidão com o seu teatro
de uivos e vibrato em tom grave, com
o grito que se faz ouvir, novamente e
por fim: “The blues is number 1”.
Depois destes discos, ainda
vieram os canónicos “Plastic Fang”
(2002) e “Damage” (2004), mas
nestes anos 1990 em que os ouvimos
novamente, é tudo verdade
“Number 1”.
Jazz
Valsas
e hard bop
Dois registos obrigatórios
que nos relembram a
importância da tradição
histórica nos rumos actuais
do jazz. Rodrigo Amado
Bill Evans
Waltz for Debby
Riverside, dist.
Universal
mmmmm
Pepper Adams
Plays Charles
Mingus
Fresh Sound, dist.
Mbari
mmmmn
A cada ano que passa, a influência
avassaladora de Bill Evans cresce e
atinge não só pianistas de jazz de
todos os quadrantes (Hancock,
Jarrett, Mehldau, Moran) como
pianistas das mais diversas áreas
musicais, da clássica ao rhythm &
blues. É hoje difícil encontrar um
practicante do instrumento que
não o referencie. “Waltz for Debby”,
uma das suas gravações mais
importantes, complementa um
outro registo de referência, “Sunday
at the Village Vanguard”, gravado na
mesma sessão, e fornece-nos pistas
valiosas, sob a forma de música,
para compreender a atracção
mágica e magnética da sua obra.
Gravado ao vivo no famoso
clube de Nova Iorque com o trio
lendário formado por Evans, o
contrabaixista Scott LaFaro (que
acabaria por falecer poucos dias
após a sessão) e o baterista Paul
Motian, “Waltz for Debby” inclui
interpretações intemporais de “My
foolish heart”, “Waltz for Debby”,
“My Romance” e “Milestones”.
Evans foi um dos primeiros a
democratizar o papel do contrabaixo
e da bateria no seio do trio, dandolhes
total liberdade para uma maior
interactividade musical, conferindo
à sua música uma
contemporaneidade que não se
esgota, continuando, pelo contrário,
a crescer.
Pepper Adams é, juntamente com
Gerry Mulligan, o mais influente
saxofonista barítono da sua geração,
encontrando-se no topo da galeria
jazz ao lado de Harry Carney ou
Serge Chaloff. Bastante menos
reconhecido do que Mulligan,
Adams espalhou o seu talento por
gravações de gente tão ilustre como
Aretha Franklin, Charles Mingus,
Carmen McRae, Thelonious Monk,
Joe Williams ou Dizzy Gillespie. Com
uma reputação construída em
Detroit, Adams possuia um estilo
explosivo que acabaria por lhe valer
a alcunha de “the knife”, sendo
impossível ficar indiferente à forma
incisiva e “quente” como
improvisava. Da sua extensa
discografia, destacam-se “Mingus Ah
Um”, gravado com Mingus, “At Town
Hall”, com Monk, e em nome
próprio, “10 to 4 at the 5-Spot”, um
clássico de 58 em que participa o
grande Elvin Jones, e este “Plays
Charles Mingus”, gravação realizada
em quinteto e octeto que inclui Thad
Jones, Zoot Sims, Hank Jones e Paul
Chambers, entre outros. Com o
material escolhido em conjunto com
o próprio Mingus, é um álbum de
jazz intenso, hard-bop de alta
rotatividade, contaminado pelo
blues e pelo conturbado período
político que se vivia na altura.
A cada ano
que passa,
a infl uência
avassaladora
de Bill Evans
cresce
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 29

Concertos
Além das canções do disco,
Camané vai incluir um
tema diferente por concerto,
retirado do repertório
de David Mourão-Ferreira
30 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Pop
Camané para
mais dias
“Do Amor e dos Dias” em
quatro noites no São Luiz.
Nuno Pacheco
Camané
Lisboa. Teatro Municipal de S. Luiz - Sala Principal.
R. Antº Maria Cardoso, 38-58. De 5ª, 3, a Dom., 6,
às 21h. Tel.: 213257650. 10€ a 20€.
Quando estreou “Do Amor e dos
Dias” no CCB, a 7 de Outubro de
2010, Camané não sabia ainda o que
o esperava: um espectáculo perto da
perfeição e a declaração do disco,
por voto praticamente unânime da
crítica, como o melhor da produção
portuguesa do ano passado. Agora, é
já com essa responsabilidade sobre
os ombros que ele se lança à estrada
para levar esse trabalho a outros
palcos, a começar já pelo do São
Luiz, nas noites de 3, 4, 5 e 6 de
Fevereiro. “Já houve uma certa
rodagem do disco, com concertos em
Novembro, já estou mais livre para
descobrir outras coisas e os músicos
também já estão mais à vontade”, diz
Camané. “A passagem para
espectáculo foi complicada porque
este é um disco com muita
informação, mais difícil de tocar e de
cantar também. Mas o facto de
estarmos mais à vontade agora
também não nos deve descansar
muito, porque gosto da possibilidade
e a esperança de fazer melhor.”
NUNO FERREIRA SANTOS
No São Luiz, além dos temas do
disco, haverá cada noite um tema
diferente, retirado do repertório de
canções de amor de David Mourão-
Ferreira, como “Noite apressada”,
“Abandono” ou “Praia de Outono”.
Porque, diz o fadista, “têm a ver com
a temática do disco”, onde a
presença do poeta é já forte. Haverá
também um outro tema, que ele não
quer revelar ainda, que cantará nas
quatro noites. Um tema de que ele
gosta muito há vários anos e que será
uma surpresa para os que o forem
ouvir. Os que já conhecem o disco
têm-no felicitado. “Muitas pessoas
me vêm falar da identificação que
têm com os fados, até pessoas muito
mais novas, crianças que falam no
fado do periquito…”
Para Camané, este disco é muito
importante. “Deu-me a oportunidade
de crescer como intérprete. O facto
de ter um registo emocional mais
irónico, mais extrovertido, fez com
que eu saísse mais de mim e
conseguisse até surpreender-me. É
um disco que me ensinou a fazer
diferente.” Na véspera da primeira
noite no São Luiz, dia 2 pelas 21h,
será inaugurada no Museu do Fado
uma exposição sobre Camané, onde
“será possível ouvir as primeiras
gravações, conhecer a génese do
culto fadista na sua tradição familiar”
e, anuncia-se, “conhecer a fundo o
repertório imaculado da sua
discografia”.
Clássica
Espiritualidade
russa
O Coro da Rádio da Letónia
traz as “Vésperas” de
Rachmaninov, obra lapidar
do repertório ortodoxo.
Cristina Fernandes
Coro da Rádio da Letónia
Direcção Musical de Sigvards Klava.
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Pequeno
Auditório. Pç. Império. 5ª, 3, às 21h. Tel.: 213612400.
12,5€ a 15€.
Obras de Rachmaninov.
Fundado em 1940, o Coro da Rádio
da Letónia é actualmente um dos
agrupamentos corais mais
importantes da Europa. Ao longo das
últimas duas décadas, ganhou vários
prémios e participou nos mais
prestigiados festivais. Desempenha
também um papel crucial na
promoção dos compositores da
Letónia através da encomenda anual
de uma média de dez novas obras. Os
elementos do coro exploram também
novas técnicas de canto, constituindo
um verdadeiro laboratório de apoio à
criação contemporânea. As suas
gravações (em etiquetas como a BIS,
Um monumento da liturgia ortodoxa no CCB
GB Records, Ondine e Naïve) incluem
peças de compositores letões como
Kristaps Petersons e Martins Vilums
(primeiro prémio da UNESCO
International Rostrum of Composers)
e grandes obras da história da música
coral como a “Liturgia de São João
Crisóstomo”, de Rachmaninov.
Será precisamente com outro
grande monumento musical da
liturgia ortodoxa da autoria de
Rachmaninov que o Coro da Rádio da
Letónia regressa ao Centro Cultural
de Belém. No próximo dia 3, sob a
direcção de Sigvards Klava, interpreta
as Vésperas op. 37, do compositor
russo, uma obra-prima de intensa
espiritualidade e magnificência
sonora composta em 1915. Trata-se de
um ciclo de 15 cânticos para
contralto, tenor e coro “a cappella”,
que cobrem uma série de rubricas do
Ofício Divino segundo o uso
monástico (com um paralelo nas
Vésperas, nas Matinas e na Hora
Prima da Igreja Católica Romana), e
que era designado originalmente por
“Vigília”. Apoiando-se em antigas
melodias de várias tradições da Igreja
Ortodoxa (canto “znamenny”, o
equivalente russo do gregoriano) e na
harmonia modal, Rachmaninov
utiliza o princípio da “orquestração
coral”, recorrendo à junção e à
oposição de timbres e a uma grande
variedade de técnicas de escrita. No
dia 5, sábado, o Coro da Rádio da
Letónia será também o protagonista
da abertura do ciclo Sofia
Gubaidulina.
Diálogo de culturas
Al-Kindi Ensemble
Direcção Musical de Julien Jâlal
Eddine Weiss.
Lisboa. Fundação Calouste Gulbenkian - Grande
Auditório. Av. Berna, 45A. 2ª, 31, às 21h. Tel.:
217823700. 15€ a 20€.
Músicas do Mundo.
O ensemble Al-Kindi, um dos
melhores agrupamentos mundiais no
domínio da música clássica árabe, é
um dos próximos convidados do
ciclo dedicado às Músicas do Mundo
na Gulbenkian. Na próxima segundafeira,
traz ao Grande Auditório um
programa ambicioso, que gira em
torno da adoração da Virgem Maria
por muçulmanos e cristãos. Aos
habituais cinco instrumentistas do
Al-Kindi, liderados por Julien Jâlal
Eddine Weiss, junta-se um conjunto
de 20 figuras, incluindo um coro
bizantino, derviches sírios com as
suas rodopiantes danças rituais e o
cantor soufi Sheikh Habboush.
Criado em 1983 por Julien Jâlal
Eddine Weiss, o Al-Kindi dedica-se às
tradições musicais eruditas do
Próximo e do Médio Oriente. Grande
virtuoso do kanun (cítara árabe),
Ao Ensemble Al-Kindi vai juntar-se, na Gulbenkian,
um conjunto de 20 fi guras, incluindo um cantor soufi ,
derviches sírios e um coro bizantino

Julien Weiss nasceu e cresceu em
Paris, tendo começado por estudar
guitarra clássica, mas cedo começou a
pôr em causa os valores da cultura
ocidental. Em 1976, depois de ter
realizado viagens à Califórnia, a
Marrocos e às Antilhas, a audição de
um disco do iraquiano Mounir Bachir
(grande mestre do oud, alaúde
oriental) impressionou-o de tal modo
que trocou a guitarra clássica e as
harmonias do jazz pelo estudo da
música micro-tonal oriental, do
alaúde árabe e das múltiplas
possibilidades do kanun. Em
conjunto com as suas pesquisas sobre
música árabe, Weiss dedicou-se ao
estudo das teorias musicais gregas,
persas, turcas, bizantinas e ocidentais
e fez experiências comparativas com
diferentes práticas musicais. Neste
percurso foi decisiva a criação do
ensemble Al-Kindi, cujo nome faz
referência ao filósofo, matemático e
astrónomo iraquiano do século IX
Abu Yusuf Al-Kindi, pai da teoria
musical árabo-muçulmana. C.F.
Jazz
Fátima
Miranda
na Guarda
Recorte clássico
Luther “Guitar
Junior” abre o
ciclo Hootenanny
Afonso Pais Trio
Porto. Casa da Música - Sala 2. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. Dom., 30, às 22h. Tel.: 220120220. 10€.
Ciclo Jazz Galp.
O guitarrista Afonso Pais é um dos
músicos de jazz nacionais com maior
consistência. Mantendo-se afastado
de modas ou tendências do
momento, tem desenvolvido um
percurso sólido, apoiado pela edição
de registos que documentam bem a
sua evolução musical. No seu último
disco, “Fluxorama”, gravado em trio
com uma formação idêntica à que se
apresenta agora na Casa da Música -
Pais na guitarra eléctrica, Albert Sanz
no órgão Hammond e R.J. Miller
(aqui substituido por Luis Candeias)
na bateria –, o guitarrista revisita de
novo duas das suas grandes paixões
musicais, os cancioneiros norteamericano
e brasileiro. Optando
invariavelmente por uma abordagem
sóbria, de recorte clássico, a
linguagem de Afonso Pais evoca não
só os grandes mestres do jazz como
Jim Hall ou Wes Montgomery, mas
também os grandes estetas da
guitarra brasileira, ou mmesmo
da
guitarra clássica. Apostando Aposta aqui no
celebrado formato de gu guitarra-órgão-
bateria, o trio poderá int interpretar
originais originais do guitarrista e algumas
(grandes) canções como
“Con alma”
(Dizzy (Dizzy GGillespie),
Afonso Pais “Medo dde
amar”
explora duas (Vinicius (Viniciu de
das suas Moraes), Moraes) “You’d be
paixões (os so nice to t come
cancioneiros home to” to (Cole
brasileiro e Porter) ou o “Soul
americano) eyes” (Mal (M
na Casa da Waldron). Waldr
Música Rodrigo Rodr Amado
Agenda
Sexta 28
Deolinda
Lisboa. Coliseu. R. Portas St. Antão, 96, às 21h30.
