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BYE BYE

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Verbindungsszene 

Saufen, singen, torkeln 

The Burning Hell 

Wortwitz aus Neufundland 

Ich fühl mich Disco 

Nähe durch Verlust 

Babak Rafati 

Fußball und Selbstmord 

Barbara Vinken 

Theorien der Mode 

Kunst und Kapital 

In der Endlosschleife 

Literatur des Verschwindens 

Auffälliger neuer Stoff 

89 

DEZEMBER 

2013 

18 

Filme 

20 

Digitales 

21 

Spiele 

22 

Tonträger 

24 

Bücher 

26 

Theater 

27 

Kolumne 

28 

Sterne 

30 

Terminkalender 

40 

StadtKarte 

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Impressum 

42 

PONYhof

V e r b i n d u n g s s z e n e 

Pogo im Bullerjahn 

Statt sich um die Rettung ihres angekratzten Images zu bemühen, 

tut die Göttinger Verbindungsszene das, was sie am 

besten kann: Bier trinken und singen. 

A n t i f o l k 

Social Studies with a Twist 

Musikalische Szenarien voller Wortwitz: Die tolle neufundländische 

Band The Burning Hell spielt in Göttingen. 

Manuel Schaper 

Die Verbindungsszene hat ein Imageproblem, und zwar zu recht. Immer 

wieder machten in den letzten zwei Jahren Vorgänge in der Deutschen 

Burschenschaft negative Schlagzeilen. Dass es aber auch abseits von Totalausfällen 

wie der rassistischen Diskussion um den „Ariernachweis“ als Mitgliedschaftsbedingung 

einiges an Studentenverbindungen zu kritisieren gibt, 

darauf weisen insbesondere linke Kreise immer wieder hin: Sexistisches und 

nationalistisches Weltbild gehen bei diesen Männerbünden mit antiquiertem 

Elitedünkel einher. Zuletzt lud die Göttinger Gruppe Sub*Way zu einem kritischen 

Stadtrundgang zu den Göttinger Verbindungshäusern, um die öffentliche 

Wahrnehmung für diese Dinge zu sensibiliseren. 

Nach wie vor aber erscheinen die Studentenverbindungen in der lokalen 

Berichterstattung regelmäßig schlicht als traditionsbewusste Vereine junger 

Gesellen, die gerne mal zusammen ein Bier trinken und dabei Lieder anstimmen. 

So erfuhr man beispielsweise aus dem „Göttinger Tageblatt“ über die 

Bemühungen, den „Bullerjahn“ wiederzubeleben, ein wöchentliches Szenetreffen 

im Bullerjahn, das bis in die 70er Jahre mit dreistelligen Teilnehmerzahlen 

stattfand – und zwar wöchentlich. 

Nun kann man dem „Göttinger Tageblatt“ nicht ernsthaft vorhalten, dass 

es über solche lokalen Ereignisse berichtet, ohne auf ideologische Verbindungslinien 

der Schärpenträger hinzuweisen. Tatsächlich erlangt man sogar 

wertvolle Einblicke in die mysteriöse Halbwelt des Verbindungswesens à 

la: „Je weiter der Abend fortschritt, je mehr Bier floss, desto lauter war der 

Gesang, desto mehr Angetrunkene mussten zu ihren Plätzen begleitet werden, 

desto häufiger mussten die Alten die Jungen maßregeln.“ Wer hätte 

gedacht, dass es auf dem Bullerjahn fast wie auf einem Punkkonzert zugeht? 

Wenn man nicht wüsste, wo sie politisch stehen bzw. torkeln – man könnte 

in Anbetracht solcher Bilder fast Sympathien für die Verbinder entwickeln. 

Aber eben nur fast. 

The Burning Hell spielen am 

18.12. um 20:00 Uhr im Heimathafen 

im Pools. Das Album 

„People“ ist bei BB*Island/Cargo 

erschienen. 

Markus von Schwerin 

„Denn das Beste im Leben sind leider immer noch die Menschen“, sang Max 

Goldt vor zwanzig Jahren in einem der schönsten Songs von Foyer des Arts. 

Ob Matthias Kom, Kopf der neufundländischen Band The Burning Hell, während 

seiner zahlreichen Deutschlandaufenthalte diesen „Ratschlag eines reformierten 

Herren“ vernommen hat, ist nicht belegt, doch die empathischschonungslose 

Art, mit der er auf „People“, dem jüngsten Album seiner 

Band, die unterschiedlichsten Charaktere zeichnet, hat manches mit den Sittenstudien 

des Berliner Humoristen gemein. 

Ob es um die Postkarte eines Schulfreundes geht, der ihn voller Vaterstolz 

zu einer Familienfeier locken möchte („Grown-Ups“), um die Nöte eines verklemmten 

Kavaliers („Wallflower“) oder um den Nutzen buddhistischer Praktiken 

im Umgang mit Türstehern in Toronto („Realists“) – die Szenarien des 

bärtigen Ukulele-Spielers sind voller Wortwitz und Situationskomik. Qualitäten, 

die im Antifolk seit jeher eine entscheidende Rolle spielen. Doch nur wenigen 

glückt es so elegant wie Matthias Kom, dabei das richtige musikalische 

Kleid für seine Suaden zu finden. 

Während er sich bisher vor allem an der Music-Hall-Tradition orientierte, 

kommt auf „People“ nun auch Koms Vorliebe für Fuzz-Gitarren und krautrockige 

4/4-Takte zum Zuge, die an Smog und Pavement denken lassen. Oder 

an den Berliner Horror Me, dessen „Barcade Song“ schon beim 2011er The- 

Burning-Hell-Konzert im Apex auf der Setlist stand. Damals präsentierten 

sich die Kanadier als Sextett mit Bläsersektion und Violine, nun kommt Kom 

mit der Klarinettistin und Co-Sängerin Ariel Sharratt für ein Duokonzert in 

den Heimathafen im Pools. Wie bei seinem letztem Göttinger Abstecher mit 

dem Seitenprojekt Spring Breakup (als Vorprogramm für die befreundete Susie 

Asado) werden dann wohl die leisen Töne dominieren. Dafür geeignete 

Balladen wie „Travel Writers“ oder „Sentimentalists“, bei denen Koms lakonischer 

Vortragsstil angenehm an Kurt Wagner und Kevin Ayers erinnert, enthält 

das neue Album zur Genüge.

F a m i l i e n g e f ü g e 

Lieber ein Klavier 

Annäherung über Erfahrungen des Verlusts: Axel Ranischs 

sehenswerter Film „Ich fühl mich Disco“. 

Ulrich Kriest 

„Kann ich nicht doch lieber ein Klavier haben?“, mault der moppelige Florian, 

als Vater Hanno nach vielen Jahren sein Simson-Moped reaktiviert hat 

und jetzt an seinen Sohn vererben will. Was schmerzhaft schief geht. Wäre 

da nicht Mutter Monika, die mit ihrem Sohn ausgelassen die Liebe zum Disco-Schlager 

eines Christian Steiffen teilt und auch sonst zwischen den beiden 

Männern vermittelt, stünde noch viel mehr Ärger ins Haus. Denn Hanno 

ist schon ein harter Brocken, der gerne eine harte Schale um seinen weichen 

Kern legt. 

Hanno arbeitet als Turmspringtrainer mit dem jungen Talent Radu und ist 

auch hier eher sparsam mit Lob. Ein Schicksalsschlag bringt das fragile familiale 

Gefüge aus dem Gleichgewicht: Monika erleidet einen Schlaganfall und 

fällt ins Koma. Es ist also ganz schön was los in Axel Ranischs („Dicke Mädchen“) 

neuem Film, zumal Vater und Sohn jetzt allein damit klarkommen 

müssen, dass Florians Pubertät für beide so einige Überraschungen parat 

hält. Als der angetrunkene Hanno seinen Sohn schließlich im Bett mit seinem 

Sportnachwuchs überrascht, stößt der scheinbar so selbstsichere Macho an 

seine Grenzen und braucht dringend Beistand. 

„Ich fühl mich Disco“ geht es genau um dieses Spannungsverhältnis zwischen 

den Mühen und Enttäuschungen des Alltags und den eskapistischen 

Freuden einer trivialen Überhöhung. Ranisch zeigt dieses Spannungsverhältnis 

als potentiell durchlässig, erweckt die Mutter im Krankenhaus für empathische 

Augenblicke zum Leben und macht den Schlagersänger mit dem 

viel versprechenden Namen sehr konkret zum Vertrauten des Vaters in Erziehungsfragen. 

Trotz solcher Kapriolen überfordert der Film seine schwergewichtigen 

Protagonisten nicht, zeigt schmerzhaftes Einander-Verfehlen und 

Rückschläge und zeichnet ihre allmähliche Annäherung über Erfahrungen 

des Verlusts der vermittelnden Mutter mit größter Zärtlichkeit. 

Ohne „Ich fühl mich Disco“ jetzt qua Entdeckerfreude allzu hoch hängen zu 

wollen: Es ist einer der schönsten deutschen Filme des Jahres. Am Ende, na klar, 

hat Florian sein Klavier in seinem Zimmer stehen – ein Geschenk von Hanno. 

„Ich fühl mich Disco“ läuft ab dem 

12.12. (22:00 Uhr) im Kino Lumière. 

Regie: Axel Ranisch; 

Deutschland 2013; 98 Minuten; 

mit Frithjof Gawenda, Heiko Pinkowski, 

Christina Grosse u. a. 

F u S S b a l l g e s e l l s c h a f t 

Die lange Nacht vor dem Spiel 

Der ehemalige Profi-Schiedsrichter Babak Rafati liest in Göttingen über Depressionen, 

den Druck in der Bundesliga und seinen Suizidversuch, der vor zwei Jahren die Fußballwelt 

erschütterte. 

Babak Rafati liest am 9.12. um 19:00 

Uhr im Stadion an der Speckstraße aus 

seinem Buch „Ich pfeife auf den Tod. 

Wie mich der Fußball fast das Leben 

kostete“ (Kösel-Verlag, 2013, 304 

Seiten, 17,99 Euro). 

Jan Langehein 

Es war ein bis heute einmaliger Vorgang in der Bundesligageschichte: Am 

19. November 2011 wurde das Spiel des 1. FC Köln gegen Mainz 05 kurzfristig 

abgesagt. Zur Begründung hieß es zunächst lapidar, der Schiedsrichter 

Babak Rafati sei nicht rechtzeitig im Stadion erschienen. Was die Öffentlichkeit 

damals nicht wusste – Rafati stand keineswegs im Stau oder hatte 

die Grippe, er kämpfte im Krankenhaus um sein Leben. In der Nacht vor dem 

Spiel hatte er sich im Hotel die Pulsadern aufgeschnitten; sein Assistent fand 

ihn am Morgen gerade noch rechtzeitig in der Badewanne. 

In dieser Nacht habe sich der Druck, der auf ihm lastete, zur Panik gesteigert, 

schreibt Rafati in seinem kürzlich erschienen Buch „Ich pfeife auf den 

Tod“. Seine Karriere stand damals auf der Kippe: Aus dem FIFA-Kader hatte 

der DFB ihn zurückgezogen, zweimal war er vom „Kicker“ zum schlechtesten 

Schiedsrichter der Bundesliga gewählt worden, und die Fans von Mainz 

05 hassten ihn, weil er dem HSV ein halbes Jahr zuvor ein Tor gegeben hatte, 

das keines war – womit er Mainz um einen verdienten Punkt brachte. Der 

Satz, der Rafati in seinem Hotelzimmer nicht aus dem Kopf gehen wollte, war 

eine Reaktion des DFB-Schiedsrichterchefs Herbert Fandel auf diese Entwicklung: 

„Jeder darf einen Fehler machen. Nur Du nicht, Babak.“ Körperlich 

erschöpft, von Depressionen geplagt und von Panik überwältigt habe er 

nach Stunden des Grübelns keinen Ausweg mehr gesehen, als seinem Leben 

noch vor dem Spiel ein Ende zu setzen, so Rafati. 

Der Fall wirft, wie schon der Tod Robert Enkes, ein Licht auf die Belastung, 

der die Darsteller im großen Zirkus Bundesliga ausgesetzt sind. Nur ist 

es naiv zu glauben, dieser Zirkus wäre auch ohne den Druck zu haben: „Es ist 

ein Rausch, ein Stadion zu erleben, das von den Rufen der über 50.000 Fans 

zu vibrieren scheint“, schreibt Rafati. Und es ist ein Alptraum, wenn sich diese 

Rufe gegen einen wenden. Es wird sich also wenig ändern. Allerdings gibt 

es inzwischen Akteure, die die Notbremse ziehen, bevor es zu spät ist: Zwei 

Monate vor Rafatis Suizidversuch hatte Ralf Rangnick als Trainer bei Schalke 

04 hingeschmissen – wegen eines Burnout-Syndroms.

T h e o r i e n d e r M o d e 

Die Lust am Stoff 

Die meisten Philosophen der Moderne sind sich einig, dass 

weibliche Mode Teufelszeug ist. Barbara Vinken bricht in 

„Angezogen“ eine Lanze für Stoffe, die spielerisch Sinnlichkeit 

inszenieren und traditionelle Diskurse auf den Kopf stellen. 

