GoodTimes - Music from the 60s to the 80s 40 Jahre Musikladen (Vorschau)

Grönemeyer • Chris Jagger • Berluc • Big Jim Sullivan • Anyone's Daughter • Van Morrison • Alvin Lee • Family 

D: € 6,50 • Schweiz CHF 12,00 • A • L • NL • I • B: € 7,00 • Nr. 6/2012 • Dezember/Januar • www.goodtimes-magazin.de 

Bill Wyman 

Vergessene Jobs 

ohne Mick & Co. 

40 JAHRE 

Jeff Lynne 

Magie der 

Vergangenheit 

Joe Cocker 

Versprechen: 

Blues mit 80 

Kinks 

Filmhelden: Der 

Hollywood-Traum 

Jimi Hendrix 

Status Quo 

PUHDYS 

Steve Hackett • Don Felder • War Of The Worlds • Duffy Power • Edgar Broughton Band • Donny & Marie Osmond

INHALT 

Ausgabe 121 · Dezember 2012/Januar 2013 

12 Jimi Hendrix 

Denkmal für ein Genie 

16 Herbert Grönemeyer 

Ich bin ein gnadenloser Optimist!" 

" 

18 Status Quo 

DVD, Soundtrack, Solo-Album 

22 Kinks 

Celluloid Heroes – der Traum von Hollywood 

24 Jeff Lynne/Electric Light Orchestra 

Rückschritt & Fortschritt 

25 Big Jim Sullivan 

Die letzte Session 

26 40 Jahre Musikladen" 

Startschuss " 

1972 – GoGos, Glam und gute Laune 

30 Bill Wyman 

Auswärtsspiele 

32 Joe Cocker 

Blues mit 80 – versprochen! 

34 Berluc 

Reise zu den Sternen – mit Macht durch die Decke 

82 GoodTimes-Tipp 

Band Of Horses – Ryan McGarvey 

84 GoodTimes-Festival: Beat Beat Beat 

Christie – Racey – Manfreds – Searchers 

85 Family 

Zwei Konzerte – oder mehr? 

86 Anyone's Daughter 

Schwaben-Romantik 

87 Van Morrison 

Beruf(ung): Sänger – kein "Plan B" 

88 Geburtstage 

Freddie Starr – Dave Clark – Scott Walker 

90 Chris Jagger 

Kleiner Bruder, großer Könner 

94 Live 

Van Morrison – Donny & Marie Osmond 

Bill Wyman – Peter Hammill 

98 40 Jahre Nuggets 

Goldstücke für die Ewigkeit 

102 Edgar Broughton (Band) 

Der Chef rockt weiter 

104 Wie Elektonik die Musik veränderte 

Teil 2: Techno und Gegenwart 

106 Steve Hackett 

Genesis und kein Ende 

109 GoodTimes-Newcomer 

Wooden Sky – The Fling 

110 SPV 

Labelporträt 

112 Don Felder 

Doppelhals & Solo-Album 

114 Jeff Wayne – War Of The Worlds 

Krieg der Welten – die nächste Version 

116 Duffy Power 

Comeback auf der Nylon-Gitarre 

117 Queen Esther Marrow 

& The Harlem Gospel Singers 

118 Puhdys 

Abschied von einer Legende? 

120 Es war einmal ... 

Ein Blick zurück auf Denkwürdiges 

125 Alvin Lee 

Kreuzverhör 

126 Tomorrow (Keith West) 

Band-Archiv 

128 Major Minor Records 

Spurensuche 

130 ... zuguterletzt 

Beth Hart – KuK – Black Country Communion 

Jimi Hendrix, S. 12 

Bill Wyman, S. 30 

Status Quo, S.18 

Joe Cocker, S. 32 

RUBRIKEN 

4 Aktuell – Neues aus der Szene 

36 CD/Vinyl-Vorstellungen 

72 DVD/Blu-ray-Vorstellungen 

76 Buch-Vorstellungen 

78 GoodTimes-Shop 

80 Kleinanzeigen 

Editorial 

Kinks, S. 22 

Puhdys, S. 118 

81 Abo-Bestellschein 

92 Kolumne: Christian Simon 

96 Kolumne: Tatzes Streifzüge 

108 Charts 

122 Konzertkalender 

126 History 

130 Impressum 

Weihnachten rückt näher. Wie in jedem Jahr reagiert auch 

die Musikbranche auf das anstehende Fest: Die ersten Platten 

für besinnliche Stunden stehen in den Verkaufsregalen und/ 

oder sind online herunterladbar. Zudem deutet die geradezu 

explodierende Zahl hochwertiger neuer CDs, DVDs und Vinylscheiben 

auf den Verkaufshöhepunkt der Branche hin: Aktuelles 

von Joe Cocker, Aerosmith, Kiss, Kris Kristofferson, Steve 

Hackett oder Jeff Waynes Neubearbeitung seines „Krieg der 

Welten" sind im Angebot. Dazu gibt es hochwertige (Wieder-)Veröffentlichungen 

der „ganz Großen" der Musikhistorie – von den Beatles/Paul 

McCartney und Rolling Stones über Led Zeppelin bis hin zu Jerry Garcia; all diese 

Produkte zielen auf die im Advent erhöhte Kaufbereitschaft und auf weiter als üblich 

geöffnete Geldbeutel. 

Im Grunde also nichts Neues unter dem Musikhimmel. Und doch ist es auch für viele 

GoodTimes-Leser – als Konsumenten anspruchsvoller Rock- und Popklänge – eine paradiesische 

Hör-Zeit. Wir haben uns bemüht, in der einmal mehr kaum noch überschaubaren 

Neuheitenflut möglichst viel Interessantes für Sie, liebe Leserinnen und 

Leser, herauszufiltern. Außerdem waren unsere Mitarbeiter unterwegs, um mit wichtigen 

Künstlern zu sprechen und hinter die Kulissen zu blicken. Die vielleicht schönste 

Vorfreude beschert vielen Interessenten Roger Chapman: Seine Kultband Family 

kommt im Februar 2013 nach 40 Jahren wieder für zwei Reunion-Shows in London 

zusammen! Und: „Chappo" hat zumindest nicht kategorisch ausgeschlossen, dass er – 

bei entsprechendem Erfolg – mit seiner legendären Crew auch in Deutschland live zu 

erleben sein wird. 

Lassen Sie uns gemeinsam dafür die Daumen drücken! Bis es hoffentlich so weit ist, 

wünsche ich Ihnen und Ihren Familien schon jetzt ein erholsames Weihnachtsfest und 

ein erfolgreiches, vor allem gesundes neues Jahr – eines, in dem Sie uns auch weiter 

treu bleiben. 

Fabian Leibfried 

-Herausgeber/Chefredakteurjetzt 

No.7erhältlich! 

GoodTimes 6/2012 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 3

Aktuell 

News 

Aktuell 

News 

Prominente Gäste beim Gedenkkonzert 

im Londoner Shepherd's Bush Empire zu 

Ehren von Marc Bolan, dessen Todestag 

sich am 16. September zum 35. Mal 

jährte, waren neben der Tribute-Band T. 

Rextasy Steve Harley, Tony Visconti, Bill 

Legend, Boy George, Linda Lewis, Lindsey 

de Paul, Alvin Stardust. Bolan-Fans waren 

aus Deutschland, Schweden, Italien, 

Japan, Norwegen und den USA angereist. 

Die Gedenkfeier zum 35. Todestag fand 

in der Kapelle statt, in der 1977 auch 

die Trauerfeier abgehalten worden war. 

Rabbiner Henry Goldstein, der am 20. 

September 1977 die Trauerrede gehalten 

hatte, sprach ebenso wie Vertreter von 

Fanclubs sowie Frank Pitta, ein Freund 

Bolans aus Jugendtagen. Bei zahlreichen 

weiteren Veranstaltungen wurde des zu 

früh bei einem Autounfall ums Leben 

gekommenen Glam-Rock-Idols gedacht. 

„Es waren aufregende Tage und wirklich 

gelungene Events in London", konstatierte 

ein deutscher Teilnehmer gegenüber 

GoodTimes+++ 

Anfang Oktober sind die Kandidaten 

für die nächste Aufnahmerunde in die 

Rock'n'Roll Hall Of Fame bekanntgegeben 

worden. Hoffnungen auf eine Kür als 

2013er Neuzugänge können sich machen: 

die Marvelettes, Donna Summer (posthum, 

um vierten Mal nominiert!), Heart, Procol 

Harum, Deep Purple, Chic, The Meters, 

Albert King (ebenfalls posthum), die Paul 

Butterfield Blues Band, Kraftwerk, Randy 

Newman, Rush, Joan Jett, Public Enemy 

und NWA. Wer am 18. April bei der Aufnahmezeremonie 

dabei sein darf, wird Mitte 

Dezember verkündet+++ 

Bereits zum dritten Mal treffen sich am 30. 

November und 1. Dezember Fans aus ganz 

Europa zum „Rory Gallagher Weekend" 

in der Fürther Kofferfabrik, um sich 

über ihr Idol auszutauschen und renommierten 

Cover-Bands auf den Zahn zu 

fühlen bzw. sich von ihnen unterhalten zu 

lassen: Mit dabei sind Remember Rory, The 

Loop, Bearded Babies, die zu den Top-Acts 

der internationalen Gallagher-Szene gehören 

sowie die fränkischen Lokalmatadoren 

The Factory Y Blues Xtended. An beiden 

Abenden ist auch Barry Barnes, Gitarrist 

und Sänger der englischen Band Sinnerboy, 

mit einem Akustikset dabei. Ebenfalls 

wieder zu sehen: eine große Rory-Ausstellung 

mit vielen Exponaten, präsentiert von 

rorysfriends.de+++ 

„Live@Rockpalast" ist eine neue Reihe von 

insgesamt 15 DVD-Veröffentlichungen betitelt, 

die Sony Music in Kooperation mit 

dem „KulturSpiegel" an den Start bringt. 

Die auch als Box konzipierte Serie dokumentiert 

die Auftritte von deutschen Acts 

in der längst legendären TV-Musikshow 

des WDR, deren stilistische Bandbreite 

über die Jahre stetig 

größer geworden ist: 

Zum Rock gesellten 

sich alle möglichen 

aktuellen Genres, ob 

Indie, Metal, HipHop 

oder Pop. Die neue 

DVD-Serie bietet 

bislang unveröffentlichte 

Konzerte 

von Achim Reichel, 

Nina Hagen, Spliff, 

Ideal, Spider Murphy 

Gang, Ulla 

Meinecke, Fury In 

The Slaughterhouse, 

Silbermond, Söhne 

Mannheims, Dick 

Brave, Guano Apes, 

H-Blockx, Tocotronic, 

Selig und Wir 

sind Helden. Die DVDs werden in einer 

Deluxe-Verpackung inklusive Booklet mit 

einer ausführlichen Beschreibung zum jeweiligen 

Konzert angeboten. Für Sammler 

gibt es eine limitierte Box mit allen 15 

DVDs+++ 

Die Aufnahmen für das erste Snakecharmer-Album 

machen Fortschritte, und 

inzwischen hat die Band mit Frontiers 

Records auch ein renommiertes Label gefunden. 

Gegründet haben die Gruppe die 

Rock + Pop 

Memorabilia 

Wall Of Fame • P.O. Box 1950 • 48580 Gronau 

Tel.: 0171/7412584 • eMail: info@wall-of-fame.de 

Internet: www.wall-of-fame.de 

Goldene Schallplatten, Signaturen etc. von Abba 

bis Zappa. Das weltweit größte Angebot an Raritä ten 

aus dem Bereich Rock+Pop Memorabilia. 

Anfragen bitte telefonisch. 

früheren Whitesnake-Mitglieder Micky 

Moody (g) und Neil Murray (b) gemeinsam 

mit Laurie Wisefield (g, Wishbone Ash, 

Tina Turner), Harry James (dr, Thunder, 

Magnum), Adam Wakeman (keys, Ozzy Osbourne) 

und Chris Ousey (voc, Heartland). 

Ein Veröffentlichungstermin steht noch 

nicht fest+++ 

Brian Wilson, in den letzten Monaten 

schwer gefordertes Mastermind der Beach 

Boys, musste sich Mitte September einer 

Rückenoperation unterziehen. „Bevor die 

Jubiläumstour der Beach Boys startete, 

hatte ich schon Probleme im Kreuz, aber 

ich wollte die Tour um keinen Preis verpassen", 

verkündete Wilson und ergänzte: 

„Die Probleme sind wohl erblich bedingt, 

weil auch schon mein Bruder Carl daran 

litt"+++ 

Auch mit nur einem Bein (nach der Diabetes-bedingten 

Amputation seines rechten 

Gehwerkzeugs) lässt sich Mountain-Boss 

Leslie West in seinem Schaffensdrang 

nicht bremsen. Derzeit arbeitet er in den InterMediapost 

Studios in Paramus, New Jersey, 

an einem neuen Solo-Album. Dafür hat 

er sich seinen Kollegen Jonny Lang geholt, 

um eine Neufassung von Percy Sledges 

"When A Man Loves A Woman" einzuspielen. 

„Was für ein großartiger Gitarrist und 

was für ein noch beachtlicherer Sänger", 

schwärmte West hinterher. Das Album soll 

„irgendwann 2013" erscheinen+++ 

Wenn die Originale schon nicht mehr 

selbst live unterwegs sind, muss man sich 

als Liebhaber eben mit Cover-Acts behelfen. 

Diese Devise beherzigen offensichtlich 

viele Musikfans, was ausverkaufte 

Hallen nicht nur im Falle von diversen 

Abba- oder Pink-Floyd-„Ersatzbands" 

beweisen. Ähnliches versuchen jetzt 

Creedence Again und Massachusetts. 

Erstgenannte Formation gilt in 

Expertenkreisen als authentischste CCR- 

Cover-Band. „Creedence Again sind eine 

gnadenlose gute Gruppe", attestierte 

Pop-Superstar Pink der US-Combo 

um Sänger Cameron John. Die kommt 

jetzt erstmals nach Europa, und allein 

in Deutschland sind bis April knapp 50 

Shows unter dem Motto „Hey Tonight 

Live 2013" gebucht. Als „Das Bee Gees 

Musical" angekündigt sind die Konzerte 

der italienischen Band Massachusetts: 

Die besteht im Wesentlichen aus den drei 

Egiziano-Brüdern, die die Geschichte der 

legendären Brüdergruppe mit allen Hits 

erzählen und laut Veranstalter in engem 

Kontakt mit der Familie Gibb stehen. Sie 

sind „In Memoriam To Robin & Mau rice 

Gibb" ab dem 16.1. ebenfalls bis April 

unterwegs+++ 

Fotos: © Jeff Kleeman 

Creedence Again 

THE POWER OF MIND heißt die neue 

Scheibe, die John Lawton demnächst 

veröffentlichen wird. Der frühere Sänger 

von Uriah Heep und Lucifer's Friend (einst 

auch Mitglied der Les Humphries Singers) 

hat für das Konzeptalbum mit der bulgarischen 

Band Diana 

Express zusammengearbeitet 

und 14 Songs 

aufgenommen. 

„Es geht um positives 

Denken – 

das ist das Thema der Songs", sagt Lawton 

über sein Werk. „Die Melodien und Texte 

sagen viel darüber, wie wir uns gegenseitig 

in der heutige Welt wahrnehmen und 

miteinander umgehen sollten." THE PO- 

WER OF MIND ist erst Lawtons zweites 

Solowerk nach dem 2000er Album STILL 

PAYING MY DUES TO THE BLUES. Seine 

letzten Platten hatte der Engländer mit 

Bands wie Zar oder Gun Hill eingesungen+++ 

Foto: © R. Fengler 

Herzattacke, aber kein Infarkt – diese Diagnose 

erhielt Ventures-Gitarrist Nokie 

Edwards Mitte September in einem Krankenhaus 

in Japan, wo er sich während einer 

vierwöchigen Tournee seiner Band aufhielt. 

Inzwischen wurde der 77-Jährige operiert 

und soll sich auf dem Wege der Genesung 

befinden. Er hatte 2009 einen Herzinfarkt 

erlitten+++ 

Vor einigen Monaten hatten sich Scott 

Gorham und die aktuelle Thin-Lizzy- 

Besetzung zurückgezogen, um an neuen 

Songs für das erste Album nach dem Tod 

von Bandleader Phil Lynott 1986 zu arbeiten. 

Doch dann hat die Gruppe es sich 

noch einmal überlegt und beschlossen, die 

Scheibe nicht unter dem alten Namen herauszubringen. 

„Aus Respekt vor Phil Lynott 

und seinem Erbe”, begründete Gorham die 

Entscheidung. „Wir haben 20 Songs geschrieben 

und sind sicher, dass Phil stolz 

auf sie wäre. Wir werden das neue Material 

bald veröffentlichen – allerdings werden 

wir erst im neuen Jahr bekanntgeben, unter 

welchem Namen das passieren wird." Sänger 

Ricky Warwick ergänzte, dass die Band 

nur noch bis Ende 2012 unter dem Namen 

Thin Lizzy unterwegs sein wird: „Nach der 

Europa-Tour ist damit Schluss!"+++ 

Der Platten-Output der schottischen Formation 

The Blue Nile ist extrem dünn. 

Die als Trio gestartete und auf Quartettgröße 

angewachsene Band brachte es seit 

Beginn der 80er Jahre auf nur vier Alben, 

dessen „jüngstes", HIGH, 2004 erschien. 

Ansonsten gibt es lediglich einige verstreute 

Tracks und ein paar Kollaborationen, vor 

allem von Sänger Paul Buchanan (mit Peter 

Gabriel, Annie Lennox und Robbie Robert- 

Seite 4 ■ GoodTimes 6/2012 ■ Music from the 60s to the 80s

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son von The Band). A WALK ACROSS THE 

ROOFTOPS (1984) und HATS (1989), die 

einst bei Virgin Records erschienen, werden 

jetzt als limitierte Special Double-CD-Editions 

neu aufgelegt. Beide Alben wurden 

von Buchanan, Blue-Nile-Bassist Robert 

Bell und dem originalen Soundmann Calum 

Malcolm remastert und enthalten jeweils 

eine Bonus-CD mit teils extrem seltenen 

Tracks+++ 

Einige interessante Veröffentlichungen 

verspricht der Reissue-Spezialist Sireena 

Records für die nächsten Wochen und 

Monate: Das Elektronikprojekt Mythos 

hat mit SURROUND SOUND EVOLUTION 

ein neues Album im Kasten. Die 1979er LP 

GEWALT IST SCHITT der Deutsch-Rockveteranen 

Franz K kommt erstmals auf CD. 

Dazu steht mit THE SPIRIT OF SIREENA 

VOL 7 der alljährliche Labelsampler mit 

2012er-Veröffentlichungen ins Haus. Erster 

Höhepunkt 2013 ist dann MAGNIFICA- 

TION von Yes auf Vinyl, dem sich weitere 

Vinyl-VÖs wie STAMPEDE von Krokus 

und RECYCLED von Nektar anschließen. 

Im Laufe des nächsten Jahres sollen dann 

drei weitere Re-Releases der schwedischen 

Prog-Rocker Tribute folgen. Desgleichen 

in der Pipeline sind „Rockpalast"-DVDs 

von Der Moderne Mann, Bullfrog und 

der Pee Wee Bluesgang. Und dann wäre 

da noch LIVEKRAUT, die Fortsetzung 

von JAZZKRAUT mit Livetiteln von Grobschnitt, 

Jane, Anyone's Daughter, Mythos, 

Karthago únd anderen+++ 

Auch im Jahr 2013 bricht der „Blues 

Caravan" mit Akteuren des Blues- 

Labels Ruf Records auf, um zunächst in 

Deutschland, dann auch in Rest-Europa 

und in den USA zu touren. Er steht 

dabei unter dem Motto „Tomorrow's 

Guitar Heroes" und präsentiert mit Jimmy 

Bowskill einen Künstler, der bereits 

mehrfach hier zu Lande live unterwegs 

war und sein Können demonstriert hat. 

Gleiches gilt für Joanne Shaw Taylor, die 

bereits 2009 „Blues Caravan"-Erfahrung 

sammelte. Ein echter Newcomer hingegen 

ist Bart Walker aus Nashville, der sich 

und sein Debütalbum WHO I AM ab dem 

23. Januar live vorstellt+++ 

© Pressefoto 

Für die alljährliche Royal Variety Show von 

Königin Elizabeth II., eine Benefizveranstaltung, 

am 19. November in der Londoner 

Royal Albert Hall waren Auftritte von 

Rod Stewart, Neil Diamond, Alicia Keys und 

Kylie Minogue angekündigt+++ 

So traurig der Anlass – der Tod von Jon 

Lord vor wenigen Monaten – auch ist, er 

beschert den Fans des Hammondzauberers 

einige (Wieder-)Veröffentlichungen des 

einstigen Deep-Purple-Keyboarders: EMI 

bringt sein Solowerk BEFORE I FORGET 

von 1982 remastert heraus, inklusive der 

Beiträge die die Gitarristen Bernie Marsden 

(Whitesnake) und Mick Ralphs (Bad Company) 

und die Drummer Simon Phillips und 

Ian Paice damals geleistet hatten+++ 

Derzeit räumt Peter Maffay wieder einmal 

live mit „Tabaluga" ab, doch der 

62-Jährige macht sich durchaus Gedanken 

über das Älterwerden. „Meine Zeit läuft 

langsam ab. Ein Tod mit 63 ist nicht so 

außergewöhnlich. Ich wäre kein Realist, 

wenn ich nicht schon mal darüber nachgedacht 

hätte", meinte er jüngst in einem 

Interview. Dennoch blickt er optimistisch 

nach vorn: „An Rente ist bei mir nicht zu 

denken. Mein Plattenvertrag läuft bis 2022. 

Bis dahin möchte ich noch einiges ausprobieren"+++ 

Die Hollies haben ein Live-Album aufgenommen. 

„Nun hoffen wir, dass Tonys 

Sohn Paul Hicks bald Zeit findet, die Aufnahmen 

in Abbey Road abzumischen und 

zu mastern", sagte Drummer Bobby Elliott 

GoodTimes. Hicks jr., der gerade mit Dhani 

Harrison in Los Angeles aufnimmt, war mit 

einem Grammy für seine Beatles-Veredelungen 

ausgezeichnet worden. El liott über 

die weiteren Pläne der Altmeister: „Ende 

Januar geht es nach Neuseeland und Australien, 

danach beginnt im März unsere 

große UK-Tournee"+++ 

Beatles-Manager Brian Epstein wird 

in seiner Heimatstadt Liverpool mit einer 

Statue geehrt – wenn Fab-Four-Fans die 

dafür notwendigen 96.274 Dollar aufbringen. 

Ein entsprechender Beschluss des Liverpooler 

Stadtrats wurde am 2. November 

bekanntgegeben. Die Statue soll vor dem 

Haus aufgestellt werden, in dem einst Epsteins 

Vater und Großeltern lebten+++ 

Georgie Fame plant nach seiner neuen 

CD mit den kroatischen Jazzgrößen Primaz 

Grasic (g) und Mario Mavrin (b), LOST IN A 

LOVER'S DREAM, zwei weitere Alben: „Wir 

haben ein sehr schön klingendes Live teil 

mit meinen Söhnen Tristan (g) und James 

(dr) aufgenommen, und hier liegen zehn 


Aktuell News Aktuell 

brandneue Kompositionen von mir, die ich 

mit den Blue Flames einspielen werde, sobald 

ich Zeit habe." Doch erst stehen nach 

der Rückkehr von einer Tournee mit Bill 

Wyman's Rhythm Kings im November weitere 

Konzerte als Georgie Fame & Sons ins 

Haus+++ 

Ernie Isley (Isley Brothers), Rick Derringer, 

David Johansen, Merle Haggard, Ronnie 

Hawkins und Joe Bonamassa standen 

am 27. Oktober bei einem „All-Star 

Rock'n'Roll Hall Of Fame Tribute Concert” 

für die Rock'n'Roll-Legende Chuck 

Berry in Cleveland, Ohio, auf der Bühne. 

Anlass war die Eröffnung einer Ausstellung 

zu Ehren des 87-Jährigen, der immer 

noch jeden Monat eine Show in seiner 

Heimatstadt St. Louis spielt. Zu sehen sind 

unter anderem Bühnenklamotten, eine Gitarre 

und der Vertrag, den Berry 1958 bei 

Chess Records unterschrieben hat. Seinen 

musikalischen Enkeln gab der Altmeister 

folgende Ratschläge mit auf den Weg: 

„Erstens: Keep rocking! Zweitens: Seid 

nett zu euren Fans!" Ansonsten beklagte 

Berry sich über gesundheitliche Probleme: 

„Meine Stimme ist weg, meine Lungen 

pfeifen – die Zeiten des Singens sind für 

mich vorbei"+++ 

In Beverly Hills ist bei einer Auktion von 

Memorabilia aus dem Besitz von Ron 

Wood der Hammer bei 60.800 Dollar gefallen 

– für eine 1955er Fender-Gitarre, 

die Woods live mit den Faces gespielt 

hatte. Eine Lithografie, die Wood von Eric 

Clapton angefertigt hatte und von beiden 

handsigniert wurde, brachte immerhin 

5120 Dollar. Ein Teil des Auktionserlöses 

soll guten Zwecken zufließen+++ 

Perfekt nicht nur für Nostalgiker: Bereits 

seit dem 2. November wiederholt das 

ZDF auf seinem Subkanal ZDF.Kultur die 

„Rockpop"-Sendungen werktags jeweils 

um 18.45 Uhr. Die wurden bekanntlich in 

den 80er Jahren von GoodTimes-Mitarbeiter 

Christian Simon moderiert – verpasste 

Sendungen sollten noch in der Mediathek 

des Kanals zu finden sein+++ 

Ende Oktober erschien die deutsche Version 

des „Rock Science Game". Bei diesem 

Spiel für zwei bis sechs Teilnehmer 

muss man beim Umrunden des Spielfelds 

verschiedene Fragen zu Songs, Alben, 

Rocker, Sex & Drugs & Rock'n'Roll-Geschichten, 

Mythen und Legenden beantworten. 

Damit für jeden etwas dabei ist, 

sind die Fragen in drei Schwierigkeitsgrade 

– Poser, Fan und Scientist – unterteilt, 

weiterhin sind alle Spieler ständig involviert, 

da sie wetten müssen, ob die anderen 

Mitspieler ihre Fragen beantworten 

können. Mit mehr als 1600 Fragen über 

Hunderte von Rockbands, von Top-Gruppen 

bis zu One-Hit-Wonders, von längst 

vergangenen Zeiten bis zu aktuellen 

Acts, dreht sich alles um Black Sabbath, 

AC/DC, Iron Maiden, Motörhead, Sex Pistols, 

Pearl Jam oder die Rolling Stones. 

Mit dem „Rock Science Game" kann nun 

jeder spielerisch testen, wie gut sein Musikwissen 

wirklich ist+++ 

Bei der Buchrezension zu „We Are Ugly 

But We Have The Music" in der letzten 

Ausgabe hatten sich leider Fehler eingeschlichen: 

Das Buch von Jonas Engelmann 

und seinen Mitherausgebern ist beim Ventil 

Verlag, Mainz, mit der ISBN-Nummer 978- 

3-931555-39-9 erschienen. Und es kostet 

„nur" 17,90 Euro, nicht wie irrtümlich angegeben 

49,80+++ 

Rick Parfitt hatte es im GoodTimes-Interview 

angedeutet (siehe S. 18), und in letzter 

Minute vor Drucklegung kam die Bestätigung: 

Die Originalbesetzung von Status 

Quo mit Francis Rossi, Parfitt, Alan Lancaster 

und John Coghlan ist – nach den 

„geheimen" Jamsessions für die DVD-Doku 

HELLO QUO 2011 – noch einmal live zu 

erleben, allerdings leider nur im UK: Zwischen 

dem 10. und 16. März treten Quo 

in Glasgow, Manchester, Wolverhampton 

und London (2x Hammersmith Apollo) live 

auf. Zuletzt tourte der Originalvierer 1981 

gemeinsam+++ 

Musikalische Kreuzfahrten sind seit geraumer 

Zeit groß angesagt. Auch die 

britischen Rockveteranen Moody Blues 

mischen nun in diesem neuen Geschäftsbereich 

kräftig mit und bieten vom 20. 

bis 25. März 2013 für ihre Fans eine solche 

Schiffsreise an. Mit an Bord sind Greg 

Lake (ELP), Asia featuring John Pay ne, 

Ambrosia, The Strawbs, die Zombies, 

die Little River Band sowie Joe Williams 

(Toto). Infos sind zu finden unter moodybluestoday.com+++ 

Wie erst verspätet – und nach Redaktionsschluss 

der Rubrik „Verstorben" – bekannt 

wurde, ist Christian Engel (*22.4.1950), 

der Schlagzeuger und Mitbegründer der 

Beatles Revival Band bereits am 14. 

Juli einem langen Krebsleiden erlegen. Die 

Cover-Band erfreute sich zu Zeiten des Kal- 

2x Tickets/je Stadt 

GoodTimes verlost unter allen Teilnehmern: 

Stichwort: Harlem Gospel Singers 

Bitte gewünschte Stadt angeben, 

wir versuchen Ihren Wunsch zu berücksichtigen. 

Stuttgart 25.12.12 

Mannheim 26.12.12 

Essen 31.12.12 

Köln 04.01.13 

Düsseldorf 06.01.13 

Frankfurt 07.01.13 

Hamburg 10.01.13 

Dortmund 12.01.13 

Die Gewinner werden benachrichtigt. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42/37660-188 · email: goodtimes@nikma.de 

Einsendeschluss ist der 15.12.2012! 


News Aktuell News 

ten Kriegs gerade auch im Ostblock und in 

der DDR großer Beliebtheit, wo sie häufig 

tourte+++ 

Zum 40-jährigen Jubiläum von David 

Bowies "The Jean Genie" veröffentlicht 

EMI die Single als 7"-Sammlerstück in 

Form einer Vinyl-Picture-Disc. Ursprünglich 

wurde "The Jean Genie” in Großbritannien 

am 14. November 1972 von RCA 

als erste Single aus dem Album ALADDIN 

SANE veröffentlicht. Er habe mit diesem 

Song „denselben Sound kreieren wollen wie 

die Stones auf ihrem allerersten Album mit 

der Mundharmonika”, 

erzählte Bowie 

1973 dem 

„New Musical 

Express". 

Im Dezember 

erreichte die 

Single, deren Titel 

eine Anspielung auf 

den französischen Romancier und Theaterautor 

Jean Genet war, Platz 2 der UK- 

Charts. Die B-Seite der Jubiläumsausgabe 

enthält eine erst kürzlich wiederentdeckte 

Aufnahme der BBC von "The Jean Genie” 

vom Januar 1973 aus der Sendung „Top Of 

The Pops". Mit dabei war Bowies grandiose 

Begleitband Spiders From Mars mit Mick 

Ronson, Trevor Bolder und Woody Woodmansey. 

Beide Songs wurden von dem damaligen 

Toningenieur Ray Stuff remastert 

und werden nur kurz erhältlich sein+++ 

Bei den gemeinsamen Bandprojekten EBC 

Roxx und Over The Rainbow hatten Tony 

Carey und Jürgen Blackmore bereits zusammengearbeitet, 

bei seinen anstehenden 

Gigs mit der Tony Carey Band wird der 

singende Keyboarder mit Rainbow- und 

Maffay-Vergangenheit den Sohn von Ritchie 

Blackmore im Schlepptau haben – so 

in Nürnberg (27.11.), Erding (29.11.) und 

München (30.11.). Die TCB besteht außerdem 

aus Jan E. Holberg (b), Per Ole Iversen 

(dr) sowie den Gitarristen Jostein Svarstad 

und Anders Norman+++ 

Mit den Rolling Stones ist Mick Jagger 

gerade wieder schwer beschäftigt, um die 

Konzerte zum 50-jährigen Jubiläum auf 

die Reihe zu bringen. Die Band spielte am 

25. Oktober einen vor Energie strotzenden, 

75-minütigen Warm-up-Gig im La Trabendo 

in Paris vor 700 begeisterten Besuchern, 

um sich für ihre jeweils zwei in London 

(25.+29.11.) und New York (13.+15.12.) 

geplanten Arena-Shows in Form zu bringen. 

Daneben findet Jagger aber offenbar 

auch die Zeit, um seiner zweiten Liebe zu 

frönen, dem Filmbusiness: Er wird die Verfilmung 

des Lebens von James Brown produzieren. 

Das Drehbuch schreiben Jez und 

John-Henry Butterworth („Fair Game”), 

Tate Taylor („The Help”) ist als Regisseur 

im Gespräch, während über die Besetzung 

noch nichts durchgesickert ist. „Ich hatte 

gehofft, das James-Brown-Biopic machen 

zu können, weil er für mich der elektrisierendste 

und aufregendste Bühnenperformer 

aller Zeiten war – es ist eine große 

Ehre, bei so einem Projekt dabei zu sein", 

ließ Jagger verbreiten+++ 

Wenn diese GoodTimes-Ausgabe erscheint, 

ist der neue US-Präsident gewählt. Ob das 

Engagement diverser Rock- und Popstars 

Barack Obama wieder ins Weiße Haus geholfen 

hat oder zur Wahl von Mitt Romney 

beitrug, ist dann wohl nicht mehr festzustellen. 

Doch in den Wochen vor der Wahl 

legten sich jede Menge Künstler mächtig 

für einen der beiden Kandidaten ins Zeug: 

Meat Loaf jedenfalls sang gemeinsam mit 

Randy Owen von der C&W-Band Alabama 

und den Country-Stars Big & Rich "America 

The Beautiful" bei einer Romney-Veranstaltung 

in Defiance, Ohio. Bruce Springsteen 

und Rapper Jay-Z hingegen röhrten 

am Tag vor der Wahl in Madison, Wisconsin, 

für Obama. Auch Altmeister Chuck 

Berry lobte Obama über den grünen Klee, 

und Motown-Legende Stevie Wonder veröffentlichte 

gar einen neuen Song mit dem 

Titel "Keep Moving Forward", um Obamas 

Wiederwahl zu unterstützen+++ 

Soulveteran Bobby Womack ist vom 

britischen Magazin „Q” für sein Album 

THE BRAVEST MAN IN THE UNIVER- 

SE, sein erstes Studioprodukt seit 1994, 

ausgezeichnet worden. Der 68-jährige 

Womack war Anfang des Jahres mit der 

Diagnose Darmkrebs konfrontiert worden, 

nachdem er 2010 von Damon Albarn 

(Blur) ermutigt worden war, wieder im 

Musikgeschäft aktiv zu werden. Albarn 

co-produzierte auch das nun ausgezeichnete 

Album+++ 

Was andere können, kann ich auch, mag 

sich Sir Paul McCartney gesagt haben. 

Und so hat der Ex-Beatle nun auch „sein" 

Weihnachtsalbum aufgenommen. Es trägt 

den Titel HOLIDAYS RULE und enthält 

Beiträge von The Shins, fun., Rufus Wainwright 

& Sharon Van Etten, Andrew Bird, 

Calexico, The Civil Wars sowie The Head & 

The Heart. Außerdem widersprach McCartney 

in einem Interview mit Sir David Frost 

für den englischen Ableger des Fernsehsenders 

Al Jazeera der weitverbreiteten These, 

allein Yoko Ono sei schuld gewesen an der 

Trennung der Beatles. Zwar habe er es als 

„sehr schwierig" empfunden, dass Ono bei 

den Aufnahmesessions der Band dabei war. 

„Sie hat die Gruppe aber nicht gesprengt 

– dieser Prozess war bereits im Gange." 

Ihr avantgardistischer Ansatz habe John 

Lennon fasziniert, „der ohnehin schon auf 

dem Sprung war", sagte McCartney und 

ergänzte, er sei überzeugt, dass Lennon 

ohne Yoko Ono Songs wie "Imagine" nie 

geschrieben hätte+++ 

Um bei den Beatles zu bleiben: Oscar-Gewinner 

Al Pacino wird die Hauptrolle in einem 

Film über einen fiktiven Rockstar spielen, 

der sein Leben und seine Karriere auf 

den Kopf stellt, nachdem er einen Brief von 

Lennon findet. Der Film wird „Imagine" heißen, 

das Drehbuch stammt von Dan Fogelman, 

der auch erstmals selbst Regie führen 

wird, nachdem er bislang für Kassenschlager 

wie „Crazy, Stupid, Love And Cars" „nur" als 

Autor mitverantwortlich gezeichnet hatte. 

Drehbeginn ist im Frühjahr 2013+++ 

Via Twitter hat Neil Young mitgeteilt, 

dass sein lange gestrichenes Album TIME 

FADES AWAY von 1973 neu aufgelegt und 

parallel mit der Präsentation seines Pono- 

Projekts herauskommen wird. Mit Pono 

hat Young einen iPod-Konkurrenten entwickelt, 

der im Gegensatz zum MP3-Player 

unkomprimierte HD-Files abspielen kann. 

Außerdem habe er vor, demnächst gemeinsam 

mit Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) 

aufzunehmen+++ 

Mittels einer wissenschaftlichen Studie haben 

die in den USA wie im UK beheimateten 

Kaplan International Colleges festgestellt, 

welche Musiker mit ihren Werken am 

hilfreichsten dabei sind, die englische Sprache 

zu erlernen. Ganz vorn landete bei der 

Erhebung Reggae-Legende Bob Marley, 

dahinter rangierten Michael Jackson, Madonna, 

Justin Bieber und Lady Gaga+++ 

Sängerin Daliah Lavi veröffentlicht am 

5.12. kurz vor ihrem 70. Geburtstag die 

Song- und Video-Retrospektive MEINE 

WELT – DAS BESTE VON 1970 – 2008+++ 

Bassist Roger Glover hat berichtet, dass 

Deep Purple bereits 14 Songs für ihr 

noch titelloses neues Studio-Album fertig 

haben. „Elf oder zwölf davon werden 

es wohl auf die Platte schaffen”, meinte 

Glover. Entstanden sind die Aufnahmen in 

Nashville, wo die Band mit Produzent Bob 

Ezrin wiederholt im Studio war+++ 

Am 21. Januar wird TRANSITION, das neue 

Solowerk von Steve Lukather (Toto), in 

den Plattenläden stehen – in drei verschiedenen 

Formaten: als Deluxe Edition, als 

Jewel-Case-CD und als Vinyl+++ 

Unsere Gewinner aus 

Heft 4/2012 

Stichwort " 

Sex Pistols" 

3x CD: 

- Michael Martin, Lichtenfels 

- Stefan Rodenbeck, Petershagen 

- Ralf Kohlwes, Varel-Borgstede 

Stichwort " 

The Baseballs" 

3x DVD: 

- Alfred Walther, Hamburg 

- Otto Blunck, Cottbus 

- Reiner Bellstedt, Leipzig 

Unsere Gewinner aus 

Heft 5/2012 

Stichwort " 

Mega Records" 

5x 2 Tickets: 

- Matthias Lerbs, Achim 

- Fritz Erlemann, Werdohl 

- Bernd Schmalenbach, Lüdenscheid 

- Cord Sonnekalb, Bremen 

- Michael Wüseke, Merzhausen 

KING CRIMSON 

Im Rahmen der King Crimson 40th Anniversary 

Edition folgt in diesem Jahr 

die Neuauflage des Klassiker „Lark‘s 

Tongues in Aspic“. Das 73er Album war 

das Studiodebüt des dritten King Crimson 

Live-Lineups mit Robert Fripp, Bill 

Bruford, John Wetton, Jamie Muir und 

David Cross. Auch das fünfte Studio-Album 

wurde nun neu von Steven Wilson 

und Robert Fripp gemischt und liegt 

in drei komplett neuen Ausgaben vor. 

Neben der bekannten CD/DVD-Audio 

Version gibt es ebenso eine Doppel-CD 

sowie eine Box mit zusätzlich zahlreichen 

Live-Aufnahmen. 

Lark‘s Tongues in Aspic 

Best-Nr. DGM5011 

(2 CD) 

Best-Nr. KCSP5 

(CD/DVD-Audio) 

Best-Nr. KCCBX5 

(13 CD/DVD-Audio/Blu-Ray) 

Best-Nr. KCLP3 

(200g Vinyl) 



Lizard 

ebenso erhältlich: KING CRIMSON 

In the Wake of Poseidon 

Best-Nr. KCLP2 

(200g Vinyl) 



Best-Nr.: KCSP6 


Best-Nr.: KCSP8 


Starless and Bible Black 

Discipline 

FRIPP/TRAVIS 

Follow 

Best-Nr. GYRSP1 

(CD/DVD-Autio) 

Star-Produzent Steven 

Wilson hat Elemente 

von Fripps und Travis‘ 

Live-Konzerten und 

Studio-Aufnahmen zu einem zusammenhängenden 

Album verwoben. 

JAN BANG / ERIK HONORÉ / 

DAVID SYLVIAN 

Uncommon Deities 

Best-Nr. SS022 

(CD, ltd. Auflage) 

Jan Bang und Erik 

Honoré haben aus David 

Sylvians Gedicht-Rezitation, 

Elementen einer 

Audio-Installation und Improvisatonsfragmenten 

ein Album gemacht, das in 

der Linie von Manafon und Died in the 

Wool zu verstehen und hören ist. 

GoodTimes 6/2012 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 7 

Galileo Music Communication GmbH 

Dachauer Str. 5-7 - 82256 Fürstenfeldbruck 

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Aktuell News Aktuell 

Erfolgs-Songschmied Albert Hammond 

bringt nicht nur im Frühjahr ein neues Album 

heraus, für das er weitere seiner Erfolgslieder 

neu aufgenommen hat, sondern 

er kommt erstmals seit undenklichen Zeiten 

wieder zu Konzerten nach Deutschland. 

Zehn Gigs im April sind angepeilt. Zuvor 

gibt es allerdings mit "Snow In New York" 

erst einmal noch eine neue Single, die er gemeinsam 

mit Chris de Burgh verfasst hat+++ 

Gerade erst waren die um Midge Ure reformierten 

Ultravox konzertant unterwegs, 

und schon im Frühjahr soll ein Tourmitschnitt 

als Live-CD und -DVD auf den 

Markt kommen+++ 

Eine Label übergreifende BEST OF-Werkschau 

der Pop-Veteranen The Fixx ist für 

Anfang 2013 angekündigt. Die Band um 

Sänger Cy Curnin wird das Album auch bei 

mehreren Shows auf deutschen Bühnen vorstellen+++ 

Bereits in der letzten Ausgabe war an dieser 

Stelle angekündigt worden, dass Paul 

Rodgers (Free, Bad Company, The Firm) 

als Headliner die 2013er Ausgabe von 

„Rock Meets Classic" anführen wird. Inzwischen 

stehen auch die übrigen Teilnehmer 

der Tour im Februar und März fest: Eric 

Bazilian (Hooters), Steve Augeri (Journey), 

Chris Thompson (Manfred Mann's 

Earth Band) und „Very Special Guest" 

Bonnie Tyler werden ihre größten Hits 

anstimmen. Unterstützt werden sie dabei 

von der Mat Sinner Band und dem Bohemian 

Symphony Orchestra Prag+++ 

Kaum hatte Hurrikan Sandy New York und 

die US-Ostküste aus seinen Klauen gelassen, 

war ein „Hurricane Sandy: Coming 

Together"-Benefizkonzert auf die Beine 

gestellt, um Geld für die Sturmopfer aufzutreiben. 

Auf der Bühne standen dabei Bruce 

Springsteen, Jon Bon Jovi, Sting, Billy Joel 

und Christina Aguilera. Weitere hilfsbereite 

Charity-Teilnehmer waren Berühmtheiten 

wie Jimmy Fallon, Jon Stewart, Kevin Bacon, 

Tina Fey und James Gandolfini. Der 

Erlös geht direkt an das amerikanische Rote 

Kreuz+++ 

Peter Frampton schreibt die Musik für 

ein neues Projekt des Cincinnati Ballet. 

Die Produktion wird am 26. und 27. April 

insgesamt dreimal im Aronoff Center For 

The Arts in der Stadt im US-Bundesstaat 

Ohio aufgeführt, wobei Frampton und 

seine Band live zu den Tanzaufführungen 

spielen werden. „Ich liebe Tanz, ich 

liebe Ballett, und alle meine Töchter sind 

durch diese Schule gegangen", sagte 

Frampton zu seinem Ausflug in ein anderes 

Kunstgenre, kurz nach Veröffentlichung 

seiner neuen DVD FCA! 35 TOUR. 

Die Ballettmusik soll voraussichtlich als 

EP mit fünf, sechs Songs veröffentlicht 

werden+++ 


„Ain't In It For My Health: A Film About 

Levon Helm”, die 2010 entstandene Dokumentation 

über den verstorbenen Sänger 

und Drummer von The Band, soll Anfang 

2013 landesweit in US-Kinos gezeigt werden 

und wird dann irgendwann wohl auch 

als DVD erhältlich sein. Gedreht hatte den 

Film Regisseur Jacob Haley, der Helm nach 

der Veröffentlichung seines 2007er Comebackalbums 

DIRT FARMER begleitet und 

auch beim Schreiben der Songs für den 

Nachfolger ELECTRIC DIRT beobachtet 

und mit der Kamera über die Schulter geschaut 

hatte+++ 

Sein 20-jähriges Bestehen hat das Beat 

Archiv am 6. Oktober im sächsischen 

Glauchau gefeiert. Mit in der Jubelschar 

war Tony Sheridan, der bereits bei der 

Eröffnung des Beat Archivs gespielt hatte 

und seither mehrere Projekte mit der 

Einrichtung realisiert hat, darunter das 

Buch „Tony Sheridan – Biographie/ Discographie" 

(ISBN 3-9804452-1-6) und Veranstaltungen, 

bei denen er berichtete, wie 

ihn die Beatles bei den Aufnahmen für die 

LP MY BONNIE begleiteten. Ebenfalls vor 

Ort: Rod Davis, Mitglied der ersten Band 

von John Lennon, The Quarrymen, der 

bereits seinen vierten Auftritt in Glauchau 

absolvierte und wie Hans-Walther Braun, 

ein Freund der Beatles aus Hamburger 

Tagen, das Fanbuch „John Lennons 

Quarrymen – Yesterday And Today" von 

Beat-Archiv-Leiter Edmund Thielow 

unterstützte. Für die passenden Töne 

sorgten zudem die Berliner Cover-Band 

Frankie Goes To Liverpool, der Thüringer 

Singer/Songwriter Andreas Geffarth (hatte 

seine CD COME TOGETHER – JOHN LEN- 

NON TRIBUTE LIVE dabei); Lothar Becker 

und Kai-Uwe Witten von Die Strawberries, 

die gerade ihre CD BEAT INVASION veröffentlicht 

haben, sowie Reinhard Fißler 

(Stern Combo Meißen), der einst bei einer 

Beatles-Fan-Convention in Glauchau einmalig 

seinen John-Lennon-Gedenksong 

"He, John" gespielt hatte, den er aber 

nicht veröffentlichte, da die Puhdys ebenfalls 

1981 einen gleichnamigen Gedenksong 

herausgebracht hatten. Thorsten 

Dahlberg, Amtsleiter für Kultur der Stadt 

Glauchau, schenkte dem Beat Archiv eine 

gerahmte handschriftliche Aufzeichnung 

von Gerhard Zachar (Gründer der Band 

Lift) aus dem Jahr 1963 mit dem Titel „Do 

you want to know a secret" – und feierte 

mit zahlreichen weiteren Gästen, die sich 

den Beatles und dem Beat Archiv verbunden 

fühlen+++ 

Buddy Miller, renommierter Studiogitarrist 

und Americana-Künstler, der zuletzt 

Robert Plants Band Of Joy produziert 

hatte, hat berichtet, dass er und der 

frühere Led-Zeppelin-Sänger mehrere 

Songs in Nashville geschrieben haben. 

Die sollen 2013 möglicherweise auf dem 

nächsten Solo-Album Plants zu hören 

sein. „Wir hatten das nicht geplant, aber 

wir haben genug Material für ein ganzes 

Album geschrieben", meinte Miller. Kurz 

zuvor war durchgesickert, dass Plant 

ein paar Gesangsspuren für das nächste 

Studiowerk von Primal Scream gefüllt 

hat+++ 

Derweil hat Jimmy Page dem britischen 

Magazin "Mojo” berichtet, dass er dabei 

ist, mehrere Alben von Led Zeppelin zu 

remastern. Die sollen 2013 neu aufgelegt 

werden und auch noch unveröffentlichtes 

Bonus-Material aus der jeweiligen Entstehungsphase 

enthalten. „Nächstes Jahr 

werden einige Led-Zeppelin-Projekte herauskommen, 

darunter diverse Boxsets”, 

kündigte Page an+++ 

Man soll's nicht glauben, auch bei den 

Beatles gibt s immer noch Premieren zu 

feiern: Nach der erstmaligen CD-Veröffentlichung 

der Studio-Album-Remasters 

im Jahr 2009 und dem „Debüt" als Digital 

Download exklusiv auf iTunes ein Jahr 

später, hat der überarbeitete Studiokatalog 

der Fab Four am 9. November seinen 

Einstand auf Stereo-Vinyl gefeiert. Alle 

14 Alben der Beatles sind nun in audiophiler 

Qualität auf 180g-Vinylscheiben 

inklusive hochwertiger Reduplikationen 

des originalen Artworks erhältlich. So 

kehren die Albumklassiker in ihrer ursprünglichen 

Pracht zurück, inklusive des 

Posters im Album THE BEATLES (WHITE 

ALBUM), der Cut-Outs in SGT. PEPPER'S 

… und spezieller Innenhüllen bei einigen 

Titeln. Jedes Album ist einzeln erhältlich, 

dazu gibt es ein auf weltweit 50.000 Exemplare 

limitiertes, aufwändiges Boxset, 

dem jeweils ein 252-seitiges Hardcover- 

Buch beigefügt ist+++ 

Ruhmeshallen gibt es mittlerweile wie Sand 

am Meer, doch zu den bedeutenderen zählt 

allein wegen ihres Standorts die Memphis 

Music Hall Of Fame. Die hat jüngst ihre 

Neuaufnahmen bekanntgegeben: Elvis 

Presley, Jerry Lee Lewis, Otis Redding, Isaac 

Hayes, Al Green, Booker T. & The MG's, 

The Staple Singers, Rufus Thomas, Bobby 

„Blue” Bland, Willie Mitchell, Howlin' Wolf, 

Sam Phillips (Sun Records), Jim Stewart & 

Estelle Axton von Stax Records, DJ Dewey 

Phillips sowie die Bluespioniere W.C. Handy 

und Memphis Minnie sind diesmal an der 

Reihe. Feierlich aufgenommen werden sie 

am 29. November im Memphis Rock'n'Soul 

Museum+++ 

Die prominentesten diesjährigen Neuzugänge 

in der Official R&B Hall Of Fame 

heißen Aretha Franklin, James Brown, The 

Temptations, Otis Redding, Michael Jackson 

und The O'Jays. Zelebriert wird ihre 

Aufnahme erst am 5. Mai 2013 in Cleveland+++ 

Und noch eine Ruhmeshalle bedarf der Erwähnung, 

zählt sie doch zu den gewichtigsten: 

die Songwriters Hall Of Fame. Auf 

der (überaus begehrten) Kandidatenliste 

sind diesmal aufgeführt in der Kategorie 

„Performer” Lindsay Buckingham, Christine 

McVie und Stevie Nicks (alle Fleetwood 


News 

Aktuell 

Mac), Ray Davies (Kinks), Steve Winwood 

(Spencer Davis Group, Traffic), Jimmy 

Buffett, B.B. King, Jeff Lynne (ELO), Mick 

Jones & Lou Gramm (Foreigner), Steven 

Tyler & Joe Perry (Aerosmith), Elvis Costello 

und Bobby Womack. Als „Non-Performer” 

nominiert sind die Songschreiber 

Tony Hatch ("Downtown”), Don Covay 

("Chain Of Fools”), J.D. Souther ("Best Of 

My Love”), P.F. Sloan & Steve Barri ("Secret 

Agent Man”), Dennis Lambert & Brian 

Potter ("Don't Pull Your Love”), Rod Temperton 

("Rock With You”) und Randy Goodrum 

("You Needed Me”). Für die „Aufnahmeklasse 

2013” werden zwei Performer 

und drei Non-Performer gekürt, die Aufnahmezeremonie 

findet am 13.6. in New 

York statt+++ 

Lemmy war mit Motörhead Vorreiter, 

Foghat produzieren seit Jahren im eigenen 

Weinberg Süffiges, und nun mischt 

auch Sting bei der Weinproduktion mit. 

Macher im Hintergrund ist der Düsseldorfer 

Weinhändler und passionierte 

Rockfan Michael Spreckelmeyer, der seine 

beiden Leidenschaften kombinierte. 

Im Herbst 2011 begann er mit der Firma 

Metal & Wine, unter dem Label bekannter 

Rockbands hochwertige Weine 

zu vertreiben. Das Portfolio erstreckt sich 

von Pink Floyd, Rolling Stones, Kiss über 

The Police bis hin zu AC/DC, Motörhead 

und Slayer. Die durchweg hochwertigen 

Weine aus 100-prozentig ökologischnachhaltiger 

Produktion (Eigenwerbung 

der Firma) tragen so klangvolle Namen 

wie „Back In Black"-Shiraz (AC/DC), 

„Forty Licks"-Merlot (Stones), „ZinFire"- 

Zinfandel (Kiss) oder „Reign In Blood"- 

Cabernet Sauvignon (Slayer). Teils sind 

die Cuvées von der Musik der Bands 

inspiriert, teils haben die Musiker selbst 

ein Weingut oder an den Weinkreationen 

mitgewirkt. Bei AC/DC, Grateful Dead 

oder Slayer wiederum kommt der Wein 

aus ihren Heimatregionen. Stings Cuvée 

„Sister Moon" stammt von seinem eigenen 

toskanischen Weingut Il Palagio und 

erhielt von „Weinpapst" Robert Parker 92 

von 100 Punkten!+++ 

Bereits 2010 hatte ein Spezialist bei Art 

Garfunkel eine Stimmbandschwäche 

konstatiert, was den Sänger aber nicht 

davon abhielt, 2012 auf Welttour zu gehen. 

Doch nachdem er Ende September 

zwei Gigs in Stockholm aus gesundheitlichen 

Gründen (s.o.) absagen musste, 

blies er gleich auch noch den Rest seiner 

bis Ende Dezember gebuchten Tournee 

ab+++ 

Die fast schon legendäre Prog-Rockband 

Nektar legt mit A SPOONFUL OF TIME 

ihr erstes Album voller Cover-Version vor. 

Im Studio waren bei den Aufnahmen zahlreiche 

Gäste dabei, auch Mitglieder der 

Bands, von denen sich Roye Albrighton & 

Co. Songs vornahmen: Michael Pinnella 

(Symphony X), Mark Kelly (Marillion), Geoff 

Downes (Asia/Yes), Edgar Froese (Tangerine 

Dream), Ian Paice (Deep Purple) & Nik Turner 

(Hawkwind), Steve Howe (Yes) & Derek 

Sherinian (Dream Theater/Black Country 

Communion) & Mel Collins (King Crimson), 

Simon House (Hawkwind), Billy Sheehan 

(Mr. Big) & Rod Argent (Zombies/Argent), 

Ginger Baker (Cream), David Cross (King 

Crimson), Jerry Goodman (Mahavishnu Orchestra), 

Rick Wakeman (Yes) sowie Bobby 

Kimball (Toto) & Patrick Moraz (Yes, Moody 

Blues)+++ 

Einen Hörsturz hatte der Kölner Blueser 

Richard Bargel während eines Konzerts 

Anfang September erlitten, seither plagt 

ihn ein „zischender, rauschender Tinnitus". 

Da ihm sein Arzt von einer „lauten elektrischen 

Band" abriet, um eine dauerhafte 

Hörschädigung zu vermeiden, hat Bargel 

die Zusammenarbeit mit dem früheren Bap- 

Gitarristen Klaus „Major" Heuser" als Men 

In Blues beendet. „Ein Projekt aufzugeben, 

das aus dem Stand heraus erfolgreich war, 

ist nicht leicht", sagte Bargel. Deshalb werde 

Heuser sich nach einem neuen Sänger umsehen, 

während er selbst zum akustischen 

Musizieren zurückkehre. Ab Januar wird er 

auf die Bühne zurückkehren und mit zehn 

neu geschriebenen Songs schnellstmöglich 

eine CD aufnehmen. Zuvor wird Bargel allerdings 

in einem „Drei-Generationen-Konzert" 

zu erleben sein: Gemeinsam mit dem 

Singer/Songwriter Mario Nyekin und Robert 

Coyne (Sohn von Kevin Coyne) wird er am 8. 

Dezember im Theater Der Keller in Köln auf 

der Bühne stehen+++ 

Mit zwei Bonus-Tracks reichert das UK- 

Label Angel Air die Neuauflage des 1973er 

Albums SNAFU der gleichnamigen Band 

an. Snafu waren die gemeinsame Gruppe 

von Bobby Harrison (Originaldrummer 

von Procol Harum, der dann auf Gesang 

umsattelte) und des früheren Juicy-Lucy- 

Gitarristen Micky Moody (später Whitesnake). 

Veröffentlichungstermin ist der 

23.1.2013+++ 

Die Reihe von Wiederveröffentlichungen 

des englischen Musikers David Courtney 

geht weiter. Also des Mannes, der Leo Sayer 

die Hits "One Man Band", "The Show Must 

Go On" und "Giving It All Away" auf die 

Stimmbänder geschrieben hatte, eher er sich 

entschloss, selbst ins Rampenlicht zu treten: 

Im Januar erscheinen seine beiden Alben 

MIDSUMMER MADNESS und SHOOTING 

STAR auf einer CD. Ersteres spielte er mit 

diversen Argent-Musikern 1975 im Honky 

Chateau Studio in Südfrankreich ein, zweiteres 

1980 in Los Angeles. Mike Love wollte 

ihm SHOOTING STAR „abkaufen", um es als 

LP der Beach Boys herauszubringen. Was 

Courtney ablehnte – und teuer bezahlte: 

Die Scheibe verschwand unveröffentlicht im 

Archiv und kommt jetzt mit 33-jähriger Verspätung 

auf den Markt+++ 

CD, Doppel-LP 180 Gramm Vinyl 

plus CD & digital 

Das erste Live Album der 

Americana Legende aus 

Seattle, eine Band in 

absoluter Höchstform! 

"Dieser herrliche Roots-Rock, 

die berückenden Folk- 

Balladen, diese Stimmen..." 

(Rolling Stone) 

GLITTERHOUSE RECORDS 

Grüner Weg 25 • D-37688 Beverungen 

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RMN 

CD, LP 180 Gramm Vinyl 


Ein Debut der Extraklasse! 

"Die unwahrscheinlich hübsche 

Klavierspielerin Caroline Keating 

legt mit ihrer delikaten Musik Zeugnis 

eines unglaublichen Talents ab, 

das an aktuelle Indie-Heroinen wie 

Joanna Newsom oder Regina 

Spektor erinnert." (Der Spiegel) 

CD, LP 180 Gramm Vinyl 


Tongewordene Melancholie, 

intensiv, sensibel, fesselnd. 

"Dakota Suite klingt erneut so 

intensiv und traurig und wundervoll 

und hoffnungslos, als wäre 

jeder einzelne Takt dem Freitod 

abgetrotzt." (Musikexpress) 

DAS INTERNETRADIO MIT MUSIK DER 60er, 70er UND 80er JAHRE. 

EINE KOOPERATION VON RMNRADIO UND GOODTIMES. 

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um die Uhr 

Der Empfang funktioniert problemlos. 

Erforderlich ist lediglich ein 

Internetanschluss. 

Nähere Infos hierzu unter: 

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Wir lieben Oldies 


Verstorben 

George Gallacher (21.10.1943) amtierte 

in den 60er Jahren als Leadsänger der 

schottischen Blues- und Psychedelic-Popband 

The Poets, die von Andrew Loog Oldham 

gemanagt wurde und für Immediate 

aufnahm. Er war bei der Reunion 2011 mit 

dabei. Erlag bereits am 25.8. einem Herzinfarkt, 

als er sich auf der Heimfahrt von 

einem Spiel seines Lieblings-Fußballklubs 

Partick Thistle befand. 

Dorothy McGuire (*19.2.1928) gehörte 

zu den McGuire Sisters, die 1955 mit "Sincerely" 

und 1958 mit "Sugartime" #1-Hits 

in ihrer Heimat USA schafften, sich 1964 

auflösten, 1986 eine Reunion feierten. 

2001 wurden sie in die Vocal Group Hall 

Of Fame aufgenommen. McGuire litt 

schon länger an Parkinson, als sie am 7.9. 

für immer ging. 

Johnny Perez (*1943) trommelte in den 

60er Jahren bei der texanischen Kultcombo 

Sir Douglas Quintet, auch auf "She's About 

A Mover” (#13/1965) und "Mendocino” 

(#27/1969). Ihm gehörte später das Topanga 

Skyline Studio, in dem Bob Dylan, Sting, 

Jackson Browne und Bobby McFerrin aufnahmen, 

er schrieb Songs und spielte mit 

Joe „King" Carrasco. Am 11.9. kostete ihn 

eine Leberzirrhose das Leben. 

Homer Joy (*12.4.1945). arbeitete als 

Songwriter für Buck 

Owens und viele 

andere, seine bekannteste 

Kreation 

dürfte "Streets Of 

Bakersfield" sein, 

das er 1972 selbst 

aufnahm, allerdings 

waren Owens und Dwight Yoakam (im Duett 

mit Joy) sehr viel erfolgreicher damit. 

Er starb am 11.9. an den Spätfolgen einer 

komplizierten Herztransplantation im Jahr 

2006. 

James Sugar Boy" Crawford 

" 

(*12.10.1934), New-Orleans-Göße, arbeitete 

als R&B-Sänger, spielte Piano und 

Posaune, schrieb Songs, gehörte Chapaka 

Shawee an, aus denen Sugar Boy & The 

Sugar Lumps sowie Sugar Boy & His Cane 

Cutters hervorgingen. Das 1954 von ihm 

verfasste "Jock-A-Mo" nahmen auch die 

Dixie Cups, Dr. John, Grateful Dead und 

Cyndi Lauper auf. Zog sich 1969 in die 

Kirchenmusik zurück. Ging am 15.9. für 

immer. 

Manfred " 

Manne" Praeker (*25.9.1951) 

spielte Bass bei den Polit-Rockern Lokomotive 

Kreuzberg, die sich dann Nina 

Hagen 1978 als Begleitband (und Songautoren) 

angelte. Danach räumte er mit 

seinen alten Mitstreitern als Spliff ab, produzierte 

Nena, arbeitete mit den Ärzten. 

Ende der 80er Jahre zog er nach Portugal, 

wo er sich ein Studio einrichtete und 

lokale Künstler produzierte. Nach langer, 

schwerer Krankheit starb er am 17.9. in 

seiner Geburtsstadt Berlin. 

Tony Bernabale (alias Tony Bell, T, Tone, 

Ding & Fickas, *13.8.1940) spielte Saxofon, 

Akkordeon und Orgel, unter anderem bei 

den Red Ryders, die Quincy Jones 1964 

produzierte. Machte danach Musik in erster 

Linie zum eigenen Vergnügen, bis er am 

22.9. nach kurzer Krankheit starb. 

Billy Barnes (*27.1.1927) belieferte Patti 

Page, June Christy und Barbra Streisand 

mit Songs. Komponiert seit dem 25.9. im 

Jenseits. 

Andy Williams (*3.12.1927) startete 

seine Karriere mit seinen drei Brüdern als 

The Williams Brothers, sang ab 1952 solo 

und schaffte es bis weit in die 70er Jahre 

hinein mit 45 

Easy-Listeningund 

Popsongs in 

die US-Charts. 

Er hatte in den 

60er Jahren seine 

eigene TV- 

Show, moderierte 

mehrfach die 

Grammy-Verleihungen, betrieb sein eigenes 

Label Barnaby Records, für das er den 

jungen Jimmy Buffett unter Vertrag nahm, 

und hatte später in Branson, Missouri, sein 

eigenes Musiktheater. 2011 wurde bei ihm 

Blasenkrebs diagnostiziert, der ihn am 

25.9. das Leben kostete. 

Ronald Bertram Aloysius R. B." 

" 

Greaves (*28.11.1943) dürften ältere Musikfans 

von seinem 1969er Erfolg "Take A 

Letter, Maria” (US #2, selbst verfasst) her 

kennen. Er nahm als Sonny Childe & The 

TNTs im UK früh auf, kehrte dann in die 

USA zurück, wo kein Geringerer als Ahmet 

Ertegun seinen musikalischen Brief produzierte. 

Nach ein paar weiteren kleineren 

Hits arbeitete er für eine HighTech-Firma. 

Am 27.9. erlag er einem Prostata-Krebsleiden. 

Frank Wilson (*5.12.1940) war als Songschmied 

und Produzent im Hause Motown 

tätig. Aus seiner Feder stammten die Supremes-Erfolge 

"Love Child” und "Up The 

Ladder To The Roof" sowie Eddie Kendricks' 

"Keep On Truckin'”. Auch Marvin 

Gaye, Smokey Robinson & The Miracles, 

die Four Tops und Temptations nahmen 

Songs von ihm auf. Prostatakrebs stand am 

27.9. in seinem Totenschein. 

Simon Oberender spielte Gitarre und 

Keyboards bei den Neo-Prog-Metallern Beyond 

The Bridge und Trillium, war an Aufnahmen 

von Kamelot, Avantasia, Edguy und 

Epica (auch als Toningenieur) betei ligt. Zwei 

Wochen vor seinem Tod am 27.9. hatte er 

mit Beyond The Bridge beim „ProgPower 

USA"-Festival in Atlanta erstmals in Amerika 

gespielt. Die Umstände des Ablebens des 

29-Jährigen sind nicht bekannt. 

Raylene Rankin (*15.9.1960), kanadische 

Sängerin, die ab 1989 mit vieren 

ihrer zwölf Geschwister die Rankin Family 

bildete, verlor am 30.9. ihren über 

zehn Jahre währenden Kampf gegen den 

(Brust-)Krebs. Sie hatte auch mehrere Solo- 

Alben mit Celtic-Country-Musik veröffentlicht, 

zuletzt vor einigen Monaten LITTLE 

DIAMONDS. 

Kathi McDonald (*25.9.1948) war als 

Blues- und Rocksängerin unterwegs, ar- 

beitete mit Long John Baldry zusammen, 

mit dem ihr 1980 ein Hit mit "You've Lost 

That Lovin' Feelin'" gelang. Sie nahm immer 

wieder eigene Platten auf, desgleichen 

mit/für Ike & Tina Turner, Big Brother & 

The Holding Company, Joe Cocker, Brian 

Auger, Leon Russell und den Rolling Stones 

("Tumbling Dice”). Sie starb überraschend 

am 3.10. in Seattle, wo sie ihre Karriere gestartet 

hatte. 

Danny Sims (*1940) entdeckte Bob Marley, 

nahm ihn 1967 unter Vertrag und 

transferierte ihn 1972 zu Island Records, 

zeitgleich übernahm er das Management 

des Sängers, der einige Jahre später den 

großen Durchbruch schaffte. Mit Johnny 

Nash ("I Can See Clearly Now”) betrieb 

er bis 2002 JAD Records und machte nie 

ein Hehl aus seinen Mafia-Verbindungen. 

Darmkrebs kostete ihn am 3.10. das Leben. 

Nick Curran (*20.9.1977) führte singend 

und Gitarre spielend seine Blues-Rockband 

Nick Curran & The Nitelifes an, spielte 

auch Rockabilly und Punk, u.a. mit Deguello, 

The Lowlifes, The Jaguars und den 

Fabulous Thunderbirds. Krebs raffte ihn am 

6.10. dahin. 

Nils Koppruch (*25.10.1965) leitete 

1996 bis 2006 als Frontmann die Band 

Fink, spielte dann als Singer/Songwriter 

eine Mischung aus Indie-Pop mit Elementen 

aus Folk, Americana, Blues und 

Bluegrass, betrieb in Hamburg eine eigene 

Galerie und war zugleich auch als bildender 

Künstler SAM. aktiv. Zuletzt tat er sich mit 

Gisbert zu Knyphausen zu Kid Kopphausen 

zusammen und veröffentlichte im August 

das Album "I". Kurz vor Beginn der ersten 

KK-Tour schlief Koppruch am 10.10. friedlich 

für immer ein. 

Patricia Ann Mileski (*4.2.1952) arbeitete 

als Psychotherapeutin (Spezialgebiet 

Drogen- und Alkoholmissbrauch) und 

Chorsängerin für Santana, Neil Young und 

Rita Coolidge. Leberkrebs beendete ihr irdisches 

Dasein am 11.10. 

Blake Baker BB" Cunningham 

" 

(*1942) gehörte zu den profiliertesten Musikern 

(keys, b) von Memphis, wo er 1954 

als Perkussionist 

Elvis Presley begleitete. 

Er spielte 

mit Steve Cropper 

und Donald 

„Duck" Dunn bei 

den Six O’Clock 

Boys, landete 

1967 mit The 

Hombres und "Let It Out (Let It All Hang 

Out)" einen US#-12-Hit, zog später nach 

Los Angeles, wo er auch als Chef-Toningenieur 

in den Independent Recorders 

Studios mit Billy Joel, Elton John und Lou 

Rawls arbeitete. Nach der Rückkehr nach 

Memphis stieg er 1997 in Jerry Lee Lewis' 

Band ein, der er bis zu seinem Tod angehörte. 

Zuletzt arbeitete Cunningham auch 

bei einem Sicherheitsunternehmen und 

wurde am 14.10. im Dienst erschossen. 

Dickie Freeman (*20.6.1928) sang als 

Solist zwar hauptsächlich Gospel, war aber 

auch Mitglied der Skylarks und ließ seine 

Stimme für John Fogerty, Johnny Cash, 

Elvis Costello, The Fairfield Four und The 

Kings Of Harmony ertönen – bis zum 

16.10. 

Cody Burnside (*1983), Enkel der 

Country-Blueslegende R.L. Burnside und 

Bruder von Cedric Burnside, machte selbst 

HipHop-Blues, war auf mehreren Alben 

der North Mississippi Allstars zu hören, 

betrieb mit Luther und Cody Dickinson die 

Hill Country Revue. Er war gerade mal 29, 

als er am 17.10. aus unbekannten Gründen 

starb. 

Tim Johnson (*1960) – Mickey Newbury 

lotste den Songschmied von Oregon nach 

Nashville, wo mehr als 100 seiner Lieder 

von Country-Größen aufgenommen wurden. 

Unterlag am 21.10. im Kampf gegen 

den Krebs. 

Michael Marra (*Februar 1952), auch 

bekannt als „The Bard From Dundee" 

schrieb Songs, arbeitete am Theater, fürs 

Radio und Fernsehen. Der Schotte gründete 

seine erste Band Hen’s Teeth 1971, 

machte sich 1980 mit THE MIDAS TOUCH 

selbstständig. Und komponierte mit "If 

The Moon Can Be Believed” auch eine 

Operette. Starb am 23.10. nach längerer 

Krankheit. 

Bill Dees (*24.1.1939) spielte Gitarre, 

sang, schrieb Songs und produzierte, beispielsweise 

Roy Orbison ("Oh, Pretty Woman”, 

" It's Over"). Aus seinem Liedfundus 

bedienten sich auch Johnny Cash, Loretta 

Lynn, Skeeter Davis, Glen Campbell, Billy 

Joe Royal und Gene Pitney. Am 24.10. war 

ein Gehirntumor stärker. 

Louis Nunley (*15.10.1931) machte 

seine ersten kommerziellen Aufnahmen 

1949 in Nashville, war ab 1953 Mitglied 

der Anita Kerr Singers, sprang bei Bedarf 

bei den Jordanaires ein und prägte den 

„Nashville Sound" entscheidend mit. War 

als Backgroundsänger auf Hunderten von 

Platten zu hören, u.a. von Brenda Lee, Jim 

Reeves, Floyd Cramer, Marty Robbins, Patsy 

Cline, Eddy Arnold, Perry Como, Dolly 

Parton, Engelbert, Randy Travis, Kenny 

Rogers, Garth Brooks und Elvis Presley. 

Das Singen stellte er endgültig am 26.10. 

ein. 

Jo Dunne (*12.11.1968) spielte Gitarre bei 

der UK-Combo Fuzzbox – bis zu seinem 

krebsbedingten Lebensende am 26.10. 

Terry Callier (*24.5.1945) griff in seinen 

Soulsongs auch stets Elemente aus Gospel, 

Folk und Weltmusik auf. Das Debütalbum 

THE NEW FOLK SOUND des Jugendfreunds 

von Curtis Mayfield erschien 

1964 erst mit vierjähriger Verspätung, weil 

es seine damalige Plattenfirma nicht veröffentlichen 

wollte. Nachdem er längere 

Zeit von der Bildfläche verschwunden war, 

entdeckten ihn Acid-Jazz-Produzenten 

in den 90ern wieder. Sein letztes Werk 

HIDDEN CONVERSATIONS produzierte er 

2009 gemeinsam mit Massive Attack. Der 

ausdrucksstarke Sänger starb am 28.10. 

nach langer schwerer Krankheit. 


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22.12.12 · BREGENZ 

23.12.12 · NÜRNBERG 

25.12.12 · STUTTGART 

26.12.12 · MANNHEIM 

27. - 28.12.12 · ZÜRICH 

29.12.12 · BASEL 

31.12.12 · ESSEN 

03. - 04.01.13 · KÖLN 

05. - 06.01.13 · DÜSSELDORF 

07.01.13 · FRANKFURT 

09.01.13 · BREMEN 

10.01.13 · HAMBURG 

11. - 12.01.13 · DORTMUND 

14.01.13 · LEIPZIG 

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Jimi Hendrix 

Denkmal 

für ein Genie 

Von Alan Tepper 

Marilyn Monroe, Che Guevara, Twiggy, die Beatles und die Rolling Stones – alles 

Ikonen der Populärkultur, deren Bilder allein schon zahlreiche Assoziationen 

auslösen. Sie stehen für verschiedene Aspekte einer Jugendkultur, die Grenzen 

überschritt, Altes in Frage stellte und Neues forderte. Ein schwarzer 

Gitarrist in regenbogenbunter Kleidung, die Haare mit einem Stirnband 

zurückgebunden, darf bei einer solchen Aufzählung nicht fehlen. Er hielt 

eine weiße Fender Stratocaster, mit der er das Publikum wie ein Magier 

mit seinem Zauberstab in andere Klangdimensionen lockte. Jimi Hendrix 

(27. November 1942–18. September 1970) wäre in diesem Jahr 70 geworden, 

hätte ihn nicht das 

Schicksal in den 

berüchtigten 

" 

Club 27" eintreten 

lassen. 

Foto: © Daniel Tehaney 

Es ist gewiss nicht übertrieben, die moderne 

Musikgeschichte und besonders die Entwicklung 

der Rockgitarre in eine Zeit vor und nach 

Jimi Hendrix aufzuteilen. Peter Jones, Journalist des 

„Record Mirror", prognostizierte am 10.12.1966 in 

einem „MR. PHENOMENON!" betitelten Artikel: „Ein 

neuer Künstler, ein neuer Star bereitet sich darauf vor, 

wie ein Tornado durchs Musikbusiness zu tosen." Die 

Kommentare von Gitarristenkollegen fielen nicht weniger 

überschwänglich aus. Pete Townshend meinte 

nach einem Konzert im Londoner Saville Theatre, bei 

dem die Liverpooler Koobas und die Jimi Hendrix 

Experience als Vorbands spielten: „Ich dachte: Mein 

Gott, was geschieht hier?! ... Er hat uns von der Bühne 

geblasen – und ich schäme mich nicht dafür." 

Bei einer Kneipentour in London begegnete Hendrix 

Trevor Burton von The Move und Eric Clapton, der 

erfuhr, dass „der Neue" sein erstes Album aufgenommen 

hatte. Hendrix lud die beiden in seine Wohnung 

ein und spielte ihnen ein Demo vor. Burton erinnert 

sich: „Es war unglaublich. Ich saß neben Eric und 

konnte seinen Gesichtsausdruck bei jedem Track sehen, 

den Jimi uns präsentierte. Wir waren völlig baff. 

Wir fühlten uns, als wären die Marsmenschen gelan- 

det." Ließen sich die Reaktionen auf Jimi Hendrix zu 

Lebzeiten nur in Superlativen ausdrücken, scheint die 

Strahlkraft des Musikers die Jahrzehnte unbeschadet 

überstanden, ja sogar noch zugenommen zu haben. 

Die Erklärung dafür liegt nahe, denn „MR. PHENO- 

MENON!" hat die Musikwelt in kürzester Zeit auf den 

Kopf gestellt und inspiriert noch immer Heerscharen 

von Hörern und Instrumentalisten. 

Der Gitarrist 

Jimi Hendrix wird in erster Linie als Instrumentalist 

wahrgenommen, der das Vokabular der Rockgitarre 

immens bereicherte. Vor seiner Zeit war die Rolle 

eines Gitarristen klar definiert – entweder schrubbte 

er Rhythmus oder spielte lead. Hendrix betrachtete 

die sechs Saiten einer Gitarre als komplettes Orchester 

und setzte jeden einzelnen Ton effektiv ein. Er spielte 

mit Doppelakkorden Soli ("The Wind Cries Mary"), erfand 

völlig neue Akkorde (das Intro zu "Castles Made 

Of Sand") oder zerlegte Harmonien zu einem neuen 

Klangbild, wofür "Little Wing" steht. Dissonanzen 

wie der Tritonus (schrägstes Intervall in der 12-Ton- 

Musik) zu Beginn von "Purple Haze", Oktavgriffe im 

Stile eines Wes Montgomery ("Villanova Junction"), 

Rückkopplungen (das Intro 

von "Foxy Lady") oder ausgeflippter Gebrauch 

des Tremolos der Gitarre (die Woodstock-Fassung 

von "Star Spangled Banner", bei der er die amerikanische 

Nationalhymne zerstörte, oder "Machine 

Gun") sind weitere Beispiele für die Innovationen des 

genialen Musikers. Ein wichtiges Charakteristikum 

bestand in der tieferen Tonlage, denn er stimmte alle 

Saiten um einen Halbton herunter, um einen massiveren 

Sound zu garantieren – ein Trick, den seitdem 

zahlreiche Metalbands nutzen. Doch am wichtigsten 

war das unvergleichliche Spielgefühl von Hendrix – es 

reichte von ruhigen, introspektiven Stimmungen bis 

zu schreienden, emotionalen Ausbrüchen, womit er 

lichterlohe Feuer entzündete. Hier lassen sich Parallelen 

zum italienischen Teufelsgeiger Niccolò Paganini 

ziehen, der sein Publikum auf ähnliche Art in den 

Bann zog. Natürlich dürfen die Showeinlagen nicht 

vergessen werden – das Spiel mit den Zähnen, hinter 

dem Rücken, die Gitarre wie ein Phallus zwischen 

den Beinen gehalten und die legendäre, rituelle Verbrennung 

seiner „Axt" beim Monterey Pop Festival 

1967. Diese i-Tüpfelchen sorgten zu Beginn seiner 


Karriere zweifellos für ein verblüfftes, meist fassungsloses 

Publikum, das so etwas bis dahin noch nicht 

erlebt hatte. Doch schon bald 

wurde Hendrix dieser Mätzchen 

überdrüssig und wollte sich nur 

noch als Musiker präsentieren – 

ein schwieriges Unterfangen in 

der visuell geprägten Welt des 

Showbusiness. 

Der Komponist 

Bei Hendrix-Konzerten stand 

ganz klar sein Gitarrenspiel im 

Mittelpunkt des Geschehens. 

Im Studio hingegen betonte 

er die Atmosphäre des jeweiligen 

Songs und verknüpfte 

seine handwerkliche Kunst mit 

den visionären Kompositionen. 

Mal spielte er einen Walzertakt 

("Manic Depression"), dann 

wieder sparsame, aber effektive Gitarrenriffs ("Fire", 

"Little Miss Lover"), aber auch wunderschön expressive 

Titel ("One Rainy Wish") und rhythmisch aufregende 

Songs ("Gypsy Eyes"). Hendrix hatte schon 

mit dem Debütalbum ARE YOU EXPERIENCED neue 

Ausdrucksmöglichkeiten kreiert, doch auf der im eigenen 

Studio aufgenommenen ELECTRIC LADYLAND 

überschritt er Grenzen. Ob er einen leichten Hauch 

Soul in die Musik integrierte ["Have You Ever Been 

(To Electric Ladyland)"], Jazzphrasen zitierte ("Rainy 

Day, Dream Away") oder epische und experimentelle 

Tracks präsentierte wie "1983 ... (A Merman I Should 

Turn To Be)" – hier war ein Könner am Werk, der 

sich längst um Lichtjahre von seinen Tagen als Begleitmusiker 

von Little Richard, King Curtis oder den 

Isley Brothers entfernt hatte. Besonders bei ELECTRIC 

LADYLAND wurde deutlich, dass Hendrix das Studio 

als zusätzliches Instrument nutzte. Natürlich war er 

nicht der erste, der technische Möglichkeiten bei den 

Songs einbaute, denn schon George Martin hatte mit 

den Beatles in dieser Hinsicht Beachtliches geleistet; 

Hendrix jedoch machte zusätzliche Schritte und 

nutzte Rückwärtsspuren, Ping-Pong-Effekte und das 

natürliche Band-Flanging (ein wabernder Effekt) bis 

zum Extrem. 

Der Texter 

Häufig wird das lyrische Werk von Hendrix übersehen, 

mit dem er viele Themengebiete absteckte. Die 

Stimmung seiner Kompositionen wurden durch die 

Texte hervorragend unterstrichen. Natürlich standen 

oftmals Zeitbezüge im Vordergrund, wie zum 

Beispiel die in den Sechzigern 

populären 

Drogenreferenzen 

("Purple Haze", "Are You Experienced?"), 

klassische Bluesschemata 

("Red House", "Hear 

My Train A Comin’"), unverhohlene 

Anspielungen auf die sexuelle 

Revolution ("Foxy Lady", 

"Dolly Dagger") oder Songs 

über die Außenseiterrolle der 

Anti-Establishment-Bewegung 

("If 6 Was 9", "Stone Free"). 

Doch Hendrix beschäftigte sich 

auch mit Fantasy, wenn er zum 

Beispiel einen „Drachenflug" als 

geeignetes Fortbewegungsmittel 

beschrieb („Spanish Castle 

Magic"). Außerdem spielte 

die Mystik eine wichtige Rolle 

["Voodoo Chile (Slight Return)", "Angel"], ebenso 

der Einfluss der Science-Fiction-Literatur [3rd 

Stone From The Sun", „Hey Baby (New Rising Sun)", 

"EXP"] aber auch das zärtliche Liebeslied ("May This 

Be Love", "Little Wing"). Mit dieser Vielschichtigkeit 

entlarvte Hendrix schon früh die Banalität von „Sie 

liebt mich, sie liebt mich nicht"-Texten, stellte sie ins 

Abseits und zeigte alternative Wege auf. 

Das Equipment 

Hendrix' bevorzugtes Instrument war eine Fender 

Stratocaster, meist weiß lackiert. In Ermangelung von 

Linkshänder-Modellen musste er sich mit „normalen" 

Klampfen begnügen, die er „verkehrt herum" spielte, 

indem er die Saiten umspannte. Sonderanfertigungen? 

Nein, danke! Jimi kaufte sich sein Werkzeug 

von der Stange und suchte nach einem passenden 

Instrument, bis er eines gefunden hatte. Neben der 

Strat besaß er Modelle fast aller anderen Marken, 

setzte sie aber nur sporadisch ein, wie zum Beispiel 

die Gibson Flying V beim „Isle Of Wight-Festival" 

oder eine Gibson SG bei einem Jam mit Elvin Bishop 

in Ungano, New York City. An Verstärkern standen 

bei ihm die klassischen Marshall-Türme (zwei 4x 

12"-Lautsprecherboxen und ein 100-Watt-Verstärker) 

hoch im Kurs, obwohl er bei Konzerten und im Studio 

auch häufig Fender Twin Reverbs und Anlagen 

der Marke Sunn einsetzte. Bei den Effekten benutzte 

er extensiv das Wah-Wah-Pedal, Verzerrer (u.a. den 

von seinem Lötlurch Roger Mayer entwickelten Fuzz 

Face), einen Octavia, der dem Originalton noch eine 

höhere und eventuell einen tiefere Oktave hinzufügte 

und das so genannte Uni-Vibe: ein Pedal, mit dem er 

den Effekt des Leslie-Lautsprechers einer Hammondorgel 

simulierte. 

Die Erben 

Viele Gitarristen sind von Jimi Hendrix beeinflusst – 

mal mehr, mal weniger. Nach seinem Tod traten sechs 

Musiker in Erscheinung, die auf ihre individuelle Art 

das Erbe des Saitenhexers antraten. Neben Randy California 

(Spirit) waren dies der Kanadier Frank Marino, 

der mit seiner Truppe Mahogany Rush oft an sein 

Idol erinnerte, und der Ex-Scorpions-Gitarrist Uli Jon 

Roth, dessen Alben EARTHQUAKE (1979) und FIRE 

WIND (1981) musikalisch und textlich gekonnt an 

Hendrix angelegt sind. Nicht zu vergessen Robin Trower, 

der speziell mit BRIDGE OF SIGHS (1974) sein 

Vorbild würdigte, und natürlich Stevie Ray Vaughan, 

der im Studio und auf der Bühne häufig Hendrix- 

Titel zelebrierte. Der jüngste im Bund ist der in Großbritannien 

geborene Vernon Reid, der mit seiner Band 

Living Colour und dem Album VIVID (1988) dem 

Hendrix-Ansatz folgte und einen neuen Sound kreierte 

– als Fusion aus Hard Rock und Funk. 

Letztendlich sind es aber nicht nur die Musiker, die 

immer wieder Neues ins Hendrix-Denkmal meißeln, 

Facetten seiner Musik entdecken und sich von seinen 

überirdischen Klängen verzaubern lassen. Es sind 

auch seine Fans und Hörer, die nach wie vor Klangexkursionen 

des Großmeisters aufsaugen und sich 

immer wieder davon verzaubern lassen. Nicht zu 

vergessen die nachgewachsenen Kids, die erst viele 

Jahre nach Hendrix Tod geboren wurden, aber bei der 

ersten Hör-Experience schwärmen: „Boah, Alter – das 

is’ ja arschcool!" 

Fan-Seite im Web: www.hendrix-fans.de 

Foto: © goodtimes-photo.de

Jimi Hendrix Discographie 

Von Frank Küster 

Singles: * 

1966 Hey Joe / Stone Free Polydor 59 061 

1967 Purple Haze / 51st Anniversary Polydor 59 072 

1967 The Wind Cries Mary / Highway Chile Polydor 59 078 

1967 Burning Of The Midnight Lamp / 

The Stars That Play With Laughing Sam's Dice Polydor 59 117 

1967 Foxy Lady / Manic Depression Polydor 59 159 

1968 All Along The Watchtower / Can You See Me Polydor 59 240 

1969 Crosstown Traffic / Gypsy Eyes Polydor 59 256 

1969 Let Me Light Your Fire / 

The Burning Of The Midnight Lamp Polydor 59 375 

1970 No Such Animal Part 1 / Part 2 Bellaphon BF 18019 

1970 I'm A Man / Bright Lights, Big City Stateside 1 C 006-91 709 

1970 Voodoo Chile / Watchtower Polydor 2121 012 

1971 Angel / Freedom Polydor 2121 040 

1971 Johnny B. Goode / Little Wing Polydor 2001 277 

1977 Hey Joe / All Along The Watchtower Polydor 2135 001 

1980 Hey Joe / Purple Haze Polydor 2001 993 

Alben: * 

1967 Are You Experienced Polydor 184 085 

1967 Axis: Bold As Love Polydor 184 110 

1968 Smash Hits Polydor 184 138 

1968 Electric Ladyland (2-LP) Polydor 184 183/184 

1970 Band Of Gypsys Polydor 2480 005 

1970 Jimi Hendrix Live Hör zu SHZE 293 

1970 Early Jimi Hendrix Stateside 1 C 062-92 031 

1971 At The Isle Of Wight (Live) Polydor 2310 139 

1971 The Cry Of Love Polydor 2480 027 

1971 Hendrix In The West (Live) Polydor 2310 161 

1971 Rainbow Bridge (Soundtrack) Reprise REP 54 004 

1971 Starportrait (2-LP) Polydor 2672 002 

1971 Pop History Vol. 2 (2-LP) Polydor 2675 013 

1971 Voodoo Chile Karussell 2499 012 

1971 The Best Of Jimi Hendrix Karussell 2499 043 

1972 War Heroes Polydor 2310 208 

1973 Pop Giants, Vol. 16 Brunswick 2911 527 

1973 Jimi Hendrix – 

Soundtrack Recordings From The Film (2-LP) Reprise REP 64 017 

1973 Jimi Hendrix Bellaphon BI 1552 

1973 Loose Ends Polydor 2310 301 

1975 Crash Landing Polydor 2310 398 

1975 Midnight Lightning Polydor 2310 415 

1975 Rock Sensation Karussell 2345 105 

1975 Jimi Hendrix Polydor 2488 309 

1976 Good Times INT 128.600 

1977 Voice In The Wind (2-LP) Metronome 

1978 The Story Of Jimi Hendrix (2-LP) Polydor 2664 379 

* Auswahl 

Riesen- 

Poster 

in der aktuellen 

kult! 

kult! siehe Seite 79 in diesem Heft. 


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H 

ERBERT 

Foto: © Anton Corbijn 

" ICH BIN EIN GNADENLOSER OPTIMIST! " 

Von wegen, "Grönemeyer kann nicht tanzen", 

bereitet an einem Live-Abend, machen die Band und 

wie Bela B. (Die Ärzte) und der spitzzüngige 

ich weiter und weiter. Und Zugaben fallen häufig 

Autor Wiglaf Droste auf der gleichnamigen 

endlos aus, denn sie sind das Dessert jedes Auftritts. 

Single 1989 despektierlich behaupteten: Der Mann 

Inzwischen bin ich auch gern das Zentrum auf der 

tanzt mittlerweile jeden Abend, den er auf einer 

Bühne. Während ich mich früher meist hinter dem 

Konzertbühne steht, geradezu wie ein Derwisch! 

Klavier versteckt und von dort eher steif fungiert 

Vielleicht nicht klassisch elegant, dafür umso leidenschaftlicher. 

Herbert Grönemeyer live 2012 ist durch 

hinterm Mikrofon, gern auch mit Gitarre. 

habe, bin ich jetzt als Frontmann präsent, immer 

und durch ein kompaktes Energiebündel, auf der 

Höhe seines Schaffens, mit sich im Reinen, mit der 

Welt sowieso und mit seiner Musik unbedingt. 

Kein Wunder, dass dieser Entertainer – Geburtsort 

Göttingen, aufgewachsen in Bochum – seit vielen 

Jahren einen Ritterschlag nach dem anderen bekommt. 

Das Publikum hievte jedes seiner Alben 

seit 1984 aus dem Stand auf die Pole Postion der 

Charts und kürte Grönemeyer so mit aktuell knapp 

15 Millionen verkaufter Alben zu einem der erfolgreichsten 

Musiker aus dem deutschsprachigen Raum. 

Und es machte sein 2002 erschienenes Meisterwerk 

MENSCH (vier Millionen abgesetzte Einheiten) zum 

bislang bestverkauften Album der deutschen Musikhistorie. 

Aber auch namhafte Kollegen und Veranstalter 

zollen „Herbie" Tribut, wollen Kooperationen 

mit ihm auf unterschiedliche Art und Weise eingehen. 

GRÖNEMEYER 

Einer davon ist der Schweizer Claude Nobs, Mitbegründer 

und langjähriger Leiter des 1967 ins Leben 

gerufenen Montreux Jazzfestivals. Zu dieser legendären 

Veranstaltung können sich Musiker nicht etwa 

einkaufen oder -buchen, sie werden vielmehr von der 

Leitung eingeladen. Oder eben nicht. Herbert Grönemeyer 

wurde 2003 angefragt, er folgte dem Ruf mit 

großem Stolz und Vergnügen und absolvierte einen 

grandiosen Auftritt. Neun Jahre später wollte der 

inzwischen 76-jährige Nobs Nachschlag von Grönemeyer 

– und der heute 56-jährige Künstler war bereit 

dazu. Und so gab der Wahl-Berliner und -Londoner 

am 14. Juli ein vielumjubeltes Konzert im ausverkauften 

Auditorium Stravinski in Montreux vor rund 3500 

Besuchern. Sie kamen volle drei Stunden in den Genuss 

eines einzigartigen Auftritts, der ab November als 

DVD-Mitschnitt (LIVE AT MONTREUX 2012) vorliegen 

wird. GoodTimes-Mitarbeiter Michael Fuchs-Gamböck 

sprach exklusiv mit Grönemeyer in Montreux. 

Sie wirken bei Ihren aktuellen Konzerten wie 

ausgewechselt: Sie reden launig mit dem Publikum, 

tanzen, albern, sind entspannter. Sind Sie 

inzwischen der “ 

lässige Live-Herbert”? 

Wenn ein Konzert gelegentlich drei Stunden dauert, 

merke ich das gar nicht. Ich bewege mich auf der 

Bühne in einer Art Zeitschleife. Wenn es mir Spaß 

Seite 16 ■ GoodTimes 6/2012 ■ Music from the 60s to the 80s 

Das Livespielen bereitet also mehr Spaß als 

früher? 

Das ist in der Tat so! Die Lust darauf wächst von 

Tour zu Tour. Die Musiker an meiner Seite sind extrem 

gut, da macht das Spielen erst recht Freude. Wir 

sind eine tolle Crew, seit langem schon, mit vielen 

Bandmitgliedern arbeite ich seit den 1980ern zusammen. 

Und während wir früher musikalische Partner 

waren, bezeichne ich uns inzwischen als echte 

Freunde. Unter diesen Umständen kann gar nichts 

Langweiliges herauskommen. 

“ 

Musik verwässert Sprache”, haben Sie mal gesagt. 

Wie ist das zu verstehen bei einem Künstler, 

der großen Wert auf die Texte legt? 

Obwohl es nach außen vielleicht anders wirkt: 

Eigentlich habe ich mich immer eher als Sänger denn 

als Texter gesehen. Ich bin zwangsweise zum Schrei-

Foto: © EMI Music 

... und er kann doch tanzen: 

Herbert Grönemeyer in 

bester Livelaune 2012. 

ber von Versen geworden, da die Texte auf meinen 

ersten – nicht ganz zu Unrecht erfolglosen – Alben 

von eingekauften Autoren kamen und ziemlich 

schlecht waren. Also habe ich mich selbst ans Werk 

gemacht. Doch, wie gesagt, in erster Linie ist meine 

Leidenschaft das Singen. Und was ich mit „Musik 

verwässert Sprache” letztlich gemeint habe: Musik 

entzieht der Sprache ihre Kraft. Deshalb verwende 

ich gern bockige Wörter, kernige Ausdrücke. Meine 

Worte müssen in der Regel viel Kraft und Energie 

besitzen, damit sie der Musik gewachsen sind. Außer 

bei Liebesliedern, da setze ich auf Emotion pur, gern 

auch mal auf eine Prise Kitsch. 

Angeblich stimmen Sie sich mit dem Lesen von 

Lyrik auf das eigene Schreiben ein … 

Das ist richtig! Ich stimme mich ein, um diesen 

schwierigen Part meiner Arbeit bewältigen zu können. 

Denn ich bin kein großer Schreiber. Außer Liedtexten 

verfasse ich nichts, nicht mal Briefe, schon 

gar keine Kurzgeschichten oder gar Romane. Um 

Himmels Willen! Beim Studieren der Werke von anderen 

fallen mir immer mal wieder interessante oder 

schöne Wörter auf, die ich mir notiere und eventuell 

verwende. Der Begriff „Schiffsverkehr” etwa ist auf 

diese Art klebengeblieben und jetzt Titel meiner aktuellen 

Platte. 

Ist es richtig, dass Sie mit Ihren Texten gern 

irritieren, auch mal absurd werden, obwohl 

die Öffentlichkeit Sie eher als 

“ 

authentischen Künstler” wahrnimmt? 

Das Absurde und streckenweise Alberne 

ist in meinen Texten eher 

versteckt. Aber beides ist unbedingt 

vorhanden! Dass ich diesen „Authentizitäts-Status” 

besitze, kann 

ich nicht recht nachvollziehen. Denn 

die Mehrzahl meiner Lieder hat mit 

meinem Leben wenig bis nichts zu 

tun, und autobiografische Sachen 

sind rar gesät. 

Sind Sie vielleicht im November 

1988 zu einer “ 

autobiografischen 

Figur” geworden? Innerhalb von 

zwei Tagen starb einer Ihrer Brüder 

sowie Ihre Ehefrau Anna. 

Bis zu jenen tragischen Ereignissen 

war mein Privatleben in der Öffentlichkeit 

kaum bekannt, was ich sehr 

genossen habe. Unmittelbar danach 

bekam ich allerdings geballte Anteilnahme. 

Das war sehr berührend 

und hat mich zutiefst bewegt. Doch 

wenn ich heute, über 13 Jahre später, 

immer noch darauf angesprochen 

werde, ist mir das zu weit hergeholt. Mein 

Leben geht ja weiter, man muss nach vorn schauen, 

darf nicht in der Vergangenheit stehenbleiben. Mir 

ist es wichtig, auch für meine beiden Kinder, dass 

ich ein gesteigertes Maß an Privatsphäre besitze. 

Dieser Wunsch drückt sich gleichfalls in meiner Arbeit 

aus: Mit dem Album SCHIFFSVERKEHR bin ich 

zurückgekehrt zum erzählerischen Schreiben, die 

Inhalte der Lieder haben kaum mit meinem Alltag 

zu tun. 

Sind Sie nach London gezogen, um Ihr Privatleben 

weitgehend zu schützen? 

Dort lebe ich auch weiterhin ungefähr die Hälfte 

des Jahres; den Rest der Zeit bin ich in Berlin, wo 

ich gleichfalls relativ anonym sein kann. Gerade 

für meine Kinder war der Umzug nach London 

elementar wichtig – so kurz vor dem Tod ihrer 

Mutter, als ihr Ableben absehbar war. So entstand 

auch eine räumliche Distanz zu den bald darauf 

folgenden tragischen Ereignissen. Außer unseren 

unmittelbaren Nachbarn wusste in England niemand 

etwas von meinem Schicksal – und diese 

Menschen, die bis heute Freunde sind, verhielten 

sich weniger betroffen als vielmehr loyal zu uns. 

Das war sehr, sehr schön! Denn ich bin durchaus 

jemand, dem Anteilnahme nahegeht. Aber irgendwann 

muss damit auch gut sein. Schließlich bin 

ich tief im Herzen ein gnadenloser Optimist, was 

unser Dasein angeht. 

Ausgewählt und 

präsentiert von 

KulturSPIEGEL 

© Pressefoto


Status Quo 

DVD, 

Soundtrack, 

Solo-Album 

HELLO QUO! ist die Doppel-DVD betitelt, 

mit der die UK-Boogie-Rockveteranen 

Status Quo ihr 50-jähriges 

Bestehen zelebrieren und ihre 

lange Historie voller Höhen und Tiefen 

erzählen. Alan G. Parker ( Who " 

Killed Nancy" über die Sex Pistols, 

Rebel Truce - The History Of The 

" 

Clash", diverse Monty-Python-Filme) 

brachte das Filmwerk auf den Weg 

und führte Regie, wie Rick Parfitt 

im GoodTimes- 

Interview verriet. 

Also der Mann, der 

seit 45 Jahren die 

Band anführt, die 

Gitarre schwingt 

und singt - gemeinsam 

mit Francis 

Rossi, der als einziges 

Mitglied der 

Gründungsbesetzung g 

von 1962 mit Alan 

Lancaster (b, bis 1985), John Coghlan 

(dr, bis 1981) und Roy Lynes (keys, 

bis 1970) bis heute dabei ist. 

Rick, ich 

erreiche dich in 

Spanien 

- warum bist du 

vor einigen Jahren dort- 

hin gezogen? 

Verschiedene Gründe, vor allem aber 

das Wetter. Ich liebe zwar Regen und 

auch Kälte, aber nicht, wenn es dau- 

ernd kalt ist und regnet. Dazu der 

Verkehr in England, all die Kameras, 

die einen permanent 

überwachen, überhaupt das 

Leben in England. Ich hatte irgendwann 

genug davon, habe 

mich mit meiner Frau beraten 

– wir hatten schon eine Villa in 

Spanien, wo man immer im Pool schwimmen kann, 

der nicht wie in England die meiste 

Zeit wegen des Wetters abgedeckt ist. 

Wir haben alle Annehmlichkeiten des 

Lebens im UK, haben Sky-Fernsehen, 

die Kinder gehen hier zur Schule, 

wachsen zweisprachig auf, was heutzutage 

ja auch nicht unwichtig ist – 

es ist hier einfach ein angenehmeres 

Leben. Ich sitze jetzt hier bei 26 Grad 

und genieße den Sonnenschein am 

Swimmingpool, während wir uns unterhalten. 

Mit HELLO QUO! feiert 

ihr das 50-jährige Bestehen 

der Band - inwieweit 

habt ihr an der 

Produktion mitgewirkt? 

Alan G. Parker wollte die Sache schon 

Foto: © P. Roser 

seit Jahren machen und war auf uns zugekommen, 

und jetzt schien die Zeit einfach reif dafür zu sein. 

Wir haben lange darüber gesprochen, trugen sechs 

Monate lang all das Material zusammen, darunter 

viele noch nie gezeigte Aufnahmen. Alle Leute, die 

irgendwann mit Quo zu tun hatten, wurden ausführlich 

interviewt, zusätzlich äußern sich viele Menschen 

über die Band, von Brian May und Joe Elliott 

von Def Leppard über Cliff Richard bis zu Thomas 

Gottschalk, die alle nette Dinge über uns sagen. Es 

war jetzt an der Zeit, die wahre Geschichte der Band 

zu erzählen – und ich meine, am Ende ist etwas herausgekommen, 

das für jeden Quo-Fan ein Muss ist! 

Stichwort Wahrheit. Waren auch 

John Coghlan und Alan Lan caster 

v.l.: Rick Parfitt, John Coghlan, Francis Rossi und Alan 

Lancaster Anfang der 80er Jahre in einem Münchner TV-Studio 


an der Entstehung der DVD 

beteiligt? 

Jeder schildert seine Sicht der Dinge. 

Der einzige, der nicht mitmachen 

wollte, ist Pete Kircher, der 1982 

bis 1985 Johns Platz eingenommen nommen 

hatte. Alle haben in Interviews, ews, die 

wirklich in die Tiefe gehen, en, ihre 

Sicht der Dinge dargelegt, ihre fühle geschildert, was ihnen in ihrer 

Zeit bei Quo gefallen hat und was 

nicht. Außerdem waren John, Alan, 

Francis und ich erstmals seit fast 

Ge- 

30 Jahren wieder gemeinsam in 

einem Raum – und wir haben zum ersten Mal seit 

jener Zeit wieder zusammengespielt! Das war schon 

ein sehr emotionaler Moment. 

Wie kam es dazu? 

Sie reisten für die DVD-Aufnahmen 

an – Alan lebt ja in Australien. Wir 

waren in all den Jahren seit der 

Trennung nicht gerade die besten 

Freunde, es herrschte viel Bitterkeit 

auf beiden Seiten. Wir sind 

jetzt alle Mitte 60, und da war es 

überfällig, die alten Geschichten 

auszuräumen und das Kriegsbeil zu 

begraben. Dass uns das gelungen 

ist, reflektiert die DVD durchaus, 

meine ich. Wir gingen in unseren 

Probenraum, schauten uns fragend 

an: „Was sollen wir spielen?" Wir 

haben dann ein paar alte Nummern 

angestimmt.

Sie haben gewählt! 

Hier sind die 

60 besten kultHits! 

Zusammengestellt von 

den Lesern der 

jetzt auch bei

Ist diese Session eine einmalige 

Sache, oder wird man euch mal 

wieder zusammen auf der Bühne 

erleben? 

Nichts ist in Stein gemeißelt! Es laufen Gespräche, 

und wie wir schon mal auf einem unserer alten Alben 

gesungen haben: „Never say never"! Alles kann 

passieren. Im Augenblick ist nichts geplant, aber 

warten wir mal das nächste Jahr ab. 

Quo feiern 50-Jähriges, du selbst 

bist ein wenig später dazu gestoßen, 

nachdem du Francis 1965 im 

Butlin's Feriencamp kennen gelernt 

hast, als du unter dem 

Namen Ricky Harrison 

mit The Highlights unterwegs 

warst ... 

Richtig. Ich hatte meinen Namen 

geändert, weil ich mit 

den Zwillingsschwestern 

Jean und Gloria Harrison 

etwa zwei Jahre lang als The 

Highlights unterwegs war. Wir 

gaben uns als Familie aus und 

haben zu dritt Musik-Kabarett arett 

gemacht. Im Butlin's freundete 

ich mich mit Francis und Alan an, 

die damals noch als The Spectres auftraten. Etwa 

ein Jahr später rief ihr Manager an, ob ich nicht einsteigen 

wolle. Die Highlights hatten sich da schon 

aufgelöst, ich hatte nichts zu tun und sagte zu. Ich 

stieg 1967 ein, im Februar 1968 erschien "Pictures 


Of Matchstick Men", und der Rest ist Geschichte. 

Wer es noch genauer wissen will, sollte sich die DVD 

anschauen. 

Du bist ein guter Verkäufer! 

Das ist Teil meines Jobs. 

Für den Auftritt bei Live Aid" 

" 

1985 wart ihr nach einer längeren 

Phase der Inaktivität wieder zusammen. 

Welche Erinnerungen hast 

du daran? 

Sehr wenige. Wir wurden mit einem Helikopter ins 

Wembley-Stadion eingeflogen – und ich war und 

bin eigentlich nie vor Auftritten nervös. Doch unmittelbar 

bevor wir auf die Bühne gingen, hatte ich 

wirklich Schmetterlinge im Bauch. Immerhin standen 

da draußen 80.000 Menschen, und wir hatten 

die Riesenehre, als Opener ran zu dürfen! Es war 

unglaublich – die 14 Minuten, die wir gespielt haben, 

fühlten sich an wie 14 Sekunden. Ich weiß nur 

noch, dass wir ein kurzes Interview gaben, als wir 

die Bühne verließen, ansonsten erinnere ich mich 

an nichts mehr. 

Wie geht es dir gesundheitlich? Du 

hattest 1997 deine Vierfach-Bypass-Herzoperation 

und musstest 

im letzten Dezember und im Ja- 

nuar nochmals auf den OP-Tisch ... 

Ich fühle 

mich großartig, mir geht es wirklich gut! 

Ich habe mich damals sehr schnell von meiner 

Herz-OP erholt, obwohl ich zwölf Minuten 

klinisch tot war. Sie mussten mein Herz 

gewissermaßen abschalten, während sie 

die Bypässe legten. In der Zeit hing ich 

an einem Kunstherz – sie haben mir 

einen Film von diesem vierstündigen 

Eingriff geschenkt, den ich aber bis 

heute nicht angeschaut habe und es wohl 

auch nie tun werde. Da schaue ich mir lieber 

andere interessante Sachen an. 

Und was ist im letzten Dezember 

passiert? 

Ich habe ja ein wildes Leben geführt, Sex ex&Drugs 

& Rock'n'Roll eben, für das ich einen Preis zahlen 

muss. Ich bin zwar nicht mehr unbedingt 

ein wilder alter 

Rock'n'Roller, habe 

schon ewig keine 

Drogen mehr 

genommen, en, 

aber einem em 

Drink bin 

ich nicht ab- 

geneigt. An 

einem Don- 

nerstag im Dezember 

letzten 

Jahres hatte ich 

eine Herzattacke, 

wurde am Freitag operiert 

und bekam einen 

Stent eingesetzt, und 

am Samstag stand ich 

im NEC in Birmingham 

schon wieder auf 

der Bühne. Die Ärzte 

weigerten sich zwar 

anfangs, mich aus dem 

Krankenhaus zu lassen, aber ich sagte, dass ich mich 

dann selbst entlassen würde. Und so haben sie letztlich 

zugestimmt. Natürlich haben alle gesagt, ich sei 

verrückt, aber die Fans hatten für die Tickets bezahlt! 

Und wenn ich mal auf der Bühne umkippen sollte, 

ist es eben so – es gibt doch keinen besseren Ort, um 

abzutreten (lacht)! 

Was wurde eigentlich aus dem Solo-Album, 

das du 1985 aufgenommen 

hast? 

Der Titel stand mit RECORDED DELIVERY schon 

fest, aber ich weiß bis heute nicht, warum es nicht 

erschienen ist. Bei den Aufnahmen waren John 

„Rhino" Edwards und Jeff Rich dabei, nachdem 

Rhythmusgitarre und Gesang 

sind Rick Parfitts Job. 

sich John Coghlan und Alan Lancaster verabschie- 

det hatten und keine Band mehr vorhanden war. 

Eines Tages rief unsere damalige 

Plattenfirma an und sagte, 

wir würden ihr laut Vertrag 

noch ein Album schulden. 

Also sprach ich mit Francis, erzählte 

ihm von John und Jeff 

– mit ihnen haben wir dann 

"In The Army" aufgenommen, 

was überall ein Riesenhit war. 

Und 

nachdem ich ohnehin nie 

mit Quo hatte aufhören wollen, 

legten wir ab 1986 wieder los – und 

John ist bis heute dabei! 

Wird 

das Solo-Album jemals 

erscheinen? 

In dieser Form wohl nicht, weil die meisten Songs 

inzwischen als B-Seiten oder Bonus-Tracks Verwendung 

gefunden haben. Aber wenn ich mal gestorben 

sein sollte, wird sich irgendjemand zumindest 

die unveröffentlichten Tracks herauspicken und ausschlachten, 

wie es eben so üblich ist. Man weiß ja, 

wie das so läuft in diesem Geschäft (lacht). 

Macht ihr euch schon Gedanken 

über ein neues Studio-Album? 

Als nächstes kommt ein Soundtrack. Wir haben Anfang 

des Jahres den Film „Bula Quo!” gedreht. Dafür 

haben wir rund zehn neue Songs eingespielt und einige 

unserer älteren Nummern überarbeitet, die auf 

dem Soundtrack zu hören sein werden. 

Worum geht es in dem Film? Es 

soll ja ein Spielfilm sein ... 

Ich darf nichts darüber verraten, nur so viel: Francis 

und ich spielen uns in einem Action-Thriller selbst, 

bringen eine lustige Note rein. Es hat jedenfalls viel 

Spaß gemacht, das Ding zu drehen. Es wird im April 

2013 anlaufen. 

Philipp Roser 


Mit neu restauriertem Material und nie zuvor gehörten Versionen von 

The WASP (Texas Radio And The Big Beat), Spanish Caravan und Hello, I Love You! 

Auf Grundlage der originalen Mehrspurbänder remixed und remastert bieten 

sowohl CD, Vinyl & Download als auch DVD und Blu-ray die vollständigste 

Version dieses legendären Konzerts, die jemals veröffentlicht wurde. 

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Von Ul 

i Twelk 

ker 

Celluloid Heroes – 

der Traum von Hollywood 

Wer kann bessere Milieu-Geschichten erzählen als Ray Davies von den Kinks? "Waterloo Sunset" etwa ist 

45 Jahre nach Erscheinen unvergessen als die Hommage an eine romantische Seite Londons. Sollte Davies 

seinen Sonnenuntergang hinter der damals besonders hässlichen Waterloo Station ironisch gemeint haben, so wollten weder die 

schönen Melodielinien dies aufnehmen noch Terry, Julie oder die Hörer es bemerken. Ray Davies' "Dead End Street" t" zeigte eindrucksvoll 

die Kehrseite, das London der Verlierer: There's a crack up in the ceiling" – Risse in den endlosen Reihenhäusern! 