Tel.: 213240580. 15€ a 35€.
Pedro Abrunhosa
Famalicão. Casa das Artes - Grande Auditório.
Pq. de Sinçães, às 21h30. Tel.: 252371297. 15€.
Nelson Cascais Quinteto
Lisboa. Onda Jazz. Arco de Jesus, 7, às 22h30. Tel.:
919184867. 8€.
Sábado 29
Luther “Guitar Junior” & The
Magic Rockers
Lisboa. Culturgest - Grande Auditório. Rua Arco
do Cego, às 21h30. Tel.: 217905155. 5€ a 18€.
Ciclo Hootenanny.
Yasmin Levy
Lisboa. Fundação Gulbenkian. Av. Berna, 45A, às
21h. Tel.: 217823700. 15€ a 20€.
The Young Gods
Porto. Hard Club. Pç. Infante, 95, às 22h. 15€.
Deolinda
Lisboa. Coliseu dos Recreios. R. Portas St. Antão,
96, às 21h30. Tel.: 213240580. 15€ a 35€.
Rodrigo Leão
Almada. Teatro Municipal de Almada. Av. Prof.
Egas Moniz, às 21h30. Tel.: 212739360. 25€.
Pedro Abrunhosa
Famalicão. Casa das Artes - Grande Auditório.
Pq. de Sinçães, às 21h30. Tel.: 252371297. 15€.
Fátima Miranda
Guarda. Teatro Municipal - Pequeno Auditório.
R. Batalha Reis, 12, às 21h30. Tel.: 271205241. 10€.
Orquestra Sinfónica do Porto
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 18h. Tel.: 220120220. 20€.
2001: Odisseia no Espaço.
Orquestra Sinfónica
Portuguesa
Lisboa. CCB - Grande Auditório. Pç. Império, às
21h. Tel.: 213612400. 5€ a 20€.
Mês Janácek.
Domingo 30
OM + Gabriel Ferrandini
Lisboa. Galeria Zé dos Bois. R. da Barroca, 59, às
22h. Tel.: 213430205. 15€.
The Young Gods
Lisboa. Café Teatro Santiago Alquimista. R.
Santiago, 19, às 22h30. Tel.: 218884503. 20€.
Segunda 31
Guy Davis
Lisboa. Culturgest - Pequeno Auditório. R. Arco
do Cego, às 21h30. Tel.: 217905155. 5€.
Ciclo Hootenanny.
Terça 1
Phil Wiggins Duo
Lisboa. Culturgest - Pequeno Auditório. R. Arco
do Cego, às 21h30. Tel.: 217905155. 5€.
Ciclo Hootenanny.
The Young Gods
Guarda. Teatro Municipal . - Grande Auditório.
R. Batalha Reis, 12, às 21h30. Tel.: 271205241. 15€.
Quinta 3
Os Young Gods
em digressão
Bernardo Sassetti
Lisboa. Culturgest - Pequeno Auditório. Rua Arco
do Cego, às 21h30. Tel.: 217905155. 5€.
Ciclo Hootenanny.
Mão Morta
Porto. Rivoli Teatro Municipal. Pç. D. João I, às
21h45. Tel.: 223392200. 12,5€.
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 31

Teatro/Dança
32 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Confeonferênciasncias Actores ou personagens?
A Mala Voadora expõe as convenções
do teatro em “3D”
Teatro
e outras
falsidades
A Mala Voadora está
preparada para o que
se segue: um teatro tão
falso como o que trouxe a
companhia até aqui.
Tiago Bartolomeu Costa
3D
Pela Mala Voadora. Direcção de
Jorge Andrade. Com Anabela
Almeida, Jorge Andrade.
Lisboa. Negócio. R. de O Século, 9, porta 5. Até
30/01. 4ª a Dom. às 21h30. Tel.: 213430205. 5€ a
7,5€.
Pode uma companhia ambicionar,
ao fim de mais de dez anos de
trabalho consecutivo, mudar de
direcção, arrumar ideias e partir
para um outro universo? Em “3D”,
em cena até domingo no Negócio,
em Lisboa, é a isso que se propõe a
companhia Mala Voadora, dirigida
pelo actor e encenador Jorge
Andrade e pelo arquitecto e
cenógrafo José Capela. Dizem que o
se segue é um novo capítulo de um
livro aberto há muito tempo, e há
muitas peças.
Se os espectáculos desta
companhia nos foram sempre
mostrando um desejo de explorar o
teatro como um exercício de
construção de verosimilhanças, onde
o que vemos não é se não o resultado
de um pacto de confiança
estabelecido entre os autores e os
espectadores, em “3D” esse frágil
pacto é levado a um limite
vertiginoso. O cenário, e o próprio
início da peça, são uma colagem a um
espectáculo anterior, “Single”. As
mesmas paredes, representando uma
casa que nos dizem ser verdadeira –
A actriz, dramaturga
e encenadora
AAngélica
Liddell
ch chega a Coimbra
na próxima sextafeira
fe para dois
dias di de leituras e
conferências co
no
Teatro Te da Cerca
de São Bernardo.
Depois Dep desta escala
tão verdadeira quanto uma casa num
palco pode ser verdadeira, mesmo
que pertença realmente ao
encenador –, as mesmas personagens
que falam, eventualmente para quem
está à frente delas, mas, no fundo,
com elas mesmas.
O facto de estas personagens
estarem no mesmo espaço, ao
mesmo tempo, não é garantia de
que pertençam à mesma história (se
houver só uma história). Em “3D”,
vários textos cruzam-se com dois
actores que usam os seus nomes
verdadeiros. E outros corpos, tão
reais quanto as falsas personagens,
continuam no seu mundo, a
cozinhar, a passar a ferro, a pintar, a
ter relações sexuais. No fundo, a
realidade como ela é, revista e
ampliada no palco de um teatro que
se resume a três paredes de
contraplacado condensando a
realidade em hora e meia.
Para os dois directores da
companhia, esta é uma
oportunidade para a observação, ao
microscópio, dos mecanismos que
tornam “real” a ficção que vemos à
nossa frente. As palavras de Noel
Coward (“Design for living”), T.S.
Elliot (“Cocktail Party”) e António
Pedro (“Desimaginação - Farsa do
Quotidiano”) são, entre outras,
mecanismos para forçar a realidade
a expor-se (entendendo-se aqui por
realidade o modo como ela é um
produto da imaginação, da
conveniência e da estratégia).
No fundo, o que a Mala Voadora
propõe com “3D” é arrumar a sua
principal linha de trabalho: o teatro
existe porque se diz que existe. E
porque a enunciação de uma acção
produz consequências que, ao fim
de um tempo, se organizam –
mesmo que arbitrariamente –,
sugerindo uma forma, uma norma,
um conjunto de regras. O ponto
onde esta companhia chegou, agora,
é ao momento em que as velhas
regras precisam ser substituidas por
outras. Mesmo que falsas, como as
do teatro.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
nas Jornadas
de Dramaturgia
Espanhola
Contemporânea
da Escola da Noite,
Liddell segue para a
Culturgest, em Lisboa,
onde apresentará o
monumental “La Casa
de la Fuerza” dias 11
e 12.
SUSANA PAIVAA
Agenda
Teatro
Continuam
Life and Times - Episode 1
De Pavol Liska, Kelly Copper. Pelo
Nature Theater of Oklahoma. Com
Ilan Bachrach, Gabel Eiben, Anne
Gridley, entre outros.
Lisboa. Teatro Municipal Maria Matos - Sala
Principal. Av. Frei Miguel Contreiras, 52. Até 29/01.
5ª a Sáb. às 20h30. Tel.: 218438801. 6€ a 12€.
Mãe Coragem
De Bertolt Brecht. Encenação de
João Garcia Miguel. Com Custodia
Gallego, Paula Diogo, entre outros.
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Pequeno
Auditório. Pç. Império. Até 30/01. 2ª, 5ª, 6ª e Sáb.
às 21h. Dom. às 16h. Tel.: 213612400. 10€ a 12,5€.
Sombras
De Ricardo Pais. Com José Manuel
Barreto, Raquel Tavares, Emília
Silvestre, Pedro Almendra, Pedro
Frias, Mário Laginha, entre outros.
Lisboa. Teatro Municipal de S. Luiz. R. Antº Maria
Cardoso, 38-58. De 28/01 a 30/01. 6ª e Sáb. às 21h.
Dom. às 17h30. Tel.: 213257650. 10€ a 20€.
Hughie + Antes do Pequeno
Almoço
De Eugene O’Neill. Pela Companhia
de Teatro de Almada. Encenação de
Joaquim Benite. Com Anabela
Teixeira, entre outros.
Amadora. Espaço
Cultural Recreios da
Amadora. Av. Santos
Mattos, 2. Até 30/01. 5ª a
Sáb. às 21h30. Dom. às
16h. Tel.: 214927315. 6€ a
10€.
Salomé
De Oscar Wilde.
Pelo Centro
Dramático
Galego.
Encenação de
Carlos Santiago.
Com María Mera,
Pepe Penabade,
Hugo Torres,
entre outros.
Braga. Theatro Circo - Sala Principal. Av.
Liberdade, 697. De 28/01 a 29/01. 6ª e Sáb. às 21h30.
Tel.: 253203800. 5€ a 8€.
A Porta Fechou-se e a Casa era
Pequena
De Ricardo Neves-Neves. Pelo Teatro
do Eléctrico. Encenação de Ricardo
Neves-Neves. Com Ricardo Neves-
Neves, Vitor Oliveira.
Lisboa. Teatro da Comuna. Pç. Espanha. De 01/02 a
17/02. 3ª a 5ª às 21h45. Tel.: 217221770. 5€ a 7,5€.
O Homem Elefante
De Bernard Pomerance. Encenação
de Sandra Faleiro. Com António
Fonseca, Rita Lello, Cláudio da Silva,
Vera Kalantrupmann, entre outros.
Porto. Teatro Carlos Alberto. R. Oliveiras, 43. Até
30/01. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
223401905. 5€ a 15€.
Fala da Criada dos Noailles...
De Jorge Silva Melo. Pelos Artistas
Unidos. Encenação de Jorge Silva
Melo. Com Elsa Galvão, Vânia
Rodrigues, entre outros.
Lisboa. Teatro da Trindade. Lg, Trindade, 7 A. Até
29/01. 4ª a Sáb. às 21h. Dom. às 16h. Tel.:
213420000. 8€ a 14€.
Demónios de Macbeth
De William Shakespeare. Encenação
de Sofia de Portugal. Com Elsa
“Sombras”,
de Ricardo
Pais, a partir
de hoje
em Lisboa
Dançando com a
Diferença em Aveiro
Eugene
O’Neill
em dose
dupla na
Amadora
O Teatro
do Eléctrico
na Comuna
Valentim.
Lisboa. Teatro da Trindade. Lg. Trindade, 7 A. Até
27/02. 4ª a Sáb. às 21h45. Dom. às 17h. Tel.:
213420000. 8€.
Glória ou como
Penélope Morreu de Tédio
De Cláudia Chéu. Encenação de
Cláudia Chéu. Com Albano
Jerónimo.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II - Sala
Experimental. Pç. D. Pedro IV. Até 30/01. 4ª a Sáb.
às 21h45. Dom. às 16h. Tel.: 213250835.
A Higiene do Assassino
De Amélie Nothomb. Pela Efémero.
Encenação de Vítor Correia. Com
André Roussel, Filipa Braga Cruz,
Luís Moura, entre outros.
Aveiro. Estaleiro Teatral. Parque Infante D. Pedro.
Até 29/01. 4ª a Sáb. às 21h30. Tel.: 234386524. 5€.
E Não se Pode Matá-los?
De Alicia Guerra. Encenação de João
Mota. Com Carlos Paulo, Alvaro
Correia, Mia Farr, entre outros.
Lisboa. Teatro da Comuna. Pç. Espanha. Até 27/03.
4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.: 217221770. 5€
a 10€.
Teleganza
De Jorge Louraço Figueira. Pelo
Teatro Nova Europa. Encenação de
António Durães. Com João Miguel
Mota, Tânia Dinis, Tiago Correia.
