Filmsprache - Grammatik des Films

Filmsprache -
Grammatik
des Films
Grundbegriffe der Filmanalyse
zusammengestellt von Sigrid Jones
Die Einstellungslänge
Die Einstellungslänge bestimmt, wie lange
das Kamera-Auge auf Personen oder
Objekten ruht.
Zeitliche Dauer der
Einstellung
Die Einstellung
Die Einstellung ist die kleinste Einheit eines
Films. Sie besteht aus einer einzigen
ununterbrochenen Kameraaufnahme und wird
durch Bildausschnitt, Kamerabewegung,
Kameraperspektive und Dauer bestimmt.
Eine aufgenommene Einstellung kann auch in
mehrere Einstellungen zerteilt werden. Wenn
von einer Einstellung mehrere Varianten
gedreht werden, verwendet man dafür den
englischen Begriff Take (z. B.: Einstellung 5,
Take 8).
Einstellungen erhalten erst durch die
Verbindung (Montage) mit anderen eine
definitive Bedeutung.
Bildformat
Das Bildseitenverhältnis (Aspect Ratio)
beschreibt jenes Rechteck, welches die
Bildinformation bei der Aufnahme in der
Kamera, bei Wiedergabe am Bildschirm
oder der Projektion auf der Kinoleinwand
begrenzt. Die Angabe des Seitenverhältnisses
erfolgt häufig als Bruch.
Im Gegensatz zur Photographie steht beim
Film nur das Querformat zur Verfügung.
Kleinste Einheit eines Films
Charakterisiert durch
Bildausschnitt,
Kamerastellung und Dauer
Sequenz = eine Verbindung
von Einstellungen
Super 8 mm und 16mm:
4:3 oder 1:33
Academy-Standard 35 mm:
1.33:1
Kino Breitbildformat: 1.85:1
Kino Breitwand 16:9 oder 2.35:1
HDTV 16:9.

Die Einstellungsgröße
Die Einstellungsgröße definiert, in welcher Größe eine Person oder ein
Gegenstand im Bild zu sehen ist. Die Bezeichnungen für die
Einstellungsgrößen sind Annäherungswerte. Sie dienen der
Verständigung innerhalb des Aufnahmeteams.
Weite / Panoramaeinstellung
© Sikander Goldau / Fragile
Die Einstellungsgröße
Man unterscheidet:
•! Panoramaeinstellung
•! Totale
•! Halbtotale
•! Halbnahe
•! Amerikanische
•! Nahe
•! Großaufnahme
•! Ganz Groß
(Detailaufnahme)
Weite / Panoramaeinstellung
Diese Einstellungsgröße dient zur
Beschreibung einer Landschaft oder eines
Dekors, in der sich Personen, Tiere und
Objekte fast verlieren.
Indem der Zuschauer sie mit seinem Auge
nachvollzieht, werden ihm Raumtiefe und
–weite bewusst.
Beschreibt Landschaft
oder Dekor
Macht Raumtiefe und
Raumweite bewusst
© Sikander Goldau / Fragile

© Sikander Goldau / Fragile
Die totale Einstellung / die Totale
© Sikander Goldau / Fragile
Die halbtotale Einstellung / Halbtotale
Die totale Einstellung / Totale
Die weite bzw. totale Einstellung gibt
einen Überblick über Schauplatz und
handelnde Personen und in welchem
Bezug die Personen zur Umgebung und
zueinander stehen.
Ein oder mehrere Protagonisten sind in
voller Größe und ein größerer Ausschnitt
der Umgebung sind zu sehen.
gibt einen Überblick über
das Ganze
Personen und ihre
Umgebung sind sichtbar
Die halbtotale Einstellung / Halbtotale
Person(en) oder Objekt(e) ist (sind) im
Mittelgrund des Bildes platziert und vom
Zuschauer so weit entfernt, dass eine
Distanz zum Geschehen hergestellt wird.
Person oder Gegenstand im
Mittelgrund des Bildes
Distanz zum Geschehen wird
hergestellt

Die halbnahe Einstellung / Halbnahe Die halbnahe Einstellung / Halbnahe
© Sikander Goldau / Fragile
Die Amerikanische
© Johannes Kiefer / Gregors größte Erfindung
Diese Einstellung zeigt die Protagonisten
etwa zu zwei Drittel, also vom Kopf bis zu
den Knien und die unmittelbare
Umgebung ist sichtbar.
Die Amerikanische
Diese Einstellung zeigt den Protagonisten
bis unterhalb der Hüften, bis dorthin also,
wo beim Westernheld der Colt sitzt.
Die unmittelbare Umgebung wird von den
Protagonisten verdeckt bzw.
zurückgedrängt.
Protagonist und
unmittelbare Umgebung
sichtbar
Nur Protagonist und
unmittelbare Umgebung
sichtbar