" 

Schnitt zum Babylon Hollywoods: Hier gelang es dem exzentrischen Songpoeten, 

der seine Kompositionen als Grundlage für Soundtracks eigener Filme sah, sowohl 

die Sonnen- als auch die Schattenaspekte der Filmfabrik nahe Los Angeles 

vorzuführen – und als Metapher für Jedermanns zerplatzte Träume zu verstehen. 

Der Kinks-Regisseur, der 1971 in der Filmstadt gelebt hatte, ging den Hollywood 

Boulevard hinab und wusste genau: Hier hielt sich jeder für 

eine Leinwandgranate, „everybody's a dreamer, and everybody's 

a star". Die Konsequenz: „Everybody's in movies." 

Instinktiv wusste Davies die Sternchen im Boulevard-Pflaster als 

telepathischen Star-Kontakt zu deuten: Wagt es ja nicht, auf 

Greta Garbo herumzutrampeln, auch wenn es nur ihr Stern ist! 

Das hatten zu ihren Lebzeiten andere getan, indem sie den Mythos 

einer Prinzessin schufen und erstaunt sahen, wie die unnahbare 

Stille reagierte: „She turned her back on stardom." Aber 

der Kinks-Chronist lässt auch Luft zum Lachen: beim pomadigen 

Rudolph Valentino, der den Hollywood-Ladies unter die Röcke 

schaut, während sie ihn ignorieren. Beim unverwüstlich lächelnden 

Mickey Rooney, auf dessen Stern man ruhig treten kann – 

und der sich mit 92 noch immer bester Gesundheit erfreut. 

Anderen sieht Davies den Lebens- und Karrierekampf deutlich 

an, ob sie nun Erfolg hatten oder vergeblich litten: „Some succeeded 

and some who suffered in vain." Letztlich kehrt der Autor zur 

„fantasy 

asy 

world" der Leinwand zurück, denn „celluloid heroes never suffer any pain" – und 

natürlich sterben sie auch nicht: Wer wollte Bette Davis nicht für so lebendig 

halten wie Mickey Rooney?! 

Musikalisch baute Ray Davies seine Kinks dynamisch geschickt für einen seiner 

stärksten Songs auf. John Goslings Piano und die eigene Akustikgitarre 

beginnen das Midtempo-Stück. John Daltons Bass und Mick Avorys Drums 

beschränken sich auf sparsame Untermalung, und auch Dave Davies darf nur 

ein paar gebremste Power-Chords einstreuen, während die Klavierkaskaden Goslings 

zunehmend an einen verehrten „Session Man" des Kinks-Bosses erinnern: 

Nicky Hopkins. Ein gewisser Hollywood- 

Drama-Effekt wird noch durch Synthesizer- 

Overdubs hinzugefügt, aber der Fokus des 

Traumfabrik-Traktats liegt in Ray Davies' erstaunlicher 

vokaler Performance, die Gosling 

„Ehrfurcht" verspüren ließ, und in welcher 

der New Yorker Autor Thomas M. Kitts eine 

subtile Melange von „Nachdenklichkeit, Verwundbarkeit, 

Ironie, Leidenschaft und – am 

Ende – Verzweiflung" ausmacht und sogar 

eine gewisse Todessehnsucht bescheinigt. 

Die kommerzielle Ausgangsbasis des Songs 

war 

eher 

er schlecht: cht: 

Er war das Finale des zweiten RCA-Albums der Band (die 

Livebeigabe mal ausgenommen). Das Major-Label kündigte diese zentrale 

Nummer im Albumtitel zwar mit der Songzeile EVERYBODY`S IN SHOW BIZ, 

EVERYBODY`S A STAR an, verschloss sich allerdings wie beim Albumvorläufer 

MUSWELL HILLBILLIES einer Multimedia-Auswertung mit Filmprojekten 

buchhalterisch borniert – und dies, obwohl ohl 

der Band 1972 mit der launigen Concorde- 

Jet-„Werbung" "Supersonic Rocket Ship" 

zwei Jahre nach "Lola" immerhin ein kleiner 

Hit gelang. Hatte man das erste Kinks- 

Label Pye noch gescholten, 

Albumerfolge durch 

immer neue Kopplungen 

auf dem Billiglabel Marble 

Arch zu konterkarie-eren, 

so waren zu RCA- 

Zeiten einfach zu wenig 

Albumstapel in den Geschäften. 

Und die mageren 

Inserate des 

Konzerns Signal eines es 

Geizes, der dem Vorschuss 

der Band und 

MUSWELL HILBILLIES 

Launch-Parties 

kaufmännisch 

widersprach. 

Dennoch, das 

Sechs-Minuten-Epos wurde 

im US-Radio jahrelang regelmäßig 

g 

aufgelegt. Eine Single gab es zum Glück 

in einigen europäischen Ländern, darunter 

im Vereinigten Königreich (UK), 

am 24. November 1972. Einem 7-Inch- 

Release in den USA stand wohl nur die 

traurige Tatsache entgegen, dass man 

bereits vier Jahre nach "Hey Jude" den 

Mut zu einem solchen Wagnis verloren 

hatte, vom Erinnern an den Geniestreich 

der Ray-Charles-Single "What'd 

I Say" ganz zu schweigen: Hier hatte 

man eine Langnummer einfach auf 

zwei Seiten verteilt. Ray Davies lieferte 

prompt eine lediglich 4:39 laufende 

Version, und das Ding konnte im November 

1972 auch in Amerika an den 

Start gehen, ebenfalls mit der Rückseite 

"Hot Potatoes". Zum Jubiläum bitte 

Angriff auf allen Formaten: 7-Inch- 

Engrille, 12-Inch-Vinyl, CD-Single, 

Download und großes Remaster der 

damaligen RCA GREATEST HITS. Die 

hatten nämlich 1976 als Haupttitel 

– "Celluloid Heroes" in veränderter r 

Version! 

Greta Garbo 

Rudolph Valentino 

Bette Davis 

Marilyn Monroe 



Jeff Lynne/Electric Light Orchestra 

LONG WAVE enthält ausschließlich 

Cover-Versionen. Warum eine solche 

Rückschau? 

Als ich die Lieder aufnahm, habe ich mich permanent 

an meine Kindheit und Jugend erinnert, also an 

die 1950er und frühen 1960er – an endlose Nächte, 

in denen ich trotz elterlichen Verbots mit Kopfhörern 

im Bett lag und mich von der Musik verschiedener 

Langwellen-Sender in den Schlaf wiegen ließ. Ohne 

jene Nächte wäre die Magie der Musik niemals in 

diesem Maße auf mich übergesprungen! Überhaupt 

das Radio: Sobald mein Vater von der Arbeit zu Hause 

war, lief es unentwegt, und an den Wochenenden 

sowieso: Jazz, Skiffle, Bigband-Sound. Es war 

herrlich, ständig von dieser Musik umgeben zu sein. 

Manche Songs klingen für mich bis heute so frisch, 

als hätte ich sie gestern zum ersten Mal gehört. Mit 

diesen Eindrücken ging ich ins Studio, um LONG 

WAVE einzuspielen. Es ist eine radikal persönliche, 

radikal egoistische Scheibe. Weil ich sie im Alleingang 

aufgenommen habe und sie ausschließlich 

altes Zeug präsentiert, das vermutlich nur noch mir 

so nahe ist. Aber wer weiß, vielleicht haben auch 

einige andere Leute ihren Spaß an der Sache. 

Sind Sie ein eingefleischter Nostalgiker? 

Unbedingt! All die Zeit vor dem Radio, in der ich 

mich hemmungslos meinen Träumen hingab! Es gab 

viele Tage und vor allem Nächte, in denen ich richtiggehend 

ins Gerät gekrochen bin! Ich hoffe, dass 

jeder von einer Nostalgiewelle erfasst wird, wenn er 

sich LONG WAVE anhört. 

Gibt es zwischen den beiden aktuellen 

Alben eine Verbindung? 

Beide stehen für sich, aber auch dafür, wo ich mich 

Rückschritt & Fortschritt 


Mit zwei Alben, die am selben Tag erschienen 

sind, hat sich Jeff Lynne 

(Gründungsmitglied und Mastermind 

des Electric Light Orchestra/ELO) weit 

zurück in die Zukunft gebeamt: 

Unter seinem Namen 

kam LONG WAVE (Langwelle) 

auf den Markt, eine nostalgische 

Hommage an die 

eigene musikalische Kindheit 

und Jugend, gespickt mit frisch klingenden 

Cover-Versionen aus den 1940- 

ern bis frühen 1960ern. Und Lynne, 

geboren am 30.12.1947 in Birmingham, 

hat außerdem zwölf ELO-Kracher entrümpelt 

und ihnen ein wenig die Patina 

genommen; sie bringt er als 

MR. BLUE SKY – THE VERY 

BEST OF ELECTRIC LIGHT 

ORCHESTRA an den Start. 

Beide CDs unterstreichen 

die Zeitlosigkeit des Lynne- 

Sounds. 

Von Michael Fuchs-Gamböck 

musikalisch derzeit fixiere. Da ist Jeff Lynne, der 

unbarmherzige Nostalgiker – und da ist außerdem 

Jeff Lynne, der einem Dutzend ELO-Klassikern 

neue Perspektiven abgewinnen will. Darum habe 

ich alle Songs von MR. BLUE SKY ... komplett neu 

eingespielt. Es sind speziell diese Titel, von denen ich 

weiß, dass sie zeitlos sind, dass man sie sich auch in 

der Zukunft problemlos wird anhören können. 

Sie haben alle Instrumente auf MR. 

BLUE SKY gespielt … 

Das war dringend erforderlich, denn dadurch habe 

ich sie vom gelegentlich zu heftigen Bombast etwas 

entstaubt. Sie behielten ihre Identität, bekamen aber 

ein frischeres Gesicht mit weniger Schminke. 

Welche Erinnerungen sind an 40 

Jahre ELO präsent? 

Wechselhafte, wie für eine Unternehmung dieser Größenordnung 

angemessen. Anfangs waren wir eine 

richtige Band, sehr kreativ, mit sehr unterschiedlichen 

Charakteren. Es war aufregend, unter solchen Umständen 

zu arbeiten, aber auch recht kompliziert. Ab 

den späten 1970ern war ELO weitgehend mein eigenes 

Projekt, nahezu alle Ideen stammten von mir. Ich 

bin kein allzu guter Teamplayer, eher ein Tüftler und 

Einzelkämpfer. Damit konnten im Laufe der Zeit nicht 

alle umgehen, mit denen ich gearbeitet habe. 

Kritiker unterstellten ELO gern 

Kitsch und Größenwahn, Sie selbst 

sprechen von " 

klassischem Rock'n' 

Roll" … 

ELO war und ist unbedingt eine Rock'n'Roll-Truppe, 

da bei allem gelegentlichen Orchester-Beiwerk die 

Melodien stets simpel und eingängig waren. Diese 

Eigenschaft zeichnet für mich Rock'n'Roll aus. Okay, 

es gab schon mal die eine oder andere süßliche Melodie. 

Das lag dann am Inhalt des Lieds, meist herzzerreißende 

Balladen. Da ist dann eine fette Prise 

Kitsch durchaus angebracht, um den dramatischen 

Aspekt zu verstärken. 

Das letzte ELO-Album ZOOM erschien 

2001. Kommt noch was Neues? 

Da ich mich von nichts und niemandem drängen 

lasse, wenn ich an einer neuen Platte arbeite – vor 

allem nicht von der Zeit –, habe ich keine Ahnung, 

ob und wann es eine neue ELO-Scheibe gibt. Sicher 

ist: Es gibt einige neue Ideen für Songs, manche sehr 

konkret und weit fortgeschritten, was immer das zu 

bedeuten hat. Lust darauf, ein richtig scharfes ELO- 

Album abzuliefern, habe ich unbedingt. Schließlich 

stehen diese drei magischen Buchstaben für ein ganzes 

Leben – mein Leben. 

Foto: © Martyn Atkins

Big Jim Sullivan (1941 – 2012) 

Die letzte Session 

Die Zahl der Kollegen, für die er Gitarre spielte, ist fünfstellig (!). Rund 

1000 LPs und 45er mit ihm kamen in die UK-Charts, über 50 Singles auf 

Platz 1. Stones, Kinks, Small Faces, Smoke, Chris Farlowe, Cliff Bennett. 

Family, David Bowie, Dave Clark Five, George Harrison, Walker Brothers, 

Dusty Springfield, Dave Berry, Marmalade, Love Affair, Peter Sarstedt. 

Donovan, Petula Clark, Tom Jones, Cilla Black. Und so geht es seitenlang 

im Berichtsheft weiter. Unvergessen bleibt seine lange Tandem-Zusammenarbeit 

mit dem blutjungen Jimmy Page ( " 

Big Jim & Little Jim"), beispielsweise 

1964 in Köln auf den kuriosen LPs FOLKLORE WITH A BEAT 

und CLASSICS WITH A BEAT. 

Sullivan, am 14.2.1941 als James George Tomkins in Uxbridge geboren, gehörte 

zu den Wildcats, begann 1958 als Studiogitarrist, gab parallel unter anderem 

Ritchie Blackmore Unterricht. Bis in die späten 70er arbeitete der Hüne rund 

um die Uhr für Produzenten wie Joe Meek, George Martin, Paul McCartney, 

Andrew Oldham, Mick Jagger, Shel Talmy, Mickie Most; eigene Platten (unter 

seinem Namen und mit Tiger) blieben – wie bei so vielen Sessionstars – eher 

blass. Von 1969 bis 1974 war er Tom Jones' Gitarrist, knapp zehn Jahre im 

Orchester von James Last folgten, nach 1990 zog sich der musikalische Wegweiser 

mehr und mehr zurück. Rock'n'Roll, Beat, R&B, Pop, Rock, Jazz, Klassik 

– Sullivan hatte alles erledigt; er prägte aus dem Hintergrund (und fast immer 

ungenannt) mit den Kollegen John McLaughlin, Alan Parker, Joe Moretti, Vic 

Flick und Eric Ford die UK-Musikhistorie der 60s. 

Der " 

Session-Guru" wurde geholt, wenn die Qualität von Bandmitgliedern 

nicht ausreichte, es schnell gehen musste, und er lieferte Backings für Solosänger. 

Er trat in London und Paris an, wenn Songs von Johnny Hallyday, 

Francoise Hardy, Michel Polnareff und Antoine aufzupeppen waren. Wer heute 

etwa "Itychcoo Park" hört, "Eloise", "Downtown" oder "Space Oddity", "Je 

t'aime", "Shout", "Black Is Black", "Crying Game", "Out Of Time", "My Friend 

Jack", "Supergirl" oder "The Sun Ain't Gonna Shine Anymore", der hört (auch) 

Big Jim Sullivan. Werbe-, 

Film- und TV-Showmusiken 

sind für ihn verbucht, er veröffentlichte 

Lehrbücher und 

Gitarrenschulen. 

Am 2.10. ist Big Jim, 

schwer herz- und zuckerkrank, 

in seinem Haus in 

West Sussex gestorben. 

Bernd Matheja 

MIT 

8-KÖPFIGER 

BAND 

14.JULI 2012 

STRAVINSKI 

AUDITORIUM 

eagle vision 

149 MIN. 

ALLE HITS 

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UND DVD! 

Überall im Handel 

erhältlich oder bei

1972 – GOGOS, GLAM 

UND GUTE LAUNE: 

Startschuss 

für den 

" Musikladen" 

M 

ichael „Mike" Leckebusch hielt 

sich nach dem Ende des „Beat-Club" 

nicht lange mit Nebensächlichkeiten auf. In 

kürzester Zeit hatte der legendäre TV-Produzent 

ein neues Konzept aus dem Ärmel 

geschüttelt und am 13. Dezember 1972 

den „Musikladen" eröffnet. Die Sendung 

war musikalisch so bunt wie die Pop- und 

Rocklandschaft aufregend. Während Chris 

Barber’s Jazzband die Show einblies, Mega- 

Star Johnny Cash sein "San Quentin" sang, 

sorgten Slade mit "Gudbuy T’Jane" für den 

lärmenden Abschluss. Die Premiere war gelungen. 

Und für die nächsten zwölf Jahre wurde die fast monatlich 

ausgestrahlte Show zum festen Termin im Kalender 

junger Leute, die mitreden wollten. 

M 

it Uschi Nerke hatte Leckebusch 

jene heiße, immer 

ein bisschen plappernde „Beat- 

Club"-Moderatorin mit rübergeholt. 

Manfred Sexauer – 14 Jahre 

älter als seine damals 28-jährige 

Co-Moderatorin – übernahm den 

Part des in den Wirren der 60er 

gestählten Musikfachmanns, dem 

das Teenager-Publikum jede Analyse 

glauben durfte. Die Titelmusik 

bis zur 32. Show, "Rip This Joint" 

Marc Bolan 

(T. Rex) 

Wer 

sich aktuell durch 

die diversen TV-Musiksender 

zappt, wird vermutlich 

meist von Langeweile getrieben. 

Neugierde, Aufgeregtheit, Vorfreude? 

Fehlanzeige. Es ist wie in einem 

Supermarkt: Von allem gibt es reichlich 

und meist noch mehr. Das war 

vor 40 Jahren ganz anders. Als der 

Brian Connolly 

(Sweet) 

erste ARD- " 

Musikladen" über die 

Mattscheibe flimmerte, kam 

das einem Großereignis 

gleich. 

von den Stones, ist dem kollektiven 

Vergessen zum Opfer gefallen. Ab 

Ausgabe 33 schallte "A Touch Of 

Velvet – A Sting Of Brass" des Mark- 

Wirtz-Orchesterprojekts The Mood 

Mosaic aus den TV-Lautsprechern, 

das schon beim „Beat-Club" Verwendung 

gefunden hatte. Auch jetzt sah 

man dazu GoGos tanzen oder zumindest 

dekorativ herumstehen. Nur wa- 


ren die Girls mittlerweile meist jeglicher störenden Textilverhüllung beraubt. 

Und da die Mädchen auch während der Sendung immer wieder zu Songs 

herumzappelten, waren nicht mehr nur Bands und Solisten ein Thema – auch 

das erotische Element wurde für einen Teil der maskulinen Zuschauerschicht 

zu einem beinahe ebenso wichtigen Grund, den „Musikladen" 

einzuschalten. Und Leckebusch war da keineswegs zimperlich. 

Die GoGos zeigten, was sie konnten und hatten. Und da spielte das 

Rhythmusgefühl der Tänzerinnen manchmal gar die sekundäre Rolle: 

Hauptsache, es wackelte, dass der Bildschirm vibrierte. Schon damals 

hatte man einfach noch verdammt viel Spaß am Leben – und am Sex. 

Uschi Nerke war ein Jahr nach der Einführung der lasziven Tänzerinnen 

aus der Sendung verschwunden. Von Verdrängung 

durch Konkurrenzdruck kann da aber keine Rede sein (siehe Interview 

mit Manfred 

Sexauer). 

„Mister 

Musikladen" 

kämpfte 

sich 

daraufhin ein halbes Jahr 

allein durch die Liveshow, 

bevor ihm mit August- 

Walter Thiemann ein 

männlicher Partner zur 

Seite stand. Der „Auwa" 

genannte Sexauer-Assi 

passte jedoch nicht und 

wurde schon ein Jahr 

später wieder abgezogen. 

Viele Jahre unzertrennlich: Uschi Nerke und 

Mike Leckebusch

Thiemann, der heute als angelnder Naturbursche mit angetackertem Stirnband 

in den Medien auftritt, hatte nach eigenen Angaben auch kaum etwas 

mit Musik am Hut. Auf seiner Homepage findet seine „Musikladen"-Episode 

denn auch nicht mal Erwähnung in einem Nebensatz. 

A 

Suzi Quatro 

b Januar 

1981 folgten 

für Manfred Sexauer 

drei Solo- 

Jahre, bevor er mit 

der 

22-jährigen 

Christine 

Röthig 

erneut 

weibliche 

Unterstützung 

erhielt. Allerdings 

hatte die reizende 

Blondine 

lediglich 

sechs Mo- 

nate Zeit, um 

sich ins Bewusstsein stsein der bundesdeut- 

d Dan McCafferty 

schen Jugend zu moderieren. Denn am 29. November 

(Nazareth) 

1984 ging mit Folge 90 der letzte reguläre „Musikladen" 

über den Sender. Die Gästeliste liest sich heute 

vergleichsweise unspektakulär: Robert Vanguard, 

Bananarama, Lihmal, The Twins, Bad Boys Blue und 

Ricchi e Poveri zum Beispiel. Nicht nur bei Rockfans 

dürften diese Namen Grund zum leidvollen Stöhnen n 

gewesen sein, selbst New Romantics oder New-Wave-- 

Anhänger konnten mit diesen Pop-Eintagsfliegen nur 

herzlich wenig anfangen. Dann schon eher mit Duran 

Duran, die Leckebuschs Regie-Assistent Jörg Sonntag 

in einem Rückschau-Interview auf Radio Bremen kürzlich 

salopp als „Blödmänner" bezeichnete, ihre Professionalität 

aber lobte. 

Thema Künstler. Sonntag hob in dem Radiogespräch den Auftritt von Roxy 

Music im „Musikladen" vom 30. Mai 1973 hervor. Man habe damals angesichts 

dieses exaltierten Haufens vom Ende der Rockmusik gewispert, sagte 

er. Bleibenden Eindruck hinterließen über die Jahre aber auch andere Interpreten. 

Etwa der schweißtreibende Auftritt des Funk-Rock-Orchesters rs Ohio 

Players am 5. Februar 1975, die Puhdys als erste DDR-Band im Westfernsehen 

(12. Februar 1977) oder die Ramones mit "Sheena Is A Punk 

Rocker" am 21. September 1978. Wenngleich der US-Band sogar ein 

Special gewidmet war, ging Punk am „Musikladen" praktisch vorbei. 

Es sind zwischen 1976 und 1980 keine Szenegrößen im Programm m 

von Leckebuschs bunter Musik-Kirmes zu finden. Zwar legte man mit 

Cherry Vanilla und dem Titel 

"The Punk" am 3. Dezember 

1977 scheinbar gewaltig g 

los, zog in den Folgejahren 

aber nicht nach. Und Cher- 

ry 

Vanilla selbst hatte mit 

Punk so viel zu tun wie Roy 

Black mit Rock’n’Roll. So 

gesehen war der Ramones- 

Auftritt durchaus eine klei- 

ne Sensation. Auch Heavy Metal 

Status Quo 

The Jacksons 

blieb b bei Mike Leckebusch Lärm aus 

der Schmuddelecke. Lediglich Motörhead 

landeten 1981 einen Hattrick: 

15. Januar "Ace Of Spades", 30. April 

"Please Don’t Touch" (mit Girlschool) 

und am 10. September "Motörhead". 

Die Glam-Metal-Welle aus den USA 

verpasste der „Musikladen" aber vor 

allem, weil er 1984 eingestellt wurde. 

In einer der letzten Sendungen, am 

21. Juni, reichte es wenigstens noch 

für einen den Mainstream schockie- 

Amanda Lear 

renden Auftritt von Twisted Sister mit 

"We’re Not Gonna Take It". 

Ansonsten gaben sich regelmäßig g 

Stars und Sternchen die Klinke in 

die Hand, wobei Leckebusch häufig ein 

geschicktes Händchen bewies. So holte 

er sich am 29. Mai 1976 die völlig 

unbekannte Amanda Lear in seine Sendung 

und ließ sie ihre erste, französisch 

gesprochene Single "La Bagerre" vortragen. 

Die an jenem Abend in knallenges Lederoutfit gehüllte Mega-Blondine 

avancierte in den kommenden Monaten zur Disco-Queen und setze sich 

mehrere Jahre weltweit in den Top 10 fest. Im 26. „Musikladen" war davon 

allerdings noch nichts zu spüren. 

Kuriositäten gab es natürlich ebenfalls zuhauf. Dazu gehörten Die Gol- 

ich sechs Mo dene 11 (1976 eine frühe 

Version von Max Raabe und seinem Palast 

Orchester) ebenso wie Pornodarstellerin Sybille 

Rauch (1982), die Manfred Sexauer als 

Schauspielerin ankündigte, „die Sie von vielen 

Filmen kennen. Sie hat sogar die Goldene 

Leinwand, jetzt singt sie auch", oder das 

ostdeutsche Schlagerduo Monika Hauff & 

Klaus-Dieter Henkler, das schon in der DDR 

für Menschen unterhalb der 40 Jahre völlig 

inakzeptabel war. 

Stammgäste gab es bei Michael Leckebusch 

reichlich. Inwieweit das auf seinem 

persönlichen Kontakt zu den Musikern 

oder eigenen Vorlieben beruhte, sei dahingestellt. 

Bei einigen Künstlern hing es aber 

auch unbestritten mit einer anhaltenden Popularität zusammen: die Glam- 

Rock’n’Roller Showaddywaddy traten zehnmal auf, die unbeholfenen Luv aus 

Holland hüpften von 1977 bis 1980 neunmal durchs Bild, Boney M. kamen 

zwischen 1976 und 1984 sogar 15 Mal zu Auftrittsehren, und Abba lösten 

elfmal ein „Musikladen"-Ticket. Und immer wieder hielten die Damen Einzug: 

achtmal Amanda Lear, jeweils siebenmal Clout, Baccara und Pussycat. 

Wie schwer 

es ist, Musik 

für junge Leu- 

te 

mit altersgerechtem 

Humor 

zu 

verbinden, 

hatte bereits Ilja 

Richter in seiner 

seit 1971 im ZDF 

laufenden 

„Disco" 

belegt. Schon 

in 

den 70ern war 

das steife Reim- 

Potpourri 

eher 

Brachten den Bildschirm zum Glühen: die GoGos ein Fall zum 

Fremdschämen. 

Darum fiel im „Musikladen" die Bespaßungs-Aufgabe nicht den Moderatoren 

zu, sondern wurde bis 1975 von Insterburg & Co. (mit Karl Dall) 

besorgt. Deren Witze waren durchaus dreister als das Ilja-Theater, 

Geschmackssache blieb es aber trotzdem. 

Glaubt man den Machern des „Musikladens", hat dieses TV- 

Format nicht nur als Wiederholungsendlosschleife in der aktuellen 

TV-Landschaft eine Chance. Darum sei nochmals Regie- 

Assi Jörg Sonntag aus dem Interview bei Radio Bremen zitiert. Es 

sei immer noch möglich, eine Liveshow zu platzieren, meinte er. 

Man müsste nur „die Generationen zusammenbringen" und „ein 

bisschen mehr Risiko" wagen. Stünden die Helden von einst mit 

den Stars von heute auf der Bühne, könnte solch eine Sendung 

wieder Massen vor die Mattscheibe ziehen. 

Jens-Uwe Berndt 


Manfred Sexauer 

Er ist der " 

Mister Musikladen": Manfred Sexauer. Der heute 82-Jährige 

war das Gesicht der Liveshow, ließ nicht eine Sendung aus. Bekannt 

wurde er ab 1965 als Moderator seiner Radio-Sendung " 

Hallo Twen" 

für Europawelle Saar. Nach dem " 

Musikladen" blieb Sexauer mit dem 

" ARD-Nachtexpress" und dem " 

ARD-Radiowecker" dem Rundfunk treu. 

Er moderierte außerdem von 1984 bis 1991 die Fernsehpreisverleihung 

" 

Die Goldene Europa" und hat seit 2007 auf Radio Melodie eine eigene 

Sendereihe unter dem Titel " 

Das bleiben Hits". 

Von Jens-Uwe Berndt 

Foto: © Archiv Manfred Sexauer 

Wie sind Sie zum " 

Musikladen" gekommen? 

Das war noch während meiner Sendung „Hallo Twen", als mich 1971 Michael 

Leckebusch anrief. Er sagte, wir hören mit dem „Beat-Club" auf und machen 

dann noch zwei Sendungen „Das waren Hits". Willst du die moderieren? Gern, 

meinte ich, und fuhr nach Bremen. Die beiden Shows kamen großartig an, 

darum wollte mich Leckebusch für seine neue Sendung „Musikladen" als Moderator 

haben. Ich war völlig baff und habe mit Freuden zugesagt. 

Sie waren bei der Premiere des " 

Musikladens" 

42 Jahre alt, Ihre Co-Moderatorin Uschi Nerke 

erst 28. Gehörte diese Konstellation – " 

Beat- 

Club"-Häschen trifft auf reiferen, etwas biederen 

Herrn – zum Konzept? 

Ich habe gerade wieder ein paar Wiederholungen 

gesehen und fand mich gar nicht so bieder. Und 

damals war dieser Altersunterschied auch gar keine 

Frage. Ich hatte bis dahin nur Jugendsendungen 

gemacht: „Hallo Twen" zum Beispiel. Und später 

„Show Mix" und „Disco Top Ten". Ich habe auch im 

Hörfunk nie konventionelle Sendungen moderiert. 

Die Auswahl der Interpreten erschien manchmal etwas abenteuerlich: 

gestylte Popacts, Metalbands, New Wave, Disco. Haben diese Gegensätze 

stets funktioniert? 

Kritische Stimmen gab es immer. Die waren aber grundsätzlich in der Minderzahl. 

Meiner subjektiven Meinung nach kamen die Sendungen gut an. 

Manchmal war die Star-Dichte recht hoch. Wie lief die Produktion, um all 

die Namen unter einen Hut zu bringen? 

Das begann zwei Tage vorher mit Besprechungen und Stellproben. Mit der Plattenfirma 

wurde abgeklärt, wann die Künstler eintrafen. 

Und wenn die da waren, hat Leckebusch ihnen 

im 

Studio erklärt, wie er sich den Auftritt vorstellte. 

Meistens waren die Stars hellauf begeistert von der 

gesamten Atmosphäre, weil sie sich in einer Situation 

befanden, die sie so nicht kannten. Und so haben 

wir auch ein paar ausgefallene Sachen gemacht: 

Wir sendeten von der Funkausstellung in Berlin und 

aus dem Theater des Westens. Und es waren Leute 

dabei, die vom Fernsehen richtig verwöhnt waren: 

Johnny Cash, George McCrea, Stevie Wonder und so 

weiter. Die wussten schon, wo es langgeht, waren 

vom „Musikladen" aber jedesmal angetan. 

Wer hat für den musikalischen Stilmix im " 

Musikladen" 

gesorgt? 

Die Programmhoheit hatte, genau wie zuvor beim 

„Beat-Club", Mike Leckebusch. Der entschied völlig autonom darüber, welche 

Interpreten eingeladen wurden. Natürlich gab es auch mal von dem einen oder 

anderen Vorschläge, die – wenn sie Leckebusch in den Kram passten – auch 

realisiert wurden. Ich hatte zum Beispiel im Berliner Friedrichstadtpalast mal 

die Puhdys gesehen und Leckebusch gesagt, das sei eine Band aus der DDR, 

die wir unbedingt holen sollten. Leckebusch ist hingefahren, hat sie sich angeschaut 

und mir später gesagt: War eine gute Idee. 

Hatte Leckebusch nach über 20 Jahren Jugend-TV bis zum Schluss den 

richtigen Riecher? 

Er hat immer auf die neuen Trends gesetzt und damit immer eine gute Spürnase 

bewiesen. Damals wurden nach einem „Musikladen" rund 35.000 Platten 

von Auftretenden verkauft. Das beweist, dass er den Geschmack des Publikums 

zu 100 Prozent getroffen hat. 

Manfred Sexauer hielt bis zur letzten 

Sendung das Mikrofon in der Hand. 


Ständig unter Stars: Sind Sie trotzdem Fan geblieben, 

der bei bestimmten Künstlern noch aufgeregt 

war? 

Es war immer wieder ein neues Erlebnis. Aber eine Livesendung ist nichts, 

was man mal eben mit der linken Hand macht. Da besteht durchgehend eine 

gewisse Anspannung, die gar nicht gestattete, wegen irgendwelcher Stars aufgeregt 

zu sein. 

Sie hatten mit Uschi 

Nerke, August-Walter 

Thiemann und Christine 

Röthig drei Co-Moderatoren. 

Gab's einen 

Favoriten? 

Das kann ich im Nachhinein 

nicht mehr sagen. 

Uschi war natürlich 

immer richtig gut, 

wenn sie da war. Und 

Christine Röthig, die in 

Der unbefangene Umgang mit Stars – hier 

Robin Gibb – gehörte zu Sexauers Alltag.

den letzten beiden Jahren bis zum Schluss mitgemacht hat, war auch ein 

Supermädchen. 

Warum musste Uschi Nerke gehen? 

Sie hatte geheiratet und wurde schwanger. Ob sie dann selbst entschieden hat, 

nicht wieder zurückzukommen, weiß ich nicht. 

1977 kamen die frivolen Gogo Girls. War das damals ein gewagter Schritt? 

Das hatte sich natürlich Mike Leckebusch einfallen lassen. Und es war sicher 

etwas Neues, dass man Gogos in einer Fernsehsendung so zentral präsentierte. 

Gewagt war es aber nicht. Mir hat es natürlich gefallen, und es waren auch 

unheimlich nette Mädchen. 

On The 13th Day 

Das neue Studioalbum inkl. der Single 

„So Let It Rain“! 

Erhältlich als Limited Digipak + Bonus 

CD, 2LP Gatefold farbiges Vinyl, 

Standard Version und Download. 

Anfang der 80er nahm die Produktion von Videoclips zu. Machte das den 

Musikladen" mehr und mehr zu einem Auslaufmodell? 

" 

Das glaube ich nicht. Aber man kennt ja die ARD beziehungsweise die Öffentlich-Rechtlichen. 

Die wollen doch immer irgendwann was völlig Neues. Und 

immerhin lief der „Musikladen" ja zwölf Jahre. 

War unter Umständen auch bei Leckebusch die Luft raus? 

Auf keinen Fall. Sie war es nie, bis zu seinem Tod nicht. 

Musikalisch hat sich der " 

Musikladen" mit dem Aufkommen neuer Stile 

Ende der 70er immer mehr verändert. Gefiel Ihnen das persönlich noch? 

Natürlich hatte ich meine speziellen Vorlieben. Das Programm war aber immer 

sehr abwechslungsreich – und irgendwie gab es doch für jeden etwas, der auf 

moderne Musik stand. Darum war das ganz in meinem Sinn. 

Heute gibt es ein solches Sendeformat nicht mehr. Fehlt Ihrer Meinung 

nach so etwas? 

Ganz bestimmt. Und ich glaube auch, dass das funktionieren würde. Man 

macht heute TV-Shows mit Ausschnitten aus alten „Musikladen"-Sendungen 

oder mit Videos. Live 

gibt es das leider nicht 

mehr. 

Ersten Musikladen am 13. Dezember 1972: 

Uschi Nerke und Manfred Sexauer 

Warum traut sich niemand 

mehr? 

Es gibt zu viele Sender, 

und man verzichtet sicher 

aus Kostengründen 

auf solche Dinge. 

Das ist unheimlich 

bedauernswert, denn 

wenn ich mir jeden 

Sonntagabend Wiederholungen 

des „Musikladens" 

auf Radio 

Bremen anschaue, muss ich sagen, dass das ein gutes Konzept war: Man sah 

die Künstler im Studio, nahm unmittelbar Anteil, und die Musiker hatten direkte 

Reaktionen vom Publikum. 

www.ufo-music.info 

„SEVEN DEADLY“ 

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Haben Sie aus zwölf Jahren " 

Musikladen" einen Lieblingstitel? 

"Up Where We Belong" von Joe Cocker und Jennifer Warnes. Der Auftritt von 

Diana Ross gehört ebenfalls zu meinen Favoriten. 

Sehen Sie sich selbst gern in den Wiederholungen? 

Das ist jetzt ja fast 30 Jahre her, dass die letzte Sendung im Fernsehen lief. 

Und da schaue ich schon, wie war das damals. Was habe ich da damals gemacht? 

Wie habe ich den einen oder anderen Titel bewertet und die diversen 

Musikrichtungen eingeschätzt? Das finde ich schon interessant. 

Poster 

in der aktuellen 

Gibt es Momente, in denen Sie sich sagen: Oh Gott, 

was habe ich denn da für einen Quatsch gesagt?! 

Sicher, solche Situationen gibt es. Aber man erinnert 

sich doch in erster Linie an das Positive. Und 

ich finde, wir haben das alle – das gesamte Team 

– ganz gut gemeistert. 

kult! 

kult!siehe Seite 79 in diesem Heft. 

Ab 

23.11.! 

ASLEEP AT THE WHEEL 

„10 / Western Standard Time“ 

COLLIN RAYE 

„Extremes / 

I Think About You“ 

presents 

KT OSLIN 

„Love In A Small Town / 

My Roots Are Showing“ 

SWEETHEARTS OF 

THE RODEO 

„Sweethearts Of The 

Rodeo / One Time 

One Night“ 

DIAMOND RIO 

„Diamond Rio / 

Close To The Edge“

Bill Wyman 

Auswärtsspiele 

Von Bernd Matheja 

Er ist inzwischen 76 Jahre jung und tourt nach wie vor 

frisch mit seinen Rhythm Kings quer über den Kontinent. 

Das Thema Rolling Stones war lange Zeit für ihn keines 

mehr – und auch schon zu Beginn seiner langen Karriere 

hatte sich Bill Wyman in 

den Sixties dann und wann 

die Freiheit genommen, 

Auswärts spiele zu bestreiten: 

als Songwriter, Manager 

und Produzent. Erinnerungen 

an fast Vergessenes. 

Schon bevor William George Perks 

(*24.10.1936) aus Penge 1974 sein erstes 

Solo-Album MONKEY GRIP veröffentlichte, 

hatte sich der Bassist nicht länger darauf 

beschränken wollen, „nur" – zumindest auf 

der Bühne – in der Ecke zu stehen. Von ihm für 

die Stones vorgeschlagene Songs wie "Goodbye 

Girl" (November 1964) fielen der Jagger-Richards- 

Oldham-Diktatur zum Opfer, oder sie endeten auf 

der Resteverwertung METAMORPHOSIS ("Downtown 

Suzie" bzw. "Downtown Lucy", 1968/69). Dass 

die Schnarchnummer "In Another Land" 1967 auf 

THEIR SATANIC MAJESTIES 

REQUEST landete, war eher 

ein gönnerhaftes Zugeständnis 

des allmächtigen Autorenduos: 

Jagger/Richards glänzten 

in den Londoner Olympic 

Studios mal wieder durch 

Abwesenheit und nickten 

später die erledigte Arbeit 

von Wyman, Charlie Watts, 

Steve Marriott, Ronnie 

Lane und Nicky Hopkins 

(Arbeitstitel: "Bill's Tune" 

und "Acid In The Grass") 

als passend ab. 

Bill Wyman war bereits 

1965 ausgeschert. Er folgte 

Jagger und Richards aufs 

Nebengleis, die schon im 

Jahr zuvor begonnen hatten, 

mit Zusatzaktivitäten 

die damals noch eher schmalen Finanzen aufzubessern. 

Hier sind Interpreten, um die er sich kümmerte. 

BOBBIE MILLER 

Richtiger Name: Audrey Wealleans. Die 22-jährige 

Sängerin wurde Wyman von ihrem Bruder Stuart 

empfohlen, Bills Kumpel aus Jugendtagen und 

Techniker in der Civic Hall in Croydon. Mit der 

Single "What A Guy"/"You Went Away" (Decca F 

12064; VÖ: 22.1.1965) begannen die Wyman-Produktionen. 

Er komponierte außerdem die B-Seite 

mit Brian Cade, einem Kumpel, mit dem er 1961 

bei The Cliftons gespielt te. Mitte/Ende Juli produzierte 

Wyman ferner r 

hat- 

Millers "Every Beat Of 

My Heart"/"Tomorrow" 

(VÖ: 15.10.; Decca F 

12252): Im Begleitteam 

standen u.a. Peter 

Frampton (g) und der 

Früh-Stones-Drummer 

Tony 

Chapman. Am 5.1.1966 folgte die dritte Kooperation 

Wyman/Miller: "Everywhere I Go" (Decca 

F 12354; B-Seite von Ian Stewart & The Railroaders) 

kam am 11.3. in die Läden. Die Karriere der 

jungen Dame war damit beendet. Die ihrer letzten 

Assistenten nicht: Colin Giffin (g), Dave Brown (b), 

Nicky Graham (org) und Roger Groom (dr) waren 

The End (siehe unten). 

THE CHEYNES 

Ebenfalls im Januar 

1965 erschien die 

wohl schon im Dezember 

1964 eingespielte 

Single "Down 

And Out"/"Stop 

Running Around" (Columbia 

DB 7464). Zur Londoner 

R&B-Band gehörten mit 

Peter Bardens (p, org), 

Mick Fleetwood (dr) 

und dem späteren Spencer-Davis-Gitarristen 

Phil Sawyer drei Hochka- 

räter in spe; mit dabei: Roger 

Peacock (voc) und Peter Hollis (b). Die B-Seite 

war wiederum eine Komposition von Cade und Bill 

Wyman, der hier auch produzierte und den Bass 

übernahm. 

JOEY PAIGE 

Bassist der Everly-Brothers-Begleitgruppe. Wyman 

war ihm bei einem Gastspiel der Brüder in England 

begegnet und hielt Kontakt. Der Amerikaner gehörte 

am 18.3.1965 auch zu den 

Strahlemännern, als Stones- 

Mitglieder sich an einer Tankstellenwand 

entleerten, was 

als lächerlicher Pinkel skandal 

mit Polizeieinsatz in die 

Bandgeschichte einging. g Wyman 

schrieb für Paige 

"Cause I'm In Love 

With You", einge spielt 

in Los Angeles und 

produziert von Sonny 

Bono (UK: Fontana TF 

554; 3/1965). Viel interessanter 

für Sammler ist 


jedoch die US-Ausgabe (Tollie 9045): Auf der Promoversion – und nur dort! – 

spricht Bill ein exklusives Intro, das die Single bzw. den Interpreten anpreist. 

THE PREACHERS 

Die Band existierte seit 1963, damals noch mit Keyboarder Tim Hinkley. Zwei 

Jahre später, neu formiert, traten im August 1965 in den 

Londoner PYE-Studios zur Aufnahme 

an: Peter Frampton 

(g), Pete Atwood (b), Peter 

Gosling (voc, org), Tony 

Chapman (dr) und Ken 

Leeman (sax). Als Columbia 

DB 7680 kam ihr von 

Peter Frampton 

Wyman produziertes "Hole In My Soul"/"Too Old 

In 

The Head" am 3.9.1965 in 

die Läden und blieb dort liegen. 

Als die Gruppe zu Moon's Train (s. 

unten) wurde und sich der Aufbau von The Herd abzeichnete, 

drosselte Frampton seine Aktivität, es blieb bei nur einer 

Preachers-Veröffentlichung. 2002 erschien die LP NOD, 

SHAKE & STOMP (Tenth Planet) mit 14 Livetracks und zwei 

Studiodemos von 1964. 

THE END 

Das umfangreichste Nebenprojekt des Stones-Bassisten. 

Begonnen hatten die Londoner als The Innocents (drei 

Singles für Columbia), die live u.a. Mike Berry, Billie 

Davis und Elkie Brooks begleiteten. Auf einer Package- 

Tour lernten sie Bill Wyman kennen – eine Verbindung, 

die nie abriss. 

1965 erfolgte 

die Umbenennung in The End, 

mit Colin Giffin (voc, g), Dave Brown 

(b, g), Nick Graham (p, g), Hugh Atwool 

(dr) und wechselnden Sax-Playern. 

Wyman wurde ihr Manager und 

besorgte einen Vertrag bei Philips. Mit 

Glyn Johns produzierte er in den IBC- 

Studios die Debütsingle "I Can't Get 

Any Joy"/"Hey Little Girl" (BF 1444; VÖ: 10/1965). Ein dritter Track, "Searchin' 

For My Baby" (ebenfalls am 26.8. aufgenommen), blieb unveröffentlicht. Danach 

verlagerte die Band ihre Aktivitäten nach Spanien, aufgenommen wurde weiter in 

London. Vier Singles, alle von Wyman produziert, erschienen ab Januar 1967 nur 

auf dem Madrider Sonoplay-Label: "You'd 

Better Believe Me, Baby", "Why", "We've 

Got It Made" und "Morning Dew". Bereits 

im August/September 1967 begannen intensive 

Arbeiten an einer LP; inzwischen 

gehörte der Gitarrist Terry Taylor zur 

Band, die einen sehr attraktiven Psychedelic-Sound 

pflegte. Wyman, mit den Stones 

auf Richtung Talsohle zusteuernd, konnte 

sich nicht genug kümmern – die Band 

nahm unentwegt weiter auf, wurde aber 

permanent vertröstet. Als, lange nach der 

UK-Single "Shades Of Orange"/"Loving 

Sacred Loving" (Decca F 12750), INTROSPECTION (Decca SKL-R 5015) im November 

1969 endlich erschien, war der Psychedelic-Boom passé. In Spanien kam 

noch 1970 – unter dem Pseudonym Polos Opuestos – die Single "Smartypants" 

auf Hispavox (CP–58) auf den Markt. Da hatten sich The-End-Mitglieder aber 

schon entschlossen, mit Wyman als Tucky Buzzard eine härtere Gangart einzuschlagen. 

Es blieb dermaßen viel Material im Archiv, 

dass das Vinyl-Label Tenth Planet damit in den Jahren 

1996, 1998 und 2000 drei zusätzliche (!) Alben füllen 

konnte: 42 Tracks auf IN THE BEGINNING, RETRO- 

SPECTION und THE LAST WORD. 

JOHN LEE'S GROUNDHOGS 

Diesen Produktionsjob für die Ex-Dollarbills erledigte 

Bill Wyman im Team mit einer schon bald dauerbeschäftigten 

(Blues-)Koryphäe, Mike Vernon. Für das 

kurzlebige Planet-Label ihres berühmten 

Kollegen Shel Talmy (u.a. Kinks, Who, 

Creation) regelten 

sie die einzige 

Single 

der 

Band mit 

Tony Mc- 

Phee (g), 

Früh aktiv – der junge Tony McPhee (Mitte) 

Pete Cruickshank (b), John Cruickshank (voc), Dave 

Boorman (dr) und Fred Coker (sax). Im Oktober 1965 

ging's ins Studio, drei Monate später erschien "I'll 

Never Fall In Love Again"/"Over You Baby" (Planet PLF 

104) – beide Titel allerdings noch weit entfernt vom späteren Wucht-Blues des 

Groundhogs-Trios. 

HAMILTON & THE MOVEMENT 

Londoner Band, Mitte 1964 formiert vom amerikanischen 

Sänger Gary Hamilton. Nach einer Polydor- 

Single (1965, als Hamilton) wechselte das Personal 

der souligen R&B-Combo mehrfach. Als Bill Wyman 

ihnen seine Komposition "I'm Not The Marrying 

Kind" (B-Seite: "My Love Belongs To You; CBS 202 

573; VÖ: 10.2.1967) anbot und sie dann auch produzierte, 

gehörten Tony Sinclair (g), Ron Right (b), Mick 

Fletcher (org), Phil Wainman (dr; Ex-Paramounts) und eine 

Bläsergruppe zur Formation. Erfolge blieben aus, Hamilton stand später im Londoner 

„Hair"-Ensemble und veröffentlichte unbeachtete Solosingles. 

MOON'S TRAIN 

Sie entstanden aus den Preachers (Besetzung s. oben), statt tt 

Tony Chapman trommelte Malcolm Penn. Die einzige, von 

ihrem Manager Bill Wyman produzierte Single "Deed I 

Do"/"It's In My Mind" erschien 

erst am 10.3.1967 

(MGM 133). Eingespielt 

wurden die beiden Titel bereits 

im April/September 1965 in 

den PYE- bzw. IBC-Studios in London. Von der Band 

existieren 21 Songs in leicht jazzigem, punktuell an 

Georgie Fame erinnernden Blue-Beat-Sound, 

die 2007 auf der offiziellen CD THE LIFE I 

LEAD (Castle CMQCD 1250) enthalten waren; 

17 davon gab es bereits 1999 auf THE RARE 

RECORDINGS 1965–1968 (CD: in-akustik 

11004) – mit rund einem Dutzend Wyman- 

(Co-)Kompositionen und mehrfacher Beteiligung von Gitarrist Peter Frampton. 

THE WARREN DAVIS MONDAY BAND 

Mit Peter Gosling schrieb Bill Wyman den Song "Wait For Me", er landete mit 

"I Don't Wanna Hurt You" auf Columbia DB 8190 (VÖ: 

5.5.1967). Wyman produzierte die Sing- 

le der obskuren Crew um den Sänger 

und Saxofonisten Warren Davis. Mit 

dabei: die ehemaligen Overlanders 

Paul Brett (g, b) und Paul Petts (b) 

sowie Drummer Peter Dobson, die 

auch als Backing Group für The 

Flirtations arbeiteten. Eine weitere Paul Brett 

Columbia-45er ohne Wyman-Beteiligung erschien Ende 1967, 

dann war Schluss. Paul Brett tauchte u.a. bei Elmer Gantry's Velvet Opera wieder 

auf und formierte The Paul Brett Sage. 

Nach dem Job für Warren Davis stellte Bill Wyman seine Auswärtsspiele in den 

Sixties ein. Die Rolling Stones hatten sich berappelt, ihren einstigen Lenker Andrew 

Loog Oldham entsorgt und sich von Producer Jimmy Miller reanimieren 

lassen. Zeit für vielfältige „Schwarzarbeit" blieb jetzt nicht mehr. Wyman hielt lediglich 

an seinen alten Kumpels fest, die als Tucky Buzzard aktiv waren. Einzelne 

Produktionsjobs gab es noch, u.a. für John Maus (Walker Brothers) und Buddy 

Guy/Junior Wells. Doch der Stones-Senior hatte ab 1974 mit MONKEY GRIP 

Wichtigeres zu tun – die Konzentration auf eine bescheidene Parallelkarriere in 

eigener Sache. Aber das ist, wie so oft, wieder eine andere Geschichte. 


Joe 

Cocker 

Foto: © Cole Walliser, 2012 

Blues mit 80 – versprochen! 


Joe Cocker ist ein Rolls-Royce unter den weißen 

Bluessängern. Das einst dauer-alkoholisierte 

Urgestein ist außerdem eine Legende 

des " 

Woodstock"-Festivals – und zwar eine 

mit Nachhall: Das Festival von 1969 verhalf 

Cocker zum endgültigen Durchbruch. Seitdem 

ist viel in seinem Leben passiert, die 

Karriere verlief wie eine völlig aus der Spur 

gesprungene Achterbahn. Dennoch hat sich 

an Cockers Stellenwert seither nichts geändert 

– ein Unikat mit einer der ausdrucksstärksten 

Stimmen im gesamten Business. 

Geboren 1944 im englischen Sheffield, spielte 

der Brite bereits mit zwölf Jahren in der Band 

seines älteren Bruders Victor. Acht Jahre später 

nahm er seine erste Single auf, ein Remake der 

Beatles-Nummer "I’ll Cry Instead", ehe er 1969 mit 

"With A Little Help From My Friends" ein Millionenpublikum 

eroberte. Einer großen Karriere und damit 

verbundenem Reichtum stand nichts mehr im 

Wege. Doch es kam ganz anders. Cocker verfügt 

zwar über eine unersättliche Lust an Musik, doch 

sein Geschäftssinn ist alles andere als ausgeprägt. 

Kein Wunder, dass ihn skrupellose Manager ausnahmen; 

kein Wunder auch, dass der intellektuell eher 

schlichte Interpret seinen Körper durch rigorose Alkohol- 

und Drogenexzesse aus lauter Verzweiflung 

über den Verlauf der Dinge nach und nach ruinierte. 

Erst 1982 schaffte Cocker ein kommerziell einträgliches 

Comeback mit der fulminanten LP SHEF- 

FIELD STEEL – und er hat 

seitdem Drogenkonsum und 

Manager im Griff. Im Interview, 

keine Frage, fühlt er 

sich wohl. Zu viel Respekt? 

Nein, nicht nötig: „Keine e 

Sorge, mein Sohn – ich bin’s 

doch nur." Die Unterhaltung 

sollte sich vorrangig um das 

23. Studio-Album, FIRE IT 

UP, drehen; es geriet zur 

Rundum-Bestandsaufnahme. 

Mr. Cocker, fast 50 Jahre 

im Geschäft – ist da die 

Musik nur noch ein mehr oder weniger lästiger 

Job für die Rente? 

Was für ein Quatsch! Nein, die Musik ist mein einziges 

wirkliches Hobby, meine einzige Leidenschaft, 

sie ist die Hauptmotivation, mir selbst noch ein 

längeres Leben zu wünschen. Klar, ich liebe meine 

Ehefrau, ich mache auch noch etwas anderes 

als Singen, zum Beispiel gehe ich oft und gerne 

spazieren. Aber ansonsten? Ich glaube, ich würde 

ohne die Musik eine traurige, äußerst verschissene 

Existenz führen. 

Warum greifen Sie so häufig zu Cover-Versionen? 

In meinen Anfangstagen war ich ein wirklich fähiger 

Komponist. Aber das hat immer mehr nachgelassen. 

Irgendwie sagen mir die modernen Zeiten 

nicht allzu viel. Es gibt keine Themen, die mich 

so stark interessieren, dass ich darüber schreiben 

möchte. Damit ich überhaupt noch was zu singen 

kriege, nehme ich die Songs von talentierten anderen 

Musikern. Eine Art Notlösung! 

Es heißt, dass Sie in Ihrer musikalischen 

Entwicklung stagnieren, dass Cocker-Alben 

durch die Bank austauschbar sind ... 

Wer zum Teufel fragt Eric Clapton oder Mark 

Knopfler, ob sie musikalische Fortschritte machen? 

Die ziehen strikt ihr ureigenes Ding durch, genau 

wie ich – und vielen Menschen gefällt’s! Außerdem 

kann ich nunmal keine Synthesizer und all den neumodischen 

Kram ausstehen – selbst wenn sich das 

Zeug noch so modern anhören mag. Darum habe 

ich ohnehin keine Chance, modern zu klingen. Aber 

ich pfeife darauf! Mir geht’s in erster Linie darum, 

authentisch zu klingen. Und so etwas funktioniert 

nur mit einem Mindestmaß an Technologie. Echt 

wahr! Fortschritt hin oder her: Musik muss in die 

Seele fahren, alles andere ist unwichtig. 

Sie beschreiben sich selbst gern als Blues- 

Mann. Muss man eigentlich nicht von der 

Hand in den Mund leben, um Blues richtig 

empfinden zu können? 

Ganz offen: Obwohl ich seit den frühen 80ern eine 

Menge Platten verkauft habe, bin ich immer noch 

weit davon entfernt, ein wirklich reicher Mann zu 

sein. Doch die Rock'n'Roll-Welt, und damit auch 

mein Leben, ist professioneller geworden, das 

stimmt. Ich begrüße diese Entwicklung, denn sie 

hilft mir. Ich bin so verdammt gutmütig und wurde 


mein Leben lang hart dafür bestraft. Jetzt bin ich bald 70 Jahre alt – und es 

ist schön, dass ich die Dinge seit längerem ein bisschen ruhiger angehen kann. 

Zurück zur Frage: Nein, muss man nicht. Den Blues hat man in sich, ein Leben 

lang, er hat nichts mit dem Kontostand zu tun. Bluesmusiker sind darüber hinaus 

hungrig nach dem Leben auf der Straße und auf den Bühnen dieser Welt. 

Das bin ich auch. Immer noch! 

Sie wurden " 

Sänger des einfachen Mannes" betitelt. Haben Sie mit 

dem " 

Mann auf der Straße" überhaupt noch was am Hut? 

Der einfache Mann erwartet von einem Sänger, dass er Seele zeigt, so viel davon 

wie möglich. Ich denke, davon habe ich in meinen Songs trotz meiner endlosen 

Karriere nach wie vor jede Menge zu bieten. Das Geheimnis meines Erfolgs ist, 

dass ich in jedes einzelne Lied so tief wie möglich mit meiner Persönlichkeit 

eintauche und das Äußerste heraushole. Dieser Arbeitsweise werde ich ein Leben 

lang treu bleiben, weil sie die intensivsten Ergebnisse hervorbringt. Speziell 

Start einer Achterbahn-Karriere: Cocker beim " 

Woodstock"-Festival 1969 

der so genannte einfache Mann spürt diese Intensität und kauft darum meine 

Platten. Und auch deshalb, weil er instinktiv spürt, das ich nach all den Jahren 

im Business im Herzen selbst ein einfacher Mann geblieben bin. 

Wie beurteilen Sie die Gefahr, Herz und tiefste Empfindungen vor dem 

Publikum allzu sehr zu entblößen? Gilt die Gleichung " 

Seelen-Striptease 

= Masochismus"? 

Stimmt schon, vor allem früher war das ganz schlimm bei mir! Inzwischen habe 

ich gelernt, mit meinen Kräften ein wenig besser hauszuhalten. In den 70ern 

verausgabte ich mich manchmal in einer Nacht auf der Bühne dermaßen, dass 

ich für die nächsten beiden Shows nichts mehr an Energie übrig hatte und 

hundsmiserable Gigs ablieferte. Inzwischen bin ich etwas vernünftiger geworden. 

Ich finde, jeder Fan hat das Recht, eine tolle Show zu erleben. Die Leute 

zahlen Eintritt für mich, sie sollen so viel wie möglich dafür kriegen, jeder einzelne. 

Nur ganz so viel wie bei meinen besten Auftritten früher bekommen sie 

nicht mehr. Dafür bin ich schlicht zu alt. 

Seit SHEFFIELD STEEL verläuft Ihre Karriere sehr stabil. Haben Sie dadurch 

heute eine gewisse Distanz zu den wilden, instabilen 1970ern? 

Die Zeit zwischen 1976 und 1981 nenne ich immer meine „verlorenen Jahre", 

weil ich mich damals selbst zerstörte, Stück für Stück. Aber das ist Vergangenheit 

und – ich habe überlebt! Gott sei Dank ging es dann aufwärts mit meiner 

Karriere, denn tiefer hätte ich nicht mehr fallen können, dann wäre ich heute 

tot. Klar, ich neige nach wie vor zu Selbstzerstörung, das scheint in meinen 

Genen verankert zu sein. Doch ich habe die Sache heute besser unter Kontrolle. 

Die Leute sagen gern, dass Rock'n'Roll ein Spiel für junge Leute sei, aber das 

glaube ich nicht: Ich bin jetzt weit über 60 und nach wie vor voll in diesem 

Spiel drin. Wenn jemand so lange dabei ist und so viel erlebt hat wie ich, dann 

hat er keine Alternative zu dieser Existenz, dann bleibt er dabei. Und ich warne 

euch alle und verspreche: Joe Cocker wird auch mit 80 noch dabei sein und 

den Blues röhren. So lange, bis sich der Sargdeckel über mir schließt. Ich habe 

einfach keine andere Wahl ... 

Eine Rezension der aktuellen CD FIRE IT UP lesen Sie auf Seite 46 in diesem 

Heft.

REISE ZU DEN STERNEN 

Mit Macht 

durch die 

Decke 

Völliger Quatsch", tönt Bandgründer und einziges 

verbliebenes Originalmitglied, Schlagzeuger 

Dietmar Ränker. „Wir waren totale 

„ 

Science-Fiction-Fans und hatten dazu einige Songs 

in petto, weshalb sich unsere erste LP auch ausschließlich 

diesem 

Genre zuwandte." 

REISE ZU DEN STER- 

NEN (1979) war ein 

Monument. Die Songs 

zwischen Heavy Rock, 

Keyboard-Gigantonomie 

und ausufernden 

Melodiegebirgen klangen 

für Ost-Rock-Verhältnisse 

ungewöhnlich. h Nur das Plattencover blieb 

mal wieder halbherzig: 

Der Gestalter hatte sich 

eines Integralhelms bedient, 

um dem Weltraumthema 

gerecht zu 

werden. Ränker bezeichnet 

die damalige 

Besetzung als echte 

Berlucianer. Er selbst 

verkörperte mit seinem 

exaltierten Schlagzeugspiel l den durchgeknallten Motor, 

Keyboarder Alexander Stehr war ein talentierter 

Songschreiber, Gitarrist Gerd Pöppel und Bassist 

Günther Briesenick gaben die unprätentiösen tiö 

Arbeiter, und Sänger/Gitarrist Manfred 

Kähler glänzte als stimmgewaltiger Berserker, 

dessen Organ ein außergewöhnliches 

Timbre besaß und der die besten 

Stücke der Band aus den Ärmeln 

schüttelte. „Manne war ein Urvieh, 

ein echter Typ, unser Aushängeschild", 

schwärmt Dietmar Ränker noch heute 

von seinem Frontmann. „Leider verließ eß er 

uns Mitte der 80er, als 

er glaubte, die Richtige 

gefunden zu haben." 

Bis dahin knallten 

Berluc aber noch 

durch die Decke. Zwar 

wurden Briesenick und 

Pöppel im Zuge der 

Aufnahmen zur zweiten 

LP HUNDERTTAU- 

SEND URGEWALTEN (1982) durch die Regenbogenund 

Keks-Mitstreiter Detlef Brauer (g) und Wolfgang 

Hoffmann (b) ersetzt, das Album geriet aber dennoch 

zu einem Karrierehöhepunkt. Die Band war noch 

härter geworden, lieferte aber weiterhin komplexe 

Songs zwischen straightem Brachialmaterial ("Flie- 

gen vor der Zeit", "Hunderttausend Urgewalten") 

und machtvoller Epik ("Bernsteinlegende", "Öffne 

ich mein Fenster") ab. Zum meistgespielten Song in 

einschlägigen g Jugendsendungen avancierte 1982/83 

allerdings lerd 

das Zeitgeistlied "No 

Bomb", dessen Eröffnungsriff 

fünf Jahre später 

ausgerechnet im Song 

"Bombenhagel" der 

westdeutschen Thrash- 

Metal-Formation Sodom 

wieder auftauchte. Die 

Headbanger-Nummer von 

Berluc passte in den „Rock für 

den Frieden"-Rummel der DDR-Kulturoberen, darum 

wurde Berluc Staatsnähe nachgesagt. Dietmar Ränker 

kann darüber nur lachen. „Wir waren die Band 

mit den meisten Ausreiseanträgen", erzählt er. „Zu 

uns kamen Musiker, die meinten, wegen unserer 

Popularität zu Auftritten in die BRD zu gelangen. 

Wegen dieser Antragsteller wurde aber nie etwas aus 

Westgigs." Mit einer modifizierten Version von REISE 

ZU DEN STERNEN kam die Band bei der Hamburger 

Teldec 1981 aber wenigsten zu Vinyl-Ehren. 

Das dritte Album, ROCKER VON DER KÜSTE 

(1985), wurde zu einem Sammelsurium ohne roten 

Faden. Alte Nummern wie "No Bomb" standen 

neben Pop-Fehltritten im Stil von "Traumflug". 

Dennoch ging die LP über die Ladentheke wie geschnitten 

Brot. Denn mit den Konstanten Ränker 

BERLUC 

Von Jens-Uwe Berndt 

Als Berluc 1978 mit "Hallo Erde, hier ist Alpha" die Wertungssendungen 

des DDR-Rundfunks aufmischten, war die Überraschung komplett. 

Man kannte die in BER-lin und LUC-kenwalde erfundene, mittlerweile 

aber in Rostock ansässige Band noch von banalem Schunkel-Pop der 

Debütsingle "Wer hat mein Geld?" (1977). Das Science-Fiction-Epos 

hingegen war ein brachialer Heavy-Metal-Knaller, der nicht nur in Melodie 

und Arrangement, sondern auch mit der bombastischen Produktion 

internationalen Standard repräsentierte. Und all das zu Ehren des 

ersten deutschen Kosmonauten Sigmund Jähn? 

und Kähler behielten Berluc ihren Wiedererkennungswert. 

Als jedoch auch Kähler ging, riss die Erfolgsserie. 

Zwar existierte 1988 mit Ränker, Tino Schultheis 

(b), Johann Pistor (g), Bernd Fleischer (g, keys) und 

Ralf Dohanetz (voc) noch einmal eine 

schlagkräftige Truppe, die es zu einer 

EP brachte – mit der Wende war jedoch 

auch für Ostdeutschlands einstige 

Vorzeige-Heavy-Rocker Schluss. 

Seit 1993 ist Ränker mit wechselnden 

Besetzungen wieder unterwegs. 

2010 wurden anlässlich des 35-jährigen 

Bandjubiläums von Ränker, Schultheis, 

Ronnie Pilgrim (voc), Bert Hoffmann 

(g) und Uwe Märzke (keys) neue Songs aufgenommen; 

sie sind als Bonus-Stücke auf der CD ROCKER 

VON DER KÜSTE (NO.2) zu finden. "In der Stille der 

Nacht" ist okay, die Ballade "Flieg Adler flieg" hat 

Berluc-Niveau, "Blind vor Liebe" und "Wenn du lebst" 

hingegen sind Altherren-Rock. Ränker träumt insgeheim 

davon, irgendwann wieder mit Manfred Kähler 

auf einer Bühne zu stehen. „Als er Ende der 80er zurückkommen 

wollte, habe ich ihn abgewiesen", bedauert 

der Bandchef. „Das hat er bis heute scheinbar 

nicht verwunden. Mit Berluc braucht man ihm nicht 

mehr kommen." Wie stark die Gruppe mit Kähler war, 

machen zwölf TV-Aufnahmen und Videoclips aus den 

erfolgreichsten Jahren der Band deutlich; Dietmar 

Ränker hat sie auf der DVD DAMALS WAR’S … IM 

FERNSEHEN (siehe S. 72) veröffentlicht. 


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! REVIEWS 

HIGHLIGHTS 

CD 

KRAVETZ & FRIENDS 

LISZT & LIVE AUF DER WARTBURG 

Wenn man Jean Jacques Kravetz in Udo 

Lindenbergs Panikorchester oder Peter 

Maffays Band auf der Bühne rocken sieht, 

kommt man nicht unbedingt darauf, dass 

der Mann einst am Pariser Konservatorium 

Piano und Altsaxofon studiert hat. Zumal 

mit dem Wissen im Hinterkopf, dass der 

gebürtige Pariser seit den 70er Jahren kräftig 

in der deutschen Rockszene mitmischt, 

als Keyboarder die City Preachers, Frumpy 

und Atlantis mitgründete. 

Doch der inzwischen 

65-Jährige hat nicht 

nur musikalisch schon 

immer über den eigenen 

Tellerrand hinausgeblickt. 

So gründete 

er 2008 im längst zur 

Heimat gewordenen 

Hamburg die Musikstiftung 

Entrée, mit 

der er Talente fördern 

will. Und der umtriebige Musiker lässt sich 

immer wieder Neues einfallen, spannt auch 

Kollegen ein, um Geld für die Stiftung einzutreiben. 

Sei es mit Festivals im Stadtpark 

der Hansestadt, sei es mit einem einzigartigen 

Event in der altehrwürdigen und geschichtsträchtigen 

Wartburg bei Eisenach. Dorthin 

Foto: © Christian Barz 

hatte er am 9. September 2011 zu einem ganz 

besonderen Ereignis eingeladen, und nachdem 

das erste Konzert im Handumdrehen 

ausverkauft war, wurde flugs für den späten 

Abend gleich noch ein zweites angesetzt. 

Natürlich wurde das Ganze aufgezeichnet, 

und der CD-Mitschnitt sollte Anfang 2012 in 

den Läden stehen (siehe GoodTimes 2/2012). 

Aus diversen technischen und logistischen 

Gründen verzögerte sich die Veröffentlichung 

um knapp ein Jahr, doch nun liegt LISZT & 

LIVE AUF DER 

WARTBURG endlich 

vor, ist zu hören, 

womit Kravetz & 

Friends damals beim 

ersten Rockkonzert 

überhaupt in dem historischen 

Gemäuer 

für regelrechte Begeisterungsstürme 

sorgten. 

Aufhänger für das Ereignis waren der 200. 

Geburts- und 125. Todestag von Franz Liszt 

– auf der klassischen Seite eines der großen 

Kravetz-Vorbilder. Und so begann das Konzert 

und beginnt die CD mit einer Bearbeitung 

der Chopin/Liszt-Komposition “Wiosna 

Spring Opus 74 No. 2”, das Kravetz 

gemeinsam mit seiner Schwester Monique 

intonierte, ehe der von der Entrée-Stiftung 

geförderte Youngster Camille Taver die Flügeltasten 

bei Liszts “Annees De Pelerinage” 

beeindruckend traktierte und Kravetz erstmals 

mit Friends der “Lust auf 

Lizt Opus 47” freien Lauf ließ. 

Die Freunde, die Kravetz am 

Vorabend bei einem feierlichen 

Dinner (Peter Maffay 

mit einer eindringlich-intimen 

Version von “Über sieben Brücken”) 

und beim eigentlichen 

Konzert um sich geschart hatten, 

lesen sich wie ein Who 

is who des deutschen Rock: Seine Söhne 

Pascal (voc, g, keys) und Julien (dr) sowie 

Steffi Stephan (b) und Carl Carlton (g, voc) 

bildeten die „Hausband”, die das Fundament 

für alle Gäste lieferte: So sang sich Caro 

Josée inbrünstig durch ihre Glanznummer 

“Let It Rain”; das einst gemeinsam mit Eric 

Burdon verfasste und nun von Pascal Kravetz 

gesungene “Dead Bird On The Beach” 

sorgte für Gänsehautgefühle. Und nach dem 

getragenen, gefühlvollen Auftakt nahm das 

Konzert Schwung auf. Carlton röhrte “Star- 

Crossed” aus seinem Songdogs-Fundus, 

ehe die beiden Kravetz-Freunde Peter Freu- 

denthaler (voc) und Volker Hinkel (g) mit 

den Friends im Rücken satt rockende Versionen 

ihrer Fools-Garden-Ohrwürmer “Life” 

und “Lemon Tree” anstimmten. 

Fast schon nostalgisches, aber knackefrisches 

Schwelgen in der 

Rockgeschichte folgte dann 

im Schlussdrittel: Pascal 

Kravetz ließ mit einer unwiderstehlich 

groovenden 

Fassung von “Bad Case Of 

Lovin’ You” Robert Palmer 

glatt vergessen, und angeführt 

von Carlton gewann 

die All-Starbesetzung dem 

unverwüstlichen “Radar Love” von Golden 

Earring in einer langen, spiel- und improvisationsfreudigen 

Darbietung ganz neue Facetten 

ab, ehe beim großen Finale mit “How 

The Gypsy Was Born” (Hammergesang: 

Pascal Kravetz) die Freundesschar ein weiteres 

Highlight zum Abschluss zündete. Bei 

diesem unglaublich abwechslungsreichen 

Abend wäre man gerne dabei gewesen! Aber 

vielleicht bietet sich ja wieder eine Möglichkeit, 

denn ganz versteckt auf dem CD-Cover 

steht „Volume I”, was auf mehr hoffen lässt. 

(Jacko’ Music/Sony Music, 2012, 

12/71:07) pro 

DVD 

LED ZEPPELIN 

CELEBRATION DAY 

BOX 

PETER GABRIEL 

SO (25th ANNIVERSARY 

DELUXE EDITION) 

Jimmy Page war eigens in Tokio, John Paul 

Jones in Berlin, um bei Kino-Präsentationen 

die Werbetrommel zu rühren. Schließlich 

ging und geht es um die DVD-Dokumentation 

eines der denkwürdigsten Ereignisse, 

das in der letzten Rock-Dekade zu feiern 

war: um CELEBRATION DAY, also 

die Reunion von Led Zeppelin 

am 10. Dezember 2007 in 

London, genauer dort in 

der o2 Arena. 27 Jahre lang 

waren Sänger Robert Plant, 

Gitarrist Jimmy Page und 

Bassist John Paul Jones nicht 

mehr gemeinsam auf einer 

Bühne gestanden – und diesmal 

hatten sie sich deutlich besser 

vorbereitet als beispielsweise 

für die Knebworth-Reunion, 

nicht zuletzt auch ein Verdienst 

von Drummer Jason 

Bonham, der seinen Vater mehr als 

würdig und kraftvoll vertrat, als es darum 

ging, den legendären Gründer des Atlantic- 

Labels und Led-Zep-Förderer, Ahmet Ertegun, 

musikalisch zu ehren, der ein Jahr zuvor 

verstorben war. 

Vor 18.000 Zuschauern legte das Quartett 

vehement los, kam bei der Präsentation seiner 

16 Klassiker stets auf den Punkt – von 

zahlreichen Kameras superb eingefangen 

und festgehalten. Regisseur Dick Carruthers 

hat einen exzellenten Job abgeliefert bei der 

Umsetzung der Show, Ton und Bild erfüllen 

alle Wünsche. Jones lässt seine Jazzvorlie- 

be im Bassspiel durchschimmern, verleiht 

“Trampled Under Foot” an den Keyboards 

einen funky Touch, interagiert intuitiv mit 

dem brillierenden Page, und Plant röhrt sich 

die Seele aus dem Leib, ist wie seine drei 

Kollegen unübersehbar mit Herzblut bei der 

Sache. 

CELEBRATION DAY stellt 

THE SONG REMAINS THE 

SAME von 1976 locker in 

den Schatten, außer dass damals 

eben Bonham sr. seine 

Kollegen vorwärtstrieb. 

Rock und staubtrockener 

Blues mit allerlei 

Ingredienzien, angestimmt 

bei einer 

stimmungsvollen, 

aber nicht in Nostalgie 

absaufenden Party, da 

geht einem als Musikfan das Herz so 

richtig auf! Geliefert wird: brillantes High- 

Definition 16:9-Format in 5.1/48/24 Hi- 

Resolution Audio Surround Sound, mit Aufnahmen 

von den Proben in den Shepperton 

Studios plus BBC-Footage. Manchmal einen 

Tick zu hektisch geschnitten, und ob es 

die Super-8-Aufnahmen aus dem Zuschauerbereich 

gebraucht hätte, ist eher zweifelhaft. 

Aber das sind zu vernachlässigende 

Kritikpünktchen. Entscheidend ist letztlich, 

was hinten rauskommt, sprich in diesem Fall 

die Musik – und die ist schlicht grandios! 

Auch auf der Präsentation per Doppel-CD. 

(Warner, 2012, CD: 8/55:07, 8:60:30) pro 

Mit seinem fünften Solo-Album vollzog Peter 

Gabriel eine Kehrtwende. Schon die Hüllengestaltung 

deutete dies an: Erstmals ließ sich 

der Ex-Genesis-Sänger auf dem Cover nicht 

verzerrt oder sonst wie verfremdet ablichten 

(er habe bei den Frauen punkten wollen, erklärte 

er), und erstmals wählte er einen, 

wenn auch kurzen, Titel: SO. 

Auch musikalisch 

gab sich Gabriel 

zugänglicher, ja, 

poppiger: “Sledgehammer” 

und “Big 

Time” überraschten 

mit Soulgrooves, das ett “Don’t Give Up” mit 

Du- 

Kate Bush (ursprünglich 

wollte Gabriel dafür Dolly Parton 

gewinnen) mit süßem Schmelz. Der Wandel 

zahlte sich aus: SO verkaufte sich weltweit 

millionenfach (UK #1, USA #2, D #2). Bei 

allem kommerziellen Erfolg: Das Album ist 

künstlerisch äußerst anspruchsvoll. Unter 

der Pop-Oberfläche offenbart sich bei genauerem 

Hinhören eine Fülle an klanglichen 

Innovationen und kniffligen Arrangements. 

Man denke etwa an die (oft kopierten) Shakuhachi-Eröffnungstöne 

von “Sledgehammer”, 

die komplex-kompakten Grooves, die 

Manu Katché (dr) und Tony Levin (b) fast 

allen Songs geben, den Gospel-Pianopart von 

“Don’t Give Up”, oder wie Gabriel stimmlich 

glänzt – angefangen mit dem wuchtigen “Red 

Rain” über das zarte “Mercy Street” bis hin zu 

“In Your Eyes”, seinem beschwingten Duett 

mit Youssou N’Dour. Zum 25. Jubiläum (die 

LP erschien 1986, doch der notorisch langsam 

arbeitende Gabriel verspätete sich) erscheint 

nun eine schmucke, von einem 60-seitigen 

Buch begleitete 4-CD/2-DVD/2-Vinyl-Box, 

die dazu einlädt, sich noch einmal ausgiebig 

mit dem Albumklassiker zu beschäftigen. 

Das Set enthält 

neben einem 

neuen, klanglich 

transparenten Remaster 

des Originalalbums 

(digital 

wie analog) eine 

CD mit dem Titel SO 

DNA, die den Entwicklungsprozess 

der 

Songs im Studio nachzeichnet. 

Hinzukommen der wunderbar in 

Bild und Ton festgehaltene, bislang unveröffentlichte 

Gig LIVE IN ATHENS 1987 (auf 

zwei CDs bzw. einer DVD) sowie die sehenswerte 

Doku „The Definitive Authorised Story 

Of The Album” (siehe DVD-Rezension in 

diesem Heft). Schließlich gibt es noch eine 

Vinyl-EP mit den bisher nicht erhältlichen 

Stücken “Courage”, “Sagrada” und einer Alternativversion 

von “Don’t Give Up”. Diese 

Titel hätte man sich zwar auch als Bonus auf 

der CD gewünscht, doch abgesehen davon 

gibt es nichts zu mäkeln an diesem rundum 

zufriedenstellenden Paket. 

(Real World/EMI, 1986/2012, CDs/LP: 

9/46:16, 9/59:37, 9/58:20, 7/47:55, DVDs: 

117 Min., 90 Min.) frs 


TOP 5 – Konzeptalben 

1. Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon 

2. Jeff Wayne – War Of The Worlds 

3. Manfred Mann’s Earth Band – Somewhere In Africa 

4. Various Artists – The Legend Of Jesse James 

5. Stern-Combo Meißen – Weißes Gold 


1. Who – Quadrophenia 

2. Gary Hughes – Once And Future King 

3. Berluc – Reise zu den Sternen 

4. Sopor Aeternus – Dead Lover’s Sarabande 

5. Heino – Fahrtenlieder Album 

Jens-Uwe Berndt 

1. Dr. John – Goin’ Back To New Orleans 

2. Nitty Gritty Dirt Band – Will The Circle Be Unbroken 

3. Johnny Cash – Bitter Tears 

4. Frank Sinatra – Come Fly With Me 

5. Willie Nelson – Red Headed Stranger 

Rüdiger Bloemeke 

1. Genesis – The Lamb Lies Down On Broadway 


3. Dream Theater – Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory 

4. Triumvirat – Pompeji 

5. Webber/Rice – Jesus Christ Superstar 

Lothar Brandt 


2. Nektar – Remember The Future 

3. Camel – The Snow Goose 

4. Jethro Tull – Thick As A Brick 

5. Donald Fagen – The Nightfl y 

Michael Fuchs-Gamböck 

1. Lou Reed – Berlin 

2. Peter Hammill – Nadir’s Big Chance 

3. Al Stewart – Past, Present, Future 

4. Kinks – Arthur (Or The Decline And Fall Of The British Empire) 

5. Alan Price – Between Today And Yesterday 

Hans-Jürgen Günther 



3. Dream Theater – Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory 


5. Fates Warning – A Pleasant Shade Of Grey 

Ralf Günther 

1. Spliff – The Spliff Radio Show 

2. Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band 

3. Phillip Boa – Philister 

4. Kraftwerk – Tour de France 


Christian Hentschel 

Mitarbeiter 


2. Rolling Stones – Beggar’s Banquet 



5. Willie Nelson – Red Headed Stranger 

Helmut Ölschlegel 


2. Pretty Things – S.F. Sorrow 

3. Wigwam – Fairyport 


5. Pink Floyd – The Wall 

Martin Reichold 

1. Who – Tommy 

2. David Bowie – The Rise And Fall Of Ziggy Stardust 

3. Alan Parsons Project – Tales Of Mystery And Imagination 


5. Paul Vincent – Sternenreiter 

Philipp Roser 



3. Grobschnitt – Rockpommel’s Land 

4. Donald Fagen – The Nightfl y 

5. Al Stewart – Between The Wars 

Oliver Schuh 


2. Tom Waits – Frank’s Wild Years 

3. David Bowie – Ziggy Stardust 

4. Who – Tommy 


Frank Schuster 

1. Alan Parsons Project – Pyramid 

2. Buddy & The Huddle – Music For A Still Undone Movie Maybe Called Suttree” “ 

3. Emerson, Lake & Palmer – Pictures At An Exhibition 

4. Die Toten Hosen – Ein kleines bisschen Horrorschau 

5. Bo Hansson – Music Inspired By Lord Of The Rings 

Ulrich Schwartz 

1. Spirit – Future Games 

2. Nirvana – The Story Of Simon Simopath 


4. Fire – The Magic Showmaker 

5. Kinks – The Village Green Preservation Society 

Alan Tepper 


2. Small Faces – Ogdens Nut Gone Flake 

3. Kinks – The Village Green Preservation Society 


5. Elton John – Tumbleweed Connection 

Uli Twelker 


2. Pete Townshend – White City: A Novel 



5. Rush – 2112 

Tino Krauter 

1. Kraftwerk – Radio-Aktivität 

2. Eloy – Ocean 

3. Klaus Schulze – Timewind 

4. Blue Öyster Cult – Imaginos 


Frank Küster 

Lita Ford 

1. Magma – Mekanik Destruktiw Kömmandöh 

2. Frank Zappa – Joe’s Garage 



5. Jethro Tull – A Passion Play 

Thomas Wachter 

1. Black Sabbath – Black Sabbath 

2. Deep Purple – Fireball 

3. Elton John – Yellow Brick Road 


5. Alice Cooper – Welcome To My Nightmare 


© Pressefoto

CD 

REVIEWS 

MARK EITZEL 

DON’T BE A STRANGER 

Seine Solokarriere und die Arbeit als Sänger 

bei der Band American Music Club 

(AMC) liefen bei Mark Eitzel stets parallel. 

Mit DON’T BE A STRANGER legt 

der Kalifornier sein nunmehr elftes Solo- 

Album vor. Eigentlich waren die Songs für 

ein neues Album des AMC gedacht. Doch 

nach einem Herzinfarkt entschied der Sänger/Songschreiber, 

erst mal langsam zu 

machen, sich den Band-Stress noch nicht 

zu geben und die neuen Stücke solo einzuspielen. 

DON’T BE A STRANGER ist ein 

wunderschönes Singer/Songwriter-Album 

geworden; die elf reduziert instrumentierten 

Lieder oszillieren zwischen ruhigintrospektiv 

und poppig-leichtfüßig, erinnern 

in ihrer Zerbrechlichkeit mal an Nick 

Drake, dann wieder an das Geradeheraus 

eines Elvis Costello. 

(Decor/Indigo, 2012, 11/43:45) frs 

FOOLS GARDEN 

WHO IS JO KING? 

Nein, den Veröffentlichungstakt 

von 

Fools Garden als 

„hyperaktiv” zu bezeichnen, 

ist ohne 

Frage unangebracht. 

Sieben Jahre haben 

sich Pt Peter Freudenthaler (voc, keys), 

Volker Hinkel (g, voc), Dirk Blümlein (b) 

und Claus Müller (dr) Zeit gelassen für ihr 

neues Studiowerk, das mit dem kryptischen 

Titel WHO IS JO KING? sowie dem von 

Klaus Voormann wunderschön gestalteten 

Albumcover im REVOLVER-Stil neugierig 

auf seinen Inhalt macht. Und schon nach 

den ersten paar Songs erkennt man dann 

den Vorteil dieser langen Entstehungszeit, 

hier hat es nur erstklassiges Material aufs 

Album geschafft, mediokres Füllmaterial 

Fehlanzeige! Gekrönt wird dieser hochklassige 

Indie-Pop – der, wen wundert’s, 

oft an die späten Beatles erinnert – durch 

die erste Single-Auskopplung “Innocence”, 

die in gleich zwei (ebenbürtigen) Versionen 

zu hören ist: einmal als Pop-verliebter Radio-Edit, 

einmal sorgte das Deutsche Filmorchester 

Babelsberg für den klassischen 

instrumentalen Background. Stark! 

(Seven Days Music/Sony Music, 2012, 

12/54:19) us 

DESIGN 

ONE SUNNY DAY – SINGLES 

AND RARITIES 1968–1978 

Letztes Jahr erschienen bereits die vier 

ersten Alben dieser sechsköpfigen Vocal- 

Pop-Band aus Großbritannien auf zwei 

CDs. Gegründet wurden Design 1968 von 

Tony Smith, dessen Platz ab 1970 von Jeff 

Matthews eingenommen wurde; mit Barry 

Alexander, Gabrielle Field, Kathy Manuell, 

John Mulcahy-Morgan und Geoff Ramseyer 

blieb das Personal ansonsten konstant. 

Nach fünf Alben, 13 Singles und über 

50 TV-Auftritten löste sich die Band 1976 

auf. Bevor nun das letzte, noch nicht wiederveröffentlichte 

Album der Band erscheinen 

kann – es fehlt noch die Freigabe der 

ursprünglichen Plattenfirma –, kann man 

sich die Wartezeit mit ONE SUNNY DAY 

verkürzen. Getreu dem Untertitel SING- 

LES AND RARITIES 1968–1978 liefert 

es Single A- und B-Seiten, Demoversionen 

sowie bisher unveröffentlichte Raritäten 

wie das in Deutsch gesungene “Träume”, 

das die Band 1973 als Polydor-Single für 

den deutschen Markt aufnahm. Äußerst interessant 

auch die Track-by-track Infos von 

Barry Alexander, der dabei mehr als einmal 

aus dem Nähkästchen plaudert ... 

(Cherry Red/Rough Trade, 2012, 

20/61:13) tk 

CHERRY GEHRING 

MACHS LAUT, ’S ISCH STEREO 

Auf den Spuren einer 

Schwaben-Rock- 

Legende, des 2003 

verstorbenen 

Wolle 

Kriwanek, 

wandelt 

Cherry 

Gehring 

mit seinem Album 

MACHS LAUT, ‘S ISCH STEREO. Dabei 

hat der umtriebige Musiker, der sein 

Talent an Stimme und Keyboard schon mit 

Kriwanek und David Hanselmann bei der 

Stimmband und den Dudes, als vielseitiger 

Tourbegleiter von Pur sowie bei zahlreichen 

Studioproduktionen (Pe Werner, 

Relax, Rudi Buttas) beweisen konnte, 

zusammen mit Gitarrist Jörg Orlamünder 

eingängige Songs zwischen Pop und Rock 

geschrieben. Die Texte, die Cherry Gehring 

in „gemäßigtem” Schwäbisch – zur Not 

im Booklet mitlesbar – zum Besten gibt, 

beackern ein weites Feld. Der Titelsong ist 

eine Ode an die Kraft lauter Musik, “1, 2, 

3 und vorbei” schildert das Urproblem aller 

Musikanten, mit “Zurück zu dir”, “Herz 

aus Gold” und “Steh total auf dich” kommt 

er natürlich am Songtextthema Nummer 1, 

der Liebe, nicht vorbei. 

(Stereo Süd/Intergroove, 2012, 

12/48:46) tk 

EFTERKLANG 

PIRAMIDA 

Es gibt in Skandinavien nicht nur Sigur 

Rós aus Island, die in wehmütigen, traumverhangenen 

Wohlfühlklängen jenseits 

der schnöden Realität schwelgen, sondern 

auch beispielsweise das dänische Kollektiv 

Efterklang, das den Bogen solcher Soundkaskaden 

raus hat und mit dessen Kompositionen 

man sich als Hörer prächtig dem 

Eskapismus hingeben kann. Wobei sich die 

Dänen ähnlich wie ihre nördlicheren Kollegen 

an sphärischen Bands wie den Cocteau 

Twins, Mogwai oder auch mal Dead Can 

Dance orientieren, bei ihrer Klangarbeit 

aber rhythmischer und dadurch fokussierter 

vorgehen. Weit ab von jeglichem Alltag 

sind die Melodien auf dem vierten Efterklang-Werk 

PIRAMIDA freilich allemal. 

Wer sich hier nicht begeistert dem Taumel 

der idyllischeren Parallelwelt hingibt, dessen 

Alltag besteht tatsächlich nur aus Euro- 

Krise und Rentenvorsorge. 

(4 ad/Indigo, 2012, 10/46:11) mfg 

GABBY YOUNG & OTHER 

ANIMALS 

THE BAND CALLED OUT FOR 

MORE 

Im Gegensatz zu manchen ihrer Newcomer- 

Kolleginnen gelingt es Gabby Young, ihrem 

hervorragenden Erstling ALL IN THIS TO- 

GETHER (2010) ein noch besseres Album 

folgen zu lassen. THE BAND CALLED 

OUT FOR MORE vereint alles was exzellenten 

Pop ausmacht. Die Musik atmet den 

Hauch der 20er bis 60er Jahre mit clever 

modernisierten Elementen, bei den flotten 

Songs wie “In Your Head” ein wenig an 

Caro Emerald erinnernd. Die vielköpfige 

Band sorgt für Abwechslung mit Akkordeon, 

Trompete, Geige, Piano und akustischen Gitarren, 

während die 28-jährige Gabby Young 

mit ihrer vielseitig ausgebildeten Stimme 

alles überragt. Die von ihr selbst geschriebenen 

Songs sind fein ausgearbeitet mit viel 

Sinn für die Kunst der Ökonomie (wundervoll: 

“Honey”). Somit bleibt trotz der vielseitigen 

Instrumentierung ein lockerer Sound. 

Wer Popmusik auf allerhöchstem Level und 

mit grandioser Stimme erleben möchte, fügt 

seiner Sammlung mit dieser CD einen wahren 

Schatz bei. 

(Monumental/India Media/Rough Trade, 

2012, 13/47:40) p 

AZTEC CAMERA 

HIGH LAND, HARD RAIN + 

LOVE + STRAY + DREAMLAND 

+ FRESTONIA 

In allerhöchster h Rhino-Qualität 

sind aktuell 

fünf Alben der 

schottischen 

Band 

um Mastermind Roddy 

Frame erschienen. 

Die Hardcover-Digis 

punkten jeweils durch ein umfangreiches 

Booklet. Die CDs wurden kraftvoll remastert 

und enthalten zahlreiche Bonus-Tracks 

oder sogar eine komplette Bonus-CD zum 

regulären Album. HIGH LAND, HARD 

RAIN war ein außergewöhnlich starkes 

Debüt, auf dem die Gruppe Pop-orientierte 

Musik mit viel Gitarren und leichten Folkeinflüssen 

präsentierte, die auch noch das 

Rockpublikum erreichte. Neben vier klanglich 

einwandfreien Nummern sind 12”- 

Mixe zu finden. Der dritte Longplayer der 

Band fiel insgesamt stromlinienförmiger 

und gefälliger aus, wobei leichte Soulelemente 

ähnlich wie bei Style Council im 

Sound auftauchen, die dem Gesamtklang 

einen raueren Charakter verleihen. Auf der 

Bonus-CD erklingen neben einem harten 

Mix von “Deep And Wide And Tall” unterschiedliche 

Versionen, Live-Aufnahmen 

und unbekannte Nummern. STRAY lebt 

durch kraftvolle Pop-Rocksongs (“The 

Crying Scene”), den Hit “Good Morning 

Britain” und leichte Jazzeinflüsse. Gelungenes 

Album, das die Metamorphose von 

Aztec Camera belegt. Neben vier nicht 

immer überzeugenden Bonus-Tracks verdeutlichen 

insgesamt sechs Remixe des 

Chartstürmers “Good Morning Britain” die 

Klasse der Nummer. DREAMLAND kann 

Pop 

mit Nummern voller Beatles-Referenzen 

aufwarten (“Safe In Sorrow”), dem erstklassigen 

Hit “Spanish Horses”, bei dem Frame 

seine Qualitäten als Gitarrist zeigt, und dem 

sehr entspannten “Valium Summer”. Neben 

dem regulären Album wurde eine charmante 

Fassung von “(If Paradiese Is) Half 

As Nice” von der Gruppe mit Unterstützung 

von Andy Fairweather Low berücksichtigt. 

Die Bonus-CD enthält ein Akustikkonzert 

aus dem Jahr 1991 aus Ronnie Scott’s Club 

– wohl einer der schönsten Momente der 

Bandgeschichte! FRESTONIA bewegt sich 

zwischen Brit-Pop (“Sun”), sehr ruhigen, 

auf der Akus tikgitarre vorgetragen Stücken 

(“On The Avenue”), aber auch packenden 

Rocktiteln (“Beautiful Girl”). Eines ihrer 

stärksten Alben, bei dem der Pop-Ansatz 

weit in den Hintergrund rückt. Vier abwechslungsreiche 

Livetracks von einem 

Fes tival aus dem Jahr 1995 wurden als Bonus 

genutzt. Durch die Neuausgaben können 

sich die Hörer mit einer Band auseinandersetzen, 

die wegen der zeitlichen Nähe 

der Gründung viel zu schnell in die Kategorie 

Synthie-Pop geworfen wird, was aber 

dem Gesamtkonzept nicht gerecht wird. 

(Edsel/Soulfood, 1983, 17/66:09 + 1987, 

9/37:48, 10/44:45 + 1990, 9/41:44, 

10/45:44 + 1993, 12/56:58, 14/58:58 + 

1995, 14:69:25) fl 

TORI AMOS 

GOLD DUST 

Einst brach die in alle 

Richtungen 

widerspenstige 

Pfarrerstochter 

Tori Amos aus 

North Carolina ihre 

Konservatoriumsausbildung 

ab, um sich 

als eigenwillige illi Pop- und Rockkünstlerin 

zu betätigen. Mit ihrem letztjährigen Opus 

NIGHT OF THE HUNTERS kehrte sie zu 

ihren Wurzeln zurück und ließ sich bei ihren 

Kompositionen von der Klassik inspirieren. 

Diesen Weg setzt sie mit GOLD DUST nun 

konsequent fort: Mit dem Metropole Orchestra 

hat sie gut ein Dutzend Songs aus ihrem 

reichhaltigen Backkatalog neu arrangiert 

und eingespielt. Und zwar weniger die bekannten, 

sondern eher obskure. Das Resultat 

klingt erhaben, fein ziseliert und einzigartig, 

voller Kontraste und doch stets in sich 

schlüssig. Gerade auch in diesem Klangkontext 

kommt Amos’ markante Stimme gelungen 

zur Geltung. Das Resultat klingt neu und 

zugleich vertraut. 

(Deutsche Grammophon/Universal, 

2012, 14/61:09) pro 

GEVA ALON 

IN THE MORNING LIGHT 

In seiner Heimat Israel liegen ihm die Fans 

schon länger zu Füßen, GET CLOSER ließ 

letztes Jahr schon international aufhorchen 

und machte neugierig auf den Weg, den der 

Gitarrist und Sänger Geva Alon mit seinem 

neuen Werk gehen würde. Nun liegt es mit 

IN THE MORNING LIGHT vor und hält 

den hohen Erwartungen locker stand. Nach 

eigenen Worten beeinflusst von Künstlern 

wie Neil Young, Bill Callahan, Tom Verlaine 

oder Wilco, ist es Alon gelungen, 

seine leidenschaftlich vorgetragenen Songs 

an diesen Vorbildern auszurichten. Nicht 

von der Stimme her – da agiert Geva Alon 


CD 

REVIEWS 

einige Oktaven tiefer –, aber bezogen auf 

die Stimmung, kommt einem da sofort Neil 

Youngs Meisterwerk ON THE BEACH in 

den Sinn, öfter fühlt man sich auch an die 

(eher ruhigeren) Songs von R.E.M. erinnert, 

stark auch die warmen und berührenden 

Texte. Außerdem gelang es Produzent 

Thom Monahan (Pernice Brothers, Vetiver, 

Beachwood Sparks), die sonnige Stimmung 

des spanischen Studios in den Sound zu packen, 

was IN THE MORNING LIGHT zu 

einem klasse Gesamtpaket macht. 

(25 Vibes/Warner, 2012, 10/44:35) us 

R.E.M. 

DOCUMENT (25TH ANNI- 

VERSARY EDITION) 

Mit 

DOCUMENT, 

ihrem fünften Studio-Album, 

feierten 

R.E.M. 1987 ihren 

internationalen 

Durchbruch. 

Erstmals 

stiegen sie in 

in die US-Top-Ten T ein (Albumcharts #10, 

Single “The One I Love” #9). Der Longplayer 

war aber nicht nur ein kommerzieller, 

sondern auch ein künstlerischer Erfolg: 

R.E.M. suchten neue Wege, öffneten ihren 

Sixties-orientierten Jangle-Pop rockigeren 

Sounds und klangen auf dem Album, das 

mitten in einer politisch angespannten Situation 

erschien (Reagan-Ära: „Star Wars”- 

Pläne, Iran- Contra-Affäre), wütender als je 

zuvor; Mit “Finest Worksong”, “Welcome 

To The Occupation”, “Exhuming McCarthy” 

und “It’s The End Of The World As 

We Know It (And I Feel Fine)” schrieben 

sie gar handfeste Protestsongs. Der Albumklassiker 

erscheint nun zum 25. Jubiläum, 

klanglich erneuert, in einer schön gestalteten 

Box, die eine zweite CD mit einem 

1987er Konzert im niederländischen Utrecht 

sowie ein umfangreiches Booklet, 

Postkarten und ein Poster enthält. 

(I.R.S./Capitol/EMI, 1987, 

11/39:51, 20/79:39) frs 

PALAIS SCHAUMBURG 

PALAIS SCHAUMBURG 

Die Hamburger Band Palais Schaumburg, 

die sich im vergangenen Jahr reformierte, 

war eine der wichtigsten Gruppen der frühen 

Neuen Deutschen Welle. Zwar hatten 

sie mit ihren avantgardistischen, genialdilettantischen, 

u.a. von The Residents und 

Post-Punk inspirierten Songs nie einen so 

durchschlagenden Erfolg wie die viel kommerzieller 

orientierten Nena, Markus & Co., 

doch ihre Alben genießen bis heute Kultstatus 

– sogar in Großbritannien. Das selbst 

betitelte Debüt PALAIS SCHAUMBURG 

(1981) wird nun in einer erweiterten 2-CDbzw. 

2-LP-Version wiederveröffentlicht. 

Neben dem remasterten Originalalbum mit 

seinen zehn Songs (u.a. “Wir bauen eine neue 

Stadt”, “Grünes Winkelkanu”) gibt es als 

Dreingabe noch eine zweite Scheibe voll mit 

Non-Album-Singles (darunter “Rote Lichter” 

und “Telefon”) sowie bislang unveröffentlichte 

Live-Aufnahmen von einem Konzert 

in den Niederlanden im Januar 1982. Hinzu 

kommt ein üppig ausgestattetes Booklet mit 

einem Begleittext des englischen Musikjournalisten 

Chris Bohn („The Wire”). 

(Bureau B/Indigo, 1981, 10/34:54, 

12/33:03) frs 

Pop 

JEFF LYNNE 

LONG WAVE 

Für gespaltene Reaktionen unter den 

ELO- und Jeff-Lynne-Fans dürfte das 

neueste Album ihres Helden sorgen. Mit 

LONG WAVE hat sich Jeff Lynne auf 

den ersten Blick gesehen weit weg von 

seiner sons tigen Musik begeben und ist 

mit “Running Scared”, “Smile At Last”, 

“If I Loved You”, “Bewitched, Bothered 

And Bewildered” oder “So Sad” auf die 

Spuren von Roy Orbison, Etta James, 

Barbra Streisand, Carol Bruce und der 

Everly Brothers unterwegs. Er hat den 

Soundtrack seiner Jugend in der für ihn 

typischen Manier, also mit einem gefühlten 

Orchester voller Gitarren, Synthie- 

Streicher und Chöre, aufgenommen. Doch 

wer genau hinhört, wird die zahlreichen 

Parallelen zu Lynnes eigenen Songs herausfinden; 

wer sich tief genug im ELO- 

Kosmos auskennt, wird erkennen, wo sich 

Jeff Lynne die Inspiration für seine Musik 

hergeholt hat. Und wie gut ihm diese zeitlosen 

Klassiker auch heute noch gefallen, 

beweist er ja damit, dass er nicht nur den 

einen oder anderen Titel davon spielt, 

sondern jetzt ein ganzes Album mit diesen 

Cover-Versionen veröffentlicht. 

(Frontiers/Soulfood, 2012, 11/27:25) tk 

VARIOUS ARTISTS 

HANDY MAN – THE OTIS 

BLACKWELL SONGBOOK 

Otis 

Blackwell 

(1931–2002) hat 

auch einiges als Sänger 

veröffentlicht, 

aber das war nicht 

sein Wunschberuf. Er 

wollte lieber Komponist 

itsein, und ddas gelang ihm – speziell in 

den Fifties – derart gut, dass kein Geringerer 

als Little Richard ihn für den Besten 

jenes Jahrzehnts hält. Was der Wahrheit 

zumindest sehr nahe kommt, wofür HAN- 

DY MAN massenhaft Beweise liefert. Die 

Prominenz aus Rock’n’Roll, Pop und Soul 

von Elvis Presley und Jerry Lee Lewis über 

Little Willie John, Cliff Richard und Gene 

Pitney bis Solomon Burke, Ben E. King, 

Del Shannon, Clyde McPhatter und Mahalia 

Jackson bediente sich bei Otis Blackwell. 

Presley ist zwar nur mit dem minder 

bekannten, aber eindrucksvollen “Make Me 

Know It” vertreten, doch seine Hits “Don’t 

Be Cruel” und “All Shook Up” gefallen natürlich 

auch in der Version von Jerry Lee 

Lewis bzw. David Hill. Weitere Highlights 

sind “My Pigeon’s Gone” (toller Doo-Wop 

mit The Five Keys), der All-Time-Klassiker 

“Fever” (den Blackwell unter dem Pseudonym 

John Davenport schrieb) in Little Willie 

Johns perfekter Fassung, “Nine Times 

Out Of Ten” (Cliff Richard), “Honky Tonky” 

(Dinah Washington), “Too Long Will 

Be Too Late” (Jimmy Jones) sowie “Daddy 

Rolling Stone” (Derek Martin, von den 

frühen Who toll gecovert). Tja, und “One 

Broken Heart For Sale”, hier als Demo zu 

hören, zeigt, dass Blackwell, stimmlich 

Presley ähnelnd, als Interpret gewiss besser 

war, als er es selbst wahrhaben wollte 

... Anyway, der Meisterklassen-Komponist 

arbeitete zeitweilig wie am Fließband, aber 

auf einem irre hohen Niveau, so dass fürs 

Singen vielleicht auch die Zeit nicht reichte. 

ERIC 

CLAPTON 

SLOWHAND 

35th Anniversary Edition 

Super Deluxe Edition 

(3 CDs / 1 DVD (Audio) / 1 LP) 

Die Box enthält: 

• Slowhand remastert von den original ¼-Zoll Analog-Masterbändern 

plus vier Album unveröffentlichte Session Outtakes. 

• Live At Hammersmith Odeon, 27. April 1977 in voller Länge (2CDs, 

inkl. zehn bisher unveröffentlichten Tracks). 

• Slowhand remastert in 24/96 Hi-Resolution Stereo und 

5.1 Surround Sound (Audio DVD). 

• Slowhand remastert Vinyl-LP auf 180g Heavyweight Vinyl. 

• dazu drei Reproduktionen von Tourprogrammen aus der Zeit 

und ein Buch. 

• Das Packaging ist dem original Fenderamp nachempfunden, 

der bei den Aufnahmen verwendet wurde. 

Auch erhältlich als Deluxe Edition 

(2 CD), 1 CD und 180g Vinyl 

(alle remastert) 



CD 

REVIEWS 

Wer sich vertieft mit Blackwell befassen 

will, greife ergänzend zu seinem Sampler 

ALL SHOOK UP (Shanachie 9204) und 

dem Tribute-Album BRACE YOURSELF 

(Shanachie 5702) mit Aufnahmen u.a. von 

Graham Parker, Kris Kristofferson, Willy 

DeVille und Dave Edmunds. 

(Ace/Soulfood, 2012, 24/51:39) hjg 

GRIZZLY BEAR 

SHIELDS 

Seit das wunderbare Kollektiv Fleet Foxes 

mit grandiosem, mehrstimmigem Gesang 

weltweit einen Siegeszug in den Charts 

startete, gibt es geradezu eine Epidemie von 

psychedelisch angehauchten Neo-Folk - 

Rockbands. Am bekanntesten und garantiert 

mit am talentiertesten ist das Quartett 

Grizzly Bear aus dem New Yorker Stadtteil 

Brooklyn. Auch auf ihrem aktuellen, vierten 

Album SHIELDS sorgen die „Grizzlys” ein 

weiteres Mal für jede Menge Glückswogen 

mit ihrem so introvertierten wie ekstatischen 

Sound irgendwo zwischen Simon & 

Garfunkel, Crosby, Stills & Nash und der 

Incredible String Band. Zwischendrin verirren 

sich schon mal ein kerniger Rock-Ton 

und sogar ein kleiner Ausflug ins Reich des 

Electro. Doch der Grundtenor des Geschehens 

lautet eindeutig: Sehnsucht. 

(Warp/ Rough Trade, 2012, 10/48:03) mfg 


CHRISTMAS RULES 

Alle Jahre wieder 

...? Muss nicht sein! 

Aus der jährlich erscheinenden 

Flut 

von Weihnachts-CDs 

ragen immer wieder 

einige wenige hervor, 

die wirklich aufhorchen h lassen. In dieser 

Saison gehört CHRISTMAS RULES ganz 

unbedingt dazu. Kein Wiederaufguss alter, 

bereits zigfach aufgelegter Aufnahmen, sondern 

neu und exklusiv für diese Compilation 

eingespielte Songs. Und das von Künstlern, 

denen Kitsch fern liegt: Paul McCartney und 

Diana Krall liefern mit der von Nat King 

Cole bekannt gemachten Nummer “Christmas 

Song (Chestnuts Roas ting On An Open 

Fire)” ein schönes Jazzduett ab, ebenso wie 

Rufus Wainwright und Sharon Van Etten mit 

“Baby It’s Cold Outside”. Calexico bringen 

eine ruhige Americana-Version des englischen 

Renaissance-Liedes “Green Grows 

The Holly”, inklusive pompöser Mariachi- 

Trompeten; ebenso melancholisch klingen 

die Neo-Folker The Civil Wars mit “I Heard 

The Bells On Christmas Day”. Weitere Interpreten 

sind u.a.: Irma Thomas, Punch Brothers, 

fun., The Shins, Andrew Bird, Holly 

Golightly und The Head And The Heart. 

(Hear/Universal, 2012, 17/58:38) frs 

DIVA DIVER 

DIVA DIVER 

Schon seit ihrer Kindheit musizieren die in 

Griechenland geborenen und nun zwischen 

Berlin und Athen pendelnden Brüder Al und 

Emil Potamianos miteinander, mischten zunächst 

Punk mit Ska und Prog-Rock und sind 

mittlerweile mit ihrem Debüt DIVA DIVER 

bei abwechslungsreichem Indie-Pop angekommen. 

Das Interessante an ihrer Musik 

ist die Tatsache, dass ihr Songwriting alles 

andere als eindimensional ist, dass es bei ihren 

Songs immer eine Wendung mehr gibt, 

als man vielleicht erwarten würde, dass sie 

gekonnt mit Zitaten und Referenzen aller 

Art spielen. Dabei beherrschen sie die Erfolg 

versprechende Kunst ihre Arrangements so 

anzulegen, dass sie schnell auf den Punkt 

kommen, aber dennoch immer wieder mit 

kleinen Details imponieren können. Und 

dass sie dabei ihren Indie-Charme nicht verlieren, 

dass ihre Musik durch einen Touch 

Rohheit irgendwie sympathisch wirkt, ist 

sicher auch kein Nachteil. Ein gekonntes und 

vor allem vielschichtiges Erstwerk. 

(G/Rough Trade, 2012, 10/30:43) tk 

KLAUS HOFFMANN 

BERLINER SONNTAG 

Als 

Liedermacher 

muss man ein aufmerksamer 

Beobachter 

sein. Doch damit 

fängt die Arbeit erst 

an. Denn das, was da 

so beobachtet wird, 

muss dann sowohl in passende (und wohlklingende) 

Worte als auch in wohlklingende 

(und passende) Musik gebracht werden. 

Ein unbestrittener Meister dieses Faches ist 

der Berliner Klaus Hoffmann, der Freunde 

feingeistiger Tonkunst seit Mitte der 70er 

Jahre mit wunderschöner Musik versorgt. 

War es anfangs noch hauptsächlich französisch 

inspiriertes Chanson (insbesondere 

Jacques Brel), hat er das Repertoire im 

Laufe seiner Karriere gehörig erweitert. 

Auch auf BERLINER SONNTAG reicht 

das Spektrum von luftigem Bossa (“Maoam 

und Magdalene”) über Jazz (“Es hat klack 

gemacht” und “Berliner Sonntag” mit Till 

Brönner) bis zu Singer/Songwriter-Folk 

(“Meine Zeit” mit Reinhard Mey). Doch 

abseits aller Stile beeindruckt Hoffmann 

auch auf seinem neuen Album mit seiner 

feinen Beobachtungsgabe, mit seiner Fähigkeit, 

die richtigen Worte zur richtigen 

Musik zu finden – was sich wahrscheinlich 

wesentlich leichter anhört, als es ist. 

(Stille Music/Indigo, 2012, 15/48:32) us 

BOB LIND 

FINDING YOU AGAIN 

Manchmal bedarf es einer neuen Platte, um 

sich daran zu erinnern, dass jemand, den man 

mag, aber längst aus den Augen verloren hat, 

noch still alive & well ist. So ein Fall ist der 

US-Liedermacher Bob Lind, im Jahre 1966 

ein verheißungsvoller Kurzzeitstar. Sein Super-Lied 

hieß “Elusive Butterfly”, erreichte 

in den USA und im UK Platz 5 und war auch 

bei uns und in zig anderen Ländern ein Hit. 

The Blues Project coverten den Lind-Song 

“Cheryl’s Going Home”, Marianne Faithfull 

griff sich “Counting” und die Yardbirds 

“Mr. Zero”. In rascher Folge erschienen drei 

Lind-Alben, von denen DON’T BE CON- 

CERNED den meisten Kritikerzuspruch bekam. 

Der optisch Bob Dylan etwas ähnelnde 

Sänger schien auf der richtigen Schiene zu 

laufen, aber es gab keinen weiteren Hit. Und 

nach 1966 passierte ohnehin nicht mehr viel, 

bis auf einen schnell verebbenden 1971er 

Comeback-Versuch mit SINCE THERE 

WERE CIRCLES. Endstation: Obskurität. 

Lind verließ das Musikgeschäft und schrieb 

lieber Romane und Kurzgeschichten. Und 

nun liegt nach 41 Jahren Pause doch noch 

eine neue Platte vor. FINDING YOU AGAIN 

ist ein unspektakulär schönes Album mit Musik 

im angenehmen frühsieb ziger Stil. Praktisch 

alles ist wie damals: mit sanften Orchesterklängen 

untermalter Folk-Pop-Rock von 

einiger Ausstrahlung. Lind hat als Komponist 

nichts verlernt und ist noch gut bei – gereifter 

– Stimme. Ein Klassiker ist leider nicht dabei, 

aber “Somewhere In This City” und “Someone 

To Adore” kommen “Elusive Butterfly” 

doch ziemlich nah. 