Porto. Estúdio Zero. R. Heroísmo, 86. Até 30/01. 3ª
a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.: 225373265. 5€.
Noite de Reis
De William
Shakespeare.
Pelo Teatrão.
Encenação de
Marco Antonio
Rodrigues. Com
Inês Mourão,
Isabel Craveiro,
Rodrigo Santos,
entre outros.
Coimbra. Oficina
Municipal do Teatro. R.
Pedro Nunes. Até 29/01.
5ª a Sáb. às 21h30. Tel.:
239718238. 5€ a 10€.
O Senhor Puntila e o Seu Criado
Matti
De Bertolt Brecht. Pelo Teatro
Aberto. Encenação de João
Lourenço. Com Miguel Guilherme,
Sérgio Praia, entre outros.
Lisboa. Teatro Aberto - Sala Azul. Pç. Espanha. Até
27/02. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
213880089. 7,5€ a 15€.
Dança
Continuam
Nortada
De Olga Roriz. Pela Companhia Olga
Roriz.
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo. Pç.
Republica, 39. Dia 29/01. Sáb. às 21h30. Tel.:
245307498. 10€.
A Praça
De Né Barros.
Matosinhos. Cine-Teatro Constantino Nery. Av.
Serpa Pinto. Dia 29/01. Sáb. às 21h30. Tel.:
229392320. 7,5€.
Levanta os Braços Como
Antenas Para o Céu + Beautiful
People
De Clara Andermatt, Rui Horta. Pelo
Grupo Dançando com a Diferença.
Aveiro. Teatro Aveirense - Sala Principal. Pç.
República. Dia 28/01. 6ª às 21h30. Tel.: 234400922.
8€.
MANUEL ROBERTO

Cinema
MARTIN BUREAU/ AFP
Estreiam
As vidas
dos outros
Um instantâneo
desencantado sobre a
solidão pelos olhos de quem
não a sente. Jorge Mourinha
Um Ano Mais
Another Year
De Mike Leigh,
com Jim Broadbent, Lesley Manville,
Ruth Sheen, Peter Wight, Oliver
Maltman, David Bradley. M/12
MMMMn
Lisboa: Medeia King: Sala 1: 5ª Domingo 3ª 4ª
14h30, 17h, 19h30, 22h 6ª Sábado 2ª 14h30, 17h,
19h30, 22h, 00h30; Medeia Saldanha
Residence: Sala 5: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 14h30, 17h, 19h30, 22h; UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 3: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h, 16h35,
19h10, 21h50, 00h30 Domingo 11h30, 14h, 16h35,
19h10, 21h50, 00h30; UCI Dolce Vita Tejo: Sala 5: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h55, 16h25, 19h05, 21h45 6ª
Sábado 13h55, 16h25, 19h05, 21h45, 00h25; ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h30, 16h10, 18h45, 21h20, 24h; ZON
Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h10, 16h10, 19h10, 21h50, 00h20; ZON
Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h45, 18h40, 21h25,
00h05; ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h25, 16h05, 18h45,
21h35, 00h15
Porto: Arrábida 20: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 13h45, 16h25, 19h15, 22h05, 00h55 3ª 4ª 16h25,
19h15, 22h05, 00h55; ZON Lusomundo Dolce Vita
Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h,
15h30, 18h10, 21h10, 23h50; ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h50, 15h40, 18h10, 21h10, 23h40
Há uma tradição de grandes
interpretações nos filmes do inglês
Mike Leigh. A David Thewlis (“Nu”),
Brenda Blethyn (“Segredos e
Mentiras”), Imelda Staunton (“Vera
Drake”) e Sally Hawkins (“Um Dia de
Cada Vez”) vem-se agora juntar
Lesley Manville, no papel de uma
secretária solitária que se refugia no
RRazzie
álcool e nos sonhos impossíveis para
combater a sua solidão.
O que há de invulgar no caso de
Manville é que ela não é a
personagem principal do filme. “Um
Ano Mais” é um filme de conjunto, e
a Mary a que a actriz dá corpo e alma
é apenas um dos “satélites” que
orbitam à volta dos “heróis”
aparentes: Tom e Gerri, um casal
londrino que parece ter a vida
perfeita, ele engenheiro geólogo, ela
assistente social. (Desenganem-se se
acharem que os nomes, Tom e Gerri,
são coincidência.)
Mas este casal feliz (que está longe
de ser tão santo como o olhar
superficial sugere) é mais o “fio
condutor” do filme do que o centro
deste olhar desencantado sobre a
solidão. São personagens que Leigh
usa como “substitutos” dos
espectadores, que, tal como nós,
assistem à litania de misérias e
grandezas que os seus convidados
trazem à sua casa confortável ao
longo das quatro estações do ano.
Espectadores investidos nas vidas
dos outros: Mary, claro, mas também
Ken, o velho amigo que parece estar a
matar-se aos poucos, Joe, o filho que
ainda não assentou, Ronnie, o irmão
viúvo que não sabe o que fazer da
vida. Espectadores investidos mas,
atenção, sem a condescendência
Objectos em Silêncio
O Património Científico e Técnico em Portugal
Cursos de natureza teórico-prática para
profissionais, estudantes e interessados na área
da preservação do património científico e técnico,
destinados à formação ao nível do inventário,
organização, estudo e conservação de artefactos
da ciência e técnica.
“O Último Airbender” e “A
Saga Twilight: Eclipse”
foram “distinguidos”
com nove nomeações
para os Razzie Awards,
os prémios para o pior
que se fez no cinema
durante o último ano.
“Um Ano Mais”: um casal feliz como fi o condutor
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Foram nomeados para
“Pior Filme”, junto com
“O Sexo e a Cidade 2”,
“Ex-Mulher Procurase”
e “Ponha Aqui o seu
Dentinho”. Nas categorias
de interpretação, muitos
actores dos nomeados
altaneira ou o desprezo que muitos
críticos teimaram em ver no filme.
A verdade é que todos conhecemos
gente como a que faz parte deste
filme – gente que se esforça por ser
feliz e que dá graças pelas suas
pequenas bênçãos. Personagens que
ficam desenhadas com meia dúzia de
pinceladas magistrais e que
transformam “Um Ano Mais” na mais
recente manifestação do olhar
cirúrgico que Leigh lança sobre a
Inglaterra contemporânea,
erradamente descrito como fazendo
parte do “realismo social”. Definição
tecnicamente correcta mas que falha
porque Leigh não está tanto
interessado no “realismo social” por
si próprio, mas antes em captar uma
vibração emocional no trabalho dos
actores que transponha a barreira
entre o real e a ficção e evite a lógica
fechada das narrativas tradicionais,
excertos de um contínuo sem
princípio nem fim. Os riscos desse
trabalho são constantes no cinema de
Leigh, que alinha clássicos e obras
menores numa sequência irregular,
mas é reconfortante ver alguém que
não se acomoda. Basta ver como a
própria estrutura “televisiva”,
episódica, da narrativa consegue
uma densidade que as exigências do
pequeno écrã só raramente
permitem.
Inscrições
15 vagas por curso
Participação gratuita
Fundação Portuguesa
das Comunicações /
Museu das Comunicações
Organização: Projecto co-financiado pelo Ministério da Cultura/Instituto dos Museus
e da Conservação, através do Programa ProMuseus
já são repetentes, como
Robert Pattinson, Taylor
Lautner e Kristen Stewart
em “A Saga Twilight:
Eclipse”, Megan Fox em
“Jonah Hex” e Ashton
Kutcher em “Beijos &
Balas”
Paradoxalmente, “Um Ano Mais”,
exemplar do método Leigh no seu
melhor, tem sido um dos seus
trabalhos menos unânimes desde
que estreou em Cannes 2010, com as
opiniões a abrangerem o espectro da
aclamação incondicional à recusa
mais absoluta. Mas já demos por nós
a pensar que “Um Ano Mais” é tão
incisivo e desencantado que talvez
seja essa franqueza que incomoda
quem vê. Para nós, é o melhor Leigh
desde o magistral “Segredos e
Mentiras” - e isto, num ciclo que
incluiu “Topsy-Turvy” ou “Vera
Drake”, não é dizer pouco.
Estranha forma
de filme
Alain Oulman - Com Que Voz
De Nicholas Oulman,
com . M/12
MMnnn
Datas e horário dos cursos
24 a 28 de Janeiro
Fundação Portuguesa das
Comunicações/ Museu das
Comunicações (Lisboa);
9 a 13 de Maio
Museu dos Transportes e
Comunicações (Porto);
2ª a 6ª das 9h às 13h e das 14h às 18h.
Apoio:
Lisboa: CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 5: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h55; CinemaCity
Alegro Alfragide: Sala 3: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h40,
17h45, 19h50, 21h50, 23h50 Sábado Domingo
19h50, 21h50, 23h50; CinemaCity Classic
Alvalade: Sala 3: 5ª 2ª 3ª 4ª 13h30, 15h30, 17h30,
19h30, 21h30 6ª 13h30, 15h30, 17h30, 19h30, 21h30,
23h40 Sábado 11h30, 13h30, 15h30, 17h30, 19h30,
21h30, 23h40 Domingo 11h30, 13h30, 15h30, 17h30,
19h30, 21h30
Porto: ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h10, 18h35,
21h, 23h30
Num momento em que o
documentário ganhou foros de
género maior no panorama das
estreias nacionais, não admirará a
programação para os grandes
Saiba mais em www.fpc.pt
Rua do Instituto Industrial, 16
1200-225 Lisboa
museu@fpc.pt
Número verde: 800 215 216
www.fpc.pt
17 a 21 de Outubro
Museu de Portimão;
21 a 25 de Novembro
Museu de Ciência da
Universidade de Lisboa.
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 33

Cinema
ecrãs de “Alain Oulman – Com Que
Voz”, biografia comovida e, por
vezes, comovente do homem que
operou a radical transformação do
fado, oferecendo à voz de Amália
alguns dos temas mais espantosos e a
oportunidade de cantar poemas que
não caberiam na estreiteza melódica
e harmónica dos fados tradicionais.
E o que é “Com Que Voz”? Uma
interessante recolha de materiais de
arquivo, alguns deles já conhecidos,
da longa biografia de Amália,
“Estranha Forma de Vida”, excertos
de programas de televisão (o muito
citado “julgamento” de Amália, por
se “atrever” a cantar Camões com
música de um “estrangeiro”) ou
actuações seleccionadas da Diva,
interpretando temas clássicos da sua
extensa colaboração com Oulman.
Tudo aparece, porém, sob uma
nova perspectiva e uma nova ordem,
quase sempre cronológica, de forma
a traçar um retrato de corpo inteiro
de um homem que se desdobrou em
múltiplas actividades: encenador de
teatro; editor literário, à frente do
gigante francês, a Calmann-Levy,
empresa familiar (Oulman era filho
da filha do fundador da editora),
ocasião para falar do seu papel como
divulgador da obra de Patrícia
Highsmith e para entrevistar dos
autores de sucesso que incentivou no
mundo das letras, Catherine Clément
e o israelita Amos Oz, projectando-os
no mercado francês e europeu;
militante de esquerda,
estranhamente ligado à cisão maoista
do Partido Comunista Português
(muito curiosa a escolha de Zita
Seabra para vocalizar mais uma
bicada à politica sectária do Partido a
que pertenceu) e expulso do Portugal
de Salazar, depois de ter estado preso
pela PIDE, salvo “in extremis” pelos
bons contactos familiares e pelo facto
de ser cidadão francês.
Ou seja, esta biografia de Alain
Oulman, compositor e homem de
cultura, desdobra-se numa
complicada retrospectiva histórica,
esboçando um retrato do país nas
décadas de 60 e 70, sem esquecer a
inclusão de imagens inevitáveis, mas
breves, do 25 de Abril. Conduzido, de
início, pelos depoimentos das irmãs
mais velhas, que historiam a
problemática de uma família judia
luso-francesa, com um pai
impositivo, um irmão morto durante
a guerra, com cuja estatura teve de
medir-se, alargado depois à
participação de outros familiares e da
ex-mulher (extremamente
comovente o momento em que ela
fala da morte prematura e limpa uma
lágrima), o filme aparece filtrado pela
homenagem póstuma do filho,
Nicholas, realizador e argumentista:
logo trata-se de uma visão intimista e
próxima de quem quer recuperar o
que conheceu pouco (ou nada), um
interessante documento, bem
pesquisado e correctamente
encadeado.
O único problema passa pela
34 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
As estrelas do público
Jorge
Mourinha
Luís M.