Die nahe Einstellung / Nahe
© Johannes Kiefer / Gregors größte
Erfindung
Die Großaufnahme / Großeinstellung
© Johannes Kiefer / Gregors größte
Erfindung
Die nahe Einstellung / Nahe
Personen sind von Kopf bis Brust zu
sehen. Zwar ist der Hintergrund
erkennbar, doch beherrscht der Kopf das
Bild.
Personen von Kopf bis Brust
sichtbar
Kopf beherrscht das Bild
© Johannes Kiefer / Gregors größte
Erfindung
Die Großaufnahme / Großeinstellung
Das gefilmte Subjekt bzw. Objekt nimmt
das ganze Bild ein.
Diese Einstellungsgröße wird oft in
Gesprächssituationen benutzt, weil sie die
Mimik beim Sprechen zeigt.
Nur die Person ist sichtbar
Häufig in
Gesprächssituationen
benutzt

Die Detaileinstellung / Detail
© Johannes Kiefer / Kleingeld
Die Detaileinstellung / Detail
Ein kleiner Ausschnitt eines Objekts oder
einer Person wird gezeigt, so zum Beispiel
eine Hand oder ein Auge.
Da die Kamera sehr nah an ihr Objekt
herangeht, vermittelt sie dem Zuschauer
das Gefühl noch größerer Intimität als bei
der Naheinstellung.
Die Kameraperspektive
Die Kamera kann ein Geschehen aus
verschiedenen Positionen aufnehmen.
Man unterscheidet im Allgemeinen drei
Perspektiven:
•! Normalsicht oder Zentralperspektive
•! Vogelperspektive
•! Froschperspektive
Kleiner Ausschnitt wird
gezeigt
Vermittelt das Gefühl noch
größerer Intimität

Die Normalsicht oder Zentralperspektive
Die Aufsicht oder Vogelperspektive
© Sikander Goldau / Fragile
© Sikander Goldau / Fragile
Die Normalsicht oder Zentralperspektive
Die Kamera bzw. der Fluchtpunkt des
Bildes befindet sich auf Augenhöhe. Diese
Sicht entspricht unserer alltäglichen
Wahrnehmung und wirkt neutral.
Augenhöhe
entspricht der alltäglichen
Wahrnehmung
Die Aufsicht oder Vogelperspektive
Die Kamera überblickt die Szene von
einem erhöhten Standpunkt aus, hat
freien Überblick. Man schaut auf die
Personen und Dinge herab.
Die Kamera vermittelt dem Zuschauer den
Eindruck von Überlegenheit. Subjekte
können ihrer Individualität beraubt
scheinen.
Höher gelegener Standpunkt
Personen und Dinge wirken
unterlegen.

Die Untersicht oder Froschperspektive
Bildkomposition
Die Bildkomposition wird bestimmt durch
•! die Anordnung der Objekte in Vorder-
Mittel- und Hintergrund
•! die Rahmung
•! den Einsatz von Licht und Farbe
•! den Kontrast von Hell und Dunkel
•! dadurch entstehende Vektoren,
Diagonalen, geschwungene Linien
•! Kompositionsregeln wie der Goldene
Schnitt
© Sikander Goldau / Fragile
Die Untersicht oder Froschperspektive
Die Kamera sieht von einem niedrigeren
Standpunkt zum Bildgegenstand auf.
Die Froschperspektive wird eingesetzt um
dramatische Akzente zu setzen. Die
ungewohnte Sicht von unten erzeugt den
Eindruck von Größe und Wucht.
Dem Zuschauer kann ein beunruhigender
oder beängstigender Eindruck von
Unterlegenheit vermittelt werden;
es können aber auch komische Effekte
erweckt werden.
Bildkomposition
Man unterscheidet zwischen
offener und geschlossener
Bildkomposition. Bei ersterer
sind die im Bild erscheinenden
Elemente eher unkontrolliert
angeordnet, während sie bei
letzterer exakt und im höchsten
Maße bewusst arrangiert sind.
Kamera sieht zum
Bildgegenstand auf
Zuschauer erhält einen
Eindruck von Unterlegenheit

