39,95 - Hatje Cantz Verlag

Herbst 2003 

Hatje Cantz 

Vorschau und Gesamtverzeichnis Herbst 2003

Sehr geehrte Damen und Herren, 

liebe Kolleginnen und Kollegen im Buchhandel, 

wie jedes Jahr waren wir auch diesmal höchst gespannt 

auf unsere Vertreterkonferenz im April – immer so 

etwas wie die »Stunde der Wahrheit« für den Verlag. 

Die Kolleginnen und Kollegen, die die Buchhandlungen 

in Deutschland, Österreich, der Schweiz, Frankreich und 

den Benelux-Ländern besuchen, sind für uns das erste, 

kritische Publikum, und wir waren glücklich über die 

positive Resonanz auf unsere Novitäten. Doch letztendlich 

sind Sie es, die über den Erfolg unseres Programms 

entscheiden. 

Hier eine kleine Auswahl der Bücher, die wir Ihnen ganz 

besonders ans Herz legen möchten: 

Die große, umfassende Albrecht-Dürer-Monografie, 

herausgegeben von der Albertina in Wien, die eine der 

bedeutendsten und wertvollsten Sammlungen von 

Werken des berühmtesten deutschen Künstlers bewahrt. 

Ein Fest fürs Auge! 

Den repräsentativen Prachtband Schätze der Himmelssöhne, 

der erstmals die einzigartige Sammlung der 

chinesischen Kaiser aus dem Nationalen Palastmuseum 

in Taipei einem breiteren Publikum präsentiert. 

Den populären Übersichtsband zu der wohl bekanntesten 

Künstlergruppe des 20. Jahrhunderts, Der Blaue 

Reiter, und deren Einfluss auf die Weiterentwicklung 

der Kunst. 

Zwei wichtige Neuerscheinungen zu Ernst Ludwig 

Kirchners bisher fast unbekanntem plastischem Werk 

und zu seiner enorm kreativen Schaffensphase während 

seines Aufenthalts in der Davoser Bergwelt. 

Den großformatigen Bildband, der die radikale Neubestimmung 

des Selbstporträts im Werk von Irene 

Andessner zur Diskussion stellt. Die Begegnung mit 

den von ihr nachempfundenen historischen Frauenfiguren 

hat uns alle gleichermaßen fasziniert. 

Das vom Künstler selbst bearbeitete Tillmans-Werkverzeichnis 

mit rund 2400 Abbildungen. Ein »Muss« 

für alle Fans der zeitgenössischen Fotografie. 

Covermotiv: Allan Sekula, Dear Bill Gates, 1999; 

aus dem Buch Allan Sekula. Performance under 

Working Conditions (siehe Seite 51) 

Die umfassende Darstellung der weltweit viel beachteten 

Projekte der irakischen Architektin Zaha Hadid 

bis hin zu ihren aktuellsten Entwürfen. 

Die Publikation zu der sensationellen Architektur des 

Friendly Alien von Peter Cook und Colin Fournier für 

das Kunsthaus in Graz – Kulturhauptstadt 2003 –, 

die international auf großes Interesse stoßen wird. 

Zwei aufwändig gestaltete Bücher zum Wiener Silber 

und zum böhmischen Lötz-Glas der Jahrhundertwende, 

die Sammlerherzen höher schlagen lassen. 

Die preiswerten Sonderausgaben mit Erfolg versprechenden 

Titeln wie Angelika Kauffmann, Georg Flegel, 

Franz Marc und die lange erwartete Studienausgabe 

zur Kunsttheorie im 20. Jahrhundert. 

Und dann gibt es noch – Sammler aufgepasst! – exklusiv 

bei Hatje Cantz attraktive Künstlervorzugsausgaben 

von Irene Andessner, Hermann Nitsch, Wolfgang 

Tillmans, Beat Streuli und Oliver Boberg. 

Frei nach der Maxime Goethes: »Denken ist interessanter 

als Wissen, aber nicht als Anschauen« überlassen 

wir Sie nun dem unwiderstehlichen Sog der Bilder. 

Mit herzlichem Dank, dass Sie sich Zeit für unsere neue 

Herbstvorschau 2003 nehmen, und 

freundlichen Grüßen, 

Annette Kulenkampff 

und die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter 

des Hatje Cantz Verlages

www.hatjecantz.de 

Kunsttheorie 

2/3 Kunsttheorie im 20. Jahrhundert 

4/5 

Alte Kunst 

Albrecht Dürer 

6/7 Lucas Cranach 

8/9 Schätze der Himmelssöhne 

10 Gaspare Traversi 

Kleine Prinzen 

11 Angelika Kauffmann 

Georg Flegel 

12/13 

Klassische Moderne/Kunst nach 1945 

Der Blaue Reiter 

14–16 Ernst Ludwig Kirchner 

17 Franz Marc 

18/19 Lyonel Feininger 

20 Frantisˇek Kupka 

21 Der unbekannte Fontana 

22/23 Georgia O’Keeffe 

24 Arte Povera 

Dieter Roth 

25 Traumfabrik Kommunismus 

26 Karl Gerstner 

27 

Zeitgenössische Kunst 

Das Documenta11-Paket 

28/29 Irene Andessner 

30/31 Hermann Nitsch 

32 Peter Doig 

33 Daniel Richter 

34 (In Search of) The Perfect Lover 

35 Marlene Dumas 

36 Tom Sachs 

Nader Ahriman 

37 devil-may-care 

Pedro Cabrita Reis 

38 M_ARS 

Warum! 

39 Public Art 

The Down Side Up Show – 

Kunst aus Australien 

40 Martin Noël 

Hanns Schimansky 

41 Magdalena Jetelová 

Corinne Wasmuht 

42 Ron Mueck 

43 Laurie Simmons 

Lois Renner 

44/45 

Fotografie 

Wolfgang Tillmans 

46/47 Beat Streuli 

48 Peter Keetman 

49 Cruel and Tender 

50 Marcelo Brodsky 

51 Allan Sekula 

52 XL Photography 2 

Die Hecke 

53 Oliver Boberg 

Inhalt 

Neue Medien 

54 CyberArts 2003 

Ars Electronica 2003 

55 Video 

56 p0es1s – Ästhetik digitaler Poesie 

Granular-Synthesis 

57 

Architektur 

Cesar Pelli & Associates 

58/59 Zaha Hadid 

60/61 Vito Acconci 

62 Friedrich Kiesler 

Baukunst in Vorarlberg 

63 Friendly Alien 

64 Wege zu einem neuen Museum 

65 Die Architektur des Expressionismus 

66/67 

Design 

Wiener Silber 

68 Lötz – Böhmisches Glas 

69 ulmer modelle – modelle nach ulm 

70 Baumann & Baumann 

71 Uwe Lohrer 

Marke Mythos Menschliches 

72–74 Sonderausgaben 

75 Werbemittel 

76–116 Gesamtverzeichnis 

117/118 Register 

119/120 Barcodes aller Novitäten Herbst 2003 

Adressen

2 

»... das Standardwerk der Standardtexte ... konkurrenzlos 

und als Anthologie einmalig.« Passagen 

»Ein unverzichtbares Nachschlagewerk ...« 

Kunst + Unterricht 

»Ich kenne derzeit kein wichtigeres Buch zur 

modernen Kunsttheorie als diese Anthologie.« 

Hans Belting 

Auszug aus dem Inhaltsverzeichnis 

Paul Gauguin 

Brief an André Fontainas 1899 

Sigmund Freud 

»Über den Traum« 1901 

Paul Cézanne 

Briefe an Emile Bernard 

1904–1906 

Rainer Maria Rilke 

Briefe über Cézanne 1907 

Henry van de Velde 

Kunstgewerbliche Laienpredigten 

1902 

Giorgio de Chirico 

»Das Mysterium der Kreation« 

1913 

Ernst Ludwig Kirchner 

Programm der Künstlergruppe 

Brücke 1906 

Wilhelm Worringer 

Abstraktion und Einfühlung 1908 

Wassily Kandinsky 

Über das Geistige in der Kunst 1911 

Carl Einstein 

Negerplastik 1915 

Henri Bergson 

Schöpferische Entwicklung 1907 

Filippo Tommaso Marinetti 

»Manifest des Futurismus« 1909 

Kasimir Malewitsch 

Vom Kubismus und Futurismus 

zum Suprematismus: Der neue 

Realismus in der Malerei 1915/16 

Pablo Picasso 

»Picassos Meinung« 1923 

Oswald Spengler 

Der Untergang des Abendlandes 

1918 

Carlo Carrà 

Pittura metafisica 1916–1918 

Marcel Duchamp 

»Der Fall Richard Mutt« 1917 

Tristan Tzara 

»Dada-Manifest 1918« 1918 

Francis Picabia 

»Francis sei Dank!« 1923 

Piet Mondrian 

Die neue Gestaltung 1920 

Kurt Schwitters 

»Die Merzmalerei« 1919 

Walter Gropius 

Idee und Aufbau des Staatlichen 

Bauhauses Weimar 1923 

Paul Klee 

Über die moderne Kunst 1924 

Alfred Rosenberg 

Der Mythus des 20. Jahrhunderts 

1930 

Georg Lukács 

»Tendenz oder Parteilichkeit?« 

1932 

Leo Trotzki 

Literatur und Revolution 1924 

André Breton 

Manifest des Surrealismus 1924 

Siegfried Kracauer 

»Das Ornament der Masse« 1927 

Kunsttheorie www.hatjecantz.de 

»... ein Jahrhundertwerk ...« Focus 

»Das Werk ist eine wahre Fundgrube an theoretischen 

Schriften zu allen Kunstformen dieses 

Jahrhunderts ...« art 

»... ein Quellenwerk, wie es in solcher Fülle und 

Themenbreite dringend benötigt wird.« 

Der Tagesspiegel 

Salvador Dalí 

»Der Eselskadaver« 1930 

Walter Benjamin 

»Der Autor als Produzent« 

1934 

Theodor W. Adorno 

Brief an Walter Benjamin 1936 

Jackson Pollock 

Antworten auf einen Fragebogen 

1944 

Barnett Newman 

»Das Erhabene jetzt« 1948 

Jean-Paul Sartre 

Der Existenzialismus ist ein 

Humanismus 1946 

Jacques Lacan 

»Das Spiegelstadium als Bildner 

der Ichfunktion« 1949 

Georg Baselitz 

»Pandämonische Manifeste« 

1961–1962 

Max Horkheimer und 

Theodor W. Adorno 

»Die Parabel von den Ruderern« 

1944 

Roland Barthes 

»Der Mythos heute« 1957 

John Cage 

»Über den Künstler Robert 

Rauschenberg und sein Werk« 

1961 

Andy Warhol 

Interview mit Gene R. Swenson 

1963 

Marshall McLuhan 

Die magischen Kanäle 1964 

Donald Judd 

»Spezifische Objekte« 1965 

Sol LeWitt 

»Paragraphen über konzeptuelle 

Kunst« 1967 

Eva Hesse 

Interview mit Cindy Nemser 1970 

Joseph Beuys 

»Nicht einige wenige sind 

berufen, sondern alle« 1972 

Michel Foucault 

»Was ist ein Autor?« 1969 

Jean-François Lyotard 

Einleitung zu Das postmoderne 

Wissen 1979 

Gerhard Richter 

Interview mit Benjamin 

H. D. Buchloh 1986 

Jean Baudrillard 

»Der Hyperrealismus der 

Simulation« 1976 

Edward Said 

»Gegner, Publika, Klientelen und 

Gemeinschaft« 1981 

Mary Kelly 

»Re-Vision der modernistischen 

Kunstkritik« 1981 

Gayatri Chakravorty Spivak 

»Wer beansprucht Alterität?« 

1989 

Martin Kippenberger 

B 1991 

www.hatjecantz.de Kunsttheorie 

3 

»Ich kann mir kaum vorstellen, wie man in Zukunft in den 

kunsthistorischen Seminaren der Universitäten und an den 

Kunstakademien Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts lehren 

soll, ohne immer wieder zu diesem Werk zu greifen oder auf 

es zu verweisen.« Wieland Schmied 

Diese bis heute umfassendste, 

zweibändig angelegte Quellensammlung 

zieht ein enzyklopädisches 

Resümee der modernen 

Kunsttheorie in Europa und Amerika. 

Allen an Kunst, Kunstphilosophie 

und Kunstkritik interessierten 

Lesern stellt sie eine repräsentative 

Auswahl relevanter Texte zur Verfügung, 

die bisher nur schwer 

aufzufinden oder verstreut veröffentlicht 

waren. Die gebundene 

Ausgabe, die 1998 bei Hatje Cantz 

erschienen ist, wurde schnell zum 

»Standardwerk der Standardtexte«, 

das wir Ihnen nun als broschierte 

Studienausgabe zu einem sensationell 

günstigen Preis anbieten 

können. 

Die annähernd 400 Beiträge von 

Künstlern, Kunsttheoretikern, Phi- 

losophen, Soziologen, Politikern 

und Schriftstellern – Manifeste, 

Aufsätze, Briefe, Essays, Buchkapitel, 

Interviews, Vortragstexte von 

1895 bis 1991 – wurden in acht 

Hauptkapitel chronologisch und 

thematisch geordnet und mit 

editorischen Einführungen versehen; 

ein Personen- und Sachregister 

dient der bequemen Erschließung. 

Gegenüber dem englischen 

Original mit dem Titel Art in Theory 

von 1992 ist die deutsche Ausgabe 

um rund 75 Beiträge erweitert 

worden und macht zudem viele 

fremdsprachige Texte – von Kasimir 

Malewitsch bis Jeff Koons, von 

Georges Bataille bis Gajatri Spivak – 

erstmals in übersetzter Form zugänglich. 

Broschierte 

Studienausgabe 

€ 39,95 

(Leinen € 98,–) 

Kunsttheorie im 

20. Jahrhundert 

Künstlerschriften, Kunstkritik, 

Kunstphilosophie, Manifeste, 

Statements, Interviews 

Hrsg. Charles Harrison, Paul Wood 

Für die deutsche Ausgabe ergänzt 

von Sebastian Zeidler 

2 Bände mit insgesamt 1500 S., 

17 x 24 cm, Broschur 

Studienausgabe 

Einführungspreis 

bis 31. Dezember 2003 

€ 39,95 [D], sFr 66,–, 

danach € 49,95 [D], sFr 83,– 

ISBN 3-7757-1325-5 

Juni 2003

4 

Kopfstudie nach einem alten Mann, 1521 

Alte Kunst www.hatjecantz.de 

Hl. Hieronymus, 1521 

• Aktueller Prachtband zum Schaffen 

des berühmtesten deutschen 

Künstlers 

• Mit den zentralen und gleichzeitig 

populärsten Zeichnungen, Aquarellen, 

druckgrafischen Werken und 

Gemälden 

• Erscheint anlässlich der umfassendsten 

Albrecht Dürer-Ausstellung in 

der Albertina Wien – mit Exponaten 

aus dem hochkarätigen Dürer- 

Schatz der Albertina und den 

wichtigsten Dürer-Sammlungen 

der Welt 

www.hatjecantz.de Alte Kunst 

5 

Albrecht Dürer (1471–1528) ist zweifellos 

die überragende Künstlerpersönlichkeit 

an der Schwelle 

zwischen spätem Mittelalter und 

beginnender Neuzeit nördlich der 

Alpen. Im Rahmen des Wiedereröffnungsprogramms 

der Albertina 

Wien, die die umfangreichste und 

bedeutendste Dürer-Sammlung 

der Welt beherbergt, werden nun 

sein Schaffen und seine bahnbrechende 

Bedeutung für die 

Geschichte der Kunst in außergewöhnlichem 

Umfang erlebbar 

gemacht. 

Die Publikation würdigt das immense 

zeichnerische und druckgrafische 

Werk des Renaissance- 

Künstlers und stellt dazu auch 

ausgewählte Gemälde in Beziehung: 

Dokumentiert werden 

Dürers künstlerisches Umfeld in 

Ausstellung: Albertina Wien 5.9.– 30.11.2003 

Nürnberg, die Lehr- und Wanderjahre, 

Eindrücke und Erfahrungen 

von seinen Reisen nach Venedig 

und in die Niederlande sowie Werke, 

die der Künstler im Auftrag von 

Kaiser Maximilian I. geschaffen 

hat. Besondere Schwerpunkte sind 

der Landschaftskunst, den Tierund 

Pflanzenstudien, den Selbstbildnissen 

sowie den großen 

Zyklen zum Marienleben und der 

Passion Christi gewidmet. Faszinierend 

ist auch die Präsentation 

einer Reihe von Gemälden gemeinsam 

mit all ihren bekannten Vorstudien. 

Texte von profunden 

Kennern der altdeutschen Kunst 

kommentieren das Werk. Über 220 

Abbildungen illustrieren den Band 

nahezu durchgängig in Farbe. 

Blaurackenflügel, 1512 Das große Rasenstück, 1503 

Albrecht Dürer 

Hrsg. Albertina Wien, Texte von 

Johann Konrad Eberlein, Kristina 

Hermann-Fiore, Katherine Crawford 

Luber, Berthold Hinz, Matthias 

Mende, Ernst Rebel, Martin Schawe, 

Anna Scherbaum, Klaus Albrecht 

Schröder, Elisabeth Trux, Heinz 

Widauer u. a. 

Ca. 448 S., ca. 231 Abb., 

davon ca. 225 farbig, 

25 x 29 cm, Leinen mit 

Schutzumschlag 

Subskriptionspreis 

bis 30. November 2003 

€ 49,80 [D], sFr 83,–, 

danach € 58,– [D], sFr 96,– 

ISBN 3-7757-1330-1 

September 2003

6 

• Zum 450. Todesjahr von Lucas Cranach d. Ä.: 

eine profunde Publikation zu einem der bedeutendsten 

deutschen Künstler an der Zeitenwende 

von Reformation und Renaissance 

• Rund 250 ausgewählte mythologische Darstellungen, 

Bilder des Glaubens sowie Porträts aus 

Malerei und Druckgrafik 

Diptychon mit Johannes dem Täufer und Maria auf der Mondsichel, um 1550 

Alte Kunst www.hatjecantz.de 

Bildnis Martin Luthers als 

Augustinermönch, 1520 


7 

»In der Tat, wenn ich den einzigen Albrecht Dürer, meinen 

Landsmann, dieses unzweifelhafte Genie ausnehme, so muß, 

was die ... Malerkunst anlangt, unser Jahrhundert, meines 

Erachtens, Dir allein den obersten Rang zugestehen.« 

Christoph Scheurl an Lucas Cranach 

2003 jährt sich zum 450. Mal der 

Todestag eines der bedeutendsten 

deutschen Maler der Renaissance – 

Lucas Cranach d. Ä. (1472–1553). 

Bereits seine Zeitgenossen konnten 

sich dem Zauber seiner Bilder nicht 

entziehen, und auch Künstler des 

20. Jahrhunderts waren von seinem 

Werk fasziniert, was etwa die 

Cranach-Paraphrasen von Pablo 

Picasso und Ernst Ludwig Kirchner 

belegen. 

Nördlich der Alpen hat sich kein 

anderer Maler der Epoche intensiver 

mythologischen Darstellungen 

zugewandt. Darin übertrifft er 

auch Albrecht Dürer, den wichtigsten 

deutschen Maler neben ihm. 

Der Künstler traf in Wittenberg auf 

einen Kreis von humanistischen 

Philosophen, die die heidnische, 

antike Geschichte und Götterwelt 

studierten und neu deuteten. Sie 

regten Cranach dazu an, die traditionellen 

religiösen Bildthemen 

wie beispielsweise Adam und Eva 

in ein neues, der Antikenmode der 

Zeit verpflichtetes Gewand zu 

kleiden und als Venus und Amor – 

Cranach hat als erster Künstler 

außerhalb Italiens einen Frauenakt 

gemalt – neu zu präsentieren. 

Die Publikation führt diesen 

Schwerpunkt seines Spätwerks 

aus der Zeit von 1506 bis kurz vor 

seinem Tod sachkundig vor Augen. 

Ausstellung: Bucerius Kunst Forum, Hamburg 6.4.–13.7.2003 

Lucas Cranach 

Glaube, Mythologie und Moderne 

Hrsg. Heinz Spielmann, Texte von 

Susan Foister, Dieter Koepplin, 

Hanne Kolind Poulsen, Jörg Robert, 

Werner Schade, Heinz Spielmann 

192 S., 272 Abb., 

davon 167 farbig, 

22,8 x 28,6 cm, Leinen mit 


€ 39,80 [D], sFr 66,– 

ISBN 3-7757-1334-4 

Lieferbar 

Venus und Amor, 1509

8 

Yün Shou-p’ing (1633–1690, Ch’ing-Dynastie), Päonien, Albumblatt 

• Meisterwerke aus der einzigartigen 

Sammlung der chinesischen Kaiser 

aus dem Nationalen Palastmuseum, 

Taipei 

• Zahlreiche noch nie im Ausland 

gezeigte Kunstschätze – von den 

neolithischen Grabfunden aus Jade 

bis zum Aufbruch in die Moderne 

• Mit über 500 Abbildungen eine 

Fundgrube für alle Liebhaber chinesischer 

Kunst und Kultur 

Alte Kunst 


Jade-Anhänger in der Form einer Tänzerin, Han-Dynastie 

(206 v. Chr.–220 n. Chr.) 


9 

Ausstellungen: Altes Museum, Berlin 18.7.–12.10.2003 • Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland, Bonn 21.11.2003–15.2.2004 

Diese opulent bebilderte Publikation 

führt zu einer Begegnung mit 

einer der ältesten Kulturen der 

Welt: Sie stellt die einzigartige 

Sammlung der chinesischen Kaiser 

aus dem Nationalen Palastmuseum, 

Taipei, im Spiegel von ausgesuchten 

Meisterwerken vor – berühmte 

Gemälde und Kalligrafien 

Alter Meister, seltene Siegel, erlesene 

Porzellane, antike Ritualbronzen 

und Jadeschnitzereien. Daneben 

sind noch nie im Ausland gezeigte 

Buchdrucke, prachtvolle Tapisserien 

und Bildstickereien, Lack- und 

Emailarbeiten (Cloisonné), Holzschnitzereien 

und Sammelkabinette 

in unterschiedlichen kostbaren 

Materialien vertreten. Die Auswahl 

der Werke illustriert nicht nur die 

Vielfalt und Kreativität der chinesischen 

Kunst, sondern auch die 

sozialen, intellektuellen und politischen 

Strömungen in der chinesischen 

Geschichte. 

Sämtliche Sammlungsstücke werden 

in Farbe abgebildet und sachkundig 

beschrieben. Textbeiträge 

von ausgewiesenen Kennern der 

chinesischen Kunst widmen sich 

vertiefend den einzelnen Bereichen 

der kaiserlichen Sammlung und 

ihrer Geschichte – etwa der Malerei 

der Ming- und Qing-Zeit und 

der buddhistischen Kunst oder den 

Jadeschnitzereien von der Antike 

bis in die Neuzeit. 

Schätze 

der Himmelssöhne 

Die kaiserliche Sammlung 

des Nationalen Palastmuseums, 

Taipei, Taiwan 

Hrsg. Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland 

GmbH, Bonn, Texte von Roger 

Goepper, Regina Krahl, Wolfgang 

Kubin, Ursula Lienert, Adele 

Schlombs, Shih Shou-chien, Ursula 

Toyka-Fuong, Wang Yao-t’ing u. a. 