Kerstin Cornils 

Nichts ist weiter von der Welt des Geistes entfernt als die Mode – zumindest 

wenn man den einschlägigen Philosophen der Neuzeit glaubt. Stellvertretend 

für viele steht Friedrich Nietzsche, der sich in „Menschliches, Allzumenschliches“ 

leidenschaftlich über all jene ereifert, die kraft ihrer Kleidung 

aus der Masse hervorstechen. Wer mit extravaganten Schnitten und Stoffen 

auffällt, kann laut Nietzsche bestenfalls ein Stutzer oder ein Nichtstuer sein 

– oder, schlimmer noch, eine Frau. Während sich erfolgreiche Männer konsequent 

in schlichten Anzügen blicken ließen, protze das weibliche Geschlecht 

mit Üppigem und Kostbarem. Frauen benutzten Mode als aggressive Waffe, 

um ihre Geschlechtsgenossinnen auszustechen. Männer hingegen konzentrierten 

sich auf das Wesentliche: Leistung, Arbeit, Effizienz. 

Berühmt dafür, ihre Vorlesungen mit netzbestrumpften Beinen zu präsentieren, 

trägt die Münchener Professorin Barbara Vinken in ihrem neuen Buch 

„Angezogen“ genüsslich die vielfältigen Argumente zusammen, die Männer 

seit dem späten 18. Jahrhundert benutzt haben, um die unüberschaubaren 

Metamorphosen weiblicher Mode in Grund und Boden zu verdammen. Da 

ist zum Beispiel Rousseau, Trendsetter einer modernen Pädagogik, der sich 

über die modebesessenen Frauen in Paris erregt. Für den aus dem calvinistischen 

Genf stammenden Philosophen sind die geschminkten Französinnen 

bestenfalls eines Harems würdig. Die zurechtgemachten Pariserinnen wirken 

in seinen Augen wie eine Verkörperung des Ancien Régime – wie ein Schlag 

ins Gesicht aufgeklärter Bürger. Rousseaus Begeisterung gilt den Frauen seiner 

Schweizer Heimat, deren Kleidung schlicht und natürlich sei. Vinken, belesene 

Expertin in Gender-Fragen, lässt keinen Zweifel daran, dass Rousseaus 

Lob der Natürlichkeit nichts anderes als ein raffiniertes rhetorisches 

Werkzeug ist: ein von Männern geschmiedetes Machtinstrument, das Frauen 

die Unterwerfung unter eine brandneue Geschlechterordnung schmackhaft 

machen soll, die sie an Heim und Herd verbannt. 

© K. Rade 

Eine große männliche Entsagung 

Je mehr die Autorin in den Diskursschichten der Vergangenheit buddelt, 

umso mehr kommt sie einem fundamentalen Bruch auf die Spur. Anhand von 

Gemälden macht Vinken ihre These von einem historisch verankerten Rollentausch 

der Geschlechter anschaulich. Demnach ist die uns heute so vertraute 

Gleichsetzung der Frauen mit der Mode ein vergleichsweise junges Phänomen. 

Anders als Barack Obama oder Winston Churchill setzte sich Ludwig 

XIV. mit seinen glänzend bestrumpften Beinen und kostbaren Stoffen noch 

derart prunkvoll in Szene, wie es mittlerweile nur noch Frauen erlaubt ist. 

Nach heutiger Lesart müssen alle Männer, die sich extravagant anziehen, 

Schwule, Dandys oder androgyne Paradiesvögel wie David Bowie sein. Der 

aufgedonnerte Sonnenkönig belegt, dass Extravaganz für heterosexuelle 

Männer erst in der Moderne zum Tabu wird. Erst seit der Französischen 

Revolution ist Mode „weiblich“. Eine Auszeichnung ist dies nicht. Modische 

Frauen werden zum reaktionären Anachronismus, der an die Dekadenz des 

Adels erinnert und gegen den neuen politischen Grundsatz der Gleichheit 

verstößt. 

Besonders fesselnd sind jene Beiträge, die aus dem üblichen Lamentieren 

der Männer über modische Frauen ausscheren. So geht der britische 

Psychoanalytiker John Carl Flügel wie Vinken davon aus, dass in einer Zeit, 

in der alle Menschen Brüder werden (müssen), von Männern verlangt wird, 

auf die „glänzenden, heiteren, raffinierten und abwechslungsreichen Formen 

des Schmückens“ Verzicht zu leisten. Die modische Abstinenz wird von 

Flügel als große männliche Entsagung ausgelegt. Allein der an den gesellschaftlichen 

Rand gedrängten Frau sei es fortan erlaubt, im Spiel mit Stoffen 

und Silhouetten ihren ganzen Körper erotisch zu akzentuieren. Von Männern 

hingegen werde erwartet, ihre Körperlichkeit zu sublimieren. Das neue Ideal 

männlicher Uniformität werde mit einer Unterwerfung der eigenen Sinnlichkeit 

bezahlt: einem Verlust an Lust. 

BYE BYE 

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Wir weben hinein den dreifachen Fluch, 

Wir weben, wir weben!

Faszinierend sind auch Vinkens Ausflüge in männliche Subkulturen, die 

sich dem Gebot der Modeabstinenz mit List widersetzen. So etwa der von 

Alain Mabanckou beschriebene Kongolese aus der Pariser Vorstadt, der im 

Designer-Anzug seine Krokodillederschuhe spazieren führt. Der afrikanische 

Dandy, nach einer Elitetruppe der französischen Armee auch „Sapeur“ genannt, 

verstößt im vollen Bewusstsein gegen alle Regeln der Modeabstinenz, 

indem er die Eleganz seiner Kleidung zum alleinigen Maßstab seines 

„‚So zersetzen, 

unterminieren sie in 

ihrer unheimlichen 

Mimesis (…) die koloniale, 

bürgerliche Ordnung der 

Geschlechter und der 

Klassen. Denn die Sapeurs 

verkleiden sich – 

als Kolonialherren.’“ 

Daseins macht. Eine unverzeihliche Modetorheit? Keineswegs. Für Vinken 

sind die schwarzen Dandys, die für ihren Stil hungern, Rebellen: „So zersetzen, 

unterminieren sie in ihrer unheimlichen Mimesis (…) die koloniale, bürgerliche 

Ordnung der Geschlechter und der Klassen. Denn die Sapeurs verkleiden 

sich – als Kolonialherren.“ Dem rassistischen Diskurs des Westens 

schlagen die Sapeurs mit ihren auf Hochglanz polierten Lederschuhen ein 

Schnippchen. 

Kleider, die vom Völkermord erzählen 

In die Sphären der Haute Couture begibt sich Vinken, wenn sie sich Designern 

wie Martin Margiella, Alexander McQueen und der Japanerin Rei Kawakubo 

zuwendet. Besonders im Kapitel über den 2010 freiwillig aus dem 

Leben geschiedenen McQueen gelingt ihr eine eindringliche Analyse von 

Kleidern, die visionär über die nicht selten einfallslose Wiederkehr längst verblühter 

Epochen hinausweisen. Sie zeigt, wie der Sohn eines Londoner Taxifahrers 

Mode benutzt hat, um von der Leidensgeschichte seiner Vorfahren 

aus dem schottischen Hochland zu erzählen. Anders als viele seiner Kollegen 

ruft McQueen nicht einfach eine Wiederkehr des schottischen Kilts aus. Kate 

Moss im spektakulären Fetzenkleid wird in der Kollektion „Highland Rape“ 

zur schottischen Witwe, die ihren von englischen Soldaten getöteten Mann 

sucht. McQueen interpretiert sein blutbesudeltes Modespektakel als Anklage 

gegen einen vergessenen Völkermord. 

Was in Vinkens überaus anregendem Buch über die Mode fehlt, ist eine 

schlüssige Auseinandersetzung mit den Effekten des globalisierten Kapitalismus. 

Das Internet hat zu einer Beschleunigung modischer Trends geführt, 

die mit dem Begriff der „Saison“ nicht mehr erfasst werden kann. Viele Modehäuser 

erweitern ihre Angebote fast täglich und rufen insbesondere Frauen 

zum permanenten Konsum ohne Rücksicht auf Ressourcen auf. „Angezogen“ 

ist den ausgebeuteten Textilarbeiterinnen aller Welt gewidmet, doch 

diese Geste wirkt halbherzig. Was Vinken brillant gelingt, ist ein kluges und 

flammendes Plädoyer für eine Mode, die den Geist mit dem Stoff verbindet 

und unserer Welt Lust und Schönheit schenkt. 

BYE BYE 

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Barbara Vinken: „Angezogen: Das 

Geheimnis der Mode“ (Klett-Cotta, 

2013, 255 Seiten, 19,95 Euro) 

Wir danken der werkgruppe II für 

„ICH UND DER ESEL“ 

bei uns im Laden. 

Weitere Aufführungen: 

1. bis 3. Dezember 

5. bis 7. Dezember 

Tel. 0551 - 486 085 

Barfüßerstraße 1 

Göttingen 

www.woggon-mode.de

K u n s t u n d K a p i t a l 

(K)ein Ausweg aus 

der Endlosschleife 

Weshalb die Kunst als ungeheure Warensammlung existiert, 

solange der Kapitalismus besteht. 

Tina Lüers & Andreas Schröder 

Als im November mit mehr als 142 Millionen Dollar das Triptychon „Three 

Studies of Lucian Freud“ des irischen Malers Francis Bacon als das bisher 

teuerste Kunstwerk versteigert wurde, stieg sein von Analysten mithilfe von 

umfangreichen Datenbanken ermittelter Preisindex wie der einer guten Aktie. 

Blendend lief es 2013 auch für Andy Warhols „Silver Car Crash“, verkauft 

für 105 Millionen, oder im vergangenen Jahr für Edvard Munchs „Schrei“: 

119 Millionen. Lebende Künstler wie Damien Hirst haben indessen die Möglichkeit, 

Preise und Marktwert mitzubestimmen, so war der Bildhauer und 

Konzeptkünstler selbst Teil der Käufergruppe seines diamantbesetzten Platin-Totenschädels, 

der bei der Auktion für 75 Millionen über die Ladentheke 

ging. Auch mit gezielten Provokationen lassen sich interessante Markteffekte 

erzielen, schließlich ist die Kunst eine Ware wie jede andere auch – oder 

etwa nicht? 

Die allgemeine Vorstellung davon, dass es jenseits dieser begehrten vermarkteten 

Werke etwas gibt, das unverkäuflich ist, etwas, das nicht nur eine 

solide oder manchmal doch wankelmütige Geldanlage ist, scheint angesichts 

der Ästhetisierung der Kommerzialisierung beinahe naiv. Und doch hält sich 

beharrlich das Wort von der „nichtkommerziellen Kunst“, als gäbe es eine 

Unterscheidung in gut und böse. Wobei, ganz nebenbei, die damit einhergehende 

Verunglimpfung von „kommerzieller Kunst“ als 

abgehoben und marktorientiert strukturellen Antisemitismus 

in sich trägt. Als Bestandteil der Bewegung des Kapitals, 

und nicht etwa als dessen Antagonist, funktioniert 

die Kunst jedenfalls sehr gut: sie ist gefügig und verkaufbar, 

sie erstellt Exklusionen und Exklusivität. 

Gefügig und exklusiv 

Von der ursprünglichen Aufgabe der Kunst, ein möglichst 

gutes Abbild der Welt zu schaffen, hat sie sich in einer 

langen und wechselvollen Geschichte mit etlichen 

Turns, linguistischen wie performativen, auf unterschiedlichen 

Ebenen gelöst. Längst geht es nicht mehr darum, 

die Zentralperspektive zu verstehen, sondern vermeintlich 

darum, in den Winkelzügen der spätkapitalistischen 

Gesellschaft nach Perspektiven zu suchen. Personen und 

Gegenstände der Natur gemäß darzustellen, war ihr Anliegen 

seit der Renaissance und hat sich als Betrachtungsweise 

bis in die Brüche der Moderne fortgeschrieben, auf 

dem Weg lagen symbolsprachliche Konventionen und das 

Aufspüren von naturgemäßen Gesetzmäßigkeiten. Die Renaissance, 

an einem nachzeichnenden, natürlichen Außen 

interessiert, wendet sich explorativ in den durch Prunk 

fesselnden Barock und kehrt bald darauf wieder nach Innen 

um, wendet sich als in der Romantik allein aus der 

Empfindung hervorgebracht. Ähnlich zur Entwicklung in 

der frühen Neuzeit verläuft die Entfaltung im 19. Jahrhundert 

vom Realismus über den Impressionismus zum Expressionismus, 

vom äußeren sozialkritischen Anspruch 

über die nur an der sichtbaren Oberfläche orientierten 

Lichtspiele bis zum vornehmlich aus der Innenschau gestalteten 

expressionistischen Kunstwerk. Der gesellschaftliche 

Zusammenhang bringt dabei die Vermittlung zustande, die Vermittlung 

wendet sich von außen nach innen und fällt mit dem Gegenstand in eins und 

wieder auseinander. Für diese Schleifen erweist sich das Subjekt als konstitutiv 

in der trennenden Vermittlung mit dem Objekt. Kunst und Gesellschaft – 

und damit Kunst und Kapital – sind untrennbar verwoben. 