Goldener Schnitt
Der Goldene Schnitt ist ein ideales
Seitenverhältnis, das auch in der Natur oft
zu finden ist. Die Schnittpunkte der Linien
eignen sich besonders zur Platzierung
bildwichtiger Elemente. Beim Goldenen
Schnitt ist das Verhältnis von a zu b gleich
dem von a+b zu a.
Drittel-Regel
Insbesondere gilt diese
Regel für Landschaftsaufnahmen.
Das Bild wirkt
ausgewogener, wenn der
Horizont entlang des
unteren oder oberen
Bilddrittels verläuft.
Drittel-Regel
Die Drittel-Regel ist eine Gestaltungsregel
in der Fotografie, die sich an den
Goldenen Schnitt anlehnt. Sie geht auf die
Malerei der Renaissance zurück.
Bei der Drittel-Regel wird das Bild
gedanklich in neun Teile geschnitten. Das
zu fotografierende Motiv wird an einem
der vier Schnittpunkte angelegt, man kann
es aber auch längs einer Linie platzieren.
Wenn es gelingt, im Bild vorhandene
horizontale und vertikale Linien mit den
gedachten Linien annähernd zur Deckung
zu bringen, ist der Eindruck für die
menschliche Wahrnehmung am
angenehmsten.
Bildkomposition und Raum
Die Plastizität der Bilder erzielt
man durch die Bildgrundelemente:
•! Vordergrund
•! Mittelgrund
•! Hintergrund

Rahmung
Rahmung ist die präzise Komposition
einer Einstellung, bei der durch Objekte
bzw. Personen die Bildgrenzen
gestaltet werden. So wird z.B. bei einem
Blick durch eine Türe oder Fenster ein
Rahmen innerhalb des Bildrahmens
geschaffen.
Tiefenschärfe
Bei hoher Tiefenschärfe ist ganz Nahes
(Vordergrund) und weit Entferntes
(Hintergrund) gleich scharf zu sehen,
wodurch eine große Raumwirkung erzielt
wird.
Rahmung = Einstellung, bei
der Bildgrenzen durch
Personen oder Objekte
bestimmt werden
Hohe Tiefenschärfe: Nahes
und Entferntes ist gleich
scharf sichtbar
© Johannes Kiefer /
Kleingeld
Mise-en-Scène
In der Filmanalyse erklärt dieser Begriff
den Aufbau eines Bildes.
Dabei spielt die räumliche Anordnung der
Figuren und Dinge:
•! die Einrichtung und Ausstattung des
Raumes (Bühnenbild),
•! die Gestaltung mit Requisiten und
•! die Anordnung sowie die Bewegung der
Schauspieler im Raum eine Rolle.
Diese Organisation des Raumes kann
erzählstrategisch und bedeutungsgenerierend
eingesetzt werden.
Tiefenschärfe
Bei geringer Tiefenschärfe ist Nahes
(Vordergrund) scharf und Entferntes
(Hintergrund) verschwommen zu sehen.
Die Aufmerksamkeit wird auf das Objekt
im Vordergrund gelenkt.
Mise -en -Scène = räumliche
Anordnung der Figuren und
Dinge im Bild
„The Graduate“
geringe Tiefenschärfe:
Nahes scharf - Entferntes
unscharf zu sehen

Bewegung des Objektes im Bild
Ein Objekt bzw. eine Person kann sich
-! im Bild
-! in das Bild hinein
-! oder aus dem Bild hinaus bewegen.
Ein Objekt, das sich auf die Kamera zu
oder weg in der Diagonale durch das Bild
bewegt wirkt dynamischer als ein Objekt,
das sich von links bzw. rechts quer durch
das Bild bewegt.
Bei einer Abfolge von Einstellungen sollte
die Bewegungsrichtung und
Geschwindigkeit beibehalten werden.
(siehe auch 180 Grad Regel).
Die Standkamera
Eine statische, starre oder fixe Kamera wird in
keine Richtung bewegt.
Die Kamera filmt ein Subjekt oder Objekt aus
einer Perspektive und in einer
Einstellungsgröße. Sie registriert also:
•! Bewegung im Bild
•! Bewegung ins Bild hinein
•! Bewegung aus dem Bild heraus
•! Ein statisches Bild
Bewegung des Objekts
•! durch das Bild,
•! in das Bild
•! oder aus dem Bild
Illustration © Iris Lamprecht
www.FilmTiki.com
Statische Kamera
Filmt aus einer Perspektive
und in einer
Einstellungsgröße
Kamerabewegung
Man unterscheidet:
•! Standkamera
•! Kameraschwenk
•! Kamerafahrt
Die Kamerafahrt
Die Kamerafahrt kann man mit der
Bewegung des ganzen Körpers
vergleichen. Die Kamera verlässt ihren
festen Standpunkt und fährt
beispielsweise auf einem sich auf Schienen
bewegenden Kamerawagen (Dolly).
Es können aber auch andere Fahrzeuge
(Zug, Helikopter, etc.) sein, auf denen die
Kamera montiert ist.
Vergleichbar mit der
Bewegung des ganzen
Körpers