Ca. 480 S., ca. 510 Abb., 


24,5 x 28 cm, Leinen mit 


Ca. € 58,– [D], sFr 96,– 

ISBN 3-7757-1318-2 

Juli 2003 

Kugelförmige Vase mit Drachendekor in Unterglasurblau, 

Ming-Dynastie, 1403–1424

10 

Gaspare Traversi 

»Heiterkeit im Schatten« 

Ein Maler aus Neapel 

im Zeitalter der Aufklärung 

Hrsg. Staatsgalerie Stuttgart 

Von August Bernhard Rave, Texte 

von Francesco Barocelli, Udo 

Felbinger, Andreas Schalhorn 

Ca. 200 S., ca. 125 Abb., 


22,5 x 28 cm, gebunden mit 


Ca. € 39,80 [D], sFr 66,– 

ISBN 3-7757-1354-9 

Juli 2003 

Kleine Prinzen 

Kinderbildnisse vom 16. bis 

19. Jahrhundert aus der Stiftung 

Yannick und Ben Jakober 



GmbH, Bonn 

Ca. 240 S., ca. 300 farbige Abb., 




ISBN 3-7757-1335-2 

Oktober 2003 

Ausstellungen: Staatsgalerie Stuttgart 

19.7.–16.11.2003 • Im Anschluss Museo 

e Gallerie Nazionali di Capodimonte, 

Neapel 

In dieser Publikation ist ein Maler 

des italienischen Settecento zu 

entdecken, dessen Bedeutung erst 

im 20. Jahrhundert wieder wahrgenommen 

wurde: Gaspare Traversi 

(1722–1770). Sie konzentriert 

sich auf die zentralen Themenbereiche 

des Künstlers, die Porträtund 

Genremalerei. Denn Traversi 

gilt als ein ausgesprochener Meister 

des Porträts und insbesondere 

des Genres, der Darstellung alltäglicher 

Vorkommnisse. Seine Zeitgenossen 

beobachtete er oft mit 

verstecktem Humor und beißender 

Ironie. Mit psychologischem 

Eine Auswahl von über 80 historischen 

Kinderporträts aus Ost- und 

Mitteleuropa, Frankreich, Italien 

und Spanien bietet in dieser reich 

bebilderten Publikation einen 

außergewöhnlichen Einblick in die 

Lebenswelt der Kinder vergangener 

Jahrhunderte und in die Vorstellungen 

ihrer Zeit. Prinzen und 

Prinzessinnen, Sprösslinge des 

Adels und des gehobenen Bürgertums 

schauen mit kindlichem 

Charme und zugleich mit der ihrer 

Herkunft gebührenden Würde den 

Betrachter an. Die bezaubernden 

Bildnisse der wie Kokons gewickelten 

Säuglinge, von kleinen Mäd- 

Alte Kunst 

Die Operation, um 1753/54 

Einfühlungsvermögen deckte er 

ihre »kleinen« Leiden auf. Den 

künstlerischen Humus für sein 

Schaffen bildete unverkennbar die 

barocke Maltradition seiner neapolitanischen 

Herkunft, die in Malern 

wie Caravaggio oder Ribera 

ihre bedeutendsten Vertreter hatte. 

Viele seiner Werke lassen an 

die Welt des Theaters, insbesondere 

die der komischen Oper in 

Neapel denken, deren Anfänge 

der Maler, der sich später in Rom 

niederließ, noch miterlebte. Er verbrachte 

die prägende Zeit seiner 

Jugend im alten Zentrum Neapels, 

chen und Jungen in Kleidchen 

mit Korallenamuletten und von 

reizenden, herausgeputzten Heranwachsenden 

wurden einst 

zur frühzeitigen Anbahnung von 

Hochzeiten und wegen der hohen 

Kindersterblichkeit zur Erinnerung 

geschaffen. 

Die Bildnisse vom 16. bis 19. Jahrhundert 

stammen aus der einzigartigen 

Kollektion des international 

tätigen Künstlerehepaares 

Yannick und Ben Jakober, das 

seit über zwanzig Jahren Kinderporträts 

mit dem Blick von Kunstschaffenden 

sammelt. 


wo sich damals mit dem Teatro di 

San Bartolomeo eine der wichtigsten 

Musikbühnen der Stadt befunden 

hatte. Er wuchs sozusagen 

mit den Texten der Libretti und 

dem Klang der Arien auf, die aus 

dem Schatten des nahen Theaters 

die dunklen Gassen durchwehten 

und deren Stimmung erheiterten. 

Ausstellung: Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik 

Deutschland, Bonn 3.10.2003–4.1.2004 

Juan Mestre y Bosch, Mädchen mit 

Kirschen 


11 

»Sie hat ein unglaubliches und als Weib wirklich 

ungeheures Talent.« Johann Wolfgang von Goethe 

Schon zu Lebzeiten war Angelika 

Kauffmann eine in ganz Europa 

anerkannte Malerin. Ihr Werk 

wurde wie kein anderes in Kupferstichen 

reproduziert, die Nachbildungen, 

die bis nach St. Petersburg 

oder China gelangten, fanden 

eine bis dahin unbekannte Verbreitung. 

Renommierte Schriftsteller 

schrieben Huldigungen, 

anonyme Gedichte feierten ihre 

Gemälde. Zum großen Kreis der 

Auftraggeber gehörten gekrönte 

Häupter – etwa Kaiser Joseph II., 

Zarin Katharina II. und Kronprinz 

Ludwig I. von Bayern – oder auch 

Die Schilderung unbelebter Gegenstände 

löste sich im frühen 

17. Jahrhundert erst allmählich 

aus dem Hintergrund szenischer 

Darstellungen und Porträts. 

Georg Flegel gilt heute als der 

erste deutsche und zugleich als 

einer der bedeutendsten europäischen 

Stilllebenmaler des frühen 

17. Jahrhunderts. Sein Werk umfasst 

Mahlzeiten-, Konfekt- und 

Delikatessenstillleben, »gedeckte 

Tische«, Raucher- und Blumenstillleben, 

ungewöhnliche Vogelstillleben 

und eine Reihe von 

aquarellierten Naturstudien, von 

Dichter und Denker wie Goethe 

und Winckelmann. 

Diese erste umfassende Monografie, 

die wir Ihnen nun in einer 

preiswerten Sonderausgabe anbieten 

können, stellt das Leben 

Angelika Kauffmanns und ihr mit 

etwa 1500 Gemälden, Zeichnungen 

und Radierungen umfangreiches 

Œuvre in all seinen Aspekten 

vor. Mehr als 450 Abbildungen sowie 

Auszüge aus Textdokumenten 

der Künstlerin, aus Briefen oder 

dem Manuscript of Painting werden 

präsentiert. Fundierte Essays 

namhafter Autoren stellen das 

»Ein Spezialist für ›banquette‹ und ›bukette‹, 

Liebhaber von Nachtstücken, von magisch im 

Kerzenschein aufschimmernden Delikatessen, 

Schöpfer von Bildern, die von der ruhigen Existenz 

der Dinge sprechen.« Die Zeit 

denen hier etwa 50 eigenhändige 

Gemälde und 30 von ehemals 110 

der bisher nur vereinzelt gezeigten 

Aquarelle abgebildet und 

beschrieben werden. 

Vom Herausgeber wurde zudem 

ein Werkverzeichnis mit den Stillleben 

und den Aquarellen Georg 

Flegels erstellt. In umfassenden 

kunsthistorischen Untersuchungen 

stellt die preisgünstige Sonderausgabe 

die Gemälde des 

Künstlers vor, unter ihnen zwei 

neu aufgefundene Werke, und 

beleuchtet die Bildthemen und 

Bildgegenstände in ihren kultur- 

Sonderausgabe 


(Früher € 68,–) 

Werk in den Kontext der Kunst 

des Klassizismus und porträtieren 

weitere Künstlerinnen der Aufklärung; 

sie erschließen die künstlerischen 

Wurzeln Angelika Kauffmanns 

und ihre weit reichende 

Wirkung im ausgehenden 18. Jahrhundert. 

Sonderausgabe 


(Früher € 78,–) 

und sozialgeschichtlichen Zusammenhängen. 

Zwei weitere 

Essays wenden sich den zeitgenössischen 

Malern in Frankfurt 

und Hanau zu, den einzigen 

deutschen Zentren der Stilllebenmalerei 

im frühen 17. Jahrhundert. 

Angelika Kauffmann 

(1741 –1807) 

»Eine Dichterin mit dem Pinsel« 

Hrsg. Bettina Baumgärtel, Texte 

von David Alexander, Brian Allen, 

Bettina Baumgärtel u. a. 

472 S., 456 Abb., davon 141 farbig, 



Sonderausgabe 

€ 39,95 [D], sFr 66,– 

(Früher € 68,–) 

ISBN 3-7757-0756-5 

Juni 2003 

Georg Flegel 

1566 –1638 

Stilleben 

Hrsg. Kurt Wettengl, Texte von 

Ingvar Bergström, Gerhard Bott, 

Claus Grimm u. a. 




Sonderausgabe 


(Früher € 78,–) 

ISBN 3-7757-0816-2 

Juni 2003

12 

• Großformatiger Prachtband zur populärsten 

Künstlergruppe des 20. Jahrhunderts: 

»Der Blaue Reiter« 

• 200 von Fachleuten beschriebene Werke, 

übersichtlich geordnet nach Themen wie 

Porträt, Landschaft, Tierdarstellungen, 

Stillleben 

• Einflüsse des »Blauen Reiters« auf verwandte 

Werke in Musik und Literatur 

• Mit bedeutenden Arbeiten von Paul Klee, 

Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky, 

August Macke und Franz Marc 

August Macke, Badende Frauen, Entwurf für eine Weberei, 1913 

Klassische Moderne www.hatjecantz.de 

Heinrich Campendonk, Pferde am See, 1915 

Die vorgestellten Künstler 

(Auswahl): 

Heinrich Campendonk 

Robert Delaunay 

Alexej von Jawlensky 

Wassily Kandinsky 

Paul Klee 

Alfred Kubin 

August Macke 

Franz Marc 

Gabriele Münter 

Arnold Schönberg 

Marianne Werefkin 

www.hatjecantz.de Klassische Moderne 

13 

»Den Namen ›Der Blaue Reiter‹ erfanden wir 

am Kaffeetisch in der Gartenlaube in Sindelsdorf. 

Beide liebten wir Blau; Marc – Pferde, ich – Reiter. 

So kam der Name von selbst.« Wassily Kandinsky 

Der Band stellt anhand von fast 

200 Werken Vielfalt und Nuancenreichtum 

der Bewegung des 

»Blauen Reiters« aus ganz unterschiedlichen 

Blickwinkeln vor. Es 

wird eine Kunstströmung präsentiert, 

die sich, anders als die etwa 

zeitgleiche »Brücke«-Malerei, nicht 

in starken Farbkontrasten und bewussten 

Deformationen der Körper 

artikuliert, sondern vielmehr 

durch eine abgestufte Farbskala 

und eine geschmeidig-sanfte Linie 

auszeichnet. Auch in inhaltlicher 

Hinsicht hebt sich der »Blaue Reiter« 

durch eine meditative, betont 

geistige Sichtweise hervor; seine 

Protagonisten wollten den Materialismus 

der Vergangenheit hinter 

sich lassen. 

Der Entstehungszeitraum der präsentierten 

Werke geht über die 

eigentliche »Kernzeit« der 1911 von 

Wassily Kandinsky initiierten und 

bis 1914 in lockerer Formation bestehenden 

Künstlergemeinschaft 

hinaus. Damit wird auch die künstlerisch-stilistischeWeiterentwicklung 

dokumentiert – so etwa bei 

Kandinsky, Jawlensky oder Klee, bei 

denen es in der Folgezeit zu einer 

Verfestigung des abstrakten Formenvokabulars 

kam. Eine weitere 

Besonderheit der Publikation ist 

zudem ihre Gliederung nach einer 

Vielzahl von Genres, wobei die 

unterschiedlichsten künstlerischen 

Techniken nebeneinander gestellt 

werden und auch Literatur und 

Musik mit einbezogen werden. 

Der Blaue Reiter 

Die Befreiung der Farbe 

Hrsg. Richard W. Gassen, Texte von 

Magdalena M. Moeller, Reinhard 

Zimmermann u. a. 

Ca. 200 S., ca. 180 Abb., 


24 x 30 cm, gebunden mit 



ISBN 3-7757-1346-8 

November 2003 

Ausstellung: Wilhelm-Hack- 

Museum, Ludwigshafen 

11.11.2003–29.2.2004 

Alexej von Jawlensky, Bildnis Frau Kirchhoff, um 1922

14 

Nina Hard tanzend in Kirchners 

Wohnhaus In den Lärchen, 1921 

Amselfluh, 1922 


• Das Kompendium zum »anderen« Kirchner: lebendige, 

pralle Bilder einer Welt fernab der Städte 

• Umfassende Darstellung der künstlerisch bedeutsamsten 

Entwicklungsphase in Kirchners Werk 

• Versammelt eine Vielzahl seiner unkonventionellen 

Darstellungen von Bergwelt und bäuerlichem Leben 

Rückkehr der Tiere, 1919 


15 

»Die Bilder bekommen Extase. Farben wie Teppiche. Aber 

ich muss bluten mehr wie je zuvor. Schön ist ein Land für 

alle, aber reine wahre Schönheit gestalten, dazu gehört des 

ganzen Menschen Nerven und Blut.« Ernst Ludwig Kirchner 

Der deutsche Expressionist und 

Maler der Großstadt Ernst Ludwig 

Kirchner (1880 –1938) kam 1917 zu 

einem Erholungsaufenthalt nach 

Davos. Von den Kriegsjahren körperlich 

und seelisch zerrüttet, 

verschaffte ihm die Bergwelt Erholung, 

bildete jedoch auch eine 

schockartige Herausforderung, die 

sich künstlerisch als äußerst ergiebig 

erwies. Begegnete Kirchner 

seiner neuen Umwelt vorerst noch 

mit nervösen Pinselstrichen und 

perspektivischen Zuspitzungen, 

wie sie zuvor seine Straßenbilder 

Berlins prägten, legte sich allmählich 

die innere Erregung in ruhigere 

und kräftige Pinselbahnen, in 

ein erhabenes Naturerlebnis. 

Neben dem Hauptakzent Land- 

Ausstellung: Kunstmuseum Basel 27.9.2003–4.1.2004 

schaft zeugen auch Interieurs sowie 

eine Reihe von Selbstporträts 

und Figurenbilder bäuerlicher 

Nachbarn von der neuen Bildwelt 

des Künstlers. 

In einer Auswahl von Gemälden, 

Arbeiten auf Papier, Skulpturen, 

Fotografien und Wandteppichen 

aus europäischen und amerikanischen 

Privat- und Museumssammlungen 

zeigt die Monografie auf, 

wie Kirchner nach Segantini und 

Hodler zum dritten großen Maler 

der Alpen wurde. Sie endet mit 

Werken aus den Jahren 1925/26, 

als Kirchner erstmals wieder nach 

Deutschland reist und so seine 

Einheit mit der naturbezogenen 

Lebenswirklichkeit verlässt. 


Bergleben 

Die frühen Davoser Jahre 1917–26 

Hrsg. Kunstmuseum Basel, Texte 

von Bernhard Mendes Bürgi, Bettina 

Gockel, Lucius Grisebach, Birgit 

Gudat, Wolfgang Henze, Michael F. 

Zimmermann 

Ca. 288 S., ca. 150 Abb., 




Ca. € 49,80 [D], sFr 83,– 

ISBN 3-7757-1331-X (Deutsch) 

ISBN 3-7757-1332-8 (Englisch) 

Oktober 2003 

Aus unserer Backlist: 

Ernst Ludwig Kirchners 

Davoser Tagebuch 

Bearbeitet von Lothar 

Grisebach, herausgegeben 

von Lucius Grisebach 

380 S., 138 Abb. 

€ 25,– [D], sFr 45,– 

ISBN 3-7757-0622-4

16 Klassische Moderne 


Der Maler als Bildhauer 

Hrsg. Staatsgalerie Stuttgart 

Von Karin von Maur, Vorwort von 

Christian von Holst, Texte von 

Wolfgang Henze, Karin von Maur, 

Guido Messling 


18,2 x 23,7 cm, gebunden 

€ 16,90 [D], sFr 29,– 

ISBN 3-7757-1309-3 

Lieferbar 

Ausstellung: Staatsgalerie Stuttgart 

12.4.–27.7.2003 

Kuh, um 1920 

Tanzende. Tanzende Frau. Rufende, 1911 

Mit dieser Monografie wird das 

bildhauerische Werk Ernst Ludwig 

Kirchners als ein herausragender 

Beitrag zur Skulptur der Klassischen 

Moderne gewürdigt. Konzipiert 

in Zusammenarbeit mit 

Wolfgang Henze, dem herausragenden 

Kenner des Werkes 

Kirchners, widmen sich einzelne 

Beiträge der Arbeitsweise des 

Expressionisten und der weit 

reichenden Wirkung seiner Bildwerke. 

Über 70 Abbildungen stellen 

die wichtigsten Skulpturen 

aus den Jahren von 1908/09 bis 

1936 vor, darunter Hauptwerke in 

Privatbesitz, die wenig bekannt 

oder erst kürzlich wieder aufgetaucht 

sind. 


»In jedem Baum steckt eine Skulptur, man braucht 

sie nur herauszuschälen.« Ernst Ludwig Kirchner 

Neben den Freiplastiken werden 

auch die von Kirchner für seine 

Ateliers in Dresden, Berlin und 

Davos hergestellten Möbel und 

Gebrauchsgegenstände berücksichtigt, 

die auf den Anspruch des 

Künstlers verweisen, nicht nur 

Kunstwerke, sondern das Leben 

insgesamt zu gestalten. Ergänzung 

finden diese Abbildungen 

durch eine Auswahl von Gemälden, 

Zeichnungen, Druckgrafiken 

und Fotografien Kirchners. Sie 

demonstrieren beispielhaft, wie 

Kirchner die Themen der Bildwerke 

in anderen Medien wieder aufgriff 

oder dokumentieren weitere, 

häufig verschollene Arbeiten. 


17 

»Wenn es etwas gibt, das die Herzen des Publikums 

nicht nur in den Museen überall höher 

schlagen läßt, dann sind es die Pferdebilder von 

Franz Marc.« Stuttgarter Zeitung 

Einem großen Thema der bildenden 

Kunst, der Darstellung des 

Pferdes, hat sich Franz Marc zeit 

seines Lebens wie kein anderer 

Künstler gewidmet. Der Maler und 

Mitbegründer des »Blauen Reiters« 

schuf visionär-symbolische Bilder, 

die heute zu den Ikonen der Moderne 

zählen. 

Die Publikation, die nun als Sonderausgabe 

zum attraktiven Preis 

erhältlich ist, gibt einen Überblick 

über seine Gemälde, Zeichnungen, 

Gouachen und eine Reihe berühmter 

Postkarten, beginnend mit 

Naturstudien um 1905/06 und 

endend mit Skizzen, die Marc zehn 

Jahre später kurz vor seinem Tod 

an der Front anfertigte. Innerhalb 

dieser knappen Zeitspanne gewinnt 

das Pferdethema immer 

größere Bedeutung, namentlich 

seitdem Marc 1909/10 aus München 

in die oberbayerische Abgeschiedenheit 

von Sindelsdorf bei 

Kochel am See übersiedelte. In 

seinem Bemühen um »Animalisierung 

der Kunst« wird vor allem 

das Pferd durch genaue Beobachtung 

und intuitives Verstehen 

Ausdrucksträger einer besseren, 

reineren Welt. Form und Farbe gewinnen 

dabei zunehmend an ungewohnter 

Einfachheit und Kraft. 

Die monumentalen, pathosreichen 

Tiervisionen der Jahre 1910 bis 1913 

gehen schließlich in Marcs Ringen 

um immer vollkommenere Ausdrucksformen 

in den abstrakten 

Kompositionen des Jahres 1914 auf. 

Franz Marc 

Pferde 

Pferde in der Schwemme, 1910 

Sonderausgabe 

€ 19,95 

(Früher € 35,–) 

Hrsg. Staatsgalerie Stuttgart, 

Christian von Holst, Texte von 

Christian von Holst, Karin von 

Maur, Andreas Schalhorn, 

Andreas K. Vetter, Klaus Zeeb 


23 x 28,5 cm, gebunden 

Sonderausgabe 

€ 19,95 [D], sFr 34,– 

(Früher Leinen, € 35,–) 

ISBN 3-7757-1338-7 (Deutsch) 

ISBN 3-7757-0953-3 (Englisch) 

Juni 2003

18 

• Erster umfassender Überblick über das 

weitgehend unbekannte malerische 

Frühwerk des deutsch-amerikanischen 

Künstlers und Bauhaus-Lehrers 

• Rund 100 abgebildete Figurenbilder – 

eine Welt voller Komik, Clownerie und 

Tragik 

• Mit dem vollständigen Abdruck von 

Feiningers Comicklassikern The Kinder- 

Kids und Wee Willie Winkie’s World 

Das Rathaus von Swinemünde, 1912 


Straßenkehrer, 1916 


19 

»Kunst ... ist nicht Luxus, sondern Notwendigkeit!« 

Lyonel Feininger 

Lyonel Feininger (1871–1956) gehört 

zu den populärsten Künstlern 

in Deutschland, die in der ersten 

Hälfte des 20. Jahrhunderts die 

moderne Kunst prägten. In seinen 

Darstellungen von thüringischen 

Dorfkirchen und atmosphärisch 

aufgeladenen Ostseelandschaften 

entwickelte er ab 1911 eine eigenständige, 

vom französischen 

Kubismus beeinflusste Formensprache. 

Weitgehend unbekannt ist, dass 

der gebürtige Amerikaner in 

Deutschland zunächst als Karikaturist 

arbeitete und so zu frühem 

Ruhm gelangte. Aus diesen kommerziellen 

Zeichnungen entwickelte 

sich seit 1906 eine selbstständige 

Kunst, in der die Darstellung 

des Menschen die zentrale Rolle 

Ausstellung: Hamburger Kunsthalle 

25.10.2003–11.1.2004 

einnimmt – ein bedeutender Werkkomplex 

des späteren Bauhaus- 

Meisters, der in dieser Publikation 

erstmals präsentiert wird. 

In grotesken, manchmal tragikkomischen 

Kompositionen stellt 

Feininger eine Welt dar, die ihren 

Ursprung nicht in der Realität, sondern 

in literarischen Vorbildern zu 

haben scheint: Geistliche treffen 

hier auf Prostituierte, Arbeiter auf 

Maskierte, große Männer auf pummelige 

Kinder, Dandys auf Revolutionäre. 

Viele der Feininger’schen 

Figurenkompositionen sind dem 

malerischen Frühwerk zuzuordnen, 

doch hat die Darstellung des Menschen 

den Künstler auch später 

noch, bis zu seiner Rückkehr nach 

New York 1937, beschäftigt. 

Der Bote, 1912/13 

Lyonel Feininger 

Menschenbilder 

Eine unbekannte Welt 

Hrsg. Hamburger Kunsthalle, 

Texte von Ulrich Luckhardt, 

Matthias Mühling, Peter Nisbet 

u. a. 

Ca. 192 S., ca. 107 Abb., 




Ca. € 24,80 [D], sFr 42,– 

ISBN 3-7757-1347-6 

November 2003

20 Klassische Moderne 

Frantisˇek Kupka 

1871 –1957 

Texte von Pierre Brullé, Brigitte Leal, 

Friedemann Malsch 



€ 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1313-1 

Lieferbar 

Etude pour Plans par couleurs, Grand nu, 1909/10 

Ausstellungen: Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 

28.3.–9.6.2003 • Fondation de l’Hermitage, Lausanne 

26.6.–12.10.2003 • Musée d’art contemporain de 

Strasbourg 6.11.2003 –1.2.2004 • Westfälisches Landesmuseum 

für Kunst und Kulturgeschichte Münster 

Sommer 2004 

Frantisˇek Kupka gilt als einer der 

Väter der abstrakten Kunst und ist 

in einem Atemzug mit Kandinsky, 

Mondrian und Balla zu nennen. 

Dabei hat der aus Prag stammende 

Künstler einen sehr eigenwilligen, 

individuellen Weg in die Abstraktion 

verfolgt. Die Anfänge im 

Symbolismus führten ihn nach ersten 

Versuchen mit dem Kubismus 

zu esoterischen Positionen, bevor 

sich eine ganz aus dem malerischen 

Denken heraus begründete 

Praxis durchsetzte. Sein vielfältiges 

Werk ist auch heute noch Anregung 

für malerische Positionen, 

deren Anliegen über immanente 

Fragen der Malerei hinaus auf 

existenzielle Dimensionen zielen. 


