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Dirk Rausch: ohne Titel
Wolfram Armbruster
Konsequent vermitteln die Arbeiten
von Dirk Rausch Gedanken zu
Konstruktion, Experiment und Begrenzung.
Dies festzustellen hieße, den Versuch
zu unternehmen, ins Herz
seiner künstlerischen Arbeit und
ihrer Bedeutung vorzustoßen, über
dasjenige eine Aussage zu treffen,
was nicht-figurative Kunst nicht
haben muss und manchmal nicht
haben darf. Aber anstatt von Zentrum
oder Wesen seiner Arbeiten
zu sprechen, liegt es näher, eine
Terminologie zu nutzen, die zugleich
den Puls ihrer Veränderungen
erfasst – das Bestreben, Gestalten
zu schaffen, sie in großen
Schritten zu variieren und dabei
neue Beziehungen zwischen Farbe,
Leere und Grenze des Bildes zur
Anschauung zu bringen.
Dies von vorneherein festzustellen
hieße aber auch, den hier editierten
Drucken die Gelegenheit zu
nehmen, an ihnen selbst aufzuzeigen,
weshalb sie solche Eindrücke
erzeugen. Vor uns liegen drei Serigraphien,
die sowohl formale Identitäten
wie auch Differenzen aufweisen:
Die den Siebdrucken zugrundeliegenden
Aquarelle sind mit ebenmäßiger
Pinselbreite gemalt, die
aufgrund des manuellen Auftrags
leicht variiert und zur Lebendigkeit
des Eindrucks beiträgt. Pinselbewegungen
beginnen immer am Blattrand,
setzen sich meist bis zum
Blattende fort, oder enden erst
kurz zuvor, so dass ein Teil des
Blatthintergrunds unbedeckt bleibt.
Seitliche Begrenzungslinien des
farblichen Auftrags umschließen
entweder weiße Flächen oder
überdecken/berühren andere, zuvor
gemalte Flächen – Übermalungen
sind transparent gehalten, so
dass sich hier und da Mischtöne ergeben.
Die ausschließlichen formbestimmenden
Verhältnisse von
Farbe/Farbe und Farbe/Weiß bestehen
aus Parallelen und Winkeln
von 90°. Soweit die wiederkehrenden
konstruktiven Merkmale.
Die Dimension des Experiments erschließt
sich in der Übersicht über
alle drei Drucke.
Sie stellen zwar weder eine klassische
step-by-step-Serie dar, noch
erfüllen sie damit in einem strengen
Sinne Kriterien für Experimente.
Das macht sie umso interessanter.
Man stelle sie sich dennoch als
eine Abfolge vor – aufsteigend anhand
der Anzahl ihrer Farben.
Der erste der Drucke gruppiert ein
sattes, goldfarbenes Gelb um die
Ränder des Blattes; deutlich sichtbar
überschneiden sich die breiten
Linien, ergeben leicht abgedunkelte
Quadrate an drei der vier Ecken;
unten rechts läuft eine der Pinselbewegungen
– parallel zu einer der
Blattmitte entfliehenden Leerfläche
– ungekreuzt bis zum Blattrand
hin. An dieser Stelle wurde das
Blatt vertikal coupiert: Es entsteht
ein zweiter Hintergrund. Dies betont,
wie zentral das unbedruckte
Papier, die weißen Flächen in die
Gestaltung der Bilder einbezogen
sind. Es steht dem Betrachter
selbstverständlich frei, das Papier
einmal unter den Farben, das andere
mal neben ihnen zu sehen.
Dieser Versuch wird aber von
Druck zu Druck schwieriger.
Der zweite der Drucke operiert mit
einem blassen Violett, das um drei
Seiten des Blattes gezogen ist und
es in der Mitte vertikal noch einmal
teilt; es bilden sich zwei stehende
weiße Balken, die den oberen
Blattrand berühren. Dass sie
nicht dieselbe Breite haben, fällt
auf den ersten Blick nicht auf, da in
den rechten von ihnen vertikal ein
helles und recht transparentes
Grün gelegt ist. Es verdeckt das
Papier nicht, es scheint es nur anders
zu färben. Die Positionen des
Farbauftrags ergeben hier stets
eine leichte Verschiebung zu symmetrischen
Verhältnissen.
Das dritte Blatt nun kombiniert die
Farben der beiden vorhergehenden;
alle Farbflächen verlaufen
senkrecht, wobei nur das begrenzende
Gelb – eine Wiederaufnahme
aus dem ersten Druck – die
gesamte Höhe des Papiers bedeckt.
Transparent aufgetragenes Grün
und Violett scheint vom oberen
Blattrand herabzuhängen und legt
eine arhythmische Struktur über
den gleichmäßigen Wechsel von
erstem Farbauftrag und Papier.
Auch hier verschwinden die Leerflächen
zwar nicht, müssen aber
noch deutlicher hinter das gedruckte
Bunt zurücktreten.
Die Sequenz der Drucke ermöglicht
verschiedene Lesarten. Bei aller
künstlerischen Disziplin kann man
sie dennoch als eine Geschichte
verstehen, die erzählt über einen
abnehmenden Grad an Ordnung,
die Zunahme von Komplexität oder
vom Schicksal der leeren Fläche berichtet.
Der einfarbige Druck war
und bleibt für mich ein rein konstruktives
Werk, der dreifarbige
hingegen erschien mir bald wie
eine – sehr freie – Abbildung von
etwas Natürlichem, obwohl es
keine ist.
Man kann sich dieses oder anderes
zu den Arbeiten von Dirk Rausch
denken. Betrachtet man sie lange
genug, stellt man aber wohl fest,
dass sie – was Farben, Formen,
Parallelen und Überschneidungen,
Sättigung und Transparenz etc.
angeht – zwar mit immer wiederkehrenden,
relativ einfachen Mitteln
operieren, zugleich jedoch vortrefflich
unterschiedliche, lebendige
und anmutige Ergebnisse darstellen.
Insofern handelt es sich ganz
grundlegend auch um das Experiment,
größtmögliche Vielfalt zu erschaffen
unter Wahrung dessen,
was vielleicht besser als Familienähnlichkeit
denn als Serie bezeichnet
werden sollte.
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