Oliveira
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
Um ano mais mmmmn nnnnn nnnnn mnnnn
O amor é o melhor remédio mmmnn nnnnn nnnnn nnnnn
Biutiful A mnnnn nnnnn A
Chantrapas mmnnn mmmmn nnnnn mmnnn
Alain Oulman- com que voz mmnnn nnnnn mmnnn nnnnn
Hereafter - Outra Vida mmnnn nnnnn mmmmn mnnnn
A Minha Alegria mmmnn mmmnn nnnnn mmmmn
72 horas mmnnn nnnnn nnnnn nnnnn
Tron- o Legado mmmnn nnnnn mnnnn nnnnn
Vais conhecer o homem dos teus sonhos mmnnn mmmnn nnnnn mmnnn
estrutura, tendo em conta a sua
projecção numa sala de cinema:
“Alain Oulman – Com Que Voz” faz
sentido enquanto documentário para
televisão, mas depois de “Ruínas”, de
Manuel Mozos, “Fantasia Lusitana”,
de João Canijo, sofisticados modos de
interrogar o passado português, ou,
se quisermos reverter para a
memória familiar, “Florette”, de
Serge Treffaut, este filme faz figura de
mitigada, embora fascinante,
biografia para passar em horário
nobre de uma televisão.
Óful
Biutiful
De Alejandro González Iñárritu,
com Javier Bardem, Maricel Álvarez,
Eduard Fernández. M/16
Mnnnn
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 4: 5ª 2ª
3ª 4ª 16h30, 21h 6ª 16h30, 21h, 00h15 Sábado
12h50, 16h30, 21h, 00h15 Domingo 12h50, 16h30,
21h; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 7: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h30, 21h30,
00h25; CinemaCity Campo Pequeno Praça de
Touros: Sala 8: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 1520, 18h20, 21h20,
00h15 Sábado Domingo 12h, 1520, 18h20, 21h20,
00h15; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 4: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h20, 21h20 6ª Sábado
15h20, 18h20, 21h20, 00h10; Medeia Saldanha
Residence: Sala 6: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h10, 16h, 18h50, 21h40, 00h30; UCI Cinemas -
El Corte Inglés: Sala 14: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª
15h, 18h15, 21h30, 00h25 Domingo 11h30, 15h, 18h15,
21h30, 00h25; ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 17h30, 20h50,
24h; ZON Lusomundo CascaiShopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h30, 21h,
00h10; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 17h, 21h, 00h15; ZON
Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h45, 21h, 00h15; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h50, 21h, 00h15
Porto: Arrábida 20: Sala 11: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 15h10, 18h25, 21h35,
00h40; ZON Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h10, 17h20, 21h,
00h15; ZON Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 17h30, 20h50,
00h10
Ele há gostos para tudo, mas somos
dos que pensam que Alejandro
Gonzalez Iñarritu é o grande “bluff”
da primeira década do século XXI. E
a dimensão do “bluff” tem muito a
ver com o facto de esta ter sido a
década em que a Internet se
consagrou como território da
(mesma) “opinião” replicada ad
nauseam, mas não vale a pena ir
agora por aí. Sejamos sucintos: não é
Bardem é um óptimo actor,
mas este é o Bardem mais bovino e esbugalhado
que alguém alguma vez fi lmou
“Biutiful” que nos vem mudar as
ideias: trata-se de um “bluff” tão
grande como qualquer outro filme de
Iñarritu.
A “pequena história” por trás de
“Biutiful” regista que depois de
Iñarritu se ter zangado com o seu
argumentista Guillermo Arriaga (que
se achava o responsável pela “obras
primas” de Iñarritu) se aventurou
aqui pela primeira vez a “solo”. A
primeira conclusão é óbvia: não era
por causa de Arriaga que Iñarritu era
mau, porque mesmo sem ele
continua a sê-lo. Mas há uma
consequência, porque Iñarritu não
quis seguir a marca dos argumentos
de Arriaga (as estruturas em
“mosaico”, que levaram tanta gente
ao êxtase perante a “montagem” de
“Babel”, por exemplo), e agarrou-se a
uma história contada com uma
linearidade absoluta ou quase
absoluta, com uma personagem
central (Javier Bardem) e uma
geografia concentrada na cidade de
Barcelona. Muda isto alguma coisa?
Só se for que, desprovido de
“truques”, o cinema de Iñarritu se
expõe mais na sua falta de subtileza e
se tal era possível no seu
oportunismo. São ainda as “dores da
humanidade”, em fundo de miséria
(como em “Babel”, com uma leve
caução anti-globalização, que inclui
cenas de tumultos de rua e tudo), e
temperada com um “intimismo”
psicologizante oriundo da “tragédia
pessoal” da personagem de Bardem
(a relação com a mulher, doente
mental). Tudo é solene e soturno,
mas a solenidade e a soturnidade são
fabricadas como ornamentos (a
fotografia, a música) ou, pior ainda,
como “guias de leitura” prédefinidos,
a condicionarem o modo
como o espectador deve olhar para
aquilo. E o espectador sofre, de facto,
e sofre bastante. Por exemplo com
todas as cenas de “família” e de
“intimidade”, maçadoras, falhas de
imaginação, um suposto naturalismo
básico mas desprovido de energia –
Cassavetes, se ressuscitasse,
arrependia-se de alguma vez ter feito
“Faces”, o filme que deu a impressão
que isto era fácil de fazer.
E Javier Bardem, no meio disto? É
um óptimo actor e os actores como
ele nunca perdem completamente a
dignidade; mas sejamos francos, é o
Bardem mais bovino e esbugalhado
que alguém alguma vez filmou, e o
pior é que é só disso que Iñarritu está
à procura. Luís Miguel Oliveira
O Amor é o Melhor Remédio
Love & Other Drugs
De Edward Zwick,
com Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway,
Oliver Platt, Hank Azaria, Josh Gad.
M/12
MMMnn
Lisboa: Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 5: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h10, 18h50,
21h30, 24h; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 6: 5ª
6ª 2ª 3ª 4ª 13h45, 15h55, 18h35, 21h35, 23h50
Sábado Domingo 11h30, 13h45, 15h55, 18h35, 21h35,
23h50; CinemaCity Beloura Shopping: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h35, 15h45, 18h10,
21h40, 23h55; CinemaCity Campo Pequeno Praça de
Touros: Sala 4: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h30,
19h10, 22h, 00h10 Sábado Domingo 14h20, 16h30,
18h40, 22h, 00h10; Medeia Fonte Nova: Sala 1: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h, 19h30,
22h; Medeia Saldanha Residence: Sala 7: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h30, 19h, 21h30,
24h; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 12: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 14h05, 16h30, 19h, 21h40, 00h10
Domingo 11h30, 14h05, 16h30, 19h, 21h40,
00h10; UCI Dolce Vita Tejo: Sala 10: 5ª Domingo
2ª 3ª 4ª 13h50, 16h25, 19h10, 21h35 6ª Sábado
13h50, 16h25, 19h10, 21h35, 00h10; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h20, 18h55, 21h30, 00h30; ZON
Lusomundo CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h30, 21h20,
24h; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55, 15h30, 18h10, 21h30,
00h05; ZON Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55, 15h30, 18h10,
21h10, 23h50; ZON Lusomundo Vasco da Gama: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h40, 18h10,
21h10, 23h50; Castello Lopes - Fórum Barreiro: Sala
4: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h30, 18h30, 21h30 6ª 15h30,
18h30, 21h30, 00h10 Sábado 13h, 15h30, 18h30,
21h30, 00h10 Domingo 13h, 15h30, 18h30,
21h30; Castello Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 2: 5ª
6ª 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h10, 21h20, 23h50 Sábado
Domingo 12h50, 15h20, 18h10, 21h20, 23h50; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h30, 18h40, 21h30,
00h10; ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h45, 18h20,
21h20, 00h05; Zon Lusomundo Freeport: 5ª 2ª 3ª
4ª 16h, 18h30, 21h10 6ª 16h, 18h30, 21h10, 23h40
Sábado 13h20, 16h, 18h30, 21h10, 23h40 Domingo
13h20, 16h, 18h30, 21h10
Porto: Arrábida 20: Sala 16: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 13h50, 16h25, 19h05, 21h50, 00h35 3ª
4ª 16h25, 19h05, 21h50, 00h35; ZON Lusomundo
Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 16h, 18h40, 21h30, 00h20; ZON Lusomundo
GaiaShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 16h10, 18h55, 21h30, 00h10; ZON Lusomundo
MaiaShopping: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40,
16h20, 19h, 21h40 6ª Sábado 13h40, 16h20, 19h,
21h40, 00h30; ZON Lusomundo Marshopping: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h20,
21h20, 24h; ZON Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 16h, 18h50, 21h50,
00h40; ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h40, 18h20,
21h30, 00h30; ZON Lusomundo Glicínias: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h25, 19h05,
21h45, 00h25
Edward Zwick é realizador que gosta
dos gestos grandes e épicos, que
tanto acerta (“Tempo de Glória”,
“Diamante de Sangue”) como falha
(“Lendas de Paixão”, “O Último
Samurai”). Daí que vê-lo a atirar-se à
comédia romântica comece por
inspirar alguma desconfiança, antes
de nos devolver o melhor Zwick,
aquele que criou, ajudou a escrever
e dirigiu vários episódios da seminal
série televisiva “Os Trintões”. “O
Amor É o Melhor Remédio” é uma
comédia romântica politicamente
incorrecta, sobre o romance
improvável entre um delegado de
Jake Gyllenhall em “O Amor é o Melhor
Remédio”: o charme ligado no máximo
propaganda médica ambicioso e
mulherengo e uma artista cujo
diagnóstico de Parkinson precoce
tornou cínica e misantropa. O
encontro entre estes dois egoístas
viciados em sexo desenrola-se nos
anos 1990, sob fundo do lançamento
do Viagra, e é um olhar de
devastadora irrisão sobre as
manigâncias da indústria
farmacêutica, uma comédia sexual
mal comportada sem falsos
moralismos, e uma comédia
romântica com gente lá dentro em
vez de construções de argumentista,
alinhando sem pruridos situações de
que a maior parte das comédias
românticas foge como o diabo da
cruz. O elenco que Zwick reuniu
ajuda, até porque Jake Gyllenhaal e
Anne Hathaway raras vezes têm
papel que lhes permita ligar o
charme no máximo deste modo.
Nem sempre a gestão dos vários tons
é feita a contento, mas o que noutras
mãos seria uma confusão
desgraçada dá todos os passos certos
nas de Zwick. J. M.
72 Horas
The Next Three Days
De Paul Haggis,
com Russell Crowe, Elizabeth Banks.
M/12
MMnnn
Lisboa: Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 6: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h40,
18h30, 21h20, 00h10; CinemaCity Alegro
Alfragide: Cinemax: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h35, 15h50, 18h30, 21h40, 23h55; CinemaCity
Beloura Shopping: Cinemax: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h05, 18h30, 21h25,
23h40; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 10: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h50, 19h15, 22h, 00h30
Domingo 11h30, 14h20, 16h50, 19h15, 22h,
00h30; UCI Dolce Vita Tejo: Sala 8: 5ª Domingo 2ª
3ª 4ª 13h45, 16h15, 18h55, 21h30 6ª Sábado 13h45,
16h15, 18h55, 21h30, 00h05; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 16h, 18h35, 21h40, 00h20; ZON Lusomundo
Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h,
15h30, 18h10, 21h20, 24h; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h50, 15h40, 18h20, 21h30, 00h15; ZON
Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h30, 21h15, 23h55; ZON
Lusomundo Odivelas Parque: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h30,
18h10, 21h10 6ª 15h30, 18h10, 21h10, 23h50 Sábado
13h, 15h30, 18h10, 21h10, 23h50 Domingo 13h,
15h30, 18h10, 21h10; ZON Lusomundo Oeiras
Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h,
15h40, 18h20, 21h20, 24h; ZON Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15,
16h, 18h40, 21h25, 00h25; ZON Lusomundo Vasco
da Gama: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50,
15h25, 18h, 21h, 23h40; Castello Lopes - C. C.