»Nach meiner Ansicht muß man keine Bäume malen, wenn 

man sie besser in den Alleen sieht. Ich male, ja, aber nur 

Konzepte oder, wenn du willst, Synthesen, Akkorde usw.« 

Frantisˇek Kupka 

Bei aller Wertschätzung durch 

seine Künstlerkollegen blieb Kupka 

jedoch einem breiteren Publikum 

bislang weitgehend unbekannt. 

Die Publikation visualisiert anhand 

einer vollständigen fotografischen 

Dokumentation der umfangreichen 

Bestände des Pariser Musée 

national d’art moderne Kupkas 

künstlerische Entwicklung und 

gibt zugleich Einblick in die Methoden, 

mit denen er seine Bildfindung 

betrieben hat. Dabei präsentiert 

sie neue wissenschaftliche 

Erkenntnisse auf der Basis einer 

überarbeiteten Neuausgabe des 

Bestandskataloges von 1966. Biografie 

und Bibliografie runden den 

Band ab. 

www.hatjecantz.de Klassische Moderne/Kunst nach 1945 

21 

Der kühne Schnitt in die Leinwand 

kommt beim Namen Lucio Fontana 

zuerst in den Sinn. Mit seinen Concetti 

spaziali befreite er sich seit 

den 1950er Jahren mit radikalem 

Gestus vom traditionellen Tafelbild. 

Jedoch hat der 1899 in Argentinien 

als Kind italienischer Einwanderer 

geborene Künstler ein 

formal ausgesprochen vielfältiges 

Werk in erstaunlich unterschiedlichen 

stilistischen Ausprägungen 

hinterlassen: unter anderem Plastiken 

aus Zement, Bronze oder Eisen, 

innovative Neon-Licht-Skulpturen, 

verschiedenste keramische Arbeiten, 

Sgraffito-Tafeln, fein erfasste 

Aktskizzen, Entwürfe für Bühnenbilder, 

Mode sowie Architektur. 

Ausstellung: Städtische Galerie 

Villingen-Schwenningen 

18.10.2003 –11.1.2004 

Einen Teil dieses »unbekannten 

Fontana«, mehr als fünfzig großformatige, 

figurative Zeichnungen, 

stellt die Monografie bekannten 

Werken des Künstlers zur Seite. 

Zudem wird eine Rekonstruktion 

seiner berühmten Rauminstallation 

Ambiente spaziale realisiert, 

die auf der 4. documenta in Kassel 

1968 für Furore sorgte. Damit wird 

auch Fontanas Bedeutung als einer 

der einflussreichsten Vordenker 

neuerer Kunstströmungen in Europa 

und Südamerika verdeutlicht. 

Auf seine Theorien und Entwicklungen 

berufen sich Zero, Konzeptkunst, 

Environment wie Konkrete 

Kunst. 

Der unbekannte 

Fontana 

Hrsg. Wendelin Renn, Städtische 

Galerie Villingen-Schwenningen, 

Texte von Lorand Hegyi, René Hirner, 

Ursula Köhler, Anna Pfeiffer, 

Wendelin Renn, Reinhard Spieler 




Ca. € 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1340-9 

Oktober 2003 

Studie zu einer Neon-Arbeit, 1952 

In sich gekauerter Akt, 1964/65

22 

Series I,No.4,1918 

Blue, Black and White Abstraction #12, 1959 

Klassische Moderne/Kunst nach 1945 www.hatjecantz.de 

• Beeindruckende Neubegegnung mit 

den monumentalen Werken der großen 

amerikanischen Malerin 

• Namhafte Autoren veranschaulichen 

die Ausnahmestellung O'Keeffes in der 

Malerei des 20. Jahrhunderts 


23 

»The men liked to put me down as the best woman 

painter. I think I’m one of the best painters.« Georgia O’Keeffe 

Georgia O’Keeffe gehört zweifellos 

zu den großen Persönlichkeiten der 

Kunst des 20. Jahrhunderts. Das 

europäische Publikum assoziiert 

sie vorwiegend mit den von Postern, 

Postkarten und Kalendern 

bekannten großflächigen Blumengemälden, 

mit Bildern formatfüllender, 

totemhafter Tierschädel 

oder mit der mythischen Gestalt 

der Künstlerin selbst, wie sie in den 

Fotografien von Alfred Stieglitz in 

Erscheinung tritt. Die vorliegende, 

großformatige Monografie zu 

Georgia O’Keeffe will dem Betrachter 

eine vertiefte Begegnung mit 

ihrem Werk ermöglichen, einer 

Malerei, deren eigenwillige Charakteristik 

eine Art Schwebezustand 

Ausstellung: Kunsthaus Zürich 23.10.2003 –1.2.2004 

ist. Zwischen Bild und Abstraktion, 

Nahblick und Monumentalität, 

Naturschau und Künstlichkeit 

offenbaren sich kühne Bildfindungen 

und Raumentwürfe. Schon 

früh nahm Georgia O’Keeffe verschiedene 

Einflüsse, etwa der europäischen 

und amerikanischen 

Moderne, später auch der Eingeborenenkultur 

auf, setzte sich aber 

von Anfang an in einer Malerei des 

tonalen Farbauftrags und einer 

sich an der fotografischen Optik 

orientierenden Kompositionsweise 

von der europäischen Tradition ab 

und fand so zu Stilisierungen, die 

gar als »Pre-Pop« bezeichnet werden 

könnten. 

Georgia O’Keeffe 

Hrsg. Kunsthaus Zürich, Bice 

Curiger, Texte von Bice Curiger, 

Rudi Fuchs, Carter Ratcliff, 

Robert Storr, Peter J. Schneemann, 

Brenda Richardson 

Ca. 220 S., ca. 100 Abb., 




Ca. € 49,80 [D], sFr 83,– 

ISBN 3-7757-1360-3 (Deutsch) 


November 2003 

Alfred Stieglitz, Georgia O’Keeffe, 

1918 

Zur Künstlerin: 

Georgia O’Keeffe (Wisconsin 

1887–1986 New Mexico). Kunststudium 

in Chicago und New York. 

1916 Ausstellung einiger Kohlezeichnungen 

in Alfred Stieglitz’ 

Galerie 291 in New York, 1917 dort 

Einzelschau ihrer Werke. Ab 1918 

lebt sie mit ihm, ihrem späteren 

Mann, in New York. Nach seinem 

Tod Umzug nach New Mexico, wo 

die berühmtesten Bilder entstehen.

24 Klassische Moderne/Kunst nach 1945 www.hatjecantz.de 


25 

Arte Povera 

Italienische Kunst der 60er 

und 70er Jahre 

Hrsg. Kunstmuseum Kloster Unser 

Lieben Frauen, Texte von Nike 

Bätzner, Uwe Jens Gellner, Andreas 

Hornemann, Kolja Kohlhoff u. a. 

Ca. 256 S., ca. 93 Abb., 


ca. 13 in Duplex, 

21 x 26 cm, gebunden 

Ca. € 25,– [D], sFr 43,– 

ISBN 3-7757-1370-0 

September 2003 

Dieter Roth 

here and there 

Hrsg. Uwe Lohrer, Texte von 

Dieter Roth, Björn Roth 

Deutsch/Englisch 

64 S., 24 Abb., 



€ 14,80 [D], sFr 26,– 

ISBN 3-7757-9139-6 

Lieferbar 

Ausstellung: Kunstmuseum Kloster 

Unser Lieben Frauen, Magdeburg 

14.9.–7.12.2003 

Vor mehr als 35 Jahren prägte der 

italienische Kritiker Germano 

Celant für die Arbeiten einer Reihe 

junger Künstler aus Turin, Mailand 

und Rom den Begriff Arte povera. 

Die Publikation bietet eine breite 

Sicht auf das große Spektrum dieser 

wichtigsten Kunstströmung 

Italiens nach 1945. Die Nähe zum 

alltäglichen Leben suchend, wollten 

ihre Vertreter die Autonomie 

des Kunstwerks aufbrechen, die 

Gattungsgrenzen überwinden 

und den Bezug zur entfremdeten, 

als Ursprungsmythos idealisierten 

Natur wieder herstellen. Arbeiten 

Aus Dieter Roths (1930 –1998) 

überbordendem Universum aus 

Büchern, Zeichnungen, Druckgrafiken, 

Fotos, Videos, Bildern und 

Objekten, die häufig organische, 

dem Verfall geweihte Materialien 

und Alltagsgegenstände einbeziehen, 

dokumentiert der Band 

zwei Stationen aus dessen Stuttgarter 

Zeit. 

Im Jahr 1990 fertigte Roth bei 

Frank Kicherer eine 25-farbige 

Serigrafie mit dem Titel Ein gerissener 

Hase, die seinen einmaligen 

und souveränen Umgang mit verschiedenen 

Drucktechniken zeigt. 

von enormer physischer Präsenz 

stehen dabei neben kleinsten und 

ephemeren Gesten. Charakteristisch 

für die Arte povera ist eine 

große Experimentierfreudigkeit 

bei der Arbeit mit ungewöhnlichen 

Materialien. Die künstlerischen 

Mittel reichen von der symbolhaften 

Vergegenständlichung 

der privaten Lebensgeschichte 

und dem ironischen Umgang mit 

der italienischen Identität, über 

die konzeptuelle Erprobung der 

Grenzen von Kunst bis hin zum 

Einsatz von Energie in ihren unterschiedlichen 

Erscheinungsformen. 

Durch Drehen des Druckes, Verschieben 

einzelner Druckgänge 

und Farbenwechsel entstand ein 

unvergleichlicher Variantenreichtum. 

Vorangestellt ist den ausgewählten 

Blättern ein Text Dieter 

Roths an Frank Kicherer von 1979, 

der poetisch hintergründig das 

freundschaftliche Verhältnis von 

Künstler und Drucker offenlegt. 

Mit atmosphärischen Fotografien 

zeigt das Buch zudem Roths Arbeit 

an Bar Nr. 0, die er im Februar 

1998, nur wenige Monate vor 

seinem Tod, in der Staatsgalerie 

Stuttgart erweiterte und restau- 

Jannis Kounellis, Senza titulo, 1975 

Die vorgestellten Künstler: 

Giovanni Anselmo, Alighiero e 

Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano 

Fabro, Jannis Kounellis, Marisa 

Merz, Mario Merz, Pino Pascali, 

Piero Giulio Paolini, Giuseppe 

Penone, Michelangelo Pistoletto, 

Emilio Prini, Gilberto Zorio 

Eine der 120 Farbvarianten von Dieter Roths 

Ein gerissener Hase, 1990 

rierte. Björn Roth, sein Sohn und 

künstlerischer Vertrauter, beschreibt, 

wie er von der Staatsgalerie 

beauftragt wurde, eine 

Technik für die Ablösung des 

Werkes von der Werkstattwand 

zu finden. 

Zum Buchmessen-Schwerpunkt 2003 Russland 

Zwischen den beiden Weltkriegen 

begann sich jene alles beherrschende 

Massenkultur zu formieren, die 

wir heute kennen. Als Hauptträger 

dafür dienten Reproduktion und 

Verbreitung von Bildern durch 

Medien wie Plakat oder Kino. Auf 

radikale Weise nutzten die Massenbewegungen 

der damaligen 

Zeit die neuen Möglichkeiten einer 

konsequenten Transformation der 

Kultur, selbst klassische Medien 

wie Malerei und Skulptur wurden 

eingebunden. Die zentralistisch 

Alexander Deineka, Zukünftige Flieger, 1934 

organisierte sowjetische Massenkultur 

der Stalinära ist ein herausragendes 

Beispiel einer solcherart 

operierenden hocheffektiven Propagandamaschine. 

Ausgehend von den späten realistischen 

Arbeiten Kasimir Malewitschs 

präsentiert die vorliegende 

Veröffentlichung den im Westen 

immer noch wenig bekannten Kosmos 

der sowjetischen Kunst der 

Stalinzeit als ein transmediales, 

einheitliches ästhetisches Phänomen. 

Einen visuellen Kommentar 

bilden die jüngeren Arbeiten der 

Soz-Art, die sich kritisch mit der 

Ästhetik des totalitären Regimes 

auseinandersetzen. Mit der Integration 

von Werken russischer 

Gegenwartskünstler wie Erik Bulatov, 

Ilya Kabakov, Vitali Komar und 

Alexander Melamid wird eine 

Distanz markiert, die uns heute 

ästhetisch wie auch politisch von 

dieser Ästhetik trennt. 

Traumfabrik 

Kommunismus 

Die visuelle Kultur der Stalinära 

Hrsg. Schirn Kunsthalle, Vorwort 

von Max Hollein, Texte von Oksana 

Bulgakova, Katya Djogot, Boris 

Groys, Hans Günther, Annette 

Michelson, Alexander Morosov, 

Martina Weinhart, Gespräche von 

Boris Groys mit Georg Baselitz, 

Ilya Kabakov 


Ca. 272 S., ca. 199 Abb., 


23 x 28,5 cm, gebunden mit 



ISBN 3-7757-1328-X 

Oktober 2003 

Ausstellung: Schirn Kunsthalle, 

Frankfurt/Main 24.9.2003–4.1.2004 


(Auswahl): 

Isaak Brodskii 

Alexander Deineka 

Alexander Gerasimov 

Gustav Kluzis 

Valentina Kulagina 

Alexander Labas 

El Lissitzky 

Kasimir Malewitsch 

Kliment Redko 

Alexander Rodtschenko 

Dziga Wertow 

Erik Bulatov 

Ilya Kabakov 

Komar & Melamid

26 

Karl Gerstner 

Rückblick auf 7 Kapitel 

konstruktive Bilder etc. 

Einleitung von Eugen Gomringer 

Ca. 256 S., ca. 490 Abb., 


23,9 x 30,3 cm, gebunden mit 


Ca. € 48,– [D], sFr 80,– 

ISBN 3-7757-9150-7 (Deutsch) 


Oktober 2003 

Ausstellung: Haus Konstruktiv, 

Zürich 5.10.2003 –18.1.2004 

Zum Künstler: 

Karl Gerstner, *1930 in Basel, hat 

als Grafikdesigner wie als Künstler 

internationale Anerkennung gefunden. 

Seine Bilder wurden in 

zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen 

im In- und Ausland 

gezeigt, darunter 1964 und 1968 

auf der documenta in Kassel, 

1986 auf der Biennale Venedig. 

Beispielseite aus dem Buch 

Karl Gerstner hat als visueller Gestalter 

ein Doppelleben geführt: 

als Grafikdesigner in fremdem und 

als Künstler in eigenem Auftrag. 

Im Bereich des Konstruktiven ist 

Gerstners Werk einzigartig. Nie 

hat er Bilder im üblichen Sinne 

entworfen, sondern Algorithmen, 

das heißt Operatoren, aus denen 

sich – sozusagen selbstständig – 

stets weitere Möglichkeiten entwickelten. 

Eugen Gomringer nennt 

ihn »den vielleicht umfassendsten 

Systematiker der heutigen Kunst.« 

Klassische Moderne/Kunst nach 1945 

Nach Gerstners Analyse von Marcel 

Duchamps letztem Gemälde 

Tu m’ und seinem Rückblick auf 

5 x 10 Jahre Graphik Design etc. 

erscheint nun bei Hatje Cantz ein 

Rückblick auf 7 Kapitel konstruktive 

Bilder etc. In Einzelkapiteln zeigt 

und beschreibt Gerstner je eine 

Bilderfindung und spannt damit 

einen Bogen über seine nunmehr 

50-jährige Tätigkeit als freier Künstler 

– beginnend mit den frühen 

»seriellen Bildern« der fünfziger 

Jahre, Partizipationsobjekte, die 


den Betrachter als Mitgestalter 

einbeziehen, über die »color 

forms«, die auf der Basis eines 

von Gerstner entwickelten Farben- 

Formen-Modells entstanden sind, 

bis hin zu jüngsten Arbeiten, in 

denen Gerstner Grundprinzipien 

der fraktalen Geometrie in Bilder 

umsetzt. 

www.hatjecantz.de Zeitgenössische Kunst 

27 

»Nie waren die Fenster zur Welt so weit geöffnet.« F. A.Z. 

»Ein starkes Stück Kunst« Gerhard Schröder, Bundeskanzler 

Inhalt 

1. Documenta11_Plattform5: 

Ausstellung 

Katalog 


mit eingelegtem 52-seitigem 

Appendix, 



Der reich bebilderte Katalog dokumentiert 

die vielschichtigen Recherchen 

für die Plattform5 der 

Documenta11, die Ausstellung in 

Kassel. Neben einem Essay des 

künstlerischen Leiters Okwui 

Enwezor enthält der Katalog Textbeiträge 

von Teammitgliedern der 

Documenta11 sowie von weiteren 

Autorinnen und Autoren kunstgeschichtlicher, 

philosophischer 

und theoretischer Provenienz. 

Repräsentative Werke aller Künstlerinnen 

und Künstler werden in 

zahlreichen Abbildungen dokumentiert. 


Ausstellung 

Kurzführer 



15,5 x 23 cm, Broschur 

Der Kurzführer zur Documenta11 

stellt in alphabetischer Reihenfolge 

alle beteiligten KünstlerInnen 

und deren Projekte vor. In Form von 

Kurzbeschreibungen werden individuelle 

Arbeitsweisen, historische 

Entwicklungsprozesse und einzelne 

Werke erläutert. Eine Werkliste 

sowie Hinweise zum Documenta- 

Filmprogramm, zu Künstlerprojekten 

für das Radio und den Künstlereditionen 

der Documenta11 

vervollständigen die Publikation. 


Ausstellung 

Ausstellungsorte 


244 S., 417 farbige Abb., 



Dieser Band ist eine umfassende 

fotografische Dokumentation der 

künstlerischen Projekte, Performances 

und Vorträge in situ. Das 

unersetzliche Zeitdokument simuliert 

so eine Reise durch das künstlerische 

Universum der Documenta11. 

Im Zentrum stehen sowohl 

die einzelnen Arbeiten, die in farbigen 

Detail- und Großaufnahmen 

abgebildet sind, als auch eine kontextorientierte 

Zusammenstellung, 

die Einsicht in Prinzipien kuratorischer 

Formfindung ermöglicht. 

Sonderausgabe 


(Früher € 98,–) 

Das Documenta11- 

Paket 

Drei Publikationen zur 

Documenta11 

zusammen im Paket – 

jetzt zum Sonderpreis von 


(Früherer Gesamtpreis € 98,–) 

ISBN 3-7757-9143-4 (Deutsch) 


Juni 2003

28 

Vorzugsausgabe 2: 

C-Print in Mappe 

Format: 20 x 29 cm 

Zusammen mit Buch (signiert) und 

einem auf Maß des Bestellers angefertigten, 

mit seinem Monogramm bestickten 

Hemd von Marlene Dietrichs Wiener 

Lieblingsschneider Knize & Comp. C. M. 

Frank GmbH, verpackt in knisterndes 

Seidenpapier und eine Originalschachtel 

des berühmten Herstellers 

Auflage: 99 

Signiert, nummeriert, Maßhemd mit 

Monogramm des Bestellers 

Ca. € 350,– [D] 

Juli 2003 

Zeitgenössische Kunst www.hatjecantz.de 

Vorzugsausgaben 

(Abbildungen links und unten) 

Vorzugsausgabe 1: 

C-Print in Mappe 


Zusammen mit Buch (signiert) 

Auflage: 99 

Signiert, nummeriert 

Ca. € 100,– [D] 

Juli 2003 


29 

»Der Anlass bestimmt die Wahl meiner Mittel.« 

Irene Andessner 

Die österreichische Künstlerin 

Irene Andessner (*1954 in Salzburg) 

arbeitet seit zehn Jahren an 

einer Neubestimmung des Genres 

Selbstporträt. Von Frauenbildnissen 

der letzten Jahrhunderte inspiriert, 

forscht sie zunächst in Archiven 

und Bibliotheken und geht 

dann mittels Fotografie-, Videound 

Computertechnik temporär 

eine Allianz mit den ausgewählten 

Vorbildern ein – etwa Nannerl 

Mozart, Frida Kahlo oder Angelika 

Kauffmann. Andessner entführt 

diese historischen Persönlichkeiten 

in das Heute, drückt ihnen ein 

Handy oder eine Polaroidkamera 

in die Hand. 

Im Jahr 2001 beschäftigte sich 

Irene Andesser eingehend mit 

Ausstellung: Stadthaus Ulm 

ab 6.7.2003 

dem Mythos und dem Menschen 

Marlene Dietrich. Hundert Jahre 

nach deren Geburt spürte sie dem 

Fühlen und Denken der Schauspielerin 

nach und »verwandelte« 

sich so in einem monatelangen 

Prozess mental und visuell in die 

Schauspielerin – begleitet von 

Zeitungsreportern und Fernsehkameras, 

vom Wiener Casting über 

die Kölner Transvestitenbühne bis 

ins Berliner Standesamt, wo sie 

eigens einen Herrn Dietrich ehelichte, 

um auch von Amts wegen 

»die Dietrich« zu werden. 

Der vorliegende, von der Künstlerin 

gestaltete Band führt mit dieser 

und weiteren Arbeiten eine repräsentative 

Werkauswahl vor. 

Irene Andessner 

I am 

Texte von Peter Fabian, Raimund 

Kast, Michaela Knapp, Gerald Matt, 

Peter Sloterdijk 






ISBN 3-7757-1287-9 

Juli 2003 

Irene Andessner als Constanze Mozart (rechts), links ein zeitgenössisches 

Porträt von Hans Hansen, 1802 

Von Irene Andessner verkörperte 

Frauenfiguren (Auswahl): 

Hl. Maria Magdalena, Kaiserwitwe 

Caroline Auguste, Sofonisba 

Anguissola, Barbara Blomberg, 

Rosalba Carriera, Marlene Dietrich, 

Gwen John, Frida Kahlo, Angelika 

Kauffmann, Emilia Viktoria Kraus, 

Constanze Mozart, Anna Maria 

(»Nannerl«) Mozart, Wanda von 

Sacher-Masoch, Barbara Strozzi

30 


Zum Künstler: 

Hermann Nitsch *1938 in Wien. 

Von 1962 bis zur Gegenwart Aktionen 

etwa in Wien, London, Amsterdam, 

Paris, Berlin, Köln, München, 

Frankfurt, Neapel, Mailand, Rom, 

Zürich, New York, Los Angeles, 

Vancouver, Prinzendorf. 1972 Teilnahme 

an der documenta 5; 1982 

Teilnahme an der documenta 7. 


31 

»Ein synästhetisches Ritual verdichtet die 

Wirklichkeit, die Lebendigkeit. Es entsteht ein 

Kult gegenüber der Existenz, der Schöpfung.« 

Hermann Nitsch 

Der österreichische Künstler Hermann 

Nitsch gilt als bedeutendster 

Wegbereiter des Wiener Aktionismus, 

der ab den späten fünfziger 

Jahren zunächst mit von Tachismus 

und Abstraktem Expressionismus 

beeinflusster Aktionsmalerei 

von sich reden machte. Er entwickelt 

seit dem Jahr 1958 seine Idee 

vom Orgien-Mysterien-Theater, 

einem Gesamtkunstwerk, das alle 

Sinne beansprucht. Eine psychoanalytische 

Dramaturgie versucht, 

durch die Inszenierung exzessiver 

Aktionen beim Zuschauer eine 

Katharsis zu bewirken. Der Gedanke 

des Mysterienspieles wird dabei 

von Kult- und Ritualhandlungen, 

der griechischen Tragödie, den 

Musikdramen Richard Wagners 

und Alexander Skrjabins Projekt 

Mysterium abgeleitet. Seit 1971 

finden die Spiele des Orgien-Mysterien-Theaters 

in Prinzendorf in 

Niederösterreich statt. 

