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Die Platte
am Anfang
Juana Molina
Wed 21 Crammed Discs/Indigo
Ulrich Kriest
Fast schon wieder vergessen, wie
gut uns damals, 2006, als New
Weird America noch der heiße
Scheiß war, „Son“ der Argentinierin
Juana Molina reinlief. Klasse,
dieser ambitionierte One-Woman-
Folktronica-Entwurf zwischen Björk, Suzanne Vega
(remember „99, F Degrees“?) und Animal Collective,
der immer irgendwie ein Geheimtipp blieb, obwohl
die Kritik sich schon damals überschlug. Im Jahr
2008 folgte noch der rhythmisch ambitionierte Wurf
„Una Dia“, dann war Pause.
Nun meldet sich die Sängerin und Produzentin mit
ihrem offenbar im Alleingang eingespielten sechsten
Album „Wed 21“ zurück. Der Mix von traditionellen
Instrumenten und elektronischen Devices ist jetzt
etwas ausgewogener, die sanfte Stimme Molinas,
die sich tänzelnd – mal schneller, mal gravitätischer –
durch die kunstvoll gedrechselten und geschichteten
Klangskulpturen bewegt, ist noch immer suggestiv
und fesselnd. Eine ordentliche Prise „Tropicalia“ ist
nicht zu überhören, aber auch die TV-Vergangenheit
Molinas als Comedian klingt durchaus an. Soy buena
actriz, nicht wahr?
Der Auftakt mit „Eras“ hat beinahe schon hypnotische
Qualitäten: ein flotter Gitarren-Groove
schiebt sich über Bass-Loops, während der Hintergrund
von einer ganzen Palette elektronischer Geräusche
wie ein Bienenkorb summt. Dazu singt Molina
mit ihrer unverwechselbaren Stimme: „Eras todo,
nada ma hará feliz / Verás, nuncas sabrás, soy buena
actriz.“ Mit dem Spanischen ist es so ähnlich wie mit
dem animistischen Cover-Surrealismus, dem Molina
im Cover-Artwork frönt: Dieses Album nimmt gefangen
und bleibt gleichzeitig unfassbar. Ich glaube
fast, es möchte „geliked“ werden, aber nicht zu viele
Freunde auf Facebook haben. Wir sollten der Künstlerin
einen Strich durch die Rechnung machen. Also,
Companeros: „Wed 21“ – großes Album! Bitte nicht
schon wieder verpassen!
John Talabot
DJ-Kicks k7!/Alive
Christoph Braun
Bisher war er der Typ für die Sandgefühle.
John Talabot hat schon mit
frühen Produktionen wie „Sunshine“
durch smarte Wendungen für eigensinnige
tribalistische House Music
gesorgt. Es klackerte, bongte und
schlürfte in diesen Tracks. Nur ein Debütalbum später –
„Fin“ lautet der Titel Anfang 2012 –, und schon wird der
Typ aus Barcelona geadelt. Mit einem Auftrag für den
Bentley unter den DJ-Compilations: für die DJ-Kicks-Reihe
des Berliner Labels !k7, traditionsreich, gespickt mit
berühmten Momenten wie den Mixen von Carl Craig,
Kruder & Dorfmeister oder Maya Jane Coles.
Talabot eröffnet mit einer Überraschung: „Journey
to the Center of the Sun“. Der Track des Detroiter Produzenten
Isaac Delongchamp alias North Lake entfaltet
eine majestätische Schwere. Diese beinahe geologische
Qualität wird die DJ-Kicks von John Talabot bis zum
Ende nicht mehr verlassen. Der Andy-Stott-Remix des
Maps-Songs „I Heard Them Say“ mäandert durch Karstgestein,
und immer wieder erzeugen Echo-Effekte das
Gefühl, ganz allein durch ein kahles Gebirge zu laufen.
Das Pathos, das derlei Aktionen innewohnt, ist auch Stücken
wie „Anagrama“ von Temple Rytmik oder „Shower
Scene“ von Axel Burat nicht fremd. Talabot gibt es in
den Mix und treibt so ein kühnes Spiel mit Stimmungsschwankungen
und Richtungsänderungen. Die Atmosphäre
geht niemals verloren. Und sie verschwindet,
wenn die Musik verstummt ist, nur ganz allmählich, wie
am Meeresufer ein Gesicht im Sand.