(Big Beat/Soulfood 2012, 

13/54:12) hjg 

DAVID CASSIDY 

DREAMS ARE NUTHIN’ MORE 

THAN WISHES/THE HIGHER 

THEY CLIMB + HOME IS 

WHERE THE HEART IS ... / 

GETTIN’ IT IN THE STREET 

Prall gefüllt mit 24 Titeln erscheint tDavid 

Cassidys UK-Nr.1-Album DREAMS ARE 

NUTHIN’ MORE THAN WISHES zusammen 

mit seinem Top-30-Nachfolger THE 

HIGHER THEY CLIMB, beide als CD- 

Premieren. Wie schon bei den ersten Alben 

Cassidys wurde der edle amerikanische 

Pop mit Top-Musikern umgesetzt, darunter 

Larry Carlton, Danny Kortchmar und 

Al Casey an den Gitarren, Emory Gordy 

und Larry Knechtel am Bass, am Schlagzeug 

Ronnie Tutt und Jim Keltner, für die 

Backing-Vocals standen Carl Wilson, Kim 

Carnes oder Richie Furay zur Verfügung. 

Fast noch erlesener wurde es dann 1976 

und 1977, als Produzent Bruce Johnston 

(The Beach Boys) für die Alben HOME IS 

WHERE THE HEART IS ... und GETTIN’ 

IT IN THE STREET mit Gerry Beckley 

und Dewey Bunnell die prägenden Stimmen 

von America, den perlenden Bass von 

Leland Sklar (The Section) und mit Mick 

Ronson den Gitarristen von David Bowie 

einsetzen konnte. Auch hier sind beide Alben 

CD-Debüts, mit dabei auch die Cover- 

Version des Pilot-Hits “January”, die 1976 

in Deutschland als Single veröffentlicht 

wurde. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1973/1975 + 

1976/1977, 24/75:29, 19/65:26) us 

FAMILY FIVE 

HUNDE, WOLLT IHR EWIG 

LEBEN? 

Für die „Zeit” ist Peter Hein „der beste Texter 

der Generation-Nach-Punk”. Doch die 

hintergründigen, beißend bösen, witzigen 

Ideen Heins kämen ohne die musikalische 

Verpackung, die ihm seine Combo Family 

Five lieferte, nicht derart grandios zur 

Geltung. Die Düsseldorfer kreierten eine 

für deutsche Verhältnisse geradezu unglaublich 

vielseitige Melange aus Funk, 

Punk, Pop, Blues, Rock, Soul und Swing 

mit messerscharfen Bläsern plus Gitarre. 

Wie ideenreich und handwerklich astrein 

die 2011 wieder aktiv gewordene Truppe 

um Hein und Gitarrist/Songschmied Xao 

Seffcheque zur Sache ging, beweisen die 36 

Songs dieser Werkschau. Seffcheque selbst 

stellte den von 1981 bis 2004 reichenden 

Pop 

Klang überblick zusammen, im aufwändigen 

Booklet wird die Bandgeschichte 

sehr informativ gewürdigt. Family Five 

waren/sind die bes te unbekannte deutsche 

Popband! 

(Sireena/Broken Silence, 2012, 

20/69:38, 16/61:27) pro 

RODRIGUEZ 

SEARCHING FOR SUGAR MAN 

Ende Dezember läuft 

der Film „Searching 

For Sugar Man” in 

deutschen Kinos an. 

Die Doku erzählt eine 

fast unglaubliche Geschichte: 

Vor rund 40 

Jahren veröffentlichte der mexikanisch-amerikanische 

Sänger/Songschreiber Sixto Diaz 

Rodriguez, der nur unter seinem Nachnamen 

auftrat, die beiden Alben COLD FACT (1970) 

und COMING FROM REALITY (1971), 

beide ursprünglich beim Buddah-Unterlabel 

Sussex erschienen. Trotz Förderung durch 

die Motown-Legende Dennis Coffey, der das 

Debüt produzierte, und der Mitwirkung von 

brillanten Studiomusikern wie Chris Spedding 

sowie fabelhafter Kritiken waren die 

beiden Alben in den USA Ladenhüter. Rodriguez 

begann, sich zurückzuziehen. Was er 

nicht wusste: Seine Musik, eine großartige 

Mischung aus dylaneskem Songwriting und 

Soul, gewürzt mit flirrenden psychedelischkammermusikalischen 

Arrangements, traf in 

anderen Teilen der Erde auf offene Ohren, 

vor allem in Australien und Südafrika. Seine 

mit kritischer Straßenlyrik gespickten Lieder 

wurden zu Hymnen der gegen die Apartheid 

rebellierenden Jugend Südafrikas. Die dortige 

Regierung hatte COLD FACT zwar auf den 

Index gesetzt, dennoch kursierten Bootlegs in 

einer so hohen Anzahl, dass die problemlos 

für eine Platin-Auszeichnung gereicht hätte. 

Vorgezogen zum Filmstart von „Searching 

For Sugar Man” erscheint nun der Soundtrack, 

der einen schönen Querschnitt aus den 

beiden Alben bietet sowie drei Songs aus den 

Jahren 1972/1973. 

(Legacy/Sony Music, 2012, 14/51:07) frs 

MARTHA WAINWRIGHT 

COME HOME TO MAMA 

Die Familie Wainwright ist schon längere 

Zeit in zweiter Generation erfolgreich am 

Musizieren. Während Vater Loudon Wainwright 

III und die 2010 verstorbene Mutter 

Kate McGarrigle dem Folkgenre zuzurechnen 

sind, zeichnet sich Sohn Rufus durch orchestralen 

Singer/Songwriter-Pop aus. Schwester 

Martha hat nun nach dem Debüt (2005) und 

dem Zweitwerk (2008) mit COME HOME 

TO MAMA ihr drittes Album vorgelegt, das 

wie schon die früheren Alben die beeindruckende 

mehrstimmige Gesangsarbeit vorweisen 

kann, die auch die Werke ihres Bruders 

auszeichnet. Dass sie dieses Mal nicht mit 

ihrem Ehegatten Brad Albetta zusammenarbeitete, 

sondern sich mit der New Yorker 

Multi-Instrumentalistin Yuka C. Honda und 

deren Mann Nels Cline, dem Sologitarristen 

von Wilco, zusammengetan hat, ändert nicht 

viel am Stilmix aus 80er-Pop, Indie-Rock 

und stillen Songs am Klavier, der schon das 

zweite Album prägte. Liebhaber von Kate 

Bush und Heather Nova sowie von Marthas 

Bruder dürften ihre Freude am neuen Werk 

haben, dem aber ein Übersong wie “Ball & 

Seite 40 ■ GoodTimes 6/2012 ■ Music from the 60s to the 80s

CD 

REVIEWS 

Chain” oder “The Maker” vom Debüt 

fehlt. Als Anspieltipps sind der Opener 

“I Am Sorry”, das abwechslungsreiche 

“Radio Star” und “Four Black Sheep” 

zu empfehlen. 

(V2/Cooperative Music, 2012, 

10/38:25) an 

JON DEROSA 

A WOLF IN PREACHER’S 

CLOTHES 

Der Name Jon DeRosa dürfte wohl 

bisher nur wenigen Insidern ein Begriff 

sein. Es wäre zu wünschen, dass 

das erste Solo-Album des 33-jährigen 

Sänger/Songschreibers und Gitarristen, 

der bislang vor allem als Kopf der New 

Yorker Band Aarktica in Erscheinung 

getreten war, zahlreiche Hörer findet. 

Denn es ist eine ganz großartige Songkollektion! 

DeRosa singt mit einer 

einehmend schönen Crooner-Stimme, 

auf die Julian Cope neidisch wäre, 

über einen superben, von romantischen 

Streichern und vielen weiteren akustischen 

Instrumenten getragenen Kammermusik-Pop, 

der in seinen besten 

Momenten (derer gibt es viele!) an den 

jungen Scott Walker oder an Divine Comedy 

erinnert. Prädikat: wunderschön! 

(Rocket Girl/Rough Trade, 2012, 

10/42:30) frs 

JONI MITCHELL 

THE STUDIO ALBUMS 

1968–1979 

Pure 

Schlichtheit 

kann 

manchmal erhabener 

und schöner 

sein als noch 

so 

prunkvolle 

und opulent ausgestattete 

tttt Vielfalt. lflt So stellt die Rückschau 

auf die ersten zehn Jahre von 

Joni Mitchells (Studio-)Schaffen auch 

die Musik in den Mittelpunkt, genau 

so und ohne weitere Kommentierung 

für sich sprechend, wie sie von der kanadische 

Songwriterin zwischen 1968 

und 1979 erschaffen wurde, sprich 

weder zusätzliche Bonus-Tracks noch 

ein dickes Begleitbuch vernebeln hier 

den Blick. Eingepackt sind die CDs in 

wunderschön gestaltete Replicas der 

Original-LPs, alle mit aufklappbaren 

Hüllen mit den (mikroskopisch kleinen, 

aber dennoch lesbaren) Texten auf 

den Innenseiten. Immer noch atemberaubend 

das von David Crosby produzierte 

Debüt SONG TO A SEAGULL, 

bittersüß die Romantik-Reflexionen 

von BLUE, traumwandlerisch die 

Westcoast-Fantasien von LADIES OF 

THE CANYON, erste Annäherungen 

an Jazz mit COURT AND SPARK, 

die sie auf HEJIRA und MINGUS zur 

Perfektion brachte. Eine Künstlerin, 

die immer ihren eigenen Weg ging, die 

der Versuchung, kommerziell erfolgreich 

zu sein (so in etwa mit der Top- 

20-Single “You Turn Me On, I’m A 

Radio” von FOR THE ROSES), schon 

immer unerschrockene, innovative und 

aus heutiger Sicht auch wegweisende 

Musikalität entgegenstellte. 

(Rhino/Warner, 2012, 10 CDs) us 

PURPLE SCHULZ 

SO UND NICHT ANDERS 

Kinder, wie die Zeit vergeht: Unglaubliche 

15 Jahre sind ins Land gezogen, 

seit uns Purple Schulz ein neues 

Studio-Album geschenkt hat. Das 

vergisst man gerne, denn zumindest 

als Radiohörer weidet man sich weiter 

an Evergreens wie “Verliebte Jungs”, 

“Kleine Seen” oder dem dramatischunsterblichen 

“Sehnsucht” mit dem 

waidwunden Schrei “Ich will raus”. 

Egal: Schulz und sein musikalischer 

Langzeitpartner Josef Piek hatten 

1997, nach eigener Aussage, „die Faxen 

dicke mit der Plattenfirma, schon 

damals ging es in der Branche mehr 

ums Geschäft als um die Musik”, beklagt 

der Kölner. Jetzt ist der Rheinländer 

– ohne Piek – mit einem fulminanten 

neuen Werk zurückgekehrt, 

das sämtliche Purple-Schulz-Vorzüge 

bündelt: intelligente Texte zwischen 

Ironie, Witz und Empathie, gepaart mit 

unverkennbaren Melodien, die einen 

auch in 15 Jahren noch angenehm verfolgen 

werden. Chapeau! 

(Rakete/Rough Trade, 2012, 

14/64:29) mfg 

THE OSMONDS 

AROUND THE WORLD – 

LIVE IN CONCERT 

Die Hysterie in 

den 70er Jahren 

um die US- 

Familienband 

The 

Osmonds 

ist heute nicht 

mehr recht vorstellbar. 

Hörbar wird das beim Konzertmitschnitt 

von 1975. Die Show war 

clever strukturiert und dramaturgisch 

aufgebaut, die Hits “Crazy Horses”, 

“Down By The Lazy River” oder 

“Some Kind Of Wonderful” wurden 

geschickt eingestreut, um die Stimmung 

zu pushen. Doch die Geschwister 

hämmerten nicht nur all ihre Erfolge 

heraus – inklusive Medleys von Donny 

& Marie sowie von Little Jimmy mit 

Streifzügen durch ihr Solorepertoire –, 

sondern interpretierten Rock’n’Roll- 

Klassiker und demonstrierten wie 

Merrill bei seiner Banjo-Einlage handwerkliches 

Können. Und das Publikum 

wurde zum selbstständigen Performer 

gemacht. Insofern unterhält AROUND 

THE WORLD nicht nur, sondern 

könnte auch als akustisches Lehrbuch 

für Newcomer herhalten. 

(7T’s/Rough Trade, 1975, 

12/42:44, 7/36:06) pro 

LOVE & MONEY 

THE DEVIL’S DEBT 

Manche Dinge scheinen nie aus der 

Mode zu kommen. Als die schottische 

Band Love & Money 2011 

nach 16-jähriger Bühnenabstinenz zu 

einem einmaligen Auftritt beim Celtic 

Connection Festival in Glasgow wieder 

zusammenfand, war die Resonanz 

des Publikums so gut, dass sich James 

Grant (voc, g), Douglas McIntyre (g), 

Paul McGeechan (keys) und Gordon 

Wilson (dr) dazu entschlossen, Love & 

Pop 

Money mit einem neuen Album wieder 

aufleben zu lassen. Wie gewohnt nahm 

Sänger James Grant das Songwriting in 

die Hand, schließlich sollte die Musik 

von THE DEVIL’S DEBT ja so nahtlos 

wie möglich an ihre erfolgreichen 

Zeiten Ende der 80er Jahre anschließen, 

als sie mit Songs wie “Hallelujah 

Man” und “Jocelyn Square” Freunde 

gut gemachten Blue-Eyed-Souls beglückten. 

Fans dieser Musikrichtung 

werden Love & Money wahrscheinlich 

immer noch auf der Landkarte haben, 

doch auch wem Dream-Pop oder edler 

New Wave à la Spandau Ballet gefallen, 

der dürfte hier an der richtigen 

Adresse sein. 

(Vertical Records/Import, 2012, 

10/44:40) tk 

ROD STEWART 

MERRY CHRISTMAS, BABY 

Sentimental. 

Gefühlselig. 

Nett. 

Risikoscheu. 

So tönt 

Altmeister 

Rod 

Stewart 

auf seiner ersten 

Weihnachtsplatte ht tt überhaupt. Die 

passt sich mit sanftem Bigband- 

Swing nahtlos in seine „Great American 

Songbook”-Reihe ein. Mit “Silent 

Night”, “Santa Claus Is Coming 

to Town”, “When You Wish Upon A 

Star” und “White Christmas” nahm 

der Sänger sich Klassiker vor, die er 

in ihrer geläufigen Form anstimmt. 

Aufhorchen lassen allenfalls das 

mit den Produzenten David & Amy 

Foster verfasste “Red-Suited Super 

Man” dank des Gastspiels von 

Trombone Shorty sowie die Duette 

mit Mary J. Blige und Cee Lo Green 

(plus Michael Bublé). Grenzwertig: 

das virtuelle Duett mit Ella Fitzgerald 

bei “What Are New Years Eve”. 

Stewarts Konto füllt sich jedenfalls, 

und für sanft blubbernde Hintergrundmusik 

bei der Bescherung ist 

auch gesorgt. 

(Universal, 2012, 13/46:11) pro 

JERRY LORDAN 

ALL MY OWN WORK 

Jerry Lordan teilt sein hartes Los mit 

vielen hervorragenden Komponisten. 

Obwohl die Shadows mit seinem Song 

“Apache” über eine Million Singles 

verkauften und 1960 für fünf Wochen 

an der Spitze der britischen Charts 

standen, ist er heutzutage nur noch 

Spezialisten (und natürlich Good- 

Times-Lesern) ein Begriff. Dabei gelangte 

er schon ein Jahr zuvor mit seinem 

selbst gesungenen “I’ve Waited 

So Long” in die Charts und hatte im 

Laufe der 60er Jahre drei weitere Hits. 

1961 veröffentlichte er auf Parlophone 

das Album ALL MY OWN WORK 

(u.a. mit seiner “Apache”-Version), 

das jetzt, remastert und um zahlreiche 

Tracks ergänzt, wiederveröffentlicht 

wird. Neben all seinen Singles sind 

dies zahlreiche Songs, die er zusammen 

mit dem Johnny Spence Orchestra 

aufgenommen hat. Als Besonderheit 


CD 

REVIEWS 

gibt es noch zwei bisher unveröffentlichte 

Demos von Jerry Lordan zu hören, die 

er dem Shadows-Bassisten Jet Harris einst 

mitgab, damit dieser sich zu Hause die Basslinien 

besser erarbeiten konnte ... 

(Cherry Red/Rough Trade, 

1961, 26/59:59) us 

PUR 

SCHEIN UND SEIN 

Ohne Zweifel haben 

Pur eine der treuesten 

Fangemeinden 

der 

Popszene. Und das 

sicher auch zu Recht, 

denn es gibt nur wenige 

Bands, die sich 

(zumindest soweit man das von außen beurteilen 

kann) so wenig nach Ratschlag-Gebern 

aller Art richten. Ihre Musik präsentieren sie 

seit mehr als 30 Jahren so, dass alte Fans 

und neue Freunde, dass Frauen, Männer, Jugendliche 

und Kids gleichermaßen vom Pur- 

Virus befallen werden – oder eben auf immer 

immun dagegen bleiben. Doch für alle 

Befallenen wird SCHEIN UND SEIN genau 

das sein, worauf sie warten: auf glaubwürdige 

Texte, deren Themen – ganz egal, ob 

ernst oder humorvoll – von Frontmann Hartmut 

Engler mitten aus dem Leben gegriffen 

sind, auf von Ingo Reidl und Martin Ansel 

gewohnt stark komponierte Musik zwischen 

Pop und Rock, auf einen klasse Sound, der 

je nach Erfordernis mal transparent, mal dynamisch, 

mal druckvoll ist. Also ein klasse 

Album, auf das sich die treue Fangemeinde 

völlig zu Recht freuen darf. 

(Music Pur/Universal, 2012, 14/55:59) us 

PRODUCERS 

MADE IN BASING STREET 

Vier Briten, die in ihrem bisherigen Schaffen 

wichtige Beiträge zur internationalen 

Rock- und Popgeschichte lieferten, das sind 

die Producers. Trevor Horn hat von ABC 

über Grace Jones und Art Of Noise bis zu 

Frankie Goes To Hollywood sein Können 

bewiesen, als Gitarrist, Toningenieur und 

Produzent gilt Stephen Lipson als seine 

rechte Hand. Lol Creme startete seine Karriere 

schon in den 60ern, als er mit den Hotlegs 

und deren “Neanderthal Man” für einen 

denkwürdigen Hit sorgte, in den 70ern 

dann zuerst 10cc, dann verließen Kevin 

Godley und er die Band um fortan als Godley 

& Creme erfolgreich zu sein. Aktuell 

verhalf er den Alben von Kate Bush (AERI- 

AL) und der Pet Shop Boys (CONCRETE) 

zu ihrem Sound. Der Vierte im Bund ist 

Schlagzeuger Ash Soan, in den 90ern erst 

bei Del Amitri, dann bei Squeeze sowie mit 

Tom Jones, Marianne Faithful und Faithless 

unterwegs, aktuell kann man ihn auf 

den Alben von Adele, James Morrison und 

Seal hören. Seit einigen Jahren arbeiten die 

Vier jetzt schon zusammen, mit MADE IN 

BASING STREET haben sie jetzt auch ein 

gemeinsames Album voller starker Songs 

zwischen Pop und Rock veröffentlicht, bei 

dem die enorme Erfahrung der Beteiligten 

deutlich durchklingt. Wer auf perfekt ausbalancierte 

Musik steht, bei der sich weise 

Entspanntheit und produktionstechnische 

Perfektion die Waage halten, der wird hier 

optimal bedient. 

(Big Lake/Rough Trade, 2012, 

10/48:39, 33:16) tk 

DAKOTA SUITE 

AN ALMOST SILENT LIFE 

Auf seiner Homepage hatte Chris Hooson, 

Kopf der Band Dakota Suite, bereits 

im Frühjahr angekündigt, dass das neue 

Album, an dem er arbeite, diesmal wieder 

eines mit Gesang werde. Nach der 

größtenteils instrumentalen, äußerst melancholischen, 

gleichwohl großartigen 

Doppel-CD THE SIDE OF HER INEX- 

HAUSTIBLE HEART (Rezension in 

GoodTimes 6/2011) reflektiere es zudem 

seine neu erlangte „positivere Sicht des Lebens”, 

gibt der Sänger/Songschreiber jetzt 

mit Veröffentlichung bekannt. Ist also auf 

AN ALMOST SILENT LIFE alles ganz 

anders? Nein, zum Glück nicht! Das neue 

Album knüpft weitgehend an den wunderschön 

traurigen Vorgänger an – auch mit 

seinem grazilen, zerbrechlichen kammermusikalischen 

Unplugged-Sound (Klavier, 

Akustikgitarre, Cello etc.), wenngleich es 

klarere Songstrukturen und mitunter gar 

elektronische Klangzutaten gibt. Mit den 

neuen Liedern stellen Dakota Suite einmal 

mehr unter Beweis, dass sie derzeit eines 

der aufregendsten Projekte an den Schnittstellen 

von Pop, Folk und Klassik sind. 

(Glitterhouse/Indigo, 2012, 13/53:19) frs 

ART GARFUNKEL 

ORIGINAL ALBUM CLASSICS 

Nach seiner selbst zusammengestellten 

Retrospektive THE SINGER (Review in 

GoodTimes 5/2012) gibt es jetzt auch fünf 

Alben von Art Garfunkel in der ORIGINAL 

ALBUM CLASSICS-Reihe, wie gewohnt 

sind die einzelnen CDs dabei in LP-Replica- 

Papphüllen im Original-Artwork verpackt. 

Der Reigen beginnt im Jahr 1973, als er nach 

dem Split von Simon & Garfunkel mit AN- 

GEL CLAIRE seine Solokarriere startete. 

Eine ganze Armada prominenter Kollegen 

– darunter J.J. Cale, Paul Simon, Jerry Garcia, 

Larry Carlton und Hal Blaine – sowie 

Top-Songwriter sorgten für ein erstklassiges 

Album, gekrönt von den erfolgreichen Hits 

“All I Know” (Jimmy Webb), “Traveling 

Boy” (Paul Williams/Roger Nichols) und 

“I Shall Sing” (Van Morrison). Auch das 

1975er BREAKAWAY konnte mit illustren 

Gästen wie Graham Nash, Nicky Hopkins 

oder Klaus Voormann glänzen, bot dazu noch 

mit “My Little Town” eine erste, inoffizielle 

Simon & Garfunkel Reunion. Im Oktober 

1977 erschien WATERMARK, bei dem nach 

anfänglichen (Verkaufs-)Schwierigkeiten ab 

Januar 1978 der Song “Fingerpaint” durch 

den Klassiker “(What A) Wonderful World” 

ersetzt wurde, bei dem Paul Simon und 

James Taylor die Harmony-Vocals beisteuerten. 

Wenig beachtet (und dementsprechend 

erfolglos) in seiner amerikanischen Heimat 

dann FATE FOR BREAKFAST, das sich in 

Europa durch den Singlehit “Bright Eyes” 

in zahlreichen Länder-Charts platzieren 

konnte. Ähnlich ging es 1981 SCISSORS 

CUT, dem es wiederum nicht gelang, in die 

US-Top-40 einzuziehen und trotz der Hinzunahme 

der europäischen Erfolgsversion von 

“Bright Eyes” auch keinen Singlehit abwarf. 

Aber vielleicht war Art Garfunkel bei den 

Aufnahmen dieses Albums ja schon einen 

Schritt weiter, beim umjubelten „Concert In 

Central Park”, bei dem er mit Paul Simon im 

selben Jahr Musikgeschichte schrieb. 

(Columbia/Sony Music, 2012, 5 CDs) tk 

NICO 

THE END 

Jim Morrison persönlich 

hatte Nico 

empfohlen, 

eigene 

Songs zu schreiben, 

nachdem sie auf ihrem 

Debüt CHELSEA 

GIRL (1967) fast ausschließlich 

h Cover-Versionen gesungen hatte. 

Auf ihrem vierten Studio-Album THE END 

(1974) verabschiedete sich die gebürtige Kölnerin 

(bürgerlich Christa Päffgen) und Ex- 

Velvet-Underground-Kollaborateurin dann 

zweifach von ihrem verstorbenen Ex-Lover: 

Sie interpretierte die Doors-Nummer “The 

End” und verarbeitete in “You Forgot To Answer” 

ein gescheitertes Treffen mit ihm. THE 

END wurde zwar ein kommerzieller Misserfolg, 

übte jedoch großen Einfluss auf die 

spätere Gothic-Szene, auf Sängerinnen wie 

Siouxsie Sioux und Björk aus. Nico begleitete 

ihren ungewöhnlichen Gesang mit lang 

anhaltenden Akkorden auf einem indischen 

Harmonium, und Produzent John Cale sowie 

die beiden Roxy-Music-Mitglieder Brian Eno 

und Phil Manzanera fügten ein feinziseliertes 

Tongewebe aus Synthis, Klavier, Xylofon, 

Glockenspiel, Gitarre u.v.m. hinzu. Das neu 

remasterte Reissue kommt mit einer Bonus- 

CD; sie enthält fünf solo eingespielte Songs 

aus John-Peel-Sessions, darunter eine bislang 

unveröffentlichte Version von “Secret Side”; 

hinzu kommen zwei Livetitel aus der BBC- 

Sendung “Old Grey Whistle Test” (1975) 

und zwei 1974er-Konzertaufnahmen aus dem 

Londoner Rainbow Theatre. 

(Island/Universal, 1974, 8/42:02, 

9/48:18) frs 

THE ELECTRIC STARS 

SONIC CANDY SOUL 

Endlich mal ein Titel, der es trifft und souverän 

persifliert: klingender süßlicher Soul. 

Eine in die Gegenwart geholte Besinnung 

auf die Klarheit, Melodievorrang und, meinetwegen, 

auch eine gewisse Naivität der 

Sixties – mit Liebe zum Detail. Die Band 

aus Manchester um Jason Edge und Keith 

Whitehead bewegt sich deutlicher als andere 

Mod-Ikonen vor ihr im Spannungsfeld zwischen 

frühem Bowie und sehr frühen Stones 

und bringt einen Hauch von Small Faces mit 

– schnell liebt man das Motown-Feeling von 

“Between The Streets” und den Beat-Groove 

ihrer Single “I Want You”. Zum Glück folgt 

die Band nicht dem Coolness-Diktat, alles in 

zwei Minuten pro Song heruntergedroschen 

zu haben – dadurch kann ein Siebeneinhalb- 

Minüter wie “Blind” alles zwischen Ballade 

und Bo Diddley abdecken. Produziert wurde 

mit Punch und Transparenz vom Bruder des 

britischen Radio/TV-Comedians Steve Coogan 

alias Alan Partridge, Martin Coogan. 

(Detour Records/Import, 2012, 

11/55:37) utw 

Pop 

DIE FANTASTISCHEN VIER 

MTV UNPLUGGED II 

Wie sollte der erste MTV-Unplugged-Auftritt 

der Fantastischen Vier aus dem Jahr 2000 

noch zu toppen sein, was mussten sich die 

Stuttgarter einfallen lassen, um eines der innovativsten 

Konzerte aus dieser Reihe noch 

zu übertrumpfen? Zwölf Jahre nach ihrem 

ersten Auftritt in der Balver Höhle packten 

sie einfach noch mehr Qualität & Quantität 

auf die Bühne, erweiterten die bewährte, 

Streichorchester-unterstützte F4-Band mal 

um einen Gospelchor, mal um eine südamerikanische 

Rhythmusgruppe, mal um eine 

feurige Flamenco-Gitarre. Mit diesem exorbitanten 

Klang im Rücken gelangen ihnen dann 

dementsprechend kolossale Versionen ihrer 

Songs – und sie konnten es sich für MTV UN- 

PLUGGED II auch locker leisten, auf jegliche 

Überschneidungen mit Teil I zu verzichten. 

(Columbia/Sony Music, 2012, 

10/54:14, 8/41:19) us 

BENJAMIN BIOLAY 

VENGEANCE 

Auf seinem siebten 

Album 

innerhalb 

von elf Jahren erfindet 

sich einer der 

bekanntesten Vertreter 

des so genannten 

Nouvelle 

Chanson 

nicht ihtneu, wenngleich lihBenjamin Biolay musikalische 

Elemente wie Rap-Gesang zum 

ersten Mal oder Keyboardklänge der 80er 

Jahre und Trip-Hop-Sounds der 90er Jahre 

häufiger als bislang einsetzt. Ansonsten ist 

VENGEANCE ein gelungenes Exempel 

dafür, dass der in Frankreich sehr erfolgreiche 

Biolay mit aus den Filmmusiken von 

Enrico Morricone vertrautem Pathos und nuschelndem 

Flüstergesang durchaus als Serge 

Gainsbourg des 21. Jahrhunderts gelten darf. 

Die Rolle der Jane Birkin übernimmt unter 

anderem Vanessa Paradis in “Profite”. Beim 

Titelsong “Vengeance” mimt außerdem Carl 

Barât, ehemaliger Frontmann der Libertines, 

mit, der sich alle Mühe gibt, so mächtig wie 

Tom Jones oder Scott Walker zu klingen. 

Hoffentlich sieht man Biolay demnächst 

auch auf deutschen Bühnen. 

(Naïve, 2012, 14/55:00) 

an 

MICKEY NEWBURY 

LULLED BY THE MOONLIGHT 

+ STORIES FROM THE SILVER 

MOON CAFÉ + BLUE TO THIS 

DAY 

Für seine klassischen Americana-Alben, die 

er zwischen 1968 und 1981 aufgenommen 

hat, für Großtaten wie das 1971 veröffentlichte 

FRISCO MABEL JOY wurde der 2002 

verstorbene Songwriter Mickey Newbury erst 

letztes Jahr mit dem opulenten Rückblick AN 

AMERICAN TRILOGY geehrt. Jetzt erscheinen 

drei seiner (schon lange vergriffenen) 

Spätwerke in luxuriösen Editionen. LULLED 

BY THE MOONLIGHT (17/73:12) erschien 

1996 und beendete damals eine 15-jährige 

Auszeit Newburys, auf dementsprechend viel 

hervorragendes Songmaterial konnte zurückgegriffen 

werden, noch dazu gespielt von der 

ersten Riege an Nashville-Studiomusikern, 

darunter Roger Hawkins, Reggie Young, 

Mike Elliot und Gene Chrisman. Mit nahezu 

der gleichen Mannschaft nahm er vier Jahre 

später STORIES FROM THE SILVER 


CD 

REVIEWS 

MOON CAFÉ (13/55:31) auf, zeitlose Musik 

im typischen Newbury-Stil: gefühlsbetont, 

tiefgründig und immer etwas morbid angehaucht. 

Bis zu seinem Tod im Jahr 2002 arbeitete 

der sensible Künstler an BLUE TO THIS 

DAY (15/69:23), das dann 2003 posthum 

veröffentlicht wurde. Mit Kenny Malone und 

Mac Gayden verstärkten zwei weitere Könner 

das Nashville-Studioteam, besonders bewegend 

die Neu-Interpretation von Leadbellys 

“Bring A Little Water Sylvie” sowie ein neu 

aufgenommenes “Remember The Good” von 

FRISCO MABEL JOY. 

(Mountain Retreat/Cargo, 1996 + 

2000 + 2003) us 

MANFRED MANN 

THE FIVE FACES OF MANFRED 

MANN 

Der Legende nach 

wurde mit der Veröffentlichung 

dieses Albums 

auch der Name 

der Band eigenmächtig 

durch die Plattenfirma 

geändert, aus 

den Mann Hugg Blues Brothers wurde Manfred 

Mann. Neben dem neuen Namensgeber 

an der Orgel und Schlagzeuger Mike Hugg 

gehörten damals noch Tom McGuinness (b, 

g), Mike Vickers (g, sax) und Paul Jones 

(voc, harp) zur Gruppe, besonders Letzterer 

sorgte mit seiner Stimme für den letzten 

Schliff des Sounds, der bald darauf als „britische 

Blues-Invasion” in alle Welt exportiert 

wurde. Das Liveprogramm der fünf Musiker 

war schwer von amerikanischen Blues- und 

Jazzmusikern beeinflusst, sie spielten Songs 

von Bo Diddley, Cannonball Adderly, Willie 

Dixon oder Howlin’ Wolf. Aus diesem 

erlauchten Kreis suchten sie sich 1964 dann 

auch die Vorlagen für ihr LP-Debüt aus, 

dazu noch ein paar (beileibe nicht schlechter 

klingende!) Eigenkompositionen, fertig war 

THE FIVE FACES OF MANFRED MANN. 

Mit 14 Tracks – jeweils in Stereo und Mono 

– erscheint jetzt die UK-Originalversion – 

also noch ohne “Do Wah Diddy Diddy” – 

erstmalig auf CD, zeigt eindrucksvoll, mit 

welch Klasse die so genannte Chapter I-Besetzung 

von Manfred Mann loslegte. 

(Pias/Rough Trade, 1964, 28/78:57) us 

KIRSTY MACCOLL 

DESPERATE CHARACTER + 

KITE + ELECTRIC LANDLADY + 

TITANIC DAYS 

Jeden 10. Oktober versammelt sich eine 

Gruppe von Fans um eine Bank am Soho 

Square in London, um einer Sängerin zu gedenken, 

die viel zu früh diese Welt verlassen 

musste. „One day I’ll be waiting there, no 

empty bench in Soho Square”, ist auf der 

Bank eingraviert. Der 10. Oktober ist Kirsty 

MacColls Geburtstag, und “Soho Square”, 

aus dem das Zitat stammt, ist einer der beliebtesten 

Songs der Sängerin, die vor zwölf 

Jahren bei einem tragischen Tauchunfall, 

erst 41 Jahre alt, ums Leben kam. Im UK hat 

MacColl, Tochter des Folkmusikers Ewan 

McColl (“Dirty Old Town”), eine treue Anhängerschaft. 

Auf dem europäischen Festland 

ist sie, die zu den besten britischen Pop-Sängerinnen/Songschreiberinnen 

der 80er und 

90er zählt, wohl noch wiederzuentdecken. 

Das Plattenlabel Salvo bringt nun ihre ersten 

vier zu Lebzeiten veröffentlichte reguläre 

Pop 

Alben in schön aufgemachten, sorgfältig 

edierten Deluxe-Ausgaben mit – abgesehen 

vom Debüt – jeder Menge Bonus-Material 

heraus. Ihr zu New-Wave- und Synthie-Pop- 

Hochzeiten erschienener Erstling DESPE- 

RATE CHARACTER (1981) beindruckt 

mit anachronistischem Sixties-Jangle-Sound 

(“See That Girl”) sowie der Rockabilly- 

Nummer „There’s A Guy Works Down The 

Chip Shop Swears He’s Elvis” (UK #14), 

die sich gleich noch mal als Country-Reprise 

auf dem Album befindet. Wegen zahlreicher 

Engagements als Backgroundsängerin dauerte 

es acht Jahre, bis MacColl ihr nächstes 

Album KITE veröffentlichen sollte, für das 

sie die Gitarristen Johnny Marr (The Smiths) 

und David Gilmour (Pink Floyd) gewann. 

Neben den Single-Auskopplungen – der ambitionierten 

Eigenkomposition “Free World” 

und dem Kinks-Cover “Days” (UK #12) – 

gibt es weitere schöne zwischen Sixties- und 

Eighties-Pop changierende Songs. CD zwei 

der Neu-Ausgabe enthält 17 teils bislang 

unveröffentlichte Aufnahmen, Non-Album- 

Singles, B-Seiten und Remixe, u.a. auch ihr 

Smiths-Cover “You Just Haven’t Earned 

It Yet, Baby”. ELECTRIC LANDLADY 

(1991) knüpfte qualitativ an die Vorgänger 

an, unter anderem gibt es mit “The One And 

Only” eine Zusammenarbeit mit den Pogues. 

Wie schon bei KITE ist die Bonus-CD mit 

Raritäten bestückt, u.a. zwei Duetten mit Billy 

Bragg. TITANIC DAYS (1993), ihr viertes 

Album, ist das Beste in der Vierer-Serie. Als 

Komponistin glänzt sie darauf mit Songs wie 

“Angel”, “Last Days Of Summer”, “Bad”, 

“Tomorrow Never Comes” und vor allem 

dem zu Herzen gehenden “Soho Square”. Auf 

der Zusatz-CD sind u.a. Stücke von ihrem 

1995er Gig beim Fleadh-Festival zu hören. 

(Salvo/Soulfood, 1981, 12/35:00 + 

1989, 12/39:23, 17/59:35 + 1991, 

12/51:37, 16/73:48 + 1993, 

11/47:41, 17/78:08) frs 

THE BEACH BOYS 

12 ORIGINAL ALBEN 

Nach dem Best-Of- 

Doppelpack 50 BIG 

ONES – GREATEST 

HITS (Review in 

GoodTimes 5/2012) 

und den lange nicht 

mehr für möglich 

gehaltenen hlt Live-Auftritten Aft in deutschen 

Hallen gibt es nun noch einen weiteren 

Grund zur Freude für alle Beach-Boys- 

Fans: Alle zwölf Studio-Alben wurden 

digital remastert und neu veröffentlicht, 

wobei ein Großteil der Alben sowohl die 

Mono- als auch die Stereo-Abmischungen 

enthält. Dabei geht es von SURFIN’ USA 

über LITTLE DEUCE COUPE und PET 

SOUNDS bis zu SURF’S UP, geben SMI- 

LEY SMILE und BEACH BOYS PARTY! 

ihr Stereo-CD-Debüt. THE BEACH BOYS 

TODAY! und SUMMER DAYS (AND 

SUMMER NIGHTS!) erscheinen überhaupt 

zum ersten Mal in Stereo, so dass 

einige der Schlüsselsongs der Beach Boys 

– wie “Good Vibrations”, “I Get Around” 

oder “Help Me Rhonda” – nun erstmals 

in den exzellenten Stereofassungen vorliegen. 

Auch optisch kommen diese Alben 

eindrucksvoll daher, sind als aufklappbare 

LP-Replicas im Original-Artwork gestaltet. 

(Capitol/EMI, 2012, 12 CDs) us 

Nach 20 Jahren, endlich wieder ein 

neues Live-Album 

19 ihrer besten Songs verteilt auf 

2 CDs oder 3 roten Vinylscheiben. 

Die legendären Shows aus 

Buenos Aires mit den Klassikern 

„Back In Black“, „Thunderstruck“, 

„You Shook Me All Night Long“ 

und „Rock N Roll Train“ 

Weitere AC/DC Top-Highlights 

High 

Voltage 

Highway 

To Hell 

www.ACDC.com 

Back 

In Black 

The Razor’s 

Edge 

Live (2 CD 

Collector’s 

Edition) 


CD 

REVIEWS 

STEVE HACKETT 

GENESIS REVISITED II 

Als „ein Projekt Wagner-ischer Ausmaße” 

beschreibt Steve Hackett die Aufnahmen für 

GENESIS REVISITED II, seines zweiten 

musikalischen Rückblicks auf die Zeiten, 

als er von 1970 bis 1977 innovativer Gitarrist 

und wichtiger Songwriter von Genesis 

war – eine Zeit, auf die Hackett nach eigenen 

Worten heute noch immer unglaublich 

stolz ist. So erklärt sich auch die relativ 

originalgetreue Aufführung von Stücken 

wie “Supper’s Ready”, “Dancing With The 

Moonlit Knight” oder “The Musical Box”, 

die Hauptänderungen im Sound der Stücke 

kommen von den unterschiedlichen Charakteren 

am Mikrofon. Neben Steven Wilson, 

John Wetton, Neal Morse, Mikael Akerfeldt 

und Conrad Keely sind auch Phil Collins’ 

Sohn Simon sowie mit Nik Kershaw eher 

unerwartete Gäste zu hören. Und obwohl 

Steve Hackett sicher nicht auf gitarristische 

Unterstützung angewiesen wäre, lud er sich 

mit Steve Rothery von Marillion und Roine 

Stolt von den Flower Kings zwei prominente 

Kollegen dafür ein. Lee Pomeroy und Nick 

Beggs am Bass, Jeremy Stacey am Schlagzeug 

und Saxofonist Rob Townsend ergänzen 

die Wagner-ische All-Star-Besetzung. 

Kein Wunder, gelingt Steve Hackett mit diesem 

Doppelalbum ein makelloser Rückblick 

auf alte, progressive Rock-Zeiten. 

(Insideout/EMI, 2012, 10/73:39, 

11/71:50) us 

THE DOOBIE BROTHERS 

WHAT WERE ONCE VICES ARE 

NOW HABITS 

Mit ihrem vierten 

Longplayer machten 

die Doobie Brothers 

einen 

gewaltigen 

Schritt nach vorne, 

denn es gab nicht 

nur mit “Black Water” 

den ersten Chart-Topper, sondern auch 

musikalisch hatte sich die Band immens 

entwickelt. Jeff „Skunk” Baxter spielte ausgezeichnete 

Gitarrenparts, die er kunstvoll 

in den Gesamtsound integrierte, und auch 

die Memphis Horns sorgten für Highlights 

bei den Arrangements. Locker-lässiger 

Westcoast mit Country-Einlagen (“Spirit”), 

das schwebende “Eyes Of Silver”, die 

wunderschöne Ballade “Tell Me What You 

Want (And I’ll Give You What You Need)” 

und das melancholische, auf Akustikgitarren 

basierende “Another Park, Another 

Sunday” sind Glanzbeispiele des US-Rock. 

Durch das vorzügliche Mastering sind erstmalig 

alle Instrumente präsent, aber dennoch 

kompakt wahrzunehmen. Toll! 

(Mobile Fidelity/Sieveking Sound, 

1963, 12/45:09) at 

CHRIS ROBINSON 

BROTHERHOOD 

THE MAGIC DOOR 

Wie angekündigt legen Chris Robinson 

Brotherhood mit THE MAGIC DOOR 

schon drei Monate nach ihrem Debüt BIG 

MOON RITUAL Album Nummer zwei 

vor. Dabei ist das neue Werk weniger ein 

Nachfolger, vielmehr könnte man es als 

ein Ergänzungsalbum beschreiben; aufgenommen 

und produziert wurden beide 

Platten nämlich gemeinsam. Somit fällt 

einem die Bewertung von THE MAGIC 

DOOR auch relativ leicht, vereinfacht 

gesagt können alle bedenkenlos zugreifen, 

die schon mit BIG MOON RITUAL 

zufrieden (oder gar begeistert) waren. Wie 

gehabt führt der Black-Crowes-Frontmann 

seine Mitmusiker an der langen Leine, 

was bei Cracks wie Neal Casal (voc, g), 

Adam MacDougall (keys, voc) und Mark 

Dutton (b, voc) wohl auch die beste Taktik 

ist. Spielfreudig und ausufernd machen sie 

sich über die von Robinson geschriebenen 

Songs her, mit “Let’s Go, Let’s Go, Let’s 

Go” von Hank Ballard gibt es auch eine 

Cover-Version. Natürlich weckt solche 

Musik Begehrlichkeiten, da darf man freudig 

gespannt sein, wie es sich anhört, wenn 

Robinson & Co. das nächste Mal einen 

wirklichen Nachfolger vorlegen. 

(Silver Arrow-Megaforce/Soulfood, 

2012, 7/51:00) us 

TEN YEARS AFTER 

A SPACE IN TIME 

Ten Years After und 

ihr Zugpferd Alvin 

Lee werden die Hörer 

immer wieder in 

ihren Bann ziehen. 

So ist eine Neuauflage 

eines vergessenen 

Klassikers der Band durchaus sinnvoll. Das 

Reissue erscheint im originalen 71er-Mix 

und im 73er-Quad-Mix, der für Stereo aufbereitet 

wurde und andere Dimensionen betont 

und so ein ungewohntes und reizvolles 

Hörerlebnis bietet. Das Album bewegte sich 

zwischen härterem Blues-Rock, fragilen 

Akustiktracks und typischem Seventies- 

Rock. Hier verzichtete Alvin Lee auf seine 

Solo-Eskapaden, konzentrierte sich auf das 

Songwriting, was sich nicht nachteilig auf 

das Album auswirkt. Im Gegensatz zu der 

EMI-Ausgabe wurde beim Mastering der 

parallel erscheinenden 24 KT-Gold-CD 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound) auf mehr 

Wärme geachtet. 

(EMI, 1971, 20/75:33) 

fl 


ACTION! – THE SONGS OF 

TOMMY BOYCE & BOBBY 

HART 

Mit den Namen Tommy Boyce & Bobby 

Hart verbindet man zunächst und vor allem 

die Hits, die sie für The Monkees in den 

mittsechziger Jahren schrieben. Drei Erfolge 

(“Theme From The Monkees”, “Valleri” 

und “P.O. Box 9847”) sind hier vertreten. 

Und etliche andere Hits kommen in den – 

durchweg gehaltvollen – Versionen anderer 

Interpreten; u.a. “I’m Not Your Stepping 

Stone” von The Flies, “Words” von The Regents 

und “Last Train To Clarksville” von 

The Standells. Doch damit erschöpft sich 

dieser herrliche Sampler nicht. Zu hören 

sind auch Spitzenwerke wie “Come Little 

Bit Closer” (Jay & The Americans), “She” 

(Del Shannon), “Action” (Paul Revere & 

The Raiders) oder “Beverley Jean” (Curtis 

Lee). Schwarzer Pop ist durch Fats Domino 

(“Be My Guest”), The Ikettes (“Fine Fine 

Fine”) und Chubby Checker (“Lazy Elsie 

Molly”) vertreten, während Boyce & Hart 

selbst mit ihrem Hit “I Wonder What She’s 

Doing Tonight” zu Gehör kommen und auch 

Harts 1962er Single “Too Many Teardrops” 

nicht fehlt. Das in New York und Kalifornien 

– seit Ende der Fifties zunächst getrennt – arbeitende 

Duo verstand enorm viel vom Tin- 

Pan-Alley-Sound der Prä-Beat-Jahre und 

verband ihn dann mühelos mit den Klängen 

der britischen Invasoren. Es entstand zeitloser 

Qualitäts-Pop-Rock, immer mit Biss, 

oft ohne Scheu vor gezügeltem Pathos. Und 

auch nach dem Ende der heißen Monkees- 

Jahre gelangen Boyce & Hart noch manche 

Treffer. Da ACTION nur die Jahre 1959– 

1968 abdeckt, läge noch reichlich Material 

für eine weitere Sammlung vor. Das fette, 

überaus detailreiche Booklet gibt auch hierüber 

beredt Auskünfte. 


MOTHER JANE 

TURN THE PAGE 

Jane sind seit 1994 

nur noch sozusagen 

markenrechtlich 

existent. Mit Schilderungen 

der 1982 

einsetzenden bandinternen 

Streitigkeiten 

lassen sich locker ganze Hefte füllen. 

Der interessierte Leser informiert sich 

am besten im Internet auf den diversen 

Seiten – da geht es mal mehr, mal weniger 

aggressiv zu. Jetzt also TURN THE 

PAGE von Klaus Hess und Co. mit Studio- 

Versionen von Titeln, die bislang nur in 

Live-Einspielungen erhältlich waren, was 

auch das LIVE AT HOME-Album mit 

einbezieht. Die CD baut sich sozusagen 

selber auf, beginnt verhalten und etwas zu 

schnörkellos, um insbesondere mit dem 

13-minütigen Highlight “Nightmares” (der 

2012er Version von “Windows”) völlig 

abzuheben. Psych-, Prog-, Art-, Hard- und 

Krautrock werden hier unter Zuhilfenahme 

Floyd’scher Klangkonstrukte so was 

von miteinander verzwurbelt, dass man 

staunt. Zudem ist Sänger Qusai Zureikat 

eine Bereicherung, und dass man als letzten 

Track Bob Segers titelgebenden Song 

“Turn The Page” gewählt hat, ist auch eine 

Erwähnung wert. Viele Jane-Fans-werden 

es noch interessanter finden, dass die zweite 

CD „The Lost Tracks” etwa 20 Minuten 

bislang unveröffentlichtes Jane-Material 

aus dem Jahr 1982 enthält – die Stücke 

wurden kürzlich im ehemaligen Aufnahmestudio 

in Sarstedt wiederentdeckt. 

(Dust On The Tracks/Fenn Music, 2012 

8/48:58, 5/18:46) os 

Y&T 

LIVE AT THE MYSTIC 

Mit Superlativen soll man sich bekanntlich 

zurückhalten. Erst recht, wenn es um das 

aktuelle Live-Album einer Band geht, die 

Ende der 70er und in den frühen 80ern ihre 

Hochzeit hatte. Denn Konzertmitschnitte alter 

Helden haben gerade Konjunktur und das 

auch, weil es die erfahrenen Rampensäue 

immer noch drauf haben. Trotzdem reiht sich 

LIVE AT THE MYSTIC von Y&T im Überangebot 

der ungehobelten Hit-Schauen ganz 

vorn ein. Die Doppel-CD rockt wie Hölle, 

streift sämtliche großen Phasen der US-Band 

und die Nummern aus dem jüngsten Y&T- 

Werk FACEMELTER passen zum alten Material 

wie angenäht. Dass Urmitglied Dave 

Meniketti immer noch am Mikro steht und 

für die sägenden Riffs sorgt, trägt wesentlich 

Rock 

dazu bei, dass der Doppeldecker von dieser 

bestechenden Qualität ist. 

(Frontiers/Soulfood, 2012, 13/62:47, 

9/50:11) jub 

DEEP PURPLE 

MACHINE HEAD – 40TH 

ANNIVERSARY DELUXE 

EDITION 

ION 

Immer noch unglaublich, welch großartige 

Musik Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian 

Gillan, Roger Glover und Ian Paice im Winter 

1971 in Montreux erschufen – besonders 

wenn man die Umstände dieser Aufnahmen 

bedenkt. Leerstehende Zimmer und unbenutzte 

Korridore des Grand Hotels dienten 

als Aufnahmeräume, der Lastwagen mit 

dem mobilen Recording-Equipment (ausgeliehen 

von den Rolling Stones) parkte vor 

dem Haupteingang. Für jedes musikalische 

Feedback, für das Anhören ihrer gerade 

aufgenommenen Parts mussten die Musiker 

einmal quer durch das Hotel laufen, was laut 

Ritchie Blackmore ziemlich schnell dazu 

führte, dass sie so gut wie jede aufgenommene 

Tonspur schon vorab für „gut” befanden, 

nur um sich die weiten Wege zu ersparen. 

Eben jener Ritchie Blackmore spielte 

in “Highway Star” das beste Solo seiner 

Karriere, katapultierte “Space Truckin’” mit 

seinem Gitarrenspiel in bisher unerreichte 

Umlaufbahnen, vom wohl legendärsten Eingangsriff 

aller Zeiten bei “Smoke On The 

Water” gar nicht zu sprechen. Mindestens 

genauso wichtig dabei Jon Lord, dessen 

Hammondorgel sich beherzte Duelle mit 

Blackmores Gitarre lieferte. Wie humorvoll 

Deep Purple damals auf ihren (Superstar-) 

Status reagierten, zeigen Hard-Rock-untypische 

Titel wie das burleske “Maybe I’m A 

Leo” oder das als Non-Album-B-Seite versteckte 

Meisterstück “When A Blind Man 

Cries” – beides Songs, die für sich allein 

genommen schon den legendären Ruf dieses 

Albums rechtfertigen. Drei Versionen von 

MACHINE HEAD (2012 Remaster, Roger 

Glover’s 1997 Mixes, 2012 Quad SQ Stereo) 

sowie eine Liveversion aus dem März 

1972 (Paris Theatre, London) bieten die 

getreu dem Bandnamen tief purpurrot daherkommenden 

vier CDs, die Audio-DVD 

liefert die MACHINE HEAD-Versionen für 

High-End-Freunde in 96/24 LPCM Stereo, 

Quad to 4:1 DTS sowie, als Bonus, drei Titel 

in 5.1 DTS-Abmischungen. 

(EMI, 2012, 4 CDs, 1 Audio-DVD) us 

RIO REISER 

ALL TIME BEST – 

RECLAM MUSIK EDITION 

Zweifellos war Rio Reiser einer der größten 

deutschen Rockpoeten seiner Zeit, 

nachdenklich, scharfsinnig, und das alles, 

ohne ein Blatt vor den Mund zu nehmen. 


CD 

REVIEWS 

Im bekannten gelben Outfit präsentiert die 

Reclam Musik Edition in einer Neuauflage 

des 1994er Best-Of-Albums (KÖNIG VON 

DEUTSCHLAND – DAS BESTE VON 

RIO REISER) die wichtigsten Titel aus 

seinen Solo-Jahren. Nach seiner Zeit bei 

Ton Steine Scherben (“Macht kaputt was 

euch kaputt macht”) erschien 1986 RIO I., 

das mit den Hits “Alles Lüge”, “Für immer 

und dich”, “Junimond” und “König von 

Deutschland” einerseits den Grundstein für 

seinen enormen Erfolg beim breiten Publikum 

legte, andererseits aber auch viele aus 

seinem alten Gefolge vergraulte, die ihm 

„kommerziell getriebene Anbiederung an 

den Massengeschmack” vorwarfen. Einer 

der Höhepunkte dieser Zeit war das legendäre 

Anti-WAAhnsinns-Festival 1986, bei 

dem Reiser gemeinsam mit Kollegen wie 

Herbert Grönemeyer, den Toten Hosen, 

Bap und Udo Lindenberg die über 100.000 

Atomkraftgegner begeisterte. BLINDER 

PASSAGIER zeigte Rio Reiser dann ein 

Jahr später als Schöpfer wunderbarer Melodien, 

stellte träumerische Poesie vor blinde 

Wut. Qualitativ nicht viel schlechter, aber 

aus kommerzieller Sicht deutlich nachlassender 

dann seine Veröffentlichungen der 

90er Jahre; unter dem Strich bieten die 18 

Songs von ALL TIME BEST aber genau 

das, was im Titel genannt wird: die besten 

Songs aus dieser Zeit. Weiterhin sind aktuell 

in der Reclam Musik Edition noch ALL 

TIME BEST-Zusammenstellungen von Karat, 

Aretha Franklin, Nena sowie von Earth, 

Wind & Fire erschienen. Wie bei dieser 

Reihe gewohnt, geht das Booklet auf einem 

Zeitstrahl kurz auf die wichtigsten Alben 

der Protagonisten ein und stellt sie wichtigen 

Daten der Weltgeschichte gegenüber. 


18/69:53) tk 


DELTA SWAMP ROCK – VOL. 2 

Freunde des Southern 

Rock, aufgepasst: 

Die Reihe 

DELTA 

SWAMP 

ROCK findet nach 

ihrem 

großartigen 

Auftakt (siehe Good- 

Times 3/2011) eine Fortsetzung. Auf Teil 

zwei, die den Hörer erneut – so der Untertitel 

– zu den „Crossroads Of Rock, 

Country And Soul” führt, gibt es, für Kenner 

wie Neueinsteiger, wieder jede Menge 

an Entdeckungen aus den späten Sixties 

und frühen Seventies machen. Neben 

Genre-Größen wie Lynyrd Skynyrd (“Free 

Bird”), Gregg Allman (“Midnight Rider”) 

und der Marshall Tucker Band (“Fire On 

The Mountain”) sind auch unbekanntere 

Interpreten zu hören wie Grinderswitch, 

Barefoot Jerry oder die wunderbaren Area 

Code 615 (die schon auf Folge eins glänzten). 

Die Sammlung fokussiert nicht alleine 

auf Rock, auch benachbarte Stile wie 

Bluegrass (wunderbar: Banjo-Spieler Earl 

Scruggs mit “Lonesome And A Long Way 

From Home”) oder die Pop-Lady Cher (mit 

einer gelungen Cover-Version der Buffalo-Springfield-Nummer 

“For What It’s 

Worth”) sind vertreten. Die CD kommt in 

gewohnt guter Souljazz-Records-Aufmachung 

samt buchdickem Booklet. 

(Souljazz/Indigo, 2012, 20/76:30) frs 

ELECTRIC LIGHT 

ORCHESTRA 

MR. BLUE SKY – THE VERY 

BEST OF ELECTRIC LIGHT 

ORCHESTRA 

Die aktuelle „Very Best”-Kompilation 

des Electric Light Orchestra ist eigentlich 

ein bisschen Schummelei. Denn da einige 

der größten Nummern der Band nicht nur 

überarbeitet, sondern von Nachlassverwalter 

Jeff Lynne gleich mal neu aufgenommen 

wurden (interessant “Don’t Bring 

Me Down”, “Turn To Stone” oder “Livin’ 

Thing”, merkwürdig “Do Ya”), bekommt 

der geneigte Fan hier nicht ausschließlich 

das im Titel geführte Orchester zu 

hören, sondern vor allem Soundtüfteleien 

des Masterminds. Lynne ging mit seinen 

Songs allerdings derart behutsam um, dass 

MR. BLUE SKY – THE VERY BEST OF 

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA nicht 

etwa für eine peinliche Modernisierung 

sorgte, sondern den Stücken lediglich 

kleine neue Nuancen verpasste. Wem eine 

„Best Of” von ELO genügt, wird nicht 

merken, dass hier gar nicht die Originale zu 

hören sind. Fans können vergleichen und 

die Modifizierungen entdecken, was als 

Kaufanreiz meist ganz gut funktioniert. Zusätzlich 

gibt es mit “10538 Overture (40th 

Anniversary)” und dem bisher unveröffentlichten 

“Point Of No Return” noch etwas 

für die Sammler. 

(Frontiers/Soulfood, 2012, 12/49:28) jub 

MANFRED MANN 

THE BEST OF MANFRED MANN 

(50TH ANNIVERSARY) SPECIAL 

EDITION 

Für ihr 50-Jähriges 

geht die Band zurück 

zu den Originaltakes 

1962–1969: Die 

Hits von “5-4-3-2-1” 

über “Do Wah Diddy 

Diddy” zu “Pretty 

Flamingo” (Jones-Ära) und zwischen 

“Just Like A Woman”, “Mighty Quinn” 

und “Ragamuffin Man” sind chronologisch 

enthalten und beweisen erneut, wie man 

mit Jazzsensibilität die bessere Popmusik 

bastelte. Für das Jubiläum passender: Die 

Manfreds nahmen 1998, sieben Jahre nach 

der Wiedervereinigung, 19 ihrer Klassiker 

neu auf, mit beiden Leadsängern, Paul 

Jones und Mike d’Abo sowie Mike Hugg 

(dr, jetzt keys), Tom McGuinness (g) und 

Mike Vickers (fl, sax) – mithin fünf Sixties- 

Mitgliedern, wenn auch ohne Boss Mann. 

Sie präsentierten sie auf dem mehr als eine 

Stunde laufenden Album 5-4-3-2-1 (Camden/BMG), 

samt genauen Besetzungsangaben, 

etwa „Mike Vickers: Wind Controller” 

bei “Sha-La-La”. Dieses Booklet enthält 

engagierte Liner-Notes von Jones & d’Abo. 

Die DVD bringt drei Hits in schwammigem 

Schwarzweiß (“Diddy” läuft 43 Sekunden), 

“Fox On The Run” in Farbe und zwei lohnenswerte 

Livecuts der Manfreds anno 

2007: “Watermelon Man” in einer sehr 

lebendigen Neun-Minuten-Fassung, “I’m 

You Kingpin” mit hinreißenden Soli von 

Mike Hugg (p), Simon Currie (sax), und 

Tom McGuinness (g). Fans brauchen auch 

die Re-Recordings. 

(Creature Music/Umbrella Music, 

CD 12/45:01, DVD 6/24:00) utw 

Rock 

DOKKEN 

BROKEN BONES 

Dokken gehörten in den 80ern ganz klar zu 

den ganz dicken Fischen im US-Melodic- 

Metal-Teich. Ihre Alben waren durchweg 

meisterlich geschmiedet. Daran hatten 

zwar Leute wie Gitarrist George Lynch 

oder Basser Jeff Pilson ihre Anteile, der 

kreative Kopf blieb allerdings bis heute 

Sänger Don Dokken, weshalb auch Alben 

nach den goldenen 80ern wie ERASE THE 

SLATE (1999) oder HELL TO PAY (2004) 

trefflich ausfielen. BROKEN BONES steht 

dieser Qualitätsserie in Nichts nach. Don 

Dokken, mit dem alten Mitstreiter Mick 

Brown (dr) an seiner Seite und verstärkt 

durch Jon Levin (g, Ex-Doro) und Sean 

McNabb (b, Ex-Great White), lässt es mit 

“Empire” oder “Tonight” krachen, hat mit 

dem dynamischen “For The Last Time” ein 

Karriere-Highlight am Start und spielt mit 

dem Titelsong und “The Best Of Me” die 

AOR-Karte aus. Ein Füller wie “Victim Of 

The Crime” stört da nicht. 


MADNESS 

OUI, OUI, SI, SI, JA, JA, 

DA, DA 

Drei Jahre nach ihrem 

letzten Studio- 

Album THE LIBER- 

TY OF NORTON 

FOLGATE kommen 

Madness mit ihrem 

unverwechselbaren 

Nutty-Sound und einem ungewöhnlichen 

Albumtitel, mit dessen Worten sie gleichzeitig 

den ersten Song “My Girl 2” eröffnen, 

zurück. Das mittlerweile zehnte Studiowerk 

von Graham McPherson (voc), 

Mike Barson (keys), Lee Thompson (sax), 

Chris Foreman (g) und Carl Smyth (voc, 

tr) spüht wieder einmal nur so vor Lebenslust, 

steckt mit seinen Ska-Rhythmen von 

der ersten Sekunde zum Mittanzen an. Und 

ganz egal, ob sie wie in “Leon” von den 

Tagträumen eines desillusionierten Lehrers 

singen oder wie bei “Powder Blue” 

eine rauch- und alkoholgeschwängerte 

Nacht voller Aretha-Franklin-R&B thematisieren, 

letztendlich siegt in ihren Songs 

das Gute, gewinnt die Einsicht Oberhand, 

dass sie mit ihrer Band und ihrer Musik auf 

der Sonnenseite des Lebens stehen – und 

dieses Gefühl mit OUI, OUI, SI, SI, JA, 

JA, DA, DA deutlich hörbar allen anderen 

mitteilen. 

(Embassy Of Music/Warner, 

2012, 14/47:32) tk 

DEAN BROWN 

UNFINISHED BUSINESS 

Der Jazz-Rock/Fusion-Gitarrenvirtuose 

Dean Brown bietet mit seinem neuen Album 

ein intensives Hörvergnügen von hohem 

spieltechnischem Format. Die neun 

zwischen fünf und elf Minuten langen 

Songs bieten ausladende Soli, denen meist 

Blues-getränkte, funkige Grooves zugrunde 

liegen. Der großartige Jazzdrummer 

Marvin „Smitty” Smith sorgt für flexible 

Rhythmik auf höchstem Niveau und überzeugt 

auch als Komponist. So lässt einen 

der rockig-raffinierte Opener “Uncle Ray” 

fast schon sprachlos zurück. Ingredienzien 

aus Jazz und Rock werden virtuos ge- 


REVIEWS 

CD 

REVIEWS 

Rock 

mischt, funkig-bluesige Sounds sorgen für 

eine groovige Bodenhaftung – so stehen 

Kopf und Bauch gleichberechtigt und spannungsgeladen 

nebeneinander. Eine Samba 

mit wunderschönen Akustikgitarrenparts 

sorgt für Abkühlung, bevor dann mit einem 

Tribut an Bluesmeister Albert King sowie 

schneidigen Bläserriffs die Stimmung wieder 

mächtig angeheizt wird. Wenn dies Mr. 

Browns UNFINISHED BUSINESS ist, 

fragt man sich, was da noch kommen soll. 

Ein mitreißendes Album! 

(Moosicus/Indigo, 2012, 9/70:49) rg 

GRATEFUL DEAD 

SPRING 1990 – SO GLAD YOU 

MADE IT 

Als der Rezensent 

Grateful Dead am 

11.7.1990 erstmals 

live erlebte, traute 

er seinen Augen 

nicht: Da tanzten 

70.000 Menschen 

bi bei strömendem tö Regen im RFK Stadium 

in Washington, D.C., zu eigentlich untanzbarer 

Musik, und das drei Stunden lang! Die 

Stimmung bei Dead-Konzerten auf Platte 

einzufangen, ist eigentlich unmöglich, und 

dennoch ist SPRING 1990 – SO GLAD 

YOU MADE IT wärmstens zu empfehlen. 

Diese Doppel-CD ist der höchst gelungene 

Extrakt aus einer 18 (!) Silberlinge umfassenden 

Box, die diese Tour im Frühjahr 

1990 zum 25-jährigen Bestehen dokumentiert 

– es war die letzte mit dem kurz darauf 

verstorbenen Keyboarder Brent Mydland. 

Natürlich sind einige Jamsessions zu hören 

(“Bird Song”, “Eyes Of The World”), aber 

die für Jerry Garcia, Bob Weir & Co. so typischen, 

schier endlosen Improvisationen 

sind knapp gehalten. Im Wesentlichen gibt 

es kompakte Songs zwischen Psychedelic 

Rock, Country, Rock’n’Roll und Soul, 

reichlich Cover-Versionen (Stones, Spencer 

Davis Group, Sam Cooke) und allerlei Eigenbauten 

aus den verschiedenen Dekaden. 

Abwechslungsreich, quicklebendig, mehr 

als empfehlenswert! 

(Rhino/Warner, 2012, 11/79:41, 

9/79:49) pro 

JOE COCKER 

FIRE IT UP 

Nichts Neues musikalisch von der Joe 

Cocker-Front, wer hätte das auch erwartet? 

Viel wichtiger für den Fan des Mannes 

mit der unverwechselbaren Reibeisenstimme 

ist die Erkenntnis, ob das Sangesorgan 

des mittlerweile 68-Jährigen aus Sheffield 

weiterhin kraftvoll und dominant ist. Keine 

Frage: Cockers entscheidendes Pfund 

wiegt, wie schon auf dem überraschend 

starken Vorgänger HARD KNOCKS, auch 

auf FIRE IT UP schwer, nachdem er einige 

durchaus schwächere Gesangsleistungen 

bei den Alben davor abgeliefert hatte. Auf 

FIRE IT UP hingegen ist der Stilmix aus 

kehlig interpretierten Uptempo-Blues- 

Rocknummern, gepaart mit steinerweichenden 

Balladen gelungen, allesamt perfekt 

produziert, die Songauswahl exzellent 

zusammengestellt. Damit steht einer neuen 

Nummer 1 in den Charts nichts mehr im 

Wege. Joe Cocker steht prächtig im Saft! 


11/42:54) mfg 

THE WHEELS 

ROAD BLOCK 

Diese Band aus Belfast gehört in die erste 

Liga des nordirischen Blues-Rock der Mittsechziger, 

stand aber immer im Schatten 

der Van-Morrison-Gruppe Them, so dass 

ihr offiziell nur die Silbermedaille bleibt. 

Die aber ist mehr als verdient, wie dieser 

Sampler mit ihrem Gesamt-Output drastisch 

beweist. Der Titeltrack “Road Block” ist ein 

unglaublich zündender Hammer, definitiv 

ein Härte-Superklassiker, der es mit Thems 

besten Arbeiten locker aufnimmt! Weitere 

Tracks (“Bad Little Woman”, “I’m Leaving”) 

warten mit Wolfsstimmengesang in 

bester Morrison-Manier (Stichwort: “Mystic 

Eyes”) auf, während bei “Don’t You Know” 

oder Graham Bonds “Tell Me (I’m Gonna 

Love Again)” sanftere Töne angeschlagen 

werden. Auch beim Repertoire gingen The 

Wheels nur (zu) vorsichtig eigene Wege: 

“Call My Name” und den All-Time-Klassiker 

“Gloria” übernahmen sie direkt von 

Them, und mit “Kicks” (Paul Revere & 

The Raiders) und Bo Diddleys “Mona”, 

damals im Programm jeder zweiten UK- 

Band, sind – anständige! – Versionen weiterer 

Erfolgstitel dabei. Letztlich konnte die 

Gruppe um die Sänger Rod Demick (auch 

ein prima Bluesharp-Player) und Brian Rossi 

(auch Keyboards) sowie Gitarrist Herbie 

Armstrong, 1978–1982 in Diensten von Van 

Morrison, ihr Potenzial nicht ausschöpfen. 

Aber es ist schön, dass ROAD BLOCK sie 

vor dem Vergessen bewahrt! 

(Big Beat/Ace/Soulfood 2012, 

12/32:11) hjg 

NIGHT RANGER 

24 STRINGS AND A DRUMMER 

– LIVE AND ACOUSTIC 

Akustikversionen 

von Songs, die sonst 

von 

schmetternden 

E-Gitarrenriffs 

leben, 

sind nicht jedermanns 

Sache. Und 

doch ziehen Bands 

aus dem Hard’n’Heavy-Bereich ’H 

immer 

mal wieder den Stecker und tragen ihre 

Erfolgsnummern staubtrocken vor. Mit 24 

STRINGS AND A DRUMMER – LIVE 

AND ACOUSTIC betreten jetzt die USamerikanischen 

Melodic-Metal-Pioniere 

Night Ranger dieses Terrain. Und da die 

Band unter anderem mit “Sister Christian”, 

“Four In The Morning” oder “Don’t Tell 

Me You Love Me” unschlagbare Melodie- 

Sahnetorten im Programm hat, funktioniert 

auch ein an Höhepunkten zwangsläufig 

eher armes Akustikset ziemlich gut. Und 

Night Ranger setzen wie immer vor allem 

auf ihren Satzgesang, der gerade im ballastfreien 

Sound bestens rüberkommt. Diese 

Band erinnert ganz offensichtlich gern an 

die satten 80er, steht aber mit allen Beinen 

ganz klar im Hier und Heute. Da geht garantiert 

auch in den nächsten Jahren noch 

eine Menge. 


COLOUR HAZE 

SHE SAID 

Auch mit Album Nummer zehn bleiben 

sich Colour Haze treu und spielen Rockmusik, 

die sie selbst – absolut zutreffend – 

als „Heavy Psychedelic Rock” bezeichnen. 

Gleich der Opener ihres Doppelalbums, 

der Titeltrack “She Said”, bietet in knapp 

19 Minuten einen beherzten Parforce-Ritt 

durch meterhohe und ebenso dicke Riffwände, 

durch tonnenschweres, verzerrtes 

Tonmaterial, das immer wieder unerwartete 

Wendungen nimmt, so dass die Spielzeit 

wie im Fluge vorübergeht. Stilistisch 

freier wird es gegen Ende der zweiten CD, 

das zehnminütige “Grace” zeigt eindrucksvoll 

eine ganz andere, bisher eher selten 

gehörte Seite von Colour Haze. Gitarrist 

Stefan Koglek beginnt mit sanften akustischen 

Tönen, Streicher, Fender Rhodes, 

Piano und Bläser stoßen dazu, bevor dann 

die Rhythmusfraktion aus Bassist Philipp 

Rasthofer und Drummer Manfred Merwald 

den Song wieder in gewohnte Sphären 

hinaufschießt. Starkes Ende eines souveränen 

Albums. 

(Elektrohasch/Sonic Rendezvous, 2012, 

3/38:10, 5/43:45) us 

PAUL GILBERT 

VIBRATO 

Der durch sein 

Mitwirken 

bei 

Racer X und den 

Millionen-Sellern 

Mr. Big bekannt 

gewordene Metal- 

Gitarrenvirtuose 

Paul Gilbert wartet t mit einem neuen, vielfältigen 

Album auf. In acht neuen Stücken, 

darunter vier Instrumentals, kam man seine 

Fingerfertigkeit, die aber nie in Selbstgefälligkeit 

ausartet, bewundern. Erfreulicherweise 

degradiert er sein Trio nicht zu Statisten, 

so dass Keyboardsoli und eine tighte 

Rhythmussektion für Abwechslung sorgen. 

Ein großer Sänger wird Gilbert zwar nicht 

mehr, die Songs gehen aber durchaus gut 

ins Ohr. Interessant ist eine Version von 

Dave Brubecks Jazzklassiker “Blue Rondo 

A La Turk”. Ebenso die Live-Bonus- 

Tracks. Hier widmet er sich drei sehr unterschiedlichen 

Vorlagen: “Roundabout” von 

Yes, Muddy Waters’ Bluesklassiker “I Want 

To Be Loved” und AC/DCs “Go Down”. 

Eine abwechslungsreiche Scheibe, die nicht 

nur Gitarrenfreaks Freude bereitet! 

(Mascot/Rough Trade, 2012, 11/67:39) rg 


KEEP THE LIGHT ALIVE – 

CELEBRATING THE MUSIC OF 

LOWEN & NAVARRO 

Eric Lowen und Dan Navarro haben unter 

eigenem Namen seit 1990 rund ein Dutzend 

Alben mit melodisch stets hochwertigem 

Soft-Pop-Rock veröffentlicht, wobei sie 

sich nicht vollends vom Mainstream vereinnahmen, 

immer noch ein paar Prozente 

Indie-Feeling einfließen ließen. Weltberühmt 

sind sie damit nicht geworden, aber 

für einen sehr soliden Ruf bei der Kollegenschaft 

hat es locker gereicht, und dass Pat 

Benatar ihren Song “We Belong” zum Bestseller 

machte, sichert wohl die Rente. Besagte 

„interne Wertschätzung” sorgte auch 

für den vorliegenden, rundum geglückten 

Sampler. Jackson Browne bringt als Starter 

eine wunderschöne Version von “Weight Of 

The World” und gibt damit die Grundrichtung 

vor: keine wilden Experimente oder 

Neudeutungen, stattdessen strikte Betonung 

der melodischen Attraktivität. Stonehoney 

packen “If I Was The Rain” und John 

Ondrasik “Keep The Light Alive” sanft und 

flauschig bis zur Stromlinienförmigkeit an. 

Etwas strammer pop-rockig geht es bei Phil 

Parlapiano (“The Opposite Of Everything”) 

und Severin Browne (“Open Your Heart”) 

zu. Bei “If You Loved Me Like That” vergisst 

Keb’ Mo, fast, dass er Blueser ist, 

und The Bangles fügen “We Belong” zwar 

nichts Wesentliches hinzu, drücken dem 

Song aber ihren eigenen Stempel auf. Unterm 

Strich eine zeitlos schöne Kollektion 

mit nicht zu viel Tiefgang, aber hohem Unterhaltungswert. 

(Aix/Bertus Import, 2012, 13/51:57) hjg 

THE FACES 

STAY WITH ME – ANTHOLOGY 

Die Karriere von 

The Faces mag nur 

ein halbes Jahrzehnt 

zwischen Ende der 

1960er und Mitte der 

1970er gedauert haben 

– dennoch besitzt 

dieses britische Quintett Legendenstatus! 

Vor allem sind The Faces Repräsentanten 

einer fernen wilden Ära, in der es zum guten 

Ton jedes Rock & Rollers gehörte, Hotelzimmer 

zu zerlegen, Groupies en masse 

flachzulegen und die Bierpulle niemals 

aus der Hand zu geben. Aber unabhängig 

von solcherart wüster Legendenbildung: 

Was hatten Rod Stewart, Ron Wood, Ronnie 

Lane, Kenney Jones und Ian McLegan 

musikalisch drauf? Zunächst mal einen 

herrlichen Mix aus Blues, Rock und Boogie, 

nachzuhören auf dieser bestechend 

zusammengestellten Anthologie. Darüber 

hinaus hatten The Faces ein Gespür für rüpelhafte 

Eingängigkeit, also für Songs, die 

man in Kneipen frühestens ab dem fünften 

Bier problemlos mitgrölen konnte. Und 

doch: die Faces waren keine Pub-Band, 

dafür fünf junge, hitzköpfige und vor allem 

äußerst talentierte Musiker, jeder prall 

voll mit Ideen, jeder prall voll mit Leben. 

Der Fünfer existierte in einer Zeit, als vor 

allem die Karrieren von Rod Stewart und 

Ron Wood vor der Eruption standen. Exakt 

dieses Prä-Eruptive macht aus Faces-Songs 

moderne Klassiker! 

(Rhino, 2012, 18/68:50 + 

18/74:37) mfg 

MARDI GRAS.BB 

CRIME STORY TAPES 

Mardi Gras.BB sind musikalisch schon 

lange nicht mehr nur in New Orleans zu 

Hause. Klangen die ersten Alben der vor 

20 Jahren von dem ehemaligen Guru-Guru-Bassisten 

Uli Krug gegründeten Combo 

noch stark nach Swamp-Blues und Brass- 

Band-Jazz, so hat sich die Palette der 

Mannheimer über die Jahre kontinuierlich 

erweitert; es schlichen sich z.B. Country 

und Chanson ein. Auf ihrem letzten Album 

VON HUMBOLDT PICNIC (GoodTimes 

3/2010) traten sie gar eine musikalische 

Reise um die Welt an. Wie schon dieser 

ambitionierte Vorgänger ist auch CRIME 

STORY TAPES ein Konzeptalbum. Statt 

auf den Spuren des Naturforschers Alexander 

von Humboldt sind Mardi Gras. 

BB diesmal dem Krimiautoren Raymond 

Chandler auf den Fersen, dem Schöpfer 

des Privatdetektivs Philip Marlowe – be- 


CD 

REVIEWS 

kannt geworden durch die Bogart- 

Verfilmungen. Die Texte sind herrlich 

skurril, die Musik ist wunderbar 

altmodisch, an Swing, Dance Hall 

und Cabaret der 40er Jahre orientiert 

– indes nicht frei von Schrägtönereien 

à la Tom Waits und Kurt Weill. 

Im Jahr des Doppeljubiläums (20 

Jahre Bandbestehen, zehntes Album) 

liefern Mardi Gras.BB erneut ein 

ganz großartiges Werk ab. 

(Hazelwood/Rough Trade, 2012, 

16/41:35) frs 

THE XX 

COEXIST 

Das 

„schwierige 

zweite Album” 

der Londoner 

Band, die 

nach dem Ausstieg 

von Baria 

Qureshi 

zum 

Ti Trio geschrumpft ist, it was aber die 

Musik nicht hat mitschrumpfen lassen. 

Erneut machen XX Musik, die eigentlich 

nur noch aus reiner Gewohnheit 

unter „Rock” einsortiert wird. 

In Wahrheit handelt es sich um kühn 

und kühl am Reißbrett konstruierte 

Klanggefüge mit klaren Konturen, bei 

denen kein Ton zu viel gespielt wird. 

Gespeist wird sie aus homöopathischen 

Spuren der schwarzen Musik 

von Joy Division, Rudimenten eines 

Trance-artigen Rhythm & Blues, viel 

Minimalismus und virtuos eingesetzten 

Elektronikeffekten. Vor 30 Jahren 

haben The Young Marble Giants 

schon einmal Vergleichbares zuwege 

gebracht. Oliver Sims Bass und Jamie 

Smiths Schlagzeug liefern knappe 

Gerüste, Keyboards den Kitt, während 

die Gitarre herumgeistert und 

die Stimmen von Gitarristin Romy 

Madley Croft und Oliver Sim über 

alledem schweben. Also keine Angst, 

seelenlose Robotermusik ist das 

wahrlich nicht. Denn das humane Element 

findet sich in den verhaltenen, 

sehr natürlich belassenen Stimmen 

und erst recht in den Texten, die von 

Ratlosigkeit und Ängsten in unseren 

Jahren der Finanzkrisen, prekären 

Arbeitsverhältnisse und erodierenden 

Staaten handeln. Gemütlich oder 

beruhigend, gar radio-popig klingt 

hier nichts. Dies ist Musik für leere 

Parkhäuser bei Nacht und Abende 

an der kalten Zentralheizung statt am 

gemütlich prasselnden Kamin. CO- 

EXIST liefert alles in allem eine Art 

Soundtrack für dieses Jahrzehnt. Das 

ist eine riesige Leistung, deren wahrer 

Wert vielleicht aber erst retrospektiv 

erkannt werden wird. 

(Young Turks/Indigo, 2012, 

11/37:20) hjg 

RITCHIE VALENS 

RITCHIE VALENS + RITCHIE 

Hätte Ritchie Valens doch bloß 

nicht die Münze geworfen, um mit 

Crickets-Gitarrist Tommy Allsup 

den letzten freien Platz auszulosen! 

Dann hätte er nicht den Flieger betreten 

und wäre nicht im zarten Alter 

von 17 Jahren bei jenem Crash ums 

Leben gekommen, der auch die beiden 

Rock’n’Roller Buddy Holly und 

Big Bopper das Leben kostete – an 

jenem 3. Februar 1959, der als „the 

day the music died” in die Geschichte 

ein ging. So hinterließ der US-Amerikaner 

mexikanischer Herkunft (bürgerlich: 

Richard S. Valenzuela) nur 

ein schmales Werk. Eines jedoch, das 

zeigt, dass noch Großes von ihm zu 

erwarten gewesen wäre. Mit seinem 

rauen Gesang und energiegeladenen 

Gitarrenspiel (“Come On, Let’s Go”, 

“Bony-Moronie” etc.) übte er Einfluss 

auf spätere Beat-, Garagen-Rock- und 

Punkbands aus. Zugleich war er ein 

begnadeter – Buddy Holly kaum 

nachstehender – Balladensänger, der 

mit dem schmachtenden “Donna” 

(1958, US #2) seinen größten Hit feierte 

und mit “La Bamba” (1958, US 

#22) quasi der Erfinder des Chicano- 

Rock wurde. Nun kann man die beiden 

ersten Alben RITCHIE VALENS 

und RITCHIE, beide im Todesjahr 

posthum erschienen, auf einer CD 

in einer guten 24-Bit-Remaster- 

Abmischung hören, inklusive acht 

Bonus-Titel, (Outtakes, Demos, Live- 

Aufnahmen, darunter Eddie Cochrans 

“Summertime Blues”) sowie mit 

einem informativen, reich bebilderten 

Booklet. Besser geht es kaum! 

(Hoodoo/Harmonia Mundi, 2012, 

31/67:23) frs 

KISS 

MONSTER 

Da hör’ hin, 

die 

Altmeis ter 

können es auch 

nach 40 Jahren 

noch (oder wieder)! 

Paul Stanley 

und Gene 

Simmons setzen mit ihren Mitstreitern 

Eric Singer (dr) und Tommy Thayer (g 

und Gesang auf “Outta This World”) 

höllisch viel Energie frei, die sie mittels 

eingängiger, geradeaus abgehender 

Songs mit einigen Überraschungsmomenten 

in gelungene Bahnen lenken. 

Rau und erdig, alles andere als klinisch 

steril produziert, geht die Kiss-Post 

ab – wie versprochen ohne Balladen, 

Keyboards und Streicher. Man genieße 

“Shout Mercy”, “All For The Love 

Of Rock’n’Roll” (mit Singer-Gesang), 

“The Devil Is Me” oder die Mitgröhlnummer 

“Freak” an – da waten Kiss 

knietief in 70er- und 80er-Assoziationen, 

ohne dass es veraltet oder altbacken 

klingt. Und nach mehrfachem 

Anhören setzen sich diese Nummern 

auch in den Gehörgängen fest. 

(Universal, 2012, 12/43:45) pro 


WORLD OF ACID 

Es gehört bei solchen Kollektionen wie 

WORLD OF ACID schon länger zum 

guten Ton, Eigenlob auszuschütten und 

sich selbst zur „heißesten, seltensten, 

essenziellsten, feinsten, wildesten, 

obskursten” Edition zu küren. Was ja 

teilweise immer irgendwie ein wenig 

Rock 

zutrifft. So auch hier: Versammelt sind 

Bands aus den USA, Spanien, Belgien 

und Kanada sowie eine unidentifizierbare 

Combo. Die bringt, gewissermaßen 

zum Ausgleich, eine durchaus 

von psychedelischem Talent gesegnete 

Version des Hendrix-Klassikers “Purple 

Haze” – und damit den einzigen 

bekannten Song hier. Aber auch Pretty 

mit “Mustache In Your Face”, Purp le 

Canteen mit “Brains In My Feet”, Graffiti 

mit “He’s Got The Knack” oder das 

Johnny Thompson Quintet mit “Color 

Me Columbus” wissen, wo der Psycho- 

Hammer hängt und wie man halbwegs 

normale Beatsongs zur Bewusstseinserweiterung 

treibt. Im achtseitigen 

bunten Booklet bemüht man sich nach 

Kräften, alle wichtigen Fakten über 

die Interpretenschar auszubreiten, und 

kann immerhin auflisten, von welchen 

Singles der Jahre 1966 bis 1971 die 

kompilierten Titel stammen. 

(Particle/Soulfood, 2012, 

12/40:12) hjg 

ELVIS PRESLEY 

PRINCE FROM ANOTHER 

PLANET 

P R I N C E 

FROM ANO- 

THER 

PLA- 

NET, der Titel 

dieser 

edlen 

Box im Single- 

Format, bezieht 

sich auf eine Schlagzeile der „New 

York Times”, die damit die Bedeutung 

von vier restlos ausverkauften Shows 

des Kings Of Rock’n’Rolls im Madison 

Square Garden vom Juni 1972 

thematisierte. CD 1 liefert die (etwas 

längere) Show vom Samstagnachmittag, 

ursprünglich 1997 erstmals auf 

CD veröffentlicht, CD 2 dokumentiert 

das Abendkonzert vom gleichen Tag, 

das schon eine gute Woche später, am 

18. Juni 1972, als LP herauskam. Bisher 

unveröffentlicht und erst kürzlich 

entdeckt sind die Amateuraufnahmen 

der 20-minütigen Pressekonferenz, 

die Elvis zusammen mit seinem Vater 

sowie Manager Colonel Tom Parker 

am 9. Juni 1972 gab. Daneben liefert 

die DVD noch gut eine Stunde lang 

die Bilder des Nachmittagskonzertes 

vom 10. Juni, also der einmaligen 

Performance Presleys, die mit klasse 

Band im Rücken, vielstimmigem 

Backgroundchor und vollem Orchester 

einmal mehr zeigte, wie wohl er 

sich auf der großen Showbühne fühlte. 

Edel auch das voluminöse, klasse 

bebilderte Begleitheft mit Liner-Notes 

von Lenny Kaye. 

(RCA/Sony Music, 1997/1972/2012, 

25/60:45, 22/54:05) us 

THE DOORS 

LIVE AT BOWL ’68 

Die Aufnahme im Hollywood Bowl 

vom 5. Juli 1968 stellt einen Sonderfall 

in der Geschichte der Doors dar, 

denn es handelt sich dabei um das einzige 

Konzert der Band, das in seiner 

vollen Länge aufgezeichnet wurdet. 

Frühere Audio- oder Video-Releases 


CD 

REVIEWS 

boten jedoch nie das gesamte Programm. 

So enthielt die erste CD von 1987 nur sieben 

der 16 Songs, und selbst die entsprachen 

nicht der Original-Reihenfolge oder 

waren unvollständig wie “Light My Fire”. 

Manche Lieder des Konzerts wie “When 

The Music’s Over”, “Hello, I Love You” 

und “Spanish Caravan” waren noch auf 

gar keiner Aufnahme zu hören. Neben der 

Filmversion auf DVD und Blu-ray liegt nun 

endlich das gesamte Konzert auch vollständig 

neu überarbeitet auf CD vor. Das Liedmaterial 

ist dem Doors-Fan vertraut, birgt 

also keine Überraschungen wie das Live- 

Album ALIVE SHE CRIED (1983), das die 

Cover-Versionen von “Gloria” und “Little 

Red Rooster” enthält. Dafür bekommt man 

ein sehr authentisches Konzerterlebnis. Das 

allein ist bei den spiel- und improvisationsfreudigen 

Doors schon den Kauf von LIVE 

AT THE BOWL ‘68 wert. Schließlich ist 

die Aufnahme ein wunderbares Zeitdokument 

der Doors auf ihrem Höhepunkt. 

(Rhino/Warner, 2012, 20/71:06) an 

ROGER McGUINN 

THUNDERBYRD 

So ganz kommt Andrew 

Thompsons 

Remasterleistung 

nicht an die von Eroc 

heran, der sich Roger 

McGuinns 

1977er 

Album THUNDER- 

BYRD 2005 

schon mal vorgenommen hatte. 

Der Ex-Byrd hatte seinerzeit mit dem 

Meistergitarristen Rick Vito, Drummer 

Greg Thomas, Bassist Charlie Harrison und 

Keyboarder Marty Grebb eine Mischung 

aus Cover-Versionen (Tom Petty, Bob 

Dylan, Peter Frampton, Williams/Goldberg, 

Jones/Edwards) und Eigenem eingespielt, 

die er auch in der legendären ersten 

„Rockpalast”-Nacht live präsentierte. Es 

war die McGuinn-typische Mischung aus 

Country-Rock, Westcoast-Anklängen und 

den damals angesagten Rock-Popsounds. 

Dazu sein unverkennbarer Rickenbacker- 

Twang, sein leicht näselnder Gesang, beschwingte 

Chorgesänge – alles in allem 

sehr ordentlich, mit einigen Finessen, im 

McGuinn-Gesamtkatalog aber eher im hinteren 

Mittelfeld anzusiedeln. 

(BGO/H’Art, 1977, 9/37:44) pro 

COLIN JAMES 

FIFTEEN 

Der Gitarrist, Sänger und Komponist Colin 

James wird von seinen Fans gern als 

Kanadas Antwort auf US-Haudegen wie 

Chris Duarte und Kenny Wayne Shepherd 

gesehen. Da ist viel dran! James pendelt seit 

1988 erfolgreich zwischen Pop-tauglichem 

Blues und Blues-getränkten Hard Rock. Er 

ist in seiner Heimat ein stiller Superstar, 

dessen Debüt das am schnellste verkaufte 

Album in Kanadas Musikgeschichte war, 

konnte aber in den USA oder gar Europa 

bislang keinen nachhaltigen Durchbruch 

verbuchen. Vielleicht ändert sich das mit 

FIFTEEN, seinem – richtig geraten – 15. 

Album. Die Platte bringt ein Bündel großartiger 

James-Originale, von denen “Sweets 

Gone Sour”, “Love For Life”, “Stone Faith” 

und “Shoulder To Cry On” das Format haben, 

zu Genre-Klassikern zu reifen. Bestens 

ausgesucht wurden auch die wenigen Cover-Versionen: 

Allen Toussaints “Sneakin’ 

Sally Through The Alley” rockt höchst beachtlich, 

ohne die Funk-Wurzeln zu kappen. 

John Lennons “Jealous Guy” verhehlt nicht 

James’ Bewunderung für den Beatle. Bei 

Peter Greens Klassiker “Oh Well” liegt die 

Würze in der Kürze; aus 9:06 bei Fleetwood 

Mac werden hier 3:45. Und auch das gospelige 

“Shed A Little Light” aus der Feder 

des Iren Foy Vance behandelt James bei der 

Umformung in seinen Stil respektvoll. All 

der gute Stoff wurde eingespielt von einem 

dicht agierenden Klasse-Team: James überzeugt 

als Gitarrist und Sänger gleichermaßen. 

Zudem brachte er seine langjährigen 

Kumpels Eric Webster und Simon Kendall 

(beide keys, vor allem Orgel) mit. Den Bass 

bedient James „Hutch” Hutchinson (Bonnie 

Raitt), am Schlagzeug sitzt das Nashville- 

Schwergewicht Greg Morrow, und ergänzende 

kernige Gitarrentöne kommen von 

Craig Northy (The Odds). So hat bluesiger 

Hard Rock heutzutage zu klingen, nur so. 

(EMI/Bertus Import, 2012, 13/49:42) hjg 

MEAT LOAF 

GUILTY PLEASURE TOUR 

Gleich zu Beginn 

geht Marvin Lee 

Aday, der in den 

ausführlichen 

Liner-Notes 

mit allen 

Mythen 

Schluss 

macht, wie er zu 

seinem Künstlernamen Meat Loaf kam, 

mit einem „Rocky Horror Picture Show”- 

Medley zurück zu den Anfangszeiten seiner 

Karriere, als er in der amerikanischen Adaption 

dieses Musicals den „Eddie” sang und 

spielte. Powert sich dann durch seine höchst 

erfolgreichen frühen Jim-Steinman-Zeiten 

(“Bat Out Of Hell”, “Paradise By The Dashboard 

Light”, You Took The Words”), streut 

geschickt aktuelle Titel ein, um am Ende seines 

Sets mit den erfolgreichen Comeback- 

Kollaborationen mit Steinman (u.a. dem 

Grammy-Gewinner “I’d Do Anything For 

Love”) und unterstützt von Co-Sängerin 

Patti Russo wieder Vollgas zu geben. Zehn 

Titel sind auf der CD zu hören, 13 auf der 

DVD, die noch dazu mit 40 Minuten Bonus- 

Material lockt: Backstage-Aufnahmen, On- 

The-Road-Impressionen und Interviews, die 

einen offenen Blick hinter die Kulissen dieser 

GUILTY PLEASURE TOUR erlauben. 

(Store For Music/H’Art, 2012, 

10/72:03, DVD 160 Min.) us 

… AND YOU WILL KNOW 

US BY THE TRAIL OF DEAD 

LOST SONGS 

Wer nach dem Album TAO OF THE 

DEAD (2011) ein ebenso ausgeklügeltes 

Progressive-Rock-Werk mit langen verschachtelten 

Songs erwartete, wird von 

dem neuen, achten Album von … And 

You Will Know Us By The Trail Of Dead 

sicher enttäuscht sein. Wer allerdings dreibis 

vierminütigen Powerchord-Gewitternummern 

nicht abgeneigt ist, ist bei LOST 

SONGS an der richtigen Adresse. Zwar 

sind die Stücke auf dem diesmal in Hannover 

aufgenommenen Album immer wieder 

von trickreichen Passagen unterbrochen, 

doch insgesamt bewegen sich die Mannen 

aus Texas in einem Hard- und Punk-Rock- 

Kontext – nennen wir es Art-Grunge. Aber 

nach einem Trip durch ätherische Gefilde 

ist es auch mal ganz schön, wieder Dreck 

unter den Schuhsohlen zu spüren. Das kann 

jeder Kosmonaut bestätigen! 

(Superball/EMI, 2012, 12/45:45) frs 

THE LEVELLERS 

LEVELLING THE LAND + 

LEVELLERS + ZEITGEIST + 

HEADLIGHTS, WHITE LINES, 

BLACK TAR RIVERS + MOUTH 

TO MOUTH + HELLO PIG 

Die Levellers waren in den 90ern eine der 

erfolgreichsten englischen Folk-Rockbands. 

Von der britischen Musikpresse eher 

stiefmütterlich behandelt, gelang es der 

Combo aus Brighton, sich durch unermüdliches 

Touren und energiegeladene Live- 

Gigs eine treue Gefolgschaft zu erspielen. 

Ihr viertes Studio-Album ZEITGEIST 

(1995) schaffte es, inmitten des Brit-Pop- 

Hypes, gar an die Spitze der UK-Charts; 

schon der unbetitelte Vorgänger (1993) 

hatte Platz zwei erreicht. Bis heute mixt die 

nach einer englischen Freiheitsbewegung 

des 17. Jahrhunderts benannte Band mit E- 

Gitarren, Fidel, Mandoline und Harmonika 

auf originelle Art melodiösen Folk mit treibendem 

Punk-Rock. Seit dem in Fankreisen 

geschätzten Zweitling LEVELLING THE 

LAND (1991, UK #14), der mit Publikumslieblingen 

wie “Liberty Song” und “One 

Way” glänzt, hat sie sich musikalisch kontinuierlich 

weiterentwickelt. Auf MOUTH 

TO MOUTH (1997, UK #5) und HEY PIG 

(2000, UK #28) integrierte sie in stärkerem 

Maße auch Brit-Pop- und Sixties-Elemente. 

Nun werden die fünf zwischen 1991 und 

2000 erschienenen Studiowerke (es fehlt 

das 1990er Debüt) sowie das Live-Album 

HEADLIGHTS, WHITE LINES, BLACK 

TAR RIVERS in schön gestalteten, mit 

dicken Booklets versehenen 2-CD-Deluxe- 

Editionen wiederveröffentlicht, angefüllt 

mit reichlich Bonus-Material, darunter 

Sing le-B-Seiten, Remixe und Liveversionen. 

LEVELLING und HEADLIGHTS 

liegt zudem jeweils eine Live-DVD bei. 

(Edsel/Soulfood, 1991–2000/2012) frs 

THE BE GOOD TANYAS 

A COLLECTION (2000–2012) 

Aus drei Alben destilliertes Best-Of-Album 

des Frauentrios aus Vancouver, das ganz 

vor züglichen „gesamtamerikanischen” 

Folk- Country-Blues-Rock macht, wobei 

Rock 

sich nördliche und südliche Elemente erstaunlich 

gut ergänzen. Die Band pendelt 

dabei geschickt zwischen bittersüßen Balladen 

und dezent fröhlichen Songs aus 

zumeist eigener Werkstatt. Die stets passenden 

stromlosen Arrangements mit viel 

akustischer Gitarre, Piano, Banjo und Geige 

als tragenden Instrumenten sind schlicht 

delikat, und der ebenso feurige wie pointierte, 

mit nahtlosen Harmonien gespickte 

Gesang von Sam Parton, Trish Klein und 

Frazey Ford sucht seinesgleichen. Unter 

den 16 Songs sind vier bislang nicht erhältliche 

Titel, nämlich neue Mixe von “Scattered 

Leaves” und “Song For R.” sowie die 

neuen Kompositionen “Little Black Bear” 

und “Gospel Song”. Sie gehören, ebenso 

wie Neil Youngs “For The Turnstiles”, zu 

den Höhepunkten einer hochwertigen Kollektion, 

die 70 Minuten lang nie zweitklassig 

oder gar langweilig klingt. 

(Nettwerk/Soulfood, 2012, 16/69:29) hjg 

SCOTT WALKER 

BISH BOSCH 

Scott Walker beschreitet 

mit seinem 

ersten Album seit 

sieben Jahren konsequent 

den Weg weiter, 

den er spätestens 

1995 mit TILT eingeschlagen 

und 2005 

mit THE DRIFT fortgesetzt 

hatte. BISH BOSCH wird wieder 

die Gemüter spalten: Die einen werden das 

neue Werk als hohe Kunst feiern, die anderen 

es als elitären Kunstmist abkanzeln. 

Das kennt man aus dem Kunstbetrieb, in 

dem Walker durch seine Arbeiten für Ballett 

und Film seit etlichen Jahren zu Hause ist. 

Er experimentiert auf BISH BOSCH abseits 

gewohnter Hörerlebnisse. Die Musik, mit 

der er in den 60er Jahren bekannt wurde, ist 

das nie, vielmehr sind gewagte Gesangsmelodien, 

zumeist dramatisch inszeniert, heulende 

Gitarren (teilweise von BJ Cole) und 

viele perkussive Experimente das Maß der 

Dinge. Erst nach mehrmaligem Hören beginnt 

Walkers neues Album, seine Wirkung 

zu entwickeln, dann aber mit Gewinn. 

(4ad/Indigo, 2012, 9/73:32) 

an 

DAVE GOODMAN & 

STEVE BAKER 

THE WINE DARK SEA 

Hier haben sich zwei bestens zueinander 

passende Musiker getroffen und ein Album 

eingespielt, das dem oft strapazierten Begriff 

„Geheimtipp” total gerecht wird. Der 

Kanadier Goodman spielt auffällig versiert 

Gitarren aller Art und greift auch gern zum 

Banjo und Bass. Eine ausgefuchste Saitenbehandlung 

ist zweifellos seine größte Stärke. 

Aber er singt auch überdurchschnittlich 

gut, einerseits sehr entspannt, zugleich aber 

bissig und vor allem variabel. Das ist Voraussetzung 

für seinen Ehrgeiz, Country- 

Rock, akustischen Funk, Blues und Folk 

unter einen Hut zu bringen. Goodman zur 

Seite steht mit dem bemerkenswert originellen 

Mundharmonikaspieler Steve Baker 

ein zweiter Virtuose. Unterstützt wird das 

Duo vom Schlagzeuger Martin Röttger sowie 

einigen punktuellen Helfern. Zu hören 

sind zwölf Goodman-Originale, von denen 

“Leavin’ On My Mind”, “The Shack” und 

“Maybe She’s Afraid” höchsten Ansprü- 


CD 

chen genügen. Hinzu kommen ausgezeichnete 

Fassungen des Blues-Klassiker “Hard 

Time Killing Floor” (Skip James) und des 

Box-Tops-Superhits “The Letter”. Goodman 

hat bislang noch kein besseres Album 

veröffentlicht! 

(Acoustic Music/Rough Trade 2012, 

14/53:29) hjg 

BLACK COUNTRY 

COMMUNION 

AFTERGLOW 

Für das dritte BCC- 

Studiowerk hat sich 

Glenn Hughes (voc, 

b) als alleiniger 

Songlieferant – nur 

Jason Bonham (dr) 

war zweimal beteiligt 

– noch einmal zu einem Höhenflug 

aufgeschwungen. Er hat erneut Lieder 

kreiert, die tief den Geist der 70er Jahre 

atmen, ohne aber altmodisch daherzukommen. 

Joe Bonamassa (g) dürfte wohl für 

den gelegentlichen Blues-Unterton gesorgt 

haben, während Derek Sherinian an den 

Keyboards, vor allem an der Orgel (und 

gar Mellotron!) für stets passende Soundkolorierung 

und Abrundung sorgt. Handfestes 

wechselt gelungen mit Balladeskem, 

Brachiales (auch Led-Zeppelin-Mäßiges) 

mit Bombastischem, aber auch Fragilem. 

Und Hughes, der auf seine Kreischeinlagen 

verzichtet, singt wie ein junger Rockgott 

– man führe sich nur mal “Afterglow” 

zu Gemüte! Rundum gelungen und Hard- 

Rockfans ans Herz zu legen! 

(Provogue/Rough Trade, 2012, 

11/57:56) pro 

INGA RUMPF & 

NDR BIGBAND 

RADIO LOVE 

Mit einer Stimme wie der von Inga Rumpf 

kann man einfach alles singen: Egal ob 

Folk, wie 1965 mit den City Preachers, 

psychedelischen Blues-Rock mit Frumpy, 

amerikanisch geprägten Rock mit Atlantis, 

Gospel in kleinen Gotteshäusern oder im 

Singer/Songwriter-Stil bei ihren Solokonzerten, 

die Hamburgerin sorgte überall für 

hochklassigen Gesang. Dass sie ihr Handwerk 

auch mit Bigband-Begleitung oder 

mit einem Orchester im Rücken beherrscht, 

zeigt sie nun auf den drei CDs von RADIO 

LOVE. Thematisch unterteilt in „The Spirit 

Of Jimi Hendrix”, „It’s A Man’s World” und 

„Radio Love”, wird sie abwechselnd von 

der NDR Bigband und vom NDR Radio 

Philharmonie Orchester begleitet, croont 

sich durch Klassiker wie “Unchain My 

Heart”, “Jumpin’ Jack Flash” oder “Like A 

Ship”, zeigt mit jazzigen Interpretationen 

von “Foxy Lady” oder “Stone Free” ihre 

Verehrung für Jimi Hendrix, setzt Sängerinnen 

wie Billie Holiday und Sara Vaughan 

mit orchestral begleiteten Titeln – von 

“Stormy Weather” über “Body & Soul” bis 

zu “I Cover The Waterfront” – ein Denkmal. 

(edel, 2012, 3 CDs) 

tk 

DIO 

THE VERY BEAST OF VOL. 2 

Witwe Wendy Dio wertet die musikalische 

Hinterlassenschaft des 2010 verstorbenen 

Gatten Ronnie James konsequent und clever 

aus. Mit VERY BEAST OF VOL. 2 

Rock 

deckt sie die Jahre ab 1996 mit vier Alben 

ab. Da es speziell für die Fans zusätzliche 

Kaufanreize braucht, gibt es hier ein paar 

Schmankerl: “Electra” war der letzte Song, 

den Dio – für ein geplantes MAGICA II- 

Album – aufnahm; “The Prisoner Of Paradise” 

war ein nur in Japan veröffentlichter 

Bonus-Track; “Metal Will Never Die” hatte 

Dio für/mit seinem Cousin (und Mitstreiter 

bei Elf) David Feinstein aufgenommen. 

Dokumentiert ist mit dieser CD die zweite, 

nicht ganz so starke Karrierephase des Ausnahmevokalisten, 

dessen markante Stimme 

allein schon den Erwerb dieser Werkschau 

wert ist – auch wenn die Songs der ersten 

Laufbahnhälfte schlicht stärker waren. 

(Niji/Tonpool, 2012, 17/78:31) pro 

BOB DYLAN 

THE FREEWHEELIN’ 

BOB DYLAN 

Gegenüber 

seinem 

Debüt stellte der 

zweite 

Longplayer 

von Bob Dylan eine 

rasante 

Weiterentwicklung 

dar, denn 

das 

zunehmende 

Selbstbewusstsein Slbtb t war deutlich wahrnehmbar, 

besonders in solch fantastischen Protestsongs 

wie “Masters Of War”, “Talkin’ 

World War III Blues” und “A Hard Rain’s 

A-Gonna Fall” und natürlich dem Evergreen 

der Friedensbewegung, “Blowin’ 

In The Wind”. Doch auch die weniger bekannten 

Tracks wie “Bob Dylan’s Dream” 

oder “Corina, Corinna” stehen für Aufbruch 

und die Stimme einer neuen Generation. 

Klang Dylan seit dieser Zeit jemals 

ehrlicher? Die Ausgabe wurde warm und 

sehr direkt remastert, wodurch ein intimer 

Eindruck entsteht, der den Hörer klanglich 

quasi ins Studio versetzt. Das zwölfseitige 

Booklet enthält ein langes, detailliertes und 

aufschlussreiches Essay von Nat Henoff. 


1963, 13/50:28) at 

KLUSTER 

SCHWARZ (ERUPTION) 

Es verwundert nicht, dass Dieter Moebius 

und Hans-Joachim Roedelius das finanzielle 

Risiko scheuten, ihr drittes Kluster-Album 

zu veröffentlichen, denn SCHWARZ 

(ERUPTION) dürfte Anfang der 70er Jahre 

mit das Experimentierfreudigste an elektronischer 

Musik gewesen sein. Die LP 

erschien dann 1971 als erstes Album des 

dritten Mitstreiters Konrad Schnitzlers. 

Die anderen beiden werkelten in der Folge 

einflussreich unter dem Namen Cluster 

weiter. Die Wiederveröffentlichung auf CD 

erscheint nun endlich als Kluster-Werk, das 

zwei mit “Eruption 1” (31:04) und “Eruption 

2” (25:30) betitelte gesangfreie Stücke 

enthält. Die erste der beiden dramatisch 

durchstrukturierten Geräuschsymphonien 

beginnt leise und wird zunehmend lauter, 

bei der zweiten verhält es sich umgekehrt 

— beide aber voll bedrohlicher Stimmung. 

Wahrlich keine leichte Kost, die aber beim 

aufmerksamen Zuhören ihre Wirkung nicht 

verfehlt: Man wäre gerne bei der Produktion 

des damals live aufgenommenen Albums 

dabei gewesen, um herauszufinden, 

womit welcher Klang hergestellt wurde. 

(Bureau B/Indigo, 1971, 2/56:34) an 

 

Erhältlich als limitiertes 2 CD Mediabook 

und als aufwändige 180gr 4fach 

Vinyl Edition (inkl. Album auf CD). 

Auf Tour mit Genesis Revisited in 2013! 

www.insideoutmusic.com 

 

STEVE 

HACKETT 

Genesis Revisited II 

Steve Hackett 

re-interpretiert Genesis 

& Solo Klassiker wie 

u.a. Supper‘s Ready! 

Mit Steven Wilson, 

Mikael Akerfeldt, Nik Kershaw, 

Francis Dunnery, Steve Rothery, Simon 

Collins, Conrad Keely, Roine Stolt, 

Steve Hackett Genesis Revisited II 

Neal Morse und vielen anderen! 

 

 

 

 

 

 


CD 

REVIEWS 

DORO 

RAISE YOUR FIST 

Für ihr 30-jähriges Bühnenjubiläum hat sich 

die blonde Metalqueen mit ihrem zwölften 

Solostudiowerk mit einigen Arenahymnen 

selbst beschenkt, bei denen sie kräftig nach 

vorne rockt. Natürlich gibt es einige der 

bei Frau Pesch unvermeidlichen Balladen 

(bei “It Sills Hurts” wieder mal ein Duett 

mit Kumpel Lemmy Kilmister), dazu die 

obligatorische deutsch gesungene Nummer 

sowie mit “Freiheit (Human Rights)” eine 

deutsch-englische Nummer, die nicht nur 

gängige Klischees aufgreift. Wobei man 

Doro zugute halten muss, dass sie auf positive 

Liebes- und Freundschaftsbotschaften 

setzt, nicht auf metallische Düsterkeit. 

RAISE YOUR FIST präsentiert Doro, wie 

man sie seit ihren Anfangszeiten mit Warlock 

kennt und schätzt, ohne Anspruch auf 

Originalitätspreise, dafür mit überaus solidem 

Rock- und Metal-Handwerk. 

(Nuclear Blast/Warner, 2012, 13/52:09) pro 

THE COSMIC GARDEN 

SUN SECRETS 

Krautrock mit Ambient/Electronic 

zu 

vermischen ist nichts 

Neues. Aber den beiden 

Musikern Tibor 

Fredmann und Sigi 

Hümmer, die hinter 

The Cosmic Garden stehen, geht es mit ihrem 

Debüt SUN SECRETS auch weniger 

darum, neue Pfade zu erschließen, vielmehr 

richten sie ihr Augenmerk darauf, die Hörer 

mit ihrer Musik auf einen Streifzug durch 

vielschichtige, psychedelische Klanguniversen 

mitzunehmen. Das tun sie ohne 

Frage gekonnt und lassen keinen Zweifel 

darüber aufkommen, wer ihre Lehrmeister 

waren: Bands wie Can, Popol Vuh, Tangerine 

Dream, Agitation Free oder Amon 

Düül. Mit Synthies, Keyboards, Mellotron, 

Bass, Drums und Gitarren aller Art wird 

der Soundteppich gelegt, auf dem dann 

– je nach Bedarf – Sitar, Glockenspiel, 

Piano, Perkussion, verfremdete Stimmen 

oder Field Recordings für unterschiedliche 

Stimmungen sorgen. Dabei lassen sie ihren 

Reisen die notwendige Zeit, geraten nie in 

Hektik, bieten die passende Beschallung 

für eine knappe Stunde Auszeit vom hektischen 

Alltag. 

(Hyper Factory Records, 2012, 8/54:00) us 

SON OF A BITCH 

VICTIM YOU 

1974 hatten Gitarrist Graham Oliver und 

Bassist Steve Dawson die Band Son Of 

A Bitch gestartet, aus der mit Saxon eine 

der Ikonen der New Wave Of British Heavy 

Metal hervorging. 1994 mussten beide 

dort gehen, formierten aber umgehend mit 

Saxon-Mitstreiter Pete Gill (dr; Ex-Glitter 

Band, später Motörhead), Sänger Ted Bullet 

(Thunderhead) und Gitarrist Haydn 

Conway eine neue Combo unter dem alten 

Namen. Ihr 1996er Debüt, das jetzt mit dem 

Bonus-Track “Running Away” neu aufgelegt 

wurde, erinnert mit dem druckvollen 

wie riffigen und doch melodischen Gitarrenspiel 

sowie Donnerdrums über weite 

Strecken an Saxon, weist allerdings auch 

einige kompositorische Durchhänger auf. 

Insgesamt aber immer noch ordentlich und 

für NWOBHM-Fans eine Pflichtnummer. 

Anspieltipps: “More For Me”, “Past The 

Point” oder “Victim You”. 

(Angel Air/Fenn, 1996, 12/53:58) pro 

SEX PISTOLS 

NEVER MIND THE BOLLOCKS – 

DELUXE EDITION 

Wäre 

interessant 

zu wissen, wer 

von den Sex Pistols 

1977 daran 

geglaubt 

hätte, 

dass 2012, also 

35 Jahre später, 

ihr NEVER MIND THE BOLLOCKS die 

Ehre einer Deluxe Edition erhalten würde. 

Die Wucht, mit der dieses Album den Punk 

von Großbritannien aus in die ganze Welt 

rotzte, die naiv dilettantische Produktion, 

die auch nach Hunderten von Tape-to-tape- 

Kopien nichts von ihrer Ursprünglichkeit 

verlor, und letztendlich Songs für die Ewigkeit 

beeinflussen bis heute junge Musiker, 

haben für einen Meilenstein der Musikgeschichte 

gesorgt. Die Deluxe-Ausgabe enthält 

das Album, das von den erst kürzlich 

wiederentdeckten Originalbändern gemastert 

wurde und deren druckvoller Klang 

den der 80er-Jahre-CD-Version um Längen 

schlägt, inklusive der vier Single-B-Seiten. 