Die Kamerafahrt
Zu–oder Ranfahrt: Die Kamera
konzentriert sich auf Kosten der
unmittelbaren Umgebung immer mehr auf
den Hauptinhalt des Bildes.
Die Rückfahrt vermittelt das genaue
Gegenteil: die Umgebung erhält eine
immer wichtigere Rolle.
Von Handkameras (Steadicam)
ausgeführte Bewegungen verleihen dem
Bild meist etwas Improvisiertes,
Dokumentarisches, weil sie nah an der
jeweiligen Person fungieren.
Der Kameraschwenk
Beim Schwenk ist die Kamerabewegung
vergleichbar mit der Kopfbewegung. Die
Kamera steht fest und bewegt sich dabei
horizontal oder vertikal. Meist wird damit
eine Verbindung vom Ausgangspunkt zum
Endpunkt hergestellt.
Der beschreibende Schwenk beschreibt ein
Szenario, der begleitende Schwenk
begleitet eine Handlung.
Beim 360-Grad-Schwenk vollführt die
Kamera eine komplette Drehung um die
eigene Achse in horizontaler Richtung.
Illustration © Iris Lamprecht www.FilmTiki.com
Kamerabewegung ist
vergleichbar mit der
Kopfbewegung
Besonderer Schwenk:
360-Grad-Schwenk
Illustration © Iris Lamprecht
www.FilmTiki.com
Kamerabewegung ist analog
zur Kopfbewegung
Besonderer Schwenk:
360-Grad-Schwenk
Die Kamerafahrt
Die 360-Grad-Umkreisung. Dabei kann
die Kamera die Protagonisten in derselben
Richtung umkreisen, in der sie sich
bewegen, oder sie kreist um sie in
Gegenrichtung.
Bei ersterer Bewegung drängt sich dem
Zuschauer etwas Statisches auf, bei
letzterer erhält der Zuschauer den
Eindruck von mehr Bewegung und
deshalb von größerer Geschwindigkeit.
Erzählhaltung
•! Beobachtende Kamera: Blick der
Kamera ist der eines Außenstehenden
•! Subjektive Kamera: Blick der Kamera
zeigt die subjektive Perspektive eines
Akteurs
•! Lebende Kamera: (eigenständige
Kamerahandlung) Kamera agiert wie eine
eigenständige Person
Illustration © Iris Lamprecht
www.FilmTiki.com

Die Handlungsachse und
die Kameraachse - rechter Winkel
Die Handlungsachse und die Kameraachse stehen im rechten Winkel
zueinander. Der Zuschauer verfolgt als unbeteiligter Dritter die
Handlung.
Schuss-Gegenschuss
Bei Dialogen wechselt die Kameraeinstellung zwischen den
Dialogpartnern. Der Zuschauer verfolgt als beteiligter Dritter das
Gespräch.
Wenn dabei die Schulter des Gegenüber angeschnitten wird spricht man
von Over-the-Shoulder; das gibt dem Bild eine größere Raumtiefe;
Wenn man nur die sprechende Person zeigt, lenkt man dadurch die
Aufmerksamkeit voll und ganz auf diese.
Die Handlungsachse und
die Kameraachse - identisch
Handlungsachse und Kameraachse sind identisch.
Der Zuschauer nimmt an der Handlung teil.
Die Szene
Die Szene ist ein Begriff, der aus dem
Sprachgebrauch des Theaters
übernommen wurde. Es wird damit
allgemein eine Handlungseinheit der
Spielfilmerzählung benannt. Im
Besonderen spricht man von Szene, wenn
das Ereignis (die Handlung) in einem
kontinuierlichen Ablaufeindruck von Ort
und Zeit wiedergegeben wird. Eine Szene
kann aus einer oder mehreren
Einstellungen bestehen.
Szene = Grundelement eines
Films,
Handlungseinheit der
Spielfilmerzählung