Die Reflexivität und Bewegung der Form begleitet die Kunst seit dem 

Mittelalter, sie kann sich nicht im diskursfreien Raum bewegen. Sie besteht 

BYE BYE 

„Von der 

ursprünglichen 

Aufgabe der Kunst, 

ein möglichst 

gutes Abbild der 

Welt zu schaffen, 

hat sie sich […] auf 

unterschiedlichen 

Ebenen gelöst.“ 

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in der Vermittlung. Als Konstruktivist projizierte man all das Geschehen in 

die Kunst hinein, doch die Kunst ist keine Abstraktion, die sich aus der Nachbildung 

oder der Empfindung der Wirklichkeit speisen ließe. Ihr Gebrauchswert, 

zum Beispiel manifest im Design, bleibt hinter ihren Möglichkeiten zurück. 

Ähnlich wie in der Mathematik bedarf es der Kunst keiner bestimmten 

Materiatur, warum die Frage nach dem Material vom Gestus reaktionär ist. 

Auch sogenannte politische Kunst oder „linke“ Kunst, die gesellschaftliche 

Praxis und Bewegung zusammen denkt, kann nichts weiter tun, als sich die 

eigenen Quellen abzuschneiden, indem sie dem Augenschein nach berechtigt 

gegen Missstände vorgeht, dabei jedoch nur dem spekulativen Denken 

im Sinne Hegels den Boden entzieht. 

Die Kunst produziert einen utopischen Ort, dem das Sehnen gilt, dessen 

kritisches Potenzial jedoch gering ist, da er die formspezifischen Gegebenheiten 

perpetuiert, statt zu klären, dass dieser Ort sich überhaupt nur wegen 

der Konstellationen und Schrecken der Kapitalverwertungsgesellschaft 

dort „außen“, an diesem scheinbar entlegenen Ort, befinden muss. In der 

Aufrechterhaltung der Verwertungskette, im Prozess der Selbstreflexivität 

der Form, werden gezwungenermaßen Güter produziert, um lebendige und 

tote Arbeitszeit in Verbindung zu bringen. Die Kunst und der Begriff der Natur 

hängen an dieser Stelle in der Moderne zusammen, ihre Materiatur kann 

alles werden, Holz, Steine, aber auch Waren und Güter, Verpackungen, Ideen 

und Inhalte. 

„Die Kunst produziert 

einen utopischen Ort, 

dem das Sehnen gilt […] “ 

Wie ein Möbiusband 

Bildlich vorstellbar kann das Möbiusband – eine zweidimensionale Struktur 

in der Topologie, die nur eine Kante und eine Fläche hat – die Kerne von 

Subjekt und Objekt trennen und verbinden. Diese zugleich einfache und faszinierende 

Figur ist nicht orientierbar, das heißt, man kann nicht zwischen 

unten und oben oder zwischen innen und außen unterscheiden, ihre Seiten 

gehen nahtlos ineinander über. Gleiches gilt für die Welt der Güter, die unbemerkt 

in das Innere und nicht unmittelbar Sichtbare der Kunst über das 

zeitliche Selbstverhältnis der Wertverwertung eingeht. Die Kunst benötigt in 

unserer Welt den Gegenspieler, der Kapitalismus begleitet die Kunst, sie ist 

Teil seiner und sein eigenes Gewissen. Das ist nicht viel und doch das Meiste 

zugleich: Jeder zwingt den anderen, er selbst zu bleiben. Die Kunst wird 

Fluchtort vor den Krisen, verschenkt ihren Reichtum an immaterieller Arbeit 

und ihr Potenzial, umwälzende Prozesse zu beginnen, die endliche, glückliche 

Chance den Kapitalismus „in die Luft zu sprengen“ 

(MEW 42). Krise, Chaos und Untergang können 

Befreiung bedeuten. 

Die Kunst als ungeheure Warensammlung existiert, 

solange der Kapitalismus noch besteht. Danach 

geht die Kunst komplett auf – sie wird im 

positivsten Sinne wunderbarer, gleichgestellter, ununterscheidbarer 

Teil des praktischen Denkens und 

theoretischen Handelns, das die Menschen in jener 

Welt machen, die jetzt noch nicht zu denken ist. 

„Krise, Chaos und 

Untergang können 

Befreiung bedeuten.“ 

BYE BYE 

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L i t e r a t u r - E s s a y 

Abschwimmen mit 

Geschichten 

Verschwinden als auffälliger Stoff der neuen Literatur. 

Thomas Schaefer 

Natürlich ist auch dieses Thema nicht neu. So endet z. B. Max Frischs Roman 

„Mein Name sei Gantenbein“ (1964) mit einer Episode, in der eine Leiche 

das Zürcher Stadtflüsschen Limmat hinabtreibt, an Brückenpfeilern hängenbleibt, 

sich wieder losreißt, um schließlich von der Polizei geborgen zu 

werden – zum Missfallen des Erzählers, denn der Tote hat sein Ziel nicht erreicht: 

„abzuschwimmen ohne Geschichte“. Während es Frischs Figuren nicht 

gelingen will, zu verschwinden (etwa Stiller, der im gleichnamigen Roman bemüht 

ist, in eine andere Identität zu flüchten), gibt es Beispiele von Autoren, 

die sogar ganz real verschwunden sind – das berühmteste ist jenes des amerikanischen 

Zynikers Ambrose Bierce, der im Dezember 1914 untertauchte, 

nicht ohne zuvor Spuren zu legen, die ins Nichts führten. Bis heute weiß niemand, 

wie und wo er endete – im mexikanischen Chihuahua? Im Grand Canyon? 

Glücklich, wer so frei über sein Nachleben gebieten und so souverän 

abtauchen kann. Das dürfte sogar der alternden Pop-Diva Madonna gefallen, 

trotz oder gerade wegen ihres beruflichen Rampensau-Exhibitionismus, 

die laut der „Zeit“ verfügt, „dass, wenn sie eine Hotelsuite verlässt, ein Team 

von Spezialisten in ihrem Auftrag sich über die Räume hermacht und sie von 

Madonnas DNA reinigt; Madonna will keinesfalls Spuren der eigenen körperlichen 

Existenz hinterlassen“. 

Grassierende Sehnsucht 

Bereits vor zehn Jahren verortete Jochen Schimmang in einem Essay im 

„Merkur“ das Verschwinden, „gerade auch in seinen negativsten Gestalten 

als Flucht oder als erloschenes, vernichtetes Sein“, als „eine der signifikantesten 

Bewegungsformen des 20. Jahrhunderts“: „doch auch in seinen erfreulichen 

oder gar verheißungsvollen Erscheinungsbildern, als Davonkommen 

oder als Beginn eines neuen Lebens, ist es ein großer und immer wiederkehrender 

Stoff der neuen Literatur“. Zufall oder nicht, dass das Verschwinden, 

zu dessen „aktiven Formen“ Schimmang Flucht, Desertion, Identitätswechsel, 

das Aufsuchen eines Verstecks, schließlich den Suizid zählt, eine Sehnsucht 

zu sein scheint, die derzeit grassiert. 

Zumindest sind in diesem entschwindenden Jahr 2013 viele Bücher erschienen, 

die mehr oder weniger dezidiert vom Verschwinden handeln. Offensichtliches 

Thema ist es in Annika Scheffels Roman „Bevor alles verschwindet“, 

der von einem Dorf handelt, das einem Staudammprojekt 

weichen muss – wie es im Braunkohletagebau etwa der Lausitz ja geschieht, 

wo seit 1924 136 Orten vom Erdboden verschwunden sind. Ein Verschwinden 

mithin, das unfreiwillig erfolgt, ja, eine Verurteilung ist, und an das ein 

„Archiv verschwundener Orte“ erinnert. 

Ein solches Archiv ist natürlich auch die Literatur im Speziellen und das 

Aufschreiben im Allgemeinen. Letzteres kann zwar nicht retten, aber zumindest 

das Verschwindende bewahren, wie es Thema in einem kleinen, aber 

spektakulären Buch ist. Dramatischer ist die Art und Weise des Verschwindens 

nicht denkbar, wie sie dem Matrosenschüler Tjark Evers in Astrid Dehes 

und Achim Engstlers Buch „Auflaufend Wasser“ widerfährt: Im Winter 

1866 lässt Evers sich vermeintlich am Strand der Insel Baltrum absetzen, 

um dann feststellen zu müssen, dass er einem Irrtum aufsaß: Er ist auf einer 

Sandbank gelandet, und während er verzweifelt grübelt, wie er seinem 

Untergang entrinnen kann, steigt die Flut. Kaum zu glauben, aber wahr, die 

Geschichte, die Evers aufschrieb und einer Kiste anvertraute, bevor ihn das 

Meer verschluckte. 

Tatsachen entspricht auch das „Das Verschwinden des Philip S.“ in Ulrike 

Edschmids Buch, in dem sie von ihrem früheren Lebensgefährten erzählt, 

dem Schweizer Philip Sauber, mit dem sie in den wilden Jahren des 68er Berlins 

zusammenlebte – bis beide festgenommen wurden. Die ungerechtfertigte 

Untersuchungshaft treibt das Paar auseinander: Edschmid will nie wieder 

in den Knast und entscheidet sich für ein Leben auf der sicheren Seite, S. 

geht in den Untergrund und taucht erst 1975 auf einem Kölner Parkplatz auf, 

wo er bei einer Schießerei mit der Polizei getötet wird. 

Akute Befindlichkeiten 

In Terézia Moras so vorhersehbar wie unverdient mit dem Deutschen 

Buchpreis prämierten Roman „Das Ungeheuer“ gibt es eine Episode, in der 

ein in einer psychiatrischen Klinik arbeitender Arzt ein Auto „mit einem Geheimfach“ 

sucht, „in dem ein erwachsener Mann Platz hat“. Darin will er sich 

verstecken und sterben, in der Hoffnung, dass das verlassen wirkende Fahrzeug 

abtransportiert und samt Arztleiche verschrottet wird: „wieso tut er so 

etwas? Wieso will er sich nicht einfach umbringen, sondern gleich verschrotten 

lassen wie ein Stück Müll?“ Das ist die Frage. Anders als bei Dehe/Engstler 

oder Edschmid ist hier das Verschwinden ein poetisch stilisiertes: Moras 

Held Tobias Kopp verschwindet ja auch, allerdings nur für ein Jahr, indem er 

sich nach dem Selbstmord seiner Frau in seiner Wohnung verschanzt, wo er 

keinen Kontakt zur Außenwelt unterhält, allenfalls Pizza bestellt. Exakt das 

macht (sogar zwei Jahre) der Held in Thomas Glavinics pompösem Roman 

„Das größere Wunder“, der sich einem noch radikaleren Verschwinden aussetzt, 

indem er den Mount Everest besteigt. Die Perspektive, dort in einer 

Gletscherspalte auf Nimmerwiedersehen zu verschwinden, hat eher Verlockendes 

denn Abschreckendes. 

Mora und Glavinic reagieren auf manierierte Weise auf akute Befindlichkeiten, 

die durchaus die Sehnsucht zu verschwinden hervorrufen können: 

Wäre die nicht ein zwingender Reflex auf die immer engmaschigere Videoüberwachung, 

die Rundumüberwachung, der wir uns mittels Facebook etc. 

aussetzen? Bietet nicht grade das Internet, das wir nutzen, uns rund um die 

Uhr zu präsentieren, Möglichkeiten, sich zu entziehen? Oder ist ein Bedürfnis 

zu verschwinden allenfalls das Anliegen älterer Herren wie Michael Krüger, 

in dessen 2013 erschienenem Lyrikband „Umstellung der Zeit“ das Gedicht 

„Klassentreffen“ steht, in dem es heißt: „Einer ist Tischler geworden, / einer 

Anwalt, eine arbeitete / in der Pressestelle der ARD. / (…) Eine hat‘s geschafft. 

/ Sie wollte Waldbeeren / sammeln in Finnland / und wurde nie mehr 

gesehn“? Wir bleiben dran. 

Astrid Dehe/Achim Engstler: „Auflaufend 

Wasser“ (Steidl, 2013, 113 

Seiten, 16,- Euro) 

Ulrike Edschmid: „Das Verschwinden 

des Philip S.“ (Suhrkamp, 2013, 157 

Seiten, 15,95 Euro) 

Thomas Glavinic: „Das größere 

Wunder“ (Hanser, 2013, 528 Seiten, 

22,90 Euro) 

Michael Krüger: „Umstellung der 

Zeit“ (Suhrkamp, 2013, 117 Seiten, 

18,95 Euro) 

Terézia Mora: „Das Ungeheuer“ 

(Luchterhand, 2013, 688 Seiten, 

22,99 Euro) 

Annika Scheffel: „Bevor alles verschwindet“ 

(Suhrkamp, 2013, 411 

Seiten, 19,95 Euro) 

BYE BYE 

17

I n s i d e L l e w y n D a v i s 

Kampf um Anerkennung 

ab 

5.12. 

C a r r i e 

Eimerweise Schweineblut 

ab 

5.12. 

Andreas Busche 

Was Llewyn Davis (Oscar Isaac) anfasst, verwandelt sich in Scheiße. Er 

schwängert die Freundin (Carrey Mulligan) seines besten Freundes (Justin 

Timberlake), das Angebot eines erfolgreichen Produzenten, in eine neue 

Folkpopband einzusteigen, schlägt er aus und für einen Aushilfsjob als Studiomusiker 

streicht er aus Geldnot das Handgeld ein, statt sich die Tantiemen 

zu sichern. Das Stück wird natürlich ein Hit. 