Jumbo: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª 16h, 18h40, 21h20 6ª
16h, 18h40, 21h20, 24h Sábado 13h20, 16h, 18h40,
21h20, 24h Domingo 13h20, 16h, 18h40,
21h20; Castello Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 1: 5ª
6ª 2ª 3ª 4ª 15h30, 18h30, 21h30, 00h10 Sábado
Domingo 12h40, 15h30, 18h30, 21h30, 00h10; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h30, 15h10, 18h, 21h,
23h50; ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 16h10, 18h50,
21h30, 00h15
Porto: Arrábida 20: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 13h45, 16h15, 18h50, 21h30, 00h20 3ª 4ª 16h15,
18h50, 21h30, 00h20; ZON Lusomundo Dolce Vita
Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50,
16h30, 19h10, 21h50, 00h30; ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 15h50, 18h30, 21h30, 00h10; ZON
Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª Sábado

aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Biopic
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h10, 19h10, 22h,
00h45; ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h40,
21h40, 00h25; Castello Lopes - 8ª Avenida: Sala 2:
5ª 2ª 3ª 4ª 15h40, 18h40, 21h30 6ª 15h40, 18h40,
21h30, 00h15 Sábado 12h50, 15h40, 18h40, 21h30,
00h15 Domingo 12h50, 15h40, 18h40, 21h30; ZON
Lusomundo Fórum Aveiro: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 15h50, 18h50, 21h40 6ª Sábado 13h, 15h50,
18h50, 21h40, 00h30
É, no espaço de três semanas, a
terceira “remake” americana de um
filme francês que chega às salas,
depois de “O Preço da Traição” e “O
Turista” - e é a terceira “remake” com
“pedigree”, entregue aos bons
cuidados de Paul Haggis,
argumentista do “Million Dollar
Baby” de Eastwood e realizador de
“Crash”, aqui adaptando um
“thriller” de Fred Cavayé (“Pour
Elle”, pouco visto fora de França).
Russell Crowe substitui Vincent
Lindon no papel de um professor
universitário tão seguro que a esposa
está inocente do homicídio pelo qual
foi condenada que articula um
arriscado plano de evasão. Mas esta é
também a terceira “remake” falhada,
já que Haggis não consegue resolver a
contento o dilema que o interessou:
conciliar um “thriller” de factura
clássica (conseguido) com uma
meditação sobre o amor
incondicional (falhada). “72 Horas”
brinca com a ambiguidade (Lara é ou
não realmente culpada?) e evoca aqui
e ali as questões morais levantadas
por esta transformação de pai de
família e professor em criminoso
justiceiro e implacável, mas acaba
por abandoná-las sem nunca as levar
muito longe para se concentrar
finalmente no lado de “thriller”. J.M.
Continuam
Hereafter - Outra Vida
Hereafter
De Clint Eastwood,
com Matt Damon, Cécile de France,
Jay Mohr, Bryce Dallas Howard,
George McLaren, Frankie McLaren.
M/12
Mnnnn
Bryan Singer (“Os
Suspeitos do Costume” e
“Superman – O Regresso”)
vai realizar um fi lme
sobre o coreógrafo e
encenador Bob Fosse. A
HBO comprou os direitos
da biografi a “Bye, Bye
Life: The Loves and
Deaths of Bob Fosse”, que
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 5: 5ª 2ª
3ª 4ª 15h30, 18h20, 21h30 6ª 15h30, 18h20, 21h30,
00h10 Sábado 13h, 15h30, 18h20, 21h30, 00h10
Domingo 13h, 15h30, 18h20, 21h30; Castello Lopes
- Londres: Sala 1: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h30,
19h, 21h30 6ª Sábado 14h, 16h30, 19h, 21h30,
24h; Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 4: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h50, 18h40,
21h10, 23h50; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 2:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h05,
18h40, 21h35, 00h10; CinemaCity Beloura
Shopping: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h30, 16h15, 18h50, 21h35, 00h10; CinemaCity
Campo Pequeno Praça de Touros: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h, 18h30,
21h30, 24h; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 1: 5ª
servirá de base do fi lme.
Ainda não foi divulgado
quem vai escrever o guião.
Bob Fosse (1927-1987),
fi gura incontornável e
inovadora da coreografi a,
venceu nove Tony Awards
e um Óscar. Foi nomeado
para o Óscar de Melhor
Realizador por três vezes,
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h35, 16h, 18h30, 21h35 6ª
Sábado 13h35, 16h, 18h30, 21h35, 24h; Medeia
Monumental: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 14h15, 16h45, 19h15, 21h45, 00h15; UCI Cinemas -
El Corte Inglés: Sala 9: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª
14h10, 16h45, 19h20, 21h55, 00h30 Domingo 11h30,
14h10, 16h45, 19h20, 21h55, 00h30; UCI Dolce Vita
Tejo: Sala 9: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h05, 16h35,
19h15, 21h45 6ª Sábado 14h05, 16h35, 19h15, 21h45,
00h25; ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h40, 21h10,
00h10; ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h, 19h, 21h40,
00h20; ZON Lusomundo CascaiShopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h35, 15h20, 18h10,
21h05, 00h05; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h40, 15h45, 18h45,
21h40, 00h25; ZON Lusomundo Dolce Vita
Miraflores: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h30, 18h30,
21h30 6ª Sábado 15h30, 18h30, 21h30, 00h30; ZON
Lusomundo Odivelas Parque: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h40,
18h30, 21h30 6ª 15h40, 18h30, 21h30, 00h10 Sábado
12h55, 15h40, 18h30, 21h30, 00h10 Domingo 12h55,
15h40, 18h30, 21h30; ZON Lusomundo Oeiras
Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50,
15h35, 18h30, 21h30, 00h20; ZON Lusomundo
Torres Vedras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h45, 15h30, 18h20, 21h10, 00h10; ZON Lusomundo
Vasco da Gama: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h45, 15h30, 18h30, 21h20, 00h10; Algarcine - Sines
: Sala 1: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h30, 18h30, 21h30
6ª Sábado 15h30, 18h30, 21h30, 24h; Castello Lopes
- C. C. Jumbo: Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h40, 18h30,
21h30 6ª 15h40, 18h30, 21h30, 00h10 Sábado 13h,
15h40, 18h30, 21h30, 00h10 Domingo 13h, 15h40,
18h30, 21h30; Castello Lopes - Fórum Barreiro: Sala
1: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h10, 21h20 6ª 15h20, 18h10,
21h20, 24h Sábado 12h40, 15h20, 18h10, 21h20, 24h
Domingo 12h40, 15h20, 18h10, 21h20; Castello Lopes
- Rio Sul Shopping: Sala 3: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h40,
18h20, 21h10, 24h Sábado Domingo 13h, 15h40,
18h20, 21h10, 24h; ZON Lusomundo Almada Fórum:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h40,
18h30, 21h10, 24h; ZON Lusomundo Fórum Montijo:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h40,
18h25, 21h25, 00h10
Porto: Arrábida 20: Sala 15: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 13h55, 16h35, 19h20, 22h05, 00h50 3ª
4ª 16h35, 19h20, 22h05, 00h50; Vivacine -
Maia: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h50, 17h, 21h, 23h50; ZON Lusomundo Dolce Vita
Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50,
15h40, 18h30, 21h20, 00h10; ZON Lusomundo
Ferrara Plaza: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h40,18h30,
21h20 6ª Sábado 15h40,18h30, 21h20, 00h05; ZON
Lusomundo GaiaShopping: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 15h50, 18h40, 21h20 6ª Sábado 13h, 15h50,
18h40, 21h20, 00h30; ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h50, 15h40, 18h40, 21h40, 00h30; ZON
Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h40, 15h25, 18h30, 21h20,
00h10; Castello Lopes - 8ª Avenida: Sala 4: 5ª 2ª
3ª 4ª 16h, 18h50, 21h40 6ª 16h, 18h50, 21h40,
00h20 Sábado 13h20, 16h, 18h50, 21h40, 00h20
Domingo 13h20, 16h, 18h50, 21h40; ZON
Lusomundo Fórum Aveiro: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
14h40, 17h40, 21h 6ª Sábado 14h40, 17h40, 21h, 24h
E Clint ficou atolado na mixórdia do
filme de argumentista com narrativas
paralelas programadas para se
cruzarem. Demasiados planos
turísticos de ligação e demasiados
planos de aviões – mas, afinal, o
argumento ordena que se
transportem as personagens de S.
Francisco e de Paris para Londres a
tempo de um “happy end” que é das
coisas mais feias que Clint já filmou.
Uma história francesa ao “estilo
internacional”, isto é, sem estilo;
uma história americana que merecia
o filme todo (a sequência das aulas de
cozinha prometia...) – é o mais perto
que Clint chega das zonas que mais
gostamos que ele tacteie, a escuridão;
finalmente, uma versão de plástico
do melodrama social britânico.
Nenhuma das histórias tem vida
própria, sofre sempre da condição de
estar “ao lado” de uma outra, ao lado
e desalmada, condenada ao
cruzamento. E depois, a metafísica
por computador... Vasco Câmara
vencendo em 1972 com
“Cabaret, Adeus Berlim”.
Em 1979, realizou e
escreveu “O Espectáculo
Vai Começar”, um fi lme
autobiográfi co que
venceu a Palma de Ouro
de Cannes.
Vais Conhecer o Homem
dos Teus Sonhos
You Will Meet a Tall Dark
Stranger
De Woody Allen,
com Antonio Banderas, Josh Brolin,
Anthony Hopkins, Gemma Jones,
Freida Pinto, Lucy Punch, Naomi
Watts. M/12
MMnnn
Lisboa: Castello Lopes - Londres: Sala 2: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h45, 19h15, 21h45 6ª
Sábado 14h15, 16h45, 19h15, 21h45, 00h15; Castello
Lopes - Loures Shopping: Sala 7: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 15h30, 18h10, 21h05,
23h30; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 9: 5ª 6ª
2ª 3ª 4ª 14h, 16h, 18h, 20h, 22h, 24h Sábado
Domingo 11h50, 14h, 16h, 18h, 20h, 22h,
24h; CinemaCity Campo Pequeno Praça de
Touros: Sala 5: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 14h05, 16h10,
18h10, 20h10, 22h10, 00h20 Sábado Domingo
13h50, 14h05, 16h10, 18h10, 20h10, 22h10,
00h20; Medeia Monumental: Sala 4 - Cine Teatro:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h, 18h,
20h, 22h, 00h30; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala
13: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h45, 19h10,
21h30, 23h55 Domingo 11h30, 14h15, 16h45, 19h10,
21h30, 23h55; ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h55, 16h20, 18h45,
21h50, 00h15; ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h50,
21h10, 23h30; ZON Lusomundo CascaiShopping: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 16h, 18h50, 21h15,
23h40; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 13h, 15h35, 18h, 21h05, 23h40 4ª
13h, 15h35, 18h, 23h40; ZON Lusomundo Oeiras
Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 18h,
21h45, 00h25; Castello Lopes - Rio Sul
Shopping: Sala 7: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 16h10, 19h, 22h,
00h30 Sábado Domingo 13h40, 16h10, 19h, 22h,
00h30; ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h05, 15h35, 18h05,
21h05, 23h30
Porto: Arrábida 20: Sala 12: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h15, 16h40, 19h05, 21h35, 00h05 3ª
4ª 16h40, 19h05, 21h35, 00h05; ZON Lusomundo
Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
19h30, 22h, 00h35; ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h20, 19h, 21h30, 24h; ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h30, 16h30, 19h10, 22h, 00h15; ZON
Lusomundo Glicínias: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h55, 16h35, 19h05, 21h40, 00h15
Esta tem sido a “démarche” de
Woody Allen nas cidades (Londres ou
Barcelona): sem curiosidade já para o
que é diferente e apenas
aproveitando os cenários que lhe dão
para repor obsessões, motivos e as
figuras de sempre – veja-se como a
prostituta deste filme, Lucy Punch, é
uma reedição, trejeitos e tudo, das
prostitutas de outros filmes, da Mira
Sorvino de “Poderosa Afrodite” ou da
Bebe Neuwirth de “Celebridades”.
Ou seja, é coisa de oportunidade, em
que o “outro” não regista ou é
passeio turístico. E no entanto, em
“Vais conhecer o homem dos teus
sonhos”, essa clausura de velho - é
um filme descarnado até ao osso,
aparentemente já sem paciência para
“construir”, despejando actores num
cenário a recitarem um texto e sem
outra alternativa a não ser servirem
de veículo do que foi escrito por... -
carrega este filme sobre o destino
com uma claustrofobia pegajosa. E
subitamente, aquilo que parecia
Woody Allen em piloto automático, é
máquina em movimento, o realizador
instituindo-se como “deus exmachina”
a fazer o cerco às
personagens. E subitamente ficamos
também cercados. V. C.