Die Sequenz
Die Sequenz (auch Montagesequenz,
Montage, Bildfolge) ist ein Grundelement
eines Films. Sie besteht aus mehreren
Einstellungen und bildet einen
gedanklichen bzw. formalen
Zusammenhang.
„Sequenz“ wird im deutschsprachigen
Raum oft gleichbedeutend mit „Szene“
verwendet. Bei der Sequenz müssen
Gleichheit von Ort und Zeit nicht gegeben
sein.
Schnitt und Montage
Schnitt / Montage beschreiben zwei
Seiten desselben Prozesses:
Zuerst erfolgt das Schneiden der Filmrolle
in einzelne Einstellungen, in Takes.
Danach werden diese Einstellungen
gekürzt, also geschnitten und
abschließend neu zusammengefügt, d.h. zu
einer neuen Einheit, zu einer Szene,
Sequenz und endlich zum ganzen Film
montiert.
Beim Videoschnitt heute erfolgen Schnitt
und Montage digital (im Computer).
Sequenz = Grundelement
eines Films
bildet gedanklichen bzw.
formalen Zusammenhang
Aufspalten in Einstellungen
Kürzen der Takes
Zusammenstellung,
Kombination von
Einstellungen zu Sequenzen
und Szenen
Die Plansequenz
Bei der Plansequenz handelt es sich um
eine einzige (längere) Aufnahme ohne
Schnitt, welche Kamerabewegungen,
Änderungen in der Tiefenschärfe,
Kommen und Gehen von Personen
beinhaltet.
Beim Spielfilm erfordert sie genaue
Planung und Vorbereitung durch Proben.
Schnitt und Montage
Die Montage organisiert die Filmzeit, den
Ablauf, die Abfolge, den Rhythmus.
Diese Rhythmisierung, d.h. höhere oder
geringere Schnittfrequenz, erfolgt meist in
Kombination mit näheren oder weiteren
Einstellungsgrößen.
Durch die Montage werden bestimmte
Handlungsfolgen zu Sinneinheiten
verbunden.
Eine einzige (längere)
Aufnahme ohne Schnitt
Aufgabe der Montage:
Bestimmte Handlungsfolgen
miteinander verbinden
Entstehen von Sinneinheiten

Filmzeit und Realzeit
Schnitt und Montage organisieren die
Filmzeit.
•! Bei der Liveübertragung sind Filmzeit
und Realzeit identisch. Meistens aber
werden zeitliche Abläufe gerafft.
•! Handlungen können auch gleichzeitig
ablaufen (Parallelschnitt), die Filmzeit
wird dann verdoppelt.
•! Die Filmzeit kann aber auch langsamer
als die Realzeit ablaufen, zum Beispiel
durch Zeitlupe; die Zeit kann zu
dramaturgischen Zwecken (z.B. für den
Filmhelden in Gefahr) gedehnt werden.
•! Ereignisse können chronologisch
erzählt werden oder
•! achronologisch, z.B. durch Flashbacks.
Eröffnende Einstellung
Im Kontinuitätssystem müssen bestimmte
Prinzipien befolgt werden. Zu den Regeln
des Kontinuitätssystems gehört u.a. die
eröffnende Einstellung.
Eine eröffnende Einstellung (establishing
shot) dient der Orientierung des
Zuschauers. Sie etabliert wesentliche
Elemente der Geschichte, so z.B. den
Schauplatz, die Zeit und die handelnden
Figuren.
•! Dehnung oder Raffung
von Zeit
•! Parallele Handlungen
•! chronologischer Ablauf
•! achronologischer Ablauf
(Flashbacks)
Kontinuierliche Montage
Die kontinuierliche Montage erweckt den
Anschein, die Erzählung erfolgt aus sich
heraus. Um diesen Anschein zu erwecken,
müssen bestimmte Gestaltungsprinzipien
befolgt werden. Der Zuschauer nimmt die
Abfolge der Filmschnitte kaum wahr.
Zu den Regeln des
Kontinuitätssystems
gehören:
•! Eröffnende Einstellung
•! 180-Grad-Prinzip
•! Vermeidung eines
Achsensprungs
•! Blickachsenanschluss
180 Grad Prinzip - Achsensprung
Zu den Regeln des Kontinuitätssystems
gehört u.a. die Achtung des 180 Grad
Prinzips bzw. die Vermeidung eines
Achsensprunges.
Das 180-Grad-Prinzip besagt, dass
zwischen zwei Protagonisten eine
imaginäre Handlungsachse angenommen
wird. Die Kamera steht auf einer Seite
dieser Achse und bewegt sich nur
innerhalb eines imaginären Halbkreises
von 180 Grad.
Bei Verstoß erfolgt ein Achsensprung –
der Zuschauer könnte seine Orientierung
im Film-Raum verlieren.
> Vermeidung eines Achsensprungs