Joel und Ethan Coen bereichern mit Llewyn Davis ihr ansehnliches Repertoire 

gescheiterter Existenzen um ein weiteres Prachtexemplar. „Inside 

Llewyn Davis“, inspiriert von den Memoiren des Folkmusikers Dave 

Van Ronk, ist nur vordergründig ein Film über die New Yorker Folkszene im 

Greenwich Village Anfang der 60er – kurz bevor ein gewisser Robert Zimmerman 

die beschauliche Gemeinschaft aus Beatniks, Bohos und Künstlern 

in einen Hotspot der amerikanischen 

Gegenkultur verwandelte. Im 

Kern erzählt „Inside Llewyn Davis“ die 

alte Coen-Geschichte über menschliche 

Unzulänglichkeit. Llewyn kämpft 

um Anerkennung, aber er hat der Unwägbarkeit 

des Lebens und den Kräften 

des Marktes wenig entgegenzusetzen: 

Seine Freunde stößt er ständig vor 

den Kopf und künstlerisch hält er an 

seinen Idealen fest: dem traditionellen 

Folk des ländlichen Amerikas mit seinen 

Geschichten über Mörder, Gesetzlose 

und Ausgestoßene. Musik spielt 

hier also durchaus eine tragende Rolle, 

jedoch eher als treibende erzählerische 

Kraft. Die Songs – produziert von 

T-Bone Burnett, gesungen von Hauptdarsteller 

Oscar Isaac, Timberlake und 

Mulligan – heben den Plot über weite 

Strecken des Films auf und unterstreichen 

seinen episodischen Charakter. 

Die Odyssee Llewyns, ausgelöst durch die Hauskatze eines befreundeten 

Ehepaares, führt ihn einmal durch das Village bis nach Chicago. Auf dem 

Weg zurück kommt es zu einer denkwürdigen, David Lynch-artigen Begegnung 

mit John Goodman. Die zirkuläre Struktur führt die Geschichte Llewyns 

konsequent an ihren Ausgangspunkt zurück. „Inside Llewyn Davis“ beginnt 

und endet buchstäblich mit einem Schlag in die Fresse. Aber viel zentraler 

für das Selbstverständnis der Coens als ungerührte Chronisten der menschlichen 

Existenz ist, dass sie ihren Antihelden just in dem Moment von der 

Bühne abtreten und blutend in der Gosse einer Seitenstraße liegen lassen, 

als Robert Zimmerman erstmals vor das Publikum im Gaslight Café tritt. 

Regie: Ethan Coen, Joel Coen; 

USA 2013; 105 Minuten; 

mit Oscar Isaac, Carey Mulligan, 

Justin Timberlake u. a. 

Carsten Happe 

Stephen-King-Revival auf allen Kanälen. Erstmals reist der Horror-Großmeister 

auf Lesetour durch Deutschland, seine „Shining“-Fortsetzung „Doctor 

Sleep“ stürmt die Bestsellerlisten und Kings Erstlingswerk „Carrie“ wurde 

bereits ein drittes Mal verfilmt. Brian DePalmas 76er-Adaption mit Sissy 

Spacek in der Titelrolle ist mittlerweile ein amtlicher Genre-Klassiker, über 

das TV-Remake aus dem Jahr 2002 und die 99er-Fortsetzung „Carrie 2 – Die 

Rache“, für die allein Amy Irving 

ihre Rolle aus dem Original 

wiederbelebte, hüllen wir 

gnädig den Mantel des Schweigens. 

Nun also ein Update fürs 

21. Jahrhundert, mit Smartphones, 

Facebook-Mobbing, aufgemotzten 

CGI-Effekten, Teenie- 

Star Chloë Grace Moretz in der 

Hauptrolle sowie Julianne Moore 

als überprotektivem Muttertier. 

Dazu im Hintergrund lauernde 

Fragen: Brauchen wir 

das? Welchen Mehrwert vermittelt 

eine Neuverfilmung, die als 

„werkgetreuere Adaption“ angekündigt 

wurde? Gibt‘s eine 

andere Perspektive, irgendeinen 

Erkenntniszugewinn? 

All das kann getrost verneint 

werden. Die 2013er-„Carrie“ 

nimmt sich weniger den Roman zum Vorbild als vielmehr den Originalfilm, 

der in vielen Szenen eins-zu-eins kopiert und leidlich modernisiert wurde, 

um zumindest auf einer oberflächlichen Ebene so etwas wie Existenzberechtigung 

zu erfahren. Julianne Moore trumpft einmal mehr groß auf, beweist 

Mut zur Hässlichkeit und reizt die Abgründe ihrer Rolle aus. Die Probleme 

liegen eindeutig bei Carrie, bei Filmfigur und Darstellerin. Chloë Grace Moretz 

ist zwar durchaus talentiert, aber viel zu hübsch und niedlich für die Rolle 

des schüchternen, ungelenken Mauerblümchens. Während Sissy Spacek, 

die damals zehn Jahre älter als ihre Rolle war, Carrie einen glaubhaften pubertären 

Kampf mit ihrem Körper mitgab, wirkt die neue Carrie nurmehr wie 

das typische Teeniekomödien-Entlein, dem man lediglich die Brille vom Näschen 

nehmen muss – schon entpuppt sich der schöne Schwan. Darüber hinaus 

verfügt Carrie derweil nicht mehr bloß über telekinetische Kräfte, die bei 

DePalma für schaurigen Budenzauber sorgten. Mit ihren Superkräften könnte 

sie locker bei den „X-Men“ anheuern. 

Diese Anbiederung ans Popcorn-Kino ist umso bedauerlicher, als mit Kimberly 

Peirce eine Regisseurin engagiert wurde, die mit „Boys Don’t Cry“ und 

„Stop-Loss“ hinlänglich bewiesen hatte, dass sie komplexe jugendliche Charaktere 

zu inszenieren versteht. Bei „Carrie“ ist ihr Einfluss offenbar unter einem 

leidlich unterhaltsamen Effektgewitter und mehreren Eimern Schweineblut 

verschütt gegangen. 

Regie: Kimberly Peirce; 

USA 2013; 100 Minuten; 

mit Chloë Grace Moretz, Julianne 

Moore, Gabriella Wilde u. a. 

BYE BYE 

19

W i n a m p 

My first Love 

Henning Lisson 

Nach 16 Jahren ist Schluss; am 20. Dezember wird ein ehemaliges Zugpferd 

der digitalen Revolution wegen Altersschwäche eingeschläfert: das Musik- 

Abspielprogramm Winamp. Seine beste Zeit hat dieser Pionier der digitalen 

Tonwiedergabe bereits seit Jahren hinter sich – man glaubt es kaum, dass 

bei Winamps Publisher Nullsoft bzw. bei dessen Mutterfirma AOL überhaupt 

noch Leute sitzen, die sich um den Komapatienten kümmern. Damit ist es 

jetzt aber vorbei, und das heißt: Schön in Erinnerungen schwelgen, mit Melancholie 

und allem Drum und Dran. Passt perfekt zur letzten Ausgabe unseres 

kleinen Magazins ohne Zukunft. 

Auch vor Spotify, vor dem ersten iPod, vor iTunes, ja selbst vor dem ersten 

Apple-Computer gab es digitalen Musikkonsum. Etwas komplizierter 

war es, zugegeben, aber auch etwas intensiver. Eigentlich gab es ja keinen 

Grund, Musik auf einen Intel- Pentium-Panzer-PC aus dem 20. Jahrhundert 

zu ziehen. Die Alben waren auf CDs zu Hause und gehörten in die Stereoanlage. 

Als sich mir jedoch 1999 die wunderbare Regenbogenwelt des Filesharing 

und der MP3s eröffnete, war plötzlich alles anders. Mühsam und 

im Schneckentempo wurden die Dateien aus der 64Bit-ISDN-Leitung gequetscht. 

Wahrscheinlich waren die Telefonkosten anfangs so hoch, dass 

man dafür auch die Platte hätte kaufen können. Aber was macht man nicht 

alles für den Fortschritt. 

Mein erster heruntergeladener Song war „All I Need“ von Air; ein einigermaßen 

cooler erster Song. Von meiner ersten CD-Single kann ich das nicht 

behaupten: „Pride“ von U2. Und wo wir gerade dabei sind, Vinyls habe ich 

eigentlich nie besessen („3 Feet High and Rising“ von De La Soul ist noch 

immer mein einziger Longplayer). Hätte ich allerdings gerne, weil ich dann 

wahrscheinlich bei den Girls zwei bis drei Schippen cooler dahergekommen 

wäre, aber der Pragmatismus hat in jungen Jahren den Style geschlagen. 

Muss man auch erstmal bringen. 

Doch zurück zum Thema. Der Computer brauchte nun jedenfalls ein 

Cinch-auf-Klinke-Kabel zur Anlage, und vor allem ein Abspielprogramm, dass 

die MP3s wiedergeben konnte. Zu Winamp gab es dabei keine Alternative. 

Einfach, klein, benutzerfreundlich. Man hatte Ordner mit Musik, und die hat 

man mit dem Programm geöffnet. Playlists und Co. hat noch kaum jemand 

genutzt; Winamp war alles, was man brauchte. Man konnte sogar zwei Instanzen 

parallel betreiben, beide von einer anderen Soundkarte ansprechen 

lassen und an ein Mischpult anschließen. So konnten sogar mittelcoole Leute 

wie ich „auflegen“ – im übertragenen Sinn, versteht sich. Winamp habe ich 

folglich die paar wenigen Quasi-DJ-Momente meines Lebens zu verdanken. 

Als dann etwas später der erste iPod mit seinen unglaublichen 10 GB 

das Gadget-Herz höher schlagen ließ, begann allerdings bereits der Niedergang. 

Ab jetzt war iTunes angesagt, und die Musik speicherte man nicht 

mehr in Ordner, sondern irgendwohin, wo man sie nicht mehr sehen konnte. 

So haben wir uns aus den Augen verloren, Winamp und ich. Erst in der letzten 

Woche habe ich wieder an Dich gedacht, erst jetzt, wo alle Lebewohl sagen, 

weil Du eingeschläfert werden sollst wie ein altes Pony. Man bietet Dich 

nicht mehr zum Download an, und Deine Website wird gelöscht. Letzte Hoffnung: 

Angeblich ist Microsoft an Dir interessiert – ein alter Haudegen wie 

Du; da hält man zusammen. 

Was auch kommt, ich wünsche Dir, mit einer Träne im Knopfloch, alles 

Gute, liebes Winamp. War eine aufregende Zeit des Entdeckens. So etwas 

bekommt man nicht zurück. Mach’s gut. Leb wohl. Programm beenden. 

G r a n d T h e f t A u t o 5 

Teil der Lösung oder 

Teil des Problems? 

Florian Brauer 

Die Videospielserie „Grand Theft Auto“ gilt inzwischen auch außerhalb der 

Gamer-Szene als Inbegriff digitaler Popkultur. Die Art und Weise, wie hier in 

einer offenen Spielwelt Erzählung, Musik, Mode und eine Parodie des American 

Way of Life verwoben werden, ist einzigartig. Auch im Zusammenhang 

mit dem just zu Ende gehenden Lebenszyklus von Playstation 3 und Xbox 

360 wird der neueste Teil der Serie häufig als krönender Abschluss dieser 

Hardwaregeneration bezeichnet. 

Allerdings könnte man „GTA 5“ auch als Beispiel für die Krise betrachten, 

in der die Videospielbranche steckt. Gerade jetzt, im Übergang zur nächsten 

Konsolengeneration, sind die Erwartungen hoch. Es ist die allzu simple Rechnung, 

dass mehr Leistung auch automatisch bessere Spiele bedeute – ein 

schwerer Irrtum! Bei der „GTA“-Serie lässt sich die technische Weiterentwicklung 

an detaillierteren Landschaften und höherer KI-gesteuerter Lebendigkeit 

zwar gut erkennen, aber im Prinzip hat sich seit dem damals bahnbrechenden 

„GTA 3“, das erstmals eine offene Spielwelt bot, nichts geändert. 

Immer noch geht es darum, auf der Karte von Punkt A nach 

Punkt B zu kommen und zwischendurch mit Autounfällen 

und wilden Schießereien die Möglichkeiten der Spielmechanik 

auszuloten. Eine Skalierung der Spielwelt und ein 

pinkfarbener Sonnenuntergang allein machen ein Gameplay 

allerdings nicht besser. 

Auch in Sachen Erzählung setzt man bei „GTA 5“ auf 

Expansion. Das Spiel kann nun nicht nur aus einer Perspektive, 

sondern mit drei Protagonisten aus völlig verschiedenen 

Milieus erlebt werden. Eigentlich vielversprechend, 

denn schon immer war es Teil des Vergnügens bei „GTA“, 

die markanten Persönlichkeiten kennen zu lernen, die der 

Welt ihre Würze verleihen. Allerdings stößt auch diese Vergrößerung 

irgendwann an Grenzen. Als Parodie auf ein 

spätkapitalistisches Amerika funktioniert „GTA“ in vielerlei 

Hinsicht immer noch toll, aber Ironie und auch drastische Gewaltdarstellungen 

brauchen einen Gegenpol, um zu wirken. Ähnlich wie bei Tarantino-Filmen 

stellt sich nach übermäßigem Gebrauch Abstumpfung ein. Irgendwann 

ist es nicht mehr lustig, zu einer Normalisierung von Rassismus, Sexismus 

und Gewaltdarstellung selbst beizutragen. Trotz der Plattheit vieler Wirkungsdiskussionen 

darf man eine Wechselwirkung von Realwelt und Spielwelt 

nicht vergessen. 