Auf einer zweiten CD gibt es – trotz „Full 

Soundboard Recording” eher in Bootleg- 

Qualität – den Mitschnitt eines Stockholmer 

Sex-Pistols-Konzertes vom Juli 1977 

sowie drei Songs, die bei einem Auftritt 

in Cornwall mitgeschnitten wurden. Deluxe 

auch das voluminöse Booklet mit 

Geschichte der Band, massenhaft O-Tönen 

von John Lydon & Co. sowie ausführlichen 

Song-By-Song-Infos. Deluxe! 

(Universal, 1977, 16/55:19, 14/54:57) us 

ALICE COOPER + BOOKER 

T. & THE MG’S + FLEET- 

WOOD MAC + THE 

REPLACEMENTS 

ORIGINAL ALBUM SERIES 

Wie gewohnt sind die einzelnen CDs der vier 

jetzt erschienenen, neuen Boxen der ORIGI- 

NAL ALBUM SERIES in LP-Replica-Pappschubern 

verpackt, zusammengehalten von 

einem Schuber, auf dessen Rückseite noch 

einmal alle Titel aufgeführt sind. Ohne Frage 

klassisch die Auswahl der Alice-Cooper-Alben, 

chronologisch geht es vom 1969er Debüt 

PRETTIES FOR YOU über EASY ACTION, 

LOVE IT TO DEATH und KILLER bis zum 

ersten großen Erfolg, dem 1972 veröffentlichten 

SCHOOL’S OUT (USA #2, D #3). Auch 

für die Box von Booker T. & The MG’s wurden 

mit GREEN ONIONS, SOUL DRES- 

SING, AND NOW!, HIP HUG-HER und 

DOIN’ OUR THING die ersten fünf Alben 

der Memphis-Soulband ausgesucht, nur das 

1966er Weihnachtsalbum IN THE CHRIST- 

MAS SPIRIT und BACK TO BACK, der 

Livemitschnitt aus dem Jahr 1967, wurden 

übersprungen. Bei LP Nummer drei, dem 

1969 veröffentlichten THEN PLAY ON, 

steigt die Zusammenstellung von Fleetwood 

Mac ein, präsentiert dann die drei aufeinanderfolgenden 

Longplayer KILN HOUSE, 

FUTURE GAMES und BARE TREES, bevor 

dann mit MYSTERY TO ME die stärkere 

von zwei 1973 veröffentlichten LPs die Box 

beschließt – ausgespart wurde PENGUIN. 

Fast zehn Jahre später veröffentlichten die 

Replacements aus Minneapolis, deren enormer 

Einfluss auf viele Alternative-Rockbands 

umgekehrt proportional zu ihren Plattenverkäufen 

war, ihr Debüt SORRY MA, FOR- 

GOT TO TAKE OUT THE TRASH. Über 

HOOTENANNY, LET IT BE und TIM geht 

es bis ins Jahr 1987, als sie mit PLEASED TO 

MEET ME ihr fünftes von insgesamt sieben 

Alben veröffentlichten. Also wieder einmal 

ideale und preisgünstige Gelegenheiten, sträfliche 

Sammlungslücken zu füllen! 

(Rhino/Warner, 2012, jeweils 5 CDs) us 

PAUL BRADY 

DANCER IN THE FIRE – 

A PAUL BRADY ANTHOLOGY 

Unter eigenem Namen 

hat der irische 

Folk -Rocker Paul 

Brady rund zwei 

Handvoll 

Alben 

veröffentlicht, 

die 

komplett wohl nur 

bi bei erpichten iht Fans im Regal stehen. Aber 

dieser prächtige Doppeldecker gehört in 

jede anständige Folk-Rocksammlung! Abgesehen 

davon, dass ausgerechnet vom 

starken Album SPIRITS COLLIDING 

(1995) kein Track dabei ist, gibt es hier 

keinen ernsten Einwand. Brady hat seinen 

sorgfältig ausgearbeiteten, nach allen Seiten 

umsichtig abgesicherten Stil über all 

die Jahre seit 1978 nur wenig verändert. 

Experimente sind nicht seine Baustelle, 

lieber verlässt er sich auf die ohrwürmige 

Qualität seiner Kompositionen (sowie dreier 

Traditionals und des Hank-Williams- 

Klassikers “You Win Again”), betont je 

nach den Erfordernissen der Songs mal 

die kontrolliert rockige, mal die verhalten 

melancholisch folkige Seite. Zudem ist er 

ein konstant zuverlässiger Klassesänger 

und Multi-Instrumentalist, der vor allem 

als Gitarrist vielseitiges Können vorweisen 

kann. All diese mehr als soliden Qualitäten 

machen Songs wie “Crazy Dreams”, “Hard 

Station”, “Dancer In The Fire” “The Road 

To The Promised Land” – alle von seinem 

besten Album HARD STATION (1981) 

– , “The Game Of Love”, “Sail Sail On”, 

“Steel Claw”, “Steal Your Heart Away”, “I 

Am A Youth That’s Inclined To Ramble” 

und “Walk The White Line” zu völlig zeitlosen 

Vergnüglichkeiten. Abgerundet wird 

die Edition durch ein 20-seitiges Booklet 

mit Track-By-Track-Anmerkungen von 

Brady selbst. 

(Proper/Rough Trade 2012, 11/55:23, 

11/53:41) hjg 

Rock 

LOS LOBOS 

BY THE LIGHT OF THE 

MAGICAL MOON 

Nach ihrem großen 80er-Jahre-Hit “La 

Bamba” flutschte das Nachfolge-Album 

und brachte den Tex-Mex-Protagonisten 

endlich die ihnen gebührende Anerkennung. 

Produziert von T-Bone Burnett, 

schmiedeten Los Lobos einen packenden, 

ungemein tanzbaren Sound, bei dem besonders 

die Rhythmussektion für ordentlich 

Druck sorgte. Das Spektrum reicht 

von geschmackvoll mit Gitarren verzierten 

Shuffle (“One Time One Night”) über eine 

klassisch mexikanische Schmachtballade 

(“Prenda Del Alma”) über Tanzbodenfüller 

(“Set Me Free (Rosa Lee)”) bis hin 

zu einem offensiveren Blues-Track (“My 

Baby’s Gone”). Abwechslungsreich und ein 

Garant für gute Laune. Die aktuelle Mobile- 

Fidelity-Ausgabe erscheint in einem Digisleeve, 

das ein Booklet mit sämtlichen Texten 

enthält. In Bezug auf den Sound wurden 

die früher unangenehmen Höhen gekappt 

und der Gesamtdruck erhöht – sehr angenehm. 


1987, 11/40:43) at 

KROKUS 

METAL RENDEZ-VOUS + HARD- 

WARE + ONE VICE AT A TIME 

Erstmals mit Sänger 

Marc Storace nahmen 

Krokus, die 1975 

gegründeten Schweizer 

Riffrocker mit 

Metal-Affinität, 1980 

ihr vierte LP METAL 

RENDEZ-VOUS auf und wurden damit 

auch international wahrgenommen. Inklusive 

des Vorwurfs einer allzu großen Nähe 

zu AC/DC, doch diese Kritik traf nur teilweise 

zu. Auch Elemente der damals neuen 

britischen Metalwelle und traditionelle 

Hard-Rockeinflüsse fanden bei Krokus 

Niederschlag. Auf HARDWARE griffen 

die Schweizer 1981 allzu viele Klischees 

und bekannte Versatzstücke auf, lieferten 

mit ONE VICE ... dann aber wieder eigenständigere 

Songs mit einem gehörigen Maß 

Kommerzialität, so dass Krokus selbst den 

schwierigen US-Markt knackten. Alle drei 

Scheiben sind jetzt preiswert in der sparsam 

gestalteten Serie „Original Album Classics” 

im Pappschuber wieder erhältlich. 

(Sony Music, 1980 + 1981 + 1982, 

10/43:36 + 9/37:39 + 9/36:36) pro 

ROBERT LAMM 

LIVING PROOF 

67 ist Robert Lamm inzwischen, mit Chicago 

hat er Rockgeschichte geschrieben 

– und dieser Hintergrund ist auch auf seinem 

zwölften Solo-Album unschwer herauszuhören. 

Satte Bläser schmettern oder 

schleichen gefällig durch seine Songs, die 

mal Westcoast-Flair aufweisen, dann funky 

tänzeln, ehe sie AOR-mäßig pulsieren oder 

durch Jazztupfer aufgelockert werden. 

Manchmal tun sie dies allerdings einen 

Tick zu gefällig (und die meist zum Einsatz 

kommenden Drumcomputer-Rhythmen 

kämen mit echtem Schlagzeug besser zur 

Geltung); zwischendurch überrascht Lamm 

mit unerwarteten (Streicher-)Breaks – und 

mit der reichlich zu hörenden Zosia hat 

er eine starke Sangespartnerin an der Seite, 

die neugierig macht auf mehr aus ihrer 

Kehle. Insgesamt ein richtig ordentliches, 

abwechslungsreiches Pop-Rockalbum für 

Erwachsene. 

(Blue Infinity/Import, 2012, 10/36:45) pro 

FRANK MARINO 

THE POWER OF ROCK’N’ROLL / 

JUGGERNAUT 

Die Rockmusik wiederholt sich in Zyklen. 

Da passt die Wiederveröffentlichung zweier 

Alben des Gitarrenvirtuosen Frank Marino 

während eines Blues-Rockbooms bestens 

in die Zeit. Mit seinen ersten beiden Soloscheiben 

ohne seine langjährige Begleit- 


CD 

REVIEWS 

truppe Mahogany Rush streifte der 

oft als Hendrix-Klon abgetane Kanadier 

dieses Image ab. THE PO- 

WER OF ROCK’N’ROLL ging 1981 

richtig gerade aus ab und bot mit 

dem Titelstück sowie “Ain’t Dead 

Yet” und “Runnin’ Wild” erstklassige 

Highlights (und unterschwellige 

Blues einflüsse). Marino zündete 

darauf und auf dem vielseitigeren, 

songschreiberisch gereiften JUG- 

GERNAUT begeisternde Gitarrenfeuerwerke, 

wobei das in den USA 

erfolgreiche “Strange Dreams” ohne 

Solo auskam! Mit Krachern wie 

“Ditch Queen”, “For Your Love” 

oder dem Titelstück war er näher bei 

Ted Nugent als bei Hendrix! 

(BGO/H’Art, 1981/1982, 8/41:34, 

8/44:51) pro 

THE WALKABOUTS 

BERLIN 

Nach 

über 

30 Jahren 

erscheint mit 

BERLIN 

nun das erste 

„richtige” 

Live-Album 

der Walkabouts, alle bislang veröffentlichten 

Konzertmitschnitte waren 

entweder nur bei den Tourneen, als 

exklusive Mailorder-CDs oder in limitierten 

Kleinstauflagen erhältlich. 

Getreu dem Albumtitel wurden die 13 

Songs im Juli dieses Jahres im Berliner 

C-Club mitgeschnitten, als die 

amerikanischen Indie-Rocker ihr aktuelles 

Album TRAVELS IN DUST- 

LAND vorstellten. So stammt etwa 

die Hälfte der Songs aus diesem Album, 

der Rest setzt sich aus verschiedenen 

Walkabouts-Alben der letzten 

Jahrzehnte zusammen. Dabei wurden 

die älteren Songs mit dem Ziel gespielt, 

sie neu zu erfinden, sozusagen um 

die alten Geschichten auf eine neue 

Weise zu erzählen – das Wort Stillstand 

gehörte noch nie zum Vokabular 

der Walkabouts. Auch auf der Bühne 

stand eine Mischung aus Alt und Neu, 

mit den Gründungsmitgliedern Chris 

Eckman (voc, g) und Carla Torgerson 

(voc, g), den langjährigen Mitstreitern 

Michael Wells (b), Terri Moeller (dr) 

und Glenn Slater (keys) sowie dem 

neuen Mitglied Paul Austin (g), der 

erst kurz vor den DUSTLAND-Aufnahmen 

zur Band stieß. 

(Glitterhouse/Indigo, 2012, 

12/76:12) us 

JOHN THE CONQUEROR 

JOHN THE CONQUEROR 

John The Conqueror (1339–1399) 

war Herzog der Bretagne und Graf 

des britischen Montford, kann aber 

nicht gemeint sein. Eher schon der 

afrikanische Folk-Hero gleichen 

Namens, der die LSD-artige Pflanze 

Ipomoea Jalapa unter die Völker 

brachte – jenen auch von Dr. John 

besungenen Medizinmann nahm 

sich das Powertrio aus Philadelphia 

mit singenden Gitarristen Pierre 

Moore, Drummer Michael Gardner 

und Bassist Ryan Lynn zum 

Vorbild: mit einem ausgefuchsten, 

urwüchsigen und abgehangenen 

Debüt. Wer derart entspannt, kraftvoll 

und originell eigene Nummern 

abspult, läuft zwangsläufig dem 

neuen ZZ-Top-Opus den Rang ab: 

LA FUTURA liegt hier, in kongenialem 

Mix von Blues-Rock, Soul & 

Funk, dem man anhört, dass Komponist 

Moore und Drummer Gardner 

aus Jackson, Mississippi, stammen: 

Midtempo-Grooves, Riff-Reichtum 

zum Niederknien, lakonisch-rauer 

Gesang und bei allen regelmäßigen 

„Ausflügen” der drei Akteure ein 

homogenes Ensemble-Bewusstsein 

– dieser Cocktail wirkt auch ohne 

Ipomoea Jalapa! 

(Alive/Cargo, 2012, 10/37:45) utw 

BILLY SQUIER 

ENOUGH IS ENOUGH / 

HEAR & NOW / CREATURES 

OF HABIT 

“The 

Stroke” 

hieß 1981 

der 

weltweite 

Hit des Billy 

Squier, der 

ebenso abräumte 

wie das dazugehörige 

Album DON’T SAY NO. In 

den Folgejahren zeigte die Erfolgskurve 

des Amerikaners allmählich, aber 

kontinuierlich nach unten. ENOUGH 

IS ENOUGH rockte 1986 zwar ordentlich, 

aber nur durchschnittlich 

– den Songs fehlte es schlicht an Originalität. 

HEAR & NOW drei Jahre 

später enthielt zwar den mittleren Hit 

“Don’t Say You Love” (US #54), riss 

aber nicht besonders vom Hocker mit 

dem darauf zu hörenden AOR und der 

Vermengung von Rock und Pop; die 

Platte wies ebenso einige qualitative 

Durchhänger auf wie das allzu sehr 

auf Kommerz schielende 1991er Opus 

CREATURES OF HABIT. Da standen 

mit starken Nummern wie “She 

Goes Down”, “(L.O.V.E.) Four Letter 

Word” oder “Hollywood” zu wenige 

Highlights den Schwachstellen gegenüber. 

Da stört bei der Verteilung 

der drei Alben auf zwei CDs auch die 

Stückelung von HEAR ... nicht weiter. 

(BGO/H’Art, 1986, 1989, 1991, 

16/72:32, 15/71:41) pro 

CORY CHISEL AND THE 

WANDERING SONS 

OLD BELIEVERS 

Das neue Album des Liedermachers 

Cory Chisel und seiner Wandering 

Sons zeigt vor allem eines: Es ist schier 

unmöglich, dem übermächtigen Einfluss 

von Bob Dylan und seiner Schüler 

Tom Petty und Bruce Springsteen 

zu entgehen. Wer die genannten Großen 

Drei oder auch die Wallflowers, die 

Band des Dylan-Sohnes Jakob liebt, 

kommt an OLD BELIEVERS nicht 

vorbei. Die zwölf Songs haben einen 

hohen kompositorischen Standard und 

werden von einer Horde kompetenter 

Cracks wie Brendan Benson (g), Billy 

Mercer (b), Andrew Higley (keys) 

Rock 

und Adriel Denae (dr, voc) sowie diverser 

Spezialhelfer fehlerfrei realisiert. 

Für genügend Abwechslung ist 

dabei gesorgt: Im Duett “Seventeen” 

trifft Chisels raspelige Stimme auf die 

weich abfedernde von Adriel Denae. 

“Over Jordan” ist ein simpel-handfester 

Bluesstampfer mit offensiver 

Mundharmonika. Und “Times Won’t 

Change” rockt tüchtig und balanciert 

genau auf der Trennlinie zwischen 

Dylan-Folk und Petty-Rock, relativiert 

die aufkommende Härte aber durch 

Streicher. Auch “Never Meant To Love 

You”, “Foxgloves” und der zarte Eröffner 

“This Is How It Goes” liegen klar 

über dem Durchschnitt. Etwas mehr 

Mühe könnte sich Chisel allerdings 

noch mit seinen Texten geben. Die 

Mischung aus Alltagslyrik und religiös 

gefärbten Versen ist nicht immer 

klischeefrei und somit noch um einiges 

von Dylans Standardhöhe entfernt. 

(Readymade Records/Bertus Import, 

2012, 12/39:49) hjg 

COCKNEY REBEL 

FEATURING STEVE 

HARLEY 

CAVALIERS: THE ANTHO- 

LOGY 1973–1974 

Beim 

Thema 

Steve 

Harley 

und seiner Band 

Cockney 

Rebel 

fällt schnell 

das Schlagwort 

„unterbewer- 

tt” tet”, was den heute fast vergessenen 

Musikern auch gerecht wird. Ihr bunter 

Stilmix aus Singer/Songwriter-Folk 

und Pub-Rock wirkt durch die nicht 

alltäglichen Kompositionsstrukturen, 

die ungewöhnlich eingesetzte Violine 

und die Offenheit der Arrangements. 

Die 4-CD-Ausgabe (plus ein klasse 

Booklet) umfasst die beiden Alben 

THE HUMAN MENAGERIE (eher- 

Soft-Glam-lastig, zusätzlich vier Singletracks) 

und THE PSYCHOMODO 

(eher experimentell, zusätzlich zwei 

Singletracks). Besonders interessant ist 

der dritte Silberling, denn hier finden 

sich 14 unveröffentlichte Fassungen 

der Albumtracks, ungekürzte Versionen 

und Alternativmixe im brillanten 

Klang. Die letzte CD umfasst BBC- 

Aufnahmen und sogar die rare John- 

Peel-Session – alles in gutem Sound. 

(EMI, 1973, 14/58:12, 1974, 

11/50:20, 14/63:41, 10/55:00) at 

TEN 

HERESY AND CREED 

Gary Hughes, Sänger und Gitarrist 

der Band Ten, die mit HERESY 

AND CREED dieser Tage ihr zehntes 

Album vorlegt, ist der Größte. 

Und dass diesem Ausnahmekünstler 

das überschwängliche Prädikat des 

Unantastbaren zugestanden werden 

kann, kommt nicht von ungefähr: 

Hughes schreibt Songs, die die 

meisten ambitionierten Musiker im 

melodischen Rock- und Metal-Bereich 

nicht einmal träumen können. 

HERESY AND CREED belegt das. 

Sie haben 

gewählt! 

Hier sind die 

60 besten 

kultHits! 

Zusammengestellt 

von den 

Lesern der 


CD 

REVIEWS 

Schon der Opener “Arabian Night” überflutet 

den Hörer geradezu mit unter die 

Haut gehenden Melodien zwischen Epik 

und Melancholie. Ob Ten ohne Federlesen 

rocken, Orientalisches einfließen lassen 

oder auf keltische Weisen zurückgreifen 

– die Stücke klingen wie aus einer anderen 

Welt. Zu allem Überfluss erhielten die 

Songs Arrangements in Vollendung, in denen 

die zwar facettenarme, aber wundervoll 

warme Stimme von Hughes bestens 

zur Geltung kommt. Und den Konflikt 

zwischen Islam und Christentum auf dem 

Cover in einem Schwertkampf zweier fast 

nackter Amazonen zu personifizieren, ist 

der Hammer schlechthin. Ten sind im Melodic 

Metal zur Zeit die besten! 


IAN HUNTER 

FROM THE KNEES OF MY 

HEART 

In einem großen 

Jewel-Case erscheinen 

vier CDs, die 

das Chrysalis-Werk 

Ian Hunters thematisieren. 

Neben zahlreichen 

unveröffentlichten 

Tracks überzeugt das Booklet mit 

Kommentaren des Musikers. Auf YOU’RE 

NEVER ALONE WITH A SCHIZO- 

PHRENIC hatte sich Ian Hunter dem Mainstream 

verschrieben und lieferte mit “When 

The Daylight Comes” einen griffigen, aber 

dennoch packenden Hit ab. Die CD wurde 

mit diversen Fassungen vornehmlich der 

Albumtracks aufgestockt. WELCOME TO 

THE CLUB wurde im November 1979 in 

L.A. mitgeschnitten und präsentiert einen 

feurig performten Querschnitt des Schaffens 

des Mannes, der nie seine Sonnenbrille 

absetzt, natürlich eingeleitet mit seinem 

Lieblings-Shadows-Song “FBI”. SHORT 

BACK N’ SIDES leidet eindeutig an dem 

sterilen Achtziger-Jahre-Sound und ist ein 

eindeutiger Ausfall im Gesamtwerk. Dafür 

entschädigt aber die vierte CD, ein bislang 

unveröffentlichtes Konzert aus dem Jahr 

1981, das zwar schlapp beginnt, aber dann 

Fahrt aufnimmt. 

(EMI, 1979, 16/77:08, 1980, 16/79:39, 

1981, 17/77:11, 2012, 14/78:15) at 

BREWERS DROOP 

THE BOOZE BROTHERS 

Ab Ende der 60er Jahre tingelte mit Brewers 

Droop eine Combo durch die Pubs im UK, 

die unüberhörbar von Westcoast-Rock und 

Cajun inspiriert war, aber durchaus auch rocken 

konnte. Als sie 1973 unter zeitweiliger 

Produktionsregie von Dave Edmunds (Banjo-, 

Kontrabass-, Pedalsteel- und Harpeinsatz) 

ihr zweites Album einspielte, stieß 

nach den ersten Aufnahmen ein 21-jähriger 

Neuzugang an der Gitarre dazu: Mark 

Knopfler, der spätere Höhenflüge mit den 

Dire Straits hier dezent andeutete. Als die 

Aufnahmen 1989 endlich erschienen, lag 

es für das damalige Label nahe, mit dem 

an BROTHERS IN ARMS angelehnten 

Cover ein wenig auf den Knopfler-Ruhm 

zu spechten. Die Neuauflage ist mit vier 

Bonus-Tracks angereichert und unterhält 

vergnüglich mit ansprechender Stilvielfalt 

– als Pub-Rock im weitesten Sinne. 


CRAAFT 

CRAAFT 

Nach dem Ende von Tokyo hob Sänger/ 

Gitarrist Klaus Luley gemeinsam mit Reinhard 

Besser (g, b) und Franz Keil (keys) 

Craaft aus der Taufe. Das Trio debütierte 

1986 mit CRAAFT, das nun ebenfalls neu 

aufgelegt wurde. Auf der LP dominierte 

deutlich amerikanisch orientierter Melodic 

Rock vom Feinsten mit reichlich Druck 

und Hooks, gefälligen Melodien, starken 

Refrains. Die Songs gingen ins Ohr, angestimmt 

von erfahrenen wie hörbar spielfreudigen 

Musikern. Natürlich gibt es neben 

ansprechenden Gitarren viele typische 

80er-Jahre-(Keyboard-)Sounds, aber bei 

diesen Songs tönen sie immer noch stimmig. 

Satte acht Demos werden als Bonus 

mitgeliefert – der Vergleich der Grund ideen 

und des in den legendären Bearsville Studios 

in Woodstock eingespielten Ergebnisses 

macht diese Wiederveröffentlichung 

noch reizvoller. 

(Yesterrock/Alive, 1986, 18/73:24) pro 

STACKRIDGE 

RADIO SESSIONS 

1971–1973 

Die skurrile Folk- 

Rockband um die 

Gitarristen 

Andy 

Davis und James 

Warren sowie Bassist 

„Crun” Walter war in 

den frühen Siebzigern 

trotz t gefälligen Harmoniegesangs und 

schöner Melodien eher etwas für offene 

Ohren. Seit 1999 tourt die Gruppe wieder, 

wenn auch nicht mehr als Headliner nach 

Tim Rose oder Support für Wishbone Ash. 

Querflötist „Mutter” Slater stellte sich im 

Mittelteil des mit einer Viertelstunde gefühlt 

die Hälfte des Albums einnehmenden 

“Slark” quer zu vielen Hörgewohnheiten: 

Wer derart die Flöte traktiert und die Natur 

mit einem „rülpsenden Seufzer” beobachtet, 

hat auch lyrisch ganz eigene Vorstellungen. 

Die Band wollte ihren fröhlichen 

Anti-Raucher-Song “The Lyder Loo” – „If 

you smoke at such a rate, then you’re bound 

to suffocate (ersticken)” – eigentlich als 

Single bringen und ihrem von George Martin 

produzierten Album MAN IN A BOW- 

LER HAT hinzufügen – bisher ist dieser 

Radiomitschnitt die einzig veröffentlichte 

Version. Schräg, aber interessant. 

(Angel Air/Fenn, 1971–1973, 6/33:58) utw 

ANYONE’S DAUGHTER 

ANYONE’S DAUGHTER + IN 

BLAU + NEUE STERNE + LIVE 

Mit diesen vier CDs gibt es nun alle Alben 

von Anyone’s Daughter als remasterte 

und um Bonus-Tracks ergänzte Wiederveröffentlichungen 

(siehe auch Bericht 

Seite 24 dieser Ausgabe). Nach dem überraschend 

erfolgreichen Debüt, dem Konzeptalbum 

ADONIS, erschien 1980 mit 

ANYONE’S DAUGHTER (12/52:25) ein 

eher Song- und Rock-orientiertes Werk 

ohne ausufernde Longtracks. Als Bonus 

gibt es drei 1980er Live-Aufnahmen. 

Nach dem eher märchenhaften PIKTORS 

VERWANDLUNGEN war das 1982 veröffentlichte 

IN BLAU (9/62:31) wieder 

ein Schritt in Richtung progressiver Rock, 

zwei im badischen Ettlingen mitgeschnittene 

Livetracks gibt es als Bonus. Ein Jahr 

später erschien dann mit NEUE STERNE 

(13/57:47) das insgesamt schwächste 

Album von Anyone’s Daughter, die sich 

mit dieser LP an die aufkommende Neue 

Deutsche Welle anhängen wollten, was 

aus heutiger Sicht natürlich nur schief gehen 

konnte. Bonus-Tracks: drei Livemitschnitte. 

Erstmals auf CD erscheint jetzt 

das komplette LIVE-Album (9/42:19, 

7/43:19) aus dem Jahr 1984, bei dem es 

statt Bonus-Tracks vier Bonus-Videos 

dazu gibt, alle 1983 bei einem Konzert 

im baden-württembergischen Magstadt 

aufgenommen. 

(Tempus Fugit/SPV, 1980 + 1982 + 

1983 + 1984) us 

AC/DC 

LIVE AT RIVER PLATE 

Ist es tatsächlich 

schon wieder 20 

Jahre her, seit AC/ 

DC mit LIVE ihren 

letzten Konzertmitschnitt 

auf CD veröffentlicht 

haben? 

Ja, und ddementsprechend erwartungsvoll 

wird die Fangemeinde der Australier 

auch auf diesen Doppelpack warten. Besonders 

da das gigantische Konzert, das 

man auf LIVE AT RIVER PLATE miterleben 

kann, seit dem Frühjahr schon als 

DVD erhältlich ist. Im Zuge der BLACK 

ICE-Tour besuchten AC/DC nach über 

zehnjähriger Abstinenz wieder einmal die 

argentinische Hauptstadt Buenos Aires, 

die 200.000 Tickets waren in Rekordzeit 

ausverkauft. In knapp zwei Stunden 

rockten sich Angus Young & Co. durch 

ein makelloses Programm, das geschickt 

Neues mit Altem verband, bei dem sie 

sowohl mit Stücken von ihrem aktuellen 

Studio-Album als auch mit ihren Klassikern 

– von “Hells Bells” über “Let There 

Be Rock”, “You Shook Me All Night 

Long”, “T.N.T.” und “Thunderstruck” bis 

zu “Highway To Hell” – dem Publikum 

keine ruhige Minute gönnten. 

(Columbia/Sony Music, 2012, 10/51:27, 

9/59:21) tk 

STEVE WINWOOD 

ARC OF A DIVER 

Das Etikett Deluxe Edition trägt die Neuauflage 

von Steve Winwoods 1980er Album 

ARC OF A DIVER durchaus zu Recht. 

Bei den drei Bonus-Tracks ist der US-Single-Edit 

des Titelstück wenig essenziell, 

doch die instrumentale 12”-Übernahme 

von “Night Train” hat ihren Reiz, wie auch 

die 2010er Neufassung von “Spanish Dancer”. 

Relevant ist auf der Bonus-CD aber 

vor allem die BBC-Doku über Winwood. 

Und dann wäre da natürlich das eigentliche 

Album, das zweite, im Alleingang eingespielte 

Solowerk des singenden Multi-Instrumentalisten. 

Winwood griff Seventies- 

Einflüsse auf und übertrug sie mit Hilfe 

anspruchsvoller wie eingängiger Songs in 

die damalige Gegenwart. Beeindruckendes 

Spiel, distinktiver Gesang, ausgefeilte Arrangements 

und gute Stücke machten ARC 

... zu einem der Höhepunkte in Winwoods 

Schaffen. 

(Island/Universal, 1980, 

7/40:04, 4/73:49) pro 

Rock 

TRIBUTE 

NEW VIEWS 

Tribute waren eine schwedische Band um 

Mastermind Gideon Andersson (g, b, dr) 

und Josef Rhedin (keys), die ab 1982 auf 

gefällige Art und Weise Folk, Pop, Neo 

Prog und Klassik kreuzte, dabei verhalten 

Psychedelisches integrierte, an Mike Oldfield 

ebenso erinnerte wie stellenweise an 

Gong. Sie verband in ihren weitestgehend 

instrumentalen Nummern harmonisch und 

mit viel Wärme symphonische Akustikgitarren 

mit Synthie-Sounds und vielen 

ausgefallenen Instrumenten von anderen 

Kontinenten. So auch auf NEW VIEWS, 

das sie 1984 in Kalle Trapps Karo Studios 

in Münster aufnahm. Mehrfach wurden die 

NEW VIEWS seither wiederveröffentlicht. 

Die von Andersson und Rhedin selbst betreute 

Neuauflage für Sireena besticht vor 

allem durch ihren Sound und das informative 

Booklet – und die immer noch gefangennehmende, 

überaus vielfältige Musik. 

(Sireena/Broken Silence, 

1984, 6/46:42) pro 

ELVIS PRESLEY 

THE COMPLETE 50’s MASTERS 

In dieser stolzen Box hat 

RCA auf fünf CDs alle 

Studio-Aufnahmen 

von 

Elvis Presley zusammengefasst, 

die der King Of 

Rock’n’Roll in den 50er 

Jahren aufgenommen hat – 

und sich dbi dabei nicht nur auf den Rock’n’Roll 

beschränkte, sondern seine Klasse auch mit 

Rockabilly, Country oder Gospel bewies. 

Im Sommer 1953 begann er im Memphis 

Recording Studio mit den Privataufnahmen 

“My Happiness” und “That’s When Your 

Heartaches Begins” seine Karriere, die ersten 

kommerziellen Sessions erfolgten dann 

am 5. und 6. Juli 1954, als er unter der Obhut 

von Sun-Records-Chef Sam Phillips und 

mit Scotty Moore an der Gitarre sowie Bill 

Black am Bass vier Songs aufnahm: “I Love 

You Because”, “That’s Allright”, “Harbour 

Lights” und “Blue Moon Of Kentucky”. So 

kann man sich Track für Track durch dieses 

beeindruckende Jahrzehnt von Elvis Presley 

hören, kann im wunderbar bebilderten Begleitbuch 

Session für Session nachverfolgen, 

erhält detailliert – mit Datum, Musikern 

und aufgenommenen Titeln – Einblick in 

eine Zeit, in der man ohne weiteres in zwei 

Tagen noch eine komplette LP aufnahm. Mit 

dabei natürlich auch einige Outtakes, die legendäre 

Million-Dollar-Quartet-Jamsession 

vom 4. Dezember 1956 (zusammen mit Carl 

Perkins, Jerry Lee Lewis und Johnny Cash), 

Livemitschnitte für Radio- und Fernsehproduktionen 

sowie alternative oder privat aufgenommene 

Versionen, die teilweise bisher 

unveröffentlicht waren. THE COMPLETE 

50’S MASTERS: sowohl dokumentarisch 

als auch musikalisch vorbildlich! 

(RCA/Sony Music, 2012, 5 CDs) us 

JASON COLLETT 

RECKON 

Jason Collett ist ein Wanderer zwischen 

den Welten. Wenn er mit seiner Band Broken 

Social Scene unterwegs ist, dann ist 

der Musiker aus dem kanadischen Toronto 

Teil eines Kollektivs, das mit ausufernden 

Power-Hymnen bunten Indie-Rock präsen- 


CD 

REVIEWS 

tiert. Als Solokünstler ist er mit RECKON 

nun schon bei Album Nummer acht angekommen, 

blieb dabei aber immer so sperrig, 

dass seine eigenen Veröffentlichungen 

kaum aus dem Schatten seiner übermächtigen 

Band herauskamen. Auch RECKON 

wird daran wenig ändern, Collett bleibt 

sich und seinem Stil treu, bietet Musik, die 

man weder nebenher hören sollte noch den 

Anspruch hat, schon beim ersten Hören geschmeidig 

in die Gehörgänge zu flutschen. 

Doch wie so oft liegt – auf lange Sicht gesehen 

– hier ihre Stärke, denn dringt man 

erst mal in ihre emotionale Tiefe ein, dann 

hat man ein Leben lang Freude an ihr. Als 

Bonus gibt es eine ESSENTIAL CUTS betitelte, 

zweite CD dazu, auf der es neben 

neun Songs aus seinen bisherigen Alben 

noch zwei noch unveröffentlichte B-Seiten 

zu hören gibt. 

(Arts & Crafts/Rough Trade, 2012, 

15/41:50, 11/41:22) us 

JEFFERSON STARSHIP 

ROSWELL UFO FESTIVAL, 

JULY 3, 2009 – TALES FROM 

THE MOTHERSHIP 

Fette Vierer-Box, die 

Sammlerherzen höherschlagen 

lässt, aber auf 

Grund ihrer Tonqualität 

absolut nichts für 

High-End-Freaks ist. 

Zwei komplette CDs sind 

(allerdings in teilweise e 

wertiger Bootleg-Qualität) den Proben 

und dem Soundcheck vorbehalten, 

grenz- 

dabei erhält man zumindest einen kleinen 

Einblick in die Art und Weise, wie 

Paul Kantner (g, voc), David Freiberg (g, 

voc), Slick Aguilar (g, voc), Donny Baldwin 

(dr), Chris Smith (keys) und Cathy 

Richardson (voc, g) zusammen mit musikalischen 

Gästen wie Tom Constanten (p) 

und Pete Sears (b) an ihren Songs arbeiten. 

Zwei Sets spielten Jefferson Starship 

dann am Festivaltag, dem 3. Juli 2009. Jedes 

ist auf einer separaten CD (in gerade 

noch akzeptabler Tonqualität) dokumentiert, 

die Songauswahl konzentriert sich 

auf das Festival-Thema, also Raumfahrt, 

Science-Ficton und zahlreichen Hippieund 

Öko-Themen. Neben Bob Dylans 

“Chimes Of Freedom” und David Bowies 

“Space Oddity” gibt es Traditionals 

wie “Follow The Drinking Gourd” sowie 

klasse Versionen von Starship-Klassikern 

wie “White Rabbit”, “Volunteers” oder 

“Somebody To Love”. 

(Bear Records/Gonzo Multimedia, 

2012, 4 CDs) tk 

BOB DYLAN 

BOB DYLAN’S GREATEST HITS 

Ja, diese Compilation stand in den Sechzigern 

und Siebzigern wohl in jeder WG, 

die etwas auf sich hielt. Speziell das deutsche 

Publikum entdeckte mit der Scheibe 

das Werk Dylans, von dem sich auch hier 

zu Lande zahlreiche Musiker inspirieren 

ließen und das den deutschen Folk-Rock 

maßgeblich beeinflusste. “Like A Rolling 

Stone”, “Blowin’ In The Wind”, “Mr. Tambourine 

Man”, das schmeichelnde “Just 

Like A Woman”, “I Want You” und der 

aufpeitschende “Subterranean Homesick 

Blues” zeugen von der visionären Kraft 

Rock 

Dylans und dem Gespür für Melodien – 

dass er überdurchschnittliche Texte verfasste, 

braucht an diese Stelle nicht mehr 

erwähnt zu werden. Die Edition erscheint 

als 24 KT-Gold-CD und wurde meisterhaft 

remas tert, denn die dynamische Bandbreite 

blieb vollkommen erhalten. Lediglich 

die Höhen wurden sanft angehoben. 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound, 1967, 

10/40:21) at 

REINER SCHÖNE BAND 

MITTEN INS HERZ 

Reiner Schöne kann 

nicht nur eine beachtliche 

Hollywood-Karriere 

sowie 

überzeugende Filme 

(auch als Synchronsprecher) 

in der deutschen 

Heimat vorweisen, sondern auch eine 

lange, erfolgreiche Sangeskarriere. Mit 70 

hat er nun seine Autobiografie „Werd ich 

noch jung sein, wenn ich älter bin” verfasst 

und dazu mit seiner Band ein überzeugendes 

neues Album vorgelegt. Dafür 

spielte er nicht nur seinen größten Erfolg 

neu ein, der den Buchtitel lieferte, sondern 

elf weitere Lieder in frischem Singer/Songwriter-Stil. 

Die wecken vom entspannten 

Feeling her durchaus J.J.-Cale- oder Tony- 

Joe-White-Assoziationen, bewegen sich 

im weiten Rockfeld mit Bluesbasis. Nachdenklich 

erinnern sie meist auf Deutsch an 

vergangene Zeiten wie die Hippie-Ära und 

den Mauerfall, spiegeln (auch augenzwinkernd) 

dazu Schönes gegenwärtige Befindlichkeit. 

(Hypertension/Soulfood, 2102, 

12/46:48) pro 

CLARK-HUTCHINSON 

A=MH² 

Bei Sam Gopal’s Dream begegneten sich 

die Multi-Instrumentalisten Andy Clark 

und Mick Hutchinson, ehe sie sich als 

The Dogs, dann als Clark – Hutchinson 

selbstständig machten. 1969 brachten sie 

das abgedrehte, bei mehrfachem Lauschen 

durchaus faszinierende Album A=MH² 

heraus. Darauf verschmolzen sie (psychedelischen) 

Rock, Jazz, klassische und exotische 

Einflüsse (aus Indien), mal meditativ, 

mal aggressiver – abhängig von den 

jeweils konsumierten Drogen, die sie bei 

den Improvisationsessions eingeworfen 

hatten. A=MH² wurde mehrfach wiederveröffentlicht, 

so von Repertoire (2002 + 

2005), Akarma (2006) und Sunbeam 2008. 

Letztgenannte Fassung enthielt als Bonus 

erstmals die ebenfalls 1969 mit Band eingespielten, 

unveröffentlichten Bluesnummern 

des Duos. Die Angel-Air-Version 

jetzt ist identisch, mit drei informativen 

Liner-Notes-Aufsätzen (u.a. John Peel) 

und klangverbessert. 



JUKEBOX FAVOURITES 

Mit jeweils vier prallvollen CDs ist jede 

Ausgabe der JUKEBOX FAVOURITES 

bestückt. Dabei darf man die Stilgrenzen, 

die der jeweilige Untertitel vorgibt, 

aber nicht zu eng ziehen. THE BEST OF 

ROCKABIL LY liefert so neben typischen 

Vertretern dieser Musikrichtung wie John- 

Das hochwertige Live-Boxset 

mit 3 DVDs plus Live-CD und 

Buch zeigt die beeindruckendsten 

Live-Momente der Ausnahmekünstlerin, 

inklusive all ihrer 

Hits, wie Rehab, Valerie, 

Back To Black u. v. m. 

DVD 1: 

A Tribute To Amy Winehouse 

by Jools Holland 

DVD 2: 

BBC One Sessions 

Live at Porchester Hall 

DVD 3: 

The Day She 

Came To Dingle 

CD: 

Live With The BBC 


AMY 

WINEHOUSE 

LIVE AT THE BBC 

Winehouse (1/2-hoch) 

AB 09.11. 

IM HANDEL! 

www.universal-music.de 

Jetzt bei:

CD 

REVIEWS 

ny Burnette, Hal Harris, Johnny Carroll, 

Eddie Cochran und Billy Lee Riley auch 

Jukebox-Songs von Roy Orbison, Johnny 

Cash, Elvis Presley, Webb Pierce, Carl 

Perkins oder Dale Hawkins. Noch breiter 

ist natürlich das Spektrum der Künstler, 

die es auf HITS OF THE 50S AND 60S 

zu hören gibt. Hier ist vor allem die Mischung 

aus bekannten und weniger geläufigen 

Künstlern interessant, stehen Cracks 

wie Pat Boone, Connie Francis, die Everly 

Brothers, Del Shannon, Shirley Bassey 

und Paul Anka neben eher unbekannten 

Namen wie Eden Kane, Michael Holliday, 

den Hollywood Argyles, Santo & Johnny 

oder Jerry Keller. 

(AP Music/Bellaphon, 2012, je 4 CDs) tk 

NEIL YOUNG WITH CRAZY 

HORSE 

PSYCHEDELIC PILL 

„Ja, endlich!” werden 

all die Fans sagen, 

die sich Anfang Juni 

dieses Jahres von 

der ersten Zusammenarbeit 

mit Crazy 

Horse seit rund zehn 

Jh Jahren etwas anderes erhofft hatten als die 

Interpretationen alter amerikanischer Folksongs, 

die ihnen Neil Young und Crazy 

Horse auf AMERICANA anboten. Gleich 

die ersten Töne von PSYCHEDELIC PILL 

gehen da in eine ganz andere Richtung, mit 

einem 27-minütigen, epischen Ritt durch 

ausufernde Gitarrenlandschaften legt dieses 

Album los, als seien nur wenige Tage vergangen, 

seit man sprachlos und ehrfürchtig 

vor Monumenten wie “Cortez The Killer” 

oder “Down By The River” stand. “Driftin’ 

Back” heißt dieses Songmonster, das alles 

in sich vereint, was die Zusammenarbeit 

von Neil Young mit Poncho Sampedro (g), 

Billy Talbot (b) und Ralph Molina (dr) seit 

über 30 Jahren ausmacht. Nach diesem Parforceritt 

schalten Young & Co. einen Gang 

zurück, gibt es Autobiografisches (“Born In 

Ontario”), Danksagungen an Kollegen wie 

Bob Dylan und Hank Williams (“Twisted 

Road”) oder mit “Ramada Inn” eine elegische 

Road-Trip-Ode. Ohne Zweifel ein 

triumphales Werk! 

(Reprise/Warner, 2012, 5/51:47, 

5/36:00) us 

THE TOASTERS 

POOL SHARK + 30TH 

ANNIVERSARY 

Doppelte Freude für Ska-Fans, die Feierlichkeiten 

des 30. Geburtstages der Toasters 

werden mit zwei neuen Veröffentlichungen 

unterstützt. Einmal gibt es das 1987er 

POOL SHARK, das außer den elf Originaltiteln 

acht weitere Tracks aus zwei zuvor 

erschienen EPs enthält. Darauf klingt die 

New Yorker Band noch wesentlich (Stil-) 

offener, mit abwechselnden Leadstimmen 

geht es wild und rau zwischen Rap, Dub, 

2-Tone, Dancehall, Punk und klassischem 

Ska hin und her. Ausgeglichener dann das 

Bild, das die 20 Tracks auf 30TH ANNI- 

VERSARY von den Toasters abgeben. Von 

“Life In A Bubble” geht es über die “2Tone 

Army” und “Dog Eat Dog” bis zu “Don’t 

Let The Bastards Grind You Down”. Schade 

nur, dass es von dieser Band, die vor 

allem auf der Bühne ihre Sternstunden hatte, 

mit “Matt Davis” nur ein einziger Live- 

Song auf diese Karriererückschau geschafft 

hat. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1987, 2012, 

19/63:29 + 20/76:29) us 

HERBERT 

GRÖNEMEYER 

I WALK 

Vierter englischsprachiger 

Anlauf des 

zwischen Berlin und 

London pendelnden 

deutschen Vorzeigemusikers, 

auch im 

Ausland Tritt zu fassen 

– und erstaunlicherweise sind die ersten 

Kritikerreaktionen im UK oft positiver 

ausgefallen als in der Heimat. Grönemeyer 

hat ältere Songs mit englischen Texten bestückt, 

dazu auch ein paar neue verfasst, 

so dass am Ende fast ein „Best Of” mit 

Ergänzungen herausgekommen ist. Highlight 

ist das mit funky Hooks angereicherte 

“Mensch”, zu dem es auch gleich noch eine 

zweite, gemeinsam mit U2s Bono eingesungene 

Fassung gibt. Auch “Airplanes”, 

die Neufassung von “Flugzeuge im Bauch”, 

nötigt Respekt ab. I WALK, das ist majestätischer 

Pop-Rock, der zugleich (in Ermangelung 

eines deutschen Wortes) sophisticated 

ausgefallen ist. Gelungen, weil würdig 

und international absolut konkurrenzfähig. 

(Grönland/Rough Trade, 2012, 

13/53:09) pro 

THE LYRES 

ON FYRE / LYRES LYRES 

Die ersten beiden Alben der Fundamental-Garagen-Rockband 

aus Boston. Als 

Mitte der 80er Jahre Punk verblüht war, 

kam bei den heimatlos dastehenden Fans 

ruppiger Klänge die Erinnerung an Ausdrucksformen 

der Sixties wieder zu Ehren. 

Neo-Garagen-Rock war angesagt, und 

die Lyres marschierten unter Führung des 

komponierenden Keyboarders und Sängers 

Jeff Conolly in der Spitzengruppe mit. Ihr 

Debütalbum ON FYRE (1984) ist noch 

heute eine Offenbarung: Aus den Vorlagen 

kerniger US-Vorbilder und Vorläufer – vor 

allem The Seeds und ? & The Mysterians 

– sowie kantiger Briten formten The Lyres 

ein kochendes Gebräu ohne Wenn & Aber. 

Großartig krachende Songs wie “Don’t Give 

It Up Now”, “I’m Tellin’ You Girl”, “Dolly” 

und “Busy Body” sowie das melodisch 

außergewöhnliche “I Really Want You Right 

Now” fielen dabei zwangsläufig an. Und die 

Cover-Versionen der Kinks-Songs (“Tired 

Of Waiting”, “Never Met AGirl Like You”, 

“Love Me Till The Sun Shines”) überzeugen 

ebenso. Der Nachfolger LYRES LYRES 

(1986) setzte diesen Kurs nahtlos & meisterhaft 

fort, geriet dabei sogar noch etwas 

vielseitiger. Neben Härte-Übungen wie “She 

Pays The Rent”, “Busy Men” und “Someone 

Who’ll Treat You Right Now” gibt es 

auch deutlich melodiebetonte Songs wie “I 

Love Her Still, I Always Will”, “Teach Me 

To Forget” und “I’ll Try Anyway” und sogar 

eine Ballade mit schöner Orgelei (“If You 

Want My Love”). Beide Alben wurden mit 

fünf bzw. vier Bonus-Tracks aufgemöbelt 

und ausgezeichneten Booklets ausgestattet. 

(Munster/Cargo, 1984/1986, 16/53:36, 

17/58:33) hjg 

DARE 

CALM BEFORE THE STORM 2 

Seit 1985 führt der frühere Thin-Lizzy-Keyboarder 

Darren Wharton seine Band Dare an, 

in der er auch selbst singt. CALM BEFORE 

THE STORM 2 ist das achte Album der 

Gruppe und die Fortsetzung/Überarbeitung 

des gleichnamigen Album von 1998. Mit 

dem damaligen Resultat war Wharton nicht 

zufrieden, so dass er das Werk noch einmal 

vornahm. Er strich “Still In Love With 

You” und integrierte stattdessen mit “Cold 

Wind Will Blow” und “Precious” zwei neue 

Songs. Jetzt klingt vieles frischer, durchaus 

auch moderner, ohne den ursprünglichen 

Geist der Stücke zu verraten – und dass Richie 

Dews’ Gitarre an Präsenz gewonnen hat, 

schadet keineswegs. (Manchmal ein wenig 

überfrachteter) Melodic Rock mit dezenten 

keltischen Untertönen ist am Ende wieder 

herausgekommen, mit dem sich Dare erneut 

in der Spitzengruppe des Genres einreihen. 

(Legend Records/ADA Warner, 2012, 

11/54:08) pro 

DEMIS ROUSSOS 

ON THE GREEK SIDE OF MY 

MIND 

Dass 

Griechenlands 

Prog-Rock-König 

Demis Roussos schon 

1971, also ein Jahr vor 

dem legendären Konzeptalbum 

666 seiner 

Band 

Aphrodite’s 

Child, mit ONTHE GREEK SIDE OF MY 

MIND ein eigenes ausuferndes Werk dieser 

Art veröffentlicht hat, ist im Laufe der Jahre 

fast in Vergessenheit geraten. Der britische 

Spezialist für solche Geschichten, Cherry 

Red Records, hat diese Perle nun wieder ausgegraben 

und lässt sie, frisch remastert und 

mit einem neuen Booklet versehen, in neuem 

Glanz erstrahlen. Zusammen mit Boris Bergmann 

– der später auch für die Aphrodite’s- 

Child-Texte verantwortlich war – machte 

sich Roussos, unterstützt von griechischen 

und französischen Musikern, auf eine Reise, 

die sie von traditionellen griechischen Volksweisen 

bis zu opulent orchestriertem, hymnischem 

Prog-Rock führte. Und über 40 Jahre 

nach seiner Erstveröffentlichung zeigt dieses 

Album erst recht, welchen Platz es in der 

Musikgeschichte einnimmt: ein essenzieller 

Meilenstein in der Entwicklung von Demis 

Roussos. 


12/43:44) us 

SILVER HORSES 

SILVER HORSES 

Der nächste Künstler in der Rubrik „Was 

macht eigentlich ...?” ist Tony Martin. Insgesamt 

neun Jahre lang (1987–1990, 1993– 

1997) war er der Sänger von Black Sabbath, 

hat mit dieser legendären Band fünf Alben, 

darunter TYR und CROSS PURPOSES, veröffentlicht. 

2011 hat sich der britische Sänger 

in der italienischen Heavy-Metal-Szene umgesehen 

und zusammen mit dem Gitarristen 

Gianluca Galli (Mantra, Time Machine), Andrea 

Castelli (Shabby Trick, Cappanera) am 

Bass und Drummer Matteo Bonini die Band 

Silver Horses gegründet, die jetzt ihr selbstbetiteltes 

Debüt vorlegen. Ziel des Quartetts 

ist es, laut Tony Martin, „Led Zeppelin 

mit frühen Whitesnake” zu verbinden, also 

Rock 

hymnischen Rock mit einer kräftigen Prise 

Heavy Metal vorzulegen. Dies gelingt über 

weite Strecken dann auch sehr gut, darüber 

hinaus dürfen hier aber auch Fans von (italienischem) 

AOR oder (amerikanischem) Melodic 

Rock ein Ohr riskieren, auch da stehen 

SILVER HORSES ihren Mann! 

(7music/New Music Distribution, 2012, 

11/49:22) tk 

ROD STEWART 

THE GREAT AMERICAN 

SONGBOOK 

„Der Schlüssel ist, diesen 

Songs einen eigenen 

Stempel aufzudrücken, 

weil sie schon so oft 

interpretiert wurden – 

aber eben nicht von jemandem, 

der sonst ‘Hot 

Legs’ und ‘Maggie May’ 

gesungen hat.” ht”So 

einfach erklärt Rod Stewart 

die Motivation, die ihn dazu brachte, 

zwischen 2002 und 2005 vier Alben zu veröffentlichen, 

auf denen er sich (Standard-) 

Songs großer amerikanischer Komponisten 

vornahm. Titel wie “They Can’t Take 

That Away From Me” von George und Ira 

Gershwin, Cole Portes “Every Time We Say 

Goodbye” oder “We’ll Be Together” von 

Frankie Laine suchte sich der Sänger mit 

der markanten Reibeisenstimme für Volume 

I aus, Duke Ellingtons “Don’t Get Around 

Much Anymore”, “My Heart Stood Still”, 

“Where Or When” und “Bewitched, Bothered 

& Bewildered” vom Komponistenduo 

Richard Rogers und Lorenz Hart für Volume 

II, mit “For Sentimental Reasons”, “What A 

Wonderful World”, “Night And Day” oder 

“My Funny Valentine” geht der Klassiker- 

Reigen auf Volume III und IV weiter. Für 

Abwechslung sorgen dazu noch illustre Gäste, 

von Stevie Wonder über Dolly Parton 

und Elton John bis zu Eric Clapton. THE 

GREAT AMERICAN SONGBOOK lautet 

der Titel der hochformatigen Box, in der 

nun diese vier Alben zusammengefasst 

wurden, im Booklet erzählt Alan Light aus 

der wechselvollen Karriere Stewarts, im 

Dokuteil kann man die ausführlichen Produktionsinfos 

aller Titel nachlesen. 

(J Records/Sony Music, 2012, 4 CDs) tk 

NOVALIS 

BUMERANG 

Auf harsche Ablehnung stieß BUME- 

RANG 1984 bei seiner Veröffentlichung 

bei Kritikern wie Fans – zu Recht!. 

„Stumpf, platt und banal” schrieb damals 

ein Kritiker noch relativ zurückhaltend. 

Zu abklingenden Hoch-Zeiten der Neuen 

Deutschen Welle schwammen Novalis auf 

dieser Welle mit oder ihr auch hinterher, 

glitten sogar ins trivial Schlagerhafte ab 

(“Torero der Nacht”). Das inhaltlich Hintergründige 

war ebenso auf der Strecke 

geblieben wie die Entfaltung fantasievoller 

Klangwelten. Stattdessen gab’s Synthetik- 

Pop (“Über Stock und Stein”) – ein bitterer 

Tief- und Endpunkt in der Historie dieser 

für den Deutsch-Rock durchaus wichtigen 

Combo! Positive Ausreißer waren eigentlich 

nur “Nimm meine Hand” und das Instrumental 

“Espresso”. Mit BUMERANG 

lieferten Novalis Schmalz statt Romantik 

und reichlich Anlässe zum Fremdschämen. 

(MiG/Intergroove, 1984, 10/39:26) pro 


CD 

REVIEWS 

TYGERS OF PAN TANG 

BURNING IN THE SHADE 

Anfang der 80er Jahre gehörten die Tygers Of 

Pan Tang zur zweiten Reihe der New Wave 

Of British Metal. Doch als sie den Sprung 

ganz nach vorn nicht schafften, schwenkten 

1987 Jon Deverill (voc), Steve Lamb (g) und 

Brian Dick (dr) mit neuen Begleitern um, 

schielten über den großen Teich. Statt rau-melodiösem 

Power-Rock war für BURNING IN 

THE SHADE mainstreamiger AOR angesagt 

mit dominanten, oft synthetischen Keyboardspielereien. 

Dabei konnte die Band doch noch 

satt abrocken, wie sie mit “Hit It” zumindest 

andeutete! Auch wenn handwerklich alles 

gut gemacht war, fehlten Esprit und eigene 

Handschrift, zumal die Fans den neuen Weg 

nicht mitgingen. Kein Wunder, dass die Band 

sich wenig später auflöste. Bei der Neuauflage 

gibt’s als Bonus den Videotrack “Waiting” 

(bezeichnenderweise vom 85er Album THE 

WRECK AGE). 

(Lemon/Cherry Red/Rough Trade, 1987, 

10/37:16) pro 

VELVET UNDERGROUND 

& NICO 

THE VELVET UNDERGROUND 

& NICO (45TH ANNIVERSARY 

EDITION) 

Das bekannteste Zitat zum Debüt von Velvet 

Underground stammt von Brian Eno. Der 

ehemalige Roxy-Music-Keyboarder sagte 

einmal, nur etwa 5000 Leute hätten das Album 

gekauft, „aber jeder von ihnen gründete 

eine Band”. Die im März 1967 veröffentlichte 

LP THE VELVET UNDERGROUND & 

NICO, auf der die deutsche Schauspielerin 

Nico (bürgerlich Christa Päffgen) für ein 

paar Lieder das Mikro von Lou Reed übernahm, 

war zwar kommerziell ein Misserfolg. 

Sie erwies sich jedoch auf längere Sicht als 

ebenso einflussreich wie SGT. PEPPER’S 

oder PET SOUNDS. Ob David Bowie, Can, 

The Stooges oder Sonic Youth, ob Punk, 

Gothic, Grunge oder Noise-Rock – sie alle 

wurden von dem Album mit Andy Warhols 

berühmtem Bananen-Cover inspiriert. Zum 

45. Jubiläum erscheint nun ein Neu-Remaster 

in unterschiedlichen Versionen. Neben einer 

6-CD-Box gibt es eine 2-CD-Edition sowie 

eine Einzel-Silberling- bzw. Vinyl-Ausgabe. 

Das Sechser-Set beinhaltet die Stereo- und 

Monoversionen des Originalalbums sowie 

bislang unveröffentlichte Alternativversionen 

und Probenmitschnitte aus Warhols Factory. 

Enthalten ist zum ersten Mal offiziell auch 

die Azetat-Pressung vom April 1966, die ersten 

Studio-Aufnahmen der Band in den New 

Yorker Scepter-Studios, mit denen sie sich 

um einen Plattenvertrag bewarb. Zudem gibt 

es einen Livemitschnitt vom November 1966 

aus Columbus, Ohio. Überdies liegt der Box 

Nicos 1967er Debütalbum CHELSEA GIRL 

bei, dessen Songs zum Teil aus der Feder 

der VU-Mitglieder John Cale und Lou Reed 

stammen. Die 2-CD-Ausgabe umfasst die 

Stereoversion sowie die Factory-Proben und 

die Scepter-Studiosessions. 

(Verve/Universal, 1967/2012) frs 

AEROSMITH 

MUSIC FROM ANOTHER 

DIMENSION 

Im Jahr 2004 gab es 

mit HONKIN’ ON 

BOBO ja immerhin 

ein Cover-Album als 

Lebenszeichen, jetzt 

haben 

Aerosmith 

nach elf Jahren wieder 

ein Album mit neuen Songs veröffentlicht. 

MUSIC FROM ANOTHER DIMEN- 

SION haben Steven Tyler (voc), Joe Perry 

(g), Brad Whitford (g), Tom Hamilton (b) 

und Joey Kramer (dr) – also immer noch 

die Originalbesetzung – ihr neues Werk 

genannt. Doch keine Angst, statt neuartige 

Musik aus einer anderen Dimension anzustimmen, 

sind sich Aerosmith treu geblieben, 

spielen im Prinzip nichts anderes als 

die Musik, die man von ihnen gewöhnt ist 

– und erwartet! Heavy-Metal-Hymnen wie 

die erste Single “What Could Have Been 

Love”, Midtempo-Power-Balladen wie das 

Duett mit Carrie Underwood “Can’t Stop 

Lovin’ You”, rotzige Punk-Stomper wie 

“Lover Alot” oder straighte Rock’n’Roll- 

Kracher wie “Freedom Fighter”, bei dem 

kein Geringerer als Johnny Depp als Backgroundsänger 

zu hören ist. 

(Columbia/Sony Music, 2012, 15/68:06) tk 

RAY STINNETT 

A FIRE SOMEWHERE 

Nach Teenie-Band und Duo-Auftritten in 

Kneipen und Nachtclubs landet Ray Stinnett 

mit gerade mal 20 Jahren bei Sam The Sham 

& The Pharaos, mit denen er mit “Woolly 

Bully” 1965 einen Riesenhit hat. Nach den 

üblichen Streitereien, die so ein schneller 

und unerwarteter Erfolg nach sich zieht, trennen 

sich die Pharaos (inklusive Stinnett) von 

Sam und benennen sich in The Violations 

um. 1967 macht sich Stinnett als Komponist 

selbstständig, zieht mit Frau und Sohn nach 

San Francisco. Freundet sich dort mit Booker 

T. Jones an, der mit ihm ein Album aufnimmt, 

das bis heute verschollen ist. Dann geht es 

nach Memphis, wo er mit Booker T. Jones’ 

Unterstützung und seinen alten Freunden Jerry 

Peterson (die andere Hälfte des eingangs 

erwähnten Duos) und Mike Plunk ein Album 

voller bunter Musik aufnimmt – heiße Country-Twang-Nummern, 

souliger Boogie-Woogie 

und psychedelische Pop-Exkursionen. Als 

die LP mit dem Titel A FIRE SOMEWHERE 

fertig zur Veröffentlichung ist, gibt es Streit 

über die Art der Promotion, die Plattenfirma 

möchte Stinnett zum Superstar aufbauen, der 

wiederum möchte nur seine LP in den Läden 

stehen sehen. Kurzerhand schnappt sich Stinnett 

seine Tapes und lebt sein Vagabundenleben 

weiter. Jetzt erscheint diese Musik aus 

einer anderen Galaxie, also mit 40-jähriger 

Verspätung, dafür aber in einem herrlich gestalteten 

Digipak, mit einem noch herrlicheren 

Booklet, in dem es die Geschichte, die 

Bilder und die Song-By-Song-Kommentare 

von Ray Stinnett gibt. Irre Story! 

(Light In The Attic/Cargo, 2012, 

14/52:56) us 

TOM GILLAM 

GOOD FOR YOU 

„Welcome once again ...” liest man, wenn 

man Tom Gillams neue CD aus der Halterung 

löst, „Tom Gillam is GOOD FOR 

YOU”, darauf weist einen der eindringlich 

blickende Herr mit ausgestrecktem Zeigefinger 

auf dem Backcover hin. Auch musikalisch 

beginnt dieses Album so entspannt, so 

freundlich, so gelassen, dass man sich kaum 

noch an den kräftigen Roots-Rock erinnern 

mag, mit dem Tom Gillam vor gut zehn 

Jahren noch stilistischer Kollege von John 

Mellencamp, Bob Seger oder John Hiatt war. 

Doch ebenso wie mit seiner (Teilzeit- & Neben-)Band 

US Rails – zusammen mit Ben 

Arnold, Joseph Parsons, Scott Bricklin und 

Matt Muir – oder als Duo mit Todd Thibaud 

lässt er nun mehr Folk- und Country-Einflüsse 

zu, ist seine Musik über die letzten drei 

Alben hinweg ein gutes Stück in Richtung 

Americana gedriftet. Und somit schließt sich 

auch wieder der Kreis zum Titel des Albums, 

GOOD FOR YOU ist nämlich alles andere 

als eine leere Versprechung, Tom Gillams 

Songs klingen einfach zu gut, als dass er 

im letzten Stück augenzwinkernd drohen 

müsste : „You Better Be Good (To Me)!” 

(Blue Rose/Soulfood, 2012, 12/55:44) us 

MAD MOON 

CHAPTER III 

Über ein Jahr lang 

haben Mad Moon aus 

dem baden-württembergischen 

Öhringen 

an ihrem dritten 

Longplayer gebastelt. 

War der progressive 

Rock auf den beiden ersten Alben noch stark 

von Tom Schmidts Wechselspielen zwischen 

seiner 30 Jahre alten Orgel und modernen 

Synthesizerklängen dominiert, lässt Rainer 

Webers Leadgitarre die neuen Songs auf 

CHAPTER III auch mal in Richtung Melodic-Rock-Gefilde 

driften. Der so entstehende 

vielschichtige Klangkosmos erinnert über 

weite Strecken an gute alte 70er-Jahre-Klänge, 

als der verspielte Prog-Rock von Bands 

wie Eloy, Anyone’s Daughter oder den frühen 

Genesis seine fruchtbarsten Zeiten erlebte. In 

diesem Sinne ist das dritte Album von Mad 

Moon dann nicht nur eine erwartete Weiterentwicklung 

des bisherigen Stiles, sondern 

bietet auch neue Töne, die dem Album so 

richtig gut tun, die der klasse Musik eine weitere 

Facette hinzufügt! 

(Mad Moon Records/CMS, 2012, 

10/58:25) us 

DONALD FAGEN 

SUNKEN CONDOS 

Erneut ein Meisterwerk! Fagens cooles 

Songwriting bildet die Basis für völlig 

pathos-freien Gesang, der im Dienste eines 

stilsicheren Mixes aus smoothem City- 

Rock, Funk-Einarbeitungen, Pop-Spritzern 

und Jazz-Verquickungen steht. Fagens Arbeit 

an den Tasten versprüht eine unterkühlte 

Eleganz und Präzision, der sich die feinen 

Rhythmus-Arbeiter an Bass & Drums und 

die swingende Bläser-Crew gern anschließen. 

Dazu kommen meist eher unauffällige, 

aber perfekte Gitarrentöne. Der Song-Zyklus 

über untergegangene Apartmenthäuser, 

die Liebe in Zeiten der Finanzkrise und 

sogar ein verwegener Ausflug zum “Planet 

Rock 

D’Rhonda” enthält mit “Slinky Thing”, 

“Weather In My Head”, “Miss Marlene” 

und “Good Stuff” einige der besten Fagen- 

Songs der letzten 30 Jahre. 

(Reprise/Warner, 2012, 9/44:14) hjg 

THE STEVE MILLER BAND 

CILDREN OF THE FUTURE + 

SAILOR + BRAVE NEW WORLD 

+ YOUR SAVING GRACE + 

NUMBER 5 

Fällt der Name Steve 

Miller Band, 

denken die meisten 

an die großen Hits 

aus den Siebzigern 

wie “The Joker”, 

“Fly Like An Eagle” 

oder “Abracadabra” b aus den Achtzigern. 

Doch zu Beginn seiner Karriere spielte der 

„Space Cowboy” psychedelische Musik in 

allen Facetten, die erst in den letzten Jahren 

entsprechend gewürdigt wird. Edsel, eins 

der führenden Labels auf dem Reissue- 

Markt, hat nun klanglich verfeinerte CDs 

in sechsseitigen Digipaks mit Booklets auf 

den Markt gebracht, bei denen jeder US- 

Rock-Fan zuschlagen muss. CILDREN 

OF THE FUTURE bewegt sich zwischen 

psychedelischen Klangcollagen, Westcoast 

mit starkem San-Fancisco-Flair und hauchzarten 

Titeln (der Bonus-Track “Sittin’ In 

Circles”). Klasse Album, kein einziger Ausfall! 

Auf SAILOR gelang Miller die Quadratur 

des Kreises, da er sich als hervorragender 

Komponist präsentierte (“Dear Mary”), 

kräftigen Rockeinfluss in den Sound integrierte, 

aber immer noch verspielt-psychedelisch 

blieb. BRAVE NEW WORLD ist 

natürlich für jeden Beatles-Fan ein Muss, da 

Paul McCartney unter dem Pseudonym Paul 

Ramon auf dem Track “My Dark Hour” als 

Drummer, Background-Sänger und Bassist 

gastierte. Obwohl Millers Weggefährten 

Boz Scaggs und Jim Peterman die Band 

verlassen hatten, gelang ihm ein Album, 

das dem Gesamtwerk in nichts nachsteht. 

YOUR SAVING GRACE bewegt sich tendenziell 

ein wenig in Richtung Blues und 

Rock, gefiel den Hippies im Golden Gate 

Park aber immer noch, besonders wegen 

des offenen und freigeistigen Klangbildes. 

Kaum zu glauben, aber auch auf NUMBER 

5 kann Miller seine Kreativität voll ausspielen, 

ohne sich zu wiederholen oder bei anderen 

zu kopieren. Mit “Good Morning” und 

“Never Kill Another Man” befinden sich 

zwei seiner attraktivsten Titel auf der Platte. 

Empfehlenswerte Neuauflagen, die ältere 

Reissues meilenweit überragen. 

(Edsel/Soulfood, 1968, 12/41:25 + 1968, 

10/34:33 + 1969, 9/29:59 +1969, 8/37:36 

+ 1970, 10:36:22) fl 


LP 

AGITATION FREE 

MALESCH + 2ND 

REVIEWS 

Nach hder CD-Wiederveröffentlichung der beiden 

ersten Alben der Krautrockband Agitation 

bi 

Free vor vier Jahren legt nun das Label MiG 

mit schön edierten, klanglich guten Vinylausgaben 

nach. MALESCH (1972) und 2ND 

(1973) rechnen Kenner zu den besten Werken 

des frühen Krautrock. MALESCH entstand, 

nachdem die Berliner Combo auf Einladung 

des Goethe-Instituts durch Ägypten, Libanon, 

Zypern und Griechenland getourt war. Der 

Trip gen Osten hinterließ Eindruck bei den 

Musikern, mitunter sind Ethno-Instrumente 

oder arabische Tonskalen zu hören. Allerdings 

gehen Agitation Free in ihrer Verschmelzung 

von Ost und West nicht so weit wie etwa Embryo 

auf ihren Goethe-Institut-Tourimpressionen 

EMBRYO’S REISE. Die Musik ist eher 

als frei fließender, von jazzigen Grooves getragener 

Electric Space-Rock zu beschreiben. 

Diesem Konzept blieben die Mannen um den 

Gitarristen Lutz „Lüül” Ulbrich (heute bei den 

17 Hippies) auch auf 2ND weitgehend treu. 

Allerdings brachte der neue zweite, Jazz- und 

Westcoast-versierte Gitarrist Stephan Diez, 

der für Jörg Schwenke kam, einen neuen 

Sound ein. Den Improvisationen der Gitarrendoppelspitze 

Ulbrich/Diez haftet eine sonnige 

Leichtigkeit an, die an die kalifornischen 

Quicksilver Messenger Service erinnert. Insgesamt 

ist 2ND das rundere Album der beiden 

Krautrock-Meisterwerke. 

(MiG/Intergroove, 1972 + 1973, 

7/40:01 + 7/41:37) frs 

JETHRO TULL 

THICK AS A BRICK 1 & 2 

1972 veröffentlichten 

Jethro Tull mit 

THICK AS A TRICK 

ihr fünftes Album – 

mit einem einzigen, 

44 Minuten langen 

Song. Gedacht war 

es als Persiflage auf den „Konzeptalbum- 

Wahn”, den Frontmann Ian Anderson bei 

ihrem letzten Werk, AQUALUNG, den Kritikern 

bescheinigte. Folglich überzeichneten 

Jethro Tull alle (musikalischen) Kennzeichen 

eines Konzeptalbums und erfanden 

dazu noch eine unglaubwürdige Story über 

ein episches Gedicht, das von einem Achtjährigen 

namens Gerald Bostock stammen 

sollte. „If the critics want a concept album 

we’ll give the mother of all concept albums 

and we’ll make it so bombastic and so over 

the top”, so Ian Anderson 2009. Das Ganze 

muss der Band aber so viel Spaß gemacht 

haben, dass sie im April dieses Jahres mit 

THICK AS A BRICK 2 (Review Good- 

Times 3/2012) der Geschichte um Gerald 

Bostock ein zweites Kapitel anhängten. Beide 

Alben als hochwertige 180g Pressungen 

(remastert von Steven Wilson), dazu ein 

80-seitiges Buch voller Bilder, Zeitungsausschnitte, 

Tourberichte, Studio-Erinnerungen, 

Songtexte (u.a. auch in der deutschen Übersetzung) 

und (echte und fiktive) Interviews. 

Daneben erscheint das Album auch als 40TH 

ANNIVERSARY SET, bei dem die remasterte 

Platte als CD sowie als Audio-DVD in 

zahlreichen audiophilen Abmischungen enthalten 

ist und das Begleitbuch gleichzeitig 

vom LP- auf DIN A5-Format schrumpfte. 

(EMI, 2012, 2 LPs) 

us 

FLEETWOOD MAC 

THE PIOUS BIRD OF GOOD 

OMEN 

Eigentlich war THE 

PIOUS BIRD OF 

GOOD OMEN gar 

kein „richtiges” Album 

von Fleetwood 

Mac. Vielmehr wurden 

auf dieser 1969 

veröffentlichten LP die ersten vier UK-Singles 

(inkl. B-Seiten) sowie zwei Stücke zusammengefasst, 

bei denen Peter Green (voc, g, harp), 

Jeremy Spencer (voc, g, p), Danny Kirwan (g), 

John McVie (b) und Mick Fleetwood (dr) vom 

amerikanischen Bluesmusiker Eddie Boyd 

unterstützt wurden. So erklärt sich auch die 

hohe musikalische Qualität dieser LP, die im 

Nachhinein ja nichts anders ist als eine (zugegebenermaßen 

sehr frühe) „Best Of”, die neben 

selbst verfassten, erfolgreichen Titeln wie 

“Albatross” und “Black Magic Woman” auch 

klassischen Blues(-Rock) von Elmore James 

und Eddie Boyd präsentiert. Die Tonqualität 

der 180g-Pressung ist trotz altersbedingter Patina 

unglaublich transparent, schließt man die 

Augen, könnte man meinen, Mick Fleetwood 

hätte seine Hi-Hat direkt vor einem im heimischen 

Wohnzimmer, aufgebaut. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1969, 

12 Tracks) us 

THELONIOUS MONK 

IT’S MONK TIME 

Unberechenbar, 

exzentrisch, 

manisch 

und grenzüberschreitend 

– alles Adjektive, 

die auf einen der 

wichtigsten Jazzmusiker 

des 20. Jahrhunderts 

zutreffen, der besonders durch seine 

Konzentration auf dissonante Harmonien 

bei Genrefans ankam. Doch erst ab 1962, 

nachdem er mit Columbia einen Vertrag abgeschlossen 

hatte, ereichte er ein größeres 

Publikum. Zusammen mit Charlie Rouse (ts), 

Butch Warren (b) und Ben Riley (dr) spielte 

der legendäre Pianist zwischen Januar und 

März 1964 eines seiner wohl bekanntesten 

Werke ein – IT’S MONK TIME. Hier konnte 

er sich aufgrund der gemäßigten Melodieführung 

ein neues Publikum erspielen, ohne 

es dabei an rhythmischer Komplexität fehlen 

zu lassen (“Lulu’s Back In Town”). Subtilität 

beim Songwriting (“Memories Of You”) gepaart 

mit swingenden Songs (“Stuff Turkey”) 

stehen für die gekonnte Gratwanderung zwischen 

seinen vielen Welten. Erstklassig! 

(Speakers Corner, 1964, 6 Tracks) at 

ANN PEBBLES 

STRAIGHT FROM THE HEART 

Ann Pebbles? Der 

Name der schwarzen 

Sängerin wird vielen 

zuerst nichts sagen, 

doch ihr erster großer 

Hit “I Can’t Stand The 

Rain” (nicht auf der 

Platte enthalten), der einige Jahre später von 

der Disco-Combo Eruption in die Charts gehievt 

wurde, hat eine erstaunlich hohe Halbwertszeit 

bewiesen. Auf ihrem 72er-Album 

gibt sich die Dame mit der beseelten Stimme 

recht bodenständig und zelebriert Black Music, 

wie die Hörer des Stils es lieben. Bei “I 

Feel Like Breaking Up Somebody’s Home 

Tonight” taucht sie in Soulgefilde ab, wohingegen 

“Trouble, Heartaches & Sadness” 

durch das geschmackvoll arrangierte Orchester 

gefällt. Als Anspieltipp kann “I Pity The 

Fool” genannt werden, denn hier zeigt sie ihre 

stimmliche Ausdruckskraft in vollem Umfang. 

Empfehlung! 


BILLY JOEL 

PIANO MAN 

Der Titel eines seiner 

erfolgreichsten (und 

immer noch besten) 

Alben wurde für Billy 

Joel schnell zum 

Spitznamen: PIANO 

MAN. Erwartet hatte 

man so ein Meisterwerk 1973 allerdings 

nicht. Denn nach dem relativ erfolglosen 

Debüt COLD SPRING HARBOUR und 

den daraus resultierenden Streitigkeiten 

mit seiner alten Plattenfirma wechselte 

Joel zum Branchenriesen Columbia. Und 

dort stellte man ihm mit Banjo-Ass Eric 

Weissberg, der Elvis-Presley-Rhythmusfraktion, 

bestehend aus Schlagzeuger Ronnie 

Tutt und Bassist Emory Gordy, sowie 

dem Gitarristen Larry Carlton, Dean Parks 

und Richard Bennett die idealen Mitstreiter 

an die Seite, um seine edlen Songs zwischen 

Singer/Songwriter-Pop und Country 

passend zu instrumentieren. Herausragend, 

neben dem Titeltrack, immer noch “The 

Ballad Of Billy The Kid”, bei dem Joel 

den Outlaw mit gleichem Vornamen zwar 

historisch unkorrekt, aber – besonders im 

letzten Vers – mit deutlich autobiografischen 

Bezügen schildert. Ein Meisterwerk, 

das durch die audiophile 180g-Pressung 

besser als je zuvor klingt. 


10 Tracks) tk 

ALCATRAZ 

VAMPIRE STATE BUILDING 

Die 

Hamburger 

hatten als Blues- 

Rock-Coverband begonnen, 

wechselten 

dann 1971 auch für 

ihr einziges Album 

zu 

progressiven, 

jazz-rockigen Eigengewächsen, die für das 

Publikum gewöhnungsbedürftig sein mochten, 

aber sicherlich einen größeren Sog auslösten 

als weitere Savoy-Brown-Anleihen. 

Manches klingt scheppernd, weniger ausgereift 

– so folgt im Opener “Simple Headphone 

Mind” auf eine ansprechende Herbie- 

Mann-Passage eine persiflierte Blaupause 

der ersten Blackmore-Breitseite in Deep 

Purples CONCERTO FOR GROUP AND 

ORCHESTRA: interessant allemal. Neben 

drei kürzeren Titel präsentieren Rüdiger 

Berghahn (voc, p), Klaus Holst (g), Klaus 

Nagurski (fl, sax) und Ronald Wilson (b) 

im 13-minütigen Titelopus auf dem Friedhof 

eine gar dürre Schöne im Negligé, die 

Vinyl 

sich zu allerlei Quälereien anschickt – angereichert 

mit Amon-Düül-esken instrumentalen 

Breitseiten mit Tempowechseln 

und Schlagzeugsolo von Jan Rieck. Ansprechendes 

Zeitdokument. 

(Malesch/Long Hair Music, 1971, 

5 Tracks) utw 

J.J. CALE 

COLLECTED 

Einen echten Schatz 

hält man mit dieser 

Dreifach-LP in Händen, 

sowohl was die 

Aufmachung 

als 

auch was den Inhalt 

angeht. Von den ursprünglich 

h60T Tracks der 2006er CD-Version 

sind immerhin noch 49 übriggeblieben, 

eine Reduktion, die durch die exzellente 

Tonqualität der audiophilen 180g-Scheiben 

mehr als wettgemacht wird. Natürlich 

stammt das Gros der Auswahl aus den 

70ern und frühen 80ern, wer wie J.J. Cale 

in dieser Zeit Songs wie “After Midnight”, 

“Call Me The Breeze”, “Changes”, “Cocaine”, 

“Carry On” oder “Cajun Moon” 

geschrieben und veröffentlicht hat, wer 

dazu noch in den 90er Jahren mit vielbeachteten 

Spätwerken und Kollaborationen 

seine Klasse bewies, der kann ohne Probleme 

mehrere LPs mit hochklassigem 

Material füllen. Eine seltene Ausnahme 

auch das mehrseitige, LP-große Booklet, 

das COLLECTED beiliegt. Neben einer 

kurzen Einführung in Cales Werk lädt es 

mit Songlisten und großformatigen Bildern 

zum entspannten Blättern ein. 


3 LPs, 49 Tracks) us 

HARRY NILSSON 

SON OF SCHMILSSON 

Auch in den 70er Jahren 

funktionierte das 

Musikbusiness nach 

der alten Regel „Never 

change a winning 

team”. So forderte 

die Plattenfirma von 

Harry Nilsson einen möglichst schnellen 

Nachfolger zu seinem 1971er Erfolgsalbum 

NILSSON SCHMILLSON. Möglichst 

mit ähnlichem Titel – der mit SON OF 

SCHMILSSON schnell gefunden war –, 

und natürlich mindestens genauso guter Musik. 

Doch da kannten die Plattenbosse den 

exzentrischen Amerikaner scheinbar nicht 

gut genug, sonst hätten sie eigentlich wissen 

müssen, dass der sein Hauptaugenmerk 

noch nie auf unbedingten kommerziellen 

Erfolg gelegt hatte. Mit einer namhaften Musikerschar, 

darunter Nicky Hopkins, Chris 

Spedding, George Harry-son (!), Richie 

Snare (aka Ringo Starr), Klaus Voormann, 

Peter Frampton und Lowell George macht 

sich Harry Nilsson im Laufe des Albums auf 

eine bizarre Reise durch orchestralen Singer/ 

Songwriter-Pop, verzerrte Rock’n’Roll-Kracher, 

schräge, Akkordeon-unterstützte Chormusik 

und allerlei andere, spleenige Klangexperimente. 

Neben dickem 180g-Vinyl 

liefert diese Wiederveröffentlichung auch 

das originale 60x90-cm-Poster, auf dessen 

Rückseite genug Platz für alle Songtexte ist. 


11 Tracks) tk 


LP 

REVIEWS 

PELL MELL 

FROM THE NEW WORLD 

Der Titel täuscht nicht – die ersten 16 Minuten 

dieses zweiten Albums der Marburger Formation 

mit Frumpy- und Classic-Purple-Nähe 

waren 1973 der 9. Sinfonie “Aus der Neuen 

Welt” von Anton Dvorak gewidmet, geprägt 

von Otto Puschs Orgel- und Pianofertigkeiten. 

Er weist bei Bachs “Toccata” eine angenehme 

Nähe zum Classic-Meets-Jazz Rick van der 

Lindens von den niederländischen Mitbewerbern 

Ekseption auf. Bei “Suite I” und “Suite 

II” übernimmt Dietrich J. Noll die Tasten, teilt 

sich die instrumentale Hauptrolle erneut mit 

den Violinen- und Querflötenkünsten Thomas 

Schmitts. Jörg Götzfried (b) und Mitch 

Kniesmeijer (dr) sorgen wie auf dem Debüt 

MARBURG für einen perkussiv-jazzigen 

Teppich, während die hohen Leadvocals von 

Rudolf Schön selbstsicherer, vom Drama 

her dosierter und Yes-mäßig Chor-gestützt 

daherkommen. Nette Zugabe: Gerade wenn 

einem zum Schluss mal ein beherzter Gitarreneinsatz 

fehlt, grätscht Andy K. auf “Suite 

II – Deficiency” expressiv ins Klangbild: rockiges 

Finale. 

(Malesch/Long Hair Music, 1973, 

5 Tracks) utw 

McCHURCH SOUNDROOM 

DELUSION 

Eine der begehrtesten 

Krautrock-Scheiben 

stammt aus der 

Schweiz. 

Originale 

werden 

mittlerweile 

für 600 Euro gehandelt, 

und das hat auch 

seinen Grund, denn hier stimmen Musik, 

Cover und Individualität überein. Glücklicherweise 

hat das Münchner Reissue-Label 

Ohrwaschl Records diesen Schatz gehoben 

und nun in einer strengstens limitierten 500er- 

Auflage veröffentlicht. Eine Reproduktion des 

Original-Flyers, ein Hochglanz-cellofaniertes 

Klappcover und das kolorierte, blutrote Vinyl 

(erweckt jeden Vampir aus dem Mittagsschlaf) 

machen einen vorbildlichen Eindruck. 

Die Musik? Hammondorgel, eine Flöte im 

Jethro-Tull-Stil, eine starke Gitarre und meist 

harte, im Blues verwurzelte Songs werden in 

einem einzigartigen Stil dargeboten, der auch 

Fans von Frumpy, Birth Control, Epitaph, Gift 

oder Gila gefallen wird. Eine der schönsten 

Vinylausgaben des Jahres. Empfehlung! 

(Ohrwaschl Records, 1971, 6 Tracks) fl 

JOHN COUGAR 

MELLENCAMP 

SCARECROW 

Zusammen mit Bruce 

Springsteen 

dominierte 

John Cougar 

Mellencamp Mitte der 

80er Jahre den nordamerikanischen 

Heartland-Rock, 

Springsteen war dabei dbieher städtisch fixiert, 

Mellencamp deckte den ländlichen Part ab. 

Bestes Beispiel hierfür ist das LP-Cover – 

Mellencamp in sich gekehrt am Weidezaun 

– des äußerst erfolgreichen Albums SCARE- 

CROW aus dem Jahr 1985, das sowohl in den 

USA als auch in Kanada mit jeweils fünffach 

Platin ausgezeichnet wurde. Von den drei 

Top-Ten-Hits war “R.O.C.K. In The USA (A 

Salute To 60’s Rock)” mit Platz 2 am erfolgreichsten, 

ein Song, in dem die Klasse von 

Frankie Lymon, Bobby Fuller, Martha Reeves, 

Jackie Wilson und James Brown gepriesen 

wurde. Neben Mellencamps Großmutter 

(Leadvocals auf “Grandma’s Theme”) sind 

auch Rickie Lee Jones (Backgroundvocals 

auf “Between A Laugh And Tear”) sowie Ry 

Cooder (Slideguitar auf “The Kind Of Fella 

I Am”) zu hören. Gegenüber der ziemlich 

flach klingenden Original-CD aus den 80ern 

klingt die audiophile 180g-Pressung weit 

überlegen, behauptet selbst im Vergleich 

zum weitaus besseren 2005er Reissue noch 

einen knappen Vorsprung. 


12 Tracks) us 

SUZI CHUNK 

GIRL FROM THE NECK DOWN 

Kaum hört man in Miss Chunk – benannt 

nach ihrer Ex-Band Dark Chunk – so etwas 

wie die Tochter von Lulu oder empfindet sie 

als Enkelin Dusty Springfields, steht das in 

den Notes. Es stimmt aber – dabei macht die 

muntere, leicht angeraute Sängerin keines- 

wegs künstlich auf Retro, sondern liebt und 

lanciert tanzbaren Sixties-Soul, als hätte sie 

bis zum sechsten Lebensjahr gar nicht gewusst, 

dass es andere Musik überhaupt gibt. 

Die junge, in Cardiff lebende Sängerin ließ 

sich von ihrem Gitarristen/Keyboarder Glenn 

Prangnell ein Dutzend Preziosen schreiben: 

“For The Millionth Time” mag der “Keep On 

Running”-Rhythmus wiederholt werden, zum 

Opener passt er. “Got Any Mantras” verbreitet 

“Dancing In The Street”-Feeling”, in “Look 

Back And Laugh” tritt Bruce Brand als Hank 

Marvin auf, überlässt aber John Littlefair ein 

schönes Trompetensolo. Suzi Chunk kann als 

Jung-Ausgabe von Sharon Tandy aber auch 

swingen – “I Can’t Stop The Rain” sprüht vor 

Charme. Eine Entdeckung. 

(State Records/ Import, 2012, 

12 Tracks) utw 

SPIRIT 

THE FAMILY THAT PLAYS 

TOGETHER 

Diese LP war im 

Dezember 1968 das 

zweite Album (von 

insgesamt 

vieren), 

das Spirit in der Originalbesetzung 

veröffentlichten. 

Diese 

bestand aus Randy California Cli (voc, g), Mark 

Andes (b, voc), John Locke (keys), Jay Ferguson 

(keys, voc) und Ed Cassidy (dr). Nach 

ihrem surrealistischen Debüt SPIRIT drifteten 

sie mit THAT FAMILY THAT PLAYS TO- 

GETHER einen Schritt weiter in psychedelische 

Gefilde. So weit, dass einige Songs des 

neuen Albums – “It Shall Be”, “Silky Sam” 

– nichts anderes als purer Jazz-Rock sind. 

Doch nicht nur in diese Richtung entwickelten 

sie sich, mit “Jewish” und “Aren’t You Glad” 

zeigten sie sich auch stark beeinflusst von 

Word-Music und Jam-Rock, besonders auf 

Gitarrist Randy California schien dieses stilistisches 

Ausbrechen befreiend zu wirken, man 

höre sich nur seine beiden Gitarrenspuren von 

“All The Same” an. In der Rückschau eines ihrer 

besten Werke, noch dazu mit dem einzigen 

richtigen Singlehit, “I Got A Line On You”. 


11 Tracks) tk 

Vinyl 

MAGGIE & TERRE ROCHE 

SEDUCTIVE REASONING 

Paul Simon engagierte die heute leider in 

Vergessenheit geratenen Roche-Schwestern 

als Backgroundsängerinnen für sein Album 

THERE GOES RHYMIN’ SIMON. Ihr Debüt 

wurde 1973 in den Morgan Studios, London, 

und 1974 in den Muscle Shoals Studios, 

Alabama, aufgenommen (Produzent: Paul 

Simon!) und präsentiert zwei kraftvolle Sängerinnen, 

die trotz der Musik, die sich zwischen 

Country, Blues und Folk abspielt, einen 

eher ungewöhnlichen Satzgesang bieten. Die 

Melodieführung mutet modern an, was einen 

spannungsvollen Kontrast zum erdigen Background 

bietet. Ob sich die beiden im Country- 

Blues auslassen (“Western Union”) oder intensive 

und leidenschaftliche Balladen singen 

(“The Burden Of Proof”, “Telephone Bill”), ist 

egal – sie verzaubern den Hörer auf ihre ganz 

individuelle Art. Wie bei allen LP-Releases 

von Speakers Corner üblich, wurde audiophil 

gemastert und auf 180 Gramm gepresst. 


JOHNNY CASH 

HELLO, I’M JOHNNY CASH 

Die legendären ersten 

Worte eines Johnny- 

Cash-Konzertes lauteten 

stets „Hello, I’m 

Johnny Cash”, und genauso 

heißt diese LP, 

die Cash 1970 veröffentlichte. 

Mit “To Beat The Devil” interpretierte 

er darauf erstmals einen Song von Kris 

Kristofferson, “See Ruby Fall” schrieb er zusammen 

mit Roy Orbison, dazu das erstaunlich 

reife “Sing A Travelling Song” – verfasst 

vom 14-jährigen Ken Jones, dem Sohn von 

Helen Carter, der 1969 bei einem Autounfall 

ums Leben kam – aber am berühmtesten ist 

wohl immer noch die Tim-Hardin-Komposition 

“If I Were A Carpenter”, hier als bewegendes 

Duett mit seiner Ehefrau June Carter 

Cash. Carl Perkins und Bob Wooton an den 

Gitarren, Bass und Schlagzeug; vom Rest der 

Tennessee Three Marshall Grant und W.S. 

Holland, die Backgroundvocals steuerte die 

Carter Family bei. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1970, 12 Tracks) us 


CD 

REVIEWS 

TAJ MAHAL 

THE HIDDEN TREASURES OF 

TAJ MAHAL 1969–1973 

Ein 

Doppeldecker 

des Klasse-Bluesers 

Taj Mahal mit bislang 

unveröffentlichtem 

Material seiner 

sauguten (halb) 

frühen Jahre, die 

nach hAnsicht vieler Fans zu seinen besten 

gehören. CD 1 bringt Studio-Aufnahmen 

mit verschiedenen Begleitbands, die aus 

vier Sessions stammen und bis auf wenige 

„Aufwärm-Instrumentals” nur gigantisch 

Gutes bieten. Auffällig ist dabei, dass die 

längsten Tracks auch die eindringlichsten 

sind, weil Taj Mahal hier seiner Improvisationsfreude 

freien Lauf lassen kann, ohne sich 

in Wiederholungen oder Gedaddel zu verlieren. 

So avancieren Songs wie Bob Dylans “I 

Pity The Poor Immigrant” (8:09), die Eigenkompositionen 

“Ain’t Gwine Whistle Dixie” 

(7:22) und “You Ain’t No Streetwalker, 

Honey But I Do Love The Way” (16:05!) 

sowie die Standards “Good Morning Little 

Schoolgirl” und “Shady Grove” zu Trüffeln 

im ohnehin hochwertigen Taj-Mahal-Katalog. 

Der Meister singt durchweg inspiriert 

und nuanciert, und die famose Begleiterschar 

vom Gitarristen Jesse Ed Davis über 

die Dixie Flyers bis hin zum Bläserquartett 

Howard Johnson, Bob Stewart, Joseph Daly 

und Earl McIntyre – alle spielen Tuba und 

dazu entweder Trompete oder Posaune – 

heizt gewaltig ein. CD 2 enthält ein schönes 

Konzert aus der Royal Albert Hall (1970), 

das eine Bluesreise vom archaisch Akustischen 

zum gepfeffert Elektrischen bietet. 

Unfassbar, welcher Superqualitätsstoff hier 

geborgen wurde. Es wäre absolut unverantwortlich 

gewesen, diese Schätze Taj Mahals 

noch länger vorzuenthalten! 

(Legacy/Sony Music, 2012, 12/77:28, 

10/53:48) hjg 

ANDRE WILLIAMS 

LIFE 

Etwa der Andre Williams, der in den Fifties 

seinen Song “Bacon Fat” zum Hit machte, 

in Detroit intensiv mit Ike Turner kooperierte 

– ihn und Tina mit der Meganummer 

“Shake A Tail Feather” ausrüstete? He the 

man – „Mr. Rhythm”, und der alte Hit wird 

neu verkostet! Mit 76 hat das zwischenzeitliche 

Drogenwrack und Punk-Blues- 

Faktotum ein R&B-Album erster Güte gezaubert. 

Auf “Stuck In The Middle” gibt er 

den afro-amerikanischen J.J. Cale, für die 

wunderbaren Bassläufe sorgt Jim Diamond. 

“But’n” belebt das Riff aus “Night Of The 

Long Grass” von den Troggs, und der Frauenfuß-Fetisch-Party 

“Heels” merkt man an, 

dass Williams in New Orleans kürzlich mit 

den Morning 40 Federation zusammenkam: 

so heiße wie abgehangene Voodoo-Grooves 

etwa in der Kragenweite von “Just Wanna 

See His Face” auf EXILE ON MAIN ST. 

Mit “Blame It On Obama” kommen bissigironische 

Ansichten, “Money Ain’t Got No 

Loyalty” würzt Philosophie mit abenteuerlichstem 

Reggae, und mit “Ty The Fly” 

folgt mit Uralt-Drummachine leichte Kinderkost. 

Alles wie so oft bei ihm Made in 

Detroit, dreckig und ehrlich. 

(Natural Sound/ Alive, 2012, 

10/53:47) utw 

GWYN ASHTON 

RADIOGRAM 

Der 51-jährige Gitarrist und Sänger, der 

durch die Tour mit seiner Two-Man Blues 

Army im Vorprogramm von Magnum auch 

in Deutschland einem größeren Publikum 

bekannt wurde, spielte früher in der 

Rory Gallagher-Tribut Band Of Friends, 

was auch seine Stilistik zwischen Blues 

und Rock erklärt. Sein neues Album frönt 

einem 70er-Jahre Vintage-Sound, der zwischen 

rockig-straighten Grooves, gerne 

mal auch mit etwas Funk angereichert, 

bluesigen Slides und melodischen Hooks 

pendelt. Die zehn Songs stammen alle, außer 

Willie Dixons Klassiker “I Just Wanna 

Make Love”, aus der Feder von Ashton, der 

einen ehrlich-unverkünstelten Stil pflegt. 

Eine grundsolide Scheibe, der allerdings 

die unverwechselbaren Highlights fehlen. 

(Fabtone Records/Proper/Rough Trade, 

2012, 10/50:48) rg 


KING NORTHERN SOUL 

VOLUME 3 

Auch für diesen Sammeleimer 

gilt, was 

an dieser Stelle über 

Soul-Sampler schon 

oft gesagt wurde: Wenige 

berühmte oder 

halbwegs 

bekannte 

Namen – hier Hank Ballard, Marv Johnson, 

Otis Williams, Little Willie John ... –, viele 

knapp bis unbekannte Acts. Große, überzeugende 

Stimmen. Songs im oberen Qualitätsdrittel. 

Professionelle, ideenreiche Produktion 

im Idealfall, oder wenigstens grundsolide 

Fließbandware. Ohrwürmer soweit das Ohr 

reicht. Es macht einfach Spaß, derartige 

Sampler am Stück zu hören – Überdruss 

und Langeweile bleiben außen vor. Weshalb 

natürlich auch die ersten beiden Folgen der 

kleinen Serie lobend erwähnt sein sollen. 

So, und nun noch kurz zu den Siegertracks: 

Die Plätze eins bis fünf belegen Mill Evans 

mit “Right Now Well”, Freddie Williams 

mit “Name In Lights”, Oscar Toney Jr. mit 

“Keep On Loving Me”, Hank Ballard mit 

“I’m Just A Fool (And Everybody Knows)” 

und Charles Spurling mit “That’s My Zone 

(He’s Pickin’ On)”. Diese Wertung ist natürlich 

völlig subjektiv. Wenn vier Hörer(innen) 

die Disc gemeinsam hören, gibt es bei der 

Sieger(innen)-Suche garantiert Diskussionen, 

bis der Arzt kommt ... 

(Kent/Soulfood, 2012, 24/58:29) hjg 

Blues – R&B – Soul – Funk – Reggae 

RAY CHARLES 

PURE GENIUS – THE COMPLE- 

TE ATLANTIC RECORDINGS 

(1952–1959) 

2004 verstarb mit Ray Charles ein Musiker, 

der völlig zu Recht als ein Gründungsvater 

der Soulmusik gilt. In den 50er Jahren verband 

er R&B mit Gospel, Blues und Jazz, 

ließ sich aber auch von neuen Strömungen 

wie Pop und Rock’n’Roll beeinflussen, wurde 

mit diesem neugeschaffenen Stil sowohl 

für Freunde traditioneller Klänge als auch für 

junge, fortschrittlich orientierte Musikfans 

interessant. Legendär die Wertschätzung von 

Frank Sinatra, der Ray Charles als „the only 

true genius” bezeichnete. Darauf geht auch 

PURE GENIUS, der Titel der jetzt veröffentlichten 

Box zurück, in der man auf sieben 

CDs die bahnbrechende Musik, die Ray 

Charles zwischen 1952 und 1959 für das 

New Yorker Label Atlantic aufnahm, nachverfolgen 

kann. Sagenhafte 155 Tracks gibt 

es insgesamt zu hören, eine komplette CD ist 

dabei 35 bisher unveröffentlichten Stücken 

vorbehalten – darunter Outtakes, Demos 

und Testaufnahmen, bei denen Ray Charles 

zusammen mit dem Atlantic-Gründer Ahmet 

Ertegun zu hören ist. Dem hochwertigen Inhalt 

absolut ebenbürtig ist auch das 80-seitige 

Begleitbuch, in dem ein ausführlicher 

Essay über Ray Charles’ Atlantic-Jahre, 

die detaillierten Aufnahme-Infos aller enthaltenen 

Songs sowie die originalen Liner- 

Notes zahlreicher Alben enthalten sind. 


JAKI GRAHAM 

FOR SENTIMENTAL REASONS 

Seit Jaki Graham 

1984 mit ihrer ersten 

Single “What’s 

The Name Of Your 

Game” in die Charts 

einzog, gehört sie 

weltweit zu den erfolgreichsten 

iht britischen Soulsängerinnen, 

auch wenn es in der letzten Zeit etwas ruhiger 

um sie wurde. Für FOR SENTIMEN- 

TAL REASONS, ihrem ersten Studiowerk 

seit dem 1998er MY LIFE, hat sie zwölf 

Titel aufgenommen, die sie im Laufe der 

letzten beiden Jahren bei zahlreichen Auftritten 

rund um den Globus – darunter auch 

als Dauergast bei Cliff Richards gefeierter 

„Soulicious Tour” – live erprobt hat. Die 

Mischung, die ihr dabei gelungen ist, kann 

sich sehen lassen: Neben Klassikern wie 

“Summertime”, “My Funny Valentine”, 

“Ain’t Nobody’s Business” oder “Someone 

To Watch Over Me” hat sie auch einige 

beinahe vergessene Songperlen (wieder-)entdeckt, 

wie das von H.M. Woods 

geschriebene “What A Little Moonlight 

Can Do”, Mitte der 30er Jahre von Billie 

Holiday populär gemacht. 


12/53:30) tk 


HARD TO HANDLE – BLACK 

AMERICA SINGS OTIS REDDING 

Im Sommer 1967 sagte Ray Charles in 

einem Interview: „Otis Redding wird mein 

Nachfolger” – Titanen unter sich, doch das 

Schicksal hatte anderes vor und machte 

Charles zum gescheiterten Propheten. Und 

Otis Redding zum Mythos, der bis heute 

nichts von seinem Zauber verloren hat. Die 

harten Fakten des vorliegenden Samplers 

beweisen: Bei Charles war nicht Wunschdenken 

im Spiel, sondern sein unbestechliches 

Ohr. Vulgär formuliert: Otis Redding 

war als Komponist der geilste Champion 

der Soul-Liedermacher seiner Zeit. Zwangsläufig 

besteht HARD TO HANDLE aus 14 

Treffern und 11 Volltreffern, wobei natürlich 

Reddings berühmteste Songs wie “These 

Arms Of Mine”, “I’ve Been Loving You 

Too Long”, “Hard To Handle”, “Fa-Fa-Fa- 

Fa-Fa-Fa (Sad Song)”, “I’ve Got Songs To 

Remember”, “Respect” und “Dock Of The 

Bay” in würdevollen Top-Versionen von Albert 

Washington, William Bell, Patti Drew, 

Lou Rawls, Percy Sledge, Aretha Franklin 

und den Staple Singers vertreten sind. Aber 

auch etwas weniger bekannte Lieder wissen 

zu gefallen, und auch alle übrigen Protagonisten 

singen in der ersten Liga. Stilistisch 

verlässt niemand das sichere Fahrwasser des 

Redding-Souls, aber was Aretha Franklin als 

Queen dieses tollen Schaulaufs veranstaltet, 

dicht gefolgt von den anderen Soul Sisters 

und was die ebenbürtigen Soul Brothers zu 

bieten haben, zeigt – mal wieder –, dass es oft 

nicht nur auf den Kern der Sache ankommt, 

sondern auf die oft spannenden Details. Die 

gibt es hier in Hülle & Fülle, bestens erläutert 

im 20-seitigen Booklet. Dass auch drei 

unveröffentlichte Tracks dabei sind, darunter 

einer von Redding selbst (“Loving By The 

Pound”), macht den edlen Sampler noch 

wertvoller. 



ATLANTIC SOUL LEGENDS 

„20 Original Albums From The Iconic Atlantic 

Label” lautet der Untertitel dieser Box, 

der damit wahrlich nicht zu viel verspricht. 

Mit den Unterlabels Atco, East West und (ab 

1961) Stax bot die New Yorker Plattenfirma 

Atlantic mit ihrem charismatischen Gründer 

Ahmet Ertegun eine ernstzunehmende Alternative 

zu den Motown-Produktionen aus 

Detroit. Besonders im Süden der USA fand 

Talentscout Jerry Wexler (Zitat: „Wir machen 

keine Scheiben mit weißen Jungs, die 

schlechte Kopien schwarzer Sänger liefern. 

Wir bringen das Otiginal.”) junge und unverbrauchte 

Künstler wie Solomon Burke, Wilson 

Pickett oder Aretha Franklin. Mit Ray 

Charles’ WHAT’D I SAY aus dem Jahr 1959 

beginnt die Reihe der legendären Atlantic- 

Alben, führt über GREEN ONIONS (Booker 

T. & The MG’s), DON’T PLAY THAT 

SONG (Ben E. King), MERCY! (Don Convay), 

OTIS BLUE/OTIS REDDING SINGS 

SOUL (Otis Redding), SWEET SOUL 

MUSIC (Arthur Conley), EVERYTHING 

IS EVERYTHING (Donny Hathaway) bis 

zum Jahr 1975, in dem Sam Dees mit THE 

SHOW MUST GO ON eines der besten 

Soulalben aller Zeiten veröffentlichte – hier 

übrigens als CD-Premiere!. Alle Silberlinge 

(im Vinyl-Outfit) sind in aufwändig gestalteten 

LP-Replicas verpackt, die notwendigen 

Zusatzinfos zu jedem Album liefert das 

30-seitige Booklet, in dem die Geschichte 

des Labels vom französischen Journalisten 

Christophe Geudin erzählt wird; dazu noch 

Interviews mit Booker T., Sam Moore, Solomon 

Burke und Isaac Hayes. Auch klanglich 

gibt es an diesen Soul-Highlights absolut 

nichts auszusetzen, laut Booklet wurden für 

die CD-Überspielungen ja auch „the best 

existing masters” verwendet. 


BETH HART 

BANG BANG BOOM BOOM 

Nach der kläglichen Entwicklung von 

Anastacia und dem traurigen Abgang von 

Amy Winehouse ist Beth Hart die derzeit 


CD 


beste weiße Rhythm’n’Blues-Interpretin. 

Nach einem fürchterlichen 

privaten Zusammenbruch arbeitete 

sich die heute 40-Jährige fleißig 

nach oben. Ihre Konzerte auf Clubebene 

sind inzwischen ausverkauft, 

und wer die Sängerin, Keyboarderin 

und Gitarristin live erlebt hat, fragt 

sich, woher sie die Kraft nimmt, 

derart intensive Auftritte durchzustehen. 

Jeder Durchschnittsmensch 

müsste anschließend die Stimmbänder 

erneuern. Auf ihren grandiosen 

Live-Alben 37 DAYS und LIVE AT 

PARADISO zeigte sie alle Facetten 

ihres Könnens, und auch das großartige 

Album DON’T EXPLAIN (mit 

Joe Bonamassa, 2011) gehört zur 

First-Class-Kategorie. Beth Harts 

Fähigkeit, knallharten Rock, eindringlichen 

Blues und groovenden 

Soul umwerfend gut herauszuschreien, 

wird mit den überwiegend balladesken 

Stücken des neuen Werkes 

BANG BANG BOOM BOOM noch 

erweitert. Hier werden Talent, Inbrunst 

und die absolute Hingabe zur 

Musik derart eindringlich dargeboten, 

dass man nur folgern kann: Besser 

geht’s nicht! 

(Provogue/Mascot/Rough Trade, 

2012, 11/48:52) p 

STEVIE RAY VAUGHAN 

S.R. VAUGHAN 

Der 1990 verstorbene 

Blues-Rocker 

steht in einer 

Reihe mit großartigen 

Kollegen 

wie Jimi Hendrix, 

Eric Clapton oder 

Johnny 

Winter. 

Als größte Einflüsse bezeichnete 

er selbst die „drei Kings”, Albert 

King, B.B. King und Freddie King, 

mit deren Popularität er im Laufe 

seiner Karriere, die durch einen 

Hubschrauberabsturz jäh zu Ende 

ging, mindestens gleichzog. Zusammen 

mit seiner Begleitband – mit 

dem programmatischen, von einem 

Otis-Rush-Song entliehenen Namen 

Double Trouble – spielte er gegen 

den Zeitgeist an, ging, als Drumcomputer 

und digitale Synthesizer 

die Musikwelt eroberten, wieder zurück 

zu den Ursprüngen des elektrischen 

Blues, bot mit überlangen Soli 

und konsequentem Verzicht auf störendes 

Beiwerk den Musikfans ein 

Rückzugsgebiet, die sich sonst (fast) 

nirgends mehr wiederfanden. Mit 

54 Tracks, mit insgesamt über vier 

Stunden Musik, bietet die Hochformat-Box 

S.R. VAUGHAN einen 

ebenso breiten wie tiefen Einblick in 

sein Schaffen. Chronologisch geht 

es durch bekannte Hits aus seinen 

Studio-Alben, Live-Aufnahmen aus 

allen Karrierephasen, selten zu findende 

Raritäten und Tondokumente 

aus Radio- und TV-Auftritten; dazu 

noch eine DVD, die Stevie Ray 

Vaughan und Double Trouble 1989 

bei einem TV-Auftritt in Austin 

zeigt: eine wahrlich meis terliche 

Rückschau auf einen der größten Gitarristen 

aller Zeiten. 

(Epic/Sony Music, 2012, 

3 CDs & DVD) us 

MICK HUCKNALL 

AMERICAN SOUL 

Was Rod Stewart 

kann, 

kann 

Mick 

Hucknall 

erst 

recht. Die ehemalige 

Stimme 

von 

Simply 

Red Rdging daran, sich im amerikanischen 

Soul-Songbook nach Passendem 

umzuhören, und dabei 

machte Hucknall zumindest keine 

groben Fehler. Dass mit “That’s 

How Strong My Love Is”, “I’d 

Rather Go Blind”, “Tell It Like It 

Is” und “Don’t Let Me Be Misunderstood” 

etliche seit Jahrzehnten 

zigfach aufgenommene Songs im 

Mittelpunkt stehen, ist natürlich 

ihrem hohen Wiedererkennungswert 

geschuldet. Einerseits begibt 

sich Hucknall damit in knifflige 

Konkurrenzsituationen zu Könnern 

wie den Stones, Christine Perfect, 

Aaron Neville, Nina Simone oder 

den Animals (um nur einige zu nennen), 

andererseits erfordert gerade 

dies ziemlichen Mut. Im Grunde 

verlässt Hucknall dabei in keinem 

Fall den Ring als Sieger, aber auch 

nicht als Knockout-Opfer. Denn 

stimmlich schlägt er sich wacker, 

die Punktabzüge gehen klar auf das 

Konto der oft allzu glatten, heutigen 

Soulerwartungen der Durchschnittshörerschaft 

entsprechenden Arrangements. 

Auch bei den weiteren 

Liedern, darunter “Lonely Avenue” 

(Ray Charles), “Baby What You 

Want Me To Do” (Jimmy Reed) und 

“Let Me Down Easy” (Etta James) 

klappt der Spagat zwischen Authentizitätsbewahrung 

und Ringen 

ums eigene Profil nur bedingt. So 

avanciert ausgerechnet das wenig 

bekannte “The Girl That Radiates 

That Charm” (Arthur Alexander) zur 

besten Leistung hier, während Perry 

Comos “It’s Impossible” als wenig 

überzeugender Schlager am anderen 

Ende der Bewertungsskala rangiert. 

(Atco/Warner, 2012, 12/38:08) hjg 

BEN HARPER 

BY MY SIDE 

Seine zwölf Liebslingsballaden hat 

Ben Harper für diese vorweihnachtliche 

„Best Of”-Kollektion zusammengetragen, 

übrigens seine erste 

die gesamte Karriere umspannende 

Werkschau. Der gelernte Briefträger 

gilt zwar in erster Linie als Blueser, 

doch seine Lieder passen in keine 

Stilschublade, reichert er sie doch mit 

(Southern) Gospel, Funk oder Reggae 

ebenso an wie mit Country, Jazz, 

Folk oder auch zurückhaltendem 

Rock. Ob er mit samtweicher Stimme 

und Akustikgitarre “Forever” 

anstimmt oder beim Titeltrack einen 

wilden Orgelritt hinlegt oder sich 

mit “Gold To Me” Richtung Americana 

orientiert, tut er dies stets ohne 

Schmalz oder Kitsch – auch wenn 

zwischendurch auch mal eine kräftigere 

Gangart das sanfte Destillat 

seiner bislang zehn (Studio-)Alben 

durchaus auflockern würde. Etwas 

für herbstliche Wohlfühlabende. 

(EMI, 2012, 12/45:12) 

pro 

AMY WINEHOUSE 

AT THE BBC 

Rechtzeitig 

fürs 

Weihnachtsgeschäft 

erscheint eine Box 

mit diversen Live- 

Aufnahmen 

der 

letztes Jahr tragisch 

verschiedenen Soulmusikerin 

Amy Winehouse. 

