SEPTEMBER 2013 Prince Avalanche Almut Klotz Paperboy ... - Pony

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SEPTEMBER 

2013 

Prince Avalanche 

Almut Klotz 

Paperboy 

Gesellschaftsbilder im Comic 

Paule Hammer 

Helon Habila

4 

5 

6 

7 

8 

12 

16 

Wahlkampf 

Doof von rechts 

Helon Habila 

Öl auf Wasser 

Kohlhaas 

Mehr als eine Abschlussarbeit 

Paule Hammer 

Eigene Wahrheiten finden 

Paperboy 

Pete Dexters Meisterwerk 

Jonas Engelmann 

Gesellschaftsbilder im Comic 

Almut Klotz 

Von fröhlicher Neugier 

86 

SEPTEMBER 

2013 

18 Filme 

20 Digitales 

21 Spiele 

22 Tonträger 

24 Bücher 

26 Theater 

27 Kolumne 

28 Sterne 

30 Terminkalender 

40 StadtKarte 

41 Impressum 

42 PONYhof 

3 Inhalt

R e c h t e r S u m p f 

Wahlkampf mit sich selbst 

Auch in Göttingen präsentieren sich rechte Kleinparteien potentiellen 

Wählern als seriöse Demokraten. Klappt nicht so gut. 

Manuel Schaper 

Göttingen durfte in den vergangenen Wochen erstmals mit zwei neueren 

rechten Parteien Bekanntschaft machen, die beide im Rahmen 

des Bundestagswahlkampfes aktiv geworden sind. Da wäre zum einen 

die Partei Alternative für Deutschland (AfD), die sich erst Anfang dieses 

Jahres gegründet hat. Ihr lokaler Ableger, die AfD Göttingen/Osterode, 

macht seither immer wieder von sich reden. 

Nach dem anfänglichen Medienrummel um Neonazis im Vorstand und 

darauf folgende Austritte anderer Mitglieder setzte sich die AfD mit 

ihrem Wahlkampf ordentlich in die Nesseln. Die linke Kampagne „Alles 

muss man selber machen“ fuhr den Rechten in die Parade: Wahlplakate 

wurden zerstört, eine Wahlkampfveranstaltung in der City von 

Antifaschisten gestört, der geplante „Stammtisch“ musste abgesagt 

werden. Seitdem faseln führende Mitglieder der AfD von „linkem Terror“, 

wollen gar Opfer versuchter Brandanschläge und von Bedrohung 

geworden sein. In Anbetracht sonst üblicher Formen linker Militanz in 

derlei Angelegenheiten wirkt das nicht nur reichlich unglaubwürdig, 

sondern hochnotpeinlich. Aber irgendwie muss man ja auf sich aufmerksam 

machen. Die sehr überschaubaren Forderungen der Partei 

hatten das mediale Interesse schnell erschöpft. 

Dann ist da, zweitens, die ebenfalls relativ neue Bürgerbewegung Pro 

Deutschland, die der „Islamisierung“ Deutschlands den Kampf angesagt 

hat. Auf ihrer ambitionierten Wahlkampftour durch die Republik 

kam sie auch durch Göttingen, beschützt von einem Großaufgebot 

der Polizei. Die nahm dann prompt den Anmelder immerhin gleich 

drei rechter Kundgebungen, den ehemaligen DVUler Lars Seidensticker, 

mit, nachdem der körperlich gegen einen siebzehnjährigen Protestierer 

vorgegangen war. 

Während die einen also möglichst laut jammern, damit überhaupt jemand 

sie wahrnimmt, machen die anderen Schlagzeilen, indem sie gegen 

minderjährige politische Gegner handgreiflich werden. Dass AfD 

und Pro Deutschland in Göttingen kaum eigene Inhalte präsentieren 

konnten, liegt, so gesehen, nicht zuletzt an ihrer eigenen Dummheit. 

Helon Habila liest am 

16.9. um 20:00 Uhr im 

Literarischen Zentrum 

aus seinem Roman „Öl 

auf Wasser“ (Wunderhorn, 

2012, 240 Seiten, 

24,80 Euro). Mit dem 

nigerianischen Autor 

spricht Antje te Brake. 

A f r i k a n i s c h e L i t e r a t u r 

Shakespeare hinter Gittern 

Chinua Achebe, der Fixstern der afrikanischen Prosa, starb im März. 

Nun fällt der Fokus auf die dritte Generation: auf Autoren wie den mit 

internationalen Preisen überhäuften Nigerianer Helon Habila. 

Kerstin Cornils 

Ein Mann hockt in einem nigerianischen Knast. Dass er schlechte Karten 

hat, weiß er: In der Regel kennt General Abacha kein Pardon mit 

politischen Gefangenen. Sollte Lomba gegen die Hoffnungslosigkeit 

seiner Lage rebellieren? Ach was. Längst hat er begriffen, dass den 

Häftling nur eine Parole schützt: Nichts fürchten, nichts hoffen. Doch 

dann, nach mehr als einem Jahr Haft, fallen ihm plötzlich Bleistift und 

Papier in die Hände. Der Journalist beginnt, Zeilen von Shakespeare 

niederzuschreiben und scheinbar nutzlose Gedichte zu kritzeln. Bis 

sich eines Tages der Gefängnisleiter an ihn wendet und um ein Liebesgedicht 

für seine Freundin bittet. Lomba erkennt, dass sich am Horizont 

eine winzige Chance auftut. 

Für die hier skizzierte Erzählung „Love Poems“ hat der 1967 in Nigeria 

geborene Autor Helon Habila den Caine Prize erhalten. Den Text hatte 

er einer Sammlung entnommen, die er zuvor – komplett erfolglos – 

im Selbstverlag unter dem Titel „Prison Stories“ veröffentlicht hatte. 

Als ein britischer Verlag unter dem Titel „Waiting for an Angel“ eine 

Neuauflage wagte, ergatterte Habila prompt eine weitere Auszeichnung. 

Nur in der Heimat blieb das international gefeierte Buch ein 

Flop: Für Nigerianer war das Werk schlicht zu teuer. Erst als der Autor 

die Rechte für den heimatlichen Markt zurückkaufte und seinen Roman 

billig verscherbelte, fand „Waiting for an Angel“ auch am Nigerdelta 

seine Fans. 

Inzwischen muss Habila nicht mehr fürchten, übersehen zu werden. 

Sogar in Deutschland ist man mittlerweile auf den brillanten Autor 

aufmerksam geworden. Für „Öl auf Wasser“, einen düsteren Roman 

über einen Umweltskandal, hat er hierzulande kürzlich den deutschen 

Krimipreis erhalten. In einer Anthologie über neues afrikanisches Schreiben 

betont Habila, dass Autoren aus seinem Heimatkontinent immer 

häufiger Erfahrungen der Migration und der Reise machten. Er 

selbst ist keine Ausnahme: Als DAAD-Stipendiat darf er ab Juli dieses 

Jahres den Dreck von Berlin unter die Lupe nehmen. 

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I m p r o v i s a t i o n s g e i s t 

Nicht stehenbleiben 

W e l t e r k l ä r u n g e n 

Selbstgebastelt 

Mehr als eine Abschlussarbeit: Aron Lehmanns Langfilmdebüt 

„Kohlhaas oder Die Verhältnismäßigkeit der Mittel“. 

Paule Hammers vielgestaltige Arbeiten suchen 

sich ihre eigenen Wahrheiten. 

Ulrich Kriest 

Wenn in ein paar Wochen der hölzern um Mads Mikkelsens Gesicht 

(und Hintern) inszenierte Kostümfilm „Michael Kohlhaas“ in die Kinos 

kommt, sollte man sich Aron Lehmanns Low-Budgets-Films „Kohlhaas 

oder Die Verhältnismäßigkeit der Mittel“ erinnern, der mit sehr wenigen 

Kopien Anfang August startete und allzu leicht übersehen werden 

könnte. 

Schon am Abend des ersten Drehtages wird der ambitionierten Kleist- 

Verfilmung von Regisseur Lehmann der Geldhahn zugedreht. Als er 

seinem Team am nächsten Morgen die traurige Nachricht überbringt, 

ist er bereits entschlossen, Kleist beim Wort zu nehmen: „Ein freier, 

denkender Mensch bleibt da nicht stehen, wo ihn der Zufall hinstößt!“ 

Wenn das Geld fehlt, bleibt immer noch die Imagination. Zum 

Glück gibt es in dem süddeutschen Dorf, in dem gedreht werden soll, 

eine engagierte Laienspielgruppe, die „bereit für Film“ ist. Mit Hingabe 

und einer Riesenportion Improvisationsgeist beginnen die Dreharbeiten, 

wobei die leicht irre Begeisterung des charismatischen Regisseurs 

die Truppe immer wieder mitreißt. 

Mit erstaunlich viel Komik erzählt der Filmemacher in seinem Abschlussfilm 

der HFF Babelsberg von dem so entstehenden Film und 

zeigt zugleich das Making-of, wobei das Ganze selber Züge des gewählten 

Kleist-Stoffes annimmt. Es kommt zu Widerständen und Konflikten 

– innerhalb des Teams, aber auch durch die Anwesenheit der 

Schauspieler im Dorfalltag. En passant Lehmann integriert Lehmann 

diverse Ausflüge in die neuere deutsche Filmgeschichte. Beobachtet 

man die Auseinandersetzungen innerhalb des Filmteams, muss man 

an Fassbinders „Warnung vor einer heiligen Nutte“ denken. Wenn die 

Möchtegernritter in den Wald ziehen, um einen Baum umzustoßen, ist 

Herzogs „Fitzcarraldo“ nicht weit. Und die Darstellung der süddeutschen 

Provinz mit ihren althergebrachten Herrschaftsstrukturen erinnert 

an kritische Heimatfilme à la „Jagdszenen aus Niederbayern“. 

Am Ende hat man viel erlebt, viel gesehen – und nicht zuletzt eine 

kleine Lektion in Sachen „Wie aktuell ist ‚Michael Kohlhaas‘?“ erhalten. 

Widerstand ist machbar, zumal, wenn es gegen die Filmförderung 

geht. Viel Stoff für einen Abschlussfilm. Und Robert Gwisdek als Kohlhaas 

ist natürlich einmal mehr „Bombe“. 

„Kohlhaas oder Die Verhältnismäßigkeit 

der Mittel“ 

läuft ab dem 12.9. (22:00 

Uhr) im Kino Lumière. 

Regie: Aron Lehmann; 

Deutschland 2013; 93 Minuten; 

mit Robert Gwisdek, 

Jan Messutat, Thorsten 

Merten u. a. 

Die Ausstellung „Magazin und 

Enzyklopädie“ des Kunstvereins 

wird am 8.9. um 11:30 Uhr 

im Alten Rathaus eröffnet. Sie 

ist bis zum 20.10. dienstags bis 

sonntags von 11:00 bis 17:00 

Uhr zu sehen. 

Tina Lüers 

In seinen Büchern, Zeichnungen und Gemälden baut sich Paule Hammer 

eine Erklärung für Zusammenhänge in der Welt zusammen. Zwischen 

Jonathan Meese und Sophie Calle verwebt er Innen und Außen, 

Politik und Popkultur – Osama Bin Laden und Dracula – Traumbilder 

und Mimesis. Malerei steht gleichberechtigt neben Zeichnungen wie 

Kugelschreiberkritzeleien, die Fülle der Farben setzt sich mit einem 

Gutteil Schrift ins Benehmen. Eine doldentraubige, pink-rote Blüte 

hängt ins Bild, eine Unterzeile erläutert die Motivwahl: „Meine Mutter 

stand total auf – wie heißen diese Bäume? Rhododendron! ... Da hat 

sie mich losgeschickt, einen zu holen. Ich hatte totale Angst.“ 

Der Ich-Erzähler, der allerdings nicht mit dem Leipziger Maler, Meisterschüler 

bei Sighard Gille, in eins fallen muss, gibt Gegebenheiten 

und Sichtweisen wieder, die eklektizistisch aneinandergereiht scheinen 

und Interpretationsspielräume öffnen, hier und da wie ein höchst 

persönlicher psychoanalytischer Zugang zu lang Zurückliegendem wirken. 

Hammers Zyklus „Welt-Enzyklopädie“, an dem er seit fünf Jahren 

arbeitet und dem mehrere Notizbücher zugrunde liegen, thematisiert 

die Beschreibung der Welt auf diese Weise aus der Ich-Perspektive. 

Eine höchst subjektive, mehrere Wahrnehmungsebenen überlagernde 

Angelegenheit, die sich ihre eigenen Wahrheiten sucht. 

In seiner aktuellen Arbeit erstellt Paule Hammer ein „Interview- Magazin“. 

Dafür lädt er Interviewpartner in sein Atelier ein, die er malerisch 

portraitiert und nebenbei interviewt. Für einen Platz vor der 

Staffelei hat er Menschen ausgewählt, die einen besonderen Lebenslauf 

oder Spleen haben, der sich sinnfällig darstellen lässt – Esoteriker, 

Popmusik-Fans oder psychotische Drogenkommunenbesucher. 

In Göttingen trifft Paule Hammer sich im Projekt „Kunst im Vollzug“ 

mit jugendlichen männlichen Erststraftätern im Alter von 16 bis 25 

Jahren, die nach dem Besuch seiner Ausstellung mit ihm weiter an einer 

bereits begonnenen Präsentation arbeiten werden. 

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T h r i l l e r 

Die Wahrheit ist 

ein Sumpf 

Keine Stangenware: Pete Dexters aus tiefer 

Dunkelheit strahlender Florida-Thriller „Paperboy“. 

Michael Saager 

Mit der Wahrheit ist das so eine Sache. Sie sei, schrieb Michel Foucault, „von 

dieser Welt“ – ein relativer, historisch beweglicher Begriff Definitionsmächtiger. 