Blickachsenanschluss
Blickachsenanschluss
(Eyeline Match):
eine Person wendet den
Blick aus dem Bild hinaus
und die nächste Einstellung
zeigt das Subjekt oder
Objekt, auf das der Blick
fällt.
Achsensprung
Diese Regeln der Kontinuität können u.a.
durch
•! den Jump Cut
•! den Achsensprung
•! assoziative, kontrastive Montage
gebrochen werden.
Der Achsensprung durchbricht die Illusion
der Kontinuitätsmontage und bricht
wissentlich mit dem 180-Grad-Prinzip.
Zwischenschnitt
Bei einer längeren Einstellung wird eine
kürzere Einstellung (oft Detail oder Totale
aus anderem Blickwinkel) dazwischen
geschnitten.
Die Aufmerksamkeit wird auf ein
wichtiges Detail gelenkt, oder kann die
Reaktion eines Gesprächspartners zeigen.
Der Zwischenschnitt wird z.B. bei
Interviews zur Überbrücken von Sprüngen
eingesetzt, um einen Jump Cut (Ruckeln)
zu vermeiden.
Jump Cut
Brechung der Regeln der Kontinuität
„Der Jump Cut besitzt zwei Möglichkeiten,
Diskontinuität zu produzieren:
•! Aus einer längeren, kontinuierlich
gedrehten Einstellung werden Teile
herausgeschnitten, sodass daraus Bild- und
Zeitsprünge resultieren und/oder
•! eine räumlich und zeitlich
diskontinuierliche Einstellung wird
zwischen zwei kontinuierliche
Einstellungen platziert, z.B.: A – B – A,
wobei B das diskontinuierliche Element ist.“
(Steinmetz/Steinmann/Uhlig/Blümel: Filme sehen lernen.
Zweitausendeins: Frankfurt, 2005)
2 Möglichkeiten des Jump
Cut
•! Herausgeschnittene Teile
•! Einfügen
diskontinuierlicher
Einstellungen

Assoziative / kontrastive Montage
Die assoziative / kontrastive Montage lässt
durch voneinander unabhängige
Handlungsfolgen bzw. Bilder einen neuen
Gedanken entstehen.
Einstellungen werden so kombiniert, dass
daraus symbolhaft ein neues Ganzes
entsteht.
Diese Art der Montage findet sich zum
Beispiel oft in Musikvideos.
Blenden und Übergänge
Bei Übergängen unterscheidet man
zwischen „harten“ und „weichen“
Schnitten.
Werden zwei nach Einstellungsgröße, Zeit
oder Ort etc. unterschiedliche
Einstellungen ohne Übergang Bild an Bild
geschnitten, bezeichnet man das als harten
Schnitt.
Ergibt sich ein kaum wahrnehmbarer
Übergang, so spricht man von weichem
Schnitt.
Assoziative / kontrastive
Montage = Entstehung eines
neuen Gedankens aus der
Montage verschiedener
Handlungsfolgen
•! Harter Schnitt
•! Weicher Schnitt
Parallelmontage
In der Parallelmontage verlaufen mehrere
Handlungsstränge parallel. Sie werden so
miteinander verflochten, dass sie
schließlich zu einem Kulminationspunkt
führen.
Blenden und Übergänge
Durch eine Blende wird ein weicher
Übergang zu einem weißen bzw.
schwarzen Bild geschaffen.
Man unterscheidet zwischen Auf- bzw.
Abblende (am Anfang bzw. Ende einer
Einstellung) aus/in Schwarz oder Weiß.
Blenden dienen zur Zäsur zwischen
einzelnen Sequenzen oder Szenen.
Überblendungen werden gesetzt, um einen
zeitlichen bzw. räumlichen
Zusammenhang zwischen dem Ende der
einen und dem Beginn der anderen
Einstellung herzustellen.
Verflechtung von zwei oder
mehr Handlungsfolgen
Führen zum
Kulminationspunkt
Blenden = weiche
Übergänge
Auf- bzw. Abblende
Blenden als Zäsur

Ton
Im Film existieren verschiedene Elemente
des Tons, die miteinander kombiniert
werden:
•! bei Bildaufnahmen aufgezeichneter
Originalton bzw. Direktton (Sprache,
Geräusche und Töne)
•! Musik, die als sog. Soundtrack die
Stimmung des Films mitträgt, illustriert
und die Spannung steigert
•! Geräusche, die die Illusion akzentuieren
(z.B. Schritte, eine knarrende Tür)
•! Erzähler bzw. Sprecher aus dem Off
•! Synchronisation
Licht
Tageslicht - Kunstlicht
Grundsätzlich stehen zwei Arten von
Lichtquellen zur Verfügung, die sich in der
Lichtqualität ("Farbtemperatur")
unterscheiden.
Tageslicht hat je nach Sonnenstand und
Bewölkung mehr bläuliche Anteile,
während Kunstlicht ins Orangerötliche
tendiert (Neonlicht ist grünlich).
Wenn beide Lichtarten zusammen
auftreten, spricht man von Mischlicht.
Elemente des Tons:
•! Originalton
•! Soundtrack
•! Geräusche
Tageslicht - künstliches Licht
Ton
Dabei bestehen zwei Möglichkeiten des
Einsatzes der Tonquellen:
•! die Tonquelle ist im Bild, also on
•! die Tonquelle ist nicht im Bild, also off
Licht
Lichteffekte
Bei Anwendung bestimmter Lichteffekte
ist es möglich, Stimmungen zu erzeugen.
Durch den Low-Key-Stil, bei dem große
Schattenpartien dominieren, kann u.a.
Härte, Brutalität, Traurigkeit, Mysteriöses
und Geheimnisvolles zum Ausdruck
kommen.
Der High-Key-Stil, bei dem das Licht
gleichmäßig und hell ist, drückt eine
freundliche, heitere oder problemlose
Atmosphäre aus.
Tonquelle on / off
Lichteffekte:
•! Low-Key-Stil – schattig
•! High-Key-Stil – helles,
gleichmäßiges Licht