DOMINGO, 30 DE JANEIRO, 11H30
GRANDE AUDITÓRIO DO CCB
Orquestra Académica Metropolitana
Adriana Ferreira flauta
Jean-Marc Burfin direcção musical
obras de
Darius Milhaud
Wolfgang Amadeus Mozart
Lowell Liebermann
CO-PRODUÇÃO
APOIOS
Concertos para Famílias
PREÇO ÚNICO: 5€
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 35

Livros
36 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
Ficção
As velhas
bruxas
Romance originalíssimo
sobre feminilidade
e envelhecimento,
sexualidade, amor e
segredos. José Riço
Direitinho
Baba Yaga Pôs Um Ovo
Dubravka Ugreši
(trad. Paula Reis)
Teorema
mmmmm
“Baba Yaga Pôs Um
Ovo” é mais um livro
da colecção “Mitos”,
que por cá tem
vindo a ser
publicada pela
Teorema. A ideia
original é um
projecto da casa
editorial escocesa Canongate, que
convidou vários autores (entre
muitos outros há nomes como Milan
Kundera, Rushdie, Achebe, Maalouf,
Margaret Atwood ou Jeanette
Winterson) a reescreverem
livremente alguns dos mitos
universais. Calhou agora a vez da
escritora e ensaísta croata Dubravka
Ugreši (n. 1949), uma das vozes mais
originais e eruditas da literatura da
Europa Central e que até agora se
encontrava inédita em português. (A
publicação de um dos seus romances
mais conhecidos, uma obra-prima da
ironia, “Museu da Rendição
Incondicional”, foi anunciada pela
editora Cavalo de Ferro para 2011.) De
entre os livros publicados nesta
colecção, este é, sem dúvida, o mais
conseguido.
A mestria técnica de Ugreši é uma
das suas características mais notadas,
ao conseguir juntar, por exemplo,
subtis intertextualidades (ela conhece
bem as tradições literárias e
filosóficas europeias) com diálogos
bastante assertivos que iluminam
sátiras corrosivas; ou como consegue
fazer uso do seu extraordinário
sentido de observação para os
detalhes sócio-culturais. A
complexidade do seu pensamento é
expressa, normalmente, com uma
simplicidade tocante. A estrutura dos
romances é quase sempre episódica,
ESCRITOR pretende:
Estabelecer parceria com Pessoa habilitada para digitar, semanalmente, os seus
manuscritos (em Lisboa);
Actividade interessante, em situação de reforma, com partilha dos direitos de Autor.
Contacto: Tel. 91 886 97 75
resultando numa acumulação de
partes narrativas e de polifonia de
registos, num patchwork narrativo
em construção. Antes da
desagregação da antiga Jugoslávia,
Dubravka Ugreši – que estudou e
ensinou literatura russa e as suas
vanguardas – escreveu romances
cómicos e arremedos pósmodernistas
de histórias românticas
com um final feliz, uma espécie de
exercícios de ironia paródica. Mas
veio a Guerra dos Balcãs e os tempos
mudaram: ela foi obrigada a deixar o
ensino em Zagreb, viveu entre
“residências artísticas” até se fixar
em Amesterdão, e tornou-se numa
autora mais “séria”, passando a
escrever (alternando entre o registo
de ficção e o de ensaio) sobre temas
como o exílio, a vida de escritor, os
nacionalismos ou a imposição
arbitrária de fronteiras e de
identidades.
Baba Yaga é a verdadeira (e
suprema) bruxa do folclore eslavo:
violenta, poderosa, de apetites
vigorosos, ela é uma guardiã de
saberes secretos. Foi nesta figura
mítica – descrita nas histórias
populares como uma velha de nariz
vermelho que vive numa casa assente
em gigantescas patas de galinha – que
a autora se inspirou para a escrita
deste romance de personagens
(quatro mulheres velhas) que vivem
na fronteira entre a tragédia e a farsa.
Dubravka Ugreši escreveu uma
espécie de tríptico – uma história
sobre morte, sexualidade e
envelhecimento – que ilustra a
tendência de algumas sociedades
para “demonizar” as mulheres
idosas. A primeira e a segunda partes
são histórias aparentemente
desligadas; na primeira (“Vai lá… não
sei aonde… e traz-me… uma coisa
que me faz falta”) narra a memória
do envelhecimento da mãe da
narradora, o desaparecimento de
palavras, a sua substituição apressada
por outras que têm um significado
diferente, a perda de faculdades
cognitivas, a mania de ter tudo
sempre arrumado e sem mudar de
sítio, e a incompreensão mútua de
pessoas de diferentes idades; a
segunda parte (“Não me faças
perguntas, que eu não te conto
mentiras”), em jeito de subversiva (e
absurda) história de fadas, tem lugar
num “spa” pós-comunista para onde
três mulheres velhas e caquéticas
(Pupa, Beba e Kukla) vão em busca
de tentar manter os seus corpos e
mentes “apresentáveis”; lá
encontram um estranho médico e
ainda um massagista com uma
“erecção permanente” devido a um
distúrbio causado pela explosão de
uma bomba na guerra da Bósnia…
pelo meio, para além de muitas e
deliciosas reflexões sobre memória e
loucura, há a morte de uma delas e a
tentativa de preservação do corpo
num gigantesco ovo de madeira. A
terceira parte (“Quem sabe demais,
cedo demais envelhece”) é um
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Dubravka Ugreši escreveu uma história sobre morte, sexualidade
e envelhecimento que ilustra a tendência de algumas sociedades para
“demonizar” as mulheres idosas
comentário, feito num registo mais
ensaístico, às duas primeiras partes,
por uma personagem que aparece
quase no início, uma jovem
estudante de folclore eslavo que
ilumina o leitor quanto às
correspondências do que foi narrado
com o mito de Baba Yaga. Este é um
romance originalíssimo sobre
feminilidade e envelhecimento,
sexualidade e identidade, amor e
segredos.
Um tempo de
impostores
A dimensão heróica convive
mal com a crónica literata,
mas a secura da prosa
proporciona momentos
fortes. Eduardo Pitta
O Revisor
Ricardo Menéndez Salmón
(Trad. Helena Pitta
Porto Editora
mmmnn
Entre os autores espanhóis com
menos de 40 anos, Ricardo
Menéndez Salmón (n. 1971) é um dos
mais interessantes. Publicou
romances (oito), ensaio, poesia,
teatro e crónica. O livro mais
recente, “La luz es más antigua que
el amor” (2010), faz um “travelling”
Entre os autores espanhóis
com menos de 40 anos, Ricardo
Menéndez Salmón é um dos mais
interessantes
entre a Peste Negra
de 1350 e o 11 de
Setembro de 2001,
tarefa impossível
sem o domínio
perfeito dos
recursos narrativos.
Salmón atingiu o
patamar da
consagração com a Trilogia do Mal:
“A Ofensa”, várias vezes premiado e
unânimemente considerado o
melhor romance espanhol de 2007;
“Derrocada” (2008) e “O Revisor”
(2009). O terceiro acaba de ser
traduzido.
A trilogia que “O Revisor” encerra
é uma reflexão sobre as raízes do
Mal: massacre de inocentes e outros
episódios aviltantes da II Grande
Guerra (“A Ofensa”); condição
humana e bestialidade na cidade
imaginária de Promenadia, que é
como quem diz, Gijón (“Derrocada”)
e, a fechar, estupor, mentira e
sequelas dos atentados de 11 de
Março de 2004 em Madrid: “Quando
o primeiro comboio foi pelos ares,
derramando sobre as nossas
pequenas e esforçadas vidas um
aluvião de sangue, cólera e medo, eu
[...] corrigia umas provas de
‘Demónios’ de Fiódor Dostoiévski.”
Vladimir, o narrador, é revisor
literário, ou seja, alguém que sabe
que a linguagem cria e modifica a
realidade: «Perverter a realidade
através da linguagem [...] é uma das
maiores conquistas do poder.”
Escrito a partir das Astúrias como
se de uma crónica se tratasse (o

narrador “arruma” os
acontecimentos de que foi
testemunha um ano antes), nem por
isso este romance perde tensão
dialéctica. Truques de
metalinguagem, elipses, envios
(Platão, Nabokov, DeLillo, etc.), i.e.,
material atinente à profissão de
Vladimir, não iludem o essencial:
“Ninguém, desde que existem
ágoras, mentiu tanto como os
políticos.” Salmón está zangado.
Porém, se por vezes a moral turva o
juízo (estamos de volta à literatura
comprometida), a secura da prosa
resiste a boa altura. Palavras suas: “a
literatura, por definição, é a
fraternidade do detalhe.”
Num tempo em que os conceitos
de justiça, democracia e liberdade
perdem o sentido, o demónio são os
outros. Os políticos foram
aperfeiçoando a arte da mentira, de
modo que “os bons tempos já estão
a chegar ao fim há umas quantas
primaveras”. Corolário: “há-de ir
tudo para a merda.” Não admira que
Heraclito seja chamado à colação.
Para Salmón não há inocentes. Os
masacres de Atocha (três bombas), El
Pozo del Tío Raimundo (duas), Santa
Eugenia (uma) e calle de Téllez
(quatro), com o seu cortejo de horror,
mortos (191) e feridos (dois mil),
interpelam directamente o poder:
Aznar, chefe do governo, mentiu.
Otegi, líder do Batasuna e “vigário da
ETA na arena política”, não
convenceu ninguém. Naquele dia,
centenas de satélites focavam “os
seus olhos de silício sobre o coração
de Madrid”, porque o mundo “tinha
parado sobre a sucata dos quatro
comboios.”
Escrito a dois tempos, o da
indignação (Madrid) e o do tédio
(algures nas Astúrias), o discurso
perde fôlego quando o narrador se
perde numa horta, “entre cenouras,
morangos e urtigas.” O primeiro tem
dificuldade em descobrir “o pathos
do Mal ao deambular entre os [seus]
vizinhos como um deus homérico
diante das muralhas de Tróia.” O
segundo discreteia sobre a profissão
de revisor... Verdade que nada disto
impede momentos fortes, como
sejam as reflexões sobre a orientação
cognitiva (a ‘Weltanschauung’) do
líder do Batasuna, um homem que
“teria dançado o Deutschland über
alles ou o raio da dança da chuva em
cima das nossas tumbas.” Diria que a
dimensão “heróica” convive mal com
a crónica literata deste tempo de
impostores.
A título de curiosidade refira-se
que, além de Salmón, outros
escritores espanhóis utilizaram os
atentados de Madrid como tema
literário: Luis Mateo Díez, “La piedra
en el corazón” (2006), Blanca
Riestra, “Madrid blues” (2008),
Adolfo García Ortega, “El mapa de la
vida” (2009) e Manuel Gutiérrez
Aragón, “La vida antes de marzo”
(2009). Quanto sei, o de Salmón é o
único publicado em Portugal.
Poesia
Malcontente
Uma peregrinação céptica a
Itália. Pedro Mexia
Erros Individuais
José Miguel Silva
Relógio D’Água
mmmnn
Que faz um céptico
hedonista e
quezilento no país
da arte sacra? É a
pergunta de José
Miguel Silva em
“Erros Individuais”,
um livro de poemas
florentinos que não
cede ao deslumbramento esteticista e
demonstra antes uma desconfiança
hostil. Florença é um museu, e em
grande medida um museu religioso,
um “intérmino desfile / de agonias,
ascensões e pietás”. E se em geral os
incréus concedem uma moratória
estética ao belo cristão, isso não
acontece de todo com José Miguel
Silva. Para ele, a arte cristã é
“publicidade” a uma “patranha” e
um “negócio”. E é esse assumido
desconforto que faz a singularidade
deste volume.
Voltemos à citação inicial: “Que faz
um céptico hedonista e quezilento /
no país da arte sacra? Como pode /
libertar-se da noção de que estes
jogos / de volumes, estes planos
vivamente / coloridos, representam
tudo aquilo em / que não crê: o
fanatismo, a videiterna, / o sacrifício
do corpo? Deambula / pelas salas
como um cão esfomeado / por um
campo de tremoço, sem achar / em
tão exótica e senil mitologia / firma
carne onde ferrar o pensamento”
(p (pág. g 25). ) Turista desconfiado no
meio de turistas
empáticos, José
Miguel Silva deixa
esta esta interrogação
importante: até
que ponto
somos capazes
de nos abstrair
dos aspectos
ideológicos na
contemplação
estética?
Poeta
Para José Miguel Silva a arte
cristã é “publicidade” a uma
“patranha” e um “negócio”
e é esse assumido desconforto
que faz a singularidade
deste volume
vigorosamente “político”, José Miguel
considera esse exercício quase
impossível. Vê no apogeu florentino o
triunfo do catolicismo, e o
catolicismo, segundo ele, é uma
forma de dominação, um tráfico de
consolo, uma degradação da
compaixão e uma repressão dos
instintos. A atitude mais pacífica seria
a tal abstracção estética, que não se
detém na ideologia, como defendia
Gramsci acerca de Dante; mas o
poeta português assume a sua
dificuldade e a sua irritação.
Ao elogio do “espiritual”,
contrapõe realidades terrenas e
carnais. Cenas bíblicas geram nele
uma apetência pela pintura
doméstica holandesa. E quando vê
uma natividade (de Ghirlandaio)
apetece-lhe dizer que vale mais não
nascer. Ainda assim, tem perfeita
noção de que aquilo que para os
antigos era catequese, de tal modo
que até os analfabetos entendiam, se
tornou para os modernos um jogo de
formas e volumes: “Para nós é tudo
vago, / duvidoso. Só as formas / nos
consolam, e as cores, / a impostura
da beleza” (pág. 28).