Ein Konstrukt der Sieger. Auf jeden Fall nicht nicht sehr vertrauenswürdig. 

Und schwer zu schnappen erst! Wenn Ward James und Yardley Acheman, zwei 

junge investigative Starreporter der renommierten „Miami Times“ auf der Jagd 

nach dem Pulitzerpreis, sich im Frühsommer 1972 aufmachen, um in Wards Heimatstädtchen 

Lately den Mord an einem Sheriff neu aufzurollen, kommt ihnen 

bei ihrer Suche nach Wahrheit allerlei in die Quere: menschliche Mauern des 

Schweigens, hartnäckige Lügen, familiäre Altlasten, Sex und Gewalt, miteinander 

unvereinbare journalistische Haltungen, Abgründe, die Ward und Yardley 

finster aus dem Spiegel anstieren. Das volle Programm. 

Gleichwohl wirkt Pete Dexters Roman „Paperboy“ weder überfrachtet, noch 

ist sein herrlich dichtgefugter, atmosphärisch mit Kleinstadtmief, Parfümschwaden, 

Druckerschwärze und dem fauligen Odeur der Sümpfe Floridas aufgeladener 

Noir-Thriller zu nahe am Klischee-Wald gebaut. Freilich nahe genug: Der 

geläufige Spaß an einem Thriller speist sich ja nicht zuletzt aus der Anwesenheit 

einer Handvoll klassischer Grundthemen, sehr typischer Plot-Strukturen 

und überraschender Twists, die, weil sie so sicher kommen, wie das Amen in 

der Kirche, Überraschungen ohne echten Überraschungseffekt sind. Bahnbrechende 

Thriller-Innovationen sind nicht in Sicht, vielleicht auch gar nicht möglich. 

Deshalb handelt es sich bei der Lektüre von Thrillern (und erst recht von 

Krimis) beinahe notwendig um halbwegs bekannte Vergnügungstrips, gern mit 

nostalgischer Beinote. Weil sich das sowieso nicht ändern lässt, ist’s aber fast 

schon wieder egal. 

9 

Unschuldig oder nicht 

Fast – doch nicht ganz. Die Exposition von „Paperboy“ ist besonders toll, ja, 

nahezu originell. Sie sorgt für interessante Unklarheiten, ist politisch gehaltvoll, 

grandios grimmig und vermeidet es geschickt, Sympathiepunkte wie Bonbons 

zu verteilen. Sie speist sich aus der selbstverständlichen rassistischen Bösartigkeit 

des amerikanischen Südens in den 60ern und erzählt in lakonischem Tonfall 

von Sheriff Thurmond Call, der „in aller Öffentlichkeit sechzehn Schwarze 

umgebracht hatte und nie dafür zur Rechenschaft gezogen worden war“. 1965 

beißt der brutale Staatsbeamte ins Gras; er wird auf der Landstraße „vom Magen 

bis zur Leiste aufgeschlitzt“. Allerdings erst, nachdem er zuvor einen Weißen 

– und keinen Schwarzen – auf der Straße zu Tode getrampelt hat. Für den 

Mord an dem Sheriff sitzt der Vetter des zu Tode Getrampelten, ein gewisser 

Hillary Van Wetter, in der Todeszelle. Ein Arschloch sondergleichen! Unschuldig 

oder nicht? Das ist eine der großen Leitfragen von Paperboy“. Es gibt noch ein 

paar weitere. 

Was nicht unbedingt verwundert. Der 1943 geborene Dexter ist einer der wenigen 

Großmeister reflektiert-harter Noir-Thriller gesellschaftspanoramaartigen 

Zuschnitts. Ein gefragter Drehbuchautor ist Dexter außerdem. Vor dem Hintergrund 

der neuerdings so beliebten Umkehrung, die episch erzählte US-Fernsehserie 

sei der gegenwärtige Großroman in Bild und Ton, sollte man vielleicht 

darauf hinweisen, dass es großartige Serien wie „The Wire“ ohne kritisch (um 

die Ecke) denkende, soziologisch geschulte Autoren wie Richard Price, George 

Pelecanos oder Pete Dexter nicht gäbe. 

Dexter arbeitete fünfzehn Jahre als Reporter, bis er im Zuge dieser Tätigkeit 

schwer krankenhausreif geprügelt wurde. Ein Trauma, das regelmäßig durch 

seine Romane geistert. Für seinen wahrhaft fiesen, ebenfalls in den Südstaaten 

angesiedelten Rassismus-Thriller „Paris Trout“ bekam er 1988 den National 

Book Award. Dexters vielschichtiger Western „Deadwood“ diente der gleich-

namigen HBO-Serie als Vorbild. „Paperboy“, 1995 im Original erschienen, wurde 

2012 von Lee Daniels („Precious“) verfilmt, kein wirklich guter Film, leider: 

Obschon Daniels ein gewisses Gespür hat für doppelte Böden und die klebrigschwüle 

Spannung, die über den Romanseiten hängt wie zum Schneiden dicke 

Luft, fehlen seinem Film die thematische Komplexität und Tiefe des Romans. 

„The Paperboy“ ist die oberflächliche Trashversion des Buches. Obwohl Dexter 

am Drehbuch mitgeschrieben hat. Allerdings bedeutet ein Spitzendrehbuchautor 

beim amerikanischen Serien-Fernsehen eine Menge, im Kinofilmgeschäft 

dagegen beinahe nichts. 

Glücklicherweise ist „Paperboy“ ein umso besseres Buch. Einen nachdenklichen, 

die Geschehnisse im Rückblick zu verstehen suchenden Ich-Erzähler gibt 

es auch: Erzählt wird aus der Perspektive von Jack, dem jüngeren Bruder des 

notorisch verschwiegenen Wahrheitsfans Ward. Jack ist zwanzig und dabei, seinen 

Platz in der Welt zu suchen. Das ist anstrengend, keine Frage, zumal sich 

das Ziel der Suche nicht mal andeutungsweise zu erkennen gibt. Wegen einer 

Dummheit vom College geflogen, hilft Jack seinem Bruder als Fahrer bei den 

aufwendigen, zunehmend nervenaufreibenden journalistischen Recherchen. 

Nebenbei verknallt er sich in Charlotte Bless, eine attraktive, stark geschminkte 

Frau von nicht eben subtiler sexueller Ausstrahlung. 

Wortkarger Geheimnisträger 

Ganz dicht ist Charlotte nicht. Mörder ziehen sie magisch an. Auf Charlottes 

Betreiben hin ermitteln Ward und Yardley überhaupt erst. Zwar kennt Charlotte 

Hillary nicht persönlich, trotzdem bzw. gerade deshalb ist sie besessen von 

ihm, will ihn heiraten – unbedingt. Sie hat ihm freizügige Briefe in die Todeszelle 

geschickt. Bei einem ersten Treffen im Gefängnis starrt Hillary sie an wie ein 

hungriges Tier. Dann fordert er sie auf, die Beine zu spreizen – und ejakuliert in 

seine Hose. Dass Ward, Yardley und Jack zugegen sind, stört Charlotte und Hillary 

kein bisschen. 

Es ist beeindruckend, wie wenig Worte und Handlungen Dexter braucht, um 

Hillary als Prachtexemplar eines psychopathischen Widerlings unangenehm lebensprall 

vor uns entstehen zu lassen. Ein Mord ist diesem dominanten, verschlagenen 

White-Trash-Bewohner der Sümpfe Floridas locker zuzutrauen. 

Aber mit der Wahrheit ist es, wie gesagt, so eine Sache. In Dexters Roman versteckt 

sie sich lange – und sehr geschickt. Sie ist wie ein Sumpf. Sie riecht auch 

so. Und sie fordert Opfer. Das Zeitungswesen kriegt sein Fett weg, Intrigen zerstören 

Beziehungen, Knochen splittern, Leichen, mit denen man nicht rechnen 

konnte, finden nach einer Überschwemmung den Weg aus ihrem feuchten Gräbern 

ins Freie. 

Den wortkargen Geheimnisträger Ward treibt die Suche nach Wahrheit beinahe 

in den Wahnsinn. Und geradewegs in die Alkoholsucht. Die Dinge runterzubrechen, 

auf das, „was tatsächlich passiert“, darum geht es ihm die ganze Zeit. 

Vielleicht ist er naiv, aber traurig beipflichten möchte man ihm unbedingt. Und 

doch: Es ist hoffnungslos und endet schlimm. Und Jack? Der ist am Ende von 

„Paperboy“ zumindest erwachsen. Den Weg dahin hatte er sich vermutlich anders 

vorgestellt. 

Pete Dexter: „Paperboy“ 

(Liebeskind, 2013, 318 

Seiten, 19,80 Euro) 

The Paperboy (DVD) 

Regie: Lee Daniels; 

USA 2012; 111 Minuten; 

mit Zac Efron, Matthew 

McConaughey, Nicole 

Kidman u. a. 

www.print-o-rama.com 

10

C o m i c t h e o r i e 

Wiederholen und Werden 

Comics als Parodien der Vorstellung eines Originals: Jonas Engelmanns 

hoffentlich neues Standardwerk der Comictheorie „Gerahmter Diskurs. 

Gesellschaftsbilder im Independent-Comic“. 

Sven Jachmann 

Obwohl sich der deutschsprachige Comicmarkt in puncto Vielfalt seit einigen 

Jahren zu neuen Höhen aufschwingt, gilt das für Publikationen einer begleitenden 

Comictheorie nur bedingt. Der jährliche Ausstoß an Readern, Monografien, 

historischen Grundlagenwerken und analytischen Einführungen geht 

über den zweistelligen Bereich nicht hinaus. Jonas Engelmann, Literaturwissenschaftler, 

Kulturjournalist und Mitinhaber des Mainzer Ventil-Verlags, hat nun 

seine Doktorarbeit über „Gesellschaftsbilder im Independent-Comic“ veröffentlicht, 

und – Achtung: kontrafaktische Spielerei! – selbst wenn die deutschsprachige 

Comicforschung so viele Adepten hervorbringen würde wie die 

Wirtschaftswissenschaften Kapitalismusapologeten, zählte Engelmanns Arbeit 

zum mit Abstand Besten, was Comictheorie zu leisten imstande ist. 

Engelmanns wichtigster Stichwortgeber ist Ole Frahm. Dessen 2010 erschienenes 

Buch „Die Sprache der Comics“ (Philo Fine Arts) ist ebenfalls ein comictheoretischer 

Glücksfall. Beide Autoren sind sich einig in der Annahme, die Ankunft 

des Comics im Kulturbetrieb sei ein eher zweifelhafter Segen, weil die 

Adaption bürgerlicher Kunstbegriffe zur Beschreibung und Definition des Mediums 

seine strukturellen Eigenarten grundlegend verkenne. Die Forschung 

werde dominiert von einem teleologischen Geschichtsverständnis sowie einer 

Fixierung auf formale Erzählmethoden. Man stelle sich einmal vor, die kritische 

Analyse eines Film würde aus der Identifizierung des Einsatzes von Zooms, 

Reißschwenks und ihrer narrativen Verbindung bestehen – absurd. 

13 

Sehnsucht nach Identität 

Was bei bürgerlichen Kunstkategorien wie Avantgarde, Werk, 

Identität oder Original auf der Strecke bleibe, sei die „parodistische 

Ästhetik“ des Comics, die für Frahm wie Engelmann sein 

„Wesen“ auszeichnet. Weil der Comic prinzipiell mittels Unabgeschlossenheit 

und Wiederholung operiert – aufgrund seiner 

massenmedialen Herkunft, der Kluft zwischen den Zeichenebenen 

Bild und Text, der mit Bedeutung zu füllenden Lücke zwischen 

den Panels, den handlungsleitenden Figuren, die von Bild 

zu Bild stets nur die gleichen, niemals dieselben sind, der strukturellen 

Wiederholung im inhaltlichen Kontext der Panels, der Seite 

und des gesamten Albums etc. –, lasse er „die Sehnsucht nach 

Identität, einem Original oder der Wahrheit ins Leere laufen“. „Comics sind 

(…) Parodien der Vorstellung eines Originals, in denen die Konstruiertheit sinnhafter 

Ordnungen sichtbar wird.“ Die Folge: „Eine spezifische Selbstreflexivität, 

in der Kämpfe um Deutungsmacht und Wahrheit ausgetragen werden.“ Ich 

möchte glatt behaupten, dass man mit solcherart politischer Relektüre von Comicästhetik 

und Comicgeschichte am Tisch deutschsprachiger Comicforschung 

schnell ziemlich einsam dasitzt. 

Penibel arbeitet Engelmann sich durch die Rezeptions- und Definitionsgeschichte 

des Comics und bietet zugleich eine ideale Einführung, die nicht mit 

Überraschungen geizt: Wer hätte hinter dem allseits als Comicfresser verschrieenen 

Psychiater und jüdischen Münchner Immigranten Fredric Wertham 

einen Vertreter der Kritischen Theorie erwartet, dessen bis heute als Zensurtraktat 

missverstandene Untersuchung „Seduction of the Innocent“ von 1954 

weniger die Rettung des Abendlandes vor dem Comicschund, als die sich im 

Comic spiegelnden Deformationen von Gesellschaftsbildern im Blick hatte? 

Seine theoretischen Grundlagen und analytischen Zentralbegriffe „Wiederholung“ 

und „Werden“ entwickelt Engelmann zunächst exemplarisch anhand 

von Art Spiegelmans „In the Shadow of No Tower“, einer Erzählung über 9/11. 