Auf drei 

DVDs und einer 

CD werden noch 

einmal ihre großartige Stimme und das 

außergewöhnliche Songmaterial vor 

allem des zweiten Albums BACK TO 

BLACK offenbar. DVD 1 enthält von 

Musikfernsehmoderator Jools Holland 

zusammengestellte Aufnahmen von 

Auftritten zwischen 2003 und 2007, 

darunter im Duett mit Paul Weller ein 

formidables “I Heard It Through The 

Grapevine”. Die zweite DVD bietet 

ein 2007 von der BBC aufgezeichnetes 

Konzert in der Londoner Porchester 

Hall, das Winehouse und ihre Band in 

Hochform zeigt. DVD 3 umfasst eine 

Dokumentation rund um einen intimen 

Auftritt im Dezember 2006 vor nicht 

einmal hundert Zuschauern in der 

kleinen Kirche des irischen Dörfchens 

Dingle, bei dem sie nur von Gitarre und 

Bass begleitet wird. Auf der CD sind 

schließlich 14 Lieder zu finden, die von 

2004 bis 2009 für die BBC aufgenommen 

wurden. Dass die stimmgewaltige 

Sängerin von 2005 an oft nur wegen 

Drogen- und anderer Eskapaden ein 

Medienthema war, ist äußerst schade, 

denn in AMY WINEHOUSE AT THE 

BBC wird vor allem ihre musikalische 

Klasse deutlich. 

(Universal, 2012, 38 Min. + 51 Min. 

+ 59 Min. + 14/48:47) an 

SAM APPLE PIE 

SAM APPLE PIE 

Wer auch nur den Opener “Hawk” auf 

einem 1969er Decca-Sampler hörte, 

wird diese Band um Sänger/Harpman 

Sam Sampson mit den Gitarristen Mick 

Tinkerbell Smith und Andy Snakehips 

Johnson (Slide) nie wieder vergessen 

haben. Deren einziges Album liegt endlich 

wieder vor. Vom Sound her in Stil 

& Niveau den frühen Fleetwood Mac 

und Savoy Brown vergleichbar, konnten 

die Apfelkuchenblueser im Nordlondoner 

Walthamstow mit einem eigenen 

Club punkten und an ihren Songs 

feilen, angetrieben durch den Dave- 

Edmunds-Intimus Dave Charles. Neben 

härterem, melodischem R&B gibt 

ein 12-Bar-Blues wie “Swan Song” 

den beiden Saxern Rex Morris (Tenor) 

und Harry Klein (Bariton) Gelegenheit, 


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CD 


sich ohne Einschränkung zu entfalten; das im 

Vorjahr 1968 auch von Elvis Presly gecoverte 

“Tiger Man” erfährt eine ekstatische Parodie 

– kein Wunder, dass Zappa in Belgien mit 

Sam Apple Pie jammte. 

(Angel Air/Fenn, 1969, 10/74:42) utw 

IKE TURNER 

ROCKET 88 

Bei dieser randvollen CD erstaunt der 

frische Sound, vor allem aber der Inhalt 

begeistert geradezu. Wie der Untertitel 

„The Original 1951–1960 R&B And 

Rock&Roll Sides” besagt, sind hier Ike 

Turners frühen Profischritte dokumentiert, 

der in jenen Tagen ein gefragter 

Studiomusiker war und in allerlei stilistischen 

Sätteln absolut sicher saß. Was 

allein die Namen der hier zu hörenden 

Akteure belegen, von Howlin’ Wolf, Otis 

Rush, Willie King über Junior Parker oder 

Bobby „Blue” Bland bis zu seiner späteren 

Gattin Tina. Und: “Rocket 88”, das 

er mit Jackie Brenston aufnahm, gilt als 

der erste Rock’n’Roll-Song überhaupt! 

Viele der hier enthaltenen 30 Songs (zahlreiche 

mit seinem eigenen Orchestra) 

waren bislang kaum bis sehr schwer zugänglich 

und sind des Hörens wert. Eine 

vergnügliche Musikgeschichtsstunde! 

(SoulJam/inakustik, 2011, 30/76:08) pro 

JOHNNY WINTER 

ORIGINAL ALBUM CLASSICS 

Den Standardinhalt 

von fünf Alben bietet 

Teil 2 der „Original 

Album Classics” 

Johnny Winters aus 

dem Hause Sony 

Music. 

Abgedeckt 

werden diesmal die Jahre 1970 bis 1980, 

als der Texaner musikalisch zwischen 

Blues(-Rock) und Rock wanderte und dabei 

sogar Country-Gefilde streifte. JOHN- 

NY WINTER AND (1970, 11/41:44) setzte 

auf handfesten und teils richtig harten 

Rock (mit dem Klassiker “Rock And Roll, 

Hoochie Koo”). JOHN DAWSON WIN- 

TER III (1974, 11/38:06) bediente alles 

zwischen Rock, Blues und Country – wie 

praktisch alle Winter-Scheiben mit einem 

Mix aus Selbstverfasstem und Gecovertem. 

Auf dem vor Energie schier berstenden 

Album CAPTURED LIVE (1976, 

6/46:04) dominierten die Fremdnummern, 

die bis in die R’n’R-Ära zurückreichten 

und den Gitarrenvirtuosen in bestechender 

Form zeigten: erdig, rau und vor allem 

laut. Mit NOTHIN’ BUT THE BLUES 

(1977, 9/34:42) kehrte der schreiberisch 

wieder aktivere Maestro zu seinen Blueswurzeln 

zurück, führte dabei die Muddy 

Waters Band an, und der Altmeister war 

zeitweilig auch dabei. New-Orleans-Feeling 

verbreitete RAISIN’ CAIN (1980, 

11/43:23), Winter slidete einfühlsam. Für 

vergleichweise wenig Geld erhält man mit 

dieser Box einen umfassenden Einblick in 

Winters Schaffensspektrum und kann Lücken 

in der Sammlung günstig schließen. 

(Legacy/Sony Music) 

pro 


SOULFOOD 

„Soulfood” nennen Afro-Amerikaner 

stolz die einfachen, aber schmack- und 

nahrhaften Gerichte ihrer Südstaatenküche: 

Fried Chicken Wings, Barbecues, 

Gumbos, Jambalayas. All diese Speisen 

haben auch Blues-, R&B-, Soul-, Funkund 

Hip-Hop-Musiker immer wieder 

besungen. Das Münchner Trikont-Label 

veröffentlicht nun eine ganz fabelhafte 

Song-Anthologie, die von einem Kochbuch 

(!) begleitet wird, damit man gleich 

auch mal ein paar der Gerichte (Hoppin’ 

John, Chitterlings, Catfish etc.) nachkochen 

kann. Und bei der Zubereitung wiederum 

kann man die CD einlegen und sich 

von großartig groovenden Songs befeuern 

lassen, wie “Soul Food” (Bo Diddley), 

“Ham Hocks & Beans” (Chuck Womack 

& The Sweet Souls), “Pig Snoots” (Andre 

Williams), “Pots On The Fiyo” (Dr. John), 

“Watermelon Man” (Oscar Brown Jr.) u.a. 

Es ist angerichtet! 

(Trikont/Indigo, 2012, 18/61:19) frs 

MACY GRAY 

TALKING BOOK 

Rund 25 Millionen 

verkaufte 

Tonträger, 

mit “I Try” ein 

Welthit, 

Grammys 

und MTV Awards: 

Macy Gray hat es 

geschafft. Da fällt es 

ihr liht leicht, sich ihfür ihr neues Album etwas 

Außergewöhnliches einfallen zu lassen, 

hat sich dafür entschieden, mit Stevie 

Wonders TALKING BOOK – 1972 bei 

Motown veröffentlicht – einen Klassiker 

zu re-interpretieren. Sieben von zehn 

Songs schafften es damals in die Top- 

10, mit “You Are The Sunshine Of My 

Life” und “Superstition” gelang es Stevie 

Wonder sogar zweimal, an die Spitze der 

Charts zu klettern. Produzent Hal Wilner 

ist es für die Neuaufnahme gelungen, den 

Sound so gestalten, dass Macy Grays rauchige 

Stimme bestens dazu passt, er hat 

den spleenigen Funk, den das Original 

auszeichnet, durch gelassenes Soulfeeling 

ersetzt. Damit entsteht fast ein neues 

Album, teilweise sind die Vorlagen kaum 

noch erkennbar, besonders deutlich wird 

diese Transformation bei “Superstition”, 

das in der Macy-Gray-Version ganz im 

Gegensatz zum Original eingangs langsam 

vor sich hinköchelt und erst gegen 

Ende dann so richtig Fahrt aufnimmt. 

(Membran/Sony Music, 2012, 10/39:16) us 

RB STONE 

LONESOME TRAVELER’S 

BLUES 

Aus einem äußerst bewegtem Leben kann 

RB Stone erzählen, so dass der Albumtitel 

LONESOME TRAVELER’S BLUES keine 

hohlen Worte beschert. Arbeiter bei einem 

Schienenbautrupp, stellvertretender Manager 

einer Installationsfirma, erst Cowboy in 

Colorado, dann Rodeo-Reiter, und irgendwann, 

nachdem er sich selbst das Gitarre, 

spielen beigebracht hatte, dann auch die 

erste Band. Zunächst wurden seine Aufnahmen 

noch lokal vertrieben, dann, nach 

dem Umzug nach Nashville, veröffentlichte 

er zahlreiche Alben für den amerikanischen 

Markt. Für sein Europadebüt hat er nun 

zehn Titel ausgewählt, die er in den letzten 

20 Jahren geschrieben hat, kernigen Blues 

und feinen Country im Singer/Songwriter- 

Gewand, denen man ihre langjährige Erfahrung 

mit jeder Note anhört. Und wer auf die 

Texte achtet, der wird zusätzlich mit interessanten 

Geschichten und der einen oder 

anderen Lebensweisheit belohnt. 

(www.cactusrock-records.com, 2012, 

10/39:43) us 

B.B. KING 

LADIES AND GENTLEMEN ... 

MR. B.B. KING 

Trotz seines hohen 

Alters von 85 Jahren 

tourt B.B. King immer 

noch, und sein hervorragendes 

Renommee 

– innerhalb und außerhalb 

der Bluesszene 

– ist ungebrochen. Anlässlich des 50. Jahrestages 

seiner Vertragsunterzeichnung bei 

ABC-Paramount im Jahre 1962 erscheint 

(neben einem 10-CD-Boxset mit 194 

Titeln) eine wunderschön aufgemachte 

4-CD-Edition mit den wichtigsten Tracks 

seiner bisherigen Karriere und einem 

64-seitigen, edlen Hardcoverbuch mit Beiträgen 

von Ashley Kahn und Dick Surman. 

Chronologisch führen die vier CDs durch 

ein Werk, das mit klassischem elektrischen 

Blues beginnt, bei dem B.B. King im Laufe 

der 50er Jahre mit Songs wie “B.B. Boogie”, 

“Early In The Morning” und “Everyday 

I Have The Blues” seinen eigenen Stil 

fand. Über “Worried Dream”, “The Thrill 

Is Gone”, “Sweet Sixteen” und sein unwiderstehliches 

“Lucille” begann er Anfang 

der 70er Jahre mit Kollaborationen mit 

Kollegen aus Pop, Rock und Jazz: Carole 

King, Ringo Starr, Dr. John, The Memphis 

Horns, Lee Ritenour, Hugh McCracken, 

später dann Songs zusammen mit U2, Eric 

Clapton und Van Morrison. Spätestens zu 

diesem Zeitpunkt wurde deutlich, dass der 

Schatten dieses Musikers weit über den 

Blues hinausreicht, dass er mit seinem 

warmen Gesang, seinem charakteristischen 

Gitarrenspiel und seinen Songs über 

die schönen und die dunklen Seiten des 

Lebens zu den ganz Großen der Musikwelt 

gehört. 

(Universal, 2012, 4 CDs) 

tk 

INNES SIBUN 

CAN’T SLOW DOWN – LIVE AT 

THE ESTRADO 

Der 44-jährige englische Gitarrist Innes 

Sibun begleitete Mitte der 90er Jahre 

Robert Plant, ehe er sich auf eine Blues- 

Rock-Solokarriere verlegte. Im März 2011 

schnitt er im Estrado im niederländischen 

Harderwijk sein zweites Live-Album mit. 

Die ursprünglich geplante DVD-Veröffentlichung 

scheiterte an Bildproblemen. 

Doch die Töne überzeugen auch allein. 

Sibun ist ein Meister der eher leisen, getragen 

fließenden Gitarrentöne, ist aber 

auch für eruptiv-rockige Ausbrüche gut. 

Dazu liefert Jim Bucket dezente Keyboard-Hintergrundabrundung, 

die Rhythmiker 

Rob Brian (dr) und Steve Hall (b) 

sorgen für den stets passenden Groove. 

Snowy-White-Freunde kommen hier auf 

ihre Kosten wie die von Roy Buchanan 

oder Rory Gallagher. Sibun hätte deutlich 

mehr Beachtung verdient, als er im Augenblick 

genießt. 

(Zyx, 2012, 7/49:47) 

pro 


CD 

REVIEWS 

RABIH ABOU-KHALIL 

HUNGRY PEOPLE 

Von den vielen Projekten des im Libanon 

geborenen, heute wahlweise in München 

und Frankreich lebenden Oud-Spielers 

Rabih Abou-Khalil ist das Mediterranean 

Quintet sein langlebigstes. Bereits seit 

zwölf Jahren spielt der Meister der arabischen 

Kurzhalslaute mit Gavino Murgia 

(sax), Luciano Biondini (acc), Michel Godard 

(tuba) und Jarrod Cagwin (dr, perc) 

zusammen. Das Quintett ist inzwischen 

dermaßen eingespielt, dass sein unverwechselbarer 

Mix aus Jazz sowie östlichen 

und mediterranen Musikstilen immer ambitionierter 

und komplexer ausfällt, zugleich 

aber auch immer leichtfüßiger. Das jüngste 

Album HUNGRY PEOPLE, auf dem sich 

die fünf Virtuosen gegenseitig zu Höchstleistungen 

antreiben, setzt erneut Maßstäbe 

in Sachen World-Jazz. 

(World Village/Harmonia Mundi, 

2012, 10/56:46) frs 

MILES DAVIS 

MILESTONES 

Mit seiner Platte 

KIND OF BLUE 

schrieb Miles Davis 

Jazzgeschichte. Nur 

ein Jahr zuvor spielte 

er ein bedeutendes 

Album ein, auf dem 

er sein melodiöses Gefühl und die rhythmische 

Extravaganz weiterentwickelte. 

Allein die Besetzung lässt Jazz-Freunde 

aufhorchen: Julian „Cannonball” Adderly, 

John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers 

und Philly Joe Jones waren ein Dreamteam, 

das sich im Studio gegenseitig anstachelte 

und zur Höchstleistung antrieb. Die perfekten 

Harmonielinien von “Milestones”, 

untermalt von der swingenden Rhythmussektion, 

gehören nach wie vor zum Repertoire 

vieler Jazzcombos, wohingegen “Billy 

Boy” speziell aufgrund der Pianopassagen 

punktet. Vergessen werden sollten aber 

nicht das legendäre “Sid’s Ahead”, praktisch 

ein Symbol des „Coolen”, und das rasante 

“Straight, No Chaser”, eine komplexe 

Komposition, die durch Gegenrhythmen 

wirkt. Durch das Mastering von Rob Lo- 

Verde klingt die Scheibe außergewöhnlich 

authentisch und „rund”. 


1958, 6/48:30) at 

WOLFGANG HAFFNER 

HEART OF THE MATTER 

Eben so, wie der Albumtitel HEART OF 

THE MATTER ein schönes Wortspiel ist, 

das aus der „Herzensangelegenheit” ein 

„Herz der Sache” macht, eben so „mit 

Herz” agieren Wolfgang Hafner und seine 

Mitmusiker auf diesem Album. Dabei ist 

es ihnen (wieder einmal) gelungen, ihre 

Stücke so anzurichten, dass sie zunächst 

verspielt und fast beiläufig daherkommen, 

dass sich die dem Jazz so oft (negativ) 

nachgesagte Ernsthaftigkeit bei Haffners 

Kompositionen in keinster Weise einstellen 

will. Götz Alsmann steuert ein federleichtes 

Akkordeon bei, Till Brönner ein virtuoses 

Flügelhorn, selbst die sonst so markanten 

Gitarrenlicks von Chuck Loeb passen sich 

bestens in das entspannte Gesamtkonzept 

ein. Mit Céline Rudolph, Shovell und Tho- 

mas Quasthoff gibt es auch drei Stücke mit 

Gesang, die sich hervorragend zu den rein 

instrumentalen Stücken gesellen. Ohne 

Zweifel sind Haffner & Co. mitten im Herzen 

der Sache angekommen, ist ihnen ein 

wunderschön relaxtes Album gelungen. 

(ACT/edel, 2012, 12/53:12) 

us 

GEORGIE FAME 

LOST IN A LOVER’S DREAM 

Wie – keine Hammond? 

Keine Drums 

oder Singing Horns? 

Fames alte Freunde 

aus Zagreb garantieren, 

dass die melodisch-rhythmische 

Begleitung ein volles Klangbild ergibt, selbst 

wenn Primaz Grasic seinen Partner Mario 

Mavrin ein Basssolo spielen lässt oder er sich 

bei eigenen Ausflügen auf seiner Yamaha 

auf Mavrins sechs Bongo-Bassseiten stützen 

muss. Fames Gesang steht im Mittelpunkt 

des klaren Spektrums. Mit fast 70 strahlt er 

noch immer die Wärme, Dynamik, Zartheit 

und Phrasierungskunst eines jungen Künstlers 

aus. Tonumfang und humorige Einlagen sind 

intakt, während die Präzision eher noch zunimmt. 

Fame schwelgt in Balladen wie “My 

Foolish Heart”, “Cry Me A River” und starken 

Eigenwerken wie “How Blue” oder “Singing 

Horn”. Es ergeben sich willkommene rhythmische 

Varianten: Das Likör-Lamento seines 

Freundes Andy Fairweather Low, “Wide- 

Eyed And Legless” – bei dessen Original er 

1975 mitwirkte – bekommt ein federleichtes 

Bossa-Nova-Arrangement, seine Hommage- 

Erwiderung an „Blossom” Dearie aus SE- 

VENTH SON ist ein beschwingter Walzer. 

Mit dem “Skiing Blues” gibt es eine weitere 

stilistische Variante. Beim George-Gershwin- 

Standard “I Can’t Get Started (With You)” aus 

den 30er Jahren schreibt sich der Profi (seit 

1958) neue Zeilen auf den Leib: „I toured with 

Basie’s band for a while, and Tony Bennett 

sketched my profile”. Ein Juwel. 

(Three Line Whip/Import, 2012, 

12/50:25) utw 

ROYAL STREET 

ORCHESTRA 

VISIBLE AT GIVEN 

TEMPERATURE 

Die Macher des Hazelwood-Labels staunten 

nicht schlecht, als sie in Wuppertal zufällig 

in einen Auftritt des Royal Street Orchestra 

hineingerieten. Ihre Plattenfirma (Mardi Gras. 

BB, King Khan etc.) ist zwar eigentlich auf 

Independent- und Americana-Rock spezialisiert. 

Doch mit ihrem feurigen, tanzbaren 

Mix aus Maghreb- und Balkan-Sounds hatte 

die neunköpfige Multikulti-Formation aus 

dem Bergischen Land die Hazelwood-Leute 

schnell für sich eingenommen, so dass sie ihr 

Debüt auf dem Label veröffentlichen durften. 

Da hört man Geigen seufzen, flinke Akkordeonläufe 

und Bouzoukisaiten flirren. Mit Folklore 

hat das indes nur wenig zu tun, denn E- 

Bass, Drums und Elektronik (für Samples und 

Scratches ist als Gast DJ Mahmut von Mardi 

Gras.BB dabei) legen tiefe, treibende Beats, so 

dass man sich streckenweise an vergleichbare 

kulturübergreifende Projekte wie Transglobal 

Underground oder Suns Of Arqa erinnert fühlt. 

Hier groovt die globalisierte Welt! 

(Hazelwood/Rough Trade, 2012, 

9/35:55) frs 

Jazz & World Music 

ASTRID 

HIGH BLUES 

Der Name der Gruppe und erst recht ihre 

Musik deuten auf Skandinavien hin. Doch 

Astrid sind eine französische Band, gegründet 

1997 von Cyril Secq und Yvan Ros 

als Gitarren-Schlagzeug-Duo und durch 

das Hinzukommen von Vanina Andreani 

und Guillaume Wickel zum Quartett aufgestockt. 

Nun macht man mit Gitarren, 

Harmonium, Standbass, Violine, Kalimba, 

Klarinette, Bassklarinette, Rhodes-Piano, 

Schlagzeug und Perkussion Instrumentalmusik 

der leisesten, aber ungemein intensiven 

Art. Der HIGH BLUES der Gruppe 

hat mit Blues im engeren Sinne nichts zu 

tun. Stattdessen ertönt eine weiße Improvisationsmusik, 

die ihre Wurzeln in der 

Ambient Music, sanftem Pop-Rock-Jazz, 

europäischer Klassik des 20. Jahrhunderts 

und ein wenig Seventies-Folk hat. In Namen 

ausgedrückt reicht das Spektrum von 

Maurice Ravel und Erik Satie über Philip 

Glass und Brian Eno bis zu Mark Hollis 

(Talk Talk). Dies ist Musik für kleinste 

Clubs, Kirchen, Vernissagen in angesagten 

Galerien und Kellertheatern. Und natürlich 

für die ganz ruhigen Stunden daheim 

bei einem Glas guten Rotwein. Wer dieser 

Musik konzentrierte Entspannung, Offenohrigkeit 

und Geduld entgegenbringt, wird 

reichlich belohnt! 

(Rune Gramofon/Cargo, 2012, 

5/52:52) hjg 

YASMIN LEVY 

LIBERTAD 

Yasmin 

Levy 

hat eine der der 

schönsten 

Stimmen 

in der an guten 

Sängerinnen nicht 

gerade armen spanischsprachigen 

Wlt Welt. Wobei Wbi „spanischsprachig” freilich 

nicht ganz zutrifft, denn erstens lebt Levy 

in Israel, und zweitens ist das Spanisch, 

das sie singt, Ladino, die alte romanische 

Sprache der einstmals auf der iberischen 

Halbinsel lebenden sephardischen Juden. 

Doch ihr mit einer satten Portion Flamenco 

und leichten Prise Tango gewürzter, 

emotionsgeladener Stilmix steht ganz klar 

im Erbe ihrer spanischen Vorfahren. Mit 

LIBERTAD (Freiheit) legt die 36-Jährige 

ihr fünftes Studio-Album vor. Neben Levy 

selbst beeindruckt besonders Gitarrist Yechiel 

Hasson, der aus seinen Nylonsaiten 

einfühlsame, im Flamenco wurzelnde Töne 

herauskitzelt. Für Überraschungen sorgt 

diesmal das String Orchestra Istanbul, das 

der klagenden Ladino-Musik mit seinen 

auf- und abschwellenden Streichertönen 

einen Hauch von Orient verleiht. Geheimnisvoll, 

schön, hin- und mitreißend! 

(World Village/Harmonia Mundi, 

2012, 12/54:32) frs 

NILS LANDGREN 

CHRISTMAS WITH MY 

FRIENDS III 

„Never change a winning team” scheint 

sich Nils Landgren gedacht zu haben, als 

er den beiden höchst erfolgreichen Vorgängern 

nun mit CHRISTMAS WITH MY 

FRIENDS III schon das dritte Weihnachtsalbum 

mit nordischem Jazz folgen lässt. 


kult! 

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CD 

REVIEWS 

Recht hat er, es gibt wahrlich noch genügend 

(mehr oder weniger) bekannte Weihnachtslieder, 

die es wert sind, von Könnern 

wie Jonas Knutsson (sax), Sharon Dyall 

(voc), Johan Norberg (g), Ida Sand (voc, 

p), Eva Kruse (b), Jeanette Köhn (voc) und 

Jessica Pilnäs (voc) gesungen und gespielt 

zu werden. Wie gewohnt ist die Bandbreite 

dieses Projektes enorm, von historischen 

Liedern wie “Ich steh’ an deiner Krippen 

hier” oder “Gläd dig, du Kristi brud”, bei 

denen der ausgebildeten Sopran von Jeanette 

Köhn besonders eindrucksvoll zum 

Tragen kommt, über groovende Spirituals 

wie “Somebody Talkin’” und das orchestrale 

“Someday At Christmas” bis zum 

A-cappella-Stück “Bethlehem Down”. 

Clever auch der Zeitpunkt und die Art der 

Aufnahmen: Da es im August bekanntlich 

schwer ist, feierliche Weihnachtsstimmung 

aufkommen zu lassen, haben Nils Landgren 

& Co. die Lieder am 19. und 20. Dezember 

letzten Jahres live vor Publikum in einer 

Stockholmer Kirche aufgenommen. 

(ACT/edel, 2012, 15/54:20) 

us 

CHICO FREEMAN – THE 

ELVIN JONES PROJECT 

ELVIN 

Am 9.9.2012 wäre 

der 2004 verstorbene 

Elvin Jones, einer 

der besten Jazzdrummer 

aller Zeiten, 85 

Jahre alt geworden. 

Ihm zu Ehren legt 

sein einstiger Schützling Shüt Chico Freeman, 

selbst längst eine Jazzlegende, ein fantastisches 

Tributalbum vor. Freeman (ts, ss), 

George Cables (p), Lonnie Plaxico (b), 

Winard Harper (dr) sowie die Bläsergäste 

Joe Lovano und Martin Fuss haben neun 

Stücke eingespielt, die Elvin Jones irgendwann 

selbst aufnahm oder in Konzerten anstimmte. 

Darunter sind Kompositionen von 

John Coltrane, Wayne Shorter, Joe Henderson, 

George Cables, Chico Freeman und 

natürlich Elvin Jones. Besseres Material 

gibt es schwerlich. Zu hören ist Hard Bop, 

der bis an die Grenze zum Free Jazz vorstößt, 

ungemein swingt, harmonisch und 

rhythmisch brilliert, viele Stimmungen von 

balladesk bis explosiv in petto hat und somit 

vorbildlich abwechslungsreich daherkommt. 

Alle Beteiligten legen ein Höchstmaß 

an Engagement und Einfallsreichtum 

an den Tag, wechseln vom Standardisierten 

zum Improvisierten, spielen aber nie wild 

drauflos. Die wohl schwersten Aufgaben 

hatte dabei Schlagzeuger Winard Harper 

zu bewältigen – und es gelang ihm, nicht 

genau wie Elvin Jones zu spielen, aber in 

dessen Geist originell. ELVIN ist ein einziger 

Höhepunkt, aber zwei Stücke ragen 

dennoch etwas hervor: “Elvin” und “Think 

Of Me”, wo sich Freeman und Lovano fesselnde 

Saxofon duelle liefern. Beruhigend 

zu wissen, dass die Sprache des Hard Bop 

noch immer nicht erschöpft ist! 

(o-tone music/Jive/ edel, 2012, 

9/59:18) hjg 

LEE RITENOUR 

RHYTHM SESSIONS 

Das neue Album des Gitarrenvirtuosen Lee 

Ritenour trägt seinen Titel zu Recht: Der 

Amerikaner hat diverse Rhythmusspezialisten 

ins Studio gelotst, um über deren 

Groovezaubereien mit anderen Größen 

wie Chick Corea, Steve Jordan, Christian 

McBride, Larry Golding oder Marcus Miller 

anspruchsvolle Sechs-Saiten- und Tastenimprovisationen 

zu legen. Nathan East, 

Tal Wilkenfeld, Dave Weckl, Will Kennedy, 

Peter Erskine oder Melvin Davis sorgten 

für passende Rhythmen bei dieser Mixtur 

aus Funk/R&B, Fusion, Post-Bop und zeitgenössischem 

Jazz. Die „Arbeitsbasis” lieferten 

drei Ritenour-Kompositionen sowie 

Vorlagen von Corea, Herbie Hancock, Agent 

Spark oder Nick Drake. Die Kooperationsergebnisse 

klingen durchdacht, aber keineswegs 

kopflastig, voller Feeling und Groove 

– nicht nur für Jazzfans tauglich. 

(Concord/Universal, 2012, 12/57:53) pro 

ENNIO MORRICONE 

MORRICONE IN COLOUR 

Mit seiner unvergleichlichen 

Vielseitigkeit 

und Produktivität 

gehört 

Ennio Morricone zu 

den 

profiliertesten 

und 

einflussreichsten 

Komponisten des 20. Jahrhunderts. Mit 

seiner riesigen Bandbreite an musikalischen 

Stilen konnte er so gut wie jedes Filmgenre 

begleiten, was bis heute dazu führte, dass ca. 

500 Filme mit seiner Musik unterlegt sind. 

Seine Arbeiten für Sergio Leones Italo-Western 

sind legendär, veränderten nachhaltig 

die Art und Weise, wie Regisseure und Produzenten 

die Filmmusik als Stilmittel einsetzten. 

Auf vier CDs – zusammengefasst in 

einer schönen Box – gibt es nun die Soundtracks 

von acht italienischen Filmen, die 

zwischen 1969 und 1979 entstanden sind: 

von “Metti, Una Sera A Cena (Love Circle)” 

über “L’Uccello Dalle Piume Di Cristallo 

(The Bird With The Crystal Plumage)” bis 

zu “Il Giocattolo (A Dangerous Toy)”. Immer 

wieder atemberaubend, wie es Morricone 

trotz höchst unterschiedlicher Scores gelingt, 

Stimmungen in Töne umzusetzen, wie 

er mit Themen spielt, sie verlässt und wieder 

aufnimmt, wie seine Musik auch als reines 

„Kopfkino” funktioniert. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1969–1979, 

4 CDs) us 

Jazz & World Music 

FRANK SINATRA 

A JOLLY CHRISTMAS 

Klar gibt es genug Weihnachts-Platten 

von Frank Sinatra. Aber keine mit einem 

Album und Querschnitt durch Schellack- 

Singles – schon gar nicht eine mit derart 

Old-America-Zeitgeist-sprühendem Cover: 

Papa Sinatra schlitzt, lächelnd und in 

einen lila Schmusewolle-Sweater gewandet, 

einem Truthahn den Schenkel ab. A 

JOLLY CHRISTMAS stammt von 1957 

und entstand unter Begleitung des Gordon 

Jenkins Orchestra: “Jingle Bells”, “Adeste 

Fideles” und “Have Yourself A Merry Little 

Christmas” tauchten auch in der 1945–1948 

entstandenen Sammlung CHRISTMAS 

DREAMING auf, die von Axel Stordahl 

arrangiert wurde: Die ersten Titel wurden 

noch als V-Discs an kämpfende Truppen 

versandt. Gesucht auch die drei 78-U/ 

Min-Titel mit Nelson Riddle, “I Believe”, 

“White Christmas” und “Silent Night” von 

1954, bei denen Sinatras Timbre und Geschmackssicherheit 

wieder über Schmalzgefahr 

erhaben sind. Wie stets bei Phoenix 

bester Klang und beste Kommentierung. 

(Phoenix/inakustik, 1945–1957, 

25/70:17) utw 

LONNIE LISTON SMITH 

COSMIC FUNK & SPIRITUAL 

SOUNDS 

Wem die Grooves 

auf COSMIC FUNK 

& SPIRITUAL 

SOUNDS 

bekannt 

vorkommen sollten, 

muss sich nicht wundern, 

selbst wenn er 

den Namen Lonnie Liston Smith noch nie 

gehört hat. Denn der Keyboarder, der 1973 

seine Solokarriere startete, nachdem er zuvor 

u.a. für Miles Davis und Roland Kirk 

in die Tasten gegriffen hatte, gehört heute 

zu den meistgesampleten Jazzmusikern. 

Schon vor seiner Adelung durch die jüngere 

Dancefloor-Gemeinde war Smiths Musik, in 

der sich relaxte Grooves und spacige Sounds 

paaren, äußerst erfolgreich: Sein wohl bekanntestes 

Stück, das 1975 als Single veröffentlichte 

“Expansions” (1988 von den 

HipHoppern Stetsasonic gesamplet), wurde 

gerne in Discos gespielt; das gleichnamige 

Album kam in die Top 100 der US-Pop- 

Charts – ein seltener Erfolg für eine Jazz- 

LP. Die treffend mit COSMIC FUNK & 

SPIRITUAL SOUNDS betitelte Anthologie 

versammelt 15 Stücke, die Smith in seiner 

wohl besten Phase zwischen 1973 und 1976 

auf seinen fünf Alben für das Label Flying 

Dutchman veröffentlichte, darunter “Expansions”. 

Expand your mind! 

(Ace/Soulfood, 2012, 15/78:29) frs 

VOLKER KRIEGEL & 

FRIENDS 

JAZZFEST BERLIN 81 

Kenner halten Volker Kriegel, der sich in 

Bands wie dem United Jazz + Rock Ensemble 

und Dave Pike Set internationales Renommee 

erspielte, für einen der besten deutschen 

Jazz- und Fusiongitarristen. Das Spiel des in 

Darmstadt geborenen und in der Frankfurter 

Jazzszene um Emil Mangelsdorff sozialisierten 

Saitenvirtuosen steht dem von Pat Metheny 

und John Scofield kaum nach. Im November 

1981 trat der Musiker, der 2003 mit 59 

Jahren viel zu früh starb, beim Jazzfest Berlin 

auf, in Begleitung eines großartigen Ensembles, 

zu dem der Bassist Eberhard Weber und 

der Vibrafonist Wolfgang Schlüter gehörten. 

Das Konzert wurde fürs Fernsehen (für den 

„Rockpalast”!) aufgezeichnet und wird nun 

als DVD plus beiliegender songidentischer 

CD in optisch wie akustisch guter Qualität 

veröffentlicht. Das Quintett spielt ein Konzert 

voller schwebender Klänge und Rhythmen, 

mitunter durchbrochen von eruptiven 

Solos. Den Gig beginnt Kriegel, der sich als 

Autodidakt eine effektive Zweifingertechnik 

mit der linken Hand antrainiert hatte, auf 

seiner speziellen Sitar-Gitarre mit dem träumerischen 

“Calcador”. Die konzentrierten 

Musiker sind in Improlaune, einige Stücke, 

etwa “Schwebebahn” (nomen est omen!) 

und “Chateau Sentimental”, geraten doppelt 

bis dreimal so lang wie die Studiofassungen. 

Ein kleines Juwel des deutschen Jazz, endlich 

wieder geborgen! 

(MiG/Intergroove, 2012, 7/64:1) frs 

CD 

BELLOWHEAD 

BROADSIDE 

Wie schon für den höchstgelobten Vorgänger 

HEDONISM haben Bellowhead 

mit John Leckie (Radiohead, Stone Roses) 

einen Produzenten verpflichtet, der die 

zurzeit wohl beste britische Folkband auf 

ihrem neuen Album in der vollen Blüte 

ihrer Pracht präsentiert. Zehn der zwölf 

Songs von BROADSIDE sind Traditionals, 

einer stammt vom 1867 geborenen 

Londoner Künstler Harry Wincott, einer 

von Leadsänger und Geiger John Boden. 

Und trotz der vergleichsweise großen Anzahl 

an Musikern – immerhin in der Stärke 

einer Fußballmannschaft – und des somit 

fast unerschöpflichen Reservoirs an Instrumenten, 

klingt ihre Musik alles andere als 

überfrachtet. Dort, wo notwendig, kann 

man sie im Kirmesband-Sound hören, 

pumpt die Tuba, trillern die Flöten, Klarinetten 

und Mandolinen; oft reduzieren sie 

ihre Begleitung aber auch auf eine einzige 

Posaune, Trompete, Konzertina, Geige oder 

Bouzouki. Genau diese Wechselwirkungen 

zwischen Bigband und Kammerquartett, 

zwischen Jazz, World-Music und traditionellem 

Folk machen die Klasse dieser Band 

aus, führen so fast zwangsläufig zu einem 

Top-Album. 

(Navigator Records/Rough Trade, 

2012, 12/46:41) us 

DEAD FINGERS 

DEAD FINGERS 

Stehen sie in der 

Wüs te? Oder doch 

nur in einer Kiesgrube? 

Das Coverbild 

ihres selbst betitelten 

Debütalbums DEAD 

FINGERS lässt offen, 

ob Taylor Hollingsworth (bekannt geworden 

als Gitarrist von Conor Oberst) und 

Kate Taylor echte oder gefakete Wüstenwanderer 

sind. Aber egal – auch bei Lee 

Hazlewood und Nancy Sinatra, mit denen 

man das Duo schon verglich, stellte kaum 

einer die Frage nach Authentizität. Mitunter 

weiß man zwar wirklich nicht genau, 

wie ernst den Dead Fingers die Sache ist, 

etwa bei ihrer Dylan-Travestie “Another 

Planet” oder bei sprachlich witzigen Titeln 

wie “Closet Full Of Bones”, doch ihr mit 

Country, Folk und Blues getränkter Wüsten-Rock 

(!) macht enormen Spaß! 

(Affairs Of The Heart/Indigo, 2012, 

11/39:05) frs 

BOBBY GENTRY & GLEN 

CAMPBELL / ANNE MUR- 

RAY & GLEN CAMPBELL 

BOBBY GENTRY & GLEN 

CAMPBELL/ANNE MURRAY & 

GLEN CAMPBELL 

Zwei erfolgreiche Duettplatten von Glen 

Campbell, frisch remastert auf einer CD. 

1968 veröffentlichte er zusammen mit der 

Country-Sängerin Bobbie Gentry das Album 

BOBBIE GENTRY & GLEN CAMP- 

BELL, das durch seine Stilvielfalt – mit 

Songs aus den Bereichen Country, Pop und 

Folk – sowohl in den Country-Charts (#1) 

als auch in den Billboard Pop-Charts (#11) 

höchst erfolgreich war. Als Bonus-Track 

ist der 1970 aufgenommene Hit der Everly 

Brothers “All I Have To Do Is Dream” 


CD REVIEWS Country & Folk 

dabei, mit dem ihnen ein überraschender 

Hit in Großbritannien (#3) 

gelang. 1971 veröffentlichte Campbell 

zusammen mit Anne Murray 

neues Material, Cover-Versionen wie 

den Brotherhood-Of-Man-Hit “United 

We Stand” sowie einige Titel, die 

jeder bisher solo aufgenommen hatte. 

ANNE MURRAY/GLEN CAMP- 

BELL platzierte sich erfolgreich in 

den Country-Charts (#4) und wurde 

für die bis dahin noch relativ unbekannte 

Sängerin zum Startpunkt für 

eine höchst eindrucksvolle und bis 

heute andauernden Karriere. 


1968/1971, 22/62:06) us 

THE McEUEN 

SESSIONS 

FOR ALL THE GOOD 

Wer seit Jahrzehnten 

die 

Nitty 

Gritty 

Dirt Band in all 

ihren Inkarnationen 

mit Freude 

gehört hat, 

wird idauch gern zu dieser CD greifen. 

Urmitglied John McEuen und seine 

Söhne Jonathan und Nathan, wie er 

Multi-Instrumentalisten, haben sie 

bis auf ein paar Schlagzeugparts im 

Wesentlichen ohne fremde Hilfe eingespielt. 

Zu hören ist abgehangener 

Country-Rock mit der Betonung auf 

Country, wobei sich alle drei McEuens 

auch als Komponisten hervortun. Nathans 

“Grand Design” und “Quicker 

At The Draw” gehören ebenso zu den 

Höhepunkten wie Johns “The Goodtime 

Suite”, das er allein am Banjo 

spielt. “Love Word” ist eine Arbeit 

von Jonathan & Nathan, die in zwei 

Versionen zu hören ist, von denen 

die schlagzeuglose stärker ausfällt, 

weil sie perfekt lieblich, aber nicht 

sülzig tönt. Ebenfalls überzeugt das 

druckvolle “Old Shep” aus Red Foleys 

Feder. Bei seinem Topsong “Only 

You And I Know” mischt auch Dave 

Mason (Ex-Traffic) mit – dieses Lied 

gibt es ebenfalls in zwei Fassungen, 

wobei der von Mason besorgte Mix 

überzeugender ausfällt. Weitere großartige 

Fremdtitel stammen von Rodney 

Crowell (“Long Hard Road”) 

und Dan Fogelberg (“Leader Of The 

Band”). Damit wird endgültig klar: 

Die McEuens schmoren nicht engstirnig 

im eigenen Saft, sondern sind hellwache 

Geister, die dem Country-Rock 

durchaus eine eigene Linie abringen 

können. Weiterer Pluspunkt ist die liebevolle 

Aufmachung: Die CD steckt 

in einem Hardcover-Digipak und ist 

optisch sehr attraktiv aufgemacht. Ein 

prima Sammlerstück. 

(Fontana, 2012, 15/52:00) hjg 


FRANZ JOSEF DEGEN- 

HARDT – FREUNDE FEIERN 

SEIN WERK 

Das Konzert am 19. Dezember 2011 

im Berliner Theater am Schiffbauerdamm 

sollte eigentlich ein Treffen 

zum 80. Geburtstag von Franz Josef 

Degenhardt werden. Doch leider erlebte 

der Geehrte diesen Tag nicht 

mehr – er verstarb am 14. November. 

So verabschiedeten viele der bedeutendsten 

Liedermacher Deutschlands 

einen ihrer Größten mit einem 

Gedenkkonzert. Auf der Bühne standen 

alte Freunde und Weggefährten 

Degenhardts, darunter Hannes 

Wader, Konstantin Wecker und 

Barbara Thalheim, aber auch viele 

junge Vertreter der nachwachsenden 

Liedermachergeneration wie Max 

Prosa, Daniel Kahn und Dota Kehr 

(Sängerin von Dota & Die Stadtpiraten). 

Einen Zusammenschnitt aus 

dem vierstündigen Konzert bietet 

nun die Doppel-CD FRANZ JOSEF 

DEGENHARDT – FREUNDE FEI- 

ERN SEIN WERK. Jeder Teilnehmer 

singt darauf jeweils ein Lied 

aus dem Oeuvre des Geehrten sowie 

ein eigenes; Götz Widmann z.B. 

gleich nach der Degenhardt-Satire 

“Deutscher Sonntag” sein nicht 

minder bissiges Lied “Proletarier 

sucht Frau”. Ähnlich wie zuletzt das 

Wader-Salut-Album HEUTE HIER 

MORGEN DORT (Good Times 

4/2012) beweist diese Jung und Alt 

vereinende Doppel-CD, dass die 

Liedermacherei weiterhin sehr lebendig 

ist, auch wenn nun einer der 

Größten gegangen ist. 

(Universal/Polydor, 2012, 16/76:46, 

14/77:55) frs 

SERA CAHOONE 

DEER CREEK CANYON 

Neues Album 

der 

Singer/ 

Songwriterin 

aus Seattle, die 

über die Stationen 

Carissa’s 

Weird, 

Chick 

Bt Betsy Olson und Band Of Horses 

seit 2006 als Solokünstlerin unterwegs 

ist. DEER CREEK CAN- 

YON ist schon ihr drittes Album 

seither, und es ist ein interessanter 

Weg, den sie dabei zurückgelegt 

hat. War ihr selbst betiteltes Debüt 

noch ein karges, in sich gekehrtes 

Werk, konnte man 2008 auf ONLY 

AS THE DAY IS LONG zumindest 

schon erste Hinwendungen zu einer 

Art Popmusik erahnen, die sie jetzt, 

na ja, zumindest teilweise, fast sonnig 

musizierend zeigen. Doch ganz 

gleich wie beschwingt sie sich gibt, 

umweht immer ein Schleier aus Melancholie 

ihre Musik, gelingt es ihr, 

die emotionale Tiefe ihrer Songs unmissverständlich 

hörbar zu machen. 

Besonders die einschmeichelnde 

Pedalsteel von Jason Kardong leistet 

hier Großartiges, ebenso wie die selten, 

aber höchst wirksam eingesetzten 

Streicher. Und ganz am Ende, 

bei “Oh My”, reist Sera Cahoone 

dann zurück an den Anfang ihrer 

(Solo-)Karriere, zeigt, dass ihre 

Lieder auch mit einsamer Akustikgitarrenbegleitung 

funktionieren. 

(Sub Pop/Cargo, 2012, 12/39:50) tk 

CRYSTAL GAYLE 

CRYSTAL GAYLE / SOME- 

BODY LOVES YOU 

Mit diesen beiden Alben, die jetzt gemeinsam 

auf einer CD wiederveröffentlicht 

werden, startete Crystal Gayle, 

die jüngste Schwester von Country- 

Ikone Loretta Lynn, 1975 ihre Karriere. 

CRYSTAL GAYLE schaffte es bis 

auf Platz 25 in den Billboard Country-Charts, 

die erfolgreichste Sing le- 

Auskopplung war das von Produzent 

Allen Reynolds verfasste “Wrong 

Road Again” (#6). Nur acht Monate 

nach ihrem Debüt erschien dann ihre 

zweite LP mit dem Titel SOMEBO- 

DY LOVES YOU, die es schon bis auf 

Platz 11 brachte. Die erste Single daraus, 

der Titeltrack “Somebody Loves 

You”, kletterte in den Single-Charts bis 

auf Nummer 8, bevor es dann im April 

1976 mit der zweiten Single, “I’ll Get 

Over You” endlich mit der Nummer 1 

klappte. Ein neues Booklet mit allen 

Song- und Produktionsinfos sowie 

einem zweiseitigen Text des Musikbiografen 

Michael Heatley runden diese 

schöne Wiederveröffentlichung ab. 


20/53:12) us 


COUNTRY SOUL SISTERS 

Country gilt 

als 

Männerdomäne. 

Doch 

von 

jeher gibt es 

auch Frauen, 

die in dem 

als konservativ verschrienen Genre, 

mitunter sehr selbstbewusst, auftreten; 

man denke etwa an Dolly Parton, Patsy 

Cline und Loretta Lynn. Die großartige 

Anthologie COUNTRY SOUL 

SISTERS – WOMEN IN COUNTRY 

MUSIC 1952–74 richtet den Blick auf 

die weibliche Seite dieser Musik, zieht 

die Stilgrenzen dabei aber nicht zu eng, 

so dass auch Sängerinnen wie Nancy 

Sinatra (“Get While The Gettin’s 

Good”) oder Bobbie Gentry (mit ihrer 

superben, souligen “Ode To Billie 

Joe”) darauf Platz finden. Bemerkenswert, 

mit welchem Selbstverständnis 

die Country-Ladys bereits in den 50er, 

60er und frühen 70er Jahren feministische 

Themen aufgriffen; so etwa 

prangert Billie Jo Spears in “Mr Walker, 

It’s All Over” sexuelle Belästigung 

am Arbeitsplatz an, Lynn Anderson in 

“Fancy” Kinderprostitution und Jeannie 

C. Riley in “Harper Valley PTA” 

eine heuchlerische Kleinstadtmoral. 

(Soul Jazz/Indigo, 2012, 25/66:42) frs 

FRANK TURNER 

LAST MINUTES & LOST 

EVENINGS 

Es ist schon ein eindrucksvoller Weg, 

den Frank Turner in den letzten zwei 

Jahren gegangen ist, und es dabei 

von kleinen, unbekannten Landfestivals 

bis zur Eröffnungszeremonie 

der Olympischen Spiele geschafft hat. 

Wenn man sich dann noch die Bilder 

ansieht, die ihn – in grünen, kniehohen 

Handmade Gert Lange 1/3 hoch 



Gummistiefeln – als Headliner des renommierten, 

britischen Beautiful-Days-Festival 

zeigen, dürfte klar werden, warum das Publikum 

diesen Folk-Punk-Prinzen so liebt. 

Wer ihn (und seine Musik) bisher übersehen 

hat, darf sich jetzt mit 15 (von Turner) 

handverlesenen Liedern aus den letzten fünf 

Alben ein Bild machen, darf sich mit LAST 

MINUTES & LOST EVENINGS auf eine 

klasse Sammlung folkiger Singalong-Stücken 

voller Punk-Attitüde freuen. Klasse 

Sache: Als Bonus gibt es eine zusätzliche 

DVD mit einem knapp zweistündigen Konzert 

aus dem Londoner Wembley Stadion. 

(Epitaph/Indigo, 2012, 15/52:54) us 

JIMMY ROBINSON 

GUITARWORKS 

Aus New Orleans 

stammt der Gitarrist 

Jimmy Robinson, 

der nach 

psychedelischem 

Rock mit “Ejaculation” 

in den 

späten 60er Jahren 1975 die Prog-Rock/ 

Fusion-Band Woodenhead (mit einer Albumveröffentlichung: 

PRESEVERANCE) 

gründete. GUITARWORKS zeigt ihn – getreu 

dem Albumtitel – vor allem als virtuosen 

Gitarristen. Doch Robinson hat im 

Laufe der Jahre ohne Zweifel genügend 

musikalische Erfahrung gesammelt, um 

ein Album interessant zu machen, so dass 

er seinen Hörern neben seinen eigenen, 

kraftvoll gespielten Songs auch noch die 

eine oder andere Fremdkomposition – noch 

dazu in klasse Arrangements – anbietet. So 

wird Jimi Hendrix’ “Little Wing” von den 

Posaunen der Bonerama Horns eingeleitet, 

sorgt Washboard Chaz Leary mit seinem 

Waschbrett in “I Can’t Stop Drinking” für 

Jugband-Feeling, hält sich Robinson bei 

Trent Reznors “Hurt” an die Johnny-Cash- 

Version, liefert Gastsängerin Susan Coswill 

die hohen Stimmen im Byrds-Klassiker 

“Eight Miles High”. 

(Jimmy Robinson/Import, 2012, 

15/53:14) us 

AD VANDERVEEN 

DRIVEN BY A DREAM 

Der niederländische Singer/Songwriter Ad 

Vanderveen ist ein Musiker, der den Begriff 

Americana ausfüllt wie kaum ein anderer. 

Ruhige, in sich gekehrte Folksongs gehören 

bei ihm genauso zum Repertoire wie 

kraftvolle, Gitarren-getriebene Rocker (die 

ihm jahrelang den Ruf eines Neil-Young- 

Epigonen einbrachten) und gefühlvolle 

Midtempo-Songs zwischen Blues, Folk 

und Country. Mittlerweile hat er schon gut 

20 Alben veröffentlicht und ist live mit 

Hochkarätern wie Eric Andersen, David 

Olney, Iain Matthews oder Eliza Gilkyson 

unterwegs gewesen. Auf seinem neuen Album 

DRIVEN BY A DREAM zeigt er mit 

neuen Songs – bis auf Bob Dylans “When I 

Paint My Masterpiece” alle selbst geschrieben 

– einen schönen Querschnitt durch 

das oben genannte Spektrum. Klasse auch 

die bekannt guten Harmony-Vocals seiner 

Freundin und langjährigen musikalischen 

Begleiterin Kersten de Ligny, wie auch der 

Rest seiner kleinen aber feinen Band für 

wohltemperierten Backing-Sound sorgt. 

(Blue Rose/Soulfood, 2012, 11/44:18) tk 

RALF WEIHRAUCH TRIO 

GREEN BREAK 

Mit seinem Akkordeon (manchmal auch 

mit Flöte oder Bodhran) und seiner Stimme 

war Ralf Weihrauch bisher vornehmlich 

als Solokünstler unterwegs. Für GREEN 

BREAK hat er seinem Namen ein „Trio” 

angehängt, da er sein neues Album zusammen 

mit Jonas Liesenfeld an der Geige und 

der Sängerin Beate Rupietta aufgenommen 

hat. Schwungvoll und virtuos, aber niemals 

bierernst, spielen sich die Drei durch Jigs, 

Reels und Songs aus Schottland, Irland und 

England. Für weitere musikalische Vielfalt 

sorgt eine vielköpfige Gästeschar an Mandoline, 

Dobro, Bass, Tuba, Piano, Klarinette 

und Schlagzeug, angeführt von Ray 

„Chopper” Cooper (Oysterband) an Cello 

und Harmonium. Klasse Sache auch das 

Booklet, das neben dem bebilderten Picknick 

auf einem Golfplatz (siehe Albumtitel) 

Track-by-track-Infos von Ralf Weihrauch 

enthält, in denen er kurz auf jedes Musikstück 

eingeht. Eine äußerst sympathische 

Geschichte, dieses Album! 

(Blue Bowl/Import, 2012, 13/60:50) us 

MERLE HAGGARD 

THE TROUBADOUR 

Nach einer höchst erfolgreichen 

Dekade 

bei Capitol Records 

und seinem Wechsel 

zu MCA gelang 

es Merle Haggard 

Mitte der 70er Jahre 

zunächst äht nicht, auf fder Erfolgsleiter weiter 

nach oben zu klettern. Ganz im Gegenteil, 

kurz darauf brauchte er eine sechsmonatige 

Auszeit, seine Stimme wurde tiefer 

und sanfter, und mit neuer Backingband 

gelang der Wechsel von purem Country zu 

einem weitaus mehr Blues-beeinflussten 

Stil. Doch was viel wichtiger war, Merle 

Haggard hatte seine Fähigkeit, richtig gute 

Songs zu schreiben, wiedergefunden. Auf 

vier CDs versammelt Bear Family nun alle 

existierenden Aufnahmen Haggards aus 

den MCA-Jahren, also aus dem Zeitraum 

von 1976 bis 1981. Mit dabei natürlich 

MY FAREWELL TO ELVIS, das von Herzen 

kommende Tribute-Album an seinen 

großen Kollegen, ebenso wie das wohl 

beste Album dieser Jahre, SERVING 190 

PROOF, auf dem Haggard 1979 in autobiografischer 

Weise seinen Stilwechsel Revue 

passieren lässt. Nicht zu vergessen RAIN- 

BOW STEW, das im Oktober 1980 vor 

30.000 enthusiastischen Fans im kalifornischen 

Anaheim Stadium mitgeschnitten 

wurde, oder SONGS FOR THE MAMA 

THAT CRIED, das er 1981 mit Interpretationen 

von alten Country-Gospelsongs 

seiner Mutter widmete. Dazu noch die 

Aufnahmen, die während der MCA-Zeit 

unveröffentlicht blieben und aus denen 

später dann CBS seine drei Epic-Alben zusammengebastelte. 

Insgesamt liefert THE 

TROUBADOUR 111 Titel, darunter Hits 

wie “Ramblin’ Fever”, “From Graceland 

To The Promised Land” und “Red Bandana”, 

ein paar unveröffentlichte Stücke und 

alternative Versionen, zwei Soundtrackbeiträge 

sowie die erst kürzlich (wieder-) 

entdeckte Version von “Troubadour”. Ein 

wunderbar bebildertes, LP-großes Hardcoverbuch 

liefert Dave Samuelsons Essay 

zur MCA-Ära, bekannt ausführlich und 

detailliert die Discographie von Bear-Family-Chef 

Richard Weize. 

(Bear Family, 2012, 4 CDs) 

us 

KRIS KRISTOFFERSON 

FEELING MORTAL 

Die Hülle von 

Kris 

Kristoffersons 

neuem Album 

ist wie ein 

ramponiertes, 

altes Buch gestaltet. 

Sein Titel 

FEELING 

MORTAL („Sterblich fühlen”) 

besagt zudem, nicht nur die Werke 

des Menschen sind vergänglich, auch der 

Mensch selber. Doch wenn sich auch der 

mittlerweile 76 Jahre alte Country- und 

Folksänger auf seinem nunmehr 28. Album 

Gedanken über das Altern und den 

Tod macht, fallen seine Songs nicht allzu 

düster aus, der (wunderschöne!) Titeltrack 

entpuppt sich gar als hoffnungsfrohe Hymne 

auf den Schöpfer und seine – wenn auch 

endliche, dennoch gelungene – Schöpfung. 

Kristoffersons Stimme ist zwar nicht mehr 

so voll wie in früheren Tagen, oft bricht 

sie, aber das wirkt authentisch – vergleichbar 

mit Johnny Cashs späten Aufnahmen. 

Produzent Don Was hat beste Arbeit geleistet, 

die Songs sind reduziert arrangiert, 

Gesang und Akustikgitarre stehen im Vordergrund, 

mit Farbtupfern von Pedalsteel, 

Fiedel, Harmonika und Bass. Ein schönes, 

ein reifes Alterswerk! 

(Proper/Rough Trade, 2012, 10/31:24) frs 

SKERRYVORE 

WORLD OF CHANCES 

Statt in der Folk-Rubrik könnte man 

WORLD OF CHANCES genauso gut im 

Rock-Bereich präsentieren. Denn ebenso 

wie ihre schottischen Landsmänner von 

Big Country oder Runrig spielen Skerryvore 

eine Mischung aus diesen beiden 

Musikrichtungen, wie sie wohl nur in ihrer 

Heimat, hoch im Norden Großbritanniens, 

entstehen kann. Mit Bass, E-Gitarre 

und Schlagzeug wird eine rockige Grundstimmung 

erzeugt, die mit den typischen 

Folk-Instrumenten Geige, Akkordeon und 

Dudelsack verziert wird, angeführt von der 

klasse Leadstimme von Alec Dalglish. Benannt 

haben sich die sechs jungen Musiker 

nach einem Leuchtturm auf ihrer Heimatinsel 

– der Isle Of Tiree –, die zu den Inneren 

Hebriden gehört. Ihre ersten drei CDs 

wurden zu Hause höchst erfolgreich aufgenommen, 

erste Touren im Ausland verliefen 

vielversprechend. So darf sich nun endlich 

auch das deutsche Publikum auf diese junge 

Band mit ihrem erfrischenden Folk-Rock 

freuen, unter anderem werden sie nächstes 

Jahr im März als Headliner bei den Irish 

Heartbeat Festivals zu sehen sein. Unbedingt 

vormerken! 

(Tyree Records/Rough Trade, 2012, 

11/44:08) us 

TIFT MERRITT 

TRAVELING ALONE 

„Ich habe immer das Gefühl, alleine unterwegs 

zu sein”, singt Tift Merritt im 

Titeltrack ihres fünften Albums TRAVE- 

LING ALONE und spielt damit auf die 

Situation an, als sie ohne Manager und 


Plattenfirma in der Musikszene unterwegs 

war. Nun ist sie beim New Yorker 

Label Yep Roc angekommen, das ihr für 

die achttägigen Aufnahmen in Brooklyn 

ihre „Traum-Studiobesetzung” ermöglichte. 

Produziert hat Tucker Martine 

(The Decemberists, My Morning Jacket), 

am Mischpult saß der dreifache Grammy- 

Gewinner Ryan Freeland, an den Saiten 

Tom-Waits-Hausgitarrist Marc Ribot, Calexicos 

John Convertino am Schlagzeug, 

dazu noch Andrew Bird, Eric Heywood 

sowie Tift Merritts langjähriger musikalischer 

Begleiter Jay Brown. Dabei ist 

ihr Songwriting merklich reifer geworden, 

gehen Stil und Klang weit über herkömmlichen 

Country hinaus, wird TRA- 

VELING ALONE – ganz im Gegensatz 

zum Titel – eine wunderschöne Gemeinschaftsarbeit 

aus erlesenem Songwriting 

und exzellenter Umsetzung. 

(Yep Roc/Cargo, 2012, 11/44:17) us 

MADISON VIOLET 

COME AS YOU ARE LIVE 

Sie gehören zu den 

Schwerarbeiterinnen 

des modernen 

Country-Folk: 

Lisa MacIsaac und 

Brenley 

MacEachern, 

aka Madison 

Violet, sind seit etwa 13 Jahren nahezu 

ständig auf Tournee. Offenbar hat ihnen 

die Atmosphäre in der Kölner Kulturkirche 

besonders gut gefallen, denn 

dort ließen sie am 4. November 2011 

ein Konzert aufzeichnen, um es nun als 

CD mit 17 Titeln und als DVD (3 Songs 

mehr) zu veröffentlichen. Das Ergebnis 

ist beeindruckend. Die beiden Sängerinnen 

(die auch Gitarren, Geigen und 

Mundharmonika spielen und von Bassist 

Adrian Lawryshyn unterstützt werden) 

bestechen durch exzellenten Harmoniegesang, 

wobei sich die zarte, warme 

Stimme von MacIsaac brillant mit der 

rauen, bluesigen Stimme MacEacherns 

ergänzt. Musikalisch bietet das Duo gefühlvoll-melodiösen 

Country-Folk-Pop 

mit Hitpotenzial – herausragend: “Come 

As You Are”, “If I Could Love You” und 

“Small Of My Heart”. Obwohl Madison 

Violet inzwischen mehrere Longplayer 

veröffentlich haben, konzentrieren sie 

sich beim aktuellen Liveprogramm weitgehend 

auf Stücke aus den beiden letzten 

Alben NO FOOL FOR CRYING (2009) 

und THE GOOD IN GOODBYE (2011). 

Bei diesem hohen künstlerischen Niveau 

verwundert es, dass die Kanadierinnen 

immer noch vor relativ wenig Publikum 

in Deutschland auftreten müssen. Mit ihrer 

positiven Hartnäckigkeit (inzwischen 

beehren sie uns jedes Jahr) sollte ihnen 

künftig größere Anerkennung nicht weiter 

versagt werden. 

(Big Lake/India, 2012, 

CD: 17/61:31, DVD: 20 Titel) p 

CODY McCARVER 

I JUST MIGHT LIVE FOREVER 

Hier zu Lande ist Cody McCarver noch 

längst kein Star, aber in den USA gehört 

er zu den Erfolgreichsten in der Kategorie 

Liedermacher, Sänger & Schauspieler. 

Kein Wunder also, dass mehrere Tracks


seines neuen Albums I JUST MIGHT 

LIVE FOREVER aus den Filmen 

„Billy The Kid”, „L.A. Dirt” und 

„Cole Younger And The Black Train” 

stammen. Es sind kernige Countrysongs 

von echtem Schrot & Korn, 

die McCarver mit strammer, nicht 

zu rauer Stimme hemdsärmelig vorträgt, 

begleitet von einem routiniert 

zupackenden Team, dem die Country-Tradition 

deutlich näher steht 

als musikalisches Rebellentum oder 

gar kecke Experimente. Die konservative 

Grundausrichtung ist auch in 

den – teils autobiografisch gefärbten 

– Texten allgegenwärtig. Cody Mc- 

Carver, Sohn eines Gefängnisinsassen, 

wurde auf der „wrong side of the 

tracks” geboren, gehörte zum „white 

trash”, arbeitete sich aber – talentiert 

und unverdrossen – nach oben. Ein 

Redneck, der zu Recht stolz darauf 

ist, aber den Patriotismus auch nicht 

übertreibt – in Songs wie “Redneck 

Friends Of Mine”, “Kick It Into 

4-Wheel Drive”, “You Can’t Hide 

Money” oder “White Trash With Money” 

gibt es auch – mal unverblümt, 

mal zwischen den Zeilen – nachdenkliche 

Aspekte. Am besten beschreibt 

McCarver seine Weltsicht natürlich 

in “I’m America”, einem Song, dessen 

Versöhnlichkeit überzeugt, auch 

wenn sie etwas zu plakativ beschworen 

wird. 

(AGR Television Records/Sony 

Music 2012, 11/39:44) hjg 

PETE SEEGER & LORRE 

WYATT 

A MORE PERECT UNION 

Auch mit mittlerweile 

93 

Jahren 

zeigt 

Pete 

Seeger 

keinerlei 

Anzeichen 

von 

nachlassendem 

Abit Arbeitseifer. if A MORE PERECT 

UNION ist nach dem Woody-Guthrie-Tribute 

vom September (PETE 

REMEMBERS WOODY) schon das 

zweite Album innerhalb kurzer Zeit. 

Zusammen mit seinem langjährigen 

Freund, dem Singer/Songwriter Lorre 

Wyatt, begann Pete Seeger die 

Aufnahmen dafür allerdings schon 

vor gut 15 Jahren, die Fertigstellung 

verzögerte sich aber aufgrund Wyatts 

gesundheitlicher Probleme immer 

wieder – und jetzt gaben ein paar weitere 

Freunde dem Album den letzten 

Schliff: Bruce Springsteen, Emmylou 

Harris, Steve Earle, Dar Williams, 

Tom Morello, dazu noch der Chor der 

Rivertown Kids, mit denen Seeger 

2010 TOMORROW’S CHILDREN 

aufgenommen hat. Dennoch muss der 

Löwenanteil des Lobes an Seeger/Wyatt 

gehen, die alle Songs (bis auf das 

von Wyatt alleine verfasste “Somos El 

Barco”) gemeinschaftlich geschrieben 

haben und so einmal mehr ihre ganz 

besondere Klasse in Sachen zeitlose 

Folksongs bewiesen haben. 

(Appleseed/inakustik, 2012, 

16/70:00) us 

JIMMIE RODGERS 

JIMMIE RODGERS / SINGS 

FOLK SONGS 

Für 

Jimmie 

Rodgers (nicht 

zu verwechseln 

mit dem 1933 

gestorbenen 

Country-Urvater 

gleichen 

Namens) wurde in den 50er Jahren 

der Begriff Folk’n’Roll geprägt. Das 

passte – denn der Sänger und Gitarrist, 

der seine größten Erfolge mit “Honeycomb” 

(1957, US #1) und “Kisses 

Sweeter Than Wine” (1957, US #3) 

feierte, mixte Pete Seeger und Buddy 

Holly zu einem einzigartig swingenden 

Stil. Leider fand die Karriere 

des heute 78-Jährigen ein jähes Ende, 

als er sich 1967 unter bis heute nicht 

ganz geklärten Umständen bei einer 

Auseinandersetzung mit einer Polizeistreife 

eine Schädelfraktur zuzog und 

fortan nicht mehr auftreten konnte. 

Hoodoo Records veröffentlicht nun 

in schöner Aufmachung und hervorragender 

Klangqualität Rodgers’ beide 

ersten Alben auf einer CD: das unbetitelte 

1957er Debüt, inklusive der 

genannten Top-Ten-Hits, sowie den 

Nachfolger SINGS FOLK SONGS 

(1958), für den er noch tiefer in die 

Kiste der Traditionals griff und dabei 

überzeugende Fassungen von “Lord 

Randal”, “Black Is The Color” und 

“Waltzing Matilda” kreierte. Abgerundet 

wird der Twofer mit fünf Bonus-Tracks 

aus der gleichen Periode, 

darunter eine großartige Version von 

“The Wreck Of The ‚John B‘“. 

(Hoodoo/Harmonia Mundi, 

2012, 29/77:42) frs 


MUSIC IS LOVE – 

A SINGER / SONG- 

WRITER’S TRIBUTE TO 

THE MUSIC OF CSN&Y 

Über die Musik, mit der David Crosby, 

Stephen Stills, Graham Nash und Neil 

Young im Laufe ihrer langen Karriere 

Musiker in aller Welt beeinflusst 

haben, wurden schon genügend dicke 

Bücher geschrieben, so dass man hier 

darauf verzichten kann. Hier soll es 

ausnahmsweise mal nicht um die Würdigung 

ihrer Songs gehen, sondern um 

das, was zahlreiche Singer/Songwriter 

auf MUSIC IS LOVE aus ihren Vorlagen 

machen. Auffallend dabei ist, 

dass nicht nur junge, eher unbekannte 

Künstler ihren Tribut erweisen, Judy 

Collins ist mit “Helplessly Hoping” 

dabei, Steve Wynn mit “Triad”, Elliott 

Murphy mit “Birds”, und Liam Ó 

Maonlaí von den Hothouse Flowers 

steuert ein bewegendes “Lady Of The 

Island” bei. Dennoch bieten die beiden 

CDs immer noch genügend Entdeckungspotenzial: 

Wer kennt schon Sadie 

Jemmett, die den Hörer mit “ Teach 

Your Children” verzaubert, wer hat 

schon von Cindy Lee Berryhill gehört, 

die Stephen Stills’ Manassas-Song “It 

Doesn’t Matter” stilecht als verträumten 

Westcoast interpretiert, wer hat 

Carrie Rodriguez zugetraut, aus “Cortez 

The Killer” eine gefühlvolle Folkballade 

zu machen? 

(Route 61/Hemifran, 2012, 

13/48:39, 14/55:09) us 


WE’RE ALL IN THIS 

TOGETHER – A BENEFIT 

ALBUM FOR THE 

MORNING STAR 

„Ein 

Protestsong 

ist 

so pointiert, 

dass du ihn 

nicht 

mit 

Bullshit 

verwechselst”, 

zitiert t Michael Weston King 

den unvergessenen Phil Ochs in den 

Liner-Notes zur Doppel-CD, die er 

zugunsten des britischen Linksblattes 

„The Morning Star” koppelte, angeregt 

durch Redakteur Ivan Beavis. 

Der Altlinke Tony Benn sekundiert, 

Mainstream-Medien propagierten nur 

Marktkräfte: schon ist der Tenor abgesteckt, 

in dem die Ska-Funker The 

Destroyers fragen “Where Has The 

Money Gone” – erster Beweis, dass es 

hier neben Agitation beste Musik gibt. 

Thea Gilmore weiß durch ihre Obama-Kampagne, 

dass es nur “Inch By 

Inch” vorangeht. Jackie Leven sieht 

“The View From Shit Creek”, Kit 

Clark schafft Kinks-Atmosphäre, es 

gibt ein Wiederhören mit Eddie Reader, 

Robyn Hitchcock, Paul Hea ton 

und Peter Bruntnell – der wie Kathryn 

Williams speziell für dieses Projekt 

aufnahm. Andy White lässt sich frech 

über Ex-Premier “Gordon Brown” 

aus, Weston King selbst liefert den 

solidarischen Titelsong einer Tour-de- 

Force des Nicht-Aufgebens als Re- 

Write von “Eve Of Destruction”. 

(Red Planet Records, 2012, 

16/55:51, 17/60:05) utw 

JIM BYRNES 

I HEAR THE WIND IN THE 

WIRES 

US-Boy Byrnes legte seit 1981 acht 

Platten mit Blues, Folk und Country 

vor. Auch sein neues Album bietet 

Songs aus den Bereichen Country 

und Liedermacherkunst, von Byrnes 

mit viel Sinn für Differenzierungen 

in einem mätzchenfreien Stil vorgetragen, 

trefflich unterstützt von einer 

Band fähiger Musiker. Es gibt Country-Lieder 

von Hank Williams (“Honky 

Tonk”), Hank Snow (“I’m Movin’ 

On”), Dolly Parton (“The Bargain 

Store”) und Buck Owens (“Don’t Let 

Her Know”), dazu edle Songs zeitgenössischer 

Liedermacher wie Gordon 

Lightfoot (“Ribbon Of Darkness”), 

Tom Waits (“House Where Nobody 

Lives”) und Nick Lowe (“Sensitive 

Man”). Byrnes hat null Probleme 

damit, das unterschiedliche Material 

ohne Stimmungs- und Stilbrüche zusammenzuschweißen, 

ohne dass alles 

gleich klingt. 

(Black Hen/inakustik, 2012, 

13/47:07) hjg 

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CD 

REVIEWS 

CANDY BEAT CAMP 

STAY OKAY 

Mit erfrischendem Indie-Rock, der seine 

Punkwurzeln alles andere als versteckt, 

sorgt Gitarrist, Sänger und Frontmann 

Wolfgang Kanduth (aka Candee Beat) mit 

seinen drei Mitstreitern (sowie zwei Gästen 

an Violine & Synthesizer) für frischen 

Wind in diesem Genre. STAY OKAY heißt 

das Album, Candy Beat Camp die Band, 

gespielt wird Musik, der man einerseits 

jahrelange Bühnenerfahrung anhört, die 

sich andererseits aber das raue Live-Feeling 

jugendlichen Übermutes erhalten hat. 

Regler rechts! 

(Las Vegas Records/Broken Silence, 

2012, 12/39:53) tk 

HIS DOG BINGO 

BIG WHITE GHOST 

Singer/Songwriter Stephan Greminger 

macht sich zusammen mit seiner Band His 

Dog Bingo mit seinem Debüt BIG WHITE 

GHOST auf eine staubige Reise durch die 

Welt der Verlorenen, der Verzweifelten, 

der Gestrauchelten. Wichtigster Helfer 

hierbei ist ohne Zweifel Gitarrist Oli Hartung, 

der nicht nur mit superber Saitenarbeit, 

sondern auch mit einer ungemein 

atmosphärischer Produktion zum klasse 

Gesamteindruck des Albums beiträgt. 

Vielfältige Helfer an Flügelhorn, Glockenspiel 

oder Hammond, dazu mit Henk 

Hofstede (Nits) prominente Unterstützung 

aus den Niederlanden, schönes Album! 

(7music/New Music Distribution, 2012, 

10/32:24) us 

RICK SPRINGFIELD 

SONGS FOR THE END OF THE 

WORLD 

Was ist denn mit 

Rick 

Springfield 

los? SONGS FOR 

THE END OF THE 

WORLD der Albumtitel, 

“I Hate 

Myself”, “My Last 

Heartbeat” t” und “Our Ship’s Sinking” die 

Songzeilen. Der einstige Australier, der in 

den 80ern der Inbegriff für fast unerträglichen 

Mainstream war, ist aber weder beim 

Gothic noch beim Death Metal angekommen, 

trotzdem rockt sein neues Album wie 

verrückt. Irgendwo zwischen anspruchsvollem 

Pop und Hard Rock angesiedelt, ist 

ihm mit SONGS ... eine echte AOR-Perle 

gelungen. Hut ab! 

(Frontiers/Soulfood, 2012, 12/40:32) jub 

KATIE MELUA 

SECRET SYMPHONY – 

SPECIAL BONUS EDITION 

Für diese spezielle Edition ihres im Frühjahr 

veröffentlichten Albums SECRET 

SYMPHONY hat Katie Melua neben vier 

Bonus-Tracks – Randy Newmans “Feels 

Like Home”, Elvis’ “Love Me Tender”, 

Bonnie Raitts “Too Long At The Fair” und 

“It’s Over” von Roy Orbison – noch eine 

zweite, prallvolle CD dazugepackt. Zu 

hören darauf ein Mitschnitt ihres Berliner 

Sommerkonzertes, bei dem sie vom Deutschen 

Filmorchester Babelsberg begleitet 

wurde. 

(Dramatico/Rough Trade, 2012, 

15/52:09, 21/76:26) tk 

MOYA BRENNAN & 

CORMAC DE BARRA 

VOICES & HARPS 

Letztes Jahr erschien die erste Zusammenarbeit 

der Clannad-Sängerin Moya Brennan 

mit dem Harfenvirtuosen Cormac De Barra 

schon in ihrer irischen Heimat, Ende November 

wird VOICES & HARPS nun auch 

in Deutschland erscheinen. Natürlich stehen 

Harfe und vielstimmiger, sphärischer 

Gesang im Mittelpunkt ihrer Mischung 

aus eigenen Songs und Traditionals, produziert 

hat John Reynolds (Enya, U2, Sinéad 

O’Connor), dazu Maire Breatnach an 

der Fiddle, Eamonn De Barra an Flöte und 

Bodhran sowie Aisling Jarvis an der Bouzouki. 

(Beo Records/da Music, 2012, 

12/40:53) us 

JIMI JAMISON 

NEVER TOO LATE 

Survivor-Sänger Jimi 

Jamison hat sich für 

NEVER TOO LATE 

mit den schwedischen 

Melodic- 

Metallern Eclipse zusammengetan 

und ein 

perfektes fkt Heavy-Rock-Album eingespielt, 

das unbedingt nach seinen einstigen AOR- 

Bringern vom Schlage “I’m Always Here” 

(„Baywatch”-Titelmelodie) klingt, aber um 

einiges härter ausfällt. Dadurch bekommen 

die Stücke eine Power, die Jamison für den 

europäischen Markt interessant machen 

dürfte. Schwelgende Balladen, Midtempo- 

Headbanger, Melodic-Meisterwerke – so 

gut war Jimi Jamison solo vermutlich noch 

nie. 


AVETT BROTHERS 

THE CARPENTER 

Dass Rick Rubin auch anders produzieren 

kann als mit karger Akustikgitarrenbegleitung, 

zeigt er auf THE CARPENTER, 

dem neuen Werk der Avett Brothers. Dabei 

gelingt es Seth und Scott Avett zusammen 

mit ihrer Band und zahlreichen 

musikalischen Gästen (darunter Benmont 

Tench, Lenny Castro, Chad Smith), eine 

tiefe musikalische Authentizität zu transportieren, 

packen einen die Songs schon 

beim ersten Hören. Einen Moment lang 

sind purer Sonnenschein und reines Glück 

zu hören, kurz darauf schon wieder Leid, 

Verzweiflung und Reue: Americana aus 

der Top-Etage. 

(Universal, 2012, 12/46:26) 

us 


BUNDESVISION SONG 

CONTEST 2012 

Von der Talentschmiede zum Schaulaufen 

arrivierter Künstler hat sich Stefan Raabs 

inoffizielle deutsche Pop-Meisterschaft, der 

„Bundesvision Song Contest”, entwickelt. 

Mit ihrem Duo-Projekt Xavas (“Schau nicht 

mehr zurück”) räumten Xavier Naidoo und 

Kool Savas souverän ab, die Orsons verpflichteten 

für ihr “Horst & Monika” Hip- 

Hop-Shootingstar Cro als Gastsänger. Klasse 

auch der erfrischende Reggae von Chris 

Cosmo (“Herzschlag”), Electro-Disco 

aus Sachsen (Laing mit “Morgens immer 

müde”) sowie Tim Bendz kos letztjähriger 

Siegertitel (“Wenn Worte meine Sprache 

wären”) in einer Akustikversion. 

(Polystar/Universal, 2012, 16/59:09) tk 

HELEN SCHNEIDER 

SO CLOSE / LET IT BE NOW 

Lange nicht mehr erhältlich, 

erscheinen 

Helen 

Schneiders 

erste zwei LPs nun 

gemeinsam auf einer 

CD. Eigentlich 

sollte Helen Schneider 

1977 mit SO CLOSE die nächste große 

Sängerin in einer Reihe mit Ella Fitzgerald, 

Judy Garland oder Barbra Streisand werden. 

Nach ernüchternden Verkäufen konnte 

aber auch das ein Jahr später veröffentlichte 

LET IT BE NOW nichts daran ändern, 

dass sie über die Umwege Deutschland und 

Rockmusik erst Mitte der 80er Jahre die gewünschte 

Popularität erhielt, dass sie ihre 

einsame Klasse im Musical- und im Adult- 

Pop-Genre erst viel später als geplant beweisen 

konnte. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1977/1978, 

19/64:44) tk 

MASSIVE ATTACK 

BLUE LINES 

Das 1991 erstmals veröffentlichte Debütalbum 

BLUE LINES von Massive Attack 

ist bereits ein Klassiker; Hörer und 

Kritiker wählen es immer wieder auf 

Bestenlisten. Neben Portishead war die 

Formation aus Bristol, UK, der wichtigste 

Vertreter des Trip-Hop, jenem spacigen, 

vibrierenden Mix aus Electronica, Breakbeat, 

Soul, Rap, Reggae und Dub. Das Album 

übt bis heute einen großen Einfluss 

auf die Produktion von Popmusik aus. 

Nun gibt es eine neu remasterte Abmischung 

auf CD bzw. CD/DVD (High Resolution) 

sowie Doppel-Vinyl, die rundum 

zufriedenstellt. 

(EMI, 1991, 9/45:02) 

frs 

KIX 

LIVE IN BALTIMORE 

Ihre Karriere verlief typisch für eine Glam- 

Metalband: 1978 gegründet, Ende der 80er 

am erfolgreichsten, zog der Grunge-Boom 

auch bei Kix zu Beginn der 90er den Stecker. 

Das neue Jahrtausend brachte das 

Comeback und jetzt das Album LIVE IN 

BALTIMORE mit knackigem, partytauglichem 

Hard Rock. Enthalten sind auf der 

Scheibe fast alle erfolgreichen Singles, allen 

voran die Ballade “Don’t Close Your 

Eyes”. Kix haben Feuer wie einst, und die 

Fans rasen. 


THE FRETLESS 

WATERBOUND 

Wenn sich ein (klassisches) Streichquartett 

für irische Volksmusik begeistert und 

diese dann so raffiniert und hochklassig 

arrangiert wie es The Fretless auf WATER- 

BOUND getan haben, dann wird daraus 

eines der schönsten (Folk-)Alben des Jahres. 

Mit drei Geigen und einem Cello (sowie 

bei zwei Titeln je einer Gastsängerin) 

spielen sich die vier jungen Musiker weit 

über traditionelle Folkgrenzen hinaus, bauen 

immer wieder Elemente „befreundeter” 

Musikrichtungen wie Bluegrass, Jazz und 

Kurzvorstellungen 

Country ein. Whow! 

(Magnetic Music/New Music 

Distribution, 2012, 9/38:30) 

IRIS DEMENT 

SING THE DELTA 

Nach 16 Jahren (Album-)Pause steigt Iris 

Dement mit “Go On Ahead And Go Home” 

so kraftvoll und intensiv in ihr neues Album 

ein, als wäre sie nie weg gewesen. 

Mit Dixie-Bläsern, klagender Slidegitarre, 

Gospelpiano und allerhand New-Orleans- 

Feeling in der Stimme wird sie dem Titel 

SING THE DELTA mehr als gerecht, zeigt 

darüber hinaus auch in Songauswahl (“The 

Kingdom Has Already Come”, “There’s A 

Whole Lotta Heaven”) sowie in der Wahl 

ihrer Begleitmusiker (Al Perkins, Reese 

Wynans, Bo Ramsey) ihre Sonderstellung 

im weiten Feld zwischen Folk und Country. 

(Flariella/Cargo, 2012, 12/59:16) us 

TRAVIS & FRIPP 

FOLLOW 

Nach ihrer ersten 

Zusammenarbeit 

im Jahr 2008 haben 

Saxofonist 

Theo 

Travis (Porcupine 

Tree, The Tangent, 

Soft Machine Legacy) 

und Gitarrist i t Robert Fripp (King 

Crimson) nun für FOLLOW Elemente aus 

ihren Konzerten mit Studio-Aufnahmen 

verwoben, erzeugen so Sounds zwischen 

Ambient und eruptiven Ausbrüchen. Eine 

zusätzliche DVD kommt mit drei audiophilen 

Audiotracks und vier Videos, die im 

Oktober 2010 bei einem Live-Auftritt in 

Cornwall mitgeschnitten wurden. 

(Discipline Global Mobile/Galileo Music 

Communication, 2012, 9/58:38) us 

NOISETTES 

CONTACT 

Das zweite Album WILD YOUNG 

HEARTS war Retro-Pop erster Güte. Trotz 

dreijähriger Vorbereitungszeit gelang es 

mit CONTACT nur bedingt, ein würdiges 

Nachfolgewerk zu präsentieren. Zwar bieten 

die charismatische Frontfrau Shingai 

Shoniwa und Gitarrist Dan Smith erneut 

guten Neo-Sixties-Pop-Rock, aber an herausragenden 

Stücken fehlt es leider. 

(Mono-Ra-Ma/Import, 2012, 13/51:08) p 

ANIMAL COLLECTIVE 

CENTIPEDE HZ 

Und wieder hat das Kreativkollektiv aus 

Baltimore einen großen Wurf hingelegt: 

Auch auf seinem neunten Album CENTI- 

PEDE HZ versteht es das Quartett meisterlich, 

in frickelige Avantgarde einzutauchen, 

ohne dabei je den Blick für eine prachtvolle 

Popmelodie zu verlieren. Animal-Collective-Songs 

sind Labyrinthe, in denen der 

Hörer sich verlieren kann – und Animal 

Collective nehmen ihn an der Hand und 

geleiten ihn durch eine Welt des Staunens 

und der Wunder. 

(Domino, 2012, 11/53:41) 

mfg 

PRIDE OF LIONS 

IMMORTAL 

IMMORTAL, das vierte Album von Pride 

Of Lions, der aktuellen Band von Melodic- 

Rock-Großmeister Jim Peterik (gründete 

us 


CD 

REVIEWS 

Survivor und Ides Of March, schrieb unter 

anderem für Sammy Hagar, 38 Special 

und REO Speedwagon), und ist das bisher 

dramatischste. Die Songs wollen vor Bombast 

zerspringen, bleiben aber eingängig. 

Peterik schreibt sowas mit links, Sänger 

Tobi Hitchcock intoniert das Material mit 

Inbrunst und klingt gar nicht mehr nach 

Bobby Kimball (Toto). Für AOR-Fans unverzichtbar. 


BETH ORTON 

SUGARING SEASON 

Nach Mutterschaft und sechsjähriger Auszeit 

kehrt die frühere Electronica-Königin 

nun mit einem Urban-Folkalbum zurück. 

Produzent Tucker Martine ist es mit Hilfe 

einer hochklassigen Musikerschar (darunter 

Laura Veirs, Ted Barnes und Marc Ribot) 

gelungen, ihre wunderschöne Stimme 

in so sphärische Arrangements einzubauen, 

dass SUGARING SEASON an die Zeiten 

erinnert, in denen Künstler wie Sandy Denny 

und Nick Drake den britischen Folk aus 

der Traditionsecke herausholten und in ein 

eigenes Genre überführten. 

(Anti/Indigo, 2012, 10/37:26) tk 

BOB CHEEVERS 

SMOKE & MIRRORS 

Eigentlich unglaublich, 

dass der bei den 

2011er Texas Music 

Awards mit dem Titel 

„Best 

Singer/Songwriter” 

ausgezeichnete 

Bob Cheevers 

für sein neues Album keinen deutschen Vertrieb 

findet. Auch dass Johnny Cash oder 

Waylon Jennigs seine Songs aufnahmen 

zeugt von seiner Qualität, die man jetzt wieder 

einmal auf dem Doppelalbum SMOKE 

& MIRRORS bewundern darf. Entspannt 

präsentierter Americana, Lieder voller Tiefe 

und Gefühl, mal nur mit einer akustischen 

Gitarre, mal mit voller Band gespielt – richtig 

starke Musik aus Texas! 

(Back Records/Import, 2012, 

11/50:07, 12/51:33) us 

DAN SEALS 

RAGE ON/REBEL HEART 

Zwei der besten 80er-Jahre-Alben des 2009 

in Nashville verstorbenen Texaners Dan 

Seals auf einer CD. Sein Country-Rock 

prägte in dieser Zeit zahlreiche junge amerikanische 

Künstler, von Garth Brooks über 

Keith Urban bis zu Kenny Chesney. RE- 

BEL HEART war 1983 sein (Solo-)Comeback 

nach dem Split des Soft-Rockduos 

England Dan And John Ford Coley, RAGE 

ON aus dem Jahr 1987 bietet ein Wiederhören 

mit dem von Cheryl Wheeler geschriebenen 

Nummer-1-Hit “Addicted”. 


21/76:49) us 

DIRTY AGE 

PLUG IN 

Wenn sich junge Bands an der Musik der 

70er und 80er Jahre orientieren, wenn sie 

ihre jugendliche Power ganz in den Dienst 

von gutem altem Hard Rock stellen, dann 

kann daraus so ein Album werden wie 

PLUG IN. Diesen programmatischen Titel 

setzt die Mannheimer Band Dirty Age dann 

auch hundertprozentig um, bei Stimme und 

Gitarrensound denkt man sofort an AC/DC, 

beim Songwriting sind es eher The Who, 

die man da heraushören kann: Beides ja 

nicht unbedingt die schlechtesten Vorbilder 

für eine junge Rockband! 

(7hard/New Music Distribution, 

2012, 12/53:04) tk 

NEAL SCHON 

THE CALLING 

Bei Journey ist er 

diszipliniert 

und 

zelebriert die großen 

Melodien. 

Doch wehe, wenn 

er 

losgelassen: 

THE 

CALLING 

zeigt den Ausnahmegitarristen Neal Schon 

einmal mehr im Rausch ausgeflippter Instrumentalorgien 

zwischen Latin, Prog, 

Blues und Jazz-Rock. Für Journey-Fans ist 

das nichts. Wer allerdings über Endlossoli 

noch staunen kann und Schons Klampfenkunst 

schon immer mochte, wird auf die 

Knie fallen. Dauerkumpel Jan Hammer ist 

am Moog zu hören. 


DOUBLE NAUGHT SPY CAR 

WESTERN VIOLENCE 

Bo Diddley, Nina Hagen, Johnny Hallyday, 

Stan Ridgway, I See Hawks In L.A.: Das 

sind nur einige der Künstler, für die die 

Sessionmusiker, die ihre (Nebenerwerbs-) 

Band Double Naught Spy Car genannt haben, 

schon im Studio oder auf der Bühne 

waren. Überdrehte Instrumentalmusik, ein 

alles andere als alltäglicher Mix aus Surf, 

Westcoast, New Wave, Rockabilly, Americana 

und Country, damit haben die vier 

Musiker Paul Lacques (lapsteel, g, dob), 

Marcus Watkins (g, acc), Marc Doten (b, 

keys) und Joe Berardi (dr) ihr neues Album 

WESTERN VIOLENCE bestückt. So verrückt, 

dass es schon wieder gut ist ... 

(Foot Pole Record/Import, 2012, 

13/61:06) us 


LAWLESS – ORIGINAL MOTION 

PICTURE SOUNDTRACK 

Mit „Lawless” verfilmte Regisseur John 

Hillcoat einen Roman von Matt Bondurant 

– nach einem Drehbuch von Nick Cave! 

Klar, dass dieser dann auch mit seinem 

Filmmusik-Dauerpartner Warren Ellis (der 

vollbärtige Geiger von The Dirty Three) 

für den Soundtrack des Gangsterepos verantwortlich 

zeigt. Neben eigenen Songs 

gibt es Stücke von Lou Reed, Link Wray, 

Captain Beefheart und John Lee Hooker zu 

hören, Old-Time-bluesig in Szene gesetzt 

von Künstlern wie Ralph Stanley, Emmylou 

Harris oder Mark Lanegan. 

(Sony Music, 2012, 14/41:49) us 

ANASTACIA 

IT’S A MAN’S WORLD 

Eigentlich keine schlechte Idee von Anastacia, 

sich für ihr Coveralbum IT’S A 

MAN’S WORLD lauter Männersongs vorzunehmen. 

Doch viel zu selten – bei U2s 

“One” und “Dream On” von Aerosmith – 

geht dieses Konzept auch auf, denn dass 

sie weder ein Brian Johnson noch ein Robert 

Plant ist, dass es kein guter Einfall ist, 


“Back In Black” oder “Ramble On” (fast) 

originalgetreu nachzusingen, hätte man ihr 

sagen können. Chance vertan, aber immerhin 

ein Muss für Sammler kruder Cover- 

Versionen! 

(BMG/Rough Trade, 2012, 10/48:18) us 


DIRTY DANCING – THE DELUXE 

ANNIVERSARY EDITION 

Mit drei Top-5-Hits, Elffach-Platin und 

rund 42 Millionen verkauften Exemplaren 

ist der Soundtrack von „Dirty Dancing” 

immer noch einer der erfolgreichsten der 

Musikgeschichte. Zum 25. Geburtstag erscheint 

jetzt eine hochformatige Deluxe 

Edition, die neben dem remasterten Originalalbum 

vor allem mit einem klasse gestalteten 

Begleitheft glänzen kann. Darin 

die ausführlichen Kommentare der beteiligten 

Künstler und Produzenten, die Auflistung 

der Hitparadenerfolge der Songs 

sowie fünf Hochglanz-Postkarten mit Dirty-Dancing-Motiven. 

(RCA/Sony Music, 1987, 12/46:27) us 

JAMES LAST 

THE AMERICA ALBUM 

Seit Ende der 60er 

geistert 

dieses 

James-Last-Album 

als Gerücht durch die 

Musikwelt, 

Anfang 

November 

wurde 

das 1969 in Hamburg 

aufgenommenen THE AMERICA ALBUM 

endlich Realität. Warum das exklusiv für 

den amerikanischen Markt konzipierte 

Werk nie ans Licht der Öffentlichkeit gelangte, 

ist heute nicht mehr nachvollziehbar, 

in gekürzter oder veränderter Form 

schafften es zumindest einige Titel auf die 

eine oder andere James-Last-LP. Die Reise 

des mystischen Meisterwerkes geht von 

Jimmy Webbs “Evie” über Bob Dylans 

“Lay Lady Lay” bis zu “Ballad Of Easy Rider” 

der Byrds. 

(Polydor/Universal, 2012, 11/47:13) us 

JOE BONAMASSA 

BEACON THEATRE 

Nach der DVD gibt es Joe Bonamassas 

Gastspiel im New Yorker Beacon Theatre 

nun auch per Doppel-CD und mit dem 

Bonus-Stück “Young Man Blues”. Ohne 

optische Ablenkung hört man plötzlich, 

dass Bonamassas Gitarre auf “Bird On A 

Wire” mit Country-Touch ertönt – derlei 

Feinheiten gibt es immer wieder zu entdecken. 

Dazu die Gäste Paul Rodgers, Beth 

Hart und John Hiatt – da kann man nur „zugreifen” 

empfehlen. 

(Provogue/Rough Trade, 2012, 

11/56:12, 9/63:04) pro 

BOPPIN’ B 

MONKEY BUSINESS 

Schon lange bevor Boppin’ B mit dem „kanadischen” 

Rock’n’Roll-Star Dick Brave 

(aka Sasha) für Furore sorgten, waren die 

fünf Jungs aus Aschaffenburg eine gestandene 

Rock’n’Roll-Band. So ist es kein Wunder, 

dass sie auch ohne ihren berühmten 

Teilzeit-Frontmann mit MONKEY BUSI- 

NESS ein astreines (und mittlerweile schon 

das elfte!) Rockalbum vorlegen, das mit 

fetzigem Rockabilly, ungewohnten Cover- 

Die CD-Remasters 

1979-1984 komplett! 

Anyone’s Daughter (1980)* 

Original Album + 3 Bonus Tracks 

*auch als Vinyl Picture Disc LP 

(streng limitiert auf 500 Exemplare!) 

In Blau (1982) 


Neue Sterne (1983) 


2CD Live (1984) 

Original Album + 4 Bonus Videos 

Ebenfalls erhältliche CD-Remasters: 

Adonis (1979) 


Piktors Verwandlungen (1981) 

Original Album + 1 Bonus Track 

www.tempusfugit.de 


CD 

REVIEWS 

Versionen (“Enjoy The Silence”, “Rolling 

In The Deep”) und starken eigenen Songs 

seine Klasse beweist. Das rockt richtig gut! 

(Nothing To Lose Records/ 

Broken Silence, 2012, 15/49:07) us 

MICHAEL JACKSON 

BAD 25 

Neu 

remasterte 

Fassung des legendären 

Albums von 

Michael Jackson, 

dessen 

Hitdichte 

mit “Smooth Criminal”, 

“Man In 

The Mirror”, ”“Bd”“A “Bad”, “Another Part Of Me”, 

“The Way You Make Me Feel” und “Dirty 

Diana” mehr als beeindruckend ist. CD 2 

bietet neben neuen Remixen und alternativen 

Versionen (in Spanisch und Französisch) 

noch sechs bisher unveröffentlichte 

Demos, die Michael Jackson in seinem damaligen 

Zuhause in der Hayvenhurst Avenue 

in Encino, Kalifornien, aufgenommen 

hat. Die Deluxe Edition bietet zusätzlich 

noch ein Konzert im Londoner Wembley 

Stadion vom Juli 1988 auf CD und DVD. 

(Epic/Sony Music, 1987/2012, 

11/48:16, 13/53:43) us 

THE BLACK EXPLOSION 

SERVITORS OF THE OUTER 

GODS 

Das neueste Projekt des Ex-Dollhouse- 

Sängers und -Gitarristen Chris Winter heißt 

The Black Explosion. Musikalisch bleibt 

der Schwede mit neuer Begleitmannschaft 

aber in den gewohnten Gefilden, rückt auf 

SERVITORS OF THE OUTER GODS 

oft sogar noch weiter in die Psychedelic-Hard-Rock-Ecke 

als mit seiner alten 

Band. Schwere Riffgewitter überziehen 

die Songs, verzerren und verlieren sich in 

krachenden Rhythmusschluchten, verlieren 

nur dann kurzzeitig an Fahrt, wenn sie ihre 

Kräfte für den nächsten Angriff bündeln. 

(Metalville/Rough Trade, 2012, 

10/36:39) tk 

KASEY CHAMBERS AND 

SHANE NICHOLSON 

WRECK AND RUIN 

Überragendes Duo-Album des australischen 

Country-Ehepaares Kasey Chambers 

und Shane Nicholson. Getarnt als Old- 

Time-Music und Bluegrass-Heuler haben 

sie für WRECK AND RUIN 13 neue Songs 

zum Thema „Tod” geschrieben – ohne dass 

sie dieses Thema allerdings zu (tod-)ernst 

nahmen. Mit traumhaften Harmony-Gesängen, 

klasse musikalischen Begleitern (Jed 

Cardwells Banjo!) und einem glasklaren 

Klang ohne Zweifel ein erklärter Favorit 

für die Country-Jahresbestenliste. 

(Sugar Hill/Import, 2012, 13/34:07) us 


A CAPELLA BEST OF 

Schöner Querschnitt durch die Welt des 

A-capella-Gesanges, bei dem ein breites 

Spektrum dieser hohen Kunst präsentiert 

wird. Humorvoll gehen Basta (“Gimme 

Hope Joachim”), Ganz Schön Feist (“Du 

willst immer nur f...”) oder Mundwerk 

(“Ober, Zack, ‘n Helles!”) die Sache an, 

feingeistiger präsentieren Gruppen wie 

die King’s Singers (“Kokomo”), 6-Zylinder 

(“Weather With You”) oder Perpetuum 

Jazzile (“Africa”) ihr Ausnahmekönnen, 

immer noch unerreicht die Harmonien der 

Comedian Harmonists, die mit “Mein kleiner 

grüner Kaktus” und “Ein Freund, ein 

guter Freund” vertreten sind. 

(EMI, 2012, 20/67:02, 20/70:03) us 


KUSCHELROCK 26 

Wie gewohnt prall gefüllt mit Schmusesongs 

kommt auch die 26. Ausgabe von 

KUSCHELROCK daher, reicht die Palette 

von Coldplays “Paradise” über Lenny Kravitz’ 

“I’ll Be Waiting” bis zu “Live To Tell” 

von Madonna. Auf einer dritten (Bonus-)CD 

kommen dann die Freunde ausgefallener 

Cover-Versionen zu ihrem Recht: Xavier 

Naidoo croont Peter Gabriels “Don’t Give 

Up”, Chris De Burgh lässt Elvis’ “In The 

Ghetto” auferstehen, Springsteens “I’m On 

Fire” gibt es von Laith Al Deen zu hören, 

und Jennifer Rush covert “Nights In White 

Satin”, im Original von The Moody Blues. 

(Sony Music, 2012, 19/74:36, 

19/78:26, 19/78:39) tk 

THE CHEVIN 

BORDERLAND 

Sänger und Songschreiber 

Coyle 

Girelli nennt Nirvana, 

Oasis und die 

Beatles, wenn er 

nach dem Soundtrack 

seiner Jugend 

gefragt wird. id Hört man die Musik, die 

er jetzt zusammen mit seiner Band The 

Chevin auf BORDERLAND präsentiert, 

dann darf man mit ziemlicher Sicherheit 

noch U2, Coldplay und Arcade Fire dazu 

addieren. Hymnische, Streicher-unterstützte 

Brecher wie die Single-Auskopplung 

“Champion”, Power-Rocksongs wie 

“Drive”, Synthie-Pop wie “Colours” oder 

auch mal eine herzzerreißende Ballade 

wie “Love Is Just A Game”: alles drin in 

diesem Debüt! 

(Sony Music, 2012, 14/41:48) tk 

PARAGUAY 

POST-FUTURE 

Der Titel des Debüts der texanischen Band 

Paraguay führt in die richtige Richtung, auf 

POST-FUTURE verbinden Claire Hamilton 

(voc, g), Jon Sanchez (voc, g, keys, synths) 

Marc Fort (b) und George Duron (dr) Americana 

und Indie-Rock mit allerlei elektronischen 

Zutaten, paaren staubtrockene 

Gitarrenklänge mit Synthie-Beats und Dub- 

Clubsounds. Über allem schwebt die coole 

Stimme von Claire Hamilton, sie spielt 

gekonnt mit den Stimmungen, die zwischen 

relaxtem Chill-Out und lässiger New Wave 

liegen. Definitiv mal was anderes! 

(Cactus Rock Records, 2012, 6/30:57) us 

ROYAL HUNT 

20TH ANNIVERSARY – SPECIAL 

EDITION 

Die 20TH ANNIVERSARY – SPECIAL 

EDITION von Royal Hunt ist eine ultrafette 

Werkschau der dänischen Symphonic 

Metaller, die auf drei CDs Songs sämtlicher 

elf Studio-Alben enthält und deutlich 

macht, weshalb die Band um Andre Andersen 

und DC Cooper derart stilprägend 

für den Melodic und christlich orientierten 

White Metal war. Zusätzlich gibt es in dem 

Paket noch eine DVD mit ihren Videoclips 

und einem Interview. 

(Frontiers/Soulfood, 2012, 12/63:36, 

13/70:35, 9/39:05 + DVD) jub 

RYAN BINGHAM 

TOMORROWLAND 

Für seinen Song “The Weary Kind”, den 

Ryan Bingham zum Soundtrack des (vom 

Leben das Countrysängers Hank Thompson 

inspirierten) Filmes “Crazy Heart” beisteuerte, 

erhielt er 2010 einen Oscar. Doch 

daraus zu schließen, dass TOMORROW- 

LAND ein massenkompatibles Americana- 

Album ist, ist falsch. Bingham raspelt und 

röhrt sich (mit an Bruce Springsteen erinnernder 

Stimme) durch die Außenseiterstorys 

seiner Lieder, geht auch musikalisch 

mit einer Mischung aus Roots-Rock und 

Singer/Songwriter-Country ziemlich eigene, 

aber sehr sehr gute Wege! 

(Axter Bingham Records/Alive, 

2012, 13/62:45) us 

A FINE FRENZY 

PINES 

Mit ihrem dritten 

Album PINES versucht 

sich die 28-jährige 

Songwriterin 

aus Seattle, Alison 

Sudol, an einem 

Konzeptalbum, 

das 

die Lebensgeschichte ht eines Pinienbaumes 

schildert. Natürlich hat sich die Künstlerin 

dabei etwas gedacht, so lässt sich die 

Geschichte auf menschliche Lebenslinien 

umsetzen. Was für Freunde guter Songtexte 

durchaus ein Genuss sein kann, wurde aber 

musikalisch nur unzureichend umgesetzt. 

Zwar ist nicht mehr der nervige Keyboardbombast 

des Vorgängerwerkes BOMB IN 

A BIRDCAGE (2009) zu hören, doch sind 

die einzelnen Titel allzu balladenhaft und 

teilweise derart unnötig ausgeweitet (der 

Schlusstitel dauert fast neun Minuten), dass 

bald Langeweile aufkommt. Leider kein 

Vergleich zum grandiosen Erstling ONE 

CELL IN THE SEA von 2008. Schade. 

(Virgin/EMI, 2012, 17/67:51) 

p 

THE BIBLE 

EUREKA 

Mit wunderschönem Dream-Pop begeisterten 

The Bible Ende der 80er Jahre hauptsächlich 

Musikfans in Großbritannien, 

die Single “Graceland” wurde in ihrer 

Heimat zu einem kleinen Hit, “Crystal Palace” 

brachte es in Deutschland immerhin 

zu Geheimtipp-Ehren. Neben den zwölf 

Songs des Originalalbums gibt es noch eine 

zweite CD mit einer guten Stunde voller 

Remix-, Alternativ- oder neu eingespielter 

Versionen, im neu gestalteten Booklet fachkundig 

kommentiert von Bandmitglied Boo 

Hewerdine. 


12/48:18, 18/61/21) tk 

INCUBUS 

THE ESSENTIAL 

1991 gegründet, lief diese Band aus Kalifornien 

mit ihrer Mischung aus hartem 

Crossover und gefühlvollem Alternative- 

Rock Ende der 90er zu Hochform auf. 


Seit MAKE YOURSELF (1998) hat es jedes 

Album von Incubus in die US-Top-10 

geschafft, das von Brendan O’Brien produzierte 

LIGHT GRENADES (2006) gar 

an die Spitze. THE ESSENTIAL bietet 

auf zwei CDs nun einen ausführlichen 

Streifzug durch ihr bisheriges Schaffen, 

liefert neben den regulären Studiotracks 

auch Songs, die es nur auf Singles oder 

längst nicht mehr erhältlichen EPs gab. 

(Epic/Sony Music, 2012, 14/55:50, 

14/62:30) us 

VANGELIS 

THE COLLECTION 

Mit seinen vielfältigen 

elektronischen 

Sounds war (und 

ist) der griechische 

Komponist 

und 

Musiker 

geradezu 

prädestiniert für 

Soundtracks, Eröffnungshymnen und ähnlich 

bombastische musikalische Untermalungen. 

THE COLLECTION versammelt 

auf zwei randvollen CDs aber nicht nur 

seine Musik für Filme wie „1492 – The 

Conquest Of Paradise”, „Chariots Of Fire” 

und „Blade Runner” sondern mit “I’ll Find 

My Way Home”, “I Hear You Now” und 

“So Long Ago, So Clear” auch einige Kostproben 

seiner höchst erfolgreichen Zusammenarbeit 

mit Yes-Sänger Jon Anderson. 

(Rhino/Warner, 2012, 17/78:09, 

14/77:34) tk 

WOPRKING WEEK 

WORKING NIGHTS 

Anfang der 80er waren der Jazzgitarrist Simon 

Booth und Saxofonist Larry Stabbins 

in Verbindung mit der lasziven Stimme von 

Sängerin Julie Roberts der Auslöser einer 

Jazz-Welle in der Londoner Clubszene. 

Kurz darauf schwappte diese Welle – angeführt 

vom “Inner City Blues” – auch aufs 

europäische Festland über. Das Debüt von 

Working Week mit dem Titel WORKING 

NIGHTS war zugleich ihr bestes Werk, das 

jetzt mit einer zweiten CD voller Alternativversionen 

und zwei bisher unveröffentlichten 

Live-Songs seine mehr als verdiente 

Wiederveröffentlichung feiern darf. 


12/73:01, 11/68:45) us 

KC & THE SUNSHINE BAND 

DO IT GOOD 

1973 gründeten Harry Wayne „KC” Casey 

und Richard Finch in Miami, Florida, die 

KC & The Sunshine Band. Mit feurigem 

Soul lieferten sie genau das richtige Material 

für das tanzhungriges Publikum der 

Diskotheken, DO IT GOOD ist ihr Debüt 

aus dem Jahr 1974, ergänzt um fünf Bonus-Tracks, 

darunter die Singleversionen 

von “Sound Your Funky Horn” (US # 21, 

UK #17) und ihrem ersten internationalen 

Hit, “Queen Of Clubs” (US #25, UK #7). 


14/41:26) tk 

EVA CASSIDY 

THE BEST OF EVA CASSIDY 

Es ist schon eine tragische Geschichte, 

dass die 1996 verstorbene Eva Cassidy den 

enormen Erfolg ihrer zehn, größtenteils 

posthum veröffentlichten Alben nicht mehr 


CD 

REVIEWS 

miterleben durfte. Nächstes Jahr wäre sie 

50 Jahre alt geworden, aus diesem Anlass 

gibt es nun mit THE BEST OF EVA CAS- 

SIDY einen Querschnitt ihrer schönsten 

Songs, eröffnet von “You Take My Breath 

Away”, einer bisher unveröffentlichten 

Version des bewegenden Liebesliedes von 

Claire Hamill. 

(Blix Street Records/Rough Trade, 

2012, 20/79:35) tk 

ANDREAS KÜMMERT 

THE MAD HATTERS 

NEIGHBOUR 

Dass 

Andreas 

Kümmert 

erst 

25 Jahre alt ist, 

kann man seiner 

Musik – und 

vor allem seiner 

Stimme – nicht 

anhören. Ray Dorset (Mungo Jerry) fühlt 

sich beim Hören dieser rauen Rockröhre 

an den jungen Joe Cocker erinnert, und 

auch von der Musik her geht es in eine 

ähnliche Richtung: THE MAD HATTERS 

NEIGHBOUR liefert sowohl souligen 

Rock in Bandstärke als auch knorrigen 

Singer/Songwriter-Blues zur akustischen 

Gitarre – und dazu noch alles selbst geschrieben. 

Respekt! 

(7music/New Music Distribution, 

2012, 12/44:25) us 

DIE LIGA DER GEWÖHN- 

LICHEN GENTLEMEN 

JEDER AUF ERDEN IST 

WUNDERSCHÖN 

Ihre Single “Die Gentlemen-Spieler” erhielt 

unlängst den Preis für den Fußballsong 

des Jahres – vergeben von der Deutschen 

Akademie für Fußballkultur (in der Jury 

u.a. Thomas Häßler und Gerald Asamoah!). 

Auch die weiteren Songs (“Der fünfte Four 

Top”, “Meine Jeans” etc.) auf dem Debütalbum 

der Hamburger Band sind allerfeinster 

Soul- und Sixties-orientierter Diskurs-Pop 

– ganz in der Nachfolge von Superpunk, 

der Combo, in der Sänger und Gitarrist 

Carsten Friedrichs und Bassist Tim Jürgens 

bis zur Bandauflösung 2012 spielten. 

(Tapete/Indigo, 2012, 11/34:58) frs 

DICK FARRELLY & 

MAT WALKLATE 

KEEP IT CLEAN 

Nach einer gemeinsamen (musikalischen!) 

Nacht in Amsterdam beschlossen Gitarrist 

Dick Farrelly – der schon in Diensten von 

Mary Coughlan und Van Morrison stand – 

und Sänger/Mundharmonika-Virtuose Mat 

Walklate, zusammen ein Album einzuspielen. 

Knapp zehn Stunden dauerten die Aufnahmen 

in einem kleinen Studio in Dublin, 

dann waren die zehn Songs für KEEP IT 

CLEAN auf den Bändern, alte Bluesstandards, 

weitgehend unbekannte Traditionals 

sowie drei spontan entstandene Songs. 

Klasse Irish Blues! 

(www.matwalklate.co.uk, 2012, 

10/33:54) us 

EVERY MOTHERS’ SON 

COME ON DOWN – THE COM- 

PLETE MGM RECORDINGS 

1967, im „Summer of Love”, hatte diese 

Band aus dem New Yorker Greenwich 

Village mit “Come On Down To My Boat”, 

das es bis auf Platz 6 in den Billboard Pop- 

Charts brachte, ihren größten Hit. COME 

ON DOWN liefert nun ihre beiden einzigen 

LPs, EVERY MOTHERS’ SON und EVE- 

RY MOTHERS’ SON’S BACK, als gemeinsame 

CD-Premiere. Darauf vermischte 

die Band den Folk der beiden Brüder 

Lary und Dennis Larden mit poppigem 

Rock und gelangte so – zumindest einen 

Sommer lang – zu kurzfristigem Ruhm. 


21/59:02) tk 

LIPPS INC. 

MOUTH TO MOUTH – 

EXPANDED EDITION 

1979 veröffentlichte Produzent Steven 

Greenberg aus Minneapolis die von Cynthia 

Johnson (im Jahr 1976 Miss Black 

Minnesota!) gesungene 12”-Single “Rock 

It”, die kurz darauf Grundstein für MOUTH 

TO MOUTH wurde, dem Album, mit dem 

die Lips Inc. getaufte „Band” nicht zuletzt 

durch ihren Disco-Hit “Funkytown” 

– Nummer 1 in Deutschland, Schweden, 

Österreich, Schweiz, Norwegen und den 

Niederlanden – zu ewiger Berühmtheit gelangte. 

Als Bonus-Tracks gibt es alle vier 

Albumtitel noch als Singleversionen. 