Der reich bebilderte Band dokumentiert 

den bisherigen Höhepunkt 

dieser Veranstaltungen, 

die vermutlich umfangreichste 

Kunstaktion der Geschichte. Im 

August 1998 realisierte Hermann 

Nitsch mit mehr als 250 Akteuren 

und 180 Musikern in einem beeindruckenden 

dionysischen Kraftakt 

mit größtem Materialaufwand 

sechs Tage und sechs Nächte seines 

Spiels: Es kamen Unmengen 

von weißem Stoff, Blumen, Rosen, 

Weintrauben, Tomaten, rohem 

Fleisch und Tierblut zum Einsatz. 

Vorzugsausgabe 

(Vergleichsabbildungen rechts) 

Handbeschüttete Radierung 

(Unikat) 


Eingelegt in Buch (signiert) 

Auflage: 100 


Ca. € 350,– [D] 


Hermann Nitsch 

Das Sechstagespiel des 

Orgien Mysterien Theaters 

Prinzendorf 3.– 9. August 1998 

Hrsg. Otmar Rychlik, 

Texte von Hermann Nitsch, 

Otmar Rychlik 

Ca. 400 S., ca. 500 Abb., 




Ca. € 58,– [D], sFr 96,– 

ISBN 3-7757-1339-5 (Vertriebstitel) 

September 2003

32 

Peter Doig 

Charley’s Space 

Hrsg. Bonnefantenmuseum, 

Maastricht, Texte von Paula van 

den Bosch, Catherine Grenier u. a. 

Englisch/Französisch 


24,8 x 28 cm, Broschur mit 


€ 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1333-6 

Lieferbar 

Blotter, 1993 

Ausstellungen: Bonnefantenmuseum, Maastricht 

11.5.–7.9.2003 • Carré d’Art, Musée d’art contemporain 

de Nîmes 9.10.2003 –4.1.2004 


»Jedes der Gemälde trägt in sich das Echo eines 

anderen Ortes, ob erfunden oder echt oder falsch 

erinnert, ob irgendwo gemalt.« Adrian Searle 

Der Betrachter eines Bildes von 

Peter Doig hat zumeist den unbestimmten 

Eindruck, ein ähnliches 

Motiv schon einmal irgendwo 

gesehen zu haben. Die meisten 

seiner Bildkompositionen legt der 

in Trinidad lebende, 1959 in Edinburgh 

geborene und in Kanada 

aufgewachsene Maler auf der Basis 

von Vorlagen aus der Flut der 

Medienbilder an. So finden sich in 

seinen Werken Bezüge zu Plattencovern, 

Sequenzen aus Horrorfilmen 

oder Zitate aus der Kunstgeschichte. 

Peter Doigs Ölgemälde, 

nur auf den ersten Blick »harmlose« 

Landschaftsmalerei, sind in 

verfremdenden Farben mit stark 

atmosphärischer Wirkung gehalten 

und aus Versatzstücken in den 

unterschiedlichsten Malweisen 

und Stilen zusammengesetzt; sie 

präsentieren uns ein ausgesprochen 

verunsicherndes Abbild der 

Natur. Doig bedient sich des kollektiven 

Bildarchivs und erzeugt beim 

Betrachter Irritationen, indem er 

sich weigert, Ort und Inhalt des 

Bildgeschehens eindeutig festzulegen. 

Seine auf unheimliche 

Weise vertrauten, düsteren oder 

grellfarbenen Berglandschaften, 

Wald- oder Seestücke mit ihren 

vereinzelten menschlichen Figuren 

scheinen Traumsequenzen oder 

Momentaufnahmen von Geschichten 

zu zeigen, die nicht gut ausgehen 

werden, ganz gleich wie 

man sie auch weiterspinnt. 



33 

Ausstellung: Neuer Berliner Kunstverein 9.5.–22.6.2003 

Der 1962 in Eutin geborene, heute 

in Berlin und Hamburg lebende 

Daniel Richter gehört zu den deutschen 

Künstlern, die in der zweiten 

Hälfte der neunziger Jahre aufbrachen, 

die internationale Kunstwelt 

zu erobern. Dies gelang ihm, 

obwohl – oder vielleicht weil – er 

in einer Zeit, die von den so genannten 

neuen Medien und konzeptuellen 

Rauminstallationen 

beherrscht war und in welcher 

wieder einmal das »Ende der Malerei« 

verkündet wurde, diesem Medium 

treu blieb. Neben Neo Rauch 

und anderen wurde und wird er als 

»neuer Malerfürst« gefeiert. Bis ins 

Jahr 2000 hat Daniel Richter ausschließlich 

abstrakt gemalt. In den 

neueren Bildern findet eine überraschende 

Hinwendung zur Figuration 

statt, die eine ausgefeilte 

Farbigkeit und Komposition sowie 

eine Fülle von grotesken Formelementen 

und kunsthistorischen 

Zitaten zu einem eigenwilligen Stil 

verschmilzt. 

Die vorliegende, großformatige 

Publikation präsentiert zum ersten 

Mal die Zeichnungen Daniel 

Richters in durchgehend farbigen 

Abbildungen. 

Daniel Richter 

Hirn 

Hrsg. Alexander Tolnay, 

Neuer Berliner Kunstverein, 

Text von Britta Schmitz 





€ 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1349-2 

Lieferbar 

Rosa Pferd mit Reiter, 2003 Zwei Tänzerinnen, 2003

34 

(In Search of) 

The Perfect Lover 

Werke von Louise Bourgeois, 

Marlene Dumas, Paul McCarthy, 

Raymond Pettibon aus der 

Sammlung Hauser und Wirth 

Hrsg. Michaela Unterdörfer, 

Matthias Winzen, Texte von Edith 

Doove, Michaela Unterdörfer, 

Matthias Winzen 





ISBN 3-7757-1320-4 

Lieferbar 

Raymond Pettibon, Ohne Titel (Imagine, I have), 2000 

Louise Bourgeois, aus dem Triptych for the Red Room, 

1994 


Ausstellung: MDD Museum Dhondt-Dhaenens, 

Deurle/Belgien 12.10.–21.12.2003 

Die eindringliche Auseinandersetzung 

mit den Themen Erotik 

und Sexualität verbindet die künstlerischen 

Positionen von Louise 

Bourgeois, Marlene Dumas, Paul 

McCarthy und Raymond Pettibon – 

bei aller Unterschiedlichkeit und 

Eigenart. Körperlich intensive Zustände 

wie Ekstase, Leidenschaft, 

Konflikte und Ängste, wie sie sich 

hier in dem vergleichsweise körperlosen 

»Gedankenmedium« 

Zeichnung zeigen, werden zu 

innerbildlichen Metaphern der 


zärtlichen, aggressiven, zugewandten, 

fordernden – ja erotischen Auseinandersetzung 

der vier Künstler 

mit dem Material. 

Die Publikation versammelt die 

umfangreichen zeichnerischen 

Werkgruppen der Künstler aus der 

Sammlung Hauser und Wirth. 

Informative Texte beleuchten den 

Zusammenhang von Körper, Erotik, 

Sexualität und Kreativität sowie 

dem in diesen Aspekten verborgenen 

Konfliktpotenzial in den 

Werken der einzelnen Künstler. 


35 

»Ein gutes Kunstwerk braucht Humor, Distanz 

und einen guten Titel.« Marlene Dumas 

Neben Collagen, Zeichnungen und 

Objekten kennzeichnen besonders 

Aquarelle das Werk der in den 

Niederlanden lebenden, in Südafrika 

geborenen Marlene Dumas, die 

sich als eine der bedeutendsten 

zeitgenössischen europäischen 

Künstlerinnen etablieren konnte. 

Ihre suggestiven Arbeiten beziehen 

sich größtenteils auf Fotografien 

aus Illustrierten, die von ihr 

unscharf, beschnitten oder verzerrt 

verarbeitet werden. Dumas untersucht 

dabei die sexualisierte Dynamik 

zwischen Bild, Maler und 

Betrachter. Stets beschäftigen sich 

ihre offensiv sensualistischen 

Repräsentationen menschlicher 

Körper und Gesichter mit zentralen 

Fragen des Lebens. Der vorliegende 

Band versammelt eine breite Auswahl 

der aufgeladenen und expressiven 

Aquarellarbeiten der 

Künstlerin, anhand derer sich die 

Hauptthemen in Marlene Dumas’ 

Werk erkennen lassen: Klischeebilder 

des Weiblichen, Geschlechterbeziehungen, 

Rollenspiele, Sexualität 

und Pornografie, Schuld und 

Gewalt, Geburt und Tod. Einen besonderen 

Akzent bildet eine Reihe 

von Collaborations – Arbeiten, die 

Marlene Dumas mit ihrer Tochter 

Helena und dem Maler Bert Boogaard 

geschaffen hat. 

Bert Boogaard & Marlene Dumas, 

Robe as correction, 2001 

Marlene Dumas 

Aquarelle 

Hrsg. Thomas Knubben, Tilman 

Osterwold, Texte von Jean- 

Christophe Ammann, Marlene 

Dumas, Thomas Knubben, 

Tilman Osterwold 




Ca. € 19,– [D], sFr 32,– 

ISBN 3-7757-1343-3 

Oktober 2003 

Ausstellung: Städtische Galerie 

Ravensburg 28.9.–14.12.2003 

Zur Künstlerin: 

Marlene Dumas *1953 in Kapstadt. 

1972–1975 Studium der Bildenden 

Kunst an der Universität Kapstadt. 

Zahlreiche Einzelausstellungen: 

Bonner Kunstverein; Tate, London; 

Institute of Contemporary Art, Boston; 

Centre Pompidou, Paris; New 

Museum of Contemporary Art, 

New York; Teilnahme an documenta 

7, documenta IX, Biennale Venedig. 

Lebt und arbeitet in Amsterdam.

36 

Tom Sachs 

Nutsy’s World_1.0 

Eine Publikation des Deutsche 

Guggenheim Berlin, Texte von 

John Hanhardt u. a. 

Ca. 144 S., ca. 110 Abb., 


21,6 x 27,9 cm, Broschur mit 


Ca. € 35,– [D], sFr 58,– 

ISBN 3-7757-1374-3 (Vertriebstitel) 

August 2003 

Nader Ahriman 

Gemälde 1994–2003 

Hrsg. Dorothea Strauss, Kunstverein 

Freiburg, Texte von Christian Haye, 

Paola Morsiani, Dorothea Strauss 


Ca. 160 S., ca. 106 Abb., 


22,5 x 28 cm, gebunden 

Ca. € 20,– [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-1369-7 

Juni 2003 

In New York bereits allgegenwärtig, 

ist das Projekt von Tom Sachs 

(*1966 in New York) für das Deutsche 

Guggenheim Berlin das erste 

des amerikanischen Künstlers in 

Europa. Nutsy’s World ist ein etwa 

400 m2 großer Themenpark, den 

der Künstler ursprünglich im Auftrag 

der Bohen Foundation entwarf; 

die vorliegende Publikation 

dokumentiert den Zustand der für 

Berlin modifizierten Installation. 

Nutsy’s World ist eine Welt aus 

skulpturalen, mechanischen und 

medialen Elementen, die eine 

Vor dem Hintergrund des zur Zeit 

wieder stark zugenommenen 

Interesses für das Medium Malerei 

verdienen die Arbeiten von 

Nader Ahriman besondere Beachtung. 

Seit vielen Jahren liegt der 

Schwerpunkt des Werkes des in 

Berlin lebenden Künstlers auf 

einer komplexen, geradezu exzessiven 

Inhaltlichkeit. Ahrimans iranische 

Herkunft (*1964 in Shiraz) 

und sein daraus resultierendes 

starkes Interesse an einer kritisch 

reflektierten Auseinandersetzung 

mit ideologischen Systemen 

haben auch sein Verhältnis zur 


durch die gesamte Installation 

führende Straße verbindet. Nutsy’s 

World bedeutet jedoch auch eine 

Anspielung auf den unverbesserlichen 

»Hobbybastler« in Person 

des Künstlers Tom Sachs. Mit seinem 

Team konzipierte er eine 

raumfüllende Welt der Kultur, des 

Konsums und der Ironie. Überwachungskameras, 

verbunden mit 

Videomonitoren, beobachten die 

Gäste dabei, wie sie sich staunend 

durch die in Kniehöhe aufgebaute 

Rennstrecke bewegen, auf der 

ferngesteuerte Modellautos um 

He had to come into the world to 

destroy painting, 2003 

Malerei geprägt. Er entwickelte 

eine dichte und eigenwillige 

formal-ästhetische Sprache, die 

eine Vielzahl philosophischer, 

literarischer und kunsthistorischer 

Anspielungen aufweist. Die auf 

den ersten Blick stark konzeptionell 

angelegte Modellhaftigkeit 

seiner Bilder bricht Ahriman; 

inhaltliche Lösungen bedeuten 

in seinen Arbeiten immer auch 

malerische Lösungen. Diese erste 

umfangreiche Werkmonografie 

zeigt Arbeiten von 1994 bis heute 

und verdeutlicht vor allem die 

metaphorische und zugleich ma- 

originalgetreue im Maßstab 1:25 

gefertigte Rekonstruktionen von 

berühmten Wohnbauten Le Corbusiers 

und Möbeln Mies van der 

Rohes rasen. Tom Sachs Nutsy’s 

World entführt in urbanes Slumgebiet 

en minature wie in einen 

modernistischen Skulpturenpark 

gleichermaßen und lässt dabei 

den Besucher aktiv werden und 

entdecken. 

Ausstellung: Deutsches Guggenheim 

Berlin 24.7.–5.10.2003 

lerische Komplexität von Nader 

Ahrimans künstlerischer Sprache. 

Begleitet werden seine Arbeiten 

von Essays von Christian Haye, 

Paola Morsiani und Dorothea 

Strauss. 

Ausstellung: Kunstverein Freiburg 

11.4.–1.6.2003 


37 

devil-may-care – der Titel des 

Nordischen Pavillons auf der diesjährigen 

Biennale von Venedig 

charakterisiert die künstlerische 

Haltung der drei dort vertretenen 

Künstlerinnen. Mit weiblicher 

Unerschrockenheit zitieren sie 

Versatzstücke einer breiten Mainstream-Kultur, 

von den Werken 

Alter Meister bis hin zu Hollywood-Action-Streifen. 

Sie zeigen, 

dass im Akt des Zitierens stets 

die Möglichkeit einer Neuinszenierung 

liegt, nicht allein die Konventionen 

der Autorität befolgt 

werden müssen. 

Pedro Cabrita Reis (*1956 in Lissabon) 

ist einer der bedeutendsten 

portugiesischen Künstler der Gegenwart. 

Sein komplexes Werk 

umfasst verschiedene künstlerische 

Techniken: expressive und 

abstrakte Gemälde, improvisiert 

wirkende Skulpturen sowie ortsgebundene 

Installationen, zumeist 

aus einfachen Baustoffen 

wie Gips, Ziegelsteinen, Spanplatten 

oder Glas. In seinen Arbeiten 

untersucht er Fragen zu Raum, 

Architektur und kulturellem Gedächtnis; 

ihre Suggestivkraft verweist 

über das Sichtbare hinaus. 

Erscheint anlässlich der Biennale 

Venedig 15.6.–2.11.2003 

Karin Mamma Anderssons (Schweden) 

gegenständliche Malerei 

steht in der Tradition des europäischen 

Expressionismus. Jedoch 

werden die Zitate dieser historischen 

Avantgarde auf ihren Bildern 

durcheinander geworfen 

und immer wieder neu gemischt. 

Kristina Bræins (Norwegen) improvisierte 

Rauminstallationen 

zeigen Bezüge zum Minimalismus, 

dekonstruieren jedoch gleichzeitig 

die abstrakte Formensprache des 

Hochmodernismus durch den 

Einsatz von Alltagsgegenständen. 

Liisa Lounilas (Finnland) Video- 

Türen gehen ins Nichts, Wände 

haben keine tragende Funktion, 

Treppen führen nirgendwohin. 

Von großer Wirksamkeit sind auch 

Cabrita Reis’ Untersuchungen zur 

Farbe; in seinen Farbkabinetten 

konfrontiert er den Betrachter mit 

überwältigenden Spektren aus 

mit Acrylfarben bemalten Glasfeldern. 

Arbeiten von Pedro Cabrita Reis 

waren auf der documenta IX oder 

der XXIV Biennale von São Paulo 

zu sehen; im Sommer 2003 vertritt 

er Portgual auf der Biennale 

von Venedig. 

Karin Mamma Andersson, 

Today is Yesterday Tomorrow, 2002 

Machine for Living in, 2002 

arbeiten ahmen die Special 

Effects von Action-Filmen nach. 

Die schlechte Qualität der Bilder 

ihrer selbst gebauten Pappkamera 

stehen allerdings in deutlichem 

Kontrast zum Hochglanzlook der 

Kulturindustrie Hollywoods. 

Neben den Arbeiten der Künstlerinnen 

präsentiert die Publikation 

in knapper Form die zurückliegende 

Geschichte der Ausstellungen 

im Nordischen Pavillon, der 1962 

nach den Plänen des norwegischen 

Architekten Sverre Fehn 

erbaut wurde. 

Diese reich illustrierte, erste umfassende 

Monografie gibt einen 

Überblick über Cabrita Reis’ Arbeiten 

von Mitte der achtziger Jahre 

bis heute und enthält neben einer 

Biografie auch eine Bibliografie 

sowie ein Werkverzeichnis. 

Erscheint anlässlich der Biennale 

Venedig 15.6.–2.11.2003 

devil-may-care 

The Nordic Pavillion and 

its 50th Anniversary at 

the Venice Biennale 2003 

Hrsg. Anne Karin Jortveit, Andrea 

Kroksnes, Texte von Mieke Bal, Anne 

Karin Jortveit, Andrea Kroksnes, Siri 

Meyer, Toril Moi, Irit Rogoff, Leena- 

Maija Rossi 

Englisch 


21 x 22,5 cm, Leinen 

Ca. € 25,– [D], sFr 43,– 

ISBN 3-7757-1348-4 

Juni 2003 

Pedro Cabrita Reis 

Works and Writings 

Hrsg. Michael Tarantino, Texte von 

João Fernandes, Jos Miranda Justo, 

Adrian Searle, Michael Tarantino 

Englisch 

Ca. 304 S., ca. 200 Abb., 




Ca. € 45,– [D], sFr 75,– 

ISBN 3-7757-1373-5 

Juni 2003

38 

M_ARS 

Kunst und Krieg 

Hrsg. Günther Holler-Schuster, Peter 

Weibel, Texte von Jean Baudrillard, 

Bazon Brock, Michel Foucault, Justin 

Hoffmann, Tom Holert, Andreas 

Lange, Florian Rötzer, Rolf Sachsse, 

Peter Sloterdijk, Paul Virilio u. a. 



€ 29,– [D], sFr 49,– 


Lieferbar 

Warum! 

Bilder diesseits und jenseits 

des Menschen 

Hrsg. Guardini Stiftung e.V., Stiftung 

St. Matthäus, Essays von Knut 

Ebeling und Carolin Meister, Ulrich 

Engel, Gabriele Werner, Beat Wyss 

Ca. 344 S., ca. 220 Abb., 



Ca. € 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1326-3 

Juni 2003 

»Alles, was die Kulturentwicklung 

fördert, arbeitet auch gegen den 

Krieg«, schrieb Sigmund Freud 

1932 in einem Brief an Albert Einstein. 

Doch haben wir uns heute – 

nachdem Krisenherde immer 

wieder nicht nur weltweit, sondern 

auch mitten in Europa entstehen 

– der Frage zu stellen, ob 

das Freud’sche Diktum noch gilt. 

Könnte es nicht sein, dass in der 

Kulturentwicklung selbst Momente 

enthalten sind, die die Kriegsbereitschaft 

fördern? Ist es möglich, 

dass die Kunst nicht nur 

Im Jahre 1098 stellte Anselm von 

Canterbury (1033/34–1109) mit 

seiner Schrift Cur deus homo – 

Warum Gott Mensch geworden 

zum ersten Mal die Frage nach 

den Gründen der Menschwerdung 

Gottes. 

Die vorliegende Veröffentlichung 

erweitert diese theologische Fragestellung 

auf die zeitgenössische 

Kunst und deren Verarbeitung 

von Problemen der Gegenwart: 

Es werden Werke internationaler 

Künstler zusammengeführt, die 

sich in ihrer Arbeit mit existenziellen 

Aspekten des Lebens befassen. 


Jiri David, aus: No 

Compassion, 2002 

pazifistische, sondern auch militärische 

Intentionen hat? Gibt es, 

nach Paul Virilio, nicht nur eine 

Kunst des Schreckens, sondern 

auch einen Schrecken der Kunst? 

Und wie kann in Zeiten des 

Amoks, des Terrors, des Krieges 

eine Kunst aussehen, die eine 

Plattform für humanitäre Agenden 

gegen Gewalt und Ungerechtigkeit 

sein will? 

Ausgehend von Freuds berühmten 

Schriften Das Unbehagen in der 

Kultur (1930) und Warum Krieg 

(1933) versammelt das Buch rund 

Zugleich wird nach den in der 

Kunst heute noch anwesenden 

Bildern der alt- und neutestamentarischen 

Überlieferung gesucht. 

Die ausgewählten Kunstwerke 

spüren das Religiöse im Säkularen 

und das Säkulare im Religiösen 

auf. In ihnen entwirft der Mensch 

Bilder von sich selbst in seiner körperlichen 

und geistigen Existenz. 

In miteinander verknüpften ikonografischen 

Linien führt die Publikation 

Entwürfe von Menschen, 

ihren Orten und Zeichen zusammen, 

die ihrerseits spirituelle 

Fragen stellen. 

Willem de Kooning, Triptychon, 1985 

120 Positionen der internationalen 

Gegenwartskunst. Es untersucht, 

warum der Prozess der fortschreitenden 

Zivilisation immer wieder 

unterbrochen wird und widmet 

sich dabei neben den psychischen 

und sozialen Veränderungen, die 

der Krieg hervorruft, vor allem 

auch den daran beteiligten medialen 

Vorgängen. 


(Auswahl): 

Joseph Beuys, Louise Bourgeois, 

Sophie Calle, Jochen Gerz, Martin 

Kippenberger, Willem de Kooning, 

Bruce Nauman, Gerhard Richter, 

Thomas Schütte, Florian Slotawa, 

Kiki Smith, Thomas Struth, Hiroshi 

Sugimoto, Wolfgang Tillmans/Isa 

Genzken, Andy Warhol 

Ausstellung anlässlich des ersten 

Ökumenischen Kirchentages in 

Berlin: Martin-Gropius-Bau, Berlin 

28.5.–3.8.2003 


39 

»... ein schwergewichtiger Reader ...« Stuttgarter Zeitung 

»... monumentaler Band ...« Kunstzeitung 

Wolfgang Winter/Berthold Hörbelt, 

Kastenhaus 356.11 Lighthouse, 

2000, Skärhamn (Schweden) 

Wenige Diskussionen in der bildenden 

Kunst sind in den letzten 

Jahren so kontrovers geführt worden 

wie die um die Bedeutung 

und Möglichkeiten von Kunst im 

öffentlichen Raum. 

Public Art ist erstmals 2001 in 

einer zweisprachigen Ausgabe 

erschienen und war schnell vergriffen. 