Drehbuch - Drei-Akt-Struktur
Die Struktur des Drehbuches der meisten Spielfilme besteht aus drei
Akten, in Weiterentwicklung der klassischen, aristotelischen
Prinzipien des antiken griechischen Dramas. Die klassische Drei-Akt-
Struktur besteht aus Exposition, Konflikt und Auflösung.
Drehbuch - Dramaturgie
In der Drei-Akt-Struktur erfordert die Dramaturgie eine Steigerung
der Intensität bis zu einem Höhepunkt und ein abschließendes Fallen
der Spannung.
Drehbuch - Dramaturgie
In der Drei-Akt-Struktur erfordert die Dramaturgie eine Steigerung
der Intensität bis zu einem Höhepunkt und ein abschließendes Fallen
der Spannung.
Drehbuchstruktur – Die Heldenreise
Mythische Struktur des Hollywood-
Filmes
Das Konzept der „Heldenreise“ ist eine
Erweiterung des traditionellen Drei-Akte-
Schemas und kann für Filme, Romane und
Computerspiele gelten. Es basiert auf der
Psychologie von C.G. Jung und den Studien
Joseph Campbells zu Mythologie und
Märchen. Archetypische Figuren wie
Mentoren, Helfer und Schatten begleiten die
abenteuerliche Reise des Helden zu sich
selbst, der seine größten Ängste überwinden
muss und sich am Ende selbst neu erschafft.
Die Heldenreise gilt als erzählerische
Urformel, die im kollektiven Unbewussten
verankert ist und überall verstanden wird.
Die Grundstruktur von
Hollywoodfilmen ähnelt
Märchen und Heldensagen
Joseph Campell "The hero with a thousand faces"
Christopher Vogel "The Writers Journey, Mythic Structure for Storytellers & Screen Writers“

Drehbuchstruktur – Die Heldenreise
Mythische Struktur des Hollywood-
Filmes
Die Grundstruktur des
Hollywoodfilms ähnelt
Märchen und Heldensagen
1. Akt
Die alltägliche, gewohnte Welt
Der Ruf zum Abenteuer
Verweigerung des Rufs
Treffen und Ermutigung durch einen Mentor
Überschreiten der ersten Schwelle
2. Akt
Prüfungen, Verbündete, Feinde, Bewährungsproben
Der Held erreicht Tiefpunkt, wobei er die zweite Schwelle überschreitet
3. Akt
Der Weg zurück, Verfolgungen ausgesetzt
Held wird durch die Erfahrungen grundlegend verändert
Kehrt mit Belohnung in die gewohnte Welt zurück
Joseph Campell "The hero with a thousand faces"
Christopher Vogel "The Writers Journey, Mythic Structure for Storytellers & Screen Writers“
Die Entwicklung des Helden
Vorbereitung auf die
große Veränderung
Erste Versuche mit
der Veränderung
Bereitschaft zur
Veränderung
Überwindung
der Angst
Angst vor
Veränderung
Gesteigertes
Bewusstsein
Mangel des Helden &
begrenztes Bewusstsein
II. Akt: Abstieg II. Akt:
Initiation
I. Akt: Isolation III. Akt:
Rückkehr
Anfang Ende
Versuch der großen
Veränderung
Folgen des
Versuchs
Erneute Selbst-
Besinnung auf
Veränderung
Abschließender
Versuch der großen
Veränderung
Endgültiges Meistern
des Problems &
endgültig verändertes
Bewusstsein
Die Reise des Helden
Das Abenteuer
beginnt. Unbekannte,
dunkle, gefährliche
Bewährungsproben
warten auf den
Helden.
Begegnung mit
dem Mentor
oder „Weisen“
Ruf des Abenteuers
Weigerung, Zögern
des Helden
Exposition, Alltagswelt,
gewohnte Welt
II. Akt:
Abstieg
1. Schwelle 2. Schwelle
I.! Akt:
Isolation
Anfang Ende
II. Akt:
Initiation
III. Akt:
Rückkehr
Entscheidende Prüfung
Krise-Höhepunkt/ Die
letzte Schlacht
Belohnung
Der Weg zurück
Kiss Off/ Der Held
als Meister zweier
Welten

