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<strong>Staatstheater</strong> Nürnberg – Materialmappe „Macbeth― Giuseppe Verdis 1847 in Florenz uraufgeführte Oper „Macbeth― ist die bis dahin experimentellste Oper des 34-jährigen Komponisten. Immer noch benutzt er formal die konventionellen Formen der italienischen Oper und hat dafür Shakespeares „Macbeth―-Drama den dramaturgischen Anforderungen der traditionellen Oper angepasst. Der oben beschriebene, fast sinfonische Umgang mit inhaltlich aufgeladenen musikalischen Motiven zeigt jedoch, dass Verdis musikalisches Denken bereits weit über die kurzen, in sich geschlossenen Formen der Nummernoper hinausweist, hin zu einem mit den Mitteln der Musik erzählten Drama. In einem Brief an seinen Librettisten Francesco Maria Piave vom 4. September 1846 hatte er klargemacht, dass er sich für diese Oper etwas Ungewöhnliches vorstellt. Als Piave ihm nur begrenzt ungewöhnliche Verse liefern konnte, holte Verdi den befreundeten Literaten Andrea Maffei hinzu, der u.a. die mit ihren betonten Endsilben bewusst ordinären Verse des ersten Hexenchores beisteuerte. Bereits mit diesem Chor etabliert Verdi eine Ästhetik des Hässlichen, die in ihrer Radikalität auf der Opernbühne neuartig wirken musste. Vor diesem Hintergrund ist nicht das durch den „Macbeth―-Stoff vorgegebene Fehlen einer Liebesgeschichte bemerkenswert, sondern die Tatsache, dass die Beziehung zwischen Macbeth und der Lady alle Züge einer pervertierten, ins negativ gewendeten Liebesgeschichte trägt. Mehr als in allen anderen seiner Opern einschließlich des zehn Jahre jüngeren „Simon Boccanegra― betont Verdi das Düstere, das Nächtliche im „Macbeth―. Es ist nicht nur ein Stück, das zu großen Teilen in der Nacht spielt und in dem die Metaphorik der Nacht – Dunkelheit verschleiert Verbrechen – eine zentrale Rolle spielt, es ist auch ein Stück über die Nachtseiten des Menschen. Zwar sprechen Macbeth und die Lady unablässig von politischer Macht, nach der sie gieren und der all ihre Handlungen geschuldet sind. Doch diese Gier nach Macht ist zu keinem Moment von einem wirklichen politischen Ziel angetrieben, ganz zu schweigen von einer Utopie. Verdi, der mit seinen früheren Werken in den 40er Jahren politische Opern im Sinne der italienischen Einigungsbewegung des „Risorgimento― geschaffen hatte, wirft hier einen ganz anderen, düsteren und illusionslosen Blick auf Politik und Herrschaft. Von Anfang an, noch vor Macbeths Königsmord, herrschen in der Oper die dunklen Farben und das Tongeschlecht Moll vor. Die Ordnung, die Macbeth stürzt, wird keineswegs als eine in sich ruhende, perfekte politische Ordnung vorgestellt. Das Land ist im Krieg, und Macbeth verdankt seinen ersten Aufstieg zum Than von Cawdor der Hinrichtung eines anderen Adeligen. König Duncan, der bei Shakespeare immerhin noch in mehreren Szenen aufgetreten war, ist nicht mehr als ein stummer Statthalter der Macht, für den Verdi die wohl trivialste italienische Blasmusik vorgesehen hat, die er komponieren konnte. Niemand hat in dieser Oper ein politisches Ziel, das über Macht hinausgeht. Für die Zeitgenossen Shakespeares verwies die Verheißung des Königtums für die Nachkommen Banquos noch auf den aktuellen Stuart-König James I., der seine Ahnenreihe von einem Banquo ableitete. Für das Publikum der Verdi-Zeit ist dies ebensowenig von Bedeutung wie für den heutigen Zuschauer. Dass Verdis pessimistisches Weltbild jeden Takt der Musik prägt, macht ein Vergleich des Schlusses in der Urfassung der Oper und ihrer Neufassung von 1865 eindrucksvoll deutlich. Die Florentiner Fassung von 1847 endet mit dem Tod des Macbeth auf offener Bühne. Im Angesicht des Todes reflektiert Macbeth die Sinnlosigkeit seiner Taten zum bloßen Machterhalt. Mit knappen musikalischen Gesten – Abwärtsbewegungen der Streicher, einer Andeutung von Trauermarsch der Blechbläser, kurze Orchesterschläge – vollzieht sich der Tod des Macbeth ohne irgendeine Form der Überhöhung. Nicht einmal eine Höllenfahrt findet statt: Macbeth „verreckt―. Anders in der Pariser Fassung von 1865, für die sich der dortige Impresario einen Schlusschor gewünscht hatte. Der Tod des Macbeth findet nun hinter der Bühne statt, dafür kommen die siegreichen Truppen des Malcolm zu einer „Siegeshymne― („Inno di vittoria―) zusammen, die zugleich Malcolm als neuen König feiert. Doch Verdi komponiert diesen Schlusschor genau nicht als Siegeshymne im Sinne eines positiven Schlusses. Ein großer Teil des Chores steht im nicht eben sieghaften a-Moll, erst in den letzten Takten wendet sich die Musik nach Dur. Die Nürnberger Aufführung verzichtet daher 6
<strong>Staatstheater</strong> Nürnberg – Materialmappe „Macbeth― auf den Pariser Schluss zugunsten des ursprünglichen Endes mit „Macbeths Tod―. Verdi hat das qualvolle Sterben seines Protagonisten mit genau dem Motiv vertont, mit dem dieser lange zuvor den Vollzug des Mordes gemeldet hatte: „Tutto è finito―. Man kann Macbeths „Tutto è finito― auch anders verstehen: Es ist alles zu Ende, und zu Ende ist die Welt des Macbeth lange bevor die Lady und er jeder für sich ihr sinnlos gewordenes Leben beenden. Kai Weßler (aus dem Programmheft zu „Macbeth―) „MACBETH― VON GIUSEPPE VERDI OPÉRA IN VIER AKTEN VON GIUSEPPE VERDI (FASSUNG VON 1865) Zweiter Aufzug Erstes Bild Lady Macbeth: Das Licht schwindet, die Leuchte erlischt, die in Ewigkeit den weiten Himmel durchläuft! Ersehnte Nacht, verbirg behutsam die schuldige Hand, wenn sie zustößt! Noch ein Verbrechen? Es ist notwendig! Das verhängnisvolle Werk muss vollendet werden. Den Gestorbenen liegt nichts an der Herrschaft; für sie ein Requiem und die ewige Ruhe! O Wollust des Throns, o Szepter, endlich bist du mein! Jedes irdische Begehren schweigt und erfüllt sich in dir! Bald soll er leblos fallen, dem die Königskrone verheißen ist! 7
Seite 1 und 2: Macbeth von Giuseppe Verdi Material
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