Nun wird der Titel in 

getrennten Sprachausgaben neu 

aufgelegt. Mehr als 50 Autoren 

beziehen in diesem Handbuch aus 

ihrer Erfahrung kritisch Stellung: 

ein spannend zu lesendes Kompendium 

von Meinungen, Statements 

und Berichten. Das reiche 

James Angus, Mikala Dwyer, Simryn Gill, Fiona Hall, 

Rosemary Laing, Callum Morton, Susan Norrie, 

Robert MacPherson, Patricia Piccinini, David Rosetzky, 

Darren Siwes, Daniel von Sturmer, Ah Xian 

Ausstellung: Hamburger Bahnhof, 

Museum der Gegenwart, Berlin 

1.10.2003–3.1.2004 

Ah Xian, China China 3, 1999 

Die Publikation hält mit der Präsentation 

einer Auswahl von jungen 

australischen Künstlern einen 

Augenblick der zeitgenössischen 

Kunst der Insel fest und gibt damit 

erstmals die Möglichkeit, die 

vitale und innovative Kunstszene 

des fünften Kontinents kennen zu 

lernen. Darin wird in unterschiedlichsten 

Formen das Bewusstsein 

für die kulturelle Bedingtheit von 

Darstellungsmustern bekundet. 

Zu neuen Medien haben die 

Künstler eine besondere, eigenständige 

Affinität. Dies lässt sich 

zum Teil als Ausdruck des Widerstands 

deuten, das Umfeld des 

Textmaterial – von Kuratoren, 

Kunsthistorikern und Künstlern 

wie Vito Acconci, Daniel Buren, 

Laszlo Glozer, Dan Graham, Walter 

Grasskamp, Hans Haacke, Jenny 

Holzer, Rebecca Horn, Ilya Kabakov, 

Kasper König, Joseph Kosuth, Florian 

Matzner, Ulrich Rückriem, 

Richard Serra, Lawrence Weiner 

und vielen anderen – ist nach den 

Aspekten Kunst und Stadt, Kunst 

und Architektur, Kunst und Geschichte, 

Kunst und Gesellschaft, 

Kunst und Ausstellung, Kunst und 

Öffentlichkeit gegliedert. 

künstlerischen Schaffen sei am 

Anfang des neuen Jahrtausends 

noch regional bestimmt. Sowohl 

in der Produktion wie in der Rezeption 

von Kunst bewegen sich 

die Künstler in ganz unterschiedlichen 

Zusammenhängen. Die Debatte 

um Zentrum und Peripherie 

wird um wesentliche Aspekte 

erweitert und auch hinterfragt. 

Neben Aufsätzen zu einzelnen 

Aspekten der australischen Kunstszene 

bietet die Veröffentlichung 

eine umfassende Dokumentation 

zum Gesamtwerk der beteiligten 

Künstler. 

Public Art 

Kunst im öffentlichen Raum 

Hrsg. Florian Matzner, Texte von 

Vito Acconci, Daniel Buren, Dan 

Graham, Hans Haacke, Ilya Kabakov, 

Joseph Kosuth, Ulrich Rückriem, 

Lawrence Weiner u. v. a. 

Ca. 400 S., ca. 255 Abb., 


Ca. € 19,80 [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-9147-7 (Deutsch) 



The Down Side Up 

Show 

Kunst aus Australien 

Hrsg. Hamburger Bahnhof, Britta 

Schmitz, Texte von Max Delany, 

Juliana Engberg, Victoria Lynn, 

Britta Schmitz u. a. 


Ca. 240 S., ca. 120 Abb., 



Ca. € 24,80 [D], sFr 42,– 

ISBN 3-7757-1363-8 

Oktober 2003

40 

Martin Noël 

Blau und andere Farben 

Hrsg. Peter Dering, Museum Liner 

Appenzell, Texte von John Berger, 

Peter Dering, Maria Müller, 

John Yau 

Deutsch, teilweise Englisch 



€ 24,80 [D], sFr 42,– 

ISBN 3-7757-1311-5 

Lieferbar 

Hanns Schimansky 

quellenfeld 

Zeichnungen 

Hrsg. Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, 

Vorwort von Klaus Schrenk, 

Texte von Robert Kudielka, Kirsten 

Claudia Voigt 





€ 18,– [D], sFr 31,– 

ISBN 3-7757-9141-8 

Lieferbar 

Martin Noël (*1956 in Berlin) gehört 

zu den bildenden Künstlern, 

die seit Ende der achtziger Jahre 

den Holzschnitt als genuines 

Medium wieder entdecken und 

weiterentwickeln. Sein Werk ist 

jedoch nicht auf den Holzschnitt 

zu reduzieren. Noël beschäftigt 

sich eingehend mit Sehprozessen. 

Die Arbeiten des Künstlers zeigen 

kraftvoll gearbeitete Chiffren, Formen 

und Spuren, die er auf seinen 

ausgedehnten Reisen und Spaziergängen 

oder auch in Museen zunächst 

fotografisch oder als Skizze 

sammelt, um sie später zu über- 

Im 20. Jahrhundert, vor allem seit 

dem Beginn der Abstraktion, 

emanzipierte sich die Zeichnung 

in einer bis dahin nicht bekannten 

Weise. Sie befreite sich aus ihrer 

dienenden Funktion gegenüber 

anderen Gattungen und entwickelte 

sich äußerst vielseitig zu 

einem eigenständigen Ausdrucksmittel. 

Ihr Facettenreichtum frappiert, 

und dennoch ist es eher eine 

Ausnahme, dass sich ein Künstler 

fast ausschließlich der Zeichnung 

widmet, wie der 1949 in Bitterfeld 

geborene, heute in Berlin lebende 

Hanns Schimansky. Seine beson- 


arbeiten, weiter zu reduzieren, in 

ihrer Zeichenhaftigkeit zu kondensieren. 

Ihre Positionierung im 

Bildraum verweist auf Kompositionsprinzipien 

des traditionellen 

japanischen Holzschnitts. 

Die permanente Beschäftigung 

mit den hölzernen Druckstöcken 

sensibilisierte für deren plastische 

Qualitäten. Seit einigen Jahren 

schon ist der ursprüngliche Ausgangspunkt 

für Papierabzüge für 

den Künstler der eigentliche Bildträger, 

dem er in weiteren Bearbeitungsgängen 

Objektcharakter 

verleiht. 

Ohne Titel, 2001 

Otto #18, 2002 

dere künstlerische Qualität liegt 

sowohl im hochsensiblen Umgang 

mit seinen Materialien und 

den Eigenheiten der jeweiligen 

Techniken, als auch in der Suggestion 

von psychischen Befindlichkeiten 

und ganz freien poetischen 

Kontexten. Anklänge an Natürliches, 

Paraphrasen des Urbanen, 

psychomotorische Automatismen, 

serielle Reihungen, die Arbeit mit 

dem Zufallsprinzip – all dies vereint 

Hanns Schimanskys Werk. 

Die Publikation versammelt ausgewählte 

Bleistift-, Grafit-, Tuscheund 

Ölkreidenzeichnungen sowie 

Ausstellung: Museum Liner 

Appenzell 29.3.–29.6.2003 

Faltungen Hanns Schimanskys 

von 1996 bis 2002 und gibt damit 

Einblick in den Erfindungsreichtum, 

die Experimentierfreude und 

die Konsequenz des Künstlers. 

Ausstellung: Staatliche Kunsthalle 

Karlsruhe 5.4.–29.6.2003 


41 

Die 1946 in der ehemaligen Tschechoslowakei 

geborene Bildhauerin 

Magdalena Jetelová, die seit 1984 

in Deutschland lebt, verwirklichte 

in den letzten Jahren an verschiedenen 

Orten Europas und der USA 

temporäre Projekte, die sich mit 

der urbanen und globalen Landschaft 

auseinander setzten. Bekannt 

ist vor allem ein Projekt, das 

einem zentralen geologischen 

Phänomen gewidmet ist: das Iceland 

Project von 1992, bei dem die 

Künstlerin den transatlantischen 

Rücken auf der Oberfläche Islands 

Das Wahrnehmungssystem der 

Welt, das sich Corinne Wasmuht 

(*1964) mit ihrem Bilderfindungsverfahren 

geschaffen hat, funktioniert 

abseits kurzfristiger und 

oberflächlicher Themengebung 

als hochfeines Sensorium der 

Gegenwart. In ihrer Malerei hebt 

sich die Unterscheidung von echt 

und simuliert, von real und inszeniert, 

von natürlichem Anblick 

und digitalem Schein auf. Gerade 

mit ihrem unzeitgemäß langsamen 

Bilderzeugungsverfahren in 

Öl setzt Corinne Wasmuht dem 

massenmedialen Bilderrauschen 

Ausstellung: Kulturzentrum Sinsteden, 

Rommerskirchen 22.5.–30.9.2003 

mittels einer Laserspur nachzeichnete 

und damit die kommende 

Kontinentalverschiebung zwischen 

Amerika auf der einen 

sowie Europa und Afrika auf der 

anderen Seite sichtbar machte. 

Das vorliegende Künstlerbuch 

dokumentiert neben den Implantaten 

vor allem die Arbeit Insel: 

Nach dem Projekt in Island, wo 

sich eine natürliche Veränderung 

der Landschaft vollzieht, hat die 

Künstlerin – am Beispiel von Etzweiler, 

einem Dorf bei Bergheim – 

eine von der Industrie zerstörte 

»Wenn man meine Bilder aus der Entfernung 

sieht und dann immer näher kommt, kann man 

sich hineinzoomen, bis in das kleinste Detail. 

Wenn man das richtig anguckt, dann sind das 

kleine abstrakte Bilder.« Corinne Wasmuht 

ein kritisch prüfendes Instrumentarium 

entgegen. 

Die durchgehend farbig bebilderte 

Publikation versammelt alle Gemälde 

von Corinne Wasmuht aus 

den Jahren 1990 bis 2003. Erkennbar 

wird das schon jetzt komplexe 

und umfangreiche Werk einer 

noch jungen Künstlerin, deren 

großformatige Gemälde in den 

wichtigsten Malereiausstellungen 

der letzten Zeit besondere Aufmerksamkeit 

erregt haben. Wichtige 

Auftragsarbeiten, wie ihre in 

diesem Jahr entstandenen Wandbilder 

im Bundeskanzleramt in 

und umgeformte Landschaft zum 

Schauplatz ihrer Inszenierung gemacht. 

Der Titel des Buches greift, 

als Anagramm angelegt, die räumlichen 

Durchdringungen der vorgestellten 

Werke auf. 

Berlin, deuten auf die wachsende 

Anerkennung dieser zentralen 

Vertreterin der zeitgenössischen 

Malerei in Deutschland. 

Ausstellungen: Staatliche 

Kunsthalle Baden-Baden 

20.9.–16.11.2003 • 

Museum Haus Esters, Krefeld 

Oktober 2004 – Januar 2005 

Magdalena Jetelová 

No it is open on one position 

Hrsg. Kulturzentrum Sinsteden, 

Texte von Eugen Blume, Walter 

Grasskamp, Boris Groys, Kathrin 

Wappenschmidt 

96 S., 73 Abb., 



Ca. € 19,80 [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-9140-X 

Juni 2003 

Corinne Wasmuht 

Malerei 1990 –2003 

Hrsg. Staatliche Kunsthalle Baden- 

Baden, Texte von Martin Hentschel, 

Jörg Katerndahl, Matthias Winzen 



Ca. € 20,– [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-1344-1 

September 2003

42 

Ron Mueck 

Hrsg. Heiner Bastian, 

Texte von Heiner Bastian, 

Susanna Greeves 




Ca. € 20,– [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-1337-9 


Ausstellung: Hamburger Bahnhof, Museum 

der Gegenwart, Berlin, 10.9.–2.11.2003 

Angel, 1997 


Von der fast fünf Meter hohen 

Skulptur Boy des in London lebenden 

Künstlers Ron Mueck (*1958 in 

Melbourne) zeigten sich die Besucher 

der Biennale von Venedig im 

Jahr 2001 sehr beeindruckt. Harald 

Szeemann nannte die Plastik »die 

Sphinx der Ausstellung«; sie wurde 

schnell zu deren Wahrzeichen. Die 

monumentale, kauernde Figur 

eines Jugendlichen wirkt verletzlich, 

abwehrend, und doch scheint 

ihrem wachsamen Blick nichts zu 

entgehen. 

Muecks menschliche Figuren sind 

stets technisch perfekt, absolut 

realistisch, bewusst unter- oder 

überformatig. Er modelliert sie 


»Ron Muecks Werk macht deutlich, warum der 

Mensch die Notwendigkeit sah, das Konzept der 

Seele zu erfinden.« Craig Raine 

zunächst in Ton und nimmt dann 

eine Hohlform ab, die er mit Silikon 

oder Fiberglas füllt. Die fertigen 

Modelle haben feinste Äderchen, 

einzelne sichtbare Härchen, scheinen 

zu atmen. Ihre Perfektion dient 

jedoch immer dem Transport von 

Inhalten: Die Emotionalität von 

Figuren wie Pregnant Woman oder 

Dead Dad – vom Künstler nach 

dem Tod seines Vaters geschaffen, 

berührt den Betrachter und 

stimmt ihn nachdenklich. Muecks 

Skulpturen sind von großer Präsenz, 

autonom. Von menschlicher 

Gestalt und doch künstlich verweisen 

sie auf grundsätzliche Fragen, 

lassen vielfältige Assoziationen zu. 

Pregnant Woman, 2002 

www.hatjecantz.de Zeitgenössische Kunst/Fotografie 

43 

Woman Listening to Radio, 1978 

Zusammen mit Cindy Sherman, 

Louise Lawler und anderen gilt 

Laurie Simmons (*1949) als eine 

der ersten Künstlerinnen, die ab 

Mitte der siebziger Jahre selbst 

gebaute Bildszenarien von großer 

atmosphärischer und psychologischer 

Intensität schuf. 

Das Buch präsentiert erstmals das 

zwischen 1976 und 1978 entstandene 

Frühwerk der amerikanischen 

Künstlerin. Die Schwarzweißfotografien 

zeigen im Stil der 

fünfziger Jahre inszenierte Interi- 

Lois Renner, geboren 1961 in Salzburg, 

studierte als Schüler Gerhard 

Richters an der Kunstakademie 

in Düsseldorf. Heute lebt und 

arbeitet er in Wien und gehört zu 

den international am stärksten 

wahrgenommenen Künstlern 

Österreichs. Im vergangenen Jahr 

wurde er mit dem Internationalen 

Preis für Fotografie der Biennale 

von Buenos Aires ausgezeichnet. 

Renners Fotoarbeiten zeigen 

scheinbar gewöhnliche Darstellungen 

von Künstlerateliers. Aber 

die in ihren Maßstäben völlig 

unterschiedlichen Einrichtungsgegenstände 

– Fundstücke seiner 

eurs, die mit Puppen und Puppenmöbeln, 

mit Miniaturobjekten, 

Postkarten, Büchern, Pamphleten 

und Magazinen detailgetreu ausgestattet 

sind und ein emotionsgeladenes 

Stimmungsbild zeichnen. 

Die bisher unveröffentlichten 

Arbeiten stellen Laurie Simmons 

in die vorderste Reihe einer Künstlergeneration, 

deren Auseinandersetzung 

mit dem Medium 

Fotografie neue Impulse in die 

Gegenwartskunst hineintrug. 

Zusammen mit einem Essay von 

Jesus Österreich, 2000 

unmittelbaren Umgebung, aber 

auch Gemälde – verwirren die 

räumliche Logik und lassen an 

Fotomontage oder digitale Bildbearbeitung 

denken. Tatsächlich 

baut Renner in seinem Wiener 

Atelier im Maßstab 1:10 das alte 

Atelier im Salzburger Haus seiner 

Eltern nach und fotografiert dieses 

sorgsam komponierte Modell 

aus verschiedenen Blickwinkeln – 

eine fotografische Methode, die 

sich explizit am komplexen Bildaufbau 

alter Gemälde orientiert 

und damit die Möglichkeiten beider 

Medien, der Malerei und der 

Fotografie, vereint. 

Carol Squiers, Kuratorin am International 

Center for Photography 

in New York, und einem Textbeitrag 

von Laurie Simmons selbst 

unternimmt der Band eine aufschlussreiche 

Tour d’horizon durch 

das Frühwerk der Künstlerin. 

Das vorliegende Verzeichnis von 

Bildern, das in enger Zusammenarbeit 

mit dem Künstler entstand, 

dokumentiert die Werkentwicklung 

Renners seit 1991 und bezieht 

auch neueste Arbeiten ein. 

Laurie Simmons 

In and around the House 

Photographs 1976 –78 

Hrsg. Carolina Nitsch Editions, Texte 

von Laurie Simmons, Carol Squiers 


Ca. 112 S., ca. 60 Abb. in Duplex, 

29 x 24,5 cm, Leinen 

Ca. € 35,– [D], sFr 58,– 

ISBN 3-7757-1352-2 

Juni 2003 

Lois Renner 

Bilder 1991 –2002 

Hrsg. Maribel Königer, Texte von 

Martin Hochleitner, Rupert Pfab, 

kommentiertes Verzeichnis der 

Bilder von Maribel Königer 




€ 48,50 [D], sFr 81,– 

ISBN 3-7757-1319-0 

Lieferbar

44 

Beispielseiten aus dem Buch 

Fotografie www.hatjecantz.de 

www.hatjecantz.de Fotografie 

45 

Ein von Wolfgang Tillmans selbst zusammengestelltes 

und gestaltetes Werkverzeichnis – 

mit rund 2400 farbig abgebildeten Arbeiten 

von den Anfängen bis heute. 

Wolfgang Tillmans (*1968 in Remscheid) 

ist längst zu einem der 

erfolgreichsten und innovativsten 

Künstler der Gegenwartsfotografie 

avanciert. Anfang der neunziger 

Jahre trat er als Chronist seiner 

Generation ins öffentliche Bewusstsein, 

seine Arbeiten wurden von 

der Kunstwelt als »Zeitporträts« 

kanonisiert. Tatsächlich widerspricht 

die präzise künstlerische 

Komposition der Fotografien 

einem rein dokumentarischen 

Ansatz. Auch in seinen Faltenwürfen, 

den Stillleben und Interieurs 

zeigt sich Tillmans’ Interesse am 

hintergründig inszenierten, »abstrakten« 

Bild – eine Tendenz, die 

sich in seinen Inkjetprints der 

Ausstellung: Tate Britain, London 

6.6.–14.9.2003 

letzten Jahre, die eine neue Phase 

seines Werkes markieren, fortsetzt. 

Zur großen Einzelausstellung des 

Turnerpreisträgers in der Londoner 

Tate Britain erscheint bei Hatje 

Cantz die deutschsprachige Ausgabe 

eines von Wolfgang Tillmans 

selbst zusammengestellten Werkverzeichnisses. 

Alle bekannten, 

aber auch zahlreiche bisher unveröffentlichte 

Werkgruppen und 

Arbeiten werden gezeigt. Mit rund 

2400 Farbabbildungen ist dies die 

derzeit umfassendste Darstellung 

seiner (Foto-)Kunst, die auf einmalige 

Weise die Entwicklung von 

Tillmans’ Werk von den Anfängen 

bis heute nachvollziehen lässt. 

Wolfgang Tillmans 

If one thing matters, 

everything matters 

Hrsg. Tate, Interview von Mary 

Horlock mit dem Künstler 


22,5 x 29,7 cm, Broschur 

Ca. € 45,– [D], sFr 75,– 

ISBN 3-7757-1327-1 

Juni 2003 


(Abbildung oben) 

C-Print 

Format: 19,8 x 29,5 cm 

Zusammen mit in Leinen 

gebundenem Buch 

Auflage: 100 


Ca. € 400,– [D] 

Juni 2003

46 



(Abbildungen gegenüber) 

Zwei Fotografien aus den 

New Yorker Serien 2000 und 2002 

Zwei C-Prints in Mappe 

Format: jeweils 30 x 40 cm 

Zusammen mit Buch (signiert) 

Auflage: 40 


€ 900,– [D] 

Lieferbar 


47 

Beat Streulis Fotografien von Straßenszenen 

in den Metropolen der 

Welt bieten Momentaufnahmen 

alltäglichen Lebens. Die Bilder 

werden zumeist von den Protagonisten 

unbemerkt aufgenommen 

und halten diese stets in Augenblicken 

fest, in denen sie in sich 

gekehrt und sich ihrer Wirkung 

nach außen nicht bewusst sind, 

selbst in Begleitung beziehungslos 

erscheinen. Von Streuli als meterhohe 

Diapositive montiert oder in 

Endlosfilmschleifen an Ausstel- 

lungswände projiziert, entheben 

sie den Einzelnen aus seiner – 

relativen – Bedeutungslosigkeit, 

verwahren ihn in der musealen 

Ewigkeit. 

Immer wieder zieht es den Schweizer 

(*1957 in Altdorf) für seine Arbeit 

nach New York, wo ihm Bilder 

von besonderer Farbbrillanz gelingen, 

wenn Passanten vor den 

dunklen Schlagschatten der Wolkenkratzer 

und ins helle Sonnenlicht 

treten. Häufig bilden auch 

Teilstücke von Architekturen, Wer- 

beaufschriften und Farbflächen 

vorbeifahrender Lastwagen fragmentierte 

Hintergründe für die 

Vorbeieilenden; ausschnitthafte 

Bildaufbauten, die in ihrer Ästhetik 

an die Malerei amerikanischer 

Fotorealisten erinnern. Eine Auswahl 

von Beat Streulis New-York- 

Arbeiten neueren Datums versammelt 

dieses in limitierter Auflage 

erscheinende und vom Künstler 

handsignierte Fotobuch. 

Beat Streuli 

New York City 2000 –02 

Text von Vincent Katz 

Englisch/Deutsch 



Limitierte Auflage, 

vom Künstler signiert 


ISBN 3-7757-9138-8 

Lieferbar

48 

Peter Keetman 

Volkswagenwerk 1953 

Hrsg. Kunstmuseum Wolfsburg, 

Vorwort von Gijs van Tuyl, Texte von 

Holger Broeker, Manfred Grieger, 

F. C. Gundlach, Dirk Schlinkert 

Ca. 176 S., ca. 95 Abb., 

davon ca. 70 in Duplex, 



Ca. € 68,– [D], sFr 133,– 

ISBN 3-7757-1366-2 (Deutsch) 


(Vertriebstitel) 

Oktober 2003 

Hinterachskegelräder, 1953 

Spiegelnde Tropfen, 1950 

Fotografie 

Das Meisterwerk der Industriefotografie 

im originalen Überformat. 

Peter Keetman (*1916 in Wuppertal) 

ist mit seinem Werk zweifellos 

neben Otto Steinert der wichtigste 

Repräsentant der Gruppe »fotoform«, 

deren »subjektive fotografie« 

in den frühen fünfziger Jahren 

die wohl bedeutendste fotografische 

Bewegung in Deutschland ist. 

Seine berufliche Ausbildung begann 

er 1937 in der Bayerischen 

Staatslehranstalt für Lichtbildwesen 

in München und schloss sie 

nach dem Krieg dort ab. Vielleicht 

noch wichtiger war jedoch seine 

Begegnung mit dem Fotografen 

Adolf Lazi. 

Peter Keetmans Werk besteht aus 

systematisch angelegten Bildserien, 

beispielsweise den bekannten 

Nahaufnahmen von Wasser- oder 

Öltropfen. Seine Sachaufnahmen, 

Architekturstudien und Lichtexpe- 


rimente gehören zu den Inkunabeln 

der abstrahierenden Fotografie. 

Nicht minder richtungsweisend 

ist die berühmte Fotoserie, 

für die Keetman 1953 eine Woche 

im Wolfsburger Volkwagenwerk 

verbrachte, um die Produktion des 

VW-Käfers in bestechend klaren, 

in ihrer Ausschnitthaftigkeit fast 

abstrakten Bildern festzuhalten. 

Die Serie gehört zu den Klassikern 

der deutschen Industriefotografie. 

Der überformatige Band zeigt 

diese Serie vollständig, die Fotoabzüge 

werden in Originalgröße 

reproduziert. Die Textbeiträge 

widmen sich der Serie selbst und 

den einmaligen Umständen ihrer 

Entstehung sowie dem Werk Peter 

Keetmans und dessen Wirkungsgeschichte. 

Ausstellungen: Kunstmuseum Wolfsburg 13.9.2003–8.2.2004 • 

Im Anschluss weitere Stationen in Europa und den USA 


49 

Zeigen, was ist. Die Wahrheitsliebenden unter den Fotografen. 