Genre
Durch Genres lassen sich Filme in verschiedene
Kategorien (Gattungen, bzw. Textsorten) einordnen,
wobei diesen Einordnungen unterschiedliche
Ordnungsschemata zugrunde liegen können.
z.B. Einteilung nach
•! Inhalt (Kriegsfilm, Kriminalfilm, Liebesfilm)
•! Literaturformen (Komödie, Melodram)
•! Künstlerischer Status (Kunstfilm, Trash)
•! Produktionsort (Amerikanischer Film, Bollywood)
•! Serien (007-Filme)
•! Zielpublikum (Teenie-Filme, Kinderfilm)
Genre
Genres bestimmen die Regeln und
Konventionen, nach denen ein Medientext
gestaltet ist. Sie bedienen
Erwartungshaltungen des Publikums. So
werden einerseits Codes und
Konventionen reproduziert. Anderseits
sind Genres auch einem beständigen
Wandlungsprozess unterworfen. Sie
müssen für ihre Zeit immer wieder neu
erfunden werden.
Ein neues Werk bezieht sich einerseits auf
die Genre-Traditionen, führt aber auch
neue Elemente ein, lässt alte weg oder
interpretiert diese um.
„The cycles and
transformations of genres
can nevertheless be seen as a
response to political, social
and economic conditions.“
Chandler (1997)
„a genre … defines a moral
and social world“
Tudor (1974:180)
Genres „embody the crucial
ideological concerns of the
time in which they are
popular“ Fiske (1987:110)
Zitate von: Dr. Renate Möller
Fernsehforschung Grundlagen
Genre
Genres lassen sich jedoch nicht
allgemeingültig theoretisch festlegen.
Genres dienen dazu, sich über die Texte zu
verständigen. Sie beruhen auf einem
(unausgesprochenen) Einverständnis
zwischen Produzenten und Publikum. Sie
entstehen und verfestigen sich durch den
Gebrauch im Alltag.
Die Genre-Klassifizierung bietet einen
Rahmen für die potentiellen
Interpretationen des Textes, legt ihn aber
nicht fest.
„genres only exist in so far
as a social group declares
and enforces the rules, that
constitutes them“
Hodge/ Kress (1988:7)
Genre is „what we
collectively believe it to
be“ Tudor (1974:?)
„genres are not systems:
they are processes of
systematisation“
Neale (1980:51)
Ein komplementärer Ansatz zur
Genretheorie in der Filmwissenschaft ist
die Auteur-Theorie. Zitate von: Dr. Renate Möller
Fernsehforschung Grundlagen
Genre
Verschiedene Parteien tragen zur Bildung
und Weiterentwicklung von Genres bei:
•! zum einen die Produzenten und
Autoren im Versuch, die
Publikumsreaktionen zu kalkulieren,
•! zum anderen das Publikum selbst, das
eine Erwartungshaltung aufgebaut hat,
•! und nicht zuletzt die Kritiker, die als
Motor der Entwicklung dienen und den
analytischen Hintergrund oder kritisches
Feedback liefern.

Produktionsprozess
Der Produktionsprozess lässt sich in drei
wichtige Phasen gliedern: Vorbereitung
(Pre-Produktion), Dreharbeiten und
Endbearbeitung (Post-Produktion).
Um die voraussichtlichen
Produktionskosten überblicken zu
können, ist die Erstellung einer
Kalkulation erforderlich.
Diese umfasst u.a. folgende Positionen:
Buch und Rechte, Musik, Personal, Bild-
und Tonaufnahme, Apparaturen und
Studio, Filmmaterial und Bearbeitung,
Versicherung.
Diese Übersicht wurde zusammengestellt
von Sigrid Jones, sigrid.jones@univie.ac.at
Die Präsentation basiert teilweise auf :
•!Renate Möller, Fernsehforschung Grundlagen
•!Peter Schott, Filme sehen lernen. Grundbegriffe der
Filmanalyse. Goethe-Institut Nancy © Goethe-Institut
Markus Gaitzsch Die formale Drehbuchstruktur
© Markus Gaitzsch 2004
•!Bausteine Filmanalyse
•!www.mediamanual.at
•!http://www.movie-college.de/
•!Wikipedia
•! Pre-Produktion
•! Produktion
•! Post-Produktion
Produktion
Die wichtigste Voraussetzung für die
Realisierung eines Filmprojekts liegt in
der Beschaffung der erforderlichen
Finanzmittel. Die finanzielle
Machtposition gestattet der Produzentin
ein hohes Maß an Einflussnahme auf den
Produktionsprozess. (Auswahl des
Filmstoffs, des Regisseurs, technischer
Aufwand, Besetzungsliste usw.). Die
Produktion ist für die organisatorischtechnische
Seite des Projektes zuständig
und koordiniert alle Mitarbeiter
(Arbeitsbereiche).