Engelmanns Thesen lauten: Weil der Comic Wirklichkeit nur verfremdet dar-

stellen kann, muss er Objektivität gar nicht erst beanspruchen, sondern kann 

sich gleich die Frage stellen, woher seine Bilder zur Darstellung der Wirklichkeit 

kommen, sowohl werk- und mediumsimmanent als auch diskursiv. Und: 

In den leeren Flächen, Panelzwischenräumen und seriellen Darstellungen verbirgt 

sich das politische Potential der Comics. Die Konstellation der Figuren 

und Zeichen zueinander materialisiert sich mit jedem Bild neu – Ausgangslage, 

um über das Verhältnis von Subjekt, Identität und Geschichte nachzudenken. 

Entsprechend ist das Weiß des Zwischenraums ein Ort, „der keine letztgültige 

Wahrheit für sich beanspruchen kann, sondern über ‚Wahrheit‘, ‚Geschichte‘ 

und ‚Stereotype‘ reflektiert“. Auch wenn diese selbstreflexive Struktur Universalität 

beansprucht, sie kommt erst, räumt Engelmann ein, im Independent- 

Comic zum Einsatz. 

Wir wollen euren Mist 

nicht ausbaden 

AIDS und Epilepsie 

Die Beweisführung gliedert sich in drei Themenblöcke: Rassismus, Krankheit 

(unterteilt in AIDS und Epilepsie) und Religion, eingeleitet vom kulturgeschichtlichen 

und historisch-soziopolitischen Forschungsstand. Die analysierten Comics 

dürften größtenteils als kanonisiert gelten: Hergés „Tim und Struppi“-Album 

„Tim im Kongo“ und die subversive Aneignung dieses Klassikers durch die 

französische OuBaPo-Gruppe und einige Künstler der südafrikanischen Comiczeitschrift 

„Bitterkomix“; Charles Burns‘ AIDS-Parabel und 50er Horrorcomic- 

Transformation „Black Hole“; Frederik Peeters‘ autobiografische Perspektive 

auf AIDS als Metapher, „Blaue Pillen“; David B.s Comic über Epilepsie als familiäre 

Krisenerzählung, „Die heilige Krankheit“; Julie Doucets formales Spiel mit 

der eigenen Epilepsie im „New Yorker Tagebuch“; außerdem Marjane Satrapis 

„Persepolis“, ihre als Autobiografie fehlgedeutete Geschichte über die wechselseitigen 

Projektionen auf den Iran und den Westen; sowie Joann Sfars „Klezmer“, 

eine Dekonstruktion antisemitischer Stereotypen. 

Statt eines Fazits ein Appell: Sollte Ihr innerer Deutschlehrer ob einiger weniger 

Grammatikfehler oder der in wissenschaftlichen Arbeiten leider unvermeidlichen 

Wiederholungen insbesondere den Rotstift sehen, anstatt sich von 

klugen Argumenten überzeugen zu lassen, suchen Sie sich im Netz eine Kommentarfunktion 

Ihrer Wahl. Die Verbliebenen belohnen sich mit einem neuen 

Standardwerk der Comictheorie. 

Jonas Engelmann: 

„Gerahmter Diskurs. 

Gesellschaftsbilder im 

Independent-Comic“ 

(Ventil, 2013, 336 Seiten, 

24,90 Euro) 

14 15 

www.greenpeace.de 

Foto: Paul Langrock / Greenpeace

P o r t r a i t 

Geh in das Licht 

Almut Klotz war eine souveräne und romantische Frau. 

Christof Meueler 

Es ist ein komisches Gefühl, die neue Platte von Almut Klotz zu hören. Jetzt, da 

sie tot ist. Da drauf ist ein Hammer-Gospel, den ihr Ehemann Reverend Christian 

Dabeler singt: „Geh in das Licht / und verirre dich nicht dabei / geh in das 

Licht / und sei frei.“ Wir sind doch Atheisten, Materialisten, Rationalisten und 

kriegen die Augen nass. Blödsinn, es gibt keine Jenseits-Lichter, aber es gibt 

diese Platte, „Lass die Lady rein“, benannt nach einer Busbahnhof-Episode, als 

Klotz auf dem Weg zu Dabeler war. Und wenn sie im nächsten Lied davon singt, 

„dass die Beschissenheit der Dinge / und die ganzen Hässlichkeiten / ohne dich 

noch viel schlimmer sind“, dann denkt man unweigerlich, dass sich das auch 

über sie sagen lässt. Unabhängig davon ist es ein schönes Liebeslied. 

Mit lustigem Ernst 

Am 23. August ist die Platte rausgekommen, am 14. August ist Almut Klotz an 

Krebs gestorben, mit 51 Jahren. Die Krankheit hat sie bekämpft, immer wieder. 

Kürzlich hat sie den Reverend geheiratet, das Album aufgenommen, das Label 

gewechselt, die Ärzte getauscht, für September eine Tour gebucht. „Vielleicht 

gibt es irgendwo einen Sinn / und irgendwer weiß den Weg dahin, / wo Liebe 

wohnt (...) weil kein Tag ohne Liebe sich lohnt“ singt sie in einer epochalen Version 

des alten Schlagers „Oh, wann kommst du?“, mit viel mehr Dringlichkeit, 

aber auch größerer Sensibilität, als es Daliah Lavi 1970 getan hat. Das ist sozusagen 

die erwachsene Korrektur von „Liebe wird oft überbewertet / Liebe ist 

nicht so wichtig / wie man denkt“, dem Parolen-Hit der Lassie Singers, Almuts 

alter Band. In der Nacht vor der Hochzeit hat sich der Reverend am Hamburger 

Elbstrand allein mit Schnaps betrunken. Heiraten, was für eine Idee! Eine sehr 

wichtige. „Lass die Lady rein“ ist ein imposantes Soul-Album geworden, sparsam 

akzentuiert. Keine Bläser, aber eine süffige Orgel und ein dramaturgisch 

stets überzeugendes Schlagzeug. Südstaaten-Soul: Alex Chilton, Booker T., Rufus 

Thomas und eben Almut Klotz und Reverend Dabler, die sich hier die Gesangsparts 

teilen und alle Instrumente spielen. 

Als sie jung war, hat Almut Klotz düsteres Zeug gehört: Nick Cave, Joy Division, 

Tuxedomoon oder Suicide. Das war der Lederjackensound der mittleren achtziger 

Jahre, als sie aus dem Schwarzwald nach Westberlin kam, wo die Apocalypse 

gerne betrunken beschworen wurde, vorrangig von „männlichen Mitmenschen“, 

von denen die Lassie Singers später sangen. „Immer schön kompliziert 

/ und dann zwei Whiskey / und dann aber schnell nach Hause!“ Ja, das war das 

„Leben an der Bar“, das die Lassie Singers zu einer Mitsing-Soziologie verar- 

beiteten, gegen die Ignoranz als Livestyle, die in den damaligen Szene-Kneipen 

vorherrschte. Manche ihrer Texte wurden zu geflügelten Worten wie die Lieder 

des von ihnen verehrten Rio Reiser. Anfangs jedoch wurden sie als „Schlagerscheiße“ 

verachtet, kein einziges Indielabel wollte ihre Anti-Macho-Musik herausbringen. 

Den universellen Hitcharakter verstand, ähnlich wie ihr Hamburger 

Pendant Die Braut haut ins Auge, nur die Industrie. In der entstehenden Hamburger 

Schule, der sich die Lassie Singers in Berlin zurechneten, waren sie die 

weiblichen Außenseiter, ausgestattet mit einem lustigen Ernst, der den meisten 

Musikermännern gänzlich abging. 

17 

Am Strand, in den Dünen 

Zusammen mit ihrer Bandfreundin Christiane Rösinger, einer weiteren badischen 

Exilantin, praktizierte Almut Klotz einen genialen Feminismus, auf den 

Punkt genau und in der Schärfe noch heiter. Nach der Auflösung der Lassie Singers 

gründeten beide 1998 Flittchen Records, hedonistischerweise ein Label 

mit angeschlossenem Barbetrieb: Jeden Mittwoch luden sie in der Berliner Maria 

am Ostbahnhof zur Flittchenbar. Eine Keimzelle des deutschen Untergrunds, 

die Musik war live oder kam vom Kassettenrekorder auf dem Tresen. Flittchen 

Records war das erste feministisch orientierte Label in Deutschland, das pionierhaft 

den Sampler „Stolz und Vorurteil“ mit ausschließlich weiblich dominierten 

Bands rausbrachte, Untertitel: „A Compilation of Female Gesang, Gitarren 

und Elektronik“. An der Gründung der ersten deutschen Riot Grrrl Band, 

Parole Trixi, war Almut Klotz ebenfalls beteiligt. Anfangs war sie dort die einzige 

Musikerin, die singen und Gitarre spielen konnte. Das war auch so, als sie 

den Popchor Berlin aus der Taufe hob und bis zu 30 Leute aus dem kreativen 

Prekariat versammelte, mit denen sie Lieder als Lebenshilfe (von Cure, Smiths 

oder Missy Elliott) einstudierte. Eine ebenso lässige wie große Sache, getragen 

vom Charme der Almut Klotz. Der bewegt auch ihre Texte, die sie gut dosiert 

in Zeitungen veröffentlichte. Mit dem Reverend machte sie zwei Bücher 

beim Mainzer Ventilverlag, einen Zukunftsroman und eine Story-Sammlung. 

Wenn sie verreiste, fuhr sie gern ans Meer, und weil sie eine ebenso souveräne 

wie romantische Frau war, schlief sie da, wo es am schönsten ist: am Strand, 

in den Dünen. 

Der Artikel ist ein Nachdruck aus der Tageszeitung „Junge Welt“ – mit freundlicher Genehmigung der 

Redaktion. 

Almut Klotz & 

Reverend Dabeler: 

„Lass die Lady 

rein“ (Staatsakt/ 

Indigo)

P r i n c e A v a l a n c h e 

Die Fahrbahn markieren 

ab 

26.9. 

R o o m 2 3 7 

Verborgener Sinn 

ab 

19.9. 

Andreas Busche 

Zwei Männer schieben ihre Wägelchen durch eine menschenleere Landschaft. 

Sie haben nicht viele Gemeinsamkeiten – aber einen gemeinsamen 

Auftrag: die Landstraße mit gelben Mittelstreifen zu versehen. Das ist 

die Prämisse von David Gordon Greens seltsam entrücktem Buddy-Movie 

„Prince Avalanche“. Alvin (Paul Rudd) liebt seinen Job. Die monotone Arbeit 

gibt ihm Gelegenheit, über das Leben zu sinnieren und nebenbei für den Urlaub 

mit seiner Freundin Madison Deutsch zu lernen. Lance (Emile Hirsch) ist 

von der Ödnis und dem pedantischen Alvin zu Tode genervt. Seine Schwester 

Madison hat ihm den Sommerjob mit ihrem Freund besorgt, aber eigentlich 

würde der lieber Partys feiern und saufen. Davon kann an diesem gottverlassenen 

Flecken allerdings nicht die Rede sein. 

Es ist der Sommer 1988. Das 

texanische Hinterland hat 

eine Reihe von heftigen Flächenbränden 

erlebt, die die 

Gegend in eine verkrüppelte 

Einöde verwandelt haben. 

Darüber hinaus besitzen der 

Ort und die Zeit keine weitere 

Spezifität. Alvin und Lance rollen 

ihre Farbwagen durch eine 

Art postapokalyptische Landschaft, 

in der spät im Film die 

ersten Blüten zu sprießen beginnen. 

Die Natur verläuft zyklisch 

und dasselbe gilt auch 

für die Leben der beiden Helden 

der Arbeit. Viel passiert 

nicht. Zweimal begegnet ihnen ein alter Trucker, höchst amüsante Intermezzi 

wie aus einem Lynch-Film. Ein anderes Mal spricht Alvin mit einer alten Frau 

in ihrem ausgebrannten Haus, in dem er für einen kurzen Moment die Sehnsucht 

nach einem erfüllten Leben nachspielt. Alvin und Lance sind weitgehend 

auf sich allein gestellt – ein Gefühl, das sich auch im Film einstellt. 

David Gordon Greens Selbstfindungskomödie lakonisch zu nennen, wäre 

eine glatte Untertreibung. „Prince Avalanche“ erinnert an eine Miniatur, die 

in schöner Monotonie von der Einsamkeit zweier Kind-Männer erzählt. Jeder 

von ihnen versucht auf seine Art, das Leben in den Griff zu kriegen und befindet 

sich dennoch ständig auf der Flucht. Green entgeht dabei den Tücken 

der „Bromantic Comedy“, auch wenn die beiden ungleichen Charaktere in 

der unvermeidlichen Verbrüderungsszene ziemlich steil gehen. „Prince Avalanche“ 

schlägt überwiegend leise Töne an, die die verborgenen Charakterzüge 

der Figuren zur Geltung bringen. Die sanfte Melancholie steht im harschen 

Kontrast zur Landschaft, durch die ihr Selbstfindungstrip sie führt. 

Carsten Happe 

Viele Filme sind beim Verlassen des Kinos bereits vergessen, doch es gibt ein 

paar, die wachsen nicht nur mit jedem Sehen, man kann sich in ihnen sogar voll 

und ganz verlieren – und darüber zu einem komischen Kauz werden. So wie die 

fünf Protagonisten des Dokumentarfilms „Room 237“, die zwar nie im Bild zu 

sehen sind, deren Theorien sich aber in den Untiefen der Kubrick-Analyse festkrallen 

und ganz Erstaunliches zu Tage fördern. 

Das Zimmer 237 ist die berühmt-berüchtigte No-go-Area in Stanley Kubricks 

Stephen-King-Veredelung „The Shining“ – nicht bloß einer der gewaltigsten 

Horrorstreifen der Kinogeschichte, sondern bekanntermaßen auch ein Film voller 

Anspielungen, versteckter Metaebenen und Basis unzähliger Verschwörungstheorien. 