Cruel and Tender vereint Arbeiten 

von über zwanzig Fotografinnen 

und Fotografen, die im Bereich der 

wirklichkeitsbeschreibenden Fotografie 

im 20. und beginnenden 

21. Jahrhundert stilbildend gearbeitet 

haben und arbeiten. Umfassende 

Werkgruppen von Robert 

Adams, Diane Arbus, Lewis Baltz, 

Bernd und Hilla Becher, Philip- 

Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, 

William Eggleston, Walker Evans, 

Robert Frank, Lee Friedlander, Paul 

Graham, Andreas Gursky, Boris 

Miktailov, Nicholas Nixon, Martin 

Parr, Albert Renger-Patzsch, Thomas 

Ruff, August Sander, Michael 

Schmidt, Fazal Sheikh, Stephen 

Shore, Thomas Struth und Garry 

Winogrand werden präsentiert. 

Ausstellungen: Tate Modern, London 5.6.–7.9.2003 • 

Museum Ludwig, Köln 30.11.2003 –15.2.2004 

Allesamt Künstler, die besonders 

stark an der Darstellung ungeschminkter 

Realität interessiert 

sind. Ihre Beiträge sind gekennzeichnet 

durch betont sachliche 

Fotografien, die aber bei genauerer 

Betrachtung deutlich persönliche 

Handschriften sowie ein ausgeprägtes 

Interesse am Aufnahmegegenstand 

erkennen lassen. Auf 

dieses Paradoxon von Distanz und 

Engagement weist auch der Buchtitel 

Cruel and Tender hin, der sich 

auf eine Bemerkung von Lincoln 

Kirstein bezieht, der die Arbeit des 

amerikanischen Fotografen Walker 

Evans treffend als »zärtliche Grausamkeit« 

(tender cruelty) charakterisiert 

hat. 

Cruel and Tender 

Fotografie und das Wirkliche 

Hrsg. Emma Dexter und Thomas 

Weski für das Museum Ludwig, 

Köln, Texte von David Campany, 

Emma Dexter, Susanne Lange, 

Thomas Weski 

Ca. 288 S., ca. 250 Abb., 



Ca. € 32,– [D], sFr 53,– 

ISBN 3-7757-1359-X 

August 2003 

William Eggleston, Morton, Mississippi, 1969/70

50 

Marcelo Brodsky 

Buena memoria 

Hrsg. Inka Schube, Sprengel 

Museum Hannover, Texte von 

Martín Caparrós, José Pablo 

Feinmann, Juan Gelman 


96 S., 145 Abb., 



€ 14,80 [D], sFr 26,– 

ISBN 3-7757-1353-0 

Lieferbar 

Drei in einem Boot: vorne Fernando, der Bruder Marcelo Brodskys. 

Die Schwester balanciert im Hintergrund. In der Mitte der Künstler 

selbst. 

Fotografie 

»Es dauerte zwanzig Jahre, bevor wir in der Lage 

waren ... auf unsere Geschichte zurückzublicken, 

ohne dass unsere Liebe und unser Schmerz alles 

verfälscht hätten.« Marcelo Brodsky 

Marcelo Brodsky (*1954 in Buenos 

Aires) war 22 Jahre alt, als eine 

Handvoll Offiziere unter General 

Vileda putschte und Argentinien 

bis 1984 unter eine grausame Militärdiktatur 

zwang. Das Ergebnis 

der Schreckensherrschaft: 2300 

offiziell getötete Regimegegner 

und mindestens 30 000 Vermisste. 

Der Künstler und Menschenrechtsaktivist 

Brodsky rettete sich nach 

Barcelona ins Exil. 

Nach seiner Rückkehr schuf er 

Buena memoria, eine komplexe 

und tief bewegende Studie über 

das von Terror verursachte individuelle 

Leid, die im vorliegenden 

Band dokumentiert wird. Grund- 


lage dieser Arbeit ist eine Fotografie, 

die die Abschlussklasse des 

Colegio Nacional in Buenos Aires, 

Jahrgang 1967, zeigt. Sie dient als 

Ausgangspunkt einer vielschichtigen 

biografischen Recherche, in 

der Fotografien aus Familienalben, 

Videoaufnahmen, persönliche und 

literarische Aufzeichnungen und 

neuere Dokumente der Auseinandersetzung 

mit der Diktatur 

nebeneinander stehen. In dieser 

Rekonstruktion der Lebensläufe 

seiner Freunde und seines bis heute 

vermissten Bruders Fernando 

Rubén gelingt Marcelo Brodsky 

ein eindrucksvolles Mahnmal. 

Ausstellungen: Sprengel Museum Hannover 7.5.–31.8.2003 • 

Haus der Fotografie, Prag September – Oktober 2003 • Photofusion, 

London März – April 2004 


51 

Der amerikanische Foto-Konzeptionist 

Allan Sekula (*1951 in Erie) ist 

mit seiner Kombination von Fotografie 

und Essay, Performance und 

kritischem Journalismus eine der 

interessantesten Persönlichkeiten 

der zeitgenössischen Kunst. Seine 

Arbeiten kreisen vorwiegend um 

die Veränderung der Arbeitswelt 

unter den Vorzeichen einer globalen 

Wirtschaft – so auch sein viel 

diskutierter fotografischer Zyklus 

Fish Story, präsentiert auf der 

Documenta11. 

Die Publikation stellt das künstlerische 

Werk und dazugehörende 

Texte von Allan Sekula umfassend 

vor. Sie schlägt einen Bogen von 

frühesten Arbeiten der siebziger 

Jahre bis in die Gegenwart, etwa 

Ausstellung: Generali Foundation, Wien 16.5.–17.8.2003 

zu dem bis dato populärsten Werk, 

Dear Bill Gates (1999), oder dem 

jüngsten Projekt, Black Tide 

(2002/03). Wieder zugänglich gemacht 

wird das Vorwort zu seinem 

legendären, vergriffenen Buch 

Photography against the Grain, in 

dem Sekula seinen künstlerischen 

Werdegang, seine Methodik und 

seinen theoretischen Hintergrund 

in knapper und anschaulicher 

Form erläutert. Ein Interview von 

Benjamin H. D. Buchloh mit dem 

Künstler und ein Text zu Sekulas 

Interesse am Theatralischen, das 

die dokumentarisch-abbildende 

Seite seiner Arbeit konterkariert 

und Witz sowie feine Ironie ins 

Spiel bringt, runden den Band ab. 

Dear Bill Gates, 1999 

Allan Sekula 

Performance under Working 

Conditions 

Hrsg. Generali Foundation, Text 

von Sabine Breitwieser, Interview 

von Benjamin H. D. Buchloh mit 

dem Fotografen 


Ca. 360 S., ca. 274 Abb., 




Ca. € 49,80 [D], sFr 83,– 

ISBN 3-7757-1365-4 

Juni 2003 

War without Bodies, 1991/1996

52 

XL Photography 2 

Art Collection Deutsche Börse 

Hrsg. Deutsche Börse Group, 

Vorwort von Jean-Christophe 

Ammann 


Ca. 132 S., ca. 300 Abb., 




Ca. € 49,80 [D], sFr 83,– 

ISBN 3-7757-1358-1 


Die Hecke 

Ulrike Myrzik/Manfred Jarisch 

Hrsg. Swiss Re Germany AG, 

München, Text von Ulf Erdmann 

Ziegler 


Ca. 118 S., ca. 80 Abb., 




Ca. € 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1294-1 

Juni 2003 

Die Deutsche Börse Frankfurt 

konnte ihre Fotosammlung an 

den Hauptsitzen in Deutschland 

und Luxemburg in den letzten 

Jahren um eine Vielzahl von großformatigen 

Werken vorwiegend 

jüngerer Künstler erweitern, weshalb 

bereits jetzt ein Ergänzungsband 

zum erfolgreichen, erst im 

Jahr 2000 erschienenen Sammlungskatalog 

XL Photography 

vorgelegt werden kann. XL Photography 

2 spannt den Bogen von 

den eher klassischen Schwarzweißaufnahmen 

eines Nicholas 

Nixon über die kühlen Farbszenen 

Stephen Shores bis hin zu den 

Die Fotografen Ulrike Myrzik und 

Manfred Jarisch haben über annähernd 

vier Jahre hinweg den Bau 

des Bürogebäudes der Swiss Re in 

Unterföhring bei München begleitet 

– vom ersten Spatenstich bis 

nach dem Einzug. Eindrücklichstes 

und fernwirksames Element des 

Neubaus, der von den renommierten 

Hamburger Architekten BRT 

Bothe Richter Teherani stammt, 

ist die »schwebende« Hecke, die 

einen grünen Ausblick an jeden 

Schreibtisch trägt und diesem 

Fotoband den Namen gibt. Neben 

rein dokumentarischen Aufnah- 


innovativen Minutenskulpturen- 

Bildern Erwin Wurms. Die Fotosammlung 

der Deutschen Börse 

Frankfurt, künstlerisch beraten 

von Jean-Christophe Ammann, 

stellt zudem arrivierte Künstler 

wie Bernd und Hilla Becher oder 

Sebastião Salgado neben jüngere, 

noch zu entdeckende Talente. 

Über einen reinen Sammlungsband 

hinausgehend, präsentiert 

so der repräsentativ und aufwändig 

ausgestattete, großformatige 

Bildband alle wesentlichen Positionen 

der Fotokunst der letzten 

zehn Jahre. 

men entstanden subjektive, emotionale 

Bilder. Vom kleinen, scheinbar 

unwichtigen Detail bis zu großen, 

strukturierten Flächen und 

Räumen im Spiel von Licht und 

Schatten. Von Menschen am Bau, 

die liebevoll, bisweilen auch humorvoll 

porträtiert sind. 

Ulrike Myrzik und Manfred Jarisch 

geben uns mit einer Auswahl 

dieser Bilder einen raren Einblick 

in die (Bau-)Geschichte des Gebäudes, 

jenseits von klassischer 

Architekturfotografie; den begleitenden 

Text schrieb der Publizist 

Ulf Erdmann Ziegler. 

Philip-Lorca diCorcia, Head #13, 2000 

Die vorgestellten Fotografen 

(Auswahl): 

Bernd und Hilla Becher, Philip- 

Lorca DiCorcia, Rineke Dijkstra, 

Jaako Heikkilä, Roni Horn, Chantal 

Michel, Anja Niedringhaus, Nicholas 

Nixon, Sebastião Salgado, Jörg 

Sasse, Stephen Shore, Jürgen 

Teller, Erwin Wurm, Christina Zück 

Ausstellung: Swiss Re Germany AG, Unterföhring 

bei München 2.7.–26.9.2003 

Die Arbeiten des Fotografenteams 

wurden mehrfach mit Preisen 

gewürdigt. So erhielten sie 1998, 

2000 und 2001 eine Auszeichnung 

vom Art Directors Club, 2001 wurden 

sie mit dem Europäischen 

Architekturfotografie-Preis, 1996 

und 1999 mit dem Reinhart Wolf 

Preis geehrt. 


53 

Ausstellung: Kunstverein Hannover 30.8.– 5.10.2003 

Der Fotograf und Videokünstler 

Oliver Boberg (*1965 in Herten) 

gehört zu den interessantesten 

und vielversprechendsten Künstlerpersönlichkeiten 

seiner Generation. 

Seit den späten achtziger 

Jahren entstehen kleinformatige 

Modellbauten städtischer Orte, die 

derart abfotografiert werden, dass 

ihre Modellhaftigkeit fast völlig 

hinter seinen fotografischen Oberflächen 

verschwindet. Die Realität 

seiner Unterführungen und Neubauten 

ist die von allzu vertrauten 

Landstraße, 2002, Filmstill 

Un-Orten, die überall, das heißt 

immer auch nirgends sein können. 

In Bobergs Videofilmen aus den 

Jahren 2002/03 sind es nächtliche 

Landschaftsveduten, die aus Spielfilmszenarien 

entlehnt zu sein 

scheinen. Aber auch hier werden 

nur maßstäblich verkleinerte 

Modellbauten abgebildet. Die auf 

DVD übertragenen 16-Millimeter- 

Filme zeigen unheimliche, menschenleere 

Situationen: eine im 

Streiflicht dräuende Klippe oder 

eine im Zwielicht liegende Land- 

straße, auf die trister Regen prasselt. 

Das Modell des Un-Ortes 

wird hier zum anspielungsreichen 

Ausschnitt einer Geschichte, die 

die unscheinbare Location mit 

filmischem Suspense und angstvoller 

Erwartung auflädt. 

Das durchgehend farbig illustrierte 

Buch versammelt erstmals Fotografien, 

Videostills und Zeichnungen 

des deutschen Künstlerfotografen. 

Oliver Boberg 

Hrsg. Kunstverein Hannover, Texte 

von Stephan Berg, Martin Engler, 

Mark Mayer u. a. 





ISBN 3-7757-1362-X 



(Abbildung siehe Buchcover) 

Memorial, 2002 

C-Print 

Format: ca. 25 x 29 cm 

Zusammen mit Buch 

Auflage: 25 


Ca. € 350,– [D] 


Rohbau III, 2003

54 

CyberArts 2003 

International Compendium Prix 

Ars Electronica 

Hrsg. Hannes Leopoldseder, Christine 

Schöpf, Vorwort von Hannes 

Leopoldseder, Christine Schöpf 


Ca. 248 S., ca. 200 Abb., 




Mit beigelegter DVD und CD 

Ca. € 48,50 [D], sFr 81,– 



Ars Electronica 2003 

Code – The Language of Our Time 

Hrsg. Gerfried Stocker, Christine 

Schöpf, Texte von Peter J. Bentley, 

Erkki Huhtamo, Friedrich Kittler, 

Pierre Lévy, Howard Rheingold, 

Giaco Schiesser u. a. 





Ca. € 28,– [D], sFr 48,– 



Der Prix Ars Electronica, veranstaltet 

vom ORF Oberösterreich, stellt 

seit 1987 als Wettbewerb für 

CyberArts ein international beachtetes 

Trendbarometer der aktuellen 

Medienkunst dar. Er illustriert 

die künstlerisch-kulturellen wie 

auch gesellschaftlichen Implikationen 

der digitalen Medien ebenso 

wie den technologischen Stateof-the-Art. 

Bislang haben Künstler 

aus aller Welt in Form von rund 

20 000 Werken ihre künstlerischen 

Statements im Bereich aktueller 

Medien- und Computerkunst abgegeben. 

Die Qualität der Arbeiten 

und die rasante Medienent- 

Wird die Sprache der Computer 

zur Lingua franca der globalen 

Informationsgesellschaft? Unter 

dem Titel Code – The Language of 

Our Time wird sich die Ars Electronica, 

das alljährlich in Linz stattfindende 

Festival für Kunst, 

Technologie und Gesellschaft, in 

diesem Jahr mit Software und digitalen 

Codes beschäftigen. Code 

ist ein zentraler Begriff unserer 

modernen Wissensgesellschaft, er 

steht für die dominante Rolle der 

Informationstechnologie, für die 

Übertragung unseres Wissens und 

unserer Kommunikation in digita- 

Neue Medien www.hatjecantz.de 

Das aktuelle Trendbarometer der Medienkunst 

mit Beispielen auf DVD und CD. 

wicklung lassen Künstler und Wissenschaftler 

alljährlich gespannt 

auf die aktuellen Wettbewerbsergebnisse 

und die daraus abzuleitenden 

Trends und Entwicklungen 

warten. 

CyberArts 2003 dokumentiert in 

einem fundierten Querschnitt die 

von einem Team internationaler 

Experten ausgewählten besten 

Arbeiten der Wettbewerbskategorien 

»Computeranimation/Visual 

Effects«, »Interaktive Kunst«, »Net 

Vision/Net Excellence«, »Digital 

Musics« und »u19 freestyle computing« 

in Text und Bild. Erstmals 

wird ein komplettes multimedia- 

Festival Ars Electronica, Linz 6.–11.9.2003 

le Datenbanken und -netze und 

ist zum Synonym für Kontrolle 

und Programmierbarkeit geworden. 

Die Bedeutung von Code als 

Kodex und Regelwerk sowie als 

Zeichensystem beschreibt auch 

die Stellung von Software in Kunst 

und Gesellschaft: Code ist gleichsam 

Werkzeug und Ausdruck 

künstlerischer Arbeit. Code als 

Befehlssatz, als Programm des 

Computers sowie als Zeichensystem 

der globalen digitalen Kommunikationssysteme 

definiert die 

Spielregeln und Gesetze unserer 

Zeit. Der Band dokumentiert die 

les Nachschlagewerk im Paket angeboten: 

Das umfangreiche Buch 

wird von einer DVD mit Auszügen 

der besten Computeranimationen 

und Visual Effects sowie einer CD 

mit Ausschnitten der Kategorie 

»Digital Musics« begleitet. 

Festival Ars Electronica, 

Linz 6.–11.9.2003 

Symposien, Ausstellungen, Performances 

und Interventionen im 

öffentlichen Raum, mit denen 

künstlerische, wissenschaftliche 

und gesellschaftspolitische Beiträge 

dieses Thema auf der Ars 

Electronica 2003 bearbeiten. 

www.hatjecantz.de Neue Medien 

55 

Ein grundlegendes Handbuch zur zeitgenössischen Videokunst – 

zu einem äußerst attraktiven Preis. 

Videokunst ist der Kanal, mit dem 

die Bilderflut der Gegenwart 

reißend und gewalttätig die Zitadellen 

und Trutzburgen der alten 

Kulturproduktion flutet. Nicht nur 

das Fernsehen und die Kunst 

haben vor dem Rausch der bunten 

Bilder kapituliert, sondern mittlerweile 

auch der Film, das Theater, 

die Fotografie: So hat sich die 

Videoästhetik in den wichtigsten 

Museen und Ausstellungen einen 

Premiumplatz erobert. Die Documenta11 

war ein Video-Festival. 

Eine Wahrnehmungsavantgarde 

Musikclip für All is full of love von 

Björk, Regie: Chris Cunningham 

studiert MTV und VIVA wie ein 

Arte-Programm und blickt auf der 

Volksbühne bei einer Castorf-Inszenierung 

lieber auf die Live-Videobilder 

als auf die Bühne vor dem 

Screen. Die Bilder können laufen, 

jetzt rasen – tanzen können bisher 

nur wenige. Wir stellen diese vor. 

Die Publikation blickt in die Werkstätten 

der Video-Avantgarde und 

präsentiert die wichtigsten Tendenzen 

– quer durch alle Genres 

und Kultursparten wie Kunst, Werbung, 

Film oder Musik. Dabei sind 

neben den beiden Virtuosen der 

Videokunst, Chris Cunningham 

und Matthew Barney, sowie den 

Ikonen der Bilderstürmer, Andy 

Warhol, Tony Kaye, Jean-Luc 

Godard und Nam June Paik, alle 

stilbildenden Ansätze zeitgenössischer 

Videokunst vertreten. 

Video 

25 Jahre Kunst, Werbung, 

Musik Clips 

Hrsg. NRW-Forum Kultur 

und Wirtschaft, Düsseldorf, 

Texte von Diedrich Diederichsen, 

Neil Feineman, Detlef B. Linke, 

Werner Lippert, Ulf Poschardt, 

Klaus Theweleit, Beat Wyss 

Ca. 236 S., ca. 200 Abb., 



Ca. € 24,80 [D], sFr 42,– 

ISBN 3-7757-1342-5 

November 2003 

Swimmer, TV-Spot für Levi Strauss, Regie: Tarsem 

Ausstellung: NRW-Forum Kultur und Wirtschaft, 

Düsseldorf 21.11.2003–14.3.2004

56 

pOes1s 

Ästhetik digitaler Poesie 

Hrsg. Friedrich W. Block, Christiane 

Heibach, Karin Wenz, Texte von 

Mark Amerika, Mark Bernstein, Nika 

Bertram, Simon Biggs, John Cayley, 

Florian Cramer, Eduardo Kac, Bill 

Seaman u. a. 


Ca. 432 S., ca. 70 Abb., 


Ca. € 25,– [D], sFr 43,– 

ISBN 3-7757-1345-X 

Oktober 2003 

Granular-Synthesis 

Immersive Works 1992–2002 

Hrsg. ZKM/Zentrum für Kunst 

und Medientechnologie Karlsruhe, 

Text von Birgit Richard 

Reihe ZKM digital arts edition 

DVD-Video im Schmuckkarton 

mit ca. 36-seitigem Begleitheft 

(Deutsch/Englisch), 

12,5 x 19,5 cm 

Ca. *€ 29,80 [D], sFr 49,– 

ISBN 3-7757-1351-4 

Juni 2003 

Ausstellung: Kulturforum Berlin 15.10.–23.11.2003 

Digitale Poesie ist ein rasant sich 

entwickelndes Genre zwischen 

den Künsten, das im Zeichen der 

jüngsten Medienentwicklung 

steht. Sie demonstriert und reflektiert 

den Gebrauch von Sprachen 

und Zeichensystemen in der Symbolmaschine 

Computer und in 

digitalen Netzwerken. Digitale 

Poesie meint also schöpferische, 

experimentelle, spielerische oder 

auch kritische Sprachkunst durch 

Programmierung, Multimedia, 

Animation, Interaktivität und 

Netzkommunikation. 

Seit 1991 arbeiten die beiden 

österreichischen Künstler Kurt 

Hentschläger und Ulf Langheinrich 

unter dem Pseudonym 

Granular-Synthesis an raumgreifenden 

audiovisuellen Inszenierungen 

und Installationen. Ein 

zentraler Teil ihrer Arbeiten ist die 

synästhetische Verbindung von 

Bild und Ton zu einem Medium: 

Bild und Ton werden gleichwertig 

behandelt und entsprechen sich 

gegenseitig. Kurt Hentschläger 

und Ulf Langheinrich haben 

Österreich 2001 bei der Biennale 

in Venedig vertreten. 

Neue Medien www.hatjecantz.de 

Der Band, dessen Beiträge im Rahmen 

eines internationalen Symposions 

an der Universität Erfurt 

entstanden, diskutiert anschaulich 

den Wandel des Text- und 

Poesiebegriffs, der Rezeption und 

der Autorschaft. Essays, Manifeste 

und Detailanalysen von Wissenschaftlern 

und Künstlern fügen 

sich zu einem grundlegenden 

Handbuch, das in die neue Kunst 

einführt und zugleich den gegenwärtigen 

Stand des Diskurses 

anschaulich macht. Das Buch 

erscheint anlässlich einer Aus- 

»Granular-Synthesis sind Pioniere der 

audiovisuellen Medien.« Elisabeth Schweeger 

In Zusammenarbeit mit dem ZKM 

Karlsruhe erscheint nun ein DVD- 

Video, das erstmals einen Überblick 

über das Schaffen der Künstler 

aus den letzten zehn Jahren 

bietet. Die beiden wesentlichen 

Arbeitsgruppen, die Stücke über 

den menschlichen Körper und die 

abstrakten Landschafts-/Licht-/ 

Farb-Arbeiten, werden in Ausschnitten 

und Dokumentationen 

vorgestellt. 

stellung, die erstmals umfassend 

internationale Positionen digitaler 

Poesie in Installationen sowie 

Internet- und CD-ROM-Produktionen 

versammelt. 

www.hatjecantz.de Architektur 

57 

Hauptwerke des renommierten Architekturbüros 

Cesar Pelli & Associates, präsentiert von einem der 

einflussreichsten Buchdesigner. 