Devon Sproule & Mike O‘Neill
Colours Tin Angel Records/Indigo
Die Höchste Eisenbahn
Schau in den Lauf Hase Tapete Records/Indigo
Markus von Schwerin
Erlebt das Duo eine Renaissance?
Es scheint so: Adam Greens Karriere
kommt dank Binki Shapiro wieder
in Gang und M. Ward erhielt als Hälfte
von She & Him die lang erhoffte Aufmerksamkeit.
Die wäre auch den Kanadiern
Devon Sproule und Mike O‘Neill zu wünschen, zumal
ihr erstes Gemeinschaftswerk ganz ohne Nancy &
Lee-Getue auskommt. Stattdessen werfen die beiden
einfach das in die Waagschale, wofür sie bei Liebhabern
narrativen Folkpops mit unorthodoxer Instrumentierung
(Holzbläser, Arp-Soli) schon seit längerem geschätzt
werden: diesen entspannten Gesangsvortrag, der naïve
Everly-Brothers-Harmonie ebenso evoziert wie die
gebrochene Glückseligkeit eines Alex Chilton. Die Zusammenarbeit
via Webcam begann während Sproules
fünfmonatigem Berlin-Aufenthalt, der für die heute in
Austin, Texas Lebende zwar ernüchternd, ihrer Kreativität
aber offenkundig zuträglich war.
Als Sänger von Tele sang Francesco Wilking schon
vor sieben Jahren „Bye Bye Berlin“. Die Härten der hippen
Hauptstadt vermochten den Ex-Freiburger jedoch
nicht zu vertreiben. Vielmehr konnte er sich in offeneren
Konzertformen (wie der „TV-Noir“-Reihe) als Entertainer
und geschätzter Teamplayer erweisen. So entstand
mit dem Songwriter-Kollegen Moritz Krämer Die
Höchste Eisenbahn, wo bald auch eine Rhythm Section
mit ins Abteil steigen sollte. Die 2011er Debüt-EP „Unzufrieden“
hatte was von einer Berliner Antwort auf die
„Monsters of Folk“. Doch wer in Krämer & Wilking schon
die deutschen Crosby & Nash sah, dürfte nun vom Longplayer
überrascht sein. Statt perlender Westerngitarren
erklingen funky Synthiesalven, statt gedämpftem Drumset
in der Scheune gibt‘s hallende Bassdrums à la Prefab
Sprout: 80er-Jahre-Sounds, für die Tele immer zu haben
war und die mit Krämers Niels-Frevert-Timbre nicht
weniger Wucht entwickeln. „Allen gefallen“, um hier den
potentiellen Radiohit zu zitieren, wird das wohl nicht.
Aber wem sich der Facettenreichtum der dreizehn Stücke
erst erschlossen hat, wird lange davon zehren.
Raz Ohara
Moksha Morr Music/Indigo
Ulrich Kriest
Hui, hat damit noch jemand außerhalb
Berlins gerechnet? Der gebürtige Däne
Raz Ohara, bürgerlich Patrick Rasmussen,
gehört ja als Urgestein der Berliner
Szene seit Anfang der 90er Jahre
irgendwie immer ins Bild, wenngleich
in der dritten Reihe, halb verdeckt.
Damals bei Kitty-Yo sollte der Mann mit dem Soul in
der Stimme erst als Prince-, dann als Beck-Hybrid verkleidet
werden. Nebenher war er, an der Seite von Alexander
Kowalski und Apparat, die Stimme des Techno.
Später entdeckte er die Möglichkeiten der jazzinformierten
Electronica und morphte sich in Begleitung des Theatermusikers
Oliver Doerell (Swod) zum Odd Orchestra
und wurde von der Kritik (und von mir) gehätschelt und
verehrt. Seit 2009 war dann allerdings, zumindest was
das Albumformat angeht, Sendepause.
Jetzt, auf „Moksha“, hat er alles Verspielte und Fluffige
eliminiert – und benötigt als Sänger nur noch die Essenz
fragiler elektronischer Atmosphären, um sich durch
sie hindurch zu lavieren. Klingt manchmal nach Antony
Hegarthy und bei „Two Young Mates“ lustigerweise
nach Hawkwind in der „Quark, Strangeness & Charm“-
Phase. Womit auch „Moksha“ sehr schön charakterisiert
wäre. Wir verfolgen die Häutungen mit großer Sympathie,
wenngleich aus der Ferne.
BYE BYE
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