8/43:46) tk 

SUZI QUATRO 

IN THE SPOTLIGHT – 

DELUXE EDITION 

Wunderschöne 

Deluxe-Wiederveröffentlichung 

von Suzi Quatros 

letztem Album IN 

THE 

SPOTLIGHT 

(Review GoodTimes 

05/2011) in einer dicken 

Box. Neben einem Bonus-Track (“Singing 

With Angels”) und einem 24-seitigen 

Booklet (mit allen Texten und persönlichen 

Worten von Suzi) wurde das Album noch 

um eine zweite CD ergänzt, auf der sich acht 

bisher unveröffentlichte Studiodemos sowie 

zwei Promo-Videos befinden. 


11/40:43, 8/29:23) us 

MARY WELLS 

THE COMPLETE 20TH 

CENTURY FOX RECORDINGS 

Zum ersten Mal gibt es nun alle 20th- 

Century-Fox-Aufnahmen von Mary Wells 

zusammengefasst auf zwei CDs. Dem 

1964er Debüt MARY WELLS wurden 

sechs Bonus-Tracks hinzugefügt, die erstmals 

auf einer 1996er US-Compilation zu 

hören waren. Eine CD-Premiere erfährt das 

komplette 1965er Album LOVE SONGS 

TO THE BEATLES, auf dem die R&B- 

Sängerin Beatles-Vorlagen wie “All My 

Lovin’”, “Help”, “Yesterday”, “Can’t Buy 

My Love” oder “I Saw Him (!) Standing 

There” in Richtung Jazz und Soul interpretiert. 

Eine wunderbare Entdeckung! 


1964/1965, 18/46:11, 12/29:04) us 

VOLKAN BAYDAR 

RAUM SCHAFFEN 

Erstmals ist Volkan Baydar, als Sänger 

des Popduos Orange Blue bekannt ge- 

worden, auf Deutsch zu hören, ehe er im 

Verlauf seines Solodebüts ins Englische 

wechselt (und in der Liebeserklärung 

“My Heart Belongs To Istanbul” orientalische 

Anklänge einfließen lässt). Zwischen 

Pop, Soul, Jazz und Funk (in eingängiger 

Manier) variiert Baydar versiert 

mit viel Leidenschaft und dürfte so viele 

neue Fans gewinnen. 

(Go Jimmee/Groove Attack, 2012, 

12/47:12) pro 

MERL SAUNDERS & 

JERRY GARCIA 

KEYSTONE COMPANIONS – 

THE COMPLETE 1973 FANTASY 

RECORDINGS 

Großzügige Erweiterung 

der beiden 

KEYSTONE-COM- 

PANIONS-LPs. Auf 

vier CDs gibt es nun 

erstmals die kompletten 

Mitschnitte 

zweier Konzerte von Jerry Garcia und 

Merl Saunders, bei denen sich die beiden 

zusammen mit John Kahn (b) und 

Bill Vitt (dr) einmal quer durch ein alles 

andere als alltägliches Programm aus 

Broadway-Jazz, Motown-Soul, Blues 

und Rock’n’Roll spielen. Neben sieben 

bisher unveröffentlichten Tracks macht 

die Box auch mit dickem Booklet und 

diversen Sammler-Gimmicks (Poster, 

Bierdeckel, Ansteckbutton) eine Top- 

Figur. 

(Concord/Universal, 1973, 4 CDs) us 

GLEN CAMPBELL AND 

JIMMY WEBB 

IN SESSION 

CD/DVD-Doppelpack eines der erfolgreichsten 

amerikanischen Songwriter- 

Duos, keiner konnte Jimmy Webbs Lieder 

so gefühlvoll in Szene setzen wie Glen 

Campbell. Webb spielte Klavier, Campbell 

sang und spielte Gitarre, so präsentierten 

sie in zwei Sessions für das kanadische 

Fernsehen Hits wie “Wichita 

Lineman”, “Galveston” und “Where’s 

The Playground Susie”. Die amerikanische 

Journalistin Lee Hildebrand 

schrieb den bewegenden Begleittext für 

das Booklet, erzählt die Geschichte über 

die Triumphe und das tragische Ende ihrer 

musikalischen Zusammenarbeit. 

(Concord/Universal, 2012, 9/35:41, 

DVD 43 Min.) 

us 

LAU 

RACE THE LOSER 

Neuestes Werk des zurzeit wohl innovativsten 

und besten Folktrios aus Großbritannien, 

produziert vom omnipräsenten 

Tucker Martine aus Nashville, Tennessee. 

Wie gewohnt sind die (größtenteils) instrumentalen 

Stücke von Kris Drever (g, 

voc), Martin Green (acc, p) und Aidan 

O’Rourke (fiddle) weder überladen noch 

allzu gefällig angelegt, passen sich eher an 

die raue und unwirtliche Natur ihrer schottischen 

Heimat an. Dennoch – oder gerade 

deswegen – nimmt einen diese Musik von 

den ers ten Tönen an gefangen, gelingt es 

RACE THE LOSER, unglaublich viel Atmosphäre 

zu erzeugen. 

(Reveal Records/Import, 2012, 9/44:52) us 



BEST OF BOND ... JAMES BOND 

Mit 50 Titeln feiert diese Doppel-CD das 

50-jährige Jubiläum der James-Bond- 

Filme. Schon von Beginn an war es eine 

Auszeichnung, einen Bond-Song singen 

zu dürfen, dementsprechend hochklassig 

ist auch die Reihe der Künstler, von Shirley 

Bassey (“Goldfinger”), Paul McCartney 

& Wings (“Live And Let Die”), Sheena 

Easton (“For Your Eyes Only”), Sheryl 

Crow (“Tomorrow Never Dies”) bis zu 

Madonna (“Die Another Day”). Neben 

den Songs gibt es noch das Beste aus den 

Filmmusiken, größtenteils gespielt vom 

John Barry Orchestra, auch hier gibt es 

zeitlose Klassiker zu hören. 

(Capitol/EMI, 2012, 23/77:21, 

27/78:19) us 

PORCUPINE TREE 

OCTANE TWISTED 

Nachdem die Porcupine-Tree-Mitglieder 

das letzte Jahr für zahlreiche Solo-Aktivitäten 

nutzten, war klar, dass ein neues 

Album aller Wahrscheinlichkeit nach 

wohl ein Livemitschnitt werden dürfte. 

Voilà, hier ist OCTANE TWISTED, das 

auf zwei CDs die 2010er Tour dokumentiert, 

in deren Verlauf derer sie damals 

ihren Fans THE INCIDENT vorstellten 

– aber neben den neuen Songs natürlich 

auch noch einiges an älteren Stücken mit 

im Programm hatten. 

(Kscope/edel, 2012, 14/56:43, 7/71:42) us 

HAWKLORDS 

WE ARE ONE 

1978 brachten ehemalige 

Hawkwind- 

Musiker unter dem 

Namen 

Hawklords 

ihr bislang einziges 

Album, 25 YEARS 

ON, heraus. 34 Jahre 

später veröffentlichen sie nun ihr zweites: 

WE ARE ONE. Freunde von Space-, 

Hard-, Stoner- und Prä-Punk-Rock à la 

Hawkwind und The Stooges werden an 

den harten Riffs und spacigen Soundbeigaben 

ihre wahre Freude haben. 

(Hawklords/Broken Vinyl, 2012, 

15/75:14) frs 

THE DUST BUSTERS WITH 

JOHN COHEN 

OLD MAN BELOW 

Pflichtalbum für Freunde von Old- Time- 

Music: Zusammen mit John Cohen, 

dem legendären Gründungsmitglied 

der New Lost City Ramblers (vor denen 

Grateful Dead sich in ihrem Song 

“Uncle John’s Band” verbeugten), spielen 

die drei jungen Musiker der Dust 

Busters auf OLD MAN BELOW wunderbar 

altmodischen, amerikanischen 

Folk aus den 30er Jahren. Die Songvorlagen 

haben sie von alten Okeh-, 

Victor- oder Folkways-Shellackplatten; 

Banjo, Fiddle, Gitarre und Mandoline 

sind die Hauptinstrumente, dazu ab und 

zu etwas Piano oder Harmonium. Klasse 

auch das dicke Booklet, in dem jeder Titel 

detailliert vorgestellt wird. 

(Smithsonian Folkways Recordings/ 

Galileo Music Communications, 2012, 

20/61:21) us 


DVD 

REVIEWS 

PAT METHENY 

THE ORCHESTRION PROJECT 

Pat Metheny hat 

während seiner Karriere 

die Fans immer 

wieder durch unverhoffte 

stilistische 

Extravaganzen begeistert. 

Mit THE 

ORCHESTRION 

PROJECT erforscht 

er sowohl musikalisch 

als auch technisch neues Terrain. Im 

Grunde genommen ist das Orchestrion ein 

Ein-Mann-Orchester, da Metheny mit seiner 

Gitarre durch technische Raffinessen 

verschiedenste Instrumente ansteuert und 

in einem höchst individuellen Soundbild 

vereint. Ein Piano, verschiedene Glocken, 

Perkussioninstrumente allgemein und auch 

ein Vibrafon gehören zu den Klangkörpern, 

mit denen er seinen ruhigen, mal aufwühlenden 

und dann wieder hochexperimentellen 

Modern Jazz performt. Die erste DVD 

zeigt die faszinierende „Orchestrion Suite” 

und bekannte Songs wie “Unity Village” 

oder “Antonia”, bei denen zu keiner Sekunde 

Langweile aufkommt. Auf der zweiten 

DVD wird das Projekt ausgiebig vorgestellt, 

und auch Clips von den Sessions zum 

2010 erschienenen Album sind zu sehen. 

Abgerundet wird das Ganze mit einem 

Interview mit Metheny selbst. Klasse und 

innovativ! 

(Eagle Vision/edel, 2012, 173 Min.) at 

PETER GABRIEL 

SO 

Wer neben den zusätzlichen 

Tracks 

und Live-Aufnahmen 

(siehe Highlight 

Box diese Ausgabe) 

von Peter Gabriels 

SO auch noch einen 

Blick auf die Entstehungsgeschichte 

dieses epochalen Albums 

werfen möchte, für den kommt diese 

Blu-ray aus der „Classics Album”-Reihe 

wohl genau zur richtigen Zeit. Dabei dürfen 

die zahlreiche Künstler, die an der Entstehung 

dieser Musik und seiner bahnbrechenden 

Videos beteiligt waren, ihre Sicht 

der Dinge erzählen. Neben Jerry Marotta, 

Manu Katché und Tony Levin hört man natürlich 

auch Peter Gabriel selbst, sowie den 

Co-Produzenten Daniel Lanois und Toningenieur 

Kevin Killen. Interessant ist auch das 

gut 30 Minuten umfassende Bonus-Material 

(u.a. „The Making Of Sledgehammer”), das 

in der ursprünglichen TV-Version nicht zu 

sehen war. 

(Eagle Vision/edel, 2012, 94 Min.) us 


CHICO & RITA 

Der 

Animationsfilm 

ist in den vergangenen 

Jahren 

erstaunliche 

Wege 

gegangen. Streifen 

wie 

„Persepolis” 

oder „Waltz With 

Bashir” haben sich 

ungewöhnlicher, 

bis dato als eher 

zeichentrickfern eingeschätzter, teils 

brisanter Themen angenommen. In dieser 

Reihe ist auch die spanisch-britische 

Koproduktion „Chico & Rita” zu sehen, 

die die dramatische und bewegende Liebesgeschichte 

eines Musikerpaars in Havanna 

und New York in den späten 40er 

Jahren zum Höhepunkt der Afro-Cuban- 

Jazz-Welle erzählt. Statt mit computeranimierter, 

temporeicher Disney- oder 

Pixar-Ästhetik beeindruckt der mit vielen 

internationalen Preisen ausgezeichnete, 

für den Oscar nominierte Trickfilm mit 

ruhigen, ästhetischen, in Handarbeit und 

mit viel Liebe zum Detail gezeichneten 

Bildern. Im Soundtrack läuft die heiße, 

rhythmische Musik von Dizzy Gillespie, 

Cole Porter, Thelonious Monk und Bebo 

Valdés. 

(Good Movies/Indigo, 2012, 93 Min.) frs 

PAUL McCARTNEY 

LIVE KISSES 

Die 

Bezeichnung 

Dokumentation trifft 

es im Falle Paul 

McCartney zu 100 

Prozent. Denn LIVE 

KISSES – FROM 

CAPITOL 

STU- 

DIOS, 

HOLLY- 

WOOD dokumentiert 

im wahrsten Sinne 

des Wortes. Und zwar die Aufführung von 

13 Songs seines im Februar veröffentlichten 

Album KISSES ON THE BOTTOM. 

Darauf hatte der Ex-Beatle jazzig angelegte 

Standards croonermäßig neu interpertiert, 

die er einst durch seinen Vater kennen gelernt 

hatte. Live offerierte McCartney aber 

nicht nur die per Stream im Internet übertragenen 

und vom öffentlich-rechtlichen 

Sender PBS ausgestrahlten Stücke, sondern 

gab mit Produzent Tommy LiPuma 

ein ausführliches Interview, desgleichen 

seine Mitstreiter/Gäste wie Diana Krall, 

Eric Clapton und Joe Walsh. Die Gespräche 

wurden zwischen die Songs gebaut und 

um einen reichhaltigen Bonus-Teil ergänzt 

– herausgekommen ist eine erstklassige 

Doku eines speziellen Ereignisses, perfekt 

als Weihnachtsgeschenk geeignet. 

(Eagle Vision/edel, 2012, 127 Min.) pro 

BERLUC 

DAMALS WAR’S … 

IM FERNSEHEN 

Diese DVD ist 

ein reines Fan- 

Geschenk: 

Von 

Schlagzeuger 

Dietmar 

Ränker 

selbst 

produziert 

und im Eigenvertrieb 

unter die 

Leute 

gebracht, 

beinhaltet sie lediglich 

zwölf TV-Auftritte der ostdeutschen 

Heavy-Rock-Speerspitze Berluc aus 

der Zeit zwischen 1978 und 1989. Ränker 

hat dafür in den MDR-Archiven gewühlt 

und sich die Genehmigung zur Veröffentlichung 

geholt. Und was in Sachen 

Qualität und Ausstattung eher bescheiden 

rüberkommt, dürfte Anhängern der Band 

Freudentränen in die Augen treiben. Chronologisch 

sortiert sind neben dem Metal- 

Gassenhauer “No Bomb” von 1983 weitere 

Hits wie “Die Erde lebt”, “Gradaus” 

oder “Das in hundert Jahren” zu sehen. 

Kurios, wenn beim Auftritt Berlucs mit 

“Bleib Sonne bleib” in der Jugendsendung 

„Rund” der Moderator die Musik zwischen 

Pink Floyd und Manfred Mann verortet 

und konstatiert, dass die Band „hörbar und 

eingängig” sei, „ohne Krach und gewaltige 

Phonstärke”. Deutlich macht die Zusammenstellung, 

dass Sänger Manfred Kähler 

im Osten ein absoluter Ausnahme-Frontmann 

war, der Berluc trotz des durchaus 

charismatischen Ralf Dohanetz (mit drei 

Songs auf der DVD vertreten) nach seinem 

Ausstieg 1988 schmerzlich fehlte. 

(Eigenproduktion, 2012, 51 Min.) jub 

PAUL SIMON 

LIVE IN NEW YORK CITY 

Mit SO BEAUTI- 

FUL OR SO WHAT 

kehrte Paul Simon 

2011 nach einigen 

Jahren Albumpause 

grandios zurück. Zudem 

ging er wieder 

ausgedehnt auf Tour, 

die ihn für wenige 

Stationen auch nach 

Deutschland führte (siehe Live-Bericht im 

GoodTimes 5/2011). Das Abschlusskonzert 

des USA-Abschnitts seiner Welttournee gab 

er am 6. Juni in der New Yorker Webster 

Hall, einem historischen Theater, das nur 

1200 Zuschauer fasst. Den Gig ließ Simon 

in Bild und Ton aufzeichnen, das Ergebnis 

ist jetzt auf der großartigen Live-DVD bzw. 

-Blu-ray (wahlweise plus songidentischer 

Doppel-CD) LIVE IN NEW YORK CITY 

zu bewundern. Die Bildführung ist angenehm 

ruhig, im Vordergrund steht die Musik. 

Aus Simons gut eingespielter Begleitband 

stechen insbesondere Gitarrist Mark 

Stewart und Bassist Bakithi Kumalo (der 

schon auf GRACELAND mitwirkte) hervor. 

Das Repertoire reicht mit “The Only 

Living Boy In New York” und einem superb 

solo vorgetragenen “Sounds Of Silence” 

zurück bis in Simon & Garfunkel-Zeiten, 

streift die 70er Jahre (“50 Ways To Leave 

Your Lover”, “Still Crazy After All These 

Years”), die World-Music-Phase (“The Boy 

In The Bubble”, “Diamonds On The Soles 

Of Her Shoes”) und landet schließlich bei 

den wunderschönen Songs von SO BEAU- 

TIFUL OR SO WHAT. 

(Hear/Universal, 2012, DVD 93 Min., 

CD 10/48:16, 10/45:09) 

frs 

THE DOORS 

LIVE AT THE BOWL ’68 

Die altehrwürdige 

Hollywood Bowl 

gehörte in den 

Sechzigern zu den 

wichtigsten Veranstaltungsorten 

der 

USA, und wer es 

geschafft hatte, das 

dortige Publikum 

zu überzeugen, 

durfte sich auf weitere Gigs freuen. Zum 

ersten Mal ist nun das gesamte Konzert der 

Doors zu sehen, und das auch noch in einer 

guten Qualität, da die alten Filmaufnahmen 

sorgsam restauriert wurden. Zwar mussten 

DVD – Blu-ray 

die Techniker bei einem Track wie zum Beispiel 

“Hello, I Love You” ein wenig schummeln, 

da damals die Gesangs-Audiospur bei 

der Nummer streikte, aber das Ergebnis (ein 

Zusammenschnitt von einzelnen Phrasen 

des Gesangs von Jim Morrison aus anderen 

Konzerten) verblüfft. Ein gelungenes Konzert, 

wenn auch nicht das beste der Doors, 

da Morrison bei einigen Passagen neben 

sich zu stehen scheint. Zu den zahlreichen 

Bonus-Features zählen Interviews mit den 

noch lebenden Bandmitgliedern, ein Bericht 

über das Konzert, zwei Clips aus TV-Shows 

(besonders sehenswert “Light My Fire” aus 

der Jonathan Winters Show mit psychedelischen 

Effekten) und ein Video zu “Gloria”. 


THE WHO 

LIVE IN TEXAS ’75 

Diese DVD ist ein 

wahres Ärgernis! 

Warum? Jeder, aber 

wirklich jeder wird 

sich ärgern, nicht bei 

diesem packenden, 

rauen und gleichzeitig 

gefühlvollen 

Konzert vom 20. 

November 1975 dabei 

gewesen zu sein! Sowohl Bild als auch 

Ton (einen Hauch zu höhenreich) wurden 

von dem Mischschpult-Ass Jon Astley erstklassig 

restauriert, so dass sich nicht nur 

Fans der legendären Gruppe auf fast zwei 

Stunden blendende Unterhaltung freuen 

dürfen. Beginnend mit “Substitute”, bei 

dem The Who für ordentlichen Druck sorgen, 

geht es weiter mit Klassikern (“Baba 

O’Riley”), Material aus TOMMY (“Acid 

Queen”, “Pinball Wizard”) und dem unvermeidlichen 

“My Generation”. Nach fast 

zwei Stunden könnte man meinen, dass den 

Jungs die Puste ausgegangen ist, doch die 

Abfolge “Roadrunner”, “Won’t Get Fooled 

Again” und ein erstklassiges “Magic Bus” 

belehren jeden Zweifler eines Besseren. 

LIVE IN TEXAS ’75 ist eines dieser Konzerte, 

bei denen sich der Nachwuchs mal 

eine Scheibe in Sachen Classic Rock abscheiden 

kann – und zwar eine dicke. 


CITY 

40 JAHRE CITY – DAS KONZERT 

„Live aus dem Tempodrom, 

Berlin” 

heißt der Untertitel 

des Mitschnitts des 

Konzerts, mit dem 

City am 23. März 

2012 ihr 40-jähriges 

Bestehen feierten. 

Ungewöhnlich: Sänger 

Toni Krahl dankt 

den Fans explizit, bevor die Aufzeichnung 

startet. Die Ost-Rockveteranen waren prächtig 

in Form, rockten satt mit dreiköpfiger 

Bläserverstärkung und erhielten Besuch von 

Anna Loos und Uwe Hassbecker von Silly 

oder Dieter „Maschine” Birr (Puhdys), die 

bei je einem neuen City-Titel mitsangen und 

eine eigene Nummer beisteuerten. Höhepunkt 

ist das Finale “Casablanca” mit allen 

Beteiligten (inklusive Die Zöllner). Die bei 

Songübergängen eingebauten Statements 

stören nicht; zwei der auf DVD ausgelas- 


DVD 

REVIEWS 

senen Nummern werden im sehenswerten 

Bonus-Teil nachgereicht. Der enthält zudem 

eine halbstündige Doku des Geschehens vor 

und nach der Show. Sehr empfehlenswert! 

Bestens geeignet auch für City-Nichtkenner, 

um sich mit der Band vertraut zu machen. 

(Sony Music, 2012, 145 Min.) pro 

STATUS QUO 

HELLO QUO 

Mit Songs wie 

“Pictures 

Of 

Matchstick Man” 

und “Gerdundula” 

begannen 

Status 

Quo Ende der 60er 

Jahre ihrer Karriere, 

erreichten ihre 

größten 

Erfolge 

– mit gefeierten 

Alben wie PILEDRIVER und QUO – während 

der 70er, bevor sie nach einigen Umbrüchen 

seit Mitte der 80er zu Konstanten der 

britischen Rockszene wurden, regelmäßige 

Tourneen und neue Alben inklusive. Was es 

hier in einem Satz zu lesen gibt, bietet HEL- 

LO QUO in über zwei Stunden. Neben den 

überraschend humorvollen Statements der 

Status-Quo-Mitglieder, die dabei nicht mit 

Anekdoten und gegenseitigen Frotzeleien 

geizen, kommen auch Kollegen wie Brian 

May, Jeff Lynne und Cliff Richard zu Wort. 

Dabei nimmt sich Regisseur Alan G. Parker 

ausreichend Zeit für seine Dokumentation, 

beleuchtet die Geschichte der Band von allen 

Seiten, lässt auch die Drogen- und Alkoholexzesse 

nicht außen vor. Führt den Zuschauer 

über den legendären „Live Aid”-Auftritt 

aus dem Jahr 1985 und die vielen großen 

und kleinen Zerwürfnisse bis hin zur emotionalen 

Reunion der Originalband – einer 

bisher unveröffentlichte Jamsession – die im 

Jahr 2011 stattfand. 

(Studiocanal, 2012, 135 Min.) tk 


SONS OF NORWAY 

Die Flagge Norwegens 

angekokelt an 

die Lederjacke gepinnt 

– da fühlt sich 

der 14-jährige Nikolaj 

doch gleich wie 

Johnny Rotten: „God 

Save The Queen”! 

Es ist 1978 und die 

Punkwelle erreicht 

auch die Vorstädte Oslos. Nikolaj (Asmund 

Hoeg), von seinen Hippie-Eltern antiautoritär 

erzogen, hat es schwerer zu rebellieren 

als der Rest seiner Clique; denn schließlich 

ist auch sein Vater Magnus (Sven Nordin, 

bekannt aus dem Film „Elling”) seit 68er- 

Tagen ein Rebell: Die Bananen, die er an 

den Weihnachtsbaum hängt, stammen – 

hoch die internationale Solidarität! – aus 

Ekuador. „Sons Of Norway” (Regie: Jens 

Lien) handelt, ähnlich wie der schwedische 

Kommunen-Film „Zusammen!”, die 70er 

Jahre auf komödiantische Weise ab. Nikolaj 

findet schließlich einen Weg, aufzubegehren: 

Punk. Denn der bedeutet viel mehr 

Dagegensein als Hippietum. Es braucht 

dann schließlich zwei Unfälle und einen Todesfall 

– und einen kurzen Gastaufritt von 

Johnny Rotten –, bis Vater und Sohn wieder 

zusammenfinden. „Sons Of Norway” ist 

ein schräger Film, der zwar einen Großteil 

seines Humors aus Klischees bezieht, doch 

so herrlich ins Satirische überspitzt einfach 

Spaß macht. Die DVD-Fassung des Films, 

der im Sommer in den Kinos lief, kommt 

mit zahlreichen Extras, darunter einem Making 

Of, einem Interview mit Johnny Rotten 

sowie geschnittenen Szenen. 

(Alamode/Alive, 2012, 85 Min. 

+ Bonus) frs 

QUEEN 

HUNGARIAN RHAPSODY – 

LIVE IN BUDAPEST 

In astreinem HD- 

Bild und bombastischem 

5.1-Surround-Sound 

liefert die jetzt 

veröffentlich te 

Blu-ray einen magischen 

Blick zurück 

ins Jahr 1986, 

als Freddie Mercury, 

Brian May, John Deacon und Roger 

Taylor im Budapester Népstadion 80.000 

Fans mit einer einmaligen Show begeisterten. 

Natürlich konnte damals noch keiner 

ahnen, dass diese „Magic-Tour” die letzte 

große Konzertreise von Queen war, dass es 

bald darauf auf Grund von Freddie Mercurys 

Erkrankung nur noch selten zu abendfüllenden 

Live-Aufführungen von Songs 

wie “Bohemian Rhapsody”, “Tie Your Mother 

Down” oder “Now I’m Here” kommen 

sollte. Neben dem knapp zweistündigen 

Konzert gibt es noch die 25-minütige Dokumentation 

„A Magic Year” zu sehen, die 

Queen durch ein aufregendes Jahr begleitet, 

beginnend mit dem historischen Auftritt am 

13. Juli 1985 beim Londoner „Live Aid” 

bis hin zu den Proben für die kurz darauf 

beginnende „Magic-Tour”. Neben der Bluray 

erscheint HUNGARIAN RHAPSODY 

auch als DVD sowie als 2-CD/DVD- bzw. 

2-CD/Blu-ray-Deluxe-Edition. 

(Island/Universal, 2012, 145 Min.) us 

GARY MOORE 

BLUES FOR JIMI 

Nach der CD-Version 

(siehe GoodTimes 

5/2012) ist Gary 

Moores Verbeugung 

vor Jimi Hendrix nun 

auch optisch zu erleben. 

Die DVD bietet 

ohne Bonus-Ergänzungen 

(aber mit informativem 

Booklet) 

das identische Set von Moores Gastspiel 

am 25.10.2007 im Londoner Hippodrome 

mit Darrin Mooney (dr) und Dave Bronze 

(b, voc). Blautöne dominieren bei der nicht 

übermäßig inspirierten filmischen Wiedergabe. 

Das Trio hielt sich dicht an die Originale, 

auch wenn Moore diverse eigene Duftmarken 

setzte; es agierte tighter, als es der Fall 

war beim Gastspiel der Hendrix-Mitstreiter 

Mitch Mitchell (dr) und Bill Cox (b) mit 

Moore am Ende der Show. Neben den durchaus 

beeindruckenden Performances gewinnt 

dieses musikalische Dokument dadurch an 

Bedeutung, dass Moore (2011) und Mitchell 

(2008) inzwischen mit Hendrix in der Himmelsband 

spielen. 


HERBERT GRÖNEMEYER 

UNS REICHT DAS NICHT 

Gut zwei Jahre bevor 

Marius Müller- 

Westernhagen im Kinofilm 

„Theo gegen 

den Rest der Welt” 

(1980) den Aufmüpfigen 

gab, schlüpfte 

Herbert Grönemeyer 

für die WDR-Fernsehproduktion 

„Uns 

reicht das nicht” in eine ähnliche Rolle. 

Erstaunlich, mimte doch Grönemeyer, 

dem zu Beginn seiner Karriere Musik 

und Schauspielerei gleich wichtig waren, 

in späteren Filmen („Frühlingssinfonie”, 

„Das Boot” etc.) den eher sensiblen Typ. 

In der vergessenen TV-Perle „Uns reicht 

das nicht” (Regie: Jürgen Flimm), die seit 

ihrer Ausstrahlung im Jahr 1978 nicht 

mehr wiederholt wurde und nun auf DVD 

veröffentlicht wird, spielt er den rebellischen 

Schlosserlehrling und Freizeitrocker 

Gerd. Der schmeißt seine Ausbildung 

und hängt lieber ab mit seiner Freundin 

Anna (dargestellt von Grönemeyers späterer 

Ehefrau Anna Henkel) und seinem 

Kumpel Jörg (in einer grandiosen Rolle: 

der junge Uwe Ochsenknecht). Sie wollen 

frei sein – doch eine ihrer Motorradtouren 

endet in einer Easy-Rider-haften Tragödie 

... Die DVD-Ausgabe des im typischen, 

mitunter etwas steifen 70er-Jahre-Sozialrealismus-Stil 

gedrehten Film enthält als 

Extras unter anderem eine Bonus-CD mit 

der – sehr jazz-rockigen – Filmmusik des 

Ocean Orchestra (Grönemeyers erster Albumproduktion!) 

sowie einen Audiokommentar 

des Regisseurs. 

(Turbine Medien, 1978/2012, 105 Min.) frs 

THE LUCKY PETERSON 

BAND FEATURING 

TAMARA PETERSON 

LIVE AT THE 55 ARTS CLUB 

BERLIN 

Wenn schon, denn 

schon: Gleich die 

erste DVD-Veröffentlichung 

des 

amerikanischen 

Bluesmusikers Lucky 

Peterson erscheint 

als luxuriöser 

Premium-Pak 

mit drei DVDs und 

zwei CDs. Schnell hat der charismatische 

Gitarrist (unterstützt von einer klasse 

Liveband!) das Publikum des Berliner 55 

Arts Club mit unbändiger Spielfreude auf 

seiner Seite, sucht (und findet) den Kontakt 

zu seinen Fans. Als dann noch seine 

Frau Tamara mit ihrer wunderbar souligen 

Stimme aus dem Backstage-Bereich auftaucht 

und singend durch die Zuschauer in 

Richtung Bühne tanzt, wird dieses Konzert 

zur perfekten Show zwischen Blues und 

Soul. Flirtend improvisieren sie miteinander, 

kokettieren mit den Erwartungen der 

Fans, bringen es mit folgendem Zitat auf 

den Punkt: „We are the new Ike and Tina 

Turner – except all the fighting!” Zwei 

DVDs (bzw. CDs) bringen das komplette 

Konzert (rund 160 Min.), eine dritte DVD 

(45 Min.) ist den „Special Features” vorbehalten: 

Proben, Behind-The-Scenes, 


Interviews und vier Songs der Backing- 

Band. 

(Blackbird Music/Soulfood, 2012, 

3 DVDs, 215 Min.) tk 


ROADCREW 

Vor jedem Konzert 

sieht man sie mit 

dem Bühnenaufbau 

beschäftigt: 

die Roadies. Doch 

während die Künstler 

im Rampenlicht 

stehen, bleiben 

die, die hinter den 

Kulissen für den 

reibungslosen Ablauf sorgen, unbekannt. 

Regisseur Olaf Held gibt in seiner Doku 

„Roadcrew”, seinem Abschlussfilm für 

die Hochschule für Film und Fernsehen 

(HFF) in Potsdam, einigen von ihnen ein 

Gesicht. Hauptprotagonisten sind die drei 

Chemnitzer Axel, Tino und Jan, die schon 

seit Jahren im legendären Bühnenteam Das 

Dreckige Dutzend für die Toten Hosen und 

Die Ärzte unterwegs sind. Der im cinémavérité-Stil 

– direkt, nah, ungestellt und 

ohne Off-Kommentar – gedrehte Film geht 

u.a. Fragen nach, wie lange man ein Leben 

on the road führen kann, ob feste Beziehungen 

und Familie möglich sind, und was 

dran ist am Hotelzimmer-Zertrümmer- 

Mythos, der so mancher Band vorauseilt ... 

In Interviews kommt auch Toten-Hosen- 

Bassist Andreas „Andi” Meurer zu Wort. 

(Good Movies/Indigo, 2012, 

81 Min.) frs 

PETER FRAMPTON 

FCA! 35 TOUR – AN EVENING 

WITH PETER FRAMPTON 

Das mystische 

Kürzel FCA! 35 

TOUR beschreibt 

natürlich nichts 

anderes als die 

Feierlichkeiten 

zu Ehren des 35. 

Geburtstags von 

FRAMPTON 

COMES ALIVE. 

Im Zuge seiner 2011/12er Welttournee 

wurden zwei Shows vom Februar dieses 

Jahres im New Yorker Beacon Theatre 

und im Pabst Theater in Milwaukee 

mitgeschnitten. Aus diesem Material 

wurden dann die beiden Discs zusammengestellt. 

Gespickt mit Klassikern wie 

“Show Me The Way”, “Do We Feel Like 

We Do” und “Baby, I Love Your Way” 

umfasst die erste DVD das komplette Erfolgsalbum 

(im Original 1976 veröffentlicht), 

während sich die zweite DVD auf 

Songs von Framptons neueren Alben wie 

FINGERPRINTS oder THANK YOU 

MR. CHURCHILL sowie auf ein paar 

ganz alte Nummern wie “I Don’t Need 

No Doctor” aus der Humble-Pie-Zeit 

konzentriert. Als Bonus-Material gibt es 

„The Phoenix” zu sehen, Peter Framptons 

Reunion mit seiner geliebten (und 

lange verschollenen) Gibson Les Paul 

Gitarre, die er während der 2012er Tour 

auf der Bühne spielte. 

(Eagle Vision/edel, 2012, 2 DVDs, 

189 Min) tk 


DVD 

REVIEWS 

MOTÖRHEAD 

THE WÖRLD IS OURS – VOL. 2 

Kann es für einen 

Metal-Fan Größeres 

geben als 

Motörhead live 

in Wacken? Eben, 

und so punktet 

auch die zweite 

Ausgabe von 

THE WÖRLD IS 

OURS mit krachendem 

Hard Rock, mit Lemmys unverwüstlicher 

Stimme und mit einem klasse 

Streifzug durch das Werk des britischen 

Powertrios. Von “Iron Fist” rockten sie 

sich im August 2011 vor einem frenetischen 

Publikum über “The Chase Is 

Better Than The Catch” bis zu ihren Killer-Hymnen 

“Ace Of Spades” und “Overkill”. 

Mit dabei auch noch sechs bzw. 

fünf Songs, die im gleichen Jahr beim 

britischen Sonisphere Festival und beim 

(wie immer gigantischen) „Rock in Rio” 

aufgezeichnet wurden, als Bonus-Material 

gibt es Festival-Eindrücke aus Wacken. 

(UDR/EMI, 2012, 140 Min.) 

us 

BRIAN AUGER’S OBLIVION 

EXPRESS 

LIVE AT THE BAKED POTATO 

Wer Brian Auger in 

den letzten Jahren 

mit seinen Begleitbands 

Trinity oder 

Oblivion Express 

live gesehen hat und 

das Konzerterlebnis 

noch mal Revue passieren 

möchte, der 

ist bei LIVE AT THE 

BAKED POTATO genau richtig. Den in 

zwei Sets unterteilten Gig spielte der Hammond-Pionier 

der Londoner Swinging Sixties 

am 17. Juli 2005 zusammen mit Tochter 

Savanna Grace (Gesang), Sohn Karma 

D. (Schlagzeug) und dem Bassisten Derek 

Frank im kleinen Club Baked Potato in Los 

Angeles. Der Auftritt entspricht ziemlich 

genau dem, was die Familie Auger in den 

letzten Jahren auch auf deutschen Bühnen 

gezeigt hat. Die groovige Band präsentiert 

vor allem Augers Hits aus den 60er- und 

frühen 70er Jahren wie “Truth” “Season Of 

The Witch”, “Indian Rope Man” und “Light 

My Fire”. Als Doppel-Live-CD gibt es das 

Konzert schon seit einigen Jahren, das gute 

Zusammenspiel und die Club-Atmosphäre 

sind aber natürlich auf DVD um einiges 

besser zu erleben. 

(MiG/Intergroove, 2012, 130 Min.) an 

LAST SHOP STANDING 

THE RISE AND REBIRTH OF THE 

INDEPENDENT RECORD SHOP 

Inspiriert durch 

Graham Jones’ 

Buch mit dem gleichem 

Titel entstand 

diese englischsprachige 

(Achtung: 

keine Untertitel!) 

Dokumentation 

über britische Plattengeschäfte, 

wie 

sie den Wandel der Zeiten, beginnend 

in den 60er Jahren bis heute, mal besser 

oder schlechter überstanden haben. 

Neben über 20 Besitzern solcher Läden 

kommen auch Musiker wie Paul Weller, 

Johnny Marr, Billy Bragg, Norman Cook 

und Richard Hawley zu Wort, erzählen 

wie diese Orte für sie zu Tempeln musikalischer 

Entwicklung wurden, wie sie 

dort neue Musik und neue Bands kennenlernten. 

Gedreht zwischen Dezember 

2011 und Juni 2012 geht es in LAST 

SHOP STANDING aber nicht nur um die 

Vergangenheit, nicht nur darum, warum 

zurzeit statistisch gesehen drei Läden 

pro Woche dichtmachen müssen und wie 

neue Technologien diesen Trend beeinflussen, 

sondern auch darum, welche 

Wege man aus dieser Krise gehen kann. 

(Proper/Rough Trade, 2012, 50 Min.) us 

TWISTED SISTER 

A TWISTED XMAS – LIVE IN LAS 

VEGAS 

Schrill, schräg, nicht 

jedermanns Gusto – 

das waren/sind Twisted 

Sister mit dem 

(tuntig) geschminkten 

Frontmann Dee 

Snider. Entsprechend 

fiel ihre Weihnachtsfeier 

2006 

in Las Vegas aus, 

nachdem sie zuvor das Album A TWIS TED 

CHRISTMAS veröffentlicht hatten. Sechs 

Jahre später gibt es ihre Mischung aus 

selbst verfassten Weihnachtsliedern, metallisch 

überarbeiten Christmas-Klassikern 

und den Bandfavoriten zu sehen und hören 

(samt beifügter Bonus-CD). All zu groß unterschiedet 

sich das zu Sehende nicht von 

der 2007er DVD LIVE: A DECEMBER 

TO REMEMBER, die mit ähnlichem Programm 

in New York entstanden war. Wie 

gesagt, Geschmacksache – etwas für Teenager, 

die ihre Eltern schockieren wollen, für 

beinharte TS-Anhänger, Metal-Fans und 

Komplettisten. Es gibt aber auch reichlich 

gehaltvollere moderne Weihnachtsmusik! 

(Eagle Vison/edel, 2012, 104 Min., 

CD 14/71:13) 

pro 

THE BEAT 

LIVE AT THE US FESTIVAL 

Im September 

1982 und im Mai 

1983 gingen mit 

dem „US” im 

kalifornischen 

San Bernardino 

zwei Open-Air- 

Wochenenden 

über die Bühne, die an die Festivalkultur 

der späten Sechziger anknüpfen sollten. Da 

Hauptveranstalter Steve Wozniak, Mitbegründer 

der Computerfirma Apple, mehrere 

Millionen Miese machte, blieb es bei diesen 

Veranstaltungen. An beiden nahmen The 

Beat teil. Die Engländer waren zu Beginn 

der 80er Jahre die nach Madness und The 

Specials wohl bekannteste Band, die aus 

dem Stall des 2Tone-Labels hervorgegangen 

war. Mit ihrem Mix aus Ska, Reggae, 

Soul, New Wave und 60s-Mod-Pop waren 

sie äußerst erfolgreich – zumindest im englischsprachigen 

Raum. Als sie beim „US” 

auftraten, kündigten sich nach drei Alben 

und mehreren Hit-Singles (“Mirror In The 

Bathroom”, 1980, UK #4, “Too Nice To 

Talk To”, 1980, UK #7) bereits erste Auflösungsprozesse 

an. Die Mitglieder gründeten 

kurze Zeit später mit den Fine Young 

Cannibals und General Public erfolgreiche 

Nachfolgebands. Gleichwohl brannten die 

Briten mit beiden Gigs treibende Groove- 

Feuerwerke ab, die in der kalifornischen 

Sonne erst so recht zündeten. An beiden 

Festivaltagen war es glühend heiß: Auf der 

DVD, die nun die Konzerte wiedergibt, 

sieht man die Zuschauer in kurzen Hosen, 

Tops und anderer Leichtbekleidung. Beide 

Auftritte sind komplett dokumentiert, abgesehen 

von den 1982er Eröffnungsnummern 

“Ranking Full Stop” und “Big Shot”, 

deren Tonbänder hin waren. Die DVD (26 

Titel) kommt mit einer CD, die einen Bestof-Querschnitt 

von 16 Songs enthält. 

(Shout/Soulfood, 2012, DVD 100 Min., 

CD 16/58:32) 

frs 


LIVE AT MONTREUX 2012 

So schnell kam bislang 

keine DVD 

nach einem Montreux-Auftritt 

auf 

den Markt wie bei 

Herbert Grönemeyer. 

Da spielten wohl 

geschäftliche Überlegungen 

(Anhängen 

an den Erfolg der 

neuen CD I WALK) eine Rolle. Am 14. Juli 

2012 bestritt Grönemeyer den Abschluss des 

legendären Montreux Jazz Festivals – noch 

mit seinem deutschen Programm. Dabei bot 

er mit 29 Songs eine Live-Werkschau, die 

auch auf DVD mitreißend rüberkommt. Wer 

Grönemeyer länger nicht mehr konzertant erlebt 

hat wie der Rezensent, kann sich an den 

teils kräftig überarbeiteten Arrangements älterer 

Lieder erfreuen, die der Protagonist und 

seine Band mit sichtbarer Spielfreude vortrugen. 

Dazu sind die Kameras immer dort, 

wo die Musik spielt, mit vielen Close-Ups, 

ohne zu hektisch hin- und herzuspringen. 

Da bleiben wirklich keine Wünsche offen, 

wie es auf der Coverrückseite versprochen 

wird! Auch wenn es kein Bonus-Material 

gibt – aber wofür braucht’s eigentlich die 

deutschen Untertitel? 

(Eagle Vison/edel, 2012, 149 Min.) pro 

STRAY CATS 

LIVE AT MONTREUX 1981 

Kaum zu glauben, 

dass diese Aufnahme 

schon über 30 Jahre 

alt ist! Die Bilder 

geben keinen Anlass 

zu klagen, die Akustik 

ebenso wenig, 

und die Musik des 

Rockabilly-Trios aus 

New York ohnehin 

nicht. 1980 waren Brian Setzer (voc, g), Lee 

Rocker (Kontrabass) und Slim Jim Phantom 

(Minischlagzeug) vorübergehend nach London 

umgezogen, wo Dave Edmunds ihr selbst 

betiteltes Debüt produzierte. Wenig später 

gaben die Youngster ihr einziges Gastspiel in 

Montreux, rotzten ihre frühen Hits wie “Stray 

Cat Strut”, “Runyaway Boys” und “Rock 

This Town” heraus, dazu einige eigenwillige 

Cover-Versionen (“Be Bop A Lula”, Dorsey 


Burnettes “My One Desire”, Charles Underwoods 

“Ubangi Stomp”), und lieferten ein 

herzerfrischend ungeschliffenes Hybrid aus 

Rockabilly, Punkenergie und Fifties-Einflüssen, 

das man sich heute gerne noch/wieder anschaut 

und fehlende Boni gar nicht vermisst. 


MIRIAM MAKEBA 

MAMA AFRICA 

Miriam Makeba ist 

viel mehr als “Pata 

Pata”. An einer Stelle 

der Filmdoku „Mama 

Africa” beschwert 

sich die Sängerin 

(1932–2008) selbst 

darüber, wie sehr sie 

auf dieses fröhliche 

Tanzlied (USA #12) 

reduziert wird, das die Südafrikanerin 1967 

über Nacht zum Weltstar machte. Regisseur 

Mika Kaurismäki (Bruder des finnischen 

Kultfilmers Aki Kaurismäki), der schon mit 

mehreren Filmen seine Liebe zur Musik Brasiliens 

zum Ausdruck brachte, fokussiert auf 

eher weniger bekannte Facetten Makebas, 

etwa ihre umstrittene Ehe mit dem Black- 

Panther-Aktivisten Stokely Carmichael, ihr 

Anti-Apartheid-Engagement, ihre Flucht 

ins Exil oder die Trauer über den Verlust ihrer 

einzigen Tochter Bongi, die bis zu ihrem 

frühen Tod für die Mutter als Songautorin 

und Backgroundsängerin tätig war. Der Film 

zeigt in vielen Archivaufnahmen Makeba u.a. 

zusammen mit Harry Belafonte, Paul Simon 

und Nelson Mandela. In neueren Interviews 

kommen ihr Ex-Ehemann, der Jazz-Trompeter 

Hugh Masekela, die Sängerin Angélique 

Kidjo sowie zahlreiche weitere musikalische 

und befreundete Wegbegleiter zu Wort. 

(Arthaus/Studiocanal, 2012, 88 Min.) frs 

THE DOOBIE BROTHERS 

LET THE MUSIC PLAY – 

THE STORY OF THE DOOBIE 

BROTHERS 

1970 starteten die 

Doobie Brothers in 

Kalifornien als Biker-Band 

ihre Karriere, 

kämpften sich 

mit zahlreichen Stilund 

Besetzungswechseln 

durch 

höchst erfolgreiche 

70er Jahre – besonders nach dem Einstieg 

von Michael McDonald im Jahr 1976. Ausgebrannt 

und tief zerstritten brach die Band 

1982 ausein ander, versuchte in den Jahren 

darauf mit ein paar unausgegorenen Versuchen, 

wieder ins Rampenlicht zurückzukehren, 

doch erst in den frühen 90ern, mit 

einem stabilen Line-Up, neuen Alben und 

regelmäßigen Touren, war das Comeback 

von Erfolg gekrönt. LET THE MUSIC 

PLAY erzählt die über vier Jahrzehnte reichende 

Geschichte der Doobie Brothers 

mittels zahlreicher Beiträge von Management, 

Studiopersonal und Bandmitgliedern, 

von Patrick Simmons über John McFee und 

Jeff Baxter bis zu Michael McDonald. Als 

Bonus gibt es noch 48 Minuten Livematerial, 

darunter legendäre Songs wie “Long 

Train Running”, “Listen To The Music” und 

“Rainy Day Crossroad Blues”. 

(Eagle Vision/edel, 2012, 148 Min. ) tk 


PRÄSENTIERT

Books For You 

Live dabei – Mein Leben mit den Rolling Stones, den 

Grateful Dead und anderen verrückten Gestalten 

Von Sam Cutler 

2012, Hannibal 

ISBN 978-3-85445-399-4 

338 Seiten 

19,99 € 

D 

ie Stars stehen 

im Rampenlicht 

und ernten den Erfolg. 

Dabei werden 

meist die „Nebenfiguren” 

vergessen, 

die eine gelungene 

Show erst ermöglichten. 

Sie rackern 

sich ab, müssen sich 

ständig mit uner- 

warteten 

Situationen 

auseinandersetzen, 

improvisieren und werden als Dank für die 

ganze Plackerei mit einem Hungerlohn abgespeist. 

Sam Cutler gehört zu diesem Personenkreis. 

Nachdem er maßgeblich an den 

Hyde-Park-Festivals in London beteiligt gewesen 

war, engagierten ihn die Stones als 

Tourmanager für die 69er US-Konzertreise, 

die mit der Hölle von Altamont endete. 

Cutler schildert seine Kindheit, die Jugend 

im Swinging London, die ersten Drogenerfahrungen, 

die aufstrebenden Künstler wie 

Pink Floyd oder Alexis Korner lebhaft und 

sprachlich versiert. Kaum einem Autoren ist 

es bislang gelungen, die Atmosphäre eines 

gesellschaftlichen Umbruchs so hautnah 

und emotional zu präsentieren. Dann geht 

es ab in die USA, wo er mit den Stones eine 

wilde Zeit verlebt und dabei zusehen muss, 

wie Mick von einer liebestollen 70-Jährigen 

angesprungen wird! Mit der Schilderung 

des Altamont-Konzerts, bei der 

Cutler reinen Tisch macht und langjährige 

Gerüchte negiert, ist die Reise noch nicht 

beendet, denn der Autor arbeitete von nun 

an für die Acidheads von Grateful Dead 

– und erlebte die berühmt-berüchtigte 

Kanada-Reise im Festival-Train. Nicht nur 

die Anekdoten und aberwitzigen Geschichten 

sprechen für diesen vorzüglichen Band, 

sondern auch die intimen Porträts von unter 

anderem Jerry Garcia, Buddy Guy und 

besonders Janis Joplin, mit der Cutler sehr 

gut befreundet war. Nach der Lektüre legt 

der Leser den Band mit ein wenig Wehmut 

zur Seite, denn so eine Zeitreise kann nie 

lang genug sein! Packend wie ein Krimi, informativ 

wie ein Sachbuch und so bildhaft 

wie ein surreales Gemälde – noch nie ist 

es einem Autoren gelungen, diese Gegensätze 

so geschickt und mühelos in einem 

rasanten Lese-Abenteuer zu vereinen. fl 

Ein Hippie-Traum – Die Autobiografie 

Von Neil Young 

2012, Kiepenheuer & Witsch, Köln 

ISBN 978-3-462-04477-5 

475 Seiten, Hardcover mit 

Schutzumschlag 

22,99 € 

on Lebensbeich- 

aus direkter 

Hand des Künstlers 

erwarten sich Fans 

und Leser stets tiefere 

Einblicke und neuere 

Erkenntnisse, als sie 

ihnen Biografen, die 

naturgemäß alles nur 

aus zweiter Hand haben, 

liefern können. 

Lange erwartet, erscheint nun endlich Neil 

Vten 

Youngs „Ein Hippie-Traum” (der Originaltitel 

ist um einiges besser: „Waging Heavy 

Peace”). Gleich vorweg: Das Buch ist – verglichen 

etwa mit den Autobiografien von 

Bob Dylan oder Patti Smith – eher eine 

Enttäuschung. Nur wirklich Wohlgesonnene 

werden den 475-Seiten-Wälzer, den 

die Tagespresse schon fast einhellig verrissen 

hat, wirklich bis zu Ende lesen. Young, 

der als Schriftsteller debütiert, wäre besser 

beraten gewesen, sich einen Co-Autoren 

zur Seite zu nehmen. Er verheddert sich in 

Nebensächlichkeiten, erzählt mal zu ausufernd, 

mal zu sprunghaft, meist auch noch 

in einem schwachen Sprachstil. Zwar liegt 

ein gewisser Reiz darin, spontan und improvisierend 

zu Werke zu gehen (man höre 

seine Crazy-Horse-Gitarren-Solos!), aber 

Neil Young ist kein Jack Kerouac; es ist 

vermessen von ihm, wenn er an einer Stelle 

damit kokettiert: „Ich habe bisher nur einen 

einzigen Absatz überarbeitet. Aber für das 

Leben gibt es sowieso keine Rechtschreibkorrektur.” 

Gleichwohl sei das Buch all denjenigen 

ans Herz gelegt, die an der Person 

oder an dem Musiker Neil Young interessiert 

sind. Die langweiligen Stellen, etwa wenn 

Young immer wieder mit dem von ihm mitentwickelten 

Soundsystem PureTone anfängt, 

kann man bedenkenlos überspringen 

und sich diejenigen Passagen herauspicken, 

in denen es wirklich interessant wird. Etwa 

wenn Young über seine ersten musikalischen 

Gehversuche bei The Squires und Buffalo 

Springfield schreibt oder über seine geliebte 

Gibson-Les-Paul-Gitarre „Old Black”, sein 

Verhältnis zu dem viel zu früh verstorbenen 

Crazy-Horse-Mitglied Danny Whitten oder 

zu Stephen Stills, seinem Partner in guten 

wie in schlechten Zeiten. 

frs 

Bowie – Retrospektive 

Von Paolo Hewit (Einf. von Robert Elms) 

2012, edel Books, Hamburg 

ISBN 978-3-84190-159-0 

288 Seiten, 200 farb. Abb. 

29,95 € 

owies immenser 

„ Bkultureller Einfluss 

hallt immer noch nach, 

wenn ein junger Musiker 

versucht, Kunst 

und Pop, Avantgarde 

und Mainstream miteinander 

in Einklang 

zu bringen und die 

Grenzen von Theater 

und Musik zu sprengen. Es ist, vor allem 

in Großbritannien, unmöglich, sich die 

Popwelt ohne den Einfluss jenes Mannes 

vorzustellen, der vor so vielen Jahren Ziggy 

Stardust war und alle zukünftigen Generationen 

mit Sternenstaub besprenkelte.” Zu 

diesem Schluss kommt der BBC-Moderator 

Robert Elms in seinem Vorwort zum Buch 

„Bowie – Retrospektive” von Paolo Hewitt 

(britischer Mod- und Glam-Experte). Der 

reichlich bebilderte, grafisch schön gestaltete 

Prachtband (Originaltitel: „Bowie – 

Album By Album”) behandelt ausführlich 

und in chronologischer Reihenfolge alle 27 

Studio-Alben, die David Bowie seit 1967 

veröffentlicht hat. Hewitts Texte sind informativ, 

kenntnisreich und mit kritischer 

Distanz geschrieben, viele eingearbeitete O- 

Töne aus früheren Bowie-Interviews runden 

die Sache ab. 

frs 

Retromania – Warum Pop nicht von seiner Vergangenheit lassen kann 

Von Simon Reynolds 

2012, Ventil Verlag, Mainz 

ISBN 978-3-93155-529-0 

422 Seiten, Klappenbroschur 

29,90 € 

R 

evivals, Cover-Bands, 

60er/70er/80er- 

Partys, 

Jubiläums/Deluxe-Wiederveröffentlichungen: 

Wir leben 

in einem Jahrzehnt der 

Retro-Phänomene. Noch 

nie hat die Rock- und 

Popwelt so stark auf ihre 

Vergangenheit zurückgeblickt wie heute – 

auch ein Magazin wie GoodTimes lebt von 

dieser Nostalgie. Dabei waren Rock und Pop 

vor einem halben Jahrhundert einmal mit 

dem Geist der Erneuerung und dem Willen 

nach dem Jetzt und Hier angetreten. Gibt es 

etwa immer weniger gute aktuelle Musik? 

Ist die Vergangenheit zu übermächtig? Gab 

es Retro-Erscheinungen nicht auch schon 

früher? Sind in Mode und Film nicht die 

gleichen Phänomene zu beobachten? Mit 

Fragen wie diese beschäftigt sich der englische 

Musikpublizist Simon Reynolds („Rip 

It Up And Start Again”) in seinem äußerst 

lesenswerten Buch „Retromania”, das sich 

gleich mit Erscheinen in seiner englischen 

Originalausgabe 2011 zu einem der meistdiskutierten 

Pop-Bücher entwickelte. Nun 

liegt das kluge und theoriefreudige Buch 

endlich in deutscher Übersetzung vor. frs 

Plattensüchtig – Expeditionen in eine andere Welt 

Von Jürgen Schmich 

2012, www.plattensuechtig.de 

ISBN 978-3-00036-732-8 

168 Seiten; 22,00 € 

er abstreitet, dass 

WPlattensammeln 

eine Sucht ist, wer sich 

nicht eingesteht, dass 

man für diese Leidenschaft 

– natürlich im positiven 

Sinne – verrückt sein 

muss, für den ist „Plat- 

tensüchtig” das falsche Buch. Alle anderen 

werden es lieben, werden sowohl Jürgen 

Schmichs kluge, fast schon philosophische 

Betrachtungen zum Thema Plattensammeln 

als auch die ausführlichen Interviews mit 

sieben „Süchtigen” regelrecht verschlingen. 

Dabei geht es eigentlich immer wieder um 

die gleichen Fragen: Warum wird gerade dies 

und nicht das gesammelt, wo macht man die 

besten Funde, wie viel Geld ist man bereit, 

für diese Fundstücke zu bezahlen, wie ordnet 

man solch gigantische Sammlungen, ist 

es wichtiger, eine Platte zu besitzen oder sie 

zu hören, oder ob es gar schöner ist, eine 

Platte zu jagen, als sie tatsächlich zu besitzen? 

Egal, ob europäischer Jazz der Schellackzeit, 

Picture Discs, Rock’n’Roll, Beatles, 

Rolling Stones, Schlager oder Techno- und 

House-LPs gesammelt werden, agieren die 

befragten Sammler nach ähnlichen Verhaltensmustern, 

findet man auch sich selbst in 

vielen dieser Aussagen wieder. Auf alle Fälle 

ist ein Besuch auf www.plattensuechtig.de 

zu empfehlen, dort gibt es Leseproben, 

Sammlerbiografien sowie ein höchst interessantes 

Blog zum Thema. 

us 

Show wie noch nie – 50 Jahre HÖR ZU Langspielplatte 

Von Roland Butza 

2012, www.die-beatles-seite.de 

152 Seiten; 39,00 € 

lvis Presley und 

„ Edie Beatles auf 

einer Langspielplatte 

...”. Nicht ohne 

Stolz wirbt die Programmzeitschrift 

„Hör Zu” 1964 mit 

dieser Glanznummer, 

war es ihr doch gelungen, 

die beiden 

konkurrierenden Label Electrola und Teldec 

zur Kooperation zu bewegen, womit die 

vier Pilzköpfe aus Liverpool und der King 

des Rock’n’Rolls aus Memphis zum ersten 

Mal gemeinsam auf einem Album zu hören 

waren. Doch das Spektrum der Künstler, die 

es auf die legendären Hör-Zu-LPs schafften, 

war noch wesentlich breiter. Wie breit, das 

zeigt jetzt Roland Butzas Buch SHOW WIE 

NOCH NIE, in dem er das im September 

2013 anstehende 50-jährige Jubiläum dieser 

Schallplatten zum Anlass nimmt, die Veröffentlichungen 

von Maria Callas, Herbert 

von Karajan, Deep Purple, Pink Floyd, Ray 

Charles, Jimi Hendrix, James Last, der Beach 

Boys oder Heino in ganz besonderer Form 

darzustellen. Neben den Coverabbildungen, 

Hitparaden-Notierungen und Erscheinungsdaten 

liefert ein kurzer Text zu jeder Platte 

interessante Hintergrundinfos, garniert mit 

Originalauszügen aus der „Hör Zu”, in denen 

sie ihre Schallplatten und deren Künstler 

ausführlich vorstellten. Eine wunderbare 

Zeitreise, nicht nur für Plattensammler ein 

klasse Nachschlagewerk. 

us 


Cosmic Dancer: The Life And Music Of Marc Bolan Rolling Stones Worldwide IV LP/CD Releases 1971 – 2012 

Von Paul Roland 

2012, Tomahawk Press 

ISBN 978-0-95668-340-3 

304 Seiten (engl.) 

20,00 Pfund 

aul Roland 

Pveröffentlich- 

te 1979 „Electric 

Warrior”, die 

erste Bio über den 

Glam-König. 

Dadurch 

konnte er 

auf frische Informationen 

zugreifen 

und zahlreiche 

Interviews mit vie- 

len Protagonisten führen, die im Laufe der 

letzten 30 Jahre tragischerweise verstorben 

sind. Als lebenslanger T.Rex-Fan sammelte 

Roland während dieser langen Zeitspanne 

zusätzliche Fakten und legt nun ein Werk 

vor, das mehr als beeindruckt. Im Gegensatz 

zum glänzenden Bolan-Biograf Mark 

Paytress (an machen Stellen zu kritisch) 

und dem nur an der Oberfläche kratzenden 

Carl Ewens (verfasste „Born To 

Boogie: The Songwriting Of Marc Bolan”) 

ist ihm ein ausgewogenes Porträt gelungen, 

das den Werdegang von Marc Bolan 

angemessen schildert. Dabei faszinieren 

nicht nur einige unbekannte Fotos (Bolan 

zusammen mit Joan Baez und Donovan 

1965 auf einer Demo!, Bolan zusammen 

mit den Ramones) und Aufnahmen aus 

der Privatsammlung von Danielz (spielt in 

der Band T.Rexstasy), dem wohl größten 

Bolan-Fan des Planeten, sondern auch 

die vielen Coverabbildungen, Konzertplakate 

und Flyer. Letztendlich überzeugt der 

Text, denn der Autor, ein ausgebildeter 

Journalist, hat seinen Erzählstrang mit 

vielen O-Tönen angereichert und liefert 

dadurch ein authentisches Bild, bei dem 

auch die Schattenseiten des Musikers 

nicht vernachlässigt werden. Neben einer 

bislang noch nie so intensiv geschilderten 

Kindheit Marcs und der Zeit mit John’s 

Children und Tyrannosaurus Rex wird die 

T.Rex-Karriere thematisiert, gefolgt von einer 

20-seitigen Abhandlung der Zeit nach 

1977 (sehr detailliert) und einer ausgiebigen 

Discografie. Durch das Layout vermittelt 

Roland nicht nur den Menschen, 

der hinter all den tollen Songs steckt, sondern 

auch ein Gefühl für die Faszination 

der Musik, die bei vielen Fans immer noch 

besteht und die auch von jungen Hörern 

entdeckt wird – wer will da nicht schnell 

wieder ELECTRIC WARRIOR, THE SLIDER 

oder TANX auflegen? 

at 

Von Christoph Maus 

2012, Maus Of Music 

ISBN 978-3-98091-377-5 

402 Seiten, englisch/deutsch 

38,00 € 

rneut ein Band, 

Eder für Sammler 

und Bandhistoriker 

zu ihren 

unverzichtbaren 

Arbeitsgrundlagen 

zählen wird. 

Format, Bindung, 

Papier- und Druckqualität 

halten 

ebenfalls den empfohlenen, 

durch- 

weg hohen Standard der Ausgaben I-III. 

Veröffentlichtes Stones-Material – seit 

den Neunzigern trotz des hier berücksichtigten 

CD-Ausstoßes quantitativ natürlich 

rückläufig – aus der großen internationalen 

Staatenpalette ist optisch und textlich 

erfasst, soweit verfügbar gewesen; 

wiederum mit außergewöhnlichen Raritäten, 

die viele „Steinis” vermutlich nie 

in eigenen Händen halten werden. Rund 

1600 Farbabbildungen (Cover, Labels) aus 

über 50 Ländern überzeugen und dürften 

Interessenten einmal mehr auf die Jagd 

scheuchen. Neu ist diesmal der Wechsel 

der Sortierung (nach Alben) – gewiss 

Geschmacksache jedes einzelnen Käufers. 

Einen letzten Treffer könnte bzw. sollte es 

geben, wenn ein Extra-Band nachgeschoben 

würde: Speziell die deutschen Ausgaben 

aller Formate – naturgemäß noch immer 

eines der Hauptsammelgebiete hiesiger 

Fans – verlangen ganz einfach danach. 

Gründe: a) Es gab bislang keine angemessenen 

Korrekturen und Ergänzungen des 

bereits Erschienenen; b) bei existierenden 

Varianten (u.a. Labels, Cover, Schriften, 

Katalognummern) herrscht in Teilen Unterdeckung 

bzw. Nichtberücksichtigung. 

Dies alles, großzügig ausgebreitet, ergäbe 

eine weitere Ausgabe. So fehlen im aktuellen 

Kompendium z.B. die deutschen 70s- 

WEA-Exporte, die vielschichtige „Reißverschluss-Problematik” 

(STICKY FINGERS) 

kommt zu kurz, das Thema Counterfeits 

(nicht Bootlegs) ist ausgespart usw. An der 

Wichtigkeit dieses Buches bzw. der gesamten 

Reihe ändert dies nichts: Es bietet 

wiederum erweiterte Grundlagenarbeit mit 

Langzeitwirkung und bringt erneut Licht 

in einen über 40-jährigen globalen Veröffentlichungsdschungel. 

Ein Sammelschuber 

ist für Käufer aller vier Bände (nur über 

Website!) kostenlos erhältlich. bm 

Neil Young: Long May You Run – Eine Biografie in Bildern 

Von Daniel Durchholz und Gary Graff 

2012, edel Rockbuch, Hamburg 

ISBN 978-3-84190-158-3 

224 Seiten, Hardcover, ca. 400 Abb. 

24,95 € 

eitgleich 

Zmit 

Neil 

Youngs 

Autobiografie 

kommt 

eine 

neue 

Biografie 

über den 

Sänger/-Songschreiber 

und 

Gitarristen in 

die deutschen 

Buchläden. Gegenüber der nicht-chronologisch, 

etwas chaotisch angeordneten 

Lebensbeichte Youngs bietet das reichlich 

bebilderte, großformatige „Long May You 

Run” der beiden US-Amerikaner Daniel 

Durchholz und Gary Graff einen Vorteil: 

Man gewinnt sofort den Überblick. 

In vielen kurzen, gut geschriebenen und 

recherchierten Kapiteln kommen unterschiedliche 

Aspekte aus Youngs Leben zu 

Wort, angefangen von seiner Kindheit in 

der kanadischen Provinz über die Lynyrd- 

Skynyrd-Fehde („Southern Man”) und 

den Einfluss auf die Grunge-Generation 

bis hin zu seinem „Archives”-Projekt. Wie 

in einem Lexikon bieten die Kurzkapitel 

die Möglichkeit, sich dem Phänomen Neil 

Young stets von einer neuen Perspektive 

aus zu nähern. Die Texte wie auch die 

über 400 Fotos laden dazu ein, immer 

wieder in dem Buch zu blättern und zu 

lesen. 

frs 

Klaus Modick – We’d Love To Turn You On 

Von Klaus Modick & Matthias Bischoff (Hg.) 

2012, Eichborn/Lübbe 

ISBN 978-3-8479-0503-5 

224 Seiten 

18,00 € 

nd immer wieder 

Udie Beatles: Auch 

weit über 40 Jahre nach 

Auflösung der ultimativen 

Popband machen 

sich die unterschiedlichsten 

Zeitgenossen 

der schreibenden Zunft 

ihre Gedanken über das 

Phänomen Fab Four. Ein „runder” Anlass, 

seinen Gedanken darüber freien Lauf zu 

lassen, findet sich beinahe immer. Der 

mehrfach ausgezeichnete Oldenburger Literat 

Klaus Modick (Jahrgang 1951) und 

sein Kumpan, der FAZ-Theaterkritiker 

Matthias Bischoff (Jahrgang 1962), nahmen 

das Erscheinen der ersten Beatles- 

Single “Love Me Do” vor einem halben 

Jahrhundert zum Anlass, um selbst ihren 

radikal persönlichen Bezug zu den Pilzköpfen 

schreibend zu erläutern, gewannen 

in ihrer Funkton als Herausgeber parallel 

namhafte Autoren wie Frank Goosen, Elke 

Heidenreich, Thommie Bayer u.v.a., um 

sie sehr intime Anekdoten erzählen zu 

lassen, in denen John, Paul, George und 

Ringo mal mehr, mal weniger – aber immer 

irgendwie – präsent sind. „Wir hätten 

gerne auch eine Anti-Beatles-Hommage 

im Buch gehabt”, erläutert Klaus Modick, 

„aber wir haben niemanden gefunden, der 

sie verfasst. Dafür ist diese Band schlicht 

zu gut.” 

mfg 

We Rocked Salzburg 

Blondie – Parallel Lives 

Von Hannes Stiegler 

2012, Colorama Verlagsgesellschaft, 

A-5020 Salzburg 

ISBN 978-3-90269-254-2 

160 Seiten 

24,95 € 

uf Bands 

Aund 

Musiker, 

die von der 

Nachkriegszeit 

bis in die 80er 

Jahre hin ein im 

Raum Salzburg 

aktiv waren, 

wird in diesem 

großformatigen 

Buch zurückgeschaut. 

Hannes Stiegler, in Berlin geborener 

und nun in Fürstenbrunn bei Salzburg 

lebender Neuphilologe, Pädagoge, 

Schriftsteller und selbst Musiker bei der 

60er-Jahre-Band Les Marquis, nahm sich 

der Herkulesaufgabe an, die aufwändigen 

Recherchen durchzuführen, die solch ein 

umfangreiches Werk erfordern. Jede einzelne 

der Rock-, Pop- oder Tanzbands 

wird ausführlich mit Bildern, ihren Mitgliedern, 

regelmäßiger Auftrittsorten und (falls 

vorhanden ...) Plattenveröffentlichungen 

vorgestellt, beginnend mit den Flamingos 

(1954–1979) über die Hearts Of Stone 

(1966–1970) mit dem Salzburger Original 

Siegwulf Turek – 1970 beim Isle-Of- 

Wight-Festival durch einem gemeinsamen 

Smoke mit Jimi Hendrix geadelt –, bis zu 

Scheiblingseder & Gehilfen (1980–1984, 

1989–heute). Auch als langfristiges Nachschlagewerk 

ist WE ROCKED SALZBURG 

bestens geeignet, am Ende des liebevoll 

gestalteten Buches finden sich sowohl eine 

Liste aller erwähnten Bands (auch wenn sie 

kein eigenes Kapitel haben) als auch ein 

Musikerglossar mit Angabe von Bands und 

Instrumenten. Top! 

us 

Von Dick Porter und Kris Needs 

2012, Bosworth Edition 

ISBN 978-3-86543-733-4 

380 Seiten 

24,95 € 

ie beiden 

DAutoren 

stellen 

das 

frühere 

Paar 

Debbie 

Harry 

und Chris Stein 

ins 

Zentrum 

ihrer 

Monografie 

zur vor 

allem Ende der 

70er und An- 

fang der 80er Jahre äußerst erfolgreichen 

New-Wave-Gruppe Blondie. Das verwundert 

natürlich nicht, waren die beiden vom 

Beginn im New Yorker CBGB’s an maßgeblich 

für die künstlerische und konzeptionelle 

Ausrichtung zwischen Punk- und 

Disco-Pop verantwortlich. Im Gegensatz 

zu vielen anderen Büchern zur Rock-/Pop- 

Musik gelingt es den Autoren, stets die 

journalistische Distanz zu ihrem Thema zu 

wahren und und ihr Fansein in den Hintergrund 

zu stellen. Das ist im Falle von 

Blondie – „Parallel Lives” insofern einfach, 

da die musikalische Szene der 70er Jahre 

in der Lower East Side mit Gruppen wie 

den New York Dolls, Ramones, Television 

und eben Blondie äußerst lebendig war. 

Kris Needs hatte außerdem schon früh 

freundschaftliche Beziehungen zur Band 

und war als Redakteur des „ZigZag”- 

Magazins und des „New Musical Express” 

gut mit der New Yorker und auch der englischen 

Independent-Szene vernetzt. Deswegen 

ist das Buch ein mit vielen Zitaten 

von Zeitzeugen Blondies angereichertes 

Werk, dessen Lektüre nie langweilt und 

selbst ein Gewinn für Nicht-Blondie-Hörer 

sein kann. 

an 


Heft 11 1994 Heft 14 1994 Heft 4 1995 Heft 5 1995 Heft 1 1996 Heft 2 1996 Heft 3 1996 Heft 4 1996 Heft 6 1996 

Heft 5 1997 

Heft 6 1997 

Heft 2 1999 

Heft 3 1999 

Heft 4 1999 

Heft 5 1999 Heft 6 1999 Heft 2 2000 Heft 3 2000 Heft 4 2000 

Heft 5 2000 

Heft 6 2000 

Heft 1 2001 

Heft 2 2001 

Heft 3 2001 


Heft 3 2002 

Heft 4 2002 

Heft 5 2002 

Heft 6 2002 

Heft 1 2003 


Heft 1 2004 

Heft 2 2004 

Heft 3 2004 

Heft 4 2004 

Heft 5 2004 


Heft 5 2005 Heft 6 2005 Heft 1 2006 Heft 2 2006 Heft 3 2006 Heft 4 2006 

Heft 5 2006 Heft 6 2006 Heft 1 2007 

Heft 2 2007 Heft 3 2007 Heft 4 2007 Heft 5 2007 Heft 6 2007 Heft 1 2008 Heft 2 2008 Heft 3 2008 

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TIPP 

BAND OF HORSES 

Berg – Tal – Berg 

Aus Seattle im US-Bundesstaat 

Washington, einst Heimat des Grunge, 

stammt das Quintett Band Of Horses. Da 

lag es nahe, dass Sänger/Gitarrist Ben 

Bridwell und seine Mitstreiter schon kurz 

nach der Gründung 2004 einen Vertrag 

beim wegweisenden lokalen Label Sub 

Pop unterschrieben, nachdem sie 2005 

ihre „Tour EP" auf eigene Faust herausgebracht 

hatten. 

In den Anfangsjahren gab es in der Indie- 

Truppe zahlreiche Personalwechsel, „bis 

die Chemie innerhalb der Gruppe stimmte, 

schließlich ist eine Band so etwas wie 

eine Ehe, weil man ständig zusammen 

ist", beschreibt es Bridwell rückblickend. 

Zehn Mitglieder waren beteiligt, die heutige 

Besetzung mit Bridwell, Ryan Monroe 

(keys), Tyler Ramsey (g), Bill Reynolds (b) 

und Creighton Barrett (dr) spielt seit drei 

Jahren zusammen. 

Nachdem sich das Debütalbum 

EVERYTHING ALL THE TIME 

2006 zu einem Underground- 

Erfolg entwickelte – nicht 

zuletzt dank des Einsatzes der 

Single "The Funeral" in einem 

Auto-Werbespot sowie in mehreren 

TV-Serien –, schaffte es 

zwölf Monate später CEASE TO BEGIN 

erstmalig in die US-Charts (#35). Das drei 

Jahre später folgende INFINITE ARMS 

stieg in den USA bis auf Platz 7, 

schnupperte auch in Europa an 

den Hitparaden (UK #21, D #88) – 

und bescherte der Band Of Horses 

eine Grammy-Nominierung. 

„Ich bin mit Neil Young, aber 

auch den Eagles und Rolling 

Stones aufgewachsen. Ebenso 

haben mich 90er-Jahre-Bands 

wie Dinosaur Jr. oder Pavement 

geprägt", schildert Bridwell den 

musikalischen Hintergrund, der 

in den Songs seiner Band mitschwingt. 

„Wir spielen einfach, 

was uns in den Sinn kommt." 

Schrammelgitarren sind bei der Band Of 

Horses ebenso zu hören wie Folkanklänge 

und 

Country/Southern-Rockanleihen. 

„Unser neues Album MIRAGE 

ROCK ist sehr viel stärker 

als die Vorgänger eine 

Gemeinschaftsleistung. 

Ich 

habe zwar einen Teil der 

Songs allein geschrieben, aber 

jeder hat etwas beigesteuert 

– vor allem bei den Intros 

und Outros, denen wir diesmal 

auch 

dank unseres Produzenten Glyn 

Foto: © Chris Wilson 

Johns sehr viel mehr Augenmerk gewidmet 

haben." Wobei die fünf Musiker nicht 

nur in diesen Passagen ihrer eingängigen 

Songs stark mit dem Kontrast zwischen 

elektrischen und akustischen Instrumenten 

arbeiten. „Wir 

haben uns bemüht, 

dass jedes Lied 

eine eigene Note 

hat, damit es nicht 

zu gleichförmig 

klingt. Nachdem 

wir zuletzt selbst 

produziert hatten, 

wollten wir diesmal eine neutrale Instanz 

ENTDECKT – EMPFOHLEN 

dabei haben, weil der Produktionsprozess 

bislang etwas zu kompliziert verlief – und 

es war schon eine große Ehre, als 

Glyn Johns Interesse signalisierte. 

Er war es auch, der uns überzeugte, 

im Team live im Studio zu 

spielen", erzählt Bridwell. 

Die Kommunikation innerhalb des 

Quintetts scheint während der 

Entstehung von INFINITE ARMS 

nicht die allerbeste gewesen zu 

sein, wie der Anführer durchblicken 

lässt: „Wir sind fünf Männer und 

nicht immer sehr kommunikativ. 

Wir haben nicht soviel geredet, 

wohl auch um Konflikte zu vermeiden, 

was manchmal kontraproduktiv 

sein kann." 

Mit der rockigsten Nummer, "Knock, 

Knock”, startet MIRAGE ROCK und endet 

mit dem eher düster-ruhigen "Heartbreak 

On The 101". „Wir wollten, dass das 

Album Höhen und Tiefen hat – und so 

steht am Anfang gewissermaßen ein Berg, 

während ein tiefes Tal der Verzweiflung 

den Abschluss bildet. Vielleicht motiviert 

dies die Hörer, gleich wieder zum Gipfel 

zurückzukehren", begründet Bridwell die 

Songfolge. 

Philipp Roser 

RYAN McGARVEY 

Unverwechselbar 

Sein gefeiertes CD-Debüt von 2007 (!) 

kam wie aus dem Nichts, war bereits 

zum Niederknien stark und er gerade mal 

schlappe 19 Jahre jung. Bis heute hat 

der fabelhafte Gitarrist seinen Erstling 

keinem bekannten Label anvertraut, das 

ihn womöglich hätte gängeln 

können, und es darum lieber 

im Eigenvertrieb behalten; 

dennoch machte FORWARD 

IN REVERSE ihn weit über 

die Landesgrenzen hinaus 

bekannt und gehörte zu den 

gefeierten Bestsellern im 

350.000 CDs umfassenden 

Katalog des amerikanischen 

Web-Anbieters CD Baby. Und erst jetzt 

folgte die Nr. 2, REDEFINED, das zunächst 

ausschließlich für Konzertbesucher erhältlich 

war. Ryan McGarvey aus Albuquerque 

q 

nutzte fünf Jahre lang 

endloses Touren quer über 

den Globus als lehrreiche 

Entwicklungshilfe in eigener 

Sache, er wurde seitdem 

mit mehr als einem Dutzend 

Auszeichnungen überhäuft; 

und Eric Clapton wählte 

ihn 2010 aus weltweit 

4000 (!) Kandidaten für sein 

„Crossroads"-Festival in Chicago aus. Im 

Sommer 2011 kam der unverwechselbare 

Über-Player aus New Mexico erstmals 

nach Europa, in diesem Jahr konnten 

sich auch deutsche Fans von den – live 

noch umwerfenderen – begnadeten und 

mit glaubwürdigem Feeling durchsetzten 

Fähigkeiten des Jungstars 

überzeugen: Wenn der eher introvertiert 

wirkende Jungmann in 

Spiellaune ist, gilt das bekannte 

Van-Morrison-Motto „It's too late 

to stop now", und es 

geht schon mal unter 

Starkstrom über volle 

zwei, drei Stunden nonstop. 

Personalwechsel 

in der Triobesetzung 

sind keine Seltenheit: 

Wer an der Seite eines 

derart dominierenden 

Frontmanns 

antritt, 

muss wissen, dass er – ungeachtet 

der eigenen Qualitäten – auch genau 

dort verbleiben wird. Auf der aktuellen 

CD unterstützen Sam Miller 

(Bass) und August 

Johnson (Drums) 

den akribischen 

Gefühlsspezialisten. 

Ryan McGarveys 

größtes Plus ist 

bereits nach nur zwei 

Veröffentlichungen 

erkennbar: Er kann auf 

einen ganz eigenen 

Ton bauen 

– neudeutsch „signature 

sound" –, was ihn als Unikum aus 

den Heerscharen aktueller, auch ausgezeichneter 

Mitbewerber löst; atemberaubendes 

Können (sowieso), eine 

enorme spielerische Leichtigkeit und 

offenbar nie versiegender Ideenreichtum 

haben ihn bereits wie selbstverständlich 

auf Augenhöhe zum Beispiel mit 

dem inzwischen arrivierten Kollegen Joe 

Bonamassa gehievt. REDEFINED (elf ausnahmslos 

überzeugende Titel mit einer 

Laufzeit von 54 Minuten) ist – Stück 

für Stück – ein Ausbund an Variabilität: 

Höllenritte auf der Akustischen ("Four 

Graces"), traditionell-schnörkelloser Slow- 

Blues mit individuellem Garvey-Stempel 

("So Close To Heaven", ganz gewiss ein 

künftiges Repertoire-Schlachtross mit filigraner, 

feingeistiger Umsetzung) und mit 

"Prove Myself" eine perfekt inszenierte, 

zu jeder Sekunde bündige Funk-Hard- 

Rockvariation über ein immer wieder neu 

aufgenommenes Motiv. 

Doch nicht nur über den Playerschacht 

kann (und sollte) man sich diesem 

Hochkaräter annähern; denn rundum 

empfehlenswerte Kennenlern-Tipps in 

guter Klangqualität gibt es bei YouTube 

mehr als genug. Zum Beispiel bieten neun 

ausgezeichnete Titel für das Bluesmoose 

Radio im niederländischen Groesbeek 

73 Minuten McGarvey in elektrischer 

Hochform! Ebenso ein Genuss, wenngleich 

ganz anderer Machart: fünf Tracks, 

präsentiert in der Toad Tavern in Littleton, 

Colorado: ein 45-minütiges akustisches 

Solo-Inferno, darunter seine einfach 

umwerfende Paradenummer "Mystic 

Dream" vom CD-Erstling als stromloser 

Viertelstünder (alle Aufnahmen von 2011). 



Der Online- 

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GoodTimes- 

Leser 

800.000 Musik-CDs 

23.000 Vinylscheiben 

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Jimi Hendrix 

West Coast Seattle Boy: 

The Jimi Hendrix 

Anthology 

4 CDs + DVD 614 00 17 

Herbert Grönemeyer 

Live At Montreux 2012 

DVD 312 25 80 

Jeff Lynne 

Long Wave 

CD 299 84 22 

Don Felder 

Road To Forever 

CD 297 05 06 

Anyone’s Daughter 

Anyone’s Daughter 

Remaster 

CD 141 06 04 

Der Online-Service zur 

neuen GoodTimes: 

 

 

Puhdys 

Es war schön 

CD 145 17 68 

Joe Cocker 

Fire It Up 

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Steve Hackett 

Genesis Revisited II 

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Amtsgericht Osnabrück HRB 110327

Stadthalle Offenbach, 06.10.2012 

Von Uli Twelker 

Sofort volles Haus. Vollgestopfte LP- und CD-Stände nebst 

GoodTimes-Tresen vorn. Viele aufregende Großleinwand- 

Videos des HR- " 

Beat-Beat-Beat"-Archivs hinten – zwischen 

Lee Dorsey, Sandie Shaw und Jimi Hendrix. Könnte dergleichen 

nicht ewig so weitergehen? 

Ewig war jedenfalls der Mann unterwegs, der 

Ersatz für das defekte Keyboard holen sollte. 

HR-Discjockey-Legende Werner Reinke (66 

Jahre jung) berichtete wie immer launig-schrill: Die 

tastenfreien Christie würden nun den Opener machen 

– und Jeff Christie ging in die Vollen: Seit über 

20 Jahren mit Kev Moore (b) aus Alicante, Simon Kay 

(dr) und dem brillanten Leadgitarristen Adrian Foster 

lieferte er "Down The Mississippi Line", "San Bernadino" 

und ein dynamisches Remake des Beatles- 

Klassikers "No Reply". Angesichts seiner inspirierten 

Outtake-Sammlung NO STONE UNTURNED gab es 

zwischen "San Bernadino" und "Yellow River" dann 

doch zu viele Cover-Versionen: CCR müsste der begabte 

Komponist nicht bemühen, wenn auch "Sabre 

Dance"/"Hall Of The Mountain King" dank 

Foster bestach und "I Feel A Whole Lot Mike 

D'Abo 

Better" von den Byrds perfekt zum Christie- 

Stil passt. Gesamtwertung: gelungen. 

Keyboard endlich da, Racey legten los: 

Die „GoodTimes" zelebrierende Truppe ist 

noch immer mit Gitarrist & Sänger Phil 

Fursdon und Drummer Clive Wilson unterwegs 

– einem erklärten Jugendfan des 

Family- und heutigen Manfreds-Drummers 

Rob Townsend. Von 1978–1982 erschienen 

unter der Regie der Londoner Hitgaranten 

„ChinniChap" (Nicky Chinn & Mike Chapman) 

elf Racey-Singles und ein Album, SMASH & GRAB. 

So gab es reichlich Auswahl für einen äußerst druckvollen 

(manchmal zu lauten) Gig: Allem voran stand 

natürlich neben "Baby It's You", "Such A Night" und 

"Rest Of My Life" das unvergessliche "Some Girls" 

zum Mitsingen – nicht zu verwechseln mit dem Disco-Schlager 

der Stones. 

Am GoodTimes-Stand: Racey mit 

Herausgeber Fabian Leibfried (3.v.l.) 

Im Jahr 2010 eine „Beat Beat Beat"-Sensation und 

prompt zurückgeholt: The Manfreds, also Manfred 

Mann ohne Earth-verbundenen Mr. Mann, sind nun 

schon seit 21 Jahren 

mit beiden Leadsängern 

(und ganz 

trefflichen Plauderern) 

unterwegs: Paul 

„Pretty Flamingo" 

Jones und Mike 

„Ragamuffin Man" 

D'Abo, der sich mit 

Ex-Drummer Mike Hugg Keyboard-Dienste teilt. 

Tom McGuinness konnte kein Flugzeug besteigen 

– er fiel über seinen Koffer und hofft, trotz Rückenverletzung 

40 Auftritte der 50-Jahre-Jubiläums-Tour 

zu überstehen. Marcus Cliffe wechselte versiert an 

die Gitarre, mit Wayne Elliott wurde einer der besten 

Christie v. l.: Adrian Foster, Jeff Christie, Kev Moore 

H K b d Di il Fanfarenklänge sorgten für ein dramatisches Searchers-Intro 

– "Sugar & Spice" kam anfangs bei aller 

Präzision etwas cool herüber. Die alten Merseybeater 

fingen sich schnell – Bassist und Ex-Rebel Rouser 

Frank Allen, seit 48 Jahren ein Searcher, stellte Verbindungen 

zu den Fans her mit seit Jahrzehnten erprobten 

deutschsprachigen Überleitungen. Spencer 

James zeigte mit "Beach Baby" von seiner Ex-Band 

First Class, warum ihn die Seachers vor 26 Jahren holten. 

Das Medley "All My Sorrows"/"Where Have All 

The Flowers Gone" ließ alle schwelgen, "Sweets For 

My Sweet" räumte ab. Nach beseelter Interpretation 

des Byrds-Dylan-Epos "Mr. Tambourine Man" – der 

Searchers-Twangsound inspirierte einst Roger Mc- 

Guinn – kam der Höhepunkt mit "Take Me For What 

I'm Worth": Gründervater John McNally spickte seinen 

ureigenen Gitarrensound mit psychedelischen 

Tönen im Duktus von Pink Floyds David Gilmour. 

"Just A Little Rain", "Love Potion No. 9", "Needles 

Jazzbassisten 

Englands 

nach Offenbach 

dabei. Wenn Frank 

& Pins", alles 

Allen 

geflogen. "Ha Ha! Said 

sich Allen auch 

The Clown" ließ D'Abo den Vortritt, Jones konterte beim Wunschkonzert 

mit "Sha La La" und reicherte "Fox On The Run" 

mit seiner Bass-Stimme an, ehe die Band diesen entschul- 

digte, man habe 

vorletzten Hit mit einer Funk-Einlage à la Average 

das Siebziger- 

White Band ergänzte. "The One In The 

Middle" war das perfekte Vehikel, die 

Band vorzustellen: mit dabei Saxofonist/Flötist 

Simon Currie, der vor zehn 

Jahren Mike Vickers' Platz einnahm 

und die Tradition jazziger Einlagen 

etwa mit "Watermelon Man" fortführt. 

Comeback "Hearts In 

"Build Me Up Buttercup" schrieb Mike 

D'Abo einst für die Foundations, es 

Their Eyes" momentan 

nicht drauf – es war ein 

fügt sich kongenial ins Manfreds-Repertoire 

makelloses Finale ei- 

ein. Nach der 1965er Nummer 

ner perfekten „Saturday 

John 

2, "If You Gotta Go, Go Now" gab es 

McNally Night Out". 

mit der 1968er Pole-Position "Mighty 

Quinn" einen weiteren Bob-Dylan-Song – und dki kein 

Halten mehr. Die Zugabe "Doo Wah Diddy Diddy" 

vergoldete Paul Jones mit einem genial-bluesigen 

Mundharmonikasolo samt Mozarts "Kleiner Nachtmusik". 

Die Fans waren derart engagiert dabei, dass 

DJ Reinke nach Gig-Schluss einfach weitersingen ließ 

– Kabinettstück! 

In dieser Form das letzte Mal? Bei „Beat Beat Beat" 

wird es 2013 zu einer einmaligen Pause kommen. Ab 

2014 geht es mit geändertem Motto weiter: „Musik 

der 60er bis 80er" – und mit Sweet, Chris Thompson 

und nun Racey hatte das ja ohnehin längst begonnen. 

2016 folgt eine große Sonderveranstaltung zu 

50 Jahren „Beat Beat Beat". 

Paul Jones 

Fotos: © NikMa Verlag / Andrea Leibfried 


KLASSIK TRIFFT POP 

Family 

Von Philipp Roser 


Zwei Konzerte – 

oder mehr? 

Es war eine echte Überraschung als die Meldung die Runde machte, dass 

die britische Kultband Family sich knapp 40 Jahre nach ihrem letzten Gig 

(Leicester, Oktober 1973) reformiert. Schließlich hatten Roger Chapman 

& Co. eine Reunion der aus The Farinas/Roaring Sixties hervorgegangenen, 

ab 1966 als Family arbeitenden Combo stets abgelehnt. Da die 

für den 1. Februar 2012 angesetzte Wiedervereinigungsshow im Londoner 

Shepherd's Bush Empire schnell ausverkauft war, wurde für den Tag 

darauf ein zweites Konzert angesetzt. 

GoodTimes fragte bei 

Chappo" nach. 

" 

Wie kam es zu der Reunion? 

Ich bin in den letzten Jahrzehnten 

endlose Male gefragt worden, war 

aber mit meiner Solokarriere gut 

ausgelastet, und auch die anderen In den 70er Jahren waren die Haare 

gingen eigene Wege. Anfang des 

noch deutlich mehr und länger ... 

Jahres wurde ich wieder angegangen, und ich fragte die Kumpel. Die meinten 

Warum nicht? Es gibt offenbar eine Menge Leute, die uns sehen wollen.' 

' 

John Poli" Palmer, Rob Townsend und Jim Cregan sind dabei – was 

" 

ist mit Charlie Whitney? 

Natürlich habe ich ihn als ersten angesprochen. Er lebt seit langem in Griechenland, 

und ihm war der Aufwand für eine einmalige Show zu groß. Außer den 

Originalmitgliedern haben wir ein paar Freunde dabei: Geoff Whitehorn (g), John 

Lingwood (perc), Gary Twigg (b), Nick Payne (harp, sax), dazu Paul Hirsh (keys). 

Wir stehen zu neunt auf der Bühne, weil es bei Family ja immer ziemlich vertrackte 

Arrangements und viele Instrumente gab. Im Augenblick sind wir dabei, 

die Songs auszuwählen, und dann müssen wir sie wieder neu lernen. 

Bleibt es bei dieser einmaligen Sache, oder gibt es schon weitere 

Überlegungen? 

Die ersten Anfragen für Festivals im UK sind schon eingegangen, auch die deutscher 

Veranstalter. Aber jeder von uns hat seine Verpflichtungen. In erster Linie 

kommt es sowieso darauf an, wie die Shows im Februar laufen. Ich denke, dass es 

keine Enttäuschung werden wird, aber man kann sich ja nie hundertprozentig sicher 

sein. Dann wird man weitersehen, aber wer weiß, ich will mich nicht festlegen. 

Schneidet ihr mit? 

Da kamen auch schon die ersten Anfragen. Im Moment habe ich aber zu viel um 

die Ohren, um mich auch noch darum zu kümmern. Mal sehen, wenn ich den 

Kopf wieder freier habe – aber sinnvoll wäre es sicher. 

Wie sieht es mit neuen Studio-Aufnahmen aus? 

Von Family garantiert nicht! Ich selbst schreibe ständig, nehme immer wieder 

auch mal auf – da wird es irgendwann wohl was Neues geben. 

MICK HUCKNALL 

THE VOICE OF SIMPLY RED 

ANASTACIA 

JUPITER JONES 

NATURALLY 7 

JOHN MILES 

REMY VAN KESTEREN (HARFE) 

IL NOVECENTO • ROBERT GROSLOT 

KÖLN 

Fr 30.11.12* 20 Uhr | Sa 01.12.12 20 Uhr 

OBERHAUSEN So 02.12.12 18 Uhr + So 23.12.12 18 Uhr 

FRANKFURT 

ERFURT 

BERLIN 

HAMBURG 

BREMEN 

MÜNCHEN 

STUTTGART 

MANNHEIM 

HANNOVER 

DORTMUND 

Di 04.12.12 20 Uhr | Mi 05.12.12* 20 Uhr 

+ Sa 22.12.12 20 Uhr (komplett bestuhlt) 

Do 06.12.12 20 Uhr 

Fr 07.12.12* 20 Uhr 

Sa 08.12.12* 20 Uhr | So 09.12.12 18 Uhr 

Di 11.12.12* 20 Uhr 

Fr 14.12.12* 20 Uhr | Sa 15.12.12* 20 Uhr | So 16.12.12 15 Uhr 

Di 18.12.12 20 Uhr 

Mi 19.12.12* 20 Uhr 

Do 20.12.12* 20 Uhr 

Fr 21.12.12 20 Uhr 

TICKETHOTLINE 0 18 05 - 570 000 (0,14 €|Minute, Mobilfunkpreise können abweichen) 

TICKETS UNTER WWW.EVENTIM.DE UND AN DEN BEKANNTEN VORVERKAUFSSTELLEN 

*VIP-KARTEN ERHÄLTLICH UNTER 089 - 9 45 28 10 | VIP@PSE-GERMANY.DE | ALLE INFOS UNTER WWW.NOTP.COM 

Daten unter Vorbehalt | Produktion: P.S.E. Germany GmbH Feldkirchen/München | Örtliche Veranstaltung: P.S.E. Germany GmbH Feldkirchen/München

Anyone's Daughter 



Schwaben-Romantik 

Auch im Deutschland der frühen 1980er 

Jahre, trotz erdrückender Konkurrenz 

von Punk oder Metal in all seinen Spielarten, 

gab es noch romantischen Rock 

– nicht selten sogar hart am Rand zum Kitsch. Aus 

Schwaben kam damals Futter für die Träumer der Nation. 

Alt-Romantik-Rocker wie Novalis und Hoelderlin 

waren zu Beginn des Jahrzehnts dabei, die Segel 

zu streichen, weil sie ihre besten Zeiten hinter sich 

hatten. Doch diese musikalische Nische wurde von 

einem Quartett aus Stuttgart ausgefüllt, wenn auch 

zunächst mit englischen Texten: Anyone's Daughter. 

Der Vierer um Gitarrist Uwe Karpa und Keyboarder 

Matthias Ulmer hatte zwar schon 1972 erste zaghafte 

Schritte in die Öffentlichkeit gewagt, „doch 

erst 1979", so Ulmer rückblickend, „wagten wir den 

Sprung von der Schülerband zur Profitruppe”. 

Gleich das Debütalbum ADONIS, Ende 1979 erschienen, 

belohnte diesen Mut: rund 25.000 

verkaufte Exemplare. Ulmer: „Das war beachtlich für 

Newcomer, deren Musik kaum im 

Radio gespielt wurde." ADONIS 

umfasst lediglich vier Titel, "Herzkammer" 

ist das bis heute in Prog- 

Kreisen hochgehandelte Titelstück 

mit satten 24 Minuten Spielzeit. 

„Man hat uns mit diesem Lied gerne in die Genesis-, 

Yes- und Pink-Floyd-Ecke gestellt”, erinnert sich der 

Keyboarder. „Dieser Umstand hat uns geschmeichelt, 

denn das waren unsere ganz großen Idole. Kopiert 

haben wir ihren Sound allerdings nie.” 

Um das Debüt unters Volk zu bringen, „haben 

wir im Anschluss an die Veröffentlichung pausenlos 

getourt. Kein Jugendclub, kein Schuppen war 

vor uns sicher”, bekennt Ulmer lachend. "Adonis” 

wurde immer wieder mit Spannung vom Publikum 

erwartet und meist euphorisch gefeiert. Ulmer: „Von 

diesem Zeitpunkt an war klar, dass die Fans von uns 

in erster Linie kleine Epen erwarteten, auch wenn 

wir selbst darauf gar nicht so wild waren, weil die 

ziemlich schwierig zu komponieren sind. Aber wegen 

unserer Anhänger haben wir auf diese Erwartungshaltung 

immer mal wieder Rücksicht genommen.” 

Bereits ein Jahr nach ADONIS kam der titellose 

Nachfolger auf den Markt: musikalisch ähnlich 

gestrickt, ein wenig forscher und härter in der musikalischen 

Gangart, außerdem gab's 

keinen Song mit mehr als zehn 

Minuten Spielzeit. 1981 erschien 

Anyone’s Daughters Meis terwerk, 

das die Band endgültig zu einer 

der wichtigsten einheimischen 

Progressive- und Romantik- Rockformationen machte: 

PIKTORS VERWANDLUNGEN. Es handelte sich dabei 

um die eigenwillige Vertonung eines 1925 veröffentlichten 

Märchens von Hermann 

Hesse. Im Prinzip 

besteht die LP lediglich 

aus einem einzigen, in 13 

verschiedene Abschnitte 

unterteilten Stück. Das Album 

wurde am 18.1.1981 

während eines Konzerts in 

Heidenheim mitgeschnit- 

ten. Zum Zeitpunkt dieser 

Aufnahme 

existierte 

"Piktor” 

als 

Komposition bereits seit 

vier Jahren und war Herzstück 

jedes Auftritts von 

Anyone’s Daughter. „Trotz 

der recht melan cholischen 

literarischen Vorlage von 

Hesses Text sind wir nie Gefahr fh gelaufen, mit unserer 

Instrumentierung in pathetischem Kitsch zu ersaufen”, 

erinnert sich Matthias Ulmer. „Tatsächlich haben 

wir uns der Atmosphäre der Erzählung angepasst 

und versucht, die darin enthaltenen transzendenten 

Stimmungen in Töne umzusetzen.” 

Auf PIKTORS VERWANDLUNGEN NGEN folgte 1982 

IN BLAU – ein weiteres vom 

Prog gefärbtes Album, ebenfalls 

mit deutschen Texten: Sie waren 

weniger märchenhaft als der Vorgänger, 

dafür voller gelungener, 

kitschfreier Beobachtungen des 

Spät-Hippies aus dem Ländle: 

Anyone's Daughter 1982 (Matthias Ulmer vorn) 

modernen Lebens. „Das ist ein schönes Album”, meint 

Ulmer, „jenseits von irgendwelchen Trends und Moden, 

einfach nur darauf aus, dem Hörer angenehm in 

Erinnerung zu bleiben.” Genauso war es, was man vom 

letzten Anyone’s-Daughter-Produkt NEUE STERNE 

(1983) nicht behaupten kann. 

Diese Scheibe versuchte textlich 

und musikalisch, sich der damals 

angesagten Neue Deutsche Welle 

anzubiedern – ein Versuch, der 

wegen 

der Vorgeschichte ht der Band 

kläglich scheiterte. Ein Jahr 

später erschien LIVE, ein 

tolles 

Konzertdokument. 

Das war es mit der ersten 

Phase dieser schwäbischen 

Progressive Rockband, die 

bei aller gelegentlichen 

Unbeholfenheit bis heute 

unvergessen ist. 

Die Urbesetzung von 

Anyone's Daughter 

löste sich Mitte der Achtziger 

auf, 2000 wurde die 

Formation als Quintett 

erneut ins Leben gerufen 

und ist weiterhin aktiv. 

Der aktuelle Sänger ist ein 


schwarzer US-Amerikaner, 

„wenn er Songs von ADO- 

NIS anstimmt, wackelt live 

die Bude”, grinst Ulmer. „Dies bedeutet, dass diese 

Lieder weder etwas von ihrer einstigen Magie verloren 

haben, noch dass sie ausschließlich in Deutschland 

funktionieren.” 

Das kleine Tempus-Fugit-Label hat im Lauf der 

Jahre sämtliche fünf Studio- sowie das Live- 

Album der ersten Anyone’s-Daughter-Phase digital 

sauber remastert wiederveröffentlicht – jeweils ergänzt 

um bislang nicht auf CD erhältliche Live- und 

Studio-Aufnahmen. Ende dieses Jahres soll das letzte 

dieser Werke in den Läden stehen. Für sensible Menschen 

mit Hang zu frickelig-feinen Melodien lohnt 

sich eine Wiederentdeckung unbedingt. 



Van Morrison 

Beruf(ung): Sänger – kein " 

Plan B" 

Van Morrison ist nicht nur ein genialer Musiker; 

er ist zudem berüchtigt für seine Verschlossenheit 

auch und gerade gegenüber den Medien. 

Interviews gewährt er so gut wie gar nicht, auf 

der Bühne gibt er häufig den missmutigen Grantler. 

Umso überraschender war die Offenheit, mit der er 

die Veröffentlichung seines neuen Albums BORN 

TO SING: NO PLAN B begleitete: Morrison führte 

mit dem englischen Magazin „Mojo" ein Gespräch, 

in dem er seine frühen Gastspiele in Deutschland 

als wichtige Lehrzeit bezeichnete. „Wir mussten bei 

den Auditions in einem alten Theater am Leicester 

Square vorspielen, dort hieß es dann ja oder nein. Wir 

landeten schließlich in Heidelberg – dort lernten wir, 

wie man es macht", erinnerte „Van The Man" an die 

musikalische „Lehre mit sieben Sets am Abend, sogar 

neun am Wochenende". 

Doch auch für andere Medien stellte Morrison über 

das diesmal zuständige Label Blue Note einige wenige 

O-Töne zur Verfügung. Er habe dort (wie schon 

2003 für WHAT'S WRONG WITH THIS PICTURE?) 

unterschrieben, weil mit Don Was ein Mann als Chef 

amtiere, der um die Anliegen seiner Kollegen besser 

Bescheid wisse als ein Bürokrat. Zum CD-Titel BORN 

TO SING: NO PLAN B meinte der 67-Jährige in gewohnt 

knarziger Manier: „Der ist so gemeint, wie er 

da steht, es gibt keine verborgene Bedeutung dahinter. 

Singen ist für mich Beruf und Berufung – einen 

Plan B, eine Alternative gab und gibt es nicht.” 

Morrison weiter: „Ich habe von klein auf gesungen, 

schon in der Grundschule – dass das mal mein Leben 

bedeuten würde, ist mir allerdings erst später 

bewusst geworden, als ich das alte Lomax- 

Gitarrenbuch enteckt habe. Bis dahin hatte 

ich verzweifelt versucht, auf einer sechssaitigen 

Gitarre das zu spielen, was Leadbelly 

auf einer Zwölfsaitigen bot – davor wollte 

ich eigentlich Tierarzt werden." Morrison 

meint das heute noch erhältliche „Book Of 

American Folk Songs For Guitar" des amerikanischen 

Musik-Feldforschers Alan Lomax 

aus den 50er Jahren. Und weiter: „Die 

Tierarztpläne gab ich endgültig auf, als ich 

’Irene Goodnight’ von Leadbelly hörte, auf 

dem Sonny Terry Mundharmonika spielte." 

Auf seinem neuen Album setzt sich Morrison 

kritisch auch mit dem Bankensystem und der 

Wirtschaftskrise auseinander. Doch er wehrt sich dagegen, 

darum gleich als „Protestsänger" eingestuft zu 

werden. „Ich habe nur Beobachtungen in Songform 

gebracht. Ein Journalist, der darüber berichtet, wird 

doch auch nicht gleich als Protestierer eingestuft!" 

Der Materialismus der Gegenwart störe ihn einfach: 

„Wenn man das Radio einschaltet, geht es seit einiger 

Zeit immer nur um Geld, Geld, Geld! Heute dominiert 

oft nur noch die Gier!" 

Philipp Roser

Freddie Starr (70) 

Der Hamster-Mann 

Dave Clark (70) 

Reich mit Rolli 

Scott Walker (70) 

Prächtig, sperrig 

Die „Sun"-Überschrift „Freddie Starr hat meinen 

Hamster gefressen!" wurde 2006 zu einer 

der 

bes ten englischen Boulevard-Schlagzeilen al- 

ler 

Zeiten gewählt. Und: Vor Gericht musste 1994 

festgestellt werden, ob er beschnitten ist. Und: 

Er 

sorgte für Gesprächsstoff in der UK-Ausgabe 

der TV-Show „Ich bin ein Star – holt mich hier 

raus!" Und so weiter. Ein schräger Vogel, dieser 

Frederick Leslie Fowler, der am 9.1.1943 in Liverpool 

geboren wurde. Seit den 70ern gehörte er 

zu den gefragtesten Comedians in England, dem 

1974/75 mit "It's You" (#9) und "White Christmas" 

(#41) zwei Single- und 1989/90 mit AFTER 

THE LAUGHTER (#10) und THE WANDERER (#33) 

sogar Charterfolge gelangen. Denn er konnte auch 

Musik. Begonnen hatte alles 1961 am Mersey River. 

Fowler/Starr war neben Derry Wilkie Co-Sänger bei 

Howie Casey & The Seniors, übernahm dann von Gus 

Travis dessen Midnighters. Produzent Joe Meek griff 

Übermäßig viele Freunde unter Beatsammlern 

dürfte der Geschäftsmann Dave Clark vielleicht 

nicht haben. Diejenigen, die es mit seiner populären 

Gruppe halten, müssen sich auch mehr als 40 Jahre 

nach der Hoch-Zeit der Dave Clark Five (DC 5) mit 

CD-Reissues aus zum Teil obskuren Quellen trösten. 

Grund: Der trommelnde Bandleader hält die 

Rechte am Songmaterial und mag sich kaum zu 

Reissues aufraffen. Mit Mike Smith (voc; †), Denis 

Payton (sax; †), Lenny Davidson (g) und Rick 

Huxley (dr) gehörte Ex-Stuntman Clark – geboren 

am 15.12.1942 in Tottenham – zu einer der 

beliebtesten britischen Combos der Mittsechziger; 

vor allem jenseits des Atlantiks, wo die gern geschniegelt 

antretende Crew mit Weiß-Rolli, Blazer 

und Bügelfaltenhosen auch bei Ma & Pa den besten 

Eindruck hinterließ: 24 amerikanische Single-Hits 

zwischen 1963 und 1967 (im UK: 22 bis 1970) sind 

ein eindeutiger Beleg dafür. Populäre, handwerklich 

Vom blutjungen Plattenbesinger (siehe Good- 

Times 3/2011) zum Megastar: Noel Scott Engel 

aus 

Hamilton in Ohio, dort geboren am 9.1.1943, 

zählt zu den definitiven Kultstars der Sixties. Mit seinen 

Landsleuten John Maus (†) und Gary Leeds 

wurde er zu einer künstlichen Bruderschaft aufgebaut, 

die ab 1964 die Popwelt eroberte. Basislager 

der nicht verwandten Walker Brothers: England. 

Vorbei war die Zeit als US-Kinderstar und auch 

die als Solist, dessen erste Single schon 1957 erschien. 

Engel, außerdem ein solider Bassist, arbeitete 

in den USA außerdem schon als Studiomusiker 

und -sänger, bevor der Boom in London 

einsetzte. Seine voluminöse Stimme prägte prächtige 

Balladen wie "Make It Easy On Yourself", "My 

Ship Is Coming In", den Welt-Hit "The Sun Ain't 

Gonna Shine Anymore", "In My Room", "Archangel" 

und viele andere. Drei Studio-Alben lang war das 

Trio an poppig-orchestralem Schönklang kaum zu 

zu, rare Singles wie "Who Told You" and "It's Shakin'" 

erschienen auf Decca, verpufften aber. Mitte 1964 

wechselte Starr zu den Flamingos (u.a. mit Aynsley 

Dunbar). Da hatte er schon die Ochsentour durch 

Deutschland hinter sich, die aber Grundlage für eine 

inzwischen sehr seltene LP war: THIS IS LIVERPOOL 

BEAT (Vogue 17006) von Freddie Starr & The Star 

Boys. Sie wurde angeblich live im Iron Door Club in 

Liverpool aufgenommen, was Produzent Larry Yaskiel 

aber korrigierte: Es sind Studio-Einspielungen aus 

London, mit Beifall aufgepeppt. Starr lieferte sogar 

eine deutsche Version von "You'll Never Walk Alone" 

ab, "Du wirst niemals einsam sein". Bis 1969 blieb 

er im Musikgeschäft, dann avancierte er zu einem 

Top-Comedian mit eigenen Fernsehshows. Seine Gesundheit 

sorgte oft für Probleme, 2011 war's knapp: 

Vier Herz-Bypässe mussten gelegt werden. Nach wie 

vor ist das Unikum aktiv: für das Kinderhilfswerk Kidz 

Foundation Children's Charity. 

bm 

ausgezeichnete Titel wie unter anderem "Glad All 

Over", "Bits And Pieces", "Do You Love Me", "Red Balloon" 

("Callow-la-vita") und "Everybody Knows" gehören 

zu den Sixties-Standards mit Langzeitwirkung. 

Clark, der Clevere, war zugleich Manager der eigenen 

Band und verlegte sich ab Ende der Sechziger verstärkt 

auch aufs Produzieren von Fernsehsendungen. 

Eine Handverletzung hinderte ihn zusätzlich an einer 

intensiven Fortführung der Karriere als Schlagzeuger. 

Clark schrieb das Science-Fiction-Musical „Time", 

das u.a. mit Cliff Richard und David Cassidy zwei 

Jahre lang im Londoner Westend lief. Er sicherte sich 

obendrein die Rechte an allen Folgen der legendären 

Music-Show „Ready Steady Go!". 2008 wurden Dave 

Clark und seine Band in die Rock'n'Roll Hall Of Fame 

aufgenommen. Der Chef (auf Platten angeblich oft 

von Sessiondrummer Bobby Graham „vertreten") lebt 

zurückgezogen in einem sündhaft teuren Anwesen in 

London. 

bm 

überbieten, gab live aber auch Kostproben seines zupackenden 

R&B-Verständnisses. Dann scherte Engel/ 

Walker aus, setzte auf seine Fähigkeiten als Solist. 

Strotzten seine ersten vier Alben noch vor Können 

und Qualität, rutschten Folge-LPs mit 08/15-Material 

streckenweise ins Banale ab. Das Band-Comeback 

NITE FLIGHTS (1978) wurde vor allem durch Engels 

ungewöhnliche Songs nicht zur Durchschnittsware, 

nachdem zuvor NO REGRETS und LINES nur bedingt 

überzeugt hatten. Der Sänger zog sich zurück, beschäftigte 

sich mit Literatur und Philosophie, erdachte 

neue Kompositionen. Erst 1984 gab er sein 

Eremitendasein auf und war mit CLIMATE OF HUN- 

TER wieder greifbar; die relative Sperrigkeit seiner 

Kreationen steigerte sich mit TILT (1995) und THE 

DRIFT (2006). Seitdem hat er Instrumentalmusik für 

Bühnenwerke geschrieben (u.a. für Jean Cocteaus 

„Duet For One"), die Arbeit an einem weiteren Solo- 

Album soll er 2011 aufgenommen haben. bm 


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Chris Jagger 

Bei 

Brüdern im Rock-Pop-Business gibt es zwei Möglichkeiten: Entweder 

sie machen gemeinsam höchst erfolgreich Musik, wie die Kinks Ray 

& Dave Davies, Phil & Don Everly oder Duane & Gregg Allman. Oder sie 

gehen getrennte Wege, die sich nur selten kreuzen. Ein solches Brüderpaar 

gibt es in der Familie Jagger mit den Söhnen Mick & Chris. 

Von Hans-Jürgen Günther 

Kleiner Bruder, großer Könner 

Chris (links) mit Bruder Mick 

Chris Jagger wurde am 19. Dezember 1947 in 

Dartford, Kent, geboren. Als Micks kleiner Bruder 

hatte er es schon als Kind nicht ganz leicht. Es 

wird berichtet, dass der Große den vier Jahre jüngeren 

Chris regelmäßig verprügelt haben soll. Chris nahm 

dabei zum Glück keinen Schaden; er studierte Theaterwissenschaft 

und arbeitete danach in verschiedenen 

Bereichen, darunter Theater, Film und Textil-Design 

sowie als Dekorateur. Es folgte der übliche Hippie-Trip 

nach Indien und Nepal. Erste musikalische Zeichen 

setzte er nach der Rückkehr als Mitwirkender beim Musical 

„Hair" und den – gescheiterten – Versuchen, mit 

den Flying Burrito Brothers und Steve Cropper Platten 

zu produzieren. 