Wenn Sean Connery und Catherine 

Zeta-Jones sich in der Gaunerkomödie 

Entrapment (Verlockende 

Falle) von der Schwindel erregend 

hohen Sky Bridge zwischen den 

beiden Türmen der Petronas 

Towers abseilen, wirken akrobatisches 

Kunststück wie Architektur 

gleichermaßen spektakulär und 

atemberaubend. Die »Kulisse« für 

den Auftritt der beiden Stars gestaltete 

das amerikanische Architekturbüro 

Cesar Pelli & Associates, 

das seit den sechziger Jahren 

mit seinen Bauten von sich reden 

macht. Die Türme haben einen 

polygonalen Grundriss, nehmen 

islamische Architekturtraditionen 

auf und sind mit 452 Metern derzeit 

das höchste Gebäude der 

Detail des NTT Headquarters, Tokio 

Welt. Doch Cesar Pelli & Associates 

sind auch jeder anderen Bauaufgabe 

gewachsen; aus ihren Büros 

stammen Gebäude wie der Canary 

Wharf Tower in London oder das 

World Financial Center in New 

York. 

Die vorliegende Publikation bietet 

eine einzigartige Analyse der Arbeit 

des Architekturbüros. Nach 

einer Idee des Grafikbüros Bruce 

Mau Design gestaltet, werden aus 

dem Gesamtwerk der Firma eine 

Reihe von Leitthemen herausgefiltert, 

ausgesuchte Fotografien zu 

knapp zweihundert Projekten illustrieren 

die visuelle Kohärenz und 

ermöglichen ein wirklichkeitsnahes 

Verständnis der Praxis des 

Architekturbüros. 


Sections through a Practice 

Hrsg. Raul Barreneche, Essays von 

Joseph Giovannini, Hiroyuki Suzuki, 

Buchdesign und Konzept von Bruce 

Mau 

Englisch 




ISBN 3-7757-1329-8 


Zum Architekten: 

Plaza des NTT Headquarters, Tokio 

Cesar Pelli *1926 in Tucumán, 

Argentinien. 1954–1964 Partner 

von Eero Saarinen. Seit 1977 lehrt 

er an der Yale University, New 

Haven. 1977 Gründung des Architekturbüros 


in New Haven, Connecticut. 

Bauten: Pacific Design Center, Los 

Angeles, 1971; Erweiterung Museum 

of Modern Art, New York 

City, 1977–1984; World Financial 

Center, New York City, 1981–1987; 

Canary Wharf Tower, London, 1986; 

Petronas Towers, Kuala Lumpur, 

Malaysia, 1998.

58 

Bergisel Sprungschanze, Innsbruck, 1999 –2002 

Die vorgestellten Projekte (Auswahl): 

Zentrum für zeitgenössische Kunst, Rom, seit 1998 

Rosenthal Center for Contemporary Art, Cincinnati, Ohio, 1998–2003 

The Temporary Guggenheim, Tokio, 2001 

Nationalbibliothek Québec, Montreal, 2000 

Mind Zone, Millennium Dome, London, 1999/2000 

Fährterminal, Salerno, seit 2001 

Vitra-Feuerwehrhaus, Weil am Rhein, 1991 –1993 

Bergisel Sprungschanze, Innsbruck, 1999–2002 

Science Center, Wolfsburg, seit 2000 

Vista Master Plan, Singapur, seit 2001 

Spittelau-Viadukt, Wien, seit 1994 

BMW-Zentralgebäude, Leipzig, seit 2002 

Architektur www.hatjecantz.de 

Zur Architektin: 

Zaha Hadid *1950 in Bagdad. 

1972–1977 Studium an der renommierten 

Architectural Association 

(AA) in London. Anschließend wurde 

sie Partner im Office for Metropolitan 

Architecture (OMA) und 

unterrichtete an der AA mit den 

OMA-Mitarbeitern Rem Koolhaas 

und Elia Zenghelis. Parallel dazu 

betreibt sie seit 1979 ihr eigenes 

Büro; bis 1987 führte sie ihr eigenes 

Studio an der AA. Seit diesem 

Zeitpunkt hält sie den Kenzo Tange 

Chair an der Graduate School of 

Design der Harvard University und 

den Sullivan Chair an der University 

of Chicago School of Architecture. 

Seit dem Wintersemester 

2000/01 steht sie dem Ordinariat 

für Architekturentwurf-1 an der 

Universität für angewandte Kunst 

in Wien vor. 

Rosenthal Center for Contemporary Art, Cincinnati, 

Ohio, 1998–2003 


59 

Eine umfassende Werkschau – mit den neuesten 

Projekten Zaha Hadids. 

Zaha Hadid. Architektur erscheint 

anlässlich der gleichnamigen Einzelausstellung 

im MAK, Wien. Der 

Band dokumentiert erstmals die 

neuesten Projekte und gibt einen 

umfassenden Überblick über das 

Gesamtwerk einer der renommiertesten 

Vertreterinnen wegweisender 

zeitgenössischer Architektur: 

Zaha Hadid ist stets auf der Suche 

nach einer visionären Ästhetik, die 

alle Bereiche, von der Stadtplanung 

bis zu Inneneinrichtungen 

und Möbeldesign, einschließt. 

Die Publikation enthält zahlreiche 

durchgehend farbige Abbildungen 

von Entwürfen, Modellen und – 

bislang großteils unpublizierten – 

Major Paintings Hadids sowie Fotografien 

sowohl realisierter als auch 

im Bau befindlicher Gebäude. Dies 

ermöglicht einen grundlegenden 

Einblick in alle Stadien der Projektentwicklung 

vom abstrakten Konzept 

bis zu seiner technischen 

Umsetzung. Wichtiger Bestandteil 

sind die Texte des Architekturkritikers 

Andreas Ruby und Patrik Schumachers, 

Projektpartner von Zaha 

Hadid Architects, London, die das 

Schaffen der Architektin in profunder 

Weise beleuchten. 

Eine Besonderheit bildet die Dokumentation 

der eigens für die Ausstellung 

im MAK entwickelten 

Installation Ice-Storm – ein »Raumexperiment« 

mit 300 m2 Fläche, 

acht Tonnen schwer und sieben 

Meter hoch –, die eine aktive Annäherung 

des Publikums an Hadids 

radikal neue Formen- und Raumsprache 

ermöglicht. 

Zaha Hadid 

Architektur 

Hrsg. Peter Noever, Vorwort von 

Peter Noever, Texte von Andreas 

Ruby, Patrik Schumacher 




Ca. € 34,– [D], sFr 56,– 

ISBN 3-7757-1364-6 

Juni 2003 

Ausstellung: MAK, Wien 

14.5.– 17.8.2003 

The Peak Club, Hongkong, 1983

60 

Vito Acconci 

Courtyard in the Wind 

Hrsg. Heinz Schütz im Auftrag des 

Baureferats der Landeshauptstadt 

München, Texte von Vito Acconci, 

Heinz Schütz 

Reihe Cantz 


Ca. 128 S., ca. 50 Abb., 



Ca. € 12,80 [D], sFr 22,– 

ISBN 3-7757-9145-0 

Juni 2003 

Der drehbare Landschaftsring im 

Hof des Gebäudes, der mithilfe der 

Windkraftanlage Acconcis bewegt 

wird. 

Architektur 

Die Arbeit des New Yorker Künstlers 

Vito Acconci (*1940) zielt immer 

wieder auf die Herstellung 

einer über den Körper definierten 

Öffentlichkeit – sei es mit radikalen 

Performances Anfang der siebziger 

Jahre oder mit außergewöhnlichen 

Architekturentwürfen seit 

Gründung des Acconci Studio am 

Ende der achtziger Jahre. Für den 

Neubau des Technischen Rathauses 

in München – ein Gebäude, in 

dem das Baureferat der Stadt 

untergebracht ist – wurde mit 

Courtyard in the Wind erstmals in 

Deutschland eine auf Dauer angelegte 

Arbeit Acconcis im öffentlichen 

Raum realisiert. Mithilfe 


»Ich verbringe wahrscheinlich mehr Zeit damit, 

über den öffentlichen Raum nachzudenken, als 

ihn selbst zu benützen.« Vito Acconci 

der Windkraftanlage des Künstlers, 

die sich auf der Turmspitze des 

Rathauses befindet, wird der drehbare 

Landschaftsring im Hof des 

Gebäudes bewegt. 

Der Band dokumentiert das Projekt 

des Künstlers und gibt darüber 

hinaus einen paradigmatischen 

Einblick in die Architekturentwürfe 

des Acconci Studio. Texte aus der 

Feder von Vito Acconci befassen 

sich mit Körper, Architektur und öffentlichem 

Raum. Ein informativer 

Text von Heinz Schütz eröffnet mit 

Blick auf Acconcis Arbeiten der 

letzten Jahrzehnte den Horizont, 

vor dem sich Courtyard in the Wind 

abzeichnet. 


61 

Projekt im Rahmen von Graz 2003 – Kulturhauptstadt Europas 

Mitten in Graz scheint ein Ufo 

gelandet zu sein: Eine organische 

Form, an eine halbierte Muschel 

oder ein Schneckenhaus erinnernd, 

schwimmt als künstliche Insel auf 

der Mur, durch Stege und Röhren 

mit beiden Ufern verbunden. Entworfen 

wurde die Stahlkonstruktion 

der Mur-Insel vom amerikanischen 

Künstler-Architekten Vito 

Acconci, basierend auf einer Idee 

des Kunstmanagers Robert Punkenhofer 

(Art&Idea), realisiert im 

Rahmen von Graz 2003 – Kulturhauptstadt 

Europas. Die aus verschiedenen, 

in sich verwundenen 

Flächen mit fließenden Übergängen 

bestehende Acconci Island 

beherbergt ein Amphitheater, ein 

Café und einen Kinderspielplatz. 

In Teilen der Außenhaut aus Edelstahl 

spiegelt sich die Stadt wider; 

Acryl, Glas, Stahlgitter und Gucklöcher 

ermöglichen den Ausblick 

auf Wasser und Ufer; die transparenten 

Materialien lassen das 

Gebäude schwerelos erscheinen. 

Das Ergebnis ist atemberaubende, 

technisch anspruchsvolle Avantgarde-Architektur, 

die sich jeder 

Kategorisierung entzieht. Das Buch 

dokumentiert die verschiedenen 

Entwurfsstadien, stellt Skizzen und 

Computersimulationen neben 

bemerkenswerte Fotografien von 

Modellen sowie der fertigen Insel. 

Ein Interview mit Vito Acconci und 

eine Darstellung der vielfältigen 

Arbeit des Acconci Studio runden 

die Publikation ab. 

Mur-Insel 

Vito Acconci 

Island 

Hrsg. Robert Punkenhofer, Texte von 

Aric Chan, Oliver Elser, Interview von 

Heike Faller mit Vito Acconci 


Ca. 120 S., ca. 94 Abb., 



Ca. € 19,80 [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-1357-3 

Oktober 2003

62 

Friedrich Kiesler 

Endless House 1947–1961 

Hrsg. Österreichische Friedrich und 

Lillian Kiesler-Privatstiftung, MMK 

Museum für Moderne Kunst Frankfurt 

am Main, Texte von Dieter 

Bogner, Friedrich Kiesler, Harald 

Krejci, Valentina Sonzogni 


Ca. 110 S., ca. 80 Abb., 



Ca. € 24,80 [D], sFr 42,– 

ISBN 3-7757-1336-0 

Juni 2003 

Baukunst in Vorarlberg 

seit 1980 

Ein Führer zu 260 sehenswerten 

Bauten 

Hrsg. Kunsthaus Bregenz, 

vorarlberger architektur institut 

Von Otto Kapfinger 

336 S., 420 Abb. in Duplex, 

200 Pläne, 11 Übersichtskarten, 


€ 24,80 [D], sFr 42,– 

ISBN 3-7757-1150-3 (Deutsch) 


Bereits angekündigt, jetzt lieferbar 

Ausstellung: MMK Museum für 

Moderne Kunst Frankfurt am Main 

17.5.– September 2003 

Friedrich Kiesler (1890 –1965) war 

Architekt, Künstler, Designer, Bühnenbildner 

und Theoretiker. Er verfolgte 

konsequent die Vision eines 

radikal neuen Innenraumkonzepts: 

Dabei dachte er an einen 

polydimensionalen Lebensraum, 

ein organisch geformtes Kontinuum, 

in dem Farbe, Form und Licht, 

kombiniert mit magisch-mythischen 

Inhalten, einen individuellen 

Kosmos schaffen sollten. Der 

ab den 1930er Jahren von ihm entwickelte 

biomorphologische Entwurf 

für ein auf dieser Vision 

beruhendes Endless House war 

Jetzt wieder lieferbar 

Vorarlberg gilt heute als ein regionales, 

von der internationalen 

Fachwelt beachtetes Zentrum der 

zeitgenössischen Architektur in 

Europa. Maßgeblichen Anteil an 

diesem Phänomen hatte eine relativ 

kleine, lose Gruppe von Architekten 

und Bauherren, die in den 

achtziger Jahren als »Vorarlberger 

Bauschule« mit innovativen 

Wohnhäusern und Siedlungsanlagen 

bekannt wurde. Es gelang ihr, 

die historisch vorhandene Bautradition 

aufzugreifen und ihre Prinzipien 

für die zeitgenössischen 

Anforderungen zu adaptieren. 

Vom Kern dieser »Baukünstler« 

Architektur 

Kieslers lebenslanger Traum; obwohl 

er nie realisiert wurde, hat er 

dennoch Architekten und Künstler 

mehr beeinflusst als viele ausgeführte 

Bauten des 20. Jahrhunderts. 

Es ist Kieslers besonderer Verdienst, 

in seinem Architekturkonzept 

Endless House eine profunde 

künstlerische Auseinandersetzung 

mit unterschiedlichen wissenschaftlichen 

Disziplinen, wie 

Psychologie, Naturwissenschaften, 

Sozial- und Kunstwissenschaft 

vereint zu haben. Die Anwendung 

seines Gestaltungsansatzes auf 

»Dem Verlag und dem Autor ist eine rundum 

gelungene Einführung geglückt ...« Stuttgarter Zeitung 

ausgehend, hat in den neunziger 

Jahren die engagierte Szene eine 

beachtliche Breite erreicht, eine 

konsequente Wettbewerbspolitik 

hat das ganze Spektrum der 

öffentlichen, gewerblichen und 

industriellen Bauaufgaben neu 

geprägt. 

Der Band von Otto Kapfinger skizziert 

die Entwicklung anhand von 

260 ausgewählten Bauten. Mit 

zahlreichen Übersichtskarten, 

Plänen und Fotografien der Objekte 

ist er ein informativer, handlicher 

Führer durch die vielfältige 

Architekturlandschaft Vorarlbergs. 


an Wohnraum gestellte Anforderungen 

setzt Standards, an denen 

sich die heute weltweit verbreitete 

»Bubble-Architecture« messen 

lassen muss. 


63 

Die Stadt Graz ermöglicht im Rahmen 

von Graz 2003 – Kulturhauptstadt 

Europas den beiden Londoner 

Architekten Peter Cook und Colin 

Fournier, ein visionäres Konzept in 

gebaute Realität umzusetzen: das 

Kunsthaus Graz, ein neuer und 

einzigartiger Ausstellungsort für 

internationale Ausstellungen 

moderner und zeitgenössischer 

Kunst. 

Mit diesem radikalen Architekturprojekt 

erhält die Stadt ein futuristisch 

anmutendes Gebäude, das 

den psychologischen sowie funktionellen 

Anforderungen einer 

besucherorientierten internationalen 

Kunsthalle in höchstem Maße 

entgegenkommt. Die ungewöhnlichen 

biomorphen Formen des 

Friendly Alien stehen in einem 

spannenden Dialog mit dem his- 

Computersimulation, Detail 

Computersimulation, Uferfassade 

torischen Stadtbild, vor allem mit 

dem jahrhundertealten Grazer 

Wahrzeichen, dem kubischen Uhrturm 

hoch oben auf dem Schlossberg. 

Die vorliegende Dokumentation 

vermittelt die Entwicklung des 

Friendly Alien von einem utopischen 

Konzept zu einem hoch 

komplexen Funktionskörper. Das 

reichhaltige Bildmaterial mit hervorragendenComputersimulationen 

erschließt das urbane Umfeld 

und dessen Geschichte, zeigt die 

architektonischen Besonderheiten 

des Bauwerks und durchleuchtet 

mit einem »Röntgenblick« das 

komplexe Aderwerk statischer 

und technischer Versorgungseinrichtungen 

der »Skin«, des Lebensnervs 

des Friendly Alien. 

Friendly Alien 

Peter Cook und Colin Fournier 

Hrsg. Dieter Bogner, Vorwort von 

Cedric Price, Texte von Dieter 

Bogner, Peter Cook, Colin Fournier, 

Peter Pakesch 




Ca. € 32,– [D], sFr 53,– 

ISBN 3-7757-1350-6 

Oktober 2003 

Computersimulation, Luftaufnahme 

Erscheint anlässlich von Graz 2003 – Kulturhauptstadt Europas

64 Architektur 

Sonderausgabe 

€ 24,95 

(Früher € 68,–) 

Wege zu einem 

neuen Museum 

Museumsarchitektur 

im 20. Jahrhundert 

Von Victoria Newhouse 



Sonderausgabe 


(Früher € 68,–) 

ISBN 3-7757-0749-2 

Juni 2003 

Peter Zumthor, Kunsthaus Bregenz, 

nächtliche Illumination von James Turrell 

»Die von Victoria Newhouse vorgelegte Anthologie 

zur Museumsarchitektur hat das Zeug ... zum 

Standardwerk zu avancieren.« polis 

In den letzten 30 Jahren entstanden 

allein in den USA rund 600 

Kunstmuseen: eine Entwicklung, 

der auch Europa in nichts nachstand. 

Zahlreiche Reisen der Architekturhistorikerin 

Victoria Newhouse 

durch die USA und Europa, 

Diskussionen mit Architekten, Museumsdirektoren, 

Kuratoren und 

Künstlern bilden die Grundlage der 

vorliegenden Publikation, die erstmals 

eine kritische Beurteilung der 

Museumsentwürfe unternimmt 

und nun als attraktive Sonderausgabe 

erhältlich ist. 

Die Autorin widmet sich den 

unterschiedlichsten Fragestellungen. 

Sie untersucht Privatsamm- 


lungen – etwa Renzo Pianos Menil 

Collection in Houston –, die die 

Renaissancetradition des Kuriositätenkabinetts 

fortsetzen, Bauten 

von Künstlern, die ihr eigenes Museum 

entwarfen wie Donald Judds 

Chinati Foundation in Marfa oder 

das Centre Georges Pompidou von 

Renzo Piano und Richard Rogers, 

das als ein Ort der Unterhaltung 

konzipiert ist. Rem Koolhaas’ 

Kunsthal in Rotterdam und Frank 

O. Gehrys Guggenheim Museum 

in Bilbao stehen für die zentrale 

Entwicklung im 20. Jahrhundert: 

das Museum, dessen Architektur 

genauso bedeutend ist wie die 

Kunst, die es beherbergt. 


65 

»Dieses Werk gehört nicht nur zu den epochalen 

Standardwerken über Architektur, sondern zu den 

literarischen Glücksfällen.« Die Zeit 

»Die Architektur muß die besonnenste 

unter den Künsten bleiben«, 

schrieb ein Zeitgenosse 1920. 

Doch die Architekten des Expressionismus 

wollten den Traum und 

den Rausch, die Erneuerung der 

Gesellschaft und die Läuterung 

des Einzelnen. Sie wollten den 

Rückgriff auf große Zeiten der Vergangenheit, 

und sie setzten ihre 

Hoffnungen auf eine ferne Zukunft. 

Sie wollten das Gesamtkunstwerk 

und »durch Farben und 

Formen Tausende zu Jubel und 

Lust oder zur Trauer stimmen«. 

Lange Zeit sind die pathetischen 

Entwürfe, aber auch die verwirklichten 

Bauten der ersten drei Jahrzehnte 

dieses Jahrhunderts übergangen 

worden. 

Die Publikation von Wolfgang 

Pehnt, die wir Ihnen nun als preisreduzierte 

Sonderausgabe anbieten 

können, gilt bis heute als Standardwerk 

und wurde in mehrere 

Sprachen übersetzt. Sie schildert 

die widerspruchsreiche Epoche der 

expressionistischen Architektur 

nicht als krausen Seitenpfad der 

Entwicklung, sondern als eine seit 

langem vorbereitete, notwendige 

Phase der europäischen Baugeschichte. 

Im Mittelpunkt steht die 

Architektur Zentraleuropas. Aber 

auch die internationalen Anregungen 

und Verflechtungen der gebauten 

Ausdruckskunst sind ein 

Thema des Buches. Diese dritte, 

weitgehend neu illustrierte Auflage 

von 1998 ist in allen Teilen 

bearbeitet, ergänzt und auf das 

Doppelte erweitert worden. 

Sonderausgabe 


(Früher € 88,–) 

Die Architektur 

des Expressionismus 

Von Wolfgang Pehnt 




Sonderausgabe 


(Früher € 88,–) 

ISBN 3-7757-0668-2 

Juni 2003 

Hermann Finsterlin, Burgbau, 

um 1920 

Bruno Taut, Glashaus auf der Deutschen Werkbund- 

Ausstellung, Köln, 1914

66 

Neoklassizistische Architektur 

beeinflusst Wiener Silber um 1800 

Jacques-Germain Soufflot, 

Pantheon, Paris, 1756–1790 

Futuristische Formen um 1900: Senftiegel, Josef Hoffmann, Wien, 1902 

Design www.hatjecantz.de 

Streugefäß, Karl Sedelmayer, Wien, 1810 

• Faszinierende Zusammenschau von Wiener 

Silber- und Metallobjekten – vom Neoklassizismus 

bis in die Zeit der Wiener Werkstätte 

• Darstellung von Wiens grundlegendem Beitrag 

zur Entwicklung des modernen Designs 

• Bisher unveröffentlichtes Dokumentationsmaterial 

aus dem Archiv der Wiener Werkstätte 

• Mit annähernd 500 Abbildungen sowie 

Kurzbiografien der Wiener Silberschmiede 

www.hatjecantz.de Design 

67 

Ausstellungen: Neue Galerie New York 17.10.2003 –15.2.2004 • 

Im Anschluss Kunsthistorisches Museum Wien 

Im Wiener Biedermeier sind Formen 

entwickelt worden, die bis in 

unsere Zeit hinein nichts an Gültigkeit 

verloren haben. Im Wien der 

Jahrhundertwende griffen Josef 

Hoffmann und Koloman Moser in 

ihren Entwürfen für die Wiener 

Werkstätten auf den geistigen Gehalt 

dieser Zeit zurück. In der Folge 

fanden viele dieser Ideen der Wiener 

Avantgarde über Bewegungen 

wie Bauhaus oder De Stijl den Weg 

in die Massenproduktion und somit 

in das heutige Designvokabular. 

Die Geschichte des modernen 

Designs ist daher nicht nur älter, 

Teekanne, Franz Würth, Wien, 1803 

sondern auch vielschichtiger als 

sie allgemein geschildert wird. 

In dieser üppig bebilderten Publikation 

werden etwa 180 ausgewählte 

Wiener Silber- und 

Metallobjekte aus der Zeit vom 

Neoklassizismus bis zur Wiener 

Werkstätte vorgestellt und mit 

Architektur- und Designikonen 

des 20. Jahrhunderts verglichen. 

Damit wird der spannenden Frage 

nachgegangen, welchen Beitrag 

Wien in der Zeit von 1780 bis 1918 

zur Entwicklung der modernen 

Formgebung geleistet hat. 