Die Problematik der Spielbranche liegt aber in ihrem Wachstumszwang. 

Es stimmt ja nicht, dass auf älteren Konsolen aus technischen Gründen keine 

guten Spiele mehr gemacht werden könnten. Viel eher ist es so, dass sich 

die hohen Entwicklungskosten der letzten Hardwaregeneration inzwischen 

amortisiert haben und jetzt neue Systemabhängigkeiten geknüpft werden 

müssen. In diesem komplexen Geschäfts-Gewebe sind Spiele wie „GTA“, 

„Assassins Creed“ oder auch „FIFA“ die Zugpferde, die vor allem über das 

Grafik-Paradigma immer wieder aufs Neue die gleichen Spielkonzepte aufwärmen. 

Keine Frage, „GTA“ ist ein tolles Spiel, aber große Entwickler müssen 

auf Sicherheit spielen und können sich keine Experimente leisten. Innovative 

Spiele wird man zukünftig im Fahrwasser der großen Titel mit der 

Lupe suchen müssen. 

Action-Adventure; 

Rock Star Games; 

PS 3, Xbox 360, PC 

BYE BYE 

21

Die Platte 

am Anfang 

Juana Molina 

Wed 21 Crammed Discs/Indigo 

Ulrich Kriest 

Fast schon wieder vergessen, wie 

gut uns damals, 2006, als New 

Weird America noch der heiße 

Scheiß war, „Son“ der Argentinierin 

Juana Molina reinlief. Klasse, 

dieser ambitionierte One-Woman- 

Folktronica-Entwurf zwischen Björk, Suzanne Vega 

(remember „99, F Degrees“?) und Animal Collective, 

der immer irgendwie ein Geheimtipp blieb, obwohl 

die Kritik sich schon damals überschlug. Im Jahr 

2008 folgte noch der rhythmisch ambitionierte Wurf 

„Una Dia“, dann war Pause. 

Nun meldet sich die Sängerin und Produzentin mit 

ihrem offenbar im Alleingang eingespielten sechsten 

Album „Wed 21“ zurück. Der Mix von traditionellen 

Instrumenten und elektronischen Devices ist jetzt 

etwas ausgewogener, die sanfte Stimme Molinas, 

die sich tänzelnd – mal schneller, mal gravitätischer – 

durch die kunstvoll gedrechselten und geschichteten 

Klangskulpturen bewegt, ist noch immer suggestiv 

und fesselnd. Eine ordentliche Prise „Tropicalia“ ist 

nicht zu überhören, aber auch die TV-Vergangenheit 

Molinas als Comedian klingt durchaus an. Soy buena 

actriz, nicht wahr? 

Der Auftakt mit „Eras“ hat beinahe schon hypnotische 

Qualitäten: ein flotter Gitarren-Groove 

schiebt sich über Bass-Loops, während der Hintergrund 

von einer ganzen Palette elektronischer Geräusche 

wie ein Bienenkorb summt. Dazu singt Molina 

mit ihrer unverwechselbaren Stimme: „Eras todo, 

nada ma hará feliz / Verás, nuncas sabrás, soy buena 

actriz.“ Mit dem Spanischen ist es so ähnlich wie mit 

dem animistischen Cover-Surrealismus, dem Molina 

im Cover-Artwork frönt: Dieses Album nimmt gefangen 

und bleibt gleichzeitig unfassbar. Ich glaube 

fast, es möchte „geliked“ werden, aber nicht zu viele 

Freunde auf Facebook haben. Wir sollten der Künstlerin 

einen Strich durch die Rechnung machen. Also, 

Companeros: „Wed 21“ – großes Album! Bitte nicht 

schon wieder verpassen! 

John Talabot 

DJ-Kicks k7!/Alive 

Christoph Braun 

Bisher war er der Typ für die Sandgefühle. 

John Talabot hat schon mit 

frühen Produktionen wie „Sunshine“ 

durch smarte Wendungen für eigensinnige 

tribalistische House Music 

gesorgt. Es klackerte, bongte und 

schlürfte in diesen Tracks. Nur ein Debütalbum später – 

„Fin“ lautet der Titel Anfang 2012 –, und schon wird der 

Typ aus Barcelona geadelt. Mit einem Auftrag für den 

Bentley unter den DJ-Compilations: für die DJ-Kicks-Reihe 

des Berliner Labels !k7, traditionsreich, gespickt mit 

berühmten Momenten wie den Mixen von Carl Craig, 

Kruder & Dorfmeister oder Maya Jane Coles. 

Talabot eröffnet mit einer Überraschung: „Journey 

to the Center of the Sun“. Der Track des Detroiter Produzenten 

Isaac Delongchamp alias North Lake entfaltet 

eine majestätische Schwere. Diese beinahe geologische 

Qualität wird die DJ-Kicks von John Talabot bis zum 

Ende nicht mehr verlassen. Der Andy-Stott-Remix des 

Maps-Songs „I Heard Them Say“ mäandert durch Karstgestein, 

und immer wieder erzeugen Echo-Effekte das 

Gefühl, ganz allein durch ein kahles Gebirge zu laufen. 

Das Pathos, das derlei Aktionen innewohnt, ist auch Stücken 

wie „Anagrama“ von Temple Rytmik oder „Shower 

Scene“ von Axel Burat nicht fremd. Talabot gibt es in 

den Mix und treibt so ein kühnes Spiel mit Stimmungsschwankungen 

und Richtungsänderungen. Die Atmosphäre 

geht niemals verloren. Und sie verschwindet, 

wenn die Musik verstummt ist, nur ganz allmählich, wie 

am Meeresufer ein Gesicht im Sand. 

Devon Sproule & Mike O‘Neill 

Colours Tin Angel Records/Indigo 

Die Höchste Eisenbahn 

Schau in den Lauf Hase Tapete Records/Indigo 

Markus von Schwerin 

Erlebt das Duo eine Renaissance? 

Es scheint so: Adam Greens Karriere 

kommt dank Binki Shapiro wieder 

in Gang und M. Ward erhielt als Hälfte 

von She & Him die lang erhoffte Aufmerksamkeit. 

Die wäre auch den Kanadiern 

Devon Sproule und Mike O‘Neill zu wünschen, zumal 

ihr erstes Gemeinschaftswerk ganz ohne Nancy & 

Lee-Getue auskommt. Stattdessen werfen die beiden 

einfach das in die Waagschale, wofür sie bei Liebhabern 

narrativen Folkpops mit unorthodoxer Instrumentierung 

(Holzbläser, Arp-Soli) schon seit längerem geschätzt 

werden: diesen entspannten Gesangsvortrag, der naïve 

Everly-Brothers-Harmonie ebenso evoziert wie die 

gebrochene Glückseligkeit eines Alex Chilton. Die Zusammenarbeit 

via Webcam begann während Sproules 

fünfmonatigem Berlin-Aufenthalt, der für die heute in 

Austin, Texas Lebende zwar ernüchternd, ihrer Kreativität 

aber offenkundig zuträglich war. 

Als Sänger von Tele sang Francesco Wilking schon 

vor sieben Jahren „Bye Bye Berlin“. Die Härten der hippen 

Hauptstadt vermochten den Ex-Freiburger jedoch 

nicht zu vertreiben. Vielmehr konnte er sich in offeneren 

Konzertformen (wie der „TV-Noir“-Reihe) als Entertainer 

und geschätzter Teamplayer erweisen. So entstand 

mit dem Songwriter-Kollegen Moritz Krämer Die 

Höchste Eisenbahn, wo bald auch eine Rhythm Section 

mit ins Abteil steigen sollte. Die 2011er Debüt-EP „Unzufrieden“ 

hatte was von einer Berliner Antwort auf die 

„Monsters of Folk“. Doch wer in Krämer & Wilking schon 

die deutschen Crosby & Nash sah, dürfte nun vom Longplayer 

überrascht sein. Statt perlender Westerngitarren 

erklingen funky Synthiesalven, statt gedämpftem Drumset 

in der Scheune gibt‘s hallende Bassdrums à la Prefab 

Sprout: 80er-Jahre-Sounds, für die Tele immer zu haben 

war und die mit Krämers Niels-Frevert-Timbre nicht 

weniger Wucht entwickeln. „Allen gefallen“, um hier den 

potentiellen Radiohit zu zitieren, wird das wohl nicht. 

Aber wem sich der Facettenreichtum der dreizehn Stücke 

erst erschlossen hat, wird lange davon zehren. 

Raz Ohara 

Moksha Morr Music/Indigo 

Ulrich Kriest 

Hui, hat damit noch jemand außerhalb 

Berlins gerechnet? Der gebürtige Däne 

Raz Ohara, bürgerlich Patrick Rasmussen, 

gehört ja als Urgestein der Berliner 

Szene seit Anfang der 90er Jahre 

irgendwie immer ins Bild, wenngleich 

in der dritten Reihe, halb verdeckt. 

Damals bei Kitty-Yo sollte der Mann mit dem Soul in 

der Stimme erst als Prince-, dann als Beck-Hybrid verkleidet 

werden. Nebenher war er, an der Seite von Alexander 

Kowalski und Apparat, die Stimme des Techno. 

Später entdeckte er die Möglichkeiten der jazzinformierten 

Electronica und morphte sich in Begleitung des Theatermusikers 

Oliver Doerell (Swod) zum Odd Orchestra 

und wurde von der Kritik (und von mir) gehätschelt und 

verehrt. Seit 2009 war dann allerdings, zumindest was 

das Albumformat angeht, Sendepause. 

Jetzt, auf „Moksha“, hat er alles Verspielte und Fluffige 

eliminiert – und benötigt als Sänger nur noch die Essenz 

fragiler elektronischer Atmosphären, um sich durch 

sie hindurch zu lavieren. Klingt manchmal nach Antony 

Hegarthy und bei „Two Young Mates“ lustigerweise 

nach Hawkwind in der „Quark, Strangeness & Charm“- 

Phase. Womit auch „Moksha“ sehr schön charakterisiert 

wäre. Wir verfolgen die Häutungen mit großer Sympathie, 

wenngleich aus der Ferne. 

BYE BYE 

22

R o m a n 

Die unerbittliche 

Brutalität des Erwachens 

Pascale Kramer 

Carola Ebeling 

Pascale Kramer, 1961 in Genf geboren und schon lange 

Wahl-Pariserin, ist eine Meisterin der präzisen Seelenbeobachtung: 

Da wo Menschen sich nahe glauben, 

offenbart sie Abgründe und Entfremdungen, indem 

sie kleinste Veränderungen in der Gestik, der Mimik, 

im Verhalten ihrer Figuren beschreibt. Die Art, wie diese 

sich durch einen Raum bewegen, verrät bei Kramer 

mehr als eine psychologische 

Beschreibung innerer 

Vorgänge. 

Neun Romane hat sie bereits 

veröffentlicht, jetzt 

kann man ihr zum vierten 

Mal in deutscher Übersetzung 

folgen. Diesmal hat sie 

die Handlung im Los Angeles 

des Jahres 2004 angesiedelt. 

Die 27-jährige Alissa ist 

Mutter einer kleinen Tochter 

geworden – doch statt Glück 

zieht Verzweiflung in das mit 

Ehemann Richard neu bezogene 

Appartement ein. Kramer 

schildert einen inneren 

Zusammenbruch: Die Erkenntnis der absoluten Abhängigkeit 

dieses so zerbrechlichen Lebens, dieser existenziellen 

Verantwortung für ihr Baby überfordert Alissa 

vollkommen, weckt Ängste und Zweifel. 

Kramer geht es dabei nicht um den „Extremfall“ 

postnatale Depression, sondern um das Naheliegende 

solcher Empfindungen in einer Situation, die aus sich 

heraus extrem ist. In gesellschaftlich wirkenden Bildern 

vom Muttersein ist das aber nicht vorgesehen. Im Gegenteil: 

In den USA noch lauter als hierzulande tönt die 

Botschaft von der glücklich machenden Familie. Alissa, 

bisher ein Leben gewohnt, das ihr nicht viel Verantwortung 

abverlangte, hat diese Versprechungen für wahr 

genommen – und fühlt sich nun betrogen. 

Kramer zeichnet die Entfremdung zwischen Alissa 

und Richard und Alissa und ihrer Mutter mit dem ihr eigenen 

genauen Blick. Die junge Frau brüskiert die anderen 

mit verstörenden Handlungen, vernachlässigt das 

Baby, läuft davon. Ob sich aus der gleichzeitigen radikalen 

Infragestellung ihres bisherigen Lebens produktive 

Energien entwickeln können, lässt Kramer offen. Und sie 

konfrontiert Alissas Entfremdung auf irritierende Weise 

mit der eines schwerverletzten Irak-Heimkehrers: Eine 

weitere US-amerikanische Erzählung, die vom Helden, 

die sich als Lüge erwiesen hat. 