Also ein wahrer 

Quell der Freude für postmoderne 

Popkultur-Nerds mit 

zu viel Tagesfreizeit, die jedes 

Standbild einer Einzelanalyse 

unterziehen und nicht nur 

schlüssige Bezüge zum Genozid 

an Amerikas Ureinwohner, 

zum Holocaust oder zur 

gefaketen Mondlandung herstellen, 

sondern auch aus Logiksprüngen 

und banalsten 

Anschlussfehlern die grandiosesten 

Theorien zaubern. 

Meister Kubrick macht schließlich 

keine Fehler; bei diesem 

Perfektionisten ist alles Bedeutung, 

Verweis und Sinn. Und 

gerade weil die Filmbuffs in „Room 237“ häufig weit übers Ziel hinausschießen, 

macht diese Doku solch einen Spaß. Zumal es irgendwann gar nicht mehr um 

Kubrick und seinen Welttheaterentwurf geht, sondern um diese bewundernswerten, 

aber auch irgendwie traurigen Nerds. Eine gehörige Portion Selbstironie 

lässt sie freilich schon erkennen, worin sie sich mitunter verrennen. 

„The Shining“ parallel vorwärts und rückwärts abzuspielen, mag zwar eine hübsche 

Remix-Idee sein, doch der Erkenntnisgewinn bleibt schmal beziehungsweise 

ungefähr so groß wie bei jedem anderen Film auch. Die Akribie aber, 

mit der Karten vom Overlook-Hotel angefertigt werden, die unmögliche Fenster 

offenbaren – die natürlich auch wieder ihre eigene, besondere Bedeutung 

haben –, zeugt von wahrer Liebe zum Objekt. Wer die große Stanley-Kubrick- 

Ausstellung besucht hat, die vor ein paar Jahren durch Deutschlands Museen 

wanderte, und die abertausend Notizzettel gesehen hat, die Kubrick für sein 

gescheitertes „Napoleon“-Projekt angefertigt hatte, kann sich leicht vorstellen, 

wie stolz der enigmatische Filmemacher auf „Room 237“ und die Leidenschaft 

seiner Protagonisten gewesen wäre. 

Regie: David Gordon Green; 

USA 2013; 94 Minuten; 

mit Paul Rudd, Emile Hirsch, Lance LeGault u. a. 

Regie: Rodney Ascher; 

USA 2012; 102 Minuten; 

mit Bill Blakemore, Geoffrey Cocks, Juli Kearns u. a. 

18 19 Filme

E g o z e n t r i k u n d I r o n i e 

Instagram, du geile Sau! 

Henning Lisson 

Vorsicht, dieser Text ist von Social-Internet-Insider-Anglizismen durchzogen. 

Wer also nicht dazugehört, soll aufhören und den sehr guten Text auf der Seite 

davor oder den tollen Text über die Ouya-Konsole auf der rechten Seite lesen. 

Mir geht‘s heute um des Hipsters Lieblingswerkzeug (neben dem hochgeklapptem 

Biker Hat, Fixed Gear Bike, zu großem Sweater, einem gelangweilten Blick 

und Ironie, natürlich): Instagram. 

Warum Instagram nervt: Filter Overload, Hot-Dog-Beine, #Catcontent, Futter-Fotos, 

#RKOI, Bilder von dramatischen Wolken, Ich-fotografiere-runter-aufmein-Outfit-und-meine-Schuhe-Selfies, 

Flughafen-Selfies, Duckface-Selfies und 

überhaupt viel zu viele Selfies (das sind Selbstaufnahmen). 

Warum Instagram großartig ist: Filter, Hot-Dog-Beine, #Catcontent, Futter-Fotos, 

#RKOI, Bilder von dramatischen Wolken, Flughafen-Selfies, Ich-fotografiere-runter-auf-mein-Outfit-und-meine-Schuhe-Selfies, 

Duckface-Selfies. 

Das ist wie mit Burgern, Timberlake-Songs oder Fast & Furious-Filmen: Klar 

sind die scheiße und ungesund, aber eben auch geil auf ‚ne Art. Natürlich 

schau ich mir in meinem Instagram-Feed gern schöne, stilvolle Fotos oder elaboriert-humorvolle 

Motive an. Genauso gerne jedoch Hot-Dog-Beine und Rich- 

Kids-on-Instagram. Aber bitte, das soll gesagt sein, nicht mit dieser Scooter 

rechtfertigenden Das-ist-so-scheiße-dass-es-wieder-geil-ist- 

Attitüde. Ich finde das wirklich gut, zum Teil aus rein voyeuristischen 

Motiven freilich. Ich merke ja auch, was bei mir gut 

gefunden wird. Fotografiere ich die Katze, mit der ich seit 

kurzer Zeit in einer Wohnung lebe, ist das eine Bank für mindestens 

15 Likes. Ein Selfie im Fahrstuhldeckenspiegel kann 

auch schonmal 20 bis 30 bringen – kommt wahrscheinlich auf 

die Frisur an. Instagram ist sowas wie meine letzte Seite der 

„BILD“-Zeitung. Die mit den manchmal etwas gestellt sexy 

blickenden Promis. Aber bitte liebe Mitnutzer, verkneift euch 

doch die Pseudo-Ironie. Es geht auch ohne. 

In letzter Zeit war viel zu lesen über das unangenehme Ausmaß 

an Ironie, welches soziale Netzwerke in den Menschen 

hervorbringt. Niemand meine mehr etwas ernst, da man sich 

bei Facebook, Twitter und wie sie alle heißen, ums Repräsentieren 

seines Images bemühen aber gleichzeitig auf nichts 

festlegen wolle. An den Feinheiten seines Charakters feile 

man schon gar nicht mehr, man wolle nur noch wirken, am 

besten cool. Naaja. Da soll wohl ein Missverständnis zum allgemeinen 

Problem hochgejazzt werden. Das kommt vom 

ständigen Generationen-Denken. Generation Golf, Generation 

X, Generation Facebook, Generation Praktikum, Generation Generation … 

Geschenkt, die Verlässlichkeit in Aussagen ist vielleicht nicht des Social-Surfers 

liebstes Kind. Kommunikation über Codes und unter Berücksichtigung derselben 

ist jedoch keine Erfindung dieser digital geprägten Jahre. Den Veröffentlichenden 

war die Ironie immer schon eher selten fremd. Ob Sokrates, Autoren 

der Romantik oder Wolfgang Menge, alle haben sie den Sinnwert ihrer Aussagen 

zu ihren Zwecken verkehrt. 

Also, gleiches Recht für alle. Und wenn ich so nachdenke, ist es mir eigentlich 

auch egal, ob ein Foto ironisch gemeint ist oder nicht. Hauptsache mir gefällt‘s. 

K o n s o l e : O u y a 

Spielen an der Basis 

Florian Brauer 

Auf der diesjährigen Gamescom in Köln stehen nach etwa sieben Jahren Hardwarezyklus 

abermals alle Zeichen auf Generationswechsel. Eine neue Konsolengeneration 

wird eingeläutet, und wie immer treiben die Spekulationen, wer 

bei den Konsumenten die Nase vorn haben wird, die tollsten Blüten. Ob es 

die Playstation 4 von Sony, die Xbox One von Microsoft, oder doch Nintendos 

WiiU sein wird, werden wir erleben. Alle haben sicherlich ihre Vor- und Nachteile 

– was diese drei großen Konsolen jedoch gemein haben, ist ihre hermetische 

Geschlossenheit gegenüber nicht-proprietären Inhalten. Die Wahl einer Konsole 

gleicht einem Glaubensbekenntnis: Ich wähle XY, weil ich glaube, dass meine 

Vorlieben dort am besten befriedigt werden – und übergebe gleichzeitig 

alle Befugnisse an meinen Entertainment-Provider, in der Hoffnung, dass die da 

oben mich nach Auswertung meiner 

Daten noch fester an sich binden. 

Etwas anders ist es bei der Konsole 

namens Ouya. Ouya begann als Kickstarter-Projekt 

vor etwa zwei Jahren. 

Mit Hilfe einer Plattform wurde zunächst 

das grundsätzliche Interesse 

an einer mehr oder weniger unabhängigen 

Konsole ausgelotet, und wegen 

umwerfender Resonanz sowie rekordverdächtigen 

Schwarm-Investitionen 

wurde die Ouya schließlich Realität. 

Basierend auf dem Android-Betriebssystem, das immer schon als Open-Source-OS 

konzipiert war, steht der Gedanke der Zugänglichkeit bei Ouya ganz vorne. 

Die Konsole, kaum größer als ein Rubikwürfel, lässt sich einfach öffnen und 

bietet sowohl hardware-, als auch softwaretechnische Anschlussmöglichkeiten. 

Ouya soll es einfacher machen, unabhängig entwickelte Spiele bereitzustellen 

und sie den kritischen Blicken der Spieler zu unterziehen. Zugegeben, die großen 

Blockbuster sind ihre Sache nicht, und auch der mitgelieferte Controller 

kommt in der Verarbeitung nicht an die Konkurrenz heran – doch es gibt eine 

Menge kleiner Videospiele, die auf der schlicht gestalteten Benutzeroberfläche 

kostenlos ausprobiert werden können, bevor sie bei Gefallen für wenig Geld fix 

herunterzuladen sind. Zurzeit scheinen es im Videospiel-Business genau diese 

innovativen und kreativen Games zu sein, um die sich alle reißen, und mit denen 

man sich gerne schmückt. Blickt man nämlich auf das Feld der Bestseller, 

sind da immer nur die üblichen Fortsetzungen und Remakes altbekannter und 

erprobter Konzepte zu finden. Die etablierten Entwickler und Publisher sind zu 

unbeweglich, sich auf ein Projekt mit ungewissem Ausgang einzulassen. 

Ouya ist keine keine ernstzunehmende Konkurrenz für die großen Konsolen. Allerdings 

häufen sich mittlerweile die Zeichen, dass man nicht schon dann medienkompetent 

ist, wenn man weiß, wie Konsolen angeschaltet werden – sofern 

sie das beim Betreten des Raumes nicht ohnehin automatisch tun –, sondern 

dass zumindest Wissen darüber vonnöten ist, wie die Verwertungskanäle im 

Spielegeschäft funktionieren und worin die Möglichkeiten bestehen, selbst in 

das System einzugreifen. Es ist der Ouya zu wünschen, dass sie weiterentwickelt 

wird und auf Dauer ihren Teil zu der Vielfalt von Videospielen beitragen kann. 

20 Digitales 21 Spiele

Die Platte 

am Anfang 

No Age 

An Object Sub Pop/Cargo Records 


Als „No Age“, eine Doppel-LP mit Instrumentalstücken 

von Black Flag, Blind 

Idiot God, Universal Congress Of und 

Gone 1987 bei SST Records erschien, 

war die wilde Phase des 1978 vom genialen 

Black-Flag-Gitarristen Greg Ginn gegründeten 

Plattenlabels schon ein Weilchen vorbei. Mit 

der Veröffentlichung von über 80 Tonträgern allein im Jahr 

1987 befand SST sich auf dem Sprung zum Majorlabel; und 

nur vier Jahre später, unter anderem sündhaft teurer Urheberrechtsstreitigkeiten 

wegen, auf dem Weg in den Ruin. 

Von den zahlreichen Möglichkeiten junger Bands, der Vergangenheit 

Reverenz zu erweisen, hat sich das 2005 auf 

den Trümmern der SST-Hardcore-Epigonen Wives gegründete 

Duo No Age eine der schönsten ausgesucht: Liebevolle 

Erinnerungsarbeit zu leisten, indem man sich nach einem 

Sampler benennt, der vollkommen anders klingt als 

man selbst und den, so viel Nerdtum muss erlaubt sein, 

schon 1987 kaum ein Schwein kannte – das hat Charme. 

Charme ist nicht das schlechteste Stichwort, um den dynamischen 

Krachtüftelsound von Gitarrist Randy Randall und 

den lässig Vokale zerdehnenden Sänger und Schlagzeuger 

Dean Spunt zu skizzieren. Als die in Los Angeles lebenden 

Musiker 2008 von Fat Cat zu jenem Label gewechselt waren, 

das, im Zuge der Grunge-Goldgräberstimmung zum 

Beinahe-Major aufgepumpt, seinem eigenen Größenwahn 

um ein Haar zum Opfer gefallen wäre, schrieb ein hocherfreuter 

Martin Büsser: „Sie sind das Quirligste, Ungestümste 

und Radikalste, was Sub Pop an Neuzugängen zu 

bieten hat.“ 

Auf ihrem vierten Album „An Object“ haben sich No Age 

von der ungestümen, mitunter selbstzerstörerischen Wildheit 

der frühen Phase bislang am deutlichsten entfernt. 

Der Ramones-selige, der Brooklyner Zwei-Mann-Band Japanther 

nicht unähnliche Kokainpunk wird an der kurzen 

Leine gehalten. Selbstverständlich dröhnt, brummt und 

bollert „An Object“ allemal laut und interessant genug. 

Man könnte sich die Platte als ein mit grobem Sandpapier 

bearbeitetes, durch krispelnde Drones, satte Feedbackschleifen 

und allerlei erlesene Verfremdungseffekte rhizomartig 

zum Wuchern gebrachtes, allerdings eher nachdenklich 

lärmendes und eben nur selten hyperaktiv gehetzt 

wirkendes intelligentes Wesen mit gutem Gedächtnis 

und leichtem Hang zu Nostalgie vorstellen. 