Kaffee- und Teeservice MT 40 –45, 

Wilhelm Wagenfeld, 1923/24 

Wiener Silber um 1800 beeinflusst das 

klassische Design des 20. Jahrhunderts 

Wiener Silber 

Modernes Design 1780 –1918 

Hrsg. Kunsthistorisches Museum 

Wien, Neue Galerie New York, 

Texte von Markus Brüderlin, William 

D. Godsey, Jr., Diether Halama, 

Michael Huey, J. S. Marcus, Joseph 

Rykwert, Elisabeth Schmuttermeier, 

Christopher Wilk 

Ca. 408 S., ca. 485 Abb., 




Ca. € 49,80 [D], sFr 83,– 

ISBN 3-7757-1316-6 (Deutsch) 


August 2003

68 Design/Kunsthandwerk 

Lötz 

Böhmisches Glas 1880 bis 1940 

Hrsg. Neue Galerie of German and 

Austrian Art, New York, museum 

kunst palast, Düsseldorf, Auswahl 

und Bearbeitung von Jan Mergl, 

Ernst Ploil, Helmut Ricke, Texte von 

Alena Adlerova, Wolfgang Hennig, 

Duňja Panenková 


24,5 x 32 cm, Leinen mit 


Mit eingelegter CD-ROM 

Ca. € 78,– [D], sFr 127,– 

ISBN 3-7757-1321-2 (Deutsch) 


November 2003 

Ausstellung: museum kunst palast, 

Düsseldorf 9.11.2003 –15.2.2004 

Vase, Form und Dekor Adolf Becker, 

1909 

Johann Lötz Witwe, die leistungsfähigste 

Kunstglasmanufaktur 

Böhmens im späten 19. und frühen 

20. Jahrhundert, begründete ihren 

Erfolg mit aufwändigen, oft an 

Halbedelsteine erinnernden Farbgläsern 

im Stil des Historismus. 

Weltgeltung erlangte die Firma 

jedoch durch ihre Jugendstilgläser, 

die sie – ausgehend vom Vorbild 

des Amerikaners Louis C. Tiffany – 

zu einer eigenständigen und vielseitigen 

Produktionslinie zu entwickeln 

vermochte. Der künstlerische 

Anspruch der Hütte wurde 

zudem durch intensive Kontakte 

zur Wiener Kunstszene, insbesondere 

zum Künstlerkreis um Josef 

Hoffmann und Koloman Moser 

und den Händler und Kunstge- 

Unverzichtbar für Sammler und 

Freunde des Jugendstils! 

werbeverleger Wilhelm Bakalowits 

abgesichert. Besonders typisch für 

die Produktion der südböhmischen 

Hütte waren um die Jahrhundertwende 

metallisch irisierende Farbgläser, 

in der Zeit vor dem Ersten 

Weltkrieg dann verstärkt einfarbige, 

miteinander kontrastierende 

Opalgläser und Künstlerentwürfe 

in Ätztechnik. 

Die großformatige Werkmonografie 

präsentiert einen Querschnitt 

qualitativ hochwertiger Arbeiten 

der Manufaktur in brillanten Farbabbildungen. 

Zusätzlich bietet eine 

beigefügte CD-ROM mit rund 5000 

Modellschnitten die Möglichkeit, 

sich ein umfassendes Bild von der 

Produktionsvielfalt der Hütte zu 

machen. 


Lampe, unsigniert, 1901/02 

www.hatjecantz.de Design/Kunsthandwerk 

69 

Rechtzeitig zum 50. Gründungsjubiläum 

der von Inge Scholl, Otl 

Aicher und Max Bill 1953 ins Leben 

gerufenen Hochschule für Gestaltung 

in Ulm (HfG) würdigt die vorliegende, 

umfassend illustrierte 

Publikation deren bahnbrechende 

Arbeit. Ausgehend von einem antifaschistischen 

Gründungsimpuls 

hatte sich an der HfG ein demokratisches 

Bewusstsein entwickelt, 

das die Gestaltung prägte. Es wurden, 

gesellschaftlich und ökologisch 

verantwortlich, möglichst 

langlebige und funktionelle Produkte 

entworfen, die den sich verändernden 

politischen und produktionstechnischen 

Bedingungen 

Rechnung trugen. Das pädagogische 

Konzept der Hochschule, das 

so genannte ulmer modell, zeichnete 

sich durch eine neuartige systembetonende 

Entwurfsmethodik 

und Förderung interdisziplinärer 

Teamarbeit aus. Das Berufsbild des 

Designers wurde an der HfG maßgeblich 

in seiner bis heute gültigen 

Form ausgeprägt. 

Viele der bis zu deren Schließung 

im Jahr 1968 an der HfG ausgebildeten 

Gestalter unterrichten heute 

selbst im Bereich Design und tragen 

die spezifischen Grundsätze 

der HfG weiter. 

Die Auswirkungen der in Ulm entwickelten 

Entwurfsmethoden werden 

exemplarisch an Beispielen 

der Designausbildung in Asien, 

Nord- und Südamerika sowie Indien 

aufgezeigt. 

ulmer modelle – 

modelle nach ulm 

Zum 50. Gründungsjubiläum der 

Hochschule für Gestaltung, Ulm 

Hrsg. Ulmer Museum/HfG-Archiv, 

Texte von Gui Bonsiepe, Bernhard 

Bürdeck, Silvia Fernandez, Brigitte 

Hausmann, William S. Huff, Martin 

Mäntele, Shutaro Mukai, Sudhakar 

Nadkarni, Marcela Quijano, Wolf 

Reuter, Dagmar Rinker, Eva von 

Seckendorff, Elisabeth Walther 

Bense, Rainer K. Wick u. a. 


Ca. 224 S., ca. 250 Abb., 




Ca. € 25,– [D], sFr 43,– 

ISBN 3-7757-9142-6 


Stapelgeschirr TC 100, Entwurf von Hans (Nick) 

Roericht, 1959 

Ausstellung: Stadthaus Ulm 14.9.– 30.11.2003

70 Grafikdesign/Typografie 

Baumann & Baumann 

Ein Sechsundzwanzig- 

buchstabenbuch 

Von Barbara und Gerd Baumann 

Multilingual 

Ca. 26 S., durchgehend farbig, 


Ca. € 19,80 [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-9149-3 

Oktober 2003 Ein Sechsundzwanzigbuchstabenbuch 

... ein Bildwörterbuch ... ein 

Fremdsprachenbuch ... ein Typografiebuch 

... ein Farbenbuch ... 

ein Überraschungsbuch ... ein 

SpaßundSpielbuch ... 

Das von B & B gestaltete Buch präsentiert 

die sechsundzwanzig 

Buchstaben unseres Alphabets in 

Bildern – als Anregung zum Weiterdenken, 

Weitersuchen, Weitermachen, 

Weiterraten ... T wie Trompete, 

T wie Tisch, T wie Taste, T wie 

Tube, T wie Typografie ... 

Beispielseite aus dem Buch 

Barbara und Gerd Baumann, geboren 

1951 und 1950, kehrten nach 

ihrem Studium in Schwäbisch 

Gmünd und einem kurzen Aufenthalt 

in Berlin in die süddeutsche 

Provinzstadt zurück, um 1978 das 

Büro Baumann & Baumann zu 

gründen. Sie entwickeln umfassende 

Gestaltungs- und Kommunikationskonzepte, 

gestalten Bücher 

und Plakate. Bekannt sind ihre 

Arbeiten für den Deutschen 

Bundestag Bonn, für den Great 

Court des British Museum London, 


für internationale Unternehmen 

wie DaimlerChrysler und Siemens. 

Neben verschiedenen Gastprofessuren 

hielt das Gestalterpaar 

Vorträge im In- und Ausland, kann 

auf umfangreiche Veröffentlichungen 

in Zeitschriften und Büchern 

zurückblicken und wurde kontinuierlich 

mit nationalen und internationalen 

Preisen ausgezeichnet. 

Von B & B erschien im Hatje Cantz 

Verlag vor kurzem die Publikation 

Spiel Räume. 

www.hatjecantz.de Design 

71 

Konzertplakat für das Ensemble 13, 

Manfred Reichert, Karlsruhe 

Aus der vielfältigen Designertätigkeit 

von Uwe Lohrer sind in diesem 

Buch die Plakate aus einem 

Zeitraum von über dreißig Jahren 

versammelt. Sie wurden für unterschiedliche 

Auftraggeber aus der 

Kulturszene entworfen und befinden 

sich unter anderem in den 

Sammlungen des Museum of 

Modern Art, New York, und des 

Deutschen Plakatmuseums, Essen. 

Abseits aller modischen und zeitgeistigen 

Strömungen steht in der 

gestalterischen Arbeit Uwe Loh- 

Was macht den unvergleichlichen 

Erfolg von Coca Cola aus? Warum 

war Coco Chanels Newlook ein genialer 

Wurf? Wie konnte Audi in so 

kurzer Zeit in das Topsegment der 

Automobilmarken vordringen? – 

Die Antworten auf diese und andere 

Fragen erlauben interessante 

Schlüsse darauf, wie Marken geprägt 

werden. Denn Marken werden 

nur dann zum Mythos, wenn 

sie mit ihrer (Marken-)Botschaft 

Antworten auf elementare Fragen 

der Zeit geben. 

Der bekannte Unternehmenstrainer 

Ralph Habich verfolgt in 

rers die Bildsprache und -assoziation 

im Vordergrund. Anhand von 

Skizzen und Ideenpolaroids werden 

hier »stichwortartig« Gedanken- 

und Entwicklungswege aufgezeigt. 

So führt beispielsweise 

die Überlagerung von verschiedenen 

Bildinhalten zu neuen Aussagen, 

wobei die ursprünglichen 

Bilder noch ihre Informationen 

einbringen. Textbeiträge von Wolfgang 

Berger und Kurt Weidemann 

runden den von Uwe Lohrer selbst 

gestalteten Band ab. 

seiner grundlegenden Studie zum 

Thema didaktische Ziele, sensibilisiert 

für die Hintergründe der 

Markenbildung. So analysiert seine 

vierteilige Untersuchung zunächst 

das »Wesen« einer Marke, 

letztlich die emotionale Wahrnehmung 

des Produkts durch den 

Konsumenten. Ein zweiter Teil 

demonstriert die Bedeutung von 

Markenstrategien im Wettbewerb 

und zeigt auf, dass Unternehmen 

in Hochlohnländern nur mit MarkenkompetenzErfolgsperspektiven 

haben. Nach der Vorstellung 

der unterschiedlichen Marken- 

Zum Designer: 

Uwe Lohrer *1940 in Stuttgart. 

Studium an der Staatlichen Akademie 

der Bildenden Künste Stuttgart 

bei den Professoren Eugen 

Funk und Kurt Weidemann. 

Grafikdesigner und Art-director 

bei Albert Hollenstein, Paris, und 

Jean-Marie Chourgnoz, Lyon. Seit 

1978 Professor für visuelle Kommunikation. 

typen werden Praxisfragen bei der 

Einführung einer neuen, wie auch 

bei der Pflege einer etablierten 

Marke erläutert; zudem bietet der 

Band eine Systematik zum Aufbau 

neuer Marken. Ein abschließendes 

Kapitel beschäftigt sich mit der 

Problematik der Marken-Integrität 

und der »No-Logo!«-Bewegung. 

Uwe Lohrer 

Plakate 

Texte von Wolfgang Berger, 

Kurt Weidemann 

Ca. 104 S., ca. 60 Abb., 



Ca. € 19,80 [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-9146-9 

Oktober 2003 

Marke Mythos 

Menschliches 

Die Macht der Marke und wie 

man Marken erfolgreich macht 

Text von Ralph Habich 

Ca. 200 S., ca. 120 Abb., 



Ca. € 19,80 [D], sFr 34,– 

ISBN 3-7757-9137-X 

Oktober 2003

72 

Georg Flegel 1566 –1638 

Stilleben 

Hrsg. Kurt Wettengl 





(Früher € 78,–) 

ISBN 3-7757-0816-2 

Manet Zola Cézanne 

Das Porträt des modernen 

Literaten 

Hrsg. Katharina Schmidt 





(Früher € 35,–) 

ISBN 3-7757-0823-5 

SONDERAUSGABEN 

Maria Sibylla Merian 

Künstlerin und Naturforscherin 

1647–1717 

Hrsg. Kurt Wettengl 



€ 24,80 [D], sFr 45,– 


ISBN 3-7757-1226-7 (Deutsch) 


Cézanne und die Moderne 

Hrsg. Fondation Beyeler 



€ 14,80 [D], sFr 27,– 

(Früher € 35,–) 

ISBN 3-7757-0899-5 

Jean Siméon Chardin 1699–1779 

Werk – Herkunft – Wirkung 

Hrsg. Staatliche Kunsthalle 

Karlsruhe 




€ 29,80 [D], sFr 49,80 

(Früher € 68,–) 

ISBN 3-7757-0833-2 


Angelika Kauffmann (1741 –1807) 

»Eine Dichterin mit dem Pinsel« 

Hrsg. Bettina Baumgärtel 





(Früher € 68,–) 

ISBN 3-7757-0756-5 

Angelika Kauffmann, Die Stickerin – Morning Amusement, 1773 

www.hatjecantz.de SONDERAUSGABEN 

73 

Vincent van Gogh und die Maler 

des Petit Boulevard 

Hrsg. The Saint Louis Art Museum, 

Städelsches Kunstinstitut und 

Städtische Galerie, Frankfurt/Main 


24,8 x 30,3 cm, Leinen 

mit Schutzumschlag 


(Früher € 49,80) 

ISBN 3-7757-1020-5 

Otto Dix 

Hrsg. Wulf Herzogenrath, 

Johann-Karl Schmidt 




(Früher Leinen, € 50,11) 

ISBN 3-7757-0335-7 

Die Tunisreise 

Klee Macke Moilliet 

Hrsg. Ernst-Gerhard Güse 

328 S., 436 Abb., 



€ 25,– [D], sFr 45,– 

ISBN 3-7757-0177-X 

Willi Baumeister 

Text von Gottfried Boehm 


24,5 x 28,5 cm, Leinen 


(Früher € 39,80) 

ISBN 3-7757-0559-7 

Franz Marc 

Pferde 

Hrsg. Staatsgalerie Stuttgart, 

Christian von Holst 





ISBN 3-7757-1338-7 (Deutsch) 

ISBN 3-7757-0953-3 (Englisch) 

L'Esprit de Tinguely 

Hrsg. Kunstmuseum Wolfsburg 

416 S., 304 Abb., 101 farbig, 




ISBN 3-7757-0931-2 

Marc Chagall 

Mein Leben 

200 S., 20 Abb., 


€ 9,80 [D], sFr 18,– 

(Früher € 15,24) 

ISBN 3-7757-0054-4 

Niki de Saint Phalle 



GmbH, Bonn 

312 S., 490 Abb., 



€ 25,– [D], sFr 45,– 

(Früher Leinen, € 50,11) 

ISBN 3-7757-0576-7 (Deutsch) 

ISBN 3-7757-0582-1 (Englisch)

74 SONDERAUSGABEN 

Keith Haring 

Das druckgraphische Werk 

1982–1990 

Hrsg. Klaus Littmann 

Deutsch/Englisch/Französisch 

192 S., 180 Abb., 



€ 14,80 [D], sFr 27,– 

(Früher € 20,35) 

ISBN 3-89322-555-2 

Kunsttheorie im 20. Jahrhundert 

Künstlerschriften, Kunstkritik, 

Kunstphilosophie, Manifeste, 

Statements, Interviews 

Hrsg. Charles Harrison, Paul Wood 

2 Bände mit insgesamt 1500 S., 


Einführungspreis 

bis 31. Dezember 2003 

€ 39,95 [D], sFr 66,–, 

danach € 49,95 [D], sFr 83,– 

(Leinen € 98,–) 

ISBN 3-7757-1325-5 

Andrew Wyeth 

Landschaften 

Hrsg. Whitney Museum of 

American Art 




€ 14,80 [D], sFr 27,– 


ISBN 3-7757-0764-6 

Die Architektur 

des Expressionismus 

Von Wolfgang Pehnt 





(Früher € 88,–) 

ISBN 3-7757-0668-2 

Gerhard Richter 

Landschaften 

Hrsg. Sprengel Museum Hannover 




€ 24,80 [D], sFr 45,– 


ISBN 3-7757-9105-1 (Deutsch) 


Wege zu einem neuen Museum 

Museumsarchitektur im 

20. Jahrhundert 

Von Victoria Newhouse 




(Früher € 68,–) 

ISBN 3-7757-0749-2 

Das Documenta11-Paket 


Drei Publikationen zur 

Documenta11 

zusammen im Paket – 

jetzt zum Sonderpreis von 


(Früher Gesamtpreis € 98,–) 

ISBN 3-7757-9143-4 (Deutsch) 


Gold aus dem alten Peru 

Die Königsgräber von Sipán 



GmbH, Bonn 

296 S., 398 Abb., davon 378 farbig, 




(Früher € 49,80) 

ISBN 3-7757-0959-2 

www.hatjecantz.de LIEFERBARE WERBEMITTEL 

75 

Neuerscheinungsprospekt 

Herbst 2003 

# 99000 

120 S., vierfarbig, DIN A4, 

ca. 350 g 

Der Prospekt stellt alle 

aktuellen Neuerscheinungen 

vor. Mit illustriertem 

Gesamtverzeichnis aller 

lieferbaren Titel. 

Werbeplakat »Postkarten« 

# 99107 

Vierfarbig, 

gefalzt auf 26,8 x 19,8 cm, 

offen 53,6 x 79,3 

Englischsprachiger Neuerscheinungsprospekt 

New Titles 2002/2003 

# 99007 

92 S., vierfarbig, DIN A4, 

278 g 

Der Prospekt stellt alle 

mehrsprachigen oder englischen 

Neuerscheinungen 

vor. Mit illustriertem 

Gesamtverzeichnis aller 

mehrsprachigen und 

englischen Titel. 

Die Ausgabe 2003/2004 

erscheint im Oktober 

2003: # 99006. 

Sonderausgabenprospekt 

# 99001 

6 S., vierfarbig, 19 x 20 cm, 

21 g 

Alle lieferbaren Sonderund 

Studienausgaben 

werden gelistet. 

Publikumsprospekt 2003 

Kunst/Fotografie/ 

Architektur/Design 

# 99003 

18 S., vierfarbig, 

gefalzt auf 10,5 x 14,8 cm, 

25 g 

Dieses Leporello zeigt eine 

repräsentative Auswahl 

aus unserem Verlagsprogramm:Neuerscheinungen, 

Bestseller, Longseller. 

Eine englische Ausgabe 

erscheint im September 

2003: # 99004. 

Plastiktüten »Büchernarr/Kunstsammler« 

# 99008 

Milchig transparent, 

mit farbigem Aufdruck 

Verkauf gegen Schutzgebühr 

€ 0,08/Stück 

Unser gesamtes lieferbares Programm finden Sie auch auf 

unserer Website – ab Sommer 2003 in neuer Gestaltung. 

Möchten Sie mehr über die Kunst bei Hatje Cantz erfahren? 

Unter www.hatjecantz.de informieren wir Sie aktuell über 

Novitäten und Sonderausgaben, in denen nun auch virtuell 

geblättert werden kann. Sie können – Sammler aufgepasst! – 

unsere Künstlervorzugsausgaben oder einen Newsletter 

bestellen, unsere art-infos, ein Kunstlexikon »in progress«, 

kostenlos abonnieren, an einem Online-Gewinnspiel teilnehmen 

und vieles mehr.

Bildrechte: 

Foto: Uwe H. Seyl S. 3; (Blaurackenflügel; Kopfstudie nach 

einem alten Mann; Rasenstück) Albertina Wien; (Hl. Hieronymus) 

Museu Nacional de Arte Antiga,Lissabon; (Cover) 

Museo Nacional del Prado,Madrid S. 4,5; (Bildnis Martin 

Luthers) Statens Museum for Kunst,Kopenhagen; (Diptychon) 

Museo Poldi Pezzoli,Mailand; (Venus und Amor) Staatliche 

Eremitage,St. Petersburg S. 6,7; Nationales Palastmuseum,Taipei 

© NPM S. 8,9; Staatsgalerie Stuttgart S. 10; 

(Campendonk) Wilhelm-Hack-Museum,Ludwigshafen,VG 

Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 12; (Macke) Wilhelm-Hack-Museum, 

Ludwigshafen S. 12; (Jawlensky) Wilhelm-Hack-Museum, 

Ludwigshafen, VG Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 13; (Rückkehr der 

Tiere) Sammlung E.W.K.,Bern/Davos; (Amselfluh) Öffentliche 

Kunstsammlung Basel,Kunstmuseum,Foto: Martin Bühler 

S.14; (Kuh) Privatsammlung; (Tanzende) Stedelijk Museum 

Amsterdam S. 16; Privatbesitz,Schweiz S. 17; (Straßenkehrer) 

Hamburger Kunsthalle/Leihgabe aus Privatsammlung © VG 

Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 18; (Das Rathaus von Swinemünde; 

Der Bote) Privatsammlung © VG Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 18, 

19; © VG Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 20; Fondazione Lucio Fontana,Mailand,Foto: 

Giorgio Majno,Mailand; (Akt) Fondazione 

Lucio Fontana,Mailand,Foto: Frank Kleinbach,Stuttgart S. 21; 

(Blue,Black and White Abstraction # 12) Courtesy Peter Blum, 

New York © VG Bild-Kunst,Bonn 2003; (Series I,No. 4) Courtesy 

Städtische Galerie im Lenbachhaus,München,Gift of the 

Georgia O’Keeffe Foundation © VG Bild-Kunst,Bonn 2003 

S.22; Sammlung Goetz,München,Foto: Wilfried Petzi S. 24; 

(Ein gerissener Hase) Foto: Uwe H. Seyl; (Cover) Foto: Uwe 

Lohrer S. 24; State Tretiakov Gallery,Moskau,© VG Bild-Kunst, 

Bonn 2003 S. 25; Foto: Uwe H. Seyl S. 27; © VG Bild-Kunst, 

Bonn 2003 S. 30,31; Courtesy Contemporary Fine Arts Berlin 

S. 33; © Sammlung Hauser und Wirth,St. Gallen; Staatliche 

Kunsthalle Baden-Baden; (Bourgeois) © VG Bild-Kunst,Bonn 

2003 S. 34; Foto: Peter Cox,Eindhoven © VG Bild-Kunst,Bonn 

2003 S. 35; © Tom Sachs Studio,Foto: Van Neistat S. 36; © VG 

Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 37; Courtesy Projektraum Viktor 

Bucher,Wien S. 38; (de Kooning) © The Willem de Kooning 

Foundation/VG Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 38; © VG Bild-Kunst, 

Bonn 2003 S. 39; © VG Bild-Kunst,Bonn 2003,Foto: Olaf Bergmann 

© VG Bild-Kunst,Bonn 2003 S. 40; © Anthony d’Offay 

Gallery,London S. 42; Royal Caribbean International S. 43; 

(Cover) © Courtesy Maureen Paley Interim Art,London S. 45; 

© 2003 The Eggleston Artistic Trust S. 49; Courtesy Pace/ 

MacGill Gallery,New York S. 52; (Plaza) Foto: Mitsuo Matsuoka; 

(Detail) Foto: Tohru Waki S. 57; (Bergisel Sprungschanze) 

© Helene Binet; (The Peak Club; Rosenthal Center for Contemporary 

Art) © Zaha Hadid Architects S. 58,59; James 

Turrell, Performing Lightworks, Kunsthaus Bregenz,1997,Foto: 

Gruppe S. F. & H.,Bregenz S. 64; Staatsgalerie Stuttgart, 

Graphische Sammlung S. 65; (Pantheon) Foto: A. F. Kersting; 

(Karl Sedelmayer) Privatsammlung; (Franz Würth) Sammlung 

Asenbaum; Foto: Lucia Moholy; (Wilhelm Wagenfeld) Bauhaus-Archiv,Berlin 

S. 66,67; Foto: Stadtarchiv Ulm,Wolfgang 

Adler S. 69,sowie bei den Künstlern und ihren Rechtsnachfolgern. 

Bei den mit einem * gekennzeichneten Preisen handelt es 

sich um unverbindliche Preisempfehlungen. 

Preisänderungen,Lieferbarkeit und Irrtümer vorbehalten. 

Redaktionsschluss: 31.3.2003

»Lieber Bill Gates, 

neulich schwamm ich an 

Ihrem Traumhaus vorüber ...« 

Aus: Allan Sekula, Dear Bill Gates, 1999 

# 99000

39,95 - Hatje Cantz Verlag

Sie wollen auch ein ePaper? Erhöhen Sie die Reichweite Ihrer Titel.

Template löschen?

Als Template speichern?