Richtig los ging es 1973. Sein Debütalbum erschien 

unter dem schlichten Titel CHRIS JAGGER – aber nicht 

gefüllt mit ebenso schlichter Musik. Zwar ähnelte er 

damals stimmlich (und optisch) Mick noch ziemlich, 

doch es wurde klar, dass er andere musikalische Vorstellungen 

hatte, nicht etwa der „unterbelichtete kleine 

Bruder" war. Die rundum gelungene Platte spielte er 

mit einem gemischten Ensemble aus wenig bekannten 

und einigen prominenten Musikern wie Roger Earl, 

Brian Belshaw und Stones-Pianist Ian Stewart ein. Und 

Bruder Mick singt bei "Handful Of Dust" mit. Zu hören 

gibt es eine feine Mischung aus Rock, Blues und 

Country, wie sie für Chris typisch werden sollte. Er trägt 

sie mit druckvoller Stimme gekonnt vor, wenngleich 

letztlich ohne Micks „Killerinstinkt". Der Promi-Faktor 

steigerte sich beim vielseitigeren und ausgefeilteren 

Nachfolger THE ADVENTURES OF VALENTINE VOX 

THE VENTRILOQUIST (1974) durch 

den Einsatz von Spitzenkräften wie 

Chris Stainton, Neil Hubbard, Peter 

Frampton, Pete Sears, Pick Withers, 

Andy Bown und Mick Waller. Verdienter 

Durchbruch? Fehlanzeige! 

Die Folge: Chris Jagger wandte sich anderen Interessen 

zu. Die 80er Jahre verbrachte er als Journalist bei verschiedenen 

Zeitschriften, bei der BBC, und er beteiligte 

sich am Film „I Got The Blues In Austin" mit Pinetop 

Perkins und Hubert Sumlin. Chris betrieb mit seinem 

Partner Pat Townshend eine Gitarrenbaufirma und entwarf 

unter anderem eine spezielle Gitarre namens „The 

Staccato", die sich auch Gene Simmons (Kiss) zulegte. 

Er half den Stones bei ihrem Album STEEL WHEELS 

(1989) und arbeitete in Frankreich für Franck Langolff, 

Produzent von Vanessa Paradis. 

Erst 1994 erschien das nächste eigene Album. ATCHA 

(in den USA als ROCK THE ZYDECO veröffentlicht) 

brachte – unter Beibehaltung bisheriger 

Errungenschaften – eine 

heftige Hinwendung zur Musik 

Louisianas und entstand mit der 

neuen Gruppe Chris Jagger's Atcha: 

Malcolm Mortimore (dr), Constance 

Redgrave (b), Ed Deane (g, steel-g) und Robin McKidd 

(Fiddle) sowie einigen Gästen wie Charlie Hart. Chris 

Jaggers Äußeres erinnerte noch ein wenig an Mick, seine 

Stimme hingegen überhaupt nicht mehr – ein Fall 

von kompletter Emanzipation, die ihm sehr gut getan 

hat. ATCHA überzeugt in jeder Hinsicht, und dabei ist 

es bei allen folgenden Alben geblieben. Die Eigenkompositionen 

haben ein scharfes Profil, verbinden uramerikanische 

Musik mit britischen Einflüssen und lassen 

es an Wiedererkennungswert nicht fehlen. Songs wie 

"Blow The Zydeco", "Whispering Wind", "Toad In The 

Hole" und "Lhasa Town" sind Hochkaräter. 

Den Nachfolger FROM LHASA TO 

LEWISHAM (1996) gestaltete Jagger 

mit Ben Waters (Piano) und 

Charlie Hart (Fiddle, Akkordeon) 

akustisch, aber nicht weniger eindrucksvoll 

mit Toptracks wie "Pretty 

Little Thing", "The Bar" und 

"Manyatela". 

CHANNEL FEVER erschien 2001 

dann wieder mit der leicht umbesetzten 

Atcha-Gruppe; Charlie 

Hart war nun Vollmitglied 

und Paul 

Emile neuer Bassist. 

Auch hier mangelt 

es nicht an Spitzenliedern wie "Channel Fever", "Law 

Against It" und "Arms Of Kari-Ann". 

Die identische Besetzung spielte 

2006 ACT OF FAITH ein, mit den 

Gästen Sam Brown (Gesang) und 

Pink Floyds David Gilmour (Gitarre). 

Und sogar Bruder Mick ließ 

sich beim "DJ Blues" nicht lumpen. 

Bislang letztes Album ist THE RIDGE (2009), eingespielt 

mit Könnern wie Danny Thompson (b), John 

Etheridge (g), Malcolm Mortimore 

(dr), John „Rabbit" Bundrick 

(keys) und Andy Sheppard 

(sax). Die Platte ist eine rundum 

reife Leistung und fasst Jaggers 

Gesamtspektrum perfekt zusammen. 

Herausragend sind die tolle Country-Jazz-Mixtur 

"Lights Of The City" und die elegischen Folknummern 

"Single Spark" und "Rare Beauty". 

Neben seinem eigenen Hauptwerk ist Chris Jagger auch 

auf einigen Samplern vertreten. 

Darunter finden sich das Dylan- 

Tribute WHATEVER COLORS YOU 

HAVE IN YOUR MIND (2007, leider 

nur als MP3-Download erhältlich) 

und KNIGHTS OF THE BLUES 

TABLE (1997). Hier ist Chris beim "Racketeer Blues" 

vereint mit Mick zu hören. 

Dem kann man wirklich nicht vorwerfen, er habe seinem 

Bruder übertriebene Förderung angedeihen lassen. 

Letztlich war das auch nicht erforderlich – Chris 

Jagger hat auch ohne den Älteren wundervolle Musik 

zustande gebracht, die am ehesten unter Pub-Rock 

einzusortieren ist. 


Kolumne Christian Simon – Folge 6 – 

Die Lords und Christian Simon in der Küche des Baden-Badener Weinkellers. 

Fotos: © Christian Simon Productions 

The Lords – 

Freundschaft 

und Trauer 

Meine Geschichte über die Lords beginnt sehr früh. 

1966, ich war damals Gitarrist in der Duisburger 

Beatband The Dukes, gastierten die Lords in der dortigen 

Mercator-Halle bei einem Karnevalsball. Mit 15 

war man natürlich zu jung, um für die Veranstaltung 

eine Karte zu bekommen. Also zog ich los und sah 

den Auftritt der Band von außen durch ein großes 

Fenster, bei dem die Vorhänge nicht ganz zugezogen 

waren. Ich sah Ulli, Leo, Bernd, Gandy und Max in 

ihren blauen Uniformjacken und war total begeistert. 

Dann ging ich in die Tiefgarage der Halle und fand 

den dunkelroten Mercedes der Lords vor, den ich am 

Düsseldorfer Kennzeichen und an Utensilien erkannte, 

die auf der Rückbank lagen. Ich schrieb einen Zettel, 

dass ich die Jungs unbedingt mal kennen lernen 

wollte und steckte ihn an die Windschutzscheibe. 

Und dann geschah das eigentlich Unglaubliche – ich 

bekam einen Brief vom Management, dass ich jederzeit 

gern mal im Büro in Düsseldorf vorbeischauen 

könne. Und das tat ich auch! 

Persönliches altes Autogramm von Lord Ulli 

Christian Simon und die Lords 2008 beim Open Air auf der Rennbahn Iffezheim 

Das Büro war eine Wohnung in der Corneliusstraße. 

In der Diele saß Gandy, der mich sehr nett begrüßte, 

mir eine Cola anbot und alle Fragen beantwortete, 

die ich auf dem Herzen hatte. Die anderen Jungs 

waren nicht da. Zum Abschied gab’s noch Autogrammkarten 

und die Adresse des Ladens, wo die 

Lords einige ihrer Bühnenklamotten 

kauften. Da holte 

ich mir dann auch das große 

Lords-Karohemd und eine Stufenhose, 

um „verdammt in" zu 

sein. Acht Jahre später begann 

ich dann als Sprecher bei Radio 

Luxemburg und moderierte unter 

anderem die Sendung „Stars 

im Studio". Da wurden Künstler 

eine Stunde lang interviewt 

und die Lieblingsplatten des 

Gastes gespielt. Eines Tages 

kam „Lord Ulli" in die Show, 

und wir verbrachten einen Tag 

– der Beginn einer Freundschaft! 

Von da an hatte ich 

immer Kontakt zu den Lords, 

bis zum heutigen Tag. Ulli lud 

mich zu sich nach Hause ein, 

dort lernte ich seine Frau Re- 

nate kennen. Das war schon 

ein verrücktes Rock’n’Roll-Paar – und die nung in Oberkassel glich einem 

Woh- 

Lords-Museum. 

Ich organisierte dann einige Veranstaltungen fürs 

Radio, und wir alle hatten immer viel Spaß und 

lange Nächte. Ulli besuchte mich dann sehr oft in 

München, wo ich nach meiner RTL-Zeit ab 1979 

die ZDF-Sendung „Rockpop" moderierte. Ein besonderes 

Highlight meiner persönlichen Lords-Sto- 

ry 

war der 17. Juni 1981, mein 

30. Geburtstag. Ich hatte eine 

Menge Leute aus der Szene 

zu mir nach Hause eingeladen, 

natürlich auch die Lords. 

Aber die kamen nicht allein, 

sondern mit einem großen 

Tourbus und ihren Roadies. 

Ihr Geburtstagsgeschenk: ein 

Open-Air-Konzert in meinem 

Garten – das volle Programm! 

Das war nicht nur eine grandiose 

Überraschung für meine 

Gäste, sondern auch für 

alle Nachbarn und Anwohner 

im 

Umkreis von einigen Kilometern. 

Eine Anzeige wegen 

Ruhestörung gab es nicht, 

dafür Applaus aus allen Richtungen, 

viele Zuschauer hinter 

Bäumen und Hecken – und 


tanzende Polizisten auf der 

Straße. Ein unvergesslicher 

Tag! 1989 konnte ich mich für 

dieses Gastspiel revanchieren 

und moderierte das 30-jährige 

Bandjubiläum der Lords, das 

sie 

mit vielen musikalischen 

Gästen im Münchner Rigan 

Club 

feierten. 

Das 

nächste runde Jubiläum 

wurde dann zur Tragödie. Ulli rief 

mich 

an und fragte, ob ich „40 

Jahre 

Lords" in Potsdam mode- 

rieren 

könne. Er war total eupho- 

risch 

und aufgedreht. Ich hätte es 

wahnsinnig gern gemacht, aber der Termin war belegt; 

und ob man es mir glaubt oder nicht ... ich hatte 

wirklich so ein komisches Gefühl, das sich leider 

bestätigte. Abends hörte ich es in den Nachrichten, 

am nächsten Tag las ich es in der Zeitung. Ulli lag 

nach seinem Sturz beim Jubiläumskonzert im Koma 

– ein Wiedersehen gab es nicht mehr ... Einige Tage 

später trafen wir uns alle wieder – alle, außer Ulli. 

Er war im Rock’n’Roll-Heaven und wir in der Trauerhalle 

eines Düsseldorfer Friedhofs. Einige Kollegen 

erwiesen ihm die letzte Ehre, eine ganz besondere 

bekam er von „seinen Jungs": Leo, Bernd und Jupp 

spielten vor dem Sarg „Poor Boy" unplugged. Diesen 

Moment werde ich mein Leben lang nicht vergessen. 

Anschließend saßen wir in kleiner Runde noch zusammen. 

Auch Gandy und Max waren da. Max konnte 

sich sogar noch an die „Duisburger Begegnung" 

und den Zettel erinnern. Unglaublich, aber Max weiß 

sowieso noch vieles aus den alten Tagen, wie auch 

Leo. Zu ihm habe ich heute ein sehr freundschaftliches 

Verhältnis, wie auch zu Bernd und Jupp. Wir 

haben in all den Jahren unzählige Gigs zusammen 

gemacht. Viele davon in der Region Baden. 2008 ein 

großartiges Open Air auf der Iffezheimer Rennbahn 

und im letzten Jahr ein umjubeltes Konzert zum 50. 

Bandjubiläum im Baden-Badener Kurhaus. Und jedes 

Treffen ist eine „herzliche Umarmung" – hoffentlich 

gibt es noch viele davon!

THE CLASSIC ALBUMS 

180g HEAVYWEIGHT VINYL 

OUT 09.11.2012 

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Live in Concert 

Van Morrison 

Vokalarbeiter in Ekstase 

Van Morrisons Auftritte bleiben erfrischend unkalkulierbar. 

Der Meister wählte aus 78 Songs, die seine Band auf 

Abruf beherrschen muss, zunächst ein paar R&B-Perlen 

aus der Them-Zeit der Mittsechziger aus. Nach dem 

Opener "Brown Eyed Girl" gab es "Baby, Please Don't 

Go", "Here Comes The Night", es folgten "Early In The 

Morning" und "Rock Me Baby". Der als grantig bekannte 

Nordire wirkte aufgekratzt und bei Laune, er ließ sich zu 

witzigen Ansagen wie „Jetzt was wie von Bert Kaempfert 

..." hinreißen. Und Morrison zeigte Einsatz, geizte auch 

nicht mit herrlich saftigen Sax-Einlagen, akzentuiertem 

Mundharmonika-Spiel, und er setzte sich ans Piano. 

Doch es dreht sich bekanntlich fast alles um seine Stimme. 

Zeitweise hielt Morrison Maß und Übersicht, da er – 

wie immer – noch per Fingerzeig seine virtuose (aber mit 

dringend gebotenem Respekt agierende) Band dirigieren 

musste. Doch Leidenschaft und Emotionen brachen immer 

wieder durch, es war ein Kampf: Er, den Fans „The 

Voice" nennen, er schrie, bellte, keuchte, flüsterte. Morrison 

stellte Songs vom neuen Album BORN TO SING: 

NO PLAN B vor, brillierte mit Standards wie "I Can't Stop 

Loving You" und (mit Tochter Shana) "Old Black Magic". 

Donny & Marie Osmond 

Superstars, Marke USA 

Was zeichnet einen Superstar aus? Um diese Frage zu beantworten, sollte man 

sich von den in Deutschland geltenden Parametern zu diesem Begriff schleunigst 

verabschieden. In den USA gelten andere Dimensionen. Donny und Marie 

Osmond zum Beispiel sind Superstars. Nicht etwa, weil sie seit Mitte September 

fünfmal pro Woche den Showroom im Flamingo-Hotel ausverkaufen. Vielmehr 

können die Geschwister aus dem Osmond-Clan wahrhaftig alles. Vor allem Marie. 

Traumwandlerisch sang sie sich an diesem Abend durch Country-Songs, 

Musical-Arien und Pop-Perlen, schwelgte in warmen Alt-Tönen, stieg in glasklares 

Sopran-Vibrato hinauf. Donny ist stimmlich limitierter, hatte aber nicht 

die geringste Mühe, jede Note auf den Punkt zu treffen. Und er kann rocken. 

Seine 89er Comeback-Nummer "Soldier Of Love" kam im neuen, druckvolleren 

Gewand, und der Osmonds-Hit "Crazy Horses" behielt trotz fetter 

Bläsersätze unverkennbar seinen Hard-Rock-Touch. 

Getanzt wurde praktisch pausenlos. Donny sah mit seinen 54 Jahren dabei 

blendend aus und ließ die gutgemeinten Hänseleien seiner Schwester wegen 

der 2009 von ihm gewonnenen TV-Show „Dancing With The Stars" 

gern über sich ergehen. Marie (52) gab sich elegant, plumpste sich für einen 

Gag aber auch schon mal bäuchlings aufs Parkett. Überhaupt: Humor 

spielte bei dem Duo eine wesentliche Rolle. Wo es passte, wurde gewitzelt, 

dass sich das Publikum vor Lachen bog. 

Die Interaktion mit den Fans war hinreißend. Zwischen liebevoll und 

dankbar suchten die Geschwister immer wieder den Dialog mit auffälligen 

Typen in den ersten Reihen, reichten ihre Hände oder stiegen über Tische. 

Auch herzliche Umarmungen und vertraulich anmutenden Körperkontakt, 

indem sie singend auf den Schößen aufgeregt-rotwangiger Anhänger 

landeten, scheuten sie nicht. Rührend die Szene, als Donny eine Endvierzigerin 

auf die Bühne holte, die sich als Uralt-Fan outete und beim Entgegennehmen 

eines Autogramms in Tränen ausbrach. Erinnerungen an Schrei-Anfälle aus den 

Frühsiebzigern wurden wach, als die Mädchen reihenweise in Ohnmacht fielen, 

wenn Donny damals sein "Puppy Love" anstimmte. In Las Vegas ließen sich die 

Backfische von einst und Damen von heute im Flamingo bereitwillig zu Kreischattacken 

animieren, als Donny diesen akustischen Nostalgietrip einforderte. 

Edelschnulzen wie "Paper Roses" oder "Deep Purple" gab das Paar mit einem 

Augenzwinkern zum Besten; Kostproben aus jenen Musicalaufführungen, in 

Düsseldorf, Mitsubishi Halle, 13. September 2012 

denen vor allem Donny über die 

Jahre immer wieder mitgewirkt 

hatte, kamen voller Inbrunst. 

Als „Dirty Joke" bezeichnete der 

Sänger im Nachhinein die Ankündigung, 

er habe es geschafft, seine 

Brüder für einen Auftritt nach 

Vegas zu lotsen. Und als die freudige 

Unruhe immer größer wurde, 

erschienen Backgroundsänger auf 

der Bühne, die mit dem 

Spätestens, als "Enlightenment" den eher elegischen 

Part einläutete, kulminierte die Spannung: Mit "It's All 

In The Game" und "Burning Ground" sang er sich endgültig 

in Herz und Seele der Fans; "In The Garden" war 

an Schönheit und Intensität kaum auszuhalten. Momente 

absoluter Stille in der Halle, in denen niemand 

einen Mucks wagte – Hochachtung vor dem Vokalarbeiter, 

der sich immer wieder in Ekstase sang und alle 

Kraft in seine Stimme und auch seine Faust presste, mit 

der er wiederholt gen Boden schlug. Unfassbar wertvolle 

Momente. 

Dann musste selbst der Großmeister auf den Boden 

zurück. Nach einem erdigen "Help Me" folgt mit 

"Gloria" als fetzige Zugabe ein weiterer Griff in den 

Fundus aus den Tagen, als er mit Them noch der rothaarige 

"Belfast Cowboy" war. Van Morrison kämpft 

vielleicht noch mit Dämonen und hadert mit der Welt 

– dies jedoch fließt nach wie vor in seine Kunst und 

Poesie ein, wird spannend in Form gebracht und zielsicher 

präsentiert. 

Text: Peter Harasim, Foto: Thomas Brill 

Las Vegas, Flamingo-Hotel, 21. September 2012 

Star „Yo Yo" in den legendären 

70er-Jahre-Tanzschritten aufführten. 

Aber nicht nur Nostalgie 

wurde transportiert – unterstützt 

durch stimmige Leinwandeinspieler 

–, auch neues Material kam zu 

Gehör. "A Beautiful Life" zum Beispiel. 

Der Song stammt von DON- 

NY & MARIE, dem aktuellen Album 

des sympathischen Duos. 

Für einen stillen Moment sorgte 

schließlich Marie, als sie an ihren Adoptivsohn erinnerte, der sich 2010 mit 18 

Jahren das Leben genommen hatte. Die Tränen der Sängerin wirkten echt, das 

Schluchzen im Saal auch. 

Donny und Marie machten an diesem Abend deutlich, dass Entertainment eine 

Erfindung der Amerikaner ist. Bis zu 260 Dollar für einen Platz an den vordersten 

Tischen im Saal mögen manchem schwindelerregend erscheinen – die 

beiden Osmonds haben allerdings über 40 Jahre Erfahrungen im Show-Biz in 

die Show gesteckt, was sie über ein normales Konzerterlebnis erhebt. 

Text: Jens-Uwe Berndt 

Foto: © Jens-Uwe Berndt 



Live in Concert 

Bill Wyman's Rhythm Kings 

Senioren-Sause 

Savoy Theater Düsseldorf, 10. Oktober 2012 

Die Rhythmuskönige des Ex-Stone ohne Albert Lee an der Gitarre, das ist 

selten (der flinke Country-Finger tourte gerade mit seinen Hogan's Heroes). 

Und doch ergaben sich Chancen: für einige Bandmitglieder und für die Viel- 

Hörer der Truppe, die ins ausverkaufte Savoy gekommen waren. Rhythm- 

Kings-Urmitglied Terry Taylor (Ex-Tucky Buzzard) hatte an diesem Abend die 

Gitarrenhoheit und brillierte mit unaufdringlicher Rhythmusarbeit, beeindruckendem 

Slidespiel und einigen fein gesetzten Soli. 

Bill Wymans Band-Intro zeigte, wie viele fähige Gesangsstimmen der Neunercombo 

auch ohne Lee blieben: Die süße Dreadlock-Soulqueen Beverly Skeete 

betörte mit Etta James' "Tell Mama", begeisterte mit James Browns "It's A 

Mans Mans World" und transportierte den Memphis-Klassiker "Sweet Soul Music" 

in die Gegenwart. Geraint Watkins präsentierte neben trockenstem Waliser 

Humor Allen Toussaints "It's Raining" und brachte am Akkordeon Chuck Berrys 

Cajun-Kracher "You Never Can Tell" zur Aufführung. Der Ohrwurm "Man 

Smart, Women Smarter" war in seiner Lesart „von dem berühmten Chicago- 

Bluesmann Harry Belafonte", wobei das mit Harry natürlich stimmt ... 

Drei Rhythm Kings (v.l.): Terry Taylor, Bill Wyman und Geraint Watkins 

Selbst Frank Mead aus dem ewigen Sax-Tandem mit Nick Payn (das erlesene 

Bläsersätze, fetzige Solo-Einlagen und Las-Vegas-fähige Choreografie anbot) 

und er kombinierte i "Hit The Road Jack" mit Louis Jordans Jump-Jive Ji "Is You 

bekam zwei Boogie-Nummern seines großen Blues-Harmonicavorbilds Little Is Or Is You Ain't My Baby" zu „einer Karaoke-Party – weil ich auf Düsseldorfs 

Walter und lieferte diese bravourös ab. Inzwischen schwang Payn das Tanzbein Straßen so verdammt viele Japaner sehe". Dazu ein paar Japanisch-Brocken, 

mit Frau Skeete: Aussehen, Anzugwahl und Brille ließen glatt Peer Steinbrück und die Lacher waren gesichert. 

auf dem Parkett vermuten! Bill Wyman selbst ließ es sich nicht nehmen, mit Bill Wyman feierte zwei Wochen nach dem Konzert seinen 76. Geburtstag. Man 

Beverly Skeete "Honky Tonk Women" zu zelebrieren – hier ging das Theaterpublikum 

aus den bequemen Sitzen und feierte mit. 

über die Bühnen ziehen lässt. Und vielleicht erreicht er ja sogar das Alter seines 

kann ihm nur wünschen, dass er seine Rhythm Kings noch weitere 16 Jahre 

Den lautesten Beifall jedoch verbuchte schon beim Einmarsch Georgie Fame: Blueshelden Pinetop Perkins: Der spielte mit 97 sein letztes Album ein und trat 

Er begann nach verschmitzter Schlagereinlage lässig mit Ray Charles' "I Got A bis zuletzt auf Kreuzfahrtschiffen auf. 

Woman", schwelgte in Louis Armstrongs "Just For A Thrill" vom gleichnamigen 

2004er Rhythm-Kings-Album, ehrte die Stones/Bobby Troup mit "Route 66" – 

Text: Uli Twelker, Foto: Michael Ackermann 

Peter Hammill 

Ein Abend mit dem Gentleman 

Ein Mann allein auf der Bühne. Nur Gesang, abwechselnd begleitet am Flügel 

und mit einer Akustikgitarre. Kommt da nicht Langeweile auf? Nicht 

bei Peter Hammill! Die Solo-Auftritte des Van-Der-Graaf-Generator-Sängers 

sind bekannt für ihre intime Nähe und emotionale Intensität. Mit hingegen 

fast schon buddhistischer Seelenruhe betritt der 64-Jährige die Bühne 

der Brotfabrik, in dunkler, 

legerer Sporthose und mit 

weißem, wehendem Hemd. 

Sein Haar indes weht nicht 

mehr so sehr, ist inzwischen 

schlohweiß. Äußerlich 

strahlt er Würde und 

Distinguiertheit aus; wenn 

je ein Rockmusiker die Bezeichnung 

„Gentleman" 

verdient hat, dann Peter 

Hammill. 

Der nahezu ausverkaufte 

Saal in Frankfurt am 

Main ist nach Berlin, Erfurt 

und Hamburg die 

vierte Deutschlandstation 

seiner Herbst-Europatour, 

im Gepäck das aktuelle Album 

CONSEQUENCES. Die 

neuen Songs stehen jedoch nicht im Vordergrund. d Einfach nur, wie er sagt, 

„das aktuelle Produkt zu promoten", wie sonst im Rockzirkus üblich, sei seine 

Sache nicht. Stattdessen schöpft er ausgiebig aus seinem rund 40 Alben 

Frankfurt am Main, Brotfabrik, 23. Oktober 2012 

umfassenden Oeuvre, spielt auch mal zwei Van-Der-Graaf-Titel: gleich als 

Eröffnungsstück "The Siren Song", mit breiten Akkorden und kniffligen Zwischenparts 

am Flügel interpretiert, sowie das zur Akustikgitarre vorgetragene 

"Masks". 

Gesanglich überzeugt Hammill; seine Stimme ist tiefer als in jungen Jahren, 

die anspruchsvollen hohen Passagen bewältigt er 

jedoch passabel. Die vielschichtigen Kompositionen, 

gespickt mit Elementen aus Progressive Rock, klassischem 

Kunstlied und Song-Dramolett, verlangen 

seiner Stimme und seinen Fähigkeiten am Instrument 

einiges ab. Unablässig, wie ein Ein-Mann-Orchester, 

wechselt Hammill Tonlagen und Klangfarben. "The 

Siren Song" geht nahtlos in das trickreiche "The Unconscious 

Life" über (vom 1982er Album ENTER K). 

Später schafft er mit dem bedrückenden "Primo On 

The Parapet" (THE NOISE, 1992) knisternde Atmosphäre; 

auch beim ruhigen "Close To Me" vom aktuellen 

Album lauscht das Publikum andächtig. 

Im Saal sitzen viele Fans, in den Pausen rufen einzelne 

Hammill Liederwünsche zu. Er geht darauf mit britischem 

Charme ein, gelegentlich spricht er deutsch 

mit dem Publikum (er beherrscht die Sprache, war 

auch schon als Grönemeyer-Übersetzer tätig). Am 

Ende, nach anderthalb Stunden Höchstkonzentration, 

verabschiedet er sich a-cappella mit "Chicago". Und 

bei bidieser Gelegenheit Gl hi verrät er auch, in welcher US-Stadt er sein wehendes 

weißes Hemd gekauft hat ... 

Text: Frank Schuster 


TATZES STREIFZÜGE November 2012 

Bei meinen Streifzügen 

durch die 

Läden des noch 

real existierenden Plattenhandels 

stöbere ich 

immer wieder Perlen & 

Trüffel auf, die nicht auf meiner Want-List stehen, 

weil mir ihre Existenz schlicht unbekannt war. Drei 

Beispiele der letzten Monate: 

MAGIC LANDSCAPE des Duos Ian Hunt & John 

Turner. Die beiden singenden und diverse Instrumente 

beherrschenden Briten spielten die Platte 1972 in den 

Village Thing Studios und den berühmten Rockfield 

Studios in Wales ein. Sie klingen wie eine Mischung 

aus Magna Carta, John Martyn und Wizz Jones und 

produzierten hier hochwertigen Folk-Rock der – ganz 

deutlich – Frühsiebziger-Spielart, eine gut gelaunte 

Melange aus Brit-Folk und Ragtime. 

Neben eindrucksvollen eigenen Liedern wie "Hold 

Me Now", "Silver Lady", "Man Of Rings" und dem Titeltrack 

gibt es auch eine prima Version des Klassikers 

"Mr. Bojangles", die zu den besten mir bekannten Fassungen 

zählt. Der Gesang 

der beiden ist mustergültig 

aufeinander 

abgestimmt, 

die Gitarren-Bass-Perkussion-Arrangements 

sind 

weder zu karg noch überladen. 

Hier macht sich die 

Vergangenheit von Hunt 

& Turner bezahlt. Gitarrenzauberer 

Turner hatte 

1970 die Insider-Kapelle Pigsty Hill Light Orchestra 

auf der Suche nach neuen Ufern verlassen. Er traf 

auf Ian Hunt, einen Songwriter mit bestem Ruf in der 

Szene in Bristol, wo er einige Jahre Chef des lokal legendären 

Bristol Troubadour Clubs war. Das Duo verschaffte 

sich mit MAGIC LANDSCAPE eine beachtliche 

Fanschar in ganz Europa und erreichte sogar Platz 6. 

Das erklärt auch, dass die Platte auf CD ab 2002 

nicht nur bei H&T Records, sondern auch auf anderen 

Labels wie Village Thing, Lion Production und Bella 

Terra immer wieder erschienen ist. Der goldene Mittelweg 

von Hunt & Turner war also gewiss nicht Resultat 

einer ängstlich-biederen Grundhaltung, sondern 

genau der richtige Weg, auf dem sie leider trotzdem 

keinen Marsch in eine nachhaltige Karriere starten 

konnten. 

Zweite Entdeckung: 7 DAYS IN MEMPHIS (Epic 

82796 97753) von Peter Gallagher. Der 1955 in New 

York geborene Künstler ist im Hauptberuf Schauspieler, 

der bislang in über 20 Filmen 

(u.a. „American Beauty" 

und „Mr. Deeds") sowie einigen 

TV-Serien („O.C., California", 

„Californication", „Covert Affairs") 

zu sehen war. Musik 

ist also nur sein „zweiter Vorname", 

aber im Unterschied 

etwa zum ebenfalls nebenbei 

singenden Kollegen Bruce Willis macht er ne Sache erstaunlich gut. Gallagher verfügt über eine 

sei- 

sympathische, keineswegs überragende, aber flexible 

Stimme, die er white-soulig einzusetzen weiß. Er steht 

zwar nicht bis zu den Knien im Soul, aber immerhin 

knöcheltief. Und er wählte sein Liedmaterial umsichtig 

aus: Songs aus der Feder von Isaac Hayes/David Porter, 

John D. Loudermilk, Randy Newman, Dan Penn und 

Lucinda Williams. Sie wurden ohne Effekthaschereien 

von versierten Memphis-Musikern realisiert, wobei Gitarrist 

Steve Cropper die herausragende Persönlichkeit 

ist. Zudem ist das Album ein „grower" – es wächst 

mit jedem Hördurchlauf, der neue Feinheiten enthüllt. 

Beste Tracks: "I've Got To Love Somebody's Baby", 

"Then You Can Tell Me Goodbye", "When You Move 

You Lose" und eine Spitzenversion des Klassikers 

"When Something Is Wrong With My Baby", im Original 

ein Hit von Sam & Dave. 

Nummer Drei: Ian 

King und sein Debütalbum 

PANIC GRASS & 

FEVER FEW (Fledg'ling 

FLED 3082). Mr. King ist 

ein wahrer König des aktuellen 

britischen Folk, 

denn er macht ihn fit fürs 

21. Jahrhundert. Zu hören 

sind sowohl vorzügliche Eigenkompositionen wie 

"Evil Eye" und "By George" als auch Traditionelles 

wie "Adieu To Old England" und "Ah Robin, Gentle 

Robin". King singt mit klarer Stimme allürenlos und 

mit festem Zugriff auf die Songs und spielt routiniert 

akustische Gitarre, Banjo und Mandoline. Und damit 

enden die Parallelen zum gewohnten Folk. Denn Produzent 

dieser Scheibe ist der legendäre Dub-Wizzard 

Adrian Sherwood, der unter Mithilfe von Musikern wie 

Skip McDonald (g) und Doug Wimbish (b) sowie der 

Crispy Horns voll durchstartet: Kings Folk wird vermengt 

mit Dub-Reggae, Funk, Ambient- und Weltmusik. 

Sherwood arbeitet mit denselben Kunstgriffen, 

die er schon Acts wie den New Age Steppers oder African 

Head Charge angedeihen ließ und die er im Schlaf 

beherrscht. Die Resultate klingen unglaublich frisch 

und gleichzeitig ohrwürmig, avantgardistisch, vertraut 

und abenteuerlich. 

Auf dem in GoodTimes 

4/2012 auf Seite 50 rezensierten 

Sampler COUNTRY FUNK 

fiel mir ein Sänger ganz besonders 

auf: Larry Jon Wilson. Der 

Amerikaner steuert mit "Ohoopee 

River Bottomland" den vielleicht eicht besten Track bei. 

Derselbe Song erschien mit vollem Recht auch schon 

2004 auf Volume 2 der britischen Kleinserie COUNTRY 

GOT SOUL, die ich damals irgendwie verpasste. Den 

Erwerb habe ich nun nachgeholt, versteht sich. Wilson 

ist dort auch auf Volume 1 ("Seldon Church Yard") 

und Volume 3 ("Life Of A Good Man") zu hören. 

Alle drei Lieder stammen von seinem Doppelschlag 

1975/76, als die Alben NEW BEGINNINGS und LET 

ME SING MY SONG TO YOU (Monument KZ 33382 

und 34041) erschienen und die Riesenkarriere eines 

Giganten in Gang hätte kommen müssen. Wilson 

brachte alle Voraussetzungen mit: melodisch und 

textlich bestes Songmaterial aus (fast nur) eigener 

Feder, sehr ordentliches Gitarrenspiel und eine 

wundervolle Brummelstimme. Gesamteindruck: Ein 

gewichtiger und seelenvoller Country-Folk-Rock-Poet, 

ein Storyteller und Troubadour erster Güte, eine 

exquisite Mixtur aus Johnny Cash, Tony Joe White 

und Kenny Rogers. Und ausgezeichnete 

Begleitmusiker 

wie Reggie Young (g), Tommy 

Cogbill (b), Bobby Woods 

(keys) und Hayward Bishop 

(dr) standen außerdem an seiner 

Seite. Zudem zählte Prominenz 

wie Willie Nelson, Kris 

Kristofferson, John Prine, 

Guy Clark und Steve Earle 

zu seinen großen Fans, wodurch 

die kaufende Fanzahl 

aber nicht entscheidend größer 

wurde. Ein ebenso rätselwie 

boshaftes Schicksal sorgte 

dafür, dass Wilson ohne Hit 

blieb. Er veröffentlichte 19777 

noch LOOSE CHANGE und 

1979 THE SOJOURNER und 

verabschiedete sich dann für 

zehn Jahre von der Musik. Ab 

1989 tourte er wieder, traf 

aber leider nicht Rick Rubin, 

der ihm einen neuen Anlauf 

à la Johnny Cash hätte ermöglichen 

können. Erst 2008 erschien sons Comeback-Album LARRY JON WILSON (Drag 

Wil- 

City 8168403992) mit neuen Songs, die er mit reifer 

Stimme allein zur Gitarre präsentiert, sparsam begleitet 

nur vom Geiger Noel Sayre. Elegische, zwischen 

den Zeilen auch durchaus etwas bitter klingende, intime 

Kammermusik. Das Album war sein letztes. Am 

21. Juni 2010 ist Larry Jon Wilson im Alter von 69 

Jahren gestorben, nach einem keineswegs erfüllten 

Leben. Er durfte nicht mal erleben, dass seine ersten 

beiden Alben 2011 auf einer CD (Omni 146) neu veröffentlicht 

wurden und nun, ebenso wie seine letzte 

Arbeit, problemlos erhältlich sind. Die Alben Nr. 3 und 

4 dagegen sind derzeit praktisch unauffindbar. Aber 

vielleicht tut sich da ja noch mal was. 

Auf den besagten COUNTRY GOT SOUL- 

Samplern findet sich auch ein weiterer herausragender 

Vertreter undogmatischer Country-Kost: 

Travis Wammack. Der 68-jährige Amerikaner nahm 

schon als Elfjähriger seine erste Single auf, gilt seit 

Jahrzehnten als zuverlässiger Memphis-Sessiongitarrist 

der gehobenen Klasse und war von 1984 

bis 1995 Anführer der Band 

von Little Richard. Von den 

gelegentlich unter seinem 

Namen erscheinenden Alben 

ist COUNTRY IN MY SOUL 

(2009, Eigenlabel) besonders 

interessant. Wammack 

kombiniert traditionellen 

Rock'n'Roll mit Country der 

Vollfettstufe und einem guten 

Schuss Soul. Songs wie "No Place Like Home", "Country 

Cruisin'", "Heart To Heart" und "Pearl" – alle aus 

eigener Edelfeder – sind unwiderstehlich. Einmal mehr 

stellt sich die – wohl unbeantwortbare – Frage, wieso 

derartige Könner fernab eines größeren Publikums 

musizieren (müssen). 


BILL WYMAN’S 

RHYTHM KINGS 

The Best Of Bill Wyman’s 

Rhythm Kings Vol.2 

REP 5278 

Digipak 

GIORGIO MORODER 

On The Groove Train: 

Volume 1 (1975 - 1993) 

REP 5256 

2CD slipcase 

GIORGIO MORODER 

On The Groove Train: 

Volume 2 (1974 - 1985) 

REP 5280 

2CD slipcase 

Forthcoming release 

FLASH AND THE PAN 

The 12 Inch Mixes 

REP 5265 

2CD slipcase 


ALVIN LEE 

The Best Of Alvin Lee 

REP 5257 

2CD slipcase 

SPARKS 

Shortcuts - The 7 Inch Mixes 

(1979 -1984) 

REP 5255 

2CD slipcase 

SPARKS 

Real Extended - 

The 12 Inch Mixes (1979 - 1984) 

REP 5277 

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IF 

IF2 (CD) + If Live In Liverpool (DVD) 

REPUK 1158 

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CLIMAX BLUES BAND 

Blues From The Attic 

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Drastic Steps 

REP 5275 

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THE BLUES BAND 

Brand Loyalty 

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THE BLUES BAND 

Live - Bye Bye Blues 

REPUK 1152 

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STEAMHAMMER 

Riding On The L&N - 

The Anthology 

REP 5254 

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OSIBISA 

Heads 

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OSIBISA 

Happy Children 

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Fully Climaxed: The Best Of 1969 - 1989 

REP 5210 

2CD slipcase 


www.repertoirerecords.com


" 

Die wohl wichtigste Compilation der Geschichte", 

vertreten in den " 

200 besten Alben aller Zeiten" als 

" 

unverzichtbares Dokument der Rock-Historie": Die 

Bewertungstendenz für NUGGETS war stets eindeutig. 

Als die amerikanische Songsammlung 1972 auf 

dem Elektra-Label erschien, konnte keiner der Initi-iatoren 

eine so immense Nachhaltigkeit der Zusammenstellung 

mit 27 Titeln von 27 Bands erwarten. 

Der Weg 

Lenny Kaye war damals 26. Der gebürtige New 

Yorker hatte in New Jersey das College besucht, 

spielte als Gitarrist in den Mittsechzigern unter 

anderem mit The Vandals und The Zoo bluesigen 

Folk-Rock und scheppernden R&B. Kaye schrieb 

außerdem als freier Mitarbeiter für Magazine wie 

„Crawdaddy", den „Rolling Stone" 

und „Disc". 1971 ging er musikalisch 

für die Folgejahre auf 

Kurs: Erstmals begleitete er eine 

Frau, die 1975 ihren Durchbruch 

feierte – Patti Smith. 

Weg vom Aufgeblähten, zurück 

zur Bodenhaftung – so lautete 

damals das Credo von Smiths 

Zeitgenossen wie den Modern 

Lovers und Stooges. Und sie erinnerten 

sich dabei an eine Zeit, die 

gerade mal ein halbes Jahrzehnt 

auf dem Buckel hatte und auf die 

Flaute reagierte, die zu Beginn der Sixties ies die USA 

beschäftigte: Die Hoch-Zeit des Rock'n'Roll war 

passé, Surf nach erheblichem Wellengang wieder 

abgesoffen, der Twist und weitere 1000 Dances 

mit verrenkten Hüften zur Ruhe gekommen. Ruhe, 

Ideendiät. Und plötzlich gab es aus Richtung Alter 

Welt massiv was auf die Ohren: Beat & Co. 

fegten über den Kontinent. Die „British Invasion" 

von den Applejacks bis Zephyrs hatte den auch 

musikalisch selbst ernannten Weltenwächter quasi 

über Nacht handstreichartig überrollt. Superverkäufe, 

Chartbelagerung, Livespektakel 

überall von Seattle 

bis Miami, zwischen San 

Francisco und Boston – dennoch 

dumm gelaufen: keine 

Eigengewächse, Rambazamba 

von Zugereisten. 

Im Land der plötzlich stark 

begrenzten Möglichkeiten 

musste was passieren. Und 

Jimmy, Jack und Johnny 

nahmen die Sache – besser: Instrumente te – selbst 

in die Hand. Halbstarke schoben Vatis Chevy aus 

der Garage, Billigver- 

igve 

stärker wurden aufgebaut 

und Krachmacher eingestöpselt. 

Und Putz gab 

es auch, weil die geschmuggel- 

te 

Butter ter aus der Frisur gewrungen wurde: Wo 

eben noch der per Axt gezogene Seitenscheitel 

dominierte, prägten jetzt 

cooler Mop-Kopp und 

erste Langzotteln die Erscheinung 

oberhalb des 

Halses. Was äußerlich 

an die vier Liverpooler 

erinnerte, hatte zugleich 

ein inneres Pendant aus 

London – nicht weni- 

ge 

Sänger eiferten 

en 

schnarrend dem UK- 

Typ mit den Wulstlippen 

nach. 

Die etablierten Plattenkonzerne 

taten 

sich – wen wundert's 

– zumindest anfangs 

schwer: Solche Rowdies nach den geölten Schwiegermutter-Schnullis 

der Fünfziger? Niemals! 

Capitol zum Beispiel gab in einem Anfall wirtschaftlicher 

Schlichtheit desinteressiert sämtliche 

Beatles-Rechte weiter, an Welt-Labels wie Swan, 

Tollie und Vee-Jay. Wohnzimmerfirmen schossen 

landesweit aus dem Boden, die sackweise nach 

nur einer Handvoll Veröffentlichungen scheiterten; 

andere kämpften sich durch, immer 

öfter landeten sie Achtungserfolge, 

ihre Produkte wurden von den klug gewordenen 

„Großen" übernommen oder 

in deren Vertriebe eingegliedert. 

Der Garagen-Rock der Baureihe „1964 

plus" war geboren, später auch als 

„Frühpunk" schubladisiert. Nordamerikaner 

kopierten das, was da aus Europa 

angelandet war; sie würzten es in Teilen 

noch 

eine 

Spur 

schärfer, reicherten 

Abgekupfertes mit 

eigenen guten Ideen 

an, schufen damit – in 

einem Meer von Untergegangenem 

– auch 

kleine Meilensteine. 

Und massig Müll gab 

es dabei ebenso, kein 

Deut anders als in Britannien. 


Zur Hoch-Zeit dieser Aufbruchstimmung 

hatte sich niemand die 

Mühe gemacht, all das mal zu 

bündeln, um den Fokus gezielt 

darauf zu lenken. Drei mögliche 

Gründe: 1) es fehlte der Glaube an 

Langzeitwirkung; 2) zu verstreut 

lagen die Rechte; 3) Verdacht 

auf Eintagsfliegen, mangelnde 

Popularität der Interpreten. Und 

so entstanden 

zwar „Szenen" 

in allen Winkeln 

des großen 

Kontinents, 

doch es wurde 

weitestgehend 

lokal abgeschottet 

gewurstelt. 

Arrivierte Firmen 

wie Reprise, 

Epic, Columbia, 

Warner Bros., 

A&M und Mercury landeten en versprengte reng 

Hits (meist 

auf zwei- und dreistelligen Positionen), andere 

Einzeltreffer hingegen kamen u.a. von Marken wie 

Soma, NGC, Double Shot, Mira, deren Namen bis 

dahin bestenfalls Eingeweihte vernommen hatten. 

Die Jahre 1965 bis 1968 bescherten dem Trend 

mit (vielleicht zu) vielen losen Enden seine beste 

Zeit – mit kaum noch zählbaren Singles als ideales 

Format für die Dreiminüter (Hunderte kurzlebiger 

Bands haben es nie bis zu einer LP geschafft). Dann 

rutschte die Sache fließend in neue Strömungen: 

Westcoast-Sound, Hippie-Rock, Bluesverwandtes, 

Progressive Rock – Haare, Songs und die Gesichter 

vieler Gescheiterter wurden länger. Bald erinnerte 

sich kaum noch jemand – Fans ausgenommen – 

an dieses Mittsechziger-Phänomen, das zumindest 

Teilen der US-Plattenindustrie als 

Notbeatmung gedient hatte. Und 

dann kam Lenny Kaye. 

Bands & Songs 

eins oben drauf: NUGGETS GETS 

– 

ORIGINAL ARTYFACTS FROM 

THE FIRST PSYCHEDELIC ERA 

1965–1968, die ganz große Ladung, 

Aufstockung der Doppel- 

LP per 4-CD-Box auf 118 Tracks! 

Jetzt hatten auch Crews wie 

Music Machine, The Litter, die 

Sonics, Monks, Charlatans, Beau 

Brummels, Kingsmen, Brogues 

ihren Platz sicher – das Spektrum 

war massiv erweitert. 

Vertragliche Probleme – bzw. 

Engstirnigkeit und/oder Missgunst 

der Rechtehalter – verhinderten 

z.B. den Einbau von 

Mit Jac Holzman (*1931), Gründer 

des Elektra-Labels und u.a. Doors- 

Entdecker, bastelte Kaye 1971 an der 

Idee für eine Compilation: Sie sollte 

erstmals flächendeckend „Goldstücke" 

aus der Zeit von 1964 bis 

1968 bündeln. Die NUGGETS waren geboren! Das "Persecution Smith" 

Original-Doppelalbum von 1972 enthielt 27 Songs 

von 27 Bands, um die sich niemand mehr gekümmert 

(Bob Seger System). 

Ein kapitales, unent- 

hatte. Kaye goss zunächst ein Hit-Fundament, schuldbares (Song-) 

u.a. mit "I Had Too Much To Dream (Last Night)" Manko jedoch ist den 

von den Electric Prunes, "Dirty Wa- 

Machern 

selbst 

ter" (Standells), "Pushin' Too 

Hard" 

(Seeds), "Psychotic Reaction" (Count 

Five), "Lies" (Knickerbockers), ers) 

"You're 

Gonna Miss Me" (13th Floor or 

Elevators). 

Weitere – seitdem 

– populäre Namen: 

Shadows Of Knight, 

anzulasten: 

Obwohl 

damals von 

jeder zweiten 

Band gespielt 

und auf Dutzenden 

Castaways, Leaves, 

ve 

d 

Amboy Dukes, Nazz, 

Chocolate Watch Band. 

fe 

ch 

Eher unbekannt, dennoch 

mehr als nur Füllspachtel 

waren die Magicians, 

ians 

NUGGETS – ORIGINAL ARTYFACTS FROM 

THE FIRST PSYCHEDELIC ERA 1965–1968 

Third 

Rail, 

Michael & The 

Messengers 

und andere. 

Volle 26 Jahre 

später. 1998 

setzte 

das 

Rhino-Label 

Garagen-Klassi- 

assi 

sikern, 

allen voran 

"96 Tears" (? & 

The 

Mysterians), 

"99th Floor" (Moving 

Sidewalks/ 

pre-ZZ Top) und 

verschiedener Singles verfügbar, 

fehlt auf der Originalveröffentlichung 

und sogar in der Monster- 

Box die Garagen- 

Hymne schlechthin: 

"Gloria". 

Namen & Nachfolger 

Hundertschaften einst mitwirkender Musiker sind 

längst vergessen, andere hinterließen per NUGGETS 

frühe Fußspuren: John Fogerty (mit den Golliwogs), 

Leslie West (Vagrants), Al Kooper (Blues Project), 

Ted Nugent (Amboy Dukes), Todd Rundgren (Nazz), 

Bugs Henderson (Mouse & The Traps), Warren Zevon 

(Lyme & Cybelle). Damals fast vergessen, verbuchten 

ihre Songs und Sounds viel später Vorbildcharakter. 

Zunächst für die UK-Punks 

und New Waver ab 1976. 

Und in den 80er/90er Jahren 

nahmen – um nur ganz wenige 

zu nennen – Bands wie 

u.a. die Chesterfield Kings, 

Cramps, Fuzztones, Lyres, 

aber auch Unclaimed, Green 

On Red, Dream Syndicate, 

Naked Prey, Gun Club, Giant 

Sand & Co. die gelegte Fähr- 

te wieder auf. Auch noch frischeren 

Formationen wie etwa den White Stripes, 

Black Keys, Strokes und dem Black Rebel Motorcycle 

Club darf man eine nicht unwesentliche Affinität 

zum Garagen-Rock der Vergangenheit attestieren. 

Und das NUGGETS-Projekt selbst war ebenfalls 

eine Initialzündung. Bis heute fand es eine Flut von 

Nachfolgern/Nachahmern, legale wie illegale. Vinylund 

CD-Reihen stürzen sich seitdem immer wieder 

auf zum Teil obskurste Songs von noch obskureren 

Sixties-Gruppen: „Pebbles", „Boulders", „Rubble", 

„Mindrocker", „Ripples", „Perfumed 

Garden" usw. erschienen 

– oft auf windigen Labels, x-fach 

durchgemischt, zu Mehrfach-CDs 

und sogar Boxen verarbeitet. 

Die NUGGETS kopierten sich 

auch selbst: NUGGETS II – ORI- 

GINAL ARTYFACTS FROM THE 

BRITISH EMPIRE AND BEYOND, 

1964–1969 (Rhino, 2001; 109 

Titel) richtete den Fokus auf die 

Alte Welt. Was 

dabei für das UK weitgehend passte, 

muss niemand für andere Territorien als gelungen 

betrachten: Mangelnde Kenntnis – und offenbar die 

fehlende Bereitschaft, sich intensiv zu informieren 

– führte hier zu indiskutablen Versäumnissen und 

Auslassungen (Deutschland, Österreich, Schweiz, 

Niederlande, Frankreich, Skandinavien, Übersee). 

Zum Jubiläum gibt es jetzt noch einmal das 

intensive NUGGETS-Original (Einzel-CD und 

Doppel-LP) als geballte Ladung – mit 27 

Tracks von 27 Kultbands wie den Seeds, Electric 

Prunes, Amboy Dukes (Killerversion von 

"Baby, Please Don't Go"), Standells, Leaves, 

Count Five und allen anderen Wegbereitern. 


The Who – My Generation 

das legendäre Debut Album erstmalig auf 

Original Mono CD. 

MUSIC AT 

The Who – Live At Hull 

Das Live Konzert in Hull aus dem Jahr 1970 – 

als 2CD Deluxe Edition im Digipack neu 

aufgelegt. 

The Kinks – Live At The BBC 

Auf einer repräsentativen Doppel CD und als Boxset 

mit 5 CDs und einer DVD präsentiert „The Kinks At 

The BBC“ die brillante Beat-Band aus der Radio- 

Perspektive. 

Ladies & Gentlemen... 

Mr B.B. King – 

50th Anniversary 

Ein einzigartiger Rückblick auf 50 Jahre 

B.B. King bei den ABC Paramount Records – 

10 CDs, 72 Seiten Hardcover Buch mit rarem 

Bildmaterial und persönlichen Essays von Ashley Kahn 

und Dick Shurman und unveröffentlichten Songs. 

10cc – Tenology - 40th Anniversary 

Ein umfassendes Boxset mit 4CD und 1 DVD, aufgeteilt in Singles, ausgewählte 

Album-Tracks und B-Seiten / Raritäten und diverse Auftritte der Band. 

The Pogues – Live At Olympia 

30th Anniversary Edition 

Das Konzert Live At Olympia in Paris als Doppel CD, 

DVD, Blu-ray und im Boxset als 2CD/2DVD Edition.

ITS BEST! 

The Beach Boys 

50 Jahre – Live In Concert 

Die aktuelle LIVE DVD, inklusive aller Hits wie z.B. 

„Good Vibrations“, „Wouldn’t It Be Nice” und “California Girls”. 

Plus zusätzliches Interview-Material, sowie bisher ungesehener 

Aufnahmen der 1966er „Good Vibrations“ und 2012er „That‘s Why 

God Made the Radio“ Recording Session! Erhältlich als 2 DVD und Blu-ray. 

The Jam – A Gift... 

30th Anniversary Box 

Das Boxset mit 3 CDs plus Compilation DVD enthält unter anderem 

das bisher unveröffentlichte Konzert von 1982 ”Live at Wembley” 

und 14 unveröffentlichte Tracks. Auch als 2CD Deluxe Edition. 

Merl Saunders/Jerry Garcia – 

The Complete 1973 

Fantasy Recordings Boxset 

Als Highlight die legendäre Zusammenarbeit 

von Merl Saunders & Jerry Garcia. 

Inklusive 7 bisher unveröffentlichter Songs. 

Queen – Hungarian Rhapsody 

Live In Budapest 

In HD-Qualität mit 5.1-Surround Sound! 

Als limitierte 2CD/DVD und 2CD/Blu-ray Edition mit zusätzlichem 

Bonusmaterial. 


Foto: © Privatarchiv 

EDGAR BROUGHTON (BAND) 

Der Chef rockt weiter 

Zu den wildesten und musikalisch eigenwilligsten Acts der späten 60er und frühen 70er Jahre gehörte 

die Edgar Broughton Band. Der Namensgeber (voc, g) und sein trommelnder Bruder Steve 

hatten sie 1966 als Bluescombo gegründet. Wenig später verschrieb sie sich dem Polit-Rock und 

entwickelte ihren bis heute legendären Schlachtruf „Out, demons, out!". "Hotel Room" war einer der 

populärsten Titel der Broughton Band, die bis in die 90er Jahre unregelmäßig tourte, zwischen 

2006 und 2010 nochmals intensiver unterwegs war, ehe ihr Boss sie endgültig auflöste. Heute ist 

Edgar Broughton, der am 29. Oktober seinen 65. Geburtstag feierte, solo unterwegs 

– und freut sich über die erstmalige Veröffentlichung der CD LIVE 

IN HAMBURG – THE FABRIK CONCERT 1973 durch den norddeutschen Reissue- 

Spezialisten Sireena Records. 

Edgar, du bist immer noch aktiv und unterwegs? 

Ja, ich betreibe ein spezielles Ding, das sich „A fair 

day's pay for a fair day's work” nennt. Das ist ein alter 

Gewerkschafts-Slogan aus meiner Kindheit. Ich spiele 

außer öffentlichen Konzerten private Gigs, bei denen 

mich die Auftraggeber nach ihren Möglichkeiten bezahlen 

– meine niedrigste Gage waren 50 Pfund, die 

höchste 1500. Und es macht mir viel Spaß! In Deutschland 

war ich noch nicht, aber ich spiele viel im UK und 

in Norwegen. Das ist außerdem eine großartige Gelegenheit, 

für mein neues Projekt zu proben – meine 

neue Band, die ich 2013 an den Start bringen will. 

Bei diesen Gigs stehst du mit der Akustikgitarre 

allein auf der Bühne. Was spielst du? 

Ein paar alte Songs aus meiner Historie, aber nicht 

viele – in einem 90-minütigen Programm sind es 

höchstens fünf. Diese Konzerte sind vor allem ein 

Labor für meine neuen Lieder, die ich da vor Publikum 

schon mal testen kann. Ich bin völlig frei, kann 

Songs kombinieren, halbfertige Nummern ausprobieren 

und weiterentwickeln, mittendrin aufhören, 

wenn etwas nicht so klappt wie geplant – mit einer 

Band wäre das niemals möglich. Irgendwie bin ich 

damit auch zu meinen Wurzeln zurückgekehrt: Es ist 

so, wie ich einst angefangen habe, als ich Blues und 

Folk spielte und dann die Edgar Broughton Band 

gründete. Die begann ähnlich: Wir spielten vier Jahre 

lang, entwickelten unsere Songs auf der Bühne, 

ehe wir zum ersten Mal ins Studio gingen. Das geht 

aber nur bis zur ersten Platte, danach nie wieder, 

weil man dann dafür gar 

nicht mehr die Zeit hatte. 

In welche Richtung wird 

die neue Band gehen? 

Ich arbeite mit alten Freunden 

aus den Midlands zusammen, wo ich einst herkam. 

Wir proben bereits – aber wir legen erst los, wenn 

gewährleistet ist, dass es wirklich etwas Besonderes 

wird, auch was die Texte und die Musik angeht. Denn 

Lange Mähne, wilder Bart ... 

während 

dieser Sologigs 

habe 

ich wieder 

mal festgestellt, 

wie 

wichtig 

die 

Lyrics sind! Wir sind 

ja alles ältere Herren 

und müssen erst 

klären, ob wir noch 

was zu sagen haben. 

Wenn es nichts wirklich 

Spezielles wird, lassen wir die Finger davon – aber 

... Edgar Broughton in den 70ern 

wenn es klappt, wird es bis Ende 2013 dauern, bis wir 

richtig starten. 

Ist außer dir keiner aus der alten Band dabei? 

Nein, niemand. 

Hast du bei den aktuellen Konzerten Tonträger 

Fotos: © Wilfried Zinzow 


dabei, die du verkaufst? 

Ja, ein Album mit dem Titel BY MYSELF; das ist eine 

Kollektion von Songs, die ich in den letzten zwei Jahren 

mitgeschnitten habe. 

Hier ist gerade LIVE IN HAMBURG erschienen – 

kamen da viele Erinnerungen hoch? 

Als ich das zum ersten Mal hörte, konnte ich mich 

kaum an den Auftritt erinnern. Natürlich konnte ich 

mich an die Fabrik entsinnen, dort haben wir oft 

gespielt. Und es war jedesmal interessant und aufregend. 

Je öfter ich mir die Aufnahmen anhörte, desto 

mehr Erinnerungen kamen zurück. Wir traten damals 

oft und wirklich gern in Deutschland auf. Und es 

kommen bei meinen Gigs oft Leute zu mir, die was 

erzählen und fragen, „Kannst du dich noch daran und 

daran erinnern?" 

Wie war das, als Sireena Records dich wegen der 

Aufnahmen kontaktierten? 

Ehrlich? Anfangs interessierte es mich nicht besonders. 

Aber dann dachte ich mir, wenn Leute das noch 

hören und die es machen wollen, sollte ich mich aufgeschlossen 

zeigen. Und je intensiver ich mich damit 

befasste, desto positiver sah ich es. Schließlich gibt es 

aus jener Ära nicht viel Broughton-Material, vor allem 

auch kaum Livemitschnitte. 

Hast du noch alte unveröffentlichte Sachen? 

Möglicherweise, kann sein – ein paar Demos, unfertige 

Aufnahmen, aber sicher kein Livematerial. Vor ein 

paar Jahren haben wir ja THE ONES THAT NEARLY 

GOT AWAY zusammengestellt, eine Demokollektion. 

Unser altes Label EMI brachte außerdem die im 

Dezember 1969 in den Abbey Road Studios entstandenen 

Live-Aufnahmen raus, die wir schon längst vergessen 

hatten. 

Du warst bis 2010 mit der Edgar Broughton Band 

unterwegs – warum habt ihr euch getrennt? 

Ein wichtiges Bandmitglied, das für die damalige 

Konstellation praktisch unersetzbar war, wollte aussteigen. 

Als ich das meinem Bruder Steve erzählte, 

meinte der lakonisch: Dann müssen wir eben jemand 

anderen holen. Das konnte ich nicht nachvollziehen. 

Als mein Sohn von dieser Reaktion erfuhr, stieg er 

ebenfalls aus. Mein Versuch, alle noch mal an einen 

Tisch zu kriegen, scheiterte. Ich habe letztlich resigniert, 

und wir lösten uns auf. 


KRAVETZ & FRIENDS 

Pascal Kravetz Carl Carlton Peter Maffay Fools Garden Caro Josée Camille Taver Julien

Wie Elektronik die Musik veränderte 


Chicago 1980, eine alte, versiffte Lagerhalle namens 

Warehouse. Hier lebte zu jener Zeit noch 

der Disco-Sound des vorangegangenen Jahrzehnts 

weiter, den die zuckende Öffentlichkeit in den 

meisten Clubs auf diesem Planeten längst abgeschrieben 

hatte. An Frankie Knuckles 

den Wochenenden 

allerdings bediente 

hier ein außergewöhnlicher 

DJ die 

Regler und sorgte 

regelmäßig für ein 

volles Haus, das bis 

ins Morgengrauen 

vor ekstatischen 

Tänzern wackelte: 

Frankie 

Knuckles. 

Der stets 

freundliche 

Schwarze 

(Jahrgang 

1955) aus 

New York, 

den es 

Mitte der 1970er nach Chicago verschlagen hatte, 

war ein begnadeter DJ mit feinem Gehör und 

ein prima Live-Entertainer. Schon bald wurde ehrfürchtig 

von seiner Arbeit als „the sound that plays 

down the house” gesprochen. So entstand der Terminus 

„House”, der bald weltweit die Clubs und 

DJ-Ohren durchrüttelte. House wurde der legitime 

Nachfolger von Disco, dessen elektronische Variante. 

Gern wurde House zusätzlich mit Funk, Gospel 

und Soul vermengt. Hauptsache, es kam optimistisch 

rüber! 

Doch auch andere 

Musikstile der 

Vergangenheit speisten 

sich zu Beginn der 

Achtziger mit elektronischen 

Klängen: 

So nahm Rap-Urvater 

Afrika Bambaataa 

1982 den legendären 

Song "Planet Rock” 

auf. Dieser Titel war 

der glänzende Ritter des 

Elektro: Afrika Bambaataa 

eine explosive Mixtur aus 

Funkbeats einer Drum-Machine, 

gespickt mit würzigen 

HipHop-Gesangslinien und 

– beim ersten Hören paradox 

– kühlen 

Synthesizerklängen 

aus Düsseldorf, 

Afrika Bambaataa 

nämlich Samples von Kraftwerks 

"Trans Europa Express”. 

In David Toops’ HipHop-Bibel 

„Rap Attack” äußerte sich der 

New Yorker Rapper über diesen 

zunächst irritierenden musikalischen 

Einfluss: „Ich glaube 

nicht, dass Kraftwerk wussten, 

wie wichtig sie 1977 für uns 

Schwarze waren. Aber bei Gott, sie waren es! Sie 

werden es immer sein!” 

Dieser eine Song löste die Ur-Electro-Welle aus. 

Ebenso wie Afrika Bambaataa vermengten auch 

Musiker wie Grandmaster Flash & The Furious Five, 

Run-DMC und Arthur Baker HipHop, 

Rock kühle elektronische Klänge und 

noch mehr Beat-Lastiges zu einer scharfen 

Sound-Sauce – und nannten das 

Resultat „Electro”. Dieses Genre wurde 

ebenfalls konsequent in verschiedenste 

musikalische Richtungen weiterentwickelt 

und ist heute – auch kommerziell 

– eines der wichtigsten Standbeine der 

Musikbranche. Folgerichtig wurden 1986 

HipHop und House vermischt – Bezeichnung: 

Hip House. Im Folgejahr begann 

sich diese Musikrichtung weltweit in 

Szeneläden durchzusetzen. 


Am Ende der 1980er avancierte die 

elektronische Musik unter dem Etikett 

„Techno” zur Jugendleitkultur. Vor 

allem in der Tanzmusik wurden computergenerierte 

oder -verarbeitete Sounds von Produzierenden, 

DJs und Tanzenden bevorzugt. Was durch 

Avantgardekreise in den Siebzigern und Achtzigern 

begonnen worden war – von Pionieren wie Kraftwerk, 

Suicide, Giorgio Moroder, Cabaret Voltaire und Heaven 

17 –, wurde nun auch kommerziell ausgeschöpft. 

Mit Techno hatten Trend-Spürhunde endlich 

ein Phänomen geortet, das alle Bedingungen 

einer ernstzunehmenden Jugendkultur aufwies: 

Techno war kreativ, innovativ und avantgardistisch, 

aber nicht völlig unzugänglich. Er war schon bald 

nach seinem ersten Auftauchen keine Untergrundbewegung 

mehr, selbst wenn manche der Pioniere 

sich rasch nach diesen Zeiten zurücksehnten. 

Die Techno-Raver bildeten in den späten 

1980ern und in den kompletten 1990ern zwar 

keineswegs die einzige Jugendszene, aber der allgemeinen 

Einschätzung nach die größte und bedeutendste. 

Die Konsolidierung von Techno als 

führende Jugendbewegung und die Entwicklung 

zum Massenphänomen (ohne Berührungsängste 

selbst in der bürgerlichen Presse) belegte anschaulich 

ein Beitrag in der „Süddeutschen Zeitung”. Sie 

Grandmaster Flash & 

The Furious Five Run-DMC Arthur Baker 

titelte im Frühjahr 1995: „Techno – eine Spaßbewegung 

wird zum festen Bestandteil des verpönten 

Mainstreams.” Die Macht der wummernden Beats 

hatte mitten in der Gesellschaft eingeschlagen! 

Techno als Pop-musikalisches Phänomen ging 

einen völlig anderen Weg im Umgang mit 

elektronischen Klängen als seine nahezu „akademischen” 

Vorgänger des Kalibers eines Karlheinz 

Stockhausen oder auch Kraftwerk. Identisch war 

jedoch der kreative Anspruch aller „Elektroniker”: 

zu erkennen, welche Vielfalt synthetischer Soundmöglichkeiten 

das elektronische Instrumentarium 

bot – gemessen an herkömmlicher, „handgemachter” 

Pop- und Rockmusik. Das kompositorische 

Element war in der Elektronik-Szene weitaus weniger 

entscheidend als vielmehr das Ausloten von 

Klangvariationen, eine fast uneingeschränkte Experimentierlust 

und natürlich als Fundament ein 

unschlagbarer Groove.

Piet Blank und René Runge, Jahrgang 1971 bzw. 

1968, sind seit den Achtzigern der Techno-Bewegung 

verfallen, obwohl sie auch satte Led-Zeppelin- 

und Deep-Purple-Riffs zu schätzen wissen. 

„Doch die elektronischen Klänge sind unsere wahre 

musikalische Heimat”, schwärmt Blank. Die Kölner 

Kumpel kennen sich seit den Schultagen und 

sammelten schon als Teenager erste Erfahrungen 

als DJ’s. Sie taten sich in den 1990ern zum Duo 

Blank And Jones zusammen und veröffentlichen 

Um die Zukunft der elektronischen Musik ist es 

Blank And Jones definitiv nicht bange. Runge: 

"Die Entwicklung in diesem Bereich geht rasend 

schnell voran. So schnell, dass selbst wir Profis 

dabei nicht immer völlig durchblicken. Die ganze 

Geschichte bleibt spannend. Da ist kein Ende in 

Sicht!” Oder, um es mit Kraftwerk auf den Punkt 

zu bringen: "Es wird immer weitergeh’n/Musik als 

Träger von Ideen”. 

Zeus B. Held im Tasteneinsatz für Birth Control 1973 und vor dem privaten Tastenreich. 

Techno ist keine Kultur aus zweiter Hand!": 

" 

Blank und Jones 

seitdem in regelmäßigen Abständen auch über 

Deutschlands Grenzen hinaus höchst erfolgreiche 

Alben, die musikalisch in den unterschiedlichsten 

Formen der Techno-Kultur angesiedelt sind: Dance, 

House, Ambient, Rough Techno und einiges mehr. 

Woher kommt diese Begeisterung für elektronische 

Klänge? „Das ist eine Frage unseres Alters”, erklärt 

René „Jones” Runge. „Mit Beginn der 80er 

tauchten elektronische Klänge erstmals geballt 

unter kommerziellem Aspekt auf. Das alles war 

neu, frisch und zukunftsorientiert. So etwas hat 

uns Jungspunde natürlich begeistert!” Piet Blank 

ergänzt: „Das musikalische Feindbild in jener Zeit 

waren Gitarren, der Rock'n'Roll. Techno hingegen 

war rudimentärer Punk mit elektronischen Mitteln. 

Super spannend!” 

Und wie begegnet man dem Vorwurf, die DJoder 

Techno-Kultur sei eine „Kultur aus zweiter 

Hand”? „Das ist völliger Unsinn”, ereifern sich 

beide: „Es ist ja nicht so, dass wir beliebig auf 

Knöpfe drücken und dann ein neues Lied haben, 

wie Rock-Puristen glauben. Um am Computer kreativ 

zu komponieren, braucht man genauso viele 

Ideen und genauso viel Wissen wie ein Rock'n'- 

Roller. Nur haben wir den Vorteil, dass unsere Ausrüstung 

wesentlich mehr Möglichkeiten bietet als 

die sechs Saiten einer Gitarre.” Piet Blank: „Mag 

sein, dass ein Computer keine Seele besitzt. Aber 

ich habe schließlich eine! Und die verleibe ich meinen 

Gerätschaften ein.” 

Foto: © Soundcolours GmbH, Björn Kommerell 

Der Freiburger Zeus B(ernd) Held war zwischen 

1973 und 1978 Keyboarder bei Birth Control, 

schon lange ist er weltweit tätiger Produzent. 

Die große Liebe des 62-Jährigen 

gehört elektronischen 

Instrumenten, speziell dem 

Vocoder, der Stimmen elektronisch 

verfremdet. Eindrucksvoll 

nachzuhören auf der 

unlängst erschienenen Kopplung 

VOICE VERSA mit eigenen n Stücken. Held ist 

eine der nationalen Koryphäen, was die Historie 

der elektronischen Musik betrifft. 

Wie hat der Einsatz von Elektronik die Rockund 

Popmusik verändert? 

Die Hörgewohnheiten wurden durch diese neuen 

Musik- und Klangmöglichkeiten 

gewaltig erweitert. 

Zu jedem neu entwickelten 

Instrument gab es meistens 

eine bahnbrechende Platte, 

z.B. das Mellotron wurde 

von den Moody Blues sowie 

nachhaltig auf der ersten 

LP von King Crimson vorgestellt, 

die analogen Sequencer 

im Rock mit WHO’S 

NEXT, der Vocoder durch 

Herbie Hancock. Natürlich 

gab es auch immer eine 

Welle von Musikern, Produzenten 

und Interpreten, die 

für einen jeweiligen neuen 

Sound standen: Walter Carlos, Tomita, Giorgio 

Moroder, Kraftwerk, etc. – und auch Peter Frampton 

für die Voice Box. 

Was fällt dir zu den ersten Einsätzen von 

Elektronik in der Rockmusik ein? 

Für mich war es ganz besonders der Einsatz des 

Synthesizers bei Emerson, Lake & Palmer, Weather 

Report, Roxy Musics Single "Virginia Plain”, 

Spooky Tooths CEREMONY mit dem Elektronik- 

Avantgardisten Pierre Henry und WHO’S NEXT. 

Sie brachten meine Welt der Musik und Klänge 

in Aufruhr. 

Wie bewertest du die Entwicklung elektronischer 

Rock- und Popmusik seit den späten 

Siebzigern? 

Da hat sich eine wunderbare Dynamik entwickelt 

– zwischen den technischen Neuheiten und deren 

Umsetzung in kreative Musikspielereien. Elektronik 

bedeutet eben nicht nur Synthese, Elektrik oder 

Klangbearbeitung, sondern auch Klangkommunikation. 

Was hältst du von Techno? 

Die Entwicklung war vorhersehbar als Weiterentwicklung 

des Disco-Genres: elektronische Musik 

zum Tanzen und allein für den Körper gedacht, 

abgefeiert in den Tempeln der Frequenzen. All das 

zwar in überdimensionaler Lautstärke, aber durchaus 

von hoher Qualität. 

Wie siehst du die Zukunft elektronischer 

Musik, speziell im Rock und Pop? 

Der Begriff „Elektronische Musik” ist aktuell etwas 

aufgeweicht und bedarf eigentlich einer neuen Definition. 

Dass sich fast jeder Laptop-unterstützte Live- 

Act als Elektroband ausgibt, enttäuscht mich. Elektronische 

Musik sollte nach meiner Philosophie immer 

mit Experiment und inspiriertem Anspruch verbunden 

sein. Der alleinige Einsatz von Software zur Erzeugung 

elektronischer Musik hat das Genre verwässert. 

Also: her mit der analogen Elektronik im Rock und 

Pop, denn sie erst machen diese Musik innovativ! 

Foto: © Marc Doradzillo 


Steve Hackett 

Genesis und kein Ende 

Es ist mal wieder Genesis-Zeit: Steve Hackett, der bei den Pionieren 

des Progressive Rock zwischen 1971 und 1977 die Gitarre 

grandios bearbeitete, lässt dieser Teil seiner musikalischen 

Vergangenheit nicht los. Er hat Dutzende von Solo-Alben aufgenommen, 

wirkte bei der Prog-Supergroup GTR mit und rief mit 

Chris Squire (Yes) das Duo Squackett ins Leben, aber: Genesis, " 

das war meine Berufung", erklärt der 62-jährige Brite. 


Und weil das so ist, hat der Londoner nach 1996 jetzt mit GE- 

NESIS REVISITED II erneut bekanntere und unbekanntere 

Genesis-Stücke (plus einige Eigenkompositionen) neu aufgenommen; 

dieses Mal allerdings in Neuinterpretationen von geradezu 

wagnerianischem Ausmaß: Drei Dutzend musikalische 

Helfer assistierten Hackett, um den Prog-Perlen neuen Glanz 

zu verleihen; darunter sind Musiker mit sehr unterschiedlichem 

musikalischem Hintergrund, etwa John Wetton (King Crimson, 

Asia), Steve Rothery (Marillion), Neal Morse (Spock’s Beard), 

Simon Collins (Phils Sohn) und andere. " 

Das alles ist eine Anti-Zeitgeist-Angelegenheit 

geworden, wir haben geklotzt statt 

gekleckert, ohne dass wir dabei an künstlerischem Niveau eingebüßt 

hätten", erklärt Hackett das Konzept hinter GENESIS 

REVISITED II. 

Fotos: © Tina Korhonen 

Was war das Besondere an deinen sechs 

Genesis-Jahren? 

Die Zeit mit dieser Band 

ist bis heute schlicht unvergleichlich! 

Es war für 

mich ein real gewordenes 

Märchen, eine Fleisch 

gewordene Vision. Weil 

wir einzigartige Musik 

gemacht haben, die es 

so weder vorher noch 

nachher gab. Ich weiß, 

das klingt arrogant, und 

vermutlich bin ich ein 

arroganter Sack: Aber das Arbeiten in einem unbändigen 

Kreativkollektiv wie Genesis war für mich 

berauschend. 

Was unterscheidet die Originalsongs von den 

Versionen auf GENESIS REVISITED II? 

Wir sind dem Grundgeist der Originalmusik treu geblieben 

– doch während der Arbeit entwickelte sie 

gleichzeitig eine Eigendynamik. Man erkennt den 

Ur-Spirit jedes Songs, doch der wird durchaus neu 

interpretiert. Was bei rund drei Dutzend Mitwirkenden 

unvermeidlich ist. 

Steht die Gitarre im Mittelpunkt deines 

neuen Projekts? 

Sie ist definitiv im Zentrum des Geschehens – ein 

Schelm, wer Böses dabei denkt, schließlich bin ich 

Gitarrist (lacht). Ich habe eine kleine späte Rache an 

den Originalen geübt, denn zur Zeit ihrer Entstehung 

stand mein Instrument nicht im Vordergrund. 

Dies habe ich ganz egoistisch ein wenig korrigiert … 

Wie kam es zu all den Mitstreitern? 

Das sind durchweg Freunde von mir, deren Privatnummern 

ich habe. Mit meiner Ehefrau Jo habe 

ich sie in tage- und nächtelangen Telefonsessions 

angerufen und ihnen das Projekt erklärt. Wir 

erhielten keine einzige Absage! 

Darauf bin ich sehr 

stolz. 

Ist so ein Projekt 

nicht sehr teuer? 

Bis auf ganz wenige Ausnahmen 

basiert die Kooperation 

auf einem 

Tauschgeschäft: 

Ich habe 

den Mitwirkenden 

versprochen, dass 

ich bei einem ihrer 

nächsten Projekte 

helfen werde 

(lacht). Wenn sie 

mich als Musiker 

nicht wollen, wasche 

ich eben ihre 

Autos oder putze 

ihre Häuser. Ich bin 

darin ziemlich gut, 

frag meine Frau! 

Aber im Ernst: Wir 

alle sind GENESIS 

REVISITED II spontan 

angegangen, weil 

wir diesen Enthusiasmus 

für die Genesis- 

Originale besitzen. Natürlich 

hoffen wir, dass 

wir mit der Neuinterpretation 

einiger Nummern auch die 

junge Generation begeistern 

können. 

Im nächsten Jahr soll alles auch live umgesetzt 

werden ... 

Die Planungen sind noch nicht komplett abgeschlossen, 

aber wir werden das durchziehen, 

weil wir alle versessen darauf sind. Wir 

wollen das komplette Jahr über in vielen 

Hallen weltweit auftreten; sechs bis acht 

Leute sollen auf der Bühne stehen, jeder 

Auftritt wird mindestens zweieinhalb 

Stunden dauern. Ich freue mich schon 

unbändig darauf! 

Glaubst du noch an 

Auftritte mit den Genesis-Originalmitgliedern? 

Ich war immer offen für 

die „Original-Lösung” 

und bin es noch immer. 

Doch die Chance 

auf eine Realisierung 

schwindet Jahr für 

Jahr. Alle Beteiligten 

haben weiterhin 

Kontakt, sind 

Freunde. Aber speziell 

Phil Collins und 

Peter Gabriel haben 

aus unterschiedlichen 

Gründen nicht die 

große Motivation, diese 

Idee umzusetzen. Phils Gehör 

ist angeschlagen, Peter hat 

sehr viele andere Projekte. Jetzt 

schauen wir erst mal, wie „Genesis 

Revisited” läuft. Wer weiß, vielleicht 

akzeptiert uns die Menschheit 

ja als die legitimen Nachfolger des 

Originals! Mich würde es freuen … 


tOP VINYL UND CD beI 

LP 

ODER 

CD 

€14, 99 

JE 

EUROPE 

Bag Of Bones 

UNISONIC 

Unisonic 

STRATOVARIUS 

Elysium 

LOSTBOY! AKA JIM KERR 

Lostboy! aka Jim Kerr 

PUSHKING 

The World As We Love It 

CHICKENFOOT 

III 

GAMMA RAY 

To The Metal 

FOREIGNER 

Can‘t Slow Down 

SKUNK ANANSIE 

Paranoid & Sunburnt 

BETONTOD 

Entschuldigung für Nichts 

NOFX 

Self Entitled 

Knallerpreise 

BIS SILVESTER 2012! 

AGAINST ME! 

Total Clarity 

RE-MACHINED 

A tribute to Deep Purple‘s 

Machine Head

SINGLES 

VOR 45 JAHREN 

16. November 1967 

Foundations 

Baby Now That I’ve Found You 

Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich 

Zabadak! 

Bee Gees 

Massachusetts 

Engelbert Humperdinck 

The Last Waltz 

Troggs 

Love Is All Around 

Kinks 

Autumn Almanac 

Long John Baldry 

Let The Heartaches Begin 

Donovan 

There Is A Mountain 

Frankie Vaughan 

There Must Be A Way 

Dave Clark Five 

Everybody Knows 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

9 

10 

LPs 

VOR 45 JAHREN 


Soundtrack 

The Sound Of Music 

Beatles 

Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band 

Various Artists 

British Motown Chartbusters 


Break Through 

Cream 

Disraeli Gears 

Beach Boys 

Best Of The Beach Boys Vol. 2 

Donovan 

Universal Soldier 

Beach Boys 

Smiley Smile 

Soundtrack 

Dr. Zhivago 

Engelbert Humperdinck 

The Last Waltz 

SINGLES 

VOR 40 JAHREN 


Gilbert O’Sullivan 

Claire 

Chuck Berry 

My Ding-A-Ling 

Lieutenant Pigeon 

Mouldy Old Dough 

Shangri-Las 

Leader Of The Pack 

Donny Osmond 

Why 

10cc 

Donna 

Shag 

Loop Di Love 

Osmonds 

Crazy Horses 

Carpenters 

Goodbye To Love 

Junior Campbell 

Hallelujah Freedom 

GB-CHARTS 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

9 

10 

LPs 

VOR 40 JAHREN 


Simon & Garfunkel 

Greatest Hits 


Leo Sayer 

20 All Time Greats Of The 50s You Make Me Feel Like Dancing 

Cat Stevens 

Catch Bull At Four 

Gilbert O’Sullivan 

Back To Front 

Rod Stewart 

Never A Dull Moment 

Bread 

Best Of Bread 

Max Bygraves 

Sing Along With Max 


20 Star Tracks 

Gary Glitter 

Glitter 

David Cassidy 

Cherish 

SINGLES 

VOR 35 JAHREN 


Chicago 

If You Leave Me Now 

Pussycat 

Mississippi 

Tavares 

Don’t Take Away The Music 

Wild Cherry 

Play That Funky Music 

Showaddywaddy 

Under The Moon Of Love 

Manhattans 

Hurt 

Dr. Hook 

If Not You 

Demis Roussos 

When Forever Has Gone 

Joan Armatrading 

Love And Affection 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

9 

10 

LPs 

VOR 35 JAHREN 


Bread 

The Sound Of Bread 

Sex Pistols 

Never Mind The Bollocks Here’s The Sex Pistols 

Diana Ross & The Supremes 

20 Golden Greats 

Stranglers 

No More Heroes 


Feelings 

Cliff Richard 

40 Golden Greats 

Queen 

News Of The World 

Rod Stewart 

Footloose And Fancy Free 

Santana 

Moonflower 

Fleetwood Mac 

Rumours 

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WOODEN SKY 

New 

comer 


Kanadier auf Höchstniveau 

Die Gruppe um den Komponisten und vorzüglich singenden Multi-Instrumentalisten 

Gavin Gardiner entstammt der fruchtbaren Campus-Folk-Rockszene 

Torontos. Die Band startete mit ihrem nach diversen Seiten stiloffenen Folk-Rock 

2003 und präsentierte Ende 2010 ihr zweites Album IF I DON'T COME HOME 

YOU'LL KNOW I'M GONE. Das erste, WHEN LOST AT SEA (2008, #33 in Kanada), 

ließ bereits aufhorchen: Die Mischung aus kraftvollen Rocktönen und weichen, 

aber nicht schlabberigen Folk- und Country-Elementen stimmte 

in sich, die Songs kamen allesamt melodisch stark rüber. Der 

Nachfolger baute all das noch aus und ergab ein Meisterwerk. 

Die Musik ist zwar im Kern Americana-Folk-Rock, weist aber 

auch Anklänge an blues-rockige Strukturen à la Allman Brothers, 

an den Kunstanspruch von Wilco und – in fein dosierter 

Form – sogar an kakofonische Vorstellungen wie bei den Flaming Lips auf. Diese 

Spannbreite erfordert natürlich hochkomplexe Arrangements, darum wurden neben 

den üblichen Rockinstrumenten auch Streicher, Harmonium, Steelguitar, Mandoline 

und Klarinette integriert. Das aktuelle Album EVERY CHILD A DAUGHTER, 

EVERY MOON A SUN tritt stilistisch etwas kürzer, man konzentriert sich auf eine 

Mischung aus verhalten druckvollem und betont balladeskem Country-Folk-Rock 

und Art-Rock à la Wilco. Nur bei "I'm Your Man" bricht die Gitarre mal gedrosselt 

krachend aus. Ansonsten regieren zarte, schwermütige Balladen ("Angelina", "Bald, 

Naked And Red") und Soft-Rock auf Himalaya-Niveau, wobei "Child Of The Valley" 

und "Take Me Out" zu den bislang besten Songs der Gruppe gehören. hjg 

The Fling 

Großer Wurf auf Daddys Spuren 

Früher lehnten sich junge Musiker gegen ihre Eltern auf, indem sie sich die 

Haare lang wachsen ließen und lauten Krach fabrizierten. Und jetzt treten 

sie in die Fußstapfen ihrer Väter, gerade weil die Haare wachsen und sie ihre 

E-Gitarren aufdrehen. So auch bei den Brüdern Dustin und Graham Lovelis 

aus Long Beach, Kalifornien: Sie gründeten eine Band, die mit The Fling („Der 

Wurf") sogar den Namen der früheren Combo ihres Daddys übernahm. Vor 

einem Jahr veröffentlichten sie in den USA ihr grandioses 

Debütalbum WHEN THE MADHOUSE APPEAR, 

das nun auch in Deutschland erhältlich ist – dank 

des kleinen Hamburger Independent-Labels Devil- 

Duck. Die CD enthält zwölf wunderschöne Songs, 

die mit Chorgesängen und mal folk rockig perlenden, 

mal fuzztönig verzerrten Gitarren deutlich von 

den Sixties und Bands wie den Beatles und Byrds 

beeinflusst sind. Der Opener "Friend Of Mine" nimmt einen mit seinem vibrierenden 

Westcoast-Sound sofort gefangen, den schleppenden Country-Walzer 

"Nothing Makes Sense" hätten Buffalo Springfield kaum besser hinbekommen, 

und durch das psychedelische "Out Of My Head" hört man die Lovin' Spoonful 

trapsen. Neben Dustin (voc, g) und Graham (b, voc) gehören Justin Roeland (g, 

keys, voc), Joel Bond (g, keys, voc) und Justin Ivey (dr) zum Quintett. Hoffentlich 

kommt das Nachfolge-Album nicht wieder erst mit einem Jahr Verspätung 

über den großen Teich ... 

frs 

COCKER.COM GoodTimes 6/2012 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 109 

DAS NEUE 

ALBUM 

AB 16.11.12 ERHÄLTLICH

Seit dem 1. Oktober ist die Zeit der 

Ungewissheit und des Bangens 

vorbei: Nach drei Jahren ist das Insolvenzverfahren 

bei SPV, einer der 

international renommiertesten deutschen 

Indie-Plattenfirmen, abgeschlossen. Mit 

neuen Gesellschaftern und Errol Rennalls als 

Geschäftsführer legt das inzwischen enorm 

geschrumpfte, aber immer noch sehr effektiv 

arbeitende Unternehmen wieder voll los, 

um an alte Erfolgszeiten anzuknüpfen und 

in eineinhalb Jahren das 30-jährige Firmenjubiläum 

als Schallplatten, Produktion und 

Vertrieb GmbH zu feiern. 

SPV ist die Company aus Hannover, deren Künstlerriege 

der letzten drei Jahrzehnte sich wie ein 

Lexikon der Rockmusik liest: The Who, Jimmy Page 

& The Black Crowes, Motörhead, Lynyrd Skynyrd, 

Judas Priest, Paul Rodgers, Dio, Molly Hatchet, 

Alice Cooper, Whitesnake, Helloween, 

Glenn Hughes haben dort Tonträger 

veröffentlicht, ebenso Robin Gibb, 

Xavier Naidoo, Simply Red und Type 

O-Negative. Nicht zu vergessen Acts 

wie Axel Rudi Pell, Sodom, Magnum, 

UFO, Lita Ford, Running Wild und 

Freedom Call, die SPV auch während 

des Insolvenzverfahrens 

die Treue gehalten haben oder 

in dieser Zeit dazustießen. „Eigentlich 

hatte SPV alle wichtigen 

Bands außer AC/DC und Kiss irgendwann 

mal unter Vertrag", bringt es Olly 

Hahn auf den Punkt, der seit 2001 in Hannover 

mit an Bord und heute beim angesehenen 

SPV-Label Steamhammer als A&R- und 

Product-Manager tätig ist. 

Der Name SPV steht als Synonym für Hard 

Rock und Heavy Metal, auch wenn das Unternehmen 

während seines Bestehens Platten 

von Punk-, Gothic-, 

New-Wave-, 

EBM- und Pop- 

Interpreten 

veröffentlicht 

hat. Olly Hahn 

schildert die 

Firmengeschichte 

im 

Schnelldurchlauf: 

„SPV 

entstand 

am 1. 

Januar 

Alice Cooper 

Olly Hahn 

Weiter geht's – 

mit schwarzen Zahlen 

Frank Uhle 

1984 aus den Überresten des Boots-Vertriebes und 

wurde von Manfred Schütz gegründet" (siehe auch 

das Labelporträt von Schütz' neuer Company MiG 

in GoodTimes 2011/2). Der Macher bewies schon 

damals ein Näschen für kommende Trends und 

übernahm früh den deutschlandweiten 

Vertrieb von US-Labels wie 

Metal Blade, Roadrunner, Music For 

Nations und auch Noise aus Berlin – 

er schob so den Heavy-Metal-Boom 

der frühen 80er 

Jahre kräftig mit 

an. „Manfred hat 

aber auch sehr 

schnell eigene 

Labels gegründet. 

Steamhammer war nicht 

das erste, denn die Debüt-EP 'In 

The Sign Of Devil' der Gelsenkirchener 

Thrash-Band Sodom 

erschien auf Devil Records, erst 

danach lief alles über Steamhammer." 

Heute teilweise in Vergessenheit 

geratene Namen wie Destruction, Iron Angel, 

Metal Church, Laaz Rockit oder Zed Yago fallen im 

Gespräch, aber auch die Hannoveraner Band Fury In 

The Slaughterhouse. Die hatte zwar mit Metal nichts 

im Sinn, avancierte 

aber ab 

Ende der 80er 

Jahre zum erfolgreichsten 

SPV-Act überhaupt 

– neben 

den internationalen 

Topverkäufern 

Jimmy 

Page & The 

Olly Hahn mit UFO: Manager Peter Knorn, 

Vinnie Moore & Phil Mogg (v.l.) 

Black Crowes: 

„Fury haben 

hier bei SPV fast fünf Millionen Einheiten verkauft", 

konstatiert Frank Uhle, der SPV als General Manager 

durch die unruhigen Zeiten des Insolvenzverfahrens 

gesteuert hat. 

Heute sind 14 Mitarbeiter bei SPV tätig – 150 

waren es zu Hoch-Zeiten Mitte der 90er Jahre 


weltweit, ehe die wirtschaftliche Schlagseite 

kam. „Wir mussten richtig abspecken und 

umstrukturieren, können aber heute sagen, 

dass wir mit 15 Prozent der damaligen Mitarbeiter 

in 2009 durch Umstrukturierung 

und Auslagerung bestimmter Arbeitsbereiche 

heute sogar mehr Services anbieten, ohne an 

Schlagkraft eingebüßt zu haben", sagt Uhle 

mit Stolz. 

„Es ist uns 

gelungen, 

nicht nur 

unsere Partner 

davon 

zu überzeugen 

- mit den Kollegen, 

die im Team 

verblieben sind, 

haben wir die Qualität 

gehalten, wenn nicht sogar verbessert", zieht 

er Bilanz. 

Warum das Unternehmen überhaupt an den Rand 

des Abgrunds geraten war? Ein aufgeblasener 

Personalapparat, zu viel Geld für namhafte Acts, die 

die Ausgaben nicht 

einspielen konnten 

– so wollen 

es Uhle und Hahn 

nicht formulieren, 

sie stellen einfach 

fest: „Es wurden 

Fehler gemacht." 

Uhle: „Das haut 

bei einem mittelständischen 

Unternehmen 

wie uns 

gleich ins Kontor. 

Ein Major verkraftet schon mal den ein oder anderen 

Flop im Geschäftshalbjahr, weil andere Produkte genug 

Umsatz und Gewinn einbringen; aber bei einem 

Mittelständler bringt das eben gleich das ganze Geschäftsjahr 

in die roten Zahlen." Doch 

die haben die heute Verantwortlichen 

schon einige Monate nach der Insolvenzeröffnung 

in den schwarzen 

Sektor gelenkt. Außerdem war Pech 

im Spiel, wie Hahn an einem konkreten 

Beispiel schildert: „Robin 

Gibbs Album sollte im Januar 

2003 erscheinen. Es war alles 

geplant mit Fernsehsendungen, 

Tageszeitungen, 

das volle 

Programm. Und 

dann starb drei Wochen vor 

der Veröffentlichung Maurice 

Gibb – da machte Robin 

drei Monate lang keine Promotion, 

und schon war das ganze 

Thema hinfällig geworden 

und unrentabel." 

Labelporträt 

Lita Ford

Vorsichtig erweitert man inzwischen bei SPV wieder die Geschäftsfelder. „Wir 

sind mit einigen namhaften Acts im Gespräch, docken neue Vertriebslabels 

an", beschreibt es Hahn. Und auch das Glück ist zurück, wie die Verkaufserfolge 

der Chartstürmer Frei.Wild und Mono Inc. belegen, die auf dem SPV-Vertriebslabel 

Rookies & Kings unter dem Management von Stefan Harder veröffentlicht 

wurden. Ein wichtiges Betätigungsfeld ist der Vinylsektor, der etwa zehn bis 

zwölf Prozent zum Umsatz beiträgt, wie in etwa gleichem Umfang auch der 

Online-Sektor. „Wenn man eine Limited Edition macht, die schön aussieht, und 

nicht so ein 08/15-Teil ist, dann verkauft man auch noch! Ist Vinyl gut gemacht 

– und wir bringen die immer mit Doppel-Gatefold, mit farbigem Vinyl, vielleicht 

auch mit Bonus-Tracks –, wird das auch honoriert und gekauft. Da haben wir 

eine sehr ordentliche Verkaufsmenge von 

1000 bis 3000 Stück pro Titel", schildert 

Hahn die Entwicklung. 

Deutlich kürzer tritt die Firma in Sachen 

DVDs. Reine Konzertmitschnitte sind 

nicht Hahns Ding, „aber wenn wir richtig 

schöne Dokus haben, machen wir die 

schon", kündigt er für 2013 derartige DVD- 

Editionen der Metal-Veteranen Raven und 

Assassin an. Gestrichen sind in Hannover 

hingegen Hörbücher, obwohl gerade SPV zu den Vorreitern gehörte und mit der 

„John Sinclair Reihe" dieses Format erstmals auch in Plattenläden, zu Saturn und 

Media Markt brachte. Hahn: 

„Davon haben wir etwa eine 

Million verkauft." 

Gegen Jahresende ist ein 

Blick in die Zukunft gestattet, 

um schon mal den Appetit 

der Fans und potenziellen 

Käufer zu wecken: Bis zum 

Frühjahr sollen neue Produkte 

(frisch eingespielt oder neu 

aufgelegt) von so unterschiedlichen 

Acts wie Die Krupps, 

Klaus Schulze, Anyone's 

Daughter, Vicious Rumours, 

Kingdom Come, Mad Max, Kamelot, 

Raven, Sodom, Freedom 

Intersphere 

Call, Intersphere und Fair Warning erscheinen. Und auch die Reissue-Labels Yellow 

(Schwerpunkt Country) und Blue (Blues, Rock) werden reaktiviert. Neuauflagen 

von Bands wie Asleep At The Wheel und Diamond Rio wird es dann geben. 

SPV will sich breiter aufstellen und durch den Umzug in den Peppermint 

Pavillion auf dem früheren Expo-Gelände die Synergie-Effekte nutzen, die 

sich mit den Geschäftsfeldern der neuen Besitzer ergeben. Das aber vorsichtig 

und nicht um jeden Preis, schließlich hat man aus der jüngeren Vergangenheit 

gelernt. So werden mit Martin Lanzerath und Wolfgang Funk weitere externe 

A&Rs in das SPV-Set-Up integriert. „Wir wollen über unseren 

Kernkompetenz-Tellerrand hinausblicken, was man in Zukunft 

sinnvoll andocken kann. Aber immer unter der Prämisse, dass es 

für SPV glaubwürdig bleibt – wir werden sicher nicht vorrangig 

Pop-, Dance-, Disco-Genres bedienen, wollen aber unseren Horizont 

schon ein bisschen erweitern", formuliert es Frank Uhle. 

Und er ist bei aller Erleichterung über den Abschluss der Insolvenz 

durchaus selbstbewusst: „Das Interessante ist doch, dass 

die Marke SPV nach all dieser Zeit keinerlei Schaden davongetragen 

hat!" 

Olly Hahn legt nach: „Wir wollen nicht den Fehler machen, 

dass wir jetzt wieder überkandideln und alles unter Vertrag 

nehmen, was bei drei nicht auf den Bäumen ist. Wir werden 

weiter mit realistischen Acts unsere Grundabdeckung haben und 

versuchen, hier und da mit ein paar größeren Künstlern zu arbeiten 

– aber dann auch wirklich ausgesucht und nicht zu viele." 

Namen werden allerdings noch nicht genannt, schließlich soll 2013 

einige SPV-Überraschungen bescheren – 

diesmal aber bitte nur positive ... 

Philipp Roser 

LIVE IN CONCERT 

50 JAHRE 

THE BEACH BOYS 

Die aktuelle LIVE DVD, 

inklusive aller Hits wie z.B. 

„Good Vibrations“, 

„Wouldn´t It Be Nice” und 

“California Girls”. 

Plus zusätzliches Interview-Material, 

sowie bisher ungesehener 

Aufnahmen der 1966er 

„Good Vibrations“ und 2012er 

„That‘s Why God Made the Radio“ 

Recording Session! 

Erhältlich als 2 DVD 

und Blu-ray. 


Doppelhals & 

Solo-Album 

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n Felder gab 

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Pettyty Git 

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Florida, mit Stephe 

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2001 vor die Tür gese 

tzt. 29 Jahre nach 

seinem 

Solodebüt AIRBOR 

NE läs 

st er nun ROAD 

TO 

FOREVER folgen. Der 65 

-Jährige 

im Gesp 

rä 

ch 

mit GoodTimes-Mitarbeiter Phil 

ipp Roser. 

Meditation scheint in deinem Leben eine wichtige 

Rolle zu spielen ... 

Das mache ich zu bestimmten Zeiten, aber nicht unbedingt 

täglich. Wenn größere Entscheidungen anstehen, 

wenn es Beziehungsprobleme gibt, meditiere 

ich. Dann tauche ich in mich selbst ein, suche nach 

Antworten. Bislang hat mich das in der Regel zu guten 

Orten geführt, wenn ich meinem Instinkt gefolgt bin. 

Half es, als du an deinem Buch Heaven & Hell 

– My Life In The Eagles" von 2008 " 

gearbeitet 

hast? 

Ja, sehr! Da lief gerade die Trennung von den Eag les, 

und nahezu parallel wurde ich nach 29 Jahren Ehe geschieden 

– plötzlich waren alle Rollen zerbrochen, die 

ich bis dahin gespielt hatte: Ehemann, Vater, Rockstar 

in einer großen Band. Alles war plötzlich weg. Ich ließ 

mein Leben noch einmal an mir vorüberziehen: Wie 

ich in einer dreckigen, kleinen 

Straße in Gainesville aufgewachsen 

war, all meine Wege, die 

mich schließlich zu den Eagles 

geführt hatten – und plötzlich 

war alles vorbei und ich nicht 

mehr derjenige, der ich bis dahin 

gewesen war. Damals fing ich 

an zu meditieren, jeden Tag. Ich 

habe versucht, mir alle Erinnerungen 

und Erfahrungen wieder 

bewusst zu machen. Das alles schrieb ich 

auf, gab 

es meiner damaligen Verlobten zum Lesen, und die 

meinte, daraus müsse man ein Buch machen. 

Und dann schloss sich ROAD 

TO FOREVER an? 

Während ich das Buch schrieb, 

komponierte ich auch wieder 

Songs. Denn ich erinnerte mich 

plötzlich wieder an die Zeit, 

als ich zehn Jahre alt war und 

dann im Laufe der Jahre entdeckte, 

wie groß meine Liebe 

zum Livespielen, Schreiben und 

Aufnehmen von Musik gewesen 

ist. Und so habe ich mein Leben gewissermaßen in 

Songs gepackt. 

Die Songs sind also autobiografisch? 

Ein Teil des Titelstücks entstand, als mein Vater starb 

– er arbeitete bis 65 und starb dann mit 66. Daraus 

entstand ein Song über 

ein intensives Leben mit 

vielen Höhen und Tiefen. 

Ich führte viele Gespräche 

mit Greg Ladanyi, der 

das Album produzieren 

sollte, aber kurz vor dem 

Aufnahmebeginn starb. 

Er hatte mir eine Liste 

mit Leuten gegeben, die 

an der Platte mitwirken 

sollten. Einige habe ich 

dann ins Studio geholt, Steve Lukather zum 

Beispiel. 

Die Eagles in den 70er Jahren mit Don Felder (vorne rechts) 

Auch deine Freunde David Crosby, Graham 

Nash und Stephen Stills sind dabei 

gewesen ... 

"Fall From The Grace Of Love” schildert meine 

Emotionen während dieses Jahres der 

Trennungen. Der Song hat einen großen 

Chorus – da lag es nahe, David und Graham 

zu fragen. Einen meiner ersten Jobs nach 

dem Umzug nach Los Angeles hatte ich damals für 

sie gespielt. Und mit Stephen hatte ich eine Band, als 

wir 15 Jahre alt waren. 

Du hast mit Ausnahme 

von Steve Lukathers 

Beitrag zum Titelsong 

alle Gitarren selbst gespielt elt und kreierst er so immer 

wieder eigene Atmosphären ... 

Bei den Eagles habe ich gelernt, einen Song so anzulegen, 

dass die Gitarre nur dort spielen sollte, wo 

der Gesang nicht zu hören ist. Denn sonst lenkt sie ab 

vom Text. Die Löcher im Gesangsvortrag sollte man 

füllen – und wenn das Solo kommt, sollte es genauso 

wichtig und ausdrucksstark sein wie der Leadgesang. 

Und für mein Empfinden sollte ein Solo melodiös 

und vor allem simpel strukturiert sein, so dass man es 

mitsummen kann. Dazu kommt, dass mich in jungen 

Jahren Bläser sehr geprägt haben, weil mein Vater viel 

Musik von Tommy Dorsey und Glenn Miller hörte. 

Daher schreibe ich meine Soli meist so, dass sie auch 

ein Bläser spielen könnte. Das 

Solo auf "One Of These Nights” 

der Eagles klingt wie ein Altsaxofon. 

Eines deiner Markenzeichen 

ist bis heute die Doppelhalsgitarre 

... 

Als ich 14 war, sah ich Chet Atkins 

live im Daytona Beach Auditorium. 

Er spielte eine Stereogitarre, 

bei der die oberen und 

die unteren drei 

Saiten jeweils einen eigenen Tonabnehmer 

hatten. Er erinnerte während der Show an 

den Bürgerkrieg. Um auszudrücken, dass der Norden 

und Süden zusammengehören, spielte er den "Yankee 

Doodle Dandy” auf den tiefen Saiten und gleichzeitig 

auf den anderen "Dixie”. An dieses Prinzip erinnerte 

ich mich, als wir überlegten, wie wir "Hotel California” 

live umsetzen könnten. Im Studio hatte ich so 

viele einzelne Parts gespielt, die aber alle wichtig waren. 

Also ließ ich mir eine Doppelhalsgitarre bauen, 

mit einem zwölf- und einem sechssaitigen Hals. Mit 

diversen Knöpfen konnte ich hin- und herschalten 

und so in etwa den Sound der Platte auch auf der 

Bühne reproduzieren. 

© Pressefotos 


PAUL VINCENT 

PAUL VINCENT 

MY BEATLES SONGBOOK 

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DIE NEUE 

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HERZLICHEN GLÜCKWUNSCH! 

PAUL VINCENT 

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Jeff Wayne 

Krieg der Welten – die nächste Version 

Als Hörspiel, TV-Serie und Film wurde das 1898 

von H.G. Wells geschriebene Buch „The War 

Of The Worlds" (Krieg der Welten) mehrfach 

in Bild und Ton umgesetzt. Doch keine dieser 

Versionen war so erfolgreich wie das Konzeptalbum 

von Jeff Wayne aus dem Jahr 1978. Top-10-Platzierungen 

in 22 Ländern (11x auf Rang 1) – THE WAR 

OF THE WORLDS räumte richtig ab, erschien auch 

in einer deutschen und spanischen Version. Richard 

Burton sprach die Hauptrolle, führte als Journalist 

Herbert George durch die Geschichte, in der Justin 

Hayward, David Essex, Phil Lynott und Julie Covington 

in weiteren Hauptrollen singend zu hören waren. 

Mehr als 13 Millionen Exemplare wurden von der 

Original-Doppel-LP verkauft, die ab 2006 regelmäßig 

tourende musikalische Bühnenumsetzung füllte 

weltweit Arenen. 

Nun hat der inzwischen 69-jährige 

Wayne – ein New Yorker, der 

schon lange im UK lebt – sein 

Werk überarbeitet und komplett 

neu aufgenommen. Mit Liam 

Neeson als Erzähler, dazu Joss 

Stone, Gary Barlow (Take That), 

Alex Clare, Maverick Sabre und 

Ricky Wilson (Kaiser Chiefs) als 

Vertreter der „New Generation", 

wie das aktuelle Opus im Untertitel 

heißt. In England hatte 

Wayne die überaus opulente 

Musicalversion bei Drucklegung 

dieser GoodTimes-Ausgabe bereits 

in Marsch gesetzt. Ab dem 

3. Januar wird sie dann auch in fünf deutschen 

Städten zu erleben sein. Von den Beteiligten, die mit 

Wayne im Studio waren, ist Wilson dabei, ansonsten 

werden Jason Donovan, Marti Pellow (Wet Wet Wet) 

und Kerry Ellis singend auf der Konzertbühne stehen. 

Wayne erzählte GoodTimes-Mitarbeiter Philipp 

Roser mehr über das Album und die Show. 

Fotos: © Sony Music 

Nicht mehr Boygroup, sondern Weltenkrieg: 

Gary Barlow (r.) mit Jeff Wayne. 

Warum überhaupt eine Neueinspielung, warum jetzt " 

The New 

Generation"? 

Die Frage ist legitim und naheliegend. Als ich vor 

sechs Jahren die Bühnenversion schuf und diese 

Multimedia-Extravaganza und Live-Performance 

erlebte, wurde mir klar, dass 

aus dramaturgischer Sicht noch 

sehr viel mehr möglich wäre. Im 

Lauf der Zeit wurde ich auch 

immer wieder auf das Thema 

einer Bearbeitung angesprochen. 

Zwei Jahre lang habe ich 

dann mit mir selbst gerungen, 

ehe ich mich aufraffte. Ich habe 

mir das Originalskript noch einmal 

vorgenommen, ebenso das 

Buch von H.G. Wells. Von den 

ursprünglichen Aufnahmen war 

damals einiges auf der Strecke 

geblieben, weil die Kapazität des 

Vinyls limitiert war, obwohl wir ja 

eine Doppel-LP gemacht hatten. 

Ich entdeckte im Archiv noch 

einiges an Musik, die es allemal 

wert war, diesmal mit veröffentlicht 

zu werden. Außerdem habe 

ich manche Passagen um- und 

auch ganz neu geschrieben und 

dann alles bis auf die Streicher 

komplett neu aufgenommen. Es 

wurden frische Sounds kreiert 

und die heutigen Studiomöglichkeiten 

genutzt. Um es an 

einer Zahl zu verdeutlichen: Richard Burton hatte 

damals auf Platte und live 74 Einzelsequenzen. Bei 

Nachfolger Liam Neeson sind es auf dem Album und 

in der 3D-Holografie-Produktion für die Bühnenshow 

90 Sequenzen, das heißt einzelne, voneinander 

unabhängige Auftrittseinheiten! Alles in allem hat 

die Arbeit an der Neufassung zwei Jahre gedauert. 

Es ist eine komplett neue Besetzung – gab es Überlegungen, 

auch Beteiligte des ersten Line-Ups wieder zu verpflichten? 

Wir haben kurz darüber diskutiert, aber das Thema 

war relativ schnell vom Tisch, auch wenn bis auf 

Phil Lynott alle damals Beteiligten heute noch aktiv 

sind. Aber hätten wir auch nur einen zurückgeholt, 

wäre der Gedanke der „New 

Generation" konterkariert gewesen. 

Wie schwierig war es, eine neue Künstlergeneration 

für die Neuaufnahmen zu finden? 

Das war eine echte Herausforderung! Aber 

alle kannten das Original, viele von ihnen 

waren sogar Fans. Darum hatten wir keine 

Probleme, diejenigen zu überzeugen, die 

ich dabei haben wollte. Liam Neeson, den 

ich noch nicht kannte, kaufte sich extra das Album, 

bevor ich nach New York reiste, um mit ihm über ein 

Engagement zu sprechen. Wichtig war für mich auch 

eine Erkenntnis, die ich durch die Live-Aufführungen 

mit mindestens sechs verschiedenen Bühnenbesetzungen 

gewonnen hatte: Jede Rolle ist sehr unterschiedlich 

interpretierbar. Was ja für die Hörer und 

die Showbesucher durchaus seine Reize hat. 

Joss Stone und Gary Barlow vom Studioteam standen für 

die Bühnenproduktion nicht zur Verfügung ... 

Richtig, beide haben ihre Verpflichtungen, 

wollten aber im Studio 

mitmachen. Dafür ist Ricky 

Wilson auch live vertreten 

– und Jason Donovan, 

der in England dank 

seiner Westend- 

Musicals und TV- 

Shows erfolgreicher 

ist denn 

je, sorgt für ein 

Novum: Er war 

früher schon als 


The Artillery Man dabei, den ursprünglich David Essex verkörpert hatte. Jetzt 

spielt Jason den Parson Nathaniel, also den verrücktesten Charakter in der Geschichte 

– das war für ihn eine enorme Herausforderung, die er bislang bei den 

Proben hervorragend gemeistert hat.. 

Bist du selbst live dabei? 

Selbstverständlich! Ich habe bislang alle Aufführungen dirigiert und mache das 

jetzt natürlich wieder. Das werde ich so lange machen, bis ich nicht mehr auf das 

Dirigentenpodest klettern kann (lacht)! 

Wie kam es überhaupt zu THE WAR OF THE WORLDS? 

Ich suchte damals längere Zeit nach einem Stoff, den ich in einer derartigen Form 

umsetzen könnte. Ich habe zahllose Bücher gewälzt, bis mich mein Vater auf 

H.G. Wells' „The War Of The Worlds" aufmerksam machte. 

Hat das Interesse mit deinem persönlichen Hintergrund zu tun? Du hast ja mal Journalismus 

studiert ... 

Stimmt, ich habe einen Abschluss der University Of California. Das Journalistikstudium 

hat mich sicher für das Thema sensibilisiert. 

Du hast während des Studiums auch Martin Luther King interviewt? 

Richtig. Er besuchte unsere Universität, und nach seiner Rede durften einige 

Journalisten der Tageszeitungen der Gegend sowie unserer College-Zeitung mit 

ihm sprechen. Ich habe 

für mein Interview damals 

sogar eine Auszeichnung 

bekommen. 

Fotos: © Sony Music 

In den Spuren von Richard Burton: 

Liam Neeson (r.) & Jeff Wayne 

Ein paar Jahre später hast du 

dann in London am Trinity College 

Of Music studiert ... 

Ich hatte in meiner frühen 

Jugend einige Jahre 

in London gelebt, als 

mein Vater, der als Sänger 

und Schauspieler arbeitete, 

dort ein Engagement 

hatte. Er bekam 

dann später den Auftrag, 

ein Musical im Londoner 

Westend auf die Beine zu 

stellen. Und in einem Anfall von Wahnsinn hat er mich als 18-Jährigen beauftragt, 

die Musik dafür zu komponieren – und es hat funktioniert, „Two Cities” 

war zum Glück ein Erfolg. Die Pausen während dieser Arbeit habe ich genutzt, 

um am Trinity College vertiefende Kurse im Dirigieren und Orchestrieren zu 

belegen. 