R o m a n 

Stoner 

John Williams 

Michael Saager 

Die Karriere mancher Bücher nimmt bemerkenswert 

verschlungene Wege. John Williams’ dritter Roman 

„Stoner“ etwa, der 1965 in den USA erschien, ein wahrhaft 

lebenskluges, gleichwohl nicht eben leicht zu verdauendes 

Buch über einen eher unglücklichen, scheinbar 

genügsamen, aus einer armen Farmerfamilie 

stammenden Assistenzprofessor für Englische Literatur, 

hatte insbesondere in Schriftstellerkreisen Erfolg. Es 

brachte dem 1922 in Texas als Farmersohn geborenen 

und später als Assistenzprofessor für Englische Literatur 

arbeitenden Williams den Ruf eines writer’s writer ein, 

der nicht unbedingt als massentauglich galt. Den National 

Book Award erhielt er erst 1973 für den historischen 

Roman „Augustus“. „Stoner“ ward irgendwann vergessen 

und nach dem Tod des Autors im Jahre 1994 nicht 

wieder aufgelegt. 

Dabei besticht gerade dieser Roman durch seinen in 

einem ruhigen Sprachfluss verankerten, grandios genauen 

Blick aufs alltägliche Scheitern. „Stoner“ handelt von 

einem Menschen, dessen Lebensinn stiftendes Akademikerglück 

an der Universität aufgrund boshafter kollegialer 

Intrigen jäh zum Erliegen kommt und dessen aus jugendlicher 

Unbedarftheit allzu früh eingegangene Ehe 

mit der falschen Frau an eisiger 

Lieblosigkeit und fatalen 

Missverständnissen kaum zu 

überbieten ist. Die mitunter 

schwer auszuhaltende Chronik 

eines stummen Sich-Fügens, 

eines beinahe schon 

steinern anmutenden Hinnehmens 

von vermeintlich 

nicht zu ändernden Lebensumständen 

wird großartig 

kontrastiert durch eine Phase 

allergrößten Liebesglücks, 

das Stoner in der ungemein 

zärtlich-intensiv geschilderten 

Affaire mit einer seelenverwandten 

jungen Kollegin 

findet. Da schöpft dann auch der Leser wieder ein bisschen 

Mut. Doch Stoners Glück zerbricht. Der Kampf für 

diese Liebe – er bleibt aus. Es ist zum Haare raufen. 

Der Roman hat mehr Glück. Nach seiner Neuauflage 

im Jahr 2006 erlebt „Stoner“ seinen zweiten Frühling, 

wird sogar zu einem kleinen Welterfolg und in alle möglichen 

Sprachen übersetzt. Zuletzt von Bernhard Robben 

in ein schnörkelloses, wundervoll fließendes Deutsch. 

dtv, 2013, 253 Seiten, 19,90 Euro 

R o m a n 

Macunaíma 

Mário de Andrade 

Frauke Pahlke 

Macunaíma, „Der Held ohne jeden Charakter“, wie ihn 

der Untertitel gleichsam fröhlich bezichtigt, ist ein Antiheld 

und ist wiederum keiner. Diese dekadente Figur 

des brasilianischen Modernismo, die aus dem tiefsten 

Urwald nach São Paulo in die Molochmaschinenwelt und 

wieder zurück reist und der währenddessen Magisches, 

Frivoles, Grausames, Groteskes widerfährt, lässt sich 

nicht leicht fassen oder vereinnahmen, und gerade das 

ist das Wunderbare an ihr. Mário de Andrades irrwitzige 

Rhapsodie nimmt Historisches und Folkloristisch-Mythologisches 

verspielt-satirisch 

in sich auf. Geschrieben 

in nur einer einzigen Dezemberwoche 

des Jahres 1926, 

gut hundert Jahre nach der 

Unabhängigkeitserklärung, 

gilt das Werk längst als das 

emanzipatorische Werk der 

brasilianischen Literatur. 

Bevor der Held ohne Charakter 

sich auf die Reise begibt, 

erleichtert er sich auf 

der Insel Marpatá noch um 

sein Gewissen, um es bei 

seiner Rückkehr prompt 

nicht wiederzufinden und 

dann kurzerhand durch jenes 

eines „Hispano-Amerikaners“ zu ersetzen, und ist es zufrieden. 

Und dann: „Ach! Diese Faulheit!“ So tönt immer 

wieder Macunaímas wohliger Seufzer durch den Roman. 

Er lässt sich treiben und andere für sich arbeiten, macht 

sich nicht nützlich, nutzt nur sich selbst. Hunger, Durst, 

Schlaf, Wollust: Er lässt sich leiten von der unmittelbaren 

Befriedigung der eigenen Bedürfnisse. Genuss ist ihm 

oberstes Gebot, ohne Rücksicht und Bedenken verrät er 

dafür Brüder und Geliebte. Macunaíma nimmt sich, was 

er will, wann er will, von wem er will, ohne Maß. Feige 

aber rennt er Mal um Mal weg, wenn Gefahren drohen, 

um dann wieder tollkühn zu sein – oder einfach triebhaft, 

gescheit, listig. 

Maßlos ist auch die Sprache, lautmalerisch übersprudelnd. 

Macunaímas Trägheit hingegen steht in reizvollem 

Kontrast zu der Rasanz des Textes, der seinen 

nichtsnutzigen Helden nur so durch urbane Dickichte 

und urwüchsige Gefilde peitscht, dabei immer wieder 

chamäleonartig die Form wechselt – und sich so beiläufig 

auch des postkolonialen Erbes Brasiliens annimmt. 

Suhrkamp, 2013, 217 Seiten, 17,95 Euro 

Rotpunktverlag, 2013, 173 Seiten, 19,90 Euro 

BYE BYE 

24

N e u e S t ü c k e 

C h i l e 

Alles unter Kontrolle 

Seespinne mit Palta 

Tina Fibiger 

Am Eingang zum DT-Studio werden Schlüsselbund und Bleistift zu gefährlichen 

Gegenständen deklariert. Auch die Leibesvisitation gehört zum Regelwerk 

beim Thema Sicherungsverwahrung. Gutachten, Prognosen und Bedenken 

schließen sich an, wie denn nun mit Straftätern zu verfahren sei, bei 

denen der Risikofaktor nicht auszuschließen ist, dass sie erneut massiv straffällig 

werden. 

Nico Dietrichs dokumentarische Szenenfolge „Wegschließen und zwar 

für immer“ sondiert Verhältnisse, die nicht so eindeutig zu beurteilen sind. 

Mit Klebeband markieren vier Schauspieler den Radius der Weggesperrten, 

um sich dann den Innen- und Außensichten derer zu widmen, die wegsperren 

oder weggesperrt wurden: den Erfahrungen von Justizbeamten und 

Seelsorgern, den Überlegungen von Forensikern, Richtern und Anwälten. 

Die Schilderungen eines Vergewaltigers lösen nicht bloß Abscheu aus und 

seine Reuebekenntnisse nicht nur Mitleid. Es gibt auch keine eindeutigen Befunde 

für analytische Verfahren und Rückfallprognosen 

im Verhältnis zu statistischen Werten und 

Wahrscheinlichkeiten. 

Mit jedem Statement, das Dietrich und Co-Autorin 

Inken Kautter aus ihren Interviews kondensiert 

haben, werden Ansichten, Meinungen und 

Urteile auf die Probe gestellt. Auch wenn mit Bürgerprotesten 

gegen die Weggeschlossenen in unmittelbarer 

Nachbarschaft argumentiert wird oder 

mit den Stimmen kommunaler Volksvertreter, wie 

im Fall der JVO Rosdorf: Schließlich sorgt die Justiz 

nicht nur für stabile Sicherungsverhältnisse, 

sondern auch für zusätzliche Arbeitsplätze und 

weitere Steuereinnahmen. Dass sich eine Gesellschaft 

daran messen lassen muss, wie sie mit ihren 

schwersten Straftätern umgeht, war Dietrichs Arbeitshypothese. 

Sein dokumentarisches Szenario 

ergibt ein sehr differenziertes Bild, das sich weder den unbequemen Argumenten 

pro und contra Sicherungsverwahrung verweigert noch den begründeten 

Zweifeln, die dem System in jedem einzelnen Fall erneut zugemutet 

werden müssen. 

Vieles ist typisch an der abendlichen Geselligkeit auf der Bühne des Jungen 

Theaters. Das Gastgeberpaar Ralf und Sarah ist zu allerlei Nettigkeiten 

bereit und beschäftigt schon bald den Pizzabringdienst für Edith und ihren 

Mann Bastian. Autor David Gieselmann tischt ihnen in seiner Komödie 

„Herr Kolpert“ nicht nur ausreichend Gesprächsstoff über Berufliches und 

Alltägliches auf, sondern auch ein paar fiese Scherze, die bei den Gästen gar 

nicht gut ankommen. Immer wieder ist die Rede von Herrn Kolpert, von diesem 

steifen bürokratischen Arbeitskollegen von Sarah und Edith, der angeblich 

in der antiken Truhe eingelagert wurde. Vielleicht stammen die Poltergeräusche 

ja doch von ihm und nicht von den Holzwürmern, die die Gastgeber 

ebenso genüsslich herbeizitieren wie Gerüchte über das geheime Liebesleben 

des Herrn Kolpert, das leider auch die Gäste angeht. Sie lassen es gern 

auf Eifersuchtsanfälle, Faustkämpfe und verbale Ausraster ankommen, damit 

das mörderische Spiel in der Inszenierung von Tim Egloff noch ein bisschen 

mehr Drive bekommt. Die JT-Bühne mit dem durchgestylten Wohnzimmer, 

in dem sich die Bewohner zu lange gelangweilt haben, ist für ein kleines 

Gemetzel wunderbar geeignet. Zumal nicht nur die Gastgeber außer Kontrolle 

geraten. 

Wegschließen und 

zwar für immer * 

Deutsches Theater; 

Regie: Nico Dietrich 

* 

Sibille Helfenberger, 

Thomas B. Hoffmann 

(Foto: Isabel Winarsch) 

Kerstin Cornils 

Als ich in den siebziger Jahren nach Deutschland kam, fiel mir im Wohnzimmer 

der Großeltern als erstes ein Kasten voller Wachsmalkreiden auf. Plötzlich 

konnte man seine Bilder mit karminroten Hasen, preußischblauen Stühlen 

und orangen Sonnen schmücken – in Chile hatte ich nur kläglich mit den 

Grundfarben kritzeln können. Ein fast noch größeres Wunder bestand darin, 

dass neben den Kreiden kein Packpapier lag, sondern ein seidiger Block, 

dessen Papier noch weißer als Andenschnee blitzte. Doch nicht das ganze 

Leben war so bunt wie die Kreiden. Die Mädchen 

in Hamburg trugen keine leuchtenden Kleider, sondern 

Hosen. Wenn man morgens aufstand, war es 

so eisig, dass aus dem Keller Kohlen geholt werden 

mussten. Anders als in Maitencillo fanden sich 

vorm Haus keine Seesterne. Statt eines Vaters, der 

mit Tauchflossen über den Strand watschelte, um 

das Mittagessen zu harpunieren, saß am Tisch neuerdings 

ein Opa mit Krawattennadel, der stolz auf 

den Milchkarton klopfte und die glorreiche Produktion 

der heimischen Kühe pries. Nie und nimmer 

seien die chilenischen Kühe so fett und glücklich 

wie die schwarzweißen Holsteiner, behauptete er. 

Die Vierjährige belehrte ihn, dass er irre. Alles sei 

besser in Chile. Und die Kühe aus Edelgold. 

Als ich 1988 in Santiago landete, um bei den 

goldenen Kühen und meinen Großeltern aus Viña 

del Mar nach dem Rechten zu sehen, prangte auf 

fast jeder Hauswand ein forsches „Sí“ – ein Ja zur 

Diktatur. Meine Hamburger Oma, die vom Bauernhof 

stammte und Neruda las, hatte mich gewarnt 

vor der Großmutter aus Viña: Eine feine Dame sei 

das, die in einer Welt voller „Herr und Frau Doktor“ 

verkehre, Pinochet nicht für einen Mörder halte und 

sich von Dienstmädchen bedienen lasse. Und tatsächlich 

verschlug es mir den Atem, als ich zum 

Frühstück ins Bauernzimmer bestellt wurde, wo neben 

Knoblauchpillen auch bayrische Trachtenservietten 

dräuten. „Nimm doch, Kind“, frohlockte die 

mit Lapislazuli behängte Alte, „das Schwarzbrot 

wurde gerade frisch aus der Colonia Dignidad geliefert.“ 

Aber Oma, meinst du etwa die Kolonie von 

Paul Schäfer, wo Kinder misshandelt werden? Darüber 

wollte die Frau, deren Familie in vierter Generation in Chile lebte, im 

„Mercurio“ nie etwas gelesen haben. Um Mitternacht servierte sie nach dem 

Kino Seespinne mit Palta. Als sie dann mit funkelnden Augen den Wein entkorkte, 

lachte sie mehr als die Hamburger Oma in ihrem ganzen Leben. 