Zwar erkennt ein jeder, was er am liebsten erinnert. Dass 

dem Rezensenten beim Anhören dieses ziemlich großartigen 

Albums mit Flipper, Mission of Burma, Feedtime, Sonic 

Youth, Spacemen 3 und Loop prompt die tollsten Noise-Art-Experimentatoren 

und stursten Spacerock-Wiedergänger 

einfallen, kann aber doch kein Zufall sein. Eher 

schon etwas, das es gar nicht gibt: glückliche Fügung. 

Roy Harper 

Man & Myth 

Bella Union/Coop/PIAS 

Markus von Schwerin 

Aufmerksamen Fans von Joanna Newsom 

dürfte Newsoms Engagement für 

den britischen Proto-Free-Folker Roy Harper 

kaum entgangen sein. Harpers Ausschweifungen 

im Narrativen wie auch 

beim Gesang (mal brummt er wie Bert 

Jansch, mal kippt die Stimme ins scharfe Falsett) haben die 

Harfenistin stark beeinflusst. 

Als die Kalifornierin 2010 durch England tourte, war Harper 

Newsoms Special Guest; sie spielte ihrerseits bei seiner Geburtstagsgala 

zum Siebzigsten auf. Das tat auch ihr Landsmann 

Jonathan Wilson, AOR-Folkrock-Revivalist mit Grunge- 

Vergangenheit, dessen Solodebüt von 2011 sich solcher Beliebtheit 

erfreute, dass er Paten wie Graham Nash oder die 

noch lebenden Mitglieder von Grateful Dead in sein Vintage-Studio 

locken konnte. Auch Roy Harper schlug die Offerte 

nicht aus, was die Vollendung seines ersten neuen Albums 

seit dreizehn Jahren zumindest beschleunigte. 

Allerdings sind jene Lieder auf „Man & Myth“, die das Charakteristische 

an John Peels Lieblingskauz besonders schön 

hervorheben, allesamt in Harpers Heimstudio im irischen 

Cork entstanden. Und während so das von Wilson produzierte 

„Cloud Cuckooland“ über maulendes Lamentieren 

(„We are condemned to make the same mistakes all over 

again“) nicht hinausgeht und dabei so uninspiriert rockt wie 

Neil Young zu schlechten Zeiten, vermag „January Man“ in 

seinem entspannten Duktus, nur unterlegt von offenen Akkorden 

und dezentem Streicherarrangement, an Harpers 

Meisterballade „Commune“ anzuknüpfen. Die Vermutung, 

dass Zeilen wie „With you on my mind / Your words in rewind 

/ On eternal replay“ die folgenreiche Begegnung mit Joanna 

Newsom, Harpers fast vierzig Jahre jüngerer Schwester im 

Geiste, verarbeiten, erscheint da nicht allzu abwegig. 

Rocketnumbernine 

Me You We You Smalltown Supersound/Rough Trade 

Ulrich Kriest 

Tom und Ben sind Brüder aus London, 

mit Nachnamen heißen sie Page. Ben 

spielt allerlei analoge Keyboards und Tom 

ziemlich gut Schlagzeug. Als Four-Tet- 

Mastermind Kieran Hebden sich vor ein 

paar Jahren die mittlerweile verstorbene 

Schlagzeug-Legende Steve Reid schnappte, um ein ähnlich 

musizierendes Duo auf die Beine zu stellen, waren die Brüder 

Page derart begeistert, dass sie ihrerseits mit Reid zu 

arbeiten begannen und Hebden zum Mentor erkoren. 

Gemeinsam ertüftelte man Sounds – spartanisch, druckvoll, 

präzise, irgendwo zwischen Dance und Punk und Electronica, 

gern im schmierig-hypnotischem Midtempo. In 

den besten Momenten kommt noch eine Prise Astral- und 

Afro-Jazz ins Spiel. Rocket Number Nine kollaborierten mit 

Four Tet, begleiteten Radiohead auf Tour und veröffentlichten 

ausgeschlafene Tracks wie „Rotunda“ oder „Lope“, 

die allesamt einen interessierten Blick zurück in die frühen 

90er Jahre werfen. Oder „Matthew and Toby“: ein bestens 

abgehangener Achtminüter zwischen Afrika und Detroit, 

der unvermittelt rockig wird. Schräg und schön. 

Das Album „Me You We You“ versammelt die genannten 

Tracks sowie sechs weitere. Es ist so etwas wie ein erster größerer 

Arbeitsbericht. Auf der Website von Rocketnumbernine 

ist ein Konzertbericht des Autors Luke Holloway gepostet: „Rocketnumbernine 

readily take everything you think you know 

about dance music and leave the whole nonsense in their shattered 

groove-groping wake. The drummer plays (and looks) like 

Keith Moon’s son, if you left him in a room full of narcotics and 

an UNKLE-CD.“ Klingt ziemlich vielversprechend, oder? 

Future Bible Heroes 

Partygoing Merge/Cargo Record 


Was macht der amerikanische Songwriter 

Stephin Merritt, wenn er gerade keine 

zauberhafte Lo-Fi-Pop-Platte für sein 

Lieblingsprojekt, die sagenhaften The 

Magnetic Fields, einspielt? Dann schreibt 

der Mann mit dem herzergreifend charismatischen 

Brummbariton möglicherweise zauberhafte 

Electropop-Songs für sein anderes Lieblingsprojekt, 

die sagenhaften Future Bible Heroes, deren drittes Album 

„Partygoing“ kürzlich erschienen ist. 

Auf „Partygoing“, wie auch auf den beiden zuvor veröffentlichten 

Alben der 1995 gegründeten Future Bible Heroes, 

hält Merritt sich fern von der Vielzahl an Instrumenten, 

die er sonst zu spielen pflegt. Und überlässt zwar nicht 

das Schreiben der Songs und das Texten augenzwinkernd 

misanthropischer Gemeinheiten, wohl aber das Instrumentieren 

und Arrangieren der melancholischen Miniaturhymnen 

dem Einfallsreichtum von Keyboarder Chris Ewen. 

Ewen hat ein kaum zu überhörendes Faible für die unterkühlt 

sehnsuchtsvolle, an großstädtische Verlorenheit und 

Neonreklame bei Nacht erinnernde 80er-Wavepop-Synthetik, 

wie man sie von OMD, den frühen Neon Judgement 

und von Human League kennt. Merritt wiederum teilt sich 

den Gesang mit Claudia Gonson, deren Stimme bei weitem 

nicht so ätherisch-sexy klingt wie die von Merritts Magnetic-Fields-Partnerin 

Shirly Simms. Macht aber nichts, Gonsons 

Gesang ist nämlich auch toll, ihr Timbre dunkler, herber, 

wissender. Eine kluge Frau, bei der Geheimnisse aller 

Art gut aufgehoben wären. Jedenfalls hört sie sich so an. 

Franz Ferdinand 

Right Thoughts, Right Words, Right Action 

Domino/Good to go 


„Tonight: Franz Ferdinand“ (2009) war wie 

ein müder, sehr angestrengter Ackergaul 

in der Disco. Traurig fragte man sich damals, 

wie es hätte aussehen können, das 

perfekte, rundum glücklich machende Album 

Franz Ferdinands. Und hatte keinen 

Schimmer. Heute, wo der Hipster-Glitter der Band komplett 

ab ist, fragt man sich das nicht mehr. Zum Glück fürs irgendwie 

ganz nette vierte Album Franz Ferdinands. Das hat ein 

paar hübsche Melodien, und man kann dazu in der Indie- 

Disco tanzen. Es ist nicht so verkrampft wie das dritte. Und 

irgendwo da draußen wird es Menschen geben, die es richtig 

super finden. Die haben Glück, oder etwas ähnliches. 

22 tonträger

R o m a n 

Frühling auf dem Mond 

Julia Kissina 


Kiew stirbt. Scharf wie ein Beil fällt die Heldin in Julia 

Kissinas Debütroman dieses Urteil über die Stadt 

ihrer Kindheit. Als Heranwachsende hat sie die 

Hauptstadt der Sowjetrepublik Ukraine an der Seite 

ihres Vaters durchstreift und wie ein Schwamm Geschichten 

aufgesaugt: von vorrevolutionären Champagner-Banketten, 

dem Massaker von Babi Jar und 

in Waisenhäusern wimmernden Babys deutscher 

Soldaten. Immer mehr Bagger rollen heran und löschen 

die letzten Winkel des alten Kiew allmählich 

aus. Die Bevölkerung verschwindet in Plattenbauten. 

Längst gleicht Kiew in den 1970er Jahren einem 

wurmzerfressenen Apfel. 

Ist der Ton in Kissinas Roman deshalb zerfleddert 

von Jammer? Nicht im Geringsten. „Frühling auf 

dem Mond“ pulsiert vor Leben, Verrücktheit und 

Poesie. Die Welt, die wir heute kennen, steht hier 

komplett auf dem Kopf: So gilt es als subversiver 

Akt, in der Kirche mit Maria zu plaudern (die Jungfrau 

stellt sich schon bald als stramme Atheistin heraus). 

Offiziell dürfen allein die Helden der Sowjetunion 

verehrt werden – was die Schulkinder nicht 

daran hindert, eine unbezahlbare Puschkin-Reliquie 

für einen Lippenstift und ein Nacktbild einzutauschen. 

Zwar gilt die Zeit unter Breschnew als sanfte 

Ära, doch ein Freund des Vaters 

bekommt die Härte des KGB zu spüren, 

als er seinen Freunden heimlich 

Salz aus dem dekadenten Westen 

kredenzt. Noch im Tod schlägt er 

dem Staat ein Schnippchen: Selbst 

der Schlips, an dem er sich erhängt, 

ist Importware. 

Wohl niemals, so philosophiert die namenlose Heldin 

in „Frühling auf dem Mond“, werde ihre mystische 

Berauschung der frühen Jahre zurückkehren. 

Heute lebe sie nicht mehr „gänzlich losgerissen von 

der Realität“ inmitten eines Reigens von „Seepferdchen 

in Brabanter Spitze“. Steht dieser kluge Episoden-Roman 

über eine magische Kindheit deshalb 

nicht auf dem Boden der Tatsachen? Keineswegs. 

Vom Mond aus sieht Kissina die baulichen und ideologischen 

Ruinen ihrer Heimat viel klarer, als wir 

Sterblichen hier auf Erden es je könnten. 

S e l b s t e x p e r i m e n t 

Mein Wahlkampf 

Oliver Maria Schmitt 

Thomas Schaefer 

Früher, als zwar nicht alles gut, aber doch besser 

war als heute, wussten die Menschen ihr Wohl 

noch der magischen Aura des Reims anzuvertrauen, 

z. B. in der Werbung. Das macht man heute 

nicht mehr. Doch sollten wir nicht so tun, als seien 

die Verhältnisse, unter denen wir leiden, alternativlos, 

z. B. in der Politik. Man stelle sich vor, der SPD- 

Kanzerkandidat Steinbrück verfügte über ein innovatives 

Wahlkampfmanagement, das fähig und 

bereit wäre, so etwas auszuhecken: „Vorwärts statt 

zurück – wählt Peer Steinbrück!“ Diese Überlegung 

kam mir bei der Lektüre von O. M. Schmitts „Mein 

Wahlkampf“. 

Schmitt ist nicht nur ehemaliger „Titanic“-Chefredakteur, 

Autor sehr guter Romane („Anarchoshnitzel 

schrieen sie“) und anderer sehr guter satirischer 

Texte, sondern auch Politiker. Er kandidierte 

in seiner Heimatstadt Heilbronn als Landtagskandidat 

sowie als OB seines Wohnsitzes Frankfurt/Main. 

Bei seinen Kampagnen sicherte er sich sehr viele 

Stimmen (0,2 bis 1,8 %), vermutlich, 

weil auf seinen Wahlplakaten zu lesen 

war: „Macht alle mitt – wählt Oliver 

Schmitt!“. Nun kandidiert er in 

Konkurrenz zu Steinbrück und Amtsinhaberin 

Merkel bei der Bundestagswahl 

um den Einzug ins Kanzleramt, 

und zwar für DIE PARTEI. 

Weil es sich hier um ein unparteiisches Medium 

handelt, soll nicht über diese Partei, die aus dem 

Humus des „Titanic“-Satire-Umfelds erwachsen ist 

und manche Menschen schockt, indem sie für den 

Wiederaufbau der Mauer plädiert und auch sonst 

provokant auftritt, debattiert oder gar für sie geworben 

werden. Auch zu Schmitts Buch äußern wir 

uns differenziert, objektiv und distanziert, indem 

wir zu Kauf und Lektüre desselben auffordern. Es 

ist eine sehr gute Anleitung für Menschen, die Politiker 

werden wollen oder es bereits sind und 

bei Wahlen kandidieren möchten. Man lernt u. a., 

wie gut es sich macht, wenn man auf einem Plakat 

in Gesellschaft von Kaninchen abgebildet ist 

und – jetzt ist hier kein Platz mehr für weitere Argumente. 

Macht alle mitt – lest das Buch von Oliver 

Schmitt! 

R o m a n 

Gluthitze 

Joe R. Lansdale 


Man muss sich Joe R. Lansdale als herzhaft harten 

Knochen mit galligem Humor vorstellen. Im Vorbeigehen 

haut der 1951 in Gladewater/Texas geborene 

Autor solche Sätze raus: „Für mich ist die Menschheit 

wie ein schmarotzender, hungriger Köter ohne 

Zuhause, der permanent über den Highway trottet, 

immer hin und her. Früher oder später erwischt ihn 

ein Auto.“ 

Für seine grandios abgründigen, herrlich blutunterlaufenen 

Thriller wurde Lansdale mit dem American 

Mystery Award, dem British Fantasy Award und 

gleich fünfmal mit dem Bram Stoker Award ausgezeichnet. 