Und bist dann später im Musikgeschäft gelandet, hast Rock und Pop gemacht und lange Zeit mit 

David Essex kooperiert. 

Er war einer der ersten Künstler, mit dem ich arbeitete. Ich nahm ihn unter 

Vertrag, und wir hatten einige Erfolge. Ich habe viel Geld riskiert, das ich in ihn 

investierte, was sich letztlich aber ausgezahlt hat. So lief es eigentlich immer: 

Ich habe stets mein eigenes Geld riskiert, wenn ich von einer Sache überzeugt 

war. 1978 hatte ich mit CBS zwar eine Plattenfirma, die mir für das Album ein 

ordentliches Budget zur Verfügung stellte. Doch das war nur ein Drittel der 

Gesamtkosten – für den Rest habe ich meine Lebensversicherungen eingesetzt! 

Und bei den Tourneen ist es meist ähnlich, dass ich zunächst viel Geld selbst 

investiere – aber wenn ich von etwas überzeugt bin und es mit Leidenschaft 

verfolge, dann riskiere ich auch was. 

David Essex war aber nicht dein einziger musikalischer Partner ... 

Ich habe in der Folge viele Leute produziert und mit 

Songs beliefert, so habe ich einen Film und ein Album 

mit The Who gemacht, außerdem viele Filmmusiken 

geschrieben, war fürs Fernsehen tätig 

und realisierte andere Projekte wie „Spartacus". 

Ich habe Soloplatten von Justin Hayward produziert, 

mit Catherine Zeta-Jones und dem 

London Symphony Orchestra gearbeitet – 

ich hatte eigentlich immer gut zu tun und 

glücklicherweise auch einige Erfolge. 

30TH 

ANNIVERSARY BOX 

DIE BOX ENTHÄLT 3 CDS PLUS DVD: 

DISC 1 

DISC 2 

Original Album + 10 Singles / B-Sides 

Bonus Tracks 

21 Demos & alternate Tracks, 14 davon bisher unveröffentlicht! 

DISC 3 Live at Wembley December 1982 

23 Tracks, das komplette Konzert der letzten Tour, 

bisher unveröffentlicht! 

DISC 4 DVD Compilation 

Promo clips (Town Called Malice / Precious / The Bitterest Pill) 

Trans-Global Unity Express Tour – Live Tracks der Birmingham Show 

Danish TV Special / Das komplette Album live im TV Studio gespielt, 

45 Minuten Länge 

Top Of The Pops 1982 - Town Called Malice / Precious 

AUCH ALS 2CD DELUXE EDITION ERHÄLTLICH! 


Duffy Power 


Ray Howard (alias Duffy Power; *9.9.1941) aus 

Fulham hatte immer die besten Begleiter: das 

Gitarrengenie John McLaughlin ebenso wie 

Jack Bruce und Gary Brooker. Warum also 

jetzt ein zarter, spartanischer Solo-Unplugged-Ansatz 

mit seltenen Gästen? „ Jetzt' ist gut: Wir nahmen das 

' 

Album schon zwischen 2001 und 2003 auf. Drei Jahre 

dauerte es, weil immer Geld fehlte. Wir versuchten, 

verschiedene Musiker zu beteiligen, aber das stellte 

sich als Fehler heraus. So kam ich auf die Idee mit 

dem sparsamen Klangbild, das nicht auf übliche Bassund-Drums-Begleitung 

baut. Ich habe oft mit open 

tunings gearbeitet (Anm. d. Autors: offen' gestimmte 

' 

Gitarre, bei der leere Saiten einen einfachen Akkord 

ergeben). Auf diese Weise spielte eines Tages Bonnie 

Raitt jemand einen Skip-James-Song, und ich wollte 

so was unbedingt auch machen. So habe ich meine 

Nylonklampfe etwa in der Art des Afrikaners Ali 

Farka Touré gestimmt und bekam bald eine ganze 

Reihe weiterer Gitarrenstimmungen. Zu jeder fiel mir 

ein Song ein." 

Powers Stimme hat über all die Jahre nichts von 

ihrer Ausdrucksstärke verloren: „Ich habe immer 

gesungen, wenn ich an neuen Nummern arbeitete, 

nur eben seit den Neunzigern keine Gigs mehr 

gemacht und bin so gesehen im Ruhestand. Aber 

ich habe schon wieder drei gute Songs und möchte 

genug ansammeln für ein weiteres Album. 2008 

erlitt ich leider einen Kollaps und verlor jegliche 

Spielfreude. Aber ich arbeite mich wieder auf Anfang 

zurück. Meine Kompositionen werden immer 

besser, und ich hole alte Tapes wieder hervor." Hat 

denn Material aus den zahlreichen Clubgigs mit Dick 

Heckstall-Smith überlebt? Power: „Live-Aufnahmen 

mit Dick habe ich nicht, doch es gibt einige Radio- 

Sendungen. Die könnten sogar erscheinen, aber es 

ist schwierig, Inter esse dafür zu wecken. 'Spaces', ein 

Heckstall-Smith-Track auf TIGERS, entstand 2001, 

nicht 1997, wie es im Booklet steht – das war nur das 

Demo. Dick war stets hilfsbereit, 

in seiner stillen Art 

sehr enthusiastisch, aber er 

konnte auch brummig sein. 

Wir haben oft hier in meiner 

Wohnung gespielt, und 

dann ging es zum Greater 

London Radio. Für Sendungen 

bei denen du noch 

nicht mal bezahlt wurdest! 

Die waren nur nützlich, um 

Fans zu aktuellen Londoner 

Gigs zu locken." 

Dass Duffy Power mal 

mitten in einer Sendung 

einen Herzinfarkt hatte, 

ist das Boulevard-Müll? „Nein, das stimmt, es war 

in Paul Jones' Bluesprogramm bei der BBC. Kein 

schwerer Infarkt, bei dem du auf die Erde knallst, 

aber ich hatte starke Schmerzen, und sie brachten 

mich direkt in die Klinik. Vorher musste ich noch diesen 

lächerlich harten Song singen, 'Little Boy Blue', 

bei dem Dick richtig klasse auf zwei Saxofonen brillierte. 

Mein Gesang schwächelte bereits, aber sie bekamen 

es prima auf ihr Band. Wir hätten jedenfalls 

genug für eine CD beisammen." 

Wie war die Arbeit mit Alexis Korner und Graham 

Bond? „Alexis war angenehm, richtig nett. Ich spürte 

meine Begeisterung für unsere Projekte, nicht wegen 

des Geldes, sondern weil es Alexis Korner war – und 

Blues: Er ließ sich eine Menge von mir gefallen – ich 


Comeback auf 

der Nylon-Gitarre 

1973 sah es recht gut aus für den expressiven Sänger, den 

versierten Gitarristen und begnadeten Harp-Spieler. Nach 

" 

Rock'n'Trad Spectacular"-Revuen zwischen 1958 und 1961, 

wild-drogenbetankten Zeiten bei Alexis Korner, Graham Bond 

und mit den Fentones – zu denen sein Lieblingsdrummer Ginger 

Baker geholt wurde – war Power als Session-Crack bestens 

im Studiogeschäft. Mit DUFFY 

POWER kam dann endlich ein Album 

mit eigenen und zeitgenössischen 

Songs auf den Markt. Das erste in 

einer Serie? Leider nicht, es schien 

das letzte zu sein, von inspirierten 

Kompilationen abgesehen. Vor drei 

Jahren schloss das Blues-Porträt 

Nr. 24 in GoodTimes: " 

Für eine Entdeckung ist es auch 2009 

09 

nicht zu spät." Nun die kleine Sensation: Power ist mit einem 

Album zurück, TIGERS. Mit Uli Twelker führte er sein erstes 

Interview seit über drei Jahrzehnten. 

Der junge Duffy als Spectacular 

Rock'n'Trad-Sänger 

war naiv, jedenfalls naiver als er. Alexis hat sich nie in 

mein Spiel und meinen Gesang eingemischt. Wenn 

er dich in seine musikalische Welt holte, konntest 

du dich auslassen, er führte keine Regie. Bei seiner 

Party zum 50. Geburtstag gab es 

allerdings zu viele Musiker, da kam 

ich gar nicht zum Zug! Mit Graham 

Bond lief die Arbeit damals noch 

leicht, er war großartig. Später wurde 

er drogenabhängig, er rauchte 

Pot und warf gelegentlich eine Pille 

ein. Graham zog in eine Wohnung 

neben mir, Paris Terrace in Westbourne 

Park. Er war ein Paradiesvogel, 

wollte alles gleichzeitig." 

Mit wem gab es die inspirierendsten 

Sessions? „Wohl mit Bert 

Jansch, das lief ohne Produzent. 

Als ich auf dem Soundtrack von 

The Italian Job' spielte, führte 

' 

Quincy Jones Regie, alle lasen Partituren; auch der 

berühmte Jazz-Saxer Tubby Hayes war dabei. Produzenten 

wie Ron Richards holten mich immer, wenn 

eine spezielle Blues-Mundharmonika gebraucht 

wurde, ein Vamper. So war ich Ende 1973 auf 'Down 

On The Run' für die Hollies dabei, denn Allan Clarke 

spielte eine andere Harmonika, eine chromatische. 

Wir ließen meinen Vamper über einen Leslie-Lautsprecher 

laufen. Auch den Job bei SECOND OPINION 

für Marvin, Welch & Farrar bekam ich über Richards, 

ich kannte Hank Marvin gar nicht. Alle diese Leute 

kennen aber diesen Duffy Power aus den Sixties. 

Wenn einer eine Vamper-Harp brauchte, wurde ich 

angerufen." Gut, dass die Vampers auch auf TIGERS 

endlich wieder zu hören sind. 


Foto: © Thommy Mardo 

Queen Esther Marrow & 

The Harlem Gospel Singers 

Königinmutter 


Für Queen Esther Marrow war 2011 

ein ganz besonderes Jahr: Die 

Grande Dame des Gospel feierte 

ihren 70. Geburtstag, der von ihr zusammengestellte 

Chor The Harlem Gospel Singers 

blickte auf 20 Jahre Existenz zurück; 

außerdem veröffentlichte die Plattenfirma 

– ihrer Künstlerin zu Ehren – die Doppel-CD LEGEND 

mit einem Querschnitt aus rund 50 Jahren Karriere. 

Zusätzlich enthalten: 15 neue Kompositionen, bei 

denen Queen Esther (ihr richtiger Name!) auch deutsche 

Soul- und Gospelkoryphäen wie Xavier Naidoo 

oder Cassandra Steen tatkräftig zur Seite standen. 

Natürlich war, wie bei dieser Formation längst üblich, 

die anschließende mehrmonatige Tournee der „Singers” 

quer durch die Welt ein Riesenerfolg. 

„Es war ein schönes, unvergessliches Jahr”, konstatiert 

die lebenslustige Sängerin aus dem US-Bundesstaat 

Virginia, „aber jetzt ist genug gefeiert worden, 

nun geht es weiter mit harter Arbeit.” Die besteht 

vorrangig aus Proben für die nächste Tour unter dem 

Motto „Wonderful World”, die das Ensemble zwischen 

dem 21.12. und 20.1. beinahe allabendlich auf 

eine Bühne in der Schweiz oder in Deutschland führen 

wird. Wie jedes Mal bei den „Singers” wird derzeit 

eine komplett neue Choreografie ausgearbeitet. „Das 

Motto der Shows gibt sich optimistisch, doch die 

Show selbst wird mehr ernste Lieder als je zuvor haben. 

Wir sind uns des Ernstes des Zustands bewusst, 

in dem sich unser Planet ökologisch und ökonomisch 

befindet”, grübelt Ms. Marrow. Um im nächs ten Satz 

ihrem optimistischen Naturell entsprechend hinzuzufügen: 

„Aber selbstverständlich löst sich am Ende 

alles in Harmonie auf, wir entlassen keinen einzigen 

Besucher resigniert. Wir stehen immer im Licht. Das 

ist unsere Leidenschaft, das ist unsere Berufung!” 

Den Begriff „Licht” assoziiert Queen Esther Marrow 

vorrangig mit Gott und Jesus, an die der Gospelstar 

voller Inbrunst glaubt: „Die Musik, die ich singe, ist 

zunächst ganz der Liebe zu meinem Schöpfer gewidmet, 

doch wenn die Hörer diese 

Lieder auch auf reale’ Personen 

' 

und reale’ Liebe beziehen, habe 

' 

ich damit natürlich kein Problem. 

Wenn sich zwei Menschen bedingungslos 

lieben, begegnen sie zumindest in meiner 

Philosophie ohnehin immer dem göttlichen 

Plan der Liebe.” 

Auch ihre ausdrucksstarke Stimme sieht 

die Queen als ein „gewaltiges Geschenk 

des Herrn, um der Menschheit Freude zu 

schenken”, erklärt sie leicht pastoral, „aber man muss 

unbedingt Tag für Tag an seiner Stimme arbeiten, 

wenn man sie sich erhalten will. Ich möchte die Menschen 

weiterhin mit meinem Gottesgeschenk begeistern. 

Schon darum bin ich es ihnen schuldig, dass ich 

mein Sangesorgan trainiere. Auch den Harlem Gospel 

Singers bin ich es schuldig. Ich habe sie ins Leben 

gerufen, meine Babies', wie ich sie nenne. Also darf 

' 

ich sie nicht mit untrainierten Stimmbändern kompromittieren. 

Die Babies' kommen mit jedem zwischenmenschlichen 

Problem zu mir, ich bin für sie 

' 

verantwortlich. Kürzlich haben sie mich allen Ernstes 

zu ihrer Königinmutter' ernannt”, kichert Harrow. 

' 

Schon ehe sie 1991 die Harlem Gospel Singers ins 

Leben rief, hatte Marrow eine erstaunliche Karriere 

hinter sich. Bereits in den 1960ern war sie gefeierte 

Musical-Darstellerin, sie verkörperte u.a. die von ihr 

innig verehrte Mahalia Jackson, als deren Nachfolgerin 

sie seit Jahrzehnten immer wieder bezeichnet 

wird. Im Lauf der Zeit traf sie auf Musiklegenden wie 

Bob Dylan, Ella Fitzgerald, Harry Belafonte und Ray 

Charles, entdeckt wurde sie bereits im Teenager-Alter 

vom Jazzer Duke Ellington. 

Und auch politisch zeigte Queen Esther stets Flagge 

– die der Bürgerrechte; sie setzte sich Hand in Hand 

u.a. mit Martin Luther King und Jesse Jackson gegen 

Rassendiskriminierung ein. Allerdings: „Wenn ich auf 

meine Karriere zurückblicke, entdecke ich selbstverständlich 

Dinge, die ich besser nicht getan hätte”, 

seufzt die beeindruckende Lady. „Aber immerhin 

kann ich mir zugute halten, keinen einzigen Fehler 

zweimal begangen zu haben. Dem Herrn sei Dank! 

Darauf ein Halleluja!” 

ZOUNDS-Chef Wolfgang Feld 

mit aktuellen CD-Tipps. 

SUPERCHARGE 

BEST »Get Up And 

Dance« 

Pink Champagne · 

Swing Brother Swing · 

Mellow Saxophone · 

Eat That Chicken · 

Memphis Soul Stew · 

Sir La Dude · Teach 

Me Tonight · Fatman 

Blues · Rainy Night In 

Georgia · When U Get 

Back · Fool That I Am · 

The Spirit In Me · T- 

Bone Shuffle (live) · 

Them Changes · 

Wysiwyg · Don't Worry 'Bout A Thing · I Think I'm Gonna Fall (In 

Love) · We Both Believe In Love · Get Up And Dance. 

Spielzeit: 79:21. 

Mit CD-Text. CD Best.Nr. 27000 20171 D 22,49 

Für CD-Abonnenten nur D 19,12 

BILLY JOEL BEST 

»The Golden 

Essentials« 

CD 1: Just The Way 

You Are · My Life · It’s 

Still Rock And Roll To 

Me · An Innocent Man · 

Piano Man · You’re My 

Home (Live) · Every - 

body Loves You Now · 

The Enter tainer · 

Street life Serenader 

(Live) · New York State 

Of Mind · Say Goodbye 

To Hollywood · She’s 

Got A Way · Movin’ Out (Anthony’s Song) · She’s Always A 

Woman · Honesty · You May Be Right · Don’t Ask Me Why · 

Miami 2017 (Seen The Lights Go Out On Broadway) (Live). 

CD 2: Uptown Girl · Tell Her About It · The River Of Dreams · 

The Longest Time · We Didn’t Start The Fire · Goodnight Saigon 

· Allentown · All For Leyna · This Is The Time · Leave A Tender 

Moment Alone · A Matter Of Trust · Baby Gran · I Got To 

Extremes · Leningrad · The Downeaster ”Alexa“ · You’re Only 

Human (Second Wind) · All About Soul (Remix). 

Lieferbar ab 3.12.2012. Spielzeit: 154:53. Mit CD-Text. 

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Tel. 0711/182 1991, 

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Keep On 

ROCKING 

79:21 

JÜRGEN ZÖLLER 

NET WORK; 

3-Track-Single. 

»Mein Körper und 

ich«. Der BAP- 

Drummer auf Solo- 

Pfaden: Mit seinem 

neuen Projekt erfüllt 

sich der schon seit 1987 

amtierende BAP-Schlag - 

zeuger einen persönlichen 

Musiker traum. 

Für sein »Jürgen Zöller 

Network« produziert 

der mittlerweile im 

Badischen beheimatete 

Zöller zusätzlich zur aktuellen BAP-Tour eine CD mit seinen 

Lieblingsmusikern und Freunden, die ihn im Laufe der Karriere 

auf der Bühne und im Studio begleitet haben. Und einen ersten 

Vorge schmack dafür gibt es jetzt mit dieser Single bei FL45 – 

dem Label des Musikjournalisten Frank Laufenberg und ZOUNDS. 

Mein Körper und ich (Nobody’s Perfect) · It’s Your Party · Take 

You Out Tonight. Spielzeit: 13:02. Mit CD-Text. 

Gold-CD Best.Nr. 27000 45201 D 6,82 


gt1112 

Foto: © Thomas Brill 

Katalog gratis: 

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" 

Es war schön/einfach schön/endgültig vorbei, aber schön/Winde dreh’n, Menschen geh’n/was 

war, kann uns keiner mehr neh’m/denk an unsre Zeit, sie war schön" – so singen die Puhdys im 

Titelstück ihrer neuen CD ES WAR SCHÖN. Worte, die man den Altrockern zweifelsohne glauben 

kann. Etwa 20 Millionen verkaufte Tonträger und 4500 Konzerte finden sich auf der Habenseite 

Ostdeutschlands bekanntester Band, die auch im Westteil des Landes schon seit den 1970ern 

eine große Fangefolgschaft hat. 

Abschied von einer Legende? 

Es war schön" ist nicht der einzige Song des aktuellen 

Albums, der von einem gelebten Leben 

„ erzählt. Weise und sehr emotional thematisiert 

die Rockband ebenso Krankheit und Tod. Die Puhdys 

befinden sich im nunmehr 44. Jahr ihres Bestehens. 

Das älteste Mitglied, Keyboarder Peter Meyer, ist 72 

Jahre alt, der Sänger Dieter Birr auch schon 68. Das ist 

zwar im großen Rock’n’Roll-Zirkus nichts Ungewöhnliches 

mehr, doch die Puhdys machen nicht den Fehler, 

etwa von 20-jährigen Blondinen zu singen. Es ist dennoch 

kein trauriges Album geworden, viele Songs sind 

gewohnt fröhlich und optimistisch ausgefallen. Der 

Eindruck, es könne sich um 

ein Abschiedsalbum handeln, 

lässt sich jedoch nicht einfach 

ignorieren. „Vielleicht ist es ja 

wirklich unser letztes Album", 

erklärt Gitarrist Dieter Hertrampf, 

„wir haben alle ein gewisses 

Alter erreicht. Außerdem 

fährt jeder von uns zig tausende 

Kilometer durchs Land. 

Es kann ja alles sehr schnell 

vorbei sein." Wer die Puhdys 

– neben Birr, Hertrampf und 

Meyer gehören Drummer Klaus 

Scharfschwerdt (seit 1979) und 

Bassist Peter Rasym (seit 1997) dazu – aber kennt, sie 

in Gesprächen erlebt, weiß von der Energie, mit der die 

Musiker an den Tag gehen. Ans Aufhören denkt hier 

konkret niemand. 2013/14 sind längst durchgeplant, 

© Pressefoto 1976 

von der Akustiktour bis zur Weihnachtsshow. In ihren 

Konzerten singen mittlerweile drei Generationen ihre 

Hits lauthals mit. Wohltuend unterscheiden sich die 

Puhdys von vielen anderen „alten" Formationen. Sie 

ruhen sich nicht auf ihren früheren Erfolgen aus, mutieren 

nicht zur Oldieband, die sich auf das Abspielen 

erprobter Klassiker beschränkt. Akribisch fließen immer 

wieder neue Musikströmungen in den Sound ein, 

jahrzehntelange Erfahrungen bilden die Basis. Das gilt 

auch für ES WAR SCHÖN. Jeder Ton ist unverkennbar 

Puhdys, und dennoch handelt es sich um eine sehr 

moderne Produktion. 

Die Band will es noch mal 

wissen und heuerte darum 

beim Branchenriesen Universal 

an. Das ist neu, denn 

nach dem letzten Album 

DEZEMBERTAGE, 2001 bei 

BMG erschienen, wechselten 

die Puhdys zu kleineren Labels 

mit überschaubareren Strukturen. 

Als dann das Angebot 

von Universal kam, fühlten sie 

sich dennoch geschmeichelt. 

„Die haben ja nachweislich 

einige Erfolge vorzuweisen", 

schmunzelt Dieter Birr, der von 

den Fans „Maschine" genannt wird. „Wir sind sehr 

gespannt", sagt Schlagzeuger Klaus Scharfschwerdt, 

„unsere Single 'Es war schön' wird jetzt schon von 

vielen Radiostationen in Ost und West gespielt. Das 


Von Christian Hentschel 

ist neu für uns." Die Band freut sich darüber sehr, 

denn wenngleich die Puhdys auch immer in den Medien 

präsent waren, beschränkten sich die Airplays auf 

die alten Hits. Neu war auch die Entstehungsweise 

des neuen Albums. Zwar lassen sich die gestandenen 

Rocker nur bedingt in ihre Arbeit hineinreden, doch 

die Verantwortlichen von Universal sagten sehr wohl, 

wenn ihnen etwas nicht gefiel. „Das gab es bei uns 

noch nicht", sagt Dieter Birr. Ein glattgebügeltes, 

nur auf Kommerz ausgelegtes Werk ist es aber dennoch 

nicht geworden, wie der Sänger ergänzt: „Die 

Diskussionen mit dem Label haben zum Nachdenken 

angeregt. Beispielsweise haben wir uns entschlossen, 

zwei Songs nur in den Downloadportalen anzubieten, 

weil sie sich in den Gesamtkontext der Platte nicht 

integrieren ließen. Und über eine Single-Auskopplung 

hatten wir früher auch nie nachgedacht, wenn etwas 

im Radio lief, waren es die alten Hits." 

Die Klassiker sind allerdings auch stark genug, die 

Jahrzehnte zu überdauern. 1973 erlebten die Puhdys 

ihren endgültigen Durchbruch. Für den Kinofilm „Die 

Legende von Paul und Paula" schrieb Filmkomponist 

Peter Gotthardt die Songs "Wenn ein Mensch lebt" 

und "Geh zu ihr", die Puhdys interpretierten sie. Der 

Spielfilm, sehr nah am wirklichen Leben in der DDR, 

entwickelte sich zum Publikumsmagneten. Auch die 

Puhdys profitierten davon. Zwar waren sie da schon 

vier Jahre in Aktion und hatten mit "Türen öffnen

sich zur Stadt" und einigen anderen Liedern kleinere 

Hits, doch über Nacht wurden sie nun zur populärsten 

Band Ostdeutschlands. 

Beim staatlichen Label Amiga folgte 1974 die erste 

LP. Im selben Jahr konnte die Gruppe erstmals ein 

Konzertengagement außerhalb des Ostblocks annehmen, 

bei einem Brauereifest in Belgien. 1975 spielten 

die Puhdys viele Konzerte in niederländischen Discotheken, 

bevor es 1976 auch nach Westdeutschland 

ging. Zunächst zu einem Dortmunder Festival mit 

Frumpy, dann nach Berlin (West) und im November 

nach Hamburg. „Die Pilzköpfe vom Alexanderplatz", 

titelte die lokale „Morgenpost". Im Publikum saß auch 

Udo Lindenberg, der die Ost-Rocker prompt zu sich 

einlud. 1977 waren es schon mehrwöchige Tourneen, 

die durch die BRD führten. Außerdem gastierten sie 

im „Musikladen", und gleich drei Puhdys-LPs erschienen 

in der Bundesrepublik. Mitunter waren die Puhdys 

mehr im Westen unterwegs als im Osten. Songs wie 

"Alt wie ein Baum", "Lebenszeit" 

oder "Melanie" wurden 

in Ost und West gehört. Seit 

1980 erschienen die Langspielplatten 

in beiden Teilen 

des Landes fast zeitgleich, in 

der BRD aber oft mit einem 

veränderten Cover. Beispiel: 

NEUE HELDEN. Es zeigt zwei 

Babys, die prima miteinander 

klarkommen. An den Windeln 

(!) ist zu erkennen, dass es sich 

um ein amerikanisches und ein 

sowjetisches Kind handelt. Für 

die DDR war das im Frühling 

1989 offenbar zu spektakulär, die Ost-LP wurde in 

schlichtem Blau veröffentlicht. 

Es war das vorläufig letzte Puhdys-Jahr. Die Musiker 

gingen auf „Goodbye"-Tour und kündigten die Auflösung 

der Band an. In Ost-Berlin pilgerten 80.000 Fans 

zum vielleicht letzten Konzert auf dem Bebelplatz. Die 

Puhdys spielten jährlich 150 Konzerte, nun sahen sie 

ihre Zukunft in der Produktion. Lediglich Dieter Birr 

und Klaus Scharfschwerdt mussten sofort auf die 

Bühnen zurück und tingelten als Maschine & Männer 

durchs Land. Doch schon 1992 waren die Puhdys 

wieder komplett. Weder die Bandpause noch das Verschwinden 

eines ganzen Landes konnten die Popularität 

schmälern. Ein Film mit Mario Adorf, ein Duett mit 

Rammstein-Sänger Till Lindemann sowie ein Hit ("Hey, 

wir woll’n die Eisbären sehn", den 

auch Jürgen Drews coverte) sind die 

Eckpfeiler des 1990er-Jahrzehnts. 

Auch im neuen Jahrtausend behielten 

die Puhdys die Nase vorn. 

Unter dem Motto „Ost-Rock Klassik" 

luden sie Kollegenbands wie 

City und Karat sowie das Filmorchester 

Babelsberg ein, die größten 

Hits klassisch zu interpretieren. 

Mit Weihnachtsprogrammen zogen 

sie zwischen den Festtagen Zehntausende 

in die Konzerthallen. Ein 

Spirituosenhersteller veredelte seine 

Schnaps-Etiketten mit den Konterfeis 

der Puhdys, und in Storkow 

bei Berlin gibt es ein Puhdys-Museum. 

Nachdem die Musiker 2009 

© Pressefoto 1995 

das 40-jährige Jubiläum mit großen Livespektakeln, 

dem Album ABENTEUER und einer gleichnamigen 

Bandbiografie feierten, hätte 

es den Musikern niemand 

übelgenommen, wenn sie 

in Zukunft alles einen Gang 

langsamer angegangen wären. 

Machen sie aber nicht. 

Im Gegenteil: Der Puhdys- 

Dampfer steuert wieder volle Kraft voraus, folgerichtig 

singen sie in "Unser Schiff": „Auf unserm Schiff, sind 

wir zu Haus/werfen keine Anker, steigen nie aus/die 

Fahrt ist lang, hört niemals auf/wir nehmen Flauten 

und Stürme in Kauf." Es lohnt sich dabei zu sein, ES 

WAR SCHÖN ist die beste Puhdys-Platte seit 20 Jahren. 

Mindestens. 

www.metal-and-wine.de

Es war einmal ... 


17.11. Bob Gaudio schrieb mit 15 als 

Co-Autor den ersten Hit "Who Wears 

Short Shorts" für seine The Royal Teens, 

war später Gründungsmitglied der Four 

Seasons, für die er "December '63 (Oh, 

What A Night)" verfasste; produzierte Neil 

Diamond, Barbra Streisand, Frank Sinatra, 

Marvin Gaye, Barry Manilow, komponierte 

für das Musical „Peggy Sue Got 

Married" und TV-Serien. Das Mitglied der 

Rock'n'Roll Hall Of Fame und der Songwriters 

Hall Of Fame ist nun 70. 

20.11. Norman Greenbaum profilierte 

sich 1969 als One-Hit-Wonder: Die Tantiemen 

für "Spirit In The Sky" sichern ihm 

auch mit 70 ein ordentliches 

Auskommen. 

24.11. Billy Connolly (voc, 

g) gründete 1965 in Schottland 

The Humbelbums (mit 

Gerry Rafferty); nach einer 

kurzen Solokarriere verlegte 

er sich auf die Schauspiele- 

Nor 

man Gr 

eenen 

rei und Stand-up-Comedy. Dreht jetzt mit 

70 am liebsten Reiseberichte. 

30.11. Bob Moore gehörte als Bassist in 

Nashville zum so genannten A-Team der 

Sessionmusiker, spielte ab 1958 oft für Elvis 

Presley, Roy Orbison, Bob Dylan; gründete 

mit Fred Foster Monument Records, 

war einige Zeit Mitglied bei Moby Grape 

und begeht nun seinen 80. Geburtstag. 

30.11. Jimmy Bowens eigene Karriere 

war weniger erfolgreich als die als Produzent 

von Kenny Rogers, Glen Campbell, 

Hank Williams jr., Reba McEntire, Kim 

Carnes und Garth Brooks, schuf Soundtracks 

und gibt mit 75 noch 

längst keine Ruhe. 

2.12. Ted Buechel Jr. (voc, g, 

b, dr) war 1965 Gründungsmitglied 

der Soft- und Folk-Rockgruppe 

The Association; war mit 

wechselnden Besetzungen bis 

Noe 

oel lP 

Paul 

1984 unterwegs, stieg dann aus, 

um sich um seinen autistischen Sohn zu 

kümmern. Auch wenn im Internet Todesmeldungen 

kursieren, soll er seinen 70. fit 

begehen. 

4.12. Bob Mosley erfuhr am 

meisten Aufmerksamkeit als 

Bassist/Sänger/Songschmied 

von Moby Grape, veröffentlichte 

diverse Soloplatten (zuletzt 

2005 TRUE BLUE für das 

deutsche Taxim-Label), wurde 

baum 

in seinem Schaffensdrang oft 

durch seine Schizophrenie-Erkrankung 

gebremst. Gehört nun zum Kreis der 70er. 

eenbau 

5.12. Little Richard (bürgerlich Richard 

Wayne Penniman) mischte ab Mitte der 

50er Jahre mit Klassikern wie "Tutti Frutti", 

"Long Tall Sally", "Rip It Up", "Good 

Golly Miss Molly" die Musikszene auf, 

der singende Pianist avancierte mit seiner 

schrillen Show zum wilden Mann der Szene, 

zog sich 1957–1964 ein wenig zurück, 

um als Prediger zu amtieren und Gospel 

zu intonieren, feierte ein Comeback und 

Geburtstage 

ist bis heute mit Höhen und Tiefen aktiv. 

Das Mitglied der Rock'n'Roll Hall Of Fame 

hat mit 80 noch reichlich Power. 

au St 

ooko ey 

30.12. Noel Paul Stookey 

wurde erfolgreich mit dem 

Folktrio Peter, Paul & Mary, 

veröffentlichte immer wieder 

Soloplatten und ist seit dem 

Tod von Mary Allin Travers 

2009 allein musikalisch und 

als Politaktivist unterwegs, 

veröffentlichte kurz vor seinem 75. das 

Album CABIN FEVER WALTZ. 

31.12. Andy Summers, englischer Multi-Instrumentalist, 

wurde berühmt als Gitarrist 

von The Police, nachdem er zuvor 

schon bei Soft Machine und als vielgefragter 

Studiomusiker (u.a. für Eberhard 

Schoener) gespielt hatte. Nach dem Ende 

von Police solo aktiv (u.a. im New-Age- 

Sektor), profilierte sich als Fotograf, ist 

mit 70 immer noch gefragt als Studiogast. 

2.1. Wolfgang Sauer (Markenzeichen: 

Sonnenbrille, die er wegen einer 

Augenerkrankung als Kind 

trägt) war als Schlagerinterpret 

("Tango für den Kommissar", 

"Cindy, oh Cindy") erfolgreich, 

ersang sich auch einen Ruf als 

Jazz- und Bluesvokalist. Tönt 

mit 85 leiser. 

Chr 

is Mon 

3.1. Michael Zager spielte ab 1968 

Jazz-Rock mit Ten Wheel Drive, mach- 

Montez 

te viel (Radio-)Werbung, landete mit 

der Michael Zager Band im Disco-Genre 

(Hit: "Let's All Chant", 1978), produzierte 

(Spinners, Johnny Guitar Watson), machte 

mit The Moving Images Smooth Jazz; 

dazu lehrte der nun 70-Jährige an der 

Florida Atlantic University. 

6.1. Adriano Celentano gelangte als 

Sänger, Schauspieler („Das süße Leben", 

„Gib dem Affen Zucker") und TV-Moderator 

zu Ruhm und Reichtum. Sein größter 

Hit war 1968 das von Paolo Conte 

geschriebene "Azzurro". Ist auch mit 75 

noch live zu erleben. 

7.1. Paul Revere lernte Frisör, zog es 

dann aber vor, mit seinen in Uniformen 

des Unabhängigkeitskrieges auftretenden 

Raiders zu rocken, mit denen der Keyboarder 

und Songschreiber bis 1973 zahlreiche 

Hits in seiner Heimat USA landete 

und auch mit 75 noch eifrig tourt. 

9.1. Roy Head – der US-Bluey-eyed- 

Soulsänger landete mit seiner Band Traits 

1965 mit "Treat Her Right" weltweit einen 

Hit, zog sich 1985 aus 

dem Musikbusiness zurück, 

kehrte zu diversen Traits- 

Reunions zurück und ist 

nun 75. 

17.1. Chris Montez tingelt 

heute mit 70 immer 

noch mit seinem Evergreen 

"Let's Dance" von 1962 durch den Oldie- 

Zirkel. 

Sie könnten mit 65 in den offiziellen Ruhestand gehen: 

17.11. Robert " 

Stewkey" Antoni war 

neben Todd Rundgren Leadsänger und 

Keyboarder bei The Nazz, spielte zuvor mit 

Rick Nielsen und Tom Petersson (Cheap 

Trick) bei Fuse und Sick Man Of Europe. 

Der fünffache Großvater ist noch mit Nazz 

5.0 unterwegs. 

20.11. Joe Walsh war schon mit 

der James Gang und solo erfolgreich, 

als er 1976 bei den Eagles 

einstieg. Der begeisterte Funkamateur 

veröffentlichte zuletzt 

das Solowerk ANALOG MAN. 

Joe 

Walsh 

20.11. George Grantham, der in den 

letzten Aufnahmezügen bei Buffalo 

Springfield dabei war, trommelte 1969 auf 

Neil Youngs Solodebüt, wurde als singender 

Drummer von Poco rekrutiert. Nach 

einem Schlaganfall 2002 nicht mehr aktiv. 

22.11. Sonny Geraci sang bei den Outsiders 

und Climax, die mit "Precious And 

Few" 1972 einen #3-Hit landeten. Ein 

Comebackversuch als Peter Emmett scheiterte 

1983, tourte nach langer Pause ab 

2007 wieder. Ist seit April 2012 und einem 

Gehirnaneurysma ein Pflegefall. 

25.11. Val Fuentes machte sich einen 

Namen als Drummer der psychedelischen 

Folk-Rocker It's A Beautiful Day, mit denen 

er wieder aktiv ist; war zwischendurch 

bei New Riders Of The Purple Sage und 

The Moments. 

5.12. Jim Messina war 

Mitglied von The Dragsters 

(gleichnamiges Surfalbum 

1966), Buffalo Springfield, 

Poco, Loggins & Messina, 

arbeitete später als Mixer 

und Produzent und ist 

noch solo unterwegs. 

6.12. Kim Simmonds ist 

seit 1966 singender Gitarrist 

und Bandleader von Savoy 

Brown, hat für das Frühjahr 

eine neue Scheibe angekündigt. 

Betätigt sich nebenbei 

live und auf Platte auch als 

Akustik-Solokünstler. 

Gregg 

All 

man 

8.12. Gregg Allman schreibt als singender 

Keyboarder mit der Allman Brothers 

Band seit 1969 (Blues & Southern-) 

Rockgeschichte, war stets auch als Solist 

aktiv (letztes Album: 2011 LOW COUNTRY 

BLUES), tourt immer noch, hat allerdings 

seit seiner Lebertransplantation 2010 immer 

wieder gesundheitliche Probleme. 

28.12. Dick Diamonde (bürgerlich: Dingeman 

Ariaan van der Sluys) spielte Bass 

bei den Easybeats. 

30.12. Jeff Lynne sammelte 

erste Erfahrungen bei Idle Race 

und The Move, führte das Electric 

Light Orchstra auf Erfolgshöhen, 

war bei den Traveling 

Wilburys dabei, ist als Produzent 

Don 

ald 

gefragt – derzeit an 

der Veröffentlichungsfront mit 

LONG WAVE aktiv. 

2.1. Kerry Minnear studierte 

Musik, stieß 1970 als Keyboarder 

(und Gelegenheitssänger) 

zu Gentle Giant. Lebt heute 

zurückgezogen in den UK-Midlands. 

7.1. Kenny Loggins – der US-Soft- 

Rocker war mit Jim Messina unterwegs 

(Loggins & Messina), debütierte 1977 

solo, erhielt für "Footloose" eine Oscar- 

Nominierung und ist heute auch mit 

dem Countrytrio Blue Sky Riders aktiv. 

10.1. Scott English landete 1971 mit 

dem selbst verfassten "Brandy" im UK 

auf #12, (Barry Manilow machte 1974 

daraus den Abräumer 

"Mandy"). English arbeitete 

danach als Songautor und 

Produzent. 

10.1. Donald Fagen 

gründete 1972 mit Walter 

Becker die Kultband Stee- 

gen 

ly Dan, sang und spielte 

Keyboards. Veröffentlichte hochwertige 

Solo-Alben, zuletzt gerade SUNKEN 

CONDOS. 

Fa 

gen 

14.1. Allen Toussaint begleitete schon 

früh Fats Domino im Studio, veröffentlichte 

1958 seine erste eigene Single 

"Whirlaway" (noch als Al Tousan), leitete 

das Minit-Label, entwickelte sich zum 

vielgefragten Songlieferanten, Mitspieler 

und Produzenten in New Orleans. 

Hat bislang 818 Songs bei der BMI registriert! 


Gedenktage 

Gerald " 

Gerry" Lockran (*19.7.1942), in 

Indien geborener und im UK aufgewachsener 

Gitarrist spielte Folk und Blues, tourte in Europa 

und den USA, zog 1981 nach Amerika, 

erlitt ein Jahr später auf Tour in Deutschland 

einen Herzinfarkt, weniger später einen 

Schlaganfall, deren Folgen ihn am 17.11.1987 

das Leben kosteten. 

Danny Whitten (29) machte sich sowohl 

einen Namen als Gitarrist bei Crazy Horse 

(an der Seite Neil Youngs) als auch als Songschmied 

– aus seiner Feder stammte das vielgecoverte 

"I Don't Want To Talk About It". 

Starb am 18.11.1972 an einer fatalen Mixtur 

aus Medikamenten und Drogen. 

Robert „Bobby" Nelson Relf (*10.1. 1937) 

veröffentlichte in den 50er solo, war Mitglied 

bei den Doo-Woppern The Laurels, dann den 

Crescendoes und Hollywood Flames, landete 

1963 mit dem Duo Bob & Earl den Hit 

"Harlem Shuffle" (mit Partner Bobby Day 

alias Bobby Byrd); nahm als Bobby Valentino 

und Bobby Garrett auf, produzierte 

Jackie Lee und Barry White, starb nach längerer 

Krankheit am 20.11.2007. 

Hadda Brooks (29.10.1916) konnte auf 

eine 60 Jahre anhaltende Karriere als Sängerin 

von Blues, Boogie, R&B und Torch Songs zurückblicken, 

als sie 21.11.2002 an den Folgen 

einer Herzoperation starb. 

Michael Hutchence (22.1.1960) führte 

INXS ab 1979 als Sänger zu Welterfolgen, 

wurde am 22.11.1997 unter ungeklärten Umständen 

mit einem Gürtel erhängt in einem 

Hotel in Sydney aufgefunden. Sexspielchen 

sollen möglicherweise eine Rolle gespielt haben. 

June Tyson (*5.2.1936) sang von 1968 

bis zu ihrem krebsbedingten Ableben am 

24.11.1992 mit Sun Ra. 

Eagles, war in diversen Spielfilmen zu sehen, 

starb beim Joggen am 2.12.1982 in New York. 

Michael Hedges (*31.12.1953) gehörte zu 

den innovativsten und stilistisch vielseitigsten 

(Akustik-)Gitarristen der 80er Jahre, nahm für 

das renommierte Windham-Hill-Label auf 

und kam am 2.12.1997 bei einem Autounfall 

in seiner Heimat Kalifornien ums Leben. 

Thomas " 

Tommy" Cogbill war einer der 

gefragtesten Sessionbassisten der 60er und 

70er Jahre, arbeitete in Memphis und verewigte 

sich mit seinem Basslauf auf Dusty 

Springfields Hit "Son Of A Preacher Man" 

(1969). Auf Aufnahmen von Elvis Presley, Kris 

Kristofferson, Aretha Franklin, J.J. Cale, Chuck 

Berry, Dolly Parton und Neil Diamond zu hören 

– legte sein Instrument am 7.12.1982 für 

immer aus der Hand. 

Otis Redding 

(*9.9.1941) hat sich 

mit Klassikern wie 

"These Arms Of 

Mine", "Mr. Pitiful", 

"Respect", vor allem 

aber dem posthum 

Oi 

Oti 

sR edding 

gecharteten "(Sittin' 

On) The Dock Of The Bay" unsterblich 

gemacht. Der Sohn eines Predigers avancierte 

zu einer prägenden Gestalt des Memphis 

Soul und kam viel zu früh ums Leben, als das 

Flugzeug mit ihm und vier Musikern seiner 

Begleitband The Bar-Kays (Ronnie Caldwell/keys, 

Jimmy King/g, Phalon Jones/ 

sax und Carl Cunningham/dr) am 10. Dezember 

1967 in Madison abstürzte. 

Simon Jeffes (*19.2.1949), englischer Gitarrist, 

Komponist und Arrangeur führte 24 

Jahre lang bis zu seinem Tod am 11.12.1997 

(Gehirntumor) das Penguin Cafe Orchestra 

an, mit dem er die Grenzen zwischen Klassik, 

Rock und Folk überwand. 

selbst auf, kooperierte mit Leon Russell und 

erneut mit Waters. Als er am 19.12.1997 

überraschend starb, arbeitete er gerade mit 

Eric Clapton, Robert Plant, Jimmy Page, Taj 

Mahal, Stephen Stills, Jeff Healey und Keith 

Richards an einem All-Star-Projekt 

– das Ergebnis BLUES, BLUES, 

BLUES erschien 1999 posthum. 

Albert King (*25.4.1923) avancierte 

zu einer der einflussreichsten 

Persönlichkeiten im Blues – 

viele Gitarristen berufen sich bis 

Albe ert 

Ki 

heute auf ihn als Vorbild. Nach 

ersten Aufnahmen Anfang der 50er Jahre 

in Chicago zog er nach Memphis, veröffentlichte 

dort auf Stax. Spielte wie Jimi 

Hendrix, John Mayall und Janis Joplin am 

1.2.1968 in San Francisco bei der Eröffnung 

des Fillmore West, tourte mit dem St. Louis 

Symphony Orchestra. Starb am 19.12.1992 

an einem Herzinfarkt. 

Jackie Landry (*22.5.1941) sang von 

1957 bis 1970 bei der ersten landesweit 

erfolgreichen Frauen-Popgruppe The Chantels. 

Starb am 23.12.1997 an Brustkrebs. 

Conny Plank (3.5.1940) war Tonstudio- 

Pionier nicht nur der deutschen Rockszene, 

arbeitete als Tonmeister und Produzent für 

Cluster, Ash Ra, die Scorpions, Gomorrha, 

 

King 

Ber 

ry Oak 

ley 

Neu!, Guru Guru, Kraan und vor allem dann 

Kraftwerk, Grobschnitt, Ultravox, Devo, Eurythmics 

oder Brian Eno. Daneben nahm 

Plank im Duo mit Dieter Moebius vier eigene 

Alben auf. Während der Arbeit am ersten 

Solo-Album von Heiner 

Pudelko (Interzone) erlag 

Plank völlig überraschend 

am 18.12.1987 einem Krebsleiden. 

Eddie Hazel (10.4.1950) 

sorgte für die richtigen 

Gitarrentöne bei den P- 

Funkern Parliament und Funkadelic, mit 

denen er 1997 posthum in die Rock'n'Roll 

Hall Of Fame aufgenommen wurde. Nierenversagen 

und innere Blutungen hatten am 

23.12.1992 zu seinem Ableben geführt. 

Hank Williams (*17.9.1923) gilt als die 

Country-Ikone schlechthin, sowohl als Interpret 

wie auch als Songschmied – sein 

erster Hit "Lovesick Blues" öffnete ihm 

1949 alle Türen. Er kämpfte früh mit Alkohol- 

und Drogenproblemen. Er wurde 

am 1.1.1953 von einer Polizeistreife tot 

in seinem Auto aufgefunden. Offizielle 

Todesursache war zwar ein Herzinfarkt, 

doch ein fataler Drogen- und Medikamentenmix 

dürfte eine größere Rolle gespielt 

haben. 

Fenton Robinson (*23.9.1935) nahm seine 

erste (Blues-)Single "Tennessee Woman" 

1957 in Memphis auf, zog 1962 nach Chicago 

weiter, nahm für Alligator auf, saß wegen 

Totschlags neun Monate im Knast und starb 

am 25.11.1997 an einem Gehirntumor. 

Wayne Bennett (*13.12.1931) griff für 

Bobby Bland, Buddy Guy, John Lee Hooker, 

die Chi-Lites, aber auch viele Jazzer in seine 

Gitarrensaiten. Starb am 

28.11.1992. 

Paul Ryan (*24.10.1948) 

war mit seinem Zwillingsbruder 

Barry als Duo unterwegs, 

zog sich aber bald 

zurück und überließ dem 

Bruder das Scheinwerfer- 

Nic olett 

tte 

Lars 

rson 

licht. Schrieb dessen 1968er Welthit "Eloise", 

aber auch für Dana, Dalida sowie Frank Sinatra. 

Ging am 29.11.1992 für immer. 

David Blue (*18.2.1941) war integraler Bestandteil 

der Greenwich-Village-Folkszene, 

tourte später mit Bob Dylans „Rolling Thunder 

Revue", schrieb "Outlaw Man" für die 

Clifton Chenier (26.6.1925), der „King Of 

Zydeco", war ab Mitte der 50er mit seinem 

Akkordeon unterwegs, 1983 gewann er einen 

Grammy für sein Album I'M HERE! Diabeteskrank 

musste ihm ein Fuß amputiert werden, 

er starb am 12.12.1987 an Nierenversagen. 

Kurt Winter (*2.4.1946) stieg 1970 als 

Nachfolger Randy Bachmans als Gitarrist 

bei Guess Who ein, schrieb gemeinsam mit 

Sänger Burton Cummings zahlreiche 

Songs, u.a. "Clap For The Wolfman", 

stieg 1974 aus und kehrte dem Musikgeschäft 

den Rücken. Erlag am 

14.12.1997 einem Nierenversagen. 

Nicolette Larson (*17.7. 1952) 

startete als Chorsängerin bei Commander 

Cody, arbeitete mit Emmylou 

Harris, Linda Ronstadt, Neil Young, den 

Doobie Brothers und Rodney Crowell, lieferte 

auf ihren eigenen Alben Westcoast-Rock. 

Ein Blutgerinnsel im Gehirn kostete sie am 

16.12.1997 das Leben. 

Jimmy Rogers (*3.6.1924) spielte ab 

1947 Gitarre in Muddy Waters' Band, nahm 

 

 

 

 

 

 


Konzertkalender 

präsentiert: 

ALAN PARSONS LIVE 

PROJECT 

www.mfpconcerts.com 

15.03. Hamburg, Laeiszhalle 

16.03. Weimar, 

Congress Centrum 

18.03. Nürnberg, 

Meistersingerhalle 

19.03. Mainz, Phönixhalle 

21.03. Stuttgart, Liederhalle 

22.03. Wien, Gasometer 

24.03. CH-Zürich, 

Kongresszentrum 

DAN BAIRD & HOMEMADE SIN 

www.danbairdandhomemadesin.com 

16.11. Duisburg, Parkhaus 

19.11. Nürnberg, Hirsch 

21.11. Habach, Village 

BARCLAY JAMES HARVEST 

feat. Les Holroyd 

www.kultopolis.com 

28.11. Erfurt, Alte Oper 

29.11. Osnabrück, Rosenhof 

30.11. Bremen, Aladin 

02.12. Paderborn, Paderhalle 

05.12. Donaueschingen, 

Donauhalle 

06.12. Düdingen, Podium 

07.12. CH-Biel, Rockin 

Christmas Marquee 

09.03. Lohmar, Jabachhalle 

11.05. Freising, Festival 

12.05. Augsburg, Spectrum 

31.07. CH-Cevio, Festival 

BOPPIN' B 

www.boppinb.de 

16.11. Altenkunstadt, 

Nepomuk 

17.11. Marktheidenfeld, 

Lichtspielhaus 

22.11. Oldenburg, Cadillac 

23.11. Köln, Underground 

24.11. A-Marbach, Riot Show 

25.11. Saarbrücken, Garage 

30.11. Landau, Altes Kaufhaus 

01.12. Kassel, Fiasko 

07.12. Fulda, Alte Piesel 

08.12. Hasselfelde, Festival 

14.12. Emden, Alte Post 

15.12. Lünen, Lükaz 

21.12. Regensburg, Gloria 

22.12. Freudenburg, Ducsal 

23.12. Schwäbisch Hall, 

Kantine 26 

26.12. Aschaffenburg, 

Colos-Saal 

27.12. Frankfurt, Batschkapp 

28.12. Hamburg, Logo 


30.12. Ingolstadt, 

Eventpark West 

ALLISON BURNSIDE EXPRESS 

www.jazzhausbooking.com 


Colos-Saal 

10.01. Minden, Jazzclub 

11.01. Berlin, Quasimodo 

12.01. Wilhelmshaven, 

Pumpwerk 

13.01. Rheinberg, 

Schwarzer Adler 

15.01. Bonn, Harmonie 

16.01. Hamburg, 

Downtown Bluesclub 

17.01. Dortmund, Piano 

19.01. Hannover, Bluesgarage 

21.01. Kaiserslautern, 

Kammgarn 

22.01. Koblenz, Cafe Hahn 

23.01. Mainz, KUZ 

25.01. Freiburg, Jazzhaus 

26.01. CH-Cham, 

Live In Cham 

HAMBURG BLUES BAND & 

FRIENDS 

www.handmadeconcerts.de 

30.11. Braunschweig, 

Barnaby's 

01.12. Wissen, Kulturwerk 

07.12. Rheinberg, 

Schwarzer Adler 

08.12. Melle, Kulturwerkstatt 

14.12. Rostock, Pumpe 

15.12. Erfurt, HsD 

Gewerkschaftshaus 

21.12. Oldenburg, Charly's 

22.12. Worpswede, Music Hall 


05.01. Garching, 

Gasthof zum Bräu 

10.01. Bensheim, Kolpinghaus 

12.01. Schwerin, Speicher 


18.01. Göttingen, Musa 

19.01. Rheine, Tholi 

08.02. Minden, BÜZ 

09.02. Schöneiche, 

Kulturgießerei 

15.02. Hamburg, Fabrik 

16.02. Bordesholm, 

Savoy Kino 

21.02. Kaiserslautern, 

Kammgarn 

22.02. Wuppertal, LCB 

23.02. Koblenz, Café Hahn 

01.03. Bocholt, Alte Molkerei 

02.03. Hamm, Kulturwerkstatt 

12.03. A-Linz, Arbeiterkammer 

15.03. A-Ried, KiK 

16.03. Marburg, KFZ 


23.03. Forst, Manitu 

28.03. Ravensburg, 

Zehntscheuer 

30.03. Torgau, Kulturbastion 

05.04. Idstein, Scheuer 

06.04. Baden Baden, Bluesclub 

30.04. A-Wien, Reigen 


03.05. Mannheim, Hbf. 

04.05. Heidelberg, Hbf. 

10.05. Husum, Speicher 

11.05. Cloppenburg, Bebop 

17.05. Soest, 

Alter Schlachthof 

RANDY HANSEN & BAND 



17.11. Esslingen, Dieselstraße 

HARLEM GOSPEL SINGERS 

www.harlemgospelsingers.de 

21.12. CH-Genf, 

Théâtre du Léman 

22.12. Bregenz, Festspielhaus 




26.12. Mannheim, Rosengarten 

27.+28.12. CH-Zürich, 

Kongresshaus 

29.12. CH-Basel, Stadtcasino 

31.12. Essen, 

Colosseum Theater 

03.+04.01. Köln, Philharmonie 

05.+06.01. Düsseldorf,Tonhalle 

07.01. Frankfurt, Alte Oper 

09.01. Bremen, Glocke 

10.01. Hamburg, CCH1 

11.+12.01. Dortmund, 

Konzerthaus 

14.01. Leipzig, Gewandhaus 

15.–19.01. München, 

Deutsches Theater 

20.01. CH-Luzern, Kultur- und 

Kongresszentrum 

JOHN IDAN GROUP 

www.viking-music.de 

23.11. Obing, Kleinkunstbühne 

zur Post 


LEVELLERS 

www.levellers.co.uk 

28.11. Münster, Gleis 22 

LITTLE FEAT 

www.lb-events.de 

12.02. Hamburg, Grünspan 

JOHN MAYALL 

www.assconcerts.com 

16.11. Oldenburg, Kulturetage 


18.11. Bochum, Zeche 


Colos-Saal 


21.11. München, Muffathalle 

22.11. Dresden, 


23.11. Erfurt, HsD 

Gewerkschaftshaus 

24.11. Affalter, Zur Linde 

25.11. Berlin, C Club 

26.11. Köln, Die Kantine 

PROCOL HARUM & 

Sinfonieorchester Wuppertal 

www.cts.de 

05.+06.04. Wuppertal, 

Stadthalle 

ACHIM REICHEL 


16.11. Heide, Stadttheater 

17.11. Wunstorf, Stadttheater 

19.11. Gummersbach, 

Theater 

20.11. Verden, Stadthalle 

21.11. Cloppenburg, 

Stadthalle 

23.11. Bremerhaven, 

Stadthalle 

24.11. Helgoland, 

Nordseehalle 

SAGA 

www.dmc-music.de 

16.11. CH-Pratteln, Z7 


ERIC SARDINAS & BIG 

MOTOR 




STATUS QUO 

www.kb-k.com 


16.11. Köln, Palladium 

17.11. Aurich, 

Sparkassen-Arena 

VARGAS BLUES BAND 

www.mfpconcerts.com 

25.01. Köln, Yard Club 

26.01. Frankfurt, Nachtleben 

29.01. München, 

Garage deLuxe 



01.02. Hannover, 

Bluesgarage 

WISHBONE ASH 


22.01. Twist, Heimathaus 


24.01. Esslingen, Dieselstraße 

25.01. Karlsruhe, Substage 

27.01. Mannheim, Alte Seilerei 

29.01. München, Ampère 



01.02. CH-Zug, Chollerhalle 

02.02. CH-Rubigen, 

Mühle Hunziken 


Colos-Saal 

06.02. Tübingen, Sudhaus 


16.02. Affalter, Zur Linde 


Meier Music Hall 

19.02. Oberhausen, 

Zentrum Altenberg 


21.02. Leipzig, Moritzbastei 

22.02. Hannover, 

Bluesgarage 



MUSICALS 

ALL YOU NEED IS LOVE 

Das Beatles-Musical 

www.cofo.de 

14.12.–30.04. 

MASSACHUSETTS 

Das Bee Gees-Musical 

www.resetproduction.de 

16.01.– 29.04. 

HEY TONIGHT 

Das CCR-Musical 

www.resetproduction.de 

08.01.–30.04. 

ANIMALS 


03.04. CH-Pratteln, Galery 

04.04. Friedrichshafen, 

Bahnhof Fischbach 

05.04. Regensburg, 

Kulturzentrum 

11.04. Neuss, Hamtorkrug 

12.04. Pleißenthal, Stadthalle 

14.04. Stemwede, 

Live House 

JOAN ARMATRADING 

www.hypertension-music.de 

26.11. Köln, Gloria 

27.11. Hannover, Pavillon 

29.11. Pforzheim, Kulturhaus 

30.11. Darmstadt, 

Centralstation 

01.12. Worpswede, 

Music Hall 

02.12. Berlin, Kesselhaus 

05.12. Oldenburg, 

Kulturetage 


08.12. Offenburg, Reithalle 

THE AUSTRALIAN PINK 

FLOYD SHOW 

www.fkpscorpio.com 

12.04. Trier, Arena 


KöPi-Arena 

14.04. Emden, Nordseehalle 

16.04. Berlin, Tempodrom 

17.04. Hannover, AWD Hall 

18.04. Köln, Lanxess Arena 

19.04. Leipzig, Arena 

21.04. Chemnitz, Stadthalle 

23.04. Neu-Ulm, 

Ratiopharm Arena 

24.04. Ludwigsburg, Arena 

26.04. Bremerhaven, 

Stadthalle 

27.04. Hamburg, o2 World 

28.04. Frankfurt, 

Jahrhunderthalle 

BARCLAY JAMES HARVEST 

feat. John Lees 

www.live-concept.de 


Colos-Saal 

14.04. Stuttgart, LKA 

15.04. CH-Pratteln Z7 


Schwabenhalle 

18.04. Leipzig, Gewandhaus 



20.04. Neuruppin, Kulturkirche 

21.04. Berlin, Kesselhaus 

PHILLIP BOA & 

THE VOODOOCLUB 

www.phillipboa.de 

16.11. Fulda, Kreuz 



23.11. Celle, CD Kaserne 

24.11. Münster, Sputnikhalle 

30.11. Lingen, 



07.12. Kassel, Panoptikum 

08.12. Berlin, 

Huxleys Neue Welt 

JOE BONAMASSA 

www.jbonamassa.com 


Oberschwabenhalle 

07.03. Freiburg, Konzerthaus 





Kleine Olympiahalle 

14.03. Dortmund, 

Westfalenhalle 2 

15.03. Hannover, AWD Halle 

17.03. Hamburg, CCH


ANGELO BRANDUARDI 

www.tourneen.com 

16.11. Geiselwind, 

Strohofer Halle 

17.11. Ludwigshafen, 

Theater im Pfalzbau 

19.11. Stuttgart, Theaterhaus 

20.11. Düsseldorf, Tonhalle 

21.11. Stade, Stadeum 


23.11. Bielefeld, 

Ringlokschuppen 

27.11. Köln, Theater 

am Tanzbrunnen 

28.11. Mainz, Kurfürstliches 

Schloss 

30.11. Schwäbisch Gmünd, 

Stadtgarten 

01.12. Saarbrücken, 

Congresshalle 

TONY CAREY BAND 

www.tonycarey.com 


28.11. Ingolstadt, Ohrakel 

29.11. Erding, Schiaßn 


Garage Deluxe 


Meier Music Hall 

20.12. Hamburg, Kaiserkeller 

21.12. Bremen, Tivoli 

PAUL CARRACK 

www.india-media.de 

02.12. Neckarsulm, 

Audi Forum 

10.12. Mannheim, Rosengarten 

11.12. Karlsruhe, Konzerthaus 


16.12. CH-Visp, 

Theatre La Poste 


Zeppelinhalle 

CITY 

www.city-internet.de 

24.11. Kölpinsee, 

Strandhotel Seerose 

14.12. Hemelingen, 

Aladin Music Hall 

27.12. Magdeburg, 

Johanniskirche 

28.12. Berlin, Konzertsaal 

der HdK 

29.12. Schwedt, Theater 

30.12. Suhl, CCS 

03.01. Chemnitz, Brauclub 


05.01. Jena, Volkshaus 

06.01. Staßfurt, 

Salzlandtheater 

11.01. Barth, 

Vineta Sportarena 

12.01. Grevesmühlen, 

Sporthalle 

13.01. Greifswald, 

Mehrzweckhalle 

18.01. Neubrandenburg, 

Marienkirche 

19.01. Rostock, Nikolaikirche 

20.01. Schwerin, Capitol 

15.02. Eisenhüttenstadt, 

Theater 

16.02. Leipzig, Theaterfabrik 

22.02. Riesa, Stadthalle Stern 

23.02. Neuruppin, 

Stadtpfarrkirche 

02.03. Coswig, Börse 

07.03. Potsdam, Nikolaisaal 

CLANNAD 


21.01. Mainz, 

Kurfürstliches Schloss 


23.01. Köln, Theater 

am Tanzbrunnen 


25.01. Chemnitz, Markuskirche 

27.01. Hannover, Theater 

am Aegi 

ERIC CLAPTON 

www.clapton.de 

29.05. Frankfurt, Festhalle 

30.05. Berlin, o2 World 



09.06. München, Olympiahalle 

12.06. Stuttgart, 

Schleyer-Halle 

14.06. Oberhausen, KöPi-Arena 


Arena Nürnberger Vers. 

JOE COCKER 

www.prknet.de 





17.04. Neu-Ulm, 

Ratiopharm Arena 

19.04. Halle, 

Gerry Weber Stadion 

20.04. Bremen, ÖVB-Arena 

22.04. Köln, Lanxess Arena 



27.04. Erfurt, Messehalle 

28.04. Mannheim, SAP Arena 

30.04. Freiburg, Rothaus Arena 


KöPi-Arena 



07.05. Hannover, TUI Arena 


23.05. Zwickau, Stadthalle 

25.05. Magdeburg, 

Bördelandhalle 

26.05. Rostock, Stadthalle 

DEEP PURPLE 

www.kb-k.com 

16.11. Bremen, Halle 7 

17.11. Hannover, AWD-Hall 

20.11. Kiel, Sparkassen Arena 






29.11. Augsburg, 

Schwabenhalle 


01.12 Stuttgart, 


DORO 

www.ics-int.com 


28.11. Stuttgart, Longhorn 

30.11. Memmingen, 

Kaminwerk 

01.12. A-Wien, Szene 



08.12. Vacha, Vachwerk 


Huxleys Neue Welt 


Colos-Saal 

DUBLINERS 

www.karsten-jahnke.de 


02.12. Dresden, Schlachthof 


Stadthalle 

04.12. Cloppenburg, 

Stadthalle 

05.12. Kiel, Schloss 

06.12. Lübeck, MuK 

07.12. Flensburg, 

Deutsches Haus 

08.12. Hamburg, CCH 

EPITAPH 

www.m2-music.com 

27.11. Capitol, Köln 

ANDY FAIRWEATHER LOW 

& THE LOW RIDERS 

www.rock-the-earth.de 


Musiktheater Piano 


02.12. Frelsdorf, 

Kulturtransport 

04.12. Bremen, Meisenfrei 


Downtown Bluesclub 

06.12. Bad Salzufl en, Bahnhof 

07.12. Eckernförde, 

Carls Showpalast 

08.12. Torgau, Kulturbastion 

11.12. Kirchheim, Bastion 

12.12. A-Wels, Soundtheatre 

13.12. Ingolstadt, Neue Welt 

14.12. Habach, Village im 

Obermühltal 

15.12. Mühldorf, Haberkasten 

CHRIS FARLOWE & 

NORMAN BEAKER BAND 

www.rock-the-earth.de 

16.11. Halle, Objekt 5 

17.11. Oldenburg, 

Charlys Musikkneipe 

19.11. A-Salzburg, Rockhouse 

20.11. Offenbach, KjK 

21.11. Marburg, 

Kulturladen Kfz 


23.11. Ludwigshafen, Das Haus 


FLOYD RELOADED 

www.fl oydreloaded.com 

04.01. Düsseldorf, Mitsubishi 

Electric Halle 


12.01. Berlin, Columbiahalle 

16.01. CH-Basel, 

St. Jakob-Arena 


20.01. Bremen, Pier 2 

15.06. Rostock, IGA Park 

FOOLS GARDEN 

www.foolsgarden.de 

03.12. München, Circus Krone 

14.12. Goslar, Kulturkraftwerk 


08.02. Pforzheim, 

Kulturhaus Osterfeld 

GOTTHARD 

www.bottomrow.com 

16.11. Bamberg, 

Stechert Arena 

17.11. München, Zenith 

20.11. A-Wien, Gasometer 


www.groenemeyer.de 

17.11. Freiburg, Zäpfl e Club 

18.11. CH-Zürich, Maag Halle 

GURU GURU 

www.guru-guru.com 

16.11. Wuppertal, LCB 

20.11. Rutesheim, 

Uhlenspiegel 

23.11. Unna, Ladenbrauerei 

24.11. Hannover, Alter Bahnhof 

08.12. Hersbruck, Kick 

12.12. Mainz, Kuz 

13.12. Mannheim, 

Alte Feuerwache 

14.12. Karlsruhe, Jubez 

BETH HART 

www.mascotlabelgroup.com 


24.11. Köln, Live Music Hall 

26.11. Hamburg, Markthalle 



28.11. Berlin, Lido 


HEAVEN 17 



Colos-Saal 


12.12. Berlin, C-Club 


14.12. Leipzig, Anker 

16.12. Bielefeld, Forum 

HELLMUT HATTLER 

www.hellmut-hattler.de 

24.11. Korntal, Stadthalle 

30.11. Obertrubach, 

The Studio Lounge 

08.12. Rodgau, 

Bühne der GBS 

HELTER SKELTER 

www.helter-skelter-live.de 

17.11. Kempten, bigBOX 


Dornier Museum 

01.12. Mering, Mehrzweckhalle 

08.12. Bad Waldsee, 

Durlesbachhalle 

15.12. Rosenheim, Ballhaus 

22.12. Erding, Stadthalle 

26.12. Memmingen, Kaminwerk 


04.01. Dellmensingen, 



Konzerthaus 

12.01. Königsbronn, Ostalbhalle 

19.01. Ulm, Roxy 

25.01. Neustädtlein, 

Tanzmetropole 

02.02. Westerstetten, 

Lonetalhalle 

09.02. Ulm, Club Fort 


Rockmuseum 


Kongresshalle 

02.03. Neustadt, NeuStadt- 

Halle am Schloss 

23.03. Untersulmetingen, 


31.03. Baindt, 

Schenk-Konrad-Halle 

HOT'N'NASTY 

www.hot-n-nasty.de 


Blues Notez Club 

17.11. Lüdenscheid, 

Panoptikum 

08.12. Köln, Cafe Kram 

HUMAN LEAGUE 

www.contrapromotion.com 


17.11. Herford, X 

IRON MAIDEN 

www.wizardpromotions.de 




29.06. Singen-Aach, Open Air 

06.07. Oberhausen, Open Air 

AL JARREAU 

www.kb-k.com 


20.11. Berlin, Philharmonie 

JETHRO TULL'S 

IAN ANDERSON 


21.11. Osnabrück, 

Osnabrückhalle 

30.04. Paderborn, Paderhalle 


02.05. Gronau, Stadthalle 

03.05. Chemnitz, Stadthalle 

05.05. Ulm, CCU 





Kongresshaus 


Musical Theater 

12.05. Heilbronn, Harmonie 

13.05. Bonn, Beethovenhalle 



17.05. Zweibrücken, 

Westpfalzhalle 

18.05. Freiburg, Konzerthaus 

KARAT 

www.karat-band.de 


15.12. Hagenow, 

Otto-Ibs-Sporthalle 

29.12. Zwönitz, Wind 

KRIS KRISTOFFERSON 

www.modernewelt.de 




KuK 

Heinz Rudolf Kunze & 

Tobias Künzel 

www.heinzrudolfkunze.de 

17.01. Schwerin, 

Sport- u. Kongreßhalle 

18.01. Leipzig, Werk II 

19.01. Halle, Steintor-Varieté 

21.01. Zwickau, Neue Welt 

22.01. Erfurt, Kaisersaal 

23.01. Berlin, Postbahnhof 

25.01. Magdeburg, AMO 




29.01. Hannover , Capitol 

KRAAN 

www.hellmut-hattler.de 

01.12. Steele, Grend 

LORDS 

www.thelords.de 

16.11. Vluyn, Klingerhuf 

07.+ 08.12. Winnenden, 

Storchenkeller 


26.01. Greiz, Vogtlandhalle 

PETER MAFFAY & Tabaluga 

www.deag.de 

16.–18.11. München, 

Olympiahalle 

23.+ 24.11. Köln, 

Lanxess-Arena 

30.11.– 02.12. Leipzig, Arena 


11.12. Chemnitz, 

Chemnitzarena 

13.12. Bremen, ÖVB Arena 

15.12. Kiel, Sparkassen-Arena 


MANFRED MANN'S 

EARTHBAND 


06.12. Ulm, Theatro 

07.12. Würzburg, Posthalle 


Colos-Saal 

14.12. Winterbach, Salierhalle 

MARILLION 

www.marillion.com 


23.11. Nürnberg, Löwensaal 

24.11. München, Theaterfabrik 

MOTHER JANE 

www.mother-jane.de 


Barnaby’s Bluesbar 

28.12. Hannover, Gig 

29.12. Harburg, 

Marias Ballroom 

22.02. Bremen, MS Treue 

23.02. Kirchheim, 

Teck Club Bastion 

23.03. Metzingen, Hirsch 

24.03. Marbach, Cafe Provinz 

MOTÖRHEAD 

www.mlk.com 


Turbinenhalle 

26.11. Offenbach, Stadthalle 

28.11. Ludwigsburg, Arena 

30.11. Erfurt, Thüringenhalle 

01.12. München, Zenith 


05.12. Berlin, Columbiahalle 

07.12. CH-Bern, Festival 

08.12. Bamberg, Festival 

11.12. Kempten, BigBox 

NEW MODEL ARMY 

www.noisenow.de 

15.12. Köln, Palladium 

DIE PRINZEN 

www.dieprinzen.de 

16.12. Berlin, Admiralspalast 

PUHDYS 

www.puhdys.com 

23.+ 24.11. Freiberg, Tivoli 


29.11. Villingen-Schwenningen, 

Neue Tonhalle 

30.11. München, Tonhalle 

08.12. Hildesheim, Audimax 


15.12. Detmold, Stadthalle 

16.12. Darmstadt, 

Staatstheater 

26.12. Weinböhla, 

Zentralgasthof 

28.12. Altenburg, 

Landgasthof Kosma 

29.12. Halle, Steintor Varieté 

LIONEL RICHIE 

www.semmel.de 





KöPi-Arena 


06.12. Köln, Lanxess-Arena 

RUFUS ZUPHALL 

www.rufus-zuphall.de 

23.11. Aachen, Jakobshof 

RUNRIG 

www.india-media.de 




30.11. Leipzig, Haus Auensee 

01.12. Karlsruhe, Europahalle 

JOE SATRIANI 

www.shooter.de 

20.06. Hannover, Capitol 

21.06. Münster, Jovel 


23.06. Berlin, Columbia Halle 

24.06. Leipzig, Haus Auensee 


Serenadenhof 

27.06. Köln, E-Werk 



SCORPIONS 

www.semmel.de 

15.12 Oberhausen, 

KöPi-Arena 


SILLY 

www.silly.de 

12.05. Köln, E-Werk 

14.05. Hannover, Capitol 

15.05. Dortmund, FZW 


18.05. Hamburg, Große Freiheit 



31.05. Neubrandenburg, 

Jahnsportforum 

01.06. Cottbus, Stadthalle 

07.06. Chemnitz, Wasserschloss 

Klaffenbach 

08.06. Sondershausen, 

Thüringentag 

14.06. Schwerin, 

Freilichtbühne 

15.06. Dresden, Junge Garde 

21.06. Leipzig, Parkbühne 


Tollwood Festival 

17.08. Berlin, Zitadelle 

SPIDER MURPHY GANG 

www.helloconcerts.de 

30.11. Mühldorf, Stadtsaal 

01.12. Gersthofen, Stadthalle 


SWEET 

www.stuff-music.de 

02.03. A-Wien, Szene 

05.03. A-Rankweil, Altes Kino 


Club Spectrum 

07.03. Stuttgart, Longhorn 



Colos-Saal 

13.03. Hamburg, Markthalle 

14.03. Krefeld, Kulturfabrik 

15.03. Bremen, 

Aladin Music Hall 

16.03. Schwalmstadt, 

Festhalle 

TEN YEARS AFTER 


17.11. A-Wörgl, Komma 

21.11. CH-Solothurn, 

Kulturfabrik Kofmehl 

23.11. Pforzheim, 

Kulturhaus Osterfeld 

24.11. Ingolstadt, 

Kulturhalle Westpark 

08.12. Kellinghusen, 

Ulmenhofschule 


THIN LIZZY 


16.11. Köln, Kantine 

CHRIS THOMPSON 

www.christhompson-central.com 

23.11. Göppingen, Lambert 


Max-Schmeling-Halle 


22.02. Halle, 

Gerry Weber Stadion 

DIE TOTEN HOSEN 

www.jkp.de 

17.11. Köln, Lanxess-Arena 


21.11. Bremen, ÖVB-Arena 

23.+24.11. Düsseldorf, 

ISS Dome 






Hallenstadion 


09.12. Chemnitz, Arena 

11.+12.12. Hannover, 

TUI-Arena 


Rothaus-Halle 

15.12. Mannheim, SAP-Arena 


St. Jakobshalle 



21.+22.12. A-Graz, 

Stadthalle 

26.+27.12. Dortmund, 

Westfalenhalle 1 

29.+30.12. Berlin, 


MIDGE URE 

www.hypertension-music.de 


Zentrum Altenberg 


08.12. Frankfurt, Das Bett 

09.12. Leverksuen, Scala 

11.12. Kiel, Kulturforum 


Meiers Music Hall 

13.12. Bremen, Kito 

URIAH HEEP 


07.12. Burglengenfeld, 

VAZ Pfarrheim 


Colos-Saal 


13.12. Worpswede, Music Hall 

VINCENT ROCKS 

www.vincentrocks.de 

23.11. Besigheim, Alte Kelter 

14.12. Schwerin, Der Speicher 

15.12. Brakel, Stadthalle 

16.12. Twist, Heimathaus 

HANNES WADER 

www.scala-kuenstler.de 


Graf-Zeppelin-Haus 

17.11. Mannheim, Capitol 

18.11. Saarlouis, 

Theater am Ring 

19.11. Bonn, Brückenforum 

20.11. Fulda, Orangerie 

JOHNNY WINTER 




Colos-Saal 

FESTIVALS 

Ost-Rock 

www.semmel.de 

16.11. Frankfurt/O., 

Messehalle 

17.11. Chemnitz, Arena 

Puhdys, Karat, Rockhaus, 

Pankow 

6. Lörracher Rocknacht 

www. rocktimes.de 

17.11. Lörrach, Festhalle 

u.a. Jane 

Traumrock 

www.traum-rock.de 


u.a. Mungo Jerry, Suzi 

Quatro, Dozy Beaky Mick & 

Tich, Rubettes, Karat 

Jimi Hendrix wird 70-Tribute 

www.musikmarktmueller.de 

28.11. Gaggenau, Kulturhaus 

05.12. Osterfeld, Kulturhaus 

Aida Night Of The Proms 

www.notp.com 

30.11.– 01.12. Köln, 

Lanxess-Arena 


KöPi-Arena 

04.+05.12. Frankfurt, Festhalle 



08.+09.12. Hamburg, 

o2 World 

11.12. Bremen, Arena 

14.–16.12. München, 

Olympiahalle 




20.12. Hannover, TUI Arena 


Westfalenhallen 



KöPi-Arena 

u.a. Mick Hucknall, 

Anastacia, Jupiter Jones, 

John Milles 

WISHBONE ASH, MARTIN 

TURNER'S 



21.11. Metzingen, Hirsch 

22.11. Freising, Lindenkeller 


24.11. Ansbach, 

Kammerspiele 

26.11. Saarlouis, 

Theater am Ring 

27.11. Leverkusen, Scala 


Musiktheater Piano 


Downtown Bluescub 

ALEXANDER WOLFRUM 

www.alexanderwolfrum.de 

22.11. Kulmbach, 

Brauereimuseum 

24.11. Neunkirchen, 

Brauerei Wolfshöher 

26.11. München, Fraunhofer 


Pegnitzbühne 

23.12. Bayreuth, Katharina 

von Bora-Kirche 

ZUCCHERO 





29.05. Düsseldorf, Mitsubishi- 

Electric-Halle 


War Of The Worlds 





07.01. Nürnberg, Arena 


Rock Meets Classic 





22.02. Halle, 

Gerry-Weber-Stadion 

23.02. Essen, Grugahalle 



26.02. Hof, Freiheitshalle 

27.02. Passau, Dreiländerhalle 

02.03. Ingolstadt, Saturn Arena 

03.03. Neu-Ulm, Arena 

05.03. Landshut, Arena 


08.03. Mannheim, SAP-Arena 

09.03. Nürnberg, Arena 

10.03. Würzburg, s.Oliver Arena 

11.03. Saarbrücken, 

Saarlandhalle 

13.03. Stuttgart, Porsche-Arena 

15.03. Kempten, BigBox 

16.03. Regensburg, 

Donau Arena 

17.03. CH-Zürich, Hallenstadion 

Bonnie Tyler, Paul Rodgers, 

Chris Thompson, Eric 

Bazillian, Steve Augeri, Mat 

Sinner Band 

Porsche Music Night 

www.porsche-music-night.de 

22.+23.03. Stuttgart, 


u.a. Rattles, Umberto Tozzi, 

The Queen Kings 

Christian Simon’s Original 

Oldie Night 

www.eventim.de 

04.05. Sindelfi ngen, Glaspalast 

u.a. Hollies, Suzi Quatro, 

Sweet, Boney M., George 

McCrae


KREUZVERHÖR 


Alvin Lee 

Naomi darf alles 

Alvin Lee hatte schon seinen eigenen 

n 

(Dick-)Kopf, als er mit Ten Years 

After und dem legendären "I'm Going 

Home" in Woodstock abräumte und 

sich mit seiner Gibson ES 335 den Ruf 

des (damals) schnellsten Gitarristen 

der Welt erspielte. 1974 verließ er die 

Band, formierte in den 80er Jahren Ten 

Years Later, war aber meist solo aktiv, 

ist live nur noch sehr selten zu erleben 

und veröffentlicht unregelmäßig Alben. 

Vor kurzem warf der bald 68-Jäh- 

rige (*19.12.1944) STILL ON THE ROAD 

TO FREEDOM auf den Markt. 

Dienstag, 22. Januar 2013, 20 Uhr 

Stuttgart, Liederhalle Beethoven-Saal 

A Tribute to the 

Greatest Rock Band 

on Earth 

ONE NIGHT OF QUEEN 

performed by 

Gary Mullen & The Works 

Samstag, 9. März 2013, 20 Uhr 

Stuttgart, Liederhalle Beethoven-Saal 

An Evening with 

Montag, 25. März 2013, 20 Uhr 

Stuttgart, Theaterhaus 

DIE ANDEREN … 

Bester Sänger? Howlin' Wolf oder Little Richard 

Beste Sängerin? Mrs. Wolf oder Big Mama 

Thornton 

Beste Band? Glenn Miller Orchestra oder Count 

Basie 

Beste(r) Songschreiber(in)? Chris Smither 

Unterschätzteste(r) Band/Solist? Earl & 

The Neutrons 

Überschätzteste(r) Band/Solist? Beach Boys 

Beste Single? "Hound Dog" 

Bestes Album? RSVP (Herbie Hancock) 

Bester Song? "What 'd I Say" (Ray Charles) 

Deine Allstar-Band? DJ Fontana an den Drums, 

Bill Black am Bass & Naomi Campbell, die machen 

kann, was sie will. 

... UND ICH 

Welche Cover-Version möchtest du mal 

aufnehmen? "Heartbreak Hotel" 

Welchen Song hättest du gern selbst geschrieben? 

"Blowing In The Wind" 

Wer sollte einen Song über dich schreiben? 

Niemand 

Wie sollte der Song heißen? "Unreleased" 

Was war das Highlight deiner Karriere? Das 

erste Mal in den USA, die Gigs im Fillmore West und 

dergleichen. 

Dein Lebensmotto? Play it by ear and follow 

your nose (Spiele nach Gehör und folge deiner Nase). 

EINIGE W0RTE ZU ... 

Nottingham (Geburtsstadt): Zwei Mädchen für 

jeden Jungen (sagt man) – ich hatte mehr als zwei. 

Spanien (dort lebt er): Leidenschaft für den 

Flamenco. 

Klarinette (sein erstes Instrument): Goodman 

& Artie Shaw. 

Elvis Presley: Viel zu pfleglich. 

Scotty Moore: Viel zu gut. 

The Atomites: Die Band aus Mansfield, bei der ich 

Mad Dan" Lyons mitgehen ließ. 

" 

Deutschland: Der Star-Club Hamburg. Crashkurs 

in Sachen Sex, Drogen und Rock'n'Roll. 

Woodstock: Wo sind sie alle hingegangen? 

Jimi Hendrix: Der Mann vom Mars. 

George Harrison: The Bluest Blues. 

Steve Gould (Bassist der Alvin Lee Band 

ab 1980): Hat sein Instrument an den Nagel gehängt 

und seine Blue Suede Shoes weggeräumt. 

Country: & Western. 

Live spielen: The highest high. 

Arbeit im Studio: Suche nach magischen 

Momenten – ich lerne jeden Tag etwas Neues dazu. 

Big Red" (seine legendäre Gitarre): My 

" 

main man, kostete mit Koffer 45 Pfund. 

Privatheit: Fast schon eine Obsession. 

PLEASE, ANSWER 

THE S0NG … 

Why Do Fools Fall In Love? 

(FRANKIE LYMON, 1963) 

Weil sie können. 

Where Have All The Good Times Gone? 

(KINKS, 1965) 

Sie sind zu meinem Haus weitergezogen. 

What Are You Doing Sunday? (DAWN, 1971) 

Ich kümmere mich um meine eigenen Angelegenheiten. 

Who's Gonna Rock You? (THE NOLANS, 1980) 

Jerry Lee Lewis. 

Why Believe In You? (TEXAS, 1991) 

Ich werde nicht existieren, wenn du das nicht tust. 

Samstag, 6. April 2013, 20 Uhr 

Stuttgart, Schleyer-Halle 

CHRIS de BURGH 

& Band 

Live 

In Concert 

2013 

Dienstag, 30. April 2013, 20 Uhr 

Stuttgart, Theaterhaus 

Steve Hackett 

Genesis Revisited 

2013 World Tour 

Samstag, 4. Mai 2013, 20 Uhr 

Stuttgart, Schleyer-Halle 

JOE 

COCKER 

FIRE IT UP 

TOUR 

Vorverkauf an der Konzertkasse im Saturn Stuttgart, Königsbau- 

Passagen sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen und bei: 

Music Circus Concertbüro GmbH Kartentelefon 0711 22 11 05

BAND-ARCHIV HISTORY Tomorrow 

Flower, Power, Eigentor 

Dass ein Sänger mit einem (erfolgreich) parallel l laufenden Soloprojekt 

seine eigentliche Band erschüttert, kommt nicht so 

oft vor. Keith Hopkins, besser bekannt als Keith West, ist genau 

dies passiert. Tomorrow bleiben dennoch im Gedächtnis 

als eine der potentesten Psychedelic-Pop-Formationen der UK- 

Sixties. Der obendrein ein Hit gelang, der nie einer wurde. 

v.l.: Keith West, John " 

Junior" Wood, 

Steve Howe, John " 

Twink" Alder 

Einfach dumm gelaufen. Produzent 

Mark Wirtz aus dem Elsass 

hatte 1967 eine "Teenage Opera" 

ausgebrütet, daraus ein "Excerpt 

From ..." ausgeklinkt und diesen Titel 

– Volksmund: „Grocer Jack" – Keith 

West aufnehmen lassen. Das Resultat 

ist bekannt: ein süßlicher Ohrwurm 

europaweit, Chartplatz 2 zum Beispiel 

in Deutschland und England. Wirtz saß 

zeitgleich auch für die Band Tomorrow 

an den Reglern, deren Sänger er für 

das vermeintliche Nebenprodukt abgezogen 

hatte. Die Folge: Treffer hier, 

Tristesse dort, Eigentor. 

Die angeschmierte Crew war zu diesem 

Zeitpunkt schon seit rund drei Jahren 

in London aktiv; zunächst mit Keith 

West (voc) und John „Junior" Wood 

(b; später kurz bei Jeff Beck) als Four 

Plus One und – nach dem Einstieg von 

Gitarrist Steve Howe (ab April 1970 

bei Yes) – als The In Crowd, die sich 

zwischen souligem R&B ("That's How 

Strong My Love Is"), Freakbeat ("Stop! 

Wait A Minute") und Folk-Rock ("Why 

Must They Criticize") nicht entscheiden 

konnten. Vier gute Parlophone-Singles 

verpufften – u.a. auch weil das Label 

es schaffte, "Time Is On My Side" als 

A-Seite zu veröffentlichen, obwohl es 

mit den Aufnahmen der Rolling Stones, 

Moody Blues und Brian Poole & The 

Tremeloes bereits drei (!) nahezu zeitgleich 

gestartete Versionen gab. Am 

In-Crowd-Schlagzeug saß ab Juni 1966 

John „Twink" Alder (Pre-Pink Fairies). 

Der neue EMI-Produzent Mark Wirtz 

nahm sich der Band an. Ihr eher 

hausbackener Name wurde umgehend 

in Tomorrow geändert, um sich 

den neuen Gegebenheiten 

anzupassen: 

Psychedelische 

Klänge waren 

inzwischen angesagt, 

West, 

Howe & Co. 

drückten auf 

„Neustart". 

Es galt, sich 

zwischen Pink 

Floyd, Soft 

Machine und 

Nice, zwischen 

Nirvana, Kaleidoscope, Procol Harum 

und ungezählten anderen zu behaupten. 

Ein runderneuertes Repertoire und 

die Qualität der Musiker sorgten überaus 

schnell 

für eine gute 

(Live-)Akzeptanz: 

Tomorrow 

gehörten 

dazu und 

erhielten das 

Angebot für 

die Filmmusik und einen Kurzauftritt 

im Kultklassiker in spe, „Blowup". 

Musikteile (inklusive des Titelsongs 

"Blow Up") waren komponiert, alles 

lief – doch nach sechs Wochen 

kam es zum Abbruch: 

John Wood war erkrankt, 

Regisseur Michelangelo 

Antonioni übergab den 

Job an die bekannteren 

Yardbirds. 

Während Tomorrow noch 

ihre Wunden leckten und 

für Parlophone im Studio standen, 

kam eine neue Offerte. Die Band 

wirkte als The Snarks in einem anderen 

Swinging London-Film mit, „Smashing 

Time" (mit den UK-Top-Mimen Rita 

Tushingham, 

Lynn Redgrave 

und Michael 

York), von dem 

leider kein 

Soundtrack 

existiert. Mark 

Wirtz hatte 

bereits vielversprechende 

Tomorrow-Töne 

aufgenommen, 

John 

Peel spielte in 

seiner „Perfumed 

Garden"-Show beim Piratensender 

Radio London eines der Highlights: 

"My White Bicycle" wurde im 

Mai 1967 zum Flo wer-Power-Favorit 

bei Fans und Kritikern – doch nichts 

passierte (erst Nazareth gelang 1975 

ein Hit damit). Auch die ähnlich starke 

Folgesingle "Revolution" verpuffte; 

und als im Februar 1968 

endlich das gleichnamige 

Tomorrow-LP-Debüt erschien 

(zur grell-buntschrillen 

Zeit passend 

im Schwarzweiß-Cover), 

war zwischenzeitlich 

Schwerwiegendes passiert 

– siehe Anfang. 

Wirtz hatte Keith West ab Juli 1967 

als Solisten quasi ausgekoppelt. Dem 

Bandverbund nicht eben zuträglich, 

drehte sich fast alles nur noch um die 

(damals nicht beendete) "Teenage Opera". 

Ein paar Brocken Popularität fielen 

zwar auch für Tomorrow ab, doch 

schon im März 1968 war die Endstation 

erreicht. Howe, Wood und Alder 

veröffentlichten mit Herbie Flowers (b) 

und Clem Cattini (dr) noch eine Single 

als Aquarian Age ("10000 Words In A 

Cardboard Box"; 5/1968); Howe schob 

mit Ron Wood (b) und Aynsley Dunbar 

(dr) "On A Saturday"/"The Kid Was A 

Killer" (7/1968) nach – Tomorrow aber 

waren unverdient Geschichte. 

Gelungene CD-Ausgaben wie TO- 

MORROW (EMI), EXCERPTS FROM ... 

(Keith West), 50 MINUTE TECHNICO- 

LOR DREAM (Howe, West, Tomorrow) 

und MOTHBALLS von Steve Howe (alle 

RPM) leuchten die Zeit ab 1964 bis 

zum bitteren 

Ende sehr 

detailliert 

aus. Sie erinnern 

an eine 

Band, die als 

„klassischer 

Fall für ungenutztes 

Potenzial des britischen 60s- 

Underground" (Richie Unterberger) 

trefflichst beschrieben ist. 



Liebe, Liebe, Liebe 

Emotionen haben schon unzählige Rock- und Popsongs inspiriert und 

geprägt – allen voran die Liebe. Bei Stevie Wonder war das Resultat gleich 

eine ganze LP; sie war Teil 2 der Trilogie, 

die seine kreative Explosion in den 

70ern markierte: Nach MUSIC OF MY MIND 

(1972) folgten noch im selben Jahr TAL- 

KING BOOK und ein Jahr später INNVER- 

VISIONS. Kurz vor TALKING BOOK hatte 

er seine Partnerin verlassen, die Sängerin 

Syreeta Wright, von der noch zwei Texte 

für dieses Album stammten. Thematisch 

reichten die Themen der LP von den Freuden 

der Liebe bis zu den Qualen einer 

Trennung. Es begann mit "You Are The 

Sunshine Of My Life", das vom Funk von 

"Maybe Your Baby" konterkariert wurde. 

Die Achterbahnfahrt einer Beziehung spiegelten 

auch die Songs "You And I (Together 

We Conquer The World)", "Tuesday Heartbreak" und "You've Got It Bad, Girl" 

wider. "Superstition", ein zynischer Kommentar zur freien Liebe, eröffnete die 

zweite LP-Seite und gab den Rhythmus vor. "I Believe (When I Fall In Love 

It Will Be Forever)" stand als Abgesang an die aktuelle Liebe, glaubte aber 

Januar 1968: Walker Brothers in Fernost 

HISTORY 

STEVIE WONDER • TALKING BOOK • (10/43:26; 1972) 

Gesuchtes nach (Bank-)Noten 

Rolling Stones: Let It Bleed (Decca SLK 16640); Dezember 1969 

ROCK-CLASSICS 

zugleich an die Kraft der Liebe insgesamt. Musikalisch gelang Wonder eine 

nahezu geniale Mischung aus Soul, Funk, Pop und Rock, die er mit der Hilfe 

seines Produzenten musikalisch äußerst modern kreiert hatte – dem 

Synthesizer-Magier Robert Margouleff, 

der zudem den Elektronik-Supertüftler 

Malcolm Cecil mit in die 

Arbeit eingebunden hatte. te. 

Diesen Weg behielt Wonder 

während der 70er Jahre 

bei, in denen er die besten 

und mutigsten Platten 

seiner Laufbahn ablieferte. 

Stets war der Synthesizer 

prominent vertreten, 

gleichzeitig komponierte e 

der Top-Star Songs, von nen etliche seitdem zum Kanon 

der Rockmusik gehören. TALKING 

BOOK bedeutete seine Emanzipation n nicht nur 

de- 

als Künstler, sondern auch vom Motown-Sound. Ohne dieses Album wäre seine 

Entwicklung gar nicht zu verstehen; es ist das entscheidende Bindeglied in der 

Karriere des Stevie Wonder. 

mr 

DATENBANK 

Es muss wohl mächtig Kohle geflossen sein, um noch mal für ein paar Tage 

die Rucksäcke zu schnüren. Denn im Januar 1968 hatten die drei amerikanischen 

„Brüder" Scott Engel, John Maus und Gary Leeds nur noch eines gemeinsam – 

nichts mehr. Ego-Probleme, Depressionen, die guten alten „künstlerischen Differenzen", 

die ganze Palette war medial ausgekippt 

worden. Ihre Hoch-Zeit lag einige Monate 

zurück, alle drei waren bereits mit Solo-Arbeiten 

in den UK-Charts vertreten. Trotzdem rauften 

sie sich für einige Auftritte in Japan nochmals 

zusammen; oder auch nicht, wenn man dem 

gepressten Produkt lauscht: gepflegtes Neben- 

statt Miteinander. Mitschnitte aus der Osaka 

Festival Hall vom 2.–4. Januar 1968 wurden – 

anfangs nur in Nippon – auf der Doppel-LP THE 

WALKER BROTHERS IN JAPAN (Philips SFL 

9046-7; 1968) veröffentlicht. 21 

Tracks waren Beleg für eine absolvierte Pflichtveranstaltung 

mit monumentaler Kreischbeilage. Dabei hatte das Tracklisting 

immenses Raritätenpotenzial: Solotitel erstmals als Gruppenaufnahme ("Lady 

Came From Baltimore"/Scott, "Annabella"/ 

John, "Twinkie Lee"/Gary), dazu diverse R&B- 

Standards von Larry Williams, Ray Charles, Bobby 

Bland, Sam & Dave, Stevie Wonder, den Four 

Tops und anderen, die sonst nirgends als Walkers-Nummern 

zu hören sind, und es gab sogar 

ein Beatles-Cover ("Yesterday"). Eigene Mega- 

Hits wie "The Sun Ain't Gonna Shine Anymore" 

und "Make It Easy On Yourself" blieben fast 

Randerscheinungen. Erst 1987 erfolgte ein 

Euro-Reissue auf Bam Caruso (AIDA 076), das 

– offenbar aus rechtlichen Gründen – recht flott wieder vom Markt verschwand. 

Offizielle CD? Fehlanzeige. Was Fans und Sammlern geblieben ist, sind die 

Vinylalben – als Soul- und Rock'n'Roll-Dokument der kuriosen Art. bm 

RAR & TEUER 

Wer sich selbst oder Bekannte im Dezember 1969 zu Weihnachten mit dem neuen 

Stones-Album LET IT BLEED beschenken wollte, bekam schon zum zweiten Mal 

in nur drei Monaten eine optische Gurke. Im September 

waren die (in der Fertigung schwierigen) 

Achteck-Cover für THROUGH THE PAST, DARKLY 

nicht rechtzeitig fertig geworden; Fans erhielten 

zunächst eine Nothülle. Und nun – wegen des 

angepeilten Festtagsumsatzes noch ärgerlicher – 

gab es wieder Probleme: Für die internationale e 

Erstauflage der mit Spannung erwarteten LP war 

ein großformatiges Band-Poster der noch relativ 

neuen Besetzung mit Mick Taylor als Beipack vorgesehen. 

Die Anlieferung der Beilage aus England 

ging jedoch, wie schon bei der Oktagonalhülle für ... DARKLY, kapital in die 

Wicken – Lieferprobleme. Was tun? Das fertig auf Halde gebunkerte Cover mit der 

Spezialtorte konnte nicht verwendet werden, da dort der Hinweis „Full Color Rolling 

Stones Poster Included" in die Frontseite eingedruckt war, das aber noch nicht existierte. 

Also wurde in Deutschland eiligst erneut eine Billighülle auf den Weihnachts- 

Markt geworfen, die den reißerischen Zusatz „Aktuelle Express-Ausgabe" verpasst 

bekam. Beigelegt war ferner eine kleine Karte: Wer 

diesen Beleg später im Plattenladen vorlegte, konnte 

die Schrotti-Hülle mit der unbedruckten Rückseite 

abgeben und gegen die reguläre (samt Poster) 

tauschen, was natürlich ab Januar 1970 vieltausendfach 

geschah. Die Folge: Unzählige Behelfstüten 

verschwanden auf Nimmerwiedersehen, wurden 

geschreddert – und sind heute gesuchte Raritäten. So 

selten und begehrt, dass 2010 einmal mehr clevere 

Bootlegger aktiv wurden und THROUGH THE PAST, 

DARKLY und auch LET IT BLEED in den schlichten 

Simpelhüllen neu in Umlauf brachten (zusätzlicher Anreiz: farbiges Vinyl). Auch 

diese illegalen Nachbauten sind inzwischen schon wieder Mangelware. bm 


SPURENSUCHE 

HISTORY 

Major Minor (Label) 

Mal größer, 

mal kleiner 

Seit fast 30 Jahren freuen sich Sammler, über CD-Reissues ihren Kollektionen 

rare Originalveröffentlichungen einverleiben zu können. 

Und reine Musikfans hören endlich Songs (oft als Bonus-Tracks von 

seltenen Singles), die sie als Vinylausgaben vergeblich suchten. Ein 

UK-Label hinkt hinterher: Major Minor Records. Mit Ausnahme der Arbeiten 

eines irischen Singer/Songwriters blieb bis heute viel Interessantes 

in den Archiven. Ein Blick in die Regale. 


Der Grund fürs Fehlen etlicher 

Perlen: Major Minor hatte zwar 

auch eigene Künstler, war aber 

stark als Vertriebslabel unterwegs; das 

heißt: Viele Rechte liegen noch immer 

bei anderen Firmen. Am 23.11.1966 

schickte der Nordire Phil(ip) Solomon 

die neue Marke von London aus ins 

Rennen. Sein älterer Bruder Mervyn 

hatte in Belfast bereits Emerald Records 

aufgebaut. Ihr Vater Maurice 

war in den Vierzigern der Gründer des 

allgemeinen Vertriebsimperiums Solomon 

& Peres mit Sitz in Dublin. 

Phil Solomon (*27.4.1924, Belfast), 

wegen seines aggressiven 

Geschäftsgebarens nicht 

unumstritten, war außerdem 

Teilhaber am Piratensender 

Radio Caroline; 

ihn nutzte er intensiv als 

willkommenes Vermarktungvehikel 

eigener Produkte, 

bis DJs wie der 

landesweit populäre Emperor 

Rosco die Nase voll 

hatten und gingen. 

Philip Solomon, 

Gründer des Labels 

Drei stilistisch unterschiedliche (nord-) 

irische Acts prägten die Anfangszeit 

von Major Minor Records: die Folkies 

The Dubliners, Van Morrisons 

Them und der Singer/Songwriter Da- 

vid McWilliams. Sie landeten Hits 

wie 

"Seven 

Drunken 

Nights" und 

Repertoire- 

Klassiker 

à 

la 

"Friday's 

Child" 

und 

"Days 

Of 

Pearly Spencer". 

Damit entstand ein 

solides Fundament, auf 

dem vier Jahre lang clevere 

Übernahmen Halt 

fanden. Phil Solomon 

kaufte zusätzlich weltweit eit 

(Vertriebs-)Rechte an Songs 

etablierter Künstler zusammen: 

Crazy Elephant, Tommy 

James & The Shondells, 

Isley Brothers, Johnny Nash, 

Lloyd Price (USA), Milva 

(Italien), Golden Earring, 

Tee-Set (Holland), Jeronimo 

(Deutschland), Pop Tops (Spanien), 

Charles Aznavour (Frankreich) 

– kaum 

aufregend. 

Im MM-Programm 

mit 

Schwerpunkt 

auf Singles lagern 

jedoch auch 

etliche Perlen. So 

verbirgt sich 

hinter Peter 

Lincoln 

("My Monkey 

Is A Junkie", MM 520) Peter 

„Where Do You Go To" 

Sarstedt mit einem 67er- 

Erstling. Für Furore sorgten im 

selben Monat die Italo-Stars Equipe 

84 mit ihrer Single "Auschwitz"/"Bang 

Bang" (MM 517). Von Taste erschien 

– ohne Wissen der Band – 1968 als 

MM 560 "Blister On The Moon"/"Born 

On The Wrong Side Of Time" (alternative 

Frühfassungen samt Fehler im gedruckten 

Titel und beim Komponisten 

Roy Gallaher; Neustart: MM 718). Eine 

Schottin war um 1964 in Deutschland 

als Isabella Bond bekannt – von 

Isabel 

Bond 

gab es bei 

Major Minor 

1968/69 die 

Singles "Cry" 

(MM 566) und 

"Don't 

Forget 

About Me" (MM 

627) und sogar 

eine LP, THE HEART 

AND SOUL OF ... (MLP 28). 

Sehr gesucht sind längst 

zwei 45er ("My Clown"/ 

MM 568 und "The Way"/ 

MM 580) und vor allem die 

gleichnamige 

Original-LP 

(MLP 29) der 

UK-Psychedelic-Band 

July. 

Auch 

der Berliner 

Michael Vol- 

ker Kogel ist vertreten: 

Der 

Los-Bravos-Sänger ist als 

Mike Kennedy mit den 

1969er Singles "I'll Never 

Forget" und "Johnny Rebel" 

(MM 614/629) 

im Angebot. Und 

wer "Cecilia" von 

The New Wave Band 

(MM 694; 1970) findet, 

hört die Herren Godley, 

Creme, Stewart (10cc) 

mit dem ehemaligen 

Herman's-Hermits-Gitarristen 

Derek Leckenby. 

Bis heute nicht (mehr leicht) auf CD 

zu finden sind 60s-Gruppen wie The 

Choir, The Gibsons, The Sands, Wild 

Angels, The Deep Set, 

Second City Sound 

und andere – sie standen 

bzw. stehen alle im 

Major-Minor-Katalog, 

genau wie die Nashville 

Teens-Single 

"The Lament Of The 

Cherokee 

Reservation 

Indian" (MM 599). Mit LPs hielt sich 

das Label eher zurück: Außer den 

schon genannten ragen lediglich der 

Psycho-Kracher ORGASM (von Head 

Machine, MLP 79), DHARMA BLUES 

(Dharma Blues Band, MCP 5017) und 

ACCORDING TO ST. JOHN (MLP 43) 

heraus – von der ewig 

unterbewerteten schottischen 

Soul-Pop-Sängerin 

Barry St. John 

(Elizabeth 

Thompson), 

deren 

Gesamtausstoß 

auf Decca, Columbia, 

Major Minor und 

Bradleys noch nie offiziell 

auf CD transferiert 

wurde. 

Das Label ging 1970 den Bach runter, 

im September war Schluss. Umso 

größer die Überraschung, als 

am 27.9.2010 urplötzlich 

die Morrissey- 

Single "Everyday Is Like 

Sunday" (MMX 721) 

erschien – mit exaktem 

Nummernanschluss an 

die MM 720 von 1970 

(Roger Webb, "Love Theme 

From 'Sunflower'") und mit 

identischer Labeloptik. Es blieb bis 

jetzt eine Einzelunternehmung. Major-Minor-Gründer 

Phil Solomon ist 

am 23.4.2011 verstorben. 


... zuguterletzt Impressum 

Foto: © Jeff Katz 

BETH HART KuK BLACK COUNTRY COMMUNION 

Eigen-BOOM & 

Neues mit Joe 

Einst studierte die 40-jährige Kalifornierin 

Beth Hart Cello und Gesang, als Solokünstlerin 

ist sie seit Anfang der 90er Jahre aktiv. 

Auf ihren ersten sieben Alben sang sie sich 

quer durch alle Stile, 2011 coverte sie mit 

Joe Bonamassa auf DON'T EXPLAIN grandios 

Blues-, Soul- und Gospelvorlagen. Ihre 

neue Solo-CD enthält starke eigene Nummern 

mit mehr Tiefgang, als es der schlichte 

Titel BANG BANG BOOM BOOM vielleicht 

erwarten lässt. 

War da eine bestimmte 

Vision im Hinterkopf, als 

du die neuen Songs komponiert 

hast? 

Nach MY CALIFORNIA war 

für mich das Ende meiner Songwriting- 

Straße erreicht. Ich hatte nichts mehr zu sagen 

und keine Ideen mehr, wollte aber nicht 

aufgeben, sondern weitersingen – was hätte 

ich auch anderes machen sollen? DON'T 

EXPLAIN hat mich dann so inspiriert, dass 

ich mehr in diese Richtung schreiben wollte. 

Das lief nach dem Motto „Versuch & Irrtum" 

ab: Ich hatte noch nie eine Swingnummer 

komponiert, hatte keine Ahnung, wie man 

das anstellt. Ich hörte mir darum viel Thelonius 

Monk, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, 

Dinah Washington, Frank Sinatra, aber auch 

Amy Winehouse und Fiona Apple an, und 

irgendwann flossen mir die Songs förmlich 

aus der Feder. 

Gleich der Opener "Baddest Blues" hat 

was von einer Zusammenfassung des 

gesamten Albums, er vereint viele Stile ... 

Stimmt! Außerdem haben mich meine Co- 

Autoren James House, Juan Winans, Rune 

Westberg und Monty Byron sowie mein 

Produzent Kevin Shirley stark inspiriert – die 

Arbeit mit ihnen war eine geradezu spirituelle 

Erfahrung und gab mir unglaublichen 

Auftrieb. 

Die neuen Texte klingen positiver – viele 

deiner früheren Songs handelten von 

Schmerz und Leid. 

Da fand die musikalische Inspiration ihren 

Niederschlag, weil diese Musik eine romantische 

Ader in sich birgt. Außerdem fühle ich 

mich momentan pudelwohl, bewege mich 

auf neuen Lebenspfaden, es ist wieder alles 

aufregend und voller Leidenschaft. Wobei 

ich nicht sagen kann, wie die nächste Platte 

ausfallen wird. Dafür habe ich schon wieder 

Kevin Shirley gebucht, der aber erst in zwei 

Jahren Zeit hat. Vorher werde ich mit Joe 

Bonamassa noch DON'T EXPLAIN VOL. II 

machen! 

pro 

© My Darling Clementine 

Einmalig & 

exklusiv 

Tobias Künzel wurde mit den Prinzen erfolgreich 

und berühmt. GoodTimes-Leser 

kennen ihn auch als singenden Drummer 

der sporadisch aufspielenden Spaßband 

Final Stap. Jetzt hat sich der Blondschopf 

mit dem Rockpoeten Heinz Rudolf Kunze 

zum Projekt KuK zusammengetan – beide 

werden im Januar auf Tour zu erleben sein. 

Tobias, wie kam es zur Zusammenarbeit 

mit Heinz Rudolf? 

Wir kennen uns schon seit mehr als 20 

Jahren. Zum ersten Mal habe ich ihn 

1992 bei einem Konzert von Emerson, 

Lake & Palmer in Hannover gesehen und 

mich gewundert, dass er auch darauf 

steht. Unsere musikalischen Vorlieben 

und das Leben überhaupt haben wir vor 

ungefähr zehn Jahren, als HRK und die 

Prinzen in Berlin in der Wuhlheide ein 

Festival gespielt haben, eine Nacht lang 

besprochen und festgestellt: „Wir müssen 

mal was zusammen machen." Jetzt 

klappt es endlich, darum wird es im Januar 

2013 einen Monat lang KuK geben. 

Was können Konzertbesucher erwarten? 

Wir haben neues Material geschrieben – 

und wir werden die Songs weitestgehend 

zweistimmig singen, man kann sich das 

so ein bisschen wie „Simon & Garfunkel 

singen NDW" vorstellen. Außerdem gibt 

es drei Prinzen- und drei HRK-Songs, die 

vom jeweils anderen gesungen werden. 

Ich werde "Dein ist mein ganzes Herz" als 

Ballade bringen, ganz besonders spannend 

wird sicher die HRK-Version von 

"Mann im Mond". Unser Gitarrist Christof 

Stein-Schneider wird mit einem Song 

von Fury In The Slaughterhouse vertreten 

sein, und selbstverständlich wird auch 

Paul Millns ein paar seiner Titel singen. 

Ich bin ja eigentlich Schlagzeuger und 

freue mich darauf, bei KuK mein erlerntes 

Instrument zu bedienen. 

Schneidet ihr mit? 

Jeder, der ein KuK-Ticket gekauft hat, 

wird die Möglichkeit erhalten, die Musik 

mit nach Hause zu nehmen. 

Ist die Zusammenarbeit längerfristig 

angelegt? 

KuK gibt es einmalig und exklusiv im Januar 

2013. Danach geht es ganz normal 

mit HRK und den Prinzen weiter. Heinz 

und ich werden aber Freunde bleiben und 

mal sehen ... was sich so ergibt. pro 

Vier Männer 

– ein Hut 

Die Gerüchteküche brodelt anlässlich der 

Veröffentlichung von AFTERGLOW, des 

dritten Studio-Albums von Black Country 

Communion. Ist es der Abgesang von Glenn 

Hughes (voc, b), Joe Bonamassa (g, voc), 

Derek Sherinian (keys) und Jason Bonham 

(dr)? GoodTimes fragte bei Bandleader 

Hughes nach. 

Du genießt offenbar das volle Vertrauen 

der Kollegen hinsichtlich des Songwritings 

... 

Stimmt. Ich habe ein halbes Jahr investiert, 

um wirklich starke und persönliche 

Titel zu komponieren. Ich schreibe jeden 

Tag, morgens und am Abend – und 

das Ergebnis spiele 

ich dann meiner 

Frau vor dem Zubettgehen 

vor. Die 

anderen bekamen 

die Songs erst zu 

hören, als wir uns 

im Studio trafen. 

Wir spielten alles live ein, höchstens drei 

Durchgänge pro Nummer – und ich bin 

sehr zufrieden mit dem Ergebnis. 

Wie sieht es mit Konzerten aus? 

Wir spielen im Januar zwei Shows in 

London, alles Weitere liegt in den Händen 

der Rockgötter. Ich will nicht zu viel 

versprechen, weil ich für 2011 Konzerte in 

Deutschland angekündigt hatte, die dann 

aber nicht zustande kamen – da stand 

ich wie ein Depp da. Eines kann ich versprechen: 

Ihr werdet mich nächstes Jahr 

in Deutschland live erleben – wenn nicht 

mit BCC, dann mit einer anderen Band, 

über die ich aber aus vertraglichen Gründen 

noch nichts erzählen darf. Ich werde 

2013 etwas machen, aber nicht solo. 

Ist AFTERGLOW das letzte BCC-Album? 

Ich will nicht sagen, dass dies das Ende 

von Black Country ist. Da haben mich 

US-Medienvertreter falsch verstanden. 

Ich habe vielleicht gesagt, dass es das 

letzte Album ist, bis wir wieder touren. 

Damit wollte ich die Notwendigkeit signalisieren, 

dass wir touren müssen! Aber 

wir sind vier Mann, und die muss man 

unter einen Hut bringen. Ich bin nur 

einer davon, und ich versuche, alles zusammenzuhalten. 

Bei AFTERGLOW ist 

mir das gelungen, aber der Rest liegt, wie 

schon gesagt, bei den Göttern. Was ich 

sonst sagen kann, ist, dass 2013 für mich 

etwas Aufregendes und Neues bringen 

wird. 

pro 

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