Nun jährt sich der Militärputsch zum vierzigsten Mal. Ich treffe den ältesten 

Sohn eines chilenischen Cousins in einem Londoner Café. Der junge 

Mann hat in Kolumbien, Brasilien, Mexiko und Chile gelebt. Demnächst möchte 

er Deutschland bereisen und träumt davon, DJ in Berlin zu werden. Ich 

schwärme von einer Reihe neuer chilenischer Stücke im Royal Court. Eigentlich 

gehe ich nie ins Theater, winkt der Chilene ab. Eine Kellnerin aus Córdoba 

bringt uns Kaffee. Ihr seid euch aber ähnlich, ruft sie verblüfft. Wir lachen: Ich 

und der Mann, den ich in meinem Leben noch nie zuvor gesehen habe. 

fehmi-baumbach.de 

BYE BYE 

27

D E Z E M E B E R 

Sterne 

Ella Jaspers 

Wassermann Einen Kirsch-Lampion für dunkle Tage und als vorläufig letztes 

Winken von dieser Stelle aus. Strahlend aus dem Off. Es verschwimmen die 

Töne, das Flüstern bleibt im Ohr, die Krähen verstummen. Allein die Kirsche 

summt schön rot. 

Fische Vom Selbst abkommen, zum anderen schauen und den Boden wiederfinden. 

Gehen, ausziehen und doch bleiben, dem düsteren Kampf ein 

Ende machen. Widerruf ist unmöglich, etwas bewahren und gut aufheben im 

Pfeffer. 

Widder Die Kapseln aufbrechen, feurigen oder krümligen, lichten und mehligen 

Inhalt essen. Betäubend den Schädel durchboxen. Und die Zuflucht dort 

finden, wo sie nie sicher war. Tröstlichster Ort. 

Stier Die Früchte platzen reif auf, ihr Saft tropft auf deine Lippen. In ihrem 

Selbstverhältnis spiegelt sich die Welt. An deiner Seite ist zusammen wie im 

dunkelgrünen Schatten der Bäume durch die sonnigen Berge zu gehen. 

Zwillinge Die Erde ist warm für dich. Immer geradeaus. Umschiffe lockende 

Hinterhalte mit großem Mut. Jede Hülle nimmt dich gern auf, umschließt 

dein Leben liebevoll. Auf das Beste verknotet mit Sternenklar, Meeresblau 

und Himbeerrot. 

Krebs Bilder im Kopf durchziehen unauslöschlich deine Tage und Nächte. 

Sehen, sagen, schreiben, fühlen. Das Flattern der Schwalbenflügel surrt durch 

die Mittagshitze. Liebe für alle. Immer. 

Löwe Der dunklen Schollen Erdverbundenheit und Eleganz ist immer noch 

einen Schritt weiter weg. Du selbst gleichwohl. Kahle kurze Momente bergen 

Rezepte neben Lieben. Längst entlegene Gebiete frieren ein. 

Jungfrau Im Gewimmel kann man die Sterne kaum noch sehen. Du schaffst 

einen Blick zu werfen in das Wolfsknäuel, untergräbst die dritte Ebene mit 

Herz und Mond. Dort unten ist es nicht mehr weit. 

Waage Borsten und Struppen überall, geifernde Worte sind hinter dir her. 

Dem Hetzer den Weg abschneiden, die Revolution braucht ihn nicht. Weit 

jenseits dessen bist du im Glück. Geworfen und in Liebe. 

präsentiert vom: 

DOLLAR 

CLUB 

Skorpion Für diesen Moment unendliche Nähe. Der Überschuss ist nicht zu 

zählen. Vom Hangeln ins Gehen, Rennen, Springen kommen. Die Faust zum 

Gruße. Jeder nickt dir zu, weidenwiegenwarm. Das Glück auf deiner Seite. 

Schütze Als schöner wilder Falke groß und stark werden. Dein breites Grinsen 

behalten. Dir deiner sicher sein und der Welt drumherum. Nichts kommt 

zu kurz, wilde Ziegen streifen deinen Weg. Du triffst sicher, immer wieder. 

Steinbock Es gibt diese Vögel, die Nüsse in Holzspalten einklemmen und 

dann draufrumhacken, bis die Schale abspringt. Hellgrün dämmert es zwischen 

den verlassenen Spuren. Du springst auf. Von einem Rand zum anderen 

rumort die Spitze beim Drehen. 

BYE BYE 

28 

www.print-o-rama.com

BYE 

BYE 

PONY 

DJ Kid Cut DJ Slick Tec 

(Hannover / Battle of the Year-Resident) (Göttingen / Tha Prophecy-Radio-Show) 

PARTY 

The 

Burning 

Hell 

Heimathafen 

im Pools 

18.12. 

20 00 

23.12. 

23:00 h 

im EinsB 

must of the month 

Für die ersten 50 Gäste: Big Lebowski-Give-away 

Für die ersten 100 Gäste: „Jägermeister-Welcome-Shot“ 

oder „Red Bull Editions-Longdrink“

Mo 

2.12. 

Di 

3.12. 

Mi 

4.12. 

Do 

5.12. 

Fr 

6.12. 

Sa 

7.12. 

So 

8.12. 

6.12. 

21 00 

Apex 

Eine Weihnachtsgeschichte 

Theater 20.15 

Stephan Bauer 

Kabarett 20.15 

Rena Schwarz 


Blue Note 

After-Work-Party 

DJ SeleD 18.00 

t.b.a. 

22.00 

t.b.a. 

22.00 

Salsa-Party 

DJ Zdee 20.00 

Diva Lounge 

EinsB 

DFB-Pokal Live 

20.00 

DFB-Pokal Live 

20.00 

Bermuda-Club 

23.00 

Whiskey-Probier-Tag 

20.00 

Paulaner-Tag 

15.00 

Endless Night 

23.00 

Frühstücksbuffet & 

Bundesliga 10.00 / 15.30 

House-Schmaus 

23.00 

Tatort-Abend 

20.15 

Dota 

Musa 

Exil 

Helden von Heute 

Konzert 21.00 

Unzucht 

Konzert 21.00 

Headbangers Ballroom 

23.00 

Saturday Night Rockshow 

Kultrock 23.00 

Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 

Salsa-Kneipe 

20.30 

NB-Houseband 

21.30 

Frühschwimmer 

10.00 

Tag- & Nachtschänke 

Warsteiner-Stunde 18.00 

ImProsant 

20.30 

The Sound of 

Glitterhouse 20.00 

Jack Out … 

20.15 


Kölsch-Stunde 18.00 

Bermuda-Club 

23.00 

Bermuda-Club 

23.00 

Salsa en Sótano 

Salsa & Latin 22.00 

Spritwoch 

10.00 

€ocktail-€lash 

Cuba-Special 21.00 

Weizen-Tag 

18.00 

Deep in the Groove 

Jam-Session 21.00 

Manic Pool 

10.00 

Jäger & Sammler 

Astra-Special 21.00 


Jever-Stunde 18.00 

Kiss-Club 

23.00 

Jukebox Explosion 

23.00 

Dota & die Stadtpiraten 

Konzert 21.00 

Beats on Toast 

10.00 

Urban HipHop 

by PA 21.00 


14.00 

t.b.c. 

La Boum 

23.00 

Bacalao 

Konzert 21.00 

Gypsy Juice 

22.00 


10.00 

Break the Funk 

by Slick Tec 21.00 


14.00 

Tango-Salon 

20.00 

Tatort-Abend 

20.15 


14.00 

Goldkehlchen Dota Kehr, kehr zurück 

zu uns! Wir bewundern deine erdigen 

Wurzeln als Berliner Straßenmusikerin 

sowie dein Talent, in schmissigen Liedern, 

die nach Jazz, Bossa Nova und 

weiter Welt duften, wortgewandt vom 

Alltag zu singen. Deine treue Band hat 

dich in viele besetzte Häuser und sogar 

bis nach Russland und Brasilien 

begleitet. Wie du neulich ein lukratives 

Angebot von einem Major zugunsten 

deines eigenen Plattenlabels abgelehnt 

hast – Chapeau! Nun lass hören, 

wie deine neue Platte „Wo soll ich suchen“ 

klingt. 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 

Frauenlesbentrans-* 

Kneipe 20.30 (K) 

Fass-Tag 

18.00 (K) 

Casino-Abend 

20.00 (K) 

Diverse 

Swing-a-Round 

20.00 JT-KANTINE 

Uni-Nacht 

22.00 SAVOY 

Bundeliga Live HD 

15.30 STADION 

Honig & Dad Rocks! 


Casino-Abend 

Café Kabale 

Auf Honig, Town of Saints und Dad Rocks fiel die Wahl für die dritte 

Runde der „About Songs Christmas Tour“. Ein internationales Line-up 

also aus drei Duo-Formationen mit einer kaum zu überhörenden Vorliebe 

für folkige Weisen: Town of Saints kommen aus Holland und Finnland, 

Dad Rocks aus Island und Dänemark, Honig aus Deutschland und 

Deutschland. An den Weihnachtsmann glauben die Künstler zwar nicht, 

einen Weihnachtssong – „Oh Tannenbaum“? – haben sie trotzdem zusammen 

aufgenommen. Und dazu leise rieselnder Schnee. 

BYE BYE 

33 

7.12. 

20 00 

Um für seinen Casino-Abend zu werben, schlägt das Kabale apokalyptische 

Töne an. Glaubt man den Veranstaltern, sind die Ideale der Französischen 

Revolution mittlerweile so durchlöchert wie eine mottenzerfressene Theatergardine 

und in den staubigen Cocktailgläsern von Frau Welt perlen Tränen 

der Schwermut. Wir finden: Ein prima Szenario, um bei einer dekadenten 

Party lustvoll das letzte Hemd zu verlieren! Solange wir nach dem Weltuntergang 

nicht die Motten kriegen und die Scherben von Mutter Erde selbst auffegen 

müssen. 

8.12. 

20 00 

About Songs 

Christmas Tour 

JT-Kantine

Mo 

9.12. 

Di 

10.12. 

Mi 

11.12. 

Do 

12.12. 

Fr 

13.12. 

Sa 

14.12. 

So 

15.12. 

9.12. 

20 15 

Apex 

N.Weinhold Quartett 

Konzert 20.30 


Theater 20.15 

Umtausch ausgeschlossen 


Cowboy Klaus … 

Theater 16.00 

Blue Note 



t.b.a. 

22.00 

t.b.a. 

22.00 


DJ Zdee 20.00 

Diva Lounge 

Champions League live 

20.00 

Champions League live 

20.00 


20.00 

Paulaner-Tag 

15.00 



Tatort-Abend 

20.15 

EinsB 

Bermuda-Club 

23.00 

Turntable Mix 

23.00 

Christmas-Club 

23.00 

Gänsehautliesel 

ThOP 

Exil 

Wild’n Weizen 

23.00 

Vlad In Tears 

Konzert 21.00 

Nacht der Schatten 

Dark Rock & Wave 23.00 



Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 


20.30 

Querbeat 

21.30 


10.00 



Astra-Tag 

10.00 

Jack Out … 

20.15 



Bermuda-Club 

23.00 

Bermuda-Club 

23.00 



Spritwoch 

10.00 



Weizen-Tag 

18.00 

Denmantau 

Konzert 21.30 

Manic Pool 

10.00 





Sabor Lation 

23.00 

Be Really Reffreshed 

23.00 

Rock gegen Rheuma 

DJ Albi 21.00 

Geschlossene 

Gesellschaft 


10.00 

I don´t Care 

by Viper M 21.00 


14.00 

Gay Sensation 

23.00 

Cry Baby Club 

23.00 

Bernd & Bernie Band 

Konzert 21.30 

Ringelbeats zum Anbassen 

23.00 

Sure Shot 

by Turntable Twins 21.00 


14.00 

Tango-Salon 

20.00 

Tatort-Abend 

20.15 


14.00 

Unheimliche Dinge schlummern unter 

Göttingens altem Pflaster. Steinerne 

Brunnen, aus denen Legenden aufsteigen, 

tauchen plötzlich auf. Darüber 

wird der Weihnachtsmarkt aufgebaut, 

als wäre nichts gewesen und als würde 

nichts passieren. Doch es kann noch 

schlimm kommen. Das Gänsehautliesel 

ahnt es längst, geistert durch die 

Straßen und raunt Ungeahntes um die 

Winkel der alten Häuschen. Was verbirgt 

sich im Dunkel der vergangenen 

300 Jahre? Götz Lautenbach schaut im 

Theaterstück „Das Gänsehautliesel“ 

unters Pflaster. 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 



Music of the Living Dead 

20.00 (K) 

Diverse 

Babak Rafati 

20.00 STADION 

Uni-Nacht 

22.00 SAVOY 

Bambix 

21.30 JUZI 

Bundeliga Live HD 

15.30 STADION 

Music of the 

Living Dead 

T-Keller 

12.12. 

„Denn man tau“, sagt man auf Plattdeutsch, wenn man jemandem 

die Erlaubnis zu etwas gibt oder ihm gut zuredet, mal loszulegen. Auf 

schwarzen Aufklebern an den Laternen der Stadt steht schon seit einiger 

Zeit: „Den man tau“. Jetzt spielt die Band mit dem Namen Denmantau 

im Nörgelbuff. Fünf Hamburger, Wilhelmsburger, sind es, die die 

große Freiheit wagen und mit Trompete, Gesang, Westerngitarre, E-Gitarre, 

Keys, Bass und Schlagzeug losgezogen sind. Sie machen alternative 

Rockmusik mit Mariachi-Sprengseln. Denn man tau! 

BYE BYE 

35 

20 00 

Falsch geraten – um die Zombie-Hupfdohle Madonna geht’s gar nicht. Unter 

dem Titel „Music of the Living Dead“ hält „Extrablatt“-Autor Patrick Viol 

einen Vortrag über die Angleichung von Leben und Tod im Brutal Death Metal. 