Lansdale, der mehrere Kampfsportschulen 

betreibt, und dessen Karriere in der hierzulande 

als halbseiden geziehenen Pulp-Szene begann, ist 

in den USA längst weltberühmt. 

Passend zum Wetter ist diesen Sommer „Gluthitze“ 

neu bei Suhrkamp erschienen. Erzählt wird aus der 

Perspektive Cason Statlers. Der Mann hat es, wie jeder 

anständige, kaputte Held eines garstigen Thrillers, 

nicht eben leicht – er ist vom Pulitzer-Preis- 

Anwärter zum traumatisierten Irak-Veteranen und 

selbstmitleidigen Säufer heruntergekommen. Das 

Leben ist eine blöde Sau, schon klar. 

Bisweilen aber hält es interessante 

Überraschungen bereit: Nachdem 

Cason in seiner Heimatstadt als Kolumnist 

des lokalen Käseblatts angeheuert 

hat, stolpert er über den rätselhaften 

Fall der verschwundenen 

Geschichtsstudentin Caroline. 

Eine ebenso temporeiche wie verzwickt wendungsreiche 

und in puncto Bösartigkeit – bei lebendigem 

Leibe gehäutet zu werden, ist kein Spaß, liebe Leserinnen 

und Leser! – schwer zu toppende Geschichte 

nimmt ihren verheißungsvollen Lauf. Ein rasanter Plot, 

in der ein sadistischer Gaukler und eine unverschämt 

schöne Schönheit mit mordsgefährlichem Dachschaden 

allerlei diabolische Spielchen spielen und uramerikanische 

Themen wie Rassismus und Bigotterie 

angemessen prominente Plätze unter flirrender texanischer 

Kleinstadtsonne zugewiesen bekommen. Man 

wird ganz blöde vor lauter Anspannung, staunt über 

die lakonisch lässigen Dialoge und nicht zuletzt darüber, 

wie locker Thriller-Großmeister Lansdale nahezu 

sämtliche Klischee-Klippen umschifft. Geiler Typ. 

Suhrkamp, 2013, 249 Seiten, 18,95 Euro 

Rowohlt Berlin, 2013, 256 Seiten, 9,99 Euro 

Suhrkamp, 2013, 390 Seiten, 8,99 Euro 

24 Bücher

N e u e s S t ü c k 

Familiengespenster 

S c h w e d e n 

Als Gotland am Äquator lag 

Tina Fibiger 

Wie unter einer Glasglocke rumoren in den Dramen Henrik Ibsens die verdrängten 

Altlasten, die jede Familie mit sich schleppt. Der offene Diskurs über 

die Lebenslügen seiner Figuren ist auch in seinem „Gespenster“-Szenario 

längst überfällig. Aber dazu braucht es einen Störfaktor, der all die Sprachbastionen 

einreißt, die sich um die verkrüppelten Seelenlandschaften so zwanghaft 

souverän behaupten. Hier bringt die Regisseurin Eva Maria Baumeister für 

ihre Inszenierung am Jungen Theater Lou Andreas Salomé ins Spiel: Die Glasglocke 

bekommt Risse, als sich Göttingens erste Analytikerin in das verabredete 

Schweigen im Hause Alving einmischt. Ihre eigenwillig wachsam fordernde 

Stimme hat die Autorin Daniela Dröscher aus Briefen, Erzählungen und Texten 

für das Szenario „Gespenster in Göttingen“ kondensiert und dabei auch ein 

Kapitel Familienbiografie der Lou Andreas Salomé für dieses Schauspiel noch 

einmal methodisch betrachtet. 

Eva Maria Baumeister sieht Salomé als Frau, die ihr analytisches Handwerk 

nicht benutzt, um auf Wahrheit zu drängen. Erst einmal geht es darum, überhaupt 

eine offene Sprache zu finden, Fragen an sich selbst zu stellen und sich 

von dem typischen Muster zu lösen, immer andere für die eigene Geschichte 

haftbar zu machen. Mit dieser Fähigkeit zur Klarheit nähert sich Lou als teilnehmende 

Beobachterin dann Ibsens Figuren und ihrer Sprachfestung mit einem 

ungewöhnlichen Requisit. Sie trommelt immer wieder auf einem Schlagzeug, 

reanimiert mit Rhythmen und Taktlosigkeiten die Körpersprache der Figuren, 

in der das gemeinsame Lügengebäude mitteilbar gemacht werden kann. Mit 

dem Schlagzeug als Symbol für Auf- und Ausbrüche aus Konventionen, Zwängen 

und Lügenkonstrukten kommt Bewegung in die statischen 

Verhältnisse, unter denen Helene Alvig auf ihrem Landgut über 

die Familiengespenster herrscht. Sie möchte ihrem verstorbenen 

Gatten nach zehn Jahren ein Denkmal setzen, im Bündnis 

mit ihrem moralischen Tugendwächter Pastor Manders. 

Schweigen herrscht über die uneheliche Tochter Regine, die 

die Rolle des Dienstmädchens auf dem Landgut zugewiesen 

bekam, und über das, was ihren Ersatzvater umtreibt. Schweigen 

herrscht auch über die Entfremdung, die Sohn Osvald ins 

künstlerische Exil trieb und bei seiner Heimkehr virulent wird. 

Die Regisseurin Baumeister arbeitet mit einer Raumbühne, in 

der Ibsens Figuren wie in einem Labor erfahrbar werden – wie sie sich Salomés 

Interventionen penetrant verweigern und die insistierende Trommlerin nicht 

wahrnehmen wollen. Diese sondiert aus klassischer Bühnenperspektive das 

Glasglockenterrain und stützt die Stimme von Osvald, der das verräterische 

Konstrukt nun erstmals sabotiert. Schon die Aufforderung: „Sie müssen lernen, 

ihre Eltern zur Seite zu stellen, wie eine Vase ins Blumenzimmer“, ist ein Affront 

gegen das Haltbarkeitsdekret der heiligen Familie. 

Auf die Heilsversprechen einer Psychoanalyse ist für die Freudschülerin kein Verlass, 

wenn die Konventionen nicht hinterfragt werden und die Beziehungsmuster, 

die Lou Andreas Salomé anders eingefordert und auch anderes gelebt hat, 

nicht in Frage gestellt werden. Auch damit kollidieren Ibsens Figuren, die sich nie 

aufrichtig an ihre Wünsche und Visionen herangetraut haben. Und die nicht wagen, 

eine Mutprobe anzunehmen, die eine aufrührerische Trommlerin zur Selbstbestimmtheit 

einfordert. Zur JT-Premiere der „Gespenster in Göttingen“ am 5. 

September wird sich zeigen, welche Familiengespenster sie so auch verjagt. 

Gespenster in Göttingen * 

Junges Theater; 

Regie: Eva Maria Baumeister 

* 

Ensemble 

(Foto: Clemens Eulig) 


Ohne Antje Rávic Strubel wäre ich nicht hier. Windzerzaust stehe ich am Pier 

von Nynäshamn, denn die Potsdamer Autorin hat mich mit dem Gotland-Virus 

infiziert. Beständig prasselten mir beim Lesen ihres Romans „Sturz der Tage 

in die Nacht“ Feuersteine und versteinerte Schwämme auf die Knie – 419 Millionen 

Jahre alte Schwämme aus dem silurischen Zeitalter. Bei jedem Umblättern 

war mein Zimmer von Gischt erfüllt. Hinten am Horizont taucht jetzt Visby 

auf: Gigantischen Walskeletten gleich ragen Kirchen ohne Dächer in den 

kornblumenblauen Himmel. Die makellose Stadtmauer erinnert an den Reichtum 

der Lübecker Kaufleute, die hier vor Jahrhunderten ihre Waren nach Riga 

und Nowgorod verschifften. Ich gehe an Land und bestelle 

ein Klosteröl aus der hiesigen Brauerei. 

Am nächsten Morgen schnüre ich die Schuhe für Stora 

Karlsö. Kaum mehr als zwei Kilometer misst die 

von Linné beschriebene Insel vor der Insel. Bei Strubel 

dient sie als Ort, an dem sich ein in der DDR geborener 

Ödipus ahnungslos in seine Mutter verliebt. 

Eigentlich wollte ihm die Biologin nachts nur die 

Trottellummen zeigen, die hier im Juni ihren Nachwuchs 

von den Klippen hinabstoßen. Im Schutz der 

Dunkelheit müssen die Vögel fliegen lernen – unbehelligt 

von den Attacken der Möwen. Ich schließe mich einer 

Touristengruppe an, die am Leuchtturm vorbeistapft 

und zu den Lummen geführt wird. Die kalkigen 

Felsen wimmeln vor schwarzem Federvieh. Doch jetzt 

im Juli sind die Jungvögel längst ausgeflogen. Als ich 

dem Guide von Strubel erzähle, zuckt er die Achseln. 

Auch Schweden verwenden die Insel als Schauplatz. 

Als Beweis hält er ein knalliges Krimicover in die Höhe. 

Den Gedanken, ihm vom Inselinzest und dem Bulettengeruch 

der DDR zu erzählen, verwerfe ich schnell. 

Eine Nussschale bringt mich am nächsten Tag zur 

Bergman-Insel Fårö. Keineswegs immer war der Regisseur 

der „Wilden Erdbeeren“ angetan von dem struppigen 

Eiland mit den zahnlosen Windmühlen. In seiner 

Autobiographie „Laterna Magica“ bekennt er, dass ihn 

seine Produzenten auf die Insel geradezu prügeln mussten – eigentlich hatte 

er sich die schottischen Orkney-Inseln für eines seiner Filmprojekte erträumt. 

Wo genau der Meister denn gewohnt habe, frage ich im Bergman- 

Center. Man gibt sich geheimnisvoll. Also fahre ich auf eigene Faust zu den 

Kalksteinsäulen am Strand von Langhammars. Heute sieht es hier familienfreundlicher 

aus als 1968 in Bergmans apokalyptischem Film „Schande“: Liebespaare 

bezwingen die Gipfel der hochaufragenden Rauk-Felsen und schicken 

mit ihren iPhones siegesgewisse Erinnerungsposen in die Welt. Auch 

ich mache ein Foto: Für Jeff, der sich seinen geschäftigen Alltag in der Londoner 

City mit einem düsteren Filmstill aus dem „Siebten Siegel“ auf seinem 

Blackberry versüßt. Kurz vor der Abreise erzählt mir ein Schotte von 

Gotlands hoher Arbeitslosigkeit und der grausam kurzen Touristensaison. 

Immer wieder hat sich auf der Insel der schönen Ruinen alles verändert: Vor 

400 Millionen Jahren lag Gotland noch am Äquator. 

fehmi-baumbach.de 

26 Theater 27 Kolumne

S e p t e m b e r 

Sterne 

Anzeige 

Ella Jaspers 

Wassermann Strategische Dilemmata. Sich überkreuzende Wünsche, willenlose 

Reflexion. Es rankt sich drumherum, kriecht zwischen den Fugen durch die 

Bretter, krümelt unter die Karten. Haselnussige Perspektiven wankeln herein. 

Fische Grundstürzende Reformen am Selbst unternehmen. Zarte Umkehr immer 

erwünscht, ersehnt, begehrt. Radikale Selbstkritik nicht nur des Kapitals. 

Schlüssige Theorien bedürfen der Liebe. In alle Richtungen. 

Widder Wenn die Revolution auf dem Lande schon vorbei ist, kann man zwischen 

den Zweigen nach den neuen Dingen, den anderen Wegen suchen. Oder 

in einem französischen Häuschen im fernen Ozean übersommern. 

Stier Alle drei Bestimmungen sind notwendig, alle drei Funktionen in der Gesellschaft 

maßgeblich, heißt es. Am Ende muss nur noch geklärt werden, wie es 

weitergehen kann mit diesen Kategorien und der gesellschaftlichen Vermittlung. 

Zwillinge Der Charakter des Neuen ist unwirsch, unvorhersehbar. Tappen 

entlang der neuen Ränder, mal ausholen und hinüberhauen, dann wieder still 

und allein zurückbleiben. Ein nicht abnehmbarer Schritt. Kommt. 

Krebs Zwischen den Ruinen des Verfalls der bürgerlichen Gesellschaft hindurchschwanken. 

Zweierlei löst sich auf, neue Bestimmungen finden. Erkenntnis 

und Bewusstsein fließen im langsamen Sodawasser, sprudelnd. 

Löwe Unerfülltheit als zentrale Kategorie. Kringelndes mit zuckerstreuseligem 

Hagelzucker. Immer rauf auf den Kopf, es prasselt so schön. Daneben schmilzt 

der Teer und weiße Flecken bleiben zurück. 

Jungfrau Lauter uneingelöste Versprechen ragen zwischen den Häusern hervor. 

Die hellbraunen Nadeln, die den Boden bedecken, sind erstaunlich weich. 

Keine Selbstbestimmung im Niemandsland. An der Kellertreppe ist es anders. 

präsentiert vom: 

DOLLAR 

CLUB 

Waage Das bodentiefe Fenster öffnen. Eingelassene Luft umspült deine Füße, 

türkis schimmert es von hinten auf deinen hellen Rücken. Unerträgliche Produktionsverhältnisse 

werden endlich neu und anders, einer schaut vom Bett herüber. 

Skorpion Aufstehen und stehen bleiben. Eine andere Sichtweise finden, über 

Kanten auftauchen, in Zwischenräume sehen. Ein kleiner Stock, eine ganze 

Welt. Blätter statt Grillwürstchen. Unermüdlich weitermachen, dabei grinsen. 

Schütze In die neuen, größeren Schuhe steigen. Hinter dir lassen, was nicht 

mehr geht. Ein Selbst finden. Zeit zwischen den Waffelröllchen entdecken, 

blättrige Schichten neuer Erkenntnis. Vorher allerdings noch: Achtung, Umbau. 