Em Itália, não é apenas a religião
que incomoda o poeta, mas o
dinheiro. A secção chamada “Via dei
Malcontenti” leva uma citação de
Lewis Mumford, que diz que o ideal
democrático foi corrompido pelo
capitalismo. Florença foi uma capital
financeira, e José Miguel Silva
abomina o “homo economicus”. O
comércio e a especulação são vistos
como uma peste, à maneira das
epidemias que grassavam nas cidades
italianas antigas. A opulência
florentina prova que a arte é muitas
vezes uma glorificação do dinheiro.
Os ricos, mortais tal como os pobres,
sonham com a posteridade, e
durante séculos conseguiram uma
posteridade artística, pois eram
mecenas. Isso, reconhece o poeta a
contragosto, é um bem. Embora ele
se coloque q de preferência p ao lado dos
“malcontentes”, os condenados ou
desprovidos. Daí que, qu numa igreja,
recolha imaginad imaginadas vozes de
diversos malcontentes, malcon que olham
os tectos magníf magníficos enquanto
desfiam a sua “raiva “r e
desconsolo”.
A viagem em IItália
é mais
amena noutras pa paragens, e
aparecem exemplos exemplo de como é
possível conjugar “bom “b gosto e bom
governo”. A Tosc Toscânia, um edénico
“parque do possível”, p é
mesmo ocasião de
alguns algu raros
momentos m de
simples s entrega
estética, e e depois
surgem s cidades
onde o se reconhece
o equilíbrio
renascentista,
vagamente laico,
e menos
aristocrático do
que
Isabel
Coutinho
Ciberescritas
Alegria, alegria. O escritor Paulo Roberto Pires
(durante anos director editorial da Agir e
Nova Fronteira – foi o editor de Rubem
Fonseca quando o escritor saiu da
Companhia das Letras) andava desaparecido.
O blogue que mantinha na revista brasileira “Bravo!” –
uma revista mensal de cultura onde escreve - estava há
meses parado. Mas aquele que é agora o editor da
“serrote”, uma revista quadrimestral (sai em Março,
Julho e Novembro) de ensaios, literatura, fotografia e arte
publicada pelo Instituto Moreira Salles (IMS), deu à costa.
A boa notícia é que podemos agora ler os seus textos no
Blog do IMS, que foi lançado a 24 de Janeiro. “É com a
liberdade da primeira pessoa e a eleição livre de temas
que começo hoje minha terceira encarnação de
blogueiro”, diz ele (as encarnações anteriores foram as
suas participação no site em NoMínimo e na “Bravo!”).
Nesta primeira crónica, Paulo fala da leitura que fez de
“How to live – A life of Montaigne in one question and
twenty atempts at an answer”, de Sarah Bakewell.
O Blog do IMS é um complemento do website do
instituto cultural brasileiro (www.ims.com.br). Tem
conteúdos exclusivos e secções fi xas. Por exemplo,
“Sala 21”: convida fotógrafos brasileiros a produzirem
um ensaio visual, onde mostram imagens inéditas ou
propõem novo olhar sobre seu trabalho. “A proposta
é formar, ao fi m da série, um recorte signifi cativo da
fotografi a brasileira contemporânea a partir de nomes
que não integram o acervo IMS, mas que exercem
trabalhos relevantes e de grande interesse documental e
estético”, explica-se. A primeira galeria virtual publicada
nessa secção - “Série 6x6” – foi realizada pelo fotógrafo
Luiz Braga (artista convidado do pavilhão brasileiro
na Bienal de Veneza em 2009). Na secção “Quadro a
quadro”, pinturas e desenhos do acervo de artes plásticas
do IMS serão comentados por
O Blog do IMS foi
lançado a 24 de Janeiro
Blog do IMS
http://blogdoims.
uol.com.br/
(Ciberescritas já é
um blogue http://
blogs.publico.pt/
ciberescritas)
Nada (e tudo) de cultura
convidados – na estreia do
blogue, é o crítico e escritor
Davi Arrigucci Jr. que escreve
sobre o quadro “Duas fi guras”
(1920), de Ismael Nery. E
na secção “Por dentro do acervo” obras de fotógrafos
consagrados que pertencem ao acervo do IMS são
comentadas (em áudio) por especialistas – o antropólogo
Eduardo Viveiros de Castro fala, na estreia, sobre imagens
de índios feitas por Maureen Bisilliat, Marc Ferrez, José
Medeiros, Henri Ballot, Alice Brill e Albert Frisch.
A revista de ensaios “serrote” também tem o seu
espaço nesta página web. Secção “Desentendimento”:
vídeos onde se debatem temas importantes de cultura e
política. O Lulismo é o primeiro assunto discutido, com
uma conversa entre os cientistas políticos André Singer
e José Arthur Giannotti, mediada pelo jornalista Mário
Sergio Conti.
Por fi m, “Correspondência” é uma secção muito
engraçada. Dois convidados, que já se conhecem,
trocam mensagens cujo tema será escolhido por eles
próprios. A primeira conversa é entre o escritor Daniel
Galera (publicado por cá, na Caminho) e o editor
André Conti. Durante dois meses, os dois trocarão
cartas semanalmente. Falam de livros, literatura, jogos,
Internet e de tatuagens. Já se pode espreitar a primeira
carta de Galera: “Tava pensando em te consultar a
respeito de um assunto, e esse assunto é: tatuagens”,
diz o escritor. “Queria tatuar ‘This is water’, a expressão
imortalizada pelo David Foster Wallace no discurso de
paraninfo do Kenyon College. Sei que é um clichê, mas
o próprio DFW era defensor do valor dos clichês, desde
que bem empregados.”
isabel.coutinho@publico.pt
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 37

Livros
sensatamente burguês: “Nas
cidades educadas, como Siena, / as
casas fazem os homens e não / os
homens as casas” (pág. 43), escreve
José Miguel Silva, num verso que tem
ecos de Pound.
A Itália, auge da civilização
renascentista, é um modelo que José
Miguel Silva não repudia, embora
reclame uma aceitação a benefício de
inventário, e a título estritamente
ateu e desencantado. Talvez não
fosse necessária, por isso, a coda
portuguesa. Sena e Magalhães
escreveram que baste sobre o país da
lisonja, da fealdade, da
mediocridade, do egoísmo, da
obediência, de modo que os últimos
poemas de “Erros Individuais”, que
voltam a essa toada, acrescentam
pouco. Essa “peregrinatio ad loca
infecta” é previsível. Mas a
peregrinação a Itália tinha deixado
algumas perguntas pessoais,
incómodas e agudas.
Ensaio
O sexo como
pecado
A ortodoxia sexual na
origem de quase todos os
códigos morais. Bruno
Horta
Sex at Dawn
Christopher Ryan e
Cacilda Jethá
Harper Collins
mmmnn
História do
Pecado
Oliver Thomson
Guerra & Paz
mmnnn
Oliver Thomson
(Birmingham, 1936)
confessa a
impotência: “Na
História social, é
possível registar uma melhoria
regular no bem-estar material, nos
cuidados de saúde, na tecnologia,
nos transportes, e assim por diante.
Até na História política poderá haver
alguma linha de progresso na
evolução da democracia e dos
direitos humanos.” Mas na História
moral a subjectividade domina e as
fontes são caprichosas, pelo que “não
se pode fazer uma verdadeira
tentativa de registar o
desenvolvimento ético de nações ou
comunidades”.
Porquê, então, chamar ao livro
“História do Pecado”? O título da
edição original dá uma resposta
convincente, através do artigo
indefinido que a tradução
38 • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • Ípsilon
portuguesa, ou insondáveis opções
editoriais, deixaram cair: “A History
of Sin” (1993).
Os problemas desta tradução são,
aliás, frequentes: “Têm havido
numerosas doutrinas” (p.53); “o
direito à sepultura viria a ser um dos
direitos tradicionais do homem mais
arreigado e inalienável” (p.87).
O autor é formado em História pela
Trinity College, em Cambridge, foi
professor de Comunicação Social e
História na Universidade de Glasgow
e actualmente dirige uma agência de
publicidade – informa a badana do
livro. Sendo uma pessoa de ciência,
estranha-se que faça as seguintes
afirmações: “O lesbianismo, ou a
adopção de hábitos masculinos por
parte das mulheres […] disseminouse
no mundo inteiro na década de 60
e foi racionalizado com mais eficácia
do que nunca, nomeadamente
através do argumento de que se
justifica enquanto meio de controlo
populacional” (p.43). “A necessidade
de uma defesa comum contra os
animais [por parte do Homem de
Neandertal] e, mais tarde, contra
outros homens, tornou-se na base do
patriotismo tribal e da ética militar.
Levou também ao papel subsidiário
das mulheres” (p. 87). “Filipe de
Orleães, um alcoólico e travesti que
usava maquilhagem, […] dava-se com
‘coquettes’ e o que eram chamados
‘roués’, viciados numa ronda
interminável de orgias mesquinhas”
(p. 255).
A capacidade de síntese do autor
atraiçoa-o, portanto. Mas noutros
momentos é valiosa. Thomson
resume cinco factores que
influenciam a criação de códigos
morais: compaixão, amor pela
família, autodefesa cooperativa,
desejo de aprovação e preferência
por processos decisórios fáceis. Três
componentes de protecção
sistematicamente presentes nos
sistemas éticos: protecção da vida, do
ciclo reprodutivo e da provisão
alimentar. E cinco princípios
fundamentais desses códigos:
reciprocidade (recompensa/castigo),
altruísmo (“ama o teu próximo como
a ti mesmo”, diz o livro que foi Moisés
quem disse, mas foi Deus a dizer-lhe
a ele); obediência (humildade como
virtude), absolutos (tabus; sim e não;
preto e branco) e costumes
(comportamento como extensão
estética dos padrões éticos).
A obra está dividida em três partes.
Na primeira, figuram as origens dos
códigos morais de diversas épocas e
comunidades. “Um código moral
pode ser definido enquanto sistema
de padrões éticos pelo qual
determinada sociedade controla o
comportamento dos seus indivíduos”
(p.25). A filiação elitista da
moralidade é sublinhada com
insistência: “Quem detém os cordões
da bolsa [utiliza-a] para ajudar a
instilar o tipo de ética mais passível
de manter essa riqueza. Deste modo,
o algodão fez da escravatura na
“Sex at Dawan”: separar pratica e simbolicamente
a sexualidade do amor e o desejo da intimidade
América e do trabalho infantil no
condado inglês de Lancashire uma
virtude” (p. 23).
Na segunda parte, Thomson entra
no tema. Começa cedo, nos
caçadores-recolectores, e vem até ao
século XX, muitas vezes em registo de
catálogo de crueldades. Na terceira
parte, a mais curta, deixa uma visão
de futuro: “A moral bem-sucedida
tem-se baseado no medo. Medo de
sofrer, do castigo, do ridículo, da
censura ou de tormentos eternos. […]
O desafio para o século XXI está em
construir um novo ‘ethos’ de
maturidade baseado em objectivos
positivos e não negativos” (p. 353).
A poligamia é um conceito a que o
autor dedica alguma atenção, mas
também aqui parece cair na síntese
fácil. “Poucas sociedades optaram
por negar ou reduzir o valor da
unidade familiar básica enquanto
núcleo de desenvolvimento social e
de carácter”, mas são “numerosas as
sociedades que têm apoiado a
poligamia, seja sob a forma de
poligenia [a tradução volta a falhar,
querendo, por certo, referir-se a
poliginia] ou poliandria” (p. 39). Teria
sido útil definir “unidade familiar
básica” e ir além daquilo a que as
teorias queer chamam
“heterossexismo compulsivo”.
Neste particular, “Sex at Dawn: The
Prehistoric Origins of Modern
Sexuality”, do psicólogo Christopher
Ryan e da psiquiatra Cacilda Jethá é
mais equilibrado. Um pouco mais.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
(Segundo se lê no site criado para
promover a obra, sexatdawn.com,
Cacilda Jethá nasceu em
Moçambique, numa família de
origem goesa, estudou medicina em
Portugal, regressou a Moçambique
para trabalhar na área do VIH/sida e
depois voltou a Lisboa para fazer a
especialidade em psiquiatria, no
hospital Júlio de Matos. Actualmente,
vive em Barcelona, tal como o coautor
do livro.)