Anscheinend geht’s dort röchelnderweise weniger um den Beelzebub als 

vielmehr um den großen Unhold Kapital sowie um die Tilgung der Differenz 

zwischen Maschinellem und Organischem. Sagt Viol. Getötet wird im Brutal 

Death Metal nicht zuletzt mit dem männlichen Genital. Auweia. Sexistischer 

Quark mit Ketchup. 

12.12. 

21 30 

Denmantau 

Nörgelbuff

Mo 

16.12. 

Di 

17.12. 

Mi 

18.12. 

Do 

19.12. 

Fr 

20.12. 

Sa 

21.12. 

So 

22.12. 

13.12. 

21 30 

Apex 

Compagnia Buffo 

Theater 20.15 

Compagnia Buffo 

Theater 20.15 

NoReduce 

Konzert 20.30 

Matthias Machwerk 



Theater 20.15 


Theater 17.00 

Blue Note 



t.b.a. 

22.00 

t.b.a. 

22.00 


DJ Zdee 20.00 

Diva Lounge 

Lounge 

15.00 

Lounge 

15.00 


20.00 

Paulaner-Tag 

15.00 



Tatort-Abend 

20.15 

EinsB 

Exil 

Wiwi-Party 

23.00 

HAWK Weihnachtsparty 

22.00 

Bermuda-Club 

23.00 

Wild’n Weizen 

23.00 

Zahni Heiligenscheinparty 

23.00 

Blues´n Boogie Küche 

21.00 

King Kong Kicks 

23.00 

Independent Friday 

23.00 

Kill Your Idols 

23.00 



Merry-Go-Round 

Konzert 21.00 

Bambix 

JuzI 

Freihafen 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Wiwi-Party 

23.00 


20.30 

NB-Houseband 

21.30 


10.00 

Astra-Tag 

10.00 

Jack Out … 

20.15 

Bermuda-Club 

23.00 

Bermuda-Club 

23.00 



The Burning Hell 

Konzert 20.00 



Zahni Heiligenscheinparty 

23.00 

Manic Pool 

10.00 



Thank God it’s Friday 

23.00 

Fight The Dancefloor 

23.00 

PowerDance 

21.00 

Rockin g B’s 

21.30 

Vögel die Erde fressen 

Konzert 20.00 

Groove my Soul 

by Proove 21.00 

Kill Your Idols 

23.00 

Black Shampoo 

23.00 

Volkhard Schuster 

Konzert 21.30 


10.00 

Funky Nights 

21.00 

Tango-Salon 

20.00 

Tatort-Abend 

20.15 

Im JuzI hat man es nicht so mit der Besinnlichkeit: 

Hier schätzt man auch im 

Advent die Stromgitarre mehr als das 

Klingglöckchen, und statt eines Knabenchors 

lädt man Bambix ein. Diese 

Damen und Herren aus Holland können 

auf 25 Jahre Bandgeschichte zurückblicken, 

in denen sie u. a. mit Bad Religion 

auf der Bühne standen. Die Bandleaderin 

Wick Bambix ist allerdings dafür 

bekannt, dass sie nicht nur kräftig 

schreien, sondern auch zärtlich singen 

kann. Also vielleicht doch eine Konzession 

an die Weihnachtsstimmung? 

Thanners 





Weizen-Tag 

18.00 




14.00 


14.00 


14.00 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 



Fass-Tag 

18.00 (K) 

Diverse 

Jo Lendle 

20.00 LIT. ZENTRUM 

Winterpausen-Fifa-Turnier 

20.30 STADION 

Jo Lendle 

Lit. Zentrum 

Es begab sich aber zu der Zeit, als ein Gebot vom DFB ausging, dass 

alle Spieler sich erholen mögen; ein jeder bei seinem Verein. Also ward 

ab dem 21. Dezember die Winterpause angesetzt, und die Stadien liegen 

seither wüst und leer. Nur das Stadion an der Speckstraße bietet 

dem gebeutelten Fan noch eine Herberge: Gegen den kalten Entzug 

nach dem Abpfiff hat es ein Vorweihnachts-FIFA-Turnier an der Playstation 

ausgerufen, und den Absturz vom Bundesligarausch in die Pausenabstinenz 

lindert es mit Glühwein. Halleluja! 

BYE BYE 

37 

18.12. 

20 00 

Wer von uns wollte nicht Osnabrück verlassen, um in Kanada eine Paläobiologin 

kennenzulernen, die Przewalskipferde auswildert? Ein tolles Lebensmodell 

für die Zukunft. Na schön, die Literaturkritik hat sich mit Lendles neuem 

Roman „Was wir Liebe nennen“ nicht recht anfreunden können. Aber diese 

Schnarchnasen sind wahrscheinlich nur neidisch, weil Lendle nicht bloß Bücher 

schreibt, sondern ab 2014 auch Verlagsleiter beim renommierten Hanser-Verlag 

wird. Metaphern habe Lendle totgeritten wie Pferde. Gemein. 

Winterpause 

Stadion a. d. Speckstraße 

21.12. 

20 30

Mo 

23.12. 

Di 

24.12. 

Mi 

25.12. 

Do 

26.12. 

Fr 

27.12. 

Sa 

28.12. 

So 

29.12. 

Apex 

Rotkäppchenvariationen 

Theater 20.15 

L. v. Rosenberg Lipinsky 


Blue Note 



t.b.a. 

22.00 

t.b.a. 

22.00 


DJ Zdee 20.00 

Diva Lounge 

Lounge 

15.00 

Lounge 

15.00 


20.00 

Paulaner-Tag 

15.00 



Tatort-Abend 

20.15 

EinsB 

Exil 

Bye, Bye PONY 

Kid Cut & Slick Tec 23.00 

Wild´n Weizen 

23.00 

60er & 70er-Party 

23.00 

I Love 00’s 

23.00 

Klangwelt 

23.00 

Dirty Disco 

23.00 



Erdmöbel 

Deutsches Theater 

30.12. 

19 45 

Freihafen Kultrock 23.00 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Cry Baby X-Mas 

23.00 


20.30 

Spielstunde 

21.30 


10.00 

Before X-Mas 

by Viper M 21.00 

Ho ho ho … 

23.00 

Astra-Tag 

10.00 

Geschlossen 



Spritwoch 

10.00 

Beatgrade 

by Ed Scientific 21.00 

Manic Pool 

10.00 

Santa-Lounge 

21.00 

Shut Up Club 

23.00 

Party International 

23.00 


DJ Albi 21.00 

Geschlossene 

Gesellschaft 


10.00 

Static Frequencies 

by Arkitec 21.00 

Metal Lounge 

23.00 

Pfeffer & Salz 

23.00 

Groove Connection 

Konzert 21.00 


10.00 

It’s like that 

by def 21.00 

Tango-Salon 

20.00 

Fiesta Latina 

22.00 

Tatort-Abend 

20.15 

Alle lieben die Erdmöbel, auf unterschiedliche 

Weise. Die „SZ“ verglich 

„Kung Fu Fighting“, das neunte Studioalbum 

der Gruppe, mit einem stabilen 

Li-La-Gute-Laune-Hochdruckgebiet 

im Oktober; die „Zeit“ attestiert 

der „skurrilen und schrulligen Band“ 

eine „Ausnahmestellung in der Pop- 

Landschaft“. Die „FAZ“ indes vermied 

die Phrasendrescherei weitestgehend 

und schrieb: „Die Kölner Band Erdmöbel 

montiert lyrische Bilderrätsel auf 

Schunkelmelodien und macht daraus 

Lieder, die sehr zu Herzen gehen.“ 

Thanners 





Weizen-Tag 

18.00 




14.00 


14.00 


14.00 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 



Fass-Tag 

18.00 (K) 

Diverse 

Swing-a-Round 


JT-Kantine & JT-Foyer 

31.12. 

23 00 Night of the L 

Treibende Ska- und Reggae-Rhythmen, prägnante Bläsersätze und eine 

Stimmung auf der Bühne, der sich das Publikum nicht entziehen kann 

– von den Tora Bora Allstars sind nach elf Jahren wohl keine musikalischen 

Überraschungen mehr zu erwarten. Dafür kann die Band aber garantieren, 

dass ihre Fans das Konzert am Ende schweißgebadet, mit zuckenden 

Beinen und voller blauer Flecke vom Pogen und Stagediven 

verlassen werden. Im Vorprogramm die Partypunker von Kippers & Curtains 

und die Newcomer von Empty Words. 

BYE BYE 

39 

Zur Legende wird man manchmal über Nacht. In der „Night of the Legends“ 

indessen dürfen längst legendäre Legenden locker lässig legendär feiern. 

Leichtgewichtslegenden können diese Nacht nutzen, um richtig legendär zu 

werden. Ever lasting legend. Einlass erst ab 25 Jahren, Legenden brauchen 

offenbar Lebenserfahrung oder Reife, oder was auch immer man mit 25 

plötzlich bekommt und vorher nicht hatte. Legendäre Klänge aus den 80ern 

und fluffiger Elektro machen diese Silvesternacht – möglicherweise legendär. 

25.1. 

19 30 

Tora Bora Allstars 

Musa

Mo 

30.12. 

Di 

31.12. 

Mi 

1.1. 

THE LAST OF THE 

Apex 

Der Grill ist Schwein 

Theater 18.00 

Der Grill ist Schwein 

Theater 21.00 

Herausgeber 

pony.medien, Tim Kießling 

Hospitalstraße 35 / 37073 Göttingen 

Blue Note 



Kontakt 

Tel.: +49 (0) 176 - 21 05 18 79 

info@readmypony.com 

Diva Lounge 

Lounge 

15.00 

Lounge 

15.00 

Geschäftsführung 

Tim Kießling 

EinsB 

Kill your Idols 

Silvester-Special 23.00 

Chefredaktion 

Michael Saager (V.i.S.d.P.) 

saager@readmypony.com 

Exil 

Exil Silvesternacht 

21.00 

Redaktion 

Kerstin Cornils, Jan Langehein, 

Henning Lisson, Tina Lüers 

Freihafen 

Kill your Idols 

Silvester-Special 23.00 

Gestaltung 

Ronald Weller 

JT-Keller 

Musa 

Nörgelbuff 


20.30 

Spielstunde 

21.30 

Silvester-Party 

23.00 


Silvester 

21.00 



Mitarbeit 

Florian Brauer, Christoph Braun, Andreas 

Busche, Carola Ebeling, Tina Fibiger, Carsten 

Happe, Ella Jaspers, Ulrich Kriest, Frauke Pahlke, 

Thomas Schaefer, Manuel Schaper, Andreas 

Schröder, Markus von Schwerin 

Fotos / Illustration 

Clemens Eulig, 

Fehmi Baumbach, 

Heimathafen 

im Pools 

6 Millionen 

Dollar Club 

Thanners 


10.00 



Astra-Tag 

10.00 

Happy New Year 

21.00 



Spritwoch 

10.00 

Geschlossen 

Weizen-Tag 

18.00 

Cover 

© Stanislav Pobytov 

Anzeigen 

Michaela Bang, 

Frank Stietenroth 

Druck 

Grafische Werkstatt 

von 1980 GmbH 

T-Keller (T) 

Kabale (K) 

Diverse 

Pasta-Tag 

16.00 (K) 

Erdmöbel 

19.45 DEUTSCHES THEATER 



Night of the Legends 


So Long, and Thanks for All the Fish 

Die Meinungen in den veröffentlichten Texten geben nicht 

unbedingt die Meinung des Herausgebers wieder.

B Y E B Y E 

PONYHOF 

Liebe Leserinnen und Leser, 

aus der runden Zahl 90 wird nichts. Alles endet mit der 

89. Das ist ästhetisch ein kleines bisschen ärgerlich, 

aber da es hier nicht um Ästhetik geht, ist es im Grunde 

egal. 89 Male hat es das Göttinger Kulturmagazin 

Pony nun seit 2005 gegeben. Ab jetzt nicht mehr. Der 

Grund dafür ist so trivial wie (be)zwingend: Ein anzeigenfinanziertes 

Magazin ist auf Anzeigen angewiesen. 

Schrumpft das Anzeigenvolumen so sehr, dass die Produktionskosten 

nicht mehr eingefahren werden können, 

war‘s das. Jedenfalls sofern man keinen Wert darauf 

legt, Schulden anzuhäufen, die mit an Sicherheit 

grenzender Wahrscheinlichkeit nicht mehr abgebaut 

werden können. Bei uns wäre das wohl so gewesen. 

Bei vielen anderen Zeitungen und Zeitschriften war‘s 

bereits ähnlich. Deshalb existieren sie nicht mehr. Betrifft 

es andere, guckt man bloß etwas komisch, betrifft 

es einen selbst, schluckt man heftig, mindestens. 

Weil wir all die Jahre tatsächlich sehr viel Freude daran 

hatten, ein jeweils neues Pony auf die Beine zu stellen, 

können Sie sich vielleicht ungefähr vorstellen, wie es 

ist, seinen eigenen „Nachruf“ zu schreiben. Fertig mit 

etwas zu werden, mit dem man keinesfalls fertig sein 

möchte – darum ging es zuletzt, darum geht es gerade. 

Liebe Leserinnen und Leser, es war schön mit Ihnen. 

Nun müssen wir gehen. 

Leben Sie wohl 

Ihre Pony-Redaktion

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