Steinbock Das Universelle ist auch hier nicht leicht zu finden. Ohn Arg suchst 

du nach ständiger Verwertbarkeit und bleibst dabei doch allzu nahe am Käsefass. 

Aus den Ritzen sickert etwas, das blechern schmeckt. Du fehlst vor der 

Höhle. 

28 Horoskope

Paule Hammer 

„Magazin und 

Enzyklopädie“ 

Apex 

Blue Note 

Diva Lounge 

Fr 

30.8. 

t.b.a. 

22.00 

Paulaner-Tag 

15.00 

Sa 

31.8. 

t.b.a. 

22.00 

Frühstücksbuffet 

10.00 

So 

1.9 

Salsa-Party 

DJ Zdee 20.00 

Tatort-Abend 

20.15 

Ausstellung im Alten Rathaus 

8.9. bis 

20.10. 

EinsB 

Exil 

Klangwelt 

Pop & Wave 23.00 

Saturday Night Rockshow 

Kultrock 23.00 

Freihafen 

JT-Keller 

Pfeffer & Salz 

House & Minimal 23.00 

Black Shampoo 

Funk, Soul & Vintage 23.00 

Musa 

Rock gegen Rheuma 

DJ Albi 21.00 

Tango-Salon 

20.00 

Nörgelbuff 

Scherbe kontra Bass 

Konzert 21.30 

Heimathafen 

im Pools 

Tatort-Abend 

20.15 

6 Millionen 

Dollar Club 

Eighties Fusion 

by Djane Viper M 21.00 

It’s like that 

by Def 21.00 

Thanners 

Tag- & Nachtschänke 

14.00 


14.00 


14.00 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

UlrikeEdschmid 

Lit. Zentrum 

3.9. 

Polaroid-Party 

6.9. 

23 .00 

20 00 

EinsB 

Diverse 

Tequila-Sunrise-Special 

20.00 DEJA VU 

Ulrike Edschmids autobiografischer Roman „Das 

Verschwinden des Philip S.“ (Suhrkamp, 2013) war 

einer der am meisten besprochenen Titel des Bücherfrühlings. 

Was nicht so sehr verwundert, denn 

behandelt wird der gute alte Dauerbrenner „deutscher 

Linksterrorismus“ – mit all seinen Widersprüchen. 

Glücklicherweise nimmt sich Edschmids Suche 

nach den wenigen Spuren, die ihr im Mai 1975 

bei einem Schusswechsel mit der Polizei getöteter 

Freund hinterlassen hat, angenehm unpathetisch 

aus. Es ist eher ein Tasten, fragend, suchend. 

Das Schönste an Polaroid-Fotos ist das Warten. 

Noch ist alles schwarz, erst nach einigen Minuten ist 

das Foto in ganzer Qualität zu sehen. Davor durchläuft 

es Phasen der Bildwerdung vom rotgetönten, 

schemenhaften Umriss über grünlich hinzuspringende 

Details bis zu immer größer werdender Helligkeit 

und Tiefenschärfe. Wedelnd hält man das Foto 

in der Hand, zerreißen mag man es auch bei Nichtgefallen 

eigentlich nicht: Weil man miterlebt hat, 

wie schwierig es war, ein Bild zu werden. Tanzen, 

warten, wedeln, wundern, mitnehmen. 

30 

PONY Express

Apex 

Blue Note 

Diva Lounge 

EinsB 

Exil 

Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Diverse 

Mo 

2.9. 

After-Work-Party 

DJ SeleD 18.00 

Salsa-Kneipe 

20.30 

Frühschwimmer 

10.00 


Warsteiner-Stunde 18.00 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 

Monday Tunes 

22.00 ALPENMAX 

Di 

3.9. 

Lounge 

15.00 

Astra-Tag 

10.00 

Jack Out … 

20.15 


Kölsch-Stunde 18.00 

Frauenlesbentrans-* 

Kneipe 20.30 (K) 

Ulrike Edschmid 

20.00 LIT. ZENTRUM 

Mi 

4.9. 

Gerd Rosenkranz 

Vortrag 19.00 

Lounge 

15.00 

Helden von Heutte 

Konzert 21.00 

Dawai Dawai 

Konzert 20.00 

Salsa en Sótano 

Salsa & Latin 22.00 

Spritwoch 

10.00 

€ocktail-€lash 

Cuba-Special 21.00 

Weizen-Tag 

18.00 

Uni-Nacht 

22.00 SAVOY 

Do 

5.9. 

Albert Schindehütte 

Vernissage 17.00 

Whiskey-Probier-Tag 

20.00 

Rock Jukebox 

Tequila-Special 23.00 

Deep in the Groove 

Jam-Session 21.00 

Manic Pool 

10.00 

Jäger & Sammler 

Astra -Special 21.00 


Jever-Stunde 18.00 

Fass-Tag 

18.00 (K) 

33 

Fr 

6.9. 

Gunter Hampel 

Konzert 20.30 

t.b.a. 

22.00 

Paulaner-Tag 

15.00 

Polaroid-Party 

23.00 

Headbangers Ballroom 

23.00 

Kiss-Club 

23.00 

Weekender 

Britpop & Indie 23.00 

PowerDance 

21.00 

You See 

Konzert 21.30 

Yamon Yamon 

Konzert 20.00 

Sureshots 

by Turntable Twins 21.00 


14.00 

10 Jahre Kookbooks 


DT-Theaterfest 

Deutsches Theater 

Sa 

7.9. 

Martin Guth 

Kabarett 20.15 

t.b.a. 

22.00 

Frühstücksbuffet & 

Bundesliga 10.00 / 15.30 

House-Schmaus 

23.00 



Flashback-Party 

23.00 

La Boum 

23.00 

Weststadtfest 

15.00 

Gipsy Juice 

22.00 

Break the Funk 

by Slicktec 21.00 


14.00 

7.9. 

14 00 

So 

8.9. 

Der Grüffelo 

Theater 16.00 

Salsa-Party 

DJ Zdee 20.00 

Tatort-Abend 

20.15 

Tango-Salon 

20.00 

Tatort-Abend 

20.15 


14.00 

Was die Dynamik einer Stadt ausmacht, kann man im Soziologiebuch 

nachschlagen. Muss man aber nicht. Das kulturelle Wissen der Pet 

Shop Boys reicht vollkommen aus: Spannend wird’s, wenn sich Jungs 

aus dem Osten der Stadt mit Mädchen aus dem Westen der Stadt 

treffen. Ostviertel-Typen verlassen die Professorenvillen ihrer Daddys 

und finden sich an der Hagenwegbrücke ein – in der im Westen wuchernden 

Leineaue. Was sie dort erwartet? Konzerte von Emmet Ray, 

Feltmann und Catch A Bear. Und die Abenteuer der Weststadt. 

20 00 

10 Jahre Kookbooks 

Lit. Zentrum 

Es steht nicht allzu gut um die 

zeitgenössische Lyrik: Wer Gedichte 

schreibt, kann kaum mit 

hohen Auflagen rechnen, und 

weithin bekannte Genrestars wie 

einst Rilke, Benn oder Jandl gibt 

es – vielleicht mit Ausnahme von 

Durs Grünbein – auch nicht mehr. 

Schön, dass es da mit Kookbooks 

einen Verlag gibt, der sich ganz 

der Förderung junger Poeten 

verpflichtet hat. Im Literarischen 

Zentrum feiert er seinen zehnten 

Geburtstag und bringt mit Martina 

Hefter, Tristan Marquardt und 

Steffen Popp gleich drei seiner 

Autoren mit. 

Wenn Janosch auf Petterson und Findus trifft und die drei zusammen 

erst Kaffee schlürfen, dann Goldschürfen gehen und direkt danach 

den Time Warp tanzen, wenn sie gegen Abend über die Bühne fliegen 

und dabei ein Blind Date haben oder auch vier davon, wenn sie eine 

arabische Reise in die Vergangenheit machen und sich zu guter Letzt 

doch lieber trennen, um beim Speed Dating mit interessanten Menschen 

ihr Glück zu suchen, dann handelt es sich um ein bühnenbretthartes 

Theaterfest zur Spielzeiteröffnung im Deutschen Theater. 

Weststadtfest 

Musa/Leineaue 

7.9. 

15 00 6.9.

Apex 

Mo 

9.9. 

Di 

10.9. 

Die ersten 5 Jahre 

Theater 20.15 

Mi 

11.9. 

Do 

12.9. 

Rotkäppchenvar. 

Theater 20.15 

Fr 

13.9. 

Sa 

14.9. 

Jens Neutag 


So 

15.9. 

8.9. 

21 00 

Blue Note 



t.b.a. 

22.00 

t.b.a. 

22.00 

Salsa-Party 

DJ Zdee 20.00 

Diva Lounge 

EinsB 

Exil 

Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Salsa-Kneipe 

20.30 

Querbeat-Bandsession 

21.30 


10.00 



Pasta-Tag 

16.00 (K) 

Lounge 

15.00 

Astra-Tag 

10.00 

Jack Out ... 

20.15 





Lounge 

15.00 

Wild’n Weizen 

Weizen-Special 23.00 



Spritwoch 

10.00 


Cuba -Special 21.00 

Weizen-Tag 

18.00 


20.00 

Rock Jukebox 


NDR2 Soundcheck 

Opening 22.00 

Manic Pool 

10.00 





Fass-Tag 

18.00 (K) 

Paulaner-Tag 

10.30 

Bonne Soirée 

23.00 

Nacht der Schatten 

Dark Rock & Wave 23.00 

Honey & Cream 

23.00 

NDR2 Soundcheck 

Aftershow 23.00 


DJ Albi 21.00 

Till Bennewitz 

Konzert 23.00 

Zurück Indie Zukunft 

22.00 

Static Frequencies 

by Arcitech 21.00 


14.00 

Arliss Nancy 

Konzert 21.00 (T) 

Klub Karracho 

Soul,Sixties & Indie 23.00 

Party Sensation 

23.00 

All In One 

Konzert 22.00 

t.b.c. 

23.00 

Cry Baby Club 

Bionique 23.00 

Souffleur 

Konzert 23.00 

Beats on Toast 

10.00 

Kasacho Karacho 

21.00 


14.00 

Tatort-Abend 

20.15 

Tango-Salon 

20.00 

Tatort-Abend 

20.15 


14.00 

Break the Funk 

Sechs Millionen Dollar Club 

Den leidenschaftlichen Fans der 

StadtRadio-Sendung „Tha Prophecy“ 

ist er längst ein Begriff: 

DJ Slick Tec alias Bartek Berbeka. 

Ihm und seinem musikalischen 

Seelenbruder Osita Umeh ist es 

zu verdanken, dass sich die Äste 

HipHop, Soul und Funk in dieser 

Stadt immer wieder zu einem 

blühenden Gewusel aus Klängen 

verknoten. Wenn sich DJ Slick 

jetzt aus seinem vertrauten Radiokasten 

traut, um im Sechs Millionen 

Dollar Club aufzuschlagen, 

ist neben erfrischenden Cocktails 

auch jede Menge Funky Stuff zu 

erwarten. Move on up, guys! 

Diverse 

Monday Tunes 


Uni-Nacht 

22.00 SAVOY 

Shot-Special 

20.00 DEJA VU 

Arliss Nancy 

T-Keller 

13.9. 

21 00 

Neue Tour, neues Album. Ist nicht immer so. Bekanntlich gibt es faule 

Säcke und fleißige Bienchen. Das Quintett Arliss Nancy gehörte zweifellos 

zu den Bienchen, wenn das daraus resultierende Bild weniger 

schief wäre. Bienchen kommen zwar auch aus Colorado, aber sie trinken 

meist keinen Whiskey, um ihre „Stimme“ zu ölen. Sie spielen heutzutage 

nur noch selten Punk-Rock‘n‘Roll mit Orgel- und Klavierelementen. 

Arliss Nancy aber schon, z. B. auf ihrem dritten Album „Wild American 

Runners“. Das letzte ist erst vor knapp einem Jahr erschienen. 

Wenn einer seine musikalische Biografie mit Funk, Rock und 

Grunge beginnt, später als Liedermacher mit der Akustikgitarre 

auf der Bühne steht und dann noch den Sprechgesang des Neunzigerjahre-HipHops 

für sich entdeckt, dann ist das Ergebnis ein 

vielleicht eklektizistischer, keinesfalls aber ein langweiliger Stilmix. 

Wer wissen will, wie das klingt, dem sei der Auftritt des Marburger 

Musikers Souffleur im Nörgelbuff ans Herz gelegt – mit dabei 

Christoph Busse, Adrian Schmidtke und Sven von Samson. 

35 

Souffleur 

Nörgelbuff 

14.9. 

20 30

Apex 

Blue Note 

Diva Lounge 

EinsB 

Exil 

Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Diverse 

Mo 

16.9. 



Salsa-Kneipe 

20.30 

NB-Houseband 

Funk, Soul & Blues 21.30 


10.00 



Pasta-Tag 

16.00 (K) 

Helon Habila 


Di 

17.9. 

Champions League live 

20.00 

Astra-Tag 

10.00 

Jack Out ... 

20.15 





Student’s Night 

20.00 IRISH PUB 

Mi 

18.9. 

Till Bennewitz 

Konzert 20.30 

Champions League live 

20.00 





Spritwoch 

10.00 



Weizen-Tag 

18.00 

Uni-Nacht 

22.00 SAVOY 

Do 

19.9. 


20.00 

Blues’n Boogie Küche 

Live-Session 23.00 

Carrousel 

Konzert 20.00 





Fass-Tag 

18.00 (K) 

17.9. 