Ryan e Jethá rejeitam, grosso
modo, os códigos morais dominantes
relativos ao casamento, à estrutura
familiar e à sexualidade. Defendem
que a poligamia e a promiscuidade
sexual (“relacionamentos sexuais
simultâneos”) são comportamentos
naturais nos humanos e noutros
primatas. A cultura é que opera a
repressão desses comportamentos, o
que muitas vezes está na origem do
insucesso das relações, sobretudo o
casamento.
A proposta dos autores é a de
separar pratica e simbolicamente a
sexualidade do amor e o desejo da
intimidade. “Não achamos que os
humanos nasçam hippies marxistas
ou que o amor romântico não fosse
importante para as comunidades
pré-históricas. Dizemos, antes, que a
cultura contemporânea desvirtua a
relação entre amor e sexo. Com ou
sem amor, a sexualidade aleatória era
a norma entre os nossos
antepassados pré-históricos” (p. 6).
Seguindo a máxima de La Fontaine
de que os animais servem para dar
lições aos homens, os autores
buscam nos outros primatas a
justificação para a necessidade
humana de poligamia. Dizem que os
únicos primatas monogâmicos são os
gibões e concluem que “nenhuma
espécie de primatas gregários é
monogâmica, a não ser, segundo a
narrativa padrão, a espécie humana”
(p. 64). “O sexo por prazer, com
vários parceiros, é muito mais
‘humano’ que animal” (p. 85).
Um dos argumentos é tão original
quanto questionável: “Porque é que
muitos homens heterossexuais ficam
extasiados com filmes pornográficos
em que vários homens têm sexo com
uma única mulher? […] Várias
explicações são possíveis, mas uma
delas é a de que esse interesse encaixa
bem numa Pré-História caracterizada
pela competição espermática” (p.
231). Logo, caracterizada por
sociedades poligâmicas.
Um problema se levanta neste
argumentário: a ideia de que os
comportamentos dos animais e da
humanidade pré-histórica são um
referente para os humanos de hoje.
É, no mínimo, fazer de conta que a
evolução das espécies nunca existiu
e, ao mesmo tempo, insistir num
“naturalismo” das coisas, que as
Ciências Sociais defendem não fazer
sentido. “Naturalismo” que ora serve
para justificar a poligamia ora é a
forma de “animalizar” os humanos.
Ryan e Jethá rebatem algumas das
ideias de Thomson, nomeadamente a
questão da “unidade familiar básica”.
O “nikah misyar” (casamento formal
entre pares que vivem separados) e o
“nikah mut’ah” (casamento informal,
celebrado entre um homem e uma
prostituta), ambos da tradição
muçulmana sunita, são dados como
exemplo de que neste aspecto não há
um modelo universal. “Muitas das
características que o Ocidente
considera serem hoje fundamentais
num casamento são tudo menos
universais: exclusividade sexual,
transmissão de propriedade, relação
prolongada no tempo. Nada disto é
esperado em muitas das relações a
que os psicólogos e antropólogos
evolucionistas querem chamar
casamento” (p. 122).
Igualmente diferente da de
Thomson é a opinião que Ryan e
Jethá têm sobre o início da
subalternização social das mulheres.
Deu-se há cerca de 10 mil anos, no
Neolítico, não no Paleolítico (período
a que pertence o Homem de
Neandertal). “Claramente, quem
mais perde com a revolução agrícola,
para além dos escravos, são as
mulheres, que deixam de ter o papel
central e respeitável da fase
recolectora, tornando-se mais uma
das propriedades que o homem tem
de adquirir e defender, tal como a
casa, os escravos e o gado” (p. 14).
Não é ainda uma pós-sexualidade o
que “Sex at Dawn” propõe. Mas anda
lá perto.

Exposições
A ética
do artista
As muitas facetas de Vasco
Araújo numa exposição que
tem a mentira por tema.
Luísa Soares de Oliveira
Mente-me (Lie to Me)
De Vasco Araújo.
Lisboa. Galeria Filomena Soares. Rua da
Manutenção, 80. Tel.: 218624122. Até 19/03. 3ª a
Sáb. das 10h às 20h.
Fotografia, Vídeo e Escultura.
mmnnn
A mentira é um tema de primeira
importância na política dos nossos
dias. Se ela é considerada como uma
falta de grandeza nos países de
tradição capitalista e protestante, as
coisas funcionam de outro modo
nos de cultura predominantemente
católica, como o nosso. Por isso, a
mais recente exposição de Vasco
Araújo, “Mente-me” terá impactos
diferentes consoante o público a que
se destina. A tradução inglesa do
filme que constitui a parte principal
da exposição (“Telos”, uns longos 17
minutos de boa produção de um
texto adaptado de Rousseau – que já
agora se escreve sem x no fim, ao
contrário do que surge no genérico)
acentua a vocação internacional que
o artista pretende dar à sua obra, e
justificará talvez os muitos erros
ortográficos do português que
pontua obras centradas na
articulação entre imagem e texto.
A obra de Vasco Araújo tem-se
construído sobre a questão da
alteridade. Além de artista, Araújo foi
Agenda
Inauguram
Gil J. Wolman
- Sou Imortal
e Estou Vivo
Porto. Museu
de Serralves. R. Dom João de Castro, 210.
Tel.: 226156500. De 28/01 a 27/03. 3ª a 6ª das 10h
às 17h. Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 19h.
Inaugura hoje às 22h.
Pintura, Filme, Outros.
Diários Gráfi cos
Em Almada: Não Somos
Desenhadores Perfeitos
De Clara Marta, Eduardo Salavisa,
Francisco Vidal, Javier de Blas,
entre outros.
Cova da Piedade. Museu da Cidade de Almada. Pç.
João Raimundo. Tel.: 212734030. De 29/01 a 16/04.
3ª a Sáb. das 10h às 18h. Inaugura amanhã às 17h.
Desenho.
Mappamundi
De Guillermo
Kuitca, Noriko
Ambe, Neal Beggs,
Daniel Chust
Peters, entre outros.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. Império -
Centro Cultural de Belém. Tel.: 213612878. De 31/01
a 24/04. Sáb. das 10h às 22h. 2ª a 6ª e Dom. das 10h
às 19h. Inaugura 31/1 às 19h30.
Pintura, Outros.
também cantor lírico, e os diversos
papéis que era levado a interpretar
surgem ainda pontualmente em
obras suas. No caso presente,
encontramos sinais dessa
apropriação da identidade alheia nas
séries “Telefonemas” (fotografias do
autor representando diversas
personagens e textos que
reproduzem conversas telefónicas
marcadas por equívocos de
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
DANIEL ROCHA
Em
Londres
L
As peças que recuperam roupa e acessórios
de vestir antigos reforçam o sentido teatral
das fi cções criadas por Vasco Araújo
Continuam
Breve História da Lentidão
e da Vertigem
De João Maria Gusmão, Pedro Paiva.
Lisboa. Galeria Graça Brandão. R. dos Caetanos, 26.
Tel.: 213469183/4. Até 12/03. 3ª a Sáb. das 11h às 20h.
Vídeo. Fotografia. Escultura.
Ver texto na pág. 25 e segs.
Muros de Abrigo
De Ana Vieira.
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. R. Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.: 217823474.
Até 03/04. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Instalação, Outros.
Casa Comum - Obras da Colecção
do CAM
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. R. Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.: 217823474.
Até 03/04. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Instalação, Outros.
Não Confi em
nos Arquitectos
De Didier
Faustino.
Lisboa. Centro
de Arte Moderna
- José de Azeredo Perdigão. R. Dr. Nicolau
Bettencourt. Tel.: 217823474. Até 03/04.
3ª a Dom. das 10h às 18h.
Vídeo, Instalação, Escultura,
Performance, Outros.
Julião Sarmento
vai estar no Starr
Auditorium da Tate
Modern, em Londres,
para uma conversa
com o crítico Adrian
Searle sobre os temas
que marcam mais
identidade), e sobretudo em
“Amneris”, sobre uma cantora de
ópera que era a melhor Amneris de
Moscavide… As peças tri e
bidimensionais, dispostas na sala
principal da galeria, expõem todas
elas uma ficção e uma imagem com
ela relacionada. As mais interessantes
são aquelas onde o artista recupera
roupa e acessórios de vestir antigos
(“Dos sapatos” ou “o meu criado”,
Tinta nos Nervos - Banda
Desenhada Portuguesa
De Richard Câmara, Diniz Conefrey,
Eduardo Batarda, José Carlos
Fernandes, António Jorge Gonçalves,
entre outros.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. Império - Centro
Cultural de Belém. Tel.: 213612878. Até 27/03. Sáb.
das 10h às 22h. 2ª a 6ª e Dom. das 10h às 19h.
Desenho, Ilustração, Outros.
Retratos
de Mulheres
De Man Ray, Jorge
Martins, Julião
Sarmento.
Lisboa. Fundação Arpad
Szenes - Vieira da Silva.
Pç. Amoreiras, 56/58. Tel.:
213880044. Até 30/04. 2ª,
4ª, 5ª, 6ª, Sáb. e Dom. das
10h às 18h.
Fotografia.
Uma história de amor
De Bruno Pacheco.
Lisboa. Chiado 8 - Arte Contemporânea. Lg. Chiado,
8 - Edifício Sede da Mundial-Confiança. Tel.:
213237335. Até 11/03. 2ª a 6ª das 12h às 20h.
Fotografia, Outros.
Que Sais-Je?
De Braço de Ferro, Isabel Carvalho,
Von Calhau!, Ana Jotta, entre outro.
Lisboa. Vera Cortês - Agência de Arte. Av. 24 de Julho,
profundamente a sua
obra (a memória, o
sexo, a transgressão, a
moral). É já no dia 12 de
Fevereiro e os bilhetes
custam de cinco a nove
libras.
por exemplo), decerto porque a
ficção ou, se se quiser, a literatura – e
já agora, a arte – pressupõem uma
espécie de contrato entre leitor ou
espectador e artista: sabemos
sempre que não é verdade, mas
agimos como se de verdade se
tratasse no momento em que fruímos
da peça. Cada uma destas peças,
quer o armário cheio de roupa ou os
diversos colarinhos engomados de
fardas de outros tempos, reforça o
sentido teatral das ficções criadas
pelo artista. Encontrámos
mecanismos semelhantes noutras
exposições de Vasco Araújo,
nomeadamente “Debret”, que esteve
em 2010 no Pavilhão Branco, e até
mesmo na sua participação no
prémio BESPhoto de 2007.
É no filme que as coisas não
andam tão bem. “Telos” consiste
numa divagação sobre a ética da
mentira que chega à conclusão de
que esta, afinal, é humana, estando
apenas isentos dela os animais (ou
melhor, um cão, a quem Vasco
Araújo empresta a sua voz). A peça,
implicitamente, condena
moralmente todos aqueles que se
vangloriam de estar isentos de falta,
e, ao contrário do que o autor
pretende, não levanta questões:
apenas enuncia verdades que, dada
a complexidade do tema, serão
apenas meias verdades... De facto,
possuir a verdade é – deve ser –
muito complicado. Mas também é
um facto que certa arte
contemporânea, como certos
partidos políticos, se julga na
obrigação de esclarecer o público
sobre os males e defeitos que o
assolam. Mesmo que seja com
Rousseau, que até parece que
pensava que todos nascíamos bons.
54 - 1ºE. Tel.: 213950177. Até 25/03. 3ª a Sáb. das 14h
às 19h.
Obra Gráfica, Outros.
Encenações
De Manuel Amado.
Lisboa. Sociedade Nacional de Belas Artes. R.
Barata Salgueiro, 36. Tel.: 213138510. Até 15/03. 2ª
a Sáb. das 14h às 20h.
Pintura.
Guimarães, Arte
Contemporânea 2011
De André Banha, Dalila Gonçalves,
Diogo Evangelista, entre outros.
Guimarães. Laboratório das Artes. Larg. do Toral.
Até 10/04. 6ª e Sáb. das 16h às 19h.
Guimarães. Centro Cultural Vila Flor. Av. D. Afonso
Henriques, 701. Tel.: 253424700. Até 10/04. 3ª a
Sáb. das 10h às 19h. Dom. das 14h às 19h.
Instalação, Pintura, Desenho,
Escultura, Outros.
Que Horas São?
De Alexandre Conefrey.
Lisboa. Giefarte. R. Arrábida, 54B. Tel.: 213880381.
Até 16/03. 2ª a 6ª das 11h às 20h.
Pintura.
Casa-Carrossel
De Fátima Mendonça.
Porto. Galeria 111. R. D. Manuel II, 246. Tel.:
226093279. Até 26/02. 3ª a 6ª das 10h às 19h30. 2ª
e Sáb. das 15h às 19h30.
Pintura.
Ípsilon • Sexta-feira 28 Janeiro 2011 • 39