Nur gut, dass der Hintern angewachsen ist. Sonst würde man ihn womöglich 

verlieren auf der Record-Release-Party des tanzdynamischen 

Göttinger Fusion-Trios Ego vs. Emo. Aus Geige, Saxophon, Drums 

und elektronischem Gerät werden quirlige Breakbeats, tiefe Bassounds, 

leichtfüßige Folkmelodien. Ein Videoclip wird gezeigt, die 

DJs BenjaMind und EggaZ supporten den Abend mit Electro-Swing 

und Dubstep. Das Album ist eine Soli-CD für das Antifaschistische 

Pressearchiv und Bildungszentrum Berlin e.V. Gute Sache – hingehen. 

37 

Fr 

20.9. 

Detlef Bunk 

Konzert 20.15 

t.b.a. 

22.00 

Paulaner-Tag 

15.00 

King Kong Kicks 

Guitar Pop 23.00 

Independent Friday 

Indie & Alternative 23.00 

Neon-Party 

23.00 

Fight the Dancefloor 

23.00 

PowerDance 

21.00 

S.Mayur & Mostly Mellow 

Konzert 21.30 

Ringelbeats m. Anbassen 

22.30 

Beatgrade 

by Ed Scientific 21.00 


14.00 

Ego vs. Emo 

Konzert 21.00 

Champions League 

live 

Stadion a. d. Speckstraße 

Sa 

21.9. 

Martin Zingheim 


t.b.a. 

22.00 



Kill your Idols 

90s Trash 23.00 

So 

22.9. 

Salsa-Party 

DJ Zdee 20.00 

Tatort-Abend 

20.15 

All In One 

14.9. 

22 00 

20 45 20.9. 

21 00 



Kill your Idols 

90s Trash 23.00 

Jukebox Explosion 

Electromosh & Indie 23.00 

Frisbee & Friends 

Konzert 21.30 


10.00 

It’s like That 

by Def 21.00 


14.00 

Tango-Salon 

20.00 


10.00 


14.00 

Tango-Abend 

21.00 (K) 

Exil 

Es war einmal ein versehrter Soldat, 

der sollte für den König herausfinden, 

warum jeden Morgen 

die Schuhe seiner zwölf Töchter 

vollends zertanzt waren. Listig 

folgte der Mann dem Rat einer 

Alten: Er verschmähte den 

Schlummertrunk, den die älteste 

Tochter des Königs ihm einflößen 

wollte. So fand heraus, dass 

die Mädchen sich jede Nacht auf 

ein Konzert von All In One schlichen. 

Weil All In One alle Lieblingssongs 

der Töchter von Adele 

bis ZZ Top spielte, hingen die 

Schuhe der schönen Prinzessinnen 

schon bald in Fetzen. 

So sicher, wie Weihnachten im Dezember kommt, beginnt die neue 

Champions-League-Saison im September. Und die Parallelen zwischen 

den beiden Großereignissen gehen noch weiter: Millionen 

Menschen freuen sich drauf, und einige Leute verdienen mit dieser 

Freude Millionen. Gut, dass man nicht nach München, London oder 

Barcelona reisen muss, um die Spiele zu sehen, sondern lediglich in 

die Göttinger Speckstraße – dort gibt es alle Partien live und für lau. 

Nur das Bier, das kostet natürlich Geld! 

Ego vs. Emo 

T-Keller

Apex 

Mo 

23.9. 

Di 

24.9. 

DenkBar 

20.00 

Mi 

25.9. 

Do 

26.9. 

Jazz Session 

Konzert 20.30 

Fr 

27.9. 

Nimiq 

Konzert 20.30 

Sa 

28.9. 

Eva Eiselt 


So 

29.9. 

26.9. 

20 00 

Blue Note 

Diva Lounge 

EinsB 



Lounge 

15.00 

Jura-Examensparty 

23.00 

Lounge 

15.00 


20.00 

t.b.a. 

22.00 

Paulaner-Tag 

15.00 

I love 00´s 

23.00 

t.b.a. 

22.00 



Dirty Disco 

23.00 

Salsa-Party 

DJ Zdee 20.00 

Tatort-Abend 

20.15 

If They Ask, Tell 

Them We‘re Dead 

Heimathafen im Pools 

Exil 

Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 

Salsa-Kneipe 

20.30 

Spielstunde 

Open Stage 21.30 


10.00 



Astra-Tag 

10.00 

Jack Out ... 

20.15 







Spritwoch 

10.00 



Weizen-Tag 

18.00 

Rock Jukebox 


If They Ask ... 

Konzert 20.00 





Klangwelt 

Pop & Wave 23.00 

t.b.a. 

Party International 

23.00 


DJ Albi 21.00 

Nick & June 

Konzert 21.30 

Nordlicht-Klub 

Konzert 20.30 

Urban Voodoo 

by WillieBounce 21.00 


14.00 



Urban Legends 

23.00 

Black Shampoo 

Funk, Soul & Vintage 23.00 

Hot Lips 

Konzert 20.00 

Supergroovelistic 

Funkification 22.00 

I don‘t care 

by Viper M 21.00 


14.00 

Tango-Salon 

20.00 

Tatort-Abend 

20.15 


14.00 

Das Rad ist erfunden, und runder 

wird’s wahrscheinlich auch nicht 

mehr. Und obwohl es beim Indierock 

ähnlich ist, sind überzeugende 

Resultate selbstredend immer 

wieder möglich. Wobei wir das 

schlimme Wort „Emo“, das irgendwo 

fiel, um den sehr schönen, auch 

sehr melodischen, von Post-Punk, 

Shoegaze und Feedback-Noise- 

Rock inspirierten Überwältigungssound 

des Quartetts aus dem südschwedischen 

Malmö zu beschreiben, 

sofort wieder vergessen 

wollen. Der olle Begriff ist ja allzu 

häufig für Quatschmusik reserviert. 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 



Fass-Tag 

18.00 (K) 

Diverse 

Monday Tunes 




Uni-Nacht 

22.00 SAVOY 

Tequila-Sunrise-Special 

20.00 DEJA VU 

Tea Time Tunes 

20.00 JT-KANTINE 

Black Shampoo 

JT-Keller 

28.9. 

Die Songs der Band Black Shampoo beginnen mit Sounds, die an 

Bohrmaschinen erinnern, im Abgesang rollt eine Träne über die 

handgezupften Gitarrenriffs. Auf ihrem Album mit dem vielklingenden 

Namen „Whipped Cream“ schlägt ein Hammer die Sahne steif. 

Aua. Insgesamt keine besonders geschmeidige Angelegenheit. Bei 

Black Shampoo im JT-Keller sieht das anders aus. El Nite zieht schön 

geschwungene Linien über den Floor, von den Plattentellern aus 

drehen sie sich um Fersen, Hüften und Schultern. Sahne kommt von 

ganz allein zum Wippen. 

23 00 29.9. 

„Guck mal, was ich kann! – Mit anderen um die Wette Selbstgedichtetes 

vorlesen!“ Nach sechs Jahren im ThOP zieht der Poetry 

Slam ins Junge Theater um. Bei der großen Eröffnungssause kommen 

viele Slammer extra angereist: Daniel Wagner aus Heidelberg, 

Christian Bartel aus Bonn, Marie-Theres Schwinn u. a. aus Berlin. 

Das soll aber niemand aus Göttingen abhalten, sich in die offene 

Lichte des Abends einzutragen, seine eigenen Selbstinszenierungstricks 

rauszuhauen und es mal richtig krachen, äh, dichten zu lassen. 

39 

Poetry Slam 

Junges Theater 

20 00

Apex 

Mo 

30.9. 

Thomas Seibert 

Vortrag 19.00 

Di 

1.10. 

Mi 

2.10. 

Herausgeber 

pony.medien, Tim Kießling 

Hospitalstraße 35 / 37073 Göttingen 

Kontakt 

Tel.: +49 (0) 551 - 99 51 430 

info@readmypony.com 

Blue Note 

Diva Lounge 



Lounge 

15.00 

Lounge 

15.00 

Geschäftsführung 

Tim Kießling 

Chefredaktion 

Michael Saager (V.i.S.d.P.) 

saager@readmypony.com 

EinsB 

Redaktion 

Kerstin Cornils, Jan Langehein, 

Henning Lisson, Tina Lüers 

Exil 

Rock Jukebox 




Gestaltung 

Ronald Weller 

Freihafen 

JT-Keller 

Mitarbeit Florian Brauer, Christoph Braun, 

Andreas Busche, Tina Fibiger, Carsten 

Happe, Sven Jachmann, Ella Jaspers, Ulrich 

Kriest, Christof Meuler, Thomas Schaefer, 

Manuel Schaper, Markus von Schwerin 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

Salsa-Kneipe 

20.30 

Spielstunde 

Open Stage 21.30 

Astra-Tag 

10.00 



Spritwoch 

10.00 

Fotos / Illustration Jide Alakija, Fehmi 

Baumbach, Sebastian Edschmid, Clemens 

Eulig, Katja_Zimmermann, Kool Film, 

Liebeskind Verlag, Missings Films, Planet 

Media Home Entertainment, Rapid Eye 

Movies, Suhrkamp, Ventil Verlag, What‘s So 

Funny About 

Cover © Prince Avalanche (Koolfilm) 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 



Pasta-Tag 

16.00 (K) 

Jack Out ... 

20.15 





Weizen-Tag 

18.00 

Anzeigen Michaela Bang, 

Frank Stietenroth 

Druck Grafische Werkstatt 

von 1980 GmbH 

Die Meinungen in den veröffentlichten Texten geben 

nicht unbedingt die Meinung des Herausgebers wieder. 

Diverse 

Monday Tunes 




Uni-Nacht 

22.00 SAVOY

U n t e r s t ü t z t v o n 

PONYHOF 

Joan Didions autobiografisches Buch „Das Jahr magischen Denkens“ erzählt 

vom Leben zweier Menschen, die, man glaubt es der klugen amerikanischen 

Journalistin und Romanautorin gerne, einander alles waren, 40 Jahre 

lang. Vorbei. 

John Gregory Dunne stirbt am 30. Dezember 2003 an einem Herzinfarkt. 

Quintana, die Tochter des Ehepaars, liegt zur selben Zeit auf der Intensivstation. 

Lakonisch heißt es: „John redete, dann redete er nicht.“ Bevor Didion 

diesen Satz niederschreiben kann, schreibt sie lange Zeit nichts, außer: 

„Das Leben ändert sich schnell. Das Leben ändert sich in einem Augenblick. 

Man setzt sich zum Abendessen, und das Leben, das man kennt, hört auf.“ 

Das klingt nüchtern, präzise und fassungslos; sentimental klingt es nicht. Das 

ganze Buch hat diesen Tonfall. Das allein ist schon bemerkenswert. 

Didion durchforstet auf der Suche nach Klarheit und Sinn historische und 

psychologische Studien zum Thema Tod und Trauer. Sie beobachtet sich genau, 

schildert die extremen Wellen des Leids und die Strudeleffekte, die auftreten, 

wenn man allzu früh erinnerungsschwere Orte aufsucht. Und sie beschreibt 

ihr magisches Denken; ein Denken, das den Tod des Anderen nicht 

zu denken bereit ist: Johns Schuhe kann sie nicht weggeben. Er wird sie 

brauchen, wenn er zurückkommt. Kurz nach dem Erscheinen von „Das Jahr 

magischen Denkens“, im Jahr 2005, stirbt Didions Tochter Quintana. 

In seinem Nachruf auf die am 14. August an Krebs gestorbene, befreundete 

Berliner Künstlerin und Sängerin Almut Klotz (ein ausführliches Portrait 

gibt es vorne im Heft) schreibt Christoph Braun in der „Spex“: „Sie hatte 

noch einmal ein paar schöne Wochen. An einem Tag Ende Mai heiratete 

Almut Klotz ihren langjährigen Weggefährten Christian Dabeler. Es wurden 

Ja-Worte getauscht, Musik gehört und auf höchsten Respekt untereinander 

geachtet. Almut legte Wert auf so etwas: Erstmal begrüßen, und dabei im 

Gesicht alles auf ‘geöffnet’ stellen, die Augen, den Tonfall, sie ließ sich Zeit 

und hörte zu. Sie war von fröhlicher Neugier.“ 

Wolfgang Herrndorf, Berliner Autor der wundervollen Romane „Tschick“ 

und „Sand“, ist nicht nach „schwerer Krankheit verstorben“, wie es in der 

Pressemitteilung seines Verlages Rowohlt hieß. In seinem Online-Tagebuch 

„Arbeit und Struktur“ gibt es unter der Überschrift „Schluss“ einen allerletzten 

Eintrag: „Wolfgang Herrndorf hat sich am Montag, den 26. August 2013 

gegen 23.15 Uhr am Ufer des Hohenzollernkanals erschossen.“ Am 4. August 

schrieb Herrndorf, der an einem unheilbaren Gehirntumor litt: „Stundenlang 

Epilepsie, den Namen von C. vergessen. Die anderen in ihrer Wohnung 

kenne ich auch nicht, weil ich sie nicht angesehen habe, aus Angst, 

auch ihre Namen nicht zu wissen.“ 

In Jean Amérys Essay über den Freitod, „Hand an sich legen“, heißt es: 

„Wer abspringt, ist nicht notwendigerweise dem Wahnsinn verfallen, ist 

nicht einmal unter allen Umständen ‘gestört’ oder ‘verstört’. Der Hang zum 

Freitod ist keine Krankheit, von der man geheilt werden muss wie von den 

Masern … Der Freitod ist ein Privileg des Humanen.“ 

„Das Leben ändert sich schnell. Das Leben ändert sich in einem Augenblick“: 

Der letzte persönliche Eintrag Herrndorfs vom 20. August ist ein 

Name: „Almut“. 

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